Kinostart: 15. November 2012 - Babylon Kino

präsentiert:
Buch und Regie: Lana & Andy Wachowski, Tom Tykwer
Kinostart: 15. November 2012
Produzenten: Grant Hill, Stefan Arndt
mit Lana & Andy Wachowski, Tom Tykwer
Ausführende Produzenten: Philipp Lee, Uwe Schott und Wilson Qiu
Ko-Produzenten: Peter Lam, Tony Teo und Alexander van Dülmen
Assoziierte Produzentin: Gigi Oeri
Cast: Tom Hanks, Halle Berry, Jim Broadbent, Hugo Weaving, Jim Sturgess, Doona Bae, Ben
Whishaw, James D’Arcy, Zhou Xun, Keith David
mit Susan Sarandon und Hugh Grant
CLOUD ATLAS ist eine Produktion von:
Cloud Atlas Production, X Filme Creative Pool und Anarchos Productions
in Koproduktion mit A-Company und ARD Degeto.
mit Unterstützung von:
Deutscher Filmförderfonds, Filmförderungsanstalt, Medienboard Berlin-Brandenburg, Film- und
Medienstiftung NRW, Mitteldeutsche Medienförderung und dem FilmFernsehFonds Bayern.
Bundesweite Pressebetreuung
Deutschland:
Just Publicity GmbH
Regine Baschny,
Georgia Totsidou & Sabine Palme
Erhardtstr. 8
80469 München
Tel. 089 - 202082 60
Fax: 089 - 202082 89
E-Mail : info@just-publicity.com
im Verleih von:
X Verleih
www.cloudatlas-derfilm.de
Technische Daten:
Deutschland 2012
Länge: 172 Minuten
Pressematerial:
www.x-verleih.de
Verleih:
X VERLEIH AG
Kurfürstenstr. 57
10785 Berlin
Presse: Maja Genowa
Tel. 030 - 269 33 600
Fax 030 - 269 33 700
E-Mail: maja.genowa@x-verleih.de
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DER FILM
1849: Ein amerikanischer Anwalt auf hoher See, der die Schrecken des Sklavenhandels kennenlernt.
1936: Ein junger Komponist, mit dessen Hilfe ein alterndes Genie ewigen Ruhm erlangen könnte. 1973:
Eine aufstrebende Journalistin, die eine Atom-Intrige enthüllt. 2012: Ein Verleger, der in einem
Altersheim erkennt, was Freiheit bedeutet. 2144: Eine geklonte Kellnerin, die ihre Wirklichkeit verändert.
2346: Ein Sonderling, der sich in einer post-apokalyptischen Welt mutig gegen übernatürliche Kräfte
stellt.
Sechs Schicksale in 500 Jahren und doch ein einziges Abenteuer, in dem all unsere Helden in
Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft aufs engste miteinander verbunden sind. Im Mittelpunkt steht
ein Verbrecher, der sich über die Jahrhunderte hinweg wandelt und schließlich zum Retter der
Menschheit wird. CLOUD ATLAS ist ein bildgewaltiges Epos über die unendlichen Möglichkeiten des
Lebens, in dem jedes Verbrechen und jede gute Tat Einfluss auf die Entwicklung der Welt haben. Die
Verfilmung von David Mitchells Bestseller ist großes Kino voller Dramatik, Action und Romantik, das
aufregend, überraschend und emotional intensiv die Grenzen von Zeiten, Generationen und Genres
sprengt.
DIE MACHER
Hinter diesem einzigartigen Filmerlebnis stehen Tom Tykwer (LOLA RENNT, DAS PARFUM) sowie die
Macher der MATRIX-Trilogie Lana & Andy Wachowski. Die imposante Starbesetzung vereint Oscar®-
Preisträger Tom Hanks, Oscar®-Preisträgerin Halle Berry, Oscar®-Preisträger Jim Broadbent, Hugo
Weaving, Jim Sturgess, Doona Bae sowie Ben Whishaw, James D’Arcy, Zhou Xun und Keith David.
Oscar®-Preisträgerin Susan Sarandon und Hugh Grant vervollständigen das internationale Ensemble.
Jeder dieser fantastischen Schauspieler begleitet uns in verschiedenen Rollen durch den Film.
CLOUD ATLAS ist eine Produktion von Cloud Atlas Production, X Filme Creative Pool und Anarchos
Productions in Koproduktion mit A-Company und ARD Degeto. Maßgeblich unterstützt wird das Projekt
vom Deutschen Filmförderfonds, der Filmförderungsanstalt, dem Medienboard Berlin-Brandenburg, der
Film- und Medienstiftung NRW, der Mitteldeutschen Medienförderung und dem FilmFernsehFonds
Bayern.
Buch und Regie: Lana & Andy Wachowski, Tom Tykwer
Produzenten: Grant Hill, Stefan Arndt
mit Lana & Andy Wachowski, Tom Tykwer
Ausführende Produzenten: Philipp Lee, Uwe Schott und Wilson Qiu
Ko-Produzenten: Peter Lam, Tony Teo und Alexander van Dülmen
Associate Producer: Gigi Oeri
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Alles beginnt 1846 auf einer Seereise im Pazifik: Auf seiner Heimreise mit der Prophetess nach San
Francisco vertraut der amerikanische Anwalt seine wachsenden Zweifel am Segen der Sklaverei
seinem Tagebuch an. 1936 fasziniert dieses Reisetagebuch einen jungen Komponisten, der aber nur
noch die Hälfte besitzt. Inspiriert von den Schilderungen über die Schrecken der Kolonialzeit macht er
sich an die Komposition seines musikalischen Meisterwerks, des „Wolkenatlas-Sextett“. Darin
thematisiert er musikalisch die Frage der Menschheit, ob sich einzelne Seelen in verschiedenen
Epochen immer wieder begegnen können. In leidenschaftlichen Briefen an seinen Liebhaber berichtet
er von seinem Aufenthalt bei einem genialen aber in die Jahre gekommenen Komponisten und bittet ihn
gleichzeitig darum, die zweite Hälfte des Buchs ausfindig zu machen. 1973 begegnet eine ehrgeizige
Journalistin seinem in der Zwischenzeit gealterten Liebhaber und Atomkraftexperten. Er vertraut sich ihr
an und übergibt ihr wichtige Unterlagen zur Aufdeckung eines Atomskandals und die persönlichen
Briefe von damals. In einem Plattenladen bestellt sie sich das „Wolkenatlas-Sextett“ und ist sich sicher,
die Melodie zu kennen. Ein Nachbarsjunge schreibt ihre Geschichte über die Entdeckung der
Machenschaften zwielichtiger Atomkonzerne auf und schickt 2012 das Manuskript an einen Londoner
Verleger. Dieses Buch lässt ihn erstmals darüber nachdenken, was Freiheit und Erfolg für ihn wirklich
bedeuten. Gegen seinen Willen wird er in einem despotisch geführten Altenheim eingesperrt, aus dem
er versucht zu fliehen. Ein Video von seiner Flucht ermutigt 2144 in Südkorea eine geklonte Kellnerin
aus ihrem Gefängnis auszubrechen. Sie zeichnet ihre Erfahrungen und Wahrheiten auf, die auch in der
post-apokalyptischen Welt des Jahres 2346 noch Gültigkeit besitzen und die Menschen zu einem
Neubeginn und dem Streben nach dem Traum einer friedlicheren Zukunft ermutigen.
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PRODUKTIONSNOTIZEN
Fünf Jahrhunderte umspannt das ambitionierte und verblüffende Epos CLOUD ATLAS und geht dabei
Fragen über das Leben und dessen grundlegenden Sinn nach, mit denen sich die Menschen seit
Beginn ihrer Geschichte und der Entwicklung bewussten Handelns und Denkens auseinandersetzen.
Mit einem kaleidoskopischen Spektrum von Action, Gefühlen und eindringlich geschilderten
menschlichen Beziehungen und Verbindungen strahlt sein Licht entlang einer unendlichen Zeitlinie. Es
geht darum, dass Menschen ihre persönlichen Entwicklungslinien in einem anderen Leben wieder
aufnehmen und ihre Beziehungen zueinander immer wieder neu knüpfen.
Liebe kann die Ewigkeit überdauern, Fehler können dabei korrigiert oder wiederholt werden. Freiheit
kann gewonnen oder verloren werden. Immer wieder bestimmen einzelne Entscheidungen, die
getroffen werden, das menschliche Handeln und die Entwicklung unserer Welt.
„Was uns sofort faszinierte, war diese Vielzahl an Ideen und Gedanken, das Mitgefühl für Menschen,
die Kühnheit und der kreative Mut und dieses besondere Gefühl, das sich beim Lesen des Buchs
einstellte. Es wirkte wie ein klassischer Stoff und war gleichzeitig etwas völlig Neues“, erinnert sich Lana
Wachowski, die mit zwei weiteren Autoren und Regisseuren David Mitchells Roman, die Grundlage für
den Film, adaptierte. „Das Buch sprengt die Grenzen von Rasse und Geschlecht, von Ort und Zeit. Die
Erzählung deutet an, dass die menschliche Natur all diese Grenzen überwinden kann. Das alles
begeisterte uns an diesem Buch und schließlich begannen wir mit der Arbeit am Drehbuch.“
Die Filmemacher Lana und Andy Wachowski sind seit Langem mit Tom Tykwer befreundet und haben
schon oft über eine Zusammenarbeit bei einem gemeinsamen Filmprojekt nachgedacht. Doch erst die
Leidenschaft für David Mitchells Roman „Cloud Atlas“, die alle gleichermaßen packte, brachte die drei
Filmemacher dazu, ihre Idee in die Tat umzusetzen. Passend zur ungewöhnlichen Geschichte, die der
Roman erzählt, schlossen sich die Filmemacher zu einer außergewöhnlichen kreativen Allianz
zusammen. Gemeinsam schrieben sie das Drehbuch und übernahmen die Regie, um die als modernes
literarisches Meisterwerk gefeierte Buchvorlage auf die Leinwand zu bringen. Gemeinsam mit den
Produzenten Stefan Arndt und Grant Hill kämpften sie um eine unabhängige Finanzierung.
„Es besitzt eine gewaltige Kraft“, fügt Tom Tykwer hinzu. „Man kann in kleinen, individuellen
Beobachtungen Wahrheiten entdecken, die jeder nachempfinden kann. Wenn man aber diese Momente
in einen größeren dramatischen Kontext und in einen imposanten zeitlichen Rahmen einbettet, erkennt
man auf faszinierende Weise, was das Menschsein ausmacht.“
Die Geschichte aus Roman und Film umspannt Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft. In
verschiedenen Genres und Erzählstilen verdeutlicht sie, wie Ereignisse und getroffene Entscheidungen
in einem Zeitalter auf unerwartete Weise in einem anderen nachhallen und so das Leben von anderen
Menschen berühren und beeinflussen.
Jede einzelne kleine Geschichte entfaltet sich neben der anderen, während mit den Übergängen die
gemeinsamen Bezüge zueinander enthüllt werden. Ein Anwalt aus San Francisco gewährt auf seiner
Heimreise von den Pazifischen Inseln einem flüchtenden Sklaven Unterschlupf. Ein armer, aber
talentierter Komponist kämpft im Großbritannien der 1930er Jahre um die Vollendung seines
wichtigsten Werkes, bevor ihn die Konsequenzen einholen. Eine Journalistin versucht im Jahr 1973
einen katastrophalen Atomunfall zu verhindern. Ein Verleger steht unmittelbar vor seinem größten
Erfolg, als er in eine Falle tappt und ungerechtfertigt eingesperrt wird. Im Jahr 2144 entwickelt eine
geklonte Arbeiterin verbotenerweise ein eigenes menschliches Bewusstsein. Ein Ziegenhirte ringt in
ferner Zukunft und in einer zerstörten Welt mit seinem Gewissen und kämpft um das Überleben der
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gesamten Menschheit. Schnell wird deutlich, dass diese Geschichten nicht voneinander getrennt,
sondern Momente eines zusammenhängenden Zeitstroms sind.
Andy Wachowski erklärt dazu: „Der Schlüssel ist die Erkenntnis, dass es eben nicht sechs verschiedene
Geschichten sind. Es ist nur eine einzige. Im Verlauf des Films bedingen und beeinflussen sich diese
Handlungen und Zeiten gegenseitig – jede Einzelne. Weil sich all diese Menschen weiterentwickeln,
erkennt man die Verbindungen zueinander in chronologischer Ordnung und kann so ihrer Entwicklung
folgen.“
Zugleich ist jede einzelne Figur Teil eines Ensembles, das mit unterschiedlichen Identitäten und in
neuen Umständen und Situationen wiederkehrt. „Nicht nur eine Figur wird wiedergeboren, sondern alle
Hauptfiguren existieren in jeder der gezeigten Welten“, erklärt David Mitchell. „Die Beziehungen
zwischen diesen Figuren und das, was sie auszeichnet, machen eine Entwicklung durch. Es ist ein
Universum, in dem Reinkarnation möglich ist, und ein Film, in dem Vergangenheit, Gegenwart und
Zukunft koexistieren. Der Tod bedeutet hier nur, dass sich eine Tür schließt und eine andere sich
öffnet.“
Auf diese Weise werden Konflikte, die in einem Zeitalter auftreten, vielleicht Jahrzehnte später gelöst
werden. Ungerechtigkeiten kehren mit oft überraschenden Konsequenzen zurück. Liebende finden über
die Jahrhunderte hinweg zusammen. „Ein elementarer Teil des Films ist eine großartige
Liebesgeschichte, die über verschiedene Leben hinweg erzählt wird. Man folgt ihr in einzelnen
Momenten und sieht nicht das komplette Ganze auf einmal“, führt Lana Wachowski aus und weist
darauf hin, wie die junge Liebe eines Paares reifen und Einfluss auf die Handlungen des Einzelnen
nehmen kann, wenn sich Menschen in unterschiedlichen Zeiten immer wieder begegnen und sich dabei
weiterentwickeln. „Das ist ein weiteres großes Thema des Films“, erklärt Lana Wachowski, „dass
nämlich die Liebe zu jeder Zeit verändern kann, welche Richtung man in seinem Leben einschlägt.“
„Es sind aber noch andere Kräfte am Werk“, wie Tom Hanks bemerkt, der sechs Rollen spielt und damit
die Reise einer einzelnen Person während ihrer verschiedenen Aufenthalte im zeitlichen Kontinuum
verdeutlicht: „Häufig beobachten die Figuren etwas, das ihr Leben für immer verändern könnte. Dann
müssen sie handeln, können Helden oder Feiglinge sein. Ein wichtiges Thema des Films ist die Frage,
ob Geschichte nichts anderes ist als solche Schlüsselmomente, die miteinander verknüpft sind. Was
macht das Menschsein aus - sind es nicht eben die vielen Entscheidungen, die man treffen muss?“
Die Geschichten von CLOUD ATLAS erzählen von Aufrichtigkeit und beispielhaftem Mut, Hoffnung und
Glaube, von Verrat, Kampf und Verlust und rücken diese einzelnen Momente der Entscheidung deutlich
in den Fokus. „Diese Art des Geschichtenerzählens ist unglaublich unterhaltsam“, fährt Hanks fort. „Was
immer man auch daraus für sich selbst lernen mag, nie gibt es einen Moment, an dem die Kamera
keinen spektakulären Stunt oder kein tiefes menschliches Gefühl einfängt. Beim Lesen des Drehbuchs
begann ich mich anfangs zu fragen, wer diese Menschen wohl wären, bis die Verbindungen
untereinander klar wurden. Auch ihre kreativen Kämpfe als Künstler, ihr Ringen ums Überleben und die
von ihnen getroffenen Entscheidungen, die das eine Leben mit dem nächsten verknüpften, wurden nun
deutlich. Ich war völlig gebannt und emotional total involviert. Drehbuch und Film sind eine perfekte
Mischung aus David Mitchells Roman und der filmisch-kreativen Kraft unserer drei Regisseure. Es
handelt sich hier um ein brillantes Stück filmischer Literatur, das durch die Zeiten hindurch die
Verbindungen der Menschen zueinander erforscht.“
Dem kann Halle Berry, die wie Hanks in sechs verschiedene Rollen schlüpft, nur zustimmen: „Das alles
war eine einzigartige Erfahrung für mich. Ich kann mir nicht vorstellen, dass ich noch einmal einen
ähnlichen Film wie diesen drehen werde. Er ist in seiner Art einmalig und ungewöhnlich - das liebe ich.
So viele Grenzen und Barrieren werden hier überwunden, so viele aufregende Konzepte vorgestellt.
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Hoffentlich wird der Film die Zuschauer zum Nachdenken bringen, wie sie die Welt und ihr eigenes
Leben wahrnehmen.“
All diese Elemente machten nicht nur auf Tom Tykwer und die Wachowskis großen Eindruck, sondern
wirkten geradezu magnetisch anziehend auf renommierte und erfahrene Schauspieler aus der ganzen
Welt. In einer übereinstimmenden Reihe von Charaktereigenschaften werden die Hauptdarsteller Tom
Hanks und Halle Berry von einer internationalen Besetzung unterstützt, der Jim Broadbent, Hugo
Weaving, Jim Sturgess, Doona Bae, Ben Whishaw, James D’Arcy, Xun Zhou, Keith David, David Gyasi,
Susan Sarandon und Hugh Grant angehören. Während sich die Geschichte zwischen verschiedenen
Zeiten bewegt, wechselt der Fokus von einer Gruppe zentraler Darsteller zu einer anderen.
Wiederkehrende Ensemblemitglieder tauchen in entscheidenden Momenten auf oder machen sich auf
subtilere Weise bemerkbar.
„Es ist ein in jeder Hinsicht gewaltiges Projekt“, erzählt Grant Hill, der bei CLOUD ATLAS zum vierten
Mal mit den Wachowskis zusammenarbeitet und zum ersten Mal gemeinsam mit Stefan Arndt einen
Film produziert. „Die Figuren, die Liebe, das Pathos – alles hat emotionale Tiefe und spielt sich auf
einer gigantischen Leinwand ab.“
Stefan Arndt, der seit beinahe 20 Jahren die meisten Tom Tykwer Filme produziert hat und der
wesentlicher Ideengeber für die Finanzierung dieses eigentlich unfinanzierbaren Filmprojektes war,
bemerkt: „Es war eine einfache Analyse der Realität. Die Studios machten noch vor wenigen Jahren bis
zu 20 Filme pro Jahr, heute sind es nur noch 5 bis 6; früher alle Filmgenres, heute Franchise Movies
Part 5 oder gar Prequels. Da ich, mein Partner Uwe Schott, unsere X-Verleiherin Manuela Stehr und die
Filmemacher aber nun mal an „große Kinofilme mit Hirn drin“ glauben, haben wir uns einfach, wie in
alten Zeiten, klassische Koproduzenten oder Kofinanziers gesucht. Anstatt dieses Geld anonym nach
Hollywood zu investieren, boten wir ihnen echte Teilhabe und eine faire Recoupmentposition. Und eines
kann ich sagen, diesen Stolz in der ersten Vorführung für die Finanziers zu spüren, war ein einmaliges
Erlebnis. Ja klar, Film ist auch Geschäft, aber wir alle auf der Welt sind durch das Kino sozialisiert und
an einem wichtigen, epischen Film teilzuhaben, der auch noch alle Kunstformen mit den schönsten
Elementen des Popcorn-Kinos zusammenführt, das macht froh. Wir danken von Herzen allen, die uns
dabei unterstützt haben."
„Wir lieben es, aufregende, unterhaltsame und romantische Filme zu drehen, die um bestimmte
Themen und Ideen kreisen“, erläutert Lana Wachowski. „Es sind Filme, die uns alle seit unserem ersten
Kinobesuch selbst inspiriert haben. Und mit unseren Filmen haben wir schon immer versucht, den
Zuschauer auf verschiedenen Ebenen zu erreichen: visuell möchten wir etwas zeigen, das es vorher so
noch nicht gab. Emotional möchten wir genug Nervenkitzel, Action oder Romantik bieten, die nicht nur
dem Publikum, sondern auch dem Kind in uns selbst gefallen, und schließlich möchten wir Perspektiven
und Gedanken vorstellen, die das tägliche Leben betreffen und auf einer sehr persönlichen Ebene
spielen.“
„Genau das hat mich ursprünglich bei den Filmen von Lana und Andy angezogen“, fasst Tom Tykwer
zusammen. „Die Überzeugung, dass man gleichzeitig Herz und Verstand ansprechen kann. Man kann
über diese faszinierenden Themen sprechen, die wie ein Fusionsantrieb in diesem Film wirken.
Trotzdem ist man einfach nur hingerissen und überwältigt, wenn man den Film sieht.“
VOM BUCH AUF DIE LEINWAND: DIE VERBINDUNGEN WERDEN GEKNÜPFT
Der Gelegenheit, dem Kinopublikum eine Geschichte dieser Größenordnung erzählen zu können,
konnten die Wachowskis und Tykwer nicht widerstehen. Aber wie sollten sie das Ganze anpacken?
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Mitchell hatte jede der sechs Geschichten nacheinander erzählt, dann den Plot nach einem
dramaturgischen Höhepunkt in der Mitte jeder Geschichte abgebrochen und schließlich eine nach der
anderen aufgelöst. „Wir wussten, dass diese Struktur bei einem Film nicht funktionieren würde“, erinnert
sich Lana Wachowski an die Anfänge des Projekts. „Aber diese Struktur ließ uns über Möglichkeiten
nachdenken, wie wir die Beschränkungen konventionellen filmischen Erzählens überwinden könnten.“
Mitchell hatte jedes einzelne Kapitel in einem anderen Stil geschrieben, „um die Unterschiede der
einzelnen Geschichten deutlich zu machen. Ich dachte dabei an ein Menü mit einzelnen Gängen aus
verschiedenen Küchen“, erzählt der Schriftsteller. Diese Konstruktion übernahmen die Filmemacher
gerne, legten eine Geschichte als Drama, die anderen dann als Romanze, als Kriminalthriller, als
Komödie und als futuristisches Science-Fiction-Abenteuer an.
Doch die erzählerische Kraft, die von diesem Stoff ausgeht, hat nichts mit der Art und Weise zu tun, wie
diese Elemente sich unterscheiden, sondern wie sie sich nahtlos in ein Mosaik einfügen, wie es Andy
Wachowski nennt: „Während man sich von Szene zu Szene bewegt, erschafft man sich im Kopf dieses
Mosaik, findet man automatisch die Verbindungen. Ganz intuitiv gingen wir mit unserem Film also in
diese Richtung.“
Jede einzelne Szene, jede Figur und jede Beziehung, die sie im Buch zu einer anderen knüpfte,
schrieben die Filmemacher in einem Prozess des kreativen Komprimierens und Destillierens auf
einzelne Karteikarten. Diese legten sie auf den Boden und ordneten sie in Gruppen. Andy Wachowski
erklärt diese Verfahrensweise näher: „Wenn man auf Hunderte dieser Karten starrt, und der
dramaturgische Mechanismus von CLOUD ATLAS zerlegt ist, dann sieht man alle Figuren Seite an
Seite. Auf ganz natürliche Weise wird man von Punkten angezogen, an denen diese Figuren ähnliche
Entwicklungskurven haben, wo die Geschichte einer Figur weitergeführt wird, oder gerade zu Ende
gegangen ist. Man kann so die Entwicklung genau verfolgen.“
„Unser Ziel war es, eine übergeordnete Erzählebene zu entwickeln, um alles in eine fließende
Geschichte mit eigener dramatischer Kraft einzubinden“, fügt Tom Tykwer Andy Wachowskis
Ausführungen hinzu.
Die Filmemacher erforschten auch das Motiv der unendlichen Wiederholung, das sich durch den
Roman zieht. Das ermöglicht starke Déjà-vu-Momente: Wenn sich die Blicke von Figuren scheinbar
zum ersten Mal treffen, können diese Figuren das Gefühl haben, sie wären sich schon früher begegnet.
Auf die gleiche Weise können die Töne einer bestimmten Sinfonie für einen Angestellten in einem
Musikgeschäft eindringlich vertraut wirken, weil er selbst vielleicht der Mann gewesen ist, der diese
Sinfonie in einem früheren Leben komponierte. Um all das erreichen zu können, erweiterten die
Filmemacher Mitchells Kunstgriff, verschiedenen Figuren über verschiedene Zeitalter ein Geburtsmal in
der Form eines Kometen zu geben, um die Weiterentwicklung der einzelnen Persönlichkeiten zu zeigen.
„In meinem Buch“, so David Mitchell, „deutet dieses Geburtsmal an, dass es sich um die gleiche,
wiedergeborene Figur handelt ... um eine Seele, die die Ewigkeit durchkreuzt und dabei ihre äußerliche
Hülle und Form verändert.“
Im Film verdeutlicht sich diese Wiedergeburt durch die Schauspieler selbst, die in einem Zeitalter nach
dem anderen in unterschiedlichen Rollen auftauchen und damit einen visuell fesselnden roten Faden für
die Geschichte kreieren. Tom Tykwer erklärt das Konzept näher: „Als wir die Verbindungen zwischen
den Figuren durch die verschiedenen Zeiten hindurch konstruierten und auch das Phänomen
diskutierten, dass manchmal der Eindruck entsteht, eine Figur beendet, was eine andere Hunderte
Jahre zuvor begonnen hatte, fragten wir uns: ‚Warum könnte nicht ein und derselbe Schauspieler diese
Figuren darstellen?’ Warum besetzen wir den Film nicht auf der Grundlage der Idee, dass jeder
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Schauspieler nicht eine einzelne Rolle, sondern verschiedene Rollen verkörpert, die in ihrer Gesamtheit
die Entwicklung dieses einen Menschen verdeutlichen?“
„Ich liebte dieses Konzept“, schwärmt Tom Hanks. „Jede Figur folgt ihrer eigenen persönlichen
Entwicklung, aber im erzählerischen Überbau gibt es einen dramatischen Bogen, den diese Rollen
gemeinsam bilden. Eine Figur legt das Fundament, eine andere baut darauf auf - wie Perlen aufgereiht
an einer Schnur.“
Die Schauspieler tauchen in den aufeinanderfolgenden Zeitebenen des Films auf ganz natürliche Weise
als komplett unterschiedliche Personen auf, sie sind in verschiedenen und vielfältigen Altersperioden
und Schauplätzen zu sehen, häufig sogar mit unterschiedlichen Ethnien und Geschlechtern. William
Conacher, Peggy Hall-Plessas und Julia Wilson-Dickson, renommierte Sprachlehrer und ausgewiesene
Dialektspezialisten, arbeiteten eng mit den Schauspielern zusammen. Um glaubhafte Darstellungen der
unterschiedlichen Ethnien auf die Leinwand bringen zu können, mussten die Schauspieler aus
Nordamerika, Australien, Großbritannien, China, Deutschland und Korea sich sprachlich anpassen - mit
Hilfe dieser Coachs und entsprechend der sich verändernden Kulturen, der sie auf der Leinwand
angehören.
„Zu den Figuren, die ich im Film verkörpere, gehört eine blonde Deutsch-Jüdin und eine Frau aus dem
24. Jahrhundert“, erzählt Halle Berry. „Für einen Schauspieler ist das eine aufregende Vorstellung und
eine enorme Herausforderung.“ Zugleich stellt Berry aber fest: „Menschen sind nur Menschen. Und das
werden sie immer bleiben, unabhängig von den Zeiten und Umständen, in denen sie leben. In jeder von
mir dargestellten Figur musste ich eine menschliche Qualität finden, die jeder nachempfinden kann.
