brennpunkt 1/2013

ennpunkt 

1/2013 4,00 Euro 29. Jahrgang 

Magazin für Fotografie 

Januar bis März 2013 

Galerien • Buchbesprechungen • Fotoszene 

Portfolio Jürgen Bürgin • Fabio Orsi

2 brennpunkt 1/2013 

FÜR ORIGINALE 

„Ich fotografiere für den Fine Art Druck. Erst die Kombination von hochwertigen traditionellen 

Büttenpapieren und modernster Drucktechnik bringt die sinnliche Qualität meiner Bilder optimal 

zur Geltung.“ Manfred Kriegelstein Die Digital FineArt Collection bietet exklusive Künstlerpapiere 

mit edler Haptik und bestechender Optik für den Inkjetdruck. Brillante Schwarz-Weiß-Aufnahmen 

oder subtile Farbfotografie werden dank unserer feinen Papiere der Individualität Ihrer Kunstwerke 

mehr als gerecht. Mehr Papierkunst unter www.hahnemuehle.de 

P A P I E R E M I T M U S E U M S Q U A L I T Ä T, A L T E R U N G S B E S T Ä N D I G U N D M E H R F A C H P R Ä M I E R T .

Impressum: 

brennpunkt 

Magazin für Fotografie 

Erscheint vierteljährlich, 

erhältlich in Fotogalerien, 

Geschäften, Buchhandlungen 

und über Abonnement. 

Jahresabo 13,50 Euro 

Einzelpreis 4,00 Euro 

Konten: 

Postbank Berlin 

Konto-Nr. 3751 06-104 

BLZ 100 100 10 

Redaktionsschluss: 

jeweils am 10. vor dem Erscheinungsmonat 

Herausgeber: 

edition buehrer 

c/o Dietmar Bührer 

Odenwaldstraße 26 

12161 Berlin 

Telefon u. Telefax: (0 30) 8 53 35 27 

e-Mail: buehrer-berlin@t-online.de 

Internet: www.edition-dibue.de 

Copyright bei Edition 

Druck: 

schöne drucksachen 

Bessemerstraße 76a, 12103 Berlin 

ISSN 0932-7231 

Redaktion: 

Dietmar Bührer V.i.S.d.P. 

Michael Gebur 

Klaus Rabien 

Manfred Kriegelstein 

Hinweis: 

Für unverlangt eingesandte 

Manuskripte und Fotografien 

wird keine Haftung übernommen. 

Helmut Newton 

British Vogue, London 1967 

© Helmut Newton Estate 

Galerien 

� Paul-Georg Herrmann »Rund um den Ku´damm 1968« ..................................... 5 

� Helmut Newton: World without Men, u.a. / François-Marie Banier: Porträts ..... 6 

� Pepper »Snapshot Beauties« .............................................................................. 8 

� ARVID GUTSCHOW und ALFRED EHRHARDT – Artverwandte ........................ 9 

� Michael Schmidt »Lebensmittel« ....................................................................... 10 

� Margaret Bourke-White »Fotografien« ............................................................... 11 

� Christer Strömholm Post Scriptum »Retrospektive« ............................................ 12 

� TONY VACCARO »Retrospektive - 70 Jahre Fotografie« .................................... 13 

� LOUIS STETTNER »The First Ninety Years« ........................................................ 14 

� Zeiten–Zeitorte–Zeitsichten / Abschlussklasse von Thomas Michalak .................. 16 

� GLAUBENSSACHE ............................................................................................. 17 

� Ellen von Unwerth »The Story of Olga« ............................................................... 18 

� Magali Koenig »TV« ............................................................................................ 19 

� Abschlußarbeiten Fotoklasse 30 .......................................................................... 20 

� Abschlußarbeiten Fotoklasse 31 .......................................................................... 21 

� STRASSE NACH DAMASKUS ............................................................................. 22 

� Michael Busse »Zu den Liebesinseln« ................................................................. 24 

� Dvorah Kern / Marit Beer »Portraits« .................................................................. 25 

� Andreas Fischer »Tante Hilde« ............................................................................ 26 

� André Baschlakow »Hinterlassenschaften« .......................................................... 27 

� Lorant Szathmary »Überall und nirgends« ........................................................... 28 

� Jürgen Schadeberg »The concerned Photographer« ............................................. 29 

� Shômei Tômatsu »Photograph 1951-2000« ......................................................... 30 

� Christian Patterson »Redheaded Peckerwood« .................................................... 31 

� Bogomir Ecker »Idylle + Desater« ........................................................................ 31 

� 15 Jahre CAMERA WORK ................................................................................... 32 

Galeriebesprechungen 

� Der Blick des Anderen. (Klaus Rabien) ............................................................... 36 

Ausstellungen in Berlin ............................................................................................ 43 

Portfolio 

� Jürgen Bürgin ...................................................................................................... 48 

� Fabio Orsi ........................................................................................................... 60 

Fotoszene 

� Holga, die wieder gefundene Kreativität (Jörg Stadler) ........................................ 40 

� FRÖAUF ............................................................................................................ 41 

� Ursula Kelm »Sofortbilder« .................................................................................. 42 

� Ursula Kelm »zum 70.« ....................................................................................... 44 

� Photokina 2012 (Manfred Kriegelstein) ................................................................ 64 

Buchbesprechungen 

� GEISTERSTADT Sperrzone Zossen/Wünsdorf (Sabine von Breunig) ................... 45 

� Bottrop-Ebel 76 (Michael Wolf) ......................................................................... 46 

� Rented Rooms (Torben Höke) ............................................................................ 47 

� Die Kunst der Fotografie ..................................................................................... 65 

� LUMIX G5 .......................................................................................................... 65 

� Photoshop CS6 für digitale Fotografie ................................................................. 65 

Vorschau 2-2013 ...................................................................................................... 66 

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Paul-Georg Herrmann 

»Rund um den 

Ku‘damm 1968« 

Ein Fotograf – ein Ort in Berlin! So 

lautet das Konzept des Berliner Salons 

für Fotokunst. Hier werden Arbeiten von 

Fotografen gezeigt, die weit über konventionelle 

Dokumentarfotografie hinausgehen, 

sondern den Betrachtern vielmehr 

subjektive Perspektiven aufzeigen 

und neue Blickwinkel eröffnen. Thema 

der aktuellen Ausstellung: Der Kurfürstendamm 

– vor 45 Jahren! Während 

der Studentenrevolte 1967/68 war der 

Fotograf Paul-Georg Herrmann hautnah 

dabei und hat die geschichtsträchtigen 

Ereignisse auf dem Westberliner Prachtboulevard 

und in der näheren Umgebung 

auf eindrucksvolle Weise mit der 

Kamera festgehalten. Um sein Architekturstudium 

zu finanzieren, arbeitete der 

geborene Kreuzberger Ende der 60er 

Jahre unter anderem für die amerikanische 

Presseagentur Associated Press. 

Presse- und Studentenausweis haben 

ihm damals viele Türen geöffnet, beispielsweise 

auch zu Festen im Schöneberger 

Rathaus bei Bürgermeister Neubauer. 

Eine Auswahl seiner bewegenden 

Schwarzweiß-Fotos einer unvergesslichen 

Epoche zeigt Herrmann jetzt 

erstmals in einer öffentlichen Ausstellung. 

Vernissage 

Freitag, den 8. Februar 2013, 

ab 19 Uhr 

© Paul-Georg Herrmann 




13. Februar bis 28. März 2013 

Berliner Salon für Fotokunst 

Kulturhaus Schöneberg 

Kyffhäuserstraße 23 

10781 Berlin-Schöneberg 

Mi 14 – 19 Uhr 

Do 12 – 17 Uhr 

und nach Vereinbarung 

salonfuerfotokunst.blogspot.com 

Telefon 0179 - 591 35 16 


Galerien 

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Galerien 

Helmut Newton: 

World without Men / 

Archives de Nuit 

François-Marie Banier: 

Porträts 

Modephotographie war stets der wichtigste 

Aspekt im Werk Helmut Newtons. 

Lange bevor er seine ersten Publikationen 

in internationalen Verlagen auch 

mit Modebildern füllte, arbeitete er im 

Auftrag von renommierten Modemagazinen 

und Modehäusern. Einige dieser 

Photographien veröffentlichte er in seinem 

vierten Bildband – unter dem ironischen 

und zugleich programmatischen 

Titel »World without Men«. Die Publikation 

erschien 1984 zunächst in den USA 

und bereits im selben Jahr in Deutschland, 

nun wird sie anlässlich der Berliner 

Ausstellung neu aufgelegt. Darin 

finden sich pointierte Selbstäußerungen 

von Newton sowie zahlreiche Bildikonen, 

aufgenommen in Paris, Saint- 

Tropez, Los Angeles, Mailand, Berlin 

und London zwischen den 1960er und 

1980er-Jahren. Das legendäre Photobuch 

wird, vergleichbar der gerade zu 

Ende gegangenen Ausstellung zu Newtons 

ersten drei Bildbänden, nun erstmals 

in eine Ausstellung verwandelt und 

komplett präsentiert. 

Newtons Modephotographie zeichnete 

– jenseits der traditionellen Erzählweise 

– stets luxuriöse Eleganz und subtile 

Verführung, kulturhistorische Bildzitate 

und ein überraschender Bildwitz 

aus. Diesen unnachahmlichen Stil entwickelte 

der damals in Paris lebende 

Photograph, wie wir hier sehen, in den 

1970er und 1980er-Jahren, inklusive der 

Verschiebung oder gar Ignorierung mancher 

Tabus. Seitdem erst war die allgemeine 

Akzeptanz für Modeaufnahmen 

soweit gestiegen, dass Bildbände veröffentlicht 

und Ausstellungen zur Modephotographie 

organisiert wurden; das 

galt umso mehr, wenn etwa Richard 

Avedon, Irving Penn, William Klein oder 

Helmut Newton daran beteiligt waren 

und Neuinterpretationen lieferten. 


Helmut Newton, French Vogue, Monte Carlo 1980, © Helmut Newton Estate, (O.i.F.) 

Wir blicken hier auf die damals 

zeitgenössische Mode von Yves Saint 

Laurent und Mary Quant, Ungaro 

und Lagerfeld, die Newton so zeitlos 

inszenierte, respektive in die so 

unnahbar wirkenden Gesichter der 

Modelle, deren Blick in die Ferne oder 

nach innen gerichtet zu sein scheint. 

Selbstverständlich gibt es die für Newton 

so typische zwischengeschlechtliche 

Interaktion, wobei gelegentlich auch 

Frauen in männliche Rollen schlüpfen 

und dies noch auf den zweiten Blick 

sichtbar bleibt. Männer tauchen nur 

dann auf, wenn sie von Newton 

als Statisten für die Bewunderung 

weiblicher Schönheit und Macht 

inszeniert werden. Manchmal finden 

sich zwei Männer in Begleitung einer 

selbstbewusst wirkenden Frau, ähnlich 

Truffauts »Jules et Jim« von 1962. Ein 

noch eindeutigeres Filmzitat liefert 

eine Modestrecke für die britische 

Vogue, entstanden in London Mitte 

der 1960er-Jahre, als Helmut Newton 

eine Szene aus Hitchcocks »North by 

Northwest« (»Der unsichtbare Dritte«) 

von 1959 in eine Modephotographie 

übersetzte: eine Frau im Pelz (für 

den mit dieser Aufnahme geworben 

wird) geht vor einem herannahenden 

Flugzeug in Deckung. Mit einer anderen 

Modephotographie für die italienische 

Vogue aus der gleichen Zeit zitiert 

Newton den geschätzten Kollegen 

Martin Munkacsi, der drei Dekaden 

François-Marie Banier, David Lynch, 

Cannes 2001, © François-Marie Banier 

zuvor ebenfalls ein weibliches, schwarz 

gekleidetes Modell an einem Strand 

im Profil und in Bewegung durch 

sein Kamerablickfeld laufen ließ. Der 

entscheidende Unterschied liegt in der 

Mode, denn 1966 war der Rocksaum 

des Cocktailkleides bereits über 

die Höhe des Knies gerutscht – bei 

Munkacsi war dies undenkbar; er hatte 

damals lediglich Bademode am Strand 

photographiert.

Helmut Newton, French Vogue, Dakar 1971, 

© Helmut Newton Estate (Original in Farbe) 

Überraschend bleiben in Newtons 

Werk die Kontraste zwischen der 

bewussten Inszenierung seiner Aufnahmen 

und dem »normalen Leben« drumherum, 

etwa am Strand von St. Tropez. 

Hier stellte der Photograph 1978 im Auftrag 

des »Stern« ein Modell im eleganten, 

hochgeschlossenen Thierry Mugler- 

Abendkleid auf eine Bank, umgeben 

von halbnackten Menschen beim Sonnenbad. 

Damit bezog er Lokalkolorit 

inklusive einer natürlichen Nacktheit 

in seine Modephotographie mit 

ein – ein interessantes Wechselspiel für 

einen Photographen, der nackte Haut 

ansonsten auch genreübergreifend thematisierte. 

Die Idee des »Naked and 

Dressed«, die er nur kurze Zeit später 

in den berühmt gewordenen Diptychen 

seines »Big Nudes«-Projektes ausformulierte, 

taucht hier bereits im Ansatz auf. 

Ergänzt wird »World without Men« 

durch »Archives de Nuit«, ein Ausstellungsprojekt 

von Helmut Newton mit 

begleitender Publikation, das 1992 in 

Paris Premiere hatte und anschließend 

an mehreren Orten in Europa gezeigt 

wurde. Es vereint Schwarz-Weiß-Photographien 

unterschiedlicher Genres aus 

den späten 1980er- und frühen 1990er- 

Jahren: Porträt, Akt, Landschaft, Stillleben 

– Modeaufnahmen sind keine 

dabei. Newton interessierte sich, wie 

wir hier sehen, auch für andere Themen 

und Motive, etwa landende Wasserflugzeuge, 

beobachtet vom Balkon seiner 

Wohnung in Monte Carlo, für Schrottautos 

am Straßenrand in Berlin, für 

menschliche Missbildungen in der Vitrine 

eines naturhistorischen Museums 

in Wien oder das Innere der Kathedrale 

von Bologna. Es sind eher freie Projekte, 

und diese ungewöhnlichen Seitenblicke 

werden in der Publikation 

und in der aktuellen Berliner Ausstel- 

Helmut Newton, Panoramic Nude, Villa d´Este, 

Lake Como 1989, © Helmut Newton Estate 

lung mit Aktaufnahmen, die unter anderem 

im Auftrag des Playboy entstanden, 

kontrastiert. Das Konzept ähnelt seinem 

Magazin »Helmut Newton Illustrated«, 

das in vier Ausgaben in unregelmäßigen 

Abständen zwischen 1987 und 

1995 erschien und 2007 in Berlin ausgestellt 

war. Newtons Nacht-Bildarchiv 

vereint in der Tat viele düstere, rätselhafte, 

mitunter unheimliche Aufnahmen 

voller Vanitas-Motivik, die noch mehr 

an Detektiv - oder Kriminalgeschichten 

erinnern als sein sonstiges Werk. 

bis 19. Mai 2013 

Helmut Newton Stiftung 

Museum für Fotografie 

Jebensstraße 2 

10623 Berlin-Charlottenburg 

Di – So 10 – 18 Uhr 

Do 10 – 20 Uhr 


Galerien 

Einige Bilder der beiden Projekte werden 

in der Helmut Newton Stiftung erstmals 

präsentiert. In den Ausstellungsräumen 

der Stiftung wird, gemäß eines von 

Newton noch zu Lebzeiten formulierten 

Wunsches, gelegentlich auch anderen 

Photographen ein Forum gegeben; 

diesmal wurde der französische Künstler 

und Schriftsteller François-Marie Banier 

von June Newton eingeladen, über 

30 seiner photographischen Porträts 

in »June’s Room« zu zeigen. Wir 

begegnen hier einem Who’s who der 

internationalen Film-, Musik-, Literatur- 

und Kunstszene sowie einigen Politikern, 

darunter Johnny Depp, Woody Allen, 

Ray Charles, Samuel Beckett, Andy 

Warhol, Louise Bourgeois oder Caroline 

von Monaco. Banier ist sehr nah dran an 

den Prominenten, was nicht überrascht, 

gehört er inzwischen selbst doch auch 

zu ihnen. Es ist das Miteinander von 

Freunden, so scheint es, das sich hier 

als Bild manifestiert. 

François-Marie Banier hat in vielen 

Institutionen weltweit ausgestellt und 

zahlreiche Publikationen zu seinem 

vielfältigen, multimedialen Werk 

vorgelegt. 

Dr. Matthias Harder 

Im TASCHEN-Verlag erscheint im 

Januar 2013 Helmut Newton. World 

Without Men 

Hardcover, 24 x 32,5 cm, 188 Seiten, 

ISBN 978-3-8365-4512-9, 39,99 EUR 

7

Galerien 

Pepper 

»Snapshot Beauties« 

Bisher arbeitete der Berliner Fotograf 

vor allem als Autor und Kurator. Eine 

Kamera verwendete er nur gelegentlich, 

um Artikel zu illustrieren oder 

Dokumentationen von Ausstellungen 

anzufertigen. Seit zwei Jahren aber konzentriert 

er sich ganz auf die Fotografie, 

die ihm nicht zuletzt durch Begegnungen 

und Zusammenarbeit mit Fotokünstlern 

wie Gilbert & George, Pierre et Gilles, 

Arthur Tress oder Brigitte Maria Mayer 

nahe gebracht wurde. 

In der Galerie Carpentier sind nun erstmals 

Fotografien von Pepper, kleinformatige 

Akt- und Halbaktfotografien junger 

Frauen, in einer Einzelausstellung 

zu sehen. Für die Produktion dieser 

»Snapshot Beauties« genannten Serie hat 

Pepper ausschließlich Einwegkameras 

verwendet, eine der einfachsten 

Techniken am Fotomarkt. Die mit einem 

hochempfindlichen Kleinbildfilm versehenen 

Plastikteile mit eingebautem Blitz 

haben ihn gereizt der immer perfekter 

werdenden Hightech-Fotografie etwas 

entgegenzusetzen. Nicht aus Prinzip, 

aber aus einem gewissen Widerwillen 

der immer schneller aufeinander folgenden 

technischen Entwicklungen auf 

dem Fotomarkt gegenüber. Etwas möglichst 

Simples sollte Medium für die 

Erschaffung einer Serie von Akt- und 

Erotikfotografien sein, die sich selbst 

durch Einfachheit und Natürlichkeit auszeichnet. 

Für die »Snapshot Beauties« hat Pepper 

mit Laien und semiprofessionellen 

Modellen zusammengearbeitet, die er 

über Modell-Karteien im Internet und 

durch Zufall in Berlin kennengelernt 

hat. Fotografiert wurde ausschließlich 

an privaten Orten um eine persönliche 

und entspannte Atmosphäre zu 

gewährleisten. So sind Bilder entstanden, 

die oft einen spontanen Charakter 

haben und in denen die Leichtigkeit 

eines »Schnappschusses« mitschwingt. 

Selbst bei offensichtlich inszenierten 

Aufnahmen ist die natürliche Haltung 

der Modelle, die einfache Geste, wichtiger 

als übertriebenes Posieren. 


© Pepper, »Yvi« 

Zu der Privatheit der Bilder und dem verhältnismäßig 

groben Filmmaterial passtauch 

die Größe der Prints, die in etwa 

dem Din-A-4-Format entspricht. 

Parallel zur Ausstellung erscheint ein 80seitiges 

Buch in französisch Broschur mit 

39 ganzseitigen Abbildungen und einem 

Gespräch zwischen dem Fotografen Jan 

Sobottka und Pepper. 

Oliver S. Scholten 

Vernissage: 22. März 2013, 19 Uhr 

23. März bis 21. April 2013 

carpentier galerie 

Meinekestraße 13 


Mi – Fr 14 – 18 Uhr 

und Öffnungszeiten nach Vereinbarung

ARVID GUTSCHOW 

und 

ALFRED EHRHARDT 

– Artverwandte 

Am 11. Januar 2013 eröffnet die Alfred 

Ehrhardt Stiftung die Ausstellung 

Arvid Gutschow und Alfred Ehrhardt 

– Artverwandte. 

Anlass für diese fotografische 

Gegenüberstellung ist eine umfassende 

Schenkung von Aufnahmen Gutschows, 

diesem bedeutenden Vorreiter der 

Neuen Fotografie, dessen Blick 

und Bildthematik denen von Alfred 

Ehrhardt nahe stehen und vergleichbar 

sind. Ein Teil der Ausstellung zeigt die 

Landschaftsaufnahmen der beiden 

Fotografie-Autodidakten Gutschow 

und Ehrhardt Seite an Seite, um zu 

veranschaulichen, dass beide an 

der Entstehung und Auflösung von 

Strukturen und Mustern interessiert 

waren. Zudem wird auch deutlich, 

wie Ehrhardt Gutschows strukturelle 

Sichtweise und Tendenzen der Neuen 

Fotografie aufnahm und verfeinerte. In 

der Ausstellung werden 60 Fotografien 

von Arvid Gutschow und 10 Fotografien 

von Alfred Ehrhardt gezeigt. 

Die Fotografien von Arvid Gutschow 

(2.10.1900, Hamburg – 14.5.1984, 

Seebergen bei Bremen) sind bisher 

nur einem Kreis von Kennern bekannt. 

