Christoph Maria Herbst, Rezitator wdr Rundfunkchor Köln ... - WDR.de

Christoph Maria Herbst, Rezitator
wdr Rundfunkchor Köln
Leitung: Kaspars Putniņš
Moderation: Nina Kawalun
Samstag, 22. September 2012
20.00 Uhr,
Düsseldorf, Robert-Schumann-Hochschule
Sonntag, 23. September 2012
20.00 Uhr
Köln, Funkhaus Wallrafplatz
kaija saariaho
Tag des Jahrs
ēriks es˘envalds
Sun-Dogs (Nebensonnen)
Dong-Hi Yi, Sopran
Claudia Nüsse, Alt
Arndt Schumacher, Bass
knut nystedt/johann sebastian bach
Immortal Bach
Pause
arvo pärt
Magnificat
veljo tormis
Tower Bell in My Village
Benita Borbonus, Sopran
Sabine Kallhammer, Sopran
Dong-Hi Yi, Sopran
Sprecher: Vernon Kirk
anders hillborg
muo::aa:yiy::oum
Sendung: wdr 3
Mo, 3. Dezember 2012
20.05 Uhr

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Neue Horizonte
Musik ist niemals nur eine ästhetische, sondern
immer auch eine soziale, dem Leben zugewandte
Praxis. Sie steht nie für sich allein.
Musik ist keine absolute, ganz von der Welt
losgelöste Kunstform, sondern entsteht im
Dialog mit der Außenwelt – als Ausdruck unseres
Erfahrungshorizonts. Im Verhältnis zu
anderen Kunstformen, zu Alltagserfahrungen
und philosophischen Betrachtungen erhält
das Musizieren einen über den bloßen Klang
hinausreichenden Sinn. Bilder, Tanz, Literatur,
soziale und politische Zusammenhänge finden
in der Musik eine klingende Entsprechung.
Mit der Konzertreihe »wdr-Chor und
Gäste« soll dieses Verhältnis auf seine Möglichkeiten
hin befragt werden. In der Spielzeit
2012/13 sind deshalb Schauspieler, Schriftsteller,
Journalisten, Instrumentalmusiker
und Tänzer zu Gast, um den Deutungsraum
der Chor musik zu weiten.

Das Nordlicht wiederum ist ein besonderes
Naturereignis. Als nutze jemand den Himmel
als Leinwand für ein Gemälde, erscheint das
Nordlicht, wenn elektrisch geladene Teilchen
des Sonnenwindes auf die Erdatmosphäre
treffen. Es ist von über irdischer Schönheit,
erhaben und fragil. Und es erinnert den Menschen
daran, dass er, angesichts der Größe
des Universums, nicht allmächtig ist.
Komponisten der nordischen Länder
haben ein besonderes Verhältnis zur Natur,
zu den Lichtphänomenen und dem Himmel.
Sie sind ihnen in einem besonderen Maße
ausgesetzt. Und diese Voraussetzungen
prägen ihre Musik. Das Helle, Unwirkliche,
Naturverbundene ist eine besondere Quali-
tät der Werke nordischer Komponisten, die
immer wieder auch Sujets und Phänomene
der Natur aufgreifen. Das können die Licht-
Nordlichter des Klangs
Licht – das ist eine musikalische Qualität. Das Helle
und das Dunkle sind Eigenschaften des Klangs. Komponisten
arbeiten mit den Techniken des Chiaro scuro.
Sie tauchen ihre Werke in Licht.
spiegelungen der Nebensonnen sein, die Jahreszeiten
oder die Naturverbundenheit des
ländlichen Lebens.
Gleichwohl muss man sich vor pauschalen
Zusammenfassungen hüten. Jeder Komponist
hat eine eigene Klangsprache gefunden, eine
eigene Art, die Welt in Klang zu fassen. Es
geht in den Werken nordischer Komponisten
auch nicht einfach nur um die Nachahmung
der Natur. Die Musik steht meist in einem bestimmten
sozialen, politischen, historischen
Zusammenhang, zu dem sie sich verhält. Das
gilt vor allem für die Komponisten aus Finnland
und den baltischen Staaten, die in unterschiedlichem
Grade den Repressionen Russlands
und der Sowjetunion ausgesetzt waren,
Repressionen, die Züge eines Pogroms tragen
konnten und das Verhältnis der Menschen zu
ihrem Land bis heute prägen.
