wie aus einer anderen Zeit - Druckservice HP Nacke KG

DIE BESTE ZEIT
Das Magazin für Lebensart
Wuppertal und Bergisches Land Ausgabe 18, 2012 - 3,50 Euro
Peter Paul Rubens
Von der Heydt-Museum Wuppertal
10. Wuppertaler Jazzmeeting
Grandioser Abend im ADA
Liebe, Tod und Teufel
Ausstellung im Haus der Jugend
Singen gegen das Böse
Der Freischütz in Wuppertal
A Bigger Picture
David Hockney im Museum Ludwig
Hommage schmerzlichkomisch,
Uraufführung Schiefergold
Im Farbenrausch
Expressionisten im Folkwangmuseum
Christian von Grumbkow
Kunst am Bau als Dialog
Horch doch mal
Erzählung von Dorothea Renckhoff
Adventszauber
Weihnachtsmarkt Schloss Lüntenbeck
Magische, intensive Momente
Nachklänge zur Musikreihe Klangart
Kulturnotizen
Kulturveranstaltungen in der Region
ISSN 18695205
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Editorial
Liebe Leserinnen, liebe Leser !
Der halbnackte, trunkene Selen im wässrig graublauen Gewand schaut wollüstig auf
Dianas Jagdbeute – oder vielleicht doch eher auf die entblößte Brust der Jagdgöttin ? – während
diese züchtig den Blick gesenkt hält. Ihr rotes Gewand überstrahlt die Komposition mit
viel nackter Haut des aus der Dresdner Gemäldegalerie stammenden Rubensgemälde:
ein wahrer „eyecatcher“.
Dianas Heimkehr von der Jagd wird so bald kein Wuppertaler mehr vergessen. Auf den
gelben Fahnen, die die Elberfelder Fußgängerzone zieren, prangt sie, und weithin sichtbar
schmückt sie das Baugerüst des Rathausturms. Die Rubens’sche Schönheit Diana, im roten
Gewand vor gelbem Hintergrund, gehört jetzt schon zu Wuppertal, wie vor einigen Jahren die
Seerosen Monets, ebenfalls auf signalgelbem Grund, fast identitätsstiftende Wirkung hatten.
Die Ausstellung des Von der Heydt-Museums „Peter Paul Rubens“ ist auch in diesem Heft ein
Hauptthema: Die Kuratorin Dr. Nicole Hartje-Grave hat in ihrem Beitrag für „Die Beste
Zeit“ die Anfänge des barocken Malerfürsten beschrieben, eine spannende Einführung, die
dazu animiert, das Original der Diana im Museum zu besuchen.
Dass Rubens zu Wuppertal gehört, hat man auch schon in Frankreich vernommen. Der
französische Maler Vincent Corpet hat eigens für die gerade eröffnete Ausstellung in Barmen
„Liebe, Tod und Teufel“ eines der bekanntesten Werke des Antwerpener Barockmalers in
zeitgenössische Malerei übersetzt, den „Raub der Töchter des Leukippos“. Was wird aus der
genialen
Komposition in den Augen eines zeitgenössischen Malers fast 400 Jahre nach Rubens?
Sicherlich ein spannend zu führender Vergleich - und die perfekte Verbindung zwischen den
beiden Von der Heydt-Häusern, Museum und Kunsthalle.
Auch das zweite Haus, die Kunsthalle in Wuppertal Barmen, fi ndet erfreulicherweise regelmäßig
Berücksichtigung in der „Besten Zeit“. Seit ihrer Wiedereröffnung nach der Instandsetzung
im April 2011 wird hier bereits die fünfte Ausstellung gezeigt. Das überregionale
Renommee als interessanter Ort der zeitgenössischen Kunst steigt, für viele Kunstinteressierte
ist sie gar eine erfreuliche Neuentdeckung. Galeristen und Sammler aus München, Frankfurt
und Berlin sind aufmerksam geworden auf das, was sich in Barmen tut. „Liebe, Tod und
Teufel“ – unter diesem Titel stellt der französische Sammler Jean Mairet zur Zeit einen Teil
seiner Kunstsammlung aus. Er selbst hat mit seinen ausgewählten, aktuellen Lieblingswerken
einen Parcours angelegt, der den Besucher nicht in der passiven Rolle des Betrachters belässt,
sondern die Refl exion existentieller Fragestellungen anstößt.
Darin, wie sich die in ihrem Kunstcharakter recht heterogen erscheinenden Werke in der
Kunsthalle zu einer schlüssigen Schau zusammenfügen, scheint die Ausstellung diesem
Heft verwandt: Auf den ersten Blick haben vielleicht der Beitrag zum Lüntenbecker Weihnachtsmarkt
mit dem Text zu „Liebe, Tod und Teufel“ nichts zu tun, aber jeder Textbeitrag
beschreibt eine interessante Facette des großen Ganzen der Kultur, thematisiert, was los ist in
Wuppertal und Umgebung, was hier passiert, und weshalb die Stadt einfach interessant und
liebenswert ist. Jede Ausgabe wieder liefert prächtige Fotos, Texte von Schriftstellern, Journalisten
und viele Berichte sozusagen aus erster Hand, die den Leser mittendrin im Kulturleben
sein lassen.
Viel Vergnügen beim Lesen.
Ihre Beate Eickhoff
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Impressum
Die Beste Zeit erscheint in Wuppertal und im Bergischen Land
Erscheinungsweise: alle zwei Monate
Verlag HP Nacke - Die beste Zeit
Friedrich-Engels-Allee 122, 42285 Wuppertal
Telefon 02 02 - 28 10 40
E-Mail: verlag@hpnackekg.de
V. i. S. d. P.: HansPeter Nacke
Erfüllungsort und Gerichtsstand Wuppertal
Gastbeiträge durch Autoren spiegeln nicht immer die Meinung des
Verlages und der Herausgeber wider. Für den Inhalt dieser Beiträge
zeichnen die jeweiligen Autoren verantwortlich.
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16.10.2012 - 28.2.2013
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Kürzungen bzw. Textänderungen, sofern nicht sinnentstellend, liegen
im Ermessen der Redaktion. Für unverlangt eingesandte Beiträge kann
keine Gewähr übernommen werden.
Nachdruck - auch auszugsweise - von Beiträgen innerhalb der gesetzlichen
Schutzfrist nur mit der ausdrücklichen Genehmigung des Verlages.
Trotz journalistischer Sorgfalt wird für Verzögerung, Irrtümer oder
Unterlassungen keine Haftung übernommen.
Bildnachweise/Textquellen sind unter den Beiträgen vermerkt.
Abbildung Cover:
Ausschnitt „Adventsbeleuchtung in der Elberfelder City“
von Bjørn Ueberholz
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Inhalt
Ausgabe 18, 4. Jahrgang, Dezember 2012 / Januar 2013
Von der Heydt-Museum
Ausstellung Peter Paul Rubens
Einführung von Nicole Hartje-Grave Seite 6
Fortsetzung dringend empfohlen
Rückblick auf das 10. Wuppertaler
Jazzmeeting – von Heiner Bontrup Seite 14
Liebe, Tod und Teufel
Ausstellung in der Von der Heydt-Kunsthalle
im Haus der Jugend Barmen
Singen gegen das Böse
Seite 20
der Freischütz in Wuppertal
von Martin Freitag Seite 22
A Bigger Picture
Ausstellung David Hockney im
Museum Ludwig, Köln Seite 25
Schiefergold
Wuppertaler Bühnen, Regie Julia Penner
von Martin Hagemeyer Seite 30
Im Farbenrausch
Ausstellung berühmter Expressionisten
im Essener Folkwang-Museum Seite 32
Magische und intensive Momente
Nachklänge zur Musikreihe Klangart
von Heiner Bontrup Seite 40
Druckerei Elba
Fotografi e von Sylvie Hauptvogel
Text von Friederike Zelesko Seite 46
Adventszauber
Der Weihnachtsmarkt von Schloss Lüntenbeck
von Michael Schumacher Seite 48
Der zerbrochne Krug
Heinrich von Kleist im Wuppertaler TiC
von Frank Becker Seite 50
Kunst am Bau als Dialog
Der Künstler Christian von Grumbkow
Interview von Michael Schumacher Seite 52
Generalprobe
Erzählung von Marianne Ullmann Seite 56
Wuppertaler als Kölner Musik-Legende
Der Wuppertaler Schauspieler Markus Dietz
von Klaus Göntzsche Seite 59
Der Beyenburger See
Ein Ort der Ruhe
von Matthias Dohmen Seite 61
Trilogie der Sommerfrische
Theater à la bonheur
von Frank Becker Seite 63
Die Pasta Opera besucht Wuppertal
Operndarbietung bei kulinarischem Genuss
von Hubert Gertis Seite 66
Horch doch mal
Das Heft, das keine Stimme hatte
von Dorothea Renckhoff Seite 69
Paragraphenreiter
Interessantes zu den Themen Steuern
und Recht Seite 72
GEDOK –
Lobby für Künstlerinnen
von Renate Massmann Seite 73
Fünf Jahrzehnte Entwicklungshelfer
Porträt von Klaus Dieter Peters
von Matthias Dohmen Seite 75
Weihnachtsgrüße aus Sooderee
Bericht aus Äthiopien
von Klaus Dieter Peters Seite 77
Neue Kunstbücher
Meisterwerke in der Emanzipation der Kunst
Vorgestellt von Thomas Hirsch
Seite 82
Geschichtsbücher, Buchgeschichten
Vorgestellt von Matthias Dohmen Seite 84
Neue Wuppertal-Kalender
Stadtansichten, Schwebebahnmotive und
Pina Bausch Tanztheater Wuppertal Seite 85
Kulturnotizen
Kulturveranstaltungen in der Region Seite 86
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Abb. 10, Peter Paul Rubens, Der heilige Franziskus empfängt das Jesuskind aus den Händen der Madonna, um 1617/18, Lille,
Palais des Beaux-Arts

Sein Aufstieg zum führenden
Maler in Antwerpen
Abb. 1
Peter Paul Rubens (Umkreis), Selbstporträt,
schwarze Kreide, Feder in Braun, abschließend
Rötel, ALBERTINA, Wien
Peter Paul Rubens
Als Peter Paul Rubens nach achtjährigem
Aufenthalt in Italien mit Stationen in
Mantua, Genua und Rom 1608 in seine
Heimatstadt Antwerpen
zurückkehrte, war das politische,
wirtschaftliche, gesellschaftliche und
künstlerische Klima für einen aufstrebenden
jungen Maler überaus günstig.
Nach der Niederlage von Antwerpen
1585 gingen die südlichen Provinzen der
Niederlande wieder in den Herrschaftsbereich
der Spanisch-Habsburgischen
Könige über und eine extensive katholische
Restauration begann. Viele neue
Kirchen, Klöster und Abteien wurden
erbaut oder nach den Verwüstungen von
1566 in großem Stil wieder hergerichtet.
Sie alle mussten mit einer Vielzahl von
Skulpturen und Gemälden ausgestattet
werden. Der maßgebliche Grund für die
Befriedung der südlichen Niederlande
und das dortige Aufblühen der Künste
war der Umstand, dass der spanische
König Philipp II. als Regenten einen Generalstatthalter
einsetzte. 1596 übertrug
er dieses Amt dem Erzherzog Albrecht
von Österreich (1559-1621) und dessen
Frau, der Erzherzogin Isabella Clara Eugenia
(1566-1633), seiner Tochter (Abb. 2
und 3). Die Hochzeit fand im April 1599
statt. Die „Akte van Afstand“, die Philipp
II. am 6. Mai 1598 unterzeichnete, gewährte
den Niederlanden eine scheinbare
Abb. 2
Peter Paul Rubens und Werkstatt, Porträt
Erzherzog Albrecht VII. von Österreich,
um 1615-20, Privatsammlung
Selbständigkeit. Als äußerlich souveräne
Fürsten sollten es Albrecht und Isabella
leichter haben, die Niederlande zu befrieden
und die politische Einheit wieder herzustellen.
Die spanischen Truppen blieben
aber weiterhin in Flandern stationiert.
Albrecht durfte sich zwar Oberbefehlshaber
nennen, die militärischen Entscheidungen
traf aber nach wie vor der König
in Madrid.
Ungeachtet dieser Einschränkungen
begrüßten die Antwerpener Bürger das
Erzherzogspaar euphorisch, als es am 10.
Dezember 1599 feierlich in Antwerpen
einzog. Sie erwarteten von den neuen
Stadthaltern die Wiederherstellung „ihrer
alten Blüte und Einigkeit, um die wir den
allmächtigen Gott so viele Jahre gebeten
haben und noch stets bitten“. Auch wenn
es in den ersten Jahren ihrer Regentschaft
noch kleinere Kriegshandlungen gab,
stabilisierte bereits der Amtsantritt von
Albrecht und Isabella die politische Lage
in den südlichen Provinzen und ließ für
die Zukunft eine Verbesserung der Lage
erwarten. Die Hoffnungen konkretisierten
sich, als 1609 ein auf zwölf Jahre
angesetzter Waffenstillstand – noch kein
Friedensvertrag – zwischen Nord und Süd
ausgehandelt war. Dass diese dauernden
Friedensverhandlungen Rubens davon
abhielten, nach Rom zurückzukehren
und in Antwerpen zu bleiben, belegt
Abb. 3
Peter Paul Rubens und Werkstatt, Porträt
Erzherzogin Isabella Clara Eugenia, um
1615-20, Privatsammlung
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ein Brief vom 10. April 1609 an den
Arzt Johann Faber in Rom: „Andernteils
versäumt man hier auch nicht, mich mit
allen Arten von Liebenswürdigkeiten zu
überhäufen, um mich zurückzuhalten.
Der Erzherzog und die erlauchtigste
Infantin ließen mir schreiben, um mich
eindringlichst dazu zu bewegen, unter
glänzenden Bedingungen in ihren
Diensten zu bleiben, obwohl ich wenig
Lust verspüre, das Leben eines Höfl ings
von neuem zu beginnen. Antwerpen mit
seinen Einwohnern genügt mir, wenn ich
Rom leb wohl sagen könnte. Der Frieden
oder besser gesagt, der Waffenstillstand
für eine lange Reihe von Jahren, wird
ohne den geringsten Zweifel zustande
kommen und während dieser Zeit werden
unsere Länder von neuem aufblühen, und
man glaubt, dass er in der nächsten Woche
in allen diesen Provinzen proklamiert
werden wird.“ Bereits am Abend zuvor
war der Vertrag im Antwerpener Rathaus
unterzeichnet worden und die Bevölkerung
feierte ihn auf dem Großen Markt
begeistert.
Dass Rubens die richtige Entscheidung
getroffen hatte, sollte sich bald bestätigen.
So kamen nicht nur der Handel
und das Handwerk zu neuer Blüte, auch
die Künste erhielten enormen Auftrieb,
da die Erzherzöge ein regelrechtes kulturelles
Programm verfolgten, indem sie den
Bau neuer Kirchen und Klöster vorantrieben,
diverse Porträtaufträge erteilten und
zahlreiche Altäre und Skulpturen stifteten.
Hinzu kam die Etablierung einer bis
dahin unbekannten höfi schen Kultur, die
ihre Wirkung auf das Bürgertum nicht
verfehlte.
Eine ausgeprägte bürgerliche Schicht
hatte in Antwerpen eine bis zu Beginn des
16. Jahrhunderts zurückreichende Tradition.
Die Kaufl eute und Bankiers aus
Spanien, Portugal, England, Deutschland
und den italienischen Zentren Genua,
Venedig und Florenz machten Antwerpen
zu einer kosmopolitischen Metropole, die
gegenüber dem Machtzentrum in Brüssel
die bedeutendste Kunststadt in Flandern
blieb. Die Bürger verfügten nicht nur
über eine humanistische Bildung, sondern
auch über das Kapital und den Wunsch,
dieses in Kunst zu investieren. Die einheimischen
Kaufl eute folgten ihnen darin.
Kunstwerke wurden damals nicht nur
zu einer empfehlenswerten Geldanlage,
sondern signalisierten als Luxusgegenstände
auch den Vermögensstand ihrer
Besitzer (Abb. 4). Zudem bezeugten sie
die Kennerschaft ihrer Sammler und symbolisierten
deren intellektuelle Weltaneignung.
Der Hang des reichen Bürgertums
zur Nobilitierung zeigte sich im 17.
Jahrhundert auch in der Entwicklung von
privaten Kunstsammlungen, von denen
die von Cornelis van der Geest, Nicolaas
Rockox und von Rubens selbst besondere
Erwähnung fi nden sollten.
Abb. 4, Peter Paul Rubens, Dianas Heimkehr von der Jagd, um 1616, Gemäldegalerie Alte Meister, Staatliche Kunstsammlungen Dresden

Alles in allem traf Rubens in Antwerpen
auf eine von Albrecht und Isabella
hervorgerufene allgemeine Aufbruchstimmung
und schwungvolle Gegenreformation
sowie auf ein humanistisch und intellektuell
gebildetes Bürgertum, die ihm
die besten Voraussetzungen boten, seine
Kreativität, Energie, Ehrgeiz und Vitalität
in eine großartige Malerei umzusetzen.
Kaum in Antwerpen angekommen,
erhielt Rubens 1609 vom Stadtrat den
Auftrag, für den Ständesaal des Rathauses,
in dem der Waffenstillstand beurkundet
wurde, das großformatige Bild der
„Anbetung der Könige“ (Madrid, Museo
del Prado, Abb. 5) zu malen. Das Thema
des Bildes, die so genannte Epiphanie,
ist seit dem 15. Jahrhundert als Allegorie
von Bündnissen überliefert. Wie Ulrich
Heinen (2009) treffend formulierte,
„musste das Bild der heiligen Könige, die
vor Maria und dem Friedensfürsten Jesus
niederknien, nun auch als Sinnbild der
Anerkennung der unter dem Patrozinium
der Muttergottes stehenden Stadt durch
die zerstrittenen Parteien erscheinen, die
sich hier zum Friedensschluss zusammenfanden.“
Auch wenn das monumentale
Gemälde zum Zeitpunkt der Unterzeichnung
des Waffenstillstandes wahrscheinlich
nicht ganz fertig war, muss es für die
sich anschließenden Verhandlungen eine
überwältigende Kulisse gebildet haben.
So setzte Rubens die kostbaren Geschenke,
die golddurchwirkten Gewänder der
Könige und die muskulösen Träger, die
vom rechten Bildrand weitere Gaben herbeischaffen,
als wirksame Bildmittel ein,
um die Vorzüge eines lange währenden
Friedens zu illustrieren. Als der Antwerpener
Stadtrat das Gemälde 1612 dem
Gesandten des spanischen Königs, dem in
Antwerpen geborenen Herzog von Oliva,
Don Rodrigo de Calderón, überreichte,
erfuhr es eine zweite, ebenso wichtige
politische Funktion: Calderón sollte dem
Madrider Hof die Bitte des Magistrats
vortragen, die für die gesamten Habsburgischen
Niederlande überlebenswichtigen
Stapelrechte zu sichern und zu erweitern.
Wie kaum ein anderes Gemälde machte
die „Anbetung der Könige“ die Wiederbelebung
des Seehandels sichtbar.
Rubens profi tierte in vieler Hinsicht
von dem wohlhabenden und der Kunst
höchst aufgeschlossenem Antwerpener
Bürgertum. So sollte sich der bereits
erwähnte Nicolaas Rockox, Hauptmann
der Antwerpener Schützengilde, erneut
für ihn einsetzen. Als die Gilde von
Rubens ein neues Altarbild, die prächtige
„Kreuzabnahme“ (Antwerpen, Kathedrale)
malen ließ, beteiligte er sich mit
einer hohen Summe an den Kosten des
Triptychons. Außerdem bestellte er für
das Grabmonument, das er für sich und
seine Frau errichten ließ, bei Rubens den
Abb. 5, Peter Paul Rubens, Die Anbetung der Heiligen Drei Könige, 1609-10 (1628-29), Madrid, Museo del Prado (nicht in der Ausstellung)
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„Ungläubigen Thomas“ (Antwerpen,
KMSK), fi nanzierte für die städtische
Jesuitenkirche den „St. Josefsaltar“ und
ließ für die Antwerpener Minoritenkirche
das großformatige Gemälde „Der Lanzenstich“
(Antwerpen, KMSK) malen. Einen
Teil seines beeindruckenden Vermögens
legte der einfl ussreiche Bürgermeister in
Kunstgegenständen an. Für seine eigene
Sammlung bestellte er bei Rubens daher
die Darstellung „Samson und Delilah“, die
in seinem Haus in der Keizerstraat über
dem Kamin platziert war.
Ein weiterer wichtiger Förderer von
Rubens war der vermögende Kaufmann
Cornelis van der Geest, der die damals
umfangreichste und prächtigste Sammlung
an Gemälden, Skulpturen und Antiken
besaß. Rubens malte für ihn die „Amazonenschlacht“
(München, Alte Pinakothek).
Zudem übernahm er die Kosten für
den Hochaltar von St. Walburga mit der
berühmten „Kreuzaufrichtung“ (Antwerpen,
Kathedrale, Abb. 7). Mit dem einem
Hochaltar einer Kirche angemessenen
Pathos inszenierte Rubens auf diesem
beeindruckenden Retabel den Kreuzestod
Christi. Die „Kreuzaufrichtung“ ist, den
lokalen Traditionen entsprechend, als Triptychon
gestaltet, auf dessen Außenfl ügeln
die heiligen Amandus und Walburga dargestellt
sind. Die über sechs Meter breite
und fast fünf Meter hohe Innenseite zeigt,
über alle drei Tafeln ausgebreitet, den Berg
Golgatha im Moment der Aufrichtung des
Kreuzes. Mit einer auf die Überwältigung
des Betrachters zielenden Drastik setzte
Rubens das in der biblischen Passionsgeschichte
fehlende Motiv um. Die Walburgenkirche
existiert nicht mehr, und so
befi ndet sich die „Kreuzaufrichtung“ heute
ebenfalls in der Kathedrale, wo sie gleichberechtigt
neben der ebenfalls in diesen Jahren
entstandenen „Kreuzabnahme“ ihren
Platz gefunden hat. Das zur Zufriedenheit
der Schützengilde ausgeführte Gemälde
war, wie bereits erwähnt, ein Auftrag, den
Rubens durch die Vermittlung von Rockox
erhalten hatte. Überhaupt begegnet man
immer wieder den gleichen Personen, die
Rubens in den ersten zehn Jahren nach
seiner Rückkehr nach Antwerpen förderten.
Gerade zu Anfang war es ein kleiner
Kreis von einfl ussreichen Gönnern, die für
seinen Aufstieg zum angesehensten Maler
in Antwerpen verantwortlich waren. Neben Abb. 7, Peter Paul Rubens, Kreuzaufrichtung, 1610-11, Antwerpen, Kathedrale (nicht in der Ausstellung)

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Abb. 8, Peter Paul Rubens, Thetis empfängt von Vulcanus die Waffen für Achill, um 1630/35, Pau, Musée des Beaux-Arts
den großen korporativen Aufträgen trugen
zahlreiche private Stiftungen dazu bei,
die Präsenz seiner Werke in den Kirchen
seiner Heimatstadt noch zu verstärken.
So beauftragte ihn auch sein langjähriger
Freund Balthasar Moretus 1611 mit einem
gemalten Epitaph für seinen verstorbenen
Vater, das in der Familienkapelle im Chor
der Kathedrale seine Aufstellung fand. Die
Aufzählung privater und öffentlicher Aufträge
ließe sich beliebig fortsetzen. Denn
zu den Werken für Kirchen und öffentliche
Gebäude kamen noch all jene Bilder, die
für die Häuser der weniger bekannten,
aber ebenso reichen Antwerpener Bürger
(Abb. 8) entstanden.
Seinem wachsenden Renommé, wohl
aber auch dem gestiegenen Platzbedarf
seiner gefragten Werkstatt war es geschuldet,
dass Rubens am 1. November 1610
ein großes Anwesen auf dem Wapper
erwarb, einer Straße, die von Antwerpens
Prachtstraße Meir abzweigte. Das große
Wohnhaus wurde in den nächsten Jahren
umgebaut und über einen Portikus mit einem
Ateliergebäude verbunden, so dass ein
großzügiger Innenhof entstand, der wiederum
in einen großen angelegten Garten
führte. Als die Planungen für den Aus- und
Umbau des Gebäudekomplexes begannen,
erwarb Rubens verschiedene Architekturtraktate,
was darauf schließen lässt, dass er
aktiv an der Bauplanung beteiligt war. Als
die Baumaßnahmen Anfang der zwanziger
Jahre abgeschlossen waren und die Familie
eingezogen war, war ein im italienischen
Stil errichteter Palazzo entstanden, in dem
Rubens eine wachsende Zahl von Schülern
unterrichten und hohe Besucher empfangen
konnte.
Rubens war inzwischen weit über
Antwerpen hinaus bekannt und erhielt
zahlreiche Aufträge aus allen Städten der
Habsburgischen Niederlanden und von
anderen europäischen Fürstenhäusern.
Insgesamt fertigte die Werkstatt zwischen
1610 und 1620 rund 60 großformatige
Altarbilder, von denen etwa zwei Drittel
für Kirchen außerhalb Antwerpens (Abb.
10, 11) bestimmt waren. Doch Rubens
entwarf nicht nur Gemälde, sondern auch
Entwürfe für Tapisserien. Gemeint sind
hier die Vorlagen für die Teppichserie zum
Leben des römischen Konsuls Decius Mus,

Abb. 11, Peter Paul Rubens, Abraham und Melchisedek, 1616/17, Musée des Beaux-Arts de Caen
die wahrscheinlich eine Genueser Adelsfamilie
um 1616 bei ihm in Auftrag gegeben
hatte. Dennoch blieb Rubens, obwohl
er inzwischen international gefragt war,
weiterhin für seine Antwerpener Auftraggeber
aktiv. Schließlich war Antwerpen
eine katholische Frontstadt und hatte einen
ernormen Bedarf an religiösen Bildern.
Den wichtigsten kirchlichen Auftrag erhielt
Rubens 1620 vom Vorstand der Antwerpener
Jesuitenkirche, deren Neubau 1615
eine Aufsehen erregende Größe gewonnen
hatte. Der Maler schuf damals nicht nur
die Entwürfe für die 39 Deckengemälde
der beiden Seitenschiffe, sondern malte
auch die beiden abwechselnd gezeigten
Altarbilder und war für die Architektur
des steinernen Altars verantwortlich. Der
inzwischen dreiundvierzigjährige Maler
hatte damit seinen bisher größten Auftrag
übernommen und erhielt dafür die für
damalige Verhältnisse unerhört hohe
Summe von 10.000 Gulden. Der vertraglichen
Vereinbarung entsprechend musste
Rubens und seine Werkstatt, darunter
Anthonis van Dyck, die Bilder für die
Jesuitenkirche vor Ablauf eines Jahres,
also spätestens zu Beginn des Jahres 1621
abliefern. Die Fertigstellung in jenem
schicksalhaften Jahr 1621 sollte sich für
Rubens als günstig erweisen, denn am 21.
April lief der zwölfjährige Waffenstillstand
aus, der für Antwerpen fatale Folgen hatte.
Alle Kriegsparteien hatten von der langen
Friedensphase profi tiert und so wurden die
Kämpfe zunächst nicht mit der gleichen
Härte wieder aufgenommen. Dennoch
machte sich die kriegerische Bedrohung
Antwerpens sofort auf das Wirtschaftsleben
bemerkbar, da der Schiffsverkehr auf der
Schelde wieder zum Erliegen kam. Die
Auftragslage in Antwerpen wurde schwieriger,
und so wird Rubens nicht lange gezögert
haben, den Auftrag der französischen
Königin Maria de Medici zur Anfertigung
zweier umfangreicher Gemäldezyklen
anzunehmen.
Nicole Hartje-Grave
Öffnungszeiten
Di, Mi 11–18 Uhr, Do, Fr 11–20 Uhr,
Sa, So 10–18 Uhr, Mo geschlossen.
www.rubens-ausstellung.de
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Fortsetzung dringend empfohlen !
Ein Rückblick auf das
10. Wuppertaler Jazzmeeting und
seine Geschichte
Caroline Pook ist Geigerin und Komponistin
und sie lebt in New York. Doch hier
und heute, an diesem letzten Freitag im
Oktober, ist sie in Wuppertal. Genauer
im Ada, der türkischen Kulturkneipe, um
zu hören, wie ihre Idee Wirklichkeit wird:
Komposition trifft auf Improvisation.
Ausgerechnet für den Nestor des Wuppertaler
Free Jazz - Peter Brötzmann - hat sie ein
Stück für Schlagzeugensemble komponiert.
Vier Musikstudenten und vier klassische
Musiker traktieren unter Leitung von
Werner Dickel (Dirigent) und Matthias
Goebel Trommeln, Pauken, Gleisschienen,
ein Vibraphon und Kinderklaviere („my
fi rst toy“). Perkussive Patterns fügen sich
nach strengen, fast mathematisch anmutenden
Mustern aneinander, schichten sich zu
immer neuen energetisch aufgeladenen Kaskaden:
postmoderne Klangarchitektur von
bezwingender, stellenweise sogar magisch
anmutender Intensität, oder um ein anderes
Sprachbild zu bemühen, ein Soundteppich,
ausgebreitet für das Improvisationsspiel
Peter Brötzmanns, der das tut, was er immer
tut, wenn er Saxophon spielt. Er spielt
sich selbst. Eine halbe Stunde lang bläst
Brötzmann pausenlos in sein Saxophon,

lässt sich von der perkussiven Energien
treiben, zuweilen scheint es, als treibe
er selbst das ausgeklügelte musikalische
Glasperlenspiel vor sich her, er kommuniziert
mit der Komposition, spielt mit ihr,
taucht ein in sich selbst, gerät in irgendeine
geheime Kammer, die nach all den Jahren,
immerhin einem halben Jahrhundert, so
geheim vielleicht auch nicht mehr ist, und
an diesem Ort, ganz tief in ihm selbst,
fi ndet er die Töne mit traumwandlerischer
Sicherheit - und die Kraft, immer weiter zu
machen, immer weiter…
Vital, lebendig und innovativ
Caroline Pook muss glücklich sein, diese
Musik beim 10. Wuppertaler Jazzmeeting
zu hören, zu erleben, dass sie eine Musik
geschaffen hat, die ideal ist für das Spiel
Brötzmanns. Dass sie diesen Musiker
und seine Spielweise kennt, von dem
Bill Clinton, früherer US-Präsident und
Saxophonist gesagt hat, er sei einer der
innovativsten Jazzmusiker des vergangenen
Jahrhunderts, versteht sich von selbst.
Es zeigt aber auch, wie weit die „Sounds
like whoopataal“ hinaus gegangen sind
die Welt des Jazz. Und wie eingebunden
die Schwebebahnstadt ist in das große
Netzwerk dieser Musik. Umso spannender
ist es, die Nabelschau der Wuppertaler
Jazzszene beim „Meeting“ mitzuerleben.
Schaut man zurück auf die letzten zehn
Jahre, so stellt sich dieses Festival als eine
einzige Erfolgsgeschichte dar. Dabei
waren die Initiatoren dieses Ereignisses
im Geburtsjahr dieses Festivals - 2002
- skeptisch, ob es nach der Premiere
überhaupt eine Fortsetzung geben würde.
„Als wir damals noch mit Peter Kowald
darüber nachgedacht haben, wie man
die lokale Jazzszene fördern und beleben
Das Pferd, FotoThorsten Leiendecker
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16
Peter Brötzmann & Ensemble Q
Daniel Bark & Marvin Dillmann

Meet’n Jazz
Maceedo Groove Square
Das Pferd
kann, kamen wir auf die Idee, ein Festival
für Jazzmusiker aus Wuppertal und der
Region auf die Beine zu stellen. Ernsthaft
daran geglaubt, dass es ein zehnjähriges
Jubiläum geben würde, hat damals
wohl niemand“, sagt Rainer Widmann,
der dieses Meeting gemeinsam mit Uli
Armbruster, Hans Peter Nacke, Ulrich
Rasch, Dietrich Rauschtenberger, Dieter
E. Fränzel und Jorgo Schäfer organisiert
hat. Beeindruckend sind allein die
Zahlen. Über 500 Musiker haben im
Lauf der Zeit beim Jazzmeeting gespielt;
der Etat hat sich von den Anfangszeiten
bis heute auf mehr als 20.000 Euro
verdoppelt. Dazu trägt u.a. seit vier Jahren
vor allem auch der Landesmusikrat mit
seiner fi nanziellen Unterstützung bei,
den Qualität und Konzept des Meetings
überzeugt haben. Er war es auch, der die
Auftragskomposition Caroline Pooks mitfi
nanziert hat. Knapp 5.000 Menschen
haben bei diesem Festival in dieser Zeit
die Entwicklung des Jazz in der Bergischen
Metropole mitverfolgen können.
„Wuppertal hat eine vitale, lebendige und
innovative Jazzszene, die immer wieder
neue Formationen, Konstellationen und
Talente hervorbringt, so dass wir jedes
Jahr ein neues und abwechslungsreiches
Programm machen können“, erklärt
Rainer Widmann diesen Erfolg.
Überraschungscoup
Doch nicht allein der Zuhörerzuspruch
beeindruckt beim Jazzmeeting. Zu den
besonderen Reizen des Festivals gehört es,
Musiker über Jahre hinweg in ihrer Entwicklung
begleiten und sie künstlerisch
wachsen zu sehen. Glaubte der Rezensent
nach Brötzmanns Expedition in die Welt
der wohldurchdachten Komposition
schon den künstlerischen Höhepunkt des
diesjährigen Meetings erlebt zu haben, so
gab es doch noch einen Überraschungscoup.
Was Marvin Dillmann auf dem
Didgeridoo zu leisten imstande ist, ist
nicht nur unter rein technischen Aspekten
aller Ohren wert. Gemeinsam mit
dem ebenfalls phantastischen Pianisten
Daniel Bark, entführte er die Zuhörer in
eine berückende musikalische Traumzeit.
Die beiden Musiker harmonierten hervorragend
zusammen und erhielten völlig
zu Recht Standing Ovations.
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oben: Lieblingstrio, unten: Bergische Brass Band
Die erhielten – ebenso zu Recht –
die Wuppertaler Jazzrockformation
„Das Pferd“. Zehn Jahre und etliche
musikalische Einzelprojekte der Musiker
später trafen beim Meeting die Pferd-
Protagonisten wieder aufeinander und man
durfte gespannt sein, was die Bande rund
um den Saxophonisten Wolfgang Schmidtke
präsentieren würde. Es war kompromissloser
harter Jazzrock voller Intensität und
Spielfreude, Energie und Originalität. Ein
musikalischer Höhenfl ug jenseits ausgetretener
Pfade, der unbedingt nach Fortsetzung
verlangt. Nicht so originell, aber dennoch
erfrischend waren die Zeitreisen des „Lieblingstrios“,
die angeführt von Saxophonisten
Chancy Gärtner Jazzstandards im Stile des
Modern Jazz auf eine überraschend frische
und jetzige Art und Weise präsentierten.
In der Musik ist es wie im Sport; zum
Erfolg gehört neben der Förderung der Spitze
auch die der Breite die des Nachwuchs’.
So treten beim Meeting schon seit geraumer