Ursprünglich war der promovierte Jurist 

als höherer Verwaltungsbeamter im 

Staatsdienst der Stadt Hamburg tätig. 

Sein Vater, ein passionierter Hobbyfotograf, 

brachte ihm die Fotografie nahe 

und so begann Gutschow früh, Landschaften 

im Hamburger Umland zu 

fotografieren. 

Sein besonderes Interesse galt den 

Strukturen und Formationen der Natur 

wie Lichtreflexionen auf Wasseroberflächen 

oder Windverwehungen an Stränden 

und Dünen. Darüber hinaus interessierte 

sich Gutschow für Fabrikanlagen 

und Industriebauten als neues fotografisches 

Sujet. 

Schon 1929 gehörte Arvid Gutschow 

zu den Protagonisten der wegweisen- 

Sand und Sonne, Sylt 1928, Print 1989/90 

Silbergelatine, Alfred Ehrhardt Siftung, 

© Arvid Gutschow 

den Internationalen Wanderausstellung 

des Deutschen Werkbundes FILM UND 

FOTO in Stuttgart. Schnell hielten seine 

Aufnahmen Einzug in verschiedene 

Zeitschriften und Magazine der 1920er- 

und 1930er- Jahre, so unter anderem in 

Der Querschnitt, Atlantis, Koralle, Das 

Deutsche Lichtbild und PHOTOGRA- 

PHIE Arts et Métiers Graphiques. Es ist 

beachtenswert, dass er eine solch rege 

Publizistik und hochkarätige fotografische 

Qualität nebenberuflich umsetzen 

konnte. 

Bekannt wurde Arvid Gutschow mit 

seinem Fotobuch See Sand Sonne, das 

1930 im Hamburger Gebrüder Enoch 

Verlag erschien. Diese frühe Publikation 

mit 75 Aufnahmen von Meer, Watt, 

Strand, Dünen und Küstenpflanzen 

gehört zu den stilbildenden Fotobüchern 

abstrahierender Landschaftsfotografie; 

wegen seines Layouts galt es seinerzeit 

als besonders progressiv. Der Bildband 

war Inspirationsquelle für weitere 

Bücher über Meeres-, See- und 

Dünenlandschaften in den 1930er- 

Jahren. Die vorwiegend abstrakt 

gehaltenen Aufnahmen von Sand- 

und Wasserformationen Gutschows 

zeigen seinen klar gliedernden und 

strukturellen Blick, der auch in den 

Sandstrukturaufnahmen, die Ehrhardt 

zwischen 1933 und 1936 im Watt 

bei Cuxhaven und an der Kurischen 

Nehrung fotografierte, charakteristisch 

ist. Zudem wohnt ihnen ebenso wie 

seinen späteren Landschafts- und 

Technikfotografien eine gestalterische 

und formale Strenge inne, die der 

renommierte Hamburger Fotohistoriker 

Fritz Kempe 1956 wie folgt beschrieb: 

»Gutschow (…) kultiviert: die Kunst 

des Einengens, Abstrahierens und 

12. Januar bis 17. März 2013 

Alfred Ehrhardt Stiftung 

Auguststraße 75 

10117 Berlin-Mitte 

Di – So 11 – 18 Uhr 

Do 11 – 21 Uhr 

www.alfred-ehrhardt-stiftung.de 


Galerien 

Komprimierens. Dazugewonnen hat er 

eine glänzende Technik. (...) Aus dem 

ständigen Leben in der Natur wächst 

ihm Kraft für die geistige Strenge seiner 

Fotografie«. 

Arvid Gutschow (1900-1984) wuchs 

in Hamburg-Blankenese auf. Sein Vater 

vermittelte ihm bereits früh das Medium 

Fotografie. Nach dem Abitur nahm Gutschow 

ein Jurastudium auf. Im Anschluss 

an sein Studium mit abgeschlossener 

Promotion trat Gutschow 1926 

bei der Landherrenschaft Hamburg in 

den Staatsdienst ein, aus dem er Mitte 

1948 auf eigenen Wunsch ausschied. 

Nebenher fotografierte er auf höchstem 

Niveau. Bis Mitte der 1950er-Jahre 

entstand sein fotografisches Œuvre. Im 

Anschluss an seine frühzeitige Pensionierung 

beschäftigte er sich intensiv mit 

Landwirtschaft, Fragen der Umweltzerstörung, 

Problemen der Entwicklungsländer. 

Alfred Ehrhardt (1901-1984) war Organist, 

Chorleiter, Komponist, Maler und 

Kunstpädagoge, bevor er Fotograf und 

Kulturfilmer wurde. Nach einem Aufenthalt 

am Dessauer Bauhaus 1928/29 

leitete er an der Landeskunstschule 

Hamburg den ersten Vorkurs für Materialkunde 

außerhalb des Bauhauses. Erst 

nachdem er aufgrund seiner modernistischen 

Kunstauffassung durch die Nationalsozialisten 

1933 vom Hochschuldienst 

entlassen wurde, wandte er sich 

der Fotografie und dem Film zu. Er interessierte 

sich für die Bodenformationen 

im Watt, bereiste Island, fotografierte 

Kristalle, Muscheln und Korallen und 

beschäftigte sich mit Mikrofotografie. 

Weitere Schwerpunkte bilden die Architektur- 

und Skulpturenfotografie. 

Eröffnung: 11. Januar 2013, 19 Uhr 

9

Galerien 

Michael Schmidt 

»Lebensmittel« 

Die Fähigkeit von Michael Schmidt, 

scheinbar widersprüchliche Elemente 

in seiner Fotografie in eine gültige Form 

zu übersetzen, weist ihm eine herausragende 

Position in der aktuellen Fotografie 

zu. Während er mit seiner immer 

neuen Herangehensweise an fotografische 

und gesellschaftliche Fragestellungen 

eine singuläre Stellung einnimmt, 

gelten sein innovatives projekthaftes 

Arbeiten und sein extremes Engagement 

als Vorbild für eine Generation 

jüngerer Fotografen. 

Mit der Serie »Lebensmittel« schließt 

der 1945 in Berlin geborene Michael 

Schmidt die Reihe seiner großen Projekte 

ab. Im Frühjahr 2012 wird nach 

fünf Jahren der Planung und Realisierung 

das fotografische Essay zur Verarbeitung 

von Lebensmitteln in Europa 

erstmals veröffentlicht. 

Schmidt fotografiert seit 2006 in den 

Fischfarmen Norwegens, in Großbäckereien 

in Deutschland oder der apfelverarbeitenden 

Industrie in Italien. Ähnlich 

wie in der Serie »Irgendwo«, für 

die Schmidt die süddeutsche Provinz 

bereiste und den »Verlust von Zuhause 

als Ort von Identität« (Schmidt) thematisierte, 

kommt es dabei auch in den 

Bildern des Projektes »Lebensmittel« 

nicht auf den konkreten Ort der Aufnahme 

an: Der weitgehende Verlust des 

lokalen Bezuges der Produktion, Weiterverarbeitung 

und Konfektionierung 

von Lebensmitteln macht es für den 

Betrachter unmöglich zu entscheiden, 

ob sich zum Beispiel ein Schlachtbetrieb 

in Spanien, Frankreich oder England 

befindet. 

Die Fotografien belegen im Gegensatz 

zu manchen älteren Serien des 

Künstlers keine Haltung von Wut oder 

Anklage. Vielmehr ist die Sichtweise 

Schmidts von äußerster Klarheit und 

Härte gekennzeichnet. Der Blick in 

die Brotkörbe, in die Käfige der Fischfarmen 

oder Apfelwaschanlagen erinnert 

in seiner seriellen Analytik bis- 


Michael Schmidt, Ohne Titel, # 17.169, aus: LEBENSMITTEL 2006-2010, 

Bromsilbergelatine Print, 54,1 x 81,6 cm, © Michael Schmidt 

weilen an die sachliche Fotografie der 

1920er Jahre. Doch gerade der Widerspruch 

zwischen der latent optimistischen 

Haltung der klassischen Fotografen, 

die ihre Motive aus der industriellen 

Produktion in einer perfekten Ästhetik 

in Szene setzten, und der realistischen 

Sichtweise Schmidts hinterlässt bei der 

Gesamtschau auf das Projekt einen verstörenden 

Eindruck: Das Einzelbild fordert 

die sachliche Betrachtung, während 

die Serie durch ihre Komposition 

von Wiederholungen, Akzentuierungen 

und Taktungen sowie den vielfältigen 

Bezügen zwischen den Fotografien 

der scheinbar dominanten Sachlichkeit 

nachhaltig den Boden entzieht. 

Michael Schmidt, Ohne Titel, # 17.154, 

aus: LEBENSMITTEL 2006-2010, 

Bromsilbergelatine Print, 54,1 x 81,6 cm, 

© Michael Schmidt 

Michael Schmidt, Ohne Titel, # 17.097, 

aus: LEBENSMITTEL 2006-2010, 

Bromsilbergelatine Print, 54,1 x 81,6 cm, 

© Michael Schmidt 

Katalog: 

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog 

im Snoeck Verlag 

264 Seiten, Format 32 x 30 cm, 174 

Abb. in Duoton und Farbe 

59 Euro an der Museumskasse, im 

Buchhandel mit Schmuckschuber: 

128 Euro. 

ISBN 978-3-940953-93-3 

12. Januar bis 1. April 2013 

Martin-Gropius-Bau 

Niederkirchnerstraße 7 

10963 Berlin-Kreuzberg 

Mi – Mo 10 – 19 Uhr 

Dienstags geschlossen

Margaret Bourke- 

White 

»Fotografien« 

Margaret Bourke-White (1904-1971) 

war in der männlich dominierten Welt 

der Fotografen Amerikas ein Medienstar. 

Ihr Portrait in Fliegermontur während 

eines Bombereinsatzes, die Kamera 

lächelnd in der linken Hand, war ein 

beliebtes Motiv bei den Soldaten. Margaret 

Bourke-White musste für ihre Karriere 

stets kämpfen. Von verschlossenen 

Türen ließ sie sich nicht beeindrucken. 

Das Titelfoto der allerersten Life-Ausgabe 

vom November 1936 stammte 

von ihr, und der Einfachheit halber hatte 

sie auch gleich die Geschichte dazu 

geschrieben. 

Die Ausstellung präsentiert das Werk 

der Fotografin mit 155 Aufnahmen, 

Briefen und Zeitschriften. Den Schwerpunkt 

bilden ihre Arbeiten, die in den 

1930er und 40er-Jahren in der ehemaligen 

Sowjetunion, der ehemaligenTschechoslowakei, 

Deutschland, England 

und Italien entstanden sind. Zudem 

werden die für Bourke-White charakteristischen 

Fotografien gezeigt, wie jene, 

die sie im Auftrag von Eastern Airlines 

und der Chrysler Corporation aufnahm. 

Im Dokumentationsteil werden einige 

ihrer Wort-Bild-Strecken der Fotomagazine 

Fortune und Life zu sehen sein 

sowie Auszüge ihrer Briefwechsel mit 

Persönlichkeiten aus Politik und Kultur, 

wie Winston Churchill und Georgia 

O’Keeffe. 

Ihre Bilder zeugen von ihrem »unstillbaren 

Wunsch dabei zu sein, wenn 

Geschichte geschrieben wird«, wie 

sie es selbst formulierte. Bourke-White 

wollte das »Auge der Zeit« sein. Für das 

Life-Magazin, damals eines der bekanntesten 

und ambitioniertesten Magazine 

für Fotojournalismus, bereiste sie die 

ganze Welt. 

Ihre Karriere begann 1927 in Cleveland. 

Dort fotografierte sie die Stahlgießereien 

der Stadt. Sie reiste nach Russland 

als der erste Fünfjahresplan umgesetzt 

wurde, sie dokumentierte die Dürreka- 

Margaret Bourke-White, Couple pulling a handcart with children, Germany, 1945 

Vintage gelatin silver print. Syracuse University Library Collection, New York. 

© Time & Life / Getty Images 

tastrophen 1934 in den USA, die deutsche 

Invasion in Russland im Jahr 1941 

und das Bombardement der Alliierten 

auf Deutschland. Als Auftragsarbeit für 

die Zeitschrift Life hielt sie im Sommer 

1945 die zerstörten deutschen Städte 

fest. Bourke-White war bei der Befreiung 

des Konzentrationslagers Buchenwald 

und des Zwangsarbeitslagers Leipzig-Thekla 

vor Ort. Ihr Foto »Die lebenden 

Toten von Buchenwald« ging um 

die ganze Welt. 

Ihre Bilder zierten oft die Titelseiten der 

Magazine Fortune und Life, für die sie 

jahrelang arbeitete. Manchmal stand 

sie selbst in den Schlagzeilen, als etwa 

das Magazin Life am 22. Januar 1943 

ihren Bericht über den Luftangriff auf 

den Flugplatz El Aouina in Tunis – den 

wichtigsten Luftwaffenstützpunkt der 

Deutschen für den Nachschub von 

Truppen aus Sizilien – unter dem Titel 

»Life‘s Bourke-White goes Bombing« 

veröffentlichte. Ihre Bilder stehen für 

eine Epoche. 

18. Januar bis 14. April 2013 

Martin-Gropius-Bau 

Niederkirchnerstraße 7 


Mi – Mo 10 – 19 Uhr 

Dienstags geschlossen 


Galerien 

Katalog: 

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog 

im Verlag La Fabrica, Madird 

192 Seiten, Format 22 x 26 cm, 

150 Abb., Sprache: Englisch 

ISBN 978-8-4153-0396-1 

11

Galerien 

Christer Strömholm 

Post Scriptum 

»Retrospektive« 

»Mit dem fotografischen Bild zu arbeiten, 

ist meine Art zu leben. Wenn ich 

nachdenke und meine Bilder genau 

betrachte, so sind sie alle – und jedes 

für sich – nichts anderes als Selbstporträts, 

ein Teil meines Lebens«. 

Christer Strömholm 

Spielende Kinder, innige Liebespaare, 

prominente Künstler, stolze Transsexuelle, 

entstellte Kriegsopfer – im Porträt 

des Anderen sieht man immer sich selbst. 

Seine eigene Schwäche, Fragilität und 

Verwundbarkeit. Das Unvertraute irritiert 

und zieht gleichzeitig unaussprechlich 

an. Christer Strömholm wendet sich 

in seinem vielfältigen Œuvre radikal der 

Welt zu und konfrontiert sich mit dieser 

oft rauen Realität tagtäglich. Stets geduldig 

und präzise beobachtend. Er belauert 

seine Mitmenschen nicht heimlichvoyeuristisch, 

sondern gibt sich seinem 

Gegenüber klar zu erkennen. Die 

unmittelbare Nähe zum Porträtierten ist 

Grundprinzip seiner Fotografie. So geht 

es ihm nicht um den entscheidenden 

Augenblick, sondern eine offene Haltung 

seinen fotografischen Objekten 

gegenüber. Seine subjektive Fotografie 

ist geprägt von großem Respekt, Nähe 

und gewachsener Vertrautheit. 

Die Schwarz-Weiß-Bilder von Christer 

Strömholm sind in ihrem Stil nicht eindeutig 

zuzuordnen – oft grobkörnig, rau 

und dunkel. Sein Werk ist Existenzialismus 

mit fotografischen Mitteln: analytisch 

und melancholisch und dabei 

aber immer einfühlsam und stets empathisch. 

Als erklärter Vertreter des »available 

light« arbeitete er ausschließlich 

mit vorhandenem Licht, Die Umgebung 

ist zwar wichtiger Bestandteil 

seiner Bilder ist, Details verschwinden 

jedoch zumeist im Dunkel. Ein Stil, der 

im Fremden das Eigene suchte. 

Für Christer Strömholm beinhaltet der 

Akt des Fotografierens drei Kriterien. Erstens 

die Verantwortung des Fotografens 

für den Wahrheitsgehalt seines Bildes. 


© Christer Strömholm 

Zweitens ein Prozess der Erkenntnis, der 

sich aus verschiedenen Erfahrungen zu 

neuen Schlussfolgerungen zusammenzufügt. 

Und drittens die ausdrückliche 

Präsenz von den Gefühlen, Erfahrungen 

und Vorstellungen des Fotografen. Mit 

dieser Haltung wurde er zum Altmeister 

und zur herausragenden Persönlichkeit 

der modernen schwedischen Fotografie. 

Seinem Werk und seine Methode hat 

Generationen von Künstlern beeinflusst 

– unter anderem Anders Petersen, Dawid, 

Christer Landegren und den dänischen 

Regisseur Bille August. Auch International 

nimmt Christer Strömholm eine zentrale 

Position in der Fotogeschichte ein, 

denn seine Bilder haben immens dazu 

beigetragen, die Fotografie als eigenständige 

Kunstform zu etablieren. 

C/O Berlin präsentiert erstmals eine 

Retrospektive von Christer Strömholm 

in Deutschland, die ca. 150 Fotografien, 

Kontaktbögen, Arbeitsmaterialien und 

Schriftstücke umfasst, worin alle wichtigen 

Serien enthalten sind. Die Ausstellung 

wurde vom Fotografiska/ Stockholm 

in Zusammenarbeit mit Joakim 

und Jakob Strömholm zusammengestellt. 

Zur Ausstellung ist das Buch »Post 

Sciptum« bei Max Ström erschienen. 

Christer Strömholm, 1918 in Stockholm 

geboren, beginnt 1937 an der Dresdner 

Akademie ein Malereistudium. 1938 

verlässt er Deutschland, übernimmt 

Kurierdienste für die Republikaner in 

Spanien und sympathisiert mit den 

Anarchisten. 1939 bis 1940 nimmt er am 

finnisch-sowjetischen Winterkrieg teil, 

bis 1945 ist er Widerstandskämpfer gegen 

die deutschen Truppen in Norwegen. 

1946 geht Christer Strömholm an die 

Académie des Beaux Arts in Paris – 

Fotografie wird sein Medium. Seine 

ersten Bilder aus den Nachkriegsjahren 

zeigen typische Szenen aus der Bohème 

wie Künstlerateliers oder Cafés, wenig 

später entstehen Studien von Strukturen 

wie Mauernflächen, Graffiti, von 

abstrakten Formen in der Landschaft 

oder Schatteneffekten. Diese Arbeiten 

erklären sein zeitweiliges Engagement 

für Positionen der Gruppe »fotoform«, 

die von Otto Steinert geleitet wurde. 

1957 übernimmt er einen Abendkurs 

für Gestaltung an der Kursverksamheten 

an der Stockholmer Universität. Daraus 

entwickelt er zusammen mit seinem 

Freund Tor-Ivan Odulf eine Schule für 

Fotografie – die legendäre Fotoskolan, 

dessen Leiter er von 1962 bis 1972 

ist. In dieser Zeit werden hier mehr 

als 1.200 Studenten. 1981 erhilet er 

die goldene Medaille vom Rencontres 

Internationales de la Photographie in 

Arles. 1993 wird er zum Professor durch 

die schwedische Regierung ernannt und 

erhält 1997 den Hasselblad Award – den 

»Nobelpreis« für Fotografie. 2002 stirbt 

Christer Strömholm in Stockholm. 

Eröffnung 18. Januar 2013, 19 Uhr 


C/O Berlin 

International Forum For Visual 

Dialogues 

Oranienburger Straße 35/36 


täglich 11 – 20 Uhr

TONY VACCARO 

»Retrospektive – 

70 Jahre Fotografie«. 

Der Freundeskreis Willy-Brandt-Haus 

zeigt anlässlich des 90. Geburtstages 

des amerikanischen Fotografen TONY 

VACCARO eine Retrospektive mit 100 

Fotografien aus sieben Jahrzehnten. 

Tony Vaccaro gilt als einer der großen 

Fotojournalisten des 20. Jahrhunderts. 

In Deutschland ist er vor allem wegen 

seiner Bilder aus dem II. Weltkrieg und 

aus der Nachkriegszeit bekannt. 

Tony Vaccaro wurde am 20. Dezember 

1922 in Greensburg in den USA geboren 

und wuchs später im Heimatort 

seiner Eltern, Bonefro in Italien, auf. 

1942 kaufte er in Amerika seine erste 

Kamera, eine Argus C-3, mit der er im 

Juni 1944 als GI der 83. Infanteriedivision 

in der Normandie landete. Er fotografierte 

den Krieg bis zur Elbe und 

blieb als Fotograf für die US Army Zeitschrift 

The Stars and Stripes bis 1949 

in Deutschland. Während dieser Zeit 

dokumentierte Vaccaro auch die Berliner 

Luftbrücke. 

Nach seiner Rückkehr in die USA arbeitete 

er u.a. für die Zeitschriften Flair, Look, 

Time, Life und Venture. Berühmt wurde 

er auch durch seine Porträts von Marlon 

Brando, Charles Chaplin, Maria Callas, 

Marlene Dietrich, Marcel Duchamp, 

Federico Fellini, Sophia Loren u.v.a. 

1963 erhielt Vaccaro seine 1. Goldmedaille 

für das beste Modefoto vom 

renommierten Art Directors’Club in 

New York. 1969 eine weitere für das 

beste Farbfoto von der World Press 

Association in Den Haag. Wegen seiner 

Fotografien von der Befreiung Frankreichs 

wurde er 1994 durch Francois 

Mitterand zum Ritter der Ehrenlegion 

ernannt. 2004 erhielt er das Bundesverdienstkreuz 

Erster Klasse. The Gen Tony 

Vaccaro lebt und arbeitet in Long Island 

City, New York. 

