Kunstbulletin Juli/August 2024

Juli/Aug. 2024 Fr. 12.– / € 10.–

FOKUS 

26 Esther Mathis — Die unendliche Leichtigkeit des Aluminiums. Feli Schindler 

36 Kunstvolle Lesetipps — Abtauchen zwischen Fakt und Fiktion. Diverse Autor:innen 

46 Dunja Herzog — Von Geschichten zur grösseren Erzählung. Marc Munter 

56 Dineo Seshee Raisibe Bopape — Erinnerung als Akt der Rebellion. Michel Rebosura 

66 Ana Mendieta — La magie des silhouettes. Nadia El Beblawi 

70 Biennale Bregaglia — Parla la montagna. Chiara Ottavi 

HINWEISE 

72 Animation — T’as vendu mes rollers? / Appenzell — Allianzen — Arp / Taeuber-Arp / Bill 

73 Basel — Momentum — 20 Jahre Helvetia Kunstpreis 

74 Basel — Toyin Ojih Odutola / Laufenburg — Schimelrych bis Chrottehalde 

76 Lausanne — Alfredo Aceto / Lausanne — Gina Proenza 

78 Luzern — Nils Nova / Martigny — Jorge Raka / Patricio Gil Flood 

80 Offenburg — Claudia & Julia Müller / Onex / Saint-Julien-en-Genevois — Éphémère et durable 

82 Samstagern — Halt — Alles fliesst 

83 Schaffhausen — Who Cares?! Aktuelle Perspektiven auf Sorgearbeit 

84 Vaduz — Barry Le Va 

85 Vevey — La main (et) le gant / Oskar Kokoschka / Wädenswil — The Last Artwork Vol.2 

86 Winterthur — Angela Anzi / Winterthur — Maillol und Sintenis 

88 Zug — Kiesler heute — Werkdialoge mit Zeitgenoss:innen 

89 Zürich — There I lost myself, I lost myself 

90 Zürich — Markus Weggenmann / Zürich — Not Vital / Zürich — Hanns Kunitzberger 

BESPRECHUNGEN 

92 Basel — Sommerschau Fondation Beyeler — Aus dem Vollen geschöpft 

94 Bregenz — Anne Imhof — Kurz vor dem Schuss 

96 Chur — Kunstsammlung der Post im Dialog — Assoziative Punktlandung 

98 Fribourg — Sid Iandovka / Anya Tsyrlina — Bilder wie Kometen 

100 Genf — Elmgreen & Dragset — Eine poetische Reise zum Spekulativen 

102 Lugano — Monika Emmanuelle Kazi — Koloniale Bilder zurückgespiegelt 

104 Paris — Matthew Barney — Volkstümliche Oper 

106 Rapperswil-Jona — Karin Schwarzbek — Im Spannungsfeld 

108 St. Gallen — Reto Pulfer — Wachstum und Wandel 

110 Winterthur — Silvia Bächli — Musikalische Partituren 

112 Winterthur — Bernard Voïta — Abgründige Konstruktionen 

114 Zürich — Olaf Holzapfel — Von Räumen, die uns ummanteln 

NOTIERT 

116 KUNSTRÄUME / GROSSANLÄSSE / AUSSENPROJEKTE 

124 NAMEN / PREISE / AUSSCHREIBUNGEN / DIES UND DAS 

136 AGENDA 

175 IMPRESSUM, MEDIADATEN 

EN PASSANT 

176 Winterthur — Katja Schenker, KVA, Scheideggstrasse 50 — Tautogramm am Tartarus 

1

Pieter de Molijn, Waldlandschaft mit einem Überfall, Ankauf mit Mitteln des Jakob Briner-Fonds, 2019 

22.6.– 22.9.2024

Editorial — Der Zauber des Lichts und das Flüstern der Erde 

Der Lichtverlauf eines Tages ist ein natürliches Spektakel, dem wir 

allerdings nur selten unsere volle Aufmerksamkeit schenken. Im 

Spazi Spescha in Trun macht die Zürcher Künstlerin Esther Mathis 

dieses bühnenreife Phänomen für uns derzeit ein Stück weit greifbar, 

etwa mit Objekten aus Aluminium: Streifen des zweckmässigen 

Materials hat sie so zu einem Raster verkeilt, dass kleine, 

prekär ausbalancierte «Architekturen» entstehen, in deren unzähligen 

Kammern sich das changierende Licht verfängt, reflektiert 

und vervielfacht. Es ist ein bezaubernder Effekt, der zugleich physikalische 

Gesetzmässigkeiten spiegelt, welche die Erscheinung 

der Welt bedingen. So ist das oft bei Mathis, wie unsere Autorin 

verdeutlicht: Ästhetische Formen, wissenschaftliches Denken und 

philosophische Fragen gehen bei ihr Hand in Hand. 

Während sich Mathis ganz dem Licht verschrieben hat, wendet 

sich die Südafrikanerin Dineo Seshee Raisibe Bopape dem Boden 

zu. Im Migros Museum für Gegenwartskunst in Zürich ist aktuell 

zu erfahren, wie sie aus der verwundeten Erde Afrikas Traumata, 

aber auch vom Verschwinden bedrohte Traditionen zutage fördert 

und die Heilkraft von Natur und Gemeinschaft beschwört. Auch die 

Baslerin Dunja Herzog lenkt im Kunstmuseum Solothurn den Blick 

auf den afrikanischen Kontinent, genauer auf die wirtschaftlichen 

Verflechtungen zwischen Globalem Norden und Süden. Sie spürt 

denkwürdige Geschichten aus der Welt des Handels auf und verwebt 

sie, so unser Autor, zu einer grösseren Erzählung, in der wir 

alle irgendwie mit drinhängen. Und apropos Erzählung: Pünktlich 

zum Sommerurlaub haben wir für Sie ein paar Buchtipps zusammengestellt, 

in denen die Kunst von Narration und Fiktion vereinnahmt 

wird. Lassen Sie sich verführen ... Deborah Keller 

TITELBILD · Esther Mathis, ‹Shifting Structures #5›, 2024 (Detail), Aluminium, 80 x 500 x 20 cm. 

Foto: Esther Mathis 

3

Zum 90. Geburtstag 

von Schang Hutter 

(1934 – 2021) 

Kunsthaus Grenchen 

23. Juni – 

15. September 

2024 

kunsthausgrenchen.ch 

Schang Hutter, Ohne Titel, 1997, Linolschnitt auf Papier, 35 × 25 cm, 35/98, Sammlung 

Kunsthaus Grenchen, Schenkung Christoph Lichtin, 2014, Foto: Kunsthaus Grenchen 

Kunst 

und Krieg 

Malerei und 

Zeichnung von 

Gergana Mantscheva 

Kunsthaus Grenchen 

23. Juni – 

15. September 


kunsthausgrenchen.ch 

Gergana Mantscheva, Block 139, 2022, Acryl und Öl auf Leinwand, 100 × 140 cm, 

Courtesy die Künstlerin, Foto: Gergana Mantscheva 

ALL 

OVER

Kunst 

Kunst 

Kunst 

Kunst 

im Thurgau 

Juli – Dezember 2024 

Haus zur Glocke Steckborn 

Modelle erkunden 21.9. – 26.10. 

Wahrnehmung und Irritation 23.11. – 25.1.25 

Shed im Eisenwerk Frauenfeld 

Körper bewegt, geschichtet, geträumt 23.8. – 21.9. 

Basia Feninsky, Linda Meli, Ernestyna Orlowska, Mirjam Wanner 

What a Journey 19.10. – 9.11. 

Ausstellung von VideOst and friends curated by Hotel Tiger 

Kunsthalle Arbon 

Edit Oderbolz 9.6. – 21.7. 

Max Leiß 18.8. – 29.9. 

Kunstraum Kreuzlingen & Tiefparterre 

Katja Schenker bis 1.9. 

Die Augen der Hand 

Les Concerts de Noëlle 

und vieles mehr auf www.kunstraum-kreuzlingen.ch

¢ ¥ marvin & 

christopher prinz ¦ B E Y O N D 

caroline brühlmann 

§ T H E ª ª edith flückiger « » 

ø π ∞ ⁄ Æ F O N T À Á Â 

È Ê Ë Ì Í Î Ï Ð 14.06. — 

18.08.2024 Ñ 

Õ K U N S T - Ŏ Ù Ú Þ ß 

anouk koch 

• ñ matthias moos ò ô H A L L E 

÷ ø L U Z E R N Ħ ħ ī ĳ 

rené gisler 

Ř ś Ť Ŧ ŭ ž Ω fabienne immoos ≈ 

23.03.2024 – 01.09.2024 

KARIN KNEFFEL 

FACE OF A WOMAN, 

HEAD OF A CHILD 

FRANZ GERTSCH 

RÜSCHEGGER ERDE 

08.06.2024 – 01.09.2024 

SCHNITT & DRUCK 

IN VARIATION 

80 JAHRE XYLON SCHWEIZ 

Karin Kneffel, «Ohne Titel / Untitled» 

[Ausschnitt / Detail], 2023, Diptychon / Diptych, 

Öl auf Leinwand / Oil on canvas, Je / each 120 ×100 cm 

Droege Art Collection © 2023, ProLitteris, Zurich 

Foto / Photo: Achim Kukulies, Düsseldorf 

www. museum-franzgertsch.ch

Von Grösse 

und 

Grazie 

Sammlung 

Oskar Reinhart 

«Am Römerholz» 

Winterthur 

18. Mai bis 

15. September 


Maillol 

und 

Sintenis

Ana Jotta 

08.06.–15.09.2024 

Kunsthalle kunsthalle 

Zürich zurich.ch 

La Kunsthalle 

Mulhouse 

Kunsthallemulhouse.com 

Entrée libre du mercredi au dimanche

AKTIONSTAG 

24 

AUSSTELLUNGEN 

31.08.2024 

Ahoi, Akku Kunstplattform, 

APROPOS, B74 Raum für Kunst, 

Benzeholz – Raum für 

zeitge nössische Kunst Meggen, 

Edizioni Galleria Periferia, 

Galerie Kriens, Galerie Müller, 

Galerie Urs Meile, Galerie 

Vitrine, Hans Erni Museum, 

Impulse Gallery, KALI Gallery, 

Kunsthalle Luzern, Kunstmuseum 

Luzern, Kunst und Vermittlung 

(K++V), marytwo, Museum im 

Bellpark, (ort), Peterskapelle, 

Raum K, Redaktion, 

sic! Elephanthouse, SSBL 

Das detaillierte Programm und die 

Begleitveranstaltungen der 

einzelnen Kunsträume findest du hier: 

www.kunsthoch-luzern.ch

MICHAELA ALLEMANN 

CHRISTINE BÄNNINGER 

KATHRIN BÄNZIGER 

MARILIN BRUN 

BRIGITT BÜRGI 

PAUL EGLI 

DANIELA EGLI-PETERMANN 

ULRICH ELSENER 

URSULA ANNA ENGLER 

KLODIN ERB 

VENUS 

VON 

EINE SPURENSUCHE 

MURI 

LARISSA-KATHARINA FREI-HUTTER 

PEARLIE FRISCH 

MONIKA & PIA GASSER&GISLER 

SEDA HEPSEV 

DIETER HOLLIGER 

KAROLA KEUSCH 

MAKSIM KLOPFSTEIN 

DENISE KOBLER 

CAROLA LANTERMANN 

MARIA JOSEFA LICHTSTEINER 

SARA MASÜGER 

BEATRIX MOTSCH 

VICTORINE MÜLLER 

VERONIKA MÜLLER 

MARLÈNE PICHLER 

NEDA RAZAVIPOUR 

RARE SEAMS (ROSEMARY RAUBER 

SINGLETON & SHAUN DZIEDZIC) 

VERENA ROMANENS 

MONIKA ROSA ROSSI 

UELI SAGER 

MARGRIT ROSA SCHMID 

VERENA A. SCHÜTZ 

ISABELL STERNER 

«STICKEN FÜR VENUS» 

(IRENE BRÜHWILER, CHRISTINE 

LÄUBLI, BARBARA WÄLCHLI KELLER, 

MARIANNA GOSTNER, RITA STEINER, 

JOHANNA ALBRECHT) 

BARBARA TRESCH-STUPPAN 

ANA VUJIĆ 

SINGISEN FORUM 

MUSEEN MURIKULTUR 

KLOSTERANLAGE MURI 

AUSSTELLUNG STAFFEL 2 

10. AUGUST ― 3. NOVEMBER 2024 

www.murikultur.ch 

www.venusvonmuri.ch 

rz_MK_Kunstbulletin_Venus_Staffel2_155x102_2024.indd 1 12.06.24 07:42 

collection mbal 

collection fondazione monte verità 

tonatiuh ambrosetti 

riccardo arena 

marco cordero 

oppy de bernardo 

fabrizio dusi 

fattucchiere 

filippo filliger & dorothée thébert 

olga fröbe-kapteyn 

francesca gagliardi 

johanna gschwend & moritz hossli 

maria guta & lauren huret 

maya hottarek 

lisa lurati 

ingeborg lüscher 

giaime meloni 

luca mengoni 

stéphane mercier 

pascal murer 

elena muresu 

una szeemann 

sophie taeuber & jean arp 

the cool couple 

marco useli 

marianne werefkin 

mary wigman 

mbal.ch 

mbalelocle

06.07. 20.10. 2024 

UGO RONDINONE 

CRY ME A RIVER 

Ugo Rondinone, sechstermaizweitausendundvierundzwanzig, 2024, Wasserfarbe auf Leinwand, 66 × 51 cm, Courtesy the artist, Galerie Eva 

Presenhuber, Mennour, Esther Schipper, Gladstone Gallery, Kukje Gallery, und Sadie Coles HQ, Foto: Studio Rondinone

MATIAS 

ESTHER 

SPESCHA 

MATHIS 

ESPACES IMAGINAIRES 

11-05 – 27-10-2024 

SPAZI SPESCHA TRUN – www.spazispescha.ch 

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VEBIKUS KUNSTHALLE SCHAFFHAUSEN 

2. JUNI−21. JULI 2024 

WHO 

CARES?! 

VEBIKUS.CH 

AKTUELLE PERSPEKTIVEN 

AUF SORGEARBEIT

Kunstmuseum / Kunsthalle 

Appenzell 

Die Ausstellung Allianzen wird freundlich unterstützt 

von: 

Susanne und Martin Knechtli-Kradolfer-Stiftung, Steinegg Stiftung, Hans und Wilma Stutz Stiftung, Dr. Fred Styger Stiftung,

1. JUNI – 

8. SEP 24 

BURNING DOWN 

THE HOUSE 

RETHINKING 

FAMILY 

6. APRIL – 

24. NOV 24 

EXPERIMENTAL 

ECOLOGY 

Museumstrasse 32 

9000 St.Gallen 

kunstmuseumsg.ch

Gerda Steiner & Jörg Lenzlinger 

Der Eilige Geist 

kommt 

zur Ruhe 

www.eiligergeist.ch 

28. April bis 

3. November 2024 

✺✺✺ im Pilgerort 

Kloster Schönthal ✺ 

✺✺

23. Juni bis 19. Dezember 2024 

Eva Wipf – 

Seismograf in Nacht 

und Licht 

Kunstmuseum Thurgau 

Ittinger Museum 

Kartause Ittingen 

www.kunstmuseum.tg.ch 

Detail aus Ohne Titel, Collage, Museum Eva Wipf, RC 544

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Di–So: 10–17 Uhr 

Montag geschlossen 

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Abb.: Álvaro Siza. Self-portrait sketching, 1980 (aus: Notizbuch 51) ©Drawing Matter Collections 

Begin Again. Fail Better 

preliminary drawings in architecture (and art) 

gemeinsam mit Manuel Montenegro, Helen Thomas und 

Marco Bakker, mit Werken aus den Archiven von 

Drawing Matter (GB), ETHZ, EPFL, USI Mendrisio und 

von über 50 Schweizer Architekturbüros 

bis 25. August 2024 

Arbeit – und was es sonst noch 

zu tun gibt 

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partizipatives Ausstellungsprojekt, 

kuratiert vom Wärchlade Olten 

bis 25. August 2024 

Kunstmuseum Olten 

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Ihr Engagement 

für die Kunst 

Gönnerbeitrag: CHF 250 

zzgl. Abonnement-Preis 

Unser Dankeschön: 

Gönneredition von Roman Signer 

↗ kunstbulletin.ch/goennerkreis 

Roman Signer · Flussaufwärts, 2008, Kunstdruck auf Premium-Hochglanzfotopapier, 

27 × 18 cm, Edition 220 + 20 AP. Foto: Aleksandra Signer

FOKUS 

Esther Mathis — Die unendliche 

Leichtigkeit des Aluminiums 

Esther Mathis. Foto: Gabriel Flückiger / Studio Antwerpen 

Das Licht ist ihr Pinsel, der Raum ihre Leinwand. Die Zürcher 

Künstlerin Esther Mathis zaubert mit reflektierenden Installationen 

und Objekten Stimmungsbilder in Ausstellungsräume. Dabei 

setzt der spielerische Umgang mit Aluminium, Spiegeln und 

Glas einen Kontrapunkt zu den klar strukturierten Formen ihres 

Denkens und der Materie. Zunehmend bewegt sich die Lichtmagierin 

auch im öffentlichen Raum. Der Vorteil: «Kunst und Bau 

ist für alle da und kostet keinen Eintritt», sagt sie. Feli Schindler 

26 Kunstbulletin 7-8/2024

Esther Mathis, ‹Shifting Structures #2 / #3›, 2024, Aluminium, 150 x 90 x 20 cm (vorne), 90 x 210 x 20 cm, 

Ausstellungsansicht Spazi Spescha, Trun. Foto: Esther Mathis 

FOKUS // ESTHER MATHIS 

27

Esther Mathis, ‹Blinds›, 2021/2024, programmierte, vertikale Spiegellamellen, 450 x 200 cm, 

Matias Spescha, ‹o.T.›, 1981 (hinten), Ausstellungsansicht Spazi Spescha, Trun. Foto: Lucia Degonda 



29

Esther Mathis, ‹To Disappear›, 2024, Sprühfarbe auf Aluminiumwabe, 80 x 45 x 25 cm. Foto: E. Mathis 


Dort, wo das rhätische Bähnchen und gelbe Postautos Kurven ziehen und wo sich der 

Vorderrhein durch grüne Matten schlängelt, befindet sich das Ziel: Trun, das Surselver 

Bergdorf, das einst über eine Tuchwarenfabrik verfügte, zeigt seit letztem Sommer 

in den Hallen des ehemaligen Industriebaus Kunst. Nicht irgendwelche Kunst, 

sondern die Gemälde und Installationen seines berühmtesten Sohnes, des Kunstmalers 

und Bildhauers Matias Spescha (1925–2008). In diesem zweiten Betriebsjahr 

gesellen sich nun Skulpturen und Objekte der Zürcherin Esther Mathis (*1985) zu 

den raumbezogenen Arbeiten des Bündners. 

Weiss auf Rot wie auf einem Pamphlet prangen die Lettern «Spazi Spescha» von 

den Glasbausteinen der alten Fabrik herab. Und beim Betreten der Hallen wird man 

als Erstes eines leisen Ratterns gewahr. Seltsam, als ob die Näherinnen oder Spescha 

selbst – er absolvierte seine Schneiderlehre just in diesen Räumen – an der Arbeit 

wären. Fehlanzeige. Esther Mathis’ Lamellenvorhang ‹Blinds›, der die Fensterfronten 

mit den Schneebergen im Hintergrund reflektiert, wird durch eine digitale, leise 

surrende Steuerung an der Decke in Bewegung gehalten. Mal zeigt sich draussen die 

Sonne, und warmes Licht erfüllt das Umfeld, mal verschwindet sie hinter den Wolken, 

und Schatten verdunkeln den Raum. Täuscht es nur, oder huschen da plötzlich Geister 

über die Lamellen? Video aus dem Stegreif, denkt man. Grossartig. «Ich liebe das 

Unvorhersehbare, das immer auch Teil meiner Kunst ist», sagt Esther Mathis. Dass 

das Lichtspiel den Raum immer wieder verändert, passt zu dem von Speschas Werk 

inspirierten Ausstellungstitel ‹Espaces imaginaires›: imaginäre Räume. 

In der Nacht sind nicht alle Katzen grau 

Die Nachtschattenbilder ‹Nightshades›, andernorts auch schon lose in den Raum 

gehängt, präsentieren sich in Trun wie eine Gemäldegalerie an den Wänden. Eine kluge 

Entscheidung, die das Dreierkuratorium Seraina Peer, Venice Spescha und Markus 

Hilfiker traf. «Zu viel Raumgreifendes bringt Unruhe», bestätigt Esther Mathis. Die 

Tafeln erzielen auch so wunderliche Effekte: samtschwarz von verblüffender Tiefenwirkung 

das eine, abweisend und kaltgrau das andere. Man denkt an analoge und 

digitale Fotografien. Es erstaunt deshalb kaum, bedient sich die als Fotografin ausgebildete 

Künstlerin hier eines Materials, das in der Studiofotografie dem Bündeln 

des Lichts dient: Aluminiumwaben. «Sie sind unglaublich stabil, gleichzeitig flexibel, 

leicht und feuerfest», schwärmt sie. Den schönsten Beweis dieser Materialisierung 

liefert die wie eine filigrane Weste an der Wand hängende Arbeit ‹To Disappear›, die 

über die Kunstwerke wacht und in ihrer Fragilität an die Zerbrechlichkeit des Menschen 

gemahnt. 

Zurück zu den ‹Nightshades›: Auf der Suche nach Darstellungsmöglichkeiten von 

Lichttemperaturen wählte Mathis seinerzeit Farben auf der RAL-Tabelle aus, die das 

Nachtlicht benennen, und liess anschliessend Wabenplatten damit besprühen. Liebt 

die Städterin die Nacht? «Das auch, aber es ist nicht der Grund, weshalb ich diese 

Arbeiten geschaffen habe. Mich interessiert die Lichtsituation im White Cube», 

antwortet sie. «Das Licht im Ausstellungsraum hat im Laufe des Tages und in der 


31

Esther Mathis, ‹Fundamente›, 2022, 15 Betonelemente, Masse variabel, Oberstufenschulhaus Looren 

(Dahinden Heim Partner Architekten), Gemeinde Maur. Foto: Ursula Litschi 



33

Dämmerung unendlich viele Facetten und beeinflusst die Stimmung. Das möchte ich 

wiedergeben.» Fazit nach der Begegnung mit der Werkserie in Trun: In der Nacht ist 

nicht jedes Büsi grau und die Kunst sowieso nicht. 

Auf der Südseite des Spazi Spescha bilden schliesslich die fünf aus Folie gebauten 

Objekte ‹Shifting Structures› wortwörtlich das «High-light» der Ausstellung. 

Mehrfach geschichtet greifen Alubänder in gerasteter Anordnung ineinander, sodass 

dreidimensionale Skulpturen entstehen. Sind es abstrahierte Schiffe, Hochhäuser 

gar – alle im unfertigen Zustand, einfach ein bisschen schief? «Die Charakteristik 

des Materials entscheidet am Schluss, wie das Objekt aussieht», sagt Esther Mathis. 

Und in der Tat, wundersam schief halten sich die Gebilde im Gleichgewicht. 

Erdbebenarchitektur 

Handgezeichnete Skizzen von Rastern oder von vorhandenen Architekturen bilden 

nebst minutiöser Recherche die Basis zu den Arbeiten der Baumeisterin, die sich 

klar der Minimal Art etwa eines Walter De Maria verbunden fühlt. Ist Esther Mathis 

auch privat ein strukturierter Mensch? «Sagen wir so: Es hilft, wenn ich strukturiert 

bin. Wenn ich Sicherheiten habe. Umgekehrt hat mich die Erfahrung gelehrt, dass es 

im Leben ebenso hilfreich ist, flexibel zu bleiben und die Balance zu wahren. Erdbebenarchitektur 

sozusagen», lacht sie. Dass das Aluminium Falze und kleine Dellen 

aufweist und das einfallende Licht erneut bricht und reflektiert, setzt gerade im 

Zusammenspiel mit den Glasbausteinen der Fabrikfenster wunderbare Akzente. Die 

Objekte glitzern und schimmern nach allen Seiten. 

Grund zum Strahlen hat im Übrigen auch die Künstlerin: Bereits konnte sie mehrere 

Projekte im öffentlichen Raum realisieren, etwa die ‹Fundamente› fürs Schulhaus 

Looren in Maur. Die Idee dahinter: Anstatt Zement in den Boden zu versenken, 

Esther Mathis (*1985) lebt in Zürich 

2007 School of Visual Arts, New York 

2008 Bachelor Fotografie, Istituto Europeo di Design IED, Mailand 

2015 Master Fine Arts, Zürcher Hochschule der Künste ZHdK, Zürich 

Einzelausstellungen (Auswahl) 

2023 ‹Fenster›, Livie Gallery, Zürich 

2021 ‹Nightshades›, Livie Gallery, Zürich; ‹Luminaire›, Stiftung Binz39, Zürich 

2017 ‹Angles of Coincidence›, Kunsthalle Arbon 

2016 ‹Esther Mathis / Andreas Marti – Towards Tomorrow›, Trudelhaus, Baden 

2014 ‹Era fluido›, Galleria Metronom, Modena 

Gruppenausstellungen (Auswahl) 

2022 ‹Dezemberausstellung – Fokus›, Kunst Museum Winterthur 

2020 ‹Vetro›, Galleria Studio la Città, Verona 

2019 Werkschau Kanton Zürich, Haus Konstruktiv Zürich; ‹Paradise Lost›, Biennale Weiertal, Winterthur 

2016 Photo Biennale, Shenzhen 

2015 ‹The Never Ending Story – DOings & KNOTs›, Tallinn Art Hall 


platzierte Mathis Betonplattformen in den Schulhof, auf denen die Heranwachsenden 

– Nemo gleich – ihre Balance austesten können. «Bei Kunst am Bau geht es um 

Menschen, die damit leben: täglich. Das ist entscheidend.» 

Nun hat die 39-jährige Zürcherin gleich drei weitere solche Projekte in der Pipeline: 

Kurz vor Abschluss befindet sich das Polizeigebäude in der Telli Aarau. Grundlage 

für die gemusterten, chrombedampften Fenster ist ein mathematisch dynamisches 

System – ein Programm, das der US-amerikanische Wissenschaftler Stephen 

Wolfram (*1959) entwickelt hat und das in der Mathematik und Physik zur Anwendung 

kommt. Salopp ausgedrückt generiert es laufend Bilder aus kleinen Quadraten, 

die sich aneinanderreihen oder plötzlich wieder auseinanderfallen. Ordnung und 

Chaos im Polizeialltag sozusagen, künstlerisch umgesetzt in geometrischen Mustern 

auf Glas. Das klingt kompliziert, sieht am Ende aber sehr schlicht und – je nach Lichteinfall 

– gleichzeitig dynamisch verspielt aus. 

Rückgrat der Gesellschaft 

Besonders filigran mutet auch das aus Alustiften in Wabenform gefertigte Modell 

an, das im Atelier der Künstlerin wie eine Schlange von der Decke baumelt. ‹Spine›, 

die zwanzig Meter lange, ultraleichte Wirbelsäule, wird in Zukunft über mehrere 

Stockwerke hinweg den Innenhof der Berufsfachschule für Detailhandel und soziale 

Berufe in Winterthur schmücken. «Keine Frage, diese Leute sind das Rückgrat unserer 

Gesellschaft», so Mathis zum symbolischen Gehalt der Arbeit. Und last, but not 

least wird die Künstlerin bei der Schulanlage Stöckacker in Bern den unter Denkmal 

stehenden Verbindungsgang zwischen den Gebäuden mit irisierendem Glas wiederbeleben. 

Weshalb die Sicht durch die bunten Fenster nach aussen eine andere ist 

als jene nach innen und sicher zur Aufheiterung im Schullalltag beiträgt, erfährt man 

frühestens 2025, wenn die Renovationsarbeiten abgeschlossen sind. Keine Frage, 

Esther Mathis ist auf dem Weg in den öffentlichen Raum kaum mehr zu bremsen. 

Aus serdem ist sie künstlerische Mitarbeiterin an der ZHdK, Mama eines kleinen Jungen 

und Anwärterin eines PhD: In dieser Frau steckt viel Energie. 

Die Zitate stammen aus einem Gespräch mit der Künstlerin in ihrem Zürcher Atelier am 22.5.2024. 

Feli Schindler ist Kunst- und Kulturjournalistin. feli.schindler@bluewin.ch 

→ ‹Matias Spescha / Esther Mathis – Espaces Imaginaires›, Spazi Spescha, Trun, bis 27.10. 

↗ spazispescha.ch ↗ trun-cultura.ch 


35

Kunstvolle Lesetipps — Abtauchen 

zwischen Fakt und Fiktion 

Literatur und bildende Kunst haben sich schon immer gegenseitig 

befruchtet. Genauso wie Geschichten und Gedichte bis 

heute Gemälde, Objekte oder Filme inspirieren, führt umgekehrt 

die Kunst zu spannenden Plots – zur grossen Freude von uns 

Kunstliebhaber:innen. Denn wenn im Sommerurlaub am Strand 

oder auf dem Berggipfel das Museum nicht in unmittelbarer 

Nähe liegt und Ausstellungskataloge meist kein reisetaugliches 

Format haben, so können wir die Kunst im Roman problemlos im 

Gepäck mitführen. Die Kunstbulletin-Redaktion hat darum gemeinsam 

mit einigen Autor:innen Lesetipps für Sie zusammengestellt. 

Die ausgewählten Titel bilden ein breites Spektrum von 

der tatsachenbasierten Erzählung bis zum gänzlich frei erfundenen 

Kunstkrimi ab, sodass für jede:n etwas dabei ist. Und mit 

etwas Glück können Sie den vorgestellten Titel Ihrer Wahl gewinnen. 

Den Hinweis zur Verlosung finden Sie am Ende des Beitrags. 

Wir wünschen eine anregende Lektüre! Fotos: Yves Roth 


María Gainza, ‹Schwarzlicht›, dt. Erstausgabe, Verlag Klaus Wagenbach, 2023 

Ist eine gute Fälschung nicht besser als ein schlechtes Original? 

Die Kunstkritikerin María Lydis mietet sich in einem luxuriösen Hotel ein. Sie hat gerade 

ihre Stelle verloren und lässt zwischen Marmorbad und Louis-seize-Schreibtisch 

ihr Leben Revue passieren. María Lydis ist nicht ihr wahrer Name. Das erzählt 

sie freimütig auf der ersten Seite. Aber, was ist schon Wahrheit? Ein fragiles Pflänzchen, 

das in diesem faszinierenden Roman von schillernden Blüten umwuchert wird. 

Lydis verdankt ihre Ausbildung Enriqueta Macedo, der angesehensten Kunstexpertin 

des Landes. Sie weihte Lydis in die Kunst ein, Kunstfälschungen mit blossem Auge 

zu erkennen. Für den Schützling bleibt die Grande Dame immer ein wenig mysteriös. 

Über Macedos Arbeitszimmer schreibt sie einmal: «Es hätte ohne weiteres sein können, 

dass eins der Bücherregale nur die Tarnung einer Geheimtür war.» 

Macedo deklarierte oft Fälschungen als Originale. Sie hatte also tatsächlich ein 

Geheimnis – und einen Kreis von Mitwissenden. In dessen Zentrum stand La Negra, 

eine geradezu mystische Figur. Sie verstand sich perfekt darauf, Gemälde im Stil 

berühmter Porträtmalerinnen zu fertigen. Lydis macht sich auf die Suche nach der 

verschwundenen Meisterfälscherin und befragt dabei die Bedeutung der Originalität 

in der Kunst. Ist nicht eine echt gute Fälschung besser als ein schlechtes Original? 

Zum Lesevergnügen wird diese Recherche durch María Gainzas eigenwillige Sprache, 

lässig und hier und da mit überraschenden Metaphern angereichert. Alice Henkes 

FOKUS // KUNSTVOLLE LESETIPPS 

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Martina Clavadetscher, ‹Vor aller Augen›, Unionsverlag, 2022 

Den Blick erwidern 

Die Körper von 19 Frauen liegen zwischen den kurzen Texten auf Papier gedruckt. Als 

Leser:in betrachten wir Porträts, Studien und Selbstbildnisse, bevor wir in die Geschichten 

der Dargestellten, die hier selbst zu Wort kommen, eintauchen: von Cecilia 

Gallerani, Leonardo da Vincis ‹Dame mit Hermelin› (1489/90), über Marie-Guillemine 

Benoists ‹Portrait de Madeleine› (1800) bis zum Bildnis der US-amerikanischen 

Schauspielerin und Schriftstellerin Alice Childress (1950). «Dieser Seelensammlerin 

Alice Neel konnte ich sowieso nichts vorspielen. Die gierige Beobachterin sah alles, 

was ich ihr darbot (…) Nur meinen Blick, den schenkte ich ihr nicht», widersetzt sich 

Letztere ihrer Malerin. 

Die Schweizer Autorin Martina Clavadetscher schaut in ‹Vor aller Augen› genauer 

auf die Blickhierarchien zwischen Modell und Künstler:in, Muse und Betrachter:in. 

Sie geht mit Lösungsmittel und Tupfer hinter die getrockneten Farbschichten und 

legt Identitäten und Geschichten frei, die spekulative Vermutungen und einen Perspektivwechsel 

ermöglichen. Die Autorin will den Frauen der Kunst eine Stimme 

geben, deren Körper zum allgemeinen Kulturgut zählen, die bislang aber oft stumm 

blieben, überhört oder vergessen wurden. In stets eigenwilliger Sprache, auch mal im 

Dialog oder als Gedicht, nimmt Clavadetscher die Leser:innen auf eine Zeitreise mit, 

die Lücken füllt. Gianna Rovere 


Kristof Magnusson, ‹Ein Mann der Kunst›, Verlag Antje Kunstmann, 2020 

Polternder Kunststreit mit Rheinpanorama 

Ein fiktiver Förderverein möchte dem ebenfalls fiktiven Künstler KD Pratz ein Museum 

errichten. Um die Werkauswahl dafür zu besprechen, besucht der Vereinsvorstand 

Pratz in seinem Atelier. Die Reise beginnt wie eine Vergnügungstour mit einer 

fidelen Schifffahrt, doch die Stimmung kippt sehr bald und vor allem: sehr gründlich. 

KD Pratz, mit seiner Malerei international erfolgreich, lebt seit vielen Jahren schon 

zurückgezogen auf einer Burg hoch über dem Rhein. Er inszeniert sich als Mix aus 

enervierter Diva und markigem Kraftgenie. Von den Zinnen seiner Burg herab wettert 

er gegen die Oberflächlichkeit und Eitelkeit des Kunstmarkts. Eigene Fehler und 

Schwächen übersieht er dabei grosszügig. Die Damen und Herren des Fördervereins 

reagieren betupft, heimlich-fasziniert oder offen verärgert. Aus dem Atelierbesuch 

beim bewunderten Star wird eine verbale Saalschlacht rund um Fragen der Kunst. 

Den Zusammenprall zwischen kunstfrommen Fans, die in der Kultur das Höhere 

suchen (oder vielleicht auch nur den Zeitvertreib), und marktmüdem Künstler erzählt 

Kristof Magnusson in heiterem, ja fast naivem Ton, der geschickt überspielt, wie genau 

der Autor der Realität auf die Finger schaut. Pratz ist zwar fiktiv, ganz aus der 

Luft gegriffen ist er nicht. Es steckt in seinen missmutigen Monologen so manche 

scharfsinnige Gegenwartskritik. Eine launige Satire auf den Kunstbetrieb, die sich 

sehr vergnüglich liest: leicht, aber nicht seicht. Alice Henkes 


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Anita Siegfried, ‹Die Prinzen der urbanen Wüste – Auf den Spuren von Mario Comensoli›, bilgerverlag, 2023 

Leben und malen mit Blick auf die Ränder 

Dieses Buch hat Fahrtwind. Gleich der erste Satz schwingt uns auf den Sattel von 

Mario Comensolis «bici», und schon gleiten wir mit ihm durch Zürich in sein Atelier. 

Das Velo bedeutete dem Künstler Freiheit, Antikultur, gar ein Stück Anarchie. Mit 

diesem Fahrgefühl lenkt uns Anita Siegfried durch Leben und Werk des Malers und 

lässt dabei viel Zeitgeschichte Revue passieren – von der italienischen Emigration in 

die Schweiz über die Jugendbewegung und den künstlerischen Aufbruch der späten 

1970er bis hin zur offenen Drogenszene. Der in Lugano geborene Mario Comensoli, 

der sich selbst als Aussenseiter betrachtete, fand in den Menschen abseits des Establishments 

die Motive seiner Malerei. Wie ein Film befördern uns die einzelnen 

Kapitel hinein in lebendig beschriebene Szenen, die durch ihre visuelle Kraft in uns 

haften bleiben. Die Episoden reichert die Autorin mit zahlreichen O-Tönen an, die 

sie im Archiv der Mario und Hélène Comensoli-Stiftung aufgespürt hat. Sie erzählen 

vom Künstler:innen-Dasein, das immer prekär ist und abhängig von einzelnen 

Fürsprecher:innen, die einem Türen öffnen; dem Kreuzfeuer der Öffentlichkeit ausgesetzt, 

die Kunstwerke auch wieder zum Verschwinden bringen kann. Erst als wir 

mit Mario Comensoli im Atelier ankommen, stoppt die Fahrt, endgültig. Die Räder 

spulten uns sein Leben in Rückblenden ab – dies nur eine der literarischen Finessen, 

die dieses Buch hors catégorie so spannend lesen lassen. Meret Arnold 


Lion Feuchtwanger, ‹Goya oder Der arge Weg der Erkenntnis›, dt. 14. Aufl., Aufbau Verlag, 2019 

Malen im Bann von Prunk und Schrecken 

‹Goya› erhielt ich als Geschenk, und mit etwas Verzug begann ich zu lesen: «Gegen 

Ende des achtzehnten Jahrhunderts war fast überall in Westeuropa das Mittelalter 

ausgetilgt. Auf der Iberischen Halbinsel, die auf drei Seiten vom Meer, auf der vierten 

von Bergen abgeschlossen ist, dauert es fort.» Und schon war ich mittendrin in einem 

Roman über eine epochale Künstlerpersönlichkeit, deren vielschichtig schillernde 

Malerei alles einschliesst, was das Leben damals und heute ausmacht: Liebe, Verrat, 

politisches Kalkül und den Mut, Ambivalenzen auszuhalten. 

Goya lebte gefährlich, mehrmals nahm ihn die Inquisition ins Fadenkreuz, im Alter 

wurde er taub. Wie es ihm gelang, seinen königlichen Auftraggebern ein glorios-groteskes 

Familienporträt unterzujubeln, ohne deren Gunst zu verscherzen, wie er der 

Inquisition entwischte, obwohl er den Klerus wie auch den Adel in seinen ‹Caprichos› 

schrill karikierte und dämonisierte, das bleibt auch nach sechshundert Seiten ein 

Rätsel. Deutlich wird aber, dass seine Kunst geprägt war von einem zwischen Rittertum, 

Königshäusern, Inquisition und Aufklärung zerrissenen Jahrhundert. Diese 

Komplexität literarisch zu fassen forderte detaillierte Recherchen und Empathie. Die 

Differenziertheit, mit welcher uns der von den Nazis ins amerikanische Exil getriebene 

Autor Lion Feuchtwanger (1884–1958) den Maler Goya vor Augen führt, ist wie alle 

guten Dinge im Leben ein Geschenk. Claudia Jolles 


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Siri Hustvedt, ‹Mütter, Väter und Täter›, dt. Erstausgabe, Rowohlt Verlag, 2023 

Schreiben, Lesen, Sehen 

Es ist ein Buch für Autorinnen und Autoren. Es ist ein Plädoyer fürs Lesen. Und das 

Zeugnis einer Denkerin, die Fragen der Gegenwart mit grosser Ehrlichkeit zu durchleuchten 

weiss. Psychoanalyse und Neurowissenschaft sind Schwerpunkte in ihrer 

Nachdenklichkeit, Feminismus, bildende Kunst sowie das Schreiben als eine Disziplin, 

die ihre Vorbilder achtet und ihre Stoffe immer wieder im eigenen Erleben findet. 

Essays aus zehn Jahren hat die «intellektuelle Vagabundin» Siri Hustvedt unter 

dem Titel ‹Mütter, Väter und Täter› zusammengefasst. Das Narrativ der Grenze, die 

unser Selbst- und Fremdbild in scheinbar klare Konturen fasst, zieht sich aus verschiedenen 

Richtungen durch das über vierhundert Seiten umfassende Buch. Im Bild 

der territorialen Abgrenzung entlarvt Hustvedt eine kollektive Illusion, die bis in die 

Schilderung unserer Körper vorgedrungen ist und dem politischen Willen zu Trennung, 

Ordnung und Reinheit ein wissenschaftlich beglaubigtes Vokabular zur Hand 

gibt. Dass sich jedes Leben im Ursprung einer Durchmischung verdankt und einem 

Erbe, in dem Verschiedenheit regiert, dafür steht Siri Hustvedt selbst. Wie eine rote 

Spur zieht sich ihr Lebenslauf durch die Texte. Wir begegnen der Enkelin, der Tochter 

und Studentin, dem Mentee, der Mutter und Partnerin – und immer einer Intellektuellen, 

die auch ihre Lektüre von Kunst in der langen Geschichte gesellschaftlich 

determinierter Blicke verankert. Isabel Zürcher 


Rachel Cusk, ‹Der andere Ort›, dt. Erstausgabe, Suhrkamp Verlag, 2021 

Die langen Schatten der Künstlermythen 

Die Landschaft ist weit, das Beziehungsgefüge beklemmend und die gehörige Portion 

Androzentrismus, die uns Rachel Cusk auftischt, schwer verdaulich. Wie ihre früheren 

Bücher beleuchtet ‹Der andere Ort› die Bindungen und Lossagungen eines Frauenlebens 

– doch diesmal mischt sich die Kunst ins zwischenmenschliche Geflecht. 

Die Protagonistin wurde einst durch Gemälde aus einer Existenzkrise gehievt, nun 

lädt sie deren alternden Schöpfer ins Gästehaus ihres abgelegenen Grundstücks ein: 

Es wird zur Bühne eines Dramas, in dem auch eine frivole Gefährtin, ein bodenständiger 

Ehemann und eine herangewachsene Tochter mitsamt neuer Liebschaft auftreten. 

Inmitten dieser Staffage trifft die Frau auf einen Künstler, der ihre Unterwürfigkeit 

auskostet, während sie ihn weiterhin als Heilsbringer und Genie mythologisiert. 

Lieber sähe man dieses althergebrachte Figurenverhältnis überwunden als reproduziert. 

Doch der Roman beruht auf dem fast hundert Jahre alten Bericht von Mabel 

Dodge Luhan über den Aufenthalt des Schriftstellers D.H. Lawrence in ihrer Künstlerkolonie. 

Derart historisch grundiert, lässt uns Cusks zeitgenössisches Kammerspiel 

darüber nachdenken, ob sich die langen Schatten der Künstlermythen noch heute in 

unser Kunsterleben einschleichen. Und ihr jüngster Roman, ‹Parade›, verspricht, die 

Gedanken über Verheissung und Verhängnis der Kunst nahtlos weiterzuspinnen – er 

erscheint dieser Tage auf Deutsch. Julia Schmidt 


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Theresia Enzensberger, ‹Blaupause›, Carl Hanser Verlag, 2017 

Von Aufbruch und Widerspruch am Bauhaus 

Für ihren ersten architektonischen Entwurf, der filigran und schwebend wirken sollte, 

stösst die junge Studentin Luise Schilling am Weimarer Bauhaus auf Kritik. Statt 

in die Architekturabteilung wird sie in die Textilwerkstatt eingeteilt. Dabei hatte sie 

andere Pläne. Schrittweise erarbeitet sie sich ihre Freiräume, bis sie auf Druck ihrer 

Eltern die Schule verlassen muss. Nach dem Bruch mit der Familie kehrt sie 1927 an 

das neu gegründete Bauhaus in Dessau zurück und beendet ihr Studium mit einem 

Architekturdiplom, aber auch mit Ernüchterung. Ein Ort der Gleichberechtigung, wie 

ihn Walter Gropius 1919 propagiert hatte, ist das Bauhaus nie gewesen. 

Die Gleichstellung der Künste galt nicht für die Gemeinschaft: Zwar stellten Frauen 

anfangs die Mehrheit der Studierenden, doch wurden sie systematisch aus Werkstätten, 

Wirtschaft und Geschichtsbüchern verdrängt. Auch Luise Schilling emigriert 

schliesslich in die USA, wo sie sich für eine Stadtplanung einsetzt, die nicht nur ästhetische 

Funktionalität, sondern auch die darin lebenden Menschen berücksichtigt. 

Vor dem Hintergrund der politisch instabilen Weimarer Republik führt uns Theresia 

Enzensberger in ihrem Debüt ‹Blaupause› an einen spannungsgeladenen Ort voller 

Visionen und Widersprüche. Sie macht Intrigen der Moderne ebenso sichtbar wie 

Emanzipation und persönliche Neuorientierung – darin liegt die Stärke und Faszination 

des Romans. Valentina Bischof 


Daniel Kehlmann, ‹F›, Rowohlt Verlag, 2013 

Gott, Geld, die Kunst und das Scheitern 

Ausgerechnet dem Kunstliebhaber geht’s an den Kragen in diesem spannungsgeladenen 

Psychogramm einer Familie, das ganz nebenbei die grossen Fragen der menschlichen 

Existenz, nach Schicksal und Zufall, Schein und Sein stellt. Drei Halbbrüder 

stehen im Zentrum von Daniel Kehlmanns ‹F›: ein Pfarrer mit Hang zur Völlerei, der 

nicht an Gott glaubt. Ein hochverschuldeter Vermögensverwalter mit schizophrenen 

Anwandlungen. Dessen Zwilling, ein gescheiterter Künstler, aber heute angesehener 

Kunstexperte, als der er sich und seinem verstorbenen, malenden Liebhaber mit unlauteren 

Mitteln zum Ruhm verhalf. Er ist der sympathischste von drei eher unbequemen 

Figuren, denen man dennoch gebannt folgt, wenn sie uns nacheinander als 

Ich-Erzähler an ihrem prekären Alltag teilhaben lassen. Und an der Beziehung zum 

gemeinsamen Vater, der sich früh aus dem Staub machte und danach erfolgreiche, 

kryptische Prosa veröffentlichte, die Botschaften an die Söhne zu enthalten scheint. 

Der unheilsame Höhepunkt des Romans lässt sich trotzdem nicht aufhalten. Ist das 

alles tatsächlich einem zwielichtigen, gefeierten Hypnotiseur geschuldet, dessen 

Show die drei Protagonisten in ihrer Jugend mit dem Vater besuchten? Das bleibt, 

wie so vieles in diesem Page-Turner, ein «Geheimnis des Glaubens». Deborah Keller 

→ Wettbewerb: Je ein Exemplar der hier vorgestellten Bücher wird verlost. Mailen Sie uns Ihren 

Wunschtitel und Ihre Adresse bis 31.7. ↗ redaktion@kunstbulletin.ch 


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Dunja Herzog — Von Geschichten zur gr 

Dunja Herzog, ‹Blue Gold – Soft Spheres›, 2020, Indigo auf Baumwollchiffon aus Oshogbo, Färbewaid auf 

Leinen aus Erfurt; ‹Army of Frogs›, 2018–2020 (unten), Ansicht Kunstmuseum Solothurn. Foto: David Aebi 


össeren Erzählung 

FOKUS // DUNJA HERZOG 

47

Dunja Herzog, ‹Sea Sheets (Logic of Connectivity›, 2024, Vorhänge aus Nori-Algenblättern, Eisenstange; 

‹She / They›, 2017 (links), diverse Materialien, Ansicht Kunstmuseum Solothurn. Foto: David Aebi 


Von den Verflechtungen der westlichen Welt mit dem Globalen 

Süden kündet Dunja Herzogs Soloschau im Kunstmuseum Solothurn. 

Die Künstlerin selbst ist massgeblich mit dem afrikanischen 

Kontinent vertraut. Sie kooperiert dort mit diversen Akteur:innen, 

schreibt mittels Kunst Erzählungen fort und versetzt sie in eine 

kritische wie sinnlich erfahrbare Gegenwart. Marc Munter 

Die Objekte und Installationen von Dunja Herzog (*1976) erscheinen so konkret, wie 

umgekehrt die Geschichten dahinter verschlungen und komplex sind. Kraft ihrer 

Gestalt und Präsenz nehmen sie uns beim Gang durch die Ausstellung aber immer 

wieder ein, sie machen Zusammenhänge sichtbar und öffnen verschiedenste Assoziationsräume. 

Die von der Künstlerin mit der Gastkuratorin Marianne Burki eingerichtete 

Schau im Kunstmuseum Solothurn zeugt von einem feinen Gespür für die 

Kunst in den Räumen, worin sich die Werke zu einzelnen Geschichten verdichten und 

im Rundgang teilweise fortsetzen. Für den Aufbau weilte die Basler Künstlerin in der 

Schweiz, lebt sonst aber in Pretoria. Seit 2003 hält sie sich regelmässig für längere 

Zeit in Afrika auf, teilweise finanziert mit Stipendien: neben Südafrika etwa in Sambia 

oder Nigeria. Bereits als Kind verbrachte sie zwei Jahre mit den Eltern in Kamerun, 

und ihre Verbindung zum Kontinent riss seither nie ganz ab. Beim Projekt ‹Exit 

Tour› (2006), einer Busreise mit mehreren Kunstschaffenden und Stationen von Lagos 

bis Dakar, wirkte sie auch aktiv beim Aufbau eines Netzwerks westafrikanischer 

Künstler:innen mit. Ihre Werke wurden schon vielerorts gezeigt: im MAXXI in Rom, an 

der Lagos Biennale oder im Kölnischen Kunstverein. 2019 kam sie gar auf die Shortlist 

für den Schweizer Pavillon an der Biennale Venedig. Zur Ausstellung erscheint 

nun auch ein Katalog zu ihrem Schaffen der letzten zwanzig Jahre. 

Gegenüberstellungen und Verflechtungen 

Bereits beim Betreten des Museums sind aus den Ausstellungsräumen im Erdgeschoss 

Klänge und Melodien zu vernehmen, mal mit, mal ohne Gesang. Im Pressetext 

wird der Klang auch als «verbindendes Element und roter Faden» angeführt, 

der die «einzelnen Säle unterschiedlich prägt». Indes gibt im ersten Raum zunächst 

ein eher spür- als hörbares Wummern den Ton an. Tatsächlich entstammt es dem 

Erdinnern von Lagos in Nigeria, wo Dunja Herzog den Soundartisten Leke «CHiFY» 

Awoyayinka mit der Tonspur zu ihrem Video ‹Unter Tage› (2020) beauftragte. Dieses 

zeigt Aufnahmen aus dem Innern einer ehemaligen Kupfermine in Sachsen-Anhalt. 

Gekonnt gefilmt, entschwindet das bei der Kamerafahrt aus dem Bergwerk hinaus 

aufschimmernde Erzgestein immer wieder im Dunkel. 

«Mir ist sehr wichtig, dass wir mit dem Körper und seinen vielen Sensoren einen 

Raum betreten und so wahrnehmen können, was das Material, die Kunst, mit uns 

macht; auf einer sinnlichen, somatischen Ebene.» Dunja Herzog, Solothurn, 31.5.2024 


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Dunja Herzog, ‹A Personal Affair. Digging to Remember Forward. Part 3›, 2017–2024, u. a. Möbel von 

UTC Nigeria Ltd., Klebefolie, Poster, Buch, Sound, Ansicht Kunstmuseum Solothurn. Foto: David Aebi 



51

Obwohl die beiden Standorte in Nigeria und Deutschland auf den ersten Blick 

nichts miteinander zu tun haben, ist ihre Verbindung exemplarisch für die Herangehensweise 

und die Intentionen der Künstlerin: Durch Gegenüberstellungen wie diese 

macht sie Zusammenhänge zwischen den zwar weit entfernten, doch wirtschaftlich 

und politisch eng verknüpften Regionen sichtbar. In afrikanischen Ländern betreiben 

westliche Firmen bis heute Raubbau zur Gewinnung des gefragten Kupfers, während 

heimische Mienen wie jene in Deutschland schon länger stillgelegt sind. Mit 

ihren Rohstoffunternehmen ist die Schweiz weltmarktführend in der Branche, und 

die Steuern aus dem profitablen Geschäft fliessen nicht zuletzt in den öffentlichen 

Kulturetat und die Fördergelder. Hier schliesst sich der Kreis zur Künstlerin, weshalb 

ihr umso mehr daran liegt, die ausbeuterischen und ökologisch wie sozial problematischen 

Verstrickungen zu hinterfragen, ohne sich selber aus der Verantwortung 

zu ziehen. Sie zeigt aber auch Alternativen zur Ausbeutungswirtschaft und sinnliche 

Facetten des Metalls auf: Seit 2016 stellt sie zusammen mit dem Lagos Space Programme 

fair produzierten Schmuck aus einer Kupferlegierung her, wie sie besonders 

in Westafrika verbreitet ist – zur Zierde und als Material, dem positive Energien zugeschrieben 

werden. Über eine Website und an der Museumskasse steht der Schmuck 

auch zum Verkauf. 

Weiter erinnert eine ‹Army of Frogs› (2018–2020) an die über sechzig Tonnen metallhaltigen 

Elektroschrott, der jährlich weltweit anfällt und unter anderem in Nigeria 

entsorgt wird. Sinngemäss kriecht uns eine Schar Frösche aus recyceltem Messing 

am Boden entgegen. Die fein gearbeiteten und goldig glänzenden Amphibienattrappen 

wirken abschreckend und schön zugleich; für die Medizin in Nigeria haben die 

reellen Tiere gar heilende Kräfte. 

