Das Magazin Nr. 4 / 2024

Susanna Mälkki 

Dirigentin am Pult 

Die Finnin hat sich bei Weltklasseorchestern 

längst durchgesetzt 

FEL!X – Dem Original auf der Spur 

Das Festival beginnt am 27. August 

Porträt-Reihe Iveta Apkalna 

Start mit großem Orgelkonzert von Francis Poulenc 

koelner-philharmonie.de 

NR. 4 | AUG / SEP / OKT 2024

2 Das Magazin 

»Musik umgibt uns, scheint uns in die Wiege gelegt. 

Wir können nicht ohne sie, ist sie doch unsere Weltsprache. 

Dennoch ist sie nicht selbstverständlich und auch sie will 

sich weiterentwickeln, neue Bereiche erkunden um 

verbinden und inspirieren zu können«.

EDITORIAL 

Liebe Besucherinnen und Besucher, 

liebe Freundinnen und Freunde der 

Kölner Philharmonie, 

die Spielzeit 2024/25 steht an. Mit Schwung geht es ins Konzertleben, das in der 

Kölner Philharmonie viele frische Impulse verspricht. Ohne Rückgriff auf die Vergangenheit 

aber erkennen wir nicht den Platz, den wir in der Gegenwart einnehmen. 

Den Blick in die Vergangenheit zu richten, hilft, uns zu positionieren und 

neue Erkenntnisse zu gewinnen, das gilt nicht nur für die persönliche Biografie. 

Mit Stolz können wir die sechste Ausgabe des Festivals FEL!X ankündigen, das 

seinen Namen Mendelssohn Bartholdy verdankt, der 1829 eine Bach-Renaissance 

anstieß. 2024 dürfen Sie auf Interpretationen von Werken des 16. und 17. Jahrhunderts 

aus Flandern und den Niederlanden gespannt sein, die prägend für die 

abendländische Musik waren. 

Die Suche nach dem Originalklang ist längst nicht nur auf eine kleine Szene 

beschränkt. Philipp von Steinaecker, der das Mahler Academy Orchestra mit ehemaligen 

Mitgliedern des Mahler Chamber Orchestra im Sinne Claudio Abbados 

weiterführt, dirigiert nicht nur dessen 5. Sinfonie mit historischen Instrumenten, 

sondern auch Sergej Rachmaninows 3. Klavierkonzert, das Gustav Mahler einst 

gemeinsam mit dem russischen Komponisten und größten Klaviervirtuosen seiner 

Zeit in New York aufführte. Das Credo des jungen Alte-Musik-Ensembles mit 

dem selbstbewussten Namen Verità Baroque (zu dem auch das Alinde Quartett, 

Porträtensemble der Spielzeit, gehört) geht einen Schritt weiter: Seine »Mission 

besteht darin, die Barockmusik im 21. Jahrhundert zu aktualisieren.« Für ihr Temperament, 

mit dem die Theorbenspielerin das Publikum für Alte Musik begeistert, 

ist Christina Pluhar bekannt, und mit ihrem Ensemble L’Arpeggiata und dem Countertenor 

Philippe Jaroussky Garantin für gute Laune. Ungewöhnlich ist das, was 

einer unserer Porträtkünstler, der Schlagwerker Christoph Sietzen, mit einer bekannten 

Komposition von Johann Sebastian Bach vorhat. Sein ehemaliger Lehrer 

und Mentor Bogdan Bacanu, die Academy of Ancient Music und er interpretieren 

u. a. dessen Cembalo-Konzert in Bearbeitungen für zwei Marimbas und Orchester. 

Sinfonik in großer Besetzung ist gleich zu Beginn der Spielzeit bei Bruckner 

und Mahler zu erleben. Anima Eterna Brugge unter der Leitung von Pablo Heras- 

Casado eröffnet die Spielzeit mit Anton Bruckners vierter Sinfonie im Rahmen von 

FEL!X, gefolgt ein paar Tage später von der sechsten Sinfonie mit dem Leipziger 

Gewandhausorchester und Andris Nelsons am Dirigentenpult. Im Gastspiel der 

Staatskapelle Berlin dirigiert Susanna Mälkki Gustav Mahlers »Lied von der Erde«, 

die Junge Deutsche Philharmonie und Jonathan Nott feiern mit dessen 7. Sinfonie 

würdig ihr 50. Bühnenjubiläum. Seit einem halben Jahrhundert steht auch 

Thomas Quasthoff auf den internationalen Bühnen. Nachdem er das klassische 

Baritonfach hinter sich gelassen hat, macht er sich als Interpret des American 

Songbook einen Namen und krönt nun seine Karriere mit einem Jazzkonzert. 

Freuen Sie sich auf die kommenden Monate! 

Willkommen 

Ihr 

Louwrens Langevoort 

Intendant 

Das Magazin 

3

ÜBERBLICK 

6 

TITELTHEMA 

Laut des Abschieds und Entschwebens 

Susanna Mälkki gehört zu den Dirigentinnen, die sich im internationalen 

Konzertbetrieb fest etabliert haben. Einen großen 

Schatz an Erfahrungen hat die Finnin durch die Aufführung 

zeitgenössischer Werke erlangt. Heute richtet sie den Fokus 

zunehmend auf das romantische Repertoire. 

Susanna Mälkki 

12 

PORTRÄT 

Wenn die Marimba Bach singt! 

Im Alter von gerade einmal 12 Jahren gab Christoph Sietzen 

sein Debüt bei den Salzburger Festspielen – und hat seitdem 

mit seinem Ausnahmetalent zahlreiche Komponisten 

zu neuen Werken inspiriert. Im Konzert mit der Academy of 

Ancient Music beweist der Porträtkünstler der Kölner Philharmonie 

2024/25 seine Virtuosität und enorme Bühnenpräsenz 

an der Seite seines Marimba-Lehrers Bogdan Bacanu. 

Christoph Sietzen 

16 – 23 

IM FOKUS 

FEL!X: Dem Original auf der Spur 

Das Originalklang-Festival FEL!X 2024 vom 27. August bis 

1. September rückt die Musik Nordwesteuropas ins Rampenlicht: 

Werke aus Flandern und den Niederlanden des 16. und 

17. Jahrhunderts, prägend für die abendländische Musik. Die 

Kölner Philharmonie und ausgewählte Kirchen und Plätze 

verwandeln sich in Zentren musikalischer Vielfalt. 

Pablo Heras-Casado 

38 

INTERVIEW 

Musiktheatralische Interventionen 

»Die Schönberg-Gala« mit Novoflot bildet den Abschluss 

des viertägigen Gastspiels der Berliner Opernkompanie. 

Das Ensemble präsentiert im Rahmen des von ihm initiierten 

Arnold Schönberg-Zyklus »Die Harmonielehre« in Köln vier 

Produktionen. Das Magazin sprach über das Projekt mit dem 

Regisseur von Novoflot Sven Holm. 

Novoflot 

4 Das Magazin

AUGUST / SEPTEMBER / OKTOBER 

06 

Laut des Abschieds und Entschwebens 

Susanna Mälkki und die Staatskapelle Berlin 

10 

Spielerische Leichtigkeit 

Daniil Trifonov und das Leipziger Gewandhausorchester 

12 

Wenn die Marimba Bach singt! 

Christoph Sietzen trifft auf seinen Lehrer Bogdan Bacanu 

14 

Die Vielschichtigkeit des Kit Armstrong 

Biographie zu gewinnen 

16 

Eine Stunde (R)auszeit 

Bruckners Vierte mit Anima Eterna Brugge 

Christina Pluhar 

18 

Der Geist Flanderns 

B’Rock und das B’Rock Vocal Consort mit Monteverdi 

45 

Rätsel 

Tierisch gut – Vertonte Hommage gesucht 

20 

Lebendige Zeitreise 

Holland Baroque mit »Brabant 1653« 

46 

Die Kunst des Augenblicks 

Florian Boesch und Malcolm Martineau 

22 

Beglückende Mischung 

Paul van Nevel und das Huelgas Ensemble 

48 

Crème de la Crème für Orgel 

Iveta Apkalna spielt Poulencs berühmtes Orgelkonzert 

24 

»Es wird kurz, knackig und laut« 

Angela Metzger mit eine ungewöhnlichen Kombination 

50 

Geschichte und Zukunft afroamerikanischer Musik 

Der Trompeter Theo Croker erfindet den Jazz neu 

26 

»Rach 3« und Mahler 5 im Originalklang 

Leif Ove Andsnes und das Mahler Academy Orchestra 

52 

Stilsichere Freigeister 

Das Signum Quartett spielt Abel Selaocoe 

54 

Júlio Resende 

Zwei Welten in zehn Fingern 

56 

Heute der Blick auf Morgen 

Junge Deutsche Philharmonie 

58 

Tag der offenen Philharmonie 2024 

Ein Tag des musikalischen Natur(er)lebens für alle 

60 

Schmerzen und Freuden der Seele 

Das Collegium Vocale Gent und Philippe Herreweghe 

Anoushka Shankar 

28 

Offen für musikalische Einflüsse 

Sitar-Virtuosin Anoushka Shankar 

30 

Auf Schuberts Spuren 

Ein Interview mit dem Alinde Quartett 

33 

Thomas Quasthoff & Friends 

Jazzkonzert zum 50. Bühnenjubiläum 

34 

Bereit für eine Zeitreise? 

Verità Baroque mit Barock- und Gegenwartskomponisten 


36 

Vom Wunderkind zur Weltklasse 

Kit Armstrong: Karriere eines Multitalents 

60 

BlätterWerke 

Kinderkonzert 

38 

Musiktheatralische Interventionen 

»Novoflot und Arnold Schönberg« gipfelt in einer Gala 

61 

Tournee zum 70. 

Pat Metheny’s Dream Box-MoonDial-Tour 

41 

Mauern überwinden 

»Unmögliche Verbindung« von Ondřej Adámek 

61 

Rising Stars 

Der Luxemburger Cellist Benjamin Kruithof 

42 

Zwischen Liebesleid und Überschwang 

Philippe Jaroussky, Christina Pluhar und L’Arpeggiata 

62 

Programm 

Konzerttermine im August, September und Oktober 

44 

Das Magazin im Abo 

Wissen, was gespielt wird 

66 

Impressum 

Infos und Kontaktdaten 


5

Susanna Mälkki

TITELTHEMA 

Laut 

des Abschieds und 

Entschwebens 

Susanna Mälkki und die Staatskapelle Berlin 

mit Mahlers »Lied von der Erde« 

Um die Endlichkeit der menschlichen Existenz kreist das Programm 

des Gastspiels der Staatskapelle Berlin. »Es ist so wie 

das Vorbeiziehen des Lebens, besser des Gelebten in der 

Seele des Sterbenden«, beschrieb Anton Webern seinen tiefen 

Eindruck der Uraufführung von Gustav Mahlers »Das Lied 

von der Erde«, die im November 1911, ein halbes Jahr nach 

Mahlers Tod, unter Bruno Walter in München im Rahmen einer 

Gedächtnisfeier stattfand. 

Der Uraufführungsdirigent bezeichnete das Werk als die 

»Mahlerischste« von allen Kompositionen in seinen Erinnerungen: 

»Ich studierte es und erlebte eine Zeit der furchtbarsten 

Ergriffenheit mit diesem einzig leidenschaftlichen, 

bitteren, entsagungsvollen und segnenden Laut des Abschieds 

und Entschwebens, diesem letzten Bekenntnis eines 

vom Tode Berührten.« 

Mahlers »Lied von der Erde« basiert auf sechs Gedichten aus 

dem Lyrik-Bändchen »Die chinesische Flöte«, herausgegeben 

von Hans Bethge. Dabei handelt es sich um freie Nachdichtungen 

von chinesischer Lyrik aus dem 8. Jahrhundert. 

Fernöstliches war damals schwer in Mode, die damaligen 

Nachschöpfungen der Gedichte waren recht frei, denn es 

waren Übersetzungen von Übersetzungen. Mahler fühlte sich 

durch die Stimmungswechsel der von tiefer Wehmut grundierten 

Lyrik angesprochen, auf die leidenschaftliche Feier 

des Lebens folgt jäh abgründige Melancholie. 

Bald nachdem ein Freund ihm das Büchlein geschenkt hatte, 

machte er sich im Sommer 1907 an die Vertonung. Es war 

ein Wendejahr in Mahlers Leben: Es war das Jahr seiner 


7

TITELTHEMA 

Wiebke Lehmkuhl 

Demission vom Amt des Wiener Hofoperndirektors, im vorangegangenen 

Jahr war die vierjährige Tochter Maria Anna an 

Diphterie gestorben, die Ehe mit der fast 20 Jahre jüngeren 

Alma kriselte und zudem war bei Mahler eine unheilbare Herzkrankheit 

diagnostiziert worden. Er wusste, dass er nicht mehr 

lange zu leben hatte. 

An den späteren Uraufführungsdirigenten und guten Freund 

Bruno Walter schrieb Mahler, »dass ich einfach mit einem 

Schlage alles an Klarheit und Beruhigung verloren habe, was 

ich mir je errungen, und nun am Ende eines Lebens als Anfänger 

wieder gehen und stehen lernen muss.« 

In dieser existenziellen Lage mobilisierten die fernöstlichen 

Weisheiten der »Chinesischen Flöte« eine verwandte Haltung in 

Mahlers Seelenhaushalt, das Nebeneinander von aufbrechender 

Vitalität und Verzweiflung, das handfest Musikantische neben 

schwebender Melancholie und klanglicher Süße. Im »Lied 

von der Erde« treibt Mahler die Kontraste auf die kammermusikalisch 

verdichtete Spitze, was ihm wohl bewusst war, denn 

er bezeichnete das »Lied von der Erde« als »wohl das Persönlichste, 

was ich bis jetzt gemacht habe«. Wohl wissend darum, 

dass er sich einmal mehr in emotionale Grenzbereiche vorgewagt 

hatte. Bruno Walter erinnert sich, dass Mahler das letzte 

Lied des Zyklus aufschlug »und sagte: ›Was glauben Sie? Ist das 

überhaupt zum Aushalten? Werden sich die Menschen nicht 

darnach umbringen?‹« Tatsächlich wendet sich die Stimmung 

des letzten Lieds »Abschied«, das ein auskomponiertes Entschwinden 

ist, von lebenssatter Resignation hin zu einer versöhnlichen 

Gewissheit des Trosts. 


TITELTHEMA 

KONZERTTERMIN 

Montag, 9. September 2024, 20:00 

Wiebke Lehmkuhl Alt 

Eric Cutler Tenor 

Verneri Pohjola Trompete 

Staatskapelle Berlin 

Susanna Mälkki Dirigentin 

Kaija Saariaho Hush – Konzert für Trompete und 

Orchester 

Gustav Mahler Das Lied von der Erde 

für Tenor, Alt und Orchester. 

Texte nach Hans Bethges »Die chinesische Flöte« 

Auch Kaija Saariaho konnte ihre letzte Komposition noch vollenden, 

aber deren Uraufführung nicht mehr erleben, da sie 

Anfang Juni 2023 im Alter von 70 Jahren an den Folgen eines 

Hirntumors verstarb: Ihr Schwanengesang ist ein Trompetenkonzert 

mit dem sprechenden Titel »Hush« (Schweigen). 