Denn wir alle sind nur Fleisch und Knochen, Herz und Verstand.“
Das Bild des Geburtsmals verloren die Filmemacher nicht aus den Augen. Statt es als Zeichen des
Übergangs einzusetzen, benutzten sie das Mal, um eine Person zu markieren, die einen bestimmten
Grad der Erkenntnis erreicht hatte und vor einer wichtigen, schwierigen Entscheidung stand, die ihr
eigenes Leben oder das von anderen nachhaltig verändern würde. Tom Tykwer erklärt das näher: „Wir
verstanden es eher als Symbol einer Person, die in ihrer Lebenszeit etwas tut oder erschafft, das dann
eine andere Person, die dieses Zeichen trägt, in der nächsten Lebenszeit inspiriert.“
Nachdem dieses Konzept und diese dramatische Struktur soweit ausgearbeitet waren, ergab sich
daraus eine Vielzahl an interessanten erzählerischen Möglichkeiten, wie Lana Wachowski anmerkt: „Wir
begannen uns zu fragen, wie es wohl wäre, wenn der Bösewicht eines Zeitalters zum Helden eines
anderen und dabei vom gleichen Schauspieler dargestellt werden würde. Und sobald wir diese
Verbindung hergestellt hatten, stellte sich die Frage: ‚Wie gelingt einem Bösewicht diese
Veränderung?‘“
Wie erlebte Autor David Mitchell die erste Verfilmung einer seiner Romane? „Für mich als Beobachter
war der ganze Prozess faszinierend. Ich freue mich darüber und bin in gewisser Weise auch neidisch,
wie die Filmemacher mein Buch so zerlegt und wieder zusammengesetzt haben, damit sie die Stärken
ihres Mediums ausschöpfen konnten. Ich fühle mich, als hätte ich ihnen Stammzellen zur Verfügung
gestellt, aus denen sie dann ihre eigene Schöpfung erschaffen haben. Es ist eine großartige Arbeit und
Leistung. Ich bin absolut hingerissen.“
Der Plan der Produzenten Grant Hill und Stefan Arndt, CLOUD ATLAS ab September 2011 mit zwei
gleichzeitig arbeitenden Teams zu drehen, ist eine Pionierleistung und spiegelt mit seinem
unorthodoxen Ansatz das ungewöhnliche Projekt. Damit konnte die Produktionszeit halbiert und das
zeitliche Engagement der großen Darstellerriege anstelle eines halben Jahres auf drei Monate reduziert
werden. Ein solch ungewöhnlicher Ansatz erforderte dafür die doppelte Besetzung entscheidender
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Kreativpositionen. Es gab zwei Kameramänner und Produktionsdesigner und zwei leitende Kostüm- und
Make-up-Designer. Die Berliner Babelsberg Studios wurden zur Produktionsbasis für beide Teams, die
in Berlin und Umgebung sowie in Sachsen und auf Mallorca drehten.
Mit seinen langjährigen Mitarbeitern Johnny Klimek und Reinhold Heil komponierte Tom Tykwer den
Soundtrack des Films. Dass Filmemacher selbst die Musik zu ihren Filmen schreiben, kommt selten
genug vor. Noch ungewöhnlicher aber war, dass man bereits zu einem so frühen Zeitpunkt, nämlich
weit vor Beginn der Dreharbeiten, mit dem Komponieren beginnen konnte. Doch für Tom Tykwer erwies
sich das als großer Vorteil, denn dadurch konnten die emotionalen Töne und Stimmungen wie auch die
Bedeutungen jeder Szene bereits während ihrer Realisierung definiert und darüber hinaus Schauspieler
und Crewmitglieder zusätzlich inspiriert werden.
Das Herzstück des Soundtracks ist eine Sinfonie, deren Wurzeln in der Geschichte über einen jungen
Musiker liegen, der 1936 an seinem Meisterwerk arbeitet, das den Titel „The Cloud Atlas Sextet“ trägt.
„Die kreative Herausforderung lag für uns darin“, so Tom Tykwer, „ein Musikstück zu komponieren, das
eine Verbindung zu der Zeit herstellt, in der es vermeintlich geschrieben wurde, das aber auch als
musikalisches Leitthema für den ganzen Film dient. Es ist immer wieder zu hören, begleitet viele
Szenen. Es ist ein Musikstück, an das sich jemand zu erinnern glaubt, wenn er es viele Zeitalter später
hört.“
In vielerlei Hinsicht war CLOUD ATLAS für die Filmemacher und alle Beteiligten ein Projekt, das sie aus
Liebe zu diesem Stoff in Angriff genommen und gestemmt haben. Selbst als sie gemeinsam schon am
Drehbuch arbeiteten, gab es zwischen den Wachowskis und Tom Tykwer eine Übereinkunft, das
Projekt erst dann in die nächste Produktionsphase zu bringen, wenn David Mitchell, Autor der
Romanvorlage, von ihrer Adaption begeistert sein würde. Dieses Engagement, dieses Gefühl, der
Romanvorlage verpflichtet zu sein, zog sich vom Anfang bis zur Fertigstellung durch alle
Produktionsphasen des Films.
„CLOUD ATLAS ist ein fabelhaftes filmisches Experiment. Es ist ein epischer, erwachsener Film über
epische, erwachsene Themen und Ideen und auch über das, was die Kunst des Filmemachens
ausmacht“, schwärmt Susan Sarandon, die im Film unter anderem einen Inder und eine spirituelle
Anführerin aus dem 24. Jahrhundert verkörpert. „Das Drehbuch gehört zu den selten zu findenden
Skripts, bei denen man nicht schon nach den ersten drei Seiten weiß, was weiter passieren wird.“
„Der ganze Ansatz ist gewagt und ambitioniert, verweigert sich allem Formelhaften“, fügt Hugh Grant
begeistert hinzu, der es ganz besonders genoss, dass er in diesem Film gegen sein Image besetzt
wurde und im Rahmen eines großen Rollenspektrums Bösewichte unterschiedlichster Natur verkörpern
durfte.
„Selbst jetzt – und ich weiß, wie rührselig das klingen mag – bekomme ich aus Dankbarkeit feuchte
Augen, wenn ich daran denke, dass wir diesen Film tatsächlich machen konnten“, gibt Lana Wachowksi
zu und bringt damit stellvertretend auch die Gefühle ihrer Kollegen zum Ausdruck. „Wir sind allen
Schauspielern, die sich engagiert auf dieses ehrgeizige Konzept und die außergewöhnliche Geschichte
eingelassen haben, zu großem Dank verpflichtet. Nur wenige Filme haben so viel von ihren
Schauspielern verlangt. Nach der ersten gemeinsamen Drehbuchlesung, eine der witzigsten, die wir je
erlebt haben, fasste Hugo Weaving das Projekt am besten zusammen: ‚In der Geschichte dieses Films
müssen die Figuren mit Mut und Vertrauen handeln - und das trifft auch auf jeden in diesem Raum
Anwesenden zu.’ „Um dieses Projekt stemmen zu können“, so Lana Wachowski abschließend,
„mussten auch wir durchgehend mit Mut und Stärke für den Film kämpfen.“
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STORY, BESETZUNG UND FIGUREN
„Der Druck, dem sich Lana, Andy und Tom zur Realisierung dieses Projekts aussetzten, war ebenso
groß wie das Vertrauen, das sie uns Schauspielern schenkten“, bemerkt Tom Hanks. „Es war wirklich
außergewöhnlich, wie sie uns freie Hand ließen, unseren Instinkten zu folgen. Die Dreharbeiten zu
diesem Film verliefen wie im Flug, denn jeden Tag stellten wir uns einer neuen, aufregenden Sequenz.
Und ich gehörte einem großartigen Team an, es war ein wirklich geeintes Ensemble.“
„Jedem von uns verschiedene Rollen zu übertragen, war eine inspirierte, durch und durch filmische
Idee“, erklärt Jim Broadbent. „Es gab schon einige Filme mit großen Stars, in denen der Hauptdarsteller
verschiedene Rollen spielte, aber so etwas wie diesen Film sicher nicht. Dieses Konzept ist ziemlich
einzigartig und passt so gut zu dieser Geschichte, in der alles miteinander verbunden ist, und die
Energie eines Lebensstroms den nächsten auflädt, bis diese wunderbare Dynamik entsteht, bis ein
aufregender Moment dem anderen folgt.“
Weil zwei Produktionsteams, in Abstimmung zueinander gleichzeitig drehten, wechselten die
Schauspieler während der Dreharbeiten von einem Set zum anderen, häufig sogar von einem Land zum
nächsten. In den Pausen dazwischen kümmerten sich die Kostüm- und Make-up-Profis um sie,
veränderten dabei das Erscheinungsbild der Darsteller manchmal so sehr, dass sie sich untereinander
für kurze Zeit unerkannt bewegen konnten.
Susan Sarandon vergleicht die Erfahrung bei den Dreharbeiten, die Fröhlichkeit und den Spaß, mit
einer Cirque-du-Soleil-Atmosphäre, bei der die Schauspieler couragiert von einem Trapez zum anderen
sprangen. „Eines Tages sah ich in den Spiegel und konnte mich darin für eine Sekunde lang nicht
wiedererkennen. So etwas war mir in meiner ganzen Karriere noch nie passiert. Es war eine absolut
verblüffende Erfahrung – und doch nur einer von vielen Wegen, mit denen das Medium Film es dem
Schauspieler ermöglicht, die Perspektive einer Figur einzunehmen. Einer Figur, von der man anfangs
vielleicht glaubte, nichts mit ihr gemeinsam zu haben. Dadurch können wir erkennen, wie sehr wir uns
alle ähneln, wie wenig doch Zeit, Alter, Hautfarbe und Geschlecht wirklich im großen Gesamtbild des
Lebens bedeuten.“
Nach allem, was man bei den Dreharbeiten hören konnte, waren dieser Film und sein dramatisches
Konzept für alle Schauspieler ein Traum. „Ich wurde dadurch erinnert, warum ich überhaupt
Schauspieler geworden war, und ich glaube, das traf auf uns alle zu“, erläutert Ben Whishaw. „Meistens
und unabhängig davon, welche Rolle man spielt, sieht man bei der Arbeit mehr oder weniger
unverändert aus. Aber der Instinkt, sich verändern zu wollen und zu können, ist immer da, und hier bot
sich dazu eine großartige Gelegenheit. Für mich war das eine sehr befreiende Erfahrung.“
Einige von Whishaws Kollegen empfanden diese Befreiung vielleicht noch stärker als andere, wie etwa
Hugh Granz trocken bemerkt: „Natürlich faszinierte mich die Geschichte, die brillant ist, aber ich hätte
diesen Film auch schon gemacht, nur um die Möglichkeit zu haben, den Häuptling eines
Kannibalenstamms spielen zu können, der raubt, plündert und anderen die Kehle aufschlitzt. In SINN
UND SINNLICHKEIT gab es nicht viele Gelegenheiten, anderen die Kehle aufzuschlitzen.“
Die Geschichte von CLOUD ATLAS beginnt im Jahr 1849...Und im Jahr 1936...1973...2012...2144...und
2346.
All diese Erzählebenen und Geschichten werden zugleich eingeführt, dann wechselt der erzählerische
Fokus in einem bestimmten Rhythmus von einer Ebene zur nächsten. Auf diese Weise treibt der Film
den Zuschauer in sechs parallel verlaufende Erzählspuren hinein, die aber als eine einzige
wahrgenommen werden. Sofort erkennt man die Synchronität von Handlungen, deren Ursachen und
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Auswirkungen. Während jedes einzelne erzählerische Element sich zu einem gemeinsamen Ende
fortentwickelt, erkennt man die Verbindungen zwischen den Figuren und den Zeiten, in denen sie leben.
1849: Südpazifik
Jim Sturgess verkörpert Adam Ewing, einen idealistischen jungen Anwalt aus San Francisco, der zu
den Inseln im Südpazifik gesegelt ist, um ein Geschäft mit dem bigotten, frömmelnden
Plantagenbesitzer Reverend Horrox, gespielt von Hugh Grant, abzuschließen. Auf einer der Inseln wird
Ewing Zeuge, wie der von David Gyasi verkörperte Autua, einer von Horrocks Sklaven, brutal
ausgepeitscht wird. Im Moment seines größten Schmerzes fixiert Autua mit aufgerissenen Augen
Ewing, als würde er in ihm eine verwandte Seele erkennen und diese mit seinem Blick umarmen. Als
sich Autua später auf der Heimreise als blinder Passagier in Ewings Kabine versteckt, muss der Anwalt
sich zwischen seinen beruflichen Verpflichtungen und seinen wachsenden moralischen Zweifeln und
Überzeugungen entscheiden. Und die dann von ihm getroffene Entscheidung wird durch die
Jahrhunderte hindurch nachhallen, wie er es sich nie hätte vorstellen können.
„Es gibt einen Moment in dieser Geschichte, an dem Autua Ewing bittet, ihn entweder zu retten oder
gleich zu töten. Es geht also um sehr viel“, erzählt David Gyasi. „Ewing hat hier mit eigenen Augen
erstmals die Schrecken des Sklavenhandels gesehen“, fügt Jim Sturgess hinzu und hebt eine Szene
heraus, der eine Reihe weiterer Szenen und Geschichten folgen werden, in denen beispielhaft sichtbar
wird, wie Menschen die Jahrhunderte hindurch darum kämpfen, Unterdrückung, welcher Form auch
immer, zu überwinden. „Zu dieser Zeit“, fährt Sturgess fort, „konnte ein Mann leicht Gefangener einer
Denkweise werden, wie sie etwa bei Horrox sichtbar wird, der wie viele andere glaubt, auf der höchsten
menschlichen Entwicklungsstufe zu stehen. Ewing aber spürt in seinem Innersten, dass dies völlig
falsch ist. Und plötzlich bietet sich ihm die Gelegenheit, einzugreifen und etwas dagegen zu tun.“
Gleichzeitig schlägt Ewings anderer Schiffskamerad, der heimtückische, von Tom Hanks gespielte
Opportunist Dr. Goose, einen komplett anderen Weg ein. Als Mitglied des sich ständig verändernden
Ensembles ist in dieser Zeitebene auch Jim Broadbent zu sehen. Er verkörpert den letzten Endes
pragmatisch handelnden Kapitän Molyneux, Susan Sarandon Horrox’ unterdrückte, aber innerlich
brodelnde Frau, Keith David den alles stumm ertragenden Maori-Sklaven Kupaka, Halle Berry eine
Maori-Arbeiterin auf Horrox’ Plantage, Hugo Weaving Ewings Schwiegervater Haskell Moore und
Donna Bae schließlich als Ewings geliebte Ehefrau Tilda, als Frau aus dem westlichen Kulturkreis.
1936: Schottland
Ben Whishaw stellt Robert Frobisher dar, einen verschmitzt-charmanten, ungestümen und enorm
begabten jungen Komponisten. Als er von seinem Vater enterbt wird, und sich in England alle Türen für
ihn verschließen, verabschiedet sich Frobisher von seinem Liebhaber Rufus Sixsmith, gespielt von
James D’Arcy. Dann bricht er auf, um sich selbst einen Namen zu machen, ohne sich nach anderen
richten zu müssen. Als Assistent von Vyvyan Ayrs, der, verkörpert von Jim Broadbent, als
renommierter, weit über 70 Jahre alter Komponist seinen kreativen Zenit längst überschritten hat, plant
Frobisher, sein Meisterwerk zu komponieren: eine Sinfonie, die er „The Cloud Atlas Sextet“ nennen
wird. Über Briefe hält er Kontakt zum geliebten Sixsmith, glaubt an eine triumphale Rückkehr. Doch
Frobisher unterschätzt die Macht, die Ayrs besitzt, bis sich seine Situation ändert und ihn völlig
verzweifeln lässt. „Weil Frobisher jung ist, voller kreativer Energie und Ideen steckt, glaubt er, Ayrs zu
manipulieren, vielleicht aber ist genau das Gegenteil der Fall“, deutet Ben Whishaw an. „Es entwickelt
sich ein Kampf um die Musik. Frobisher geht es dabei um künstlerische Anerkennung, Ayrs darum,
seinen guten Ruf zu behalten.“
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In Frobishers Geschichte sind weitere Figuren involviert. Halle Berry spielt die stoische Jocasta, Ayrs’
Trophäenfrau, Hugo Weaving Ayrs’ Freund Tadeusz Kesselring, der ein scheußliches Geheimnis
verbirgt, Hugh Grant einen piekfein versnobten Hotelangestellten, der einen friedlichen Abschied von
Frobisher und Sixsmith verhindert, und Tom Hanks schließlich den habgierigen Manager einer weitaus
schäbigeren Unterkunft, einer Absteige.
1973: San Francisco
Halle Berry verkörpert auf dieser Zeitebene die Journalistin Luisa Rey, die einen gravierenden
Korruptionsfall in einem Energieunternehmen enthüllt, das auch ein Atomkraftwerk verwaltet und führt.
Was sie entdeckt, könnte das Leben von Tausenden bedrohen und macht den von Hugh Grant
dargestellten Werkspräsidenten Lloyd Hooks zu ihrem Feind. Bei ihren Recherchen findet sie in Rufus
Sixsmith Unterstützung, dem jungen Mann aus der Frobisher-Geschichte, der nun ein in die Jahre
gekommener Physiker ist. Weitere Hilfe bekommt sie von Isaac Sachs, einem von Hooks’ Angestellten,
den erneut Tom Hanks spielt. Sachs findet keine Erklärung dafür, warum Luisa für ihn so vertraut wirkt
und warum seine Impulse so stark sind, ihr helfen zu wollen.
„Luisa befindet sich an einem Scheideweg“, erklärt Halle Berry. „Als Journalistin spürt sie, dass sie ihren
eigenen Erwartungen an diesen Beruf bisher nicht gerecht werden konnte. Und dann fällt dieses
Geschenk in ihren Schoß, diese große Gelegenheit, ein Risiko einzugehen und etwas potenziell wirklich
Bedeutendes zu tun. Sie weiß nicht, wie hart sie tatsächlich sein oder ob sie das Ganze wirklich
durchziehen kann, aber sobald sie ihre Entscheidung getroffen hat, wird sie Dinge tun, die sie nie für
möglich gehalten hätte.“
Als sie von Hooks’ Auftragskiller Bill Smoke, verkörpert von Hugo Weaving, ins Visier genommen wird,
hat sie nur eine Chance, am Leben zu bleiben. Sie muss sich dem von Keith David dargestellten Napier
anvertrauen, einem Mann, der in Hooks’ Diensten steht, längst aber genug davon hat, sich von ihm
herumkommandieren zu lassen.
Für Keith David ist Napier, passend zur Zeitebene, „eine Figur ähnlich wie Shaft. An diesem Bezug
orientierte ich mich. Diesen Punkt dieser Reise erreichen zu können, fand ich sehr aufregend. Denn
diese Seele, die wir zuerst als Maori Kupaka sahen, hat nun im Körper von Napier viel größere
Möglichkeiten und nutzt diesen Vorteil zur eigenen Reifung. Vielleicht wird sie an einem späteren Punkt
im Zeitstrom sogar noch größere Bedeutung haben.“
Zu den weiteren Schauspielern, die auf dieser Zeitebene zu sehen sind, gehören die Chinesin Xun
Zhou, die einen Hotelangestellten verkörpert, und die Koreanerin Doona Bae, die für ihre Rolle als
Latina, als Fabrikangestellte, nach Lektionen in Englisch nun auch Dialoge auf Spanisch absolvieren
musste. Darüber hinaus stellt David Gyasi Luisas Vater, einen gefeierten Kriegsreporter, dar, der zur
Inspiration seiner Tochter wurde, während Ben Whishaw, in einem berührenden Moment, als
Angestellter eines Plattenladens zurückkehrt, der eine bestimmte Melodie aus den 1930er Jahren
einfach nicht aus dem Kopf kriegen kann.
2012: England
Auf dieser Zeitebene spielt Jim Broadbent den kleinen Verleger Timothy Cavendish, der plötzlich und
voller Glück an viel Geld gelangt, als sich sein jüngstes Buch, die eitle Biografie eines von Tom Hanks
mit rauem schottischem Akzent verkörperten Schlägertypen namens Dermot Hoggins, zum Bestseller
entwickelt. Unglücklicherweise zieht der Geldregen auch Cavendishs Gläubiger an, von denen einige
nicht nur Geld wollen.
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„Er macht sich aus dem Staub und glaubt, einen sicheren Platz für sich gefunden zu haben, der dann
tatsächlich so sicher ist, dass er selbst ihn nicht mehr verlassen kann“, erläutert Jim Broadbent. „So
entwickelt sich daraus die Geschichte einer weiteren Flucht, in deren Verlauf Cavendish einen Weg
finden muss, um sich zu retten.“
Hugh Grant stellt Cavendishs rachsüchtigen Bruder Denholme dar, Ben Whishaw dessen treulose
Ehefrau Georgette. Auch Hugo Weaving taucht wieder auf, nun als tyrannische Schwester Noakes, die
sich in dieser Geschichte, die die komischsten Momente der ganzen Saga bietet, einen Kampf mit
Cavendish liefert. Susan Sarandon spielt Cavendishs verloren geglaubte, ihn schließlich rettende Liebe
Ursula, Jim Sturgess einen leicht explosiven schottischen Hooligan, James D’Arcy einen Krankenwärter
in Cavendishs Alters- und Pflegeheim, während Halle Berry eine Frau verkörpert, die Dermot Hoggins
für einen kurzen Moment ins Auge fällt.
„Schwester Noakes war für mich unter allen von mir gespielten Figuren die größte Herausforderung und
brachte mir auch das größte Vergnügen“, erinnert sich Hugo Weaving. „Sie ist ein abscheulicher
Drachen, behandelt die Heimbewohner, die sie verachtet, wie Kleinkinder. Dabei ist sie es, die in ihrem
Innersten längst tot ist. Sie ist bereits seit vielen Jahren in diesem Heim tätig – ein Ort, der meiner
Ansicht tief in ihre Seele eingedrungen ist, sie letztlich aufgefressen hat.“
2144: Neo Seoul
Doona Bae übernimmt auf dieser Zeitebene die Hauptrolle der Duplikantin Sonmi-451, spielt damit
einen weiblichen Klon, der sein kurzes Leben in einer unheilvoll totalitären Gesellschaft, die über den
Ruinen der überfluteten Metropole Seoul errichtet wurde, als stets gefügige Restaurantbedienung fristen
muss. Als Sonmi von Yoona-939, einer anderen, von Xun Zhou dargestellten Duplikantin, ermutigt wird,
eigenständig zu denken, was ihr in diesem System verboten ist, schlägt Sonmi einen Weg ein, bei dem
es für sie kein Zurück geben kann. Unterstützt vom Rebellen Hae-Joo Chang, verkörpert von Jim
Sturgess, macht Sonmi erste mutige, aber auch sehr gefährliche Schritte zu einem Aufstand mit
weitreichenden Konsequenzen.
„Yoona und Sonmi waren mit ihrem Leben nicht zufrieden“, erläutert die chinesische Schauspielerin Xun
Zhou, die mit CLOUD ATLAS ihren ersten Film außerhalb des asiatischen Kulturkreises gedreht hat.
„Sie haben eigenständige Gedanken entwickelt und kamen schließlich zu der Überzeugung, dass die
Dinge nicht so zu sein brauchten, wie sie sie erlebten. Sie wollten frei sein.“
Auch für Doona Bae ist CLOUD ATLAS das erste westliche Projekt. Die Südkoreanerin ergänzt die
Ausführungen ihrer chinesischen Kollegin: „Yoona macht Sonmi neugierig auf das, was jenseits der ihr
bekannten Welt liegt. Sie bringt Sonmi dazu, aufzuwachen und für sich selbst zu denken. Aber erst
Chang, der erste Reinblüter, der sie freundlich behandelt, zeigt ihr, dass sie mit Würde für sich eintreten
und kämpfen kann.“
Zu den Figuren, die in diesem System zu den Unterdrückern zählen, gehört der schmierige, von Hugh
Grant dargestellte Restaurantleiter Seher Rhee, der seine Autorität auch nach Geschäftsschluss spüren
lässt, sowie Vorstand Mephi, gespielt von Hugo Weaving – ein Bürokrat, der dabei hilft, das totalitäre
System aufrechtzuerhalten. Halle Berry verkörpert den Arzt Ovid, der den auch symbolisch
einengenden Halskragen Sonmis entfernt, Susan Sarandon den Wissenschaftler Yusouf Suleiman, der
sich für die Rechte der Duplikanten einsetzt. Auch Tom Hanks taucht auf dieser Zeitebene wieder auf –
als Hauptdarsteller in einer Verfilmung von Timothy Cavendishs Leben, die wiederum Sonmis
Handlungen inspiriert. Jim Broadbent schließlich spielt einen koreanischen Musiker, James D’Arcy
einen Regierungsarchivar, der Sonmis Geständnis aufnimmt und davon nicht unbeeindruckt bleibt.
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2321 und 2346: Hawaii nach der globalen Katastrophe
Die letzte Figur, die von Tom Hanks dargestellt wird, ist der verstörte, im Grunde aber anständige
Ziegenhirte Zachry. Dieser gehört einem friedlichen Stamm an, der eine planetare Katastrophe
überlebte. Eine Katastrophe, die den Großteil der Menschheit auf eine primitivere Entwicklungsstufe
und auf ein primitives Leben zurückwarf. Zu den Überresten ihrer kulturellen Vergangenheit gehört auch
ein Bild von Sonmi, die zu diesem Zeitpunkt wie eine Göttin verehrt wird, deren Worte von der
Dorfäbtissin, gespielt von Susan Sarandon, immer wieder zitiert und in Erinnerung gerufen werden.
Für diese Welt der Zukunft entwickelte David Mitchell, Autor der Romanvorlage, einen fiktiven Dialekt,
eine schmucklose, wie eine phonetische Kurzschrift angelegte Sprache. Die Regisseure von CLOUD
ATLAS behielten Mitchells Sprache bei und arbeiteten vor Beginn der Dreharbeiten mit den Darstellern
in einem Aufnahmestudio in Los Angeles, um sicherzustellen, dass diese Sprache auch auf der
Leinwand funktionieren würde.
„Wir einigten uns auf eine Sprache, die im Grunde reduziertes Englisch war, bei der man Gefühle mit
ganz wenigen Worten zum Ausdruck bringen konnte“, erläutert Halle Berry, die auf dieser Zeitebene die
wichtige Rolle von Meronym spielt. Meronym ist eine Abgesandte einer fortschrittlichen Gemeinschaft
von Menschen, die Prescients genannt werden. Um das Vertrauen von Zachry zu gewinnen, dessen
Hilfe sie braucht, um etwas für das weitere Überleben der Prescients Unverzichtbares zu lokalisieren,
spricht auch Meronym in dieser reduzierten Sprache. Doch Zachry muss für die Unterstützung
Meronyms nicht nur sein eigenes Leben riskieren und alles verleugnen, an das er bisher geglaubt hatte,
sondern auch die Zweifel überwinden, die sich ihm durch die höhnische Stimme von Old Georgie
mitteilen – eine weitere Rolle für Hugo Weaving.
