Kontakt! - Noisy-neighbours.com

Impressum
4 ______________________Logh
6 ____Scorefor
8 ______________________Colour Haze
11 ____Kontakt! ...Leserbriefe. Endlich mal wieder.
12 ______________________einBlick: Knistern
14 ____auchSchoen ...in der Tat
15 ______________________comiCorner
16 ____liveDabei ...wer spielte wo
...endlich. Alles rund um die ComiKunst
19 ______________________literaTur ...Bücher, Tipps, Verrisse
20 ____Madsen
23 ______________________Gast.Bin.Ich.Hier: dadas doorpoem
24 ____reViews ...wir wildern quer durch die Veröffentlichungslandschaft
36 ______________________Mathilda
41 ____videoThek ...feine Filme vom Kenner
42 ______________________einBlick: Subkultur in Luxemburg Teil1
45 ____terMine ...wer spielt wo
www.noisy-neighbours.com
Verlag und Redaktion
noisyNeighbours
TraurigeTropen GbR
Edisonallee 10
D-53125 Bonn
Fon: 02241-846363 Fax: 02241-8445045
Herausgeber
Carsten Collenbusch, Guido Lucas
Redaktionelle Ansprechpartner
Jochen Wörsinger (jochen@noisy-neighbours.com),
Carsten Collenbusch (keule@noisy-neighbours.com)
Redaktion
Carsten Collenbusch, Christian Eder, Matthias Horn,
Torge Hüper, Marcel von der Weiden,
Jochen Wörsinger,
Redaktionelle Mitarbeit
Tet, Mario Kiermeier, Klaus Reckert,
Martin Lichtenhagen, Arnulf, Jörg, Jürgen Klein
News- und Terminredaktion
Christian Eder
christian@noisy-neighbours.com
Fotoredaktion
Matthias Horn
matze@noisy-neighbours.com
Inhalt Ausgabe 13 10 * 2005 2004
noisy Neighbours
Photografen
Matthias Horn, Jochen Wörsinger,
www.pixelquelle.de, www.aboutpixel.de
Titelbild der Ausgabe
Zeal, www.photocase.de
Bearbeitung des Bilds: Matthias Horn
Covergestaltung
Matthias Horn
noisyNeighbours-Logo
Michael Wallenstätter
Layout
Matthias Horn, Kerstin Wahl
matze@noisy-neighbours.com
Leserbriefe
noisyNeighbours
Landgrafenstr. 37-39
D-53842 Troisdorf
Anzeigen
Carsten Collenbusch
keule@noisy-neighbours.com
Verkaufspreis
keiner
Bankverbindung
Kennwort "Noisy"
VR-Bank Bonn
BLZ: 381 60220
Konto: 6104389030
Druck
Druckhaus Köthen
www.koethen.de
Versand
NoisyNeighbours
Ladgrafenstraße 37-39
D-53842 Troisdorf
Fon: 02241-846363
Erscheinungsweise
Vierteljährlich
Inhalt
copyright by Traurige Tropen GbR
03
Alle Veranstaltungen sind ohne Gewähr. Nachdruck von
Artikeln und Bildern nur mit schriftlicher Genehmigung
der Redaktion. Sonderdrucke auf Anfrage. Für unverlangt
eingesandtes Material wird keine Haftung übernommen.
Namentlich gekennzeichnete Beiträge geben
nicht unbedingt die Meinung der Redaktion wieder. Die
Autoren sind für den Inhalt ihrer Beiträge selbst verantwortlich.

04
A
Logh
S u n s et P a n o ram a
Mit ihrem dritten Album haben LOGH im Frühjahr nicht nur einen unvergleichlich schwermütigen
Brecher aus Melancholie, Getragenheit und schlichter Schönheit vorgelegt, sondern gleichzeitig ein
Livealbum veröffentlicht, das durchaus in der Lage ist, Intensität und Nähe eines gesamten Konzertabends
dieser Band widerzuspiegeln und in ein Licht zu rücken, wie es von so nachhaltiger Wirkung
nur in den seltensten Fällen funktioniert.
Ein neues Ufer, ohne dabei mit dem düsteren Vorgänger "The Raging Sun" zu brechen und alles
zuvor Dagewesene in den Schatten zu stellen. So knüpfen die Schweden zwar eindeutig an ihre vorherigen
Alben an, verstehen es jedoch durchaus, sich bloßer Selbstkopie zu entziehen. Denn irgendwie
fällt "A Sunset Panorama" dann doch ganz anders aus als erwartet…
nN: Gab es einen besonderen Grund dafür, dass "A
Sunset Panorama" live eingespielt wurde?
Jens: Ehrlich gesagt trugen wir die Idee eines Livealbums
schon eine ganze Weile, bevor wir mit dem Schreiben von
"A Sunset Panorama" begannen, mit uns herum. Unser
zweites Album "The Raging Sun" brachte eine ganze
Reihe von Problemen und Komplikationen mit sich, mit
denen wir uns in keinem Fall ein zweites Mal auseinander
setzen wollten. Deshalb kam die Idee des Livealbums
recht passend und geradezu maßgebend, etwas vollkommen
Neues auszuprobieren, was wir zuvor in der Form
noch nicht gemacht hatten.
nN: Worin saht und seht ihr im Nachhinein Vorteile des
Live-Recordings?
Jens: Einer der größten Vorteile war natürlich die
Geschwindigkeit, in der wir das aktuelle Album einspielen
konnten. Dafür hatten wir uns allerdings auch ein knappes
halbes Jahr vorbereitet. Ehrlich gesagt war ich niemals ein
großer Fan ewig langer Aufnahmesessions. Einzig die
Filmcrew war zeitweise doch recht anstrengend (Die
gesamten Aufnahmen zu "A Sunset Panorama" wurden
mitgeschnitten und liegen der CD als DVD bei; Anm. d.
Verf.). Jedes Mal, wenn wir uns verspielten, mussten die
Bänder zurückgespult werden, was ein paar Minuten
gedauert hat, bis wir weiter
spielen konnten.
Insofern
war es
schwierig,
durch
die ewigen
Unterbre-
chungen wirklichen Zugang zur Musik zu finden und sich in den Stükken
wiederfinden zu können.
nN: Welches Ziel habt ihr unter dem Aspekt der eingeschränkten
Aufnahmezeit verfolgt?
Jens: Unter dem Aspekt haben wir eigentlich nicht wirklich gearbeitet.
Natürlich bestand, wie ich es eben erklärt habe, ein gewisser Reiz
darin, ein funktionierendes und in sich geschlossenes Album an nur
einem Tag zusammen einzuspielen, dem es auch ohne Overdubs an
nichts fehlt. Genauso war jedoch der finanzielle Rahmen, der bei uns
leider äußerst eng abgesteckt ist, ausschlaggebend.
nN: Habt Ihr ganz bewusst diesen kalten, weißen Raum ohne jegliche
Details und sonstige Verzierungen für die Aufnahmen
gewählt?
Jens: Hm, im Grunde haben wir nicht großartig darüber nachgedacht.
Das Studio, das wir gewählt haben, sieht einfach so aus. Natürlich ist
es recht kalt und leer, für uns war das
jedoch vollkommen in Ordnung,
und wir hatten nicht das Gefühl,
irgend etwas umdekorieren
zu müssen.

�
nN: Ist "A Sunset
Panorama" denn
letztendlich darauf
ausgelegt, live möglichst
ähnlich wie
auf Platte zu klingen?
Welchen Stellenwert
hat originalgetreueLivewiedergabe
eines Stücks für
Euch?
Jens: Für uns ist das Livespielen,
denke ich, das, was wir
wirklich wollen und uns Freude an
dieser Band bereitet. Gerade zu diesem
Zeitpunkt, nach der Fülle von Problemen, die "The
Raging Sun" mit sich brachte, schien es einfach natürlich und
gleichzeitig genau der richtige Zeitpunkt, ein Livealbum aufzunehmen.
Letztendlich geht es uns um das Gefühl, das wir transportieren
wollen. In der Regel gelingt uns das Live am Besten, wobei es
demnach also Sinn machte, die Stücke auch für das Album live
einzuspielen. Beim Hören des Albums soll das gleiche Gefühl entstehen,
wie es bei unseren Konzerten der Fall ist.
nN: Wie verliefen die Proben zu den Aufnahmen? Gab es
jemals einen Punkt, an dem zu viele Selbstzweifel aufkamen
oder ihr das Album aufgrund der endlosen Proben selbst
nicht mehr hören konntet?
Jens: Das Schreiben eines Logh-Stücks ist in der Regel ein Prozess,
der ohne Probleme über mehrere Monate andauern kann.
Bevor wir mit der Aufnahme des neuen Albums begannen, haben
wir das fertige Material etwa sechs Monate geprobt und versucht,
so ruhig und optimistisch wie möglich an die Aufnahmen heranzugehen.
Anspannung gab es natürlich. Genauso hatten wir teilweise
Probleme damit, das richtige Gefühl, Herangehensweise
sowie den eigentlichen Fluss für einige Stücke zu entwickeln.
Einige Stücke benötigten daher besondere Aufmerksamkeit, mit
denen wir uns weitaus länger beschäftigt haben. Die eigentliche
Idee des Livealbums haben wir in der ganzen Zeit jedoch niemals
aus den Augen verloren, geschweige denn begraben.
nN: Knüpft "A Sunset Panorama" deiner Meinung nach
musikalisch dort an, wo "The Raging Sun" endet?
Jens: Ich denke, dass unser neues Album einfach weitaus heller,
freier, vielleicht sogar farbenfroher im Gegensatz zu "The Raging
Sun" klingt. Wie ich schon sagte, gab es eine Menge von Problemen
während der Aufnahmen des vorherigen Albums, was die
Arbeiten daran wirklich erschwert hat und maßgeblich zur allge-
Logh 05
meinen Dunkelheit beigetragen hat. Das spiegelt sich meiner
Meinung nach wirklich in "The Raging Sun" wider und macht es
zu einem weitaus anstrengenderen Album als "A Sunset Panorama".
Erst kürzlich ist es mir gelungen, mit etwas Abstand,
unser letztes Album zum ersten Mal ohne irgendwelche Hintergedanken
und ungeliebte Erinnerungen zu betrachten und zu
hören. "A Sunset Panorama" hingegen ist unter vollkommen
anderen Umständen entstanden. Natürlich waren wir durch das
endlose Proben und die Tatsache, dass wir bewusst nur sehr
begrenzte Aufnahmezeit zu Verfügung hatten, auf die letzten
Aufnahmen weitaus besser vorbereitet. Zwischen den beiden
Alben sehe ich schon eine gewisse Beziehung und eine Menge
Anhaltspunkte, trotzdem betrachte ich
"A Sunset Panorama" �als fröhlicheres
Album, in ein
neues Licht gerückt,
das es in dieser
Band zuvor in
dem Ausmaß
nicht gab.
Torge Hüper
www.logh.se
www.badtasterecords.se

