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ennpunkt 

2/2011 4,00 Euro Magazin für Fotografie 

April 2011 bis Juni 2011 

Galerien • Buchbesprechungen • Fotoszene 

Portfolio Miriam Tamayo

2 brennpunkt 2/2011 

FÜR ORIGINALE 

„Ich fotografiere für den Fine Art Druck. Erst die Kombination von hochwertigen traditionellen 

Büttenpapieren und modernster Drucktechnik bringt die sinnliche Qualität meiner Bilder optimal 

zur Geltung.“ Manfred Kriegelstein Die Digital FineArt Collection bietet exklusive Künstlerpapiere 

mit edler Haptik und bestechender Optik für den Inkjetdruck. Brillante Schwarz-Weiß-Aufnahmen 

oder subtile Farbfotografie werden dank unserer feinen Papiere der Individualität Ihrer Kunstwerke 

mehr als gerecht. Mehr Papierkunst unter www.hahnemuehle.de 

P A P I E R E M I T M U S E U M S Q U A L I T Ä T, A L T E R U N G S B E S T Ä N D I G U N D M E H R F A C H P R Ä M I E R T .

Impressum: 

brennpunkt 

Magazin für Fotografie 

Erscheint vierteljährlich, 

erhältlich in Fotogalerien, 

Geschäften, Buchhandlungen 

und über Abonnement. 

Jahresabo 13,50 Euro 

Einzelpreis 4,00 Euro 

Konten: 

Postbank Berlin 

Konto-Nr. 3751 06-104 

BLZ 100 100 10 

Redaktionsschluss: 

jeweils am 10. vor dem Erscheinungsmonat 

Herausgeber: 

edition buehrer 

c/o Dietmar Bührer 

Odenwaldstraße 26 

12161 Berlin 

Telefon u. Telefax: (0 30) 8 53 35 27 

e-Mail: buehrer-berlin@t-online.de 

e-Mail: brennp@web.de 

Internet: http://www.edition-dibue.de 

Copyright bei Edition 

Druck: 

schöne drucksachen 

Bessemerstraße 76a, 12103 Berlin 

ISSN 0932-7231 

Redaktion: 

Dietmar Bührer V.i.S.d.P. 

Michael Gebur 

Klaus Rabien 

Manfred Kriegelstein 

Hinweis: 

Für unverlangt eingesandte 

Manuskripte und Fotografien 

wird keine Haftung übernommen. 

© RUSSEL JAMES, »Emanuela«, 

Necker Island, 2010 

In eigener Sache ....................................................................................................................... 5 

Galerien 

� Karl Ludwig Lange ............................................................................................................. 6 

� Dirk Hasskarl »one man´s trash is another man´s treasure« .................................................. 7 

� Das XX. Jahrhundert ............................................................................................................ 8 

� YTO BARRADA ................................................................................................................... 9 

� Alice Springs ........................................................................................................................ 10 

� Daniel Sebastian Schaub »Authentische Räume« ................................................................. 11 

� Max Scheler ........................................................................................................................ 12 

� Gerhard Kassner »Berlinale Porträts« ................................................................................... 14 

� Hein Gorny, Adolph C. Byers, Friedrich Seidenstücker ........................................................ 15 

� Abschlussarbeiten der Fotoklasse 25 ................................................................................... 16 

� Margareta Broich »Wenn der Vorhang fällt« ........................................................................ 18 

� KARIN SZÉKESSY »LES FILLES DANS L`ATELIER« ................................................................. 19 

� Amin El Dib »empty rooms« ................................................................................................ 20 

� Knut Wolfgang Maron »Dakota -Bar, Barns and rotten cars« ................................................ 21 

� Stefanie Seufert »Photographische Aggregatzustände« ......................................................... 22 

� Manfred Paul »Fotografien« ................................................................................................. 24 

� Clemens Kalischer »Country Road« ..................................................................................... 25 

� Just Loomis »As we are« ...................................................................................................... 26 

� Stefan Heyne »Woran denkst Du?« ...................................................................................... 27 

� Henrik Isaksson Garnell »Apsis« .......................................................................................... 28 

� Die Mauer–Leben mt der Mauer .......................................................................................... 29 

� Max Scheler »Photographien« ............................................................................................. 30 

� Birgit Kleber »Photographien« ............................................................................................. 31 

� World Press Photo 11 .......................................................................................................... 32 

� Micha Bar-Am »Israel« ......................................................................................................... 33 

� Ingo Kuzia, Akira Nakao »Stadtlandschaft Berlin« ................................................................ 34 

� Jacques H. Sehy »Lichtzeichnungen« ................................................................................... 34 

� Rüdiger Lubricht »Verlorene Orte / Gebrochene Biografien« ............................................... 35 

� RUSSEL JAMES .................................................................................................................... 36 

� Alfred Ehrhardt im Bildarchiv »Volk und Welt« .................................................................... 38 

� Cornelia Janetscheck von Vietinghof »Marie« ...................................................................... 39 

� Marikel Lahana »Nobody knows« ........................................................................................ 40 

� Sibylle Mundt, Claudia Prokop, Michael Magdeburg .......................................................... 41 

� Wolfgang Scholvien »Michael Schumacher« ........................................................................ 44 

Galeriebesprechungen 

� Lebens Räume (Klaus Rabien) ............................................................................................. 42 

Ausstellungen in Berlin ............................................................................................................. 45 

Ausstellungen 

� Martin Munkacsi »Think white you shoot« ........................................................................... 46 

� Thomas Lüttge, Hugo Jaeggi ................................................................................................ 47 

� Nadar Kander »Yangtze–The Long River« ............................................................................ 48 

Fotoszene 

� Amin El Dib »Autonome Bilder« .......................................................................................... 49 

� Das Plagiat (Manfred Kriegelstein) ....................................................................................... 60 

Portfolio 

� Miriam Tamayo .................................................................................................................... 50 

Buchbesprechungen 

� Die Tricks der Photoshop-Profis ......................................................................................... 61 

� Scott Kelbys Ligthtroom 3 ................................................................................................... 61 

� Das Photoshop-Buch, People & Porträt .............................................................................. 61 

Vorschau 3-2011 ...................................................................................................................... 62 

brennpunkt 2/2011 

3

Rede anlässlich der Verleihung des Verdienstkreuzes 

am Bande des Verdienstordens 

der Bundesrepublik Deutschland 

an Herrn Dietmar Bührer am 

7. Februar 2011 

Sehr geehrter Herr Bührer, sehr geehrte 

Angehörige und Freunde von Herrn Bührer, 

es ist – auch für mich – ein besonderes 

Ereignis, ein Verdienstkreuz zu übergeben 

und so freue ich mich sehr, dass ich 

Ihnen, sehr geehrter Herr Bührer, heute 

im Auftrag des Herrn Bundespräsidenten 

das Verdienstkreuz am Bande des 

Verdienstordens der Bundesrepublik 

Deutschland überreichen darf. 

Von Konrad Adenauer stammt der Ausspruch: 

»Ehrungen – das ist, wenn die Gerechtigkeit 

ihren liebenswürdigen Tag hat«. 

Heute ist solch ein »liebenswürdiger« Tag. 

Der Bundespräsident hat Ihnen, sehr geehrter 

Herr Bührer, das Verdienstkreuz am Bande 

verliehen. Damit wird Ihr langjähriges 

soziales Engagement zu Recht öffentlich 

gewürdigt. 

Sehr geehrter Herr Bührer, Sie haben sich 

besondere Verdienste durch Ihren beruflichen, 

persönlichen und fotografischen 

Umgang mit Inhaftierten vor und hinter 

den Mauern der Justizvollzugsanstalt Tegel 

erworben. Lassen Sie mich daher Ihren 

beruflichen Werdegang in der JVA Tegel 

und Ihre fotografische Karriere in einigen 

Sätzen skizzieren: 

Ihre Laufbahn in der JVA Tegel begann am 

1. Januar 1990, als Sie als Industriemeister 

in der Fachrichtung Druck eingestellt 

wurden. Zwei Jahre später absolvierten Sie 

die Laufbahnprüfung für den Werkdienst 

und waren zunächst als Mitarbeiter und 

stellvertretender Leiter der Druckerei, seit 

2001 dann bis zu Ihrem Ausscheiden als 

Leiter der Druckerei tätig. Dort waren Sie 

im Schwerpunkt mit der Ausbildung und 

Anleitung der Inhaftierten betraut. Daneben 

übernahmen Sie vielfältige Sonderaufgaben 

und unterstützten die Anstaltsleitung 

umfangreich bei internen Projekten. So 

haben Sie zahlreiche öffentlichkeitsrelevante 

Unterlagen über den Organisationsentw 

icklungsprozess in den Jahren 1995 bis 

1999 erstellt und die Broschüren anlässlich 

des 100-jährigen Bestehens der JVA Tegel 

© Michael Gebur 

»Die Berliner Justizsenatorin, 

Frau Gisela von der Aue, überreicht Dietmar 

Bührer das Verdienstkreuz am Bande«, 2011 

durch eigene Fotografien, das Layout oder 

beim Druck maßgeblich mit gestaltet. 

Darüber hinaus haben Sie am Logo der 

Anstaltsbetriebe und der Erstellung von 

Produktmappen und Werbebroschüren für 

die Produkte der Anstaltsbetriebe im Rahmen 

des Projekts »Reorg« mitgearbeitet. 

Ihre fotografische Kariere begann indes 

schon 20 Jahre früher. Seit 1970 widmen 

Sie sich als Autodidakt der Fotografie. Seitdem 

haben Sie zahlreiche Einzelausstellungen 

durchgeführt und an vielen Gruppenausstellungen 

mitgewirkt. Seit 1984 – 

und damit seit über einem Vierteljahrhundert 

– geben Sie das Fotomagazin »brennpunkt« 

heraus und haben damit die Berliner 

Fotokunstszene bundes- und europaweit 

bekannt gemacht. Im selben Jahr – 1984 – 

wurden Sie auch in die Gesellschaft für 

Photographie berufen. Seit 1987 gehören 

Sie als Ehrenmitglied dem Deutschen Verband 

für Fotografie an. 4 Jahre später – im 

Jahr 1991 – erhielten Sie den Willy-Hengl- 

Preis. Zuletzt gewannen Sie beim Fotowettbewerb 

der Stiftung „Bundespräsident-Theodor-Heuss-Haus“ 

mit dem Titel »Die Würde 

des Menschen ist unantastbar« den 1. Preis 

in der Kategorie »Menschenwürde«. 

Die letztgenannte Auszeichnung beweist, 

dass ein Foto für Sie mehr ist als nur die 

visuelle Nachbildung einer Situation. Sie 

zeigt, dass Sie die Fotografie als Kunst verstehen, 

mit der Inhalte transportiert werden 

können und sollen. Dies findet sich ein- 

In eigener Sache 

drucksvoll auch in der von Ihnen geschaffenen 

künstlerischen Verbindung von Vollzugsalltag 

und Fotografie wieder. Sie haben 

Ihre Liebe zur Fotografie in bemerkenswerter 

Weise mit den Eindrücken Ihres Arbeitsumfeldes 

und Ihren persönlichen Erfahrungen 

in der Vollzugsanstalt verbunden. Betrachtet 

man Ihre Fotografien vom Vollzugsalltag, so 

spürt man, dass Sie nicht einfach die fotografische 

Linse auf bestimmte Schauplätze 

gehalten haben. Vielmehr merkt man Ihren 

Bildern mit dankenswerter Klarheit an, dass 

Sie genau wissen, was Sie dort fotografiert 

haben. Es ist beeindruckend, wie Sie sich 

dem schwierigen Thema »Vollzug« aus fotografischer 

Perspektive mit großer Sensibilität 

gewidmet haben, ohne dass Ihre Bilder 

dabei an Realitätsnähe oder Ausdruckskraft 

verloren hätten. Besonders anschaulich 

wird dies in Ihren Büchern »Zeitgitter/Gitterzeit«, 

»Tegelzeit« »Seelsorge im Knast« und 

»Zellenstille – Knastgedichte«. Der zuletzt 

genannte Bildband enthält neben Fotos aus 

dem Vollzugsalltag mehrere Gedichte, die 

im Rahmen einer Literaturgruppe mit Inhaftierten, 

einer Sozialarbeiterin der JVA Tegel 

und Ihnen entstanden sind. 

Mit solchen Veröffentlichungen haben Sie 

den Justizvollzug auf künstlerische Art in die 

Öffentlichkeit gerückt. Im Jahr 2000 haben 

Sie zusammen mit anderen Bediensteten der 

JVA Tegel an einer Tagung der Evangelischen 

Akademie Loccum über künstlerische 

Projekte in Vollzugsanstalten teilgenommen 

und dabei aus Ihren Werken vorgelesen. 

Ihre Publikationen und Lesungen haben 

dazu beigetragen, in der Öffentlichkeit 

Verständnis für die Situation von Inhaftierten 

zu wecken. 

Mit Ihrer Arbeit mit Inhaftierten haben 

Sie den betreffenden Gefangenen darüber 

hinaus dabei geholfen, sich mit ihrer Situation 

bewusst auseinanderzusetzen, ihre 

Fähigkeiten auf einem bisher meist unbekannten 

Gebiet zu entdecken und positiv 

einzusetzen. Damit haben Sie für die Gefangenen 

eine neue Tür geöffnet und einen wertvollen 

Beitrag auf dem Gebiet der Resozialisierungsarbeit 

geleistet. Sehr geehrter Herr 

Bührer, Sie haben Mut bewiesen, mit Menschen 

zu arbeiten, die keine Lobby haben, 

und zwar in einem Maß, das über Ihre rein 

beruflichen Verpflichtungen weit hinausging. 

Hiefür möchte ich Ihnen heute meinen 

besonderen Dank und meine Anerkennung 

aussprechen. 

Gisela von der Aue 

Justizsenatorin 


5

Galerien 

Karl-Ludwig Lange 

»Von den Brücken: 

Stadtautobahnen und 

Eisenbahnanlagen« 

Westberlin 1973 – 1988 

Karl-Ludwig Lange, 1949 in Minden 

geboren, kam 1967 nach Berlin, erhielt 

eine Fotografenausbildung und begann 

1973, die Stadt zu fotografieren. 

In der Kommunalen Galerie Berlin 

werden nun zwei Werkkomplexe aus 

dem Westberlin der Jahre 1973-1988 

vorgestellt: Gleisanlagen und Schnellstrassen, 

jeweils von den Berliner Brücken 

aus gesehen. 

Es sind für Lange auch Geschichtsorte. 

Die Gleisanlagen stehen für Waren- 

Umschlag und sind ein Symbol für die 

Industriestadt Berlin, aber sie waren 

auch Ausgangspunkt für den Transport 

von Juden in die Vernichtung. 

Schnellstrassen – entlang der Bahntrassen 

gebaut! – waren der trotzige Versuch, 

die Inselstadt mit der Entwicklung 

im Westen Schritt halten zu lassen, was 

uns heute bekanntlich zu Gute kommt. 

Von Anfang an fotografierte Karl- 

Ludwig Lange in Zyklen und war 

auf Vollständigkeit bedacht. Um das 

jeweilige Stadtbild umfassend zu 

würdigen, entwickelte er seine Art von 

Panoramen, nämlich zwei, drei oder 

mehr Aufnahmen einer Stadtansicht 

von unterschiedlichen Standorten 

zu machen, mit Lücken und auch 

Überschneidungen, gegebenenfalls in 

unterschiedliche Himmelsrichtungen. 

Dies ergibt eine dynamische Darstellung, 

die es dem Betrachter erlaubt, in den 

Bildern auf Entdeckungsreise zu gehen, 

unterstützt von der Präzision und dem 

Detailreichtum auf den Fotografien. 

Er kann wahrlich den Blicken des 

Künstlers folgen und eine Zeitreise 

unternehmen. 

. Hansgert Lambers 

www.kultur.charlottenburgwilmersdorf.de 

www.kommunalegalerie-berlin.de 


© Karl-Ludwig Lange, »Wilmersdorf, Blick von der Paulsborner Brücke gen Halensee«, 1985 

© Karl-Ludwig Lange, »Stadtautobahn«, 1985 

bis 24. April 2011 

Kommunale Galerie Berlin 

Hohenzollerndamm 176 

10713 Berlin-Wilmersdorf 

Di – Fr 10 – 17 Uhr 

Mi 10 – 19 Uhr 

So 11 – 17 Uhr

Dirk Hasskarl 

»one man’s trash 

is another man’s 

treasure« 

photographs & short clips 2004-2011 

Endlich einmal wieder lässt uns der Berliner 

Fotokünstler, Musiker und Kürzestfilmemacher 

Dirk Hasskarl einen Blick 

in seine Schatzkammer werfen. Die 

Galerie pixel:grain zeigt fünf Bildstorys 

und einen visuellen Roman von Hasskarl. 

Arbeiten, die allesamt als Schnappschüsse 

einer konträren Weltgleichzeitigkeit 

funktionieren und in ihrer intellektuellen 

Originalität verzaubern. 

Dabei stehen Hasskarls Werke in einem 

Spannungsverhältnis, das uns schon im 

Titel der Ausstellung anspringt: »Dein 

Müll ist mein Schatz. Mein Schatz ist 

dein Müll«. 

Der Betrachter entscheidet: Trash oder 

Treasure? 

Im Bildarrangement »mekong vs. thuringia« 

begegnen sich mitteldeutsche und 

asiatische Fauna in einem nie gesehenen 

fotografischen Wettstreit. Im Beuysschen 

Sinne zeigen die Pflanzen ihre 

Wunden. Sie offenbaren sich in ihrer 

Verletzlichkeit und fordern von uns: 

Respekt statt Kettensäge! 

Seltsame, hochpolitische Fischwesen 

treffen wir in den beiden Bildtafeln 

»greed & flow«. Goldfische gierig. Goldfische 

strömend. Wir sehen Fischwesen, 

die die Transformation gepackt haben. 

Weg von der Gier (greed), hin zum Strömen, 

zum Fließen (flow). Das ist Hasskarls 

poetische Gesellschaftskritik: »Vergiss 

die Gier. Lass es fließen. Und alles 

wird gut«. 

In den großformatigen an Altarbilder 

gemahnenden Tafeln von »confessions« 

beichten, gestehen, berichten Menschen 

als Schattenrisse. Fast erscheinen 

sie uns als überindividuelle Wesenheiten, 

die den Betrachter an die eigenen 

Leichen im Seelenkeller gemahnen: 

Erzähl uns dein Geheimnis! 

In seiner Videoinstallation nähert sich 

Hasskarl schließlich der visuellen Langform, 

dem absurden Bildroman. 


Galerien 

© Dirk Hasskarl, »Greed«, 2009, (Original in Farbe), 150x100 cm, Archival Pigment Print, Edition 

© Dirk Hasskarl, »Thuringia vs. Mekong #2«, 

(Polyptychon), 2009, 60x45 cm, (Original in 

Farbe) 

Verdichtet, ja geradezu eingedampft, 

fasst er das alltägliche Welttheater des 

Globus in hochkomische Kürzestfilme. 

Nihilistisch rauschen an uns vorbei: 

amerikanische Güterzüge, sizilianische 

Blaskapellen, strömendes Chiemseewasser, 

thailändisches Trash-TV ... 

Wir erfahren und lernen: Film ist mehr 

als Hollywood und Berliner Schule. Film 

kann aufregendes, humoriges, abgründiges, 

visuelles Experiment sein. 

Fazit: Hasskarls Arbeiten sind im besten 

aller Sinne originell. Sie sind einmalige 

Wachpillen für Herz und Hirn. Wer sich 

ihnen öffnet, erfährt Momente bildhafter 

Offenbarungen. Also: Treasures! 

Matthias Herrmann, Limburg, 2011 

Eröffnung: 

Donnerstag, den 5. Mai 2011, 

um 18 Uhr 

© Dirk Hasskarl, »Wired (01)«, Panjim, India 

2010, 80x57 cm, (Original in Farbe) 

6. Mai bis 15. Juni 2011 

Galerie: pixelgrain 

Rosenstraße 16/17 

10178 Berlin-Mitte 

Mo – Fr 10 – 19 Uhr 

Sa 14 – 19 Uhr 

7

Galerien 

Das XX. Jahrhundert 

– Menschen – Orte – 

Zeiten 

Zwei Jahrzehnte 

Fotosammlung 

am Deutschen 

Historischen Museum 

Seit zwanzig Jahren sammelt das Deutsche 

Historische Museum Fotografien 

zur Zeitgeschichte und zum Alltagsleben. 

Teilnachlässe von Fotografen und 

Bildagenturen konnten gekauft oder 

auch als Schenkungen übernommen 

werden. Neben diesen Erwerbungen 

und Übernahmen hat das DHM künstlerisch 

ambitionierte Fotografie gesammelt. 

So gelang es im Jahr 2007 das 

Archiv des »Jurypreis Junger Bildjournalismus« 

mit über 400 prämierten Arbeiten 

zu übernehmen, der alle zwei Jahre 

zwischen 1992 und 2002 stattfand. Seit 

2009 befinden sich auch die Arbeiten 

aller Preisträger des »Deutschen Jugendfotopreises« 

ab 1960 bis heute als Dauerleihgabe 

in der Sammlung. 

Die Ausstellung zeigt in über 250 Motiven 

die fotografischen Highlights der 

Sammlung von den letzten Jahren des 

19. Jahrhunderts bis zum Ende der DDR 

1990 in einem chronologischen Überblick. 

Die aus den vielen Regalmetern 

mit Fotografennachlässen ausgewählten 

Fotografien laden zu einem Rundgang 

durch die bewegte Geschichte der 

letzten 130 Jahre ein. Darüber hinaus 

stellen Themen wie Porträt, Sport und 

Modefotografie Schwerpunkte der 

Sammlung vor. 