© Tony Vaccaro, Kuss der Befreiung. Sergeant 

Gene Costanzo aus Pittsburgh und Noelle. 

St. Briac-sur-Mer, Frankreich, 15. August 1944 

Foto: Anthony Montana, Tony Vaccaro 

mit beschlagnahmten Kameras auf einer 

abgestürzten B -17, Mondorf-les-Bains, 

Luxembourg, September 1944 

bis 27. Januar 2013 

Freundeskreis Willy-Brandt-Haus 

Willy-Brandt-Haus 

Stresemannstraße 28 


Di – So 12 – 18 Uhr 


Galerien 

© Tony Vaccaro, Camilla-Mayer-Truppe beim 

»Todeslauf«, Frankfurt/M., März 1948 

© Tony Vaccaro, Ivy Nicholson. 

Das amerikanische Modell. 

Via Appia, Rom 1955 

13

Galerien 

LOUIS STETTNER 

»The First Ninety 

Years« 

Mit dem Ausruf »There is the sun!« entdeckte 

das Kind Louis Stettner, dramatisch 

in Richtung Himmel gestikulierend, 

die ursprünglichste aller Lichtquellen. 

Es waren wie er selbst berichtet 

seine ersten Worte. Die jugendliche Leidenschaft, 

die nie versiegende Lust am 

Erlebnis des Sehens hat sich der 90jährige 

Photograph bis heute bewahrt. Die 

Momente, die er aus dem Fluss der Zeit 

herauslöst, faszinieren durch Witz und 

Doppelbödigkeit, Intuition und Einfühlungsvermögen 

wie in dem Bild des alten 

»Parade Musician«, der sich nach einer 

Ansichtskarte bückt: ein kurzer Augenblick, 

der ein ganzes Leben enthält. 

© Frank Wegner, »Louis Stettner« 

Im Alter von 12 Jahren streifte Louis 

Stettner bereits photographierend durch 

die Straßen und erkannte früh, dass die 

Kamera nicht nur Verlängerung seiner 

Augen, sondern auch Ausdrucksmittel 

seiner Empfindungen sein konnte. 

In Brooklyn geboren und aufgewachsen, 

zog das quirlige und lebenssprühende 

Manhattan den jungen Mann in 

seinen Bann. Es war jedoch das Paris 

der Nachkriegsjahre 1946-1951, in 

dem Louis Stettner endgültig zum Photographen 

wurde. Er verliebte sich in 

die noch von den Entbehrungen des 

Krieges und der deutschen Besatzung 

gezeichnete Stadt und ihre Bewohner. 

Die Gerüche der Quartiers, die stillen 

Winkel am Seineufer, die überall gegenwärtige 

Vergangenheit, inspirierten ihn 


© Louis Stettner, »Twin Towers«, Lower Manhattan, 1979 

ebenso wie die Pariser selbst, die in den 

Cafés zusammenkamen, über Kunst 

debattierten und ihn selbstverständlich 

in ihre Gemeinschaft aufnahmen. 

Stettner lernte Brassaï, Édouard Boubat, 

Willy Ronis, Izis, Robert Doisneau und 

andere Photographen kennen, studierte 

Film an der Pariser Universität und stellte 

1949 erstmals seine Arbeiten im »Salon 

des Indépendants« in der Bibliothèque 

Nationale aus. 

1951 kehrte Stettner nach New York 

zurück und mischte sich unter die Menschen, 

photographierte die spielenden 

Kinder, die coolen Jungs, den eilenden 

Schritt durch Dampfwolken, das Verweilen 

im Regen, das Warten an der Straßenecke. 

Es ist ein Sehen, das Gewicht 

hat, in dem Verstand und Sinnlichkeit 

zusammenkommen. Die größte Schönheit 

liegt oftmals in den stillen Momenten, 

in einem Gesicht, einer Komposition, 

einem lebendigen Detail. In der

© Louis Stettner, »Parade Musican«, Saratoga Springs, New York 1953, 

Courtesy Johanna Breede PHOTOKUNST 

alten New Yorker »Penn Station« ist 

ein kleines Mädchen ganz in sein Spiel 

mit den auf den Boden fallenden Lichtern 

versunken. Im Central Park sitzt ein 

junges Paar auf einer steinernen Bank, 

Stettner photographiert nur den Flirt 

ihrer Arme und Beine. Beim Blick auf 

die »Twin Towers« vermeinen wir den 

Schrei der Möwe zu hören und die salzige 

Meerluft zu riechen. Auf einem 

Geländer im Battery Park sitzt einsam 

ein schwarzer Junge, in seinem Rücken 

schemenhaft die Freiheitsstatue, eine 

Ansicht von New York zwischen Realität 

und Mythos. 

In all diesen Bildern gelingt es Louis 

Stettner, die Zeit still stehen zu lassen 

und dem Augenblick Bedeutung zu verleihen. 

In all diesen Bildern bleibt aber 

auch etwas Ungesagtes, und gerade 

darin liegt ein großer Teil ihrer Kraft und 

© Louis Stettner, »The Big Clock«, 

Penn Station, 1958 


Galerien 

Gültigkeit, denn sie können von jedem 

Betrachter neu gesehen werden. Stettner 

wertet nicht, er ist Zeitzeuge und 

nimmt die Welt dennoch ganz persönlich. 

Das können auch wir, wenn wir 

mit ihm auf Streifzug durch die Jahrzehnte 

gehen und die Freude des Photographen 

am Festhalten des Unwiederbringlichen 

teilen. 

Susanne Schmid 

Zeitgleich zeigt die »Bibliothèque Nationale 

de France« in Paris bis zum 27. 

Januar 2013 eine Retrospektive von 

Louis Stettners Werk. 

bis 23. Februar 2013 

Johanna Breede 

PHOTOKUNST 

Fasanenstraße 69 


Di – Fr 11 – 18 Uhr 

Sa 11 – 16 Uhr 

15

Galerien 

Zeiten – Zeitorte – 

Zeitsichten 

Die Abschlussklasse 

von Thomas Michalak 

am Fachbereich 

Fotografie der VHS 

Friedrichshain- 

Kreuzberg 

Was ist Zeit? Wie objektiv ist Zeit? Wie 

stark sind wir ihr unterworfen? Wie 

unterscheidet sich unser subjektives 

Zeitempfinden von dem durch Uhrzeit 

und Kalender gemessenen - und wie 

relativ ist auch dieses letztlich? 

12 Fotografinnen und Fotografen haben 

unter der Leitung von Thomas Michalak 

das Thema »Zeit...« künstlerisch 

umgesetzt. Sie verstehen Zeit als 

lebendige Bewegung und Entwicklung, 

aber auch als Vergänglichkeit alles Seins, 

als Verfall, dessen äußerste Grenze Tod, 

Stillstand, Zeitlosigkeit sind. Zeit als stetig 

fließenden, schillernden Erinnerungs- 

und Gedankenstrom. Zeit aber auch als 

einen besonderen Augenblick, der durch 

eine einmalige, rasch vorüberziehende 

Konstellation hervorgerufen wird und 

zum plötzlichen Innehalten führt, zu 

einem vorübergehenden Heraustreten 

aus dem gleichgültigen Verrinnen der 

Sekunden. Und nicht zuletzt Zeit als 

historische Zeit, als Zeitgebundenheit. 

Fotografien von Andrea Brehme, Jan 

Großer, Anna Homburg, Rainer Menke, 

Johannes Meyer, Werner Meyer zu 

Ermgassen, Patricia Milch, Erika Mor, 

Konstanze Müller-Kitti, Loredana 

Mondora, Barbara Töpper-Fennel, 

Susanne Wolkenhauer. 


© Loredana Mondora 

© Susanne Wolkenhauer 

© Barbara Töpper-Fennel 

Vernissage: 

Freitag, 15. Februar um 19 Uhr 

Finissage: 

mit Werkstattgespräch: 

Samstag, 23. Februar um 18 Uhr 

15. Februar bis 23. Februar 2013 

Studio 1 des Bethanien 

Mariannenplatz 2 


Sa + So 14 – 20 Uhr 

Mo, Di, Mi, Fr 16 – 20 Uhr 

Do 16 – 22 Uhr

GLAUBENSSACHE 

HANS-JÖRG ALEFF • CARLES 

GONZÁLEZ • ANNE HINGST • 

DIANA PACELLI • CARLOTTA 

SCHNELLER • FRANK SEEGER • 

GIANLUCA SIVERO • CHRISTOS 

STEFANOU • BENJAMIN TALSIK 

• ANNE TOBABEN • NICOLE 

WALTER 

Glaube - Hoffnung und Halt oder ein 

Auslaufmodell? Womit geben Menschen 

heute Ihrem Leben Sinn und Erfüllung? 

Elf internationale, in Berlin lebende 

Fotografen gehen diesen Fragen in ihren 

Reportagen nach und begleiteten Menschen 

vielfältiger Glaubenskulturen. 

Die täglichen Gebete gen Mekka, Ramadan, 

die Rufe des Muezzin - diese islamischen 

Rituale und Feiertage sind 

bekannt. Carlotta Schneller begleitet 

einen muslimischen Bestatter und 

zeigt in ihrer einfühlsamen Reportage 

einen Aspekt der Glaubenskultur des 

Islams, der hierzulande oft im Verborgenen 

stattfindet. 

Athen ist für Hunderttausende Migranten 

ein Zufluchtsort - trotz der wirtschaftliche 

Misere. Die religiösen Gemeinden 

von Muslimen, Sikhs und Katholiken 

werden zur seelischen Heimat. Sie 

geben Hoffnung für die Zukunft, Unterstützung 

im Alltag und die Möglichkeit, 

sich mit. Leuten aus dem eigenen Land 

auszutauschen. Christos Stefanou zeigt 

sie in seiner Reportage. 

Die Jesus Freaks finden sich regelmäßig 

im Keller einer ehemaligen Brauerei in 

Berlin-Neukölln ein. Sie sitzen auf alten 

Sofas oder lehnen an der selbstgemauerten 

Bar. Der Gottesdienst beginnt mit 

Musik. Kinder rennen durch den Raum. 

Auch bei der anschließenden Predigt 

geht es locker zu. Hier darf man sein, 

wie man will. Es geht vor allen Dingen 

© Christos Stefanou, »Zuflucht Religion« 

© Carlotta Schneller, »Vorbereitung für ein 

muslimisches Begräbnis«, (O.i.F.) 

um Jesus. Hans-Jörg Aleff porträtiert die 

Jesus Freaks in seiner Reportage. 

In den 80er Jahren war Michael Marek 

Mitglied einer Kreuzberger Rockergang. 

Gewalt und Drogenexzesse haben ihn 

an den Abgrund geführt. Seine Hinwendung 

zu Gott und die Faszination für das 

Rittertum waren seine Rettung. Frank 

Seeger zeigt sein zweites Leben - das 

Portrait eines Menschen, der auf skurrile 

Weise seinen christlichen Glauben 

praktiziert. 

Berlin, die Haupstadt des Techno, hat 

sich für eine internationale Szene in ein 

Pilgerziel verwandelt. Tag und Nacht 

elektronische Musik für alle. Carles 

Gonzaléz zeigt die Trance und Ekstase, 

die Liturgie und die Rituale in den Clubs 

von Berlin. 

Unter Leitung der Fotojournalistin Ann- 

Christine Jansson werden die Ausstel- 

12. Januar bis 15. Februar 2013 

Alte Feuerwache 

Projektraum 

Marchlewskistraße 6 

10243 Berlin-Friedrichshain 


Galerien 

© Frank Seeger, »Vom Rocker zum Ritter - 

Ritter Michael«, (O.i.F.) 

lung und der ca. 100-seitige Katalog 

als Abschlussarbeit ihrer Fotoreportageklasse 

am Photocentrum am Wassertor 

an der vhs Friedrichshain-Kreuzberg 

realisiert. 

RAHMENPROGRAMM 

Donnerstag 24. Januar 2013, 19. Uhr 

»UM GOTTES WILLEN – IST DER 

GLAUBE EIN MODELL VON GES- 

TERN«? 

Podiumsdiskussion mit Prof. Dr. Michael 

Bongardt, Institut für Vergleichende 

Ethik, Freie Universität Berlin, 

Pinar Çetin, Türkisch Islamische Union, 

Fabio Reinhard, Piratenfraktion im 

Abgeordnetenhaus und Pfarrer Heiko 

Schulz, Ev. Jesus-Christus-Kirchengemeinde 

in Kreuzberg 

KAI LÖFFELBEIN, Vortrag und Gespräch 

mit dem Fotografen und Träger des 

Henri-Nannen-Preises Beste Reportagefotografie 

2012 und UNICEF-Foto des 

Jahres 2011 (1. Preis). 

Termin: 31. Januar 2013, um 19 Uhr 

Vernissage 

11. Januar 2013, 19 Uhr 

Di – Do 14 – 19 Uhr 

Fr + Sa 14 – 20 Uhr 

www.glaubenssache-ausstellung.de 

17

Galerien 

Ellen von Unwerth 

»The Story of Olga« 

Die Ausstellung zeigt mit über 30 Arbeiten 

eine exklusive Auswahl aus der 2011 

entstandenen Serie um das Topmodel 

Olga, die in der photographischen 

Erzählung von Ellen von Unwerth die 

Welt der Erotik neu kennenlernt und 

erlebt. 

Märchenhaft wirkende Szenerien mit 

pittoresken Sujets, einem prunkvollen 

Chateau oder rustikalen Stallungen und 

die laszive Erotik von Olga entführen 

den Betrachter in »The Story of Olga« 

in eine berauschende Welt aus leidenschaftlicher 

Lust und Begierde. Fantastische 

Atmosphären und einzigartige 

Orte bilden den visuellen Raum, 

in dem die Protagonistin Olga unverhofft 

einen erotischen Traum durchlebt. 

Sich einsam und alleine als Witwe wiederfindend, 

nimmt das sexuelle Verlangen 

Olga kurze Zeit nach dem Tod ihres 

Mannes ein. Auf dem Weg zur bedingungslosen 

Befriedigung lebt Olga ihre 

Fantasien in ungeahnter Intensität aus 

und findet schließlich die sehnsüchtige 

Erfüllung jenseits ihrer gewohnten Welt 

aus Glamour und Luxus. 

Das Märchen verliert seine Unschuld 

durch die wilden, illustren Exzesse, die 

Olga mit ihrem Gefolge inmitten des 

opulenten Interieurs feiert. Der Betrachter, 

dessen Blick durch die aufwendig 

gestalteten und detailreichen Bildräume 

gleitet, wird durch diese offensichtliche 

Ambivalenz, die direkte Bildsprache 

und die große Anziehungskraft ergriffen. 

Ellen von Unwerth gelingt es, dem 

Betrachter das Gefühl der Lust auf offensive 

und zugleich spielerische Weise zu 

vermitteln und die Sinnlichkeit der narrativen 

Szenen nicht nur spürbar werden 

zu lassen, sondern auch eine Spannung 

zu erzeugen, der sich der Rezipient nur 

schwer entziehen kann. Sexuelle Spiele 

zwischen Olga und ihren Freundinnen 

in bunten, pompösen Räumlichkeiten, 

stimmungsvolle Ganzkörperporträts 

oder lüsterne Szenen mit Olga inmitten 

ihrer berauschenden Gefolgschaft 

erzeugen mit der unverwechselbaren 

Bildsprache von Ellen von Unwerth eine 


© ELLEN VON UNWERTH, OLGA, 2011 © ELLEN VON UNWERTH, OLGA, 2011 

photographische Narration, in der die 

Künstlerin und Olga – sowie die kühle 

Verführerin in ihr – die Ästhetik der 

Erotik mit dem anregenden Spiel von 

Devotion und Dominanz verbinden. 

Über Ellen von Unwerth Die Photographin 

Ellen von Unwerth wurde 1954 in 

Frankfurt am Main geboren. Bis 1986 

war Ellen von Unwerth sehr erfolgreich 

als Model tätig, bevor sie bei einer Modeproduktion 

in Kenia selber die Kamera 

zur Hand nahm und eindrucksvolle Porträts 

einheimischer Kinder machte. 

Nach der Veröffentlichung der Photos in 

der französischen Modezeitschrift »Jill« 

wechselte Ellen von Unwerth gänzlich 

zur Photographie. Sie entdeckte 

die damals 17-jährige Claudia Schiffer 

und feierte als Autodidaktin erste Erfolge 

durch Auftragsarbeiten für die französische 

»Elle«. 

Ellen von Unwerths Photographien 

zeichnen sich durch eine kühle Erotik 

aus, wobei sie in ihren ausdrucksstarken 

Bildergeschichten Frauen bewusst spielerisch 

inszeniert und mittels Elementen 

wie Fantasie, Humor oder Ironie ihre 

Schönheit hervorhebt. 

Die Photographien von Ellen von 

Unwerth werden u.a. in Zeitschriften 

wie »Glamour«, »GQ«, »i-D Magazine«, 

»Interview Magazine«, »Numero«, 

»Vanity Fair« oder »Vogue« veröffentlicht. 

Zu ihren bekanntesten Bildbänden 

zählen unter anderem »Snaps« (1994), 

© ELLEN VON UNWERTH, OLGA, 2011 (O.i.F.) 

»Couples« (1998), »Revenge« (2003) 

und »Fräulein« (2009). Im Dezember 

2012 erscheint ihr neuer Bildband »The 

Story of Olga« (Taschen). Die Künstlerin 

lebt und arbeitet in Paris. 


CWC GALLERY 

Auguststraße 11-13 


Di – Sa 11 – 19 Uhr

Magali Koenig 

»TV« 

Beim flüchtigen Betrachten der Ausstellung 

»TV« könnte man meinen, dass 

sich die Fotografin Magali Koenig hauptsächlich 

mit Porträtfotografie auseinandersetzt. 

Schauspieler sind zumeist in 

Nahaufnahme auf den Bildschirmen 

der Fernsehapparate zu sehen, die in 

Interieurs unterschiedlicher Kulturen 

stehen, die wenig mit den gezeigten 

Filmen gemein haben. Seit mehr als 30 

Jahren sammelt die Schweizer Fotografin 

auf ihren Reisen Bilder vom Alltag. 

Manchmal sind es poetische Aufnahmen 

in Hotelzimmern, wo im Hintergrund 

etwa ein ungemachtes Bett zu 

entdecken ist. Vielfach sind es banale 

Momente, denen sie mit ihrer Darstellung 

einen eigenen Zauber verleiht. In 

der Galerie exp12/exposure twelve sind 

Aufnahmen sowohl in Schwarzweiß als 

auch in Farbe zu sehen. 

Nicolas Couchepin schreibt über ihre 

Arbeit: »Magali Koenigs Fotografien stellen 

selten Menschen dar. Obwohl man 

fast behaupten könnte, dass es sich um 

Porträts handelt. Denn kurz vor dem 

Betätigen des Auslösers muss gerade 

jemand da gewesen sein. Es sind Orte, 

die vermutlich eben verlassen wurden. 

Es sind Räume, in denen sich Ernüchterung 

breitmacht, es sind weite Landschaften 

voller Geheimnisse, die all die 

Emotionen nur erahnen lassen, die kurz 

davor, oder gerade außerhalb des Blickfelds, 

im Spiel sind oder gleich danach 

sein werden. Man spürt das Leben mit 

all seinen großen Hoffnungen und kleinen 

Sorgen und weiß, dass man hinter 

dem Fotoprint gleich jemanden kennenlernen 

wird. Vielleicht die Fotografin, 

vielleicht… sich selbst? Auf Magali 

Koenigs Fotografien mögen zwar nur 

selten Menschen vorkommen, dennoch 

lässt sie uns in ihrer Bescheidenheit die 

ganze Menschheit wahrnehmen, die 

sich im Auge der Fotografin zu widerspiegeln 

scheint«. 

Magali Koenig (*1952, Lausanne) 

schloss 1974 ihr Fotografiestudium in 

Vevey ab. Seit Anfang der 80er Jahre 

werden ihre Bilder regelmäßig gezeigt, 

© Magali Koenig 

© Magali Koenig, (Original in Farbe) 

zuletzt in der Ausstellung (bis zum 20. 

Januar 2013) im Museum für Fotografie 

in Charleroi, Belgien. Ihre Werke sind 

in vielen Sammlungen vertreten. Ihre 

Zusammenarbeit mit den Stiftungen 

Theodora und Helvetas und die Unterstützung 

durch Pro Helvetia ermöglichten 

ihre zahlreiche Reisen in Entwicklungsländer 

und bescherten ihr wertvolle 

Begegnungen. 

www.mat-ou-brillant.ch 

Eröffnung: 

19. Januar 2013, 19 Uhr 


exp12 / exposure twelve 

Greifswalder Straße 217 

10405 Berlin-Prenzlauer Berg 

Sa – So 14 – 20 Uhr 

www.exp12.com 


Galerien 

19

Galerien 

Abschlußarbeiten 

Fotoklasse 30, 

Künstlerische Leitung: 

Ursula Kelm 

... Une belle aventure qui m’a permis 

de découvrir d’autres visions, d’autres 

imaginaires et de redécouvrir un monde 

prétendument connu. Un voyage qui 

commence … Je suis curieuse de savoir 

où il nous mènera ... 

... Ich lernte Orte kennen, an denen ich 

sonst nie gewesen wäre. Besonders von 

den anderen habe ich viel gelernt und 

viele Anregungen bekommen. Auch 

finde ich es toll, daß wir mit Ulla so 

einen besonderen Menschen als Lehrerin 

hatten. 