In der Rolle von Zachrys Schwester Rose ist Xun Zhou, als Zachrys Schwager ist Jim Sturgess und als
Zachrys Stammesgefährte Ben Whishaw zu sehen. Hugh Grants Galerie des Bösen findet durch seine
Rolle als Häuptling der Kona, eines plündernden und mordenden Kannibalenstammes, ihren
spektakulären Höhepunkt, während Keith David, David Gyasi und Jim Broadbent der Gemeinschaft der
erleuchteten Prescients angehören.
Hugh Grant kommentiert, wie der Lebenszyklus seiner vielen Rollen in CLOUD ATLAS hier den
Tiefpunkt erreicht: „Ganz sicher haben Seelen die Möglichkeit sich zu verbessern. Einigen Seelen
gelingt das auf dramatische Weise, anderen aber überhaupt nicht. Sie verbessern sich nie, sondern
werden nur noch schlimmer und bösartiger. Alles geht auf den freien Willen und die Entscheidungen
zurück, die wir selbst treffen.“
AUF LANGE SICHT
Während sich die Konsequenzen dieser Entscheidungen und Handlungen bis ins Unendliche immer
und immer wieder niederschlagen, erweitern sich einzelne Entwicklungselemente der Figuren zu
großen dramatischen Bögen, die schließlich ein Leben definieren.
„Zu Beginn spiele ich eine nahezu machtlose Eingeborene, dann Jocasta, die im Grunde nur eine
menschliche Hülle ohne eigene Stimme ist“, erläutert Halle Berry. „Dann verkörpere ich Luisa Rey, die
hart darum kämpft, ihre Stimme, ihre Stärke zu finden. In der Geschichte mit Verleger Cavendish stelle
ich eine mysteriöse Partybesucherin dar. Von ihr wissen wir nicht viel, sondern nur, dass sie sehr
selbstbewusst wirkt. Aber im nächsten Leben spiele ich einen Arzt namens Ovid, der moralisch auf der
richtigen Seite steht. Wenn man dann den Zeitpunkt erreicht, an dem ich Meronym darstelle, erkennt
man, wie ihre Reise den Gipfelpunkt erreicht und warum sie so stark ist.“
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Ein ähnliches Spektrum durchlaufen auch Keith Davids Figuren – vom Sklaven bis hin zum Anführer.
Und wenn Jim Sturgess erstmals als Ewing zu sehen ist, trifft er seine Entscheidungen ganz instinktiv
als ein Mann, der beginnt, die Bedeutung von Gerechtigkeit zu verstehen. Diese Ideen aber sind viel
präziser formuliert und ausgebildet, wenn diese Seele im Freiheitskämpfer Chang wiederkehrt und ihre
ganze Entwicklung zeigt. Mit all diesen Figuren erinnert CLOUD ATLAS an die nie endende,
gemeinsame Sehnsucht aller Menschen nach Freiheit.
„Würde man ein gemeinsames Thema für alle meine Rollen hier finden wollen, wäre das wohl die Arbeit
in Institutionen, die meine Figuren nicht mögen und die sie gerne verändern würden“, erklärt James
D’Arcy, der in CLOUD ATLAS unter anderem für ein korruptes Energieunternehmen, ein schreckliches
Pflegeheim und eine repressive Regierung arbeitet. „Die letzte Inkarnation meiner Seele ist aber der
Archivar, der zwar, technisch gesehen, Teil des repressiven Systems ist, am Ende aber Stellung bezieht
und damit Hoffnung auch für diese Seele erkennen lässt.“
Um den Roman für die Leinwand adaptieren zu können, dekonstruierten die Filmemacher die
literarische Vorlage. Das Ergebnis kommentiert Andy Wachowski mit spezifischen Beispielen: „Einmal
sieht man, wie Autua an der Takelage hängt und in höchster Gefahr ist, erschossen zu werden. Einen
ähnlichen Moment gibt es auch in der Geschichte von Sonmi, als sie auf ihrer Flucht aus dem
Gefängnis fast getötet wird. Wenn man diese beiden Momente wie bei einem Sandwich
aufeinanderlegen würde, würde man die Ähnlichkeiten und die Wendepunkte erkennen.“
„Ich habe längst aus den Augen verloren, auf wie viele unterschiedliche Arten die einzelnen Szenen
miteinander verbunden wurden“, gibt David Mitchell zu. „Manchmal markierten sie das visuell,
manchmal strukturell. Es waren glitzernde Fragmente, die sich wie Sprühregen über die Zeitachse
ergossen. Dabei führt Mitchell noch ein weiteres Beispiel auf, wenn Chang auf der Flucht mit Sonmi
über der Skyline von Neo Seoul auf seine Verfolger feuert: „Wir sehen hier zerbrochenes Glas –
gegenübergestellt zu einer Szene, in der Glas in Luisa Reys Auto in San Francisco zerschmettert.“
Wenn man wie Kugeln und Querschläger durch die Zeit schnellt, verändert sich dadurch auch das
Konzept von Verlust. Werden Liebende beispielsweise in einer Zeitperiode getrennt, „können wir
zeigen, wie sich die gleichen Darsteller in anderen Rollen wiederbegegnen“, erläutert Tom Tykwer.
„Damit können wir einen Moment, der scheinbar mit gebrochenen Herzen endete, zu einem glücklichen
Ende führen.“
Durch die ganze Geschichte hindurch zieht sich darüber hinaus auch das Motiv des künstlerischen
Ausdrucks und das Motiv, etwas zurückzulassen, was Tom Tykwer ein „künstlerisches Vermächtnis
nennt, das zu einem späteren Zeitpunkt jemand anderen beeinflussen wird.“ Adam Ewings
Aufzeichnungen über seine Seereise im Jahr 1849 werden später als Tagebuch veröffentlicht, das
Komponist Frobisher 1936 zu lesen beginnt. Frobishers Briefe an seinen Liebhaber Sixsmith wiederum
fallen Luisa Rey 1973 in die Hände. Ihre Reportage über eine Verschwörung in der Leitung eines
Atomkraftwerks wird ausgearbeitet zu einem Buchmanuskript, das Verleger Cavendish angeboten wird.
Cavendishs Abenteuer in der Gegenwart von 2012 wird schließlich Vorlage für einen Film, den Sonmi
2144 sieht. Sonmis Worte aus ihrer Freiheitserklärung werden wiederholt und in Erinnerung gerufen, bis
ihr Katechismus in einer Gesellschaft, die ihre Bücher und Technologie verloren hat, von Zachry und
seinem Stamm im 24.Jahrhundert verehrt wird.
In ähnlicher Weise finden sich die Motive von Macht und Machtlosigkeit immer wieder im Film. Sie
stehen für die beständigsten Konflikte der Menschheit. Tom Hanks’ niederträchtigste Figur, Dr. Goose,
rechtfertigt 1849 schon früh seine Taten als Dieb und Mörder mit dem persönlichen Motto: „Die
Schwachen sind Fleisch, das die Starken essen.“ Sogar noch Jahrhunderte später ringt seine Seele mit
diesem Konzept – wie auch viele andere, und zwar von beiden Seiten dieses Gleichnisses betrachtet.
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Während einige Menschen nie dazulernen, machen andere riesige Fortschritte. Diese erfreuliche
Entwicklung sieht man vielleicht am deutlichsten in Tom Hanks’ Figuren – vom widerwärtigen Dr. Goose
bis hin zu Zachry.
Und dennoch bleiben Spuren der Vergangenheit sichtbar.
„Es gibt da einen Moment“, so Tom Tykwer, „an dem Zachry in eine Lage gebracht wird, die ihn zur
Gewalt zurückkehren lassen könnte. Er hat sein Messer schon an die Kehle eines Kona-Kriegers
angesetzt, und Tom ist so ein großartiger Darsteller, dass man in seinem Gesicht ablesen kann, wie
sich in Zachry die früheren Charaktere überlappen. Man spürt die Kraft dieses alten Killers Goose, die
tief in seinen Genen versteckt ist. Er ist zwar ein ganz anderer Mensch jetzt, aber Goose hätte keine
Sekunde gezögert.“
Lana Wachowski ergänzt, wie die Filmemacher die Entwicklung von Zachry sahen: „Wir alle wurden von
diesem Konzept angezogen, dass sich ein Mensch vom Schlimmsten zum Besten entwickeln kann.
Dieses Konzept wurde eine der erzählerischen Meta-Ebenen des Films. All diese Menschen können
narzisstisch, ausbeuterisch, räuberisch bleiben... oder sich eben verändern. Deshalb wollten wir mit
einer Figur beginnen, die ein richtiges Raubtier ist, mit Goose, und dann deren Entwicklung verfolgen,
bis diese Seele das Potenzial hat, der Kometenheld zu werden.“
Häufig wird diese Entwicklung durch Liebe ausgelöst, verdeutlicht in den miteinander verknüpften
Rollen von Tom Hanks und Halle Berry. „Als Luisa Rey im Atomkraftwerk Isaac Sachs begegnet“, fährt
Lana Wachowski fort, „befindet sich dessen Seele in der Mitte ihrer Entwicklung. Sachs ist kein
schlechter Mensch, aber er arbeitet noch für dieses niederträchtige Unternehmen. Dann aber verliebt er
sich in Luisa Rey, und diese Liebe führt ihn schließlich auf einen anderen Weg.“
DOPPELTE ARBEIT IN DER HÄLFTE DER ZEIT
Als Tom Tykwer und die Wachowskis sich an die Verfilmung von „Der Wolkenatlas“ wagten, konnten sie
nicht vorhersehen, dass sie einmal an zwei verschiedenen Fronten arbeiten würden. Zu diesem
Zeitpunkt wurden logistische Fragen des Filmemachens noch von einem anderen Schwerpunkt
überschattet, wie sie nämlich David Mitchells Roman auf das Wesentliche reduzieren und so auf die
Leinwand bringen konnten. Als aber das Drehbuch Gestalt annahm, als die Rollen besetzt und das
ganze Ausmaß ihres Vorhabens deutlich wurde, entwickelte sich das Konzept von zwei Drehteams zum
effizientesten Ansatz, dieses gewaltige Projekt in den Griff zu kriegen. Mit zwei gleichzeitig
operierenden Teams konnte die Drehzeit halbiert werden. Jedes der beiden Teams konzentrierte sich
dabei auf jeweils drei der insgesamt sechs Segmente der Geschichte, die im Film erzählt werden. Dabei
hatte jedes Team eigene talentierte Mitarbeiter, während die Schauspieler zwischen den Teams hin und
her pendelten.
„Ein Jahr vor Produktionsbeginn brachten wir die Chefs der einzelnen Abteilungen beider Crews für
einen vierwöchigen Kreativgipfel in Berlin zusammen, damit wir gemeinsam das Drehbuch besprechen
konnten“, erinnert sich Produzent Grant Hill. „Wir probierten aus, wie bestimmte Arbeitsbeziehungen
und Arbeitsprozesse abliefen, wollten sehen, wie das Ganze funktionieren könnte.“ Wie schon bei den
Filmemachern entwickelte sich bei allen ein starkes Gefühl, unbedingt zusammenarbeiten zu wollen.
„Jeder einzelne dieser großartigen Künstler war zu einem professionellen Miteinander bereit“, fährt
Grant Hill fort. „Wir erkannten, dass wir nur deutliche Vorgaben geben mussten und einen eisenhart
durchgeführten Plan brauchten, um dann diese geballte kreative Feuerkraft nutzen zu können.“
Die Dreharbeiten begannen September 2011 – Tom Tykwers Team drehte zunächst in Schottland, das
Team der Wachowskis auf Mallorca. Insgesamt stellten beide Teams ihre Kameras schließlich an
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Drehorten wie Glasgow, Edinburgh, auf dem Land in Schottland, in Sachsen, schließlich auch in Berlin
und Umgebung auf, bevor man für Innen- und Green-Screen-Aufnahmen in die hochmodernen
Studiohallen von Babelsberg zog.
Obwohl in unterschiedlichen Ländern arbeitend, hielt das Regietrio ständigen Kontakt. „Die Regisseure
hatten jedes einzelne Detail durchdacht, jeden Schnitt und jede Verbindung zwischen den einzelnen
Elementen der Geschichte. Sie waren bereits vor Beginn der Dreharbeiten unglaublich gut vorbereitet“,
erinnert sich Produzent Stefan Arndt. „Während der Dreharbeiten kontaktierten sie sich gegenseitig, um
darauf hinzuweisen ‚Du musst hier etwas ändern. Wenn Du die nächste Szene drehst, bedenke bitte,
dass der Schauspieler hier dieses oder jenes tut.’ In der Kommunikation untereinander waren alle drei
großartig und wirklich in der Lage, ihre Entscheidungen zu besprechen und gemeinsam zu tragen.“
Auf Mallorca fand man die passenden Drehorte für den Beginn und das Ende der epischen Saga – die
pazifische Insel, von der aus Adam Ewing und Autua nach San Francisco segeln, wie auch das Tal auf
Hawaii, in dem Ziegenhirt Zachry etwa 500 Jahre später lebt. „Wir entschlossen uns, dass es dieselbe
Insel sein sollte“, erläutert Lana Wachowski. „Dieser Bezug wie auch die extreme Entwicklung von Tom
Hanks’ Rollen von Dr. Goose bis hin zu Zachry waren verbindende Stützen für den Beginn und das
Ende der gezeigten Zeitlinie. Damit konnte auch das Leitthema von Rückkehr und Wiederholung
zusätzlich unterstrichen werden.“
Die Szene, in der Ewing an einem Strand Dr. Goose begegnet, wurde an der berühmten Bucht von Sa
Calobra am Torrente de Pareis gedreht, während Horrox’ Tabakplantage aus dem 19. Jahrhundert auf
einem privaten Grundstück in der Nähe des mallorquinischen Dorfes Es Llombards entstand.
Die Prophetess, Ewings Segelschiff, war tatsächlich ein altes, aber wunderbar erhaltenes und
seetaugliches Schiff mit dem Namen Earl of Pembroke. Ursprünglich in Schweden gebaut, ist es heute
im Besitz der Square Sail Company und liegt im Hafen von Charleston vor Anker. Für die Dreharbeiten
wurde das Schiff nach Mallorca gesegelt. Dort wurden kleinere äußere Korrekturen vorgenommen und
der ursprüngliche blaue durch einen schwarzen Anstrich ersetzt. Der Kapitän, Robin Davies, stand dem
Film schließlich als Marinekoordinator zur Verfügung und ist mit seiner 15-köpfigen Crew auch in
Statistenrollen in den Szenen auf Deck zu sehen.
Auf Mallorca fanden die Filmemacher auch den idealen Drehort für den felsigen, gebirgigen Weg, auf
den sich Zachry und Meronym zu ihrem Ziel durchkämpfen. Dafür nützte man die spektakuläre Aussicht
vom Puig Major, der mit 1445 Meter höchsten Erhebung auf den Balearen. Auf dessen Spitze fand man
auch noch heute vom Militär genutzte Radaranlagen aus den 1950er Jahren vor, die man perfekt in die
Anlagen verwandeln konnte, die Meronym im 24. Jahrhundert sucht.
Von Mallorca aus reisten die Wachowskis ins deutsche Bundesland Sachsen. Die berühmten
Felsformationen aus Sandstein und die dichten Wälder, die man dort vorfand, eigneten sich ideal als
Hintergrund für Zachrys Lebensraum, sein Heim und die umgebenden Wälder, in der die
furchterregenden Kona seine Familie bedrohen und attackieren. Produktionsdesigner Hugh Bateup
kommentiert das Konzept für die Errichtung von Zachrys Dorf: „Wir wollten diese Zivilisation nicht als zu
unterentwickelt zeigen, als wenn die Menschen ins finsterste Mittelalter zurückgefallen wären. Wir
entschieden uns, dass nach einer großen globalen Katastrophe zwei bis drei Generationen vergangen
sein sollten und diese Menschen gelernt hatten, in einer zerstörten Welt zu leben und wieder Dinge zu
erschaffen. Sie stellten sie aus Materialien her, die ihnen zur Verfügung standen, die sie beim Zug
durch die zerstörten Städte gefunden hatten. Diese Menschen sind Handwerker und Kunsthandwerker,
keine Barbaren.“
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Aus Kontinuitätsgründen wurde die kleine Ziegenherde, die Zachry in den auf Mallorca gedrehten
Szenen betreut, nach Sachsen gebracht. Zusammen mit sechs Pferden, die in Madrid trainiert und dann
für die furchterregende Attacke der Kona auf Zachrys Dorf von Madrid nach Sachsen transportiert
wurden. Geritten wurden die Pferde in diesen Actionszenen vom spanischen Stuntkoordinator Jordi
Casares und seinem Team, während dem erfahrenen Reiter und Steadycam Operator Jorge Agero die
wackelige Aufgabe zufiel, die Steadycam auf dem Rücken der reitenden Pferde zu führen.
Tom Tykwer hingegen machte aus einem Viertel in Glasgow, in dem es ansteigende und abfallende
Straßenzüge gab, das San Francisco von 1973. Man ersetzte Verkehrszeichen, Ampeln und
Straßenbeleuchtung, organisierte vor Ort Autos aus den 1970er Jahren, um eine spannende
Verfolgungsjagd mit anschließendem Schusswechsel drehen zu können. Szenen, in denen Luisa Rey
und Napier versuchen, dem Auftragskiller Bill Smoke zu entkommen.
Aus dem Rathaussaal Edinburghs wurde das Hotel, aus dem Komponist Frobisher durch ein
Abflussrohr entflieht. Edinburghs berühmtes Denkmal für Sir Walter Scott wurde als Drehort für die
Szenen benutzt, in denen sich Frobisher vor seinen Verfolgern und der Öffentlichkeit zurückzieht und
schließlich dort auch ein letztes Mal seine große Liebe Sixsmith sieht. Die Filmemacher erhielten einen
exklusiven zweitägigen Zugang zu dem 61 Meter hohen Denkmal, das zuvor noch nie wegen
Dreharbeiten für die Öffentlichkeit gesperrt worden war. Mit einem Kran und nicht über die schmale
Wendeltreppe des Denkmals wurden dann Kameras und Ausrüstung zur Aussichtsplattform gebracht.
Für Ayrs’ prächtigen Herrensitz, auf dem Frobisher schließlich eine Anstellung bekommt, suchten Tom
Tykwer, Produktionsdesigner Uli Hanisch und die Locationscouts in Schottland nach einem geeigneten
Drehort und wurden schließlich in West Dunbartonshire mit dem Overtoun House fündig. Dieser
Landsitz war nicht nur architektonisches Double für Ayrs’ Anwesen im Jahr 1936, sondern auch für
Aurora Country Estates, das albtraumhafte Pflegeheim, in dem Timothy Cavendish 2012 weggesperrt
wird. „Etwa 80 Jahre liegen zwischen diesen Geschichten, deshalb sollten sich die Veränderungen an
den Bäumen und im Garten zeigen“, erläutert Hanisch. „Unsere Strategie war es dabei, für die Szenen
in den 1930er Jahren Blätter und Laubwerk hinzuzufügen, was wir später dann für das schmucklosere
und schlichtere Äußere von 2012 wieder entfernen konnten.“ Darüber hinaus wurden für die Szenen mit
Cavendish ein stattliches Haupttor und ein Gewächshaus aufgebaut.
Die symbolische Verbindung dieser Locations kommentiert Tom Tykwer: „Es war einst der Herrensitz, in
dem der gealterte Komponist Ayrs versuchte, seinen jungen Assistenten Frobisher gefangen zu halten.
Ein ganzes Leben später ist er es selbst, wiedergeboren als Cavendish, der an diesem Ort eingesperrt
ist, an dem er früher die Aufsicht und das Sagen hatte.“
Bereits in früher Produktionsphase, als man den Film konzipierte, wurde die Entscheidung getroffen,
dass bestimmte Orte und Gebäude für einzelne Geschichten wiederverwendet werden sollten. „Dabei
aber wollten wir flexibel bleiben“, erklärt Hanisch. „Manchmal war dieser Ort der echte, manchmal gab
es nur Andeutungen darauf. Wir begannen mit Ewings unter Deck liegender Schiffskabine. Die Umrisse
und Konturen dieses Raums finden während des Films mehrere Entsprechungen – man erkennt sie in
Cavendishs Büro, in Luisa Reys Apartment, in Frobishers Zimmer auf Ayrs’ Anwesen und in Zachrys
Hütte.“
Auf ähnliche Weise wurde Ayrs’ opulent gestalteter, in einer Studiohalle errichteter Musiksalon
umgebaut in den deprimierenden Speisesaal des Pflegeheims Aurora Country Estates. Das von Hugh
Bateup designte Restaurant, der Arbeitsplatz von Sonmi, hat eine fröhliche, strahlende virtuelle
Atmosphäre, an der sich die Gäste erfreuen können. Nach Geschäftsschluss aber wird die graue,
höhlenartige Realität dieses Ortes enthüllt und deutlich. „Wir mussten eine Gesellschaft für
Konsumenten des Jahres 2144 erfinden und uns überlegen, wie wohl in dieser Zeit ein Fast-Food-
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Restaurant aussehen würde“, erläutert Bateup. „Lana und Andy haben präzise Vorstellungen, wie sie
diese Zukunft sehen. Deshalb spielten wir mit verschiedenen Ideen, bis schließlich die Welt Sonmis
Gestalt annahm.“ Nachdem die futuristischen Szenen dort abgedreht waren, wurde dieses Set
umgestaltet, in Schwarz, Weiß und Rot gehalten und für die Szenen von Cavendishs Party anlässlich
seiner neuen Buchpräsentation wiederverwendet. Ein riesiges Aquarium schlägt als visuelles Zitat die
Brücke zu dem virtuellen Fischteich am Boden von Sonmis futuristischem Restaurant.
Die Designer etablierten auch bestimmte Elemente, die im Film immer wieder auftauchen – wie etwa
Züge und Brücken, die in den Geschichten mit Frobisher, Cavendish, Luisa Rey und Zachry eine Rolle
spielen. Auch Objekte mit Ei-ähnlichen Formen gibt es im Film immer wieder zu sehen. Das Spektrum
geht von den Spielzeugen in der Fabrik in San Francisco, durch die Luisa Rey auf der Flucht vor dem
Killer läuft, bis hin zu den Sitzen in Sonmis Restaurant und der Aufnahmeapparatur, die der Archivar für
sein Verhör benutzt.
Ziel der Filmemacher und der Designer war es, dass die Zuschauer die sich verändernden
Umgebungen schnell bemerken sollten. „Jede Zeitperiode sollte klar markiert und erkennbar sein, damit
man sich nie fragen würde, ob das nun die 1930er oder die 1840er Jahre wären“, erläutert Ull Hanisch.
„Gleichzeitig verstärken visuelle Hinweise und wiederverwendete Orte und Räumlichkeiten das Motiv,
das alles verbunden ist, und die Kontinuität einer einzigen Geschichte.“
Mitverantwortlich für den üppigen Look des Films und die visuell nahtlosen Übergänge waren auch die
Kameraprofis John Toll und Frank Griebe. „Die wichtigsten visuellen Designelemente waren bereits
vorhanden, als unsere Arbeit für den Film begann“, bemerkt Toll. „Ein großes Ziel, das wir mit unserer
Licht- und Bildgestaltung verfolgten, war es, den Look der einzelnen, insgesamt 500 Jahre
umspannenden Sequenzen zu vermischen, um ein starkes dramatisches Gefühl zu erzeugen und
visuell ein Element der Überlappung zu etablieren. Uns ging es nicht unbedingt darum zu versuchen, für
den ganzen Film einen spezifischen und detaillierten Look zu kreieren.“
Nachdem die beiden Chefkameramänner bei ihrem ersten Treffen Kameras, Linsen und Objektive wie
auch Lichtempfindlichkeit und Emulsionen besprochen hatten, reisten Griebe und Toll zu ihren
jeweiligen Drehorten. Die Arbeit des Kollegen verloren sie aber nie aus den Augen, studierten täglich
die eigenen Drehmuster und die des Kollegen.
Für beide Drehteams überwachte Dan Glass, der seit THE MATRIX („Matrix“, 1999) mit den
Wachowskis zusammenarbeitet, als Visual Effects Supervisor die Effekte. Am sichtbarsten ist seine
Arbeit in den beiden in der Zukunft spielenden Geschichten, ganz besonders in den Actionsequenzen
mit Sonmi und in der virtuellen Atmosphäre des Restaurants, in dem sie arbeitet. Doch darüber hinaus
sind Zeugnisse seiner Arbeit in jeder einzelnen Zeitperiode zu finden. Er half dabei mit, Glasgow in San
Francisco zu verwandeln und kreierte digital das fiktive Atomkraftwerk Swanneke Power Station. „Tom
ist es gewohnt, an realen Schauplätzen zu drehen, deshalb arbeiteten wir stärker mit bereits
vorhandenen physischen Elementen, die wir dann erweiterten. Für diesen Stoff war das ein großartiger
Ansatz“, bemerkt Dan Glass.
Die Szene, in der Luisa Rey die Golden Gate Bridge überquert, wurde zum Teil in einem Wassertank in
Köln, zum Teil auf einer Startbahn auf dem Gelände des ehemaligen Flughafens Berlin-Tempelhof
gedreht. Hier kollidieren die von Stuntprofis gefahrenen Autos, durchbricht der VW-Käfer von Luisa Rey
die Brückenbrüstung. Alles andere wurde digital realisiert, darunter auch die Brücke mit ihrer ganzen
Spannweite und der Ausblick auf die San Francisco Bay.
Für die Gestaltung der Metropole Neo Seoul des Jahres 2144 stellten sich die Filmemacher eine
Zukunft vor, in der ein viel höherer Wasserstand die älteren Bereiche der Stadt überflutet haben würde.
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„Um ein weiteres Vordringen des Meeres zu verhindern, haben sie riesige Schutzwälle gebaut“, erklärt
Glass. „In einigen dieser Areale kreierten wir digital die Spitzen von Wolkenkratzern, die aus dem
Wasser ragten, um tief unter Wasser liegende Gebäude anzudeuten. Für die neueren Stadtteile,
Lebensraum der wohlhabenderen Bevölkerung, überlegten wir uns, von der Spitze dieser Stadtruinen
hinauf zu filmen. Steigt man zu den unteren Ebenen hinab, sieht man eine viel trostlosere und
schmutzigere Welt. Hier wird Changs Rebellion geboren.“
Sonmis Flucht und die atemberaubenden Feuerduelle zwischen ihrem Helden Chang und der
Regierungsverfolgertruppe, die hoch über der Skyline von Neo Seoul bis hinab in die unteren Ebenen
attackiert, wurden vor Green Screens und mit Hilfe digitaler Animation in den Studios von Babelsberg
realisiert, wo beide Drehteams schließlich zusammentrafen.