Zeit junge und ganz junge Jazzmusiker
auf. In diesem Jahr war es die Bergische
Brassband, die blasend und trommelnd
afrikanisches Lebensgefühl im Ada verbreitete.
Im vergangenen Jahr spielten die Jungen
und Mädchen dieser Combo noch in der
deutsch-kongolesischen Big Brassband.
Doch nach der Abreise der Afrikaner gingen
die Nachwuchsmusiker aus dem Bergischen
Land nicht einfach wieder auseinander,
sondern blieben zusammen, um ihren
Erinnerungen auch musikalisch Ausdruck
zu verleihen. So eröffneten sie das Meeting
mit Stücken aus dem Repertoire afrikanischer
Brassbands und schickten auch mal
Lenas „Sattelite“ auf eine musikalisch etwas
rumplige Umlaufbahn um den Planeten
Jazz. Wunderbar aber ist, wie liebevoll das
Publikum die Entwicklung der Nachwuchsmusiker
trägt und begleitet. Sicherlich fi ndet
der eine oder andere später den Weg hin zu
den Etablierten.
Gutes Omen
So geschehen schon in diesem Jahr: Da spielten
nämlich zwei Jungs aus der Brassband
in Ulrich Raschs „Meet’n Jazz“-Formation
mit. Rasch präsentierte u.a. Eigenkompositionen,
die so fein gewoben arrangiert waren,
dass man das Gefühl nicht los wurde, einen
Standard zu hören. Wirklich spannend an
der Performance aber war die Idee mit dem
Wuppertaler Symphoniker und Cellisten
Michael Hablitzel und mit Banu Böke
eine Sängerin der Wuppertaler Oper in
einen Jazzkontext zu integrieren. Wirklich
schade hingegen war, dass Hablitzel nur
während eines Stückes mit einem Solo zu
hören war, denn der warme lyrische Ton des
Cellos fügte sich sehr schön in die Latin-
Jazzkompositionen. Banu Böke aber musste,
wie Rasch mitteilte, ihre Teilnahme absagen,
weil sie an der Pariser Oper ein Vorsingen
hatte. Verlassen da, wie Rasch es sinngemäß
vermutet, die Ratten das sinkende Schiff der
Wuppertaler Kultur?
Vielleicht liegen in den Zeiten des
Krankschrumpfens der Kultur unter einem
vermeintlich der Faktizität der Dinge
geschuldeten Spardiktat die Heilungskräfte
in der freien, nicht öffentlich subventionierten
Kultur. Der Förderer und Beweger der
russischen Szene frei improvisierter Musik,
der leider viel zu früh verstorbene Nick
Dimitriev sah Wuppertal als Stadt kultureller
Helden. Dazu gehörten für ihn u.a.
Peter Brötzmann und Peter Kowald. Das
Jazzmeeting zeigt aber, dass immer wieder
neue Helden geboren werden. Der Jazz
lebt weiter; die nächsten Generationen sehr
guter Musik rücken nach. Und das Publikum?
Es ist begeistert und hält dem Festival
die Treue. Insofern sollte dieser besondere
Geburtstag ein gutes Omen sein für die
nächsten zehn Jahre.
Heiner Bontrup
Fotos: Karl-Heinz Krauskopf
19

20
Die Sammlung J+C Mairet
Noch bis zum 3. Februar 2013
in der Von der Heydt-Kunsthalle
im Haus der Jugend Barmen
„Wenn man kein Autor ist, Maler oder
Filmemacher, dann kann man seine Haltung
auch in einer Sammlung ausdrücken"
(Jean Mairet)
Chan Kai-Yuen
Je pense donc je suis, 2006, Kunstharz und
Farbe, 70 x 50 x 50 cm
Liebe, Tod und Teufel
Seit 30 Jahren sammelt Jean Mairet
zusammen mit seiner Frau Christina
Kunst: Bis heute haben sie Werke von
mehr als 100 Künstlern aus 20 Nationen
erworben, viele von ihnen befi nden sich
als Dauerleihgabe in internationalen Museen.
Überdies haben vom Sammler selbst
inszenierte, vielbeachtete Ausstellungen
in Paris und Berlin offensiv und mit
Vehemenz demonstriert, welche Kunst
ihn beschäftigt: ausdrucksstarke Stücke,
provokant, manches Werk schwer verdaulich,
alle mit einem Schuss Humor.
Jean Mairet, der in Paris lebt, ist kein
Kunstkäufer mit Blick auf eine materielle
Wertsteigerung. Er kauft Kunst, weil sie
Fragestellungen refl ektiert, die ihn selbst
bewegen.
In der Von der Heydt-Kunsthalle stehen
dem Sammler aus Frankreich fünf Räume
zur Verfügung, die er als Kurator, der die
Auseinandersetzung mit Künstlern und
Publikum sucht, subjektiven Argumenten
folgend mit Stücken aus seiner höchst
außergewöhnlichen Kollektion bespielt.
Welche Themen Mairet aktuell beschäftigen,
zeigt sich im Zusammenhang
seiner Künstlerauswahl. Die Refl exion
entzündet sich am einzelnen Werk. Aus
Fragestellungen entwickeln sich neue
Möglichkeiten, neue Hypothesen, neue

Perspektiven und Verweise. Ungewohnt
sinnliche, ironische und packende
Arbeiten sind es, die unangestrengt und
unkompliziert zunächst vorgeben, leicht
verständlich zu sein. Schnell wird aber
deutlich: Was man sieht, ist nicht, was
man denkt – nichts passt zusammen,
nichts stimmt !
Mit Arbeiten von Künstlern verschiedener
Nationalitäten, darunter Maike Freess,
Georges Rousse, Sophie Calle, Gilles Barbier,
Trine Lise Nedreaas, Chan Kai-Yuen,
Vincent Corpet, Chloe Piene, Djamel
Tatah, Wolf Vostell, Nathalie Elemento,
Marc Desgrandchamps sowie Werken aus
seiner bekannten Sammlung historischer
Polizeifotos von Lustmördern, ist eine
anspielungsreiche Schau entstanden, die
humorvoll und mit Sinn fürs Absurde an
unausgesprochenen Tabus rüttelt.
Es erscheint ein Katalog mit Texten von
Catherine Millet, Andrea Hilgenstock
und Matthias Lengner bei Lienart
éditions, F - Montreuil-sous-Bois, dt.,
engl., frz., (Museumsausgabe 20 Euro)
Von der Heydt-Kunsthalle
im Haus der Jugend Barmen
Tel. 0202 563 6231, Fax 563 8091
Geschwister Scholl Platz 4-6
42275 Wuppertal
von-der-heydt-kunsthalle.de
Maike Freess
Insomnia 3, Le diner, 2004, Fotografi e
auf Aluminium, 122 x 139 cm
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22
Vorne: John In Eichen Mitte: Banu Böke hinten: Marco Wohlwend

Der Freischütz in Wuppertal
v. l. n. r.
Marco Wohlwend, Wencke Drumm, Niclas
Oettermann, Dorothea Brandt
Singen gegen das Böse
Auf einem Stuhl sitzt ein adrettes
Männlein mit Aktentasche und macht
mit Thermoskanne und Pausenbrot
eine behäbige Jause, um ihn herum eine
Fünfziger-Jahre Dorfgemeinschaft samt
Braut und Bräutigam und Schützenverein,
so sieht das Eröffnungsbild zu Andrea
Schwalbachs Freischütz-Inszenierung
am Wuppertaler Opernhaus aus,
der Wald ist nur noch eine Lattenwand,
die Nanette Zimmermanns Ausstattung
in der Wolfsschlucht zerbersten läßt,
übrig bleiben nur noch Plankenreste, auf
denen der zweite Akt stattfi ndet, ein Ort
der Menschen, nicht der Natur.
Doch zurück zu dem „adretten Männlein“,
so harmlos banal aussehend beginnt
er die Menschen in seinem Sinne zu
manipulieren: Samiel verführt, hetzt,
stachelt an, verhöhnt, reißt die Individuen
an ihrem Schulbewußtsein und treibt sie
zu Selbstopfern, wie Menschenopfern an.
Schwalbach hält alles schön in der Schwebe,
zeigt nie mit dem Finger auf ganz bestimmte
Begebenheiten, so kann es einen
jeden auf der Bühne, wie im identifi zie-
renden Publikum treffen. Samiel knutscht
die Menschen blutig, reißt ihnen die Kehle
heraus, läßt sie verbluten, wenn er sie
nicht braucht, das Böse kommt harmlos
daher; der Schauspieler Marco Wohlwend
brilliert mit hoher Konzentration in dieser
Hauptrolle des Abends.
Selten habe ich einen so spannenden
„Freischütz“ erlebt. Doch er hat auch
eine Gegenspielerin: Ännchen, die
ansonsten harmlose Soubrette hat sein
Spiel durchschaut und nimmt den
Kampf gegen seine Angstmanipulationen
auf, Dorothea Brandt weiß mit
Charme und feinem Sopran für sich
einzunehmen, auch wenn die Fiorituren
nicht ganz so geläufi g daherkommen,
in der Erzählung von der „sel’gen Base“
vermag sie die Situation umzukehren
und das Ende zum fi nalen C-Dur zu
zwingen, doch Samiel sitzt wieder auf
seinem Stuhl und wartet harmlos auf
seine nächste Gelegenheit.
Florian Frannek beginnt die Ouvertüre
mit langem Atem und läßt die
23

24
vorne Mitte: Banu Böke, Boris Leisenheimer, hinten: Chor- und Extrachor der Wuppertaler Bühnen
wunderbaren, melodischen Bögen weit
ausschwingen, das Sinfonieorchester
Wuppertal folgt sicher und konzentriert,
freilich mit den oft üblichen Nervositäten
in der Hörnergruppe. Doch zieht
Frannek in den Spannungsmomenten
den Ton dramatisch aufgerauht an,
folgt seinen Sängern auf ihrem Niveau,
vielleicht nicht immer seiner eigenen
interpretatorischen Absicht entlang. Der
von Jens Bingert sehr sicher einstudierte
Chor ist gut auf Ausdruck und Intention
getrimmt und arbeitet sinnvoll mit
leichten Klangverschärfungen. Banu
Böke, die ich eigentlich sehr schätze, hat
zumindest am Premierenabend nicht
ihre sonstige Form, gerade die große
Arie „Leise, leise fromme Weise“ gerät
ihr etwas kurzatmig und läßt leichte Höhenprobleme
erkennen, im Verlauf des
Abends fängt sich die Sängerin wieder
zu ihrer gewohnten Form hin.
Ausgezeichnet gefällt Niclas Oettermann
als Max, denn er vermag die lyrischen
Phrasen der Partie mit den dramatischen
Aufschwüngen gut zu verbinden und
überzeugt durch intensive Charakterisierung.
Etwas enttäuschend dagegen John
In Eichen als Kaspar, zwar beeindruckt
die brunnenvergiftende Tiefe, die er
weidlich auszureizen vermag, doch die
Höhe seines eher basslastigen Baritons
wird fahl und öfters lediglich angestreift.
Mit Thomas Laske als Fürst Ottokar
und Olaf Haye als Erbförster Kuno hat
Wuppertal zwei wunderbare Baritöne
seines Ensembles für die Partien zur
Verfügung. Martin Js.Ohu als Eremit
arbeitet sehr bewußt an seiner deutschen
Aussprache, stimmlich fehlt ein bißchen
das Balsamische für diese Rolle. Boris
Leisenheimer liefert als Kilian einen
stimmlich etwas verfehlten Saisoneinstand,
gefällt jedoch durch eindringliches
Spiel.
Am Ende großer Jubel für die musikalisch
Agierenden und viel Widerspruch
für das szenische Team, wobei da wohl
unterschiedliche Erwartungshaltungen
aufeinander gestoßen sind. Für meine
Begriffe ein sehr spannender, gelungener
und intelligenter „Freischütz“, freilich
nichts für Romantiker oder die erste Oper
für Kinder.
Martin Freitag
Fotos: Uwe Stratmann
Weitere Informationen:
www.wuppertaler-buehnen.de
Eine Übernahme mit freundlicher
Genehmigung von „Der Opernfreund“

Museum Ludwig Köln
Ausstellung David Hockney
bis 3. Februar 2013
Seine Swimmingpool-Paintings gehören zu
den populärsten Bildformeln der 1960er
Jahre. Als schillernde Figur des ‚Swinging
London' und Bildchronist eines coolen Californian
Way of Life wurde David Hockney
weltbekannt.
„The Sermon on the Mount II
(after Claude)“, 2010, Öl auf Leinwand
171,45 x 259,72 cm, © David Hockney
Photo Credit: Richard Schmidt
A Bigger Picture
Aber auch mit seinen einfühlsamen
Porträts, meisterhaften Stillleben oder
Lanschaftsgemälden, Fotocollagen, Bühnenbildern
und intelligenten Verarbeitungen
kunstgeschichtlicher Phänomene hat
er seit Jahrzehnten einen Platz unter den
bedeutendsten Künstlern der Gegenwart.
Dabei hält sein vielseitiges, enorm frisches
Werk immer wieder neue Überraschungen
bereit. Hatte Hockney bereits in Kalifornien
die Wahrnehmung des Raumes und
die Weite der Landschaft unter anderem
in Bildpanoramen des Grand Canyon
verarbeitet, so ist die Landschaftsmalerei
in den vergangenen Jahren geradezu ins
Zentrum seines Schaffens gerückt. Seit
seiner Heimkehr von Los Angeles ins
ländliche East Yorkshire, die sich bereits
1997 anbahnte und schließlich 2005 zu
Hockneys dauerhafter Übersiedlung in
den Küstenort Bridlington mit seinem von
Wäldern und Landwirtschaft bestimmten
Hinterland führte, schuf er eine Vielfalt
wunderbarer Landschaftbilder. Großenteils
direkt in der Natur gemalt, ermöglichen
sie die dem Betrachter einen unmittelbaren
Zugang, wobei sie gleichzeitig von
hoher malerischer Raffi nesse zeugen.
Parallel zur traditionellen Malerei experimentiert
Hockney seit einiger Zeit mit
Bildschirm-Zeichnungen. Mittels der
iPhone-App „Brushes„ entstanden zuerst
auf dem Touchscreen seines Smartphones
und mittlerweile auf seinem iPad
Bilder, die durch ihre starke Lebendigkeit
bestechen. Sowohl mit der ihnen eigenen
Leuchtkraft direkt auf den Screens als
auch in großformatigen Ausdrucken bilden
sie einen wesentlichen Bestandteil der
Ausstellung. Darüber hinaus widmet sich
Hockney der Landschaft neuerdings auch
in beeindruckenden Multi-Fokus-Filmen,
einer von Ihm entwickelten Aufnahmetechnik,
die in der Projektion auf neun
zusammenhängenden Monitoren ein
einzigartig intensives Seherlebnis bietet.
In ihrer Komplexität zeigt die Ausstellung
einen Künstler, der dem klassischen
Thema Landschaft auf souveräne Weise
neue Impulse verleiht, wobei in all diesen
Arbeiten eine tiefe Liebe zur sichtbaren
Welt und zur Schönheit der Dinge mitschwingt.
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„A Closer Winter Tunnel, February - March“, 2006, Öl auf 6 Leinwänden (je 91,44 x 122 cm), 182,88 x 365,76 cm
© David Hockney, Collection Art Gallery of New South Wales, Sydney, Photo Credit: Richard Schmidt
650.000 Besucher haben in der Londoner Royal Acadamy
die Ausstellung von David Hockney besucht, die
dort am 9. April zu Ende ging. Ab dem 27. Oktober
2012 bis zum 3. Februar 2013 wird die Ausstellung
nun im Museum Ludwig in Köln in veränderter Form
zu sehen sein. Ab sofort sind Tickets hierfür im Internet
unter www.koelnticket.de, über www.museum-ludwig.de
oder telefonisch unter 0221-2801 zu buchen.
Die Ausstellung wird unterstützt von Rolex.
Öffnungszeiten
Dienstag bis Sonntag:
10 – 18 Uhr
jeden ersten Donnerstag im Monat:
10 – 22 Uhr
www.museum-ludwig.de
Linke Seite:
„The Arrival of Spring in Woldgate, East Yorkshire
in 2011 - 2 January 2011!“ (1 Zeichnung aus einem
52 -teiligen Werk). IPad-Zeichnung/Papier,
144,14 x 107,95 cm, © David Hockney
„The Arrival of Spring in Woldgate, East Yorkshire in
2011- 12 April, No. 1“ (1 Zeichnung aus einem
52 -teiligen Werk), IPad-Zeichnung auf Papier
144,14 x 107,95 cm, © David Hockney
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„The Arrival of Spring in Woldgate, East Yorkshire in 2011“ Aus einem 52-teiligen Werk, Öl auf 32 Leinwänden, je 91,44 x 121,92 cm,
gesamt 65,76 x 975,36 cm, © David Hockney, Photo: Jonathan Wilkinson
„Winter Timber“, 2009, Öl auf 15 Leinwänden, je 91,44 x 121,92 cm, gesamt 274,32 x 609,60 cm,
© David Hockney, Photo: Jonathan Wilkinson
„Woldgate Woods, 21, 23 & 29 November 2006“, Öl auf 6 Leinwänden, je 91,44 x 121,92 cm, gesamt 182,88 x 365,76 cm,
© David Hockney, Photo: Richard Schmidt

Leben und Wirken David Hockneys Hockney wurde als viertes von fünf Kindern
als Sohn des Buchhalters Kenneth Hockney
und seiner Frau Laura geboren. Der Vater
war Hobbymaler und förderte die künstlerische
Begabung des Sohnes. Nach dem Besuch
der Bradford Grammar School schrieb
er sich 1959 am Royal College of Art in
London ein, wo er R. B. Kitaj kennenlernte.
Er wurde oft mit der Pop-Art in Verbindung
gebracht, er selbst verneinte dies jedoch stets.
Seine frühen Arbeiten zeigen auch expressionistische
Elemente und sind den Arbeiten
von Francis Bacon ähnlich. Gelegentlich,
wie etwa in We Two Boys Together Clinging
(1961), nach einem Gedicht von Walt Whitman
benannt, beziehen sich seine Arbeiten
auf seine Homosexualität.
David Hockney
„The Big Hawthorne“ 2008
Öl auf 9 Leinwänden, je 91,44 x 121,92 cm
274,32 x 365,76 cm, © David Hockney,
Photo Credit: Richard Schmidt
Später ließ sich Hockney in Kalifornien
nieder und malte eine Serie von Ölgemälden
von Swimmingpools in Los Angeles.
Diese haben einen realistischeren Stil und
verwenden leuchtende Farben. Er fertigte
auch Drucke, Porträts von Freunden und
Bühnenbilder für Glyndebourne, die Mailänder
Scala und die Metropolitan Opera in
New York City.
Er war Teilnehmer der 4. documenta in
Kassel im Jahr 1968 und auch auf der
documenta 6 im Jahr 1977 als Künstler
vertreten.
1974 war Hockney das Thema von Jack
Hazans Film A Bigger Splash (benannt
nach einem von Hockneys Swimmingpool-
Bildern aus dem Jahre 1967). Viele seiner
Werke fi nden sich jetzt in der alten Textilfabrik
Salts Mill in Saltaire, in der Nähe
von Bradford.
Ab dem Jahr 1976 schuf Hockney mit
der Mappe Twenty Photographic Pictures
fotografi sche Arbeiten und hatte mit dieser
Kunst Erfolg. Seine „Pictures“ setzte er
aus über 100 Polaroidbildern zu einer
Fotocollage zusammen. Weil diese Fotos aus
verschiedenen Perspektiven und zu etwas
unterschiedlichen Zeiten aufgenommen
wurden, erinnert das Ergebnis an kubistische
Gemälde. Einige dieser Werke stellen
Landschaften dar, andere sind Porträts.
Ein Beispiel dieser Schaffensphase ist eine
aus 63 Polaroids zusammengesetzte Komposition,
die die Schwestern Imogen und
Hermiane Cornwall-Jones zeigt.
Ab Mitte der 1980er Jahre wandte sich
Hockney wieder mehr der Malerei zu, die
Einfl üsse von Henri Matisse und Pablo
Picasso aufwies. Gleichzeitig schuf er mit
den neuen technischen Möglichkeiten die
Home Made Prints, Bilder aus dem
Farbkopierer, und übertrug Bilder mit
Faxgeräten.
Im Jahr 1991 wurde er in die
Royal Academy of Arts in London gewählt.
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Hommage in schmerzlich-komisch
Julia Penner führt Regie bei der
Uraufführung „Schiefergold“ über
und für Wuppertal
Schiefergold.
Grabungen von Chloë Cremer
Inszenierung: Julia Penner
Bühne und Kostüme: Monika Frenz
Video: Magdalena Sojka - Licht: Sina Kohn
Dramaturgie: Oliver Held
Fotos: Uwe Stratmann
Besetzung: Vera / Petra Friemelt
Baustadträtin / Dr. Annette Pruss
CDU- Oppositionsführerin: Sina Ebell
Wolf-Christoph / Sebastian Kunert
Architekt / Dr. Martin Halter
PR-Berater: Gregor Henze
Horst / Gerhard Klaassen
Bürgermeister / Dr. Dirk Boltz
PR-Berater: Holger Kraft
Lieselotte / Isabelle Willing
Investorin / Rachel Goldfarb
kalifornische Rentnerin:
Silvia Munzón López.
Der Tapir ist ein tristes Tier. So manches
Mal schon waren ja zuletzt in mehr oder
weniger lustigen Stücken der Wuppertaler
Bühnen Tiere zu sehen: Ein paar
Schweinchen gab’s mal im Kleinen
Schauspielhaus, einen Elch bei Marius
von Mayenburg, und selbst durch Tschechows
„Kirschgarten“ ließ man einen
konfusen Bären trotten. Fleisch gewordene
Verfremdungen, könnte man wohl
sagen. Oder Fell gewordene. Aber: Nadja
ist doch ganz anders. Nadja kommt in
der ersten Inszenierung dieser Spielzeit
im Schauspielhaus vor: der Uraufführung
„Schiefergold“ von Chloë Cremer. Und
sie ist weder verkleideter Schauspieler
noch mutmaßlich Expertin für Verfremdung,
sondern eine quicklebendige
Tapirdame im Duisburger Zoo, die per
Video am Stück teilnimmt. Soweit man
denn bei einem so gemütvollen Wesen
wie einem Tapir von „quicklebendig“
sprechen kann. Lange Rede, kurzer Sinn:
Anders als manch anderes Stück mit
Tier im Team ist „Schiefergold“ in der
Inszenierung von Julia Penner, obwohl
vorne: Holger Kraft, hinten v.l.n.r. Gregor Henze, Sina Ebell, Silvia Munzón López
voll Ironie und erheblich unterhaltsam,
eigentlich etwas Tieftrauriges.
Das Spielzeitheft untertitelt „Schiefergold“
mit „Bergische Grabungen“, gefolgt
von einem wirklich guten Text über eine
lokale Mentalität, die den Reiz des Verfallenen
schätzt und den „Schmutz als Patina“
wahrnimmt. Nun ist dies aber nicht
das Hauptthema des Stücks, das damit ja
eigentlich angekündigt wird. „Schiefergold“
erzählt von Kultur, konkret: einem
Altbau mit historischem Mosaik eines
kommunistischen Künstlers, die durch
Kommerz bedroht wird, konkret: durch
Abrißpläne mit dem Ziel, an derselben
Stelle eine Beauty-Klinik zu errichten.
In dem Gebäude hausen aber seit Jahren
eine Handvoll gealterter Kommunarden,
die sich weigern zu gehen: Bremsen
als Revolution mit anderen Mitteln,
nachdem die eigentliche gescheitert ist.
Eine spannende Geschichte – aber mit
bergischen Mentalitäten hat sie wenig
zu tun. Mit am meisten Lokalkolorit
bringt noch eben der Tapir ein, der bei

einer mißglückten Werbeaktion aus der
städtischen „Seilbahn“ springt: Nadja als
Tuffi -Wiedergänger.
Viel mehr geht es heute Abend um
überlebte Ideen, um überlebte Menschen:
Mitbewohnerin Lieselotte war früher
vielleicht eine Art Uschi Obermaier;
heute sinniert sie, wie sie sich den Blick
auf ihr eigenes Alter wünscht: „Als Teil
meiner aparten Persönlichkeit.“ Klar und
ernst spielt sie Silvia Munzón López, und
Ähnliches gilt für so schmerzlich-komische
Sätze wie: „Ich möchte so weinen,
wie es hier manchmal regnet.“ Wolf-
Christoph (Gregor Henze) hatte mal
was mit Lieselotte, ist jetzt aber mit Vera
zusammen (Sina Ebell, die ansonsten eine
Sternstunde hat als depressive Baustadträtin
Friemelt). Er verbringt die meiste Zeit
damit, der verunglückten DDR nachzutrauern,
zu klagen über den „Verrat an
einer fabelhaften Idee“. Fast penetrant
klingen seine Worte nach den Sprüchen
der Vätergeneration, von denen sich abzugrenzen
ja das eigene Lebensthema war:
v.l.n.r. Holger Kraft, Silvia Munzón López, Gregor Henze
„Wir haben diese Stadt wieder aufgebaut.
Weißt du noch?“ Lacher. Aber eigentlich
ist auch das ja schrecklich traurig.
Nicht eben optimistisch stimmen
schließlich auch die Intrigen in der Politik:
Holger Kraft als Bürgermeister mit
Macho-Macher-Charisma, dem man gar
nicht anders kann als Beifall zu klatschen,
als er Richtung Publikum für sein Projekt
agitiert: für „die modernste und“, klar,
„sozialste Schönheitsklinik in der ganzen
Region“ – er ist Sozialdemokrat. Und die
Bürgerliche Dr. Annette Pruss (nochmals
Ebell), die ihren Rivalen trickreich zu
dem Coup überredet, der ihn am Ende
das Amt kosten wird: „Etwas Schweres“
solle auf das historische Mosaik auf dem
Gelände fallen und damit ein Haupthindernis
für den Abriß beiseite räumen.
Etwas Schweres, das heißt: Nadja.
Machtgeile Politiker und Alt-Idealisten,
die sich in Nostalgie vergraben: Speziell
bergisch sind sie nicht, diese Grabungen.
Anrührend dafür umso mehr, klug und
treffend auch. Wenn man all dies aber
fast als Liebeserklärung versteht, wie
Regisseurin Julia Penner, die aus Wuppertal
stammt und vor der Premiere eigens
betont hat, daß ihre Heimat „hundertprozentig
Cronenberg“ ist: Soviel Tristesse
fi nden und es so positiv sehen, ist vielleicht
wirklich typisch Wuppertal.
Martin Hagemeyer
19. 1. 2013 20:00 Uhr
//// Kleines Schauspielhaus
Weitere Informationen
www.wuppertaler-buehnen.de
31

32
Munch, Matisse
und die Expressionisten
Noch bis zum 13. Januar 2013 im
Essener Museum Folkwang
Max Pechstein
Sitzendes Mädchen / Sitzender weiblicher
Akt, 1910, Staatliche Museen zu Berlin,
Nationalgalerie
© 2012 Pechstein, Hamburg/Tükendorf
© Foto: Staatliche Museen zu Berlin,
Nationalgalerie, Roman März
Im Farbenrausch
Das Museum Folkwang widmet einem
der spannendsten Kapitel der Malerei des
frühen 20. Jahrhunderts eine große Sonderausstellung.
Durch die bewährte und
enge Kooperation mit der ebenfalls in Essen
beheimateten RWE AG, die mit dem
überzeugenden Vorfi nanzierungskonzept
das Museum Folkwang als exklusiver
Sponsor tatkräftig unterstützt, konnte
diese Ausstellung realisiert werden.
Diese Schau stellt erstmals den Norweger
Edvard Munch und die „Fauves“, die sogenannten
„Wilden“ in der französischen
Kunst – Henri Matisse, André Derain,
Maurice de Vlaminck – , den Expressionisten
in Deutschland wie Ernst Ludwig
Kirchner, Erich Heckel, Alexej von
Jawlensky, Wassily Kandinsky, Gabriele
Münter und Franz Marc gegenüber. Es
werden über 150 Gemälde und Skulpturen
präsentiert, von denen einige selten
oder bisher noch nie öffentlich gezeigt
worden sind. In elf Kapiteln beleuchtet
die Ausstellung den neuen Umgang mit
und die veränderte Bedeutung von Farbe.
Ausgehend von den „Wegbereitern der
Moderne“ – Paul Cézanne, Vincent van
Gogh, Paul Gauguin und Paul Signac –
präsentiert Im Farbenrausch wie die junge
Künstlergeneration in Frankreich und
Deutschland zwischen 1905 und 1911
die Malerei endgültig von der Abbildung
der Natur befreiten und durch ihren
neuartigen Einsatz der Farbe einen revolutionären
Malstil kreierten.
In der Ausstellung wird deutlich wie
sowohl die Künstler der „Brücke“ mit Heckel,
Kirchner, Hermann Max Pechstein
und Karl Schmidt-Rottluff in Dresden als
auch die Gruppe der „Murnauer“ Kandinsky,
Münter, Jawlensky und Marianne
von Werefkin aufmerksam die neuen Entwicklungen
in der Malerei verfolgten und
diese zum Ausgangspunkt ihres eigenen
revolutionären Schaffens machten.

