Pierre Bonnard - Druckservice HP Nacke KG
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DIE BESTE ZEIT<br />
Das Magazin für Lebensart<br />
Wuppertal und Bergisches Land August/September 2010 - 3,50 Euro<br />
<strong>Pierre</strong> <strong>Bonnard</strong><br />
Von der Heydt-Museum Wuppertal<br />
Zweimal „Tod in Florenz“<br />
Opernhaus Wuppertal<br />
Von Wuppertal in die Welt<br />
Bodo Berheide: Die Figura magica<br />
Eleni - von Kai Schubert<br />
Wuppertaler Bühnen<br />
Licht fangen<br />
Karl Heinz Steckelings<br />
Ein Mond für die Beladenen<br />
Schauspielhaus Bochum<br />
Karl Otto Mühl<br />
Eine amüsante Erzählung<br />
Japan in einem Atemzug<br />
Michael Zeller<br />
Der glücklichste Mensch<br />
A. Steffens Portrait des Sammlers<br />
Da ist Musik drin<br />
Hochschule für Musik und Tanz<br />
Neue Kunstbücher<br />
Vorgestellt von Thomas Hirsch<br />
Kulturnotizen<br />
von Frank Becker und Andreas Rehnolt<br />
1
Impressum<br />
Spielzeit 2010/2011<br />
WUPPERTAL SPIELT!<br />
START IN DIE SAISON<br />
11. September 2010<br />
14:00 Uhr //// AM SCHAUSPIELHAUS<br />
THEATERFAMILIENFEST<br />
Gratis, drinnen und draußen.<br />
20:00 Uhr //// HISTORISCHE STADTHALLE<br />
OPERNGALA*<br />
22:00 Uhr //// KLEINES SCHAUSPIELHAUS<br />
ERÖFFNUNGSPARTY*<br />
* Bitte Tickets reservieren<br />
Jetzt das Spielzeitbuch anfordern:<br />
info@wuppertaler-buehnen.de<br />
„Die beste Zeit“ erscheint in Wuppertal und im<br />
Bergischen Land<br />
Auflage 4.000 Exemplare<br />
Erscheinungsweise: 5 mal pro Jahr<br />
Verlag <strong>HP</strong> <strong>Nacke</strong> <strong>KG</strong> - Die beste Zeit<br />
Friedrich-Engels-Allee 122, 42285 Wuppertal<br />
Telefon 02 02 - 28 10 40<br />
E-Mail: verlag@hpnackekg.de<br />
V. i. S. d. P.: HansPeter <strong>Nacke</strong> und Frank Becker<br />
Erfüllungsort und Gerichtsstand Wuppertal<br />
Bildnachweise/Textquellen sind unter den<br />
Beiträgen vermerkt.<br />
Gastbeiträge durch Autoren spiegeln nicht<br />
immer die Meinung des Verlages und der Herausgeber<br />
wider. Für den Inhalt dieser Beiträge<br />
zeichnen die jeweiligen Autoren verantwortlich.<br />
Umschlagabbildung: <strong>Pierre</strong> <strong>Bonnard</strong>,<br />
Die weiße Tischdecke, Von der Heydt-Museum<br />
© VG Bild-Kunst, Bonn 2010<br />
Kürzungen bzw Textänderungen, sofern nicht<br />
sinnentstellend, liegen im Ermessen der<br />
Redaktion. Für unverlangt eingesandte Beiträge<br />
kann keine Gewähr übernommen werden.<br />
Nachdruck – auch auszugsweise – von Beiträgen<br />
innerhalb der gesetzlichen Schutzfrist nur mit der<br />
ausdrücklichen Genehmigung des Verlages.<br />
Trotz journalistischer Sorgfalt wird für Verzögerung,<br />
Irrtümer oder Unterlassungen keine<br />
Haftung übernommen.<br />
Ein Künstler wird im Gegensatz zum Dichter oder Musiker<br />
zum Marktobjekt gemacht.<br />
Und es ist nicht sehr befriedigend zu wissen, dass ein Bild,<br />
das eigentlich ein geistiges Konzentrat ist,<br />
als Wertobjekt gehandelt wird.<br />
[Anselm Kiefer]<br />
ERÖFFNUNGSPREMIEREN<br />
Ab 18. September 2010 //// KLEINES SCHAUSPIELHAUS<br />
MACBETH Tragödie von William Shakespeare<br />
Ab 19. September 2010 //// OPERNHAUS<br />
LA BOHÈME Oper von Giacomo Puccini<br />
Ab 1. Oktober 2010 //// OPERNHAUS<br />
DER KIRSCHGARTEN<br />
Komödie von Anton Tschechow<br />
WUPPERTALER BÜHNEN<br />
Oper //// Schauspiel<br />
wuppertaler-buehnen.de TICKET-HOTLINE (0202) 569 44 44
Editorial<br />
Liebe Leserinnen, liebe Leser,<br />
in den Iden des Juli ein Editorial zu schreiben, ist mit den Füßen im Wasser ein Vergnügen.<br />
Allzu leicht ersetzt sonst in diesen Sommertagen die Transpiration die Inspiration.<br />
Mit dem Einläuten der Sommerpause gilt für die Diskussion um die Zukunft der Wuppertaler<br />
Bühnen Marcel Reich-Ranickis Lieblingszitat: „ ... Und so sehen wir betroffen/Den Vorhang<br />
zu und alle Fragen offen“ (Der gute Mensch von Sezuan).<br />
Spätestens mit Beginn der neuen, ambitionierten Spielzeit der Bühnen am 2. Septemberwochenende<br />
wird die notwendige Diskussion über das vorliegende Actori-Gutachten wieder<br />
an Fahrt gewinnen.<br />
Ausgehend von der Fragestellung des Aufsichtsrates der Wuppertaler Bühnen: „Wieviel Theater<br />
kann sich Wuppertal zukünftig für einen jährlichen Zuschuss von 8,38 Mio. Euro leisten?“,<br />
haben die Münchner Kulturconsulter drei rechnerisch mögliche Szenarien entwickelt: Erhalt<br />
beider Sparten auf niedrigstem Niveau oder Konzentration auf Sprech- oder Musiktheater,<br />
verbunden mit der Darstellung der Möglichkeit von Kompensation für den Verlust der<br />
jeweiligen Sparte. Im Januar wird zudem das Ergebnis einer Untersuchung der<br />
Zusammenarbeit im Bereich Theater & Konzerte im Bergischen Städtedreieck vorliegen,<br />
welches vom Land mit 90 % bezuschusst wird.<br />
Die neue Landesregierung will die Sicherung der kommunalen Theater- und<br />
Orchesterlandschaft gleichfalls unterstützen und prüfen „... inwieweit und auf welchem Wege<br />
dazu die Erhöhung des Landesanteils möglich und notwendig ist.“ Dabei möchte man<br />
„strukturelle Erneuerungen und sinnvolle Kooperationen“ unterstützen.<br />
Die gleichfalls bedrohte Theaterlandschaft des Ruhrgebiets beabsichtigt zunächst mit einer<br />
Potentialanalyse seiner Theater in die neue Spielzeit zu starten, um bei Erhalt der kulturellen<br />
Vielfalt Möglichkeiten der Zusammenarbeit auszuloten, was ich sehr aufmerksam verfolge.<br />
Die Wuppertaler Kulturverwaltung wird im Herbst durch ein entsprechendes Diskussionsangebot<br />
den Versuch unternehmen, der Theaterdiskussion im Tal Struktur zu geben.<br />
Jenseits der Bühne ist die Wuppertaler Kulturszene dank einer Entscheidung der Politik, die<br />
gesetzten Finanzziele in Teilen nicht durch Kürzungen, sondern eine Verbesserung der Einnahmesituation<br />
zu erreichen, bis auf weiteres gut davongekommen.<br />
Im Gegensatz zu anderen Städten gibt es keine Einschränkungen des Bibliotheksangebotes und<br />
eine Förderung der freien Kulturszene wird in unveränderter Höhe fortgesetzt.<br />
Außerdem wird im Herbst eine auf Wuppertaler Anregung in Auftrag gegebene Bestandsanalyse<br />
zum Thema Kultur-und Kreativwirtschaft im Bergischen Städtedreieck der<br />
Bergischen Entwicklungsagentur vorgelegt werden können, worüber ich sehr froh bin. Erstmals<br />
wird dann qualitativ und quantitativ Klarheit darüber herrschen, welchen Stellenwert<br />
die Kreativen im bergischen Wirtschaftsleben einnehmen. Wer seine Stärken stärken möchte,<br />
muss sie auch kennen und auch die IHK begrüßt eine solche, überfällige Potentialanalyse.<br />
Salomon Bausch zeichnet für das kürzlich öffentlich vorgelegte Konzept der Pina Bausch<br />
Stiftung Pina lädt ein - Ein Archiv als Zukunftswerkstatt verantwortlich, welches von der<br />
Stadtverwaltung uneingeschränkt unterstützt wird. Ich bin zuversichtlich, dass es gelingen<br />
kann die Gespräche zwischen Land, Bundeskulturstiftung und Stadt Wuppertal zu einem<br />
guten Abschluss zu führen, auch wenn wir zur Verwirklichung dieses Zukunftsprojektes zwingend<br />
auf die großherzige Unterstützung Dritter einmal mehr angewiesen sein werden.<br />
Freuen Sie sich zunächst auf den Herbst mit Bühnen & Orchester, die <strong>Bonnard</strong> - Ausstellung<br />
im Von der Heydt-Museum ab dem 14. 09. und die Ausstellung Licht fangen im Historischen<br />
Zentrum zur Geschichte der Photographie im 19. Jhdt. aus der Wuppertaler Sammlung<br />
K. W. Steckelings, der bedeutensten ihrer Art in Deutschland.<br />
Ihnen wünsche ich einstweilen eine erholsame Sommerfrische und viel Vergnügen bei der<br />
Lektüre von <strong>HP</strong> <strong>Nacke</strong>s und Frank Beckers Die beste Zeit – es lohnt sich.<br />
Ihr Matthias Nocke<br />
Beigeordneter der Stadt Wuppertal<br />
3
4<br />
1/8<br />
Keine Angst vor Berührung<br />
In den schwersten Stunden<br />
lassen wir Sie nicht allein.<br />
Barbara Neusel-Munkenbeck und die Urne “moi“<br />
seit 1813<br />
Alles hat seine Zeit.<br />
Berliner Straße 49 + 52-54 · 42275 Wuppertal · www.neusel-bestattungen.de Tag und Nacht 66 36 74<br />
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Inhalt<br />
Heft 5 August/September 2010<br />
<strong>Pierre</strong> <strong>Bonnard</strong> – Magier der Farbe<br />
Von der Heydt-Museum, Wuppertal<br />
von Beate Eickhoff Seite 6<br />
Zweimal „Tod in Florenz“<br />
„Eine florentinische Tragödie“ und<br />
„Gianni Schicchi“.<br />
Opernhaus Wuppertal Seite 14<br />
Von Wuppertal in die Welt<br />
Bodo Berheide: Die Figura magica<br />
von Susanne Buckelsfeld Seite 18<br />
Griechisch und ernst und doch<br />
keine Tragödie<br />
„Eleni“ - von Kai Schubert<br />
Wuppertaler Bühnen Seite 21<br />
Licht fangen<br />
Karl Heinz Steckelings: Filme macher,<br />
Photograph und Sammler<br />
von Heiner Bontrup Seite 23<br />
Von der Unmöglichkeit der Liebe<br />
Eugene O‘Neills<br />
„Ein Mond für die Beladenen“<br />
Schauspielhaus Bochum Seite 26<br />
Was Bodos Frau zum Geruch...<br />
... von Fräulein Tückmantel sagte<br />
Eine amüsante Erzählung von<br />
Karl Otto Mühl Seite 28<br />
Japan in einem Atemzug<br />
Michael Zeller - Siebzehn Silben<br />
sind so lang wie ein Atemzug Seite 31<br />
Der glücklichste Mensch<br />
Andreas Steffens<br />
Portrait des Sammlers Seite 41<br />
Da ist Musik drin<br />
Begegnungen in der Hochschule für<br />
Musik und Tanz Köln<br />
Standort Wuppertal von Marlene Baum Seite 45<br />
Nicht nur der offizielle Dienst…<br />
Sinfonieorchester Wuppertal<br />
von Antje Riewe Seite 49<br />
Neue Kunstbücher<br />
Vorgestellt von Thomas Hirsch Seite 50<br />
Kulturnotizen<br />
von Frank Becker und Andreas Rehnolt Seite 52
6<br />
14. September 2010<br />
– 30. Januar 2011<br />
Von der Heydt-Museum, Wuppertal<br />
<strong>Pierre</strong> <strong>Bonnard</strong> – Magier der Farbe<br />
Das Abenteuer der modernen Kunst begann mit den Impressionisten. Und schon die<br />
Malergeneration, die auf Monet, Renoir und Sisley folgte, machte sich an die Überwindung<br />
jenes heftig umstrittenen Malstils, der vielen als zu flüchtig, zu ephemer, zu<br />
modisch galt. Auch für <strong>Pierre</strong> <strong>Bonnard</strong> war die Wiedergabe der Wirkung des Lichtes<br />
oberstes Gebot, doch suchte er – ähnlich wie die Pointillisten – nach einer Malerei, die<br />
Bestand haben sollte und unabhängig war von Willkür und Zufall, welche die Erscheinung<br />
der Dinge und Menschen in der Realität bestimmen.<br />
Das Von der Heydt-Museum Wuppertal widmet diesem „Magier der Farbe“ jetzt eine<br />
große Ausstellung, die alle Perioden seines außergewöhnlich reichen Schaffens umfasst<br />
und Verbindungslinien zieht zu seinen Künstlerfreunden, zu seinen Vorbildern und zu<br />
Künstlern, die von <strong>Bonnard</strong>s Werk beeinflusst waren. Anhand von mehr als 180 Gemälden,<br />
Zeichnungen, Graphiken und Photographien werden <strong>Bonnard</strong>s umfangreiches<br />
Œuvre und die Stationen seines Werdegangs vorgeführt.<br />
<strong>Pierre</strong> <strong>Bonnard</strong> (1867-1947) begann seine Karriere zunächst, dem Willen seines Vaters<br />
folgend, mit einem Jurastudium, das er 1888 bereits abschloss. Gleichzeitig schrieb er<br />
sich an der Académie Julian ein, wo er den Malern Paul Sérusier, Maurice Denis, Gabriel<br />
Ibels und Paul Ranson begegnete. Im Jahre 1889 erhielt er die Zulassung für den Besuch<br />
der Ecole des Beaux-Arts, wo er Edouard Vuillard traf. Mit Denis und Vuillard teilte er<br />
sich 1891 ein Atelier.<br />
Die Dämmerung am Uhlenhorster Fährhaus, Hamburg / Abend am Ufer, 1913, Öl auf Holz, 50 x 65,5 cm, Hamburger Kunsthalle,<br />
©VG Bild-Kunst, Bonn 2010
Der rote Morgenmantel, Le peignoir rouge, 1914, Öl auf Leinwand, 63 x 48 cm, Privatsammlung New York, © VG Bild-Kunst, Bonn 2010<br />
7
8<br />
Van Gogh, Cézanne und Monet studierte<br />
er, der japanische Holzschnitt – wegen<br />
der beeindruckenden Vereinfachung der<br />
Linie und dem gewagten Gebrauch heller<br />
Farben – faszinierte ihn. Gauguin aber war<br />
derjenige, der in seinem Freundeskreis<br />
den größten Eindruck hinterließ. Mit Anfang<br />
zwanzig (1888) war er Mitbegründer<br />
einer Künstlergruppe, die sich Nabis<br />
nannte, nach dem hebräischen Wort für<br />
„Propheten, Erleuchtete“. „Als meine<br />
Freunde und ich die Untersuchungen der<br />
Impressionisten verfolgten und versuchen<br />
wollten, sie weiterzuentwickeln, strebten<br />
wir danach, ihre naturalistischen Farbeindrücke<br />
zu überwinden. Die Kunst ist<br />
doch nicht die Natur! Wir gingen strenger<br />
mit der Komposition um. Außerdem<br />
konnte man noch viel mehr aus der Farbe<br />
als Ausdrucksmittel herausholen …“, sagte<br />
<strong>Bonnard</strong> 1937. Gemeinsam war diesen<br />
Malern, dass sie das Bild als eine Fläche<br />
begriffen, die mit Farben in bestimmten<br />
Anordnungen bedeckt ist. Unter dem<br />
Einfluss Gauguins bevorzugten sie leuchtende<br />
Farbpartien in hart gegeneinander<br />
gesetzten, oft durch Linien abgetrennten<br />
Flächen. Der lineare Stil, den die Nabis<br />
pflegten, aber auch ihre Hinwendung zu<br />
grafischen Techniken, legt eine Verwandtschaft<br />
zu den sich gleichzeitig entwickelnden<br />
Richtungen von Art Nouveau und<br />
Symbolismus nahe.<br />
Den Malern Maurice Denis, Paul Sérusier<br />
und Jan Verkade ging es nicht allein um<br />
eine Verfestigung des impressionistischen<br />
Malstils. Mit den mythologischen und<br />
religiösen Motiven, die sie aufnahmen,<br />
hatte auch das Sujet bei ihnen eine neue<br />
Bedeutung. <strong>Bonnard</strong> dagegen beobachtet<br />
das moderne Leben: Straßenszenen in Paris<br />
oder Frauen und Kinder im häuslichen<br />
Umfeld. Eine Figur tritt in den Bildern<br />
dieser Zeit immer wieder auf, Misia<br />
Natanson, die Muse der Nabis, so zum<br />
Beispiel in fast fotografischer Nahaufnahme<br />
beim Frühstück mit Kindern.<br />
Während die Nabis zwischen 1891 und<br />
1899 ihre größten Erfolge hatten, trennte<br />
<strong>Bonnard</strong> sich frühzeitig von ihnen. 1891<br />
stellt er im „Salon des Indépendants“ mit<br />
fünf Gemälden aus, 1896 fand seine erste<br />
Einzelausstellung in der Galerie Durand-<br />
Ruel statt. <strong>Bonnard</strong>, der alle Aufträge<br />
von der Zeitschriftenillustration über<br />
Einbände bis hin zu Theaterdekorationen<br />
<strong>Pierre</strong> <strong>Bonnard</strong> – Magier der Farbe<br />
übernahm, schuf zudem ein umfangreiches<br />
druckgrafisches Werk. Berühmt<br />
wurden seine Farblithografien. Sein Plakat<br />
«France-Champagne» brachte ihm 1891<br />
den großen Erfolg ein, der ausschlaggebend<br />
dafür war, dass er seine Laufbahn als<br />
Jurist vollends aufgab.<br />
Der Maler wohnte zunächst am Montmartre,<br />
mit Toulouse-Lautrec stand er in<br />
Kontakt. Toulouse-Lautrec und <strong>Bonnard</strong>,<br />
das ist Frankreich zur Zeit der Jahrhundertwende,<br />
wobei letzterer das bürgerliche<br />
Leben eher in privaten, geradezu intimen<br />
Szenen spiegelt. Und seinem großen<br />
Malerkollegen Auguste Renoir ähnlich,<br />
beschäftigten <strong>Bonnard</strong> zunehmend eher<br />
die zeitlosen Themen: die Landschaft<br />
und der weibliche Akt. 1911 kaufte er<br />
ein Haus an der Seine, in der Nähe von<br />
Giverny, wo Monet lebte. Nicht mehr die<br />
Stadt, sondern idyllische Szenen, beschauliche<br />
Blumengärten, Segelboote, Akte und<br />
Interieurs bevorzugte er nun. Auch das<br />
Selbstporträt spielte eine große Rolle.<br />
Bekannt ist seine Serie der Badezimmer-<br />
Stücke. Modell war in der Regel seine<br />
Frau Marthe, die er bereits 1893 kennen<br />
lernte. In den Bildern mit Wanne, Wasser,<br />
Tuch und Spiegel erscheint die Badende<br />
hell und frisch, in geklärter Atmosphäre<br />
und mit kühler Distanz betrachtet.<br />
Voyeurismus und weibliche Attraktivität<br />
sind nicht sein Thema. <strong>Bonnard</strong>s<br />
Innenraumszenen strahlen mehr Ruhe<br />
als Leidenschaft aus. Deutlich wird,<br />
dass es ihm um die Malerei ging, darum<br />
„nicht das Leben abzubilden, sondern<br />
die Malerei lebendig werden zu lassen“.<br />
Die Betonung liegt bei seinen Bildern auf<br />
einem sinnlichen Effekt, der sich ganz auf<br />
das Visuelle konzentriert.<br />
Seit 1899 reiste <strong>Bonnard</strong> viel, zumeist mit<br />
Vuillard nach England, Belgien, Holland,<br />
Spanien und Italien, nach Algerien und<br />
Tunesien. Häufig hielt er sich in Südfrankreich<br />
auf. 1926 wurde er Mitglied<br />
der Carnegie-Jury und er besuchte<br />
Pittsburgh, Philadelphia, Washington,<br />
New York und Chicago. Ebenfalls 1926,<br />
nach zahlreichen Aufenthalten im Süden<br />
Frankreichs, kaufte <strong>Pierre</strong> <strong>Bonnard</strong> ein<br />
kleines Haus in Le Cannet bei Cannes,<br />
das er „Le Bosquet“ [Das Wäldchen]<br />
nannte. Von 1939 an lebte er dort zurückgezogen<br />
bis zu seinem Tode 1947.<br />
Die Retrospektive im Von der Heydt-<br />
Plakat für „France-Champagne“<br />
France-Champagne, 1891<br />
Lithografie, 78 x 50 cm<br />
Bibliothèque nationale de France<br />
© VG Bild-Kunst, Bonn 2010<br />
Die kleine Wäscherin, 1896<br />
Farblithografie, 29,7 x 19,7 cm<br />
Szépmüvészeti Múzeum, Budapest<br />
© VG Bild-Kunst, Bonn 2010
Der Schleppkahn, um 1892, Öl auf Leinwand, 26,5 x 19 cm, Privatsammlung, © VG Bild-Kunst, Bonn 2010<br />
9
10<br />
Stehender Akt, Rückenansicht Nu debout vu de dos, 1913<br />
Öl auf Leinwand, 80 x 51 cm, Privatbesitz<br />
© VG Bild-Kunst, Bonn 2010<br />
Die weiße Tischdecke (Das Esszimmer),<br />
Öl auf Leinwand, 100 x 109 cm<br />
Von der Heydt-Museum, Wuppertal<br />
© VG Bild-Kunst, Bonn 2010
12<br />
Badende am Ende des Tages - Baigneurs à la fin du jour, 1945-1946, Öl auf Leinwand, 48,5 x 59,5 cm,<br />
Fotonachweis: Musée <strong>Bonnard</strong>, Le Cannet, Georges Auclaire, Privatbesitz, © VG Bild-Kunst, Bonn 2010<br />
Museum setzt ein mit den Werken großer<br />
Vorbilder, <strong>Bonnard</strong>s Interesse an der<br />
zeitgenössischen Amateurfotografie und<br />
am japanischen Farbholzschnitt. Der<br />
Paravent „Promenade des nourrices, frise<br />
des fiacres“ (1899), den als Leihgabe nach<br />
Wuppertal zu holen ein großes Glück ist,<br />
zeigt seine Begeisterung für die japanische<br />
Kunst. <strong>Bonnard</strong> verbindet traditionelles<br />
Kunstgewerbe mit Motiven aus dem<br />
modernen Pariser Leben. Zu den großen<br />
Formaten der Ausstellung gehört ein<br />
demselben Themenkreis entstammendes<br />
Bild, das aus Besançon kommende, große<br />
Gemälde „Place de Clichy“.<br />
Anschaulich vorgeführt wird zugleich,<br />
dass <strong>Bonnard</strong> erstaunlich unabhängig und<br />
innovativ auf dem Gebiet von Farbe und<br />
Perspektive war. Als einer der ersten Maler<br />
benutzte er reine Farben, die er flächig<br />
Wandschirm: Spaziergang der Ammen, Fiakerfries, 1897, 4 Farblithografien im<br />
Fünffarbendruck, je 143 x 46 cm, Privatbesitz, © VG Bild-Kunst, Bonn 2010<br />
auftrug und Formen, die er in arabeskenartigen<br />
Linien erfaßte. Im Bild der „Der<br />
rote Morgenmantel“ (1914, Privatsamm-
lung New York) ist die Figur zweidimensional<br />
und abstrahierend vereinfacht in<br />
die Bildfläche eingepasst. Ornament und<br />
gemusterte Fläche verdrängen jede Individualisierung<br />
der Person. Kennzeichnend<br />
für <strong>Bonnard</strong>s Kompositionen ist die „bewegliche<br />
Perspektive“ in fast kubistischer<br />
Manier. Indem er die Zentralperspektive<br />
aufgibt, schafft er verwirrende Einblicke in<br />
Räume. Motive wie Tische oder Wannen<br />
werden unvermittelt und unharmonisch<br />
vom Bildrand überschnitten. Die unpathetische<br />
Neutralität, mit der <strong>Bonnard</strong><br />
alles vor uns ausbreitet, ohne durch die<br />
Perspektive zu hierarchisieren, fordert vom<br />
Betrachter ganze Konzentration auf ein simultanes<br />
Sehen. Ein wunderbares Beispiel<br />
für <strong>Bonnard</strong>s unkonventionellen Umgang<br />
mit Farbe und Perspektive ist auch das<br />
Wuppertaler Bild „Die weiße Tischdecke<br />
(Das Esszimmer)“ (1925). <strong>Bonnard</strong> setzt<br />
hier keine illusionistischen Mittel ein, vom<br />
gegenständlichen und technischen her liegt<br />
alles in größter Einfachheit vor uns, mit<br />
einer beeindruckenden sinnlichen Präsenz.<br />
Paris, die Normandie, <strong>Bonnard</strong>s Garten,<br />
die Seine, Stillleben und Tischszenen, der<br />
Süden und das Meer – die Ausstellung ist<br />
chronologisch und zugleich thematisch<br />
geordnet. Die Entwicklung des „Magiers<br />
der Farbe“ ist nachvollziehbar, auch wenn<br />
keine Zäsuren, keine Brüche im Werkverlauf<br />
aufscheinen. Das Verhältnis von<br />
Fläche zur Linie verändert sich, die lineare<br />
VON DER HEYDT-MUSEUM<br />
WUPPERTAL<br />
Ermöglicht haben diese Ausstellung<br />
Umrisslinie wird um 1900 zugunsten einer<br />
mehr bewegten Farbform mit aufgelöstem<br />
Pinselstrich aufgegeben, die Farbigkeit entwickelt<br />
sich von einer gedeckten, tonigen<br />
Leuchtkraft um 1894 zu einer intensiven,<br />
strahlenden Palette nach 1920. Am Ende<br />
steht ein kleinformatiges, spätes Werk<br />
„Badende am Ende des Tages“ (1945/46,<br />
Privatsammlung). Von der letzten Sonne<br />
des Tages werden die Figuren am Strand<br />
von Cannes kräftig gelb-orange angestrahlt.<br />
Spätestens an diesem Punkt wird<br />
<strong>Bonnard</strong>s Leistung offensichtlich, den<br />
Impressionismus zu einer farbbetonten,<br />
abstrakten Kunst geführt zu haben.<br />
Zu seinen Lebzeiten konnte man<br />
<strong>Bonnard</strong> wohl manchmal für altmodisch<br />
halten, weil er immer noch figurativ<br />
malte und seine Themen schienen keine<br />
geistige oder moralische Tragweite zu<br />
haben. Wie modern und fortschrittlich<br />
er tatsächlich war, kommt heute aber für<br />
uns ganz besonders in den großen, späten<br />
Interieurszenen zum Ausdruck. Seine gewöhnlichen<br />
Räume mit ihren oft disparat<br />
erscheinenden Objekten verwandelte er<br />
in irritierende Szenen, die die parallelen<br />
Situationen in der Wirklichkeit plötzlich<br />
auch nur noch als Konstruktionen erscheinen<br />
lassen. Es gelang ihm gleichzeitig<br />
in äußerst raffinierten Farbkonstellationen<br />
die Farbe zum Leuchten und sogar zum<br />
Glühen zu bringen. Damit begeisterte<br />
er viele Künstlerkollegen und wurde so,<br />
Kulturpartner<br />
14.9.2010 - 30.1.2011<br />
ohne selbst eine „Schule“ auszubilden, zu<br />
einem bewunderten Vorbild u. a. von so<br />
bekannten Persönlichkeiten wie Nicolas<br />
de Staël oder Mark Rothko.<br />
Beate Eickhoff<br />
www.von-der-heydt-museum.de<br />
FÜHRUNGEN JETZT BUCHEN<br />
Tel 0202/563 2626 und online<br />
www.bonnard-ausstellung.de<br />
BONNARD<br />
MAGIER DER FARBE<br />
13
14<br />
Joslyn Rechter / Kay Stiefermann
Weltklasseniveau in Wuppertal:<br />
„Eine florentinische Tragödie“ und<br />
„Gianni Schicchi“<br />
Premiere 20. Juni 2010<br />
„Was sucht der Tod in solch heitrem Haus,<br />
da nur ein Weib, ein Gatte und ein Freund<br />
ihm Gruß entbieten können …Ich kann<br />
ertragen Verachtung, Schande von mancher<br />
Art, den schrillen Hohn und offenen<br />
Schimpf. Doch wer mir irgend etwas stiehlt,<br />
das mir gehört, und wär´s auch nur der<br />
schlechteste Teller, davon ich meinen Hunger<br />
füttre, setzt Seel und Leib auf Spiel bei<br />
seinem Frevel und stirbt!“<br />
Musikalische Leitung: Hilary Griffiths<br />
Inszenierung: Johannes Weigand<br />
Bühne: Moritz Nitsche<br />
Kostüme: Judith Fischer<br />
Dramaturgie: Johannes Blum<br />
Regieassistenz: Bälazs Värna<br />
Inspizienz: Arndt Mädler<br />
Fotos: Uwe Stratmann<br />
Besetzung Eine florentinische Tagödie:<br />
Guido Bardi: Paul McNamara<br />
Simone: Kay Stieferman<br />
Bianca: Joslyn Rechter<br />
Besetzung Gianni Schicchi:<br />
Gianni Schichi: Jacek Strauch<br />
Lauretta: Banu Böke<br />
Zita: Diane Pilcher<br />
Rinuccio: Kalle Kanttila<br />
Gherardo: Christian Sturm<br />
Nella: Dorothea Brandt<br />
Gherardino: Malik Karaca<br />
Betto von Signa: Dariuz Machej<br />
Simon: Thomas Schobert<br />
Marco: Olaf Haye<br />
Ciesca: Joslyn Rechter<br />
Magister Spinellocc: Mario del Rio<br />
Amantio de Nicola: Javier Zapata Vera<br />
Pinellino: Andreas Heichlinger<br />
Guccio: Jochen Bauer<br />
Chor der Wuppertaler Bühnen<br />
Zweimal „Tod in Florenz“<br />
„Ist die ganze mächtige Welt in dieses Zimmers Umfang eingeengt, und hat drei Seelen als<br />
Bewohner nur? So sei der dürftige Raum jetzt eine Weltenbühne, wo Herrscher fall´n und<br />
unser tatlos Leben der Einsatz wird, um den Gott spielt.“ - singt der brave Tuchhändler<br />
Simone, bevor er sich zum Mord am dreisten Geliebten seiner Gattin entschließt, welcher<br />
noch im Tode seine Herkunft bemüht „Nimm mir vom Hals die Würgefinger; ich bin<br />
meines edlen Vaters einziger Sohn“ – „Schweig! Dein Vater wird, wenn kinderlos, beglückter<br />
sein!“<br />
Und so stirbt der Liebhaber zu einer ungeheuren, hochdramatischen Musik. „Und jetzt zu<br />
Dir!“ Der Tuchhändler greift sein Messer und wendet sich seiner Gattin zu, die eben noch<br />
von ihrem Liebhaber seinen Tod im Zweikampf („Töte ihn! Töte ihn!“) lauthals forderte,<br />
doch da ertönt eine der schönsten Melodien, die jemals ein Komponist für die Oper geschrieben<br />
hat, und sie intoniert gänzlich traumverloren, fast exstatisch „Warum hast Du mir<br />
nie gesagt, daß Du so stark?“ Nach einem großen, mehrfach geteilten Streichermeer, welches<br />
Wagner nicht schöner in Noten gesetzt haben könnte, erwidert er fasziniert „Warum hast<br />
Du mir nicht gesagt, daß Du so schön… bist.“ Riesenfortissimo im aufblühenden Orchester,<br />
als wären wir in der Walküre erstem Akt (wo der Lenz erblüht) während sich beide in die<br />
Arme sinken und sich über der Leiche des gerichteten Nebenbuhlers vereinen. Das hätte sich<br />
selbst Wagner niemals getraut! Und die Oper klingt aus in einer Art Erlösungsmotiv, schön<br />
wie das der „Götterdämmerung“.<br />
Donnerwetter! Mehr an Dramatik kann eine Oper in einer knappen Stunde nicht bieten.<br />
Grandiosere Musik ist nie mehr geschrieben worden. Was Zemlinsky hier für ein kompaktes<br />
Musikdrama komponiert hat, ist das Ultimo der Gefühle: Liebe, Gleichgültigkeit, Haß,<br />
Haßliebe, Betrug, Mord und Verzeihen. Was für ein Welt-Theater - und alles in ein gerade<br />
mal 60-minütiges dramatisches Wechselbad der Gefühle gesetzt, welches den Atem raubt.<br />
Joslyn Rechter / Kay Stiefermann — hinten: Paul McNamara<br />
15
16<br />
Joslyn Rechter / Paul McNamara<br />
Mehr Musik geht nicht. Mehr Gefühl ist<br />
geradezu unmöglich. Was für hochanspruchsvolle<br />
Partien und wie brillant ist<br />