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Kaija Saariaho
Tag des Jahres
(2001)
»Die Klangwelt in Richtung Natur erweitern«
– das hatte sich die finnische Komponistin
Kaija Saariaho vorgenommen, als sie 2001
das Chorstück Tag des Jahres schrieb. Vom
Tonband erklingen: Vogelgezwitscher, Wind
und andere Naturlaute. Und auch die Chorstim
men wurden, so Saariaho weiter, auf
eine ursprüng liche und »archaische« Weise
behandelt.
Ausgangspunkt dieser musikalischen
Naturerkundung sind vier, nach den Jahreszeiten
benannte Texte von Friedrich Hölderlin:
Frühling, Sommer, Herbst und Winter. Hölderlin
schrieb diesen Zyklus spät im Leben, als
er bereits zurückgezogen im berühmten
Tübinger Turm lebte. In diesen Jahren unterzeichnete
er seine Gedichte häufig mit dem
Pseudonym Scardanelli, meist mit dem Zusatz
»mit Unterthänigkeit« und einem frei erfundenen
Datum, das um Jahrzehnte vom eigentlichen
Entstehungsdatum abweichen konnte.
Der Tonfall dieser Gedichte ist einfach. Hölder
lin vermeidet verrätselte Formulierungen;
er bemüht einfache Bilder, die die Stimmung
der Jahreszeit einfangen und die ihrem Sym-
für gemischten Chor und Elektronik
bolgehalt nach dennoch darüber hinaus
weisen. Es geht Hölderlin dabei auch darum,
zwischen dem Menschen und der Natur zu
vermitteln, den Menschen in der Natur und
als Teil der Natur zu zeigen.
Das ist allerdings nicht der einzige Grund,
warum Saariaho diese Texte vertonte. In jenen
Jahren litt ein ihr nahe stehender Mensch
(das Stück ist ihrer Mutter gewidmet) an einer
Gehirnblutung, was die Kommunikation mit
ihr erschwerte, da die Patientin jedes Gefühl
für Raum und Zeit verloren hatte. Saariaho
erzählt, dass sie damals eine neue Kommunikationslogik
bzw. eben eine Kommunikation
ohne Logik gesucht habe, und dass ihr die
dissoziierten Texte Hölderlins da entgegenkamen.
Es steckt in dem Stück also sowohl
etwas von der Tragik der Krankheit, als auch
von der Schönheit freien, ungezwungenen
Denkens. Saariaho hat dafür eine einfache
Klangsprache gewählt, mit klaren Intervallen,
einfachen Rhythmen und Ausdrucksqualitäten
wie das Flüstern, dem »misterioso«
(Frühling), »espressivo« (Sommer), »energico«
(Herbst) und »con tristezza« (Winter).

Als Wunder wurde das Phänomen der Nebensonnen
in der Antike und im Mittelalter
gedeu tet. Zeitzeugen berichten von der Unglaublichkeit
einer zweiten und dritten Sonne
am Himmel. Edward IV. erkannte darin ein
göttliches Zeichen der heiligen Dreifaltigkeit.
Heute weiß man, dass Nebensonnen entstehen,
wenn sich das Sonnenlicht in den Eiskristallen
von Cirruswolken spiegelt. Am Himmel
leuchten dann rechts und links der Sonne
zwei weitere helle Punkte. Die Nebensonnen
sind kein spezifisch nordisches Phänomen.
Trotzdem lag es für den litauischen Komponisten
Ēriks Ešenvalds nahe, ihnen ein Chorwerk
zu widmen, da das Verhältnis zum Himmel
und Licht nördlich der Ostsee besonders
ausgeprägt ist.