Die von Mario-Andreas von Lüttichau
und Sandra Gianfreda kuratierte Schau
Im Farbenrausch ist unmittelbar mit
der Geschichte des Museum Folkwang
verbunden. Das 1902 von dem Sammler
und Mäzen Karl Ernst Osthaus in Hagen
eröffnete Folkwang Museum, hat bereits
früh Munch, Matisse, Braque, die Maler
der „Brücke“, sowie Kandinsky, Jawlensky
und Marc gefördert, ausgestellt und
gesammelt. Dieses frühe Engagement des
Museums für die avantgardistische Kunst
ist nun Ausgangspunkt, um diese prägende
Zeit und den Dialog zwischen den
Künstlern in schlagenden Gegenüberstellungen
neu zu erschließen.
Professor Ute Eskildsen, Interimsdirektorin
des Museum Folkwang: „Es ist eine
sehr beeindruckende Erfahrung, diese
großartige Schau im Neubau von David
Chipperfi eld zu erleben. Eine derartige
Konzentration auf die „Fauves“ und die
deutschen Expressionisten unter beson-
derer Beachtung von Munch ist bislang
weltweit nicht gezeigt worden. Bezogen
auf die kurze, aber wesentliche Zeitspanne
von 1905 bis 1911 richtet die Ausstellung
den Blick auf eine bahnbrechende Epoche
und veranschaulicht die vielfältige und
fruchtbare Rezeption des Norwegers und
der Franzosen in der deutschen Malerei
jener Zeit.“
Volker Heck, Leiter der RWE Konzernkommunikation,
erläutert das Engagement
wie folgt: „Für RWE sind gesellschaftliche
und regionale Verantwortung
von großer Bedeutung. Uns verbindet
aber auch viel mit den „Fauves“ und den
Expressionisten, die eine Kunstrichtung
geprägt haben, die vor Energie nur so
sprüht. Das tun wir in gewisser Hinsicht
ja auch. Auch das hat uns motiviert,
unsere langjährige Partnerschaft mit dem
Museum Folkwang um ein besonderes
Highlight zu bereichern.
Öffnungszeiten Sonderausstellung
Di – So 10 Uhr – 20 Uhr, Fr 10 Uhr –
22.30 Uhr, montags geschlossen
Museumsplatz 1, 45128 Essen,
Telefon 201 8845 444/000,
www.museum-folkwang.de
André Derain, Vue de Collioure, 1905,
Collioure. Das Dorf und das Meer
Museum Folkwang, Essen
© VG Bild-Kunst, 2011
© Foto: Museum Folkwang, 2011
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Textauszug aus dem Katalog zur
Ausstellung
Die Ausstellung Im Farbenrausch – Munch,
Matisse und die Expressionisten konzentriert
sich auf die Entstehung des Fauvismus
und die Entwicklung des Expressionismus
in Deutschland von 1905 bis 1911.
Im Vordergrund stehen auf französischer
Seite Henri Matisse, André Derain und
Maurice de Vlaminck, die innerhalb dreier
Jahre die Malerei endgültig vom Naturabbild
befreiten und durch ihren neuartigen
Einsatz der Farbe einen revolutionären
Malstil kreierten. Im Farbenrausch untersucht,
wie diese neue Malerei in den Jahren
bis 1911 von den Künstlerinnen und
Künstlern in Deutschland rezipiert wurde
– insbesondere von Erich Heckel, Ernst
Ludwig Kirchner, Max Pechstein und Karl
Schmidt-Rottluff in Dresden, von Alexej
von Jawlensky, Wassily Kandinsky, Gabriele
Münter und Marianne von Werefkin in
München respektive Murnau sowie von
Franz Marc und August Macke.
Das Jahr 1905 ist für die Malerei in Frankreich
wie auch in Deutschland von besonderer
Bedeutung: In jenem Jahr verbrachten
Matisse und Derain den Sommer im
südfranzösischen Fischerdorf Collioure. Im
südlichen Licht malten die beiden Freunde
mit breiten, locker gesetzten Pinselzügen,
in leuchtenden, ungemischten Farben vereinfachte
Ansichten des Hafens und Blicke
von einer Anhöhe auf das kleine Dorf. Der
mit Derain befreundete Vlaminck wählte
währenddessen Motive in den Vororten von
Paris:
Dorfszenen, hügelige Landschaften und
Dampfer auf der Seine. Teilweise noch
unter dem Eindruck der Malerei Vincent
van Goghs und Paul Signacs befreiten sich
Matisse und seine Künstlerkollegen von
dem in Frankreich noch vorherrschenden
Postimpressionismus und entwickelten
ihren innovativen Stil. Den innovativen
Umgang ihrer künstlerischen Väter mit der
Farbe steigerte die junge Künstlergeneration
zu einer „Orgie der reinen Farbtöne“ – so
zumindest beschrieb der Kritiker Louis
Vauxcelles deren Werke, die 1905 im Salon
d’Automne ausgestellt waren, und nannte
diese jungen Maler zunächst abschätzig
„Fauves“ („wilde Tiere“).
Im gleichen Jahr 1905 gründeten Heckel,
Georges Braque
Paysage à l'Estaque / Landschaft bei
L'Estaque, 1906
Öl auf Leinwand, 51 x 60 cm
New Orleans Museum of Art

Kirchner, Schmidt-Rottluff und Fritz Bleyl
in Dresden die Künstlergemeinschaft
„Brücke“ mit dem Ziel, eine Alternative zur
malerischen Tradition zu suchen und neue
Möglichkeiten künstlerischen Gestaltens
aufzuspüren. Ihr schlossen sich 1906 Max
Pechstein und Emil Nolde an. Auch die
„Brücke“-Künstler entwickelten ausgehend
von den Wegbereitern der Moderne – Paul
Cézanne, Vincent van Gogh und Paul
Gauguin – ihren spontanen, unverwechselbaren
Malstil, der die subjektive Empfi ndung
vor dem Motiv ins Zentrum stellt.
Prägend für ihre Entwicklung war zudem
ihre direkte Auseinandersetzung mit der
Kunst der jungen Franzosen, die sie zu
Ausstellungen nach Deutschland einluden,
aber auch Edvard Munch spielte für sie eine
zentrale Rolle ab 1907/1908. Der Norweger
hielt sich wiederholt in Berlin, Ham-
burg, Dresden und Chemnitz auf, wo seine
Gemälde und grafi schen Werke gezeigt
wurden. Über den Sammler Gustav
Schiefl er, der das Werkverzeichnis von
Munchs Grafi k herausgab, traten Heckel
und Nolde 1907 in direkten Kontakt mit
Munch. Doch trotz der Bemühungen der
„Brücke“, ihn zur Teilnahme an ihren
Ausstellungen zu bewegen, kam es nie zu
einem gemeinsamen Auftritt. Zur gleichen
Zeit begegneten sich mit Jawlensky,
Kandinsky, Münter und Werefkin
Gleichgesinnte in München, die sich nach
längeren Aufenthalten in Italien und
Frankreich seit Herbst 1908 regelmäßig im
oberbayerischen Murnau zum Malen
trafen. Von Jawlensky ermuntert, näherten
sie sich der neuen französischen Malerei an
und änderten alsbald grundlegend ihren
Blick auf die Natur. Marianne von
Werefkin setzte sich zudem mit Munchs
Bildwelt auseinander. Gemeinsam lösten
auch sie die Farbe zunehmend vom
Gegenstand und machten sie zu einem
eigenständigen Gestaltungselement: Mit
roten Bäumen, blauen Bergen und gelben
Wiesen steigerten diese Künstler die
Landschaften zu spektakulären Motiven,
getragen von einer in höchstem Maße
subjektiven Wahrnehmung. Die Expressionisten
entwickelten eine neue Ästhetik,
indem sie Linien, Farben und Flächen zu
bildprägenden Formen zusammenfügten,
die Farben vom Lokalton lösten, die
Erich Heckel
Spaziergänger am Grunewaldsee, 1911
Museum Folkwang, Essen
© Nachlaß Erich Heckel, Hemmenhofen
© Foto: Museum Folkwang, 2011
35

Hermann Max Pechstein
Flusslandschaft, um 1907
Museum Folkwang, Essen
© Alexander Pechstein, Dobersdorf-
Tökendorf
© Foto: Museum Folkwang, 2011
Edvard Munch
Sittende akt på sengen, 1902
Sitzender Akt auf dem Bett (Mädchenakt
auf dem Bett sitzend), Staatsgalerie Stuttgart,
The Munch Museum / The Munch
Ellingsen Group / VG Bild-Kunst, Bonn
2012, Foto: Staatsgalerie Stuttgart
Proportionen missachteten, alle Kompositionselemente
gleichwertig behandelten und
die Wiedergabe des Gesehenen mit einer
zunehmenden Abstraktion verbanden.
Nicht zuletzt aufgrund ihres Blickes nach
Frankreich und auf Munchs Werk
entwickelten diese Künstler bis 1911 den
Expressionismus zu einer eigenständigen,
unverwechselbaren Bildsprache – eine der
bedeutendsten Leistungen der Moderne in
Deutschland. Als solche feierte er 1912
anlässlich der Internationalen Kunstausstellung
des Sonderbundes westdeutscher
Kunstfreunde und Künstler in Köln seinen
ersten öffentlichen Triumph. Mit der
Ausstellung und mit dem begleitenden
Katalog Im Farbenrausch zeichnen wir
diesen Wandel des Malstils in Frankreich
und etwas zeitversetzt in Deutschland nach.
Unser Augenmerk richtet sich dabei auf
den neuartigen Umgang mit der Farbe und
dessen Folgen: wie sie sich zunehmend von
ihrer naturabbildenden Funktion löst, der
Linie als Gestaltungselement übergeordnet
und zum Ausdrucksträger inneren Erlebens
wird. In der direkten Gegenüberstellung
ausgewählter Werke wird deutlich, wie nahe
sich die hier vertretenen Künstler in der
Bildauffassung waren, aber auch wie
unterschiedlich ihre Herangehensweise war.
Die Fauves defi nierten das Verhältnis
zwischen Natur und Kunst neu, indem sie
den Bildraum aus dem kraftvollen
Zusammenwirken der Farben entstehen
ließen. Sie lehnten das Festhalten der
fl üchtigen Erscheinung des Motivs, wie bei
den Impressionisten, ab und strebten
stattdessen nach dem beständigen Charakter
der Dinge. Die Künstler der „Brücke“
gestanden sich in ihrem Programm von
1906 weitere Freiheiten zu, wonach jeder
„unmittelbar und unverfälscht“ das
wiedergeben solle, „was ihn zum Schaffen
drängt“. Dabei stand für sie die Spontaneität
im Malakt an vorderster Stelle. Kandinsky
hingegen forderte im Gründungszirkular
37

38
der „Neuen Künstlervereinigung München“
im Januar 1909, nach künstlerischen
Formen zu suchen, die „von allem
Nebensächlichen befreit sein müssen, um
nur das Notwendige stark zum Ausdruck
zu bringen – kurz, das Streben nach
künstlerischer Synthese“. In der Wahl ihrer
Motive blieben all diese Künstler zwar den
traditionellen Gattungen verpfl ichtet, sie
befreiten sie jedoch von den akademischen
Konventionen. So begegnen wir bei
Braque, Derain, Matisse, Manguin und
Vlaminck vorwiegend Landschaften,
Ansichten von Collioure, Chatou oder
L’Estaque, bei van Dongen vermehrt
Porträts und Aktdarstellungen; Matisse und
Vlaminck malten an Farben und Gegenständen
überbordende Stillleben; das
klassische Thema des Aktes in der Landschaft
wurde von Matisse radikal erneuert.
Die Dresdener Malerfreunde malten neben
Landschaften vorwiegend nackte Modelle
in ihren Wohnräumen, die sie zugleich als
Ateliers nutzten (möbliert mit von ihnen
selbst geschaffenen Möbeln und Gegenständen),
oder sie hielten ihr unbekümmertes,
zügelloses Dasein in der Seenlandschaft
um Dresden malerisch fest. Während das
Stillleben von ihnen vernachlässigt wurde,
spielte es für Jawlensky, Münter und Macke
eine wichtige Rolle. Für die in Oberbayern
arbeitenden Maler bildete die Landschaft
das zentrale Motiv, wohingegen man
Badende bei ihnen vergeblich sucht. Das
Motiv der Dame mit Hut wiederum hat
alle Künstler gleichermaßen begeistert, seit
Matisse sein berühmt gewordenes Gemälde
Frau mit Hut – das leider aufgrund einer
testamentarischen Verfügung nicht an
Ausstellungen verliehen werden kann –
1905 im Salon d’Automne ausgestellt und
damit einen großen Skandal ausgelöst
hatte. Bezogen auf diese Zeit sprach der
Berliner Kunsthistoriker und Museumsgründer
Eberhard Roters 1988 in seinem
Aufsatz Ausstellungen, die Epoche machten
treffend von „farbensprühenden Bildern“,
die nun eingezogen seien „in gepfl egte
Räume“. Im Blick hatte er die hierzulande
bisweilen sehr engagierten Galeristen und
Direktoren von Kunstvereinen, aber auch
die Privatsammler, in deren Häusern die
neuen Bilder auf Tapeten im Dekor des
ausgehenden 19. Jahrhunderts hingen, „in
einer Atmosphäre bürgerlicher Wohlanständigkeit“.
In den Museen dagegen fanden
die Werke der Franzosen und der deutschen
Expressionisten zunächst nur sehr selten
Berücksichtigung – mit Ausnahme des
Museum Folkwang eigentlich in keinem.
Osthaus hatte sich in den ersten Jahren
nach der Gründung der Museums nahezu
ausschließlich für zeitgenössische Künstler
aus Frankreich und Belgien interessiert.
Henry van de Velde, der nicht nur die
Innenausstattung des Hagener Museumsbaus,
sondern auch das private Wohnhaus
des Sammlers entworfen hatte, führte
Osthaus bei den Kunsthändlern Ambroise
Vollard in Paris und Paul Cassirer in Berlin
ein. „In weniger als einem Jahr hatte er
Werke von Monet, Renoir, Seurat, Signac,
Cross, van Gogh, Gauguin und Skulpturen
von Minne, Rodin und Constantin
Meunier erworben“, schrieb van de Velde
in seinen Erinnerungen. August Macke
bestätigte diese Darstellung, als er Ende
Mai 1908 erstmals nach Hagen kam und
von dort am 1. Juni dem Sammler
Bernhard Koehler nach Berlin berichtete:
„Es ist eine ausgewählt schöne Sammlung,
wie sie wohl selten zusammenkommt. Er
(Osthaus, d.V.) hat nicht nur die besten
Modernen, auch alte Sachen, viel Ägyptisches,
Griechisches, Indisches, Gotisches
und Italienisches. Wir waren ganz jeck, wie
man hier sagt.“ Erstaunlich ist, dass Macke
die „besten Modernen“ nicht namentlich
nennt. Denn bei seinem Besuch konnte er
auch drei Gemälde von Matisse entdecken,
etwa das in Collioure gemalte Stillleben mit
Affodillen, das erste Werk des Franzosen in
einem Museum, das der Sammler im
Oktober 1907 bei Bernheim-Jeune
erworben hatte. Im Dezember 1907
widmete das Folkwang Matisse eine
Einzelausstellung mit sieben Gemälden. Im
Februar 1908 erwarb Osthaus Die
Uferpartie (heute im Kunstmuseum Basel)
und noch im Frühjahr desselben Jahres
gelangte Badende mit Schildkröte (heute
im Saint Louis Museum of Art) in die
Hagener Sammlung. Abgesehen von
Arbeiten auf Papier und ebenfalls 1908
gestalteten Kacheln, die in einer Wand im
privaten Haus Hohenhof eingelassen
wurden, konnte sich Osthaus noch
Franz Marc, Pferd in Landschaft, 1910,
Museum Folkwang, Essen

Matisses unglasierte Terrakotta Liegender
Akt sichern (heute Statens Museum for
Kunst, Kopenhagen), die 1907 den
Ausgangspunkt für Blauer Akt darstellte,
eines der programmatischen Bilder des
Künstlers. In derselben Zeit erwarb
Osthaus auch Der Hafen von L’Estaque
(heute Stiftung Sammlung E.G. Bührle,
Zürich) aus Braques fauvistischer Phase
und Kees van Dongens Porträt der
japanischen Tänzerin Sada Yacco (1945
zerstört).
Zu den Künstlern, deren Werke ebenfalls
sehr früh Aufnahme in die Osthaus´sche
Sammlung fanden, gehörte Edvard Munch.
Bereits im Sommer 1903 soll sich das
Gemälde Winter in Nordstrand (heute
in Privatbesitz) im Hagener Museum befunden
haben. 1906 richtete das Museum
Folkwang Munch eine Ausstellung aus und
im Bestandskatalog der Sammlung von
1912 sind bereits sechzehn grafi sche Blätter
verzeichnet.
Als große Bewunderer der Hagener
Sammlung erwiesen sich die „Brücke“-
Künstler. Schon 1906 begann der Briefwechsel
zwischen Dresden und Hagen im
Hinblick auf eine Ausstellungsmöglichkeit
der „Brücke“. Für Heckel bedeutete das
Folkwang-Museum eine „moderne und
für uns mustergültige Einrichtung“ und
er fühlte sich geehrt, „in diesen schönen
Räumen des ersten und vorläufi g noch
einzigen modernen Museums, (…) eine
Ausstellung unserer Werke veranstalten zu
können“, wie er in seinem Brief an Osthaus
vom 3. Dezember 1906 schrieb. Im Juni
1907 fand die erste Gruppenausstellung der
Dresdener Künstler in Hagen statt, im Juni
1910 eine weitere Präsentation. Im Vorfeld
dieser Eröffnung setzte wohl August Kuth,
Assistent am Folkwang, in der Rheinisch-
Westfälischen Zeitung vom 5. Juni 1910
einen Pressetext ab und schwärmte darin
für die Künstler der „Brücke“ und deren
Ziele: „Unsere Juni-Ausstellung steht ganz
im Zeichen des Sturmes und Dranges.
Junge Künstler, denen die Berliner Sezession
nicht mehr zusagte, schlossen sich zur
‚Brücke‘ zusammen.
War’s gekränkter Künstlerstolz, war’s das
klare Bewußtsein eigenen Wertes – auf
jeden Fall wollten sie frei sein vom bloßen
Epigonentum, wollten auf eigenen Füßen
stehen (…). Selbst wer im impressionistischen
Sehen geübt ist, wer das sprühende
Leben pointillistischer Darstellung erfaßt,
wird hier Geduld haben müssen, wenn
diese Bilder zu ihm sprechen sollen.“ Und
weiter schrieb Kuth von der „Leuchtkraft“
klarer Farben, von „komplementärfarbigen
Schatten“, „grandiose(r) Farbenglut“ sowie
der Entwicklung des Bildes aus wenigen,
aber wesentlichen Farbfl ächen: „Und die
Farbe ist’s hier, die auch das innere Erlebnis
der Künstlerseele widerspiegelt.“ Inneres
Erleben und äußerer Eindruck sind nach
Osthaus’ Auffassung in „harmonischem
Farbakkord“ in Einklang gebracht.
Nach diesen euphorischen wie authentischen
Worten erstaunt es, dass der Sammler
Osthaus nicht sofort Arbeiten aller
„Brücke“-Künstler für seine Sammlung erwarb,
sondern sich zunächst ausschließlich
um Nolde bemühte. Dessen leuchtende
Farbwelten sollte Osthaus bis 1912 durch
zahlreiche Ankäufe anerkennen und – wie
die Werke der anderen „Brücke“-Künstler
auch – in Ausstellungen vermitteln, etwa
in diejenigen des „Sonderbundes westdeutscher
Künstler“, für den sich Osthaus
nachhaltig einsetzte.
Auch Kandinsky, Macke, Marc und
Münter, die Künstler der „Neuen Künstlervereinigung
München“ und des daraus
hervorgegangenen „Blauen Reiter“, waren
seit 1909 in Kontakt mit dem Hagener
Folkwang-Museum und präsentierten ihre
Werke in unterschiedlicher Zusammensetzung
in vier Ausstellungen. Im Jahr
1912 machte „Der Blaue Reiter“ auf seiner
Deutschlandtournee in Hagen Station und
wetteiferte dort in seiner programmatischen
Vielfalt der künstlerischen Ausdrucksmittel
mit der Folkwang-Sammlung. Die
Industriestadt Hagen war zu jener Zeit die
Begegnungsstätte für Avantgarde-Kunst
und das Museum Folkwang schon vor
hundert Jahren bildlich gesprochen „im
Farbenrausch“!
Das Osthaus’sche Erbe ging mit dem
Erwerb der Folkwang-Sammlung 1922 an
Ernst Gosebruch, den damaligen Direktor
des Kunstmuseums Essen, über. Dieser
erfüllte mit der Zusammenführung der
beiden Sammlungen in Essen nicht nur
das Vermächtnis, sondern entwickelte die
Sammlung höchst museal und im Sinne
der Weltkunst weiter. Außerdem erwarb er
sowohl Werke der „Brücke“-Künstler als
auch der französischen Maler, besonders
Derains.
Mit der Machtergreifung der Nationalsozialisten
verlor das Museum – das von
dem amerikanischen Kunsthistoriker Paul
J. Sachs 1932 als „schönstes Museum der
Welt“ bezeichnet worden war – seine führende
Rolle als Haus der Moderne. Die Beschlagnahmeaktion
„Entartete Kunst“ von
1937 beraubte das Museum seiner nach
1910 entstandenen Werke der Avantgarde.
Von der Osthaus’schen Sammlung blieben
die Wegbereiter der Moderne erhalten und
auch das Stillleben mit Affodillen von Matisse.
Alle anderen Werke, insgesamt rund
1400 Arbeiten, allen voran diejenigen von
Heckel, Kirchner, Schmidt-Rottluff, Kandinsky,
Nolde und Marc, gingen für das
Museum unwiederbringlich verloren. Nach
1945 gelang es den Museumsdirektoren,
die erlittenen Verluste mit wichtigen Neuerwerbungen
– darunter auch Rückkäufen
von 1937 beschlagnahmten Bildern – zu
mildern. Darauf aufbauend können bis
heute unter glücklichen Umständen Werke
der für das Museum und seine Sammlungsgeschichte
so wichtigen Künstler erworben
werden. Hundert Jahre nach dem zehnjährigen
Museumsjubiläum 1912 in Hagen
sind damit die Voraussetzungen gegeben,
eine großartige Ausstellung zu zeigen zu einem
Thema, das Osthaus einst mit seinem
ebenso innovativen wie kreativen Sammeln
in den Blick genommen hatte: eine Gegenüberstellung
avantgardistischer Malerei aus
Frankreich und Deutschland.
Museum Folkwang
Museumsplatz 1, 45128 Essen
Telefon: 0201 88-45444
Fax: 0201 88-45330
www.museum-folkwang.essen.de
www.museum-folkwang.de
Öffnungszeiten:
Di – So 10 – 20 Uhr, Fr 10 – 22.30 Uhr
Montags, Heiligabend und Silvester
geschlossen.
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40
Nachklänge
zur Musikreihe Klangart
Peter Kowald, der große Beweger des
euro päischen Free Jazz und der Freien
Improvisierten Musik hat einmal den schönen
Satz gesagt: „Music is an open sky.“
So weit wie in diesem Jahr war der Himmel
über dem Skulpturenpark Tony Craggs noch nie.
Doch beginnen wir den Rückblick mit einem
ganz besonderen Erlebnis.
Magische und intensive Momente

42
Hazmat Modine
Michel Alibo (Squeezeband)
Unvergesslich für den, der es miterleben
durfte, war der Gesang Ana Mouras, der
unmittelbar unter die Haut und direkt ins
Herz ging. Von all den Protagonistinnen,
die auf der Renaissance-Welle des Fado
surfen, erinnert ihre Stimme am stärksten
an die Amalia Rodrigues‘, der ungekrönten
Königin des portugiesischen Blues, eines
musikalischen Stils, dessen Ursprünge im
zwielichtigen Milieu Coimbras und Lissabons
des 19. Jahrhundert lagen. Fado ist
der musikalische Ausdruck eines melancholischen
Lebensgefühls und eines Weltwissens
um die Vergänglich- und Vergeblichkeit
allen menschlichen Strebens. Niemand
konnte dieses Gefühl so ausdrücken wie
Amalia Rodrigues, in deren Stimme sich
eine gewisse schneidend-klagende Schärfe
mit großer Wärme zu einem unnachahmlichen
Klang vereinte. Unnachahmlich? Ana
Moura interpretiert den Fado auf eine sehr
traditionelle Art, aber in ihrem musikalischen
Ausdruck kommt sie der großen
alten Dame des Fado sehr, sehr nahe.
Fado trifft auf Rock
An jenem 14. Juli, an dem Ana Moura
in Wuppertal auftreten sollte, hatten
sich Regengüsse nahezu apokalyptischen
Ausmaßes über der Schwebebahnstadt
ergossen, die Veranstalter waren nervös;
würde das Konzert im Wortsinne
ins Wasser fallen? Doch pünktlich zu
Jasper van’t Hof (Pili Pili)
Tutu Puoane (Pili Pili)
Konzertbeginn hatte der Himmel über
Wuppertal ein Einsehen. Belohnt wurden
die zahlreichen Zuschauer, die sich durch
das Wetter nicht hatten abschrecken
lassen, durch ein großartiges Konzert. So
war es auch den Rolling Stones gegangen,
als sie Ana Moura bei einem Gastspiel in
Lissabon kennenlernten. Mick Jagger holte
Ana auf die Bühne und sang mit ihr im
Duett. Seitdem hat die Portugiesin zwei
Titel der Stones im Repertoire, von denen
sie im Skulpturenpark einen präsentierte:
die melancholische Stones-Ballade „No
Expectations“ fügte sich als ein funkelndes
Juwel in die Perlenkette ihrer Fado-Lieder.

Volker Goetze und Ablaye Cissoko
Chiwoniso Mareire
Wer nach dem Konzert nach Hause
fuhr, die Lieder und Stimmung des Parks
noch nachschmeckend, -spürend, sah, wie
am Abend jenes Julitages die Sonne ganz
unvermittelt durch das Dunkel brach und
einzelne blaue Flecken sich am Himmel
zeigten. Die Straßen dampften, die Bäume
leuchteten in einem surreal strahlenden
Grün, die Ziegel von alten Fabriken waren
von einem glühenden Karmesin. Und über
der Stadt stand im geschlossenen Halbkreis
vor grauer Regenwand ein leuchtender
Regenbogen, der noch einmal von einem
etwas schwächeren umschlossen wurde.
Schaut man von diesem Fado-Konzert aus
auf den ganzen Reigen der diesjährigen
Musikreihe Klangart, sieht man, wie weit
der musikalische Bogen diesmal gespannt
wurde: vom Blues über den Jazz in seinen
unterschiedlichsten Spielarten bis hin zum
Hiphop, vom Fado bis hin zum Klezmer
aus dem multikulturellen New York. Eine
bunte Mischung, ein Potpourri aus Jazz
und sogenannter Weltmusik. Ist in solcher
Vielheit noch eine Einheit erkennbar?
Für den Künstlerischen Leiter E. Dieter
Fränzel ist das entscheidende Kriterium,
„dass die Musik in ihrer Qualität,
Ausstrahlung und Anmutung zum Ort
und zu den dort ausgestellten Exponaten
passt.“ Ein philosophischer Wink zum
Verständnis des Konzepts könnte auch das
Motto sein, unter dem die Musikreihe in
diesem Jahr stand, ein Satz des russischen
Malers, Architekten und Photographen,
Urahn des Konstruktivismus, Alexander
Michailowitsch Rodtschenko: „Es ist
der Rhythmus, der im wesentlichen die
Struktur bestimmt, und alle räumlichen
Relationen sind ihm unterworfen.“ Doch
wahrscheinlich sind es hier eher die
räumlichen Relationen, denen sich die
(musikalischen) Rhythmen unterwerfen…
Back to the roots
Ein deutlich erkennbarer Schwerpunkt in
dieser Reihe war – passend zur Ausstellung
mit Skulpturen und Masken aus Nigeria –
die Begegnung mit Musik vom Schwarzen
Kontinent. So wurden Musiker aus dem
Senegal, Zimbabwe, der Elfenbeinküste,
Mali und Südafrika eingeladen. Den
Beginn machten ein Stegharfenspieler
aus dem Senegal und ein Trompeter aus
dem Bergischen Land, der inzwischen im
multikulturellen Schmelztiegel New Yorks
lebt. Es war überraschend zu erleben und
zu hören, wie gut der am Sound Miles
Davis’ geschulte Klang der Jazztrompete
Volker Goetzes sich zu den Patterns und
repetetiven Strukturen der musikalischen
Motive und Themen der Kora fügten. Das
große Interesse Volker Goetzes an der musikalischen
Tradition und der Griot-Kultur
hatten die beiden Musiker zusammengebracht.
In Afrika gibt es ein Sprichwort,
das die außerordentliche Bedeutung der
Griots für den Erhalt der Identität eines
Volkes beschreibt: „Wenn ein Griot stirbt,
ist es als ob eine Bibliothek verbrennt.“
In den vom Spiel der Kora begleiteten
Gesängen und Liedern der Griot werden
die kollektiven Erinnerungen eines Volkes
bewahrt und tradiert. So ergab sich eine
außergewöhnliche, schöne und reiche
Begegnung zwischen zwei Kulturen, die
der Kora-Spieler Ablaye Cissoko so charaketerisiert:
„Aus unserer Verschiedenheit
wächst eine Kraft.“
Interessant, vielleicht sogar sehr
aufschlussreich für das neue, das sich
wandelnde Afrika war, dass dieser Kontinent
musikalisch durch starke Frauen mit
starken Stimmen repräsentiert wurde: Chiwoniso
Maraire und Fatoumata Diawara
sind Sängerinnen und Musikerinnen, die
ihr Publikum auf ganz unterschiedliche Art
und Weise für sich einzunehmen wissen.
43

44
Hazmat Modine
Gemeinsam ist ihnen aber, dass sie ihre
Kraft aus dem Widerstand gegen patriarchalische
Gesellschaften gewinnen; ihre
Musik ist immer auch Ausdruck dieses
Kampfes um innere und äußere Befreiungen.
Chiwoniso Maraire selbst nennt sich
und ihr musikalisches Programm „Rebel
Woman“. Dabei liegt ihre Kraft in einer
inneren Ruhe. Sie selbst begleitet sich auf
der Mbira, einem Lamellophon, bei dem
eine Art Zupfklavier zur Verstärkung in
eine Resonanzkalebasse gelegt wird. Die
Mbira ist ein über tausend Jahre altes Instrument,
das die Seele der Bantu-Kultur
verkörpert. Während der Zeremonie
dienen die feingewobenen – an Patterns
der Minimalmusic erinnernden Tonfolgen
– dazu, eine Art Trancezustand, eine
Verbindung zu den Geistern der Ahnen
herzustellen. An diese Tradition anknüpfend,
nahm Chiwoniso Maraire, begleitet
von Manda Saiza (ebenfalls Mbira,
Gesang) und Jacob Mafuleny (Perkussion)
ihre Zuhörer an diesem Abend mit auf
eine magische Reise, die für manche Zuhörer
„zu den allerschönsten Momenten
bei Klangart“ gehörte.
Ganz anders Fatoumata Diawara. An
der Elfenbein-Küste geboren und in
Mali aufgewachsen, wurde die Migrantin
bevorzugtes Mobbing-Opfer ihrer
Mitschülerinnen. Die Kraft zum inneren
Überleben schöpfte sie aus der Musik
und so begann sie ihre ersten Songs zu
schreiben. Da steht sie nun – 20 Jahre
älter und um Erfahrungen durch Zusammenarbeit
mit Musikern wie Damon
Albarns (African Cubism) und Herbie
Hancock (Imagine) reicher – auf der
Bühne im Skulpturenpark: ein rührendes,
oder sollte man sagen: anrührendes
Bild: ein Mädchen mit einer Gitarre,
eine Folk-Poetin. Doch was dann später
auf der Bühne geschah, hatte mit diesem
Bild nichts, aber auch gar nichts mehr
zu tun. Erinnerten die ersten zwei
Songs noch von Ferne an eine moderne
afrikanische Joan Baez, die der Welt ihre
Geschichten erzählen will, so explodierte
die weibliche musikalische Kraftmaschine
Fatoumata spätestens ab dem dritten
Song. Das weltoffene Bildungsbürgertum,
das den größten Teil des Klangart-
Publikums ausmacht, hielt es nicht mehr
auf den Sitzen; diese bleiben bis zum
Ende dieses expressiven Klanggewitters
afrikanischer Klänge und Rhythmen
verwaist. Fatoumata rockte den Park mit
ihrer unbändigen Energie, mit einer bis
zur Selbstverausgabung gehenden Kraft,
mit ihrer Fähigkeit mit dem Publikum
zu kommunizieren: eine Energie, die sich
vom Bühnenrand aus über das Publikum
übertrug.
Einer völlig anderen Klangwelt begegneten
die Zuhörer bei Hazmat Modines
Bahumat-Projekt: eine Musik, wie sie
nur in einem multikulturellen Schmelztiegel
und im Zeitalter der Globalisierung
entstehen kann. Hier mischen sich
Zeiten und Stile und fügen sich zu einem
frappierenden musikalischen Amalgam:
Aus Blues, Jazz und Klezmer, wilden
Balkan-Brassband und Southern Soul
mixen die acht New Yorker Musiker
einen einzigartigen Sound. Lebensfreude
pur.
Ebenso überraschend, frisch und neu
wirkte die Begegnung mit der Squeezeband.
Jazz goes Hiphop, versprach das
Programmheft. Ein kleiner, sympathischer
Etikettenschwindel, vielleicht aus
der Hoffung geboren, neue, jüngere
Publikumsschichten zu erreichen. Doch
was die Squeezeband bot, war guter
solider Jazz mit Ausfl ügen in dessen
verschiedenen Spielarten: vom Bebop
über Rockjazz bis hin zu Funk. Saxophonist
Chico Freeman reiste zurück in die
magische und spirituelle Coltrane-Ära,
aber ohne die ganz große Inspiration
Tranes. Was diesen etwas beliebigen, nett
anzuhörenden Mix eine innere Mitte,
etwas Spannendes, Neues und – im
besten Sinne – Komisches hinzufügte,
war das atemberaubende, artistische
Spiel des Beat-Boxers Nino G.. Seine
Grooves, vor allem aber Soli machten
dieses Konzert zu etwas Besonderem,
das man nicht mögen muss, aber kann:
Beim Beatboxing oder Beatboxen werden
Drumcomputerbeats – zuweilen auch
Scratches oder Schlagzeug- und andere
Perkussionsrhythmen mit dem Mund,
der Nase und dem Rachen imitiert.
Gemeinsam mit dem Schweizer Perkussionisten
Reto Weber bildete diese
Perkussionsformation die Herzkammern
der Squeezeband. Reto Webers schnelles,
präzises, zuweilen sogar ekstatisches

Wade Schuman (Hazmat Modine)
Spiel ging in manchen Passagen in der
ununterbrochen sprudelnden Rhythmus-
Quelle Nino G’s unter, der die Herzen
der Zuhörer – und bei ihm muss man
wohl auch hinzufügen – der Zuschauer
– im Sturm eroberte. Dazu gehörten
auch chaplineske Einlagen, in denen der
Beatboxer onomatopoetisch verschiedene
Alltagssituationen auf urkomische Weise
darstellen konnte wie etwa das Starten
einen Motorrads, dem dann plötzlich das
Benzin ausgeht.
Afrikanisch und großartig sollte
dann mit Jasper van’t Hof’s Pili Pili-
Projekt der Abschluss der diesjährigen
Klangart-Reihe ausfallen. Und tatsächlich
hätte alles wunderbar sein können
– an diesem Abend mit afrikanischen
Temperaturen. Doch dann fi el wegen
einer plötzlich auftretenden Krankheit
die Posaunistin Annie Whitehead aus.
Für die symphonisch angelegten und
komplex gewobenen Kompositionen
Jasper van’t Hofs ein fast nicht hinnehmbarer
Verlust. Hinter den Kulissen
berieten sich Veranstalter und Musiker.
Annie Whitehead Parts und Soli mussten
spontan und improvisierend von anderen
Musikern aufgegriffen werden. „Entweder
wird es ein Desaster oder etwas
ganz Wundervolles“, entschied Jasper
van’ Hoff trotz der widrigen Umstände,
das Konzert stattfi nden zu lassen. Eine
Entscheidung, der großer Respekt, Dank
und Anerkennung gebührt. Tatsächlich
wurde es dann weder das eine noch
das andere: kein Desaster, aber das
Wunderbare, das das Septett sonst zu
leisten imstande ist, konnte unter diesen
schwierigen Bedingungen nicht erreicht
werden. Hinzu kamen schwer erträgliche
Unstimmigkeiten bei der Abmischung
des Sounds, der permanent nachreguliert
und korrigiert wurde. Dennoch gab es
Momente, in denen die große Kunst des
Komponisten und Tastenmagiers Jasper
van’ Hoff aufblitzten. „Wenn wir reisen
und an Orte zurückkehren, erleben wir
häufi g, wie der Zauber verloren gegangen
ist im Laufe der Zeit. Die Dinge
verändern sich, aber die Kultur bleibt.“
Die Stücke und Kompositionen durchzieht
diese Wehmut des Abschieds, ein
afrikanischer Fado, der zugleich trotzig
das Beharren der Kultur beschwört.
„Ukuba Noma Unkungabi“ lautet denn
auch der Titelsong der aktuellen Pili
Pili-CD; es ist die Übersetzung von
Hamlets Frage „Sein oder Nicht sein“ in
die Sprache der Zulu. „Ukaba“ lautet die
Antwort, die Jasper van’t Hoff und seine
Musiker geben und die dafür eine schöne
Stimme gewonnen heben: wieder eine
Frauenstimme. Wenn die südafrikanische
Sängerin Tutu Puoane singt, dann ist es,
als ob diese große stille und introvertierte
Frau sich in den Rhythmus der Musik
hinein schwingt, bis auf den Grund ihrer
Seele taucht und dort all die schönen
Töne fi ndet, die sie ihrem Publikum
dann zum Geschenk macht: eine Kraft
zum Weitermachen, die auch dann noch
nachklingt, wenn das Konzert zu Ende
ist: „Ukaba!“
Blickt man zurück, so bleiben zarte
und starke, magische und intensive
Momente in der Erinnerung haften -
und einige wenige beliebige. Quo vadis,
Klangart? Es drängt sich der Eindruck
auf, als haben sich in diesem Jahr die
Akzente ein wenig verschoben, weg von
der Freien Improvisierten Musik, die in
den vergangenen Jahren einen gefühlten
Schwerpunkt bildeten, hin zu einer eher
populäreren, lebensfrohen Musik. Wird
diese Tendenz eine Fortsetzung fi nden?
Und wenn ja, wird sie der musikalischen
Reihe und dem Ort gut tun? Klangart
hat in diesem Jahr den Musik-Himmel
über Wuppertal weitergemacht, und vielen
Menschen, die diese Art von Musik
bisher kaum oder gar nicht begegnet
sind, den Weg zu neuen musikalischen
Ufern geebnet. In der Pädagogik heißt
es, der Raum sei der dritte Erzieher. Hier
ist es der Skulpturenpark, ein Ort, an
dem sich Kunst und Natur so wunderbar
begegnen. Und die Kunst E. Dieter
Fränzels, jedes Jahr die richtigen und
zum Ort passenden „Töne“ zu fi nden.
Heiner Bontrup
Fotos: K.-H. Krauskopf
45