Auch dieses Konzert spricht von letzten Dingen, es ist existenzielle, 

in der Gewissheit des nahenden Todes komponierte 

MusikMusik. Saariaho arbeitet – ähnlich wie Mahler – mit starken 

Brüchen, denn ihre bekannten, impressionistisch-feinen 

Goldstaub-Klänge treffen auf gähnende Abgründe. Susanna 

Mälkki dirigierte die Uraufführung des Konzerts in Helsinki, 

Solist ist hier wie dort der finnische Trompeter Verneri Pohjola, 

der noch gemeinsam mit der Komponistin die experimentellen 

Spieltechniken für dieses Werk entwickelt hat. 

Regine Müller 


9

Spielerische 

Leichtigkeit 

Andris Nelsons, das Gewandhausorchester Leipzig und 

Daniil Trifonov mit Mozarts Klavierkonzert 

Es entbehrt nicht einer gewissen Ironie, wenn Andris Nelsons 

und das Leipziger Gewandhausorchester dem Auftritt des Pianisten 

Daniil Trifonov ausgerechnet »Shanty – Over the Sea« 

des britischen Komponisten Thomas Adès voranstellen. Der Titel 

nimmt Bezug auf die Tradition alter Seemannslieder aus der 

Zeit der großen Frachtsegler. Lieder von trancehafter Monotonie 

über stampfenden Rhythmen, entstanden aus Wechselgesängen, 

in denen stereotype Kommandorufe eines Offiziers von 

der Mannschaft im Chor beantwortet und zugleich umgesetzt 

wurden. So wurden im Gleichtakt Anker gehievt und Segel geborgen. 

Es geht also um brachiale Plackerei, um grobe, harte 

Handarbeit im Vorfeld virtuoser Fingerfertigkeit. 

Dabei denkt man im Fall von Trifonov gar nicht in erster Linie 

an seine technische Brillanz. Selbst Klavier-Ikonen wie Alfred 

Brendel oder Martha Argerich waren frühzeitig beeindruckt von 

der Musikalität des jungen Kollegen. Innerhalb weniger Wochen 

hatte der erst 20-Jährige 2011 zwei der weltweit bedeutendsten 

Klavierwettbewerbe für sich entschieden, die Arthur-Rubinstein- 

Competition in Tel Aviv und den Tschaikowsky-Wettbewerb in 

Moskau. Seither verbindet sich mit seinem Namen die Aura des 

Außergewöhnlichen. Trifonovs Spiel ist schlicht überwältigend, 

und das auch und gerade im wörtlichen Sinn. Man kann ihm 

einfach nicht entkommen, ist ihm vielmehr schon nach wenigen 

Takten hilflos ergeben, so wie er selbst sich voll und ganz der 

Musik ergibt. Sogar ein Klavierkonzert von Mozart erlangt unter 

seinen Händen noch einen Hauch von Premierenstimmung, 

auch mehr als 200 Jahre nach der Uraufführung, in denen Generationen 

von Pianisten längst alle möglichen Schattierungen 

herausgearbeitet haben sollten. Nicht Trifonovs Repertoire ist 

einzigartig, es ist sein Zugriff darauf, die bezwingende Perspektive, 

die er wählt, und die stupende Technik, mit der er selbst 

größte Schwierigkeiten in spielerischer Leichtigkeit meistert. 

Auch in dieser Hinsicht zeigt sich eine sinnfällige Parallele zu 

Adès’ »Shanty«. 15 eigenständige Streicherstimmen formieren 

sich zur klangbildlichen Animation eines erschöpfenden grobmotorischen 

Arbeitsprozesses, sind dabei minimalistisch differenziert, 

ohne den phrasenhaften, fast gebetsmühlenartigen 

Grundton zu sabotieren. Die feingliedrige Struktur der Musik 

steht so im offenen und gewollten Kontrast zu ihrer lastenden, 

eher trägen, auch schwermütigen Thematik. Melancholie 

durchdringt die leiernde Melodik. Die ganze Schwerfälligkeit 

des Sujets basiert auf eher schwebenden Impressionismen, bis 

den letzten verklingenden Ton eine feierliche Stille umfängt wie 

der Nebel über dem Ozean ein ausfahrendes Schiff. 

Bruckners 6. Sinfonie führt dann in ganz andere Sphären. Ein 

Bravourstück klassisch-romantischer Tonsatzkunst, das der 

Komponist zu Lebzeiten in voller Länge nur im Rahmen einer 

Orchesterprobe hatte hören können. Und doch scheint er sich 

der Qualität seiner Arbeit in bis dato seltener Weise sicher gewesen 

zu sein. Es war die erste seiner Sinfonien, die nach Fertigstellung 

der Partitur keinerlei weiterer Korrekturen unterzogen 

wurde. Bruckner hatte offenbar keine Zweifel an seiner Kunst 

bei dieser nach eigener Einschätzung »kecksten« seiner Sinfonien. 

Den internationalen Durchbruch als Sinfoniker verschaffte ihm 

allerdings erst seine gleich im Anschluss komponierte Siebte. 

Deren Uraufführung erfolgte nicht im dem Komponisten notorisch 

missgünstigen Wien, sie war Arthur Nikisch anvertraut – 

und dem Gewandhausorchester in Leipzig. 

Manfred Müller 

Andris Nelsons 

KONZERTTERMIN 


Daniil Trifonov Klavier 

Gewandhausorchester Leipzig 

Andris Nelsons Dirigent 

Thomas Adès Shanty – Over the Sea für Streichorchester 

Wolfgang Amadeus Mozart Konzert für Klavier und 

Orchester C-Dur KV 503 

Anton Bruckner Sinfonie Nr. 6 A-Dur WAB 106 


Daniil Trifonov

Christoph Sietzen

Wenn die Marimba 

Bach singt! 

Der preisgekrönte Schlagwerker Christoph Sietzen 

trifft auf seinen Marimba-Lehrer 

Bogdan Bacanu 

Ohne Johann Sebastian Bach wäre die musikalische Welt 

bekanntlich öd und leer. Was von jeher auch die Virtuosen 

auf all jenen Instrumenten bestätigen können, für die Bach 

nie eine einzige Note geschrieben hat. Seine Musik ist derart 

universell, dass sie einfach zu Bearbeitungen und Transkriptionen 

reizt. Natürlich gibt es da auch Arrangements 

für die große Schlagzeugfamilie. Aber kein anderes Percussionsinstrument 

dürfte für Bachs wunderbar ariose Eingebungen 

geeigneter sein als das Marimbaphon mit seinem 

warmen und weichen, verführerisch lyrischen und unendlich 

reichen Klang. Kein Wunder, dass Bach und besonders 

seine Cembalo-Konzerte bei zwei Musikern das Herz höher 

schlagen lassen, die auf der Marimba zu den weltweit 

besten gehören. Es sind der Salzburger Christoph Sietzen 

und sein ehemaliger Marimba-Lehrer Bogdan Bacanu, die 

mit ihren Schlägeln Bachs Musik feiern. Vorrangig tun sich 

beide dafür mit ihren Mitstreitern des »Wave Quartets« zusammen, 

das sich ganz der Marimba widmet und dessen 

offizielle Geburtsstunde vor vielen Jahren im Berliner Konzerthaus 

mit eben Bach eingeläutet wurde. Zwischendurch 

treffen sich Bogdan Bacanu und sein längst mit Schallplattenpreisen 

hochdekorierter Meisterschüler Christoph Sietzen 

für Konzerte, für die sie mit der Academy of Ancient 

Music ein absolutes Kul t ensemble der Originalklang-Szene 

einlädt. »Barockmusiker denken ganz anders, wenn es um 

die Artikulation geht«, so Christoph Sietzen. »Und witzigerweise 

sind sie viel näher am perkussiven Element und arbeiten 

rhythmisch extrem präzise. Das ist eine sehr schöne 

Fusion.« 

Davon kann man sich einen ganzen Konzertnachmittag 

lang überzeugen. Wenn Christoph Sietzen in seiner Funktion 

als philharmonischer »Porträtkünstler« sich eben mit 

Bogdan Bacanu und der Academy of Ancient Music für eine 

musikalische Reise zusammentut, die von Bach und Händel 

bis hin zu Iannis Xenakis und in die Gegenwart reicht. 

Jede Programmhälfte wird dabei mit einer Bearbeitung eines 

Bach-Cembalo-Konzerts für jetzt zwei Marimbas und 

Orchester gekrönt. »Beide Instrumente weisen einen präzisen 

Anschlag auf, nach dem der Ton relativ schnell verklingt 

und nicht mehr beeinflussbar ist«, so Sietzen. Neben dem 

Grundsatz, die Originalpartitur so notengetreu wie möglich 

zu bearbeiten (eine Marimba übernimmt jeweils eine Hand 

eines Cembalisten) spielt die Instrumenten- und Schlägelwahl 

eine große Rolle, um so dem Geist, dem Drive und der 

Eleganz dieser Werke so nahe wie möglich zu kommen. 

Und vor allem eines ist Sietzen dabei besonders wichtig: 

»Die Schlagwerkinstrumente sind oft sehr repetitiv in ihren 

Stimmen. Mir geht es darum, das Schlaginstrument als Melodieinstrument 

zu zeigen.« 

Sein ausgeprägtes Gespür für das Melodische verdankt 

Sietzen selbstverständlich seiner hochmusikalischen Familie. 

So ist etwa sein Onkel mütterlicherseits kein Geringerer 

als der Geiger Thomas Zehetmair. Über einen der beiden 

Großväter, die gleichfalls Streicher waren, kam auch der 

Kontakt zu Martin Grubinger senior zustande. Und vom Vater 

des inzwischen in den Ruhestand getretenen Weltklasse- 

Percussionisten Martin Grubinger jr. bekam Sietzen den 


13

Bogdan Bacanu 

ersten Schlagzeugunterricht. Seitdem hat er die internationalen 

Konzerthäuser erobert, und mit seinem Spiel inspiriert er 

regelmäßig namhafte Komponisten zu neuen Stücken. Wie im 

Fall von Giorgio Musolesi, von dem der 31-Jährige nun eine Auftragskomposition 

für Schlagzeug und Barockorchester aus der 

Taufe hebt! Und auch hier löst Christoph Sietzen beim Publikum 

Verblüffung und Staunen aus. Garantiert. 

Guido Fischer 

KONZERTTERMIN 

Sonntag, 29. September 2024, 16:00 

Christoph Sietzen Percussion 

Bogdan Bacanu Marimbaphon 

Academy of Ancient Music 

Bojan Čičić Konzertmeister 

Antonio Bertali Ciaconna 

Bearbeitung für Solovioline, zwei Marimbas und Orchester 

von Bojan Čičić und Christoph Sietzen 

Francesco Geminiani Concerto grosso d-Moll 

Arrangiert nach der Sonate für Violine und Basso continuo 

op. 5 Nr. 12 »La Follia« von 

Arcangelo Corelli aus Concerti grossi composti della 

seconda parte del opera quinta d’Arcangelo Corelli 

Georg Friedrich Händel Chaconne G-Dur HWV 435 

Bearbeitung für zwei Marimbas von Bodgan Bacanu 

Johann Sebastian Bach / Bogdan Bacanu Konzert für 

Cembalo, Streicher und Basso continuo g-Moll BWV 1058 

sowie Konzert für Cembalo, Streicher und Basso continuo 

BWV 1052 

Bearbeitung für zwei Marimbas und Orchester von Bogdan 

Bacanu 

Giorgio Musolesi Neues Werk für Schlagzeug und Barockorchester 

– Uraufführung 

Kompositionsauftrag der Kölner Philharmonie (KölnMusik) 

Anonymus Istanpitta Saltarello – Bearbeitung für zwei 

Schlagzeuger und Orchester von Bojan Čičić und 

Christoph Sietzen 

Iannis Xenakis B aus: Rebonds für Schlagzeug solo 

Constanzo Festa Contrapunti sopra »La Spagna« 

Gefördert vom Kuratorium KölnMusik e.V. 

Die Vielschichtigkeit 

des Kit Armstrong 

Biographie zu gewinnen 

Mit mathematischen Gleichungen kann man das Leserpublikum 

normalerweise nicht gewinnen. Hier aber schon. Denn sie 

bilden nur den Auftakt zu einem Buch über einen Menschen, 

dessen Begabungen ungemein breit gestreut sind. Kit Armstrong 

ist heute vornehmlich als Pianist bekannt, doch seine Interessen 

reichen weit über Viertelnoten und Tempofragen hinaus. 

Ob Mathematik oder die Möglichkeiten von KI – Armstrong beweist 

in vielen Disziplinen einen Hang zur Durchdringung. Wie 

aber nähert man sich jemandem, der allein auf dem Gebiet der 

Musik so emsig unterwegs ist: als Pianist, als Organist, als Ensembleleiter, 

als Komponist? 

Inge Kloepfer ist studierte Volkswirtschaftlerin und Sinologin. 

Vor allem als Autorin im Wirtschaftsressort hat sie sich einen 

Namen gemacht. Jetzt nähert sie sich dem Musiker und Menschen 

Kit Armstrong an und nennt ihr Buch im Untertitel „Metamorphosen 

eines Wunderkinds“. Sie erzählt sehr anschaulich 

von ihren Begegnungen mit Armstrong, von dem, was er ihr 

vermittelt hat: seine Biographie, seine Art zu sprechen und zu 

denken, seine Ansichten über Mozart, über Gott und die Welt, 

heute und morgen. Natürlich kann ein Buch wie dieses nur 

Näherungen erreichen. So entsteht eine Fülle von Streiflichtern. 

Diese aber sind so vielschichtig wie der Beschriebene 

selbst. Man könnte am Ende viele weitere Fragen stellen, auf die 

Armstrong sicher pointierte Antworten parat hätte. 

Christoph Vratz 

Inge Kloepfer: 

Kit Armstrong – Metamorphosen eines Wunderkinds 

Berlin Verlag, 256 Seiten, 24,00 Euro 

Wir verlosen drei Ausgaben dieser Biographie. Senden Sie unter 

Angabe Ihrer Anschrift bitte eine Postkarte an KölnMusik 

GmbH, Das Magazin, Bischofsgartenstraße 1, 50667 Köln oder 

eine E-Mail an feedback@koelnmusik.de, Betreff: Armstrong. 

Einsendeschluss: 1. Oktober. 


07|08 

Sep 

Mahler 2 

Festkonzert zur Saisoneröffnung 

Siobhan Stagg | Claudia Mahnke | Bürgerchor | François-Xavier Roth 

Tickets unter: 

(0221) 22 12 84 00 

guerzenich-orchester.de 

Raderberg 

Konzerte 

Saison 2024/25 

6 Kammermusikabende im 

Deutschlandfunk Kammermusiksaal 

Raderberggürtel 40, 50968 Köln 

18.45 Uhr Konzerteinführung 

Abonnement für alle 

Konzerte: 70,– € 

Einzelkarten: 

15,– €/12,– € (ermäßigt) zzgl. Vorverkaufsgebühr 

bei kölnticket sowie Einzelkarten an der Abendkasse 

1. Konzert 

Di., 1. 10. 2024, 20.00 Uhr 

Aris Alexander Blettenberg, Klavier 

Ludwig van Beethoven 

August Bungert | Nikos Skalkottas 

Aris Alexander Blettenberg 

Giannis Konstantinidis 

2. Konzert 


Junge Solisten der Kronberg Academy 

Paul Desenne | Ruth Crawford Seeger 

Heitor Villa-Lobos | Gabriel Fauré 

3. Konzert 


Mario Bruno, Querflöte 

Madoka Ueno, Klavier 

Jean-Marie Leclair | Niccolò Castiglioni 

Felix Mendelssohn Bartholdy 

Johann Sebastian Bach 

Germaine Tailleferre u.a. 

