Pierre Bonnard - Druckservice HP Nacke KG

DIE BESTE ZEIT 

Das Magazin für Lebensart 

Wuppertal und Bergisches Land August/September 2010 - 3,50 Euro 

Pierre Bonnard 

Von der Heydt-Museum Wuppertal 

Zweimal „Tod in Florenz“ 

Opernhaus Wuppertal 

Von Wuppertal in die Welt 

Bodo Berheide: Die Figura magica 

Eleni - von Kai Schubert 

Wuppertaler Bühnen 

Licht fangen 

Karl Heinz Steckelings 

Ein Mond für die Beladenen 

Schauspielhaus Bochum 

Karl Otto Mühl 

Eine amüsante Erzählung 

Japan in einem Atemzug 

Michael Zeller 

Der glücklichste Mensch 

A. Steffens Portrait des Sammlers 

Da ist Musik drin 

Hochschule für Musik und Tanz 

Neue Kunstbücher 

Vorgestellt von Thomas Hirsch 

Kulturnotizen 

von Frank Becker und Andreas Rehnolt 

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Impressum 

Spielzeit 2010/2011 

WUPPERTAL SPIELT! 

START IN DIE SAISON 

11. September 2010 

14:00 Uhr //// AM SCHAUSPIELHAUS 

THEATERFAMILIENFEST 

Gratis, drinnen und draußen. 

20:00 Uhr //// HISTORISCHE STADTHALLE 

OPERNGALA* 

22:00 Uhr //// KLEINES SCHAUSPIELHAUS 

ERÖFFNUNGSPARTY* 

* Bitte Tickets reservieren 

Jetzt das Spielzeitbuch anfordern: 

info@wuppertaler-buehnen.de 

„Die beste Zeit“ erscheint in Wuppertal und im 

Bergischen Land 

Auflage 4.000 Exemplare 

Erscheinungsweise: 5 mal pro Jahr 

Verlag HP Nacke KG - Die beste Zeit 

Friedrich-Engels-Allee 122, 42285 Wuppertal 

Telefon 02 02 - 28 10 40 

E-Mail: verlag@hpnackekg.de 

V. i. S. d. P.: HansPeter Nacke und Frank Becker 

Erfüllungsort und Gerichtsstand Wuppertal 

Bildnachweise/Textquellen sind unter den 

Beiträgen vermerkt. 

Gastbeiträge durch Autoren spiegeln nicht 

immer die Meinung des Verlages und der Herausgeber 

wider. Für den Inhalt dieser Beiträge 

zeichnen die jeweiligen Autoren verantwortlich. 

Umschlagabbildung: Pierre Bonnard, 

Die weiße Tischdecke, Von der Heydt-Museum 

© VG Bild-Kunst, Bonn 2010 

Kürzungen bzw Textänderungen, sofern nicht 

sinnentstellend, liegen im Ermessen der 

Redaktion. Für unverlangt eingesandte Beiträge 

kann keine Gewähr übernommen werden. 

Nachdruck – auch auszugsweise – von Beiträgen 

innerhalb der gesetzlichen Schutzfrist nur mit der 

ausdrücklichen Genehmigung des Verlages. 

Trotz journalistischer Sorgfalt wird für Verzögerung, 

Irrtümer oder Unterlassungen keine 

Haftung übernommen. 

Ein Künstler wird im Gegensatz zum Dichter oder Musiker 

zum Marktobjekt gemacht. 

Und es ist nicht sehr befriedigend zu wissen, dass ein Bild, 

das eigentlich ein geistiges Konzentrat ist, 

als Wertobjekt gehandelt wird. 

[Anselm Kiefer] 

ERÖFFNUNGSPREMIEREN 

Ab 18. September 2010 //// KLEINES SCHAUSPIELHAUS 

MACBETH Tragödie von William Shakespeare 

Ab 19. September 2010 //// OPERNHAUS 

LA BOHÈME Oper von Giacomo Puccini 

Ab 1. Oktober 2010 //// OPERNHAUS 

DER KIRSCHGARTEN 

Komödie von Anton Tschechow 

WUPPERTALER BÜHNEN 

Oper //// Schauspiel 

wuppertaler-buehnen.de TICKET-HOTLINE (0202) 569 44 44

Editorial 

Liebe Leserinnen, liebe Leser, 

in den Iden des Juli ein Editorial zu schreiben, ist mit den Füßen im Wasser ein Vergnügen. 

Allzu leicht ersetzt sonst in diesen Sommertagen die Transpiration die Inspiration. 

Mit dem Einläuten der Sommerpause gilt für die Diskussion um die Zukunft der Wuppertaler 

Bühnen Marcel Reich-Ranickis Lieblingszitat: „ ... Und so sehen wir betroffen/Den Vorhang 

zu und alle Fragen offen“ (Der gute Mensch von Sezuan). 

Spätestens mit Beginn der neuen, ambitionierten Spielzeit der Bühnen am 2. Septemberwochenende 

wird die notwendige Diskussion über das vorliegende Actori-Gutachten wieder 

an Fahrt gewinnen. 

Ausgehend von der Fragestellung des Aufsichtsrates der Wuppertaler Bühnen: „Wieviel Theater 

kann sich Wuppertal zukünftig für einen jährlichen Zuschuss von 8,38 Mio. Euro leisten?“, 

haben die Münchner Kulturconsulter drei rechnerisch mögliche Szenarien entwickelt: Erhalt 

beider Sparten auf niedrigstem Niveau oder Konzentration auf Sprech- oder Musiktheater, 

verbunden mit der Darstellung der Möglichkeit von Kompensation für den Verlust der 

jeweiligen Sparte. Im Januar wird zudem das Ergebnis einer Untersuchung der 

Zusammenarbeit im Bereich Theater & Konzerte im Bergischen Städtedreieck vorliegen, 

welches vom Land mit 90 % bezuschusst wird. 

Die neue Landesregierung will die Sicherung der kommunalen Theater- und 

Orchesterlandschaft gleichfalls unterstützen und prüfen „... inwieweit und auf welchem Wege 

dazu die Erhöhung des Landesanteils möglich und notwendig ist.“ Dabei möchte man 

„strukturelle Erneuerungen und sinnvolle Kooperationen“ unterstützen. 

Die gleichfalls bedrohte Theaterlandschaft des Ruhrgebiets beabsichtigt zunächst mit einer 

Potentialanalyse seiner Theater in die neue Spielzeit zu starten, um bei Erhalt der kulturellen 

Vielfalt Möglichkeiten der Zusammenarbeit auszuloten, was ich sehr aufmerksam verfolge. 

Die Wuppertaler Kulturverwaltung wird im Herbst durch ein entsprechendes Diskussionsangebot 

den Versuch unternehmen, der Theaterdiskussion im Tal Struktur zu geben. 

Jenseits der Bühne ist die Wuppertaler Kulturszene dank einer Entscheidung der Politik, die 

gesetzten Finanzziele in Teilen nicht durch Kürzungen, sondern eine Verbesserung der Einnahmesituation 

zu erreichen, bis auf weiteres gut davongekommen. 

Im Gegensatz zu anderen Städten gibt es keine Einschränkungen des Bibliotheksangebotes und 

eine Förderung der freien Kulturszene wird in unveränderter Höhe fortgesetzt. 

Außerdem wird im Herbst eine auf Wuppertaler Anregung in Auftrag gegebene Bestandsanalyse 

zum Thema Kultur-und Kreativwirtschaft im Bergischen Städtedreieck der 

Bergischen Entwicklungsagentur vorgelegt werden können, worüber ich sehr froh bin. Erstmals 

wird dann qualitativ und quantitativ Klarheit darüber herrschen, welchen Stellenwert 

die Kreativen im bergischen Wirtschaftsleben einnehmen. Wer seine Stärken stärken möchte, 

muss sie auch kennen und auch die IHK begrüßt eine solche, überfällige Potentialanalyse. 

Salomon Bausch zeichnet für das kürzlich öffentlich vorgelegte Konzept der Pina Bausch 

Stiftung Pina lädt ein - Ein Archiv als Zukunftswerkstatt verantwortlich, welches von der 

Stadtverwaltung uneingeschränkt unterstützt wird. Ich bin zuversichtlich, dass es gelingen 

kann die Gespräche zwischen Land, Bundeskulturstiftung und Stadt Wuppertal zu einem 

guten Abschluss zu führen, auch wenn wir zur Verwirklichung dieses Zukunftsprojektes zwingend 

auf die großherzige Unterstützung Dritter einmal mehr angewiesen sein werden. 

Freuen Sie sich zunächst auf den Herbst mit Bühnen & Orchester, die Bonnard - Ausstellung 

im Von der Heydt-Museum ab dem 14. 09. und die Ausstellung Licht fangen im Historischen 

Zentrum zur Geschichte der Photographie im 19. Jhdt. aus der Wuppertaler Sammlung 

K. W. Steckelings, der bedeutensten ihrer Art in Deutschland. 

Ihnen wünsche ich einstweilen eine erholsame Sommerfrische und viel Vergnügen bei der 

Lektüre von HP Nackes und Frank Beckers Die beste Zeit – es lohnt sich. 

Ihr Matthias Nocke 

Beigeordneter der Stadt Wuppertal 

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4 

1/8 

Keine Angst vor Berührung 

In den schwersten Stunden 

lassen wir Sie nicht allein. 

Barbara Neusel-Munkenbeck und die Urne “moi“ 

seit 1813 

Alles hat seine Zeit. 

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Inhalt 

Heft 5 August/September 2010 

Pierre Bonnard – Magier der Farbe 

Von der Heydt-Museum, Wuppertal 

von Beate Eickhoff Seite 6 


„Eine florentinische Tragödie“ und 

„Gianni Schicchi“. 

Opernhaus Wuppertal Seite 14 


Bodo Berheide: Die Figura magica 

von Susanne Buckelsfeld Seite 18 

Griechisch und ernst und doch 

keine Tragödie 

„Eleni“ - von Kai Schubert 

Wuppertaler Bühnen Seite 21 

Licht fangen 

Karl Heinz Steckelings: Filme macher, 

Photograph und Sammler 

von Heiner Bontrup Seite 23 

Von der Unmöglichkeit der Liebe 

Eugene O‘Neills 

„Ein Mond für die Beladenen“ 

Schauspielhaus Bochum Seite 26 

Was Bodos Frau zum Geruch... 

... von Fräulein Tückmantel sagte 

Eine amüsante Erzählung von 

Karl Otto Mühl Seite 28 


Michael Zeller - Siebzehn Silben 

sind so lang wie ein Atemzug Seite 31 


Andreas Steffens 

Portrait des Sammlers Seite 41 


Begegnungen in der Hochschule für 

Musik und Tanz Köln 

Standort Wuppertal von Marlene Baum Seite 45 

Nicht nur der offizielle Dienst… 

Sinfonieorchester Wuppertal 

von Antje Riewe Seite 49 


Vorgestellt von Thomas Hirsch Seite 50 

Kulturnotizen 

von Frank Becker und Andreas Rehnolt Seite 52

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14. September 2010 

– 30. Januar 2011 



Das Abenteuer der modernen Kunst begann mit den Impressionisten. Und schon die 

Malergeneration, die auf Monet, Renoir und Sisley folgte, machte sich an die Überwindung 

jenes heftig umstrittenen Malstils, der vielen als zu flüchtig, zu ephemer, zu 

modisch galt. Auch für Pierre Bonnard war die Wiedergabe der Wirkung des Lichtes 

oberstes Gebot, doch suchte er – ähnlich wie die Pointillisten – nach einer Malerei, die 

Bestand haben sollte und unabhängig war von Willkür und Zufall, welche die Erscheinung 

der Dinge und Menschen in der Realität bestimmen. 

Das Von der Heydt-Museum Wuppertal widmet diesem „Magier der Farbe“ jetzt eine 

große Ausstellung, die alle Perioden seines außergewöhnlich reichen Schaffens umfasst 

und Verbindungslinien zieht zu seinen Künstlerfreunden, zu seinen Vorbildern und zu 

Künstlern, die von Bonnards Werk beeinflusst waren. Anhand von mehr als 180 Gemälden, 

Zeichnungen, Graphiken und Photographien werden Bonnards umfangreiches 

Œuvre und die Stationen seines Werdegangs vorgeführt. 

Pierre Bonnard (1867-1947) begann seine Karriere zunächst, dem Willen seines Vaters 

folgend, mit einem Jurastudium, das er 1888 bereits abschloss. Gleichzeitig schrieb er 

sich an der Académie Julian ein, wo er den Malern Paul Sérusier, Maurice Denis, Gabriel 

Ibels und Paul Ranson begegnete. Im Jahre 1889 erhielt er die Zulassung für den Besuch 

der Ecole des Beaux-Arts, wo er Edouard Vuillard traf. Mit Denis und Vuillard teilte er 

sich 1891 ein Atelier. 

Die Dämmerung am Uhlenhorster Fährhaus, Hamburg / Abend am Ufer, 1913, Öl auf Holz, 50 x 65,5 cm, Hamburger Kunsthalle, 

©VG Bild-Kunst, Bonn 2010

Der rote Morgenmantel, Le peignoir rouge, 1914, Öl auf Leinwand, 63 x 48 cm, Privatsammlung New York, © VG Bild-Kunst, Bonn 2010 

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8 

Van Gogh, Cézanne und Monet studierte 

er, der japanische Holzschnitt – wegen 

der beeindruckenden Vereinfachung der 

Linie und dem gewagten Gebrauch heller 

Farben – faszinierte ihn. Gauguin aber war 

derjenige, der in seinem Freundeskreis 

den größten Eindruck hinterließ. Mit Anfang 

zwanzig (1888) war er Mitbegründer 

einer Künstlergruppe, die sich Nabis 

nannte, nach dem hebräischen Wort für 

„Propheten, Erleuchtete“. „Als meine 

Freunde und ich die Untersuchungen der 

Impressionisten verfolgten und versuchen 

wollten, sie weiterzuentwickeln, strebten 

wir danach, ihre naturalistischen Farbeindrücke 

zu überwinden. Die Kunst ist 

doch nicht die Natur! Wir gingen strenger 

mit der Komposition um. Außerdem 

konnte man noch viel mehr aus der Farbe 

als Ausdrucksmittel herausholen …“, sagte 

Bonnard 1937. Gemeinsam war diesen 

Malern, dass sie das Bild als eine Fläche 

begriffen, die mit Farben in bestimmten 

Anordnungen bedeckt ist. Unter dem 

Einfluss Gauguins bevorzugten sie leuchtende 

Farbpartien in hart gegeneinander 

gesetzten, oft durch Linien abgetrennten 

Flächen. Der lineare Stil, den die Nabis 

pflegten, aber auch ihre Hinwendung zu 

grafischen Techniken, legt eine Verwandtschaft 

zu den sich gleichzeitig entwickelnden 

Richtungen von Art Nouveau und 

Symbolismus nahe. 

Den Malern Maurice Denis, Paul Sérusier 

und Jan Verkade ging es nicht allein um 

eine Verfestigung des impressionistischen 

Malstils. Mit den mythologischen und 

religiösen Motiven, die sie aufnahmen, 

hatte auch das Sujet bei ihnen eine neue 

Bedeutung. Bonnard dagegen beobachtet 

das moderne Leben: Straßenszenen in Paris 

oder Frauen und Kinder im häuslichen 

Umfeld. Eine Figur tritt in den Bildern 

dieser Zeit immer wieder auf, Misia 

Natanson, die Muse der Nabis, so zum 

Beispiel in fast fotografischer Nahaufnahme 

beim Frühstück mit Kindern. 

Während die Nabis zwischen 1891 und 

1899 ihre größten Erfolge hatten, trennte 

Bonnard sich frühzeitig von ihnen. 1891 

stellt er im „Salon des Indépendants“ mit 

fünf Gemälden aus, 1896 fand seine erste 

Einzelausstellung in der Galerie Durand- 

Ruel statt. Bonnard, der alle Aufträge 

von der Zeitschriftenillustration über 

Einbände bis hin zu Theaterdekorationen 


übernahm, schuf zudem ein umfangreiches 

druckgrafisches Werk. Berühmt 

wurden seine Farblithografien. Sein Plakat 

«France-Champagne» brachte ihm 1891 

den großen Erfolg ein, der ausschlaggebend 

dafür war, dass er seine Laufbahn als 

Jurist vollends aufgab. 

Der Maler wohnte zunächst am Montmartre, 

mit Toulouse-Lautrec stand er in 

Kontakt. Toulouse-Lautrec und Bonnard, 

das ist Frankreich zur Zeit der Jahrhundertwende, 

wobei letzterer das bürgerliche 

Leben eher in privaten, geradezu intimen 

Szenen spiegelt. Und seinem großen 

Malerkollegen Auguste Renoir ähnlich, 

beschäftigten Bonnard zunehmend eher 

die zeitlosen Themen: die Landschaft 

und der weibliche Akt. 1911 kaufte er 

ein Haus an der Seine, in der Nähe von 

Giverny, wo Monet lebte. Nicht mehr die 

Stadt, sondern idyllische Szenen, beschauliche 

Blumengärten, Segelboote, Akte und 

Interieurs bevorzugte er nun. Auch das 

Selbstporträt spielte eine große Rolle. 

Bekannt ist seine Serie der Badezimmer- 

Stücke. Modell war in der Regel seine 

Frau Marthe, die er bereits 1893 kennen 

lernte. In den Bildern mit Wanne, Wasser, 

Tuch und Spiegel erscheint die Badende 

hell und frisch, in geklärter Atmosphäre 

und mit kühler Distanz betrachtet. 

Voyeurismus und weibliche Attraktivität 

sind nicht sein Thema. Bonnards 

Innenraumszenen strahlen mehr Ruhe 

als Leidenschaft aus. Deutlich wird, 

dass es ihm um die Malerei ging, darum 

„nicht das Leben abzubilden, sondern 

die Malerei lebendig werden zu lassen“. 

Die Betonung liegt bei seinen Bildern auf 

einem sinnlichen Effekt, der sich ganz auf 

das Visuelle konzentriert. 

Seit 1899 reiste Bonnard viel, zumeist mit 

Vuillard nach England, Belgien, Holland, 

Spanien und Italien, nach Algerien und 

Tunesien. Häufig hielt er sich in Südfrankreich 

auf. 1926 wurde er Mitglied 

der Carnegie-Jury und er besuchte 

Pittsburgh, Philadelphia, Washington, 

New York und Chicago. Ebenfalls 1926, 

nach zahlreichen Aufenthalten im Süden 

Frankreichs, kaufte Pierre Bonnard ein 

kleines Haus in Le Cannet bei Cannes, 

das er „Le Bosquet“ [Das Wäldchen] 

nannte. Von 1939 an lebte er dort zurückgezogen 

bis zu seinem Tode 1947. 

Die Retrospektive im Von der Heydt- 

Plakat für „France-Champagne“ 

France-Champagne, 1891 

Lithografie, 78 x 50 cm 

Bibliothèque nationale de France 


Die kleine Wäscherin, 1896 

Farblithografie, 29,7 x 19,7 cm 

Szépmüvészeti Múzeum, Budapest 

© VG Bild-Kunst, Bonn 2010

Der Schleppkahn, um 1892, Öl auf Leinwand, 26,5 x 19 cm, Privatsammlung, © VG Bild-Kunst, Bonn 2010 

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Stehender Akt, Rückenansicht Nu debout vu de dos, 1913 

Öl auf Leinwand, 80 x 51 cm, Privatbesitz 


Die weiße Tischdecke (Das Esszimmer), 

Öl auf Leinwand, 100 x 109 cm 


© VG Bild-Kunst, Bonn 2010

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Badende am Ende des Tages - Baigneurs à la fin du jour, 1945-1946, Öl auf Leinwand, 48,5 x 59,5 cm, 

Fotonachweis: Musée Bonnard, Le Cannet, Georges Auclaire, Privatbesitz, © VG Bild-Kunst, Bonn 2010 

Museum setzt ein mit den Werken großer 

Vorbilder, Bonnards Interesse an der 

zeitgenössischen Amateurfotografie und 

am japanischen Farbholzschnitt. Der 

Paravent „Promenade des nourrices, frise 

des fiacres“ (1899), den als Leihgabe nach 

Wuppertal zu holen ein großes Glück ist, 

zeigt seine Begeisterung für die japanische 

Kunst. Bonnard verbindet traditionelles 

Kunstgewerbe mit Motiven aus dem 

modernen Pariser Leben. Zu den großen 

Formaten der Ausstellung gehört ein 

demselben Themenkreis entstammendes 

Bild, das aus Besançon kommende, große 

Gemälde „Place de Clichy“. 

Anschaulich vorgeführt wird zugleich, 

dass Bonnard erstaunlich unabhängig und 

innovativ auf dem Gebiet von Farbe und 

Perspektive war. Als einer der ersten Maler 

benutzte er reine Farben, die er flächig 

Wandschirm: Spaziergang der Ammen, Fiakerfries, 1897, 4 Farblithografien im 

Fünffarbendruck, je 143 x 46 cm, Privatbesitz, © VG Bild-Kunst, Bonn 2010 

auftrug und Formen, die er in arabeskenartigen 

Linien erfaßte. Im Bild der „Der 

rote Morgenmantel“ (1914, Privatsamm-

lung New York) ist die Figur zweidimensional 

und abstrahierend vereinfacht in 

die Bildfläche eingepasst. Ornament und 

gemusterte Fläche verdrängen jede Individualisierung 

der Person. Kennzeichnend 

für Bonnards Kompositionen ist die „bewegliche 

Perspektive“ in fast kubistischer 

Manier. Indem er die Zentralperspektive 

aufgibt, schafft er verwirrende Einblicke in 

Räume. Motive wie Tische oder Wannen 

werden unvermittelt und unharmonisch 

vom Bildrand überschnitten. Die unpathetische 

Neutralität, mit der Bonnard 

alles vor uns ausbreitet, ohne durch die 

Perspektive zu hierarchisieren, fordert vom 

Betrachter ganze Konzentration auf ein simultanes 

Sehen. Ein wunderbares Beispiel 

für Bonnards unkonventionellen Umgang 

mit Farbe und Perspektive ist auch das 

Wuppertaler Bild „Die weiße Tischdecke 

(Das Esszimmer)“ (1925). Bonnard setzt 

hier keine illusionistischen Mittel ein, vom 

gegenständlichen und technischen her liegt 

alles in größter Einfachheit vor uns, mit 

einer beeindruckenden sinnlichen Präsenz. 

Paris, die Normandie, Bonnards Garten, 

die Seine, Stillleben und Tischszenen, der 

Süden und das Meer – die Ausstellung ist 

chronologisch und zugleich thematisch 

geordnet. Die Entwicklung des „Magiers 

der Farbe“ ist nachvollziehbar, auch wenn 

keine Zäsuren, keine Brüche im Werkverlauf 

aufscheinen. Das Verhältnis von 

Fläche zur Linie verändert sich, die lineare 

VON DER HEYDT-MUSEUM 

WUPPERTAL 

Ermöglicht haben diese Ausstellung 

Umrisslinie wird um 1900 zugunsten einer 

mehr bewegten Farbform mit aufgelöstem 

Pinselstrich aufgegeben, die Farbigkeit entwickelt 

sich von einer gedeckten, tonigen 

Leuchtkraft um 1894 zu einer intensiven, 

strahlenden Palette nach 1920. Am Ende 

steht ein kleinformatiges, spätes Werk 

„Badende am Ende des Tages“ (1945/46, 

Privatsammlung). Von der letzten Sonne 

des Tages werden die Figuren am Strand 

von Cannes kräftig gelb-orange angestrahlt. 

Spätestens an diesem Punkt wird 

Bonnards Leistung offensichtlich, den 

Impressionismus zu einer farbbetonten, 

abstrakten Kunst geführt zu haben. 

Zu seinen Lebzeiten konnte man 

Bonnard wohl manchmal für altmodisch 

halten, weil er immer noch figurativ 

malte und seine Themen schienen keine 

geistige oder moralische Tragweite zu 

haben. Wie modern und fortschrittlich 

er tatsächlich war, kommt heute aber für 

uns ganz besonders in den großen, späten 

Interieurszenen zum Ausdruck. Seine gewöhnlichen 

Räume mit ihren oft disparat 

erscheinenden Objekten verwandelte er 

in irritierende Szenen, die die parallelen 

Situationen in der Wirklichkeit plötzlich 

auch nur noch als Konstruktionen erscheinen 

lassen. Es gelang ihm gleichzeitig 

in äußerst raffinierten Farbkonstellationen 

die Farbe zum Leuchten und sogar zum 

Glühen zu bringen. Damit begeisterte 

er viele Künstlerkollegen und wurde so, 

Kulturpartner 

14.9.2010 - 30.1.2011 

ohne selbst eine „Schule“ auszubilden, zu 

einem bewunderten Vorbild u. a. von so 

bekannten Persönlichkeiten wie Nicolas 

de Staël oder Mark Rothko. 

Beate Eickhoff 

www.von-der-heydt-museum.de 

FÜHRUNGEN JETZT BUCHEN 

Tel 0202/563 2626 und online 

www.bonnard-ausstellung.de 

BONNARD 

MAGIER DER FARBE 

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Joslyn Rechter / Kay Stiefermann

Weltklasseniveau in Wuppertal: 

„Eine florentinische Tragödie“ und 

„Gianni Schicchi“ 

Premiere 20. Juni 2010 

„Was sucht der Tod in solch heitrem Haus, 

da nur ein Weib, ein Gatte und ein Freund 

ihm Gruß entbieten können …Ich kann 

ertragen Verachtung, Schande von mancher 

Art, den schrillen Hohn und offenen 

Schimpf. Doch wer mir irgend etwas stiehlt, 

das mir gehört, und wär´s auch nur der 

schlechteste Teller, davon ich meinen Hunger 

füttre, setzt Seel und Leib auf Spiel bei 

seinem Frevel und stirbt!“ 

Musikalische Leitung: Hilary Griffiths 

Inszenierung: Johannes Weigand 

Bühne: Moritz Nitsche 

Kostüme: Judith Fischer 

Dramaturgie: Johannes Blum 

Regieassistenz: Bälazs Värna 

Inspizienz: Arndt Mädler 

Fotos: Uwe Stratmann 

Besetzung Eine florentinische Tagödie: 

Guido Bardi: Paul McNamara 

Simone: Kay Stieferman 

Bianca: Joslyn Rechter 

Besetzung Gianni Schicchi: 

Gianni Schichi: Jacek Strauch 

Lauretta: Banu Böke 

Zita: Diane Pilcher 

Rinuccio: Kalle Kanttila 

Gherardo: Christian Sturm 

Nella: Dorothea Brandt 

Gherardino: Malik Karaca 

Betto von Signa: Dariuz Machej 

Simon: Thomas Schobert 

Marco: Olaf Haye 

Ciesca: Joslyn Rechter 

Magister Spinellocc: Mario del Rio 

Amantio de Nicola: Javier Zapata Vera 

Pinellino: Andreas Heichlinger 

Guccio: Jochen Bauer 

Chor der Wuppertaler Bühnen 


„Ist die ganze mächtige Welt in dieses Zimmers Umfang eingeengt, und hat drei Seelen als 

Bewohner nur? So sei der dürftige Raum jetzt eine Weltenbühne, wo Herrscher fall´n und 

unser tatlos Leben der Einsatz wird, um den Gott spielt.“ - singt der brave Tuchhändler 

Simone, bevor er sich zum Mord am dreisten Geliebten seiner Gattin entschließt, welcher 

noch im Tode seine Herkunft bemüht „Nimm mir vom Hals die Würgefinger; ich bin 

meines edlen Vaters einziger Sohn“ – „Schweig! Dein Vater wird, wenn kinderlos, beglückter 

sein!“ 

Und so stirbt der Liebhaber zu einer ungeheuren, hochdramatischen Musik. „Und jetzt zu 

Dir!“ Der Tuchhändler greift sein Messer und wendet sich seiner Gattin zu, die eben noch 

von ihrem Liebhaber seinen Tod im Zweikampf („Töte ihn! Töte ihn!“) lauthals forderte, 

doch da ertönt eine der schönsten Melodien, die jemals ein Komponist für die Oper geschrieben 

hat, und sie intoniert gänzlich traumverloren, fast exstatisch „Warum hast Du mir 

nie gesagt, daß Du so stark?“ Nach einem großen, mehrfach geteilten Streichermeer, welches 

Wagner nicht schöner in Noten gesetzt haben könnte, erwidert er fasziniert „Warum hast 

Du mir nicht gesagt, daß Du so schön… bist.“ Riesenfortissimo im aufblühenden Orchester, 

als wären wir in der Walküre erstem Akt (wo der Lenz erblüht) während sich beide in die 

Arme sinken und sich über der Leiche des gerichteten Nebenbuhlers vereinen. Das hätte sich 

selbst Wagner niemals getraut! Und die Oper klingt aus in einer Art Erlösungsmotiv, schön 

wie das der „Götterdämmerung“. 