DRUCKEREI ELBA
Der Lärm ist der Stille gewichen
ich lese lautlos Blei-Lettern links
die einmal in Sprache
als Nachrichten aufrecht standen
Ich buchstabiere das Wort AUFGABE
und weiss
um die Zweifachbedeutung und
dass die Zeit weiter fortschreitet
In der kürzesten Wellenlänge
des Lichts färbt sich
der Himmel blau
Die Weite des Raumes färbt sich
nur mit Verlust
Die Gleichförmigkeit der Verluste
ist in
Erinnerung gefangen
Die Druckerschwärze vor Augen
entziffere ich nur noch
Vergangenes im Raum
Verblichene Worte schalten sich ab
Meine Ohren sind taub geworden
vom stetig wiederkehrenden
Lärm einer Monotonie
Blaues Licht schleift die Konturen
und Schatten werden
weich und musizieren
verwandeln Lärm in ein stummes Lied
Foto von Sylvie Hauptvogel
Halle Elba 4, 2008, analoge Fotografi e,
Originalgröße 60 x 90 cm
Text von Friederike Zelesko
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48
Adventszauber – wie aus einer anderen Zeit
Der Weihnachtsmarkt von
Schloss Lüntenbeck
Der Weihnachtsmarkt von
Schloss Lüntenbeck fi ndet am zweiten und
dritten Adventswochenende, 8./9. und
15./16.12., jeweils von 11 bis 19 Uhr statt.
Der Eintritt beträgt 3 Euro;
Kinder bis 12 Jahre haben freien Zutritt.
Parkplätze stehen am oberen Lüntenbecker
Weg zur Verfügung.
Antonia Dinnebier und ihre Schwester
Sonja wieseln in Blaumännern und
Gummistiefeln über den Hof von Schloss
Lüntenbeck. „Zelte aufbauen“ ist angesagt.
Mit geübten Handgriffen richten die
beiden Frauen die Gestänge auf. „Alles
eine Frage der Routine“, lacht Sonja und
spannt resolut die Leinen für die Windsicherung
der Pagode. In ein paar Tagen,
wenn der Weihnachtsmarkt von Schloss
Lüntenbeck nach zwei Adventswochenenden
vorbei ist, wird den beiden Schwestern
und ihren Helfern das Lachen nicht
mehr ganz so leicht fallen. Weihnachtsmarkt
ist ein Knochenjob, aber auch der
Höhepunkt des Jahres. Das liegt natürlich
vor allem daran, dass dieses vorweihnachtliche
Ereignis regelmäßig zigtau-
sende Besucher anzieht – rund 20 000
waren es im vergangenen Jahr an den zwei
Marktwochenenden. 20 000 Menschen,
die weitem Umkreis in die Lüntenbeck
kommen, um ein Weihnachtsgefühl zu
erleben, das die öden, dauerbeschallten
Konsumveranstaltungen in den Innenstädten
nicht zu bieten haben.
Besinnlichkeit kommt von Besinnung
– der Besinnung auf das Handwerkliche,
das Authentische, auf den Charme
der Improvisation und auf sentimentalen
Jahrmarktzauber. Diese Ge- und
Besinnung ist der gemeinsame Nenner
der rund 80 Standbetreiber und der
beiden Organisatorinnen des Lüntenbecker
Weihnachtsmarkts. Da ist jede

Menge Herzblut im Spiel: Originelles
Kunsthandwerk mit dem Anmut des
Unperfekten sucht und fi ndet Käufer,
die sich gerne auch in einen Plausch
über Gott und die Welt verwickeln
lassen. Manufakturen präsentieren
Preziosen aus Papier, Stein, Glas, Wachs,
Metall und Stoff. Statt der Bratwurst
vom Grill gibt´s Tiroler Spinatködel in
köstlicher Soße und andere Leckereien
vom Schlossgastromomen. Auf dem
Hof und in den Wirtschaftsgebäuden
ziehen der Puppenspieler Kiepenkasper,
der Geschichtenerzähler Aloys und
das Schnipselkino Sonofeo die Kinder
in den Bann. Alles duftet nach Holz,
Gewürzen, Leder – und dem Glühwein,
den Schlosswirt Jürgen Tschuschke
aus einer eigens für den Lüntenbecker
Weihnachtsmarkt abgefüllten Partie
Winzerwein schon lange vor dem
ersten Markttag angesetzt hat. Musik
von Vivaldi, Bach und Händel schwebt
über dem bunten Treiben, das wie aus
einer anderen Zeit anmutet – trotz des
manchmal großen Gedränges.
Für Antonia und Sonja Dinnebier
begannen die Vorbereitungen für ihren
diesjährigen Weihnachtsmarkt bereits
im Sommer. Die Parkfl äche neben dem
Schloss ist neu gestaltet worden. Ein von
Granitsteinen eingefasster Rundweg lädt
zum Lustwandeln – und an den Markttagen
zum Bummel entlang der neuen
Stände, die sich hier jetzt präsentieren.
Der Lüntenbecker Weihnachtsmarkt ist
ganz nebenbei eine gute Gelegenheit, die
„Community“ von Wuppertals einziger
Schlossanlage kennen zu lernen. Dazu
zählt neben dem Restaurant „Pilkens
im Schloss“ auch der Künstler Martin
Smida, der am alten Mühlenturm seine
monumentalen Pilz-Skulpturen zeigt – als
„Work in progress“.
Michael Schumacher
Fotos: Jörg Lange
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Ingeborg Wolff inszeniert
im Wuppertaler TiC brillant
Heinrich von Kleists
„Der zerbrochne Krug“
Inszenierung: Ingeborg Wolff
Bühne: Iljas Enkaschew
Kostüme: Noëlle-Magali Wörheide Maske:
Andreas Frank
Musik: Stefan Hüfner
Besetzung:
Robert Cramer (Dorfrichter Adam)
Alexander Bangen (Schreiber Licht)
Martina Wortmann (Frau Marthe Rull)
Elisabeth Wahle (Eve, ihre Tochter)
Katharina Kranemann (Gerichtsrätin Walter)
Ragna Gerhardt (Grete, eine Magd)
Gela Banerjee (Frau Brigitte)
Hartwig Kolbe (Veit Tümpel, Bauer)
Robin Berenz (Ruprecht, sein Sohn)
v.l.: Alexander Bangen, Robert Cramer
Foto Martin Mazur
Scherbengericht
So muß ein „Krug“ gemacht sein! Flämisch
handfest, dennoch eloquent in der
Sprache, volkstümlich in der Handlung,
doch hochstehend in der Moral, burlesk
in Ablauf und Gestaltung, zugleich seriös
im feinfühligen Regiekonzept und differenzierten
Spiel. Kleist hat mit seinem
„Zerbrochnen Krug“ Schillers Maxime
von der „Schaubühne als eine moralische
Anstalt betrachtet“ perfekt umgesetzt.
Hinter vordergründiger Komödie steckt
– und verbirgt sich nicht einmal – der
Anspruch einer höheren Moral, die
er stets von Individuum, Gesellschaft
und Obrigkeit erwartete und deshalb
seinen Stoffen mitgab. Das Wuppertaler
TiC-Theater stellte bei der Premiere am
Freitagabend genau eine solche Fassung
der klassischen Komödie Heinrich von
Kleists (1808) vor.
Viele Köche, sagt man, verdürben
den Brei. Wie der Volksmund sich irren
kann, belegten eindrucksvoll Ingeborg
Wolff, die hier nicht ihren ersten
fulminanten Erfolg als Regisseurin an der
engagierten kleinen Bühne feiern konnte,
Stefan Hüfner, der neben seiner Domäne,
der musikalischen Bearbeitung, Kleists
Text ein behutsam aufgebürstetes Gewand
anmaß, Iljas Enkaschew, der ein perfektes
Bühnenbild für dieses deftig-delikate Kammerspiel
schuf, Noëlle-Magali Wörheide,
deren Kostüme eine Brücke zum Heute
schlagen und nicht zuletzt Andreas Frank,
der als Maskenbildner dem Dorfrichter
Adam ganz köstliche Wunden schlägt.
Die bejammert der waidwunde Richter
beim morgendlichen Herauswälzen aus
seinem Alkoven mit Weh und Ach, noch
ohne zu ahnen, was dieser heraufdämmernde
schreckliche Tag ihm überdies bringen
wird. Robert Cramer ist die Verkörperung
des verkaterten Elends, ein Adam, der über
eine Mitleid fordernde Skala von Klagelauten
verfügt, eine herrliche Ouvertüre zu einem
äußerst unterhaltsamen Theaterabend.
Heute ist Gerichtstag auf dem Dorf,
und ausgerechnet heute wird der Utrechter

Gerichtsrat (mit Katharina Kranemann
zeitgemäß weiblich und mit einer verständnisvollen
Note besetzt) zur unangemeldeten
Revision eintreffen, wie durchgesickert
ist. Und der Fall, der zu Adams Schrecken
just heute vorgetragen wird, ist die Klage
um einen Krug, den ein Spitzbube der
Frau Marthe (resolut: Martina Wortmann)
zerbrach, als er nächtens Hals über Kopf
durchs Fenster aus dem Zimmer von deren
Tochter Eve (zerrissen: Elisabeth Wahle)
fl oh. Was in dieser Nacht geschehen ist und
warum, wer welche Rolle in dem dörfl ichen
Drama spielte, wieso des Dorfrichters
Perücke sich im Staket vor Eves Zimmer
wiederfand und woher seine Scharten
rühren, will die Gerichtsrätin zunehmend
energisch herausfi nden, während Adam
alles tut, um – wir wissen wieso – zu
verhindern, daß die Wahrheit ans Licht
kommt und sein Schreiber Licht (süffi sant
intrigant: Alexander Bangen) des Richters
Lügen scheinbar unabsichtlich ad absurdum
führt.
Unter Ingeborg Wolffs Hand (sie hat
im Laufe ihrer Schauspielkarriere sowohl
die Marthe als auch die Brigitte verkörpert)
ist dem bis in die Haarspitzen motivierten
Ensemble eine hinreißende Aufführung
gelungen, unterstützt von Iljas Enkaschews
bis ins i-Tüpfelchen durchdachtem Bühnenbild.
Die behutsame Anpassung des
Kleistschen Textes istStefan Hüfner ohne
Eingriff in Kleists Intention hervorragend
gelungen, und der Regieeinfall, in Schlüsselmomenten
das Bild anzuhalten, es in
das Licht des Gemäldes eines fl ämischen
Meisters zu tauchen, um der Bedeutung
der folgenden Sätze besonders Gewicht zu
verleihen, ist nachgerade genial. Wie Adam
sich bis zur Entdeckung seiner Schande
lügenhaft windet, kann besser als von
Robert Cramer kaum gegeben werden,
Alexander Bangen gibt dessen Widerpart
Licht dezent aufdringlich (doch, das geht),
Eves Seelenqual liest man der bezaubernden
Elisabeth Wahle mitfühlend von den zarten
Zügen ab und Katharina Kranemann läßt
zum guten Schluß augenzwinkernd auch
die Fehlbarkeit der hohen Gerichtsrätin
durchscheinen. Abgesehen davon ist ihr
auch der (zerbrochne) Krug zu verdanken,
den Frau Marthe anklagend schwenkt –
Frau Kranemann ist nämlich auch eine
hervorragende Keramikerin. Vergessen wir
nicht die omnipräsente Ragna Gerhardt als
herumgescheuchte Magd Grete, unauffällig,
doch effektiv.
Wie schon oben gesagt: so muß ein
„Krug“ im Sinne Kleists sein. Theater vom
Feinsten. Lesenswert auch das gut gemachte
Programmheft, das Kleist vorstellt und die
Inszenierung griffi g erklärt. Eine Aufführung,
die ich Ihnen sehr ans Herz legen
möchte.
Frank Becker
Termine unter: www.tic-theater.de
v.l.: Bangen, Cramer, Wortmann, Kolbe,
Berenz, Mit d. Rücken z. Publikum: Wahle
Foto Martin Mazur
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Der Künstler
Christian von Grumbkow
Wandbild für das Foyer der
Volkswohlbund Lebensversicherung a.G.,
Dortmund, ca. 1000 x 550 cm
Kunst am Bau als Dialog
Otl Aicher, einer der großen Designtheoretiker unserer Zeit, forderte schon in den 70er
Jahren die Künstler auf, ihre Elfenbeintürme zu verlassen und sich an der Entwicklung
ergonomischer – das heißt: menschengemäßer – Konzepte für die Gestaltung des
öffentlichen Raums zu beteiligen. Christian von Grumbkow ist einer der wenigen
Künstler, die sich dieser Aufgabe ernsthaft stellen – und zwar ohne die verbreitete Attitüde
der Herablassung derer, die in angewandter Kunst eine Form der Prostitution sehen.
Christian von Grumbkow konfrontiert sich bewusst mit den kulturellen und
sozialen Bedingungen, die er in den Unternehmen, für die er arbeitet, vorfi ndet.
Aus dem Spannungsfeld zwischen seinem spezifi schen künstlerischen Ansatz und dem
komplexen Bezugsrahmen aus Unternehmenskultur, architektonischen Vorgaben und
den jeweiligen Nutzungskonzepten der Gebäude entwickelt Christian von Grumbkow
autochthone Formate, die in vielfältiger Weise mit ihrer Umgebung kommunizieren –
mit der Architektur und mit den Menschen, für die sie geschaffen wurde. „Kunst am
Bau“ ist nach seinem Verständnis eben keine Disziplin der Dekoration, sondern eine
Form des visuellen Dialogs. Das nachfolgende Interview legt davon Zeugnis ab. Es
dokumentiert in zahlreichen Beispielen die Arbeit eines Künstlers, der sich als „Zeit
genosse“ im besten Sinne begreift und als solcher die kühle Rationalität unserer Lebens-
und Arbeitswelt mit mächtigen Bildkommentaren von großer Sinnlichkeit relativiert.
DBZ: Herr von Grumbkow, Kunst am
Bau trifft auf völlig andere Präsentationsbedingungen
als Kunst, die in Museen
oder Galerien gezeigt wird. Sie haben es
im öffentlichen Raum nicht unbedingt
mit einem kunstaffi nen Publikum zu tun.
Beeinfl usst Sie dieses Ausgeliefertsein?
Chr. v. Gr.: Ich fühle mich überhaupt nicht
ausgeliefert. Meine Projekte geben mir die
Gelegenheit, den doch sonst sehr hermetischen
Raum der Kunstszene zu verlassen. Das mag
manch einer für riskant halten. Ich mache
aber die Erfahrung, dass die Menschen sehr
vorbehaltlos und offen mit meinen Arbeiten
umgehen. Mehr noch: Ich erlebe in den
Unternehmen immer wieder, dass Mit
arbeiter und Besucher vor meinen Bildern
innehalten und sich in die visuelle Erzählung
aus Farbe und Struktur vertiefen. Es gibt
offensichtlich ein großes Bedürfnis nach
Kontemplation.
DBZ: Kunst, die sich in den Dienst von
Funktionsarchitektur stellt, wird vielfach
der Vorwurf gemacht, sie habe eine rein
dekorative Funktion und diene letztlich
nur der Bemäntelung ziemlich profaner
Interessen. Sind Sie ein Dekorateur der
(Markt-)Macht?
Chr. v. Gr.: Nein, so sehe ich das nicht. Ich
bin ebenso wenig ein Dekorateur der Macht,
wie Vermeer oder Rembrandt Lakaien ihrer
bürgerlichen Auftraggeber gewesen sind. Ich
will mich nicht mit diesen beiden Großen auf
eine Stufe stellen – aber Kunst kann durchaus
„nach Brot gehen“, ohne kompromittiert zu
werden. Um einen Begriff aus der Musik zu
gebrauchen: Ich setze mit meinen Bildern
die Kontrapunkte, die eine auf Effi zienz
und Produktivität ausgerichtete Arbeitswelt
lebensnotwendig braucht. „Kunst am Bau“
hat eine psychohygienische und damit soziale
Funktion. Ein Verzicht auf sie bedeute Verarmung
und Verrohung.
DBZ: Sie werden ja in der Regel vor
vollendete architektonische Tatsachen
gestellt. Der Raum, in dem sich ihre Kunst
entfalten soll, ist vorgegeben. Wie nähern
Sie sich einer architektonischen Situation?
Chr. v. Gr.: Staunend. Sehend. Begreifend.
Ich bin so etwas wie das Alter Ego des
Architekten. Ich folge mit großer Empathie
seinen Konzepten, ohne seinen Zwängen
unterworfen zu sein. Auf diese Weise entsteht
ein visueller Dialog zwischen Raum und Bild
– eine Korrespondenz, die sich den Menschen
unmittelbar erschließt. Davon kann übrigens
auch die Architektur profi tieren. Sie wird im
besten Falle unmittelbar sinnfällig.
DBZ: Welchen Einfl uss hat die Nutzung
eines Gebäudes auf Ihre Arbeit?
Chr. v. Gr.: Die Funktion eines Gebäudes
und seiner Räume ist mir immer bewusst.
Das geht weit über die rein architektonische
Dimension hinaus. Ich frage mich, welche
Menschen meine Bilder sehen – und wie diese
Menschen diese Bilder sehen. Ich beschäftige
mich mit ihrer Arbeitswelt. Ich frage mich,
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54
Red Rain, 2008, Stadtsparkasse Wuppertal, Zweigstelle Loh
was Besucher in das Gebäude führt. Das
ist ein konzeptioneller Ansatz, der dazu
beitragen will, dass sich die Architektur den
Nutzern als Ausdruck einer unternehmerischen
Identität kommuniziert.
DBZ: Vielfach wird behauptet, „Kunst am
Bau“ sei für die Unternehmen eher eine
lästige Pfl ichtübung? Wie erleben Sie den
Dialog mit den Auftraggebern?
Chr. v. Gr.: Ich erlebe, dass meine
Auftraggeber sehr fasziniert sind von dem
Prozess, den ich gemeinsam mit ihnen und
den Architekten anstoße. Das mag damit
zusammenhängen, dass natürlich auch der
Arbeitsalltag eines Managers von Routinen
geprägt ist und häufi g wenig Spielraum lässt
für Kreativität. Die Auseinandersetzung mit
einem Kunstprojekt hat da geradezu etwas
Therapeutisches.
DBZ: Sie haben zahlreiche Kunstprojekte gemeinsam
mit Architekten und Unternehmen
realisiert. Besteht nicht die Gefahr, dass Sie
sich irgendwann einmal selbst zitieren?
Chr. v. Gr.: Das ist eher unwahrscheinlich.
Und zwar deshalb, weil ich bei der
Umsetzung meiner Konzepte sehr intuitiv
agiere. Natürlich gibt es immer eine Idee.
Aber das Malen im großen Format hat
etwas Rauschhaftes. Das Bild entwickelt
sich gewissermaßen aus sich selbst heraus.
Dieser Prozess ist übrigens auch physisch sehr
beanspruchend. Er zwingt mich, oft bis zur
physischen Erschöpfung zu arbeiten. Ein
Repetieren irgendwelcher Bildmuster ist dabei
gar nicht möglich.
DBZ: Eine Reihe Ihrer Kunstwerke in
den Unternehmen besteht aus Installationen,
die mehrere Bildtafeln neben- oder
übereinander zeigen. Auch ganze Reihen,
ja Serien wurden von Ihnen installiert.
Gibt es außer den pragmatischen
Erwägungen den Transport und die Handhabbarkeit
betreffend noch andere Gründe
für diesen Ansatz?
Chr. v. Gr.: In meinem Werk gibt es schon
sehr lange mehrteilige Arbeiten. Seit den 80er
Jahren malte ich verstärkt – angeregt durch
die damalige – mich sehr tief anrührende
Auseinandersetzung mit der Malerei der
Gotik - diverse Triptychen und Diptychen.
Damit wurde eine horizontale Ausrichtung
betont, aber auch so etwas wie ein in die
Moderne weisender Entwicklungsgedanke. In
dem Sinne, dass die Bilder bei aller Abstraktion
doch unserer Leserichtung entsprechend
– von links nach rechts – so etwas wie eine
Metamorphose andeuten und damit auch
einen Zeit-Aspekt beinhalten. Also etwa:
linke Tafel: Vergangenheit, Mitte: Gegenwart,
rechte Tafel: Zukunft.
Bei meinen heutigen Arbeiten und gerade bei
denen, die ich für Unternehmen male, greife
ich gerne auf die Entwicklungs- und die Zeit-
Thematik zurück. Titel, wie z.B. das 10 x 6
Meter messende „LIVE-STREAMS“ (Dortmund,
Foyer Volkswohl-Bund, Am Südwall)
belegen das in dreifacher Weise: Für jede der
drei Etagen habe ich ein Triptychon gemalt,
die aber in einem klaren Zusammenhang
stehen, der sich dem Betrachter aus den unterschiedlichen
Perspektiven erschließt. Das Werk
„Red Rain“ (Sparkasse am Loh, Wuppertal

Landschaft, 1997, Öl auf Leinwand, Seminarraum der Firma proviel GmbH, Wuppertal
Unterbarmen, 5 x 2,5 Meter) betont die senkrechte
Ausrichtung im Raum sehr stark, greift
die Fließrichtung der Farbe auf und verstärkt
so die Erfahrung von Bewegung. Andere Arbeiten,
wie z.B. „20 Variations in Love“ (für
das Foyer der Firma Salamander, Wuppertal)
zeigen – wie der Titel ja ausdrückt – mehr
oder minder monochrome Variationen zur
Farbe Rot-Orange. Bei „Appassionata“ ging
es mir auch darum, die eigene Bewegung des
Betrachters beim Entlangschreiten der ca. 13
Bild-Meter zum Teil der Bilderfahrung zu
machen. Dabei nehmen wir bewusst oder
unbewusst die unterschiedlichen Nuancen
der vertikal angelegten farbigen Streifen (mal
grün, mal schwarz, meist rot) wahr – also
Farbe als etwas Lebendiges, Dynamisches und
Belebendes.
Das Interview führte der Journalist
Michael Schumacher
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Marianne Ullmann
geb. 1951 in Senden, lebt in Schwerte und
auch gern lange und oft in Finnland.
Studium Germanistik in Wuppertal.
Übers. fi nn. Lyrik (Aila Meriluoto 1993).
Veröffentl. in Lit.-Zeitschriften und
Anthologien, u. a. zum Würth Literatur-
Preis (1998) und Jugend Literaturpreis
Landwirtschaftlicher Verlag Münster (2007).
Zuletzt in „Karussell“ und „Versnetze_
fünf“ (2012).
Publikumspreis (Prosa) der Wuppertaler
Literaturtage 1993
Wiener Werkstattpreis für Prosa 2001
Mitglied der GEDOK Wuppertal
Generalprobe
Marion trank im Stehen noch schnell eine
Tasse Kaffee, schaute dabei auf die Uhr.
„Almo, sag ruhig, dass ich wieder zu spät
bin.“
Sie biss noch in das Brötchen, wischte
sich die Krümel von den Lippen, zog die
Reisverschlüsse an den Stiefeln hoch und
rief ihm zu:
„Denk daran, den Fensterputzer anzurufen.
Küsschen!“
Durch die offene Tür wehte der Wind
gelbe Blätter herein. Almo holte den
Staubsauger und saugte den Steinfußboden
ab. Er stand breitbeinig da wie seine
Mutter immer gestanden hatte, wenn sie
ihn schlug. Sie schlug ihn ohne Leidenschaft,
aber mit einer gewissen zeitlichen
Regelmäßigkeit, sachlich und nüchtern,
manchmal auf Vorrat für einen Ungehorsam,
der erst noch zu leisten war. Seinen
Hund hatte sie erschossen, als Almo sich
entschloss fürs Theater zu schreiben.
In der Küche hing sein Papagei kopfüber
an der Stange, knackte an den Sonnenblumenkernen
herum und ließ die Schalen
durch das Gitter fallen. Almo zog den
Mülleimer unter der Spüle hervor, fegte
den Dreck auf eine Kehrschaufel. Er kniete
auf einem Bein und sah zu dem Vogel
hoch.
„Küsschen, du Geier.“
Der Papagei drehte den Kopf und beobachtete
ihn. Almo setzte sich an den
Tisch und pickte mit den Fingern ein paar
Krumen auf. Einige Futterkörner rieselten
auf den Boden. Der Vogel setzte sich auf
die Stange und krächzte:
„Almo, Dummschwätzer.“
Als Almo am Käfi g vorbei ins Schlafzimmer
ging, hörte er es unter seinem Schuh