06 Scorefor
"IKI IKI"
uND
B IG
SCOREFOR e
Es ist gut zwei Jahre her, dass Kollege Christian die Jungs von SCOREFOR im
"Shortcut" vorstellte (nN 05/2003). Seitdem ist viel Wasser die Donau runtergelaufen,
und es ist vielleicht eine gute Idee, sich mal nach dem Befinden der Herrschaften
zu erkunden. So ist inzwischen ja nicht nur ein Deal mit "TurnedOut"-
Records im Sack, auch kann man auf eine kurzweilige Japan-Tour zurückblicken -
und das hat nicht jeder schon mal erlebt… Und als wenn das noch nicht genug wäre:
Mit THREE CHORD SINFONY legt die Band auch noch eine neue Scheibe hin…
I N J A P A N
nN: Wie hat sich der Deal bei Turned
Out denn ergeben?
Andy: Nachdem die Aufnahmen im
Kasten waren,
gingen wir mit
den Bändern
bei den Labels
hausieren. Irgendwann
landete das Album auf dem Schreibtisch
von Turned Out Records. Labelboss Olli meldete
sich daraufhin, und so wurde ein erstes
Treffen ausgemacht. Witzigerweise stellten
wir bei dem Meeting fest, dass Olli ursprünglich
10 Km von uns entfernt wohnte und
wir ein paar Jahre lang täglich im
gleichen Schulbus zur "Penne"
gefahren sind.
nN: Damals, nachdem Eure erste
Scheibe erschienen war, war ja
sogar von Japan-Tour die Rede
- was ist daraus geworden?
Andy: Es hat geklappt und war
klasse. Das ganze startete im Frühjahr
2004 …
nN: Auch wenn es schon ein paar
Tage länger her ist, wären wir an
Einzelheiten brennend interessiert...
Andy: Über Amsterdam flogen wir nach
14 Stunden Sonntags in Tokyo ein. Die
Jungs von DRUM:KAN (Drumkan), die
Band mit denen wir getourt sind, bereiteten
uns einen "großen Bahnhof". Und nach
einem ersten Tempelbesuch inklusive Gebet für eine erfolgreiche
Tour ging's nach Chiba zu unserem Gastgeber "Satoshi". Die
anschließende kulinarische Tour durch verschiedene japanische
Spezialitätenrestaurants war ebenso hitverdächtig, wie die
Schnupfversuche unserer Gastgeber, die sich an bayerischen
Tabakwaren ("Gletscher-Pries") versuchten. Spätestens nach
zwölf Stunden ausgiebigen Essens - und vor allem Trinkens - hatten
auch wir im Land des Lächelns selbiges auf den Lippen. Der
zweite Tag begann mit einem Frühstück japanischer Art ("Gohan",
also Reis mit Seetang, "Miso"-Suppe und - ein bisschen weniger
japanisch - Würstchen), worauf wir eine Sightseeing Tour durch
Tokio starteten. Am späten Nachmittag war dann ein bisschen
Rock-Star-Feeling angesagt: Bei unserem Japan-Label
"Imperial Records" warteten Autogrammkarten, T-Shirts,
Fotos und die Angestellten - erstere auf eine Unterschrift,
letztere auf ein Foto mit uns.
nN: Das klingt ja alles tatsächlich
ziemlich "big", ich meine, ohne
Euch zu nahe treten zu wollen,
aber derartig hohen Stellenwert
habt Ihr ja in Deutschland nicht
bzw. noch nicht.
Andy: Ja, aber es kam noch besser:
Nachdem noch einige Trailer
für das Video "Where are
the flowers daddy used to
bring" aufgenommen worden
waren, ging's mit den Vertretern
von Imperial Records, Nippon TV
(!) und DRUM:KAN auch noch zum "Business-
Essen" mit "Sukiyaki" - Fondue aus dünnen Fleischstreifen -
und "Sashimi", das ist roher Fisch auf Reis.
nN: Und ein solcher Abend wird doch garantiert in eine

Karaoke-Bar beendet …
Andy: Aber Hallo! Tatsächlich steuerten wir die nächste Karaoke-
Bar an, um uns schon mal für den Auftritt am nächsten Tag warmzusingen.
Anders als hierzulande bleibt man beim japanischen
Singen zur Instrumentalmusik in einem kleinen Raum unter sich.
Der wichtigste Unterschied zum westlichen Karaoke ist aber nicht
das reduzierte Publikum, sondern das Mehr an Bier.
NnN: Klingt spannend - aber wie liefen die Gigs?
Andy: Nach dem Soundcheck im sehr, sehr
coolen "Club Asia", folgte ein kurzer Abstecher
zu "Tower-Records" - einer der größten Plattenläden
der Welt; hier "mussten" wieder
Fotos mit Angestellten gemacht und Autogramme
gegeben werden. Dann abends das
erste Konzert im Land der aufgehenden
Sonne. Im Club hatten sich gut 200 Zuhörer versammelt,
um die Show zu genießen. Der wirkliche Gig (oder besser:
Kick) ging aber erst nach dem Konzert ab: Duzende Japaner
(überwiegend Teile der weiblichen Fraktion) wuselten um den
Merchandise-Stand und vor allem um die "Divas des Punk-Rock"
herum. "Take a picture?", "Autograph please" und "Please sign
here" …. . Da sich das ganze vor dem Club abspielte, war ca. 30
Minunten der Verkehr auf den Straßen in's Stocken geraten, und
beim nächsten Mal sollte die Crew vielleicht um ein paar Bodyguards
aufgestockt werden. Nachdem sich der ganze Aufruhr
etwas gelegt hatte, spendierte uns "Imperial Records" noch einen
kleinen Absacker in der nächsten Bar".
nN: Ein wichtiges Problem dürfte der Transport der Band und
des Equipments gewesen sein.
Andy: Ja, das ist der wohl härteste Teil des Tourens in Japan; man
sitzt stundenlang in den Bussen, selbst bei relativ kurzen Entfernungen.
So ist Osaka, unsere nächste Station, gerade mal 350
km von Tokyo entfernt - man ist aber locker 12 Stunden unterwegs
…
nN: Aber der Rest der Tour war dann doch recht entschädigend
für derlei Strapazen?
Andy: Klaro! In Osaka, im "Bayside Jenny", stieg der nächste Gig.
Der Saal war etwas groß, aber dennoch ließen es sich die Anwesenden
nicht nehmen, SCOREFOR pogend und stage-divend zu
feiern. Witzigerweise gingen beim Pogo japanische Geschäftsleute
mit Anzug und Krawatte genauso ab wie die oberkörperfrei
pogenden Punks. Am nächsten Tag ging es dann weiter nach
e
Scorefor
07
Kyoto; der Gig war eher mau. Dennoch waren einige Japanerinnen
unter den Besuchern, die sogar die Texte auswendig konnten
- manchmal besser als Kropi, unser Sänger! Kyoto wird uns aber
auch deshalb in guter Erinnerung bleiben, weil wir dort erstmals
"heimische" Küche genießen konnten: McDonald's sei Dank! Und
so ging es dann weiter: Gigs in Nagoya und Chiba, schließlich der
Rückflug.
nN: Könnte mir vorstellen, dass es nach derlei Erlebnissen
schwierig werden dürfte, hier dann mal wieder einen stinknormalen
Gig im "Club um die Ecke" zu spielen …
Andy: Nee, gar nicht. Unser Ansatz ist (und war schon immer),
egal wie gross der Club/das Open-Air/das Festival ist - wir geben
unser bestes und versuchen mit den Leuten eine gute Zeit zu
haben.
nN: Nochmal zurück zur neuen Scheibe … wann kommt sie
und wann geht Ihr auf Tour?
Andy: Die Platte wird am 28.10.05 released - und wir werden uns
den ganzen Herbst/Winter den Arsch abtouren!
Erste Hörproben des neuen Albums klingen übrigens höchst vielversprechend.
Bis zum Release verharren wir in freudiger Erwartung
- und hoffen, dass die Jungs nach den
größtenteils beglückenden Erlebnissen
in Japan den harten Touralltag in
Deutschland durchstehen werden.
Ach so … wer kann mir denn
jetzt eigentlich verraten, was
"iki iki" ist? Habe das untrügliche
Gefühl, dass es
irgendwas mit Bier im
engeren und Alkohol im
weiteren Sinne zu tun hat …
Carsten
Collenbusch

08
Colour Haze
Die GuTE SEELE DES STONER
Aufmerksame LeserInnen werden sich möglicherweise
etwas wundern, wurde das aktuelle
selbstbetitelte Colour Haze Album von mir
vor einiger Zeit zwar ganz gut, aber etwas arg
kleinkrittelig besprochen. Aber ich/wir sind ja
lernfähig und Nachbessern ist ja eh en vogue.
Was damals aus irgendwelchen Gründen auf
Kleinflamme verhandelt wurde, darf hier endlich
lodern, wie es verdient ist. Das Feuer hat
mich langsam, aber dafür nachhaltig gefangen.
Hier also die verspätete Würdigung eines
absolut klasse Albums und einer der derzeit
besten - wenn nicht DIE BESTE - Stoner
Band.
Stoner? Stoner scheint sich zwischen Kommerzialisierung
und Blindfleck entwickelt zu
haben. Was natürlich immer eine Sache des
Blickwinkels und der Wahrnehmung ist. Es
gibt in diesem Genre eigentlich weder einen
sterbenden Schwan zu besingen, noch einen
Phoenix zu bestaunen. Es scheint lediglich
das Medieninteresse am Stoner-Genre etwas
abgeflaut, was aber nichts über dessen Qualität
aussagt. Misst man dessen Gesundheitsgrad
an Colour Haze, dann kann man ihm
ohne Bedenken höchste Fiedlität attestieren.
Colour Haze existiert bereits seit 1994 in
wechselnden Besetzungen und Soundfindungsphasen.
Die aktuelle Besetzung mit
Manfred Merwald (d), Philipp Rasthofer (b)
und Stefand Koglek (dem einzigen Urmitglied)
besteht seit 1999 konstant. Relativ konstant
auch im Sound. Entwicklungen natürlich eingeschlossen.
Colour Haze haben den treibenden
Stoner Sound von Kyuss, die Verspieltheit
und musikalische Klasse von Motorpsycho,
welche sie mit
Kyuss sind selig von uns gegangen, die Zukunft von Motorpsycho
ist ungewiss, die aktuellen Queens Of The Stone Age
eher ein niederpotentes Surrogat und Hendrix schon lange
tot. Grosse Namen, gewiss, grosse Namen die aber recht
adäquat die Soundkoordinaten von COLOUR HAZE definieren.
Hendrixschen
Psychedelic-
Einflüssen
veredeln. Das
ist auch nach
eingehender Betrachtung
keineswegs zu hoch gegriffen. Colour Haze
weißen eine musikalische Klasse auf, auf
Grund derer man sie ohne zu Zaudern als
Ausnahmeband bezeichnen darf. Jemand hat
Colour Haze mal sehr treffend als "Kyuss and
The Jimi Hendrix Experience rolled into one"
beschrieben.
nN: Ist Hendrix ein großer Einfluss für
dich?
Stefan Koglek: Sicher, zumal er als
Gitarrist in Feeling, Intonation, Melodieführung
und musikalischer Vision immer
noch einen bis jetzt unerreichten anderen
Planeten darstellt, aber gerade auch
als Komponist eineKlasse für sich war. Was
ja leider immer noch zu oft gar nicht erkannt
und immer nur auf irgendwelche technischen
Mätzchen reduziert wird. Da wird dann das
Equipment seziert und irgendwelche linksrum-
Gitarren angefertigt, als ob das einen befähigen
könnte, ein guter Musiker zu sein. Ich
finde ein Hendrix-Solo ungleich berührender
und oftmals auch wesentlich unbegreiflicher
als z.B. eines von Jimi Page. Ich bin aber auch
von vielen anderen Sachen ungemein beeinflusst.
Dies bedeutet aber letztendlich immer
nur, dass ich versuche, aus diesen Sachen zu
lernen, um gute eigene Musik zu machen,
denn kopieren will ich niemanden, dazu bin
ich wohl auch zu eigen. Eigentlich ist man ja
sowieso immerzu von allem beeinflusst.
nN: Die
aktuellen
Songs
zeichnen
sich durch
Überlänge
und ausuferndeInstrumentalpassagen
aus. Jammen
scheint
ein zentrales
Moment bei
euch zu
sein. Wie hat
sich euer
Zusammenspiel
entwickelt,
wie entsteht ein Song bei euch?
SK: Oh, letzten Endes ist dann doch mehr bei
uns richtig auskomponiert, als die meisten
denken. Jammen tun wir sowieso nicht, wenn
schon improvisieren wir! Dies ist allerdings in
der Entstehungsphase unserer Stücke ein
ganz wichtiger Faktor. Selbst wenn ich eine
vorgefertigte Skizze von
zuhause mitbringe,
spielen
wir solange
frei damit rum, bis
jeder seinen Part
gefunden hat und sich
das Stück in seinen Teilen und
Arrangement weitgehend gesetzt hat. Im Prinzip
entstehen unsere Stücke also immer musikalisch
aus dem freien Spiel. Nur sehr selten
üben wir mal explizit nur einen bestimmten
Teil, auch wenn ich Teile wie eine Brücke oder
einen Schluss dann durchaus auch wieder
gezielt komponiere.
nN: Ihr seid zwar im Underground recht
bekannt, die Stonerrock.com Gemeinde
hat nur beste Worte für euch, darüber hinaus
ist aber trotz aller musikalischer Klasse
nicht so viel zu beobachten.
Seid ihr bewusst undergroundorientiert?
Grenzt ihr euch vorsätzlich ab?
SK: Na ja, das zu Beobachtende hängt ja
nicht nur vom Beobachteten, sondern auch
vom Beobachter ab! Ich denke es passieren
überall auf der Welt ständig die tollsten künstlerischen
Sachen, ohne dass dies überhaupt