Donnerwetter! Mehr an Dramatik kann eine Oper in einer knappen Stunde nicht bieten. 

Grandiosere Musik ist nie mehr geschrieben worden. Was Zemlinsky hier für ein kompaktes 

Musikdrama komponiert hat, ist das Ultimo der Gefühle: Liebe, Gleichgültigkeit, Haß, 

Haßliebe, Betrug, Mord und Verzeihen. Was für ein Welt-Theater - und alles in ein gerade 

mal 60-minütiges dramatisches Wechselbad der Gefühle gesetzt, welches den Atem raubt. 

Joslyn Rechter / Kay Stiefermann — hinten: Paul McNamara 

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Joslyn Rechter / Paul McNamara 

Mehr Musik geht nicht. Mehr Gefühl ist 

geradezu unmöglich. Was für hochanspruchsvolle 

Partien und wie brillant ist 

die Geschichte doch gesponnen! Dazu ein 

packender Text von Oscar Wilde (bitte 

demnächst mit Übertiteln, denn jedes Wort 

ist auch von großer musikdramatischer 

Bedeutung)! Eine echte Gefahr für Opernfreunde 

mit Bluthochdruck; aber Hand 

aufs Herz: kann man zu schönerer Musik 

sterben? Ich finde nein. 

Doch zum Anfang: Tuchhändler Simone 

kommt sehr spät nach Hause; und trifft einen 

Fremden bei seiner Gattin „Er ist kein 

Vetter, er ist kein Verwandter.“ Doch der 

schlaue Kaufmann, den seine Gattin für einen 

einfältigen Langweiler hält, entwickelt 

sich langsam aber zielstrebig zum Racheengel, 

während es dem arroganten Fürstensohn 

Guido Bardi immer mulmiger wird. 

Die Wände rücken bedrohlich näher, die 

Schwingen des drohenden Todes werden 

sich über ihm schließen. Er gerät in dieselbe 

Panik, die ein lebendig Begrabener erleiden 

muß. Hier gibt es kein Entkommen mehr. 

Und so ist das Scheingefecht, um spielerisch 

zu testen, wer den besseren Säbel hat, 

eigentlich nur das Vorspiel. Und was für ein 

Vorspiel: Zemlinsky/Oscar Wilde setzen 

hier in wilder Kühnheit Eros gleich Tod. 

Dabei ist die Musik dermaßen feinsinnig 

und steigerungsfähig, daß jedes auch nur 

gehauchte Wort seine Entsprechung findet. 

Manches ist mehr gesprochen als gesungen: 

„Was sucht der Tod in so vergnügtem 

Haus, wo nur ein Weib, ein Gatte und 

ein Freund ihn grüßen?“ Dazu wunderbar 

friedvolle kammermusikalisch begleitende 

Solo-Violine, wie bei einem Kinderschlummerlied, 

doch auf der selben Tonlage bricht 

Zemlinsky mit „Oh laß den Tod dort 

Einkehr halten“ und steigert das Riesenorchester 

wie bei Wotans Abschied ins schier 

Unermeßliche „wo man die Ehe bricht, wo 

keusche Frauen, die ihrer edlen Männer


Paul McNamara / Kay Stiefermann 

Kay Stiefermann / Paul McNamara — hinten: Joslyn Rechter 

überdrüssig, den Vorhang ihrer Ehebetten 

lüften und in besudelten, entehrten Kissen 

der unerlaubten Wollust frönen.“ Uns 

schaudert. Doch am Ende klingt es wie ein 

gehauchtes Lebewohl. So stürzt Zemlinsky 

uns in die unendlichen Welten und Wogen 

eines musikalischen Rausches, der allerdings, 

anders als bei Wagner, meist dezent 

wieder bodenständig retrovertiert. 

Dem Wuppertaler Regieteam um Johannes 

Weigand gelingt eine hochwerktreue 

Inszenierung; ein Juwel ohne Firlefanz. Man 

entfacht eine Zündschnur, die allein entlang 

der worttreuen Linie vom Text und der 

notengenauen Wahrnehmung der Musik 

beständig weiterglimmt und sich in perfekt 

düsterer Lichtatmosphäre (Sebastian Arens) 

glühend durch die Herzen und Seelen 

der Zuschauer brennt. Atemberaubend, 

spannend, ergreifend und einen Aufregungs-Kollaps 

fördernd. Besser kann man 

Musiktheater nicht inszenieren. Irgendwann 

werden hoffentlich auch die Wuppertaler 

Opernfreunde begreifen, was für ein sensationelles 

Stück hier schlichtweg grandios 

inszeniert wurde, und es wäre zu wünschen, 

daß nicht nur die von fern, sogar aus Wien 

angereisten Kritiker lauthals jubeln. 

Ich habe praktisch alle deutschen Inszenierungen 

seit der großen Zemlinsky- Wie- 

derentdeckung dieser Oper vor 30 Jahren 

gesehen, und muß sagen, daß die Wuppertaler 

Produktion in allen Bereichen jener 

maßstabsetzenden Hamburger Inszenierung 

von 1981 (Albrecht/Dresen – Soffel, 

Riegel & Sarabia - gibt es auch auf CD) das 

Wasser reichen kann. 

Was muß Hilary Griffiths geprobt haben, 

um diesen Klang aus dem Sinfonieorchester 

Wuppertal herauszuholen. Was muß 

diese Oper für eine Herzensangelegenheit 

für den GMD gewesen sein! Besser kann 

man diesen Zemlinsky nicht spielen. Zuletzt 

habe ich solche Qualität in Wuppertal 

beim „Ring des Nibelungen“ vor 30 Jahren 

gehört. Es war wirklich ein sensationeller 

Premierenabend. Hinzu kommen drei perfekte 

Sänger, welche die Einmaligkeit dieses 

5-Sterne-Abends hinreißend unter Beweis 

stellten, und es sind verteufelt schwere 

Partien, die da gegen ein Wagner-Orchester 

gesungen werden müssen. Ein „Bravissimo“ 

für Paul McNamara (Guido Bardi), Kay 

Stiefermann (Simone) und Joslyn Rechter 

(Bianca). Für die ungeheure Leistung, 

auch der enormen Textverständlichkeit, 

bekommt Kay Stiefermann einen extra 

Opernfreund-Stern. Für alle Zemlinsky- 

Freunde ein Muß, geradezu ein Zwang, 

auch für die weiteste Anreise. Wer noch nie 

etwas von Zemlinsky gehört hat, wird zum 

Fan des Komponisten. Versprochen. 

Man verzeihe mir das knappe „Post Scriptum“, 

denn „Gianni Schicchi“ wird ja nun 

überall rauf und runter gespielt. Eine nette 

Posse. Gut gespielt, prachtvoll gesungen von 

einem guten Team und mit großartiger Italianita 

orchestriert. Wahrscheinlich konnte 

und wollte man dem Publikum „Blaubarts 

Burg“ (Bartok) als zweites Stück, welches 

ich gewählt hätte, kaum noch nervlich 

zumuten. Da habe ich volles Verständnis. 

Jacek Strauch war ein Schicchi von Weltklasseformat 

– nebenbei bemerkt. Also nach 

Wuppertal fahren, bevor das Theater dort 

von der Politik weggespart wird. Hier wird 

heuer und jetzt Weltklasse geboten. 

Dr. Peter Bilsing 

Herausgeber der Opernzeitschrift 

„Der Opernfreund” 

Pressefotos: 

Uwe Stratmann 

Weitere Informationen unter: 

www.wuppertaler-buehnen.de 

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Die „Figura magica” von 

Bodo Berheide 

Ein Kunstwerk für die Welt – das hat der 

Wuppertaler Künstler Bodo Berheide mit 

seiner „Figura Magica“ geschaffen. Es ist 

ihm gelungen, eine Form zu finden, die 

tatsächlich in aller Welt Resonanz erzeugt 

hat. Die Eisenskulptur, die an ein überdimensionales 

liegendes Hufeisen erinnert, 

machte auf allen fünf Kontinenten Station. 

Nach 18jähriger Reise rund um den Erdball 

ist sie 2009 schließlich in ihre Heimat 

Vor dem Schauspielhaus in Wuppertal, Foto: Jörg Lange 


Wuppertal zurückgekehrt. Trotz ihres 

enormen Gewichts von insgesamt sechs 

Tonnen und einer Länge von fünf Metern 

konnte die „Figura Magica“ Grenzen 

überwinden – geographische und kulturelle, 

logistische und rechtliche, soziale und 

künstlerische. Ob Montreal, Matagalpa 

oder Sydney – stets hat sie auf ihr Umfeld 

eingewirkt und es verändert. Immer wurde 

sie aber auch von den Menschen verändert, 

die sie betrachteten, benutzten, über sie 

nachdachten und mit ihr arbeiteten. So hat 

die „Figura Magica“ an Bedeutung gewon- 

nen, die ihr nun innewohnt, um weiter 

ihre Wirkung zu entfalten. Denn auch 

wenn sie am Ende ihrer Reise angelangt ist 

und seit dem Herbst letzten Jahres vor dem 

Wuppertaler Schauspielhaus ihren endgültigen 

Platz gefunden hat: noch immer 

setzt die „Figura Magica“ Menschen in 

Bewegung. Im September etwa kommen 

Künstler aus all jenen Orten, wo Berheides 

Skulptur auf ihrer Reise Halt gemacht hat, 

nach Wuppertal, um ihre Arbeiten hier 

auszustellen und dem Kunstwerk weitere 

Bedeutungsebenen hinzuzufügen.

Wie kann es gelingen, dass ein und das 

selbe Kunstwerk den Menschen in Chile 

und Japan, in Sri Lanka und Togo etwas 

zu sagen hat? Wie schafft es Berheides 

„Figura Magica“, überall auf der Welt 

Dialoge zwischen Menschen anzuregen, 

neue Einsichten zu vermitteln und 

kreatives Potential zu wecken? Diese 

außerordentliche künstlerische Leistung 

liegt meines Erachtens wesentlich in der 

denkbar elementaren Form des liegenden 

„U“ begründet, für die sich Bodo 

Berheide schon 1978 entschieden hat. 

Genauso abstrakt wie ein Schriftzeichen, 

das sich in vielen Schritten vom Bildhaften 

abgelöst hat, um in allen erdenklichen 

Zusammenhängen zum Bedeutungsträger 

zu werden, ist die „Figura Magica“ als 

Kunstwerk universal. Sie lässt sich mit 

einem Aspekt der „ars una“ verknüpfen, 

der Idee von der Einheit der Künste. 

Darunter fasste man um die Wende vom 

19. zum 20. Jahrhundert die Vorstellung 

von Kunst als anthropologischer Konstante. 

Was Berheides Skulptur angeht, 

lohnt es sich, in diesem Zusammenhang 

noch einmal einen kurzen Blick in Wilhelm 

Worringers berühmte Dissertation 

„Abstraktion und Einfühlung“ von 1907 

zu werfen. Worringer ist überzeugt, dass 

das schöpferische Gestalten eine originär 

menschliche Betätigung ist, die sich von 

allen anderen Tätigkeiten unterscheidet 

und sich kontinuierlich durch die 

gesamte Menschheitsgeschichte zieht. 

Die Abstraktion – im Gegensatz zur die 

Natur nachahmenden Kunst – ist dabei 

keineswegs das Resultat mangelnden 

technischen Könnens, wie besonders im 

19. Jahrhundert angenommen wurde, 

sondern Ergebnis eines bewussten schöpferischen 

Aktes. Abstrakte Formen stellen 

vielmehr eine unmittelbare Zeichensprache 

dar, die prinzipiell allen Menschen 

einen Zugang ermöglicht. Diese Annahme 

hat Bodo Berheides „Figura Magica“ 

auf ihrem langen Weg um den Globus 

eindrucksvoll bestätigt – überall auf der 

Welt war es Menschen möglich, sich auf 

das Kunstwerk einzulassen. 

Eine ebenso wichtige Rolle wie die Form 

spielt in dieser Hinsicht das Material 

Eisen, das Berheide für seine Skulptur 

gewählt hat. Wie viele andere zeitgenössische 

Künstler, die mit Großplastiken 

arbeiten, hat Berheide seine Skulptur von 

einer Spezialfirma nach genauen Anweisungen 

gießen lassen. Der Künstler war 

beim Herstellungsprozess zugegen und 

besonders von den dabei freiwerdenden 

elementaren Kräften und Substanzen 

– Feuer, Hitze, Asche – beeindruckt. 

Sie sind wesentliche Bestandteile des 

eigentlichen Konzeptes, das Berheide von 

der „Figura Magica“ entworfen hatte und 

das während ihrer langen Reise vielfältige 

Änderungen erfahren hat. Ursprünglich 

wollte der Künstler mit der in Eisen 

Fotos Jörg Lange 

gegossenen Skulptur auf den heißen, flüssigen 

Kern des Planeten verweisen, der an 

der Entstehung des Magnetfeldes unserer 

Erde beteiligt ist. Die „Figura Magica“ 

zielte zunächst auf Aspekte des grenzüberschreitenden 

Umwelt- und Artenschutzes 

ab und hatte die Intention, eine Energiefeld 

zu schaffen, das mit dem Verweis 

auf die Elemente Feuer, Wasser, Erde und 

Luft eine positive Einstellung zur Mutter 

Erde bewirken sollte. So verfestigte sich 

allmählich der Plan, dass die Skulptur 

die Idee vom achtsamen Umgang mit 

der Natur auf der ganzen Welt verbreiten 

sollte. Als erstes Ziel hatte Berheide 

den Nordpol im Blick, auf den sich die 

Skulptur hinbewegen sollte, um anschließend 

den Weg nach Süden anzutreten 

und auf diese Weise alle fünf Kontinente 

zu erreichen. Die Energie des Materials 

sollte sich jedoch auch auf andere Weise 

verwirklichen, als zunächst beabsichtigt. 

Von Beginn an war dem Beuys-Schüler 

Bodo Berheide die „Figura Magica“ 

Trägermedium eines künstlerischen 

Prozesses, der sich zu einer die ganze 

Welt umspannenden sozialen Skulptur 

ausweiten sollte. Die Struktur der 

zwischenmenschlichen Kontakte und die 

wechselnden Formen des Austausches 

per Post, am Telefon oder später über 

Internet sind ihm sogar wichtiger als das 

materielle Werk. Die Abstraktion der 

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U-Form fungiert dabei ganz generell als 

Instrument einer Kommunikation, deren 

Verlauf durch den Energiegehalt der gusseisernen 

Skulptur angestoßen wird. Feuer, 

Wasser, Erde, Luft – die vier Elemente 

als Konstanten des Lebens auf diesem 

Planeten bieten Anknüpfungspunkte für 

die kulturübergreifende Verständigung: 

Im Austausch über universale Naturkräfte 

werden unterschiedliche Auffassungen 

etwa vom Verhältnis des Menschen zur 

Natur manifest. Wo auch immer die 

„Figura Magica“ ihren Platz gefunden hat, 

unter den Vorzeichen der vier Elemente 

konzipierte Berheide zur Einweihung der 

Skulptur Performances, die er jeweils an 

die kulturelle und geographische Spezifik 

des Ortes anpasste. So entstand ein 

gemeinsames Feld für einen lebendigen 

Austausch, an dem sich bis heute Künstler 

und Kunstinteressierte aus allen Aufenthaltsorten 

der „Figura Magica“ beteiligen. 

Nicht nur Berheide hat seinem Publikum 

dabei neue Einsichten vermittelt, auch 

er selbst hat viel Neues über die Skulptur 

und ihre Wirkung gelernt. 

Einer der größten Erfolge war der Skulptur 

nach Stationen in Dublin, Montreal 

und Bethany, USA, in der Wuppertaler 

Partnerstadt Matagalpa beschieden. 

Viele Hindernisse mussten auf dem Weg 

nach Nicaragua überwunden werden, 

wo die Skulptur von 1997-1999 blieb. 

Doch gerade dort, wo das Leben für 

einen Großteil der Bevölkerung besondere 

Härten birgt und im Vorfeld starke 

Zweifel am Sinn von Kunst im öffentlichen 

Raum bestanden, hat die Skulptur 

außergewöhnlich nachhaltig gewirkt. 

Zeitgleich zu ihrer Übersiedelung in den 

dortigen „Parque de los Monos“ wurde 

im Rahmen der Städtepartnerschaft 

eine Druckerwerkstatt eingerichtet, aus 

der mittlerweile einige hauptberufliche 

Künstler hervorgegangen sind. Mehrere 

Workshops haben seitdem dort 

stattgefunden; der Austausch ist rege, 

dessen sichtbarstes Zeichen der jährlich 

erscheinende und gemeinsam produzierte 

Grafik-Kalender ist. Auf unerwartet 

fruchtbaren Boden fiel die „Figura 

Magica“ auch in Japan – nach Aufenthalten 

in Santiago de Chile und Sydney 

ein weiterer Höhepunkt der Reise. Hier 

wurde die Skulptur in ländlicher Ge- 

gend auf der Insel Ohmishima abgelegt. 

Eine begleitende Ausstellung erfreute 

sich großer Beachtung; Eröffnung und 

Einweihung der Skulptur gerieten zur 

feierlichen Zeremonie. Es folgten weitere 

Besuche und Veranstaltungen im Verlauf 

des sich intensivierenden Kontaktes nach 

Japan, dessen eindrucksvollstes Ergebnis 

die intensive Auseinandersetzung von 

Professor Tetsuya Hasegawas, Wakayama 

University, mit den Bezügen der Skulptur 

zur japanischen und deutschen Kulturgeschichte 

ist. So kehrte die „Figura Magica“ 

nach weiteren Stationen in Negombo, 

Sri Lanka und in Lome, reich an Erfahrungen 

in ihre Heimat zurück. 

Um sein Werk zu finanzieren, hat Bodo 

Berheide von Beginn an Kunstanteilsscheine 

verkauft, Zeichnungen zu günstigem 

Preis veräußert, Ausstellungen und 

Konzerte organisiert und so wiederholt 

das Geld für die jahrelange Weltreise beschafft. 

Die Skulptur stand damit niemals 

außerhalb ökonomischer Zusammenhänge, 

sondern hat wirtschaftliche Strukturen 

erzeugt, die nicht nur den Fortgang des 

Projektes garantierten, sondern wie die 

vielfältigen Austauschprozesse eigentlicher 

Bestandteil des Werkes sind. Auch 

in Zukunft soll das so sein: die zwischen 

den Schenkeln des „U“ befindlichen 

Haltestangen wurden entfernt, da sie für 

den Transport nun nicht mehr gebraucht 

werden. In Scheiben geschnitten, will 

Berheide sie als Multiple veräußern. Das 

so gewonnene Geld wird in eine Stiftung 

überführt, deren Kapital für die Realisierung 

kreativer gesellschaftlicher Wandlungsprozesse 

genutzt werden soll. So 

kann die ganze Stadt von einer Weltreise 

profitieren, die durch die „Figura Magica“ 

noch immer Schwingungen erzeugt. 

Susanne Buckesfeld 

Ausstellung „Magische Verbindungen“ 

vom 15. September bis zum 12. November 

in der Stadtsparkasse Wuppertal 

Fotos USA, Japan, Sri Lanka und Togo: 

Bodo Berheide 

Campus Bethany college, 1997 

Insel Onmishima, Japan, 2004 

Negombo, Sri Lanka, 2006 

Lomé, Togo, 2007 

Fotos unten: Jörg Lange

Eleni. 

Eine Zuwanderungsgeschichte 

von Kai Schubert 

in einer Inszenierung der 

Wuppertaler Bühnen 

Chris Nonnast, Marco Wohlwend 

Griechisch und ernst … 

Das Mädchen von Piräus 

„Ach, das gibt’s auch auf deutsch?“ Diese 

Frage stellt der junge Grieche Stavros im 

Schatten der Akropolis seiner Verlobten, 

nach der das Stück von Kai Schubert 

„Eleni“ benannt ist. Dem Zuschauer 

geht es umgekehrt, hat Eleni doch gerade 

den Schlager „Ein Schiff wird kommen“ 

angestimmt, dessen griechischer Ursprung 

hierzulande nicht mehr allzu geläufig sein 

dürfte. Schon hier wird man in die ungewohnte 

griechische Perspektive versetzt. 

Hinzu kommt, daß mit dieser kurzen 

Szene um das träumende 

„Mädchen von Piräus“ schon zu Beginn 

ein Motiv des Abends ebenso artikuliert 

ist wie sein Tonfall: die Sehnsucht – aber 

nicht zu gewichtig. 

Eleni ist die zentrale Gestalt des Auftragswerkes, 

für das Autor Schubert mit Wuppertaler 

Griechen Gespräche geführt und 

vor Ort recherchiert hat. Sie verläßt in 

den frühen Sechziger Jahren ihre Heimat, 

um ihrer schwangeren Cousine Nitsa beizustehen 

– diese ist mit ihrem Mann Dimitris 

nach Deutschland gezogen, wo er 

auf dem Bau arbeitet. Anders als geplant 

bleibt Eleni für Jahrzehnte. Ihr Verlobter 

teilt ihr schriftlich mit, daß er eine andere 

Frau hat. Beim Anwerbestopp von 1973, 

der die Förderung der Arbeitsmigration in 

die Bundesrepublik beendete, entscheidet 

sich die Familie für Deutschland und 

eröffnet ein Restaurant. Schließlich alt 

geworden, blickt Eleni auf ihr Leben als 

Einwanderin zurück und fragt sich auch, 

wo sie einmal sterben wird. 

Sehnsüchte 

Dies ist kurz gefaßt die Geschichte, die 

exemplarisch ein griechisches Einwanderungsschicksal 

im Fortgang der Zeit 

vorstellt. Ernst ist die Inszenierung von 

Jenke Nordalm geworden, aber nicht 

depressiv. Warf die wohl populärste 

Verarbeitung der Thematik, der Schlager 

„Griechischer Wein“ von Udo Jürgens, 

trotz ihrer Eignung zum Schunkeln 

eigentlich ein düsteres Licht auf die 

Befindlichkeit der Gastarbeiter, so wirkt 

„Eleni“ ausgeglichen, auch wenn die 

Protagonisten prägnante Formulierungen 

für ihre Sehnsucht finden: „Es ist, als 

21

22 

Julia Wolff, Maresa Lühle, 

Holger Kraft, Ingeborg Wolff, Marco 

Wohlwend, Hans Richter 

ob ich Hunger hätte und ich weiß nicht 

worauf.“ Am Ende gibt es einen Streit mit 

den deutschen Freunden (Maresa Lühle, 

Holger Kraft) voller Standardvorwürfe auf 

beiden Seiten (eingeschlossen die aktuelle 

Wirtschaftskrise); dennoch wird „Eleni“ 

nicht zur Tragödie. 

Brillant besetzt 

Das liegt auch an Chris Nonnast, die der 

Titelfigur eine positive Grundhaltung verleiht, 

wenn sie fröhlich mit den Kindern 

spielt oder aus dem Kaffeesatz liest. Eleni 

ist doppelt besetzt: Mit Ingeborg Wolff als 

älterer Frau nimmt ihre Nachdenklichkeit 

zu, doch niederdrücken läßt sie sich auch 

jetzt nicht 

– selbst als am Ende ihr Großcousin 

Opfer eines fremdenfeindlichen Angriffs 

wird. Anders ist es bei Cousine Nitsa 

(Julia Wolff): Sie ist unzufrieden mit ihrer 

Situation, was sich in Aggressivität gegenüber 

Kindern und Eleni äußert; schließlich 

wird sie geisteskrank. Ihren Mann 

gibt Hans Richter, der vielleicht gerade 

wegen seines (verglichen mit der Rolle) 

höheren Alters Stolz und Verletzlichkeit 

so überzeugend verkörpert. Mit Blick 

aufs Lebensalter auffällig ist gleichfalls die 

Besetzung auch des gealterten Stavros mit 

dem jungen Schauspieler Marco Wohlwend: 

Nach vierzig Jahren besucht er 

Deutschland, wenn auch gar nicht primär 

wegen Eleni, und steht ihr etwas ratlos 

gegenüber – angesichts des ungleichen 

Paars (Wohlwend sieht eben nicht aus wie 

ein Sechzigjähriger) übermittelt sich dem 

Zuschauer ergreifend dessen ernüchterter 

… und doch keine Tragödie 

Eindruck von seiner einstigen Verlobten: 

Sie sind sich fremd geworden, und das 

liegt nicht nur an der Zeit, sondern auch 

am Ort. 

Auch das Bühnenkonzept geht auf 

Eine gesonderte Erwähnung verdient 

das Bühnenbild von Birgit Stoessel. 

Agiert wird in einem angedeuteten 

Gebäude, das komplett aus leeren 

Bierkästen zusammengesetzt ist. Die mit 

diesem „Baumaterial“ einhergehenden 

Assoziationen – billig, austauschbar – 

passen zu Stückbeginn nicht recht, wo 

die Kastenstapel (entsprechend dem 

Schauplatz vor der Auswanderung) die 

doch nach etwas Erhabenheit verlangende 

Akropolis darstellen sollen. Doch 

sobald die Handlung in Deutschland 

spielt (und das geschieht nach wenigen 

Minuten), geht das Konzept auf: Nun 

können die einzelnen Elemente von den 

Darstellern nicht nur sehr charmant 

variabel genutzt werden – vom Sitzen bis 

zum Spannen von Wäscheleinen; 

vielmehr drückt sich im ständigen 

Umbau mit diesen eckigen Gebrauchsgegenständen 

etwas Wesentliches aus: 

die Vorläufigkeit des geplanten Aufenthalts, 

der Glaube, man brauche sich ja 

gar nicht langfristig einzurichten in der 

Fremde. Diese Ansicht – die optische 

wie die übertragene – bleibt den 

Einwanderern bis zuletzt. 

Aus dem Leben 

Daß die Handlung von „Eleni“ als 

Ergebnis von Recherchen vermutlich aus 

zahlreichen realen Schicksalen gespeist ist, 

kann man nur erahnen; man nimmt sie 

als fiktive Einzelgeschichte wahr. Doch 

der Schluß der sehenswerten Inszenierung 

löst das Versprechen ein, konkret an das 

Leben griechischer Einwanderer in Wuppertal 

anzuknüpfen: Auf einer Leinwand 

sind hiesige Griechen in ihrem jeweiligen 

Umfeld zu sehen, und sie sind wie Eleni: 

immer noch etwas fremd, doch zuweilen 

mit einem Lächeln. 

Martin Hagemeyer 

Uraufführung am 30. 4. 2010 

Inszenierung: Jenke Nordalm 

Bühne/Kostüme: Birgit Stoessel 

Fotos: Uwe Stratmann 

Besetzung: 

Eleni 1: Chris Nonnast 

Eleni 2: Ingeborg Wolff 

Dimitris: Hans Richter 

Nitsa: Julia Wolff 

Kostas, Stavros: Marco Wohlwend 

Tilly: Maresa Lühle 

Ernst: Holger Kraft 

Weitere Informationen unter: 

www.wuppertaler-buehnen.de

Karl Heinz Steckelings 

Licht fangen 

Karl Heinz Steckelings: 

Filme macher, Photograph 

und Sammler 

1933, als in Deutschland das Licht 

Vernunft ausgeht, kommt ein Junge 

von Berlin-Dahlem als Adoptivkind zu 

einer Ronsdorfer Bandweberfamilie nach 

Wuppertal. Der Junge ist drei Jahre alt 

und doch haben sich bereits die Bilder 

des Kinderheimes, in dem er seine ersten 

Lebensjahre verbrachte, unauslöschlich in 

seine Erinnerungen gebrannt. Viele Jahre 

später wird er diesen Ort seiner Kindheit 

noch einmal aufsuchen und die in der 

Erinnerung wie auf einem Film belichteten 

Bilder werden durch die Gegenwart 

wie in einem photochemischen Prozess 

entwickelt. Es mag sein, dass dem Jungen 

die Trennung von seinen leiblichen 

Eltern das Leben gerettet hat, aber über 

die Umstände seiner Adoption schweigt 

Karl Heinz Steckelings bis heute. Denn 

als Filmemacher und Photograph weiß er 

um die Macht der Bilder: „Ich will nicht, 

dass man sich ein Bild von mir macht.“ 

Und: „Ich mag es nicht, in Schubladen 

gesteckt zu werden. Ich will unabhängig 

sein von der Meinung, die sich andere 

über mich bilden.“ In einer Zeit, in der 

Menschen sich vor laufenden Kameras 

„outen“ und das Intimste nach außen 

kehren, wirkt Steckelings wie ein Fossil. 