KOSTÜME, FRISUREN UND MAKE-UP
Kym Barrett und Pierre-Yves Gayraud kleideten nicht nur einzelne Figuren ihrer Zeit und ihrem Status
entsprechend ein, sondern versuchten auch subtil, bestimmte Farben, Strukturen oder Designmuster
einzuführen, die sich vermischen und diese Figuren über ihre jeweiligen Zeitperioden hinaus vereinen
konnten. „Wir wählten zum Beispiel bestimmte Grüntöne aus, die dann bei verschiedenen Charakteren
zu sehen sind“, erklärt Barrett, die ebenfalls bei MATRIX mitgearbeitet hatte. „Auf einem Hemd aus den
1970er Jahren fanden wir ein dreieckiges Design, das wir später, neu angeordnet, in das
Tapetenmuster von Sonmis sicherem Haus einbauten. Wir haben versucht, solche visuellen Motive in
alle Teile dieser großen Geschichte einfließen zu lassen, damit sich unterbewusst ein Strom von Bildern
und Symbolen entwickeln konnte.“
Gayraud, der bei CLOUD ATLAS zum dritten Mal mit Tom Tykwer zusammenarbeitet, kaufte in Berliner
Geschäften Konfektionskleidung für die Szenen mit Timothy Cavendish. Aber der größte Teil der
Kostüme für die früher spielenden Geschichten entstand nach seinen Vorgaben durch Handarbeit. Oft
benutzte man dafür alte authentische Stoffe, die man auf Pariser Flohmärkten entdeckt hatte. Für Ayrs’
Hausmantel griff Gayraud auf einen Stoff aus den 1970er Jahren zurück, der mit seinem geometrischen
Design an den Futurismus des frühen 20.Jahrhunderts erinnerte. Der Stoff wurde dann geschnitten und
eingefärbt. Grundlage für die prachtvolle Weste von Rufus Sixsmith, die als textile Hommage die Brücke
zur Zeit von Adam Ewing schlägt, war ein Stoff aus den 1830er Jahren.
„Wir stellten uns zum Beispiel vor, dass Luisa Rey vielleicht auf einem Antikmarkt eine Robe aus den
1930er Jahren erstanden hätte“, erläutert Gayraud. „Die Halskette, die Halle Berry als Luisa trägt, wurde
ursprünglich und in veränderter Form 1936 von Jocasta getragen und taucht dann auf der Party von
Cavendish wieder auf, die Berrys Figur besucht.“
Ähnlich verhält es sich mit den von Schmuckdesigner Lorenzo Mancianti kreierten Knöpfen auf Adam
Ewings Weste, auf die Dr. Gooses gieriger Blick sofort fällt. Sie tauchen später als Perlen wieder auf,
die Zachrys Hals schmücken. Diese Knöpfe mussten nicht nur aussehen wie verblüffende Edelsteine,
sondern auch der Erde ähneln, wie man sie vom Weltall aus sehen kann. Damit sollte ein Gefühl von
Zeitlosigkeit etabliert werden.
Bei Sonmis Garderobe entschied sich Barrett für einen minimalistischen Ansatz. „Sie befindet sich auf
einer politischen und emotionalen Reise, Sonmi wird in Zachrys Zukunft zu einer mythischen Ikone.
Damit sie zunächst real wirken und dann in diese Person verwandelt werden konnte, die so vielen
Menschen so viel bedeutet, entschieden wir uns dafür, sie beinahe nackt und ungeschmückt zu zeigen.
Ihr Gesicht sollte der Fokus sein.“
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Für die Kleidung, die in der rauen Landschaft von Zachrys futuristischer Welt getragen wurde, war
Barretts Ansatz ganz pragmatisch: „Die Figuren leben in den Wäldern, also sollten sie sich von ihrer
Umgebung nicht stark abheben, damit sie dort auch überleben konnten. Mir kam die Idee, dass diese
Menschen stricken würden, dass alles, was sie tragen, Handgesponnenes oder Makramee sein sollte.
Weil sie täglich mit der Bedrohung durch die Kona zu leben hatten, mussten sie mobil bleiben. Und ein
Spinnrad lässt sich leicht packen und zu einem anderen Ort bringen.“
Bei den Sequenzen mit Ewing, Sonmi und Zachry arbeiteten Barrett und die Wachowskis eng mit Haar-
und Make-up Designer Jeremy Woodhead zusammen. Dessen Kollege Daniel Parker kam in
Zusammenarbeit mit Tom Tykwer und Gayraud in den Szenen mit Frobisher, Luisa Rey und Cavendish
zum Einsatz. Woodhead und Parker führten Teams an, die dabei halfen, die Schauspieler bei der
Durchkreuzung von Raum und Zeit in ihrem Alter, manchmal auch in ihrem Geschlecht und ihrer Ethnie
zu verändern. Dabei war es ihr Auftrag, diese Veränderung so vorzunehmen, dass man die
Schauspieler noch erkennen konnte. Selbst wenn bei ihnen extrem viel Make-up aufgetragen werden
musste. „Der Trick war dabei, die richtige Balance zu finden, zu verkleiden und maskieren, ohne die
natürlichen Gesichtszüge völlig unkenntlich zu machen“, erläutert Woodhead.
Für einige dieser Metamorphosen waren prosthetische Applikationen notwendig – ein Gebiet, auf dem
Woodhead und Parker Spezialisten sind. Wo immer es aber möglich war, zog das Duo den Einsatz von
traditionellem Make-up, Perücken und Haarteilen vor.
Für das erste und letzte Segment der 500 Jahre umspannenden Zeitlinie führte Woodhead Tom Hanks
von einem Extrem zum anderen. „Wir wollten, dass Tom in seiner abschließenden Rolle als Zachry gut
zu erkennen war. Bei Dr. Goose, seiner Figur aus dem Jahr 1849, hatte ich mehr Spielraum, um einen
richtigen ‚Charakter’ zu erschaffen. Ich gab ihm eine Halbglatze, ausdünnendes rötlich-braunes Haar,
einen Backenbart, eine falsche Nase und tolle große Zähne. Man erkennt ihn noch immer, aber er ist
auch im Erscheinungsbild Lichtjahre von Zachry, diesem freundlichen, starken und stillen Mann,
entfernt.“
Woodheads Kollege Parker machte aus Hanks den knallharten Schlägertypen Dermot Hoggins, den
Autor der von Cavendish verlegten Biografie „Knuckle Sandwich“. „Wir gaben ihm eine Nase, die
massive Spuren von Brüchen zeigte, außerdem eine Glatze, Narben und Tättowierungen.“ Für den
habgierigen Hotelmanager, den Hanks in der 1936 spielenden Geschichte darstellt, bekam der Weltstar
einen Bart, einen dickeren Nacken und eine mächtige Knollennase, das Ergebnis übermäßigen
Alkoholkonsums.
Zu Woodheads beeindruckendsten Leistungen zählte die Verwandlung von Hugh Grant in einen mit
weißem Lehm überzogenen Kannibalen. „Zwei Stunden Arbeit, eine applizierte Halbglatze,
Irokesenschnitt, Tätowierungen, Körperfarbe und falsche Zähne waren dafür nötig“, beschreibt
Woodhead diesen Prozess. „So etwas war mit Grant nie zuvor gemacht worden.“
Darüber hinaus verwandelte Woodhead Jim Sturgess zum Rebellen Chang in Sonmis Geschichte,
machte aus Halle Berry eine Maori, einen gealterten Asiaten und schließlich auch die aus ihrem Inneren
heraus leuchtende Prescient Meronym. Des Weiteren half er dabei, Susan Sarandon in Suleiman, einen
Mann, Doona Bae in Tilda, eine Frau aus dem Westen, und James D’Arcy wie auch Hugh Grant in
Asiaten zu verwandeln.
Für Hugo Weavings Transformation zur grimmigen Schwester Noakes war Woodheads Kollege Parker
verantwortlich. „Einen Mann mit Make-up zur Frau zu machen, wie auch der umgekehrte Prozess, ist
immer sehr schwierig“, gibt Parker zu. „Die männliche Knochenstruktur unterscheidet sich von der
weiblichen, deshalb braucht man dafür Zeit. Die Schädelform ist völlig anders. Man muss
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Veränderungen an der Stirn wie auch an der Hautbeschaffenheit vornehmen. Es gibt viele subtile
Elemente, über die man sonst nie nachdenkt. Wenn man diese aber ignoriert, wird jeder sehen können,
dass es sich hier um einen Mann in Frauenkleidern handelt. Und diesen Eindruck wollten wir ganz
bestimmt vermeiden.“
Parker verwandelte auch Jim Sturgess in einen bärtigen schottischen Fußball-Hooligan, Ben Whishaw
in die sittsam-spröde Georgette Cavendish, Doona Bae in eine Fabrikarbeiterin mit
lateinamerikanischen Wurzeln und Xun Zhou in einen Hotelangestellten. Darüber hinaus half er dabei
mit, Halle Berry zu einer indischen Partybesucherin, zur Journalistin und Halb-Puerto-Ricanerin Luisa
Rey und zur Europäerin Jocasta zu machen, mit der Komponist Ayrs verheiratet ist.
„Für jemanden mit unserem Beruf war dieser Film ein kreativer Höhepunkt im Design von Frisuren und
Make-up, ein echter Traumjob“, schwärmt Woodhead. „Besser kann man es eigentlich in unserem Beruf
nicht treffen.“
DAS „CLOUD ATLAS SEXTETT“
Tom Tykwer gehört einer sehr kleinen Gruppe von Filmemachern an, die selbst die Musik zu ihren
Filmen komponieren. Während der Soundtrack sonst in der Regel nach den Dreharbeiten und dem
Filmschnitt kreiert wird, zieht es Tykwer vor, damit bereits weit vor den Dreharbeiten zu beginnen. Im
Fall von CLOUD ATLAS war er zwei Monate vor Drehbeginn bereits mit der Aufnahme der Musik fertig,
die er mit Johnny Klimek und Reinhold Heil, seinen ständigen musikalischen Mitarbeitern bei fast allen
seiner Filme, geschrieben hatte.
„Diese Vorgehensweise ist ihm lieber, als den Film vorübergehend mit Musik von anderen Komponisten
zu unterlegen“, erklärt Reinhold Heil. „Dadurch ist es ihm möglich, Musik probeweise einzusetzen, ohne
sich Gedanken darüber machen zu müssen, was schließlich an ihre Stelle treten soll. Wenn der Film
dann in der Postproduktion Gestalt annimmt, sehen wir, was noch fehlt oder korrigiert werden muss,
und nehmen dann die finale Fassung des Scores auf.“
„Auf diese Weise wird die Musik zu einem atmosphärischen Element, zu einer Art Subebene“, ergänzt
Tom Tykwer. „Und zwar nicht nur im Dienst des Films, sondern auch der Darsteller, die davon inspiriert
werden können. So wird der Soundtrack ein Teil der gesamten filmischen Erfahrung.“
Tom Hanks erinnert sich an die Anfänge des Produktionsprozesses: „Das Erste, was sie machten, als
wir alle gemeinsam das Drehbuch lasen, war, uns Schauspielern die Musik vorzuspielen und uns
Skizzen zu zeigen, damit wir sehen konnten, wohin uns dieses Abenteuer führen würde. Das alles war
Teil einer bis ins letzte Detail realisierten filmischen Vision, die uns vom ersten Moment an gezeigt
wurde.“
Die Komponisten begrüßten es, dass sich bei diesem Film ihr Mitarbeiterkreis erweiterte, wie Johnny
Klimek bemerkt: „Der Input von Lana und Andy war großartig. Sie sind zwar keine Musiker, haben aber
ein gutes Gespür für den dramatischen Einsatz von Musik. So konnten sie uns auf die bestmögliche Art
anregen und inspirieren.“
Zum ersten Mal ist die Musik Schwerpunkt in der Geschichte über Frobisher, der als junger Komponist
darum kämpft sein Lebenswerk, „The Cloud Atlas Sextet“, zu vollenden. Doch wie Klimek erläutert, ist
die Musik nicht auf diese Episode beschränkt. „Sie ist allgegenwärtig in Form einer Melodie, von ein
paar einfachen Noten für Streicher über das Gitarrenriff eines Rocksongs aus den 1970er Jahren bis hin
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zu einem Stück, das ein Jazz-Sextett auf der Verlegerparty von Cavendish spielt. Wir brauchten eine
Musik, die schön und veränderbar genug war, um ums durch fünf Jahrhunderte zu tragen.“
„Viele Leben später wird sie vielleicht jemandem, der sie hört, vertraut vorkommen“, ergänzt Tom
Tykwer Klimeks Ausführungen und gibt damit zu, dass die Musik selbst Teil des viel größeren
Reinkarnationsmotivs des Films wird. „Das Sextett gehört in die Zeit, in der es Frobisher in seinem
modernistischen Stil komponierte, also in die 1930er Jahre. Aber es taucht überall und immer wieder
auf, passt zu so vielen Szenen, wird zum musikalischen Leitmotiv für den ganzen Film.“
„The Cloud Atlas Sextet“ spiegelt musikalisch die dramatische Struktur der Geschichte - mit all den
unterschiedlichen Einzelsegmenten, Stimmungen und Themen, die rhythmisch zu einem Ganzen
verschmelzen. Mit dieser künstlerischen Metapher kann sich auch Tom Tykwer anfreunden: „In der
Geschichte findet man viele subjektive Stimmen. Und wir suchten nach der Stimme, die sie alle
umfassen und einen könnte, um einen wunderschönen Chor zu bilden.“
Das Abenteuer von Adam Ewing eröffnet CLOUD ATLAS. Ein Gefühl, das Ewing zum Ende dieses
Abenteuers zum Ausdruck bringt, beschreibt in den Augen Andy Wachowskis den ganzen Film: „Eine
der letzten Dialogzeilen des Films stammt von Ewing, der bemerkt ‚Was ist ein Ozean anderes als ein
Meer von einzelnen Tropfen?’ Für mich beschreibt dieser Satz die ganze Geschichte des
Produktionsprozesses dieses Films, wenn man an all die Mitarbeiter, an all die Gefälligkeiten, um die
wir gebeten haben, an all die Menschen, die dieses kreative Kollektiv formten, denkt.“
Und Lana Wachowski ergänzt resümierend: „Mir hat der Gedanke schon immer gefallen, dass das
wahre Wesen von Unsterblichkeit in unseren Worten und Handlungen liegt, die sich über alle Zeiten
hindurch verteilen. Das ist ein absolut faszinierendes Konzept, das uns zum Teil erst dazu brachte, über
die Möglichkeit nachzudenken, dieses Buch zu verfilmen. Und unser Film sollte dieses Konzept auch
vermitteln. Das haben wir hier zu erreichen versucht.“
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DIE SCHAUSPIELER
TOM HANKS
Dr. Henry Goose, Hotelportier, Isaac Sachs, Dermot Hoggins, Cavendish-Double, Zachry
Über 50 Jahre nach Spencer Tracy gelang es Tom Hanks als zweitem Schauspieler überhaupt, zwei
Jahre hintereinander als „Bester Darsteller“ mit dem Oscar ® ausgezeichnet zu werden. Der
Doppelschlag begann mit seiner berührenden Darstellung des sterbenskranken, von AIDS
gezeichneten Anwalts in Jonathan Demmes Drama PHILADELPHIA („Philadelphia“, 1993) und setzte
sich fort mit Robert Zemeckis’ Drama FORREST GUMP („Forrest Gump“, 1994), in dem Hanks die
naive, träumerische und überraschend erfolgreiche Titelfigur verkörperte. Beide Rollen brachten ihm
darüber hinaus einen Golden Globe ® ein.
Hanks wuchs in seiner Heimatstadt, der kalifornischen Metropole Oakland, auf und zeigte schon an der
Highschool Interesse an der Schauspielerei. Nach seinem Studium am Chabot College in Hayward und
an der California State University in Sacramento ermöglichte ihm Vincent Dowling, künstlerischer Leiter
des Great Lakes Theater Festivals in Cleveland, Ohio den ersten Auftritt als professioneller
Schauspieler. Diesem Debüt als Grumio in William Shakespeares Komödie „The Taming of the Shrew“
(„Der Widerspenstigen Zähmung“) folgten zahlreiche weitere Rollen, die er in den folgenden drei
Spielzeiten bei diesem Festival übernahm.
1978 zog er nach New York, trat mit der Riverside Shakespeare Company auf, bis ihm mit seiner ersten
großen TV-Rolle, die er an der Seite von Peter Scolari in der Hit-Sitcom „Bosom Buddies“ spielte, der
Durchbruch als Komiker gelang. Dieser Erfolg zeigte auch auf der Leinwand Auswirkungen, brachte
Hanks Hauptrollen in mehreren großen Kinokomödien ein. Den Anfang machte Ron Howards SPLASH
(„Splash - Die Jungfrau am Haken“, 1984), gefolgt von Neal Israels BACHELOR PARTY („Bachelor
Party“, 1984), Nicholas Meyers VOLUNTEERS („Alles hört auf mein Kommando“, 1985), Richard
Benjamins THE MONEY PIT („Geschenkt ist noch zu teuer“, 1986), seine erste Zusammenarbeit mit
Produzent Steven Spielberg, sowie Garry Marshalls NOTHING IN COMMON („Nothing in Common -
Sie haben nichts gemeinsam“, 1986).
In Penny Marshalls Welthit BIG („Big“, 1988) stellte Hanks neben der gewohnten komödiantischen
Begabung erstmals auch sein ausgeprägt dramatisches Talent unter Beweis und wurde dafür mit seiner
ersten Oscar ® -Nominierung als „Bester Darsteller“ belohnt. Auch in David Seltzers PUNCHLINE („Der
Knalleffekt“, 1988), eine Dramödie aus dem Milieu der Stand-up-Comedians, unterstrich Hanks, dass er
witzig und berührend sein konnte. Beide Hauptrollen wurden 1988 auch von den Los Angeles Film
Critics mit dem Darstellerpreis gewürdigt.
Nach Penny Marshalls Komödie A LEAGUE OF THEIR OWN („Eine Klasse für sich“, 1992), in der
Hanks als oft betrunkener Coach eines Frauen-Baseballteams überzeugte, Nora Ephrons Welthit
SLEEPLESS IN SEATTLE („Schlaflos in Seattle“, 1993), die Hanks’ auch als romantischen Liebhaber
etablierte, und seinen beiden Oscar ®-Triumphen eroberte der vielseitige Schauspieler weiteres
unbekanntes Territorium. So erfüllte er Cowboy Woody, eine Spielzeugfigur, mit Leben in John
Lasseters Welthit TOY STORY („Toy Story“, 1995), der nicht nur der erste Film der Hitschmiede Pixar,
sondern auch der erste computeranimierte Spielfilm überhaupt war. Auch in der Fortsetzung TOY
STORY 2 („Toy Story 2“, 1999), inszeniert von Lasseter, Ash Brannon und Lee Unkrich, lieh Hanks
Woody seine Stimme, wie auch in Unkrichs TOY STORY 3 („Toy Story 3“, 2010), der sich mit einem
weltweiten Einspielergebnis von über einer Milliarde Dollar zum erfolgreichsten Animationsfilm aller
Zeiten entwickelte. TOY STORY 3 gelang auch das Kunststück, nicht nur als „Bester Animationsfilm“,
sondern auch als „Bester Film“ für den Oscar ® vorgeschlagen zu werden. Die wichtigste Trophäe der
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Branche nahm der Film schließlich in ersterer Kategorie nach Hause, wurde darüber hinaus als „Bester
Animationsfilm“ auch mit dem Golden Globe ® ausgezeichnet.
Mit THAT THING YOU DO! („That Thing You Do!“, 1996), einer nostalgischen Komödie über eine fiktive
Popband der 1960er Jahre, bewies sich Tom Hanks erstmals als Regisseur und schrieb auch das
Drehbuch. Der eingängige Titelsong hielt nicht nur in vielen Charts Einzug in die Top Ten, sondern
wurde als „Best Original Song“ sogar für den Oscar ® vorgeschlagen. Hanks’ Faszination für das
amerikanische Weltraumprogramm spiegelt sich in Ron Howards packendem Drama APOLLO 13
(„Apollo 13“, 1995) mit Hanks in der Rolle von Jim Lovell wider, aber auch in der HBO-Miniserie „From
the Earth to the Moon“ („From the Earth to the Moon“). Das zwölfstündige TV-Ereignis über das Apollo-
Programm der NASA betreute Hanks als Ausführender Produzent. Darüber hinaus schrieb er an den
Drehbüchern mit, inszenierte einzelne Folgen und war zudem auch als Darsteller zu sehen.
Beim Kriegsdrama SAVING PRIVATE RYAN („Der Soldat James Ryan“, 1998) spielte Hanks erstmals
unter der Regie von Steven Spielberg, mit dem ihn seit Mitte der 1980er Jahre eine enge Freundschaft
verband. Das Resultat war Hanks’ vierte Oscar ® -Nominierung für seine bewegende Darstellung des
integren Captain Miller, der eine weitere beeindruckende Leistung in der Rolle eines mitfühlenden
Gefängniswärters in der Stephen-King-Verfilmung THE GREEN MILE („The Green Mile“, 1999) folgte,
die Frank Darabont nach eigenem Drehbuch inszenierte. Seine bislang letzte Oscar ®-Nominierung als
„Bester Darsteller“ wurde Hanks ein Jahr später für die berührende, von William Broyles Jr.
geschriebene Robinsonade CAST AWAY („Cast Away - Verschollen“, 2000) zuteil, die ihn wieder mit
„Forrest-Gump“-Regisseur Robert Zemeckis zusammenführte.
Die erfolgreiche Zusammenarbeit mit Steven Spielberg setzte Hanks bei drei weiteren Projekten fort:
„Band of Brothers“ („Band of Brothers - Wir waren wie Brüder“), eine Miniserie, die nach dem Buch von
Stephen Ambrose amerikanische Soldaten des 2. Weltkriegs beim Einsatz an der Front in Europa
begleitete, betreute Hanks als Ausführender Produzent. Außerdem schrieb und inszenierte er eine
Folge. Der auch in Deutschland ausgestrahlte HBO-Mehrteiler wurde mit sehr positiver Kritikerresonanz
im Herbst 2001 im amerikanischen Fernsehen uraufgeführt und schließlich in der Kategorie „Best Mini-
Series or Motion Picture Made for Television“ mit dem Golden Globe ® sowie in der Kategorie
„Outstanding Miniseries“ mit dem Emmy ® prämiert. Mit Steven Spielbergs verspielt-eleganter Gaunerei
CATCH ME IF YOU CAN („Catch Me If You Can“, 2002), einer mit Leonardo DiCaprio besetzten
Verfilmung der wahren Abenteuer des internationalen Trickbetrügers Frank Abagnale Jr., landete Hanks
einen weiteren großen Erfolg, dem zwei Jahre darauf Spielbergs Romanze THE TERMINAL
(„Terminal“, 2004) und die Hauptrolle an der Seite von Catherine Zeta-Jones folgte.
Eine sehr untypische Rolle übernahm Hanks an der Seite von Jude Law und Paul Newman in Sam
Mendes’ Gangsterdrama ROAD TO PERDITION („Road to Perdition“, 2002), in dem der Weltstar einen
Syndikatskiller verkörperte. Mörderisch blieb er auch in der von Joel und Ethan Coen inszenierten
schwarzen Komödie THE LADYKILLERS („The Ladykillers“, 2004), während er mit Hilfe der
Performance-Capture-Technik im Animationsfilm THE POLAR EXPRESS („Der Polar Express“, 2004)
einem Zugbegleiter nicht nur äußerlich menschliche Charakteristika verlieh. Regie bei dieser Verfilmung
von Chris Van Allsburgs mit der Caldecott-Medaille ausgezeichnetem Kinderbuch übernahm erneut
Robert Zemeckis.
Zwei Adaptionen von Weltbestsellern von Dan Brown führten Hanks schließlich erneut mit Ron Howard
zusammen, der mit ihm, Audrey Tautou, Paul Bettany, Ian McKellen und Jean Reno zunächst THE DA
VINCI CODE („The Da Vinci Code - Sakrileg“, 2006) und schließlich mit vergleichbar prominenter
Besetzung auch ANGELS & DEMONS („Illuminati“, 2009) inszenierte. Mit Playtone, seiner
Produktionsgesellschaft, produzierte Hanks schließlich Mike Nichols’ bissige Politsatire CHARLIE
WILSON’S WAR („Der Krieg des Charlie Wilson“, 2007) und übernahm an der Seite von Julia Roberts
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und Philip Seymour Hoffman auch die Darstellung der Titelfigur, eines kleinen, lebenslustigen
Kongressabgeordneten mit verblüffend großer politischer Wirkung. Mit Julia Roberts stand Hanks auch
in seiner zweiten Regiearbeit, der Dramödie LARRY CROWNE („Larry Crowne“, 2011) vor der Kamera,
war darüber hinaus auch Koautor des Drehbuchs und Produzent des Films.
Playtone stand auch hinter einer erneuten Zusammenarbeit mit HBO, der mit Paul Giamatti, Laura
Linney und Tom Wilkinson besetzten historischen Miniserie „Paul Adams“, die in der Kategorie „Best
Mini-Series or Motion Picture Made for Television“ mit dem Golden Globe ® und in der Kategorie
„Outstanding Miniseries“ mit dem Emmy ® ausgezeichnet wurde. Bei diesem Projekt wie auch bei „The
Pacific“ („The Pacific“), einem mit dem Emmy ® in der Kategorie „Outstanding Miniseries“ prämierten
HBO-Mehrteiler über den 2.Weltkriegseinsatz amerikanischer Soldaten im Pazifik, fungierte Tom Hanks
als Ausführender Produzent.
Nach CLOUD ATLAS wird der 56-Jährige, der von der Film Society of Lincoln Center mit dem Chaplin
Award geehrt wurde und zuletzt in Stephen Daldrys Romanadaption EXTREMELY LOUD AND
INCREDIBLY CLOSE („Extrem laut und unglaublich nah“, 2011) Sandra Bullocks tragisch ums Leben
gekommenen Ehemann spielte, in Paul Greengrass’ Entführungsdrama CAPTAIN PHILLIPS die
Titelrolle übernehmen.
HALLE BERRY
Stammesmitglied, Jocasta, Luisa Rey, Partygast, Ovid, Meronym
Halle Berry gehört zu den erfolgreichsten amerikanischen Schauspielerinnen und überwindet weiterhin
mit einer Vielzahl völlig unterschiedlicher, von Kritikern und Zuschauern gefeierter Rollen
gesellschaftspolitische und soziale Barrieren. Endgültige Anerkennung als respektierte
Charakterdarstellerin fand die ehemalige Schönheitskönigin mit Marc Forsters Drama MONSTER’S
BALL („Monster’s Ball“, 2001), in dem sie in der unerwarteten Beziehung mit dem Henker ihres zum
Tode verurteilten Mannes Trost und Hoffnung fand. Als „Beste Darstellerin“ wurde Berry für diese
Leistung mit dem Oscar ® , dem Screen Actors Guild Award ® , dem Silbernen Bären der Internationalen
Filmfestspiele von Berlin sowie dem Award des National Board of Review ausgezeichnet.
Für ihre Performance als Schauspielerin und Sängerin Dorothy Dandridge, die als erste
afroamerikanische Künstlerin überhaupt für den Oscar ® als „Beste Darstellerin“ nominiert worden war
und sich wenige Jahre später das Leben genommen hatte, wurde Berry in der Kategorie „Outstanding
Lead Actress in a Miniseries or a Movie“ mit dem Emmy ®, in der Kategorie „Best Performance by an
Actress in a Motion Picture – Drama“ mit dem Golden Globe ® sowie mit dem Screen Actors Guild
Award ® und dem Award der National Association for the Advancement of Colored People (NAACP)
ausgezeichnet. Berry ließ es sich auch nicht nehmen, das HBO-Drama „Introducing Dorothy Dandridge“
(„Die Geschichte der Dorothy Dandridge“) selbst zu produzieren. Eine weitere Golden-Globe ®-
Nominierung erhielt sie in der Kategorie „Best Performance by an Actress in a Motion Picture – Drama“
für die Darstellung einer Frau mit multipler Persönlichkeitsstörung in Geoffrey Sax’ Drama FRANKIE
AND ALICE (2010). Auch hier trat Berry darüber hinaus als Produzentin in Erscheinung.