4. Konzert 

Di., 14. 1. 2025, 20.00 Uhr 

Arianna Savall, Sopran/Barockharfe 

Petter Udland Johansen, Tenor/Fidel 

Armonico Tributo Consort 

Arien, Duette und Szenen von 

Claudio Monteverdi | Henry Purcell 

John Blow | Adam Krieger u.a. 

5. Konzert 

Di., 11. 2. 2025, 20.00 Uhr 

Phaeton Piano Trio 

Fazıl Say | Felix Mendelssohn Bartholdy 

Camille Saint-Saëns 

6. Konzert 

Di., 18. 3. 2025, 20.00 Uhr 

Gülru Ensari, Klavier 

Herbert Schuch, Klavier 

Minguet Quartett 


Oğuzhan Balcı 

Änderungen vorbehalten

Eine Stunde 

(R)auszeit 

Bruckners Vierte in neuem Gewand 

mit Anima Eterna Brugge 

Pablo Heras-Casado 

Eine Stunde Programm, und das ohne Pause, ohne Vor- und 

Nachspiel, frei von allem Drumherum, überschaubar also sowohl 

in der zeitlichen wie in der inhaltlichen Dimension: Das ist 

»Philharmonie.7«, ein neues Format, das sich langfristig etablieren 

dürfte. Der Abend ist nicht ganz verplant, aber doch klar 

akzentuiert, mit einem nachwirkenden Highlight versehen. 

Schon der Auftakt wird höchsten Ansprüchen gerecht. Mit 

Anima Eterna Brugge und dem spanischen Dirigenten Pablo 

Heras-Casado sind Interpreten zu Gast, die den historischen 

Determinanten einer Komposition weit über den gedruckten 

Notentext hinaus Rechnung tragen, sei es in der Tongebung, 

der Stimmung, der Orchesterordnung oder auch in der Wahl 

der Partitur. In dieser Hinsicht lässt Bruckners 4. Sinfonie den 

Musikern einigen Entscheidungsspielraum. Im November 1874 

erstmals vollendet, hatte der Komponist mit seiner »Romantischen« 

noch lange nicht abgeschlossen. Noch vor der Uraufführung 

1881 durch die Wiener Philharmoniker hatte er den 

dritten Satz noch einmal völlig neu komponiert und das Finale 

gleich zweimal umgeschrieben. Und auch nach der Premiere 

kam es noch über Jahre hinweg zu weiteren Eingriffen. 

Bruckner war keineswegs von selbstsicherem Charakter. Eine 

nachträgliche Bearbeitung eigentlich abgeschlossener Werke 

galt für ihn eher als Regel denn als Ausnahme. Gerade im Fall 

der Vierten werfen Zahl und Umfang der Revisionen die Frage 

auf, was Bruckner gemessen an den eigenen Intentionen wohl 

tatsächlich als korrekturbedürftig empfunden hatte und wo er 

sich Kritik und Publikumsgeschmack annähern wollte. 

Anima Eterna Brugge wird darauf keine abschließende Antwort 

geben, aber mit dem Spiel der Erstfassung eine explizite 

und fundierte Stellung beziehen. Der weithin geschätzte Kirchenmusiker 

Bruckner hatte sich als Sinfoniker in Wien lange 

nicht durchsetzen können. Im sogenannten »Musikstreit« 

des 19. Jahrhunderts drohte er zwischen die Fronten zu geraten. 

Da war die Neudeutsche Schule um Wagner und Liszt auf 

der einen und die Fraktion um Brahms und den gefürchteten 

Starkritiker Eduard Hanslick auf der anderen Seite. Der kauzige 

Oberösterreicher mit dem derben Dialekt und der modisch 

unterambitionierten Loden-Garderobe taugte in der mondänen 

K.-u.-k-Metropole keinem der Lager als attraktiver Parteigänger. 

Und schon gar nicht als charismatische Galionsfigur. 

»Wann S’halt dem Hanslick allergnädigst verbieten taten, dass 

er so schlecht über mir schreibt«, soll der eingeschüchterte 

Komponist anlässlich der Verleihung des Franz-Joseph-Or- 


ATG Entertainment in Zusammenarbeit mit KölnMusik präsentiert: 

IM FOKUS 

South Africa meets Mozart 

DIE 

ZAUBERFLÖTE 

IMPEMPE YOMLINGO 

ISANGO ENSEMBLE production 

adapted and directed by MARK DORNFORD-MAY 

Words and Music by MANDISI DYANTYIS, MBALI KGOSIDINTSI, PAULINE MALEFANE and NOLUFEFE MTSHABE developed in association with the YOUNG VIC 

10. - 14.07.24 

KONZERTTERMIN 

Dienstag, 27. August 2024, 19:00 

Anima Eterna Brugge 

Pablo Heras-Casado Dirigent 

Anton Bruckner Sinfonie Nr. 4 Es-Dur »Romantische« 

WAB 104,1 1. Fassung 

„Für Ballettfans 

wie Tanzneulinge gleichermaßen 

großartig.“ 

THE NEW YORK TIMES 

DIREKT AUS LAS VEGAS 

16. - 21.07.24 

dens sogar seine Majestät den Kaiser um persönlichen Beistand 

ersucht haben. 

Die Sinfonie im Sinne absoluter Musik, die sich allein nach inneren 

Formgesetzen entfaltet, frei von außermusikalischen Inhalten, 

galt in der Nachfolge Beethovens vielen als überholt 

und ausgereizt. Der Zeitgeschmack favorisierte dagegen die 

Sinfonische Dichtung, eine narrative Programmmusik. Auch 

Bruckners Sinfonien sind von durchweg mitreißender Dramatik. 

Die weiträumig verflochtenen, stetig variierten Themenkomplexe, 

von Brahms despektierlich als »Riesenschlangen« 

tituliert, wecken manifeste Stimmungen. Dazu die ausgreifenden 

Spannungsbögen, die wellenförmig anbrandende Dynamik 

und die lebhafte Rhythmik mit der charakteristischen 

Verbindung von 2er- und 3er-Akzenten, das ist Musik von epischem 

Gestus, auch wenn sie keinem inhaltlichen Programm 

folgt. Bruckner hätte sich also durchaus als Synthese aus den 

divergierenden Strömungen angeboten. Stattdessen warnte 

Hanslick davor, dass diesem »traumverwirrten Katzenjammerstil« 

einmal die Zukunft gehören könnte. Die Befürchtung war 

berechtigt. Noch im Jahr seines 200. Geburtstags ließe sich 

ein neues Programmformat kaum stilvoller einführen als mit 

einer Bruckner-Sinfonie. 


Foto © Moog Photography 

TIM FISCHER IN 

CABARET 

Musical von Joe Masteroff, John Kander, Fred Ebb 

„FULMINANTE INSZENIERUNG!“ 

Hamburger Morgenpost 

TICKETS: 0221 - 280 280 

www.koelnersommerfestival.de 

23. - 28.07.24 

30.07. - 04.08.24 

Tickethotline: 

02 21-28 01 

MEDIA PARTNER

B’Rock 

Der Geist 

Flanderns 

B’Rock und das B’Rock Vocal Consort 

folgen Claudio Monteverdi, 

Meister frühbarocker Vokalmusik, 

auf seiner Reise nach Flandern 

Der internationalisierte Musikbetrieb ist keine Erfindung des 

Jet-Zeitalters. Musikerinnen und Musiker waren zu allen Zeiten 

eine äußerst mobile Berufsgruppe, ungeachtet der großen 

Mühen, die das Reisen in früheren Zeiten mit sich brachte. Wie 

heute reiste man bereits in der Renaissance, um anderswo zu 

konzertieren, aber auch, um neue, andere Musik zu erfahren 

und zu erlernen. Kultureller Austausch und damit auch kulturelle 

Aneignung, wenn man so will, das war von Neugierde getriebene, 

respektvolle und bewundernde Verneigung vor der 

anderen Kultur und keine besitzergreifende Anmaßung. Dieser 

Austausch ist so alt wie die Kultur selbst. 

Ein bevorzugtes Ziel der Kreativen war stets Italien, aber auch 

Italienerinnen und Italiener gingen selbst fleißig auf Reisen. 

Besonders gerne reisten sie in die Provinz Flandern, bis heute 

ein mit besonderer Kulturdichte gesegnetes Fleckchen Erde, 

das von seiner Lage im Herzen Europas profitiert und das Beste 

vieler Welten in sich verdichtet. 

Die italienische Musik der Renaissance wiederum erhielt wesentliche 

Impulse auch durch den Import von Sängerkomponisten 

aus Flandern. Im 16. Jahrhundert wetteiferten die 

italienischen Stadtstaaten nicht nur um Macht, sondern auch 

um kulturelle Exzellenz und Vormachtstellung. Sie schickten 

ihre Abgesandten in den Norden und holten durch deren Vermittlung 

die bedeutendsten Musiker an ihre Höfe. 


IM FOKUS 

Beethovenfest 

Bonn 

5. 9. – 3. 10. 24 

KONZERTTERMIN 

Donnerstag, 29. August 2024, 20:00 

»Monteverdi in Flandern« 

B’Rock Vocal Consort 

B’Rock 

Andreas Küppers Orgel, Cembalo, künstlerische Leitung 

Mit Werken von Nicolas Gombert, Claudio Monteverdi, 

Adrian Willaert, Giaches de Wert und Cipriano de Rore 


Miteinander 

Die Sängerschulen der flämischen Kathedralen, die so genannten 

Maîtrisen, und ihre in der klassischen Vokalpolyphonie 

ausgebildeten Kräfte waren weithin berühmt und in Italien 

besonders begehrt. So gab es mit der Zeit einen regelrechten 

»Exodus« der musikalischen Elite Flanderns in den Süden, die 

»Fiamminghi«, wie man sie nannte, gewannen südlich der Alpen 

größten Einfluss. 

Einer von diesen Musikern war Adrian Willaert, der von 1527 bis 

1562 als Kapellmeister an San Marco zu Venedig wirkte. Seine 

Sammlung »Musica Nova« begründete Willaerts Nachruhm in 

der gesamten Musikwelt. Zu seinen illustren Schülern zählten 

u. a. Andrea Gabrieli, Cyprian de Rore, Nicola Vicentino, Claudio 

Merulo und der große Musiktheoretiker Gioseffo Zarlino. Claudio 

Monteverdi bezeichnet ihn später als »Vollender der prima 

prattica.« 

Monteverdi selbst hat Italien in seinem langen und künstlerisch 

enorm fruchtbaren Leben nur ganze zwei Mal verlassen. 

Als Mitglied des Hofes von Vincenzo Gonzaga, des Herzog von 

Mantua, unternahm auch er 1599 eine Reise nach Flandern. 

Dort machte Monteverdi sich mit dem »Canto alla francese« 

vertraut, dessen Spuren sich besonders in seinem achten Madrigalbuch 

wiederfinden lassen sollten. Seit seiner Kindheit war 

er mit den ausgewanderten Vertretern der franko-flämischen 

Schule vertraut, wie etwa mit Josquin Desprez, Adrian Willaert 

und Orlando di Lasso. Monteverdis »Missa in illo tempore« zitiert 

mehrere Motive aus dem gleichnamigen Werk von Nicolas 

Gombert. Auf Monteverdis kühnem Weg zur »Seconda practica«, 

die die strengen Regeln des Kontrapunkts im Dienste der 

Textausdeutung für Dissonanzen und Chromatiken öffnet, hatte 

der aus Gent stammende Giaches de Wert, Maestro di capella 

in Mantua, einen entscheidenden Einfluss. 

Die Musiker von B’Rock und B’Rock Vocal Consort aus dem flämischen 

Gent folgen nun Claudio Monteverdi auf seiner Reise 

nach Flandern, wo er sich von den Komponisten des frankoflämischen 

Stils inspirieren ließ. Auch heute ist Flandern wieder 

ein Zentrum der Musik, insbesondere der Alten Musik und der 

historischen Aufführungspraxis, die bereits in der ersten »Welle« 

dieser Bewegung dort große Ensembles hervorbrachte und 

nach wie vor ein Mekka der Spezialisten ist. Das Programm 

macht unmittelbar hörbar, wie die musikalischen Kulturen sich 

gegenseitig befruchteten und Menschen und Nationen einander 

näherbrachten. Regine Müller 

Programm 

und Tickets 

jetzt 

beethovenfest.de

IM FOKUS 

Lebendige 

Zeitreise 

Mit »Brabant 1653« erinnern die Musiker 

von Holland Baroque 

an die gregorianische Tradition 

ihrer niederländischen Heimat 

Durch ihre umfangreichen Recherchen erweitern sie kontinuierlich 

das Repertoire, zum Beispiel mit dem Programm »Brabant 

1653«, mit vergessenen Schätzen der musikalischen Traditionen 

des klösterlichen Lebens in Nord-Brabant im 17. Jahrhundert. 

Zum ersten Mal seit Jahrhunderten erklingt Musik, die damals 

in den Klöstern der Klarissen in Megen und der Schwestern von 

Maria Refugie in Uden gesungen wurde. »Es wird oft fälschlicherweise 

angenommen, dass die Niederlande im 17. Jahrhundert 

– mit dem Werk von Sweelinck als große Ausnahme – ein 

musikalischer Sumpf waren«, sagt Tineke Steenbrink, Mitbegründerin 

von Holland Baroque. »Wir sind berührt von der Einzigartigkeit 

und Eloquenz dieses Repertoires.« 

Hannah Morrison 

Bis heute fasziniert uns der Gregorianische Gesang, verströmt 

diese uralte archaische Musik eine fast transzendentale Ausgeglichenheit 

und Ruhe. Alles scheint im Fluss in diesem Gesang, 

der noch ohne Taktstriche und ohne exakte Tonhöhen notiert 

wurde. Noch immer sind nicht alle Geheimnisse dieser Musik 

entschlüsselt, die seit dem 8. Jahrhundert in den europäischen 

Klöstern zum Gotteslob gesungen wurden. Der gregorianische 

Choral, benannt nach Papst Gregor dem Großen, ist damit das 

älteste überlieferte Repertoire, das heute noch gesungen wird 

– dank Ensembles wie Holland Baroque, die sich mit unerschöpflicher 

Neugierde durch die verborgenen Schichten der 

Musikgeschichte wühlen und ihre Funde mit Können, Fantasie 

und Spielfreude zu klingendem Leben erwecken. 

Alles begann mit Besuchen in Klosterbibliotheken, die eine Fülle 

von Repertoire und eine faszinierende Geschichte zutage förderten. 