Unsere Kulturförderung
ist gut für die Sinne.
knirschen, im Vorbeigehen boxte er gegen
die Käfi ggitter. Dann zog er aus dem Wäscheschrank
die Metallkette hervor, legte
sie dem Papagei um beide Füße und ließ
den Vogel im Käfi g baumeln.
Almo setzte sich an seinen Schreibtisch,
beugte sich über sein Manuskript. Er fügte
einen Brief in seinen halb fertigen Text ein,
so als würde er an Marion schreiben. Er sei
es leid, das Leben an ihrer Seite und was
er denn für sie bedeute. Ob er nur noch
ein Diminutiv verdiene, eilig hingehaucht
durch den Spalt einer sich schließenden
Tür. Küsschen. Ein Wort, das mit einem
Ausatmen erledigt werden kann. Was
er denn wäre, ein Bediensteter, der ihre
Telefonate zu erledigen hätte? Sie lasse ihn
spüren, was er in ihren Augen sei, jemand,
der nicht teilhabe an ihrem Leben
Almo versenkte sich in sein Bühnenstück,
das von einem Ehepaar handelte, dessen
anfängliche Liebe sich im Alltäglichen
aufzulösen begann. Wenn die beiden Protagonisten
miteinander redeten, bekamen
ihre Worte jeweils eigene Bedeutungen, die
den anderen verletzten.
„Aber das trifft mich nicht“, ließ er die
männliche Figur in seinem Text sagen. „Es
sind nicht die Worte, die mich verletzen. Es
sind die Sätze. Das, was sich bildet, wenn
man Worte aneinanderfügt.“
„So ein Quatsch! Das ist genau, was ich
meine“, antwortete die weibliche Person.
„Du weichst aus, stellst dich nicht, bist wie
ein Wurm, den man mit dem Spaten zerteilt
hat.“
„Nicht schlecht, deine Verteidigung, aber
ohne Biss, das liegt schon an der schlecht
ausgesuchten Metapher.“
Almo deckte mit dem linken Arm das
Blatt Papier ab, damit ihm niemand in
den Text schaute. Der Papagei stützte
sich mit dem Schnabel an seiner Stange
ab und versuchte, die Füße aus der Kette
zu ziehen. Metall schleifte gegen Metall
und es hörte sich an, als würden Ketten in
einem Verlies durch die Gänge schleifen.
Almo störte sich nicht daran, er arbeitete
konzentriert und fand sich in seinem Stück
wieder. Er bedachte die Choreographie,
wie die Beteiligten sich auf der Bühne
anordneten, welche Wege sie zu gehen
hätten, um deren Linien auf der Bühne als
Muster nachzuzeichnen. Damit ließen sich
Sparkassen-Finanzgruppe
Kunst und Kultur prägen die gesellschaftliche Entwicklung. Die Sparkassen-Finanzgruppe ist der größte nicht-staatliche Kulturförderer
Deutschlands. Auch die Stadtsparkasse Wuppertal ist ein wichtiger Partner für Kunst und Kultur in unserer Stadt. Das ist gut für
die Kultur und gut für Wuppertal. www.sparkasse-wuppertal.de
Sparkasse. Gut für Wuppertal.
S
ihre innere Aufgeregtheit, ihre Gefühlswelt
aufdecken und Almo konnte ablesen,
wie viel dramaturgische Fallhöhe er noch
benötigte.
Das Licht war das Schwierigste. Das
bestimmte er, nicht der Techniker, der
manchmal im falschen Moment die
Vorbühne ausleuchtete und Personen
hervorhob, die zwar gerade sprachen, aber
nicht die Akteure waren. Nicht jeder, der
spricht, zieht auch die Fäden des Geschehens.
Er erinnerte sich an seinen Vater, der
das Gewehr reinigte und den toten Hund
wortlos begrub. Auch er war tatsächlich
Akteur, er verwaltete den Tod. Als eine
Kinderhand die Äste des Johannisbeerstrauchs
umknickte, hob er nicht den
Kopf. Vielmehr beugte sich der Vater noch
tiefer und zurrte an dem Jutesack, um
ihn in die Grube fallen zu lassen. Es blieb
ein kleiner Hügel Erde übrig, den er mit
dem Spaten schlug, um das Volumen des
Tierkörpers unsichtbar zu machen. Dann
bekreuzigte sich der Vater.
Almo sägte aus dem Kirschbaum zwei Äste
ab, um daraus ein Kreuz zu bauen, das alle
Büsche des jungen Gartens überragte. Die
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58
Vögel benutzen es gern als Schlafbalken.
Wo ihre Krallen das Holz berührten, waren
Kratzspuren zu sehen.
Es schellte. Almo erschrak. Der Papagei
hing still herunter und starrte zum
Eingang. Draußen stand ein Mann, der
Bürsten und Wäscheklammern für ein
Behindertenwerk verkaufte. Almo kam mit
einigen Wäscheklammern in der Hand
zurück, die er auf- und zuknipste, um sie
zu prüfen. Er fand sie stramm genug und
befestigte sie im Gefi eder des Vogels.
Geschlossene Räume gibt es nicht im Theater,
sogar Götter betreten die Bühne. Sie
bringen ihre Himmel mit und bestimmen
über das Schicksal der Menschen. Sie sind
wie Gedanken, die überall sein können
und doch Gefangene sind.
Almo setzte Wasser für den Kaffee auf.
Eine Prise Salz, ein wenig Kakao, das
Rezept seiner Mutter. Auf dem Tisch stand
noch immer das Frühstücksgeschirr. Eine
letzte Fliege saß auf dem Zuckertopf und
putzte sich nach einem ausgiebigen Mahl.
Almo beobachtete sie lächelnd, doch
abwesend. Er befand sich mitten im Text
auf dem Weg zum Ziel, kurz vorher, bevor
man weiß, wie alles enden wird, man aber
fürchtet, dass noch etwas Unverhofftes
passieren kann.
An diesem Punkt goss er das kochend heiße
Wasser in die Kanne. Ein Kaffeeduft zog
durch die Küche. Die Hoffnung, dass das
sinnliche Erlebnis des Kaffeeaufbrühens
ihn in einen Trancezustand versetzte, war
zerplatzt. Er stand in der Küche und sah
sich um. Die von Marion fl üchtig angelesene
Zeitung lag zerknickt auf dem Stuhl,
der Leitartikel wirkte verstümmelt: ORD.
Wie Ordnung, Lord oder Mord, oder
Sport mit einem Druckfehler. Marion hinterließ
ihm einige Buchstaben, aus denen
er zwanghaft versuchte, etwas Sinnvolles
wiederherzustellen. Sie war gedankenlos.
Sie dachte nicht darüber nach, was sie
anrichtete. Sie dachte nicht an die Zeitung,
nicht an die Buchstaben, die übrig bleiben
würden und erst recht nicht an ihn.
Er trug das Tablett mit dem Kaffee zum
Schreibtisch und versuchte weiter zu
schrei ben. Sein Blick wanderte zum Fenster,
an dem draußen Herbstblätter klebten.
Almo ging zum Telefon und rief den Fensterputzer
an. Auf der Bühne könnte man
auch ihn ins rechte Licht rücken und in
Beziehung setzen zu den anderen Bühnen-
fi guren. Vielleicht ließe sich ein Ehedrama
daran entwickeln.
Eine weitere männliche Person könnte
das Geschehen voranbringen. Almo nahm
sich vor, ihn zu fragen, was er von allem
hielte. Er würde natürlich nicht wissen, um
was es ging und was man von ihm wollte.
Aber gerade diese Unbefangenheit würde
Antworten hervorbringen, von denen Almo
hoffte, dass sie ihn weiterbrächten mit
seinem Manuskript. Eine Meinung müsste
er aber äußern. Sogar der Papagei hatte eine
Meinung.
Almo ließ den Mann seine Arbeit tun und
bot ihm an, sich zu setzen. Misstrauisch
und widerwillig zog sich der Fensterputzer
einen Stuhl heran und folgte der Bitte.
„Lange habe ich keine Zeit“, sagte der Fensterputzer
und zog gleichzeitig ein Päckchen
Zigaretten hervor. „Darf ich?“
Almo nickte und dachte an Marion, die die
gleiche Marke rauchte. Er war sich plötzlich
nicht mehr sicher, ob sich sein Besucher
für eine tragische Figur in seinem Stück
eignen würde. Wie er so dasaß in seinem
blauen Kittel, schlecht rasiert, zwischen
seinen dünnen Fingern die Zigarette. Leicht
gebräunte Haut.
„Wo verbringen Sie Ihren Urlaub?“
„Im Sauerland“, war die Antwort.
Almo war überrascht und begann, sich
eifrig Notizen zu machen. Auch seine
Protagonistin, die zufällig den Namen
seiner Frau trug, hätte dort sein können.
Bei einem Wellness-Wochenende in einem
großen Hotel.
Almo skizzierte weiter und baute das
Bühnengeschehen aus. Der Fensterputzer
wirkte nervös. Sein Blick suchte nach
einem Aschenbecher, aber fand keinen. Mit
dem Schuh rieb er die heiße Asche in den
Teppich. Es roch leicht nach Kaminfeuer.
Almo schaute auf und bat den Mann, es
sich bequem zu machen, er wolle ihm nun
Auszüge aus einem Bühnenstück vorlesen.
Danach könne er sagen, wie es ihm gefalle.
„Ich muss jetzt gehen“, sagte der Fensterputzer
und scharrte unruhig mit seinen
Arbeitsschuhen über den Teppich.
Aber Almo schüttelte den Kopf. „Das
können Sie nicht. Wir sind mitten in der
Generalprobe und ich habe Sie gerade
sterben lassen.“
Marianne Ullmann
Peter Krämer
WP/StB
Andreas Niemeyer
WP/StB
Thomas Pintzke
StB
Katrin Schoenian
WP/StB
Dr. Jörg Steckhan
RA/WP/StB
Peter Temmert
WP/StB
Anke Jagau
RA/StB
Susanne Schäfer
StB
Stephan Schmacks
StB
Matthias Aprath
WP/StB
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Wuppertaler als Kölner Musik-Legende
Es gibt Namen berühmter Komponisten,
die sofort und unmittelbar mit ihrer
Geburtsstadt in Verbindung gebracht
werden. Populärste Beispiele sind Wolfgang
Amadeus Mozart mit Salzburg
und Bonn mit Ludwig van Beethoven.
Was diese beiden Legenden der Musikgeschichte
für ihre Städte bedeuten, das
ist Willi Ostermann für Köln. Die Zahl
seiner Lieder ist kaum zu zählen. Was der
von 1876 bis 1936 lebende „Krätzchensänger“
komponiert hat, lebt noch heute
und wird von populären Kölner Gruppen
immer wieder gespielt. Sogar Josephine
Baker hat ein Ostermann-Lied gesungen.
Eines dieser fast 200 Lieder ist so etwas
wie die Hymne der Stadt Köln:
„Wenn ich su an ming Heimat denke
un sin d’r Dom su vör mir ston,
mööch ich direk op Heim an schwenke,
ich mööch zo Foß no Kölle gon.“
Es gibt in Köln eine einfl ussreiche Willi
Ostermann-Gesellschaft, einen Ostermann-Brunnen
und natürlich Bühnenstücke
um diesen bis heute populären
Künstler. Im Jahre 2004/2005 brachte
der gebürtige Pfälzer Walter Bockmayer
als Liebeserklärung an sein Köln die
gefeierte Revue „…ich mööch zo Foß
noh Kölle gonn.“ auf die Bühne des
Scala-Theater am Hohenzollernring 48.
Es folgte das Stück „Zwischen Himmel
und Ääd“. Bockmayer ist der Entdecker
von Veronica Ferres, Ralph Morgen-
Ungeschminkt: Markus Dietz Foto: Klaus Göntzsche
stern und auch des kürzlich verstorbenen
Dirk Bach. Sie alle wurden von
dem schrillen, seinen Schauspielern
immer alles abfordernden Intendanten,
Regisseur und Drehbuchautor gefördert,
ehe die große Öffentlichkeit auf
sie aufmerksam wurde. Bach begann als
Plattenaufl eger in der „Filmdose“ und
die aus Solingen stammende, mittlerweile
reichlich abgedrehte Kartoffelhändler-Tochter
Veronica Ferres war die
Magd in Bockmayers preisgekröntem
„Geilerwally“-Film im Jahre 1988.
Doch zurück zu Willi Ostermann und
den beiden über 500 Mal mit einer
Auslastung zwischen 83 und 94 Prozent
gespielten Stücken. Was niemand im
Publikum bemerkte und auch bei
Befragungen nach den Aufführungen
keine Trefferquote hatte: der bejubelte
Darsteller des Willi Ostermann mit
lupenreinem kölschen Dialekt war
der Wuppertaler Schauspieler Markus
Dietz. Der am Arrenberg lebende
Künstler gehört mit einer kleinen Musical-Unterbrechung
in München seit
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Markus Dietz als Willi Ostermann mit Gigi Herr als Zilla Zimmermann Markus Dietz als Winnetunt
18 Jahren zum Bockmayer-Team. Der
privat eher scheue und total unaufdringliche,
gelernte Betriebsschlosser hatte mit
Gigi Herr eine kaum zu übertreffende
Sprachlehrerin. Gisela „Gigi“ Herr ist
die Nichte der unvergessenen Trude
Herr („Niemals geht man so ganz“) und
sie spielt in den jährlich wechselnden
Bockmayer-Stücken stets die weibliche
Hauptrolle. Komischer als Gigi kann
ihre Tante Trude nie gewesen sein.
„Wally“ Bockmayer kommt alljährlich
aus seinem Miami-Urlaub mit einem
neuen Stück zurück nach Kölle. Sein an
Kuriositäten nur schwer zu übertreffendes
Leben hat Bockmayer in der extrem
unterhaltsamen Biographie „Flammende
Herzen“ niedergeschrieben.
Obwohl er in Köln arbeitet, wohnt
Markus Dietz unverändert in Wuppertal:
„Ich bin doch in 45 Minuten im
Theater. Wuppertal ist meine Heimatstadt,
hier fühle ich mich wohl. Es ist
schade, dass sich Wuppertal nach außen
viel zu schlecht verkauft.“ Seine musikalischen
Anfänge waren Auftritte mit
dem Wuppertaler Fanfarenkorps. Das
Bockmayer-Ensemble ist auch für ihn
längst ein große Familie und in seiner
Zusammensetzung allein eine Art Naturereignis,
das man erleben muss. Zart
besaitete Charaktere allerdings sind im
Scala-Theater fehl am Platze.
Premieren am Hohenzollerning nicht
weit entfernt vom Friesenplatz sind
stets ein Treffen Kölner Gesangs- und
sonstiger Künstler wie Hella von Sinnen
mit Christine Scheel, King Size Dick, der
Geierwally-Darstellerin Samy Orfgen,
Janus Fröhlich von der Höhnern und
die schon jetzt unsterbliche Kölner
Motto-Queen Marie-Luise Nikuta. Das
aktuelle Bockmayer-Stück trägt den
Titel „Puddelrüh durch die Prämie“. In
dem „Tortellini-Western“ spielt Markus
Dietz den schwulen „Winnetunt“ und
seine Bühnenmutter Gigi Herr (wird im
Dezember 70) hat mit Anneliese Kolvenbach
ausnahmsweise einen eher normalen
Namen. Ein Riesen-Kompliment gab
es im Kölner „Express“ nach der Premiere
für den Wuppertaler mit dem Kölner
Arbeitsplatz: „Star des Abends ist Markus
Dietz als Winnetunt. So super-saudoof,
total lieb und stimmlich exzellent war
noch nie eine Rothaut.“ Mehr „Sahne“
geht wirklich nicht. Gespielt wird bis
Ende März 2013.
Klaus Göntzsche
Fotos: Wolfgang Weimer (2)
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Foto Björn Ueberholz
Orte der Ruhe
von Matthias Dohmen
Der Beyenburger See
Rund eine Stunde benötigt der Wanderer,
um den Beyenburger See einmalig zu
umrunden. Beyenburg ist ein Mekka nicht
nur für Wassersportler, sondern auch für
Wanderer und für Radfahrer. Auch wenn im
Ort selbst die Infrastruktur in den letzten 20
Jahren stark gelitten hat, ist die gastronomische
Versorgung rund um den See im Lauf
der letzten Jahre sogar besser geworden.
Der See selbst stößt an die Städte Wuppertal,
Ennepetal und Radevormwald. Das
Gewässer wird vor allem von der Wupper
gespeist und vom Wupperverband betrieben,
dem es gelungen ist, mit der Schaffung einer
Fischtreppe eine echte, zusätzliche Attraktion
für Touristen von nah und fern zu schaffen.
Anfang bis Mitte der 1950er-Jahre ist der
Beyenburger Stausee in seiner heutigen
Form entstanden und 1954 endgültig in
Betrieb genommen worden. Er hat sich
einem zu Eldorado für den Kanusport
entwickelt: Am östlichen Ufer befi nden sich
die Vereinsheime des Vereins für Kanusport
Wuppertal, der Wuppertaler Paddler-Gilde,
des Wuppertaler Kanu-Clubs und des
Eisenbahner-Sportvereins Wuppertal-Ost
sowie auf der gegenüberliegenden Seite des
Wassersportvereins Ennepetal. Die drei
erstgenannten Vereine bildeten mit der
Kanu-Sportgemeinschaft Wuppertal die in
den 1970er- und 1980er-Jahren erfolgreichste
deutsche Kanusportgemeinschaft.
Im neuen Jahrhundert machen vor allem die
Drachenbootfahrer des VfK von sich reden,
die zahlreiche Titel bei Deutschen und bei
Weltmeisterschaften erringen konnten.
Über die Aktivitäten des Drachenbootfahrens,
wozu 20 Paddler, ein Steuermann und
ein Trommler gehören, kann man sich auf
der Internetseite www.dragattack.info schlau
machen. Ein Drachenboot kann auch für
Betriebsausfl üge, Schulklassen oder Geburtstagsfeiern
gebucht werden.
Wen es beim Umrunden des Sees dürstet
oder nach einer Bockwurst, einer bergischen
Waffel oder sonstigen Speisen verlangt, der
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kann seinen Bedürfnissen in dem Eiscafé
Cortina nachkommen, das seine Angebotspalette
erheblich erweitert hat, oder die
Gaststätte „Zur alten Bruderschaft“ aufsuchen,
die beide im Ort selber liegen. Am östlichen
Seeweg haben die Paddler-Gilde und
der VfK ihre „Kantinen“ für die Öffentlichkeit
geöffnet respektive ausgebaut; beim VfK
heißt die Einrichtung „Café Bootshaus“, in
dem es am ersten, zweiten und dritten Adventswochenende
einen „Weihnachtsmarkt
im altdeutschen Stil“ geben wird.
Das erst mit der Gemeindereform 1929 zum
neuen Wuppertal geschlagene Beyenburg hat
eine wechselvolle Geschichte. Es ist erstmals
1303 als Beyenborch urkundlich erwähnt.
Zu Beginn des 14. Jahrhunderts gründeten
Mönche das Kloster. Etwas später ist die
Klosterkirche St. Maria Magdalena gebaut
worden – im „Beyenburger Dom“, der weithin
zu sehen ist, bewahrt man heute Reliquien
der heiligen Odilia von Steinhaus auf.
Das 1399 gegründete Amt Beyenburg
umfasste die Kirchspiele Bamen, Lüttringhausen,
Radevormwald, Remlingrade und
Ronsdorf. 1816 kam die Ortschaft als Teil
von Lüttringhausen in den Kreis Lennep.
Gegründet wurde das Kreuzherrenkloster
1298, fünfhundert Jahre später im Rahmen
der napoleonischen Neuordnung Europas
säkularisiert und 1964 neu geweiht. Die
Errichtung des einschiffi gen spätgotischen
Klosterkirche geht auf das Jahr 1485 zurück.
Im Museum des Hauses Martfeld (Schwelm)
befi ndet sich heute ein wertvolles Messbuch
aus dem 15. Jahrhundert, das noch erhalten
ist. Die Kreuzherren, die mit der Säkularisierung
Beyenburg verlassen hatten, sind seit
Klosterkirche St. Maria Magdalena in Wuppertal-Beyenburg, Steinhaus ...Kanzel
1963 wieder vor Ort. Klostergebäude und
Kirche sind vorbildlich wieder instandgesetzt
und lohnen auch eine längere Anfahrt oder
einen ausgedehnten Fußmarsch.
Die Altstadt, auch Alt Beyenburg geheissen,
scheint wie aus der Zeit gefallen. Da die Enge
der Gassen einer Ansiedlung von Industrie
entgegenstand, ist die alte Struktur bis auf
den heutigen Tag weitgehend erhalten, zumal
die katholische Enklave vom Bombenhagel
des Zweiten Weltkriegs verschont blieb. Grau
geschieferte Häuser mit den für das Bergische
so typischen grünen Fensterläden und
weißen Fensterkreuzen fi ndet man in stolzer
Reihe entlang der Beyenburger Freiheit. Am
Haus Nr. 18 steht ein großes Holzkreuz, von
dem die Legende sagt, dass Beyenburg vom
Feuer verschont bleibe, so lange das Kreuz in
Ehren gehalten wird.

Ein Kleinod bildet auch der alte, 1888
eröffnete Bahnhof, der heute von der Akademie
für Sozialtherapie betrieben wird. Züge
verkehren schon lange nicht mehr zwischen
Beyenburg und Ober barmen auf der einen
und Radevormwald auf der anderen Seite.
An einer Wieder belebung der Strecke arbeitet
aber – zielstrebig und mit glücklicher
Hand – der Bergische Ring.
Ausfl ugtipp
Wuppertals östlichsten Stadtteil, das idyllisch gelegene
Beyenburg, fi ndet man auf der Wanderkarte „Wuppertal und
Als ältesten Verein Beyenburgs darf sich mit
Fug und Recht die Schützenbruderschaft St.
Annae et Katharinae betrachten, als deren
Gründungsjahr 1383 angegeben wird (www.
bruderschaft-beyenburg.de). Bedeutendster
Sportverein der zum Stadtbezirk Langerfeld-
Beyenburg gehörigen Teilortschaft ist der
Bergische Turnerbund Beyenburg 1900 e. V.
Als rühriger Chronist hat sich Gerd Helbeck
Am Untergraben in Wuppertal-Beyenburg
mit seiner 2007 und 2011 erschienenen
zweibändigen – im Übrigen vom Verein für
Heimatkunde Schwelm herausgegebenen –
Arbeit „Beyenburg – Geschichte eines Ortes
an der bergisch-märkischen
Grenze und seines Umlands“
erwiesen.
Matthias Dohmen
Umgebung“ von GeoMap im Maßstab 1:25.000, Stand 2010,
mit allen markierten Wanderwegen.
Ebenso gibt es auch verschiedene Wanderführer, in denen
der eine oder andere Weg Beyenburg streift. Einer davon ist
der im Droste-Verlag erschienene Wanderführer „Der Wupperweg“,
der den ca. 126 km langen markierten Wanderweg
an der Wupper von der Quelle bis zum Rhein in 12 Etappen
beschreibt.
Der Wanderführer „20 Wanderungen im Ennepe-Ruhr-Kreis“
enthält eine Wanderung am Beyenburger Stausee und noch
andere in der näheren Umgebung, erschienen ebenfalls im
Droste-Verlag.
Die Karte zum Preis von 7,55 Euro und die Wanderführer
für jeweils 9,95 Euro sind erhältlich bei der
Buchhandlung Baedeker,
Friedrich-Ebert-Straße 31,
42103 Wuppertal,
Telefon 0202/305011
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Vor dem Untergang noch einmal:
Theater à la bonheur
Christian von Treskow inszeniert mit
„Trilogie der Sommerfrische“
ein Goldoni-Triple von rarer Güte
Inszenierung: Christian von Treskow
Bühne: Jürgen Lier
Kostüme: Dorien Thomsen
Musik: Bastian Wegner
Licht: Fredy Deisenroth
Dramaturgie: Sven Kleine
Jakob Walser, Hanna Werth
Das hat dir der Teufel gesagt!
Die Abrißbirne in den Köpfen
Hier ist Bestes aufgeboten: Noch-
Intendant Christian von Treskow hat am
Noch-Schauspielhaus der Noch-Kulturstadt
Wuppertal mit einem brillanten
Noch-Ensemble den Kulturverantwortlichen
der möglicherweise in naher Zukunft
kulturlosen Bergischen Großstadt
gezeigt, was das Wuppertaler Schauspiel
zu leisten im Stande ist. Theater allererster
Güte nämlich, Theater, wie es besser
nicht zu machen ist, Theater von der
Qualität, die der Theaterstadt Wuppertal
einst einen führenden Rang unter
den besten Häusern der Bundesrepublik
eingebracht hat. Christian von Treskow,
der sich im September 2007 als Regisseur
mit seinem „Urfaust“ für Wuppertal
empfohlen und 2009 auch als Opernregisseur
(„Die Zauberfl öte“) reüssiert
hatte, wäre der richtige Mann, dieses
Theater quasi im letzten Moment am
eigenen Schopf aus dem von der fahrläs-
sigen Kommunalpolitik zu verantwortenden
Sumpf zu ziehen – wenn man
ihn denn ließe. Doch die Messer sind
gewetzt – insgeheim wohl schon lange
– um die Schauspielsparte Wuppertals
zu schlachten, die Abrißbirnen poliert,
um das wunderbare, denkmalgeschützte
Schauspielhaus niederzureißen und dem
lebendigen Kulturleben den Garaus
zu machen. Ob dann auch wohl am
Personal der hoch bezahlten Kulturverwaltung
gespart werden wird, wenn man
dem Theater die Mittel streicht?
Keine Minute Langeweile
Aber zurück zu Goldoni und der
„Trilogie der Sommerfrische“, denn da
gibt es im Gegensatz zur verkorksten
Kulturpolitik reichlich zu lachen. Und
zu bewundern. Ich weiß nicht, ob Theo
Lingen je Goldoni gespielt hat, doch
die Bewunderung für das Theater, die
er 1969 in seinen Erinnerungen an

die Bühne manifestiert hat, teile ich
mit ihm, nicht zuletzt ausgelöst und
manifestiert durch Theaterabende wie
diesen, der voller Überraschungen,
burlesker Späße, gekonnter Clownerien,
herrlicher Charaktere, voller Spaß am
Spiel und subkutan von tiefer Dramatik
ist. Dreieinhalb Stunden, Wagner-
Freunde kennen das, unterbrochen von
zwei Pausen, dauert die Aufführung, ein
langer Theaterabend, doch ich wüßte
keinen Zuschauer – ich sprach in den
Pausen mit einigen - der sich auch nur
eine einzige Minute gelangweilt hätte.
Das verdanken der Zuschauer und die
geneigte Zuschauerin einem Ensemble
(s.o.), das sich in bester Spiellaune zeigte
sowie einem Buch und Gesamtkonzept,
mit dem Christian von Treskow, dem
berühmten Konzept Giorgio Strehlers
folgend, alle drei Teile der Gesellschaftskomödie
an einem Abend aufführt.
Paßgenau unterstützen Bühnen- (Jürgen
Lier) und Kostümbild (Dorien Thomsen)
die fi ligrane, ideenreiche Kunst des
Schauspielintendanten, der alle Register
zieht, um mit Habgier, Eitelkeiten, Liebeswirren,
Lügen, Leidenschaften und
(einem) Happy End sein Publikum zu
unterhalten und die Gesellschaftskritik
von 1761 á jour zu führen.
Theater à la bonheur
Hohes Tempo, karikaturistisch treffend
überzeichnete Charaktere, viel
zu niedrige Türen für viel zu hoch
aufgetürmte gepuderte Perücken,
opulente, wörtlich zu nehmen decouvrierende
Garderoben, ein vergleichsweise
einfaches Bühnenbild – es muß
ja gespart werden – sowie die fl otte
Sprache der aufs Essentielle gekürzten
neuen Übersetzung von Achim Gebauer
sorgen für das pointenreiche Feuerwerk,
welches auch ein verwöhntes Publikum
dreieinhalb Stunden bei Laune und der
Lachfrequenz wegen unter Atemnot
hält. Das läßt man sich gerne gefallen.
Hanna Werth in der Schlüsselrolle der
Giacinta ist eine hinreißende, glanzvolle
Neuentdeckung, Maresa Lühle als
ihre Zofe Brigida sprüht vor burleskem
Humor, Anne-Catherine Studer gibt das
Dummerle Rosina überaus bezaubernd,
Juliane Pempelforts Vittoria spritzt das
Temperament aus allen Poren. Markus
Haase liefert in der Rolle des Schnorrers
und Mitgiftjägers Ferdinando, vor allem
im Ringen mit der notgeilen Witwe
Sabina (Julia Wolff), ebenso ein Kabinettstückchen
ab wie Thomas Braus als
intriganter Schacherer Fulgenzio. Mal
ganz abgesehen von seinem artistischen
Auftritt in der ersten Szene, der sogleich
die Aufmerksamkeit auf ihn lenkt, zeigt
sich Heisam Abbas als Leonardo, über
dem sich das Damoklesschwert des
Dalles immer tiefer senkt, als ein von
gesellschaftlichen Zwängen und persönlicher
Eitelkeit getriebener bankrotter
Livorneser Großbürger in perfekter Zerrissenheit.
Wie die Genannten gibt auch
das übrige Personal aus Glücksrittern
und Lakaien, Dämchen und Stenzen ein
Lehrstück, wie wunderbar, wie wichtig
und unabdingbar Theater als Teil der
täglichen Kultur ist. Der im Anschluß
an die Vorstellung verlesene Appell des
Ensembles zum Erhalt der Wuppertaler
Schauspiels war Ausdruck der berechtig-
links:
Anne-Catherine Studer, Hendrik Vogt
rechts:
An Kuohn, Jochen Langner
ten Empörung allein darüber, daß eine
Stadt wie Wuppertal sich sein Sprechtheater
künftig quasi nur noch als verstümmelten
Appendix eines unter einem
übermächtigen Leiter verschmolzenen
Orchester- und Opern-Sparte „halten“
will. Das klingt wie ein Scherz, ist aber
bitterer Ernst.
Jetzt zugreifen!
Wer also in Wuppertal noch einmal in
Theater à la bonheur schwelgen will,
erwerbe fl ugs Eintrittskarten für Carlo
Goldonis „Trilogie der Sommerfrische“.
Es lohnt. Und mehr Goldoni aus
Christian von Treskows Hand bietet
seit gestern die Wiederaufnahme seiner
turbulenten Inszenierung von „Diener
zweier Herren“.
Frank Becker
Fotos Uwe Stratmann
Weitere Informationen unter:
www.wuppertaler-buehnen.de
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Die Pasta Opera besucht Wuppertal
Wer bei Konzerten gerne still sitzt und sich
vielleicht sogar daran erfreut, den räuspernden
Nachbarn mit bösen Blicken zur Ruhe
zu stellen, der sollte bei der „Pasta Opera“
lieber zu Hause bleiben. Mit Schwung und
Laune singt, tanzt und musiziert das
Ensemble um Julia Regehr, während ihre
Gäste festlich speisen.
Schon mal bei Pina Bausch die Stulle
ausgepackt? Oder bei einem Haydn-
Streichquartett das Forte für einen
kräftigenden Schluck Wein benutzt? Was
uns heute so ungebührlich vorkommen
würde, war früher tatsächlich die Regel.
Während die Musik spielte, wurde gegessen
und getrunken. Man hat sich unterhalten,
ist von Tisch zu Tisch spaziert:
Zwischendurch wurde auch gern mal
applaudiert, wenn der Cembalist mal
wieder besonders virtuos extemporiert
hatte. Zum stille Sitzen war die Kirche
da. Bei der weltlichen Tafelmusik waren
Musik und Musikanten stimmungsvolles
Dekor, die wie der prunkvolle Raum
oder das opulente Mahl dem Wohlleben
der geniessenden Teilnehmer dienten.
Erst mit der Konzertsaalreform
vor gut hundert Jahren bürgerte sich
unser heutiges bürgerlich-musikalisches
Wohlverhalten ein: nicht kippeln, nicht
schwätzen und die Hände auf den
Schoß. Dieser Kodex gilt inzwischen
recht strikt für alles, was wir zumindest
in Deutschland unter die Ernste Musik
einsortieren. Jazzhörer dagegen rauchen,
bis der Saxofonist hustend umkippt. Der
Punk der 80er Jahre wirft nicht nur Bierbecher,
sondern darf auch daraus trinken.
Der elektronische Musikfreund nippt an
mit Wodka versetzten Engery-Drinks,
die von mächtigen Bässen geschüttelt
werden, die dann wiederum auch ihn
zum zappeln bringen.
Opern- und sinfonische Freunde
dagegen werden in ihre Schulzeit zurück
versetzt: erst stundenlanges Ruhigsitzen
mit Frontaldarstellung. Dann applaudiert
man mit Freude der grossen Pause.
Nach längerem Anstellen gibt es gibt
lauwarme Getränke und belegte Brötchen.
Schon läutet ein lautes Klingeln die
nächste Runde ein: weiter geht’s mit dem
gebührenden Ernst des Lebens.
Bei Hofe war eine solche Etikette
überhaupt nicht gefragt. Konzerte waren
Lust und Laune, Musik ein Teil des

Wohlergehens, und nicht Teil einer disziplinarischen
Massnahme. Das Schicksal
des hustenden Jazzers blieb den Hofmusikern
zwar erspart. Aber auch nur, weil
im 18. Jahrhundert der Tabak vorwiegend
geschnupft wurde. Ludwig der XIV.
war einerseits ein erklärter Tabaksfreund,
andererseits Rauchgegner und zudem
Vorbild für alle anderen Fürsten Europas.
Und so zupsten bald Adel wie Volk mit
spitzen Fingern den gerapselten Tabak
aus mehr oder minder wertvollen Döschen
aus Porzellan und Gold und Silber.
Geraucht wurde erstmal nur in
Spanien. Napoleonische Soldaten
brachten die Zigarre später aus Spanien
mit, argwöhnisch beobachtet von den
herrschenden (und schnupfenden) Häusern.
Bei den Preussen galt das Rauchen
auf offener Strasse sogar als „Aufl ehnung
gegen die herrschende Staatsgewalt“,
war dementsprechend bei Strafe verboten.
Heute ist es genau umgekehrt:
wer raucht, muss sogar draussen stehen.
Insbesondere, wenn gleichzeitig gegessen
werden soll.
Es gilt keine Ausnahme, auch wenn
die Musiken der berühmtesten Zigarrendreherin
der Kulturgeschichte auf dem
Spielplan steht. Während des „Toreadors“
aus Carmen darf bei der „Pasta
Opera“ gegessen, getrunken, geprostet
und sogar geschnupft werden. Wer lieber
rauchen geht, ist selber schuld. Er verpasst
nämlich eines der vielen Kabinettstückchen
(ohne jetzt zuviel zu verraten
wollen).
Die „Pasta Opera“ nimmt sich und
das höfi sche Genussspektakel dabei so
ernst, wie es für eine echte Komödie notwendig
ist. Dabei bleibt dann auch kein
Auge trocken. Sei es, weil im Sinne einer
anarchischen Opera Buffa schmetternde
Tenöre durchs Publikum chargieren.
Oder wenn bei „Una furtiva lacrima“
aus Gaetano Donizettis „Liebestrank“
aus unbändigem Spass tragischer Ernst
herausfunkelt und das Klappern des
Bestecks auf den Tellern zum Verstummen
bringt. Manch einer muss schon
zwischendurch mit seiner Serviette die
feucht gewordenen Augen klären, damit
er sein Weinglas wieder fi ndet.
Es ist ein Top of the Pops der Opernwelt,
das Julia Regehr und ihr Ensemble
für den Genussmenschen von heute
neu zubereiten. Was ganz der höfi schen
Konzertpraxis von damals entspricht.
Sollte sich ein König, Herzog oder eine
wie auch immer geartete Nobilität etwa
den Kaprizien eines subalternen, meist
bürgerlichen Komponisten oder Konzertmeisters
unterwerfen? Erlaubt ist, was
gefällt. Nämlich, dem Publikum (und
Publikum wie Staat, c‘est moi, sprach
schon der große Ludwig).
Derart frei im Ablauf waren denn
auch die Vorstellungen angelegt. Die
Uraufführung von Georg Friedrich
Haendels „Wassermusik“ etwa beschrieb
der „Daily Courant“ am 19. Juli 1717
folgendermaßen: „Am Mittwoch abend,
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ungefähr um acht, begab sich der König in
einem offenen Schiff auf eine Bootsfahrt …
und fuhr, von vielen anderen, mit Standespersonen
besetzten Booten, begleitet, fl ussauf
nach Chelsea. Ein Schiff der Stadtgilde
trug die Musiker, die über 50 Instrumente
jeglicher Art verfügten. Sie spielten die
ganze Zeit die schönsten, besonders für diese
Lustfahrt von Mr. Händel komponierten
Sinfonien, welche Seiner Majestät derart
gefi elen, dass sie auf dem Hin- und Herweg
dreimal wiederholt werden mussten.„
Hätte ein Gewitter damals den
Ausfl ug abgekürzt, wäre zwar die Bootsfahrt
ins Wasser gefallen gewesen. Dem
Musikgenuss hätte dies nicht geschadet.
Ob die drei Suiten mit ihren insgesamt
19 Sätzen ihr ein dreimaliges Da Capo
bekommen hätten, oder nach Satz zwölf
die Landfl ucht begonnen hätte: Haendels
Werk ist kein durchkomponiertes,
abgeschlossenes Gesamtkunstwerk -
sondern eben schmückendes Beiwerk einer
prachtvollen Bootspartie. Das Schiff
voller Musiker diente dem Herrscher
dabei als einer Art barockes Autoradio.
Ganz in Haendels Sinne pfl ückt
Julia Regehr für ihre „Pasta Opera“
deshalb einen eklektizistischen Strauss
schönster Opernblumen. Komplettiert
das Menü auf den Tellern mit ausgewählten
Zutaten aus der Welt der Oper.
Die Rokoko-Kostüme, die schönen
Stimmen, das grosse Essen, die ausserordentliche
Umgebung - alles zusammen
reisst den Gast aus seinem Alltag. An
Stelle von CD-Spieler und „Essen ist
fertig“ öffnet sich eine Phantasiewelt
unschuldiger Pläsiere. Mehr Hollywoodschaukel
als harter Konzertklappstuhl,
mehr Neuschwanstein und Disneyland
als Musikarchäologie auf Originalinstrumenten.
Denn die „Pasta Opera“ greift zwar
die höfi sche Aufführungspraxis des Rokoko
auf, ist aber alles andere als mühselig
rekonstruierte Historie. Schliesslich
wollen wir ja auch keine Schwanenschenkel
auf dem Teller haben, bloß
weil das damals auf der fürstlichen
Tageskarte stand (von den barocken
Hygieneunsitten ganz zu schweigen).
„Pasta Opera“ ist ansteckende Freude
am Genuss. Hier wird nicht nur mit
Verdi, Puccini und Rossini gefeiert und
getrunken, gesungen und gespielt. Man
sitzt mittendrin, isst und trinkt und
lauscht und lacht. Und wenn der Abend
dann vorbei ist, bitte nicht vergessen: egal,
ob „Così fan tutte“, „Traviata“ oder „La
Bohème“. Beim nächsten Konzertbesuch
ploppt der Sektkorken wieder nur im Foyer,
ist jedes Hüsteln ein Kapitalverbrechen
und wer zu früh klatscht, hat verloren.
Hubert Gertis
Fotos: Bernd Schönberger
Restaurant Rossini
Historische Stadthalle Wuppertal
Johannisberg 40, 42103 Wuppertal
Telefon 0202 - 455903
www.culinariacatering.de
Termine:
Donnerstag, 13. 12. 2012, 19:30 Uhr
Donnerstag, 24. 01. 2013, 19:30 Uhr
Tickets:
Telefon 030 - 7886644
www.pastaopera.de