Rohstoffvorkommen und zwiespältige Handelsbeziehungen 

Einen Blickfang im ersten Ausstellungsraum bieten zwei grosse, ineinanderlaufende 

Stoffbahnen, eine aus Baumwolle, eine aus Leinen. Sie sind zylinderförmig von 

der Decke abgehängt und führen uns einem Kreislauf gleich in ihr Inneres, wo auch 

die erwähnte Videoarbeit zu sehen ist. Erstere Stoffbahn ist mit Indigo aus Lagos, 

zweitere mit blauem Färbewaid aus Erfurt eingefärbt. Gemeinsam bringen sie wiederum 

die wirtschaftliche Bedeutung der Rohstoffvorkommen und die Verbindung 

ihrer Ursprungsorte zum Ausdruck: Durch den Kolonialhandel wurde das deutsche 

Färbemittel ab dem 16. Jahrhundert vom nigerianischen Indigo verdrängt. In jüngerer 

Zeit traten an dessen Stelle jedoch chemische Farbstoffe, vor allem von der Basler 

Pharmafirma CIBA. Den Vertrieb in Nigeria übernahm die Union Trading Company 

«In der Installation ‹Under a Glass Bell› liegen Schellen unter Wasser, symbolisch 

für den Hofnarren, der früher immer alles sagen durfte; hier nun aber wirken 

sie wie ertrunken, verstummt. Dies ist etwa in Bezug auf die Meinungsfreiheit sehr 

aktuell, im Sinne von ‹wer wird gehört?› oder ‹wer darf was sagen?›». Dunja Herzog, 

Solothurn, 31.5.2024 


Asante-Uhr, Datierung unbekannt, Gold (17 g), Leihgabe Museum der Kulturen Basel. 

Foto: Hanspeter Bärtschi 


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UTC, ein Handelsunternehmen, das der christlichen Basler Mission nahestand. Solche 

Hintergründe recherchiert die Künstlerin jeweils aufwendig, und bezeichnenderweise 

münden die Geschichten der Metalle und Farbstoffe in jene von mächtigen 

Schweizer Firmen und missionarischen Unternehmungen. 

Daneben symbolisiert ein goldenes Artefakt der westafrikanischen Asante-Kultur 

in der Form einer Taschenuhr die Verhältnisse zur Kolonialzeit. So ist die Uhr aus 

dem 17. Jahrhundert heute im Besitz des Basler Museum der Kulturen. Auch findet 

der Bezug zur UTC in der Ausstellung eine sichtbare Fortsetzung: in der Installation 

‹A Personal Affair. Digging to Remember Forward. Part 3› (2017–2024) mit ausrangierten 

Möbeln und allerlei Inventar des ehemaligen Sitzes der Firma in Nigeria, wo diese 

ab 1932 jahrzehntelang aktiv war. Passend zum Ausstellungsraum mit Terrazzoboden, 

grauen Fussleisten und heruntergelassenen Jalousien ist die Installation als 

Dunja Herzog (*1976, Basel) lebt in Pretoria 

2001–2004 Bachelor of Arts, Hochschule für Gestaltung und Kunst Basel FHNW 

2010–2012 Master of Fine Art, Glasgow School of Art 


2022 ‹Hum›, Victoria Yards, Johannesburg 

2020 ‹Meanwhile›, Kölnischer Kunstverein 

2018 ‹Shift and Drift› (mit Ayami Awazuhara), Kunstverein Göttingen 

2016 ‹The Word for World is Forest›, 1646, Den Haag 

2015 ‹A bigger page than usual allows writing beyond an end›, New Bretagne Belle Air, Essen 

2014 ‹I know it’s a zebra when I see stripes›, Piano Nobile, Genf 

2013 ‹Laughter is usually the end of the conversation›, Istituto Svizzero, Mailand 

2006 ‹Tu Vas Où – Compte Rendu›, Espace Createurs, Douala 


2022 ‹Cat’s Cradle›, Ausstellung Kunstkredit Basel, Kunsthalle Basel 

2017 Lagos Biennale 

2016 ‹There was a world, once, you punk›, Blok art space, Istanbul 

2015 ‹The Independent›, MAXXI, Rom 

Dunja Herzog. Foto: Flavio Karrer 


Geschäftsfoyer inszeniert, mit grossem Logo an der Stirnwand und gefälliger Jazzmusik 

aus dem firmeneigenen Aufnahmestudio. In einer Auslage tauchen auch Uhren 

auf. Allerdings sind es Fälschungen aus Lagos, welche die kapitalistische Warenproduktion 

und die fraglichen Handelsbeziehungen gewissermassen unterwandern. 

Ursprünglich von der UTC in Afrika vermarktet, werden die «originalen» Luxusarmbanduhren 

heute noch von der Basler Firma Oris hergestellt. Deren Erfolg wiederum 

verdankt sich dem Urgrossvater der Künstlerin, der das Unternehmen gegründet 

hatte. Erneut schliesst sich der Wirtschaftskreislauf, in den wir ebenso direkt oder 

indirekt involviert sind. 

Kooperationen und Erzählungen 

Im inszenierten Foyer, etwas versteckt hinter einem Paravent, sind mehrere aus 

Palmhölzern geflochtene Körbe aufeinandergestapelt. Bedeutsam als Gegenstände 

des täglichen Gebrauchs, zeugt das nachwachsende organische Material auch von 

einer Nähe zur körperlichen und sinnlichen Erfahrung. Eine Wahrnehmungsebene, 

die schon im Ausstellungsraum davor in einer Art Unterwasserszenario zum Tragen 

kommt, allerdings nicht ohne kritische Anspielungen: Für ihre ‹Sea Sheets (Logics of 

Connectivity)› (2024) verklebte die Künstlerin Nori-Algenblätter zu grossen Vorhängen, 

die den Saal in ein dunkelgrün-rötliches Licht tauchen. Die Stimmung steht für 

die von der Soziologin Maria Mies formulierte Unterwasserwirtschaft: Mit der Metapher 

prangert sie die wenigen Privilegierten auf der «Spitze des Eisbergs» an, welche 

zahlreiche Menschen ausnutzen und Rohstoffe aus den Tiefen der Erde schonungslos 

ausbeuten. 

Für ihre Werke, die ähnlich einem Readymade manchmal Kunst und Gebrauchsgegenstand 

zugleich sind, geht Herzog häufig Kooperationen ein: Die Bienenstöcke 

aus der Serie ‹Hum› (2022) etwa entwickelte sie mit Imker:innen und platzierte, wie 

schon bei anderen Ausstellungen, ein Bienenvolk im Aussenraum des Museums. Zu 

den irdenen ‹Hums› im letzten Saal liess sie von befreundeten Musiker:innen Sounds 

komponieren mit Klängen, die wiederum von ihr selber mit eigens gefertigten Instrumenten 

eingespielt wurden. Feine Linien sind entlang der Wand appliziert. Sie 

bestehen aus Bienenwachs, das Herzog schon zum Giessen ihrer Schmuckreihe verwendete. 

Immer wieder sind es sinnliche Materialien und ihre Transformationsmöglichkeiten, 

welche die Geschichten in der Ausstellung miteinander verweben: hin zu 

einer grösseren Erzählung, die auch scheinbar Unterschiedliches zusammenführt 

und mittels Kunst wahrnehmbar, ja erlebbar macht. 

Die Zitate von Dunja Herzog stammen von der Medien-Preview im Kunstmuseum Solothurn am 31.5.2024. 

Marc Munter ist Kunsthistoriker, lebt und arbeitet in Bern. m_munter@hotmail.com 

→ ‹Dunja Herzog›, Kunstmuseum Solothurn, bis 6.10. ↗ kunstmuseum-so.ch 


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Dineo Seshee Raisibe Bopape — 

Erinnerung als Akt der Rebellion 

Dineo Seshee Raisibe Bopape. Foto: Frantsila / Miki Tokairin / Anna Karhu-Cormier 

Welche Erinnerungen tragen die Schichten der Erde, die Ströme 

der Meere und die Winde des Himmels? Welche Träume? Und 

welche Traumata? Die südafrikanische Künstlerin Dineo Seshee 

Raisibe Bopape versammelt in ihren multisensoriellen Installationen 

lebhafte Materie und biografische Fragmente. Der Beginn 

einer Heilung. Michel Rebosura 


Dineo Seshee Raisibe Bopape, ‹(Ka) pheko ye … (lamekie ela …) (generations drawing)›, 2023, 

Gobo-Projektion, Ausstellungsansicht Migros Museum für Gegenwartskunst, Zürich, Courtesy für 

alle gezeigten Werke: Sfeir-Semler Galerie, Beirut / Hamburg. Foto: Studio Stucky 

FOKUS // DINEO SESHEE RAISIBE BOPAPE 

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Dineo Seshee Raisibe Bopape, ‹(eye of Horus) (Ka) pheko ye …›, 2023, Installation mit diversen 

Materialien, Ausstellungsansicht Migros Museum für Gegenwartskunst, Zürich. Foto: Studio Stucky 



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Dineo Seshee Raisibe Bopape, ‹(Kgoro ya ditoro) (Ka) pheko ye …›, 2023, Installation mit diversen 

Materialien, Ausstellungsansicht Migros Museum für Gegenwartskunst, Zürich. Foto: Studio Stucky 


Es riecht nach Regen. Noch bevor man den grossen Saal betritt, wird man von der 

Atmosphä re der Ausstellung ‹(ka) pheko ye – wo der Traum beginnt› eingehüllt. Dineo 

Seshee Raisibe Bopape (*1981) entwickelte den Duft, während sie sich für Ausstellungen 

2022/23 in Finnland aufhielt, mit der Kräuterfarm und Kosmetikfirma Frantsila. 

‹Raisibe Dreaming Scent› (2023) erinnere an den Geruch von Regen auf der trockenen 

Erde Afrikas und rege das Träumen an. 

Farben der Erde bestimmen nun auch die ansonsten grau-weisse Halle des Migros 

Museum für Gegenwartskunst in Zürich, das in Kooperation mit dem Kiasma- 

Museum für zeitgenössische Kunst in Helsinki und unter der Kuration von Michael 

Birchall die multimediale Schau realisierte. In deren Zentrum lädt ein Halbkreis aus 

Lehm zum gemeinsamen Tee ein. ‹Raisibe Dreaming Herbal Tea› wurde ebenfalls mit 

Frantsila zum erholsamen und klaren Träumen kreiert. Man sitzt und trinkt inmitten 

der Werke, während von Zeit zu Zeit aus allen Himmelsrichtungen Geräusche eines 

Regenmachers, einer röhrenförmigen Rassel, erklingen. Sowohl der Duft als auch 

die Teemischung enthalten das Wort «Raisibe» aus Bopapes Namen, was so viel wie 

«mutige und starke Frau» bedeutet. 

Raisibes Reise 

Bopape stammt aus Polokwane, einer Stadt im Nordosten Südafrikas. Nach ihrem 

BA-Abschluss in Durban 2004 setzte sie sich in einer zweijährigen Residency 

in Amsterdam mit dem Erbe der Apartheid und ihrer eigenen Identität auseinander. 

Um nicht nur als «Schwarze Künstlerin aus Südafrika» gelesen zu werden, befasste 

sie sich stärker mit dem Persönlichen. Etwa mit der Rolle, die Gegenstände im Leben 

der Menschen spielen, und wie diese als anthropomorphisierte Erweiterungen ihrer 

Emotionen dienen. 2010 schloss sie den Master of Fine Arts an der Columbia University 

in New York ab und wurde spätestens 2019, als sie mit Tracey Rose und Mawande 

Ka Zenzile an der 58. Biennale von Venedig Südafrika vertrat, einem globalen Publikum 

bekannt. Ihre Installation ‹Marapo a yona Dinaledi (Its bones the stars), Sketch 

no 22› (2019) deutete nicht nur auf ihre Rückwendung zur Identität Südafrikas hin, 

sondern auch auf die Metapher des Universums als Organismus. Dieser holistische 

Weltzugang verleiht Bopapes Werk eine zugleich individuelle wie auch allgemeingültige, 

politische wie auch spirituelle Dimension. 

Fragen der Erinnerung, die sich wie ein roter Faden durch Bopapes Werk ziehen, 

haben auch mit der Zeit nach der Apartheid zu tun, als Südafrika auf das Vergeben 

und Vergessen fokussiert gewesen sei, so die Künstlerin. «Erinnern ist ein Akt der spirituellen 

und politischen Rebellion; nicht zu vergessen, was man vergessen soll», steht 

demgegenüber als Motto am Beginn der Ausstellung. Gegen das Vergessen hilft nur 

«Durch die Arbeit mit dem Boden begann ich, mich mehr für all die Menschen zu 

interessieren, die vor mir da waren … Was ist das Ergebnis all dieser Erinnerungen 

in meinem Körper und meiner Zeit auf dieser Erde?» Dineo Seshee Raisibe Bobape, 

Zürich, 8.6.2024 


61

ein Wiedererinnern, das auch ein Wiederaneignen ist. Rekollektion als Versammeln 

dissoziierter Fragmente unseres Selbst. So erinnert Bopape an die Vertreibung südafrikanischer 

Gemeinschaften von ihrem Land durch die Portugiesen, Buren und Briten. 

‹palo / soil landscapes› (2023) skizziert in minimalistischer Manier mit einfachsten 

Materialien eine «Landschaft» urbarer Böden aus der Vogelperspektive, die nach einer 

bestimmten Anzahl (palo) Quadratmeter aufgeteilt und eingehegt worden sind. 

Auf dem enteigneten Land errichteten die Kolonisatoren ihre Plantagen und Städte. 

Den Vertriebenen blieben nur die Reservate und die Arbeit unter menschenunwürdigen 

Bedingungen auf diesen Plantagen oder in Diamantminen wie dem «Big Hole», 

das Tourist:innen heute als «grösstes je von Menschenhand gegrabenes Loch» angepriesen 

wird. Während der globale (neo-)koloniale Extraktivismus der Gegenwart 

die Existenzgrundlagen nachkommender Generationen bedroht, stellt Bopape Verbindungen 

zur Erde her, aber auch zu unseren gemeinsamen Urahn:innen, zur «Wiege 

der Menschheit», die unter anderem in Südafrika verortet wird. 

Mutter Erde und das Erinnern 

Petrichor ist die Bezeichnung für den Geruch von Regen auf trockenem Boden 

und bedeutet wörtlich: «das auf den Felsboden (altgr. pétrā) gefallene Blut der Götter 

(īchōr)». Prometheus mischte aus Asche und Spucke Lehm und knetete daraus 

den Menschen. Der Gott der Bibel befahl: «Macht euch die Erde untertan!» Die Trennung 

des Menschen von der Erde war in der westlichen Zivilisation von Anfang an 

angelegt. Selten denken wir an die acht Milliarden Lebewesen, die in einer Handvoll 

Dreck stecken, oder an die 12’742 Kilometer Erde unter unseren Füssen. Doch für 

Bopape ist die Erde als Ganzes und jedes Stück Materie ein Aufbewahrungsort für 

Geschichten, Erinnerungen und Träume, die eingelagert, transformiert, ausgegraben 

und gelebt werden. 

‹(Ka) pheko ye … [earth to dreamy stick soup]› (2023) besteht aus einem eingekerbten 

Stein. Die Mulde ist gefüllt mit Wasser, in dem ‹Raisibe Dreaming Herbal Tea› 

zieht, während ein abstraktes Videobild darüber projiziert wird. Materia prima als 

schöpferische Gebärmutter (lat. matrix). In Bopapes multimedialen Installationen 

kommen immer wieder ovale Formen vor, die mit Weiblichkeit und Geborgenheit assoziiert 

werden – Gefässe, Schalen, aber auch (Halb-)Kreise, Höfe und andere Versammlungsorte. 

Die Muttersprache Bopapes ist Sepedi, das vom Bantu-Volk der Pedi gesprochen 

wird. Die traditionelle Sozialeinheit der Pedi ist das «Kgoro», eine halbkreisförmige 

Ansammlung von Behausungen. Sie wurden um einen zentralen Bereich herum gebaut, 

der gleichzeitig Versammlungsort, Friedhof und Ahnenschrein war. Jede Frau 

der von Männern geführten Grossfamilie hatte ihr eigenes rundes, strohgedecktes 

Haus, das mit den anderen durch eine Reihe von Höfen, den «Lelapa», verbunden war, 

die von Lehmwänden umgeben waren. Eine Form des Wohnens und Zusammenlebens, 

die aufgrund der Kolonialisierung, Zwangsumsiedlung und Zonenplanung heute 

im Verschwinden begriffen ist. 


Dineo Seshee Raisibe Bopape, ‹(Raisibe dreaming): flowers and light, flowers and light›, 2023, farbige 

LEDs, Ausstellungsansicht Migros Museum für Gegenwartskunst, Zürich. Foto: Studio Stucky 


63

Als Reminiszenz an die traditionelle Siedlungsform hat Bopape in der Ausstellung 

eine eingefasste, runde Lehmhütte errichtet sowie hohe halbrunde oder spiralförmige 

Lehmmauern, die ein wenig an Skulpturen von Richard Serra erinnern und das 

Wort «Kgoro» im Titel tragen. Das «Kgoro» schafft, wie die griechische Chôra, die bei 

Homer als fruchtbare schwarze Erde und bei Platon als Amme des Werdens übersetzt 

wird, einen Ort – zum Versammeln, Erzählen, Erinnern, Träumen und Wachsen. 

Das «Lelapa» bildet ein verbindendes Geviert, in dem sich trotz (meta-)physischer 

Heimatlosigkeit wohnen lässt. Im Zeithof von Bopapes Bauten greifen ekstatisch 

Wiedererinnerungen, Erwartungen und Träume ineinander. 

Heilende Träume 

Es gibt Wahrheiten, die wir nicht wahrhaben wollen. Die wir zensieren, verdrängen 

und unterdrücken. Verschwiegene Wahrheiten werden giftig, klaffende Wunden können 

nicht heilen. Eine Kluft des Vergessens, die uns trennt – von uns Selbst, den Anderen, 

der Erde. Träume verraten unsere Traumata. Und helfen uns, sie zu heilen. Uns 

wieder mit uns selbst zu verbinden, uns ganz zu machen. Etwas, das Schaman:innen, 

Mantiker:innen und Traumdeuter:innen aller Zeiten und Orte wussten. 

Bopapes runde Hütte ‹(eye of the Horus) (Ka) pheko ye …› (2023) bietet Raum für 

Gespräche über Träume. Der Name der Arbeit gibt auch einen kleinen Hinweis auf 

den doppelten Sinn des fast gleichnamigen Ausstellungstitels: Das Horusauge ist 

ein altägyptisches Amulett- und Schutzzeichen gegen den «bösen Blick», das in der 

Dineo Seshee Raisibe Bopape (*1981, Polokwane) lebt in Johannesburg 

2004 Bachelor of Technology in Fine Art, Durban Institute of Technology 

2005–2007 Residency, De Ateliers, Amsterdam 

2010 Master of Fine Arts, Columbia University, New York 


2023 ‹Projects – Dineo Seshee Bopape›, The Samuel and Ronnie Heyman Lobby, MoMA, New York; 

‹(ka) pheko ye – the dream to come›, Museum of Contemporary Art Kiasma, Helsinki 

2022 ‹Born in the first light of the morning [moswara’marapo]›, Pirelli HangarBicocca, Mailand; 

‹The Soul Expanding Ocean #3›, Ocean Space, Venedig; ‹Lerato le le golo (… la go hloka bo kantle)›, 

Secession Wien 

2017 ‹Lerole – footnotes (The struggle of memory against forgetting)›, Witte de With Center for 

Contemporary Art, Rotterdam 

2011 ‹the eclipse will not be visible to the naked eye›, Stevenson Gallery, Kapstadt 


2023 Helsinki Biennial 

2022 23. Biennale of Sydney, Art Gallery of New South Wales 

2021 Artes Mundi 9, National Museum of Cardiff, Wales 

2019 ‹The Stronger We Become› (mit Tracey Rose und Mawande Ka Zenzile), Südafrikanischer 

Pavillon, Biennale di Venezia 

2018 ‹We Don’t Need Another Hero›, 10. Berlin Biennale für zeitgenössische Kunst 


Medizin bei der Rezeptur von Heilmitteln verwendet wurde. «(Ka) pheko ye» kann 

einerseits «(mit) diesem Heilmittel», andererseits «(mit) diesem Zauber, Talisman, 

Amulett» bedeuten. 

Assoziativ und intuitiv versammelt und verbindet Bopape lebhafte Materialien, 

Fundsachen und banale Alltagsgegenstände. Ihre «Traumlogik» ist weniger analytisch 

und technisch als synthetisch und therapeutisch. Ein wichtiges Prinzip dabei 

ist die Analogie und Entsprechung von Mikro- und Makrokosmos: «Wie oben, so auch 

unten», heisst es in der Hermetik und der Alchemie. 

Bei ‹(Ka) pheko ye …› (2023), einem Wandgemälde aus Lehm, bilden «Dipalesa», 

also (Vergissmeinnicht-)Blumen und «Dinaledi» (Sterne), eine Art Milchstrasse. Andernorts 

werden Sternanisse durch Projektion in ‹diNaledi› (2023/24) zu Sternen an 

der Wand. Und die projizierte Zeichnung ‹(Ka) pheko ye (lamekie ela …) (generations 

drawing)› (2023) zeigt metaphorisch, wie alles mit allem über unzählige Verästelungen 

verbunden ist. Dieses ganzheitliche Denken, das Spiritualismus ebenso einschliesst 

wie essenzialistischen Feminismus, widerspricht vielleicht der Logik der 

evidenzbasierten Wissenschaft. Doch ist der exklusive Anspruch auf Wahrheit und 

Wissen nicht eine Form der (kolonialen) epistemischen Gewalt? Mittlerweile entdeckt 

die Epigenetik, dass Gene ein Gedächtnis haben, Traumata also vererbbar sind, 

und die Neurowissenschaft, dass Träume den Schmerz solcher Erinnerungen lindern. 

Ein anderer Anfang 

Manche mögen auf den ersten Blick kritisch einwenden, dass die Ausstellung, 

ähnlich wie (selbst-)exotisierende Inszenierungen für Tourist:innen, einen Primitivismus 

reproduziere, der ein Fremdes / Anderes gegenüber der Moderne, dem Westen, 

der Zivilisation und der Wissenschaft konstruiert. Doch vielleicht ist dieser kritische 

Blick selbst noch ein «white/imperial gaze». Denn anti-koloniale Künstler:innen aus 

dem Globalen Süden streben womöglich etwas ganz Anderes an. Bopape vereint in 

ihrer erdbasierten (post-)konzeptuellen Kunst die konkrete und die abstrakte Ebene, 

die trotz oder gerade wegen ihrer therapeutischen Absicht kritisch bleibt. Gegenüber 

dem reduktionistischen Denken fragt ihr vitaler Materialismus: Wissen wir, was Materie 

vermag? Der Duft bringt uns nicht zurück in einen idealen Urzustand, sondern 

zu unseren materiellen Wurzeln – und damit vorwärts, zu einem anderen Anfang. 

Michel Rebosura, Philosoph, Kulturjournalist, Kunstkritiker und Kurator, lebt in Luzern. 

michel.rebosura@gmail.com 

→ ‹Dineo Seshee Raisibe Bopape – (ka) pheko ye – wo der Traum beginnt›, Migros Museum für 

Gegenwartskunst, Zürich, bis 8.9. ↗ migrosmuseum.ch 


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Ana Mendieta — La magie des 

silhouettes 

Ana Mendieta, ‹Imágen de Yágul›, 1973, photographie couleur, 50,8 x 40,6 cm, courtoisie de Galerie 

Lelong & Co. © The Estate of Ana Mendieta Collection, LLC / ProLitteris 


La carrière brève et fulgurante d’Ana Mendieta est mise à l’honneur 

à La Chaux-de-Fonds. Évitant l’écueil de la réduire à sa 

biographie et au scandale de sa mort, cette exposition monographique 

lève le voile sur un langage plastique à la sensibilité 

particulière. Un travail sur les origines qui s’inscrit dans le secret 

des rivières, des forêts et des bords de mer. Nadia El Beblawi 

‹Ana Mendieta – Aux commencements› est une occasion rare de voir un ensemble 

d’œuvres important de l’artiste américaine née à Cuba en 1948. Vidéos, photographies, 

dont certaines n’ont été découvertes qu’en septembre 2022, installations, 

ainsi que quatre peintures de ses débuts, se déploient dans six salles du Musée des 

beaux-arts de La Chaux-de-Fonds. Le parcours met l’accent sur la série des ‹Siluetas›, 

ces transformations multiformes de la silhouette féminine qui couvrent la production 

de Mendieta de 1968 à son décès en 1985. Dans ces œuvres, elle se met en 

scène ou invente des corps dont l’archaïsme tente d’énoncer un langage des origines, 

une obsession qui a inspiré le titre de l’exposition. C’est un art de la métamorphose 

qu’elle pratique de manière éphémère, le plus souvent en pleine nature. Ces interventions 

forment des dialogues et sont habitées autant par sa croyance en une énergie 

vitale qui traverse l’univers tout entier, que chargées de son expérience de l’exil. 

Hantée par son déracinement 

Ana Mendieta fait partie de ces enfants cubains exfiltrés de Cuba et emmenés 

aux États-Unis dans le cadre de la fameuse «Operation Peter Pan» : une campagne 

anticommuniste menée par les États-Unis et l’Eglise catholique avait persuadé des 

milliers de parents que Fidel Castro allait leur arracher leurs enfants. À 12 ans, accompagnée 

de sa sœur à peine plus âgée, elle abandonne La Havane pour être placée 

dans l’Iowa où sa mère et son jeune frère les rejoignent cinq ans plus tard. Un 

déracinement forcé qui hante son travail artistique et lui a donné une conscience 

aiguë des actes de violence et de racisme. Elle développe très tôt une personnalité 

entière, prête à s’engager par des gestes artistiques, comme lorsqu’elle crée une 

performance en réaction au viol et à l’assassinat d’une étudiante de son campus. Ses 

camarades d’études invités découvrent l’artiste immobile pendant près d’une heure, 

dénudée, couverte de sang, dans la position de la victime. Une performance choc, 

reprise en 2022 par l’américaine Puppies Puppies à Art Basel. 

À son arrivée à New York, à la fin des années 1970, elle intègre la A.I.R. Gallery qui 

promeut les artistes féminines, participe à l’élaboration d’une exposition consacrée 

aux femmes artistes américaines du tiers monde, mais sans pour autant adhérer au 

mouvement féministe qu’elle considère essentiellement comme un mouvement de 

blancs de classe moyenne. Elle ne sera jamais politisée. S’ajoute le drame de sa mort 

brutale : un destin tragique qui a bien souvent occulté la pertinence de son œuvre. 

Après une dispute avec son mari, l’artiste minimaliste Carl Andre, elle bascule du 

FOKUS // ANA MENDIETA 

67

34 e étage d’un immeuble à Greenwich Village. Ce féminicide présumé a suscité, et 

suscite encore, des interrogations. Pourtant, Ana Mendieta ne saurait être réduite à 

un symbole des violences faites aux femmes. 

Diplômée de plusieurs cursus en arts plastiques, elle expose dans les espaces 

universitaires américains où elle est notamment remarquée par l’historienne de l’art 

Lucy Lippard qui la cite en 1972 dans un magazine à portée nationale. Reconnue très 

tôt, elle obtient plusieurs bourses et une résidence à Rome en 1983. Sa notoriété 

reste néanmoins discrète, elle pratique son art en marge des mouvements reconnus 

de l’époque. Elle s’écarte du land art par des actions qui se font dans une intimité 

partagée avec la nature, des interventions qui disparaissent sans perturber le cadre 

et sans laisser de traces. Seules des photographies et des vidéos en sont les témoins. 

C’est au cours d’un voyage au Mexique, en visitant le site archéologique du Yagul, 

qu’elle crée la toute première ‹Silueta›. Elle s’allonge dans une ancienne tombe, se 

couvre de bouquets de fleurs blanches et se photographie. Son corps nu sous le man- 

Ana Mendieta (*1948, La Havane, †1985, New York) 

Expositions personnelles (sélection) 

2024 ‹En búsqueda del origen›, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León 

2023 ‹Aux commencements›, MO.CO., Montpellier 

2020 ‹Blood Inside Outside›, Baltimore Museum of Art ; ‹Ochú›, The Cleveland Museum of Art 

2019 ‹Le temps et l’histoire me recouvrent›, Galerie Nationale du Jeu de Paume, Paris ; 

‹Earthbound›, Middelheim Museum, Anvers ; ‹Source›, Galleria Raffaella Cortese, Milan 

2018 ‹Covered in Time & History – The Films of Ana Mendieta›, Gropius Bau, Berlin ; 

‹Cuba & Miami 1981–1983›, Galerie Lelong & Co., Paris 

Ana Mendieta, ‹Guanaroca (Esculturas Rupestres)›, 1981, photographie noir et blanc, 135,9 x 99,7 cm, 

courtoisie de Galerie Lelong & Co. © The Estate of Ana Mendieta Collection, LLC / ProLitteris 


teau floral semble avoir fusionné avec son environnement. Ce geste a évidemment 

une valeur rituelle et symbolique très forte. Une approche qu’elle expérimente de façon 

explicite dans sa fameuse série ‹Tree of Life› (1976) qu’elle aborde par la vidéo et 

la photographie. Sur le support magnétique, elle manipule l’image avec l’apparition 

d’une figure spectrale. Tandis que sur le cliché photographique, elle lève les bras en 

signe de fusion de la terre et du ciel, son corps enduit de boue et d’herbe se confondant 

avec le tronc d’un arbre immense au point de ne faire qu’un avec le végétal. 

Comme elle l’écrit dans ses notes : « Mon art est fondé sur la croyance en une seule 

énergie universelle qui traverse toutes choses, des insectes à l’homme, de l’homme 

aux fantômes, du fantôme à la plante, de la plante à la galaxie ». 

Des sculptures rupestres 

La série des ‹Siluetas› s’articule autour des éléments que sont la terre, l’eau, l’air 

et le feu. Les évocations sont belles, apaisées, très juste dans ce rapport non-hiérarchisé, 

non-dominant à la nature, mais portant aussi parfois de la violence. L’artiste 

évoque des volcans, des destructions, et utilise même de la poudre à canon. Une 

sémantique qui se retrouve dans ses installations comme cette silhouette formée de 

bougies rituelles qui brûlent lors des périodes de pleine lune ou celle, tout en douceur, 

constituée de sable et de coquillages. 

Les deux grandes salles du musée distinguent deux temps : d’un côté les œuvres 

dessinées dans la nature – où elle se met en scène le plus souvent dans la forêt en 

Iowa – et de l’autre ce qu’elle a nommé des sculptures rupestres. Dans le sable ou 

dans la roche, elle forme des archétypes qui s’inscrivent dans une très longue histoire 

de la représentation du corps féminin, en insistant sur la rondeur des formes 

et ses attributs de la maternité. Elle évoque le lait, le sang, des moments du corps 

féminin que l’art contemporain de cette époque-là n’avait pas encore osé aborder. 

Ce développement plastique est marqué par son premier retour à Cuba, puis son 

séjour d’un an à Rome. Elle sculpte pour la première fois des bas-reliefs monumentaux 

dans l’une des grottes du parc naturel Escaleras de Jaruco, berceau légendaire 

de l’humanité cubaine. La réconciliation de son destin, de cette séparation et ce retour 

tant espéré, s’exprime de façon magique dans sa dernière vidéo tournée sur une plage 

de Miami. Dans ‹Ochún› (1981), la silhouette de sable est traversée par l’eau. Placée en 

direction de Cuba, la figure lavée par les vagues disparaît progressivement. Un effacement 

des œuvres qui a préservé sa liberté de création. Pour le directeur du musée, 

David Lemaire, le fait qu’Ana Mendieta soit en marge de la « grande histoire de l’art », 

telle qu’elle est racontée au tournant des années 1970 et 1980 avec une succession 

d’avant-gardes essentiellement masculines, occidentales, blanches, etc. permet la 

découverte de son indépendance qui aujourd’hui nous semble tout à fait vivifiant. 

Nadia El Beblawi, critique d’art, web éditrice, vit à Bâle. nadia.elbeblawi@gmail.com 

→ ‹Ana Mendieta – Aux commencements›, Musée des beaux-arts de La Chaux-de-Fonds, jusqu’au 27.10. ; 

exposition coproduite par le MO.CO, Montpellier, le MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla 

y León, et le Musée des beaux-arts de La Chaux-de-Fonds ↗ mbac.ch 

FOKUS // ANA MENDIETA 

69

Biennale Bregaglia — Parla la 

montagna 

Piero Maspoli, ‹Granito›, 2024, gneiss del Piz Cengalo, 5 parti, dimensioni variabili. Foto: Michel Gilgen 


‹Architettura e giardini› è il tema principale della terza edizione 

della Biennale Bregaglia, curata da Misia Bernasconi a Bondo. 

Dieci sguardi da tutto il mondo riflettono sulla tematica molto 

cara al paese, che nel 2017 è stato in parte distrutto da una frana 

e da allora in continua trasformazione. Chiara Ottavi 

Fondata nel 2012, l’associazione Progetti d’arte in Val Bregaglia propone quest’anno 

una nuova edizione della Biennale Bregaglia. Il tema ‹Architettura e giardini› è 

approfondito puntualmente nel cuore della valle, a Bondo, paese dall’identità mutevole 

data dalla presenza al suo interno di svariate tipologie di architetture, tecniche 

decorative ed edifici – alcuni rurali, altri in costruzione o appena ricostruiti. 

Sono dieci le artiste e gli artisti che grazie a un’open call hanno preso parte al progetto, 

iniziato con una residenza di una settimana in Val Bregaglia durante la quale 

hanno potuto incontrarsi, esplorare i luoghi e tessere relazioni. Studiando i concetti 

principali della mostra hanno toccato tematiche legate all’umanità, a tutte le forme 

di vita, alla storia e all’archivio, creando opere poi collocate in diversi angoli di Bondo. 

Così, con la sua installazione sonora, Ines Marita Schärer (*1987) riesce a dare voce 

alla montagna e lenire con la dolcezza delle parole le ultime ferite del paese; le sette 

stazioni della sua opera si celano in diversi luoghi – in un grotto, una stalla, una casa 

abitata – e sprigionano suoni, frasi sussurrate, recitate e cantate. La pietra dura di 

questi edifici, rigida e immobile, si scontra con la capacità di adattamento e cambiamento 

della voce fluida e flessibile, portando a riflettere sulla condizione odierna 

del paese. Le parole di Schärer riecheggiano così nel vento, che prende forma grazie 

all’installazione di Kotoaki Asano (*1972), costituita da tre padiglioni eolici di forme 

e colori diversi in dialogo con la natura e l’architettura del posto. ‹Nachtwache ich› di 

Athene Galiciadis (*1978) è invece una scultura-riparo incentrata sulla cura dei terreni 

e la coltivazione, mentre Juliana Rios Martinez (*1988) unisce con la sua arte popoli 

e culture, materializzando l’incontro tra la tecnica pittorica murale colombiana e 

lo «sgraffito» alpino. Dalle sculture in gneiss del Piz Cengalo di Piero Maspoli (*1949) 

agli scan architettonici applicati alla flora locale di Lisa Collomb (*1984), le e i partecipanti, 

non da ultimi Georg Gatsas (*1978), Marcel Herbst (*1938), Lea Schaffner 

(*1989) e Jonathan Steiger (*1997) hanno ascoltato racconti, studiato il paesaggio e 

la storia della valle per tradurla in opere, abbracciando esistenze diverse e singolari. 

Una serie di eventi collaterali lungo tutta la valle fonderà realtà svizzere e italiane, 

andando a completare il discorso di intrecci presentato nella Biennale. 

Viaggando, arrivare a destinazione il più presto possibile sembra essenziale – a 

scapito delle scoperte lungo il percorso. La Biennale Bregaglia invece è motivo perfetto 

per fermarsi e concedersi l’opportunità di scoprire una realtà fatta di varie storie. 

Chiara Ottavi, curatrice indipendente e storica dell’arte, vive a Zurigo. chiara.ottavi@bluewin.ch 

→ Biennale Bregaglia 2024, Bondo, fino al 28.9. ↗ biennale-bregaglia.ch 

FOKUS // BIENNALE BREGAGLIA 

71

HINWEISE 

T’as vendu mes rollers? 

Animation — ‹T’as vendu mes rollers?› von 

Jeanne Hammel, Margaux Cazal, Louis Holmes, 

Sandy Lachkar, Agathe Leroux und Léa Rey- 

Mauzaize erzählt die Geschichte eines kleinen 

Jungens namens Lou. Eines Tages beobachtet 

er auf dem Flohmarkt, wie seine Mutter seine 

heiss geliebten Rollschuhe verkauft. Lou ist 

zunächst verwirrt und versteht nicht, warum. 

Enttäuscht von seiner Mutter und traurig über 

den Verlust fasst er den Entschluss, sich auf 

die Suche nach seinen Rollschuhen zu machen. 

Diese führt ihn durch die Menschenmenge in 

alle Ecken des Flohmarkts. Dabei trifft er auf 

verschiedene Personen und durchlebt ganz 

unterschiedliche Emotionen. 

In liebevoller Erzählweise, die an den klassischen 

Comicbuchstil erinnert, verbildlicht 

der Kurzfilm die Gefühlswelt des Jungen. Die 

Autor:innen setzen in dem 2D-animierten, 

handgezeichneten Film geschickt Farben ein, 

um die unterschiedlichen Stimmungen von Lou 

zu untermalen. Positive Gefühle und Assoziationen 

sind in warmen, die traurigeren und nachdenklichen 

Momente in kühleren Farbtönen 

gehalten. ‹T’as vendu mes rollers?› thematisiert 

so behutsam die emotionale Bindung an alltägliche 

Gegenstände aus der Sichtweise eines 

Kindes. Dominique Marconi 

Jeanne Hammel, Margaux Cazal, Louis Holmes, 

Sandy Lachkar, Agathe Leroux, Léa Rey- 

Mauzaize, ‹T’as vendu mes rollers?›, 2020, 6’03’’ 

↗ youtube.com/watch?v=QKGG-l9mNBE&t=11s 

Allianzen — Arp / Taeuber- 

Arp / Bill 

Appenzell — ‹Plastique Plastic 6› war 1939 

in Vorbereitung. Doch die sechste Nummer 

der Avantgarde-Zeitschrift erschien nie. Zu 

einschneidend war der Kriegsausbruch, war 

Sophie Taeuber-Arps Unfalltod 1943 und waren 

die Umbrüche in Europa nach dem Kriegsende. 

Bis 1960 gab es immer wieder vereinzelte 

Anläufe, an dem Heft zu arbeiten, dann war 

Schluss. Die Ausstellung ‹Allianzen› im Kunstmuseum 

Appenzell dokumentiert diesen Verlauf 

anhand von Briefen, grafischen Entwürfen 

und Texten. Sie sind teilweise zum allerersten 

Mal öffentlich zu sehen. 

Im Zentrum der Arbeit an ‹Plastique Plastic› 

stehen Sophie Taeuber-Arp, Hans Arp und Max 

Bill. Die Künstlerin und ihre beiden Künstlerkollegen 

gehören zu den zentralen Figuren 

der europäischen Avantgarde. Sie standen in 

engem Austausch miteinander und pflegten 

darüber hinaus ein breites Netzwerk. Die Zeitschrift 

war ein Instrument dafür: Sie ermöglichte 

Kooperation und Zusammenarbeit innerhalb 

der konstruktiven und konkreten Kunst, richtete 

sich aber auch an weitere Interessierte. Die 

Ausstellung vereint über die Briefe und Skizzen 

hinaus Plakate, gemeinsame Mappenwerke 

und Reliefs, Malerei, Plastiken. Möglich wurde 

diese breit gefächerte Werkschau durch die Kooperation 

des Kunstmuseum Appenzell mit der 

Fondazione Marguerite Arp und der Sammlung 

von Chantal und Jakob Bill. 

Die Qualität der gezeigten Materialien und die 

sorgfältige Hängung verhindern, dass die Gemälde, 

Plastiken und Reliefs die naturgemäss 

weniger auf eine Ausstellung hin entwickelten 

Medien in den Schatten stellen. Dicht gehängte 

Grafiken und gut bestückte Vitrinen wechseln 

sich ab mit markant in Szene gesetzten Einzelwerken. 

Die künstlerischen Positionen sind nie 

isoliert voneinander zu sehen, jederzeit wird die 

Durchdringung der Werke mit der gemeinsamen 

Idee, die Vision einer universellen, alle Lebensbereiche 

umfassenden Gestaltung, deutlich. 

Nur einmal hebt eine gelbe Wandfläche zwei 


Bilder von Sophie Taeuber-Arp besonders hervor. 

Die Künstlerin bringt darin geometrische 

Elemente in eine farblich und kompositorisch 

rhythmisierte Ordnung. Taeuber-Arp war hier 

wie in anderen Werken von ihrer früheren Arbeit 

als Textilentwerferin und den dazugehörigen 

Studien inspiriert und fand auf dieser Basis 

mitunter zu einer formal klareren und radikaleren 

Bildsprache als andere Konkrete. Nichtsdestotrotz: 

‹Allianzen› porträtiert das produktive 

Miteinander, den Gedankenaustausch und 

die fruchtbare Arbeit in Netzwerken. KS 

Div. Künstler:innen, ‹abstraction création art 

non figuratif›, 1932–1936, 1973, Portfolio mit 

30 Druckgrafiken auf Papier, je 85 x 66 cm, 

Ausstellungsansicht Kunstmuseum Appenzell 

© ProLitteris. Foto: Ueli Alder 

‹Allianzen – Arp / Taeuber-Arp / Bill›, Ausstellungsansicht 

Kunstmuseum Appenzell 

© ProLitteris. Fotos: Ueli Alder 

→ Kunstmuseum Appenzell, bis 6.10. 

↗ kunstmuseum-kunsthalle.ch 

→ Fondazione Marguerite Arp, 

Locarno- Solduno, bis 3.11. 

↗ fondazionearp.ch 

Momentum — 20 Jahre 

Helvetia Kunstpreis 

Basel — An ihren neuen Hauptsitz nahm die 

Helvetia Versicherungsgesellschaft auch ihren 

Kunstraum mit. Das Helvetia Art Foyer an der 

St. Alban-Anlage in Basel ist jetzt ein lang 

gestreckter Saal mit hellem Parkett, wandhohen 

Fenstern und weissen Leuchtröhren, 

wie wir sie aus anderen Kunsträumen der 

Marke Herzog & de Meuron kennen. Nathalie 

Loch, Leiterin der Fachstelle Kunst, und Co- 

Kuratorin Marlene Bürgi nehmen die Eröffnung 

zum Anlass für einen Rückblick: Seit zwanzig 

Jahren vergibt Helvetia einen mit CHF 15’000 

dotierten Förderpreis an jeweils eine:n 

Abgänger:in einer Schweizer Kunsthochschule 

und offeriert dem Nachwuchs im Rahmen der 

Liste Art Fair gleichzeitig einen international 

beachteten Schauplatz. Die Ausstellung ‹Momentum› 

blickt mit Werken aus den Beständen 

der Firmensammlung, ergänzt um wenige 

Leihgaben, zurück auf das langjährige Engagement 

und lenkt den Spot auf die geförderten 

künstlerischen Wege, die jetzt miteinander den 

Dialog aufnehmen. 

Drei überdimensionierte Kaulquappen, schwarz 

glasiert, scheinen wie Schwimmerinnen von 

der einen Stirnwand in die Längsachse der 

Ausstellung zu springen. Die unheimlichen 

‹Eggseeds› (2023) von Anita Muçolli haben 

ein fernes Gegenüber in Andriu Deplazes’ 

nächtlicher Trilogie: Eine Familie, nackt, lernt 

zwischen fahlen Blumen hier erst das Gehen. 

Die Sitzgelegenheit in der Mitte des Raums, 

geschaffen von Gina Proenza, schaukelt einen 

Schriftzug aus Perlenketten, bis die Worte 

«solitaire» und «solidaire» nicht mehr zu entziffern 

sind. Tiphanie Kim Mall hat während des 

pandemiebedingten Lockdowns ihrer Hauskatze 

eine Kamera anvertraut und sich selbst, 

ihre Wohnung, ihr Atelier vom Tier bespitzeln 

lassen. Dazu passt, dass Kaspar Ludwigs 

getöpferte Behälter Ohren haben oder dass uns 

Luc Mattenberger im sprechenden Spiegelbild 

an uns selbst verweist. Zuletzt bleibt’s unser 

Kopf, der die einzelnen Narrative im grossen 

HINWEISE // ANIMATION / APPENZELL / BASEL 

73

Raum miteinander verknüpft. Werk um Werk 

gibt uns der White Cube Kostproben aktueller 

künstlerischer Arbeiten – und Werk um 

Werk auch Denkimpulse, die das vermeintlich 

Sichere, Alltägliche aus dem Lot bringen. Unter 

dem Fuss eines schlichten Schemels ist auch 

Kathrin Affentrangers Senkblei dazu da, sich 

seiner eigenen Funktion zu entfremden. Und im 

Gebiss aus Pyrit verkuppelt Jonas van Holanda 

ein anatomisches Modell mit autobiografischem 

Tiefgang und individuellen Erinnerungen 

an eine Geisterbahn. IZ 

‹Momentum›, Ausstellungsansichten Helvetia 

Art Foyer, Basel. Fotos: Viktor Kolibàl 

→ Helvetia Art Foyer, bis 29.8., offen 

donnerstags, 16–20 Uhr (1.8. geschlossen) 

↗ helvetia.com 

Toyin Ojih Odutola 

Basel — Toyin Ojih Odutola (*1985) ist in der 

grossen Überblicksausstellung zu panafrikanischer 

Malerei im Kunstmuseum Basel 

vertreten. Als eine von acht Kunstschaffenden 

bringt sie zudem ihre Stimme in die Frage nach 

‹Nigeria Imaginary›, dem Thema des Nigerianischen 

Pavillons auf der Biennale in Venedig, 

ein. Diese Präsentation neuer Arbeiten in einem 

Saal des Palazzo Canal, in der sie biografische 

und kulturelle Bezugsebenen aufspannt, 

erscheinen wie ein Trailer zu ihrer Schau in der 

Kunsthalle Basel, ihrer ersten Einzelausstellung 

in der Schweiz. Darin verwandelt sie die 

Erdgeschossräume in ein imaginäres Habitat. 

Der Titel ‹Ilé Oriaku› verweist auf ihre Grossmutter 

und das «Mbari-Haus» als Tradition und 

heiligen Ort der nigerianischen Igbo-Gemeinschaft, 

die in den Anfängen des Biafra-Kriegs 

ausgelöscht wurde. Ein Porträt und ein Text 

der Grossmutter links des Eingangs sowie 

schwarze Umrisse an den Ausstellungswänden 

vermitteln, wie Odutola sich der Frage 

von Amnesie und Lücken in der kulturellen 

Überlieferung stellt und Zugänge auslotet, in 

die das Phänomen des kurz bestehenden Mbari 

Club hineinragt: «Mbari war ein Fest der Welt 

durch die Kunst und das Leben, das in ihm 

gelebt wird», so der nigerianische Autor Chinua 

Achebe. Die Werke auf Papier und Leinwand 

zeigen ein Repertoire menschlicher Figuren 

mit facettierten Körperoberflächen, anteilig 

begleitet von Schatten, die mit Spiegeln und 

Spiegelungen interagieren. Rundumlaufende 

Rahmen verleihen den Zeichnungen den Charakter 

von Screens. 

Auf vielfältige Weise, visuell, gestisch, akustisch, 

wird das Momentum von Schwellensituationen, 

Prozessen der Trauer, Ablösung und 

Neukreation nicht nur aufgegriffen, sondern 

als irritierende, schmerzliche und befreiende 

Qualität von Begegnungen mit dem eigenen 

Selbst in die Ausstellungsräume geholt. Exemplarisch 

dafür ist eins von zwei Diptychen im 

zweiten Raum, das wie ein leicht aufgeklapptes 

Buch auf Augenhöhe an die Wand montiert ist. 

Auf der linken Tafel die Grossmutter als Kind, 


welches das Wort «Mother» in American Sign 

Language formt, auf der rechten Tafel das erwachsene 

Selbst der Künstlerin mit der Geste 

für «Warrior». Ein Buch ist in Vorbereitung und 

wird voraussichtlich Ende des Jahres erscheinen. 

Es wird alle bildnerischen und textlichen 

Ausdrucksformen enthalten, mit denen Odutola 

künstlerisch agiert, ihr Schaffen weiterentwickelt 

und die Öffentlichkeiten so adressiert, 

dass die Gegenwart als Stellgrösse für eine 

andere Zukunft eine Chance hat. SM 

‹Toyin Ojih Odutola – Ilé Oriaku›, Ausstellungsansicht 

Kunsthalle Basel. Foto: Philipp Hänger 

Toyin Ojih Odutola, ‹Don’t Be Afraid; Use What 

I Gave You›, 2023, Pastellkreide und Kohle auf 

Papier, 152,4 x 203,2 cm, Ausstellungsansicht 

Kunsthalle Basel. Foto: Philipp Hänger 

→ Kunsthalle Basel, bis 1.9. 

↗ kunsthallebasel.ch 

Schimelrych bis Chrottehalde 

Laufenburg — Ein malerischer Rundgang 

entlang des Waldrands lässt den Blick über das 

pittoreske Städtchen und den Rhein bis in den 

Schwarzwald schweifen – doch dann, plötzlich, 

erscheint ein mit Holzschindeln verkleideter 

Sarg am Wegrand, und gewickelte, stachelige 

Kokons hängen bedrohlich in den Bäumen und 

schrecken die Spaziergänger:innen zurück. 

Die ‹Menschenscheuchen› von Isabelle Krieg 

und Marianne Engel geben auf die Frage zum 

Verhältnis von Mensch und Natur der Ausstellung 

des Rehmann-Museum eine eindeutige 

Antwort, aber ist es die einzig mögliche? 

Kurator Michael Hiltbrunner befragt in ‹Schimelrych 

bis Chrottehalde – Kunst und Natur in 

Laufenburg› die Idee einer «mutualistischen» 

Kunst, was in der Ökologie eine Wechselbeziehung 

zweier Arten bezeichnet, aus der 

beide einen Nutzen ziehen. So erstreckt sich 

die Schau über den Standort des Museums 

im Schimelrych hinaus und führt auf dem 

anderthalbstündigen Rundweg zur Chrottehalde, 

der schattigen Heimat von Amphibien. Von 

16 Kunstschaffenden sind Werke im Museum 

zu sehen und von zehn solche in die Natur 

integriert. Es sind in dieser Kooperation mit 

dem Jurapark Aargau vor allem Arbeiten, die 

mit der Natur interagieren, zerfallen oder subtil 

Beziehungen ausloten. 

Neben lokalen und nationalen ergänzen ausgesuchte 

internationale Positionen die Breite 

der Ansätze: Die ökofeministische Pionierin 

Agnes Barmettler präsentiert im Innenraum 

ihre symbolhaften Gemälde, zum Beispiel einen 

‹Baumgeist›. Im Aussenraum kultiviert sie mit 

Schulklassen in einem ihrer typischen Pflanzenlabyrinthe 

essbare Pflanzen. Die Vergänglichkeit 

von Naturphänomenen hält Cameron 

Robbins mit kreativ-kuriosen Maschinen fest. 

In der Arbeit ‹Anemograph› zeichnet sie den 

Wind mit Lichtquellen als wirre Linienwolken 

auf Fotos nach. Der Plan von Stefan Strumbel, 

mit der Installation ‹Bäume selbst pflanzen› einen 

Abhang aufzuforsten, entwickelt sich aufgrund 

von Zollproblemen zur Realsatire, sodass 

die deutschen (!) Bäume im Ausstellungsraum 

HINWEISE // BASEL / LAUFENBURG 

75

in ihren Töpfen ein unsicheres Dasein fristen: 

Natur, das zeigt sich, ist ungemein reglementiert. 

Hannah Weinbergers Intervention ‹Flower 

Power› lässt auf einem Bänkli mit Aussicht 

Lieder ertönen, welche die Natur verklären. Die 

Arbeit, die einen nochmals neuen Kommentar 

zum Thema abgibt, liest sich fast als Gegenstück 

zur ‹Menschenscheuche›, doch resümiert 

stellvertretend für die Mehrheit der gezeigten 

Werke den (leider) fast utopischen Wunsch 

einer Symbiose. AD 

Isabelle Krieg und Marianne Engel, ‹Menschenscheuche›, 

2024 (Teilansicht), Naturmaterialien, 

Naturfarben, Ansicht Aussenraum, 

Laufenburg © ProLitteris. Foto: Gina Folly 

Stefan Strumbel, ‹Bäume selbst pflanzen›, 

2024, 50 Tannen, bedrucktes Banner, Zeitung, 

Ausstellungsansicht Rehmann-Museum, 

Laufenburg © ProLitteris. Foto: Gina Folly 

→ Rehmann-Museum, bis 27.9.; Sommerpause 

Museum bis 11.8., Freilichtausstellung durchgehend 

geöffnet 

↗ rehmann-museum.ch 

↗ schimelrych.ch 

Alfredo Aceto 

Lausanne — Duchamp’sche Appropriationsstragien 

sind definierend für das System 

zeitgenössischer Kunst geworden. Was Alfredo 

Aceto (*1991) darin auszeichnet, ist die Wiederbelebung 

der obsessiven, erotischen Seite des 

Vaters der Konzeptkunst. Dies erlaubt dem 

ehemaligen ECAL-Studenten, der heute an der 

HEAD lehrt, aktualisierte Verbindungen zwischen 

Intimem und Politischem. Seine frühen 

Arbeiten drehten sich um die Erzeugung einer 

künstlerischen Identität. In seiner von Matthias 

Sohr kuratierten Soloschau im Circuit steht 

nun die Auseinandersetzung mit der in seiner 

Geburtsstadt Turin krass erlebten Deindustrialisierung 

im Zentrum. 

Ähnlich wie bei einem frühen Werkstrang, der 

sich Sophie Calle (*1953) intim annäherte, ist 

auch die Schau ‹Full Moon Sergio› das Ergebnis 

jahrelanger Beschäftigung mit einer emblematischen 

Figur. Sergio Marchionne (1952–2018) 

war ein Manager, der 2014 Fiat und Chrysler 

fusionierte und die Produktion in Entwicklungsländer 

verlagerte – ohne Rücksicht auf 

die wirtschaftlichen Folgen für die Lombardei 

und Michigan. Alfredo Aceto kaufte an allen 

von Marchionne frequentierten Orten schwarze 

Sweatshirts, wie sie dieser als Markenzeichen 

trug. Deren Raglanärmel erinnerten ihn an 

steinzeitliche Statuen von Frauen, die meist 

ohne Arme dargestellt und um eine Matriarchin 

herum gruppiert wurden, welche die 

damalige Ökonomie (von gr. «oikos» Haus und 

«nomos» Gesetz) im etymologischen Sinne von 

«Hauswirtschaft» beherrschten. Am Eingang 

des Circuit hängt nun ein Flickenteppich aus 

Sweatshirt-Rümpfen; gegenüber formen die 

Ärmel als blasses Wand-Aquarell einen geisterhaften 

Kreis. 