Ihre berührende, emotional intensive Darstellung in THINGS WE LOST IN THE FIRE („Things We Lost
in the Fire“, 2007), mit dem die dänische Regisseurin Susanne Bier ihren ersten amerikanischen Film
inszenierte, brachte Berry Bewunderung von allen Seiten ein. An der Seite von Benicio Del Toro spielte
sie in diesem Drama eine Frau, die nach der Ermordung ihres Mannes mit dessen drogensüchtigem
Jugendfreund eine Beziehung beginnt, die beide aus einem tiefen seelischen Loch holt. Komplett
andere Ansprüche erfüllte sie im gleichen Jahr in James Foleys Thriller PERFECT STRANGER
(„Verführung einer Fremden“, 2007), in dem sie an der Seite von Bruce Willis in der Rolle einer
Journalistin den Mord an einer Jugendfreundin rächte.
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In Brett Ratners Actionhit X-MEN: THE LAST STAND („X-Men: Der letzte Widerstand“, 2006), der den
weltweiten Erfolg des Comic-Franchise fortsetzte und die amerikanischen Kinocharts anführte,
verkörperte sie zum dritten Mal die mächtige Mutantin Storm. Im gleichen Jahr wurde sie für den von
Oprah Winfrey produzierten TV-Film „Their Eyes Were Watching God“ und ihre Darstellung eines
Freigeists auf der Suche nach Glück für den Golden Globe ® in der Kategorie „Best Performance by an
Actress in a Mini-Series or a Motion Picture Made for Television“ und den Emmy ® in der Kategorie
„Outstanding Lead Actress in a Miniseries or a Movie“ vorgeschlagen. Darüber hinaus erhielt sie als
Ausführende Produzentin der von HBO in Auftrag gegebenen Theaterverfilmung „Lackawanna Blues“
eine weitere Emmy ® -Nominierung – nun in der Kategorie „Outstanding Made for Television Movie“.
Zu ihren anderen wichtigen TV-Rollen zählen die Hauptrolle in Charles Burnetts Mehrteiler „Oprah
Winfrey Presents: The Wedding“, der für den produzierenden Sender ABC beste Quoten einfuhr, und
die Darstellung der legendären Königin von Saba, die sie an der Seite von Jimmy Smits in der von
Showtime ausgestrahlten Miniserie „Solomon and Sheba“ verkörperte. Darüber hinaus übernahm sie
die Titelrolle der kämpferischen Tochter einer Sklavin in der auf einem Bestseller von Alex Haley
basierenden Miniserie „Queen“ („Alex Haley’s Queen“). Für diese beeindruckende Leistung wurde ihr
als „Beste Darstellerin“ der Award der National Association for the Advancement of Colored People
(NAACP) sowie vom Hollywood Women’s Press Club der Best Newcomer Award verliehen.
Neben der X-MEN-Trilogie war sie als verführerisch-gefährliche Titelheldin von Pitofs CATWOMAN
(„Catwoman“, 2004) in einer weiteren großen Comicverfilmung zu sehen, lieh dem schnittigen Robotgirl
Cappy ihre Stimme in Chris Wedges Animationshit ROBOTS („Robots“, 2005) und verkörperte
schließlich eine Psychiaterin, die in Mathieu Kassovitz’ Horrorthriller GOTHIKA („Gothika“, 2003) eine
schockierende Begegnung mit einer gespenstischen Erscheinung hat. Ihr ikonischer Auftritt als
schlagkräftige Geheimagentin Jinx, die ihren weltberühmten, von Pierce Brosnan gespielten Kollegen
unterstützte, war auch mitverantwortlich dafür, dass Lee Tamahoris Actionhit DIE ANOTHER DAY
(„James Bond 007 - Stirb an einem anderen Tag“, 2002), der das 40-jährige Jubiläum des Bond-
Franchise markierte, bis zu diesem Zeitpunkt der kommerziell erfolgreichste Beitrag der Agentenreihe
wurde.
Elf Jahre zuvor hatte Halle Berry in der Rolle eines Crack-Junkies in Spike Lees Drama JUNGLE
FEVER („Jungle Fever“, 1991) erstmals auf sich aufmerksam gemacht. Diesem beeindruckenden Debüt
folgten Filme unterschiedlichster Genres, die ihre Vielseitigkeit unter Beweis stellten. So spielte sie eine
Stripperin in Tony Scotts Actionthriller THE LAST BOY SCOUT („Last Boy Scout“, 1991), charmante
Frauen zum Verlieben in Kevin Hooks’ und Rolando Hudsons romantischer Komödie STRICTLY
BUSINESS (1991) und Reginald Hudlins, mit Eddie Murphy besetzter romantischer Komödie
BOOMERANG („Boomerang“, 1992) sowie die intrigante Sekretärin von Fred Feuersteins Boss in Brian
Levants Komödienhit THE FLINSTONES („The Flintstones - Die Familie Feuerstein“, 1994). Darüber
hinaus überzeugte sie als ehemalige Drogensüchtige, die in Stephen Gyllenhaals Drama LOSING
ISAIAH („Die andere Mutter“, 1995) um ihr von Jessica Lange adoptiertes Kind kämpft. Außerdem war
sie als couragierte Flugbegleiterin in Stuart Bairds Actiondrama EXECUTIVE DECISION („Einsame
Entscheidung“, 1996) zu sehen, als flippiges Streetgirl in Warren Beattys Politsatire BULWORTH
(„Bulworth“, 1998) und als Freundin eines von John Travolta verkörperten, unberechenbaren Gangsters,
die in Dominic Senas Thriller SWORDFISH („Passwort: Swordfish“, 2001) einen von Hugh Jackman
dargestellten Computerexperten in ein gefährliches Spiel verstrickt.
Berrys jüngster Film vor CLOUD ATLAS war John Stockwells in Südafrika gedrehtes Abenteuerdrama
DARK TIDE („Dark Tide“, 2011). Hier verkörpert sie an der Seite von Olivier Martinez eine
Wissenschaftlerin und Haifischexpertin, die sich nach einer fast tödlich verlaufenden Begegnung mit
einem Weißen Hai wieder in tiefere Gewässer und in die Nähe von Menschenhaien wagt. Zu ihren
nächsten Projekten zählen Paul Weilands Komödie SHOE ADDICTS ANONYMOUS, Brad Andersons
Thriller THE HIVE und das abenteuerliche Kriminaldrama WHO IS DORIS PAYNE?, in dem sie nach
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einem Drehbuch von Eunetta T. Boone die gleichnamige, heute 82-jährige Juwelendiebin darstellen
wird.
Halle Berry, die für ihre schauspielerischen Leistungen von der Harvard Foundation der Harvard
University als „Cultural Artist of the Year“ geehrt wurde, hat aber nicht nur für ihre Arbeit vor der
Kamera, sondern auch für ihren Einsatz für einflussreiche Organisationen Anerkennung gefunden. So
unterstützt sie als Beiratsmitglied aktiv das Jenesse Center in Los Angeles, das seit seiner Gründung im
Jahr 1980 Opfern von häuslicher Gewalt Rat und Hilfe anbietet und versucht, die sich wiederholenden
Muster von Missbrauch im Leben von Frauen und Kindern endlich zu durchbrechen. Außerdem arbeitet
Berry gemeinsam mit dem dänischen Pharmakonzern Novo Nordisk und der Entertainment Industry
Foundation daran, das Bewusstsein für Diabetes zu schärfen und Menschen im richtigen Umgang mit
dieser Krankheit Hilfe anzubieten. Schließlich ist die 46-Jährige auch Botschafterin für die Calloway Golf
Foundation, eine gemeinnützige Organisation, die Frauen ermutigt und instruiert, die eigenen Risiken
für Eierstockkrebs besser einschätzen, verstehen und damit auch präventiv umgehen zu können. Im
Laufe ihrer erfolgreichen Karriere hat Halle Berry zahllose Veranstaltungen und Wohltätigkeitsorganisationen
unterstützt. Darunter fallen auch Revlon Run/Walk, Make-A-Wish Foundation,
Afghanistan Relief Organization, Stand Up to Cancer, Lance Armstrong Foundation, Love Our Children
USA und Clothes Off Your Back.
JIM BROADBENT
Captain Molyneux, Vyvyan Ayrs, Timothy Cavendish, koreanischer Musiker, Prescient
Gemütlich, liebevoll, sympathisch, aber auch verschlagen, undurchschaubar und gefährlich kann Jim
Broadbent auf der Leinwand und auf der Bühne wirken und zählt nicht zuletzt wegen dieser
Vielseitigkeit zu den renommiertesten Charakterdarstellern Englands. Im Laufe seiner vier Jahrzehnte
umspannenden Karriere hat er unzählige Film-, TV- und Theaterrollen gemeistert und für seine
Darstellungen zahllose Preise erhalten, darunter den Oscar ® und den Golden Globe ® als „Bester
Nebendarsteller“ für Richard Eyres biografisches Drama IRIS („Iris“, 2001). Hier verkörperte er an der
Seite von Judi Dench den Ehemann der berühmten an Alzheimer erkrankten Schriftstellerin Iris
Murdoch.
Seine ersten Schritte als professioneller Schauspieler machte er auf der Bühne am Royal National
Theatre und mit der Royal Shakespeare Company. Darüber hinaus arbeitete er seit Anfang der 1980er
Jahre regelmäßig auch für das britische Fernsehen und dabei mit Regisseuren wie Stephen Frears und
Mike Newell zusammen, die dann, wie auch er selbst, das Kino eroberten.
Nach seinem Filmdebüt in Jerzy Skolimowskis Drama THE SHOUT („Der Todesschrei“, 1978) drehte
Broadbent zwei Fantasy-Projekte mit Regisseur Terry Gilliam, zunächst TIME BANDITS („Time
Bandits“, 1981), dann BRAZIL („Brazil“, 1985). Doppelt so oft stand er für den gesellschaftskritischen
und für seinen bissigen Humor bekannten Briten Mike Leigh vor der Kamera. Zunächst spielte er einen
Koch in der Komödie LIFE IS SWEET („Life is Sweet“, 1990), dann einen Komponisten in TOPSY-
TURVY („Topsy-Turvy - Auf den Kopf gestellt“, 1999), schließlich einen Richter in dem mit Imelda
Staunton in der Titelrolle besetzten Drama VERA DRAKE („Vera Drake“, 2004) sowie zuletzt einen
glücklich verheirateten Geologen in der Komödie ANOTHER YEAR („Another Year“, 2010).
Zu seinen weiteren wichtigen Filmen zählen unter anderem Neil Jordans Drama THE CRYING GAME
(„The Crying Game“, 1992), Woody Allens Komödie BULLETS OVER BROADWAY („Bullets Over
Broadway“, 1994), Richard Loncraines gefeierte, modernisierte Shakespeare-Adaption RICHARD III
(„Richard III“, 1995). In Baz Luhrmanns Hit-Musical MOULIN ROUGE („Moulin Rouge“, 2001)
verkörperte er den Direktor des berühmten Etablissements verkörperte. An der Seite von Leonardo
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DiCaprio und Daniel Day Lewis stellte er in Martin Scorseses historisches Epos GANGS OF NEW
YORK („Gangs of New York“, 2002) den einflussreichen Machtpolitiker „Boss“ Tweedy dar.
Darüber hinaus war er als Renée Zellwegers Vater in Sharon Maguires Komödie BRIDGET JONES’S
DIARY („Bridget Jones - Schokolade zum Frühstück“, 2001) und Beeban Kidrons Fortsetzung
BRIDGET JONES: THE EDGE OF REASON („Bridget Jones - Am Rande des Wahnsinns“, 2004) zu
sehen. Als Universitätsdekan stand er in Steven Spielbergs Abenteuerhit INDIANA JONES AND THE
KINGDOM OF THE CRYSTALL SKULL („Indiana Jones und das Königreich des Kristallschädels“,
2008) vor der Kamera und als Professor für Zaubertränke in den David-Yates-Inszenierungen HARRY
POTTER AND THE HALF BLOOD PRINCE („Harry Potter und der Halbblutprinz“, 2009) und HARRY
POTTER AND THE DEATHLY HOLLOWS: PART 2 („Harry Potter und die Heiligtümer des Todes - Teil
2“, 2011).
Zuletzt überzeugte der 63-jährige Vollblutmime, der für seine darstellerische Leistung als menschlich
engagierter britischer Aristokrat im TV-Drama „Longford“ („Die Moormörderin von Manchester“) mit dem
Award der British Academy of Film and Television Arts (BAFTA) ausgezeichnet wurde, an Meryl
Streeps Seite in Phyllida Lloyds biografischem Drama THE IRON LADY („Die Eiserne Lady“, 2011).
Hier verkörperte Broadbent den Ehemann der ehemaligen britischen Premierministerin Margaret
Thatcher.
HUGO WEAVING
Haskell Moore, Tadeusz Kesselring, Bill Smoke, Schwester Noakes, Vorstand Mephi,
Old Georgie
Hugo Weaving ist ein schauspielerisches Chamäleon, das häufig völlig hinter seinen Rollen
verschwindet. International am bekanntesten ist der in Nigeria geborene, aber in England und Australien
aufgewachsene Schauspieler für seine Rollen in zwei weltweit erfolgreichen und preisgekrönten
Filmreihen. So spielte er den hartnäckigen, fast unzerstörbaren Agent Smith in Lana und Andy
Wachowskis Science-Fiction-Hits THE MATRIX („Matrix“, 1999), THE MATRIX RELOADED („Matrix
Reloaded“, 2003) und THE MATRIX REVOLUTIONS („Matrix Revolutions“, 2003), sowie den gütigen
Elbenanführer Elrond in Peter Jacksons Oscar ®-gekrönten Tolkien-Verfilmungen THE LORD OF THE
RINGS: THE FELLOWSHIP OF THE RING („Der Herr der Ringe - Die Gefährten“, 2001), THE LORD
OF THE RINGS: THE TWO TOWERS („Der Herr der Ringe - Die zwei Türme“, 2002) und THE LORD
OF THE RINGS: THE RETURN OF THE KING („Der Herr der Ringe - Die Rückkehr des Königs“, 2003).
Auch in Jacksons Folgetrilogie, die mit THE HOBBIT: AN UNEXPECTED JOURNEY („Der Hobbit - Eine
unerwartete Reise“) Ende dieses Jahres beginnen soll, wird er erneut den charismatischen Elben
verkörpern.
Einen ikonischen Bösewicht, The Red Skull, wie auch dessen Alter Ego Johann Schmidt stellte er
zuletzt in Joe Johnstons nostalgisch-eleganter Comicverfilmung CAPTAIN AMERICA: THE FIRST
AVENGER („Captain America: The First Avenger“, 2011) dar, war in der Rolle eines Monster jagenden
Polizisten auch in Johnsons Horrordrama THE WOLFMAN („Wolfman“, 2010) zu sehen. Außerdem
hatte er eine Hauptrolle in Peter Himmelsteins Kriminaldrama THE KEY MAN (2011) und stand mit
Emily Watson und David Wenham im australisch-britischen Drama ORANGES AND SUNSHINE (2010)
vor der Kamera, das Ken Loachs Sohn Jim inszenierte.
Ein Markenzeichen Weavings ist auch seine markante Stimme. Sie setzte er als wichtigstes
Ausdrucksmittel in der Rolle eines maskierten Freiheitskämpfers in James McTeigues Actiondrama V
FOR VENDETTA („V wie Vendetta“, 2005), aber auch in vielen Filmen ein, in denen er animierten
Charakteren, ob tierisch oder außerirdisch, Leben einhauchte. Dreimal lieh er Megatron, dem
mächtigen, skrupellosen Anführer der Decepticons, seine Stimme in den Michael-Bay-Inszenierungen
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TRANSFORMERS („Transformers“, 2007), TRANSFORMERS: REVENGE OF THE FALLEN
(„Transformers - Die Rache“, 2009) und TRANSFORMERS: DARK OF THE MOON („Transformers 3“,
2011). Zweimal sprach er für Regisseur George Miller Noah, den verbitterten Anführer der
Kaiserpinguine. Vorerst im Oscar ®-gekrönten Animationsfilm HAPPY FEET („Happy Feet“, 2006), dann
auch in der Fortsetzung HAPPY FEET 2 („Happy Feet 2“, 2011). Ebenfalls zweimal war Weaving in der
Rolle des Border Collies Rex zu hören, zunächst in Chris Noonans Welterfolg BABE („Ein Schweinchen
namens Babe“, 1995), schließlich auch in der Fortsetzung BABE: PIG IN THE CITY („Schweinchen
Babe in der großen Stadt“, 1999), die Produzent George Miller nun auch selbst inszenierte. Zuletzt
übernahm er die sprachliche Performance der zwei Eulen Noctus und Grimble für Zack Snyders
Animationsfilm LEGEND OF THE GUARDIANS: THE OWLS OF GA’HOOLE („Die Legende der
Wächter“, 2010).
Unter den vielen Auszeichnungen, die Weaving im Laufe seiner 30-jährigen Karriere erhielt, finden sich
auch die Preise als „Bester Darsteller“, die ihm das Australian Film Institute (AFI) verlieh. Den ersten
AFI-Award eroberte er sich mit der Darstellung eines blinden Fotografen im Drama PROOF („Proof -
Blindes Vertrauen“, 1991), mit dem die australische Regisseurin Jocelyn Moorhouse ihren
internationalen Durchbruch feierte. Der zweite folgte für Craig Monahans Drama THE INTERVIEW
(1998), in dem Weaving nach Monahans Drehbuch einen Mordverdächtigen spielte. Für diese Leistung
wurde er 1998 auch mit dem Darstellerpreis beim World Film Festival in Montreal ausgezeichnet.
Schließlich gewann er seinen dritten AFI-Award für Rowan Woods mit Sam Neill besetztes Drama
LITTLE FISH („Little Fish“, 2005), in dem er den drogensüchtigen Stiefvater von Cate Blanchett
verkörperte. Unvergessen ist auch Weavings Auftritt als Drag Queen Mitzi Del Bra in Stephan Elliotts
musikalischer Komödie THE ADVENTURES OF PRISCILLA, QUEEN OF THE DESERT („Priscilla -
Königin der Wüste“, 1994), die mit einer weiteren Nominierung für den Award des Australian Film
Institute gewürdigt wurde.
Zu seinen wichtigsten Bühnenerfolgen zählen mehrere Stücke mit der Sydney Theatre Company.
Darunter fallen eine mit Cate Blanchett und Richard Roxburgh besetzte Inszenierung von Anton
Tschechows Klassiker „Onkel Wanja“, eine Wiederaufführung von Henrik Ibsens Drama „Hedda
Gabler“, bei der er erneut mit Blanchett auf der Bühne stand, sowie Andrew Uptons Stück „Riflemind“,
bei dem Oscar ®-Preisträger Philip Seymour Hoffman Regie führte. Darüber hinaus war er in vielen
Produktionen, auch am renommierten Belvoir St. Theatre in Sydney zu sehen, darunter in Ben Jonsons
Klassiker „The Alchemist“ und mit Geoffrey Rush in Keith Robinsons und Tony Taylors Komödie „The
Popular Mechanicals“.
JIM STURGESS
Adam Ewing, Hotelgast, Megans Vater, Highlander, Hae-Joo Chang, Adam/ Zachrys Schwager
Jim Sturgess gehört zu den interessantesten britischen Schauspielern der neuen Generation, hat seine
Vielseitigkeit in Filmen mit völlig unterschiedlichen Themen, Stimmungen und Ansprüchen unter Beweis
gestellt, seit er mit Julie Taymors ACROSS THE UNIVERSE („Across the Universe“, 2007) seinen
internationalen Durchbruch hatte. In diesem romantischen Drama, das von Coverversionen berühmter
Beatles-Songs musikalisch begleitet und thematisch angetrieben wurde, verkörperte Sturgess einen
jungen Mann aus Liverpool namens Jude, der sich im Amerika der späten 1960er Jahre in ein junges
Mädchen namens Lucy verliebt.
Nach diesem internationalen Talentbeweis, in dem Sturgess selbst auch mehrere berühmte Hits der
Beatles sang, spielte der Brite in Justin Chadwicks historischem Drama THE OTHER BOLEYN GIRL
(„Die Schwester der Königin“, 2008) den Bruder von Natalie Portman und Scarlett Johansson. An der
Seite von Kate Bosworth verkörperte er außerdem ein junges Mathematikgenie, das in Robert Luketics
von Kevin Spacey produziertem Erfolgsdrama 21 („21“, 2008) zusammen mit seinem Professor,
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verkörpert von Spacey, die Black-Jack-Tische in Las Vegas abräumt. Im gleichen Jahr stand er auch
mit Ben Kingsley vor der Kamera, stellte in Kari Skoglands nach einer wahren Geschichte erzähltem
Drama FIFTY DEAD MEN WALKING („Der Spitzel - Fifty Dead Men Walking“, 2008) einen jungen
Nordiren dar, der im Auftrag der englischen Polizei die IRA ausspionieren soll. Für diese Leistung wurde
Sturgess von den Vancouver Film Critics als „Bester Darsteller“ des Jahres vorgeschlagen.
Seine Liebe zur Musik spiegelte sich auch in seiner Rolle in Wayne Kramers Episodendrama
CROSSING OVER („Crossing Over“, 2009) wider, in dem er sich als Singer-Songwriter in Los Angeles
durchzuschlagen versuchte. Ein faustischer Pakt befreite ihn in Philip Ridleys Horrorcomeback
HEARTLESS („Heartless“, 2009) kurzfristig von einem entstellenden Geburtsmal, zwang ihn schließlich
aber auch zum Morden. Für die hier gezeigte emotionale Gratwanderung erhielt Sturgess 2010 den
Darstellerpreis beim Fantasporto, dem international bekannten Fantasy Film Festival von Porto. Es
folgte Peter Weirs Überlebensdrama THE WAY BACK („The Way Back“, 2010), in dem Sturgess mit Ed
Harris und Colin Farrell aus einem sibirischen Gulag floh.
2008 wurde der Brite, der viele Jahre zuvor in der Rolle eines englischen Internatsschülers in Mike
Figgis’ Theateradaption THE BROWNING VERSION („Schrei in die Vergangenheit“, 1994) erstmals vor
einer Filmkamera gestanden war, vom britischen Filmmagazin Empire für den Jameson Empire Award
als „Bester Newcomer“ vorgeschlagen. In den deutschen Kinos war Sturgess zuletzt mit Anne
Hathaway in Lone Scherfigs Romanze ONE DAY („Zwei an einem Tag“, 2011) zu sehen. Nach CLOUD
ATLAS bereits abgedreht ist Juan Diego Solanas romantisches Drama UPSIDE DOWN, in dem Kirsten
Dunst Sturgess’ Filmpartnerin ist. Darüber hinaus gehört der Brite zum Ensemble von Giuseppe
Tornatores neuem Film THE BEST OFFER, der 2013 in die Kinos kommen soll.
DOONA BAE
Tilda, Megans Mutter, mexikanische Frau, Sonmi-451, Sonmi-Prostituierte
Doona Bae gehört zu den international bekanntesten Schauspielerinnen Südkoreas und war ein
erfolgreiches Model, bis sie mit Kim Dong-bins Horrorfilm THE RING VIRUS („The Ring Virus“, 1999),
einem Remake von Hideo Nakatas japanischem Horrorhit RINGU („Ring - Das Original“, 1999), auf der
großen Leinwand debütierte.
Nach diesem gelungenen Einstieg und einer Hauptrolle in der südkoreanischen TV-Serie „The School“
wurde Doona Bae von Bong Joon-ho für die weibliche Hauptrolle in seiner schwarzen Komödie
FLANDERSUI GAE („Hunde, die bellen, beißen nicht“, 2000) besetzt, die ihr den Blue Dragon Award,
Südkoreas wichtigsten Filmpreis, einbrachte. Es folgten Jeong Jae-uns Coming-of-Age-Film
GOYANGITEUL BUTAGHAE (2001), der international unter dem englischen Titel „Take Care of My Cat“
in die Kinos kam, und Park Chan-wooks Thriller BOKSUNEUN NAUI GEOT („Sympathy For Mr.
Vengeance“, 2002). Für letztere Darstellung einer selbst ernannten Terroristin, die mit ihrem Freund und
mit tragischen Konsequenzen ein junges Mädchen entführt, wurde Doona Bae ein weiterer Blue Dragon
Award verliehen. Ihren dritten Blue Dragon Award erhielt sie schließlich für ihre Rolle im Monster-
Familien-Drama GWOEMUL („The Host“, 2006), das sie erneut mit Regisseur Bong Joon-ho
zusammenführte.
In nur wenigen Jahren konnte sich so das ehemalige Model in Südkorea als respektierte und beliebte
Schauspielerin durchsetzten, war darüber hinaus in Hauptrollen auch in zwei japanischen Produktionen
zu sehen. Zunächst in Nobuhiro Yamashitas Musikfilm LINDA LINDA LINDA (2005), dann auch in
Hirokazu Koreedas internationalem Festivalhit KUKI NINGYO („Air Doll“, 2009), in dem sie eine zum
Leben erweckte aufblasbare Sexpuppe darstellte.
CLOUD ATLAS ist der erste englischsprachige Film von Doona Bae.
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BEN WHISHAW
Schiffsjunge, Robert Frobisher, Plattenladenverkäufer, Georgette, Dorfbewohner
Ben Whishaw, bekannt für seine Darstellungen scheuer und zerbrechlich wirkender Charaktere, wurde
in der englischen Kleinstadt Hitchin geboren und schloss 2003 sein Schauspielstudium an der
renommierten Royal Academy of Dramatic Art (RADA) ab.
Noch bevor er überhaupt Schauspielunterricht genommen hatte, absolvierte er in THE TRENCH („Der
Schützengraben“, 1999), William Boyds mit Daniel Craig besetztem Drama über die letzten Tage vor
der blutigen Schlacht an der Somme 1916, sein Filmdebüt in der Rolle eines jungen englischen
Soldaten. Im gleichen Jahr war er auch in Michel Blancs Drama MAUVAIS PASSE (1999) zu sehen.
Noch vor seinem Abschluss glänzte er als in den Wald geflüchtetes Opfer familiären Missbrauchs in
Dom Rotheroes Teenagerdrama MY BROTHER TOM („My Brother Tom“, 2001), danach auch in Roger
Michels Ian-McEwan-Verfilmung ENDURING LOVE („Liebeswahn“, 2004) und in Matthew Vaughns
Gangsterdrama LAYER CAKE („Layer Cake“, 2004) - jeweils an der Seite von Daniel Craig.
Nach seinem Debüt am Londoner West End in Nicholas Wrights Bühnenadaption von Phillip Pullmans
Roman-Trilogie „His Dark Materials“ („His Dark Materials“), die am National Theatre aufgeführt wurde,
sorgte Whishaw mit gerade 23 Jahren für eine echte Sensation, als er in Trevor Nunns in die
Gegenwart verlegte Inszenierung von Shakespeares „Hamlet“ („Hamlet“) in der Titelrolle Publikum und
Kritiker begeisterte. Für diese Leistung wurde er für den Laurence Olivier Award vorgeschlagen. Auch
Tom Tykwer entdeckte bei „Hamlet“ das außergewöhnliche Talent Whishaws und vertraute dem jungen
Briten schließlich die Hauptrolle des tragisch fehlgeleiteten Serienmörders Jean-Baptiste Grenouille in
seiner enorm erfolgreichen Patrick-Süskind-Verfilmung DAS PARFUM - DIE GESCHICHTE EINES
MÖRDERS (2006) an.