E˘senvalds hat für sein Stück Sun Dogs
(Nebensonnen) historische Texte zusammengestellt,
in denen von Nebensonnen die Rede
ist – von einer Erwähnung im Jahre 163 v. Chr.
in Italien über Jakob Hutters ausführliche
Beschreibung des Wunders aus dem Jahre
1533 bis zu literarischen Darstellungen der
Gegenwart. Im ersten Teil des Stückes, Die
Zeugen, stellt er die verschiedenen Zeugnisse
gegenüber, ein, wie der Komponist erklärt,
Dialog der Epochen, in dem dasselbe Phänomen
aus unterschiedlicher Perspektive beleuchtet
wird. Alle beobachten ein Ähnliches,
aber beschreiben und deuten es jeweils anders
– mal aufgewühlt, mal eingeschüchtert,
mal ungläubig, mal um Sachlichkeit bemüht.
Ešenvalds lässt die Texte solistisch oder von
kleineren Chorgruppen vortragen, gefolgt
von einem wortlosen Refrain mit einem über-
Ēriks Ešenvalds
Sun Dogs (Nebensonnen)
(2008)
für gemischten Chor und Triangel
irdisch-schwebenden Klang, ätherisch und
unfassbar wie die Nebensonnen selbst. Die
Chorsänger schlagen dabei mit Stricknadeln
auf Triangeln, was den Refrain zusätzlich verschwommen
und unscharf erscheinen lässt
und schon mit dem leuchtenden Hof eines
Himmelskörpers verglichen worden ist. Im
zweiten Teil des Stückes, der Nebensonnen
heißt, hat Ešenvalds seine Texte fragmentiert.
Sie erscheinen jetzt als ein Strom aus Worten
und Gedanken. Der Chorsatz ist in diesem
zweiten Abschnitt insgesamt homophon
gehalten, mit einem tonalen Zentrum um
h-moll/D-dur.
E˘senvalds, Jahrgang 1977, gehört zu einer
Generation junger baltischer Chorkomponisten,
die verschiedene Traditionen aufgreifen
und verarbeiten, darunter baltische Folklore,
klassische Chormusik vergangener
Jahrhunderte, die Klangsprache der Moderne,
durchaus auch ungewöhnliche Klangeffekte,
und den politischen Impetus gemeinschaftlichen
Singens, der infolge der »singenden
Revolution« von Estland aus um 1990 auch
auf die anderen baltischen Staaten übergriff.
So entsteht eine Chormusik, die nicht nur
effektvoll und dramatisch, sondern auch der
Klangsprache und den Kompositionsverfahren
nach modern ist. Sun Dogs ist ein in dieser
Hinsicht durchaus typisches und besonders
gelungenes Werk dieser Tradition.
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Ein regelrechter Coup gelang Knut Nystedt
1988 mit seinem Stück Immortal Bach. Dem
Stück liegen die ersten acht Takte des Chorals
Komm süßer Tod von Johann Sebastian Bach
zugrunde. Nystedt hat keine einzige eigene
Note hinzu geschrieben, sondern nur eine
Reihe von Vortragsanweisungen erdacht, die
den ursprünglichen Choral in eine zeitgenössische
Klangkomposition verwandeln. Der
Chor wird bei Nystedt in fünf Gruppen geteilt.
Jeder Gruppe wird eine Dauer zugewiesen:
4, 6, 8, 10 und 12 Sekunden. So lange halten
die Sänger die einzelnen Viertelnoten des
ursprünglichen Chorals aus. Am Ende jeder
der drei Kadenzen kommen dann alle Stimmen
wieder zusammen; sie »warten« dort
aufeinander. Nystedt hat den Choral gewissermaßen
vertikal aufgeschnitten und die
klare rhythmische Gliederung suspendiert.