die Geschichte doch gesponnen! Dazu ein<br />
packender Text von Oscar Wilde (bitte<br />
demnächst mit Übertiteln, denn jedes Wort<br />
ist auch von großer musikdramatischer<br />
Bedeutung)! Eine echte Gefahr für Opernfreunde<br />
mit Bluthochdruck; aber Hand<br />
aufs Herz: kann man zu schönerer Musik<br />
sterben? Ich finde nein.<br />
Doch zum Anfang: Tuchhändler Simone<br />
kommt sehr spät nach Hause; und trifft einen<br />
Fremden bei seiner Gattin „Er ist kein<br />
Vetter, er ist kein Verwandter.“ Doch der<br />
schlaue Kaufmann, den seine Gattin für einen<br />
einfältigen Langweiler hält, entwickelt<br />
sich langsam aber zielstrebig zum Racheengel,<br />
während es dem arroganten Fürstensohn<br />
Guido Bardi immer mulmiger wird.<br />
Die Wände rücken bedrohlich näher, die<br />
Schwingen des drohenden Todes werden<br />
sich über ihm schließen. Er gerät in dieselbe<br />
Panik, die ein lebendig Begrabener erleiden<br />
muß. Hier gibt es kein Entkommen mehr.<br />
Und so ist das Scheingefecht, um spielerisch<br />
zu testen, wer den besseren Säbel hat,<br />
eigentlich nur das Vorspiel. Und was für ein<br />
Vorspiel: Zemlinsky/Oscar Wilde setzen<br />
hier in wilder Kühnheit Eros gleich Tod.<br />
Dabei ist die Musik dermaßen feinsinnig<br />
und steigerungsfähig, daß jedes auch nur<br />
gehauchte Wort seine Entsprechung findet.<br />
Manches ist mehr gesprochen als gesungen:<br />
„Was sucht der Tod in so vergnügtem<br />
Haus, wo nur ein Weib, ein Gatte und<br />
ein Freund ihn grüßen?“ Dazu wunderbar<br />
friedvolle kammermusikalisch begleitende<br />
Solo-Violine, wie bei einem Kinderschlummerlied,<br />
doch auf der selben Tonlage bricht<br />
Zemlinsky mit „Oh laß den Tod dort<br />
Einkehr halten“ und steigert das Riesenorchester<br />
wie bei Wotans Abschied ins schier<br />
Unermeßliche „wo man die Ehe bricht, wo<br />
keusche Frauen, die ihrer edlen Männer
Zweimal „Tod in Florenz“<br />
Paul McNamara / Kay Stiefermann<br />
Kay Stiefermann / Paul McNamara — hinten: Joslyn Rechter<br />
überdrüssig, den Vorhang ihrer Ehebetten<br />
lüften und in besudelten, entehrten Kissen<br />
der unerlaubten Wollust frönen.“ Uns<br />
schaudert. Doch am Ende klingt es wie ein<br />
gehauchtes Lebewohl. So stürzt Zemlinsky<br />
uns in die unendlichen Welten und Wogen<br />
eines musikalischen Rausches, der allerdings,<br />
anders als bei Wagner, meist dezent<br />
wieder bodenständig retrovertiert.<br />
Dem Wuppertaler Regieteam um Johannes<br />
Weigand gelingt eine hochwerktreue<br />
Inszenierung; ein Juwel ohne Firlefanz. Man<br />
entfacht eine Zündschnur, die allein entlang<br />
der worttreuen Linie vom Text und der<br />
notengenauen Wahrnehmung der Musik<br />
beständig weiterglimmt und sich in perfekt<br />
düsterer Lichtatmosphäre (Sebastian Arens)<br />
glühend durch die Herzen und Seelen<br />
der Zuschauer brennt. Atemberaubend,<br />
spannend, ergreifend und einen Aufregungs-Kollaps<br />
fördernd. Besser kann man<br />
Musiktheater nicht inszenieren. Irgendwann<br />
werden hoffentlich auch die Wuppertaler<br />
Opernfreunde begreifen, was für ein sensationelles<br />
Stück hier schlichtweg grandios<br />
inszeniert wurde, und es wäre zu wünschen,<br />
daß nicht nur die von fern, sogar aus Wien<br />
angereisten Kritiker lauthals jubeln.<br />
Ich habe praktisch alle deutschen Inszenierungen<br />
seit der großen Zemlinsky- Wie-<br />
derentdeckung dieser Oper vor 30 Jahren<br />
gesehen, und muß sagen, daß die Wuppertaler<br />
Produktion in allen Bereichen jener<br />
maßstabsetzenden Hamburger Inszenierung<br />
von 1981 (Albrecht/Dresen – Soffel,<br />
Riegel & Sarabia - gibt es auch auf CD) das<br />
Wasser reichen kann.<br />
Was muß Hilary Griffiths geprobt haben,<br />
um diesen Klang aus dem Sinfonieorchester<br />
Wuppertal herauszuholen. Was muß<br />
diese Oper für eine Herzensangelegenheit<br />
für den GMD gewesen sein! Besser kann<br />
man diesen Zemlinsky nicht spielen. Zuletzt<br />
habe ich solche Qualität in Wuppertal<br />
beim „Ring des Nibelungen“ vor 30 Jahren<br />
gehört. Es war wirklich ein sensationeller<br />
Premierenabend. Hinzu kommen drei perfekte<br />
Sänger, welche die Einmaligkeit dieses<br />
5-Sterne-Abends hinreißend unter Beweis<br />
stellten, und es sind verteufelt schwere<br />
Partien, die da gegen ein Wagner-Orchester<br />
gesungen werden müssen. Ein „Bravissimo“<br />
für Paul McNamara (Guido Bardi), Kay<br />
Stiefermann (Simone) und Joslyn Rechter<br />
(Bianca). Für die ungeheure Leistung,<br />
auch der enormen Textverständlichkeit,<br />
bekommt Kay Stiefermann einen extra<br />
Opernfreund-Stern. Für alle Zemlinsky-<br />
Freunde ein Muß, geradezu ein Zwang,<br />
auch für die weiteste Anreise. Wer noch nie<br />
etwas von Zemlinsky gehört hat, wird zum<br />
Fan des Komponisten. Versprochen.<br />
Man verzeihe mir das knappe „Post Scriptum“,<br />
denn „Gianni Schicchi“ wird ja nun<br />
überall rauf und runter gespielt. Eine nette<br />
Posse. Gut gespielt, prachtvoll gesungen von<br />
einem guten Team und mit großartiger Italianita<br />
orchestriert. Wahrscheinlich konnte<br />
und wollte man dem Publikum „Blaubarts<br />
Burg“ (Bartok) als zweites Stück, welches<br />
ich gewählt hätte, kaum noch nervlich<br />
zumuten. Da habe ich volles Verständnis.<br />
Jacek Strauch war ein Schicchi von Weltklasseformat<br />
– nebenbei bemerkt. Also nach<br />
Wuppertal fahren, bevor das Theater dort<br />
von der Politik weggespart wird. Hier wird<br />
heuer und jetzt Weltklasse geboten.<br />
Dr. Peter Bilsing<br />
Herausgeber der Opernzeitschrift<br />
„Der Opernfreund”<br />
Pressefotos:<br />
Uwe Stratmann<br />
Weitere Informationen unter:<br />
www.wuppertaler-buehnen.de<br />
17
18<br />
Die „Figura magica” von<br />
Bodo Berheide<br />
Ein Kunstwerk für die Welt – das hat der<br />
Wuppertaler Künstler Bodo Berheide mit<br />
seiner „Figura Magica“ geschaffen. Es ist<br />
ihm gelungen, eine Form zu finden, die<br />
tatsächlich in aller Welt Resonanz erzeugt<br />
hat. Die Eisenskulptur, die an ein überdimensionales<br />
liegendes Hufeisen erinnert,<br />
machte auf allen fünf Kontinenten Station.<br />
Nach 18jähriger Reise rund um den Erdball<br />
ist sie 2009 schließlich in ihre Heimat<br />
Vor dem Schauspielhaus in Wuppertal, Foto: Jörg Lange<br />
Von Wuppertal in die Welt<br />
Wuppertal zurückgekehrt. Trotz ihres<br />
enormen Gewichts von insgesamt sechs<br />
Tonnen und einer Länge von fünf Metern<br />
konnte die „Figura Magica“ Grenzen<br />
überwinden – geographische und kulturelle,<br />
logistische und rechtliche, soziale und<br />
künstlerische. Ob Montreal, Matagalpa<br />
oder Sydney – stets hat sie auf ihr Umfeld<br />
eingewirkt und es verändert. Immer wurde<br />
sie aber auch von den Menschen verändert,<br />
die sie betrachteten, benutzten, über sie<br />
nachdachten und mit ihr arbeiteten. So hat<br />
die „Figura Magica“ an Bedeutung gewon-<br />
nen, die ihr nun innewohnt, um weiter<br />
ihre Wirkung zu entfalten. Denn auch<br />
wenn sie am Ende ihrer Reise angelangt ist<br />
und seit dem Herbst letzten Jahres vor dem<br />
Wuppertaler Schauspielhaus ihren endgültigen<br />
Platz gefunden hat: noch immer<br />
setzt die „Figura Magica“ Menschen in<br />
Bewegung. Im September etwa kommen<br />
Künstler aus all jenen Orten, wo Berheides<br />
Skulptur auf ihrer Reise Halt gemacht hat,<br />
nach Wuppertal, um ihre Arbeiten hier<br />
auszustellen und dem Kunstwerk weitere<br />
Bedeutungsebenen hinzuzufügen.
Wie kann es gelingen, dass ein und das<br />
selbe Kunstwerk den Menschen in Chile<br />
und Japan, in Sri Lanka und Togo etwas<br />
zu sagen hat? Wie schafft es Berheides<br />
„Figura Magica“, überall auf der Welt<br />
Dialoge zwischen Menschen anzuregen,<br />
neue Einsichten zu vermitteln und<br />
kreatives Potential zu wecken? Diese<br />
außerordentliche künstlerische Leistung<br />
liegt meines Erachtens wesentlich in der<br />
denkbar elementaren Form des liegenden<br />
„U“ begründet, für die sich Bodo<br />
Berheide schon 1978 entschieden hat.<br />
Genauso abstrakt wie ein Schriftzeichen,<br />
das sich in vielen Schritten vom Bildhaften<br />
abgelöst hat, um in allen erdenklichen<br />
Zusammenhängen zum Bedeutungsträger<br />
zu werden, ist die „Figura Magica“ als<br />
Kunstwerk universal. Sie lässt sich mit<br />
einem Aspekt der „ars una“ verknüpfen,<br />
der Idee von der Einheit der Künste.<br />
Darunter fasste man um die Wende vom<br />
19. zum 20. Jahrhundert die Vorstellung<br />
von Kunst als anthropologischer Konstante.<br />
Was Berheides Skulptur angeht,<br />
lohnt es sich, in diesem Zusammenhang<br />
noch einmal einen kurzen Blick in Wilhelm<br />
Worringers berühmte Dissertation<br />
„Abstraktion und Einfühlung“ von 1907<br />
zu werfen. Worringer ist überzeugt, dass<br />
das schöpferische Gestalten eine originär<br />
menschliche Betätigung ist, die sich von<br />
allen anderen Tätigkeiten unterscheidet<br />
und sich kontinuierlich durch die<br />
gesamte Menschheitsgeschichte zieht.<br />
Die Abstraktion – im Gegensatz zur die<br />
Natur nachahmenden Kunst – ist dabei<br />
keineswegs das Resultat mangelnden<br />
technischen Könnens, wie besonders im<br />
19. Jahrhundert angenommen wurde,<br />
sondern Ergebnis eines bewussten schöpferischen<br />
Aktes. Abstrakte Formen stellen<br />
vielmehr eine unmittelbare Zeichensprache<br />
dar, die prinzipiell allen Menschen<br />
einen Zugang ermöglicht. Diese Annahme<br />
hat Bodo Berheides „Figura Magica“<br />
auf ihrem langen Weg um den Globus<br />
eindrucksvoll bestätigt – überall auf der<br />
Welt war es Menschen möglich, sich auf<br />
das Kunstwerk einzulassen.<br />
Eine ebenso wichtige Rolle wie die Form<br />
spielt in dieser Hinsicht das Material<br />
Eisen, das Berheide für seine Skulptur<br />
gewählt hat. Wie viele andere zeitgenössische<br />
Künstler, die mit Großplastiken<br />
arbeiten, hat Berheide seine Skulptur von<br />
einer Spezialfirma nach genauen Anweisungen<br />
gießen lassen. Der Künstler war<br />
beim Herstellungsprozess zugegen und<br />
besonders von den dabei freiwerdenden<br />
elementaren Kräften und Substanzen<br />
– Feuer, Hitze, Asche – beeindruckt.<br />
Sie sind wesentliche Bestandteile des<br />
eigentlichen Konzeptes, das Berheide von<br />
der „Figura Magica“ entworfen hatte und<br />
das während ihrer langen Reise vielfältige<br />
Änderungen erfahren hat. Ursprünglich<br />
wollte der Künstler mit der in Eisen<br />
Fotos Jörg Lange<br />
gegossenen Skulptur auf den heißen, flüssigen<br />
Kern des Planeten verweisen, der an<br />
der Entstehung des Magnetfeldes unserer<br />
Erde beteiligt ist. Die „Figura Magica“<br />
zielte zunächst auf Aspekte des grenzüberschreitenden<br />
Umwelt- und Artenschutzes<br />
ab und hatte die Intention, eine Energiefeld<br />
zu schaffen, das mit dem Verweis<br />
auf die Elemente Feuer, Wasser, Erde und<br />
Luft eine positive Einstellung zur Mutter<br />
Erde bewirken sollte. So verfestigte sich<br />
allmählich der Plan, dass die Skulptur<br />
die Idee vom achtsamen Umgang mit<br />
der Natur auf der ganzen Welt verbreiten<br />
sollte. Als erstes Ziel hatte Berheide<br />
den Nordpol im Blick, auf den sich die<br />
Skulptur hinbewegen sollte, um anschließend<br />
den Weg nach Süden anzutreten<br />
und auf diese Weise alle fünf Kontinente<br />
zu erreichen. Die Energie des Materials<br />
sollte sich jedoch auch auf andere Weise<br />
verwirklichen, als zunächst beabsichtigt.<br />
Von Beginn an war dem Beuys-Schüler<br />
Bodo Berheide die „Figura Magica“<br />
Trägermedium eines künstlerischen<br />
Prozesses, der sich zu einer die ganze<br />
Welt umspannenden sozialen Skulptur<br />
ausweiten sollte. Die Struktur der<br />
zwischenmenschlichen Kontakte und die<br />
wechselnden Formen des Austausches<br />
per Post, am Telefon oder später über<br />
Internet sind ihm sogar wichtiger als das<br />
materielle Werk. Die Abstraktion der<br />
19
20<br />
U-Form fungiert dabei ganz generell als<br />
Instrument einer Kommunikation, deren<br />
Verlauf durch den Energiegehalt der gusseisernen<br />
Skulptur angestoßen wird. Feuer,<br />
Wasser, Erde, Luft – die vier Elemente<br />
als Konstanten des Lebens auf diesem<br />
Planeten bieten Anknüpfungspunkte für<br />
die kulturübergreifende Verständigung:<br />
Im Austausch über universale Naturkräfte<br />
werden unterschiedliche Auffassungen<br />
etwa vom Verhältnis des Menschen zur<br />
Natur manifest. Wo auch immer die<br />
„Figura Magica“ ihren Platz gefunden hat,<br />
unter den Vorzeichen der vier Elemente<br />
konzipierte Berheide zur Einweihung der<br />
Skulptur Performances, die er jeweils an<br />
die kulturelle und geographische Spezifik<br />
des Ortes anpasste. So entstand ein<br />
gemeinsames Feld für einen lebendigen<br />
Austausch, an dem sich bis heute Künstler<br />
und Kunstinteressierte aus allen Aufenthaltsorten<br />
der „Figura Magica“ beteiligen.<br />
Nicht nur Berheide hat seinem Publikum<br />
dabei neue Einsichten vermittelt, auch<br />
er selbst hat viel Neues über die Skulptur<br />
und ihre Wirkung gelernt.<br />
Einer der größten Erfolge war der Skulptur<br />
nach Stationen in Dublin, Montreal<br />
und Bethany, USA, in der Wuppertaler<br />
Partnerstadt Matagalpa beschieden.<br />
Viele Hindernisse mussten auf dem Weg<br />
nach Nicaragua überwunden werden,<br />
wo die Skulptur von 1997-1999 blieb.<br />
Doch gerade dort, wo das Leben für<br />
einen Großteil der Bevölkerung besondere<br />
Härten birgt und im Vorfeld starke<br />
Zweifel am Sinn von Kunst im öffentlichen<br />
Raum bestanden, hat die Skulptur<br />
außergewöhnlich nachhaltig gewirkt.<br />
Zeitgleich zu ihrer Übersiedelung in den<br />
dortigen „Parque de los Monos“ wurde<br />
im Rahmen der Städtepartnerschaft<br />
eine Druckerwerkstatt eingerichtet, aus<br />
der mittlerweile einige hauptberufliche<br />
Künstler hervorgegangen sind. Mehrere<br />
Workshops haben seitdem dort<br />
stattgefunden; der Austausch ist rege,<br />
dessen sichtbarstes Zeichen der jährlich<br />
erscheinende und gemeinsam produzierte<br />
Grafik-Kalender ist. Auf unerwartet<br />
fruchtbaren Boden fiel die „Figura<br />
Magica“ auch in Japan – nach Aufenthalten<br />
in Santiago de Chile und Sydney<br />
ein weiterer Höhepunkt der Reise. Hier<br />
wurde die Skulptur in ländlicher Ge-<br />
gend auf der Insel Ohmishima abgelegt.<br />
Eine begleitende Ausstellung erfreute<br />
sich großer Beachtung; Eröffnung und<br />
Einweihung der Skulptur gerieten zur<br />
feierlichen Zeremonie. Es folgten weitere<br />
Besuche und Veranstaltungen im Verlauf<br />
des sich intensivierenden Kontaktes nach<br />
Japan, dessen eindrucksvollstes Ergebnis<br />
die intensive Auseinandersetzung von<br />
Professor Tetsuya Hasegawas, Wakayama<br />
University, mit den Bezügen der Skulptur<br />
zur japanischen und deutschen Kulturgeschichte<br />
ist. So kehrte die „Figura Magica“<br />
nach weiteren Stationen in Negombo,<br />
Sri Lanka und in Lome, reich an Erfahrungen<br />
in ihre Heimat zurück.<br />
Um sein Werk zu finanzieren, hat Bodo<br />
Berheide von Beginn an Kunstanteilsscheine<br />
verkauft, Zeichnungen zu günstigem<br />
Preis veräußert, Ausstellungen und<br />
Konzerte organisiert und so wiederholt<br />
das Geld für die jahrelange Weltreise beschafft.<br />
Die Skulptur stand damit niemals<br />
außerhalb ökonomischer Zusammenhänge,<br />
sondern hat wirtschaftliche Strukturen<br />
erzeugt, die nicht nur den Fortgang des<br />
Projektes garantierten, sondern wie die<br />
vielfältigen Austauschprozesse eigentlicher<br />
Bestandteil des Werkes sind. Auch<br />
in Zukunft soll das so sein: die zwischen<br />
den Schenkeln des „U“ befindlichen<br />
Haltestangen wurden entfernt, da sie für<br />
den Transport nun nicht mehr gebraucht<br />
werden. In Scheiben geschnitten, will<br />
Berheide sie als Multiple veräußern. Das<br />
so gewonnene Geld wird in eine Stiftung<br />
überführt, deren Kapital für die Realisierung<br />
kreativer gesellschaftlicher Wandlungsprozesse<br />
genutzt werden soll. So<br />
kann die ganze Stadt von einer Weltreise<br />
profitieren, die durch die „Figura Magica“<br />
noch immer Schwingungen erzeugt.<br />
Susanne Buckesfeld<br />
Ausstellung „Magische Verbindungen“<br />
vom 15. September bis zum 12. November<br />
in der Stadtsparkasse Wuppertal<br />
Fotos USA, Japan, Sri Lanka und Togo:<br />
Bodo Berheide<br />
Campus Bethany college, 1997<br />
Insel Onmishima, Japan, 2004<br />
Negombo, Sri Lanka, 2006<br />
Lomé, Togo, 2007<br />
Fotos unten: Jörg Lange
Eleni.<br />
Eine Zuwanderungsgeschichte<br />
von Kai Schubert<br />
in einer Inszenierung der<br />
Wuppertaler Bühnen<br />
Chris Nonnast, Marco Wohlwend<br />
Griechisch und ernst …<br />
Das Mädchen von Piräus<br />
„Ach, das gibt’s auch auf deutsch?“ Diese<br />
Frage stellt der junge Grieche Stavros im<br />
Schatten der Akropolis seiner Verlobten,<br />
nach der das Stück von Kai Schubert<br />
„Eleni“ benannt ist. Dem Zuschauer<br />
geht es umgekehrt, hat Eleni doch gerade<br />
den Schlager „Ein Schiff wird kommen“<br />
angestimmt, dessen griechischer Ursprung<br />
hierzulande nicht mehr allzu geläufig sein<br />
dürfte. Schon hier wird man in die ungewohnte<br />
griechische Perspektive versetzt.<br />
Hinzu kommt, daß mit dieser kurzen<br />
Szene um das träumende<br />
„Mädchen von Piräus“ schon zu Beginn<br />
ein Motiv des Abends ebenso artikuliert<br />
ist wie sein Tonfall: die Sehnsucht – aber<br />
nicht zu gewichtig.<br />
Eleni ist die zentrale Gestalt des Auftragswerkes,<br />
für das Autor Schubert mit Wuppertaler<br />
Griechen Gespräche geführt und<br />
vor Ort recherchiert hat. Sie verläßt in<br />
den frühen Sechziger Jahren ihre Heimat,<br />
um ihrer schwangeren Cousine Nitsa beizustehen<br />
– diese ist mit ihrem Mann Dimitris<br />
nach Deutschland gezogen, wo er<br />
auf dem Bau arbeitet. Anders als geplant<br />
bleibt Eleni für Jahrzehnte. Ihr Verlobter<br />
teilt ihr schriftlich mit, daß er eine andere<br />
Frau hat. Beim Anwerbestopp von 1973,<br />
der die Förderung der Arbeitsmigration in<br />
die Bundesrepublik beendete, entscheidet<br />
sich die Familie für Deutschland und<br />
eröffnet ein Restaurant. Schließlich alt<br />
geworden, blickt Eleni auf ihr Leben als<br />
Einwanderin zurück und fragt sich auch,<br />
wo sie einmal sterben wird.<br />
Sehnsüchte<br />
Dies ist kurz gefaßt die Geschichte, die<br />
exemplarisch ein griechisches Einwanderungsschicksal<br />
im Fortgang der Zeit<br />
vorstellt. Ernst ist die Inszenierung von<br />
Jenke Nordalm geworden, aber nicht<br />
depressiv. Warf die wohl populärste<br />
Verarbeitung der Thematik, der Schlager<br />
„Griechischer Wein“ von Udo Jürgens,<br />
trotz ihrer Eignung zum Schunkeln<br />
eigentlich ein düsteres Licht auf die<br />
Befindlichkeit der Gastarbeiter, so wirkt<br />
„Eleni“ ausgeglichen, auch wenn die<br />
Protagonisten prägnante Formulierungen<br />
für ihre Sehnsucht finden: „Es ist, als<br />
21
22<br />
Julia Wolff, Maresa Lühle,<br />
Holger Kraft, Ingeborg Wolff, Marco<br />
Wohlwend, Hans Richter<br />
ob ich Hunger hätte und ich weiß nicht<br />
worauf.“ Am Ende gibt es einen Streit mit<br />
den deutschen Freunden (Maresa Lühle,<br />
Holger Kraft) voller Standardvorwürfe auf<br />
beiden Seiten (eingeschlossen die aktuelle<br />
Wirtschaftskrise); dennoch wird „Eleni“<br />
nicht zur Tragödie.<br />
Brillant besetzt<br />
Das liegt auch an Chris Nonnast, die der<br />
Titelfigur eine positive Grundhaltung verleiht,<br />
wenn sie fröhlich mit den Kindern<br />
spielt oder aus dem Kaffeesatz liest. Eleni<br />
ist doppelt besetzt: Mit Ingeborg Wolff als<br />
älterer Frau nimmt ihre Nachdenklichkeit<br />
zu, doch niederdrücken läßt sie sich auch<br />
jetzt nicht<br />
– selbst als am Ende ihr Großcousin<br />
Opfer eines fremdenfeindlichen Angriffs<br />
wird. Anders ist es bei Cousine Nitsa<br />
(Julia Wolff): Sie ist unzufrieden mit ihrer<br />
Situation, was sich in Aggressivität gegenüber<br />
Kindern und Eleni äußert; schließlich<br />
wird sie geisteskrank. Ihren Mann<br />
gibt Hans Richter, der vielleicht gerade<br />
wegen seines (verglichen mit der Rolle)<br />
höheren Alters Stolz und Verletzlichkeit<br />
so überzeugend verkörpert. Mit Blick<br />
aufs Lebensalter auffällig ist gleichfalls die<br />
Besetzung auch des gealterten Stavros mit<br />
dem jungen Schauspieler Marco Wohlwend:<br />
Nach vierzig Jahren besucht er<br />
Deutschland, wenn auch gar nicht primär<br />
wegen Eleni, und steht ihr etwas ratlos<br />
gegenüber – angesichts des ungleichen<br />
Paars (Wohlwend sieht eben nicht aus wie<br />
ein Sechzigjähriger) übermittelt sich dem<br />
Zuschauer ergreifend dessen ernüchterter<br />
… und doch keine Tragödie<br />
Eindruck von seiner einstigen Verlobten:<br />
Sie sind sich fremd geworden, und das<br />
liegt nicht nur an der Zeit, sondern auch<br />
am Ort.<br />
Auch das Bühnenkonzept geht auf<br />
Eine gesonderte Erwähnung verdient<br />
das Bühnenbild von Birgit Stoessel.<br />
Agiert wird in einem angedeuteten<br />
Gebäude, das komplett aus leeren<br />
Bierkästen zusammengesetzt ist. Die mit<br />
diesem „Baumaterial“ einhergehenden<br />
Assoziationen – billig, austauschbar –<br />
passen zu Stückbeginn nicht recht, wo<br />
die Kastenstapel (entsprechend dem<br />
Schauplatz vor der Auswanderung) die<br />
doch nach etwas Erhabenheit verlangende<br />
Akropolis darstellen sollen. Doch<br />
sobald die Handlung in Deutschland<br />
spielt (und das geschieht nach wenigen<br />
Minuten), geht das Konzept auf: Nun<br />
können die einzelnen Elemente von den<br />
Darstellern nicht nur sehr charmant<br />
variabel genutzt werden – vom Sitzen bis<br />
zum Spannen von Wäscheleinen;<br />
vielmehr drückt sich im ständigen<br />
Umbau mit diesen eckigen Gebrauchsgegenständen<br />
etwas Wesentliches aus:<br />
die Vorläufigkeit des geplanten Aufenthalts,<br />
der Glaube, man brauche sich ja<br />
gar nicht langfristig einzurichten in der<br />
Fremde. Diese Ansicht – die optische<br />
wie die übertragene – bleibt den<br />
Einwanderern bis zuletzt.<br />
Aus dem Leben<br />
Daß die Handlung von „Eleni“ als<br />
Ergebnis von Recherchen vermutlich aus<br />
zahlreichen realen Schicksalen gespeist ist,<br />
kann man nur erahnen; man nimmt sie<br />
als fiktive Einzelgeschichte wahr. Doch<br />
der Schluß der sehenswerten Inszenierung<br />
löst das Versprechen ein, konkret an das<br />
Leben griechischer Einwanderer in Wuppertal<br />
anzuknüpfen: Auf einer Leinwand<br />
sind hiesige Griechen in ihrem jeweiligen<br />
Umfeld zu sehen, und sie sind wie Eleni:<br />
immer noch etwas fremd, doch zuweilen<br />
mit einem Lächeln.<br />
Martin Hagemeyer<br />
Uraufführung am 30. 4. 2010<br />
Inszenierung: Jenke Nordalm<br />
Bühne/Kostüme: Birgit Stoessel<br />
Fotos: Uwe Stratmann<br />
Besetzung:<br />
Eleni 1: Chris Nonnast<br />
Eleni 2: Ingeborg Wolff<br />
Dimitris: Hans Richter<br />
Nitsa: Julia Wolff<br />
Kostas, Stavros: Marco Wohlwend<br />
Tilly: Maresa Lühle<br />
Ernst: Holger Kraft<br />
Weitere Informationen unter:<br />
www.wuppertaler-buehnen.de
Karl Heinz Steckelings<br />
Licht fangen<br />
Karl Heinz Steckelings:<br />
Filme macher, Photograph<br />
und Sammler<br />
1933, als in Deutschland das Licht<br />
Vernunft ausgeht, kommt ein Junge<br />
von Berlin-Dahlem als Adoptivkind zu<br />
einer Ronsdorfer Bandweberfamilie nach<br />
Wuppertal. Der Junge ist drei Jahre alt<br />
und doch haben sich bereits die Bilder<br />
des Kinderheimes, in dem er seine ersten<br />
Lebensjahre verbrachte, unauslöschlich in<br />
seine Erinnerungen gebrannt. Viele Jahre<br />
später wird er diesen Ort seiner Kindheit<br />
noch einmal aufsuchen und die in der<br />
Erinnerung wie auf einem Film belichteten<br />
Bilder werden durch die Gegenwart<br />
wie in einem photochemischen Prozess<br />
entwickelt. Es mag sein, dass dem Jungen<br />
die Trennung von seinen leiblichen<br />
Eltern das Leben gerettet hat, aber über<br />
die Umstände seiner Adoption schweigt<br />
Karl Heinz Steckelings bis heute. Denn<br />
als Filmemacher und Photograph weiß er<br />
um die Macht der Bilder: „Ich will nicht,<br />
dass man sich ein Bild von mir macht.“<br />
Und: „Ich mag es nicht, in Schubladen<br />
gesteckt zu werden. Ich will unabhängig<br />
sein von der Meinung, die sich andere<br />
über mich bilden.“ In einer Zeit, in der<br />
Menschen sich vor laufenden Kameras<br />
„outen“ und das Intimste nach außen<br />
kehren, wirkt Steckelings wie ein Fossil.<br />
Doch gerade dieses angenehme Unzeitgemäße,<br />
das in Wahrheit sehr zeitgemäß ist,<br />
ist es, das sich wie ein roter Faden durch<br />
die Lebensgeschichte dieses Bildvernarrten<br />
zieht.<br />
Als Jugendlicher genießt er in einem Internat<br />
in Bad Godesberg eine jesuitische<br />
Erziehung, deren Spuren bis heute in der<br />
Genauigkeit des Forschens und in einer<br />
christlichen Werteorientierung lebendig<br />
sind. Obwohl der Krieg traumatische<br />
Bilder in dem Jugendlichen hinterlässt,<br />
die den heute 80-jährigen zuweilen noch<br />
in seinen Träumen heimsuchen, hat er<br />
die Kraft, der Versuchung durch den<br />
Zynismus zu widerstehen. Dabei helfen<br />
ihm neben seiner intellektuellen und<br />
künstlerischen Begabung sicherlich auch<br />
seine (lebens-)praktischen Fähigkeiten.<br />
Nach dem Krieg legt Steckelings als<br />
23
24<br />
junger Mann eine Bandwebergesellen-<br />
und Kaufmannsgehilfenprüfung ab. Er<br />
soll in dem elterlichen Betrieb, der 1865<br />
gegründeten Bandweberei, einsteigen.<br />
1958 absolviert Steckelings dann eine<br />
Ausbildung zum Industriekaufmann und<br />
Textilingenieur. Als die Zeit des großen<br />
Sterbens der Bandwebereien einsetzt,<br />
entwickelt er ein thermoplastisches<br />
Verfahren zum Schneiden von Bändern,<br />
konstruiert entsprechende Maschinen<br />
und kann so den elterlichen Betrieb wirtschaftlich<br />
über Wasser halten. Bis heute<br />
arbeitet Steckelings tageweise in diesem<br />
Betrieb.<br />
Stift der Natur<br />
Doch seine wahre Leidenschaft gehört<br />
den Bildern, eine Faszination, die schon<br />
in der Schulzeit begann: „Ich war neidisch<br />
auf künstlerisch begabte Schulkameraden,<br />
die das, was sie sahen, mit<br />
photographischer Genauigkeit darstellen<br />
konnten“, erinnert sich Steckelings.<br />
„Unsere Lehrer hatten damals keine Methoden<br />
an der Hand, um uns scheinbar<br />
weniger Begabte auch dort hinzubringen.“<br />
Die Filmkamera sollte also die<br />
Rolle des „Stifts der Natur“, wie die frühe<br />
Photographie auch genannt wurde, übernehmen.<br />
