Dokumentation Pascale Grau

Dokumentation
Pascale Grau

Pascale Grau (*1960 in St. Gallen)
1982-1986 HC-Studio für Musik, Tanz und Bildende Kunst, Bern / 1986-1992 Hochschule für Bildende Künste
HfBK Hamburg bei Rüdiger Neumann (Experimentalfilm), Wilfried Minks (Bühnenbild), Bernhard Johannes Blume
und Marina Abramovic (Freie Kunst) / 1992 – 1994 HfBK Hamburg, Meisterschülerin und Assistentin bei Marina
Abramovic (Klasse Mixed-Media) / 1995 Hochschule für Gestaltung und Kunst Zürich, Szenisches Gestalten (Vorprojekt
NDS) / 2006 – 2008 Zürcher Hochschule der Künste, MAS Cultural / Gender Studies
Pascale Grau lebt und arbeitet in Basel
Auszeichnungen und Stipendien
2007 Kunstkredit Basel-Stadt, Performance-Wettbewerb Sicht auf das Original, 2. Runde
Wettbewerb Ran an den Speck, Warteck-Fonds, Basel
2005 Werkbeitrag von Stadt und Kanton Luzern (gemeinsam mit Judith Huber)
2003 Kunstkredit Basel-Stadt, Performance-Wettbewerb, 2. Runde
2001 Foto-Film-Videokredit der Kantone Basel-Stadt und Basel-Land
1997 Förderpreis, Aeschlimann-Corti Stipendium,
Atelierstipendium Nairs, Stiftung BINZ39, Scuol
Werkbeitrag der Stadt Bern
1995 Werkbeiträge von Stadt und Kanton Bern
1994 Förderpreis, Freundeskreis HfBK Hamburg
Ausstellungen und (Performance-)Aufführungen
* Einzelausstellung / JH in Zusammenarbeit mit Judith Huber / AS in Zusammenarbeit mit Andrea Saemann /
• mit Publikation / (P, V, I) Performance, Video, Installation
2009 Kulturnacht Solothurn, Künstlerhaus S11, Solothurn (P)
Telling Tales, Performancetag im Kunstmuseum des Kantons Thurgau, Kartause Ittigen, Warth (P)
Telling Tales. Performancenacht, Gessnerallee, Zürich (P)
2008 Never failed yet, video tank, Zürich* (I)
Fabrikfest 2008, Fabrik Burgdorf (P)
Regionale 9, Kunsthaus Baselland, Muttenz (V)
Transit Basel-Nairs 1, Aktuelle Kunst aus Basel, Kulturzentrum Nairs, Scuol (V)
Diplomausstellung MAS Cultural/Gender Studies ZHdK, Güterbahnhof Zürich (V)
Münchner Kunstfilmfestival am SommerNachtFilmFestival, Kommunales Kino, Desi, Nürnberg (V)
Szenen aus dem Alltag, Videopark und Helga Broll im Kunstraum Lodypop und Kult.Kino Club, Basel (V)
Monitoring Scenography 2: Space and Truth, Symposium, ZHdK, Zürich (V, P)
2007 Tableau Vivant Schweiz, VIA_Studio, Basel (P)
Trabant #7, Ausstellungsraum Klingental, Basel (P) JH
International Performance Art Festival TIPAF, Guilding Street Avant-Garde Theatre und Shi-Da Park Taipeh,
Taiwan (P)
VIDEOSKULPTUR 07: Virtuelle Kunst auf alten Fels, Schartenfels, Baden (V)
yoo too, Symposium ZHdK, Zürich (P)
Black Box, KinoK, St. Gallen (P, (V)

Les jeux sont fait, Kunsthalle Palazzo, Liestal (P)
4. internationales Performance Festival, Galerie Wildwechsel, Frankfurt (P)
Was ist das Leben bloss?, Videoprojekt AWO Thüringen, documenta 12, Kassel (V) (Online-Projekt)
Huber/Grau, Kunstpanorama, Luzern (P) JH
Sicht auf das Original, Performance-Wettbewerb, Kunstkredit-Basel 07, Kunsthaus Baselland, Muttenz (P) JH
Regionale 08, Kunsthalle Basel und Kaskadenkondensator, Basel (V, P)
7/Eleven, Videoduo mit Esther van der Bie, Kunstraum Lodypop, Basel (V)
2006 Zürich-Plage, Gessnerallee, Zürich (P) JH
Unter 2000.-, Ausstellungsraum Klingental, Basel (V)
Regionale 06, Projektraum M54 Basel und Kunstverein Freiburg i. Br. (I)
DaDao Live Art Festival, South Gate Space, 798 Dahanzi Art District, Peking, China (P)
Performerinnentreffen, SKAM und Galerie Helga Broll, Hamburg (P)
FUTURE OF IMAGINATION 3, International Performance Art Event, Singapore Art Museum & The Substation,
Singapore (P) •
Satu Kali, Performance Art Symposium, Kuala Lumpur, Malaysia (P)
Conartprocess 2006, mARTadero, Cochabamba, Bolivien (P)
2005 Kunstraum Lodypop, Basel (P)
Der Längste Tag, KUNSTHOF Zürich (P)
LICHT FELD 5, Jacob Burckhardt Haus, Basel (V)
Gifted Generation I.P.G., HAU 1 (Hebbeltheater), Berlin (P)
INSIDE/OUT, Performance-Festival, NICA Cultural and Art Center of Yangon, Myanmar (P)
2004 entrée d’artistes, Projektraum M54, Basel (V)
Museumsnacht Bern, Naturhistorisches Museum, Bern (P)
II encuentro international de performance, IVAM, Valencia (P)
Kunstpanorama Luzern (P) JH
k3 projectspace, Zürich (P) JH
BONE 7. Performance-Duos, Schlachthaus Theater Bern (P) JH
kleinformate, Projektraum M54, Basel (Videostills)
Regionale 5, Kunstverein Freiburg i. Br. (V)
2003 Kunstverein Freiburg i. Br. (P)
superformance, forum itinérant, théatre jeune public, Strasbourg (P)
MAD.03, Segundo Encuentro de Arte Experimental, C.C. Conde Duque, Madrid (P)
come back, pool position #03, Projektraum exex, St. Gallen (I, P)
Kunstkredit Basel-Stadt, Atelier- und Werkbeiträge, Kunsthaus Baselland, Muttenz (I)
Kompressionen, Gundeldingerfeld, ehem. Kompressoren-Fabrik Sulzer-Burckhardt, Basel (I)
Pascale Grau, Galerie Foth, Freiburg im Br. * (V), I)
Frauengestalten – Frauen gestalten, Textilmuseum, St. Gallen (I)
2002 Regionale 2002, Kunst Raum Riehen; Le Quai, Mulhouse (V)

Beinahe wirklich. Regionale 2002, Kunstverein Freiburg im Br. (V)
Letzter Eingriff, Altes Frauenspital, Bern (V)
VIPER Basel 2002, Basel (V)
Pascale Grau. Die Welt mit Blumen schlagen, Galerie Werkstatt, Reinach* (V), I)
in between, Kunsthaus Langenthal (P, V) •
V.I.D . Play-Nacht Bern 2002, Festival für Videokunst, Dampfzentrale, Bern (V)
voyage voyage, Ausstellungsraum Klingental, Basel (P), I)
Pink Goes, Schwule und Lesben-Tage, GZ Riesbach, Zürich (P)
Swiss Design 2002: Netzwerke, Design Salon, Buchvernissage von Gender Game, (ed. Marion Strunk),
Museum für Gestaltung, Zürich (P)
Reittiere aus Anlage, ehem. Denner-Filiale, Länggasse, Bern (V), I)
2001 Improvisation: paroles, sons, images, Centre Pompidou, Paris (P)
EXIT Festival, Cable Factory, Helsinki (P)
Marking The Territories, Irish Museum of Modern Art, Dublin (P, V)
BONE 4, Schlachthaus Theater, Bern (P)
Grotte. Lebende Raum-Sound-Installation, Kaskadenkondensator, Basel (I)
Kunstkredit Basel-Stadt, Atelier- und Werkbeiträge, Kunsthaus Baselland, Muttenz (I)
Regionale 01, plug in, Basel (I)
Weihnachtsausstellung, Kunsthalle Bern (I)
2000 Play Back, Künstlergespräche, Kunstkredit Basel-Stadt, Kino Movie, Basel (P) AS
Jahresanlass GSMBA Sektion Bern, Kunsthalle Bern (P)
... und immer wieder diese Zeit, Neumarkttheater in der Frauenbadanstalt, Zürich (P)
150 Jahre KWO, Kraftwerke Oberhasli, Innertkirchen (I)
Symposium Übersee, Romanshorn (P, I)
Regionale 2000, Kunsthalle Basel und Cargo Bar, Basel (I)
Ostschweizer Kunstschaffen, Kunstmuseum St. Gallen (I)
1999 Collaborations/Kollaborationen, o.T. Raum für aktuelle Kunst, Luzern (P) AS
Jahresversammlung des Kunstvereines St. Gallen, Kunstmuseum St. Gallen (P) AS
Portraits, Cargo Bar, Basel (V)
For Eyes and Ears, Performancefestival, Odense, Dänemark (P) •
killing me softly, Performance-Weekend, Kunsthalle Bern (P)
Internationale Performancetage Giswil, Kunstraum Giswil (P)
Internationales Videofenster Basel, Basler Kantonalbank, Basel (V)
Fortpflanzung, Festival auf eine Art, KULE Berlin (P)