... Im Nachhinein habe ich das Gefühl 

als Blinder den Kurs angefangen zu 

haben ... 

... um richtig zu sehen, werden noch 

viele Jahre vergehen ... 

... Für mich ist die Photographie wie ein 

Instrument zu lernen ... 

... Ein Jahr für viel Neues, aber auch 

viel Bekanntes ...Neue Menschen, alte 

Bekannte, Tod und Geburt, sei es für´s 

/ vom Leben 

... Freu mich auf alle weiteren Bilder 

...Was mach ich nach der Klasse? 

Fotografieren ist Kunst und Spiel .... 

Nochmal ganz anders hinsehen ... 

... Fantastische Bilderwelt, fantastische 

Menschenwelt ... wie überraschend 

Fotografie sein kann ... 

... Trusting your intuition and not just 

doing things like you think they should 

be done, seeing the beauty in a blured 

photo and letting your mind wander ... 

www.Klasse30.de 

Vernissage 1. Februar 2013, ab 19 Uhr 


imago fotokunst 

Linienstraße 145 


Di – Fr 12 – 19 Uhr 

Sa 14 – 18 Uhr 


© Hanni Winkler 

© Sandra Ratkowic 

© André Fischer © Christine Hohmann-Lopez 

© Holger Knote 

© Matthew Ling © Sibylle Fratzke 

© Jens-Uwe Grau

Abschlußarbeiten 

Fotoklasse 31, 

Künstlerische Leitung: 

Andreas Rost 

»I am a camera with its shutter open, 

quite passive, recording, not thinking. 

Recording the man shaving at the 

window opposite and the woman in the 

kimono washing her hair. Some day, all 

this will have to be developed, carefully 

printed, fixed«. 

Christopher Isherwood 

Neun Menschen, neun Blicke. Neun 

Mal die Neugier, die Welt durch ein 

Objektiv zu betrachten und die Lust, 

sich mit dem eigenen alltäglichen oder 

besonderen Umfeld auseinander zu 

setzen. Von der ersten Themenfindung 

bis zum entwickelten Bild haben sich 

neun Menschen in diesem Prozess 

begleitet und unterstützt. 

© Katja Münz 

© Uli Schaub, (O.i.F.) 

© Constantin Köster 

© Kristina Frick 

© Juliane Fritze 

© Yvonne Balke 

© Arne Zwirner 

© Philip Scholz 

© Barbara Marie Seimetz 





Di – Fr 12 – 19 Uhr 

Sa 14 – 18 Uhr 


Galerien 

21

Galerien 

STRASSE NACH 

DAMASKUS 

Drei fotografische Essays der Fotografen 

Wenke Seemann, Angie Dehio und 

Andreas Rost zu dem Projekt »Neuer 

Weg« der Berliner Stadtmission. 

In dem fotografischen Projekt »Strasse 

nach Damaskus« versuchen die drei 

Autoren sich vorurteilsfrei dem Thema 

der Resozialisierung ehemaliger Straffälliger 

zu nähern. Ziel ist es, Bilder 

zu schaffen, die die Welt der Bewohner 

in ihrer Widersprüchlichkeit erfassen, 

die nichts beschönigen, die aber 

trotzdem von der Würde des Menschen 

künden, selbst wenn er sich in schwierigen 

Lebenssituationen befindet. Solche 

Bilder können zum Einem das Selbstbewusstsein 

der Porträtierten stärken, 

weil sie zur Auseinandersetzung mit 

sich selbst einladen und zum Anderen 

den Betrachter anregen über schwierige 

Themen, wie die Straffälligenhilfe, nachzudenken. 

Gerade weil diese Bilder 

keine bequemen Klischees bedienen, 

sondern widersprüchlich sind und vielleicht 

auch provozieren. Diesem Projekt 

liegt ein künstlerischer, kein journalistischer 

Ansatz und Anspruch zugrunde. 

Alle Arbeiten sind im Laufe eines Jahres 

(2011/12) entstanden, einem Zeitraum 

also, in dem Vertrauen wachsen kann 

und tiefere Einsichten über das Leben 

der Bewohner möglich sind. Auf diese 

Weise können die Menschen und die 

Geschichten hinter dem vordergründigen 

Fakt der Straffälligkeit entdeckt 

werden. Die metaphorische und künstlerische 

Dimension der Essays möchten 

den Blick auf die Bewohner öffnen, deren 

Lebensgeschichte mit Be- und Verurteilung 

natürlich noch nicht abgeschlossen 

ist. Der Titel »Strasse nach Damaskus« 

steht symbolisch für die Möglich 

der Wandlung und der Umkehr. 

Die Arbeit von Wenke Seemann ist eine 

Bild-Text-Kombination, die Außen- und 

Innensichten auf die »Bewohner« und 

Mitarbeiter der Stadtmission ermöglicht. 

Die Arbeit stellt eine große Nähe 

zu den Porträtierten her, gibt aber nie 


© Andreas Rost © Andreas Rost 

© Andreas Rost 

eine gewisse Distanz auf, die für einen 

vorurteilsfreien Blick notwendig ist. Die 

Bilder sind Porträts, die aus einer sehr 

großen Nähe aufgenommen worden 

sind (das Gesicht füllt zumeist, das 

gesamte quadratische Format aus) und 

die in ihrer ruhigen, sachlichen schwarz/ 

weiß Ästhetik zu einer psychologischen 

Betrachtung der dargestellten Personen 

auffordern. Die Texte sind aus Interviews 

entstanden, bei denen die Befragten 

ihre Assoziationen zu bestimmten 

Begriffen mitteilten, die aus den Römerbriefen 

des Apostel Paulus stammen. 

Zwar werden in den Texten keine Straftaten 

geschildert, doch in der Auseinandersetzung 

mit Wörtern wie »Blöße«, 

»Gehorsam«, »Hader« oder »Obrigkeit« 

zeigen die Interviewten sehr deutlich 

und in unerwarteten sprachlichen Bildern, 

wie sie sich mit ihrer Vergangenheit 

beschäftigen. Die Formulierungen 

sind teilweise so eindringlich, dass sie 

durchaus als ein modernes Gegenstück 

zur Lutherübersetzung der Römerbriefe 

gedeutet werden können. So wie in 

Angie Dehios Arbeit werden auch in der 

Arbeit von Wenke Seemann allgemein 

menschliche Probleme mittels individueller 

Schicksale dargestellt. Zugleich 

zeigt die Arbeit aber auch, dass die Therapieangebote 

der Stadtmission zumindest 

bei den interviewten »Bewohnern« 

erfolgreich waren, da sie bereit waren, 

sehr tiefgründige Aussagen zu machen, 

die sich alle auf ihre konkrete Lebenslage 

beziehen. 

Die Porträts von Angie Dehio holen 

bildlich wie symbolisch die Bewohner 

aus einer Dunkelheit hervor und stellen 

sie in das warme Licht eines geöffneten 

Fensters nach draußen, was wiederum 

symbolisch gelesen werden 

kann. Entscheidend an diesen Bildern 

ist, dass man den Porträtierten zwar 

ansieht, dass sie schwere Lebensentscheidungen 

hinter sich gebracht haben, 

die Zukunft aber offen ist. Angie Dehio 

hat ein Renaissancelicht gefunden, um 

die Bewohner in einem neuem Licht 

erscheinen zu lassen. Vor allem betonen 

diese Bilder die Würde des Menschen, 

ohne dabei auf billige Mitleidseffekte 

zu setzen oder skandalträchtige 

Abgründigkeiten in die Öffentlichkeit 

zu zerren. So gesehen sind diese Bilder

© Angie Dehio © Angie Dehio © Angie Dehio 

Gleichnisse zu allgemeinen Fragen des 

menschlichen Daseins, aber sie künden 

auch von einem geglückten Engagement 

der Mitarbeiter der Stadtmission. 

Die Arbeit von Andreas Rost besteht 

aus ganz nahen Porträts der Bewohner. 

Sie werden mit einer 8x10 inch 

Großformatkamera fotografiert, wie 

sie seit der Erfindung der Fotografie bis 

heute nahezu unverändert von Fotografen 

benutzt wird, um das soziale 

Leben der Gesellschaft zu beschreiben. 

Unter den Kameras, die einem Fotografen 

heute zur Verfügung stehen, ist die 

Großformatkamera vielleicht so etwas 

wie das Klavier für Musiker. Ihr Klangvolumen 

erlaubt große dynamische Differenzierungen 

und Kontraste, Strukturen 

werden sinnlich begreifbar, sie 

ist Grundlage allen Fotografieren und 

Komponierens und dabei immer wieder 

überraschend neu im Klang. Das Fotografieren 

mit einer solchen Kamera fordert 

Zeit und Geduld. Die zu fotografierenden 

Personen hatten während der 

Porträtsitzung genügend Zeit, in sich 

selbst hinein zu hören, zu träumen oder 

nachzudenken, bevor das Bild gemacht 

wurde. So entstanden Fotografien, die 

während des Wartens auf die Aufnahme 

die Innerlichkeit der Porträtierten reflektieren 

und zugleich das »Warten«, was 

ja mutmaßlich ein Lebensthema vieler 

»Bewohner« ist, darstellen. 

© Wenke Seemann © Wenke Seemann 

Aus diesen drei künstlerischen Positionen 

ergeben sich drei sehr verschiedene 

Sichten auf ein und dieselbe Person, so 

dass das Gesamtprojekt an sich schon 

ein Sinnbild dafür ist, wie wenig die 

üblichen Vorurteile zu Straffälligen mit 

deren Lebenswirklichkeit zu tun haben 

und wie wichtig und erfolgreich eine 

sinnvolle Hilfe für sie sein kann. 

Vernissage: 

14. Februar 2013, 19 Uhr 


Fotogalerie Friedrichshain 

Helsingforser Platz 1 


Di, Mi, Fr, Sa 13 – 18 Uhr 

Do 10 – 18 Uhr 


Galerien 

23

Galerien 

Michael Busse 

»Zu den Liebesinseln« 

Auf den Spuren von 

Theodor Fontanes Roman 

»Der Stechlin« 

Eine Flussfahrt zu sagenumwobenen 

Inseln. Die Kamera sucht die Landschaften, 

die Atmosphäre und das Licht von 

Theodor Fontanes Roman »Der Stechlin«. 

Bilder zwischen Fotografie, Malerei 

und Kino sind so entstanden, alle mit 

langen Belichtungszeiten vom fahrenden 

Schiff aufgenommen. Keine Landschaftsfotografie 

im klassischen Sinne, 

sondern Suche nach Stimmungen 

Brandenburger und Berliner Fluss- und 

Seenlandschaften, die Theodor Fontanes 

letzter Roman portraitiert. Alles 

ist in Bewegung wie auch die Gesellschaft 

am Ende des 19. Jahrhunderts 

als die Modernität in die Melancholie 

des ruhigen Lebens des brandenburgischen 

Landadels einbrach und die Bourgeoisie 

zwischen demokratischen Forderungen 

und ihrer Treue zur preußischen 

Tradition hin- und herschwankte. 

Die Strommasten und Fabrikschornsteine 

kündeten grundsätzliche Veränderungen 

in der Gesellschaft und im 

Leben der Leute an. Industrialisierung, 

Militarisierung und den ersten Weltkrieg 

am Horizont. Vielleicht waren die Liebesinseln, 

auf der sich junge Liebende 

das Leben nahmen, also etwas mehr als 

nur ein Gerücht oder ein ironisches Pfeifen 

im Walde von Menschen, die Angst 

hatten. 

»Der Dampfer, gleich nachdem er die 

Brücke hinter Treptow passiert hatte, 

setzte sich in ein rascheres Tempo. 

Unsere Reisenden sprachen wenig, weil 

unter dem raschen Wechsel der Bilder 

eine Frage die andere zurückdrängte. 

Nur als der Dampfer zwischen den kleinen 

Inseln hinfuhr, wandte sich Melusine 

an Woldemar und sagte: Lizzi hat 

mir erzählt, hier zwischen Treptow und 

Stralau sei auch die Liebesinsel. Da stürben 

immer die Liebespaare, meist mit 


© Michael Busse 

einem Zettel in der Hand, auf dem alles 

stünde. Trifft das zu?« 

»Soviel ich weiß, trifft es zu. Solche Liebesinseln 

gibt es übrigens vielfach in 

unserer Gegend und kann als Beweis 

gelten, wie weitverbreitet der Zustand 

ist, dem abgeholfen werden soll, und 

wenn’s auch nur durch Sterben wäre«. 

Theodor Fontane in »Der Stechlin«, 

1898 

Die Serie »Zu den Liebesinseln« wurde 

im Juli 2012 im Rahmen des jungen und 

innovativen Festivals »Les nuits photographiques 

de Pierrevert« in Süd-Frankreich 

gezeigt und wird im Januar/Februar 

2013 in der aff Galerie in Berlin 

und danach im Goethe-Institut in Rabat 

(Marokko) zu sehen sein. 

Michael Busse, Fotograf, Kameramann 

und Journalist, lebt und arbeitet in Berlin 

und Aix en Provence. Er ist Autor von 

rund achtzig Dokumentarfilmen für 

das deutsche, französische und spanische 

Fernsehen und ARTE. Er ist mit 

zahlreichen nationalen und internationalen 

Preisen, darunter Grimme- und 

Deutscher Fernsehpreis, ausgezeichnet 

worden. 

Seine Fotografien wurden ausgestellt in 

New York, Berlin und Frankreich. 



Vernissage: 25. Januar 2013, 19 Uhr 


aff Galerie 

Kochhannstraße 14 


Sa + So 14 – 17 Uhr 

www.aff-galerie.de

Dvorah Kern 

Marit Beer 

»Portraits« 

Unter dem Oberbegriff Portraits stellen 

Dvorah Kern und Marit Beer ihre Serien 

vor, in der Menschen die Hauptakteure 

sind. 

In der Serie »One Child« fotografierte 

Dvorah Kern Ihre Schwester im Alter 

von 7 bis 14 Jahren. In dieser Zeit konnte 

sie die Entwicklung von einem Kind 

zu einem jungen Mädchen mitverfolgen. 

Durch die geschwisterlilche Nähe 

zeigen die Fotos nicht nur das Abbild 

eines Mädchens, sondern der Betrachter 

findet auch die Gefühlswelt Dvorahs 

darin wieder. Die Bilder sind in der 

Regel spontan nach Beobachtungen 

entstanden und nicht gestellt. So war es 

der Fotografin möglich, das innere Verhältnis 

beider auszuloten und sichtbar 

zu machen. Die meisten Fotos sind mit 

einer analogen Kleinbildkamera bzw. 

mit einer Mittelformatkamera entstanden. 

Marit Beer stellt zum ersten Mal ihre 

Serie »Ghost« einem größerem Publikum 

vor. Sie selbst sagt dazu: 

»Sie verbergen sich auf Nebelfeldern im 

Morgengrauen oder des Nachts in unseren 

Zimmern außerhalb des Lichtscheins 

der Leselampe, wenn wir die Seiten 

des Buches weiterblättern. Manchmal 

erzählen wir Ihre schönen, manchmal 

auch traurigen oder sogar grausamen 

Geschichten weiter. Und manchmal versuchen 

wir sie festzuhalten«. 

In ihrer Serie hat die Berliner Fotografin 

nach Menschen gesucht, die eben 

jene Geschichten in ihren Gesichtern 

tragen. Entstanden sind dabei Bilder in 

denen Ort und Raum bedeutungslos 

werden und selbst der Fokus der Kamera 

unschlüssig darüber ist, was genau sich 

aus dem Nichts herausschält um aufgezeichnet 

zu werden. Es obliegt ganz 

allein dem Betrachter, die Geschichte 

der Geister weiterzuerzählen. Sämtliche 

Fotos sind mit einer Kleinbildkamera 

entstanden. 

© Marit Beer © Marit Beer 

© Dvorah Kern © Dvorah Kern, (Original in Farbe) 

© Dvorah Kern 


Galerien 

Vernissage: 1. März 2013, 19 Uhr 

2. März bis 24. März 2013 

aff Galerie 

Kochhannstraße 14 


Sa + So 14 – 17 Uhr 

www.aff-galerie.de 

25

Galerien 

Andreas Fischer 

»Tante Hilde« 

Zu Beginn des Jahres startet der 

Kunstraum FRÖAUF mit der Ausstellung 

»Tante Hilde«. Gezeigt werden 

sehr persönliche Fotografien des 

Filmemachers und Fotografen Andreas 

Fischer. Bekannt wurde er durch 

zahlreiche Dokumentarfilme wie der 

»Hamburger Feuersturm 1943«, »Die 

Les Humphries Singers – Aufstieg und 

Fall einer Poplegende« und »Contergan: 

Die Eltern«. 

Andreas Fischer wird 1961 im Rheinland 

als Sohn eines Fotografenehepaares 

geboren. Da die Eltern mit der Führung 

eines Fotoateliers beschäftigt sind, 

übernimmt seine Tante Hilde die 

Betreuung des Kindes. Andreas nennt 

sie liebevoll »Herzlieb«, die beiden 

sind in tiefer Zuneigung verbunden. Im 

Juni 2010 stirbt Tante Hilde im Alter 

von 90 Jahren. Bis zuletzt lebte sie in 

ihrem Reihenhäuschen, welches sie mit 

ihrem inzwischen verstorbenen Mann 

1964 bezogen hatte. 

Da die Tante selbst kinderlos blieb, 

fällt dem Neffen die Aufgabe zu, ihren 

Nachlass zu ordnen, den Haushalt 

aufzulösen, das Haus leer zu räumen. 

Andreas Fischer fotografiert vor 

der Auflösung des Haushaltes den 

Lebensraum seiner Tante Hilde im Detail. 

Entstanden ist eine berührende Fotoserie, 

die vom Leben, vom Abschied und 

von überdauernder Zuneigung erzählt. 

Und wenn Andreas Fischer einen alten 

Küchenstuhl fotografiert, dessen brüchig 

gewordener Kunststoffsitzbezug mit 

einem Pflaster geflickt wurde, erzählt 

dies auch von der Mentalität einer 

ganzen Generation, die einen Weltkrieg, 

Not und Hunger erleben musste. 

Zur Zeit arbeitet Andreas Fischer an 

einem Dokumentarfilm mit dem 

Titel »HERZLIEB IST GEGANGEN«. 

In diesem Film thematisiert er die 

Haushaltsauflösung, die gleichzeitig 

mit der Fußballweltmeisterschaft 2010 

stattfand. Tagsüber entsorgt Fischer 

50 von der Tante im Keller gelagerte, 

sorgsam ausgespülte und gestapelte 

Pflaumenmusbecher, am Abend filmt er 

den Jubel der Zuschauer beim Public 


© Andreas Fischer, (Original in Farbe) 

© Andreas Fischer, (Original in Farbe) © Andreas Fischer, (Original in Farbe) 

Viewing nach einem Tor der deutschen 

Mannschaft. 

Eine Rohfassung des Films ist in 

Anwesenheit des Regisseurs am 26. 

Januar um 20 Uhr im kunstraum 

FRÖAUF zu sehen. Im Anschluss an 

die Vorführung gibt es die Gelegenheit 

zu einem Werkstattgespräch. 

Weitere Informationen zu Andreas 

Fischer auf der Website 

www.moraki.de 

Vernissage am Samstag 19. Januar 2013 

von 19 Uhr bis 23 Uhr 

Finissage am Samstag 23. Februar 2013 

von 19 bis 22 Uhr 

© Andreas Fischer, (Original in Farbe) 


kunstraum FRÖAUF 

Fröaufstraße 7 

12161 Berlin-Friedenau 

Do – Sa 16 – 19 Uhr 


www.fröauf.de

André Baschlakow 

»Hinterlassenschaften« 

André Baschlakow, geboren 1964 in 

Hannover, kam während seines Studiums 

des Industriedesigns an der HDK 

Berlin mit der Fotografie in Berührung. 

Zu seinen bekanntesten Arbeiten gehören 

die Tagebau Landschaften der Niederlausitz, 

die ihn ab 1994 so faszinierten, 

dass er eine spezielle Kamera 

im Ultragroßbild-Format von der Firma 

Lotus in Österreich anfertigen ließ, um 

die einzigartige Intensität dieser Landschaft 

festzuhalten. Diese Kamera 

erzeugt Negative im Format 30 cm x 

40 cm. Später kam eine weitere Kamera 

für das Format 20 cm x 25 cm hinzu. 

Beide Formate bilden die Ausgangsbasis 

für direkte Hand-Kontakt-Prints 

ohne Vergrößerung im Maßstab 1:1. 

Das direkte Kontakt-Print-Verfahren 

ist das älteste Print-Verfahren in der 

Geschichte der Fotografie. Fotografen-Pioniere 

des amerikanischen Westens, 

wie beispielsweise Timothy H. 

O´Sullivan oder William Henry Jackson, 

haben mit ihren Großbildkameras 

wunderbare Landschaftsaufnahmen in 

die Städte gebracht. 

2010 hat André Baschlakow das analoge 

Thema der Tagebaulandschaften abgeschlossen 

- die Beschaffung mit hochwertigen 

Planfilmen in diesem Format 

wurde zunehmend schwieriger. 

In seinen neuen digitalen Arbeiten 

mit dem Titel »Hinterlassenschaften« 

knüpft Baschlakow an seinen hohen 

technischen Anspruch, der Fotografien 

der Tagebau Landschaften an. 