Der Zenit, den die finanzgetriebene Ökonomie 

erreicht hat, wird auch in Gelatinedrucken von 

aufgebrochenen Spinden thematisiert. Darauf 

sind teils Abgüsse von Zungen zu erkennen. 

Zusammen mit einem Arrangement aus Auberginen 

im offenen Lagerraum verweisen sie 

kritisch auf die beinahe erotische Ausstrahlung 

bilanzsteigernder Wirtschaftskapitäne. Abge- 


trennt symbolisiert die Zunge aber auch das bis 

zum neueren «activist turn» ungeschriebene 

Gesetz für Kunstschaffende besonders der 

Genfer Schule, in ihrem Werk keine eindeutige 

Aussage zu treffen. Dies empfindet Aceto, für 

den der Spracherwerb schwierig war, manchmal 

wie ein neues Handicap, das in ‹Full Moon 

Sergio› der Ökonom Michael Blanga-Gubbay 

essayistisch kompensiert. Schliesslich fragt 

Aceto mit vier hinter Kunsttransportkisten verborgenen 

Mannequins, die mit je einem lokalen 

Attribut seine Galerien darstellen, inwieweit 

nicht auch im globalen Kunstmarkt mehr primitive 

Verführungskraft denn Sinn und Bedeutung 

zählt. KHO 

Alfredo Aceto, ‹Sleeves›, 2024 (rechts), 

Wasserfarbe auf Wand, ø 220 cm, 

Ausstellungs ansicht Circuit, Lausanne. 

Foto: Julien Gremaud 

Alfredo Aceto, ‹Coulisses›, 2024, Mischtechnik, 

Mannequins, Masse variabel, Ausstellungsansicht 

Circuit, Lausanne. Foto: Julien Gremaud 

→ Circuit, bis 27.7.; mit einem Essay des 

Ökonomen Michael Blanga-Gubbay 

↗ circuit.li 

Gina Proenza 

Lausanne — ‹Toi et ta bande› (Du und deine 

Clique): So heisst die Ausstellung von Gina 

Proenza, Gewinnerin des diesjährigen Manor- 

Kunstpreises des Kanton Waadt, im Espace 

Projet des MCBA in Lausanne – und so begann 

die Anklageschrift eines Prozesses gegen 

Insektenlarven an einem Kirchengericht des 

Kantons Waadt im 15. und 16. Jahrhundert. Den 

sogenannten Engerlingen (Larven bestimmter 

Käferarten) wurde vorgeworfen, die Ernte zu 

zerstören, und man forderte sie auf, den Ort 

zu verlassen. Diese im Mittelalter üblichen 

Gerichtsverfahren signalisierten einen Kampf 

um Land und Ressourcen. Im Ausstellungsprojekt 

von Gina Proenza (*1994, Bogotá) sind 

die Insektenlarven gleichsam unsichtbar wie 

allgegenwärtig. Die Künstlerin tauchte in diese 

absurde und seltsame Geschichte aus der Welt 

der Justiz ein und spielt das Gerichtsverfahren 

nach. Die Stimmen, die im Saal zu hören 

sind, gehören drei Strafverteidiger:innen, die 

für den Freispruch der Larven plädieren. Das 

Ganze erinnert an einen Gerichtshof oder einen 

Wartesaal, in dem man auf einfachen Stühlen 

sitzen und zuhören kann. 

Die Ausstellung funktioniert als eine Art 

Bilderrätsel, aber letztendlich geht es um die 

problematische Beziehung der Menschen zu 

den Tieren und die Welt, die sie miteinander 

teilen – ein Thema, das aktuell bleibt. Mithilfe 

von Vorhängen, die sich sanft bewegen, um 

Räume zu öffnen oder zu schliessen, materialisiert 

Proenza die Grenzen zwischen Territorien 

und lebenden Arten. 

Man trifft auf einzigartige motorisierte Wesen 

mit heraushängenden Zungen, die an die 

Wasserspeier erinnern, welche die gotischen 

Kathedralen schmücken. Die gesichtslosen Figuren 

zeigen uns respektlos ihre Zungen – ihre 

«langues de bois», ein Ausdruck, der auf Französisch 

«leere Rede» bedeutet: Ob allegorisch 

oder organisch, die Sprache steht im Mittelpunkt 

von Gina Proenzas Arbeit. Ihre Faszination 

dafür lässt sich an den alten Werbetafeln 

ablesen, die sie sammelt und umgestaltet: Sie 

entfernt einige Buchstaben und schafft neue 

HINWEISE // LAUFENBURG / LAUSANNE 

77

edeutungsvolle Wörter, etwa «Patron» oder 

«Partner». An den Wänden erscheinen in perlenreichen 

Rechenbrettern aus Holz einzelne 

rätselhafte Buchstaben, die sich zu Wörtern 

verbinden: «Troupe», «Colonie», «Parlement», 

Begriffe, die etwa in der Naturwissenschaft 

Verwendung finden zur Beschreibung von bestimmten 

Gruppen von Tieren – aber auch von 

Menschen. John Steinbeck schrieb 1937 das 

Buch ‹Of Mice and Men›. Bei Gina Proenza geht 

es 2024 um Insekten und Menschen. IDL 

‹Gina Proenza – Toi et ta bande›, Manor Kunstpreis 

Kanton Waadt 2024, Ausstellungsansicht 

MCBA Lausanne. Foto: Jonas Hängg 

Nils Nova 

Luzern — Schon beim Betreten der Kali Gallery 

in Luzern fühlt man sich desorientiert. Der Boden 

unter den Füssen beginnt zu schwanken, 

scheinbar. Ein leichter Schwindel stellt sich ein. 

Denn der intime, glasgedeckte Hinterhof, der 

in die Galerie geleitet, wird durch eine massstabsgerechte 

Fotoreproduktion seiner selbst 

verdoppelt. So entsteht ein Tromp l’Œil, ein 

Tiefenraum, wo eigentlich eine flächige Wand 

verläuft. Und in diesen Tiefenraum platziert 

Nils Nova (*1968) perspektivverzerrend ein 

reales Gemälde, das erst auf den zweiten Blick 

als solches dingfest gemacht werden kann, 

nämlich bei genügender Annäherung. Zu sehen 

ist eine quadratische schwarze Leinwand, eine 

ikonische Malerei, die zunächst an Malewitsch 

erinnert, aus der Nähe aber einen Flusslauf, 

Ton in Ton gemalt, erkennen lässt: ‹Black River› 

lautet der Titel, der bewusst auch umweltpolitische 

Assoziationen wecken soll. 

Im Innenraum der Galerie setzt sich das 

gekonnte Spiel mit der Illusion fort. Auch hier 

wird der Raum fotografisch verdoppelt und 

damit scheinbar erweitert. Und auch hier 

werden Gemälde, diesmal in kräftigen Farben, 

in die räumliche Fotokulisse platziert und 

die Perspektiven so durcheinandergebracht. 

Eine Ausstellung, die in vielfacher Hinsicht 

bezaubert! MH 

Gina Proenza, ‹L’ami naturel VIII›, 2024, 

Metall, Keramik, Textil, Motor, hölzerne Zunge, 

90 x 50 x 80 cm. Foto: Jonas Hängg 

→ MCBA, Espace Projet, bis 1.9. 

↗ mcba.ch 

Nils Nova, ‹Dunkler Fluss›, 2024, Acryl auf 

Leinwand, 50 x 50 cm, gehängt auf Fototapete, 

Ausstellungsansicht Kali Gallery, Luzern 

→ Kali Gallery, bis 25.7. 

↗ kaligallery.com 


Jorge Raka / Patricio Gil Flood 

Martigny — Unter dem Titel ‹Paraísos inseguros› 

vereint Le Manoir die Arbeiten der 

südamerikanischen Künstler Jorge Raka 

(*1980) und Patricio Gil Flood (*1977), die 

beide übers Kunststudium in die Westschweiz 

gelangt sind und an der Kunsthochschule 

im Wallis studiert haben. Ihre Werke zeigen 

ein geteiltes Interesse daran, die durch die 

Migration abhandengekommenen Sicherheiten 

und ihre Erfahrungen im europäischen Kontext 

zu untersuchen. Beide Künstler nehmen den 

Kontinent Südamerika als Ausgangspunkt ihrer 

visuellen Explorationen, um die neuzeitlichen 

ökonomisch-kapitalistischen und sozialenkolonialen 

Verflechtungen aufzuzeigen. Das 

Thema des exotischen und umkämpften Territoriums 

beschäftigt vor allem Patricio Gil Flood, 

während Jorge Raka sich für den Körper und 

dessen Inszenierung durch Symbole, Klischees 

und Marken interessiert. 

So untersucht Raka auf direkte, oft vom 

Rennsport inspirierte Weise die Begriffe 

Geschwindigkeit, Erfolg und Fortschritt im 

Zusammenhang mit Migration und Gewalt. Er 

präsentiert Objekte der Konsum- und Sportwelt 

– etwa Kostüme oder Sicherheitsarmbänder. 

Deren rohe Ästhetik wird von Verweisen auf 

die Populärkultur, Pop Art und den medialen 

Star-Kult genährt. Rakas eigener Körper wird 

in der Performance ‹Raka’n’Roll› (2021) in der 

Verschmelzung mit einem Laufrad in diese 

Geschichte involviert. 

Patricio Gil Flood hat sich schon immer mit 

Kartografie, Poesie und Kleinpublikationen 

beschäftigt. Er imaginiert mit Postkartenausschnitten, 

einem paradiesischen Diorama oder 

Miniaturinseln aus Karton eine Umschreibung 

der Mythen und Geschichten, die mit der Exotik 

von Südamerika verbunden sind. Dabei vermisst 

der Künstler auf spekulative und poetische 

Weise auch die Produktions- und Konsummuster 

der sogenannten ‹Bananenrepublik› (2024) 

ebenso wie unseres Welthandelssystems. 

Beide Kunstschaffende lesen auf je eigene 

Weise das Narrativ von Südamerika – Eroberung, 

Ausbeutungen durch Handel und koloniale 

Besetzung – und erzählen das von ihnen 

Erlebte im Kontext der heutigen zeitgeschichtlichen 

Prämissen auf ihre persönliche Art. Das 

Paradies ist für jeden Künstler ein heterotopes 

System unserer Sehnsüchte, das wir entweder 

als Tourist:innen konsumieren oder als 

Migrant:innen im Kontrollsystem der Bevölkerungspolitik 

neu erobern müssen. SO 

Jorge Raka, ‹The authentic soul of the pilots 

(Sponsors Wishlist)›, 2024 (Detail), Overall mit 

Aufnähern, ca. 150 x 60 x 15 cm 

Patricio Gil Flood, ‹Souvenirs›, 2022, 

zerschnittene Postkarte, 10 x 15 cm 

→ Le Manoir, bis 8.9. 

↗ manoir-martigny.ch 

HINWEISE // LAUSANNE / LUZERN / MARTIGNY 

79

Claudia & Julia Müller 

Offenburg — In Offenburg, einer mittelgrossen 

Stadt zwischen Basel und Karlsruhe, ist 

es aktuell möglich, sich auf grosszügige und 

anregende Weise damit vertraut zu machen, 

wie Claudia und Julia Müller seit Beginn der 

1990er-Jahre künstlerisch arbeiten. Der Anlass 

dazu ist festlich: Dem Duo wurde der Oberrheinische 

Kunstpreis 2024 verliehen, das 

trinationale Äquivalent zum Prix Meret Oppenheim, 

den sie 2010 erhalten haben. Mit Woodie 

Guthries Folksong ‹All You Fascists Bound 

to Loose›, live gesungen von Sophie Jung & 

Friends, endete die Preisverleihung. 

In ihrer Ausstellung in der Städtischen Galerie 

machten sich Claudia und Julia Müller die 

Eigenheit des Grundrisses aus acht weiss 

gestrichenen Räumen mit seitlichen Fenstern 

zum dramaturgischen Konzept. Sie unterlaufen 

die Erwartung an einen vorgespurten Rundgang 

und bieten stattdessen ein mögliches immersives 

Habitat für Kunst mit zwei Eingängen 

an. Die Szenografie entstand aus der Frage, 

wie sie «die Räume erzählerisch beleben oder 

herausfordern könnten». Jeweils vier Räume 

verlaufen entlang einer Enfilade und bilden 

eine Einheit. Dazwischen liegt eine Wand, 

sodass einer der beiden Teile der Ausstellung 

sich faktisch immer ‹Behind the Wall› befindet, 

so der mehrdeutige Titel der Schau. Für die 

Umsetzung blieb den Künstlerinnen rund ein 

Jahr Vorlaufzeit. Während des Aufbaus und 

vor dem Einrichten behandelten sie die Wände 

der ersten vier Räume mit schwarzer Farbe. 

In Spraytechnik schufen sie ein Gradient von 

Schwarz zu Weiss, der in jedem Raum höher 

ansetzt, bis zu dem Punkt, an dem alle Wandflächen 

schwarz sind; auf den darauffolgenden 

vier Wänden verläuft die Bewegung rückwärts 

zurück bis zum weissen Nullpunkt. 

Zu Beginn und zum Schluss paaren die «Müller 

Sisters» die grosse Geste mit dem Spiel aus 

Illusion und Desillusion. In leichtem Kurvenverlauf 

sind liegende Frauenakte als Digitaldrucke 

auf Stoff im Panoramaformat von der 

Decke abgehängt: «Vorhangschönheiten», die 

in Anverwandlung von Personifikationen für 

den Sonnenaufgang und Sonnenuntergang 

den Blick in den Raum richten oder sich wie 

vor dem abendlichen Einschlafen wegdrehen. 

In den Settings der beiden «Halbtage» treffen 

Besuchende auf Listen, Zeichen, Bilderrätsel 

und überzeitliche Figuren wie den Heiligen 

Antonius; kraftvolle Werke von Anfang 2000 aus 

privaten und öffentlichen Sammlungen werden 

der Bewährungsprobe ausgesetzt und mit 

neuen Arbeiten wie ‹Social Batteries› kombiniert. 

SM 

Claudia & Julia Müller, ‹It ends where it 

begins (Sunset)›, 2024, Ausstellungsansicht 

Städtische Galerie Offenburg 

Claudia & Julia Müller, ‹Rebus (Lehrling ohne 

Meister)›, 2009, Scherenschnitt, Türe, Zylinder, 

Stadtplan, Ausstellungsansicht Städtische 

Galerie Offenburg 

→ Städtische Galerie Offenburg, bis 6.10. 

↗ galerie-offenburg.de 


Éphémère et durable 

Onex / Saint-Julien-en-Genevois — Seit mehr 

als zwanzig Jahren arbeitet der Architekt 

Georges Descombes gemeinsam mit verschiedensten 

Fachleuten und der Bevölkerung an 

der Renaturierung der Aire. Sie entspringt 

unter dem Bergrücken Salève in Frankreich 

und ergiesst sich elf Kilometer weiter unten in 

der Schweiz in die Arve. Zum zweiten Mal seit 

2021 findet nun unter der Leitung der freien 

Kuratorin Hélène Maréthioz in der erstaunlichen, 

zugleich spektakulär strukturierten, 

wie von kraftvoller Natur durchdrungenen 

Landschaft ein echt tiefenökologischer 

Kunstspaziergang statt, getragen von den fünf 

Gemeinden hüben und drüben der Grenze. 

Die zwölf via Wettbewerb aus beiden Ländern 

ausgewählten Kunstschaffenden machen uns 

einerseits die vielschichtigen Entwicklungen 

der Landschaft bewusst und lassen uns andererseits 

oft erst die Worte für deren Schönheit 

und Bedeutung finden. 

Die künstlerischen Setzungen sind diskret 

und leicht reversibel, wie etwa das Paar von 

«Papierschiffchen» aus lokalem Kalkstein 

von Luzia Hürzeler (*1976), von denen man 

das erste beim Herannahen an eine Brücke 

entdeckt und das zweite beim Blick von ihr auf 

die andere Seite. Sie lassen sofort Kindheitserinnerungen 

aufleben und können zugleich 

zu philosophischen Reflexionen über Zeit, 

Raum und Erkenntnis verleiten. Das Iglu aus 

Ästen und Schlamm von Elvia Toetski (*1993), 

bei dessen schierem Anblick man bereits eine 

Form von Geborgenheit erfährt, ist so angelegt, 

dass es Biber beziehen und ausbauen 

können. Die Arbeit von Pauline Cordier (*1992) 

& Charlotte Schaer (*1991) wiederum hat als 

Ausgangspunkt eine der Rauten, die um den 

alten Kanal herum in den Boden geschnitten 

worden waren, um dem Fluss wieder das freie 

Mäandrieren zu erlauben. Die Künstlerinnen 

haben eine dieser geometrischen Einkerbungen 

aufgeschichtet und mit Steinen belegt, 

wodurch sich diese innert kürzester Zeit in ein 

Mekka für sonnenfreudige Pflanzen, Insekten 

und Reptilien verwandelt hat. 

Viele der Arbeiten sind ähnlich minimalistisch 

gehalten, doch es gibt auch Surrealistisches 

wie die unheimlichen Totems aus verkohlten 

Stammrümpfen und Asthaaren von Aurélie Menaldo 

(*1983). Eine die Imagination besonders 

anregende Arbeit stammt von Rudy Decelière: 

Auf den Mauern links und rechts einer Schleuse 

ist durch die punktuelle Entfernung des 

dunklen Mooses das illusionistische Bild eines 

Meeres entstanden. Das Fliessen und Rauschen 

des Wassers wird an dieser Stelle wie 

sonst nirgends plötzlich zu einem essenziellen 

Teil der Wahrnehmung, und gleichzeitig tritt der 

ganze Zyklus des lebensspendenden Nasses in 

weiteren, stupenden Naturbildern von Wolken 

und Bergen vor das innere Auge. KHO 

Pauline Cordier & Charlotte Schaer, 

‹(ré)organisées›, 2024, Erde, Steine, Kokosmatte, 

ca. 11,5 x 17,7 m. Foto: Emmanuelle Bayart 

Aurélie Menaldo, ‹Litha, Ostara, Mabon›, 

2024, verkohltes Holz, h: ca. 3–4 m. 

Foto: Emmanuelle Bayart 

→ Öffentlicher Raum entlang der Aire, 

bis 13.10. 

↗ ephemere-et-durable.ch 

HINWEISE // OFFENBURG / ONEX / SAINT-JULIEN-EN-GENEVOIS 

81

Halt — Alles fliesst 

Samstagern — Finden die Füsse keinen Halt, 

rutscht der ganze Mensch. Gibt der Boden 

nach, so verliert die Welt ihren Halt. Oder weist 

der vieldeutig einsetzbare Titel ‹Halt› 

der Ausstellung auf dem Biohof Froh Ussicht 

von Martin Blum auf eine Pause hin, um sich 

zu (be-)sammeln? 

Das Kollektiv Lithic Alliance von Daniel V. Keller 

(*1987) spielt mit dieser Doppeldeutigkeit und 

weist mit einer intensiv grün leuchtenden LED- 

Laufschrift darauf hin, dass auch Steine reden 

können: ‹Steine lesen um die Zeit zu begreifen› 

heisst das Werk, und wir müssen innehalten, 

um die ganze Nachricht lesen zu können. 

Wobei das Wort «lesen» hier doppelt besetzt 

ist, denn es wird nicht nur als intellektuelle, 

sondern auch als manuelle Tätigkeit verstanden: 

Die Installation ist bewusst bei den «Lesesteinen» 

platziert, also jenen Steinen, die in 

mühsamer Handarbeit von Wiesen und Äckern 

aufgelesen werden. 

Zwei Installationen von Una Szeemann (*1975) 

befassen sich mit der flüchtigen Materie des 

Blitzes (‹Opposite Affinity›, Leuchtröhre an der 

Scheunenwand) und mit der Bedeutung mittelalterlicher 

Literatur zu Hexenpflanzen (‹Incantarsi 

«Hedera helix»›, Bronzeguss im Hofladen). 

Letztere ist eine Kombination aus Efeu und der 

Chinesischen Hanfpalme, welche unter dem 

Namen ‹Tessinerpalme› als invasiver Neophyt 

auf der Schwarzen Liste steht. Man will ihr 

so Einhalt gebieten. Kein Halten gibt es aber 

bei Kindern, wenn sie Marshmallows grillen 

können. Mickry3 haben mit ‹Meltingpoint› eine 

Feuerstelle ganz darauf eingerichtet, diesem 

Vergnügen keinen Einhalt zu gebieten. 

Die Performance ‹Querbeet – Im Testfeld der 

Wünsche›, ein Projekt von Tim Zulauf, wurde am 

Eröffnungswochenende aufgeführt und ist als 

Video per QR-Code vor Ort abrufbar. Ab nächstem 

Jahr werden Carole Kambli und Sabine 

Rusterholz mit Vorbereitung und Kuratorium 

massgeblich an den Ausstellungen auf der Froh 

Ussicht beteiligt sein. 

Einzelne ältere Werke sind dem Zahn der Zeit 

ausgesetzt und müssen manchmal versetzt 

oder erneuert werden, wie die leuchtend roten 

Wollkugeln von Marion Strunk. Die ‹wollen› 

betitelte Installation fand ihre neue Heimat an 

einer ‹Baumruine› in der Nähe des imposanten, 

fast ganz mit Efeu geschmückten Birnbaums, 

über dessen Halt bietendes Wurzelwerk man 

nur mutmassen kann. Hofkatze Düsi hat sich 

derweil ganz hinten im kleinen Treibhaus im 

Stroh eine tiefe Schlafkuhle gebaut und überführt 

den ‹Long Nap› von Pedro Wirz in einen 

«Cat Nap». TS 

Mickry3, ‹Meltingpoint›, 2024, Ausstellungsansicht 

Froh Ussicht, Samstagern 

Lithic Alliance, ‹Steine lesen um die Zeit 

zu begreifen›, 2024, LED-Laufschrift, Ausstellungsansicht 

Froh Ussicht, Samstagern 

→ Froh Ussicht, Hof Blum, bis 27.10. 

↗ frohussicht.ch 


Who Cares?! Aktuelle Perspektiven 

auf Sorgearbeit 

Schaffhausen — Der Nordraum der Vebikus 

Kunsthalle fühlt sich an wie ein Schulzimmer 

während der Pause: Acht eigentümliche Stühle 

stehen um je drei Flachbildschirme im Kreis. 

Es handelt sich um die 3-Kanal-Videoinstallationen 

‹Liberty, Love and Loneliness I & II› 

(2021 / 2024) von Philip Ortelli sowie um die 

vom Künstler mit Studierenden gefertigten 

‹Norm Chairs› (2024). Die aus seriell produzierten 

Möbelteilen zusammengesetzten 

Stühle sind wider Erwarten bequem; die Videos 

hingegen veranschaulichen die unbequemen 

Lebensrealitäten queerer Menschen, die 

mit Gewalt und Diskriminierung konfrontiert 

sind, sowie Strategien der Self-Care innerhalb 

ihrer Communitys. 

Wesentlich unscheinbarer, aber umso poetischer 

wirkt die Arbeit ‹Sieben Tage die Woche› 

(2022) von Alain Jenzer, für die der Künstler 

sieben Papierblätter zerknüllt und wieder glatt 

gestrichen hat. Das Papier wird zu einer vom 

Leben gezeichneten Haut und weckt Assoziationen 

an die Pflege von älteren Personen. 

Den Balanceakt zwischen (Sorge-)Arbeit, Administration, 

Kinderbetreuung und Kunstschaffen 

thematisiert die grossflächige Wandzeichnung 

‹Priorities› (2024) von Ana Vujić. Das Porträt 

der Künstlerin zwischen Papierstapeln und 

Kinderspielzeug entwickelt gerade bei näherer 

Betrachtung der Kohlestriche an der Wand 

eine gewisse Dringlichkeit und verweist darauf, 

dass Kunstschaffen selbst eine körperliche 

und durchaus prekäre Arbeit sein kann, die von 

Sorgfalt und Empathie getragen wird. 

Nachdenklich stimmt auch das Video ‹Arbeit 

als Liebe. Liebe als Arbeit.› (2018), das Brigitte 

Dätwyler & Lena Maria Thüring in Zusammenarbeit 

mit fünf Klientinnen der FIZ (Fachstelle 

Frauenhandel und Frauenmigration) erstellt 

haben. Die zu einer Sound- und Bildcollage 

zusammengefügten Geschichten erzählen von 

(un-)bezahlter Pflegearbeit und emotionalen 

Belastungen, welche die Protagonistinnen an 

den Rand der Erschöpfung bringen. 

Insgesamt zehn künstlerische Positionen hat 

die Gastkuratorin Sarah Merten für die Ausstellung 

‹Who Cares?! Aktuelle Perspektiven auf 

Sorgearbeit› versammelt. Sie werden ergänzt 

durch einen Audio-Walk, ein Begleitheft, einen 

Care-Space und eine Water-Station, die von 

den Studierenden der F+F Schule für Kunst 

und Design im Rahmen des Projekts ‹Politics of 

Care – Kulturarbeit als Sorgearbeit› erarbeitet 

wurde. Dieser Titel hätte besser gepasst, denn 

die breit angesetzte Thematik lässt so Perspektiven 

etwa aus Pflegeberufen, Sozialforschung 

oder Naturschutz vermissen. AU 

‹Who Cares?! Aktuelle Perspektiven auf 

Sorgearbeit›, Ausstellungsansicht Vebikus 

Kunsthalle, Schaffhausen. Foto: Marvin Jumo 

‹Who Cares?! Aktuelle Perspektiven auf Sorgearbeit›, 

Ausstellungsansicht Vebikus Kunsthalle, 

Schaffhausen, mit einer Installation von 

Azad Colemêrg (vorne) und Fotografien von 

Marvin Jumo. Foto: Marvin Jumo 

→ Vebikus Kunsthalle, bis 21.7. 

↗ vebikus-kunsthalle-schaffhausen.ch 

HINWEISE // SAMSTAGERN / SCHAFFHAUSEN 

83

Barry Le Va 

Vaduz — «Einen Eindruck von Ganzheit ausschliessen 

und sich auf Einzelteile, Fragmente, 

unvollständige Handlungen und Strukturen 

konzentrieren.» Diese Notiz von Barry Le Va 

(1941–2021) aus dem Jahr 1989 charakterisiert 

fast alle seiner dreidimensionalen Arbeiten, 

die derzeit im Kunstmuseum Liechtenstein 

zu sehen sind. ‹In a State of Flux› ist die erste 

Retrospektive nach dem Tod des US-amerikanischen 

Künstlers. Sie richtet das Augenmerk 

nicht nur auf den radikalen Bildhauer, sondern 

ebenso sehr auf den aufmerksamen Denker 

und Planer. 

Der Ausstellungsparcours beginnt mit Werken 

von herausfordernder Präsenz: ‹Cleaved Wall› 

(1969/70) besteht aus zwölf in die Wand gehauenen 

Metzgerbeilen. Für ‹Shots from the End 

of a Glass Line› (1969/70) gibt eine Schlangenlinie 

aus zerbrochenem Glas die Distanz 

vor, von der aus fünf Revolverschüsse auf ein 

Stahlrohr abgegeben werden. Aus der Serie 

der ‹Scatter Pieces›, zersplitterten Scheiben, 

sind drei Beispiele vertreten. Barry Le Va hat 

mit diesen Werken die Bildhauerei an ihre 

Grenzen geführt; er hat destruktive Momente 

in eine konstruktive Form übersetzt. Aus der 

Zerstörung und Streuung resultieren neue 

Ordnungssysteme wie Stapel, Reihen oder die 

variabel angeordneten ‹Distribution Pieces› 

aus Filzstücken und Metallkugeln. Und er hat 

Prozesse initiiert, die für jede Installation neu 

umgesetzt werden müssen – dies führte für die 

erste Ausstellung nach seinem Tod zu vielen 

Fragestellungen und intensiven Recherchen in 

unterschiedlichen Archiven. Briefe, Notizen und 

Zeichnungen des Künstlers lieferten Hinweise 

für die Ausführung und mehr noch: Dank der 

Forschungsarbeit kann bisher unentdecktes 

Material gezeigt werden, beispielsweise ein 

Filmfragment des Videopioniers Gerry Schum 

mit Anweisungen von Le Va. 

Der Präsentation gelingt die enge Verbindung 

zwischen dem Physischen und dem Konzeptuellen 

in Barry Le Vas Schaffen. Jedem skulpturalen 

Werk gehen zahlreiche Studien voraus. 

Der Künstler skizziert Varianten, Vorüberlegungen, 

räumliche Situationen. Diese Notationen 

werden in Liechtenstein in Nachbarschaft zu 

den Installationen gezeigt, jedoch ohne deren 

Präsenz zu beeinträchtigen: Raumgreifende 

Werke und Zeichnungskonvolute folgen einander 

in schlüssiger Inszenierung. Zur Ausstellung 

ist eine dreibändige Publikation in Arbeit, 

unter anderem mit erst- und wiederveröffentlichten 

Interviews mit dem Künstler. KS 

Barry Le Va, ‹Equal Quantities: Placed or 

Dropped In, Out, and On in Relation to Specific 

Boundaries›, 1967, Slg. Michalke, Ausstellungsansicht 

Kunstmuseum Liechtenstein, 

Vaduz. Foto: Sandra Maier © Estate of Barry 

Le Va, David Nolan Gallery, New York 

‹Barry Le Va – In a State of Flux›, Ausstellungsansicht 

Kunstmuseum Liechtenstein, Vaduz. 

Foto: Sandra Maier © Estate of Barry Le Va, 

David Nolan Gallery, New York 

→ Kunstmuseum Liechtenstein, bis 29.9., 

danach Fruitmarket, Edinburgh (ab 26.10.), und 

Museum Kurhaus Kleve (ab Frühjahr 2025) 

↗ kunstmuseum.li 


La main (et) le gant / Oskar 

Kokoschka 

Vevey — Das Musée Jenisch Vevey beweist 

einmal mehr eine glückliche Hand mit einer 

Ausstellung, die sich aus der eigenen Druckgrafik-Sammlung 

wie auch aus Leihgaben von 

Werken unterschiedlicher Medien speist. Eine 

Ausstellung über die Hand in der Kunst wäre 

vielleicht pathetisch geraten. Die Verknüpfung 

der Hand mit dem Handschuh sorgt aber für 

das Eindringen des Sozialen und nicht selten 

auch für eine ungemeine Laszivität. So etwa in 

dem Aquarell von Ulla von Brandenburg, das 

auch den schönen Katalog ziert: Lang gezogene 

Pinselstriche suggerieren bis über die Ellbogen 

gezogene Handschuhe, wovon der eine humorvoll 

den Zeigefinger hebt. Der Handschuh 

ist eines von sieben Kapiteln der Ausstellung, 

die spontane, taktile, kommunikative, spielende, 

das Gesicht schützende und stützende 

und arbeitende Hände zeigt, nicht zuletzt der 

Kunstschaffenden selbst! Zu dieser von Philippe 

Piguet gastkuratierten Ausstellung gesellt 

sich die aktuelle Hängung der Werke aus der 

von Aglaja Kemp geleiteten Fondation Oskar 

Kokoschka im Haus. Fehlen die allzu berühmten 

Hände von Dürer in der Ausstellung ‹La 

main (et) le gant›, kommen die betenden Hände 

in der Schau ‹Kokoschka à portée de main› als 

zusätzliche Variante zum Tragen. KHO 

Ulla von Brandenburg, ‹Sans titre›, 2006, 

Wasserfarbe auf Seidenpapier, 75 x 55 cm, 

Musée Jenisch Vevey. Foto: Julien Gremaud 

→ Musée Jenisch Vevey, bis 18.8. bzw. 25.8. 

↗ museejenisch.ch 

The Last Artwork Vol.2 

Wädenswil — «Ende der Ausstellung» steht 

auf dem Foto, das Christoph Draeger gleich 

zu Beginn der Schau in der Kunsthalle 8000 

platziert hat – dort, wo die Besuchenden die 

Industriehalle via Treppe eben erst betreten. 

Indem Draeger dieses, dem lokalen Publikum 

bekannte, immer etwas verloren wirkende 

Hinweisschild aus der Kunsthalle Zürich am 

Anfang der Schau ‹The Last Artwork› zeigt, 

beleuchtet er eine Möglichkeit, auf das im Titel 

angedeutete Ende zu reagieren. Der (schwarze) 

Humor ist einer von vier Strategien, die diese 

Gruppenausstellung mit 16 Schweizer und ausgesuchten 

internationalen Positionen zu dem 

Thema durchspielt. 

Der zweite Komplex umfasst Werke, die in 

«Resignation» verfallen. Etwa Lorenza Longhis 

‹The Sun is Sold›: Graue Malerei kombiniert 

Fonts aus Life-Magazinen der 1950er-Jahre. 

Noch drastischer ist Mitchell Andersons blutige 

Hand, wenn er das Symbol des Schweizerischen 

Roten Kreuzes SRK in eine wandfüllende 

Anklage verkehrt. Es folgt die künstlerische 

Selbstausbeutung als dritter «Endpunkt», 

etwa in Nicole Zachmanns Fotografie ‹Susann 

Walder›, welche die im Zürich der 1990er-Jahre 

bekannte Performerin und Musikerin als eine 

Art Cheerleaderin mit Stiefeln und Kindergewehr 

inszeniert. Charlie Steins Porträt einer 

gesichtslosen, in Latex gehüllten Figur mit rosa 

Haar oszilliert ebenfalls zwischen Anziehung 

und Abstossung, oberflächlicher Schönheit und 

latenter Gefahr. 

Die vierte und letzte Strategie postuliert das 

Ende des Marktes: Ai Weiweis Installation 

‹Safety Jackets Zipped the Other Way› (2020), 

in Zusammenarbeit mit einem deutschen 

Baumarkt entstanden, gibt quasi allen die Möglichkeit, 

sich aus orangen Sicherheitsjacken ein 

Readymade des Kunst-Stars zusammenzustellen. 

Ein Manual validiert das Werk per Interview 

mit Hans Ulrich Obrist und schlägt gleichzeitig 

verschiedene Knüpfarten vor. Ghost R.s liegender 

Ronald McDonald im selben Raum geht in 

eine ähnliche Richtung, wobei hier die Unsicherheit 

durch die doppelte Natur des Clowns 

HINWEISE // VADUZ / VEVEY / WÄDENSWIL 

85

entsteht, während in Valentina Stiegers ‹Made 

To Measure (Method)› (2022) sich ein simples 

IKEA-Regal seiner Rückseite entledigt. 

«Erwarten Sie nicht zu viel vom Ende der Welt» 

steht im Ausstellungstext über dem Glossar: In 

diesem Sinne befragt diese Schau sicher alles 

andere als umfassend, aber dafür unterhaltsam 

das sagenumwobene Wesen des «letzten 

Kunstwerks»! AD 

‹The Last Artwork Vol.2›, Ausstellungsansicht 

Kunsthalle 8000, Wädenswil, mit Werken 

von Mitchell Anderson, Lori Hersberger und 

Adam Cruces 

Angela Anzi 

Winterthur — Medusa lacht. Ein breites, schiefes 

Grinsen zieht sich über ihr fratzenhaftes Gesicht. 

Sie kennt die alte Geschichte, aber kann 

sie die Muster umschreiben, die den Frauen in 

einer patriarchalen Welt angedichtet werden? 

Mit den Fingern hat Angela Anzi Medusas Antlitz 

in eine flache Tonscheibe gezeichnet. Es ist 

kaum mehr als eine Andeutung aus schwungvoll 

gezogenen Furchen im weichen und schliesslich 

glasierten und gebrannten Material. Es 

führt weiblich gelesenes Begehren ebenso ad 

absurdum wie den männlichen Blick darauf. Die 

Keramik hängt als erstes Werk Anzis Ausstellung 

‹Chanted Water› im Kunstraum oxyd. 

Und sie stimmt ein auf die Welt mystischer 

Wesen, denen die in Basel lebende Künstlerin 

ihre Recherchen widmet. Sie lässt Sirenen 

singen, Nereiden locken, Hexen flüstern. Den 

jahrhundertelang von Künstlern idealisierten 

oder dämonisierten Gestalten antwortet sie 

mit Fratzen und Fragmenten: Ein Fischschwanz 

muss reichen, oder ein paar Vogelkrallen. 

Sprachfetzen dringen ans Ohr. Aus glänzenden 

Brüsten ergiesst sich Wasser schwallweise und 

anspielungsreich. Es glänzt und plätschert. 

Zwischen den Keramiken liegen Kabel, stehen 

Verstärker. Alles ist gleichberechtigt, die 

Technik, die Objekte, der Sound – aber auch die 

neuen Inhalte. Überholte Stereotypien werden 

nicht weitergeschrieben, stattdessen werden 

neue Bezugssysteme möglich. KS 

‹The Last Artwork Vol.2›, Ausstellungsansicht 

Kunsthalle 8000, Wädenswil, mit Werken 

von Charlie Stein, Bob Gramsma und Christoph 

Draeger © ProLitteris 

→ Kunsthalle 8000, bis 31.8. 

↗ kunsthalle8000.ch 

‹Angela Anzi – Chanted Water›, Ausstellungsansicht 

oxyd – Kunsträume, Winterthur 

© ProLitteris. Foto: Sarah Hablützel 

→ oxyd – Kunsträume, bis 28.7. ↗ oxydart.ch 


Maillol und Sintenis 

Winterthur — Natürlich ist es das Material 

und die bald mehr, bald weniger vorhandene 

Anmut, die sich in den drei Gestalten zeigt. Und 

natürlich ist es auch das, was man als gelebtes 

Leben bezeichnen könnte, was den Charme 

jener ‹Méditerranée› ausmacht, die 1931 in 

Oskar Reinharts Sammlung gelangte. Der grosse 

Kunstförderer Harry Graf Kessler hatte die 

um 1905 bis 1907 für ihn geschaffene Skulptur 

infolge der Weltwirtschaftskrise veräussern 

müssen; Reinhart gab ihr, zunächst im Garten 

seines Anwesens «Am Römerholz», ein neues 

Zuhause. Die Witterung hat Spuren auf dem 

feinkörnigen Kalkstein hinterlassen, und Erinnerungen 

hängen an ihr, wie die von 1926, als 

sie noch in Kesslers Wohnung stand und Josephine 

Baker bei einer Einladung für sie tanzte. 

Doch was lässt sie im Vergleich zu den beiden 

anderen, dem Zwischenprodukt aus Gips und 

der späteren Marmorfassung, die im grossen 

Galeriesaal der Sammlung Oskar Reinhart 

«Am Römerholz» zusammengefunden haben, 

so schön und lebendig erscheinen? Von vorne 

gesehen sind alle drei Figuren von geschlossener 

Kompaktheit. Doch von der Seite her gibt 

es vier Durchblicke. Und da erkennt man bei ihr 

die leichte Abwärtsneigung des linken Oberarms, 

die zur Vollkommenheit der Kauernden 

beiträgt. Bei den andern zwei, schwerfälliger 

die eine, kühl-distanzierter die andere, bleibt 

der Oberarm in der Waagerechten. 

Solche Beobachtungen lassen sich in der von 

Kerstin Richter und Katja Baumhoff kennerisch 

und feinfühlig gestalteten Ausstellung ‹Von 

Grösse und Grazie – Maillol und Sintenis› immer 

wieder machen. Zum ersten Mal überhaupt 

stehen Skulpturen im Zentrum einer Römerholz-Schau, 

die mit gut sechzig Werken fast 

alle Räume bespielt. Die Gegenüberstellung 

des Meisters von Profil und Kontur mit der eine 

Generation jüngeren Renée Sintenis (1888– 

1965), die sich seit Mitte der 1920er-Jahre im 

Berliner Kunstbetrieb etablierte und vor allem 

der kleinen Form verschrieb, schärft den Blick 

für das jeweilige Schaffen. Beide kannten und 

schätzten sich. Natürlich spielt Maillol mit gut 

zwei Dritteln der Exponate die Hauptrolle in der 

Ausstellung, dafür dürfte Sintenis, an der das 

Interesse gerade wieder wächst, für viele eine 

Entdeckung sein. Ihre bewegten Figuren wie 

die ‹Kleine Daphne› und die springlebendigen 

Fohlen möchte man am liebsten in die Hand 

nehmen. So wie es Ambroise Vollard auf dem 

Renoir-Bild von 1908 mit Maillols ‹Jeune fille 

accroupie› tut, einer frühen Kleinplastik, die 

gleich neben dem Gemälde zu sehen ist. Die 

Schau wird von einem sehr informativen Katalog 

begleitet. AM 

Aristide Maillol, ‹Étude pour La Méditerranée›, 

1904, Kohle auf Papier, 22,5 x 22,5 cm, Kunst 

Museum Winterthur, Stiftung Oskar Reinhart 

Renée Sintenis, ‹Rückblickendes Fohlen›, 1919, 

Bronze, 9,5 x 11,5 x 3,5 cm 

→ Sammlung Oskar Reinhart «Am Römerholz», 

bis 15.9. 

↗ roemerholz.ch 

HINWEISE // WÄDENSWIL / WINTERTHUR 

87

Kiesler heute — Werkdialoge 

mit Zeitgenoss:innen 

Zug — Friedrich Kiesler (1890–1965) hat Zug 

fest im Griff: Nachdem das örtliche Kunsthaus 

den österreichisch-US-amerikanischen Architekten, 

Bühnenbildner und Ausstellungsmacher 

in der ersten Jahreshälfte als bildenden 

Künstler präsentiert hat, folgt nun der zweite 

Teil seiner Würdigung. In ‹Kiesler heute – Werkdialoge 

mit Zeitgenoss:innen› stehen seinen 

Arbeiten 16 zeitgenössische Positionen aus 

Deutschland, Österreich, der Schweiz und den 

USA gegenüber. Aus der Einzelausstellung 

wird eine kollektive Schau, die gleichermassen 

vielschichtig wie herausfordernd ist. 

Denn allein schon Kieslers avantgardistisches 

Œuvre in seiner Vielgestaltigkeit zu erfassen ist 

keine leichte Aufgabe. Da finden sich abstrakte, 

mehrteilige Gemälde, raumfüllende Skulpturen, 

Architekturmodelle und multifunktionale 

Sessel – von Genres und Konventionen liess 

sich Kiesler nie einschränken. Der Dialog mit 

zeitgenössischen Arbeiten, von denen einige 

eigens für die Ausstellung entstanden sind, 

macht das Feld noch weiter auf und zeigt, wie 

Kiesler bis heute inspiriert. Die Skulpturen des 

Österreichers Heimo Zobernig (*1958) etwa 

fügen sich mit ihren Schalen und Schichten 

nahtlos ins Kiesler-Universum ein, während der 

Däne Olafur Eliasson (*1967) in der Videoarbeit 

‹Moving Museum› (2009) wie einst Kiesler 

Architektur und Skulptur zusammendenkt. 

Und die Schweizer Bildhauerin Sara Masüger 

(*1978) hat mit ‹Inside Out› (2024) eine riesige, 

grottenähnliche Skulptur geschaffen, die nicht 

zuletzt durch ihre Dimensionen und ihr begehbares 

Inneres an Kiesler gemahnt. 

So entfaltet sich im Kunsthaus Zug ein dichtes 

Netz aus thematischen und formalen Verbindungen. 

Diesen nachzuspüren bereitet 

geradezu detektivische Freude – auch wenn 

dabei die Werke als solche zuweilen ein wenig 

in den Hintergrund geraten. Und trotz starker 

Einzelpositionen: Kiesler bleibt das Zentrum, 

um das sich alles dreht. So passt es, dass 

einen als Höhepunkt am Ende der Ausstellung 

Kieslers monumentale Plastik ‹Bucephalus› 

(1962–1965) erwartet, ein am Boden liegendes, 

raumfüllendes Pferd. Die Besucher:innen können 

in dessen Bauchhöhle kriechen und sich 

auf eine Decke legen. Man fühlt sich behütet in 

diesem Gewölbe, dessen Wände mit steinzeitlich 

anmutenden Zeichnungen versehen sind. 

Und man muss den anfänglichen Eindruck revidieren: 

Ja, der Ausstellungsbesuch ist zuweilen 

kopflastig und Kieslers Werk oft konzeptuell – 

und doch hat beides eine sinnliche, körperliche 

Facette, die zu erfahren sich lohnt. TSO 

Sara Masüger, ‹Inside Out›, 2024, Acrystal, 

Holz, PU-Schaum, Styropor, Gips, Farbe, 

Masse variabel, Ausstellungsansicht 

Kunsthaus Zug. Foto: Jorit Aust 

Friedrich Kiesler, ‹Bucephalus›, 1962–1965, 

Aluminium, Blattgold, Multimedia, Sound, 

8,23 x 2,74 x 4,27 m, Ansicht Kunsthaus Zug 

© Österreichische Friedrich und Lillian 

Kiesler-Privatstiftung, Wien. Foto: Jorit Aust 

→ Kunsthaus Zug, bis 6.10. 

↗ kunsthauszug.ch 


There I lost myself, I lost myself 

Zürich — Eine grosse Fensterfront, noch mit 

den floralen Goldornamenten des Vormieters 

– einem Pub – gerahmt, prägt den neuen 

Standort von Blue Velvet Projects in Zürich 

Wiedikon. Die bewusst belassene nostalgische 

Verzierung trägt nun atmosphärisch zur 

zweiten Ausstellung an diesem Ort bei: ‹There I 

lost myself, I lost myself› kreist um persönliche 

und politische Krisen und Dystopien. Die Schau 

geht von einem zentralen Diptychon von Louisa 

Gagliardi zum Thema der individuellen Verlorenheit 

aus. Gemalt in der für die Künstlerin 

typischen, leicht milchigen Farbigkeit, sitzen 

in ‹Visitors› (2024) zwei unbeteiligte Figuren, 

die eine im Morgenmantel, die andere nackt, in 

einer kalten Architektur. Der Hintergrund gibt 

den Blick in die Natur frei, im Vordergrund hält 

eine illusionistische gigantische Türkette die 

beiden Szenen zusammen. 

Ist hier die Bedrohung latent, offenbart sich 

diese in den Zeichnungen von Sibylle Ruppert 

aus den frühen 1970ern mit grotesken kopulierenden 

Körperhybriden drastisch. Anklänge an 

H. R. Giger liegen bei den eindringlichen, surrealistischen 

Szenen nahe, wobei das Publikum 

bei Ruppert nicht umhinkommt, dramatische 

Traumata zu vermuten. 

Von den persönlicheren Ansätzen zu Werken 

mit gesellschaftlicher Dimension: In Thomas 

Hirschhorns aktueller Serie ‹Karma› bezieht 

sich das titelgebende Thema auf die Standbilder 

von Diktatoren und politischen Führern, 

die von den Sockeln geholt werden. Hirschhorn 

arbeitete mit Fotos von Posts aus den Sozialen 

Medien, die er auf seinen unverwechselbaren 

billigen Braunkarton klebt, darum herum 

schreibt und zeichnet. Im Gegensatz dazu 

wirken Mitchell Andersons Leinwände in intensivem 

Rot und Orange prächtig. Der Künstler 

nutzt zusätzlich zur Gouache Pigmente von 

Sicherheitsfarben, mit denen er riesige Hände 

in den Farbwolken erscheinen lässt, die sich linienhaft 

abzeichnen und als Geste des Redens 

oder Betens interpretiert werden können. 

In der Arbeit von price schliesslich verschmilzt 

die persönliche mit der politischen Dimension. 

Verteilt am Boden finden sich kupferne 

Parfumflakons, die wie ruinenhafte Fragmente 

wirken: Sie erfüllen den Raum dieser nuancenreichen 

Schau mit der Erinnerung an die verlorene 

Hoffnung auf eine bessere Zeit, welche 

mit der ikonischen Flasche von «Fracas» um 

1948 verbunden war. AD 

‹There I lost myself, I lost myself›, Ausstellungsansicht 

Blue Velvet Projects, Zürich, mit 

Werken von Louisa Gagliardi (links) und 

Thomas Hirschhorn (rechts) © ProLitteris. 

Foto: Jonathan Dirlewanger 

price, ‹Untitled (Flacon) I / II›, 2024, Kupfer, 

je ca. 35 x 25 x 15 cm, Ausstellungsansicht 

Blue Velvet Projects, Zürich. Foto: Jonathan 

Dirlewanger 

→ Blue Velvet Projects, bis 27.7. 

↗ bluevelvetprojects.com 

HINWEISE // ZUG / ZÜRICH 

89

Markus Weggenmann 

Zürich — Das ist schön, aussergewöhnlich 

schön! Erstens das, was wir neu in der Galerie 

Mark Müller zu sehen bekommen, neue Bilder 

des Malers Markus Weggenmann. Zweitens, 

die Geschichte dahinter, die Geschichte einer 

fruchtbaren Produktions- und Geschäftsbeziehung 

einerseits und die einer Freundschaft 

zwischen einem bedachtsam-klugen Künstler 

und einem sorgenden Galeristen andererseits. 

In nahezu dreissig Jahren war Markus Weggenmann 

mit über zwanzig Einzelausstellungen 

in der Galerie präsent. Eine lange gemeinsame 

Reise. Doch nichts deutet in der neuesten Ausstellung 

‹Gasping for Breath› auf Erschöpfung 

hin, auch wenn der Titel kurz daran denken 

liesse: Er bedeutet ins Deutsche übersetzt «Um 

Luft ringen». 

Ja, die Luft kann einem bei Markus Weggenmann 

wegbleiben. Jedoch nicht, weil sie den 

Betrachtenden genommen wird, sondern vor 

Erstaunen und Begeisterung. Namensgebend 

für die Präsentation 13 aktueller Arbeiten, die 

aus hochpigmentierten und darum farbintensiv 

leuchtenden Leimfarben auf Baumwolle 

bestehen, war das gewaltige Querformat von 

fast drei Metern Höhe und sechs Metern Breite, 

das die Besucher:innen bereits durch die 

grosse Scheibe neben dem Eingang der Galerie 

als Teaser sehen können. Das ist, zunächst den 

räumlichen Gegebenheiten geschuldet, dramaturgisch 

geschickt. Denn insgeheim scheint 

es, als liefen alle gezeigten Arbeiten auf dieses 

Werk zu. Es firmiert auch rezeptionsästhetisch 

als Dreh- und Angelpunkt der Ausstellung und 

zugleich, mit dem Blick durchs Fenster, als 

deren Anfangs- und Endpunkt. 

Markus Weggenmann war, begonnen mit 

seinen legendären Streifenbildern anfangs der 

1990er-Jahre, die an die Zürcher Tradition Konkreter 

Künstler gemahnten, radikaler Reduktionist 

der Form, als könnte nur so die Schönheit 

und Opulenz der Farbe zur Geltung gebracht 

werden. Dabei entwickelte er seine Bildsprache 

konsequent weiter. Ruhig und vielleicht auch 

atemlos. Bei ‹Gasping for Breath› konkurrenzieren 

zwei monumentale blaue Bildflächen 

um den erhabenen Bildraum. Die tief-preussischblaue 

scheint sich gegen die hellere 

zurückzuziehen, die in einem Vorstoss von links 

nach rechts ihre Macht behauptet. Die weissen 

Flächen scheinen Energiefelder zwischen den 

Rivalen freizusetzen. Die Betrachtenden mögen 

sich aber auch, wie oft in Weggenmanns Arbeiten, 

in eine alpine Landschaft einfühlen, hier 

zum Beispiel das kleine Hochformat ‹LW 500› 

(2024). Dann ist man nicht mehr in der USamerikanischen 

Farbfeldmalerei unterwegs, 

sondern tief in der deutschen Romantik eines 

Caspar David Friedrich. Auch das ist schön. 

Diese Reise sollte niemand versäumen. MG 

Markus Weggenmann, ‹LW 500›, 2024, 

hochpigmentierte Leimfarbe auf Baumwolle, 

160 x 130 cm 

‹Markus Weggenmann – Gasping for Breath›, 

Ausstellungsansicht Galerie Mark Müller, 

Zürich 

→ Galerie Mark Müller, bis 27.7. 

↗ markmueller.ch 


Not Vital 

Zürich — Wir dachten, der Kraft strotzende, 

von Mannesstolz gesättigte Künstlertyp sei 

ausgestorben. Aber weit gefehlt! Er hat überlebt. 

In engen Schweizer Bergtälern. Die Galerie 

Tschudi zeigt in der Schau ‹Not Vital – Silence› 

den Senter Installationskünstler, Bildhauer und 

nun auch Maler. Und wir reiben uns die Augen. 

Eine beeindruckende Bildserie treibt mit 

unserem Blick Schabernack. Zwei tiefblaue Öl- 

Malereien, ‹Self-portraits› (2024), lassen hinter 

gewichtigen Glasscheiben zwei Hoffnungslichter 

strahlen. Darob ist der blasse Schriftzug 

«NOT» kaum zu erkennen, ein Menetekel, das 

uns weniger an den Künstler als an Gustav 

Mahlers Chorsatz der 2. Symphonie erinnert: 

«Der Mensch liegt in grösster Not.» 

Not Vital ist im Zwielichtigen, Mehrdeutigen 

unterwegs, auch mit Humor, der allerdings an 

Altherrenwitze erinnert, wenn der Künstler zum 

Beispiel Klebmasse auf den Bildern appliziert 

und mit der Assoziation rechnet, es sei Mannessaft. 

Zumindest bietet er dadurch einen niederschwelligen 

Einstieg in die Kunst wie in dem 

Blatt ‹Verschiebung›. Das titelgebende Wort ist 

mit Bleistift ins Bild gesetzt. Dazu ein ausgerissenes 

Dreieck, zwei Millimeter nach links 

verschoben und mit Klebstreifen fixiert. Damit 

verdoppelt der Künstler die ästhetische Pointe. 