gendjemand mitbekommt oder dies dem
Künstler auch nur wichtig wäre. Was uns
betrifft, so touren wir durch ganz Europa,
bekommen kostendeckende Gagen, verkaufen
weltweit gar nicht mal so schlecht Platten.
Leute kommen teilweise aus den USA, um
uns Live zu sehen, und wir werden in manchen
Kreisen als beste deutsche Band seit
Can oder sogar als beste Heavy Psychedelic
Band überhaupt gehandelt - was will man
mehr? Dass dabei eine größere Öffentlichkeit
von uns nichts mitbekommt oder wir auch in
weniger szenespezifischen Medien nicht präsenter
sind, liegt dabei nicht an uns, denn das
Angebot von unserer Seite ist ja durchaus da
und auch die großen Magazine bekommen
alle immer brav ihre Promo-CDs zugeschickt,
sondern eben an den Mechanismen des größeren
Musikbetriebs. Wichtig
ist für uns zuallererst
unsere Musik. Damit
wollen wir natürlich
viele
Leute
erreichen und hoffentlich
und vor allem auch
froh machen. Dafür müssen
wir allerdings nicht jeden Scheiß mitmachen,
zumal viele Wege der Industrie auch der
guten Seele der Sache zuwiderlaufen und
somit letztendlichunsere
Arbeit sogar
behindern
würden. Das
hat nichts mit
Abgrenzung
zu tun. Ich will
jetzt auch die
Musikindustrie
gar nicht a priori
als Ganzes
verdammen,
aber irgendwo
passt es halt
nicht zusammen,
und der
ganze Schmarrn ist mir letztendlich auch zu
wurscht, ums jetzt von unserer Seite her
unbedingt passend zu dengeln. Es gibt heut
zutage ja gottseidank andere Wege (Danke
Internet, Danke Mp3!) und ich denke, dass wir
durch die vielen Freundschaften und die Qualität
und Hingabe unseres Publikums für
unseren Weg durchaus belohnt werden.
Im Jahr 2003 hat Stefan Koglek sein eigenes
Label "Elektrohasch" gegründet,
um für Colour Haze ein eigenes
Forum zu schaffen und die Bandaktivitäten
weiter voranzubringen.
Inzwischen gibt es auch diverse
Veröffentlichungen befreundeter
Bands.
nN: Du betreibst nebenher
noch dein eigenes Label
Elektrohasch. Wie maßgeblich
ist der Indiegedanke?
SK: Der Indiegedanke heißt für mich: Ich
bestimme selbst, ich habe die Dinge selbst in
der Hand, bin aber dafür auch verantwortlich.
Das ist sehr maßgeblich für mein gesamtes
Leben und mir geschäftlich zudem allemal lieber
als auf gute Erfahrungen mit einem Label
hoffen zu müssen. Außerdem kann ich durch
das Label von meiner
künstlerischen
Arbeit leben, was
selbst Musikern in
großen Bands nicht
immer gelingt. Noch
dazu ist Elektrohasch
ein prima Vehikel, das
ich auch für andere
Künstler nutzen kann,
die ich toll finde, um
meine Freude an
deren Musik mit anderen
teilen zu können
und diese so
gut wie es eben
geht zu propagieren
- und einige meiner Lieblingsbands
konnte ich ja bereits zu Elektrohasch holen.
nN: Fühlt ihr Euch einer bestimmten
Psychedelic/Stoner-Community zugehörig?
Seid ihr in einem bestimmten Netzwerk
tätig?
SK: Definitiv. Die Stonerrock/Psychedelic-
Szene ist ja durch starke Eigeninitiative der
Fans und Bands geprägt, die sich gegenseitig
helfen und somit die Anlaufpunkte und Ausdrucksmöglichkeiten
dieser Szene selbst
schaffen. So gibt es überall Leute die z.B.
Konzerte veranstalten, die Fanzines und
Webzines herausgeben oder mit Label, Plattenläden
und Mailordern für die Verbreitung
der Musik sorgen und dabei vielfach in mehreren
Bereichen aktiv sind. Jeder "Aktivist" ist
in erster Linie halt auch "Fan" und so ist die
Stonerszene schon durch besonderen Idealismus
und Hingabe an die Musik geprägt.
Davon wollen wir natürlich nicht nur profitieren
sondern auch tatkräftig mitwirken und helfen.
Dies verstehe ich ebenso als wichtigen
Teil unserer musikalischen Arbeit.
Colour Haze
09
nN: Ihr veranstaltet gelegentlich
sogar Proberaumfeste. Ist das durch
Zufall entstanden oder ist euch die Nähe
zum Publikum auch sehr wichtig.
SK: Das war schon Absicht. Wir wollten halt
was schönes, cooles, nettes, freundliches
anbieten - den Bands, die wir mögen und den
Leuten, die die
Musik mögen.
Clubkonzerte
sind ja immer
mit nicht ganz
unerheblichen
Kosten verbunden
(Miete,
Technik, Gema
usw.), zudem ist
es nicht immer
ganz einfach,
den richtigen Club zum passenden Termin zu
bekommen. Somit veranstalten wir in Clubs
halt nur noch größere Sachen wie die Swamp
Room Mania oder Konzerte mit bekannteren
Künstlern (zuletzt z.B. Brant Bjork im Kafe
Kult in München). Ich möchte zudem auch gar
keine Trennlinie zwischen uns und
dem Publikum ziehen, denn in erster
Linie bin ich genauso Musikfan und
das ganze soll doch eher ein gemeinsames
Erleben sein. Wenn man dann
in einem intimen Rahmen, bei freiem
Eintritt und Getränken (gegen eine
freiwillige kleine Spende) den Leuten
Bands wie On Trial, Dozer, Circle,
Josiah, Los Natas, Rotor, Hypnos
69, um mal einige unserer bisherigen
Gäste zu nennen, bieten kann,
ist das auch für uns was ganz
Besonderes.Wann kann man einer
Band schon einmal so nahe sein!
Man sitzt zwischen den Boxentürmen
und lässt sich von den massiven
wohlig warmen Schallwellen tragen.
Es entfaltet sich ein nicht nur raumgreifender,
sondern die gesamte Physis erfassender
Sound.
Die sympathische Grundhaltung spiegelt sich
natürlich auch in den Lyrics wieder, in denen
eine gewisse Philantrophie und viel Freiheitsliebe
(auf verschiedenen Ebenen) mitschwingen.
Da passt es durchaus gut, dass das
Album 2004, dem internationalen Jahr zum
Gedenken an den Kampf gegen die Sklaverei
und ihre Abschaffung, veröffentlicht wurde.
nN: Die Texte sind relativ hippiesk. Steht
hinter Colour Haze noch eine bestimmte
Message/Philosophie?
SK: Die Philosophie steht nicht nur dahinter
sondern in allem drin, da ich mein Leben mit
allem darin als Ganzes betrachte. Ich finde es
auch etwas anödend, mich in Liedtexten nur
über persönliche Befindlichkeiten auszulassen.
Zudem hielte mir ein Horizont aus Fußball
und Bier auch zu wenig Anregung und
Genuss für ein ausgefülltes Dasein bereit. In
der Rockmusik geht es eigentlich immer
zuvorderst um persönliche Autonomie - selbst