Dabei stießen sie nicht nur auf alte Notenmanuskripte, 

sondern erfuhren auch etwas über das Leben der geistlichen 

Schwestern hinter den Klostermauern und über die musikalischen 

Praktiken des katholischen Brabant im 17. Jahrhundert. 

Das war eine historisch spannende, aber auch turbulente Zeit 

für die Niederlande. Ständig kam es zu gewalttätigen Auseinandersetzungen 

zwischen Katholiken und Protestanten im Süden 

und Osten. Im Jahr 1648 wurde der katholische Gottesdienst 

in den Vereinigten Provinzen der Niederlande verboten, und die 

Tradition der katholischen Kirchenmusik verschwand fast völlig 

aus den alten Kirchen. In Brabant hielt man jedoch an den 

katholischen Traditionen fest: Am Sonntagmorgen besuchten 

zehn Protestanten die örtliche Dorfkirche, während 200 Katholiken 

in die abtrünnige Kirche am Dorfrand strömten. In den Enklaven 

wurden außerdem musikalisch begabte Internatsschüler 

(sogenannte Oralen) zu Sängern ausgebildet. 

Noch heute steht in Boxmeer die Pforte des Karmeliterklosters 

aus dem Jahr 1653. Es ist der Ort, an dem Benedictus a 

Sancto Josepho sein Leben verbracht hat, der zu seiner Zeit 

bedeutendste Organist und Komponist in Brabant. Sein um- 


Holland Baroque 

fangreiches Werk, das hauptsächlich aus religiösen Werken 

besteht, zeugt von einer ausgezeichneten Kenntnis der musikalischen 

Entwicklung in ganz Europa. Außerdem setzte er sich 

für die Bewahrung der gregorianischen Tradition in seinem eigenen 

Orden ein. Er steht daher im Zentrum des Programms von 

Holland Baroque. Es war aber nicht nur die musikalische Qualität, 

die Judith und Tineke Steenbrink an Benedictus a Sancto 

Josepho faszinierte. Sie fanden auch eine ganz persönliche 

Verbindung: »Es ist unglaublich spannend, seine eigene musikalische 

Landschaft zu kartieren. Judith und ich sind in Oeffelt, 

in der Nähe von Boxmeer, aufgewachsen.« Und so ist dieses 

Programm nicht nur eine spannende Reise in eine bewegte 

musikalische Vergangenheit, sondern auch ein lebendiger Brückenschlag 

zwischen dem Gestern und dem Heute. Bjørn Woll 

KONZERTTERMIN 

Freitag, 30. August 2024, 20:00 

»Brabant 1653« 

Hannah Morrison Sopran 

Camille Allerat Sopran 

Lucretia Starke Sopran 

Laura Lopes Mezzosopran 

Anthea Pichanik Alt 


Mit Werken von Cornelis Verdonck, Benedictus a Sancto 

Josepho, Carl Rosier, Jan Baptist Verrijt, Herman 

Hollanders und Gregorianische Gesänge 

Alle Rekonstruktionen von Judith und Tineke Steenbrink 



21

IM FOKUS 

Beglückende 

Mischung 

Paul van Nevel und das 

Huelgas Ensemble 


Nur rund anderthalb Kilometer sind es von Burgos, der Stadt 

im nordspanischen Castilla y León, bis zur westlich gelegenen 

Klosteranlage von Santa María la Real de Las Huelgas. Gegründet 

im späten 12. Jahrhundert, war die Äbtissin von Las Huelgas 

einst zugleich das Oberhaupt des Königreiches von Kastilien 

und León. 

Auch in der Musikwelt besitzt »Huelgas« inzwischen einen 

klangvollen Namen. Im Jahr 1970 reiste ein damals 24 Jahre 

junger Musikwissenschaftler aus Belgien in das spanische 

Kloster und erhielt dort die Genehmigung, im kostbaren Archiv 

zu stöbern. Als er in den jahrhundertealten Partituren blätterte, 

blühte das Herz des jungen Paul van Nevel auf. Bis heute lagern 

hier die Handschriften mehrstimmiger Musik aus dem Mittelalter, 

der Codex Las Huelgas. Mehr als ein halbes Jahrhundert 

ist diese Reise nun her. Das von van Nevel gegründete Huelgas-Ensemble 

ist längst eine feste Größe im internationalen 

Musikleben – mit Sitz im sieben Jahrhunderte alten Beginenhof 

im belgischen Leuven. 

Paul van Nevel wirkt wie das Original aus einem belgischen 

oder französischen Film. Stämmig steht er da, blickt, das Barett 

schräg auf dem Kopf, mit blinzelnden Augen drein; unter seinem 

glatten Schnurrbart lugt meist eine dicke Zigarre aus dem 

Mund hervor. Selbst in Programmheften lässt er sich als »international 

bekannter ›Cigarier‘‹ bezeichnen. Ungebremst kann er 

erzählen über die Musik des Mittelalters, die Polyphonie der Renaissance 

und den Reiz entlegener Orte, in denen man Musik 

machen und gleichzeitig den Zauber der Stille erfahren kann. 

Van Nevels Anliegen ist immer, bekanntere und vergessene 

Werke nebeneinanderzustellen, egal ob Alte Musik oder Zeitgenössisches. 

»Wenn wir mit dem Huelgas Ensemble moderne 

Musik machen, verfolgen wir die gleiche Philosophie, mit der 

wir auch Alte Musik machen.« 


KONZERTTERMIN 


FEL!X. »Polyphone (T)Räume« 

Die franko-flämische Polyphonie 

des 15. und 16. Jahrhunderts 


Paul van Nevel Dirigent 

Mit Werken von Pierre Cadéac, Johannes Symonis 

Hasprois, Josquin des Prez, Antoine de Févin, Jean 

Mouton, Jean Lhéritier, Nicolle des Celliers d’Hesdin, 

Alexander Agricola, Mathieu Gascongne, Pierre de 

Manchicourt, Nicolas Gombert 

Das Konzert ist inszeniert, das Ensemble singt von verschiedenen 

Positionen im Saal aus. 


Als Kind hat van Nevel sechs Jahre lang in einem bischöflichen 

Chor gesungen, zwei Stunden täglich. Eigentlich galt sein erstes 

Spezialgebiet der Notationskunde, doch dann hat er für sich 

das Dirigieren entdeckt. Er hat einige Kurse hier und dort besucht, 

aber kein zusammenhängendes Dirigier-Studium absolviert. 

Seine Schlagtechnik umschreibt van Nevel für die meisten 

modernen Stücke als »ungenügend«, seinen Dirigierstil hingegen 

als »sehr genau, wenn auch etwas poetisch«. 

Die Erfolgsgeschichte des Huelgas-Ensembles fußt auf mehreren 

Faktoren: der Suche nach immer neuem Repertoire und 

einem gleichzeitigen Perfektionsanspruch; hinzu kommen die 

Absicherung auf einem musikwissenschaftlich tragfähigen 

Fundament und der Mut zu sehr persönlichen Interpretationen. 

Präzise in der Vorbereitung, spontan inspiriert im Moment der 

jeweiligen Aufführung – so ließe sich der Geist dieses Ensembles 

zusammenfassen. »Bei Huelgas herrscht in den Proben vor 

allem eines: totale Konzentration«, erklärt die heutige Managerin 

Silke Jacobsen, selbst früher Ensemble-Mitglied. »Nach den 

Proben und Konzerten gibt es viel Herzlichkeit, Geselligkeit und 

große Kollegialität.« 

Auch den inzwischen zahlreichen Aufnahmen merkt man an, wie 

viel Vorbereitung allein in der Repertoire-Auswahl steckt. Selbst 

entlegene Komponisten klingen, als seien sie wahre Großmeister. 

Treffend hat einmal die Süddeutsche Zeitung festgehalten: 

»Es ist ein ideales Miteinander disparater Meinungen und 

Haltungen, die in einem warmen und leuchtenden Klang zusammenfinden. 

Und alles kommt ohne Anbiederung und 

Marktschreierei daher: grandios!« Christoph Vratz 


23

Angela Metzger

»Es wird kurz, 

knackig und laut« 

Die Organistin Angela Metzger 

setzt auf eine ungewöhnliche Kombination 

Der Orgelfreund jubelt – und schreibt anlässlich der Veröffentlichung 

ihres Albums »Circuli«: »Um es gleich auf den Punkt zu 

bringen: Diese CD der deutschen Organistin Angela Metzger ist 

in jeder Hinsicht ein Hit. Ein anspruchsvolles Programm, in dem 

sich alte und neue Musik in vielfältiger Weise berühren, sublim 

dargeboten …« Der begeisterte Fan ist Autor des niederländischen 

Fachblatts De Orgelvriend. Es könnte aber auch ein ganz 

normaler Musikliebhaber oder Besucher eines ihrer zahlreichen 

Konzerte sein. Oder ein zeitgenössischer Komponist, der für die 

quirlige, in München lebende Künstlerin ein neues Stück geschrieben 

hat. So wie Philipp Maintz. Er sagt: »Angela Metzger 

spürt jeder Epoche intensiv nach, taucht tief in die Werke ein 

und bringt ihrem Publikum die gesamte Geschichte der Orgelliteratur 

von der Spätrenaissance bis in die Gegenwart näher.« 

Für sie hat er »eine Reihe handlicher Stücke« komponiert, unter 

anderem »haché«, das auch auf der Klais-Orgel erklingen wird. 

Ein ungewöhnlicher Titel, nicht wahr? Wird hier eventuell etwas 

verhackstückt? Angela Metzger antwortet lächelnd: »Philipp 

Maintz komponiert seine »Caprices« explizit für mich auf Orgeln 

in Konzertsälen. Die sehr prägnanten Titel sind also auch immer 

mit Bezug zu mir geschrieben, teils mit einem Augenzwinkern 

zu verstehen und lassen Raum für Interpretationen und Assoziationen.« 

Und wie klingt das etwa vier Minuten lange Stück? »Es 

wird kurz, knackig, toccatenhaft, virtuos und laut werden. Und 

es wird sehr viel von mir in technischer und energetischer Sicht 

einfordern.« 

Herausforderungen ganz anderer Art wird der Großteil des weiteren 

Programms an Angela Metzger stellen. Denn in Sichtweite 

des mobilen Spieltischs findet sich die Cellistin Julia Hagen 

ein. Neben der ersten Cellosuite von Johann Sebastian Bach 

interpretiert sie im Duo mit der Organistin Werke von Vivaldi, 

Bruch, Rheinberger und Gubaidulina. Die Klais-Orgel trifft seit 

1989 erstmals auf ein Cello. Und Angela Metzger trifft erstmals 

auf Julia Hagen! Die beiden kennen sich bisher nur vom Telefon 

und über Social Media. Natürlich stehen Probenzeiten an, 

dennoch bestehe die Herausforderung darin, »Gegensätzliches 

zusammenzubringen und zu einem Ganzen verschmelzen zu 

lassen«, erklärt Metzger. Die Instrumente Cello und Orgel seien 

höchst unterschiedlich, sowohl in ihrer Klangerzeugung, ihrer 

Klanglichkeit als auch in den spezifischen Ausdrucksmöglichkeiten. 

»Beides unter einen Hut zu bringen und Verschiedenes 

verschmelzen zu lassen im gemeinsamen Musizieren, stellt den 

besonderen Reiz dar«, so die Organistin. 

Julia Hagen 

Besonders reizvoll wird dieses Zusammenspiel wohl bei einem 

der avanciertesten Stücke des Abends, Sofia Gubaidulinas »In 

croce«. Das Symbol des Kreuzes nimmt im Schaffen der russischen 

Komponistin, die seit vielen Jahren in einem kleinen Ort 

bei Hamburg lebt, eine besondere Rolle ein. In ihrem Stück aus 

dem Jahr 1979 kreuzen sich im Verlauf die Stimmen von Cello 

und Orgel. Die Orgel beginnt in mittelhoher Lage mit einem prägnanten 

Wechseltonmotiv und schraubt sich bis zum Ende in 

tiefe Lagen. Das Cello setzt tief mit Mikrotonalität ein und endet 

mit dem Wechseltonmotiv, in exakt der Lage der Orgel, während 

diese in einem tiefen Ganztoncluster verklingt. »Das Werk 

ist sehr prägnant durch dieses immer wiederkehrende Wechseltonmotiv, 

die Melodik mit auf- und absteigenden Sprüngen 

im Cello sowie absteigende Skalen in der Orgel«, erklärt Metzger 

und resümiert: »Gubaidulinas Schaffen hat immer auch eine 

religiöse oder mystische Ebene. Wir spielen ›In croce‹ als letztes 

Stück vor der Pause, um danach mit dem Solo-Cello die Dramaturgie 

wieder neu aufzubauen.« Helge Birkelbach 

KONZERTTERMIN 


Angela Metzger Orgel 

Julia Hagen Violoncello 

Antonio Vivaldi Sonate Nr. 1 für Violoncello und Basso 

continuo B-Dur RV 47 

Gabriel Pierné Trois Pièces op. 29 für Orgel 

Sofia Gubaidulina »In croce« für Violoncello und Orgel 

Johann Sebastian Bach Suite für Violoncello solo Nr. 1 

G-Dur BWV 1007 

Max Bruch / Heinrich Reimann Kol Nidrei d-Moll für 

Violoncello mit Orchester und Harfe nach hebräischen 

Melodien op. 47, Bearbeitung für Violoncello und Orgel 

Philipp Maintz »haché« für Orgel solo, Uraufführung 

Josef Gabriel Rheinberger Abendlied, aus: Drei Stücke 

aus op. 150 für Violoncello und Orgel 


25

Leif Ove Andsnes 

»Rach 3« und Mahler 5 

im Originalklang 

Leif Ove Andsnes, Philipp von Steinaecker 

und das Mahler Academy Orchestra 


KONZERTTERMIN 

Freitag, 13. September 2024, 20:00 

Leif Ove Andsnes Klavier 

Mahler Academy Orchestra 

Philipp von Steinaecker Dirigent 

Sergej Rachmaninow Konzert für Klavier und Orchester 

Nr. 3 d-Moll op. 30 

Gustav Mahler Sinfonie Nr. 5 cis-Moll

Was verbindet einen in der Doppelmonarchie Österreich- 

Ungarn aufgewachsenen und wirkenden Musiker und einen 

anderen, der tief in der Musiktradition Russlands verwurzelt 

ist? Der eine wird gefeierter Dirigent, der andere weltberühmt 

als Pianist. Vor allem verbindet sie, dass beide, je auf ihre Art, 

Werke von besonderer Eindringlichkeit und Klangschönheit 

hinterlassen haben. Gustav Mahler mehr als Sergej 

Rachmaninow entwickelte sich zu einem Wegbereiter der 

Moderne. Mahler schuf Sinfonien, in denen er jeweils einen 

neuen musikalischen Kosmos kreierte. Um so weit vorzustoßen, 

bedurfte es dann auch immer fortgeschrittenerer 

musikalischer Mittel. Aber nicht weniger hat Rachmaninow 

(Komponist auch von drei Sinfonien) in seinem umfangreichen 

Klavierœuvre die Möglichkeiten seines Instruments 

weit ausgereizt und eine persönliche musikalische Sprache 

erfunden, die mit romantisch, sehnsuchtsvoll-entrückt oder 

einfach »typisch russisch« nicht hinreichend beschrieben ist. 

