Play Admont Stift Admont Museum - Regionale10

Play Admont 

Stift Admont 

Museum

Thomas Baumann 

Johannes Deutsch 

Julius Deutschbauer 

Tim Etchells 

William Forsythe 

Peter Hanappe 

& 

Armin Linke 

reactable 

(Marcos Alonso, 

Günter Geiger, 

Sergi Jordà, 

Martin Kaltenbrunner) 

Hubert Machnik 

Hans Pollhammer 

Werner Reiterer 

robotlab 

(Matthias Gommel, 

Martina Haitz, 

Jan Zappe) 

Constanze Ruhm 

Richard Siegal/The Bakery 

Christa Sommerer 

& 

Laurent Mignonneau 

Martin Walde 

Hans Winkler 

Erwin Wurm 


3. Juni - 7. November 2010 

Stift Admont 

Museum

Zur REGIONALE10-Ausstellung Play Admont darf ich Sie herzlich 

grüßen. Immer wieder stoßen Sie bei uns auf den hl. Benedikt, 

bzw. auf seine Lebensart. Dies gilt für die multimediale 

Stiftspräsentation ebenso wie für die Präsentation der im 

Gottesdienst verwendeten Utensilien. Eine Besonderheit des 

Stiftes Admont stellt gewiss die Auseinandersetzung mit der 

zeitgenössischen Kunst dar. Wir Benediktiner haben gerade 

dadurch den Dialog zwischen Kirche und Kunst aufgenommen. 

Dieser Dialog lässt immer wieder nach dem Hintergründigen 

fragen. Man verharrt nicht einfach bei dem, was 

man sehen, hören, angreifen und riechen kann, sondern 

möchte vielmehr auf den Grund dessen gehen, was einem 

im Leben begegnet. Woher kommt dies alles, wozu ist es da, 

was ist das eigentliche Ziel. Aber nicht nur in der Begegnung 

mit den zeitgenössischen Künstlern und deren Kunst steht die 

Frage nach dem Sinn der erfahrbaren Wirklichkeit im Hintergrund, 

sondern letztlich auch in allen Bereichen unserer 

Sammlungen. Selbstverständlich verweist auch die größte 

Klosterbibliothek der Welt, die sich in unserem Stift befindet 

und die vielfach als großartiges Weltwunder bezeichnet wird, 

auf die Tiefe menschlichen Fragens und die Suche nach Antwort. 

Wir Benediktiner haben uns mit der Botschaft des 

Evangeliums in der Lebensform einer klösterlichen Gemeinschaft 

auf die Gottsuche gemacht, wie es der hl. Benedikt in seiner 

Lebensordnung für Mönche schon im 6. Jahrhundert vorsieht. 

Faszinierend ist für unsere benediktinische Gemeinschaft von 

Admont, dass wir nun schon auf eine mehr als neunhundertjährige 

ununterbrochene Tradition zurückblicken können, uns 

in den vielen Begegnungen auf die Gegenwart einlassen 

möchten und mit christlicher Hoffnung in die Zukunft blicken. 

So dienen unsere Ausstellungen nicht nur der Bewunderung, 

sondern vor allem auch der Auseinandersetzung. Zugleich 

dürfen wir Sie zu stillen Stunden und zu den Gottesdiensten 

in unserer Stiftskirche einladen. Lassen Sie einfach die Atmosphäre 

auf sich wirken. Sie kann zu einer Begegnung mit sich 

selbst und mit Gott führen. Martin Buber sagt ja in seinem 

Werk Ich und Du (1923): „Alles wirkliche Leben ist Begegnung.“ 

Play Admont

Grußwort 

Bruno Hubl 

Abt von Admont

Inhalt


Grusswort 

Abt Bruno Hubl 

02 


Editorial 

Michael 

Braunsteiner 

& 

Christine 

Peters 

06 

Arbeiten 

16 

Biografien 

Künstler 

58 

Biografien 

Kuratoren 

62 

Impressum 

64

2007 haben kulturelle Initiativen aus der Region Liezen 

beschlossen, sich für die REGIONALE10, das zum zweiten 

Mal seit seiner Gründung stattfindende biennale Festival 

für zeitgenössische Kunst in der Steiermark, zu bewerben. 

Das Kernteam hat sich selbstkritisch mit allen Stärken und 

Schwächen als Region „In der Mitte am Rand“ erkannt, sich 

dank klarer Positionierung gegen zahlreiche Mitbewerber 

durchgesetzt und den Zuschlag bekommen. Heimisches 

sollte integriert, Internationales dialogisch in die Region 

eingebracht werden. 

Die Ausstellung Play Admont im Benediktinerstift Admont 

stellt den Betrachter ins Zentrum ihrer Aufmerksamkeit und 

fordert seinen Gestaltungswillen als Erforscher, Spielpartner 

und Entdecker heraus. Durch die aktive Teilhabe, die Interaktion 

mit den künstlerischen Arbeiten und mit anderen 

Handelnden wird das Aktionsfeld einer erweiterten, sozialen 

Skulptur betreten und ein benutzerorientierter Kontext 

eröffnet, der unter Einbeziehung digitaler Technologien eine 

Vielfalt an Betätigungsfeldern und Ausdrucksformen bereitstellt: 

Choreographische Objekte, ortsspezifische Hörstationen, 

situative Rauminstallationen, interaktive Maschinen, performative 

Handlungsanweisungen, ephemere Versuchsanordnungen 

und wachsende Archive beziehen den Besucher in den Kunstprozess 

ein – erst durch die komplementären Elemente von 

Interaktion und Partizipation entfalten die gezeigten Werke 

ihr gesamtes Potential. 

Als Parallaxe (griech. Vertauschung, Abweichung) bezeichnet 

man die scheinbare Änderung der Position eines Objektes, 

wenn der Beobachter seine Position verschiebt. Diese Verschiebung 

ist einerseits als physische Bewegung, andererseits 

als sinnlicher Perspektivenwechsel – als Wahrnehmungs- 

Verschiebung – erlebbar. Hören, Sehen, Reflektieren, Denken, 

Agieren: Im Moment, im Akt der Wahrnehmung beeinflusst 

der Betrachter das Kunstwerk und schreibt es fort. 

Das Benediktinerstift Admont, das auf eine lange Sammlungstradition 

im Bereich der Naturkunde und der Kunstgeschichte 

zurückblickt, hat mit Eröffnung seines Museums für Gegen- 

06 

Play Admont

wartskunst im Jahr 2003 seine Aktivitäten im Hinblick 

auf die zukünftige Mitgestaltung und Reflektion zeitgenössischer 

Kunst ausgeweitet. Der kuratorische Schwerpunkt 

der Sammlung lag bislang weitgehend auf der 

österreichischen Gegenwartskunst und der gezielten 

Förderung der künstlerischen Produktion durch die hauseigene 

Reihe MADE FOR ADMONT. Eine Besonderheit 

dieser seit dem Jahr 2000 bestehenden und kontinuierlich 

weiterentwickelten Produktionsreihe sind die grundsätzlich 

für blinde Menschen konzipierten Kunstwerke. Diese 

multimedialen Skulpturen vereinen Kunst und Information. 

Gleichermaßen für Menschen mit Blindheit und Sehbehinderung 

wie für Sehende erdacht, schaffen sie außerhalb 

der visuellen Erfahrungswelt sinnliche Begreifbarkeits- 

Ebenen. Ein Sehender sieht eine solche Station – zugleich 

auch immer ein sichtbares Kunstwerk – ganz anders, als 

ein blinder Mensch sie wahrnimmt. Für den einen kann 

der optische Charakter des Objektes dominieren, während 

für den anderen die haptischen oder akustischen Qualitäten 

im Vordergrund stehen. Durch die vielfältigen Wahrnehmungsmöglichkeiten 

lassen sich so neue Zugänge zur 

zeitgenössischen Kunst erschließen. 

Play Admont erweitert nunmehr die Perspektive auf 

die Gegenwartskunst durch internationale und virulente 

künstlerische Positionen im Bereich des Interaktiven und 

Partizipativen, deren temporärer und verspielter Charakter 

die Fragilität des Moments, das Veränderbare und Wechselhafte 

thematisieren. Play Admont ist darüber hinaus im 

Kontext der Sammlung, der weltgrößten Klosterbibliothek 

und aller stiftischen Kunstabteilungen konzipiert als 

Parcours, der Durchlässigkeit und Veränderung als zentrale 

Bestandteile von aktiver Zeitgenossenschaft und Gemeinschaftsbildung 

in den Vordergrund stellt und die Ordnungssysteme 

vergangener Zeugnisse und Zeiten im beweglichen 

Zugang mit den aktuellen Arbeiten konfrontiert. 

Die Fragilität, Brüchigkeit und Instabilität der Zeit sind 

Themen, die der deutsche Filmemacher und Autor Alexander 

Kluge in Chronik der Gefühle als „Unheimlichkeit der Zeit“ 

beschrieb und das vergangene 20. Jahrhundert selbst als 

07 

Michael 

Braunsteiner 

& 

Christine 

Peters

„... eine gesellschaftliche Situation, in der das kollektive 

Lebensprogramm von Menschen schneller zerfällt, als die 

Menschen neue Lebensprogramme produzieren können. 

Sinnentzug. Hunger nach Sinn.“ (...) „Das natürliche Gefäß, 

in dem wir unsere Erfahrungen machen, heißt ‚Lebensläufe‘. 

Das Gefäß ist zerbrechlich.“ 

Alexander Kluges Antwort auf dieses soziale Dilemma, das 

sein Nachdenken über Kunst und Geschichte bis heute prägt, 

ist sein Bekenntnis zum Prozessualen und Temporären als 

produktive und konstruktive Eigenschaften zur Bildung von 

lebendigen Archiven und zur Ausformulierung von differenzierten 

Geographien im Inneren der Menschen. – Eine 

Haltung, die von jedem einfordert, das Denken nicht abzugeben, 

sondern beweglich und geistesgegenwärtig zu bleiben 

und sich im Akt der Mitgestaltung und Einmischung, der 

Selbst- und Mitbestimmung zu vergegenwärtigen. 

Play Admont versammelt 24 Künstler sowie künstlerische 

Teams und zeigt 24 Arbeiten, die die Aufforderung zur Einmischung 

und zum Spiel wörtlich nehmen. Einige der Exponate 

wurden für MADE FOR ADMONT konzipiert, viele 

andere speziell für den Ausstellungskontext eingeladen bzw. 

eigens für den gewählten Ort produziert. 

Thomas Baumann fertigt seine Arbeiten 

vorwiegend aus mechanischem, technologischem und elektronischem 

Material. In Mothernaturemade, einer MADE FOR 

ADMONT-Arbeit, können zwei über ein Koffer-Objekt bedienbare 

Glasbilder begriffen und befühlt werden, um Frequenzen 

und Vibrationen von elektronischen Musikstücken wahrzunehmen. 

So wie Farben Frequenzen zugeordnet werden können 

und das Auge als erstes Organ Licht und Farbe wahrnimmt, 

verhalten sich Ohr und Körper zur Musik. Seine für Play 

Admont konzipierte Arbeit Rope wiederum ist eine filigrane 

Skulptur und eine spielerische Übung in Sachen Gleichgewichtssinn: 

Der Besucher balanciert auf einem Seil und 

erfährt seine Grenzen und Fähigkeiten im Balanceakt. 

08

Der Medienkünstler Johannes Deutsch 

schuf in Kooperation mit dem blinden Wissenschaftler 

Björn Einecke und dem Stiftsgärtner Karl Amon ein MADE 

FOR ADMONT-Kunstobjekt für den Museumsgarten, das 

mit der Tast-, Riech- und Hörerfahrung spielt. Der Besucher 

betritt den Unsichtbaren Garten mit verbundenen Augen 

und wird dabei von einem blinden Experten geführt. – 

Das Einlassen auf einen blinden Führer, sowie das sich 

Verlassen auf Gehör, Geruch und Tastsinn generiert 

sowohl eine andere Form von Zeit- als auch von Wahrnehmungserfahrung. 