Sie verpufft. Und mit ihr eine Spezies, die wir 

hier vor ihrem endgültigen Verschwinden noch 

einmal eindrücklich beobachten können. MG 

Hanns Kunitzberger 

Zürich — Anstatt seine Bilder vorne auf der 

aufgespannten Leinwand zu grundieren, setzt 

der Österreicher Hanns Kunitzberger (*1955) 

rückwärts an und zeichnet die Grundierung 

hinter das Tuch. Mit unzähligen Schichten von 

Farbpigmenten überzieht er danach die Vorderseite 

und erschafft so eine fragile Durchsichtigkeit 

und Tiefe: Das Gemälde wird zu einem 

beinahe körperlichen Objekt. Betrachtet man 

die anfänglich farblos erscheinende Leinwand, 

beginnt sie allmählich in zarten Farbtönen 

zwischen Grün und Orange zu oszillieren. Dabei 

endet der Blick nicht im farbigen Weiss der 

Oberfläche, sondern verliert sich in der Ferne, 

und man findet sich wieder in der eigenen 

Gedankenwelt. Der Bildtitel ‹Mitte 2015 später› 

lässt erahnen, dass der Künstler sehr langsam 

am Gemälde gearbeitet hat. 

Beim Schauen der sehr sinnlichen Ausstellung 

bei Dierking entsteht die Erkenntnis, dass hier 

ein zutiefst romantisches Werk geschaffen 

wurde. Es geht um die Verdichtung von Zuständen 

zu farbigen Bildnissen, die eine emotionale 

Welt entstehen lassen. Die schillernde Aura der 

Leinwände scheint die Gefühle des Künstlers 

zu übertragen und lässt so Erinnerungen an eigene 

Emotionen und Gedanken aufsteigen. JEN 

‹Not Vital – Silence›, Ausstellungsansicht 

Galerie Tschudi, Zürich. Foto: Cedric Mussano 

→ Galerie Tschudi, bis 3.8. 

↗ galerie-tschudi.ch 

Hanns Kunitzberger, ‹Anfang 2022 später›, 

2022, Öl auf Leinen, 170 x 170 x 4 cm 

→ Dierking – Galerie am Paradeplatz, bis 23.8. 

↗ dierking.ch 

HINWEISE // ZÜRICH 

91

BESPRECHUNGEN 

Sommerschau Fondation Beyeler — Aus dem Vollen geschöpft 

«This is so contemporary» hallt es durch die Fondation Beyeler, 

gesungen in der Melodie von Beethovens ‹Ode an die Freude›. In 

Tino Sehgals Performance klingt das Konzept der Ausstellung 

an: Altbekanntes mit Zeitgenössischem zu verbinden und verschiedene 

Disziplinen in experimentellen Dialog zu bringen. 

Basel — Beethoven liefert die musikalische Kraft für Tino Sehgals Performance – 

und den Grundtenor für die ganze Schau: Hier wird geklotzt, nicht gekleckert. Das 

siebenköpfige Kurator:innen-Team hat rund 25 Künstler:innen eingeladen, Projekte 

für die Fondation Beyeler zu entwerfen oder eine bereits existierende Arbeit auf den 

Ausstellungsort hin anzupassen. Einige Werke befinden sich im Park, etwa Fujiko Nakayas 

‹Untitled› (2024): Aus dem Teich produzierte Nebelschwaden empfangen die 

Besuchenden. Betörend strömt zudem der Duft aus Precious Okoyomons ‹the sun 

eats her children› (2024). Die Künstlerin bepflanzte ein auf tropisches Klima aufgeheiztes 

Gewächshaus voll mit blühenden Giftpflanzen. Exotische Schmetterlinge 

fliegen darin herum und durchlaufen während der Ausstellungsdauer einen ganzen 

Lebenszyklus: Leben und Tod, Schönheit und Grausamkeit liegen eng beieinander. 

Die Ausstellung der Superlative funktioniert dabei, wie betont wird, experimentell: 

Nicht nur wird der Titel immer wieder angepasst, auch die Werke aus der Sammlung, 

die dem Zeitgenössischen als Dialogpartner dienen, werden regelmässig ausgetauscht. 

Dies passiert während der Öffnungszeiten – die ganze Schau wird als 

Prozess verstanden, ständig in Umgestaltung. Einige Arbeiten gehen dabei fruchtbare 

Beziehungen zum Ausstellungsort ein. So wird etwa Arthur Jafas beeindruckende 

Videoarbeit ‹LOML› (2022), ein schwarz-weisses Bildrauschen voller Abstraktion, 

Subjektivität und vermeintlicher Gegenständlichkeit, zu einem subtilen Kommentar 

auf die Highlights der klassischen Moderne in der Sammlung. Aber auch zwischen 

den Leihwerken selbst ergeben sich mannigfaltige Bezüge. So kann man sich in Rirkrit 

Tiravanijas ‹Untitled (Old smokey lounge)› (2024) mit schmackhaftem Essen und 

Getränken verpflegen, während einem Carsten Höller in ‹Pill Clock› (2015) nur eine 

rot-weisse Pille anbietet, mit dem suggestiven Versprechen auf eine bewusstseinserweiternde 

Erfahrung – die wiederum mit grösserer Wahrscheinlichkeit durch Cyprien 

Gaillards stereoskopischen 3D-Film ‹Retinal Rivalry› (2024) eingelöst wird. 

So zahlreich wie die Anknüpfungspunkte zwischen den Werken, so umfassend ist 

auch der Anspruch dieser Sommerausstellung – zugleich Sonderschau, Sammlungspräsentation 

und Experimentierfeld. Und wenn durch die Vielfalt einiges nur an der 

Oberfläche bleibt: Umso mehr gibt es dafür zu entdecken. Martina Venanzoni 

→ Sommerausstellung Fondation Beyeler, Koop. mit der Luma Stiftung, bis 11.8. ↗ fondationbeyeler.ch 


Precious Okoyomon, ‹the sun eats her children›, 2024, Blumen, Schmetterlinge, Sound, Ausstellungsansicht 

Fondation Beyeler, Riehen / Basel. Foto: Mark Niedermann 

Sommerschau Fondation Beyeler, Riehen / Basel, Ansicht mit Werken von Louise Bourgeois, Pawel 

Althamer, Picasso, Alberto Giacometti © bei den Nachlassstiftungen / ProLitteris. Foto: Stefan Bohrer 

BESPRECHUNGEN // BASEL 

93

Anne Imhof — Kurz vor dem Schuss 

Anne Imhof stellt in den Metropolen Europas und Nordamerikas 

aus, nun ist sie im Kunsthaus Bregenz zu Gast. Die deutsche 

Künstlerin steht für Coolness, Härte und Kollaborationen. Ihre 

aktuelle Schau hält jedoch auch fragile und intime Momente 

bereit, die in der grossen Geste aufscheinen. 

Bregenz — Ein ungefähr Zwanzigjähriger räkelt sich auf der Matratze eines Metallbettes. 

Selbstbewusst und befangen zugleich agiert er vor der Kamera. Schliesslich 

wird ihm eine Handfeuerwaffe gereicht, er hält sie sich an die Schläfe – er drückt 

nicht ab. Später richtet er die Pistole auf die Umrisslinien seines Körpers auf der 

Matratze und drückt ebenfalls nicht ab. Er kokettiert mit dem Tod, aber das Leben gewinnt. 

Die Szene stammt aus einem mehr als zwanzig Jahre alten Video von Anne Imhof 

(*1978). Im Kunsthaus Bregenz ist es gemeinsam mit fünf weiteren frühen Videos 

der deutschen Künstlerin zum ersten Mal in musealem Kontext präsentiert. Imhof 

tritt auch selbst in diesen Filmen auf; aufgenommen wurden sie in ihrer damaligen 

Wohnung, die gleichzeitig Studio, Proberaum und Gym war. Arbeit, Leben, Liebe – alles 

fliesst in den Videos zusammen. Allen gemein ist der Charakter des Unfertigen, 

Brüchigen, Unvollkommenen. Nichts ist auf Perfektion getrimmt. Damit verleihen die 

Filme der Bregenzer Ausstellung sehr persönliche Momente. Mit der Verletzlichkeit 

der gezeigten Körper, den improvisierten Szenen können sie sich in der souverän gestalteten 

Schau behaupten. 

Anne Imhof versteht die Architektur Zumthors, arbeitet mit ihr und gegen sie. Die 

Zwischenebenen, die natürliches Licht in alle drei Obergeschosse führen, sind verschlossen. 

Stattdessen brennt Kunstlicht. In der ersten und zweiten Etage taucht 

es den Saal in Signalrot, zuoberst hingegen in kaltes Weiss. Wo Zumthor trennende 

Wände oder Türen vermieden hat, platziert Imhof sogenannte «crowd control barriers»: 

Absperrungen, die an Konzerten oder auf Festivals die Menschenmassen kanalisieren 

und stoppen. Die Barrieren reichen bis über Kopfhöhe und erlauben nur 

wenige Durchblicke. Ihre Aufstellung variiert leicht von Raum zu Raum und lässt im 

zweiten Obergeschoss Platz für die abgesenkte Decke: Imhof legt das Skelett der 

Lichtdecke frei. Die räumlichen Eingriffe und Barrieren bilden die Bühne für Imhofs 

Gemälde: hyperrealistische Bilder von Explosionen und verfremdete Darstellungen 

des eingangs geschilderten Selbstmordmotivs. Das davor auf einen Sockel gehobene 

Motorrad lässt sich ebenfalls als Verweis auf das Kokettieren mit dem Tod lesen. Mit 

dem Titel ‹My Own Private Idaho› bezieht sich das Werk jedoch auf den gleichnamigen 

Kult-Streifen von 1991 und steht wie der Ausstellungstitel ‹Wish You Were Gay› 

für Imhofs Beschäftigung mit Queerness. Kristin Schmidt 

→ ‹Anne Imhof – Wish You Were Gay›, Kunsthaus Bregenz, bis 22.9. ↗ kunsthaus-bregenz.at 


Anne Imhof, ‹My Own Private Idaho (Ducati)›, 2024 (hinten), Stahl, Glas, Ducati-Motorrad, Courtesy 

Galerie Buchholz, Sprüth Magers, Ausstellungsansicht Kunsthaus Bregenz. Foto: Markus Tretter 

BESPRECHUNGEN // BREGENZ 

95

Kunstsammlung der Post im Dialog — Assoziative Punktlandung 

Geburtstage laden zum Feiern ein, stimmen aber auch nachdenklich. 

Wenn die Post ihr hundertjähriges Kunstengagement 

mit einem Ausstellungsreigen in Szene setzt, spielt die Frage 

mit, was die Post war, heute ist, sein wird. Mit ‹Fragile› im Bündner 

Kunstmuseum ist der Auftakt gelungen. 

Chur — Es blühten schon die Primeln, als Roman Signer (*1938) den Restschnee des 

Winters zusammenkratzte und in ein gelbes Postpaket füllte. «Diese Schachtel trug 

ich unter dem Arm und legte sie unter eine Tür», kommentiert er lakonisch die 2009 

entstandene Arbeit ‹Letzter Schnee›. Zurück blieb die dreiteilige Fotoserie und die 

damit geweckte Neugierde über den weiteren Verlauf. Auch die Freude an absurden 

Handlungen kommt nicht zu kurz, genauso wenig wie virulente Fragen, etwa nach 

den Folgen der Klimaerwärmung. Oder dem Service publique. In Kombination mit 

einer Gruppe von ‹Mailed Paintings› von Karin Sander (*1957) und ‹Postal Machine 

Decision› der !Mediengruppe Bitnik gibt das einen fulminanten und doppelbödigen 

Auftakt zur Sammlungsschau der Schweizerischen Post: Sanders Leinwände werden 

per Post ohne Schutzumschlag durch die Welt spediert und berichten in der Austellung 

als Kunstwerke mit Klebe- und Schleifspuren oder Zollformularen von diesen 

Reisen. Das Bitnik-Duo Carmen Weisskopf und Domagoj Smoljo überliess doppelseitig 

unterschiedlich adressierte Pakethüllen dem automatisierten Versandsystem, 

das die Pakete weltweit hin und her spedierte, bis ein Mensch es stoppte – eine amüsante 

Entlarvung von Schwachstellen der Digitalisierung. 

Aus der über 450 Werke umfassenden Kunstsammlung der Post wurden für ‹Fragile› 

in Chur rund fünfzig Arbeiten ausgewählt. Zusammen mit Werken des Bündner 

Kunstmuseum und externen Leihgaben stecken sie ein thematisches Feld rund um 

Fragen von Kommunikation in einer prekären Welt ab und reflektieren gesellschaftsrelevante 

Herausforderungen aus künstlerischer Sicht. Das geht von H.R. Frickers 

Briefmarkenbogen ‹Nur Sender kann man orten› (1999) bis zum gut gealterten ‹Fernsehabend› 

(1981/1985) von Guido Nussbaum voller Einsamkeit trotz Zweisamkeit 

oder Jules Spinatschs Foto-Diptychon ‹Asynchron I, Rote Mirage S (1958)› (2014) zu 

den Nuklearambitionen der Schweiz im Kalten Krieg – erschütternd aktuell. Etwas 

hinter dem Treppenaufgang verborgen zieht der ‹Prophet› mit dem Feldstecherblick 

von Ana Roldán (*1977) die Aufmerksamkeit auf sich und steckt ein Assoziationsfeld 

zwischen Kontaktaufnahme, Überwachen und Machthierarchie ab. Nicht nur Postsendungen 

sind fragil, die Welt als Ganzes ist zerbrechlich. Umso erfreulicher, dass 

das ‹Trari tra ra Die Post ist da!› (1997) von Hannes und Petruschka Vogel als Kunst 

im öffentlichen Raum am Postbahnhof Chur wieder heiter leuchtet. Ursula Badrutt 

→ ‹Fragile – Die Kunstsammlung der Post im Dialog›, Bündner Kunstmuseum Chur, bis 25.8. 

↗ buendner-kunstmuseum.ch 


Karin Sander, ‹Mailed Paintings›, 2005–2021, Leinen auf Keilrahmen in Standardgrösse, weisse 

Universalgrundierung, div. Masse, Courtesy Esther Schipper, Berlin / Paris / Seoul, Ausstellungs ansicht 

Bündner Kunstmuseum Chur © ProLitteris. Foto: Yanik Bürkli 

BESPRECHUNGEN // CHUR 

97

Sid Iandovka / Anya Tsyrlina — Bilder wie Kometen 

Friart präsentiert mit Lumiar Cité in Lissabon das sibirische 

Experimentalfilmduo Sid Iandovka und Anya Tsyrlina in ihrer 

ersten Soloschau. Angereist ist das mysteriöse Paar aus seiner 

Wahlheimat New York gemeinsam mit seinen amerikanischen 

Geistesverwandten Thomas Zummer und Leslie Thornton. 

Fribourg — Wenig Biografisches ist bekannt über Sid Iandovka und Anya Tsyrlina, 

ausser dass sie sich in ihrer Geburtsstadt Novosibirsk in einer Noise Band kennengelernt 

haben. Sie verweigern damit ihren seit zwanzig Jahren in einem permanenten 

Dialog geschaffenen Filmobjekten eine identitäre Lesart, auch wenn sie nicht selten 

Footage aus futuristischen Fernsehserien der ehemaligen Sowjetunion verwenden. 

Ähnlich wie der Philosoph, Maler und Zeichner Thomas Zummer (*1954, Cherokee) 

und die Experimentalfilmerin Leslie Thornton (*1951, Knoxville), die sie für ihre Ausstellung 

mit eingeladen haben, beschäftigen sich Iandovka / Tsyrlina mit technisch 

produzierten und reproduzierten omnipräsenten Bildern, Kurven und Signalen, die 

von etwas scheinbar Existentem erzählen, das wir mit unseren Sinnen kaum in dieser 

Art und Weise oder gar nicht wahrnehmen würden. Natürlich aber erinnert die Ost- 

West-Konstellation der Schau auch daran, dass unser aller Versinken in Apparaten 

und den von ihnen erzeugten Aufnahmen vom Mikro- bis zum Makrokosmos nicht 

zuletzt durch den Kalten Krieg zwischen Amerika und Russland angeheizt worden 

war. Die heutige Weltlage scheint solches erneut zu begünstigen und einen Befund 

von Karl Marx aus dem Jahre 1852 zu bekräftigen: «Hegel bemerkt irgendwo, dass 

alle grossen weltgeschichtlichen Tatsachen und Personen sich so zu sagen zweimal 

ereignen. Er hat vergessen hinzuzufügen: das eine Mal als grosse Tragödie, das andre 

Mal als lumpige Farce.» 

Die Schau in der Kunsthalle Friart lässt uns in eine nächtliche Atmosphäre abtauchen. 

Aus dem Erscheinenden und Verschwindenden in den Filmprojektionen und 

Videos von Iandovka / Tsyrlina und Thornton geht keine Geschichte hervor. Vielmehr 

manifestiert sich die Ahnung einer dystopischen Welt, von Verschmutzung und Zerstörung 

der Natur. Wenn man sich von der Suche nach einer inhaltlichen Schlüssigkeit 

verabschiedet und sich auf die teils auch von grossartiger Elektro-Akustik begleiteten 

Rhythmen des visuellen Materials einlässt, erwacht man aus der Starre wie 

zu neuem Leben. Auch bei den Malereien und Zeichnungen von Zummer, in denen vieles 

zusammenkommt, aber alles in der Schwebe bleibt, gleitet man in ein ähnliches 

Sehen. Das ist wohltuend. Zwar können wir uns den technologischen Versuchen, 

Kontrolle über Zeit und Raum zu gewinnen, wohl nicht mehr vollständig entziehen, 

aber sie kreativ auf unsere Frequenz zurückholen und uns weiter vom Unbekannten 

verzaubern lassen. Katharina Holderegger 

→ ‹Sid Iandovka / Anya Tsyrlina – once in a hundred years›, Kunsthalle Friart, bis 28.7. ↗ friart.ch 


‹Sid Iandovka / Anya Tsyrlina – once in a hundred years›, Ausstellungsansicht Kunsthalle Friart, 

Fribourg. Foto: Guillaume Python 

‹Sid Iandovka / Anya Tsyrlina – once in a hundred years›, Ausstellungsansicht Kunsthalle Friart, 

Fribourg, mit Zeichnungen von Sid Iandovka. Foto: Guillaume Python 

BESPRECHUNGEN // FRIBOURG 

99

Elmgreen & Dragset — Eine poetische Reise zum Spekulativen 

Die Ausstellung der Dänen Elmgreen & Dragset bei Pace in 

Genf macht einem nicht nur die performative Rolle, in die man 

in Kunsträumen unvermeidlich gleitet, bewusst. Sie führt uns 

auch dorthin, wohin vielleicht alles, was wir als Kunst bezeichnen, 

tendiert: an die magische Grenze zum Unbekannten. 

Genf — Der Poet Michael Elmgreen (*1961) und der Theatermann Ingar Dragset 

(*1969) begeistern seit den späten 1990ern mit Arbeiten, die zwischen Minimalismus 

und Hyperrealismus pendeln. Diese ästhetischen Pole setzen sie auch stets als Kritik 

am puritanischen Geschmack unter anderem ihres dänischen Heimatlandes ein. Vor 

allem aber erinnern sie mit ihrer Kunst an unsere Sehnsucht nach Imaginärem. 

Erstmals präsentiert nun die Pace Gallery, die Elmgreen & Dragset seit 2020 vertritt, 

am Genfer Standort eine Ausstellung, in der dieses, für das Duo charakteristische 

Axiom eine eindrückliche Zuspitzung erfährt. Fast unmerklich gleitet man von 

der Avant-Scène in eine Scène, während das Bewusstsein wächst, dass man in einer 

Ausstellung bildender Kunst, anders als bei den meisten anderen Künsten, nie nur im 

Publikum sitzt, sondern auch selbst eine Bühne betritt. Bereits vor der Tür findet sich 

ein Paar bronzener Stiefel, durchsetzt mit Löchern. Sie fordern uns dazu auf, diese 

Leerstellen gedanklich zu füllen und uns auch mit der Dialektik von Innen und Aussen, 

Sichtbarem und Verborgenem auseinanderzusetzen – vielleicht sogar mit allem, was 

ausserhalb unserer Erfahrung liegt. Ist dies am Ende der Gegenstand der Kunst, den 

sie immer nur andeutet, aber nie erfasst, und neben dem Wandel des Zeitlichen, den 

sie zugleich reflektiert und prägt, der Grund dafür, weshalb sie nie versiegt? 

Die täuschend echt anmutende Figur eines Kindes, das auf dem Boden im 

Eingangsbereich mit einem Puzzle verweilt, führt auf die gleiche Spur: Teilchen 

mit lauter Schäfchenwolken darauf will es zu einem Bild fügen. Im grossen 

Raum werden wir selbst zu Spieler:innen. Durch einen Wald von Signaltafeln, 

die nicht Verbote oder Befehle, sondern verspiegelte und wiederum mit Schäfchenwolken 

bedeckte Flächen aufweisen, gelangen wir zu einer wandfüllenden 

Fotografie. Sie zeigt eine Wüste, über deren Horizont ein feiner, weisser Schriftzug 

hängt. Es ist ein ins Französische übertragener Vers von Ingmar Christianson: 

«Un désert peut être si désolé que personne ne croit qu’il existe». Die verlockende 

Melodie des Unbekannten umhüllt uns wie ein unsichtbares Band. 

Weitere Objekte von ähnlichem Pathos sind in den Salons und Büros hinter dem grossen 

Raum und beim Hinausgehen zu entdecken. Besonders berührend: ein Kinderhändepaar, 

das einen auf dem Rücken liegenden Vogel umgreift. Erst auf den zweiten 

Blick sieht man so erleichtert wie besorgt: Das Tier atmet noch. Vielleicht ist doch 

das Leben hier und jetzt das grösste Geheimnis. Katharina Holderegger 

→ ‹Elmgreen & Dragset – Landscapes›, Pace Gallery, bis 10.8. ↗ pacegallery.com 


‹Elmgreen & Dragset – Landscapes›, Ausstellungsansichten Pace Gallery, Genf © ProLitteris. 

Fotos: Annick Wetter 

BESPRECHUNGEN // GENF 101

Monika Emmanuelle Kazi — Koloniale Bilder zurückgespiegelt 

Die Gewinnerin des diesjährigen Bally Artist Award, die francokongolesische 

Künstlerin Monika Emmanuelle Kazi, stellt durch 

ihre Rauminszenierungen Bilder und Narrative der kolonialen 

Vergangenheit infrage und nimmt uns durch spiegelnde Silbernitratmalereien 

auf Gläsern und Scheiben in die Verantwortung. 

Lugano — Wie manifestiert sich der Kolonialismus in den Alltagsgegenständen der 

ehemaligen Kolonien? Welche immer wiederkehrenden Bilder, Narrative und Archive 

beherrschen das kollektive Bewusstsein der früher fremddominierten Kulturen und 

ihrer Angehörigen? Wie drückt sich die koloniale Macht aus in der Innenarchitektur 

und ihrer Ästhetik? Wie kann der eurozentrische und koloniale Blick in der Kunst 

sichtbar gemacht werden? Um solche Fragen kreisen die Installationen, Videos und 

Tonarbeiten von Monika Emmanuelle Kazi (*1991), diesjährige Gewinnerin des Bally 

Artist Award. Das MASI Lugano zeigt aus diesem Anlass im Palazzo Reali mehrere 

ihrer Installationen unter dem Titel ‹Mimesis of Domesticity›. 

Auf den ersten Blick erscheint die Sala Mattoni eher spärlich bespielt, fast etwas 

leer. Angedeutet ist ein bürgerliches Interieur: Ein antiker Holztisch, ein Regal 

bestückt mit Gläsern und Glasschüsseln und eine an die Wand gelehnte Vitrinentüre 

befinden sich im Raum. Eine Lampe hängt von der Decke. An zwei Stellen ist auf den 

schwarzen Steinfliesen eine weisse Flüssigkeit ausgeleert. In einer Ecke hängt eine 

Soundbar, aus der hörbar Wasser plätschert. Auf den zweiten, vertieften Blick entpuppen 

sich die spiegelartig wirkenden, gläsernen Oberflächen der verschiedenen 

Objekte als Malereien aus flüssigem Silbernitrat. Scherenschnittartige, silbern gemalte 

und durchscheinend ausgelassene Partien lassen Darstellungen von Körpern, 

Figuren, Landschaften oder Gebäuden erahnen. Die Bilder bleiben mehrdeutig und 

vor allem auf den traditionell westlichen Glasschüsseln und Gläsern schwer lesbar. 

Doch die Betrachtenden, also wir, spiegeln uns in diesen Silbernitratmalereien. Unser 

Blick, der eurozentrische Blick, wird auf uns selbst zurückgeworfen, wir werden 

durch die Installation der franco-kongolesischen Künstlerin auf unser koloniales Erbe 

verwiesen und somit in die Verantwortung genommen. Und die Welt scheint aus 

dem Lot: Die Lampe, welche uns erleuchten könnte, befindet sich am Boden statt an 

der Decke. Das unbefleckte Tischtuch, auf dem die bemalten Gläser und Schüsseln 

stehen, ist fast hinabgerutscht. Das mit einem weissen Pulver vermischte Wasser ist 

ausgelaufen. Auf subtile Art präsentiert Monika Emmanuelle Kazi eine prekäre und 

fragile Realität in steter Veränderung: Instabilität als postkoloniales Erbe. Das Rad 

der Zeit kann nicht zurückgedreht werden, aber vielleicht können Transparenz und 

Dialog das Bewusstsein schärfen. Barbara Fässler 

→ ‹Monika Emmanuelle Kazi – Mimesis of Domesticity› MASI Lugano, bis 11.8. ↗ masilugano.ch 


‹Monika Emmanuelle Kazi – Mimesis of Domesticity›, Ausstellungsansicht MASI Lugano 

BESPRECHUNGEN // LUGANO 103

Matthew Barney — Volkstümliche Oper 

28 Jahre nach der Retrospektive im CAPC Bordeaux tritt Matthew 

Barney in Paris auf. Als maskuliner «Senioren-Künstler» liefert 

er in der Videoarbeit ‹Secondary› einen Abgesang auf Körperkult 

und überzeugt mit einer selbstreferenziellen Raum-Installation, 

die Besuchende zu Leistungssportlern macht. 

Paris — Zwischen üppig wuchernden Pflanzen leuchten mannshohe Ziffern auf einem 

grossen schwarzen Block vor der Fondation Cartier am Boulevard Raspail. Ein 

Zähler, wie bei Football-Spielen. Für die grosse Sommerschau vor dem Umzug der 

Ausstellungsräume in die Arkaden gegenüber dem Louvre setzt der künstlerische 

Leiter Chris Dercon auf die sportliche Geste – historisch. Barney, das ist Neunziger. 

Bildmächtige hybride Körper, Geschlecht, Gewalt, Mythos holte er damals mit dem 

siebenstündigen Film-Epos ‹Cremaster Cycle› hollywoodesk in die Kunst. Dem queeren 

Formen- und Bildrepertoire stellt der 57-jährige US-Amerikaner mit ‹Secondary› 

nun ein unzeitgemäss maskulines Figurentheater zur Seite. Über sieben Bildschirme 

biegen, tanzen, keuchen, quietschen oder pfiffeln alternde Mannesmänner durch 

des Künstlers Atelier in der New Yorker East Side. Ihm selbst, schütteres Haar, gepflegter 

Vollbart, «slim, in good shape», giesst jemand flüssiges Aluminium auf den 

Kopf. Einem Performer läuft Vaseline von der Hand, ein anderer liegt an einer Leine, 

mit der er bisweilen kämpft, vollzieht spektakuläre Moves. 

Im Saal gegenüber könnte ein Hantelgestell aus Ton an Marie-Jo Lafontaine 

(*1950) und ihr Video ‹Les larmes d’acier› erinnern – 1987 wegen angeblich faschistischer 

Körperkult-Konnotation ein Skandal. Gestählte Männer-Bodys 2.0? Die Lektüre 

des aufwendigen Booklets klärt auf: Breakdancer Raphael Xavier verkörpert Jack 

Tatum, Verteidiger im Football-Team der Oakland Raiders. Der brachte 1978 Darryl 

Stingley der New England Patriots in den Rollstuhl. Barney verkörpert Ken Stabler, 

Ende der 1970er Quaterback der Oakland Raiders. Als einem der ersten Sportler wurde 

ihm eine chronische traumatische Hirnerkrankung attestiert (ETC). Es geht um 

die Entzauberung amerikanischen Sports, ums Altern, um Traumata. ‹Secondary› ist 

vor allem Publikums-Herausforderung. Auf dem bunten Teppich im Hauptsaal müssen 

wir zu den Bildschirmen aufblicken, bis es schmerzt. Im Keller, wo auch Teile 

der bereits 1987 begonnenen athletischen Zeichen-Performance-Serie ‹Drawing Restraint› 

zu sehen sind, zeigt ein unter der Decke befestigter Röhrenbildschirm die von 

Raphael Xavier ausgeführte Performance. Wir können sie sitzend auf Bänken an der 

Wand ansehen. Dann ist das Bild etwas klein. Oder wir stellen uns in die Mitte des 

Raumes. Dann sind wir exponiert – und haben Nackenschmerzen. Matthew Barney 

macht die Ausstellung zu einer bildhauerisch durchgestalteten Raum-Performance 

und bezieht das Publikum selbstreflexiv ein. J. Emil Sennewald 

→ ‹Matthew Barney – Secondary›, Fondation Cartier, bis 8.9. ↗ fondation.cartier.com 


Matthew Barney, ‹Secondary›, 2023, Installation mit 5 4-Kanal-Farbvideos, Ton, 60’, Courtesy 

Gladstone Gallery, Sadie Coles HQ, Regen Projects und Galerie Max Hetzler, Ausstellungsansicht 

Fondation Cartier, Paris. Foto: Eva Herzog 

‹Matthew Barney – Secondary›, Ausstellungsansicht Fondation Cartier, Paris, u. a. mit ‹Drawing 

Restraint›, 1988 (Videos). Foto: Eva Herzog 

BESPRECHUNGEN // PARIS 105

Karin Schwarzbek — Im Spannungsfeld 

Körper und Raum interessieren Karin Schwarzbek schon lange. 

Angefangen hat sie mit ordentlicher, figurativer Tafelbildmalerei, 

die sie konsequent weiterentwickelt hat. Ihre Ausstellung im 

Kunst(Zeug)Haus nun ist intensiv ortsspezifisch und zeigt einen 

souveränen Umgang mit gesellschaftspolitischen Fragen. 

Rapperswil-Jona — Minimal und zugleich skurril hängen sie über Kleiderbügeln am 

Ständer: Die Gewichtsmanschetten an schwarzen Auto-Sicherheitsgurten sind für 

den physischen Einsatz parat. Als Sportartikel werden sie bei Kraftübungen für mehr 

Effizienz, bessere Ausdauer, gesteigerten Kalorienverbrauch eingesetzt; aus diesem 

Kontext verschoben, schärfen sie den Blick für Zusammenhänge und Selbstreflexion. 

‹Heavy Healthy›, so der in Klammern zur fortlaufenden Nummerierung ihrer Werke 

beigefügte Titel, gewichtet Sichtweisen neu. Karin Schwarzbek (*1969) ist eine aufmerksame 

Menschen-Beobachterin. Hautdarstellungen in der Renaissance-Malerei 

interessieren sie genauso wie obsessiv ausgeführte Freizeitaktivitäten oder heutige 

Vorstellungen von Schönheit und Körperoptimierung. Wie im Circuit-Training leiten 

die einzelnen Werke den Gang durch die Ausstellung ‹Hilo Glow›. Diese sei wie ein 

massgeschneidertes Kleid für den Ort, sagt die Künstlerin. Das Tafelbild ist in den 

Raum getreten, malerische Entscheide und abwesende Körper bleiben präsent. Das 

ehemalige Zeughaus, in dem einst Militärisches von der Socke bis zum Sturmgewehr 

lagerte, hat Akzente in Rosa bekommen – eine Anlehnung an die psychologisch beruhigende 

Wirkung der Farbe, aber auch an die Cool-down- und Glow-up-Kosmetik. 

Statt auf Keilrahmen spannt Karin Schwarzbek heute Stoff auf Zeltstangen und 

lässt diese beispielsweise runde Räume bilden mit Wänden aus unterschiedlich 

hautfarbenen Futterstoffen. Wie unzugängliche Umkleidekabinen hängen sie an einem 

Balancesystem, das als Zeichnung die Dachkonstruktion kommentiert. Die ineinandergeschobene 

Verdoppelung der Stoffkörper findet ein Echo in zwei mit Badekostümen 

bespannten Keilrahmen. Andernorts sind aufgetrennte und neu in die 

Fläche zusammengenähte Vorderteile von Warnwesten auf Kniehöhe wie ein ausgebreitetes 

Sprungtuch im Raum verspannt. Die Westen für Sicherheit und Rettung 

werden zur latenten Gefahrenzone. So auch der rosa Sicherheitsgurt, der auf der Höhe 

von Schwebebalken wie eine Slackline zwischen zwei Pfeiler gespannt ist. Der 

Balanceakt im Kopf kann nicht gelingen, aufgefangen würden wir im Falle eines Falls 

nicht vom weichen Sprungtuch, sondern vom Mockup der Sicherheitsmatten, die 

ihrerseits an ein riesiges Himmel-und-Hölle-Spiel erinnern. Der Boden der Realität, 

des Ausstellungsraums ist hart. Doch dessen ungeachtet und Gewichtsmanschetten 

zum Trotz aktiviert Karin Schwarzbek den Körper als Kapital umwerfend behände, 

leichtfüssig und verspielt. Ursula Badrutt 

→ ‹Karin Schwarzbek – Hilo Glow›, Kunst(Zeug)Haus, bis 4.8. ↗ kunstzeughaus.ch 


Karin Schwarzbek, ‹191-2024›, 2024, Wirkfutter, Badeanzugfutterstoff, Bescherungsband, Zeltstangen, 

Hohlringe, Karabiner, Schnur, Masse variabel, Ansicht Kunst(Zeug)Haus, Rapperswil-Jona. Foto: A. Stadler 

Karin Schwarzbek, ‹182-2023 (Tense/Tension)›, 2024 (vorne), Warnbekleidungsstoff EN20471, 

Trassierschnur, Masse variabel, Ansicht Kunst(Zeug)Haus, Rapperswil-Jona. Foto: Andri Stadler 

BESPRECHUNGEN // RAPPERSWIL-JONA 107

Reto Pulfer — Wachstum und Wandel 

Reto Pulfers Schaffen gleicht einem Rhizom: Es ist ein dicht geflochtenes 

System aus Materialien, Motiven und Geschichten. 

Mit jeder Ausstellung wächst es, transformiert sich in neue Räume 

und enthält immer auch frühere Zustände. Aktuell zeigt die 

Kunst Halle Sankt Gallen eine Einzelausstellung des Künstlers. 

St. Gallen — Brennnesseln sind Alleskönner. Sie dienen als Medizin, Färbemittel, 

Dünger, sie sind der Lebensraum vieler Arten, sie schmecken als Suppe oder Salat, 

sie lassen sich verarbeiten zu Textilien: Früher war Nessel das Leinen der armen 

Leute, und in einem Märchen Hans Christian Andersens strickt ein Mädchen sechs 

Brennnesselhemden, um ihre in Schwäne verwandelten Brüder zu erlösen. Bei Reto 

Pulfer (*1981) ist die Brennnessel selbst eine Heldin. Er hat ihr einen Roman gewidmet 

und lässt sie auch in seinen textilen Arbeiten als Protagonistin auftreten. Sie 

lächelt, sie verliebt sich und erschrickt: «Ich bin ausserhalb eines Musters!», ruft sie 

aus, wenn sie aus der Reihe eines wohlgeordneten Frieses tanzt, das mit feinen Linien 

auf ein grosses, rechteckiges Stück Stoff gezeichnet ist. Es hängt im dritten Raum 

der Kunst Halle Sankt Gallen und ist sowohl Einzelwerk als auch Teil einer alle Räume 

umfassenden Installation. Selten fügen sich Werke aus über zehn Jahren künstlerischer 

Arbeit mit neuen und eigens vor Ort entwickelten Installationen so organisch 

zusammen wie in der Ausstellung ‹Fachzustand›. 

Grossflächige Tücher – zusammengenäht aus vielen einzelnen Laken, Hemden, 

Pyjamas, Reststücken, oder vollständig aus Gardinenstoff oder aus Käseleinen bestehend 

– hängen von der Decke und an den Wänden der Kunsthalle. Wie Zelte und 

Baldachine spannen sie sich durch die ehemaligen Lagerhallen, lassen den architektonischen 

Rahmen verschwinden und neue, intimere Räume entstehen. Die Textilien 

sind fleckig, weil Pulfer sie mit Walnuss, Holunder oder Brennnessel färbt. Sie sind 

akkurat gestreift, monochrom oder weiss, wenn sie industriell gefärbt oder gebleicht 

sind. Nicht nur die unterschiedliche Oberflächengestaltung, die Texturen und Muster 

sorgen für ein lebendiges Bild, sondern auch die Nähte und Flicken, die Schnüre und 

Bänder der Aufhängung und vor allem die Notizen und Zeichnungen des Künstlers 

auf dem Stoff. Der gebürtige Berner hat sein reiches Werk als Autodidakt entwickelt. 

Er näht und webt nicht nur, sondern arbeitet mit Wort, Sound und Bildmotiv. Er lässt 

Pflanzen und Insekten erzählen, er zeichnet die Fauna und Flora seines Gartens als 

‹Erfassung der Spezien durch Individuen›, wie eine seit 2023 entstehende Arbeit 

heisst. Sie wird weiter wachsen wie der Garten des Künstlers und wie jener, den er 

vor den Fenstern der Kunsthalle angelegt hat: Alles gedeiht und wandelt sich und 

schreibt die Geschichte fort. Kristin Schmidt 

→ ‹Reto Pulfer – Fachzustand›, Kunst Halle Sankt Gallen, bis 18.8. ↗ k9000.ch 


Reto Pulfer, ‹Tunnel›, 2024, Käseleinen, Masse variabel, Ausstellungsansicht Kunst Halle Sankt Gallen, 

Courtesy Hollybush Gardens, London. Foto: E. Sommer 

BESPRECHUNGEN // ST. GALLEN 109

Silvia Bächli — Musikalische Partituren 

Seit Ende der 1970er entwickelt Silvia Bächli mit Beharrlichkeit 

und Konsequenz ein vielschichtiges zeichnerisches Werk, das 

die Möglichkeiten der Linie erkundet. Ein Zitat aus einem Gedicht 

der Lyrikerin Elizabeth Bishop gibt der umfassenden Ausstellung 

im Kunst Museum Winterthur Titel und Takt. 

Winterthur — Linien. Überall nichts als Linien. Sie schmiegen sich an Körper, tasten 

Empfindungen nach, deuten Dinge an, umreissen Architekturen, so als wollten 

sie in der alltäglichen Welt Halt suchen, damit sie nicht ins Bodenlose des weissen 

Blattes fallen und die Ungewissheit nicht aushalten müssen, die sie auf ihrer Expedition 

führt. Das war so in den späten 1970er-Jahren, als Silvia Bächli zu zeichnen begann. 

Ausgerechnet als die neoexpressive Malerei in Gefühls- und Farbexplosionen 

schwelgte, entschied sie sich, behutsam zu erforschen, was mit der Linie auf einem 

Blatt Papier möglich wäre. Von diesen Anfängen zeugt der Herzraum der fulminanten 

Ausstellung, die die Künstlerin im Kunst Museum Winterthur eingerichtet hat. Aus 

dem Konvolut an Blättern, die sie zwischen 1983 und 2003 beiseite gelegt hat, hat sie 

für jedes Jahr eins ausgewählt, ein Kondensat ihrer ersten zwanzig Jahre. 

In den Sälen um diesen Raum herum darf man erleben, wie sich die Linie emanzipiert. 

Die Striche und Bänder bilden Gewebe, öffnen Räume über das Blatt hinaus 

und finden zu ihrer eigenen Freiheit. Linie darf nun einfach Linie sein, da sein, wie die 

Natur da ist. Sie ist vertikal oder horizontal mit der freien Hand mit Stift, bald auch 

mit Pinsel gezogen. Linien legen sich nebeneinander, entfernen sich, lassen Lücken 

von Papierweiss, werden leicht wie Bänder im Wind, halten inne und holen Luft, um 

bei mehrteiligen Arbeiten auf dem nächsten Blatt neu anzusetzen. Zunehmend verbinden 

sie sich zu Flächen. Immer wieder werden die Blätter zu Ensembles gruppiert. 

Sie sind wie musikalische Partituren. Der Körper spielt dabei eine zentrale Rolle. 

Ob die Künstlerin am Zeichentisch sitzt oder sich über das Papier auf dem Boden 

beugt, ob sie den Atem anhält oder fliessen lässt, ob die Schulter gespannt ist oder 

die Linie aus der Hand kommt, alles spielt eine Rolle. Was als Zeichnung sichtbar 

wird, ist auch ein Notat dieser Bewegung. Was sie auszeichnet, ist, dass ihr eine 

Stille eingeschrieben ist, die aufmerksam werden lässt auf Zwischenräume und 

Rhythmuswechsel, auf den riesigen Raum, der nicht zu sehen ist, weil er die Fantasie 

besetzt. Dass er sich gelegentlich auch in Materie verdichten muss, sozusagen als 

mentale Hygiene, zeigt sich in den Gipsbrocken, die Silvia Bächli zu figurativen Andeutungen 

montiert, mit Farbakzenten versehen und auf Augenhöhe präsentiert hat. 

Ein Stolperstein, den wir amüsiert betrachten. Gerhard Mack 

→ ‹Silvia Bächli – Dass eins zum andern wurde. Welches welches ist?›, Kunst Museum Winterthur | 

Beim Stadthaus, bis 18.8. ↗ kmw.ch 

→ ‹Silvia Bächli – Partitura (Score)›, Centro Botín, Santander, bis 20.10. ↗ centrobotin.org 


‹Silvia Bächli – Dass eins zum andern wurde. Welches welches ist?›, Ausstellungsansichten 

Kunst Museum Winterthur | Beim Stadthaus. Fotos: Reto Kaufmann 

BESPRECHUNGEN // WINTERTHUR 111

Bernard Voïta — Abgründige Konstruktionen 

Was für ein Zauberer! Wer sich nur ein wenig vom entdeckungslustigen 

Blick des Kindes bewahrt hat, kommt aus dem Staunen 

nicht mehr heraus. Mit ‹Melencolia›, einer Folge paradoxer Bildwirklichkeiten, 

hat der in Belgien lebende Schweizer Bernard 

Voïta einen faszinierenden Auftritt in der Fotostiftung. 

Winterthur — Der Ausstellungsraum in seiner ganzen Grösse, keine Stellwand, keine 

Vitrine, die Wände noch mit Spuren der vergangenen Schau. Die Weite des Raumes ist 

nur in der Längsachse von einigen Objekten besetzt. Sie sehen aus wie Transportkisten 

für Bilder, Skulpturen, dazu eine Riesenrolle als Behältnis für Fotografien. Mit ihnen 

setzt der Bricoleur Bernard Voïta (*1960, Cully) einen listig-ironischen Akzent in 

die Präsentation seiner erstmals so umfassend gezeigten Serie ‹Melencolia› (2014– 

2017), die nicht nur auf den Titel von Dürers fünfhundert Jahre früher geschaffenen 

Kupferstich anspielt. 15 grosse Hochformate an den Wänden: Nur geduldigen Augen 

erschliesst sich das Ungeheure, das in den ebenso attraktiven wie abgründigen 

Schwarz-Weiss-Aufnahmen aufscheint, die bodenlose Heiterkeit, das labyrinthische 

Verwirrspiel. Wie macht der Künstler Voïta das? Wie gelingt es ihm, uns in paradoxe 

Räume zu entführen, sodass wir erkennen: Alles ist Fiktion. Realität ist immer eine 

Perspektive der Wahrnehmung. 

«Donner corps au sans-corps de la photographie», sagt Voïta inmitten seiner Werke. 

Was auf den ersten Blick wie eine Collage aussieht, ist de facto eine für das Auge 

der Kamera komponierte Wirklichkeit, die in wochenlangem, aufwendigem Prozess 

im Atelier des Künstlers entsteht. Die daran beteiligten Objekte sind fast immer dieselben: 

Stuhl, Werk- oder Rolltisch, Wand und Boden, Handtuch und Decke, Klammer 

und Klemmspot, Leiter, Trinkglas und Bonbonschachtel, allerlei Kabel, Kisten und 

Kartons, ganz oder beschädigt. Dank Licht und Schatten fügen sie sich selbstvergessen 

zu abstrusen, verunklärenden Raumsituationen voller spielerischer und geometrischer 

Überraschungen. Jedes der so geschaffenen, in die Fläche geholten Bilder 

besitzt seine eigene Dynamik und Ereignishaftigkeit. Was für ein Illusionist ist dieser 

Künstler, wie sinnlich sind seine abstrakten gebauten Welten! Und wie lustvoll dabei 

die Erfahrung, die Voïta so benennt: «On est des analphabètes devant les images.» 

Mit dieser Ausstellung beendet Peter Pfrunder nach 26 Jahren seine Zeit als Direktor 

der Fotostiftung Schweiz – und mit der als Gegensatz dazu konzipierten üppigen 

Schau ‹Paare / Couples›, die er mit dem Filmemacher Iwan Schumacher kuratiert 

hat. So verschieden die Präsentationen, so sehr spricht aus beiden «die imaginative 

Kraft fotografischer Bilder» (Pfrunder). Und beide belegen: Pfrunder war und ist ein 

Glücksfall für die Fotografie und alle, die mit ihr, von ihr, für sie leben. Angelika Maass 

→ ‹Bernard Voïta – Melencolia›, ‹Paare / Couples›, Fotostiftung Schweiz, bis 6.10.; Bildbände zu beiden 

Ausstellungen ↗ fotostiftung.ch 


Bernard Voïta, ‹Melencolia VII (Macha B.)›, 2014, Inkjet-Print, 180 x 130 cm 

BESPRECHUNGEN // WINTERTHUR 113

Olaf Holzapfel — Von Räumen, die uns ummanteln 

Früh beschäftigen ihn urbane Systeme und digitale Welten, seit 

einigen Jahren wendet sich Olaf Holzapfel aber ruralem Handwerk 

und pflanzlichem Material zu. Dabei bleibt das Interesse 

an Raster- und Raumbildung eine Konstante seines Werks, das 

zurzeit im Museum Haus Konstruktiv gastiert. 

Zürich — Sie stehen im Raum wie Möglichkeiten der Behausung: Zylinderförmige 

Weidengeflechte erinnern an hohle Baumstämme, Holzbalken verkeilen sich zu 

geometrischen Ansätzen eines Fachwerkgerüsts, und getrocknetes Schilf türmt sich 

in rechteckigen Bündeln zu einem Wandelement, das inmitten der grossen Halle im 

Haus Konstruktiv eine halbrunde Nische formt. Olaf Holzapfel (*1967, Dresden) lädt 

hier zum Gang durch architektonische Skulpturen ein, die mit organisch gewachsenem 

Material, traditionellem Handwerk und minimalistischer Formgebung an Urtypen 

der Baukonstruktion denken lassen. Sie führen an ein Werk heran, dem stets 

etwas Zeitentrücktes anhaftet. Während in den oberen Etagen des Museums eine 

Gruppenausstellung die Geschichte des Zurich Art Prize seit der Gründung 2007 ausrollt, 

zeigt Holzapfel als diesjähriger Preisträger in den unteren Räumen eine Einzelschau, 

die scheinbar disparate Strukturen, Prozesse und Epochen in eine eigentümliche 

Balance bringt. Hier vermengt sich Natürliches und Gebautes, vielleicht auch 

Tradition und Moderne und sicherlich Handwerk und Kunst: Denn die Praxis Holzapfels 

vollzieht sich immer wieder ausserhalb seines Berliner Ateliers. In sein Schaffen 

bindet er Regionen und ihre vernakulären Techniken ein, mit denen Rohstoffe der jeweils 

umliegenden Wälder und Felder verarbeitet werden. 

Für seine Fachwerkskulpturen spannt der Künstler mit Zimmerleuten aus dem 

Harzgebiet zusammen, die Stroh- und Heubilder im zweiten Ausstellungsraum entstehen 

hingegen in Kollaborationen mit brandenburgischen und Lausitzer Höfen. 

Ihnen entstammen nicht nur die in den Arbeiten verwendeten Getreide- und Grashalme, 

sondern auch ein althergebrachtes Ritual, bei dem getrocknete Pflanzen von 

Hand zu Seilen gewunden werden. Wo das Stroh Stängel für Stängel auf Sperrholzplatten 

zu schraffurartigen Flächen von illusionistischer Bildtiefe geklebt ist, sind 

diese Seile aus dürren Gräsern, Kräutern und Wildblumen als voluminöse Gewebe auf 

Holzrahmen gespannt und vermitteln Landschaftsräume durch deren präsentes Material. 

Nicht zuletzt ihr intensiver Geruch setzt sie in direkte Beziehung mit unseren 

Körpern, auf die bereits durch die architektonischen Skulpturen verwiesen wird. Da 

schreiten wir über Holzschwellen und werden von einer Schilfnische eingehüllt, die 

den Titel ‹Mantel› (2024) trägt – ebenso heisst Holzapfels gesamte Schau, die in Zeiten 

der Schnelllebigkeit und der Virtualität von Räumen erzählt, die uns fortwährend 

physisch umgeben. Julia Schmidt 

→ ‹Olaf Holzapfel – Der Mantel›, Museum Haus Konstruktiv, bis 8.9. ↗ hauskonstruktiv.ch 


Olaf Holzapfel, ‹Der Mantel›, 2024 (Mitte), Reet, Sperrholz, Draht, Metall, 325 x 359 x 250 cm, Ansicht, 

Museum Haus Konstruktiv, Zürich, Courtesy Knust Kunz Gallery und Xippas. Foto: Stefan Altenburger 

BESPRECHUNGEN // ZÜRICH 115

NOTIERT // KUNSTRÄUME 

Kunstraum Baden im Merker-Areal 

Baden — Anfang Jahr ist der Kunstraum Baden 

ins Merker-Areal gezogen, doch noch ist nicht 

«eingeräumt». Soll auch nicht, zumindest nicht 

für die erste Ausstellung am neuen Ort. Patrizia 

Keller nutzt das noch unbeschriebene Terrain 

für die Eröffnungsschau, die zugleich ihre 

erste Ausstellung als Leiterin des städtischen 

Kunstraums ist. ‹einziehen umräumen› lautet 

der furchtlose Titel, mit dem sie Kunstschaffende 

eingeladen hat, den Raum zu erforschen, 

auszuloten, zu bespielen. Das Experiment 

wird nicht gescheut, und vielleicht ist das 

der erste Pflock, der bei dieser Erkundung 

eingeschlagen wird. Was ist das neue Umfeld? 

Welche Geschichte besitzt der Ort? In welche 

Richtung entwickelt sich die Institution? Den 

Fragen der Ausstellung folgen Taten: Relax 

(chiarenza & hauser & co) tapeziert die Wände, 

Leila Peacock zeichnet aufs Fenster, Christoph 

Brünggel lässt Töne und Geräusche los, und 

Lucia Gugerli, Pierre Piton und Declan Whitaker 

von The Field verhandeln tanzend die Dynamiken, 

die im Kollektiv entstehen. Die Ausstellung 

lässt verschiedene Disziplinen einziehen, zeigt 

sie als Work in process. 

alps — Alpines Museum der Schweiz 

Bern — Das Alpine Museum der Schweiz 

heisst jetzt alps. Mit dem bereits im Umlauf 

gewesenen Kürzel will sich das Museum von 

klischierten Bergbildern lösen und sich einer 

zeitgenössischen diskursiven Kultur öffnen. 

Dabei führt es den Mix von Formaten, darunter 

auch solche mit künstlerischem oder partizipativem 

Charakter, fort. Die Institution sieht 

ihre Rolle immer stärker als Plattform, um sich 

mit Menschen und Organisationen zu vernetzen 

und sich aus gesellschaftlich relevanter 

Perspektive dem Thema Berg anzunähern. Dazu 

gehört beispielsweise die Kooperation mit der 

Alpenschutzorganisation NGO Mountain Wilderness 

Schweiz, mit dessen «Alpen-Flohmi» 

alps lanciert wurde. Die nächste Hauptausstellung, 

welche exemplarisch für die Ausrichtung 

von alps steht, dreht sich um Grönland im 

Spannungsfeld von Klimawandel, Wirtschaftsinteressen 

und Abwanderung – Themen, die 

auch hiesigen Bergregionen nicht fremd sind. 

alps – Alpines Museum Schweiz, Aussenansicht. 

Foto: Georg Aerni 

↗ alps.museum 

Centre Albert Anker 

Das Merker-Areal, neuer Standort des 

Kunstraum Baden. Foto: Fanny Frey 

→ ‹einziehen umräumen›, bis 1.12. 

↗ kunstraum.baden.ch 

Ins — In Heinz Bütlers Dokumentarfilm ‹Albert 

Anker – Malstunden bei Raffael› (2022) konnten 

wir uns bereits im Atelier von Albert Anker 

(1831–1910) umschauen, welches zu den wenigen 

im Originalzustand erhaltenen Künstlerateliers 

aus dem 19. Jahrhundert zählt. Nun 

lädt das von der Stiftung Albert Anker-Haus 

neu eröffnete Centre Albert Anker zum Besuch 


vor Ort im Berner Seenland. Mit Führung erhält 

man ganzjährig Zugang zum Atelier und dem 

historischen Bauernhaus, in dem eine Dauerausstellung 

zum Leben und Wirken des Künstlers 

eingerichtet ist. Für den Garten hat der 

Bieler Architekt Marcel Hegg einen Holzpavillon 

entworfen, der das Archiv und die Restauration 

beherbergt. Im Sommer wird darin jeweils eine 

Wechselausstellung präsentiert. Dieses Jahr 

heisst sie ‹Licht des Südens› und widmet sich 

mit Skizzen, Aquarellen und Objekten Ankers 

Reisen. Das Kunstmuseum Bern hat die Eröffnung 

des Centre Albert Anker zum Anlass genommen, 

in seiner Sammlung den Blick auf die 

«Lesenden Mädchen» zu richten. Mit der Schau 

soll Ankers Arbeit als Politiker und Künstler als 

Beitrag zur Gleichberechtigung der Frauen in 

der Schweiz verstanden und gewürdigt werden. 

werden. Die Initiantin dieses neuen Kunstorts 

ist die ThalwilerHofkunst. Sie hat den Raum 

bereits zuvor für Ausstellungen genutzt, unter 

anderem während der Kulturtage der Gemeinde. 