Doch gerade dieses angenehme Unzeitgemäße, 

das in Wahrheit sehr zeitgemäß ist, 

ist es, das sich wie ein roter Faden durch 

die Lebensgeschichte dieses Bildvernarrten 

zieht. 

Als Jugendlicher genießt er in einem Internat 

in Bad Godesberg eine jesuitische 

Erziehung, deren Spuren bis heute in der 

Genauigkeit des Forschens und in einer 

christlichen Werteorientierung lebendig 

sind. Obwohl der Krieg traumatische 

Bilder in dem Jugendlichen hinterlässt, 

die den heute 80-jährigen zuweilen noch 

in seinen Träumen heimsuchen, hat er 

die Kraft, der Versuchung durch den 

Zynismus zu widerstehen. Dabei helfen 

ihm neben seiner intellektuellen und 

künstlerischen Begabung sicherlich auch 

seine (lebens-)praktischen Fähigkeiten. 

Nach dem Krieg legt Steckelings als 

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junger Mann eine Bandwebergesellen- 

und Kaufmannsgehilfenprüfung ab. Er 

soll in dem elterlichen Betrieb, der 1865 

gegründeten Bandweberei, einsteigen. 

1958 absolviert Steckelings dann eine 

Ausbildung zum Industriekaufmann und 

Textilingenieur. Als die Zeit des großen 

Sterbens der Bandwebereien einsetzt, 

entwickelt er ein thermoplastisches 

Verfahren zum Schneiden von Bändern, 

konstruiert entsprechende Maschinen 

und kann so den elterlichen Betrieb wirtschaftlich 

über Wasser halten. Bis heute 

arbeitet Steckelings tageweise in diesem 

Betrieb. 

Stift der Natur 

Doch seine wahre Leidenschaft gehört 

den Bildern, eine Faszination, die schon 

in der Schulzeit begann: „Ich war neidisch 

auf künstlerisch begabte Schulkameraden, 

die das, was sie sahen, mit 

photographischer Genauigkeit darstellen 

konnten“, erinnert sich Steckelings. 

„Unsere Lehrer hatten damals keine Methoden 

an der Hand, um uns scheinbar 

weniger Begabte auch dort hinzubringen.“ 

Die Filmkamera sollte also die 

Rolle des „Stifts der Natur“, wie die frühe 

Photographie auch genannt wurde, übernehmen. 

Vielleicht rührt auch von dort 

her die Faszination für die technischen 

Apparaturen wie Guckkasten, Laterna 

Magica und Camera Obsurca, die als 

Vorläufer der Photographie die naturalistische 

Wiedergabe der Wirklichkeit 

ermöglichten. 

Licht fangen 

Doch noch bevor er sich als Sammler 

und Forscher die Vorgeschichte der Photographie 

und des Films erschloss, wollte 

Steckelings – magisch angezogen von der 

Welt der Bilder – selbst solche produzieren. 

Alles begann Mitte der 60er Jahre: 

Mit einem Lottogewinn Geld kauft er 

sich eine Normal 8-Filmkamera, die 

teuerste, die zu der Zeit auf dem Markt 

war. Bei der Qualität will Steckelings 

keine Kompromisse machen. Ein Grundprinzip 

seines Lebens. Die Semantik des 

Films – die Bildkomposition – und die 

Syntax, den Schnitt, erlernt der Autodidakt 

u.a. bei dem Wuppertaler Filmproduzenten 

Gerd Vogelsang. Später wird er 

auf das professionellere 16 Millimeter- 

Format umsteigen. Seine Filme schneidet 

er am eigenen Schnittpult. Systematisch 

entwickelt er sein Ausdrucksrepertoire 

und dreht nun Dokumentationen, Kurz- 

und Experimentalfilme, die auf nationalen 

und internationalen Festivals gezeigt 

und prämiert werden. 

Die Wirklichkeit „lesen“ 

Doch dann beginnt ihn, den Filmemacher, 

zunehmend das Standbild zu faszi- 

nieren, das – vielleicht intensiver noch 

als die bewegten Bilder - Geschichten 

erzählen kann. Sechs Selbstbildnisse, 

die an Kreuzwegstationen erinnern, 

zeigen die eigene Verletzlichkeit – hin 

bis zur totalen Kommunikationslosigkeit. 

„Photographien“, sagt Steckelings, 

„sagen nicht nur etwas über den 

Porträtierten aus, sondern immer auch 

etwas über den Menschen hinter der 

Kamera.“ In einer Welt, in der unser 

Bewusstsein immer mehr von einer 

Bilderflut dominiert werde, müsse der 

Photograph lernen, die Wirklichkeit 

zu „lesen“, um ein adäquates (Ab-)Bild 

der Realität schaffen zu können. Dazu 

gehört auch, die Wirklichkeit „nicht 

zu glätten und zu schönen“. Dieser 

Hang zur bildnerischen Wahrhaftigkeit 

ist immer ein Kennzeichen der Bilder 

Steckelings. Besonders beeindruckend 

zeigt sich dies in der Bildserie zu Pina 

Bauschs Tanztheater in der Spielzeit 

1974/1975. Steckelings ist nicht interessiert 

am schönen Abbild von schönen 

Körpern, vielmehr gelingt es ihm, die 

Intensität des künstlerischen Prozesses 

zu zeigen, mit dem die junge Choreo

graphin und ihr Ensemble arbeiten 

- „häufig bis zur völligen Erschöpfung, 

bis an die Schmerzgrenze.“ 

Steckelings Lichtbilder sind keine Tanztheateraufnahmen, 

wie man sie heute 

sieht, sondern ästhetisch gegen den 

Strich gebürstet, körnig, schwarz-weiß, 

atmen sie den Geist der frühen Jahre, als 

Pina Bausch mit ihrer Compagnie eine 

völlig neue Ausdruckssprache erfand. 

Steckelings erinnert sich an die großen 

Widerstände, die Pina Bausch in jener 

Zeit – auch in der veröffentlichten – 

Meinung aushalten musste. „Aber sie ist 

sich treu geblieben und ist nie von ihrem 

Weg abgewichen. Dabei half ihr auch 

ihr starkes Einfühlungsvermögen für die 

Tänzerinnen und Tänzer. Sie sprach ihre 

Sprache und die sprachen ihre Sprache.“ 

Diese Widerständigkeit und Authentizität 

atmen auch die Theaterphotographien 

Steckelings’ aus jener Zeit. „Ein Bild 

muss immer das Gegenteil von allgemeingültig 

sein, man muss es ‚ertragen’“. 

Neben der Film- und der photographischen 

Arbeit beginnt sich Karl Heinz 

Steckelings immer mehr für die Vorgeschichte 

von Film und Photographie zu 

interessieren. Er will den Dingen auf 

den Grund gehen, und das heißt hier, 

aufzubrechen zu einer langen Fahrt in 

die Historie. Diese Reise in die Vergangenheit 

wird zu einem reichen Fischzug 

durch internationale Antiquitätenmärkte, 

Sammlungen und Auktionen. Paris, 

Amsterdam, Prag und viele andere Weltorte: 

Keine Reise ist zu weit bei der Jagd 

nach dem Objekt der Begierde. Mehrere 

Tausend Exponate zur Vorgeschichte 

der Photographie und des Films trägt 

Steckelings aus der ganzen Welt zusammen: 

Camera Obscura, Laterna Magica, 

Guckkästen, Schattenspiele, Daumenkino 

und Mutoskop – ein einzigartiger 

Kosmos der Technik, bis hin zu jenem 

magischen Moment, als die Bilder laufen 

lernten. Dazu unzählige Photographien 

aus der Frühzeit dieses Mediums. Dass 

eine solche Sammlung einen eigenen 

Ort braucht, ist eigentlich eine Selbstverständlichkeit 

und ist doch in den Zeiten 

immer knapper werdender finanzieller 

Ressourcen eine Utopie. Zunächst. 

Doch aus der Vision wird – gegen viele 

Widerstände – schließlich ein realer Ort. 

Karl-Heinz Steckelings ist eben nicht 

nur Ästhet, Sammler, Visionär, sondern 

auch ein Macher: Heute beherbergt 

der frühere Wasserturm in Mülheim an 

der Ruhr ein in seiner Art einzigartiges 

Museum zur Vorgeschichte des Films. 

Gefragt, was er jungen Sammlerinnen 

und Sammlern heute raten würde, lautet 

die lakonische Antwort: „Kauft euch lieber 

einen Hund – des Menschen bester 

Freund.“ 

Leuchtender Stein 

Doch damit ist die Fülle der von Steckelings 

zusammengetragenen Exponate 

noch lange nicht erschöpft. Unter dem 

Titel „Licht fangen“ wurden bis vor 

kurzem zahlreiche Ausstellungsstücke 

aus der Sammlung “S“ im Museum für 

Kunst und Technik des 19. Jahrhunderts 

in Baden-Baden gezeigt wie die Kodak 

No. 1 (1889) als erste Amateurkamera, 

Geheim- und Spezialkameras zur Herstellung 

von Stereoskopien und Panoramaansichten 

sowie zahlreiche Graphiken 

und frühe Bildbeispiele: „Zentraler 

Punkt der Sammlung jedoch ist immer 

das Bild.“ 

Ausgestellt wurden auch Lithophanien, 

„durchscheinende Steine“, aus Porzellan. 

Erst das Licht, das durch eine feine 

Gravur fällt, bringt das Motiv magisch 

zum Vorschein. Lithophanien gelten als 

Vorstufe zur Photographie. Der Erforschung 

dieser „leuchtenden Steine“ hat 

Karl-Heinz Steckelings die letzten 16 

Jahre seines Lebens gewidmet. Gerade 

hat er eine über 400 Seiten starke Monographie 

nach intensiven Studien zu 

diesem Thema abgeschlossen. Was ihn 

wohl bewegt hat, so tief wie wohl kein 

anderer zuvor in diese Materie einzusteigen? 

Vielleicht ist er, der in dunkler Zeit 

Geborene, eine „lithophane“ Persönlichkeit, 

einer der Licht fangen musste, um 

innerlich zu überleben, einer, der die 

Wahrheit zum Scheinen bringen muss, 

damit es hell werde - in sich selbst und 

in anderen. 

Heiner Bontrup 

Fotos: K.-H. Krauskopf 

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Vorgeschmack... Anja Schneider - Foto © Matthias Horn

Von der Unmöglichkeit der Liebe 

Eugene O‘Neills 

„Ein Mond für die Beladenen“ 

Koproduktion mit dem Maxim Gorki 

Theater Berlin 

Premiere am 2. 6. 2010 in den Bochumer 

Kammerspielen 

Regie: Armin Petras 

Bühne: Armin Petras, Patricia Talacko 

Kostüme: Patricia Talacko 

Fotos: Matthias Horn 

Besetzung: 

Josie Hogan (Anja Schneider) 

Phil Hogan (Thomas Anzenhofer) 

James (Jim) Tyrone Jr. 

(Christian Kuchenbuch) 

T. Stedman Harder 

(Alexander Maria Schmidt) 

Anja Schneider Superstar 

Die Szene mutet idyllisch an: Ein Bergpanorama, 

im Vordergrund ein hübsches 

Blumenbeet, Heugabel, Gitarre, Melone, 

ein Gewehr, ein Schlagzeug (!?) – wenn da 

nicht zwei Männer wären, die diese Idylle 

mit Filzstift-Sternchen bemalen. Auftritt 

der Bewohner, Hillbillies wie aus dem 

Bilderbuch: Phil (Thomas Anzenhofer) im 

Unterhemd, mit Strick als Gürtel der Jeans 

und speckigem Hütchen – seine Tochter 

Josie (Anja Schneider) im karierten Hemd, 

mit plumpen Gummizugjeans. Anzenhofer 

läßt ketterauchend seine Country-Erfahrung 

aus dem „Man in Black“ mit einer 

Ballade zur Gitarre hören, Schneider führt 

ein Landei vor, das es faustdick hinter den 

Ohren hat. Unansehnlich und anscheinend 

sehr einfach gestrickt, offenbar promiskuitiv 

und dabei glücklos, dennoch in sich ruhend 

und höchst raffiniert. 

Anja Schneider übernimmt mit ungeheurer 

Bühnenpräsenz die Szene, pöbelt, schmollt 

mit vorgeschobener Unterlippe, zieht sich 

in ihr kleines Stück Heile Welt im Blumenbeet 

zurück, scheint sich für ein neues 

Paar Flipflops bereitwillig dem Landbesitzer 

Jim (Christian Kuchenbuch) an den Hals 

zu werfen, von dem Phil seit 20 Jahren 

das karge Land gepachtet hat. Ihrem Spiel 

zuzuschauen, ihren Verlegenheitsgesten, 

Zornesausbrüchen und Schlaumeiereien zu 

folgen ist faszinierend, reines Vergnügen an 

hoher Bühnekunst. 

Kleine Fluchten - Anja Schneider - Foto © Matthias Horn 

Ein Haufen Verlierer 

Doch Jim, gescheiterter Broadway-Bonvivant, 

liebt nur zwei Dinge, wenn er auch offensichtlich 

um Josies Gunst wirbt: Whisky und 

das Geld, mit dem er sich Whisky kaufen 

kann. Sein König ist der Alkohol. Kuchen 

buch läßt mitzittern, jede Hoffnung mit ihm 

gemeinsam verlieren. Nicht er ist die treibende 

Kraft, als es um Zweisamkeit geht – das 

ist Josie, die sich mehr von Ihm verspricht, 

als er geben kann und will. Resolut und 

selbstbewußt gibt sie die Richtung vor, muß 

aber vor der Trunksucht und Jims Unfähigkeit 

zu lieben scheitern. Selbst der Wandel 

vom häßlichen Entlein zum glitzernden 

Stern unter dem Mond der einzigen gemeinsamen 

Nacht und der geballte Einsatz der 

besten alten Whiskies als Aphrodisiakum 

können Jim nicht umkehren. Das rührende 

Bekenntnis „Ich bin noch Jungfrau, aber 

nicht weitersagen! Und jetzt willst Du nicht, 

aber ich will doch so gerne!“ und Josies folgender 

aufwühlender Monolog an das goldene 

Leben läßt Schneider/Josie die Sympathien 

zufliegen. Doch das Unglück ist besiegelt. 

Längst hat Jim das Land an den Blutsauger 

Harder (Alexander Maria Schmidt) verkauft, 

der die Hogans von dort vertreiben wird. 

Verlierer sind sie alle, denn keiner bekommt, 

was er eigentlich möchte, nicht Josie, die 

Liebe will, nicht Jim, der vom süßen Leben 

träumt, aber eher Hilfe bräuchte, nicht Phil, 

dem die Söhne weggelaufen sind, weil sie in 

dem ertraglosen Landkeine Zukunft sahen, 

ja nicht einmal der skrupellose Harder, 

der zwar das Land bekommen wird, aber 

dadurch auch nicht zufriedener ist. 

Bilderreiche Inszenierung 

Armin Petras läßt Schmidt in diversen 

kleinen eingeschobenen Auftritten die 

Unverwundbarkeit der Finanzwirtschaft 

und ihren raffinierten Schwindel mit 

Ballons, Konfetti und Taschenspielertricks 

demonstrieren und damit die Macht und 

Häßlichkeit des Geldes den kleinen Leuten 

gegenüber zeigen: „Es herrscht Klassenkampf, 

und meine Klasse gewinnt!“ 

Das sind starke, brandaktuelle Worte. Die 

mögliche Liebe Josies und Jims scheitert vor 

dem Suff und dem Geld, die Wunschwelt 

der Beladenen liegt im Mond, ihre Zukunft 

wird ohne Skrupel vom Besitzenden ruiniert 

und allen solidarischen Erklärungen 

zum Trotz verraten. Hoffnung? Oh, nein. 

O´Neill hat „A Moon for the Misbegotten“ 

1947 als eines seiner letzten Stücke 

in tiefem Pessimismus, wenn auch voller 

zärtlicher Liebe zu den Verlierern der 

amerikanischen Gesellschaft geschrieben. 

Petras´ bilderreiche Inszenierung ist fraglos 

als Parabel auf das Jetzt und Heute zu 

sehen. Ein beachtlich aktuelles Stück zum 

Ende der Spielzeit und Elmar Goerdens 

Intendanz in Bochum. Ab Herbst wird die 

Inszenierung am Maxim Gorki Theater in 

Berlin zu sehen sein. 

Frank Becker 

Infos: www.schauspielhausbochum.de 

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... von Fräulein Tückmantel sagte 

Eine amüsante Erzählung 

Karl Otto Mühl, Foto: Frank Becker 

Was Bodos Frau zum Geruch... 

Ich werde gleich im Zusammenhang mit 

meinem Kollegen Bodo und Fräulein 

Tückmantel auf Gerüche zu sprechen 

kommen. Diese Sache hatte wahrhaft 

schicksalhafte Auswirkungen, ja, sie hat 

sie sogar noch. Wenn ein Geruch – wie 

hier der von Fräulein Tückmantel – sich 

so auf das Leben eines Menschen auswirken 

kann wie auf das von Bodo, und 

wenn gleichzeitig das Leben seiner Frau 

völlig davon bestimmt wird, dann lohnt 

es sich, näher darauf einzugehen. Zumal 

auch ich nicht von den Auswirkungen 

verschont geblieben bin. Zunächst 

muß ich bemerken, dass mich Gerüche 

interessieren, die mich an etwas erinnern, 

oder mein Leben begleitet haben. Anders 

ist es mit den Gerüchen, die mein Leben 

begleitet haben. Die vergesse ich nicht. 

Das ist der Grund, warum ich inzwischen 

versucht habe, an Fräulein Tückmantel 

zu riechen. Sie ist mir jedoch nicht nahe 

genug gekommen. 

Heute hatte es den ganzen Tag geregnet. 

Sowohl im asphaltierten als auch im bloß 

festgestampften Teil des Fabrikgelän des 

bildeten sich Lachen und blinkten mich 

an wie ferne Signale, wenn ich aus dem 

Fenster blickte. Die Wolken stürmten 

flach über die Landschaft, Regen und 

Wolken und diesige Luft deckten die Fabrik 

zu. Als mein Kollege Bodo nach kurzem, 

hartem Anklopfen die Tür aufreißt, 

ist das als wenn ein Steward im Sturm 

bei schlingerndem Schiff in die Kabine 

kommt. Bodo fragt, ob er sich setzen darf. 

Ich schaue auf die Knö chel seiner Hand, 

die so hart angeklopft hat. Ich frage ihn, 

ob er Schwierigkeiten habe. Ja, doch. Es 

sind diese Missverständnisse zuhause, die 

ihn so sehr verwirren, dass er zum ersten 

Mal in seinem Leben das Gefühl hat, 

sich falsch zu verhalten, oder besser, die 

anderen zu einem falschen Verhalten zu 

veranlassen. Die Schwierigkeit zuhause 

gehe von seiner Frau aus, sagte er. Eine 

kleine, harmlose - so könne man vielleicht 

sagen -, schon länger zurückliegende 

Mitteilung von ihm habe ausgelöst, dass 

sie keine Minute mehr zur Ruhe komme. 

Sie rede ununterbrochen von dieser 

Sache. Wenn er in ein anderes Zimmer 

ausweiche, gehe sie hinter ihm her und 

rede weiter mit ihm. Wenn er im Bad sei,

stehe sie vor der Türe und rede. Wenn er 

von etwas anderem sprechen wolle oder 

müsse, denn es gebe ja auch noch andere 

Dinge in der Welt, dann biege sie das 

Thema sofort um und komme auf diese 

gewisse Sache zu spre chen. Zunächst zu 

seiner kleinen Bemerkung. Er hatte zu 

seiner Frau gesagt: „Menschen können 

tatsächlich wie Obst riechen, ich meine, 

wie frisches, duftendes Obst.“ „Wie? 

„Nun, zum Beispiel wie ein aufgeschnittener 

Apfel. Zum Beispiel die 

kleine Tückmantel – hat jemand 

gesagt! „wer?“ „Du meinst – wer?“ „Ja. 

Ich frage wer.“ „Ich weiß nicht mehr. 

Vielleicht die Frau Scheurenbrand von 

der Lohnbuchhaltung.“ Das glaube sie 

nicht. Er solle lieber gleich sagen, dass er 

Fräulein – also sie, die nach Apfel riecht, 

getroffen habe. Nun ja. Ganz kurz. Es 

ging um einen kleinen Vorfall. Er hatte 

die neue Kreditoren - Sachbearbeiterin, 

Silke Tückmantel, im Auto ein Stück 

mitgenommen. Nun ja, ein Wort gibt das 

andere, man kommt plötzlich auf den 

Gedanken, in einer Wirtschaft ein Glas zu 

trinken. Und dann ist es passiert. Fräulein 

Tückmantel ist ein hübsches Mädchen. 

Man möchte Bodo beneiden. Man 

kann Bodo auch verstehen, sie hat so 

etwas Glitzerndes, Wahnsinniges in den 

Augen, die von einem sehr hellen, wässrigen 

Blau sind. Ich kann Bodo freilich 

nicht sagen, dass ich Silke nicht verstehe. 

Bodo ist nach meiner Meinung eher hässlich, 

mit seinen buschigen Augenbrauen 

unter niedriger, kantiger Stirn, und mit 

seinem Gesichtsausdruck, der zwischen 

frecher Gleichgültigkeit, Dreistigkeit und 

strahlender Selbstgefälligkeit wechselt. 

Ich merke plötzlich, dass ich etwas gegen 

Bodo habe. Auch scheine ich keinen Blick 

für Möglichkeiten zu haben. Da fängt 

so ein kleiner Kolibri, Silke Tückmantel, 

bei uns an, und ich komme nicht einmal 

auf den Gedanken, dass sie auf Abenteuer 

aus sein könnte. Wohl aber dieser 

Bodo. Was kann sie nur an ihm anziehen? 

Spürt sie, dass er ein wenig verrückt ist, 

dass er verrückt werden kann, dass er 

ganz ver rückt sein kann, wenn es darum 

geht? Nur so und nicht anders kann es 

sein. Ich fürchte, mir fehlt die Fähigkeit, 

verrückt zu werden. Nur gut, dass man 

nicht auf ewig so unvollkommen sein 

muß. Von dieser Silke Tückmantel hat 

Bodo zuhause erzählen müssen. Er hatte 

sich also verplappert. Bodos Frau wollte 

wissen, warum gerade dieses Mädchen... 

Was war mit ihr? Bodo war ratlos, so 

ratlos, dass er sich selbst fragte: Ja, wie 

komme ich nur darauf? Er kratzte sich 

hinter dem Ohr, schüttelte ratlos den 

Kopf, aber dann fiel es ihm ein: Die ses 

Fräulein Tückmantel lebte allein, fühlte 

sich in der neuen Firma isoliert, suchte 

Kontakt. Das habe ihm leid getan. Man 

müsse diese kleinen Frauen mögen, 

die sich nach ein bisschen Lebensglück 

sehnten. Aufmerksam geworden sei er 

jedoch durch diesen Geruch von ihr, den 

Apfelgeruch, den Geruch von Reinheit, 

von Frische – man könne sich nur Gutes 

dabei denken – „Hör auf mit dem Unsinn! 

Das ist einfach ein billiges Parfum,“ 

schrie Frau Kranepol wütend. Von diesem 

Augenblick an begann das pausenlose 

Reden von Bodos Frau. Es dauerte auch 

nur wenige Minuten, bis Bodo die Affäre 

selbst gestanden hatte, diese einzige halbe 

Stunde, und wer wolle wirklich von sich 

behaupten, er sei in so einer Situation 

nicht verführbar? Unter dem Eindruck 

des pausenlosen Fragens und Redens 

seiner Frau gestand Bodo auch weitere 

Zusammentreffen mit Silke Tückmantel, 

aber nun sei endgültig Schluss. Wie 

könne sie nur glauben, da sei noch etwas? 

Dann würde er doch nicht so offen 

darüber reden. Außerdem sei es eben nur 

dieser bewusste Geruch gewesen, also 

nicht er selbst. Nein, der Geruch. Von 

sich aus käme er nie auf solche Gedanken. 

„Wieso?“ rief Bodos Frau. Sie habe 

ihn ja schon bei zwei Lügen ertappt. 

Erstens, über die Sache überhaupt, und 

dann habe sie erst herausfinden müssen, 

dass es nicht bei einem Mal ge blieben sei. 

Wie solle sie ihm noch glauben? Er habe 

ihr Vertrauen zerstört. ,,Nein“, rief Bodo, 

,,nein. Du musst mir glauben. Sonst hört 

dieses Gerede ja nie mehr auf. Pass auf, 

ich sage dir jetzt etwas, damit du siehst, 

dass ich dir nichts, aber auch nichts verheimliche.“ 

,,Ja, und was ist das?“ ,,Aber 

das sag ich dir nur, damit du mir endlich 

glaubst.“ ,,Nun erzähl schon.“ Bodo gestand, 

dass er auch etwas mit Frau Jankow 

gehabt habe, der Frau, die ihr manchmal 

hier in der Wohnung die Haare frisiere. 

Aha. Die auch. Dann solle Bodo 

auch gestehen, dass er unab lässig vielleicht 

alle paar Tage Frauen gehabt habe. Bodo 

beteuerte, nein, so sei es nicht gewesen. 

Vielleicht würde es ihr Vertrauen in seine 

Wahrheitsliebe stärken, wenn er ihr noch 

sage - obwohl er ja gar nicht gezwungen 

sei, es zu sagen -, dass er einige Male Frau 

Wendula Schmalz in ihrer Wohnung 

aufgesucht habe... Wendula Schmalz half 

Bodos Frau im Frauenkreis der Arbeiterwohlfahrt. 

Bodos Frau war die Leiterin 

des Frauenkreises. Sie könne sich jetzt 

nirgendwo mehr blicken lassen, nirgendwo, 

sagte Bodos Frau. ,,Mach dir da keine 

Sorgen“, erwiderte Bodo beruhigend, 

,,von den Frauen, die ich kenne, redet 

keine. Keine einzige.“ Was das denn nun 

schon wieder heiße? Offenbar seien es 

mehr als diese zwei. Unter dem nunmehr 

verstärkten Reden und Fragen seiner Frau 

gestand Bodo insgesamt sechsunddreißig 

Fälle, diese aber ver teilt über mehrere 

Jahre. ,,Also, ich bin soweit, dass ich ausziehen 

will“, sagte Bodo zu mir. ,,Sie hört 

keine Minute auf zu reden.“ Er sah mich 

einen Augenblick lang an und sagte dann: 

,,Ob Sie mal mit ihr reden? Doch, so was 

tut sie. Wenn ich ihr sage, dass Sie hier in 

der Firma auf meiner Seite stehen, aber 

mich trotzdem immer ermahnt haben, 

nichts falsch zu machen?“ 

Das mit dem Ermahnen muß ich noch 

nachholen, fiel mir ein. Während der 

folgenden Tage fallen mir immer wieder 

Ratschläge für Bodo ein. Es ist eindeutig, 

dass er sich ändern muss. Am besten wäre 

es, wenn er ein völlig anderer Mensch 

werden könnte. An einem Abend kommt 

Bodo wieder in mein Büro. Wenn ich 

ihm Ratschläge erteile, weise ich immer 

wieder darauf hin, dass ich seine Schwierigkeiten 

und die Fehler, die er macht, 

sehr gut verstehe. Vieles davon könnte 

auch mir passieren. über dieses Eingeständnis 

freut er sich. Seine Frau verlange 

ständig neue Geständ nisse. Und das mit 

der Begründung, dass sie seinen bisherige 

Geständnissen ja nicht trauen könne, dass 

er ja das Vertrauen gebrochen und sie 

belogen habe, dass er folgerichtig immer 

noch unter Verdacht stehe, bis – ja, bis er 

alles gestanden habe. 