Wie auch in dieser Fotoserie, ist es ihm 

in seinen neuen Arbeiten von zentraler 

Bedeutung, den fotografischen Prozess 

vollständig zu steuern und zu gestalten. 

Das Sujet der Landschaftsfotografie welches 

in den Tagebau Arbeiten im Vordergrund 

stand, hat sich jedoch zu imposanter 

Architekturfotografie gewandelt. 

Zentrale Themen der neuen Arbeiten 

von Baschlakow sind architektonische 

Formen, die brach liegen, ihrer Funktion 

entledigt und in Vergessenheit geraten 

sind. 

© André Baschlakow, (Original in Farbe) 



Die Fotografien zeigen eine verlassene, 

apokalyptische Welt, in der die Natur 

die Gebäude durchdringt, aushöhlt, 

überwuchert und die glatten präzisen 

Flächen zu brechen droht. Baschlakow 

abstrahiert die Architektur auf reine 

Form, zeigt sie im Dialog mit der Natur, 

die, wie es in den Bildern scheint, sich 

unaufhaltsam nähert. 

Die sorgsam fotografierten Bilder, hochaufgelöst, 

mit eindringlicher Schärfe, die 

Farbe bis auf einen kaum wahrnehmbaren 

Grad reduziert, deuten auf die Fragilität 

unserer Existenz. 

Ein Künstlergespräch ist vorgesehen, 

der Termin stand bei Drucklegung noch 

nicht fest. 

Bitte informieren sie sich hierüber auf 

der Website www.fröauf.de 







Do – Sa 16 – 19 Uhr 


www.fröauf.de 


Galerien 

Vernissage am Samstag, 2. März 2013 

von 19 Uhr bis 23 Uhr 

Finissage am Samstag, 13. April 2013 

von19 Uhr bis 22 Uhr 

27

Galerien 

Lorant Szathmary 

»Überall und 

nirgends« 

Die Präsentation von Lorant Szathmary 

mit dem Titel »Überall und nirgends« 

ist eine Stellungnahme zu seinen Arbeiten. 

Aus seiner Sicht sind das Objekt, der 

Ort und der Zeitpunkt der Aufnahme 

Vorgänge, der einer Präzisierung nicht 

bedürfen. Das Abgebildete kann überall 

und zu jeder Zeit sein. 

»Stille Mobilität« ist der Titel einer 

Serie, die Nachtaufnahmen von Tankstellen 

und stillgelegten Fahrzeugen im 

übertragenen Sinne ironisch reflektiert. 

Objekte, die wir als Inbegriff von Mobilität 

verstehen sind unbeweglich, ihrer 

eigentlichen Bestimmung beraubt. Sie 

stehen da wie Stillleben, ausschließlich, 

um bewundert zu werden. 

Eine weitere Serie zeigt Situationen möglicher 

Landschaften, wie sie überall vorhanden 

sein könnten. Es ist eine spärlich 

beleuchtete reale Welt, die Szathmary 

als Zitat versteht, bezogen auf eine Welt 

die ihm aus Osteuropa sehr vertraut ist. 

Der Titel der Serie „Goldenes Zeitalter“ 

weist ironisch auf ein minimales Maß 

an »Muss« hin, das sich in der allein 

stehenden und gut beleuchteten Baustellentoilette 

manifestiert. 

In der Serie »Weihnachtsbilder« wird 

in einer minimalistischen Bildersprache 

der feierliche Ort zum Gemeinplatz, die 

Beleuchtung der Fenster zu einem banalen 

Gegenstand. Die nach außen getragenen 

Empfindungen sind leere Zitate 

einer Welt, die sich dem Konsum verschrieben 

hat. Wir werden zu Voyeuren 

einer nicht existierenden Innerlichkeit. 

Das wahre Empfinden bleibt uns verborgen. 

Der Zutritt zum Fest der Freude 

wird uns verwehrt. 

Drei Farbbilder sind die Ausnahme in 

der Ausstellung. Die Bilder spiegeln 

Leere, Angst, Zweifel und vielleicht 

Verzweiflung. Es sind Aufnahmen die 

durch Streifzüge in verlassene Häusern 

und Industriebrachen entstanden sind. 


© Lorant Szathmary 

Der konstruktiv abstrakte Bildaufbau, 

die reduzierte Farbigkeit, die vorgefundene 

Lichtsituation unterstreichen die 

Ästhetik der Abwesenheit. 

Bestandteil der Präsentation ist auch 

eine Serie von Aufnahmen, die Szathmary 

noch in seiner alten Heimat 

auf dem Dachboden seiner Großmutter 

machte. Durch Zufall entdeckte er 

die Negative im Sommer 2011. Es sind 

Langzeitaufnahmen mit einer geliehenen 

6x6 Kamera sowjetischer Bauart. 

Nicht nur die abgebildeten Gegenstände 

erscheinen ihm aus der zeitlichen 

Perspektive wesentlich, sondern 

die übermittelte Stimmung von Intimität 

und Stille. 

Szathmary arbeitet in Serien, analog, mit 

einer Großformatkamera, hauptsächlich 

in Schwarz/Weiß. Sein Anspruch 

auf höchste technische Qualität und 

Perfektion ist zugleich sein Programm, 

dass er konsequent verfolgt. 

© Lorant Szathmary 

Vernissage 

28. März 2013, ab 19 Uhr 

29. März bis 10. Mai 2013 

Fotogalerie Friedrichshain 



Di, Mi, Fr, Sa 13 – 18 Uhr 

Do 10 – 18 Uhr

Jürgen Schadeberg 

»The concerned 

Photographer« 

Jürgen Schadeberg wurde 1931 in 

Berlin geboren. 

Ab 1946 Besuch der Schule für Optik 

und Phototechnik in Berlin, anschließend 

Praktikum bei der Deutschen 

Presse Agentur in Hamburg. 

1950 zog er nach Johannesburg, Südafrika 

und arbeitete dort als Fotograf und 

Fotoredakteur bis 1959 bei dem Magazin 

drum, das sich hauptsächlich an 

die schwarze Bevölkerung wendete. Er 

war Mentor und Förderer zahlreicher 

schwarzer einheimischer Fotografen. 

Schadebergs Haltung stand im Gegensatz 

zur herrschenden Apartheid Politik 

in Südafrika, zwangsläufig kam es 

zu Konflikten mit den Behörden und zu 

Behinderungen seiner journalistischen 

Arbeit. 

1964 verließ Jürgen Schadeberg Südafrika 

und arbeitete als freier Fotograf für 

internationale Magazine. Bis 1968 war 

er Redakteur von Creative Camera in 

London. 

1969-72 studierte er Malerei in Spanien 

und lehrte an mehreren Kunsthochschulen, 

bevor er 1985 nach Südafrika 

zurückkehrte. 

Es entstanden Fotobücher und Dokumentarfilme, 

die sich mit dem alltäglichen 

Leben der schwarzen Bevölkerung 

befassten - in der Zeit des Übergangs bis 

zum Ende der Apartheid. 

Heute lebt Jürgen Schadeberg mit seiner 

Frau und Arbeitspartnerin Claudia 

wieder in Berlin, seiner Geburtsstadt. 

Jürgen Schadebergs Fotografien sind 

weltweit in vielen Sammlungen vertreten, 

seine Bilder wurden seit 1962 in 

unzähligen Gruppen- und Einzelausstellungen 

in Afrika, in den USA und in 

Europa gezeigt, wie zuletzt in der Ausstellung 

»Rise and fall of Apartheid« in 

New York im International Center of 

Photography. 

© Jürgen Schadeberg, »Nelson Mandela«, 1952 

Vernissage 

11. Januar 2013, 19 – 21 Uhr 


Galerie argus fotokunst 

Marienstraße 26 


Mi – Sa 14 – 18 Uhr 


Galerien 

© Jürgen Schadeberg, »drumcover«, 1955 © Jürgen Schadeberg, »Gay Graeties«, 1952 

29

Galerien 

Shômei Tômatsu 

»Photographs 1951- 

2000« 

Anlass der Ausstellung ist die Präsentation 

unseres neuen Buches von Shômei 

Tômatsu, das eine Auswahl der hundert 

wichtigsten Bilder seines Schaffens 

umfasst. 

Only Photography freut sich, nach den 

Büchern von Yutaka Takanashi und Issei 

Suda die Reihe über die Meister der 

japanischen Nachkriegsfotografie mit 

dem Buch über Shômei Tômatsu fortsetzen 

zu können. 

»Obwohl mir eine Reihe seiner ikonischen 

Bilder seit Jahren vertraut sind, 

habe ich erst in der Vorbereitung dieses 

Buches das gesamte Spektrum seiner 60jährigen 

Arbeit zu erfassen gelernt. Aus 

ca. 15 seiner bisher erschienenen Publikationen 

– darunter der einzigen bedeutenden 

westlichen Veröffentlichung, 

dem Ausstellungskatalog des San Francisco 

Museum of Art aus dem Jahr 2006 

– habe ich eine Auswahl von zirka 110 

Bildern für mein Buch getroffen. Mit 

Kopien dieser Auswahl unter dem Arm 

besuchte ich Shomei Tomatsu und seine 

Frau im Sommer dieses Jahres in seinem 

Atelier in Okinawa, wo er sich vorwiegend 

aus gesundheitlichen Gründen 

seit einigen Jahren niedergelassen hat. 

Und war verblüfft, dass der große Meister, 

dem in Fachkreisen ein sehr strenger 

Ruf vorauseilt, meine Auswahl ohne 

Abstriche für gut befand. Außer einigen 

wenigen Bildern aus den ersten Jahren 

der amerikanischen Besetzung Okinawas 

– sie sollen einer geplanten Veröffentlichung 

eines amerikanischen Verlages 

zu diesem Thema vorbehalten bleiben 

– und drei Motiven, zu denen sich 

die Negative nicht mehr auffinden liessen, 

ist meine Auswahl zum Inhalt des 

vorliegenden Buches geworden. Mir 

war bewusst, dass meine Vorgabe von 

etwa 100 Abbildungen für dieses Buch 

bedeuten musste, dass das eine oder 

andere wichtige Motiv fehlen würde. 

Trotzdem bin ich davon überzeugt, 

dass die getroffene Auswahl nicht nur 

mir vermittelt, warum Shômei Tômatsu 

von nahezu allen lebenden japani- 


Chindonya 4, Tokyo 1961, © Shômei Tômatsu, courtesy only photography 

Young Power 1, Shinjuku, Tokyo 1969, 

© Shômei Tômatsu, courtesy only photography 

Blood and Roses, Tokyo 1963, 

© Shômei Tômatsu, courtesy only photography 

schen Fotografen – einschließlich der im 

Westen wesentlich präsenteren Stars der 

Szene wie Nobuyoshi Araki oder Daido 

Moriyama – als »godfather« der japanischen 

Fotografie angesehen wird, zu 

dem alle Kollegen seine Heimatlandes 

mit Hochachtung aufblicken. Und das 

Buch dazu verhelfen soll, seiner Arbeit 

und seinem Namen auch in der internationalen 

Fotoszene den angemessenen 

Platz zu verschaffen«. 

Roland Angst 

Evident absence, Michiko Takahashi, Tokyo 

1971, © Shômei Tômatsu, courtesy only 

photography. 


ONLY PHOTOGRAPHY 

Roland Angst 

Niebuhrstraße 78 


Mi – Fr 14 – 19 Uhr 

Sa 11 – 16 Uhr

Christian Patterson 

»REDHEADED 

PECKERWOOD« 

2011 veröffentlicht und von der internationalen 

Kritik euphorisch gefeiert, 

ist eine Serie von Objekten, Dokumenten 

und Fotografien, die auf einer tragischen, 

wahren Geschichte beruhen. Die 

Geschichte von zwei Teenagern, Charles 

Starkweather und Carol Ann Fugate, 

die nach dreitägiger Flucht insgesamt 

11 Menschen ermordet hatten und im 

November 1958 verhaftet wurden, hat 

sich tief in das kollektive Gedächtnis 

Amerikas eingegraben. Terrence 

Mallicks »Badlands« und Oliver Stones 

»Natural Born Killers« beruhen auf ihrer 

Geschichte. Christian Patterson ist die 

Route ihrer Flucht durch Wyoming nach 

Nebraska nachgefahren, er hat sich in 

Bogomir Ecker 

»Idylle + Desaster« 

Seit vielen Jahren sammelt der Künstler 

Bogomir Ecker mit unkonventionellem, 

eben künstlerischem Blick historische 

Fotografien: von Landschaftsaufnahmen 

des 19. Jahrhunderts aus aller Welt bis 

zur klassischen Presse- und Sensationsfotografie 

des 20. Jahrhunderts aus den 

USA. Die Bilder werden von ihm einerseits 

direkt für die künstlerische Arbeit 

etwa bei den »Hammerschlag-Übermalungen« 

verwendet, dienen aber auch 

als Inspirationsquelle für skulpturale 

Werke. Folglich steht im Kaisersaal des 

Museums für Fotografie eine monumentale 

Skulptur Eckers im Mittelpunkt, um 

die sich Fotografien aus den Themengruppen 

Idyllen und Desaster präsentieren. 

Die Ausstellung knüpft an die Installationen 

zeitgenössischer Künstler und Fotografen 

in der Kaisersaalruine von 2004 

bis 2008 an. Damit zeigt das Museum 

© Christian Patterson, »House at Night« aus 

der Serie »Redheaded Peckerwood«, (O.i.F.) 

Polizeiarchive vertieft, Tatorte fotografiert 

und Augenzeugen befragt und 

eine künstlerische Arbeit gefertigt, die 

sich aus Fotografien und Archivfunden, 

Zeichnungen, Objekten und Dokumenten 

zusammenfügt, »eine Akte, gefüllt 

mit Hinweisen und Stichworten – ein 

Rätsel, das es zu lösen gilt!«, so Christian 

Patterson. 

Photographer unknown: »Hamburg 

Thunderbolt raid on Feb. 1.43, a Lancaster 

against the 4’000 lbs bomb burst’s«, 1943 

© Bogomir Ecker 

für Fotografie sein fortwährendes Interesse 

an aktuellen Positionen der Kunst 

und Fotografie. Zeitgleich präsentiert 

das Museum für Photographie in Braunschweig 

von Bogomir Ecker überarbeitete 

Zeitungsseiten, auf denen einzelne 

Fotografien von ihm herauspräpariert 

werden. 


Galerien 

Das Buch zur Serie erschien 2011 bei 

Mack Books, London. Es wurde international 

mit hymnischen Kritiken gefeiert 

und vielfach unter die Top 10 der 

besten Fotobücher 2011 gewählt, unter 

anderem von den Redaktionen der New 

York Times, The Guardian, London und 

Le Monde, Paris. »Redheaded Peckerwood« 

wurde außerdem in diesem Jahr 

mit dem renommierten Book Author 

Award 2012 bei den Rencontres de la 

Photographie in Arles ausgezeichnet 

und war zuletzt im Museum of Contemporary 

Photography in Chicago zu 

sehen. 


Robert Morat Galerie 

Kleine Hamburger Straße 2 


Sa 12 – 18 Uhr 


Photographer unknown: Alicia Gracia, 1947 

© Bogomir Ecker 

bis 17. März 2013 

Museum für Fotografie 

Jebensstraße 2 


Di – So 10 – 18 Uhr 

Do 10 – 20 Uhr 

31

Galerien 

15 Jahre 

CAMERA WORK 

Anlässlich des 15. Geburtstages der 

Galerie werden über 100 Highlights von 

Photographen gezeigt, die seit Galeriegründung 

1997 von CAMERA WORK 

vertreten sowie in eindrucksvollen Ausstellungen 

präsentiert worden sind und 

zugleich Photographie als Kunstform 

geprägt haben. 

»15 Jahre CAMERA WORK« blickt 

zurück auf die vergangenen 15 Jahre 

und lädt nicht nur treue Freunde der 

Galerie ein, die spektakulärsten Ausstellungen 

neu aufleben zu lassen, sondern 

gibt auch Photokunstinteressierten 

die Möglichkeit, die Geschichte und das 

Portfolio von CAMERA WORK kennenzulernen. 

Aus 100 Ausstellungen mit 

weit über 100 namhaften Künstlerinnen 

und Künstlern und insgesamt über 

5.000 gezeigten Arbeiten bildet »15 

Jahre CAMERA WORK« eine beeindruckende 

Chronik in Form von künstlerischen 

Höhepunkten aus der Historie 

der Galerie. 

Anlehnend an die Philosophie von 

CAMERA WORK präsentiert die Ausstellung 

neben den Wegbereitern und 

Ikonen der künstlerischen Photographie 

des 20. Jahrhunderts wie Richard 

Avedon, Horst P. Horst, Helmut Newton, 

Irving Penn, Man Ray, Herb Ritts oder 

Jeanloup Sieff auch Arbeiten von 

renommierten zeitgenössischen Photographen, 

die von CAMERA WORK 

vertreten werden. Besonderen Fokus 

legt »15 Jahre CAMERA WORK« dabei 

auf jene Künstlerinnen und Künstler, 

die erstmals welt-oder europaweit bei 

CAMERA WORK ausgestellt wurden 

und anschließend bis heute nicht nur 

beeindruckende Karrieren im Bereich 

der Photokunst aufweisen und auf dem 

Photokunstmarkt bemerkenswerte 

Ergebnisse erzielen können, sondern 

zusammen mit CAMERA WORK auch 

maßgeblich am Erfolg der Photokunst 

auf dem Weg zum akzeptierten Teil der 

bildenden Kunst beigetragen haben. 

Darunter zählen neben exklusiv vertretenen 

Künstlern wie David Drebin, Jean- 


© ALBERT WATSON, ALFRED HITCHCOCK, LOS ANGELES, 1973 

© STEVE SCHAPIRO, THE WHISPER I 

MARLON BRANDO IN “THE GODFATHER”, 

NEW YORK, 1971, (O.i.F.) 

Baptiste Huynh, Russell James, Robert 

Polidori auch Martin Schoeller und Nick 

Brandt. Nachdem letzteren jeweils 2005 

bei CAMERA WORK ihre weltweit ersten 

Einzelausstellungen gewidmet wurden, 

erzielen deren Arbeiten seitdem auch 

© WILL MCBRIDE, KENNEDY, BRANDT 

UND ADENAUER VERLASSEN DAS 

BRANDENBURGER TOR, BERLIN, 26.06.1963 

auf Photokunstauktionen stetig höhere 

Ergebnisse. Als international tätiges 

Unternehmen ist CAMERA WORK seit 

seiner Gründung auch bedacht, deutsche 

Künstlerinnen und Künstler zu vertreten 

und zu fördern. So zeigt »15 Jahre

© TINA BERNING UND MICHELANGELO DI BATTISTA, CLAUDIA UNDERWATER, 2012 

(Original in Farbe) 

© DAVID DREBIN, DREAMS OF CENTRAL PARK, 2006, (Original in Farbe) 

© HERB RITTS, MADONNA I, 

SAN PEDRO, 1990 

© RUSSELL JAMES, HANG LOOSE, 

LOS ANGELES, 2006 


Galerien 

CAMERA WORK« u.a. auch Werke von 

Thomas Billhardt, Thomas Hoepker, 

Robert Lebeck, Ralph Mecke, Lukas 

Roth sowie Tina Berning, deren zeitgenössische 

Arbeiten in Zusammenarbeit 

mit Michelangelo Di Battista die 

Grenzen zwischen Modephotographie, 

Illustration und Malerei verschwimmen 

lassen und so der Photokunst einen einzigartigen 

Charakter verleihen. 

33

Galerien 

Über CAMERA WORK 

Die in Berlin ansässige Galerie CAMERA 

WORK wurde 1997 gegründet und 

hat sich seitdem zu einer der weltweit 

führenden Galerien für Photokunst 

entwickelt. Anlehnend an den historisch 

geprägten Galerienamen folgt das 

Unternehmen von Beginn an der 

Philosophie, neben den bekanntesten 

Künstlern der Photographiegeschichte 

wie Diane Arbus, Richard Avedon, 

Helmut Newton, Irving Penn oder Man 

Ray auch junge zeitgenössische Künstler 

zu vertreten und in Ausstellungen zu 

zeigen, um die Position der Photokunst 

als eigenständige Gattung innerhalb der 

bildenden Künste zu manifestieren und 

neuen Positionen Raum zu geben. Dabei 

vertritt CAMERA WORK zahlreiche 

renommierte zeitgenössische Künstler 

© HERB RITTS, CINDY CRAWFORD, 

HAWAII, 1988 

in Deutschland, Europa oder weltweit 

exklusiv, u.a. Nick Brandt, David 

Drebin, Jean-Baptiste Huynh, Robert 

Polidori oder Martin Schoeller. Um 

der zeitgenössischen (Photo-)Kunst 

einen noch größeren Stellenwert in der 

strukturellen Ausrichtung beizumessen, 

eröffnete CAMERA WORK zu Beginn 

des Jahres 2012 mit der CWC GALLERY 

eine Dependance in Berlin, die verstärkt 

moderne Positionen präsentiert. 

CAMERA WORK ist regelmäßig auf 

den international bedeutendsten 

Photokunstmessen vertreten, darunter 

Paris Photo und Tokyo Photo. 