Die Bibliothek ungelesener Bücher ist ein Langzeitprojekt 

des österreichischen bildenden Künstlers Julius 

Deutschbauer, das dieser seit 1997 als wachsendes 

Audio- und Bucharchiv führt. Im Interview mit 

seinen jeweiligen Gesprächspartnern befragt er sie zu 

ihren Vorstellungen über ein von ihnen noch nicht gelesenes 

Buch und zu den Gründen fürs Nicht-Lesen. Am 

Eröffnungswochenende von Play Admont steht Julius 

Deutschbauer den Besuchern als Interviewpartner 

zur Verfügung und integriert diese Gespräche in seine stetig 

wachsende, öffentlich zugängliche Bibliothek. 

Der britische Autor, Regisseur und Künstler Tim 

Etchells hat sich in seiner Audioinstallation 

Unnatural History: A Reading of Spaces mit den im natur- 

kundlichen Museum ausgestellten Tierpräparaten beschäftigt. 

Ihn interessierte, ausgehend von den gegebenen Zuordnungen 

und Konstellationen der Präparate, die er arrangiert 

in den Vitrinen vorfand, die spekulative Frage: Was könnte 

zuvor passiert sein? Mit kriminologischem Gespür examiniert 

er seine Bildbeschreibungen in Form von fiktiven Kurzgeschichten. 

In der Neonarbeit G.O. wiederum spricht er den 

Besucher per Handlungsanweisung direkt an, und dieser 

muss sich fragen, ob und wie er diese für sich übersetzen 

soll. 

Mit seiner am klassischen Ballett orientierten, streng mathematischen, 

aber bildhaft-sinnlichen Tanzsprache zählt 

09

William Forsythe zu den weltweit wichtigsten 

Vertretern der Ballettmoderne. Forsythes choreogra- 

fisches Denken hat sich durch seine Auseinandersetzung mit 

den international richtungsweisenden Kunstströmungen der 

Gegenwart entwickelt und gleichzeitig zu ihnen beigetragen: 

von Performance und Bildender Kunst bis zu Architektur und 

interaktiven Multimedia-Arbeiten. Erstmalig in der Steiermark 

zu Gast, werden drei sehr unterschiedliche Arbeiten zu sehen 

sein: Der Kurzfilm Solo zeigt William Forsythe 

selbst in der tänzerischen Auseinandersetzung mit musikalischem 

Material des holländischen Komponisten Thom Willems. 

Die interaktive Installation City of Abstracts hingegen lenkt 

das Auge einer Kamera auf die Besucher und übersetzt deren 

Bewegungen in abstrakte Bilder. In seiner live Performance 

Monster Partitur für einen Tänzer und einen Musiker wiederum 

bewegt sich Forsythe zwischen Installation, Performance 

und Klang-Environment. Diese drei jeweils komplexen 

choreographischen Situationen verweisen auf Prozessualität 

und Transformation als wesentliche Faktoren seines künstlerischen 

Selbstverständnisses. 

Armin Linke arbeitet vorwiegend mit dem Medium 

Fotografie, kombiniert dabei verschiedene Medien, um 

die Grenzen der Wahrnehmung – von Fiktion und Realität 

– zu verwischen. Er erstellt ein fortlaufendes Archiv zu 

den Themen menschliche Aktivität sowie natürliche und von 

Menschenhand gemachte Landschaften. Die gemeinsam mit 

Peter Hanappe konzipierte Arbeit Phenotypes/ 

Limited Forms ist als Buchmaschine Teil dieses wachsenden 

Archivs, das durch seine zusätzliche, partizipative Komponente 

den Besucher am Erstellen seiner persönlichen Konstruktion 

von Geschichte teilhaben lässt. 

Der Komponist und Musiker Hubert Machnik 

setzt sich in seiner speziell für den ehemaligen Musikpavillon 

konzipierten Soundinstallation Knitter Work mit der Architektur 

und den spezifischen Klangeigenschaften des Pavillons auseinander. 

Knitter verweist auf die Verfaltungen im akustischen 

Gewebe der Gesamtkomposition, die elektronische 

Sounds und elektromechanisch erzeugte Klänge miteinander 

verschränkt und visuell erlebbar macht. Darüber hinaus wird 

10

Hubert Machnik den Workshop REMIX 

Admont mit Schülern des ansässigen Musik-Gymnasiums 

leiten, dessen Ergebnisse als öffentliches Konzert in der 

Kirche des Benediktinerstifts aufgeführt werden. 

Hans Pollhammer wurde nicht nur als 

düster-witziger Schwarzweiß-Maler und Druckgrafiker 

bekannt, sondern mit der Künstlergruppe Büro Josef Böhm 

auch als Video- und Performancekünstler. In seiner augenzwinkernden 

cinematographischen Installation Kist‘n Nr. 1 

aus der MADE FOR ADMONT-Sammlung betritt der Besucher 

eine skurrile Behausung, in der er, durch eine Apparatur 

spähend, eine kleine, feine, ganz private Vorführung von 

Brigitte Bardot erlebt. 

Die Österreicher Martin Kaltenbrunner und Günter Geiger 

sowie die Spanier Sergi Jordà und Marcos Alonso entwickelten 

den reactable als elektronisches Instrument, 

ausgestattet mit einem komplexen Interface, das 

Ton, Rhythmus und Musik in eine greifbare und sichtbare 

Erfahrung verwandelt: Hier kann der Besucher selbst komponieren 

und mit anderen musizieren, indem er einfache 

Plexiglasobjekte auf der Tischoberfläche bewegt, dreht 

und miteinander verbindet. Die technische Komplexität 

tritt dabei hinter die sinnliche Spielerfahrung zurück und 

erlaubt eine spontane und effektvolle Aneignung des programmierten 

Materials. 

Die Basis des künstlerischen Schaffens von Werner 

Reiterer bildet die zeitlich nicht begrenzte Grafikserie 

der Gezeichneten Ausstellungen, einer Serie von 

jeweils 70 * 50 cm großen Bleistiftzeichnungen, die 

künstlerische Ideen im weitesten Sinn zum Thema hat 

und seit 1996 entsteht. Interventionen im öffentlichen 

Raum, Skulpturen, Fotografien und technisch aufwendige 

Installationen, die meistens den Betrachter aktiv in die 

Arbeit mit einbinden, gehen aus dieser Zeichenserie, die 

der Künstler als eine Art „Ideenpool“ bezeichnet, hervor. 

Da der gesamte künstlerische Ansatz Werner Reiterers 

sehr nahe am Menschen liegt, können seine Arbeiten 

11

auch oft sprechen oder atmen, fordern den Betrachter auf, 

bestimmte Handlungen auszuführen. Durch die sehr ausgeprägte 

interaktive Ebene der Arbeiten wird der Mensch 

nicht nur als „lebendes, skulpturales Material“ aktiv in die 

Konzeption und Umsetzung des Werks eingebunden, sondern 

ist auch ein wesentlicher Bestandteil des Werkes. In der 

partizipativen Installation Studie über Fliegenpilz sieht sich 

der Besucher einer elektronischen Skulptur in Form eines 

überdimensionalen Fliegenpilzes gegenüber, der seine weißen 

Punkte als Kügelchen in den Raum schießt – eine Art Ping- 

Pong Spiel zwischen Betrachter und Objekt entspinnt sich. 

Ohne Titel, für den Stiftsteich konzipiert, ist eine Handlungsanweisung, 

die dem Besucher mit einer Aufforderung zur 

körperlichen Aktion begegnet. Mit With a little Help from My 

Friends wiederum provoziert Reiterer ein subtiles Such- und 

Versteckspiel, in dem ein tragbares Objekt zur Zielscheibe für 

heimliche Obsessionen und nomadische Interventionen wird. 

Martina Haitz, Matthias Gommel und Jan Zappe haben sich 

als Künstlergruppe robotlab auf Installationen und 

Performances mit Industrierobotern spezialisiert. robotlab 

setzt die normalerweise in industriellen Produktionsprozessen 

verwendeten Roboter als Ready-mades in seinen Kunstprojekten 

ein. In der Admonter Stiftsbibliothek wird der für die Installation 

bios [bible] entwickelte Industrieroboter mit Feder und 

Tinte den Text der Bibel handschriftlich auf eine Papierrolle 

übertragen. Neun Monate bräuchte der Computer, bei ununterbrochenem 

Arbeiten, um das Alte und Neue Testament zu 

bewältigen. In den fünf Monaten Ausstellungsdauer entsteht 

eine einzigartige Admonter Abschrift, die das Neue Testament 

enthält. 

Die Arbeiten von Constanze Ruhm – Videos, 

Installationen, Fotografien, Webprojekte, Texte/Publikationen 

– beschäftigen sich mit dem Verhältnis unterschiedlicher 

zeitbasierter Formen zwischen Kino und Neuen Medien, 

und konzentrieren sich auf Fragen zu (weiblicher) Identität, 

Repräsentation und Performativität. blindstorey aus der Reihe 

MADE FOR ADMONT ist eine Bild- und Hörskulptur, die in der 

Stiftsbibliothek zu sehen sein wird. Sie erzählt vom Kino, von 

Geräusch und Stille, von Erinnerung und Blindheit, von filmi- 

12

schen und realen Räumen. Das Projekt untersucht Architektur 

und Ornamentik als veränderliche räumliche Programme, 

um diese in ein Verhältnis zu barocken und zeitgenössischen 

musikalischen Kompositionsformen, zu Raum 

und Wahrnehmung und zu den Begriffen von Thema 

und Variation unter besonderer Berücksichtigung digitaler 

audio-visueller Technologien zu setzen. 

Der amerikanische Tänzer und Choreograph Richard 

Siegal gründete 2005 The Bakery, eine 

Arbeitsplattform, die sich der Erforschung und Inszenierung 

von zeitgenössischer und interdisziplinärer Choreographie 

– im Spektrum von Musik bis Medienkunst – widmet. Auf 

der Basis seiner spielbasierten choreographischen Methode 

if/then entwickelte Siegal die interaktive Installation If/Then 

Installed, die den Besucher einlädt, sich tänzerisch zu 

betätigen und Bewegungen, die ein Tänzer von einer 

virtuell kontrollierten Videoleinwand vorschlägt, zu erproben. 

Zwischen den Bewegungen des „Vortänzers“ und dem sich 

bewegenden Besucher entsteht ein spielerischer Dialog, 

bei dem der Besucher seine Körperbewegungen erforscht 

und eine Vielfalt von Gesten kennenlernt, die Teil eines 

zeitgenössischen choreographischen Bewegungs-Repertoirs 

sind. Die aktiven Teilnehmer werden darüber hinaus Teil 

eines wachsenden, lebendigen Archivs: Auf einem zusätzlichen 

Bildschirm werden alle aktiven Besucher erfasst. Das 

Archiv enthält bereits bewegte Bilder von über 50.000 

Besuchern und wächst während Play Admont stetig weiter. 

Christa Sommerer & Laurent 

Mignonneau untersuchen seit Beginn der 90er 

Jahre im Bereich der Interaktiven Kunst die Mensch-Maschine 

Interaktion für künstlerische Interfacegestaltungen. Life 

Writer ist konzeptuell inspiriert von der Idee, künstliches 

Leben durch materialisierte Gedanken, die sich als Schrift 

äußern, zu erzeugen. Zu diesem Zweck hat Laurent 

Mignonneau eine antike Schreibmaschine in 

ein interaktives Computerinterface umgewandelt. Durch 

den Vorgang des Eintippens von Text durch den Besucher 

entstehen virtuelle kleine Spinnentiere, die sich auf dem 

Papier bewegen, sich fortpflanzen und wieder eliminiert 

13

werden. Dieses künstliche Leben ist ephemer und in ständigem 

Prozess, es kann nur bis zu einem gewissen Grad beeinflusst 

und gesteuert werden. Das Ephemere und Prozesshafte 

im Grenzbereich des Realen und Virtuellen wird durch die 

Aktion und textliche Intervention des Besuchers vergegenwärtigt. 

