Saison 2009/10 Spielplan - Schauspielhaus Zürich
Saison 2009/10 Spielplan - Schauspielhaus Zürich
Saison 2009/10 Spielplan - Schauspielhaus Zürich
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1<br />
<strong>Saison</strong> <strong>2009</strong>/<strong>10</strong><br />
<strong>Spielplan</strong>
2<br />
Pfauen<br />
18. Sept<br />
25. Sept<br />
3. Okt<br />
30. Okt<br />
14. Nov<br />
4. Dez<br />
Martin Salander<br />
von Thomas Jonigk<br />
nach dem Roman von<br />
Gottfried Keller<br />
Regie Stefan Bachmann<br />
Uraufführung<br />
Warum läuft Herr R.<br />
Amok?<br />
nach dem Film von<br />
Rainer Werner Fassbinder<br />
Regie Heike M. Goetze<br />
Schweizerische<br />
Erstaufführung<br />
Triumph der Liebe<br />
von Marivaux<br />
Regie Barbara Frey<br />
Übernahme vom<br />
Deutschen Theater Berlin<br />
Der Revisor<br />
von Nikolaj Gogol<br />
Regie Sebastian Nübling<br />
Unterm hohen Himmel:<br />
Parzival<br />
von Katrin Lange, nach<br />
dem Versroman von<br />
Wolfram von Eschenbach<br />
Regie Martin Kloepfer<br />
Schweizerische<br />
Erstaufführung<br />
Ab 8 Jahren<br />
Calvinismus Klein<br />
von René Pollesch<br />
Regie René Pollesch<br />
Uraufführung<br />
22. Jan<br />
6. Feb<br />
5. März<br />
31. März<br />
20. Mai<br />
Das letzte Band /<br />
Bis dass der Tag euch<br />
scheidet oder<br />
Eine Frage des Lichts<br />
von Samuel Beckett und<br />
Peter Handke<br />
Regie Jossi Wieler<br />
Gastspiel einer<br />
Koproduktion der<br />
Salzburger Festspiele und<br />
der Münchner<br />
Kammerspiele<br />
Alkestis<br />
von Euripides<br />
Regie Karin Henkel<br />
Was ihr wollt<br />
von William Shakespeare<br />
Regie Barbara Frey<br />
Koproduktion mit dem<br />
Burgtheater Wien<br />
Volpone<br />
von Ben Jonson<br />
Regie Werner Düggelin<br />
Ein neues Stück<br />
von Lukas Bärfuss<br />
Regie Martin Kušej<br />
Uraufführung
3<br />
Schiffbau/Halle<br />
17. Sept<br />
29. Okt<br />
12. Dez<br />
14. Jan<br />
<strong>10</strong>. Mai<br />
20. Juni<br />
Maria Stuart<br />
von Friedrich Schiller<br />
Regie Barbara Frey<br />
Körper<br />
von Sasha Waltz<br />
Regie & Choreographie<br />
Sasha Waltz<br />
Gastspiel<br />
Quartett<br />
von Heiner Müller<br />
Regie Barbara Frey<br />
Übernahme von den<br />
Salburger Festspielen<br />
Der Hofmeister<br />
von Jakob Michael<br />
Reinhold Lenz<br />
Regie Frank Castorf<br />
Industry and Idleness<br />
Szenisches Konzert des<br />
Collegium Novum <strong>Zürich</strong><br />
Konzept, Regie und Musik<br />
Heiner Goebbels<br />
Musikalische Leitung<br />
Andrea Molino<br />
Uraufführung<br />
Eine neue Choreographie<br />
von Sasha Waltz<br />
Uraufführung im Rahmen<br />
der Zürcher Festspiele<br />
Schiffbau/Box<br />
19. Sept<br />
7. Nov<br />
2. Dez<br />
23. Jan<br />
<strong>10</strong>. April<br />
7. Mai<br />
Heuschrecken<br />
Projekt von Stefan Kaegi<br />
(Rimini Protokoll)<br />
Konzept & Regie Stefan<br />
Kaegi<br />
Koproduktion HAU Berlin<br />
Uraufführung<br />
Werner Schlaffhorst —<br />
Ein Leben, zu wahr,<br />
um schön zu sein<br />
Regie und Musikalische<br />
Leitung Clemens<br />
Sienknecht<br />
Uraufführung<br />
Camera Orfeo<br />
Installation<br />
von Penelope Wehrli<br />
Gastspiel<br />
Der Tausch<br />
von Paul Claudel<br />
Regie Christof Loy<br />
Der Hodler<br />
von Ruedi Häusermann<br />
Komposition und Regie<br />
Ruedi Häusermann<br />
Uraufführung<br />
Gestern<br />
nach dem Roman<br />
von Agota Kristof<br />
Regie Dušan David<br />
Parizek<br />
Uraufführung
4<br />
Pfauen/Kammer<br />
und andernorts<br />
13. Nov<br />
19. Nov<br />
Dez<br />
9. Jan<br />
21. Mai<br />
Ein neues Stück<br />
Regie Daniela Löffner<br />
Trommel mit Mann<br />
Schlagzeug Fritz Hauser<br />
Regie Barbara Frey<br />
Gastspiel<br />
Rechnitz (Der Würgeengel)<br />
von Elfriede Jelinek<br />
Regie Barbara Bilabel<br />
Schweizerische<br />
Erstaufführung<br />
Die Verwandlung<br />
nach der Erzählung<br />
von Franz Kafka<br />
Regie Nina Mattenklotz<br />
Die Schwärmer<br />
von Robert Musil<br />
Regie Robert Borgmann<br />
Schiffbau/Matchbox<br />
Junges <strong>Schauspielhaus</strong><br />
26. Sept<br />
17. Jan<br />
12. März<br />
17. Juni<br />
Ein himmlischer Platz<br />
nach dem Roman von<br />
Guus Kuijer<br />
Regie Enrico Beeler<br />
Uraufführung<br />
Ab <strong>10</strong> Jahren<br />
Der zerbrochene Schlüssel<br />
von Bente Jonker<br />
Regie Andrea Kramer<br />
Schweizerische<br />
Erstaufführung<br />
Ab 6 Jahren<br />
Risiko (Arbeitstitel)<br />
Projekt mit jugendlichen<br />
SpielerInnen<br />
Regie Klaus Brömmelmeier<br />
Ab 14 Jahren<br />
Stones<br />
von Tom Lycos und<br />
Stefo Nantsou<br />
Regie Enrico Beeler<br />
Schweizerische<br />
Erstaufführung<br />
Ab 12 Jahren
5<br />
<strong>Spielplan</strong>
6<br />
Maria Stuart<br />
von Friedrich Schiller<br />
Regie Barbara Frey<br />
Bühne Bettina Meyer, Kostüme Bettina Munzer,<br />
Musik Claus Boesser-Ferrari und Graham F. Valentine<br />
Premiere am 17. September <strong>2009</strong> im Schiffbau/Halle<br />
Schillers Königinnendrama erzählt die letzten drei Tage vor Maria Stuarts<br />
Hinrichtung. Maria Stuart, Königin von Schottland, ist des Mordes an<br />
ihrem Gatten angeklagt. Sie flieht nach England, um bei Königin Elisabeth<br />
Schutz zu suchen, doch wird sie dort wegen Verdachts auf Hochverrat in<br />
Kerkerhaft genommen. Elisabeth sieht sich durch ihre schottische Rivalin<br />
bedroht: als Frau, als Herrscherin – Maria hat berechtigte Ansprüche auf<br />
den englischen Thron – und als Glaubensgegnerin: Der strengen<br />
Protestantin Elisabeth steht mit Maria nicht nur eine leidenschaftliche<br />
Katholikin gegenüber, sondern mit ihr auch ein mächtiger Kirchenapparat,<br />
der das gesamte politische Gleichgewicht in Europa umzustürzen droht.<br />
Politische Berater ringen auf beiden Seiten um das Schicksal Maria<br />
Stuarts, bis Elisabeth, „des Lebens und des Herrschens müd“, nach<br />
langem Zögern das Todesurteil unterschreibt.<br />
In seinem grossen Trauerspiel erzählt Friedrich Schiller von labilen<br />
Machtgefügen und politischen Verstrickungen, von Intrigen und<br />
Liebschaften und von zwei Frauen an der Macht, deren Körper im<br />
buchstäblichen Sinne zum politischen Verhandlungsgegenstand werden.<br />
Mit „Maria Stuart“ eröffnet die Regisseurin Barbara Frey ihre erste<br />
Spielzeit als Künstlerische Direktorin am <strong>Schauspielhaus</strong> <strong>Zürich</strong>. Sie wurde<br />
1963 in Basel geboren, spielte als Schlagzeugerin in verschiedenen<br />
Schweizer Bands und arbeitet seit 1992 als freie Regisseurin, anfangs in<br />
der freien Szene sowie am Theater Neumarkt <strong>Zürich</strong>, am Nationaltheater<br />
Mannheim und am Deutschen <strong>Schauspielhaus</strong> in Hamburg. 1999–2001<br />
war sie Hausregisseurin an der Schaubühne am Lehniner Platz Berlin,<br />
2005–2008 in gleicher Funktion am Deutschen Theater Berlin. Wiederholt<br />
inszenierte sie am Theater Basel, am Bayerischen Staatsschauspiel in<br />
München („Onkel Wanja“ wurde 2004 zum Berliner Theatertreffen<br />
eingeladen), am Burgtheater Wien und bei den Salzburger Festspielen.<br />
Ihre letzte Regiearbeit vor Beginn ihrer Zürcher Intendanz war „Jenufa“ an<br />
der Bayerischen Staatsoper München. Am <strong>Schauspielhaus</strong> <strong>Zürich</strong><br />
inszenierte sie 2005 Ibsens „John Gabriel Borkman“ und 2007 Schnitzlers<br />
„Reigen“.
7<br />
Martin Salander<br />
von Thomas Jonigk nach dem Roman von Gottfried Keller<br />
Uraufführung<br />
Regie Stefan Bachmann<br />
Bühne Hugo Gretler, Kostüme Esther Geremus, Musik Till Löffler<br />
Premiere am 18. September <strong>2009</strong> im Pfauen<br />
Der Kaufmann Martin Salander wird durch seinen Freund Louis Wohlwend<br />
zweimal um sein Kapital gebracht. Er versucht, in Brasilien zu Geld zu<br />
kommen, während Frau und Kinder verarmt in der Schweiz zurückbleiben.<br />
Nach insgesamt zehn Jahren im Ausland will der finanziell erstarkte<br />
Heimkehrer als Volkserzieher und Politiker seinen Beitrag zur<br />
demokratischen Entwicklung in der Heimat leisten. Doch familiäre wie<br />
auch politische Verhältnisse werden zunehmend problematisch: Das<br />
Streben der Bürger nach Gleichheit mutiert zu einem pervertierten<br />
Anspruch auf gesellschaftlichen Rang und Wohlstand; Karrierismus,<br />
Aktien- und Immobilienspekulation, aber auch Wirtschaftskriminalität und<br />
Ämtermissbrauch greifen um sich. Die sozialen und demokratischen<br />
Ideale des konfliktunfähigen Salander scheitern an der von ihm nur<br />
marginal wahrgenommenen Realität und lassen „Martin Salander“ zu einer<br />
„grimmigen wirtschaftsethischen Diagnose“ (Peter von Matt) werden.<br />
Die bestechende Aktualität des Romans hat den Dramatiker Thomas<br />
Jonigk, der mit Beginn dieser Spielzeit als fester Autor und Dramaturg am<br />
<strong>Schauspielhaus</strong> <strong>Zürich</strong> tätig ist, bewogen, den Stoff für die Bühne zu<br />
adaptieren und in einer eigenen Interpretation vorzulegen. Jonigk, 1966 in<br />
Schleswig-Holstein geboren, ist einer der prägenden deutschsprachigen<br />
Dramatiker seiner Generation, Stücke wie „Rottweiler“, „Täter“ oder „Hörst<br />
du mein heimliches Rufen“ wurden vielfach gespielt und übersetzt.<br />
Der 1966 in <strong>Zürich</strong> geborene Regisseur Stefan Bachmann inszeniert zum<br />
ersten Mal am <strong>Schauspielhaus</strong> <strong>Zürich</strong> – und ist somit selbst ein<br />
Heimkehrer. Nach fünf Jahren als Schauspieldirektor des Theater Basel<br />
war Bachmann um die Welt gereist, um danach neuerlich an den grossen<br />
Bühnen des deutschsprachigen Raums als Regisseur zu arbeiten, etwa am<br />
Thalia Theater Hamburg, am Düsseldorfer <strong>Schauspielhaus</strong> und am Wiener<br />
Burgtheater. Mit Jonigk verbindet ihn eine bis ins Jahr 1992<br />
zurückreichende Arbeitsbeziehung (damals gründeten sie das „Theater<br />
Affekt“). „Martin Salander“ ist bereits das sechste Theaterstück von<br />
Thomas Jonigk, das Stefan Bachmann inszeniert.<br />
Gefördert durch die Charlotte Kerr Dürrenmatt-Stiftung.
8<br />
Heuschrecken<br />
Projekt von Stefan Kaegi<br />
Uraufführung<br />
Konzept und Regie Stefan Kaegi (Rimini Protokoll)<br />
Bühne Dominic Huber, Musik Bo Wiget<br />
Premiere am 19. September <strong>2009</strong> im Schiffbau/Box<br />
Koproduktion mit dem HAU Berlin<br />
Heuschrecken können sich zu Schwärmen verbinden und zu Plagen von<br />
biblischen Ausmassen werden – so kennt man die Tiere aus Horrorfilmen<br />
und Politikerreden gegen allzu gefrässige Finanzinvestoren. Aber eigentlich<br />
sind Heuschrecken Einzelgänger. Erst bei Platz- und Futtermangel mutiert<br />
ihr genetisches Programm, auf der Suche nach neuen Lebensräumen und<br />
Futterquellen schliessen sie sich zusammen. In Biomasse gerechnet<br />
zählen sie zu den Gewinnern der Evolution, ihr Chitinpanzer schützt vor<br />
Strahlung, hohen Temperaturen und veränderten Druckverhältnissen.<br />
Stefan Kaegi entwickelt im Schiffbau ein Terrarium als Parallelwelt.<br />
Eine Inszenierung mit mehr Darstellern als Zuschauern: Tausende<br />
Hauschrecken bevölkern ein Bühnenbild aus Sand und Weizen als<br />
Lebensraum im Exil. Im sesshaften Zustand zerstreuen sich die Tiere: Sie<br />
lagern einzeln, sorgen mit einer kurzen Bewegung der langen Hinterbeine<br />
für den nötigen Abstand zum Artgenossen und testen zirpend die<br />
Fortpflanzungsbereitschaft potentieller Partner. Dabei werden sie durch<br />
Kameras und Feldstecher beobachtet, inszeniert und vertont. Experten<br />
aus der Migrationsforschung, Politologie und Insektenkunde begeben sich<br />
auf die Reise in die fremde Welt der Insekten und erforschen ihren<br />
Planeten jeden Tag weiter. Die Biosphäre auf der Bühne wird zum<br />
Zukunftsmodell: Wie organisiert sich die Heuschreckenpopulation? Was<br />
bewirken Veränderungen des Lebensraums? Wer frisst am meisten und<br />
was passiert, wenn es nicht genug für alle gibt? Elias Canetti sagt, wir<br />
sehen in jedem Tier einen verkleideten Menschen, der über uns lacht.<br />
Doch wie schaut man 8000 Heuschrecken in die Augen?<br />
Stefan Kaegi hat in <strong>Zürich</strong> Kunst und in Giessen Angewandte<br />
Theaterwissenschaften studiert. Gemeinsam mit Helgard Haug und Daniel<br />
Wetzel inszeniert Kaegi unter dem Namen „Rimini Protokoll“ Experten und<br />
ihre Wirklichkeit. Umfangreiche Recherche-, Casting- und<br />
Konzeptionsprozesse gehen den vertonten Lastwagenfahrten („Cargo<br />
Sofia“) oder interkontinentalen Telefongesprächen („Call Cutta in a Box“)<br />
voraus. Produktionen von „Rimini Protokoll“ sind in den Metropolen der<br />
Welt zu sehen, auch in <strong>Zürich</strong> waren sie in den vergangenen Jahren<br />
regelmässig zu Gast. Weitere Projekte von Stefan Kaegi in Berlin,<br />
Vancouver und Havanna sind in Vorbereitung.
9<br />
Warum läuft Herr R. Amok?<br />
nach dem Film von Rainer Werner Fassbinder<br />
Drehbuch Rainer Werner Fassbinder und Michael Fengler<br />
Schweizerische Erstaufführung<br />
Regie Heike M. Goetze<br />
Bühne Bettina Meyer, Kostüme Inge Gill Klossner<br />
Premiere am 25. September <strong>2009</strong> im Pfauen<br />
Auf die Frage, warum der schüchterne Technische Zeichner Herr R. Amok<br />
läuft, gibt es hunderte Antworten und keine. Schon in der Aufsehen<br />
erregenden Filmvorlage von 1970 ist das Fragezeichen Programm. Eine<br />
ratlos die Köpfe schüttelnde Gesellschaft muss am Ende die Gründe<br />
alleine suchen. Vor der Tat lebt Herr R. mit Frau und Sohn in einer gut<br />
ausgestatteten Mietswohnung. Mal sind es die Nachbarn, die einen<br />
besuchen, und mal die Eltern. Mit den Kollegen im Büro findet man sein<br />
Auskommen, und die Wünsche, die man hat, sind bescheiden genug, um<br />
in Erfüllung gehen zu können. Dass Herr R., dieser mit dem Strom<br />
schwimmende Aussenseiter, sich seinen ganz eigenen Reim auf seine<br />
Umgebung macht, bleibt unbemerkt.<br />
Als Rainer Werner Fassbinder 1982 im Alter von 37 Jahren starb, hatte er<br />
44 Filme gedreht und 14 Theaterstücke geschrieben. „Warum läuft Herr R.<br />
Amok?“ gilt, neben „Katzelmacher“, als derjenige seiner Filme, der die<br />
soziale Wirklichkeit am direktesten reflektiert. Bei den Dreharbeiten<br />
liessen Fassbinder und sein Co-Regisseur Michael Fengler dem aus der<br />
Münchner Gruppe „antiteater“ hervorgegangenen Ensemble grosse<br />
Improvisationsfreiheiten. Als sprachkritische Analyse einer auf ihre kleinen<br />
Vorteile bedachten spiessbürgerlichen Gesellschaft sind die Dialoge gültig<br />
geblieben. Ohne dass dabei Herr R. zum Opfer der Verhältnisse stilisiert<br />
würde, werden zeitlose Muster sichtbar, die auch auf aktuelle Fälle<br />
übertragbar sind.<br />
Heike M. Goetze inszeniert zum ersten Mal am <strong>Schauspielhaus</strong> <strong>Zürich</strong>.<br />
Sie studierte Regie an der Zürcher Hochschule der Künste und gewann<br />
2008 den renommierten Preis der Körber-Stiftung als beste<br />
Nachwuchsregisseurin – die Jury bescheinigte ihrer Inszenierung<br />
„Spieltrieb“, eine „sozial relevante Typologie“ zu entfalten und einen<br />
„nachhaltigen und verstörenden“ Eindruck zu hinterlassen. Nach Stücken<br />
von Lukas Bärfuss, Elfriede Jelinek, Juli Zeh, Laura de Weck und Andri<br />
Beyeler ist „Warum läuft Herr R. Amok?“ Heike M. Goetzes erste<br />
Auseinandersetzung mit Fassbinder.