Foto: C. Bechstein Concert B-212 

Man muss beide Komponisten hören. Aber wie haben sie 

vor 120 Jahren geklungen? Als faszinierender Nachhall 

der Uraufführung am 18. Oktober 1904 im Gürzenich mit 

Mahler selbst am Dirigentenpult lässt sich nun die Sinfonie 

Nr. 5 in der Kölner Philharmonie wieder erleben. Dazu 

schlüpft Philipp von Steinaecker in die Rolle des Komponisten 

und dirigiert das Mahler Academy Orchestra, »ein generationsübergreifendes, 

gesamteuropäisches Orchester«, wie 

er sagt, bestehend aus hochbegabten jungen Musikerinnen 

und Musikern verschiedener Spitzenorchester. In Bozen und 

an einem bedeutungsvollen Ort, in Toblach, wo Mahler zuletzt 

komponierte, haben sie gemeinsam historische Spieltechniken 

studiert. Subtile Klänge wurden wiederentdeckt, 

verschollene Ausdrucksmöglichkeiten neu belebt, wie sie 

in Mahlers Partituren zwischen den Zeilen angedeutet sind. 

Alte Instrumente sind restauriert oder in exakter Kopie angefertigt 

worden, sie bilden das Instrumentarium von Mahlers 

Wiener Hofopernorchester um 1910 nach. Die Streicher ziehen 

Darmsaiten auf und passen ihre Spieltechnik den damaligen 

Gegebenheiten an. Dieses »Originalklang-Project« 

geht auf von Steinaecker zurück. Als Gründungsmitglied des 

Mahler Chamber Orchestra war Mahlers Musik in seinem 

Leben immer präsent. Er ist leidenschaftlicher Verfechter der 

historischen Aufführungspraxis. 

GEHEN SIE MIT UNS 

AUF EINE KLANGREISE 

Wir freuen uns auf Ihren Besuch in unserem 

C. Bechstein Centrum Köln. 

C. Bechstein Centrum Köln GmbH 

Glockengasse 6 „In den Opern Passagen“· D-50667 Köln 

+49 (0)221 987 428 110 · koeln@bechstein.de · www.bechstein-koeln.de 

Sechs Jahre nach der Uraufführung der Fünften in Köln fand 

ein weiteres denkwürdiges Konzert statt: Am 16. Januar 1910 

spielte Rachmaninow in der New Yorker Carnegie Hall sein 

neues drittes Klavierkonzert, am Pult stand wieder – Gustav 

Mahler. »Er bewegte sofort mein Komponistenherz«, erinnerte 

sich Rachmaninow später, »da er sich meinem Konzert 

widmete, bis die Begleitung, welche ziemlich kompliziert ist, 

bis zur Perfektion geübt war. Für Mahler war jedes Detail der 

Partitur wichtig.« In der Kölner Philharmonie wird mit Leif 

Ove Andsnes einer der aktuell gefeiertsten Pianisten den 

Klavierpart in »Rach 3«, wie das Werk auch im Fachjargon 

heißt, übernehmen. Es stellt höchste technische Anforderungen: 

Laut Berechnungen ist es von allen großen Klavierkonzerten 

das mit den meisten Noten pro Sekunde am Klavier. 

Dabei ist Andsnes der berufene Interpret, um in Rachmaninows 

pianistische Fußstapfen zu treten. Seine Diskografie 

umfasst mehr als 50 Titel; zu Andsnes zahlreichen internationalen 

Preisen gehören sieben Gramophone Awards. Einen 

erhielt er für die Klavierkonzerte Rachmaninows. 

Jan Boecker 

FRANK MARTIN 

GOLGOTHA 

Anna Nesyba - Ingeborg Danz 

Richard Logiewa Stojanovic 

Richard Resch - Andreas Wolf 

Rheinische Kantorei 

Harvestehuder Kammerchor 

ensemble reflektor 

Edzard Burchards 

28.09. 

Klosterbasilika 

Knechtsteden 

Das Magazin 27 

knechtsteden.com

Offen für 

musikalische 

Einflüsse 

Sitar-Virtuosin 




KONZERTTERMIN 

Samstag, 28. September 2024, 20:00 

Anoushka Shankar sitar 

Arun Ghosh clarinet 

Sarathy Korwar drums 

Pirashanna Thevarajah indian percussion 

Tom Farmer bass, keys 

Als die Beatles Ende 1965 das Album »Rubber Soul« veröffentlichten, 

wurde der Hörer, neben all den zu erwartenden 

Ohrwürmern, mit dem merkwürdigen, ja fremdartigen 

Song »Norwegian Wood« überrascht: So etwas hatte man 

in unseren Breiten noch nie gehört. Es war der flirrende 

Sound der Sitar, eines indischen Zupfinstruments, der diesem 

Stück seine besondere Note verlieh. Einige weitere 

Exkursionen in den Klangkosmos Indiens sollten später 

noch folgen: die Songs »Love To You«, »Within You Without 

You« und »The Inner Light« waren Zeugnisse dessen, was Beatle 

George Harrison in der Begegnung mit dem Sitar-Virtuosen 

Ravi Shankar gelernt hatte. Dieser galt bis zu seinem Tod im Jahr 

2012 als der bekannteste Vertreter klassischer indischer Musik 

im Westen. Schon früh zeigte sich Shankar als musikalischer 

Grenzgänger, oder besser gesagt als Brückenbauer: Bereits in 

den 1950-er Jahren experimentierte er in seinen Kompositionen 

mit einer Mischung aus westlichen Instrumenten und klassischer 

indischer Instrumentation; eine Haltung, die auch seine 

Tochter Anoushka Shankar konsequent beibehält. Die heute 

43-Jährige führt das Erbe ihres Vaters fort, indem sie sich nicht 

allein auf das klassische indische Repertoire beschränkt, sondern 

sich offen zeigt für die musikalischen Einflüsse außerhalb 

des indischen Subkontinents. Anoushka erhielt schon als junges 

Mädchen Unterricht im Sitar-Spiel: »Von meinem Vater unterrichtet 

zu werden, hat unsere Beziehung intensiviert«, sagt 

sie in einem Interview mit einer britischen Zeitung. »Dies gab 

uns eine tiefe Verbindung, weil wir plötzlich diese ganze Unterströmung 

der Kommunikation hatten, die man nur wirklich 

bekommen kann, wenn man zusammen Musik spielt.« Mit 14 

tourte sie mit ihm um die Welt, verpasste dabei einen Großteil 

herkömmlicher schulischer Erziehung. Obwohl sie bis ins Erwachsenenalter 

weiter mit ihrem Vater zusammenarbeiten sollte, 

veröffentlichte Anoushka mit 17 Jahren ihr erstes Soloalbum 

und verzweigte sich dann sofort, arbeitete an Soundtracks und 

schrieb Kolumnen für indische Zeitungen; 2002 eine Biografie 

über ihren Vater, »Bapi ... The Love of My Life.« 

Musikalisch zeigte sie sich in gleicher Weise wandlungsfähig: 

Mehr als zehn Alben in den unterschiedlichsten Besetzungen 

und Musikstilen – von traditioneller indischer Musik über Flamenco 

bis zu English Folk – stehen bislang zu Buche. Immer 

im Mittelpunkt dabei: Anoushkas virtuose Handhabung der 

Sitar, eines 20-saitigen Instruments, für dessen Beherrschung 

es, wie es heißt, ein Leben lang braucht. Schon allein die rhythmische 

Segmentierung der unzähligen »Ragas« (der gängigen 

indischen Musikform) mit ihren ungeraden Taktarten scheint 

die Vorstellungskraft eines westlich geschulten Musikhörers 

zu übersteigen. Mit ihrem neuesten Projekt stellt Anoushka 

Shankar vier Musiker vor, die sich in ihrer bisherigen Vita ähnlich 

offen für musikalische Einflüsse und Strömungen gezeigt 

haben: Klarinettist Arun Ghosh, Schlagzeuger Sarathy Korwar 

und Perkussionist Pirashanna Thevarajah haben wie die Sitarspielerin 

selbst einen indischen Background, und Tom Farmer 

gilt als einer der vielseitigsten Kontrabassisten Großbritanniens. 

Hier spürt man einmal mehr: Die Welt rückt enger zusammen, 

auch oder gerade in der Musik, die hier fremdartig und doch 

merkwürdig vertraut klingt. Dass dabei die damit verbundenen 

verschiedenen Klänge eine glückliche Liaison eingehen, 

ist der nie aufdringlich erscheinenden Souveränität Anoushka 

Shankars und ihrer Mitmusiker geschuldet. Tom Fuchs 

Ring FEUERWERK 

Platin und Brillanten 

Von ANGELA HÜBEL 

® 

Di - Fr 

Sa 

10.00 - 18.00 Uhr 

10.00 - 16.00 Uhr

IM GESPRÄCH 

Auf 

Schuberts 

Spuren 

Ein Interview mit dem Alinde Quartett 

Auf der Terrasse einer Kaffeerösterei in Köln-Ehrenfeld treffen 

an einem sonnigen Vormittag Eugenia Ottaviano und Guglielmo 

Dandolo Marchesi, die beiden Geigen des Alinde Quartetts, 

Porträtensemble der Spielzeit 2024/25, auf die Musikjournalistin 

Katherina Knees, um über das musikalische Leben zu viert und 

die Beziehung zur Musik von Franz Schubert zu sprechen. 

Warum Schubert? 

Eugenia Ottaviano: Ich habe schon immer gerne klassische und 

frühromantische Werke gespielt, darum haben wir uns auch 

zur Zeit der Quartettgründung erst mal auf Schubert konzentriert, 

und so ist auch der Name entstanden. Ich bin mittlerweile 

die Einzige, die noch von der Anfangsbesetzung übrig ist, aber 

wir alle lieben Schubert einfach sehr, seine Musik ist so komplex. 

Und es ist ja so: Wer sind wir schon? Es gibt so viele tolle 

Streichquartette, irgendwie muss man aber seinen Platz finden 

und seine Identität. Durch Schubert haben wir einen Zusammenhalt 

als Ensemble. 

Kann man denn alleine mit Schuberts Streichquartetten eine Quartettkarierre 

aufbauen? 

Eugenia Ottaviano: Nein, Franz Schubert hat »nur« 15 Streichquartette 

geschrieben, wenn wir uns ausschließlich darauf 

konzentrieren würden, dann hätten wir eine kurze Karriere. (Sie 

lacht.) Durch das Schubert200 Projekt sind aber auch andere 

Leute auf uns aufmerksam geworden und haben uns zum 

Beispiel gefragt, ob wir mal das Forellen-Quintett spielen. 

Oder »Die Schöne Müllerin«, die wir mit dem Sänger Daniel 

Johannsen aufgenommen haben. Mit unserem neuen Projekt 

»Mirroring Schubert« stellen wir Schuberts Kompositionen 


außerdem Musik aus anderen europäischen Ländern gegenüber, 

die entweder in Schuberts Zeit entstanden sind oder die 

sich als zeitgenössische Auftragskompositionen im Rückblick 

mit Schuberts Musik auseinandersetzen. Uns hat es sehr interessiert, 

wie ein spanischer Komponist von heute auf Schubert 

blickt. Das Stück von Marc Migó klingt fast nach Musical, es ist 

ein großes Spektakel. Er hat Schuberts Musik total in die Leichtigkeit 

gebracht, es wird schon fast eine Satire. 

Sie haben bei den Urgesteinen der europäischen Quartettgeschichte 

studiert. Was waren die wichtigsten Impulse, die Sie in der 

Vergangenheit von Ihren Mentoren Eberhard Feltz, Günter Pichler 

und Rainer Schmidt mitbekommen haben? 

Eugenia Ottaviano: Oh, die drei sind so unterschiedlich, das ist 

total spannend. Ich finde, es ist für ein Quartett grundsätzlich 

total wichtig, lange guten Unterricht zu bekommen, um immer 

wieder diesen Blick von außen zu haben, der einen weiterbringt. 

Guglielmo Dandolo Marchesi: Unsere drei Lehrer sind nicht nur 

tolle Musiker, sondern auch große Menschen. Jeder der drei 

hat uns so viel mitgegeben und unser Leben verändert, weit 

über die Musik hinaus. Es ging auch darum, wer wir sind und 

warum wir machen, was wir machen. 

Eugenia Ottaviano: Von Eberhard Feltz haben wir musikalisch 

gelernt, die Partituren richtig zu lesen und über die eigene 

Stimme hinaus die Stücke als großes Ganzes zu kennen und 

zu verstehen und eine Synthese zu kreieren. Günter Pichler hat 

uns beigebracht, wie wir uns als Quartett ganz praktisch perfekt 

organisieren, Rainer Schmidt hat uns gelehrt, gemeinsam zu 

atmen und beim Spielen nonverbal hochsensibel miteinander 

in Verbindung zu sein. 


31

IM GESPRÄCH 

Alinde Quartett 

Wie fühlt es sich an, in dieser Saison als Porträtkünstler in der 

Kölner Philharmonie aufzutreten? 

Guglielmo Dandolo Marchesi: Wir lieben den Saal, die Farben 

sind so warm und freundlich und die Akustik ist natürlich 

ein Traum. Auch wenn bei einem Kammermusikkonzert nicht 

alle Plätze besetzt sind, fühlt sich die Philharmonie nie groß 

und unpersönlich an, sondern es entsteht dann eine besondere 

Intimität mit den unteren Reihen – wir können das Publikum 

sehen und sind ganz eng in Kontakt mit den Emotionen 

unserer ZuhörerInnen. Manchmal hören wir sie atmen. Uns 

als Streichquartett nun hier mit ganz unterschiedlichen Programmen 

präsentieren zu können ist eine tolle Gelegenheit. 

Eugenia Ottaviano: Besondere Konzertabende zu erleben 

und die Programme zu gestalten, mit denen wir uns ausdrücken 

können, ist für uns sowieso ein viel größerer Erfolg als 

jeder Wettbewerb oder so. Wenn in einem Konzert eine besondere 

Magie entsteht, die sich nicht künstlich herbeiführen 

lässt, dann macht uns das so glücklich, das lässt sich 

gar nicht in Worte fassen. Und gute Aufnahmen sind uns 

auch wichtig. Ein Konzert kann man nicht festhalten, das ist 

wirklich nur für den Moment und für die Menschen, die in 

diesem Moment anwesend sind - aber mit den Aufnahmen 

halten wir unsere Interpretationen für die Ewigkeit fest. 

Streichquartett ist eine Lebensentscheidung. Warum entscheiden 

Sie sich jeden Tag wieder für die Kammermusik zu viert? 

Eugenia Ottaviano: Es gibt zwei Faktoren, die für uns als 

Quartett echte Glücksfälle sind. Zum einen sind wir alle vier 

sehr kompromisslose Menschen - wenn wir etwas wollen, 

dann ziehen wir es durch und sind sehr stur. Und die ande- 

re Sache ist die, dass unser Quartett, bis auf Gregor Hrabar 

an der Bratsche, ja auch eine Familiensache ist. Mein Mann 

an der zweiten Geige und sein Bruder Bartolomeo Dandolo 

Marchesi, unser Cellist, sind echte Familienmenschen und 

unglaublich treu und loyal gegenüber der Familie. Das hält 

natürlich zusammen in den schwierigen Momenten. Niemand 

von uns wird einfach gehen. 