Martin Walde arbeitet mit Zeichnungen, Objekten, 

Installationen und Video. Alltägliche Gegenstände, instabile 

Materialien und normativ abweichende Einbrüche in alltägliche 

Ereignisse sind zentrale Bestandteile seiner Untersuchungen, 

die das sinnliche Erleben des Betrachters und dessen Interaktion 

in den Vordergrund stellen. The Web (Spider) ist eine 

faszinierende, filigrane Versuchsanordnung: Vertikal angeordnete 

Hohlstangen aus Carbon bilden ein stabiles Gerüst für den Bau 

eines Fadennetzes, das der Besucher selbst webt und das 

sich im Laufe der Ausstellung immer weiter verdichtet – eine 

körperliche und sportliche Herausforderung. 

Hans Winklers Arbeit bewegt sich im Bereich 

der sozialen Interaktion und untersucht die Wahrnehmungen 

von alltäglichen Symbolen und alltäglicher Realität. Als Künstler 

steht er in der Tradition von Interventionskunst und politischem 

Aktivismus. Dabei verlässt er gerne hin und wieder den konventionellen 

Kunstkontext, um einen veränderten Blick auf ein 

bestimmtes Thema zu provozieren. Im Gesäuse. Handbuch für 

Wilderer aus der Reihe MADE FOR ADMONT ist eine ortspezifische 

Hörstation auf dem Stiftsgelände, die dem Besucher 

mit einer fiktiven Anleitung zum Wildern großes Kopfkino in 

einer spektakulären Naturlandschaft beschert. 

Erwin Wurm arbeitet hauptsächlich skulptural, 

sein Werk basiert auf Objekten, Installationen, Zeichnungen, 

Videos, Fotografien, Staubobjekten sowie den One Minute 

Sculptures, in denen er Menschen mit Alltagsgegenständen 

auf skurrile Art posieren lässt, um sie dann zu fotografieren. 

Auch die Besucher seiner Ausstellungen haben immer wieder 

Gelegenheit, sich als lebendige Skulpturen zu situieren: So 

lädt die Arbeit Adorno was wrong with his ideas about art 

14

den Besucher ein, sich selbst, im Dialog mit neun im 

Raum befindlichen beweglichen Objekten, spielerisch in 

Szene zu setzen. 

Wir danken dem Land Steiermark, dem Team der 

REGIONALE10 unter der künstlerischen Leitung von 

Dietmar Seiler, H. H. Abt Bruno Hubl und den Admonter 

Benediktinern, dem Team der Kulturabteilung des Stiftes 

Admont, allen Sponsoren sowie allen vorder- und hintergründig 

an der Ausstellung Beteiligten. Unser besonderer 

Dank gilt Werner Reiterer für die Gestaltung 

des vorliegenden Künstlerbuchs. Wir danken auch jeder 

Besucherin und jedem Besucher, der die Kunstwerke dieser 

Ausstellung erst zu dem macht, was sie sind. 

Play Admont: „If you celebrate it, it’s art. If you don’t it 

isn’t“, sagte einmal der amerikanische Komponist John 

Cage. - Nennen wir es Kunst. Zelebrieren wir den Moment 

und wertschätzen seine Bedeutung. 

15

Arbeiten




Tim Etchells 


Peter Hanappe 

& 

Armin Linke 

reactable 



Sergi Jordà, 





robotlab 



Jan Zappe) 




& 


Martin Walde 

Hans Winkler 

Erwin Wurm

Ausgehend von den Steingärten in China und Japan, eine Variante der Zengärten, bei denen im 

Boden eingelassene Kieselsteine als Fußreflexzonenmassage dienen, stellt Rope eine westliche 

industrielle Variante dieses Parcours dar. Eine Kombination diverser Knoten – wie die des Webers, 

des Fischers, etc. – stimuliert die Fußreflexzonen. Die Besucher sind aufgefordert, ihre Schuhe 

auszuziehen und über das Seil zu balancieren. Bisherige Erfahrungen haben gezeigt, daß dabei 

die Temperatur der Füße steigt und verschiedene Druckpunkte stimuliert werden. 

Rope is derived from the model of Chinese and Japanese rock gardens, also known as Zen gardens, 

in which pebbles embedded in the ground provide for reflexology, but Rope represents a 

westernised and industrialised version of this concept. A combination of various special 

knots, such as the weaver‘s knot and the fisherman‘s knot, are used to stimulate the foot 

reflex zones. 

18 


Rope, 2010 

Museum für Gegenwartskunst :Ort

Courtesy: Galerie Krobath, Wien; Galerie Nicolas Krupp, Basel; Galerie Eugen Lendl, Graz. Foto: Vbk und Bonner Kunstverein 


Rope, 2010 

Partizipative Installation

Was kann man einem blinden Menschen erzählen, wenn man über Farben spricht? Auf akustischer 

und auf textlicher Ebene werden zwei Tafelbilder aus Glas („Schwarzes Quadrat“ und „Rosarotes 

Fleisch“) zu Klangskulpturen. Sie werden gesteuert durch eine Schaltzentrale in Form eines 

Koffers mit einem aufgesetzten eiförmigen Objekt. Bedient der Besucher die Tasten des Objekts, 

erklingen einzelne Worte und/oder elektronische Klänge. Durch Anlehnen an die Tafelbilder 

werden Frequenzen im synästhetischen Sinne als Farbe nicht nur hörbar, sondern mittels 

Vibrationen auch spürbar. So wie Farben Frequenzen zugeordnet werden können und das Auge 

als erstes Organ Licht und Farbe wahrnimmt, verhalten sich Ohr und Körper zur Musik. Ein schwarzes 

Quadrat erzählt über die radikalste Form der Malerei, Fleisch ist zwar rosarot, für den blinden 

Menschen jedoch existiert keine Haut- bzw. Fleischfarbe. Mothernaturemade wird begleitet 

durch einen Text über Farben, mit einem Zitat von Georg Trakl. (In Blinden- und Reliefschrift, 

Englisch und Deutsch.) 

20 


Mothernaturemade, 2003 

Naturhistorisches Museum :Ort 

How is it possible to talk to a blind person about colours? Using an acoustic and textual 

concept, two panels made of glass (“Black Rectangle” and “Pink Flesh”) are converted into 

sound sculptures. These are operated from a control centre in the form of a case on which an 

egg-shaped object is mounted. Single words and/or electronic sounds are emitted when visitors 

manipulate this object. When the panels are touched, frequencies are produced that express 

the colours in terms of synaesthesia, i.e. in the form of both sounds and palpable vibrations. 

In analogy with the way that specific light waves are associated with each individual colour 

and the eye, as principal organ, detects light and colour, the ears and body react to music. 

The Black Rectangle represents the most radical concept in painting; skin can be pink, but as 

far as blind people are concerned, there are no skin or flesh tones. Mothernaturemade is 

complemented by a text on colour which contains a citation by the Austrian poet Georg Trakl. 

(Printed in Braille, relief, English and German.)

Courtesy: Galerie Krobath, Wien; Galerie Nicolas Krupp, Basel; Galerie Eugen Lendl, Graz. Foto: Ernst Kren 


Mothernaturemade, 2003 

Interaktive Installation

Die Tast-, Riech- und Hörinvasion von Johannes Deutsch versteht sich nicht als Garten für 

blinde Menschen, sondern vielmehr als Garten, in welchem blinde und sehende Menschen neue 

Sinneserfahrungen einbringen und in welchem sehende Menschen mit blinden Menschen in 

einen Erfahrungsaustausch treten können. Zu diesem Zweck verbindet sich jeder Besucher vor 

Betreten des Gartens die Augen und nimmt die Expertenführung eines blinden Führers durch den 

Garten in Anspruch. 

Der Garten ist dem Modell der virtuellen Welt, mit seiner Interaktion und Immersion nachgebildet 

und erschließt sich erst durch das gezielte Eintauchen, durch die gezielte Navigation. Nach außen 

hin wird er von einer blickdichten Einfassung aus Fichten hermetisch abgeschlossen. Im Inneren 

begeht man einen mit verschiedenen Jungbäumen aus der Region bepflanzten Weg und erfährt 

seine außervisuellen Sinne nach haptischen, olfaktorischen und akustischen Kriterien. Unsere 

Hände (wie auch unser Gehör und unser Geruchssinn) werden zum „Datenhandschuh“ und 

Navigator durch dieses ungewöhnliche Eintauchen in eine natürliche Umgebung. 

22 


Der unsichtbare Garten, 2007 

Stiftsgelände :Ort 

This garden is not simply a garden for blind people but rather one in which blind people can 

give the sighted new insight into sensory perceptions and where blind and sighted people can 

exchange experiences. For this purpose, every visitor must put on a blindfold before entering the 

garden and being led through it under the expert guidance of a blind person. 

The garden represents a model of the virtual world, and like the virtual world, interaction and 

immersion in it are possible, but this only becomes apparent to the visitor when being navigated 

through it. It is both visually and hermetically sealed from the outside world by a thicket-like 

hedge of pines. Within it the non-visual senses (touch, smell etc.) are exposed - along a predetermined 

route - to various young trees from the region which have been chosen for their 

tactile, olfactory and acoustic potential.

Foto: Johannes Deutsch 


Der unsichtbare Garten, 2007 

Tast-, Riech- und Hörinvasion

Die Bibliothek ungelesener Bücher wurde im Jahre 1997 im Museumsquartier gegründet, seit 

2000 ist sie immer wieder nomadisch. So war sie u.a. in der Kunsthalle Wien, in der Kunsthalle 

Baselland, in den Kammerspielen Hamburg, im Palais des Beaux Arts Brüssel, im Austrian Cultural 

Forum New York zu Gast. Seit 1997 haben sich ca. 600 Interviews zu ungelesenen Büchern 

in der Bibliothek angesammelt. Diese Interviews und Bücher – jeweils mit der Beschriftung 

„Dieses Buch hat Herr…/Frau… noch nicht gelesen“ versehen – sind in der Bibliothek ungelesener 

Bücher einsehbar bzw. über Mini-Disks abhörbar. Bis September 2010 ist die Bibliothek noch im 

Hotel Blaue Gans, Salzburg beheimatet. Einmal im Monat findet in der Bibliothek ungelesener 

Bücher unter dem Titel Lesen und Handarbeiten im Zirkel ein Lesezirkel und eine Dichterlesung 

statt. Für Play Admont wird Julius Deutschbauer am Eröffnungswochenende Besucher zu ihren 

ungelesenen Büchern interviewen. Diese Interviews werden anschliessend in einer Audiostation 

hörbar sein. 

24 


Bibliothek ungelesener Bücher, 1997 fortlaufend 

Live Interviews (Nomadisch) und Hörstation (Erdgeschoss) :Ort 

The Bibliothek ungelesener Bücher (Library of Unread Books) was founded by Julius Deutschbauer 

in 1997 and contains approximately 600 books and volumes which stand side by side 

on shelves, duly archived and labeled with the names of the non-readers, who have been 

questioned about their unread books by the artist. For Play Admont Julius Deutschbauer 

will interview visitors during the opening weekend. The interviews will afterwards be 

displayed in an audio installation.

Foto: Marlene Ropac 


Bibliothek ungelesener Bücher, 1997 fortlaufend 

Live Interviews (Nomadisch) und Hörstation

Angeregt durch das nach dem verheerenden Brand von 1865 neu aufgebaute naturhistorische 

Museum des Stifts Admont hat Tim Etchells eine ortsspezifische Audioarbeit für die Sammlung 

konzipiert. Etchells lenkt dabei die Aufmerksamkeit der Besucher auf bestimmte Ausstellungsstücke 

und einzelne präparierte Tiere. Durch seinen selektiven und idiosynkratischen Blick deutet 

Unnatural History: A Reading of Spaces die Institution Museum als fremdartige Landschaft und 

bietet den Besuchern unerwartete Deutungen und Bedeutungen der Ausstellungsstücke und 

Naturszenen an. Etchells macht die Besucher auf Einzelheiten der Sammlung aufmerksam – ein 

präparierter Keiler, der den Rücken eines kleinen Affen anstarrt, ein Adler mit eigenartigem 

Gesichtsausdruck und mehrere Skelette in einem Schaukasten mit „vollständigen“ Tieren. 