10
Colour Haze
zu bestimmen, was man mit seiner Zeit, Lunge, Geschlechtsorganen
oder was auch immer denn so anfangen möchte. Ich fasse das halt
etwas weiter, denn das Bewusstsein bestimmt schließlich das Sein
(allen populären Verdrehungen zum trotz ; ), zumal mich die weiter
andauernde allgemeine Unfähigkeit unser Spezies das Wunder dieses
Daseins zu erkennen und die entsprechenden Konsequenzen im
Fühlen, Denken und Handeln zu ziehen doch eben sehr stört und
beschäftigt. Die Zeit der meisten großen Patentrezepte gegen die
Widernisse des täglichen Miteinanders im Großen wie im Kleinen ist
ja dankenswerterweise vorbei. So setzen meine Texte eben ganz
elementar bei geistiger und spiritueller Autonomie einschließlich der
damit verbundenen Wonnen und Schwierigkeiten an.
nN: Bist du ein spiritueller Mensch?
SK: Ja, aber bitte kein Prediger oder so was. Meiner Meinung nach
muss man den Zugang zum Göttlichen selber suchen und finden,
was eine lebenslange Arbeit darstellt und auch nichts ist, was man
aus irgendeinem Buch lernen kann. Denn dort wird man zuvorderst
immer nur den Gott dessen finden, der den Text verfasst hat, was
einem die eigene Erfahrung zumindest vernebelt, wenn nicht sogar
verunmöglicht ...Und dann ziehen manche wieder los um sich und
andere mittels Explosivstoffen ins Paradies zu transzendieren oder
ähnlich ungute Ideen zu exerzieren. Deswegen ist meine Spiritualität
unbedingte Privatsache und ich werde nicht mal ihren Namen verraten.
Im Grunde gibt es sowieso nur ein Gebot: "Du kannst machen
was Du willst, aber Dein Denken, Fühlen und Tun muss immer und
nach allen Seiten von Liebe erfüllt und bestimmt sein" - klingt bei
weitem einfacher als es ist und ist als universelles Gebot doch sehr
effektiv, da es sämtliche negativen Handlungen, einschließlich aller
Kapitalverbrechen schon mal ausschließt. Ich denke, damit kann
sich jeder schon mal auf den Weg machen. Soviel zu meiner persönlichen
Anschauung, ansonsten sei aber jedem die seine unbenommen,
solange er damit nicht seine Mitmenschen traktiert.
nN: Du hast demnach einen Namen für Deine Spiritualität. Gibt
es also doch ein gewisses Dogma, ein Buch oder eine Art Guru
auf der Deine Spiritualität inhaltlich aufgebaut ist? Mir erscheint
es nach Deinen Aussagen eine gewisse Nähe zum Buddhismus
zu geben.
SK: Natürlich habe ich ein paar Sachen gelesen, allerdings gibt es
da nichts, an dem ich unbedingt festhalte. Meine Religiosität befindet
sich in ständigem Wandel, zwar aufbauend auf der genannten
Grundprämisse, aber ich verfolge da einen recht anarchistischen
Ansatz - deswegen brauche ich auch bestimmt keinen Guru oder so
was. Wenn Du es mit dem Buddhismus nimmst gilt, dass der Weg
das Ziel ist, dafür braucht es nur mich, die Welt und das Göttliche.
Ich verstehe nicht, warum sich die meisten gerade in ihrem Glauben
in ihrer Freiheit so einschränken lassen, da sind sicherlich mehr
Schranken gesellschaftlicher Prägung vorhanden, als den meisten
bewusst ist. Das mit dem Namen bedeutet u. a., dass ich meiner
"Gottheit" immer mal wieder neue Namen gebe, auch, um meinen
Zugang zu überprüfen und offen zu halten und nicht in hinderlichen
Dogmen zu erstarren. Dazu gehört natürlich auch viel Meditation und
Arbeit an der "Herzensbildung". Ich will allerdings nicht behaupten,
dass dieser Weg besser ist als andere, es ist halt nur mein ganz persönlicher
Weg.
nN: Ist Deine Spiritualtiät wirklich absolute Privatsache, oder
"teilst" Du sie mit anderen Leuten, auf welche Art auch immer?
SK: Ich will rein gar nichts propagieren, da würde ich mich ja selbst
zu einer Art Guru erklären, was meinen Grundsätzen genau zuwider
läuft. Den "Gewinn" aus diesem Weg sowie z.B. die Liebe zum Universum
und allem darin möchte ich natürlich schon teilen und durch
mein Verhalten, unsere Musik und meine Texte versuchen mitzuteilen.
"All you brothers we must take more care/We are all the same/We
are all the life/So we shouldn't waste this precious little time/Take it
and you leave/You won't get it far/Pick up a flower and disturb a
star/Make up all your mind/Make it broad an wide/We shall overcome
in the love of life/
Christian Eder
Mit Dank an Martin Wintermeier, der mir Colour Haze recht beharrlich
nahe gebracht und mich beim Interview unterstützt hat. Spätnachts
nach vielen Bieren auf einem kleinen Open Air in Hauzenberg
hat er mir zum ersten Male vorgeschwärmt (ICH kann mich zumindest
daran erinnern!). Jetzt ist er ein Fan von Mono und ich von
Colour Haze. Schön.
www.colourhaze.de
Immer auch einen Besuch wert:
www.stonerrock.com
Aktuelles auf Elektrohasch Records
Neben Colour Haze wurden auf Elektrohasch u. a. auch Alben
befreundeter Bands wie Hainloose, Ugh! oder Gas Giant veröffentlicht.
Elektrohasch ist stonerbezüglich durchaus ein Qualitätssiegel.
Derzeit aktuell sind die Alben von Rotor und Kings Of Frog Island.
Kings Of Frog Island - same
Seit Dave Wyndorf keine Drogen mehr nimmt, hat er kein nennenswert
gutes Album mehr veröffentlicht. Tragisch aber wahr. Wie sich
das Konsumverhalten bei Kings Of Frog Island ausgestaltet, muss
hier im Dunklen bleiben, darf egal sein. Um sich dem Sound dieses
Albums anzunähern, imaginiere man sich frühe, fuzz/wah-reduzierte
Monstermagnet, die zu viele Psychedelic Platten (nicht immer nur
Hawkwind) gehört haben mit dem jüngeren Bruder von Wyndorf an
der Stimme vor. Nach zwei recht geradlinigen Rockern als Opener
entfalten Kings Of Frog Island die ihnen eigene Qualität in psychedelisch-melancholischen,
teils treibenden (Stoner)Rockstücken (in
denen man sich gelegentlich auf dem Wah-Wah Pedal hin und herwälzt),
die man immer und wieder gerne hören mag. "Psychomania"
und vor allem "Save Me" entwickeln dabei richtiggehendes Underground-Hitpotential.
Feines Album.
Rotor - 2
Rotor sind von vorne wie von hinten. Rotor machen überwiegend
instrumentalen Stoner/Heavy/Psych Sound. Wer dabei an Karma To
Burn denkt liegt nicht völlig daneben. Zwischen Fuzz-Stoner Riffs
baut das Berliner Trio allerdings immer wieder Kraut/Prog-Parts und
vor allem interessante Breaks und Laut/Leise Dynamiken ein. Dabei
lassen sie aber nicht den notwendigen Druck vermissen und rocken
auch mal schwer und direkt nach vorne. Ein von vorne bis hinten
interessantes Album. www.rotorotor.de
www.elektrohasch.de
Colour Haze und Rotor sind derzeit auf Tour. Beide sind auch mit
sieben weiteren Bands auf dem Swamp Room Happening am
17.09.05 in München im Kafe Kult zu sehen. Siehe Termine.

Kontakt!
Leserbriefe
Also die noisyNeighbours sind beide wieder
sehr gelungen. Glückwunsch!!! Sehr begeistert
bin ich auch von Lampshade und Jumbo Jet.
Tolle Mucke. Ganz großartige Sache, Danke!!!
Uwe, Köln
***
Das Heft ist ganz große Klasse.
I AM KLOOT, eine meiner Lieblingsbands.
Ganz groß. Liebe Grüße und ein sonniges
Wochenende
Chris, München
interne Kommunikation
Keule hatte Recht,
bei den verschickten CDs ist bis jetzt wirklich
nichts für mich dabei. Hätte da schematischen
Trendrock zu bieten (Gods of Blitz) und
schmonzigseichtes Country/Indiegeplänkel.
Jochen, wär doch was für Dich oder...?
Schöne Grüße
Christian
Hi,
(…) Sei froh du kleiner niederbayrischer
Grandler, dass ich derzeit zu viel um die Ohren
hab, um zu streiten! Hast wohl zu lange neben
der Bahnlinie gewohnt, was? Kannst ja weiter
deine Platten hören, wo einer ins Mikro furzt,
drei mal urschreit, das Mikro zu nahe an den
alten Fernseher hält und dann drei Kratzer auf
die cd macht...."Der Vogel. Der Rabe. HURZ!!".
haha
der Jo
reViews
Das Noisy Neighbours-Fanzine geht in die 10.
Runde und kann ein mal mehr auf ganzer Linie
überzeugen. Am meisten gefällt mir wieder die
Themenvielfalt, welche sich bei weitem nicht
nur auf Musik und unmittelbar angrenzende
Topics beschränkt, sondern deutlich über den
Tellerrand linst.So gibt es neben Interviews mit
Monta (Nebenbaustelle von Miles-Frontmann
Tobias Kuhn), The Royal We, Hoppy Kamiyama
(!!) und Klez-E, eine Kolumne über John
Peel (R.I.P.), Filmtipps, Comic-Reviews, Musikund
Konzert-Reviews, Infos zum Thema Copyright
und und und... Alles was irgendwie interessant,
abgedreht, konsensreich oder einfach
".." ist, wird von den Machern mit dem nötigen
Know-How beleuchtet. Das verdient nicht nur
Respekt, sondern bietet auch ein Maximum an
Unterhaltung. Was will man noch mehr??
Doc
http://www.baldymod.de/content/
modules/news/article.php?storyid=650
(scarred for life - rock'n roll community)
***
Ich muss ja ehrlich gestehen, dass mir Musik-
Hefte häufig genug ziemlich quer vorbei gehen.
Klar, ich mag Musik genauso gerne wie die
meisten anderen Menschen. Musik ist in meinem
täglichen Leben total wichtig - ein Antrieb,
aus dem Bett aufzustehen zum Beispiel. Zu
Soophie Nun Squad Morgengymnastik
machen, nachts zu The Notwist aus dem Fenster
schauen und so. Aber ich halte es da eher
mit Marcus Wiebusch von "…but alive": "Über
Musik schreiben ist wie zu Architektur tanzen."
Hefte wie das Plastic Bomb, das Trust oder das
Ox-Fanzine, die in jeder Regelmäßgikeit mit
dutzenden Interviews aus der Druckpresse in
die Bahnhofskioske und Plattenläden unserer
Republik geschleudert werden entlocken mir
meist nur ein sanftes Gähnen und der Blick auf
die eigentlich viel spannendere FAZ. (Ha, jetzt
hab ich mich aber geoutet.) Nur weil jemand
anständige Musik schreibt, heißt das ja noch
lange nicht, dass er/sie in Musikmagazinen
auch nur ansatzweise was Spannendes zu
sagen hätte. Da interviewe ich doch lieber
Kontakt! 11
meine 5-jährige Nachbarin oder die Katze, die
mir jeden Tag über den Weg läuft. Hrmpf. Aber
dies sollte ja eigentlich eine Rezension des
Noisy Neighbours sein, und kein Musik-Fanzine-Dissen
- auch wenn mir das noch so viel
Spaß macht. Das Noisy Neighbours ist also ein
Musik-Fanzine wie es im Buche steht: Es gibt
Interviews, die mal mehr (in dieser Ausgabe
The Flying Luttenbachers, in anderen Liquid
Laughter Quartet, oder Klez.e) oder weniger
interessant sind (die anderen Interviews austauschbarer
Jungskapellen), Rezensionen,
Konzertberichte, Tourdaten. Alles soweit im
Rahmen des Kanons. Was das Noisy Neighbours
aber von anderen Gazetten dieser Art
unterscheidet ist die erfrischende Herangehensweise
an die Musik und die Bands. Da
wird einerseits gerne mal intellektualisiert, TonträgerInnen
und Konzerte werden sehr gut
analysiert, besprochen, vorgestellt. Gleichzeitig
werden andere, unmusikalische Dinge in
den Blick genommen. In Ausgabe 11, die
Anfang diesen Jahres erschienen ist, findet
sich beispielsweise noch ein Nachruf auf den
amerikanischen Journalisten Hunter S. Thompson,
DaDa-inspirierte Pamphlete und eine Vorstellung
von Reprodukt, einem Berliner Independent-Comicverlag.
Das macht das Noisy
Neighbours für mich also lesenswert - und
unterscheidet das Heft positiv von anderen.
Wenn Ihr jetzt noch ein paar - aus meiner Sicht
- spannendere Bands vorstellen würdet, dann
wäre ich wirklich froh über so ein Heft wie das
Noisy Neighbours. Das stammt übrigens aus
einer der spannendsten Subszenen in
Deutschland: Der Bonn-Troisdorfer Noise/
Indie-Szene um das Nois-O-Lution Label und
BluNoise - die einfach seit ewigen Zeiten echt
gute Musik produzieren und veröffentlichen.So
weit ich weiß, ist das Noisy Neighbours weiterhin
kostenlos. Ich bin aber sicher, dass die
Leute sich freuen würden, zumindest Rückporto
erstattet zu bekommen.
P.S.: Ich weiß, dass Ihr mit den Anzeigen das
Heft finanziert, aber ein paar weniger sexistische
Rock'n Roll-Anzeigen hätten es auch
getan, vielleicht, oder?
Markus
http://www.beatpunk.org/papier/3.html
(beatpunk -webzine)