Vielleicht rührt auch von dort<br />
her die Faszination für die technischen<br />
Apparaturen wie Guckkasten, Laterna<br />
Magica und Camera Obsurca, die als<br />
Vorläufer der Photographie die naturalistische<br />
Wiedergabe der Wirklichkeit<br />
ermöglichten.<br />
Licht fangen<br />
Doch noch bevor er sich als Sammler<br />
und Forscher die Vorgeschichte der Photographie<br />
und des Films erschloss, wollte<br />
Steckelings – magisch angezogen von der<br />
Welt der Bilder – selbst solche produzieren.<br />
Alles begann Mitte der 60er Jahre:<br />
Mit einem Lottogewinn Geld kauft er<br />
sich eine Normal 8-Filmkamera, die<br />
teuerste, die zu der Zeit auf dem Markt<br />
war. Bei der Qualität will Steckelings<br />
keine Kompromisse machen. Ein Grundprinzip<br />
seines Lebens. Die Semantik des<br />
Films – die Bildkomposition – und die<br />
Syntax, den Schnitt, erlernt der Autodidakt<br />
u.a. bei dem Wuppertaler Filmproduzenten<br />
Gerd Vogelsang. Später wird er<br />
auf das professionellere 16 Millimeter-<br />
Format umsteigen. Seine Filme schneidet<br />
er am eigenen Schnittpult. Systematisch<br />
entwickelt er sein Ausdrucksrepertoire<br />
und dreht nun Dokumentationen, Kurz-<br />
und Experimentalfilme, die auf nationalen<br />
und internationalen Festivals gezeigt<br />
und prämiert werden.<br />
Die Wirklichkeit „lesen“<br />
Doch dann beginnt ihn, den Filmemacher,<br />
zunehmend das Standbild zu faszi-<br />
nieren, das – vielleicht intensiver noch<br />
als die bewegten Bilder - Geschichten<br />
erzählen kann. Sechs Selbstbildnisse,<br />
die an Kreuzwegstationen erinnern,<br />
zeigen die eigene Verletzlichkeit – hin<br />
bis zur totalen Kommunikationslosigkeit.<br />
„Photographien“, sagt Steckelings,<br />
„sagen nicht nur etwas über den<br />
Porträtierten aus, sondern immer auch<br />
etwas über den Menschen hinter der<br />
Kamera.“ In einer Welt, in der unser<br />
Bewusstsein immer mehr von einer<br />
Bilderflut dominiert werde, müsse der<br />
Photograph lernen, die Wirklichkeit<br />
zu „lesen“, um ein adäquates (Ab-)Bild<br />
der Realität schaffen zu können. Dazu<br />
gehört auch, die Wirklichkeit „nicht<br />
zu glätten und zu schönen“. Dieser<br />
Hang zur bildnerischen Wahrhaftigkeit<br />
ist immer ein Kennzeichen der Bilder<br />
Steckelings. Besonders beeindruckend<br />
zeigt sich dies in der Bildserie zu Pina<br />
Bauschs Tanztheater in der Spielzeit<br />
1974/1975. Steckelings ist nicht interessiert<br />
am schönen Abbild von schönen<br />
Körpern, vielmehr gelingt es ihm, die<br />
Intensität des künstlerischen Prozesses<br />
zu zeigen, mit dem die junge Choreo
graphin und ihr Ensemble arbeiten<br />
- „häufig bis zur völligen Erschöpfung,<br />
bis an die Schmerzgrenze.“<br />
Steckelings Lichtbilder sind keine Tanztheateraufnahmen,<br />
wie man sie heute<br />
sieht, sondern ästhetisch gegen den<br />
Strich gebürstet, körnig, schwarz-weiß,<br />
atmen sie den Geist der frühen Jahre, als<br />
Pina Bausch mit ihrer Compagnie eine<br />
völlig neue Ausdruckssprache erfand.<br />
Steckelings erinnert sich an die großen<br />
Widerstände, die Pina Bausch in jener<br />
Zeit – auch in der veröffentlichten –<br />
Meinung aushalten musste. „Aber sie ist<br />
sich treu geblieben und ist nie von ihrem<br />
Weg abgewichen. Dabei half ihr auch<br />
ihr starkes Einfühlungsvermögen für die<br />
Tänzerinnen und Tänzer. Sie sprach ihre<br />
Sprache und die sprachen ihre Sprache.“<br />
Diese Widerständigkeit und Authentizität<br />
atmen auch die Theaterphotographien<br />
Steckelings’ aus jener Zeit. „Ein Bild<br />
muss immer das Gegenteil von allgemeingültig<br />
sein, man muss es ‚ertragen’“.<br />
Neben der Film- und der photographischen<br />
Arbeit beginnt sich Karl Heinz<br />
Steckelings immer mehr für die Vorgeschichte<br />
von Film und Photographie zu<br />
interessieren. Er will den Dingen auf<br />
den Grund gehen, und das heißt hier,<br />
aufzubrechen zu einer langen Fahrt in<br />
die Historie. Diese Reise in die Vergangenheit<br />
wird zu einem reichen Fischzug<br />
durch internationale Antiquitätenmärkte,<br />
Sammlungen und Auktionen. Paris,<br />
Amsterdam, Prag und viele andere Weltorte:<br />
Keine Reise ist zu weit bei der Jagd<br />
nach dem Objekt der Begierde. Mehrere<br />
Tausend Exponate zur Vorgeschichte<br />
der Photographie und des Films trägt<br />
Steckelings aus der ganzen Welt zusammen:<br />
Camera Obscura, Laterna Magica,<br />
Guckkästen, Schattenspiele, Daumenkino<br />
und Mutoskop – ein einzigartiger<br />
Kosmos der Technik, bis hin zu jenem<br />
magischen Moment, als die Bilder laufen<br />
lernten. Dazu unzählige Photographien<br />
aus der Frühzeit dieses Mediums. Dass<br />
eine solche Sammlung einen eigenen<br />
Ort braucht, ist eigentlich eine Selbstverständlichkeit<br />
und ist doch in den Zeiten<br />
immer knapper werdender finanzieller<br />
Ressourcen eine Utopie. Zunächst.<br />
Doch aus der Vision wird – gegen viele<br />
Widerstände – schließlich ein realer Ort.<br />
Karl-Heinz Steckelings ist eben nicht<br />
nur Ästhet, Sammler, Visionär, sondern<br />
auch ein Macher: Heute beherbergt<br />
der frühere Wasserturm in Mülheim an<br />
der Ruhr ein in seiner Art einzigartiges<br />
Museum zur Vorgeschichte des Films.<br />
Gefragt, was er jungen Sammlerinnen<br />
und Sammlern heute raten würde, lautet<br />
die lakonische Antwort: „Kauft euch lieber<br />
einen Hund – des Menschen bester<br />
Freund.“<br />
Leuchtender Stein<br />
Doch damit ist die Fülle der von Steckelings<br />
zusammengetragenen Exponate<br />
noch lange nicht erschöpft. Unter dem<br />
Titel „Licht fangen“ wurden bis vor<br />
kurzem zahlreiche Ausstellungsstücke<br />
aus der Sammlung “S“ im Museum für<br />
Kunst und Technik des 19. Jahrhunderts<br />
in Baden-Baden gezeigt wie die Kodak<br />
No. 1 (1889) als erste Amateurkamera,<br />
Geheim- und Spezialkameras zur Herstellung<br />
von Stereoskopien und Panoramaansichten<br />
sowie zahlreiche Graphiken<br />
und frühe Bildbeispiele: „Zentraler<br />
Punkt der Sammlung jedoch ist immer<br />
das Bild.“<br />
Ausgestellt wurden auch Lithophanien,<br />
„durchscheinende Steine“, aus Porzellan.<br />
Erst das Licht, das durch eine feine<br />
Gravur fällt, bringt das Motiv magisch<br />
zum Vorschein. Lithophanien gelten als<br />
Vorstufe zur Photographie. Der Erforschung<br />
dieser „leuchtenden Steine“ hat<br />
Karl-Heinz Steckelings die letzten 16<br />
Jahre seines Lebens gewidmet. Gerade<br />
hat er eine über 400 Seiten starke Monographie<br />
nach intensiven Studien zu<br />
diesem Thema abgeschlossen. Was ihn<br />
wohl bewegt hat, so tief wie wohl kein<br />
anderer zuvor in diese Materie einzusteigen?<br />
Vielleicht ist er, der in dunkler Zeit<br />
Geborene, eine „lithophane“ Persönlichkeit,<br />
einer der Licht fangen musste, um<br />
innerlich zu überleben, einer, der die<br />
Wahrheit zum Scheinen bringen muss,<br />
damit es hell werde - in sich selbst und<br />
in anderen.<br />
Heiner Bontrup<br />
Fotos: K.-H. Krauskopf<br />
25
26<br />
Vorgeschmack... Anja Schneider - Foto © Matthias Horn
Von der Unmöglichkeit der Liebe<br />
Eugene O‘Neills<br />
„Ein Mond für die Beladenen“<br />
Koproduktion mit dem Maxim Gorki<br />
Theater Berlin<br />
Premiere am 2. 6. 2010 in den Bochumer<br />
Kammerspielen<br />
Regie: Armin Petras<br />
Bühne: Armin Petras, Patricia Talacko<br />
Kostüme: Patricia Talacko<br />
Fotos: Matthias Horn<br />
Besetzung:<br />
Josie Hogan (Anja Schneider)<br />
Phil Hogan (Thomas Anzenhofer)<br />
James (Jim) Tyrone Jr.<br />
(Christian Kuchenbuch)<br />
T. Stedman Harder<br />
(Alexander Maria Schmidt)<br />
Anja Schneider Superstar<br />
Die Szene mutet idyllisch an: Ein Bergpanorama,<br />
im Vordergrund ein hübsches<br />
Blumenbeet, Heugabel, Gitarre, Melone,<br />
ein Gewehr, ein Schlagzeug (!?) – wenn da<br />
nicht zwei Männer wären, die diese Idylle<br />
mit Filzstift-Sternchen bemalen. Auftritt<br />
der Bewohner, Hillbillies wie aus dem<br />
Bilderbuch: Phil (Thomas Anzenhofer) im<br />
Unterhemd, mit Strick als Gürtel der Jeans<br />
und speckigem Hütchen – seine Tochter<br />
Josie (Anja Schneider) im karierten Hemd,<br />
mit plumpen Gummizugjeans. Anzenhofer<br />
läßt ketterauchend seine Country-Erfahrung<br />
aus dem „Man in Black“ mit einer<br />
Ballade zur Gitarre hören, Schneider führt<br />
ein Landei vor, das es faustdick hinter den<br />
Ohren hat. Unansehnlich und anscheinend<br />
sehr einfach gestrickt, offenbar promiskuitiv<br />
und dabei glücklos, dennoch in sich ruhend<br />
und höchst raffiniert.<br />
Anja Schneider übernimmt mit ungeheurer<br />
Bühnenpräsenz die Szene, pöbelt, schmollt<br />
mit vorgeschobener Unterlippe, zieht sich<br />
in ihr kleines Stück Heile Welt im Blumenbeet<br />
zurück, scheint sich für ein neues<br />
Paar Flipflops bereitwillig dem Landbesitzer<br />
Jim (Christian Kuchenbuch) an den Hals<br />
zu werfen, von dem Phil seit 20 Jahren<br />
das karge Land gepachtet hat. Ihrem Spiel<br />
zuzuschauen, ihren Verlegenheitsgesten,<br />
Zornesausbrüchen und Schlaumeiereien zu<br />
folgen ist faszinierend, reines Vergnügen an<br />
hoher Bühnekunst.<br />
Kleine Fluchten - Anja Schneider - Foto © Matthias Horn<br />
Ein Haufen Verlierer<br />
Doch Jim, gescheiterter Broadway-Bonvivant,<br />
liebt nur zwei Dinge, wenn er auch offensichtlich<br />
um Josies Gunst wirbt: Whisky und<br />
das Geld, mit dem er sich Whisky kaufen<br />
kann. Sein König ist der Alkohol. Kuchen<br />
buch läßt mitzittern, jede Hoffnung mit ihm<br />
gemeinsam verlieren. Nicht er ist die treibende<br />
Kraft, als es um Zweisamkeit geht – das<br />
ist Josie, die sich mehr von Ihm verspricht,<br />
als er geben kann und will. Resolut und<br />
selbstbewußt gibt sie die Richtung vor, muß<br />
aber vor der Trunksucht und Jims Unfähigkeit<br />
zu lieben scheitern. Selbst der Wandel<br />
vom häßlichen Entlein zum glitzernden<br />
Stern unter dem Mond der einzigen gemeinsamen<br />
Nacht und der geballte Einsatz der<br />
besten alten Whiskies als Aphrodisiakum<br />
können Jim nicht umkehren. Das rührende<br />
Bekenntnis „Ich bin noch Jungfrau, aber<br />
nicht weitersagen! Und jetzt willst Du nicht,<br />
aber ich will doch so gerne!“ und Josies folgender<br />
aufwühlender Monolog an das goldene<br />
Leben läßt Schneider/Josie die Sympathien<br />
zufliegen. Doch das Unglück ist besiegelt.<br />
Längst hat Jim das Land an den Blutsauger<br />
Harder (Alexander Maria Schmidt) verkauft,<br />
der die Hogans von dort vertreiben wird.<br />
Verlierer sind sie alle, denn keiner bekommt,<br />
was er eigentlich möchte, nicht Josie, die<br />
Liebe will, nicht Jim, der vom süßen Leben<br />
träumt, aber eher Hilfe bräuchte, nicht Phil,<br />
dem die Söhne weggelaufen sind, weil sie in<br />
dem ertraglosen Landkeine Zukunft sahen,<br />
ja nicht einmal der skrupellose Harder,<br />
der zwar das Land bekommen wird, aber<br />
dadurch auch nicht zufriedener ist.<br />
Bilderreiche Inszenierung<br />
Armin Petras läßt Schmidt in diversen<br />
kleinen eingeschobenen Auftritten die<br />
Unverwundbarkeit der Finanzwirtschaft<br />
und ihren raffinierten Schwindel mit<br />
Ballons, Konfetti und Taschenspielertricks<br />
demonstrieren und damit die Macht und<br />
Häßlichkeit des Geldes den kleinen Leuten<br />
gegenüber zeigen: „Es herrscht Klassenkampf,<br />
und meine Klasse gewinnt!“<br />
Das sind starke, brandaktuelle Worte. Die<br />
mögliche Liebe Josies und Jims scheitert vor<br />
dem Suff und dem Geld, die Wunschwelt<br />
der Beladenen liegt im Mond, ihre Zukunft<br />
wird ohne Skrupel vom Besitzenden ruiniert<br />
und allen solidarischen Erklärungen<br />
zum Trotz verraten. Hoffnung? Oh, nein.<br />
O´Neill hat „A Moon for the Misbegotten“<br />
1947 als eines seiner letzten Stücke<br />
in tiefem Pessimismus, wenn auch voller<br />
zärtlicher Liebe zu den Verlierern der<br />
amerikanischen Gesellschaft geschrieben.<br />
Petras´ bilderreiche Inszenierung ist fraglos<br />
als Parabel auf das Jetzt und Heute zu<br />
sehen. Ein beachtlich aktuelles Stück zum<br />
Ende der Spielzeit und Elmar Goerdens<br />
Intendanz in Bochum. Ab Herbst wird die<br />
Inszenierung am Maxim Gorki Theater in<br />
Berlin zu sehen sein.<br />
Frank Becker<br />
Infos: www.schauspielhausbochum.de<br />
27
28<br />
... von Fräulein Tückmantel sagte<br />
Eine amüsante Erzählung<br />
Karl Otto Mühl, Foto: Frank Becker<br />
Was Bodos Frau zum Geruch...<br />
Ich werde gleich im Zusammenhang mit<br />
meinem Kollegen Bodo und Fräulein<br />
Tückmantel auf Gerüche zu sprechen<br />
kommen. Diese Sache hatte wahrhaft<br />
schicksalhafte Auswirkungen, ja, sie hat<br />
sie sogar noch. Wenn ein Geruch – wie<br />
hier der von Fräulein Tückmantel – sich<br />
so auf das Leben eines Menschen auswirken<br />
kann wie auf das von Bodo, und<br />
wenn gleichzeitig das Leben seiner Frau<br />
völlig davon bestimmt wird, dann lohnt<br />
es sich, näher darauf einzugehen. Zumal<br />
auch ich nicht von den Auswirkungen<br />
verschont geblieben bin. Zunächst<br />
muß ich bemerken, dass mich Gerüche<br />
interessieren, die mich an etwas erinnern,<br />
oder mein Leben begleitet haben. Anders<br />
ist es mit den Gerüchen, die mein Leben<br />
begleitet haben. Die vergesse ich nicht.<br />
Das ist der Grund, warum ich inzwischen<br />
versucht habe, an Fräulein Tückmantel<br />
zu riechen. Sie ist mir jedoch nicht nahe<br />
genug gekommen.<br />
Heute hatte es den ganzen Tag geregnet.<br />
Sowohl im asphaltierten als auch im bloß<br />
festgestampften Teil des Fabrikgelän des<br />
bildeten sich Lachen und blinkten mich<br />
an wie ferne Signale, wenn ich aus dem<br />
Fenster blickte. Die Wolken stürmten<br />
flach über die Landschaft, Regen und<br />
Wolken und diesige Luft deckten die Fabrik<br />
zu. Als mein Kollege Bodo nach kurzem,<br />
hartem Anklopfen die Tür aufreißt,<br />
ist das als wenn ein Steward im Sturm<br />
bei schlingerndem Schiff in die Kabine<br />
kommt. Bodo fragt, ob er sich setzen darf.<br />
Ich schaue auf die Knö chel seiner Hand,<br />
die so hart angeklopft hat. Ich frage ihn,<br />
ob er Schwierigkeiten habe. Ja, doch. Es<br />
sind diese Missverständnisse zuhause, die<br />
ihn so sehr verwirren, dass er zum ersten<br />
Mal in seinem Leben das Gefühl hat,<br />
sich falsch zu verhalten, oder besser, die<br />
anderen zu einem falschen Verhalten zu<br />
veranlassen. Die Schwierigkeit zuhause<br />
gehe von seiner Frau aus, sagte er. Eine<br />
kleine, harmlose - so könne man vielleicht<br />
sagen -, schon länger zurückliegende<br />
Mitteilung von ihm habe ausgelöst, dass<br />
sie keine Minute mehr zur Ruhe komme.<br />
Sie rede ununterbrochen von dieser<br />
Sache. Wenn er in ein anderes Zimmer<br />
ausweiche, gehe sie hinter ihm her und<br />
rede weiter mit ihm. Wenn er im Bad sei,
stehe sie vor der Türe und rede. Wenn er<br />
von etwas anderem sprechen wolle oder<br />
müsse, denn es gebe ja auch noch andere<br />
Dinge in der Welt, dann biege sie das<br />
Thema sofort um und komme auf diese<br />
gewisse Sache zu spre chen. Zunächst zu<br />
seiner kleinen Bemerkung. Er hatte zu<br />
seiner Frau gesagt: „Menschen können<br />
tatsächlich wie Obst riechen, ich meine,<br />
wie frisches, duftendes Obst.“ „Wie?<br />
„Nun, zum Beispiel wie ein aufgeschnittener<br />
Apfel. Zum Beispiel die<br />
kleine Tückmantel – hat jemand<br />
gesagt! „wer?“ „Du meinst – wer?“ „Ja.<br />
Ich frage wer.“ „Ich weiß nicht mehr.<br />
Vielleicht die Frau Scheurenbrand von<br />
der Lohnbuchhaltung.“ Das glaube sie<br />
nicht. Er solle lieber gleich sagen, dass er<br />
Fräulein – also sie, die nach Apfel riecht,<br />
getroffen habe. Nun ja. Ganz kurz. Es<br />
ging um einen kleinen Vorfall. Er hatte<br />
die neue Kreditoren - Sachbearbeiterin,<br />
Silke Tückmantel, im Auto ein Stück<br />
mitgenommen. Nun ja, ein Wort gibt das<br />
andere, man kommt plötzlich auf den<br />
Gedanken, in einer Wirtschaft ein Glas zu<br />
trinken. Und dann ist es passiert. Fräulein<br />
Tückmantel ist ein hübsches Mädchen.<br />
Man möchte Bodo beneiden. Man<br />
kann Bodo auch verstehen, sie hat so<br />
etwas Glitzerndes, Wahnsinniges in den<br />
Augen, die von einem sehr hellen, wässrigen<br />
Blau sind. Ich kann Bodo freilich<br />
nicht sagen, dass ich Silke nicht verstehe.<br />
Bodo ist nach meiner Meinung eher hässlich,<br />
mit seinen buschigen Augenbrauen<br />
unter niedriger, kantiger Stirn, und mit<br />
seinem Gesichtsausdruck, der zwischen<br />
frecher Gleichgültigkeit, Dreistigkeit und<br />
strahlender Selbstgefälligkeit wechselt.<br />
Ich merke plötzlich, dass ich etwas gegen<br />
Bodo habe. Auch scheine ich keinen Blick<br />
für Möglichkeiten zu haben. Da fängt<br />
so ein kleiner Kolibri, Silke Tückmantel,<br />
bei uns an, und ich komme nicht einmal<br />
auf den Gedanken, dass sie auf Abenteuer<br />
aus sein könnte. Wohl aber dieser<br />
Bodo. Was kann sie nur an ihm anziehen?<br />
Spürt sie, dass er ein wenig verrückt ist,<br />
dass er verrückt werden kann, dass er<br />
ganz ver rückt sein kann, wenn es darum<br />
geht? Nur so und nicht anders kann es<br />
sein. Ich fürchte, mir fehlt die Fähigkeit,<br />
verrückt zu werden. Nur gut, dass man<br />
nicht auf ewig so unvollkommen sein<br />
muß. Von dieser Silke Tückmantel hat<br />
Bodo zuhause erzählen müssen. Er hatte<br />
sich also verplappert. Bodos Frau wollte<br />
wissen, warum gerade dieses Mädchen...<br />
Was war mit ihr? Bodo war ratlos, so<br />
ratlos, dass er sich selbst fragte: Ja, wie<br />
komme ich nur darauf? Er kratzte sich<br />
hinter dem Ohr, schüttelte ratlos den<br />
Kopf, aber dann fiel es ihm ein: Die ses<br />
Fräulein Tückmantel lebte allein, fühlte<br />
sich in der neuen Firma isoliert, suchte<br />
Kontakt. Das habe ihm leid getan. Man<br />
müsse diese kleinen Frauen mögen,<br />
die sich nach ein bisschen Lebensglück<br />
sehnten. Aufmerksam geworden sei er<br />
jedoch durch diesen Geruch von ihr, den<br />
Apfelgeruch, den Geruch von Reinheit,<br />
von Frische – man könne sich nur Gutes<br />
dabei denken – „Hör auf mit dem Unsinn!<br />
Das ist einfach ein billiges Parfum,“<br />
schrie Frau Kranepol wütend. Von diesem<br />
Augenblick an begann das pausenlose<br />
Reden von Bodos Frau. Es dauerte auch<br />
nur wenige Minuten, bis Bodo die Affäre<br />
selbst gestanden hatte, diese einzige halbe<br />
Stunde, und wer wolle wirklich von sich<br />
behaupten, er sei in so einer Situation<br />
nicht verführbar? Unter dem Eindruck<br />
des pausenlosen Fragens und Redens<br />
seiner Frau gestand Bodo auch weitere<br />
Zusammentreffen mit Silke Tückmantel,<br />
aber nun sei endgültig Schluss. Wie<br />
könne sie nur glauben, da sei noch etwas?<br />
Dann würde er doch nicht so offen<br />
darüber reden. Außerdem sei es eben nur<br />
dieser bewusste Geruch gewesen, also<br />
nicht er selbst. Nein, der Geruch. Von<br />
sich aus käme er nie auf solche Gedanken.<br />
„Wieso?“ rief Bodos Frau. Sie habe<br />
ihn ja schon bei zwei Lügen ertappt.<br />
Erstens, über die Sache überhaupt, und<br />
dann habe sie erst herausfinden müssen,<br />
dass es nicht bei einem Mal ge blieben sei.<br />
Wie solle sie ihm noch glauben? Er habe<br />
ihr Vertrauen zerstört. ,,Nein“, rief Bodo,<br />
,,nein. Du musst mir glauben. Sonst hört<br />
dieses Gerede ja nie mehr auf. Pass auf,<br />
ich sage dir jetzt etwas, damit du siehst,<br />
dass ich dir nichts, aber auch nichts verheimliche.“<br />
,,Ja, und was ist das?“ ,,Aber<br />
das sag ich dir nur, damit du mir endlich<br />
glaubst.“ ,,Nun erzähl schon.“ Bodo gestand,<br />
dass er auch etwas mit Frau Jankow<br />
gehabt habe, der Frau, die ihr manchmal<br />
hier in der Wohnung die Haare frisiere.<br />
Aha. Die auch. Dann solle Bodo<br />
auch gestehen, dass er unab lässig vielleicht<br />
alle paar Tage Frauen gehabt habe. Bodo<br />
beteuerte, nein, so sei es nicht gewesen.<br />
Vielleicht würde es ihr Vertrauen in seine<br />
Wahrheitsliebe stärken, wenn er ihr noch<br />
sage - obwohl er ja gar nicht gezwungen<br />
sei, es zu sagen -, dass er einige Male Frau<br />
Wendula Schmalz in ihrer Wohnung<br />
aufgesucht habe... Wendula Schmalz half<br />
Bodos Frau im Frauenkreis der Arbeiterwohlfahrt.<br />
Bodos Frau war die Leiterin<br />
des Frauenkreises. Sie könne sich jetzt<br />
nirgendwo mehr blicken lassen, nirgendwo,<br />
sagte Bodos Frau. ,,Mach dir da keine<br />
Sorgen“, erwiderte Bodo beruhigend,<br />
,,von den Frauen, die ich kenne, redet<br />
keine. Keine einzige.“ Was das denn nun<br />
schon wieder heiße? Offenbar seien es<br />
mehr als diese zwei. Unter dem nunmehr<br />
verstärkten Reden und Fragen seiner Frau<br />
gestand Bodo insgesamt sechsunddreißig<br />
Fälle, diese aber ver teilt über mehrere<br />
Jahre. ,,Also, ich bin soweit, dass ich ausziehen<br />
will“, sagte Bodo zu mir. ,,Sie hört<br />
keine Minute auf zu reden.“ Er sah mich<br />
einen Augenblick lang an und sagte dann:<br />
,,Ob Sie mal mit ihr reden? Doch, so was<br />
tut sie. Wenn ich ihr sage, dass Sie hier in<br />
der Firma auf meiner Seite stehen, aber<br />
mich trotzdem immer ermahnt haben,<br />
nichts falsch zu machen?“<br />
Das mit dem Ermahnen muß ich noch<br />
nachholen, fiel mir ein. Während der<br />
folgenden Tage fallen mir immer wieder<br />
Ratschläge für Bodo ein. Es ist eindeutig,<br />
dass er sich ändern muss. Am besten wäre<br />
es, wenn er ein völlig anderer Mensch<br />
werden könnte. An einem Abend kommt<br />
Bodo wieder in mein Büro. Wenn ich<br />
ihm Ratschläge erteile, weise ich immer<br />
wieder darauf hin, dass ich seine Schwierigkeiten<br />
und die Fehler, die er macht,<br />
sehr gut verstehe. Vieles davon könnte<br />
auch mir passieren. über dieses Eingeständnis<br />
freut er sich. Seine Frau verlange<br />
ständig neue Geständ nisse. Und das mit<br />
der Begründung, dass sie seinen bisherige<br />
Geständnissen ja nicht trauen könne, dass<br />
er ja das Vertrauen gebrochen und sie<br />
belogen habe, dass er folgerichtig immer<br />
noch unter Verdacht stehe, bis – ja, bis er<br />
alles gestanden habe.<br />
Bodo hat tatsächlich erreicht, dass ich<br />
als neutraler Vermittler hinzugezogen<br />
werde. Ich soll abends mit Bodo in ihr<br />
Heim kommen. Als wir Drei zusammen<br />
sitzen, merke ich, dass sie mich nur als<br />
29
30<br />
Zuhörer braucht. Die milde Rolle des<br />
Vermittlers hat sie mir nicht zugestanden.<br />
Sie hört nicht zu. Für sie bin ich Bodos<br />
Komplice; nur mühsam und verächtlich<br />
verschont sie mich mit direktenVorwürfen.<br />
Es ist immer wieder dasselbe, was<br />
die beiden sagen. Sie hört nicht auf mit<br />
Vorwürfen und Fragen, sagt Bodo. Frau<br />
Kranepol sagt dann; er hat sie betrogen,<br />
sie kann nichts anderes mehr denken, sie<br />
kann sich schließlich doch nicht damit<br />
abfinden, oder? Plötzlich bleibt ihr Blick<br />
an mir haften: Wieso hat er gerade mir<br />
alles erzählt? Habe ich alles die ganze Zeit<br />
gewusst? Glaube ich etwa, es sei schön<br />
für eine Frau, wenn alle anderen wissen,<br />
dass sie betrogen wird? Und wie es mit<br />
mir stehe? Habe ich Kinder, ist meine<br />
Frau zufrieden? Warum bringt mich<br />
Bodo mit? Ich muss ja ein großartiger<br />
Mensch sein, wenn ich anderen helfen<br />
kann. Das hätte ich nicht behauptet, sage<br />
ich trotzig. Bodo habe mich gebeten, und<br />
so weiter. Bodo blickt betreten vor sich<br />
hin. Er kann sie nicht zurückhalten, und<br />
er ist es wahrscheinlich gewöhnt, von<br />
ihr bloßgestellt zu werden. Zum Schluss<br />
habe ich dann doch noch einen Ratschlag<br />
versucht. Diese Besessenheit, mit der sie<br />
rede, ja, Besessenheit, die sei das Gefährliche.<br />
Keiner kommt an einen Besessenen<br />
heran, und darum kämen sie beide nicht<br />
näher zueinander. Sie streift mich nur<br />
mit einem verächtlichen Blick. Sie werde<br />
Erkundigungen über mich einziehen,<br />
sagt sie. Ich käme ihr merkwürdig vor, ja,<br />
merkwürdig. Am besten wäre es, wenn sie<br />
mit meiner Frau reden könne.<br />
Jetzt sitze ich zuhause in meinem Arbeitszimmer.<br />
Ich bin auf jemand gestoßen, der<br />
mir das Gefühl genommen hat, ich sei ein<br />
schätzenswerter, ausgleichender Mensch.<br />
Karl Otto Mühl<br />
Karl Otto Mühls schriftstellerische Anfänge<br />
reichen in die Dreißigerjahre zurück,<br />
als in der Wuppertaler Lokalpresse erste<br />
Geschichten von ihm erschienen. Auch<br />
während seiner Ausbildungszeit schrieb<br />
er weiter. Während der Kriegsgefangenschaft<br />
verfasste er Einakter und Possen<br />
für das Lagertheater, daneben Privates.<br />
1944 machte er in den USA die Bekanntschaft<br />
des ebenfalls kriegsgefangenen<br />
Schriftstellers Tankred Dorst, mit dem<br />
er ab 1947 Mitglied in der Wuppertaler<br />
Künstlergruppe Der Turm war. Nach dem<br />
Wiedereintritt ins Berufsleben Ende der<br />
Vierzigerjahre pausierte Mühl lange Jahre<br />
als Schriftsteller; erst ab 1964 begann<br />
er erneut, in seiner Freizeit literarische<br />
Texte zu verfassen. Seinen Durchbruch<br />
erlebte er 1974 mit dem Theaterstück<br />
„Rheinpromenade“, das mit seiner<br />
kritisch-realistischen Schilderung eines<br />
kleinbürgerlichen Schicksals im Zeittrend<br />
lag und zahlreiche Aufführungen an<br />
deutschen Theatern erlebte. Mühl ist in<br />
erster Linie Dramatiker, er verfasste aber<br />
auch autobiografisch geprägte Romane,<br />
Kinderbücher, Gedichte und Hörspiele.<br />
Karl Otto Mühl ist seit 1977 Mitglied des<br />
Verbandes Deutscher Schriftsteller und<br />
seit 2000 des deutschen P.E.N.-Zentrums.<br />
Auszeichnungen<br />
1976 Eduard-von-der-Heydt-Kulturpreis<br />
der Stadt Wuppertal.<br />
2006 Literaturpreis der Enno und Christa<br />
Springmann-Stiftung<br />
Werke<br />
Rheinpromenade. Rosenmontag. 1974<br />
Siebenschläfer. Darmstadt [u.a.] 1975<br />
Kur in Bad Wiessee. Frankfurt/Main 1976<br />
Wanderlust. Frankfurt/Main 1977<br />
Hoffmanns Geschenke. Frankfurt/Main `78<br />
Die Reise der alten Männer. Frankf. 1980<br />
Trumpeners Irrtum. Darmstadt [u.a.] 1981<br />
Verbindlichen Dank. Frankfurt/Main 1992<br />
Fremder Gast. Frankfurt/Main 1995<br />
Ein Neger zum Tee. Wuppertal 1995<br />
Fernlicht. Wuppertal 1997<br />
Jakobs seltsame Uhren. Wuppertal 1999<br />
Das Privileg. Wuppertal 2001<br />
Inmitten der Rätsel. Gedichte 1997 bis<br />
1999. 1. Auflage. Nordpark, Wuppertal<br />
2002, ISBN 3-935421-10-9<br />
(Mit einem Vorwort von Jörg Aufenanger).<br />
Hungrige Könige. Roman. 1. Auflage.<br />
NordPark-Verlag, Wuppertal 2005,<br />
ISBN 3-935421-05-2.<br />
Nackte Hunde. Roman. 1. Auflage.<br />
Nordpark, Wuppertal 2005,<br />
ISBN 3-935421-06-0.