Dadurch, dass die Töne unterschiedlich lang
gesungen werden, überlagern sie sich. Das
Ergebnis sind schwebende Akkorde, die dissonieren,
aber nicht atonal wirken. Die Idee
der Unsterblichkeit, die Nystedt im Titel evoziert,
kommt also nicht nur als Hommage und
Verneigung vor dem großen Komponisten zum
Knut Nystedt/
Johann Sebastian Bach
Immortal Bach (1988)
für gemischten Chor
tragen, sondern auch in der zeitlichen Disposition
des Werks: Nystedt verleiht der Musik
Bachs den Schein des Ewigen. Er veranschaulicht,
wie viel Moderne in den Werken
der alten Meister steckt und dass zwischen
der Klangsprache der Gegenwart und der
des Barocks eine enge Verbindung besteht.
Nystedt, 1915 in Oslo geboren, ist nicht nur
Komponist, sondern auch langjähriger Chorleiter
gewesen. Immortal Bach geht wesentlich
auf diese Erfahrung zurück. Fast wie eine
Intonationsübung oder ein Versuch über das
Sostenuto wirkt das Stück, das aber der
Klanglichkeit und dem Bedeutungshorizont
nach eben weit über den Charakter einer
bloßen Etüde hinausweist.

Arvo Pärt
Magnificat (1989)
für gemischten Chor a cappella
Arvo Pärts Lebensweg ist in vielerlei Hinsicht
symptomatisch für die Komponisten der
baltischen Staaten. Denn im Estland der
Sechziger jahre war es Komponisten untersagt,
avantgardistische Musik zu schreiben.
Sein Nekrolog, das erste estnische Werk in
Zwölftontechnik, wurde 1960 verboten. Pärt
stürzte 1968 schließlich in eine tiefe schöpferische
Krise, die bis 1976 währte. Erst jetzt
fand Pärt zu einer neuen Ausdrucksform, die
vor allem auf die Beschäftigung mit den Werken
alter Meister, hier vor allem denjenigen
von Johann Sebastian Bach sowie dem gregorianischen
Gesang zurückgeht. »Tintinnabuli«
nannte Pärt seinen Stil. Tintinnabulum bedeutet
Glöckchenspiel. Wie Glöckchen sollen in
seinen Werken jetzt die Dreiklänge in der Begleitung
klingen, die er einer Melodiestimme
unterlegt. Reduziert, kontemplativ und introvertiert
wirkt die Musik von Arvo Pärt, der
eine tiefe religiöse, ja mystische Erfahrung
vorausgegangen zu sein scheint.
Der Text des Magnificat ist Marias Antwort
auf die Botschaft des Engels Gabriel, der ihr
die Geburt Jesu ankündigte. Der Text ist einerseits
ein Lob Gottes. Es ist aber auch ein Text
über die bescheidene »Niedrigkeit seiner
Magd« Maria, und den Hochmut der Herrschsüchtigen,
über die Hungernden, die Gott mit
seinen Gaben beschenkt, und die Reichen, die
er leer ausgehen lässt. Pärts Vertonung des
Texts trägt einerseits Züge der Gottergebenheit.
Es ist ein Werk der Demut, was sich im
Tonfall und der harmonischen Progression
niederschlägt: die getragene Prozession der
Akkorde, das Ausharren auf einem einzigen
Ton, dem die ganze Schönheit Gottes innewohnt.
Gleichzeitig tritt der Solosopran als
exponierte Frauengestalt mehrfach hervor,
was sich leicht als Stimme Mariae hören lässt.
Das gesamte Werk wird vom dissonanten Intervall
der Sekunde durchzogen, worin das
Leiden und das Hoffen ihren Ausdruck finden.
Man hat das Stück deshalb auch als »Leidenswerk«
bezeichnet.
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Während Pärt mit dem Tintinnabuli-Stil einen
Rückzug nach Innen vollzog und dem politischen
Missstand im sowjetisch besetzten Estland
so aus dem Weg ging, schuf Veljo Tormis
1978 ein Werk, das von den Hörern als Musik
des Widerstands begriffen wurde. Tormis,
1930 in Estland geboren, vertont in Tower Bell
In My Village einen Text von Fernando Pessoa.