Der Bühne blieb Whishaw trotz seiner Erfolge im Kino weiter treu. So gehörte er zum Ensemble von
Katie Mitchells Inszenierung von Anton Tschechows Klassiker „Die Möwe“, die 2006 am National
Theatre in London zur Aufführung kam, verkörperte zwei Jahre später am National Theatre die Titelrolle
in einer Inszenierung von Fjodor Dostojewskis Tragödie „Der Idiot“ und glänzte in Mike Bartletts
schonungslos ehrlichem, dabei aber verspielt bleibendem Drama „Cock“. Hier übernahm hier die
Hauptrolle eines jungen Mannes, der die Beziehung zu seinem Liebhaber hinterfragt, als er sich in eine
junge Frau verliebt.
Auch im Fernsehen ist Ben Whishaw ein gefragter Darsteller. Bereits im Jahr seines Abschlusses an
der RADA wirkte er in der populären ITV-Komödie „The Booze Cruise“ mit, war dann in der
Komödienserie „Nathan Barley“ zu sehen und wurde für seine Hauptrolle in der enorm populären BBC-
Miniserie „Criminal Justice“ mit Preisen überhäuft, in der er, unschuldig des Mordes verdächtigt, in die
Mühlen des britischen Gerichtssystems geriet. Für seine Leistung erhielt der Brite 2009 die
Auszeichnung als „Bester Darsteller“ bei den Royal Television Society Awards und bei den International
Emmy Awards ®, wurde darüber hinaus in der gleichen Kategorie für den Television Award der British
Academy of Film and Television Arts (BAFTA) vorgeschlagen. Zu seinen jüngsten TV-Engagements
zählen die in den 1950er Jahren angesiedelte erfolgreiche BBC-Serie „The Hour“, in der er an der Seite
von Dominic West und Romola Garai ein neuartiges Nachrichtenprogramm zu lancieren versucht. Im
Juni dieses Jahres wurde eine mit Whishaw in der Titelrolle und mit Patrick Stewart und James Purefoy
besetzte Neuinszenierung von Shakespeares Tragödie „Richard II“ („Richard II“) ausgestrahlt.
Unter seinen weiteren wichtigen Filmen finden sich Stephen Woolleys biografisches Drama STONED
(„Stoned“, 2005), in dem er die junge Gitarren-Ikone Keith Richards verkörperte, Todd Haynes’
künstlerisch couragiertes Drama I’M NOT THERE („I’m Not There“, 2007), in dem er an der Seite von
Stars wie Cate Blanchett, Richard Gere und Christian Bale als junger Bob Dylan zu sehen war, und
Julian Jarrolds Evelyn-Waugh-Adaption BRIDESHEAD REVISITED („Wiedersehen mit Brideshead“,
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2008), in der er Sebastian Flyte, einen jungen, mit Problemen behafteten aristokratischen Freigeist
verkörperte. Des Weiteren verliebte er sich in Jane Campions biografischem Drama BRIGHT STAR
(„Bright Star - Meine Liebe. Ewig“, 2009) als junger, fragiler Poet John Keats tragisch in eine von Abbie
Cornish dargestellte Schneiderin und gehörte als Freigeist Ariel zum mit Helen Mirren und Russell
Brand prominent und auch etwas exzentrisch besetztem Ensemble von Julie Taymors Shakespeare-
Verfilmung THE TEMPEST („The Tempest - Der Sturm“, 2010).
Nach CLOUD ATLAS erobert Ben Whishaw auch den britischen Geheimdienst, übernimmt von John
Cleese die ikonische Rolle des Q in Sam Mendes’ neuem Bond-Abenteuer SKYFALL, das ihn ein
weiteres Mal mit Daniel Craig vor die Kameras führt.
JAMES D‘ARCY
Junger und alter Rufus Sixsmith, Pfleger James, Archivar
James D’Arcy ist Absolvent der angesehenen London Academy of Music and Dramatic Art (LAMDA).
Nach seinem Abschluss im Juli 1995 gelang es ihm in kurzer Zeit, im britischen Fernsehen als junger
Nachwuchsstar populär zu werden. Mitverantwortlich dafür waren das auf einem Roman von Ruth
Rendell basierende TV-Kriminaldrama „Bribery and Corruption“, in dem D’Arcy als junger Ingenieur
Nicholas Hawthorne in einen Mordfall verstrickt wurde. Außerdem trugen die TV-Neufassung von Oscar
Wildes Klassiker „The Canterville Ghost“, in der er die Rolle von Lord Cheshire übernahm, und
schließlich auch der TV-Mehrteiler „The Ice House“ („Im Eishaus“), in dem D’Arcy als Jonathan Maybury
an der Seite von Daniel Craig zu sehen war, zu seiner Popularität bei.
1997 folgte in der populären BBC-Miniserie „The History of Tom Jones, a Foundling“, einer von Simon
Burke inszenierten Adaption des frühen Romanklassikers von Henry Fielding, eine weitere wichtige TV-
Rolle: Er spielte an der Seite von John Sessions und Brian Blessed William Blifil den intriganten, ewigen
Widersacher der von Max Beesley verkörperten Titelfigur. Im gleichen Jahr absolvierte er mit der Rolle
eines jungen Freundes des berühmten Autors Oscar Wilde sein Filmdebüt in Brian Gilberts
biografischem Drama WILDE („Oscar Wilde“, 1997). Darauf folgte die Rolle des jungen britischen
Soldaten Colin Daventry in William Boyds Drama THE TRENCH („The Trench“, 1997), der zusammen
mit seinen Kameraden die letzten zwei Tage bis zur blutigen Weltkriegsschlacht an der Somme im Jahr
1916 erleidet. Dabei stand er nicht nur mit Daniel Craig, sondern auch mit Ben Whishaw, seinem
Filmpartner in CLOUD ATLAS, vor der Kamera.
Im Laufe seiner Karriere hat der heute 38-Jährige immer wieder erfolgreich zwischen Engagements für
Fernsehen und Kino gewechselt, überzeugte daneben auch auf der Bühne, wie etwa in Michael
Grandages Inszenierung von Christopher Marlowes Drama „Edward II“, das mit Joseph Fiennes und
Lloyd Owen in weiteren Rollen am Crucible Theatre in Sheffield aufgeführt wurde. Für seine Darstellung
von Piers Gaveston wurde D’Arcy für den renommierten Ian Charleson Award vorgeschlagen.
Für das Fernsehen übernahm der Brite 2001 die begehrte Titelrolle des verarmten, gutherzigen
Nicholas Nickleby in Stephen Whittakers Charles-Dickens-Adaption „The Life and Adventures of
Nicholas Nickleby“. Im Folgenden verkörperte er Arthur Conan Doyles jungen Kultdetektiv im TV-Film
„Sherlock Holmes: Case of Evil“ („Sherlock“) und schlüpfte als Jim Caddon in der TV-Serie „POW“ in die
Haut eines englischen Kriegsgefangenen. In der Rolle von Tom Bertram überzeugte er in der ITV-
Adaption von „Mansfield Park“ („Jane Austen’s Mansfield Park“), in der Billie Piper, Hayley Atwell und
Blake Ritson mit ihm vor der Kamera standen. Piper spielte auch die weibliche Hauptrolle in der Hitserie
„Secret Diary of a Call Girl“ („Geständnisse einer Edelhure“), in der in mehreren Folgen auch D’Arcy zu
sehen war.
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Zu den weiteren wichtigen Filmen D’Arcys zählen Matthew Parkhills Genremix DOT THE I („Dot the I“,
2003), in dem er als Barnaby Caspian eigentlich kurz vor der Heirat mit Natalia Verbeke stand, bis Gael
Garcia Bernal als romantischer Konkurrent auftauchte. Im gleichen Jahr war er 1st Lieutenant Tom
Pullings und einer der engsten Vertrauten von Captain Jack Aubrey, verkörpert von Russell Crowe, in
Peter Weirs zudem mit Paul Bettany besetztem Abenteuerdrama MASTER & COMMANDER: THE FAR
SIDE OF THE WORLD („Master & Commander - Bis ans Ende der Welt“, 2003). Es folgten Renny
Harlins Horrordrama EXORCIST: THE BEGINNING („Exorzist: Der Anfang“, 2004), in dem er als junger
Priester Stellan Skarsgard im Kampf gegen den Teufel unterstützte, Courtney Solomons Horrorfilm AN
AMERICAN HAUNTING („Der Fluch der Betsy Bell“, 2005) und eine weitere Begegnung mit
übernatürlichen Phänomenen in Sebastian Gutierrez’ Fantasy-Drama RISE: BLOOD HUNTER („Rise:
Blood Hunter“, 2007).
Zuletzt sah man D’Arcy an der Seite von Noel Clarke in Reg Traviss’ Gefängnisdrama SCREWED
(„Screwed - Krieg im Knast“, 2011) und in Madonnas romantischem Melodram W.E. („W.E.“. 2011), in
dem er als britischer König Edward VIII einen Skandal auslöste, als er aus Liebe für die Amerikanerin
Wallis Simpson auf den Thron verzichtete.
Nach CLOUD ATLAS ist das von John Huddles verfasste und inszenierte Drama THE
PHILOSOPHERS bereits abgedreht. Hier versucht D’Arcy in der Rolle eines Philosophielehrers an einer
internationalen Schule in Jakarta, seine jungen Schüler zu besseren Noten zu bringen – mit allerdings
fragwürdigen Methoden, zu denen Psychospielchen und Erpressung gehören. Mit Spannung erwartet
wird auch HITCHCOCK, Sacha Gervasis mit Anthony Hopkins besetztes biografisches Drama über die
Dreharbeiten zu Alfred Hitchcocks Meisterwerk PSYCHO („Psycho“, 1960), in dem James D’Arcy
Hitchcocks Hauptdarsteller, Anthony Perkins, verkörpert.
XUN ZHOU
Direktorin Talbot Hotel, Yoona-939, Rose
Xun Zhou ist eine der populärsten, angesehensten chinesischen Schauspielerinnen. Was sie von
international erfolgreichen Kolleginnen aus ihrer Heimat, wie etwa Li Bingbing oder Zhang Ziyi,
maßgeblich unterscheidet, ist die seltene Ehre, als einzige chinesische Schauspielerin überhaupt mit
den wichtigsten Filmpreisen Chinas, Hongkongs und Taiwans ausgezeichnet worden zu sein. Darunter
fallen der Hundred Flowers Award aus China, der Hong Kong Film Award, der Golden Bauhinia Award,
ein Kritikerpreis aus Hongkong, der Asian Film Award aus Hongkong sowie der Golden Horse Award
aus Taiwan. Einige dieser Preise hat Zhou Xun mehrfach erhalten.
In China kennt die heute 35-jährige Schauspielerin jeder, aber auch international hat sie seit Ende der
1990er Jahre immer wieder auf sich aufmerksam gemacht. Die ihr zuteil gewordene Anerkennung
verdankt sie einigen Filmkunstperlen, darunter: Lou Yes Amour Fou SUZHOU HE („Suzhou River“,
2000), Dai Sijies romantisches Drama BALZAC ET LA PETITE TAILLEUSE CHINOISE („Balzac und die
kleine chinesische Schneiderin“, 2002), in dem sich zwei junge Männer in sie verliebten, und Cao
Baopings international unter dem Titel „The Equation of Love“ bekanntes Kriminaldrama LI MI DE
CAIXIANG (2008), in dem sie die Rolle einer kettenrauchenden Taxifahrerin übernahm.
Neben diesen künstlerisch ambitionierten Filmen, zu denen auch Wang Xiaoshuais modernes Remake
SHIQI SUI DE CHAN CHE („Beijing Bicycle“, 2001) zu zählen ist, war Xun Zhou auch in vielen
kommerzieller orientierten Filmen zu sehen. Dazu zählen etwa Hits wie RU GUO AI („Perhaps Love“,
2005), Peter Chans mit Takeshi Kaneshiro besetztes Musical, das eine romantische Dreiecksgeschichte
erzählt, Feng Xiaogangs auf Shakespeares „Hamlet“ basierendes Historiendrama YE YOU („Der Ruf
des Kaisers“, 2006) mit Zhang Ziyi als Kaiserin von China. Außerdem auch Gordon Chans Fantasy-
Abenteuer HUA PI („Painted Skin - Die verfluchten Krieger“, 2008) mit Donnie Yen und das mit Chow
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Yun-Fat in der Titelrolle des legendären Philosophen im Historiendrama FENG SHENG („Konfuzius“,
2009), das von Chen Kuo-Fu und Gao Qunshu inszeniert wurde.
Noch aktueller sind Yuen Woo-pings mit Michelle Yeoh besetztes Martial-Arts-Drama SU QI ER („True
Legend“, 2010), Tsui Harks Actionabenteuer LONG MEN FEI JIA („The Flying Swords of Dragon Gate“,
2011) mit Jet Li und Yee Tung-Shings Historiendrama DAAI MO SEUT SI (2011) mit Tony Leung,
international unter dem Titel „The Great Magician“ bekannt. In jedem dieser Filme übernahm die
Chinesin Hauptrollen.
Großen Einfluss nahm die Schauspielerin auch auf Bereiche, für die sich Künstler der chinesischen
Unterhaltungsindustrie sonst eher selten einsetzen. Inspiriert von Davis Guggenheims mit Al Gore als
Frontfigur besetztem Dokumentarfilm AN INCONVENIENT TRUTH („Eine unbequeme Wahrheit“,
2009), begann sich Xun Zhou öffentlich für den Umweltschutz und ökologisch bewusstes Leben in ihrer
Heimat zu engagieren. 2008 wurde sie vom United Nations Development Programme (UNDP), einem
Entwicklungsprogramm der Vereinten Nationen, zur ersten chinesischen Goodwill-Botschafterin
ernannt. Zusammen mit dem UNDP initiierte sie die Kampagne „Our Part“, die mit kleinen, leicht
umzusetzenden ökologischen Ratschlägen das Umweltbewusstsein von Chinas Jugend schärfen und
verbessern soll. Für ihren unermüdlichen Einsatz für umweltbewusstes Leben und die
Zukunftssicherung einer intakten Umwelt wurde Xun Zhou im April 2010 vom United Nations
Environment Programme (UNEP), dem Umweltprogramm der Vereinten Nationen, als einer der
Champions of the Earth geehrt. Sie war die einzige Frau, die in diesem Jahr ausgezeichnet wurde, und
das erste Mitglied überhaupt aus der Unterhaltungsbrache.
Ein Jahr später nahm das World Economic Forum, eine gemeinnützige Organisation mit Sitz in Genf,
Xun Zhou in den Kreis der Young Global Leaders auf. Ihre mit großer Leidenschaft und Charisma
gehaltene Rede, die sie im Rahmen des Summer Davos, des alljährlichen Treffens der Young Global
Leaders, in der chinesischen Hafenmetropole Dalian hielt, hatte die „Power of Performance“, die
Wirkung schauspielerischer Ausdruckskraft, zum Thema.
KEITH DAVID
Kupaka, Joe Napier, An-Kor Apis, Prescient
Keith David ist ein renommierter amerikanischer Charakterdarsteller, der in bisher über 150 Film-, TV-
und Bühnenrollen sein darstellerisches Können und große Präsenz unter Beweis stellte.
Unvergesslich ist sein charismatischer Auftritt in seinem erst zweiten Kinofilm, als er in John Carpenters
Kulthorrorhit THE THING („Das Ding aus einer anderen Welt“, 1982) im Kampf gegen einen
außerirdischen Shapeshifter ums Überleben kämpfte und am Ende zusammen mit Kurt Russell
vielleicht das Monster besiegt hatte, vielleicht aber auch längst selbst das Monster war. In seinen
zahllosen weiteren wichtigen Filmrollen spielte er u.a. Charlie Sheens Mentor in Oliver Stones Oscar ®gekröntem
Vietnamdrama PLATOON („Platoon“, 1986), den fiktiven Mentor von Saxophonisten-
Legende Charlie Parker in Clint Eastwoods Biopic BIRD („Bird“, 1988), Cameron Diaz’ Stiefvater in
Peter und Bobby Farrellys Erfolgskomödie THERE’S SOMETHING ABOUT MARY („Verrückt nach
Mary“, 1998), einen General in Michael Bays Katastrophenfilm ARMAGEDDON („Armageddon - Das
jüngste Gericht“, 1998), sowie einen Zuhälter in Darren Aronovskys Hubert-Selby-Verfilmung REQUIEM
FOR A DREAM („Requiem for a Dream“, 2000).
Darüber hinaus geriet er in David Twohys Science-Fiction-Hit PITCH BLACK („Pitch Black - Planet der
Finsternis“, 2000) auf den Speiseplan ausgehungerter außerirdischer Kreaturen, war er ein Kredithai in
Tim Storys Hitkomödie BARBERSHOP („Barbershop“, 2002), Ryan Phillipes Polizei-Vorgesetzter in
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Paul Haggis’ Oscar ® -gekröntem Ensembledrama CRASH („L.A. Crash“, 2004) und schließlich auch in
Doug Limans Actionhit MR. & MRS. SMITH („Mr. & Mrs. Smith“, 2005) zu sehen.
Dank seiner sonoren Stimme war Keith David immer wieder auch in Animationsprojekten zu hören,
zuletzt etwa neben Oprah Winfrey, Terrence Howard, Anika Noni Rose und John Goodman als Jazz
singender Bösewicht Dr. Facilier in John Muskers und Ron Clements’ Hit THE PRINCESS AND THE
FROG („Küss’ den Frosch“, 2009). In Henry Selicks Erfolg CORALINE („Coraline“, 2009) verlieh er an
der Seite von Dakota Fanning, Teri Hatcher und Jennifer Sounders einem Kater Präsenz.
Als Erzähler führte der Amerikaner auch durch drei große TV-Projekte des bekannten
Dokumentarfilmers Ken Burns. Für „Unforgivable Blackness: The Rise and Fall of Jack Johnson“ („Er
wollte kein Sklave sein“) erhielt David in der Kategorie „Outstanding Voice-Over Performance“ seinen
ersten Emmy ®, dem in der gleichen Kategorie ein weiterer Emmy ® für die Episode „A Necessary War“
aus Burns’ Dokumentationsreihe „The War“ folgte. Darüber hinaus wurde er auch für die zehnteilige TV-
Reihe „Jazz“ für einen Emmy ® vorgeschlagen – nun in der Kategorie „Outstanding Non-Fiction Series“.
Seine Produktivität für das Fernsehen geht aber weit über solche Sprecher- und Erzählerrollen hinaus.
Seine Darstellung des Vaters des berühmten US-Golfers in LeVar Burtons TV-Drama „The Tiger Woods
Story“ brachte ihm eine erneute Emmy ®-Nominierung in der Kategorie „Outstanding Performer in a
Children's Special“ ein.
Außerdem war er in Gastauftritten in zahllosen bekannten US-Serien zu sehen, darunter in „ER“
(„Emergency Room - Die Notaufnahme“), „7th Heaven“ („Eine himmlische Familie“), „Law & Order“
(„Law & Order“) und „CSI“ („CSI - Den Tätern auf der Spur“). Zuletzt übernahm er eine große Rolle in
der nach zehn Folgen eingestellten Fantasy-Serie „The Cape“, in der er den Anführer einer
Bankräuberbande, der zum Mentor eines Superhelden wird, spielte.
Der gebürtige New Yorker, der seine Kunst an der renommierten Juilliard School of Drama lernte,
besitzt umfangreiche Bühnenerfahrung. Für seine Leistung in „Jelly’s Last Jam“, George C. Wolfes
Broadwaymusical über den legendären Ragtime-Pianisten Jelly Roll Morton, wurde er 1992 als „Bester
Nebendarsteller“ für den Tony vorgeschlagen. Darüber hinaus stand er auch in Sarah Pia Andersons
Neuinszenierung von Henrik Ibsens Drama „Hedda Gabler“ auf der Bühne und wirkte zudem in der
Uraufführung von August Wilsons Drama „Seven Guitars“ am Broadway mit.
Das Multitalent ist auch selbst ein talentierter und erfahrener Singer/Songwriter, hat eine eigene Band.
Noch dieses Jahr soll sein Debütalbum, in dem traditioneller und moderner Jazz zu hören sein wird,
veröffentlicht werden. Als Unterstützung bei der Produktion des Albums hat David, der derzeit mit Jazz-
und Symphonieorchestern durch Amerika tourt, einige der Top-Produzenten und prominentesten
Musiker der Branche verpflichtet.
DAVID GYASI
Autua, Lester Rey, Duophysite
David Gyasi wurde 1980 in einem Vorort von London geboren, studierte an der Middlesex University
Kunst und Schauspiel. Seit seinem Debüt als professioneller Schauspieler hat er völlig unterschiedliche
Rollen in Film-, TV- und Bühnenprojekten übernommen.
2008 spielte er Captain Stewart in einer preisgekrönten Aufführung von Nick Staffords Drama „War
Horse“ am National Theatre. Das Stück basiert auf Michael Morpurgos populärem Roman über Mut,
Treue und die außergewöhnliche Beziehung zwischen einem jungen britischen Soldaten des 1.
37

Weltkriegs und seinem an der Front eingesetzten Pferd. Gyasis Rolle verkörperte in Steven Spielbergs
Verfilmung der britische Newcomer Benedict Cumberbatch.
Im Fernsehen gehörte Gyasi zuletzt zum Ensemble von „White Heat“, einer sechsteiligen BBC-Serie,
die nach einem Drehbuch von Paula Milne und unter der Regie von John Alexander das Leben von
sieben Studenten über viele Jahre hinweg begleitete. Dabei stand Gyasi in einer zentralen Rolle mit
jungen Kollegen und Kolleginnen wie Sam Claflin, Claire Foy und Reece Ritchie vor der Kamera.
Darüber hinaus war er 2005 in einer weiteren sechsteiligen Serie zu sehen, verkörperte in der ITV-
Komödienserie „Mike Bassett: Manager“ Jeremy Hands. Die Serie war ein TV-Ableger von Steve
Barrons Sportkomödie MIKE BASSETT: ENGLAND MANAGER (2001) und, wie auf der großen
Leinwand, mit Ricky Tomlinson und Amanda Redman in den Hauptrollen besetzt.
CLOUD ATLAS ist der dritte Film, in dem David Gyasi dieses Jahr zu sehen ist. Den Anfang machte
Christopher Nolans Abschluss seiner Batman-Trilogie THE DARK KNIGHT RISES („The Dark Knight
Rises“, 2012), in dem er eine kleine Rolle übernommen hat. Es folgt das von Anthony Hemingway
inszenierte Kriegsdrama RED TAILS („Red Tails“, 2012), das mit Terrence Howard und Cuba Gooding
Jr. in den Hauptrollen an die Tuskegee Air-Men erinnert, an die erste afro-amerikanische Fliegerstaffel,
die im 2. Weltkrieg zum Einsatz kam.
SUSAN SARANDON
Madame Horrox, Ältere Ursula, Yusouf Suleiman, Äbtissin
Außerordentliche Vielseitigkeit zeichnet Susan Sarandon aus, die in jeder Rolle Sinnlichkeit und
Intelligenz einbringt. Ihr Spektrum reicht dabei von ihrer berührenden Darstellung eines
Baseballgroupies in Ron Sheltons Sportromanze BULL DURHAM („Annies Männer“, 1988) bis zu den
beeindruckenden Rollen, die ihr Oscar ® -Nominierungen einbrachten: Ridley Scotts Drama THELMA &
LOUISE („Thelma & Louise“, 1991), George Millers Familiendrama LORENZO’S OIL („Lorenzos Öl“,
1992), Joel Schumachers John-Grisham-Adaption THE CLIENT („Der Klient“, 1994) und Louis Malles
Drama ATLANTIC CITY („Atlantic City“, 1980). Sie gewann den Oscar ® wie auch den Screen Actors
Guild Award schließlich für ihre Hauptrolle in Tim Robbins’ Drama DEAD MAN WALKING („Dead Man
Walking - Sein letzter Gang“, 1995). Hier verkörperte sie eine Nonne, die einem zum Tode verurteilten
Häftling Trost spendete.
Zum ersten Mal vor einer Kamera stand Sarandon als Hippietochter eines Geschäftsmannes in John G.
Avildsens Drama JOE („Joe - Rache für Amerika“, 1970). Es folgten ein längerer Auftritt in der TV-Soap
„A World Apart“ und eine Reihe gänzlich unterschiedlicher Filmprojekte. Darunter fallen George Roy
Hills Abenteuer-Komödie THE GREAT WALDO PEPPER („Tollkühne Flieger“, 1975), Sidney Lumets
Drama LOVIN’ MOLLY („Aus Liebe zu Molly“,1974), Billy Wilders Komödienremake THE FRONT PAGE
(„Extrablatt“, 1974) und Jim Sharmans Kultmusical THE ROCKY HORROR PICTURE SHOW („The
Rocky Horror Picture Show“, 1975), in dem sie die Janet spielte. 1978 arbeitete sie ein weiteres Mal mit
Louis Malle, dem Regisseur ihres Erfolgs ATLANTIC CITY, zusammen, und verkörperte in Malles
kontroversem Bordelldrama PRETTY BABY („Pretty Baby“, 1978) Brooke Shields’ Mutter.
Über 30 Jahre später war sie zuletzt als Shia LaBeoufs verschuldete Mutter in Oliver Stones Drama
WALLSTREET 2: MONEY NEVER SLEEPS („Wall Street 2: Geld schläft nicht“, 2010) und als schrullige
Großmutter in Peter Jacksons Bestsellerverfilmung THE LOVELY BONES („In meinem Himmel“, 2009)
zu sehen. Darüber hinaus spielte sie in Kevin Limas Disneymärchen ENCHANTED („Verwünscht“,
2007), in Lana und Andy Wachowskis Actionevent SPEED RACER („Speed Racer“, 2008), mit James
Gandolfini, Kate Winslet und Steve Buscemi in John Turturros musikalischer Komödie ROMANCE AND
CIGARETTES (2005), mit Billy Bob Thornton in Craig Gillespies Sportkomödie MR. WOODCOCK („Mr.
Woodcock“, 2007) und mit Tommy Lee Jones in Paul Haggis’ Drama IN THE VALLEY OF ELAH („Im
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Tal von Elah“, 2007). Nach Peter Chelsoms Romanze SHALL WE DANCE („Darf ich bitten“, 2004) mit
Richard Gere und Charles Shyers Komödie ALFIE („Alfie“, 2004) mit Jude Law übernahm Susan
Sarandon eine unorthodoxe Mutterrolle in Brad Silberlings Drama MOONLIGHT MILE („Moonlight Mile“,
2002) an der Seite von Dustin Hoffman. In Burr Steers Komödie IGBY GOES DOWN („Igby“, 2002)
spielte sie neben Jeff Goldblum und in Bob Dolmans Komödie THE BANGER SISTERS („Groupies
Forever“, 20002) an der Seite von Goldie Hawn und Geoffrey Rush.