© THOMAS HOEPKER, MUHAMMAD ALI, SHOWING OFF HIS RIGHT FIST, CHICAGO, 1966 

© JEAN-BAPTISTE HUYNH, MAINS I, 

ETHIOPIE, 2005 

Die 2001 gegründete CAMERA WORK 

AG besitzt eine der weltweit umfassendsten 

und qualitativ herausragendsten 

Photokunstsammlungen in Privatbesitz 

mit zahlreichen Vintage-Arbeiten 

der namhaftesten Photokünstler 

vom 19. Jahrhundert bis in die Gegenwart. 

Neben den Schwerpunkten der 

Mode-, Akt-und Porträtphotographie 

fokussiert sich CAMERA WORK auch 

auf die Genres Architektur und Stillleben. 

Dieses einzigartige Fundament, in 

Verbindung mit den beiden zum Unternehmen 

gehörenden Galerien CAMERA 

WORK und CWC GALLERY, ermöglicht 

es, in Zusammenarbeit mit Museen,

© MARTIN SCHOELLER, CHRISTOPH WALTZ, 2009, (Original in Farbe) 

© TINA BERNING UND MICHELANGELO DI 

BATTISTA, HANNA, (O.i.F.) 

© PAOLO ROVERSI, KATE, PARIS, 1992, 

(Original in Farbe) 


Galerien 

Galerien und anderen Kunstinstitutionen 

Ausstellungen weltweit zu präsentieren. 

Der umfassende Sammlungsbestandteil 

mit Photographien und Memorabilien 

zur Geschichte der Familie Kennedy 

bewegte das Unternehmen darüber 

hinaus dazu, im Jahr 2006 das Museum 

THE KENNEDYS in Berlin zu gründen – 

das zweitgrößte seiner Art weltweit. 

Künstlerinnen und Künstler in »15 

Jahre CAMERA WORK« 

Richard Avedon, Peter Beard, Tina 

Berning & Michelangelo Di Battista, 

Thomas Billhardt, Nick Brandt, Anton 

Corbijn, David Drebin, William 

Eggleston, Elliott Erwitt, Ralph Gibson, 

Thomas Hoepker, Horst P. Horst, Jean- 

Baptiste Huynh, Russell James, Nadav 

Kander, Benjamin Katz, Douglas 

Kirkland, Mark Laita, Robert Lebeck, Peter 

Lindbergh, Herbert List, Will McBride, 

Ralph Mecke, Helmut Newton, Irving 

Penn, Robert Polidori, Rankin, Man 

Ray, Leni Riefenstahl, Herb Ritts, Lukas 

Roth, Yoram Roth, Paolo Roversi, Steve 

Schapiro, Susanne Schapowalow, Roy 

Schatt, Martin Schoeller, JeanloupSieff, 

Karin Szekessy, Ellen von Unwerth, 

Albert Watson 

CAMERA WORK bei Facebook: 

www.facebook.de/cameraworkberlin 


CAMERA WORK 

Kantstraße 149 


Di – Sa 11 – 18 Uhr 

35

Galeriebericht 

Der Blick des Anderen. 

Das war er, der November, der 5. Europäische 

Monat der Fotografie Berlin. 

Im Netz noch bescheiden unter mdfberlin.de 

zu finden, gibt er sich inzwischen 

weltläufiger: EMOP = European 

Month of Photography. Die Idee für den 

Monat kam ursprünglich aus Paris, von 

der Maison Européenne de la Photographie. 

So ein Haus haben wir nicht. Aber 

wir haben diese Biennale, zeitgleich 

mit nunmehr Paris, Wien, Luxemburg, 

Ljubljana, Budapest und Bratislava. 

Wien meldet 220 Ausstellungen, doppelt 

so viele wie in Berlin. Außer Paris 

– mit Thibault Brunet – tritt im offiziellen 

Programm bei uns keine der Partnerstädte 

in Erscheinung. Das war in 

früheren Jahren anders, mit Gästen aus 

allen beteiligten Metropolen. Und hätte 

gut zum Motto »Der Blick des Anderen« 

gepasst. Im Festzentrum am Pariser Platz 

Kaya Behkalam mit Bildern aus Kairo. 

Alle anderen Ausstellungen sind den 

Kuratoren aus der reichen Berliner Kulturlandschaft 

zugeflogen wie die Motten 

zum Licht. Über 100 hat die Jury ins Programm 

und den schönen Katalog aufgenommen. 

Schön ist er. Praktisch ist 

er nicht. Man ist ständig am Blättern 

in den 256 Seiten, weil Bild- und Textteil 

getrennt sind. Die Ausstellungsorte 

sind schon irgendwie alphabetisch sortiert. 

Alle Künstler sind am Ende von A – 

Z aufgelistet, auch im handlichen Merkheft, 

aber ohne eine einzige Seitenzahl! 

Das ist schon fast kriminell. Dennoch: 

Es gab viel Spannendes zu sehen, gibt 

es noch, denn etliche Events laufen bis 

ins Neue Jahr. Und weil so viele davon 

Berlin zum Thema hatten, habe ich es 

auch zu meinem gemacht. Ich musste 

mich beschränken. Da kamen mir »12 

Antworten auf Berlin« gerade recht, hier 

wirklich gegeben mit dem geforderten 

Blick des Anderen, denn keine/r dieser 

12 Sehenden stammt aus Deutschland. 

Hansgert Lambers und Axel Sommer 

haben sie in der Kommunalen Galerie 

Berlin klug zusammengeführt. Was 

das Dutzend eint ist die konzeptionelle 

Arbeitsweise und die Neugier auf eine 

Stadt, in der die Wunden der Geschichte 

allenthalben sichtbar sind. Am eindring- 


© Abby Storey, (O.i.F.) 

© Andy Rumball, (O.i.F.) 

lichsten kommt das rüber beim tunesischen 

Franzosen Stéphane Duroy, der 

Tradition und Abbruch geschickt in 

Bezug setzt, während der Franco-Kanadier 

Serge Clément in verschlüsselten 

SW-Motiven den Geheimnissen Berlins 

auf der Spur ist. Abby Storey aus Neuseeland 

hält Passanten wie in einem 

Film-Still für den Augenblick fest im 

Getriebe des Alltags, und nur der Brite 

Andy Rumball zielt direkt auf Promiporträts, 

vergattert sie aber wenig glücklich 

durchgehend mit einem verkreuzten 

Fadenmuster. Das treibt er auch mit 

dem Konterfei der greisen Erika Rabau, 

durch viele Jahre offizielle Fotografin 

der Berliner Filmfestspiele und Star bei 

Lothar Lambers. Man ist verstimmt, weil 

sich der Fotograf durch diese befremdliche 

Verfremdung in den Vordergrund 

rückt. 

Gino Puddu, geboren in Sardinien, antwortet 

auf seine Wahlheimat Berlin auf 

© Kerstin Parlow 

zurückhaltende, sehr poetische Weise. 

Sein Motiv sind die Rutschbahnen auf 

kinderlosen Spielplätzen, in feinem, 

grazilem Schwarzweiß, die der Fantasie 

bei besinnlicher Betrachtung Nahrung 

geben. Parallel in der Buchhandlung 

und Galerie »unterwegs« in der 

Torstraße sein anderer Blick auf allbekannte 

Berliner Orte, aber auch auf den 

Schöneberger Kiez, in dem sein Café 

Aroma liegt. Hier ist er Hausherr und 

Kurator und zeigt bis 24. Februar Fotos 

von Kerstin Parlow mit dem Titel »Um 

mich herum«. Sie ist auch Schriftstellerin 

und definiert den Blick des Anderen 

eher über den eigenen Abstand 

von ihrem Umfeld. Das klingt egozentrisch 

und ein wenig nach Selbsttherapie. 

Wenn man aber in der lebendigen 

Atmosphäre des italienischen Restaurants 

vor den Bildern steht, erschließt 

sich eher der emotionale Gehalt, der 

über das Private hinausgeht. 

Eine gewisse Seelenverwandtschaft entdecke 

ich bei der Amerikanerin Kathleen 

Michael, die für ihre poetischen 

Selbsterkundungen ohne den Umweg 

über ihr Umfeld auskommt. Wir haben 

ihre kleine, sehr intime Ausstellung 

»Madame Negligé« im letzten Heft vorgestellt. 

Es ist schon was dran am »weiblichen 

Blick«, diese höhere Empfindsamkeit für 

die eigenen Emotionen, und eine oft leidenschaftliche 

Empathie für das Gegenüber. 

Bei Aenne Burghardt verbindet

© Aenne Burghardt 

sie sich in glücklicher Weise mit ihrem 

künstlerischen Anspruch, der zugleich 

für das bisschen Abstand sorgt, den auch 

der Betrachter braucht. Sie hat Betreuer 

und Betreute der Reha-Einrichtungen in 

Steglitz mit großer Achtsamkeit porträtiert 

und, wie Klaus Eschen in der Laudatio 

sagte, die sonst als behindert oft Ausgegrenzten 

als starke Persönlichkeiten 

dargestellt. Das macht die Menschen 

glücklich, wie man zur Vernissage in 

der alten Hauptpost beobachten konnte. 

Und den Betrachter auch. 

Wenn das Konzept überwiegt und sich 

die Porträtierten dem Formwillen der 

Fotografin unterordnen, muss ihnen das 

nicht ihre Würde nehmen. So hat Mirjana 

Vbraski für ihre »Verses of Emptiness« 

bei exp12 (siehe brennpunkt 3/12) 

Frauen aus ihrem sozialen Kontext herausgelöst 

und sie auf altmeisterliche 

Art wunderschön und zugleich scheinbar 

unnahbar dargestellt, wie Ikonen, in 

meditativer Entrückung. Sie strebt nach 

eigenen Worten eine Entindividualisierung 

an, eine Typisierung also. Aber der 

oft direkte Blick hat eine so hypnotische 

Wirkung, dass man verzweifelt versucht, 

das Rätsel zu lösen. 

Rätsel gibt uns auch Bettina Rheims auf 

mit ihren großformatigen »Gender Studies« 

bei Camera Work. Bei der Betrachtung 

dieser kaum bekleideten schönen 

Körper ist uns unsere Kultur und 

vor allem unsere Sprache im Wege, die 

uns ständig zur Einordnung zwingt: Frau 

oder Mann? Rheims mutet uns auch die 

Übergänge zu, die Verwandlung von 

einem Geschlecht ins andere. 

Ihre Menschen zeigen Mut, Beklommenheit, 

Angst. Aber sie schafft die 

nötige Distanz durch eine coole, fast kli- 

© Mirjana Vbraski 

nische Ästhetik. Die erreicht sie durch 

totale, schattenlose Ausleuchtung. Sie 

meint, dass sexuelle Flexibilität dem 

Individuum viel Freiheit bringt. Nur: 

Dafür braucht es ein tolerantes Umfeld. 

Das könnte in Berlin am ehesten zu 

finden sein, es ist ein Merkmal der Urbanität. 

Und die künstlerische Freiheit geht 

damit einher. In der Fotografie, die mit 

der Digitalisierung nun endgültig zum 

Massenmedium wurde, eindeutig auf 

Kosten der Qualität. Eine bewusste Bildgestaltung 

ist weitgehend verpönt. Das 

Banale, Beliebige wird gern mit dem 

Begriff »atmosphärisch« aufgewertet. In 

einer Zeit, in der von der Zukunft wenig 

Gutes zu erwarten ist, scheint das dem 

Lebensgefühl, vor allem dem der jungen 

Leute, angemessen zu sein. Trendbewusst 

beurteilen sie ein Foto eher nach 

dem Grad seiner »Erregungsintensität« 

als nach klassischen Regeln. Mögen uns 

die Galeristen erhalten bleiben, die uns 

Gelegenheit bieten zur unaufgeregten 

Betrachtung fotografischer Botschaften. 

Die können schon mal Sehgewohnheiten 

auf den Kopf stellen. Ein Hüter 

der traditionellen SW-Fotografie, Norbert 

Bunge (argus), hat es vorgemacht. 

Er hat den 1967 in Tel Aviv geborenen 

Michael Ackerman auf seine Galeriewände 

losgelassen und der hat seine 

impulsiven »Half Life«-Fotos drangeklebt, 

ohne Glas noch Rahmen, dass 

es eine Art hatte. Immerhin, die kleineren 

Formate waren argus-gemäß Barytabzüge. 

Bunge war bass erstaunt, dass 

© Michael Ackerman 

© Oscar Lebeck (O.i.F.) 


er plötzlich bis zu 100 Besuchern am 

Tag hatte in seiner sonst eher verträumten 

Galerie. Ackerman ist ja kein junger 

Wilder mehr, aber er hat Fans, die seine 

frechen Gesellschaftssplitter lieben 

(siehe brennpunkt 4/12). Dazu kam der 

Sog dieses besonderen Monats. 

Ein echter junger Wilder ist Oscar 

Lebeck, geboren 1993, der für das Stadtmagazin 

»zitty« in Berlin unterwegs ist. 

Im Photoplatz des Hotel Bogotá hängen 

seine unbekümmerten bunten Schnappschüsse 

der frivolsten Art noch bis 29. 

Januar 2013, unter dem Titel »The 

Future is unwritten«. Für Ästheten sind 

sie eine absolute Zumutung. Zum Ausgleich 

serviert uns Hotelier und Kurator 

Joachim Rissmann im »Kabinett« parallel 

den Franzosen Antoine d’Agata, 

dessen aufregenden und beklemmenden, 

fast gewalttätigen Körperbildern 

man in dem intimen Raum schutzlos 

ausgeliefert ist. Der Autor beruft sich 


37


© Stéphane Couturier 

denn auch auf Pier Paolo Pasolini als 

Leit- und Leidbild seiner Lust-Schmerz- 

Obsessionen. Diese extremen Bilder 

gehören zum Stärksten, was uns dieser 

Monat der Fotografie beschert hat. 

D’Agata hat 1990 u.a. bei Larry Clark 

studiert, dem schonungslosen Chronisten 

des Drogenmilieus. Seitdem hat er 

12 Bücher und 3 Filme gemacht. Er hätte 

sicher einen größeren Rahmen für sein 

Werk verdient. 

Im Mainstream schwimmt er freilich 

nicht. Auch der Berliner Alexander 

Platz nicht. Dafür nehmen beide das 

Medium viel zu ernst. Im Café Berio 

spürt Platz bis 7. Januar 2013 »Berlins 

kreativen Gesichtern« nach, zu denen 

zweifellos auch das seine gehört. Auf 

hohem fotografischem Niveau, dem er 

sich verpflichtet fühlt, lichtet er seine 

Künstler ab, vorwiegend aus der Musikszene 

der Stadt, in intensivem Schwarzweiß. 

Natürlich haben seine »Motive« 

zur Vernissage temperamentvoll aufgespielt. 

Im Kiez an der »Nolle«, dem Nollendorfplatz, 

hat er bis 7. Januar ein tolerantes 

und neugieriges Publikum. 

Das Institut Francais am Ku-Damm trägt 

dem Blick des Anderen Rechnung mit 

dem Pariser Stéphane Couturier, der 

sich in seiner Heimatstadt und in Berlin 

der »Archéologie Urbaine« gewidmet 

hat. Er sieht die Stadt als lebenden 

Organismus, fern von Poetik und Nostalgie. 

Leider erliegt er der Faszination 

von Großbaustellen mit ihren geometrischen 

Strukturen und dem technischen 

Chaos so sehr, dass die Lebendigkeit zu 

kurz kommt. 

Sein Landsmann Georges Rousse bei 

Springer in der nahen Fasanenstraße 

Nr.13 geht einen verrückten Sonderweg. 

Statt seine großen Architekturtableaus 

am Computer zu bearbeiten, realisiert 


© Georges Rousse 

er seine Bildideen am Objekt, vor der 

Aufnahme, auf sehr hintergründige, aber 

im Grunde ehrliche Weise. Ihm gelingt 

eine irritierende Verschiebung der Perspektive, 

eine drastische Veränderung 

des Motivs, auf die man nicht gefasst 

ist. Da er das auch mit dem Galerieraum 

macht, in dem sich der Betrachter 

gerade befindet, ist die Wirkung frappant. 

Ich empfehle einen Selbstversuch. 

Der charmante Galerist Alessandro 

Rotondo wird Sie gestenreich in das 

Geheimnis einweihen. (Bis 12. Januar 

2013, Di-Fr 11-18, Sa 12-15 Uhr). 

Nach solcher Fantastik fallen die konventionellen 

Fotografen ein wenig ab, 

obwohl sie saubere Arbeit leisten. So 

Stephen Mooney in der aff-Galerie in 

Friedrichshain. Der Fotograf, Dichter 

und Filmemacher hat den »Jahrhundertwinter« 

2009/2010 in Berlin mit 

der 9x12-Kamera erwandert und schön 

frostig abgelichtet, im spärlichen Licht 

der Gaslaternen. Ganz hat er es nicht 

gepackt, sein Schnee ist selten weiß 

und die Gebäude stürzen etwas zu sehr. 

Die Stimmung der Winternächte aber 

kommt wunderbar rüber. Man denkt 

unwillkürlich an Andersens Mädchen 

mit den Schwefelhölzchen. Zuvor war 

Thomas Graichen hier vertreten, ebenso 

winterlich, viel weniger aufwendig in 

der Technik und gerade deshalb sehr 

sinnlich. Er hat seinem grauen Winter 

in »Die stille Stadt« Prosa von Ann- 

Christin Kumm zur Seite gestellt und in 

einem kleinen Heft vereinigt. Die aff = 

»Arbeitsgemeinschaft freier Fotografen« 

finanziert ihre Galerie über die Beiträge 

ihrer Mitglieder und sucht noch interessierte 

Kollegen, die sich beteiligen 

und hier ein Forum für ihre Bilder finden 

wollen (www.aff-berlin.com). 

Mehr Wärme bietet uns diesmal Potsdam 

mit der »Reise nach Jerusalem« 

von Frank Müller in der Galerie des 

Fotoclubs. Er hat mit seinen anrührenden 

Menschenbildern ein intensives 

Porträt dieses Schmelztiegels der Religionen 

geschaffen, voller Zuneigung 

und Humor. Jedes Bild erzählt uns eine 

Geschichte, auch von dem fundamentalistischen 

Hintergrund, der die Idylle 

bedroht. Müller weiß um die Wirkung 

eines perfekten Fotos und hilft mit behutsamer 

Regie oft ein wenig nach. 

Über fotografische Regeln braucht man 

sich mit Altmeister Walter Wawra nun 

wirklich nicht zu streiten. Er hat sie 

alle drauf als gestandener Fachmann 

und langjähriger Leiter des Fotoclubs 

Potsdam. Was es dann bringt, ist das 

gewisse bisschen drüber raus, der Pfiff. 

Als Glied der Photographen Lounge 

Potsdam beweist er das alljährlich. Zu 

seinem Siebzigsten zeigt er nun in der 

Kunstgalerie »Im güldenen Arm« seine 

sehr malerischen, herrlich ausgearbeiteten 

fotografischen Gedichte von 

der Schönheit im Verfall. Die Bildtitel 

helfen dem Betrachter bei der Interpretation. 

Sie könnten ihn auch blockieren. 

Man erkennt ein Kopftuch in 

der abgeblätterten Farbe. Titel: Anbetung. 

Ich sehe: Migration. Auch so ein 

anderer Blick. Das Motto des »Monats« 

bringt uns jedenfalls ständig zum Nachdenken. 

Hier weht uns auch ein Hauch 

von Europa an, selten in diesem europäischen 

Monat, denn die Fotos werden 

den Skulpturen der Bildhauerin Hisu 

Choi zur Seite gestellt, die in Potsdams 

Partnerstadt Perugia/Italien arbeitet. 

Daselbst hat auch Walter Wawra schon 

ausgestellt. 

Und wo bleiben die fleißigen Chronisten? 

Einer war bei Manfred Carpentier 

live zu erleben, 90 Jahre alt, mit seiner 

Frau Claudia: Jürgen Schadeberg. 

Nicht mit seinem Lebenswerk, das ist 

noch bis 16. März mit den »The concerned 

Photograph« bei argus in Zitaten 

zu bewundern und war zuvor 

Thema einer großen Retrospektive im 

Willy-Brandt-Haus, sondern mit »Zu 

Besuch in Deutschland 1942 bis 2012«,

© Jürgen Schadeberg 

gleichzeitig als Buch erschienen. Das 

ist auch eine kleine Liebeserklärung an 

seine Geburtsstadt Berlin, in die er nach 

langen Jahren in Südafrika nun zurückgekehrt 

ist. Aus den Bildern spricht seine 

alte Liebe, aber der zeitliche und geografische 

Abstand befördert einen kritischen, 

fast bissigen Blick, der sich durch 

die 70 Jahre durchaus wohltuend verstärkt 

und 2012 an der ungewohnten 

Farbe scheitert. Bei der Vernissage 

wollte Schadeberg von mir wissen, wie 

ich zur heutigen Fotografie stünde, zu 

dem, was »in« sei. Ich sagte es ihm. Er 

stimmte mir zu. Aber ganz wohl war uns 

beiden nicht. Ein Trend, akzeptiert oder 

nicht, ist immer ein Ausdruck der Zeit. 