<strong>10</strong><br />
Triumph der Liebe<br />
von Pierre Carlet de Marivaux<br />
Regie Barbara Frey<br />
Bühne Bettina Meyer, Kostüme Gesine Völlm<br />
Premiere am 3. Oktober <strong>2009</strong> im Pfauen<br />
Übernahme einer Produktion des Deutschen Theaters Berlin<br />
Damit in Pierre Carlet de Marivaux’ dramatischer Versuchsanordnung die<br />
Liebe triumphieren kann, müssen Menschen grausam zugrunde gehen.<br />
Das ist die bittere Seite dieser märchenhaften Komödie aus dem Jahr<br />
1732. Mit bemerkenswerter Entschlossenheit und ohne Rücksicht auf<br />
Verluste macht sich die Prinzessin Leonida daran, das Herz des Prinzen<br />
Agis zu erobern, der ihr im benachbarten Garten aufgefallen war. Der<br />
wenig lebenserfahrene Prinz lebt unter der Aufsicht des Philosophen<br />
Hermokrates und dessen Schwester Leontine, die ihn nach allen Regeln<br />
der so genannten Vernunft und der Zurückhaltung aufgezogen haben. Um<br />
in diesem merkwürdigen Garten der Weisheit an Agis heranzukommen,<br />
erfindet Leonida einen der verrücktesten Streiche der Theaterliteratur. Sie<br />
gibt sich als bildungshungriger Mann aus und macht auf dem Weg zu<br />
ihrem Ziel jedes ihrer Opfer verrückt nach ihr (oder nach ihrem Geld). Ihr<br />
fast perfektes Liebesabenteuer führt in die totale Überforderung – auch an<br />
der Irrationalität seiner planvollen Charaktere zeigt sich das Genie von<br />
Marivaux, der berühmt ist für seine verspielte Eleganz und seine<br />
mathematisch feinen Handlungskonstrukte.<br />
Barbara Frey inszenierte das Stück ursprünglich an den Kammerspielen<br />
des Deutschen Theaters Berlin, wo sie zwischen 2005 und 2008 als<br />
Hausregisseurin tätig war. Nun zieht die Aufführung, in der mehrere<br />
Ensemblemitglieder des <strong>Schauspielhaus</strong>es <strong>Zürich</strong> zu sehen sind, auf die<br />
Bühne des Pfauen. Mit im Gepäck das hochgelobte, halb Tunnel, halb<br />
Irrgarten darstellende Bühnenbild von Bettina Meyer, die seit Beginn von<br />
Barbara Freys Regielaufbahn für fast sämtliche ihrer Inszenierungen die<br />
Bühnen schuf. Als neue Ausstattungsleiterin des Zürcher<br />
<strong>Schauspielhaus</strong>es zeichnet die gebürtige Hamburgerin ausserdem für die<br />
Bühnen von „Maria Stuart“, „Warum läuft Herr R. Amok?“, „Der Hodler“<br />
sowie für die neue Foyergestaltung im Schiffbau verantwortlich.
11<br />
Körper<br />
von Sasha Waltz<br />
Regie und Choreographie Sasha Waltz<br />
Bühne Thomas Schenk/Heike Schuppelius/Sasha Waltz,<br />
Kostüme Bernd Skodzig, Musik Hans Peter Kuhn<br />
Gastspiel am 29., 30. und 31. Oktober <strong>2009</strong> im Schiffbau/Halle<br />
Eine Produktion der Schaubühne am Lehniner Platz Berlin präsentiert von<br />
Sasha Waltz & Guests. Eine Koproduktion mit dem Théâtre de la Ville<br />
Paris.<br />
In ihrer vielgelobten und weitgereisten Choreographie- und Regiearbeit<br />
„Körper“ visualisiert Sasha Waltz mit ihren Tänzerinnen und Tänzern die<br />
Hülle und das Innere des menschlichen Körpers, seine Schönheit und<br />
Hässlichkeit, seine Sterblichkeit und den Traum vom perfekten Körper.<br />
Was ist der Körper? Wie setzt er sich zusammen? Der menschliche<br />
Organismus wird sowohl als einheitliches System abgebildet, als auch in<br />
seine Fragmente zerlegt. Die untersuchte Anatomie findet eine<br />
Übertragung in die Geometrie des Raumes. „Körper sind hier<br />
Fremdkörper. Sie bestehen aus Materie: Haut, Haaren, Flüssigkeiten. Alle<br />
Berührungen haben ihre Unschuld eingebüsst. Nichts ist mehr vertraut.<br />
Keine Geste, kein Leib, keine Bewegung. Alles muss begriffen,<br />
vermessen, verletzt werden, um die Grenzen des Körpers zu spüren: über<br />
den Schmerz, über den Verlust.“ (Carolin Emcke)<br />
Sasha Waltz, geboren 1963 in Karlsruhe, gehört zu den bedeutendsten<br />
zeitgenössischen Choreographinnen. Von 1983–1987 studierte sie Tanz<br />
und Choreographie in Amsterdam und New York. Gemeinsam mit Jochen<br />
Sandig gründete sie 1993 Sasha Waltz & Guests und 1996 die<br />
sophiensæle. Von 1999 bis 2004 gehörte sie der Künstlerischen Leitung<br />
der Schaubühne am Lehniner Platz Berlin an, hier entstand mit „S“,<br />
„Körper“ und „noBody“ ein choreographischer Zyklus über den Menschen<br />
und seinen Körper. Ende des Jahres 2004 machten sich Sasha Waltz &<br />
Guests erneut unabhängig. Mit „Dido & Aeneas“ und „Medea“ folgten<br />
erste Opernproduktionen am Grand Théâtre de Luxembourg und an der<br />
Staatsoper Berlin. Von der Fachzeitschrift „ballet-tanz“ wurde Sasha Waltz<br />
2007 zur Choreographin des Jahres gewählt.<br />
Mit „Körper“ wird nicht nur seit langem wieder eine choreographische<br />
Arbeit von Sasha Waltz in <strong>Zürich</strong> zu sehen sein – das Gastspiel ist<br />
vielmehr Auftakt einer Partnerschaft, die das <strong>Schauspielhaus</strong> <strong>Zürich</strong> unter<br />
der Direktion von Barbara Frey mit Sasha Waltz & Guests verbinden wird<br />
(mehr über eine im Juni geplante Uraufführung von Sasha Waltz auf Seite<br />
XX).
12<br />
Der Revisor<br />
von Nikolaj Gogol<br />
Regie Sebastian Nübling<br />
Bühne und Kostüme Muriel Gerstner, Musik Lars Wittershagen<br />
Premiere am 30. Oktober <strong>2009</strong> im Pfauen<br />
In der Verwaltung einer kleinen Stadt hat man sich angenehm<br />
eingerichtet: Es wird bestochen, unterschlagen, die Arbeit auf die lange<br />
Bank geschoben und der Bürger ausgebeutet. Als jedoch der Besuch<br />
eines Revisors aus St. Petersburg angekündigt wird, bricht helle Panik<br />
aus. Mit allen Mitteln versucht man den fremden Reisenden, der im<br />
Gasthaus abgestiegen ist, milde zu stimmen. Der weiss zwar nicht, wie<br />
ihm geschieht, nimmt aber Geld und Gefälligkeiten gerne an. Um einiges<br />
reicher macht er sich aus dem Staub, bevor die Ankunft eines Revisors<br />
aus St. Petersburg gemeldet wird…<br />
Der russische Schriftsteller Nikolaj Gogol (1809–1852) gilt als Meister der<br />
Groteske. Bekannt für seine Arabesken, wie „Die Nase“ oder „Der<br />
Mantel“, erschafft er auch in „Der Revisor“ (1836) eine alptraumhaftkomische,<br />
verzerrte Welt. Wie die Amtsinhaber auf die absurdeste Weise<br />
ihre Vergehen zu vertuschen und den vermeintlichen Revisor zu<br />
manipulieren suchen, wird in grellen Farben auf die Bühne gebracht.<br />
Damit zeichnet Gogol in seiner Komödie nicht nur das Bild einer korrupten<br />
Gesellschaft, in der Amtsmissbrauch, Steuerhinterziehung und<br />
Schmiergeldaffären an der Tagesordnung sind, sondern leuchtet auch die<br />
Ängste aus, die auf dem Nährboden des schlechten Gewissens gedeihen<br />
und durch zwanghafte Kontrollmechanismen beruhigt sein wollen.<br />
Sebastian Nübling, geboren 1960, studierte Kulturwissenschaften und<br />
ästhetische Praxis in Hildesheim. Vor seiner Regielaufbahn war er<br />
Schauspieler und Musiker. In den letzten Jahren inszenierte er vorrangig<br />
am Theater Basel, an der Berliner Schaubühne, an den Münchner<br />
Kammerspielen und am Deutschen <strong>Schauspielhaus</strong> in Hamburg; am<br />
<strong>Schauspielhaus</strong> <strong>Zürich</strong> kam „Macbeth“ heraus. Seine Arbeiten, die meist<br />
in Zusammenarbeit mit der Bühnenbildnerin Muriel Gerstner und dem<br />
Musiker Lars Wittershagen entstehen, wurden mehrfach mit Preisen<br />
ausgezeichnet und zum Berliner Theatertreffen eingeladen.
13<br />
Werner Schlaffhorst – Ein Leben, zu wahr, um schön zu sein<br />
Musikalische Gedenkveranstaltung von Clemens Sienknecht & Freunden<br />
Uraufführung<br />
Regie und Musikalische Leitung Clemens Sienknecht<br />
Bühne Duri Bischoff, Kostüme Sarah Schittek<br />
Premiere am 7. November <strong>2009</strong> im Schiffbau/Box<br />
Die Nachricht vom Tod des unsterblichen Werner Schlaffhorst kam für<br />
viele überraschend, denn dass er lebte, war vielfach unbekannt. Dies liegt<br />
nicht zuletzt daran, dass er sich hie und da im Getümmel seiner<br />
zahlreichen Talente verzettelte, von denen nicht wenige schon aufgrund<br />
ihrer Seltenheit eine Rarität waren. Werner Schlaffhorst erntete<br />
Widerspruch, wo er säte. Den Anarchisten missfiel sein Glaube an die<br />
Notwendigkeit eines Gesetzes, den Konservativen sein unbekümmertes<br />
Zerschlagen aller Werte und den Modernisten sein Festhalten an den<br />
Traditionen des Abendlandes. Die Kapitalisten stiessen sich an seinem<br />
unbedingten Sozialismus und die Sozialisten an seinem Wunsch,<br />
möglichst schnell reich zu werden. Ewig aneckend durchmass er gleich<br />
einem Kometen weite Räume. Er lebte, bastelte und erlosch.<br />
Sein Tod war nicht nur ein schwerer Verlust für die Welt, sondern auch ein<br />
tragischer Umstand in seiner Biografie, die nun einer breiten Öffentlichkeit<br />
zugänglich gemacht werden soll. Zu diesem Zweck begeben sich einige<br />
treue Weggefährten Werner Schlaffhorsts auf eine musikalischarchäologische<br />
Reise in die Untiefen der Zettelkästen und<br />
phonographischen Privatarchive eines viel zu früh verkannten<br />
Universalgenies.<br />
Der Leiter dieser Gedenkveranstaltung, der 1964 in Hamburg geborene<br />
Clemens Sienknecht, kann seinerseits auf ein abgebrochenes<br />
Lehramtstudium in Sport und Musik verweisen. Diverse Versuche, mit<br />
überschätzten Bands im norddeutschen Raum reich und berühmt zu<br />
werden, machten ihn mitnichten bekannt. Nachdem er aus der Gala-<br />
Kapelle von Vicky Leandros rausgeflogen war, folgten Engagements als<br />
Klavierspieler an Theatern von Kiel bis <strong>Zürich</strong> und seit 1993 eine<br />
kontinuierliche Zusammenarbeit mit Christoph Marthaler. In Köln,<br />
Hannover und Basel realisierte er eigene Abende mit Titeln wie „Radio<br />
Ro“, „Der letzte Laden“ oder „Früher wird alles besser“.
14<br />
Ein neues Stück<br />
Regie Daniela Löffner<br />
Bühne und Kostüme Claudia Kalinski<br />
Premiere am 13. November im Pfauen/Kammer<br />
Gegenwartstheater ist ein zentrales Anliegen von Daniela Löffner.<br />
Die junge Regisseurin wurde 1980 in Freiburg geboren, wo sie auch eine<br />
Ausbildung zur Lehrerin für Deutsch als Fremdsprache absolvierte; erste<br />
Lehrtätigkeiten führten sie u. a. nach Sevilla. Schliesslich wechselte sie<br />
ans Theater und arbeitete als Regieassistentin am Theater Freiburg und<br />
danach am Düsseldorfer <strong>Schauspielhaus</strong>. Ihre erste Inszenierung<br />
realisierte sie 2007 in Düsseldorf: „Der Kissenmann“ von Martin<br />
McDonagh. 2008 folgte dann die Uraufführung von „Siebzehn“ der jungen<br />
Autorin Juliane Kann am Jungen <strong>Schauspielhaus</strong> des Düsseldorfer<br />
<strong>Schauspielhaus</strong>es. Diese Produktion wurde zu „augenblickmal! <strong>2009</strong>“,<br />
dem <strong>10</strong>. Deutschen Kinder- und Jugendtheatertreffen in Berlin, eingeladen.<br />
Von der gleichen Autorin, mit der die Regisseurin auch in Zukunft arbeiten<br />
wird, brachte Daniela Löffner „Piaf“ in Düsseldorf zur Uraufführung.<br />
Weitere Inszenierungen von Texten lebender Autorinnen und Autoren sind<br />
geplant; bei Redaktionsschluss stand noch nicht fest, welches<br />
Theaterstück in <strong>Zürich</strong> zur Aufführung gelangen wird.
15<br />
Unterm hohen Himmel: Parzival<br />
von Katrin Lange<br />
nach dem Versroman von Wolfram von Eschenbach<br />
Schweizerische Erstaufführung<br />
Regie Martin Kloepfer<br />
Bühne und Kostüme Moritz Müller<br />
Premiere am 14. November <strong>2009</strong> im Pfauen<br />
Ab 8 Jahren<br />
Parzival lebt abgeschottet in einem Tal. Er kennt nur seine Mutter und<br />
„Rüben und Haferbrei, Haferbrei und Rüben“. Sonst weiss er nichts von<br />
der Welt. Er hat nie gehört von Burgen, Rittern und Abenteuern,<br />
geschweige denn vom Heiligen Gral. Plötzlich tauchen in der Einöde drei<br />
Gestalten auf. Ihre Rüstungen funkeln und glänzen im Schein der Sonne<br />
so golden und hell, dass Parzival sie für Götter hält. Als sie ihm<br />
beschreiben, dass die Welt hinter den Bergen noch lange nicht zu Ende<br />
ist, hat Parzival nur noch ein Ziel vor Augen: auch Ritter werden und<br />
Abenteuer bestehen. Er zieht los – gegen den Widerstand der Mutter.<br />
Aber die ersehnte Welt hinter den Bergen ist erbarmungslos und schwer<br />
zu durchschauen. So irrt Parzival von Abenteuer zu Abenteuer, versucht<br />
sich in der Liebe und im Kampf. Sein Weg vom Kind zum Gralskönig<br />
scheint mehr als nur einmal zum Scheitern verurteilt.<br />
Katrin Lange war Dramaturgin, bevor sie sich als Autorin einen Namen<br />
machte. Neben journalistischen Texten hat sie zahlreiche Stücke,<br />
Hörspiele und Drehbücher für Kinder geschrieben. Nachdem bereits ihr<br />
Stück „Ikar – Zu Wasser, zu Lande, in der Luft“ für den Deutschen<br />
Kindertheaterpreis 2006 nominiert war, erhielt Katrin Lange diese<br />
Auszeichnung 2008 für „Unterm hohen Himmel: Parzival“.<br />
Regisseur Martin Kloepfer, 1971 in Essen geboren, studierte Bühnenbild<br />
an der Kunstakademie Düsseldorf. Seit 1999 arbeitet er als Regisseur,<br />
u.a. am Berliner Maxim Gorki Theater, am Theater Ulm, am Theater<br />
Freiburg und zuletzt am Deutschen Theater Berlin.
16<br />
Trommel mit Mann<br />
von Barbara Frey und Fritz Hauser<br />
Regie Barbara Frey<br />
Schlagzeug Fritz Hauser, Licht Brigitte Dubach<br />
Gastspiel ab 19. November <strong>2009</strong> im Pfauen/Kammer<br />
Trommel mit Mann oder Mann mit Trommel? Wer gehört zu wem? Wer<br />
beherrscht wen? Fritz Hausers Schlagzeugsolo vermag ungeahnte<br />
Phantasiewelten zu öffnen und auf virtuoseste und musikalisch<br />
anspruchvollste Weise einen Mikrokosmos von Welt zu schaffen.<br />
Manchmal leise und zart, manchmal auch beängstigend unnachgiebig und<br />
hart spielt der Mann auf seiner Trommel. Und von einem Moment zum<br />
andern wird sie zu seiner Geliebten, zum Kind, zum Spielpartner, um im<br />
nächsten Moment ganz in ihm aufzugehen. Aus Klangräumen entstehen<br />
Weltenräume. „Trommel mit Mann“ ist in seiner extremen und<br />
kompromisslosen Reduktion eine Auseinandersetzung damit, wie Kunst<br />
und Kreativität – und damit Welt – überhaupt zustande kommen. Traurig,<br />
komisch, atemberaubend konsequent und einfach, eben: Trommel mit<br />
Mann.<br />
Fritz Hauser, geboren 1953 in Basel, ist über Europa hinaus eine<br />
Schlüsselfigur in der Entwicklung des Schlagzeugs vom Rhythmusgerät<br />
zum Instrument. Seine Soloprogramme für Schlagzeug und Perkussion<br />
kommen weltweit zur Aufführung. Spartenübergreifend arbeitet er mit den<br />
Choreographen Joachim Schlömer, Heddy Maalem und Anna Huber sowie<br />
dem Architekten Boa Baumann. Er schuf Kompositionen für<br />
Schlagzeugensembles und -solisten, Klanginstallationen (u. a. in der<br />
Therme Vals), Radiohörspiele, Musik zu Filmen und Lesungen. Zahlreiche<br />
CDs als Solist und mit diversen Ensembles sind von ihm erschienen.<br />
Barbara Frey und Fritz Hauser verbindet eine langjährige<br />
Zusammenarbeit – zunächst auf rein musikalischer Basis, später in<br />
spartenübergreifenden Projekten im Bereich Theater und Performance.<br />
„Trommel mit Mann“ wurde 2001 im Rahmen des „europäischen<br />
musikmonats“ in Basel uraufgeführt und ist seither weltweit zwischen<br />
Sydney und Rom, zwischen New York und Odessa zu sehen.
17<br />
Camera Orfeo<br />
Auto-choreographische Komposition von Penelope Wehrli<br />
Konzept, Raum und Inszenierung Penelope Wehrli<br />
Musikalisches Konzept/Klangraum Sam Auinger und katrinem,<br />
Kostüme Ellen Hofmann<br />
Gastspiel ab 2. Dezember <strong>2009</strong> im Schiffbau/Box<br />
Zu Beginn ist der Raum still. Euridice ist verschwunden. Ihr Bild hat sich<br />
aufgelöst, geblieben ist die Erinnerung. Begegnet uns im erinnerten Bild<br />
Vergangenheit? Oder die Gegenwart desjenigen, der zurückblickt? Orfeo<br />
führt Euridice aus der Unterwelt – seinem eigenen blinden Fleck. Orfeo<br />
muss sich umdrehen, damit er Euridice immer wieder neu erfinden kann.<br />
In „Camera Orfeo“ setzt sich die Künstlerin Penelope Wehrli konzentriert<br />
mit Vorgängen des Erinnerns, Löschens und Neuschaffens auseinander.<br />
Der Hör- und Betrachtungsvorgang des Besuchers wird dabei selbst zu<br />
einem Vorgang des Erinnerns. Endoskopische Aufnahmen der<br />
Stimmbänder eines Sängers während der Arie „Possento spirito“/„Orfeo<br />
son lo“ von Claudio Monteverdi und Videoaufnahmen von Tänzern<br />
werden – durch die zufälligen Bewegungen der Besucher gesteuert – in<br />
ein zirkuläres System geführt. Kameras registrieren das Geschehen im<br />
Ausstellungs- und Performanceraum. Die dadurch produzierten zufälligen<br />
Daten rufen nach festgelegten Spielregeln das musikalische,<br />
choreographische und visuelle Ausgangsmaterial ab und kombinieren es<br />
zu einem Kaleidoskop neuer Bilder und Klänge. Die Loops scheinen<br />
endlos, doch das Material ist begrenzt: keine Sequenz kann ein zweites<br />
Mal in derselben Variante abgespielt werden. Das vorhandene Material<br />
nutzt sich durch die Besucher auf. Ihre Bewegungen bestimmen das Ende<br />
ebenso wie den Anfang des Stücks. Jede Vorstellung ist ein Unikat.<br />
Die Schweizer Künstlerin Penelope Wehrli lebt seit 1996 in Berlin. Mit<br />
Performances, Aktionen, raumspezifischen Installationen, Film- und<br />
Videoarbeiten in New York (1980–1994), Tel Aviv, Kassel oder eben Berlin<br />
macht sie seit vielen Jahren international auf sich aufmerksam. Seit 2004<br />
ist Penelope Wehrli ausserdem Professorin für Szenographie an der<br />
Staatlichen Hochschule für Gestaltung Karlsruhe. Sie erschuf<br />
Bühnenräume und Kostüme für Johann Kresniks Choreographisches<br />
Theater, für Jossi Wieler, Dimiter Gottscheff, Reinhild Hoffmann, Robert<br />
Schuster und Barbara Frey. Nach Jon Fosses „Winter“ am Theater Basel<br />
wird Penelope Wehrli auch für Barbara Freys Inszenierung von<br />
Shakespeares „Was ihr wollt“ im Pfauen das Bühnenbild entwerfen.