Michael Zeller<br />
Siebzehn Silben<br />
sind so lang wie ein Atemzug<br />
Basho<br />
Japan in einem Atemzug<br />
1.<br />
Auf dem Flug nach Japan, meinem ersten,<br />
lernte ich den Kollegen Basho kennen.<br />
Vor dreihundertfünfzig Jahren hat er<br />
gelebt. Das zählt wenig in der Literatur.<br />
Östlich von Murmansk und Archangelsk<br />
(die Weite Sibiriens drohte mir noch)<br />
begegnete ich seinem Namen im Reiseführer.<br />
Basho sei ein Meister des Haiku<br />
gewesen. Einen einzigen Vers nur gönnte<br />
ihm (und mir) das Buch:<br />
Ein reisendes Herz<br />
verweilt nie an einem Ort<br />
beim warmen Feuer<br />
Ein Vers nur. Der aber zündete.<br />
Denn ich verweilte hier ja wahrhaftig<br />
nicht beim warmen Feuer. Ich befand<br />
mich an einem Ort, der die quälendsten<br />
Alpträume gebiert. In einer Blechkapsel<br />
eingeschweißt und festgezurrt, Wade an<br />
Wade mit den fremdesten Menschen der<br />
Welt, zehntausend Meter weggehoben<br />
vom Boden der Erde (das zählt wenig in<br />
unserer Zeit), riß dieser bescheidene Vers<br />
einen Raum vor mir auf, ohne das Luftschiff<br />
im mindesten zu gefährden: Die<br />
Weite, die raumlose Weite von Poesie.<br />
Da sprach jemand mit einer lakonischen<br />
Nüchternheit, die auch nach dreihundert<br />
Jahren auf den ersten Blick überzeugte.<br />
Als könnte es gar nicht anders gesagt sein.<br />
Und doch vibrierend vom Schlag eines<br />
Herzens.<br />
Wie einfach gebaut war dieses kleine<br />
Ding! Auf drei Zeilen, mit fünf und<br />
sieben und fünf Silben gefüllt: darauf<br />
mußte alles Platz haben, was zu sagen ist:<br />
Gedanke wie Gefühl.<br />
Wie mochte das funktionieren, dieses<br />
Fünf – Sieben – Fünf, in meiner Sprache,<br />
fragte ich mich, eingezwängt in dieser<br />
Alptraumkapsel. Der körperlichen Bewegungsfreiheit<br />
so gut wie beraubt, gefesselt,<br />
um jedes Abschweifen zu verhindern, war<br />
meine Schreibsituation haikuartig karg.<br />
Auf der Speisekarte irgendeiner Mahlzeit<br />
kritzelte ich mit dem Bleistiftstummel<br />
aus der Hosentasche, im abgedunkelten<br />
Dösen um mich herum, dem nächtigen<br />
Himmel nah wie selten sonst und unter<br />
mir das schlafende Sibirien – hier brachte<br />
ich meinen ersten Versuch zu Papier, auf<br />
Bashos Spuren:<br />
Fliegend zu reisen<br />
über die Weiten der Welt<br />
macht die Beine taub<br />
Im Mangel wird Reichtum deutlicher<br />
sichtbar. Wie viel Platz doch auf so einer<br />
abgegessenen Speisekarte ist! An Prosa<br />
wäre nicht zu denken. Aber für einen<br />
zweiten Haiku, gleich hinterher, reichte<br />
es leicht.<br />
Das Land unter dir<br />
wie ein Spielzeug zu ahnen<br />
Schon bist du ein Zwerg<br />
31
32<br />
Der Körper vergessen, der Kopf war auf<br />
Reisen. Schon wollte er, vorlaut wie er<br />
ist, einen Triumph der Poesie über die<br />
Materie feiern, da drängte sich, vielleicht<br />
wegen der versuchten Gewichtsverlagerung<br />
auf die andere Pobacke, gequält die<br />
Frage durch meine betäubten Glieder:<br />
Warum tust du dir das überhaupt an,<br />
dieses Unterwegssein?<br />
Außer Haus zu sein<br />
im fremden Bett zu schlafen<br />
ist Last dir wie Glück<br />
Jetzt endlich war sie randvoll, die Speisekarte.<br />
Doch die Finger meiner linken<br />
Hand waren angeworfen. Eins, zwei,<br />
drei, vier, fünf. Eins, zwei, drei, vier, fünf,<br />
sechs, sieben. Noch einmal bis fünf. Sie<br />
standen mir nicht mehr still, solange ich<br />
in Japan war.<br />
2.<br />
Und selbst nach der Rückkehr, auf dem<br />
Flughafen von Paris, blieben sie rege, die<br />
silbensetzenden Finger. Die Trauer des<br />
Verlustes war zu fassen, der Enttäuschung.<br />
Halb zu Stein geworden der Körper nach<br />
zwölf Stunden Flug – nur die Zählhand<br />
war munter geblieben.<br />
Laut sind sie und plump<br />
Europas Menschenkinder<br />
Die Rückkehr macht klein<br />
Dann mein Willkommensgruß in der<br />
Heimat:<br />
O der ranke Wuchs<br />
der Japaner, alt wie jung<br />
Hier Butterfässer<br />
Mein letztes japanisches Wort. „Last wie<br />
Glück“ des Reisens: Diesen unerfreulichen<br />
Vergleich hätte ich mir sparen<br />
können, wenn ich es vor Wochen in den<br />
eigenen vier Wänden ausgehalten hätte.<br />
Ein reisendes Herz<br />
verweilt nie an einem Ort<br />
beim warmen Feuer<br />
3.<br />
Angekommen. Ich hatte Boden unter den<br />
Füßen, war wieder ein freier Mann. Der<br />
Boden hier heißt Japan. Zum ersten Mal
war ich in diesem Land. Kein Wiedererkennen,<br />
Vergleichen mit früher. Alles<br />
war ohne Maßstab. Der Zugang geschah<br />
spontan, das Angezogensein wie die Abstoßung.<br />
Beides lief über die Sinne, wie<br />
sie von den Erfahrungen meines bisherigen<br />
Lebens vorgespurt und ausgerichtet<br />
sind, geschärft oder erlahmt. Was quer zu<br />
diesen Erfahrungen stand, berührte mich<br />
als Fremdheit.<br />
Die erste Befremdung, bereits im Flughafen,<br />
lösten die Mullbinden aus, die die<br />
Menschen hier vor dem Mund tragen.<br />
Der quadratische weiße Lappen über<br />
Nase und Mund. Das, was das Gesicht<br />
eines Menschen ausmacht – verschwunden.<br />
Keine Personen sah ich – Patienten.<br />
Jeder zweite, so kam es mir vor, lief damit<br />
herum.<br />
Des Menschen Antlitz<br />
hinter Tüll zu verstecken<br />
Gesund soll das sein?<br />
Für jemanden, der es gewohnt ist,<br />
unausgesetzt in den Gesichtern seiner<br />
Mitmenschen zu lesen, gierig geradezu,<br />
war das natürlich mehr als eine Störung.<br />
Ich fühlte mich von diesen Angsthasen<br />
betrogen, verzieh es ihnen nicht, dass<br />
sie mich mit leeren Händen dastehen<br />
ließen. Ich habe mich geärgert, machte<br />
mich lustig darüber. Gewöhnen mochte<br />
ich mich an diesen Anblick nie. Jedesmal<br />
löste der weiße Gesundheitsfetzen etwas<br />
in mir aus.<br />
Eine ganze Reihe von Tagen hat es gebraucht,<br />
ehe ich ihm eine andere Seite<br />
abgewann. Da mir Mund und Nase<br />
vorenthalten waren, blieben meiner<br />
Neugier nur die Augen übrig. Darin<br />
lag eine Chance. Und es hat mich<br />
versöhnt.<br />
Manchmal geschieht es<br />
das Geheimnis des Schleiers<br />
als Maske vorm Mund<br />
Über die Augen, dem Eingang der Seele<br />
nach alter Rede, gelang es mir, wenn auch<br />
erst spät, die Mundbinde hinzunehmen<br />
und in einen anderen Bereich vorzudringen.<br />
Einen höheren vielleicht.<br />
Über dem Mullrand<br />
dunkelbraunes Augenpaar<br />
verführt zum Träumen<br />
4.<br />
Dass ich meine Eindrücke in diesem<br />
fremden Land vom ersten Augenblick<br />
an in Bashos Manier festhielt, dem<br />
Zufallsbekannten aus dem Flugzeug, vor<br />
dreihundert Jahren zur Form geworden<br />
in einen mir unvertrauten Kulturkreis,<br />
war so selbstverständlich, dass ich darauf<br />
keinen Gedanken verschwenden mußte.<br />
Es geschah beiläufi g. Wie das Einatmen<br />
der hiesigen Luft.<br />
Auf schmalen Pfaden<br />
durchs Hinterland zählt Basho<br />
„Fünf, sieben und fünf“<br />
Die<br />
Kürze<br />
des Haiku kommt gerade<br />
dem Reisenden zugute.<br />
Der Bleistiftstummel, mit<br />
aufgestecktem Radiergummi, ist<br />
mir immer zur Hand, ein Schnitzel Papier<br />
liegt überall herum. Beim Gehen, im<br />
Stehen, beim Fahren in der vollgestopften<br />
Stadtbahn – nirgendwo machte das Schreiben<br />
Umstände. Ein schlanker Vorgang.<br />
Und er saß hautnah am Leben. Das Maß<br />
der siebzehn Silben wie angegossen. Als<br />
übte ich es schon ein Leben lang.<br />
Ein Glücksfall natürlich (es überraschte<br />
mich keine Sekunde lang), dass mir in<br />
einer internationalen Buchhandlung<br />
Bashos Buch „Auf schmalen Pfaden<br />
durchs Hinterland“ in die Hände fi el, der<br />
Bericht seiner letzten langen Fußreise.<br />
Ein Büchlein zudem, das bequem in die<br />
Gesäßtasche der Hose paßte. Ab jetzt<br />
gingen wir zu zweit durch dieses Land,<br />
Schritt vor Schritt, der alte Meister und<br />
sein stümperhafter Lehrling. Dass uns<br />
dreihundert Jahre trennen sollten, hielt<br />
ich für eine Arabeske aus Zahlen. Gryphius,<br />
Bashos schlesischer Zeitgenosse, wäre<br />
mir vermutlich ferner gewesen. Poesie<br />
kennt keine Grenzen, von Zeit so wenig<br />
wie zwischen Orten. Es ist Luftraum.<br />
5.<br />
Die Krähen!<br />
Krähen im Gespräch<br />
hinweg über unsren Kopf<br />
Was meinen sie bloß?<br />
Laut sind die Krähen<br />
auf ihrem Posten oben<br />
geben den Ton an<br />
Kein Tier ist in Japan gegenwärtiger als<br />
diese schwarzen schweren Vögel. (Nichts<br />
da von landesüblicher Zierlichkeit.)<br />
Überall trifft man sie in den Städten.<br />
Vor allem: Man hört sie. Ihrem trocken<br />
Kehlschrei zeigt sich selbst der zünftigste<br />
Autolärm an einer Kreuzung nicht<br />
gewachsen (wobei sich die Zurückhaltung<br />
des japanischen Verkehrsteilnehmers auch<br />
bei der Benutzung der Hupe glücklich<br />
bewährt).<br />
33
34<br />
Frühmorgens kann man das nächtliche<br />
Wirken der Krähen bewundern: Die<br />
Plastiksäcke in den Vorgärten aufgerissen<br />
und der Müll raumfüllend über die ganze<br />
Straße verteilt. Dem Hausbewohner, der<br />
eilig zur Arbeit will, hebt sich bei dem<br />
Anblick der Magen an den Hals.<br />
Gierige Krähen<br />
belästigen das Viertel<br />
als Müllpolizei<br />
6.<br />
Die Reise war so geplant, dass sie in<br />
die Phase der Kirschblüte fällt. Diese<br />
zehn Tage, Höhepunkt des japanischen<br />
Kalenders, geben dem Land sein schönstes<br />
Aussehen, das Idealbild seiner selbst.<br />
Darauf fiebern die Menschen hin, Alte<br />
und Junge, und freuen sich, wenn es so<br />
weit ist, an der weißen Pracht über ihren<br />
Scheiteln, in den Parken, an den Straßen,<br />
freuen sich auf ihre ruhige, nach innen<br />
gekehrte Art. Und ziehen hinein in die<br />
Parke, immer in Gruppen: Kollegen,<br />
Nachbarn, Freunde, die Familie, mit<br />
Kind und Oma und reich bestücktem<br />
Imbißkorb. Sake fehlt so gut wie nie, das<br />
Sakrament des Erblühens zu feiern. So<br />
rasten sie unter dem Himmel aus Weiß,<br />
den anderen, tieferen hat ihnen das dichte<br />
duftige Gezweig weggesperrt. Keiner<br />
scheint ihn zu vermissen. (Ehrensache,<br />
dass nach dem Gelage kein Krümel und<br />
kein Fetzchen Papier am Boden zurückbleiben.)<br />
Dir selbst, dem Fremden, der nie dergleichen<br />
erlebt hat, kommen die Stunden<br />
abhanden, du sitzt da, auf engstem Raum<br />
neben anderen (in ständigem Wechsel),<br />
bist stumm und sprachlos vor Glück,<br />
nippst an deinem Sake-Gläschen, Stunde<br />
um Stunde, du spürst sie nicht, vergißt<br />
dich selbst, und schwer nur findest du<br />
den Weg hervor unter dem Zauberdach,<br />
das dich halten will bis zuletzt, trittst<br />
hinaus in Freie, in eine Leere, die dir so<br />
vielleicht noch nie begegnet ist, so ohne<br />
Geheimnis, entblättert, blütenlos. Vorbei.<br />
Mußt morgen wiederkommen.<br />
Weißer Wolkenduft<br />
Scheinst nicht von dieser Erde<br />
Wie faß ich dich nur?<br />
Unter Kirschenblühn<br />
- Krähen krächzen Lufthoheit -<br />
freut Sake noch mehr<br />
Auf Plastikplanen<br />
unter dem Kirschblütendach<br />
Picknick auch werktags<br />
Zur Nacht kämmt sie sich<br />
Kirschblüten aus ihrem Haar<br />
Weiß auf Schwarz. Glänzend<br />
Und dann, lang befürchtet, das Ende.<br />
Morgen gibt es kein Heute mehr. Jetzt<br />
müssen wir alle wieder ein ganzes Jahr<br />
lang auf das weiße Wunder warten. (Ich<br />
viel länger.)<br />
Weiß taumelt die Luft<br />
Die Kirschblüte regnet ab<br />
Kein Mai wird sie sehn<br />
Die Kirschblüte – ach!<br />
Grün sind alle Zweige jetzt<br />
Am Boden das Weiß<br />
7.<br />
Der Dichter Yoshida Kenko lebte, lese<br />
ich, von 1282 bis 1350. Diese Daten<br />
decken sich mit denen Dante Aleghieris,<br />
des Florentiners, der auch, zuletzt, im<br />
Unterwegssein sein Zuhause fand. Kenko<br />
sagte:<br />
„Irgendwohin eine Reise zu machen, ist<br />
so erfrischend wie ein Erwachen aus dem<br />
Schlaf. Wandert man in den ländlichen<br />
Gegenden und den Bergen, wo da oder<br />
dort ein Dorf versteckt liegt, aufmerksam<br />
umher, so entdeckt man tausend<br />
Dinge, die das Auge noch nie gesehen<br />
hat.“<br />
Für Städte gilt das nicht minder.<br />
Das Fahren mit Tokyos Stadtbahnen:
Nirgendwo wurden meine bisherigen<br />
Lebens- und Reiseerfahrungen derart<br />
wirksam außer Kraft gesetzt, auf den<br />
Kopf gestellt, zerfetzt, immer wieder und<br />
jedes Mal wieder anders. Die Enge in den<br />
Abteilen war atemberaubend, aber nicht<br />
eng genug, das Skandieren meiner linken<br />
Hand zu bremsen, und geschrieben habe<br />
ich dort, meine ich, auch. Irgendwo über<br />
den Köpfen, in der Luft.<br />
Millionen pendeln<br />
Tokyos Stadtbahn ist geleckt<br />
Wie im Wohnzimmer!<br />
Der dunkle Anzug<br />
weißes Hemd und Krawatte<br />
Voll ist die Stadtbahn<br />
Kein Abfall zu sehen<br />
Niemand frißt hier aus Tüten<br />
Fahren heißt Fahren<br />
8.<br />
Basho ist – wundert sich einer? – klüger<br />
mit der Kirschblüte umgegangen als der<br />
Novize aus dem Westen. (Überhaupt habe<br />
ich im Gespräch mit Japanern immer das<br />
leicht beklemmende Gefühl, vorlaut zu<br />
sein, vorschnell, und regelmäßig die letzte<br />
entscheidende Wendung des Gedankens<br />
zu verpassen, im Halbfertigen steckenzubleiben.)<br />
Statt selbst die Kirschblüte zu<br />
beschreiben (eitles Unterfangen), erinnert<br />
Basho sich an das Gedicht eines Früheren,<br />
des Priester Gyoson-sojo, und zitiert es im<br />
Stillen (also nicht auf dem Papier seines<br />
Reiseberichts):<br />
Nur wir beide mögen<br />
dies als schönste Trauer tragen:<br />
Denn du Bergkirsche blühst<br />
und keiner weiß es und auch ich<br />
kenne niemand, der mich kennt<br />
Basho beläßt es nicht dabei, vor der<br />
Tradition zurückzutreten und das eigene<br />
Wort ungesagt zu lassen (eine schreckliche<br />
Überwindung für einen Schreibenden).<br />
Es scheint weniger aus Bescheidenheit<br />
geschehen zu sein als aus der Erkenntnis,<br />
dass jedem Wort, das in die Welt tritt, im<br />
Kern auch immer ein Verrat innewohnt.<br />
„Die Regel schreibt den Bergasketen vor“,<br />
notiert Basho, nachdem er sich Gyosons<br />
tieftraurige Elegie vorgesagt hat, stumm,<br />
nur für sich – „die Regel schreibt vor, nichts<br />
von dem, was den Zauber dieser Berge<br />
ausmacht, anderen zu verraten. Dieser will<br />
auch ich mich fügen: ich lege meinen Pinsel<br />
nieder und berichte nicht weiter ...“<br />
Wenig zu sehen<br />
mit aufgerissnen Augen<br />
Vorrecht des Fremden<br />
Es trifft nicht ganz, aber ein wenig<br />
fühle ich mich bei Bashos „Regel“ an das<br />
Goethesche „Sag es niemand, nur dem<br />
Weisen“ erinnert und spreche den Vers<br />
leise zu Ende.<br />
In seinen Hausteich<br />
schrieb der Meister das Gedicht<br />
aus Wasser und Stein<br />
Jetzt, beim Überlesen, fallen mir – als Widerklang<br />
– zwei Verse Rainer Maria Rilkes<br />
aus seinen „Sonetten an Orpheus“ ein:<br />
Zu der stillen Erde sag: Ich rinne<br />
Zu dem raschen Wasser sprich: Ich bin.<br />
9.<br />
Tausende und mehr<br />
Tempel erfreun Kyoto<br />
Nicht einer zu viel<br />
Über die ganze Stadtebene verteilt liegen<br />
sie, die Tempel der alten Kaiserstadt,<br />
wachsen die Hänge hoch bis in die Berge<br />
hinein. Der Fluß Kamo-gawa mit all seinen<br />
Kanälchen – kirschblütenverhangen<br />
in diesen Tagen – quert die Stadt. Klein<br />
ist sie nicht. Lange Wege sind zu gehen.<br />
Kyoto ist auch eine moderne Großstadt<br />
von annähernd anderthalb Millionen<br />
Einwohnern.<br />
Fahrräder sind leicht zu leihen. Sie<br />
machen den Gast unabhängig und frei.<br />
Angenehm spürt er die samtwarme Frühlingsluft<br />
auf der Haut, die Lust, in die<br />
Pedalen zu treten, dem Körper Bewegung<br />
zu gönnen. Trotz des ungewohnten Linksverkehrs<br />
radelt es sich mühelos durch<br />
den großstädtischen Werktagsverkehr<br />
dahin, von Tempel zu Tempel, durchaus<br />
von einem Ende der Stadt zum anderen.<br />
Als Radfahrer ist man der schwächste<br />
unter den Benutzern der Straße, weil der<br />
langsamste. Doch wie mit ihm hier umgegangen<br />
wird – ohne Schwere, so kommt<br />
es dir vor, als läge ein Schutzschild um<br />
deine Schultern. Kein Drängen, Hupen,<br />
Drohen, Geschrei. In weichen Bögen<br />
umkurven sie das menschengetriebene<br />
Gefährt, Personenwägen, Busse, selbst<br />
die Taxifahrer zeigen Manieren. Wenn<br />
ich mir vorstelle, ich führe auf dem Rad<br />
durch Köln oder Neapel –<br />
So viele sie sind<br />
doch geschmeidig wie hier<br />
fließt kein Verkehr sonst<br />
35
36<br />
Einen Verkehrsunfall habe ich in den<br />
Wochen nicht erlebt. Die Autos, zierlich<br />
wie alles hier, sehen samt und sonders aus,<br />
als kämen sie frisch vom Band.<br />
In der Nähe der Tempel selbst wird es<br />
schwieriger für den Radler. Derart dichte<br />
Menschenmengen umschließen ihn, drängen<br />
von allen Seiten in den Hauptstrom<br />
hinein, unüberschaubar, und kommen<br />
ihm gleichzeitig entgegen, dass man das<br />
Rad besser schiebt und bald stehen läßt.<br />
Die Tempel, die in den Reiseführern besonders<br />
empfohlen werden, sind natürlich<br />
rettungslos überlaufen, die Eintrittsgebühren<br />
entsprechend saftig. Die Gehrichtung<br />
durch diese herrlichen Gärten sind vorgegeben,<br />
und sie sind eingeschränkt. Irgendwo<br />
wird immer etwas repariert. Den tief<br />
in mir sitzenden Stachel, gegen den Strom<br />
zu schwimmen, habe ich mir beim zweiten<br />
oder dritten Versuch gezogen. Vor solchen<br />
Massen gibt es kein Entrinnen. Selbst<br />
Kafkas Maus bliebe hier ohne Chance.<br />
Auch in den Zen-Hallen kommt man<br />
nicht zur Ruhe. Der Blick hinaus auf<br />
die Anlage aus Stein, Kies, Sand und ein<br />
paar kurz gehaltenen Büschen. Die Menschen<br />
sind irritiert von solcher Kargheit,<br />
vielleicht auch enttäuscht. Statt Ruhe<br />
über sich kommen zu lassen, flüchten<br />
sie aus der Gegenwart des Jetzt und<br />
Hier und knipsen ihre Fotos ab, in der<br />
Erwartung, damit etwas festzuhalten, für<br />
später. Das, was sie im Moment verstreichen<br />
lassen, soll in irgendeiner Zukunft<br />
eingeholt werden, als blasses Abbild.<br />
Nirgendwo könnte es weniger fotogen<br />
sein als im Angesicht eines Zen-Gartens,<br />
und umso heftiger wird das Aussichtslose<br />
geübt. Immer wieder wird man bedrängt,<br />
muß raumfordernden Verrenkungen<br />
ausweichen, kommt selbst kaum<br />
zu sich und hat keine Möglichkeit, den<br />
Raum zu füllen mit der eigenen Wenigkeit<br />
und ihrer inne zu werden. Der<br />
Flüchtigkeit unseres Seins. Die Knipser<br />
dulden das nicht. Die Ruhe des Zen<br />
wird püriert, bis sie nicht mehr da ist,<br />
damit sie aufs bunte Bild paßt. Irgendein<br />
Stein, zwei bizarr verdrehte Zweige, ein<br />
paar vom Rechen gezogene Linien im<br />
Sand, und davor die kleine Toshiko, mit<br />
Schleife im Haar. Das war – ja, wo war<br />
das noch gleich: In Kyoto vielleicht?<br />
Doch es gibt auch Tempel, selbst in der<br />
alten Kaiserstadt, die in den Reisebüchern<br />
vergessen sind. Die Eintrittsgebühr<br />
ist deshalb niedriger oder entfällt<br />
ganz. Du bist für dich, kannst sitzen und<br />
schauen auf das wenige, das so ein Zen-<br />
Garten bietet. Wenig und alles. Bis deine<br />
Wirbelsäule sich meldet und dich an die<br />
Grenzen deines Ichs erinnert.<br />
„Zazen“ heißt Sitzen<br />
Sitzen. Und Denken geschieht<br />
Einfaches ist schwer<br />
Ja, wenn du tanzen könntest! Den Körper<br />
aufheben! Dir aber bleiben nur ein paar<br />
Wörter, siebzehn Silben genau. Zum<br />
Träumen reicht es.<br />
Tanzen wär die Kunst<br />
bis in die Fingerspitzen<br />
standhaft zu bleiben
10.<br />
Gewandert sind die Dichter früher<br />
in Japan, über Monate hinweg, einen<br />
Strohkorb auf dem Rücken, den Stecken<br />
in der Faust, an den Füßen leichte<br />
Sandalen, Sommer wie Winter. Meist<br />
war ein Reisegefährte dabei, auch er<br />
natürlich Dichter. Unterwegs schloß sich<br />
der eine oder andere für eine Weile an.<br />
Zum Übernachten wurde eine Herberge<br />
aufgesucht, oder man stieg bei Freunden<br />
ab, Kaufleute meist und also betucht, die<br />
selbst gerne dichteten und denen es eine<br />
Ehre war, den Wanderdichter bei sich zu<br />
bewirten zu dürfen und von ihm dafür<br />
im Schreiben von Versen unterwiesen zu<br />
werden.<br />
Abends saß man beisammen: der Gast<br />
oder zwei, der Hausherr und ein paar<br />
ausgewählte Freunde, bei Kerzenlicht<br />
und Sake, und dichtete. Ganze Ketten<br />
von Gedichten entstanden. Die Zahl<br />
der Silben wechselten, mal vierzehn, mal<br />
siebzehn.<br />
Einer dieser Wanderdichter war Basho.<br />
Mehrere Fußreisen von ihm sind bezeugt.<br />
Wie näher am eigenen Leib als auf<br />
Straßen und Wegen und Pfaden könnte<br />
man das Leben erspüren, seinen Wandel<br />
im Augenblick? Die Züge der Landschaft,<br />
die Gesichter der Stämme und<br />
ihre Sprachen, das Spiel von Helligkeit<br />
und Dunkel früh und am Abend, den<br />
klimatischen Wechsel von Herbst in den<br />
Winter?<br />
Ein reisendes Herz<br />
verweilt nie an einem Ort<br />
beim warmen Feuer<br />
Bequem war es nicht, immer unterwegs<br />
zu sein. Ein karges, eingeschränktes<br />
Leben. Hitze und Kälte und<br />
Regen. Müdigkeit des Körpers, der<br />
Seele. Angst vor Räubern in einsamer<br />
Gegend, vor Tieren. Die Anstrengung<br />
des Gehens in Bastsandalen, über Felsgestein,<br />
durch schlammiges Gelände,<br />
nur auf Sicht orientiert. Und wenn<br />
sich dann noch eine Erkältung in die<br />
Knochen schlich. Manchmal gab ein<br />
großherziger Gastgeber einen Führer<br />
mit für einen Tag, wenn die Gegend zu<br />
unwegsam war.<br />
Die, die lieber „beim warmen Feuer“<br />
sitzen, nennen eine solche Existenz<br />
entbehrungsreich. Doch die Mühen<br />
sind nicht umsonst, sie werden belohnt.<br />
Man ist nah dran am Leben, mit der<br />
eigenen Haut. Nah an Mensch und<br />
Ding, nah an der Natur, nah an Stein<br />
und Sein. Zwischen Himmel und Erde,<br />
Begeisterung und Niedergeschlagenheit,<br />
Seligkeit und Verzweiflung.<br />
Wandern als Lebensform. Man erwandert<br />
das Leben und erwandert sich<br />
selbst. Auf kürzestem Weg wird das<br />
Außen zum Innen, lösen Trennungen<br />
sich, wird alles eins. Durch die eigene<br />
Person hindurch und über sie hinaus.<br />
Grenzen sinken nieder, im Gehen<br />
Schritt für Schritt, verlieren ihren Sinn.<br />
Mögen die anderen, die „beim warmen<br />
Feuer“ sitzen, sie pflegen und hüten<br />
und verteidigen. Dem Dichter liegt<br />
anderes am Herzen. Er ist längst wieder<br />
auf der Walze.<br />
Das Ziel war im Gehen. Doch ohne<br />
Kompaß war Bashos Wandern und das<br />
seiner Kollegen im alten Japan keineswegs.<br />
„Gedichtskopfkissen“ hieß das<br />
Ziel. „uta-makura“ hat, vermute ich,<br />
bis heute im Land eine gewisse Aura<br />
bewahrt und treibt immer noch Dichter<br />
hinaus auf die Straße. Als „Gedichtskopfkissen“<br />
wird eine Landschaft von<br />
besonderer Schönheit bezeichnet,<br />
Orte, die in der Literatur schon oft<br />
„besungen“ worden sind, wie es bei uns<br />
im 19.Jahrhundert hieß. Deshalb war<br />
dieser locus amoenus ein Kissen, eine<br />
Kopfstütze. Von früheren Dichtern<br />
entdeckt und geschaffen, festgehalten<br />
im Wort, suchten die Wanderpoeten<br />
diese „Gedichtskopfkissen“ auf, die sie<br />
noch nie gesehen hatten und gleichwohl<br />
doch genauestens kannten – aus<br />
den Gedichten ihrer Vor-Gänger. Basho<br />
und die Seinen waren nicht unterwegs,<br />
um Neues zu entdecken, irgendwo der<br />
erste zu sein. Ganz das Gegenteil. Sie<br />
wollten das Bekannte erfahren, das ihnen<br />
im Vers Vertraute. War der schöne<br />
Ort erreicht, das Ziel aller Mühen und<br />
Entbehrungen, wurden die Gedichte<br />
zitiert, laut oder im Kopf, die hier<br />
entstanden waren, vor fünfzig, hundert,<br />
vor dreihundert Jahren. Weit reichte<br />
die Kette ins Vergangene hinab. Dann<br />
erst – erst dann erhob der Dichter seine<br />
eigene Stimme, am Ort, wo er stand<br />
wie so viele schon vor ihm, und pries<br />
das, was er gerade in diesem Augenblick<br />
erlebte, teilte das Empfinden, das<br />
schon durch so viele Köpfe und Herzen<br />
gegangen war. Das hätte entmutigen<br />
können, und durchaus nicht an jedem<br />
„Gedichtskopfkissen“ fiel Basho etwas<br />