09.01_P (cf. 06.01_I)
Im Garten der Fiktion
2009 2.5., Künstlerhaus S11, Solothurn / 3.4., Theaterhaus Gessnerallee, Zürich / 21.3.,
Kunstmuseum des Kantons Thurgau, Kartause Ittingen, Warth
Konzept: Pascale Grau rekurriert in der Performance auf Bild- und Textdokumente, die aus dem Arbeitsprozess
des Kleiderzyklus entnommen sind, in dem sie sich mit der Transformation von Erinnerung und Bekleidung auseinandersetzt
(cf. 06.01_I) Die Videoaufnahmen machen die Materialität der Textilien sichtbar, zeigen ausschnitthaft
den Körper der Künstlerin und ihre Haut. Ihre Hand, die das Kleid glatt streicht oder mit einem Knopf spielt, vermittelt
Stofflichkeit und Sinnlichkeit der Kleidungsstücke. Grau lotet die Performativität dieser Dokumente aus und
nutzt sie in der Performance zur Weiterschreibung für «neue» Geschichten. Sie verwebt die Videoprojektionen in
einem sprachlich-gesanglichen Live-Vortrag zu einer Erzählstruktur mit verschiedenen Strängen. Während bei den
Videos eher die visuelle Wahrnehmung angesprochen wird, kommt der Stimme im Live-Akt die Funktion der appellativen
und affektiven Kraft zu. Sie erzeugt immer einen Überschuss an vokaler Kommunikation, da sie im Sagen
auch das Unsagbare artikuliert. Sie überträgt sich direkt auf den Körper der HörerInnen. Die Künstlerin animiert
das Publikum so zur Suche nach den eigenen Geschichten im «Garten der Fiktion».
Material: 2 Projektoren, 2 LCD-Monitore auf Sockeln, 3 DVD-Player, digitale Bilder, Computer, Videomischer, 2
Videos (Auszüge aus Videomaterial von Erzählstoffe, 06.01_I, Farbe, Ton). Dauer: 30 Minuten
Situation: Die Performanceanlässe Telling Tales versammelten sechs PerformancekünstlerInnen (Yan Duyvendak,
Pascale Grau, San Keller, Muda Mathis und Sus Zwick, Andrea Saemann), die sich in ihren Arbeiten mit multimedialen
Erzählformen auseinandersetzen. Kuratiert wurden die beiden Anlässe von Alexandra Könz, im Rahmen ihres
Projekts zur Narration in der zeitgenössischen Schweizer Performancekunst, in Koproduktion mit dem Theaterhaus
Gessnerallee Zürich und dem Kunstmuseum Thurgau.
Kommentar: «Die Erzählungen und Ansichten Pascale Graus sind intim. Sie reizen zu Lachern, sie rühren zu Tränen
– sie berühren und sie verführen. Gleichzeitig macht die Performance einen Prozess erfahr- und fassbar, der
über die Narration persönlichen Erlebens weit hinausweist.

08.03_I
Never failed yet
2008 videotank, Zürich
Ortsspezifische 3-Kanal-Videoinstallation mit performativem Auftakt
Performance: 1 Boot, 1 Ruderer, Sendermikrofon, Loop-Maschine, Soundsystem, Projektor, Stativ-Leinwand,
1 Video (Mini DV, Farbe, ohne Ton, 18:02 min.)
Installation: 3 DVD-Player, 3 LCD-Monitore (fest installiert vor Ort), 2 Lautsprecherboxen (fest installiert vor Ort),
3 Videos (alle Mini DV, Farbe, Ton, 18:02 min.)
Grau entwickelt für die ehemaligen Forellen-Aquarien unter der Dreikönigsbrücke
in Zürich eine ortsspezifische Installation, deren Auftakt eine
Performance bildet. Vom Ufer aus wird ein Video, das Nahaufnahmen
einer zitternden Lilienblüte zeigt, auf eine Leinwand projiziert, die einem
Segel gleich in einem Weidling platziert ist. Der Ruderer versucht die
Strömungsbewegungen auszugleichen und das projizierte Bild im Geviert
der Leinwand zu halten. Grau, die sich ebenfalls im Boot befindet, singt
währenddessen den Song Jesus‘ Blood Never Failed Me Yet von Gavin
Bryars (1971), wobei sie ihre Stimme mittels einer Loop-Maschine in einen
mehrstimmigen Gesang umformt. Rund zwanzig Minuten dauert die Performance,
in deren Verlauf die spezifischen Umgebungsbedingungen (der Fluss, die Brücke) durch die physischen
Anstrengungen des Ruderers, die immer wieder von der Leinwand gleitende Videoprojektion und den Widerhall des
elektronisch erzeugten Chores wahrnehmungsmässig ausgelotet werden. Danach entschwindet das Boot mitsamt
InsassInnen flussabwärts in die Dunkelheit.
In der Installation nimmt Grau mit den Videoaufnahmen, die auf den zwei seitlichen Monitoren gezeigt werden, das
Thema des Wassers wieder auf: Im rechten Kanal sind Unterwasseraufnahmen eines Flussbetts, von Steinen und
durch die Strömung gebogenen Pflanzen zu sehen; der linke Kanal zeigt ausschnitthaft ein fliessendes Gewässer.
Auf dem mittleren Monitor hingegen «hinterlässt» die Künstlerin nach der Performance das dabei verwendete Video
und den auf der Tonspur hinzugefügten Gesang, als eine Art Relikt, als Zeichen der vergangenen Aktion. Dieses «Erinnerungsbild»
verknüpft den spezifischen Moment der performativen Handlung mit dem installativen Setting, bricht
aber zugleich den Bewegungsrhythmus der Wasseraufnahmen auf. Mit der Anordnung der Videos auf den drei grossen
Monitoren hinter der Glasscheibe verschränkt Grau Wahrnehmungserfahrungen ineinander: von Raum und Zeit,
von Rhythmus und Bewegungsmodus, von verschiedenen Aggregatzuständen und Daseinsformen.

08.02_V (cf. 08.01_P)
Un tout petit peu
2008 Kunsthaus Baselland, Muttenz / Kunstraum Lodypop und Kult.Kino Club, Basel / Güterbahnhof,
Zürich / Kulturzentrum Nairs, Scuol / Kommunales Kino Desi, Nürnberg
DVCAM, Farbe, Ton, 4:32 Min.
Die als öffentliche Aufführung konzipierte Performance stellte Grau im Studio für zwei Kameras nach. Vor den Kameras
verkörperte die Künstlerin erneut ihre beiden Grossmütter. Diese Aufnahmen wurden durch Aufnahmen aus
verschiedenen Blickwinkeln ergänzt. Totalen und Closeups wurden nach filmischen Gesichtspunkten editiert, die
filmischen Sequenzen wurden «unfilmisch» gebrochen, sodass eine Mischung aus Film, Theater und Performancedokument
entstand, das in die Fiktionalität sowie eine neue Erzählung über die Künstlerin und ihre beiden Grossmütter
mündet.

08.01_P (cf. 08.02_V)
Verkörperung
2008 10.10., ZHdK, Zürich / 6.1., Regionale 8, Kaskadenkondensator, Basel
Konzept: Die Künstlerin arbeitet hier mit dem eigenen Körperarchiv und bezieht sich dabei auf ihre beiden Grossmütter,
wobei sie die eine kaum gekannt hat und die andere bis zu ihrem dreissigsten Lebensjahr erleben durfte.
Hintereinander verkörpert sie diese beiden Frauen, begleitet von einem essayistischen Text über Erinnerung, der
von der Künstlerin gelesen und während der Aktion ab Band eingespielt wird. Die körperliche Suche nach den
beiden Grossmüttern gleicht einer Metamorphose, wobei unklar ist, wo genau sie selbst oder die herbeigerufenen
Grossmütter in Erscheinung treten. Die distanzierende Form des Sprachgebrauchs im eingespielten Text verhandelt
die Vergangenheit. Die Körpergesten und der Einsatz der Stimme hingegen machen andere Aspekte im Hier
und Jetzt sichtbar. Die Stimme ist sowohl räumliches Phänomen als auch räumliches Ereignis. Sie erzeugt immer
einen Überschuss an vokaler Kommunikation, da sie im Sagen auch das zeigt, was nicht ausgesprochen werden
kann. In der Überlagerung der Stimme ab Band mit der Körpersprache der Performerin, ihren Gesten und der Live-
Stimme wird Vergangenheit ins Hier und Jetzt befördert und mit Erinnerungen abgeglichen.
Diese Performance, die im Januar 2008 im Kaskadenkondensator aufgeführt wurde, und die dabei aufgezeichnete
Videodokumentation bildeten das Ausgangsmaterial für das Video Un tout petit peu (08.02_V).
Material: Licht, CD-Player, CD, Soundsystem, Dauer: ca. 10 Minuten
Situation: In Kooperation mit der Regionale 8 veranstaltete der Kaskadenkondensator Basel am 6. Januar 2008
ein Performance-Festival, an dem sechs regionale KünstlerInnen Einblick in ihr aktuelles Schaffen boten. Die Auswahl
trafen die KünstlerInnen Judith Huber und Markus Goessi, die damit ein möglichst breites Spektrum der aktuellen
Performance-Szene der Region abzudecken versuchten.
Kommentar: Ein heftiges «Ach was!» füllt den Raum und hallt durch den Gang. Diese stimmliche Live-Explosion
hat mich damals und bis heute, mehrere Monate nach der Aufführung, am stärksten beeindruckt. Sie hat mir die
Qualität und Bedeutung des performativen «Live-Akts» im Unterschied zur technisch reproduzierten Handlung
sinnlich vermittelt und körperlich eingeprägt.» (Alexandra Könz, Zürich, 2009)