18<br />
Calvinismus Klein<br />
von René Pollesch<br />
Uraufführung<br />
Regie René Pollesch<br />
Bühne und Kostüme Janina Audick<br />
Premiere am 4. Dezember <strong>2009</strong> im Pfauen<br />
Religion und Unterwäsche vermengen sich im Titel des neuen, für <strong>Zürich</strong><br />
geschriebenen Stücks von René Pollesch. Als Autor und Regisseur in<br />
Personalunion kann er sich damit zwei seiner liebsten Themen widmen,<br />
die da sind: Werte und Kaufreize. Polleschs Stücke sind kongeniale<br />
sprachliche Antworten auf die globalen Lebens- und<br />
Arbeitszusammenhänge, er gilt als der profilierteste Theater-Analyst des<br />
Turbokapitalismus – auch nach dessen vermeintlichem Ende.<br />
Calvinistische Ethik als Leitbild moderner Lebensführung ist für ihn dabei<br />
ebenso von Interesse wie die skeptische Frage, wo denn eigentlich die<br />
„Inhalte“ zu suchen seien. Etwa in „den ewigen Wahrheiten über uns“?<br />
René Pollesch, 1962 in Friedberg/Hessen geboren, studierte Angewandte<br />
Theaterwissenschaften in Giessen, bevor er sich mit Inszenierungen<br />
eigener Texte einen Namen machte. In der Spielzeit 1999/2000 war<br />
Pollesch Hausautor am Luzerner Theater (hier entstand seine legendäre<br />
„Heidi Ho“-Serie), seit 2001 gestaltet er das Programm des Praters der<br />
Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz in Berlin. Ausserdem realisierte<br />
Pollesch eigene Texte u. a. an den Münchner Kammerspielen, am<br />
Deutschen <strong>Schauspielhaus</strong> in Hamburg und am Wiener Burgtheater. In<br />
<strong>Zürich</strong> gab es von Pollesch bisher ein Stück zu sehen – ausnahmsweise<br />
nicht von ihm selbst, sondern von Stefan Pucher inszeniert („Bei<br />
Banküberfällen wird mit wahrer Liebe gehandelt“, 2003). Für seine<br />
Dramen, die einem strikten Nachspielverbot unterliegen, gewann er<br />
bereits zweimal den Mülheimer Dramatikerpreis.
19<br />
Quartett<br />
von Heiner Müller<br />
Regie Barbara Frey<br />
Bühne Bettina Meyer, Kostüme Bettina Walter<br />
Zürcher Premiere am 12. Dezember <strong>2009</strong> im Schiffbau/Halle<br />
Übernahme einer Produktion der Salzburger Festspiele<br />
Der Comte de Valmont und die Marquise de Merteuil, ehemals in<br />
leidenschaftlicher Liebe einander verbunden, verspüren ihre Ekstase in<br />
der intriganten Herabsetzung ihres Gegenübers, in einer Erotik der<br />
Vernichtung. Für beide gilt, was etwa auch Jago in Shakespeares „Othello“<br />
sagt: „We work by wit, and not by witchcraft“ („Man wirkt durch Witz und<br />
nicht durch Zauber“). Absolute Machtausübung wird nicht durch Hexerei<br />
möglich, sondern durch Intelligenz, durch List und Berechnung. An die<br />
Stelle des Göttlichen, des Magischen, ist bei Heiner Müller eine Art<br />
methodische Wissenschaft getreten, durch die Valmont und die Marquise<br />
ihre Liebe in ein vernunftbeherrschtes Rollenspiel verwandeln: Ich kann<br />
alles spielen, weil ich nichts mehr bin, nicht Mann, nicht Frau, nicht<br />
Verliebter, nicht Begehrender. Das einzige, letzte, unverzichtbare<br />
Lustgefühl der Protagonisten: die bittere Einsicht, dass ihre einstigen<br />
Hoffnungen und Sehnsüchte verloren gegangen sind in einer Welt, die ihre<br />
Geheimnisse preisgegeben hat. „Quartett“ ist das Endspiel aller<br />
gefährlichen Liebschaften – ein brillantes Vorspiel jener Liebe zum Tod,<br />
die der Liebe zum Leben folgt.<br />
Der in Sachsen geborene Autor Heiner Müller (1929-1995) war einer der<br />
prägenden deutschen Dramatiker nach 1945. Müller schrieb „Quartett“<br />
1981 nach der Vorlage des Briefromans „Les Liaisons dangereuses“ von<br />
Choderlos de Laclos (1782), neben „Die Hamletmaschine“ wurde es sein<br />
erfolgreichstes Stück. Barbara Frey inszenierte „Quartett“ im Sommer<br />
2007 bei den Salzburger Festspielen mit Barbara Sukowa und Jeroen<br />
Willems als Merteuil und Valmont. Seither war die Inszenierung zu Gast<br />
beim Holland Festival in Amsterdam, beim Kunstfest Weimar und beim<br />
Ingmar Bergman Theatre Festival Stockholm, bevor sie nun für einige<br />
wenige Vorstellungen in der Schiffbauhalle zu sehen ist.
20<br />
Rechnitz (Der Würgeengel)<br />
von Elfriede Jelinek<br />
Schweizerische Erstaufführung<br />
Regie Barbara Bilabel<br />
Premiere im Dezember <strong>2009</strong><br />
an wechselnden Schauplätzen in <strong>Zürich</strong><br />
Frühjahr 1945. Die „Gräfin“ ist auf der Flucht, hinter sich ihr brennendes<br />
Schloss und die Rote Armee, vor sich die Schweiz. Auf Schloss Rechnitz<br />
an der österreichisch-ungarischen Grenze hat Gräfin Margit von Batthyány<br />
eben noch eines ihrer berühmt-berüchtigten Feste gefeiert, eingeladen<br />
waren SS-Offiziere und Gestapoführer. Am Höhepunkt dieses Festes griff<br />
die Gesellschaft zu den Waffen und ermordete nahezu 200 jüdische<br />
Zwangsarbeiter, die via Rechnitz deportiert werden sollten. Rechnitz steht<br />
für ein Kriegsverbrechen, das nicht gesühnt ist. Die Leichen der Opfer<br />
wurden nie gefunden, ein Prozess kurz nach dem Krieg verlief im Sande,<br />
die Täter tauchten unter oder flüchteten unbehelligt. Und die Gräfin, eine<br />
geborene Thyssen-Bornemisza, wählte als ihren neuen Lebensmittelpunkt<br />
die Familienvilla am Luganer See.<br />
Aus diesem Stoff entwickelt Elfriede Jelinek einen Theatertext von<br />
monumentaler Wucht und Bedrohlichkeit. Sie lässt Boten sprechen, und<br />
zwar in heutiger Zeit, in der Zeugenschaft über die NS-Verbrechen ein<br />
rares Gut geworden ist. Diese fiktiven Boten haben lange geschwiegen<br />
oder, falls sie unter Druck doch gesprochen haben, wahrscheinlich die<br />
Unwahrheit gesagt – nun plappern sie los, in einem unaufhörlichen,<br />
gewaltigen Redestrom. Sie vereinen sämtliches Wissen und Nichtwissen<br />
zum Fall Rechnitz und weit darüber hinaus, bleiben auf sich gestellt und<br />
eingeschlossen wie die Festgesellschaft in Buñuels Film „Der<br />
Würgeengel“. Die Boten repräsentieren das Gerede, das vor der<br />
Erinnerung schützen soll. Aber wie schon in ihrem Opus Magnum „Die<br />
Kinder der Toten“ zeigt Jelinek eindrucksvoll, dass es vor manchen<br />
Abgründen keinen Schutz gibt. Die Gespenster kommen immer wieder.<br />
Nach „Macht nichts“ (2001) und „In den Alpen“ (2002) wird mit „Rechnitz<br />
(Der Würgeengel)“ erstmals wieder ein Theatertext der in Wien und<br />
München lebenden Nobelpreisträgerin am <strong>Schauspielhaus</strong> <strong>Zürich</strong><br />
aufgeführt – nicht auf der Bühne, sondern an wechselnden Schauplätzen<br />
in <strong>Zürich</strong>. Es führt der Geist der Gräfin.
21<br />
Die Verwandlung<br />
nach der Erzählung von Franz Kafka<br />
Regie Nina Mattenklotz<br />
Bühne Silke Rudolph, Kostüme Lena Hiebel<br />
Premiere am 9. Januar 20<strong>10</strong> im Pfauen/Kammer<br />
Kafkas Novelle, in der der Handlungsreisende Gregor Samsa morgens<br />
aufwacht und sich in einen Käfer verwandelt findet, gehört zu den<br />
berühmtesten Texten der Weltliteratur. Als Insekt in sein Zimmer gesperrt,<br />
verbringt Gregor, der bisher für den finanziellen Unterhalt der Familie<br />
gesorgt hat, seine Tage im Gefühl der Nutzlosigkeit und Isolation. Der<br />
gefürchtete Vater straft den Sohn psychisch und körperlich für die<br />
Zumutung, die er darstellt, während die Mutter Gregor zwar nicht<br />
aufgeben will, aber den Anblick des zum Käfer gewordenen Sohns nicht<br />
erträgt. So ist es die jüngere Schwester, die sich um Gregor kümmert.<br />
Aber auch die liebevolle geschwisterliche Beziehung verändert sich, als<br />
Grete zunehmend Gregors alten Platz einnimmt.<br />
Die „Verwandlung“ (1912) erzählt von Vielem: Von dem Gefühl<br />
grundlegender Entfremdung gegenüber sich selbst und einer Welt, die<br />
sich nicht begreifen lässt. Von der Unmöglichkeit, sich auch mit den<br />
nächsten Mitmenschen zu verständigen. Von hierarchischen<br />
Machtstrukturen im beruflichen und privaten Bereich und ihren<br />
deformierenden Wirkungen. Die Vielzahl der Deutungen, die Kafkas Texte<br />
erleben, zeugen von dem Geheimnis, das sie in sich tragen: Mit der<br />
Verwandlung Gregor Samsas in einen Käfer hat Kafka eine in ihrer<br />
Einfachheit so bestechende wie komplexe, an existentielle Fragestellungen<br />
rührende Geschichte erfunden, die zu immer neuen<br />
Auseinandersetzungen auffordert.<br />
Nina Mattenklotz wurde 1980 in Gütersloh geboren. Nach dem Studium<br />
der Medienkultur nahm sie ein Regiestudium an der Hamburger<br />
Theaterakademie auf, das sie 2008 mit der Inszenierung von Büchners<br />
„Woyzeck“ abschloss, mehrere während des Studiums entstandene<br />
Arbeiten wurden zu Festivals eingeladen. Zuletzt inszenierte sie am<br />
Wiener <strong>Schauspielhaus</strong> und am Theater Magdeburg.
22<br />
Der Hofmeister<br />
von Jakob Michael Reinhold Lenz<br />
Regie Frank Castorf<br />
Bühne Hartmut Meyer, Kostüme Jana Findeklee/Joki Tewes<br />
Premiere am 14. Januar 20<strong>10</strong> im Schiffbau/Halle<br />
Was einer Gesellschaft ihre Kinder wert sind, erfährt man aus „Der<br />
Hofmeister“ von Jakob Michael Reinhold Lenz, einer Komödie mit dem<br />
ironisch gemeinten Untertitel „Die Vorteile der Privaterziehung“.<br />
Bildungsbürgertum trifft Prekariat: Ein junger Hofmeister mit dem<br />
sprechenden Namen Läuffer rennt in sein Verderben, wirft sich förmlich in<br />
einen Unterdrückungszusammenhang von ökonomischer Ausbeutung,<br />
sozialer Demütigung und verbotener Liebe und kastriert sich am Ende<br />
selbst. Lenz, der sich selbst als Hofmeister verdingte, zeigt in seinem<br />
Stück ein gesellschaftliches Panorama von shakespeareschen<br />
Dimensionen, sein reichhaltiges Figuren-Personal ist in brisante politische<br />
Debatten über Liberalität ebenso verstrickt wie in grausam-komische<br />
Missverständnisse.<br />
Als „Der Hofmeister“ 1774 erstmals gedruckt vorlag, schrieb die erstaunte<br />
deutsche Öffentlichkeit das Drama dem Autor des „Werther“ zu, Johann<br />
Wolfgang von Goethe. Man kann von tragischer Ironie sprechen. Denn<br />
ebenjener Goethe, mit dem sich J. M. R. Lenz gut befreundet wähnte,<br />
sorgte einige Jahre danach in Weimar für dessen Verbannung aus der<br />
Stadt, nachdem er seiner leid geworden war. Lenz’ spätere Verfassung als<br />
armseliger, umher getriebener Dichter am Rande des Wahnsinns ging<br />
dank Georg Büchners Novelle „Lenz“ in die Literaturgeschichte ein.<br />
Frank Castorf ist einer der international einflussreichsten<br />
Theaterregisseure, die von ihm seit 1992 geleitete Volksbühne am Rosa-<br />
Luxemburg-Platz in Berlin war der erfolgreichste Neubeginn eines<br />
<strong>Schauspielhaus</strong>es in Deutschland nach der Wende. Aufgewachsen in Ost-<br />
Berlin und als junger Regisseur in die DDR-Provinz verbannt, hatte Castorf<br />
bald nach dem Mauerfall auch erste Berührungspunkte mit der Schweiz.<br />
In Basel inszenierte er „Wilhelm Tell“ (1991), in <strong>Zürich</strong> „Berlin<br />
Alexanderplatz“ (2001) und „Trauer muss Elektra tragen“ (2003). Mit „Der<br />
Hofmeister“ kann Castorf an eine vorhergehende Beschäftigung mit dem<br />
Dichter Lenz anknüpfen: Bei den Wiener Festwochen führte er 2008 bei<br />
Wolfgang Rihms Oper „Lenz“ Regie (Libretto frei nach Büchner). In <strong>Zürich</strong><br />
wurde „Der Hofmeister“ noch nie gespielt.
23<br />
Das letzte Band/Bis dass der Tag euch scheidet oder<br />
Eine Frage des Lichts<br />
von Samuel Beckett und Peter Handke<br />
Deutschsprachige Erstaufführung<br />
Regie Jossi Wieler<br />
Bühne und Kostüme Anja Rabes<br />
Gastspiel einer Koproduktion der Salzburger Festspiele und der Münchner<br />
Kammerspiele<br />
Zürcher Premiere am 22. Januar 20<strong>10</strong> im Pfauen<br />
„Eines Abends, spät, in der Zukunft“: Krapp, ein greiser, einsamer Mann,<br />
bespricht, wie all die Jahre zuvor, ein Tonband – nun allerdings zum<br />
letzten Mal. Was bleibt vom Leben, das der Mühe wert war? Was bleibt,<br />
wenn Krapp die Spreu vom Weizen trennt? Aus den alten Aufnahmen, in<br />
die er hineinhört, spricht sein früheres Leben, und wenn er darauf<br />
zurückschaut, bestand nur eine einzige Aussicht auf Glück: im<br />
Beisammensein mit seiner Geliebten. Eben diese Frau erscheint in Peter<br />
Handkes neuem Stück „Bis dass der Tag euch scheidet oder Eine Frage<br />
des Lichts“ und spricht über ihr Leben mit Monsieur Krapp. Auch sie<br />
trennt die Spreu vom Weizen und fragt, was von der Zeit und ihr selbst an<br />
der Seite dieses Mannes bleibt, der ihr fern und nah wie kein anderer<br />
war. Ihr Monolog ist die Antwort einer Frau, eine Abrechnung und das<br />
Echo einer geteilten Zeit, die sie auf immer verbindet.<br />
Samuel Beckett (1906–1989) hat in seinen Dramen Welten spielerischer<br />
Vergeblichkeit entworfen und damit Mitte des 20. Jahrhunderts eine neue<br />
Form des Theaters geprägt. Zu seinen bekanntesten Stücken gehören<br />
„Das letzte Band“ (1958), „Warten auf Godot“ und „Endspiel“. 1969 erhielt<br />
er den Nobelpreis für Literatur. Peter Handke, 1942 in Kärnten geboren,<br />
hat sich wiederholt auf prägende Lektüren bezogen. Als Theaterautor<br />
1966 mit „Publikumsbeschimpfung“ bekannt geworden, hat Handke bis<br />
heute eine Vielzahl an bedeutenden Romanen, Erzählungen und Dramen<br />
verfasst, zuletzt sorgte „Die morawische Nacht“ für Diskussionsstoff.<br />
Jossi Wieler, geboren 1951 in Kreuzlingen, studierte Regie in Tel Aviv.<br />
Er inszenierte am Deutschen <strong>Schauspielhaus</strong> in Hamburg, am<br />
<strong>Schauspielhaus</strong> <strong>Zürich</strong> („Macht nichts“ 2001, „Winter“ 2002), und zuletzt<br />
regelmässig an den Münchner Kammerspielen. Seine Arbeiten wurden<br />
mehrfach zum Berliner Theatertreffen eingeladen. Seit 1994 ist er<br />
ausserdem international als Opernregisseur tätig. Mit André Jung und<br />
Nina Kunzendorf, den Darstellern von Krapp und Krapps Geliebter,<br />
arbeitete Wieler mehrfach in München und <strong>Zürich</strong> zusammen.
24<br />
Der Tausch<br />
von Paul Claudel<br />
Regie Christof Loy<br />
Bühne Henrik Ahr, Kostüme Ursula Renzenbrink<br />
Premiere am 23. Januar 20<strong>10</strong> im Schiffbau/Box<br />
Zwei gegensätzliche Paare suchen im Partnertausch ihre Identität. Der<br />
junge Halbindianer Louis Laine, eine leidenschaftliche Abenteurernatur,<br />
bricht aus seiner Ehe mit der gläubigen Französin Martha aus und lässt<br />
sich von der freiheitsliebenden Schauspielerin Lechy erobern. Deren<br />
Mann wiederum, der materialistische Geschäftsmann Thomas Pollock,<br />
versucht die verlassene Martha zu kaufen und handelt sie gegen ihren<br />
heftigen Willen mit einem Bündel Geldnoten Louis ab. Dieser geht am<br />
Seelentausch zugrunde: als Louis Lechy wieder verlässt, fällt er ihrer<br />
Rache zum Opfer. Martha aber hilft Pollock zu erkennen, dass die<br />
Menschen etwas anderes als Geld verbindet.<br />
„Der Tausch“ (L´ échange), 1893/94 entstanden und 1914 in Paris<br />
uraufgeführt, beschreibt die zunehmende Versachlichung und<br />
Kommerzialisierung aller menschlichen Beziehungen. „Alle diese<br />
Gestalten… das bin ich selbst“, sagte Paul Claudel (1868–1955) über die<br />
vier Figuren in seinem Stück. Der bekennende Katholik zählt zu den<br />
herausragenden Autoren des französischsprachigen Theaters. Sein<br />
vielgestaltiges Werk umfasst neben Lyrik und Dramen auch Prosa, Essays,<br />
Bibelexegese und Briefbände. Seinen Stoffen und Motiven entsprechend<br />
sucht Claudel in der Sprache den überhöhten, metaphorisch<br />
angereicherten Ausdruck.<br />
Christof Loy studierte Musiktheater-Regie an der Folkwang-Hochschule in<br />
seiner Heimatstadt Essen sowie Philosophie, Kunstgeschichte und<br />
italienische Philologie in München. Seit 1990 ist er freischaffender<br />
Regisseur. Seine Stuttgarter Inszenierung von Marivaux‘ „Triumph der<br />
Liebe“ wurde 1997 zum Berliner Theatertreffen eingeladen. In den letzten<br />
Jahren inszenierte Christof Loy hauptsächlich Musiktheater, an der<br />
Hamburgischen Staatsoper, am Staatstheater Stuttgart, an der Deutschen<br />
Oper am Rhein, an der Bayerischen Staatsoper, bei den Salzburger<br />
Festspielen, am Royal Opera House Covent Garden London sowie in<br />
Wien, Madrid, Göteborg und Kopenhagen. 2008 wurde er zum dritten Mal<br />
zum Opernregisseur des Jahres gewählt. Mit Claudels „Der Tausch“<br />
wendet er sich nach längerer Zeit erstmals wieder dem Schauspiel zu.<br />
Zum ersten Mal ist das Stück in der Neuübersetzung von Herbert Meier<br />
zu sehen.