Indem er die Räume und Ausstellungsstücke fern von ihrem ursprünglichen Zweck oder ihrem 

Zusammenhang beschreibt, beobachtet und kartografiert Etchells insbesondere die Beziehung 

zwischen den präparierten Tieren und der künstlichen Umgebung aus Regalen, Schränken und 

Schildern, in denen sie sich befinden. Statt die Sammlung als besonders geordnete Abbildung der 

Natur zu erklären, besteht Etchells auf einer boshaften Beschreibung des Museums, seiner Gestaltung 

und Dramaturgie als bloße Anordnung von Gegenständen in Räumen und Schränken. 

Responding to the Natural History Museum at Admont, reestablished after the devastating fire 

of 1865, Tim Etchells has created a new work in the form of an audio guide to the collection. 

Drawing the visitors’ attention to selected displays and to specific taxidermied or preserved 

creatures featured in them, Etchells playfully eschews a complete account in favour of a highly 

selective, partisan and idiosyncratic approach to the museum and its contents. Unnatural History: 

A Reading of Spaces reads the institution as an alien landscape – interpreting its displays 

and arrangements of wildlife for their significance and possible meaning in unexpected ways. 

Neben der Audioführung Unnatural History: A Reading of Spaces gehört zu Etchells neuer Arbeit 

für Play Admont auch die Textskulptur aus Neonschrift G.O., eine spielerisch ungezogene Anweisung 

an die Besucher. 

26 

Tim Etchells 

Unnatural History: A Reading of Spaces, 2010 

Naturkundliches Museum :Ort 

Tim Etchells 

G.O., 2010, Neonarbeit. (Keine Abbildung) 

Museum für Gegenwartskunst :Ort 

Alongside the audio tour Unnatural History: A Reading of Spaces, Etchells‘ new work for Play 

Admont also includes a neon text-sculpture (G.O.) in the form of a playful ill-mannered 

instruction to gallery visitors.

Foto: Tim Etchells 

Tim Etchells 

Unnatural History: A Reading of Spaces, 2010 

Audio-Installation

Solo ist eine Performance für eine Kamera von und mit William Forsythe. Nahaufnahmen und 

schnelle Schnitte auf Forsythes virtuosen Körper kontrastieren mit Draufsichten, die seine 

Bewegungen quer durch einen grell beleuchteten Raum einfangen. 

28 


Solo, 1997 

Erdgeschoss :Ort 

Solo is a performance for the camera by choreographer William Forsythe. Close-ups and rapid 

cuts of Forsythe‘s twisting body contrast with overhead shots that capture his movements 

across a starkly-lit stage. 

Choreographie/Performance: William Forsythe 

Musik: Thom Willems, in Zusammenarbeit mit Maxime Franke 

Direktor: Thomas Lovell Balogh 

Kamera: Jess Hall 

Produktion: RD-Studio Productions, France 2, BBC TV, 1997 

Die Installation City of Abstracts des Choreografen William Forsythe lenkt das Auge einer 

Kamera auf die Besucher. Eine Projektionsfläche zeigt Bilder ihrer Bewegungen. Ihre Geschwindigkeiten 

und Richtungen, ihre Wege, gewunden oder geradeaus, werden zu einem Tanz spiralförmiger, 

gestreckter Körper, verschwindender und wieder erscheinender Köpfe. Die Bildsituation verwandelt 

sich in ein wallendes Tableau, das Besucher dazu einlädt, eigene Bewegungen anzubieten und 

gibt ihnen währenddessen die komplexe, unbemerkt gebliebene Choreografie zurück, deren Teil 

sie bereits sind. 

Video Software Entwicklung: Philip Bußmann 

Producer: Julian Gabriel Richter 


City of Abstracts, 2001, Choreographisches Objekt. (Keine Abbildung) 

Säulenhalle :Ort 

As visitors approach the interactive video installation City of Abstracts, their images are projected 

onto a screen, inviting interaction as their bodies are melded into a dance of stretched and 

spiralled forms.

Foto: The Forsythe Company 


Solo, 1997 

Film (Dauer: 6:52)

Plastische Konfigurationen – ähnlich und gegensätzlich, statisch und dynamisch, objekthaft und 

organisch – bilden das Spannungspotential von Monster Partitur. Grotesk empor wuchernde, filigrane 

Papiergebilde dienen als Partitur für die experimentelle, sich immer wieder neu artikulierende 

Auseinandersetzung zwischen einem Tänzer und einem Musiker. Die verfremdeten Atemgeräusche 

des Tänzers schaffen im interaktiven Zuspiel mit elektronischen Klängen eine dichte Bewegungsund 

Klangsituation. Improvisation, Assoziation und Synästhesie, das Zusammenspiel unterschiedlichster 

Sinneseindrücke formen auf diese Weise einen offenen Handlungskörper. Der Titel suggeriert 

eine komplexe Beziehungssituation und einen letztlich unkontrollierbaren Prozess der Transformation. 

Tanz: Alessio Silvestrin 

Live Elektronik: Hubert Machnik 

Sound Konzept: Dietrich Krüger/Niels Lanz 

Produktionsleitung: Marion Rossi 

Voice treatment/dsp Programmierung: Andreas Breitscheid/Manuel Poletti, in Zusammenarbeit 

mit dem Forum Neues Musiktheater, Staatsoper Stuttgart. 

Producer: Julian Gabriel Richter 

30 


Monster Partitur, 2006 


Sculptural configurations – corresponding and contrasting, static and dynamic, object-like and 

organic – form the creative tension of Monster Partitur. Grotesquely ascending filigree paper 

shapes serve as a score for the constantly renewed experimental dialogue between a dancer 

and a musician. Improvisation, association and synaesthesia (the interplay of different sensual 

impressions) provide an open-ended performance structure. The title suggests a complex 

relationship and ultimately uncontrollable process of transformation. 

The Forsythe Company wird gefördert durch die Landeshauptstadt Dresden und den Freistaat 

Sachsen sowie die Stadt Frankfurt am Main und das Land Hessen. Sie ist Company-in-Residence 

im Festspielhaus Hellerau in Dresden und im Bockenheimer Depot in Frankfurt am Main. 

Mit besonderem Dank an Frau Susanne Klatten für die Unterstützung der Forsythe Company.

Foto: Julian Gabriel Richter 


Monster Partitur, 2006, Karton, Holzplatten, Graphitstangen, Halter, Metallklammern 

Choreographisches Objekt (nach: You made me a monster)

Armin Linkes Installation Phenotypes/Limited Forms, die er in enger Zusammenarbeit mit Peter 

Hanappe und dem Sony Computer Science Laboratory Paris entwickelte, setzt sich mit der 

öffentlichen Nutzbarmachung seines online-Fotoarchivs auseinander. Linkes online-Archiv enthält 

fotografische Aufnahmen von Orten in Nigeria, China, Zypern, vom G8-Gipfel in Genua, einem 

NASA-Stützpunkt in Kalifornien, der documenta, etc. Phenotypes/Limited Forms widersetzt sich 

dem im Museum üblichen „Nicht-berühren“, der auktorialen Position des Künstlers wie auch 

Kurators und der Fixierung des Kunstwerks als fertig produziertes Präsentationsobjekt. Der Besucher 

erhält freien Zugang zu Linkes 30.000 Fotos umfassender Sammlung, vor Ort kann er eine selbst 

erstellte Auswahl einscannen und schließlich als Leporello mitnehmen. Da jeder Besucher seine 

eigene Auswahl am Arbeitstisch treffen kann, wird er zum Kurator auf Zeit. Linke lässt die 

Besucher nicht konsumieren, sondern bewusst und aktiv selbst entscheiden. 

Architektur Installation: Samuel Korn, Gabriel Sierra 

Grafik Design: Alex Rich 

32 

Peter Hanappe 

& 

Armin Linke 

Phenotypes/Limited Forms, 2007 

Stiftsbibliothek :Ort 

Phenotypes/Limited Forms enables visitors to make use of Linke’s online archive of photographs. 

This includes images of locations in Nigeria, China and Cyprus, of the G summit in Genoa, a 

NASA base in California and of the documenta exhibition. Phenotypes/Limited Forms eschews 

the usual “Please do not touch” approach of the museum and the authoritative stance adopted 

by artist and curator when they stipulate that an artwork is the completed and conclusive form 

in which it is to be presented. Because the visitor can make their own personal selection 

from the archive, they become, as it were, a temporary “curator”. Linke does not allow visitors 

to simply react to his work, but encourages these to actively and consciously make their own 

decisions.

Foto: Armin Linke 

Peter Hanappe & Armin Linke 

Phenotypes/Limited Forms, 2007 


Der 1659 fertiggestellte Gartenpavillon – „ain lusthauß in den conventgarten erpaut mit beÿ 

leÿfiger schätzung pr. ... fl.7000“, so der damalige Abt Raimund – stellt den Rahmen für die 

Klanginstallation Knitter Work von Hubert Machnik. In der Kulisse der illusionistischen Wandund 

Deckenmalerei Apollon und die vier Jahreszeiten von Johann Lederwasch, die zu Ende des 

18. Jahrhunderts entstand, steht ein Ensemble aus Holzpaneelen und Lautsprechern. Die spezifischen 

Klangeigenschaften des Pavillons verfalten sich mit den konkreten und diskreten Klangereignissen, 

die dieses Instrumentarium hervorbringt. Neben den elektromechanisch angeschlagenen Holzpaneels 

werden elektronische Sounds und field recordings der Holzverarbeitenden Industrie Admonts 

verwendet. Ein Computer spinnt das Garn. 

Dank an: Vollrad Kutscher, Martina Spiegl 

34 


Knitter Work, 2010 

Pavillon auf dem Stiftsgelände :Ort 

The garden pavilion completed in 1659 and described by the then Abbot of Admont, Raimund, 

as “a bower built in the convent garden, and at a cost they suppose at this present time to 

be some…7000 florins” is the setting for Hubert Machnik’s sound installation Knitter Work. A 

combination of wooden panels and loudspeakers have been erected against the background of 

the trompe l’oeil Apollo and the Four Seasons, painted on walls and ceiling by Johann Lederwasch 

towards the end of the 18th century. The concrete and restrained sounds produced by this system 

enable the visitor to appreciate the specific acoustic environment of the pavilion. In addition 

to the wooden panels that emit tones when electromechanically struck, there are electronic 

sounds and recordings of noises made by the wood processing industry taped on-site around 

Admont. A computer controls this ensemble.

Foto: Hubert Machnik 


Knitter Work, 2010 

Sound Installation

Bei der Kist‘n handelt es sich um die erste in einer Reihe von bisher 22 Arbeiten, die seit 2003 

entstanden sind. Im Spiel Raum (Kist‘n) im Raum (Installation) im Raum verhält sich diese 

Bretterbude zum Museum wie ein Kuckucksei im Nest. Wer hineinkriecht wie in eine Höhle, 

sieht im schummrigen Licht an den Wänden schäbige Kopien von Stars. Er entdeckt eine grob 

gezimmerte Kiste mit Gucklöchern. Zieht man an den Schnürchen und betätigt die Hebel, 

bewegen sich in Blaulicht getauchte Schiffsmodelle und es erklingt ein Lied von Brigitte Bardot. 

Das monotone Schwanken der Schiffe und die sich stetig wiederholende Musik verleihen dem 

Objekt einen fast meditativen Charakter. Man verliert sich, Zeit und Raum lösen sich auf. Dieses 

Kunstwerk kann als eine Gegenwelt zum Glanz und Glitter der internationalen Welt der Stars 

verstanden werden, zur gestylten Unterhaltungsindustrie und auch zur oftmals allzu glatten 

Ästhetik der Kunst. Hier ist Rückzug möglich. Wer sich auf den Zauber dieser Arbeit einlässt, 

der vergisst Hektik und Alltag. - Ahoi Kapitän! 

36 


Kist‘n Nr. 1, 2003 

Museum für Gegenwartskunst, ab 2. September 2010 :Ort 

Hans Pollhammer has created a broken-down shack made of boards and plastic film within the 

otherwise neutral museum environment, where it has an effect not unlike that of a cuckoo’s 

egg. On entering (actually it is necessary to creep in, as into a cave), the visitor becomes aware 

in the poor light of ragged pictures of film stars on the walls. There is a roughly carpentered 

crate with peepholes over which the visitor may stumble. Inside this crate, model ships move 

against a background of blue light and a song sung by Brigitte Bardot can be heard when the 

strings and levers are operated. Nothing else happens. This work of art represents an antidote 

to the dazzle and glitter of the international movie scene, to the stylised entertainment industry 

and all too often assumed concept of the ”beautiful“ within art. It is possible to retreat here 

and those who are willing to surrender themselves to the magic of this work will be able to 

forget the stresses of daily life and drift off into a new awareness.