Nun soll die Kunst fester Bestandteil 

werden, mit Installationen, die durchs Fenster 

betrachtet oder gehört werden können, sowie 

mit Anlässen auf dem Vorplatz. ‹frisch gewaschen› 

heisst das Projekt zur Einweihung, das 

mit Kleidern aus verschiedenen Epochen einen 

historischen Blick auf die Wäsche von 1900 

bis heute wirft. Ein QR-Code führt zu weiteren 

Informationen. Im August folgt eine ortsspezifische 

Installation von Seda Hepsev, einer 

Künstlerin aus Istanbul, die in Zürich lebt und 

arbeitet. Die umtriebige ThalwilerHofkunst, die 

sich aus Kunst- und Kulturschaffenden zusammensetzt, 

schafft mit dem Waschhaus neben 

der ArtBox auf den Perrons des Bahnhofs einen 

weiteren Ort, der das kulturelle Leben und den 

öffentlichen Raum der Gemeinde belebt. 

Centre Albert Anker, Aussenansicht Pavillon. 

Foto: Alexander Jaquemet 

→ ‹Licht des Südens›, bis 29.9.; Dauerausstellung 

ganzjährig, Tickets online buchen 

↗ centrealbertanker.ch 

→ ‹Albert Anker – Lesende Mädchen›, 

Kunst museum Bern, bis 21.7. 

↗ kunstmuseumbern.ch 

Das Waschhaus in Thalwil, Aussenansicht 

→ ‹frisch gewaschen›, bis 24.8. 

→ ‹Seda Hepsev›, 30.8.–26.10. 

↗ waschhaus.ch 

Waschhaus 

Thalwil — Geschniegelt und gestriegelt präsentiert 

sich das ehemalige kleine Waschhaus. 

Für seine neue Aufgabe als «Tiny Museum 

Thalwil» wurde es mit frischem Anstrich 

und elektrischen Anschlüssen versehen, für 

die Beleuchtung und vielleicht auch für die 

Kunstwerke, die fortan hier ein- und ausziehen 

GROSSANLÄSSE 

Kunsttage Basel 

Basel — Die fünfte Ausgabe der Kunsttage 

Basel wartet einmal mehr mit einem dichten 

vielfältigen Programm auf. Drei Tage lang ist 

NOTIERT // KUNSTRÄUME / GROSSANLÄSSE 117

an sechzig Orten – in Museen, Ausstellungsräumen, 

Galerien und Ateliers – Kunst von 

über hundert regionalen und internationalen 

Kunstschaffenden zu erleben. Die teilnehmenden 

Institutionen laden in neu eröffnete 

Ausstellungen, zu Sonderveranstaltungen und 

Rundgängen ein. Zum ersten Mal dabei sind 

unter anderem die Cristina Spoerri-Stiftung, 

die Offspaces Courtney Jaeger und spot sowie 

die Galerien Hauser & Wirth und see you next 

Tuesday. Ziel der Kunsttage Basel ist es, ein 

möglichst schwellenloses Erleben von Kunst 

an teils wenig bekannten Orten zu ermöglichen. 

Das Rahmenprogramm, das über den ganzen 

Sommer hinweg erweitert wird, bietet von einer 

Artists Bar über einen Plasticology Workshop 

bis zu einem Disco-Punk-Konzert alles 

Erdenkliche. Zahlreiche Künstler:innen sind in 

den Ausstellungen und Ateliers anwesend und 

geben Auskunft über ihre Werke. 

berühmt ist. Doch Locarno, so ein Credo, ist 

nicht für die Stars und VIPs, sondern für alle 

Filmliebhaber:innen, die auf der grossen Piazza 

und den Sälen der Stadt dem Kino huldigen. Es 

ist die erste Ausgabe unter der neuen Präsidentin 

Maja Hoffmann. Wie immer laufen drei 

internationale Wettbewerbe, weitere Sektionen 

zeigen Filme ‹Fuori Concorso›, Retrospektiven 

oder Kurzfilme. Von der neuseeländischen Regisseurin 

Jane Campion, die den Pardo d’onore 

für ihr Lebenswerk erhält, läuft ‹The Piano› 

(1993) in restaurierter Fassung. Der Schweizer 

Animationsfilmer Claude Barras, der mit ‹Ma 

vie de Courgette› (2016) bekannt wurde, erhält 

den gemeinsam mit der Mobiliar vergebenen 

Locarno Kids Award. 

Die Piazza Grande tagsüber am Locarno Film 

Festival 2023. Foto: Ti-Press 

Performanceprogramm im neuen Kunsthaus 

Baselland mit Studierenden des Institut 

Kunst Gender Natur HGK Basel FHNW, im 

Bild: Virginie Sistek, ‹Church Parties; Purry 

Footage›, Installation und Performance, 

2023. Foto: Christoph Bühler 

→ Diverse Orte, 30.8.–1.9. 

↗ kunsttagebasel.ch 

Locarno Film Festival 

Locarno — Der majestätische Leopard vor 

Tessiner See- und Bergkulisse kündigt es an: 

die 77. Ausgabe des Locarno Film Festival. Das 

Plakat wurde von Annie Leibovitz gestaltet, 

die für ihre Porträts prominenter Personen 

→ Diverse Orte, 7.–17.8. 

↗ locarnofestival.ch 

far° — Festival des arts vivants 

Nyon — far° Nyon ist bekannt für sein Festival, 

das jedes Jahr mit einem nationalen und 

internationalen Programm die darstellenden 

Künste feiert. Als «fabrique des arts vivants» 

unterstützt es das ganze Jahr über Kunstschaffende 

unter anderem mit Residenzen 

oder Vermittlungsarbeit. Die 40. Ausgabe des 

far° – Festival des arts vivants steht unter dem 

Titel ‹bivouacs› (Biwak), ein Begriff der sich 

etymologisch von Bewachung ableitet. Für das 

Festival wird anhand der ephemeren Behausung 

über Sorgfalt, Wachsamkeit, Schutzräume 


und Widerstand nachgedacht. Was damit gemeint 

ist, zeigt etwa der in Tunesien geborene 

Tänzer und Choreograf Mohamed Toukabri: 

Aufgrund restriktiver Grenzregimes konnte er 

seine Mutter jahrelang nicht sehen; in Nyon 

tanzt er mit ihr auf der Bühne. ‹Ten Ways to 

put up a Tent› von Tejus Menon verspricht eine 

fröhliche Choreografie über das Campen und 

was es in der Schweiz respektive in Indien bedeutet. 

Dreissig Projekte sind zugegen, davon 

auch zahlreiche, die sich mit ökologischen 

Themen auseinandersetzen. Und nicht zuletzt 

gibt es auch Darbietungen für die Kleinen, etwa 

‹Die Flüstertüten› von Yasmine Hugonnet oder 

Zirkus-Performances in den Strassen von Nyon. 

auseinandersetzte. Bernard Fibicher entwickelte 

daraus das dezentrale Format für die 

schweizweite Ausstellung ‹Schau, wie der Gletscher 

schwindet›, die über das Jahr verteilt an 

über dreissig Orten, von Genf bis ins Graubünden 

und vom Wallis bis nach Zürich, stattfindet. 

Institutionen zeigen Ausstellungen aus ihren 

Sammlungsbeständen, geben Werke in Auftrag, 

die in freier Landschaft installiert werden, oder 

organisieren Veranstaltungen zu dem Thema. In 

Gletsch wurde der Reigen offiziell eröffnet: Im 

Hotel Glacier du Rhône sind Perrins Untersuchungen 

in einem Journal und einem Film zu 

sehen; der Bündner Ingenieur Jürg Conzett hat 

mit dem Genfer Architekt Georges Descombes 

einen schwebenden Laufsteg gebaut, der zu 

den Spuren des verschwundenen Gletschers 

führt. Alle Ausstellungen und Veranstaltungen 

sind auf der Website aufgeführt. 

Mohamed Toukabri, ‹The Power (of) The 

Fragile – A duo between mother and son›, 

2024. Foto: Christian Tandberg 

→ Diverse Orte, 8.–18.8. 

↗ far-nyon.ch 

Schau, wie der Gletscher schwindet 

Schweiz — Aux arts les glaciers! Der Name des 

Vereins mobilisiert die Kunst für die Gletscher. 

Diese schmelzen mit unermesslichen Folgen 

für Ökologie, Ökonomie und Kultur. Der Verein 

wurde gegründet, um mittels Kunst die Realität 

dieses Wandels sichtbar zu machen. Die Idee 

entstand aus einer Residenz der Genfer Künstlerin 

Carmen Perrin auf dem Furkapass, wo sie 

sich mit dem Schmelzen des Rhonegletschers 

Douglas Mandry, ‹Gravity Flow›, 2022, 

rezykliertes Glas 

→ Diverse Orte, bis 29.9. 

↗ artforglaciers.ch 

Zürcher Theater Spektakel 

Zürich — Im Spätsommer zieht das internationale 

Zürcher Theater Spektakel die Menschen 

in Scharen auf das Festivalgelände am 

See. Auch dieses Jahr enthält das Programm 

Darbietungen an der Schnittstelle zur visuellen 

Kunst. So schaffen in ‹uproar› die Choregrafin 

Simone Aughterlony und der Künstler Michael 

Günzburger eine immersive Performance zur 

Figur der Chimäre. Dimitri de Perrot lädt uns 

mit seiner Klanginstallation ‹Into the Dirt› ein, 

NOTIERT // GROSSANLÄSSE 119

uns auf einen klingenden Boden zu legen und 

den Geräuschen auf Fusshöhe zu lauschen. In 

Kooperation mit dem Theater Spektakel entstanden 

ist auch die Ausstellung ‹Cotton under 

my Feet: The Zurich Chapter› von Walid Raad im 

Kunsthaus Zürich: In einer Performance sowie 

einem Parcours durch die Sammlungsräume 

befragt der libanesisch-US-amerikanische 

Künstler die Narrative von (Privat-)Sammlungen. 

Das NEST Collective aus Nairobi gastiert 

mit seiner an der documenta fifteen gezeigten 

Multimedia-Installation ‹Return to Sender›, 

deren dystopische Mülllandschaft die negativen 

Folgen der Urbanisierung Kenias thematisiert. 

Zu erwähnen ist nicht zuletzt Artist at 

Risk, eine internationale Organisation, die sich 

für Schutzresidenzen für Kulturschaffende 

einsetzt. Die Zürcher Künstlerin Teresa Chen 

diskutiert mit Adi Blum von ICORN (International 

Cities of Refuge Network) über Schutzmöglichkeiten 

in der Schweiz. 

Lernenden und Mitarbeitenden einstellen, 

die das grösste Schweizer Streetart-Projekt 

malen. 2700 m 2 umfasst seine Fläche, ein Y 

aus Rümelinsplatz, Schnabel- und Münzgasse 

in der Fussgängerzone der Basler Altstadt. 

Initiiert wurde das Projekt ‹Asphaltkunst› 

vom Verein Instandbelebung Rümelinsplatz 

VIBR, der das Zeitfenster bis zum Totalumbau 

nutzen wollte, um den Platz zu gestalten und 

zu beleben. In Zusammenarbeit mit der Schule 

für Gestaltung Basel fand ein Wettbewerb 

statt, woraus ‹Welliges Flanieren› von Sarah 

Dietrich zum Sieger gekürt wurde. Ausgeführt 

wird das Werk gemeinsam mit angehenden 

jungen Berufsleuten aus Gewerbe und Kunst. 

Fotografien und ein Livestream begleiten und 

dokumentieren die einen Monat dauernden 

Malarbeiten. Der Entwurf ist eine Reverenz an 

den Rümelinbach und die ehemalige Mühle, 

die einst hier stand. Die zahlreichen geschwungenen 

Farbsegmente zeugen von Wellen 

und Rädern. Gut möglich, dass dabei das 

Malen und später das Flanieren zum Surfen 

auf Farbe wird. Angesichts der Buntheit und 

Verspieltheit mögen wohl einige Basler:innen 

aber auch an die Fasnacht denken – der Platz 

ist Treffpunkt während des Morgenstreichs. 

Bis zur nächsten Fasnacht, wenn die Baumaschinen 

auffahren, bleibt das «Asphaltkunstwerk» 

denn auch erhalten. 

Walid Raad, ‹Epilogue II: The Constables›, 2021, 

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza,Madrid, 

Courtesy Sfeir-Semler Gallery. 

→ Landiwiese, 15.8.–1.9. 

↗ theaterspektakel.ch 

→ Walid Raad im Kunsthaus Zürich, 16.8.–3.11. 

↗ kunsthaus.ch 

AUSSENPROJEKTE 

Sarah Dietrich — Welliges Flanieren 

Basel — Wie fühlt sich wohl «Farbsurfen» an? 

Dieses Gefühl soll sich bei den zahlreichen 

Sarah Dietrich, ‹Welliges Flanieren›, 2700 m 2 , 

Dokumentation des Malprozesses, Rümelinsplatz, 

Basel. Foto: Bossart-Films 

→ Rümelinsplatz, bis zur Fasnacht 2025 

↗ vibr.ch 


Twingi 24 

Binn — Auch dieses Jahr lädt die Ausstellung 

Twingi ins Oberwallis. Im Landschaftspark 

Binntal sind entlang der historischen 

Fahrstras se Installationen und Skulpturen von 

zwölf Kunstschaffenden zu entdecken. Sie sind 

auf die spezifische Umgebung abgestimmt, 

hinterfragen unsere Beziehung zur Natur, indem 

sie etwa Bäume als Servicepersonal antreten 

lassen, nutzen Tunnels für Übergänge und 

Verwandlungen, führen uns zurück ins Urmeer. 

Auch «Osterhasen» können gesucht werden, 

obwohl nicht Saison – ein wenig wie Erdbeeren 

im Winter, aber absolut nachhaltig produziert. 

Seit der letzten Ausgabe bespielt die Twingi 

zusätzlich einen wechselnden Aussenstandort, 

der einem spezifischen Thema gewidmet ist. 

Dieses Jahr lenkt im Weiler Fäld oberhalb von 

Binn der Künstler Leander Locher mit einem 

grossen hölzernen Auge unseren Fokus auf den 

Mässerbach, der zu den letzten natürlichen 

Gewässersystemen der Schweiz gehört. Aktuell 

versucht ihn der Landschaftspark als «Gewässerperle» 

zu zertifizieren und damit zu schützen. 

Die Ausstellung kann auf einer einfachen, 

rund einstündigen Wanderung entlang der alten 

Fahrstrasse zwischen Steinmatten und dem 

Weiler Ze Binne besucht werden. 

Augustin Rebetez — Maison Totale 

Bôle — Der Künstler Augustin Rebetez und 

sein Team eröffnen das ‹Maison Totale›. In der 

Gemeinde Bôle bei Neuenburg in unmittelbarer 

Nähe zum Bahnhof haben sie in den letzten 

Jahren das ehemalige Haus eines Trödlers und 

den umliegenden Park in eine grosse begehbare 

Skulptur umgestaltet. So absolut wie der Titel ist 

auch der Anspruch des Projekts: Nichts anderes 

als ein Gesamtkunstwerk für die Kunst und die 

Poesie soll es sein. Der ‹Tarot-Garten› von Niki de 

Saint Phalle oder das ‹Palais Idéal› von Ferdinand 

Cheval sind willkommene Assoziationen. 

Das ‹Maison Totale› sei ein imaginärer Ort, aber 

mit echten Türen und Fenstern. Die Besuchenden 

sind eingeladen, einzutreten und sich über 

die verschiedenen Pfade, vorbei an Wald- 

Gesichtern oder Vögeln mit stacheligen Flügeln, 

in eine künstlerische Traumwelt zu begeben. In 

Zukunft soll das ‹Maison Totale› jeden Sommer 

für die Öffentlichkeit zugänglich sein. Auch sind 

Residenzen für Kunstschaffende geplant. Es ist 

ein Kunstwerk in konstanter Weiterentwicklung. 

Vieles ist möglich und denkbar, wenn es mit dem 

Geist des Ortes übereinstimmt, der sich kompromisslos 

der Kunst verschrieben hat. 

Augustin Rebetez, ‹Maison Totale›, 2024, 

Skulpturenpark, Bôle 

Laura A. Kingsley, ‹At the Time of the 

First Flowers Warm Salt Water Would have 

Drowned you Where you Stand›, 2024. 

Foto: Matthias Luggen 

→ Twingischlucht, bis 13.10., öffentliche 

Führung: 18.8., 12.15 Uhr 

↗ twingi.ch 

→ Chemin de la Bourdonnette 26, bis 21.9., 

geöffnet Sa / So, 10–17 Uhr, Fest zum Saisonende: 

21.9., 10–20 Uhr ↗ maisontotale.ch 

Kunst im Fluss 

Emmen — Nach der letztjährigen Ausstellung 

‹im fluss I›, die Kunst unter der Autobahnbrü- 

NOTIERT // GROSSANLÄSSE / AUSSENPROJEKTE 121

cke Rüssegg präsentierte, führt die visarte 

zentralschweiz mit Barbara Hennig Marques 

dieses Jahr das Projekt fort. Für ‹im fluss II› 

haben Studierende der HSLU – Design Film 

Kunst unter der Leitung von Sebastian Utzni 

und Susanne Hefti Werke erarbeitet, die sich 

mit dem Flussraum der Kleinen Emme vor dem 

Gelände der Hochschule Luzern auseinandersetzen. 

Der Park steht Besuchenden rund um 

die Uhr offen. 

Die Kunstwerke, von denen einige extra für 

die Ausstellung entwickelt wurden, bespielen 

etwa ein ehemaliges Schuhmacherhäuschen, 

eine nicht mehr genutzte Kegelbahn im Hotel 

Engelberg oder den historischen Eiskeller des 

Hotels Bänklialp. Aber auch alte Scheunen 

und Ställe, die Bergstation der historischen 

Standseilbahn, öffentliche Plätze und das Tal 

Museum stehen auf der langen Liste von Orten, 

die für die Ausstellung aktiviert wurden. Sie 

zeugen von der Geschichte dieser Tourismusdestination, 

aber auch von ihrem Wandel, und 

machen Lust, auf Erkundungstour zu gehen. 

Carmen Kaufmann und Regina Schwegler, 

‹TagNacht Fenster›, 2024. Foto: Hans Stricker 

→ Emmenpark, bis 22.9. 

↗ kunstimfluss.ch 

Francis Alÿs, ‹Children’s Game #33: Schneespiele, 

Engelberg, Switzerland›, 2022, Video, 

5’26’’, in Koop. mit Julien Devaux und Félix 

Blume, zu sehen im Hotel Hoheneck, Engelberg 

→ Diverse Orte, bis 18.8. 

↗ backstageengelberg.ch 

Backstage Engelberg 

Engelberg — Der Name ist Programm: Die 

Ausstellung ‹Backstage Engelberg› führt die 

Besucher:innen an Orte, die nicht zu den offiziellen 

Highlights zählen: private, leer stehende 

oder umgenutzte Räume, die man normalerweise 

nicht zu Gesicht bekommt. Initiiert 

vom Zürcher Galeristen Peter Kilchmann, der 

mit der alpinen Klostergemeinde persönlich 

verbunden ist, und kuratiert von Dorothea 

Strauss, sind 53 bekannte nationale und 

internationale Kunstschaffende in der Schau 

vertreten. Namen wie Francis Alÿs, Leiko Ikemura, 

Zilla Leutenegger oder Shirana Shabazi 

stammen von der Galerie, viele weitere, sowohl 

ältere als auch jüngere, sind dazu gekommen. 

MoorArt 2024 

Rifferswil — Gehört der Frühling den Rhododendren, 

die das Hochmoor im Knonauer Amt 

aufblühen lassen, folgt im Sommer die Kunst: 

Zum zweiten Mal findet im Park Seleger Moor 

die Ausstellung MoorArt statt. Aus einer Ausschreibung 

wurden von einer Jury, in der auch 

die Kunstbulletin-Redakteurin Meret Arnold 

einsass, 17 Projekte von Kunstschaffenden 

aus dem In- und Ausland ausgewählt, die sich 

auf den Ort beziehen. Über skulpturale Werke, 

Video-, Foto- und Klangarbeiten sind zahlreiche 

Medien vertreten. Trotz der Gefährdung des 

Planeten durch den Menschen, die in Arbeiten 

explizit thematisiert wird oder unterschwellig 

mitschwingt, wecken viele Beiträge die Neugier, 


die Umwelt besser zu verstehen. So wird das 

Moor auch zum Forschungsfeld, indem etwa 

mittels Sensoren seine klanglichen Tiefen 

erkundet oder nachts seine biolumineszenten 

Lebewesen aufgespürt werden. Ein Spaziergang 

mit geschlossenen Augen lädt zu einer 

anderen Sinneserfahrung ein. Im Unterholz 

sitzen biomorphe Gebilde wie Schutzgeister, 

eine miniaturisierte Moränenlandschaft hat 

schützende Mützen erhalten. Der Leidenschaft, 

durch die auch der Park entstanden 

ist, wird Tribut gezollt. Die Kunst, so vielleicht 

die Aussage in diesem gleichsam künstlichen 

wie natürlichen Habitat, rettet uns doch. Die 

Ausstellung, die in Runde zwei der dreijährigen 

Pilotphase geht, wird begleitet von Artist Talks, 

Führungen und Workshops. 

entwickelte Werke zu entdecken. So lässt Flora 

Frommelt auf dem Wasser des Weihers riesige 

Seifenblasen schwimmen, Sylvia Geel bittet 

grüne Rasenroboter zum Tanz, und in Sabina 

Gnädingers Spiegelobjekten verschwimmt die 

Landschaft im Grün. Der Hortus conclusus war 

schon immer ein Schutzraum, in dem Pflanzen, 

Sehnsüchte und Vorstellungen gediehen – oder 

auch Kunst, mit der man sich hier spazierend 

oder genüsslich zurücklehnend verweilen kann. 

Sabina Gnädinger, ‹hidden tree›, 2024, 

Metall, Motor, Spiegel, Ausstellungsansicht 

Kulturort Galerie Weiertal 

→ Kulturort Galerie Weiertal, bis 8.9., 

jeweils Do–So geöffnet 

↗ galerieweiertal.ch 

Brigitta Gabban, ‹Chapeau!›, 2024, Erde, 

glasierter Ton, Ausstellungsansicht 

MoorArt, Park Seleger Moor, Rifferswil. 

Foto: Ayla Feridun-Dziedzic 

→ Park Seleger Moor, bis 31.10., Spaziergang 

‹Moorgang augenblind›: 25.8. / 8.9., 15 Uhr 

↗ moorart.ch 

Hortus Conclusus — Im Garten der Sinne 

Winterthur — Das idyllische Weiertal lockt 

auch in nicht Biennale-Jahren zum Besuch. Für 

diesen Sommer haben Maja und Rick von Meiss 

17 Kunstschaffende in ihren Garten eingeladen. 

Unter dem Titel ‹Hortus Conclusus – Garten 

der Sinne› sind ortsbezogene, teils neu 

Trilogie Südtrottoir 

Zürich — Die Hardturmstrasse im einstigen 

Züricher Industriequartier ist kein Charmebolzen: 

Durchgangsverkehr prägt den Autobahnzubringer, 

der eigentlich Quartierraum sein 

sollte. Die Stadt Zürich plant deshalb eine neue 

grüne Stadtachse, klimafreundlich und multifunktional. 

Die Umsetzung der Sanierung, die 

Quartierflair bringen soll, ist für 2027 geplant. 

Doch bereits jetzt nehmen lokale Akteur:innen 

die Strasse in Beschlag. Der Kunstraum Hartdurm 

mit dem Künstlerduo Ballotti und Imbach 

startet diesen Sommer gemeinsam mit dem 

Kurator Mischa Camenzind vom Offspace 6 ½ 

die ‹Trilogie Südtrottoir›, um den öffentlichen 

Raum aufzuwerten. Eine Gruppe von zwanzig 

bis dreissig Kunstschaffenden unternimmt 

NOTIERT // AUSSENPROJEKTE 123

mit Installationen, Skulpturen und Urban Art 

künstlerische Eingriffe vor Ort, die diesen 

selbst zum Thema machen. So bringen etwa 

Michael Meier & Christoph Franz Zürich-West 

mit dem Londoner Stadtteil Islington in Verbindung, 

dem Geburtsort des Begriffs Gentrifizierung. 

iooke benutzt Heutrockner, sogenannte 

Heinzen, um auf die Diskrepanz zwischen 

asphaltiertem Businesspark und fehlendem 

Lebensraum aufmerksam zu machen, und ein 

Windsack von John Trashkowsky regt zur kritischen 

Reflexion der eigenen Meinung an. 

Kuratorin wirkte; später, von 2018 bis 2023, 

war sie Direktorin des Kölnischen Kunstvereins. 

Zurzeit kuratiert sie die Ausstellung 

‹Köln Skulptur #11› im Skulpturenpark Köln. 

Dietrichs Aufgabe wird es sein, für die Qualität 

der Liste Art Fair zu sorgen, den Standort Basel 

zu stärken und neue Fördermodelle für junge 

Galerien und Kunstschaffende zu entwickeln. 

Die Messe wird auch in Zukunft nicht gewinnorientiert 

ausgerichtet sein und internationalen 

Galerien eine Messepräsenz zu günstigen 

Konditionen ermöglichen. 

Nikola Dietrich. Foto: Mareike Tocha 

Axel Wieder 

One truth, ‹The Artist›, 2024, Sprühfarbe 

auf Metallfassade, 20 m 2 , Ansicht Trilogie 

Südtrottoir, Zürich 

→ Hardturmstrasse, bis 14.9.; Aktionstag mit 

Performance-Programm: 31.8., 13–19 Uhr 

↗ hartdurm.ch/südtrottoir 

NAMEN 

Nikola Dietrich 

Basel — Nikola Dietrich ist neue künstlerische 

Direktorin der Liste Basel. Die Stiftung Liste 

Basel hat sie auf Empfehlung einer Findungskommission 

ernannt. Damit kehrt sie nach 

zehn Jahren nach Basel zurück, wo sie von 

2008 bis 2014 das Museum für Gegenwartskunst 

am Kunstmuseum Basel leitete. Sie kam 

damals vom Portikus in Frankfurt, wo sie als 

Berlin — Axel Wieder wird neuer Direktor der 

Berlin Biennale für zeitgenössische Kunst. Das 

hat die Auswahlkommission unter dem Vorsitz 

von Katharina Grosse bestimmt. Axel Wieder 

studierte Kunstgeschichte und Kulturwissenschaft 

in Berlin und Köln. Seit 2018 ist er 

Direktor der Bergen Kunsthall, wo er zusammen 

mit seinem Team ein weithin beachtetes 

interdisziplinäres Programm mit internationaler 

Ausrichtung und lokaler Verankerung realisiert. 

Die Ausstellung des samischen norwegischen 

Konzeptkünstlers Joar Nango 2020 war die 

meistbesuchte Schau in der Geschichte der 

Institution und wurde als beste Ausstellung des 

Jahres in Norwegen ausgezeichnet. Vor seinem 

Engagement in Bergen war Wieder von 2014 bis 

2018 Direktor von Index – The Swedish Contemporary 

Art Foundation in Stockholm und von 

2012 bis 2014 Programmleiter des Arnolfini in 

Bristol. Weiter verantwortete er das Programm 

des Kunstraums Ludlow 38 am Goethe-Institut 

in New York und war künstlerischer Leiter des 

Künstlerhaus Stuttgart. 1999 war er Mitbegründer 

der Buchhandlung und Diskursplattform 

Pro qm in Berlin. Axel Wieder übernimmt das 


Amt im August und steuert die Geschäfte in Vorbereitung 

auf die 13. Berlin Biennale im Sommer 

2025, die von Zasha Colah kuratiert wird. 

Axel Wieder. Foto: Victoria Tomaschko 

Eva-Maria Knüsel 

Bern — Eva-Maria Knüsel ist neue Leiterin der 

Stadtgalerie Bern. Die Kunstvermittlerin ist in 

Luzern aufgewachsen, wo sie von 2013 bis 2020 

den unabhängigen Ausstellungsraum sic! Raum 

für Kunst in Co-Leitung betrieb. In Basel, wo 

sie heute noch lebt, führte sie ihr Engagement 

im Kunstraum Mayday weiter, bei dem sie von 

2021 bis 2024 in der Co-Leitung war. Mit Bern 

ist sie durch ihre Ausbildung verbunden. So 

studierte sie hier an der Hochschule der Künste 

Art Education und Kunstgeschichte an der Universität. 

Seit 2018 ist sie als wissenschaftliche 

Mitarbeiterin am Kunsthaus Langenthal tätig 

sowie seit 2021 im Fotomuseum Winterthur als 

Vermittlerin von Bild- und Medienkompetenz. 

Aktuell führt sie ausserdem die Geschäftsstelle 

des Performancepreis Schweiz. Eva-Maria 

Knüsel tritt ihre Stelle im August an. Sie folgt 

auf Luca Beeler, der die Stadtgalerie im Kulturzentrum 

Progr pandemiebedingt fünf anstatt 

der regulären vier Jahre leitete. Im städtisch 

finanzierten Ausstellungsraum werden Ausstellungen, 

Veranstaltungen und Publikationen 

zeitgenössischer Kunst realisiert, häufig in 

Kooperation mit der lokalen Szene. In Knüsels 

Amtszeit soll sich das Profil mit neuen Vermittlungsformaten 

weiterentwickeln. 

Eva-Maria Knüsel. Foto: Karin Salathé 

Katharina Epprecht 

St. Gallen — Katharina Epprecht, scheidende 

Direktorin des Museum zu Allerheiligen in 

Schaffhausen, wurde in den Stiftungsrat Textilmuseum 

gewählt. Das Textilmuseum St. Gallen, 

das sich in einem Backsteingebäude von 1886 

befindet, plant eine Sanierung, die das Museum 

bezüglich Sicherheit und Besucherfreundlichkeit 

à jour bringen soll. Im Zuge dessen 

verfolgt die Institution auch eine strategische 

Neuausrichtung. Katharina Epprecht stand seit 

2015 dem Museum zu Allerheiligen vor. Zuvor 

war sie seit 2007 stellvertretende Direktorin am 

Museum Rietberg in Zürich, wo sie als Kuratorin 

für japanische Kunst seit 1998 Ausstellungen 

realisierte sowie seit 2001 die Kommunikation 

und die Vermittlung leitete. Sie wird ihre 

Expertise ehrenamtlich in die Erneuerung des 

Textilmuseum St. Gallen einbringen. 

Katharina Epprecht. Foto: Melanie Duchene 

PREISE 

Schweizer Musikpreise 2024 

Bern — Zimoun erhält einen der insgesamt 

sieben mit je CHF 40’000 dotierten Schweizer 

Musikpreise, mit denen das Bundesamt für 

Kultur BAK das breit gefächerte Schweizer 

Musikschaffen ehrt. Der Berner Künstler 

bewegt sich seit den frühen Nullerjahren 

zwischen bildender Kunst und Musik. In seinen 

minimalistischen Installationen schafft er 

Interaktionen zwischen visuellen, auditiven 

und räumlichen Elementen. Er benutzt meist 

recycelte Alltagsmaterialien, wie beispielsweise 

Karton, die er mit einer Vielzahl an Motoren 

in Bewegung versetzt. Erhielt Zimoun zu 

Beginn in der Berner Altstadt im Tonus-Music 

Labor (heute Orbital Garden) des Musikers 

NOTIERT // AUSSENPROJEKTE / NAMEN / PREISE 125

Don Li eine Bühne, stellt er heute weltweit aus. 

In der Schweiz widmete ihm das Museum Haus 

Konstruktiv in Zürich 2021 eine grosse Einzelausstellung. 

Neben seinen Installationen, die 

er als musikalische Kompositionen begreift, 

arbeitet Zimoun auch rein akustisch: Mittels 

Mehrkanal-Kompositionen macht er Räume 

erfahrbar, so zum Beispiel in der Reihe ‹Dark 

Matter›, die er in den vergangenen vier Jahren 

im Kino Rex in Bern präsentierte. Zusätzlich zu 

den Schweizer Musikpreisen vergibt das BAK 

erneut drei Spezialpreise Musik à CHF 25’000, 

mit der es Vermittler wie Festivals, Archive 

oder Clubs ehrt, die einen Beitrag zur lebendigen 

Musikszene leisten. Der mit CHF 100’000 

dotierte Schweizer Grand Prix Musik geht an 

die Cellistin Sol Gabetta. 

Zimoun 

Paul Ege Kunstpreis 

Freiburg i.Br. — Kelly Tissot (*1995) erhält 

den Paul Ege Kunstpreis. Die in Frankreich 

geborene Künstlerin hat an der École Cantonale 

d’Art in Lausanne ihren Bachelor und an der 

Hochschule für Gestaltung und Kunst in Basel, 

wo sie derzeit lebt, ihren Master absolviert. Die 

Jury lobte Tissots Einsatz von Fotografie, mit 

dem sie einen intimen, aber unsentimentalen 

Blick auf das landwirtschaftliche und ländliche 

Leben vermittle. Die Künstlerin arbeite auf der 

Grundlage von analoger Fotografie und ergänzt 

die Abzüge mit architektonischen Elementen, 

die als Skulpturen und Ausstellungsarchitekturen 

die Betrachtenden geschickt umschliessen. 

2022 zeigte das Kunsthaus Baselland die erste 

Solo-Schau der Künstlerin. Der mit € 10’000 

dotierte Preis wird alle drei Jahre von der Ege 

Kunst- und Kulturstiftung in Zusammenarbeit 

mit dem Kulturamt Freiburg verliehen und 

richtet sich an junge Kunstschaffende aus 

dem Dreiländereck. Kelly Tissot ist die bisher 

siebte Preisträgerin. Ihr Schaffen wird parallel 

zur Sammlungsausstellung anlässlich des 

zwanzigjährigen Jubiläums des PEAC Museum 

(→ KB 5/2024, S. 66) präsentiert. 

Kelly Tissot. Foto: Damien Juillard 

Werner-Fenz-Stipendium 

Graz — Der steirische herbst und die Stadt 

Graz vergeben erstmals gemeinsam das 

Werner-Fenz-Stipendium für Kunst im 

öffentlichen Raum. Aus 142 Einreichungen 

überzeugte die brasilianische Künstlerin Clara 

Ianni (*1987) die Jury mit ihrem Konzept einer 

Performance im Grazer Stadtraum. In ‹Resurrection› 

wird sie ausrangierte Bühnenelemente 

und Requisiten aus dem Fundus des Grazer 

Theaters – Bäume, Steine, Wolken oder Blumen 

– im öffentlichen Raum wiederbeleben, 

um «ein Leben nach der Erschöpfung, nach 

dem Ende» zu imaginieren. Das mit € 17’000 

dotierte Stipendium umfasst die Umsetzung 

der Arbeit während des diesjährigen steirischen 

herbst. Es wurde auf Initiative von über 

zweihundert Künster:innen, Kurator:innen 

und Journalist:innen zur Würdigung des 

Kunsthistorikers und Kurators Werner Fenz 

(1944–2016) eingerichtet, der mit dem Festival 

in Graz eng verbunden war. Mit dem Stipendium 

startet auch der Aufbau einer Sammlung. 

So kauft der steirische herbst Originale von 

zehn ausgewählten Künstler:innen, die an der 

Ausschreibung teilgenommen haben. 

Clara Ianni. Foto: Ana Ferreira 


Landis & Gyr Stiftung — Atelier-, Reiseund 

Werkstipendien 

Zug — Die Landis & Gyr Stiftung hat ihre 

Stipendien vergeben. Zehn Kulturschaffende 

haben ein Werkstipendium von je CHF 30’000 

erhalten. Im Bereich Visuelle Kunst gehören 

Elena Montesinos, Kilian Rüthemann, Vanessa 

Safavi und das Duo Dorota Gaewęda und Eglė 

Kulbokaitė zu den Gewinner:innen. Ein Reisestipendium 

nach Ostmittel- und Südosteuropa 

in der Höhe von CHF 5000 bis 25’000 wurde 

in der Visuellen Kunst Sofía Durrieu, Tatjana 

Erpen und Beat Streuli zugesprochen. Weiter 

wurden 26 Atelierstipendien in den Sparten 

Komposition, Kulturkritik / Kurator:innen, 

Literatur / Übersetzung, Tanz, Theater und 

Visuelle Kunst vergeben. Die auserwählten 

Künstler:innen reisen nach Budapest, Bukarest, 

London, Sofia und Zug. 

Vor der Eröffnung der Ausstellung bewertet die 

Jury die Originalwerke und entscheidet über 

die Vergabe der Werk- und Förderbeiträge. 

→ Eingabeschluss: 16.8. 

↗ aargauerkuratorium.ch 

Exile Visual Arts Award 

Berlin — Die Körber-Stiftung, unterstützt von 

der Stiftung Exilmuseum Berlin, schreibt den 

mit € 10’000 dotierten Exile Visual Arts Award 

aus. Kunstschaffende mit Exilerfahrung (keine 

Kollektive) können sich mit ihren Arbeiten zu 

den Themen Flucht, Heimat und Leben im Exil 

bewerben. Teilnahmeberechtigt sind Personen, 

die mindestens 18 Jahre alt sind, sich schwerpunktmässig 

in deutschsprachigen Exilländern 

aufhalten und die ein Studium der visuellen 

Künste, eine Ausbildung an einer nicht-staatlichen 

Hochschule oder eine professionelle 

künstlerische Praxis aufweisen können. 


↗ koerber-stiftung.de 

Albert Koechlin Stiftung Recherchestipendium 

Dorota Gaewęda und Eglė Kulbokaitė 

Kilian Rüthemann. Foto: Judith Kakon 

Vanessa Safavi 

AUSSCHREIBUNGEN 

Auswahl 24 

Aarau — Aargauer Kunstschaffende können 

sich ab sofort für die Teilnahme an der 

Ausstellung und für Werk- und Förderbeiträge 

bewerben. Eine gemeinsam vom Aargauer 

Kunsthaus und dem Aargauer Kuratorium 

eingesetzte Jury entscheidet, welche Werke in 

die Jahresausstellung aufgenommen werden. 

Luzern — Die Albert Koechlin Stiftung bietet 

das Recherchestipendium Atelier X für innerschweizer 

Kulturschaffende aller Sparten an. 

Das Atelier X ist nicht an ein existierendes 

Atelier gebunden. Möglich ist eine längere 

Auszeit an einem frei wählbaren Ort oder eine 

längere Reise mit mehreren Stationen. Das 

Stipendium soll vorrangig der künstlerischen 

Weiterentwicklung dienen und eine Schaffenszeit 

ausserhalb des Alltags bieten. 


↗ aks-stiftung.ch/AtelierX 

Regional Luzern 

Luzern Region — ‹Regional Luzern› präsentiert 

alle zwei Jahre in Kulturinstitutionen jenseits 

der städtischen Zentren Einblick in das kantonale 

Luzerner Kunstschaffen. Künstler:innen, 

NOTIERT // PREISE / AUSSCHREIBUNGEN 127

die ihren Wohnsitz oder Arbeitsort seit mindestens 

einem Jahr im Kanton Luzern haben, während 

mindestens zehn Jahren ohne Unterbruch 

im Kanton Luzern gelebt haben oder eine aktive 

Teilnahme an der Luzerner Kunstszene ausweisen, 

können sich für eine Teilnahme an der 

Ausstellung und dem mit CHF 5000 dotierten 

Jurypreis bewerben. Die eingegebenen Werke 

dürfen nicht älter als drei Jahre sein. 


↗ kunstbulletin.ch (Ausschreibungen) 

PfeiferMobil 2025 

Luzern — Die Stiftung Otto Pfeifer zur Förderung 

von Kunst, Kultur und Wissenschaft stellt 

schöpferisch tätigen Personen für die Dauer 

von zwei Monaten ein Wohnmobil kostenlos zur 

Verfügung, mit einem Zuschuss an die Fahrtund 

Lebenskosten. Die Ausschreibung richtet 

sich an Kulturschaffende mit Wohnsitz in der 

Zentralschweiz oder Bezug zur Region, die ein 

konkretes Projekt realisieren wollen, für das 

Mobilität notwendig ist. 


↗ pfeifermobil.ch 

Ernte 2024 

Schaffhausen — Das Bewerbungsportal für 

die jurierte Ausstellung ‹Ernte› zum Kunstschaffen 

in der Region Schaffhausen ist 

eröffnet. Zugelassen sind Künstler:innen, die 

im Kanton Schaffhausen sowie den südlich 

angrenzenden Gemeinden ihren Wohnsitz 

haben, dort ihren hauptsächlichen Betätigungsort 

haben oder früher lange hatten, 

heimatberechtigt sind oder einen starken 

Bezug nachweisen können. An der Eröffnung 

im Museum zu Allerheiligen wird basierend 

auf der Ausstellung der mit CHF 10’000 dotierte 

Ernte-Kunstpreis der Schweizerischen 

Mobiliar Versicherungen vergeben. 


↗ allerheiligen.ch 

TaDA Residency 2025 

St. Gallen — Die Textile und Design Alliance 

TaDA bietet Kunstschaffenden und Kreativen 

aus allen Disziplinen die Möglichkeit, im Rahmen 

einer Residency mit renommierten Textilunternehmen 

und Forschungsinstitutionen in 

der Ostschweiz zusammenzuarbeiten. Vorausgesetzt 

werden ein ausgewiesenes Interesse 

an der Textilindustrie, Textilkultur sowie an 

Nachhaltigkeit. Technische Grundkenntnisse 

der Textilproduktion sind von Vorteil. Besonders 

willkommen sind Projekte mit einer ausgeprägten 

experimentellen Ausrichtung. 


↗ tada-residency.ch 

Internationale Kurzfilmtage Winterthur 

Winterthur — Für die Internationalen Kurzfilmtage 

Winterthur können Filme eingereicht 

werden. Teilnahmeberechtigt sind Filme aller 

Genres mit Produktionsjahr 2023 und 2024. 

Im Internationalen Wettbewerb beträgt die 

Maximallänge dreissig Minuten, im Schweizer 

Wettbewerb vierzig Minuten. Zugelassen 

für den Schweizer Wettbewerb sind Werke 

von Schweizer:innen sowie in der Schweiz 

an sässigen ausländischen Filmschaffenden. 

Insgesamt gibt es Preise im Wert von 

CHF 54’000 zu gewinnen. 


↗ kurzfilmtage.ch 

Walter Haymann Preis 

Zürich — Zum ersten Mal wird in diesem Jahr 

der Walter Haymann Preis verliehen. Der mit 

CHF 10’000 dotierte Preis würdigt herausragende 

Kunstschaffende, die sich in den Sparten 

Malerei und Skulptur bewegen. Teilnahmeberechtigt 

sind professionelle Schweizer 

Kunstschaffende sowie seit mindestens fünf 

Jahren in der Schweiz lebende Personen. Sie 

können sich frühestens nach Abschluss des 

Bachelor of Fine Arts und bis zehn Jahre nach 


dem Erwerb des Master of Fine Arts bewerben. 

Kunstschaffende, die über keine Hochschulausbildung 

verfügen, aber eine Ausstellungsbiografie 

mit überregionaler Ausstrahlung 

vorweisen können und sich in den ersten zehn 

Jahren ihrer künstlerischen Karriere befinden, 

sind ebenfalls zugelassen. 


↗ walterhaymann-stiftung.ch 

Kunstbiennale Venedig 2026 — Schweizer 

Pavillon 

Zürich — Die Schweizer Kulturstiftung 

Pro Helvetia bestimmt den Beitrag im Schweizer 

Pavillon erstmals im Rahmen einer 

offenen Ausschreibung. Für die 61. Biennale 

von Venedig können sich Künstler:innen und 

Kurator:innen mit Schweizbezug bewerben. 

Zugelassen sind alle in der Gegenwartskunst 

praktizierten Formate, wie etwa Einzel- und 

Gruppenausstellungen, performative oder 

installative Projekte. Ausgeschlossen sind Retrospektiven. 

Die Eingabe muss ein neu zu entwickelndes 

Projekt umfassen, das spezifisch 

auf den Schweizer Pavillon zugeschnitten ist. 


↗ prohelvetia.ch 

DIES UND DAS 

Stiftung Kunstdepot Göschenen 

Altdorf / Göschenen — Vor zehn Jahren rief 

der Kunstsammler Christoph Hürlimann das 

Kunstdepot Göschenen ins Leben. Die Stiftung 

erwarb ein ehemaliges Zeughaus und liess es 

von Burkhalter Sumi Architekten mit wenigen 

Eingriffen umbauen. Seither befinden sich im 

Dachgeschoss drei Ateliers, Schlafräume und 

eine Gemeinschaftsküche, die Stipendiat:innen 

zur Verfügung gestellt werden. Auch ein Teil 

der Sammlung von Christoph Hürlimann hat im 

Kunstdepot Göschenen einen festen Platz gefunden. 

Zum Jubiläum zeigt das Haus für Kunst 

Uri eine Ausstellung mit Werken von Martin 

Disler und Hans Josephson, welche die Direktorin 

Barbara Zürcher gemeinsam mit Christoph 

Hürlimann kuratiert hat. Im Kunstdepot selbst 

ist eine Gruppenausstellung mit Arbeiten aller 

Stipendiat:innen der letzten zehn Jahre zu 

sehen. Und bereits kündigt sich die nächste Initiative 

des Sammlers an: Im Herbst eröffnet in 

Altdorf Eyschachen die Kunsthalle Göschenen, 

erbaut ebenfalls von Burkhalter Sumi Architekten 

mit Werken der Künstler Hans Op de Beeck 

und Subodh Gupta. 

‹10 Jahre Stiftung Kunstdepot Göschenen mit 

Werken von Martin Disler und Hans Josephsohn›, 

Ausstellungsansicht Haus für Kunst Uri, 

2024. Foto: F.X. Brun 

→ Haus für Kunst Uri, bis 18.8.; Führung mit 

Christoph Hürlimann, Kunstdepot Göschenen: 

18.8., 11–15 Uhr, 

↗ hausfuerkunsturi.ch 

↗ kunstdepot-goeschenen.com 

Abbatiale Bellelay — L’Effet de serre 

Bellelay — Die Abteikirche in Bellelay bietet 

ein faszinierendes Raumerlebnis. Entleert von 

Mobiliar entfaltet die Architektur ihre sakrale 

Wirkung. In den Ausstellungen zeitgenössischer 

Kunst führt das immer wieder zu eindrücklichen 

Gesamtkunstwerken. Für die diesjährige 

Gruppenschau mit dem Titel ‹L’Effet de serre› 

(Treibhauseffekt) nutzt der Kurator Sylvain 

Menétrey die fast archaische spirituelle Struktur, 

um einen Gegenentwurf zur moralischen 

Erbauungsrolle der Kirche zu inszenieren. 

Dieser soll erdig, biologisch, fleischlich sein. 

NOTIERT // AUSSCHREIBUNGEN / DIES UND DAS 129

Der Künstler Jan van Oordt entwirft dazu eine 

Szenografie aus einem Gewächshaus, das sich 

durchs ganze Kirchenschiff zieht. Es bildet den 

sowohl tatsächlichen als auch metaphorischen 

Rahmen für die Werke von zwölf Kunstschaffenden 

aus dem In- und Ausland. Ihre Beiträge 

setzen sich mit Themen wie Metamorphose, 

Leib und Seele auseinander. Dabei sind etwa 

Émilie Ding & Alizée Lenox mit einer Klanginstallation, 

in der Stimmen eines queeren Chors 

Texte von Monique Wittig lesen, die bereits 

in den 1960er-Jahren mit der sprachlichen 

Überwindung von Gender experimentierte. Neu 

gibt es Kunstausstellungen in der Abbatiale 

dank zusätzlicher Mittel jeden Sommer und 

nicht mehr nur biennal. Auch die Konzertreihen, 

mit denen sich die Kunst bisher abwechselte, 

finden neu jedes Jahr im Herbst statt. 

seit den 1990er-Jahren in unterschiedlichen 

Ausprägungen, sei es zum Beispiel mit Fokus 

auf Kunst und Kultur wie Revista Traços in 

Brasilien oder Mi Valedor in Mexiko. Im internationalen 

Netzwerk der Strassenzeitungen INSP 

befinden sich aktuell knapp hundert Projekte 

im Austausch. Anlässlich seines dreissigjährigen 

Bestehens von INSP feiert nun das 

Kornhausforum die Idee der Strassenzeitung 

mit der Ausstellung ‹Wie Strassenzeitungen 

Leben verändern – How Street Papers Change 

Lives›. Kuratorin Rebecka Domig unternimmt 

eine grosse Auslegeordnung der internationalen 

Projekte. Spezielle Aufmerksamkeit erhält 

das Schweizer Magazin Surprise, das in der 

Deutschschweiz von über fünfhundert Menschen 

verkauft wird. Vermutlich kennen wir alle 

den einen oder die andere Surprise-Verkäuferin, 

halten vielleicht mal einen Schwatz oder 

fragen einfach, wie’s geht. Kurze Begegnungen, 

deren Zwischenmenschlichkeit nicht zu unterschätzen 

ist, für beide Seiten. 

Margaret Raspé, ‹Neunundfünfzig 

blau blühende Säulen›, 1982, Courtesy 

Galerie Molitor, Berlin 

→ ‹L’Effet de serre›, bis 18.8.; Konzertreihe 

‹Battements de l’Abbatiale›, 31.8.–8.9. 

↗ abatialebellelay.ch 

Strassenzeitung-Verkäufer Tinu, Bern, 

2022. Foto: Surprise / Marc Bachmann 

→ Kornhausforum, bis 3.8. 

↗ kornhausforum.ch 

Wie Strassenzeitungen Leben verändern 

Bern — Die Idee ist so einfach wie effektiv. 

Armutsbetroffene Menschen bieten auf der 

Strasse ein Magazin zum Verkauf und erhalten 

damit eine minimale Verdienstmöglichkeit, 

eine Tagesstruktur und soziale Kontakte. 

Strassenmagazine sind weltweit eine Erfolgsgeschichte. 

Entstanden in den USA, gibt es sie 

80 Jahre Xylon Schweiz 

Burgdorf — Franz Gertsch ist berühmt für seine 

faszinierenden fotorealistischen Holzschnitte. 

Es macht deshalb Sinn, dass die Schweizer 

Sektion der Internationalen Vereinigung der 

Holzschneider:innen Xylon ihr Jubiläum im 

Museum Franz Gertsch begeht. Die Vereinigung 

vermittelt seit 1953 in Ausstellungen die Kunst 


des Holzschnitts und publiziert mit der Zeitschrift 

Xylon Editionen von zeitgenössischen 

Kunstschaffenden. In der Schau ‹Schnitt & 

Druck in Variation – 80 Jahre Xylon Schweiz› 

sind Werke von knapp dreissig Künstler:innen 

aus den letzten zwanzig Jahren versammelt. 

Sie zeigen die Reichhaltigkeit an künstlerischen 

Möglichkeiten auf, die das Hochdruckverfahren 

bereithält. So finden sich Holz- und Linolschnitte 

in reduziertem Schwarz-Weiss oder solche, 

die mit der Überlagerung mehrerer Farben 

spielen; gröbere, silhouettenhafte Darstellungen 

wechseln sich ab mit detailgenauen oder 

sich ins Pixelig-Abstrakte auflösenden. Doch 

immer zeigt sich der Schnitt oder der Schwung 

der Hand. Darüber hinaus sind auch installative 

Arbeiten, Objekte und Videos zu sehen. Zum 

Jubiläum erscheint eine zweiteilige Publikation, 

die anhand von achtzig Werken die Entwicklung 

des Holzschnitts über die Jahre sowie das aktuelle 

Schaffen in dieser Technik vorstellt. 

entwerfen dazu Besteck, Geschirr und Textilien, 

die von Hand aus organischen Materialien 

wie Sturmholz, Flachs, Mykorrhiza, Algen 

oder Möhren gefertigt werden. 2016 führten 

Steinbeisser mit Tanja Grandit in den Merian 

Gärten ihr erstes Essen durch. Nun lädt das 

Duo anlässlich hundert Jahre biodynamische 

Landwirtschaft ins Goetheanum in Dornach. 

Elif Oskan vom türkischen Restaurant Gül in 

Zürich und Selassie Atadika, die als prominente 

Vertreterin der «Neuen afrikanischen Küche» 

gilt, kreieren mit den Erzeugnissen aus dem 

Garten des Goetheanums ein rein pflanzliches, 

saisonales Menü. Die künstlerischen Essgeräte, 

die man auch gerne als Kunstobjekte auf den 

Sockel stellen würde, versprechen Gaumenfreude 

mit performativem Charakter. Gerahmt 

wird der Anlass von einer Ausstellung, in der 

Studierende der Hochschule Luzern Objekte, 

die auch Essgeschirr sind, und visuelle Essays 

über Biodiversität präsentieren. 

Alice Gafner, ‹Sommer II›, 2023, Holzschnitt, 

Ed. 2/5, 70 x 100 cm 

→ Museum Franz Gertsch, bis 1.9. 

↗ museum-franzgertsch.ch 

Steinbeisser — Experimentelle Kulinarik 

Dornach — «Warum essen wir so, wie wir es 

tun, und geht es auch anders?» – Dies fragten 

sich Jouw Wijnsma und Martin Kullik, die 

unter dem Namen Steinbeisser «Experimentelle 

Kulinarik» anbieten. Bei ihren Anlässen 

bringen sie Gastronomie, Köch:innen und 

Künstler:innen zusammen, um neue Arten 

des Essens zu stimulieren. Die Künstler:innen 

Etienne Bailleul, Holzschalen, 2022. 

Foto: Kathrin Koschitzki 

→ Goetheanum, Foyer, 30./31.8. 

↗ sektion-landwirtschaft.org 

Fratelli Baviera 

Giornico — Silvio, Vincenzo, Michael und Peter: 

vier Brüder, und alle sind Künstler geworden. 