Der Fotoband »Menschen, Orte, Zeiten. 

Fotografie am Deutschen Historischen 

Museum« bietet mit 616 Abbildungen, 

detaillierten Bestandsangaben und über 

hundert Kurzbiografien zu Fotografen 

und Agenturen eine Übersicht über die 

Sammlung am DHM. 


Michael Ruetz, Protestmarsch gegen Fluglärm der Hahn Air Force Base im Hunsrück, 

11. Juli 1969, Stiftung Deutsches Historisches Museum 

Agentur Puck / Horst Urbschat, Postzustellung im zerstörten Berlin, Herbst 1945 

Stiftung Deutsches Historisches Museum 

bis 3. Oktober 2011 

Deutsches Historisches Museum 

Ausstellungshalle von I. M. Pei 

Unter den Linden 2 

Hinter dem Zeughaus 


täglich 10 – 18 Uhr

YTO BARRADA 

Das Werk Yto Barradas reflektiert die 

besondere Situation ihrer Heimatstadt 

Tanger. Im Norden Marokkos gelegen, 

bildet sie eine Schnittstelle zwischen 

arabischer, afrikanischer und europäischer 

Kultur. 

Yto Barradas, (* 1971), 2010 

© Benoît Peverelli (Original in Farbe) 

Die Motive von Barradas meditativen 

Fotoarbeiten, Filmen und Installationen 

schärfen das Bewusstsein für den 

Wandel, der diese Region prägt: die sich 

beständig verschiebenden Grenzen in 

Kultur, Wirtschaft und Politik. Zugleich 

untersucht sie, welche Auswirkungen 

diese Veränderungen auf den urbanen 

Raum und die einheimische Pflanzenwelt 

haben. Im Zuge ihrer Auseinandersetzung 

mit dem Stellenwert von 

Bildern in einer postkolonialen Welt, 

engagiert sich Barrada als Mitbegründerin 

und Direktorin für die Cinémathèque 

de Tanger. Ihre Werke wurden in vielen 

internationalen Ausstellungen gezeigt, 

unter anderem im Museum of Modern 

Art (San Francisco und New York), auf 

der Biennale in Venedig 2007 und im 

Jeu de Paume, Paris. 

Die Deutsche Bank präsentiert die 

Künstlerin des Jahres 2011. 

© Yto Barradas, »Belvedere 1«, 2001 

© Yto Barradas, »Red Walls No 3«, 2010 

(Original in Farbe) 

htpp://www.deutsche-guggenheim.de 

© Yto Barradas, »Ferris Wheel«, 2001 


15. April bis 19. Juni 2011 

Deutsche Guggenheim 



täglich 10 – 20 Uhr 

Montags freier Eintritt 


Galerien 

9

Galerien 

Alice Springs 

June Newton hat von 1970 an unter dem 

Pseudonym Alice Springs ein eigenständiges 

photographisches Werk geschaffen. 

Seit 2005 wird es regelmäßig in 

wechselnden Ausstellungen der Helmut 

Newton Stiftung in »June’s Room« präsentiert. 

Die jetzige Retrospektive in 

Berlin erlaubt erstmals einen umfassenden 

Blick auf das vier Dekaden umspannende 

Gesamtwerk; gezeigt werden 

Werbe- und Modebilder sowie Aktphotographien 

und Porträts. 

Am Anfang des eigenen Œuvres stand 

eine Grippe ihres Mannes. June Newton 

ließ sich von ihm die Handhabung 

von Kamera und Belichtungsmesser 

erklären und photographierte 1970 in 

Paris anstelle des eigentlich gebuchten 

Helmut Newton ein Werbebild für 

die französische Zigarettenmarke Gitanes. 

Das Porträt des rauchenden Models 

war der Startschuss für eine neue Karriere. 

Anfang der 1970er Jahre photographierte 

Alice Springs mehrere Kampagnen 

für den französischen Haarstylisten 

Jean Louis David; die Werbebilder 

erschienen – unter Nennung ihres 

Namens – als ganzseitige Anzeigen in 

renommierten Modezeitschriften. Und 

1974 war das erste Alice-Springs-Motiv 

auf dem Cover der französischen Elle 

zu sehen. 

Ab Mitte der siebziger Jahre kamen zahlreiche 

Porträtaufträge hinzu, und so entstanden 

teilweise ikonische Aufnahmen. 

Die Liste der von Alice Springs porträtierten 

Künstler, Schauspieler und Musiker 

liest sich wie ein who’s who der internationalen 

Kulturszene aus den vergangenen 

vierzig Jahren diesseits und jenseits 

des Atlantik. Manche Aufnahmen 

sind im Auftrag für Zeitschriften zwischen 

Paris und Los Angeles entstanden, 

andere aus freiem Antrieb. 

Alice Springs dokumentiert nicht allein 

das Aussehen der Prominenten oder 

der namenlosen Zeitgenossen, sondern 

fängt deren Ausstrahlung, mitunter 

deren Aura ein. Ihren Blick für und 

auf die Menschen konzentriert sie meist 

auf deren Gesichter; zuweilen fasst sie 

sie im engen Bildausschnitt als Brust- 

oder Dreiviertelporträt, dann bekom- 


Yves Saint Laurent and Hazel, Paris, 1978 

© Alice Springs 

Brigitte Nielsen and son, Beverly Hills, 1990 


men auch die Hände eine besondere 

Bedeutung. Möglicherweise hilft ihr die 

tiefe Kenntnis des Schauspiels, gleichzeitig 

auf und hinter die Fassade des 

Menschlichen zu schauen. Das gilt insbesondere 

für ihre Doppelporträts, in 

denen die Interaktion der Protagonisten 

– wie auf einer Bühne – geradezu 

inszeniert ist. 

Gerhard Richter, Bonn, 1987 


Wir entdecken in den Bildern eine 

gewisse Vertrautheit, vermeintlich 

zumindest; tatsächlich schwanken sie 

zwischen Distanz und Nähe. Es begegnet 

uns in ihren subtilen Porträts ebenso 

die eitle Pose oder ein natürliches Selbstbewusstsein 

wie der schüchterne Blick. 

Dramatische Posen sind selten, und 

der Arbeitsprozess wird auch nicht von 

großen Gesten der Photographin begleitet. 

Ihre Bildnisse werden zu visuellen 

Kommentaren, zu Interpretationen der 

Dargestellten. 

Matthias Harder 

bis 15. Mai 2011 

Helmut Newton Stiftung 

Jebensstraße 2 

10623 Berlin-Charlottenburg 

Di – So 10 – 18 Uhr 

Do 10 – 22 Uhr

Daniel Sebastian 

Schaub 

»Authentische Räume« 

Daniel Sebastian Schaubs aktuelles Projekt 

»Authentische Räume« zeigt Ladengeschäfte 

für Waren und Dienstleistungen. 

In abgekoppelten und entlegenen 

Stadträumen entstanden Ladengeschäfte 

mit einer besonderen Gestaltungsweise 

und einer hohen Ausdruckskraft. 

Fernab der gängigen Logik permanenter 

Veränderung haben diese Orte 

einen Platz im urbanen Raum eingenommen 

und ihre Anwesenheit über lange 

Zeit gesichert. Gerade ihre besondere 

Lage macht es möglich, dass sie eine 

authentische Wirkung und eine starke 

Unmittelbarkeit entfalten können. Auf 

Grund ihrer hohen Individualität sind 

sie unverwechselbar und symbolisch 

höchst wertvoll. 

Die aktuellen Aufwertungstendenzen 

in marginalisierten Stadtlagen erzeugen 

jedoch erhebliche Veränderungen und 

führen langfristig zum Verschwinden 

dieser bedeutsamen Orte und der damit 

zusammenhängenden Milieustrukturen. 

Hierdurch reduziert sich nicht nur das 

breite Spektrum an individuellen Ladengeschäften 

für Waren und Dienstleistungen 

sowie die Differenziertheit an stadträumlich 

interessanten Orten, sondern 

auch die Vielfalt an sozialen Lebensformen 

und Seinsweisen. 

Biografie 

Daniel Sebastian Schaub. 

Seit 2001 in Berlin lebend. 

Geboren 1981 in Kehl. 

Studium der Soziologie. 

Studium der Fotografie. 

Freischaffender Künstler. 

Kontakt 

Telefon: 030-895 688 04 

Mobil: 0151-144 348 36 

info@transformationselder.de 

www.transformationsfelder.de 

© Daniel Sebastian Schaub 

© Daniel Sebastian Schaub 


Cafe Aroma Photogalerie 

Hochkirchstraße 8 

10829 Berlin-Schöneberg 

Mo – Fr 18 – 24 Uhr 

Sa – So 14 – 24 Uhr 

und nach Vereinbarung 


Galerien 

11

Galerien 

Max Scheler 

Mit Schelers Blick auf die Welt bleibt 

das damals lebendig 

Immer wieder zog es den Photographen 

Max Scheler ins Ausland. Seinem 

sicheren gesellschaftlichen Auftreten, 

seiner Vielsprachigkeit und seiner 

grundsätzlichen Neugier auf die Welt 

verdankte er das Privileg, dass ihn die 

Verantwortlichen der Magazine überall 

auf der Welt einsetzten. So hat Scheler, 

gemessen an den wenigen Jahren 

seines photographischen Schaffens, ein 

Werk hinterlassen, das zu den bedeutendsten 

der Nachkriegszeit gehört. Es 

verbindet Tagesaktualität mit langfristig 

angelegten Bildessays, und hinter 

der Dokumentation steckt gelegentlich 

auch Interpretation. 

Zunächst geschult an der Bildsprache 

von Herbert List, der für ihn seit den 

1940er Jahren eine Art Vaterrolle übernommen 

hatte, begann Scheler nach 

ein paar Semestern Studium der Kunstgeschichte 

und Literatur um 1950 mit 

der eigenen Photographie und assistierte 

List bei der Dunkelkammerarbeit. 

Eine professionelle Ausbildung 

zum Photographen hatte Scheler nicht, 

aber auch List und einige von Schelers 

gleichaltrigen Kollegen waren Autodidakten. 

Anfang der fünfziger Jahre entstanden 

erste Aufnahmen, die bereits 

den eigenen Stil vorbereiteten. Gelegentlich 

ging die Rolleiflex auch von 

Hand zu Hand, wie man anhand einiger 

Kontaktbögen sehen kann, so dass 

man heute nicht mehr mit Sicherheit 

sagen kann, wer bei manchen Aufnahmen 

definitiv der Bildautor war, Scheler 

oder List. Dieser befand sich seinerzeit 

auf dem Zenit seiner Karriere, 

auch wenn die meisten Bücher über 

sein photographisches Werk erst später 

erscheinen sollten, posthum veröffentlicht 

von Max Scheler. 

Die Mittelformatkamera Rolleiflex 

tauschte Scheler jedoch bald gegen 

die leichtere und schnellere Leica ein. 

1953 entstand ein Schlüsselbild für 

beider Werk, dass das Lehrer-Schüler-Verhältnis 

aufbrach: List photographierte 

im römischen Trastevere, wo er 

den inzwischen weltgewandten Max 


© Max Scheler, »Imbissstube an der Karl-Marx-Allee«, Ost-Berlin 1963 

Scheler besuchte, vorbeieilende Passanten 

auf der Piazza vor dem Haus; »Blick 

aus dem Fenster« wurde zum deskriptiven 

Titel der Serie. Erstmals benutzte List 

eine Kleinbildkamera, Schelers Leica, 

inklusive Teleoptik. 

Ein Jahr zuvor traf der erst 24jährige Scheler 

in Paris Robert Capa und wurde Junior- 

Mitglied der legendären Photographenkooperative 

Magnum. Dadurch war er 

bei den ganz Großen angekommen, 

und so veröffentlichte er seine Momentaufnahmen 

auch in LOOK und LIFE. 

Zuhause in Deutschland entwickelte 

Scheler seinen kritischen Blick: Bilder 

aus dieser Zeit zeigen weniger die Verheißungen 

des Wirtschaftswunders als 

vielmehr die harte Arbeit der Werktätigen, 

in den Stahlwerken im Ruhrgebiet 

oder den Bergwerken im Saarland. 

Das Amerika der fünfziger Jahre wirkte 

auf Scheler wie eine Befreiung. Für ihn 

war die »Neue Welt«, was für List Griechenland 

war: Flucht- und Sehnsuchtsort. 

Aus den USA berichtete Scheler über 

die unterschiedlichsten Themen, über 

Armut und Reichtum, von der Bigotterie 

der Weißen und dem Stolz der Schwarzen, 

vom hegemonialen Anspruch der 

Militärmacht und den vergessenen Indianern 

in den Reservaten. Scheler war 

ein begeisterter Anhänger des »American 

Way of Life«, und das zu einer Zeit, 

als andere das Land des »Kalten Krieges« 

beschuldigten und wegen der Brutalität 

der amerikanischen Soldaten in Vietnam 

heftig kritisierten. Doch auch er zeigte 

nicht nur die Sonnenseiten, sondern 

© Max Scheler, »Retusche«, Peking 1967 

auch deren Schatten. Amerikanische 

Politiker gehören zu Schelers bekanntesten 

Motiven, so porträtierte er John 

F. Kennedy während seiner kurzen Präsidentschaft 

im »Oval Office« des Weißen 

Hauses, und er photographierte 

dessen Trauerfeier und Beisetzung nur 

einige Monate später, im November 

1963. Immer wieder taucht auch die 

damalige »First Lady«, Jacqueline Bouvier 

Kennedy, in seinen Bildern auf. Sie 

wurde gleich nach dem Amtsantritt von 

»JFK« in vielen Medien zur Stilikone und 

durch ihre Heirat mit Aristoteles Onassis 

1968 zu »Jackie O.«, einer Kultfigur

© Max Scheler, »Jackie und John F. Kennedy erwarten Hassan II von Marokko«, Washington 1963 

© Max Scheler, »Atombunker zu verkaufen«, Los Angeles 1961 

des internationalen Jet-Set. Schelers 

Doppelporträt von Kennedy und seiner 

Frau im Profil, 1963 in Washington entstanden, 

wurde später zu einer Ikone im 

eigenen Werk. Auch die Wahlkämpfe 

im Jahr 1964, Barry Goldwater gegen 

Lyndon B. Johnson, und vier Jahre später, 

Richard Nixon gegen Hubert Humphrey, 

begleitete Scheler für den Stern 

mit seiner Kamera. 

Schelers Photographien blieben stets 

diskret, gelegentlich begleitet von einem 

melancholischen Unterton; sie zeigen 

die Zeitgenossen mit einer Mischung 

aus Zurückhaltung, Bewunderung und 

Respekt. Es sind anrührende, amüsante, 

überraschende und im besten Sinne 

unterhaltsame Geschichten. Doch auch 

um die Krisenregionen machte er keinen 

Bogen, ganz im Gegenteil: Scheler reiste 

bereits 1956 nach Ägypten während der 

Suez-Krise, wo sein enger Freund David 

»Chim« Seymour zeitgleich erschossen 

wurde. Im Jahr zuvor hatte er auch die 

Quemoy-Krise photographisch begleitet, 

insbesondere die Evakuierung der 

Inselbevölkerung durch amerikanische 

Kriegsschiffe. So waren es nicht nur 

gesellschaftliche, sondern auch politisch-brisante 

Themen, die sein viel- 


Galerien 

schichtiges Gesamtwerk prägen. Das 

Festland-China bereiste Scheler für den 

Stern 1967 – zu Beginn (und anlässlich) 

der so genannten Kulturrevolution. 

Auf dieser Reise ins »Reich der Mitte« 

wurden ihm »Aufpasser« an die Seite 

gestellt, die peinlich genau darauf achteten, 

dass der westliche Besucher nicht 

etwas aufnahm, das der chinesischen 

Propaganda widersprach. Doch Scheler 

war nicht offiziell als Photograph im 

Lande, sondern inoffiziell als Tourist; 

und so gelang es ihm, Bilder zu machen, 

die auch den ungeschönten Alltag zeigten: 

alte Männer in den Straßen oder 

vor Tempeln, spielende Kinder oder 

auch eine Gruppe von missgelaunten 

Frauen, die alle die gleiche Mao-Gipsbüste 

präsentieren. Scheler konnte sich 

und seinen Stil grundsätzlich der Situation 

und dem Auftrag anpassen, ohne 

sich von den herrschenden Regeln einengen 

zu lassen. 

Es waren die Photojournalisten, die 

den Menschen die Welt durch die 

Illustrierten bis ins Wohnzimmer 

brachten. Dieser aufklärerische und 

humanitäre Impuls war typisch für 

Scheler; und ab Mitte der Siebzigerjahre 

hat er als Bildchef zunächst von 

GEO, später von Merian der nächsten 

Photographen-Generation die Chance 

gegeben, im Auftrag der Magazine 

zu reisen. Schelers eigene Bilder 

erzählen von den großen menschlichen 

Emotionen, von Freunde und Trauer, 

Begeisterung und Verzweiflung; sie 

lassen das Damals lebendig werden. 

Was er in dem Vierteljahrhundert als 

aktiver Photograph geschaffen hat, ist 

einzigartig. 


31. Mai bis 31. Juli 2011 

Willy-Brandt-Haus 

Stresemannstraße 28 

10963 Berlin-Kreuzberg 

Di – So 12 – 18 Uhr 

13

Galerien 

Gerhard Kassner 

»Berlinale Portraits« 

2003 – 2010 

Das Leben ist kurz und jede Minute 

zählt. Besonders, wenn man weltberühmte 

Stars vor der Linse hat... 

Seit 2003 lichtet der Berliner Fotograf 

Gerhard Kassner (*1959) nationale und 

internationale Celebrities des Berlinale 

Wettbewerbs und des Panoramas ab. 

Jahr um Jahr entstehen so neue intime, 

eindringliche und manchmal auch witzige 

Porträts. Großformatige Momentaufnahmen 

für die Ewigkeit. 

Mit ca. 35 Fotografien aus den Jahren 

2003 – 2010 präsentiert das Hotel Bogota 

einen kleinen Auszug aus Kassners Portfolio 

und stimmt auf die diesjährigen 61. 

Internationalen Filmfestspiele in Berlin 

ein. Zwar fernab des roten Teppichs, 

aber mit derselben Intensität und erhöhten 

Konzentration im Blick »begegnen« 

wir Nicole Kidman, den Rolling Stones, 

Jack Nicholson und Kate Winslet, Seite 

an Seite mit Doris Dörrie, Martin Scorsese 

und Madonna. 

Parallel zum Auftakt der Kosslick-Ära 

hatte Gerhard Kassner 2003 begonnen, 

die erst in diesem Jahr verfügbare, 

hochauflösende Digitaltechnik einzusetzen, 

welche das bis dahin genutzte 

Polaroidverfahren ablöste, und größere 

Portraits möglich machte. In einheitlichem 

Stil, auf einer Größe 80 x 120 cm 

und mit freundlicher Unterstützung von 

Canon, fertigt Kassner 3x täglich, immer 

vor der jeweiligen Pressekonferenz, die 

Portraits an. 

Sein Studio befindet sich in der VIP- 

Lounge, die im Pressezentrum des 

Grand Hyatt ist. Nach der Begrüßung, 

Make-up Auffrischung und ein wenig 

Smalltalk bleiben oftmals nur 1 - 3 

Minuten, um den Star und dessen Aura 

einzufangen. Bei der wenige Stunden 

später stattfindenden Filmpremiere geht 

es über den roten Teppich zum Signieren 

der Bilder. Anschließend werden 


Gerhard Kassner vor seinen Portraits, Berlinale Palast, 2007, Foto: Dirk Michael Deckbar 

Schauspielerin Sarah Polley, Berlinale Portrait 2010, Potsdamer Platz, Foto: Gerhard Kassner 

diese im Berlinale Palast ausgestellt. Auf 

diese Art entstehen jedes Jahr zwischen 

100 und 120 Portraits, welche sich auf 

die fünf Etagen des Berlinale Palastes 

verteilen. 

www.bogota.de 


Hotel Bogota 

Schlüterstraße 45 


Mo – So 11 – 23 Uhr

Hein Gorny 

Adolph C. Byers 

Friedrich Seidenstücker 

»Hommage à Berlin« 

Photographien 1945-1946 

Mehr als 65 Jahre später als geplant, im 

Mai 2011, wird das nie realisierte Buchprojekt 

»In Memoriam« der Photographen 

Hein Gorny (1904 – 1967) und 

Adolph C. Byers (1913 - 1974) in Form 

einer Ausstellung und einer Publikation 

unter dem Titel »Hommage à Berlin« in 

der Berliner Collection Regard präsentiert. 

1945 hatten sich der deutsche Photograph 

Hein Gorny und der US-Amerikaner 

Adolph C. Byers zusammengetan, 

um eine abenteuerliche, damals 

fast unmögliche Photoexkursion zu 

begehen. Entstanden sind einzigartige 

Luftaufnahmen, die die Stadt Berlin 

und deren Zerstörung durch den Krieg 

dokumentieren. Mit einer durch die 

Neue Sachlichkeit geprägten Bildsprache, 

für die Gorny bereits durch seine 

viel publizierten Tier- und Werbeaufnahmen 

bekannt geworden war, sowie 

dramatischen Hell-Dunkel-Kontrasten, 

werden die Ruinen ehemals bedeutender 

Bauwerke auf eindrucksvolle 

Weise photographisch nachgezeichnet. 

So rücken Ansichten solcher Bauten, 

wie das Brandenburger Tor, der Reichstag, 

der Gendarmenmarkt oder der Alexanderplatz, 

die zum tradierten Repertoire 

der Berlin-Bilder gehören, in den 

Blick. Hein Gorny konzentrierte sich 

aber auch auf weniger bekannte Architekturen, 

wie den Kaiserhof, die Ahmadiyya-Moschee 

in Wilmersdorf oder 

den Gasometer in der Nähe des Victoria-Luise-Platzes. 