25<br />
Alkestis<br />
von Euripides<br />
Regie Karin Henkel<br />
Bühne Henrike Engel, Kostüme Klaus Bruns<br />
Premiere am 6. Februar 20<strong>10</strong> im Pfauen<br />
Admet, der König von Thessalien, ist von den Schicksalsgöttinen zum<br />
Tode verurteilt worden, kann aber sein Leben retten, wenn ein anderer<br />
Mensch stellvertretend für ihn stirbt. Admet geht davon aus, dass Vater<br />
oder Mutter das Opfer auf sich nehmen werden, doch die wollen für den<br />
Sohn nicht sterben. So erklärt sich seine junge Frau Alkestis zum<br />
Ersatztod bereit. Alle Gebete und Klagen der königlichen Familie und des<br />
thessalischen Volks scheinen nichts zu nützen: Alkestis stirbt am<br />
festgesetzten Todestag und lässt neben ihrem untröstlichen Ehemann<br />
auch ihre beiden kleinen Kinder zurück.<br />
Euripides gilt als der Zweifler unter den antiken Tragikern, in dessen<br />
Dramen der Glaube an das göttliche Walten ins Wanken gerät und die<br />
Pathologien der menschlichen Seele ins Zentrum treten. Auch in seinem<br />
frühesten erhaltenen Drama, der „Alkestis“ (aufgeführt um 438 v. Chr.)<br />
stellt er bohrende Fragen nach der Beherrschbarkeit eines Ereignisses,<br />
das noch im 21. Jahrhundert als schicksalshaft erlebt wird: Tod. Alkestis<br />
stirbt aus Liebe zu Admet, doch macht das stellvertretende Sterben Sinn?<br />
Der Verlust seiner Frau schmerzt Admet so sehr, dass er selber sterben<br />
will. Seinen alten Eltern wirft er vor, den Tod Alkestis‘ zugelassen zu<br />
haben, wird aber von seinem Vater als Mörder seiner Frau beschimpft:<br />
Admet, so der Vater, hätte das Opfer nie annehmen dürfen. „Alle<br />
Menschen müssen sterben,/und keinen Sterblichen gibt’s, der sicher<br />
weiss,/ob er am nächsten Tag noch leben wird“, sagt Herakles, der gegen<br />
Ende Hoffnung in das Geschehen bringt und gleichzeitig die Sinnlosigkeit<br />
des Versuchs artikuliert, über den Tod bestimmen zu wollen.<br />
Karin Henkel, geboren 1970 in Köln, inszenierte schon 1993 am Wiener<br />
Burgtheater – als jüngste Regisseurin, die jemals an diesem Theater<br />
gearbeitet hat. Es folgten Inszenierungen u. a. am Thalia Theater<br />
Hamburg, an der Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz in Berlin, am<br />
<strong>Schauspielhaus</strong> Bochum, am <strong>Schauspielhaus</strong> <strong>Zürich</strong> („Woyzeck“ 1999,<br />
„Das weite Land“ 2004), am Deutschen <strong>Schauspielhaus</strong> in Hamburg und<br />
am Deutschen Theater Berlin. Ihre Stuttgarter Inszenierung „Platonow“<br />
wurde zum Theatertreffen 2006 nach Berlin eingeladen. Nach „Medea“<br />
(Deutsches <strong>Schauspielhaus</strong> in Hamburg) und „Iphigenie“ (Schauspiel Köln)<br />
beschäftigt sie sich mit „Alkestis“ zum dritten Mal mit einem antiken Stoff.
26<br />
Was ihr wollt<br />
von William Shakespeare<br />
Regie Barbara Frey<br />
Bühne Penelope Wehrli, Kostüme Bettina Walter<br />
Premiere am 5. März 20<strong>10</strong> im Pfauen<br />
Koproduktion mit dem Burgtheater Wien<br />
Am Anfang steht ein Schiffbruch. Am Ende der Ehehafen. Und dazwischen<br />
nimmt eine fulminante Verwechslungskomödie ihren Lauf, deren<br />
Protagonisten leider wenig zu lachen haben.<br />
Eine kleine Gruppe Überlebender strandet an der Küste Illyriens, viele<br />
Mitglieder der Schiffsbesatzung sind verschollen, die Zwillinge Viola und<br />
Sebastian auseinander gerissen. Viola beschliesst, als Mann verkleidet in<br />
den Dienst des Herzogs Orsino zu treten. Der in die Gräfin Olivia verliebte<br />
Orsino schickt Viola – alias Cesario – als Liebesboten zu seiner<br />
Angebeteten. Kein leichter Auftrag für Viola, die sich ihrerseits in den<br />
Herzog verliebt hat. Olivia wiederum verfällt Cesario und wird zudem vom<br />
Ritter Bleichenwang begehrt. Die Lage ist wenig hoffnungsvoll: Zwischen<br />
Sein und Schein ist nicht zu unterscheiden. „Ich bin nicht, was ich bin“,<br />
sagt deshalb auch die als Frau nicht erkennbare Viola zur in sie<br />
dringenden Olivia. Erst das Erscheinen des Zwillingsbruders Sebastian<br />
entwirrt das Beziehungsgeflecht mit dem Resultat einer dreifachen<br />
Hochzeit. Alle anderen Figuren des Stücks bleiben allein.<br />
Ein Happy-End? Shakespeare erzählt nicht nur von Liebessehnsucht und<br />
sexueller Lust „so hungrig wie die See“, sondern auch von der<br />
Austauschbarkeit sexueller Identität. Unter dem Deckmantel der Komödie<br />
erlebt der Zuschauer die Beliebigkeit des Begehrens und die Flüchtigkeit<br />
des Ichs als menschliche Katastrophe.<br />
Für Regisseurin Barbara Frey ist „Was ihr wollt“ nach einem Sonette-<br />
Abend (am Nationaltheater Mannheim), „Wie es euch gefällt“ (am Theater<br />
Basel) sowie „Der Sturm“ (am Burgtheater Wien) bereits die vierte<br />
Auseinandersetzung mit dem Werk von William Shakespeare.
27<br />
Volpone<br />
von Ben Jonson<br />
Regie Werner Düggelin<br />
Bühne Raimund Bauer, Kostüme Francesca Merz<br />
Premiere am 31. März 20<strong>10</strong> im Pfauen<br />
Eine fette Rendite versprechen sich die Freunde und Bekannten des allein<br />
stehenden Magnifico Volpone. Sie bringen dem vermeintlich<br />
sterbenskranken Mann Geschenke, Gold und Silber, Münzen und Juwelen,<br />
ja sogar die eigene Ehefrau zur sündhaften Verfügung – ein jeder in der<br />
Hoffnung, dass ihm das Mitgebrachte „zehnfach zurückfliesst“, sobald<br />
Volpone gestorben und sein Testament eröffnet ist. Dass alle diese<br />
Edelmänner, Advokaten und Kaufleute Opfer einer im grossen Stil<br />
gebauten Falle von Volpone, genannt „der Fuchs“, und seinem<br />
heimtückischen Diener Mosca werden, dämmert dem einen früher, dem<br />
anderen später, in jedem Fall aber zu spät. Volpone ist in Wahrheit<br />
kerngesund und denkt nicht daran, sein Testament zu machen und seine<br />
„Freunde“ darin zu bedenken. Die Betrogenen vermehren statt ihres<br />
eigenen ausschliesslich den Besitz von Volpone, um dessen Bank es bei<br />
näherer Betrachtung längst nicht so gut bestellt ist wie man in der Stadt<br />
Venedig allgemein glaubt. „Wie auserlesen bestraft die Gier sich selbst“,<br />
jubelt Volpone. Da ahnt er freilich noch nicht, dass sein Plan schliesslich<br />
auch ihn und seine eigene Gier und Geilheit richten wird.<br />
Der elisabethanische Dramatiker Ben Jonson hat in seinem bekanntesten<br />
Stück „Volpone“ (1606) eine menschliche Tierfabel geschaffen, die weder<br />
Helden noch Sieger kennt. Jonson, der selbst in kriminelle<br />
Machenschaften verwickelt war und sich als realistischer Antipode zu<br />
seinem Zeitgenossen und Landsmann William Shakespeare verstand,<br />
blickt illusionslos auf eine Gesellschaft, die sich allein über Macht, Geld<br />
und Besitz definiert.<br />
Mit Werner Düggelin inszeniert eine Legende des Schweizer Theaters und<br />
wahrlich ein Regie-Fuchs. Bezüge zu seiner Heimatstadt <strong>Zürich</strong> sind bei<br />
ihm nicht auszuschliessen. Am <strong>Schauspielhaus</strong> <strong>Zürich</strong> waren zuletzt seine<br />
Inszenierungen von Molières „Don Juan“ und Camus’ „Die Gerechten“ zu<br />
sehen.
28<br />
Der Hodler<br />
Musiktheatralische Einsicht von Ruedi Häusermann<br />
Uraufführung<br />
Komposition und Regie Ruedi Häusermann<br />
Bühne Bettina Meyer, Kostüme Barbara Maier<br />
Premiere am <strong>10</strong>. April 20<strong>10</strong> im Schiffbau/Box<br />
Der Musiker und Regisseur Ruedi Häusermann, der wiederholt<br />
musikalische Welten um Texte von AutorInnen wie Elfriede Jelinek, Robert<br />
Walser und Händl Klaus erfunden hat, wendet sich mit Ferdinand Hodler<br />
einem bildenden Künstler und einem der bekanntesten Schweizer Maler<br />
zu. „Ich halte die Wahrheit noch über der Schönheit“, hat Hodler über sich<br />
selbst gesagt, und auch Häusermann geht es darum, das dem jeweiligen<br />
Werk Eigene erfahrbar zu machen: „Der Motor ist immer, eine eigene Welt<br />
zu platzieren, und wenn ich um jemanden kreise, ist es für mich ganz<br />
wichtig, eine Atmosphäre zu schaffen, eine Umgebung, in der ihm dann<br />
der rote Teppich ausgerollt werden kann.“ Über die Jahre hat Häusermann<br />
in seinen Projekten eine eigene musiktheatralische Sprache geschaffen, in<br />
der die Elemente Text, Ton, Bild und Szene sich in eine übergreifende,<br />
fein verästelte Partitur fügen. In seinen Abenden, denen lange Phasen der<br />
Komposition und Themenfindung vorausgehen, untersucht er die<br />
Möglichkeiten von Theater und Musik, sich gegenseitige Räume zu<br />
eröffnen. Dabei geht sein Blick voller Zuwendung aufs Detail, es entsteht<br />
ein poetischer, vieldeutiger Mikrokosmos. In der musikalischen<br />
Begegnung mit Hodlers Bildern wird das Spezifische am Werk des Malers<br />
auf behutsame und humorvolle Weise hör- und sichtbar gemacht.<br />
Ruedi Häusermann wurde 1948 in Lenzburg geboren. Er studierte<br />
Ökonomie und klassische Querflöte. Früh interessierte er sich für Jazz und<br />
freie Improvisation. Der Maler Giuseppe Reichmuth und der Musiker und<br />
Regisseur Christoph Marthaler gehören zu seinen wichtigsten<br />
künstlerischen Weggefährten. Häusermann arbeitete u. a. am Theater<br />
Neumarkt in <strong>Zürich</strong>, am Theater Basel (Bayerischer Theaterpreis für „Das<br />
Beste aus: Das Menschliche Versagen (Folge I)“ 1999), an der Volksbühne<br />
am Rosa-Luxemburg-Platz Berlin, am <strong>Schauspielhaus</strong> Wien, am Wiener<br />
Burgtheater und bei den Münchner Opernfestspielen.
29<br />
Gestern<br />
nach dem Roman von Agota Kristof<br />
Uraufführung<br />
Regie und Bühne Dušan David Parizek<br />
Kostüme Kamila Polívková<br />
Premiere am 7. Mai 20<strong>10</strong> im Schiffbau/Box<br />
Sándor lebt im Exil, unter falschem Namen. Vor zehn Jahren war er aus<br />
einem armen, besetzten Land in ein reiches, freies Land geflüchtet, hier<br />
arbeitet er in einer Uhrenfabrik und träumt davon, Schriftsteller zu werden.<br />
„Gestern war alles schöner“, beginnt Agota Kristofs Buch, das von Dušan<br />
David Parizek zum ersten Mal für die Bühne bearbeitet wird. Auch<br />
Sándors grosse Liebe Line ist von „gestern“. Das Getrennt-Sein von ihr,<br />
der abwesenden Schulfreundin, die ihn vergessen hat, bestimmt sein<br />
Leben. Als Line überraschend wieder in sein Leben tritt, liegt es an<br />
Sándor, sich ihr zu erklären und eine dunkle Geschichte, die zwischen<br />
ihnen steht, aufzudecken…<br />
Agota Kristof, 1935 in Ungarn geboren, lebt seit 1956 in Neuchâtel. Hier<br />
war sie lange Fabrikarbeiterin, bevor sie mit über fünfzig Jahren auf<br />
französisch ihr erstes Buch veröffentlichte: „Le grand cahier“ („Das grosse<br />
Heft“) machte sie zu einer international anerkannten Schriftstellerin.<br />
„Gestern“ (1995) ist ihr vierter und vorerst letzter Roman. Wie das<br />
gesamte, durch seine eindringliche Kargheit und Kälte bestechende Werk<br />
von Agota Kristof kreist auch „Gestern“ um die Themen Einsamkeit und<br />
Fremdheit, um Trennung und Schmerz. „Schreiben ist kein Trost“, sagt<br />
Kristof. Unversöhnlichkeit zu ertragen, ist das Herausfordernde an ihrer<br />
Prosa.<br />
Der tschechische Regisseur Dušan David Parizek, 1971 in Brünn geboren,<br />
leitet seit 2002 das Prager Kammertheater. An dieser 2007 in Tschechien<br />
als „Theater des Jahres“ ausgezeichneten Bühne werden fast<br />
ausschliesslich zeitgenössische Stücke gespielt, ein grosser Teil davon<br />
sind Erstaufführungen deutschsprachiger Dramatik. Schon mehrfach hat<br />
Parizek mit Prosa-Bearbeitungen auf sich aufmerksam gemacht, mit Kafka,<br />
Musil und Thomas Bernhard. In Deutschland inszenierte er zuletzt am<br />
Deutschen Theater Berlin, am Staatstheater Dresden und am Deutschen<br />
<strong>Schauspielhaus</strong> in Hamburg. „Gestern“ ist seine erste Regiearbeit in der<br />
Schweiz.
30<br />
Industry and Idleness<br />
Szenisches Konzert des Collegium Novum <strong>Zürich</strong> unter der Leitung von<br />
Andrea Molino und Heiner Goebbels<br />
Uraufführung<br />
Konzept, Musik und Regie Heiner Goebbels<br />
Musikalische Leitung Andrea Molino<br />
Mit dem Collegium Novum <strong>Zürich</strong><br />
Premiere am <strong>10</strong>. Mai 20<strong>10</strong> im Schiffbau/Halle<br />
Eine Kooperation von Collegium Novum <strong>Zürich</strong>, <strong>Schauspielhaus</strong> <strong>Zürich</strong><br />
und Fondazione Musica per Roma, Abteilung zeitgenössische Musik<br />
Der Titel der neuen Ensemble-Komposition von Heiner Goebbels –<br />
inspiriert durch Kupferstiche von William Hogarth – ist „Industry and<br />
Idleness“ („Fleiss und Faulheit“). Gegensätze wie dieser prägen auch das<br />
Werk von Goebbels. In seinen Arbeiten erweist er sich als ein Meister<br />
darin, Widersprüche zu erzeugen und auszubalancieren: zwischen Text<br />
und Musik, zwischen Geräusch und Klang, zwischen dem Einsatz des<br />
Samplers und der Virtuosität der Instrumentalisten, zwischen der Motorik<br />
und Mechanik des städtischen, industriellen Umfelds und den<br />
Spielräumen des Individuums. Die Schiffbauhalle als Monument der<br />
Zürcher Industriegeschichte ist dafür die ideale Projektionsfläche. Der<br />
Raum, die Wände, die Requisiten, die Instrumente sowie die Musikerinnen<br />
und Musiker selbst sind die Elemente eines szenischen Konzerts, bei dem<br />
sich die städtische Landschaft mit dem kompositorischen Material<br />
verbindet.<br />
Der Komponist und Regisseur Heiner Goebbels gehört zu den<br />
vielseitigsten Grenzgängern der zeitgenössischen Musik- und<br />
Theaterszene. Seit den Neunziger Jahren komponiert er für verschiedene<br />
Ensembles und Orchester, u. a. für das Ensemble Modern, die Berliner<br />
Philharmoniker und die Junge Deutsche Philharmonie. Goebbels, der seit<br />
1999 ausserdem als Professor und geschäftsführender Direktor am Institut<br />
für Angewandte Theaterwissenschaft in Giessen tätig ist, inszeniert seit<br />
vielen Jahren auch selbst. Mit Musiktheaterproduktionen wie „Schwarz auf<br />
Weiss“, „Max Black“, „Eislermaterial“, „Hashirigaki“, „Eraritjaritjaka“,<br />
„Stifters Dinge“ oder zuletzt „I went to the house but did not enter“ findet<br />
er zu originären Formen, die Sprech- und Musiktheater miteinander<br />
verbinden. Diese Stücke wurden in den letzten Jahren auf vielen<br />
internationalen Theater- und Musikfestivals gezeigt. Nach erfolgreichen<br />
Gastspielen von Heiner Goebbels in <strong>Zürich</strong> – am <strong>Schauspielhaus</strong> waren<br />
„Eraritjaritjaka“ (2004) und „Hashirigaki“ (2005) zu sehen – ist „Industry<br />
and Idleness“ seine erste Uraufführung in der Stadt und die erste<br />
Gemeinschaftsproduktion mit dem Collegium Novum <strong>Zürich</strong>.
31<br />
Ein neues Stück<br />
von Lukas Bärfuss<br />
Uraufführung<br />
Regie Martin Kušej<br />
Bühne Annette Murschetz, Kostüme Werner Fritz<br />
Premiere am 20. Mai 20<strong>10</strong> im Pfauen<br />
Das neue Stück von Lukas Bärfuss spielt mit dem Thema Erinnerung und<br />
will noch gar nicht alles von sich wissen. Bei Redaktionsschluss (ein Jahr<br />
vor der Uraufführung) formuliert der Autor deshalb statt einer<br />
Inhaltsangabe eine Idee, die ihn bei der Arbeit begleitet: „Den Menschen<br />
im Kleinstaat könnte man sich auf eine gewisse Weise als den aus der<br />
Not geborenen vollkommenen Opportunisten vorstellen. Er kann sich<br />
keine Erinnerung leisten, weil er sich ständig den wechselnden<br />
Gegebenheiten anpassen muss; er ist zu schwach, sie zu beeinflussen.<br />
Er bleibt auf den guten Willen seiner mächtigen Beschützer angewiesen.<br />
Und weil ihn das natürlich kränkt, diese metamorphe Existenz, lügt er sich<br />
einen Mythos in die Tasche, den Mythos von der eigenen Unabhängigkeit<br />
und Unwandelbarkeit. Und man könnte sich in diesem Kleinstaat nun<br />
jemanden ausdenken, der sich durch ein unseliges Geschick an alles<br />
erinnert, an jedes Flüstern, an jede Rede, jede Lüge, jedes verschluckte<br />
Wort und jede posaunierte Wahrheit, und man könnte sich die komischen<br />
und tragischen Verrenkungen vorstellen, die eine Gesellschaft der totalen<br />
Vergesslichkeit bei der Begegnung mit dem vollkommenen Gedächtnis<br />
vollführen würde.“<br />
Lukas Bärfuss, geboren 1971 in Thun, beginnt diese Spielzeit als<br />
Dramaturg und Autor am <strong>Schauspielhaus</strong> <strong>Zürich</strong>. Er zählt zu den<br />
erfolgreichsten deutschsprachigen Dramatikern der letzten Jahre, Stücke<br />
wie „Meienbergs Tod“, „Die sexuellen Neurosen unserer Eltern“<br />
(uraufgeführt von Barbara Frey am Theater Basel), „Der Bus“ (Mülheimer<br />
Dramatikerpreis 2005) oder „Die Probe (Der brave Simon Korach)“ sind in<br />
zahlreiche Sprachen übersetzt und werden weltweit gespielt. Sein 2008<br />
erschienener Roman „Hundert Tage“ ist mit renommierten Preisen wie<br />
dem Anna-Seghers-Preis ausgezeichnet worden.<br />
Der Regisseur Martin Kušej, 1961 in Kärnten geboren, arbeitet erstmals<br />
am <strong>Schauspielhaus</strong> <strong>Zürich</strong>. Seit 1987 inszeniert er Schauspiel, am<br />
Staatstheater Stuttgart, Burgtheater Wien oder Deutschen <strong>Schauspielhaus</strong><br />
in Hamburg, später zunehmend Oper an grossen europäischen Häusern<br />
wie in Amsterdam, Berlin, Wien, München und <strong>Zürich</strong> (hier zuletzt<br />
Strawinskys „The Rake‘s Progress“). 2005/06 leitete Kušej das Schauspiel<br />
bei den Salzburger Festspielen, ab 2011 ist er Intendant des Bayerischen<br />
Staatsschauspiels München.