Der portugiesische Schriftsteller, der sich in
der modernen Großstadt nie wirklich wohlfühlte,
beschreibt die Vorzüge des Lebens auf
dem Lande. Das Läuten der Kirchturmglocke
setzt eine Reihe von Gedanken in Gang, in
deren Mittelpunkt die Behauptung steht, dass
das Dorf groß und weit sei, die Stadt hingegen
den Blick und die Gedanken ihrer Bewohner
einenge. Das Dorf ist bei Pessoa die
Quelle jeder persönlichen Identität, eine beinah
spirituelle Instanz.
Tormis vertont diesen Text als »Konzert«,
bei dem neben dem Chor auch ein Sprecher
und eine Glocke zum Einsatz kommen. Die
Glocke eröffnet das Stück wie ein festlicher
Ruf. Der Chor antwortet und ruft die Glocke
an: »Oh, Turmglocke in meinem Dorf! Jedes
mal, wenn du läutest, sorgenvolles nächtliches
Klingen, antwortet meine Seele. Wie
ein Echo!« Der Sprecher erhebt sich dann über
die Musik und setzt zu einer vielschichtigen
Betrachtung an, die nicht nur von dem Menschen,
der Stadt und der Natur handelt, sondern
auch über die Melodien der Nacht und
Veljo Tormis
Tower Bell In My Village (1978)
Konzert für gemischten Chor, Sprecher und Glocke
die Existenz des Menschen. Er beklagt die
Gartenmauer, die ihn von den Menschen
trennt und mit denen ihn nur der Lichtschein
ihrer Feuer und der Widerhall ihres Lachens
verbindet.
Mit einfachen Mitteln setzt Tormis sein
Konzertstück in Szene. Der Gesang des
Chores ist schlicht, häufig im Unisono und
oft mit nur wenigen Intervallschritten. Wie in
vielen anderen seiner Werke auch, verarbeitet
Tormis Volkslieder und archaische Runen-
Gesänge. Dem Lied, schreibt Tormis, fällt eine
soziale Funktion als »integraler Bestandteil
des Lebens eines Landes« zu. Die Sprache der
Glocke, mit ihrem religiösen, rituellen Symbolgehalt
und ihrer Signalwirkung, ist ebenfalls
jedem Hörer verständlich. Vom Publikum
wurde Tower Bell als Werk der Befreiung verstanden,
als eine Musik der Sehnsucht und
des Verlangens, als eine Musik, die den Wert
der kulturellen Unterschiede hervorhob, jener
Unterschiede, die die sowjetische Regierung
ja gerade zu nivellieren trachtete. Gleichzeitig
ist Tormis Tower Bell kein Lamento, sondern
ein melancholisches Fest, das auch der
Schön heit und dem Glück gewidmet ist.

Anders Hillborg
»muo::aa:yiy::oum«
(1983 – 85)
für gemischten Chor
Die Zeichenfolge »muo::aa:yiy::oum« ist eine
phonetische Formel, die beschreibt, wie sich
der Vokalklang öffnet und schließt. Das
gleichnamige Stück ist eine Etüde über diesen
Vokalklang, über die Möglichkeiten der Stimme
und die Möglichkeiten des Chorgesangs
überhaupt. Bis zu einem gewissen Grade geht
es dabei um einen Naturklang und um die von
der Last des Texts befreite Ursprünglichkeit
der Stimme. Hillborg nutzt die sechzehn Stimmen
wie Partikel einer Wolke oder eines
Schwarms. Zunächst wird ein einziger Akkord
durch verschiedene Vokale und Konsonanten
geführt, bis sich allmählich erste rhythmische
Verschiebungen ergeben und die musikalische
Zeit in pulsierenden Sechzehntelnoten
aufgeraut wird. Der Chorklang schwirrt und
vibriert wie ein Naturereignis. Wie das Wuchern
und der Verfall der Gewächse ist auch
Hillborgs Klang kreatürlichen Prozessen ausgesetzt;
auch er wächst und verfällt. Kurz vor
Schluss erhebt sich die Musik ins vierfache
Forte – ein erhabener Augenblick, der schließlich
in einem fast schon beiläufigen Pfeifton
ausklingt. Die schwedische Musikwissenschaftlerin
Birgitta Huldt nennt die elektronische
Musik und buddhistische Mönchsgesänge
als möglichen Referenzpunkt. Auch an
die Minimal music erinnert muo::aa:yiy::oum
bisweilen, an die Phasenverschiebungen eines
Steve Reichs zum Beispiel. Und dennoch ist
Hillborg mit muo::aa:yiy::oum eine ganz eigene
und eigenartige Klanglandschaft gelungen,
die den Chor in einem seltenen Licht zeigt.