Eigenes ein. Aber meistens zündete der<br />
Funke doch. Und es geschah ein Gedicht,<br />
meist in Anlehnung an eines der<br />
früher hier entstandenen oder mehrere.<br />
Ein Weiterspinnen von Gedanken und<br />
Gefühlen über Jahrhunderte hinweg.<br />
Communio im Wort.<br />
Der Wanderdichter war angelangt. Er<br />
konnte sicher sein: Eines Tages, mochte<br />
er auch schon nicht mehr in diesem<br />
Leben sein – irgendeiner stünde eines<br />
Tages wie er genau an diesem Platz und<br />
erfuhr den flüchtigen Augenblick des<br />
Jetzt in diesen Worten wieder, die ihm<br />
gerade in den Sinn gekommen waren.<br />
Abends, in der Herberge, saß Basho<br />
nieder, griff zu Pinsel, Tusche und<br />
Papier und hielt das vor Ort im Kopf<br />
Geschriebene fest. Für sich, für spätere,<br />
wann immer. Sein Bund mit der Ewigkeit.<br />
Damit kann man gehen. Und gehen<br />
und gehen.<br />
37
38<br />
So ist es mit der Muschel<br />
Geht schwer auseinander – wie wir<br />
im scheidenden Herbst<br />
11.<br />
Vom Shinkansen aus<br />
glüht weiß das Dach des Fuji<br />
verdreht mir den Kopf<br />
Basho berichtet, wie er mit seinem<br />
Weggefährten Sora, Dichter wie er, im<br />
Gebirge einen Paß überquert.<br />
„’Von hier aus bis zur Grenze der<br />
Provinz Dewa stehen hohe Berge wie<br />
Trennwände, fast unpassierbar; die<br />
Wege sind unsicher, so dass man sie<br />
ohne die Hilfe eines Ortskundigen<br />
nicht bewältigen kann!’ sagte unser<br />
Gastgeber, und daher vertrauten<br />
wir uns einem kräftig aussehenden<br />
Burschen an, der einen Krummsäbel<br />
umhängen hatte und einen Eichenstecken<br />
trug. ‚Ausgerechnet an einem<br />
Tag, der uns Böses bringen kann!’ sagte<br />
er, und wir strauchelten entsprechend<br />
eingeschüchtert hinter ihm drein.<br />
Unser Gastgeber hatte recht behalten,<br />
es gab nichts als hohe Berge und dichte<br />
Waldungen, durch die keine Vogelstim-<br />
me drang. Durch Waldesdunkel und<br />
wucherndes Gestrüpp führte der Pfad<br />
– es war uns, als schritten wir durch die<br />
Nacht. Wir erlebten die Stimmung von<br />
Tu Fus Gedichtworten: ‚... aus Wolkenrändern<br />
wirbelte Nebelstaub...’<br />
Schritt für Schritt zwängten wir uns<br />
durchs dichte Bambusgrasgewirr, zerteilten<br />
es mühsam, und nur so konnten<br />
wir uns langsam einen Weg bahnen. Wir<br />
staksten über Wildbäche und suchten<br />
unseren Halt über manchen Felsen<br />
kletternd, während kalter Schweiß über<br />
unsere Körper rann. Erst als wir die Ländereien<br />
von Mogami erreichen, hatten<br />
wir es hinter uns. ‚Dieser Weg hält sonst<br />
immer Unvorhergesehenes bereit. Euch<br />
unversehrt bis hierher geführt zu haben,<br />
ist ein großes Glück!’ sagte freudestrahlend<br />
der Bursche, der uns gebracht hatte.<br />
Dann trennten wir uns von ihm. Aber<br />
noch lange nachher spürte ich das kalten<br />
Grauen, das seine ersten Worte in mir<br />
hinterlassen hatten. Angst schnürte mir<br />
die Brust zusammen.“<br />
12.<br />
Die Kruste so dünn<br />
Im Erdinneren gärt es<br />
Japans Schlaf ist leicht<br />
Die schlanke Inselwelt, die Japan ist,<br />
haben Vulkane geschaffen. Das Land ist<br />
ursprungsnah, die Vulkane leben noch.<br />
Hier bebt die Erde, wie zu Beginn der<br />
Zeiten. So gut es den Menschen möglich<br />
ist, hat die Architektur sich darauf eingestellt.<br />
Aber immer wieder kocht es im<br />
Inneren der Erde hoch, die dünne Kruste<br />
zerbricht wie eine Oblate. Ein Stück<br />
Küste reißt es ins Meer, Berge bersten,<br />
Städte versinken in Schutt und Asche. Bis<br />
in unsere Tage hinein.<br />
In den neunziger Jahren des vergangenen<br />
Jahrhunderts hat ein Erdbeben Teile der<br />
Stadt Kobe verschlungen, sechstausend<br />
Menschen fanden den Tod. Was sagt eine<br />
solche Zahl?<br />
Genug immerhin, dass ich die Fahrt mit dem<br />
Schnellzug Shinkansen hier unterbreche.<br />
Kobe heute. Eine Stadt wie andere.<br />
Was hatte ich erwartet? Keine Spuren<br />
geblieben von der Zerstörung, die<br />
Katastrophe restlos überbaut. Ein neues<br />
Hafengelände posiert mit erfreulich<br />
abwechslungsreicher Architektur: Hotels<br />
als Hochhäuser, schmucke Einkaufsstraßen<br />
und –passagen. Großzügig angelegt<br />
Erholungsplätze am Rand des Wassers,<br />
auf denen sich – heute ist Sonntag – die<br />
Eltern mit ihren Kindern ergehen. Die<br />
Herzen geöffnet. Sonne setzt allem ihren<br />
Glanz auf. Wahrscheinlich ist es dieser<br />
Tage schöner, als es jemals hier war. Der<br />
Schrecken damals restlos verzehrt. Kein<br />
Gedenkstein, keine Inschrift. Für wen<br />
auch? Die Menschen der Stadt wissen<br />
es. Sie muß keiner erinnern. Sie nutzen<br />
die neugeschaffenen Räume, freuen sich<br />
daran. Das ist ihre Stadt. Die Sonne. Das<br />
Meer, glatt und ruhig. Ein solcher Friede.<br />
Der Kopf muß mir einreden, dass er<br />
trügerisch sei. Es sind immer die, die von<br />
außen kommen, die Fremden, Unbetroffenen,<br />
die sich Sorgen machen. Ohne jede<br />
Haftung. Morgen sind sie anderswo. Und<br />
die Einheimischen? Die hier leben wollen<br />
und hier leben müssen?<br />
Sie leben.<br />
Land und die Menschen<br />
Auf Vulkane gegründet<br />
ahn ich ein Zittern
13.<br />
„Berge stürzen ein, neue Flüsse quellen<br />
hervor, Wege vergrasen, in die Erde<br />
versunkene Steine werden unsichtbar,<br />
Bäume altern und erstehen als junge<br />
Triebe verwandelt wieder – so ändern sich<br />
die Zeiten und wechseln Menschengenerationen:<br />
die verbleibenden Spuren sind<br />
meist fraglicher Natur.<br />
‚Das Land ist verwüstet – Berge und Flüsse<br />
aber blieben unversehrt – über Burgruinen<br />
grünt, wenn der Lenz kommt, nur<br />
noch Gras!’ Diese Gedichtworte gingen<br />
mir durch den Kopf. Meinen Bambushut<br />
unter mir ausgebreitet saß ich da, vergoß<br />
Tränen – und vergaß die Zeit:<br />
Sommergras ...!<br />
Von all den Ruhmesträumen<br />
die letzte Spur“<br />
So steht es in Bashos Bericht von seiner<br />
letzten Wanderreise.<br />
14.<br />
Den Vulkanen sei Dank!<br />
Neben dem Gehweg<br />
dampft es über dem Rinnsal<br />
Fort mit Schuh und Strumpf<br />
Heißes Wasser quillt<br />
aus dem Herzen der Erde<br />
dir vor die Füße<br />
„Die Nacht verbrachten wir in Iizuka,<br />
einem Heißquellenort. Wir stiegen<br />
unverzüglich ins heiße Bad. Zwar<br />
hatten wir uns regelrecht eingemietet,<br />
bekamen aber lediglich eine armselige,<br />
heruntergekommene Schlafstätte: auf<br />
dem kahlen Fußboden lagen nur dünne<br />
Binsenmatten ausgebreitet. Es gab keine<br />
Leuchte, und wir mußten , bevor wir<br />
uns niederlegen konnten, unser Nachtlager<br />
beim Schein der offenen Feuerstelle<br />
einrichten.<br />
Tief in der Nacht kam ein Gewitter<br />
auf mit Donner und Blitz; es goß in<br />
Strömen, so heftig, dass es von der Decke<br />
troff. Zu allem Überfluß gab es auch<br />
noch Flöhe und Moskitos, die uns zerstachen.<br />
Ich konnte kein Auge schließen.<br />
Mein altes chronisches Leiden stellte sich<br />
wieder ein – die Schmerzen raubten mir<br />
fast die Besinnung.<br />
Als der Morgen graute - die ersten Anzeichen<br />
konnte man endlich am Himmel<br />
dieser so kurzen Sommernacht ablesen<br />
- , brachen wir auf. Wie die Brandung,<br />
die auch nach einem Sturm anhält, litt<br />
ich noch lange unter den Nachwirkungen<br />
meines nächtlichen Anfalls: es wollte<br />
und wollte mir nicht besser gehen.<br />
Wir liehen uns Pferde und gelangten<br />
zur Wechselstation Kori. Von hier aus<br />
lag unser Reiseziel noch in sehr weiter<br />
Ferne, und bis dahin mit einem solchen<br />
Leiden durchzuhalten? Es wurde mir<br />
angst und bange bei diesem Gedanken.<br />
Schließlich aber befand ich mich auf<br />
einer Wanderübung, ein Wanderer durch<br />
weit entlegene Provinzen, der um der<br />
Erleuchtung willen der Welt entsagt und<br />
sich auch die Idee der Vergänglichkeit<br />
stets vergegenwärtigt und der die Möglichkeit,<br />
unterwegs zu sterben, hinnimmt<br />
als Bestimmung des Himmels.“<br />
Bald ist Basho am Ziel.<br />
15.<br />
„Steigbügelschliff“ – ein Wort von vier<br />
Silben, aus einem Haiku, fast eine Verszeile<br />
lang.<br />
Steigbügelschliff?<br />
Die Wanderpoeten im alten Japan, auch<br />
Basho, waren auf manchem Weg zu Pferde<br />
unterwegs, gemietet oder ausgeliehen,<br />
wenn ihnen jemand freundlich gesonnen<br />
war.<br />
„Steigbügelschliff“: Der Hohlweg, den es<br />
zu durchqueren galt, war derart eng, dass<br />
der Reiter mit seinen Steigbügeln rechts<br />
wie links an der Bergwand entlangscheuerte<br />
und dabei Spuren im Gestein<br />
hinerließ, flüchtige Kratzer. Abends dann,<br />
den Pinsel in der Hand, fanden sie sich<br />
ein, diese vier Silben, und kamen aufs<br />
Papier. Jetzt etwas haltbarer gemacht, für<br />
eine Weile oder, wie hier, für ein Drittel<br />
Jahrtausend (bis jetzt).<br />
Das war doch einen Sake wert, heut<br />
Abend.<br />
16.<br />
In weitem Bogen<br />
das Schwert aus der Scheide<br />
und kein Klingenstreich!<br />
Leg den Bogen an<br />
den Pfeil, atme und ziel, spann<br />
Dann laß es sinken<br />
Von dem Priester-Dichter Noin-hoshi,<br />
989 geboren, erzählt man sich, er sei<br />
nicht gerne gereist. „Es heißt, er habe sich<br />
lange Zeit vor den Augen der Welt verborgen<br />
und die Hände zum Bräunen aus<br />
dem Fenster gestreckt, um vortäuschen zu<br />
können, er sei auf Reisen gewesen.“<br />
Sie blättert nicht ab<br />
die Kamelienblüte<br />
Ganz stürzt sie vom Zweig<br />
17.<br />
Ein Haiku Bashos, von seiner Hand.<br />
Michael Zeller<br />
Erstveröffentlichung Musenblätter 2009<br />
Fotos: Jürgen Kasten<br />
39
40<br />
Michael Zeller<br />
Foto: Ryszard Kopczynski<br />
Seit seinem literarischen Debüt 1978<br />
(mit dem Roman Fehlstart-Training)<br />
hat Michael Zeller ein außerordentlich<br />
vielgestaltiges Werk geschaffen. Neben<br />
Gedicht-, Erzähl- und Essaybänden sind<br />
das vor allem seine bisher acht Roma-<br />
ne, darunter so erfolgreiche Titel (mit<br />
mehreren Auflagen) wie Follens Erbe,<br />
Die Sonne! Früchte. Ein Tod, Die Reise<br />
nach Samosch oder Café Europa. Seit<br />
1990 hat der Autor sein literarisches Augenmerk<br />
verstärkt auf den östlichen Teil<br />
Europas gelenkt, vor allem auf Polen.<br />
Ein Jahr hat er in Krakau gelebt. Daher<br />
rühren die „Krakauer Geschichten“<br />
Noch ein Glas mit Pan Tadeusz.<br />
Auszeichnungen (Auswahl):<br />
Stipendium, Worpswede (1984/85).<br />
Writer in residence, New York<br />
(1988/89), Stadtschreiber in Lauenburg/<br />
Elbe (1995/96). Kulturpreis Schlesien<br />
des Landes Niedersachsen (1997),<br />
Literaturpreis der Robert-Bosch-Stiftung<br />
(1997), Poetikdozenturen an den<br />
Universitäten Mainz (1993/94) und Erfurt(2001/02),<br />
Artist in residence, Erfurt<br />
(2001), Preis der Springmann-Stiftung,<br />
Wuppertal (2003), Literaturpreis der<br />
mittelfränkischen Wirtschaft (2004),<br />
Von der Heydt-Preis der Stadt Wupper-<br />
tal (2008). Er war zu Poetikdozenturen<br />
eingeladen an den Universitäten Erfurt,<br />
Mainz, New York..<br />
Zuletzt sind von ihm erschienen<br />
2010 Wir machen den Pott voll<br />
Erzählung, zusammen mit Schülern<br />
einer Duisburger Realschule (PEN-<br />
Projekt RUHR 2010)<br />
2009 Falschspieler. Roman<br />
2009 Die Soester Fehde. Schauspiel<br />
(Uraufführung August 2009)<br />
2009 Der Schüler Struwe. Erzählung<br />
2009 Saskia leuchtet. Erzählung<br />
(zusammen mit Schülern)<br />
2010 im Herbst, Gerhard Nebel,<br />
Zwischen den Fronten.<br />
Kriegstagebücher<br />
Wiederentdeckt, ausgewählt und<br />
mit einem Nachwort von Michael<br />
Zeller<br />
Umfassendere Information im Netz unter<br />
www.michael-zeller.de<br />
Nie mehr ein Konzert verpassen!<br />
Werden sie doch einfach Abonnent!<br />
detaillierte informationen zu den Konzerten und den Vorteilen der Abonnements finden sie in unserem<br />
Jahresprogramm 2010/2011, das sie an der Konzertkasse erhalten oder unter www.sinfonieorchester-wuppertal.de<br />
VVK und Abonnements über topticKet: tel. 02 02. 569 44 44, www.wsw-online.de/topticket
Andreas Steffens<br />
Schriftsteller und Philosoph<br />
1957 in Wuppertal geboren<br />
Der glücklichste Mensch<br />
Andreas Steffens - Portrait des Sammlers<br />
Ich war überglücklich, meine Sammlung wieder zu haben und sie endlich<br />
in meinem Palazzo aufhängen zu können.<br />
(Peggy Guggenheim)<br />
„Das muß ich Ihnen erzählen!“<br />
Diesen, oder einen ähnlichen Satz hat jeder schon zu hören bekommen, der von<br />
einem passionierten Sammler durch dessen Sammlung geführt worden ist. Sammeln<br />
ist ein Vorwand für Erzählungen. Sammler sind eigentlich Geschichtenerzähler.<br />
Das erfährt besonders, wer mit den Objekten ihres Interesses handelt. Die Kunden<br />
kauften auch, um zu sprechen. Um das, was sie bewegte, vor jemandem auszubreiten,<br />
der nicht nach Zeiteinheiten bezahlt wurde, wie Rechtsanwälte oder Psychotherapeuten.<br />
Der kluge Händler hört geduldig zu, bis er der Kaufbereitschaft seines Kunden sicher<br />
sein kann; der kluge Kunde redet nicht länger, als die von seinem Verkaufsinteresse<br />
bemessene Bereitschaft des Händlers dauert. Natürlich hörte Jillian den Kunden nur<br />
so lange zu, wie sie Kunden waren. Das bedeutete nicht, dass sie jedes angebotene Stück<br />
kaufen mussten. Hatten die Kunden sehr lange kein Stück mehr gekauft, erwateten sie<br />
nicht, dass Jillian ihnen noch zuhörte. Wenn Kunden nicht mehr sammelten, wenn sie<br />
ihre Interessen einem anderen Gebiet zuwandten oder nicht mehr über die entsprechenden<br />
finanziellen Möglichkeiten verfügten, merkte Jillian das zuerst daran, dass die Gespräche<br />
kurz wurden (1).<br />
Die Emotionen, die Erinnerungen, die Wünsche, Begebenheiten, Erfolge und Mißerfolge,<br />
kurz: die Geschichten, die mit ihm verbunden sind, machen den wirklichen -<br />
und einzigen - Wert jedes Stückes jeder Sammlung aus. Auf den Besitz kommt es nur<br />
wenigen Sammlern an; den meisten um so mehr darauf, davon berichten zu können,<br />
wie sie ihn erlangten.<br />
Das Glück des Sammlers ist nicht das Besitzen. Es ist das Entdecken. So besteht eine<br />
Sammlung zwar aus einer Ansammlung von Fundstücken, welcher Art und welchen<br />
Genres auch immer, sie ist eine Versammlung von Gegenständen, von Materie; aber<br />
was sie ausmacht, sind nicht die Gegenstände selbst. Es ist deren Auszeichnung mit<br />
Bedeutung. Ein beliebiger, irgendwo aufgelesen und einer Sammlung einverleibt,<br />
verwandelt sich in das materielle Symbol eines im Leben seines Entdeckers wichtigen<br />
Augenblicks: er ist zum wertvollen Gegenstand als dessen Memorial geworden. Eine<br />
Sammlung stellt materielle Medien von Erinnerungen an besondere Momente in<br />
der Geschichte einer Leidenschaft zusammen. Gleich was einer sammelt, er sammelt<br />
immer Zeugen seiner Biografie.<br />
Das setzt den Sammler auf die Zeitschwelle. Er markiert sie. Wo er agiert, fließt<br />
Vergangenheit in Zukunft über. Denn die Objekte seines Triebes sind Gegenstände<br />
vergangener Lebenssituationen; sein Ziel aber ist deren Bewahrung für eine Zukunft,<br />
in der sie für ihre eigene als vergangene Zeit zeugen werden. Der Sammler macht die<br />
Gegenwart seines Lebens zur Schwelle dieser Rettung. Sein Gedanke ist, dem Kunstwerk<br />
das Dasein in der Gesellschaft zurückzugeben, von der es so sehr abgeschnürt worden<br />
war, dass der Ort, an dem er es auffand, der Kunstmarkt war, auf dem es, gleich weit von<br />
seinen Verfertigern wie von denen, die es verstehen konnten, entfernt, zur Ware eingeschrumpft,<br />
überdauerte (2).<br />
Deshalb sind Sammlern Besucher meistens willkommen. Sofern diese bereit und<br />
fähig sind, die Bedeutsamkeit zu beglaubigen, deren Zeugnisse ihnen dargeboten<br />
werden. Ich rang nach Luft: ich wusste, dass man, um sich bei einem Kunstsammler<br />
einzuschmeicheln, seine Sammlung preisen muß (3). Besucher geben Gelegenheit zur<br />
Erinnerung, zur Vergegenwärtigung dieses wirklichen Wertes alles dessen, was einer<br />
zusammengetragen hat. Sie lassen die Geschichten wieder lebendig werden. Und sie<br />
werden sie zu hören bekommen. Da ist jedem nur zu wünschen, an einen Sammler<br />
zu geraten, der sich aufs Erzählen auch versteht. (Oder, falls nicht, an einen, der<br />
nur eine kleine Sammlung herzuzeigen hat, oder zum großen Bericht gerade nicht<br />
aufgelegt ist.)<br />
41
42<br />
Erzählen heißt nicht nur, immer auch<br />
von sich zu sprechen. Handelt es sich<br />
um Erzählungen, in denen der Erzähler<br />
selbst vorkommt - und Sammler erzählen<br />
nur von sich selbst - , so heißt es,<br />
nach der Integration aller Erzählungen<br />
zu suchen, die es von einem geben kann:<br />
nach der eigenen Biografie.<br />
Wenn eine Episode, ein kleines Stück aus<br />
dem Leben, erzählbar geworden ist, weil<br />
die einzelnen Erlebnisse selbst den Zug der<br />
Erzählbarkeit an sich haben und gleich-<br />
sam darauf warten, Teil einer geschehenen<br />
und womöglich auch erzählten Geschichte<br />
werden zu dürfen, dann kann auch das<br />
Lebensganze geschichtlich werden, muß<br />
es vielleicht sogar. Die Teile fordern die<br />
Realisierung dessen, wozu sie disponiert<br />
sind: ihre Integration in ein abgeschlossenes<br />
Ganzes (4).<br />
Der Sammler ist ein synthetischer<br />
Archäologe seiner eigenen Biografie vor<br />
der Zeit, indem er auf dem Weg durch<br />
sein Leben als sein eigener Archivar<br />
die ihm wesentlichen Bruchstücke und<br />
Zeugnisse zusammenführt, aus denen<br />
seine Biografie nach der Vollendung<br />
seines Lebens sich fügen wird.<br />
Der Sammler umgibt sich mit Gegenständen,<br />
die für die Lebensmomente<br />
einstehen, die seine Biografie bilden.<br />
Zeigt er seine Sammlung her, so zeigt er<br />
sich selbst.<br />
Je aufmerksamer sein Besucher sich<br />
im Zuhören beweist, desto enger wird<br />
dessen Beziehung zum Erzähler sich in
der Folge gestalten können. Wer es nun<br />
versäumen sollte, bei dieser und jener<br />
Wendung des Berichtes zwar diskret,<br />
aber nachdrücklich einzuhaken und<br />
interessiert nachzufragen, dessen Sympathiewert<br />
wird sogleich erheblich sinken.<br />
Sammler umgeben sich mit Menschen,<br />
die ihrer Leidenschaft nützlich sein können.<br />
Danach prüfen sie neue Beziehungen.<br />
Und schlagen sie aus, wenn sie sich<br />
in dieser Hinsicht als tumb erweisen.<br />
Man muß ihre Leidenschaft nicht<br />
aktiv teilen, das wäre auch gar nicht<br />
erwünscht, bedeutete es doch Konkurrenz<br />
im Jagdrevier; aber durch tätiges<br />
Interesse beglaubigen.<br />
Wer sammelt, ist unterwegs. Immer.<br />
Man kann es nicht zu Hause. Denn<br />
Sammeln heißt, in den Räumen der<br />
Welt Verstreutes zusammentragen:<br />
Vieles, was vorher zerstreut war, wird so<br />
bewegt, daß es nachher beisammen ist (5).<br />
Und es ist ganz gleich, womit einer<br />
gerade beschäftigt ist. Ergibt sich eine<br />
Verbindung, bietet sich eine Spur hin<br />
zu einem Objekt, das in die Sammlung<br />
gehört, so wird der Sammler ihr immer<br />
nachgehen, im Extremfall jede ihn gerade<br />
leitende Pflicht außer Acht lassend.<br />
Es gibt Sammler, die nur dort ihren<br />
Geschäften nachgehen, wo sich auch<br />
Gelegenheiten zur Pirsch finden lassen.<br />
Sammeln ist eine menschliche Urtätigkeit.<br />
Es war einmal lebensnotwendig.<br />
Auf Nahrungssuche zu gehen und alles<br />
einzusammeln, was die Natur in einem<br />
bestimmten Umkreis um die ersten<br />
primitiven Behausungen, Höhlen und<br />
Hütten herum hergab, und sich nur<br />
halbwegs als eßbar erwies, war die<br />
Grundtätigkeit unserer Urvorfahren zur<br />
Bedürfnisbefriedigung, bevor sie die erste<br />
große Kulturschwelle in der Menschheitsentwicklung<br />
erreichten, und sie<br />
überschritten, indem sie den Ackerbau<br />
erfanden.<br />
Seine Herkunft aus der Beschaffung<br />
rarer Lebensmittel hat sich darin erhalten,<br />
daß Gegenstand des Sammelns<br />
immer Besonderes, Wertvolles, Seltenes,<br />
Luxuriöses ist, oder daß etwas dadurch,<br />
daß es gesammelt wird, Auszeichnung<br />
als Besonderheit erfährt. Die großen<br />
Sammler sind meist durch die Originalität<br />
ihrer Objektwahl ausgezeichnet (6).<br />
Sammler sind in diesem Sinne ‘primitive’<br />
Menschen: sie kultivieren eine<br />
Leidenschaft immer wieder aufs neue,<br />
ohne die es eine Menschheit nie gegeben<br />
hätte. Sie bewähren ein menschliches<br />
Urvermögen, das auch in jeder späten<br />
Kultur lebendig bleiben muß, soll<br />
sie ihre Grundaufgabe weiter erfüllen<br />
können, Menschen das zu verschaffen,<br />
dessen sie zum Leben bedürfen.<br />
Und das ist nie das, was die physischbiologischen<br />
Grundbedürfnisse, Essen,<br />
Trinken, Schlafen, Fortpflanzung,<br />
erfüllt. Der erlebbare Wert des Lebens,<br />
das den Willen zu seiner Fortsetzung<br />
aufrechterhält, liegt immer jenseits der<br />
Grundbedürfnisse. Deren Erfüllung<br />
ist vorausgesetzt. Wo sie problematisch<br />
oder unmöglich wird, ist das Leben<br />
sinnlos. Jede Anstrengung zu deren Gewährleistung<br />
hat die Aufhebung dieser<br />
Sinnlosigkeit zum Ziel. Überspitzt gesagt:<br />
Nicht die Armut ist unmenschlich,<br />
sondern daß sie einen davon abhält, sich<br />
um das zu kümmern, wofür einer sein<br />
Leben hat.<br />
Es bleibt sinnlos, wenn es nicht gelingt,<br />
Denken, Empfinden und Handeln Ziele<br />
zu geben, die jenseits der Bedürfnisbefriedigung<br />
liegen. Welche es sind, ist<br />
ganz gleichgültig. Wenn sie sich nur<br />
bilden.<br />
Es kann noch so beschwerlich sein, es<br />
bleibt sinnvoll, solange einer die Kraft<br />
aufbringt, sich mit Leidenschaft um<br />
Dinge zu kümmern, die Wert nur für<br />
ihn besitzen. Denn in diesem Wert<br />
versammeln sich alle Fähigkeiten eines<br />
Menschen, die ihm gestatten, ein<br />
wertvolles Mitglied einer Gemeinschaft<br />
zu sein. Das Individuum ist nicht der<br />
Gegensatz zur Gesellschaft, sondern die<br />
Voraussetzung ihres Funktionierens.<br />
Auf diese Personengebundenheit kommt<br />
alles an. Den Wert eines Stücks in<br />
einer Sammlung bestimmt die intimpersönliche<br />
Beziehung, die sein Besitzer<br />
zu ihm hat. Sein Wert erfüllt sich in der<br />
Bereicherung der Person, die es durch<br />
Bestätigung, durch Stimulanz, durch<br />
emotionale Aktivierung leistet. Und<br />
wenn es nur der triviale Stolz ist, sich<br />
dies alles ‘leisten zu können’. Für den<br />
wahren Sammler aber spielt das keine<br />
Rolle, denn für ihn steht ganz außer<br />
Frage, daß er sich auch leisten kann, was<br />
er haben ‘muß’, denn immer handelt es<br />
sich um ein Müssen, um ein unabweisbares<br />
Bedürfnis jenseits der elementaren<br />
Bedürftigkeit. Und wenn die Mittel,<br />
es zu erwerben, nicht vorhanden sind,<br />
werden sie beschafft werden, ganz fraglos<br />
und in unerschütterlicher Selbstverständlichkeit.<br />
Eine Leidenschaft schafft<br />
sich Wirklichkeiten, in denen sie sich<br />
erfüllen kann.<br />
Der Ursprung der modernen Sammlung<br />
in den adligen Kuriositätenkabinetten<br />
des Barock erinnert an den Ursprung<br />
43
44<br />
des Sammelns in der menschlichen<br />
Eigenschaft der Neugierde. Der Trieb,<br />
Seltsamkeiten anzuhäufen, folgte dem<br />
erst allmählich zu Bewußtsein gekommenen<br />
Impuls, etwas zu erfahren, was<br />
noch unbekannt war. Die Sammlung<br />
steht ein für die Entdeckung, daß es ein<br />
Lebenswert ist, sich darum zu bemühen,<br />
etwas in Erfahrung zu bringen, was<br />
vorher noch nicht gewußt wurde. Die<br />
versammelten Gegenstände repräsentieren<br />
ein Wissen, dessen Aneignung das<br />
eigene Leben erweitert, indem es seinen<br />
Erfahrungshorizont ausdehnt.<br />
So gehorcht jede Sammeltätigkeit einem<br />
nur dieser Person, die ihr nachgeht, eigenen<br />
Trieb, über den sie sich selbst oft<br />
gar keine Rechenschaft geben könnte,<br />
der einfach da ist, wie man seine Nase<br />
hat und die Ohren nun einmal geformt<br />
sind, wie sie sind, ohne daß man darüber<br />
nachdächte. Es ist da, es wirkt, und<br />
man folgt.<br />
Der Sammler nimmt die Sprache beim<br />
Wort und ‘bringt in Erfahrung’, in seinen<br />
Erfahrungsraum, was an den Dingen<br />
haftet, mit denen er sich umgibt.<br />
Wie die Werkzeuge die Reichweite und<br />