Foto: Konrad Rainer 


Kist‘n Nr. 1, 2003 

Begehbare Skulptur

Der reactable wurde von einem Team von Wissenschaftlern und digitalen Musikinstrumenten- 

bauern – Marcos Alonso, Günter Geiger, Sergi Jordà und Martin Kaltenbrunner – an der Music 

Technology Group der Universität Pompeu Fabra in Barcelona entwickelt. Der reactable ist ein 

elektronisches Musikinstrument mit einem revolutionären Interface, das Ton, Rhythmus und 

Musik in eine greifbare und sichtbare Erfahrung verwandelt. Mehrere Personen können das 

Instrument gleichzeitig spielen: Acrylobjekte werden auf der Tischoberfläche bewegt, gedreht 

und miteinander verbunden und die Soundstrukturen und Parameter mit Hilfe der Multitouch- 

Oberfläche kontrolliert. Das musikalische Zusammenspiel wird auf der Oberfläche des Tisches 

sichtbar. High-Tech kombiniert mit intuitivem Design ermöglicht den Spielern mit Sound zu 

experimentieren und die eigene Kreativität auf direkte und natürliche Art auszuleben. 

Der reactable wurde mit internationalen Preisen wie dem Prix Ars Electronica Golden Nica, zwei 

D&AD Yellow Pencils und dem Preis der Stadt Barcelona ausgezeichnet. 

38 

reactable 



Sergi Jordà, 


reactable, 2005 

Museum für Gegenwartskunst, bis 1. September 2010 :Ort 

reactable is an electronic musical instrument with a revolutionary interface that turns music 

into a tangible and visual experience. Several people can play the instrument simultaneously 

by moving different acrylic objects on its surface, turning them and combining them with each 

other. While the instrument is being played, these objects light up and the synthesised music 

becomes visible on the surface. The state-of-the-art technology combined with a simple and 

intuitive design enables the user to experiment with sound, change its structure, control its 

parameters and be creative in a very natural and direct way.

Foto: Xavier Sivecas 

reactable (Marcos Alonso, Günter Geiger, Sergi Jordà, Martin Kaltenbrunner) 

reactable, 2005 

Interaktives Musikinstrument

Tritt man an die Skulptur heran, beginnt der Pilz Tischtennisbälle quasi wie Sporen durch die 

Luft zu wirbeln. Das Szenario verwirrt den Betrachter visuell, ist es doch fast nicht mehr möglich 

aufgeklebte weiße Flecken auf der Skulptur von herumfliegenden Bällen zu unterscheiden. 

Psychedelische Eigenschaften des realen Pilzes werden in ein interaktives, skupturales Feld 

übersetzt. Hin und wieder fällt ein Ball aus der Skulptur auf den Boden und wird sogleich vom 

Besucher aufgenommen und wieder in den Pilzhut zurück geworfen. Er vollführt damit exakt 

die gleiche Handlung, wie beim Pilze Sammeln im Wald. 

40 


Studie über Fliegenpilz, 2003 

Kunsthistorisches Museum :Ort 

When a visitor approaches the sculpture, the mushroom begins to discharge ping-pong balls 

into the air like spores. The intention is to confuse the visitor visually – it is almost impossible 

to distinguish between the white spots attached to the surface of the sculpture and the airborne 

balls. The psychedelic properties of the fly agaric have here been translated into an interactive, 

sculptural situation. Now and again a ball will fall from the sculpture to the ground, from which 

the visitor can pick it up to throw it back into the cap of the mushroom, thus replicating the 

actions of someone gathering mushrooms in a forest.

Courtesy Galerie Ursula Krinzinger, Wien; Galerie Eugen Lendl, Graz. Foto: © VBK, Wien 


Studie über Fliegenpilz, 2003 

Interaktive Skulptur

„Stellen Sie mich wo anders wieder ab!“ lautet die textliche Aufforderung, welche an einem 

kleinen Koffer zu lesen ist. Bei Befolgung der Anweisung durch den Betrachter verwischen 

allerdings nicht nur die räumlichen und moralischen Grenzen – kann man den Koffer auch mit 

nach Hause nehmen? Ab wann handelt es sich um Diebstahl? – sondern ebenso die des 

Präsentationsrahmens. Wo ist das Kunstwerk derzeit eigentlich? Wer hat es zuletzt gesehen? 

Und vor allem: Wo? 

42 


With a Little Help from My Friends, 2010 

Alle Museumsräume des Stiftes :Ort 

“Please put me somewhere else!” insists the text on a small suitcase. And assuming that visitors 

comply with this request, this will result not only in a blurring of the normal spatial (is one 

allowed to take the case home?) and moral (and what point does this become theft?) boundaries, 

but also in a breakdown of the conventional presentational context. Where is the artwork 

currently? Who saw it last? And, more importantly, where? 

Ein einfaches Holzschild am Ufer des Löschteiches des Stiftes fordert in der Tradition des Glücksbrunnens 

den Betrachter auf, sich etwas zu wünschen und eine Münze über die Schulter zu 

werfen. Allein, das Schild ist in seiner Ausrichtung um 180° falsch montiert, sodass die geworfenen 

Münzen nicht – wie vorgesehen – im Wasser landen, sondern in der Wiese. 


Ohne Titel, 2010, Partizipative Installation. (Keine Abbildung) 

Stiftsteich :Ort 

A simple wooden sign located on the bank of the old fire protection pond in the monastery 

grounds plays with the concept of the wishing well. Visitors are instructed to make a wish 

and throw a coin over their shoulder. But the sign has been deliberately turned through 180° 

so that the coin does not land in the water as expected, but on the grass.

Courtesy Galerie Ursula Krinzinger, Wien; Galerie Eugen Lendl, Graz. Foto: © VBK, Wien 


With a Little Help from My Friends, 2010 

Nomadisches Objekt

In der Installation bios [bible] schreibt ein Industrieroboter mit einer Schreibfeder handschriftlich 

die Bibel auf Papierrollen nieder. Mit Präzision führt die Maschine die kalligrafischen Linien aus, 

und läßt so, wie ein Mönch im klösterlichen Scriptorium, nach und nach den Text entstehen. 

bios [bible] beschäftigt sich mit Fragen von Glauben und technischem Fortschritt. Die Anordnung 

setzt zwei für die westliche Gesellschaft grundlegende Systeme in Beziehung, die christliche 

Religion und den wissenschaftlichen Rationalismus. In diesem Zusammenhang spielt seit jeher 

das Medium Schrift eine besondere Rolle, als Heilige Schrift oder als formale Niederschrift von 

Wissen. 

Basic input output system (bios) bezeichnet in der Computertechnologie das Bauteil, das die 

Vermittlung zwischen Hard- und Software koordiniert, und somit die unverzichtbare, grundlegende 

Software beinhaltet, mit der jeder Computer erst starten und Informationen verarbeiten kann. 

Es beinhaltet demnach jenes erste Programm, jene erste ursächliche Schrift, worauf jedes weitere 

Programm aufbaut. bios [bible] produziert in fünf Monaten das Neue Testament. 

44 

robotlab 



Jan Zappe) 

bios [bible], 2007 


The installation bios [bible] consists of an industrial robot, which writes down the bible on rolls 

of paper. The machine draws the calligraphic lines with high precision. Like a monk in the 

scriptorium it creates step by step the text. bios [bible] is focussing on the questions of faith 

and technical progress. The installation correlates two cultural systems which are fundamental 

for societies today – religion and scientific rationalism. In this context scripture has all times 

an elementary function, as holy scripture or as formal writing of knowledge. bios [bible] produces 

within five months the New Testament.

Foto: robotlab 

robotlab (Matthias Gommel, Martina Haitz, Jan Zappe) 

bios [bible], 2007 

Installation

lindstorey erzählt vom Kino, von der Stille, von Erinnerung und von Blindheit. Der deutsche 

Komponist Otto Kränzler entwickelte drei zeitgenössische Kompositionen aus gesampeltem 

Tonmaterial, das auf akustischen Rückständen und Geräusch-Atmosphären, auf klanglichen 

Zwischenräumen und Leerstellen, auf unterschiedlichsten Formen der Stille aus drei Filmen 

basiert, die sich auf die eine oder andere Weise mit dem Thema der Blindheit beschäftigen 

(Wait Until Dark [USA 1967, Terence Young], Night on Earth [USA 1991, Jim Jarmusch], Until the 

End of the World [USA 1991, Wim Wenders]). Diese Kompositionen stellen akustische Landkarten 

dar, um die vielfältigen Bewegungen von Stille, Auslassung, Unterbrechung, Geräusch und 

Atmosphäre, die in den Tonspuren der ausgewählten Filme enthalten sind, nachzuverfolgen, aufzuzeichnen 

und neu zu komponieren. Ein weiterer Fokus von blindstorey liegt auf der barocken 

Bibliothek des Klosters Stift Admont, in der sieben allegorische trompe l‘oeuil Deckenfresken 

des Malers Bartolomeo Altomonte aus den Jahren 1775/1776 zu sehen sind. Die blinde französische 

Autorin Claire Bartoli (bekannt geworden durch einen Begleittext zur Veröffentlichung des 

Soundtracks zu Jean-Luc Godards Film Nouvelle Vague [F/I 1993]) erzählt von ihrer Erfahrung als 

blinde Kinogängerin. Gesehene, erinnerte und (wieder)-erzählte Bild- und Tonfragmente durchziehen 

sieben kurze Texte, die von Licht und Dunkelheit, Erinnerung und Projektion, und den 

unterschiedlichen Sinneserfahrungen des Hörens und Sehens berichten. 

In Zusammenarbeit mit: Fareed Armaly und Otto Kränzler 

Textbeitrag: Claire Bartoli 

Virtuelle Modelle: Franz Schubert, 2003 

blindstorey enstand für die Produktionsreihe MADE FOR ADMONT. 

46 


blindstorey, 2003 


blindstorey is a project that explores distinctive forms of perception and representation. It draws 

on Baroque and Modernist concepts of architecture and their notions of ornamentation; it tells 

of cinema, silence, chronicles and of blindness. Dealing with visual versus aural forms of perception, 

sound versus silence in relationship with the musical concepts of theme and variation, it employs 

the techniques of digital audio sampling and 3D modelling programmes.

Foto: Constanze Ruhm 


blindstorey, 2003 

Bild- und Hörskulptur

Richard Siegals If/Then Installed ist ein interaktives Medienkunstwerk, das den Betrachter einlädt, 

per Videoprojektion gezeigte Gesten nach Yvonne Rainer‘s Trio A zu wiederholen und virtuell 

zu kontrollieren. Trio A wurde erstmals 1966 von Rainer, Steve Paxton und David Gordon in der 

Judson Memorial Church in New York City aufgeführt. Der Betrachter übernimmt dabei die Rolle 

des Tänzers, indem er, wie vergleichweise bei der Ausführung einer Notation, unterschiedliche 

Bewegungen und ihre wechselseitigen Beziehungen interpretiert. In Echtzeit wird das Bild des 

Besuchers mit einer Kamera aufgenommen und analysiert, bis es dasjenige des Choreographen 

ersetzt. Somit wird ein kontinuierlich erweitertes Archiv von Gesten-Beispielen aufgebaut, das 

in einer zweiten Installation zu sehen ist. Seit 2005 verwendet Siegal die If/Then-Methode als 

Ausgangspunkt für seine Bühnenstücke und Installationen. If/Then definiert bestimmte Aktionen 

und Regeln, die zu Handlungseinheiten, den so genannten „Spielen“, zusammengefasst werden. 

Diese Einheiten sind untereinander verbunden, so dass an bestimmten Schnittstellen die Akteure 

in einen neuen Regelkreis wechseln können. Zur Erarbeitung, Visualisierung und Notation dieser 

Entscheidungswege werden Strukturmodelle herangezogen, wie sie aus der Informatik bekannt 

sind. 