Björn Gottstein
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Benita Borbonus
Sabine Kallhammer
Claudia Nüsse
Arndt Schumacher
Dong-Hi Yi
sind Mitglieder im
wdr Rundfunkchor Köln
»Herbst liest temporeich und rhythmisch, […]
erfrischend und inter pretiert glänzend.«
Literaturkritik.de
Christoph Maria Herbst
Schauspieler, Synchronsprecher, Hörbuchinterpret,
Autor
zunächst Ausbildung als Bankkaufmann,
dann Engagement in der freien Theaterszene
in Wuppertal
Theaterengagements u. a. am Stadttheater
Bremerhaven, am Metropoltheater München
und am Hebbel Theater Berlin
Für seine Rolle als »Stromberg« in der
gleichnamigen Comedy-Serie Auszeichnungen
u. a. mit dem Bayerischen Fernsehpreis, dem
Adolf-Grimme-Preis, dem Deutschen Fernsehpreis
und drei deutschen Comedy-Preisen
Zahlreiche Rollen in Kino- und Fernseh filmen,
u. a. in Der Fischer und seine Frau, Vom
Suchen und Finden der Liebe, Wo ist Fred?,
Jakobs Bruder; sowie langjährige Zusammenarbeit
mit Michael Herbig für dessen Komödien,
u. a. Wickie und die starken Männer
Synchronisation von Animationsfilmen wie
Urmel auf Eis, Urmel voll in Fahrt, Horton hört
ein Hu! und Dany Boons Komödie Willkommen
bei den Sch’tis
Als Sprecher außerdem Hörbuch-Adaption
der Tommy-Jaud-Romane Vollidiot, Resturlaub
und Millionär, sowie Ralf Husmanns Nicht
mein Tag und Stefan Zweigs Schachnovelle
Zahlreiche bundesweite Lesereisen,
u. a. auch mit dem eigenen Buch Ein Traum
von einem Schiff

»Kaspars Putniņš leitet dieses Konzert mit Gespür für
Raum, Klang und die Möglichkeiten eines einzigartigen
Klangkörpers sowie ganz besonders für eine einzig artige Literatur.
Wer dabei war, musste einfach jubeln,
denn hier ist die höchste Form musikalischer Sinnlichkeit
erreicht.«
Leipziger Volkszeitung
Kaspars Putniņš
seit 1992 Dirigent des Lettischen Rundfunkchors
1994 Gründung des international angesehenen
Vokalensembles des Lettischen Rundfunks
(Latvian Radio Chamber Singers)
Zusammenarbeit mit führenden Chören wie
dem rias Kammerchor, Rundfunkchor Berlin,
swr Vokalensemble Stuttgart, mdr Rundfunkchor,
ndr Chor Hamburg, Collegium
Vo cale Gent, Niederländischer Rundfunkchor,
Niederländischer Kammerchor und bbc
Singers
In der aktuellen Spielzeit u. a. Debüt beim
Vokalensemble und Chor des Dänischen
Rundfunks
Repertoire von der Polyphonie der Renaissance
über Werke der Romantik bis hin zu
zeitgenössischer Musik mit besonderem
Schwerpunkt auf der Förderung neuer herausragender
Chormusik
Zusammenarbeit mit zahlreichen baltischen
Komponisten wie Pēteris Vasks, Maija Einfelde,
Mārtiņš Viļums, Gundega Šmite, Toivo
Tulev und Andris Dzenitis
Auszeichnungen: 1998 mit dem lettischen
»Grand Prix für Musik«, sowie 2000 mit dem
Preis des lettischen Ministerrats für herausragende
kulturelle und wissenschaftliche
Leistungen
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