Aufgewachsen im Zürcher Kreis 4, dem damaligen 

Quartier der Arbeiter und Immigranten, 

Rotlichtviertel und später zusehends Anziehungspunkt 

für Künstler:innen, Offspaces und 

NOTIERT // DIES UND DAS 131

Galerien. Silvio R. Baviera, der älteste, eröffnete 

auf diesem Humus 1977 seine erste Galerie, in 

der er fortan «geschäften» sollte. 1966 hatte er, 

der Schriftsteller und Künstler werden wollte, 

den Verlag Um die Ecke gegründet, doch erst 

der Handel mit Gegenwartskunst sicherte ihm 

ein Einkommen. Neben Zürich unterhielt er vorübergehend 

auch Standorte in Biel und Cavigliano. 

Mit den Werken zeitgenössischer Kunst 

legte er gemeinsam mit seiner Frau Marietta 

Baviera-Montresor den Grundstein für seine 

weitere Tätigkeit als Museumsmacher. Bereits 

in Zürich unterhielt er seit Anfang der 1990er- 

Jahre auch ein Museum Baviera. 2018 schliesslich 

brach er seine Zelte in der Limmatstadt 

ab und zog in die nördliche Leventina nach 

Giornico, wo bereits La Congiunta, ein Haus 

für Plastiken von Hans Josephson, als kultureller 

Anziehungspunkt wirkte. Hier eröffnete 

er die Fabbrica Culturale, die Galerie, Verlag, 

Museum, Bibliothek, Archiv und Bar unter einem 

Dach vereint. Im Rahmen seines achtzigsten 

Geburtstages kommen nun die Werke 

der Fratelli Baviera, nach einer gemeinsamen 

Präsentation im Kunst(Zeug)Haus Rapperswil 

2020, erneut und feierlich zusammen. 

von zeitgenössischer Kunst in Luzern und 

der nahen Umgebung aufmerksam macht. In 

diesem Jahr stehen 24 Ausstellungen in ganz 

Luzern auf dem Programm. Es gibt Führungen, 

Performances, Lesungen sowie Gespräche mit 

Künstler:innen und Kurator:innen. Auch dieses 

Jahr finden Rundgänge statt, in denen Persönlichkeiten 

aus Kunst und Kultur spezielle 

Einblicke in die Ausstellungen bieten. Spezielle 

Formate laden zu vielfältigen Erkundungen ein, 

etwa die Performance-Tour mit dem Kollektiv 

Partout Partout, eine Fahrradtour entlang der 

Reuss oder mit der Kuratorin Laura Breitschmid 

im Kleinbus hinaus in die Umgebung. 

Ausstellung von Shannon Zwicker im 

Sic! Elephanthouse, Ausstellungsansicht 

Kunsthoch 2023. Foto: Eveline Schumacher 

→ Diverse Orte, 31.8., 11–18 Uhr 

↗ kunsthoch-luzern.ch 

Kunstmuseum Olten — Begin Again. Fail Better 

Die Fabbrica Culturale Baviera in Giornico 

→ Fabbrica Culturale, 20.7. –26.1.2025, 

geöffnet jeweils Mi–Sa, 13–17 Uhr 

↗ fabbrica-culturale-baviera.ch 

Kunsthoch Luzern 

Luzern — Kunsthoch ist ein gemeinsamer 

Aktionstag von Kunsträumen, der bereits 

zum 16. Mal auf das umfangreiche Angebot 

Olten — «Ever tried. Ever failed. No matter. 

Try again. Fail again. Fail better.» Das Zitat von 

Samuel Beckett über das Potenzial des Scheiterns 

hat für das Kunstmuseum Olten wohl eine 

spezielle Bedeutung. Zwei Jahre ist es her, seit 

ein Referendum von FDP und SVP das Architekturprojekt 

für das sanierungsbedürftige Museum 

verhinderte. Doch das Museum lässt sich 

nicht unterkriegen: «Ensemble, c’est tout» lautet 

dieses Jahr sein Motto. Die aktuelle Schau 

‹Begin Again. Fail Better – preliminary drawings 

in architecture (and art)› wurde gemeinsam mit 

drei Architekt:innen konzipiert und widmet sich 

den Handzeichnungen im architektonischen 


Entwurfsprozess. Ein historischer Teil speist 

sich aus Archiven mit Klassikern wie Alvaro 

Siza, Aldo Rossi oder Oscar Niemeyer. Für 

den zeitgenössischen Teil haben über fünfzig 

bekannte Schweizer Architekturbüros Beispiele 

aus ihrer Praxis beigesteuert. Die Vielfalt der 

Zeichnungen inspirieren durch ihre Versuche, 

einen Gedanken oder eine Idee zu Papier zu 

bringen und trotzdem noch fliegen zu lassen. 

Es wäre ein wünschbarer Nebeneffekt, wenn 

diese Schau auch zu neuen Räumen für das 

Museum und für die Kunst motivierte. Letztere 

empfängt die Besucher:innen auch bei dieser 

Ausstellung: Eine Tuschzeichnung des Duos 

Monica Germann und Daniel Lorenzi überzieht 

das ganze Fensterband im Erdgeschoss. 

von Palma di Montechiaro, unweit der Stadt Agrigento 

und seiner berühmten archäologischen 

Stätten. Der Schweizer Künstler, der für seine 

farbenfrohen, kritisch-ironischen Skulpturen, 

Installationen, Malereien und Zeichnungen aus 

gefundenen Gegenständen oder gewöhnlichen 

Materialien bekannt ist, liess sich von Umgebung, 

Betrieb und Lebensweise inspirieren. Das 

Entstandene zeigt er anschliessend vor Ort in 

der Ausstellung ‹rosso non c’è›. Sie richtet sich 

an Besucher:innen, Durchreisende, insbesondere 

aber auch an Gäste, die im hauseigenen 

Boutique-Hotel von Mandranova residieren. 

Monica Germann & Daniel Lorenzi, ‹Foyer 

der Konstruktionen›, 2024, Tinte auf Glas 

→ Kunstmuseum Olten, bis 25.8. 

↗ kunstmuseumolten.ch 

Beat Zoderer im Atelier der Mandranova 

Artist Residency, Juni 2024 © ProLitteris. 

Foto: Flowcube 

→ ‹Beat Zoderer – rosso non c’è›, Mandranova, 

bis 1.9. ↗ mandranova.com 

Beat Zoderer — Residenza d’Artista Mandranova 

Palma di Montechiaro — In Sizilien, inmitten 

von Mandel- und Olivenbäumen, liegt Mandranova. 

Der landwirtschaftliche Betrieb wird in 

sechster Generation von der Familie Di Vicenzo 

geführt, die für ihr ressourcenschonend produziertes 

Olivenöl bereits mehrfach ausgezeichnet 

wurde. Seit über zehn Jahren engagiert sie 

sich darüber hinaus für die Kunst. Ein Artistin-Residence-Programm, 

das derzeit unter der 

künstlerischen Leitung von Rachel Schilirò neu 

belebt wird, lädt Kunstschaffende für jeweils 

zwei Wochen auf das Gut. Im Juni verlegte Beat 

Zoderer sein Atelier in die malerischen Hügel 

Fischli / Weiss — Plötzlich diese Übersicht 

Paris — «Dieses Werk wird sicher mit der Zeit 

eine Umwandlung der Geister mit sich bringen, 

und ich hoffe, dass die Tyrannen, die Unterdrücker, 

die Fanatiker und die Intoleranten dabei 

nicht gewinnen werden.» Das hat der Bär nicht 

zur Ratte gesagt, im 1980 in Hollywood gedrehten 

16mm-Film ‹Der geringste Widerstand›, 

sondern: «Wie einfach im Grunde alles ist!» 

Und auf Rattes Erwiderung «Keine verbreitete 

Ansicht»: «Die armen Verwirrten haben keine 

Ahnung!» Darauf die Ratte: «Die Reichen auch 

nicht.» Als Denis Diderot 1762 an seine Freun- 


din Sophie Volland den Eingangssatz schrieb, 

befand sich die Enzyklopädie, welche die «auf 

der Erdoberfläche verstreuten Kenntnisse» 

sammeln sollte, schon elf Jahre im Entstehen. 

Sie sei, sagt Peter Fischli im Interview der Fondation 

Pinault, das Modell für ‹Plötzlich diese 

Übersicht› gewesen. 250 kleine und grössere 

Objekte aus ungebranntem Ton stellen teils 

Szenen nach, die den Moment vor oder nach 

einem denk- und merkwürdigen Ereignis festhalten, 

das irgendwo auf der Welt passiert sein 

mag. Erstmals Ende 1981 in der Zürcher Galerie 

Pablo Stähli ausgestellt, verstreut dieses 

Theatrum mundi voll putziger kleiner Figuren 

und humoriger Titel mit Leichtigkeit das Wissen 

über die Erde und entbindet seine emanzipatorische 

Kraft neu. Bis 2012 wuchs das Konvolut, 

dann starb David Weiss. Nun ist es als Teil von 

Pinaults Sammlungsschau ‹Le monde comme il 

va› in der Bourse de Commerce zu sehen. In den 

Wertkammern eines der reichsten Menschen 

der Erde wirkt die auf Sockelinseln installierte 

Enzyklopädie fast wie Papas Modelleisenbahn 

im Partykeller. Während ein letzter Schauer 

darüberläuft, macht die Übersicht plötzlich 

erkennbar, was zählt, in Kunst und Leben. JES 

Eingang zur Ausstellung ‹Arbeitende Kinder im 

19. und 20. Jahrhundert› im Forum Schweizer 

Geschichte. Je weiter man vordringt, desto 

dunkler werden die Räume, bis man schliesslich 

im Bauch einer schwarzen Fabrik steht. 

Da bestimmen Stechuhr und Sirene den Tag, 

und Kinder müssen unter ratternde Maschinen 

kriechen, um sie zu ölen. Oft genug waren 

diese armen Geschöpfe im Heim unter der 

Rute barmherziger Schwestern oder Opfer 

der Behörden, die ihre Mütter «administrativ 

versorgt» hatten. Die Ausstellung richtet auch 

einen Blick auf das lokale Umfeld und spannt 

so den Bogen zwischen landwirtschaftlicher 

Beschäftigung, stundenlanger Mithilfe bei 

der Heimarbeit und Ausbeutung in der Fabrik. 

Erst mit der Einführung des obligatorischen 

Schulunterrichts und dem Eidgenössischen Fabrikgesetz 

verbesserte sich die Situation, was 

im letzten Raum beschrieben wird, wo auch die 

Wände wieder in froheren Farben leuchten. TS 

‹Arbeitende Kinder im 19. und 20. Jahr hundert›, 

Ansicht Forum Schweizer Geschichte, Schwyz 

Peter Fischli & David Weiss, ‹Plötzlich diese 

Übersicht›, 1981–2012, 76 Tonskulpturen, 

Ausstellungsansicht Bourse de Commerce – 

Pinault Collection, Paris. Foto: Nicolas Brasseur 

→ Pinault Collection, Bourse de Commerce, 

Galerie 3, bis 2.9. ↗ pinaultcollection.com 

Arbeitende Kinder 

Schwyz — Man lasse sich nicht täuschen 

von den lachenden Buben auf dem Bild am 

→ Forum Schweizer Geschichte, bis 27.10. 

↗ forumschwyz.ch 

Textilmuseum St. Gallen — All You Cannot Eat 

St. Gallen — Das Textilmuseum St. Gallen 

widmet sich aktuell dem Essen. ‹All You Cannot 

Eat – Fake Food auf Stoff› ist jedoch keine 

klassische Präsentation von Tischwäsche im 

Wandel der Zeiten, von Küchentüchern, Schürzen 

oder Kochmützen. Das Museum geht einen 

neuen Weg: Im Ausstellungssaal sind 13 Tische 

gedeckt. Jeder wurde von unterschiedlichen 


Kollektiven und Profis aus den Bereichen Mode, 

Textil, Grafik, Keramik oder Kunst gestaltet; 

auch Studierende der Hochschule Luzern – 

Design Film Kunst aus den Studiengängen 

Objekt- und Textildesign sind dabei. Ein Tisch 

biegt sich unter der Last von Alltagskitsch 

in Form von Fake Food. Auf einem anderen 

türmen sich gestrickte Fantasiefrüchte. Beim 

dritten hängen Objekte der Essbegierde in 

der Luft, während die Tischplatte bedrohlich 

in Schieflage gerät. Beni Bischofs Installation 

‹It’s Finger Lickin’ Good› (2024) ist unter dem 

Tisch platziert und führt in lustvoll gruselige 

Fast-Food-Welten. Von eklig bis gediegen, von 

spartanisch bis sinnlich – die Schau spielt mit 

den Codes und Traditionen der Tischkultur. 

Von der Tapete bis zum Saalheft in Form einer 

Menükarte ist alles durchgestaltet und liefert 

Denkanstösse zur Nahrungsaufnahme unter 

soziologischen und kulturellen Aspekten. Die 

Ausstellung ist Teil von ‹Esswelten›, einem 

Gemeinschaftsprojekt der Stiftsbibliothek 

St. Gallen, des Kulturmuseum St. Gallen und 

des Textilmuseum St. Gallen. KS 

räumliche Ambiente zuständig, sondern kocht 

mit. Julien Mühlebach und Maximilian Dullinger, 

die gemeinsam mit Alexandra Signer die 

Leitungscrew bilden, lassen die im Restaurant 

gezeigte Kunst das Menü inspirieren. Aktuell ist 

dort die Ausstellung des deutschen Künstlers 

Jonathan Meese ‹Dracula’s liebe Mutterz: 

Böse Leiche?!?› zu sehen, die in Kooperation 

mit der gleichnamigen Schau in der Wasserkirche 

sowie einer zweiten Präsentation in der 

Tichy Ocean Foundation entstanden ist. Das 

Überraschungsmenü, das die Köche von Ameo, 

dazu kreiert haben, ist denn auch ein Leichenschmaus: 

Es beginnt mit einer Blutpraline, die 

als Amuse-Bouche gereicht wird, gefolgt von 

einer Gazpacho aus dem Infusionsbeutel bis, 

ein paar Gänge später, zur Erdbeere, die aus 

einem süssen Sarg im Schokoladenmantel 

geschlagen werden muss. Das tönt abenteuerlich, 

doch darf man diesen erfahrenen Köchen 

vertrauen. Wem das Thema trotzdem sauer 

aufstösst, der kann bis zur nächsten Kunstintervention 

warten. Bereits im August wird 

Franziska Furters Kunst die Räume bespielen 

und zu Rezepten animieren, die sicher ganz 

anders ausfallen dürften. 

Madame Tricot, ‹Buffet Macabre›, 2024, 

Ausstellungsansicht Textilmuseum St. Gallen. 

Foto: Laurids Jensen 

→ Textilmuseum St. Gallen, bis 13.10. 

↗ textilmuseum.ch 

Restaurant Ameo — Fine Dining With Arts 

Zürich — «Fine Dining With Arts» lautet der 

Slogan des Restaurants Ameo, das vor knapp 

einem Jahr mit einem speziellen Konzept 

eröffnete. Doch die Kunst ist hier nicht nur fürs 

‹Jonathan Meese – Dracula’s liebe Mutterz: 

Böse Leiche?!?›, Ausstellungsansicht 

Restaurant Ameo, Zürich © ProLitteris 

→ Jonathan Meese, bis Ende Juli; Franziska 

Furter, ab August 

↗ ameo-restaurant.ch 


AGENDA 

Schweiz *0041 

Aarau Aargauer Kunsthaus, Aarau, Aargauerplatz, *62 835 2330 Hugo Suter – Sammlung im Fokus –ı 24.8. 

Pauline Julier – A Single Universe –ı 26.10. 

Sammlung 24. Kunst aus der 

–ı 26.10. 

Schweiz vom 18. Jahrhundert bis in 

die Gegenwart 

Schau, wie der Gletscher 

–ı 24.8. 

schwindet 

Adliswil Galerie Kunst Zürich Süd, Zürichstrasse 1 Untergründliches – Mirjam Widmer –ı 27.7. 

Aeschi bei Spiez Gemeindesaal Aeschi, Mülenenstrasse 2 Zwischen Gipfeln und Horizonten 14.7.–4.8. 

Altdorf Haus für Kunst Uri, Herrengasse 4, *870 29 29 10 Jahre Stiftung Kunstdepot 

–ı 18.8. 

Göschenen 

Appenzell Kunstmuseum / Kunsthalle Appenzell, Ziegeleistr. 14, Möglichkeit Architektur –ı 6.10. 

*71 788 18 60 

Kunstmuseum Appenzell, Unterrainstrasse 5, 

Allianzen – Arp, Taeuber-Arp, Bill –ı 6.10. 

*71 788 1800 

Arbon Kunsthalle Arbon, Grabenstrasse 6 Edit Oderbolz – I Have No Roots 

–ı 21.7. 

in This Life 

Seestück – Max Leiß 18.8.–29.9. 

Arlesheim Forum Würth Arlesheim, Dornwydenweg 11, *61 705 95 95 Waldeslust –ı 3.8. 

Ascona Fondazione Rolf Gérard, Via Carrà dei Nasi 1, *91 791 1982 Rolf Gérard, Peter Brook – amicizia –ı 27.10. 

e creatività 

Museo Castello San Materno, Via Losone 10, *91 759 8160 Die Sammlung der Kulturstiftung 

–ı 29.9. 

Kurt und Barbara Alten 

Karl Hofer – Figuren, Stillleben, 

Landschaften 

–ı 29.9. 

Museo Comunale d’Arte Moderna, Via Borgo 34, 

*91 759 81 40 

Bad Ragaz Öffentlicher Raum Bad Ragartz, Grossfeldstrasse 10, 

*81 330 1433 

Marianne Werefkin 

–ı 5.1. 

Yuri Catania – Jazz off the Wall –ı 1.9. 

9. Triennale der Skulptur –ı 30.10. 

Baden Galerie 94, Bruggerstrasse 37, Merker-Areal Sandro Livio Straube – diffus 29.8.–12.10. 

Kunst im Trudelhaus, Obere Halde 36 

warum also nicht – Max Treier, 22.8.–20.10. 

Rolf Winnewisser 

Kunstraum Baden, Merker-Areal, Bruggerstrasse, 37, einziehen umräumen –ı 1.12. 

*56 200 84 48 

Basel Cartoonmuseum Basel, St. Alban-Vorstadt 28, 

Richard McGuire –ı 3.11. 

*61 226 3360 

Helvetia Art Foyer, St. Alban-Anlage, 26 

Momentum – Helvetia Kunstpreis –ı 29.8. 

2004–2024 

Kulturstiftung Basel H. Geiger | KBH.G, Spitalstrasse 18, Michael Schindhelm – The End 

–ı 21.7. 

*61 262 01 66 

of Aging 

The End of Aging –ı 21.7. 

Kunstforum Baloise Park, Aeschengraben 33 Real Life … and how to live it –ı 25.10. 

Kunsthalle Basel, Steinenberg 7, *61 206 9900 Ghislaine Leung – Commitments –ı 11.8. 

Nolan Oswald Dennis –ı 11.8. 

Toyin Ojih Odutola –ı 1.9. 

Kunstmuseum Basel | Gegenwart, St. Alban-Rheinweg 60, 

*61 206 62 62 

When We See Us –ı 27.10. 

Kunstmuseum Basel | Hauptbau & Neubau, St. Alban- 

Graben 16 / 20, *61 206 62 62 

Anri Sala 

–ı 15.9. 

Von Holbein bis Trockel –ı 11.8. 

Dan Flavin 

Made in Japan 

–ı 18.8. 

–ı 21.7. 


Altdorf — H. Josephsohn, M. Disler, 

Haus f. Kunst Uri. Foto: F.X. Brun 

Appenzell — S. Taeuber-Arp, Kunstmuseum 

Appenzell. Foto: Fond. M. Arp 

Basel / 

Münchenstein 

Museum der Kulturen Basel, Münsterplatz 20, 

*61 266 56 00 

Museum Tinguely, Paul Sacher-Anlage 1, *61 681 93 20 

Ausstellungsraum Klingental, Kasernenstrasse 23, 

*61 681 6698 

Basler Fasnacht –ı 31.12. 

Nacht – träumen oder wachen –ı 19.1. 

Zwölftausend Dinge – Anfänge der –ı 27.4. 

Sammlung Europa 

Alex Silber Archiv präsentiert 

–ı 10.11. 

The Bible 

La roue = c’est tout –ı 1.2. 

Mika Rottenberg –ı 3.11. 

Instant Rumor 

18.8.–22.9. 

Wireless 18.8.–22.9. 

Eleven Ten Studio, Feldbergstrasse 86, *79 171 11 10 Caitlin Werner –ı 27.7. 

Catherin Schöberl, Lucia Fischer 8.8.–1.9. 

Filiale Basel, Hammerstrasse 91, & Sperrstrasse 61, 

*78 609 15 88 

Galerie Eulenspiegel, Gerbergässlein 6, Postfach 507, 

*61 263 70 80 

Galerie Marianne Grob, Amerbachstrasse 10, *61 535 1340 

Anselm Stalder – As if hope 

12.8.–8.9. 

could fail 

Basler Künstlergesellschaft 

15.8.–24.8. 

präsentiert … 

Stephan Anastasia, Kevin Hill 29.8.–12.10. 

Valérie Balmer, Pia Gisler, 

–ı 13.7. 

Gert Handschin 

Gallery Ann Mazzotti, Horburgstrasse 80, *76 433 17 82 Fabio Luks 10.8.–21.9. 

Guillaume Daeppen | Gallery & Space for zines, 

Ana Vujić – Reproduction of 

24.8.–28.9. 

Müllheimerstrasse 144, *79 467 90 62 

the Real 

Without Title – a group show –ı 20.7. 

Hauser & Wirth Basel, Luftgässlein 4, *43 547 46 30 Vilhelm Hammershøi – Silence –ı 13.7. 

Hebel_121, Hebelstrasse 121, *61 321 1503 Michael Rouillard –ı 3.8. 

SGBK, Spalenvorstadt 18, *61 361 61 48 Evelyn Dönicke & ihre Schülerinnen 21.8.–31.8. 

space25, Rebgasse 25 Project 18 –ı 16.8. 

STAMPA, Spalenberg 2 Projects #8 – Einzel-Werke –ı 24.8. 

videocity, Messeplatz 21 

LP2024 Ring & Wings – Peace 

–ı 12.10. 

Love Joy 

von Bartha Basel, Kannenfeldplatz 6 

Marina Adams — To a World Full 

–ı 27.7. 

of Others 

Weiss Falk Basel, Rebgasse 27 

Tina Braegger – Only One of Us 

–ı 13.7. 

Is Real 

Wilde | Basel, Angensteinerstrasse 37 

Kendell Geers – The Oculist 

Witness 

–ı 17.8. 

HEK (Haus der Elektronischen Künste), Freilager-Platz 9, Virtual Beauty –ı 18.8. 

*61 283 60 50 

Kunsthaus Baselland, Helsinki-Strasse, 5, *61 563 15 10 Rewilding –ı 18.8. 

Basel / Riehen Fondation Beyeler, Baselstr. 101, *61 645 9700 Sommerausstellung –ı 11.8. 

Künstlerhaus Claire Ochsner, Baselstr. 88, *61 641 1020 Fantasia – Claire Ochsner –ı 30.3. 

Galerie Lilian Andrée, Gartengasse 12, *61 641 09 09 Lagerverkauf 21.7.–18.8. 

AGENDA // SCHWEIZ 137

Arbon — Edit Oderbolz, 

Kunsthalle Arbon 

Basel — Richard McGuire, 

Cartoonmuseum 

Wolfgang Beltracchi – Engel –ı 14.7. 

Galerie Mollwo, Gartengasse 10, *61 641 1678 

Sommeraccrochage mit 

–ı 18.8. 

Melissa Pacheco 

Bellinzona Museo Villa dei Cedri, Piazza San Biagio 9, *58 203 17 31 Underground. Ecosistemi da 

–ı 4.8. 

esplorare 

Bern Kunstmuseum Bern, Hodlerstr. 8–12, *31 328 0944 Albert Anker – Lesende Mädchen –ı 21.7. 

Chaïm Soutine – Gegen den Strom 16.8.–1.12. 

Tracey Rose – Shooting Down 

–ı 11.8. 

Babylon 

Museum für Kommunikation Bern, Helvetiastr. 16, 

Nichts –ı 21.7. 

*31 357 5555 

Zentrum Paul Klee, Monument im Fruchtland 3, 

Kosmos Klee – Architektur mit 

–ı 13.10. 

*31 359 0101 

Klee 

Kosmos Klee – Die Sammlung –ı 9.2. 

Sarah Morris – All Systems Fail –ı 4.8. 

artundweise kunst- und denkraum, Lorrainestrasse 16, Childhood Artifacts 15.8.–6.9. 

*31 312 5151 

casita, Schwalbenweg 6a 

Daniel Lüthi – Zwischenhalt 

24.8.–29.8. 

(Fotografien) 

Die Mobiliar – Öffentlicher Ausstellungsraum, 

Bundesgasse 35, *31 389 61 11 

Reflektionen – Patric Sandri –ı 31.7. 

Galerie Bernhard Bischoff & Partner, PROGR_Zentrum für 

Kulturproduktion, Waisenhausplatz 30, *31 312 0666 

Galerie da Mihi | KunstKeller, Gerechtigkeitsgasse 40, 

*31 332 11 90 

Sibel Kocakaya – Chroma of 

Duality› 

M. S. Bastian / Isabelle L. – 

Wonderland 

16.8.–21.9. 

16.8.–12.10. 

Markus Hensler – im Keller –ı 19.7. 

Galerie Glaab, Gerechtigkeitsgasse, 52, *79 502 01 53 Maya Minder –ı 20.7. 

Small Formats 26.7.–31.8. 

Kendra Jayne Patrick, Schanzeneckstrasse 3, 

Eva & Franco Mattes –ı 20.7. 

*76 506 48 08 

Kornhausforum, Kornhausplatz 18, *31 312 9110 

Wie Strassenzeitungen Leben 

–ı 3.8. 

verändern 

Kunstreich AG Bern, Gerechtigkeitsgasse 76 

Schang Hutter — Der 

10.8.–14.9. 

Verletzlichkeit Raum geben 

Videocity x REX Box, Schwanengasse 9 Simply Nature – Simply Mooi –ı 28.8. 

videokunst.ch, PROGR, Waisenhausplatz 30 Sibel Kocakaya – Staging #3, 2023 16.8.–21.9. 

volume Kunstraum, Lorrainestrasse 14 Hans Hofmann 17.8.–14.9. 

Bern / Wichtrach Galerie Henze und Ketterer, Kirchstrasse 26 Expressiv! –ı 20.12. 

Panta rhei – Alles fliesst –ı 20.12. 

Weltkunst für Frieden & Freiheit –ı 20.12. 

XXL Grossformatige Werke der 

–ı 20.12. 

Moderne und Gegenwart 

Bern / Zollikofen annex14 Zollikhofen, Schlossmattweg, 52 Bret Slater – Distant Witness –ı 31.7. 


Basel — Mika Rottenberg, 

Museum Tinguely 

Dornach — Sandra Löwe, 

Kloster Dornach 

Biel / Bienne Kunsthaus Biel Centre d’art Bienne, Seevorstadt 71, 

*32 322 5586 

Jim Shaw 

–ı 25.8. 

Loretta Fahrenholz –ı 25.8. 

Photoforum Pasquart, Seevorstadt 71–75, *32 322 4482 ‹Oro Verde› Ritual Inhabitual –ı 25.8. 

‹Stammtisch› Collectif Le Salon & –ı 25.8. 

Guests 

Binn Twingi, Steinmatten, *27 971 5050 Twingi 24 –ı 13.10. 

Birsfelden City Salts, Hauptstrasse 12, *61 311 7375 Above A Cloud –ı 1.9. 

Kenneth Bergfeld, Charlotte Horn – –ı 1.9. 

Neuromancer 

Number 1 Main Casino –ı 1.9. 

Power Studies – Thomas Jeppe –ı 1.9. 

R. Sebastian Schachinger –ı 1.9. 

Bondo Bondo – Biennale Bregaglia 2024, div. Standorte Biennale Bregaglia 2024 –ı 28.9. 

Bonstetten Wald in Bonstetten, Am Lochenweiher, Hütte des 

kunstWALDkunst –ı 15.10. 

Natur- und Vogel- Schutzvereins Specht 

Brunnen kunstkabinen.ch, Bahnhof Brunnen, Bahnhofstrasse Claudette Ebnöther –ı 17.8. 

Bruzella Rolla Foundation, Rolla.info – la Stráda Végia, 

Scenescape –ı 24.11. 

(ex via Municipio), *77 474 0549 

Buchillon Aarlo u Viggo, galerie d’art, 1 Rue Roger de Lessert, 

Dahflo – Feel it all –ı 26.7. 

*78 300 25 01 

Burgdorf Museum Franz Gertsch, Platanenstrasse 3 Franz Gertsch – Rüschegger Erde –ı 1.9. 

Karin Kneffel – Face of a Woman, 

–ı 1.9. 

Head of a Child 

Schnitt & Druck in Variation – 

–ı 1.9. 

80 Jahre Xylon Schweiz 

Bülach Kulturzentrum Sigristenkeller, Hans-Haller-Gasse 4 Pascal Fehr –ı 13.10. 

Castasegna Sala Viaggiatori, Via Principale 4 Mondi Costruiti –ı 25.8. 

Chiasso m.a.x. museo, Via Dante Alighieri 6, *58 122 4252 Giuliano Vangi – il disegno –ı 21.7. 

Chur Bündner Kunstmuseum Chur, Bahnhofstrasse 35, 

*81 257 28 70 

Wie Sprache die Welt erfindet 

Otto Dix und die Schweiz 

Fragile – Die Kunstsammlung der 

Post im Dialog 

–ı 28.7. 

–ı 27.10. 

–ı 25.8. 

Forum Würth Chur, Aspermontstr. 1, *81 558 0558 Vorbild – Nachbild –ı 20.10. 

Davos 

Kirchner Museum Davos, Promenade 82, Ernst Ludwig Der unbekannte Kirchner –ı 22.9. 

Kirchner Platz, *81 410 6300 

Galerie Iris Wazzau, Promenade 72, *81 413 3106 Aus dem Galerie-Programm –ı 14.9. 

Dornach Kloster Dornach, Amthausstr. 7, *61 705 10 80 Holy Wow! Den Klostergarten 

–ı 30.11. 

neu entdecken 

Objektinstallation «Die Glocke» 

–ı 31.12. 

mit kuratierten Performances 

Eglisau Galerie am Platz Eglisau, Obergass 23 Hans Peter Jost – Sehnsucht Alpen 14.7.–24.8. 

Engelberg Kurpark Engelberg, Kurpark Backstage Engelberg –ı 18.8. 

Erlenbach Python Gallery, Dorfstrasse 2 Bodo Korsig –ı 20.7. 


Flims Dorf Das Gelbe Haus, Via Nova 60, *81 936 7414 Räumliche Solidaritäten –ı 27.10. 

Frauenfeld Shed im Eisenwerk, Industriestr. 23, *52 728 8982 Körper bewegt, geschichtet, 

23.8.–21.9. 

geträumt 

Fribourg Kunsthalle Friart Fribourg, 22, Petites-Rames, 

*26 323 23 51 

Sara Deraedt – free 

Sid Iandovka, Anya Tsyrlina, 

Leslie Thornton, Thomas Zummer 

–ı 28.7. 

–ı 28.7. 

–ı 22.9. 

Genève 

Musée d’Art et d’Histoire Fribourg, Rue de Morat 12, 

*26 305 5140 

Galerie J.-J. Hofstetter, 18, rue des epouses, *26 323 2403 

Centre d’édition contemporaine, 15, rue des Rois, 

*22 310 5170 

Centre de la Photographie Genève, 28, rue des Bains, 

*22 329 2835 

200 ans du musée / 200 Jahre 

des Museums 

David Clerc, Eric Sansonnens, 

–ı 13.7. 

Ivo Vonlanthen 

Denis Savary – Quiet Clubbing –ı 23.8. 

Léonie Rose Marion –ı 18.8. 

Musée Ariana, 10, av. de la Paix, *22 418 5450 Conditional Freedom –ı 2.3. 

Donating – An Affair of the Heart or –ı 2.3. 

the Mind? 

Nicolas Muller –ı 22.9. 

Musée d’Art et d’Histoire Genève, 2, rue Charles-Galland, 

*22 418 2600 

Archéologie des Fluides 

19.7.–27.10. 

De bleu, de blanc, de rouge –ı 18.8. 

Musée Rath, Place Neuve, *22 418 3340 Vélo –ı 22.9. 

galerie lange + pult Geneva, Rue des Bains 22 Summer show –ı 7.9. 

Skopia, Vieux-Grenadiers 9 Accrochage d’été / Summer hang –ı 31.8. 

Olivier Varenne, 37–39 rue des Bains, *22 810 27 27 

Retroviseur – Autoportraits 

–ı 20.7. 

Surréalistes 

Pace Gallery Geneva, Quai des Bergues 15–17 Elmgreen & Dragset –ı 10.8. 

Wilde | Genève, Boulevard Georges-Favon 19 Delphine Renault – Panorama –ı 24.8. 

Valentin Carron – déHanchement –ı 24.8. 

Xippas, Rue des Sablons 6 Shifts and Phases –ı 13.7. 

Gersau Villa-Flora-Park, Ausserdorfstrasse, 7 Kunst Gersau im Park –ı 26.10. 

Giornico fabbrica culturale baviera, 7 Via Cribiago Spazio 1, 2, 3 — Museo Fratelli 20.7.–26.1. 

Baviera 

Glarus Kunsthaus Glarus, Im Volksgarten, 2, *55 640 2535 Jay Chung & Q Takeki Maeda / 12.7.–23.11. 

John Miller 

Gepäckausgabe Glarus, SBB Bahnhof 

Show Nr. 2 _— Stirnimann- 

–ı 15.7. 

Stojanovic 

Gontenschwil Galerie Schlössli, Dorfstr. 399, *44 381 04 42 Schaufenster Intermezzo – 

–ı 31.8. 

Peter Wisler 

Grenchen 

–ı 15.9. 

Kunsthaus Grenchen, Bahnhofstrasse 53, vis-à-vis 

Bahnhof Grenchen Süd, *32 652 50 22 

20m2 – Fenster ins Atelier von 

Delia R. Ferraro 

All over – Gergana Mantscheva –ı 15.9. 

Schang Hutter – 

–ı 15.9. 

Zum 90. Geburtstag 

Gruyères Château de Gruyères, Rue du Château 8, *26 921 2102 Jon Merz – Le jardin d’eau –ı 27.10. 

Maya Rochat – Action will follow 

–ı 29.9. 

vision 

Herrliberg MOOS Fine Art Galerie, Forchstrasse 20 Ana de Alvear – Time is Now –ı 13.7. 

Juan Zamora – Every missing 

–ı 13.7. 

flower 

Summer Sweets 25.7.–5.9. 

Hombrechtikon Gemeindeverwaltung Hombrechtikon, Feldbachstrasse, 12 Ralf Masantschek –ı 30.12. 

Interlaken Kunsthaus Interlaken, Jungfraustrasse 55, *33 822 1661 Werte im Wandel II –ı 25.8. 

↗ kunstbulletin.ch / abo 


Lausanne — Marion Adnams, 

Musée Cantonal des Beaux-Arts 

Le Locle — Una Szeemann, Musée des 

Beaux-Arts Le Locle. Foto: L. Olivet 

Ligornetto — Vincenzo Vela, 

Museo Vincenzo Vela 

Galerie IHB Spectrum, Postgasse 16, *33 822 4653 Hansueli Urwyler –ı 27.9. 

JungfrauPark, Obere Bönigstr. 100 Hansueli Urwyler –ı 29.9. 

Kreuzlingen Kunstraum Kreuzlingen, Bodanstr. 7a, *71 671 1528 Katja Schenker – Die Augen 

–ı 1.9. 

der Hand 

Kriens Museum im Bellpark, Luzernerstr. 21 / PF, *41 310 33 81 Heim und Leben 23.8.–10.11. 

Galerie Kriens, Obernauerstrasse 1, *320 4842 ab auf den Pilatus 23.8.–15.9. 

–ı 27.10. 

La Chaux-de- 

Fonds 

Musée des beaux-arts La Chaux-de-Fonds, Rue des 

Musées 33, *32 967 6077 

Ana Mendieta – Aux 

commencements 

Langenbruck Kloster Schönthal, Schönthalstrasse 158, *61 706 7676 Gerda Steiner & Jörg Lenzlinger –ı 3.11. 

Langenthal Kunsthaus Langenthal, Marktgasse 13, *62 922 6055 Lou Masduraud, Milva Stutz 29.8.–17.11. 

Laufenburg Rehmann-Museum, Schimelrych 12, *62 874 4270 Schimelrych bis Chrottehalde –ı 27.9. 

Lausanne CHUV Centre Hospitalier Universitaire Vaudois, rue du Entre nos mains –ı 3.11. 

Bugnon 46, *21 314 1817 

Mudac, Plateforme 10, Place de la Gare 17, *21 315 2530 Dialog zwischen einem Kraken und –ı 15.3. 

einer Zitronenpresse 

Objekte der Begierde –ı 4.8. 

Musée Cantonal des Beaux-Arts Lausanne, Plateforme 10, 

Place de la Gare 16, *21 318 44 00 

Esther Shalev-Gerz 

–ı 4.8. 

Gina Proenza – Toi et ta bande –ı 1.9. 

Surrealismus – Le Grand Jeu –ı 25.8. 

Photo Elysée, Place de la gare 17, *21 316 99 11 Cindy Sherman –ı 4.8. 

Man Ray –ı 4.8. 

Circuit, 9, av. de Montchoisi (accès quai Jurigoz), 

Full Moon Sergio – Alfredo Aceto –ı 27.7. 

*21 601 4170 

Fabienne Levy Lausanne, Avenue Louis-Ruchonnet 6, Space Invasion –ı 3.8. 

*21 711 43 20 

Lavin Giardin Bischoff Lys, Flurin Bischoff –ı 14.9. 

Le Châble Musée de Bagnes, Chemin de l’Eglise 13, *27 776 1525 Joan Ayrton –ı 6.10. 

–ı 15.9. 

Le Locle Musée des Beaux-Arts Le Locle, Marie-Anne-Calame 6, 

*32 933 8950 

La scia del monte or the 

magnetic utopians 

Le Noirmont La Nef, Ancienne Eglise, *32 951 1745 Aqua –ı 15.9. 

Lens Fondation Opale, Route de Crans 1, *27 483 46 10 Artiste Activiste Archiviste –ı 10.11. 

Ligornetto Museo Vincenzo Vela, Largo Vela, *58 481 30 44 Casa d’artista e mostre 

–ı 31.12. 

temporanee 

Locarno Museo Casa Rusca, Piazza Sant’Antonio 1, *91 756 3185 Florian Germann 8.8.–12.1. 

Loredana Sperini 8.8.–12.1. 

Lucy Stein 8.8.–12.1. 

Olga Fröbe-Kapteyn – 

8.8.–12.1. 

artista-ricercatrice 

Piazza Grande, Piazza Grande Locarno Filmfestival 2024 7.8.–17.8. 

Fondazione Marguerite Arp, Via alle Vigne 46, *91 751 2543 

–ı 3.11. 

Locarno- 

Solduno 

Jean Arp, Sophie Taeuber-Arp, 

Max Bill 

Lugano Bally Foundation, 24 Via Cortivo Arcadia –ı 12.1. 


Lugano — Alexander Calder, MASI 

Lugano © ProLitteris. Foto: L. Meneghel 

Luzern — Ugo Rondinone, 

Kunstmuseum Luzern 

Luzern 

Martigny 

Fondazione Gabriele e Anna Braglia, Riva Antonio 

Caccia 6 / a, *91 980 08 88 

MASI Lugano, Piazza Bernardino Luini 6, Via Canova 10, 

*58 866 4230 

Emil Nolde – Herbert Beck –ı 13.7. 

Auge in Auge – Hommage an Ernst 

–ı 21.7. 

Scheidegger 

Black or White –ı 1.12. 

Calder – Sculpting Time –ı 6.10. 

La Collezione –ı 1.12. 

Monika Emmanuelle Kazi – 

–ı 11.8. 

Bally Artist Award 2024 

Shahryar Nashat – Streams of 

–ı 18.8. 

Spleen 

Buchmann Galerie Lugano, Via della Posta 2, *91 980 0830 Gerda Steiner & Jörg Lenzlinger –ı 31.8. 

Hans Erni Museum, Haldenstrasse 44, c / o Verkehrshaus Hans Ernis Tafeln für die UNESCO –ı 31.12. 

der Schweiz, *41 370 44 44 

Kakao, Kunst und Kolonialismus – 

–ı 7.6. 

Philipp Keller 

Miró, Erni, Tàpies – Welt auf Papier –ı 10.11. 

Kunsthalle Luzern, Bourbaki / Löwenplatz 11, *41 412 08 09 beyond the font –ı 18.8. 

Kunstmuseum Luzern, Europaplatz 1, *41 226 78 00 Simon Kindle – spot on –ı 25.8. 

Ugo Rondinone – Cry Me a River –ı 20.10. 

Woher kommst du? –ı 17.11. 

Max Wandeler Stiftung, Brüggligasse, 2 Fotogramme und Clichés verre – 

–ı 31.8. 

Eliška Bartek 

Museum Gletschergarten, Denkmalstrasse 4, *410 4340 Melting Gallery & Solarstalgia –ı 8.9. 

APROPOS, Sentimattstrasse 6, *41 240 15 78 Rut Himmelsbach, Alex Silber 17.8.–7.9. 

Galerie Gabriela W., Alpenstrasse 1 / Seite Töpferstrasse Martina Schall – tackling nature –ı 5.8. 

Galerie Müller Luzern, Haldenstr. 7, *410 7574 Giorgio Avanti 27.7.–29.8. 

Galerie Urs Meile Luzern, Rosenberghöhe 4, *41 420 33 18 Ju Ting –ı 30.7. 

Galerie Vitrine Luzern, Stiftstr. 4 Polyrhythmic Sabotage 24.8.–28.9. 

Wasser, Berge, Luft – Bruno 

–ı 16.8. 

Müller-Meyer 

Kali Gallery, Lädelistraße 4 Nils Nova –ı 25.7. 

Kunst im Fluss, unter dem Autobahnviadukt Reussegg, Im Fluss II –ı 22.9. 

Luzern 

sic! Raum für Kunst, Elephanthouse / Neustadtstrasse Noah Ismael Wyss –ı 13.7. 

Fondation Louis Moret, 33, chemin des Barrières, 

Pierre-Alain Zuber – Sculptures –ı 18.8. 

*27 722 2347 

Le Manoir de la Ville de Martigny, Rue du Manoir 3, 

*27 721 2230 

Elias Würsten – 

MontageChocards4_edit_edit1. 

mkv 

Léna Romand Lacrabère, 

Rachel Morend 

Paraísos inseguros – 

Patricio Gil Flood, Jorge Raka 

–ı 27.10. 

–ı 8.9. 

–ı 8.9. 


Rapperswil-Jona — Cécile Wick, 

Kunst(Zeug)Haus 

Sachseln — Giuseppe Haas-Triverio & 

M. C. Escher, Museum Bruder Klaus 

Schaffhausen — Generation im 

Aufbruch, Museum zu Allerheiligen 

Moutier Musée jurassien des Arts, Rue Centrale 4, *32 493 36 77 Fleurs – de la collection –ı 10.11. 

Ignacio Ruiz – Hommage –ı 10.11. 

Murg am 

Walensee 

seekultour, Alte Spinnerei 

Le Corbusier – zwischen 

Brutalismus und Poesie 

–ı 30.10. 

Muri Museum Kloster Muri, 4 Marktstrasse Venus von Muri — Staffel 1 –ı 28.7. 

Venus von Muri — Staffel 2 10.8.–3.11. 

Muri AG Singisen Forum, Marktstrasse 4, *56 664 70 11 Venus von Muri — Staffel 1 –ı 28.7. 

Venus von Muri — Staffel 2 10.8.–3.11. 

Neuchâtel CAN Centre d’art Neuchâtel, Rue des Moulins 37, 

*32 724 01 60 

Foyer Flux Fossils –ı 4.8. 

Niederhelfenschwil 

Centre Dürrenmatt Neuchâtel, Ch. du Pertuis-du-Sault 74, 

*58 466 70 60 

Musée d’art et d’histoire de Neuchâtel, Esplanade 

Léopold-Robert 1, *32 717 79 20 

Ditesheim & Maffei Fine Art, 8, rue du Château, 

*32 724 5700 

Kobesenmühle / Stiftung Wilhelm Lehmann, 

Kobesenstrasse 60 

Friedrich Dürrenmatt – 

–ı 31.12. 

Schriftsteller und Maler 

Friedrich Dürrenmatt – Tierwelten –ı 29.9. 

Mouvements –ı 23.1. 

Artistes de la galerie –ı 24.8. 

Stille –ı 6.10. 

Oetwil am See Helen Dahm Museum, Chilerain 10, *44 929 6027 Helen Dahm und Bertha Züricher – –ı 27.10. 

München und die Walze 

Olten Kunstmuseum Olten, Kirchgasse 8, *62 212 86 76 Arbeit – und was es sonst noch zu –ı 25.8. 

tun gibt 

Begin Again – Fail Better –ı 25.8. 

Ostermundigen KuHu11a, Flurweg 11a Traumwerkstatt Agglo –ı 18.8. 

Pfäffikon SZ Vögele Kultur Zentrum, Gwattstrasse 14, *55 416 1125 Was Macht mit uns macht –ı 22.9. 

Pontresina plattner & plattner Art Gallery, Via da la Staziun 11 Guido Baselgia – Essenzas –ı 20.10. 

Porrentruy 

–ı 25.8. 

Rapperswil- 

Jona 

Espace d’art contemporain (les halles), rue Pierre- 

Péquignat 9, *32 420 8402 

Kunst(Zeug)Haus, Schönbodenstrasse 1, *55 220 20 80 

Viola Poli, Mahtola Wittmer – 

incontri – scontri 

Karin Schwarzbek – Hilo Glow 

–ı 4.8. 

Mein Garten –ı 6.4. 

Seitenwagen – Felix Stöckle –ı 3.8. 

We the Parasites – A Playbook 

–ı 4.8. 

to Complicity 

Rifferswil Park Seleger Moor, MoorArt24 –ı 31.10. 

Riggisberg Abegg-Stiftung, Werner Abegg-Str. 67, *31 808 1201 Augentäuschung –ı 10.11. 

Romanshorn Atelier Galerie Demarmels, Amriswilerstrasse 44, 

*71 463 1811 

Ludwig Demarmels – 

Retrospektive 

–ı 31.12. 

Rombach Arnold – Rahmenmanufaktur GmbH, Alte Stockstrasse 7 Mo Richner 20.8.–21.9. 

Rorschach Forum Würth Rorschach, Churerstrasse 10, *71 225 10 70 José Carlos Viana –ı 6.10. 

Wasser, Wolken, Wind –ı 16.2. 

S-chanf Galerie Peter Vann, Via Maistra 123 Fascination Automobile 20.7.–7.9. 


Saanen Gagosian Gstaad, Promenade 79 Roe Ethridge – Happy Birthday 

Louise Parker II 

Sachseln Museum Bruder Klaus Sachseln, Dorfstrasse 4, 

*41 660 55 83 

Giuseppe Haas-Triverio, 

M. C. Escher 

–ı 8.9. 

–ı 18.8. 

Samstagern Froh Ussicht, Hof Blum, *44 784 2994 Halt –ı 27.10. 

Savièse Espace d’exposition de la collection communale, Route de Alfred Rehfous – Sommets 

–ı 28.7. 

Saint Germain 50, *273961018 

Saisons –ı 28.7. 

Schaffhausen Museum zu Allerheiligen, Klosterstr. 16, *52 633 0777 Generation im Aufbruch –ı 20.10. 

Galerie Artsimone, Grabenstrasse, beim Diebsturm, Bruno Vecellio 3.8.–1.9. 

nähe Rhein 

Kunstkästen Schaffhausen, Bahnhof 

Schaffhausen / Bahnhofstrasse, *52 625 2418 

Liao Wenfeng –ı 21.9. 

–ı 21.7. 

Vebikus Kunsthalle Schaffhausen, Baumgartenstrasse 19, 

*52 625 2418 

Who Cares – Aktuelle Perspektiven 

auf Sorgearbeit 

Schüpfheim Entlebucherhaus MuseumKultur, Kapuzinerweg 5 Hommage für Georges Bühlmann –ı 21.7. 

Sigriswil Paradiesli, Feldenstr. 87, *33 251 51 55 Urkuh und Kühe –ı 25.8. 

Sion Ferme-Asile, Promenade des Pêcheurs 10, *27 203 2111 You Name It – Sasha Huber –ı 14.7. 

Élégies — Matthieu Gafsou 12.7.–15.9. 

Kunstmuseum Wallis, Place de la Majorie 15, *27 606 4690 Schau, wie der Gletscher 

–ı 6.10. 

schwindet 

Les Dilettantes, Rue Du Grand-Pont, 17 Catherine Bolle – Les Impossibles 24.8.–14.9. 

–ı 6.10. 

Solothurn Kunstmuseum Solothurn, Werkhofstrasse 30, 

*32 626 93 80 

Amanda Tröndle-Engel, 

Oskar Tröndle 

Berge versetzen –ı 9.3. 

Dunja Herzog –ı 6.10. 

Marie Velardi –ı 6.10. 

Haus der Kunst St. Josef, Baselstr. 27, *32 621 09 80 Lukas Hoffmann –ı 21.7. 

Kunstforum Solothurn, Schaalgasse 9, *79 717 67 09 … und hätte ich der Liebe nicht … II 17.8.–21.9. 

Künstlerhaus S11, Schmiedengasse 11 Künstlerinnenkollektiv DUA –ı 31.7. 

Spiez Schloss Spiez, Schlossstrasse 16, *33 654 1506 Samuel Buri und das Berner 

–ı 20.10. 

Oberland 

St. Gallen Kunst Halle Sankt Gallen, Davidstrasse 40, *71 222 1014 Reto Pulfer – Fachzustand –ı 18.8. 

Kunstmuseum St.Gallen, Museumstrasse 32, *71 242 0671 Burning Down the House – 

–ı 8.9. 

Rethinking Family 

Experimental Ecology –ı 24.11. 

open art museum, Davidstrasse 44, *71 223 58 57 collage – collection –ı 4.8. 

versammelt –ı 4.8. 

Stiftung Sitterwerk und Kesselhaus Josephsohn, 

Hans Josephsohn –ı 31.12. 

Sittertalstrasse 34, *71 278 87 09 

Galerie vor der Klostermauer, Zeughausgasse 8 

Mirko Kircher, Rouven Stucki, 

Dagmar Kircher 

23.8.–15.9. 

St. Moritz Central Art Gallery St. Moritz, Via dal Bagn 15A, 

*81 830 0070 

Arvenskulpturen – Not Bott 

–ı 31.12. 

Das Feuer des Engadiner Winters –ı 31.12. 

Ernestina Abbühl –ı 31.12. 

Graubünden pur – Patrick Nyfeler –ı 31.12. 

Silser See – Thomas Seilnacht –ı 31.12. 

Galerie Andrea Caratsch, Via Serlas 12, *81 734 0000 Dokoupil – Film Paintings 29.7.–30.8. 

Stampa Museo Ciäsa Granda, Strada Cantonale 102, *81 822 1716 Varlin – Bondo, das Bergell und 

–ı 20.10. 

die Welt 

Stans Nidwaldner Museum Salzmagazin, Stansstaderstr. 23, Alles Theater! Spiellust auf 

–ı 26.10. 

*618 73 60 

der Laienbühne 

Mutig, Trotzig, Selbstbestimmt –ı 26.10. 

–ı 29.9. 

Nidwaldner Museum Winkelriedhaus, Engelbergstr. 54A, 

*618 73 60 

Johann Melchior Wyrsch – 

Frauenbildnisse 

Oskar Eberle – Theaterpionier 

aus Leidenschaft 

21.8.–15.9. 


Sursee — N. Arnold und K. Mattmann, 

Museum Sankturbanhof © ProLitteris 

Thun — Giacomo Santiago Rogado, 

Kunstmuseum Thun 

Winterthur — Aristide Maillol, 

Slg. Oskar Reinhart «Am Römerholz» 

Selbst und Welt – Werke aus 

–ı 31.12. 

der Sammlung 

Galerie Stans, Dorfplatz 11 Erwin Hofstetter & Henri Spaeti – 24.8.–29.9. 

Zwiesprache 

Stein am Rhein Kloster Sankt Georgen, Fischmarkt 3, *52 741 2142 Kris Martin – Altar –ı 31.10. 

Kulturhaus Obere Stube, Oberstadt 7 Im Spiegel der Zeit –ı 31.10. 

Kris Martin & Ola Kolehmainen –ı 31.10. 

Stone in Three Phases 2022 – 

–ı 31.12. 

Jamie North 

Steinmaur / Ateliers und Skulpturenpark, Park Deponie24 –ı 26.10. 

Sünikon 

Sursee Museum Sankturbanhof, Theaterstr. 9, *41 922 24 00 Im Kabinett – Noah Arnold, 

–ı 15.9. 

Kaspar Mattmann 

Sincerely, Mickry 3 –ı 15.9. 

Sursee – erleben –ı 31.12. 

Susch Muzeum Susch, Surpunt 78, *81 861 03 03 Tapta – Flexible Forms 20.7.–3.11. 

Thalwil ThalwilerHofKunst, Zehntenstrasse, 2 ArtBox #119 – Rosmarie von 

–ı 19.8. 

Scarpatetti 

Waschhaus – Thalwiler Hof Kunst, Alte Landstrasse 110b Position #3 – Frisch gewaschen –ı 25.8. 

Thun Kunstmuseum Thun, Hofstettenstrasse 14, *33 225 84 20 Giacomo Santiago Rogado – 

–ı 28.7. 

All That You See 

Gunta Stölzl und Johannes Itten 17.8.–1.12. 

Kabinettausstellung – 

Sophie Taeuber 

17.8.–1.12. 

–ı 1.12. 