32<br />
Die Schwärmer<br />
von Robert Musil<br />
Regie Robert Borgmann<br />
Bühne Jochen Schmitt, Kostüme Esther Krapiwnikow<br />
Premiere am 21. Mai 20<strong>10</strong><br />
„Warum soll nicht jemand mit falschen Gefühlen echt fühlen?!“ fragt<br />
Regine in Robert Musils Schauspiel „Die Schwärmer“ und positioniert sich<br />
damit in der vom Autor zeitlebens betriebenen Auseinandersetzung<br />
zwischen Wirklichkeitssinn und Möglichkeitssinn. Regine ist eine von vier<br />
„Schwärmern“ um die dreissig, die sich seit Ewigkeiten kennen und<br />
miteinander versponnen sind. Mit ihrem Liebhaber Anselm kehrt sie bei<br />
ihrer Schwester Maria und deren Mann Thomas ein. Im geerbten<br />
Landhaus, wo die vier als Kinder miteinander spielten, versucht Anselm<br />
jedoch, Maria zu verführen und bald liegen alle möglichen Gefühle –<br />
vielmehr noch die Gedanken, die man sich zu den Gefühlen macht – offen<br />
auf dem Tisch. Die Schwärmer sind hoffnungslos in Eigen- und<br />
Fremdanalyse verstrickt und keine der gross behaupteten Äusserungen<br />
von Leidenschaft führt aus dem Schwebezustand hinaus. Das Stück,<br />
entstanden zwischen 1908 und 1921 und also um die Erfahrung eines<br />
ganzen Weltkriegs sublim angereichert, spielt mit der Arroganz der<br />
Intelligenz und mit der Intelligenz der Arroganz. Formulierlust und Analyse<br />
scheinen jeder wahren Empfindung im Wege zu stehen, und so<br />
abgeschmackt, wie einem nun alles vorkommt, will man die grossen<br />
Gefühle auch nicht zurück. Schwärmen bezeichnet hier nur noch einen<br />
Zustand der Auflösung.<br />
Der k.u.k.-Österreicher Robert Musil lebte, verarmt und von den Nazis<br />
verfemt, seine letzten fünf Lebensjahre in der Schweiz, 1942 starb er in<br />
Genf, sein Hauptwerk „Der Mann ohne Eigenschaften“ blieb unvollendet.<br />
Musils einziges durchgesetztes Schauspiel „Die Schwärmer“ beschäftigt<br />
nun den in Erfurt geborenen Regisseur Robert Borgmann, 30 Jahre alt wie<br />
die Figuren des Stücks, Absolvent der Berliner Hochschule „Ernst Busch“.<br />
Bereits seine letzten Inszenierungen – darunter zwei Uraufführungen am<br />
Deutschen Theater Berlin – handelten von untauglichen Bemühungen von<br />
Vertretern seiner Generation, in der Wirklichkeit Halt zu finden.
33<br />
Eine neue Choreographie<br />
von Sasha Waltz<br />
Uraufführung im Rahmen der Zürcher Festspiele<br />
Regie und Choreographie Sasha Waltz<br />
Bühne Thomas Schenk/Sasha Waltz, Kostüme NN<br />
Premiere am 20. Juni 20<strong>10</strong> im Schiffbau/Halle<br />
Koproduktion mit Sasha Waltz & Guests, mit dem Festival d’Avignon und<br />
dem Grand Théâtre de Luxembourg<br />
Die neue Produktion von Sasha Waltz entsteht in zwei Räumen, die in<br />
ihrer Architektur verwandt sind – dem Berliner Radialsystem V und der<br />
Zürcher Schiffbauhalle, wo nach einer intensiven Endprobenphase auch<br />
die Uraufführung stattfinden wird. Seit seiner Gründung befindet sich<br />
Sasha Waltz & Guests in einem Zustand der Transformation. Sasha Waltz<br />
möchte mit neuen Tänzern das bisherige Ensemble erweitern und damit<br />
auch neue Impulse aufnehmen. Thematisch möchte sie sich wiederholt<br />
mit dem Phänomen der Krise auseinandersetzen, ihr jedoch einen<br />
positiven Entwurf gegenüberstellen. Es soll ein Stück über das Leben und<br />
unser Zusammenleben werden, über Geburt und Tod, Musik und Stille,<br />
die Nähe von Freude und Schmerz – ein Volksfest, ein Tanz auf dem<br />
Vulkan.<br />
Seit der Gründung der Compagnie Sasha Waltz & Guests, die sich als<br />
Künstlerkollektiv versteht, haben über 150 Künstler – Architekten, bildende<br />
Künstler, Choreographen, Filmemacher, Musiker, Schauspieler und<br />
Tänzer – aus 25 Ländern in über 30 Produktionen, Projekten und Filmen<br />
als „guests“ mitgewirkt. Das aktive Repertoire umfasst 17 Stücke, die<br />
weltweit gezeigt werden, in etwa hundert Vorstellungen pro Jahr. Zentraler<br />
Produktionsort für Sasha Waltz & Guests ist inzwischen das 2006<br />
eröffnete Radialsystem V in Berlin – ein interdisziplinäres Produktions- und<br />
Ausbildungszentrum für Musik, Tanz und Bildende Kunst. Mit der<br />
künstlerischen Direktion von Barbara Frey beginnt eine weitere<br />
Partnerschaft: Sasha Waltz & Guests werden regelmässig am<br />
<strong>Schauspielhaus</strong> <strong>Zürich</strong> zu sehen sein – mit Gastspielen („Körper“ im<br />
Oktober <strong>2009</strong> in der Schiffbauhalle, siehe Seite XX), Workshops von<br />
Tänzern der Compagnie mit dem Ensemble des <strong>Schauspielhaus</strong>es sowie,<br />
als vorläufiger Höhepunkt in der ersten <strong>Saison</strong>, mit der Uraufführung von<br />
Sasha Waltz im Rahmen der Zürcher Festspiele 20<strong>10</strong>.
35<br />
Extras
36<br />
<strong>Saison</strong>eröffnungsfest<br />
„Personalinstallation“ mit den <strong>Schauspielhaus</strong>-MitarbeiterInnen,<br />
mit Konzerten, Theater und Tanz<br />
Eröffnungsfest am Samstag, 26. September <strong>2009</strong> im Schiffbau<br />
Personalinstallation und Musik ab 17h<br />
Nach vier Eröffnungspremieren im Schiffbau und Pfauen und der ersten<br />
Premiere des Jungen <strong>Schauspielhaus</strong>es in der Matchbox feiert das<br />
<strong>Schauspielhaus</strong> mit seinen Schiffbau-Nachbarn „moods“ und „LaSalle<br />
Restaurant“ den Start der neuen <strong>Saison</strong> und den Neubeginn mit Barbara<br />
Frey als Künstlerischer Direktorin des <strong>Schauspielhaus</strong>es.<br />
Während mehrerer Stunden sind an vielen Orten des Schiffbaus – im neu<br />
gestalteten Schiffbau-Foyer und anderen, der Öffentlichkeit sonst nicht<br />
zugänglichen Räumlichkeiten – die Schauspieler des neuen<br />
<strong>Schauspielhaus</strong>-Ensembles auf ungewöhnliche und persönliche Weise zu<br />
erleben. Später am Abend – in Kooperation mit dem „moods“, <strong>Zürich</strong>s<br />
erster Adresse für Jazz, Funk, Soul, Blues, Electro und World Music – lädt<br />
ein reiches Konzert- und DJ-Programm zum Zuhören oder Tanzen ein.
37<br />
Nachtmahr-Abtei<br />
Lesezyklus mit haarsträubenden Texten, präsentiert von Werner Morlang<br />
Ab Oktober <strong>2009</strong><br />
Vladimir Nabokov pflegte als Merkmal guter Literatur den frisson zu<br />
bezeichnen, eine Art Frösteln, das bei entsprechender Sachlage<br />
unweigerlich den geneigten Leserrücken hinunterriesle. Nun gibt es eine<br />
Gattung von Autoren, die es gerade auf das Erzeugen solcher Schauer<br />
und ähnlicher Wirkungen abgesehen haben. Es sind lauter Sonderlinge,<br />
und wahrhaft sonderbar nehmen sich ihre Produkte aus. In den<br />
Literaturgeschichten führen sie zumeist ein Fussnotendasein, doch wer<br />
sich ihnen zuwendet, entdeckt in ihren abstrusen Schöpfungen oft eine<br />
Originalität und Frische, die manch ebenso hoch gepriesener wie ächzend<br />
gelesener Klassiker vermissen lässt. Die Rede ist von einer Spezies<br />
phantastischer Literatur, die vor allem in angelsächsischen Zonen<br />
beheimatet ist. Um die Mitte des 18. Jahrhunderts wurde in England der<br />
gothic novel begründet, eine Tradition literarischen Schreckens, die in<br />
Edgar Allan Poe ihren prominentesten Vertreter fand und bis in unsere<br />
Tage ihr erwünschtes Unwesen treibt.<br />
Der frühere Leiter des Robert Walser-Archivs Werner Morlang, der als<br />
freischaffender Germanist, Übersetzer und Buchautor in <strong>Zürich</strong> lebt,<br />
präsentiert mit dem Lesezyklus „Nachtmahr-Abtei“ – der Titel ist Thomas<br />
Love Peacock (1785–1866) entlehnt – eine Gesellschaft von Autoren, von<br />
denen die meisten heute in Vergessenheit geraten sind. Das gilt freilich<br />
nicht für Howard Phillips Lovecraft (1890–1937), den für jederlei<br />
Fäulniszauber zuständigen Meister, der so unterschiedliche Bewunderer<br />
wie H.C. Artmann und Michel Houellebecq in seinen Bann gezogen hat.<br />
Von Wilkie Collins (1824–1889) kennt man seine viktorianischen<br />
Spannungsromane, weniger aber die nicht minder glänzend ausgeheckten<br />
Gruselgeschichten. Hat der Schotte James Hogg (1770–1835) einen<br />
unübertrefflich abgefeimten Teufel ersonnen, halluzinierte der<br />
Anglowaliser Arthur Machen (1863–1947) inmitten seiner heimischen<br />
Wälder ein römisches Geistervolk. Der erzbritische Altertumsforscher<br />
Montague Rhodes James (1862–1936) wurmisierte in mittelalterlichen<br />
Manuskripten, um gleichsam nebenher zum berühmtesten Ghost Story-<br />
Writer seiner Zeit zu avancieren. Algernon Blackwood (1869–1951)<br />
wiederum besiedelte eine Donauinsel mit ungreifbaren kosmischen<br />
Erscheinungen. Endlich wartete der bayrische Pamphletist Oskar Panizza<br />
(1853–1921) mit „Visionen“ und „Dämmerungsstücken“ auf. Der letzte<br />
Auftritt sei indessen Peacock vorbehalten, der im Lachkabinett seiner<br />
„Nachtmahr-Abtei“ der Schwarzen Romantik auf die satirischen Sprünge<br />
hilft. Schauspielerinnen und Schauspieler des Ensembles bringen in einer<br />
Folge von Leseabenden dieses launige Gelichter zu Gehör.
38<br />
Weisse Flecken<br />
Diskursreihe über die Unwissenheit mit Lukas Bärfuss und seinen Gästen<br />
Ab November <strong>2009</strong><br />
Nicht-Wissen macht Angst. Alles, was wir nicht verstehen und nicht begreifen,<br />
beängstigt uns, weil wir es nicht fassen können. Oder ist es gerade<br />
andersrum? Sollten wir nicht eher fürchten, was wir zu beherrschen glauben?<br />
Mussten wir in den letzten Monaten (und Jahren) nicht erleben, wie wenig die<br />
Gewissheiten zählten? Und wie sehr sich die besten Experten geirrt haben?<br />
Als wie untauglich sich die Modelle erwiesen? Je grösser das Wissen, so<br />
scheint es, umso grösser der resultierende Irrtum. Und je komplexer wir<br />
unsere Welt gestalten, umso dichter wird der Dschungel, wo das<br />
Unvorhersehbare regiert.<br />
Lukas Bärfuss, in <strong>Zürich</strong> lebender Schriftsteller aus dem Berner Oberland und<br />
seit dieser Spielzeit Dramaturg und Autor am <strong>Schauspielhaus</strong> <strong>Zürich</strong>, nimmt<br />
Fragen wie diese zum Ausgangspunkt einer von ihm geleiteten Diskursreihe.<br />
Gemeinsam mit Martin Heller und Kurt Imhof hat Bärfuss bereits das<br />
„Basislager Schweiz“ und die „Neunziger Jahre“ untersucht, nun begeht er<br />
einmal im Monat gemeinsam mit Gästen die Ränder unserer bekannten Welt.<br />
Daraus soll eine kleine Sammlung der Unwissenheit entstehen, natürlich ohne<br />
Anspruch auf Vollständigkeit, aber mit dem Eifer des Kartographen, der<br />
abstrahiert und weg lässt, dort aber, wo er Angaben macht, sich auf seine<br />
Zeichnung des Geländes behaften lässt.
39<br />
Junges <strong>Schauspielhaus</strong>
40<br />
Ein himmlischer Platz<br />
nach dem Roman von Guus Kuijer<br />
Uraufführung<br />
Regie Enrico Beeler<br />
Bühne Flurin Madsen, Kostüme Isabel Schumacher, Musik Simon Hostettler<br />
Premiere am 26. September <strong>2009</strong> im Schiffbau/Matchbox<br />
ab <strong>10</strong> Jahren<br />
Eigentlich ist es ein ganz gewöhnlicher Tag. Und eigentlich ist Florian ein<br />
ziemlich gewöhnlicher zehnjähriger Junge. Bis sich plötzlich ein Spatz auf<br />
seinen Kopf setzt: Fortan ist Florians Welt eine andere. Katja aus der<br />
Schule findet, dass ihm der Vogel gut steht und dass sie jetzt ganz sicher<br />
ist, in Florian verliebt zu sein. Der Spatz führt ihn weiter zu der alten Frau<br />
Raaphorst, die ihren Hausschlüssel vergessen hat, was eigentlich nicht<br />
weiter schlimm ist. Aber dass sie zum Schlüssel „Gabel“ sagt und nur<br />
einen Schuh anhat, verwirrt ihn. Tausende Gedanken schwirren in Florians<br />
Kopf wild durcheinander. Was soll er Katja auf ihre Frage, ob er mit ihr<br />
gehen will, antworten? Was macht er mit dem zartroten Elefanten, der<br />
sich in seinem Bauch breitmacht? Wie erklärt er seinen ständig<br />
diskutierenden Eltern, dass sie eigentlich aneinander vorbeireden? Wie<br />
bringt man der alten Frau bei, dass heute nicht vorvorgestern ist? Florian<br />
sortiert, ordnet, macht Listen und hofft so, die unzähligen Rätsel, mit<br />
denen ihn sein Alltag konfrontiert, zu entschlüsseln. Am Schluss hat der<br />
Spatz Florians Kopf verlassen und zumindest für einen Moment ist die<br />
Welt „wie aus Glas, so klar und deutlich.“<br />
Guus Kuijer zählt mit über 30 Büchern für Kinder, Jugendliche und<br />
Erwachsene zu den profiliertesten und meist ausgezeichneten Autoren der<br />
Niederlande. Im deutschsprachigen Raum ist er bekannt sowohl durch die<br />
fünfbändige Reihe um das Mädchen Polleke, das seit der Nominierung<br />
von „Wir immer alle zusammen“ für den Deutschen Kindertheaterpreis<br />
2008 auch die Bühnen eroberte, als auch „Erzähl mir von Oma“ und „Das<br />
Buch von allen Dingen“, das am Deutschen <strong>Schauspielhaus</strong> in Hamburg<br />
2008 auf die Bühne kam. „Ein himmlischer Platz“ entstand 2007.<br />
Enrico Beeler eröffnet mit dieser Uraufführung die neue Spielzeit am<br />
Jungen <strong>Schauspielhaus</strong>. Er studierte Schauspiel an der Schauspiel-<br />
Akademie <strong>Zürich</strong>. Seit 1994 arbeitet er hauptsächlich als Regisseur. Seine<br />
Entdeckungen und Bearbeitungen neuer Stoffe für die Bühne schlägt sich<br />
in zahlreichen Ur- und Erstaufführungen nieder, die den <strong>Spielplan</strong> für<br />
Familien und Schulklassen seit Langem bereichern: „Sophie oder was das<br />
Leben zu bieten hat“ und „Alplantis“ (Theater en gros en detail), „Die<br />
wilden Schwäne“, „Weit ist der Weg“ (Theater an der Sihl) und „Hinter<br />
dem Bahnhof liegt das Meer“ (jetzt&co. Theaterproduktion <strong>Zürich</strong>).
41<br />
Der zerbrochene Schlüssel<br />
von Bente Jonker<br />
Schweizerische Erstaufführung<br />
Regie Andrea Kramer<br />
Premiere am 13. Januar 20<strong>10</strong> im Schiffbau/Matchbox<br />
ab 6 Jahren<br />
Zwei Mädchen leben in stark voneinander getrennten Reichen Wand an<br />
Wand: auf der einen Seite das Schifferkind Stella, das sich alleine um<br />
Oma Kraak kümmern muss, weil die Eltern unterwegs auf den Meeren<br />
sind; auf der anderen Seite Luna, das Patenkind des Mondes, das zum<br />
Spielen bloss eine Puppenschwester hat. Beide sind einsam und<br />
wünschen sich eine Freundin. Doch statt aus Steinen besteht die Mauer<br />
aus Vorurteilen und Ängsten – seit langer Zeit. Was müssen die beiden<br />
überwinden, um diese Mauer zum Einstürzen bringen zu können?<br />
Die niederländische Schauspielerin, Autorin und Regisseurin Bente Jonker<br />
wurde 1971 in Delft geboren, studierte an der Theaterakademie in<br />
Maastricht und an der Hochschule der Künste in Utrecht und lebt heute in<br />
Haarlem. 1998 gründete sie die Theatergruppe „Het Gerucht“. Sie spielt in<br />
Theater-, Film- und Fernsehproduktionen und ist mir ihrem für die<br />
„Theatergroep Wederzijds“ geschriebenen Stück „Zabibi und Muzalifa“ in<br />
Deutschland als Autorin bekannt geworden. „Der zerbrochene Schlüssel“<br />
in der Übersetzung von Barbara Buri war nominiert für den Deutschen<br />
Kindertheaterpreis 2008.<br />
Andrea Kramer ist seit 2001 künstlerische Leiterin des Consol Theaters<br />
Gelsenkirchen und inszeniert für Kinder, Jugendliche und Erwachsene. Sie<br />
hat ihre Wurzeln beim Tanz und der Choreographie, was ihre Arbeiten<br />
prägt: „Die heilige Johanna der Schlachthöfe“, „<strong>10</strong> Gebote für<br />
Städtebewohner“ (2005), „Nathan der Weise“ (2007), „Looking for Gretel“<br />
(<strong>2009</strong>). Ihre Inszenierung „Blutrote Schuhe“ von Charles Way von 2006<br />
wurde ausgezeichnet als beste Kinder- und Jugendtheaterproduktion des<br />
Landes Nordrhein-Westfalen 2007, war im gleichen Jahr eingeladen zum 9.<br />
Deutschen Kinder-und Jugendtheatertreffen „Augenblick mal“ nach Berlin<br />
und gewann den Hauptpreis beim Internationalen TIBA-Festival in Belgrad.