Bodo hat tatsächlich erreicht, dass ich 

als neutraler Vermittler hinzugezogen 

werde. Ich soll abends mit Bodo in ihr 

Heim kommen. Als wir Drei zusammen 

sitzen, merke ich, dass sie mich nur als 

29

30 

Zuhörer braucht. Die milde Rolle des 

Vermittlers hat sie mir nicht zugestanden. 

Sie hört nicht zu. Für sie bin ich Bodos 

Komplice; nur mühsam und verächtlich 

verschont sie mich mit direktenVorwürfen. 

Es ist immer wieder dasselbe, was 

die beiden sagen. Sie hört nicht auf mit 

Vorwürfen und Fragen, sagt Bodo. Frau 

Kranepol sagt dann; er hat sie betrogen, 

sie kann nichts anderes mehr denken, sie 

kann sich schließlich doch nicht damit 

abfinden, oder? Plötzlich bleibt ihr Blick 

an mir haften: Wieso hat er gerade mir 

alles erzählt? Habe ich alles die ganze Zeit 

gewusst? Glaube ich etwa, es sei schön 

für eine Frau, wenn alle anderen wissen, 

dass sie betrogen wird? Und wie es mit 

mir stehe? Habe ich Kinder, ist meine 

Frau zufrieden? Warum bringt mich 

Bodo mit? Ich muss ja ein großartiger 

Mensch sein, wenn ich anderen helfen 

kann. Das hätte ich nicht behauptet, sage 

ich trotzig. Bodo habe mich gebeten, und 

so weiter. Bodo blickt betreten vor sich 

hin. Er kann sie nicht zurückhalten, und 

er ist es wahrscheinlich gewöhnt, von 

ihr bloßgestellt zu werden. Zum Schluss 

habe ich dann doch noch einen Ratschlag 

versucht. Diese Besessenheit, mit der sie 

rede, ja, Besessenheit, die sei das Gefährliche. 

Keiner kommt an einen Besessenen 

heran, und darum kämen sie beide nicht 

näher zueinander. Sie streift mich nur 

mit einem verächtlichen Blick. Sie werde 

Erkundigungen über mich einziehen, 

sagt sie. Ich käme ihr merkwürdig vor, ja, 

merkwürdig. Am besten wäre es, wenn sie 

mit meiner Frau reden könne. 

Jetzt sitze ich zuhause in meinem Arbeitszimmer. 

Ich bin auf jemand gestoßen, der 

mir das Gefühl genommen hat, ich sei ein 

schätzenswerter, ausgleichender Mensch. 

Karl Otto Mühl 

Karl Otto Mühls schriftstellerische Anfänge 

reichen in die Dreißigerjahre zurück, 

als in der Wuppertaler Lokalpresse erste 

Geschichten von ihm erschienen. Auch 

während seiner Ausbildungszeit schrieb 

er weiter. Während der Kriegsgefangenschaft 

verfasste er Einakter und Possen 

für das Lagertheater, daneben Privates. 

1944 machte er in den USA die Bekanntschaft 

des ebenfalls kriegsgefangenen 

Schriftstellers Tankred Dorst, mit dem 

er ab 1947 Mitglied in der Wuppertaler 

Künstlergruppe Der Turm war. Nach dem 

Wiedereintritt ins Berufsleben Ende der 

Vierzigerjahre pausierte Mühl lange Jahre 

als Schriftsteller; erst ab 1964 begann 

er erneut, in seiner Freizeit literarische 

Texte zu verfassen. Seinen Durchbruch 

erlebte er 1974 mit dem Theaterstück 

„Rheinpromenade“, das mit seiner 

kritisch-realistischen Schilderung eines 

kleinbürgerlichen Schicksals im Zeittrend 

lag und zahlreiche Aufführungen an 

deutschen Theatern erlebte. Mühl ist in 

erster Linie Dramatiker, er verfasste aber 

auch autobiografisch geprägte Romane, 

Kinderbücher, Gedichte und Hörspiele. 

Karl Otto Mühl ist seit 1977 Mitglied des 

Verbandes Deutscher Schriftsteller und 

seit 2000 des deutschen P.E.N.-Zentrums. 

Auszeichnungen 

1976 Eduard-von-der-Heydt-Kulturpreis 

der Stadt Wuppertal. 

2006 Literaturpreis der Enno und Christa 

Springmann-Stiftung 

Werke 

Rheinpromenade. Rosenmontag. 1974 

Siebenschläfer. Darmstadt [u.a.] 1975 

Kur in Bad Wiessee. Frankfurt/Main 1976 

Wanderlust. Frankfurt/Main 1977 

Hoffmanns Geschenke. Frankfurt/Main `78 

Die Reise der alten Männer. Frankf. 1980 

Trumpeners Irrtum. Darmstadt [u.a.] 1981 

Verbindlichen Dank. Frankfurt/Main 1992 

Fremder Gast. Frankfurt/Main 1995 

Ein Neger zum Tee. Wuppertal 1995 

Fernlicht. Wuppertal 1997 

Jakobs seltsame Uhren. Wuppertal 1999 

Das Privileg. Wuppertal 2001 

Inmitten der Rätsel. Gedichte 1997 bis 

1999. 1. Auflage. Nordpark, Wuppertal 

2002, ISBN 3-935421-10-9 

(Mit einem Vorwort von Jörg Aufenanger). 

Hungrige Könige. Roman. 1. Auflage. 

NordPark-Verlag, Wuppertal 2005, 

ISBN 3-935421-05-2. 

Nackte Hunde. Roman. 1. Auflage. 

Nordpark, Wuppertal 2005, 

ISBN 3-935421-06-0.


Siebzehn Silben 

sind so lang wie ein Atemzug 

Basho 


1. 

Auf dem Flug nach Japan, meinem ersten, 

lernte ich den Kollegen Basho kennen. 

Vor dreihundertfünfzig Jahren hat er 

gelebt. Das zählt wenig in der Literatur. 

Östlich von Murmansk und Archangelsk 

(die Weite Sibiriens drohte mir noch) 

begegnete ich seinem Namen im Reiseführer. 

Basho sei ein Meister des Haiku 

gewesen. Einen einzigen Vers nur gönnte 

ihm (und mir) das Buch: 

Ein reisendes Herz 

verweilt nie an einem Ort 

beim warmen Feuer 

Ein Vers nur. Der aber zündete. 

Denn ich verweilte hier ja wahrhaftig 

nicht beim warmen Feuer. Ich befand 

mich an einem Ort, der die quälendsten 

Alpträume gebiert. In einer Blechkapsel 

eingeschweißt und festgezurrt, Wade an 

Wade mit den fremdesten Menschen der 

Welt, zehntausend Meter weggehoben 

vom Boden der Erde (das zählt wenig in 

unserer Zeit), riß dieser bescheidene Vers 

einen Raum vor mir auf, ohne das Luftschiff 

im mindesten zu gefährden: Die 

Weite, die raumlose Weite von Poesie. 

Da sprach jemand mit einer lakonischen 

Nüchternheit, die auch nach dreihundert 

Jahren auf den ersten Blick überzeugte. 

Als könnte es gar nicht anders gesagt sein. 

Und doch vibrierend vom Schlag eines 

Herzens. 

Wie einfach gebaut war dieses kleine 

Ding! Auf drei Zeilen, mit fünf und 

sieben und fünf Silben gefüllt: darauf 

mußte alles Platz haben, was zu sagen ist: 

Gedanke wie Gefühl. 

Wie mochte das funktionieren, dieses 

Fünf – Sieben – Fünf, in meiner Sprache, 

fragte ich mich, eingezwängt in dieser 

Alptraumkapsel. Der körperlichen Bewegungsfreiheit 

so gut wie beraubt, gefesselt, 

um jedes Abschweifen zu verhindern, war 

meine Schreibsituation haikuartig karg. 

Auf der Speisekarte irgendeiner Mahlzeit 

kritzelte ich mit dem Bleistiftstummel 

aus der Hosentasche, im abgedunkelten 

Dösen um mich herum, dem nächtigen 

Himmel nah wie selten sonst und unter 

mir das schlafende Sibirien – hier brachte 

ich meinen ersten Versuch zu Papier, auf 

Bashos Spuren: 

Fliegend zu reisen 

über die Weiten der Welt 

macht die Beine taub 

Im Mangel wird Reichtum deutlicher 

sichtbar. Wie viel Platz doch auf so einer 

abgegessenen Speisekarte ist! An Prosa 

wäre nicht zu denken. Aber für einen 

zweiten Haiku, gleich hinterher, reichte 

es leicht. 

Das Land unter dir 

wie ein Spielzeug zu ahnen 

Schon bist du ein Zwerg 

31

32 

Der Körper vergessen, der Kopf war auf 

Reisen. Schon wollte er, vorlaut wie er 

ist, einen Triumph der Poesie über die 

Materie feiern, da drängte sich, vielleicht 

wegen der versuchten Gewichtsverlagerung 

auf die andere Pobacke, gequält die 

Frage durch meine betäubten Glieder: 

Warum tust du dir das überhaupt an, 

dieses Unterwegssein? 

Außer Haus zu sein 

im fremden Bett zu schlafen 

ist Last dir wie Glück 

Jetzt endlich war sie randvoll, die Speisekarte. 

Doch die Finger meiner linken 

Hand waren angeworfen. Eins, zwei, 

drei, vier, fünf. Eins, zwei, drei, vier, fünf, 

sechs, sieben. Noch einmal bis fünf. Sie 

standen mir nicht mehr still, solange ich 

in Japan war. 

2. 

Und selbst nach der Rückkehr, auf dem 

Flughafen von Paris, blieben sie rege, die 

silbensetzenden Finger. Die Trauer des 

Verlustes war zu fassen, der Enttäuschung. 

Halb zu Stein geworden der Körper nach 

zwölf Stunden Flug – nur die Zählhand 

war munter geblieben. 

Laut sind sie und plump 

Europas Menschenkinder 

Die Rückkehr macht klein 

Dann mein Willkommensgruß in der 

Heimat: 

O der ranke Wuchs 

der Japaner, alt wie jung 

Hier Butterfässer 

Mein letztes japanisches Wort. „Last wie 

Glück“ des Reisens: Diesen unerfreulichen 

Vergleich hätte ich mir sparen 

können, wenn ich es vor Wochen in den 

eigenen vier Wänden ausgehalten hätte. 




3. 

Angekommen. Ich hatte Boden unter den 

Füßen, war wieder ein freier Mann. Der 

Boden hier heißt Japan. Zum ersten Mal

war ich in diesem Land. Kein Wiedererkennen, 

Vergleichen mit früher. Alles 

war ohne Maßstab. Der Zugang geschah 

spontan, das Angezogensein wie die Abstoßung. 

Beides lief über die Sinne, wie 

sie von den Erfahrungen meines bisherigen 

Lebens vorgespurt und ausgerichtet 

sind, geschärft oder erlahmt. Was quer zu 

diesen Erfahrungen stand, berührte mich 

als Fremdheit. 

Die erste Befremdung, bereits im Flughafen, 

lösten die Mullbinden aus, die die 

Menschen hier vor dem Mund tragen. 

Der quadratische weiße Lappen über 

Nase und Mund. Das, was das Gesicht 

eines Menschen ausmacht – verschwunden. 

Keine Personen sah ich – Patienten. 

Jeder zweite, so kam es mir vor, lief damit 

herum. 

Des Menschen Antlitz 

hinter Tüll zu verstecken 

Gesund soll das sein? 

Für jemanden, der es gewohnt ist, 

unausgesetzt in den Gesichtern seiner 

Mitmenschen zu lesen, gierig geradezu, 

war das natürlich mehr als eine Störung. 

Ich fühlte mich von diesen Angsthasen 

betrogen, verzieh es ihnen nicht, dass 

sie mich mit leeren Händen dastehen 

ließen. Ich habe mich geärgert, machte 

mich lustig darüber. Gewöhnen mochte 

ich mich an diesen Anblick nie. Jedesmal 

löste der weiße Gesundheitsfetzen etwas 

in mir aus. 

Eine ganze Reihe von Tagen hat es gebraucht, 

ehe ich ihm eine andere Seite 

abgewann. Da mir Mund und Nase 

vorenthalten waren, blieben meiner 

Neugier nur die Augen übrig. Darin 

lag eine Chance. Und es hat mich 

versöhnt. 

Manchmal geschieht es 

das Geheimnis des Schleiers 

als Maske vorm Mund 

Über die Augen, dem Eingang der Seele 

nach alter Rede, gelang es mir, wenn auch 

erst spät, die Mundbinde hinzunehmen 

und in einen anderen Bereich vorzudringen. 

Einen höheren vielleicht. 

Über dem Mullrand 

dunkelbraunes Augenpaar 

verführt zum Träumen 

4. 

Dass ich meine Eindrücke in diesem 

fremden Land vom ersten Augenblick 

an in Bashos Manier festhielt, dem 

Zufallsbekannten aus dem Flugzeug, vor 

dreihundert Jahren zur Form geworden 

in einen mir unvertrauten Kulturkreis, 

war so selbstverständlich, dass ich darauf 

keinen Gedanken verschwenden mußte. 

Es geschah beiläufi g. Wie das Einatmen 

der hiesigen Luft. 

Auf schmalen Pfaden 

durchs Hinterland zählt Basho 

„Fünf, sieben und fünf“ 

Die 

Kürze 

des Haiku kommt gerade 

dem Reisenden zugute. 

Der Bleistiftstummel, mit 

aufgestecktem Radiergummi, ist 

mir immer zur Hand, ein Schnitzel Papier 

liegt überall herum. Beim Gehen, im 

Stehen, beim Fahren in der vollgestopften 

Stadtbahn – nirgendwo machte das Schreiben 

Umstände. Ein schlanker Vorgang. 

Und er saß hautnah am Leben. Das Maß 

der siebzehn Silben wie angegossen. Als 

übte ich es schon ein Leben lang. 

Ein Glücksfall natürlich (es überraschte 

mich keine Sekunde lang), dass mir in 

einer internationalen Buchhandlung 

Bashos Buch „Auf schmalen Pfaden 

durchs Hinterland“ in die Hände fi el, der 

Bericht seiner letzten langen Fußreise. 

Ein Büchlein zudem, das bequem in die 

Gesäßtasche der Hose paßte. Ab jetzt 

gingen wir zu zweit durch dieses Land, 

Schritt vor Schritt, der alte Meister und 

sein stümperhafter Lehrling. Dass uns 

dreihundert Jahre trennen sollten, hielt 

ich für eine Arabeske aus Zahlen. Gryphius, 

Bashos schlesischer Zeitgenosse, wäre 

mir vermutlich ferner gewesen. Poesie 

kennt keine Grenzen, von Zeit so wenig 

wie zwischen Orten. Es ist Luftraum. 

5. 

Die Krähen! 

Krähen im Gespräch 

hinweg über unsren Kopf 

Was meinen sie bloß? 

Laut sind die Krähen 

auf ihrem Posten oben 

geben den Ton an 

Kein Tier ist in Japan gegenwärtiger als 

diese schwarzen schweren Vögel. (Nichts 

da von landesüblicher Zierlichkeit.) 

Überall trifft man sie in den Städten. 

Vor allem: Man hört sie. Ihrem trocken 

Kehlschrei zeigt sich selbst der zünftigste 

Autolärm an einer Kreuzung nicht 

gewachsen (wobei sich die Zurückhaltung 

des japanischen Verkehrsteilnehmers auch 

bei der Benutzung der Hupe glücklich 

bewährt). 

33

34 

Frühmorgens kann man das nächtliche 

Wirken der Krähen bewundern: Die 

Plastiksäcke in den Vorgärten aufgerissen 

und der Müll raumfüllend über die ganze 

Straße verteilt. Dem Hausbewohner, der 

eilig zur Arbeit will, hebt sich bei dem 

Anblick der Magen an den Hals. 

Gierige Krähen 

belästigen das Viertel 

als Müllpolizei 

6. 

Die Reise war so geplant, dass sie in 

die Phase der Kirschblüte fällt. Diese 

zehn Tage, Höhepunkt des japanischen 

Kalenders, geben dem Land sein schönstes 

Aussehen, das Idealbild seiner selbst. 

Darauf fiebern die Menschen hin, Alte 

und Junge, und freuen sich, wenn es so 

weit ist, an der weißen Pracht über ihren 

Scheiteln, in den Parken, an den Straßen, 

freuen sich auf ihre ruhige, nach innen 

gekehrte Art. Und ziehen hinein in die 

Parke, immer in Gruppen: Kollegen, 

Nachbarn, Freunde, die Familie, mit 

Kind und Oma und reich bestücktem 

Imbißkorb. Sake fehlt so gut wie nie, das 

Sakrament des Erblühens zu feiern. So 

rasten sie unter dem Himmel aus Weiß, 

den anderen, tieferen hat ihnen das dichte 

duftige Gezweig weggesperrt. Keiner 

scheint ihn zu vermissen. (Ehrensache, 

dass nach dem Gelage kein Krümel und 

kein Fetzchen Papier am Boden zurückbleiben.) 

Dir selbst, dem Fremden, der nie dergleichen 

erlebt hat, kommen die Stunden 

abhanden, du sitzt da, auf engstem Raum 

neben anderen (in ständigem Wechsel), 

bist stumm und sprachlos vor Glück, 

nippst an deinem Sake-Gläschen, Stunde 

um Stunde, du spürst sie nicht, vergißt 

dich selbst, und schwer nur findest du 

den Weg hervor unter dem Zauberdach, 

das dich halten will bis zuletzt, trittst 

hinaus in Freie, in eine Leere, die dir so 

vielleicht noch nie begegnet ist, so ohne 

Geheimnis, entblättert, blütenlos. Vorbei. 

Mußt morgen wiederkommen. 

Weißer Wolkenduft 

Scheinst nicht von dieser Erde 

Wie faß ich dich nur? 

Unter Kirschenblühn 

- Krähen krächzen Lufthoheit - 

freut Sake noch mehr 

Auf Plastikplanen 

unter dem Kirschblütendach 

Picknick auch werktags 

Zur Nacht kämmt sie sich 

Kirschblüten aus ihrem Haar 

Weiß auf Schwarz. Glänzend 

Und dann, lang befürchtet, das Ende. 

Morgen gibt es kein Heute mehr. Jetzt 

müssen wir alle wieder ein ganzes Jahr 

lang auf das weiße Wunder warten. (Ich 

viel länger.) 

Weiß taumelt die Luft 

Die Kirschblüte regnet ab 

Kein Mai wird sie sehn 

Die Kirschblüte – ach! 

Grün sind alle Zweige jetzt 

Am Boden das Weiß 

7. 

Der Dichter Yoshida Kenko lebte, lese 

ich, von 1282 bis 1350. Diese Daten 

decken sich mit denen Dante Aleghieris, 

des Florentiners, der auch, zuletzt, im 

Unterwegssein sein Zuhause fand. Kenko 

sagte: 

„Irgendwohin eine Reise zu machen, ist 

so erfrischend wie ein Erwachen aus dem 

Schlaf. Wandert man in den ländlichen 

Gegenden und den Bergen, wo da oder 

dort ein Dorf versteckt liegt, aufmerksam 

umher, so entdeckt man tausend 

Dinge, die das Auge noch nie gesehen 

hat.“ 

Für Städte gilt das nicht minder. 

Das Fahren mit Tokyos Stadtbahnen:

Nirgendwo wurden meine bisherigen 

Lebens- und Reiseerfahrungen derart 

wirksam außer Kraft gesetzt, auf den 

Kopf gestellt, zerfetzt, immer wieder und 

jedes Mal wieder anders. Die Enge in den 

Abteilen war atemberaubend, aber nicht 

eng genug, das Skandieren meiner linken 

Hand zu bremsen, und geschrieben habe 

ich dort, meine ich, auch. Irgendwo über 

den Köpfen, in der Luft. 

Millionen pendeln 

Tokyos Stadtbahn ist geleckt 

Wie im Wohnzimmer! 

Der dunkle Anzug 

weißes Hemd und Krawatte 

Voll ist die Stadtbahn 

Kein Abfall zu sehen 

Niemand frißt hier aus Tüten 

Fahren heißt Fahren 

8. 

Basho ist – wundert sich einer? – klüger 

mit der Kirschblüte umgegangen als der 

Novize aus dem Westen. (Überhaupt habe 

ich im Gespräch mit Japanern immer das 

leicht beklemmende Gefühl, vorlaut zu 

sein, vorschnell, und regelmäßig die letzte 

entscheidende Wendung des Gedankens 

zu verpassen, im Halbfertigen steckenzubleiben.) 

Statt selbst die Kirschblüte zu 

beschreiben (eitles Unterfangen), erinnert 

Basho sich an das Gedicht eines Früheren, 

des Priester Gyoson-sojo, und zitiert es im 

Stillen (also nicht auf dem Papier seines 

Reiseberichts): 

Nur wir beide mögen 

dies als schönste Trauer tragen: 

Denn du Bergkirsche blühst 

und keiner weiß es und auch ich 

kenne niemand, der mich kennt 

Basho beläßt es nicht dabei, vor der 

Tradition zurückzutreten und das eigene 

Wort ungesagt zu lassen (eine schreckliche 

Überwindung für einen Schreibenden). 

Es scheint weniger aus Bescheidenheit 

geschehen zu sein als aus der Erkenntnis, 

dass jedem Wort, das in die Welt tritt, im 

Kern auch immer ein Verrat innewohnt. 

„Die Regel schreibt den Bergasketen vor“, 

notiert Basho, nachdem er sich Gyosons 

tieftraurige Elegie vorgesagt hat, stumm, 

nur für sich – „die Regel schreibt vor, nichts 

von dem, was den Zauber dieser Berge 

ausmacht, anderen zu verraten. Dieser will 

auch ich mich fügen: ich lege meinen Pinsel 

nieder und berichte nicht weiter ...“ 

Wenig zu sehen 

mit aufgerissnen Augen 

Vorrecht des Fremden 

Es trifft nicht ganz, aber ein wenig 

fühle ich mich bei Bashos „Regel“ an das 

Goethesche „Sag es niemand, nur dem 

Weisen“ erinnert und spreche den Vers 

leise zu Ende. 

In seinen Hausteich 

schrieb der Meister das Gedicht 

aus Wasser und Stein 

Jetzt, beim Überlesen, fallen mir – als Widerklang 

– zwei Verse Rainer Maria Rilkes 

aus seinen „Sonetten an Orpheus“ ein: 

Zu der stillen Erde sag: Ich rinne 

Zu dem raschen Wasser sprich: Ich bin. 

9. 

Tausende und mehr 

Tempel erfreun Kyoto 

Nicht einer zu viel 

Über die ganze Stadtebene verteilt liegen 

sie, die Tempel der alten Kaiserstadt, 

wachsen die Hänge hoch bis in die Berge 

hinein. Der Fluß Kamo-gawa mit all seinen 

Kanälchen – kirschblütenverhangen 

in diesen Tagen – quert die Stadt. Klein 

ist sie nicht. Lange Wege sind zu gehen. 

Kyoto ist auch eine moderne Großstadt 

von annähernd anderthalb Millionen 

Einwohnern. 

Fahrräder sind leicht zu leihen. Sie 

machen den Gast unabhängig und frei. 

Angenehm spürt er die samtwarme Frühlingsluft 

auf der Haut, die Lust, in die 

Pedalen zu treten, dem Körper Bewegung 

zu gönnen. Trotz des ungewohnten Linksverkehrs 

radelt es sich mühelos durch 

den großstädtischen Werktagsverkehr 

dahin, von Tempel zu Tempel, durchaus 

von einem Ende der Stadt zum anderen. 

Als Radfahrer ist man der schwächste 

unter den Benutzern der Straße, weil der 

langsamste. Doch wie mit ihm hier umgegangen 

wird – ohne Schwere, so kommt 

es dir vor, als läge ein Schutzschild um 

deine Schultern. Kein Drängen, Hupen, 

Drohen, Geschrei. In weichen Bögen 

umkurven sie das menschengetriebene 

Gefährt, Personenwägen, Busse, selbst 

die Taxifahrer zeigen Manieren. Wenn 

ich mir vorstelle, ich führe auf dem Rad 

durch Köln oder Neapel – 

So viele sie sind 

doch geschmeidig wie hier 

fließt kein Verkehr sonst 

35

36 

Einen Verkehrsunfall habe ich in den 

Wochen nicht erlebt. Die Autos, zierlich 

wie alles hier, sehen samt und sonders aus, 

als kämen sie frisch vom Band. 

In der Nähe der Tempel selbst wird es 

schwieriger für den Radler. Derart dichte 

Menschenmengen umschließen ihn, drängen 

von allen Seiten in den Hauptstrom 

hinein, unüberschaubar, und kommen 

ihm gleichzeitig entgegen, dass man das 

Rad besser schiebt und bald stehen läßt. 

Die Tempel, die in den Reiseführern besonders 

empfohlen werden, sind natürlich 

rettungslos überlaufen, die Eintrittsgebühren 

entsprechend saftig. Die Gehrichtung 

durch diese herrlichen Gärten sind vorgegeben, 

und sie sind eingeschränkt. Irgendwo 

wird immer etwas repariert. Den tief 

in mir sitzenden Stachel, gegen den Strom 

zu schwimmen, habe ich mir beim zweiten 

oder dritten Versuch gezogen. Vor solchen 

Massen gibt es kein Entrinnen. Selbst 

Kafkas Maus bliebe hier ohne Chance. 

Auch in den Zen-Hallen kommt man 

nicht zur Ruhe. Der Blick hinaus auf 

die Anlage aus Stein, Kies, Sand und ein 

paar kurz gehaltenen Büschen. Die Menschen 

sind irritiert von solcher Kargheit, 

vielleicht auch enttäuscht. Statt Ruhe 

über sich kommen zu lassen, flüchten 

sie aus der Gegenwart des Jetzt und 

Hier und knipsen ihre Fotos ab, in der 

Erwartung, damit etwas festzuhalten, für 

später. Das, was sie im Moment verstreichen 

lassen, soll in irgendeiner Zukunft 

eingeholt werden, als blasses Abbild. 

Nirgendwo könnte es weniger fotogen 

sein als im Angesicht eines Zen-Gartens, 

und umso heftiger wird das Aussichtslose 

geübt. Immer wieder wird man bedrängt, 

muß raumfordernden Verrenkungen 

ausweichen, kommt selbst kaum 

zu sich und hat keine Möglichkeit, den 

Raum zu füllen mit der eigenen Wenigkeit 

und ihrer inne zu werden. Der 

Flüchtigkeit unseres Seins. Die Knipser 

dulden das nicht. Die Ruhe des Zen 

wird püriert, bis sie nicht mehr da ist, 

damit sie aufs bunte Bild paßt. Irgendein 

Stein, zwei bizarr verdrehte Zweige, ein 

paar vom Rechen gezogene Linien im 

Sand, und davor die kleine Toshiko, mit 

Schleife im Haar. Das war – ja, wo war 

das noch gleich: In Kyoto vielleicht? 

Doch es gibt auch Tempel, selbst in der 

alten Kaiserstadt, die in den Reisebüchern 

vergessen sind. Die Eintrittsgebühr 

ist deshalb niedriger oder entfällt 

ganz. Du bist für dich, kannst sitzen und 

schauen auf das wenige, das so ein Zen- 

Garten bietet. Wenig und alles. Bis deine 

Wirbelsäule sich meldet und dich an die 

Grenzen deines Ichs erinnert. 

„Zazen“ heißt Sitzen 

Sitzen. Und Denken geschieht 

Einfaches ist schwer 

Ja, wenn du tanzen könntest! Den Körper 

aufheben! Dir aber bleiben nur ein paar 

Wörter, siebzehn Silben genau. Zum 

Träumen reicht es. 

Tanzen wär die Kunst 

bis in die Fingerspitzen 

standhaft zu bleiben

10. 

Gewandert sind die Dichter früher 

in Japan, über Monate hinweg, einen 

Strohkorb auf dem Rücken, den Stecken 

in der Faust, an den Füßen leichte 

Sandalen, Sommer wie Winter. Meist 

war ein Reisegefährte dabei, auch er 

natürlich Dichter. Unterwegs schloß sich 

der eine oder andere für eine Weile an. 

Zum Übernachten wurde eine Herberge 

aufgesucht, oder man stieg bei Freunden 

ab, Kaufleute meist und also betucht, die 

selbst gerne dichteten und denen es eine 

Ehre war, den Wanderdichter bei sich zu 

bewirten zu dürfen und von ihm dafür 

im Schreiben von Versen unterwiesen zu 

werden. 