07.03_V (cf. 05.04_P)
Der Traum der Vernunft gebiert Ungeheuer
2010 Kunsthaus Baselland, Muttenz // 2007 Kunsthalle Basel
Mini DV, Farbe, Ton (Athmo), 32:40 Min., bevorzugte Präsentation: Wandprojektion
Die Videoarbeit ist im Rahmen der Projektreihe Tableaux Vivants entstanden, einem performativen Konzept das
sich einer eigenständigen Kunstform zwischen Bild und Theater angenommen hat, nämlich dem Nach- und Darstellen
von bekannten Werken aus der Kunstgeschichte. Im schweizerischen Tableau arbeitete die Künstlerin mit
einer Gruppe von befreundeten Künstlerinnen und Künstlern zusammen. Als Vor-Bild wählte die Gruppe Ferdinand
Hodlers Die Nacht, 1890 und schrieb damit die Inhalte der Vorlage weiter.
„Das neue Bild zeigt eine Bettenlandschaft mit schlafenden Menschen, die in einem anhaltenden Lichtgeflimmer
situiert ist. Indem die Künstlerin ein bekanntes Bild in ungewohnter Form vergegenwärtigt, fordert sie die Betrachter
zu einer Neuinterpretation heraus: Ziel des Projektes ist es, das kollektive Gedächtnis, den Bilderschatz und
die Werte eines spezifischen Kulturkreises zu reflektieren und zu hinterfragen.“ Simone Neuenschwander 2007

07.02_P (cf. 06.02_V)
Mimikry
2007 26.8., Guilding Street Avant-Garde Theatre und Shi-Da Park, Taipei, Taiwan / 28.7., Galerie
Wildwechsel, Frankfurt a. M. / 5.5., Kunsthalle Palazzo, Liestal / 13.1., KinoK, St. Gallen
Konzept: Mimikry (engl. Nachahmung) ist nach Metzler’s Lexikon der Literatur- und Kulturtheorie der Wortgebrauch
der Biologie für die strategische Schutzanpassung eines wehrlosen Tiers durch Nachahmung der Warntracht.
Das Gesicht ist das sichtbare Zeichen für Individualität und zugleich die Schnittstelle, an der kulturelle Prägung
und psychische Regung aufeinander treffen. Gefühle zu zeigen ist verpönt, und das Gesicht wird daher oft zur
Maske. Gefühlsausdrücke sind situativ angewandte Muster. Der mimische Ausdruck für Glück, Ärger, Ekel oder
Angst ist erlernt und kann als Tanz der Gesichtmuskulatur abgerufen werden. In der Performance spielt Pascale
Grau ihre Gefühlsausdrücke metamorphoseartig durch, indem sie langsam einen Teil des Gesichtes nach dem
andern verändert. Dabei verführt sie die ZuschauerInnen zu einem identifizierenden Mitspielen (Mimesis), das Reaktionen
von Mitgefühl bis Betroffenheit auslösen kann (Katharsis). Dieses Spiel wird für die Künstlerin selbst auch
zu einer Art Maskerade, die – zum eigenen Schutze vor den echten Empfindungen – das Gegenüber ablenkt.
Material: 1 Profilscheinwerfer, Podest, Dauer: ca. 7 Minuten
Situation: Die Kuratorin Helen Hirsch lud Pascale Grau anlässlich der Ausstellung Les jeux sont faits ein, eine
Live-Performance zum Thema Spiel zu zeigen. Das Publikum wurde in zwei Gruppen aufgeteilt und hintereinander
in einen schmalen dunklen Raum geführt. An dessen Stirnseite ging ein Scheinwerfer an, der die Konzentration auf
das Spiel der Gesichtsausdrücke der Künstlerin lenkte.
Kommentar: «Während der Performance entstand für mich der Eindruck einer Rückprojektion von deinem Kopf-
Inneren nach aussen, auf dein Gesicht.» (Renatus Zürcher, Basel, 2007)

07.01_V (cf. 05.03_P / 91.03_I)
Interiors
2007 Kunstraum Lodypop, Basel // 2004 Kunstverein Freiburg
Mini DV, Farbe, Ton, 6:00 Min.
Das Video basiert auf Videomaterial einer Solo-Performance von 2006 in Peking. Die Bildsequenzen stammen
von der damaligen Live-Kamera, der Sound von einem Dokumentationsband, das die Live-Vertonung in Peking
aufzeichnete.
Der blosse Bauch der Künstlerin wird zur Bühne für eine Möblierung mit harmlosem Spielzeug, die durch die ¨
Atmung ins Schwanken geraten. Das Video ist mit ihrer Stimme und einer Loopmaschine vertont und unterstützt
den Eindruck der „Katastrophe“. Die Projektionen um ein glückliches Heim geraten im Aussen ins Wanken.
Inneres stülpt sich nach Aussen und gibt den Blick frei auf gesellschaftliche Konstruktionen.

06.03_P
Ushi Gake & Ashi Dori
In Zusammenarbeit mit Judith Huber. 2007 11.10., Kunsthaus Baselland, Muttenz / 4.4.,
Kunstpanorama Luzern // 2006 7.11., Theaterhaus Gessnerallee, Zürich
Konzept: Der Körper als Ganzes ist ein Haus mit verschiedenen Räumen, einer Hülle und einem Innenleben. Während
Fleisch und Fettpolster zum Gesprächsthema geworden sind und ihre Formbarkeit als akzeptierte Praxis gilt,
haben sich auch die vormals geschützten Bereiche des Innenlebens verflüchtigt. Das Private wird vor laufender
Fernsehkamera ans Licht gezerrt und bis zur absoluten Belanglosigkeit vermarktet. In der Performance reflektieren
die Künstlerinnen diesen Ausverkauf des Körpers und deren Auswüchse in Kultur, Kunst und Gesellschaft. Durch
das Spiel mit Gender und Maskerade erfinden sich die Künstlerinnen neu. Ushi Gake und Ashi Dori sind eigentlich
dem traditionellen Sumo-Kampf entliehene Begriffe, deren rituelle Bedeutungen performativ erweitert und umgedeutet
werden. Es entsteht eine Szenenabfolge aus Monologen, Handlungen, chorisch-tänzelnden Einlagen und
Videoeinspielungen. Letzte sind entweder erweitertes Bühnenbild oder werden von den Performerinnen in einen
Dialog verwoben. Aus diesen szenischen Fragmenten entsteht eine netzartige Struktur, die sich assoziativ verdichtet
oder in den Köpfen der ZuschauerInnen lose verbindet.
Material: mit Helium gefüllte Ballone, verschiedene Masken und Kostüme, Haarteile, Kürbisse, Stabhandschuhe,
Loop-Maschine, Microport, Soundsystem, DVD-Player, Videomischer, Video- und Soundmaterial, Closed-circuit
Projektion: Videokamera, Projektor. Dauer: 50 Minuten
Situation: Mit dem Gefäss Züri-plage betreibt das Theaterhaus Gessnerallee im P3 (kleine Bühne) einen Versuchsraum
für Ausflüge in performative Randgebiete. Von der Bildenden Kunst her kommend war es ein Experiment, in
diesem Rahmen diese Performance zu zeigen, die sich an der Schnittstelle zu aktuellem Theater ansiedeln lässt.
Kommentar: «Von Cyborgs, Sumo- Kämpfenden und geschlechtsspezifischen Hindernissen auf dem Weg zur
Individualisation. Die Performance weist zwar viele narrative Züge auf, doch sind diese nie eindeutig festlegend,
nie einengend im Sinne von «Hier, das wollen wir euch sagen!». Vielmehr geschieht die Konstruktion von Sinn und
Erzählung – ebenso wie ein mögliches Erkennen von gesellschaftlichen Zusammenhängen – bei den Zuschauenden
selbst.» (Verena Gassmann, Zürich, 2006)

06.02_V (cf. 07.02_P)
Mimikry
2008 Kulturzentrum Nairs, Scuol // 2007 KinoK, St. Gallen // 2006 Ausstellungsraum Klingental, Basel
Mini DV, Farbe, Ton, 5:14 Min.
Im Video “Mimikry” spielt Pascale Grau ihre Gefühlsausdrücke vor der Kamera in einer Naheinstellung metamorphoseartig
durch, indem sie langsam einen Teil des Gesichtes nach dem anderen verändert. Das Gesicht wird zur
Leinwand zwischen Innen (Psyche) und Aussen (Kultur). Der Bildschirm wird zum Spiegel, der die Zuschauer zum
identifizierenden Mitspielen (Mimesis) verführt.