Guglielmo Dandolo Marchesi: Das passt auch wieder zu 

Schubert. Schubert war Bratschist und hat immer mit seinen 

Geschwistern und seinem Vater gespielt. Seine ersten 

Stücke hat er für die Familie komponiert und die wurden 

auch von der Familie zuhause aufgeführt. Katherina Knees 

KONZERTTERMINE 

Mittwoch, 25. September 2024, 20:00 


Eugenia Ottaviano Violine 

Guglielmo Dandolo Marchesi Violine 

Gregor Hrabar Viola 

Bartolomeo Dandolo Marchesi Violoncello 

Josquin des Prez »Mille regretz« [Echtheit zweifelhaft] 

Chanson für vier Stimmen 

Franz Schubert Streichquartett a-Moll op. 29 D 804 

»Rosamunde« 

Marc Migó Streichquartett Nr. 2 »Sardana – Quodlibet« 

Ludwig van Beethoven Streichquartett e-Moll op. 59,2 

(»2. Rasumowsky-Quartett«) 

Sonntag, 24. November 2024, 20:00 

Sonntag, 23. März 2025, 16:00 

Sonntag, 27. April 2025, 20:00 

Dienstag, 17. Juni 2025, 20:00 


Thomas Quasthoff 

& Friends 


Thomas Quasthoff 

KONZERTTERMIN 

Sonntag, 13. Oktober 2024, 20:00 

Thomas Quasthoff & Friends 

Thomas Quasthoff Quartett 

Thomas Quasthoff vocals 

Simon Oslender keyboards 

Dieter Ilg bass 

Wolfgang Haffner drums 

Nils Landgren trombone 

Bill Evans saxophone 

»Zwei Seelen wohnen, ach! in meiner Brust« – klingt das bei 

Meister Goethe im »Faust I« doch sehr nach Klage, nach Hin – 

und Hergerissenheit zwischen den hellen und dunklen Mächten, 

so hat Thomas Quasthoff für seine Lebensplanung das 

Wort »ach!« schlicht gestrichen und bekennt sich seit Längerem 

zu beidem: zur Klassik und zum Jazz. Freilich überwiegt 

Letzteres deutlich, seitdem der bekannte Klassik-Interpret vor 

rund 18 Jahren den endgültigen Rückzug von der Lieder- und 

Opernbühne verkündet hatte. Zu anstrengend der internationale 

Konzertbetrieb, zu oberflächlich auch das Geschäft mit Klassik-Musik, 

als dass Quasthoff sich noch hätte länger motivieren 

können, dem ernsten Fach treu zu bleiben. Stattdessen die 

Fokussierung auf ein Element, das ihm in früheren Jahren immer 

mehr abhanden zu kommen glaubte: den Spaß. Den scheint 

der 64-Jährige im Kreise seiner musikalischen Freunde offenkundig 

zu haben. Mit dem langjährigen Rhythmusgespann 

Dieter Ilg am Kontrabass, Wolfgang Haffner am Schlagzeug 

sowie dem jungen Hammondorgel-Spieler Simon Oslender 

realisiert Quasthoff seine ganz eigene Sicht auf die Kleinodien 

des Great American Songbook. Und wenn dann noch solche 

Größen wie der schwedische Posaunist Nils Landgren und der 

amerikanische Saxofonist Bill Evans zur Mitwirkung an diesem 

Projekt gewonnen werden konnten, scheint sich der Wunsch 

nach Spaß für Quasthoff vollends erfüllt zu haben. 

Sein Klassikbackground wird an dem Abend in der Philharmonie 

keine von vornherein zu ortende Rolle spielen, der Liedsänger 

bleibt sozusagen außen vor. Dennoch – wenn man spürt, 

wie der Bariton jede musikalische Regung mitempfindet, 

jede Wendung der Story in den Songs sehr genau ausdrückt, 

dann scheint das ganz so, wie er es aus dem klassischen Liedrepertoire 

kennt, mit dem er berühmt geworden ist. Von enormem 

Vorteil dabei seine Stimmlage: als Bassbariton verfügt 

Quasthoff – zumindest in diesem Genre – sozusagen über ein 

Alleinstellungsmerkmal. Denn wer hat schon etwa den alten 

Percy-Mayfield-Klassiker »Lost Mind« mit solch sonorer Dignität, 

Duke Ellingtons »In My Solitude« mit dieser wahrhaft suggestiven, 

ja urerlebnishaften Sangeskunst hören können? All 

seine Erfahrung und seine Akribie aus der Klassik kann er in die 

Interpretation der Songs einfließen lassen und vermag so auch 

als überaus engagierter Jazzsänger zu überzeugen. Dem dramatischen 

Impetus à la Schuberts »Erlkönig» nachzugeben – 

etwa bei Gershwins »There's a Boat dat's leavin' soon for New 

York», widersteht er meist – und stellt sich damit ganz in den 

Dienst des Songs an sich. Denn was im klassischen Lied-Repertoire 

gerade eine Qualität ausmacht, der dringliche Ausdruck, 

wirkt beim Jazz schnell zu bemüht und aufgesetzt. Das Quintett 

um Oslender, Ilg, Haffner, Landgren und Evans sorgt mit passendem 

Understatement dafür, den Jazz-Erlkönig Quasthoff 

anlässlich seines 50-jährigen(!) Bühnenjubiläums zu erden. 

Die Klassik, nun ja, die ist dann sehr weit weg. Und man spürt 

bei allen das, was Thomas Quasthoff in der Endphase seiner 

Klassik-Zeit doch arg vermisst hat: den Spaß. 

Tom Fuchs 


33

Bereit für 

eine Zeitreise? 

Verità Baroque präsentiert barocke Meister 

und Gegenwartskomponisten 

Verità Baroque 


Es geschah im Jahr 2020. Mut brauchte es, Enthusiasmus und 

Zuversicht, um mitten in der Pandemie ein neues Ensemble zu 

gründen. Die jungen Musiker gaben sich selbstbewusst den 

Namen Verità Baroque – ein neues Barock-Ensemble war geboren 

und erwarb sich innerhalb kürzester Zeit einen hervorragenden 

internationalen Ruf. »Es ist eine große Verantwortung, 

sich selbst ›Wahrheit‹ zu nennen«, sagt Flötistin Taya König- 

Tarasevich, die zusammen mit Cellist Bartolomeo Dandolo 

Marchesi den Gründungsimpuls gab. »Unsere Mission besteht 

darin, die Barockmusik im 21. Jahrhundert zu aktualisieren. Wir 

spielen auf Originalinstrumenten. Und wir gehen zurück und 

suchen nach der Quelle, von der die Wahrheit kam. Woran 

dachten die Komponisten, was war ihre Klangvorstellung beim 

Komponieren?« 

Alle Musiker des Ensembles sind geschult in historischer Aufführungspraxis 

– das gehört bei Alte-Musik-Ensembles inzwischen 

längst zum Standard. Taya König-Tarasevich formuliert, 

was bei Verità Baroque neu und anders ist: »Wir gehen einen 

Schritt weiter. Was uns menschlich macht, ist die Unvollkommenheit. 

Perfekt historisch zu spielen, ist vielleicht schön fürs 

Museum, aber wir versuchen über die historische Version hinauszugehen. 

Ja, wir spielen ›historisch informiert‹, aber wir versuchen 

auch unsere eigene Geschichte zu erzählen.« Deshalb 

schafft Verità Baroque Verbindungen zwischen der Vergangenheit 

und der Gegenwart, zwischen alter und neuer Musik. »Ich 

liebe die Zusammenarbeit mit lebenden Komponisten. Leider 

können wir ja Bach nicht mehr anrufen und ihn fragen: ›Was genau 

haben Sie in Takt 23 gemeint?‹. Die zeitgenössischen Komponisten, 

mit denen wir zusammenarbeiten, sind extrem offen, 

das ist ein großer Luxus.« 

Verità Baroque lädt das Publikum zu einer Zeitreise ein. So erklingt 

zwischen Telemanns Tafelmusik und Vivaldis Doppelkonzert 

für zwei Violinen ein modernes Concerto grosso des 

jungen preisgekrönten katalanischen Komponisten Marc Migó. 

Verità Baroque gab das Werk eigens in Auftrag, entsprechend 

komponierte Migó das Stück für Barockensemble, auch er ein 

Zeitreisender, der seine Musik an die barocke Form des Concerto 

grosso anlehnte und dabei etwas ganz Neues schuf. Ein 

nächster Abstecher in die Gegenwart führt zu SJ Hanke, der 

2020 mit dem Hindemith-Preis des Schleswig-Holstein Musik 

Festivals ausgezeichnet wurde. Seine Komposition »Starfish 

Rebellion II«‚, ebenfalls eine Auftragsarbeit für Verità Baroque, 

ist geprägt von komplexen Rhythmen und Dissonanzen, bleibt 

aber immer tonal und lotet die erstaunlichen perkussiven Möglichkeiten 

des Cembalos aus. 

Zu den engagierten Musikern des Ensembles Verità Baroque 

gehören auch die Mitglieder des Alinde Quartetts. Das passt gut 

zusammen, denn die Streichquartettformation zeichnet sich 

ebenso wie Verità Baroque durch einen weiten Horizont, enorme 

Spielfreude und unbändige Neugierde aus. In der Saison 

2024/25 sind die Mitglieder des Alinde Quartetts Porträtkünstler 

und werden in diesem Herbst mit spannenden Quartett- und 

Quintett-Programmen in der Kölner Philharmonie zu erleben 

sein. Zusammen mit Verità Baroque schwingen sie ihre Barockbögen 

und lassen eine weitere Facette ihres Könnens aufscheinen: 

Als Alte-Musik-Experten und Verfechter zeitgenössischer 

Musik bringen sie Erfahrungen aus beiden Welten mit und gehören 

zur besonderen Spezies der Zeitreisenden. 

Dorle Ellmers 

KONZERTTERMIN 



Taya König-Tarasevich Traversflöte 

Guglielmo Dandolo Marchesi Violine 


Francesco Facchini Violine 

Simone Pirri Violine 

Erin Kirby Viola 

Bartolomeo Dandolo Marchesi Violoncello 

Gianluca Geremia Theorbe 

Mario Filippini Kontrabass 

Marco Crosetto Cembalo 

Georg Philipp Telemann Konzert für Flöte, Violine, Violoncello, 

Streicher und Basso continuo A-Dur TWV 53:A2 

aus: Musique de table [...] »Tafelmusik« TWV 434 

Production I-III 

Marc Migó Concerto Grosso Nr. 1 »The Seance« 

für Barockensemble 

Antonio Vivaldi Concerto für zwei Violinen, Violoncello, 

Streicher und Basso continuo d-Moll op. 3,11 RV 565 

aus: L'Estro Armonico. [12] Concerti op. 3 

Arcangelo Corelli Concerto grosso D-Dur op. 6,4 

SJ Hanke Starfish Rebellion II 

Antonio Vivaldi Concerto für Flöte, Streicher und Basso 

continuo g-Moll op. 10,2 RV 439 »La notte« 


35

Kit Armstrong 

Vom Wunderkind 

zur Weltklasse 

Kit Armstrong: außergewöhnliche 

Karriere eines Multitalents 

Das Musizieren und Komponieren schien ihm in die Wiege 

gelegt worden zu sein: Der 1992 in Los Angeles geborene Kit 

Armstrong schrieb sein erstes eigenes Stück im zarten Alter 

von fünf Jahren. Doch damit nicht genug – das Nachwuchstalent 

zeigte auch außergewöhnliche Leistungen im Bereich der 

Mathematik, Naturwissenschaften und Sprachen. Mit sieben 

machte er als jüngster Stipendiat aller Zeiten an der Chapman 

University in Kalifornien von sich reden, mit 13 wurde sein außergewöhnliches 

Talent vom großen Pianisten Alfred Brendel 

entdeckt, der ihn fortan unterrichtete. »Die größte musikalische 

Begabung, der ich in meinem ganzen Leben begegnet bin«, 

ließ sich der Altmeister zu höchstem Lob hinreißen. Die besondere 

Beziehung zwischen Armstrong und Brendel wurde sogar 

verfilmt: »Set the Piano Stool on Fire« des britischen Regisseurs 

Mark Kidel erzählt von der einzigartigen Zusammenarbeit beider 

Künstler. 

Seine ungewöhnliche Doppelkarriere verfolgte Kit Armstrong 

auch als junger Mann weiter. Dem unvermeidlich einsetzenden 

Interesse des Musikmarkts entzog er sich zunächst, indem 

er sich auf wenige, erlesene Konzerte in kleineren Sälen 

konzentrierte und parallel Zeit fand, seine naturwissenschaftlichen 

Studien weiterzubetreiben. Doch irgendwann wurde 

die Musik der Beruf und die Mathematik das Hobby. Heute 

zählt Armstrong zur internationalen Spitzenklasse und begeistert 

in renommierten Konzertsälen wie dem Musikverein 

Wien, dem Concertgebouw Amsterdam, der Royal Festival 

Hall London sowie der Kölner Philharmonie sein Publikum. 

Dirigenten wie Riccardo Chailly, Christoph von Dohnányi 

und Kent Nagano kreuzten seinen Weg. Hochgelobt wurden 

auch die bei der Deutschen Grammophon erschienenen CD- 

Einspielungen. 


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KONZERTTERMIN 

Dienstag, 1. Oktober 2024, 20:00 

Kit Armstrong Klavier 

Johann Sebastian Bach Fünfzehn Sinfonien BWV 787–801 

Franz Liszt Études d’exécution transcendante S 139 

EVK- 

GESUND.DE 

Bleiben Sie gesund – Werden Sie fit. 

Zu Kit Armstrongs Leidenschaften zählt die Kammermusik. In 

der Kölner Philharmonie gastierte er bereits gemeinsam mit 

dem Bariton Benjamin Appl für einen Liederabend und unternahm 

zuletzt mit musikalischen Weggefährten eine »Mozart- 

Expedition«. Den Musiktagen Feldafing ist Armstrong nicht 

nur seit Langem als Pianist verbunden, 2021 übernahm der 

Tausendsassa gemeinsam mit der Violinistin Franziska Hölscher 

auch die künstlerische Leitung des Festivals. 

Als wäre all das nicht genug, feiert Armstrong darüber hinaus 

Erfolge als Organist – so nahm er bereits in der Kölner 

Philharmonie am Spieltisch der Klais-Orgel Platz – und wurde 

mehrfach als Komponist ausgezeichnet. Auftragswerke entstanden 

fürs Leipziger Gewandhaus und das Musikkollegium 

Winterthur. Armstrong spricht zudem vier Sprachen fließend 

und findet neben seiner künstlerischen Karriere noch Zeit, 

sich mit seinem Hobby Origami zu beschäftigen. 