Abends saß man beisammen: der Gast 

oder zwei, der Hausherr und ein paar 

ausgewählte Freunde, bei Kerzenlicht 

und Sake, und dichtete. Ganze Ketten 

von Gedichten entstanden. Die Zahl 

der Silben wechselten, mal vierzehn, mal 

siebzehn. 

Einer dieser Wanderdichter war Basho. 

Mehrere Fußreisen von ihm sind bezeugt. 

Wie näher am eigenen Leib als auf 

Straßen und Wegen und Pfaden könnte 

man das Leben erspüren, seinen Wandel 

im Augenblick? Die Züge der Landschaft, 

die Gesichter der Stämme und 

ihre Sprachen, das Spiel von Helligkeit 

und Dunkel früh und am Abend, den 

klimatischen Wechsel von Herbst in den 

Winter? 




Bequem war es nicht, immer unterwegs 

zu sein. Ein karges, eingeschränktes 

Leben. Hitze und Kälte und 

Regen. Müdigkeit des Körpers, der 

Seele. Angst vor Räubern in einsamer 

Gegend, vor Tieren. Die Anstrengung 

des Gehens in Bastsandalen, über Felsgestein, 

durch schlammiges Gelände, 

nur auf Sicht orientiert. Und wenn 

sich dann noch eine Erkältung in die 

Knochen schlich. Manchmal gab ein 

großherziger Gastgeber einen Führer 

mit für einen Tag, wenn die Gegend zu 

unwegsam war. 

Die, die lieber „beim warmen Feuer“ 

sitzen, nennen eine solche Existenz 

entbehrungsreich. Doch die Mühen 

sind nicht umsonst, sie werden belohnt. 

Man ist nah dran am Leben, mit der 

eigenen Haut. Nah an Mensch und 

Ding, nah an der Natur, nah an Stein 

und Sein. Zwischen Himmel und Erde, 

Begeisterung und Niedergeschlagenheit, 

Seligkeit und Verzweiflung. 

Wandern als Lebensform. Man erwandert 

das Leben und erwandert sich 

selbst. Auf kürzestem Weg wird das 

Außen zum Innen, lösen Trennungen 

sich, wird alles eins. Durch die eigene 

Person hindurch und über sie hinaus. 

Grenzen sinken nieder, im Gehen 

Schritt für Schritt, verlieren ihren Sinn. 

Mögen die anderen, die „beim warmen 

Feuer“ sitzen, sie pflegen und hüten 

und verteidigen. Dem Dichter liegt 

anderes am Herzen. Er ist längst wieder 

auf der Walze. 

Das Ziel war im Gehen. Doch ohne 

Kompaß war Bashos Wandern und das 

seiner Kollegen im alten Japan keineswegs. 

„Gedichtskopfkissen“ hieß das 

Ziel. „uta-makura“ hat, vermute ich, 

bis heute im Land eine gewisse Aura 

bewahrt und treibt immer noch Dichter 

hinaus auf die Straße. Als „Gedichtskopfkissen“ 

wird eine Landschaft von 

besonderer Schönheit bezeichnet, 

Orte, die in der Literatur schon oft 

„besungen“ worden sind, wie es bei uns 

im 19.Jahrhundert hieß. Deshalb war 

dieser locus amoenus ein Kissen, eine 

Kopfstütze. Von früheren Dichtern 

entdeckt und geschaffen, festgehalten 

im Wort, suchten die Wanderpoeten 

diese „Gedichtskopfkissen“ auf, die sie 

noch nie gesehen hatten und gleichwohl 

doch genauestens kannten – aus 

den Gedichten ihrer Vor-Gänger. Basho 

und die Seinen waren nicht unterwegs, 

um Neues zu entdecken, irgendwo der 

erste zu sein. Ganz das Gegenteil. Sie 

wollten das Bekannte erfahren, das ihnen 

im Vers Vertraute. War der schöne 

Ort erreicht, das Ziel aller Mühen und 

Entbehrungen, wurden die Gedichte 

zitiert, laut oder im Kopf, die hier 

entstanden waren, vor fünfzig, hundert, 

vor dreihundert Jahren. Weit reichte 

die Kette ins Vergangene hinab. Dann 

erst – erst dann erhob der Dichter seine 

eigene Stimme, am Ort, wo er stand 

wie so viele schon vor ihm, und pries 

das, was er gerade in diesem Augenblick 

erlebte, teilte das Empfinden, das 

schon durch so viele Köpfe und Herzen 

gegangen war. Das hätte entmutigen 

können, und durchaus nicht an jedem 

„Gedichtskopfkissen“ fiel Basho etwas 

Eigenes ein. Aber meistens zündete der 

Funke doch. Und es geschah ein Gedicht, 

meist in Anlehnung an eines der 

früher hier entstandenen oder mehrere. 

Ein Weiterspinnen von Gedanken und 

Gefühlen über Jahrhunderte hinweg. 

Communio im Wort. 

Der Wanderdichter war angelangt. Er 

konnte sicher sein: Eines Tages, mochte 

er auch schon nicht mehr in diesem 

Leben sein – irgendeiner stünde eines 

Tages wie er genau an diesem Platz und 

erfuhr den flüchtigen Augenblick des 

Jetzt in diesen Worten wieder, die ihm 

gerade in den Sinn gekommen waren. 

Abends, in der Herberge, saß Basho 

nieder, griff zu Pinsel, Tusche und 

Papier und hielt das vor Ort im Kopf 

Geschriebene fest. Für sich, für spätere, 

wann immer. Sein Bund mit der Ewigkeit. 

Damit kann man gehen. Und gehen 

und gehen. 

37

38 

So ist es mit der Muschel 

Geht schwer auseinander – wie wir 

im scheidenden Herbst 

11. 

Vom Shinkansen aus 

glüht weiß das Dach des Fuji 

verdreht mir den Kopf 

Basho berichtet, wie er mit seinem 

Weggefährten Sora, Dichter wie er, im 

Gebirge einen Paß überquert. 

„’Von hier aus bis zur Grenze der 

Provinz Dewa stehen hohe Berge wie 

Trennwände, fast unpassierbar; die 

Wege sind unsicher, so dass man sie 

ohne die Hilfe eines Ortskundigen 

nicht bewältigen kann!’ sagte unser 

Gastgeber, und daher vertrauten 

wir uns einem kräftig aussehenden 

Burschen an, der einen Krummsäbel 

umhängen hatte und einen Eichenstecken 

trug. ‚Ausgerechnet an einem 

Tag, der uns Böses bringen kann!’ sagte 

er, und wir strauchelten entsprechend 

eingeschüchtert hinter ihm drein. 

Unser Gastgeber hatte recht behalten, 

es gab nichts als hohe Berge und dichte 

Waldungen, durch die keine Vogelstim- 

me drang. Durch Waldesdunkel und 

wucherndes Gestrüpp führte der Pfad 

– es war uns, als schritten wir durch die 

Nacht. Wir erlebten die Stimmung von 

Tu Fus Gedichtworten: ‚... aus Wolkenrändern 

wirbelte Nebelstaub...’ 

Schritt für Schritt zwängten wir uns 

durchs dichte Bambusgrasgewirr, zerteilten 

es mühsam, und nur so konnten 

wir uns langsam einen Weg bahnen. Wir 

staksten über Wildbäche und suchten 

unseren Halt über manchen Felsen 

kletternd, während kalter Schweiß über 

unsere Körper rann. Erst als wir die Ländereien 

von Mogami erreichen, hatten 

wir es hinter uns. ‚Dieser Weg hält sonst 

immer Unvorhergesehenes bereit. Euch 

unversehrt bis hierher geführt zu haben, 

ist ein großes Glück!’ sagte freudestrahlend 

der Bursche, der uns gebracht hatte. 

Dann trennten wir uns von ihm. Aber 

noch lange nachher spürte ich das kalten 

Grauen, das seine ersten Worte in mir 

hinterlassen hatten. Angst schnürte mir 

die Brust zusammen.“ 

12. 

Die Kruste so dünn 

Im Erdinneren gärt es 

Japans Schlaf ist leicht 

Die schlanke Inselwelt, die Japan ist, 

haben Vulkane geschaffen. Das Land ist 

ursprungsnah, die Vulkane leben noch. 

Hier bebt die Erde, wie zu Beginn der 

Zeiten. So gut es den Menschen möglich 

ist, hat die Architektur sich darauf eingestellt. 

Aber immer wieder kocht es im 

Inneren der Erde hoch, die dünne Kruste 

zerbricht wie eine Oblate. Ein Stück 

Küste reißt es ins Meer, Berge bersten, 

Städte versinken in Schutt und Asche. Bis 

in unsere Tage hinein. 

In den neunziger Jahren des vergangenen 

Jahrhunderts hat ein Erdbeben Teile der 

Stadt Kobe verschlungen, sechstausend 

Menschen fanden den Tod. Was sagt eine 

solche Zahl? 

Genug immerhin, dass ich die Fahrt mit dem 

Schnellzug Shinkansen hier unterbreche. 

Kobe heute. Eine Stadt wie andere. 

Was hatte ich erwartet? Keine Spuren 

geblieben von der Zerstörung, die 

Katastrophe restlos überbaut. Ein neues 

Hafengelände posiert mit erfreulich 

abwechslungsreicher Architektur: Hotels 

als Hochhäuser, schmucke Einkaufsstraßen 

und –passagen. Großzügig angelegt 

Erholungsplätze am Rand des Wassers, 

auf denen sich – heute ist Sonntag – die 

Eltern mit ihren Kindern ergehen. Die 

Herzen geöffnet. Sonne setzt allem ihren 

Glanz auf. Wahrscheinlich ist es dieser 

Tage schöner, als es jemals hier war. Der 

Schrecken damals restlos verzehrt. Kein 

Gedenkstein, keine Inschrift. Für wen 

auch? Die Menschen der Stadt wissen 

es. Sie muß keiner erinnern. Sie nutzen 

die neugeschaffenen Räume, freuen sich 

daran. Das ist ihre Stadt. Die Sonne. Das 

Meer, glatt und ruhig. Ein solcher Friede. 

Der Kopf muß mir einreden, dass er 

trügerisch sei. Es sind immer die, die von 

außen kommen, die Fremden, Unbetroffenen, 

die sich Sorgen machen. Ohne jede 

Haftung. Morgen sind sie anderswo. Und 

die Einheimischen? Die hier leben wollen 

und hier leben müssen? 

Sie leben. 

Land und die Menschen 

Auf Vulkane gegründet 

ahn ich ein Zittern

13. 

„Berge stürzen ein, neue Flüsse quellen 

hervor, Wege vergrasen, in die Erde 

versunkene Steine werden unsichtbar, 

Bäume altern und erstehen als junge 

Triebe verwandelt wieder – so ändern sich 

die Zeiten und wechseln Menschengenerationen: 

die verbleibenden Spuren sind 

meist fraglicher Natur. 

‚Das Land ist verwüstet – Berge und Flüsse 

aber blieben unversehrt – über Burgruinen 

grünt, wenn der Lenz kommt, nur 

noch Gras!’ Diese Gedichtworte gingen 

mir durch den Kopf. Meinen Bambushut 

unter mir ausgebreitet saß ich da, vergoß 

Tränen – und vergaß die Zeit: 

Sommergras ...! 

Von all den Ruhmesträumen 

die letzte Spur“ 

So steht es in Bashos Bericht von seiner 

letzten Wanderreise. 

14. 

Den Vulkanen sei Dank! 

Neben dem Gehweg 

dampft es über dem Rinnsal 

Fort mit Schuh und Strumpf 

Heißes Wasser quillt 

aus dem Herzen der Erde 

dir vor die Füße 

„Die Nacht verbrachten wir in Iizuka, 

einem Heißquellenort. Wir stiegen 

unverzüglich ins heiße Bad. Zwar 

hatten wir uns regelrecht eingemietet, 

bekamen aber lediglich eine armselige, 

heruntergekommene Schlafstätte: auf 

dem kahlen Fußboden lagen nur dünne 

Binsenmatten ausgebreitet. Es gab keine 

Leuchte, und wir mußten , bevor wir 

uns niederlegen konnten, unser Nachtlager 

beim Schein der offenen Feuerstelle 

einrichten. 

Tief in der Nacht kam ein Gewitter 

auf mit Donner und Blitz; es goß in 

Strömen, so heftig, dass es von der Decke 

troff. Zu allem Überfluß gab es auch 

noch Flöhe und Moskitos, die uns zerstachen. 

Ich konnte kein Auge schließen. 

Mein altes chronisches Leiden stellte sich 

wieder ein – die Schmerzen raubten mir 

fast die Besinnung. 

Als der Morgen graute - die ersten Anzeichen 

konnte man endlich am Himmel 

dieser so kurzen Sommernacht ablesen 

- , brachen wir auf. Wie die Brandung, 

die auch nach einem Sturm anhält, litt 

ich noch lange unter den Nachwirkungen 

meines nächtlichen Anfalls: es wollte 

und wollte mir nicht besser gehen. 

Wir liehen uns Pferde und gelangten 

zur Wechselstation Kori. Von hier aus 

lag unser Reiseziel noch in sehr weiter 

Ferne, und bis dahin mit einem solchen 

Leiden durchzuhalten? Es wurde mir 

angst und bange bei diesem Gedanken. 

Schließlich aber befand ich mich auf 

einer Wanderübung, ein Wanderer durch 

weit entlegene Provinzen, der um der 

Erleuchtung willen der Welt entsagt und 

sich auch die Idee der Vergänglichkeit 

stets vergegenwärtigt und der die Möglichkeit, 

unterwegs zu sterben, hinnimmt 

als Bestimmung des Himmels.“ 

Bald ist Basho am Ziel. 

15. 

„Steigbügelschliff“ – ein Wort von vier 

Silben, aus einem Haiku, fast eine Verszeile 

lang. 

Steigbügelschliff? 

Die Wanderpoeten im alten Japan, auch 

Basho, waren auf manchem Weg zu Pferde 

unterwegs, gemietet oder ausgeliehen, 

wenn ihnen jemand freundlich gesonnen 

war. 

„Steigbügelschliff“: Der Hohlweg, den es 

zu durchqueren galt, war derart eng, dass 

der Reiter mit seinen Steigbügeln rechts 

wie links an der Bergwand entlangscheuerte 

und dabei Spuren im Gestein 

hinerließ, flüchtige Kratzer. Abends dann, 

den Pinsel in der Hand, fanden sie sich 

ein, diese vier Silben, und kamen aufs 

Papier. Jetzt etwas haltbarer gemacht, für 

eine Weile oder, wie hier, für ein Drittel 

Jahrtausend (bis jetzt). 

Das war doch einen Sake wert, heut 

Abend. 

16. 

In weitem Bogen 

das Schwert aus der Scheide 

und kein Klingenstreich! 

Leg den Bogen an 

den Pfeil, atme und ziel, spann 

Dann laß es sinken 

Von dem Priester-Dichter Noin-hoshi, 

989 geboren, erzählt man sich, er sei 

nicht gerne gereist. „Es heißt, er habe sich 

lange Zeit vor den Augen der Welt verborgen 

und die Hände zum Bräunen aus 

dem Fenster gestreckt, um vortäuschen zu 

können, er sei auf Reisen gewesen.“ 

Sie blättert nicht ab 

die Kamelienblüte 

Ganz stürzt sie vom Zweig 

17. 

Ein Haiku Bashos, von seiner Hand. 


Erstveröffentlichung Musenblätter 2009 

Fotos: Jürgen Kasten 

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Foto: Ryszard Kopczynski 

Seit seinem literarischen Debüt 1978 

(mit dem Roman Fehlstart-Training) 

hat Michael Zeller ein außerordentlich 

vielgestaltiges Werk geschaffen. Neben 

Gedicht-, Erzähl- und Essaybänden sind 

das vor allem seine bisher acht Roma- 

ne, darunter so erfolgreiche Titel (mit 

mehreren Auflagen) wie Follens Erbe, 

Die Sonne! Früchte. Ein Tod, Die Reise 

nach Samosch oder Café Europa. Seit 

1990 hat der Autor sein literarisches Augenmerk 

verstärkt auf den östlichen Teil 

Europas gelenkt, vor allem auf Polen. 

Ein Jahr hat er in Krakau gelebt. Daher 

rühren die „Krakauer Geschichten“ 

Noch ein Glas mit Pan Tadeusz. 

Auszeichnungen (Auswahl): 

Stipendium, Worpswede (1984/85). 

Writer in residence, New York 

(1988/89), Stadtschreiber in Lauenburg/ 

Elbe (1995/96). Kulturpreis Schlesien 

des Landes Niedersachsen (1997), 

Literaturpreis der Robert-Bosch-Stiftung 

(1997), Poetikdozenturen an den 

Universitäten Mainz (1993/94) und Erfurt(2001/02), 

Artist in residence, Erfurt 

(2001), Preis der Springmann-Stiftung, 

Wuppertal (2003), Literaturpreis der 

mittelfränkischen Wirtschaft (2004), 

Von der Heydt-Preis der Stadt Wupper- 

tal (2008). Er war zu Poetikdozenturen 

eingeladen an den Universitäten Erfurt, 

Mainz, New York.. 

Zuletzt sind von ihm erschienen 

2010 Wir machen den Pott voll 

Erzählung, zusammen mit Schülern 

einer Duisburger Realschule (PEN- 

Projekt RUHR 2010) 

2009 Falschspieler. Roman 

2009 Die Soester Fehde. Schauspiel 

(Uraufführung August 2009) 

2009 Der Schüler Struwe. Erzählung 

2009 Saskia leuchtet. Erzählung 

(zusammen mit Schülern) 

2010 im Herbst, Gerhard Nebel, 

Zwischen den Fronten. 

Kriegstagebücher 

Wiederentdeckt, ausgewählt und 

mit einem Nachwort von Michael 

Zeller 

Umfassendere Information im Netz unter 

www.michael-zeller.de 

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Werden sie doch einfach Abonnent! 

detaillierte informationen zu den Konzerten und den Vorteilen der Abonnements finden sie in unserem 

Jahresprogramm 2010/2011, das sie an der Konzertkasse erhalten oder unter www.sinfonieorchester-wuppertal.de 

VVK und Abonnements über topticKet: tel. 02 02. 569 44 44, www.wsw-online.de/topticket


Schriftsteller und Philosoph 

1957 in Wuppertal geboren 


Andreas Steffens - Portrait des Sammlers 

Ich war überglücklich, meine Sammlung wieder zu haben und sie endlich 

in meinem Palazzo aufhängen zu können. 

(Peggy Guggenheim) 

„Das muß ich Ihnen erzählen!“ 

Diesen, oder einen ähnlichen Satz hat jeder schon zu hören bekommen, der von 

einem passionierten Sammler durch dessen Sammlung geführt worden ist. Sammeln 

ist ein Vorwand für Erzählungen. Sammler sind eigentlich Geschichtenerzähler. 

Das erfährt besonders, wer mit den Objekten ihres Interesses handelt. Die Kunden 

kauften auch, um zu sprechen. Um das, was sie bewegte, vor jemandem auszubreiten, 

der nicht nach Zeiteinheiten bezahlt wurde, wie Rechtsanwälte oder Psychotherapeuten. 

Der kluge Händler hört geduldig zu, bis er der Kaufbereitschaft seines Kunden sicher 

sein kann; der kluge Kunde redet nicht länger, als die von seinem Verkaufsinteresse 

bemessene Bereitschaft des Händlers dauert. Natürlich hörte Jillian den Kunden nur 

so lange zu, wie sie Kunden waren. Das bedeutete nicht, dass sie jedes angebotene Stück 

kaufen mussten. Hatten die Kunden sehr lange kein Stück mehr gekauft, erwateten sie 

nicht, dass Jillian ihnen noch zuhörte. Wenn Kunden nicht mehr sammelten, wenn sie 

ihre Interessen einem anderen Gebiet zuwandten oder nicht mehr über die entsprechenden 

finanziellen Möglichkeiten verfügten, merkte Jillian das zuerst daran, dass die Gespräche 

kurz wurden (1). 

Die Emotionen, die Erinnerungen, die Wünsche, Begebenheiten, Erfolge und Mißerfolge, 

kurz: die Geschichten, die mit ihm verbunden sind, machen den wirklichen - 

und einzigen - Wert jedes Stückes jeder Sammlung aus. Auf den Besitz kommt es nur 

wenigen Sammlern an; den meisten um so mehr darauf, davon berichten zu können, 

wie sie ihn erlangten. 

Das Glück des Sammlers ist nicht das Besitzen. Es ist das Entdecken. So besteht eine 

Sammlung zwar aus einer Ansammlung von Fundstücken, welcher Art und welchen 

Genres auch immer, sie ist eine Versammlung von Gegenständen, von Materie; aber 

was sie ausmacht, sind nicht die Gegenstände selbst. Es ist deren Auszeichnung mit 

Bedeutung. Ein beliebiger, irgendwo aufgelesen und einer Sammlung einverleibt, 

verwandelt sich in das materielle Symbol eines im Leben seines Entdeckers wichtigen 

Augenblicks: er ist zum wertvollen Gegenstand als dessen Memorial geworden. Eine 

Sammlung stellt materielle Medien von Erinnerungen an besondere Momente in 

der Geschichte einer Leidenschaft zusammen. Gleich was einer sammelt, er sammelt 

immer Zeugen seiner Biografie. 

Das setzt den Sammler auf die Zeitschwelle. Er markiert sie. Wo er agiert, fließt 

Vergangenheit in Zukunft über. Denn die Objekte seines Triebes sind Gegenstände 

vergangener Lebenssituationen; sein Ziel aber ist deren Bewahrung für eine Zukunft, 

in der sie für ihre eigene als vergangene Zeit zeugen werden. Der Sammler macht die 

Gegenwart seines Lebens zur Schwelle dieser Rettung. Sein Gedanke ist, dem Kunstwerk 

das Dasein in der Gesellschaft zurückzugeben, von der es so sehr abgeschnürt worden 

war, dass der Ort, an dem er es auffand, der Kunstmarkt war, auf dem es, gleich weit von 

seinen Verfertigern wie von denen, die es verstehen konnten, entfernt, zur Ware eingeschrumpft, 

überdauerte (2). 

Deshalb sind Sammlern Besucher meistens willkommen. Sofern diese bereit und 

fähig sind, die Bedeutsamkeit zu beglaubigen, deren Zeugnisse ihnen dargeboten 

werden. Ich rang nach Luft: ich wusste, dass man, um sich bei einem Kunstsammler 

einzuschmeicheln, seine Sammlung preisen muß (3). Besucher geben Gelegenheit zur 

Erinnerung, zur Vergegenwärtigung dieses wirklichen Wertes alles dessen, was einer 

zusammengetragen hat. Sie lassen die Geschichten wieder lebendig werden. Und sie 

werden sie zu hören bekommen. Da ist jedem nur zu wünschen, an einen Sammler 

zu geraten, der sich aufs Erzählen auch versteht. (Oder, falls nicht, an einen, der 

nur eine kleine Sammlung herzuzeigen hat, oder zum großen Bericht gerade nicht 

aufgelegt ist.) 

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Erzählen heißt nicht nur, immer auch 

von sich zu sprechen. Handelt es sich 

um Erzählungen, in denen der Erzähler 

selbst vorkommt - und Sammler erzählen 

nur von sich selbst - , so heißt es, 

nach der Integration aller Erzählungen 

zu suchen, die es von einem geben kann: 

nach der eigenen Biografie. 

Wenn eine Episode, ein kleines Stück aus 

dem Leben, erzählbar geworden ist, weil 

die einzelnen Erlebnisse selbst den Zug der 

Erzählbarkeit an sich haben und gleich- 

sam darauf warten, Teil einer geschehenen 

und womöglich auch erzählten Geschichte 

werden zu dürfen, dann kann auch das 

Lebensganze geschichtlich werden, muß 

es vielleicht sogar. Die Teile fordern die 

Realisierung dessen, wozu sie disponiert 

sind: ihre Integration in ein abgeschlossenes 

Ganzes (4). 

Der Sammler ist ein synthetischer 

Archäologe seiner eigenen Biografie vor 

der Zeit, indem er auf dem Weg durch 

sein Leben als sein eigener Archivar 

die ihm wesentlichen Bruchstücke und 

Zeugnisse zusammenführt, aus denen 

seine Biografie nach der Vollendung 

seines Lebens sich fügen wird. 

Der Sammler umgibt sich mit Gegenständen, 

die für die Lebensmomente 

einstehen, die seine Biografie bilden. 

Zeigt er seine Sammlung her, so zeigt er 

sich selbst. 

Je aufmerksamer sein Besucher sich 

im Zuhören beweist, desto enger wird 

dessen Beziehung zum Erzähler sich in

der Folge gestalten können. Wer es nun 

versäumen sollte, bei dieser und jener 

Wendung des Berichtes zwar diskret, 

aber nachdrücklich einzuhaken und 

interessiert nachzufragen, dessen Sympathiewert 

wird sogleich erheblich sinken. 

Sammler umgeben sich mit Menschen, 

die ihrer Leidenschaft nützlich sein können. 

Danach prüfen sie neue Beziehungen. 

Und schlagen sie aus, wenn sie sich 

in dieser Hinsicht als tumb erweisen. 

Man muß ihre Leidenschaft nicht 

aktiv teilen, das wäre auch gar nicht 

erwünscht, bedeutete es doch Konkurrenz 

im Jagdrevier; aber durch tätiges 

Interesse beglaubigen. 

Wer sammelt, ist unterwegs. Immer. 

Man kann es nicht zu Hause. Denn 

Sammeln heißt, in den Räumen der 

Welt Verstreutes zusammentragen: 

Vieles, was vorher zerstreut war, wird so 

bewegt, daß es nachher beisammen ist (5). 

Und es ist ganz gleich, womit einer 

gerade beschäftigt ist. Ergibt sich eine 

Verbindung, bietet sich eine Spur hin 

zu einem Objekt, das in die Sammlung 

gehört, so wird der Sammler ihr immer 

nachgehen, im Extremfall jede ihn gerade 

leitende Pflicht außer Acht lassend. 

Es gibt Sammler, die nur dort ihren 

Geschäften nachgehen, wo sich auch 

Gelegenheiten zur Pirsch finden lassen. 

Sammeln ist eine menschliche Urtätigkeit. 

Es war einmal lebensnotwendig. 

Auf Nahrungssuche zu gehen und alles 

einzusammeln, was die Natur in einem 

bestimmten Umkreis um die ersten 

primitiven Behausungen, Höhlen und 

Hütten herum hergab, und sich nur 

halbwegs als eßbar erwies, war die 

Grundtätigkeit unserer Urvorfahren zur 

Bedürfnisbefriedigung, bevor sie die erste 

große Kulturschwelle in der Menschheitsentwicklung 

erreichten, und sie 

überschritten, indem sie den Ackerbau 

erfanden. 

Seine Herkunft aus der Beschaffung 

rarer Lebensmittel hat sich darin erhalten, 

daß Gegenstand des Sammelns 

immer Besonderes, Wertvolles, Seltenes, 

Luxuriöses ist, oder daß etwas dadurch, 

daß es gesammelt wird, Auszeichnung 

als Besonderheit erfährt. Die großen 

Sammler sind meist durch die Originalität 

ihrer Objektwahl ausgezeichnet (6). 

Sammler sind in diesem Sinne ‘primitive’ 

Menschen: sie kultivieren eine 

Leidenschaft immer wieder aufs neue, 

ohne die es eine Menschheit nie gegeben 

hätte. Sie bewähren ein menschliches 

Urvermögen, das auch in jeder späten 

Kultur lebendig bleiben muß, soll 

sie ihre Grundaufgabe weiter erfüllen 

können, Menschen das zu verschaffen, 

dessen sie zum Leben bedürfen. 

Und das ist nie das, was die physischbiologischen 

Grundbedürfnisse, Essen, 

Trinken, Schlafen, Fortpflanzung, 

erfüllt. Der erlebbare Wert des Lebens, 

das den Willen zu seiner Fortsetzung 

aufrechterhält, liegt immer jenseits der 

Grundbedürfnisse. Deren Erfüllung 

ist vorausgesetzt. Wo sie problematisch 

oder unmöglich wird, ist das Leben 

sinnlos. Jede Anstrengung zu deren Gewährleistung 

hat die Aufhebung dieser 

Sinnlosigkeit zum Ziel. Überspitzt gesagt: 

Nicht die Armut ist unmenschlich, 

sondern daß sie einen davon abhält, sich 

um das zu kümmern, wofür einer sein 

Leben hat. 