Die eingangs genannten Luftaufnahmen 

werden durch Photographien 

ergänzt, die Gorny und Byers auf dem 

Boden Berlins aufgenommen haben. 

Mit weiteren Aufnahmen des Tierphotographen 

Friedrich Seidenstücker, der 

auch als einer der Pioniere der unprätentiösen 

Street Photography gilt, gelang 

Hein Gorny und Adolph C. Byers eine 

Hein Gorny, Adolph C. Byers, Brandenburger Tor, 1945 – 1946 

Copyright Hein Gorny / A.C. Byers - Collection Regard 

Hein Gorny: (Siegesallee, Tiergarten., Berlin), 

1945-1946, Silbergelatineabzug/gelatin silver 

print, 17,3 x 23,2; (18,1 x 23,8), Copyright 

Hein Gorny - Collection Regard 

unverwechselbare, kraftvolle wie einfühlsame 

Assemblage von Nachkriegszeugnissen. 

Alle 80 Silber Gelatine Photographien 

stammen aus der Collection Regard von 

Marc Barbey. Seit 2005 widmet sich der 

in Paris gebürtige Geschäftsmann dem 

Aufbau seiner Sammlung, die von den 

Anfängen der Photographie bis hin zu 

den 70er Jahren des 20. Jahrhunderts 

reicht. Neben dem umfangreichen 

Œuvre von Hein Gorny, mit dessen 

Nachlassverwaltung die Collection 

Regard betraut ist, beinhaltet diese u.a. 

auch Werke von Lotte Jacobi, Heinrich 

Riebesehl, Siegfried Lauterwasser und 

Robert Capa. 

7. Mai bis 9. Oktober 2011 

Collection Regard 

Kontakt: Marc Barbey 

Steinstraße 12 



Galerien 

Zusammen mit dem künstlerischen 

Leiter, Antonio Panetta, arbeitet Barbey 

kontinuierlich an der Verfeinerung und 

Erweiterung des fotografischen Repertoires. 

Hierbei liegt ein besonderer Schwerpunkt 

auf dem Thema »Berlin« und der 

deutschen Photographie im Allgemeinen. 

Die Sammlung selbst liegt in Berlin- 

Mitte und hat sich zum Ziel gesetzt, 

neben der Präsentation verschiedener 

thematischer Ausstellungen als Ort des 

internationalen Dialogs und der fokussierten 

Auseinandersetzung mit der Photographie 

zu fungieren. 

Anlässlich der Ausstellung »Hommage 

à Berlin« erscheint im Mai ein gleichnamiges 

Buch mit einem Text des Photohistorikers 

und Berlinkenners Enno 

Kaufhold. 

Fr 14 – 19 Uhr 

und nach terminlicher Vereinbarung 

15

Galerien 

Abschlussarbeiten der 

Fotoklasse 25 

Julia Bahr, 

Sibylle Brühn, 

Jan Dams, 

Daniel Gebhardt, 

Johanna Henning, 

Tanya Kahana, 

Herbert Leass, 

Erika Mor, 

Beate Ronneburger, 

Claudia Warstedt, 

Nina von Waechter 

Künstlerische Leitung: 

Ursula Kelm 

»Ich fotografiere, um herauszufinden, 

wie etwas aussieht, wenn es fotografiert 

wurde«. (Garry Winogrand) 

Nach zehn Monaten intensiver Auseinandersetzung 

mit den Möglichkeiten 

des Mediums Fotografie, stehen die elf 

Teilnehmer der 25. Fotoausbildungsklasse 

der Berliner Galerie imago fotokunst 

nun vor den Ergebnissen ihrer 

fotografischen Beschäftigung und präsentieren 

vom April bis Mai 2011 

einen Überblick ihrer Abschlussarbeiten. 

Ob klassische Street Photography, 

persönliche Portraits, hyperrealistisch 

Inszeniertes, Abstraktes, Märchenhaftes, 

Schrill-Farbiges oder Kontrastreiches 

in Schwarz-Weiß: Die Ausstellung 

lotet unterschiedliche ästhetische Spielräume 

des Mediums aus und dokumentiert 

zugleich die Auseinandersetzung 

der Ausbildungsklasse mit Geschichte 

und Technik der Fotografie. 

Jeder der Teilnehmer war unermüdlich 

auf der Suche nach seiner ureigenen 

Foto-Serie, seinem persönlichen 


© Johanna Henning 

© Claudia Warstedt © Daniel Gebhardt 

Motiv, den besten seiner Bilder. Zahlreiche 

Bilder wurden vorgeschlagen, 

diskutiert und dann einige doch wieder 

verworfen. Die unermüdliche Suche 

ging weiter: Plötzlich tauchen Barbie- 

Puppen zwischen 50er Jahre Vasen auf, 

entfalteten argentinische Wasserfälle ihr 

Rauschen, abstrakte Farbspiele kreuzten 

Kreuzberger Straßenzüge, nächtliche 

Tankstellen warfen ihre Schatten 

voraus und neben filmischen Waldgängen 

im Nirgendwo wurden faszinierende 

Frauenportraits sichtbar. Die Vielzahl 

der visuellen Eindrücke und Perspektiven 

zu einem Gesamteindruck zu 

formen, so lautete am Ende die Hauptaufgabe 

des Kurses unter der künstlerischen 

Leitung von Ursula Kelm. Was ist 

der richtige Bildausschnitt, eine gelungene 

Komposition oder eine, dem Motiv 

angemessene Technik? Wann ist ein Bild 

abstrakt und soll es genauso oder doch 

anders sein? Was erzählt eine Aufnahmetechnik 

oder ein bestimmtes Motiv? 

© Herbert Leass

© Jan Dams 

© Nina von Waechter © Beate Ronneburger 

© Tanya Kahana 

Und was verschweigt es oder deutet es 

nur an? Diese und viele andere Fragen 

wurden lang und lebhaft im Kreis der 

angehenden Fotografen diskutiert. Klar 

war dabei meist, dass es keine einfachen 

und keine fertigen, auf alle Fotos 

gleichermaßen anwendbaren Antworten 

geben kann. Es entspann sich ein 

intensiver künstlerischer Dialog, der 

den gezeigten Fotos sehr zugute kam. 

Jeder Teilnehmer hat so seinen eigenen 

Weg wählen und finden können, überzeugende 

Bilder bei imago fotokunst in 

der Berliner Linienstraße zu präsentieren. 

Daniel Gebhardt 

Eröffnung 

am 29.April 2011,19 Uhr 

© Erika Mor 

© Sibylle Brühn 

© Julia Bahr 

30. April bis 28. Mai 2011 

imago fotokunst 

Linienstraße 145 


Di – Fr 12 – 19 Uhr 

Sa 14 – 18 Uhr 


Galerien 

17

Galerien 

Margarita Broich 

»Wenn der Vorhang 

fällt« 

Fotografien 

Als Schauspielerin zählt Margarita 

Broich zu den Großen, als Fotografin ist 

sie für viele eine Neuentdeckung. Erstmals 

zeigt der Martin-Gropius-Bau eine 

Werkgruppe der Künstlerin mit über 60 

Künstlerportraits, darunter Ben Becker, 

Kate Winslet, Veronika Ferres, Klaus 

Maria Brandauer, Christoph Schlingensief, 

Thomas Quasthoff u.v.m. Margarita 

Broichs hält darin flüchtige Momente 

fest, wenn die Rolle den Künstler verlässt 

in den Pausen oder wenige Minuten 

nach dem Ende der Vorstellung. Die 

Rolle steht den Spielern noch ins Gesicht 

geschrieben, die Welt der Kulissen und 

Spiegel umgibt sie noch, aber sie spielen 

nicht mehr. Sie befinden sich in Garderoben, 

in Theaterfluren oder beim Maskenbildner. 

Sie schminken sich ab, sind 

umgeben von den Utensilien ihrer Verwandlung. 

Broich portraitiert die Künstler mit dem 

Instinkt einer Kollegin. Ihre Fotografien 

fangen renommierte und zu ihrem 

Bekanntenkreis gehörende Künstler in 

jenen Momenten ein, da sie aus ihrer 

eben gespielten Rolle von der Bühne 

zurückkehren. So nüchtern die äußere 

Situation der Aufnahmen bisweilen 

erscheint, so besitzt jede Fotografie 

doch ihren eigenen Charme. Dem 

Betrachter geben die Fotografien Blicke 

frei, die zu den intimsten im Bühnengeschäft 

gehören: Martin Wuttke mit blonder 

Warhol-Mähne und Pudel Taxi, rauchend 

nach der Vorstellung von »Gretchens 

Faust«. Klaus Maria Brandauer 

nach 10-stündigem Wallenstein-Epos 

auf einem Hocker mit Bierflasche sitzend. 

Es sind Momentaufnahmen voller 

Spannung. 

Margarita Broich, 1960 in Neuwied 

geboren, studierte zunächst Fotodesign 

in Dortmund und arbeitet als Theaterfotografin 

am Bochumer Schauspielhaus 

unter Claus Peymann, bevor sie 

selbst Schauspiel an der Hochschule der 

Künste in Berlin studierte. Seitdem ist 

sie an zahlreichen deutschsprachigen 


Ben Becker, Jedermann, Salzburger Festspiele, 17.8.2010, © Margarita Broich 

Bühnen und in Fernsehfilmen präsent 

und arbeitet mit Regisseuren wie Claus 

Peymann, Robert Wilson und früher mit 

Christoph Schlingensief zusammen 

Katalog 

Margarita Broich und Hanns Zischler 

»Wenn der Vorhang fällt«, 

Schauspielerportraits 

112 Seiten, 70 Abbildungen, 26,5 x 24,5 

cm, zweisprachig deutsch/englisch 

Alexander Verlag 

Museumsausgabe 15,- Euro 

Buchhandelsausgabe 28,- Euro 

ISBN 978-3-89581-248-4 


Martin-Gropius-Bau 

Niederkirchnerstraße 7 


Mi – Mo 10 – 20 Uhr 

Dienstags geschlossen

KARIN SZÉKESSY 

»LES FILLES DANS 

L´ATELIER« 

Karin Székessy portraitiert seit den 

60iger Jahren in ihren Aktphotographien 

nicht das Reale, sondern begibt 

sich auf die Suche nach der Wahrheit 

hinter dem scheinbar Ersichtlichen. In 

Licht- und Schattenspielen, verzerrten 

Perspektiven oder artifiziellem Farbenspiel 

inszeniert Karin Székessy den Akt 

als vielschichtiges Bildnis. Leidenschaft, 

Einsamkeit und Schönheit zeigen sich 

in Zeit und Raum mit einer melancholischen 

Poesie in den Photographien, die 

wie Maren Deicke feststellt, mit »zum 

Teil objekthaft ästhetisierten Körper im 

weichen Tageslicht, (...) in denen selbst 

sexuelle Schlüsselreize wie Busen oder 

Schenkel ohne Aggressivität, ohne die 

Herausforderung: `Nimm mich, wenn 

Du kannst´.... dargestellt werden.« 

© KARIN SZÉKESSY, »Mme Recamier«, 1975 

Meist wird in ihren Aufnahmen die 

feminine Erotik, die weibliche Eleganz 

zelebriert - `Madame Recamier´ (1975) 

gehört zu den Klassikern der Bildgeschichte. 

Entblößt und doch vielsagend 

verhüllt wirkt Karin Székessy in ihren 

Arbeiten durch Posen, Draperien und 

Requisiten der Trivialität purer Nacktheit 

entgegen. Ihre hüllenlosen Modelle 

verbergen ihre Identität teilweise hinter 

Accessoires und Masken wie in `La 

belle et la bête´, sie posieren sinnlich 

mit einer unwirklichen Körperblässe 

oder inszenieren sich wie `Madame 

est seule ´ in manieristischer Art. Karin 

Székessy führt den Betrachter in eine 

Traumwelt und umgibt den weiblichen 

Körper mit Rätseln und Geheimnissen. 

© KARIN SZÉKESSY, »Schattenhand«, 2000 

Nach Max Bense zeigen »ihre Schöpfungen 

das doppelte Gesicht der Realität«, 

auch wenn sie bemerkt: »Ich photographiere 

weibliche Körper und dirigiere 

sie, damit sie schön sind.« 

In Karin Székessys Aktphotographien 

entstehen Körperlandschaften der Sanftheit 

und Stille, frei von Bewertungen 

und Sichtweisen, unberechenbar und 

voller Überraschungen. 

Miriam Stewering 


Johanna Breede 

PHOTOKUNST 

Fasanenstraße 69 


Di – Fr 11 – 18 Uhr 

Sa 11 – 16 Uhr 


Galerien 

© KARIN SZÉKESSY, »Im Studio VII«, 1974 

19

Galerien 

Amin El Dib 

»empty rooms« 

Der experimentelle Ausstellungsraum 

»in our empty rooms«, einer Textzeile 

aus T.S. Eliots »The Waste Land« entlehnt 

und später zu »empty rooms« 

verknappt, bestand in Berlin-Kreuzberg 

von 1996 bis 1999. Der Berliner 

Kunsthistoriker Matthias Harder und 

der griechische Künstler Thrafia Daniylopoulos 

initiierten den Raum in dessen 

Privatwohnung, später kamen als Kuratoren 

noch Sotirios Bahtsetzis, Gritta 

Ewald und Sarah Canarutto hinzu. Die 

Idee war eine Art Salon mit sonntäglichen 

Vernissagen und Finissagen. Der 

Ausstellungsschwerpunkt lag auf dem 

Medium Installation, doch auch Objektkunst 

oder Photographie wurde für die 

monatlich wechselnden Präsentationen 

ausgewählt. 

Amin El Dib hat mit seiner Bildserie 

der Künstler und Kuratoren von »empty 

rooms« etwas Interessantes versucht – 

und es ihm gelungen: Eine unkonventionelle 

Dokumentation kreativer Menschen, 

die – jenseits einer mimetischen 

Ähnlichkeit des Menschen mit sich 

selbst – eine Art künstlerische Selbstrepräsentation 

im privaten Kontext darstellt. 

Der Berliner Photograph verwandelt 

die Wohnungen oder Studios 

der Protagonisten gewissermaßen in 

eine Bühne; er selbst wird zum Regisseur 

eines seltsamen Schauspiels. Die 

Künstler und Kuratoren werden mehrfach 

aufgenommen und schließlich 

(meist) in Triptychen vorgestellt. Es sind 

drei völlig unterschiedliche Szenen, ja 

Akte eines Stückes, das sich der Photograph 

individuell und teilweise spontan 

für sie ausgedacht hat. Es geht ihm wohl 

auch um die Aufhebung der traditionellen 

Verbindung von Künstler und Werk 

im Künstlerbildnis. So entstanden in den 

vielen Einzelsitzungen über einen Zeitraum 

von mehreren Jahren keine Repräsentationsporträts. 

Gleichzeitig erscheinen 

die Künstler in ihrem Arbeitskontext 

oder im Ausstellungsraum, teilweise 

mit oder vor den von ihnen verwendeten 

oder herumliegenden Materialien: 

Karin Rosenberg beispielsweise verschwindet 

hinter einer Bahn Luftpols- 


© Amin El Dib, »Brigitte Waldach« 

terfolie, Catrin Otto unter einem Sitzsack, 

manche werden über Körperdetails, 

vorzugsweise über Hände, oder 

über Spiegelungen ihrer Körper charakterisiert, 

einige Künstler blicken 

konzentriert und andere beiläufig in 

die Kamera. 

In Gänze betrachtet, mutet die Zusammenstellung 

der hier als Bildnisse versammelten 

Menschen möglicherweise 

etwas willkürlich an – doch der verbindende 

Punkt bleibt »empty rooms«, 

eine lockere Vereinigung von kulturell 

Gleichgesinnten und Überzeugungstätern, 

vergleichbar einer Produzentengalerie, 

die als Institution einige Zeit später 

in Berlin bekanntlich Hochkonjunktur 

hatte. Es war ein internationales Projekt, 

das bereits damals die Internationalität 

der in Berlin lebenden Künstler 

offenbarte, verbunden mit einer Londoner 

Partnerinstitution, dem Museum of 

Installation. 

Von den raumbezogenen Arbeiten 

selbst sieht man in diesen S/W Photographien 

nichts, es geht Amin El Dib 

schließlich auch nicht um Kunstdokumentation, 

sondern um die Künstler und 

Organisatoren dahinter. »empty rooms« 

war bezüglich Besucherresonanz und 

Medienecho ein großer Erfolg, ökonomisch 

jedoch ein Desaster, denn alles 

wurde auf eigene Kosten ohne jegliche 

Drittmittelfinanzierung organisiert. Das 

konnte natürlich keine Zukunft haben, 

und so starb das Projekt in zwei Schritten: 

zunächst, als »empty rooms« 1999 

aus der Kreuzberger Linienstraße (später: 

Axel-Springer-Straße) aus- und in die 

Studiogalerie im Haus am Lützowplatz 

einzog und gänzlich, nachdem die fünf 

dort verabredeten Ausstellungen organisiert 

waren. In dieser Umbruchphase 

jedoch entstanden die meisten Porträts 

von Amin El Dib. 

Es sind häufig Grenzbereiche, die der 

Photograph betritt und die uns nicht 

unbeeindruckt lassen, ja teilweise verstören 

können. Auch in den Porträts der 

26teiligen »empty rooms«-Serie irritieren 

uns die mitunter radikalen, durch 

den Bildrand determinierten Schnitte 

durch die Köpfe der Künstler – ein künstlerisches 

Stilmittel, das seit der damals 

avantgardistischen Photographie des 

»Neuen Sehens« Verwendung findet. 

Jenseits von Aufträgen und somit Zwängen 

seitens Zeitschriften oder der Porträtierten 

sind Amin El Dibs Bildnisse 

im wahrsten Wortsinn freie Arbeiten. So 

etwas kann nur im engen Zusammenspiel 

zwischen dem Photographen und 

seinem Gegenüber entstehen, indem 

die Protagonisten nämlich auf die ungewöhnlichen 

Bildideen eingehen und 

gleichsam mitspielen. Das Echo der 

Kunst, repräsentiert durch die Künstler 

und Kuratoren, hallt in den Photographien 

von Amin El Dib vielfach und 

subtil wider. 


Vernissage: 13. April 2011, 19 Uhr 


PHOTOPLATZ 

im Hotel Bogota 

Schlüterstraße 45 


Mo – So 11 – 23 Uhr

Knut Wolfgang Maron 

»Dakota -Bar, Barns 

and rotten cars« 

Mit seinen neuen Farbfotoarbeiten zeigt 

Knut Wolfgang Marin Maron Einblicke 

in die Vergänglichkeit des amerikanischen 

Traums. 

Beispielhaft für die Kultur der amerikanischen 

Wegwerfgesellschaft, die sich 

zuguterletzt selbst entsorgen muss, zeigt 

der Pionier der zeitgenössischen Farbfotografie 

erstmals einen repräsentativen 

Auszug aus seinem neuen umfangreichen 

Zyklus. In seiner Ästhetik, die 

Vanitas darstellt, entwickelt Maron ein 

Szenario der schönen neuen Welt, die 

in der dialektisch interpretierten Schönheit 

des Zerfalls, an die Visionen eines 

Andrei Arsenjewitsch Tarkowski, erinnert. 

Der amerikanische Traum wird 

zum schöngefärbten Alptraum. 

© Knut Wolfgang Maron 

»Das Universum Knut Marons überrascht 

weder durch befremdende 

Formen noch durch neue Sujets. Seine 

tiefgreifende Andersartigkeit ist nicht 

mehr Ergebnis eines Abweichens von 

den bisher zulässigen Grenzen der 

Kunst. Sie resultiert vielmehr aus einer 

meditativen Rückkehr der Kunst zu sich 

selbst, aus einer Vertiefung ihrer zeitlosen 

Wahrheiten. Knut Maron schockiert 

uns nicht, er sieht die Dinge nur anders. 


Die Kunst partizipiert hier nicht mehr an 

dem Vorwärtsdrang moderner Zivilisation 

mit ihren technologischen Durchbrüchen 

und revolutionären Ambitionen. 

Und genau dadurch befreit sie 

sich von einer letzten Hörigkeit, nämlich 

derjenigen, sich der Entwicklung 

der uns umgebenden Gesellschaft anzudienen, 

ja sich ihr anzuhängen. 

Weil er die Grundgegebenheiten 

seines Mediums mit der Beherrschung 

eines neu geschaffenen Universums 

in Übereinstimmung bringt, hat er es 

nicht nötig, etwas zu vertuschen oder 

nachzuweisen. So kommt er zu der 

Farbenskala, die uns erstaunt und in 

eine andere Welt versetzt, wo unsere 

gewohnten Vorstellungen von Altem 

und Neuem, von Natürlichem und 

Künstlichem, von Realismus und Traum 

nicht mehr gelten, da sie durch eine 

souveräne Vision ersetzt worden sind«. 