12 Knistern
einBlick
Es war wieder einmal diese Neugier, die Zufälle
produziert und in deren Prozess man gerne
auf Neues und Interessantes stößt. So auch im Falle von K N I S T E R N
Wie ich es entdeckt habe, ist nicht mehr nachzuvollziehen. Egal. Es ist eines
dieser sehr kleinen Liebhaberlabels, die mit viel Liebe und Enthusiasmus charaktervolle
Skurrilitäten veröffentlichen.
Mit KNISTERN als Name rekurriert man ja bereits auf das Format
Vinyl. Vinyl als Leidenschaft ist ja vielen nachvollziehbar.
Das Ein-Mann-Unternehmen von Guy Saldanha übt sich allerdings
in noch mehr Detailverliebtheit und veröffentlicht ausschließlich
7-Inches. Zwei Singlereihen mit jeweils vier Veröffentlichungen
und einem jede Serie durchziehenden Grafikdesign
sind bereits erschienen.
Soundtechnisch macht KNISTERN dabei einen recht weiten
Spagat im Spannungsfeld von experimentellen Stilen. Elektronik,
Jazz, Rock oder Minimal Music. Saldanha ist der Pubertät entwachsen
und braucht keine Grenzen mehr. Die Singles bieten
wirklich interessante Sounds für Leute, die Freude am Experiment
haben, aber nicht auf eine gewisse Struktur und Nachvollziehbarkeit
verzichten wollen. Vor allem die zweite Reihe mit Helgoland,
Chanson Electronique, Uri Geller und tbc & Guy Saldanha
dürften für noisyNeighbours Bibliophile überaus interessant
sein. Wer sich auch gerne in freieren Strukturen bewegt, der
nimmt auch gleich noch die erste Reihe mit.
Frei
heit
im
Kleinformat
nN: Obligatorisches am Anfang. Eine kleine Gründergeschichte
bitte.
Guy Saldanha: Am Anfang stand die Veröffentlichung der Intertronik
Aufnahmen aus der Hörbar. Es gab die Idee, sie als Single
rauszubringen, also haben wir Demos an verschiedene Seveninch-Labels
geschickt. Angehört und geantwortet, bei keinem
passte die Musik rein. Da fielen uns noch andere Sachen ein, die
über die Jahre entstanden sind, die nirgendwo reinpassten, aber
trotzdem einer Veröffentlichung wert waren: die A3XX-Bigband,
das E-Bass-Trio von Klemens Kaatz, Uri Geller, Chanson Electronique,
u.a…
nN: Was für eine Philosophie steckt hinter der Fixierung -
die ja auch eine Selbstbeschränkung bedeutet - auf das 7"-
Format? Ist das eine bewusste Abgrenzung?
GS: 7"-Platten sind sexy. Das denk nicht nur ich.
nN: Woraus definiert sich Dein Interesse für experimentelle
Sounds, wo kann man es verorten? Jazz, schräge Rokksounds,
Elektronik oder ist es ein Konglomerat aus allem,

einBlick
was interessant erscheint?
GS: Komme von der Rockmusik her. Größte Inspiration waren
Vernon Reid und Living Colour. Über den Jazz habe ich eine
Form der Improvisation kennen gelernt. Die Ohren geöffnet für
Geräusche hat mir - und vielen Leuten die ich kenne - Fred Frith.
Und dass viele verschiedene Stile in einen Track reinpassen
haben "Naked City" und verwandte Platten gezeigt. Zur Elektronik
bin ich über Jungle gekommen; habe mir daraufhin einen
Sampler und einen Computer geholt.
nN: Du veröffentlichst zwar teils recht freie aber doch
irgendwie strukturierte Sachen. Ist dir eine gewisse Nachvollziehbarkeit
wichtig im Sound wichtig?
GS: Ja. Bei den Improvisationen von Intertronik ist der klassische
Spannungsbogen zu finden: etwa nach zwei Drittel des Stücks
wird der Höhepunkt erreicht, danach wird abgebaut. Bei den
Noise-Impros von tbc und mir ist dieser Bogen auch zu finden,
manchmal auch die AABA-Form. Auf den anderen Platten ist die
Musik durchkomponiert, die Formen sehr klar.
nN: Gibt es ein Kriterium für die Auswahl einer Veröffentlichung?
Wie kommt es dazu?
GS: Alle Musik, die mich umgehauen hat, habe ich auf Konzerten
erlebt. Spannung und Energie sind mir wichtig.
nN: Bist Du tiefer in einer bestimmten Szene "verwurzelt"?
GS: Vieles was auf den KNISTERN-Platten erschienen ist, war
auf den LudwigsLust Festivals zu hören: so Klemens Kaatz' "Verzerrungen"
und "Transformationen", Christian Ribas' "A3XX" und
die Bands Uri Geller, Helgoland und Chanson Electronique. Die
anderen Platten stammen aus dem Umfeld der Hörbar: Intertronik
und mein Duo mit Thomas Beck aka tbc. In der Hörbar finden
einmal im Monat Konzerte statt mit Laptop-Musik, Ambient, Musique
Concrète, Noise, Industrial u. a. Häufig werden sie unter
dem Begriff "elektronisch-experimentelle Musik" zusammengefasst.
Und es gibt noch den h7-Club für improvisierte Musik, den
Heiner Metzger seit Jahren organisiert.
nN: Manche Experimentallabel grenzen sich relativ stark in
ihrem eigenen Kosmos ab, wollen nur innerhalb eines
gewissen Kontextes präsentiert werden. Du scheinst da
offener...
GS: Ja. Wieso sich einschränken, wenn es soviel verschiedene
gute Musik gibt?
nN: Bis auf eine Art "Nebenrolle" ist
auf allen acht Singles auf KNISTERN
insgesamt nur eine Frau beteiligt.
Spiegelt das Deiner Erfahrung nach
den traurigen kleinen Anteil in der
Szene repräsentativ wieder?
Wenn ja, hast Du dafür ein
Erklärungsmodell?
GS: Es gibt wesentlich mehr Männer als Frauen in
der experimentellen Musik Szene in Hamburg. Die
nächsten Veröffentlichungen sind in Planung, da ist
"Babalu", das Duo von Anne Wiemann und Susanne
Ulke, mit dabei. Hebt den Schnitt.
Christian Eder
www.knistern.net
www.intertronik.org
Knistern 13

14
auchSchoen

Manu Larcenet - Der alltägliche Kampf
Band 2: Belanglosigkeiten
Reprodukt
Endlich ist der Nachfolge- und zugleich zweite
Band von Larcenets "Der alltägliche
Kampf" auch in Deutschland zu haben! Einer
der Gründe für mein Bedauern, nicht französisch
zu können, hat sich somit verflüchtigt.
Fürs erste. Und bleiben ja nur noch all die
anderen unzähligen Gründe... aber zurück.
"Belanglosigkeiten" ist wiederum in diesem
für Larcenet typischen flüchtigen, leichten,
schnoddrigen, fast schon knuddeligen Zeichenstil
gehalten; ganz im Gegensatz zum
Inhalt. Schon im ersten Band kriegte man vor
Identifikationspotential und einer vorherrschenden,
den Fettnäpfchen des Hauptakteurs
zugewandten Schadenfreude das Grinsen
nicht mehr aus dem Gesicht, nur um es
im nächsten Moment im Hals zu suchen; dort
musste es nämlich, den Story-Wendungen
und Begebenheiten sei Dank, stecken. Und
das Lachen gleich dazu. Der fortgesetzte Alltagsstrudel,
in dem sich der Protagonist
Marco stets befindet, lässt einen doch des
öfteren verharren, nachdenken und reflektieren.
Die hingeschmissene Leichtigkeit des
Vorgängers hat sich ein bisschen in die andere
Richtung verlagert und in einer vorherrschenden
Schwere intensiviert. Marco hat
nach wie vor mit seiner Gegenwart, seiner
Vergangenheit und Zukunft zu kämpfen. Und
nach wie vor von Ängsten und Manien verfolgt,
tritt er mutig dem everyday's struggle of
life entgegen; jener wird verkörpert und bevölkert
von Brüdern, die immer noch Georges
heißen, von Umzügen, Beziehungen, Familiengeschichten
und -tragödien, Heuchlern,
Photographie-Ausstellungen, Star-Künstlern,
den kleinen und großen Un- und Glücken,
alten Bekannten und neuen Freunden. Und
Gott sei Dank existieren auch noch die M-O-
N-S-T-E-R-T-Ü-T-E-N! Ohne jene würde der
Kampf gegen die omnipräsenten Versuche
der Welt, die Kontrolle zu übernehmen, wahrscheinlich
nicht zu ertragen sein. Larcenet
mischt abermals verschiedene Zeichenstile,
die verschiedene Handlungsstränge (in diesem
Fall die eigentliche Geschichte und die
Überlegungen des Protagonisten) darstellen.
Er versteht es ein weiteres Mal, eine "ganz
normale alltägliche" Story spannend zu inszenieren
und sie mit fiesen kleinen Seitenhieben
zu spicken. Natürlich können wir über all
diese Begebenheiten und Personen lächeln,
finden uns teilweise wieder und erinnern und
an eigene Erlebnisse und Begebenheiten; auf
gleiche Weise können wir uns aber auch
wegen genau denselben Dingen eine Träne
aus dem Augenwinkel wischen. Ich fiebere
jedenfalls dem dritten Band entgegen. Zu viel
Zeit wird bis dahin ins Land gegangen sein,
verbunden mit viel neuer Erfahrung, sei sie
positiver oder negativer Natur. Aber vielleicht
sind genau diese eben genannten Dinge von
Nöten, die uns den dritten Band dann vollauf
verstehen und mit einem wissenden Kopfnikken
quittieren lassen werden. Wer weiß das
schon. Verständlich und logische Konsequenz
wäre es zumindest. Dennoch ist
irgendetwas bei "Belanglosigkeiten" anders...
irgendetwas fehlt. Und dann wird es schlagartig
bewusst: der kleine Kater Adolf aus dem
ersten Band. Ich vermisse ihn schmerzlich.
Und wer den ersten Teil kennt, weiß, warum
dies so ist.
Matthias Horn
Kleiner Tipp noch kurz hinterher: Während
diese Zeilen entstehen, läuft "Plans", die neue
Platte von "Death Cab For Cuties"; genau die
richtige unterstützende Untermalung, um "Alltäglichkeiten"
zu genießen, zu verstärken und
voll aufzunehmen.
Derek Kirk Kim - Ganz gleich
Reprodukt
Das deutsche Debut eines jungen Amerikaners
asiatischer Abstammung, der seine Karriere
mit Comicsveröffentlichungen auf seiner
Webpage www.lowbright.com begann. Und
es handelt vom -na, von was wohl?- Leben!
Und eigentlich könnte man auch eine Blanko-
Review für jegliche Reprodukt-Veröffentlichungen
anlegen, es müssten einfach immer
Leben, Beziehung, Identifikation, Selbstzweifel,
Losertum und die Grausamkeiten des Alltags
drin vorkommen und schon wäre der
Fisch geputzt! Einfach, oder? Aber Spaß beiseite,
dieses Buch ist groß... Und schrieb ich
je etwas bei einem Reprodukt-Album über
Identifikationspotential? Vergesst es, größer
als hier geht nicht. Zumindest nicht nach meinem
Empfinden. Das alles kommt mir so verdammt
bekannt vor. Unheimlich, irgendwie.
comiCorner 15
comiCorner
Der ComiCorner ist zurück... Nachdem
es im letzten Heft eher ein bißchen lau
damit aussah, hier nun zwei empfehlenswerte
Veröffentlichungen.
Natürlich von Reprodukt. Klar, oder?
Twentysomething, Schule bzw. Studium, sich
mit Freunden treffen, über Gott, die Welt,
Filme und Sex sinnieren und diskutieren, über
den Tischnachbarn lästern, eigene Probleme
verdrängen und später ins Selbstreflektion
und -mitleid untergehen, den Träumereien
nachhängen, den eigenen Loser in einem
selbst vertuschen, mit der Hoffnung auf bessere
Zeiten, all die Illusionen, all die großen
Kleinigkeiten, dennoch alles easy, alles klasse,
Probleme? Doch nicht hier... doch nicht
ich. Wie? Glaubst Du nicht? Ach, guck Dich
doch mal an! Du redest von meinen Problemen?
Guck Dich doch nur mal an... Und
darum geht es in "ganz gleich", voller autobiographischer?
Züge wird das Leben eines Jungen
angerissen, der genau obengenanntes
lebt. Und mit seiner besten Freundin in eine
abstruse Geschichte um Vergötterung und
gefakte Hoffnung gerät, die ihn selbst mit seiner
Vergangenheit konfrontiert. Grunge?
Unbedingt! Generation X? Oh ja, bitte! Die
Personen bewegen sich einfach in einem
sympathischen Umfeld mit der richtigen und
gesunden Portion Indie. Und all den Sorgen
und Glücksgefühlen, die man kennt, sei
dahingestellt, ob gerade jetzt im Augenblick
oder der Vergangenheit. Kims Erzählstil ist
ehrlich und dicht, sein ab und an ein kleines
bisschen an Manga erinnernder Zeichenstil
unterstützt diese brutale Ehrlichkeit auf ganzer
Linie; sieht man doch auch mal die Freundin
des Protagonisten, die ausgerechnet beim
Kacken im Moment, als es plumpst, von
einem genialen Einfall heimgesucht wird.
Geht es näher am Leben? Wohl nicht. Dieser
Comic ist einzigartig; hat er doch einiges vereint:
eine geniale Federführung, was die
Zeichnungen, die Story, das Sprachgefühl, die
Details, die kleinen Nebengeschichten, den
feinen trockenen Humor, die Sensibilität
gegenüber fremden Kulturen und das Portrait
amerikanischer Jugend betrifft. Er trifft. Tief.
Und es tut weh. Verzückt aber gleichsam auf
wunderbare Art und Weise. Ein Juwel der
zeitgenössischen Indie-Kultur. Derek Kirk Kim
wurde für sein Debut mit allen wichtigen
Comicauszeichnungen bedacht. Er hat es auf
ganzer Linie verdient.
Matthias Horn
www.reprodukt.com