Es bleibt sinnlos, wenn es nicht gelingt, 

Denken, Empfinden und Handeln Ziele 

zu geben, die jenseits der Bedürfnisbefriedigung 

liegen. Welche es sind, ist 

ganz gleichgültig. Wenn sie sich nur 

bilden. 

Es kann noch so beschwerlich sein, es 

bleibt sinnvoll, solange einer die Kraft 

aufbringt, sich mit Leidenschaft um 

Dinge zu kümmern, die Wert nur für 

ihn besitzen. Denn in diesem Wert 

versammeln sich alle Fähigkeiten eines 

Menschen, die ihm gestatten, ein 

wertvolles Mitglied einer Gemeinschaft 

zu sein. Das Individuum ist nicht der 

Gegensatz zur Gesellschaft, sondern die 

Voraussetzung ihres Funktionierens. 

Auf diese Personengebundenheit kommt 

alles an. Den Wert eines Stücks in 

einer Sammlung bestimmt die intimpersönliche 

Beziehung, die sein Besitzer 

zu ihm hat. Sein Wert erfüllt sich in der 

Bereicherung der Person, die es durch 

Bestätigung, durch Stimulanz, durch 

emotionale Aktivierung leistet. Und 

wenn es nur der triviale Stolz ist, sich 

dies alles ‘leisten zu können’. Für den 

wahren Sammler aber spielt das keine 

Rolle, denn für ihn steht ganz außer 

Frage, daß er sich auch leisten kann, was 

er haben ‘muß’, denn immer handelt es 

sich um ein Müssen, um ein unabweisbares 

Bedürfnis jenseits der elementaren 

Bedürftigkeit. Und wenn die Mittel, 

es zu erwerben, nicht vorhanden sind, 

werden sie beschafft werden, ganz fraglos 

und in unerschütterlicher Selbstverständlichkeit. 

Eine Leidenschaft schafft 

sich Wirklichkeiten, in denen sie sich 

erfüllen kann. 

Der Ursprung der modernen Sammlung 

in den adligen Kuriositätenkabinetten 

des Barock erinnert an den Ursprung 

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des Sammelns in der menschlichen 

Eigenschaft der Neugierde. Der Trieb, 

Seltsamkeiten anzuhäufen, folgte dem 

erst allmählich zu Bewußtsein gekommenen 

Impuls, etwas zu erfahren, was 

noch unbekannt war. Die Sammlung 

steht ein für die Entdeckung, daß es ein 

Lebenswert ist, sich darum zu bemühen, 

etwas in Erfahrung zu bringen, was 

vorher noch nicht gewußt wurde. Die 

versammelten Gegenstände repräsentieren 

ein Wissen, dessen Aneignung das 

eigene Leben erweitert, indem es seinen 

Erfahrungshorizont ausdehnt. 

So gehorcht jede Sammeltätigkeit einem 

nur dieser Person, die ihr nachgeht, eigenen 

Trieb, über den sie sich selbst oft 

gar keine Rechenschaft geben könnte, 

der einfach da ist, wie man seine Nase 

hat und die Ohren nun einmal geformt 

sind, wie sie sind, ohne daß man darüber 

nachdächte. Es ist da, es wirkt, und 

man folgt. 

Der Sammler nimmt die Sprache beim 

Wort und ‘bringt in Erfahrung’, in seinen 

Erfahrungsraum, was an den Dingen 

haftet, mit denen er sich umgibt. 

Wie die Werkzeuge die Reichweite und 

Gestaltungskraft der Hände erweitern, 

so erweitern die Kunstwerke als 

materielle Dokumente der Wahrnehmungsverarbeitung 

einer besonderen 

Individualität den Erfahrungshorizont 

ihrer Betrachter und Besitzer. 

Mehr noch als in ihrer exemplarischen 

Auszeichnung durch den Wert des 

‘Sehenswerten’ (7) macht dieses Motiv 

das Zusammentragen einer Kunstsammlung 

zur höchsten Form des Sammelns. 

Was Sammeln seinem Wesen nach ist, 

zeigt sich nicht am Anfang, sondern am 

Ende, nicht am ökonomischen ‘gathering’ 

von Nahrungsmitteln, die wir zum Leben 

brauchen, sondern im ästhetischen ’collecting’ 

von Kunstwerken, die wir betrachten 

wollen. Wie diese die Anschauungs-, 

Ausstellungs- und Sammelgegenstände 

schlechthin sind, so ist der Kunstsammler 

das Urbild des Sammlers, der Prototyp 

des ‘homo collector’. Kunstsammeln ist 

Sammeln in seiner reinsten und höchsten 

Form: Sammeln par excellence (8). 

Sich Kunstwerke als Medien einer 

eigenen Wahrnehmungserweiterung zu 

verschaffen, ist das fruchtbarste Sammelmotiv 

des Besitzenwollens. Diesen 

Willen zu verwirklichen, im Extremfall 

um jeden Preis - ‘Sammlerpreise’ 

sind immer imaginär, willkürlich und 

ohne Bezug zum materiellen Wert des 

betreffenden Objekts; sind Strafen einer 

unverständigen Umwelt, die sie einer ihr 

unverständlichen Leidenschaft dadurch 

auferlegt, daß sie sie zu eigenem Vorteil 

ausnutzt - , bringt die Sammlung hervor. 

Da er immer bereit ist, jeden Preis 

für das zu zahlen, was er haben muß, 

legt der Sammler es immer darauf an, 

es so billig wie möglich zu bekommen: 

seine eigene Wertschätzung findet sich 

desto intensiver bestätigt, je geringer der 

Vorbesitzer dessen, was er im Begriff ist 

zu erwerben, es achtet. 

Nur für den Sammler gilt buchstäblich: 

Geld spielt keine Rolle. Deshalb kann 

kein Sammler genug von ihm haben. 

Es ist unbedingt erforderlich für die 

Überwindung jenes Widerstandes, ohne 

die ein entdecktes Stück, das in die 

Sammlung gehört, keinen Eingang in sie 

finden darf. Nichts ist für den Sammler 

so wertlos wie das Stück, das seine 

Sammlung krönen sollte, das er nicht 

selbst findet und jeden Widerstand 

überwindend an sich bringt, sondern 

geschenkt bekommt. Er wird es annehmen, 

und ihm in der Sammlung seinen 

Platz geben. Aber es ist nur noch ein 

Platzeinräumen, ein schon unwilliges 

Dulden, und bald wird er das so lange 

begehrte Objekt mit Verachtung strafen. 

Er wird es schließlich dafür hassen, daß 

es sich ihm verweigert hat, indem es sich 

nicht von ihm, sondern einem anderen 

finden ließ, der es ihm zuführte. 

Aus dem Motiv der Selbsterweiterung, 

zu dem die ziellose Neugierde kultiviert 

wurde, stammt auch die für jede Sammeltätigkeit 

charakteristische Dynamik. 

Der Sammler hat in seiner Leidenschaft 

eine Wünschelrute, die ihn zum Finder 

von neuen Quellen macht (9). Sammeln 

ist eine prinzipiell unabschließbare 

Tätigkeit. Sammeln heißt, zu dem, was 

schon gefunden wurde, immer noch ein 

weiteres Stück desselben dazu haben 

zu wollen. Die unendliche Variationsvielfalt 

des Selben ist die eigentliche 

Herausforderung des Sammlers. Er will 

wissen, welche Varianten es von dem, 

was ihn fasziniert, geben kann. Ist sie 

durch die Natur seines Sammelgebie- 

tes begrenzt, wendet er alles daran, 

Vollständigkeit zu erreichen - in der 

Hoffnung, eines Tages auf ein Stück zu 

treffen, dessen Existenz unbekannt war. 

So sind in den grafischen Kunstsammlungen 

die Stücke die wertvollsten, die 

kein Werkverzeichnis kennt. Es ist nicht 

nur die Gewissenhaftigkeit eines Mannes, 

der sich einen Konservator von Schätzen 

weiß, es ist auch der Exhibitionismus des 

großen Sammlers, der Fuchs veranlasst 

hat, in jedem seiner Werke ausschließlich 

unveröffentlichtes Bildmaterial, 

fast ausschließlich seinem eigenen Besitz 

entstammendes, zu veröffentlichen. Die 

Suche nach dem Einzigartigen erfordert 

Maßlosigkeit. Allein für den ersten Band 

der >Karikatur der Europäischen Völker< 

hat er nicht weniger als 68ooo Blätter 

kollationiert, um rund fünfhundert davon 

auszuwählen. Kein Blatt hat er jemals 

öfter als an einer einzigen Stelle reproduzieren 

lassen (10). 

Der Sammler will finden, was es nicht 

gibt. Denn er sucht in jedem Fund, was 

ihm ebenso wie allen anderen auch am 

unbekanntesten ist: sich. Indem er das 

ihm Wertvolle um sich versammelt, 

sammelt er sich zu sich selbst. 

Gelingt ihm das, ist er der glücklichste 

Mensch. 

1) Ernst-Wilhelm Händler, Welt aus 

Glas. Roman, Ffm 2009, 184 

2) Walter Benjamin, Eduard Fuchs, der 

Sammler und Historiker, in: ders., 

Angelus Novus. Ausgewählte Schriften 

2, Ffm 1966, 302-343; 333 

3) Bruce Chatwin, Utz. Roman, München 

1989, 57 

4) Manfred Sommer, Sammeln. Ein 

philosophischer Versuch, Frankfurt/M 

1999, 302 

5) a.a.O., 8 

6) Benjamin, a.a.O., 333 

7) vgl. a.a.O., 77-85 

8) a.a.O., 84 




Fotos: Frank Becker

Begegnungen in der 

Hochschule für Musik und Tanz 

Köln / Standort Wuppertal 

„Günter Wand-Haus“ 


Variation I: Instrumentalisten 

Das bescheidene Schild „Günter Wand-Haus“ übersieht man fast beim Betreten des 

neuen Domizils der Musikhochschule in der Sedanstraße 15. Dafür blickt der Maestro 

im Frack auf den Besucher vom Treppenabsatz – seit dem 30. Juli ist er Namenspatron 

der Hochschule geworden. Auch der in Elberfeld geborene berühmte Dirigent hat einst 

als Student an der Musikhochschule Köln begonnen. 

In Wuppertal ist diese aus dem Konservatorium hervorgegangen, das 1972 an die 

Musikhochschule Köln angeschlossen wurde. Bis vor zwei Jahren behalf man sich in Elberfeld 

an der Friedrich-Ebert-Straße in einer für diese Straße typischen Gründerzeitvilla 

mit Hinterhof und zurückliegenden Nebengebäuden mit morbidem Charme. 

Der Umzug nach Barmen in das ehemalige Amtsgerichtsgebäude mit großzügigem 

Anbau hat die Hochschule zu einem noch professionelleren Ort der Musikerausbildung 

gemacht. Kaum hat man das Haus betreten ist man mitten in der Musik – sie dringt aus 

jeder Türritze und erfüllt Flure und Treppenhäuser. 

Beim Wachdienst und Werkschutz, wie sich die Pförtner nennen, türmen sich die 

Behältnisse für die großen Instrumente. Es ist ein ständiges Kommen und Gehen von 

Dozenten und Studenten, die ihren Studienausweis gegen den Schlüssel für einen 

Übungsraum tauschen; mal wird ein Klavier benötigt, mal ein Flügel, manchmal geht es 

auch ohne, ein Student möchte sich nur 10 Minuten Einspielen oder Einsingen vor dem 

Unterricht, der andere bucht gleich noch einmal zwei Stunden für den Nachmittag dazu. 

Der Pförtner nennt alle mit Namen, kennt ihre Instrumente, ihre Sorgen und Bedürfnisse 

und hat für jeden eine fröhliche Bemerkung. Inzwischen beherrscht er elf Sprachen, 

so behauptet er wenigstens, denn die Hochschule hat internationales Flair, doch die 

Sprache der Musik ist universal. 

Prof. Dr. Lutz-Werner Hesse, im Treppenhaus des Günter Wand-Hauses, dem neuen Domizil der Musikhochschule 

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Sofort spürt der Besucher die besondere 

Atmosphäre dieses Hauses, die gleichermaßen 

von Freude, Harmonie und 

intensiver Arbeit geprägt ist. Zwei junge 

Geigerinnen erzählen mir, dass sie sich 

hier sehr wohl fühlen, jeder kennt jeden, 

die Dozenten verstehen sich untereinander, 

und die Stimmung am kleinen Standort 

Wuppertal mit etwa 220 Studierenden 

ist sehr entspannt und ungezwungen. 

Michael Lang studiert Klavier im Studiengang 

Bachelor of Music. Er findet „die 

Hochschulleitung extrem gut. Gabriele 

Amend, die das studentische Sekretariat 

und das Prüfungsamt leitet, begrüßt die 

Neulinge gleich mit dem Namen, den sie 

sich mit den Bewerbungsfotos eingeprägt 

hat. Man fühlt sich getragen, weil man 

von Anfang an verständnisvoll und hilfreich 

betreut wird, und das ist einzigartig.“ 

Der theoretische Unterricht bei Professor 

Dr. Lutz-Werner Hesse, Komponist 

und seit 1 ½ Jahren Geschäftsführender 

Direktor, ist alles andere als grau, sondern 

spannend und lebendig. 

Langs Vater ist Klavierlehrer und hat den 

Sohn fünf Jahre unterrichtet. Nach dem 

Lehrerwechsel stellten sich dann nach 

der anfänglich unbefangenen Spielfreude 

Blockaden ein, „eine Art musikalischer 

Pubertät: Die Leidenschaft geht zurück, 

doch neue Stücke geben neue Ziele und 

neues Feuer. Jetzt übe ich bedächtiger, 

überlegter und frage mich, wie kann ich 

sinnvoll üben. Wenn dann eine Stelle 

gelingt, stellt sich ein Glücksgefühl ein. 

Das Musikstück ist die Herausforderung, 

doch die Zufriedenheit mit dem Ergebnis 

muss hart erkämpft werden.“ 

Michiko Tashiro, eine junge Pianistin aus 

Japan, nimmt mich mit in das Zimmer 

von Professor Scherrer. Zwei Flügel und 

ein großer Spiegel gehören zur Ausstattung. 

„Den Spiegel mögen die Studenten 

weniger, aber die Kontrolle ist wichtig“, 

so Professor Scherrer, weil er auf diese 

Weise den Spieler aus der Sicht des Publikums 

beobachten kann. 

Michiko spricht sehr gut Deutsch. Sie hat 

im Alter von vier Jahren in Japan mit dem 

Klavierunterricht begonnen und dort eine 

Schule besucht, auf der sie Deutsch als 

Fremdsprache wählen konnte: also hatte 

sie schon früh im Sinn, in Deutschland zu 

studieren. Sie hat bereits Auslandserfahrung 

sammeln können, da sie zwei Jahre 

Mareike Löffler, Akkordeon mit dem Dozenten Helmut Quakernack 

mit ihren Eltern in den USA gelebt hat. 

Obgleich bei der Bewerbung Deutschkenntnisse 

vorausgesetzt werden, gibt 

es bei einem Ausländeranteil von 40% 

Sprachprobleme. Sprachkenntnisse sind 

nicht nur wichtig für die zahlreichen 

theoretischen Fächer wie Gehörbildung, 

Harmonielehre, Musikgeschichte oder 

Musikdidaktik. Besonders wichtig ist es, 

sich mit dem Dozenten differenziert und 

sensibel über die künstlerischen Ansprüche 

des jeweiligen Werkes, die Interpretation 

und die technische Ausführung 

verständigen zu können. Die Sprache der 

Studierenden untereinander ist Deutsch, 

und in den theoretischen Fächern hilft 

man sich gegenseitig. 

Man hilft sich nicht nur, man erzieht sich 

auch gegenseitig, Dünkel oder Konkurrenzkämpfe 

gib es nicht, und gerade das, 

so meinen die beiden Geigerinnen, ist das 

Schöne am kleinen Standort Wuppertal. 

Den Bachelor of Music oder den Bachelor 

of Music in Education kann man in acht 

Semestern erwerben, in kürzerer Zeit ist 

das Studium an einer Musikhochschule 

allein wegen der Anzahl der Fächer und 

der Übungszeiten nicht zu schaffen. Dazu 

kommt ein Instrument im Nebenfach, 

das nur den Pianisten erspart ist. Alle 

anderen müssen das Klavier als Akkordinstrument 

belegen, mit Ausnahme der 

Gitarristen, Mandolinisten und Akkor- 

deonisten. Die beiden letztgenannten 

Instrumente kann man übrigens nur 

am Standort Wuppertal studieren. Der 

aufbauende Masterstudiengang benötigt 

noch einmal zwei Jahre. 

Zur Eignungsprüfung können sich nur 

junge Menschen bewerben, die bereits 

intensiven Vokal- oder Instrumentalunterricht 

hatten, entweder in der Schule 

oder privat. Wichtige Vorarbeit leisten 

auch häufig die musischen Gymnasien. 

Die Eignungsprüfungen sind unterschiedlich 

in den Anforderungen, je nachdem 

welcher Abschluss angestrebt wird. An die 

angehenden Musikpädagogen (Bachelor 

of Music in Education) werden weniger 

hohe Anforderungen im künstlerischen 

Vorspielen gestellt, dafür müssen sie während 

der Prüfung mit den Mitbewerbern 

ein Stück einstudieren. Dazu kommt u. 

a. die gefürchtete Prüfung in Gehörbildung 

– für die meisten ein Stolperstein - , 

die jedoch wiederholt werden darf. Die 

Eignungsprüfung, so die beiden Geigerinnen, 

ist für alle hart, drei Stücke muss 

jeder vorbereiten, davon dürfen zuweilen 

nur 10 Minuten vortragen werden, 

aber in Wuppertal bekommt man sogar 

einen Vorbereitungsraum zur Verfügung 

gestellt. 

Professor Christian Roderburg, Dozent 

für Schlagzeug, stellt bei Eignungsprüfungen 

oft unterschiedliche Leistungen 

fest. Im Zweifelsfall empfiehlt er dem

Das Hochschulorchester Günter Wand-Haus, Haupteingang 

Bewerber, den Lehrer zu wechseln und 

erneut vorzuspielen. Die Lebensläufe der 

Studenten sind höchst unterschiedlich, 

so konnten auch einige, die erst auf dem 

zweiten Bildungsweg in die Schlagzeugklasse 

gekommen sind, ihr Hochschulstudium 

erfolgreich absolvieren. Seit 

1991 hat Roderburg 45 Schlagzeuger 

ausgebildet, die alle weitgehend mit ihrer 

Berufstätigkeit zufrieden sind. 

Gegenwärtig sieht er zurückgehende 

Bewerberzahlen, weil angesichts der 

Finanznot der Städte Stellen an Musikschulen 

und Orchestern reduziert werden 

und auch die Konzertangebote freier Veranstalter 

zurückgehen. Dennoch möchte 

er seinen Studenten Mut machen und 

lehrt sie auch, flexibel zu sein und „sich 

zu vermarkten“. 

Schlagzeuger haben nicht nur ein äußerst 

reichhaltiges Instrumentarium zu beherrschen, 

sondern sie benötigen auch ein 

gutes Gehör und eine gute Klangvorstellung, 

z.B. zum Einstimmen der Pauken. 

Um ein Vibraphon oder ein Marimbaphon 

mit zwei oder vier Schlägeln zu 

spielen, braucht es ein genaues Koordinationsvermögen 

der Bewegung. Rhythmus 

hat überhaupt viel mit Körpergefühl, mit 

Raumgefühl zu tun. Verspanntheit ist 

ein verbreitetes Problem, doch lassen sich 

durch richtiges Üben und die richtige Art 

der Spieltechnik einiges bewirken. 

Der Beruf des Schlagzeugers erfordert viel 

Flexibilität. Roderburg selbst wusste als 

Musikstudent noch nicht so recht, „wo 

die Reise hingehen sollte.“ Er hat viel 

unterrichtet, Musik gemacht, als Aushilfe 

im Orchester gespielt und experimentiert: 

„Man muss schon ein bisschen verrückt 

sein und lernen, sein Leben zu organisieren“. 

So mussten einmal beim Spiel in einer 

Kirche die großen Schlaginstrumente 

per Seilzug nach oben geschafft werden, 

weil sie nicht durch die enge Wendeltreppe 

zur Orgelempore passten. 

Seit das Studium nicht mehr ausschließlich 

„klassisch“ orientiert ist, hat der 

Schlagzeuger nicht nur zu lernen, sich in 

allen Stilarten zu bewegen, sondern auch; 

die zahlreichen Percussionsinstrumente 

samt ihren unterschiedlichen Spieltechniken 

zu beherrschen. Abgesehen von den 

theoretischen Fächern ist für die Studenten 

Klavier als Nebenfach obligatorisch, 

da es als Akkordinstrument für die Musikalität 

und das Umsetzen der theoretischen 

Kenntnisse unerlässlich ist. 

Salome Amend ist mit 19 Jahren sicher 

eine der jüngsten Studentinnen an der 

Musikhochschule. Auch sie kommt aus 

einem musikalischen Elternhaus. Als 

die Fünfjährige anlässlich eines Tages 

der offenen Tür einer Musikschule die 

Pauken mit ihrer spannenden Pedaltechnik 

kennenlernte, hat sie es sich in den 

Kopf gesetzt, Schlagzeug zu lernen. Sie 

hat sich durchgesetzt und zunächst im 

Gruppenunterricht mit Handperkussion 

und später im Einzelunterricht bei Uwe 

Fischer-Rosier, Dozent an der Musikhochschule, 

gelernt. Er hat ihr Talent 

in besonderer Weise gefördert. Salome 

muss über 200 Perkussionsinstrumente 

aus allen Erdteilen beherrschen, denn seit 

dem 20. Jahrhundert ist die Schlagmusik 

international. Die Literatur für diese 

Instrumente ist erst etwa 70 Jahre alt und 

hat sich vor allem durch das Aufkommen 

des Jazz durchgesetzt. Dimitri Schostakowitsch 

war der erste Komponist, der 

1928 eine Bühnenmusik für „Die Nase“ 

(nach Gogol) ausschließlich für Schlaginstrumente 

komponiert hat, Edgar Varèse 

folgte 1929/31 mit „Ionisation“, das für 

13 Spieler besetzt ist, die mehrere Instrumente 

bedienen. Auch Salome hat im 

Alter von 15 Jahren den Lehrer gewechselt 

und für sich den Jazz entdeckt, der bis 

heute ihre Leidenschaft ist. 

Musik hatte für sie immer den höchsten 

Stellenwert, das mussten sowohl ihre 

Freunde verkraften als auch die Schule, 

in der sie wegen der Konzerte häufig 

gefehlt hat. Es gab auch keinen Sport, 

denn „Musik macht mich glücklich.“ So 

hat sie sich nach dem Schulunterricht erst 

einmal durch Schlagzeugspielen erholt. 

Geübt wird mit individuell angepasstem 

Gehörschutz aus Silikon. Zum Ausgleich 

für anstrengendes Üben helfen Entspannungstechniken, 

die für alle Studenten 

Teil des Lehrplanes sind. 

Probleme mit dem Auswendigspielen hat 

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sie nicht – beim Spiel mit zwei oder vier 

Schlägeln hat man ohnehin keine Zeit in 

die Noten zu schauen. 

Salome Amend möchte lieber unterrichten 

und als freie Musikerin arbeiten, 

denn im Orchester fürchtet sie Druck 

und Konkurrenzkämpfe. Was macht 

ein Schlagzeuger in den langen Pausen? 

„Wenn man das Stück nicht gut kennt, 

muss man zählen“, sagt Salome, „aber die 

Pausen sind sehr wichtig, auch sie sind 

Musik, und man muss die Spannung 

halten.“ 

Als Musiker möchte und muss man konzertieren, 

und für ein Konzert benötigt 

man Publikum. Deshalb finden während 

des Semesters neben internen Konzerten 

mehrmals wöchentlich öffentliche Konzerte 

in unterschiedlichsten Zusammensetzungen 

statt, vom reinen Violinabend 

bis zum Dozentenkonzert, Opernabenden 

und großen Sinfoniekonzerten. Aufgetreten 

wird ganz professionell in schwarzer 

Kleidung und Lederschuhen, für jedes 

Konzert gibt es ein Programm und 

manchmal wird es vom Dozenten oder 

von den Studierenden moderiert. 

Diese Konzerte sind immer ein besonderes 

Erlebnis voller Überraschungen, nicht 

nur, weil sie hohe künstlerische Qualität 

bieten. Neben der klassischen Musik hat 

die Neue Musik einen wesentlich höheren 

Stellenwert als in herkömmlichen 

Konzerten. Auch lassen sich Dozenten 

und Studenten immer etwas Neues 

einfallen. So kann man selten gespielte 

Stücke in ungewöhnlichen Besetzungen 

erleben. Professor Albrecht Winter hat 

das Hochschul-Salonorchester ins Leben 

gerufen, ein studentisches Ensemble mit 

vielfältiger Besetzung, das die Ausbildung 

sinnvoll ergänzt. Der Erfolg und die 

Begeisterung waren so durchschlagend, 

dass sich inzwischen aus Absolventen der 

Hochschule das professionelle „Salonorchester 

O là là“ gegründet hat. Salomes 

Bruder Raphael ist der Sologeiger, Michiko 

Tashiro spielt Klavier. Salonmusik und 

Operettenarien sind, was die musikalischen 

Anforderungen angeht, mitnichten 

leichte Muse, denn sie erfordern höchste 

künstlerische Fertigkeiten und fördern 

die Vielseitigkeit und die Spielfreude der 

Studierende der Posaunenklasse 

jungen Musiker. 

Die Tradition der Treppenhauskonzerte, 

die im alten Domizil noch mehr oder 

weniger im Verborgenen entstanden ist, 

wurde unlängst im neuen Treppenhaus 

fortgesetzt – mit viel mehr Publikum und 

Experimenten mit ungeahnten Klangmöglichkeiten. 

„Das einzige, was ich in diesem Haus 

manchmal vermisse,“ sagt eine der jungen 

Geigerinnen, „ist die Stille, denn hier ist 

immer überall Musik, überall ist es laut, 

auch in der Mensa.“ Ausgerechnet während 

des Gespräches mit Salome Amend 

im Schlagzeugkeller herrschte dort zufällig 

absolute Ruhe! Vollkommen still wird 

es jeden Tag um 22.00 Uhr, wenn der 

Wachdienst alle Türen verschließt. Bis 

zum nächsten Morgen, wenn Stille und 

Musik erneut einander ablösen. 

Marlene Baum 

Fotos: Christian Nielinger

Nicht nur der offizielle Dienst ... 

Oder: Was auf einen Orchestermusiker 

sonst noch zukommt 

Das Tätigkeitsfeld der Mitglieder des 

Sinfonieorchesters Wuppertal beschränkt 

sich keineswegs auf die Arbeit in der 

Historischen Stadthalle und im Orchestergraben 

des Opernhauses, nicht allein 

auf die Abenddienste und die unzähligen 

Proben. Wollte man dies aufrechnen, 

wollte man die Vorbereitung, das tägliche 

Üben hinzunehmen, wäre das zu leistende 

Pensum ein noch imposanteres. 

Nicht zu unterschätzen ist es, wenn in 

Konkurrenz zu den heute fast nur noch 

jettenden Großen des Konzertlebens 

solistische Leistungen geboten werden, 

die durchaus mit hohen internationalen 

Maßstäben mithalten können. Erinnert 

sei hier daran, dass auf die jeweils Ersten 

ihres Instruments im Orchester Aufgaben 

zukommen wie etwa ein Violinkonzert 

von Bartók, Beethoven, Mozart, Sibelius 

oder Tschaikowsky, wie ein Violoncellokonzert 

von Hindemith oder Lalo, ein 

Trompetenkonzert von Haydn oder ein 

Oboenkonzert von Albinoni, auch so 

anspruchsvolle Aufgaben wie die Solopassagen 

etwa in Bachs Brandenburgischen 

Konzerten. 

Nicht genug damit, was das Arbeitsgebiet 

unserer Orchestermusiker betrifft. 