Jean Claude Lemagny 

»Sich zum Blick machen, zum reinen 

aufmerksamen Blick, nicht berühren, 

nicht stören, nicht aufrühren - für Knut 

Maron ist die ehrfürchtige Betrachtung 

vielleicht die Haltung menschlichen 

Seins schlechthin. Auf die Natur, die uns 

ihre Flüsse, ihre verletzten Eingeweide, 

ihre Felsen und Bäume entgegenhält, 

gibt es eine mögliche Antwort: Die 

Gabe des Blickes.« 

Dominique Baqué 



Galerie zone B 

Brunnenstraße 149 



Galerien 

Maron studierte an der Folkwangschule 

in Essen in der Klasse Prof. Dr. Otto Steinert 

und Prof. Erich vom Endt gemeinsam 

mit Gosbert Adler, Joachim Brohm 

und Andreas Gursky. Wesentliche Prozesse 

der Auseinandersetzung unter den 

Folkwangschülern spielten sich dabei 

im Farblabor der ersten, von Erich vom 

Endt an einer deutschen Hochschule 

,konzipierten professionellen Farbfotoabteilung 

ab. Erste Farbarbeiten Marons 

von 1979 stellte Ute Eskildsen bereits 

1981 im Museum Folkwang aus . Knut 

Maron erhielt neben zahlreichen Stipendien 

und Preisen bereits 1993 den 

Leopold Godowsky Jr. Award für Farbfotografie 

des Photographic Recource 

Centers , Boston USA. Knut Maron ist 

in zahlreichen Sammlungen vertreten 

u.a. im Museum Folkwang, Essen im 

Museum Ludwig, Köln in der Staatsgalerie 

Stuttgart, dem Musee Europeen de la 

Photo , Paris der Bibliotheque Nationale 

de France, Paris dessen Direktor obiges 

Zitat zu Marons Bildern über Landschaften 

verfasste. 

Do 11 – 18 Uhr 

Fr + Sa 11 – 18 Uhr 

nach telefonischer Vereinbarung 

21

Galerien 

Stefanie Seufert 

»Photographische 

Aggregatzustände« 

Wenn Stefanie Seufert Objekte für ihre 

Bilder auswählt, geht es ihr zunächst um 

deren allgemeine Zugänglichkeit: Deshalb 

entscheidet sie sich beispielsweise 

für Eier, Tabletts, Drahtkörbe und Nadelbäume, 

die sie vor neutralen Hintergründen 

platziert. Sie möchte vermeiden, 

dass der Gegenstand fremd erscheint. 

Gleichzeitig erschafft sie Abbilder, die 

uns die Dinge neu sehen lassen. Ihre Bildideen 

und Konzepte sind immer eng 

mit dem verwendeten Material verknüpft. 

Seufert wählt souverän für eine 

konkrete Sequenz einen experimentellen 

Aggregatzustand zwischen Realismus 

und Abstraktion und zielt darin auf 

das Skulpturale des Objektes ab; sie verwandelt 

gewissermaßen das Echte in ein 

Modell seiner selbst. Ihre Photographie 

entspricht daher weniger einer Behauptung 

als vielmehr einer Vermutung. 

Die Natur ist ein seit den Anfängen des 

Mediums weit verbreitetes Motiv, und 

der Wald wiederum – mit all seinen 

Konnotationen – wird besonders oft thematisiert. 

Dies ist in Deutschland sicher 

keine Überraschung, wo doch beispielsweise 

Märchen wie »Hänsel und Gretel«, 

aber auch die deutschen Romantiker bis 

hin zum Photographen Stefan Moses 

auf den Wald als wichtigen Referenzpunkt 

im jeweiligen Werk rekurrieren. 

Der Wald wird vermeintlich von Elfen, 

Trollen und Geistern bevölkert, er wird 

gelegentlich mit dem Unheimlichen 

gleichgesetzt, und jeder Baum steht 

© Stefanie Seufert »o.T.«, 2009/10, 

Farbfotografien, je 40 x 30 cm 


über die Gleichung Lebensbaum-Weltenbaum 

für ein Individuum und seine 

Verwurzelung in der Gesellschaft. Doch 

bei Seufert ist all das nur eine hintergründige 

Referenzfolie; sie zeigt etwa 

Nadelbäume im radikalen Anschnitt mit 

hellem Himmel als Fond, als wollte sie 

alles Dunkle und Mystische des Waldmotivs 

eliminieren. Tannen und Fichten 

stehen bekanntermaßen auch in Stadtparks 

oder deutschen Vorgärten, präzise 

gepflanzt, bewusst platziert wie ein 

Setztischchen im Wohnzimmer des Einfamilienhauses. 

Durch den ausschnitthaften 

Blickwinkel ihrer Kamera zeigt 

sie zwar einen konkreten Baum, aber 

weder dessen Umfeld noch Stamm oder 

Wurzeln. Die fehlende Kontextualisierung 

macht aus dem einzelnen, stattlichen 

Nadelgewächs gleichsam den 

Typus eines Baumes – und eine abstrakte 

Form. Denn das flächige, meist hochformatige 

Bild kann formal durchaus auf 

bloße Dreiecksformen oder angedeutete 

Risslinien reduziert werden. Dieses 

Wechselverhältnis zwischen Materialität 

und Bildinformation einerseits und 

Reduktion der Objekthaftigkeit andererseits 

macht die Spannung im Werk 

Seuferts aus. 

Auch wenn die Dinge unmanipuliert für 

sich selbst stehen, kann in der Rezeption 

der ebenso einfachen wie klaren 

Motive beim Betrachter eine Verunsicherung 

aufkommen, dies spricht ebenfalls 

für die besondere Intensität ihres 

Werkes. Es sind Bilder für den zweiten 

Blick. So rückt Stefanie Seufert in 

ihrem Triptychon eines gemusterten 

Holztabletts einerseits den Alltagsgegenstand 

in den Mittelpunkt, andererseits 

eine auf Flächen und Linien reduzierte 

Form. Sie photographiert das 

Tablett zunächst als liegendes Objekt, 


Farbfotografien, je 40 x 30 cm 

kippt es für die zweite Aufnahme ein 

wenig in die Fläche, wodurch sich das 

illusionistische Muster einer flächigen 

Wabenform zu verräumlichen scheint. 

In der letzten Aufnahme schließlich ist 

das Tablett in einer Draufsicht wiedergegeben, 

wodurch dieses als Fläche, 

die Binnenzeichnung jedoch wie in 

einem Escher-Bild aus dreidimensionalen 

Würfelformen zu bestehen scheint – 

eine simple wie enigmatische Metamorphose 

im Dreischritt. Die Suche nach 

solchen formalen Prinzipien exemplifiziert 

sie an gewöhnlichen Dingen. Der 

ältere Kollege und ehemalige Hochschullehrer 

Timm Rautert fand für ähnliche 

Experimente in den 1970er Jahren 

den Begriff der »bildanalytischen Photographie«. 

Auch er zerlegte in seiner 

medial selbstreflexiven Arbeit die Photographie 

als Medium gewissermaßen 

in ihre Bestandteile. 

Manche ihrer Experimente sind in 

der Photographiegeschichte verankert, 

etwa die Aufnahmeserie mit dem 

Ei: Stefanie Seufert rekurriert hier auf 

Hans Finsler oder die Lehre am Bauhaus, 

gleichzeitig verbindet sie die Bildidee 

subtil mit einem formalen photographischen 

Trick: Sie photographiert 

zunächst bildmittig ein handelsübliches 

weißes Hühnerei auf schwarzem 

Grund und stellt davon ein Umkehrnegativ 

her. In zehn Zeitintervallen legt sie 

das Negativ jeweils wiederum auf ein zu 

belichtendes Photonegativ; so entsteht 

eine technisch anspruchsvolle, unbetitelte 

Serie, die sich aus einer Photographie, 

dem Umkehrnegativ und neun 

Photogrammnegativen in unterschiedlich 

kontrastierenden Grauwertabstufungen 

zusammensetzt. Die puristisch 

anmutende Sequenz gleicht einer Versuchsanordnung, 

einer wissenschaftli- 


Farbfotografien, je 40 x 30 cm

© Stefanie Seufert »1-01«, 2006, Farbfotografie, 140 x 98 cm 

chen Typologie zum binären System; 

und doch könnte man in dieser metamorphotischen 

Motivverdoppelung 

auch eine ironische Anspielung auf die 

Zeit als Prinzip herauslesen, beim Ei- 

Motiv als Entwicklung des Lebens oder 

profan: als Paraphrase auf weich oder 

hart gekochte Eier. 

In ihren Lichtbildern, ein Begriff, der 

gelegentlich etwas zu schnell als Synonym 

für Photographien im Allgemeinen 

gesetzt wird, wirkt ähnlich wie 

beim Photogramm das Licht als wich- 

tigster Bildfaktor auf die entstehende 

Photographie ein – und ist gleichzeitig 

alleiniges Bildmotiv; das gilt insbesondere 

für Seuferts Lichtspuren-, Lichtblitz- 

und Scannerlaserlichtaufnahmen, 

aber auch für die neuesten Bildserien: 

Farbphotogramme aus geometrisch 

sich überlagernden Farbflächen ohne 

jegliche Realitätsreferenz und monochrome 

Farbstreifen, mit denen sie die 

verschiedenen Lichtqualitäten handelsüblicher 

Baumarktleuchten untersucht. 

Hier wählt sie den Weg über die analoge 

Kamera (inklusive Objektiv) und 


Morgen Contemporary 

Oranienburger Straße 27 


Di – Sa 12 –18 Uhr 



Galerien 

© Stefanie Seufert »F1«, Farbfotogramm, 2011 

ein Filmnegativ und nicht über das Photogramm 

als kameralose Photographie. 

Diese Entwicklung entspricht dem noch 

radikaleren Ansatz einer bildnerischen 

und auch inhaltlichen Reduktion, die 

kunsthistorisch bereits in den 1960er 

Jahren mit den meist weißen Gemälden 

und Lichtobjekten der Zero-Gruppe vorformuliert 

wurde. Den Vertretern jener 

Bewegung, Otto Piene, Heinz Mack 

oder Günther Uecker, ging es bekanntlich 

um Abstraktion, Leere und Stille im 

Werk. 

Auch Stefanie Seufert möchte, wie sie 

selbst sagt, das Äußere nach Innen 

kehren und die Schwatzhaftigkeit der 

zeitgenössischen Kunst und Photographie 

auf ein Minimum reduzieren. Dies 

gelingt ihr spielend, und gleichzeitig 

sieht man ihren präzisen wie zeitlosen 

Bildern den formalen und intellektuellen 

Spaß bei der Arbeit an. 


23

Galerien 

Manfred Paul 

»Fotografien« 

Fotografische Aufnahmen von der 

Unendlichkeit des Meeres, dem sich 

ständig verändernden Licht und der 

bewegten Struktur der Wasseroberfläche 

sind Sinnbilder der ewigen Wiederkehr, 

Bilder, die das Kommen und 

Gehen im großen Lebenszyklus der 

Schöpfung einfangen. Zu ihnen gehören 

Bildnisse vom Menschen, die in ihrer 

zeitlosen Schönheit dem Meer gleichen. 

Die Kamera hat der natürlichen Vergänglichkeit 

des Menschen Halt geboten 

und einen Moment des Seins für 

immer eingefangen. Stillleben erinnern 

als dritter Bildzyklus an die zeitliche 

Begrenzung aller Dinge. Sie zeigen die 

Schönheit des Vergehens, des Abschieds 

von der Dauer, ohne den nichts Neues 

wachsen kann. 

Prof. Dr. Eugen Blume 

Leiter Hamburger Bahnhof, Museum für 

Gegenwart - Berlin 

© Manfrd Paul, »Weintraube auf weißem Teller« 

© Manfrd Paul, aus dem Zykus: »END-ZEIT-LOS« 


© Manfred Paul, »Verena« 

© Manfred Paul, »Tulpen« 

© Manfred Paul, aus dem Zyklus:»Strand Nr. 2« 


Kunstallianz Berlin 

An den Treptowers 3 

12435 Berlin-Friedrichshain 

Di – So 11 – 18 Uhr

Clemens Kalischer 

(1921) 

»Country Road« 

Bilder aus dem Süden der USA 

Die Menschen und die Landschaft 

der Appalachian Region faszinierten 

Clemens Kalischer. Bei seinen Reisen 

durch Virgina, North- und South Carolina, 

Tennessee und Georgia in den 

1950er Jahren entstanden eindrucksvolle 

Fotografien, die mit ihrer Qualität 

an die Bilder der großen amerikanischen 

Fotografen der 1930er Jahre 

wie Walker Evans, Dorothea Lange oder 

Margaret Bourke-White erinnern. 

© Clemens Kalischer 

Vernissage mit dem Künstler 

am Freitag, den 8. April 2011, 

19 bis 21 Uhr 


Galerie argus fotokunst 

Marienstraße 26 


Di – Sa 14 – 18 Uhr 




Galerien 

25

Galerien 

Just Loomis 

»As we are« 

Anhand von ca. 30 Farb- und S/W- 

Fotografien gewährt die Werkschau 

einen Einblick in das einfühlsame, 

eindringliche wie intime Portfolio des 

ehemaligen Assistenten von Helmut 

Newton. 

In der Tradition von Robert Frank, der 

bereits Mitte der 1950er Jahre mit 

seiner sozialdokumentarischen Serie 

»The Americans« ein neues naturalistisches 

Genre ins Leben rief, werden auch 

in den Bildern von Just Loomis diese 

erzählerischen, ästhetischen und dokumentarischen 

Qualitäten sichtbar. 

»Loomis verzichtet auf formale Experimente 

und vertraut stattdessen seinem 

zurückhaltenden und liebevollen Blick 

auf die Mitmenschen. Die Aufnahmen 

geben die tief empfundenen Begegnungen 

des Fotografen mit anderen, 

die seinen Blick oft mit Offenheit und 

Neugierde erwidern, ohne Künstlichkeit 

wieder. Man sieht Kinder neben Kellnerinnen, 

Fotomodellen und Stripperinnen; 

einsame Fremde und Paare, Alte 

und Junge. Immer wieder steht auch die 

eigene Familie im Mittelpunkt – alle 

sind im Augenblick gebannt, auf einer 

Straße in der Nachbarschaft, in einem 

vorbeifahrenden Auto oder einem 

schwach beleuchteten Motelzimmer in 

irgendeinem Vorort. Mit diesen Porträts 

und Landschaften, rau und einzigartig 

amerikanisch, fängt Just Loomis Erinnerungen 

und Sehnsüchte ein; so evoziert 

er die Intensität und Spontaneität der 

Kindheit. Just Loomis führt uns ein 

Amerika vor Augen, das uns gleichzeitig 

vertraut und fremd vorkommt: in seiner 

Vitalität, dem Gefühl von großer Weite, 

in der Vielfalt von Menschen unterschiedlicher 

Herkunft und dem Vorhandensein 

ikonischer Merkmale«. 


Und, er zeigt uns seine Helden: Kinder, 

Kellnerinnen, die Familie, Menschen, 

die er geliebt hat, und andere, denen 

er zufällig begegnet ist. Er fokussiert 

auf Blicke und Berührungen und zeigt 

gerade im Nichtperfekten eine besondere, 

subtile Schönheit. So entstehen 


Just Loomis »Annabelle and James«, Memphis, 1988, © Just Loomis 

außergewöhnliche Porträts, die sich 

aus einer seltenen Seelenverwandtschaft 

zwischen Fotograf und Objekt 

ergeben. 

Die Werksschau wird durch eine Anzahl 

von bisher teilweise unveröffentlichten 

Fotografien der norwegischen Popband 

a-ha ergänzt. Bereits 1985, zu einer Zeit, 

als die Gruppe um Leadsänger Morten 

Harket auf dem Zenit ihrer Karriere 

stand, begegneten sich Fotograf und 

Musiker. Schnell wurden sie Freunde 

und es entstanden die unvergesslichen 

Coveraufnahmen für die Alben »Hunting 

High and Low«, für das Just Loomis für 

den Grammy Award nominiert wurde, 

sowie für »Stay on these Roads«, »East 

of the Sun« und »Memorial Beach«. 

Neben dem Werk »Hunting High and 

Low« zeigt die Galerie Hiltawsky auch 

das Fototagebuch, welches Just Loomis 

im Jahr 1991 während der a-ha Tour 

durch Brasilien und Argentinien aufnahm. 

Just Loomis lebt und arbeitet in Los 

Angeles. 

Mehr Informationen unter: www.justloomis.com. 

Im Vorfeld der Ausstellung 

ist die gleichnamige Publikation »As we 

are« mit einem Text von Matthias Harder 

bei Hatje Cantz erschienen. 

Hardcover, Preis: 39,80 EUR 

ISBN: 978-3-7757-2636-8 

Just Loomis »Danielle«, Las Vegas, Nevada, 2007 

© Just Loomis 


Galerie Hiltawsky 

Tucholskystraße 41 


Mi – Sa 14 – 18 Uhr

Stefan Heyne 

»Woran denkst Du?« 

Mit dem Fotokünstler Stefan Heyne präsentiert 

die Kommunale Galerie Berlin 

in ihrer neuen Ausstellung einen Vertreter 

der neuen Abstraktion in der zeitgenössischen 

Fotografie und macht 

sein Werk erstmals in einem größeren 

Umfang dem Berliner Publikum zugänglich. 

Nach der Düsseldorfer Schule, die 

trotz aller Variationsbreite immer doch 

dem Abbildcharakter der Fotografie, 

dem Realen und Realität suggerierenden, 

verpflichtet und verhaftet blieb, 

kommt zunehmend eine ganz neue 

Gruppe von Künstlern in den Focus, 

die die Fotografie als Kunst viel grundsätzlicher 

hinterfragen. Stefan Heyne 

hat hier in den letzten Jahren ein Werk 

geschaffen, das als eine radikale Reflexion 

auf das, was Fotografie sein kann 

und wie unsere Wahrnehmung funktioniert, 

gelten kann. In seinen Arbeiten 

führt er uns zurück zu den Anfängen des 

Sehens, bringt uns dazu, bisher Ungesehenes 

zu sehen. 

In der Ausstellung werden mehr als 30 

großformatige Arbeiten gezeigt. Ein 

Schwerpunkt sind dabei die Arbeiten 

aus 2009 und 2010. Darüber hinaus 

wird Stefan Heyne einen ganz neuen 

Werkblock vorstellen: Am 2.3.2011 

kurz nach 15 Uhr wurde der Künstler 

Augenzeuge des Attentats vom Frankfurter 

Flughafen. Gerade selbst in Frankfurt 

gelandet und wartend, hat er sich 

aus unmittelbarer Nähe mit eigenen 

Augen ein Bild von den realen Vorgängen 

gemacht. Fotografien dieses Ereignisses 

und des Tatortes werden erstmals 

in dieser Ausstellung zu sehen sein. 

Stärker als in den Fotografien der vergangenen 

Jahre konzentriert sich Stefan 

Heyne mit den jüngsten Werken auf die 

Auflösung alles Gegenständlichen und 

die Reduktion auf Licht und Schatten. 

Nur schemenhaft taucht im Licht etwas 

auf, was von der angrenzenden Dunkelheit 

wieder verschluckt wird, doch 

© Stefan Heyne / VG BildKunst Bonn, 0456, 120 x 180 cm, 2010 

was genau, das bleibt unsichtbar. Vielmehr 

machen die Werke genau dieses 

Unsichtbare zum Bildgegenstand. 

Der aus dem Chiaroscuro, der Hell- 

Dunkelmalerei, bekannte Einsatz von 

Licht und Schatten wird hier nicht 

zur Dramatisierung eines Geschehens 

eingesetzt, auch nicht zur Kontrastierung 

einer Räumlichkeit. Das aus dem 

Barock bekannte Gestaltungsmittel ist 

zum Bildgegenstand an sich geworden. 

Es ist die bislang radikalste Abstraktion, 

die sein Oeuvre hervorgebracht hat und 

eine konsequente Fortsetzung seiner 

Reflexion über das, was Fotografie im 

Kern ist und wie unser Sehen funktioniert. 

Heyne hinterfragt in seinen Arbeiten, 

was wir Abbildern unserer Welt entnehmen 

können. Indem sie uns das 

ursprünglich Sichtbare vorenthalten, 

nehmen sie uns die Gewissheit, alles 

Fotografierte bereits erkannt zu haben, 

bevor es wirklich gesehen wurde. Die 

gewohnten Betrachtungsparameter sind 

gegenstandslos geworden und der Weg 

damit frei, sich in die Ungewissheit zu 

vertiefen. 

Stefan Heyne, geboren 1965 in Brandenburg/ 

Havel. Lebt und arbeitet in 

Berlin. 


Kommunale Galerie Berlin 

Hohenzollerndamm 176 

10713 Berlin-Wilmersdorf 

Di – Fr 10 – 17 Uhr 

Mi 10 – 19 Uhr 

So 11 – 17 Uhr 


Galerien 

© Stefan Heyne / VG BildKunst Bonn, 8642, 

180 x 120 cm, 2010 

Eröffnung am 28. April 2011, 19 Uhr 

27

Galerien 

Henrik Isaksson Garnell 

»Apsis« 

Der schwedische Fotograf Henrik Isaksson 

Garnell ist mehr als nur ein Fotograf. 

Er ist in gleichem Maße ein talentierter 

Erfinder, Bildhauer und Kunstvisionär. 

Statt Motive zu gewöhnlichen Naturthemen 

zu suchen, deformiert er diese und 

schafft so völlig neue Formen. 

Isaksson Garnell erschafft Bilder, in 

den er Themen der Wissenschaft und 

der Natur kombiniert. Seine bearbeiteten 

Motive lassen den 24jährigen zum 

einen wie einen Künstler, zum anderen 

aber auch wie einen verrückten Wissenschaftler 

erscheinen. Er bewegt sich 

immer zwischen Surrealem und Konkretem, 

was in der Fotografie eher selten ist 

und sich nur schwer in einer eindeutigen 

Begrifflichkeit festlegen lässt. 

Henrik Isaksson Garnell begann sehr 

früh mit der Schaffung von »nichtkonzeptionellen 

Bildern«. Jede Arbeit ist 

ein Solitär - stark und kraftvoll zugleich. 

Seine kreative Arbeitsweise kennt keine 

Kompromisse. Er produziert ausnahmslos 

fantastische Arbeiten in großformatigen 

Serien. 

Isaksson Garnells Ausstellungsserie 

»Apsis« untersucht die Frage, wo das 

Zentrum der Erde liegt. Er kombiniert 

dabei wissenschaftlichen Forschungsdrang 

mit ästhetischer Sinnesempfindung. 