16
liveDabei
AMPLIFIER
Köln, Underground, 06.06.05
Amplifier wollen beeindrucken! So deute ich
jedenfalls das den Auftritt im Underground
begleitende Brimborium. Die Vibrationen der
sechs Saiten werden durch 27 Effektgeräte
und Fußschalter geschickt (sic!), bevor sie
aus vier unterschiedlichen Gitarrenamps ertönen
und mit vier unterschiedlichen Mikrophonen
in's Mischpult eingehen. Die Vibrationen
der vier Saiten durchwandern immerhin
22 Effektgeräte und Fußschalter, um
ebenfalls aus vier verschiedenen Bassamps
via vier verschiedener Mikrophone in den
Gesamtmix einzugehen. (Mensch Mike!
Irgendeinen Sinn muss der Bandname ja haben,
oder!? Anm. d. Korr.). Ob diese Anhäufung
von Technik ausschließlich der Klangerzeugung,
bzw. -verfremdung dient, oder ob
man damit auch z.B. die elektrischen Fensterheber
des Tourbusses fernsteuern kann,
entzieht sich meiner Kenntnis. Damit die Roadies
auch ja nix verwechseln, ist jeder Amp
und jedes Mikrophon sauber beschriftet
(BassAmp2, BassMic2, etc.). Apropos Roadies:
Wenn Dekadenz im Musikbusiness
dann beginnt, wenn mehr Helferlein als Musiker
die Bühne bevölkern, stehen die drei
Recken von Amplifier kurz davor, dekadent
zu werden, sorgen doch genau drei Mann für
den reibungslosen Ablauf auf der Bühne!
Was noch verwundert, ist das Rockstar-Gepose
von Sel Balamir (guit./voc.), das meiner
bescheidenen Meinung nach recht peinlich
'rüberkommt und vor allem nicht zu der
Bühne passt, auf der er sich gerade befindet.
So, genug gemeckert! Die mit dem beschriebenen
Equipment erzeugte Musik ist nämlich
druckvoll, mitreißend und klanglich über
alle Zweifel erhaben. Transparent wie fettiges
Butterbrotpapier ist der Sound, jedes Instrument
jederzeit differenziert wahrnehmbar
und im Zusammenspiel treten die Jungs
kräftig Popo.
"Motorhead" eröffnet den Reigen, "Panzer"
setzt den ersten Höhepunkt, "Post Acid
Youth" drückt und groovt wie Hölle und "One
great summer" schwelgt in Melodie und
Opulenz. Nach ca. einer Stunde verabschie-
det man sich mit "Airborne", kommt noch
zweimal zwecks Zugabe heraus und verlässt
schließlich endgültig ein gut gefülltes Underground
und ein glückliches Publikum.
Mir persönlich hat das gefehlt, was auf dem
grandiosen Debut durchaus vorhanden ist:
Seele.
Mike Maisack
Lou Barlow
Köln, Gebäude9, 22.05.05
Einer der sympathischsten Menschen, die je
eine Bühne betreten haben, tat eben dieses
am Sonntagabend im Gebäude9. Mitgebracht
hatte er zwei Akustikklampfen und einen
Uraltsynthesizer im Moog-Design. Ganz
alleine stand er da und war furchtbar nervös.
Erstaunlich, wenn man bedenkt, wen wir da
vor uns haben: Lou Barlow, einer der beiden
Songwriter von Dinosaur Jr., der kreative
Kopf hinter Sebadoh und der Folk Implosion,
der zuletzt unter eigenem Namen die äußerst
unterhaltsame CD "Emoh" veröffentlicht
hat, die es nun zu promoten gilt.
Erstaunlich auch, dass sich vor der Bühne
nur ca. 80 Zuschauer eingefunden haben
um dem Meister zu lauschen. Lag es daran,
dass ihn die Fans vergessen haben oder
doch daran, dass 15,- € Abendkasse für ein
Solokonzert recht teuer war? We'll never
know…
Zu sehen und zu hören gab es jedenfalls Einiges.
Ganze zwei Stunden lang folgte ein
Indie-Hit auf den anderen. Vom aktuellen
Release habe ich lediglich "Caterpillar Girl"
vermisst, von den gespielten Titeln fielen vor
allem "Mary" und "Ballad of daykitty" auf,
weil diese beiden durch umfangreiche und
witzige Erzählungen darüber, worum es in
dem Song geht, aufgewertet wurden. Seltsame
Themen hat er ja, der Herr Barlow. Neben
zugelaufenen orangefarbenen Katzen
und dem Dilemma des leiblichen Vaters von
Jesus, der zwar einen Sohn gezeugt hat,
aber seine Vaterschaft nicht genießen kann,
weil Maria schließlich mit Josef verheiratet
ist und diesem eine hanebüchene Story über
die Herkunft des Kindes auftischt, befassen
sich seine Lieder auch mit dem ganz normalen
zwischenmenschlichen Wahnsinn. Kostprobe
gefällig? "I'm married for seventeen
years now and I still love my wife. This next
song is about trying to convince somebody
who knows you very well, that it might be a
good idea to have sex with you."
Natürlich dringen im Laufe des Abends auch
frühe Geniestreiche wie "Really insane" (I'd
like to be superman, but You're standing on
my coat…) von der "Rockin' the Forest" EP,
"Soul & Fire" von der "Bubble & Scrape" und
"Brand new love" von der "Sebadoh vs. Helmet"
EP aus dem umfangreichen Songfundus
des Künstlers in unsere Gehörgänge,
was mich persönlich ganz besonders gefreut
hat.
Bleibt zu hoffen, dass die frisch reformierten
Dinosaur Jr. sich auch in Köln blicken lassen!
Mike Maisack
JELLO BIAFRA & THE MELVINS,
FANTOMAS, DÄLEK
Köln, Live Music Hall, Montag, 20.06.05
Mann, was ein Package! Lebende Legenden
galore…. Und Mann, was eine Hitze! Bei
tropischen Temperaturen und passender
Luftfeuchtigkeit gelingt es mir doch tatsächlich,
einen Platz in der ersten Reihe zu ergattern
(freu!). Ein Blick in die umstehenden
Gesichter führt zu zwei Überlegungen: Zum
einen scheint das Publikum mit den Helden
auf der Bühne gealtert zu sein - Durchschnittsalter
so um die 30 - zum anderen
verheißt eben diese Beobachtung ein relativ
ruhiges Konzert ohne rücksichtslose Rempel-
und Zappelorgien und ohne befürchten
zu müssen, dass mir alle fünf Minuten ein
Crowdsurfer in die Fresse tritt. Ein Trugschluss,
wie sich später zeigen sollte.
Den Anfang machen Dälek, die ich nur vom
Hörensagen kenne. Noisiger, zäh fließender
HipHop schwappt aus den Boxen. Sehr innovativ
und mitreißend das Ganze. Stellt
euch vor, ein Hochhauskomplex wird von
Dampframmen, Abrissbirnen und Presslufthammern
in Zeitlupe abgerissen, während