Außerdem sah man sie als geheimnisvolle Ehefrau von Gene Hackman in Robert Bentons mit Paul
Newman besetztem Noir-Thriller TWILIGHT („Zwielicht“, 1998), mit Julia Roberts in Chris Columbus’
bitter-süßem Drama STEPMOM („Seite an Seite“, 1998), in John Turturros erotischer Farce
ILLUMINATA („Illuminata“, 1998), Tim Robbins’ Drama CRADLE WILL ROCK (1999), als lebenslustige
Mutter Natalie Portmans in Wayne Wangs Dramödie ANYWHERE BUT HERE („Überall, nur nicht hier“,
1999) und in Stanley Tuccis Drama JOE GOULD’s SECRET („Joe Goulds Geheimnis“, 1999).
Nur mit ihrer Stimme präsent war sie in verschiedenen Animationsprojekten, darunter in Stig Bergqvists
und Paul Demeyers RUGRATS IN PARIS („Rugrats in Paris - Der Film“, 2000), Henry Selicks JAMES
AND THE GIANT PEACH („James und der Riesenpfirsich“, 1996) und Lawrence Gutermans CATS &
DOGS („Cats & Dogs - Wie Hund und Katze“, 2001). Außerdem konnte man sie als Sprecherin in 900
WOMEN (2001) hören, Laleh Khadivis Dokumentarfilm über weibliche Strafgefangene.
Zu den weiteren wichtigen Filmen des vielbeschäftigten, vielseitigen und immer neue
Herausforderungen suchenden Stars gehören unter anderem Frank Piersons Drama KING OF THE
GYPSIES („König der Zigeuner“, 1978), Tony Scotts romantisches Horrordrama THE HUNGER
(„Begierde“, 1983), Frank Perrys mörderische Komödie COMPROMISING POSITIONS („Tödliche
Beziehung“, 1984), Pat O’Connors Thriller THE JANUARY MAN („Im Zeichen der Jungfrau“, 1989), Luis
Mandokis Romanze WHITE PALACE („Frühstück bei ihr“, 1990), Glen Jordans Komödie THE BUDDY
SYSTEM („Biete Mutter, suche Vater“, 1984), Robert Greenwalds romantisches Drama SWEET
HEARTS DANCE („Sweet Hearts Dance - Liebe ist mehr als ein Wort“, 1988), Euzhan Palcys Drama A
DRY WHITE SEASON („Weiße Zeit der Dürre“, 1989), George Millers Fantasy-Komödie THE
WITCHES OF EASTWICK („Die Hexen von Eastwick“, 1987), Tim Robbins’ Politsatire BOB ROBERTS
(„Bob Roberts“, 1992), Paul Schraders Drama LIGHT SLEEPER („Light Sleeper“, 1992), Gillian
Armstrongs Familienfilm LITTLE WOMEN („Betty und ihre Schwestern“, 1994) sowie Robert Allan
Ackermans Drama SAFE PASSAGE („Safe Passage“, 1994), in dem Sarandon eine Mutter mit sieben
Söhnen spielte.
Auch im Fernsehen übernahm die Schauspielerin ausgewählte Rollen, so mit Ralph Fiennes im
hochgelobten HBO-Drama „Bernard and Doris“. Ihre Darstellung der exzentrischen Erbin Doris Duke
brachte ihr in der Kategorie „Outstanding Lead Actress in a Miniseries or a Movie“ eine Nominierung für
den Emmy ®, für den Golden Globe ® in der Kategorie „Best Performance by an Actress in a Mini-Series
or a Motion Picture Made for Television“ sowie eine Nominierung für den Screen Actors Guild Award ®
ein. Auch für Barry Levinsons für HBO realisiertes biografisches TV-Drama „You Don’t Know Jack“
(„You Don’t Know Jack - Ein Leben für den Tod“), in dem sie mit Al Pacino vor der Kamera stand, wurde
sie für Emmy ® und Screen Actors Guild Award ® vorgeschlagen.
Darüber hinaus trat die New Yorkerin in George Clooneys Abschiedsfolge des Dauerbrenners „ER“
(„Emergency Room - Die Notaufnahme“) auf und übernahm die Hauptrolle in James Lapines Anne-
Tyler-Adaption „Earthly Possessions“. Sie war im TV-Drama „Women of Valor“ („Hell Zone - Im Vorhof
der Hölle“) und an der Seite von Bob Hoskins und Anthony Hopkins Benito Mussolinis Ehefrau in der
HBO-Miniserie „Mussolini: The Decline and Fall of Il Duce“ („Ich und der Duce“) zu sehen.
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Schließlich verkörperte sie eine couragierte, um ihr Leben kämpfende Brustkrebspatientin im TV-Drama
„Ice Bound“ („Gefangen im Eis - Die Geschichte der Dr. Jerri Nielson“), das auf einer wahren
Begebenheit beruht. Als Prinzessin Wensicia Corrino spielte sie in der Miniserie „Children of Dune“
(„Dune - Die Trilogie“) und gehörte auch zur Besetzung von Bob Balabans Theaterverfilmung „The
Exonerated“. Zuletzt war Sarandon auch in Tina Feys Hit-Sitcom „30 Rock“ („30 Rock“) sowie mehreren
Folgen der Hitserie „The Big C“ („The Big C ...und jetzt ich“) zu sehen, in der sie als Frau, die den Krebs
besiegt zu haben glaubt, zur Inspiration für Laura Linneys todkranke Hauptfigur wird.
Darüber hinaus trat Sarandon auch gelegentlich auf der Bühne auf, spielte zuletzt mit Geoffrey Rush am
Broadway in einer Inszenierung von Eugene Ionescos „Le Roi se meurt“ („Der König stirbt“) und erhielt
ebenso Kritikerlob für ihre Darstellung in Gore Vidals Drama „An Evening with Richard Nixon“. Off-
Broadway war sie in John Ford Noonans „A Couple of White Chicks Sitting Around Talkin’ sowie in
William Mastrosimones Thriller „Extremities“, Off-Off-Broadway schließlich auch in Anne Nelsons
Bühnendrama „The Guys“ zu sehen, das die dramatischen Auswirkungen der Anschläge vom
11.September thematisiert.
Noch vor CLOUD ATLAS kam Jay and Mark Duplass’ schrullige Komödie JEFF, WHO LIVES AT
HOME („Jeff, der noch zu Hause lebt“, 2011) mit Sarandon als Jason Segels entnervte Mutter in die
deutschen Kinos. In Jake Schreiers schräger Science-Fiction-Komödie ROBOT & FRANK („Robot &
Frank“, 2012) wurde die Schauspielerin in der Rolle einer Bibliothekarin 30 Jahre von Frank Langellas
Hauptfigur umgarnt. Ebenfalls noch in diesem Jahr kommen Nicholas Jareckis Thriller ARBITRAGE, in
dem Sarandon von Filmehemann Richard Gere mehrfach betrogen wird, in die amerikanischen Kinos
und Robert Redfords Thriller THE COMPANY YOU KEEP, in dem Sarandon erneut mit Shia LaBeouf
zu sehen sein wird.
HUGH GRANT
Reverend Giles Horrox, Rausschmeißer im Hotel, Lloyd Hooks, Denholme Cavendish, Seher
Rhee, Häuptling der Kona
Hugh Grant hat mit Charme und Witz das Genre der romantischen Komödie in den letzten zwei
Jahrzehnten dominiert, sich aber in den letzten Jahren im Kino rargemacht. Im Frühling dieses Jahres
war er als Piratenkapitän in Peter Lords und Jeff Newitts Komödie THE PIRATES! BAND OF MISFITS
(„Die Piraten - Ein Haufen merkwürdiger Typen“, 2012) in seinem ersten Animationsfilm überhaupt zu
hören.
Seine erfolgreichsten Filme der letzten zehn Jahre waren die drei Marc-Lawrence-Inszenierungen DID
YOU HEAR ABOUT THE MORGANS („Haben sie das von den Morgans gehört?“, 2009), MUSIC AND
LYRICS („Mitten ins Herz - Ein Song für dich“, 2007) und TWO WEEKS NOTICE („Ein Chef zum
Verlieben“, 2002), in denen er Sarah Jessica Parkers entfremdeten Ehemann, Drew Barrymores neue
Liebe und Sandra Bullocks charmanten Boss verkörperte. Außerdem glänzte er als selbstverliebter
Moderator einer amerikanischen Talentshow in Paul Weitz’ Satire AMERICAN DREAMZ („American
Dreamz - Alles nur Show“, 2006), sowie als Lover bzw. Ex-Lover von Renée Zellweger in den
Bestsellerverfilmungen BRIDGET JONES’S DIARY („Bridget Jones - Schokolade zum Frühstück“, 2001,
inszeniert von Sharon Maguire) und BRIDGET JONES: THE EDGE OF REASON („Bridget Jones - Am
Rande des Wahnsinns“, 2004, inszeniert von Beeban Kidron). Schließlich war er in Richard Curtis’
romantischer Ensemblekomödie LOVE, ACTUALLY („Tatsächlich ...Liebe“, 2003) der sympathischste
und bodenständigste britische Premierminister der Filmgeschichte.
Auch seine wichtigsten Auszeichnungen erhielt der Oxford-Absolvent für romantische Komödien. So
wurde er für seine Rolle als ewiger Junggeselle in Mike Newells Welterfolg FOUR WEDDINGS AND A
FUNERAL („Vier Hochzeiten und ein Todesfall“, 1994) in der Kategorie „Best Performance by an Actor
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in a Motion Picture - Comedy or Musical“ mit dem Golden Globe ® und als „Bester Darsteller“ mit dem
Award der British Academy of Film and Television Arts (BAFTA) ausgezeichnet. Weitere Nominierungen
für den Golden Globe ® in der Kategorie „Best Performance by an Actor in a Motion Picture - Comedy or
Musical“ gab es für Roger Michells mit Julia Roberts besetzten Hit NOTTING HILL („Notting Hill“, 1999)
und für Chris und Paul Weitz’ Nick-Hornby-Adaption ABOUT A BOY („About a Boy“, 2002).
Unter seinen vielen weiteren wichtigen Filmen, zu denen auch das Drama MAURICE („Maurice“, 1987),
ein früher Erfolg unter der Regie von James Ivory gehört, finden sich Mike Newells Dramödie AN
AWFULLY BIG ADVENTURE („Eine sachliche Romanze“, 1995), Christopher Mongers Satire THE
ENGLISHMAN WHO WENT UP A HILL BUT CAME DOWN A MOUNTAIN („Der Engländer, der auf
einen Hügel stieg und von einem Berg herunterkam“, 1995), Ang Lees Literaturverfilmung SENSE AND
SENSIBILITY („Sinn und Sinnlichkeit“, 1995) und Woody Allens Komödie SMALL TIME CROOKS
(„Schmalspurganoven“, 2000). Darüber hinaus produzierte er in den 1990er Jahren mit seiner von ihm
und Elizabeth Hurley geführten Produktionsgesellschaft Simian Films zwei Filme, in denen er auch die
Hauptrollen übernahm. Zunächst Michael Apteds Thriller EXTREME MEASURES („Extrem - Mit allen
Mitteln“, 1996), dann auch Kelly Makins Komödie MICKEY BLUE EYES („Mickey Blue Eyes“, 1999).
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DIE FILMEMACHER
LANA UND ANDY WACHOWSKI (Regie, Drehbuch)
Die Wachowskis wuchsen in ihrer Heimatstadt Chicago auf und arbeiten seit über 30 Jahren
zusammen. Bereits bei ihrem Filmdebüt, dem Thriller BOUND („Bound - Gefesselt“, 1996) traten sie als
Drehbuchautoren und Regisseure, seit ihrem Folgeprojekt auch als Produzenten in Erscheinung. THE
MATRIX („Matrix“, 1999) revolutionierte den Science-Fiction-Film, war ein Welthit, dem die
Fortsetzungen THE MATRIX RELOADED („Matrix Reloaded“, 2003) und THE MATRIX REVOLUTIONS
(„Matrix Revolutions“, 2003) folgten, in denen sie ebenfalls diese drei zentralen Kreativpositionen
bekleideten.
CLOUD ATLAS ist nach SPEED RACER („Speed Racer“, 2008), einer visuell innovativen Live-Action-
Adaption der Zeichentrick-Kultserie, der sechste Kinofilm der Wachowskis, die außerdem das
Actiondrama NINJA ASSASSIN („Ninja Assassin“, 2009) und die auf einem Kultcomic basierende
Politparabel V FOR VENDETTA („V wie Vendetta“, 2006) produzierten, zu der sie darüber hinaus auch
das Drehbuch beisteuerten. Beide Filme wurden von James McTeigue, dem 1. Regieassistenten der
MATRIX-Trilogie, inszeniert.
TOM TYKWER (Regie, Drehbuch)
Tom Tykwer ist einer der international bekanntesten und angesehensten Regisseure Deutschlands. Mit
LOLA RENNT (1998), seinem atemlos-dynamischen, virtuos inszenierten Drama über die verzweifelten
Versuche der jungen Titelfigur, ihrem Freund Manni mit drei Hetzjagden durch Berlin das Leben zu
retten, gelang dem Wuppertaler Regisseur der internationale Durchbruch. LOLA RENNT, zu dem er
auch das Drehbuch geschrieben hatte, begeisterte Kritiker und Zuschauer und entwickelte sich zum
erfolgreichsten deutschen Film des Jahres. Wie bei allen seiner Inszenierungen war Tykwer auch in die
Komposition des Soundtracks involviert, hier im Team mit seinen oftmaligen Mitarbeitern Reinhold Heil
und Johnny Klimek.
LOLA RENNT war nach DIE TÖDLICHE MARIA (1993), einem Psychodrama mit ausgeprägtem
Stilwillen, und dem kunstvoll verschachtelten, emotional unter die Haut gehenden Lebensreigen
WINTERSCHLÄFER (1997) Tykwers dritter Spielfilm, dem ein weiterer Film mit Hauptdarstellerin
Franka Potente, das berührende Liebesdrama DER KRIEGER UND DIE KAISERIN (2000), folgte.
Daran schloss sich HEAVEN („Heaven“, 2002), der erste englischsprachige Film des Regisseurs an,
der auf der Basis eines von Tykwer adaptierten Drehbuchs von Krzysztof Kieslowski und Krzysztof
Piesiewicz mit Cate Blanchett und Giovanni Ribisi in den Hauptrollen erneut eine ungewöhnliche
Liebesgeschichte erzählte.
Ben Whishaw, Dustin Hoffman, Alan Rickman und Rachel Hurd-Wood standen dann für DAS PARFUM
- DIE GESCHICHTE EINES MÖRDERS (2006), für Tykwers thematisch couragierte, opulent
ausgestattete und visuell elegante Verfilmung von Patrick Süskinds Weltbestseller vor der Kamera. Mit
Natalie Portman in der Hauptrolle inszenierte Tykwer dann seinen Beitrag zu PARIS, JE T’AIME („Paris,
je t’aime“, 2004), einer von 21 internationalen Regisseuren realisierten Liebeserklärung an die Seine-
Metropole, ihre Stadtviertel und Menschen. Es folgten der mit Clive Owen und Naomi Watts besetzte
Thriller THE INTERNATIONAL („The International“, 2009) und ein Jahr später sein erster
deutschsprachiger Film seit DIE KRIEGER UND DIE KAISERIN, der unter dem Titel DREI (2010) eine
ungewöhnliche Dreiecksbeziehung dramatisch und humorvoll beleuchtete.
Als Produzent war Tom Tykwer darüber hinaus in die Entstehung einiger aufregender und engagierter
deutscher Filme der letzten zehn Jahre involviert, schrieb außerdem mit Wolfgang Becker das
Drehbuch zu dessen Kinoerfolg DAS LEBEN IST EINE BAUSTELLE (1997).
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GRANT HILL (Produzent)
Der Australier Grant Hill war zuletzt Koproduzent von Terrence Malicks preisgekröntem Familien- und
Lebensdrama THE TREE OF LIFE („The Tree of Life“, 2011), das für den Oscar ® als „Bester Film“
vorgeschlagen wurde und damit auch ihm eine Nominierung einbrachte. Es war seine zweite nach
Malicks poetischem, aufwühlendem Kriegsdrama THE THIN RED LINE („Der schmale Grat“, 1998),
dessen Produzententeam er ebenfalls angehört hatte. Darüber hinaus war er auch einer der
Koproduzenten von James Camerons Oscar ® -Hit TITANIC („Titanic“, 1997).
Mit Lana und Andy Wachowski verbindet Grant Hill eine langjährige und äußerst erfolgreiche
Arbeitsbeziehung. So war er Ausführender Produzent von THE MATRIX RELOADED („Matrix
Reloaded“, 2003) und THE MATRIX REVOLUTIONS („Matrix Revolutions“, 2003), Produzent von
SPEED RACER („Speed Racer“, 2008), den die Wachowskis inszenierten, sowie von V FOR
VENDETTA („V wie Vendetta“, 2005) und NINJA ASSASSIN („Ninja Assassin“, 2009). Bei beiden
Filmen führte James McTeigue Regie, traten die Wachowskis als Koproduzenten, bzw. bei „V wie
Vendetta“ auch als Drehbuchautoren auf.
Grant Hill studierte ursprünglich Jura an der University of Melbourne, arbeitete nach seinem Abschluss
1978 im Nahen Osten und in Asien, bevor er 1983 in sein Heimatland zurückkehrte. Dort nahm er an
der zehn Jahre zuvor eröffneten Australian Film School in Sydney ein Graduiertenstudium auf, begann
dann als Location Manager und Produktionsleiter in der Filmindustrie Fuß zu fassen. 1992 zog er in die
USA, leitete von ihrer Niederlassung in Los Angeles aus der Produktionsabteilung von Village
Roadshow Pictures, der wichtigsten australischen Filmproduktionsgesellschaft.
STEFAN ARNDT (Produzent)
Stefan Arndt ist einer der engagiertesten und erfolgreichsten deutschen Filmproduzenten von
internationalem Renommee. 1984 gründete der geborene Münchner in Berlin die Kinobetreiber-Gruppe
„Sputnik-Kollektiv“, leitete selbst einige Programmkinos in Hamburg, Berlin und Potsdam. So lernte er
auch Tom Tykwer kennen, der in einigen dieser Kinos als Filmvorführer oder Programmierer arbeitete,
und produzierte schließlich seinen ersten Film, Tom Tykwers Regiedebüt DIE TÖDLICHE MARIA
(1993). Zusammen mit Tykwer, Wolfgang Becker und Dani Levy gründete er 1994 den
Kreativzusammenschluss X Filme Creative Pool, deren geschäftsführender Gesellschafter er bis heute
ist.
Als Produzent stand Arndt hinter den Tom-Tykwer-Inszenierungen WINTERSCHLÄFER (1997), LOLA
RENNT (1998), DER KRIEGER UND DIE KAISERIN (2000), HEAVEN („Heaven“, 2002) und DREI
(2010). Darüber hinaus produzierte er für X Filme und Regisseur Wolfgang Becker das Drama DAS
LEBEN IST EINE BAUSTELLE (1997) und die international erfolgreiche Politkomödie GOOD BYE
LENIN! (2003), für Dani Levy das Beziehungsdrama STILLE NACHT (1996), den Thriller MESCHUGGE
(1999) und die Politsatire MEIN FÜHRER - DIE WIRKLICH WAHRSTE GESCHICHTE ÜBER ADOLF
HITLER (2007).
Des Weiteren war er Produzent von Michael Hanekes Drama DAS WEISSE BAND – EINE DEUTSCHE
KINDERGESCHICHTE (2009), das bei den Internationalen Filmfestspielen von Cannes mit der
Goldenen Palme, außerdem als „Bester fremdsprachiger Film“ mit dem Golden Globe ® und zehnfach
u.a. als „Bester Film“ mit dem Deutschen Filmpreis sowie dem Europäischen Filmpreis ausgezeichnet
wurde. In den Kategorien „Bester fremdsprachiger Film“ und „Beste Kamera“ war Hanekes Erfolg auch
für den Oscar ® nominiert. Eine weitere Goldene Palme eroberte Haneke zuletzt mit dem Drama
AMOUR („Liebe“, 2012), zu dessen Produzententeam auch Stefan Arndt gehörte. Unter seinen vielen
weiteren Auszeichnungen und Ehrungen finden sich das Filmband in Silber für DAS LEBEN IST EINE
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BAUSTELLE, WINTERSCHLÄFER und LOLA RENNT, der Deutsche Filmpreis in Silber für Sebastian
Schippers Freundschaftsdrama ABSOLUTE GIGANTEN (1999), Tykwers DER KRIEGER UND DIE
KAISERIN und HEAVEN wie auch der Deutsche Filmpreis, der Europäische Filmpreis sowie der César
als „Bester europäischer Film“ für GOOD BYE LENIN!
Neben diesen Projekten gehen viele weitere interessante und mutige Filme auf das Konto des
Erfolgsproduzenten. Darunter fallen etwa Achim von Borries’ Drama WAS NÜTZT DIE LIEBE IN
GEDANKEN (2004), Oskar Roehlers verwegener Genremix AGNES UND SEINE BRÜDER (2004),
Maria Schraders Lovestory LIEBESLEBEN (2007) und zuletzt auch LITTLE THIRTEEN (2012),
Christian Klandts engagiert-ehrliches Drama über emotional verwahrloste Berliner Jugendliche und ihre
sexuellen Erfahrungen.
Stefan Arndt, der zusammen mit Manuela Stehr 2000 den X Verleih mitgegründet hatte, brachte sein
Engagement für den Deutschen Film auch bei der Deutschen Filmakademie ein, in deren Gründung er
2003 ebenfalls involviert war. Bis 2009 war er Vorstandsvorsitzender der Akademie, die heute über
1300 Mitglieder hat. Außerdem gehört er dem Vorstand der Allianz Deutscher Produzenten Film und
Fernsehen an, die ca. 210 Produktionsunternehmen aus den Bereichen Animation, Kinofilm, TV-
Entertainment, TV-Fiktion, Werbung und Dokumentation vereint.
PHILIPP LEE (Ausführender Produzent)
Philip Lee trat nach einer umfangreichen akademischen Ausbildung ins Filmgeschäft ein. So studierte er
Regie am College of the Arts, das zu Japans größter Universität, der Nihon University, gehört, machte
neben diesem Bachelorabschluss ein Betriebswirtschaftsdiplom an der Chinese University in Hongkong
und seinen Doktor in Betriebswirtschaft an der Polytechnic University in Hongkong. Darüber hinaus
absolvierte er am American Film Institute (AFI) in Los Angeles ein Filmproduktionsstudium, das er mit
einem Master abschloss.
Von 1987 bis 1993 leitete er in Hongkong die Produktionsabteilung von Salon Films, einer der
bedeutendsten Filmproduktionsgesellschaften im asiatischen Raum. In diesen sechs Jahren gehörte er
als Produktionsleiter für die asiatischen Schauplätze zum Team von mehr als 20 Kinofilmen und
zahllosen TV-Projekten aus Hollywood. Darunter fallen Rob Cohens biografisches Drama DRAGON:
THE BRUCE LEE STORY („Dragon: Die Bruce Lee Story“, 1993) und David Cronenbergs
Theaterverfilmung M. BUTTERFLY („M. Butterfly“, 1993) sowie die mit Pierce Brosnan besetzte
Miniserie „Around the World in Eighty Days“ („In 80 Tagen um die Welt“).
Nach dem Abschluss seines Studiums am American Film Institute kehrte er 1996 nach Asien zurück,
übernahm verschiedene wichtige Produktionsposten bei prestigeträchtigen und erfolgreichen Projekten
namhafter Regisseure. So gehörte er zum Team von Chen Kaiges Historiendrama JING KE CI QIN
WANG („Der Kaiser und sein Attentäter“, 1998), von Ang Lees Oscar-gekröntem Martial-Arts-Epos WO
HU CANG LONG („Tiger & Dragon“, 2000), Zhang Yimous Martial-Arts-Abenteuer YING XIONG
(„Hero“, 2002), Jan DeBonts Fortsetzungserfolg LARA CROFT TOMB RAIDER: THE CRADLE OF LIFE
(„Lara Croft Tomb Raider: Die Wiege des Lebens“, 2003), Ronny Yus Actionfilm HUO YUAN JIA („Jet
Li’s Fearless“, 2006) und von Rob Minkoffs Fantasy-Abenteuer THE FORBIDDEN KINGDOM
(„Forbidden Kingdom“, 2008).
Darüber hinaus war er Ausführender Produzent von Kwak Yae-yongs südkoreanischer romantischer
Komödie NAE YEOJACHINGUREUL SOGAE HABNIDA, die international unter dem Titel „Windstruck“
bekannt ist. Schließlich war er auch Line Producer der in Hongkong gedrehten Szenen von Christopher
Nolans meisterlichem Actiondrama THE DARK KNIGHT („The Dark Knight“, 2008), finanzierte und
produzierte außerdem Xie Dongs Romanze YU NI TONG DE XIATIAN (2006). Der international unter
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dem Titel „One Summer With You“ gezeigte Film wurde 2007 beim Kuala Lumpur International Film
Festival als „Bester asiatischer Film“ ausgezeichnet.
Im gleichen Jahr dieser Ehrung lancierte Philip Lee in Peking die Filmproduktionsgesellschaft Javelin
Pictures, die es sich zur Aufgabe gemacht hat, kommerziell vielversprechende Filme zu produzieren,
die Grenzen von Märkten und Kulturen überwinden können.
UWE SCHOTT (Ausführender Produzent)
Uwe Schott wurde 1966 in Düsseldorf geboren. Nach dem Abitur 1985 arbeitete er als freier
Aufnahmeleiter und später als Produktionsleiter für verschiedene deutsche Produktionsunternehmen.
Nach zwei Jahren Berufserfahrung als Line-Producer für diverse Produktionen in Los Angeles kehrte er
1996 als geschäftsführender Gesellschafter der Modern Media Filmproduktion GmbH zurück und
realisierte zahlreiche TV-Produktionen. Außerdem übernahm er die Geschäftsführung verschiedener
Filmfonds und war in dieser Funktion mit seiner Produktionsfirma Oberon – stellvertretend für den
deutschen Produzenten – verantwortlich für die ordnungsgemäße Durchführung der Projekte durch den
amerikanischen Auftragsproduzenten.
Nach weiteren Stationen als Produzent und Geschäftsführer verschiedener Produktionsfirmen wurde
Uwe Schott im Oktober 2009 Geschäftsführer von X Filme Creative Pool GmbH.
Zu seinen wichtigsten Produktionen zählen unter anderem: EINER WIE BRUNO (2010), DER
LIEBESWUNSCH (2005) und COWGIRL (2003).
WILSON QIU (Ausführender Produzent)
Wilson Qiu ist Vorstandsvorsitzender und Geschäftsführer der chinesischen Filmproduktionsgesellschaft
Dreams of The Dragon Pictures, die sich seit 2008 in der Branche engagiert. Ursprünglich im
öffentlichen Dienst tätig, wagte sich Wilson Qiu 2001 mit Unternehmens- und Industrieinvestitionen auf
ein neues Territorium, legte schließlich den Dreams of The Dragon Filmfond für die Realisierung von
Filmprojekten auf.
Wilson Qiu arbeitete an vielen Kinofilmen mit, darunter als Produzent an Chung Shu-Kais Drama LUNG
FUNG DIM (2010), international als „Adventure of the King“ bekannt, Li Fangfangs Drama TIAN
CHANG DI JIU, aka „Heaven Eternal, Earth Everlasting“ (2010) und an Fei Xings Horrorfilm SHOU
WANG ZHE (2011), dessen internationaler Titel „The Man Behind the Courtyard House“ (2011) lautet.