Als Apsis (griechisch »Wölbung«, 

Plural: Apsiden) bezeichnet 

man die beiden Hauptscheitel auf der 

elliptischen Umlaufbahn eines Himmelskörpers. 

Nach der neuzeitlichen 

Himmelsmechanik liegt der Fokus auf 

dem Zentrum der Masse eines Systems. 

Ursprünglich wurden Apsiden vom Erdmittelpunkt 

aus gemessen. 

Die Apsis von Henrik Isaksson Garnells 

persönlicher, elliptischer Umlaufbahn 

liegt ganz in der Nähe von Stockholm. 

Ein kleines Landhaus ist sein Zuhause - 

mitten in der Natur, die für seine künstlerische 

Arbeit so bedeutend ist. 


© Henrik Isaksson Garnell 

© Henrik Isaksson Garnell 

www.swedishphotography.org 


Swedish Photography 

Oranienburger Straße 27 

Kunsthof 


Mi – Sa 13 – 18 Uhr

Die Mauer 

The Wall 

Le Mur 

Leben mit der Mauer 

Vor 50 Jahren, am 13. August 1961 

wurde die Mauer errichtet. 

Die Menschen in Ost und West mussten 

sich mit der Situation arrangieren – im 

Schatten der Mauer ging das alltägliche 

Leben in Berlin weiter. 

Fotografische Zeugnisse von René Burri, 

Will McBride, Max Jacoby, Leonard 

Freed Barbara Klemm, Ute und Bernd 

Eickermeyer, Karl Ludwig Lange, Norbert 

Bunge u.a. spiegeln diese Zeit wider. 

© Norbert Bunge 

© Will McBride 

© Leonard Freed 

© René Burri 

© Norbert Bunge 

© Max Jacobi 

10. Juni bis 30. Juli 2011 

Galerie argus fotokunst 

Marienstraße 26 


Di – Sa 14 – 18 Uhr 


Galerien 

29

Galerien 

Max Scheler 

»Photographien« 

Max Scheler hat es verstanden, auf die 

Zwischentöne im Umgang mit den Menschen 

zu achten. Auch seine Aufnahmen 

von Prominenten oder von zeithistorischen 

Momenten zeichnen sich durch 

diese Gabe aus, die kleinen, unscheinbaren 

Gesten und Regungen des Gegenübers 

zu bemerken und im richtigen, im 

entscheidenden Augenblick im Bild festzuhalten. 

Das Schauspiel der menschlichen 

Reaktionen beobachtete er aus der 

Perspektive distanzierter Gelassenheit. 

Eine besondere Fähigkeit zur Empathie 

und ein ausgeprägtes Interesse an der 

Psychologie von Personen und Situationen 

zeichneten bereits die frühesten 

Reportagen für die Illustrierte Heute 

zu Beginn seiner Karriere aus. »Mein 

Hauptinteresse ist die ‚Reportage mit 

dramatischem Inhalt’«, bekannte Scheler 

1958 anlässlich eines Portraits über 

seine Arbeit. »Da, wo das Geschehen in 

der Reaktion, im Gesicht des einzelnen 

und der Masse fixiert werden kann. Das 

menschliche Antlitz in der Emotion, in 

der Freude, Trauer, Begeisterung, Hysterie, 

Gläubigkeit, Verzweiflung, wie 

etwa in Reportagen über Königskrönungen 

oder Hochzeiten, über Naturkatastrophen 

oder Bergwerksunglücke, 

über sportliche Erfolge, über Massendemonstrationen 

oder politischen Fanatismus, 

religiöse Ereignisse oder Prozessionen, 

über den Wahnsinn kriegerischer 

Verheerung. Das Psychologische interessiert 

mich dabei mehr als das rein 

Lichtbildnerische, Ästhetische. Gute 

Bildkomposition, graphische Qualitäten, 

Verteilung des Lichtes betrachte 

ich als Vorraussetzung für jedes gute 

Foto. Sie beschäftigen mich höchstens 

im Unterbewusstsein«. 

Schelers Reportagestil befand sich voll 

im Trend der »human interest«-Fotografen, 

deren wichtigster Vereinigung, der 

Gruppe Magnum, er mehrere Jahre als 

Mitglied angehörte. 

Ulrich Pohlmann 


© Max Scheler, »John Lennon mit Fan-Post«, London, 1964 

© Max Scheler, »Alfred Hitchock auf der 

Reeperbahn«, Hamburg, 1963 

Ausstellungseröffnung am Freitag, dem 

17. Juni 2011 von 19 bis 21 Uhr 

18. Juni bis 20. August 2011 


PHOTOKUNST 



Di – Fr 11 – 18 Uhr 

Sa 11 – 16 Uhr

Birgit Kleber 

»Photographen« 

Birgit Kleber - 1956 in Hannover geboren 

- arbeitete nach ihrer Ausbildung 

als Photographin und Bildredakteurin 

bei verschiedenen Zeitschriften. In den 

USA absolvierte sie Workshops bei Lotte 

Jacobi und Berenice Abbott. Seit 1984 

arbeitet sie als freie Photographin und 

konzentriert sich überwiegend auf Portraitaufnahmen 

aus den Bereichen Literatur, 

Film, Musik und Kunst sowie der 

Photographie, deren Protagonisten hier 

eine eigene Ausstellung gewidmet ist. 

40 Portraits zeitgenössischer Photographen 

versammelt die Ausstellung. Portraits, 

die von einer intensiven Beschäftigung 

mit dem Gegenüber erzählen. 

Alles reduziert sich auf die Landschaft 

des Gesichts, die Birgit Kleber einfühlsam 

und respektvoll wiederspiegelt. 

© Birgit Kleber, »Will McBride« 

© Birgit Kleber 

Ausstellungseröffnung am Freitag, dem 

6. Mai 2011 von 19 bis 21 Uhr 

in Anwesenheit der Photographin. 

Zur Eröffnung spricht Rainer Traube, 

Leiter Kultur Deutsche Welle/TV. 

Zur Ausstellung erscheint im JOVIS 

Verlag das Buch »Photographers«, 

ISBN 978-3-86859-133-0 



PHOTOKUNST 



Di – Fr 11 – 18 Uhr 

Sa 11 – 16 Uhr 


Galerien 

31

Galerien 

World Press Photo 11 

Zum WORLD PRESS PHOTO des Jahres 

2010 wurde eine Fotografie der südafrikanischen 

Fotografin Jodi Bieber 

gewählt. Das Siegerfoto zeigt ein Porträt 

der 18-jährigen Afghanin Bibi Aisha. 

Sie war in ihr Elternhaus geflüchtet, weil 

ihr Ehemann sie schlug. Die Taliban griffen 

sie auf, ihr Ehemann schnitt ihr zur 

Strafe für ihren Ungehorsam Ohren und 

Nase ab. Mitarbeiter einer Hilfsorganisation 

und US-amerikanische Soldaten 

retteten ihr das Leben. Heute lebt Bibi 

Aisha in den USA. 

Die Jury bezeichnet die Aufnahme als 

eines der Bilder, die man nicht vergisst. 

Das Bild sorgt weltweit für große 

Aufmerksamkeit und wurde vom Time 

Magazin auf dem Titel veröffentlicht. 

Inzwischen wurde Bibi Aisha in den 

USA eine künstliche Nase angepasst, 

eine so genannte Epithese. Jurorin Ruth 

Eichhorn (GEO) sagte zur Begründung 

der Jury: »Es ist ein unglaublich starkes 

Foto. Es sendet eine mächtige Botschaft 

in eine Welt, in der fünfzig Prozent der 

Bevölkerung Frauen sind. Frauen, von 

denen viele immer noch in furchtbaren 

Umständen leben, von denen viele 

Opfer von Gewalt sind.« Mit einem 

World Press Photo Award wurden insgesamt 

55 Fotografen aus 23 Ländern 

in neun Themenkategorien ausgezeichnet. 

Unter ihnen auch sechs Fotografen 

aus Deutschland. 108.059 Fotos waren 

von 5.847 Fotografen aus 125 Nationen 

eingereicht worden - so viele wie noch 

nie zuvor. Seit 54 Jahren kürt eine internationale 

Jury in Amsterdam die besten 

Pressefotos des vergangenen Jahres. 

Dabei werden in verschiedenen Kategorien 

sowohl Einzelfotos als auch Fotoreportagen 

ausgezeichnet. Der WORLD 

PRESS PHOTO Award, veranstaltet von 

der World Press Photo Foundation, ist 

der weltweit größte und anerkannteste 

Wettbewerb für Pressefotografie. 





Di – So 12 – 18 Uhr 


© Jodi Bieber, Südafrika, Institute for Artist Management/Goodman Gallery for Time magazine 

World Press Photo des Jahres 2010 

»Junge Afghanin, deren Mann ihr Nase und Ohren abgeschnitten hat, weil sie ihn verlassen wollte.« 

© Omar Feisal, Somalia, für Reuters 

Erster Platz - Kategorie Daily Life Singles 

»Ein Mann trägt einen Hai durch die Straßen 

Mogadischus«. 

© Reinhard Dirscherl, Deutschland 

Zweiter Platz - Kategorie Nature Singles 

»Fächerfische bei der Jagd nach Sardinen im 

Mexikanischen Yucatan«.

Insight: 

Micha Bar-Am´s Israel 

Er ist international einer der bedeutendsten 

Fotografen Israels: Micha Bar- 

Am. Der Freundeskreis Willy-Brand- 

Haus e.V. würdigt in einer umfassenden 

Retrospektive »Insight: Micha Bar- 

Am’s Israel« das Werk des inzwischen 

81-jährigen Fotografen. 22 Jahre lang 

war Micha Bar-Am Nahost-Fotokorrespondent 

der New York Times und seine 

Fotografien zierten die Titelseiten von 

Newsweek, New York Times Magazine, 

Paris Match und Stern. Er ist Gründungsmitglied 

des International Center of 

Photography (ICP) in New York und bis 

heute das einzige israelische Mitglied 

der legendären Fotoagentur Magnum. 

1930 als Michael Anguli in Berlin geboren, 

flüchtete Bar-Am als Sechsjähriger 

mit seiner Familie aus Hitler-Deutschland 

ins damalige Palästina. Bar-Ams 

Biographie ist eng mit seinem Hauptmotiv 

verwoben, das sich wie ein roter 

Faden durch sein Werk zieht: die faszinierende 

Komplexität des Lebens im 

Nahen Osten. Mit neugierigem Blick 

widmet der Autodidakt sich seit Anfang 

der 1950er Jahre seiner neuen Heimat 

und begleitet dabei den Aufbau des 

jungen Staates Israel. 

Mit seinen Fotografien blickt Bar-Am auf 

die menschliche Dimension der politischen 

Konflikte: auf das Schicksal der 

Araber in den Grenzregionen, auf den 

Konflikt zwischen Israelis und Palästinensern, 

auf die Hoffnungen und Nöte 

der neuen Einwanderer der 1950er 

Jahre, auf die Narben des letzten Krieges 

und die Angst vor dem nächsten. Oder 

auch nur auf das einfache Glück und 

die Lebensfreude der Menschen, die 

ihren Alltag meistern. Dabei gewährt 

diese Ausstellung erstmalig Einblicke 

in eine Werkgruppe persönlicher Fotografien, 

die u.a. bisher unveröffentlichte 

Bilder aus dem Album der Familie Bar- 

Am beinhaltet. Heute lebt und arbeitet 

Micha Bar-Am in Ramat Gan, Israel. 

© Micha Bar-Am/ Magnum Photos 

© Micha Bar-Am/ Magnum Photos, Ofra, israelische Siedlung, Westbank, 1979 

75 Jahre nach seiner Vertreibung aus 

Deutschland kehrt der Chronist der Zeitgeschichte 

nach Berlin mit dieser Retrospektive 

ins Willy-Brandt-Haus zurück. 

Die Ausstellung ist eine Kooperation 

zwischen dem Freundeskreis Willy- 

Brandt-Haus e.V. und den Open Museums 

Israel; Kuratorin ist Dr. Alexandra 

Nocke, Berlin, Ausstellungskonzeption: 

Dr. Alexandra Nocke, Gisela Kayser. 





Di – So 12 – 18 Uhr 


Galerien 

Treffen zwischen David Ben-Gurion und Konrad Adenauer, Speisesaal des Kibbuz Sde Boker, 1966 

Begleitend zur Ausstellung erscheint 

das Buch (engl./dt.): »Insight: Micha Bar- 

Am’s Israel«. Alexandra Nocke (Hrsg.) 

Koenig Books, 2011, 

ISBN 978-3-86560-982-3, 

29,80 Euro.� 

33

Galerien 

Ingo Kuzia und 

Akira Nakao 

»Stadtlandschaft 

Berlin« 

Eigens für diese Ausstellung haben 

sich der japanische Maler Akira Nakao 

und der deutsche Fotograf Ingo Kuzia 

zu einem Projekt zusammengefunden, 

das die »Stadtlandschaft Berlin« zum 

Thema hat. 

Beide beschäftigt dieses Thema schon 

seit Jahren in zentraler Weise. Beide 

wollen in der Ausstellung mit ihren 

unterschiedlichen Ausdrucksmitteln 

in einen Dialog treten. Beide wollen 

deutlich machen, welche Spuren der 

Mensch in einer Landschaft hinterläßt, 

um sie bewohnbar zu machen. Beide 

versuchen, sich dem Wesen der Stadtlandschaft 

zu nähern. Nicht, indem sie 

sie detailgetreu und »nach der Natur« 

abbilden, sondern indem sie die inneren 

Strukturen einer ganzen Stadtlandschaft 

auf das einzelne Gebäude, auf 

den Straßenzug, auf das städtebauliche 

Ensemble übertragen. 

Jacques H. Sehy 

»Lichtzeichnungen« 

Linien und Flächen, herausgearbeitet 

aus Licht und Dunkelheit, Schattierungen, 

Graustufen und Kontrasten - nicht 

mehr, aber auch nicht weniger bedarf 

es in der Bildsprache von Jacques H. 

Sehy. 

Ausgangsmotiv des Künstlers ist immer 

der menschliche Körper, ohne Attribute 

von Mode, Status und Zeit. Das photographische 

Bild ist kein Dokument eines 

geschichtlichen Ereignisses, kein Abbild 

eines historischen Moments, sondern 

ein sensibel eingefangener, existenzieller 

Augenblick des Daseins, ein einfühlsames 

Portrait der Innerlichkeit und 

der Intimität. 

Jacques H. Sehy setzt das Licht kalkuliert 

ein. Seine Bildkompositionen sind 

Produkt eines virtuosen Spiels mit der 

Topographie des Körpers, mit Flächen 


© Ingo Kuzia, »Olympiastadion«, 2011 (Original in Farbe) 

© Akira Nakao, »Zoofenster«, 2010 


Vernissage: 8. April 2011, 19 Uhr 

und Linien, die sich allein aus Kontrasten, 

Nuancierungen und Abstraktion 

der schwarz-weiß Photographie ergeben. 

Einer Metamorphose vergleichbar 

läßt er komplexe, hybride Figuren mit 

skulpturaler Wirkung entstehen. Fragmentarische 

Strukturen werden über 

veränderte Wahrnehmung neu konstruiert 

und definiert. Die bisher unbekannte 

Wirklichkeit der Bilder erzählt 

dann eine andere, subjektive, manchmal 

surreale Geschichte. 

Ulla Lohmann, Hamburg 


carpentier galerie 

Meinekestraße 13 


www.carpentier-galerie.de 

Öffnungszeiten nach Vereinbarung 

Akira Nakao tut dies, wo er seine Motive 

mit grundrissartigen Farbflächen überlagert. 

Ingo Kuzia paßt in seinen Fotografien 

die ruhenden Objekte Berlins der 

Geschwindigkeit ihrer Umgebung an. 


carpentier galerie 

Meinekestraße 13 


www.carpentier-galerie.de 

Öffnungszeiten nach Vereinbarung 

© Jacques H. Sehy, ohne Titel, 2007 

Vernissage: 17. Juni 2011, 19 Uhr

Rüdiger Lubricht 

»Verlorene Orte 

Gebrochene 

Biografien« 

25 Jahre des Vergessens, des Ignorierens, 

des Verschweigens und offizieller 

Fehlmeldungen kennzeichnen den 

Umgang mit dem größten Atomunfall 

der Geschichte, der Explosion des Atomkraftwerks 

Tschernobyl am 26. April 

1986. 

Der Fotograf Rüdiger Lubricht holt 

die Reaktorkatastrophe aus der sicheren 

Entfernung und zeigt in der Ausstellung 

»Tschernobyl | Verlorene Orte 

| Gebrochene Biografien« Momente 

aus der Wirklichkeit vor Ort: die verstrahlten 

Lebensräume in der Sperr- und 

Todeszone; die Rückkehrer, die trotz 

der Strahlengefahr in die Zone zurückkamen, 

um dort ihren Lebensabend 

zu beschließen; die Liquidatoren, die 

damals stolz darauf waren, für ihr Land 

und ihre Mitmenschen zu arbeiten und 

sich nachträglich die Frage nach dem 

Sinn ihres Einsatzes stellen. Ca. 800.000 

Liquidatoren riskierten ihr Leben, um 

das außer Kontrolle geratene friedliche 

Atom zu besiegen, den Reaktorbrand zu 

löschen und die Katastrophenfolgen zu 

begrenzen. Viele von ihnen sind gestorben, 

die noch lebenden Liquidatoren 

kämpfen meist mit gesundheitlichen 

Problemen. Nur ihrem Einsatz ist es 

zu verdanken, dass wir in Westeuropa 

von einem größeren Unglück verschont 

blieben. Ihrem Andenken ist diese Ausstellung 

gewidmet. 

»Wenn wir Tschernobyl vergessen, 

erhöhen wir das Risiko weiterer solcher 

Technologie- und Umweltkatastrophen 

in der Zukunft…Mehr als sieben Millionen 

unserer Mitmenschen können sich 

den Luxus des Vergessens nicht erlauben. 

Sie leiden noch immer… Das Vermächtnis 

von Tschernobyl wird uns und 

unsere Nachkommen begleiten – und 

zwar für viele kommende Generationen«. 

Kofi Annan, New York 2000 

© Rüdiger Lubricht, Riesenrad vor Wohnblocks in Pripjat, 2005 

Die Erzeugung von Atomenergie birgt 

auch in Zukunft Risiken für Mensch 

und Umwelt. Es gibt keine Lösung für 

den Atommüll. Künftige Generationen 

werden mit dieser hoch radioaktiven 

Hinterlassenschaft leben müssen. 

Katalog zur Ausstellung: 

Rüdiger Lubricht 

»Verlorene Orte | Gebrochene Biografien«, 

IBB Dortmund, 

ISBN 978-3-935950-11-4 





Di – So 12–18 Uhr 


Galerien 

© Rüdiger Lubricht, Liquidator Dimitrij Birkukov, Diagnose Leukämie und Herzerkrankung, 2010 

Die Ausstellung ist am Karfreitag, 

22. April 2011, geschlossen, an allen 

Osterfeiertagen incl. Ostermontag 

von 12 bis 18 Uhr geöffnet. 

35

Galerien 

RUSSELL JAMES 

CAMERA WORK freut sich, erneut 

Arbeiten von Russell James zu präsentieren. 

Nie zuvor gezeigte Akt-Aufnahmen 

der schönsten Frauen der Welt 

aus der Serie »V2« werden um Bilder 

seines Künstlerprojektes »Nomad – Two 

Worlds« und um weitere Ikonen, wie 

z.B. reizvolle Bilder aus dem Backstage- 

Bereich der legendären Victoria’s Secret- 

Show ergänzt. 

Russell James’ Aufnahmen von den 

acht schönen Frauen Brooklyn Decker, 

Miranda Kerr, Candice Swanepoel, Erin 

Heatherton, Emanuela de Paula, Jarah 

Mariano, Rosie Huntington-Whiteley 

und Lindsay Ellingson sind auf der malerischen 

Insel »Necker Island« unter dem 

Titel »V2« entstanden und in einem, die 

Ausstellung begleitenden Buch zusammengefasst 

worden. Eine exklusive Auswahl 

der Bilder wird nun von CAMERA 

WORK zum ersten Mal in Europa ausgestellt. 

Die im pazifischen Ozean liegende 

Privatinsel des VIRGIN-Gründers Sir 

Richard Branson diente Russell James 

und seinem Team als Szenerie für das 

außergewöhnliche Photoshooting. Die 

Insel wird auf Grund ihrer üppigen 

Vegetation, dem tiefblauen Meer und 

den endlos weißen Sandstränden als 

Paradies auf Erden beschrieben und war 

somit eine ideale Umgebung, um einige 

der attraktivsten Frauen der Gegenwart 

hüllenlos abzulichten. So schmiegt auf 

traumähnlichen Bildern das südafrikanische 

Model Candice Swanepoel ihren 

von Blättern und Sand bedeckten Körper 

an mächtige Bäume, während Brooklyn 

Decker – im vergangenen Jahr zur 

»Sexiest Woman Alive« gewählt – sich 

in der Hitze der Nacht in den Fluten 

des Ozeans räkelt oder Emanuela de 

Paula sinnlich und anmutig auf einer 

graphisch ausgewogen Schwarzweiß- 

Photographie vor der Linie des endlosen 

Horizonts posiert. Mit Miranda Kerr, 

der Freundin des Schauspielers Orlando 

Bloom, besuchte Russell James eine 

Nachbarinsel, um auf dieser wundervoll 

natürliche und private Aufnahmen 

zu machen. 