Eine Rundfrage hat dies besonders unter 

dem Gesichtspunkt des Pädagogischen 

deutlich gezeigt. Erfahrungen wollen 

Sinfonieorchester Wuppertal, Foto: Andreas Fischer 

und müssen weitergegeben, die Liebe 

zum Beruf will und muss ständig neu 

gepflanzt werden. So sind viele Mitglieder 

des Wuppertaler Sinfonieorchesters als 

Dozenten an der Hochschule für Musik 

Köln (Standort Wuppertal), der Folkwang 

Universität der Künste Essen, der Bergischen 

Musikschule und an Musikschulen 

benachbarter Städte tätig. Und sie unterrichten 

soweit es die Zeit erlaubt auch 

privat, betreuen Laienmusikgruppen und 

geben ihr umfangreiches Wissen weiter. 

Welche beachtlichen Resultate erreicht 

werden können, demonstriert vor allem 

das Education-Team des Orchesters mit 

ihren zahlreichen Projekten wie regelmäßigen 

Klassenbesuchen in Vorbereitung 

auf die Schulkonzerte, Organisation der 

Familien- und Schulkonzerte sowie die 

Organisation und Durchführung der 

Schulorchesterprojekte (Bolero 2006, 

Carmen 2008, West Side Story 2011), 

bei denen Profis mit Schülern gemeinsam 

musizieren. Sie sind zudem ständige 

Ansprechpartner für Lehrer, Eltern und 

Kinder. 

Neben den Einladungen unserer Orchestermitglieder 

mit anderen Orchestern 

auf Reisen zu gehen, die etwa bei großen 

romantischen Opern oder Sinfonien 

auch bei Werken der neueren Literatur 

auf Verstärkung angewiesen sind, geben 

sie regelmäßig mit ihrem Chefdirigent 

Toshiyuki Kamioka Gastspiele im In- 

und Ausland. Tourneen führten unter 

anderem nach Paris, Breslau, Turin und 

Rom. Neben jährlichen Veranstaltungen 

in Mailand und einem Konzert 

in Ravello mit dem Weltklasse-Saxophonisten 

Branford Marsalis stand die 

Saison 2007/08 besonders im Zeichen 

der großen Japan-Tournee: In Tsukuba, 

Yokohama und Tokio spielte das Sinfonieorchester 

Wuppertal fünf ausverkaufte 

Konzerte in beeindruckenden Konzerthallen 

des Landes. Im Oktober 2010 

wird das Orchester auf seine 2. Konzertreise 

nach Japan gehen. Dort gibt es an 

13 Tagen 10 Konzerte und wird auch 

erstmals in der berühmten Suntory Hall 

in Tokio auftreten. 

Last but not least die Kammermusik, 

der sich eine Vielzahl von Orchestermusikern 

mit großer Leidenschaft widmen 

und deren Programme sich stets durch 

eine persönliche Note auszeichnen. Zu 

unterscheiden ist hier zwischen Ensembles, 

die ausschließlich oder vorwiegend 

aus Orchestermitgliedern bestehen und 

solchen, in denen ein einzelnes Orchestermitglied 

gleichsam die Funktion der 

künstlerischen Leitung oder auch „nur“ 

der verantwortungsvollen Mithilfe übernommen 

hat. 

Antje Riewe 

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50 


Vorgestellt von Thomas Hirsch 

Die Sekunde davor 

Wann hat sich die Reportagefotografie im 

allgemeinen Bewusstsein als eigenständige 

Form von Bild etabliert und seit wann 

wird sie als Genre der Kunst rezipiert? Ein 

wichtiger historischer Schritt in Richtung 

künstlerischer Wertschätzung war gewiss 

die Gründung der Agentur MAGNUM 

in Paris 1947 durch Robert Capa, Henri 

Cartier-Bresson, George Rodger und 

David Seymour. MAGNUM war Fotojournalismus 

vom Besten, radikal in den 

Themen und Arbeitsgebieten (etwa die 

Kriegsfotografie von Capa) und exzellent 

in der bildnerischen Umsetzung (Cartier- 

Bresson). Weniger bekannt ist hierzulande 

der Beitrag von George Rodger (1908- 

1995), der in seiner Arbeit immer auf 

Reisen war. So war er während des 

George Rodger, Unterwegs 1940-1949. 

160 S. mit 62 s/w-Abb., Hardcover, 24 x 

16 cm, Hatje Cantz, 24,80 Euro 

Zweiten Weltkriegs u.a. für LIFE in 61 

Ländern als Kriegsberichterstatter tätig – 

und beschloss danach, traumatisiert durch 

die Erfahrungen bei der Öffnung des 

Konzentrationslagers Bergen-Belsen, nie 

wieder kriegerische Konflikte zu fotografieren. 

Nach der Gründung von MAG- 

NUM begab sich Rodger 1949/50 auf 

eine ausgedehnte Reise durch Afrika und 

den Vorderen Orient, mit der Kamera als 

stetem Begleiter und wie in den Jahren 

davor mit einem Tagebuch im Gepäck. 

Aber waren anfangs die Texte wichtiger 

und die Fotografien gewissermaßen 

souveräne Illustration, so wechseln bald 

die Rollen: Nun liegt die Bedeutung vor 

allem in den fotografischen Aufnahmen, 

diese enthalten alle Informationen und 

vermitteln noch ethnologische Beobachtungen. 

Die Texte stellen den Kontext 

her, in einer bemerkenswerten sprachlichen 

Befähigung. Das feine Buch, das 

mit dem Untertitel „Unterwegs. 1940- 

1949“ bei Hatje Cantz erschienen ist, 

funktioniert jedenfalls als Lese- wie auch 

als Fotobuch. Sehr unprätentiös in der 

Aufmachung, stellt es Rodger mit seinem 

wichtigsten Jahrzehnt vor, in dem er das 

Genre wechselt und mit seinen Bildern 

tatsächlich veritable Kunstwerke schafft. 

Dazu trägt seine Intensität des Erlebens 

bei. Nie sind seine Fotografien Sensationsjournalismus 

(der uns heute in den 

Tageszeitungen so auf die Nerven geht!), 

sondern sensible Vermittlung aufgrund 

von Betroffenheit. 

George Rodger wird mit all dem, was 

er relativ jung geschaffen hat, zu einem 

Wegbereiter für die Nachkriegsfotografie. 

Zu zwei der wichtigsten Fotojournalisten 

der deutschen Geschichte nach 1945 sind 

unlängst ebenfalls wichtige Monographien 

erschienen. Die Fotos beider Journalisten, 

die zunächst für Zeitschriften 

entstanden, gehören längst zu unserem 

kollektiven Gedächtnis – ja, sie prägen 

unsere Wahrnehmung bzw. Erinnerung 

der Geschichte. Josef Heinrich Darchinger 

(geb. 1925) ist als Fotograf des 

Spiegels und der Zeit der Chronist des 

deutschen Wiederaufbaus, und Harald 

Schmitt (geb. 1948) hat im Auftrag des 

stern den Wandel des Ostblocks über 

Jahrzehnte dokumentiert. Darchinger 

ist als Fotograf überschauend, gelassen. 

Schmitt hingegen der Mann für die 

Sekunde, oft spürt man eine gewisse 

Gehetztheit, das Besondere des Augenblicks. 

Darchinger hat in seiner Fotografie 

auf Wiedererkennung gesetzt – oft auch 

in Farbe fotografiert –, damit tragen seine 

Fotos heute einen gewissen nostalgischen 

Ton. Seine Fotos sind geradezu „klassisch“ 

komponiert. Harald Schmitt fotografiert 

bis heute überwiegend in s/w. Er lässt 

Unschärfen zu, geht extrem nah heran 

und provoziert dadurch eine gewisse Sympathie 

für die Menschen, mit denen wir 

fast leiblich konfrontiert sind. Der zeithistorische 

Hintergrund – ein bahnbrechendes 

Ereignis im Fluss der Geschichte 

– erschließt noch die Besonderheit von 

Szene und Situation. „Fotografien vom 

Ende des Staatssozialismus“ lautet der 

Untertitel seines Buches, das die Bilder 

ganzseitig setzt. 

Die Unterschiede in der Herangehensweise 

dieser beiden Fotografen werden an 

Josef Heinrich Darchinger, Wirtschaftswunder. 

Deutschland nach dem Krieg 

1952-1967. 285 S., durchgehend farbig 

und s/w bebildert, geb. mit Schutzumschlag, 

26 x 31 cm, Taschen, 29,99 Euro 

einer historischen Situation und Einstellung 

vom 13. Dezember 1981 deutlich, 

also einmal aufgenommen von Darchinger, 

einmal von Schmitt. Nach einem 

dreitägigen Gipfel, der eine Annäherung 

von Bundesrepublik und DDR mit sich 

brachte, reist Bundeskanzler Helmut 

Schmidt mit dem Zug ab. Symbolisch 

ist die Handreichung: Schmidt reicht 

seinen gestreckten Arm aus dem Fenster 

heraus, Honecker streckt seinen entgegen. 

Darchinger fotografiert den Augenblick, 

in dem Honeckers Hand in der von 

Schmidt liegt, als entschiedene Geste, 

zugleich gliedert die daraus entstehende 

Diagonale das Bildformat. – Harald 

Schmitt aber fotografiert eine Sekunde

Harald Schmitt, Sekunden, die Geschichte 

wurden. 256 S. mit ca. 230 ganzseitigen 

Abb., Broschur, 28,5 x 21 cm, Steidl, 

18,- Euro 

davor. Da sind die Arme noch getrennt 

und Honecker hält mit spitzen Fingern 

ein (Husten-?) Bonbon – nun erklärt 

sich auch der winterliche Anzug und das 

Verschmitzte in den Gesichtern weiter. 

Zugleich trägt die Geste etwas Zögerliches. 

Darchinger zeigt das Versöhnliche, 

Schmitt hingegen das Getrennte, 

Fragwürdige ... Generell, Darchinger hat 

nicht die Härte von Schmitt, es geht ihm 

um das direkte Bildgeschehen, während 

Schmitts Fotografie in der Betrachtung 

immer komplexer wird und mit Untertönen 

arbeitet. Damit ist Schmitt dem 

Kunstwerk schließlich doch näher – aber 

darum geht es dem großen Nachkriegsfotografen 

Darchinger gar nicht. 

Einem anderen Fotografen schon. Hannes 

Kilian (1909-1999) steht gänzlich in 

künstlerischen Traditionen, per se schon 

durch sein zentrales Betätigungsfeld, dem 

er sich überwiegend von Stuttgart aus 

gewidmet hat und für das er als großer 

Meister der Fotografie gilt: das Ballet mit 

seinen Eigenschaften der Bewegung, des 

innigen Ausdrucks im Zusammenspiel 

von Gestus und Mimik, in der Licht- 

Schatten-Dramaturgie. Dass er aber auch 

ein herausragender Chronist deutschen 

Lebens und ein bemerkenswerter Porträtfotograf 

ist, das belegt jetzt die Monographie, 

die vor einigen Monaten bei Hatje 

Cantz erschienen ist. Übrigens war sie wie 

Hannes Kilian, hrsg. Klaus Honnef. 352 

S. mit 342 Duplex-Abb., geb. mit Schutzumschlag, 

30,7 x 25 cm, Hatje Cantz, 

39,80 Euro 

bei Harald Schmitt mit einer Ausstellung 

u.a. im Martin Gropius-Bau in Berlin 

verbunden. 

Hannes Kilian fotografiert grundsätzlich 

in s/w und er zieht alle Register 

der handwerklichen Möglichkeiten: im 

Ausschnitt, in der Perspektive, in der 

Lichtdramaturgie, im All-Over oder der 

Bildfüllung durch Reihung und Staffelung. 

Damit arbeitet Kilian explizit auf 

einen Stil hin, hinter dem der Wille nach 

Ausdruck und Verdichtung steht. Freilich, 

manchmal drängt die formale Raffinesse 

die Deutlichkeit der inhaltlichen Aussage 

an den Rand – immer aber ergibt sich 

daraus eine bemerkenswerte Spannung 

von Form und Inhalt. Hannes Kilian ist 

also ein Fotograf, der am und mit dem 

Beispiel deutscher Gesellschaft dafür 

schärft, Wirklichkeit in ihrer Flüchtigkeit 

zu sehen, das Besondere zu entdecken 

– und es uns dann auch leichter macht, 

Fotografie-Künstler vom Kaliber eines 

Harald Schmitt richtig zu „lesen“. Also, 

man muss genau hinsehen bei solchen 

Fotos, die sich voller Hintergründe und 

mit ihren Anspielungen erst allmählich 

entschlüsseln. 

Lichtbogen 

Frank Marschang e.K. 

Karlstraße 37 

42105 Wuppertal 

Tel. 0202.244 34 40 

Fax 0202.244 34 39 

www.lichtbogen-wuppertal.de 

info@lichtbogen-wuppertal.de 

OCCHIO SENTO ANN 

KING TEAK 

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Kulturnotizen 

Konzerte im Landhotel Jammertal 

In the summertime – unter diesem 

Motto startet das Landhotel Jammertal in 

den Monaten Juli und August eine Serie 

mit außergewöhnlichen Künstlern. Die 

Aufführungen finden jeweils Mittwoch, 

ab 20.30 Uhr, statt. 

Am 28. Juli, dreht sich alles um irische, 

schottische und englische Folksongs. 

Vorgetragen werden dabei von Ralf Weihrauch 

(Akkordeonist und Sänger) auch 

Balladen, die selbst in den Ursprungsländern 

nicht zum alltäglichen Repertoire 

gehören. 

Den Auftakt im August macht am 4. 

das Spirit of Louis Armstrong-Trio, das 

ursprünglich am 17. Juni auftreten sollte, 

aber wegen der Fußball-Weltmeisterschaft 

verschoben wurde. Eberhard Dodt (Gitarre), 

Anselm Vogt (Gesang) und Rainer 

Matz (Trompete) lassen noch einmal die 

weltberühmten Songs des Altmeisters 

aufleben. 

Zu einem Boogie Woogie-Abend laden 

am 11. August der Recklinghäuser Thomas 

Nowak (Gesang und Piano) und 

Holger Seemann (Schlagzeug). 

Mit einem Jazz- und Bluesabend geht 

die Sommersaison im Jammertal am 18. 

August in die Schlussphase. Das Duo 

Astrid Demtröder (Gesang) und dem 

in England geborenen Pianisten Eric 

Richards begeistert mit Jazz-Standards, 

Latin, Blues und Pop-Songs. 

Eric Richards & 

Astrid Demtröder 

Den Schluss macht am 25. August 

der Recklinghäuser Gitarrist Ingo Marmulla 

mit Band. Die Truppe mit Casper 

van Meel (Kontrabass) und Dominic 

Brosowski (Schlagzeug) lässt erneut den 

Jazz und Blues aufleben. 

Wie immer ist die Veranstaltungsreihe, 

die aufgrund der Kulturhauptstadt 

Ruhr.2010 ins Leben gerufen wurde, für 

Hotelgäste kostenlos. Für weitere Besu- 

cher bietet sich die Möglichkeit, diesen 

Abend mit einem Dinner-Büffet (ab 18 

Uhr) zu kombinieren. 

Weitere Auskünfte unter 02363 3770 

oder www.landhotel-jammertal.de 

Ingo Marmulla 

Natur wird Kunst - Georg Arends 

Die Staudengärtnerei Arends-Maubach 

in Wuppertal – Ronsdorf ist eine 

der ältesten in Deutschland. Ihr Gründer 

Georg Arends (1863-1952) hinterließ 

der Nachwelt etwa 350 neue Züchtungen 

und darüber hinaus auch ein riesiges 

Archiv an Pflanzenzeichnungen und vor 

allem Fotografien auf Glasplattennegativen. 

Diese Sammlung ruht, von der Öffentlichkeit 

kaum beachtet, bis heute im 

Archiv der Gärtnerei. Die über tausend 

Glasplattennegative entstanden in der ersten 

Hälfte des vergangenen Jahrhunderts. 

Das Von der Heydt-Museum hat jetzt aus 

diesem großartigen Fundus neue Abzüge 

erstellen lassen, die das Zentrum der 

Ausstellung „Natur wird Kunst – Georg 

Arends“ bilden. 

In der Geschichte der Pflanzendarstellungen 

stehen Naturwissenschaft 

und Kunst sehr nahe beieinander. Für 

den Botaniker entscheidend war seit der 

Antike die genaue Abbildung der Pflanze 

– ein Bereich, in dem eine naturalistische 

Darstellungsweise besonders wichtig ist. 

Seit der Entwicklung der Fotografie in der 

Mitte des 19. Jahrhunderts fand deshalb 

gerade dieses Medium wegen seiner 

Präzision und „Unbestechlichkeit“ eine 

weite Verbreitung und löste die Zeichnung 

teilweise ab. Dies bedeutete eine 

Weiterentwicklung in der Darstellung der 

Botanik, die sich so besonders schön in 

den Bildern der Staudengärtnerei Georg 

Arends ablesen lässt. 

Die Schwarz-Weiß-Fotografien aus 

der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts 

zeigen verschiedene Pflanzen, vorrangig 

Georg Arends´ Hauptzüchtungsgruppen, 

Primeln, Astilben, Azaleen, Rhododendren 

und Steingartengewächse. Aber auch 

Gesamtauf-nahmen der Gärtnerei haben 

die Fotografen von einer Leiter oder von 

dem hohen Schornstein aus erstellt. Manche 

der Fotos dienten auch als Vorlage für 

den jährlichen Preiskatalog der Gärtnerei. 

Die Fülle des Archivs übersteigt jedoch 

bei weitem die reine Zweckdienlichkeit: 

Sie zeugt von der Begeisterung für die 

Fotografie, von der Leidenschaft vergängliche 

Blüten in Bildern festzuhalten, von 

der Akribie eines Züchters und Gärtners 

und dem Wunsch, all seine Pflanzen in 

Abbildungen zu erfassen. 

Georg Arends unter Blutbuche, heiter; Juni 

1928; Schwarz-Weiß-Fotografie; Staudengärtnerei 

Arends Maubach 

Ein Teil des Archivs besteht aus Farbfotografien, 

die damals noch selten und zudem 

sehr teuer waren. Sie zeigen den hohen 

Stellenwert, den die Fotografie für Georg 

Arends hatte. Hier wurde an Material nicht 

gespart. 

Die Pflanzen werden so gezeigt, wie 

sie sind: gestochen scharf - auch in hoher 

Auflösung, ohne Verfremdungseffekte. Ein 

gespanntes Leintuch dient oft als Hintergrund, 

welches von Helfern gehalten 

wurde, die auf den Fotos teilweise noch zu 

erkennen sind. An feinen Schatten erkennt 

man eine professionelle Ausleuchtung. Dabei 

überzeugen die Bilder vor allem durch 

die in einem Bildausschnitt eingefangenen

Rhododendron racemosum; 1913; 

Schwarz-Weiß-Fotografie; Staudengärtnerei 


Strukturen. Der klare Blick auf sich wiederholende 

Elemente weckt Assoziationen zu 

den Fotografien von Albert Renger-Patzsch. 

Die Bilder können nicht immer eindeutig 

einem Fotografen zugeordnet werden. 

Viele tragen keinerlei Hinweis auf den Fotografen. 

Der größte Teil der Fotos stammt 

wohl von Georg Arends´ Söhnen Erich 

(1894-1967) und Werner (1896-1967). 

Von Georg Arends´ Hand stammen 

die Aquarelle und Zeichnungen, die den 

zweiten Schwerpunkt unserer Ausstellung 

bilden. Sie entstanden während seiner 

Ausbildungszeit von 1882 – 1884 in der 

„Höheren Lehranstalt für Obst-, Wein- und 

Gartenbau“ in Geisenheim (bei Wiesbaden). 

Hierin widmete sich Georg Arends 

der Darstellung exotischer Pflanzen und der 

Erfassung aller damals bekannten Apfel- 

und Birnensorten. 

In diesen Bildern wird das botanische Interesse 

noch deutlicher als bei den Fotos: Wir 

sehen die Pflanze oder Frucht als Objekt 

ohne Hintergrund dargestellt, die Blüten 

sind teilweise abgetrennt und im Detail, in 

der Aufsicht und Ansicht, gezeigt. Dieses 

Abtrennen und Danebenlegen der Blüte ist 

oft so geschickt komponiert, dass es dem 

Betrachter erst beim genaueren Hinsehen 

auffällt. Weiterhin wird der Eindruck einer 

ganzen, lebenden Pflanze vermittelt. Und 

Georg Arends: Pfirsichroter Sommerapfel; 

Ohne Jahr; Aquarell mit Deckfarbe; Staudengärtnerei 


doch wirkt dieses Sezieren wie ein leiser 

Hinweis auf die botanische Intention der 

Abbildung. 

Unsere Kulturförderung 

ist gut für die Sinne. 

Wir freuen uns außerordentlich über 

den Fund des Bildarchivs Georg Arends, 

der die Forschung zur wissenschaftlichen 

Pflanzendarstellung an der Wende vom 

19. zum 20. Jahrhunderts sicher beflügeln 

wird und hoffen, dass auch unsere Besucher 

an dieser Entdeckung ihre Freude haben 

werden. 

Von der Heydt Museum 

24.08. 2010 – 02.01.2011 

Turmhof 8 

D-42103 Wuppertal 

www.von-der-heydt-museum.de 

Das Theater ist auf der Straße 

Ausstellung in Leverkusen erinnert an 

die Happenings von Wolf Vostell 

Wer sich bis 15. 8. 2010 dem Portal von 

Schloß Morsbroich in Leverkusen nähert, 

kann leicht über ein rostiges Bahngleis 

stolpern, auf dem quer zur Fahrtrichtung 

ein alter, schwarzer, zerbeulter Mercedes 170 

plaziert wurde. Ein Großfoto im Hintergrund 

bettet die Inszenierung in ihren 

historischen Kontext ein, erinnert an ein 

spektakuläres Ereignis, das im Jahr 1963 in 

Wuppertal stattfand. Gegenstand der unter 

dem programmatischen Titel „Das Theater 

ist auf der Straße“ firmierenden Ausstellung 

sind fünfzig Happenings des Fluxuskünstlers 

Wolf Vostell (1932-1998), oder genauer, 

was davon übrig geblieben ist: Konzepte, 

Happening-Partituren und -Notationen, 

Einladungen und sonstiges dokumenta- 

Kunst und Kultur prägen die gesellschaftliche Entwicklung. Die Sparkassen-Finanzgruppe ist der größte nichtstaatliche 

Kulturförderer Deutschlands. Auch die Stadtsparkasse Wuppertal ist ein wichtiger Partner für Kunst 

und Kultur in unserer Stadt. Das ist gut für die Kultur und gut für Wuppertal. www.sparkasse-wuppertal.de 

Sparkasse. Gut für Wuppertal. 

S 

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Foto: Rainer K. Wick 

risches Material, Fotos, Filme und das, 

was Vostell selbst als Happening-Fallouts 

bezeichnet hat, also Relikte, die im Rahmen 

von Aktionen, die zwischen 1958 und 1988 

stattgefunden haben, entstanden sind. 

Davon zeugen gleichermaßen seine Plakatabrisse, 

Objektbilder, Druckgrafiken und 

Happenings, mit denen er in den sechziger 

Jahren zum bedeutendsten europäischen 

Vertreter dieser Kunstform wurde. 

In diesem Sinne zu den „klassischen“ 

Happenings des Künstlers gehören die „9 

Nein-dé-coll/agen“, die am 14. September 

1963 in Wuppertal stattfanden. Ausgehend 

von Rolf Jährlings Galerie Parnass wurden 

die Teilnehmer mit einem Bus durch die 

Stadt transportiert und erlebten u.a., wie 

auf dem Rangierbahnhof Vohwinkel eine 

Dampflok mit ihren Puffern einen PKW 

demolierte, wie in Mixern eine Bildzeitung 

gemahlen, wie in einem nächtlichen 

Steinbruch ein Fernsehgerät zur Explosion 

gebracht und wie Plastikspielzeug auf Elektrokochern 

geschmolzen wurde. 

Dies und vieles mehr breitet die Leverkusener 

Ausstellung auf zwei Etagen mit 

Hilfe von umfangreichem dokumentarischen 

Material aus dem Happening Archiv 

Vostell in Malpartida de Caceres aus. 

Die Ausstellung wird von einem reich 

bebilderten Katalog begleitet. Sie wird von 

Oktober 2010 bis Februar 2011 im Museo 

Vostell Malpartida in der Nähe der spanischen 

Stadt Cáceres in Extremadura gezeigt. 

Das Theater ist auf der Straße. 

Die Happenings von Wolf Vostell 

Museum Morsbroich, Leverkusen 

(bis 15. 8. 2010) 

www.museum-morsbroich.de 

Katalogbuch im Kerber Verlag, 

24 × 30 cm, 344 Seiten, deutsch/spanisch 

ISBN 978-3-86678-431-4, in der Ausstellung 

€ 30,-, im Buchhandel € 44,80 

Eva Bertram: 

„2 Ein Kind – 1998-2009“ 

Fotografien von Eva Bertram mit einem 

Essay des Wuppertaler Philosophen 

Andreas Steffens. 

Eva Bertram hat in ihrem Fotoprojekt 

„2 Ein Kind“ über einen Zeitraum von elf 

Jahren das Aufwachsen und die Entwicklung 

ihrer Tochter mit der Kamera 

verfolgt, in Schnappschüssen und Inszenierungen 

festgehalten. Ein auf den ersten 

Blick unverfängliches, an die Idee eines 

Familienalbums erinnerndes Vorhaben. 

Beim genauen Betrachten hingegen wirkt 

die öffentliche Präsentation des Kindes 

unangenehm, ja peinlich, dringt man 

doch mit Auge und Verstand uneingeladen 

(vom Kinde, notabene) in die intime 

Welt dieses kleinen Menschen ein, dem 

durch die Mutter die Selbstbestimmung 

genommen wurde. Mehr noch: Eva 

Bertram – eine interessante Fotografin, 

wie ihr Band „Inseln“ belegt - reißt mit 

ihrem Buch dem Kind den Schleier des 

Geheimnisses der Kindheit vom zarten 

Gesicht, exponiert das Mädchen auf 

beinahe voyeuristische Manier. 

Selbst Andreas Steffens´ einfühlsamer, in 

die Tiefe des Themas Kindheit gehender 

Essay „Fotografie der Kindheit, Kindheit 

der Fotografie“ vermag dieses bedrückende 

Gefühl nicht zu mildern. Wo er die 

Geschichte einer/der Kindheit sieht, die 

„Bildkunst einer ästhetischen Tochterkonstitution“, 

ein „Dokument, das 

verewigt, was zum ersten Mal war“, sehe 

ich den kaum zu ertragenden Diebstahl 

einer ungestörten Kindheit mit all ihren 

Wandlungen. 

Mir fällt dazu Friedrich Hölderlin ein, 

der 1797 in seinem „Hyperion“ schreibt: 

„Ruhe der Kindheit! himmlische Ruhe! 

wie oft steh´ ich stille vor dir in liebender 

Betrachtung, und möchte dich denken! 

(...) Ja! ein glücklich Wesen ist das Kind, 

solang es nicht in die Chamäleonsfarbe 

der Menschen getaucht ist. - Es ist ganz 

was es ist, und darum ist es so schön. Der 

Zwang des Gesetzes und des Schicksals 

betastet es nicht! im Kind ist Freiheit 

allein. - In ihm ist Frieden! es ist noch mit 

sich selber nicht zerfallen. Reichtum ist in 

ihm; es kennt sein Herz, die Dürftigkeit 

des Lebens nicht. Es ist unsterblich, denn 

es weiß vom Tode nichts. 

Aber das können die Menschen nicht 

leiden. Das Göttliche muß werden, wie 

ihrer einer, muß erfahren, daß sie auch 

da sind, und eh es die Natur aus seinem 

Paradiese treibt, so schmeicheln und 

schleppen die Menschen es heraus, auf 

das Feld des Fluchs, daß es wie sie im 

Schweiße des Angesichts sich abarbeite. 

Aber schön ist auch die Zeit des Erwachens, 

wenn man nur zur Unzeit uns 

nicht weckt.“ 

Frank Becker 

Eva Bertram – „2 Ein Kind - 2 One Child“ 

Gestaltung von Eva Bertram, Hans 

Schumacher, Text von Ulrich Pohlmann, 

Andreas Steffens (Deutsch, Englisch) - 

© Hatje Cantz 2010, 160 Seiten, 76 farbige 

Abb., 21,70 x 25,10 cm, gebunden, 

29,80 Euro, ISBN 978-3-7757-2621-4 

Ausstellung zur Glaskunst 

des Art Déco in Frankreich 

Düsseldorf - Das Glasmuseum Hentrich 

im Grünen Gewölbe der Düsseldorfer 

Tonhalle zeigt bis zum 31. Oktober 

Glaskunst des Art Déco in Frankreich. Als 

René Lalique und die Brüder Schneider 

ihre jeweiligen Glasfirmen 1909 und 

1909/10 gründeten, war die Ära des Jugendstils 

vorbei, aber ein neuer Stil noch 

nicht in Sicht. Entsprechend unkonventionell, 

frisch und einzigartig nehmen sich 

die Werke dieser beiden Unternehmen 

aus, hieß es am Freitag. 