Konzept: Richard Siegal, in Zusammenarbeit mit: Frédéric Bevilacqua, Florent Bérenger, 

Jean-Philippe Lambert und Hillary Goidell 


48 

If/Then Installed, 2009 


If/Then Installed is an interactive media art installation that invites spectators to physically 

imitate and virtually control a video projection of dancer-choreographer Richard Siegal performing 

gestures derived from Yvonne Rainer‘s Trio A. Trio A was first performed in 1966 by Rainer, Steve 

Paxton, and David Gordon at Judson Memorial Church in New York City; in 1968 it was presented 

as the first section of Rainer‘s The Mind Is a Muscle. 

The installation expands upon the If/then methodology developed by Siegal for his performances 

since 2005. The spectator’s image is captured in real time and analyzed, replacing that of the 

model and thereby enriching an ever-evolving gestural database.

Foto: Hillary Goidell/The Bakery, Paris 


If/Then Installed, 2009 


Der Life Writer ist eine zu einer Computerschnittstelle umgewandelte altmodische Schreibmaschine, 

deren normale Funktionen den Benutzer zur Interaktion einladen. Sie steht auf einem antiken 

Tisch, auf den von oben auf ein Blatt Papier Bilder projiziert werden. Dadurch verwandelt sich 

das Papier in der Wahrnehmung der Besucher in einen Computerbildschirm, da die Bewegung 

des Papierschachts der Schreibmaschine nahtlos mit der Bewegung des projizierten Bilds verbunden 

ist. Wenn ein Benutzer auf der Schreibmaschine tippt, verwandelt sich der Text in eine künstliche 

Lebensform, die so auf dem Papier erscheint, als ob sie direkt von der Schreibmaschine erzeugt 

würde. Spinnenähnliche Tiere suchen auf dem Papier hektisch nach essbarem Text. Wenn der 

Benutzer weitere Buchstaben tippt, fressen die Tiere diese schnell auf und vermehren sich, 

bis sie das Papier vollständig bedecken. Der Benutzer kann sie aber auch zum Verschwinden 

bringen. Die Tiere wurden mit Hilfe genetischer Algorithmen programmiert, so dass sie halb 

autonom sind und bei Stoffwechsel und Fortpflanzung ihren internen Gesetzen folgen. Durch 

das Schreiben auf dem Life Writer werden Gedanken lebendig und erhalten die Möglichkeit, 

sich zu entwickeln, zu befreien und zu verwandeln. 

Life Writer gehört zur Sammlung des Instituts ITAU Cultural in Sao Paulo, Brasilien. Das Werk 

wurde 2006 ursprünglich für die von Margo Crutchfield kuratierte Ausstellung All Digital im 

MOCA Museum für zeitgenössische Kunst in Cleveland entwickelt. 

50 


& 


Life Writer, 2006 


Life Writer is an old-fashioned typewriter that was transformed into a computer interface upon 

which users can interact using the normal functions of the machine. When a user writes text 

on this typewriter, the text transforms into artificial life forms that appear on the paper of the 

typewriter as if directly emerging from the machine. The creation and manipulation of fascinating 

visual images in an interactive environment where participants also engage in the act of creation 

raises fundamental questions about human interaction with increasingly “intelligent” machines 

and possible levels of human-machine symbiosis.

Collection of the ITAU Cultural, Sao Paulo. Foto: Christa Sommerer & Laurent Mignonneau 

Christa Sommerer & Laurent Mignonneau 

Life Writer, 2006 


Aus einiger Entfernung betrachtet scheint The Web (Spider) eine stabile Konstruktion zu sein. 

Ein Gewirr von dünnen Fäden umgarnt und vernetzt das spinnenartige Gebilde. Die Anatomie 

ist aber höchst fragil. Die leichten Hohlstangen aus Carbon (Fischerangeln) sind durch Druckfedern 

verbunden, die allen Stabilisierungsversuchen entgegenwirken. Die Zahl der Elemente 

kann beliebig erweitert oder reduziert werden. Die Arbeit des Künstlers besteht darin, dieses 

schwingende und wabernde Grundgebilde mit ein paar Fäden zu stabilisieren. Dann überlässt 

er diese Grundkonstruktion mit einer Vielzahl von bunten Zwirnspulen dem Publikum. The 

Web (Spider) wächst im Laufe der Zeit und prägt seine spezifischen Strukturen erst langsam 

aus. Je länger das Gebilde an einem Ausstellungsort bleibt, desto komplexer und differenzierter 

sind die entstehenden Vernetzungen der Fäden. Auch das spinnenartige Gebilde der 

Stangen ist erweiterbar, und mit der Veränderung der Form transformiert sich auch das Begriffsfeld 

„Netz“ und „Spinne“. 

Seen from a distance, The Web (Spider) may appear to be a stable construction. But it 

is actually made up of a tangle of slender threads that enmesh and interconnect with a 

supportive framework that is reminiscent of a spider with its extremely fragile anatomy. The 

lightweight hollow carbon poles (actually fishing rods) are connected by means of compression 

springs that resist all attempts to stabilise the structure. The artist leaves the resultant basic 

structure, together with a supply of spools of colourful thread, to the whims and caprices of 

the public. The Web (Spider) thus grows over time and only gradually comes to assume its 

specific and individual form. The longer The Web (Spider) is left at one location, the more 

complex and distinctive the resultant latticework of threads becomes. 

52 

Martin Walde 

The Web (Spider), 2006 

Säulenhalle :Ort

Courtesy Galerie Ursula Krinzinger, Wien. Foto: Martin Walde 

Martin Walde 

The Web (Spider), 2006 


In seiner Audioinstallation setzt Hans Winkler sich mit den Geschichten und Mythen über das 

Wildern auseinander, so z.B. mit jener über den legendären Schwarzen Peter. Nach wie vor erzählt 

man sich auf der Haindlkarhütte im Gesäuse diese Geschichten vom Schwarzen Peter, der 

sich in den Jahren 1870-1880 der Verfolgung durch die Jäger entzog, indem er sich in unüberwindlich 

scheinende Felsformationen wagte und immer wieder einen mysteriösen Fluchtweg 

fand, der später nach ihm Peternsteig benannt wurde. Der Schwarze Peter wurde nie gefasst, 

und seine Identität ist bis heute unbekannt. In Gesprächen mit Bauern und Hirten sammelte 

Winkler überdies Informationen zu einem seit Generationen mündlich überlieferten Regelwerk, 

einer Art Handbuch für Wilderer. 

Produktion: Steirischer Herbst 2004, in Kooperation mit MADE FOR ADMONT 

54 

Hans Winkler 

Im Gesäuse. Handbuch für Wilderer, 2004 

Stiftsgelände :Ort 

In his audio installation, Hans Winkler explores the stories and myths of poaching, specifically 

those surrounding the legendary Schwarzer Peter or Black Peter. Even today in the Haindlkarhütte, 

an alpine refuge in the mountainous Gesäuse region, tales of his deeds still circulate. Over the 

period 1870 – 1880, Black Peter repeatedly managed to evade all who attempted to pursue him 

by climbing apparently insurmountable rock faces, locating a secret escape route that is still 

named after him – the Peternsteig. Black Peter was never caught and his identity remains shrouded 

in mystery. Winkler interviewed local farmers and shepherds to collect the traditional oral lore 

that has been handed down over generations – a kind of Handbook for Poachers.

Foto: Ernst Kren 

Hans Winkler 

Im Gesäuse. Handbuch für Wilderer, 2004 

Audioinstallation

Flüchtigkeit und Veränderlichkeit sind die Grundkonstanten in Wurms künstlerischem Werk. Adorno 

was wrong with his ideas about art erweitert diesen Aspekt ins Philosophische: Theodor W. 

Adorno hatte für die Nachkriegsgesellschaft einen neuen Begriff für das Hehre und Unabänderliche 

des Kunstwerkes festgelegt. Erwin Wurm begegnet diesem Theorem mit der ihm eigenen Skepsis 

und Ironie, indem er „Lehrgebäude“ in Platten zerlegt und zur Benützung der Bestandteile 

auffordert: „nichts ist für immer gültig, alles ist einem Wandel unterworfen“. 9 große rosafarbene 

Platten, zusammengefügt zu einem Ensemble, sind von den Besuchern wie eine begehbare 

Plastik zu benützen. Zeichnungen auf den Platten dirigieren die unmittelbar mögliche Kontaktaufnahme 

des Museumsbesuchers mit dem Kunstwerk. Eine kurzfristig gemeinsame Wechselwirkung 

von Kunstwerk und Besucher lässt sich derart herstellen. Die Installation ist eine ins 

Monumentale gesteigerte Variante der one minute sculptures, gleichzeitig eine Demontage des 

pathetischen Kunstbegriffs von Adorno, indem Wurm das veränderliche und spielerische Moment 

eines Kunstwerkes gleichsam dem Zugriff des Betrachters überantwortet. 

56 

Erwin Wurm 

Adorno was wrong with his ideas about art, 2005 


Instability and mutability are the underlying constants in Wurm‘s artistic oeuvre. Adorno was 

wrong with his ideas about art extends these concepts into the world of philosophy. After the 

Second World War, Theodor W. Adorno‘s expounded new definitions of the sublime character 

and essentially permanent nature of artworks in his theory of aesthetics. Erwin Wurm counters 

these hypotheses with a scepticism and humour that is all his own by dismantling a ‚theoretical 

system‘ into separate plates and inviting visitors to use these individual elements: „Nothing is 

true for ever; everything is subject to change“. The nine large pink panels that together form 

the artwork are designed to be used by museum visitors as a form of accessible sculpture. There 

are instructional illustrations on the panels in order to provide these with guidance on how they 

can actually employ these objects. The result is transient interaction between artwork and 

visitors.

Foto: Studio Wurm 

Erwin Wurm 

Adorno was wrong with his ideas about art, 2005 


Thomas 

Baumann 

Geboren 1967 in Altenmarkt, lebt 

und arbeitet in Wien. Studium an 

der Akademie der bildenden Künste 

Wien. Zahlreiche Ausstellungen im 

In- und Ausland. u.a.: Kunsthalle, 

Wien; Secession, Wien; Wien Museum 

Karlsplatz; Kunsthaus Graz; Museum 

Tinguely, Basel; Kunsthalle Basel; 

Kunstverein Bonn; Museum Bochum; 

Palazzo delle Arti, Neapel; MOCA, 

Taipeh; Haus Konstruktiv, Zürch; 

Kunstverein Ludwigsburg; Museum 

Stift Admont; Lentos, Linz; Kunsthaus 

Basel Land; Slought Foundation, 

Philadelphia; Offenes Kulturhaus, 

Linz; Georg Kolbe Museum, Berlin. 

www.thomasbaumann.net 

Biografien 

Künstler 

Johannes 

Deutsch 

Johannes Deutsch begann mit der 

computergestützten Begegnung von 

Malerei und Fotografie und der 

grundsätzlichen Frage, wie Technologie, 

Wissenschaft und Kunst zu 

einem Ganzen verbunden werden 

können. Die Theorien S. Freuds 

führten ihn zum Computer als 

künstlerischem Medium. Auf seinem 

Weg zur interaktiven Kunst- und 

Mediengestaltung beschäftigte er 

sich mit den Grundlagen der Neuro- 

und Kognitionswissenschaften. 

Soloausstellungen u.a.: Museum 

Moderner Kunst Wien 1992, Kunstmuseum 

Bonn, Frankfurter Kunstverein 

1998; Beteiligungen u.a.: 

Museum Ludwig, Köln 2000; Museum 

d. Moderne Salzburg 2006; Projekte 

u.a.: Gesichtsraum, Ars Electronica 

Linz 2002; Rheingold Visualized, 

Brucknerfest Linz 2004; Vision Mahler, 

WDR Köln 2006. 

www.johannes-deutsch.at 

Julius 

Deutschbauer 

Geboren 1961 in Klagenfurt, lebt 

als Künstler in Wien. 2000-2007 

Zusammenarbeit mit Gerhard 

Spring. 2008 Gründung der Performancegruppe 

Theater des Verhinderns. 