© Russel James, »Rosie«, Necker Island, 2010 

Neben der Serie »V2G werden Arbeiten 

des Projekts »Nomad – Two 

Worlds« gezeigt; einzigartige Collagen, 

die in Zusammenarbeit mit australischen 

Künstlern entstanden sind. Russell 

James’ atemberaubende Landschaften, 

seine Photographien von strahlend 

schönen Frauen und charismatischen 

Persönlichkeiten, werden künstlerisch 

ergänzt und bilden ein starkes Symbol 

der Versöhnung zweier sich ehemals 

feindlich gegenüberstehenden Kulturen. 

Das von Russell James ins Leben gerufene 

Projekt zieht immer weitere Kreise, 

so dass es mittlerweile auch Kooperationen 

mit indianischen sowie haitianischen 

Künstlern umfasst. »Nomad – Two 

Worlds« wird von Prominenten wie Sir 

Richard Branson, Heidi Klum, Hugh 

Jackman oder Donna Karan unterstützt. 

Spektakuläre Eröffnungen der international 

tourenden Ausstellung, wie Ende 

Februar in Los Angeles, sind auch auf 

Grund der Anwesenheit vieler prominenter 

Persönlichkeiten gesellschaftliche 

Ereignisse der besonderen Art. 

So werden auch zur Eröffnung bei 

CAMERA WORK voraussichtlich einige 

der Topmodels aus der Serie »V2« anwesend 

sein. Russell James’ Photographien 

erscheinen regelmäßig in Zeitschriften 

wie Vogue, W, American Photo oder 

GQ. Der 1962 geborene Australier hat 

ein ereignisreiches Leben als Polizist

© Russel James, »Adriana Smoking«, Los Angeles, 2003 

einer Spezialeinheit oder auch als Photomodel 

geführt, bevor ihm letztendlich 

mit 34 Jahren in New York der Durchbruch 

als Photograph gelang. Seit vielen 

Jahren arbeitet er mit den Topmodels der 

Welt zusammen. 

Seine Teilnahme an Heidi Klums TV- 

Format »Germany’s Next Topmodel« 

hat ihn auch in Deutschland einem breiten 

Publikum bekannt gemacht. Neben 

seinem umfangreichen Bildband »Russell 

James« aus dem Jahr 2008 ist nun 

sein neues Buch »V2« im teNeues Verlag 

erschienen. Das Buch ist bei CAMERA 

WORK erhältlich. 

© Russel James, »Brooklyn«, 

Necker Island, 2010 

© Russel James, »Heidi Portrait«, 

Costa Careyes, Mexico, 2005 

© Russel James, »Faith«, 

Nashville, Tennessee, 2008 


Galerie Camera Work 

Kantstraße 149 


Di – Sa 11 – 18 Uhr 


Galerien 

37

Galerien 

Alfred Ehrhardt im 

Bildarchiv »Volk und 

Welt«. Leihgaben aus 

dem Bildarchiv 

Preußischer Kulturbesitz 

Die Alfred Ehrhardt Stiftung präsentiert 

78 Originalfotografien von Alfred 

Ehrhardt aus dem Bestand des Bildarchivs 

Preußischer Kulturbesitz (bpk). 

Nach der Ausstellung Mikrofotografie – 

Schönheit jenseits des Sichtbaren, die 

vom September 2010 bis Januar 2011 

im Museum für Fotografie zu sehen war, 

setzt die Alfred Ehrhardt Stiftung erneut 

auf eine Kooperation mit der Stiftung 

Preußischer Kulturbesitz. 

Der programmatische Ansatz der ersten 

vier Ausstellungen der Alfred Ehrhardt 

Stiftung zielte auf den Dialog der zeitgenössischen 

Fotografie mit dem Werk von 

Alfred Ehrhardt zum Thema »Natur«. 

Nach diesen Veranstaltungen im ersten 

Jahr des Neubeginns in Berlin widmet 

die Alfred Ehrhardt Stiftung erstmals eine 

Ausstellung ausschließlich den Arbeiten 

des Fotokünstlers selbst, dessen Namen 

die Stiftung trägt, dessen Werk sie besitzt 

und betreut. Die Ausstellung bietet 

einen Blick zurück in einen genau definierten 

Zeitabschnitt der Rezeptionsgeschichte 

des fotografischen Werks von 

Alfred Ehrhardt: seine Bild- und Textveröffentlichungen 

in der Zeitschrift Volk 

und Welt zwischen Januar 1940 und 

Juni 1944, ergänzt durch damals nicht 

veröffentlichte Bilder aus dem Archiv 

dieser Zeitschrift. 

Die Kulturzeitschrift Volk und Welt 

bestand von 1934 bis 1944, erschien 

einmal monatlich in Hannover und 

wurde herausgegeben von Prof. Oppermann. 

Ihre Haltung war völkisch, national, 

zum konservativen Bildungsbürgertum 

neigend. In einer werbenden Selbstcharakteristik 

beschrieb sie sich folgendermaßen: 

»Deutschlands Monatsbuch 

‚Volk und Welt’ - die Großzeitschrift der 

Anspruchsvollen ist eine einzigartige 

Höchstleistung! 


Alfred Ehrhardt, »Gehäuse einer heute 

noch lebenden Art der Tintenfische in den 

ozeanischen Gewässern der Philippinen, 

(Nautilus pompilius Lam.)«, um 1940 

Vintage, Gelatinesilberabzug, 24,0 x 18,0 cm 

© bpk / VG BILD-KUNST 2011 

Leihgeber: bpk – Bildarchiv Preußischer Kulturbesitz 

Kunst, Wissen, Unterhaltung pflegt 

‚Volk und Welt‘ in vorbildlicher Form. 

Jeder Band bietet – stark kartoniert – 

über 160 Seiten wertvollen Inhalt mit 

etwa 60 zum Teil ganzseitigen Bildern 

auf bestem Kunstdruckpapier.« Die Zeitschrift, 

die eine Vorgängerin hatte mit 

Namen Ernte, ebenfalls hg. von Oppermann, 

ging mit neuem programmatischen 

Namen und veränderter moderner 

Gestaltung auf Erfolgskurs: im Jahr 

1934 noch mit einer Auflage von 5.000 

Exemplaren, war sie 1938 schon bei 

einer Auflage von 47.000 angelangt, 

ein Niveau, das bis zum Schluss gehalten 

wurde. Eine maßgebliche Rolle bei 

dieser Erfolgsgeschichte publizistischer 

Modernisierung spielte der wachsende 

Einsatz von guter Fotografie im redaktionellen 

Konzept. Unter den abgedruckten 

Fotografen fehlte kaum ein bekannter 

Name der dreißiger Jahre. Einer von 

ihnen: Alfred Ehrhardt. 

Das Bildarchiv der Zeitschrift Volk und 

Welt umfasste insgesamt 25.000 Fotografien. 

Seit 1945 in Privatbesitz in 

Hannover, wurde es im Jahr 1981 nach 

West-Berlin verkauft. Zwei Kulturinstitutionen, 

das Bildarchiv Preußischer 

Kulturbesitz (bpk) und die Berlinische 

Galerie erwarben den Bestand gemein- 

sam und teilten ihn anschließend zwischen 

sich auf: Das bpk besitzt heute 

ca. 13.000 Fotografien, die Berlinische 

Galerie etwas mehr als 3.500 Fotografien 

aus dem Archiv Volk und Welt. 

Der kleineren aber fotografisch »edleren« 

Sammlung von Bildmotiven in der 

Berlinischen Galerie ist eines gemeinsam: 

der Bezug zur Stadt Berlin (tatsächlich 

vorhanden oder zumindest behauptet), 

während die Sammlung von Bildmotiven 

im bpk den quantitativ bedeutenderen 

und thematisch vielfältigeren 

Anteil des ehemaligen Verlagsarchivs 

repräsentiert. 

Das ausgestellte Konvolut Alfred Ehrhardts 

aus dem Besitz des bpk zeigt uns 

die Originalabzüge in dem Zustand, in 

dem sie im Verlag Volk und Welt archiviert 

waren und so auf die Nachwelt 

überkommen sind: Aufgeklebt auf 

Karton, mit handschriftlichen Bildbetextungen, 

Retuschen, Markierungen, 

Stempeln, Aufklebern auf der Rückseite, 

Veröffentlichungs- und Honorarvermerken. 

»Vom Wind erzeugte Riffelungen im 

Wattenmeer«, »Architekturkünste der 

Meeresschnecken«, »Zauber der Edelsteine«, 

»Eisenblüte«, »Bronzeköpfe«, 

oder »Fohlen auf der Weide« …. – an 

den Wänden und in Vitrinen präsentiert, 

zeigen diese Bilder herausragende 

Motive innerhalb des Oeuvres 

des Fotografen. Eine sorgfältige Auswahl 

der besten Motive innerhalb einer 

Serie ergibt einen repräsentativen Querschnitt 

des Ehrhardtschen Schaffens bis 

1944. Dargestellt ist das ganze Spektrum 

seiner Themen – fasziniert von der 

Schönheit der Naturformen in der physischen 

Natur überträgt sich die Faszination 

des Künstlers von den Formen 

der Natur über die Fotografie auf den 

Betrachter. Damals wie heute. 


Alfred Ehrhardt Stiftung 

Auguststraße 75 


Di – So 11 – 18 Uhr 

Do 11 – 21 Uhr

Cornelia Janetscheck 

von Vietinghoff 

»Marie« 

Eine Frau sitzt an einem Tisch und wartet. 

Worauf, wie lange schon und in welcher 

Stimmung befindet sie sich? 

1991 insziniert die Fotografin Cornelia 

Janetscheck v V. die Szene, die sie 

atmosphärisch an eine Sommernacht 

in den Strassen von Paris erinnert. 

Inspiriert durch die fotografische Arbeit 

in der Forschung an der FU - Berlin 

(1978-1981) findet Cornelia Janetscheck 

v V. unterschiedlichste Erscheinungsformen, 

um ein Foto räumlich erfahrbar zu 

machen. »Ich möchte dem Betrachter 

eine erweiterte Möglichkeit der Bildwahrnehmung 

zur Verfügung stellen, 

die zweidimensionale Form einer Fotografie 

brechen«, sagt die Fotografin. 

Sie experimentiert dabei mit diversen 

Trägermaterialien und Techniken. Einige 

Ergebnisse dieser experimentellen Fotografie 

aus dem Jahr 1991 zeigt Cornelia 

Janetscheck v V. in ihrer aktuellen 

Ausstellung. 

© Cornelia Janetscheck von Vietinghoff 

© Cornelia Janetscheck von Vietinghoff 

Cornelia Janetscheck arbeitet ohne Grafiksoftware 

und Effekt-Plugins. Kreativ 

über Software zu arbeiten heißt für die 

Fotografin »second hand kreiert«. Das 

Experiment in der real- erlebbaren Welt 

ist für sie die größere Herausforderung. 

Vernissage: 

Freitag, 6. Mai 2011, 19 Uhr 


Luxad 

Mommenstraße 42 


Mo – Fr 10 – 19 Uhr 

Sa 12 – 18 Uhr 


Galerien 

39

Galerien 

Marikel Lahana 

»Nobody knows« 

Im Zentrum ihres Schaffens stehen bei 

der französischen Fotografin Marikel 

Lahana die Wahrnehmungen von Isolation 

und Einsamkeit, von Eingeschlossen- 

und Anderssein. Diese Themen 

lassen sich aus ihrer Sicht am besten 

am menschlichen Körper erforschen. 

Um diese zu veranschaulichen, zeigt sie 

den Körper meistens von seiner natürlichen 

Umgebung isoliert. Marikel sieht 

sich in erster Linie als Portraitfotografin 

– die jedoch fern von allem Glamour 

die Komplexität ihres Gegenübers 

mit all seinen Schwierigkeiten, die 

ihm im Leben begegnen, zu erfassen 

sucht. Bei diesen fotografischen Begegnungen 

setzt sie einen Dialog in Gang, 

der auch den Betrachter erfasst. Sie 

verspürt dabei eine Affinität zu Menschen, 

die mit sich hadern und die oftmals 

am Rande der Gesellschaft stehen. 

Vielleicht weil sie die Spielregeln nicht 

akzeptieren wollen oder weil sie, um 

sich selbst sein zu können, lieber auf 

bürgerliche Sicherheiten verzichten. 

In der Serie »La vanité des ecchymoses« 

(Die Eitelkeit der Blutergüsse) portraitiert 

sie Menschen, die sich nach 

einer schmerzhaften Erfahrung in einer 

Phase der Erholung befinden. Die 

Farben dieser Serie sollen dabei an das 

Farbspektrum eines Blutergusses erinnern. 

Weitere Bestandteile ihrer Fotografie 

sind milchig blasse Pastelltöne 

und eine hohe Körnigkeit. Wie bei 

ihrem Bild von einer Sanduhr möchte 

sie damit auf das unaufhaltsame Zerrinnen 

der Zeit hinweisen. Beispielhaft für 

die schon bei den Rencontres d’Arles 

2009 gezeigte Serie »Fictions Aptères« 

(Flügellose Fiktionen) ist Nelson, der 

wie folgt beschrieben wird: »Vierzigjähriger, 

unangepasster sozialer Träumer, 

der nach Leben süchtig ist«. Bezeichnenderweise 

schwingt bei Marikels stillen 

und nüchternen Fotografien immer 

auch eine unterschwellige Gewalt und 

wilde Kraft mit. 


© Marikel Lahana 

Im Mittelpunkt ihrer Ausstellung bei 

exp12 / exposure twelve steht die Diashow 

»Nobody knows«, die musikalisch 

von der dynamischen Pariser Pianistin 

Trami Nguyen begleitet wird. Speziell 

zur Show konzipiert erklingen Jodlowskis 

»Série blanche“«, Luigi Nonos »… 

Sofferte onde serene« und Kenji Sakais 

»Chronofaille III«. Am letzten Ausstellungswochenende 

wird die Pianistin 

live vor Ort spielen. 

Marikel Lahana ist Absolventin der Pariser 

Hochschule für Angewandte Kunst 

ENSAD. Sie hat sich 2008 an der ENSP 

in Arles und 2010 am Studio National 

des Arts Contemporain Le Fresnoy diplomiert. 

Ein Erasmus-Stipendium führte 

sie 2007 an die UIAH in Helsinki, Finnland 

und ein Aufenthaltsstipendium der 

Alliance Francaise 2009 nach Toronto, 

Kanada. Ihre mehrfach ausgezeichneten 

Arbeiten wurden international auf 

Festivals und in Ausstellungen in Frankreich 

gezeigt. 

www.marikellahana.com 

© Marikel Lahana 

Eröffnung: 13. Mai 2011, 19 Uhr 


exp12 / exposure twelve 

Senefelderstraße 35 

10437 Berlin-Prenzlauer Berg 

www.exp12.com 

Fr – So 14 – 20 Uhr

Sibylle Mundt, 

Claudia Prokop 

Michael Magdeburg 

»Poesie der 

Architekturen« 

Die zentrale Herausforderung des Fotografierens 

von architektonischen Gebäuden 

als Ganzes oder im Detail, die Darstellung 

räumlicher Gebilde, hat immer 

wieder zu äußerst kreativen Arbeiten 

angeregt. Vielen Fotografen geht es 

dabei nicht mehr um eine rein sachliche 

Präsentation architektonischer Formen. 

Viel mehr scheint sie zu interessieren, 

wie Gebäude in Synthese mit den 

gestalterischen Möglichkeiten des Mediums 

zu ganz neuen Erfahrungsräumen 

werden können. So lösten sich schon 

in der Frühzeit der Fotografie Fotografen 

von der reinen Sachaufnahme hin 

zum künstlerischen Abbild architektonischer 

Bauwerke und Ensembles. Diese 

Wahrnehmung von Architektur im urbanen 

Umfeld STADT und im Zusammenklang 

mit ganz individuellen Sichtweisen 

spielt dabei eine große Rolle, und 

es ist überraschend zu sehen, wie viele 

künstlerische Ansätze es dabei gibt. In 

dieser Tradition stehen die drei Aussteller, 

auch weil sie sich weniger den »heroischen« 

als den »alltäglichen« Architekturen 

widmen. Gemeinsames Ziel ihres 

Abbildens ist meist nicht das ganze Bauwerk, 

sondern die ebenso wichtige Darstellung 

von Details als ästhetisch-poetisches 

Bild. 

© Michael Magdeburg 

Michael Magdeburg (in Berlin geboren, 

lebt in Berlin) steht in seinen frühen Fotografien 

der minimalistischen Auffassung 

von Sibylle Mundt nahe. Menschenleer 

wirkt die Szenerie einer Bushaltestelle 

bei Michael Magdeburg, wie eine zart 

verblassende Kulisse. Mit seinen Arbeiten 

spürt der Fotograf nach der Seele 

eines Ortes. 

An die Auffassung der malerischen Fotografie 

des 19. Jahrhunderts mit ihrer 

optischen Verklärung knüpft Michael 

Magdeburg mit seiner Handhabung der 

Unschärfe und dem bewussten Einsatz 

des Gegenlichtes in seinen jüngsten Bildern 

an. 

Sein Abstraktionsweg geht hin zur Raumauflösung, 

bis zu vibrierenden Farbflächen 

mit der Ahnung von Räumlichkeit 

und in der Unschärfe verschwimmenden 

Farbflächen. Magdeburgs monochrome 

Bilder und zarte Farbimpressionen 

bestechen mit ihrer stillen, meditativen 

Ausstrahlung. 

© Sibylle Mundt 

Bei Sibylle Mundt (1970 in Berlin geboren, 

lebt in Halle) sind es immer wieder 

die Abschlüsse von Giebelwänden, oft 

vor dem Hintergrund des blauen Himmels, 

als konstruktivistische transzendente 

Raumbilder. Das fein ausdifferenzierte 

Flirren und optische Vibrieren 

des Bildraumes kommt in der nuancierten 

Dualität der Farbflächen zum Ausdruck. 

Die Silhouettenlinie erscheint als 

schmaler bewegter Streifen in der Bildmitte. 

Dagegen werden ihre kahlen 

Parkhausräume mit den aufgebrachten 

© Claudia Prokop 


Galerien 

Piktogrammen zu nüchternen Zeichenbildern 

Claudia Prokop (in Berlin geboren, lebt 

in Berlin) faszinieren die Raumdimensionen 

großer Bauwerke, gefunden auf 

vielen Reisen oder hier in der Stadt, 

denen sie in Weitwinkelaufnahmen mit 

ihren stürzenden und tiefen Perspektiven 

nachspürt. So blickt sie monoperspektivisch 

mit einem Objektiv großer 

Brennweite mitten hinein in de Weiten 

der architektonischen Räumlichkeit. 

der fotografische Blick ist sowohl 

ästhetischer- als auch kritischer Natur. 

Die enorme Verdichtung des Raumes 

sowohl in der Horizontalen als auch 

in der Senkrechten wird auf eindrückliche 

Weise sinnfällig. Dabei werden 

viele Ihrer Bilder zu Sinnbildern bis hin 

zu Metaphern. Das Treppenhaus wird 

etwa zur Metapher für ständige Bewegung, 

für ständigen Auf- und Abstieg. 

Die drei Künstler finden in der Auseinandersetzung 

mit Architektur zu einer 

jeweils ganz eigenen Sprache. Die 

Fotografien sind sachlich und virtuos 

zugleich. Oberflächeneigenschaften 

und Lichtspiele werden zum Gegenstand 

eines sinnlichen Genusses. 


galerie ratskeller 

Galerie für zeitgenössische Kunst 

Möllendorffstraße 6 

(im Rathaus Lichtenberg) 

10367 Berlin-Lichtenberg 

www.kultur-in-lichtenberg.de 

Mo – Fr 10 – 18 Uhr 

41

Galeriebericht 

Lebens Räume 

Unsere alte und neue Hauptstadt war 

nie eine Schönheit. Bekanntlich lässt 

sich der Mangel an äußeren Reizen ausgleichen 

durch Klugheit, zum Beispiel 

in der Stadtplanung. Wenn man heute 

durch Berlin streift, hat man den Verdacht, 

dass Schinkel und seine Schüler 

Persius und Stüler im 19. Jahrhundert die 

letzten waren, die sich über die Stadt als 

Lebensraum Gedanken gemacht haben. 

Zum ersten Hotelbau am neuen Hauptbahnhof 

sagte der Architekt des ja auch 

umstrittenen Bahnhofs, Meinhard von 

Gerkan: »Ordinärer kann man einen 

öffentlichen Raum nicht verramschen«. 

Dabei hatte Berlin zweimal die Chance 

zur Erneuerung, nach den Zerstörungen 

des 2. Weltkriegs und nach dem 

Ende der Teilung 1989. Die Stadt war 

vorher schon einmal aus zwei Teilen 

zusammengewachsen. Im Ephraimpalais, 

unserem Stadtmuseum, waren 

unter dem Titel »Berlins vergessene 

Mitte« 400 photographische Originale 

von 1840 bis heute zu sehen, räumlich 

getrennt nach den beiden »Urstädten« 

Cölln und Berlin. Vor allem die Panoramen 

mit ihrem Reichtum an feinsten 

Details erzählen uns Geschichten. Nur 

braucht man dazu eine Lupe, weil die 

Kuratoren aus lauter Stolz auf den Besitz 

der Originale keine großen Reproduktionen 

an die Wand hängen. Technisch 

wäre das kein Problem, Titzenthaler, 

Schwartz und andere haben ja ihre 

Motive auf große Glasplatten belichtet, 

da ist vom Dachziegel bis zur Hutmode 

alles erkennbar. Und alle stürzenden 

Linien sind nach Scheimpflug perfekt 

entzerrt. Vor allem Max Missmann 

hat sich immer einen erhöhten Standort 

gesucht, um den Kontext aufzuzeigen, 

in dem die Gebäude stehen. Dem 

Betrachter wird klar, was heute fehlt: 

Dieser Kontext. Seit 7 Jahren ist Ingeborg 

Junge-Reyer (SPD) Senatorin für 

Stadtentwicklung. Sie hat Architektur 

nicht studiert und sagt: »Stadtentwicklungspolitik 

ist auch Wirtschaftspolitik«. 