auf dem Dach ein wütender Poet seine Texte in den stürmischen
Wind spricht. So in etwa klingen Dälek. Ich bin beeindruckt!
Dann Fantomas. Bestehend aus Mike Patton (Ihr wisst schon…),
King Buzzo (Melvins-Kopf und Gitarrero), Trevor Dunn (Mr. Bungle)
und eigentlich Dave Lombardo. Da der aber gerade mit Slayer unterwegs
ist, braucht es einen Ersatz an den Trommelfellen. Niemand
geringeres als Terry Bozio, seines Zeichens Ex Frank Zappa Drummer,
glänzte mit Anwesenheit. Leider konnte man ihn hinter seinem
überdimensionierten Schlagzeug am linken Bühnenrand kaum ausmachen.
Ab und zu tauchte eine Hand zwischen den Becken auf, um
die Noten (!) umzublättern, das war's aber auch.
Der österreichische Philosoph Ludwig Wittgenstein hat einmal gesagt:
"Worüber man nicht sprechen kann, darüber muss man
schweigen". Ein verantwortungsvoller Musikjournalist sollte nur über
die Musik sprechen, die er versteht. Da ich die Fantomas'sche "Musik"
nicht verstehe, will ich mich, ganz im Sinne Wittgensteins, nicht
weiter darüber äußern. Einigen im Publikum hat's aber scheinbar gefallen…
Tja, und dann der große Augenblick: Jello Biafra, von dem ich nicht
geglaubt hätte, dass ich ihn auf einer Bühne außerhalb der USA zu
Gesicht bekommen könnte und die Melvins, die so cool sind, dass
sie Eiswürfel pinkeln, betreten die Bühne. Grundlage des Programms
ist natürlich die wirklich gelungene "Never breathe what you
can't see" CD, von der, wenn ich mich recht erinnere, alle Titel gespielt
wurden (jedenfalls habe ich keinen vermisst). Gewürzt war das
Programm mit alten Dead Kennedys Klassikern. Natürlich gab Jello
den Polit-Punk und ließ kein gutes Haar an den Mächtigen unserer
Zeit. In der Ansage zu "California über alles" bekam uns' Arnold (der
Gouvernator!) sein Fett weg, Bush wurde ausgiebig beschimpft, die
psychischen Abgründe aller Fahrer von überdimensionierten Geländewagen
wurden seziert und noch vieles mehr. Bemerkenswert auch
der Aufdruck des Biafra'schen T-Shirts: Unter dem Bild eines bombenabwerfenden
amerikanischen Flugzeugs steht der Slogan: "We
deliver Democracy". Da war jemand kreativ!
Langsam ist's vorbei mit dem gemütlichen Konzert für Genießer. Bei
schnelleren Stücken und vor allem bei den erwähnten Dead Kennedys-Klassikern
geht im wahrsten Sinne des Wortes der Punk ab.
Nachdem ich mehrmals am eigenen Leibe erfahren durfte, dass die
Absperrgitter stabil sind und auch bei erheblichem Druck von hinten
nicht nachgeben und nachdem ich mich vergewissern konnte, dass
fremde Ellenbogen, die mir mit Schmackes in verschiedene Körperteile
gerammt wurden, durchaus schmerzhaft sind (komisch, manche
Dinge ändern sich nie…), ziehe ich es vor, meinen Aufenthaltsort
weiter nach hinten zu verlegen. Dort ist, bedingt durch die erwähnte
tropische Hitze und Luftfeuchtigkeit, die Luft zum schneiden und nach
"Holidays in Kambodscha" ergreife ich die Flucht nach Draußen.
Hier umschmeichelt mich eine kühle Brise. Die Luft enthält Sauerstoff
statt Schweißgeruch. Leider ist die aus der Live Music Hall dringende
Zugabe nicht zu identifizieren. Schade.
Mike Maisack
DINOSAUR Jr. / ARCADE FIRE
Köln, Jugendpark (Monsters of Spex), 26.08.2005
liveDabei 17
Dinosaur Jr.! In Originalbesetzung! In Köln! (Freu!). Mit Dauergrinsen
im Gesicht und voller Vorfreude auf das denkwürdige Ereignis
komme ich nach einigem Suchen am gut versteckten Jugendpark
an. Im Vorfeld war zu hören, dass die Setlist der Indierock-Veteranen
ausschließlich aus den Hits der ersten drei Longplayer zusammengestellt
sein soll. Sprich aus Klassikern wie "You're living all over me"
und "Bug", die damals eine eigene musikalische Welt erschufen und
zusammen mit wenigen anderen Bands wie z.B. Sonic Youth und
den Pixies Ende der 80er die Blaupause für Grunge, Alternative und
Noise-Rock lieferten. Aufregende Zeiten waren das, als aus der Ursuppe
von Punk, Hardcore, Black Sabbath und den rockigen Neil
Young-Scheiben dieser unverwechselbare neue Sound entstand. Als
sich hinter fetten Gitarrenwänden zum sterben schöne Melodien versteckten,
die gerne auch mal mit purem Lärm brutal zerstört wurden,
als die Schrammelgitarre eine melancholische Symbiose mit Nöhlgesang
einging.
Bleibt die Frage, ob Dinosaur Jr. Live heute nur noch nostalgischen
Wert haben, oder immer noch das Haus rocken.
Zunächst betreten aber die Jungs und Mädels von Arcade Fire die
Bühne und an das, was jetzt folgt, werde ich mich noch lange erinnern.
Auf der Bühne stehen neun Musiker, die vor jedem Song einen
kollektiven Instrumententausch vornehmen. Alle spielen nach und
nach alle Instrumente! Man fragt sich wirklich, wie die Band das
untereinander abstimmt. Losen die aus, wer welches Instrument bei
welchem Song spielt? Wird die Besetzung bei Käse und Rotwein so
lange diskutiert, bis alle zufrieden sind? Keine Ahnung!
Bei neuen Musikern kommt natürlich eine stattliche Anzahl von Instrumenten
zusammen. Neben Obligatorischem wie Gitarren, Bass,
Schlagzeug und Keyboards auch eher exotisches wie Akkordeon,
Glockenspiel, Streicher und diverse Percussion. Teilweise wird zu
zweit auf Motorradhelme (!) eingeprügelt! Irgendwie sind auch alle
ständig am Singen, was einiges zu dem dichten, aber nicht vermatschten
Sound beiträgt. Mein Kompliment an die Tontechnik!
Gespielt werden natürlich die Songs vom aktuellen Release "Funeral",
die Live noch an Größe und Faszination gewinnen.
Gegen die engagierte und spielfreudige Truppe mit frankokanadischem
Flair, diese Mischung aus Wanderzirkus und Band, ist heute
Abend kein Widerstand möglich! Um mich herum nur strahlende Gesichter
und sich im Takt wiegende Körper. Überirdisch schön!
Danach haben Dinosaur Jr. einen schweren Stand. Diese Leistung
noch zu übertreffen, scheint kaum möglich. Nach kurzer Umbaupause
erscheinen J. Mascis, Lou Barlow und Murph persönlich um
ihre Instrumente und Mikros zu testen. Beim Headliner eines Festivals
äußerst ungewöhnlich und angenehm "down to earth". Überhaupt
benehmen sich die drei so normal und unauffällig, dass man
sie für Roadies halten könnte.
Nur J. fällt irgendwie auf. Sind es die ultralangen, nahezu weißen

18
liveDabei
Haare, ist es die riesige viereckige 70er
Jahre Kassengestell-Hornbrille oder eher
die lila Adidas-Trainingsjacke mit quietschgelben
Streifen, die Aufmerksamkeit produziert?
Vielleicht kommt es auch daher, dass
J. in seiner eigenen Zeitzone zu leben
scheint. Jede Bewegung ist bedächtig und
langsam. Wie ein Schwarzes Loch das Licht
krümmt, so scheint er die Zeit zu krümmen,
schafft um sich herum seine eigene Aura
aus Zeit. (Oder so.)
Alles egal, denn jetzt geht's ab! Wenn ich
mich richtig erinnere, eröffnet "Chunks" das
Wunschkonzert. Lou singt. Etwas zu leise,
aber egal. Die Gitarre ist brutal laut. Soll anscheinend
so sein. Endlich singt J, dessen
melancholische, nöhlige und spröde Stimme
so wichtig für den typischen Dinosaur Jr.
Sound ist. Leider hört man ihn noch weniger
als vorher Lou. Da fehlt eindeutig was, also
gehe ich in der Hoffnung auf Besserung von
der 1. Reihe nach hinten. Dort ist der Sound
etwas ausgewogener, die Stimme aber
weiterhin zu undeutlich. Hit folgt auf Hit, der
Gesang aber wirkt lustlos, fast kann man
behaupten, dass J. mehr nuschelt als singt.
Nur wenn er Gitarrensoli spielt, lebt er sichtbar
auf und gibt uns den Rockstar, wehendes
Haar und Gitarrenposing inklusive.
Nach ca. 50 Minuten beenden "Just like Heaven"
und "Freak Szene" ein Konzert mit
viel Licht, aber auch viel Schatten. Ich persönlich
freue mich, die alten Helden mal live
gesehen zu haben. Ich kann aber auch jeden
verstehen, der das jetzt nicht so prikkelnd
fand.
Mike Maisack
SPERMBIRDS, BUBONIX
Köln, Mütze, 25.06.05
Das Mütze liegt in Köln-Mühlheim und ist offenbar
so eine Art alternatives Bürgerzentrum.
Heute findet hier kein afrikanischer
Trommelworkshop statt, getöpfert wird auch
nicht, und im Atelier des Malkurses (1.OG)
befindet sich heute Abend der Backstagebereich.
Hier lässt es sich aushalten. Durch
das weit geöffnete Fenster säuselt kühle
Abendluft. Vor und auf der Bühne im Erdgeschoss
ist es, passend zur dargebotenen
Musik, heiß.
Die erste Band des Abends verpasse ich.
Dann die Bubonix. Das Gemisch aus Hardcore
und Punk, das die Limburger Band
zündet, kickt kräftig. Der Sänger ist charismatisch,
die Musiker beherrschen ihre Instrumente
und, eine Seltenheit in der Branche,
man beschäftigt eine GitarristIN. Warum
spielen eigentlich so wenige Frauen
harte Musik?
Falls sich ein Soziologiestudent unter den
Lesern befindet: Wäre das nicht ein interessantes
Thema für eine Diplomarbeit? Schon
gut, nichts zu danken…
Nachdem die Bubonix ihre Aufgabe als Anheizer
mit Bravour erfüllt haben, betritt eine
Band die Bühne, deren Reunion zu den
wirklich guten Nachrichten des Jahres 2004
zählte. Ich weiß noch, wie ich 1991 staunend
vor meinen Lautsprechern saß, "Common
Threat" hörte und fassungslos war,
dass eine deutsche Band so gute Musik machen
kann. Leider war dann ja auch bald
Schluss, nachdem Lee Hollis gegangen war
und die Spermbirds mit neuem Sänger nicht
an alte Glanztaten anknüpfen konnten, löste
man die Band 1996 auf.
Und dann die Reunion in Originalbesetzung!
"Set an example", ein Komet von einem Album
erschien! Bis Kaiserslautern bin ich gefahren,
um im Oktober letzten Jahres ein
Heimspiel der Sonderklasse zu erleben! Alte
Klassiker und neue Glanztaten, achtzig Minuten
Spaß pur! Schön war's.
Und genau so acht Monate später in Köln.
Hardcore-Urgestein betritt die Bühne. Los
ging's mit "Americans are cool", ein Dauergrinsen
nistete sich in den Mundwinkeln der
Besucher/innen ein, der Titeltrack des aktuellen
Albums folgte und nach ihm ein
Wunschkonzert. Fast jedenfalls. Die Stücke
der "Eatin' Glass" LP werden offenbar nicht
mehr gespielt, obwohl da mit "Waiting for
the bomb to drop" oder "You're only as good
as your last war" echt gute Songs drauf sind,
die, obwohl sie schon über zehn Jahre auf
dem Buckel haben, nicht nur vom Text her
immer noch relevant und wichtig sind. Ausgedient
hat offenbar auch eine der ultimativen
Hymnen von "Common Threat", ein
Groove-Meisterwerk, das damals heftig im
Metal-Lager gewildert hat: "Melt the ice".
Doch das nur am Rande. Nach gut 70 Minuten
fordert die schwüle Hitze ihren Tribut. Eigentlich
waren zwei Zugabenblöcke mit je
drei Songs geplant, aber niemand protestiert,
als Lee erschöpfungsbedingt die Anzahl
der noch zu spielenden Stücke auf
höchstens zwei begrenzt. Zur Aufführung
kommen noch "Blood stains" und "Try
again". Band und Publikum sind stehend
K.O.
Doch wie heißt es so schön im Rausschmeißer:
"Get up in the mornin' and TRY AGAIN!
Not tomorrow! Do it today!"
Also, bis zum nächsten Mal!
Mike Maisack