Noch bis zum 27. Januar zeigt Carpentier 

»Tempelhof, Metamorphose I« von 

Anna Thiele. Die Meisterschülerin von 

Arno Fischer ist fasziniert von der Freifläche 

des ehemaligen Flugfelds und der 

»Eroberung« des entstandenen Vakuums 

durch die Berliner. Ihr viel beachtetes 

Debut hatte sie im Salon für Fotografie 

von Volker Wartmann mit ihrer Serie 

über das Regierungsviertel, die wir im 

letzen Heft als Portfolio ausführlich vorgestellt 

haben. Die Ausstellung in der 

Meinekestr. 13 ist jeden Sonnabend von 

14 – 16 Uhr und nach Vereinbarung zu 

besuchen (info@carpentier-galerie.de). 

Der engagierte Galerist ist berufstätig 

und steht nur abends und am Wochenende 

zur Verfügung. 

Einen schwarzweißen Bonbon hat uns 

zum Monat der Fotografie The Browse 

Gallery in der stilvollen Kreuzberger 

Marheineke-Markthalle beschert. Einen 

nostalgischen Rückblick in das Kreuzberg 

der siebziger und achtziger Jahre, 

© Anna Thiele 2012 

als das der »trendigste« Westberliner 

Bezirk und ein Magnet für junge Leute 

war, mit seinen alternativen Lebensweisen 

und wütenden Attacken auf konservative 

Werte. Der Berlinstory-Verlag hat 

ein schönes Buch dazu gemacht: »Stillstand 

und Bewegung – Menschen in 

Kreuzberg«. 

Siebrand Rehberg war in den Siebzigern 

vor allem in SO 36 unterwegs und 

hat den Kiez in bewegten Szenen eingefangen. 

Er kam 69 als Kunststudent, 

wurde inspiriert von Michael Schmidts 

»Werkstatt« und ausgebildet bei Lette. 

Er arbeitet bis heute in Berlin. Horst 

Luedeking, Absolvent der Folkwangschule 

Essen, hat seine »Bewohner der 

Sorauer Straße 13« von 1972 beigesteuert. 

Das sind anrührende Milieustudien 

aus einem zum Abriss freigegebenen 

Mietshaus, eine bunte Gemeinschaft 

von Rentnern, Hippies und Migranten. 

Bei Michael Schmidt hat auch Peter 

Gormanns studiert und er hat auch mal 

Hanna Schygulla und Fassbinder vor der 

Linse gehabt, am Leuschnerdamm. Ann- 

Christine Jansson war sehr nah dran bei 

den wüsten Demos der Autonomen am 

1. Mai 87, zum glorreichen Stadtjubiläum 

750 Jahre Berlin. 

Die gebürtige Schwedin ist heute eine 

geachtete Journalistin, Dozentin und 

Kuratorin in Berlin. Auch Toni Nemes 

dokumentierte die Krawalle 87, und 

zwei Jahre später das plötzliche Ende 

der Teilung Berlins. 

Michael Hughes verschlug es 1982 aus 

London in eine WG in der Oranienstraße. 

Er war sofort fasziniert von der 

Solidarität und Toleranz der Mitbewohner 

und fand fotografisch einen spontanen 

Zugang zur Szene. 

Wolfgang Krolow, geb. 1950 bei Kaiserslautern, 

ist so was wie der Star der 

sieben Fotografen. Seine »2 Mädchen in 

© Michael Hughes 

© Ann-Christine Jansson 


Berlin 36« von 1980, ein türkisches und 

ein deutsches, die mitten auf der Straße 

versonnen miteinander tanzen, sind 

einfach zauberhaft. Weltklasse. Auch 

andere Kreuzbergikonen von Krolow 

sind um die Welt gegangen. Seine »Seiltänze« 

von 1982 haben einen Ehrenplatz 

in meinem Bücherbord. 

Der Blick des Anderen ist sicher nicht 

nur eine Frage der Herkunft. Aber auffallend 

ist es schon, dass keine/r dieser 

sieben »Kreuzberger« in Berlin geboren 

ist. Wie viel Abstand braucht der 

Mensch? Stimmt die These von der 

Betriebsblindheit aus der Wirtschaft 

auch in der Fotografie? Ist der Insider 

zwar authentisch, aber blind? Wir Berliner 

können das leicht nachprüfen: 

Wie viel wirklich relevante Berlinbilder 

haben wir in unserem Archiv? 

Vielleicht sollten wir lieber nicht nachgucken. 

Prost Neujahr! 

Klaus Rabien 


39

Fotoszene 

»Die Lust auf das Bild 

wird durch den Blick 

auf die Technik zerstört.« 

oder 

Holga, die wieder 

gefundene Kreativität. 

Jörg Stadler 

Die Holga Kamera wurde im Jahre 1982 

vom Ingenieur und Hersteller Lee Ting- 

Mo in Hong Kong erfunden. 

Da der Absatz seiner Holgon Blitzgeräte 

rückläufig war baute Lee diese in 

seine Kameras ein. 

Die Holgon bekam einen neuen Namen. 

Lee ersetzte ein »A« am Ende weil 

andere Kamerahersteller in dieser Zeit 

auch ein »A« im Kamerabezeichnung 

haben. So soll der Name Holga entstanden 

sein. 

Anfangs als Spielzeug gedacht fanden 

die Kameras viele Jahre keine Beachtung. 

Durch die Lomographischen Gesellschaft 

und u.a. deren zehn Regeln hat 

die hipster Generation inzwischen die 

Holga als Kultobjekt entdeckt und in der 

letzten Zeit für den steigenden Absatz 

von Filmen gesorgt. 

Darüber hinaus gibt es auch kommerzielle 

Holga Anwender wie Michelle 

Bates: Plastic Cameras, Toying with Creativity, 

im Focal Press Verlag, Michael 

Kenna oder US-Fotoreporter David Burnett, 

Max Raabe u.v.m.. 

Als ich mir vor 3 Jahren eine Holga 120 

F Kamera besorgte, wusste ich nicht so 

recht was ich damit anfangen sollte. 

Der Magnum Fotograf David Hurn sagte 

einmal: 

»Das Wesen der Dinge erkennt man erst 

durch Erfahrung«. 

Ich besaß schon Kamerasysteme führender 

Kamerahersteller. 

Fehler zu lieben, den Fokus auf das 

wesentliche richten zu können gibt der 

Fotografie eine gewisse Leichtigkeit und 

Poesie zurück. 


© JoeStar © JoeStar 

© JoeStar 

Die Möglichkeiten und Prinzipien, die 

Materie zu verstehen, einfach zu Fotografieren 

und anders zu Kommunizieren. 

Die Betrachter von Diana / Holga 

Fotografien suchen nach Worten und 

Erklärungen. 

Ist man mit der Holga unterwegs wird 

man nicht wahrgenommen, das verschafft 

Freiraum. 

Leicht auf Reisen mit zu nehmen, ausgerüstet 

mit einem kleinen Stativ, Drahtauslöser, 

Graufilter und Belichtungsmesser. 

Die Wahrscheinlichkeit, dass 

sie geklaut wird ist dabei sehr gering. 

Das integrieren von lowtech mit hightech 

eröffnet großartige, experimentelle 

Möglichkeiten. 

Der gemeine digitale Fotograf würde 

jetzt die Holga Funktion seiner Kamera 

aufrufen wollen. 

In welchen Bedienungsmenü ist diese 

nur wieder zu finden ? 

Sehgewohnheiten haben sich im digitalen 

Vollrauschzeitalter inzwischen 

völlig verändert. 

© JoeStar 

© JoeStar 

Die im Standardlook, massenhaft produzierte, 

kontrastreich, schreienden auf 

Aludibond montierten Fotos verkommenden 

Bildästhetik lässt wieder Platz 

und Raum für die Abkehr der jetzigen 

Bildsprache. 

Holga art-photos und Informationen 

zum Diana / Holga Workshop von und 

mit Jörg Stadler/Berlin. 

www.JoeStar.de

FRÖAUF 

Der kunstraum FRÖAUF ist ein neuer 

Ausstellungsraum für Fotografie und 

Skulptur in Berlin Friedenau. Die ehemalige 

Fleischerei bietet einen kleineren, 

wohl proportionierten Ausstellungsraum 

mit Schaufenster und Nebenräumen. 

Im Laufe des kommenden Jahres 

werden Ausstellungen und Veranstaltungen 

hier realisiert. Die Künstlerin 

und Fotografin Susanne Wehr ist Initiatorin 

des Projektes. 

Die konzeptionelle Ausrichtung des 

Kunstraumes auf zeitgenössische Fotografie 

und Skulptur lässt auch künstlerische 

Positionen zu, die sich grenzüberschreitend 

zu anderen Medien, wie 

Film und Collage, mit fotografischen Bildern 

befassen. Ebenso sollen künstlerische 

Arbeiten, die Fotografie als in Inspiration 

und Vorlage nutzen, in das Programm 

einbezogen werden. 

Derzeit ist die Ausstellung »fuffzehn« im 

kunstraum FRÖAUF zu sehen. Präsentiert 

werden 15 Künstler aus den Bereichen, 

Fotografie, Skulptur, Collage und 

Malerei. 

Die Ausstellung endet mit einer Finissage 

am Samstag den 15. Januar 2013. 

Auch am Sonntag, 16. Januar 2013 von 

16 bis 19 Uhr geöffnet. 

Informationen zu den Ausstellungen 

und Veranstaltungen auf der Website 


Ausstellungen 

siehe Seite 26 (Andreas Fischer) 

und Seite 27 (André Baschlakow) 




Do – Sa 16 – 19 Uhr 



© Jörg Schmiedekind 

© Jörg Schmiedekind 

© epha © epha 

Fotoszene 


41

Fotoszene 

Ursula Kelm 

»Sofortbilder« 

Polaroids sind einzigartig, einmalig. 

Das Besondere an Polaroids ist, dass sie 

immer Unikate sind. 

Als Einzelbilder entstanden, existieren 

sie nebeneinander. Aneinandergereiht 

ergeben sich neue Abfolgen, die 

Raum schaffen für assoziativ aufgeladene, 

eigene Erinnerungen. 

Abhängig vom Material, das man für 

das Sofortbild wählt, verändert sich die 

malerische Anmutung des Bildes: 

Die spezielle Farbgebung, der weiße 

Bildrahmen der Integralfilme, Sofort- 

Diafilm s/w oder Farbe sowie die klassischen 

Trennbildfilme mit der Möglichkeit 

zu Emulsion Lift und Image Transfer 

erlauben den kreativen Einsatz der 

Materialien auf speziellen Papieren und 

Untergründen. 

Ursula Kelm, 1942 in Berlin geboren, 

Studium der Fotografie an der Werkstatt 

für Photographie in Berlin. Seit 

1985 Lehraufträge, Vorlesungen, Studienreisen, 

Workshops in Berlin und im 

internationalen Ausland. Ausstellungen 

europaweit einschließlich UdSSR sowie 

USA und Australien. 

Diverse Stipendien, u.a. Arbeitsstipendium 

der Stadt und des Landes Berlin, 

Senat für Kultur; drei Stipendien Progetto 

Civitella d‘Agliano/I; Kunstpreis 

des Bundesministers der Justiz; Auenthaltsstipendium 

der Akademie der 

Künste Berlin für Villa Serpentara, Olevano/I; 

Aufenthaltsstipendium Noosa 

Projekt, Noosa/Qld., Australien. 

© Ursula Kelm 


© Ursula Kelm © Ursula Kelm 

Vertreten in Öffentlichen Sammlungen, 

u.a. Berlinische Galerie; Deutsches Historisches 

Museum; Bibliotheque Nationale, 

Paris; Museum für Photographie, 

Braunschweig; Museum of Contemporary 

Art, Thessaloniki; Staatliche Moritzburg, 

Halle; AMO Associazione Amici 

Museo Olevano Romano. 

www.ursula-kelm.de 

Ursula Kelm 

Polaroid Photography 

Vernissage: 

March 26th, 2013 - 6.30 p.m. 

Ursula Kelm will be present. 

Exhibition: 

March 27th - April 25th, 2013 

A catalogue is available 

Deutsches Haus, 

42 Washington Mews, NY 1003 

© Ursula Kelm

Das VERBORGENE 

MUSEUM 


Anita Neugebauer 

»Galeristin und Sammlerin« 

Schlüterstraße 70 


Do + Fr 15 – 19 Uhr 

Sa + So 12 – 16 Uhr 

carpentier galerie 


Anna Thiele 

»Tempelhof. Metamorphose I« 

Meinekestraße 13 

10719 Berlin-Wilmersdorf 

Sa 14 – 16 Uhr 



Louisa Marie Summer 

»Jenniver´s Family« 



Di – Fr 12 – 19 Uhr 

Sa 14 – 18 Uhr 

Photo Edition Berlin 


Hans-Jürgen Raabe 

»990 faces« 

Ystaderstraße 14a 

10437 Berlin-Prenzlauer Berg 

Mi 14 – 18 Uhr 

Sa 12 – 16 Uhr 

photoplatz 


Oscar Lebeck 

»The Future ist unwritten« 

Schlüterstraße 45 


Café Aroma 

Photogalerie 


Kerstin Parlow 

»Um mich herum« 

9. März bis 2. Juni 2013 

Franco Sortini 

»Berlino - Paesaggio Urbano« 

Hochkirchstraße 8 

10829 Berlin-Schöneberg 

Mo – Fr 18 – 24 Uhr 

Fotogalerie 


»frei im AUFTRAG« 

Die DDR-Fotojournalisten Eberhard 

Klöppel und Peter Leske 



Di – Sa 13 – 18 Uhr 

Do 10 – 18 Uhr 

Stadtmuseum Berlin 


Kalter Krieg und Wirtschaftswunder 

West-Berlin in Farbfotografien von 

Herbert Maschke 

Ephraim-Palais 

Poststraße 16 


Di, Do – So 10 – 18 Uhr 

Mi 12 – 20 Uhr 

Berlinische Galerie 


Geschlossene Gesellschaft 

»Künstlerische Fotografie in der DDR 

1949-1989« 

Alte Jakobstraße 124-128 


Mi – Mo 10 – 18 Uhr 

Ausstellungen 

Galerie Hunchentoot 


Gregor Stephan 

»Columns, Cubes and Squares« 

Choriner Straße 8 


Mi – Fr 16 – 19 Uhr 

Sa 10 – 18 Uhr 

Treffpunkt Freizeit 


DVF Landesfotoschau 2012 

Berlin/Brandenburg/Mecklenburg-Vorpommern 

(Vernissage: 6. Januar 2013, 15 Uhr) 

Am neuen Garten 64 

14469 Potsdam 

Mo – Fr 08 – 21.30 Uhr 


Galerie Deschler 


Rainer Fetting 

Auguststraße 61 


Di – Sa 12 – 18 Uhr 


Deutsches 

Historisches Museum 

31. Januar bis 10. November 2013 

Zerstörte Vielfalt 

Berlin 1933-1938 

Unter den Linden 2 

Hinter dem Zeughaus 


Täglich 10 – 18 Uhr 


43

Fotoszene 

Ursula Kelm 

Im November 2012 feierte sie ihren 

70.Geburtstag. 

Ein Anlass, wenn auch etwas verspätet, 

Gesundheit, Glück, Lebensfreude und 

Zufriedenheit und eine nie endende 

Kreativität für die nächsten Jahrzehnte 

ihr zu wünschen. 

Und auch ein Anlass, einen Blick auf 

ihre bisherige photographische Lebensleistung 

zu werfen, denn da kommen 

in Zukunft sicher noch viele spannende 

und vor allem »gute« - nicht »schöne« - 

Bilder in die Welt. 

Bei Ulla, wie wir, die wir durch ihre 

künstlerischen Kurse gegangen sind, sie 

gerne nennen, steht sehr oft der Mensch 

im Mittelpunkt ihrer Arbeit. 

In ihren Porträts geht es nicht um die 

Hülle, die Funktion, den Rang. Das entscheidende 

Merkmal, das aus ihren Porträts 

herüber kommt, ist das hinter der 

Hülle verborgene und in langen photographischen 

Sitzungen endlich durchscheinende 

Ich, das dann gekonnt eingefangen 

und verewigt wurde. Menschliche 

Authentizität und photographische 

Meisterleistung. 

Aber auch bei anderen Themen geht es 

Ulla immer um Authentizität, nämlich 

die der abgebildeten Situation, wie beispielsweise 

die Handy-Aufnahmen der 

im Sonnenlicht leuchtenden Baracken 

in Ravensbrück, die erst durch die Nennung 

der Örtlichkeit ihren Charme verlieren 

und den Betrachter das Grauen 

lehren. 

Aber auch ein Mohnkolben, der wie 

eine kronetragende Marionette abgelichtet 

wurde oder der unterwürfige 

Blick eines Strassenhundes neben der 

festgehaltenen »Hoch-Ausstrahlung« 

eines gelangweilten Löwen vermitteln 

diese Authentizität, genau wie ihre photographischen 

Kompositionen um die 

Endlichkeit alles Materiellen. 

Ullas Bilder regen nicht nur zum Betrachten, 

sondern zum zweiten Schauen und 

dann auch fast immer zum Nachdenken 

und damit auch zum Verweilen an. 


© Ursula Kelm, »Selbstporträt« 

© Ursula Kelm, »Lotti Huber« 

© Ursula Kelm, »Jutta Lampe« 

Ich hoffe, noch sehr viele photographische 

Kunstwerke von Ursula Kelm 

genießen und aus jedem ein wenig 

lernen und in meine eigenen photographischen 

Arbeiten einfliessen lassen zu 

können. 

Justine Wodtke 

im November 2012 

© Ursula Kelm, »Buchprojekt« 

© Ursula Kelm, »Rosa von Praunheim« 

© Ursula Kelm, 1986 

www.ursula-kelm.de

GEISTERSTADT 

Sperrzone Zossen/ 

Wünsdorf 

Sabine von Breunig 

Die Fenster zugenagelt, die Dächer notdürftig 

geflickt, ein Hauch von Fäulnis 

und Moder liegt in der Luft. Umgeben 

von Mauern und Stacheldraht verfallen 

wilhelminische Prachtbauten, 

nationalsozialistische Bunkeranlagen 

und Kasernen, russische Kantinen, 

Werkstätten und Wachposten – Insgesamt 

fast 1000 Gebäude, ein gigantisches 

Gelände von 980 Hektar. Ein 

Wachdienst fährt seine Runden um Vandalismus 

zu verhindern: In der ehemaligen 

Sperrzone Zossen/Wünsdorf geht 

ein Kapitel europäischer Militärgeschichte 

seinem Untergang entgegen. 

Hier setzte Wilhelm II. seine hochfliegenden 

militärischen Pläne in die Tat 

um. Hier fanden nach dem ersten Weltkrieg 

Kapp-Putschisten Unterschlupf. 

Hier wurden die SS Männer der späteren 

Leibstandarte Adolf Hitler gedrillt. 

Hier befand sich während der Naziherrschaft 

das Oberkommando des Heeres 

und der Wehrmacht gefolgt vom Oberkommando 

der Sowjetischen Streitkräfte 

in Deutschland. In der Sperrzone 

lebten seit Beginn der 1950er Jahre bis 

zu 60.000 sowjetische Männer, Frauen 

und Kinder. Seit dem Abzug der russischen 

Truppen 1994 verfallen viele 

Gebäude ungenutzt. 

Sabine v. Breunig hat die verlassenen 

Räume des Militärgeländes fotografiert. 

In ihrer Arbeit geht es, so Matthias 

Flügge in seinem Essay, um die 

Geschichte hinter den Bildern, um die 

Diskrepanzzwischen der morbiden 

Schönheit der Fotografien und der Realität 

des Ortes. 

Sabine v. Breunig ist seit 2001 als freie 

Fotografin mit Schwerpunkt Architekturfotografie 

tätig. Ihre Arbeiten wurden in 

Zeitschriften und Magazinen veröffentlicht. 

Seit 2006 arbeitet Sabine v. Breunig 

an freien künstlerischen Projekten. 

Von 2009 – 2011 war sie Meisterschülerin 

von Professor Arno Fischer. 

© Sabine von Breunig 

© Sabine von Breunig, (Original in Farbe) 

GEISTERSTADT 

Sperrzone Zossen/Wünsdorf 

300 Fotografien 

von Sabine von Breunig 

Mit einem Text von Matthias Flügge 

Hardcover, Format: 26,5 x 21,5 cm 

216 Seiten, 165 Farbfotografien 

Euro (D) 36,00 / Euro (A) 37,10 / 

CHF 47,90 

ISBN 978-3-86228-043-8 

Edition Braus, Berlin 2012 

Buchbesprechung 






45


Bottrop-Ebel 76 

von Michael Wolf 

Michael Wolf ist mit seinen Arbeiten 

über das »Leben in Megacities« weltweit 

bekannt geworden und einige der 

prägnantesten Serien sind bei »Peperoni 

Books« als Buch erschienen: »Tokyo 

Compression«, »Hong Kong Inside Outside«, 

»A Series of Unfortunate Events«, 

um nur einige zu nennen. 

Und jetzt »Bottrop-Ebel 76«, was eine 

ganz andere Geschichte ist. Als Student 

hat Michael Wolf die Serie 1976 in der 

kleinen Bergarbeitersiedlung im Ruhrgebiet 

fotografiert und zum Examen bei 

Otto Steinert an der Folkwangschule in 

Essen eingereicht, damals als klassische 

Sozialdokumentation streng sortiert 

nach Kategorien wie »Bausubstanz«, 

»Jugendliche«, »Arbeitende Bevölkerung«, 

oder »Feste und Vereine«. Mit 

dem Abstand von mehr als 35 Jahren 

wurde die Arbeit jetzt neu gesichtet und 

für das Buch viel freier zusammengestellt 

als die systematisch angelegte Examensarbeit. 