Auch? War da noch was? 

Das Ephraimpalais zeigt die heutige 

Stadtmitte u.a. in den farbigen Panoramen 

von Arwed Messmer. Die digitale 

Technik macht wieder eine ähnli- 


© Max Missmann, »Bayerischer Platz«, 1912 

che Perfektion möglich wie die Plattenkamera 

des 19. Jahrhunderts. Wir 

sehen ein Berlin, in dem »alles aufeinandertrifft 

und nichts zusammen passt« 

(Annett Gröschner). Damit wir aber 

auch etwas über die Menschen erfahren, 

die in Mitte lebten und leben, finden 

wir in der obersten Etage Fotos von Barbara 

Metselaar-Berthold, keine Unbekannte 

in der Szene. Diesmal hat sie vor 

allem Bildpaare zusammengestellt, hat 

jeweils ein schwarzweißes Streetphoto 

aus den Achtzigern kombiniert mit einer 

farbigen Stadtansicht von 2010. Dieses 

Konzept funktioniert nicht durchgehend. 

Auch die Bezeichnung »Vexierbilder« 

trifft nicht zu, weil ein Doppelsinn 

nicht erkennbar ist. 

Einer der allerersten Chronisten Berlins 

war Leopold Ahrendts, im Stadtmuseum 

vertreten und in der Galerie 

Berinson bis 22. April gewürdigt. Die 

kostbaren Albumin- und Salzpapierabzüge 

aus den 1850er und 1860er Jahren 

stammen aus dem Nachlass der Dichterin 

Fanny Lewald und sind ganz wunderbar 

erhalten, nach 150 Jahren! Das 

soll ein Digiprint mal nachmachen. 

Hans-Christian Schink meint in »Photonews«: 

»Die Entstehungsgeschichte 

eines Kunstwerks, ob mehr oder weniger 

ablesbar, ist Teil seiner Aura«. Das 

gilt in hohem Maße für Schinks eigene 

Arbeit »1 h«, die noch bis 16. April bei 

Kicken zu sehen ist. Bei der Belichtungszeit 

von einer Stunde wird die Sonnenbahn 

durch natürliche Solarisation zu 

einem dunklen Balken, der über der 

Landschaft zu schweben scheint. 2007 

brachte ihm die Beschäftigung mit 

diesem Phänomen den REAL Photography 

Award ein, der immerhin mit 

50.000.- Euro dotiert ist. 

Im brennpunt 1/2011 auf Seite 34 steht 

Näheres. 

Auch Thomas Wrede war in Landschaften 

unterwegs, am liebsten in bizarren, 

lebensfeindlichen. Er »zivilisiert« sie 

dann am Computer auf witzige und hintergründige 

Weise, indem er Modelle 

von typischen menschlichen Behausungen 

an einen schroffen Berghang oder 

eine wilde Felsenküste setzt, mit Auto, 

Mülltonne und heimeligem Licht. Er 

täuscht uns so perfekt, dass wir erst auf 

den zweiten Blick stutzig werden. Die 

riesigen Acryls sind zwischen den riesigen 

ruppigen Betonpfeilern der Galerie 

Wagner + Partner noch bis 9. April 

zu sehen. 

Viel bescheidener gibt sich Karl-Ludwig 

Lange bis 24. April in der Kommunalen 

Galerie Wilmersdorf. Er ist uns bekannt 

als der Chronist der Teilung, hat fast 

zwei Jahrzehnte die Berliner Mauer 

dokumentiert, bis zu ihrem Fall. Parallel 

war er in Westberlin auf den Brücken 

unterwegs, die Bahngleise und 

Stadtautobahn überspannen. Das klingt 

nicht sehr spannend, ist aber ein ästhetischer 

Genuss, der freie Blick über die 

urbane Landschaft, perfekt vergrößert in 

edlem Schwarzweiß. Und die Sünden 

der Stadtplaner werden genau so sichtbar 

wie bei Max Missmann vor hundert 

Jahren. 

Daniel Sebastian Schaub rückt der 

oft trostlosen Architektur von Ladengeschäften 

in Randlagen auf die Pelle 

und nennt sie »Authentische Räume«. 

Er hält sie für »symbolisch höchst wertvoll«. 

Er liebt Reihungen von Glascontainern 

und andere serielle Strukturen 

im Stadtbild. Bis 22. Mai zeigt Gino 

Puddu seine spartanischen Farbmotive 

im Galeriecafé Aroma. 

Noch ein bisschen morbider geht es bei 

Inge Zimmermann zu in der Inselgalerie. 

»Verlassen« nennt sie ihre Architekturfragmente 

aus Berlin und Brandenburg. 

Doch ihre Motive leben, sie 

haben räumliche Tiefe und atmen Vergangenheit. 

Dass die ganz furchtbar gewesen sein 

kann, zeigt Robert Polidori bei Camera 

Work mit seinen beklemmenden Dokumenten 

aus Pripyat/Chernobyl. Die nukleare 

Katastrophe jährt sich am 26. April 

zum 25. Mal. Die damals in panischer 

Flucht verlassenen Räume hat Polidori 

vor 10 Jahren fotografiert. Da drang die 

grausige Aura des Ortes noch in jedes

© ROBERT POLIDORI, MATERNITY WARD, 

PRIPYAT, 2001 

Detail der großformatigen Aufnahmen 

und ist bis heute spürbar. 

Kehren wir zurück ins Leben, ein Leben, 

das sich »Hinter den Linden« abspielt 

und bis 1. Mai zu erkunden ist in der 

Galerie exp12 am Prenzlauer Berg. 

Gemeint sind die Räume der Lindenoper, 

in der das Staatsballett zuhause 

war, vor seinem Umzug in die Bismarckstraße. 

Kerstin Zillmer hat den 

Arbeitsalltag der Tänzer in stillen und 

poetischen Bildern eingefangen. Die 

Edition Braus hat daraus einen Bildband 

gemacht. 

Auch Arnd Weider war in der Staatsoper 

unterwegs, im Foyer, und in anderen 

Theatern und Sportstätten. »Heterotopien 

– Die äußeren Räume« nennt 

er seine Recherchen in der Fotogalerie 

am Helsingforser Platz. Die lastende 

Schwärze in den Nebenräumen soll 

»Projektionsfläche für den Betrachter 

sein, die auf dahinter Liegendes lenkt«, 

während die hellen Sportplätze eine 

kritische Verarbeitung eigener Erfahrungen 

sind. Das ist alles ziemlich verrätselt. 

Norbert Bunge zieht für seine 

Galerie argus fotokunst eine gradlinige 

Erzählweise vor. Er hat im riesigen 

Archiv des eben 80 gewordenen Will 

McBride gestöbert und eine wunderbar 

lebendige Serie gefunden, die der Fotograf 

1956 (!) in einer einzigen Straße in 

Florenz aufgenommen hat, der Via di 

Camaldoli. Da war der gebürtige Amerikaner 

von München mit dem Fahrrad 

hingeradelt, Jahre bevor seine Karriere 

bei twen, Stern, Geo und Life begann. 

Er erinnert sich: »Die Straße war eine 

einzige Bühne, ein Straßendrama voller 

Gestik und Geschrei… Die Filme liefen 

durch meine Leica wie der Wein durch 

die Kehle«. Auf meine törichte Frage, ob 

das Drucke seien, rief Norbert Bunge 

© Will McBride 

gekränkt: »Ich stelle keine Drucke aus! 

Das sind alles Barytabzüge des Fotografen«. 

Ein hehres Prinzip in unserer Welt 

der schnellen Bilder. 

Die von Schink beschworene Aura eines 

Bildes hängt ja auch mit dem Bildgedächtnis 

des Betrachters zusammen. 

Das fiel mir auf bei Dana Gluckstein im 

Willy-Brandt-Haus. Ihr Thema: »Dignity 

– Die Würde des Menschen«, Anlass: 

Der 50. Geburtstag von Amnesty International. 

Gluckstein hat wunderbare 

Porträts vor allem in Afrika und Südamerika 

gemacht. Doch das gewollte 

Gute macht sich leicht verdächtig, wie 

das zu Kolonialzeiten der Fall war. Da 

war es das voyeuristische Interesse der 

Europäer am Exotischen. 

Glucksteins Blick ist ein anderer, ein 

weiblicher zumal. Aber es ist auch der 

einer amerikanischen Starfotografin, die 

an Werbung und Glamour geschult ist. 

Sie inszeniert ihre Menschen vor neutralem 

Hintergrund, nicht in ihrem Lebensraum. 

Das wirkt bei einigen zu plakativ, 

andere sind bewegend lebendig wie bei 

einem Schnappschuss. 

Die räumliche Begrenzung eines Ateliers 

zwingt den Fotokünstler zu besonderer 

schöpferischer Bemühung, weil er 

sich nicht auf ein vorgefundenes Ambiente 

stützen kann. Er muss die eigene 

Persönlichkeit stärker einbringen und 

seine Stars vor der Linse mehr fordern. 

Gerhard Kassner (Photoplatz im Hotel 

© Dana Gluckstein 

Galeriebericht 

Bogotá) hat von 2003 bis 2010 im Auftrag 

der Biennale alle fotografiert, die 

in der Filmbranche Rang und Namen 

haben, sehr nahe, sehr perfekt, mit 

großer Achtsamkeit. Tilda Swinton hat 

er mit unterschiedlichem Outfit dreimal 

vor der Linse gehabt, 2005, 2008 und 

2009. Ihr Ausdruck ist auf den Bildern 

merkwürdigerweise so gleich, dass sie 

wie unmittelbar hintereinander entstanden 

wirken. 

Das könnte Jim Rakete nicht passieren. 

Die Kunsthalle Koidl zeigte von 

ihm zur Berlinale 87 aufregende Inszenierungen 

mit den Protagonisten 

der deutschen Filmlandschaft, jeweils 

ergänzt mit den Utensilien ihrer Rolle 

oder Tätigkeit. Die großen, kraftvollen 

Bilder sprangen den Betrachter an 

von den hohen Wänden des ehemaligen 

Charlottenburger Umspannwerks, 

voller Leben, voller Witz und Charme. 

Der Berliner würde sagen: Da ist Musike 

drin! Und das ist kein Wunder, denn Jim 

Rakete hat viele bekannte Musiker als 

Produzent betreut und unbekannte mit 

seinen Fotos bekannt gemacht. 

Schön, dass es solche einsamen Höhepunkte 

gibt. In der Bildsprache wird 

sonst heutzutage zuviel gequatscht und 

zu wenig gesprochen. 

Klaus Rabien 


43

Galerien 

Wolfgang Scholvien 

»Michael 

Schumacher« 

Estoril ist eine einzigartige Schwarzweiß- 

Reportage, die den jungen Michael 

Schumacher am Beginn seiner großen 

Karriere zeigt. Wolfgang Scholvien 

portraitierte den heute erfolgreichsten 

Rennfahrer aller Zeiten im Auftrag des 

Stern während seines dritten Formel-1- 

Rennens 1991 in Portugal aus nächster 

Nähe. Im Jahr 2004 erschien exklusiv 

bei Camera Work ein bibliophil 

ausgestattetes Portfolio Estoril mit 21 

Motiven, Format 52 x 42 cm, Auflage 

20 Exemplare, vergriffen. 

© Wolfgang Scholvien, »Estoril«, 1991 


© Wolfgang Scholvien, »Estoril«, 1991 


imago fotokunst 

Linienstraße 145 


Di – Fr 12 – 19 Uhr 

Sa 14 – 18 Uhr

Deutsches Technik 

Museum 

bis 3. Juli 2011 

Mit der Kamera auf Tauchgang in 

verborgenen Welten 

Unterwasserfotografie 

Trebbiner Straße 9 


Di–Fr 9–17.30 Uhr 

Sa + So 10–18 Uhr 

Petra Rietz 

Salon Galerie 


Hans Könings 

»Die andere Geschichte« 

Koppenplatz 11a 


Mi–Sa 15–18 Uhr 

Haus am Waldsee 

24. Juni bis 28. August 2011 

Mette Tronvoll 

»At Eye Level« 

Argentinische Allee 30 

14163 Berlin-Zehlendorf 

Mo–So 11–18 Uhr 

CAMERA WORK 


Russel James 


Herb Ritts 

Kantstraße 149 


Di–Sa 11–18 Uhr 

Café Aroma 

Photogalerie 

2. Juni bis 18. September 2011 

Valentina Strada 

»36 ore a Berlino« 

Hochkirchstraße 8 

10829 Berlin-Schöneberg 

Mo–Fr 18–24 Uhr 

Sa + So 14–24 Uhr 

Rathaus 

Charlottenburg 


Themenwettbewerb des DFV 

»Momente« 

Otto-Suhr-Allee 100 


Mo–Fr 8-18 Uhr 

Rathaus Köpenick 


»17. Fotoklub Forum Berlin 2011« 

Arbeitskreis Freie Lichtbildner Berlin 

BSW Fotogruppe Berlin 

Colorclub Berlin-Treptow 

Fotoclub 1092 Berlin 

Fotoclub Berlin-Lichtenberg 

Fotoclub Fischerinsel 

Fotoclub Ludwigsfelde 

Fotofreunde Zehlendorf 

fotografen vereinigung kreuzberg 

fotografie.berlin e.V. 

Fotogruppe´98 

Fotogruppe »Natur und Kultur« 

(Labsaal) 

Fotoklub Eberswalde 

Fotoklub Strausberg 

Fotostudio Köpenick 

Fototreff Bernau 

Sinnbildfotoklub Brandenburg 

Alt-Köpenick 21 

12555 Berlin-Köpenick 


Sa + So 10–16 Uhr 

C / O Berlin 


Fritz Eschen 

»Berlin unterm Notdach« 

Fotografien 1945-1955 

Ausstellungen 


Gregory Crewdson 

»On a Lonely Place« 

Oranienburger Straße 35/36 

Postfuhramt 


Täglich 11–20 Uhr 

Caritas Galerie 


Jörg Rüger 

»the beauty of ruins« 

Residenzstraße 90 

13409 Berlin-Reinickendorf 


Deutsches 

Historisches Museum 

12. Mai bis 3. Oktober 2011 

Thomas Hoepker, Daniel Biskup 

»Ansichten vom Alltag« 

Anfang und Ende der kommunistischen 

Herrschaft 


Hinter dem Zeughaus 



Martin-Gropius-Bau 


André Kertész 

»Vint« 


Daniel Schwartz 

Niederkirchnerstraße 7 




45

Ausstellungen 

Martin Munkacsi 

»Think while you 

shoot« 

Martin Munkacsi (1896 – 1963) zählt 

unbestritten zu den wichtigsten Fotografen 

des 20. Jahrhunderts. Der Ungar 

hat die Anfänge des modernen Fotojournalismus 

geprägt und das bis dahin 

statische Medium in Bewegung versetzt. 

Munkacsi verband journalistische 

Genauigkeit mit einem hohen formalästhetischen 

Anspruch. Seine Modefotos 

waren bahnbrechend, als Sportfotograf 

bleibt er unerreicht. In dieser Ausstellung 

finden Munkacsis Fotografien 

aus dem Nachlass, die zuvor in aller 

Welt verstreut waren, wieder zusammen. 

Sie enthält Bilder aus allen Schaffensphasen 

und dokumentiert so eine 

spannungsvolle, technikversessene, glamouröse 

und widersprüchliche Epoche. 

Die von F.C. Gundlach im Jahr 2005 

als Eröffnungsausstellung des Hauses 

der Photographie in den Deichtorhallen 

Hamburg kuratierte Retrospektive 

Martin Munkacsi. »Think while you 

shoot« macht vom 23. Februar bis 22. 

Mai 2011 im Kunstfoyer der Versicherungskammer 

Bayern in München ein 

letztes Mal Station. Präsentiert werden 

rund 280 Werke, darunter Portraits von 

Fred Astaire, Katharine Hepburn, Greta 

Garbo, Joan Crawford, Marlene Dietrich, 

Max Schmeling, Louis Armstrong, 

Frida Kahlo und Diego Rivera. 

Für ihn tanzte Fred Astaire auf Zehenspitzen, 

für ihn liefen die Damen mit 

wehenden Kleidern über den Strand – 

Munkacsi brachte Bewegung in die statische 

Fotografie der 1920er Jahre. Der 

ausdrucksstarke Ungar gilt als unerreichter 

Sport- und Reportagefotograf, 

als Revolutionär der Modefotografie 

und als Inbegriff der Moderne. 

»Think while you shoot« – so fasste 

Martin Munkacsi sein fotografisches 

Credo 1935 im Modemagazin Harper’s 

Bazaar zusammen. Die vier Wörter charakterisieren 

seine Arbeitsweise auf das 

Vortrefflichste: spontan, ungezwungen, 

dynamisch, oft vor Lebensfreude überbordend 

wirken seine Aufnahmen. Sie 

sind Zeugnis einer Gabe, die Munkacsi 


»Jungen laufen in die Brandung des Tanganyika- 

Sees«, Tanganyika, um 1930 

© Estate of Martin Munkacsi / Lester Nafzger, 

Woodstock 

wie wenige andere Fotografen auszeichnet: 

das intuitive Begreifen des 

Augenblicks. In Windeseile gelang es 

ihm, Bewegungen abzuschätzen, vorübergehende 

Arrangements zu erspüren, 

um im rechten Moment am rechten 

Ort zu sein und auf den Auslöser 

zu drücken. 

Schon seine frühen Arbeiten für die 

ungarische Zeitung Pesti Napló lassen 

Munkacsis Gespür für Dynamik erkennen. 

1928 verlässt er Ungarn in Richtung 

Berlin, der quirligen europäischen 

Metropole, Inbegriff der »Roaring Twenties«. 

Dort hat er die Fortune des Autodidakten: 

Der Ullstein Verlag macht ihn 

zum Chef-Fotografen der Berliner Illustrirten 

Zeitung, dem seinerzeit auflagenstärksten 

Bilderblatt der Welt. Munkacsis 

Themenspektrum ist weit gefächert: 

Es reicht vom Sport über die Reportage 

bis zur Mode. Das Jahr 1933 stellt 

auch für Munkacsi einen Wendepunkt 

dar. Das quirlig-avantgardistische Berlin 

verkommt unter den Nationalsozialisten 

zum Aufmarschplatz für SA und 

SS. Der Ullstein Verlag wird »arisiert«, 

der jüdische Chefredakteur Kurt Korff 

und der Verlagsdirektor Kurt Safranski 

werden entlassen. Im Mai 1934 verlässt 

auch Munkacsi Deutschland, um sich 

in den USA eine neue Existenz aufzubauen. 

Dort wird er mit vielen Publikationen 

bei Harper’s Bazaar, Life und 

Ladies’ Home Journal den Zenit seines 

»Peignoir in a soft Breeze« USA 1936 

© Estate of Martin Munskacsi / Lester Natzger, 

Woodstock 

Ruhms erreichen. Aber auch aus großer 

Fallhöhe abstürzen. 

Seit 2005 auf Tournee im Haus der Photographie 

in den Deichtorhallen Hamburg, 

im Martin-Gropius-Bau Berlin, 

im International Center of Photography 

(ICP) New York, im Museum of Modern 

Art San Francisco, im Moscow House of 

Photography und im Ludwig Museum 

Budapest, hat die Ausstellung das Werk 

eines der einflussreichsten Fotografen 

des 20. Jahrhunderts der Vergessenheit 

entrissen und bei Publikum und Presse 

international begeisterte Reaktionen 

hervorgerufen. 

Dank gebührt der Tochter des Fotografen 

Joan Munkacsi (1948-2008), dem 

ullstein bildarchiv Berlin, der Stiftung 

F.C. Gundlach und der Howard Greenberg 

Gallery New York. 

Ohne ihre Leihgaben und ihre Unterstützung 

wären die Ausstellung und 

der bei Steidl in Göttingen erschienene 

Bildband nicht vorstellbar. 


KUNSTFOYER DER 

VERSICHERUNGSKAMMER BAYERN 

Maximilianstraße 53, 

80530 München 

täglich 9–19 Uhr

Thomas Lüttge 

Hugo Jaeggi 

Zeit in der Zeit, so betitelt der Schweizer 

Fotograf Hugo Jaeggi seine Aufnahme, 

die einen Mann auf Reisen zeigt, im 

Zug von Brüssel nach Basel. Unübersehbar 

im Vordergrund: die Uhr. Unser 

Messwerkzeug für Zeit, gleichzeitig das 

Symbol einer Begrenzung. Zeit lässt sich 

messen wie eine Währung: Zeit ist Geld 

… ein jeder besitzt viel, wenig, gar keine 

Zeit … sie wird gespart, verschwendet, 

verschenkt … 

© Thomas Lüttge, »Montagsdemostration«, 

Leipzig, 1989 

© Thomas Lüttge, »o.T.«, 1985 

Oder geht es um die kulturphilosophische 

Bedeutung, um den Zeitgeist? 

Dokumentiert das Bild der Montagsdemonstration, 

1989 in Leipzig, den 

damaligen Geist der Zeiten, diese wenig 

konstante Größe? 

© Hugo Jaeggi, »Zeit in der Zeit«, Im Zug Brüssel-Basel, 1988 

© Hugo Jaeggi, »Traumbild«, Riehen, 1984 


Ausstellungen 

Fotogalerie Karin Schneider-Henn 

Schmidzeile 12 

83512 Wasserburg am Inn 

Sa + So 14–18 Uhr 



47

Ausstellungen 

Nadav Kander 

»Yangtze – The Long 

River« 

Mit der Serie »Yangtze - The Long River« 

dokumentiert Nadav Kander die tief greifenden 

Veränderungen der Uferlandschaften 

des drittgrößten Flusses der 

Welt infolge der ungezügelten Modernisierung 

Chinas. Zwischen 2005 und 

2007 bereiste der Fotograf mehrmals 

den Jangtsekiang, immer stromaufwärts, 

von dessen Mündung im Ostchinesischen 

Meer bis zur Quelle im Qinghai-Plateau 

von Tibet. 