…am Umzugskarton !
Das Heft, das keine Stimme hatte
Dorothea Renckhoff
Studium Theater- u. Literaturwissenschaft,
Theorie des Films Ruhr-Universität Bochum;
Praktika an Theatern u. als Kulturjournalistin
Erstes Engagement am Schauspielhaus
Bochum bei Peter Zadek (Assistentin Regie/
Dramaturgie), später Dramaturgin Freie
Volksbühne Berlin, Regieassistentin u. Autorin
WDR-Fernsehen, Leitende Dramaturgin
Rheinisches Landestheater, Chefdramaturgin
Städtische Bühnen Münster.
Beendigung der Theaterkarriere, da eine
führende Position am Theater mit den
familiären Anforderungen (verheiratet, zwei
Kinder) nicht mehr vereinbar war.
Seitdem freischaffend in Köln als Autorin
und literarische Übersetzerin.
Seit 2008 Mitglied im PEN-Club.
Dorothea Renckhoff, Foto: Frank Becker
Horch doch mal… Plötzlich fi ng das Liederalbum neben ihm
‚Passen Sie doch auf!’ rief das Telefonbuch,
als der Bildband ihm auf den Deckel fi el.
‚Sie sehen doch, dass ich keinen festen
Einband habe!’
Es wurde jetzt ziemlich voll im Umzugskarton.
Unten drin langweilten sich schon
seit Stunden eine Wolldecke und ein paar
dicke Sofakissen miteinander, und jetzt
hatte man noch ein paar Bücher oben
drauf gepackt, unsortiert, wie es grade
kam. Bücher, die ständig benutzt wurden
- darum landeten sie zuletzt in der Kiste
– und andere, die beim Ausräumen der
Wohnung aus irgendwelchen verstaubten
Winkeln ans Licht gekommen waren.
Der Bildband gab dem Telefonbuch keine
Antwort; er war sehr vornehm, aber ebenso
schweigsam: in seinem Innern waren viele
berühmte Gemälde abgedruckt, aber wenig
Text. Das Telefonbuch schimpfte hastig
weiter vor sich hin; es sprach immer ganz
schnell und leise, weil es so furchtbar viele
winzig klein gedruckte Zeilen enthielt.
Aber weil es so dick war, geriet es dabei
leicht außer Atem und musste husten.
an zu singen. ‚Was soll das jetzt wieder!’
empörte sich das Telefonbuch. ‚Ein
Gesang geht auf uns nieder!’ quiekte ein
kleiner Band mit abgewetztem hellblauem
Leinendeckel, ‚hört, das ist ein Seifensieder!’
‚Ach lassen Sie doch den Quatsch!’
schalt das Telefonbuch. ‚Sonst machen Sie
wohl Patsch, und ich fl ieg in den Matsch?’
kicherte das kleine Buch.
‚Wie herrlich, wieder unter Seinesgleichen
zu sein!’ jubelte jetzt jemand von der
anderen Seite. Dort lag ein ramponiertes
Kochbuch mit abwaschbarem Umschlag.
Seit Jahren hatte es mit keiner Seele reden
können, weil es ganz allein auf einem
Regal in der Küche gestanden hatte, neben
den Kaffeebechern, und die redeten in
einer anderen Sprache, wenn sie überhaupt
ein Wort aus ihren sauber gespülten Mündern
brachten. Jetzt verlor das Kochbuch
beinah die Seiten vor Freude darüber, dass
es endlich seiner Einsamkeit entronnen
war. ‚Sollten wir uns nicht miteinander bekannt
machen, wenn wir schon zusammen
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verreisen?’ fragte es und klappte höfl ich
den Deckel auf, so dass man seine erste
Seite sah, und auf der stand gar nichts, da
waren nur ein paar eingetrocknete Spritzer
Tomatensauce. Aber das ist eben die Art,
wie Bücher sich untereinander begrüßen
– so eine Mischung aus Winken und Verbeugung.
Ein schmuddeliges Taschenbuch
mit einem Segelschiff als Umschlagbild
erwiderte den Gruß, und dann stellten die
Beiden sich in aller Form vor, indem sie
das leere Vorsatzblatt umwendeten und die
nächste Seite mit ihrem Titel zeigten, und
dazu nannten sie ihren Namen. ‚Kochen
für jeden Tag,’ sagte das Kochbuch, und
‚Schatzinsel’ antwortete das schmuddelige
Taschenbuch. ‚Insel?’ piepste das kleine
Blaue dazwischen, ‚wo hab ich meinen
Pinsel?’
Plötzlich schwirrte der Karton von
Stimmen und Namen. ‚Robinson Crusoe!’
– ‚Niels Holgerssohn!’ – ‚Gifte und
Vergiftungen!’ klang es durcheinander, und
das Liederalbum sang dazu mit schallender
Stimme. Die Sofakissen hörten neidisch
zu, denn sie konnten weder singen noch
sprechen.
‚Andersen-Märchen’, sagte ein heller Band.
Auf seinem Deckel schlief ein kleines
Mädchen in einer Nussschale unter einem
Rosenblatt. ‚Dich kenn ich ein paar Jährchen,’
kicherte das kleine Blaue. Es war
auf dem Rücken mit braunem Klebeband
gefl ickt, aber dennoch gut gelaunt. ‚Ich bin
das Reimlexikon,’ fügte es hinzu, ‚ich war
noch nie im Stadion!’ ‚Reimlexikon?’ fragte
das Telefonbuch, ‚was soll das denn sein?’ –
‚Schau doch mal in mich hinein,’ jauchzte
das Reimlexikon, ‚schreibst du jemals ein
Gedicht, und du weißt die Reime nicht,
dann schlag einfach in mir nach – Reime
weiß ich tausendfach! Flinker – Trinker –
linker – Stinker…’
Doch da hörte man plötzlich jemand
weinen. Ganz leise, als weinte da jemand,
der eigentlich gar keine Stimme hatte.
Und doch musste sein Kummer so groß
sein, dass alle Bücher dieses Weinen hören
konnten. Sogar das Reimlexikon verstummte
und lauschte. Und dann sahen sie es. Das
Weinen kam aus einem leeren Heft, das
raschelte mit den unbeschriebenen Seiten,
und fast klang es wie ein Flüstern. Aber es
konnte nichts sagen, denn es war ja leer.
Und dann klappte es ganz weit auseinander,
wie ein Mensch, der die Arme ausbreitet,
wenn er jemanden kommen sieht, den er
sehr lieb hat und der lange fort war. Man
konnte es ganz deutlich erkennen, das Heft
hatte Sehnsucht. Und die Bücher hörten
das Weinen im Rascheln der leeren Seiten,
und ein ganz leises, fast tonloses Flüstern:
’Ich will auch eine Stimme haben und
sprechen wie ihr!’
Es wurde still in der Kiste. Nur das Reimlexikon
suchte leise murmelnd nach einem
Reim auf Stimme, und das Liederalbum
summte etwas Beruhigendes, aber das war
nur ein Zeichen dafür, dass keiner einen Rat
wusste. Aber alle dachten verzweifelt nach.
Sogar der schweigsame Bildband suchte
nach einem Trost: ‚Es ist gar nicht schlimm,
wenn man nicht sprechen kann,’ erklärte er,
‚es wird sowieso viel zuviel Unsinn geredet,’
und alle stellten erstaunt fest, was für eine
wunderschöne tiefe Stimme er hatte. Aber
das Heft raschelte immer bitterlicher, sogar
sein Umschlag fi nd an zu zittern.
Plötzlich klappte das Märchenbuch sich auf
und zeigte ein Bild von einem Mädchen
mitten im Meer. ‚Es gibt einen Weg;’ sagte
es zu dem Heft, ‚du kannst eine Stimme
bekommen,’ und das Heft hörte auf zu
rascheln und lauschte gespannt. ‚Du kannst
eine Stimme bekommen,’ wiederholte das
Märchenbuch. ‚Wenn ein Mensch dein
Freund wird und mit einem Stift oder mit
Tinte in dich hineinschreibt, oder Bilder auf
deine Seiten zeichnet, dann bekommst auch
du eine Stimme, dann kannst du sprechen
wie wir.’
Und jetzt redeten alle durcheinander, denn
jeder wollte einen Vorschlag machen, wie
das Heft am besten einen menschlichen
Freund bekommen könnte. Das Kochbuch
wollte es mit in die Küche nehmen,
‚vielleicht kriegst du ein paar Fettfl ecke,
aber sie schreiben bestimmt Rezepte in dich
rein!’ rief es aufgeregt. Das Reimlexikon
kannte einen Herrn, der immer Gedichte
auf gebrauchte Papierservietten schrieb, der
würde sich bestimmt über ein schönes Heft
freuen. Jeder hatte eine bessere Idee, und
schließlich legte das Märchenbuch das Heft
auf eines der Sofakissen und strich ihm
noch mal mit der Umschlagklappe über den
Rücken, und das Heft zuckte nur noch kurz
mit den Seiten, als müsste es ein letztes Mal
aufschluchzen, und dann schlief es getröstet
ein, denn es war vom vielen Weinen furchtbar
müde geworden.
Die Bücher aber unterhielten sich nur noch
mit gedämpfter Stimme, um das Heft nicht
zu wecken.
Freunde wirft man nicht zum Altpapier
‚Wie lange müssen wir denn jetzt hier drin
sitzen?’ fragte der dicke Wälzer, der sich
als Nils Holgersson vorgestellt hatte, ‚man
kriegt ja kaum Luft in diesem Karton!’
‚Ja,’ sagte jemand aus der Ecke der Kiste, ‚du
bist mit den Wildgänsen gereist, vielleicht
leidest du in dieser Enge fast so sehr wie ich.’
Alle reckten sich, um zu sehen, wer da
sprach. Es war eine große alte Weltgeschichte
mit wunderbar verziertem Einband. Bis
jetzt hatte sie still für sich auf einem eigenen
Kissen gelegen, und man merkte sofort,
dass sie sehr vornehm sein musste, denn die
Ränder ihrer Seiten waren vergoldet. Darum
duzte sie auch alle anderen Bücher, ohne
um Erlaubnis zu fragen. ‚Ich bin nämlich
an einen Ehrenplatz im Schrank gewöhnt,
ganz für mich allein,’ erklärte sie, und dann
erhob sie sich und zeigte die goldenen
Blumenranken auf ihrem schönen Rücken.
Die Bücher waren sehr beeindruckt. Nur
das Telefonbuch lachte in sich hinein, denn
es hatte als einziges den vorderen Deckel der
Weltgeschichte gesehen, wo ein hässlicher
dunkler Ring von einem feuchten Glas auf
dem feinen Leder zurückgeblieben war.
‚Ich hätte wohl auch beim Umzug Anspruch
auf bevorzugte Unterbringung,’ fuhr die
Weltgeschichte fort, ‚aber es hat keinen
Sinn, sich deswegen aufzuregen, das wirbelt
nur den Staub auf. Morgen ist es geschafft,
und jeder kommt an den Platz, wo er
hingehö….’
Doch da fl og ihr mit lautem Klatschen etwas
auf den Rücken. Es war ein Computer-
Lehrbuch, das gellend schrie. Man konnte
es kaum verstehen, es klang wie ‚Wiiiiill
niiiicht’ - - und ‚Papiiiiiiiier’ - -, und dabei
zuckte es vor Angst und fl atterte mit allen
Seiten. ‚Es will nicht in den Papier-Container,’
übersetzte ein kleines Wörterbuch,
denn zum Übersetzen war es ja gemacht.
– ‚Ich hab Aaaaangst!’ heulte das Computer-
Lehrbuch, ‚meine ganze Familie ist im
Papier-Container gelandet, und jetzt bin ich
dran! Es ist ein schrecklicher Tod, man wird
mit dem Lastwagen abgeholt und zerrissen
und zerfetzt!’ Und dann blieb ihm vor Angst
die Stimme weg.
‚Papier-Container?’ fragte das Kochbuch
mitleidig, ‚aber das ist ja furchtbar! Habt
ihr das gehört?’ wandte es sich an die

andern, aber die gaben keine Antwort,
einige rückten sogar ein bisschen von
dem Computer-Buch ab, als hätte es eine
ansteckende Krankheit. Nur die Schatzinsel
sah sich um und überlegte, ‚können Sie sich
nicht irgendwo verstecken?’ schlug sie vor,
‚vielleicht unter den Sofakissen?’
‚Versteck dich bei den Sofakissen,’ alberte
das Reimlexikon, ‚sonst wirst du morgen
früh zerrissen! Darauf weiß ich noch einen
Reim,’ fügte es hinzu und lachte über seinen
eigenen Witz, ‚aber den kann ich in so vornehmer
Gesellschaft nicht benutzen,’ und es
schielte zu der Weltgeschichte hinüber, die
sich gerade angeekelt unter dem Computer-
Lehrbuch wegzuwälzen suchte. Aber das
fand gerade seine Stimme wieder: ‚Ja, habt
ihr denn alle keine Ahnung, was los ist?’
fragte es ungläubig. ‚Meint ihr, ich bin als
einziger fürs Altpapier bestimmt? Die ganze
Kiste hier wird morgen zum Container
gebracht! Die andern Bücherkartons sind
alle längst fort; die Wohnung ist leer; wir
sind mit dem Müll zurückgeblieben, mit
uns ist es aus!’
Niemand sagte etwas. Plötzlich schien es
eisig kalt im Karton zu sein. Alle starrten
einander in panischem Entsetzen an.
‚Ich dachte, wir ziehen bloß um,’ fl üsterte
das Liederalbum. ‚Ich hab ja befürchtet,
dass es eine lange, unbequeme Reise
wird…’ nickte das Wörterbuch. ‚Oder dass
man einen schlechteren Platz im Schrank
bekommt,’ ergänzte der Bildband. – ‚Aber
zum Altpapier??’ Dem Liederalbum war die
Lust zum Singen vergangen.
‚Was machen wir denn jetzt?’ fragte das
Kochbuch verzweifelt. ‚Das können wir
uns doch nicht so einfach gefallen lassen!’ –
‚Was sollen wir denn machen!’ antwortete
die Schatzinsel resigniert, ‚es sind schon
hübschere Bücher als ich in den Container
gewandert,’ und sie zeigte betrübt ihren
schmuddeligen Einband. – ‚Das mag ja für
dich gelten,’ bemerkte die Weltgeschichte
verärgert, ‚aber seht mich doch an, Lederband,
Goldschnitt, so was wirft man doch
nicht weg!’
‚Die Leute werfen heutzutage noch ganz
andere Sachen weg,’ widersprach das Kochbuch,
‚ganze Braten habe ich schon in den
Mülleimer wandern sehen, nicht nur alte
Schwarten wie Sie!’ Die Weltgeschichte sah
sich empört um, aber niemand sagte etwas;
die Todesgefahr machte die vornehme Vergoldung
plötzlich wertlos. Nur der Bildband
mischte sich ein, ‚keinen Streit!’ kommandierte
er streng, ‚wir müssen überlegen, wie
wir uns wehren können.’
‚Eins und zwei und drei und vier,’ quiekte
das Reimlexikon, ‚wir wollen nicht ins
Altpapier!’
‚Das hilft nichts,’ sagte das Telefonbuch
düster, ‚meine Eltern und meine Großeltern
sind auch dort gelandet, dagegen kann
man nichts machen, die Menschen sind
stärker. Ich dachte ja, ich hätte noch ein paar
Monate zu leben…’ und eine dicke Träne
quoll aus seinem gelben Deckel. – ‚Nun
wein doch nicht!’ rief Nils Holgerssohn, und
seine Stimme zitterte.
Nur das Märchenbuch mit dem kleinen
Mädchen in der Nussschale auf dem
Einband war zuversichtlich geblieben. ‚Ich
glaube das nicht,’ sagte es, ‚der Professor
liebt uns mehr als alles andere auf der Welt,
ich kenne ihn seit seiner Kinderzeit. Der hat
noch nie im Leben ein Buch weggeworfen,
das weiß ich genau!’
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‚Dann fängt er vielleicht heute damit an,’
murrte das Liederalbum fi nster. – ‚Der hat
ja auch als kleiner Junge sein Limonadenglas
auf mir abgestellt,’ petzte die Weltgeschichte,
‚seht euch den hässlichen Ring an! Wer
so was tut, dem ist alles zuzutrauen!’ und die
vergoldeten Kanten ihrer Seiten bebten vor
Entrüstung.
‚Aber da war er ja noch klein,’ begütigte das
Märchenbuch, ‚das würde er doch heute
nicht mehr tun. Nein, nein, er lässt uns nicht
im Stich!’ – ‚Was macht dich da so sicher?’
fragte das Kochbuch mit einem kleinen Bisschen
Hoffnung in der Stimme. ‚Wir waren
Freunde,’ antwortete das Märchenbuch und
nickte zuversichtlich mit dem Deckel, und
das kleine Mädchen in der Nussschale nickte
unter seinem Rosenblatt mit.
‚Und deshalb meinen Sie, uns passiert
nichts?’ fragte das Computer-Lehrbuch
zweifelnd. ‚Ja!’ rief das Märchenbuch,
‚Freunde wirft man doch nicht zum Altpapier!’
– ‚Glaubst du!’ lachte die Weltgeschichte
höhnisch.
‚Ja!’ sagte das Märchenbuch sehr bestimmt,
‚man muss seinen Freunden auch vertrauen!’
und dann hörte man die Stimme des Professors.
‚Diese Kiste schaffe ich später selber
hinüber,’ sagte er, ‚es war mir zu riskant, sie
den Möbelpackern zu überlassen, sie enthält
meine wichtigsten und meine liebsten Bücher,
davon darf keines verloren gehen!’
Die Bücher sahen einander stumm an. Erst
ganz langsam begann die Angst sich zu lösen.
Doch dann fi ng sogar die Weltgeschichte
an zu lächeln. Aber das Märchenbuch
seufzte so tief, als bräche die Nussschale auf
seinem Deckel in Stücke, und das Rosenblatt
wehte fort.
Dorothea Renckhoff
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72
Kann ich
mit Musik Steuern sparen ?
Susanne Schäfer, Steuerberaterin
Geschäftsführerin der Rinke Treuhand GmbH
Wirtschaftsprüfungsgesellschaft/
Steuerberatungsgesellschaft
Paragraphenreiter
Grundsätzlich schon – wenn ich damit
auch Geld verdiene.
Wenn ich zum Beispiel Konzertgeiger
und in der Lage bin, mit meiner Musik
meinen Lebensunterhalt zu verdienen,
unterliegt die Differenz zwischen meinen
Einnahmen aus dieser Tätigkeit und den
Ausgaben, die ich tätigen muss, um diese
Einnahmen überhaupt zu erzielen, der
Einkommensteuer.
Zu diesen Ausgaben zählen auch diejenigen
für den Erwerb einer Geige. Und
da so eine Geige gemeinhin ein paar Jahre
hält, darf ich die Ausgaben für sie nicht
sofort bei Zahlung, sondern nur über die
voraussichtliche Nutzungsdauer der Geige
verteilt als Absetzung für Abnutzung dieser
Geige von meinen Auftrittshonoraren
abziehen.
Da ich ein richtig guter Geiger bin,
brauche ich natürlich auch eine richtig
gute Geige. Da traf es sich gut, dass
letztes Jahr in London eine Stradivari
mit dem schönen Namen „Lady Blunt“
versteigert wurde, für die ich für umgerechnet
12.070.000 Euro den Zuschlag
erhielt. Jetzt frage ich mich nur: wie
lange hält die Lady voraussichtlich noch?
Schließlich wurde sie schon im Jahr
1721 gebaut. Das kann einerseits darauf
hindeuten, dass sie bei guter Pfl ege uralt
wird. Möglicherweise macht sie´s aber
auch nicht mehr lange. Wieviele Jahre
kann ich meine Stradivari nun voraussichtlich
noch nutzen?
TANZ ANZ TRÄUME
TRÄUM
Jugendliche tanzen „Kontakthof“ von Pina Bausch.
Das Buch zum Film von Anne Linsel und Ulli Weiss
Verlag HP Nacke Wuppertal, 2011
120 Seiten, 23 x 17 cm, Softcover
ISBN 978-3942043-81-6, 19,80 Euro
Verlag HP Nacke KG
Friedrich-Engels-Allee 122
42285 Wuppertal -
Telefon 0202 - 28 10 40
verlag@hpnackekg.de
Das wissen die Finanzbehörden nicht.
Sie wissen allerdings, wie lang eine von
Jean-Baptiste Rogerius im Jahre 1693 in
Brescia gebaute Geige voraussichtlich noch
hält. Die ist zwar nicht ganz so wertvoll
(sie wurde im Jahr 1988 für damals nur
247.280 DM erworben), aber immerhin
schon einmal Gegenstand eines Verfahrens
vor dem Bundesfi nanzhof gewesen. Und
der hat entschieden, dass für im Konzertalltag
regelmäßig bespielte über 300 Jahre
alte Meistergeigen eine typisierte Restnutzungsdauer
von 100 Jahren angesetzt
werden darf. So eine Geige ist nämlich
ein (in der Tat) langlebiges Wirtschaftsgut,
das – auch wenn es wirtschaftlich
möglicherweise sogar einem Wertzuwachs
unterliegt (wovon ich für meine Stradivari
doch ausgehe) – bei regelmäßiger Nutzung
technisch verschleißt.
Im Ergebnis darf ich damit meine
Einkünfte als Musiker für die nächsten 100
Jahre um eine steuerliche Abschreibung von
120.700 Euro im Jahr mindern.
Das setzt allerdings voraus, dass ich
überhaupt dauerhaft Einnahmen in mindestens
dieser Höhe erziele. Denn wenn
meine Betriebsausgaben über einen längeren
Zeitraum meine Einnahmen übersteigen,
geht das Finanzamt davon aus, dass ich
keine Einkunftserzielungsabsicht verfolge
und mein Geigen nur eine sogenannte
„Liebhaberei“ ist. Und die soll nun wirklich
nicht noch steuerlich gefördert werden.
www.rinke.eu

GEDOK – Lobby für Künstlerinnen
Kunstförderer
– das tragende Fundament
Drs. Renate und
Helmut J. Massmann
„Und wenn Sie es nur für ein Jahr machen“!
sagte die von mir so sehr geschätzte Sängerin
und Pianistin Friedel Becker-Brill.
Aus einem Jahr wurden acht Jahre Gedok
Wuppertal und noch einmal 13 Jahre Bundes
Gedok Deutschland und Österreich,
Mauerfall – 5 NBL (fünf neue Bundesländer)
und Europa !
Die Gedok- Verband der Gemeinschaften
der Künstlerinnen und Kunstförderer e. V.,
so ihr jetziger Name, wurde 1926 von Ida
Dehmel in einer Blitzaktion in Hamburg
gegründet; damals unter dem Namen
„Gemeinschaft Deutscher und Oesterreichischer
Künstlerinnenvereine aller Kunstgattungen“,
auf den heute noch gültige das
Kürzel zurückgeht. Die Gründung erfolgte
aus der Notwendigkeit und der Weitsicht,
Künstlerinnen ein Forum zu schaffen in der
bis dato männer- und künstlerdominierten
Welt. In den 20er Jahren herrschten für
Künstlerinnen denkbar schlechte Voraussetzungen.
Nachdem die Weimarer Verfassung
Frauen den Zugang zu allen Hochschulen
und Akademien garantiert hatte, begann
die Gedok sich für die Realisierung dieser
Ausbildungsgarantie und Chancengleichheit
für Künstlerinnen aller Sparten einzusetzen.
Doch das von Ida Dehmel gefällte Urteil,
die Frauenbewegung habe ihr Ziel erreicht,
war vorschnell. Trotz formal erreichter
Gleichberechtigung hat sich in den Jahren
seit Gründung der Gedok die Situation
für Künstlerinnen in keiner Weise zufrie-
denstellend verbessert. Damals wie heute
lavieren sie am Existenzminimum – bis auf
wenige Ausnahmen. Für die meisten ist die
partielle Förderung durch die Gedok von
existenzieller Bedeutung.
Zahlreiche bedeutende Künstlerinnenpersönlichkeiten
schlossen sich der Gedok an:
Jenny Wiegmann, Luise Dumont, Gertrud
von le Fort, Ina Seidel, Ricarda Huch, Grete
von Zieritz, Li Stadelmann, Elly Ney, Ida
Kerkovius, Charlotte Behrendt-Corinth (die
maßgeblich an der Gründung der Gedok
Gruppe Wuppertal, 24. 11. 1931, beteiligt
war), Klara Westhoff-Rilke, Grete Jürgens,
Käthe Kollwitz, Leni Matthaei, Alma Mahler,
Ruth Zechlin, Hilde Dominn, (zu deren
90. Geburtstag hielt ich die Laudatio im
Heidelberger Zimmertheater).
1932 erfolgte die Umbenennung in „Reichs-
Gedok“. Das bedeutete: Weiterführen der
Aktivitäten der Gedok, unter zunehmend
erschwerten Bedingungen. Es gehört zu
ihrem historischen Hintergrund, dass Käthe
Kollwitz, die sich auch für die schwierige
Lage der meist doppelt belasteten Künstlerinnen
engagierte, an der ersten großen
Verkaufsausstellung in der Hamburger Galerie
Commeter mit 500 Exponaten vertreten
war. In der Nazi-Ära erhielt sie Berufsverbot.
Die Gedok dankte ihr diese Haltung, als
sie 1936 und 1942 mit Zivilcourage je eine
Ausstellung in Frankfurt am Main präsentierte.
Erlaubnis hierzu musste speziell bei der
Reichskulturkammer erbeten werden. Die
Kollwitz konnte alle Werke verkaufen.
Diktaturen sind grausam ! Im April 1933
wurde Ida Dehmel bei einer Gedok-
Sitzung im Hamburger Hof von mit
73

74
Gummiknüppeln bewaffneten SA-Leuten
gezwungen, den Vorsitz der Gedok
niederzulegen, sie wurde herausgeprügelt.
So brutal endete die erste Phase dieser
aufblühenden inzwischen 7000 Mitglieder
zählenden Frauen-Künstlerinnenvereinigung.
Ida Dehmel schied 1942 freiwillig
aus dem Leben.
Die Schwere des Krieges ließ 1944 und
1945 – es bestanden 15 Gedok Gruppen
! – keine Gedok Aktivitäten mehr zu.
Dennoch half die „Reichs“-Gedok ihren
Mitgliedern mit Geld und Material.
Ab 1948 bezeichnete sich die Gedok
als: Verband der Gemeinschaften der
Künstlerinnen und Kunstfreunde e. V. Wieder-
und Neugründungen erfolgen, 1989
nach dem Mauerfall auch in den 5NBL.
Ab sofort galten hier marktwirtschaftliche
Gesichtspunkte. Hatten doch die Künstlerinnen
der Ex-DDR keine Materialsorgen,
ihre Werke wurden vom Staat angekauft !
Ab 1992 galt es, die Entwicklung
der kulturpolitischen Gegebenheiten auf
dem sich konstituierenden europäischen
Binnenmarkt für die Möglichkeiten von
Künstlerinnen wachsam zu verfolgen. Die
wirtschaftlichen und die individuellen
künstlerischen Interessen mussten grenzüberschreitend
vertreten werden.
Ab 2000 die Bezeichnung: Gedok-Verband
der Gemeinschaften der Künstlerinnen
und Kunstförderer e.V.
Die Gedok heute ist das größte
und traditionsreichste interdisziplinäre
Netzwerk für Künstlerinen, die in allen
Kunstsparten speziell die Interessen von
Künstlerinnen vertritt. Die Gedok hat
die wichtige Aufgabe, die künstlerische
Arbeit der Frau sowie junge, talentierte
Künstlerinnen zu fördern, ihnen den
Weg in die Öffentlichkeit zu erleichtern,
Werk und Leistung publik zu machen, die
Verbindung zwischen Künstlerinnen und
Kunstfreunden zu festigen. In der Gedok
sind spartenübergreifend alle künstlerischen
Disziplinen zusammengeschlossen.
Sie umfasst die Fachgruppen Bildende
und Angewandte Kunst, Musik, Literatur,
Rezitation, Darstellende Kunst und Performance,
die sich gegenseitig im Austausch
befruchten. Die fachlichen Interessen der
Künstlerinnen werden auf Bundes- und
Regionalebene durch Fachbeirätinnen
vertreten. Über die Aufnahme als Künstlerin
entscheidet eine unabhängige Jury nach
professionellen Maßstäben zur Sicherung
der Qualität.
23 Gruppen mit ihren ca. 4000
Mitgliedern sind in der Gedok zusammengeschlossen,
arbeiten als selbständige regionale
Gruppen in der Bundesrepublik und
Wien, bleiben aber dem gemeinsamen Ziel
verpfl ichtet. Jährlich organisiert die Gedok
etwa 1200 bis 1500 Veranstaltungen.
Das tragende Fundament der Gedok ist
die bedeutende Gruppe der Kunstförderer /
Innen, die die Künstlerinnen durch ideelle,
aktive Mitarbeit und fi nanzielle Hilfe unterstützt.
Allen Kunstinteressierten steht die
Mitgliedschaft in dieser Gruppe offen. Die
Einzigartigkeit der Gedok besteht in dem
Dialog der Kunstfreunde/Innen mit den persönlichen
Begegnungen von Künstlerinnen.
Die Gedok ist als gemeinnützig anerkannte
Organisation politisch und konfessionell
ungebunden, die ihre ehrenamtliche
Arbeit aus Beiträgen, Spenden sowie
projektgebundenen Mitteln zur Förderung
der Kunst tätigt. Die Gedok setzt sich stetig
für die Festigung der gesellschaftlichen und
sozialen Stellung der Frau als Künstlerin
ein, um deren besondere Lebens- und
Arbeitssituation zu verbessern, besonders
auf die geschlechtergerechte Gestaltung aller
Bereiche künstlerischen Schaffens.
Die Gedok gehört mit dem Deutschen
Künstlerbund (DKB) und dem Bundesverband
Bildender Künstlerinnen und Künstler
(BBK) der Internationalen Gesellschaft
der Bildenden Künste (IGBK) – Sektion
Bundesrepublik Deutschland e. V. (IAA/
AIAP-UNESCO) an.
Die Gedok ist Mitglied im Deutschen
Musikrat, Deutschen Frauenrat, Deutschen
Kulturrat. Die Gedok ist Gründungsmitglied
des Kunstfonds, vertreten in der
VG-Bildkunst -Verwertungsgesellschaft
Bildkunst. Die Gedok ist Gründungsmitglied
der Künstlersozialkasse (KSK), und des
Künstlersozialwerks. Die Gedok kooperiert
europaweit mit dem European Forum For
The Arts And Heritage (EFAH), dem European
Council OF Artists (ECA) und der
International Society For Music Education
(ISME).
Bundesweite Aktivitäten der Gedok
Die Gedok vergibt Preise für herausragende
Leistungen auf den Gebieten der bildenden
Kunst, der angewandten Kunst, der Musik,
der Literatur. Die Gedok fördert interdisziplinäre
Symposien, veranstaltet Podiumsdis-
kussionen und internationale Symposien, sie
publiziert Kataloge, Dokumentationen, sowie
Anthologien, gibt CDs und Videos heraus.
Der 1968 gestiftete Ida-Dehmel-Literaturpreis
wird alle drei Jahre an eine deutschsprachige
Autorin für deren Gesamtwerk verliehen
als Anerkennung von Spitzenleistungen
innerhalb des deutschen Sprachraumes.
Bisherige Preisträgerinnen: Hilde Domin,
Erika Burkart, Margot Scharpenberg,
Rose Ausländer, Ingeborg Drewitz, Barbara
Frischmuth, Eva Zeller, Helga M. Novak,
Kerstin Hensel, Doris Runge, Ulla Hahn.
Während meiner Präsidentschaft habe ich
den Ida-Dehmel-Literaturpreis an Brigitte
Kronauer, Sarah Kirsch, Elke Erb verliehen.
Als Sternstunde, in Vorreiterrolle, gilt meine
Verleihung dieses Preises 1998 an Herta
Müller in Leipzig im Haus des Buches, und
die freudige Erregung als Herta Müller 2009
den Nobelpreis für Literatur erhielt !
Gleichzeitig wird seit 1971 der Gedok-
Literaturförderpreis an eine junge Autorin
vergeben. Hilde Domin hat immer mahnend
auf die Schwierigkeiten hingewiesen, die
junge Autorinnen haben, um veröffentlicht
zu werden und diesen Förderpreis angeregt.
Gleichzeitig mit Herta Müller habe ich Kathrin
Schmidt diesen Förderpreis verliehen,
die 2009 den Deutschen Buchpreis erhielt.
Darauf habe ich den Vortrag: „Die Nobelpreisträgerin
2009 Herta Müller und die
Preisträgerin Deutscher Buchpreis 2009
Kathrin Schmidt, Vita und Werk in Wort
und Bild“ erstellt.
Die Darstellung der Gedok-PreiseWerk-
Wechsel, Fantasie und Form und weitere
bleibt zukünftigem Beitrag vorbehalten.
Auch im 86. Jahr ihres Bestehens hat die
Gedok nichts an Aktualität verloren.
Das Interesse der Künstlerinnen an der
Gedok ist ungebrochen.
Kein anderer Künstlerverband bietet
seinen Mitgliedern vergleichbare Unterstützung
und Förderung. Die Kunst der
Gedok liegt in der Bündelung der Interessen
der einzelnen künstlerischen Sparten zu
einer Strategie des Gemeinsamen. Diese
Gemeinsamkeit ist ein Forum, ein Bündnis,
eine Lobby für Künstlerinnen und Frauen,
das nicht selbstherrliche Monaden züchtet,
sondern Neugierde, Begeisterung, und Kreativität
entwickeln und erhalten hilft.
Denn Kunst ist ein Stück Lebensqualität!
Dr. Renate Massmann

Fünf Jahrzehnte Entwicklungshelfer
Annäherungen an ein Porträt von
Klaus Dieter Peters
Die Entwicklungshilfeorganisationen,
für die Klaus Dieter Peters tätig war,
sind christlich geprägt oder stehen wie die
Ebert-Stiftung der SPD nahe. Bei der
Welthungerhilfe handelt es sich um eine
Nichtregierungsorganisation,
bei der GIZ um eine Einrichtung der
Bundesregierung.
Klaus Dieter Peters in einer
Dorfunterkunft für Durcheisende,
Grenze Kenia
Klaus Dieter Peters, 76, ist vor einigen
Wochen aus Äthiopien heimgekehrt.
Dort, schreibt er, „ist alles anders: die
Schrift, die Uhrzeit, die Kalendertage
und das Datum unserer christlichen
Feiertage“. Schon bei der Ankunft
werden alltagskulturelle Unterschiede
sichtbar, so stromern zum Beispiel
überall in der Hauptstadt Addis Abeba
auf den Straßen Kinder herum, viele
sind kleine Diebe, andere schlagen sich
als Schuhputzer oder als Verkäufer von
Telefonkarten, Kaugummi und anderer
Utensilien durchs Leben. Doch Peters
ist auf der Durchreise ins Borana-Land,
wo ihn ein Nomadenvolk erwartet,
dessen demokratische Tradition älter
ist als in dem Land, aus dem er
kommt. Was er dort erlebt hat, schildert
er in einem Bericht, den wir in
dieser Ausgabe nachfolgend abdrucken.
Mehr als sein halbes Leben hat er mit
Unterbrechung in Asien und Afrika
verbracht. Seinen letzten runden
Geburtstag feierte er 2011 in Myanmar,
dem früheren Burma. Wenn der am
Katernberg lebende gebürtige Wuppertaler
eines nicht kennt, dann ist es,
sich zur Ruhe zu setzen und Däumchen
zu drehen. Irgendwie schade, denn auf
Sumatra oder in Neu-Guinea, in Sambia
oder Sierra Leone kam er bislang nicht
dazu, weiter am Manuskript über seine
Erinnerungen zu arbeiten, und zu erzählen,
hat er eine ganze Menge.
Aus einer achtköpfi gen Familie stammen,
hat er selbst vier Kinder und sieben
Enkel. Bauingenieur war der Vater,
Mitglied des Rates der Stadt Wuppertal
am Ende der Weimarer Republik
und nach dem Zweiten Weltkrieg mit
Johannes Rau und Gustav Heinemann
in der Gesamtdeutschen Volkspartei, die
später in der SPD aufging. Klaus Dieter
zog es früh aufs Land und in die weite
Welt: Nach der Volksschule absolvierte
er eine Gärtnerlehre in der Wuppertaler
Stadtgärtnerei und später ein Praktikum
bei einem Bergbauern in der Schweiz,
rückblickend gesehen „mit die härteste
Prüfung“ seines Lebens. Nach weiteren
Wanderjahren zurück in Deutschland,
brachte er es zum Diplomagraringenieur.
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76
Sein Bruder Jürgen Peters hatte sich
seinerzeit entschlossen, seine Kariere
zurückzustellen und als junger Maschinenbauingenieur
für den heutigen
Evangelischen Entwicklungsdienst und
für die Rheinische Mission, heute Vereinte
Evangelischen Mission, zu arbeiten
und in Sumatra eine technische Schule
aufzubauen. Von ihm erfuhr Klaus Dieter,
dass man dringend einen landwirtschaftlichen
Fachmann für Neu-Guinea
suchte. Er meldete sich umgehend für
diese Arbeit und reiste 1962 für Dienste
in Übersee und die Rheinische Mission
als Landwirt in dieses Land, wo er mit
Missionar und Linguist Siegried Zöllner
aus Schwelm und dem holländischen
Arzt Wim Vriend zusammenarbeitete. In
Neu-Guinea bestand seine Aufgabe in
erster Linie darin, durch geeignete landbautechnische
und ernährungsphysiologische
Maßnahmen den akuten Eiweißmangel
der Eingeborenen zu beheben.
Weitere Arbeitgeber in dem folgenden
halben Jahrhundert waren die GTZ,
heute Gesellschaft für internationale
Entwicklung (kurz GiZ genannt), die
Christlichen Fachkräfte, die Welthungerhilfe,
die Friedrich-Ebert-Stiftung
und die Hoechst AG. Zwischendurch
unterbrach er seine seiner Auslandstätigkeit
zweimal, um auch in Deutschland
Arbeitserfahrung zu sammeln, zuerst bei
der deutschen Kraftfutterindustrie und
danach bei der Bayer AG.
Die Menschen, bei denen er seinen ersten
Einsatz in Übersee hatte, lebten noch in
der Steinzeit, vollkommen isoliert von
der übrigen Welt. Häufi g kam es bei
ihnen zu kriegerischen Auseinanderset-
Christliche Fachkräfte
www.gottes-liebe-weltweit.de
Deutsche Welthungerhilfe
www.welthungerhilfe.de
Evangelischer Entwicklungsdienst
www.eed.de
Friedrich-Ebert-Stiftung
www.fes.de
Gesellschaft für
internationale Zusammenarbeit,
www.giz.de
Vereinte Christliche Mission
www.vemission.org
zungen und nicht selten auch zum „Verzehr“
der getöteten verhassten Feinde.
„Angst haben wir auch gehabt, besonders
in der Luft in unseren kleinen Missionsfl
ugzeugen, zum Beispiel bei extremen
Schönwetterturbulenzen oder riskanten
Landungen“, sagt Peters heute. Die Verbindung
mit der Außenwelt war nur über
Kurzwellenradio und die kleinen Flugzeugen
der Missionary Aviation Fellowship
möglich. „Yali war noch unbekannt, und
wir mussten versuchen uns langsam hineinzufi
nden.“ Diese Erfahrung half ihm
auch beim Erlernen anderer Sprachen
wie Indonesisch oder der in Westafrika
gesprochenen Idiome Krio oder Mende.
Sein entwicklungspolitisches Credo
lautet: Immer die zumutbare Eigenbeteiligung
einfordern und nie etwas verschenken.
Ob ein Brunnen gebohrt oder eine
neue Süßkartoffelsorte eingeführt werden
soll: Die Menschen müssen der Überzeu-
gung sein, dass ihnen die neue Herangehensweise
persönlich nutzt. Wenn sie
einmal Feuer gefangen haben, setzt das
erworbene Wissen ungeahnte Energien
frei. Oberlehrer und Besserwisser bleiben
besser zu Hause.
Die beste Theorie nützt niemandem,
wenn sie nicht umsetzbar ist. Peters: „Wir
arbeiten an angepassten Problemlösungen,
nicht an einem Zivilisationsobjekt.“
Erarbeitete Lösungen beziehen sich
hauptsächlich auf die Verminderung von
Armut, die Sicherung von Ernährung,
berufl iche Qualifi kationen und die Erhaltung
einer menschengerechten Umwelt.
Alles Projekte, die Zeit brauchen. Anders
sieht es bei der immer häufi ger notwendig
werdenden Katastrophenhilfe aus, bei der
schnelles Handeln und Organisationstalent
gefragt sind.
Matthias Dohmen
www.occhio.de
Frank Marschang e.K., Karlstrasse 37, 42105 Wuppertal
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Di – Fr 10 –18 Uhr und 14 –18.30 Uhr, Sa 11–16 Uhr

von Klaus Dieter Peters
Am 8. Januar feiern die orthodoxen
Christen in Äthiopien offi ziell Weihnachten.
Für ein solches Fest reicht natürlich
ein Sonntag nicht aus und deshalb wird
vier Tage lang gefeiert, was jeder hier,
auch die Muslime, von ganzem Herzen
begrüßt. In Äthiopien ist alles anders, die
Schrift, die Uhrzeit, die Kalendertage
und eben auch das Datum unserer
christlichen Feiertage.
Addis Abeba
10 Std. Fahrt über Stock und Stein
Weihnachtsgrüße aus Sooderee
Ich habe mich in ein an einer heißen Vulkanquelle
gelegenes Hotelchen zurückgezogen
und nehme jeden Tag zweimal ein
heißes Bad. Das tut den alten Knochen
gut, denn sie mussten in den letzten zwei
Monaten mehr runde 8000 km Fahrt im
Geländewagen über sich ergehen lassen.
Unten am Schwimmbad mit heißem
Wasser erholen sich die einheimischen
Gäste bei extrem lauter Pop-Musik. Diese
Dauerberieselung mit Musik wird von
neun Uhr morgens bis fünf Uhr Nachmittags
gratis vom Hotel zur allgemeinen
Freude der Äthiopier angeboten. Daneben
gibt es noch die Gruppe der frechen
Kapuziner-Affen welche auf dem Baum
vor meinem Balkon auf eine günstige Gelegenheit
lauern, um in meinem Zimmer
Inventur zu machen.
Aber jetzt der Reihe nach. Von Frankfurt
nach Addis Abeba sind es nur gute sieben
Stunden Tagesfl ug mit der Lufthansa und
man muss nur 2 Stunden Zeitdifferenz
verdauen. Das ist verglichen mit den Asienfl
ügen eine ausgesprochen angenehme
Sache.
Die Millionen-Stadt Addis Abeba 2400
Meter über dem Meer gelegen, wächst in
einem atemlosen Tempo. Rasant breitet
sie sich wie eine Spinne mit vielen Armen
jeden Tag schneller zwischen grünen Hügeln
aus. Überall wird gebaut und gebaut,
so dass die Stadtverwaltung ernste Schwierigkeiten
hat, mit dem Bau der erforderlichen
Basis-Infrastruktur nachzukommen.
Allerdings hat sie in weiser Voraussicht
bereits ein Schnellstraßensystem geplant
und auch schon zu einem erheblichen
Teil gebaut. Trotzdem gibt es schon eine
Menge Verkehrsengpässe in denen man im
Stau ein Feinstaub- oder CO2-Bad nehmen
kann. Auf den Nebenstraßen trifft
77