06.01_I (cf. 09.01_P / 97.02_I)
Erzählstoffe
2008 Kulturzentrum Nairs, Scuol // 2006 Projektraum M54, Basel, und Kunstverein Freiburg
1 Monitor (Sony Cube), 1 DVD-Player, 1 Video (Mini DV, Farbe, Ton, 30:00 min.), Kopfhörer, Sitzobjekt
Die Installation ist der zweite Teil eines Langzeitprojekts, in dem Grau sich mit ihren alten Kleidungsstücken und
den ihnen anhaftenden Erinnerungen beschäftigt. Sie verarbeitet jeweils Teile ihrer Garderobe, die sie im Laufe
einer Dekade gekauft und getragen, aber mittlerweile abgelegt hat. Sie probiert diese teils zu klein gewordenen
Kleider vor der Kamera an, erinnert – in der Nacherzählung vor der Kamera – spezifische Momente, in denen sie
eine Jacke oder Hose getragen, eine Bluse oder ein Kleid gekauft hat. Die Kleidersequenzen unterlegt Grau mit
einer Tonspur, die auf von ihr gesungenen Liebensliedern basiert. Für das auf dem Monitor präsentierte Video editiert
sie die Aufnahmen in einer Abfolge, in der auf die «Anprobe» jeweils die entsprechende Erinnerung folgt: Grau
fasst die akustisch untermalten Close ups der bekleideten Körperpartien und Stoffe sowie die Interview ähnlichen
Aufzeichnungen zu zeitlichen Einheiten zusammen, die das Video nicht nur rhythmisch gliedern, sondern auch als
erzählerische Struktur, als aufeinander folgend erinnerte Lebenssituationen darin eingeschrieben werden.
Grau führt die performativen Handlungen, die der Installation zugrunde liegen, noch weiter: Nach ihrer Wiederaneignung
durch die Erinnerungsarbeit zerschneidet sie die Kleidungsstücke und verhäkelt die Textilstreifen zu einem
runden Objekt. Dieses Sitzkissen ist somit einerseits Performancerelikt, andererseits ein materialer, verräumlichter
Auszug aus dem Gedächtnis der Künstlerin. Mit der installativen Gegenüberstellung von Video und Sitzobjekt lotet
Grau die verschiedenen Gedächtnisfunktionen aus: Das Erinnern als aktive, etwas herstellende mnemotechnische
Tätigkeit und die Ab- und Einlagerungen von Erinnerungen in Gegenständen, Personen und Orten sowie die Verknüpfung
von Gedächtnis und Objekt.

05.04_P (cf. 07.03_V)
Tableaux Vivants
2007 5.3., VIA_Studio, Basel // 2006 20.1., mARTadero, Cochabama, Bolivien // 2005 3.2., NICA Cultural
and Art Center of Yangon, Myanmar
Konzept: Tableaux Vivants ist ein performatives Konzept und Projekt, das in verschiedenen Ländern und auf ver-
2. Tableau Vivant Cochabamba Bolivia
schiedenen Kontinenten durchgeführt wird. Es nimmt Bezug zur traditionsreichen Praxis des Nach- und Darstel-
Source material: the last supper (Leonardo da Vinci, un unknown version)
lens von Werken der Malerei und Plastik in einem lebendigen Bild und ist als eigenständige Kunstform zwischen
Theater, Performance und Bild anzusiedeln. Das Projekt wirft Fragen nach dem kulturellen Gedächtnis auf und
reflektiert beziehungsweise vergegenwärtigt den jeweiligen Bilderschatz. Tableaux Vivants versucht durch die performative
Praxis des Nachstellens eine Neuinterpretation von Werten. Die DarstellerInnen und das Publikum treten
dabei in einen energetischen Dialog. Zum Projekt gehört einerseits der Prozess der Bildfindung mit einer Gruppe
von KünstlerInnen vor Ort, andererseits die öffentliche Aufführung des Tableau Vivant und dessen rund dreissigminütige
Videoaufzeichnung.
Bereits realisiert wurden Tableaux Vivants in Asien: Myanmar, Yangon, 2005 (Bild: Gemälde einer Malerin, Teilnehmerin
des Workshops, Entstehungsjahr unbekannt); in Südamerika: Bolivien, Chochabamba, 2006 (Bild: Ultima
Cena, Jacopo Bassano, 1548); in Europa: Schweiz, Basel, 2007 (Bild: Die Nacht, Ferdinand Hodler, 1889). Das
nächste Tableau Vivant wird im Oktober 2009 in Bangalore, Indien, realisiert. Ein weiteres Tableau ist auf dem afrikanischen
Kontinent geplant.
Tableau Vivant realised with the participants of the Workshop
Material: verschiedene, von der Bildvorlage und den Entscheidungen der PerformerInnen abhängige Requisiten
und Aufbauten, Film-Setting: Scheinwerfer, Videokamera, Stativ
2. Tableau Vivant Cochabamba Bolivia
Source material: the last supper (Leonardo da Vinci, un unknown version)
Dauer: ca. 30 Minuten
3. Tableau Vivant Basel Schweiz
Source material: „die Nacht“ of ferdiand Hodler (one of the most known swiss painter from
the last century)
Tableau Vivant realised with the participants of the Workshop

Institution: best is that the workshop and the performance will be connected to a kind
of institution.
Language: english
Reference material:
1. Tableau vivant Yangon Myanmar (Burma)
Source material: Painting from one of the participant: showing a descent religious, cultural
and social ritual: giving the boys in the monastry
Tableau Vivant realised in Yangoon with the articipants of the workshop:
Situation: Im Workshop, der im Rahmen eines internationalen Performance-Festivals in einem Kulturzentrum in
Yangon (Myanmar) stattfand, einigten sich die TeilnehmerInnen darauf, ein Gemälde einer teilnehmenden Malerin
nachzustellen. Dieses zeigt ein in Burma noch praktiziertes Ritual, bei dem kleine Knaben für eine gewisse Zeit der
Obhut der Klöster übergeben werden.
In Chochabamba (Bolivien) konnte das Tableau Viavant ebenfalls im Rahmen eines Performance-Workshops im
mARTadero, einem zum Kulturzentrum umgenutzten Schlachthof, erarbeitet und gezeigt werden. Die Gruppe wählte
das Gemälde Ultima Cena von Jacopo Bassano für eine freie Nachstellung und legte dabei grossen Wert auf
eine individuelle Gestaltung eigener Figuren.
Das Tableau Vivant Schweiz realisierte Grau mit acht befreundeten KünstlerInnen in Basel. Die Gruppe entschied
sich dazu, Die Nacht von Ferdinand Hodler nachzustellen, und konzentrierte sich auf eine möglichst genaue formale
Entsprechung. Zugleich versuchten die KünstlerInnen aber auf der inhaltlichen Ebene eine neue Lesart des
Hodlerschen Werks herzustellen.
Kommentar: «In einem bewundernswert demokratischen Prozess einigte man sich auf die Darstellung des
Letzten Abendmahls. Ausgehend vom Konzept der aktiven Selbstdarstellung, bei der jedeR KünstlerIn die eigene
Position durch eine individuelle Performance darstellt, beschloss man, sämtliche dargestellten Personen
um einen Tisch herum zu gruppieren; und so – durch das Zitieren eines bekannten Kunstwerks – in den Prozess
auch eine charakteristische Geste der postmodernen Kunstproduktion einzuschreiben.» (Angelika Heckl, Chochabamba,
2006)

05.03_P (cf. 07.01_V / 91.03_I)
Interiors
2008 23.8., FABRIK, Burgdorf // 2007 24.8., Guilding Street Avant-Garde Theater und Shi-Da Park,
Taipei, Taiwan // 2006 2.10., South Gate Space, 798 Dahanzi Art District, Peking // 2005 29.1., NICA
Cultural Art Center of Yangon, Myanmar
Konzept: In der Performance wie auch im gleichnamigen Video (cf. 07.01_V) thematisiert Pascale Grau explizit die
Relation von Live-Performances und ihren Dokumenten. Ausschnitte der Live-Aktion werden im ersten Teil der Performance
mit einer Kamera aufgezeichnet, wobei die Künstlerin ihren Bauch markant ins Bild setzt. Auf dem Rücken
liegend nutzt sie ihren Bauch als ausgestülpten Innenraum, möbliert ihn mit Objekten aus Puppenhaus und Spielzeugkiste.
Diese Ansicht der Leibesmitte wird gross auf die Wand projiziert. Grau schreibt das in der Aktion entstandene
performative Dokument, die Videoaufzeichnung, im zweiten Teil medial und inhaltlich weiter. Es wird direkt ab
Kamera als Projektion eingespielt und von ihr live, mit ihrer Stimme und unter Einsatz einer Loop-Maschine, vertont.
Das Publikum wird so unmittelbar Zeuge dieser «Bildproduktion» und der damit zusammenhängenden Übersetzungen.
Durch die Vertonung erfährt das vorher harmlos erschienene Spiel eine dramatische Wendung, werden
doch aus den vorgängig als putzige Alltagssituationen erfahrbaren Bildern plötzlich albtraumartige Szenerien.
Material: Liege, Kleinstutensilien wie Spielzeugmobiliar und -autos, Postkarten, Schaumstoff, Federn, Figürchen
etc., Videokamera, Projektor, Tisch, Loop-Maschine, Soundsystem. Dauer: ca. 30 Minuten
Situation: Das DaDao Live Art Festival fand vom 1. bis 5. Oktober 2006 in verschiedenen Lokalitäten und im
Aussenraum im Dahanzi Art District in Peking statt. Der Kurator und Performancekünstler Shu Yang hatte zu
diesem viertägigen internationalen Festival 17 chinesische und 28 weitere KünstlerInnen aus Singapur, Taiwan,
Hong Kong, Australien, Grossbritannien, Deutschland, Schweiz, Holland und den USA eingeladen, die er selbst an
anderen Festivals kennen gelernt hatte. Die Performance Interiors wurde am zweiten Tag im South Gate Space,
einem alternativen Theaterraum ohne Bühne mit Zuschauertribüne gezeigt.
Kommentar: «Ich mag bei der Performance die Überlagerungen von Echtzeit und Vergangenheit und die
Gleichzeitigkeit, mit der das Interieur auf deinem Bauch entsteht, aber in der Grossbild-Übertragung im selben
Moment schon eine Veränderung erfährt.» (Katharina Ammann, Chur, 2009)