Der Pate Des Krautrock
Gerhard Augustin
(Bosworth Edition, 397 Seiten, gebunden)
ISBN 3-86543 - 050 - 3
Der Name Gerhard Augustin sagt mir zunächst mal, ehrlich gesagt,
gar nix; das kann daran liegen, dass ich gewiss alles andere
als ein typischer "Krautrocker" bin, eventuell ist das aber
auch einfach nur auf mein schon sprichwörtlich schlechtes Namensgedächtnis
zurückzuführen. Denn Tatsache ist, dass, wer
immer sich mit den letzten vierzig Jahren Rockmusik in
Deutschland beschäftigt hat, irgendwann über den Namen
hätte stolpern müssen. Augustin ist auf jeden Fall keiner, der
seinen Weg gemacht hat, der "es geschafft hat", Millionen gescheffelt
hat mit der Musik - das waren andere. Und Augustin
weiß warum, zumindest meint er es zu wissen. Ausgemacht hat
er die Schelme und Schurken, die ihm das Leben schwer gemacht
und die ihm das "große Geld" unmöglich gemacht haben,
schon längst. Und er hat keinerlei Scheu, diese zu benennen,
was ihm die ein oder andere Verleumdungsklage einbringen
dürfte. So ist denn "Der Pate Des Krautrock" weniger ein
"Geschichtsbuch" oder gar ein "Krautrock-Almanach", sondern,
viel schlichter, eine Abrechnung, eine vierhundert Seiten lange.
Zwar lässt er ab und an "Gastautoren" wie Peter Leopold von
"Amon Düül II" zu Wort kommen, im großen und ganzen lässt er
es sich aber nicht nehmen, den Stinkefinger in Richtung der alten
Weggefährten zu strecken, die er längst als Totengräber der
Musik ausgemacht hat. Der arme alte Mann, dem (wohl) übel
mitgespielt wurde und der nun in Selbstmitleid versinkt - es
nervt mitunter. Aber: Der Leser wird zugeben müssen, dass
Herr Augustin eine ordentliche Schreibe hat. Das, was er erlebt
hat, kleidet er geschickt in Worte - und ab und an sitzt man als
Leser schon kopfschüttelnd vor den Buchstaben und wundert
sich, dass so was möglich war.
Pink Floyd
Story und Songs kompakt
(Bosworth Edition - 149 Seiten,
Taschenbuch)
ISBN 3-937041-92-3
literaTur 19
Es ist immer ein bisschen schwierig,
derlei "Kurzfassungen" zu bewerten.
Zumindest darf festgestellt werden,
dass es sich bei "Story & Songs kompakt"
wohl um eine ganze Serie handelt,
in welcher nun eben auch der
"Pink-Floyd"-Band erschienen ist. Die
Originalausgabe stammt übrigens aus
dem Jahre 1994 und wurde von keinem geringeren als Andy
Mabbett, dem Mitherausgeber des Pink-Floyd-Magazins "The
Amazing Pudding" geschrieben. Sachverstand dürfte garantiert
sein, zumal die Eclipsed-Autoren Alan Tepper und Thorsten
Pöttger das gute Stück übersetzt, überarbeitet und aktualisiert
haben - das "Eclipsed" startete seinerzeit als Pink-Floyd-Fanzine.
Sämtliche Alben der Band werden Track für Track besprochen;
darüber hinaus widmet man sich anschließend auch
sämtlichen Soloalben, ohne hier allerdings auf die einzelnen
Songs einzugehen. An Hintergrundinfos gibt es wenig, was zum
einen auf die Kompaktheit der Angelegenheit, zum anderen auf
die "restriktive Informationspolitik dieser eigenwilligen
Band"(Musik an sich) zurückzuführen sein dürfte. Fazit: Für
Fans und Musikanalysten taugt es allemal.
Keule

20
Madsen
Alte Songs und neue Lieder
Sebastian Madsen über die Tracks des Debüts
nN: In "Vielleicht", dem ersten Song eures Albums taucht
die Frage danach auf, warum nach all der Zeit des Wegseins
immer noch alles unverändert ist. Welche Bedeutung hat
das für Madsen im Jetzt?
Sebastian: Das Schöne an dem Song ist, dass ich ihn schon vor
vier Jahren geschrieben habe, also direkt nach dem Abitur, in der
halt alles sehr offen ist. Was passiert jetzt? Was morgen und so
weiter. Und mittlerweile ist es eben, gerade auch mit Blick auf die
Band, noch exakt genauso. Alles ist offen, auch heute noch. Wir
sind einfach so realistisch, dass trotz des ganzen Glücks und
den Aussichten, die momentan einfach da sind, immer noch die
Wahrheit bleibt, dass alles recht schnell wieder vorbei sein kann.
nN: Bei "Immer mehr" geht es um das Festhalten an einer
Person, an der Liebe als solcher, die oftmals Routine ist,
aber auch eben zum genauen Gegenteil werden kann.
Sebastian: Der Song ist ganz klar so ein Beziehungsding. Es
geht einfach um das Nicht-vom- anderen-loskommen-können,
vom Alltag, der gegenseitigen Abhängigkeit. Klar, ein Gefühl das
ich selbst kenne und daher für einen Song absolut interessant
fand.
nN: "Nicht zu schlau, nicht zu dumm, völlig normal, exakt
neutral, völlig banal, völlig egal" heißt es in "Die Perfektion".
Haben wir es hier mit der Rebellion gegen das Perfekte
zu tun?
Sebastian: Das ist gut (lacht). Man sieht einfach zu viel Perfektes
in den Medien, Dinge oder Menschen, die so glatt sind, dass
sie nicht realistisch sein können. Und da die Realität einfach
nicht so ist, musste dieser Song einfach sein.
nN: In "Unsichtbar" haben wir dieses Thema, dass man
immer wieder, ob nun als Texter/Sänger einer Band oder
auch im ganz normalen Leben soviel von sich erzählen will
und doch irgendwie nie die Aufmerksamkeit bekommt, die
man für sich will. Wie liest sich das heute, analog zu Madsen,
zu der Aufmerksamkeit, die plötzlich einfach da ist?
Sebastian: Als ich "Unsichtbar" geschrieben habe, kannte ich
einfach das Gefühl, das man als Band von sich glaubt oder weiß,
ungemein viel zu sagen zu haben, man jedoch nie oder nur sehr
sporadisch zu Wort kommt. Und es begegnen einem einfach so
viele Menschen, die eben genau dieses Gefühl teilen.

Schade halt, wenn das von all dem Banalen dann überschwemmt
wird.
nN: "Ich bin nur das, was du mir gibst" singst du in "Diese
Kinder". Inwieweit findet man hier autobiographische
Züge?
Sebastian: Irgendwann, schlicht weil meine eigenen Eltern
Pädagogen sind, die eben Kinder betreuen, bekam ich einen
Einblick in die Welt, in der andere Leute ihren Kindern mit aller
Macht zu erklären versuchen, sich von "Diesen Kindern" fernzuhalten.
Und durch diese Oberflächlichkeit in der Bewertung
der anderen entstand der Song. Kurz kann man eigentlich
sagen, dass jeder eben das ist oder zu dem wird, was die anderen
aus ihm machen.
nN: "Immer wieder" handelt erneut über die Rückkehr. Welchen
Stellenwert hat dieses Thema bei Madsen?
Sebastian: Es geht nicht direkt um Madsen, sondern vielmehr
darum, den Arsch nicht hochzukriegen. Ganz egal in welcher
Situation. Ob du zum Beispiel auf dem Land lebst und viel lieber
in der Stadt sein würdest, es aber nicht hinbekommst, weil
dich viel zu viel hält, um deine Ziele zu realisieren.
nN. "Panik" zeichnet ein auf mich völlig beklemmendes
Bild. Wie schafft man es gerade live, diese Spannung zu
halten?
Sebastian: Der Zauber ist einfach die Dynamik innerhalb des
Songs. Die wechselnden Strukturen. Dieses Gefühl, das du einfach
immer wieder entstehen lassen kannst, weil der Song an
sich mit dir spielt. Freut mich aber, dass es so bei dir ankommt.
Und… ja, es ist einfach auch schwer zu erklären, wenn es einfach
nur um ein Gefühl geht.
Madsen 21

22
Madsen
nN: Bei "Im Dunkeln" ist sie wieder, diese Aufbruchstimmung,
die sich meines Erachtens durch das ganze Album
zieht. "Die Masken sind ab, nichts mehr perfekt" - Stehen wir
hier vor dem Wendepunkt des Albums?
Sebastian: Merkwürdig gerade, weil ich zugeben muss, länger
nicht mehr über den Text nachgedacht zu haben.
Es ging irgendwie um die alte Hörstuarz-Sache, die irgendwann,
auch wenn es den Leuten Spaß gemacht hat, für uns als Band
eine seltsame Leere hatte. Und wenn dann nach der Show das
Licht angeht, fallen eben die Masken. Wir als Band mussten uns
nichts mehr vorspielen. Dieser Moment der Ruhe, in dem du entscheidest,
unbedingt etwas anderes machen zu müssen.
nN: "Lüg mich an" scheint gegen die anderen Songs des
Albums zu rebellieren. Es herrscht im Gegensatz zu den
anderen Songs pure Stagnation.
Sebastian: Genau. Es geht einfach darum, dass man sich belügen
lässt von den Dingen, den Medien.
Und als eine interessante Form des Erzählens kommt eben dieser
resignierte Slogan "Lüg mich an!"
nN: "Zum Glück hab ich endlich einen Traum" singst du in
"Mein Therapeut und ich". Wie wichtig sind Träume in Hinblick
auf Madsen und dich?
Sebastian: Aus Träumen entstehen Ideen, aus Ideen Songs und
aus Songs Platten. Alles fing auch bei uns mit Träumen an. Hier
ist der Traum jedoch eher Illusion. Man macht sich etwas vor.
nN: Wohin geht es mit Madsen, wenn ihr im letzten Track
das "Heraus aus der kleinen Welt" propagiert?
Sebastian: Der Song ist ehrlich gesagt wieder ziemlich alt. Also
ein typischer Song aus meiner Findungsphase. Auf Madsen projiziert
heißt es in etwa soviel wie: Zurzeit wissen einfach nur wir
selbst, wohin es geht. Und das macht die Sache spannender als
jede klare Wahrheit.
Jörg

Gast.Bin.Ich.Hier
Cut off
eye-catching headlines
or words from the newspaper
and place it to the
doorPooem.
anweisung /
dadas doorpoem entsteht durch gezieltes
aneinanderkleben von headlines an
eine tür / schneide dazu worte oder
sätze die dich anspringen aus einer zeitung
aus und eröffne eine türdichtung /
indem du die headlines mit klebeband
an eine tür anbringst oder sie in einem
dir geeignet erscheinenden augenblick
an eine bereits eröffnete türdichtung
anfügst/
komposition /
jedem dichtenden steht es frei / struktur
/ zeilenlänge / rhythmus und die durch
seine gewählte headline geschaffene
möglichen deutung des doorpoem neu
zu bestimmen / indem er seine headline
entweder an die vorhergegangene anfügt,
eine neue zeile oder sogar einen
neuen vers beginnt / das doorpoem kann
...mitmachen und Türen andichten!
zu jedem beliebigen zeitpunkt beendet,
andererseits aber auch ständig erweitert
/ fortgesetzt oder wieder aufgegriffen
werden /
interaktion /
doorpoem vereinigt mindestens ebenso
viele aussagen wie es headlines gibt und
gestattet jedem durch unendlich viele
zufälle mitdichtender zu werden / doorpoem
ist frei von jeglicher autorenschaft
und soll im kontext eines gesamtkunstwerkes
gesehen werden / und im
cage`schen sinne als soziale interaktion
verstanden werden /
über die aktion /
dadas doorpoem geschah bisher zeitgleich
an verschiedenen orten in
deutschland und den usa / über das internet
soll die aktion noch weitläufiger
angelegt werden /
dadas doorpoem 23
präsentation/
eindrücke vom verlauf der aktion türdichtiung
werden in kürze auf der plattform:
www.archiflux.de zu sehen sein /
start your own !
Kerstin Wahl
kontakt: doorpoem@archiflux.de
www.archiflux.de