Noch den Werten des Art Nouveau 

und der „École de Nancy“ verhaftet, entstanden 

in den Verreries Schneider knallbunte 

Gläser in handwerklicher Fertigung 

vor dem Ofen. Lalique hingegen, der selbst

zu den erfolgreichsten Schmuckkünstlern 

des Art Nouveau gehört hatte, öffnete 

sich ganz den modernen maschinellen 

Herstellungsmethoden, nutzte sie aber 

für schillernd opalisierende, meist farblose 

Luxusobjekte. Die Schau gibt einen Überblick 

aus den Beständen des Glasmuseums 

zum Werk der beiden maßgeblichen 

Hersteller. 

Die Ausstellung ist dienstags bis sonntags 

von 11 bis 18 Uhr geöffnet. 

Internet: www.glasmuseum-hentrich.de 

Ausstellung über „Riten des 

Lebens“ im Neanderthal-Museum 

Mettmann - „Riten des Lebens“ lautet 

der Titel der neuen Sonderausstellung im 

Neanderthal-Museum in Mettmann. Präsentiert 

werden Bilder des schwedischen 

Fotografen Anders Ryman. Entscheidende 

Momente, mit denen neue Lebensabschnitte 

beginnen, werden laut Museum 

überall auf der Welt zelebriert. Der Fotograf 

bereiste insgesamt sieben Jahre lang 

die Welt, um solche Rituale festzuhalten 

und zu dokumentieren. Die Ausstellung 

ist bis zum 1. November terminiert. 

Ziel des Fotografen war, alle bewohnten 

Kontinente, alle Weltreligionen und 

alle Lebensphasen mit einzubeziehen und 

dabei auch Modernes sowie Traditionelles 

zu verminden. Die Aufnahmen zeigen 

Rituale aus insgesamt 14 Ländern. Zu 

sehen sind Rituale etwa von der Segnung 

eines Neugeborenen in einem kleinen 

spanischen Dorf bis zur Sonnenaufgangs- 

Zeremonie der Apachen in Arizona, vom 

Initiationsritual der südafrikanischen 

Xhosa bis zur Hochzeitsfeier in Tokio. 

Zu sehen ist nicht nur die enorme 

kulturelle Vielfalt der Menschheit. Die 

Bilder zeigen die Menschen in den 

emotionalsten Momenten ihres Lebens 

sowie das allen gemeinsame menschliche 

Bedürfnis, die Schritte entlang des 

Lebensweges feierlich zu begehen. 

Das Museum ist dienstags bis sonntags 


Internet: www.neanderthal.de 

Ausstellung „Outdoor and outside“ 

in Recklinghausen 

Recklinghausen - Unter dem Titel 

„Outdoor and outside“ ist in der Kunsthalle 

Recklinghausen eine Ausstellung des 

japanischen Künstlers Tadashi Kawamata 

zu sehen. Kawamata schafft Installationen, 

die auf ihre Umgebung, auf die 

Geschichte und Funktion eines Ortes 

oder eines Gebäudes reagieren. Trotz ihres 

eindeutig skulpturalen Anspruchs lehnten 

sich die Kunstwerke meist eng an eine 

architektonische Formensprache an und 

hätten eine konkrete Funktion, hieß es 

beim Start der Schau weiter. 

Auf dem Vorplatz der Kunsthalle 

errichtete der 1953 in Hokkaido geborene 

Künstler ein überdimensionales Turmmodell, 

das symbolisch den Blick von 

oben auf die Region ermöglicht. In einer 

parallelen Ausstellung zeigt die Kunsthalle 

- ausgehend von einem Sammlungsschwerpunkt 

der Recklinghäuser Museen 

- auch die unterschiedlichen Facetten 

der Outsiderkunst im Ruhrgebiet. Zu 

Peter Krämer 

WP/StB 

Andreas Niemeyer 

WP/StB 

Thomas Pintzke 

StB 

Katrin Schoenian 

WP/StB 

Dr. Jörg Steckhan 

RA/WP/StB 

Peter Temmert 

WP/StB 

Susanne Schäfer 

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Stephan Schmacks 

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Wall 39 – 42103 Wuppertal – 0202 2496-0 

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55

56 

sehen sind Exponate von der Naive über 

die Werke psychisch Kranker bis hin zu 

zeitgenössischen Erscheinungsformen 

„randständger“ Kunst wie etwa Graffiti 

oder Street Art, die wie Kawamata den 

öffentlichen Raum besetzen. Die Ausstellung 

ist bis zum 5. September terminiert. 

Die Kunsthalle ist dienstags bis sonntags 


Internet: www.kunst-re.de 

Simone Veil erhält den 

diesjährigen Heine-Preis der 

Stadt Düsseldorf 

Die mit 50.000 Euro dotierte Auszeichnung 

wird im Dezember übergeben 

Düsseldorf - Die französische Publizistin 

und Politikerin Simone Veil ist 

die diesjährige Preisträgerin des renommierten 

Heinrich-Heine-Preises der Stadt 

Düsseldorf. Die Auszeichnung zählt 

zu den bedeutendsten Literatur- und 

Persönlichkeitspreisen in Deutschland 

und ist mit 50.000 Euro dotiert, teilte ein 

Sprecher der NRW-Landeshauptstadt am 

Freitag mit. Der Heine-Preis wird seit 

1972 verliehen. Telefonisch über die 

Entscheidung der Jury informiert, sagte 

Veil nach Angaben der Stadt: „Ich fühle 

mich sehr geehrt und nehme den Heine- 

Preis mit Freuden an.“ Der Preis wird 

im Dezember - rund um Heines 213. 

Geburtstag in Düsseldorf überreicht. 

Laut Jury erhält Veil die Auszeichnung 

für ihr politisches und kulturelles 

Lebenswerk, „in dessen Zentrum das 

Wachsen und der Zusammenhalt Europas 

stehen.“ Zeit ihres öffentlichen Engagements 

sei die Preisträgerin für die Menschenrechte 

und die Verständigung der 

Völker eingetreten. Damit habe sie „ganz 

im Sinne Heinrich Heines dazu beigetragen, 

Europa eine Seele zu geben.“ Der Heine-Preis 

wird, wie es in den Bestimmungen 

heißt, durch die vom Rat der Stadt Düsseldorf 

eingesetzte Jury „an Persönlichkeiten 

verliehen, die durch ihr geistiges Schaffen 

im Sinne der Grundrechte des Menschen, 

für die sich Heinrich Heine eingesetzt hat, 

den sozialen und politischen Fortschritt 

fördern, der Völkerverständigung dienen 

oder die Erkenntnis von der Zusammengehörigkeit 

aller Menschen verbreiten“. 

Veil wurde am 13. Juli 1927 in Nizza 

als Tochter des jüdischen Architekten 

André Jacob und der Yvonne Steinmetz 

geboren. 1944 wurde ihre Familie von der 

Gestapo verhaftet und deportiert. 13 Monate 

lang war sie in den Konzentrationslagern 

von Auschwitz und Bergen-Belsen 

inhaftiert. Die Mutter kam in Auschwitz 

um, ihr Vater und der Bruder wurden 

nach Litauen geschafft, wo sie vermutlich 

ebenfalls ums Leben kamen. Nach dem 

Krieg studierte Veil Jura in Paris. Ihren 

Berufsweg begann sie 1957 im französischen 

Justizministerium. 1970 wurde sie 

als erste Frau Generalsekretär des „Conseil 

supérieur de la magistrature“, der höchsten 

Verwaltungsinstanz der französischen 

Richter. 

Einen ersten Höhepunkt erreichte 

ihre politische Karriere 1974, als sie als 

Gesundheitsministerin in die Regierung 

Jacques Chirac kam. Sie war der erste 

weibliche Minister Frankreichs seit 1958. 

Von Juli 1979 bis 1982 war sie Präsidentin 

des Europaparlaments. In die französische 

Regierung kehrte Veil 1993 zurück. 

Unter Premierminister Edouard Balladur 

übernahm sie das schwierige Ressort 

Soziales, Gesundheit und Stadtpolitik. Sie 

erhielt als Staatsministerin protokollarisch 

den ersten Rang nach dem Premierminister. 

Sie wurde 2008 in die Academie 

Francaise aufgenommen und ist die fünfte 

Frau in der 1635 gegründeten Institution. 

Zu den bisherigen Heine-Preisträgern 

gehören unter anderem Carl Zuckmayer, 

Walter Jens, Max Frisch, Hans Magnus 

Enzensberger, Elfriede Jelinek und 

Amos Oz. 

Museum Ahlen zeigt 

„Kunst im Widerstreit“ 

Ahlen - „Kunst im Widerstreit“ lautet 

der Titel einer Ausstellung im Kunstmuseum 

Ahlen, die bis 24. Oktober 

Werke der so genannten „verschollenen 

Generation“ der Künstler präsentiert. 

Die ausgestellten Arbeiten von insgesamt 

28 Künstlern verbinde ein vergleichbares 

Schicksal, hieß es in einer Ankündigung 

des Museums. „Innere und äußere Emigration, 

Verfolgung, Diffamierung in den 

Propaganda-Ausstellungen „entarteter“ 

Kunst oder auch die Zerstörung ihres 

Werkes im Zweiten Weltkrieg“, so die 

Aussteller. 

Die Exponate stammen aus der 

Sammlung Schlenke. Der Sammler hat es 

sich seit gut 30 Jahren zum Ziel gesetzt, 

die Erinnerung an die Schrecken des 

Krieges und der Diktatur wachzuhalten. 

Die zentrale Rolle in seiner 

Sammlung spielt Felix Nussbaum. 

Dessen Wunsch folgend: „laßt meine 

Bilder nicht sterben, zeigt sie den 

Menschen“, verstehe sich die Sammlung 

als Mahnung, die Kuratoren der 

Schau. Den Schwerpunkt der Kollektion 

bilden Kunstwerke aus der Zeit 

der 1930er und 1940er Jahre. Diese 

werden, um die stilistische Kunstentwicklung 

der jeweiligen Künstler 

aufzuzeigen, durch Werke der 1920er 

Jahre und der Nachkriegszeit ergänzt. 

Die Arbeiten, unter anderem von Peter 

August Böckstiegel, Karl Hofer, Rudolf 

Levy, Oskar Moll, Hanns Hubertus 

Graf von Merveldt und Clemens 

Wieschebrink, sind dem Expressionismus 

und der Neuen Sachlichkeit 

verpflichtet. Die Künstler widmen sich 

Bildsujets wie Landschaft, Porträt oder 

Stilleben, ohne das Leid oder existenzielle 

Ängste bildhaft zu machen. Zu 

sehen ist unter anderem das Bild 

„Trauernde Frauen“ von Hannah Höch 

aus dem Jahre 1945. 

Die Ausstellung ist dienstags, mittwochs 

und freitags von 14 bis 18 Uhr, 

donnerstags von 14 bis 20 Uhr sowie 

samstags und sonntags von 11 bis 18 

Uhr geöffnet. 

Internet: www.kunstmuseum-ahlen.de

Museum Schloß zeigt „Higlights 

der Graphischen Sammlung“ 

Mönchengladbach - Das Städtische 

Museum Schloß Rheydt in Mönchengladbach 

zeigt seit dem 4. Juli „Highlights 

der Graphischen Sammlung“ des 

Hauses. Nach Angaben des Museums 

läuft die Schau bis zum 3. Oktober. Die 

umfangreiche Sammlung ruhe meist - der 

Öffentlichkeit verborgen - in lichtdichten 

Schubladen im Museums-Magazin, hieß 

es weiter. Unter den mehr als 5.000 Blättern 

befinden sich neben Zeichnungen 

und Aquarellen Blätter aus Handschriften, 

seltene Holzschnitte, Kupferstiche 

und Radierungen. Ein Querschnitt durch 

die Vielfalt der Sammlung werde den Besuchern 

der Ausstellung einen Eindruck 

von der Bedeutung und des Umfangs der 

Museumsbestände vermitteln, hieß es 

weiter. 

Das Museum ist dienstags bis sonntags 


Internet: www.schlossrheydt.de 

Ausstellung zum Thema 

Reißverschlüsse in der Kunst 

Krefeld - Das Krefelder Haus der 

Seidenkultur zeigt bis zum 17. Oktober 

die Ausstellung „The-zip-association - 

Ausstellungs-Podium für Bewegung in 

Kunst.“ Darin geht es um den Siegeszug 

des Reißverschlusses, der 1923 in der 

Wuppertaler Firma RiRi begann. Zu 

sehen sind in der Schau über 40 Exponate, 

die zeigen, was internationale Künstler 

mit dem Thema Reißverschluß verbinden. 

Die in den Niederlanden lebende 

deutsche Künstlerin und Designerin 

Ursula Pahnke-Felder hatte die Idee, 

Kunstaktionen rund um Alltagsgegenstände 

zu konzipieren. 

Die Ausstellung ist jeden ersten und 

dritten Sonntag im Monat von 14 bis 

18 Uhr sowie jeden vierten Donnerstag 

im Monat von 16 bis 19 Uhr und nach 

Vereinbarung geöffnet. 

Internet: www.seidenkultur.de 

Nixdorf-Museum zeigt Schreibmaschinen 

von Schriftstellern 

Paderborn - „Schriftsteller und ihre 

Schreibmaschinen“ lautet der Titel einer 

Ausstellung im Paderborner Nixdorf-Museum. 

Die Schreibmaschine von Bertold 

Brecht etwa hieß „Erika“, Franz Kafka 

benutzte seine „Oliver 5“, Erich Kästner 

schrieb auf einer „Gossen Tippa“, hieß es 

in einer Mitteilung des Museums. Viele 

berühmte Schriftsteller hatten demnach 

ein besonderes Verhältnis zu ihrer 

Schreibmaschine. „Unser Schreibzeug arbeitet 

mit an unseren Gedanken“, erklärte 

etwa im Jahr 1882 Friedrich Nietzsche, 

der als einer der ersten überhaupt eine 

Schreibmaschine nutzte. 

Das Museum widmet diesem Thema 

nun eine kleine Ausstellung im Museumsshop. 

Hier sind insgesamt 18 Schreibmaschinenmodelle, 

wie sie von berühmten 

Autoren benutzt wurden, zu sehen. Darunter 

befindet sich auch ein Original: Die 

Columbia Bar-Lock von Hans Fallada, bei 

der die häufig benutzten Buchstaben E, R 

und S kaum noch zu erkennen sind, da Q 

aber fast gänzlich unberührt ist. Die kleine 

Schau zeigt nach Angaben des Museums 

die gesamte Geschichte der Schreibmaschine, 

von den ersten Modellen bis hin zum 

industriellen Standardprodukt. 

Das Museum ist dienstags bis freitags 

von 9 bis 18 Uhr sowie samstags und 

sonntags von 10 bis 18 Uhr geöffnet. 

Weitere Informationen unter: www.hnf.de 

Zentralbibliothek Köln würdigt 

Heinrich Böll mit Ausstellung 

Köln - Unter dem schlichten Titel 

„Wortwelten“ würdigt die Zentralbibliothek 

der Stadt Köln bis zum 28. August 

den Schriftsteller und Nobelpreisträger 

Heinrich Böll. Die Schau finde aus Anlaß 

des 25. Todestages von Böll in Kooperation 

mit der Böll-Stiftung und der Erbengemeinschaft 

Heinrich Böll statt, so ein 

Sprecher Kölns. Im Fokus stehen die farbigen 

Strukturskizzen und Romanschemata 

des Kölner Ehrenbürgers, hieß es weiter. 

Darüber hinaus würdigt die Ausstellung 

auch die Übersetzungsarbeit von 

Bölls Ehefrau Annemarie, die am 23. Juli 

ihren 100. Geburtstag gefeiert hätte. Als 

Übersetzerin zahlreicher englischsprachiger 

Autoren wie etwa J.D. Salinger, 

Bernhard Shaw, Patrick White und Judith 

Kerr habe Annemarie Böll wesentlich zur 

Verbreitung und literarischen Auseinandersetzung 

mit diesen Autorinnen und 

Autoren in Deutschland beigetragen, so 

die Aussteller. 

Die Ausstellung ist dienstags und 

donnerstags von 10 bis 20 Uhr, mittwochs 

und freitags von 10 bis 18 Uhr 

sowie samstags von 10 bis 15 Uhr bei 

freiem Eintritt geöffnet. 

Museum Ludwig in Köln zeigt 

Roy Lichtenstein 

Köln - Unter dem Titel „Kunst als 

Motiv“ präsentiert das Kölner Museum 

Ludwig bis zum 3. Oktober eine Ausstellung 

zum Werk des Pop Art Meisters Roy 

Lichtenstein. Der 1997 verstorbene 

Künstler schuf nach Motiven aus der Comic- 

und Konsumwelt Gemälde, die er 

aus Punkten und Farbflächen zusammensetzte. 

In der Ausstellung sind nach Angaben 

des Museums vom Mittwoch nun 

57

58 

noch ganz andere Seiten seines Oeuvres 

zu entdecken. Gezeigt werden etwa 100 

Exponate, überwiegend großformatige 

Gemälde sowie begleitende Zeichnungen 

und Skulpturen. 

Darin wird nach Angaben der 

Kuratoren die Auseinandersetzung 

Lichtensteins mit kunsthistorischen 

Stilrichtungen von Expressionismus und 

Futurismus bis Bauhaus, Art Déco oder 

der Landschaftsmalerei Ostasiens nachvollziehbar. 

Werke und stilistische Eigenarten 

von Künstlerheroen wie Monet, 

Matisse, Mondrian und Dalí tauchen 

als Themen und Versatzstücke auf, „von 

Lichtenstein gleichermaßen ironisch wie 

meisterhaft in seiner eigenen Bildsprache 

interpretiert,“ hieß es. 

Die Ausstellung ist dienstags bis 

sonntags von 10 bis 18 Uhr, jeden ersten 

Donnerstag im Monat von 10 bis 22 Uhr 

geöffnet. 

Internet: www.museum-ludwig.de 

Ausstellung in Bochum zeigt 

Helden und andere Leitbilder im 

Ruhrrevier nach 1945 

Bochum - „Kumpel Anton, St. 

Barbara und die Beatles“ lautet der Titel 

einer Ausstellung im Industriemuseum 

Zeche Hannover in Bochum, die seit dem 

17. Juli Helden und andere Leitbilder im 

Ruhrrevier nach 1945 präsentiert. Die bis 

zum 10. Oktober laufende Schau ist nach 

Angaben des Museums eine Begleitausstellung 

zur Kulturhauptstadtjahr-Schau 

„Helden. Von der Sehnsucht nach dem 

Besondern“, die noch bis Ende Oktober 

in Hattingen zu sehen ist. Deren Motto 

„Wandel durch Kultur - Kultur durch 

Wandel“ sei bereits in der Nachkriegszeit 

ein wichtiges Anliegen in der Industrieregion 

Ruhrgebiet gewesen, hieß es in der 

Ankündigung der Ausstellung - genauso 

wie das Ziel, Kultur für alle Menschen 

zugänglich zu machen. Im Mittelpunkt 

der Schau stehen deshalb die kleinen 

„Helden“ des Ruhrgebiets: Laienmaler, 

Hobbymusiker und Arbeiterdichter 

ebenso wie Kulturpolitiker aus Bergbau, 

Gewerkschaft und Kommune. 

Die Ausstellung, die die Kulturgeschichte 

des Reviers zwischen 1945 und 

1966 beleuchtet, stellt auch die zentralen 

Leitbilder der populären Kultur der 

Region vor: Symbolfiguren wie Kumpel 

Anton und die Heilige Barbara oder internationale 

Film- und Musikikonen, wie 

die Beatles. Zwei Ereignisse aus dem Jahr 

1966 bilden den Abschluß: das Einsetzen 

der Strukturkrise und der Auftritt der 

Beatles in Essen - sicherlich Zufall, aber 

gleichzeitig Symbol für einen erneuten 

Wandel in der Kultur, so die Aussteller 

weiter. 

Die Ausstellung ist mittwochs bis 

samstags von 14 bis 18 Uhr und sonntags 


Internet: www.lwl-industriemuseum.de 

Bilderbuchmuseum Troisdorf 

würdigt den Sammler Wilhelm 

Alsleben 

Troisdorf - Unter dem Titel „Wir 

jubeln“ würdigt das Bilderbuchmuseum 

in Troisdorf bei Bonn den Sammler und 

Stifter Wilhelm Alsleben. Anlaß sei der 

100. Geburtstag Alslebens, so Museumsleiterin 

Maria Linsman vor der Eröffnung 

der Ausstellung. Anfang der 1980er Jahre 

stiftete Alsleben seine aus Tausenden von 

Bilderbüchern und rund 350 Illustrationen 

bestehende Sammlung dem damals 

im Aufbau befindlichen Museum. Die 

bis zum 15. August laufende Schau zeigt 

anhand der ausgestellten Original-Illustrationen 

und Bilderbücher eine repräsentative 

Auswahl aus der Sammlung Alsleben, 

die den Grundstock des musealen Illustrationsbestandes 

des Bilderbuchmuseums 

bildet. 



Internet: www.troisdorf.de 

Schauspiel Köln erneut zum 

besten NRW-Theater gewählt 

Jährliche Kritikerumfrage des Magazins 

„Theater-Pur“ sieht das Ballett der 

Deutschen Oper am Rhein an der Spitze 

der Tanztheater von Rhein und Ruhr 

Essen/Köln/Düsseldorf - Das 

Schauspiel Köln mit seiner überaus 

erfolgreichen Intendantin Karin Beier ist 

von Theaterkritikern erneut zum besten 

Sprechtheater NRW gewählt worden. 

Nach Angaben des in Essen erscheinenden 

Magazins „Theater-Pur“ führt Beier 

auch als Regisseurin mit ihrer Produktion 

„Die Schmutzigen, die Häßlichen 

und die Gemeinen“ auch die beste 

Inszenierung in der zu Ende gehenden 

Spielzeit 2009/2010 an. Mit einigem 

Abstand folgt in nach Ansicht der 

Kritiker das Essener Grillo-Theater mit 

seinem scheidenden Intendanten Anselm 

Weber auf dem zweiten, das Schauspielhaus 

Bochum mit seinem scheidenden 

Intendanten Elmar Goerden auf dem 

dirtten Platz. 

Das Ballett der Deutschen Oper am 

Rhein wählten die Kritiker nach Angaben 

des Theatermagazins an die Spitze 

der NRW-Tanztheater. Beim Musiktheater 

steht einmal mehr das Essener 

Aalto-Theater auf Platz Eins. Auf Platz 

Zwei und Drei folgen die Deutsche Oper 

am Rhein und Wuppertal. Der von den 

Kritikern am meisten geschätzte Mann 

am Pult in NRW blieb auch in der auslaufenden 

Spielzeit Stefan Soltesz vom 

Aalto-Musiktheater in Essen. Fast jedes 

Theater an Rhein und Ruhr, von Aachen 

bis Bielefeld oder von Münster bis Bonn 

findet mit einzelnen guten Leistungen in 

der Umfrage Erwähnung. Auch einige 

freie Bühnen im Land erhielten mehrfach 

gute Leistung bescheinigt. 

An der jährlichen Kritikerumfrage von 

„Theater-Pur“ beteiligen sich etwa 15 

Theaterkritiker von Tageszeitungen, 

Magazinen und Rundfunksendern. 

Elmar Goerden lockte in seiner 

5-jährigen Bochumer Intendanz 

rund 910.000 Theaterbesucher 

Bochum - Ende Juni endete nach fünf 

Jahren die Intendanz von Elmar Goerden 

als künstlerischer Leiter des traditionsreichen 

Bochumer Schauspielhauses. Der in 

weiten Strecken relativ glücklos agierende 

Theatermann konnte in 3.656 Vorstellungen 

rund 910.000 Zuschauer im Theater 

begrüßen. In der vergangenen Spielzeit 

2009/2010 kamen etwa 186.000 Gäste. 

In Erinnerung bleiben sicherlich die Regiearbeiten 

von Burghart Klaußner - allen 

voran die deutsche Erstaufführung von 

Yasmina Rezas „Der Gott des Gemetzels“

mit Imogen Kogge und Felix Vörtler in 

zwei Hauptrollen. 

Höhepunkte waren sicherlich auch 

die beiden musikalischen Stücke „A 

Tribute to Johnny Cash“ mit Tomas 

Anzenhofer und „A Tribute to Quentin 

Tarantino“ mit Oliver Möller in der 

Hauptrolle. Die Johnny Cash-Produktion 

brachte es auf über 60 Vorstellungen und 

deutlich über 25.000 Zuschauer. Auch 

die Produktion „A Tribute to Quentin 

Tarantino“ lief bombig. Weitere Publikumserfolge 

waren „I hired a contract 

killer“, „König Lear“ und zuletzt „Nora“. 

Goerden setzte zudem in seiner fünfjährigen 

Intendanz mehrfach Akzente durch 

ungewöhnliche Theaterformate oder 

Festivals. 

Von Anfang seiner Intendantentätigkeit 

in Bochum stand Goerden ein 

wenig im Schatten des deutlich kleineren 

Essener Grillo-Theaters. Dort war Intendant 

Anselm Weber zeitgleich extrem 

erfolgreich und verdrängte die Bochumer 

Bühne von dem jahrzehntelang besetzten 

ersten Platz der Theater im Revier. Weber 

tritt nun in der Spielzeit 2010/2011 

die Nachfolge von Goerden in Bochum 

an. 

Der Westen leuchtet in Bonn 

Bonn - Unter dem Titel „Der Westen 

leuchtet“ präsentiert das Kunstmuseum 

Bonn bis 24. Oktober eine groß angelegte 

Ausstellung, die quasi eine Stand- 

Überall im Buchhandel erhältlich. 

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ortbestimmung der Kunstlandschaft des 

Rheinlandes darstellt. Die Ausstellung 

stellt die wichtigsten Künstlerinnen und 

Künstler der älteren Generation (von 

Richter bis Gursky) mit jeweils neuen 

Arbeiten vor und verknüpft sie mit 

zentralen Werken der jungen Nachwuchskunst 

zu einer Gesamtübersicht 

von mehr als 30 Positionen. 

Die Auswahl aus der Generation der 

älteren Künstlerinnen und Künstler und 

die Festlegung der neuen Arbeiten wurde 

kuratorisch durch das Wissenschaftlerteam 

des Kunstmuseums Bonn betreut. 

Die Auswahl der Nachwuchsgeneration 

nahmen die international bereits arrivierten 

Künstler selbst vor. Die Aufteilung der 

kuratorischen Verantwortung zwischen 

Künstlern und Kunsthistorikern versteht 

sich nach Angaben des Kunstmuseums 

„als bewußtes Zeichen gegen das Fantasma 

des omnipotenten Kurators und als 

Anerkennung der prioritären Leistung der 

Künstlerinnen und Künstler.“ 

In der Schau vertreten sind unter 

anderem Bernd & Hilla Becher, Joseph 

Beuys, Anna und Bernhard Johannes 

Blume, Tony Cragg, Isa Genzken, 

Andreas Gursky, Georg Herold, Jürgen 

Klauke, Imi Knoebel, Marcel Oden- 

NEU 

bach, Albert Oehlen, Blinky Palermo, 

Sigmar Polke, Gerhard Richter, Ulrich 

Rückriem, Thomas Schütte, Katharina 

Sieverding, Rosemarie Trockel, Timm 

Ulrichs. Aus der jüngeren Künstlergeneration 

sind Arbeiten von Thomas 

Arnolds, Martina Debus, Simon Denny, 

Chris Durham, Claudia Fährenkemper, 

Natascha Sadr Haghighian, David 

Hahlbrock, Benjamin Houlihan, Bernd 

Kastner, Christian Keinstar, Erinna König, 

Gereon Krebber, Ursula Neugebauer 

und Michail Pirgelis zu sehen. 


von 11 – 18 Uhr sowie mittwochs 

von 11 - 21 Uhr geöffnet. 

Internet: www.kunstmuseum-bonn.de 

Texte: Andreas Rehnolt 

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