42<br />
Risiko (Arbeitstitel)<br />
Projekt mit jugendlichen SpielerInnen<br />
Regie Klaus Brömmelmeier<br />
Premiere am 12. März 20<strong>10</strong> im Schiffbau/Matchbox<br />
ab 14 Jahren<br />
Jugendliche aus <strong>Zürich</strong> erarbeiten unter professionellen Bedingungen eine<br />
Inszenierung für den <strong>Spielplan</strong> des Jungen <strong>Schauspielhaus</strong>es. Am Beginn<br />
der gemeinsamen Arbeit steht die Recherche zu eigenen Themen und<br />
Fragen sowie vorhandenen Geschichten und Stücken. Die anschliessende<br />
Probenzeit dient der improvisatorischen Erprobung und szenischen<br />
Umsetzung des gefundenen Materials.<br />
Klaus Brömmelmeier stand bereits während seines Studiums an der<br />
Schauspiel-Akademie <strong>Zürich</strong> auf der Bühne des <strong>Schauspielhaus</strong>es <strong>Zürich</strong>.<br />
Seine ersten Engagements führten ihn ab 1997 ans Theater Freiburg und<br />
anschliessend ans Theater Basel, dem er bis 2006 angehörte. Die Basler<br />
Zusammenarbeit mit den Regisseuren Stefan Bachmann, Barbara Frey<br />
und Sebastian Nübling wird Klaus Brömmelmeier nun als neues<br />
Ensemblemitglied des <strong>Schauspielhaus</strong>es <strong>Zürich</strong> fortführen. Im Jungen<br />
<strong>Schauspielhaus</strong> wird er neu als Regisseur mit Jugendlichen eine<br />
Produktion erarbeiten.<br />
Spielinteressierte Jugendliche können sich ab sofort anmelden unter<br />
www.schauspielhaus.ch
43<br />
Stones<br />
von Tom Lycos und Stefo Nantsou<br />
Schweizerische Erstaufführung<br />
Regie Enrico Beeler<br />
Premiere am 17. Juni 20<strong>10</strong> im Schiffbau/Matchbox<br />
ab 12 Jahren<br />
Zwei Jugendliche werfen Steine von einer Autobahnbrücke und bringen<br />
dabei einen Autofahrer um. Zwei Polizisten untersuchen den Fall. Indem<br />
zwei Schauspieler wechselnd in diesen Rollen agieren, werden bekannte<br />
Muster von Anklage, Schuldzuweisung und Verurteilung aufgelöst. Die<br />
Jungen offenbaren den Polizisten ihre Ängste und Alpträume und als<br />
Polizisten müssen sie irgendwann zum Urteil kommen.<br />
Das Stück von Tom Lycos und Stefo Nantsou beruht auf einem wahren<br />
Fall: 1994 warfen ein 13- und ein 15-jähriger Junge Steine von einer<br />
Autobahnbrücke bei Melbourne und töteten dabei einen<br />
Universitätsprofessor. Wenig später wurden sie wegen Mordes angeklagt.<br />
Die beiden australischen Autoren zeigen in „Stones“ (Deutsch von<br />
Susanne Freiling) den Übergang vom Reiz des Verbotenen zur<br />
Erbärmlichkeit des nächsten Morgens. Dem Zuschauer stellt sich die<br />
Frage nach Schuld und Verantwortung.<br />
„Ist es, ist es nicht“ von John Berger, „Kemm hor – zu Besuch bei Astrid<br />
Lindgren“, „Das Waldhaus“ (Figurentheater Margit Gysin), „Grims Garten“<br />
(Theaterschöneswetter), „Nellie Goodbye“ (youtoo Theater Tuchlaube<br />
Aarau) und „Schwestern“ (Theater an der Sihl) – Enrico Beelers<br />
Inszenierungen werden immer wieder zu nationalen und internationalen<br />
Festivals und Gastspielen eingeladen. Seine Arbeit am Theater an der Sihl<br />
bei meist grösseren Ensembleproduktionen war geprägt von der Arbeit<br />
mit jungen Schauspielerinnen und Schauspielern.
44<br />
Gastspiele<br />
Die Leiden des jungen Werther –<br />
Was ist unserem Herzen die Welt ohne Liebe?<br />
nach Johann Wolfgang Goethe<br />
Regie Daniel Kuschewski<br />
Im November <strong>2009</strong><br />
Diplominszenierung am Theater der Künste 2008<br />
ab 16 Jahren<br />
Ein Stück aus drei Perspektiven: Werther, Lotte und<br />
Albert stellen jeder für sich mit Unbedingtheit den<br />
Anspruch auf selbst bestimmtes Leben. Was sie<br />
miteinander verbindet und warum sie nicht<br />
voneinander lassen wollen und können, ist ihr<br />
Getriebensein nach dem Sinn menschlicher Existenz.<br />
Dear Wendy<br />
nach einem Drehbuch von Lars von Trier<br />
Regie Sebastian Nübling<br />
Im Februar 20<strong>10</strong><br />
Koproduktion des jungen theaters basel mit dem<br />
Theater Basel<br />
Ab 14 Jahren<br />
Schweizerdeutsch<br />
Nik liebt Wendy. Sie macht ihn selbstbewusst und<br />
stark, wie er sich noch nie gefühlt hat. Da er findet,<br />
dass eigentlich jeder eine „Wendy“ brauchen kann,<br />
gründet er den Geheimklub „Die Dandys“.<br />
Schneeweiss<br />
Regie Antonio Vigano<br />
Ab 9 Jahren<br />
Das bekannte Märchen „Schneewittchen“ erscheint in<br />
neuer Gestalt. Die Geschichte über Neid und<br />
Missgunst, über die Sehnsucht nach dem anderen<br />
wird aus der Perspektive des Spiegels und der Königin<br />
erzählt – nicht nur mit Worten, sondern mit Klängen,<br />
Geräuschen, Tanz und Bewegung.<br />
Love<br />
Regie Eva Bal, Ives Thuwies<br />
Koproduktion der Kopergietery Gent (Belgien) mit<br />
Dschungel Wien-Theaterhaus für junges Publikum<br />
Ab 6 Jahren<br />
Das Stück basiert auf dem gleichnamigen 1964<br />
erschienenen Bilderbuch von Lowell A. Siff (Text) und<br />
Gian Berto Vanni (Illustrationen). Eines Tages<br />
verschwinden die Eltern des kleinen Mädchens. Da es<br />
keine Verwandten hat, wird es in ein Waisenhaus<br />
gebracht. Dort fliegt ihr plötzlich ein Gedanke zu, und<br />
dann noch einer und noch einer …<br />
city-connection <strong>Zürich</strong> – Leipzig:<br />
Das Junge <strong>Schauspielhaus</strong> und das Theater der<br />
Jungen Welt Leipzig suchen über einen längeren<br />
Zeitraum die künstlerische Begegnung.<br />
Zum Auftakt gastiert in <strong>Zürich</strong> „Erste Stunde“ von<br />
Jörg Menke-Peitzmeyer in der Inszenierung von Jürgen<br />
Zielinski/Romy Kuhn.<br />
Lesungen<br />
In Lesenächten, Leseparcours, Buchpremieren,<br />
Lesereihen stellen Mitarbeitende und Gäste des<br />
<strong>Schauspielhaus</strong>es neuen Lesestoff vor und laden zu<br />
Begegnungen mit Autorinnen und Autoren ein.<br />
Das Angebot für das Publikum beschränkt sich nicht<br />
allein auf den <strong>Spielplan</strong>. Das Junge <strong>Schauspielhaus</strong><br />
bietet für den gesamten Entstehungsprozess von<br />
Theater Gelegenheiten zum Mitmachen, zum<br />
Kennenlernen, zum Spielen, zur Beschäftigen mit<br />
Theater. Schauplätze der meisten Aktivitäten sind<br />
zwei Räumlichkeiten im Schiffbau, die Spielstätte<br />
„Matchbox“ (gleich neben der Box) und das neue<br />
„Stofflager“.
45<br />
Forschen<br />
Kinderdramaturgie<br />
Kinder bringen Geschichten, Figuren und Fragen ein<br />
und beteiligen sich so an der Entwicklung des<br />
<strong>Spielplan</strong>s. Ab 9 Jahren.<br />
In Zusammenarbeit mit dem Schweizerischen Institut<br />
für Kinder- und Jugendmedien<br />
Theater trifft Bildende Kunst<br />
Kinder zwischen 7 und 11 Jahren erarbeiten eine<br />
spielerisch-theatrale Museumsführung.<br />
In Zusammenarbeit mit Zürcher Museen und Galerien<br />
Theater trifft Wissenschaft<br />
Frischgebackenen Experten zwischen 8 und 12 Jahren<br />
halten über ihre Forschungsergebnisse spielerischtheatrale<br />
Vorlesungen – auch für Erwachsene.<br />
In Zusammenarbeit mit der Kinderuniversität der Stadt<br />
<strong>Zürich</strong><br />
Theater trifft Vergangenheit<br />
Jugendliche und Erwachsene präsentieren auf<br />
spielerische Weise Material aus der Geschichte des<br />
<strong>Schauspielhaus</strong>es an unterschiedlichen Orten des<br />
<strong>Schauspielhaus</strong>es<br />
Besuchen, Durchblicken, Erleben, Begleiten<br />
Führung durch das <strong>Schauspielhaus</strong><br />
Termin und inhaltliche Ausrichtung nach Anmeldung,<br />
für alle Altersklassen<br />
Theaterattachées<br />
Für Interessierte besteht die Möglichkeit, das<br />
<strong>Schauspielhaus</strong> über einen längeren Zeitraum aus<br />
nächster Nähe kennenzulernen. Als „Botschafter“<br />
vermitteln sie ihre Erfahrungen und Kenntnisse an<br />
andere Institutionen und Interessierte weiter.<br />
In Zusammenarbeit u.a. mit Pro Helvetia<br />
Theaterexpedition durch <strong>Zürich</strong><br />
Kinder zwischen 9 und 12 Jahren erkunden eine<br />
Woche lang die verschiedenen Orte, an denen in<br />
<strong>Zürich</strong> Theater für Kinder stattfindet.<br />
In Zusammenarbeit mit der Vereinigung Zürcher<br />
Kindertheater<br />
Praktika<br />
Für Schülerinnen und Schüler, Schulabgänger und<br />
Studierende Spielen<br />
Kinder und Jugendliche spielen unter professioneller<br />
Anleitung selbst Theater und arbeiten auf eine<br />
öffentliche Präsentation hin.<br />
Wer nicht gleich selbst auf der Bühne stehen will,<br />
kann auf anderen Wegen das Theater entdecken.
46<br />
Spielen<br />
Kinder und Jugendliche spielen unter professioneller<br />
Anleitung selbst Theater und arbeiten auf eine<br />
öffentliche Präsentation hin.<br />
Wer nicht gleich selbst auf der Bühne stehen will,<br />
kann auf anderen Wegen das Theater entdecken.<br />
Schreiben<br />
Schreib-Werkstatt<br />
Kinder zwischen 7 und 12 Jahren entdecken die Welt<br />
der Sprache, spielend und schreibend. Die Ergebnisse<br />
werden öffentlich vorgestellt.<br />
In Zusammenarbeit mit der Pestalozzi-Bibliothek, der<br />
Fachstelle Schule & Kultur, Literaturhäusern u.a.<br />
Kritikerclub<br />
TheaterzuschauerInnen ab 8 Jahren schreiben Kritiken<br />
zu ausgewählten Inszenierungen (und veröffentlichen<br />
diese in einer regelmässig erscheinenden Zeitung.)
47<br />
Theater und Schule – TUSCH<br />
Premierenklassen<br />
Eine Schulklasse kann die Entstehung einer neuen<br />
Inszenierung unmittelbar miterleben – von der Planung<br />
über die Proben bis hin zur Premiere.<br />
Einstimmungen und Nachbereitungen<br />
Theaterpädagoginnen vermitteln spielerische Zugänge<br />
und/oder Ausklänge zu allen Produktionen des Jungen<br />
<strong>Schauspielhaus</strong>es und ausgewählten Inszenierungen<br />
des Abendspielplans.<br />
Ateliers<br />
Verschiedene Abteilungen (Schneiderei, Malsaal,<br />
Maske, Ton, Bühnenbild, Schauspiel u.a.) gewähren<br />
Einblick in den Arbeitsalltag.<br />
Ein-Blick<br />
Im Vorfeld einer Premiere stellen beteiligte<br />
Theaterleute die neue Inszenierung vor und erzählen<br />
über Hintergründe und Entstehungsbedingungen der<br />
jeweiligen Produktion.<br />
Begleitmaterial<br />
Hintergrundinformationen zu Produktionen des Jungen<br />
<strong>Schauspielhaus</strong> und ausgewählten Inszenierungen des<br />
Abendspielplans sowie Anregungen zur Vertiefung des<br />
Theatererlebnisses sind unter www.schauspielhaus.ch<br />
zugänglich. Auf Anfrage schicken wir das Material<br />
auch gern zu.<br />
TUSCH<br />
Schulen erkunden das Theater – und das Theater die<br />
Schulen. In Zusammenarbeit mit dem europäischen<br />
Netzwerk „Platform 11+ – artistic discoveries in<br />
European schoolyards“<br />
Treffen von Schul-Theatergruppen<br />
Theatergruppen verschiedener Schulen treffen sich<br />
zweimal im Jahr zum gegenseitigen Vorstellen von<br />
Projekten, um gemeinsam zu spielen, zuzuschauen,<br />
auszuprobieren, zu diskutieren. In Zusammenarbeit<br />
mit dem Schul- und Sportdepartement der Stadt<br />
<strong>Zürich</strong><br />
Service<br />
Nähere Informationen, Terminplanungen,<br />
Anmeldungen etc. finden sich unter<br />
www.schauspielhaus.ch<br />
Ab 15. August gibt es eine Publikation aller Angebote<br />
des Jungen <strong>Schauspielhaus</strong>es, die wir auf Wunsch<br />
gern zusenden. Bitte wenden Sie sich an<br />
Junges <strong>Schauspielhaus</strong><br />
Petra Fischer, Leitung<br />
Sibylle Longhini, Administration<br />
Giessereistrasse 5<br />
8005 <strong>Zürich</strong><br />
Telefon 044 258 75 18<br />
Email junges@schauspielhaus.ch<br />
www.schauspielhaus.ch
49<br />
Karten:<br />
Preise, Vorverkauf, Sitzplan
50<br />
Karten<br />
Theaterkasse<br />
für alle Vorstellungen im Pfauen und im Schiffbau:<br />
Rämistrasse 34, 8001 <strong>Zürich</strong><br />
Montag bis Samstag <strong>10</strong>–19 Uhr<br />
Telefon 044 258 77 77<br />
Teleax 044 259 77 77<br />
theaterkasse@schauspielhaus.ch<br />
Reservierte Karten sind spätestens eine halbe Stunde vor<br />
Vorstellungsbeginn abzuholen.<br />
Bezahlung mit Kreditkarte möglich:<br />
EC-Direkt (Maestro), Postcard, VISA, Eurocard, MasterCard,<br />
American Express<br />
Kartenverkauf online auf www.schauspielhaus.ch:<br />
Theaterkarten sitzplatzgenau buchen, mit Kreditkarte bezahlen<br />
und mit print@home bequem zuhause ausdrucken.<br />
Während der Theaterferien (1. Juli bis 11. August <strong>2009</strong>) bleibt<br />
die Theaterkasse geschlossen.<br />
Vorverkauf<br />
Beginn jeweils am 15. des Vormonats für den Folgemonat.<br />
Vorverkauf für September <strong>2009</strong>: ab 12. August.<br />
Vorverkauf für AbonnentInnen: 2 Tage vor dem freien Verkauf,<br />
jeweils am 13. jeden Monats.<br />
Fällt der 13. bzw. der 15. auf einen Sonn- oder Feiertag, so<br />
verschiebt sich der Vorverkauf auf den nächsten Arbeitstag.<br />
Tages-/Abendkasse<br />
Jeweils 1 Stunde vor Vorstellungsbeginn<br />
Für Matchbox (Schiffbau) und Kammer (Pfauen):<br />
jeweils ½ Stunde vor Vorstellungsbeginn<br />
Auskunft über freie Plätze für die jeweilige Abendvorstellung<br />
im Pfauen und im Schiffbau:<br />
Telefon 044 258 77 00, täglich ab <strong>10</strong> Uhr<br />
Karten per Post<br />
Sie können schriftlich, telefonisch, per Fax oder Email Karten<br />
reservieren und sich diese per Post zusenden lassen. Die<br />
Bezahlung erfolgt unter Angabe Ihrer Kreditkarte. Die<br />
Bestellung muss spätestens fünf Tage vor dem gewünschten<br />
Vorstellungstermin bei der Theaterkasse eingetroffen sein.<br />
Für die Postzustellung berechnen wir einen Kostenbeitrag von<br />
5 Franken.<br />
Geschenkgutscheine<br />
Erhältlich an der Theaterkasse. Der Betrag ist frei wählbar.<br />
Preise<br />
Pfauen/Pfauenbühne Tagespreis Premiere Ermässigt<br />
Kategorie<br />
Erste <strong>10</strong>8.– 123.– 74.–<br />
Zweite 89.– 99.– 57.–<br />
Dritte 68.– 77.– 40.–<br />
Vierte 46.– 52.– 23.–<br />
Fünfte 20.– 20.– <strong>10</strong>.–<br />
Pfauen/Kammer 30.– 30.– 20.–<br />
Schiffbau/Halle 50.– 70.– 30.–<br />
Schiffbau/Box 40.– 60.– 20.–<br />
Junges <strong>Schauspielhaus</strong><br />
Schiffbau/Matchbox 20.– 20.– <strong>10</strong>.–<br />
Theater-Montag 30.– 20.–<br />
Sonderveranstaltungen 20.–/40.– <strong>10</strong>.–/20.–<br />
Gruppentarife<br />
Ab <strong>10</strong> Personen: <strong>10</strong>% Rabatt<br />
Ab 20 Personen: 15% Rabatt<br />
Ermässigte Preise:<br />
• Legi<br />
Für Jugendliche bis 16 Jahre, Auszubildende und Studierende<br />
bis 30 Jahre.<br />
• Für Erwerbslose, EmpfängerInnen von Sozialhilfeleistungen<br />
und IV-BezügerInnen.<br />
• AHV<br />
50% Rabatt für Vorstellungen am Sonntagnachmittag.<br />
Reservation von ermässigten Karten im Vorverkauf ist möglich.<br />
Abholen der Karten an der Theaterkasse nur gegen<br />
entsprechenden Ausweis. Keine Reduktionen für Premieren<br />
und Gastspiele.
51<br />
Sitzplan im Pfauen<br />
(Dies ist erst Skizze, original alle zahlen in farbe)<br />
Bühne<br />
18 17 15 14 13 12 11 <strong>10</strong> 9 8 7 6 5 4 3 2 1<br />
20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30 31 32 33 34 35 36 37 38 39 40<br />
64 63 62 61 60 59 58 57 56 55 54 53 52 51 50 49 48 47 46 45 44 43<br />
67 63 62 61 60 59 58 57 56 55 54 53 52 51 50 49 48 47 46 45 44 44 89<br />
67 63 62 61 60 59 58 57 56 55 54 53 52 51 50 49 48 47 46 45 44 44 89 44 92<br />
146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146<br />
146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146<br />
146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146<br />
146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146<br />
146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146<br />
146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146<br />
329 330 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 329 330<br />
332 R 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 R 332<br />
146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146<br />
146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146<br />
146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146 146<br />
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Parkett<br />
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Balkon
52<br />
Angebote und Service<br />
Monatsspielplan per Post<br />
Den aktuellen Monatsspielplan (Leporello) schicken<br />
wir Ihnen gerne kostenlos zu. Bitte teilen Sie uns Ihre<br />
Anschrift mit.<br />
Blick hinter die Kulissen<br />
Gruppen ab <strong>10</strong> Personen bieten wir Führungen im<br />
Pfauen und im Schiffbau an.<br />
Kontakt: bea.koenig@schauspielhaus.ch oder<br />
Telefon 044 258 72 07<br />
Publikumsgespräche<br />
An den im Monatsspielplan gekennzeichneten<br />
Terminen finden anschliessend an die Vorstellungen<br />
Gespräche mit Regisseuren, Dramaturgen oder<br />
Schauspielern statt.<br />
Einführungen<br />
Zu verschiedenen Produktionen bieten wir Ihnen vor<br />
der Aufführung eine kostenlose Einführung an.<br />
Angaben dazu finden Sie jeweils im Monatsspielplan<br />
oder auf www.schauspielhaus.ch.<br />
Ihr Event im Schiffbau<br />
Der Schiffbau verfügt nicht nur über einen<br />
aussergewöhnlichen Charme, sondern bietet auch ein<br />
exklusives Ambiente für Ihre Veranstaltung im grossen<br />
oder kleinen Rahmen.<br />
Kontakt: ron.lux@schauspielhaus.ch oder<br />
Telefon 044 258 72 04<br />
Mit dem Rollstuhl ins Theater<br />
Gerne reservieren wir einen Rollstuhlplatz für Sie.<br />
Ein kurzer Anruf am Tag der Vorstellung an der<br />
Theaterkasse genügt.<br />
Hörbügel<br />
Der Pfauen ist mit einer für jeden Platz<br />
funktionierenden Verstärkeranlage ausgerüstet. Die<br />
Hörbügel lassen sich individuell auf die gewünschte<br />
Hörstärke einstellen. Sie können (gegen Depot)<br />
kostenlos beim Foyerpersonal bezogen werden.<br />
Taxiservice<br />
Ihre Taxibestellung nimmt das Foyerpersonal vor der<br />
Vorstellung und in der Pause entgegen.<br />
Snack-Bar<br />
Vor Vorstellungsbeginn und in der Pause stehen im<br />
Pfauen und im Schiffbau Snack-Bars zur Verfügung.<br />
Restaurant „terroir“ im Pfauen<br />
Im „terroir“ werden Schweizer Spezialitäten serviert.<br />
Kurzfristige Tischbestellungen für Theaterbesucher<br />
nimmt das Foyerpersonal gerne entgegen.<br />
terroir@bindella.ch oder Telefon 044 262 04 44<br />
Restaurant „LaSalle“ im Schiffbau<br />
Das „LaSalle Restaurant & Bar“ ist Teil des<br />
architektonisch beeindruckenden Schiffbaus. Es<br />
werden hauptsächlich Gerichte aus der französischen<br />
und italienischen Küche serviert.<br />
www.lasalle-restaurant.ch oder Telefon 044 258 70 71<br />
Übernachtungsmöglichkeiten:<br />
Infos zu Hotelunterkünften finden Sie im Internet unter<br />
www.hotels.ch und www.zuerich.ch<br />
Die Accor Hotels „Novotel“, „Ibis“ und „Etap“ befinden<br />
sich in unmittelbarer Nähe vom Schiffbau<br />
(www.accorhotels.com).<br />
In Nachbarschaft des Pfauens befindet sich das Hotel<br />
„Florhof“ (www.florhof.ch).