Thun-Panorama, Hofstettenstrasse 14, Schadaupark, 

*33 223 2462 

Giacomo Santiago Rogado – 

Ausser Sicht 

Trun Spazi Spescha, Via Fabrica 13 Espaces Imaginaires – 

Matias Spescha, Esther Mathis 

Unterseen bei 

Interlaken 

Kunstsammlung Unterseen, Dachstock Stadthaus, 

Untere Gasse 2 

Margrith Weisser, Paul Nievergelt, 

Alois Herger 

SGBK Sektion Bern / Romandie – 

60 Künstler:innen 

–ı 27.10. 

24.8.–15.9. 

Uster Bechtler Stiftung, Weiherweg 1, *44 521 25 20 Karla Black –ı 6.10. 

Pipilotti Rist – I couldn’t agree 

–ı 31.12. 

with you more 

Walter de Maria – The 2000 

–ı 31.12. 

Sculpture 

akku künstleratelier uster, Im Lot 8 

Behindert – Jasmin Polsini, 

–ı 5.9. 

Valentin Weilenmann 

foryouandyourcustomers, Bankstrasse 1 Susanne Lyner –ı 30.11. 

Versam Safiental Tourismus, Safiental Tourismus / Haus Signina, Art Safiental 2024 –ı 20.10. 

Hauptstrasse 35, *81 630 60 16 

Vevey Musée Jenisch Vevey, Avenue de la Gare 2 La main (et) le gant –ı 18.8. 

–ı 11.8. 


Zofingen — Roshan Adhihetty, 

Kunsthaus Zofingen 

Zürich — Anna Krammig, Helmhaus 

Zürich — David Armstrong, 

Kunsthalle Zürich 

Visp 

Galerie zur Schützenlaube, Ecke 

Schützenhausgasse / Stapfengasse, *792788994 

Oskar Kokoschka –ı 25.8. 

Philip Spiegel –ı 21.7. 

Waldenburg Biennale «Ville des Arts» Waldenburg / BL, Zentrum Ville des Arts – Biennale 2024 –ı 26.10. 

Walenstadt museumbickel, Zettlereistrasse 9, *81 710 27 77 Karl Bickel – Zyklus –ı 18.8. 

Warth 

Kunstmuseum Thurgau / Ittinger Museum, Kartause 

Ittingen, *58 345 1060 

Claudio Hils 

Eva Wipf – Seismograf in Nacht 

und Licht 

–ı 18.4. 

–ı 19.12. 

Olga Titus –ı 15.12. 

Winterthur Fotostiftung Schweiz, Grüzenstrasse 45 Bernard Voïta — Melencolia –ı 6.10. 

Paare / Couples –ı 6.10. 

Gewerbemuseum Winterthur, Kirchplatz 14, *52 267 51 36 Blut & Staub – Wenn Reststoffe zu 

–ı 1.9. 

Werkstoffen werden 

Maarten Baas – New Times –ı 27.10. 

Kunst Museum Winterthur | Beim Stadthaus, 

Museumstrasse 52, *52 267 51 62 

Kunst Museum Winterthur | Villa Flora, Tösstalstr. 44, 

*52 212 99 60 

Low Lands, New Heights 

–ı 22.9. 

Silvia Bächli –ı 18.8. 

Bienvenue! –ı 5.1. 

Kunsthalle Winterthur, Marktgasse 25, *52 267 5132 Script – Memory –ı 14.7. 

Sammlung Oskar Reinhart «Am Römerholz», 

Haldenstr. 95, *58 466 77 40 

Amsel WerkGalerie, Stadthausstrasse 51, *76 411 92 92 

Kulturort Weiertal, Rumstalstr. 55, *52 222 70 32 

Maillol und Sintenis 

–ı 15.9. 

Sammlungsausstellung –ı 31.12. 

Vrendli Amsler – Arbeiten in 

–ı 30.11. 

Pergament u. a. m. 

Hortus conclusus – im Garten 

–ı 8.9. 

der Sinne 

Irene Curiger, Conny K. Wepfer –ı 8.9. 

kunstkasten, Katharina-Sulzer-Platz Vanessa Billy – Hellbender –ı 16.8. 

oxyd – Kunsträume, Untere Vogelsangstrasse 4, 

Angela Anzi – Chanted Water –ı 28.7. 

*52 316 29 20 

Wädenswil Kunsthalle 8000 – Telos Stiftung, Zugerstrasse 180 The Last Artwork – Mitchell 

Anderson, Charlie Stein, 

Bob Gramsma u. a. 

–ı 31.8. 

Yverdon-les- 

Bains 

Centre d’art contemporain Yverdon-les-Bains, 

Place Pestalozzi, *24 423 63 80 

Camille Lichtenstern – Fings –ı 11.8. 

Zofingen Kunsthaus Zofingen, Gen. Guisan-Str. 12, *62 751 4829 Look@JKON – Roshan Adhihetty –ı 9.8. 

Zug Kunsthaus Zug, Dorfstrasse 27, *41 725 3344 Kiesler heute – Werkdialoge mit 

–ı 6.10. 

Zeitgenossen 

Galerie Carla Renggli, Ober-Altstadt 8 Marlise Mumenthaler 24.8.–5.10. 

Lakeside Gallery, Artherstrasse 3, *41 710 46 47 Sonorus Silentium 14.8.–21.9. 

Zuoz Galerie Tschudi, Somvih 4, *81 850 1390 Alan Charlton, Bethan Huws, 

27.7.–21.9. 

Richard Long 

Hamish Fulton 27.7.–21.9. 


Monica De Cardenas Zuoz, Chesa Albertini, Stradun 111, 

*81 868 80 81 

make shift – Anna Freeman 

Bentley 

27.7.–7.9. 

Markus Raetz –ı 13.7. 

Screening – Benjamin Senior 27.7.–7.9. 

Zürich Cabaret Voltaire, Spiegelgasse 1, *43 268 08 44 (Office) Lee Scratch Perry –ı 29.9. 

Monster Chetwynd – 

–ı 20.7. 

Head-Less-Ness 

Helmhaus, Limmatquai 31, *44 415 56 77 Kunststipendien der 

13.7.–15.9. 

Stadt Zürich 

Kunsthalle Zürich, Limmatstr. 270, *44 272 1515 Ana Jotta –ı 15.9. 

David Armstrong –ı 15.9. 

Kunsthaus Zürich, Heimplatz, *44 253 8484 

Born Digital – Videokunst im 

–ı 29.9. 

neuen Millennium 

Eine Zukunft für die Vergangenheit –ı 31.12. 

Kiki Kogelnik –ı 14.7. 

Walid Raad 16.8.–3.11. 

Landesmuseum Zürich, Museumstrasse 2, *44 218 65 11 Archäologie Schweiz –ı 1.1. 

Das zweite Leben der Dinge –ı 10.11. 

Die Sammlung –ı 31.12. 

Fremdplatziert –ı 27.10. 

Geschichte Schweiz –ı 31.12. 

Glänzendes Kunsthandwerk 19.7.–6.4. 

Migros Museum für Gegenwartskunst, 

Limmatstrasse 270, *44 277 2050 

Museum für Gestaltung Zürich, Ausstellungsstr. 60, 

*43 446 6767 

Museum für Gestaltung Zürich im Toni-Areal, 

Pfingstweidstrasse 96 

Museum Haus Konstruktiv, Selnaustrasse 25, 

*44 217 70 80 

Dineo Seshee Raisibe Bopape 

Material Manipulations 

–ı 8.9. 

–ı 8.9. 

Collection Insights – 

–ı 1.12. 

Sieben Perspektiven 

Oliviero Toscani – Fotografie 

–ı 15.9. 

und Provokation 

Design für alle? Vielfalt als Norm –ı 20.10. 

Helmut Schmid – Typografie –ı 20.10. 

Japanische Grafik heute –ı 12.1. 

Olaf Holzapfel – Zurich Art Prize 

–ı 8.9. 


Stories Written – Zurich Art Prize 

–ı 8.9. 

Winners 2007–2023 

Museum Rietberg, Gablerstrasse 15, *44 415 3131 Iran – Porträt eines Landes –ı 4.8. 

Mehr als Gold –ı 21.7. 

Musée Visionnaire, Predigerplatz 10, *44 251 6657 (de)codiert –ı 4.8. 

Nordamerika Native Museum NONAM, Seefeldstr. 317, 

*44 413 49 90 

Move – Indigene Kulturen in 

Bewegung 

–ı 16.3. 

Cara Romero –ı 16.3. 

Pavillon le Corbusier, Höschgasse 8 Lucien Hervé – Gebautes Licht –ı 24.11. 

Stiftung Kunstsammlung Albert und Melanie Rüegg, Dominik Heim –ı 13.7. 

Rämistrasse 30 

Tichy Ocean Foundation – Prague & Zurich, 

Jonathan Meese –ı 29.9. 

Lessingstrasse 9, *44 250 43 63 

A1 M.O.V.E., Bändliweg 20, *43 311 7010 Ingeborg Haas –ı 15.8. 

Annemarie Verna Galerie, Neptunstrasse 42, *44 262 3820 Glen Rubsamen – The Petrified 

–ı 30.8. 

Forest 

Barbara Seiler, Rämistrasse 18, *43 317 4210 Ahoi, ahoi des admirales –ı 17.8. 

Beletage Art Space, Utoquai 41, c / o Dr. Rai Winata Why do I keep thinking? –ı 16.8. 

Bildhalle, Stauffacherquai 56, *44 552 09 18 

Laurence Aëgerter – The elasticity –ı 24.8. 

of time 

Blue Velvet Projects, Birmensdorferstr. 83 There I lost myself, I lost myself –ı 27.7. 

Collegium Helveticum, Schmelzbergstrasse 25, ETH 

Center / STW25 

O Encontro das Partes Partidas – 

Paulo Wirz 

–ı 14.7. 


Die Diele, Sihlhallenstrasse 4 

Louie Blaser, Benedikt 

–ı 18.8. 

Mühlethaler, Jakob Petersen 

Dierking – Galerie am Paradeplatz, Bleicherweg 3 Hanns Kunitzberger –ı 23.8. 

Edition VFO, Limmatstrasse 268, *44 241 5300 Echoes of Imagination –ı 14.9. 

Fabian & Claude Walter Galerie, Rämistrasse 18, 

*44 440 40 18 

C. Borer, A. Helbling, H. Hofmann, 

H. Roeckle 

–ı 24.8. 

foryouandyourcustomers, Seefeldstrasse 5A Bob Gramsma –ı 5.9. 

Galerie 111, Zweierstr. 111, *44 272 8006 Christian Elmiger 29.8.–3.9. 

Galerie am Lindenhof, Pfalzgasse 3 Claudia Dietschi 27.8.–2.9. 

Elisabeth Ruegg, Gert Kraft 13.8.–26.8. 

Erica Wittenwyler 29.7.–29.7. 

Jean Biaggi 30.7.–12.8. 

Nils Mehr –ı 15.7. 

Galerie Eva Presenhuber, Maag Areal, Zahnradstr. 21, Tobias Pils – Happy Days –ı 20.7. 

*43 444 7050 

Galerie Eva Presenhuber, Waldmannstrasse, 

Shara Hughes – Tree Farm –ı 20.7. 

Waldmannstrasse 6 

Galerie Fabian Lang, Obere Zäune 12, *44 223 54 33 Kind and Sharp – Elena Alonso –ı 16.8. 

Galerie Francesca Pia, Limmatstrasse 270, *44 271 2444 Dietrich – curated by Anne 

–ı 23.8. 

Pontégnie 

Galerie Haas Zürich, Rämistrasse 35 Louise Nevelson –ı 20.7. 

Galerie König Büro, Birmensdorferstr. 299, *41 201 20 54 Janet Mueller, Claudio Rasano, 

–ı 13.7. 

Talaya Schmid – Suffer now 

Galerie La Ligne, Heinrichstr. 237, *43 205 28 29 Alea Iacta Est –ı 27.7. 

Galerie Lange + Pult Zurich, Rämistrasse 27, *44 212 2000 Jan Albers –ı 27.7. 

Galerie Mark Müller, Hafnerstrasse 44, *44 211 8155 Markus Weggenmann –ı 27.7. 

Galerie Rosenberg, Dufourstrasse 169, *44 311 79 52 Carlos Matter, Louise Schmid –ı 13.7. 

Galerie Tschudi Zürich, Rämistrasse 5, *44 210 13 20 Not Vital – Silence –ı 3.8. 

Galerie Urs Meile, Rämistrasse 33 Shao Fan –ı 27.7. 

Hartdurm, Hardturmstrasse 307 Trilogie Südtrottoir –ı 14.9. 

–ı 7.9. 

Hauser & Wirth Zurich, Limmatstrasse, Limmatstr. 270, 

*44 446 80 50 

Nairy Baghramian – Modèle vivant 

(Se ployant) 

Philip Guston – Singularities –ı 7.9. 

Jedlitschka Gallery, Seefeldstr. 52, *44 252 3530 12. Skulpturengarten –ı 31.10. 

jevouspropose, Molkenstrasse 21 

Christina Lehnert, Ketuta Alexi– 

–ı 14.7. 

Meskhishvili 

Karma International Zürich (70), Weststrasse 70 

L. Faye, H. Josephsohn, I. Ekblad, –ı 14.9. 

S. Li, V. Suter 

Karma International Zürich (75), Weststrasse 75, 

Hans Josephsohn –ı 14.9. 

*43 535 8591 

Kupper Modern, Zwinglistrasse 10 Einsichten 2024 23.8.–6.9. 

Last Tango, Sihlquai 274 Pascale Birchler –ı 13.7. 

Le Sud + NGALA, Seestrasse 92, *44 210 0244 From Land to Sea and Back –ı 28.9. 

Lechbinska Gallery, 12 Mühlebachstrasse 

Ceremony – Dansekhwa by 

–ı 17.8. 

Hyunae Kang 

Tausend Flüsse spiegeln 

29.8.–26.10. 

Tausend Monde 

Luo Mingjun — No way back 29.8.–26.10. 

Livie Gallery, Claridenstrasse 34 André Butzer – Herr Mändelchen –ı 22.8. 

loop, Weststrasse 118, *44 200 70 70 Ich bin eine Waschküche –ı 18.7. 

Lullin + Ferrari, Limmatstrasse 214, *43 205 2607 Liminal Moments 2 –ı 13.7. 

Mai 36 Galerie, Rämistrasse 37, *44 261 6880 Matt Mullican – What They See –ı 10.8. 

↗ kunstbulletin.ch 


Zürich / 

Schlieren 

Belgien *0032 

Poppy Jones – Frozen Sun –ı 10.8. 

Peter Kilchmann, Zahnradstr. 21, *44 278 1010 Didier William –ı 26.7. 

Grace Schwindt –ı 26.7. 

Petra Gut Contemporary AG, Nüschelerstrasse 31, 

*44 422 4069 

It’s Not About Me 

Shades of Grey — Christian Coigny 

–ı 10.8. 

13.7.–24.8. 

ring-ring, Aargauerstrasse 60 Maria Bill 22.8.–29.9. 

Navid Tschoop –ı 18.8. 

–ı 5.9. 

Schaufenstergalerie Stampfenbachstrasse, 

Stampfenbachstrasse 31 

Men at Work – Doloris 

Staudenmaier 

Sentiment, Murwiesenstrasse 45 Stardust –ı 13.7. 

Visarte Zürich, Schoffelgasse 10, *44 252 4161 Tristan Amor Rabit –ı 13.7. 

We Are AIA I Awareness in art, Löwenbräukunst, 

More-Than-Plane –ı 13.7. 

Limmatstrasse 268 

Zürcher Theater Spektakel, Landiwiese, Mythenquai Zürcher Theater Spektakel 2024 17.8.–3.9. 

Kunsthalle Schlieren, Gaswerkstr. 15 Voodoo –ı 29.9. 

Brüssel La Verrière, boulevard de Waterloo 50, *2 511 2062 Emmanuelle Castellan – Spektrum –ı 27.7. 

Wiels, Av. Van Volxemlaan 354, *2 347 3050 Alexis Blake, Joseph Kusendila –ı 11.8. 

Hornu Musées des arts contemporains Hornu, 82, rue Sainte-Louise Orla Barry, Ariane Loze –ı 3.11. 

Sint-Martens- 

Latem 

Musée Dhondt-Dhaenens, Museumlaan, 14 Stories from the Ground –ı 6.10. 

Bulgarien *0359 

Sofia foryouandyourcustomers, 1 Pozitano Square Nevena Ekimova –ı 20.9. 

Deutschland *0049 

Arnsberg Kunstverein Arnsberg, Königstrasse 24, *2931 21 122 Oliver Goethals –ı 22.9. 

Backnang Galerie der Stadt, Petrus-Jacobi-Weg 1, *7191 894 477 Alice Musiol – Shift –ı 18.8. 

Tafelmusik No. 1 – Aufgetischt –ı 14.7. 

Tafelmusik No. 2 – Hier spielt 

16.7.–3.11. 

die Musik 

Berlin Akademie der Künste, Hanseatenweg 10, *30 200 57 2000 Sandra Vásquez de la Horra –ı 25.8. 

Akademie der Künste Berlin, Pariser Platz 4 Bilderkeller –ı 18.12. 

Alexander und Renata Camaro Stiftung, Potsdamer 

Die Kraft der Melancholie –ı 26.7. 

Straße 98A, *30 2639 2975 

Alfred Ehrhardt Stiftung, Auguststrasse 75 Alfred Ehrhardt – Ernst Barlach –ı 30.11. 

Alte Nationalgalerie, Bodestrasse 1–3, *30 2090 5801 Caspar David Friedrich –ı 4.8. 

Berlinische Galerie, Alte Jakobstr. 124–128 Closer to Nature –ı 14.10. 

Deutsches Historisches Museum Berlin, 

Roads not Taken –ı 24.11. 

Unter den Linden 2, *30 203 040 

Georg-Kolbe-Museum, Sensburger Allee 25 Hoda Tawakol –ı 13.10. 

Noa Eshkol –ı 25.8. 

Gropius-Bau, Niederkirchnerstr. 7, *30 254 860 Nancy Holt – Circles of Light –ı 21.7. 

Pallavi Paul – How Love Moves –ı 21.7. 

Radical Playgrounds –ı 14.7. 

Hamburger Bahnhof, Invalidenstr. 50–51 Alexandra Pirici –ı 6.10. 

Joseph Beuys –ı 22.9. 

Marianna Simnett – Winner –ı 3.11. 

Preis der Nationagalerie –ı 5.1. 

Haus am Waldsee, Argentinische Allee 30, *30 801 8935 Josephine Pryde –ı 18.8. 

HKW Haus der Kulturen der Welt, John-Foster-Dulles- Sergio Zevallos –ı 14.1. 

Allee 10, *30 397 870 

Julia Stoschek Collection Berlin, 60 Leipziger Straße Unbound –ı 28.7. 

KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst, 

Am Sudhaus 3, *30 8 3215 9120 

Franz Wanner – Mind the Memory 

Gap 

–ı 14.7. 

AGENDA // SCHWEIZ / BELGIEN / BULGARIEN / DEUTSCHLAND 149

Biberach an 

der Riß 

Bochum 

Ré-imaginer le passé –ı 28.7. 

This is poor! Patterns of Poverty –ı 14.7. 

KW Institute for Contemporary Art, Auguststrasse 69 Jimmy DeSana & Paul P. –ı 20.10. 

Luiz Roque – Estufa –ı 20.10. 

Pia Arke – Arctic Hysteria –ı 20.10. 

Museum für Fotografie Berlin, Jebensstr. 2, *30 266 2187 Berlin, Berlin – 20 Jahre Helmut 

–ı 16.2. 

Newton Stiftung 

Michael Wesely –ı 1.9. 

Neue Nationalgalerie, Potsdamer Str. 50 Zerreißprobe –ı 28.9. 

Neuer Berliner Kunstverein, Chausseestr. 128–129 Banu Cennetoğlu –ı 4.8. 

Thomas Arslan –ı 4.8. 

Schinkel Pavillon, Oberwallstr. 1, *30 2088 6444 Ivana Bašić –ı 25.8. 

Galerie Nordenhake Berlin, Lindenstrasse 34 Frida Orupabo –ı 27.7. 

Galerie Poll, Gipsstr. 3 / Parterre, *30 261 7091 

Menagerie – Malerei und 

–ı 27.7. 

Skulpturen 

Lothar Wolleh Raum, Linienstraße 83A, *30 28873848 Jan Schoonhoven & Lothar Wolleh –ı 6.9. 

nGbK – neue Gesellschaft für bildende Kunst, 

Karl-Liebknecht-Straße 11 / 13 

Municipal Kitchens –ı 18.8. 

Museum Biberach, Museumstraße, 6, *7351 / 51–471 175 Jahre Feuerwehr –ı 13.10. 

Kunstsammlungen der Ruhr-Universität Bochum, 

Nevelstraße 29C 

Weltsichten. Landschaft in der 

Kunst seit dem 15. Jahrhundert 

Bonn Bundeskunsthalle, Helmut-Kohl-Allee 4, *228 917 1201 Franz Erhard Walther –ı 28.7. 

Interactions 2024 –ı 27.10. 

Kengo Kuma – Onomatopoeia 

–ı 1.9. 

Architecture 

Macht mit! Demokratie gestalten –ı 13.10. 

Bremen Gesellschaft für Aktuelle Kunst, Teerhof 21, *421 500 897 Nika Son – scatter, no turn –ı 4.8. 

Kunsthalle Bremen, Am Wall 207, *421 329 080 

Lisa Seebach, 

–ı 4.8. 

Julia Charlotte Richter 

Pauli-Preis 2024 24.7.–13.10. 

Three by Chance –ı 28.7. 

Wild! Kinder – Träume – Tiere – 

–ı 14.7. 

Kunst 

Weserburg Museum für moderne Kunst, Teerhof 20 Martin Reichmann –ı 25.8. 

So wie wir sind –ı 30.8. 

Yael Bartana – Utopia Now! –ı 24.11. 

Bremerhaven Kunsthalle Bremerhaven, Karlsburg 4, *471 468 38 In ihrer Zeit. Spuren von Gewicht –ı 14.9. 

Nora Schultz –ı 21.7. 

Chemnitz Kunstsammlungen Chemnitz am Theaterplatz, 

Hanna Bekker vom Rath –ı 20.10. 

Theaterplatz 1, *371 488 4424 

Museum Gunzenhauser, Falkeplatz Chemnitz –ı 1.9. 

Win / Win –ı 4.8. 

Darmstadt Institut Mathildenhöhe, Olbrichweg 13 A, *6151 132 778 Raumkunst –ı 27.7. 

Dessau Bauhaus Museum Dessau, Mies-van-der-Rohe-Platz 1 Bodies in Sync – Clément Cogitore –ı 2.2. 

Die Geste spricht –ı 2.2. 

Rhythm Is a Dancer – 

Christina Werner 

–ı 6.10. 

Donaueschingen 

Dortmund 

Museum Art.Plus, Museumsweg 1, *771 896 6890 

Hartware MedienKunstVerein (HMKV), Leonie-Reygers- 

Terrasse 

Museum am Ostwall im Dortmunder U, Leonie-Reygers- 

Terrasse, *231 502 3247 

–ı 1.10. 

Nature unlimited 

–ı 27.9. 

Sandra Eades –ı 6.10. 

Niklas Goldbach – The Paradise 

–ı 11.8. 

Machine 

Kopfüber in die Kunst –ı 25.8. 

Dresden Albertinum Dresden, Tzschirnerplatz 2 Caspar David Friedrich 24.8.–4.1. 

Residenzschloss, Taschenberg 2, *351 49 14 2000 Candida Höfer –ı 21.7. 

Duisburg Lehmbruck Museum, Düsseldorfer Str. 51, *203 283 2630 Courage –ı 13.10. 


Düsseldorf 

Museum DKM, Güntherstrasse 13–15, *203 9355 5470 

Julia Stoschek Collection Düsseldorf, 

Schanzenstrasse 54, *211 585 8840 

K20 Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, 

Grabbeplatz 5, *211 8381204 

K21 Kunstsammlung NRW, Ständehausstr. 1, 

*211 8381204 

Künstlerräume aus der Sammlung –ı 5.12. 

Krämer-Maas 

Lynn Hershman Leeson –ı 14.12. 

Hilma af Klint und Wassily 

–ı 11.8. 

Kandinsky 

Forthcoming 

–ı 4.8. 

Mike Kelley –ı 8.9. 

Kunsthalle Düsseldorf, Grabbeplatz 4, *211 899 6240 Die Heilung der Erde –ı 8.9. 

foryouandyourcustomers, Marienplatz 1 Aljoscha –ı 26.9. 

Galerie Ludorff, Königsallee 22, *211 326 566 Klaus Fussmann –ı 27.7. 

Neuerwerbungen Frühjahr 2024 –ı 31.8. 

Sammlung Philara, Birkenstraße 47a, *211 24862721 In Abwesenheit –ı 8.9. 

Essen Museum Folkwang, Museumsplatz 1, *201 884 5444 Andreas Slominski –ı 14.7. 

foryouandyourcustomers, 50 Zweigertstraße 

Crossover – Jürgen Pass, 

Marlon Red 

–ı 1.10. 

Frankfurt / M 

Freiburg / B 

Museum für Angewandte Kunst Frankfurt, 

Schaumainkai 17, *69 2123 4037 

Im Garten der Zufriedenheit 

–ı 14.7. 

Meet asian art: Antik? –ı 24.11. 

Museum MMK für Moderne Kunst There is no there there –ı 29.9. 

Schirn Kunsthalle, Römerberg, *69 299 8820 Casablanca Art School –ı 13.10. 

Selma Selman –ı 15.9. 

Städel Museum, Schaumainkai 63 Muntean / Rosenblum –ı 1.12. 

basis, Gutleutstrasse 8–12, *69 400 376 17 Toni Schmale – opferblech –ı 21.7. 

Heike Strelow, Hanauer Landstrasse 52 Meristeme –ı 31.8. 

Galerie für Gegenwartskunst, E-Werk Freiburg e.V., 

Eschholzstr. 77, *761 207 570 

Solmaz Daryani, Sabina 

Shikhlinskaya 

PEAC Museum, Robert-Bunsen-Str. 5, *761 510 6606 Zwischen weißen Wänden… –ı 21.7. 

Giessen Neuer Kunstverein, Ecke Licher Str. / Nahrungsberg Catharina Szonn 24.8.–5.10. 

Halle 

Kunstmuseum Moritzburg Halle (Saale), 

Friedemann-Bach-Platz 5, *345 212 590 

Wirklich, ich lebe in finsteren 

Zeiten 

–ı 14.7. 

21.7.–13.10. 

Hamburg Deichtorhallen, Deichtorstrasse 1–2, *40 321 030 Survival In The 21 st Century –ı 3.11. 

Hamburger Kunsthalle, Glockengießerwall 5, 

*40 428 131 200 

Georges Adéagbo 

–ı 29.9. 

Impressionismus –ı 1.1. 

Kathleen Ryan –ı 11.8. 

Making History – Hans Makart –ı 31.12. 

something new, something old, 

–ı 15.9. 

something desired 

Jakob Kudsk Steensen –ı 27.10. 

untranquil now –ı 19.1. 

William Blakes Universum –ı 8.9. 

Kunstverein Hamburg, Klosterwall 23 Diego Marcon – La Gola –ı 11.8. 

Marina Xenofontos –ı 11.8. 

Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg, Steintorplatz Water Pressure –ı 13.10. 

Sammlung Falckenberg, Wilstorfer Strasse 71, 

*40 3250 6762 

Jakob Lena Knebl und 

Ashley Hans Scheirl 

–ı 15.9. 

Galerie Nanna Preußners, 13 Klosterwall Constanze Vogt –ı 20.7. 

Hannover Kestner Gesellschaft, Goseriede 11, *511 701 2016 Rebecca Ackroyd – Mirror Stage –ı 24.11. 

Kunstverein Hannover, Sophienstrasse 2 István Csákány –ı 19.1. 

Preis des Kunstverein Hannover 24.8.–6.10. 

The Myth of Normal –ı 14.7. 

–ı 25.8. 

Hörstel DA, Kunsthaus Kloster Gravenhorst, Klosterstrasse 10, 

*2551 69 4200 

[intimacy] – von Menschen 

und Orten 

Das Kloster Gravenhorst 

–ı 8.9. 

1256–1808 

Karlsruhe Staatliche Kunsthalle Karlsruhe, Hermann-Veit-Straße 6 KunsthalleKarlsruhe@ZKM –ı 29.4. 

Kiel Stadtgalerie Kiel, Andreas-Gayk-Str. 31, *431 901 3400 X – Premio Fondazione VAF –ı 1.9. 

Kleve Museum Kurhaus, Tiergartenstr. 41, *2821 75010 Magali Reus – Park City 14.7.–6.10. 

AGENDA // DEUTSCHLAND 151

Konstanz Rosgartenmuseum, Rosgartenstraße 3–5, *7531 900 2913 Ignaz Heinrich von Wessenberg –ı 1.9. 

Krefeld Kunstmuseen Krefeld, Joseph-Beuys-Platz 1, 

*2151 975 580 

Collection Satellite #9 

–ı 6.10. 

Museum without Borders –ı 8.9. 

Köln Kolumba, Kolumbastraße 4 Wort Schrift Zeichen –ı 14.8. 

Museum Ludwig Köln, Heinrich-Böll-Platz 

Hier und jetzt – Und gestern 

–ı 13.10. 

und morgen 

Roni Horn –ı 11.8. 

ZADIK | Zentralarchiv für deutsche und internationale Barbara Gross – Women Artists 

–ı 30.8. 

Kunstmarktforschung, Im Mediapark 7, *221 470 89230 as Protagonists 

Galerie Boisserée, Drususgasse 7–11, *221 257 8519 Eduardo Chillida –ı 20.7. 

Lindau / Kunstmuseum Lindau, Maximilianstr. 52, *8382 27 47 47 Christo und Jeanne-Claude –ı 13.10. 

Bodensee 

Lingen Kunsthalle Lingen, Kaiserstrasse 10 a, *591 59 995 Cudelice Brazelton IV – 

–ı 25.8. 

Mortal Surface 

Luckenwalde E-WERK Luckenwalde, Rudolf-Breitscheid-Straße 73 The Sustainable Institution –ı 30.11. 

Mainz Kunsthalle Mainz, Am Zollhafen 3–5, *6131 126 936 Ari Benjamin Meyers – 

–ı 20.10. 

Always Rehearsing 

Mannheim Kunsthalle Mannheim, Moltkestrasse 9, *621 293 6413 Sarah Lucas – Sense of Human –ı 20.10. 

Marl Skulpturenmuseum Marl, Georg-Herwegh-Straße 67, 

*2365 992257 

Danylo Halkin, Gereon Krebber, 

Agata Michowska 

–ı 13.10. 

Memmingen MEWO Kunsthalle, Bahnhofstraße 1, *8331 850 770 Sebastian Bühler – 

–ı 21.7. 

Abstract Realities 

Murrhardt Ein Fenster inmitten der Welt, Heinrich von Zügel Haus, Alfred Bast –ı 23.8. 

Wolkenhof 14 

München Alte Pinakothek, Barer Straße 27 Alte Meister in Bewegung –ı 31.12. 

Rubens, Brueghel und die 

–ı 12.1. 

Blumenkranzmadonna 

Von Goya bis Manet –ı 31.12. 

Architekturmuseum der Technischen Universität, 

The Gift –ı 8.9. 

Arcisstrasse 21 

Die Neue Sammlung – The International Design Museum, Das Fahrrad –ı 22.9. 

Türkenstraße 15 

ERES Projects, Theresienstraße 48, *89 388 79 079 Oliver Laric – Metamorphosen –ı 26.7. 

ERES Stiftung, Römerstrasse 15, *89 3887 9079 The Bird Show –ı 27.7. 

Haus der Kunst München, Prinzregentenstrasse 1, 

*89 211 27 113 

Alessio – Nico Vascellari 

Glamour und Geschichte – 

40 Jahre P1 

26.7.–4.8. 

–ı 23.2. 

Liliane Lijn – Arise Alive –ı 19.9. 

Luisa Baldhuber – Afterglow –ı 14.12. 

Martino Gamper – Sitzung –ı 27.10. 

MMMHaus – Meet Make Move –ı 11.9. 

Rebecca Horn –ı 12.10. 

Samaneh Atef, Belén Sánches, 

–ı 13.7. 

Desmond Tjonako 

Kunsthalle der Hypo-Kulturstiftung, Theatinerstrasse 8 Viktor&Rolf – Fashion Statements –ı 6.10. 

Museum Brandhorst, Theresienstr. 35a Andy Warhol & Keith Haring –ı 26.1. 

Von Andy Warhol bis Kara Walker. –ı 14.7. 

Pinakothek der Moderne, Barer Strasse 40, *89 2866 9944 Abstrakte Horizonte –ı 8.9. 

Alfred Ehrhardt –ı 8.9. 

Die Sammlung van de Loo –ı 8.9. 

Gutai –ı 8.9. 

ZEN 49 – zum 75. Jubiläum –ı 8.9. 

Städt. Galerie Lenbachhaus / Kunstbau, 

Cao Fei –ı 8.9. 

Luisenstrasse 33 / Königsplatz, *89 2333 2000 

foryouandyourcustomers, Liebigstraße 22 Daniel Man 18.7.–16.1. 

Kunstverein München, Galeriestrasse 4 Carissa Rodriguez –ı 18.8. 


Reutlingen — Bernard Aubertin, 

Kunstmuseum Reutlingen I konkret 

Völklingen — Lu Guang, 

Weltkulturerbe Völklinger Hütte 

Smudajescheck Galerie, Schwindstr. 3 

15 Years | 5 Artists – Orange is the 

–ı 27.7. 

Color of my Dreams 

Münster Kunsthalle Münster, Hafenweg 28, *251 492 4191 Forms of the Surrounding Futures –ı 4.8. 

LWL-Museum für Kunst und Kultur, Domplatz 10 Ali Eslami — Line of Sight –ı 8.12. 

Neuss Skulpturenhalle, Lindenweg / Ecke Berger Weg Thomas Schütte – Prints –ı 28.7. 

Stiftung Insel Hombroich, Minkel 2, *2182 887 4000 Bernhard Fuchs – Hofau –ı 25.8. 

Gleichklang in Autonomie – 

–ı 23.2. 

Hildegard und Erwin Heerich 

Gotthard Graubner –ı 3.11. 

Nürnberg Neues Museum Nürnberg, Klarissenplatz, *911 240 2069 Tapetenwechsel –ı 1.9. 

Offenburg Städtische Galerie, Amand-Goegg-Str. 2 Claudia & Julia Müller –ı 6.10. 

Pforzheim Kunstverein im Reuchlinhaus, Jahnstr. 42, *7231 215 25 atmen & sehen –ı 29.9. 

Potsdam Das Minsk Kunsthaus, 17 Max-Planck-Straße Soft Power –ı 11.8. 

Regensburg foryouandyourcustomers, Traubengasse 6 Hans Lankes –ı 12.12. 

Reutlingen Kunstmuseum Reutlingen / konkret, Eberhardstraße 14, 

*7121 303 2322 

Bernard Aubertin – Rouge et plus –ı 20.10. 

Rheinfelden / 

Baden 

Kunstmuseum Reutlingen / Spendhaus, 

Spendhausstrasse 4, *7121 303 2322 

Aus der Sammlung – Skulptur und 

Druckgrafik 

26.7.–17.11. 

Florian Haas – Historienschnitte –ı 28.7. 

Kunstmuseum Reutlingen / Galerie, Eberhardstr. 14 Simone Eisele – after Millet –ı 1.9. 

Haus Salmegg, An der Rheinbrücke Tatbestand – Tatjana Brock 21.7.–1.8. 

Riegel kunsthalle messmer, Grossherzog-Leopold-Platz 1 Niki de Saint Phalle, Sylvette 

–ı 24.11. 

David, Elvira Bach 

Saarbrücken foryouandyourcustomers, Am Staden 21 Sigrún Ólafsdóttir –ı 31.7. 

Schweinfurt Museum Georg Schäfer, Brückenstrasse 20 Tod und Teufel – Faszination 

14.7.–20.10. 

des Horrors 

Siegen Museum für Gegenwartskunst Siegen, Unteres Schloss 1 Sung Tieu –ı 10.11. 

Sindelfingen Galerie Stadt Sindelfingen, Marktplatz 1 Lux Ore – Jill Kiddon 21.7.–6.10. 

Singen Kunstmuseum Singen, Ekkehardstrasse 10, *7731 85 271 125 x Singen – Historische 

–ı 15.9. 

Ausstellung 

Krieg und Frieden – Otto Dix –ı 8.9. 

Marcus Schwier – Singen –ı 15.9. 

Stuttgart Kunstmuseum Stuttgart, Kleiner Schlossplatz 1, 

*711 / 216 196 00 

Frischzelle_30 – Simone Eisele 

–ı 22.9. 

Kubus – Sparda-Kunstpreis 2024 –ı 25.8. 

Otto Herbert Hajek –ı 6.10. 

Sommer der Künste 18.7.–26.1. 

Vom Werk zum Display –ı 2.11. 

Staatsgalerie, Konrad-Adenauer-Str. 30–32 Fotosommer Stuttgart 2024 – 

19.7.–8.9. 

Transformation 

Klaus Staeck – Vorsicht Kunst! 19.7.–29.9. 

Sommer der Künste – Villa 

Massimo zu Gast in Stuttgart 

19.7.–1.1. 

AGENDA // DEUTSCHLAND 153

This is Tomorrow 19.7.–31.12. 

Galerie von Braunbehrens, Rotebühlstr. 87, *711 605 584 Kunst aus Stuttgart 27.7.–5.9. 

Tuttlingen Galerie der Stadt Tuttlingen, Rathausstrasse 7 Andrea Francolino –ı 21.7. 

Tübingen Kunsthalle Tübingen, Philosophenweg 76 Kunstschätze –ı 15.9. 

Ulm kunsthalle weishaupt, Hans-und-Sophie-Scholl-Platz 1, 

*731 161 4360 

Museum neu buchstabiert 

Wolfram Ullrich – Überwindung der 

Schwerkraft 

–ı 27.10. 

–ı 29.9. 

Völklingen Weltkulturerbe Völklinger Hütte, Rathausstraße 75–79, 

*6898 9100 100 

Der Deutsche Film – 1859 bis Heute –ı 18.8. 

Man & Mining –ı 1.9. 

Urban Art Biennale –ı 10.11. 

Weil am Rhein Vitra Design Museum, Charles-Eames-Strasse 1 Transform! –ı 1.9. 

Städt. Galerie Stapflehus, Bläsiring 10 

Colette Couleau, Verena Thürkauf, –ı 14.7. 

Gabriela Stellino 

Weilburg fotobildlager7a + Archiv_Klaus Graubner*1938, 

Street Seen –ı 31.7. 

Friedrich-Ebert-Straße 7a 

Wilhelmshaven Kunsthalle Wilhelmshaven, Adalbertstr. 28 –162°C, 450 kg / m³ – Fossile 

–ı 28.8. 

Energie, fragile Zukunft 

Wolfsburg Kunstmuseum Wolfsburg, Hollerplatz 1 Welten in Bewegung –ı 4.8. 

Firelei Báez –ı 13.10. 

Wuppertal Von der Heydt-Museum, Turmhof 8, *202 563 6231 Lothar Baumgarten 

Nicht viel zu sehen – Wege der 

Abstraktion 1920 bis heute 

Würzburg Museum im Kulturspeicher, Oskar-Laredo-Platz 1 24! – Fragen an die Konkrete 

Gegenwart 

Frankreich *0033 

Aix-en- 

Provence 

–ı 1.9. 

–ı 1.9. 

–ı 22.9. 

Espace culturel, Cours Mirabeau 

Vague au corps –ı 25.8. 

Hôtel de Caumont – Centre d’Art, 3, rue Joseph Cabassol Bonnard et le Japon –ı 6.10. 

Altkirch CRAC Alsace, 18, rue du Château, *3 8908 8259 Julia Spínola – Même mot –ı 15.9. 

Annecy Fondation Salomon Art Contemporain, 34 avenue de Anima – Quand le dessin s’anime –ı 12.10. 

Loverchy, *4 5002 8752 

L’Abbaye – Espace d’art contemporain, 15 Chemin de Iris Levasseur –ı 17.12. 

l’Abbaye 

Annemasse Villa du Parc, 12, rue de Genève, *4 5038 8461 Stephen Felton – Bugaboo Voodoo –ı 30.9. 

Arles Fondation Vincent Van Gogh, 35, rue du docteur Fanton Van Gogh et les étoiles –ı 8.9. 

Les Rencontres d’Arles, 10, rond point des Arènes 

Rencontres de la Photographie 

–ı 22.9. 

Arles 2024 

Aubenas Le Château – Centre d’Art Contemporain et du Patrimoine Inauguration – Habiter le Monde 15.7.–13.10. 

d’Aubenas, Place De L’hôtel De Ville 

Aubervilliers POUSH, 153 Avenue Jean Jaurès Nord Est –ı 13.7. 

Besançon FRAC Franche-Comté, Cité des arts / Passage des arts 2, 

*381 878740 

Esther Ferrer, Un minuto más 

–ı 27.10. 

La Ribot, Attention, on danse ! –ı 27.10. 

Bordeaux CAPC, Entrepot Lainé, 7, rue Ferrière Nina Beier – Auto –ı 8.9. 

Musée des Beaux-Arts Bordeaux, 20, cours d’Albret Valérie Belin –ı 28.10. 

Caen FRAC Basse-Normandie, 9, rue Vaubenard Lily van der Stokker – I am here –ı 22.12. 

Musée-mine départemental, Avenue De Saint-Sernin, 20 

–ı 4.12. 

Cagnac-les- 

Mines 

Julie Saclier – À l’ombre de nos 

sommeils 

Cannes Suquet des Artistes, Rue Saint-Dizier 7, *4 970 645 21 Julien des Monstiers –ı 22.9. 

Chamarande Centre artistique et culturel, 38, rue du Commandant Laurie Charles – Le vacarme 

–ı 22.9. 

Arnoux 

du coeur 

Cherbourg- Le Point du Jour, 109, av. de Paris, *9923 La couleur est la lumière –ı 1.9. 

Octeville 

Clamart Fondation Arp, 21, rue des Châtaigniers Esprit d’atelier, arp et taeuber, 

–ı 24.11. 

vivre et créer 

Clermont- 

Ferrand 

FRAC Auvergne, 6 rue du Terrail Laura Henno –ı 3.11. 


Céret Musée d’Art Moderne Céret, 8, Boulevard Maréchal Joffre Max Jacob – le cubisme fantasque –ı 1.12. 

Delme 

Centre d’art contemporain Delme, 33, rue Poincaré, 

Raphaele Vogel – International 

–ı 20.12. 

*3 8701 4342 

comparison 

Dijon Le Consortium, 37, rue de Longvic Isabella Ducrot – Profusione –ı 8.9. 

–ı 6.10. 

Douchy-les- 

Mines 

Dunkerque 

Flassanssur-Issole 

Garges-lès- 

Gonesse 

Centre Régional de la Photographie Nord pas-de-Calais, 

Place des Nations 

Anne-Marie Filaire – 

Terres troubles 

FRAC Grand Large, 503 Av des Bancs de Flandres, 

José Loureiro – Croque-couleur –ı 1.9. 

*3 28 65 84 20 

LAAC – Lieu d’Art et d’Action contemporaine, 

Jardin des sculptures 

Gérard Duchêne – L’Appel du large –ı 13.10. 

Commanderie de Peyrassol, Chemin de Peyrassol Bertrand Lavier –ı 3.11. 

Le Cube Garges, Avenue Du Général De Gaulle, 40 Néo-Matérialités –ı 27.7. 

Hauterives Palais Idéal du Facteur Cheval, 8 Rue du Palais Idéal Lee Miller / Claire Tabouret –ı 11.11. 

Hyères 

La Banque, musée des Cultures et du Paysage, 14 Avenue Miró 13.7.–24.11. 

Joseph Clotis 

Hyères CN Villa Carmignac, Île de Porquerolles, *170 02 33 26 The Infinite Women –ı 3.11. 

Ile de Vassivière Centre International d’Art et du Paysage, Diplomaties terrestres –ı 5.11. 

Ivry-sur-Seine Centre d’art contemporain d’Ivry – le Crédac, 

L’amitié – ce tremble –ı 13.7. 

25–29 rue Raspail 

Jumièges Abbaye de Jumièges, 24, rue Guillaume le Conquérant Laurent Grasso – Clouds theory –ı 29.9. 

Landerneau Fonds Hélène & Edouard Leclerc, 71 Rue de la Fontaine Henri Cartier-Bresson –ı 5.1. 

Blanche, Rue des Capucins 

Lens Musée du Louvre-Lens, 99, rue Paul Bert, *3 2118 6262 Mondes soutterains –ı 22.7. 

Lille Institut pour la photographie, 11 rue de Thionville L’automne à l’Institut –ı 24.12. 

L’Isle-sur-la- Villa Datris, 7, avenue des 4 Otages Anne Wenzel –ı 3.11. 

Sorgue 

Marseille Musée des civilisations de l’Europe et de la Mediterranée, Paradis Naturiste –ı 9.12. 

Espace Georges Henri Rivière 

Metz 

Centre Pompidou Metz, 1, parvis des Droits de l’Homme Katharina Grosse – déplacer les 

–ı 24.2. 

CS 90490 

étoiles 

Voir / Le temps / En couleurs 13.7.–18.11. 

Montbéliard Le 19 Centre Régional d’Art Contemporain, 

Assemble – Blood in the machine –ı 25.8. 

Avenue Des Alliés, 19 

Montpellier FRAC Occitanie Montpellier, 4–6, rue Rambaud, 

Anna Solal –ı 12.10. 

*4 9974 2036 

Musée Fabre, 39, bvd. Bonne Nouvelle Jean Hugo – le regard magique –ı 13.10. 

Mouans- 

Sartoux 

Mougins 

Espace de l’Art Concret, Château de Mouans 

FAMM (Femmes Artistes du Musée de Mougins), 

Rue du Commandeur 32 

Francis Bacon et l’Âge d’Or du 

–ı 5.1. 

Design 

Herman de Vries –ı 5.1. 

Point, ligne, surface de lumière –ı 5.1. 

Gruppenausstellung –ı 21.10. 

Mulhouse La Kunsthalle, 16, rue de la Fonderie, *369 776 647 Darra-Zahra-Jabal – 

–ı 27.10. 

Younes Rahmoun 

Musée des Beaux-Arts Mulhouse, 4, Place Guillaume Tell Younes Rahmoun – 

–ı 27.10. 

Darra-Zahra-Jabal 

Nantes HAB / Hangar à Bananes, Quai des Antilles 21 Caroline Mesquita –ı 29.9. 

Le Lieu Unique, 2, rue de la biscuiterie Lauren Lee McCarthy –ı 8.9. 

Le voyage à Nantes, 1 / 3 rue Crucy 13 ème édition du Voyage à Nantes –ı 8.9. 

Centre d’art contemporain Zoo, Rue Lamoricière, 12 Céleste Richard Zimmermann –ı 26.10. 

Nice La Gaya Scienza, Rue Dalpozzo, 9 bis We Are Happy Here in A 

–ı 13.7. 

Happy House 

Maison Abandonnée, 43 Avenue Monplaisir L’éternité, si possible –ı 13.7. 

Musée National Marc Chagall, av. Docteur Ménard Chagall politique – Le Cri de liberté –ı 16.9. 

Villa Arson, 20, av. Stephen Liégeard Parasite 2.0 – gently brut –ı 25.8. 

AGENDA // DEUTSCHLAND / FRANKREICH 155

Mulhouse — Younes Rahmoun, 

La Kunsthalle 

Paris — Stephen Shore, 

Fondation Henri Cartier-Bresson 

Noisiel La Ferme du Buisson, Allée de la Ferme Justin Fitzpatrick, Mary Reid 

–ı 28.7. 

Kelley, Patrick Kelley 

Noisy-le-Sec La Galerie, 1, rue Jean Jaurès Jonathas de Andrade –ı 30.11. 

Paris Bourse de Commerce, 2 Rue de Viarmes Le monde comme il va –ı 2.9. 

Centre Pompidou, Place Georges Pompidou, *1 4478 1233 Hannah Villiger –ı 22.7. 

Roberta González –ı 9.3. 

Cité internationale des Arts, 18 rue de l’Hôtel de Ville, Ces voix qui m’assiègent … –ı 13.7. 

*14 278 7172 

Drawing Lab Paris, 17 rue de Richelieu, *1 45 38 51 15 Non-Effective Drawing –ı 24.8. 

Fondation Cartier, 261, blvd Raspail, *1 4218 5651 Matthew Barney – Secondary –ı 8.9. 

Fondation d’entreprise Pernod Ricard, 1 cours 

Paul Ricard, *1 5330 8800 

Crumbling the Antiseptic Beauty –ı 13.7. 

–ı 15.9. 

Fondation Henri Cartier-Bresson, Rue des Archives 79, 

*1 40 61 50 50 

Stephen Shore – Véhiculaire & 

Vernaculaire 

Fondation Louis Vuitton, 8, av. du Mahatma Gandhi, 

Henri Matisse, Ellsworth Kelly –ı 9.9. 

*1 4069 9600 

mahJ – musée d’art et d’histoire du Judaïsme, 

Jérôme Zonder –ı 27.10. 

Hôtel de Saint-Aignan 

Maison Européenne de la Photographie, 5 / 7 Rue de Fourcy Thomas Mailaender –ı 29.9. 

Musée du quai Branly, 37, quai Branly Myriam Mihindou –ı 10.11. 

Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, 11, avenue du 

Président Wilson, *1 5367 4000 

Beware – Carte blanche à 

Ari Marcopoulos 

–ı 25.8. 

Jean Hélion – La prose du monde –ı 18.8. 

Présences arabes –ı 25.8. 

Musée Picasso Paris, 5, rue de Thorigny, *1 4271 2521 Picasso Iconophage –ı 22.9. 

Bétonsalon, 9, esplanade Pierre Vidal-Naquet, 

Sylvie Fanchon – Sofarsogood –ı 13.7. 

*1 4584 1756 

Le Bal, 6, Impasse de la Défense Yasuhiro Ishimoto –ı 17.11. 

Poitiers Le Confort Moderne, 185, fbg du pont-neuf, *5 4946 0808 Philipp Timischl –ı 25.8. 

Pontault- 

Combault 

Rochechouart 

Roubaix 

Centre Photographique d’île-de-France, 107, 

av. de la République 

Musée départemental d’art contemporain, 

Place du Château 

Musée d’art et d’industrie – La Piscine, 26, rue des 

Champs – 23, rue de l’Espérance 

François Bellabas – Blank Memory –ı 21.7. 

Natsuko Uchino –ı 15.9. 

Paul Hémery – la lumière en liberté –ı 1.9. 

Rouen Musée des beaux-arts Rouen, Square Verdrel David Hockney – Normandism –ı 22.9. 

Saint-Fons Le Centre d’Arts Plastiques Espace Léon Blum, 

Théophile Peris –ı 27.7. 

Rue de la Rochette 

Saint-Louislès-Bitche 

Musée du cristal Saint-Louis, Rue Coetlosquet, 

Patrick Faigenbaum –ı 29.12. 

*8706 4004 

Saint-Nazaire Le Grand Café, Place des quatres z’Horloges Katharina Grosse –ı 24.2. 

Saint-Ouenl’Aumône 

L’Abbaye de Maubuisson, rue Richard de Tour 

Sentience, écouter le parfum de 

la couleur 

–ı 1.9. 


Saint-Paulde-Vence 

Sottevillelès-Rouen 

Fondation CAB Saint-Paul-de-Vence, Chemin des Trious Edith Dekyndt –ı 27.10. 

FRAC Haute-Normandie, 3, place des Martyrs-de-la- 

Résistance 

Francis Baudevin –ı 22.9. 

Sète MIAM, 23, quai Maréchal de Lattre de Tassigny Beaubadugly –ı 10.3. 

Sérignan Musée Régional d’Art Contemporain, 146, av. de la Plage Fortuna –ı 22.9. 

Toulouse Les Abattoirs, 76, Allées Ch.-de-Fitte Artistes et paysans –ı 25.8. 

Tours Château de Tours, 25 avenue André Malraux Juliette Agnel –ı 10.11. 

Versailles Château de Versailles, Place d’Armes Eva Jospin –ı 29.9. 

La Maréchalerie, 5, av. de Sceaux La grotte de l’amitié –ı 12.7. 

Vienne centre d’art contemporain la halle des bouchers, 7, 

Yves Zurstrassen –ı 18.8. 

rue Teste du Bailler 

Villeneuve LaM, 1, Allée du Musée, *3 2019 6870 Marisa Merz –ı 22.9. 

d’Ascq 

Vitry-sur-Seine MAC / VAL Musée d’art contemporain, Place de la 

Humain Autonome – Déroutes –ı 22.9. 

Libération 

Wattwiller Fondation François Schneider, 27 rue de la Première Aqua Terra –ı 22.9. 

Armée 

Yvetot Galerie Duchamp, Ecole municipale d’arts plastiques Marc Desgrandchamps –ı 22.9. 

Italien *0039 

Alessandria Palazzo del Monferrato, Via S. Lorenzo 21 Alessandria Preziosa –ı 6.10. 

Aosta Centro Saint Benin, Via Bonifacio Festaz 27 Sguardi di intesa –ı 22.9. 

Bard Forte di Bard, Cerntro, AO, *125 833 811 Non c’è più tempo –ı 21.7. 

Bergamo Palazzo della Ragione Bergamo, Piazza Vecchia 8A, BG Sonia Boyce –ı 22.9. 

GAMeC, Via San Tomaso, 53 Lin May Saeed –ı 22.9. 

Massi Erratici –ı 22.9. 

Pensare come una montagna –ı 22.9. 

Una Galleria, Tante Collezioni –ı 11.1. 

Bologna Fondazione Artistica Collegio Venturoli, 

New Spaces | New Entries –ı 8.12. 

Via Centotrecento 4, BO 

Palazzo d’Accursio, Piazza Maggiore, 6 Ludovico e Annibale Carracci –ı 22.9. 

Raccolta Lercaro, 57 Via Riva di Reno, BO Antonio Violetta –ı 15.9. 

Bolzano ar / ge kunst Galerie Museum, Museumsstrasse 29 Eva Giolo –ı 27.7. 