05.02_P (cf. 02.04_V / 02.03_I / 93.03_P)
Die Welt mit Blumen schlagen
2005 20.5., HAU 1 (Hebbeltheater), Berlin
Konzept: Ausgehend von einem Performancekonzept, das Grau bereits 1993 in der Inszenierung dressing 1-5
(93.03_P) mit der gruppe a.b. umgesetzt hatte, entwickelt die Künstlerin 2002 eine 5-Kanal-Videoinstallation (02.03_I)
und eine eigenständige Videoarbeit (02.04_V). 2005 greift sie dieses Konzept wieder auf und realisiert eine Performance.
Sie zeigt sich als Schöpferin und Regisseurin, die ins Weltgeschehen eingreift, die – mal zärtlich, mal brutal –
ihre Protagonisten an die Hand nimmt. Sie vollzieht ein trauriges Spiel mit einer auf Spielzeuggrösse geschrumpften
Welt, die von verschiedenen Blumen – schönen, doch auch selbst fragilen Objekten – gepeitscht und geschunden
wird. Grau schlägt die Papiergloben mit einem Blumenpaar über einem Tisch so lange hin und her, bis die Pflanzen
ihre Köpfe verlieren oder auf andere Weise kaputt gehen; sie folgt dabei dem Rhythmus von bekannten Kinderliedern,
Chansons oder Schlagern, die um das Thema Blumen kreisen. Jedes Mal holt sie eine neue Weltkugel aus einem
grossen, hinter ihr stehenden Behälter, entnimmt die frischen Blumen aus einer Vase zu ihrer Rechten und deponiert
deren Überreste in einer zweiten Vase zu ihrer Linken. Im Anschluss daran singt sie das während des Schlagens
innerlich gesummte Lied laut vor. Grau wiederholt dieses «grausame» Spiel, bis am Ende rund zwanzig zerschundene
Papiergloben, die wie abgeschlagene Köpfe über den Boden rollen, von der vergangenen Aktion zeugen.
Material: ca. 25 Papierweltkugeln zum Aufblasen, 20 Blumenpaare, Tisch, 2 Vasen
Dauer: zwei Mal 30 Minuten
Situation: Marina Abramovic kuratierte und inszenierte mit KünstlerInnen der von ihr gegründeten Performance
Gruppe I.P.G. (Independent Performance Artists) in den Räumlichkeiten des Hebbeltheaters HAU 1 in Berlin einen
zweitägigen Performance-Marathon zum Thema Body Art. Die BesucherInnen erlebten auf ihrem Parcours durch
das Haus, von der Eingangstreppe über Bühne, Hinterbühne, Zuschauerraum, Rang, Foyers und Toiletten bis zu
den Garderoben, dreiundzwanzig meist mehrstündige Performances. Die Performance von Pascale Grau fand auf
der Hinterbühne des Theaters statt.
Kommentar: «...eine Frau traktiert die Welt mit Blumen...» (Annette Jahn, in: Tagesspiegel Berlin, 22.5.2005)

05.01_P (cf. 02.02_V)
Ovation
2006 9.4., Performance Art Symposium, Kuala Lumpur, Malaysia // 2005 21.6., Kunsthof Zürich
Konzept: Die als Hommage an die Opernsängerin Maria Callas konzipierte Arbeit realisierte Grau zuerst als Performance
für die Kamera, für die Videoarbeit Ovation (02.02_V). Dieses Vorgehen markiert einen Wendepunkt in
der Arbeitsweise von Pascale Grau: Bisher waren immer die Live-Performances der Moment des Anstosses, ein
Thema auch in ein anderes Medium zu übersetzen; hier erfährt nun die dem Video zugrunde liegende Idee in der
Live-Performance eine inhaltliche Weiterführung. Ging es in der Videoarbeit vor allem um eine grundlegende Reflexion
der Arbeitsbedingungen von KünstlerInnen, so bindet Grau in der Live-Performance das Publikum unmittelbar
in den Arbeitsprozess ein: In Abendrobe und mit Hochsteckfrisur tritt Grau vor die Anwesenden und verbeugt
sich ganz langsam nach allen Seiten. Die ZuschauerInnen werden mehr und mehr Teil eines imaginierten Beifallssturms,
für den sich die Künstlerin mit ihren Verbeugungen und ihrem strahlenden Lächeln zu bedanken scheint.
Erst als das real anwesende Publikum zu klatschen beginnt, beendet sie die Performance. Insofern hinterfragt sie
in der Live-Performance auch die Rituale von Anerkenung, Höflichkeit und Empathie und schreibt so die Frage
nach den Produktionsbedingungen zeitgenössischer Kunst weiter.
Material: Abendrobe, Hochsteckfrisur, Bühne, Lichtinszenierung (Scheinwerfer / Lichtverhältnisse am Aufführungsort)
Dauer: variabel
Situation: Der längste Tag ist ein 16–stündiger Performance-Anlass unter freiem Himmel, der von Dorothea
Rust und Peter Emch in den Jahren 2004, 2005, 2007 und 2008 im Kunsthof Zürich kuratiert wurde. In dem
Hof zwischen zwei Gebäuden, der von der Strasse durch eine Mauer abgeschirmt ist, traten die KünstlerInnen
von Sonnenaufgang bis –untergang, jeweils in stündlichen Intervallen, auf einer circa 16m 2 grossen, niedrigen
Holzplattform vor wechselndem Publikum auf.
Kommentar: «In alle Richtungen verbeugt sie sich immer wieder, als ob sie gerade im tosenden Applaus stehen
würde. Erst als aus einem Fenster auf der gegenüberliegenden Strassenseite ein paar Zaungäste tatsächlich klatschen,
beendet sie ihre Performance – und erntet nun den echten, verdienten Applaus.» (Caspar Schärer, in: Tagesanzeiger,
23.6.2005)

04.02_V (cf. 91.03_I)
le tourbillon de la vie
2004 Projektraum M54, Basel
Mini DV, Farbe, Ton, 7:58 Min.
Auf dem Bauch einer Person stellt die Künstlerin mit objects trouvés Szenen nach. Im Spiel mit Grössenverhältnissen
werden die Hände der Akteurin übermächtig und kommentieren auf ironische Weise die Wirren des Lebens.
Die Person die gleichsam den Boden für die Szenerie bietet beginnt zu atmen, die Gegenstände wogen oder tanzen
zur Musik einer schrammeligen Schallplatte aus den 60er Jahren: Jeanne Moreau singt „le Tourbillon de la Vie“
aus dem Film „Jules et Jim“ von F. Truffaut

04.01_P
Ring Ring
In Zusammenarbeit mit Judith Huber. 2007 1.11., Ausstellungsraum Klingental, Basel // 2004 3.12.,
Schlachthaus Theater, Bern / 14.2., K3 Projekt Space, Zürich / 16.1., Kunstpanorama Luzern
Konzept: Im Rahmen der Weiterentwicklung ihrer Performancekonzepte integrieren Pascale Grau und Judith
Huber VertreterInnen aus anderen Berufswelten in ihre Performances. Im Vorfeld zur Performance Ring Ring kuratierten
Huber und Grau eine Veranstaltungsreihe mit dem Titel stand in im Kaskadenkondensator in Basel. Von den
Ergebnissen inspiriert luden sie für ihre eigene Performance eine Shiatsu-Masseurin, einen Pizzaiolo (Schweizer
Meister seines Faches) und eine DJane ein. Sie alle stellen – wie die Künstlerinnen – in ihrer Arbeit performativ
etwas her, allerdings nicht im Kunstkontext.
Im Wechselspiel mit den drei Berufsfachleuten führen sie jeweils ihre eigenen spezifischen Fähigkeiten ins Feld.
Dabei kreist die metaphorischen Übertragungen der AkteurInnen um das Thema Ringen: Ringen mit Körpermassen,
mit Worten, mit inneren Bildern und anderen Materialien. Im Ringen um den jeweils überzeugendsten Ausdruck
finden alle, manchmal im Duo oder Trio, mittels Handlungen, Gesten und Worten zu fragmentarischen Geschichten
und Statements über alltägliche Handgriffe.
Material: ca. 80 kg Pizzateig, Pizzabackofen, Closed-circuit Projektion: Videokamera, Projektor, verschiedene
Kleinstutensilien, Sitzsack, Shiatsu-Liege, DJ-Pult, Soundsystem. Dauer: 45 Minuten
Situation: Im Kunstpanorama Luzern (Saisoneröffnung) und im K3 Project Space in Zürich (spezieller
Performance-Anlass) konnten Grau und Huber Ring Ring mit ihren drei Gästen zeigen. Bei Bone 7, einem
Performance-Festival zum Thema Duos (2004), und Trabant #7 im Ausstellungsraum Klingental (2007) führten unter
anderem die finanziellen Bedingungen zu einer personellen Reduktion, worauf die Künstlerinnen eine Adaption der
Performance für zwei Akteurinnen erarbeiteten.
Kommentar: «Körperkraft und Kampf werden mit Leichtigkeit und Eleganz kontrastiert und einer erotischen
Geste, einem Griff an den Busen (der Kunstgeschichte), aufgehoben. ... Doch einen wahren Ringkampf boten
die beiden Künstlerinnen zum Schluss ihrer Performance. Sie traten gegen eine Kiste voll Pizzateig an und
unterlagen.» Kurt Beck, in: Neue Luzerner Zeitung, 10.1.2004

03.01_I
untertags
2003 ehemalige Kompressoren-Fabrik Sulzer-Burckhardt, Basel
Ortsspezifische Sound-Installation: 22 Lautsprecherboxen, 11 CD-Player, 11 CDs (je 30:00 min.)
Anlässlich der Umnutzung der ehemaligen Kompressoren-Fabrik Sulzer-Burckhardt im Gundeldinger Feld in Basel
entwickelt Grau eine Installation in den Kellerräumen des riesigen Areals (12‘700 m 2 ). Sie zeichnet Geräusche in den
neu als Büros genutzten Räumen und im umgebenden Aussenraum auf, die sie in den labyrinthischen, unterirdischen
Gängen an zehn Stationen über Lautsprecher abspielt. Im Vorraum, unmittelbar anschliessend an den untersten
Treppenabsatz, ist ein Mix aller Sound-Aufnahmen zu hören. Stimmen von Menschen, die einander begrüssen, Geräusche
am Arbeitsplatz und das auf dem Areal aufgenommenen Vogelgezwitscher verweben sich zu einem atmosphärischen
Soundteppich, der vom Untergrund aus auf das Leben über der Erde, auf den Alltag verweist.
Besonders die Vogelstimmen wecken bei den ehemaligen Fabrikangestellten Erinnerungen an die frühere Funktion
des Gebäudes, wurden doch in den Kellergängen Kanarienvögel als «lebende Gas-Detektoren» gehalten.