Gestaltungskraft der Hände erweitern,<br />
so erweitern die Kunstwerke als<br />
materielle Dokumente der Wahrnehmungsverarbeitung<br />
einer besonderen<br />
Individualität den Erfahrungshorizont<br />
ihrer Betrachter und Besitzer.<br />
Mehr noch als in ihrer exemplarischen<br />
Auszeichnung durch den Wert des<br />
‘Sehenswerten’ (7) macht dieses Motiv<br />
das Zusammentragen einer Kunstsammlung<br />
zur höchsten Form des Sammelns.<br />
Was Sammeln seinem Wesen nach ist,<br />
zeigt sich nicht am Anfang, sondern am<br />
Ende, nicht am ökonomischen ‘gathering’<br />
von Nahrungsmitteln, die wir zum Leben<br />
brauchen, sondern im ästhetischen ’collecting’<br />
von Kunstwerken, die wir betrachten<br />
wollen. Wie diese die Anschauungs-,<br />
Ausstellungs- und Sammelgegenstände<br />
schlechthin sind, so ist der Kunstsammler<br />
das Urbild des Sammlers, der Prototyp<br />
des ‘homo collector’. Kunstsammeln ist<br />
Sammeln in seiner reinsten und höchsten<br />
Form: Sammeln par excellence (8).<br />
Sich Kunstwerke als Medien einer<br />
eigenen Wahrnehmungserweiterung zu<br />
verschaffen, ist das fruchtbarste Sammelmotiv<br />
des Besitzenwollens. Diesen<br />
Willen zu verwirklichen, im Extremfall<br />
um jeden Preis - ‘Sammlerpreise’<br />
sind immer imaginär, willkürlich und<br />
ohne Bezug zum materiellen Wert des<br />
betreffenden Objekts; sind Strafen einer<br />
unverständigen Umwelt, die sie einer ihr<br />
unverständlichen Leidenschaft dadurch<br />
auferlegt, daß sie sie zu eigenem Vorteil<br />
ausnutzt - , bringt die Sammlung hervor.<br />
Da er immer bereit ist, jeden Preis<br />
für das zu zahlen, was er haben muß,<br />
legt der Sammler es immer darauf an,<br />
es so billig wie möglich zu bekommen:<br />
seine eigene Wertschätzung findet sich<br />
desto intensiver bestätigt, je geringer der<br />
Vorbesitzer dessen, was er im Begriff ist<br />
zu erwerben, es achtet.<br />
Nur für den Sammler gilt buchstäblich:<br />
Geld spielt keine Rolle. Deshalb kann<br />
kein Sammler genug von ihm haben.<br />
Es ist unbedingt erforderlich für die<br />
Überwindung jenes Widerstandes, ohne<br />
die ein entdecktes Stück, das in die<br />
Sammlung gehört, keinen Eingang in sie<br />
finden darf. Nichts ist für den Sammler<br />
so wertlos wie das Stück, das seine<br />
Sammlung krönen sollte, das er nicht<br />
selbst findet und jeden Widerstand<br />
überwindend an sich bringt, sondern<br />
geschenkt bekommt. Er wird es annehmen,<br />
und ihm in der Sammlung seinen<br />
Platz geben. Aber es ist nur noch ein<br />
Platzeinräumen, ein schon unwilliges<br />
Dulden, und bald wird er das so lange<br />
begehrte Objekt mit Verachtung strafen.<br />
Er wird es schließlich dafür hassen, daß<br />
es sich ihm verweigert hat, indem es sich<br />
nicht von ihm, sondern einem anderen<br />
finden ließ, der es ihm zuführte.<br />
Aus dem Motiv der Selbsterweiterung,<br />
zu dem die ziellose Neugierde kultiviert<br />
wurde, stammt auch die für jede Sammeltätigkeit<br />
charakteristische Dynamik.<br />
Der Sammler hat in seiner Leidenschaft<br />
eine Wünschelrute, die ihn zum Finder<br />
von neuen Quellen macht (9). Sammeln<br />
ist eine prinzipiell unabschließbare<br />
Tätigkeit. Sammeln heißt, zu dem, was<br />
schon gefunden wurde, immer noch ein<br />
weiteres Stück desselben dazu haben<br />
zu wollen. Die unendliche Variationsvielfalt<br />
des Selben ist die eigentliche<br />
Herausforderung des Sammlers. Er will<br />
wissen, welche Varianten es von dem,<br />
was ihn fasziniert, geben kann. Ist sie<br />
durch die Natur seines Sammelgebie-<br />
tes begrenzt, wendet er alles daran,<br />
Vollständigkeit zu erreichen - in der<br />
Hoffnung, eines Tages auf ein Stück zu<br />
treffen, dessen Existenz unbekannt war.<br />
So sind in den grafischen Kunstsammlungen<br />
die Stücke die wertvollsten, die<br />
kein Werkverzeichnis kennt. Es ist nicht<br />
nur die Gewissenhaftigkeit eines Mannes,<br />
der sich einen Konservator von Schätzen<br />
weiß, es ist auch der Exhibitionismus des<br />
großen Sammlers, der Fuchs veranlasst<br />
hat, in jedem seiner Werke ausschließlich<br />
unveröffentlichtes Bildmaterial,<br />
fast ausschließlich seinem eigenen Besitz<br />
entstammendes, zu veröffentlichen. Die<br />
Suche nach dem Einzigartigen erfordert<br />
Maßlosigkeit. Allein für den ersten Band<br />
der >Karikatur der Europäischen Völker<<br />
hat er nicht weniger als 68ooo Blätter<br />
kollationiert, um rund fünfhundert davon<br />
auszuwählen. Kein Blatt hat er jemals<br />
öfter als an einer einzigen Stelle reproduzieren<br />
lassen (10).<br />
Der Sammler will finden, was es nicht<br />
gibt. Denn er sucht in jedem Fund, was<br />
ihm ebenso wie allen anderen auch am<br />
unbekanntesten ist: sich. Indem er das<br />
ihm Wertvolle um sich versammelt,<br />
sammelt er sich zu sich selbst.<br />
Gelingt ihm das, ist er der glücklichste<br />
Mensch.<br />
1) Ernst-Wilhelm Händler, Welt aus<br />
Glas. Roman, Ffm 2009, 184<br />
2) Walter Benjamin, Eduard Fuchs, der<br />
Sammler und Historiker, in: ders.,<br />
Angelus Novus. Ausgewählte Schriften<br />
2, Ffm 1966, 302-343; 333<br />
3) Bruce Chatwin, Utz. Roman, München<br />
1989, 57<br />
4) Manfred Sommer, Sammeln. Ein<br />
philosophischer Versuch, Frankfurt/M<br />
1999, 302<br />
5) a.a.O., 8<br />
6) Benjamin, a.a.O., 333<br />
7) vgl. a.a.O., 77-85<br />
8) a.a.O., 84<br />
9) Benjamin, a.a.O., 332<br />
10) Benjamin, a.a.O., 323<br />
Andreas Steffens<br />
Fotos: Frank Becker
Begegnungen in der<br />
Hochschule für Musik und Tanz<br />
Köln / Standort Wuppertal<br />
„Günter Wand-Haus“<br />
Da ist Musik drin<br />
Variation I: Instrumentalisten<br />
Das bescheidene Schild „Günter Wand-Haus“ übersieht man fast beim Betreten des<br />
neuen Domizils der Musikhochschule in der Sedanstraße 15. Dafür blickt der Maestro<br />
im Frack auf den Besucher vom Treppenabsatz – seit dem 30. Juli ist er Namenspatron<br />
der Hochschule geworden. Auch der in Elberfeld geborene berühmte Dirigent hat einst<br />
als Student an der Musikhochschule Köln begonnen.<br />
In Wuppertal ist diese aus dem Konservatorium hervorgegangen, das 1972 an die<br />
Musikhochschule Köln angeschlossen wurde. Bis vor zwei Jahren behalf man sich in Elberfeld<br />
an der Friedrich-Ebert-Straße in einer für diese Straße typischen Gründerzeitvilla<br />
mit Hinterhof und zurückliegenden Nebengebäuden mit morbidem Charme.<br />
Der Umzug nach Barmen in das ehemalige Amtsgerichtsgebäude mit großzügigem<br />
Anbau hat die Hochschule zu einem noch professionelleren Ort der Musikerausbildung<br />
gemacht. Kaum hat man das Haus betreten ist man mitten in der Musik – sie dringt aus<br />
jeder Türritze und erfüllt Flure und Treppenhäuser.<br />
Beim Wachdienst und Werkschutz, wie sich die Pförtner nennen, türmen sich die<br />
Behältnisse für die großen Instrumente. Es ist ein ständiges Kommen und Gehen von<br />
Dozenten und Studenten, die ihren Studienausweis gegen den Schlüssel für einen<br />
Übungsraum tauschen; mal wird ein Klavier benötigt, mal ein Flügel, manchmal geht es<br />
auch ohne, ein Student möchte sich nur 10 Minuten Einspielen oder Einsingen vor dem<br />
Unterricht, der andere bucht gleich noch einmal zwei Stunden für den Nachmittag dazu.<br />
Der Pförtner nennt alle mit Namen, kennt ihre Instrumente, ihre Sorgen und Bedürfnisse<br />
und hat für jeden eine fröhliche Bemerkung. Inzwischen beherrscht er elf Sprachen,<br />
so behauptet er wenigstens, denn die Hochschule hat internationales Flair, doch die<br />
Sprache der Musik ist universal.<br />
Prof. Dr. Lutz-Werner Hesse, im Treppenhaus des Günter Wand-Hauses, dem neuen Domizil der Musikhochschule<br />
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Sofort spürt der Besucher die besondere<br />
Atmosphäre dieses Hauses, die gleichermaßen<br />
von Freude, Harmonie und<br />
intensiver Arbeit geprägt ist. Zwei junge<br />
Geigerinnen erzählen mir, dass sie sich<br />
hier sehr wohl fühlen, jeder kennt jeden,<br />
die Dozenten verstehen sich untereinander,<br />
und die Stimmung am kleinen Standort<br />
Wuppertal mit etwa 220 Studierenden<br />
ist sehr entspannt und ungezwungen.<br />
Michael Lang studiert Klavier im Studiengang<br />
Bachelor of Music. Er findet „die<br />
Hochschulleitung extrem gut. Gabriele<br />
Amend, die das studentische Sekretariat<br />
und das Prüfungsamt leitet, begrüßt die<br />
Neulinge gleich mit dem Namen, den sie<br />
sich mit den Bewerbungsfotos eingeprägt<br />
hat. Man fühlt sich getragen, weil man<br />
von Anfang an verständnisvoll und hilfreich<br />
betreut wird, und das ist einzigartig.“<br />
Der theoretische Unterricht bei Professor<br />
Dr. Lutz-Werner Hesse, Komponist<br />
und seit 1 ½ Jahren Geschäftsführender<br />
Direktor, ist alles andere als grau, sondern<br />
spannend und lebendig.<br />
Langs Vater ist Klavierlehrer und hat den<br />
Sohn fünf Jahre unterrichtet. Nach dem<br />
Lehrerwechsel stellten sich dann nach<br />
der anfänglich unbefangenen Spielfreude<br />
Blockaden ein, „eine Art musikalischer<br />
Pubertät: Die Leidenschaft geht zurück,<br />
doch neue Stücke geben neue Ziele und<br />
neues Feuer. Jetzt übe ich bedächtiger,<br />
überlegter und frage mich, wie kann ich<br />
sinnvoll üben. Wenn dann eine Stelle<br />
gelingt, stellt sich ein Glücksgefühl ein.<br />
Das Musikstück ist die Herausforderung,<br />
doch die Zufriedenheit mit dem Ergebnis<br />
muss hart erkämpft werden.“<br />
Michiko Tashiro, eine junge Pianistin aus<br />
Japan, nimmt mich mit in das Zimmer<br />
von Professor Scherrer. Zwei Flügel und<br />
ein großer Spiegel gehören zur Ausstattung.<br />
„Den Spiegel mögen die Studenten<br />
weniger, aber die Kontrolle ist wichtig“,<br />
so Professor Scherrer, weil er auf diese<br />
Weise den Spieler aus der Sicht des Publikums<br />
beobachten kann.<br />
Michiko spricht sehr gut Deutsch. Sie hat<br />
im Alter von vier Jahren in Japan mit dem<br />
Klavierunterricht begonnen und dort eine<br />
Schule besucht, auf der sie Deutsch als<br />
Fremdsprache wählen konnte: also hatte<br />
sie schon früh im Sinn, in Deutschland zu<br />
studieren. Sie hat bereits Auslandserfahrung<br />
sammeln können, da sie zwei Jahre<br />
Mareike Löffler, Akkordeon mit dem Dozenten Helmut Quakernack<br />
mit ihren Eltern in den USA gelebt hat.<br />
Obgleich bei der Bewerbung Deutschkenntnisse<br />
vorausgesetzt werden, gibt<br />
es bei einem Ausländeranteil von 40%<br />
Sprachprobleme. Sprachkenntnisse sind<br />
nicht nur wichtig für die zahlreichen<br />
theoretischen Fächer wie Gehörbildung,<br />
Harmonielehre, Musikgeschichte oder<br />
Musikdidaktik. Besonders wichtig ist es,<br />
sich mit dem Dozenten differenziert und<br />
sensibel über die künstlerischen Ansprüche<br />
des jeweiligen Werkes, die Interpretation<br />
und die technische Ausführung<br />
verständigen zu können. Die Sprache der<br />
Studierenden untereinander ist Deutsch,<br />
und in den theoretischen Fächern hilft<br />
man sich gegenseitig.<br />
Man hilft sich nicht nur, man erzieht sich<br />
auch gegenseitig, Dünkel oder Konkurrenzkämpfe<br />
gib es nicht, und gerade das,<br />
so meinen die beiden Geigerinnen, ist das<br />
Schöne am kleinen Standort Wuppertal.<br />
Den Bachelor of Music oder den Bachelor<br />
of Music in Education kann man in acht<br />
Semestern erwerben, in kürzerer Zeit ist<br />
das Studium an einer Musikhochschule<br />
allein wegen der Anzahl der Fächer und<br />
der Übungszeiten nicht zu schaffen. Dazu<br />
kommt ein Instrument im Nebenfach,<br />
das nur den Pianisten erspart ist. Alle<br />
anderen müssen das Klavier als Akkordinstrument<br />
belegen, mit Ausnahme der<br />
Gitarristen, Mandolinisten und Akkor-<br />
deonisten. Die beiden letztgenannten<br />
Instrumente kann man übrigens nur<br />
am Standort Wuppertal studieren. Der<br />
aufbauende Masterstudiengang benötigt<br />
noch einmal zwei Jahre.<br />
Zur Eignungsprüfung können sich nur<br />
junge Menschen bewerben, die bereits<br />
intensiven Vokal- oder Instrumentalunterricht<br />
hatten, entweder in der Schule<br />
oder privat. Wichtige Vorarbeit leisten<br />
auch häufig die musischen Gymnasien.<br />
Die Eignungsprüfungen sind unterschiedlich<br />
in den Anforderungen, je nachdem<br />
welcher Abschluss angestrebt wird. An die<br />
angehenden Musikpädagogen (Bachelor<br />
of Music in Education) werden weniger<br />
hohe Anforderungen im künstlerischen<br />
Vorspielen gestellt, dafür müssen sie während<br />
der Prüfung mit den Mitbewerbern<br />
ein Stück einstudieren. Dazu kommt u.<br />
a. die gefürchtete Prüfung in Gehörbildung<br />
– für die meisten ein Stolperstein - ,<br />
die jedoch wiederholt werden darf. Die<br />
Eignungsprüfung, so die beiden Geigerinnen,<br />
ist für alle hart, drei Stücke muss<br />
jeder vorbereiten, davon dürfen zuweilen<br />
nur 10 Minuten vortragen werden,<br />
aber in Wuppertal bekommt man sogar<br />
einen Vorbereitungsraum zur Verfügung<br />
gestellt.<br />
Professor Christian Roderburg, Dozent<br />
für Schlagzeug, stellt bei Eignungsprüfungen<br />
oft unterschiedliche Leistungen<br />
fest. Im Zweifelsfall empfiehlt er dem
Das Hochschulorchester Günter Wand-Haus, Haupteingang<br />
Bewerber, den Lehrer zu wechseln und<br />
erneut vorzuspielen. Die Lebensläufe der<br />
Studenten sind höchst unterschiedlich,<br />
so konnten auch einige, die erst auf dem<br />
zweiten Bildungsweg in die Schlagzeugklasse<br />
gekommen sind, ihr Hochschulstudium<br />
erfolgreich absolvieren. Seit<br />
1991 hat Roderburg 45 Schlagzeuger<br />
ausgebildet, die alle weitgehend mit ihrer<br />
Berufstätigkeit zufrieden sind.<br />
Gegenwärtig sieht er zurückgehende<br />
Bewerberzahlen, weil angesichts der<br />
Finanznot der Städte Stellen an Musikschulen<br />
und Orchestern reduziert werden<br />
und auch die Konzertangebote freier Veranstalter<br />
zurückgehen. Dennoch möchte<br />
er seinen Studenten Mut machen und<br />
lehrt sie auch, flexibel zu sein und „sich<br />
zu vermarkten“.<br />
Schlagzeuger haben nicht nur ein äußerst<br />
reichhaltiges Instrumentarium zu beherrschen,<br />
sondern sie benötigen auch ein<br />
gutes Gehör und eine gute Klangvorstellung,<br />
z.B. zum Einstimmen der Pauken.<br />
Um ein Vibraphon oder ein Marimbaphon<br />
mit zwei oder vier Schlägeln zu<br />
spielen, braucht es ein genaues Koordinationsvermögen<br />
der Bewegung. Rhythmus<br />
hat überhaupt viel mit Körpergefühl, mit<br />
Raumgefühl zu tun. Verspanntheit ist<br />
ein verbreitetes Problem, doch lassen sich<br />
durch richtiges Üben und die richtige Art<br />
der Spieltechnik einiges bewirken.<br />
Der Beruf des Schlagzeugers erfordert viel<br />
Flexibilität. Roderburg selbst wusste als<br />
Musikstudent noch nicht so recht, „wo<br />
die Reise hingehen sollte.“ Er hat viel<br />
unterrichtet, Musik gemacht, als Aushilfe<br />
im Orchester gespielt und experimentiert:<br />
„Man muss schon ein bisschen verrückt<br />
sein und lernen, sein Leben zu organisieren“.<br />
So mussten einmal beim Spiel in einer<br />
Kirche die großen Schlaginstrumente<br />
per Seilzug nach oben geschafft werden,<br />
weil sie nicht durch die enge Wendeltreppe<br />
zur Orgelempore passten.<br />
Seit das Studium nicht mehr ausschließlich<br />
„klassisch“ orientiert ist, hat der<br />
Schlagzeuger nicht nur zu lernen, sich in<br />
allen Stilarten zu bewegen, sondern auch;<br />
die zahlreichen Percussionsinstrumente<br />
samt ihren unterschiedlichen Spieltechniken<br />
zu beherrschen. Abgesehen von den<br />
theoretischen Fächern ist für die Studenten<br />
Klavier als Nebenfach obligatorisch,<br />
da es als Akkordinstrument für die Musikalität<br />
und das Umsetzen der theoretischen<br />
Kenntnisse unerlässlich ist.<br />
Salome Amend ist mit 19 Jahren sicher<br />
eine der jüngsten Studentinnen an der<br />
Musikhochschule. Auch sie kommt aus<br />
einem musikalischen Elternhaus. Als<br />
die Fünfjährige anlässlich eines Tages<br />
der offenen Tür einer Musikschule die<br />
Pauken mit ihrer spannenden Pedaltechnik<br />
kennenlernte, hat sie es sich in den<br />
Kopf gesetzt, Schlagzeug zu lernen. Sie<br />
hat sich durchgesetzt und zunächst im<br />
Gruppenunterricht mit Handperkussion<br />
und später im Einzelunterricht bei Uwe<br />
Fischer-Rosier, Dozent an der Musikhochschule,<br />
gelernt. Er hat ihr Talent<br />
in besonderer Weise gefördert. Salome<br />
muss über 200 Perkussionsinstrumente<br />
aus allen Erdteilen beherrschen, denn seit<br />
dem 20. Jahrhundert ist die Schlagmusik<br />
international. Die Literatur für diese<br />
Instrumente ist erst etwa 70 Jahre alt und<br />
hat sich vor allem durch das Aufkommen<br />
des Jazz durchgesetzt. Dimitri Schostakowitsch<br />
war der erste Komponist, der<br />
1928 eine Bühnenmusik für „Die Nase“<br />
(nach Gogol) ausschließlich für Schlaginstrumente<br />
komponiert hat, Edgar Varèse<br />
folgte 1929/31 mit „Ionisation“, das für<br />
13 Spieler besetzt ist, die mehrere Instrumente<br />
bedienen. Auch Salome hat im<br />
Alter von 15 Jahren den Lehrer gewechselt<br />
und für sich den Jazz entdeckt, der bis<br />
heute ihre Leidenschaft ist.<br />
Musik hatte für sie immer den höchsten<br />
Stellenwert, das mussten sowohl ihre<br />
Freunde verkraften als auch die Schule,<br />
in der sie wegen der Konzerte häufig<br />
gefehlt hat. Es gab auch keinen Sport,<br />
denn „Musik macht mich glücklich.“ So<br />
hat sie sich nach dem Schulunterricht erst<br />
einmal durch Schlagzeugspielen erholt.<br />
Geübt wird mit individuell angepasstem<br />
Gehörschutz aus Silikon. Zum Ausgleich<br />
für anstrengendes Üben helfen Entspannungstechniken,<br />
die für alle Studenten<br />
Teil des Lehrplanes sind.<br />
Probleme mit dem Auswendigspielen hat<br />
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sie nicht – beim Spiel mit zwei oder vier<br />
Schlägeln hat man ohnehin keine Zeit in<br />
die Noten zu schauen.<br />
Salome Amend möchte lieber unterrichten<br />
und als freie Musikerin arbeiten,<br />
denn im Orchester fürchtet sie Druck<br />
und Konkurrenzkämpfe. Was macht<br />
ein Schlagzeuger in den langen Pausen?<br />
„Wenn man das Stück nicht gut kennt,<br />
muss man zählen“, sagt Salome, „aber die<br />
Pausen sind sehr wichtig, auch sie sind<br />
Musik, und man muss die Spannung<br />
halten.“<br />
Als Musiker möchte und muss man konzertieren,<br />
und für ein Konzert benötigt<br />
man Publikum. Deshalb finden während<br />
des Semesters neben internen Konzerten<br />
mehrmals wöchentlich öffentliche Konzerte<br />
in unterschiedlichsten Zusammensetzungen<br />
statt, vom reinen Violinabend<br />
bis zum Dozentenkonzert, Opernabenden<br />
und großen Sinfoniekonzerten. Aufgetreten<br />
wird ganz professionell in schwarzer<br />
Kleidung und Lederschuhen, für jedes<br />
Konzert gibt es ein Programm und<br />
manchmal wird es vom Dozenten oder<br />
von den Studierenden moderiert.<br />
Diese Konzerte sind immer ein besonderes<br />
Erlebnis voller Überraschungen, nicht<br />
nur, weil sie hohe künstlerische Qualität<br />
bieten. Neben der klassischen Musik hat<br />
die Neue Musik einen wesentlich höheren<br />
Stellenwert als in herkömmlichen<br />
Konzerten. Auch lassen sich Dozenten<br />
und Studenten immer etwas Neues<br />
einfallen. So kann man selten gespielte<br />
Stücke in ungewöhnlichen Besetzungen<br />
erleben. Professor Albrecht Winter hat<br />
das Hochschul-Salonorchester ins Leben<br />
gerufen, ein studentisches Ensemble mit<br />
vielfältiger Besetzung, das die Ausbildung<br />
sinnvoll ergänzt. Der Erfolg und die<br />
Begeisterung waren so durchschlagend,<br />
dass sich inzwischen aus Absolventen der<br />
Hochschule das professionelle „Salonorchester<br />
O là là“ gegründet hat. Salomes<br />
Bruder Raphael ist der Sologeiger, Michiko<br />
Tashiro spielt Klavier. Salonmusik und<br />
Operettenarien sind, was die musikalischen<br />
Anforderungen angeht, mitnichten<br />
leichte Muse, denn sie erfordern höchste<br />
künstlerische Fertigkeiten und fördern<br />
die Vielseitigkeit und die Spielfreude der<br />
Studierende der Posaunenklasse<br />
jungen Musiker.<br />
Die Tradition der Treppenhauskonzerte,<br />
die im alten Domizil noch mehr oder<br />
weniger im Verborgenen entstanden ist,<br />
wurde unlängst im neuen Treppenhaus<br />
fortgesetzt – mit viel mehr Publikum und<br />
Experimenten mit ungeahnten Klangmöglichkeiten.<br />
„Das einzige, was ich in diesem Haus<br />
manchmal vermisse,“ sagt eine der jungen<br />
Geigerinnen, „ist die Stille, denn hier ist<br />
immer überall Musik, überall ist es laut,<br />
auch in der Mensa.“ Ausgerechnet während<br />
des Gespräches mit Salome Amend<br />
im Schlagzeugkeller herrschte dort zufällig<br />
absolute Ruhe! Vollkommen still wird<br />
es jeden Tag um 22.00 Uhr, wenn der<br />
Wachdienst alle Türen verschließt. Bis<br />
zum nächsten Morgen, wenn Stille und<br />
Musik erneut einander ablösen.<br />
Marlene Baum<br />
Fotos: Christian Nielinger
Nicht nur der offizielle Dienst ...<br />
Oder: Was auf einen Orchestermusiker<br />
sonst noch zukommt<br />
Das Tätigkeitsfeld der Mitglieder des<br />
Sinfonieorchesters Wuppertal beschränkt<br />
sich keineswegs auf die Arbeit in der<br />
Historischen Stadthalle und im Orchestergraben<br />
des Opernhauses, nicht allein<br />
auf die Abenddienste und die unzähligen<br />
Proben. Wollte man dies aufrechnen,<br />
wollte man die Vorbereitung, das tägliche<br />
Üben hinzunehmen, wäre das zu leistende<br />
Pensum ein noch imposanteres.<br />
Nicht zu unterschätzen ist es, wenn in<br />
Konkurrenz zu den heute fast nur noch<br />
jettenden Großen des Konzertlebens<br />
solistische Leistungen geboten werden,<br />
die durchaus mit hohen internationalen<br />
Maßstäben mithalten können. Erinnert<br />
sei hier daran, dass auf die jeweils Ersten<br />
ihres Instruments im Orchester Aufgaben<br />
zukommen wie etwa ein Violinkonzert<br />
von Bartók, Beethoven, Mozart, Sibelius<br />
oder Tschaikowsky, wie ein Violoncellokonzert<br />
von Hindemith oder Lalo, ein<br />
Trompetenkonzert von Haydn oder ein<br />
Oboenkonzert von Albinoni, auch so<br />
anspruchsvolle Aufgaben wie die Solopassagen<br />
etwa in Bachs Brandenburgischen<br />
Konzerten.<br />
Nicht genug damit, was das Arbeitsgebiet<br />
unserer Orchestermusiker betrifft.<br />
Eine Rundfrage hat dies besonders unter<br />
dem Gesichtspunkt des Pädagogischen<br />
deutlich gezeigt. Erfahrungen wollen<br />
Sinfonieorchester Wuppertal, Foto: Andreas Fischer<br />
und müssen weitergegeben, die Liebe<br />
zum Beruf will und muss ständig neu<br />
gepflanzt werden. So sind viele Mitglieder<br />
des Wuppertaler Sinfonieorchesters als<br />
Dozenten an der Hochschule für Musik<br />
Köln (Standort Wuppertal), der Folkwang<br />
Universität der Künste Essen, der Bergischen<br />
Musikschule und an Musikschulen<br />
benachbarter Städte tätig. Und sie unterrichten<br />
soweit es die Zeit erlaubt auch<br />
privat, betreuen Laienmusikgruppen und<br />
geben ihr umfangreiches Wissen weiter.<br />
Welche beachtlichen Resultate erreicht<br />
werden können, demonstriert vor allem<br />
das Education-Team des Orchesters mit<br />
ihren zahlreichen Projekten wie regelmäßigen<br />
Klassenbesuchen in Vorbereitung<br />
auf die Schulkonzerte, Organisation der<br />
Familien- und Schulkonzerte sowie die<br />
Organisation und Durchführung der<br />
Schulorchesterprojekte (Bolero 2006,<br />
Carmen 2008, West Side Story 2011),<br />
bei denen Profis mit Schülern gemeinsam<br />
musizieren. Sie sind zudem ständige<br />
Ansprechpartner für Lehrer, Eltern und<br />
Kinder.<br />
Neben den Einladungen unserer Orchestermitglieder<br />
mit anderen Orchestern<br />
auf Reisen zu gehen, die etwa bei großen<br />
romantischen Opern oder Sinfonien<br />
auch bei Werken der neueren Literatur<br />
auf Verstärkung angewiesen sind, geben<br />
sie regelmäßig mit ihrem Chefdirigent<br />
Toshiyuki Kamioka Gastspiele im In-<br />
und Ausland. Tourneen führten unter<br />
anderem nach Paris, Breslau, Turin und<br />
Rom. Neben jährlichen Veranstaltungen<br />
in Mailand und einem Konzert<br />
in Ravello mit dem Weltklasse-Saxophonisten<br />
Branford Marsalis stand die<br />
Saison 2007/08 besonders im Zeichen<br />
der großen Japan-Tournee: In Tsukuba,<br />