78
man noch auf eine Ziegen- und Rinderherde
oder auch auf ein paar vollbepackte
Eselchen, die sich zielstrebig durch die
Autokolonnen bewegen.
Die Baugerüste der Hochhäuser bestehen
aus dünnen Eukalyptus-Stangen. Wenn
ich die Bauarbeiter an den Außenwänden
der Wolkenkratzer in schwindelnder Höhe
auf diesen wackeligen Hölzern herumspazieren
sehe, bekomme ich es mit der Angst
zu tun. Wenn ich dann noch etwas genauer
hingucke und sehe, wie hier manchmal
gebaut oder besser gesagt gepfuscht wird,
kann ich nur hoffen, dass dieser Stadt ein
ernstes Erdbeben erspart bleibt. In meinem
Hotelchen kann ich die Billigbauweise
direkt von innen studieren. Auch die Einrichtung
der Bruchbude ist von zweifelhafter
Qualität. Der Wasserhahn klebt an
meiner Hand, wenn ich ihn benutze; am
rechten Eck des Kleiderschrankes fehlen
vier Schrauben und er droht bald umzufallen.
Das Licht im Badezimmer brennt Tag
und Nacht, man kann es nicht ausschalten.
Das Waschbecken leckt und die Brause
funktioniert nicht. Alles kleine Sachen,
die mit wenig Aufwand zu beheben sind.
Von einer Maintanace-Kultur ist das Land
Äthiopien aber noch meilenweit entfernt.
Immerhin. Für das fehlende Frühstücksbuffet
produziert der junge Egg-Master
mit strahlendem Lachen jeden Morgen in
einer Rekordzeit von zwanzig Minuten ein
ausgezeichnetes Omelett in seiner kleinen
Hotelküche. Außerdem trifft man interessante
Leute beim Frühstück im Hotel. Am
meisten imponieren mir die Gäste aus dem
Süd-Sudan, baumlange Kerle, ehemalige
Freiheitskämpfer, die jetzt in ihre Heimat
zurückkehren. Sie sind kohlrabenschwarz,
so schwarz wie die Nacht und weit über 2
Meter groß.
In Addis gibt es auch eine sehr aktive evangelische
deutsche Gemeinde, die mir sehr
in Yabello fehlt. Die Menschen in Addis
und auch im äthiopischen Hochland verstehen
sich nicht als Afrikaner und sie sind
in der Tat auch anders als die Leute die ich
in Südost-Afrika und noch andersartiger
als die Westafrikaner, die ich kennengelernt
habe. Fleißig sind sie alle, die
Kellner im Hotel erledigen ihren Dienst
im Dauerlauf, aber es fehlt an einem
effi zienten Management. Äthiopien ist das
Ursprungsland des Kaffees und man ist
stolz auf die traditionelle Kaffee-Zeremonie
die ein stundenlanges Palaver vorsieht,
denn reden tun sie alle gerne und lange
und laut, ganz besonders dann wenn sie in
ihr geliebtes Handy sprechen. Je länger sie
reden um so lauter und unkontrollierter
wird ihre Stimme. Abends sind die Cafés
der Stadt überfüllt mit diskutierenden
Gästen. Die jungen Mädchen verstehen es,
sich nach der letzten Mode zu kleiden, die
sie durch gekonnte Kombinationen mit
traditionellen Tüchern noch attraktiver
machen. Die Damen der älteren Generation
tragen dagegen meist noch ihre langen
traditionellen Kleider und Kopftücher und
ab und zu kann man auch eine voll verschleierte
Muslimfrau in schwarzer Burka
Nomadenhütte mit Boranafrau Tierarzt Major
sehen. Es sind alles freundliche Leute die
das Leben auch mit wenig Geld bei einer
Tasse Kaffee zu genießen verstehen, nur
leider sind 80 Millionen Menschen mehr
als das Land gegenwärtig ernähren kann
und jedes Jahr kommen noch über zwei
Millionen neu geborene dazu.
Die Föderation Äthiopiens ist etwas
einmaliges, denn in jedem Bundesstaat
wird in den Schulen in der Stammessprache
unterrichtet die dann auch die
offi zielle Amtssprache in dem jeweiligen
Bundesstaat ist. In diesem schönen Land
kann ich mich, anders als letztes Jahr in
Myanmar, frei bewegen. Es gibt überall
gut sichtbar Militär und Polizei die für
Ordnung und Sicherheit sorgen. Auch das
ist anders als in Myanmar wo die Staatsgewalt
unsichtbar aber trotzdem überall
rigide präsent war. Das Land ist so etwas
wie eine pseudo-demokratisch funktionierende
Entwicklungsdiktatur die nach
dem chinesischen Prinzip funktioniert:
Konzentriere dich auf die Entwicklung
der Infrastruktur, lass das Kapital privat
arbeiten aber behalte die Macht fest in deiner
Hand. Diese Konzeption führt leider
unweigerlich zu einer immer größer werdenden
Kluft zwischen Arm und Reich.
Allerdings sind die Häuser der Reichen in
Addis lange nicht so protzig wie die Paläste
der Reichen in Rangun und die Einkommensverteilung
ist immer noch sehr viel
besser als in Myanmar obwohl Äthiopien
sehr viel ärmer an natürlichen Ressourcen
ist. In vielen Städten des Landes gibt es

sogar einen sozialen Wohnungsbau für die
untere Mittelklasse. Ohne Zweifel hat die
Regierung in Addis einen wirtschaftlichen
Aufschwung in Gang gesetzt dem aber
noch ein fi nanzierbares Sozialkorset fehlt,
für welches die kurzsichtigen Investoren
aus Indien, China und den arabischen
Ländern wenig Verständnis haben. Auch
hemmt eine zu starre Bürokratie, ein Relikt
aus der sozialistischen Vergangenheit
und eine immer mehr ausufernde Infl ation
die nachhaltige Entwicklung des Landes.
Vor allem die wuchernde Infl ation mit steil
ansteigenden Lebenshaltungskosten führt
zu dem Paradox einer rapid wachsenden
Wirtschaft mit zunehmender Verarmung
weiter Bevölkerungskreise..
Von Addis braucht man gute 10 Stunden
mit dem Auto bis nach Yabello in
das Projektgebiet der Welthungerhilfe.
Nachdem man die industriellen Vororte
von Addis verlassen hat fährt man durch
eine Landschaft, die von Linsen, Weizen,
Gerste und Teff anbauenden kleinbäuerlichen
Betrieben geprägt ist. Teff ist
eigentlich kein richtiges Getreide sondern
noch eine Gras-Art deren Samen jeden
Tag zur Herstellung des Nationalgerichtes
Injera verwendet wird. Injera wiederum
ist ein Teig, welcher nach dem Backen als
Unterlage für rohes oder gegrilltes Fleisch,
Bohnen und Linsen, manchmal auch
Rührei, dient. Teff schmeckt etwas säuerlich,
soll aber sehr gesund sein.
Nach etwa fünf Autostunden durchquert
man eine Hochebene mit einer Riesenfarm,
auf welcher während der Getreideernte
eine Armada von Mähdreschern der Firma
Claas aus Gütersloh operiert. Der Mann,
dem diese Farm gehört, soll in Amerika
wohnen. Auch kann man in einiger
Entfernung mehrere große Seen erspähen.
Etwas später, nachdem man die kleine
aber saubere Stadt Awassa passiert hat,
geht es wieder hinauf in die Berge, wo die
Kleinbauern vom Kaffee- und Chat-Anbau
leben. Die Droge Chat wird überall fl eißig
konsumiert und dazu in großen Mengen
in die arabischen Länder exportiert.
Wieder ein paar Stunden später dominiert
eine Bananenart die landwirtschaftlichen
Flächen, deren Stamm und Wurzel und
nicht die Früchte als Grundnahrungsmittel
dienen. Und dann endlich öffnet sich, soweit
das Auge sehen kann, die unendliche
dünn besiedelte Weite des Borana-Noma-
denlandes mit seinen welligen Hügeln und
bizarren Höhen.
Yabello ist ein kleiner Ort mit einer
Ansammlung von hässlichen Lehmhütten
und ein paar unschönen Ziegelbauten. Für
Schönheit und Ordnung hat in schwarz
Afrika meist niemand ein Auge und im
Büro der Nichtregierungsorganisation welche
ich beraten soll herrscht das absolute
Chaos. Die Organisation arbeitet gleichzeitig
für mehr als 10 Geber, hat etwa
20 Projekte zu bedienen und ist in ihrer
Kapazität restlos überfordert. Ich habe
in meinem ganzen Leben noch nie ein
solches Durcheinander erlebt. Ein Büro
für mich und meinen Kollegen Ralph
Heeschen, welcher der Wasserkomponente
des Projektes als Berater zugeordnet ist,
gibt es nicht und so habe ich mein Büro
in mein Hotelzimmer verlegt. Nach einer
Anfangszeit in einem dunklen Loch ohne
Licht und Wasser und einer durchgelegenen
Schaumgummimatratze habe ich
jetzt ein sauberes Hotelzimmerchen in
welchem es zum Glück auch meist Wasser
und Elektrizität gibt. Das Hotel liegt etwa
7 Kilometer vor dem Ort Yabello an einer
Kreuzung, wo sich die einzige Asphaltstraße
in unserem Projektgebiet, die an die
Grenze von Kenia führt, mit einer Straße
aus dem Westen in der Gegend des Nils
trifft und auf welcher regelmäßig Abenteuertouristen
reisen. Die Touristen brauchen
nach maximal 300 Kilometern Piste Schlaf
und deshalb gibt es an der Kreuzung zwei
annehmbare Hotelchen. Außerdem gibt es
an der Kreuzung zwei Tankstellen und eine
Menge Chatbuden. Abends bestimmen
die Hirten mit ihren Herden von Rindern,
Ziegen und Schafen, die von weit entfernten
Weiden zurückkehren, das Leben an
der Kreuzung; so ist immer etwas los an
unserer Junction.
Morgens um 5 Uhr weckt mich kein
Hundegebell wie in Myanmar sondern
ein vielstimmiges Eselgeschrei. Dann
mache ich einen Spaziergang damit mein
künstliches Knie nicht aus der Übung
kommt. Um 7.30 holt mich mein Fahrer
am Hotel ab. Mein erster Fahrer hieß
Major Wandemu. Den Titel Major habe
ich ihm verliehen, den er war unter dem
sozialistischen Megistu Regime Offi zier
in der äthiopischen Armee und als solcher
auch für drei Jahre zur Ausbildung in der
Sowjetunion. Unter der neuen Regierung
Ziegenverteilung
Alter Nomade
Kamelhirte mit Herde
Nomadenversammlung unter einem Akazienbaum
in der Steppe.
Tempel/Pagode
79

80
wurde er mit 50.000 anderen Soldaten der
Megistu-Armee entlassen ohne dass er sich
als Zivilist seine laute Kommandosprache
abgewöhnen konnte. Das Kommando
über den Einsatz des Fahrzeugs konnte ich
ihm zwar entreißen, von seinem Kommandoton
aber war er nicht abzubringen. Einmal,
als wir zusammen die beeindruckende
alte Kirche von Haila Selasi in Addis
besichtigten, klingelt plötzlich sein Handy
und schon donnert er im Kommandoton
los als stände er auf einem Kasernenhof
und nicht in einer ehrwürdigen Kirche.
Ein anderes Mal krachten kurz vor uns
zwei Autos zusammen. Ein kleiner weißer
Mann lag blutend neben seiner blutüberströmten
zierlichen äthiopischen Frau und
fünf junge Männer liefen ziellos unter
Schock hin und her und um die Fahrzeugwracks
herum. Major Wandemu herrscht
mich an: Du bleibst sitzen, soll heißen das
machen wir schon. Das ist keine Arbeit für
einen Franchi (Europäer). Wir haben dann
trotzdem zusammen die Schwerverletzten
eingeladen und in die Krankenstation der
nächsten kleinen Stadt gebracht von wo sie
ein UN Hubschrauber nach Addis in die
Klinik brachte.
Ich kann es einfach nicht fassen, obwohl
unsere wenig befahrene schnurgerade
Asphaltstraßen über viele Kilometer
überschaubar ist, bringen es vor allem die
jungen Fahrer der wenigen Minibusse und
Kleinlastwagen immer wieder fertig auf
dieser Straße frontal zusammenzustoßen,
sich zu überschlagen oder andere Unfälle
mit vielen Toten zu produzieren.
Major Wandemu hat nach vier Wochen
seinen Dienst quittiert, mit dem Argument
vier Wochen Staub schlucken auf
den Pisten im Boranaland ohne Badewasser
in Yabello, sein genug für einen Major.
Jetzt ruft er mich jede Woche an und fragt
ob es mir in Yabello immer noch gut geht.
Nach Major Wandemu wurde Abdulah
mein Fahrer, ein kleiner Muslim und Casanova
dem ich zuerst einmal das Chatkauen
während des Dienstes verbieten musste,
der aber trotz seiner Jugend überlegt und
vorsichtig fährt. Im Gelände fährt er sogar
besser als Major Wandemu. Arbeitswütig
ist er nicht. Nach einem langen Tag auf
der Piste beklagt er sich über zu kurze und
unregelmäßige Essenspausen, zu viel Stress
und Rückenschmerzen.
Bei den Nomaden im Boranaland.
Weihnachten ist schon lange vorbei aber
der Rundbrief ist immer noch nicht weg.
Über Äthiopien habe ich von Sooderee genug
berichtet, denn ich habe ja nur wenig
von diesem großen Land gesehen. Heute
ist wieder ein Feiertag und zum Schreiben
werde ich so schnell nicht wieder
kommen, deshalb schnell noch einiges zu
meiner Arbeit unter den Nomaden.
Es ist wie an einem heißen Hochsommertag
in Deutschland. Ich liege mittags
unter einem Akazienbaum so wie vor fast
siebzig Jahren als Sechsjähriger unter dem
Apfelbaum im Garten meiner Großmutter
und sehe verträumt in das endlose,
tiefblaue Firmament über mir. Ein Bussard
zieht hoch oben seine erhabenen Kreise.
Kein Krach, keine Hektik sondern Ruhe
und Zufriedenheit. Ich strecke und recke
mich mit unendlichem Wohlgefühl. Wie
Felsen„burg“ Termitenhügel Borana-Kind
heißt es doch so schön in einem altem
Gedicht: Es ist so ruhig die Heide liegt
im warmen Mittags Sonnenstrahle ein
rosaroter Schimmer liegt über den alten
Grabmälern, kein Ton der aufgeregten Zeit
drang je in diese Einsamkeit.
Schrill unterbricht mein Handy die Stille.
Aus der Traum. Die Mittagspause ist vorbei.
Der Bussard über mir ist kein Bussard
sondern ein Geier und Braunfels und der
Garten meiner Großmutter liegen in weiter
Ferne. Wir leben zudem in Jahr 2012
und da funktioniert das Handy sogar in
der Savanne. Dr. Kassim, einer der jungen
Veterinäre, mit denen ich 24.000 Geißen
in einem Gebiet so groß wie der Freistaat
Bayern verteilen soll will wissen wo ich
stecke. Er hat Recht, schließlich sind wir
nicht hier um Urlaub zu machen. Heute
haben wir 800 Ziegen prophylaktisch gegen
Parasiten und Krankheiten zu behandeln
und dann an 160 Nomadenfamilien
zu verteilen. Das muss in Gegenwart von
Regierungsvertretern mit einem Fingerabdruck
6-mal dokumentiert werden, denn
die meisten Nomaden können nicht lesen
oder schreiben. Dabei gibt es manchmal
hitzige Auseinandersetzungen. Ein Mann
will Ziegen holen, aber nicht er sondern
seine Frau ist registriert und die ist nicht
da, also bekommt er die Tiere nicht. Alles
schreit durcheinander, jeder übertönt den
anderen. Ich habe einen Vorschlag, aber
niemand hört auf mich. Mit asiatischer
Höfl ichkeit komme ich hier nicht weiter,
also schreie ich überlaut auf Deutsch,
Ruhe! Alles hört erschreckt auf zu lamentieren
und starrt mich mit offenem Mund

ungläubig an. Jetzt kann ich über Kassim
der selber ein Borana ist, schnell in Ihrer
Sprache ein paar Fragen stellen und siehe
da die ist Sache ist zum Erstaunen aller in
5 Minuten zur allgemeinen Zufriedenheit
geregelt.
In 2010 und 2011 hat eine lang anhaltende
Trockenzeit die Herden vieler Nomaden
dezimiert zur Freude der Geier und
Hyänen die es hier überall gibt. Vor allem
die Ärmsten der Armen haben oft alle ihrer
wenigen Tiere verloren. Deshalb wurden
die Ziegen von Leuten gekauft die
einigermaßen glimpfl ich durch die Dürre
gekommen sind und danach an solche Familien
verteilt, welche nicht alles verloren
haben. Die 4.800 bedürftigen Familien
der Aktion müssen zunächst zusammen
mit einer Kommission von Regierungs-
und Nichtregierungsvertretern registriert
werden. Die Aktivität wird von der deutschen
Regierung daher dem Ministerium
für Entwicklung und Zusammenarbeit
(BMZ)fi nanziert. Die Welthungerhilfe
arbeitet dabei als Unterauftragnehmer der
GiZ. Anfangs hatten alle Beteiligten etwas
Bammel vor dieser Aufgabe, denn keiner
von uns brachte Erfahrung auf diesem
Gebiet mit sich, aber zwischenzeitlich haben
wir die Sache fest im Griff auch wenn
es mit dem lokalen Partner immer wieder
Schwierigkeiten gibt.
Ja, ja die Boranas sind ein besonderes
Völkchen. Sie wohnen zufrieden in
erbärmlichen Rundhütten ohne jeden
Komfort, schlafen wenn sie unterwegs
sind auf Ziegenhäuten im Freien und
wandern mit ihren Herden hunderte von
Kilometern durch die Savanne. Gerne
würde ich öfters mit ihnen unter freiem
Himmel schlafen, aber leider kann ich
keinen vernünftigen Schlafsack auftreiben
und ohne einen solchen ist es in 1.800
Meter Höhe nachts zu kalt für einen
empfi ndlichen Franchi.
Die Frauen der Boranas lieben bunte Tücher
und Kleider und reiben Ihre Haare
mit Fett oder Milch ein. Die Männer
laufen herum wie die Strauchdiebe und
sind mit uralten, zerrissenen Klamotten
und wilden Kopftüchern bekleidet. Im
Augenblick geht es ihnen gut denn es hat
im Oktober und November geregnet wie
seit langem nicht mehr, das Gras wächst
wieder und das Vieh erholt sich von den
mageren Jahren. Außerdem gibt es bis zur
nächsten Ernte im Februar noch Nahrungsmittelhilfe
für die Ärmsten. Dazu
werden Brunnen rehabilitiert oder neu
gebohrt, kurzum es passiert eine ganze
Menge zu ihren Gunsten.
Die Boranas haben schon vor hundert
Jahren lange vor der ersten deutschen
Republik ein demokratisches System
entwickelt welches heute noch funktioniert
und auch in Zeiten der Dürre und
knappen Ressourcen für Frieden innerhalb
des Stammes sorgt. Alles erinnert
mich hier an die Geschichten im Alten
Testament, denn Abraham war auch ein
Nomade und sagte schon vor viertausend
Jahren zu Lot: Lass doch nicht Zank
sein zwischen mir und Dir und zwischen
meinen Hirten und Deinen Hirten, denn
wir sind Brüder. Allerdings fi nden doch
immer wieder kriegerische Auseinandersetzungen
mit den benachbarten Somaliern
oder Gabras statt, welche nach weniger
friedlichen Gesetzen leben. In der Regel
geht es dabei um Zugang zu Wasserstellen
oder Weideplätzen Da beide Seiten
mit Kalaschnikows bewaffnet sind gibt
es dabei Tote und Verletzte. Manchmal
können wir deshalb nicht, wie geplant, in
ein bestimmtes Gebiet fahren wo gerade
wieder Unruhen ausgebrochen sind. Über
die Grenze nach Kenia konnten wir aber
sogar ohne Pass und Visum reisen. Wir
waren gerade in Moyale, einer kleinen
Grenzstadt im Boranaland. Diese Stadt
wird in der Mitte von einer geraden,
asphaltierten Straße durch eine Distriktgrenze
geteilt. Links von der Straße liegt
Somali-Land und rechts von der Straße
Boranaland. Da bleibt es nicht aus, dass
immer wieder Unruhen zwischen den zwei
feindlichen Brüdern ausbrechen. Außerdem
setzt sich die Stadt über die äthiopische
Grenze nach Kenia hinein fort. Es
gibt also ein Moyale in Äthiopien und ein
Moyale in Kenia. Die Grenze nach Kenia
wird nur durch ein Seil, welches über der
Straße hängt, gesperrt. Fußgänger von
hüben und drüben passieren die Grenze
unkontrolliert aber ein Auto braucht eine
Sondergenehmigung will es denn die
Grenze passieren. Wir hatten Glück und
brauchten den Grenzwächter, der oft nicht
vor Ort ist, nicht suchen, er saß in einem
kleinen Schildwachen-Häuschen und las
in einer Zeitung. Der Mann hatte Verständnis
für meinen Wunsch einmal das
kenianische Moyale zu besuchen. Zu Fuß
und ohne meinen Reisepass den ich nicht
dabei hatte, kein Problem, aber mit dem
Auto verboten. Nach kurzer Diskussion
erreichte Major Wandemu einen geeigneten
Kompromiss. Wir versprachen dem
Grenzposten in ein paar Stunden zurück
zu sein und überließen ihm unsere zwei
Laptops als Garantie und fuhren mit dem
Auto über die verbotene Grenze. Auf der
kenianischen Seite gab es nur freundliche
Grenzer, welche ebenfalls volles Verständnis
für meinen Wunsch hatten den kenianischen
Teil von Moyale kennen zu lernen.
So einfach ist es einen Auslandsbesuch zu
machen wenn man Major Wandemu als
Fahrer dabei hat.
Einmal, ich hatte schon tagelang einen
ordentlichen Dünnpiff und wir hatten
gerade eine Gruppe bewaffneter Männer
in Uniform und Halbuniform getroffen
bekam ich, in the middle of nowhere,
böse Koliken so dass mir schwarz vor
den Augen wurde. Zum Glück waren es
keine Nierenkoliken sondern eine heftige
Amöbenruhr. Sonst aber freue ich mich
über die großartige Landschaft, die vielen
kleinen Dik diks, das sind zierliche kleine
Zwergrehe, so groß wie bei uns ein Feldhase.
Manchmal sehen wir auch ein Rudel
Gazellen, Paviane oder Schakale und vor
zwei Wochen hatten sich hunderte von
Störchen bei uns in der Savanne ein Winterquartier
ausgesucht. Wenn dann abends
das Licht bei der Heimkehr funktioniert
und ein paar Tropfen aus der Brause fallen
ist mein Glück vollkommen.
Neben dem Geißen-Projekt soll ich noch
einen Vorschlag für eine langfristige nachhaltige
Entwicklung draften. Denn alles
was bisher passiert ist, war Nothilfe, die
wichtig zum Überleben war und ist, aber
nicht vor den Folgen der nächsten Dürre
bewahren kann. Das ist eine interessante
Aufgabe die mir viel Freude macht und
bei welcher ich viele interessante Leute bei
den Behörden, Instituten, Universitäten,
traditionellen und zivilen Organisationen
kennen lerne. Aber davon zu schreiben
würde zu weit führen.
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Neue Kunstbücher
Meisterwerke
in der Emanzipation der Kunst
vorgestellt von Thomas Hirsch
Es hat in der Geschichte der Menschheit
lange gedauert, bis sich die Bildende Kunst
als eigene Disziplin emanzipiert und in der
Folge personalisiert hat. Die Maler und
Bildhauer hatten zunächst rein dienende
– vermittelnde, moralische – Funktion.
Im Abendland veranschaulichten sie
mythologische Szenen und porträtierten
herausragende Persönlichkeiten der sakralen
und der weltlichen Sphären, häufi g
als Auftragsarbeiten, oft im Kontext von
Architektur. Mithin waren die Künstler
hochspezialisierte Handwerker. Familienbetriebe,
Werkstätten und Schulen bildeten
sich heraus, die große Meister hervorbrachten.
Ein Indiz für die Tragweite, die der
Zuordnung und Individualisierung der
Werke beigemessen wird, ist die Findung
von Notnamen. Mit der Etablierung der
Kunstgeschichte als Fachdisziplin erfolgen
die Zuschreibungen anhand von stil- und
materialanalytischen Maßnahmen.
Konrad Witz, 392 S. mit 287 überwiegend
farbigen Abb., gebunden mit Schutzumschlag,
31,2 x 25,5 cm, Hatje Cantz, 68,-
Euro
Einer der frühen Meister des deutschsprachigen
Raumes, dessen Biographie nur
ansatzweise bekannt ist, ist Konrad Witz.
Belegt ist Konrad Witz erst in Rottweil
und ab 1434 in der Zunft in Basel. Sein
Hauptwerk ist der Genfer Altar (um
1444), und der glückliche Sonderfall, dass
die Rahmungen mit ihren Beschriftungen
erhalten blieben, ermöglicht die Zuschreibung
auf ihn. Auf den beiden Flügeln ist
der Fischzug des Petrus zu sehen, eingefügt
in die reale Umgebung des Genfer
Sees – damit handelt es sich um die erste
topografi sch konkrete Landschaftsdarstellung
der deutschen Malerei. Aber Konrad
Witz gilt überhaupt als Neuerer der
Kunst. Indem die Lichtquellen außerhalb
des Bildes stammen und die Schatten in
dieses fallen, erweitert sich der Illusionsraum
über die Darstellung hinaus. Bei
all dem ist Konrad Witz ein Meister des
Realismus, der unterschiedliche Stoffl ichkeiten
virtuos evoziert. Er lädt Mimik
und Gesten expressiv auf und erfüllt die
alten, biblischen Geschichten mit neuem
Leben. Um so bedauerlicher ist, dass sein
Werk nur in Teilen bekannt ist; immerhin
befi nden sich 14 Tafelbilder im Kunstmuseum
Basel – soviel wie sonst nirgendwo.
Es war also konsequent, dass das Basler
Haus im vergangenen Jahr eine Ausstellung
mit Konrad Witz durchgeführt hat.
Das dazu erarbeitete Buch schafft den
Spagat zwischen ästhetischer Berührung
und wissenschaftlicher Analyse. Und
es dokumentiert sämtliche Bilder von
Konrad Witz, teils im Gegenüber mit den
Infrarot-Refl ektografi en. Die Kunst von
Konrad Witz ist aufrüttelnd, symbolisch
und voller mutiger Neuerungen und
Hinweisen auf das gesellschaftliche und
kulturelle Umfeld, das teilt diese umfangreiche
Monographie mit.
Weniger attraktiv wirkt die Werkübersicht
zu dem Bildschnitzer Hans Brüggemann,
die Jan Friedrich Richter vorgelegt hat.
Das liegt (aus unserer Perspektive) im
Wesen des künstlerischen Mediums.
Hans Brüggemann hat Altarretabel
geschnitzt und deren Holz teils belassen,
also nicht bemalt. Der Figurenkanon war
vorgegeben. Aber das ändert nichts an
der Bedeutung und dem Eindrucksvollen
seiner Kunst auch nach 600 Jahren – und
daran, dass dieser Überblick ein Desiderat
war. Tatsächlich ist sein Hauptwerk
bekannter als Brüggemann selbst, der
Bordesholmer Altar, der 1521 vollendet
wurde und sich heute im Schleswiger
Dom befi ndet. Mit einer Höhe von
12,60 m ist er das größte erhaltene
Schnitzretabel auf deutschem Boden und
mithin ein Hauptwerk der Spätgotik.
Jan Friedrich Richter, Hans Brüggemann,
266 S. mit rund 200 s/w-Abb., geb. mit
Schutzumschlag, 30,5 x 23,5 cm, Deutscher
Verlag f. Kunstwissenschaft Berlin, 79,- Euro
Hans Brüggemann war zunächst am Niederrhein
und in den Niederlanden tätig;
mit dem Wechsel nach Norddeutschland,
an den Hof von Herzog Friedrich
von Schleswig-Holstein in Gottorf (ab
1514) entwickelten sich Kontakte insbesondere
nach Dänemark. Jan Friedrich
Richter zeigt nun die Beeinfl ussung
durch Albrecht Dürer und das Klima am
Niederrhein auf. Er betont, wie wenig
norddeutsch sein Stil doch war und
scheidet Hans Brüggemann von seinen
Gesellen. Hilfreich für das Verständnis
dieser Analysen sind die vergleichenden
fotografi schen Reproduktionen. Die
Detailabbildungen schreiten sukzessive
das Bordesholmer Retabel ab und
arbeiten die plastische Staffelung und das
Gestenreiche der Figuren heraus, gerade
in den harten s/w-Kontrasten erschließt
sich seine Kunst. Und die ist großartig.
Ein weiteres bildnerisches Medium, das
ebenso an der moralischen Vermittlung
orientiert ist, ist die Druckgraphik. Die
Kupferstiche und Holzschnitte waren
erschwinglich und handlich, kamen zu der
Bevölkerung und dienten der Textillustration.
Frühe Meister sind die Brüder Sebald
und Barthel Beham, die, aus Nürnberg
stammend und dort wohl in der Werkstatt
von Albrecht Dürer unterrichtet, in der
ersten Hälfte des 16. Jahrhundert gelebt
haben. Ihre jeweiligen Werke greifen gesellschaftliche
und religiöse Themen auf und