02.05_P
voyage
2003 29.5., Projektraum exex, St. Gallen (3 Performances, voyages 4–6) // 2002 18.1.,
Ausstellungsraum Klingental (3 Performances, voyage 1–3)
Konzept: voyage ist ein Performancekonzept, das bei jeder Aufführung eine Weiterführung in Form einer neuen
Bilder-Reise erfährt, die entsprechend nummeriert wird. Grau unternimmt anhand von unterschiedlichen Bildern
wie Postkarten oder Zeitungsausschnitten, eigenen Fotografien und Kleinstutensilien aus ihrem «Archiv» eine
fiktive «Reise». Im Verlauf der Performance werden diese Gegenstände in einer teils geplanten, teils improvisierten
Reihenfolge vor eine Videokamera gelegt und für das Publikum in Grossprojektion übertragen. An einem gewissen
Punkt der «Reise» spielt die Künstlerin eine Single auf dem Kofferplattenspieler ab, die beide ebenfalls aus dem
ihrem Fundus stammen. Die Musik hat die Funktion, die Stationen der «Reise» atmosphärisch zu unterstützen.
Material: verschiedenes Bildmaterial (Postkarten, Zeitungsausschnitte etc.), Fotografien, Kleinstutensilien, Tisch,
Kofferplattenspieler, Singles, Closed-circuit Projektion: Videokamera, Projektor
Dauer: ca. 10 Minuten pro Reise
Situation: voyage 1-3 unternahm Grau anlässlich der Basler Museumsnacht im Ausstellungsraum Klingental,
und zwar über den ganzen Abend verteilt. Dieser Anlass war Teil der Ausstellung voyage voyage, die Grau in
Zusammenarbeit mit den Künstlerinnen Anne Hody und Lena Eriksson realisierte.
voyage 4-6 unternahm Grau, assistiert von Luzia Broger, anlässlich einer Abendveranstaltung mit Künstlergespräch.
Die beiden Künstlerinnen bestritten den Abend gemeinsam, wobei diese punktuelle Kooperation im Kontext
der Ausstellung come back im Projektraum exex die Übergabe des Ausstellungsraumes von einer Künstlerin
an die nächste veranschaulichen sollte.
Kommentar: «Pascale Grau liess sehnsuchtsvoll aufgeladenen Erinnerungsbilder über eine Projektionsfläche
gleiten und Luzia Broger legte dazu passende Singles auf.» Ursula Badrutt Schoch, in: St. Galler Tagblatt, 3.6.2003

02.04_V (cf. 05.02_P / 02.03_I / 93.03_P)
Die Welt mit Blumen schlagen
2008 Kulturzentrum Nairs, Scuol // 2007 VIDEOSKULPTUR 07, Baden // 2003 Galerie Foth, Freiburg
Mini DV, Farbe, Ton, verschiedene Versionen von 6:12 Min. bis 21:50 Min.
Das Video ist eine Auskoppelung von drei Sequenzen aus der Mehr-Kanal Arbeit mit demselben Titel. Indem Grau
auf die räumlich artikulierten Komponenten verzichtet und auch kein zusätzliches Material einfügt, das diese
«Leerstelle» ersetzen würde, legt sie den Fokus auf die performative Handlung und deren durchaus inszenierte
Repräsentation im Video.
«Man ahnt, was auf die Welt noch zukommt, wenn sie im linken äusseren Bild zum ersten Mal auftaucht: unbarmherzig
maltraitieren zwei sonst zur sanften Anschaulichkeit bestimmte Blumen den fragilen Erdball und peitschen
ihn in raschem Staccato über den Bildschirm. Eine fragile Papierhülle vor schwarzem Grund, der Globus als Spielball
der Künstlerin»... Isabel Zürcher

02.03_I (cf. 05.02_P / 02.04_V / 93.03_P)
Die Welt mit Blumen schlagen
2002 Galerie Werkstatt, Reinach
5-Kanal-Videoinstallation: 5 Monitore (Sony Cube), 5 DVD-Player, 5 Videos (alle DVCAM, Farbe,
Ton, 19:40 min.), Synchronsteuerung, 1 runder Lautsprecher, 1 Papierglobus (verstärkt durch hinein
geblasenen Luftballon)
Pascale Grau greift bei dieser Installation auf ein Performancekonzept
zurück, das sie bereits 1993 für das Projekt dressing 1-5 (93.03_P) mit der
gruppe a.b. entwickelt hatte. Sie löst die Szene, in der sie eine Papierweltkugel
mittels zweier Blumen jongliert, aus dem früheren Kontext und führt
diese Handlung nun in einem spezifischen Studio-Setting aus: Im Fokus
der von oben auf die Aktion gerichteten Kamera liegen zwei Blumen – wie
ein Besteck platziert – auf einem mit schwarzem Tuch bespannten Tisch.
Zwei Hände nehmen die Blumen auf, der Spielzeugglobus wird ins Bild
geworfen und mit den Blumen so lange hin und her geschlagen, bis die
Pflanzen kaputt sind. Grau synchronisiert diese Videoaufnahmen auf den
fünf Monitoren, sodass immer einer den performativen, zerstörerischen
Vorgang zeigt, während auf den anderen die liegenden Blumenpaare zu sehen sind. Das Geräusch der Schlagbewegungen,
der Aufprall der fragilen Stängel und Blüten auf der dünnhäutigen, papiernen Weltkugel setzt die auf
dem Lautsprecher aufliegende Erdkugel in Bewegung.
Mit der installativen Formung, der halbkreisförmigen Anordnung der Monitore, deren Schrägstellung und dem mittig
platzierten Lautsprecher mit der Weltkugel, akzentuiert Grau den unendlichen Kreislauf dieses (selbst-)zerstörerischen
Spiels. Zugleich definiert sie in den Videos mit der fixierten Kameraposition deren Cadrage als Aktionsraum,
in dem die empfindlichen Gegenstände von ihr in Interaktion gebracht werden. Sie verweist einerseits auf
die ambivalente Beziehung zwischen der Vernichtung und ihrer Hilfsmittel, andererseits auf das latente Gewaltpotential,
das (diesen) sensiblen und ästhetischen Instrumenten, in diesem Fall den Rosen, Dahlien, Flockenblumen
und anderen Blumen, abgerungen werden kann.

02.02_V (cf. 05.01_P)
Ovation
2005 Jacob Burckhardt Haus, Basel // 2002 Kunst Raum Riehen / Galerie Werkstatt, Reinach / Altes
Frauenspital, Bern / VIPER Basel 2002, Basel
Mini DV, Farbe, Ton (Athmo), 5:30 Min, bevorzugte Präsentation: lebensgrosse Projektion vom Boden aus
Die Künstlerin tritt noch einmal auf die Bühne bedankt sich minutenlang für den Schlussapplaus ihres Publikums.
Doch wir hören kein Klatschen und sehen keinen Vorhang. Wir befinden uns im Atelier der Künstlerin, sie tritt in
schwarzer Abendrobe vor eine weiss gestrichenen Wand ins Bild, das einzige Geräusch ist das Knarren der Bodenbretter.
...Im Auftritt der zugleich Abgang ist, wird die Situation des tosenden Applauses, 5 Minuten der Berühmtheit
durchgespielt. Die scheinbare Verlangsamung, mit der entsprechende Szenen im Hollywood-Kino betont werden,
ist hier jedoch selbst ein «Fake». Die Slow- Motion ist in Echtzeit produziert, das jubelnde Bad in der Anerkennung
der Menge findet in aller Stille im Atelier der Künstlerin statt. Katrin Grögel

02.01_I
Palermo
2003 Projektraum exex, St. Gallen // 2002 Ausstellungsraum Klingental, Basel
3 Diaprojektoren (Kodak Carousel), 3 Diapositive, 2 Stativ-Leinwände, 11 Gartenstühle aus Plastik,
Tuch mit Foto-Aufdruck, Sand
In der Mitte des abgedunkelten Raums hat Grau eine flache Insel aus
Sand geformt, auf der sie zwei Stapel von aufeinander geschichteten Plastikstühlen
platziert. Über eine Stuhllehne hängt ein bedrucktes Tuch, wie
ein Badetuch zum Trocknen. An den Schmalseiten der mit Sand markierten
Fläche stehen zwei Stativ-Leinwände, auf die jeweils ein Dia projiziert
ist. Eine dritte Projektion ist auf die Wand gerichtet, wobei die gestapelten
Stühle vom Licht des Projektors gestreift werden und einen Schatten auf
das Bild werfen. Die drei Fotografien zeigen ein Hochzeitspaar beim Foto-
Shooting am Strand, jedoch aus einer ungewöhnlichen Kameraperspektive:
Die Fotografin, die Künstlerin, liegt im Sand und fokussiert aus diesem
Blickwinkel nicht nur das herausgeputzte Paar, sondern auch die sie umgebenden
Fotografen und Kameramänner. Grau verschiebt durch diese Bildkomposition die Gewichtung zwischen
den AkteurInnen, zwischen Hauptpersonen und «staff». Zugleich verdoppelt sie das Spiel von Beobachtung und
Posieren, verschränkt die verschiedenen Blickachsen ineinander. Im installativen Setting potenzieren sich die unterschiedlichen
inszenatorischen Gesten und Rituale. Während die Künstlerin eine erlebte Situation nachstellt und
mit ihren Aufnahmen das für die anderen Kameras ausgerichtete Arrangement als Pose entlarvt, sind die Handlungen
der übrigen am Strand anwesenden Personen von «Funktionszusammenhängen» geprägt. Was im ersten Augenblick
wie eine romantische Strandstimmung in der Nachsaison anmutet, entpuppt sich bei näherem Hinsehen
als kalkulierte Aktion, mit der ein bedeutsamer Moment in einer kulturell und gesellschaftlich reglementierten Form
als Erinnerungsbild fixiert wird. Indem Grau diese Inszenierung jedoch aus ihrem persönlichen Blickwinkel überliefert,
hinterlässt sie in der Installation auch Spuren ihrer eigenen Präsenz, stellt den stereotypen Bildformeln ihr
individuelles «Bild» als eine Art Kommentar gegenüber.