Yokohama und Tokio spielte das Sinfonieorchester<br />
Wuppertal fünf ausverkaufte<br />
Konzerte in beeindruckenden Konzerthallen<br />
des Landes. Im Oktober 2010<br />
wird das Orchester auf seine 2. Konzertreise<br />
nach Japan gehen. Dort gibt es an<br />
13 Tagen 10 Konzerte und wird auch<br />
erstmals in der berühmten Suntory Hall<br />
in Tokio auftreten.<br />
Last but not least die Kammermusik,<br />
der sich eine Vielzahl von Orchestermusikern<br />
mit großer Leidenschaft widmen<br />
und deren Programme sich stets durch<br />
eine persönliche Note auszeichnen. Zu<br />
unterscheiden ist hier zwischen Ensembles,<br />
die ausschließlich oder vorwiegend<br />
aus Orchestermitgliedern bestehen und<br />
solchen, in denen ein einzelnes Orchestermitglied<br />
gleichsam die Funktion der<br />
künstlerischen Leitung oder auch „nur“<br />
der verantwortungsvollen Mithilfe übernommen<br />
hat.<br />
Antje Riewe<br />
49
50<br />
Neue Kunstbücher<br />
Vorgestellt von Thomas Hirsch<br />
Die Sekunde davor<br />
Wann hat sich die Reportagefotografie im<br />
allgemeinen Bewusstsein als eigenständige<br />
Form von Bild etabliert und seit wann<br />
wird sie als Genre der Kunst rezipiert? Ein<br />
wichtiger historischer Schritt in Richtung<br />
künstlerischer Wertschätzung war gewiss<br />
die Gründung der Agentur MAGNUM<br />
in Paris 1947 durch Robert Capa, Henri<br />
Cartier-Bresson, George Rodger und<br />
David Seymour. MAGNUM war Fotojournalismus<br />
vom Besten, radikal in den<br />
Themen und Arbeitsgebieten (etwa die<br />
Kriegsfotografie von Capa) und exzellent<br />
in der bildnerischen Umsetzung (Cartier-<br />
Bresson). Weniger bekannt ist hierzulande<br />
der Beitrag von George Rodger (1908-<br />
1995), der in seiner Arbeit immer auf<br />
Reisen war. So war er während des<br />
George Rodger, Unterwegs 1940-1949.<br />
160 S. mit 62 s/w-Abb., Hardcover, 24 x<br />
16 cm, Hatje Cantz, 24,80 Euro<br />
Zweiten Weltkriegs u.a. für LIFE in 61<br />
Ländern als Kriegsberichterstatter tätig –<br />
und beschloss danach, traumatisiert durch<br />
die Erfahrungen bei der Öffnung des<br />
Konzentrationslagers Bergen-Belsen, nie<br />
wieder kriegerische Konflikte zu fotografieren.<br />
Nach der Gründung von MAG-<br />
NUM begab sich Rodger 1949/50 auf<br />
eine ausgedehnte Reise durch Afrika und<br />
den Vorderen Orient, mit der Kamera als<br />
stetem Begleiter und wie in den Jahren<br />
davor mit einem Tagebuch im Gepäck.<br />
Aber waren anfangs die Texte wichtiger<br />
und die Fotografien gewissermaßen<br />
souveräne Illustration, so wechseln bald<br />
die Rollen: Nun liegt die Bedeutung vor<br />
allem in den fotografischen Aufnahmen,<br />
diese enthalten alle Informationen und<br />
vermitteln noch ethnologische Beobachtungen.<br />
Die Texte stellen den Kontext<br />
her, in einer bemerkenswerten sprachlichen<br />
Befähigung. Das feine Buch, das<br />
mit dem Untertitel „Unterwegs. 1940-<br />
1949“ bei Hatje Cantz erschienen ist,<br />
funktioniert jedenfalls als Lese- wie auch<br />
als Fotobuch. Sehr unprätentiös in der<br />
Aufmachung, stellt es Rodger mit seinem<br />
wichtigsten Jahrzehnt vor, in dem er das<br />
Genre wechselt und mit seinen Bildern<br />
tatsächlich veritable Kunstwerke schafft.<br />
Dazu trägt seine Intensität des Erlebens<br />
bei. Nie sind seine Fotografien Sensationsjournalismus<br />
(der uns heute in den<br />
Tageszeitungen so auf die Nerven geht!),<br />
sondern sensible Vermittlung aufgrund<br />
von Betroffenheit.<br />
George Rodger wird mit all dem, was<br />
er relativ jung geschaffen hat, zu einem<br />
Wegbereiter für die Nachkriegsfotografie.<br />
Zu zwei der wichtigsten Fotojournalisten<br />
der deutschen Geschichte nach 1945 sind<br />
unlängst ebenfalls wichtige Monographien<br />
erschienen. Die Fotos beider Journalisten,<br />
die zunächst für Zeitschriften<br />
entstanden, gehören längst zu unserem<br />
kollektiven Gedächtnis – ja, sie prägen<br />
unsere Wahrnehmung bzw. Erinnerung<br />
der Geschichte. Josef Heinrich Darchinger<br />
(geb. 1925) ist als Fotograf des<br />
Spiegels und der Zeit der Chronist des<br />
deutschen Wiederaufbaus, und Harald<br />
Schmitt (geb. 1948) hat im Auftrag des<br />
stern den Wandel des Ostblocks über<br />
Jahrzehnte dokumentiert. Darchinger<br />
ist als Fotograf überschauend, gelassen.<br />
Schmitt hingegen der Mann für die<br />
Sekunde, oft spürt man eine gewisse<br />
Gehetztheit, das Besondere des Augenblicks.<br />
Darchinger hat in seiner Fotografie<br />
auf Wiedererkennung gesetzt – oft auch<br />
in Farbe fotografiert –, damit tragen seine<br />
Fotos heute einen gewissen nostalgischen<br />
Ton. Seine Fotos sind geradezu „klassisch“<br />
komponiert. Harald Schmitt fotografiert<br />
bis heute überwiegend in s/w. Er lässt<br />
Unschärfen zu, geht extrem nah heran<br />
und provoziert dadurch eine gewisse Sympathie<br />
für die Menschen, mit denen wir<br />
fast leiblich konfrontiert sind. Der zeithistorische<br />
Hintergrund – ein bahnbrechendes<br />
Ereignis im Fluss der Geschichte<br />
– erschließt noch die Besonderheit von<br />
Szene und Situation. „Fotografien vom<br />
Ende des Staatssozialismus“ lautet der<br />
Untertitel seines Buches, das die Bilder<br />
ganzseitig setzt.<br />
Die Unterschiede in der Herangehensweise<br />
dieser beiden Fotografen werden an<br />
Josef Heinrich Darchinger, Wirtschaftswunder.<br />
Deutschland nach dem Krieg<br />
1952-1967. 285 S., durchgehend farbig<br />
und s/w bebildert, geb. mit Schutzumschlag,<br />
26 x 31 cm, Taschen, 29,99 Euro<br />
einer historischen Situation und Einstellung<br />
vom 13. Dezember 1981 deutlich,<br />
also einmal aufgenommen von Darchinger,<br />
einmal von Schmitt. Nach einem<br />
dreitägigen Gipfel, der eine Annäherung<br />
von Bundesrepublik und DDR mit sich<br />
brachte, reist Bundeskanzler Helmut<br />
Schmidt mit dem Zug ab. Symbolisch<br />
ist die Handreichung: Schmidt reicht<br />
seinen gestreckten Arm aus dem Fenster<br />
heraus, Honecker streckt seinen entgegen.<br />
Darchinger fotografiert den Augenblick,<br />
in dem Honeckers Hand in der von<br />
Schmidt liegt, als entschiedene Geste,<br />
zugleich gliedert die daraus entstehende<br />
Diagonale das Bildformat. – Harald<br />
Schmitt aber fotografiert eine Sekunde
Harald Schmitt, Sekunden, die Geschichte<br />
wurden. 256 S. mit ca. 230 ganzseitigen<br />
Abb., Broschur, 28,5 x 21 cm, Steidl,<br />
18,- Euro<br />
davor. Da sind die Arme noch getrennt<br />
und Honecker hält mit spitzen Fingern<br />
ein (Husten-?) Bonbon – nun erklärt<br />
sich auch der winterliche Anzug und das<br />
Verschmitzte in den Gesichtern weiter.<br />
Zugleich trägt die Geste etwas Zögerliches.<br />
Darchinger zeigt das Versöhnliche,<br />
Schmitt hingegen das Getrennte,<br />
Fragwürdige ... Generell, Darchinger hat<br />
nicht die Härte von Schmitt, es geht ihm<br />
um das direkte Bildgeschehen, während<br />
Schmitts Fotografie in der Betrachtung<br />
immer komplexer wird und mit Untertönen<br />
arbeitet. Damit ist Schmitt dem<br />
Kunstwerk schließlich doch näher – aber<br />
darum geht es dem großen Nachkriegsfotografen<br />
Darchinger gar nicht.<br />
Einem anderen Fotografen schon. Hannes<br />
Kilian (1909-1999) steht gänzlich in<br />
künstlerischen Traditionen, per se schon<br />
durch sein zentrales Betätigungsfeld, dem<br />
er sich überwiegend von Stuttgart aus<br />
gewidmet hat und für das er als großer<br />
Meister der Fotografie gilt: das Ballet mit<br />
seinen Eigenschaften der Bewegung, des<br />
innigen Ausdrucks im Zusammenspiel<br />
von Gestus und Mimik, in der Licht-<br />
Schatten-Dramaturgie. Dass er aber auch<br />
ein herausragender Chronist deutschen<br />
Lebens und ein bemerkenswerter Porträtfotograf<br />
ist, das belegt jetzt die Monographie,<br />
die vor einigen Monaten bei Hatje<br />
Cantz erschienen ist. Übrigens war sie wie<br />
Hannes Kilian, hrsg. Klaus Honnef. 352<br />
S. mit 342 Duplex-Abb., geb. mit Schutzumschlag,<br />
30,7 x 25 cm, Hatje Cantz,<br />
39,80 Euro<br />
bei Harald Schmitt mit einer Ausstellung<br />
u.a. im Martin Gropius-Bau in Berlin<br />
verbunden.<br />
Hannes Kilian fotografiert grundsätzlich<br />
in s/w und er zieht alle Register<br />
der handwerklichen Möglichkeiten: im<br />
Ausschnitt, in der Perspektive, in der<br />
Lichtdramaturgie, im All-Over oder der<br />
Bildfüllung durch Reihung und Staffelung.<br />
Damit arbeitet Kilian explizit auf<br />
einen Stil hin, hinter dem der Wille nach<br />
Ausdruck und Verdichtung steht. Freilich,<br />
manchmal drängt die formale Raffinesse<br />
die Deutlichkeit der inhaltlichen Aussage<br />
an den Rand – immer aber ergibt sich<br />
daraus eine bemerkenswerte Spannung<br />
von Form und Inhalt. Hannes Kilian ist<br />
also ein Fotograf, der am und mit dem<br />
Beispiel deutscher Gesellschaft dafür<br />
schärft, Wirklichkeit in ihrer Flüchtigkeit<br />
zu sehen, das Besondere zu entdecken<br />
– und es uns dann auch leichter macht,<br />
Fotografie-Künstler vom Kaliber eines<br />
Harald Schmitt richtig zu „lesen“. Also,<br />
man muss genau hinsehen bei solchen<br />
Fotos, die sich voller Hintergründe und<br />
mit ihren Anspielungen erst allmählich<br />
entschlüsseln.<br />
Lichtbogen<br />
Frank Marschang e.K.<br />
Karlstraße 37<br />
42105 Wuppertal<br />
Tel. 0202.244 34 40<br />
Fax 0202.244 34 39<br />
www.lichtbogen-wuppertal.de<br />
info@lichtbogen-wuppertal.de<br />
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51
52<br />
Kulturnotizen<br />
Konzerte im Landhotel Jammertal<br />
In the summertime – unter diesem<br />
Motto startet das Landhotel Jammertal in<br />
den Monaten Juli und August eine Serie<br />
mit außergewöhnlichen Künstlern. Die<br />
Aufführungen finden jeweils Mittwoch,<br />
ab 20.30 Uhr, statt.<br />
Am 28. Juli, dreht sich alles um irische,<br />
schottische und englische Folksongs.<br />
Vorgetragen werden dabei von Ralf Weihrauch<br />
(Akkordeonist und Sänger) auch<br />
Balladen, die selbst in den Ursprungsländern<br />
nicht zum alltäglichen Repertoire<br />
gehören.<br />
Den Auftakt im August macht am 4.<br />
das Spirit of Louis Armstrong-Trio, das<br />
ursprünglich am 17. Juni auftreten sollte,<br />
aber wegen der Fußball-Weltmeisterschaft<br />
verschoben wurde. Eberhard Dodt (Gitarre),<br />
Anselm Vogt (Gesang) und Rainer<br />
Matz (Trompete) lassen noch einmal die<br />
weltberühmten Songs des Altmeisters<br />
aufleben.<br />
Zu einem Boogie Woogie-Abend laden<br />
am 11. August der Recklinghäuser Thomas<br />
Nowak (Gesang und Piano) und<br />
Holger Seemann (Schlagzeug).<br />
Mit einem Jazz- und Bluesabend geht<br />
die Sommersaison im Jammertal am 18.<br />
August in die Schlussphase. Das Duo<br />
Astrid Demtröder (Gesang) und dem<br />
in England geborenen Pianisten Eric<br />
Richards begeistert mit Jazz-Standards,<br />
Latin, Blues und Pop-Songs.<br />
Eric Richards &<br />
Astrid Demtröder<br />
Den Schluss macht am 25. August<br />
der Recklinghäuser Gitarrist Ingo Marmulla<br />
mit Band. Die Truppe mit Casper<br />
van Meel (Kontrabass) und Dominic<br />
Brosowski (Schlagzeug) lässt erneut den<br />
Jazz und Blues aufleben.<br />
Wie immer ist die Veranstaltungsreihe,<br />
die aufgrund der Kulturhauptstadt<br />
Ruhr.2010 ins Leben gerufen wurde, für<br />
Hotelgäste kostenlos. Für weitere Besu-<br />
cher bietet sich die Möglichkeit, diesen<br />
Abend mit einem Dinner-Büffet (ab 18<br />
Uhr) zu kombinieren.<br />
Weitere Auskünfte unter 02363 3770<br />
oder www.landhotel-jammertal.de<br />
Ingo Marmulla<br />
Natur wird Kunst - Georg Arends<br />
Die Staudengärtnerei Arends-Maubach<br />
in Wuppertal – Ronsdorf ist eine<br />
der ältesten in Deutschland. Ihr Gründer<br />
Georg Arends (1863-1952) hinterließ<br />
der Nachwelt etwa 350 neue Züchtungen<br />
und darüber hinaus auch ein riesiges<br />
Archiv an Pflanzenzeichnungen und vor<br />
allem Fotografien auf Glasplattennegativen.<br />
Diese Sammlung ruht, von der Öffentlichkeit<br />
kaum beachtet, bis heute im<br />
Archiv der Gärtnerei. Die über tausend<br />
Glasplattennegative entstanden in der ersten<br />
Hälfte des vergangenen Jahrhunderts.<br />
Das Von der Heydt-Museum hat jetzt aus<br />
diesem großartigen Fundus neue Abzüge<br />
erstellen lassen, die das Zentrum der<br />
Ausstellung „Natur wird Kunst – Georg<br />
Arends“ bilden.<br />
In der Geschichte der Pflanzendarstellungen<br />
stehen Naturwissenschaft<br />
und Kunst sehr nahe beieinander. Für<br />
den Botaniker entscheidend war seit der<br />
Antike die genaue Abbildung der Pflanze<br />
– ein Bereich, in dem eine naturalistische<br />
Darstellungsweise besonders wichtig ist.<br />
Seit der Entwicklung der Fotografie in der<br />
Mitte des 19. Jahrhunderts fand deshalb<br />
gerade dieses Medium wegen seiner<br />
Präzision und „Unbestechlichkeit“ eine<br />
weite Verbreitung und löste die Zeichnung<br />
teilweise ab. Dies bedeutete eine<br />
Weiterentwicklung in der Darstellung der<br />
Botanik, die sich so besonders schön in<br />
den Bildern der Staudengärtnerei Georg<br />
Arends ablesen lässt.<br />
Die Schwarz-Weiß-Fotografien aus<br />
der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts<br />
zeigen verschiedene Pflanzen, vorrangig<br />
Georg Arends´ Hauptzüchtungsgruppen,<br />
Primeln, Astilben, Azaleen, Rhododendren<br />
und Steingartengewächse. Aber auch<br />
Gesamtauf-nahmen der Gärtnerei haben<br />
die Fotografen von einer Leiter oder von<br />
dem hohen Schornstein aus erstellt. Manche<br />
der Fotos dienten auch als Vorlage für<br />
den jährlichen Preiskatalog der Gärtnerei.<br />
Die Fülle des Archivs übersteigt jedoch<br />
bei weitem die reine Zweckdienlichkeit:<br />
Sie zeugt von der Begeisterung für die<br />
Fotografie, von der Leidenschaft vergängliche<br />
Blüten in Bildern festzuhalten, von<br />
der Akribie eines Züchters und Gärtners<br />
und dem Wunsch, all seine Pflanzen in<br />
Abbildungen zu erfassen.<br />
Georg Arends unter Blutbuche, heiter; Juni<br />
1928; Schwarz-Weiß-Fotografie; Staudengärtnerei<br />
Arends Maubach<br />
Ein Teil des Archivs besteht aus Farbfotografien,<br />
die damals noch selten und zudem<br />
sehr teuer waren. Sie zeigen den hohen<br />
Stellenwert, den die Fotografie für Georg<br />
Arends hatte. Hier wurde an Material nicht<br />
gespart.<br />
Die Pflanzen werden so gezeigt, wie<br />
sie sind: gestochen scharf - auch in hoher<br />
Auflösung, ohne Verfremdungseffekte. Ein<br />
gespanntes Leintuch dient oft als Hintergrund,<br />
welches von Helfern gehalten<br />
wurde, die auf den Fotos teilweise noch zu<br />
erkennen sind. An feinen Schatten erkennt<br />
man eine professionelle Ausleuchtung. Dabei<br />
überzeugen die Bilder vor allem durch<br />
die in einem Bildausschnitt eingefangenen
Rhododendron racemosum; 1913;<br />
Schwarz-Weiß-Fotografie; Staudengärtnerei<br />
Arends Maubach<br />
Strukturen. Der klare Blick auf sich wiederholende<br />
Elemente weckt Assoziationen zu<br />
den Fotografien von Albert Renger-Patzsch.<br />
Die Bilder können nicht immer eindeutig<br />
einem Fotografen zugeordnet werden.<br />
Viele tragen keinerlei Hinweis auf den Fotografen.<br />
Der größte Teil der Fotos stammt<br />
wohl von Georg Arends´ Söhnen Erich<br />
(1894-1967) und Werner (1896-1967).<br />
Von Georg Arends´ Hand stammen<br />
die Aquarelle und Zeichnungen, die den<br />
zweiten Schwerpunkt unserer Ausstellung<br />
bilden. Sie entstanden während seiner<br />
Ausbildungszeit von 1882 – 1884 in der<br />
„Höheren Lehranstalt für Obst-, Wein- und<br />
Gartenbau“ in Geisenheim (bei Wiesbaden).<br />
Hierin widmete sich Georg Arends<br />
der Darstellung exotischer Pflanzen und der<br />
Erfassung aller damals bekannten Apfel-<br />
und Birnensorten.<br />
In diesen Bildern wird das botanische Interesse<br />
noch deutlicher als bei den Fotos: Wir<br />
sehen die Pflanze oder Frucht als Objekt<br />
ohne Hintergrund dargestellt, die Blüten<br />
sind teilweise abgetrennt und im Detail, in<br />
der Aufsicht und Ansicht, gezeigt. Dieses<br />
Abtrennen und Danebenlegen der Blüte ist<br />
oft so geschickt komponiert, dass es dem<br />
Betrachter erst beim genaueren Hinsehen<br />
auffällt. Weiterhin wird der Eindruck einer<br />
ganzen, lebenden Pflanze vermittelt. Und<br />
Georg Arends: Pfirsichroter Sommerapfel;<br />
Ohne Jahr; Aquarell mit Deckfarbe; Staudengärtnerei<br />
Arends Maubach<br />
doch wirkt dieses Sezieren wie ein leiser<br />
Hinweis auf die botanische Intention der<br />
Abbildung.<br />
Unsere Kulturförderung<br />
ist gut für die Sinne.<br />
Wir freuen uns außerordentlich über<br />
den Fund des Bildarchivs Georg Arends,<br />
der die Forschung zur wissenschaftlichen<br />
Pflanzendarstellung an der Wende vom<br />
19. zum 20. Jahrhunderts sicher beflügeln<br />
wird und hoffen, dass auch unsere Besucher<br />
an dieser Entdeckung ihre Freude haben<br />
werden.<br />
Von der Heydt Museum<br />
24.08. 2010 – 02.01.2011<br />
Turmhof 8<br />
D-42103 Wuppertal<br />
www.von-der-heydt-museum.de<br />
Das Theater ist auf der Straße<br />
Ausstellung in Leverkusen erinnert an<br />
die Happenings von Wolf Vostell<br />
Wer sich bis 15. 8. 2010 dem Portal von<br />
Schloß Morsbroich in Leverkusen nähert,<br />
kann leicht über ein rostiges Bahngleis<br />
stolpern, auf dem quer zur Fahrtrichtung<br />
ein alter, schwarzer, zerbeulter Mercedes 170<br />
plaziert wurde. Ein Großfoto im Hintergrund<br />
bettet die Inszenierung in ihren<br />
historischen Kontext ein, erinnert an ein<br />
spektakuläres Ereignis, das im Jahr 1963 in<br />
Wuppertal stattfand. Gegenstand der unter<br />
dem programmatischen Titel „Das Theater<br />
ist auf der Straße“ firmierenden Ausstellung<br />
sind fünfzig Happenings des Fluxuskünstlers<br />
Wolf Vostell (1932-1998), oder genauer,<br />
was davon übrig geblieben ist: Konzepte,<br />
Happening-Partituren und -Notationen,<br />
Einladungen und sonstiges dokumenta-<br />
Kunst und Kultur prägen die gesellschaftliche Entwicklung. Die Sparkassen-Finanzgruppe ist der größte nichtstaatliche<br />
Kulturförderer Deutschlands. Auch die Stadtsparkasse Wuppertal ist ein wichtiger Partner für Kunst<br />
und Kultur in unserer Stadt. Das ist gut für die Kultur und gut für Wuppertal. www.sparkasse-wuppertal.de<br />
Sparkasse. Gut für Wuppertal.<br />
S<br />
53
54<br />
Foto: Rainer K. Wick<br />
risches Material, Fotos, Filme und das,<br />
was Vostell selbst als Happening-Fallouts<br />
bezeichnet hat, also Relikte, die im Rahmen<br />
von Aktionen, die zwischen 1958 und 1988<br />
stattgefunden haben, entstanden sind.<br />
Davon zeugen gleichermaßen seine Plakatabrisse,<br />
Objektbilder, Druckgrafiken und<br />
Happenings, mit denen er in den sechziger<br />
Jahren zum bedeutendsten europäischen<br />
Vertreter dieser Kunstform wurde.<br />
In diesem Sinne zu den „klassischen“<br />
Happenings des Künstlers gehören die „9<br />
Nein-dé-coll/agen“, die am 14. September<br />
1963 in Wuppertal stattfanden. Ausgehend<br />
von Rolf Jährlings Galerie Parnass wurden<br />
die Teilnehmer mit einem Bus durch die<br />
Stadt transportiert und erlebten u.a., wie<br />
auf dem Rangierbahnhof Vohwinkel eine<br />
Dampflok mit ihren Puffern einen PKW<br />
demolierte, wie in Mixern eine Bildzeitung<br />
gemahlen, wie in einem nächtlichen<br />
Steinbruch ein Fernsehgerät zur Explosion<br />
gebracht und wie Plastikspielzeug auf Elektrokochern<br />
geschmolzen wurde.<br />
Dies und vieles mehr breitet die Leverkusener<br />
Ausstellung auf zwei Etagen mit<br />
Hilfe von umfangreichem dokumentarischen<br />
Material aus dem Happening Archiv<br />
Vostell in Malpartida de Caceres aus.<br />
Die Ausstellung wird von einem reich<br />
bebilderten Katalog begleitet. Sie wird von<br />
Oktober 2010 bis Februar 2011 im Museo<br />
Vostell Malpartida in der Nähe der spanischen<br />
Stadt Cáceres in Extremadura gezeigt.<br />
Das Theater ist auf der Straße.<br />
Die Happenings von Wolf Vostell<br />
Museum Morsbroich, Leverkusen<br />
(bis 15. 8. 2010)<br />
www.museum-morsbroich.de<br />
Katalogbuch im Kerber Verlag,<br />
24 × 30 cm, 344 Seiten, deutsch/spanisch<br />
ISBN 978-3-86678-431-4, in der Ausstellung<br />
€ 30,-, im Buchhandel € 44,80<br />
Eva Bertram:<br />
„2 Ein Kind – 1998-2009“<br />
Fotografien von Eva Bertram mit einem<br />
Essay des Wuppertaler Philosophen<br />
Andreas Steffens.<br />
Eva Bertram hat in ihrem Fotoprojekt<br />
„2 Ein Kind“ über einen Zeitraum von elf<br />
Jahren das Aufwachsen und die Entwicklung<br />
ihrer Tochter mit der Kamera<br />
verfolgt, in Schnappschüssen und Inszenierungen<br />
festgehalten. Ein auf den ersten<br />
Blick unverfängliches, an die Idee eines<br />
Familienalbums erinnerndes Vorhaben.<br />
Beim genauen Betrachten hingegen wirkt<br />
die öffentliche Präsentation des Kindes<br />
unangenehm, ja peinlich, dringt man<br />
doch mit Auge und Verstand uneingeladen<br />
(vom Kinde, notabene) in die intime<br />
Welt dieses kleinen Menschen ein, dem<br />
durch die Mutter die Selbstbestimmung<br />
genommen wurde. Mehr noch: Eva<br />
Bertram – eine interessante Fotografin,<br />
wie ihr Band „Inseln“ belegt - reißt mit<br />
ihrem Buch dem Kind den Schleier des<br />
Geheimnisses der Kindheit vom zarten<br />
Gesicht, exponiert das Mädchen auf<br />
beinahe voyeuristische Manier.<br />
Selbst Andreas Steffens´ einfühlsamer, in<br />
die Tiefe des Themas Kindheit gehender<br />
Essay „Fotografie der Kindheit, Kindheit<br />
der Fotografie“ vermag dieses bedrückende<br />
Gefühl nicht zu mildern. Wo er die<br />
Geschichte einer/der Kindheit sieht, die<br />
„Bildkunst einer ästhetischen Tochterkonstitution“,<br />
ein „Dokument, das<br />
verewigt, was zum ersten Mal war“, sehe<br />
ich den kaum zu ertragenden Diebstahl<br />
einer ungestörten Kindheit mit all ihren<br />
Wandlungen.<br />
Mir fällt dazu Friedrich Hölderlin ein,<br />
der 1797 in seinem „Hyperion“ schreibt:<br />
„Ruhe der Kindheit! himmlische Ruhe!<br />
wie oft steh´ ich stille vor dir in liebender<br />
Betrachtung, und möchte dich denken!<br />
(...) Ja! ein glücklich Wesen ist das Kind,<br />
solang es nicht in die Chamäleonsfarbe<br />
der Menschen getaucht ist. - Es ist ganz<br />
was es ist, und darum ist es so schön. Der<br />
Zwang des Gesetzes und des Schicksals<br />
betastet es nicht! im Kind ist Freiheit<br />
allein. - In ihm ist Frieden! es ist noch mit<br />
sich selber nicht zerfallen. Reichtum ist in<br />
ihm; es kennt sein Herz, die Dürftigkeit<br />
des Lebens nicht. Es ist unsterblich, denn<br />
es weiß vom Tode nichts.<br />
Aber das können die Menschen nicht<br />
leiden. Das Göttliche muß werden, wie<br />
ihrer einer, muß erfahren, daß sie auch<br />
da sind, und eh es die Natur aus seinem<br />
Paradiese treibt, so schmeicheln und<br />
schleppen die Menschen es heraus, auf<br />
das Feld des Fluchs, daß es wie sie im<br />
Schweiße des Angesichts sich abarbeite.<br />
Aber schön ist auch die Zeit des Erwachens,<br />
wenn man nur zur Unzeit uns<br />
nicht weckt.“<br />
Frank Becker<br />
Eva Bertram – „2 Ein Kind - 2 One Child“<br />
Gestaltung von Eva Bertram, Hans<br />
Schumacher, Text von Ulrich Pohlmann,<br />
Andreas Steffens (Deutsch, Englisch) -<br />
© Hatje Cantz 2010, 160 Seiten, 76 farbige<br />
Abb., 21,70 x 25,10 cm, gebunden,<br />
29,80 Euro, ISBN 978-3-7757-2621-4<br />
Ausstellung zur Glaskunst<br />
des Art Déco in Frankreich<br />
Düsseldorf - Das Glasmuseum Hentrich<br />
im Grünen Gewölbe der Düsseldorfer<br />
Tonhalle zeigt bis zum 31. Oktober<br />
Glaskunst des Art Déco in Frankreich. Als<br />
René Lalique und die Brüder Schneider<br />
ihre jeweiligen Glasfirmen 1909 und<br />
1909/10 gründeten, war die Ära des Jugendstils<br />
vorbei, aber ein neuer Stil noch<br />
nicht in Sicht. Entsprechend unkonventionell,<br />
frisch und einzigartig nehmen sich<br />
die Werke dieser beiden Unternehmen<br />
aus, hieß es am Freitag.<br />
Noch den Werten des Art Nouveau<br />
und der „École de Nancy“ verhaftet, entstanden<br />
in den Verreries Schneider knallbunte<br />
Gläser in handwerklicher Fertigung<br />
vor dem Ofen. Lalique hingegen, der selbst
zu den erfolgreichsten Schmuckkünstlern<br />
des Art Nouveau gehört hatte, öffnete<br />
sich ganz den modernen maschinellen<br />
Herstellungsmethoden, nutzte sie aber<br />