53<br />
Abonnements
54<br />
Abonnements mit freier Wahl von Sitzplatz und Daten:<br />
Das General-Abo.<br />
Freier Eintritt 1 Jahr lang, so oft Sie wollen<br />
Mit dem General-Abo haben Sie ab Kaufdatum ein<br />
Jahr lang freien Eintritt zu allen Vorstellungen und<br />
Veranstaltungen des <strong>Schauspielhaus</strong>es.<br />
Ausgenommen sind Premieren, Gastspiele, Zürcher<br />
Festspiele und alle Veranstaltungen, die nicht vom<br />
<strong>Schauspielhaus</strong> durchgeführt werden.<br />
Das General-Abo ist nicht übertragbar.<br />
Single-Abo 890.–<br />
Legi-Abo 450.–<br />
Paar-Abo 1’500.–<br />
Alle Preise in Schweizer Franken<br />
Das Halbtax-Abo.<br />
Immer für die Hälfte – 1 Jahr lang, so oft Sie wollen<br />
Das Halbtax-Abo ermöglicht Ihnen, ab Kaufdatum ein<br />
Jahr lang Karten zum halben Preis für alle<br />
Vorstellungen und Veranstaltungen des<br />
<strong>Schauspielhaus</strong>es zu erwerben.<br />
Ausgenommen sind Premieren, Gastspiele, Zürcher<br />
Festspiele und alle Veranstaltungen, die nicht vom<br />
<strong>Schauspielhaus</strong> durchgeführt werden.<br />
Das Halbtax-Abo ist nicht übertragbar.<br />
Halbtax-Abo 190.–<br />
Der Halbtax-Abo wird Ihnen nach Zahlungseingang<br />
zugesandt. Es ist auch jederzeit an der Theaterkasse<br />
erhältlich und gilt sofort beim Bezug.
55<br />
Abonnements mit festem Sitzplatz und fixen Daten:<br />
Das 5er-Abo.<br />
5x Pfauen auf Ihrem Stammplatz<br />
Mit dem 5er-Abo haben Sie einen Preisvorteil von 5%<br />
gegenüber den Einzelkarten, einen Stammplatz und<br />
feste Daten. Den Abo-Platz können Sie auch<br />
verschenken oder gegen eine Gebühr von <strong>10</strong>.– auf ein<br />
anderes Vorstellungsdatum der gleichen Inszenierung<br />
verlegen (ausgenommen Premieren). Der Umtausch<br />
ist bis spätestens einen Tag vor der Vorstellung<br />
möglich.<br />
1. Kategorie 465.–<br />
2. Kategorie 385.–<br />
3. Kategorie 295.–<br />
4. Kategorie 195.–<br />
5. Kategorie 90.–<br />
Alle Preise in Schweizer Franken<br />
Die Abo-Daten für die erste Spielzeithälfte<br />
(Die Daten für die zweite Spielzeithälfte werden bis<br />
Dezember <strong>2009</strong> bekannt gegeben):<br />
Dienstag Abo 5A<br />
Martin Salander • Triumph der Liebe • Calvinismus<br />
Klein • Alkestis • Volpone<br />
22. September<br />
03. November<br />
Dienstag Abo 5B<br />
Martin Salander • Warum läuft Herr R. Amok? • Der<br />
Revisor • Das letzte Band/Bis dass der Tag euch<br />
scheidet oder eine Frage des Lichts • Was ihr wollt<br />
29. September<br />
24. November<br />
Mittwoch Abo 5A<br />
Martin Salander • Der Revisor • Das letzte Band/Bis<br />
dass der Tag euch scheidet oder eine Frage des<br />
Lichts • Was ihr wollt • Volpone<br />
30.September<br />
09. Dezember<br />
Mittwoch Abo 5B<br />
Triumph der Liebe • Calvinismus Klein • Alkestis •<br />
Volpone • Ein neues Stück<br />
07. Oktober<br />
16. Dezembe<br />
Donnerstag Abo 5A<br />
Martin Salander • Warum läuft Herr R. Amok? •<br />
Calvinismus Klein • Alkestis • Volpone<br />
24. September<br />
17. Dezember<br />
Donnerstag Abo 5B<br />
Martin Salander • Warum läuft Herr R. Amok? •<br />
Calvinismus Klein • Was ihr wollt • Volpone<br />
01. Oktober<br />
<strong>10</strong>. Dezember<br />
Freitag Abo 5A<br />
Warum läuft Herr R. Amok? • Der Revisor •<br />
Calvinismus Klein • Was ihr wollt • Ein neues Stück<br />
02. Oktober<br />
18. Dezember<br />
Freitag Abo 5B<br />
Martin Salander • Warum läuft Herr R. Amok? • Das<br />
letzte Band/Bis dass der Tag euch scheidet oder eine<br />
Frage des Lichts • Alkestis • Was ihr wollt<br />
09. Oktober<br />
11. Dezember
56<br />
Abonnements mit festem Sitzplatz und fixen Daten:<br />
Das 8er-Abo.<br />
8x Pfauen auf Ihrem Stammplatz<br />
Mit dem 8er-Abo haben Sie einen Preisvorteil von<br />
<strong>10</strong>% gegenüber den Einzelkarten, einen Stammplatz<br />
und feste Daten. Den Abo-Platz können Sie auch<br />
verschenken oder gegen eine Gebühr von CHF <strong>10</strong>.–<br />
auf ein anderes Vorstellungsdatum der gleichen<br />
Inszenierung verlegen (ausgenommen Premieren).<br />
Der Umtausch ist bis spätestens einen Tag vor der<br />
Vorstellung möglich.<br />
1. Kategorie 720.–<br />
2. Kategorie 584.–<br />
3. Kategorie 448.–<br />
4. Kategorie 304.–<br />
5. Kategorie 144.–<br />
Die Abo-Daten für die erste Spielzeithälfte (Die Daten<br />
für die zweite Spielzeithälfte werden bis Dezember<br />
<strong>2009</strong> bekannt gegeben):<br />
Dienstag Abo A<br />
Martin Salander • Triumph der Liebe • Der Revisor •<br />
Calvinismus Klein • Alkestis • Was ihr wollt •<br />
Volpone • Ein neues Stück<br />
22. September<br />
03. November<br />
08. Dezember<br />
05. Januar<br />
Dienstag Abo B<br />
Martin Salander • Warum läuft Herr R Amok? •<br />
Triumph der Liebe • Der Revisor • Das letzte Band/<br />
Bis dass der Tag euch scheidet oder eine Frage des<br />
Lichts • Alkestis • Was ihr wollt • Volpone<br />
29. September<br />
24. November<br />
22. Dezember<br />
12. Januar<br />
Mittwoch Abo A<br />
Martin Salander • Triumph der Liebe • Der Revisor •<br />
Calvinismus Klein • Das letzte Band/Bis dass der Tag<br />
euch scheidet oder eine Frage des Lichts • Alkestis •<br />
Was ihr wollt • Volpone<br />
30. September<br />
04. November<br />
09. Dezember<br />
06. Januar<br />
Mittwoch Abo B<br />
Martin Salander • Triumph der Liebe • Der Revisor •<br />
Calvinismus Klein • Alkestis • Was ihr wollt •<br />
Volpone • Ein neues Stück<br />
07. Oktober<br />
18. November<br />
16. Dezember<br />
13. Januar<br />
Alle Preise in Schweizer Franken<br />
Donnerstag Abo A<br />
Martin Salander • Warum läuft Herr R.Amok? •<br />
Triumph der Liebe • Der Revisor • Calvinismus Klein<br />
• Alkestis • Was ihr wollt • Volpone<br />
24. September<br />
05. November<br />
17. Dezember<br />
04. Februar<br />
Donnerstag Abo B<br />
Martin Salander • Warum läuft Herr R. Amok? •<br />
Triumph der Liebe • Der Revisor • Calvinismus Klein •<br />
Alkestis • Was ihr wollt • Volpone<br />
01. Oktober<br />
19. November<br />
<strong>10</strong>. Dezemer<br />
07. Januar<br />
Freitag Abo A<br />
Martin Salander • Warum läuft Herr R. Amok? • Der<br />
Revisor • Calvinismus Klein • Das letzte Band/Bis<br />
dass der Tag euch scheidet oder eine Frage des<br />
Lichts • Alkestis • Was ihr wollt • Ein neues Stück<br />
02. Oktober<br />
06. November<br />
18. Dezember<br />
29. Januar<br />
Freitag Abo B<br />
Martin Salander • Warum läuft Herr R. Amok? •<br />
Triumph der Liebe • Der Revisor • Calvinismus Klein •<br />
Das letzte Band/Bis dass der Tag euch scheidet oder<br />
eine Frage des Lichts • Alkestis • Was ihr wollt<br />
09. Oktober<br />
13. November<br />
11. Dezember<br />
15. Januar<br />
Sonntag Abo A<br />
Martin Salander • Warum läuft Herr R. Amok? •<br />
Der Revisor • Calvinismus Klein • Alkestis • Was ihr<br />
wollt • Volpone • Ein neues Stück<br />
27. September<br />
15. November<br />
06. Dezember<br />
24. Januar<br />
Sonntag Abo B<br />
Martin Salander • Warum läuft Herr R. Amok? •<br />
Triumph der Liebe • Der Revisor • Calvinismus Klein •<br />
Alkestis • Was ihr wollt • Volpone<br />
04. Oktober<br />
22. November<br />
13. Dezember<br />
17. Januar
57<br />
Abonnements mit festem Sitzplatz und fixen Daten:<br />
Das Migros-Abo.<br />
8 Neuinszenierungen zum Sonderpreis plus Gutschein<br />
Im Migros-Abo enthalten sind 8 Neuinszenierungen im<br />
Pfauen und 1 Gutschein im Wert von 60 Franken für<br />
einen Vorstellungsbesuch Ihrer Wahl im Schiffbau<br />
(Halle oder Box).<br />
Mit dem Migros-Abo haben Sie einen Preisvorteil von<br />
20% gegenüber Einzelkarten. Die Vorstellungsdaten<br />
sind variabel auf die Wochentage verteilt.<br />
Migros-Abo-Plätze können nicht auf andere Daten und<br />
Produktionen umgetauscht werden.<br />
1. Kategorie 624.–<br />
2. Kategorie 520.–<br />
3. Kategorie 384.–<br />
4. Kategorie 264.–<br />
5. Kategorie 128.–<br />
Die Abo-Daten für die erste Spielzeithälfte (Die Daten<br />
für die zweite Spielzeithälfte werden bis Dezember<br />
<strong>2009</strong> bekannt gegeben):<br />
Migros-Abo<br />
Martin Salander • Triumph der Liebe • Der Revisor •<br />
Calvinismus Klein • Das letzte Band/Bis dass der Tag<br />
euch scheidet oder eine Frage des Lichts • Alkestis •<br />
Was ihr wollt • Volpone<br />
15. Oktober<br />
12. November<br />
15. Dezember<br />
26. Januar<br />
Alle Preise in Schweizer Franken<br />
Das Premieren-Abo.<br />
Alle 9 Premieren im Pfauen, fester Sitzplatz<br />
Mit dem Premieren-Abo haben Sie an allen Premieren<br />
im Pfauen Ihren festen Sitzplatz (ausgenommen<br />
Übernahmen und Gastspiele).<br />
Den Abo-Platz können Sie auch verschenken oder<br />
gegen eine Gebühr von <strong>10</strong>.– auf ein anderes<br />
Vorstellungsdatum der gleichen Inszenierung verlegen.<br />
Der Umtausch ist bis spätestens einen Tag vor<br />
der Premiere möglich.<br />
1. Kategorie 1350.–<br />
2. Kategorie <strong>10</strong>98.–<br />
3. Kategorie 828.–<br />
4. Kategorie 576.–<br />
5. Kategorie 315.–<br />
Premieren-Abo<br />
18. September Martin Salander<br />
25. September Warum läuft Herr R. Amok?<br />
03. Oktober Triumph der Liebe<br />
30. Oktober Der Revisor<br />
04. Dezember Calvinismus Klein<br />
06. Februar Alkestis<br />
05. März Was ihr wollt<br />
31. März Volpone<br />
20. Mai Ein neues Stück
58<br />
Neue Abonnements: Freier Sitzplatz an fixen Daten<br />
Das neue Schiffbau-Abo.<br />
2 x Schiffbau/Halle und 2 x Schiffbau/Box<br />
Mit dem Schiffbau-Abo besuchen Sie beide<br />
Neuinszenierungen in der Halle sowie zwei<br />
Produktionen in der Box. Ausgenommen sind<br />
Premieren, Gastspiele, Zürcher Festspiele und alle<br />
Veranstaltungen, die nicht vom <strong>Schauspielhaus</strong><br />
durchgeführt werden.<br />
Der Abo-Ausweis wird Ihnen nach Zahlungseingang<br />
zugesandt. Ein Abo verlängert sich automatisch um<br />
eine Spielzeit, sofern es nicht bis zum 15. Juni der<br />
laufenden <strong>Saison</strong> schriftlich gekündigt wird.<br />
Schiffbau-Abo 162.–<br />
Die Abo-Daten für die erste Spielzeithälfte (Die Daten<br />
für die zweite Spielzeithälfte werden bis Dezember<br />
<strong>2009</strong> bekannt gegeben):<br />
Maria Stuart (Halle) • Werner Schlaffhorst – Ein<br />
Leben, zu wahr, um schön zu sein (Box)• Der<br />
Hofmeister (Halle) • Der Hodler (Box)<br />
23. September<br />
<strong>10</strong>. November<br />
Alle Preise in Schweizer Franken<br />
Das Programmheft-Abo.<br />
Mit dem Programmheft-Abo bekommen Sie Ihr<br />
Programmheft im Voraus nach Hause geschickt.<br />
8er-Abo 64.–<br />
5er-Abo 40.–<br />
Schiffbau-Abo 32.–<br />
(Hier wäre mir jetzt nicht ganz klar, welche<br />
Programmhefte zu welchen Stücken ich erhalten<br />
würde? – Auflisten?)<br />
Für alle Abonnements gilt:<br />
Der Abo-Ausweis wird Ihnen nach Zahlungseingang<br />
zugesandt. Ein Abo verlängert sich automatisch um<br />
eine Spielzeit, sofern es nicht bis zum 15. Juni der<br />
laufenden <strong>Saison</strong> schriftlich gekündigt wird.