Kit Armstrong betrachtet die Musik als etwas, das auf einer höheren 

Ebene existiert und wiederzugeben ist. Sein außergewöhnlicher 

Hintergrund prägt sein Musizieren; umfassendes 

Wissen und tiefgründiges Denken scheinen sich auf die Tasten 

zu übertragen und zum Klangerlebnis zu werden. Aus seinem 

überaus breit gefächerten Repertoire stellt Kit Armstrong 

bei seinem Solo-Recital Werke von Bach und Liszt gegenüber. 

Johann Sebastian Bachs im kunstvollen dreistimmigen 

Satz ausgeführte Sinfonien gelten nicht nur als modellhafte 

Anweisungen zum Komponieren, sondern auch als Beitrag 

des Thomaskantors zu einer Philosophie der Musik. Bis an 

die Grenzen des pianistisch Möglichen gehen Franz Liszts 

»Études d’exécution transcendante« – ein zeitgenössischer 

Kritiker schwärmte von einer »Neuerfindung des Klaviers« – 

und präsentieren sich zugleich als wahrhaft individuelle Charakter 

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OPER 

SCHAUSPIEL 

KONZERTE

IM INTERVIEW 

Musiktheatralische 

Interventionen 

Das Projekt 

»Novoflot und Arnold Schönberg« 

gipfelt in einer Schönberg-Gala 

Novoflot steht seit über 20 Jahren für eine radikale Neudeutung 

der Oper. Gegen die bürgerliche Aushöhlung des 

Genres setzt die Kompanie auf den Erkenntnisgewinn, der 

sich aus dem Drama aus »Liebe, Mord und Totschlag« ziehen 

lässt. Mit vier musiktheatralischen Interventionen (nicht 

nur in der Kölner Philharmonie) setzt Novoflot in Köln einen 

Schwerpunkt auf den Komponisten Arnold Schönberg, 

dessen 150. Geburtstag in diesem Jahr gefeiert wird. Das 

Magazin sprach mit Opernregisseur und Novoflot-Mitgründer 

Sven Holm. 

Dass sich eine Opernkompanie mit einem Komponisten beschäftigt, 

der, sieht man mal von dem Fragment »Moses und 

Aron« und dem wenig bekannten Einakter »Von heute auf morgen« 

ab, gar keine Oper geschrieben hat, überrascht. Warum 

Schönberg? 

Der Ausgangspunkt des Projektes ist das Freiwerden der 

Rechte an den Werken von Arnold Schönberg im Jahr 2022. 

Das feiern wir in fünf bis sieben unterschiedlichen Projekten. 

In Köln zeigen Sie davon in diesem Herbst vier, drei davon sind 

Uraufführungen. Im Zentrum der Auseinandersetzung stehen 

Werke wie die »Gurre-Lieder«, »Moses und Aron«, »Ein Überlebender 

aus Warschau«. Sie haben dazu mit einer Reihe renommierter 

Künstlerinnen und Künstler zusammengearbeitet, 

etwa der Sängerin Rosemary Hardy, dem Posaunisten Nils Wogram 

und dem Regisseur Mirko Borscht. 

Die Frage, die wir uns gestellt haben, ist: Wie können wir als 

Theater-, Musik- und Opernmacher auf das Erlöschen des 

Copyrights am Werk eines so wichtigen Komponisten wie 

Schönberg reagieren? Die musikalische Entwicklung, die er 


Novoflot – Schönberg. Aus dem ersten Teil des Projekts, Die Harmonielehre Akt 1 - Akt 5. 

gestartet hat, wirkte für alle möglichen Stilrichtungen wie ein 

Katalysator – ohne dass Schönberg das unbedingt so gewollt 

hätte. Aber die gesamte Neue Musik ist natürlich von ihm beeinflusst. 

Auch die Jazz-Szene und die ganzen Künste zehren 

von seinen Erfindungen, oder besser: den Erforschungen, die 

Schönberg gemacht hat. 

Man scheidet gemeinhin das tonale Frühwerk von der Zwölftonmusik, 

als dessen Vater Schönberg gilt – sozusagen zwischen dem 

»schönen« und dem »echten« Schönberg. Sie haben einen spielerischen 

Zugang gewählt, der diese Trennung hinter sich lässt. 

Nun, wir haben vier Projekte initiiert mit sehr unterschiedlichen 

Herangehensweisen. Speziell bei der Schönberg-Gala ging es 

auch darum, einen leichtfüßigen Umgang zu finden, weil der 

ja sonst mit Schönberg immer so wahnsinnig ernsthaft ist. Ursprünglich 

für den Berliner Kronprinzenpalais konzipiert, machen 

wir jetzt eine Adaption für die Kölner Philharmonie. Der 

Witz dabei ist natürlich auch, dass Schönberg ja alles andere 

als repräsentative Opernball-Musik geschrieben hat. Mit diesem 

Bruch spielen wir. Es wird sogar eine Versteigerung geben, 

wo man Schönbergsche Musikfragmente erwerben kann. 

Schönbergs Leben und Werk ist auch untrennbar mit der Judenverfolgung 

durch das NS-Regime verbunden. Sein 1947 geschriebenes 

Melodram »Ein Überlebender aus Warschau« ist Bezugspunkt für 

eine Zusammenarbeit mit Michael Wertmüller und Max Czollek. 

In »Ein Ermordeter aus Warschau« geht es uns um die Frage: 

Was ist mit all den Nicht-Überlebenden? Max Czollek ist ja ein 

jüdischer Autor, der sich sehr intensiv mit den Themen Erinnerungskultur 

und jüdische Kultur beschäftigt. Und Michael Wertmüller 

kommt aus einer jüdischen Familie und hat Verwandte 

im Holocaust verloren. Wenn man sich bevorzugt mit den Über- 


39

IM INTERVIEW 

Novoflot – Schönberg. Aus dem ersten Teil des Projekts, Die Harmonielehre Akt 1 - Akt 5. 

PLÁCIDO 

DOMINGO 

Nordwestdeutsche 

Philharmonie 

Jordi Bernàcer 

Dirigent 

Maria José Siri 

Sopran 

GLANZVOLLE NEUJAHRS-OPERN-GALA 

Freitag, 10.1.25 I 20 Uhr I Kölner Philharmonie 

GERMAN BRASS 

„Macht aus Blech Gold!“ 

© Fiorenzo Niccoli 

lebenden beschäftigt, weil man das Grauen nicht aushält, 

das die Erinnerung an die unzähligen Ermordeten hervorruft, 

entsteht die Gefahr einer Verklärung. Die letzten Überlebenden 

aus Warschau, wenn es überhaupt noch welche 

gibt, sterben in diesen Tagen und Jahren und danach ist 

diese Generation verschwunden. Und darum geht es eigentlich, 

dass man diese Erinnerungskultur aufrechterhält. 

Um zu sehen, wie wichtig das ist, muss man nur an die aktuellen 

Entwicklungen in Thüringen und die AfD denken. 

Welche Erkenntnis lässt sich aus Schönbergs Werk für die Gegenwart 

ziehen? 

Aus den Jahren der intensiven Beschäftigung mit Schönberg 

ist es seine Konzentration, die mich am meisten an 

ihm fasziniert. Das ist in den jetzigen Zeiten, in denen wir 

oft so vor uns dahin straucheln, ein Begriff, der mich interessiert. 

Da ist jemand, der trotz aller Schwierigkeiten, die 

er in seinem Leben hatte, immer seinen Weg gegangen ist, 

und dabei für sich wusste: Das ist der richtige Weg. Diese 

Radikalität hat im Kern etwas Utopisches, das wie ein 

Funken auf die Realität überspringen kann. Genau daran 

arbeiten wir tagtäglich mit unserer künstlerischen Praxis. 

Bastian Tebarth 

„BRASS AROUND THE WORLD - VON BACH ZU DEN BEATLES“ 

Sonntag, 12.1.25 I 20 Uhr I Kölner Philharmonie 

Tickets und Infos auf: 

www.westticket.de und über die Hotline 02 21 - 280 280 

KONZERTTERMIN 

Dienstag, 8. Oktober 2024, 20:00 

Novoflot 

Weitere Informationen zu 

»Novoflot und Arnold Schönberg – Ein Festival« in Köln 

unter www.novoflot.de 


Mauern 

überwinden 

Das neue Musiktheaterstück 

»Unmögliche Verbindung« von Ondřej Adámek 

Ondřej Adámek 

KONZERTTERMIN 

Mittwoch, 9. Oktober 2024, 19:00 

Tara Khozein Sopran 

Hanni Lorenz Schauspielerin 

Ensemble Modern 

Ondřej Adámek Dirigent 

Norbert Ommer Klangregie 

Thomas Fiedler Dramaturgie 

Ondřej Adámek Connection Impossible / Unmögliche 

Verbindung 

Musiktheater – Konzeption von Thomas Fiedler und 


konzertante Fassung 

Deutsche Erstaufführung 

Er war gerade in Hamburg, da ein Stück von ihm in der Elbphilharmonie 

aufgeführt wurde, als Ondřej Adámek auf einem 

Spaziergang an einem Gefängnis vorbeikam. Vor den Mauern 

der Untersuchungshaftanstalt Holstenglacis wurde er Zeuge 

einer eindrücklichen Szene. Unter den Zellenfenstern ihrer im 

Gefängnis einsitzenden Männer »schrieen« Frauen, so Adámek, 

»Intimitäten gegen die Wand«. Damit begingen die Frauen, so 

fand der Komponist heraus, eine Ordnungswidrigkeit: Der »Verkehr 

mit Gefangenen« ist außerhalb der Besuchszeiten untersagt. 

Diese Beobachtung führte Adámek zu der Frage nach den 

Bedingungen von Kommunikation. Wie ist Austausch noch 

möglich, wenn man nicht mehr miteinander sprechen kann 

oder darf? 

Der 1979 in Prag geborene und in Berlin lebende Komponist und 

Dirigent folgt in seinen Arbeiten oft einem analytisch-induktiven 

Ansatz. Auf eine Alltagsbeobachtung folgt die elementare 

Befragung des Phänomens, Thesen werden formuliert und in 

musikalische Formen übertragen. Adámek hat mit diesem Vorgehen 

Erfolg, seine Kompositionen sind international gefragt. 

Ihre Zugänglichkeit bei gleichzeitiger künstlerischer Kompromisslosigkeit 

verdanken sie dem Umstand, dass sie von individuellen 

zu gesellschaftlichen Fragestellungen voranschreiten 

und nicht einfach l’art pour l’art liefern. In den letzten zwei Dekaden 

hat sich Adámek so zu einem der gefragtesten Komponisten 

vor allem im Musiktheater-Genre entwickelt. Mindestens 

einmal waren bereits die Bedingungen von Kommunikation 

Thema seiner Arbeit. In »Alles klappt« von 2018 beschäftigte 

sich Adámek mit seinem Großvater, der im KZ gezwungen worden 

war, Treuhandkataloge über die Hinterlassenschaften seiner 

jüdischen Mithäftlinge zu erstellen. Anhand von Postkarten 

und Briefen trat Adámek mit dem Verstorbenen in einen Austausch, 

der das Private weit hinter sich lässt, weil er im Besonderen 

das Allgemeine findet. 

In dem Auftragswerk für die diesjährigen Bregenzer Festspiele, 

»Unmögliche Verbindung«, gehen Adámek und der Regisseur 

Thomas Fiedler das Thema nun ganz grundsätzlich an. Von der 

alttestamentarischen Erzählung der babylonischen Sprachverwirrung 

schlägt Adámek einen Bogen über Leonardo da Vinci 

und Descartes bis hin zu Kontaktverboten und Parlamentsdebatten 

der Gegenwart. Im Kern ließe sich vielleicht folgende 

These ausmachen: Wenn Kommunikation allerorten scheitert, 

droht der Gesellschaft der soziale Tod. Ohne Gespräch keine 

Gemeinschaft, es drohen Zerfall und Chaos. In der Form orientiert 

er sich nicht zufällig an der Oper der Renaissance. Wie 

die früheste überlieferte Oper, »Rappresentatione di Anima, et 

di Corpo« von Emilio de’ Cavalieri aus dem Jahr 1600, gestaltet 

Adámek seine »Unmögliche Verbindung« diskursiv, also mit 

kühlem Kopf. Der evolutionäre Prozess verunmöglichter Kommunikation 

wird in Kapiteln unterteilt nachvollzogen und analysiert. 

Doch bleibt die Arbeit nicht bei einer tristen These stehen. Es gilt 

schließlich, die Bedingungen des Gelingens freizulegen. Eng in 

gemeinsamen Try-outs mit dem Ensemble Modern entwickelt, 

werden die Instrumentalistinnen und Instrumentalisten des 

Frankfurter Klangkörpers neben Haupt- und Zweitinstrument 

ihre Stimme einsetzen, um in einen fruchtbaren Austausch 

mit dem Publikum zu treten. Zusammen mit Sopranistin Tara 

Khozein und Schauspielerin Hanni Lorenz wird Adámek so hoffentlich 

der gelingenden Kommunikation diskursiv-musikalisch 

auf die Spur kommen. Angesichts von Polarisierung, Cancel 

culture und biedermeierlichem Rückzug 2.0 wäre dies zumindest 

eine willkommene Hilfestellung. Bastian Tebarth 


41

Zwischen 

Liebesleid und 

Überschwang 

Philippe Jaroussky, Christina Pluhar 

und L’Arpeggiata 

mit barocker Liebeslyrik 

Christina Pluhar

Kaum vorstellbar, dass diese beiden Lebenswege sich nicht früher 

oder später haben kreuzen müssen. Da ist Christina Pluhar, 

Gründerin und Leiterin des Ensembles L'Arpeggiata, und der 

französische Sänger Philippe Jaroussky, der einen wesentlichen 

Anteil daran hat, dass das Stimmfach des Countertenors 

aus seinem Nischendasein in den Fokus der Konzertagenturen 

gerückt ist. Seit rund zwei Jahrzehnten verbindet die beiden 

eine geradezu eingeschworene künstlerische Partnerschaft, 

ohne darüber je in glatte Routine verfallen zu sein. 

KONZERTTERMIN 

Montag, 7. Oktober 2024, 20:00 

»Passacalle de la Follie« 

Philippe Jaroussky Countertenor 

L’Arpeggiata 

Christina Pluhar Theorbe und Leitung 

1978 in einer Kleinstadt nördlich von Paris geboren, hätte man 

Jaroussky eine so aufsehenerregende Karriere wohl kaum vorausgesagt. 

Die Familie war eher unmusikalisch, zeigte sich 

gegenüber den musischen Interessen des Sohnes aber aufgeschlossen. 

Der 11-Jährige nahm Geigenunterricht, ein Alter, 

in dem spätere Virtuosen in der Regel schon erste Konzerterfahrungen 

gesammelt haben. Mit 15 spielte er Klavier, um mit 

beiden Instrumenten später am Regionalkonservatorium von 

Versailles zu examinieren, im Geigenfach sogar mit einer Auszeichnung. 

Daneben studierte er noch Alte Musik, Komposition 

und Harmonielehre, verfügt mittlerweile auch über veritable Erfolge 

als Orchesterleiter und ist auch noch als Pädagoge tätig, in 

einer von ihm selbst begründeten Akademie, die begabten Kindern 

und jungen Erwachsenen kostenlosen Unterricht anbietet. 