01.03_V (cf. 00.02_P)
enhanced by King Kong
2003 Galerie Foth, Freiburg // 2002 Ausstellungsraum Klingental, Basel / Kunsthaus Langenthal
S-VHS, Farbe, Ton, 12:35 Min.
Das Video ist eine auf vier Szenen verdichtete Nacherzählung entlang der Tonspur des Originalfilmes King Kong
von Merian C. Cooper (1933). Dieser war einer der ersten Filme, die mit Soundeffekten arbeiten. Abgebildet sind
die Hände der Künstlerin, die mit Spielzeug die Szenen vor der Kamera nachspielen. Grössen- und Machtverhältnisse
geraten durcheinander. «...Wie im Spiel eines Kindes macht sich Pascale Grau nun also zum „Lieben Gott“,
zum Drahtzieher und Einflüsterer, und enthüllt die Geschichte des Films als hochartifizielle Potenzphantasie.»...
Annina Zimmermann
Die Szenen sind:
- King Kong raubt die weisse Frau Anne.
- Die Retter gehen in der Wildnis selbst zu Grunde.
- King Kong kämpft mit anderen Monstern den Kampf des Stärkeren.
- Das zivilisierte New York bekämpft mit bombenabwerfenden Flugzeugen
die Urnatur King Kong, der sich mit Anne auf dem Empire State Building verschanzt hat.

01.02_I
Grotte
In Zusammenarbeit mit André Schmid, Landschaftsarchitekt
2001 Kaskadenkondensator, Basel
Vegetative, performative Sound-Installation: Holzkonstruktion aus Dachlatten, Geotextil, Alfa-
Alfa-Samen, 10 Luftbefeuchter, 1 Giesskanne, 2 Wassersprüher, 1 Wassersauger, Plastikfolie (zum
Abdecken des Textils), 1 Monitor mit integriertem Videoplayer, 1 Video (VHS, Farbe, Ton, 30:00 min.), 1
heterosexuelles Liebespaar
Für die Ausstellung im Kaskadenkondensator in Basel entwickeln Grau
und Schmid eine performative Installation, mit der sie sowohl die Traditionen
der Grottenarchitektur als auch deren kulturellen Bedeutungszusammenhänge
aufgreifen. Sie errichten in dem vor Ort bestehenden, tiefer
liegenden Zwischenboden eine höhlenartige Holzkonstruktion, die sie mit
Geotextil bedecken, auf das Alfa-Alfa-Samen ausgestreut werden. Damit
diese vegetative Struktur auch gedeiht, die Sprossen auch auskeimen und
grünen, muss die Grotte feucht gehalten werden; hierfür platzieren Grau
und Schmid im oberen Bereich des Ausstellungsraums zahlreiche Luftbefeuchter,
die zugleich für die akustische Komponente der Installation
verantwortlich sind. Das sanfte Surren und stetige Blubbern der Geräte
verweben sich im Laufe der Ausstellungsdauer mit dem visuell und olfaktorisch wahrnehmbaren Evolutionsprozess
dieses Biotops. Mit dem Liebespaar, das sich in der Grotte regelmässig für einige Stunden eng umschlungen
niederlässt, setzen Grau und Schmid einen Rückverweis auf die kulturhistorischen Referenzen und brechen die
biologische Komponente der Installation teilweise wieder auf. Darüber hinaus eröffnet die begehbare Struktur, die
im Laufe der Zeit gänzlich organisch durchwachsen wird, den Bezug zu dialektischen Konzepten von Natur und
Kultur, von Innen- und Aussenwelten. Mit den vor dem Eingang zur Grotte auf einem Monitor präsentierten endoskopischen
Videoaufnahmen des Darmtrakts führen Grau und Schmid das technologisch unterstützte Modell der
Erkundung des Innenlebens vor Augen; durch die installative Anordnung werden die BetrachterInnen jedoch nicht
im Unklaren darüber gelassen, dass diese bildliche Erforschung für die KünstlerInnen nur eine Möglichkeit darstellt,
in die verschlungenen, vielschichtigen Bereiche der menschlichen Existenz einzutauchen.

01.01_I
ins Gras beissen
2007 Videoprojekt AWO Thüringen, Kassel // 2003 Projektraum exex, St. Gallen // 2001 [plug.in], Basel
/ Kunsthalle Bern / Kunsthaus Baselland, Muttenz
1-Kanal-Videoprojektion: 1 Projektor, 1 DVD-Player, 1 Video (DVCAM, Farbe, Ton, 00:18 min.), 2
Lautsprecherboxen (Fostex-Lautsprecher), Projektionsgrösse ca. 2 x 3 Meter
«Ins Gras beissen» ist ein sinnbildlicher Ausdruck für Sterben und höchstwahrscheinlich von dem seit der Antike
in Schriftquellen überlieferten Verhalten verwundeter Soldaten abgeleitet, die auf dem Schlachtfeld zur Unterdrükkung
ihrer Schmerzen in den Boden bissen. Pascale Grau setzt sich in der Installation mit dieser Redewendung
auf einer performativen, (körper-)sprachlichen Ebene auseinander: Sie kniet in der Wiese, beugt ihren Kopf in eruptiven
Bewegungen, beinahe wie in Trance, nach vorne und rupft mit dem Mund einige Büschel roten Klees aus, die
sie anschliessend zerkaut. Die Aufnahmen der Videoperformance übersetzt sie in eine audiovisuelle Formung, die
deutlich Züge einer «musikalischen Phrasierung» aufweist. Die unendliche Aneinanderreihung der nur einige Sekunden
dauernden, überlebensgrosss projizierten Bildsequenz erzeugt einen fast meditativen Rhythmus, der vom
Ton – lauten, übersteigerten und ebenfalls metrisch strukturierten Mahl- oder Kaugeräuschen – noch intensiviert
wird. Grau formuliert ein direktes visuelles Äquivalent zur Titel gebenden Sprachfigur, deren semantisches Potential
sie im performativen Akt gleichsam auflöst. Mit lustvoller Entschlossenheit gibt sie sich dem Grasen hin, zerkaut
gleichsam die üblichen Bedeutungszusammenhänge. Jede «Nahrungsaufnahme» scheint neue Assoziationen hervorzubringen,
in denen sich Sprache und Bild, linguistische und kulturelle Referenzen überlagern.

00.03_I
Wasserkraft Wassermacht
2000 Kraftwerke Oberhasli, Innertkirchen
Mehrteilige ortsspezifische Installation: 3-Kanal-Videoinstallation: 3 Projektoren, 3 Videoplayer, 3 Videos (alle S-
VHS, Farbe, ohne Ton, 10:00 min.), ca. 30 Sitzsäcke in Orange und Blau; Raum-Installation: 1 Waschbecken (auf
dem Areal gefunden und re-installiert), 6 Scheinwerfer, Seifen und Handtücher (aus dem Firmenlager), 5 Elektro-
Kochplatten, 5 Kochtöpfe, Salbeiblätter, Closed-circuit Projektion: Videokamera, Projektor; 3-Kanal-Videoinstallation:
3 Monitore (Sony Cube), 3 Videoplayer, 3 Videos (alle S-VHS, Farbe, Ton, 8:20 min.), Kopfhörer, 3 Plastikquader
(mit Wasser gefüllt)
Zum 75-jährigen Jubiläum der Kraftwerke Oberhasli KWO konzipiert Pascale Grau eine mehrteilige ortsspezifische
Installation, deren Eröffnungsanlass sie gemeinsam mit dem Musiker und Komponisten Hans Koch gestaltet. Wasser
als natürliche Ressource, als Element, sowie das Kraftwerk als Arbeitsort und die dort ausgeübten Tätigkeiten
bilden den thematischen Hintergrund, mit dem sich die Künstlerin hier auseinandersetzt. Für die monumentale
Turbinenhalle (50 x 24 x 15 Meter) entwirft sie mit der 3-Kanal-Deckenprojektion eine Hommage an die Kräfte des
Wassers, die dessen unterschiedliche «Zustandsformen» in Bezug auf Tempo, Intensität, Grad an Bewegtheit etc.
zeigen. Im Raum sind Sitzsäcke verteilt, die eine komfortable Betrachtung der «Deckenbilder» ermöglichen.