für schillernd opalisierende, meist farblose<br />
Luxusobjekte. Die Schau gibt einen Überblick<br />
aus den Beständen des Glasmuseums<br />
zum Werk der beiden maßgeblichen<br />
Hersteller.<br />
Die Ausstellung ist dienstags bis sonntags<br />
von 11 bis 18 Uhr geöffnet.<br />
Internet: www.glasmuseum-hentrich.de<br />
Ausstellung über „Riten des<br />
Lebens“ im Neanderthal-Museum<br />
Mettmann - „Riten des Lebens“ lautet<br />
der Titel der neuen Sonderausstellung im<br />
Neanderthal-Museum in Mettmann. Präsentiert<br />
werden Bilder des schwedischen<br />
Fotografen Anders Ryman. Entscheidende<br />
Momente, mit denen neue Lebensabschnitte<br />
beginnen, werden laut Museum<br />
überall auf der Welt zelebriert. Der Fotograf<br />
bereiste insgesamt sieben Jahre lang<br />
die Welt, um solche Rituale festzuhalten<br />
und zu dokumentieren. Die Ausstellung<br />
ist bis zum 1. November terminiert.<br />
Ziel des Fotografen war, alle bewohnten<br />
Kontinente, alle Weltreligionen und<br />
alle Lebensphasen mit einzubeziehen und<br />
dabei auch Modernes sowie Traditionelles<br />
zu verminden. Die Aufnahmen zeigen<br />
Rituale aus insgesamt 14 Ländern. Zu<br />
sehen sind Rituale etwa von der Segnung<br />
eines Neugeborenen in einem kleinen<br />
spanischen Dorf bis zur Sonnenaufgangs-<br />
Zeremonie der Apachen in Arizona, vom<br />
Initiationsritual der südafrikanischen<br />
Xhosa bis zur Hochzeitsfeier in Tokio.<br />
Zu sehen ist nicht nur die enorme<br />
kulturelle Vielfalt der Menschheit. Die<br />
Bilder zeigen die Menschen in den<br />
emotionalsten Momenten ihres Lebens<br />
sowie das allen gemeinsame menschliche<br />
Bedürfnis, die Schritte entlang des<br />
Lebensweges feierlich zu begehen.<br />
Das Museum ist dienstags bis sonntags<br />
von 10 bis 18 Uhr geöffnet.<br />
Internet: www.neanderthal.de<br />
Ausstellung „Outdoor and outside“<br />
in Recklinghausen<br />
Recklinghausen - Unter dem Titel<br />
„Outdoor and outside“ ist in der Kunsthalle<br />
Recklinghausen eine Ausstellung des<br />
japanischen Künstlers Tadashi Kawamata<br />
zu sehen. Kawamata schafft Installationen,<br />
die auf ihre Umgebung, auf die<br />
Geschichte und Funktion eines Ortes<br />
oder eines Gebäudes reagieren. Trotz ihres<br />
eindeutig skulpturalen Anspruchs lehnten<br />
sich die Kunstwerke meist eng an eine<br />
architektonische Formensprache an und<br />
hätten eine konkrete Funktion, hieß es<br />
beim Start der Schau weiter.<br />
Auf dem Vorplatz der Kunsthalle<br />
errichtete der 1953 in Hokkaido geborene<br />
Künstler ein überdimensionales Turmmodell,<br />
das symbolisch den Blick von<br />
oben auf die Region ermöglicht. In einer<br />
parallelen Ausstellung zeigt die Kunsthalle<br />
- ausgehend von einem Sammlungsschwerpunkt<br />
der Recklinghäuser Museen<br />
- auch die unterschiedlichen Facetten<br />
der Outsiderkunst im Ruhrgebiet. Zu<br />
Peter Krämer<br />
WP/StB<br />
Andreas Niemeyer<br />
WP/StB<br />
Thomas Pintzke<br />
StB<br />
Katrin Schoenian<br />
WP/StB<br />
Dr. Jörg Steckhan<br />
RA/WP/StB<br />
Peter Temmert<br />
WP/StB<br />
Susanne Schäfer<br />
StB<br />
Stephan Schmacks<br />
StB<br />
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55
56<br />
sehen sind Exponate von der Naive über<br />
die Werke psychisch Kranker bis hin zu<br />
zeitgenössischen Erscheinungsformen<br />
„randständger“ Kunst wie etwa Graffiti<br />
oder Street Art, die wie Kawamata den<br />
öffentlichen Raum besetzen. Die Ausstellung<br />
ist bis zum 5. September terminiert.<br />
Die Kunsthalle ist dienstags bis sonntags<br />
von 11 bis 18 Uhr geöffnet.<br />
Internet: www.kunst-re.de<br />
Simone Veil erhält den<br />
diesjährigen Heine-Preis der<br />
Stadt Düsseldorf<br />
Die mit 50.000 Euro dotierte Auszeichnung<br />
wird im Dezember übergeben<br />
Düsseldorf - Die französische Publizistin<br />
und Politikerin Simone Veil ist<br />
die diesjährige Preisträgerin des renommierten<br />
Heinrich-Heine-Preises der Stadt<br />
Düsseldorf. Die Auszeichnung zählt<br />
zu den bedeutendsten Literatur- und<br />
Persönlichkeitspreisen in Deutschland<br />
und ist mit 50.000 Euro dotiert, teilte ein<br />
Sprecher der NRW-Landeshauptstadt am<br />
Freitag mit. Der Heine-Preis wird seit<br />
1972 verliehen. Telefonisch über die<br />
Entscheidung der Jury informiert, sagte<br />
Veil nach Angaben der Stadt: „Ich fühle<br />
mich sehr geehrt und nehme den Heine-<br />
Preis mit Freuden an.“ Der Preis wird<br />
im Dezember - rund um Heines 213.<br />
Geburtstag in Düsseldorf überreicht.<br />
Laut Jury erhält Veil die Auszeichnung<br />
für ihr politisches und kulturelles<br />
Lebenswerk, „in dessen Zentrum das<br />
Wachsen und der Zusammenhalt Europas<br />
stehen.“ Zeit ihres öffentlichen Engagements<br />
sei die Preisträgerin für die Menschenrechte<br />
und die Verständigung der<br />
Völker eingetreten. Damit habe sie „ganz<br />
im Sinne Heinrich Heines dazu beigetragen,<br />
Europa eine Seele zu geben.“ Der Heine-Preis<br />
wird, wie es in den Bestimmungen<br />
heißt, durch die vom Rat der Stadt Düsseldorf<br />
eingesetzte Jury „an Persönlichkeiten<br />
verliehen, die durch ihr geistiges Schaffen<br />
im Sinne der Grundrechte des Menschen,<br />
für die sich Heinrich Heine eingesetzt hat,<br />
den sozialen und politischen Fortschritt<br />
fördern, der Völkerverständigung dienen<br />
oder die Erkenntnis von der Zusammengehörigkeit<br />
aller Menschen verbreiten“.<br />
Veil wurde am 13. Juli 1927 in Nizza<br />
als Tochter des jüdischen Architekten<br />
André Jacob und der Yvonne Steinmetz<br />
geboren. 1944 wurde ihre Familie von der<br />
Gestapo verhaftet und deportiert. 13 Monate<br />
lang war sie in den Konzentrationslagern<br />
von Auschwitz und Bergen-Belsen<br />
inhaftiert. Die Mutter kam in Auschwitz<br />
um, ihr Vater und der Bruder wurden<br />
nach Litauen geschafft, wo sie vermutlich<br />
ebenfalls ums Leben kamen. Nach dem<br />
Krieg studierte Veil Jura in Paris. Ihren<br />
Berufsweg begann sie 1957 im französischen<br />
Justizministerium. 1970 wurde sie<br />
als erste Frau Generalsekretär des „Conseil<br />
supérieur de la magistrature“, der höchsten<br />
Verwaltungsinstanz der französischen<br />
Richter.<br />
Einen ersten Höhepunkt erreichte<br />
ihre politische Karriere 1974, als sie als<br />
Gesundheitsministerin in die Regierung<br />
Jacques Chirac kam. Sie war der erste<br />
weibliche Minister Frankreichs seit 1958.<br />
Von Juli 1979 bis 1982 war sie Präsidentin<br />
des Europaparlaments. In die französische<br />
Regierung kehrte Veil 1993 zurück.<br />
Unter Premierminister Edouard Balladur<br />
übernahm sie das schwierige Ressort<br />
Soziales, Gesundheit und Stadtpolitik. Sie<br />
erhielt als Staatsministerin protokollarisch<br />
den ersten Rang nach dem Premierminister.<br />
Sie wurde 2008 in die Academie<br />
Francaise aufgenommen und ist die fünfte<br />
Frau in der 1635 gegründeten Institution.<br />
Zu den bisherigen Heine-Preisträgern<br />
gehören unter anderem Carl Zuckmayer,<br />
Walter Jens, Max Frisch, Hans Magnus<br />
Enzensberger, Elfriede Jelinek und<br />
Amos Oz.<br />
Museum Ahlen zeigt<br />
„Kunst im Widerstreit“<br />
Ahlen - „Kunst im Widerstreit“ lautet<br />
der Titel einer Ausstellung im Kunstmuseum<br />
Ahlen, die bis 24. Oktober<br />
Werke der so genannten „verschollenen<br />
Generation“ der Künstler präsentiert.<br />
Die ausgestellten Arbeiten von insgesamt<br />
28 Künstlern verbinde ein vergleichbares<br />
Schicksal, hieß es in einer Ankündigung<br />
des Museums. „Innere und äußere Emigration,<br />
Verfolgung, Diffamierung in den<br />
Propaganda-Ausstellungen „entarteter“<br />
Kunst oder auch die Zerstörung ihres<br />
Werkes im Zweiten Weltkrieg“, so die<br />
Aussteller.<br />
Die Exponate stammen aus der<br />
Sammlung Schlenke. Der Sammler hat es<br />
sich seit gut 30 Jahren zum Ziel gesetzt,<br />
die Erinnerung an die Schrecken des<br />
Krieges und der Diktatur wachzuhalten.<br />
Die zentrale Rolle in seiner<br />
Sammlung spielt Felix Nussbaum.<br />
Dessen Wunsch folgend: „laßt meine<br />
Bilder nicht sterben, zeigt sie den<br />
Menschen“, verstehe sich die Sammlung<br />
als Mahnung, die Kuratoren der<br />
Schau. Den Schwerpunkt der Kollektion<br />
bilden Kunstwerke aus der Zeit<br />
der 1930er und 1940er Jahre. Diese<br />
werden, um die stilistische Kunstentwicklung<br />
der jeweiligen Künstler<br />
aufzuzeigen, durch Werke der 1920er<br />
Jahre und der Nachkriegszeit ergänzt.<br />
Die Arbeiten, unter anderem von Peter<br />
August Böckstiegel, Karl Hofer, Rudolf<br />
Levy, Oskar Moll, Hanns Hubertus<br />
Graf von Merveldt und Clemens<br />
Wieschebrink, sind dem Expressionismus<br />
und der Neuen Sachlichkeit<br />
verpflichtet. Die Künstler widmen sich<br />
Bildsujets wie Landschaft, Porträt oder<br />
Stilleben, ohne das Leid oder existenzielle<br />
Ängste bildhaft zu machen. Zu<br />
sehen ist unter anderem das Bild<br />
„Trauernde Frauen“ von Hannah Höch<br />
aus dem Jahre 1945.<br />
Die Ausstellung ist dienstags, mittwochs<br />
und freitags von 14 bis 18 Uhr,<br />
donnerstags von 14 bis 20 Uhr sowie<br />
samstags und sonntags von 11 bis 18<br />
Uhr geöffnet.<br />
Internet: www.kunstmuseum-ahlen.de
Museum Schloß zeigt „Higlights<br />
der Graphischen Sammlung“<br />
Mönchengladbach - Das Städtische<br />
Museum Schloß Rheydt in Mönchengladbach<br />
zeigt seit dem 4. Juli „Highlights<br />
der Graphischen Sammlung“ des<br />
Hauses. Nach Angaben des Museums<br />
läuft die Schau bis zum 3. Oktober. Die<br />
umfangreiche Sammlung ruhe meist - der<br />
Öffentlichkeit verborgen - in lichtdichten<br />
Schubladen im Museums-Magazin, hieß<br />
es weiter. Unter den mehr als 5.000 Blättern<br />
befinden sich neben Zeichnungen<br />
und Aquarellen Blätter aus Handschriften,<br />
seltene Holzschnitte, Kupferstiche<br />
und Radierungen. Ein Querschnitt durch<br />
die Vielfalt der Sammlung werde den Besuchern<br />
der Ausstellung einen Eindruck<br />
von der Bedeutung und des Umfangs der<br />
Museumsbestände vermitteln, hieß es<br />
weiter.<br />
Das Museum ist dienstags bis sonntags<br />
von 10 bis 18 Uhr geöffnet.<br />
Internet: www.schlossrheydt.de<br />
Ausstellung zum Thema<br />
Reißverschlüsse in der Kunst<br />
Krefeld - Das Krefelder Haus der<br />
Seidenkultur zeigt bis zum 17. Oktober<br />
die Ausstellung „The-zip-association -<br />
Ausstellungs-Podium für Bewegung in<br />
Kunst.“ Darin geht es um den Siegeszug<br />
des Reißverschlusses, der 1923 in der<br />
Wuppertaler Firma RiRi begann. Zu<br />
sehen sind in der Schau über 40 Exponate,<br />
die zeigen, was internationale Künstler<br />
mit dem Thema Reißverschluß verbinden.<br />
Die in den Niederlanden lebende<br />
deutsche Künstlerin und Designerin<br />
Ursula Pahnke-Felder hatte die Idee,<br />
Kunstaktionen rund um Alltagsgegenstände<br />
zu konzipieren.<br />
Die Ausstellung ist jeden ersten und<br />
dritten Sonntag im Monat von 14 bis<br />
18 Uhr sowie jeden vierten Donnerstag<br />
im Monat von 16 bis 19 Uhr und nach<br />
Vereinbarung geöffnet.<br />
Internet: www.seidenkultur.de<br />
Nixdorf-Museum zeigt Schreibmaschinen<br />
von Schriftstellern<br />
Paderborn - „Schriftsteller und ihre<br />
Schreibmaschinen“ lautet der Titel einer<br />
Ausstellung im Paderborner Nixdorf-Museum.<br />
Die Schreibmaschine von Bertold<br />
Brecht etwa hieß „Erika“, Franz Kafka<br />
benutzte seine „Oliver 5“, Erich Kästner<br />
schrieb auf einer „Gossen Tippa“, hieß es<br />
in einer Mitteilung des Museums. Viele<br />
berühmte Schriftsteller hatten demnach<br />
ein besonderes Verhältnis zu ihrer<br />
Schreibmaschine. „Unser Schreibzeug arbeitet<br />
mit an unseren Gedanken“, erklärte<br />
etwa im Jahr 1882 Friedrich Nietzsche,<br />
der als einer der ersten überhaupt eine<br />
Schreibmaschine nutzte.<br />
Das Museum widmet diesem Thema<br />
nun eine kleine Ausstellung im Museumsshop.<br />
Hier sind insgesamt 18 Schreibmaschinenmodelle,<br />
wie sie von berühmten<br />
Autoren benutzt wurden, zu sehen. Darunter<br />
befindet sich auch ein Original: Die<br />
Columbia Bar-Lock von Hans Fallada, bei<br />
der die häufig benutzten Buchstaben E, R<br />
und S kaum noch zu erkennen sind, da Q<br />
aber fast gänzlich unberührt ist. Die kleine<br />
Schau zeigt nach Angaben des Museums<br />
die gesamte Geschichte der Schreibmaschine,<br />
von den ersten Modellen bis hin zum<br />
industriellen Standardprodukt.<br />
Das Museum ist dienstags bis freitags<br />
von 9 bis 18 Uhr sowie samstags und<br />
sonntags von 10 bis 18 Uhr geöffnet.<br />
Weitere Informationen unter: www.hnf.de<br />
Zentralbibliothek Köln würdigt<br />
Heinrich Böll mit Ausstellung<br />
Köln - Unter dem schlichten Titel<br />
„Wortwelten“ würdigt die Zentralbibliothek<br />
der Stadt Köln bis zum 28. August<br />
den Schriftsteller und Nobelpreisträger<br />
Heinrich Böll. Die Schau finde aus Anlaß<br />
des 25. Todestages von Böll in Kooperation<br />
mit der Böll-Stiftung und der Erbengemeinschaft<br />
Heinrich Böll statt, so ein<br />
Sprecher Kölns. Im Fokus stehen die farbigen<br />
Strukturskizzen und Romanschemata<br />
des Kölner Ehrenbürgers, hieß es weiter.<br />
Darüber hinaus würdigt die Ausstellung<br />
auch die Übersetzungsarbeit von<br />
Bölls Ehefrau Annemarie, die am 23. Juli<br />
ihren 100. Geburtstag gefeiert hätte. Als<br />
Übersetzerin zahlreicher englischsprachiger<br />
Autoren wie etwa J.D. Salinger,<br />
Bernhard Shaw, Patrick White und Judith<br />
Kerr habe Annemarie Böll wesentlich zur<br />
Verbreitung und literarischen Auseinandersetzung<br />
mit diesen Autorinnen und<br />
Autoren in Deutschland beigetragen, so<br />
die Aussteller.<br />
Die Ausstellung ist dienstags und<br />
donnerstags von 10 bis 20 Uhr, mittwochs<br />
und freitags von 10 bis 18 Uhr<br />
sowie samstags von 10 bis 15 Uhr bei<br />
freiem Eintritt geöffnet.<br />
Museum Ludwig in Köln zeigt<br />
Roy Lichtenstein<br />
Köln - Unter dem Titel „Kunst als<br />
Motiv“ präsentiert das Kölner Museum<br />
Ludwig bis zum 3. Oktober eine Ausstellung<br />
zum Werk des Pop Art Meisters Roy<br />
Lichtenstein. Der 1997 verstorbene<br />
Künstler schuf nach Motiven aus der Comic-<br />
und Konsumwelt Gemälde, die er<br />
aus Punkten und Farbflächen zusammensetzte.<br />
In der Ausstellung sind nach Angaben<br />
des Museums vom Mittwoch nun<br />
57
58<br />
noch ganz andere Seiten seines Oeuvres<br />
zu entdecken. Gezeigt werden etwa 100<br />
Exponate, überwiegend großformatige<br />
Gemälde sowie begleitende Zeichnungen<br />
und Skulpturen.<br />
Darin wird nach Angaben der<br />
Kuratoren die Auseinandersetzung<br />
Lichtensteins mit kunsthistorischen<br />
Stilrichtungen von Expressionismus und<br />
Futurismus bis Bauhaus, Art Déco oder<br />
der Landschaftsmalerei Ostasiens nachvollziehbar.<br />
Werke und stilistische Eigenarten<br />
von Künstlerheroen wie Monet,<br />
Matisse, Mondrian und Dalí tauchen<br />
als Themen und Versatzstücke auf, „von<br />
Lichtenstein gleichermaßen ironisch wie<br />
meisterhaft in seiner eigenen Bildsprache<br />
interpretiert,“ hieß es.<br />
Die Ausstellung ist dienstags bis<br />
sonntags von 10 bis 18 Uhr, jeden ersten<br />
Donnerstag im Monat von 10 bis 22 Uhr<br />
geöffnet.<br />
Internet: www.museum-ludwig.de<br />
Ausstellung in Bochum zeigt<br />
Helden und andere Leitbilder im<br />
Ruhrrevier nach 1945<br />
Bochum - „Kumpel Anton, St.<br />
Barbara und die Beatles“ lautet der Titel<br />
einer Ausstellung im Industriemuseum<br />
Zeche Hannover in Bochum, die seit dem<br />
17. Juli Helden und andere Leitbilder im<br />
Ruhrrevier nach 1945 präsentiert. Die bis<br />
zum 10. Oktober laufende Schau ist nach<br />
Angaben des Museums eine Begleitausstellung<br />
zur Kulturhauptstadtjahr-Schau<br />
„Helden. Von der Sehnsucht nach dem<br />
Besondern“, die noch bis Ende Oktober<br />
in Hattingen zu sehen ist. Deren Motto<br />
„Wandel durch Kultur - Kultur durch<br />
Wandel“ sei bereits in der Nachkriegszeit<br />
ein wichtiges Anliegen in der Industrieregion<br />
Ruhrgebiet gewesen, hieß es in der<br />
Ankündigung der Ausstellung - genauso<br />
wie das Ziel, Kultur für alle Menschen<br />
zugänglich zu machen. Im Mittelpunkt<br />
der Schau stehen deshalb die kleinen<br />
„Helden“ des Ruhrgebiets: Laienmaler,<br />
Hobbymusiker und Arbeiterdichter<br />
ebenso wie Kulturpolitiker aus Bergbau,<br />
Gewerkschaft und Kommune.<br />
Die Ausstellung, die die Kulturgeschichte<br />
des Reviers zwischen 1945 und<br />
1966 beleuchtet, stellt auch die zentralen<br />
Leitbilder der populären Kultur der<br />
Region vor: Symbolfiguren wie Kumpel<br />
Anton und die Heilige Barbara oder internationale<br />
Film- und Musikikonen, wie<br />
die Beatles. Zwei Ereignisse aus dem Jahr<br />
1966 bilden den Abschluß: das Einsetzen<br />
der Strukturkrise und der Auftritt der<br />
Beatles in Essen - sicherlich Zufall, aber<br />
gleichzeitig Symbol für einen erneuten<br />
Wandel in der Kultur, so die Aussteller<br />
weiter.<br />
Die Ausstellung ist mittwochs bis<br />
samstags von 14 bis 18 Uhr und sonntags<br />
von 11 bis 18 Uhr geöffnet.<br />
Internet: www.lwl-industriemuseum.de<br />
Bilderbuchmuseum Troisdorf<br />
würdigt den Sammler Wilhelm<br />
Alsleben<br />
Troisdorf - Unter dem Titel „Wir<br />
jubeln“ würdigt das Bilderbuchmuseum<br />
in Troisdorf bei Bonn den Sammler und<br />
Stifter Wilhelm Alsleben. Anlaß sei der<br />
100. Geburtstag Alslebens, so Museumsleiterin<br />
Maria Linsman vor der Eröffnung<br />
der Ausstellung. Anfang der 1980er Jahre<br />
stiftete Alsleben seine aus Tausenden von<br />
Bilderbüchern und rund 350 Illustrationen<br />
bestehende Sammlung dem damals<br />
im Aufbau befindlichen Museum. Die<br />
bis zum 15. August laufende Schau zeigt<br />
anhand der ausgestellten Original-Illustrationen<br />
und Bilderbücher eine repräsentative<br />
Auswahl aus der Sammlung Alsleben,<br />
die den Grundstock des musealen Illustrationsbestandes<br />
des Bilderbuchmuseums<br />
bildet.<br />
Die Ausstellung ist dienstags bis sonntags<br />
von 11 bis 17 Uhr geöffnet.<br />
Internet: www.troisdorf.de<br />
Schauspiel Köln erneut zum<br />
besten NRW-Theater gewählt<br />
Jährliche Kritikerumfrage des Magazins<br />
„Theater-Pur“ sieht das Ballett der<br />
Deutschen Oper am Rhein an der Spitze<br />
der Tanztheater von Rhein und Ruhr<br />
Essen/Köln/Düsseldorf - Das<br />
Schauspiel Köln mit seiner überaus<br />
erfolgreichen Intendantin Karin Beier ist<br />
von Theaterkritikern erneut zum besten<br />
Sprechtheater NRW gewählt worden.<br />
Nach Angaben des in Essen erscheinenden<br />
Magazins „Theater-Pur“ führt Beier<br />
auch als Regisseurin mit ihrer Produktion<br />
„Die Schmutzigen, die Häßlichen<br />
und die Gemeinen“ auch die beste<br />
Inszenierung in der zu Ende gehenden<br />
Spielzeit 2009/2010 an. Mit einigem<br />
Abstand folgt in nach Ansicht der<br />
Kritiker das Essener Grillo-Theater mit<br />
seinem scheidenden Intendanten Anselm<br />
Weber auf dem zweiten, das Schauspielhaus<br />
Bochum mit seinem scheidenden<br />
Intendanten Elmar Goerden auf dem<br />
dirtten Platz.<br />
Das Ballett der Deutschen Oper am<br />
Rhein wählten die Kritiker nach Angaben<br />
des Theatermagazins an die Spitze<br />
der NRW-Tanztheater. Beim Musiktheater<br />
steht einmal mehr das Essener<br />
Aalto-Theater auf Platz Eins. Auf Platz<br />
Zwei und Drei folgen die Deutsche Oper<br />
am Rhein und Wuppertal. Der von den<br />
Kritikern am meisten geschätzte Mann<br />
am Pult in NRW blieb auch in der auslaufenden<br />
Spielzeit Stefan Soltesz vom<br />
Aalto-Musiktheater in Essen. Fast jedes<br />
Theater an Rhein und Ruhr, von Aachen<br />
bis Bielefeld oder von Münster bis Bonn<br />
findet mit einzelnen guten Leistungen in<br />
der Umfrage Erwähnung. Auch einige<br />
freie Bühnen im Land erhielten mehrfach<br />
gute Leistung bescheinigt.<br />
An der jährlichen Kritikerumfrage von<br />
„Theater-Pur“ beteiligen sich etwa 15<br />
Theaterkritiker von Tageszeitungen,<br />
Magazinen und Rundfunksendern.<br />
Elmar Goerden lockte in seiner<br />
5-jährigen Bochumer Intendanz<br />
rund 910.000 Theaterbesucher<br />
Bochum - Ende Juni endete nach fünf<br />
Jahren die Intendanz von Elmar Goerden<br />
als künstlerischer Leiter des traditionsreichen<br />
Bochumer Schauspielhauses. Der in<br />
weiten Strecken relativ glücklos agierende<br />
Theatermann konnte in 3.656 Vorstellungen<br />
rund 910.000 Zuschauer im Theater<br />
begrüßen. In der vergangenen Spielzeit<br />
2009/2010 kamen etwa 186.000 Gäste.<br />
In Erinnerung bleiben sicherlich die Regiearbeiten<br />
von Burghart Klaußner - allen<br />
voran die deutsche Erstaufführung von<br />
Yasmina Rezas „Der Gott des Gemetzels“
mit Imogen Kogge und Felix Vörtler in<br />
zwei Hauptrollen.<br />
Höhepunkte waren sicherlich auch<br />
die beiden musikalischen Stücke „A<br />
Tribute to Johnny Cash“ mit Tomas<br />
Anzenhofer und „A Tribute to Quentin<br />
Tarantino“ mit Oliver Möller in der<br />
Hauptrolle. Die Johnny Cash-Produktion<br />
brachte es auf über 60 Vorstellungen und<br />
deutlich über 25.000 Zuschauer. Auch<br />
die Produktion „A Tribute to Quentin<br />
Tarantino“ lief bombig. Weitere Publikumserfolge<br />
waren „I hired a contract<br />
killer“, „König Lear“ und zuletzt „Nora“.<br />
Goerden setzte zudem in seiner fünfjährigen<br />
Intendanz mehrfach Akzente durch<br />
ungewöhnliche Theaterformate oder<br />
Festivals.<br />
Von Anfang seiner Intendantentätigkeit<br />
in Bochum stand Goerden ein<br />
wenig im Schatten des deutlich kleineren<br />
Essener Grillo-Theaters. Dort war Intendant<br />
Anselm Weber zeitgleich extrem<br />
erfolgreich und verdrängte die Bochumer<br />
Bühne von dem jahrzehntelang besetzten<br />
ersten Platz der Theater im Revier. Weber<br />
tritt nun in der Spielzeit 2010/2011<br />
die Nachfolge von Goerden in Bochum<br />
an.<br />
Der Westen leuchtet in Bonn<br />
Bonn - Unter dem Titel „Der Westen<br />
leuchtet“ präsentiert das Kunstmuseum<br />
Bonn bis 24. Oktober eine groß angelegte<br />
Ausstellung, die quasi eine Stand-<br />
Überall im Buchhandel erhältlich.<br />
www.edition.koendgen.de<br />
ortbestimmung der Kunstlandschaft des<br />
Rheinlandes darstellt. Die Ausstellung<br />
stellt die wichtigsten Künstlerinnen und<br />
Künstler der älteren Generation (von<br />
Richter bis Gursky) mit jeweils neuen<br />
Arbeiten vor und verknüpft sie mit<br />
zentralen Werken der jungen Nachwuchskunst<br />
zu einer Gesamtübersicht<br />
von mehr als 30 Positionen.<br />
Die Auswahl aus der Generation der<br />
älteren Künstlerinnen und Künstler und<br />
die Festlegung der neuen Arbeiten wurde<br />
kuratorisch durch das Wissenschaftlerteam<br />
des Kunstmuseums Bonn betreut.<br />
Die Auswahl der Nachwuchsgeneration<br />
nahmen die international bereits arrivierten<br />
Künstler selbst vor. Die Aufteilung der<br />
kuratorischen Verantwortung zwischen<br />
Künstlern und Kunsthistorikern versteht<br />
sich nach Angaben des Kunstmuseums<br />
„als bewußtes Zeichen gegen das Fantasma<br />
des omnipotenten Kurators und als<br />
Anerkennung der prioritären Leistung der<br />
Künstlerinnen und Künstler.“<br />
In der Schau vertreten sind unter<br />
anderem Bernd & Hilla Becher, Joseph<br />
Beuys, Anna und Bernhard Johannes<br />
Blume, Tony Cragg, Isa Genzken,<br />
Andreas Gursky, Georg Herold, Jürgen<br />
Klauke, Imi Knoebel, Marcel Oden-<br />
NEU<br />
bach, Albert Oehlen, Blinky Palermo,<br />
Sigmar Polke, Gerhard Richter, Ulrich<br />
Rückriem, Thomas Schütte, Katharina<br />
Sieverding, Rosemarie Trockel, Timm<br />
Ulrichs. Aus der jüngeren Künstlergeneration<br />
sind Arbeiten von Thomas<br />
Arnolds, Martina Debus, Simon Denny,<br />
Chris Durham, Claudia Fährenkemper,<br />
Natascha Sadr Haghighian, David<br />
Hahlbrock, Benjamin Houlihan, Bernd<br />
Kastner, Christian Keinstar, Erinna König,<br />
Gereon Krebber, Ursula Neugebauer<br />
und Michail Pirgelis zu sehen.<br />
Die Ausstellung ist dienstags bis sonntags<br />
von 11 – 18 Uhr sowie mittwochs<br />
von 11 - 21 Uhr geöffnet.<br />
Internet: www.kunstmuseum-bonn.de<br />
Texte: Andreas Rehnolt<br />
Auswahl und Redaktion: Frank Becker<br />
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