Das Zentrum seiner Arbeit bilden 

die inzwischen über 130 Plakate. 

Jüngste Ausstellungen: Alles nur 

Theater, Galerie Steinek, Wien; One 

Shot, P.B.S.22, Charleroi; Printed 

matter, Fotomuseum Winterthur; 

Nur 100 Plakate im MAK, Wien. 

Jüngste theatralische Arbeiten: 

Theater des Verhinderns, donaufestival 

10; Halbsterntheater, brut wien; Heuno, 

imagetanz; Suche das unpolitischste 

Kunstwerk Münchens, Spielart 

München. Jüngste Filmarbeiten: 

Sound of Migration (apap VI, Szene 

Salzburg), gezeigt bei Festivals in 

Berlin, Brüssel, Zagreb und Kortrjik. 

Das Filmplakat wurde mit dem 

Preis für das beste Kulturplakat des 

Landes Salzburg ausgezeichnet. (zus. 

mit G. S.) Bücher: u. a. 6 Künstler- 

Künstler-Reden, edition selene, Wien 

2003; Politisch für Künstler, Triton, 

Wien 2003; Zwialoge, Czernin Verlag, 

Wien 2006; Figur ohne Grund, Passagen-Verlag, 

Wien 2008 (zus. mit 

G. S.) Julius Deutschbauer betreibt 

58 

seit 1997 die Bibliothek ungelesener 

Bücher. 

www.bibliothek-ungelesenerbuecher.com 

Tim 

Etchells 

Der Künstler und Schriftsteller Tim 

Etchells (*1962) lebt in Sheffield. Er 

ist künstlerischer Leiter der weltberühmten 

Performance-Gruppe 

Forced Entertainment und arbeitet 

in vielen künstlerischen Zusammenhängen. 

Etchells hat mit einer Vielzahl 

bildender Künstler, Choreografen 

und Fotografen zusammengearbeitet 

und sein Werk umfasst 

Performances, Videos, Fotografie, 

Textprojekte, Installationen und 

literarische Werke. Etchells veröffentlichte 

das Buch Certain 

Fragments (Routledge, 1999) und 

im Jahr 2008 seinen ersten 

Roman The Broken World (Heinemann). 

Seine Arbeiten wurden 

weltweit ausgestellt, z. B. im 

MACBA in Barcelona (2009), bei 

der Göteborg Biennial (2009), 

der Art Sheffield (2008) und der 

Manifesta 7 (2008). Er ist derzeit 

Träger des von der Tate Research 

and Live Art Development Agency 

gestifteten Preises Legacy: Thinker 

in Residence. 

www.timetchells.com 

William 

Forsythe 

Gilt als einer der führenden Choreografen 

weltweit. Seine Werke sind 

dafür bekannt, die Praxis des Balletts

aus der Identifikation mit dem klas- 

sischen Repertoire gelöst und zu 

einer dynamischen Kunstform des 

21. Jahrhunderts geführt zu haben. 

Forsythes tiefgreifendes Interesse in 

organisatorischen Grundprinzipien 

hat es ihm ermöglicht, ein breites 

Spektrum von Projekten zu realisieren, 

wie Installationen, Filme und 

Internet-basierte Wissensentwicklung. 

www.theforsythecompany.com 

Peter 

Hanappe 

Studierte Elektronik an der Universität 

von Gent, Belgien. Begann mit 

der Forschung von Computer Musik 

am IPEM (Institut für Psychoakustik 

und Elektronische Musik). 1994 zog 

er nach Paris, wo er seine Doktorarbeit 

im Centre George Pompidou/ 

IRCAM (Institut de Recherche et 

Coordination Acoustique/Musique) 

abschloss. Seit 2002 arbeitet er am 

Sony Computer Science Laboratory, 

Paris. Seine Interessen umfassen 

alles, was mit Computer und Netzwerken 

zu tun hat: Von content 

distribution, innovativer Energie 

Verteilung bis zum verteilten 

Rechnen. 

http://www.csl.sony.fr/staff/ 

member/?username=hanappe 

Armin 

Linke 

Geboren 1966, lebt in Mailand und 

Berlin. Er arbeitet vorwiegend mit 

dem Medium Fotografie, kombiniert 

dabei verschiedene Medien, um die 

Grenzen der Wahrnehmung – von 

Fiktion und Realität – zu verwischen. 

Arbeitet an einem fortlaufenden 

Archiv zu den Themen menschliche 

Aktivität sowie natürliche und von 

Menschenhand gemachte Landschaften. 

Linkes multimediale 

Installation über die zeitgenössische 

alpine Landschaft gewann einen 

Preis bei der 9. Architekturbiennale 

in Venedig sowie beim Grazer 

Architektur Filmfestival. Linke ist 

Gastprofessor an der HfG Karlsruhe, 

an der IUAV Arts and Design 

University Venedig, sowie am MIT 

Visual Arts Program in Cambridge. 

www.arminlinke.com 

Hubert 

Machnik 

Komponist und Gitarrist. Spielte in 

verschiedenen Ensembles und Orchestern, 

vorwiegend Neue Musik. 

Mitglied im Ensemble Modern 1981-89. 

Komponiert Klavier- und Kammermusik, 

Musik für Bühne, Tanz, Film 

und audiovisuelle Installationen, 

Computermusik, elektronische Musik 

und Radiostücke. Aufführungen in 

Tokyo, New York, Montreal, Toronto, 

Sao Paulo und in vielen Städten 

Europas. Zuletzt: Gastprofessur an 

der Universität Giessen (Computermusik/Multi 

Media Anwendungen), 

Humboldt/Pym-Travelogue & 

Prospektion (Lefkada & Thessaloniki, 

National Theatre of Greece), Zusammenarbeit 

mit Heiner Goebbels 

(Genf/Lausanne/London, u.a.), den 

Berliner Philharmonikern (Education 

Dept., Berlin/New York), Blindman 

Saxophonquartett (Brüssel), Deufert/ 

Plischke (Wien/Graz/Antwerpen/ 

Brüssel, u.a.), Anouk van Dijk Dance 

Company (Amsterdam/Rotterdam/ 

Den Haag, u.a.), Richard Siegal 

59 

(Berlin/Essen/Weimar), Arto Lindsay 

(Rio de Janeiro) und der William 

Forsythe Company (Frankfurt / 

Stuttgart /München / New York / 

Columbus /Basel). 

www.hmach.com 

Hans 

Pollhammer 

Geboren 1967 in Wels. Pollhammer 

arbeitet seit vielen Jahren konsequent 

an einem Werk, das sich aus Malerei, 

Filmen, Aktionen und kinetischen 

Skulpturen zusammensetzt und damit 

ein sehr eigenwilliges Gesamtkunstwerk 

ergibt, erweitert um seine 

Zugehörigkeit bei der legendären 

Performance Gruppe Josef Böhm. 

Seit 2008 künstlerische Leitung des 

Symposiums ORTung in Strobl, Land 

Salzburg. 2009/10 Auslandsstipedium 

in Paris. Lebt und arbeitet im 

österreichischen Siezenheim. 

www.137.at/pollhammer 

reactable 



Sergi Jordà, 


Der reactable wurde von Marcos 

Alonso (ES), Günter Geiger (AT), 

Sergi Jordà (ES) und Martin Kaltenbrunner 

(AT) an der Universität 

Pompeu Fabra in Barcelona entwickelt. 

Seit 2009 wird das Instrument 

von Marcos Alonso und Günter 

Geiger im Rahmen des Spin-Off 

Unternehmens Reactable Systems 

in Barcelona weiterentwickelt. Sergi 

Jordà ist Koordinator des Interactive 

Systems Teams der Pompeu Fabra 

Universität Barcelona, wo er auch in

der Lehre und Forschung tätig ist. 

Seine musikalische Karriere als freier 

Improvisator von experimenteller 

elektronischer Musik begann in den 

80er Jahren. Martin Kaltenbrunner 

ist zur Zeit supplierender Professor 

für Interface Culture an der Kunstuniversität 

Linz. Seine Forschungsgebiete 

sind Tangible User Interfaces 

und die Entwicklung neuer 

Interaktionskonzepte unter Verwendung 

freier Software. Die 

Erfinder wurden für dieses Werk 

mit internationalen Preisen wie der 

Goldenen Nica (Prix Ars Electronica 

2008), zwei D&AD Yellow Pencils 

und dem Preis der Stadt Barcelona 

2007 ausgezeichnet. 

www.reactable.com 

Werner 

Reiterer 

Geboren 1964, lebt und arbeitet in 

Wien. Reiterer arbeitet in verschiedenen 

Medien. Es gelingt ihm, mit 

konspirativen Methoden skulpturale 

Komponenten in den Raum zu 

implantieren, die durch eine konsequente 

künstlerische Verschiebung 

tradierter Parameter ungeahnte Eindrücke 

hinterlassen. In seinen Interventionen 

fordert er das Publikum 

auf, sich über sozio-kulturell erlernte 

Verhaltensregeln aktiv hinwegzusetzen. 

Seine interaktiven Installationen 

fungieren als skulpturale 

Katalysatoren, die das Publikum wie 

auch das Museum als Institution und 

Architektur spielerisch hinterfragen. 

Projekte im öffentlichen Raum, u.a.: 

2009-2010 Skulpturenpark, Rosenheim. 

2009-2012 U-Bahnstation Heumarkt, 

Köln. Einzelausstellungen, 

u.a.: Kunstverein Hannover; Kunsthaus 

Basel Land, Basel; Overbeck 

Gesellschaft, Lübeck; NÖ Landesmuseum, 

St.Pölten; Kunsthaus, Graz; 

The Speed Art Museum, Louisville/ 

USA; The Contemporary Art Museum, 

Tampa/USA, Oberösterreichische Landesgalerie, 

Linz; Belevedere, Wien. 

robotlab 



Jan Zappe) 

wurde 2000 von Matthias Gommel, 

Martina Haitz und Jan Zappe gegründet. 

Die freie Künstlergruppe 

ist assoziiert an das Institut für 

Bildmedien im ZKM – Zentrum 

für Kunst und Medientechnologie 

Karlsruhe. robotlab arbeitet mit 

Industrierobotern im öffentlichen 

Raum und setzt sich im Rahmen 

von Installationen und Performances 

mit Mensch-Maschine-Beziehungen 

auseinander. robotlab stellt in Ausstellungen 

experimentelle Situationen 

her, in denen die Öffentlichkeit ihre 

Beziehung zu Robotern überprüfen 

kann. Die massive Erscheinung des 

Roboters, seine Bewegungen und 

Geräusche wirken auf den Betrachter, 

werden individuell interpretiert 

und evozieren Ideen, die sowohl im 

Bereich des unmittelbar praktisch 

Umsetzbaren als auch der Utopie 

einer möglichen Mensch-Maschine 

Kultur liegen können. 

www.robotlab.de 

Constanze 

Ruhm 

ist Künstlerin, Autorin und Kuratorin, 

lebt in Wien und Berlin. In 

ihrer Arbeit entwickelt sie eine 

zeitgenössische Form künstlerischer 

60 

Praxis, die sich mit dem Verhältnis 

von Kino und Neuen Medien 

beschäftigt, und dabei Fragen von 

(weiblicher) Identität, Repräsentation 

und (Medien-) Architektur in 

den Blick nimmt. Die Produktionen 

entstehen an der Schnittstelle von 

Installation, Film, Video, web-basierten 

Projekten und Publikationen. Sie 

war u.a. von 1999-2006 Vorstandsmitglied 

der Wiener Secession, 

Vizepräsidentin von 1999-2001. 

Kuratorin der Ausstellung Fate of 

Alien Modes, Secession Wien 2003. 

Seit 2000 kuratorische Projekte im 

Rahmen des haus.0 Programms im 

Künstlerhaus Stuttgart (mit Fareed 

Armaly), im ZKM Karlsruhe und an 

der Neuen Galerie Graz. 2005-2006 

Professorin für Film und Video an 

der Merz Akademie in Stuttgart. 