J. Müller, Th. Schauerte (Hg.), Sebald
und Barthel Beham – Die gottlosen Maler
von Nürnberg, 284 S. mit ca. 130 üwg.
s/w-Abb., Broschur, 29,5 x 20 cm, Edition
Imorde, Gebr. Mann Verlag, 39,90 Euro
wenden sich gerade gegen Konventionen.
Eine wichtige Rolle für die Brüder spielten
Luther, die Reformation und Thomas
Müntzer. Selbst schlossen sie sich dem radikalen
Flügel der Täufer an; 1525 wurden sie
wegen Ketzertum aus der Stadt Nürnberg
verbannt, wohin sie später nur kurzzeitig
zurückkehrten. Während Sebald, der mit
seiner Kunst noch der Pornographie angeklagt
wurde, über Umwege nach Frankfurt
zog und dort mit seinen Kupferstichen und
Holzschnitten ein gutes Auskommen hatte,
ließ sich der jüngere Barthel in München
nieder und etablierte sich neben der
Tätigkeit als Kupferstecher als Porträtist im
Bereich der Malerei. Aber wie radikal waren
die frühen Druckgraphiken tatsächlich? Das
zu einer Ausstellung im Albrecht-Dürer-
Haus erschienene Buch vermittelt mit über
100 druckgraphischen Blättern die Dimensionen
hinter den Darstellungen und die
Brisanz für die damalige Zeit. Die Blätter
sind in der Tat erstaunlich, mitunter von
einer prallen Drastik – man spürt sofort,
dass es sich hier um freie Kunst handelt, die
ihrer Botschaft verpfl ichtet bleibt. Das Buch
wurde vom SFB 804 „Transzendenz und
Gemeinsinn“ der Technischen Universität
Dresden erarbeitet, wobei man allerdings
nicht erfährt, was es damit auf sich hat.
Egal, die Aufmachung des Buches ist engagiert
und hingebungsvoll. Nur darf man
sich nicht wundern, dass viele der Werke so
klein reproduziert sind: Sie sind so klein.
Total druckfrisch ist das vierte Buch, das
am weitesten in die Vergangenheit zurückreicht:
Im Hirmer Verlag ist eine hochkarätige
Einführung zum Mosaik erschienen.
Heute eher illustrativ und kunsthandwerklich
begriffen, handelt es sich dabei im
Altertum und in der Frühzeit der Kunst
um hoch geschätzte, wertvolle Kunstwerke
im Kontext von Architektur, die offen für
die verschiedenen künstlerischen Genres
waren. Das vermittelt nun der Prachtband
anschaulich mit vielen Farbabbildungen. In
seiner Systematik, mit der er in das Thema
einführt und dann wichtige erhaltene
Mosaike (und deren Umgebung) zeigt, hat
er etwas von einem Schulbuch, und das ist
nicht negativ gemeint. Der Überblick reicht
vom Hellenismus bis in die Spätantike,
vorgestellt werden etwa das Nilmosaik in
Palestrina, die Casa del Fauno in Pompeji
oder die römische Basilika des Junius
Bassus und San Vitale in Ravenna. Immer
tragen die Darstellungen etwas Deutliches,
Direktes in einer für uns vielleicht überzogenen
Dramatik, schon in der Mimik der
Gottheiten – könnte man von einer frühzeitlichen
Pop-Art sprechen? Die Mosaike
referieren auf Gemälde, die längst verschollen
sind, ihre Schöpfer bleiben namenlos.
Aber daran, dass wir es auch hier nicht nur
mit Kulturgütern, sondern auch mit Kunstwerken
zu tun haben, ändert das nichts.
U. Pappalardo, R. Ciardiello, Griechische
und römische Mosaiken, 320. S. mit 250
Farbabb., Leinen mit Schutzumschlag im
Schuber, 33 x 26,5 cm, Hirmer, 118,- Euro
83

84
4
Geschichtsbücher, Buchgeschichten
Vorgestellt von Matthias Dohmen
Schriftenreihe der
Deutschen Gesellschaft für Polizeigeschichte e. V.
Band 14
Manfred Reuter
„In Treue fest“
Eine Studie über
ausgewählte Polizeigewerkschaften und
Polizeigewerkschafter in der Weimarer Republik
Verlag für Polizei wissenschaft
Über die Weimarer Republik ist schon
viel geschrieben worden, ihre Parteien,
Regierungen, das demokratische und das
undemokratische Potential. Zu Letzterem
gehörte die Polizei, die bislang kaum
Gegenstand von Untersuchungen war.
Manfred Reuter, der vor Aufnahme seines
Studiums einige Jahre im Vollzugsdienst
gearbeitet hat, legt eine Studie über
Polizeigewerkschafter in der Weimarer
Republik vor. Die große Mehrheit und
vor allem das Führungskorps stand
traditionell „In Treue fest“ zum Kaiser
und verhielt sich nach 1918/19 der neuen
demokratischen Republik gegenüber
abwartend, wenn nicht feindlich. Was es
an Vorläufern der heutigen Gewerkschaft
der Polizei gab, fi el wie die Otto-Braun-
Regierung dem 1932 „Preußenschlag“
zum Opfer.
Manfred Reuter, „In Treue fest“. Eine Studie
über ausgewählte Polizeigewerkschaften
und Polizeigewerkschafter in der Weimarer
Republik, Frankfurt am Main: Verlag für
Polizeiwissenschaft 2012 (= Schriftenreihe
der Deutschen Gesellschaft für Polizeigeschichte,
14). 132 S., 16,90 Euro
Eine außergewöhnliche Veröffentlichung
stellen Horst Lademachers „Grenzüberschreitungen“
dar, in denen er seinen
„Weg zur Geschichtswissenschaft“
beschreibt. Lademacher, im Sauerland geboren,
wo er heute wieder lebt, als Neunjähriger
auf der NS-Eliteschule Napola,
Abitur, Studium u. a. der Geschichte und
der Niederlandistik, an niederländischen
und deutschen Universitäten lehrend,
zuletzt Chef des Niederlande-Instituts der
Uni in Münster: In einem überdimensionalen
Interview mit Burkhard Dietz
und Helmut Gabel resümiert er seine
Erfahrungen in einem noch lange Jahre
nach der Befreiung verminten Gelände.
Die deutsche Geschichtswissenschaft war
traditionell konservativ bis stockkonservativ,
hatte wenig Probleme, sich im Dritten
Reich einnorden zu lassen und kämpfte
auch im Kalten Krieg an vorderster Linie.
Wenige hielten dagegen, der in kleinen
Verhältnissen aufgewachsene mittlerweile
81-jährige Historiker der Arbeiterbwegung
ist einer davon. Dem Buch ist
weiteste Verbreitung zu wünschen – nur
der Peis ist etwas üppig.
Horst Lademacher, Grenzüberscheitungen.
Mein Weg zur Geschichtswissenschaft –
Erinnerungen und Erfahrungen im Gespräch
mit Burkhard Dietz und Helmut Gabel,
Münster/New York/München/Berlin: Waxmann
2012. 347 S., 42,00 Euro
„Nur Geduld“ lautet das Motto des „Kinderzimmerkalenders
2013“ von Wolf Erlbruch.
Die 13 Blätter bevölkern Katzen und
Mäuse, aber auch Hunde, ein Geweihträger,
Federvieh, Hasen, eine Eule und ein Pferd.
Sie alle befi nden sich in komischen Situationen,
sind überfordert oder versuchen das
Unmögliche. Und manchmal haben sie nur
Angst wie das Häschen, das sich nicht traut,
vom Drei-Meter-Brett herunterzuspringen.
Es geht den Tieren wie den Menschen,
lautet die Botschaft. Umgedreht: Es geht
den Menschen wie den Tieren. Das aus
Sicht des Rezensenten schönste Motiv: Eine
Katze liegt mit gebrochenem und eingeschienten
Bein im Krankenhausbett, und
auf der Fußspitze turnt eine Maus herum,
die auf den Gips geschrieben hat: „Nur
Geduld! Mausi“. Der Stubentiger hat zwar
die Krallen ausgefahren, aber dem grau
Gefellten kann er damit nicht imponieren.
Etwas ratlos schaut die Katze auf eine Portion
Käse, die auf dem Nachttisch steht und
geradezu darauf wartet, dass sich die Maus
darüber hermacht.
Erlbruchs Kalender ist einmal mehr zu
wünschen, dass er in vielen Kinder- und
Erwachsenenzimmern hänge. Mit Ungeduld
wartet man schon auf die Ausgabe ...
von 2014.
Wolf Erlbruch, Kinderzimmerkalender
2013, Wuppertal: Peter Hammer 2012.
13 Blätter, 19,90 Euro

Neue Wuppertal-Kalender
Bjørn Ueberholz – Fotografi e
2013 Wuppertal
In Zusammenarbeit mit Wuppertal Touristik
und der Wuppertaler Rundschau hat Bjørn
Ueberholz den Wuppertal Kalender 2013
erstellt. Er beleuchtet die schönen Seiten unserer
Stadt und erhofft sich die gemeinsame
Bewerbung aller dargestellten Besonderheiten
unserer Stadt nach innen und außen.
The art of tool making
Er ist bei den Reisebüros der Wuppertaler
Rundschau und den Niederlassungen des
Wuppertal Touristik, im Museum, am
Döppersberg und demnächst auch in der
Schloßbleiche zu haben. 13 hochwertige
Vierfarb-Reproduktionen zzgl. 1 Übersichtsblatt.
Format 33 x 30 cm. Er kostet 14,80
Euro.
Verlag HP Nacke
Die Wuppertaler Schwebebahn
Sechs Fotografen und ihre Sicht auf die
Wuppertaler Schwebebahn
Die Wuppertaler Fotografen Andreas
Fischer, Karl-Heinz Krauskopf, Jörg Lange,
Bettina Osswald, Uwe Schinkel und Bjørn
Ueberholz lieferten interessante Motive aus
teils ungewöhnlichen Perspektiven, die die
Schwebebahn in faszinierenden Bildern
darstellen. 13 hochwertige Vierfarb-Reproduktionen
zzgl. 1 Übersichtsblatt. Format
36,5 x 30 cm. ISBN 978-3-942043-89-2,
Preis im Buchhandel 14,90 Euro.
Pina Bausch Tanztheater Wuppertal
mit Fotografi en von Jochen Viehoff
im Verlag HP Nacke Wuppertal
Pina Bausch lebt ! Die aktuellen Fotografi
en von Jochen Viehoff im neuen Pina
Bausch-Kalender 2013 zeigen die überraschende
Lebendigkeit, die in den weltweiten
Aufführungen des Wuppertaler Ensembles
auch drei Jahre nach dem Tod der berühmten
Choreografi n noch auf die Bühne kommt.
13 hochwertige Vierfarb-Reproduktionen
in Staccato-Rasterung, Fotos
glänzend lackiert, zzgl. 1 Übersichtsblatt.
Format 30 x 48 cm auf 200 g/m 2 , matt
Kunstdruck. ISBN 978-3-942043-88-5,
Preis im Buchhandel 18.90 Euro
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Kulturnotizen
Vorschau
Fr., 25. Januar 2013, 19 Uhr, Pavillon
...einer Amsel zupfeifend
Mit Werken von Claude Debussy, Elliott
Carter, Wolfgang Rihm, Salvatore Sciarrino,
Maurice Ravel, Huw Watkins.
Atmosphäre und Stimmungen in der
Musik des 20. Jahrhunderts, ausgehend
von den beiden Impressionisten Debussy
und Ravel, stehen im Vordergrund. Flöte
und Harfe sind zwei Instrumente, die ganz
besonders für den Klangfarbenreichtum des
Impressionismus stehen. Beide Instrumente
haben aber auch hundert Jahre später
Komponisten wie Salvatore Sciarrino und
Wolfgang Rihm zu Werken mit ähnlichen
Intentionen, jedoch in einem ganz neuen
Stil, inspiriert. Bei Sciarrino ist es ein Gemälde
Arnold Böcklins (Faun, einer Amsel
zupfeifend), das hinter einem klangvollen
Werk für Flöte und Harfe steht. Rihm greift
ganz bewusst auf die Besetzung von Ravels
Introduction et Allegro zurück und evoziert
schon mit dem Titel En plein air eine ganze
Reihe impressionistischer Bilder. Elliott
Carter bleibt auch mit seinem Alter von
104 Jahren der sympathische amerikanische
Komponist, des-sen Werke Vielschichtigkeit
und Gleichzeitigkeit von Charakteren auszeichnen.Esprit
rude / Esprit doux I könnte
man auch als ein komplexes Gespräch
zwischen Klarinette und Flöte bezeichnen –
gleichzetitig abstrakt wie emotional.
Sa., 23. Februar 2013, 19 Uhr, Pavillon
So., 24. Februar 2013, 18 Uhr, Pavillon
differing movements
Es kommt Bewegung in den Pavillon –
zeitgenössische Musik und Tanz fi nden
zueinander.
Mit Werken von Gabriel Prokofi ev, Joe
Cutler, Tan Dun, Detlev Glanert, Arvo
Pärt, John Adams
Ausstellung Didier Vermeiren
Noch bis So, 17. 2. 2013
Das gesamte Oeuvre Didier Vermeirens
(geb. 1951 in Brüssel) entwickelte sich in
einem steten Austausch zwischen Vergangenheit
und Gegenwart, zwischen einer
Interpretation der Geschichte der Bild-
hauerei einerseits und der zeitgenössischen
Erforschung ihrer Essenz andererseits.
Die Inkorporation des Raumes
durch die Skulptur - des ganzen Raumes,
einschließlich des Firmamentes - ist, so
verstanden, eine der charakteristischen
Eigenschaften der Bildhauerei des 20.
Jahrhunderts. Carl Andre sagte einmal in
Bezug auf Brancusis Unendliche Säule, dass
seine eigenen Skulpturen, die so gänzlich
horizontal, fl ach ausgebreitet und ebenerdig
sind, dennoch „eine Säule aus Luft“ über
ihrer Oberfl äche erzeugen, die man sich
„endlos“ ansteigend über die Werke hinaus
oder begrenzt durch den Himmel oder das
Gewölbe des Gebäudes vorstellen kann.
Öffnungszeiten:
März – November: Di – So 10 – 18 Uhr
Dezember – Februar: Fr – So 10 – 17 Uhr
An Feiertagen geöffnet.
Hirschstraße 12, 42285 Wuppertal
0202-3172989
www.skulpturenpark-waldfrieden.de
Literarisch-musikalische Forschungsreise
durch das Bergische
Am Donnerstag, den 10. Jan. 2013 um
20 Uhr lädt kreativ50plus an der Akademie
Remscheid zur Lesung „…ins blaue…“
ein. In 15 erfolgreichen Lesungen hat das
Trio „literaturprogramme.de“ bereits Aspekte
des Lebens und Wohnens im Bergischen
Land mit Musik und Literatur beleuchtet.
Im Rahmen von kreativ50plus resümieren
die Schauspieler Caroline Keufen & Olaf
Reitz, begleitet von der Akkordeonistin Ute
Völker, in einem „best-of“-Programm aus
den Reisen in die Vergangenheit und in die
Zukunft. Mit viel Spielfreude und Humor
lesen sie aus regionalen Texten, Fachberichten,
Journalen, rezitieren Lyrik und Prosa
verschiedener Jahrhunderte und Autoren.
Damit ziehen sie eine anregende Bilanz zum
Thema Heimat. – Kosten 5,- Euro
Literaturprogramme.de ist ein Trio für
musikalische Lesungen. Die Schauspieler
Caroline Keufen und Olaf Reiz lesen, Ute
Völker improvisiert mit Akkordeon.
Digitalfotografi e/Internet mit Apple
Kreativ50plus an der Akademie Remscheid
bietet im Januar zwei Seminare für alle, die
ihren Mac besser für sich nutzen möchten.
Im OP 251 Apple Spezial: Digitalkamera
und Applecomputer - leicht
gemacht I können Interessierte mit Digitalkamera
hier praktisch erkunden, wie
die kleinen Technikwunder funktionieren
und sich mit den grundlegenden Einstellmöglichkeiten
beschäftigen. Sie können
herausfi nden, was ein Foto aussagekräftig
macht: Überzeugende Motive, wirkungsvolle
Ausschnitte und Perspektiven, spannende
Farben, Bildaufteilungen und vieles mehr.
Im Workshop steht das lustvolle und kreative
Fotografi eren im Vordergrund. Inhalte
sind aber auch, wie man die Bilder von der
Kamera auf den Apple-Computer überträgt,
sie sortiert und von da aus zum Fotolabor
weitergibt.
Termin: Fr., 11. 1., 15 Uhr – So. 13. 1.
2013, 13 Uhr Dozentin: Sonja Wessel
Heute fi ndet man fast alles im Internet.
Nur wie? Im OP 252 Apple Spezial: Mit
dem Applecomputer im Internet lernen
Sie, mit Ihrem Apple Computer im Internet
zu recherchieren. Sie erfahren, wie Sie interessante
Inhalte herunterladen, Lesezeichen
setzen. Sie beschäftigen sich mit der für Sie
passenden Einrichtung Ihres Webrowsers,
der Weitergabe von Links an Freunde und
vielem mehr, um den riesigen Informationspool
Internet sinnvoll nutzen zu können.
Sie lernen außerdem, über das Web kostenlos
mit Freunden in aller Welt zu telefonieren
oder ortsunabhängig von Bildschirm
zu Bildschirm Computerhilfe zu bekommen.
Bringen Sie ihre Fragen mit und probieren
Sie alles Gehörte im Kurs gleich aus.
Termin: Mo., 14. 1. 15 Uhr –Mi. 16. 1.
2013, 13 Uhr Dozentin: Sonja Wessel
www.kreativ50plus.de

Müllers Marionetten-Theater
Im Dschungel(buch) sind die Affen los!
Die Elefanten singen, die Affen tanzen
und Schlangen und Tigern wird gehörig
der Marschgeblasen. Mit der Wiederaufnahme
von „Das Dschungelbuch“ am
11. Dezember 2012 zeigt sich Müllers
Marionetten-Theater kurz vor Jahresende
noch einmal von seiner komischsten
Seite.
Diese Gemütlichkeit kennen wir! Herzerfrischend
und urkomisch heizen Mogli
und seine Freunde mit heißen Urwald-
Songs in der kalten Jahreszeit ordentlich
ein. Ein heiteres Stück nach der berühmten
Geschichte von Rudyard Kipling für
Theater- und Dschungelfreunde von 3 bis
99 Jahren. Mit Songs von Uwe Rössler,
Terry Gilkyson, Richard M. Sherman und
Robert B. Sherman.
Aufführungstermine:
11., 12., 13., 14. Dezember 2012, jeweils
um 11 Uhr, 15. und 16. Dezember 2012,
jeweils um 16 Uhr
Märchenhafte Winterzeit
Müllers Marionetten-Theater spielt
Klassiker und Neuerscheinungen
In diesem Winter geht es in Müllers
Marionetten-Theater wahrhaft märchenhaft
zu. Für eine klassische Weihnacht
zeigen Ursula und Günther Weißenborn
im Dezember „Frau Holle“ und „Hänsel
und Gretel“, im Januar kommt dann „Die
kleine Meerjungfrau“ gleichsam mitreißend
wie modern daher.
Knusper knusper knäuschen, wer knuspert
an meinem Häuschen? Grimms Märchen
kennen und lieben Klein und Groß. Zum
Abschluss der Jubiläums-Spielzeit und im
Rahmen des Grimm-Jahres zeigt Müllers
Marionetten-Theater zwei weitere Klassiker
des berühmten Märchen-Brüder-Paares.
Ebenso betörend ist auch Andersens Märchen
von der kleinen Meerjungfrau. Die
berührende Bühnenfassung von Günther
Weißenborn lässt den Zuschauer für eine
Stunde eintauchen in die schönste Unterwasserwelt
– bunte Fische, die Hip-Hop-
Lieder singen, bildschöne Nixen, die in
paillettenbestickten Kostümen um die
Wette glänzen, ein zartfarbiges Bühnenbild
und eine Geschichte, die sowohl Kindern
als auch Erwachsenen auf besondere Weise
an die Herzen geht. Untermalt ist das
Stück mit der bewegenden Musik von Uwe
Pferdler.
Aufführungstermine:
Frau Holle
4., 5., 6., 7. Dezember 2012 jeweils um
11 Uhr, 8. und 9. Dezember 2012 jeweils
um 16 Uhr
Hänsel und Gretel
18., 19., 20. Dezember jeweils um 11
Uhr, 19., 22., 23., 26., 27., 29., 30. Dezember
2012 jeweils um 16 Uhr
Eine kleine Meerjungfrau
13., 19., 20., 26., 27. Januar jeweils um
16 Uhr
Zauberhafte Flötentöne
Müllers Marionetten-Theater zeigt am
11. Januar 2013 um 19:30 Uhr „Die
Zauberfl öte“, ein anspruchsvolles Kulturerlebnis
für Erwachsene. Damit auch die
Kleinen die virtuose Marionetten-Oper
erleben können, hat Günther Weißenborn
eine verkürzte kindgerechte Fassung inszeniert,
die ebenso wie das Original durch
seinen hohen musikalischen Anspruch
überzeugt. Kleine Operngäste erwartet
am 12. Januar 2012 um 17 Uhr eine
Vorführung, die lustig und anrührend,
spannend und lehrreich zugleich ist. Sie ist
alles zusammen: Abenteuergeschichte,
Liebesromanze, Schauermärchen. Sie ist
spannend, anrührend und lustig und sie
stellt eine wertvolle Sammlung der
schönsten Melodien dar. Diese Oper
enthält Lieder, die über Jahrhunderte bis
heute aktuell empfunden werden – nicht
nur von Erwachsenen, sondern auch von
Kindern, die dem einnehmenden Gesang
und der Musik erfahrungsgemäß gebannt
lauschen. Müllers Marionetten-Theater
hat sich erlaubt, neben der Original-Oper
für Erwachsene, die seit Jahren erfolgreich
läuft, mit der „Zauberfl öte für Kinder“
eine Oper so einzurichten, dass Kindern
nach dem Theaterbesuch noch Zeit zum
Abendessen und Spielen bleibt. Herausgekommen
ist eine Inszenierung, die Klein
und Groß in ihren Bann zieht, neunzig
beglückende Minuten lang.
Termine:
Zauberfl öte: 11. Januar 2013 um 19:30
Uhr Zauberfl öte für Kinder ab 8 Jahren:
12. Januar 2013 um 17 Uhr, Eintritt: 11,–
Euro/ermäßigt 8,– Euro
Ein Varieté der besonderen Art
Marionetten tanzen Striptease, Rap
und „in the rain“
In ihrem Jubiläums-Varieté präsentieren
Ursula und Günther Weißenborn von
Müllers Marionetten-Theater am 31.
Dezember 2012 um 18 und um 20:30 Uhr
die komplette Spannbreite ihres puppenspielerischen
Könnens. Mit den schönsten
Szenen ihrer Stücke und noch nie gezeigten
Showeinlagen wie einem aufregenden
Marionetten-Striptease zeigen die Wuppertaler
Puppenspieler an Silvester das, was mit
Marionetten eigentlich nicht möglich ist.
Es ist die hohe Schule des Marionettenspiels,
der in den Varieté-Programmen in
kurzen, knackigen Szenen gehuldigt wird:
Es sind Maler, Tänzer, Sängerinnen, Rapper,
Stepper und Äquilibristen am Werk,
wenn es darum geht, die Schwerkraft zu
überlisten und die Herzen zu erobern. Der
kunstvolle Rap aus „Die kleine Meerjungfrau“,
eine der anrührenden Szenen
zwischen Papageno und Papagena aus der
„Zauberfl öte“, ein Ballettsolo aus dem
Schwanensee, ein tolldreister Marionetten-
Striptease und noch vieles mehr verbinden
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Kulturnotizen
Ursula und Günther Weißenborn zu einem
facettenreichen Varieté-Abend, mit dem
sie ihren Gästen in der Jubiläums- Spielzeit
einmal mehr eine wundervolle Marionetten-Vorführung
bieten. Denn obgleich
Marionetten ja nur Holzstücke an Fäden
sind, transformiert sich die tote Materie im
Theater ins Wunderbare, sodass der Heitere
beglückt und der Verstockte befl ügelt wird!
Termine:
31. Dezember 2012 18 und 20:30 Uhr
Bitte beachten Sie, dass ab sofort Vormittagsvorstellung
auch für kleine Gruppen
jederzeit möglich sind!
Wuppertaler Bühnen
Vom guten Ton. Die Welt ist voll
Geplapper
Musiktheater für vier Singstimmen, vier
Bläser & Zupforchester. Text: Cornelie
Müller, Komposition: Thomas Beimel
Dorothea Brandt (Sopran), Michaela
Mehring (Mezzosopran), Jud Perry
(Tenor), John Jannsen (Bariton), Bläser
der Wuppertaler Sinfoniker, Mandolinen-
Konzertgesellschaft Wuppertal
Ltg. Detlef Tewes
Bühne + Inszenierung: Cornelie Müller
Uraufführung: 21. 10.
weitere Aufführungen: 27. 10. / 30. 11. /
7. 12. / 9. 12. / 16. 12.
www.wuppertaler-buehnen.de
Weitere Aufführungen der Wuppertaler
Bühnen:
Musiktheater
Bluthochzeit
Lyrische Tragödie in zwei Akten von Federico
García Lorca //// deutsch von Enrique
Beck, Musik von Wolfgang Fortner.
Ein junger Mann möchte heiraten. Seine
Mutter hat aber schlimme Vorahnungen.
Sie erfährt, dass die Braut schon einmal
verlobt war mit Leonardo, einem Mitglied
der »Mörderfamilie«, die ihren Mann und
ihren ältesten Sohn getötet haben. Ihre
Visionen werden Realität, die Logik der
Blutrache lässt keinen Ausweg. Während der
Hochzeitsfeier verschwindet die Braut. Sie
fl ieht mit Leonardo, denn er hat sie, sie hat
ihn nie vergessen können. Der Bräutigam
setzt ihnen nach, und als er sie stellen kann,
kommt es zur Tragödie.Wolfgang Fortner
hat 1951 das Theaterstück von Federico
García Lorca vertont, der 25 Jahre zuvor
während des spanischen Bürgerkrieges von
der faschistischen Falange ermordet wurde.
Premiere 13. Januar 2013 – Opernhaus
Inszenierung / Bühne: Christian von Götz
Musikalische Leitung: Hilary Griffi ths
Schauspiel
Leonce und Lena
ein Lustspiel von Georg Büchner
Büchners Lustspiel von 1836 wirkt leichtfüßig,
und ist gespickt mit satirischen
Anspielungen und versteckten Boshaftigkeiten,
die das Duodezfürstentum und
die Gedankenlehre des herrschenden
Adels aufs Korn nahm. Es erzählt von
Gemütszuständen einer jungen Generation:
Antriebslosigkeit, Unsicherheit, Zukunftsangst,
Verweigerung und Aufl ehnung
gegen Strukturen und Autoritäten.
Kommt einem irgendwie bekannt vor…
Premiere 25. Januar 2013 – Opernhaus
Inszenierung: Markus Lobbes
Dramaturgie: Oliver Held
Szenenfoto einer Aufführung des Backstage-
Klubs des Münchner Volkstheaters.
Zweite Haut
Ausstellung von BBK Bergisch Land
und Gästen
in OLGA – Raum für Kunst – Ludwigstr.
14, 42105 Wuppertal, www.o-l-g-a.de
Von 17. 11. 2012 bis 15. 12. 2012
Vernissage: Sa.17. 11. 2012, 18.00 Uhr
Finissage: Sa. 15. 12. 2012, 17.00 Uhr
Erika Windemuth, Hände. Foto: S. Steinprinz
Teilnehmerinnen: Barbara Held, Sylvie
Hauptvogel, Zahra Hassanabadi, Sabine
Kreiter, Birgit Litsch, Doris Oberschachtsiek,
Petra Pfaff, Maria Pienkowski, Birgit
Reinhardt, Ulla Schenkel, Jule Steinbach,
Ruth Velser, Erika Windemuth, Teresa
Wojciechowska
Gemeint ist die zivilisatorische Hülle zwischen
ICH und NICHT-ICH: Schmuck,
Schutz, Käfi g? Erfahrungen aus diesem
Zwischenbereich werden mit den Mitteln
der Kunst geformt, gebündelt und auf einen
Punkt gebracht. Der schmale Steg dieser
Defi nition führt ins Reich der Poesie, der
Verführung, des Protestes, des Spotts und der
Ironie. So fokussieren die KünstlerInnen das
Thema auf ganz unterschiedliche Weise: Es
wird mit verschiedenen Materialien gearbeitet:
weichen, organischen, harten, transparenten,
abweisenden und anderem. Gezeigt
werden Performances, Video, Objekte, Bilder,
Kostüme, Skulpturen.
Öffnungszeiten: Mi. 15 –19 Uhr,
Sa. 11 –15 Uhr, So. 11–15 Uhr
Termine Literaturhaus
Wuppertal e.V.
12.12.2012 - 19:30 Uhr
Jan Brandt liest aus „Gegen die Welt“
Schauplatz der Romanhandlung ist das
ostfriesische Dorf Jericho, in das Mitte

der 1970er Jahre der schüchterne Daniel
Kuper hineingeboren wird. Jan Brandt
schrieb ein Epos über das Erwachsenwerden
in der Provinz, über Freundschaft,
Pop und Außerirdische.
23.01.2013 - 19:30 Uhr
Leif Randt: „Schimmernder Dunst
über CobyCounty“
In seinem zweiten Roman entwirft Leif
Randt eine kunststoffschöne Welt am Abgrund,
die ebenso utopisch wie greifbar
nah scheint. Doch die goldenen Tage von
CobyCounty sind gezählt.
Johnny Cash Show
Well, you’re my friend
Von Johnny Cash und Weggefährten
Von 1969 bis 1971 moderierte Johnny
Cash im amerikanischen Fernsehen jeden
Samstag die „Johnny Cash Show“. Getreu
seinem Motto „Do the Right Thing“
versammelte er die spannendsten Künstler
seiner Zeit vor der Kamera und überwand
dabei spielend leicht alle sozialen, rassistischen
und politischen Grenzen, die Amerika
in diesen Jahren zerrissen. Es war immer
wieder überraschend, wer vorbeischaute und
zum unnachahmlichen Sound der Sendung
beitrug: Louis Armstrong spielte Country
Songs, Ray Charles machte „Ring of Fire“
zum ultimativen Blues, Bob Dylan, Neil
Young und Anita Carter sangen ihre großen
Songs, Dennis Hopper rezitierte Gedichte,
Andy Kaufman verwandelte sich in Elvis
und Cash selbst sang mit allen im Duett.
Nach über 80 erfolgreichen „A Tribute
to Johnny Cash“-Abenden im Schauspielhaus
führt das Team um Thomas
Anzenhofer und Torsten Kindermann
nun die „Johnny Cash Show“ in die
zweite Runde.
31. Dezember 2012, 16 Uhr und 20 Uhr,
Karten nur an der Kasse
www.schauspielhausbochum.de
August Macke-Haus Bonn
Im Garten der Kunst
Hommage an Hans Thuar zum 125.
Geburtstag
Ausstellungsdauer: bis zum 27. Jan. 2013
Hans Thuar, Reh in Berglandschaft, 1914,
Öl auf Leinwand, 55 x 90 cm, Privatbesitz
Mit seinen leuchtenden Landschaften,
farbintensiven Stillleben und psychologisch
feinsinnigen Porträts gehört Hans
Thuar zum inneren Kreis der rheinischen
Expressionisten. Geboren 1887 bei
Lübben im Spreewald, verbrachte er seine
Kindheit in Köln und war nach einem
schrecklichen Unfall im Alter von elf
Jahren an den Rollstuhl gefesselt. Inspiriert
durch seinen besten Freund, August
Macke, wandte sich Hans Thuar früh der
Kunst zu und entwickelte in der Auseinandersetzung
mit der Avantgardekunst seiner
Zeit noch vor Ausbruch des Ersten
Weltkrieges eine seinem Naturell entsprechende,
kraftvolle, expressive Malerei.
Ein dynamischer Pinselstrich, ein
pastoser Farbauftrag und die Zerlegung
der Bildgegenstände in ein kubistisch
inspiriertes Formenkonglomerat charakterisieren
seine Bilder der Zwanziger Jahre.
Hans Thuar, Gefällter Baum (Flodeling),
1912, Öl auf Leinwand, 51 x 80 cm,
Kunstmuseum Bonn
Anlässlich seines 125. Geburtstages
widmet ihm nun das August Macke
Haus eine umfangreiche Schau seines
eindrucksvollen Werkes mit zahlreichen
Arbeiten aus Privatbesitz.
www.august-macke-haus.de
Siza-Pavillon – Forum für räumliches
Denken – Raketenstation Hombroich
Aus den Beständen der Insel Hombroich:
Bruno Goller. Bilder & Zeichnungen
noch bis 6. Januar 2013
Bruno Goller gilt als einer der bedeutendsten
Maler Deutschlands im 20.
Jahrhundert. Sein Werk entzieht sich
weitgehend künstlerischen Strömungen
und kunsthistorischen Zuweisungen; es
ist zwingend sich selbst verpfl ichtet. Dem
Kunstbetrieb verweigerte sich Bruno Goller
lebenslang zunehmend; er ist „eine der
authentischsten Figuren der Kunst vor
und nach der Jahrhundertmitte“ (Werner
Schmalenbach).
In der Ausstellung im Siza-Pavillon auf der
Raketenstation Hombroich sind mehr als
40 exemplarische Werke aus sieben Jahrzehnten
(1922–1993) zu sehen, darunter einige,
die bisher noch nicht gezeigt wurden.
Ergänzt wird sie durch ein Porträt Gollers,
das sein prominentester Schüler, Konrad
Klapheck, gezeichnet hat.
„Bruno Goller. Bilder und Zeichnungen“
weist voraus auf eine geplante Reihe
Aus den Beständen der Insel Hombroich
mit hochkarätigen Ausstellungen etwa zu
Hans (Jean) Arp, Bernd und Hilla Becher,
Gotthard Graubner, Konrad Klapheck, August
Sander oder Oskar Schlemmer. Durch
ausgewählte bildende Kunst, Fotografi e und
Literatur werden die weiterhin im Siza-
Pavillon auf der Raketenstation Hombroich
stattfi ndenden Ausstellungen im Grenzbereich
Architektur und Skulptur ergänzt.
Stiftung Insel Hombroich
Raketenstation 4, D-41472 Neuss,
Tel. 02182/887-4000
Öffnungszeiten der Ausstellung
jeweils Mi, Sa, So, 12–18 Uhr
sowie am 26. Dezember von 12–18 Uhr
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Tagesnotiz
Am Nachmittag zuhause trete ich einmal
auf die Terrasse. Oma sitzt dort, ganz
eingepackt in Bademantel, Schal und
Zipfelmütze. Nur das kleine Gesicht ist
zu sehen.
Über uns spannt sich ein wunderbarer
Herbsthimmel, zartblau mit hellgrauen
Wolken. Nach den Therapiebüchern
über Imaginations-Therapie, die mir in
letzter Zeit begegnet sind, wäre das die
perfekte Vorstellung von Gesundheit.
Man muss sich diesen Himmel vorstellen
und wird gesünder.
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Ich setze mich zu Oma auf die Bank.
Vor uns im Garten steht der hilfsbereite
Marek auf der Leiter und fuhrwerkt in
unserem Kirschbaum herum. Die Äste
werden geschnitten.
„Schau dir diesen Himmel an, Elisabeth“,
sage ich zu Oma. „Dabei werden
selbst Kranke gesund.“
Oma beginnt zu singen, und ich falle ein:
Und in den Schneegebirgen,
da fl ießt ein Brünnlein kalt.
Und wer das Brünnlein trinket,
und, wer das Brünnlein trinket,
wird jung und nimmer alt.
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Ich hab daraus getrunken
So manchen frischen Trunk.
Ich bin gesund geworden,
ich bin gesund geworden,
ich bin noch immer jung.
Oma beherrscht den Text. Ich kannte die
zweite Strophe nicht.
Ich packe meine Sachen zusammen.
Der Nachmittag kann beginnen. Wenn
man immer nur an den gegenwärtigen
Augenblick denken würde, wäre alles in
Ordnung.
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