Civitella 

d’Agliano 

Fondazione Antonio Dalle Nogare, Rafensteiner Weg 19, 

BZ, *471 971 626 

Under the Spell of Duchamp 

–ı 28.12. 

I just don’t like eggs! –ı 22.2. 

Museion Bolzano, Dantestr. 6, BZ, *471 223 413 Ezio Gribaudo –ı 1.9. 

Piccolo Museion –ı 1.9. 

Renaissance –ı 1.9. 

La Serpara, Loc. Serpara 2, SP 5, KM 26, VT 40 Künstler im Skulpturengarten –ı 31.12. 

Codroipo Villa Manin, Piazza Manin 10 Michelangelo Pistoletto –ı 31.12. 

Como Fondazione Antonio Ratti, San Francesco Ibon Aranberri –ı 26.7. 

Dro Centrale Fies, 1 Via Fies, TN Material Self 18.7.–21.9. 

Faenza Museo int. delle Ceramiche, Viale Baccarini 19 Gio Ponti – Ceramiche 1922–1967 –ı 13.10. 

Ferrara Palazzo dei Diamanti, Piazza del Municipio 2 Escher –ı 21.7. 

Firenze Museo del Novecento Firenze, Piazza di Santa Maria Ritorni – Da Modigliani a Morandi –ı 15.9. 

Novella 10, FI 

Museum Bardini, 37 Via dei Renai, FI Mimmo Jodice –ı 14.7. 

Palazzo Medici Riccardi, Via Camillo Cavour 1 L’Incanto di Orfeo –ı 8.9. 

Palazzo Strozzi, Piazza Strozzi 1, FI, *55 282 635 Anselm Kiefer – Angeli caduti –ı 21.7. 

BASE Progetti per L’Arte, Via San Niccolo 18r Luisa Lambri –ı 8.9. 

Gallarate MAGA Museo Arte di Gallarate, Via De Magri 1 Alfabeto del Contemporaneo –ı 1.9. 

Davide Maria Coltro –ı 1.9. 

Fashion Illustration –ı 1.9. 

Vittorio Tavernari –ı 1.9. 

AGENDA // FRANKREICH / ITALIEN 157

Genova 

Laveno- 

Mombello 

Palazzo Ducale Genova, Piazza Matteotti 9, GE, 

*10 562 440 

MIDeC – Museo Internazionale Design Ceramico, 5 

Lungolago Perabò, VA 

Modernità di un sentimento 

–ı 1.9. 

Sebastião Salgado –ı 14.7. 

Anna e Paola Marinuzzi – Premio 

–ı 21.7. 

MIDeC 

Milano Fabbrica del Vapore, Via Giulio Cesare Procaccini 45, MI Small is Beautiful –ı 22.9. 

Fondazione Luigi Rovati, 52 Corso Venezia, MI Vulci –ı 4.8. 

Fondazione Prada Milano, Largo Isarco 2, MI, 

*25 3570 9200 

Fondazione Prada Osservatorio, Galleria Vittorio 

Emanuele II, MI 

Cinema Godard 

–ı 14.7. 

Pino Pascali –ı 23.9. 

Miranda July – New Society –ı 14.10. 

ICA Milano, Via Orobia 26, MI, *375 532 48 06 Erika Verzutti –ı 19.7. 

Formafantasma –ı 19.7. 

Olympia Scarry – Microwave Sky –ı 24.11. 

MUDEC, Via Tortona 56, MI Exposure –ı 8.9. 

Tatuaggio –ı 28.7. 

Vincent van Gogh –ı 28.9. 

Palazzo Reale Milano, Piazza del Duomo 12, *2 3646 1394 Dolce&Gabana –ı 31.7. 

Pirelli HangarBicocca, Via Chiese 2, MI, *2 6611 1573 Chiara Camoni –ı 21.7. 

Nari Ward –ı 28.7. 

Triennale – Palazzo dell’Arte, 6 Viale Emilio Alemagna, MI Alessandro Mendini –ı 13.10. 

Gae Aulenti –ı 12.1. 

Giò Marconi, Via Tadino 15 Alex Da Corte –ı 31.7. 

MEET Digital Culture Center, 2 Viale Vittorio Veneto, MI John Sanborn –ı 8.9. 

Monica De Cardenas Milano, Via Francesco Viganò 4 Federico Tosi – Bonsai Riot –ı 31.7. 

Modena Fondazione Modena Arti Visive, Corso Cavour 2 Lupo Alberto –ı 25.8. 

Napoli Fondazione Morra Greco, Largo Avellino 17 Allora Vero – Cezary Bodzianowski –ı 27.7. 

Le Gallerie d’Italia – Palazzo Zevallos Stigliano, 

Velázquez –ı 14.7. 

177 Via Toledo, NA 

Solito – Galleria S1, Piazza Enrico De Nicola, 46, NA Jean-Michel – Out Run –ı 19.7. 

Orani Museo Nivola, Via Gonare, 2, NU Nairy Baghramian –ı 3.11. 

Ortisei Biennale Gherdëina, 8 Pontives, BZ Biennale Gherdëina 9 –ı 1.9. 

Padova Cultural Center Altinate San Gaetano, Via Altinate, 72, PD Claude Monet –ı 4.8. 

Fondazione Alberto Peruzzo, Via Dante 63, 

Fabrizio Plessi –ı 13.10. 

Nuova Sant’Agnese, PD 

Palermo Museo regionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Flavio Favelli –ı 8.9. 

Palermo, Corso Calatafimi, 217, PA 

Palazzo Branciforte, Via Bara all’Olivella 2 William Kentridge –ı 12.10. 

Palma di Mandranova, Contrada Mandranova Beat Zoderer — Rosso non c’è –ı 7.9. 

Montechiaro 

Perugia Galleria Naz. dell’Umbria, Corso Vannucci Fulvio Roiter –ı 13.10. 

Pieve di Cento Pinacoteca Civica «Graziano Campanini», 

Nsurrezioni Dello Sguardo –ı 28.7. 

Via Marco Rizzoli 4 / 6, BO 

Pistoia Palazzo de’ Rossi, 26 Via de’ Rossi, PT ’60 Pop Art Italia –ı 14.7. 

Prato 

–ı 29.9. 

Reggio Emilia 

Centro Arte Luigi Pecci, Viale della Repubblica 277, PO, 

*574 5317 

Colorescenze – Artiste, Toscana, 

Futuro 

Museo del Tessuto di Prato, Via Puccetti, 3, PO Walter Albini –ı 22.9. 

Collezione Maramotti, Via Fratelli Cervi 66, RE, 

*522 382 484 

Anna Conway 

–ı 15.9. 

Manuele Cerutti –ı 28.7. 

Silvia Rosi – Disintegrata –ı 28.7. 

Musei Civici di Reggio Emilia, Via Lazzaro Spallanzani 1 Luigi Ghirri –ı 2.3. 

Rivoli Castello di Rivoli, Piazza del Castello, TO, *11 956 522 La Collezione Cerruti –ı 30.4. 

Paolo Pellion di Persano –ı 8.9. 

Rossella Biscotti –ı 25.11. 

Roma Casa di Goethe, Via del Corso 18, RM, *650 412 25 Jahre Casa di Goethe in Rom –ı 31.12. 

The Uncany House –ı 1.9. 

Chiostro del Bramante, Via della Pace, RM, *6880 9035 Emotion –ı 31.8. 


Rovereto 

Gaggenau DesignElementi Hub Roma, Lungotevere 

Ingar Krauss –ı 24.7. 

De’ Cenci, 4, RM 

Galleria Borghese, Piazzale Scipione Borghese 5, RM, Louise Bourgeois – Ricordati di me –ı 15.9. 

*32 810 

Galleria d’Arte Moderna Roma, 24 Via Francesco Crispi Arte di frontiera –ı 3.11. 

Emilio Isgrò – Protagonista 2024 –ı 31.12. 

Estetica della deformazione –ı 1.1. 

La poesia ti guarda –ı 15.9. 

Galleria Nazionale d’Arte Antica, Via Quattro Fontane 13, 

RM, *338 0570 

MACRO, Via Nizza 138 / Via Reggio Emilia 54, RM, 

*6 7107 0400 

MAXXI Museo Nazionale delle Arti del XXI Secolo, 

Via Guido Reni 2, RM, *7350 

Effetto notte – Nuovo realismo 

–ı 14.7. 

americano 

Alvin Curran 

–ı 16.7. 

Elisabetta Benassi –ı 25.8. 

Noto, Grisi, Serafini, Tamburini –ı 25.8. 

Patrizia Cavalli –ı 25.8. 

Ambiènte Archìvio 

–ı 20.10. 

Grazzini Tonazzini Colombo –ı 29.7. 

Inside Other Spaces –ı 20.10. 

Nuove avventure sotterranee –ı 25.9. 

Premio italiano di Architettura –ı 29.9. 

Palazzo Bonaparte, 5 Piazza Venezia, RM Mario Testino –ı 25.8. 

Palazzo delle Esposizioni Roma, Via Nazionale 194, RM, Expodemic –ı 25.8. 

*7500 

rhinoceros gallery, 19 Via dei Cerchi, RM Fortunato Depero – futurBella –ı 30.11. 

MART Museo d’Arte Moderna e Contemporanea, 

Corso Bettini 43 

Arte e Fascismo 

–ı 1.9. 

Pietro Gaudenzi –ı 1.9. 

Poetry in the box –ı 1.9. 

Torino Fondazione Merz, Via Limone 24 Dia Beacon –ı 20.11. 

Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Via Modane 16 Diana Anselmo –ı 13.10. 

Fly on the Wall – Danielle McKinney –ı 13.10. 

Mohammed Sami –ı 13.10. 

The Otolith Group –ı 13.10. 

Galleria d’Arte Moderna e Contemp., Via Magenta 31, TO, 

*11 562 9911 

Italo Cremona 

–ı 15.9. 

Jacopo Benassi –ı 1.9. 

OGR – Officine Grandi Riparazioni, Corso Castelfidardo 22 Cyprien Gaillard –ı 11.8. 

PAV – Parco Arte Vivente, Via Giordano Bruno 31 Marko Tadić – Heliopolis –ı 20.10. 

Quartz Studio, via Giulia di Barolo 18 / D, TO, *11 429 0085 Ingar Krauss –ı 20.7. 

Tremmezina Villa Carlotta, 2 Via Regina, CO L’Olimpo sul lago –ı 30.9. 

Venezia Arsenale, Campo Arsenale Massimo Bartolini –ı 24.11. 

Ca’ Corner della Regina, Santa Croce 2215, *2 5467 0981 Christoph Büchel –ı 24.11. 

Complesso dell’Ospedaletto, 6691 Barbaria de le Tole, VE Nebula –ı 24.11. 

Espace Louis Vuitton, 1353 Calle Ridotto, VE Ernest Pignon-Ernest –ı 24.11. 

Fondazione Bevilacqua La Masa, Galleria di Piazza 

Betsabeé Romero –ı 1.9. 

San Marco 71 / c 

Fondazione Emilio e Annabianca Vedova, Dorsoduro 46 Amendola – Burri, Vedova, Nitsch –ı 24.11. 

Eduard Angeli –ı 24.11. 

Fondazione Prada Venezia, Ca’ Corner della Regina, 

Christoph Büchel – Monte di Pietà –ı 24.11. 

Santa Croce 2215, VE 

Fondazione Querini-Stampalia, Castello 5252 A World of Many Worlds –ı 24.11. 

Yoo Youngkuk –ı 24.11. 

Galleria dell’Accademia Venezia, Campo de la Carità 1050, Willem de Kooning e l’Italia –ı 15.9. 

VE, *41 522 2247 

Giardini, Corderia dell’ Arsenale Stranieri Ovunque –ı 24.11. 

Le Stanze del Vetro, Isola di San Giorgio Maggiore 1 

Il Vetro di Murano e la Biennale di –ı 24.11. 

Venezia 

Le Stanze della Fotografia, Fondamenta San Giovanni, VE Helmut Newton – Legacy –ı 24.11. 

Patrick Mimran –ı 11.8. 

Museo Correr, Piazza San Marco 52 La Via della Scrittura –ı 15.10. 

AGENDA // ITALIEN 159

Venezia / 

Murano 

Liechtenstein *0423 

Vaduz 

Luxemburg *0352 

Museo del vetro, Fondamenta Giustinian, 8 Federica Marangoni –ı 24.11. 

Padiglione Svizzero, Giardini di Castello, VE Super Superior Civilizations –ı 24.11. 

Palazzo Bonvicini – Fondation Valmont, 2161 Calle Agnello Ulysses – We Are All Heroes –ı 23.2. 

Palazzo Diedo, Fondamenta Trapolin, Cannaregio 2386, VE Janus –ı 24.11. 

Palazzo Fortuny, San Beneto / 3780 San Marco, VE, 

Eva Jospin –ı 14.11. 

*41 520 0995 

Palazzo Grassi, San Samuele 3231 Julie Mehretu –ı 6.1. 

Palazzo Mocenigo, Santa Croce 1992 Carla Tolomeo –ı 24.11. 

Marco Polo –ı 30.9. 

Peggy Guggenheim Collection, 701 Dorsoduro Jean Cocteau, Jean Cocteau. –ı 16.9. 

Procuratie Vecchie, 119 Piazza San Marco, VE A World of Potential –ı 28.4. 

Andrzej Wróblewski (1927–1957) –ı 24.11. 

Robert Indiana –ı 24.11. 

Punta della Dogana, Dorsoduro 1, VE Pierre Huyghe –ı 24.11. 

Salone Verde, Sestiere Santa Croce 2258, Calle della Cosmic Garden –ı 24.11. 

Regina 

Spazio Berlendis, Calle Berlendis, VE Ydessa Hendeles – Grand Hotel –ı 24.11. 

A plus A Gallery, San Marco 3073 Double Take –ı 15.7. 

Arsenale Institute for Politics of Representation, 

Riva Dei Sette Martiri, Castello 1430 / A, VE 

William Kentridge – Self-Portrait 

as a Coffee-Pot 

–ı 24.11. 

Ca’Foscari, Dorsoduro Daniele Calabi –ı 14.10. 

Ca’Pesaro, Santa Croce 2076 Armando Testa –ı 15.11. 

Chiara Dynys –ı 15.11. 

Lucia Veronesi –ı 13.10. 

Omaggio a Ennio Finzi –ı 6.10. 

Istituto Santa Maria della Pietà, Calle Larga De Castelo, 

3701, VE 

Above Zobeide 

–ı 24.11. 

Peter Hujar –ı 24.11. 

La Biennale di Venezia, Giardini – Arsenale La Biennale di Venezia 2024 –ı 24.11. 

Museo di Palazzo Grimani, Ramo Grimani, 4858 

Karine N’guyen Van Tham, Parul 

–ı 24.11. 

Thacker 

Palazzo Cavalli Franchetti, Campo Santo Stefano 2847 Breasts (Seno) –ı 24.11. 

Palazzo delle Prigioni, Castello, 4209 (San Marco) Yuan Goang-Ming – Everyday War –ı 24.11. 

Palazzo Ducale Venezia, San Marco 1, VE I mondi di Marco Polo –ı 29.9. 

Tanarte, Castello 2125, VE Elias Sime –ı 24.11. 

Berengo Centre for Contemporary Art and Glass, 

Glasstress 8¬Ω –ı 24.11. 

Campiello della Pescheria 

Kunstmuseum Liechtenstein mit Hilti Art Foundation, 

Städtle 32, *235 0300 

Artist’s Choice – Bethan Huws 

–ı 1.9. 

Barry Le Va – In a State of Flux –ı 29.9. 

Die ganze Palette –ı 27.10. 

Visarte Liechtenstein – Triennale 25.8.–6.10. 


Kunstraum Engländerbau, Städtle 37, *236 6077 Atelier62 – Ursula Wolf –ı 28.7. 

Luxemburg 

Monaco *0377 

MUDAM / Musée d’Art Moderne Luxembourg, 3, Park Dräi 

Eechelen, *4537 851 

Jason Dodge –ı 8.9. 

Monaco 

Norwegen *0047 

Grimaldi Forum Monaco, 10 av. Pincesse Grace, 

Turner, le sublime héritage –ı 1.9. 

*99 992 000 

Villa Paloma, 54, blv. du Jardin Exotique, *98 981 962 Miquel Barceló – océanographe –ı 13.10. 

Villa Sauber, 17 Avenue Princesse Grace Pasolini en clair-obscur –ı 29.9. 

Oslo OsloBiennale, Myntgata 2 OsloBiennale –ı 31.12. 


Österreich *0043 

Bregenz Kunsthaus Bregenz, Karl-Tizian-Platz Anne Imhof – Wish You Were Gay –ı 22.9. 

Dornbirn Flatz Museum – Zentrum für Photographie, 

No Limits – Körper, Performance & –ı 12.10. 

Marktstrasse 33, 2. Stock, *5572 306 4839 

Photographie 

Schuldig – Nicht Schuldig –ı 12.10. 

foryouandyourcustomers, 6 / 4 Marktstraße Marbod Fritsch –ı 31.8. 

Kunstraum Dornbirn, Jahngasse 9, *5572 55 044 Angela Glajcar – Flashback –ı 1.12. 

Graz Neue Galerie Graz, Joanneumsviertel 2, *316 8017 9100 Günter Brus – Ein irrer Wisch –ı 6.10. 

Janz Franz –ı 27.10. 

Show! Highlights aus der 

–ı 18.8. 

Sammlung 

Halle für Kunst Steiermark, Burgring 2, *316 740 084 Isabel Lewis, Dirk Bell –ı 1.9. 

Franz Kapfer –ı 1.9. 

Hohenems Jüdisches Museum Hohenems, Schweizer Strasse 5 A Place of Our Own – Iris Hassid –ı 25.8. 

Krems 

Zeit Kunst Niederösterreich Krems, 

Monocolor – Screen – Space –ı 10.11. 

Dominikanerkirche / Körnermarkt 14 

Linz galerie wuensch aircube, Volksfeststrasse 36 aircube 5 selection 2014–2018 –ı 30.9. 

Jorge Adrian Pruna Ginesta –ı 31.10. 

Lustenau DOCK 20 – Kunstraum und Sammlung Hollenstein, 

Planen + Falten: «Schwelle» –ı 27.7. 

Pontenstraße 20 

Salzburg Galerie Fotohof, Inge-Morath-Platz 1–3, *662 849 296 Anti / Körper 9.8.–28.9. 

Edith Tudor-Hart –ı 3.8. 

Lillian Birnbaum, Heidi Harsieber 9.8.–28.9. 

Wien Albertina Modern, Karlsplatz 5 Eva Beresin – Thick Air –ı 15.9. 

Kunst Haus Wien, Untere Weissgerberstr. 13, *1 712 0495 1. Klima Biennale –ı 14.7. 

Wiener Aktionismus Museum, Weihburggasse, 26 Was ist Wiener Aktionismus? –ı 31.1. 

foryouandyourcustomers, Köstlergasse 6–8 Käthe Schönle –ı 26.9. 

Rumänien *0040 

Timisoara Museum of Art Timisoara, éiata unirii 1 Dieter Mammel – Lifeline –ı 4.8. 

Spanien *0034 

Barcelona Suburbia Contemporary, Carrer de Valencia, 345 Jieyu Zheng –ı 26.7. 

Badajoz Meiac, C. Museo, s / n, Badajoz Martín López Lam –ı 4.8. 

Rui Macedo – Aparato –ı 8.9. 

Barcelona Caixa Forum Barcelona, Avenida del Marqués de Domillas Horizonte y límite –ı 1.9. 

6–8, B, *93 476 8600 

Centre d’Art Santa Mónica, Rambla de Santa Mónica 7 Màquines del temps –ı 8.9. 

Centro de Cultura Contemporánea, Montalegre 5, B, 

*93 306 4100 

Agnès Varda 

18.7.–8.12. 

Suburbia –ı 8.9. 

Fundació Antoni Tàpies, Aragó 255, B, *93 487 0315 Antoni Tàpies – La pràctica de l’art 20.7.–12.1. 

Serge Attukwei Clottey –ı 1.12. 

Fundació Joan Miró, Parc de Montjuic, B, *93 443 9470 Danielle Brathwaite-Shirley 19.7.–20.10. 

Joaquim Gomis –ı 29.9. 

Tuan Andrew Nguyen –ı 24.9. 

Fundació Suñol, Passeig de Gràcia 98, B, *9349 6103 Equipo Crónica –ı 13.7. 

KBr Fundación MAPFRE, Avenida Litoral, 30, B, 

*932 723 180 

La Virreina Centre de la Imatge, La Rambla 99, B, 

*93 316 1000 

Museu d’Art Contemporani, Plaça dels Angels, 1, B, 

*93 412 0810 

Louis Stettner 

Paz Errázuriz 

–ı 15.9. 

–ı 15.9. 

Jeff Wall – Contes possibles 

–ı 13.10. 

Raisa Maudit –ı 13.10. 

Jordi Colomer 

–ı 24.9. 

Mari Chordà –ı 12.1. 

Wu Tsang 20.7.–3.11. 

Museu Nacional d’Art de Catalunya, Parc de Montjuïc Adolf Fargndi –ı 15.9. 

Suzanne Valadon –ı 1.9. 

AGENDA // ITALIEN / LIECHTENSTEIN / LUXEMBURG / MONACO / NORWEGEN / ÖSTERREICH / … 161

Museu Picasso Barcelona, Montcada 15–19, B, 

*93 319 6902 

Bernard Plossu 

–ı 15.9. 

Fernande Olivier –ı 6.10. 

Sala Parés, Petritxol 5, B Si un árbol cae en el bosque –ı 31.8. 

Adn galería, Enric Granados, 49 Alán Carrasco –ı 10.8. 

Antonio Ortega –ı 24.8. 

Pep Vidal –ı 24.8. 

Ana Mas Projects, Carrer D’isaac Peral, 7, L’Hospitalet de Rita Sala –ı 6.9. 

Llobregat, Barcelona 

Carles Taché, Consell de Cent, 290 Cristina Krah –ı 6.9. 

Galeria Àngels Barcelona, Carrer del Pintor Fortuny, 27 Paula Artés –ı 3.9. 

Galería Zielinsky, 10 Passatge de Mercader, B Marina Camargo –ı 6.9. 

La Capella, Hospital 56 Un desordre distint 16.7.–29.9. 

Mayoral Espai d’Art, Plaça Major, 23 Alícia Vogel –ı 6.9. 

Mirador Torre Glòries, Avinguda Diagonal 211, B Cloud Cities Barcelona – 

–ı 31.12. 

Tomás Saraceno 

Palmadotze, Masia de Mas Pujó s / n, Santa Margarida i Claudia Terstappen –ı 31.7. 

Monjos, Barcelona 

ProjecteSD, Passatge Mercader 8, B, *93 488 1360 Ana Jotta & Jorge Nesbitt –ı 27.8. 

RocioSantaCruz, 627 Gran Via de les Corts Catalanes, B Guillem Coma –ı 3.9. 

Senda, 32 Carrer de Trafalgar, B Carla Cascales –ı 19.7. 

Bilbao Bilbao Arte, Urazurrutia 32 Artistas en residencia 2023 / 24 –ı 8.9. 

Guggenheim Museum, Abandoibarra Etorbidea 2 Anthony McCall – Split Second –ı 10.11. 

Martha Jungwirth –ı 22.9. 

Yoshitomo Nara –ı 3.11. 

Burgos Centro de Arte Caja de Burgos, Saldaña s / n. Jonathan Hammer –ı 29.9. 

Lorena Amorós –ı 29.9. 

Pablo Armesto –ı 29.9. 

Coruña Fundación Luis Seoane, San Francisco, s / n. La táctica del colibrí –ı 13.10. 

Victoria Gil – Coser el río –ı 1.9. 

Y su sangre ya viene cantando –ı 3.9. 

Cuenca Fundación Antonio Pérez, Calle de Julián Romero 20 Carmen Álvarez-Coto –ı 29.9. 

Museo de Arte Abstracto, Casas Colgadas Jordi Teixidor – Obra sobre papel –ı 22.9. 

Córdoba Casa Árabe Córdoba, C / Samuel de los Santos, CO María Primo –ı 19.7. 

Gijón 

LABoral Centro de Arte y Creación Industrial, Los Prados, 

121 

Arte Asturiano en Residencia 

–ı 16.11. 

Milennials –ı 31.12. 

Rodrigo Cuevas –ı 8.3. 

Girona Bolit Centre d’Art Contemporani, Pujada de la Mercè, 12 Vacances amb Franco –ı 6.10. 

Granada Centro José Guerrero, Oficios, 8 Nicolás de Lekuona –ı 15.9. 

Hospitalet de 

Llobregat 

Ethall, Salvador, 24, Barcelona Mal de aire –ı 6.9. 

Huesca Centro de Arte y Naturaleza CDAN, C / Doctor Artero, s / n, 

HU, *974 239 893 

Javier Vallhonrat – Ciclo de la 

Maladeta 

–ı 13.10. 

Líneas en el tiempo –ı 13.10. 

Illa del Rei Hauser & Wirth Menorca, Diseminado Illa del Rei, PM Roni Horn, Eduardo Chillida –ı 27.10. 

L’Hospitalet de Nogueras Blanchard, 7 Carrer Isaac Peral, B Mercedes Azpilicueta –ı 14.9. 

Llobregat 

Las Palmas de 

G.C. 

León 

CAAM Centro Atlántico de Arte Moderno, Balcones 9–13, 

GC, *92 831 1824 

MUSAC Museo de Arte Contemporáneo León, Avenida de 

los Reyes Leoneses 24, LE, *987 090 000 

Carlos Garaicoa 

–ı 15.9. 

Karlo Andrei Ibarra –ı 6.10. 

Legado Juan Hidalgo –ı 15.9. 

Només si fa olor de terra –ı 29.9. 

Fenómenos 

–ı 15.9. 

María Luisa Fernández –ı 13.10. 

Pipilotti Rist –ı 13.10. 

Prudencio Irazabal –ı 13.10. 

Lleida La Panera Centre d’Art, Pl. de la Panera 2 Regina José Galindo –ı 29.9. 

Madrid Casa Arabe, Alcalà 62, M, *91 563 30 66 Paisajes efímeros del sol (PHE24) –ı 15.9. 

Casa de América, Paseo de recoletos 2 Widline Cadet (PHE24) –ı 7.9. 


Madrid / 

Mostoles 

Centro Cultural Conde Duque, Conde Duque 9 y 11 Las verbenas desiertas –ı 21.7. 

CentroCentro, Plaza de Cibeles 1 Barbara Brändli (PHE24) –ı 22.9. 

Wet Dreams –ı 5.8. 

Circulo de Bellas Artes, Calle Alcala 42 Cristina García Rodero –ı 18.8. 

Masahisa Fukase (PHE24) –ı 8.9. 

Perpetuum Mobile (PHE24) –ı 1.9. 

El Águila, RamÍrez de Prado 3 Javier Campano (PHE24) –ı 8.9. 

Fundación Canal, Mateo Inurria 2 Elliott Erwitt –ı 18.8. 

Fundación Mapfre Sala Recoletos, Paseo Recoletos 23 Consuelo Kanaga (PHE24) –ı 25.8. 

David Goldblatt (PHE24) –ı 25.8. 

Matadero, Paseo de Chopera 12, M, *91 480 4968 Clima Fitness –ı 28.7. 

Jenna Sutela – Cosmologías 

–ı 15.12. 

Microbianas 

Museo ICO, Zorrila, 3, M, *91 420 1242 Iwan Baan (PHE24) –ı 8.9. 

Museo Lázaro Galdiano, 122 Calle de Serrano, M Lúa Ribeira (PHE24) –ı 25.8. 

Museo Reina Sofía, Santa Isabel 52 Eva Lootz –ı 2.9. 

Museo Thyssen-Bornemisza, Paseo del Prado 8 Rosario Velasco –ı 15.9. 

Palacio Velázquez, Parque del Retiro James Lee Byars –ı 1.9. 

Sala Alcalà, Calle de Alcalà 31, M Eva Lootz –ı 21.7. 

1 Mira Madrid, 16 Calle de Argumosa, M Fernando Bryce –ı 23.7. 

Blanca Berlín Galería, 28 Calle del Limón, M Luis González Palma (PHE24) –ı 27.7. 

Camara oscura, c / Alameda, 16 Jon Gorospe (PHE24) –ı 20.7. 

Canal Isabel II, Santa Engracia 125 Gonzalo Juanes –ı 21.7. 

Casado Santapau, 10 Calle de Piamonte, M Waldo Balart –ı 27.7. 

Freijo Gallery, 46 Calle de Zurbano, M, *91 310 30 70 México – Arquitectura y Paisaje –ı 13.7. 

Galería Ehrhardt Flórez, 11 Calle de San Lorenzo, M Uno Dos Tres –ı 24.7. 

Galería Elvira González, General Castaños, 3 Roger Ackling –ı 12.7. 

Galería Fernando Pradilla, Calle De Claudio Coello, 20 Starsky Brines 16.7.–29.9. 

Galería José de la Mano, 21 Calle de Zorrilla, M Agustín Ibarrola –ı 27.7. 

Helga de Alvear Madrid, Doctor Fourquet, 12, *91 468 0506 Candida Höfer (PHE24) –ı 13.7. 

Juan Silió, 20 Calle del Doctor Fourquet, M Carlos Saura –ı 20.7. 

La Caja Negra, 17 Calle de Fernando VI, M Nicholas F. Callaway –ı 30.7. 

La Casa Encendida, Ronda de Valencia 2, M, *91 506 3875 Donde cruzan los humos espero 

–ı 15.9. 

una semilla 

Inversión Cobra Roll –ı 15.9. 

Un réquiem por la humanidad –ı 15.9. 

Lucía Mendoza, 10 Calle de Bárbara de Braganza, M Agustín Ibarrola –ı 27.7. 

Max Estrella, 6 Calle de Santo Tomé, M Glenda León –ı 1.8. 

Parra & Romero, 14 Calle de Claudio Coello, M Liz Deschenes –ı 27.7. 

PhotoEspaña, Alameda 9 

International Festival of 

–ı 29.9. 

Photography (PHE24) 

Ponce+Robles, Calle de la Alameda 5, M Llibrets de Festes (PHE24) –ı 12.7. 

Sabrina Amrani, 52 Calle Sallaberry, M, *916 217 859 Josep Grau-Garriga –ı 13.7. 

CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, Avda. de la 

Constitución 23, M, *91 276 0221 

Asunción Molinos Gordo 

–ı 25.8. 

Teresa Solar Abboud –ı 1.9. 

Murcia Centro Párraga, Calle Madre Elisea Oliver Molina, Murcia Juan Antonio Cerezuela –ı 25.7. 

Málaga Centro de Arte Contemporáne Málaga, Calle de Alemania, Mario Ayala 

–ı 25.8. 

MA, *95 212 0055 

Matías Sánchez –ı 10.9. 

Museo Picasso de Málaga, San Agustín, 8 Joel Meyerowitz –ı 15.12. 

Maria Blanchard –ı 29.9. 

Palma de 

Mallorca 

Esbaluard, Plaza Porta de Santa Catalina 10 

Ana Laura Aláez 

–ı 1.9. 

Gonzalo Elvira –ı 29.9. 

Katja Meirowsky –ı 25.8. 

Museu Fundación Juan March Palma, Sant Miquel 11, PM Zóbel – Memoria de un instante –ı 19.10. 

Salamanca Domus Artium, Avenida de la Aldehuela Anastasia Samoylova –ı 13.10. 

Fenómenos –ı 15.9. 

Susana Pérez Gibert –ı 6.10. 

AGENDA // SPANIEN 163

San Sebastián San Telmo Museum, Zuloaga Square, 1 Chillida y las Artes –ı 29.9. 

Xare Álvarez Berakoetxea –ı 25.8. 

Santa Cruz de 

Tenerifa 

Tea Tenerife Espacio de las Artes, Avenida de San 

Sebastian 10 

Adrián Alemán 

–ı 25.8. 

Jorge González – Orocobix –ı 25.8. 

Nela Ochoa –ı 1.9. 

Oscar Domínguez –ı 24.11. 

Santander Centro Botín, Muelle de Albareda s / n, S Retratos – Esencia y expresión –ı 20.10. 

Shilpa Gupta –ı 8.9. 

Silvia Bächli – Partitura –ı 20.10. 

Santiago de 

Compostela 

Segovia 

Sevilla 

CGAC Centro Gallego de Arte Contemporáneo, Valle Inclán 

s / n 

Antón Lamazares 

–ı 1.9. 

Concha Jerez e José Iges –ı 1.9. 

Mayte Vieta – O son do mar –ı 8.9. 

Salto Cuántico –ı 2.2. 

Fondación Eugenio Granell, Plaza del Toral s / n. Philip West –ı 15.9. 

Philip West –ı 9.1. 

Museo de Arte Contemp. Esteban Vicente, Plazueal de Hugo Fontela –ı 15.9. 

Bellas Artes s / n 

CAAC – Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, 

Monasterio de la Cartuja, SE, *955 037 070 

Delcy Morelos 

–ı 13.10. 

Delcy Morelos –ı 9.3. 

Ignasi Aballí –ı 10.11. 

Manuel Salinas –ı 22.9. 

Territorios – Arte Latinoamericano –ı 1.9. 

CaixaForum Sevilla, C. C. Torre Sevilla, Calle López Pintado Veneradas y temidas 18.7.–27.10. 

Toledo CORPO – Toledo, 1 Paseo Miradero, TO Bernardí Roig –ı 1.12. 

Valencia IVAM Centre Julio González, Guillem de Castro 118 Carolina Caycedo –ı 13.10. 

El poder con que saltamos juntas –ı 29.9. 

Josep Renau –ı 8.9. 

Julio González –ı 12.1. 

Vigo Museo Marco de Vigo, Príncipe, 54 Bosco Caride –ı 15.9. 

Daniel Verbis –ı 25.8. 

Vitoria-Gasteiz Artium Contemporary Art, Calle Francia, 24 Ibon Aranberri – Vista parcial –ı 29.9. 

Néstor Basterretxea –ı 22.9. 

Patricia Dauder – Unform –ı 29.9. 

Vereinigtes Königreich *0044 

Birmingham Eastside Projects, 86 Heath Mill Lane dirty nails (les ongles noirs) –ı 27.7. 

Ramesh Mario Nithiyendran –ı 27.7. 

Sahjan Kooner, Gary Zhexi Zhang, –ı 31.12. 

Sophie Chapman 

Ikon Gallery, 1 Oozells Square Dion Kitson – Rue Britannia –ı 8.9. 

Blackpool Grundy Art Gallery, Queen Street Garth Gratrix –ı 7.9. 

Bristol Spike Island, 133 Cumberland Road Donald Rodney – Visceral Canker –ı 8.9. 

Bruton Hauser & Wirth Somerset, Durslade Farm, Dropping Lane Phyllida Barlow – Unscripted –ı 5.1. 

Cardiff g39, Oxford St Jerwood Survey III 13.7.–7.9. 

Gateshead Baltic, South Shore Road Franki Raffles –ı 17.11. 

Joanne Coates –ı 17.11. 

Leeds Henry Moore Institute, 74 The Headrow, *113 234 3158 Hany Armanious – Stone Soup –ı 3.11. 

Liverpool Bluecoat, Bluecoat Chambers Jennifer Lee Tsai –ı 31.7. 

Tate Gallery Liverpool, Albert Dock, *151 709 3223 Nancy Holt – Sun Tunnels –ı 22.7. 

Resolve Collective –ı 14.7. 

Fact Liverpool, 88 Wood Street R.I.P. Germain & Sara Sadik –ı 13.10. 

Walker Art Gallery, William Brown Street Landscapes by Women Artists –ı 18.8. 

↗ kunstbulletin.ch 


London Barbican Art Gallery, Silk St., *20 7588 9023 Francis Alÿs – Ricochets –ı 1.9. 

Ibrahim Mahama – Purple Hibiscus –ı 18.8. 

Camden Arts Centre, Arkwright Road Lonnie Holley –ı 15.9. 

Design Museum London, 224–238 Kensington High St Enzo Mari –ı 8.9. 

Horniman Museum and Gardens, London Road 100 Naomi Hobson 14.7.–28.11. 

ICA Gallery, 12 Carlton House Terrace, *20 7930 3647 Rheim Alkadhi –ı 8.9. 

Royal Institute of British Architects, 66 Portland Place Raise the Roof –ı 21.9. 

Serpentine Galleries (North), West Carriage Drive Judy Chicago – Revelations –ı 1.9. 

Serpentine Galleries (South), Kensington Gardens Yinka Shonibare CBE –ı 1.9. 

South London Gallery, 65 Peckham Road, *20 7703 6120 Firelei Báez –ı 8.9. 

Tate Britain, Millbank Alvaro Barrington –ı 10.11. 

Now You See Us –ı 13.10. 

Tate Modern, Bankside Expressionists –ı 20.10. 

Yoko Ono – Music of the Mind –ı 1.9. 

Zanele Muholi –ı 26.1. 

Victoria & Albert Museum, Cromwell Road, *20 942 2000 Fragile Beauty –ı 5.1. 

Japan – Myths to manga –ı 8.9. 

Tropical Modernism –ı 22.9. 

Whitechapel, 80–82 Whitechapel High St., *20 7522 7888 Gavin Jantjes – To Be Free! –ı 1.9. 

Peter Kennard – Archive of Dissent 23.7.–12.1. 

Arcadia Missa, Unit 6, Bellenden Road Business Centre Onyeka Igwe –ı 31.7. 

Recital –ı 31.7. 

Austrian Cultural Forum, 28 Rutland Gate, *20 225 0470 Making Expansive –ı 19.7. 

Chelsea space, 16 John Islip Street Kate Morrell –ı 4.2. 

Chisenhale Gallery, 64 Chisenhale Road Rory Pilgrim –ı 21.7. 

Danielle Arnaud, 123 Kennington Road Helen Robertson – Echo –ı 27.7. 

Gasworks Gallery, 155 Vauxhall Street Rahima Gambo –ı 8.9. 

Hauser & Wirth London, 23 Savile Row, *207 287 2300 Harmony Korine –ı 27.7. 

Isa Genzken –ı 27.7. 

Iniva (Institute of International Visual Arts), Rivington Place Maria Amidu –ı 8.9. 

Kate Macgarry, 27 Old Nichol St. Renee So –ı 13.7. 

Lisson Gallery London, 29 and 52–54 Bell Street, 

*20 7724 2739 

Jack Pierson 

–ı 3.8. 

Otobong Nkanga –ı 3.8. 

Maureen Paley, 21 Herald Street Daniel Correa Mejía –ı 14.7. 

Hannah Starkey –ı 14.7. 

The Approach, 47 Approach Rd. On feeling –ı 3.8. 

Manchester Home, 70 Oxford St., *161 228 7621 Brass Art – rock, quiver and bend –ı 1.9. 

Nisa Chisipochinyi – Mamela –ı 24.7. 

Margate Turner Contemporary, The Rendezvous Ed Clark –ı 1.9. 

Middlesbrough mima, Centre Square Working Lives –ı 18.8. 

–ı 21.7. 

Newcastle upon unit 163, Grainger Street 

Tyne 

Videocity x Grainger Market x 

Creative Central NCL 

Nottingham Nottingham Contemporary, Weekday Cross Claudia Martínez Garay –ı 8.9. 

Hamid Zénati – Two Steps at 

–ı 8.9. 

a Time 

Julian Abraham –ı 8.9. 

Southend-on- Focal Point Gallery, Victoria Avenue 

Amy Pennington, Gaby Sahhar, 

–ı 15.7. 

Sea Essex 

Maz Murray 

Maz Murray – Principal Boy –ı 15.7. 

Wakefield Yorkshire Sculpture Park, West Bretton Leilah Babirye – Obumu (Unity) –ı 8.9. 

The Hepworth, Gallery Walk Igshaan Adams – Weerhoud –ı 3.11. 

Ronald Moody – Sculpting Life –ı 3.11. 

Still Lives –ı 1.1. 

Sylvia Snowden – Painting 

–ı 3.11. 

Humanity 

Walsall The new art gallery Walsall, Gallery Square The Magic Money Tree –ı 28.7. 

AGENDA // SPANIEN / VEREINIGTES KÖNIGREICH 165

Hongkong *0852 

Hong Kong Hauser & Wirth Hong Kong, 15–16 / F, H Queen’s, 80 

Queen’s Road Central, Hong Kong Island 

Südafrika *0027 

Kapstadt 

Ukraine *0380 

Ivano- 

Frankivs’k 

Zeitz Museum of Contemporary Art Africa, V&A Waterfont, 

S Arm Road, *87 350 4777 

Ivano-Frankivsk Drama Theater, Sichovykh Stril’tsiv St, 

15, Ivano-Frankivs’ka oblast 

Vereinigte Staaten *0001 

Boston 

Museum of Fine Arts Boston, 465 Huntington Avenue, MA, 

*617 267 9300 

Tetsumi Kudo –ı 31.8. 

Seekers, Seers, Soothsayers –ı 13.10. 

Videocity x – Average Peace 

Enjoyer 

Hallyu! The Korean Wave 

Toshiko Takaezu – Shaping 

Abstraction 

13.7.–4.8. 

–ı 28.7. 

–ı 29.9. 

Chicago Smart Museum of Art, 5550 S. Greenwood Avenue Haegue Yang –ı 24.8. 

Houston The Menil Collection, 1515 Sul Ross Wall Drawing Series – Marc Bauer –ı 25.9. 

Long Island City MoMA PS1, 22–25 Jackson Ave at 46 th Ave, NY, 

*718 784 2084 

Los Angeles 

New York 

San Francisco 

Hauser & Wirth Downtown Los Angeles, 901 East 3 rd 

Street, CA 

MoMA – The Museum of Modern Art New York, 11 West 53 th 

Street, NY, *212 708 9400 

Museum of Modern Art San Francisco, 151 Third Street, 

CA, *415 357 4000 

Melissa Cody 

–ı 9.9. 

Pacita Abad –ı 2.9. 

Regina José Galindo –ı 26.8. 

Jason Rhoades –ı 14.1. 

Crafting Modernity 

–ı 22.9. 

Käthe Kollwitz –ı 20.7. 

Yayoi Kusama – Infinite Love –ı 7.9. 

Messen und Auktionen 

Berlin Flughafen Berlin Tempelhof / Hangar 4, Columbiadamm 10, Positions Berlin Art Fair 12.9.–15.9. 

*30 7407 3788 

New York Javits Center, 429 11 th Ave, NY The Armory Show 2024 6.9.–8.9. 

CASTELL ART 

WEEKEND 2024 

13. – 15. SEPTEMBER 

Zum Thema «Skulpturen» 

mit Tadashi Kawamata, Gina Fischli 

& Florian Germann 

Doppel zimmer ab Fr. 790.— 

bei Einzelbenützung ab Fr. 889.— 

Ohne Übernachtungen Fr. 580.— 

HOTEL · RESTAURANT · HAMAM · CH–7524 ZUOZ 

Tel +41 (0) 81 851 52 53 · Fax +41 (0)81 851 52 54 · hotelcastell.ch 


Kunstbulletin: 62 × 59 mm (quer) 

Look@JKON 

Roshan Adhihetty 

27. Juni bis 9. August 2024 

Samuel Buri, Hüttlenen. Foto: Serge Hasenböhler Basel, 2023 © 2024 ProLitteris, Zürich 

bis 6.10.24 

bis 6.10.24 

Dunja Herzog 

Marie Velardi 

Kunst 

Raum 

Riehen 

Eleonore Peduzzi Riva: 

designer, architetta e consulente 

7. September bis 10. November 2024 

Inszeniert von Matylda Krzykowski 

Mi–Fr 13 bis 18 Uhr, Sa–So 11 bis 18 Uhr 

Kunst Raum Riehen 

Baselstrasse 71, 4125 Riehen, Tel. 061 641 20 29 

kunstraum@riehen.ch, www.kunstraumriehen.ch 

bis 6.10.24 

bis 9.3.25 

Amanda Tröndle- 

Engel & Oskar 

Tröndle 

Fokus Sammlung 

Berge versetzen 

Kunstmuseum Solothurn 

Werkhofstrasse 30 

4500 Solothurn 

DI – FR 11–17 Uhr, 

SA & SO 10–17 Uhr 

+41 32 626 93 80 

kunstmuseum@solothurn.ch 

Heimvorteil... 

art-tv.ch 

das kulturfernsehen imnetz 

AARGAU / BASEL / BERN / SOLOTHURN 167

MIRÓ, ERNI, 

TÀPIES – 

WELT AUF PAPIER 



HANS ERNI 

MUSEUM 

JOHANN 

MELCHIOR 

WYRSCH 

Frauenbildnisse 

www.sankturbanhof.ch 

SURSEE 

MU SE UM 

SANKTURBANHOF 

IM KABINETT 

NOAH ARNOLD 

KASPAR MATTMANN 

30. 

06. 

24 

15. 

09. 

24 

Donnerstag 

14:00 – 20:00 

Freitag 

14:00 – 17:00 

Samstag / Sonntag 

11:00 – 17:00 

22. Juni 

— 29. Sept. 


Nidwaldner 

Museum 

Winkelriedhaus 


17.8. – 1.12.2024 

GUNTA STÖLZL UND JOHANNES ITTEN 

TEXTILE UNIVERSEN 

Kabinettausstellung: 

Sophie Taeuber. Textilreformerin 

169 

Gunta Stölzl, Landi-Tasche für Schweizerische Landesausstellung (Landi), 1939, Baumwolle in Ripsbindung, 20 × 24 cm, Privatbesitz 

Johannes Itten, Stoffbahn mit Tulpenmotiv Gold auf Schwarz, (1934-1938), Deutsches Textilmuseum Krefeld, © VG VG Bild-Kunst 2024

Kunsthaus Glarus 

1 4 . 7 . - 2 4 . 1 1 . 2 0 2 4 

Jay Chung & Q Takeki Maeda 

John Miller 

Guido Baselgia 

Essenzas 

7. Juni 2024 bis 

20. Oktober 2024 

Vernissage 

Freitag, 19. Juli, 17 Uhr 

Film und Künstlergespräch 

‹Guido Baselgia – The Dark Light› 

Freitag, 16. August, 17 Uhr, 

Kino Rex, Pontresina 

noch bis 21. Juli 

Who Cares?! 

Aktuelle Perspektiven auf Sorgearbeit 

Gastkuratorin: Sarah Merten 

Andreas Hofer 

Ying Xu 

Haviva Jacobson 

Vernissage: Freitag, 16. August 19 Uhr 

Kulturzentrum Kammgarn 

Do 18 – 20 Uhr 

Baumgartenstrasse www.vebikus.ch Fr 16 – 18 Uhr 

CH – 8201 Schaffhausen 

Sa / So 12 – 16 Uhr 

Plattner & Plattner Art Gallery 

Via da la Staziun 11, 7504 Pontresina 

plattnerundplattner.ch 

Mo bis Fr 9–12 Uhr und 14–18 Uhr 

Sa 9–12 Uhr 


incontri - scontri 

Viola Poli 

Mahtola Wittmer 

30.06 - 25.08.2024 

espace d’art contemporain 

rue pierre-péquignat 9 

2900 porrentruy 

www.eac-leshalles.ch 

Helmhaus 

Kunststipendien 

13.7.–15.9.2024 

CATHERINE BOLLE 

LES IMPOSSIBLES 

GALERIE LES DILETTANTES SION 

Grand-Pont 17 

24 août –14 septembre 2024 

Me – Je : 14h00 –18h30 

Ve : 10h00 –12h00 / 14h00 –18h30 

Sa : 11h00 –17h00 

Lesdilettantesgalerie.com 

der 

Stadt Zürich 


ZURCHER 

THEATER 

SPEKTAKEL 

15.8.–– 

1.9.24 

Di–So: 11–18 Uhr 

Do: 11–20 Uhr 

Limmatquai 31 

8001 Zürich 

helmhaus.org 

OSTSCHWEIZ / WESTSCHWEIZ / ZÜRICH 171

Léa Thomen 

Intime lévitation 

Die Intimität des Findens 

Werke auf Papier und 

Videoarbeiten 

Fr 30.8./6.9 17-20h 

Sa 31.8./7.9. 10-18h 

So 1.9./8.9. 10-18h 

Culturart Tiziana Carraro 

St. Georgen-Str. 77 

8400 Winterthur 

Kulturort Galerie Weiertal 

Hortus conclusus – 

im Garten der Sinne 

26. Mai - 8. September 2024 

Do - Sa 14 - 18h · So 11-17h 

Brigitte Baserga · Notta Caflisch · Margaretha 

Dubach · Elisabeth Eberle · federstahl.ch 

Markus Fehr · Flora Frommelt · Sylvia Geel 

Sabina Gnädinger · San Keller & Daniel Züsli 

Brigitt Lademann · LAST nico lazúla I ruedi 

staub · Maboart · Mickry3 · Barbara 

Stirnimann · Marion Strunk · Eva Wandeler 

Rumstalstrasse 55 · 8408 Winterthur 

www.galerieweiertal.ch 

CENTRE D’É D I T I O N 

CONTEMPORAINE 

G E N E V A 

The Centre d’édition contemporaine (CEC) 

is opening for applications the position of 

DIRECTOR OF THE 

CENTRE D’ÉDITION 

CONTEMPORAIN 

Application deadline: August 19, 2024 

Effective start date: February 1, 2025 

Description of the position: 

https://www.c-e-c.ch/en/jobs/ 


Werk- und Förderbeiträge 

Bildende Kunst & 

Performance 2024 

Das wöchentliche eJournal vom 

meistgelesenen Kunstmagazin 

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Im Rahmen der Jahresausstellung 

«Auswahl 24 », die vom Aargauer 

Kunsthaus und Aargauer Kuratorium 

in Kooperation durchgeführt wird, 

schreibt das Aargauer Kuratorium 

Werk- und Förderbeiträge aus. 

Eingabetermin für die Gesuche 

ist der 16. August 2024. 

Das Augenmerk richtet sich bei 

der Vergabe der Werk- und 

Förderbeiträge insbesondere auf: 

— Eigenständigkeit 

— Professionalität 

— Innovationskraft 

Die formellen Anforderungen 

(Aargau-Bezug) sowie die Details 

zur Gesuchseingabe und zu den 

benötigten Unterlagen finden 

Sie auf der Website: 

www.aargauerkuratorium.ch 

Aargauer Kuratorium 

Bachstrasse 15, 5001 Aarau 

T 062 835 23 10 

info@aargauerkuratorium.ch 

www.aargauerkuratorium.ch 

kunstbulletin.ch/weekly 

173

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ERSCHEINUNGSTERMINE 

Ausgabe Erscheinungsdatum Anzeigenschluss 

9 September 30.08.2024 31.07.2024 

10 Oktober 27.09.2024 28.08.2024 

11 November 25.10.2024 25.09.2024 

12 Dezember 29.11.2024 30.10.2024 

Mediadaten (Inserate im Heft und online) 

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Auflage 

Druckauflage: ca. 7000 Exemplare 

Abonnemente: ca. 6300 Exemplare 

Direktvertrieb: ca. 700 Exemplare (Buchhandel und Kiosk) 

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FACHMEDIEN 

Zürichsee Werbe AG 

Tiefenaustrasse 2, CH-8640 Rapperswil 

ISSN 1013 – 69 40 

Autor:innenkürzel dieser Ausgabe 

(AD) Adrian Dürrwang, (AM) Angelika Maas, (AU) Andrin Uetz, 

(IDL) Ingrid Dubach-Lemainque, (IZ) Isabel Zürcher, (JEN) 

Johanna Encrantz, (JES) J. Emil Sennewald, (KHO) Katharina 

Holderegger, (KS) Kristin Schmidt, (MG) Max Glauner, (MH) 

Mechthild Heuser, (SM) Stefanie Manthey, (SO) Sibylle Omlin, 

(TS) Thomas Schlup, (TSO) Tobias Söldi 

175

EN PASSANT 

Tautogramm am Tartarus 

Katja Schenker, ‹Kerberos›, 2013, KVA, Scheideggstrasse 50, Winterthur. Foto: Samuel Herzog 

Mit Mühe richtet die Rothaarige den rosa Mietroller auf, den jemand auf den Radweg 

geworfen hat. Das Teil wiegt schwer, kurzes Keuchen, dann ist es gerade gestellt. Aus 

ihrer Bauchtasche kramt die junge Frau jetzt ein Mobiltelefon hervor, befestigt es auf 

dem Lenker und schwenkt ihren Zeigefinger wie einen Zauberstab kreuz und quer 

über den Bildschirm. Das Trottinett piepst drei Mal. Die Kavalleristin steigt auf, dreht 

den Gashebel. Das Ding macht keinen Wank. Sie wiederholt die Operation. Erneutes 

Piepsen. Vollgas. Nichts rührt sich. Verzweifelt greift sie sich in die Haare. Sie wiederholt 

den Prozess ein letztes Mal, dann lehnt sie den Roller sorgfältig gegen das 

rostige Gitter am Rand des Wegs, löst ihr Telefon vom Lenker und versetzt dem Zaun 

einen wütenden Tritt. Das Metall zittert, das Trottinett piepst, die Frau stapft davon. 

Die Einhegung heisst ‹Kerberos› und ist ein Werk von Katja Schenker, kunstvoll 

aus handelsüblichen Gittern geformt. Kerberos ist in der antiken Mythologie der dreiköpfige 

Hund, der den Zugang zum Hades bewacht. Hier in der Industriezone von 

Winterthur behütet er die Kehrichtverbrennungshölle. Ein ebenso krudes wie stimmiges 

Bild. Dass die Rothaarige ihre Rage nicht an dem rosa Roller, sondern am Gitter 

ausgetobt hat, wundert mich seltsamerweise kaum. Liegt es an den Piepsern, mit denen 

das Pfeilchen unser Mitgefühl manipuliert? Verdient so ein Hadeshund hingegen 

einfach, dass man ihm die Stiefel in den Hintern hackt? Oder passen die drei schlicht 

zu zauberhaft zusammen: Zorn, Zaun und Zerberus? Samuel Herzog 

Samuel Herzog, Textbauer, Inselbauer, Schüttsteinschaffer. info@samuelherzog.net 

Eine Textreihe in Kooperation mit der Kunstsammlung der Stadt Winterthur. 

Weitere Informationen zum Werk via QR-Code und artlist.net

Kunstbulletin Juli/August 2024

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