59<br />
Ensemble und MitarbeiterInnen
60<br />
Leitung<br />
Direktion<br />
Barbara Frey, Künstlerische Direktorin<br />
Ernst Jäggli, Kaufmännischer Direktor<br />
Johanna Grilj, Künstlerische Referentin<br />
Silke Slevogt, Künstlerische Direktionsassistentin<br />
Barbara Ballini, Kaufmännische Direktionsassistentin<br />
Künstlerische Leitung<br />
Barbara Frey, Künstlerische Direktorin<br />
Andrea Schwieter, Stv. Künstlerische Direktorin<br />
Tom Till, Künstlerischer Betriebsdirektor<br />
Bettina Meyer, Ausstattungsleiterin<br />
Petra Fischer, Leiterin Junges <strong>Schauspielhaus</strong><br />
Dramaturgie<br />
Andrea Schwieter, Chefdramaturgin<br />
Lukas Bärfuss, Schriftsteller und Dramaturg<br />
Katja Hagedorn, Dramaturgin<br />
Thomas Jonigk, Schriftsteller und Dramaturg<br />
Roland Koberg, Dramaturg<br />
Meike Sasse, Dramaturgieassistentin<br />
Flurina Ribi Forster, Mitarbeiterin<br />
Künstlerisches Betriebsbüro<br />
Tom Till, Künstlerischer Betriebsdirektor<br />
Christine Bocksch, Chefdisponentin<br />
Marcus Pätzold, Disponent<br />
Mandy Leistner, Mitarbeiterin<br />
Marianne Korn, Mitarbeiterin und Archiv<br />
Junges <strong>Schauspielhaus</strong><br />
Petra Fischer, Leiterin, Dramaturgin<br />
Enrico Beeler, Regisseur und Stv. Leiter<br />
Sibylle Burkhart, Theaterpädagogin<br />
Sibylle Longhini, Administration<br />
Caroline Ringeisen, Theaterpädagogin<br />
Eva Rottmann, Theaterpädagogin<br />
Silke Slevogt, Medienarbeit<br />
Kommunikation/Medien & PR<br />
Kathrin Gartmann, Leiterin<br />
Sebastian Steinle, Assistent<br />
Matthias Horn, Fotograf<br />
NN, Fotograf/in<br />
Kommunikation/Marketing & Verkauf<br />
Bea König, Leiterin<br />
NN, Assistent/in<br />
NN, Grafiker<br />
Ron Lux, Eventmanagement<br />
Dominik Schluep, Eventtechnik<br />
Cora-Marina Ring, Leiterin Theaterkasse<br />
Robert Zähringer, Leiter Empfang & Foyer<br />
(Verwaltungsrat?)<br />
Bühne<br />
*betrifft Junges <strong>Schauspielhaus</strong> (diese Unterscheidung m.e. überflüssig)<br />
Schauspiel/Ensemble<br />
Carolin Conrad<br />
Ursula Doll<br />
Nadine Geyersbach<br />
Julia Kreusch<br />
Franziska Machens<br />
Miriam Maertens<br />
Klara Manzel<br />
Lilith Stangenberg<br />
Friederike Wagner<br />
Susanne-Marie Wrage<br />
Franz Kostantin Beil<br />
Jan Bluthardt<br />
Ludwig Boettger<br />
Gottfried Breitfuss<br />
Klaus Brömmelmeier<br />
Jean-Pierre Cornu<br />
Patrick Güldenberg<br />
Robert Hunger-Bühler<br />
Niklas Kohrt<br />
Michael Maertens<br />
Aurel Manthei<br />
Sean McDonagh<br />
Nicolas Rosat<br />
Markus Scheumann<br />
Siggi Schwientek<br />
Frank Seppeler<br />
Jirka Zett<br />
Schauspiel/Gäste<br />
Marita Breuer<br />
Sibylle Burkart*<br />
Nina Hoss<br />
Nina Kunzendorf<br />
Isabelle Menke<br />
Ruth Oswalt*<br />
Katharina Schmalenberg<br />
Barbara Sukowa<br />
Kathrin Veith*<br />
Gabor Biedermann<br />
Claus Boesser-Ferrari<br />
Matthias Bundschuh<br />
Sascha Geršak<br />
Lambert Hamel<br />
Fritz Hauser<br />
André Jung<br />
Fabian Müller*<br />
Clemens Sienknecht<br />
Herwig Ursin<br />
Graham F. Valentine<br />
Jeroen Willems<br />
Regie<br />
Stefan Bachmann<br />
Enrico Beeler*<br />
Barbara Bilabel<br />
Robert Borgmann<br />
Klaus Brömmelmeier*<br />
Frank Castorf<br />
Werner Düggelin<br />
Barbara Frey<br />
Heiner Goebbels<br />
Heike M. Goetze<br />
Ruedi Häusermann<br />
Karin Henkel<br />
Stefan Kaegi/Rimini Protokoll<br />
Martin Kloepfer<br />
Andrea Kramer*<br />
Martin Kušej<br />
Daniela Löffner<br />
Nina Mattenklotz<br />
Sebastian Nübling<br />
Dušan David Parizek<br />
René Pollesch<br />
Clemens Sienknecht<br />
Sasha Waltz<br />
Penelope Wehrli<br />
Jossi Wieler<br />
Bühne und Kostüme<br />
Henrik Ahr<br />
Janina Audick<br />
Raimund Bauer<br />
Duri Bischoff<br />
Klaus Bruns<br />
Henrike Engel<br />
Werner Fritz<br />
Esther Geremus<br />
Muriel Gerstner<br />
Hugo Gretler<br />
Dominic Huber<br />
Claudia Kalinski<br />
Inge Gill Klossner<br />
Esther Krapiwnikow<br />
Flurin Madsen*<br />
Barbara Maier<br />
Francesca Merz<br />
Bettina Meyer<br />
Hartmut Meyer<br />
Moritz Müller<br />
Bettina Munzer<br />
Annette Murschetz<br />
Dušan David Parizek<br />
Kamila Polívková<br />
Anja Rabes<br />
Ursula Renzenbrink
61<br />
Jochen Schmitt<br />
Isabel Schumacher*<br />
Gesine Völlm<br />
Bettina Walter<br />
Penelope Wehrli<br />
Musik<br />
Claus Boesser-Ferrari<br />
Fritz Hauser<br />
Ruedi Häusermann<br />
Cornelius Heidebrecht<br />
Simon Hostettler*<br />
Till Löffler<br />
Clemens Sienknecht<br />
Bo Wiget<br />
Lars Wittershagen<br />
Videodesign<br />
Andi A. Müller<br />
Regieassistenz<br />
Julia Brunner<br />
Mélanie Huber<br />
Jörg Schwahlen<br />
Hannes Weiler<br />
Bühnenbildassistenz<br />
Georg Keller<br />
Anja Kerschkewicz<br />
Nadia Schrader<br />
Barbara Pfeiffer (Gast)<br />
Kostümassistenz<br />
Eva Krämer<br />
Agnes Raganowicz<br />
Nina Sophie Wechsler<br />
Sprechtraining<br />
Jürgen Wollweber<br />
Statisterie<br />
Rudolf K. Rath, Leiter<br />
Inspizienz<br />
Ulrich Anklin<br />
Aleksandar Sascha Dinevski<br />
Irene Herbst<br />
Hansruedi Herrmann<br />
Soufflage<br />
János Stefan Buchwardt<br />
Rita von Horváth<br />
Gerlinde Uhlig Vanet<br />
Gabriele Seifert (Gast)<br />
Administration<br />
Ernst Jäggli, Kaufmännischer Direktor<br />
Peter Hüttenmoser, Leiter Finanzen<br />
und Controlling, Stv. Kaufm. Direktor<br />
Harry Kulmitzer, Lohnadministration<br />
Yvonne Kunz, Personalleiterin<br />
Rudolf K. Rath, Hauptkasse<br />
Stefan Bachmann, Buchhaltung<br />
Kurt Spahr, Buchhaltung<br />
NN, Auszubildende/r<br />
Theaterkasse<br />
Cora-Marina Ring, Leiterin<br />
Monika Lutz, Stv. Leiterin<br />
Françoise Bell<br />
Silvia Fürst<br />
Hanna Gabi<br />
Roland Hüttner<br />
Jasmine Johnston<br />
Uwe Lammersdorf<br />
Christa Müller-Erhart<br />
Verena Surber-Kaeslin<br />
Empfang Schiffbau & Pfauen<br />
Robert Zähringer, Leiter<br />
Antonietta Ballini<br />
Juan Cifuentes, Interne Dienste<br />
Carina Divéky-Falke<br />
Sandra Kulmitzer<br />
Maja Wanda Messerli<br />
Gabriella Muratori<br />
Rita Planzer<br />
Gerda Vontobel<br />
Foyer<br />
Robert Zähringer, Leiter<br />
Carola Bachmann, Stellvertreterin<br />
Maja Messerli, Stellvertreterin<br />
Isabel Hemmel, Abenddienst<br />
Said Aniba<br />
Thomas Anner<br />
Reto Bass<br />
Roman Beck<br />
Domenica Bregy<br />
Damaris Bucher<br />
Zorka Ciklaminy<br />
Lorenzo Demenga<br />
Carina Divéky<br />
Mirja Fiorentino<br />
Güvercin Firat<br />
Luise Franke<br />
Julien Gendre<br />
Gun-Britt Puppato<br />
Anna Harff<br />
Nico Hofer<br />
Ariane Itin<br />
Christoph Oeschger<br />
Rita Planzer<br />
Saskia Sanders<br />
Raschnoud Spühler<br />
Oli Studer<br />
Margarete Trott<br />
Graziella Turelli<br />
Maxine van Eerd<br />
Angela Waibel<br />
Kantine Pfauen:<br />
Rosmarie und Edi Schmid, Leitung<br />
Mathias Graf<br />
Silvan Luzzi<br />
Yann Stricker<br />
Pausenbuffet Pfauen:<br />
Patrick Imhof<br />
Silvan Luzzi<br />
Heidi Schmid<br />
Kantine/Foyerbar Schiffbau<br />
Elfie Schneider, Leiterin<br />
Informatik<br />
Theodor Scherrer, Leiter<br />
Andy Gut, System-Administrator<br />
Raphael König, IT-Support<br />
Wolfgang Theewen, Ticketsystem<br />
Manuela Leu, Helpdesk/Support<br />
Cristina Scagnoli, Inform. Assistentin<br />
Dari Beni, Auszubildender<br />
Technischer Hausdienst<br />
Dieter Fenner, Leiter<br />
Hugo Wey, Stellvertreter<br />
Heiko Hornung<br />
Daniel Richard<br />
Roger Siegrist<br />
Hansueli Tischhauser<br />
Raphael Staub, Auszubildender<br />
Reinigungsdienst<br />
Nada Boss, Vorarbeiterin<br />
Ana Maria Bianco<br />
Goretti Carneiro da Silva<br />
Ulrich Geissbühler<br />
Rosa Lima Oliveira Lima<br />
Olinda Maria Montalvao Fernandes
62<br />
Technik<br />
Dirk Wauschkuhn, Technischer Direktor<br />
Ralf Kranzmann, Stv. Technischer Direktor<br />
Paul Lehner, Produktionsleiter<br />
Jens Lorenzen, Technische Assistenz<br />
Bettina Rizzi, Mitarbeit Technische Direktion<br />
Albert Brägger, Konstrukteur<br />
Martin Caflisch, Konstrukteur<br />
Maya Harrison, Konstrukteurin<br />
Bühnentechnik<br />
Ralf Kranzmann, Leiter Bühnentechnik<br />
und Stv. Techn. Direktor<br />
Angelo Rosenfelder, Leiter<br />
Florin Dora, Bühnenmeister<br />
Daniel Lötscher, Bühnenmeister<br />
Ruedi Schuler, Bühnenmeister<br />
Räthus Veraguth, Bühnenmeister<br />
Alex Barmettler, Vorarbeiter<br />
Constantino Martinez, Vorarbeiter<br />
Matthias Mücke, Vorarbeiter<br />
Lorenz Storrer, Vorarbeiter<br />
Johann Strauss, Vorarbeiter<br />
Anton Tomic, Vorarbeiter<br />
Noëmi Trautmann, Vorarbeiterin<br />
Beat Dind, Maschinist<br />
Walter Dünner, Maschinist<br />
Thomas Germann, Maschinist<br />
Boris Kerin, Maschinist<br />
Etienne Porret, Maschinist<br />
Christoph Arnold, Systemtechniker<br />
Dominik Binggeli, Möbler<br />
Lukas Brunner, Möbler<br />
Michel Jenny, Möbler<br />
Kaspar Reumer, Möbler<br />
Martina Stoisser, Möblerin<br />
Daniel Treichler, Lagerlogistiker<br />
Rolf Schiesser, Chauffeur<br />
Daniel Beck ?<br />
Bruno Bigger<br />
Jens Carlsson<br />
Bronijc Cipolli<br />
Philipp Coebergh<br />
Paul Dorn<br />
Andreas Ecknauer<br />
Rolf Fauser<br />
Bruno Flammer<br />
Volker Jaussi<br />
Hans Kothgassner<br />
Jan Kriesi<br />
Josef Meier<br />
Gianluca Sani<br />
Jean-Pierre Schawalder<br />
Jem White<br />
Beleuchtung<br />
Rainer Küng, Leiter<br />
Sascha Haenschke, Stellvertreter,<br />
Beleuchtungsmeister<br />
Frank Bittermann, Beleuchtungsmeister<br />
Ginster Eheberg, Beleuchtungsmeisterin<br />
Markus Keusch, Beleuchtungsmeister<br />
Jérôme Bueche, Stellwerk<br />
Rouven Keller, Stellwerk<br />
Alexander Oberlis, Stellwerk<br />
Udo Raible-Sameli, Stellwerk<br />
Carsten Schmidt, Stellwerk<br />
Uwe Dietert, Vorarbeiter<br />
Philippe Hofstetter, Vorarbeiter<br />
Franz Eheberg<br />
Adrian Fry<br />
Farid Laid<br />
Dominik Müller<br />
Silvio Nagele<br />
Willy Perroud<br />
Jannes Reineke<br />
Leentja Ramm<br />
Josef Solymosi<br />
Manuel Spycher<br />
Ton/Video<br />
Jens Zimmer, Leiter<br />
Christoph Finé Renfer, Stellvertreter<br />
Katrin Brändli<br />
Paul Hug<br />
Markus Keller<br />
Andi A. Müller<br />
Joaquin Rivas<br />
Fabian Schneider Kubelik<br />
Renata Vonarburg<br />
Holger Wendt<br />
Damir Žižek<br />
Requisite<br />
René Kümpel, Leiter<br />
Marianne Boos, Stellvertreterin<br />
Jarek Awgulewicz<br />
Rock Battaglia<br />
Urs Bruderer<br />
Seraina Heinz<br />
Isabella Keldany<br />
Daniel Läuchli<br />
Randolf Matthies<br />
Peter Polin<br />
Dagmar Renfer<br />
Sonja Tezacki<br />
Maske<br />
Erich Müller, Leiter<br />
Judith Janser Ruckstuhl, Stellvertreterin<br />
Doris Göpfert<br />
Winnie Heinz<br />
Dana Hesse<br />
Alexandra Scherrer<br />
Michael Städler<br />
Malsaal<br />
Thomas Unseld, Leiter<br />
Hans Keller, Stellvertreter<br />
Annette Erismann<br />
Ursina Klemenz<br />
Salomon Nägeli<br />
Oskar Rindlisbacher<br />
Christine Rippmann,<br />
Theaterplastikerin<br />
Raphael Bühlmann,<br />
Auszubildender<br />
Schlosserei<br />
Guido Brunner, Leiter<br />
Hanspeter Fick, Stellvertreter<br />
Norbert Franke<br />
Fritz Spiess<br />
Schreinerei<br />
Ivano Tiziani, Leiter<br />
Daniel Härri, Stellvertreter<br />
Lars Bachmann<br />
Andy Hohl<br />
Claude Kaiser<br />
Mirjam Kuhn<br />
Martin Leuenberger<br />
Jürg Ott<br />
Thomas Wettstein<br />
Tapeziererei<br />
Michel Jenny, Leiter<br />
Christian Mauerhofer<br />
Mario Steiner<br />
Damenschneiderei<br />
Katharina Schmid, Leiterin<br />
Brigitta White, Stellvertreterin,<br />
Kostümbearbeiterin<br />
Marion Kaspar<br />
Karin Metzler<br />
Karin Siegrist Okocha<br />
Herrenschneiderei<br />
Anita Lang, Leiterin<br />
Andres Eggimann, Stellvertreter<br />
Maurizio Bello<br />
Dechen Minder<br />
Christian Tritscher<br />
Ankleidedienst<br />
Katharina Schmid, Leiterin<br />
Eva Allemann<br />
Elisabeth Brunner<br />
Sandra Caviezel<br />
Simone Choffat<br />
Esther Elsässer<br />
Susanne Gendre<br />
Beatrice Kürsteiner<br />
Reni Lindauer Wey<br />
Catherine Zimmermann
63<br />
Gesellschaft der Freunde des <strong>Schauspielhaus</strong>es<br />
Geniessen Sie mit uns den spannenden Blick hinter<br />
die Kulissen. Wir organisieren Probenbesuche zu<br />
verschiedenen Inszenierungen und eine exklusive<br />
Stückbegleitung (3 Veranstaltungen/ Gespräche mit<br />
Produktionsbeteiligten). Denn die Frage: „Wie entsteht<br />
eigentlich eine Aufführung?“ kann man nicht einfach<br />
so beantworten. Die muss man erleben.<br />
Mit den Mitarbeiterinnen und Mitarbeitern des<br />
<strong>Schauspielhaus</strong>es feiern wir jedes Jahr ein grosses<br />
gemeinsames Fest.<br />
„Wer sind die Besten?“ Diese Frage beantworten die<br />
Freunde des <strong>Schauspielhaus</strong>es jedes Jahr, wenn wir<br />
die „Goldenen Masken“ vergeben, die Auszeichnung<br />
für besondere Verdienste auf und hinter der Bühne.<br />
Ausserdem bieten wir eine Vielzahl weiterer<br />
Veranstaltungen an: Führungen durch das Haus,<br />
Gespräche mit Mitarbeitern und Künstlern,<br />
Theaterreisen etc.<br />
Mitglieder der Gesellschaft der Freunde erhalten<br />
zudem an der Kasse des <strong>Schauspielhaus</strong>es einen<br />
Rabatt von 20% auf alle Karten.<br />
Erleben Sie exklusive Probenbesuche, Themenabende<br />
und vieles mehr mit der Gesellschaft der Freunde des<br />
<strong>Schauspielhaus</strong>es.<br />
Gerne senden wir Ihnen unser Programm für die<br />
Spielzeit <strong>2009</strong>/20<strong>10</strong> zu.<br />
Kontakt:<br />
Gesellschaft der Freunde des <strong>Schauspielhaus</strong>es<br />
Geschäftsstelle<br />
Bea König<br />
Zeltweg 5<br />
8032 <strong>Zürich</strong><br />
Tel: 044 258 72 07<br />
freunde@schauspielhaus.ch<br />
Wir danken für die Unterstützung<br />
Unsere Vorstellungen werden ermöglicht dank der<br />
Subventionen der Stadt <strong>Zürich</strong>, des Kantons <strong>Zürich</strong><br />
und der Unterstützung des Kantons Zug sowie der<br />
folgenden Partner, Sponsoren und Mäzene:<br />
Partner<br />
Credit Suisse<br />
Swiss Re<br />
Migros Kulturprozent<br />
Sponsoren und Stiftungen<br />
Optiker Zwicker<br />
Privatklinikgruppe Hirslanden<br />
Ringier AG<br />
Ernst Göhner Stiftung<br />
Georg und Bertha Schwyzer-Winiker Stiftung<br />
Truus und Gerrit van Riemsdijk Stiftung<br />
Hans Imholz-Stiftung<br />
Stiftung Corymbo<br />
Gesellschaft der Freunde des <strong>Schauspielhaus</strong>es<br />
Zuger Kulturstiftung Landis & Gyr<br />
Charlotte Kerr Dürrenmatt-Stiftung<br />
Pro Helvetia<br />
Zürcher Theaterverein<br />
UBS Kulturstiftung<br />
Ars Rhenia Stiftung<br />
René & Susanne Braginsky-Stiftung<br />
Vontobel Stiftung<br />
Medienpartner<br />
Ringier AG<br />
Tamedia AG<br />
<strong>Zürich</strong>see Druckereien AG<br />
Radio 1<br />
Official Suppliers<br />
Arctic Paper Schweiz AG<br />
Philips AG<br />
Shiseido<br />
Fogal<br />
Eichhof Getränke AG & Kellerei St. Georg<br />
Waser Bürocenter AG<br />
Vispota AG<br />
Sowie<br />
Keystone Schweiz<br />
TBWA <strong>Zürich</strong><br />
Futurecom AG<br />
Buchhandlung am Helvetiaplatz<br />
APG <strong>Zürich</strong><br />
Arthouse Commercio Movie AG<br />
Novotel <strong>Zürich</strong><br />
Unser Dank gilt auch allen Gönnerinnen und Gönnern,<br />
die nicht genannt sein möchten.
64<br />
Ansprechpartner<br />
Postadresse<br />
<strong>Schauspielhaus</strong> <strong>Zürich</strong><br />
Zeltweg 5<br />
8032 <strong>Zürich</strong><br />
Theaterkasse<br />
Telefon 044 258 77 77<br />
Fax 044 259 77 77<br />
theaterkasse@schauspielhaus.ch<br />
Zentrale<br />
Telefon 044 258 70 70<br />
Fax 044 259 70 70<br />
Künstlerische Direktion<br />
Johanna Grilj, Künstlerische Referentin<br />
Telefon 044 258 75 01<br />
Fax 044 259 75 01<br />
johanna.grilj@schauspielhaus.ch<br />
Silke Slevogt, Künstlerische Direktionsassistentin<br />
Telefon 044 258 75 03<br />
Fax 044 259 75 03<br />
silke.slevogt@schauspielhaus.ch<br />
Kaufmännische Direktion<br />
Barbara Ballini, Kaufmännische Direktionsassistentin<br />
Telefon 044 258 72 01<br />
Fax 044 259 72 01<br />
barbara.ballini@schauspielhaus.ch<br />
Künstlerisches Betriebsbüro<br />
Mandy Leistner, Mitarbeiterin<br />
Telefon 044 258 72 14<br />
Fax 044 259 72 14<br />
mandy.leistner@schauspielhaus.ch<br />
Technische Direktion<br />
Bettina Rizzi, Mitarbeiterin<br />
Telefon 044 258 XX XX<br />
Fax 044 259 XX XX<br />
bettina.rizzi@schauspielhaus.ch<br />
Dramaturgie<br />
Flurina Ribi Forster, Mitarbeiterin<br />
Telefon 044 258 XX XX<br />
Fax 044 259 XX XX<br />
flurina.ribi@schauspielhaus.ch<br />
Kommunikation, Medien und PR<br />
Kathrin Gartmann<br />
Telefon 044 258 72 39/99<br />
Fax 044 259 72 39/99<br />
kathrin.gartmann@schauspielhaus.ch<br />
Kommunikation, Marketing und Verkauf<br />
Bea König<br />
Telefon 044 258 72 07<br />
Fax 044 259 72 07<br />
bea.koenig@schauspielhaus.ch<br />
Eventmanagement<br />
Ron Lux<br />
Telefon 044 258 72 04<br />
Fax 044 259 72 04<br />
ron.lux@schauspielhaus.ch<br />
Junges <strong>Schauspielhaus</strong><br />
Sibylle Longhini, Administration<br />
Schiffbau<br />
Giessereistrasse 5<br />
8005 <strong>Zürich</strong><br />
Telefon 044 258 75 18/19<br />
Fax 044 259 75 18/19<br />
junges@schauspielhaus.ch<br />
Verwaltungsrat<br />
Bruno Bonati, Präsident<br />
Dr. Brigitte von der Crone, Vizepräsidentin<br />
Dr. Gerhard Brunner<br />
Victor Gähwiler<br />
Irene Herbst<br />
Anne Keller Dubach<br />
Thomas E. Kern<br />
Norbert Müller<br />
Dr. Fritz Wehrli<br />
Impressum (noch unvollständig)<br />
<strong>Schauspielhaus</strong> <strong>Zürich</strong><br />
<strong>Saison</strong> <strong>2009</strong>/<strong>10</strong><br />
Künstlerische Direktorin: Barbara Frey<br />
Kaufmännischer Direktor: Ernst Jäggli<br />
Konzeption: Cornel Windlin<br />
Gestaltung: Cornel Windlin und Gregor Huber<br />
Redaktion: Dramaturgie und Marketing<br />
Druck: Ziegler Druck- und Verlags-AG, Winterthur<br />
Auflage: 35’000<br />
<strong>Schauspielhaus</strong> <strong>Zürich</strong>, Zeltweg 5<br />
8032 <strong>Zürich</strong>, www.schauspielhaus.ch<br />
Redaktionsschluss: 15. April <strong>2009</strong><br />
(Dank & Bildverweis!)