Kanders Aufnahmen zeigen nebliggraue 

Landschaften, die ihr Gesicht 

durch den massiven Eingriff des Menschen 

im Namen des Fortschritts so 

schnell ändern, dass sie heute bereits 

Geschichte sind. Großprojekte wie der 

Drei-Schluchten-Staudamm und das 

Süd-Nord-Wassertransfersystem, gigantische 

Brücken und Wohnblöcke westlicher 

Bauart oder Schutt- und Müllberge 

nehmen der Landschaft Schönheit und 

Idylle. Die sonnenlose Natur wirkt leer 

und distanziert. 

Tradition und Moderne stehen am 

»Großen Fluss«, der im Bewusstsein 

der Chinesen sowohl historisch als 

auch spirituell immer schon eine Identität 

stiftende Rolle spielte, unversöhnlich 

nebeneinander. Die am Flussufer lebenden 

Menschen stehen der hemmungslosen 

und einschneidenden Umgestaltung 

ihrer Umgebung klein und verloren 

gegenüber. Ohne Einfluss auf die Entwicklung 

nehmen zu können, müssen 

sie sich mit dem Wandel arrangieren 

und sich damit abfinden, dass es ein 

Wiedersehen mit einer Landschaft aus 

Kindheitstagen für sie nicht mehr gibt. In 

der Landschaft eine Konstante zu finden 

ist ihnen fremd geworden. 

Der Jangtsekiang ist in Nadav Kanders 

Fotografien das Sinnbild eines unnatürlich 

schnellen und oft genug inhumanen 

Fortschritts. Sein Werk ist eine ins Bild 

gesetzte sehr persönliche Reflexion über 

die sozialen und ökologischen Konsequenzen 

der wirtschaftlichen Entwicklung 

des modernen China. In »Yangtze 

- The Long River« gelingt es Kander, die 


© Nadav Kander, »Chongqing I«, Chongqing Municipalty, 2006 

© Nadav Kander, »Blue Trucks«, Mouth Shanghai 

gewaltsamen Umwälzungen ebenso 

wie die Erhabenheit und Größe der 

Natur in einem ungelösten Spannungsverhältnis 

zu verbinden. Dabei »sprechen 

diese paradoxerweise schönen 

Fotografien«, wie es Kofi A. Annan in 

der Einleitung zum Buch treffend formuliert, 

»eine darüber hinausgehende 

Wahrheit an. Die Fotografien erinnern 

uns an die Fragilität unserer Welt und an 

den Schaden, den wir angerichtet haben 

– Schaden, der über die Grenzen nationaler 

Staaten hinausgeht«. 

Versammelt findet sich die komplette 

Werkserie in dem von Hatje Cantz 

veröffentlichten gleichnamigen Fotobuch, 

das mit einem Vorwort von Kofi 

Annan versehen ist und 2009 mit dem 

renommierten Prix Pictet ausgezeichnet 

wurde. 

Der 1961 in Israel geborene und im südafrikanischen 

Johannesburg aufgewachsene 

Nadav Kander zählt zu den renommiertesten 

Fotografen der Gegenwart. 

Die fotografische Bandbreite umfasst 

künstlerische, redaktionelle und werbliche 

Arbeiten, die in Büchern und zahlreichen 

Magazinen wie dem Sunday 

Times Magazine, Rolling Stone, Another 

Man und Dazed & Confused erschienen 

sind. 2009 widmete das New York 

Times Magazine eine ganze Ausgabe 

mit Kanders »Obama’s People«, einer 

Porträtserie des gesamten Ministerstabs 

und der engsten Mitarbeiter Obamas. 

Kander erhielt zahlreiche Auszeichnungen 

und wurde 2009 im Rahmen der 

Annual Lucie Awards zum International 

Photographer of the Year ernannt. Seit 

1986 lebt der Fotograf mit seiner Familie 

in London. Seine Arbeiten sind Teil 

der Sammlungen der National Portrait 

Gallery sowie des Victoria und Albert 

Museums in London. 


Forum für Fotografie 

Schönhauser Straße 8 

50968 Köln 

Mi – Fr 14 – 18 Uhr 

Sa 12–18 Uhr, So 12–16 Uhr

Amin El Dib 

Autonome Bilder 

Amin El Dib macht Kunst mit Photographie, 

und das ist wörtlich zu nehmen: 

Das Medium ist ihm nicht mehr und 

nicht weniger als das Material, dessen 

Erforschung sein Œuvre bestimmt. Mit 

den Künstlern aller Zeiten und Medien 

eint ihn die Radikalität seines Ansatzes; 

aus grundsätzlichen Erwägungen zur 

Materialität und Medialität der Photographie 

heraus bestimmt er die Grenzen, 

die er überschreitet – vor allem 

um zu wissen wo sie sind. Wo ist die 

Schönheit von Schnittblumen im Verfall, 

wo die Wiedererkennbarkeit eines 

Menschen im Portrait, wo die Integrität 

eines Bildes im Prozess des Zerreißens? 

Hinter jeder neuen Fragestellung 

steht die Überlegung, was das Bildermachen 

an sich zu bedeuten hat, wieweit 

es Selbstzweck ist und wo die Autonomie 

einer jeden Kunst die Grenze der 

Vermittelbarkeit überschreitet – und das 

im etabliertesten technischen Medium 

der Neuzeit. 

Amin El Dib arbeitet in größeren Werkgruppen, 

die ihn oft jahrelang beschäftigen, 

die sein Leben begleiten und 

bestimmen. Umgekehrt wirken einzelne 

Momente dieses Lebens auf die 

Ausformung mancher Arbeitsweisen 

und damit die Art der Bilder zurück; 

das reicht von Spaziergängen mit dem 

Hund über familiäre Reisen nach Ägypten 

bis zu erotischen Obsessionen. Oft 

genug jedoch definieren die Arbeitsprozesse 

der Photographie selbst seine 

Arbeit: Was im Negativdruck geschieht, 

ist genau so spannend wie die Frage 

nach der Größe, dem Ausschnitt, dem 

Seitenverhältnis und der Grauwertverteilung 

von Bildern. Ein guter Teil seiner 

Radikalität des Œuvres verdankt Amin 

El Dib dem Umstand, dass er jeden Parameter 

seiner photographischen Arbeit 

gleich ernst nimmt – nichts ist zu klein, 

als dass es nicht die Wirkung seiner 

Bilder verändern könnte. 

Bei alledem ist Amin El Dib ein Künstler, 

den das Endprodukt seiner Arbeit 

brennend interessiert: Er schafft Bilder. 

© Amin El Dib 

© Amin El Dib © Amin El Dib 

Jedes dieser Bilder steht – ungeachtet 

der Tatsache, dass es im Kontext einer 

Serie entstand – für sich allein da, repräsentiert 

ihn als Künstler und sein Werk 

als Œuvre. Klassische Kompositionsregeln 

haben in diesem Prozess der Bildwerdung 

ebenso viel Bedeutung wie 

die Verfahrenstechniken der Photographie. 

Das Beharren auf dem Bildermachen 

befreit den Künstler Amin El Dib im 

übrigen von lästigen Fragen nach dem 

Fotoszene 

Ursprung seiner Bildideen: Sie sind einfach 

da, genau so wie die Bilder einfach 

da sind. Als Bild jedoch muss jedes Einzelne 

von ihnen entschlüsselt werden, 

eine ebenso wunderbare wie lohnende 

Arbeit – für die Bildbetrachter. 

Rolf Sachsse 


49

Portfolio Miriam Tamayo 

Miriam Tamayo 

Das Wahrhaftige ist für mich immer 

das Naheliegende; der Zauber des Alltags. 

Die Auseinandersetzung mit Identität 

im Zusammenhang mit kultureller 

Zugehörigkeit, Herkunft und Verwurzelung 

fasziniert mich. 

Ich arbeite vorzugsweise mittels des 

fotografischen Portraits. Dabei gehe ich 

sowohl dokumentarisch vor, im Sinne 

der klassischen Fotoreportage, als auch 

durch Inszenierung. 

Manchmal verschmelzen beide Formen 

miteinander. Deswegen fotografiere ich 

gern Inszenierungen bei Tanz und Theater. 

Ich hatte die Chance in verschiedenen 

Kulturen aufzuwachsen und das Besondere 

darin schätzen zu lernen. Unterschiedliche 

Lebensweisen bedeuten 

für mich neue Horizonte und Inspiration. 

Ich lebe und arbeite gern in Berlin 

– auf ihre Art eine inspirierende kosmopolitische 

Stadt. 

© Miriam Tamayo, »Ina und Maite«, Frankurt 

Als Fotografin und studierte Ethnologin 

möchte ich in Zukunft stärker bei interdisziplinären 

Projekten mitwirken, wie 

z.B. bei Feldforschungen mit interkulturellem 

Fokus. 

Geboren 1977 bei Berlin, aufgewachsen 

in Leipzig und Santiago de Chile, 

Studium der Ethnologie in Berlin und 

Paris, Studium der Fotografie in Buenos 

Aires als DAAD-Stipendiatin, lebt und 

arbeitet seit 2009 in Berlin als freie Fotografin. 

Schwerpunkte der Arbeit: Visuelle 

Anthropologie, Portrait, Tanz und Theater. 


© Miriam Tamayo, »Look at me I‘m Chinese Tanzcompagnie Rubato & Mahjong Dance«, Berlin 

© Miriam Tamayo, »Look at me I‘m Chinese Tanzcompagnie Rubato & Mahjong Dance«, Berlin 

Webseite: 

www.miriamtamayo.com © Miriam Tamayo, »Silvia« © Miriam Tamayo, »Silvia und Clarence«

© Miriam Tamayo, »Aleseya«, Santiago 



51


© Miriam Tamayo, »Fischer in Zanzibar« 


52 brennpunkt 2/2011




53


© Miriam Tamayo, »Tango, Cecilia und Diego«, Buenos Aires 


© Miriam Tamayo, »Elpida Orfanidou«, Sophiensaele Berlin, 2011 



55


© Miriam Tamayo, »Alicia«, Valparaiso 


© Miriam Tamayo, »Laura«, Santiago 



57


© Miriam Tamayo, »Rosul«, Leipzig 


© Miriam Tamayo, »Yui Kawaguchi«, Sophiensaele Berlin, 2011, (Bühnenbild: Kazue Taguchi) 

© Miriam Tamayo, »Yui Kawaguchi«, Sophiensaele Berlin, 2011, (Bühnenbild: Kazue Taguchi) 



59

Fotoszene 

Das Plagiat 

Die augenblickliche Diskussion in der 

Presse über unzureichend dokumentierte 

Zitate und eigene wissenschaftliche 

Leistungen bei Dissertationen, hat 

mir doch einiges klar gemacht - unter 

anderem übrigens, dass große politische 

Persönlichkeiten zwingend auch viele 

Neider haben... 

Aber darum soll es im folgenden natürlich 

nicht gehen. 

In allen Bereichen literarischer oder wissenschaftlicher 

Tätigkeiten, gibt es den 

Begriff des geistigen Eigentums. Verstöße 

dagegen werden geahndet, mindestens 

jedoch bewertet. 

Aber in der Fotografie? Da stört sich 

offensichtlich niemand daran, dass gnadenlos 

abgekupfert, Themen geklaut 

und sogar mit investigativer Energie vielversprechende 

Lokations anderer Fotografen 

ausfindig gemacht werden, um - 

ja warum eigentlich? 

Ist es wirklich so befriedigend immer 

zweiter Sieger zu sein und Bilder zu 

machen die es bereits gibt? 

Entsprechende Plagiateure auf Ihr Handeln 

angesprochen, antworten in der 

Regel stereotyp mit dem Hinweis, es 

sei doch wohl nicht verboten und es 

gebe ja wohl kein Exklusivecht auf ein 

Motiv. Es ist schon interessant, dass 

dieses Ausweichen auf eine pseudojuristische 

Ebene die kreativ-moralische 

Sicht völlig außer acht läßt. 

Ich habe ja schon mal in einen Beitrag 

»Auf einen Pfau folgen immer Pfauen« 

(brennpunkt 3/2008) darauf hingewiesen, 

dass Siegerbilder eines Fotowettbewerbs 

in den Folgejahren als Kopie 

gehäuft eingereicht werden. 

Es gibt da zum Beispiel die Münchener 

U-Bahnstation »Westfriedhof« - Sie 

können sich gar nicht vorstellen wie oft 

dieses Motiv in ähnlicher Sichtweise 

und Ausschnitt bei Fotowettbewerben 

von verschiedenen Autoren präsentiert 

wurde. 

Die Kollegen aus der malenden Zunft 

reagieren da ganz anders. 

Ich bin gelegentlich Juror der Aufnahmekommission 

des BVBK (Bundesverband 

Bildender Künstler) für Neumitglieder. 

Wenn dort Malereien auftau- 


© Manfred Kriegelstein, »Verstecken« (Original in Farbe) 

chen, die lediglich bekannte Sehweisen 

und Umsetzungen kopieren, also wenig 

oder keine individuelle neue kreative 

Leistung erkennbar ist, werden solche 

Bewerber konsequent abgelehnt. 

Die Begründung lautet dann inhaltlich 

und sprachlich treffend: »Zu viel 

Zitat!« 

Nun geht es ja in der Fotografie nicht 

unbedingt darum, dass bestimmte 

Motive nicht von diversen Autoren fotografiert 

werden können - es geht mehr 

um die Kopie von Sichtweisen und kreativen 

Auffassungen. Ich will gar nicht 

von Handschriften sprechen, denn die 

kann man nicht kopieren weil sie auch 

immer einen Teil der Seele des Fotografen 

und dessen Individualität widerspiegeln. 

Sicher, ich muß mir den Einwand gefallen 

lassen, dass das hier beschriebene 

Problem eher auf einfache Amateure 

zutrifft und bei arrivierten Kunstfotografen 

wohl selten auftritt, weil die gegebenenfalls 

einen Ruf zu verlieren haben. 

Das mag so sein, aber was die Amateure 

anbelangt, wehret den Anfänge(r)n... 

Manche von Ihnen, liebe Leser, mögen 

diese Zeilen für übertrieben halten, aber 

ich denke jeder weiß, dass ich mich 

immer dem guten Bild verpflichtet fühle 

und das setzt individuelle Kreativität auf 

Grund eigener Ideen voraus. 

Die besten Ergebnisse, auch bei Anfängern, 

entstehen durch Konzentration 

auf ein eigenes Thema über lange Zeit. 

Denn nur das garantiert die Tiefe und 

Individualität die ein gutes Bild ausmachen. 

Übrigens, gehöre ich der »Photographenlounge 

Potsdam« an, einer Gruppe 

die sich durch hohe fotografische Individualität 

der einzelnen Mitglieder auszeichnet. 

Jeder hat sein eigenes fotografisches 

Thema und gerade diese Vielfalt 

macht den Reiz dieser Vereinigung 

aus. 

Nachdem ich das Thema »Relics Of The 

Russians« präsentiert habe, würde wohl 

keiner von den Kollegen auf die Idee 

kommen auch durch die alten Kasernengelände 

zu streifen. 

Oder nehmen wir die brillante Arbeit 

von Monika Schultz-Fieguth über das 

Kloster Heiligenkreuz - selbstverständlich 

ist ein solches Thema für alle andern 

passee. 

Wer möchte auch gerne zu seinen Bildern 

den Kommentar hören. »Zu viel 

Zitat«... 

Ich denke, eine hohe Moral als Maßstab 

bei den eigenen Ansprüchen, ist der 

einzige Weg um Plagiate einzudämmen 

und die Fotolandschaft kreativer und vor 

allen Dingen innovativer zu gestalten. 


P.S. 

Nachdem dieses Bild von mir vor vielen 

Jahren erstmalig in den Katalogen internationaler 

Salons veröffentlicht wurde, 

kam es in den Folgejahren zu einem 

Boom von Fotos, die Kinderspiele mit 

Verwischungstechnik zeigten...

Die Tricks der Photoshop- 

Profis 

Was Sie schon immer über Photoshop 

wissen wollten 

Pavel Kaplun, Marco Hayek, Eduardo 

Da Vinci, Dirk Metzmacher, Thorsten 

Thees 

Verlag: Galileo Design 

ISBN: 978-3-8362-1583-1 

DVD - 10 Stunden Gesamtspielzeit 

49,90 Euro� 

Wer nun glaubt, er könne es sich auf 

der Couch bequem machen und sich 

berieseln lassen, der hat sich aber sehr 

getäuscht... 

Man hält es keine 10 Minuten aus, 

so spannend ist diese DVD und so 

unbändig der Wunsch die einzelnen 

Tricks nachzubauen und anzuwenden. 

Schon das DVD-Cover erinnert 

eher an den Film »Die Liga der 

außergewöhnlichen Gentlemen«, als 

an eine Lehr-DVD. 

Wer sich etwas in Photoshop auskennt 

und wissen will, wie die Profis 

geheimnisvolle Stimmungen und 

surreale Effekte ins Bild bringen, kommt 

an dieser DVD nicht vorbei. 

Klasse gemacht und vor allen Dingen, 

man kann das Lerntempo selber 

bestimmen und über einen verlinkten 

Index gezielte Fragestellungen 

auswählen. 

Eine unbedingte Empfehlung von mir! 


Scott Kelbys Lightroom 3 

für digitale Fotografie 

Erfolgsrezepte für Fotografen 

Scott Kelby 

Verlag: ADDISON-WESLEY 

ISBN: 978-3-8273-2975-2 

464 Seiten, 4-farbig, Bilderdruck 

39,80 Euro� 

Die Erfolgsstory von Lightroom ist wohl 

nicht mehr aufzuhalten, jetzt schon in der 

aktuellen 3. Version - und genauso klar 

ist, dass Sott Kelby das Adobe-Urgestein 

darüber schreiben wird! Wegen seiner 

standardisierten Prozessabläufe ist 

Lightroom sicherlich das Programm im 

professionellen Bereich nicht nur zur 

Verwaltung der Bilddateien, sondern 

auch bestens geeignet für häufig 

wiederkehrende Bearbeitungsroutinen. 

Kelby führt Sie in leicht verständlichen 

Kapiteln in die Geheimnisse dieses doch 

recht umfangreichen Programms ein. 

Er lehnt sich in seiner didaktischen 

Vorgehensweise an den üblichen 

Workflow des Fotografen an: Importieren 

- Katalogisieren - Optimieren. 

Das alles natürlich mit vielen 

Bildbeispielen aus der Praxis und wie 

immer in seiner unnachahmlichen 

Leichtigkeit der Sprache, mit der er die 

Dinge auf den Punkt bringt. 

Für Lightroomfans ein »must have«. 


Buchbesprechung 

Das Photoshop-Buch 

People & Porträt 

Aktuell zu Photoshop CS5 

Maike Jarsetz 

Verlag: Galileo Design 

ISBN: 978-3-8362-1710-1 

443 Seiten,komplett in Farbe, mit DVD, 

2. aktualisierte Auflage 

39,90 Euro 

Na, es sind eben doch immer die 

gleichen... 

Maike Jarsetz hat sich schon seit langem 

einen führenden Platz in der digitalen 

Bildbearbeitungsszene erobert und gilt 

als eine der führenden deutschen Photoshopexpertinnen. 

Wie schon früher 

erwähnt, merkt man ihren Werken deutliche 

ihre fotografische Ausbildung an. 

Sämtliche Tipps sind aus der Praxis für 

die Praxis. Eines ihrer Spezialgebiete ist 

die digitale Porträtaufbereitung und das 

entsprechende Werk liegt jetzt in der 

zweiten und aktualisierten Auflage vor. 

Sämtliche Schritte einschließlich der 

perfekten Retusche (das ist die, die man 

nicht merkt...) werden folgerichtig und 

leicht verständlich erklärt. 

Wer sich mit Porträt - und Studiofotografie 

beschäftigt wird an dem Buch seine 

wahre Freude haben! 



61

Vorschau 3/2011 

brennpunkt 3-2011 

erscheint am 

4. Juli 2011 

Portfolio 

Frank Silberbach 

Seit den Jahren, in denen Frank Silberbach 

(*1958) seine fotografierten Panoramen 

allwöchentlich in den Magazinbeilagen 

der Samstagsausgaben der 

Berliner Zeitung veröffentlichte, gehört 

die Panoramafotografie ganz wesentlich 

zu seinen Aktivitäten. Als Berliner 

und mithin Großstädter richtet sich sein 

fotografischer Fokus auf die Menschen 

© Frank Silberbach 


© Lothar Seifert 

in dieser Stadt. Dabei folgt er der Straßen- 

und Lifefotografie, nur mit dem entscheidenden 

Unterschied, dass die Panoramaform 

noch schwieriger zu bewältigen 

ist. Denn die Breite dieses Formats 

will gefüllt werden, damit wirkliche 

Bilder entstehen. Frank Silberbach hat 

sich dafür über Jahre einen Blick angeeignet, 

der bewusst wie intuitiv das All- 

© Lothar Seifert 

© Katrin Weinrich © Katrin Weinrich 

tagsgeschehen danach ausspäht, ob 

sich solch komplexe Szenarien anbahnen, 

um sie dann im entscheidenden 

Moment festzuhalten. Mit ausgeprägtem 

Gespür für das Situative zeigen uns 

Frank Silberbachs Bilder authentische 

Alltagsszenen, nie denunzierend, aber 

nicht selten mit ironischem oder humorvollem 

Unterton.

ennpunkt 2/2011 

63

Vorschau 3/2011 


© Tom Stange, Berlin 

brennp@web.de

brennpunkt 2-2011 .indd - Edition dibue

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