Nach CLOUD ATLAS hat Dreams of the Dragon Pictures weitere grundverschiedene Projekte in
Planung. Dazu zählen THE OLD SUMMER PALACE, ein zweiteiliges Epos, in dessen Mittelpunkt eine
große Katastrophe und eine Liebesgeschichte stehen, sowie ein asiatisches Remake von Claude
Lelouchs Schicksals- und Familiendrama LES UNS ET LES AUTRES („Ein jeglicher wird seinen Lohn
empfangen“, 1982), das bei den Internationalen Filmfestspielen von Cannes den Großen Technik-Preis
erhielt.
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JOHN TOLL (Kamera)
Die 1990er Jahre waren für John Toll ein einziger Triumphzug. Nach Technicolor-Spezialist Leon
Shamroy war er der einzige Kameramann in der Geschichte Hollywoods, der in zwei Jahren
hintereinander mit dem Oscar ® ausgezeichnet wurde, zunächst für Edward Zwicks episches
Familiendrama LEGENDS OF THE FALL („Legenden der Leidenschaft“, 1994), dann auch für Mel
Gibsons Historienepos BRAVEHEART („Braveheart“, 1995).
Drei Jahre nach der zweiten Oscar ® -Auszeichnung wurde er ein weiteres Mal nominiert – für Terrence
Malicks poetische und bildgewaltige James-Jones-Adaption THE THIN RED LINE („Der schmale Grat“,
1998). Für seine beiden Oscar ® -Hits erhielt Toll auch Nominierungen für den Award seiner Gilde, der
American Society of Cinematographers (ASC), für den er darüber hinaus drei weitere Male
vorgeschlagen wurde. Des Weiteren wurde er für „Braveheart“ mit dem Award der British Academy of
Film and Television Arts (BAFTA) und für „Der schmale Grat“ mit dem New York Film Critics Circle
Award ausgezeichnet.
Toll, der in Cleveland geboren wurde, startete seine Branchenkarriere als Operator des
Chefkameramanns bei Filmen wie Martin Scorseses Konzertfilm THE LAST WALTZ („The Band - The
Last Waltz“, 1978), Martin Ritts Drama NORMA RAE („Norma Rae“, 1979) und James Bridges’ Drama
URBAN COWBOY („Urban Cowboy“, 1980). Als Director of Photography setzte er neben seinen
international prämierten Filmen das Licht bei Carroll Ballards Segeldrama WIND („Wind“, 1992), Francis
Ford Coppolas John-Grisham-Adaption THE RAINMAKER („Der Regenmacher“, 1997), John Maddens
Kriegsdrama CAPTAIN CORELLI’S MANDOLIN („Corellis Mandoline“, 2001), David von Anckens
Western SERAPHIM FALLS („Seraphim Falls“, 2006), Sebastian Gutierrez’ Fantasy-Drama RISE:
BLOOD HUNTER („Rise: Blood Hunter“, 2007), Ben Afflecks Regiedebüt GONE BABY GONE („Gone
Baby Gone - Kein Kinderspiel“, 2007), Ben Stillers Komödie TROPIC THUNDER („Tropic Thunder“,
2008) und bei Guillermo Arriagas Familiendrama THE BURNING PLAIN („Auf brennender Erde“, 2009).
Mit THE LAST SAMURAI („Last Samurai“, 2003), erneut inszeniert von Edward Zwick, kehrte er zu den
epischen Historiendramen zurück, die ihn zehn Jahre zuvor bekannt gemacht hatten. Ein deutliches
Signal, dass er auch in anderen Genres arbeiten wollte, waren auch die nostalgische Zeitreise ALMOST
FAMOUS („Almost Famous - Fast berühmt“, 2000), der Thriller VANILLA SKY („Vanilla Sky“, 2001) und
die romantische Komödie ELIZABETHTOWN („Elizabethtown“, 2005) – alle inszeniert von Cameron
Crowe.
Seine Variabilität in der Lichtsetzung völlig unterschiedlicher Filme stellte John Toll, der für seine
Kameraarbeit beim Pilotfilm zur erfolgreichen AMC-Serie „Breaking Bad“ für den Emmy ® in der
Kategorie „Outstanding Cinematography for a One-Hour Series“ vorgeschlagen wurde, erneut unter
Beweis bei Nancy Meyers’ mit Meryl Streep, Alec Baldwin und Steve Martin besetzter Komödie IT’S
COMPLICATED („Wenn Liebe so einfach wäre“, 2009) sowie bei George Nolfis Philip-K.-Dick-Adaption
THE ADJUSTMENT BUREAU („Der Plan“, 2011).
Nach CLOUD ATLAS wird mit Peter Hedges’ Dramödie THE ODD LIFE OF TIMOTHY GREEN 2012 ein
weiterer von Toll fotografierter Film seine internationale Premiere feiern. Für nächstes Jahr ist der Start
von Shane Blacks Comicsequel IRON MAN 3 geplant, an dem John Toll derzeit arbeitet.
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FRANK GRIEBE (Kamera)
Frank Griebe ist einer der profiliertesten, international bekanntesten deutschen Kameramänner und hat
bei allen Filmen Tom Tykwers die Licht- und Bildgestaltung übernommen. Für Tykwers
Bestsellerverfilmung DAS PARFUM - DIE GESCHICHTE EINES MÖRDERS (2006) wurde er für die
„Beste Kamera“ mit dem Europäischen Filmpreis sowie dem Deutschen Filmpreis ausgezeichnet.
Seine ersten beiden Deutschen Filmpreise hatte er für Peter Lichtefelds Roadmovie
ZUGVÖGEL...EINMAL NACH INARI (1998) und für Tykwers Welterfolg LOLA RENNT (1998),
schließlich einen weiteren für Tykwers Lebensreigen WINTERSCHLÄFER (1997) bekommen. Für den
Wuppertaler Regisseur fotografierte der gebürtige Hamburger auch das Drama DER KRIEGER UND
DIE KAISERIN (2000), wurde dafür für den Europäischen Filmpreis vorgeschlagen, sowie HEAVEN
(„Heaven“, 2002). Für die Licht- und Bildgestaltung dieser ungewöhnlichen Liebesgeschichte erhielt
Griebe den Preis der Deutschen Filmkritik in der Kategorie „Beste Kamera“ sowie Nominierungen für
den Deutschen Kamerapreis und den Europäischen Filmpreis. Vor CLOUD ATLAS gehörte Griebe auch
zum Kreativteam von Tykwers Thriller THE INTERNATIONAL („The International“, 2009) und dem Film
DREI (2010), die bei den Internationalen Filmfestspielen von Venedig uraufgeführt wurde.
Zu seinen weiteren wichtigen Filmen zählen Sebastian Schippers Regiedebüt ABSOLUTE GIGANTEN
(1999), Doris Dörries Beziehungsfilm NACKT (2002), Leander Haußmans schräge Komödie HERR
LEHMANN (2003) und Helmut Dietls Satire ZETTL (2012). Darüber hinaus stand er auch bei einigen
Dokumentarfilmen hinter der Kamera, so bei Sönke Wortmanns Hit DEUTSCHLAND. EIN
SOMMERMÄRCHEN (2006) sowie bei Julian Benedikts PLAY YOUR OWN THING: DIE GESCHICHTE
DES EUROPÄISCHEN JAZZ (2006) und SEHNSUCHT NACH SCHÖNHEIT (2012).
Seine Karriere hatte Griebe mit einer Lehre als Filmkopienfertiger begonnen. Von 1984 bis 1986 machte
er seine Ausbildung zum staatlich geprüften Kameraassistenten, arbeitete in den folgenden Jahren mit
Kameramännern wie Herbert Müller, Michael Teutsch, Jürgen Jürges und Erling-Thurmann Andersen
zusammen, drehte mit ihnen TV- und Kinofilme, Dokumentationen und Werbefilme. Mit Tom Tykwers
visuell kreativen Psychothriller DIE TÖDLICHE MARIA (1993) setzte er das Licht bei seinem ersten
Spielfilm, erhielt dafür auf Anhieb den Kodak-Förderpreis. Für sein Gesamtwerk wurde er 2002 mit dem
Marburger Kamerapreis geehrt, unter dessen Preisträgern sich prominente Kollegen wie Robby Müller
und Slawomir Idziak finden. Franka Potentes in Stummfilmästhetik gehaltenes Regiedebüt, der Kurzfilm
DER DIE TOLLKIRSCHJE AUSGRÄBT (2006), brachte ihm und seiner Regisseurin zudem den Adolf-
Grimme-Preis ein.
HUGH BATEUP (Produktionsdesign)
Hugh Bateup startete Anfang der 1980er Jahre seine Laufbahn im Filmgeschäft, gehörte zum
Handwerkerteam von George Millers mit Kirk Douglas besetztem Hit THE MAN FROM SNOWY RIVER
(„Snowy River“, 1982). In der Folge arbeitete der gebürtige Australier als Bauarbeiter und schließlich
auch Bauleiter an vielen TV-Produktionen und Spielfilmen mit, bis er bei Nadia Tass’ Komödienhit THE
BIG STEAL („Big Steal - Jaguars klaut man nicht“, 1990) erstmals als Ausstatter tätig wurde. Diesen
wichtigen Kreativposten bekleidete er in den nächsten zehn Jahren bei mehr als 15 australischen
Produktionen und einigen ausländischen Filmprojekten. Darunter fallen P.J. Hogans Erfolgskomödie
MURIEL’S WEDDING („Muriels Hochzeit“, 1994), Michael Rymers Liebesdrama ANGEL BABY („Angel
Baby“, 1995), Mark Joffes Dramödie COSI („Cosi“, 1996) und Lana und Andy Wachowskis Science-
Fiction-Hit THE MATRIX („Matrix“, 1999).
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Bei den Fortsetzungen der „Matrix“-Trilogie, THE MATRIX RELOADED („Matrix Reloaded“, 2003) und
THE MATRIX REVOLUTIONS („Matrix Revolutions“, 2003) stieg Bateup zum Supervising Art Director
auf, übernahm diesen Posten auch bei Bryan Singers aufwändigem Comic-Reboot SUPERMAN
RETURNS („Superman Returns“, 2006).
CLOUD ATLAS ist sein erster Spielfilm, bei dem er als Produktionsdesigner verantwortlich zeichnet.
ULI HANISCH (Produktionsdesign)
Uli Hanisch ist einer der profiliertesten und gefragtesten deutschen Produktionsdesigner und ein
langjähriger Mitarbeiter Tom Tykwers. Für dessen Patrick-Süskind-Verfilmung DAS PARFUM - DIE
GESCHICHTE EINES MÖRDERS (2006) wurde Hanisch in der Kategorie „Bestes Szenenbild“ mit dem
Europäischen, dem Deutschen sowie dem Bayerischen Filmpreis ausgezeichnet. Einen weiteren
Deutschen Filmpreis erhielt Hanisch für Oliver Hirschbiegels Drama DAS EXPERIMENT (2001).
Begonnen hatte die Zusammenarbeit bei Tykwers zweitem Kinofilm, dem ambitioniert erzählten Drama
WINTERSCHLÄFER (1997). Fortgesetzt wurde sie mit dem Beziehungsdrama DER KRIEGER UND
DIE KAISERIN (2000), der ungewöhnlichen Liebesgeschichte HEAVEN („Heaven“, 2002) und
schließlich mit DREI (2010), einem Film über ein Liebesdreieck der überraschenden Art.
Uli Hanisch wurde 1967 in Nürnberg geboren, studierte in Düsseldorf Visuelle Kommunikation und
arbeitete nach seinem Abschluss als selbständiger Grafikdesigner für verschiedene Werbeagenturen.
Die Horrorkomödie MENU TOTAL (1986) markierte seine erste Zusammenarbeit mit Christoph
Schlingensief, dessen Satire 100 JAHRE ADOLF HITLER - DIE LETZTEN STUNDEN IM
FÜHRERBUNKER (1989) sein erstes Engagement als Szenenbildner. Es folgten Schlingensiefs
satirische Komödien DAS DEUTSCHE KETTENSÄGENMASSAKER (1990), TERROR 2000 -
INTENSIVSTATION DEUTSCHLAND (1994) und UNITED TRASH (1996).
Mehrfach war der Nürnberger auch für den Mühlheimer Helge Schneider tätig, gehörte so zum Team
von Ralf Huettners Hit TEXAS - DOC SNYDER HÄLT DIE WELT IN ATEM (1993) und den von
Schneider selbst inszenierten Komödien 00 SCHNEIDER – JAGD AUF NIHIL BAXTER (1994) und
PRAXIS DR. HASENBEIN (1997). Zu den weiteren wichtigen Filmen, an denen er mitarbeitete, zählen
Peter Greenaways Arthouse-Hit THE BABY OF MACON („Das Baby von Macon“, 1993), Enki Bilals
Science-Fiction-Drama TYKHO MOON („Tykho Moon“, 1996), Friedemann Fromms Drama
SCHLARAFFENLAND (1999), die beiden Max-Färberböck-Inszenierungen AIMEE & JAGUAR (1999)
und ANONYMA - EINE FRAU IN BERLIN (2008) sowie Sönke Wortmanns Hit DAS WUNDER VON
BERN (2003).
Zuletzt war Hanisch, der auch für das Szenenbild von Jo Baiers TV-Drama „Stauffenberg“
verantwortlich zeichnete, Produktionsdesigner von Dominic Senas mit Nicolas Cage in der Hauptrolle
vorwiegend in Ungarn gedrehtem Horrordrama SEASON OF THE WITCH („Der letzte Tempelritter“,
2011) und von Leander Haußmanns Komödie HOTEL LUX (2011), für die er erneut für den Deutschen
Filmpreis vorgeschlagen wurde. Bei Haußmanns Inszenierung von Henrik Ibsens Drama
„Rosmersholm“ an der Volksbühne in Berlin entwarf Hanisch im Herbst 2011 auch sein erstes
Bühnenbild fürs Theater.
Darüber hinaus unterrichtet er seit 2001 im Fachbereich Design an der Internationalen Filmschule in
Köln. Nach CLOUD ATLAS hat er sich bereits seinem nächsten Projekt zugewendet, Charlie Strattons
international besetzter Émile-Zola-Verfilmung THÉRÈSE RAQUIN.
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ALEXANDER BERNER (Schnitt)
Alexander Berner wurde 1966 in München geboren, verbrachte einen Großteil der 1980er Jahre in
London. Dort wurde er bei der Firma PLB Ltd. in Computergrafik ausgebildet, bevor er bei New Decade
Productions Ltd. als Film- und Videocutter arbeitete. Dabei lag sein Schwerpunkt auf dem Schnitt von
Filmen, die Unternehmen in Auftrag gaben, außerdem schnitt er Dokumentarfilme, Werbespots und
schließlich auch Musikvideos, die von MTV ausgestrahlt wurden.
Nachdem er 1988/1989 in San Francisco bei INHERITANCE, einer Dokumentation über eine
multikulturelle Rockband, Regie geführt hatte, ging er nach Deutschland zurück und übernahm den Bild-
oder auch Tonschnitt von Kinofilmen, Dokumentationen, Werbespots und Filmtrailern. Für seinen ersten
großen deutschen Kinofilm, Joseph Vilsmaiers Drama SCHLAFES BRUDER (1995), wurde Berner auf
Anhieb mit dem Deutschen Filmpreis ausgezeichnet. Der zweite folgte mit Tom Tykwers
Bestsellerverfilmung DAS PARFUM - DIE GESCHICHTE EINES MÖRDERS (2006), eine Produktion
von Bernd Eichinger.
Darüber hinaus schnitt Berner eine Reihe weiterer Filme, in die Eichinger als Produzent, Regisseur,
Autor oder Verleiher involviert war. Darunter fallen Thomas Jahns Hit KNOCKIN’ ON HEAVEN’S DOOR
(1997), Eichingers Drama DER GROSSE BAGAROZY (1999), Paul W.S. Andersons Franchise-
Ouvertüre RESIDENT EVIL („Resident Evil“, 2002) und Uli Edels für den Oscar ® als „Bester
fremdsprachiger“ Film nominiertes Drama DER BAADER MEINHOF KOMPLEX (2008).
Zu seinen anderen wichtigen Filmen zählen Roland Emmerichs Abenteuerfilm 10.000 B.C. („10.000
B.C.“, 2008), John Maddens Thriller THE DEBT („Eine offene Rechnung“, 2010) und zwei weitere
Projekte für Paul W.S. Anderson, das Science-Fiction-Horror-Drama ALIEN VS. PREDATOR („Alien vs.
Predator“, 2004) sowie die Abenteuerkomödie THE THREE MUSKETEERS („Die drei Musketiere“,
2011), Berners erstes 3D-Projekt.
KYM BARRETT (Kostüme)
Ihre Karriere begann Kym Barrett am Theater. Nach acht Jahren Tätigkeit als Kostümdesignerin fand
Barrett durch ihren australischen Landsmann Baz Luhrmann den Weg ins Filmgeschäft. Nach einer
Assistenz im Kostümteam von Luhrmanns Regiedebüt STRICTLY BALLROOM („Strictly Ballroom - Die
gegen die Regeln tanzen“, 1992) entwarf sie für Luhrmanns Nachfolgehit WILLIAM SHAKESPEARES
ROMEO & JULIET („William Shakespeares Romeo & Julia“, 1996) erstmals alleinverantwortlich die
Kostüme. Dafür ehrte sie die Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films mit einer
Nominierung für den Saturn Award.
Danach zog sie in die USA, arbeitete an Werbespots, bis Regisseur Jake Kasdan sie für sein
Psychodrama ZERO EFFECT („Zero Effect“, 1998) verpflichtete. Kasdans Chefkameramann Bill Pope
war von ihren Kostümen so beeindruckt, dass er die Australierin für sein neues Projekt empfahl. So
begann Barretts Zusammenarbeit mit Lana und Andy Wachowski, die von THE MATRIX („Matrix“, 1999)
über die beiden Fortsetzungen, THE MATRIX RELOADED („Matrix Reloaded“, 2003) und THE MATRIX
REVOLUTIONS („Matrix Revolutions“, 2003), schließlich auch zu SPEED RACER („Speed Racer“,
2008) und nun CLOUD ATLAS führte.
Darüber hinaus entwarf sie die Kostüme für David O’Russells Kriegsdrama THREE KINGS („Three
Kings“, 1999), Anthony Hoffmans Science-Fiction-Drama RED PLANET („Red Planet“, 2000), Allen und
Albert Hughes’ Horrordrama FROM HELL („From Hell“, 2001), das ihr eine Nominierung für den Golden
Satellite Award einbrachte, Mathieu Kassovitz’ Horrorthriller GOTHIKA („Gothika“, 2003), Rob Reiners
Komödie RUMOR HAS IT („Wo die Liebe hinfällt“, 2005), Robert Luketics Komödie MONSTER IN LAW
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(„Das Schwiegermonster“, 2005), sowie Stefen Fangmeiers Fantasy-Abenteuer ERAGON („Eragon -
Das Vermächtnis der Drachenreiter“, 2006), für das sie für den Preis ihrer Gilde, für den Costume
Designers Guild Award, vorgeschlagen wurde.
Auch ihre jüngsten Projekte zeigen das große Spektrum der Kostümdesignerin, die auch zum Team von
Roger Spottiswoods Drama THE CHILDREN OF HUANG („Die Kinder der Seidenstraße“, 2008), von
Scott Derricksons Science-Fiction-Remake THE DAY THE EARTH STOOD STILL („Der Tag, an dem
die Erde stillstand“, 2008), von Michel Gondrys Comickomödie THE GREEN HORNET („The Green
Hornet“, 2011) und von Marc Webbs erfolgreichem Comic-Reboot THE AMAZING SPIDER-MAN („The
Amazing Spider-Man“, 2012) gehörte.
PIERRE-YVES GAYRAUD (Kostüme)
Pierre-Yves Gayraud ist einer der gefragtesten Kostümdesigner Frankreichs. Seit seinem ersten
Spielfilm, Eric Barbiers preisgekröntem Bergarbeiterdrama LE BRASIER („Höllenglut“, 1991) hat er für
über 40 Kinofilme die Kostüme entworfen, darunter auch für Regis Wargniers für den Oscar ® als „Bester
fremdsprachiger Film“ ausgezeichnetes Epos INDOCHINE („Indochine“, 1992) und für Doug Limans
Agententhriller THE BOURNE IDENTITY („Die Bourne Identität“, 2002).
Vor CLOUD ATLAS war der Franzose bereits Kostümdesigner von Tom Tykwers Patrick-Süskind-
Adaption DAS PARFUM - DIE GESCHICHTE EINES MÖRDERS (2006) und wurde dafür mit dem
Deutschen Filmpreis ausgezeichnet. Auch für die beiden Beiträge aus der Kurzfilmanthologie PARIS,
JE T’AIME („Paris, je t’aime“, 2006), die von Tykwer bzw. Ethan und Joel Coen inszeniert wurden,
entwarf Gayraud die Kostüme.
Des Weiteren kleidete er Leonardo DiCaprio für Agnieszka Hollands Drama TOTAL ECLIPSE („Total
Eclipse“, 1995), Sophie Marceau für Jean-Paul Salomés Horrordrama BELPHÉGOR: LE FANTOME DU
LOUVRE („Belphégor: Das Phantom des Louvre“, 2001), Guy Pearce für Jean-Jacques Annauds
Abenteuerfilm DEUX FRÈRES („Zwei Brüder“, 2004), William Hurt und Julie Delpy für Delpys
Horrordrama THE COUNTESS („Die Gräfin“, 2009), Milla Jovovich und Orlando Bloom für Paul W.S.
Andersons Abenteuerkomödie THE THREE MUSKETEERS („Die drei Musketiere“, 2011), sowie Glenn
Close, Janet McTeer und Mia Wasikowska für Rodrigo Garcias Drama ALBERT NOBBS (2011) ein.
Pierre-Yves Gayrauds nächstes Projekt nach CLOUD ATLAS wird Charlie Strattons mit Elizabeth
Olsen, Jessica Lange und Tom Felton besetzte Émile-Zola-Verfilmung THÉRÈSE RAQUIN sein.
DAN GLASS (Visual Effects Supervisor)
Seit Mitte der 1990er Jahre hat Dan Glass an den Effekten von zahllosen großen
Hollywoodproduktionen mitgearbeitet, darunter zuletzt an Terrence Malicks bei den Internationalen
Filmfestspielen von Cannes mit der Goldenen Palme prämiertem Drama THE TREE OF LIFE („The
Tree of Life“, 2011).
Als Visual Effects Supervisor betreute er in den letzten zehn Jahren Christopher Nolans Comic-Reboot
BATMAN BEGINS („Batman Begins“, 2005), sowie eine Reihe von Filmen, in die Lana und Andy
Wachowski involviert waren. Darunter fallen die Science-Fiction-Fortsetzungen THE MATRIX
RELOADED („Matrix Reloaded“, 2003) und THE MATRIX REVOLUTIONS („Matrix Revolutions“, 2003)
sowie SPEED RACER, die von den Wachowskis inszeniert wurden, wie auch James McTeigues Drama
V FOR VENDETTA („V wie Vendetta“, 2005), das die Wachowskis produzierten.
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2010 schloss sich Glass den Method Studios, einer weltweit operierenden Postproduktionsfirma, an,
überwachte als Senior Creative Director alle Filmprojekte und Werbefilme, für die die Company
engagiert wurde. Ein Jahr später wurde er zum Executive Vice President der Effektschmieden ernannt,
die die Firma in ihren Niederlassungen in Los Angeles, Vancouver, New York, London, Sydney und
Melbourne unterhält.
Nach seinem Architekturstudium am University College London hatte Dan Glass seine Karriere in der
Spezialeffektbranche bei der Computer Film Company in London begonnen. Dort lernte er seinen
heutigen Beruf von der Pike auf, begann seine Ausbildung als Bote und Filmvorführer, arbeitete dann
als Computergrafiker, Programmierer und Effect-Compositor.
Im Laufe seiner Karriere konnte Glass, der in Los Angeles lebt und arbeitet, in den verschiedensten
Tätigkeitsbereichen Kontakte und Beziehungen zu vielen renommierten Regisseuren aufbauen. Für
seine Leistungen erhielt er zahllose Auszeichnungen, darunter zuletzt den Award der Visual Effects
Society (VES) für die herausragenden visuellen Effekte zum extrem aufwändigen Werbefilm „Deliver
Hope“ für das Computerspiel „Halo: Reach“.
JOHNNY KLIMEK, REINHOLD HEIL (Musik)
Der in Los Angeles lebende Film- und Fernsehkomponist und Musikproduzent Johnny Klimek wurde
1962 im australischen Melbourne geboren. 1983 zog er nach Berlin, wo er die Band The Other Ones
gründete. Auf Richard Bransons Musiklabel Virgin Records brachte es die Band zu weltweiten
Charterfolgen. 1987 nahm er sein eigenes Tonstudio in Berlin in Betrieb und begann als Produzent für
Berliner Undergroundkünstler zu arbeiten, darunter zahlreiche Ikonen der Technokultur wie Dr. Motte
und Paul van Dyk.
Der in Los Angeles lebende Film- und Fernsehkomponist und Multi-Instrumentalist Reinhold Heil wuchs
im Hessischen Schlüchtern auf. Mit 19 Jahren zog er nach Berlin, um dort klassische Musikproduktion
und Klavierspiel zu studieren. In Berlin angekommen, wurde er besonders von der pulsierenden Punk-
Szene angezogen. Dort traf er auf Nina Hagen, die damals die Berliner Undergroundszene mit ihrem
wegweisenden Musikstil durcheinanderwirbelte. In der legendären Nina Hagen Band wurde Heil ihr
Keyboarder, Co-Texter und Co-Produzent. Nachdem Hagen die Gruppe verließ, gründeten die
verbleibenden Bandmitglieder Spliff, eine der erfolgreichsten deutschen Rockbands der 80er.
Mitte der 90er Jahre trafen Reinhold Heil und Johnny Klimek erstmals aufeinander und beschlossen, ihr
kreatives Schaffen zu bündeln. Ihre Karriere erreichte eine neue Stufe, als sie von Regisseur Tom
Tykwer gebeten wurden, ihn bei der Vertonung seines zweiten Spielfilms WINTERSCHLÄFER zu
unterstützen. Zwei Jahre später vertonte das Trio Tykwers internationalen Kinoerfolg LOLA RENNT.
Der Erfolg der innovativen elektronischen Filmmusik von LOLA RENNT ließ Hollywood auf die beiden
aufmerksam werden und etablierte Klimek und Heil fest in der Filmwelt.
Neben ihrer langjährigen Partnerschaft mit Tykwer, die sich bis heute über sieben Filme erstreckt -
darunter CLOUD ATLAS, DAS PARFÜM: DIE GESCHICHTE EINES MÖRDERS und THE
INTERNATIONAL - haben Heil und Klimek bei zahlreichen weiteren Filmen zusammengearbeitet,
darunter ONE HOUR PHOTO mit Robin Williams, den Golden Globe Nominierten HBO Film Alice Paul -
Der Weg ins Licht, LAND OF THE DEAD von Horror Kultregisseur George A. Romero, SOPHIE
SCHOLL: DIE LETZTEN TAGE, der als Bester ausländischer Film bei den Oscars nominiert wurde, der
Action-Thriller KILLER ELITE mit Jason Stratham, Robert DeNiro und Clive Owen und der Spielfilm I,
FRANKENSTEIN mit Aaron Eckhart, der nächstes Jahr ins Kino kommt.
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