Seit 2006 Professorin für Kunst und 

Medien an der Akademie der 

Bildenden Künste Wien. Ab 2008 

Adjunct Professor am Art Institute 

Boston/Lesley University. 

www.constanzeruhm.net 

Richard 

Siegal 

Geboren 1968 in North Carolina, ist 

Tänzer und Choreograph. 2005 

gründete er The Bakery, Paris- 

Berlin, eine Plattform für internationale 

und interdisziplinäre 

künstlerische Zusammenarbeiten 

im Bereich der zeitgenössischen 

Kunst. Zahlreiche internationale 

Auftragsarbeiten und Gastspiele 

im Bereich der Choreographie und 

der Neuen Medien, u.a.: Festival 

d‘Automne Paris, Ircam Paris, ZKM 

Karlsruhe, Centre Pompidou Paris, 

YCAM Japan, Tanz im August Berlin, 

Ballett Frankfurt. Siegal war Artist-

in-Residence am Bennington College 

Vermont, am ZKM Karlsruhe, am 

Baryshnikov Arts Center New York 

und am Muffatwerk, München. Für 

das American Dance Festival in New 

York kuratiert er das jährliche 

Forsythe Festival. Wurde mit zahlreichen 

Preisen, so dem ‘Bessie 

Award‘, dem S.A.C.D. Preis, dem 

Beaumarchais Preis und dem 

Mouson Award ausgezeichnet. 

www.thebakery.org 

Christa 

Sommerer 

& 

Laurent 

Mignonneau 

Die Medienkünstler und Forscher 

Christa Sommerer und Laurent 

Mignonneau haben gemeinsam ca. 

20 interaktive Kunstwerke geschaffen, 

die weltweit in rund 200 Ausstellungen 

gezeigt wurden, unter 

anderem im Van Gogh Museum 

in Amsterdam, im Museum für 

Wissenschaft und Technik in 

Tokyo, im Zentrum für Kunst und 

Medientechnologie in Karlsruhe, 

in der Cartier-Stiftung in Paris, 

im Ars Electronica Center in Linz, 

im NTT-ICC Museum in Tokyo, im 

NTT Plan-Net in Nagoya, Japan, 

im Shiroishi Multimedia Art Center 

in Shiroishi, Japan, im HOUSE-OF- 

SHISEIDO in Tokyo und in der ITAU 

CULTURAL Foundation in Sao Paulo. 

Mignonneau und Sommerer haben 

Artikel zu den Themen künstliches 

Leben, Komplexität, Interaktion und 

Schnittstellendesign veröffentlicht 

und sie halten zahlreiche Vorträge 

in Universitäten, internationalen 

Konferenzen und Symposien. Ihnen 

wurden wichtige internationale 

Medienpreise verliehen, unter anderem 

1994 die Goldene Nica, sowie 

der Prix Ars Electronica für Interaktive 

Kunst (Linz, Österreich). 

www.interface.ufg.ac.at/christa-laurent 

Martin 

Walde 

Martin Walde (*1957) ist einer der 

vielfältigsten Gegenwartskünstler, 

der gleichermaßen systematisch und 

subtil die Bedingungen skulpturaler 

Prozesse erkundet und deren Möglichkeiten 

konsequent weiter entwickelt. 

Er überführt diese in seinen 

Ausstellungen von der reinen 

Präsentation in eine Art Entwicklungsplattform, 

wie ein frei zugängliches 

Labor, an dem BesucherInnen – abhängig 

von ihrem jeweiligen Interesse 

– teilhaben können. Zahlreiche Ausstellungen 

im In- und Ausland, u.a.: 

1986 Biennale di Venezia/IT.; Chambres 

d’Amis, Museum van Hedendaagse 

Kunst/BE. 1989 Istanbul 

Biennale. 1997 Documenta X/DE. 1998 

Biennale de Montréal/CA. 2001 

Biennale di Venezia/IT. 2008 The 

Hayward Gallery/UK.; BIACS 3, 

Sevilla/ES. Einzelausstellungen u.a.: 

1984 Museum van Hedendaagse 

Kunst/BE. 1989 Generali Foundation/AT, 

1996 Wiener Secession/AT, 

1999 Tokyo Opera City Art Gallery/ 

JP. 2001 Fuchu Art Museum, Tokyo/ 

JP. 2003 Villa Arson/FR. 2006 Kunsthaus 

Baselland/CH. 2009 ZKM Karlsruhe/DE. 

2010 MARTa Herford/DE. 

www.martinwalde.at 

Hans 

Winkler 

Geboren 1955 in Rott am Inn, lebt 

61 

in Berlin und New York. Das Hauptinteresse 

seiner künstlerischen Arbeit 

– seit 1982 – gilt dem öffentlichen 

Raum. Seine Interventionen, 

Aktionen und Projekte sind meist 

temporär und stehen im Bezug zur 

Umgebung. 1988-2000 arbeitete er 

zusammen mit Stefan Micheel unter 

dem Namen: p.t.t.red (paint the 

town red). 1999-2007 unterrichtete 

er public art und Interventionen im 

San Francisco Art Institute, Kalifornien. 

www.hswinkler.de 

Erwin 

Wurm 

Geboren 1954 in Bruck an der Mur, 

Steiermark, bewegt sich in seinem 

Werk zwischen performativen, interaktiven 

Handlungsformen und 

plastischen Formulierungen, die auf 

eine Verkörperung/Materialisierung 

des Immateriellen zielen und dabei 

zugleich mit der Paradoxie einer still 

gestellten Bewegung spielen. Für 

seine performativen Skulpturen 

macht er den Betrachter zum Mitspieler 

in einem Spiel, dessen 

Regeln der Künstler, im Sinne einer 

rigorosen, diktatorischen Subjektivität, 

alleine aufstellt. Seit 2002 ist Wurm 

Professor an der Universität für 

Angewandte Kunst, Wien. Lebt und 

arbeitet in Wien und Limberg, 

Österreich. Auszeichnungen: Künstler 

des Jahres 2007, gewählt von der 

Zeitschrift KUNSTJAHR 2007 – Die 

Zeitschrift die Bilanz zieht. Nr. 7, 

Lindinger & Schmid, Regensburg, 

Deutschland. Wichtige Werkgruppen: 

One Minute Sculptures, Fat House, 

Fat Car, House Attack. 

www.erwinwurm.at

Michael 

Braunsteiner 

geboren 1959 in Graz, lebt und 

arbeitet in Graz und Admont. 

Während und nach dem Studium 

der Kunstgeschichte und Deutschen 

Philologie in Graz tätig in der 

Werbung, im Kunst- und Antiquitätenhandel 

sowie für Wilfried 

Skreiner und Peter Weibel in der 

Neuen Galerie Graz. 1994-1995 

arbeitete er im Bundesdenkmalamt 

Linz. 1995 übernahm er die Leitung 

der Kulturabteilung des Stiftes 

Admont. Baut dort seit 1997 die 

Sammlung für Gegenwartskunst 

auf. War 1998-2003 im Kernteam 

für das Großprojekt Umbau, Neubau 

und Konzeption des neuen Museums 

im Stift Admont mitverantwortlich. 

Seit 2000 betreibt er die hauseigene 

Produktionsserie MADE FOR ADMONT. 

2003-2007 hatte er die künstlerische 

Leitung des Museums im Stift 

Admont inne; seit 2007 Kurator 

des Stiftes Admont, freier Autor 

und Art Consulter. 

Publikationen (Auswahl): famosus 

statuarius Josef Stammel (1695-1765), 

Barockbildhauer im Auftrag des 

Benediktinerstiftes Admont, Hg.: 

M. Braunsteiner, Admont 1996; 

Barockbildhauer Josef Stammel, 

Spurensuche, Hg.: M. Braunsteiner, 

Admont 1997; Lois Renner im 

Stift Admont/Lois Renner’s work 

for Admont, Stift Admont, Hg. 

Michael Braunsteiner, Admont 2001; 

Admont, Ein Fotoporträt von Rudi 

Molacek, hrsg. v. Abt Bruno Hubl 

und Michael Braunsteiner, Admont 

2003. Ausgestopfte Tiere bewegen 

sich, Ein Film von Norbert Trummer, 

Hg.: Michael Braunsteiner, Admont 

2006. Michael Kienzer, Tobias Pils, 

Markus Wilfling, Hg.: Michael 

Braunsteiner, Admont 2007. 

Christine 

Peters 

Nach dem Studium der Anglistik, 

Romanistik, Theater-, Film- und 

Medienwissenschaft war sie von 

1992-98 Projektleiterin und von 

1998-2003 Künstlerische Leiterin 

am Künstlerhaus Mousonturm, 

Frankfurt/Main. Seit 2004 freie 

Kuratorin für zeitgenössische Kunst 

und Performance, u.a. für: Festival 

Theater der Welt, Stuttgart 2005 

und Essen/Mülheim 2010, Festival 

Steirischer Herbst, Graz 2006 

(kuratierte gemeinsam mit Adam 

Budak die Gruppenausstellung 

Protections am Kunsthaus Graz). 

War künstlerische Beraterin für das 

Initiativprojekt der Kulturstiftung 

des Bundes zum Thema Tanz/Kuratieren 

zwischen Theorie und Praxis 

(Tanzplan Deutschland, 2008-2009). 

2005-2009 unterrichtete sie Kuratieren 

im interdisziplinären Kontext 

am Institut für Theater- Film- und 

Medienwissenschaft der Johann 

Wolfgang Goethe-Universität Frankfurt/Main. 

Lebt und arbeitet in 

Frankfurt/Main. Jüngste Publikationsbeiträge 

(Auswahl): Stuttgarter 

Gespräche, anlässlich des Interview 

Marathons von Hans Ulrich Obrist 

(in: Interview Marathon, Akademie 

der Bildenden Künste Stuttgart, 

2006), That resistance, forced upon 

us by reality (Shakespeare Magazine, 

Bergen/N, 2007), P is different (On 

Difference Württembergischer 

Kunstverein Stuttgart, 2008), 

Schmooze My Restlessness, (Tanz- 

62 

quartier Wien, Vlg. Theater der 

Zeit, 2009), Über Stille. Flüchtigkeit 

in Aspik, sphärisierte Echtzeit, 

anlässlich der documenta 12 (über: 

Ferran Adrià, elBulli Books, 2009), 

Tanz/Kuratieren zwischen Theorie 

und Praxis, (Tanzplan Deutschland, 

2009), Slow Production (PerfoMap, 

2010). Als Mit-Hrsg.: DVD If/Then 

Dialogues, Richard Siegal/The 

Bakery (Vlg. Hatje Cantz, 2010), 

Katalog Theater der Welt 2010 

(Vlg. Theater der Zeit, 2010).

Biografien 

Kuratoren 

63

Anlässlich der Ausstellung 


3. Juni - 7. November 2010 im Benediktinerstift Admont – Bibliothek & Museum 

A-8911 Admont, im Rahmen des Kulturfestivals REGIONALE10 

Weiterführende Informationen zur Ausstellung finden Sie unter: www.stiftadmont.at 

Impressum 

Herausgeber 

Benediktinerstift Admont, Michael Braunsteiner, Christine Peters 

Redaktion 

Michael Braunsteiner, Regina Huber, Christine Peters 

Übersetzung 

Tilti Systems GmbH, Wien 

Grafisches Konzept 


Grafische Realisierung 

Bastian Brandstötter 

Copyright 

© 2010 Benediktinerstift Admont, Verlag Bibliothek der Provinz und die Autoren 

Alle Rechte vorbehalten! 

ISBN NUMMER 

978-3-900000-97-4 

Verlag 

Bibliothek der Provinz 

A-3970 Weitra 

Telefon: +43-2856-3794 

www.bibliothekderprovinz.at 

Druck 

Janetschek GmbH, Austria 

Gleichheitsgrundsatz 

Im Sinne einer leichteren Lesbarkeit der Texte wurde auf die Verwendung von 

geschlechtsspezifischen Formulierungen verzichtet. Es wird jedoch darauf hingewiesen, 

dass die verwendeten maskulinen Bezeichnungen für beide Geschlechter zu verstehen sind. 

64

REGIONALE10 

Verlag Bibliothek der Provinz

Play Admont Stift Admont Museum - Regionale10

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