In einer weiteren Rauminstallation greift Grau das Ritual des Händewaschens auf, das aufgrund der Staubemissionen
im Kraftwerk zum Arbeitsalltag gehört. Sie re-installiert ein rundes, brunnenähnliches Waschbecken, legt Seife
und Handtücher bereit und hüllt den Raum in Salbei-Dampf, der aus den am Boden platzierten Kochtöpfen aufsteigt.
Die Lichtinszenierung unterstreicht diese «Wohlfühl-Atmosphäre», zugleich lenkt sie den Blick auf dessen
Ingredienzien sowie die Live-Übertragung vom Waschbecken, dessen Aufsicht gross auf die Stirnwand des Raums
projiziert wird.
In einem Lagerraum lässt die Künstlerin dann die zwanzig ältesten und langjährigsten Angestellten zu Wort kommen.
Die porträtartigen Videoaufnahmen werden auf drei Monitoren gezeigt, die mit der Bildröhre gegen oben
gerichtet sind, auf der wiederum mit Wasser gefüllt Plastikquader platziert sind. Die MitarbeiterInnen skizzieren
ihre Aufgabe in der Firma, schildern ihre persönliche Beziehung zum Wasser. Grau entwirft hier eine temporäre
Intervention, die in drei Stationen die energetische Dimension des Wassers – als formende Kraft, als Energielieferant
– und den alltäglichen, aber auch arbeitsbedingten Umgang damit untersucht.

00.02_P (cf. 01.03_V)
enhanced by King Kong
2006 11.4., Singapore Art Museum & The Substation, Singapur // 2004 28.2., IVAM, Valencia // 2003
7.11., C.C. Conde Duque, Madrid / 17.10., Théâtre Jeune Public, Strasbourg / 25.1., Kunstverein
Freiburg // 2002 19.10., Museum für Gestaltung, Zürich / 25.5., Kunsthaus Langenthal / 23.5., GZ
Riesbach, Zürich // 2001 9.12., Schlachthaus Theater, Bern / 20.10., Irish Museum of Modern Art,
Dublin / 2.3., Cable Factory, Helsinki / 26.1., Centre Pompidou, Paris // 2000 5.12., Kunsthalle Bern /
14. und 16.4., Kino Movie, Basel
Konzept: Auf Einladung von Andrea Saemann erarbeitet Pascale Grau einen Beitrag für die Veranstaltung
Kunstgespräche 2000, die Arbeiten zum Thema Horrorfilm versammelte. Aus der eigenen Erfahrung der Künstlerin,
Horrorfilme sozusagen nur hinter dem Rücken des Nachbarn, also nur von den Geräuschen her mitverfolgen zu
können, entwickelt Grau ein Konzept, das von der originalen Tonspur des berühmten Films King Kong und die
weisse Frau von Merian C. Cooper (1933) ausgeht. In der Filmgeschichte ist dieser Film die erste Hollywood-
Produktion, die mit Spezialeffekten in Bild und Ton arbeitet. Zum Beispiel werden verschiedene Tonspuren
übereinander gelegt und Tonsequenzen vorwärts und rückwärts abgespielt eingesetzt, sodass, wie beim Brüllen
des Löwen, ein atemberaubendes Geräusch entsteht.
Grau lässt sich vor allem von diesen lauten Passagen des Films leiten. Sie stellt vier Szenen aus dem Film mit
Kinderspielzeug für eine Videokamera live nach. In der ersten Filmszene – der Regisseur übt mit Anne den Schrei –
intoniert Grau den Text und den Schrei. In der zweiten Szene – die Opfergabe an das Monster – wird der Originalton
aus dem Film eingespielt. Die dritte Szene – der Kampf der Giganten – wurde bereits im Vorfeld der Aufführung
in derselben Art nachstellt und aufgezeichnet. Grau spielt diese Aufnahmen nun während der Performance ein und
vertont die Szene, indem sie allen AkteurInnenen ihre Stimme leiht. Den grössten Anteil misst sie dabei der Figur
Anne zu, mit der sie sich am meisten identifiziert. In der vierten Szene – der Sieg der Zivilisation – wird gegen Ende
der originale Ton des Films wieder eingespielt, als King Kong vom Empire State Building stürzt.
Material: Tisch, Scheinwerfer, Projektionsleinwand, Kinderspielzeug und Kleinstutensilien, Videoplayer,
Videomischer, Soundsystem, Video (S-VHS, Farbe, Ton, 4:00 min.), Closed-circuit Projektion: Videokamera,
Projektor
Dauer: 20 Minuten

Situation: Eingeladen von der GSMBA Bern, zeigte Grau anlässlich der Jahresversammlung ihre Performance
enhanced by King Kong in der Eingangshalle der Kunsthalle Bern. Die Aufführung trug eher einen improvisierten
Charakter, das Publikum stand im Halbkreis um das installative Setting aus Leinwand und «Arbeitstisch» der
Performerin.
Kommentar: «Eine Postkarte dient als Hintergrund, vor dem ein kleiner Plüschgorilla eine noch kleinere Puppe
umarmt. Abgefilmt und übertragen auf eine Filmleinwand, bekommt die Szene etwas Reales. Unterlegt mit
dem Original-Filmton, aufersteht King Kong vor den Augen des Zuschauers. Und doch gibt es Brüche und
Brechungen. Wer ist das Monster? King Kong oder das Wesen, die Künstlerin, die ihn bewegt? Wie steht es um
unsere Wahrnehmung? Die Schlussattacken sehen auf der Leinwand echt aus. Doch in Wirklichkeit sind es nur
Spielzeughelikopter, die Schoko-Cornflakes schiessen.» (Jana Fehrensen, in: Neue Mittelland-Zeitung, 28.5.2002)

99.01_P
Endorphine
1999 4.9., Kunsthalle Bern / 5. .9 Kunstraum Giswil / 8. 10. KULE Berlin / 1. 9.
Übersee, Symposium, Romanshorn // 2004 19. 3. Naturhistorisches Museum Bern, 19. 3. 2004
Konzept: Die Künstlerin trägt ein rosa Spitzenunterkleid, dessen Saum zu Taschen nach oben genäht ist. Sie tritt
in einen Lichtkegel. Mit der warmen Luft eines Haarföhns weckt sie Marienkäfer, die sich in diesen Saumtaschen
befinden, aus ihrer «winterlichen» Starre. Tausende Insekten beginnen nach und nach den Körper der Künstlerin
zu bevölkern. Sie wimmeln auf Armen, Rücken, Brust und Kopf und formieren sich zu Mustern. Einige schwärmen
zum Licht oder in Richtung des Publikums. Mit erhobenen Armen und sich im Kreise drehend singt Grau das Lied
Killing Me Softly von Roberta Flack immer und immer wieder, bis alle Marienkäfer aktiv geworden sind und sich auf
ihrem ganzen Körper - spitzenartige Muster bildend-breit gemacht haben. Sie verlässt den Raum und hinterlässt
Hunderte von «Glückskäfer» im Raum. Die Performance wird von einem Video, begleitet. Es zeigt zwei Arme ohne
Rumpf, die sich vor blauen Himmel bewegen.
Materialien: 40‘000 Marienkäfer, 1 Haarfön, Scheinwerferlicht von oben, 1 Video (als Projektion oder auf Monitor)
Das Video zeigt in parallel montierten Sequenzen Aufnahmen von Arme, die sich wie Flügel bewegen, vor dem
Hintergrund eines blauen Himmels.
Marienkäfer werden im biologischen Landbau als Nützlinge gezüchtet und als Arbeitstiere in Plantagen oder Gewächshäusern
eingesetzt. Dauer: ca 30 Minuten
Situation: Das Performance-Weekend mit zwanzig, teils parallel auftretenden KünstlerInnen fand in den Räumen der
Kunsthalle Bern statt und wurde von der Kunsthistorikerin Eszter Gyarmathy kuratiert. Endorphine wurde im Parterre
im ersten Saal rechts aufgeführt. Das Video wurde an der Schmalseite des Raums an die Wand projiziert. Davor markierte
ein Lichtkegel den Aktionsraum. Das Publikum sammelte sich im Halbkreis um diesen Aktionsraum.
Kommentar: «...Die Glückskäfertrauben an deinem Rücken, auf deinem Haupt hatten etwas schaurig Schönes an sich.
Sinnlichkeit zum Zerbersten! Gleichzeitig der Inbegriff von Unschuld, so war das ganze Bild. Dann plötzlich, aus der Stille,
aus dem tiefsten Innern, in voller Bescheidenheit fängst du an zu singen. Hühnerhaut! ....Ich bin zutiefst ergriffen und
unendlich dankbar, dass da jemand steht, die es so ernst mit dem Leben (mit sich) meint...» (Ruth Schwegler, Bern 1999)

99.02_V (cf. 99.01_P)
Endorphine
S-VHS, Farbe, Ton 4:25 Min, Kamera: Lena Eriksson
Ausstellungen / Exhibitions:
2002 Kunstverein Freiburg i.Br. / Denner-Filiale Länggass, Bern // 2001 Irish Museum of Modern Art,
Dublin
Pascale Grau stellt die Performance für die Kamera nach. Mit einem Spitzennégligée bekleidet steht sie vor einem
weissen Hintergrund in einem ausgeleuchteten Studio. Tausende von Marienkäfern, die in den Taschen ihres
Kleides aus ihrer »winterlichen« Starre erwachen, beginnen den Körper von unten nach oben zu bevölkern. Sie
wimmeln auf Armen, Rücken, Brust und Kopf und formieren sich zu Mustern. Mit erhobenen Armen, singt sie unermüdlich
das Lied »killing me softly« von Roberta Flack.