Michael Wolfs neugieriger, mitfühlender 

Blick zielt auf das Milieu und trifft mitten 

ins Herz. Wenn ein kleines Mädchen mit 

Schultüte vom Vater ausgeschimpft wird, 

weil es nicht wunschgemäß Aufstellung 

für den Fotografen nimmt, wenn Jugendliche 

mit ihren Mopeds an den Stadtrand 

fahren, um Bier zu trinken und die 

Annäherung an das andere Geschlecht 

auszuprobieren, wenn vor der Fahrt ins 

Blaue auf der Straße im Ausgehzwirn 

ein Schnaps gekippt wird oder ein altes 

Paar in Alltagskleidung und Pantoffeln 

im Vereinslokal einen melancholischen 

Walzer tanzt, stockt mir der Atem angesichts 

der körperlich spürbaren emotionalen 

Intensität. 

»Bottrop-Ebel 76« ist eine grandiose 

Studie über das Bergarbeitermilieu im 

Ruhrgebiet zu Zeiten des bereits einsetzenden 

Strukturwandels. Gleichzeitig 

und mehr noch ist es aber ein Epos 

über das Leben selbst, das beispielhaft 

nachfühlbar macht, was Menschen verschiedener 

Generationen alleine und in 

Gemeinschaft bewegt und umtreibt. 


© Michael Wolf 


Michael Wolf 

»Bottrop-Ebel 76« 

Mit einem Nachwort von 

Sigrid Schneider 

144 Seiten 

87 Tritone und 

15 farbige Abbildungen 

30 x 24 cm 

Hardcover / leinengebunden 

Deutsch, Englisch 

ISBN: 978-3-941825-40-6 

Euro 40 



© Michael Wolf

Rented Rooms 

von Torben Höke 

»Drei Monate lang reiste Torben Höke 

durch Indien. Er saß in Bussen und in 

Zügen, bis zu 35 Stunden am Stück. Von 

Kolkata über Varanasi und Bangelore im 

Süden und wieder zurück nach Kolkata. 

Er sah Armut und Reichtum, Rolls Royce 

und Rikschas, prachtvolle Tempel, die 

Hippies in Goa, die überfüllten Zugabteile 

auf dem Weg in die Millionenstadt 

Mumbai und die steinigen Pisten, 

auf denen die Busse durch das staubige 

Hinterland schaukeln. Kurz – er 

hat viel gesehen von der widersprüchlichen 

Schönheit und der wuchernden 

Größe Indiens, doch nichts davon findet 

sich in seinen Bildern. 

Die Aufnahmen für dieses Buch sind 

dort entstanden, wo Reisende ihren 

Weg unterbrechen und in einer seltsamen 

Zwischenwelt verschwinden. 

Torben Höke führt uns in Low Budget 

Unterkünfte, zeigt Räume, die überall 

und nirgends sein könnten, portraitiert 

Menschen, die auf schlichten Bänken 

und harten Pritschen ausruhen und 

sich für eine Weile ein improvisiertes 

Zuhause schaffen. Am Ende, so scheint 

es, sind alle Reisenden unterwegs zu 

sich selbst«. 

Hendrik Lakeberg 

© Torben Höke, (Originalbild in Farbe) 

© Torben Höke, (Originalbild in Farbe) © Torben Höke, (Originalbild in Farbe) 


© Torben Höke, (Originalbild in Farbe) 

© Torben Höke, (Originalbild in Farbe) © Torben Höke, (Originalbild in Farbe) 

Torben Höke 

Rented Rooms 

Mit Texten von Peter Bialobrzeski 

und Hendrik Lakeberg 

64 Seiten 

53 Farbabbildungen 

16,5 x 21 cm 

Flexcover 

Deutsch, Englisch 

ISBN: 978-3-941825-38-3 

Euro 36 


47

Portfolio Jürgen Bürgin 

Jürgen Bürgin 

Jürgen Bürgin (geb. 1971 in Lörrach) 

studierte deutsche Literatur, Sprachwissenschaft 

und Wirtschaft in Freiburg. Er 

arbeitet in Berlin als PR-Manager in der 

Filmbranche und als freier Fotograf. Er 

ist spezialisiert auf urbane Fotografie 

und auf Straßenfotografie. Seine Bilder 

zeigen die unerzählten Geschichten der 

Menschen in den Städten der Welt. Sie 

erzählen von Melancholie und Einsamkeit, 

bergen Geheimnisse, lassen Dinge 

im Dunkeln - und sie involvieren den 

Betrachter, der die Geschichten, die 

seine Bilder anstoßen, fortspinnt. Jürgen 

Bürgin fotografierte unter anderem in 

Berlin, Barcelona, Paris, London, San 

Francisco, Chicago, New York und 

Tokio. Im Jahr 2011 wurde er für den 

Sony World Photography Award nominiert. 

Seit 2011 unterstützt er die Pressearbeit 

des neu gegründeten Kölner 

Fotografie- und Kunstbuchverlags Ghost 

Press. 

© Jürgen Bürgin, »Tokyo Taxi« 


© Jürgen Bürgin, »Heavy Rain« 

Jürgen Bürgin wurde Preisträger beim 

brennpunkt AWARD 2012, anlässlich 

des Browse Festivals in Berlin 

http://www.juergenbuergin.com/

© Jürgen Bürgin, »City Lights« 



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© Jürgen Bürgin, »Manhattan Lights« 

50 brennpunkt 1/2013

© Jürgen Bürgin, »Manhattan Darkness« 



51


© Jürgen Bürgin, »Tokyo Rain« 


© Jürgen Bürgin, »Tokyo Night« 



53


© Jürgen Bürgin, »Vertigo« 


© Jürgen Bürgin, »Umbrella« 



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Portfolio Fabio Orsi 

Fabio Orsi 

Fabio Orsi wurde 1979 in Neapel geboren. 

Nach Abschluss des Toningenieurwesens 

2001 lebt und arbeitet er als 

Musiker und Fotograf in Berlin. Seine 

Stärken und Erfahrungen liegen in der 

experimentellen Forschung, die sich 

besonders der Untersuchung des Tones 

und seiner Verbreitung in der Umwelt 

widmet. Seine Arbeit fokusiert sich auf 

die Technik der Außenaufnahme unter 

Zuhilfenahme von Digitalrekordern und 

Mikrofonen. Seine Studien der Klangumgebung 

sind eng mit der Welt der Fotografie 

verbunden. Fabio erfasst Töne als 

wären sie Fotos und Bilder als seien sie 

Erinnerungen. Die Symbiose von Bild 

und Ton ist für ihn eine faszinierende 

Herausforderung und eine untrennbare 

Verbindung für seine Arbeit zum Thema 

Erinnerung, welche evokative Erinnerung 

und subjektive Wahrnehmung auf 

verschiedenen Gebieten zu erkunden 

sucht. Verbunden mit der Idee einer 

Tonlandkarte (Soundmap) oder Tonpostkarte 

(Soundpostcard) arbeitet er diesbezüglich 

in nationalen und internationalen 

Projekten, in Form von Unterricht 

oder Workshops, in Bari, Mailand, 

Bochum, Luxemburg und Madrid. Als 

Musiker hingegen bündelt er seine 

eigene intime Vorstellung der Welt und 

transportiert sie in eine traumähnliche 

Dimension, erschaffen aus tiefen Tönen 

und sich wiederholenden Schleifen. Die 

hierbei verwendeten Außenaufnahmen 

und die mehrschichtigen Gitarren- und 

Keyboardmuster fangen den Zuhörer in 

einem Mikrokosmos akkustischer Erfahrungen. 

Fabio Orsi ist Musiker. Ohne 

die Fotografie jedoch, mit der er schon 

zu experimentieren anfing ohne selbst 

eine Kamera in der Hand gehalten zu 

haben, würde seine Musik nicht in 

dieser Form existieren. In der gleichen 

Art wie er Töne erfasst, sie katalogisiert, 

sie pflegt und befreit in gleicher Weise 

handhabt er auch die Fotografie. In 

seinen Bildern bildet Orsi einen Traum 

in einem Traum, einen Klang innerhalb 

eines anderen Klangs, eine Geschichte 

in einer Geschichte, mit einer unmittelbaren 

Wahrnehmung, weit entfernt von 

reiner Ästhetik. 


© Fabio Orsi 

© Fabio Orsi 

http://www.behance.net/orsifabio 

(Photography) 

http://fabioorsi.bandcamp.com 

(Musik)

© Fabio Orsi 



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© Fabio Orsi 


© Fabio Orsi 



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© Fabio Orsi 


© Fabio Orsi 



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© Fabio Orsi 


© Fabio Orsi 



63

Fotoszene 

Photokina 2012 - eine 

persönliche Nachlese. 

Im September hatte ich wieder einmal 

die Gelegenheit für die Firmen Rauch 

und Hahnemühle ein Wochenende auf 

der Photokina in Köln zu verbringen. 

Im Gegensatz - oder mindestens viel 

stärker als bei den vergangenen Messen 

- stand das gedruckte Bild im Vordergrund. 

Insbesondere die Halle 2.2 befand sich 

unter dem Motto »See me, feel me, print 

me«! 

Sämtliche großen Hersteller und Händler 

von Druckerpapieren demonstrierten 

mit großformatigen Bildern die Qualität 

ihrer Produkte. 

Der Standard der Papiere und der 

Beschichtungstechniken hat nach 

meinen Empfinden eine Stufe erreicht, 

die kaum noch zu übertreffen ist. Da 

wundert es nicht, dass die Firmen vermehrt 

an Präsentation und Erscheinungsformen 

arbeiten. 

Erwähnenswert in diesem Zusammenhang 

ist das Angebot der FineArt Papiere 

von Hahnemühle mit original gerissenem 

Büttenrand (»Sheets with Deckle 

Edges«), zu erhalten für die Papiere 

»William Turner«, »PhotoRag« und 

»Museum Etching«. 

Das macht schon etwas her, so ein edler 

Druck, handsigniert als Einzelstück auf 

»Museum Etching«! 

Überhaupt, beim Gang durch die Hallen 

und betrachten der Bilderausstellungen, 

kam mir die Diskussion »Beamer versus 

Print« absolut lächerlich vor. Beamer 

spielten allenfalls als technisches Gerät 

eine Rolle, nicht als Präsentationsform 

für Kunst! 

Die Königsklasse der Fotografie ist der 

FineArt-Print! (auweia, jetzt hagelt es 

wieder Leserbriefe...) 

Um das zu verdeutlichen zitiere ich hier 

einmal Hermann Will den Herausgeber 

des „»fine art printer«: 

»Unser Gehirn ist darauf trainiert, Bilder 

in Kombination mit einer Materialstruktur 

zu betrachten. Und deshalb lösen 

strukturreiche Medien beim Betrachter 

etwas anderes aus als das »reine« 

Bild, das uns am Display vermittelt wird. 

Naheliegend ist auch, dass die uns inne- 


wohnende Neugierde, nämlich die Tatsache, 

dass die Tatsache, dass wir etwas 

begreifen wollen, noch daher rührt, dass 

unsere Vorfahren Bilder in den Kathedralen 

und Kultstätten grundsätzlich mit 

den Händen angefasst haben um deren 

Inhalt zu »begreifen«. 

So weit Hermann Will - und ich denke 

dem ist nichts hinzuzufügen! 

Wenn die Qualität der FineArt Papiere 

schon ein sehr hohes Niveau erreicht 

hat, so gilt das für die Fotodrucker erst 

recht. 

Nach meinem persönlichen Eindruck ist 

der EPSON Stylus Pro 3880 nach wie 

vor »state of the art« für den gehobenen 

Heimanwender. Er ist immer noch unübertroffen 

in Handling und Druckqualität 

und liegt ebenfalls an der Spitze der 

Wirtschaftlichkeit bei den Tintenkosten. 

Interessant finde ich hingegen den Kamerasektor, 

insbesondere die Entwicklung 

im spiegellosen Systembereich. Schon 

alleine in Dimension und Aufmachung 

des Messeauftritts zeigt sich das neue 

Selbstbewusstsein von Panasonic mit 

seiner erfolgreichen »Lumix-Reihe«. 

Räumlich war deren Ausstellungsfläche 

zwar noch hinter Canon platziert, stand 

dieser in Aufwand und Renommé aber 

in nichts nach! 

Das Potential welches in spiegellosen 

Kameras, vorrangig dem Micro- 

FourThirds -System steckt, ist schon sehr 

beachtlich. 

Während die bisherigen digitalen Spiegelreflexkameras 

sich historisch eher als 

Evolution 

aus der technischen Historie begreifen 

lassen, sind die spiegellosen Systemkameras 

die wirkliche digitale Revolution, 

die keine Kompromisse an die analoge 

Vergangenheit machen musste! 

In dieser Einschätzung fühlte ich ich 

mich absolut bestätigt, als ich die neue 

Lumix GH3 in den Händen hielt. Kurz 

vor Redaktionschluss erreichte mich 

eines der ersten Kits mit dem 2,8 12-35 

mm Zoom. 

Mein erster Eindruck war durchweg 

positiv! Gehäuse und Objektiv machen 

einen sehr wertigen Eindruck. Das Zoom 

läuft butterweich und absolut gleichmä- 

ßig. Das neue staub- und spritzwassergeschützte 

Magnesiumgehäuse wirkt 

sehr professionell. 

Obwohl ich Sucher und Monitor schon 

bei dem Vorgängermodell GH2 als gut 

empfunden habe, hat Panasonic hier 

noch einmal nachgelegt. Das Sucherbild 

der Neuen ist absolut brilliant und 

steht einem SRL- Sucher in nichts mehr 

nach. Man sieht wirklich das Bild, welches 

man dann auch erhält, mit allen 

Farb-und Tonwerten! 

Bei einer Spiegelreflexkamera hatte das, 

was man im Sucher sah, ja häufig nicht 

viel mit dem fotografischen Ergebnis zu 

tun... 

Auch der Monitor überzeugte mich 

total! 

Wer wie ich, oft mit Stativ bei tiefen Aufnahmestandpunkten 

arbeitet, wird die 

hohe Brillianz des Bildschirms in Kombination 

mit der Klapp - und Schwenkfunktion 

als äußerst knie- und rückenschonend 

empfinden... 

Jedem, der schon mit MFT-System arbeitet, 

kann ich die GH3 absolut empfehlen 

- wer noch »spiegelt« fände hier 

sicherlich einen lockenden Anreiz zum 

Umstieg... 

Aber zurück zur Photokina! 

Meinem Eindruck nach wird sich die 

rasante technische Entwicklungsgeschwindigkeit 

in der Fotobranche 

abschwächen. 

Die Ergebnisse guter Fotodrucker auf 

FineArt Papier sind kaum noch zu übertreffen, 

und das spiegellose System wird 

in den Verkaufszahlen schon bald die 

Spiegelreflexkameras übertreffen. 

Jetzt bleibt zu hoffen, dass das gewachsene 

Selbstbewusstsein - und natürlich 

die wachsenden Umsätze - die Micro- 

FourThird Firmen dazu bewegen, nicht 

in jeder Modellreihe Fotografen und 

Videofreaks vereinen zu wollen! 

Ich denke, dass ich mich in der Fotoszene 

gut auskenne, und ich kenne praktische 

keine engagierten Fotografen, die 

mit ähnlicher Intensität Videos drehen 

wollen... 

Fest steht, man konnte für sein Geld 

noch nie so viel fotografische Qualität 

kaufen wie heute - und das ist gut so! 

Manfred Kriegelstein

Die Kunst der Fotografie 

Der Weg zum eigenen fotografischen 

Ausdruck 

Bruce Barnbaum 

Verlag: dpunkt.verlag 

ISBN: 978-3-89864-816-5 

400 Seiten, komplett in Farbe, 

Festeinband 

49,90 Euro� 

Diese Buch ist letztlich die deutsche 

Adaptation von »The Art of Photography« 

- dem meistverkauften Fotobuch 

in den USA im Jahre 2011. 

Als ich das Buch das erste Mal in die 

Hand nahm, kam es mir etwas altbacken 

vor und erinnerte mich in großen Teilen 

an die Haltung von Ansel Adams. 

Je mehr ich mich aber damit beschäftigte, 

desto faszinierender fand ich es. 

Im Gegensatz zu der oft oberflächlichen 

oft nur auf Effekt ausgerichteten Fotografie 

der digitalen Zeit, vermittelt Barnbaum 

einen tiefen gestalterischen und 

emotionalen Einblick in den Sinn der 

Fotografie. 

Einen Satz von ihm will ich hier zitieren 

- letztlich weil ich auch eine persönliche 

Wesensübereinstimmung sehe: 

»Meistens habe ich schon während der 

Aufnahme hinter der Kamera eine ziemlich 

genaue Vorstellung davon, welches 

Format das fertige Bild einmal haben soll. 

Die Größe des Abzugs beeinflußt dann 

auch seine emotionale Wirkung«. 

Dieser Satz mag für manche »jpg-Foren- 

Teilnehmer« fremd klingen - zeugt aber 

von hohem fotografischen Niveau mit 

tiefem Verständnis für Kunst! 

Ich fand das Buch sensationell! 


LUMIX G5 

System Fotoschule 

Frank Späth 

Verlag: Point Of Sale Verlag 

ISBN: 978-3-941761-31-5 

28,00 Euro� 

Es gibt eben doch auch heilvolle Allianzen 

- so zum Beispiel zwischen Panasonic 

und Frank Späth. Die einen machen 

hervorragende Kameras - und der andere 

die entsprechenden verständlichen und 

ausführlichen Bedienungsanleitungen. 

Na OK, es ist vielleicht doch untertrieben 

das neue Werk von Frank Späth nur 

als Bedienungsanleitung zu sehen - es 

ist sicherlich sehr viel mehr. 

Bestimmte Kameraeinstellungen werden 

mit Bildbeispielen kritisch erläutert und 

die Vor - und Nachteile dargestellt. 

Weiterhin sehr interessant ist das Kapitel 

über passende Objektive - eben nicht 

nur von Panasonic, sondern auch die 

entsprechenden von Olympus, Sigma 

und Voigtländer. 

Und, da der Autor hier auch vereinzelt 

kritische Töne anschlägt, wirkt er umso 

glaubwürdiger in seiner Beurteilung der 

Fremdobjektive! 

Und last but not least findet sich auch für 

Anfänger ein informativer und gut bebildeter 

Fotoworkshop in Sachen Motivfindung 

und Bildgestaltung. 

Wer die G5 besitzt, für den ist das neue 

Werk von Frank Späth ein absolutes 

Muß! Manfred Kriegelstein 


Photoshop CS6 für digitale 

Fotografie 

Schritt für Schritt zum perfekten Foto 

Maike Jarsetz 

Verlag: Galileo Design 

ISBN: 978-3-8362-1896-2 

504 S. Komplett in farbe mit DVD 

39,90 Euro� 

Der aufmerksame Leser dieses hochgeschätzten 

Magazins wird den Namen 

Maike Jarsetz sicherlich in Erinnerung 

haben. Pünktlich zu neuen Versionen 

von Photoshop oder Lightroom gibt es 

ein neues Werk von ihr. 

Auch in Ihrem Buch über die aktuelle 

Version von Photoshop CS6 verrät sie 

dem Leser alle Tricks zur Bildbearbeitung. 

Hier zeigt sich wieder die doppelte 

Qualifikation der Autorin sowohl als 

Fotografin, als auch als »Adobe Certified 

Expert«. 

Wer ein Problem in Photoshop hat - hier 

wird er die Lösung finden! 

Sowohl für den, der Neuerungen in 

Photoshop finden will, als auch für den 

geübten Anwender der sein Wissen auffrischen 

will - das Buch ist wiederum 

eine Empfehlung! 



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Vorschau 2/2013 

© Annabel Seifert, Olbernhau, »Papierfabrik« 

brennpunkt 2-2013 

erscheint am 

4. April 2013 

Portfolio 

Jesus Pastor 

Ich habe immer von den Geschichten 

an der Grenze der scheinbaren täglichen 

Normalität fasziniert. Innerhalb 

des Friedhofs, wandert ein Mann unter 

Kreuze und Grabsteine , Reinigungsgoldenen 

Lettern und bunten flowers.I 

beobachte ihn, wie er das sonnige Land 

gräbt. Für eine Weile habe ich nur Statuen 

von Engeln, die die Gräber, rissige 

Christs, leeren Nischen, etc bewachen 

fotografiert ... Nach dem Gespräch mit 

ihm fast täglich, fühlte ich das Bedürfnis, 

seine Geschichte mit Bildern zu 

erzählen. 

Portfolio 

Ronny Behnert 

Geboren wurde Ronny Behnert in 

Luckenwalde, einer Kleinstadt, südlichvon 

Berlin. Schnell zog es ihn in 

die Hauptstadt Deutschlands, in der er, 

mit mit einigen Unterbrechungen, seit 

1989 lebt und arbeitet. Nach seiner Ausbildung 

verschlug es ihn beruflich für 

eine begrenzte Zeit nach Frankfurt am 

Main und auf die Insel Sylt im Norden 

Deutschlands. 


© Annabel Seifert, Olbernhau, »Papierfabrik« © Annabel Seifert, Olbernhau, »Papierfabrik« 

© Jesus Pastor 

Leserfotos 

© Ronny Behnert © Ronny Behnert

ennpunkt 1/2013 

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Galerien

brennpunkt 1/2013

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