Ein Universaltalent mit universellen Interessen. Und dabei war 

hier bislang noch gar nicht von seiner eigentlichen Berufung die 

Rede. Auf den außergewöhnlichen Bariton des seinerzeit bereits 

18-Jährigen wurde die Gesangslehrerin Nicole Fallien aufmerksam. 

Ihr oblag die weitere Ausbildung, auch nachdem ihr 

Schüler ein Konzert des Countertenors Fabrice di Falco gehört 

hatte und sein Faible für den Falsettgesang entdeckte. 

Musik des Barock wie taufrische Jazzstandards 

Nicht weniger vielseitig liest sich die Vita von Christina Pluhar. 

Die österreichische Multiinstrumentalistin, Arrangeurin, Komponistin, 

Hochschullehrerin und Dirigentin zählt zu den versiertesten 

Spezialistinnen der historischen Aufführungspraxis. Mit 

ihrem Ensemble L'Arpeggiata lässt sie Musik des Barock wie 

taufrische Jazz-Standards aufleben, in lässigem Groove und 

unverstaubter Leichtigkeit und immer auch in einer sicheren 

Balance von musikgeschichtlichem Sachverstand und musikantischer 

Leidenschaft. Barockmusik ist immer mit Improvisation 

verbunden. Und das nicht, weil die lückenhafte Quellenlage 

nach ergänzender Auslegung verlangt. Die Partituren waren 

schon ursprünglich nicht bis ins Detail ausnotiert. Der weite 

Spielraum für die Interpreten war ein kennzeichnendes Merkmal 

der Epoche und ist ein Grund dafür, dass uns diese Musik 

bis heute so unmittelbar berührt. 

Philippe Jaroussky 

Mit Philippe Jaroussky teilt Pluhar ein detektivisches Interesse 

an bislang unerschlossenem, über die Zeitläufte vergessenem 

Repertoire. Was die beiden in Museen, Bibliotheken und Privatarchiven 

mit steter Regelmäßigkeit zu Tage fördern, sind keine 

Antiquitäten, vielmehr zeitlos lebendiges Liedgut wie in ihrem 

aktuellen Konzertprogramm mit überwiegend höfischer Musik 

aus dem Frankreich des frühen 16. Jahrhunderts. Schlichte 

Songs, die sämtliche Gefühlswerte zwischen Liebesleid und 

Überschwang, Sehnsucht und Glückseligkeit zum Ausdruck 

bringen. Eine Herausforderung an die Interpreten, darüber nicht 

in parfümierte Künstlichkeit zu verfallen, und damit wie geschaffen 

für Philippe Jaroussky mit seinem weichen, seidigen 

Sopran, präsent und eindringlich noch bis in zarteste Nuancen, 

aber auch schneidend scharf, wo Kontur verlangt ist. 

Alte Musik, so gegenwärtig wie frisch aus der Notenpresse. 



43

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Wissen, was gespielt wird 

04/24 

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URBAN 

Ein ganzer Tag Musik. 

Eintritt frei. 

KölnMusik/Foto: unsplash FEL!X-Wortmarke: Sonja Irini Dennhöfer, Studio Süd

RÄTSEL 

Tierisch gut 

Vertonte Hommage an eine Stadt gesucht 

Anderthalb Stunden mit dem Flugzeug, elf Stunden (ohne 

Stau) auf den Autostrade nach Süden oder mindestens 13 

Stunden und 11 Minuten mit der Bahn ab Köln Hbf, »schon« 

ist die Geburtsstadt des kleinen Otto erreicht, und zur Stärkung 

gibt’s Spaghetti »Bolo«. Der Achtjährige erhält eine 

umfassende musikalische Ausbildung im Geigen-, Bratschen- 

und Klavierspiel und wird Orchestermitglied am 

örtlichen Theater. Begleitend nimmt er Kompositionsunterricht. 

Den ersten Jahreswechsel des 20. Jahrhunderts 

erlebt er als Einspringer am ersten Bratschenpult an der 

Kaiserlichen Oper in St. Petersburg anlässlich eines italienischen 

Gastspiels und nutzt die Zeit auch für Kompositionsstunden 

bei Nikolaj Rimskij-Korsakow. Das Ergebnis dieser 

fruchtbaren Zusammenarbeit reicht er als Prüfungsarbeit 

ein und erhält dafür sein Kompositionsdiplom. 

Sein Freundeskreis besteht aus Musikern, Malern und 

Schriftstellern, man trifft sich in der örtlichen Musikalienhandlung. 

Jedoch zieht es den jungen Komponisten immer 

wieder auch hinaus in die Welt, nach St. Petersburg, Moskau, 

Buenos Aires, New York. In Berlin wird er zunächst Klavierbegleiter 

der Gesangsklasse der »ungarischen Nachtigall«, 

lernt bedeutende Musiker seiner Zeit (Fritz Kreisler, Enrico 

Caruso, Bruno Walter) kennen und transkribiert sein erstes 

Werk. Schon im Studium interessiert er sich für Alte Musik 

italienischer Meister. Bearbeitungen dieser Werke und 

seine sinfonischen Kompositionen werden die Standbeine 

seines Schaffens. Zwar schreibt er auch eine Reihe von 

Opern, unter anderem über ein Drama von Gerhart Hauptmann, 

sieht jedoch die große Zeit der italienischen Opern 

als beendet an. Eins seiner bekanntesten Werke, ein dreiteiliger 

Zyklus, entsteht über einen Zeitraum von zwölf Jahren 

und ist eine schwärmerische Hommage an die Schönheit 

und Lebendigkeit (nicht irgend)einer Stadt und deren Bewohner. 

Der zweite Teil, der im Jahr 2000 auch Verwendung 

als musikalische Begleitung von Walen in einem Disney- 

Film Verwendung findet, enthält den Gesang einer Nachtigall 

– zugespielt per Grammophon. Vögel sitzen gern in 

Bäumen. Wie lautet der Titel dieses mittleren Werks der 

Trilogie, dessen Uraufführung sich in diesem Jahr zum 

100. Mal jährt? Bei uns sind dieser und der erste der drei 

»Poemi Sinfonici« im Herbst zu hören. wil 

Bitte senden Sie Ihre Lösung bis zum 27.08.2024 unter dem Stichwort 

»Rätselhafte Philharmonie« an die KölnMusik GmbH, Bischofsgartenstraße 

1, 50667 Köln oder per E-Mail (mit Angabe Ihrer Postanschrift) an 

feedback@koelnmusik.de. Unter den richtigen Einsendungen verlosen 

wir 2 Tickets für das Konzert am 16. September mit Verità Baroque. 

Des letzten Rätsels Lösung: Elektra 


45

Florian Boesch

Die Kunst 

des Augenblicks 

Florian Boesch und Malcolm Martineau 

ergründen Schumann und Brahms 

Einer Anekdote zufolge soll der Dirigent Nikolaus Harnoncourt 

einmal jemandem, der sich bei ihm »für das schöne Konzert« 

bedankt hatte, erwidert haben: »Darum ging es nicht!« Eine 

kleine Antwort, die seinen großen Anspruch auf Wahrhaftigkeit 

beschreibt. Diesen vermittelte er auch dem Bassbariton Florian 

Boesch, der lange Jahre mit ihm zusammenarbeitete und ihn 

in der Rückschau mit den Worten würdigt: »Ich kann mir mein 

Werden und Selbstverständnis als Musiker ohne diese Prägung 

und seine Meisterschaft überhaupt nicht denken.« Harnoncourts 

Diktum von der »Mächtigkeit des klingenden Wortes« 

hat Boesch tief verinnerlicht. »Ich bin ein Textsänger, ich singe 

Texte. Immer!«, sagt er. Wort und Klang gehen bei ihm unerhörte 

Verbindungen ein, Altbekanntes entfaltet neue Wirkung. Oft 

scheint es sogar, als würde der Künstler das Kunstwerk im Augenblick 

zum ersten Mal entdecken. »Ich singe an jedem Abend 

anders!«, bekannte Boesch in einem Gespräch: »Ich probe ja 

nicht, um eine Form zu finden, die ich für richtig halte, um sie 

dann zu replizieren. Mich interessiert der Moment, und da spielt 

Durchlässigkeit eine wichtige Rolle – darauf muss man sich einlassen, 

damit man den Moment überhaupt spürt.« 

Florian Boesch erfindet die perfekte Klangwelt 

Einer, mit dem dieses Einlassen auf den Moment besonders 

glückhaft möglich ist, ist der Pianist Malcolm Martineau. Seit 

über zwanzig Jahren arbeitet Florian Boesch mit ihm schon 

zusammen. Gemeinsam loten sie stets aufs Neue die Meisterwerke 

der Liedkunst aus. Als kürzlich ihre Einspielung von 

Schumanns Zyklus »Dichterliebe« erschien, jubelte The Guardian, 

dies sei eine der besten Aufnahmen des Werks, die in 

den letzten Jahren veröffentlicht wurden, »bei der Boeschs geschmeidiger, 

samtiger Ton und sein untrügliches Gespür für die 

Worte hervorragend zur Geltung kommen. Er findet die perfekte 

Klangwelt, um dem ausdrucksstarken Gewicht eines jeden 

Liedes gerecht zu werden.« Und die Fachzeitschrift Fono Forum 

schrieb begeistert: »Groß ist die Bandbreite vom Fortissimo- 

Strahl bis zu den unzähligen Facetten des Piano, die der Bariton 

verletzlich, zart und kosend singt. Vielleicht ist das die bisher 

leiseste ›Dichterliebe‹ auf CD. Und wahrscheinlich auch eine der 

freiesten.« 

Musikalische Reise durch Hoffnung und Resignation 

Mit der »Dichterliebe« ist das meisterhafte Lied-Kunst-Duo nun 

auch live in der Kölner Philharmonie zu erleben. Schumann 

wählte für diesen Zyklus sechzehn Gedichte aus Heinrich Heines 

»Buch der Lieder«, ordnete sie zu einer Art Geschichte über 

enttäuschte Liebe und schuf daraus eine seelenvolle musikalische 

Reise durch die Reiche von Hoffnung und Resignation. 

Davor präsentieren Florian Boesch und Malcolm Martineau aus 

Schumanns Feder noch vier weitere wirkungsvolle Heine-Balladen, 

die das Zeitalter der Romantik in all seinen revolutionären, 

dämonischen und bitter-ironischen Facetten ausleuchten. 

Wie fortschrittlich Schumann nach existenziellen Ausdrucksmöglichkeiten 

rang, zeigen auch drei Vertonungen der Lieder 

des unglücklichen Harfners aus Goethes »Wilhelm Meister«. Ein 

kunstvoll volksliedhafter Ton bestimmt die Auswahl der Lieder 

von Johannes Brahms (den Robert Schumann einst der Musikwelt 

euphorisch als große Hoffnung angekündigt hatte), die 

zum großen Teil ebenfalls von der Liebe singen. Sie schlagen 

den Bogen von heiterer Zuversicht und werbendem Wirbel über 

den innigen Nachklang erotischer Erfüllung bis hin zu traurigschöner 

Schwermut und Verlassenheit. In ihrer Mitte: »Kein 

Haus, keine Heimat« – Brahms’ wohl kühnstes und kürzestes 

musikalisches Gebilde. 

Oliver Binder 

KONZERTTERMIN 

Donnerstag, 10. Oktober 2024, 20:00, Kölner Philharmonie 

Florian Boesch Bariton 

Malcolm Martineau Klavier 

Robert Schumann Dichterliebe op. 48 Liederzyklus für 

Singstimme und Klavier. Texte aus Heinrich Heines »Buch 

der Lieder« und weiteren Werken für Singstimme und Klavier 

von Johannes Brahms und Robert Schumann 


47

Crème de la Crème 

für Orgel 

Iveta Apkalna spielt Poulencs berühmtes Orgelkonzert 

Einen besseren Einstand hätte sie sich nicht vorstellen können. 

Denn Iveta Apkalna, eine der gefragtesten Organistinnen weltweit, 

feiert ihren Start als neue Porträtkünstlerin der Kölner Philharmonie 

mit einem ihrer absoluten Lieblingsstücke, Francis 

Poulencs farbenreiches Konzert für Orgel, Streicher und Pauken, 

entstanden 1938. Als »Crème de la Crème für Orgel« hat sie es 

einmal bezeichnet. »Dieses Werk kann in zwanzig Minuten alles 

sagen, was zu sagen ist«, erzählt Apkalna begeistert. »Leider 

vergessen oft viele, dass hier auch die Pauken Soloinstrument 

sind. Sehr schade, dass Poulenc nur das eine Konzert geschrieben 

hat.« Schon die ersten Takte machen klar, dass die Orgel in 

der Pauke einen kongenialen Partner, aber auch Widerstreiter 

gefunden hat. In Rückgriff auf die barocke Form der Fantasie 

lässt sich das einsätzige Werk in sieben Abschnitte gliedern. 

Ein ganzer Kosmos öffnet sich darin, von nostalgisch-weltlicher 

Melodienpracht bis zu klösterlicher Einkehr, von überraschendabrupten 

Ausbrüchen bis zu humoristischen Wendungen. Apkalna 

über Poulenc und seinen Geniestreich: »Ich bin ein großer 

Fan von ihm und seinem Sinn für Humor, alles bleibt gut ausbalanciert. 

Da hört man Tragik, Komik, Jazz, Groove, Akkuratesse 

– aber es macht mich nie wahnsinnig.« 

Fast wahnsinnig gemacht hat es den Komponisten selbst. 1936 

schrieb er an seine Mäzenin, die Prinzessin Edmond de Polignac, 

millionenschwere Erbin des amerikanischen Nähmaschinenfabrikanten 

Singer: »Das Konzert hat mir viel Schmerz 

bereitet – Es ist nicht vom gefälligen Poulenc des Konzerts für 

zwei Klaviere, sondern eher vom Poulenc auf dem Weg ins 

Kloster, sehr nach Art des 15. Jahrhunderts, wenn man so will.« 

Der Komponist hatte eine Wandlung vollzogen. Nachdem er 

gegen Ende der 1930-er Jahre den südfranzösischen Wallfahrtsort 

Rocamadour besucht hatte, widmete er sich in seinem 

Schaffen verstärkt religiösen Inhalten. Er schrieb geistliche Vokalmusik, 

darunter Motetten, Messen und ein »Stabat mater«. 

Der Musikschriftsteller Claude Rostand fand für diese Entwicklung 

äußerst bildhafte Worte: »In Poulenc finden wir den Mönch 

und den Straßenjungen.« 

mehr man nach Effekten sucht, desto eher werden daraus Defekte. 

Weniger ist mehr.« Spannend sei das allerdings für jene 

Organisten, die gerne improvisieren. »Ich selbst aber improvisiere 

nicht«, erklärt Apkalna. »Das hat mich nie gereizt.« 

Auch bei ihren weiteren Konzerten innerhalb der Reihe »Orgel 

Plus …« wird sie darauf verzichten. Etwas anders sieht es eventuell 

beim Kinderkonzert im Juni nächsten Jahres aus, wenn 

sie zusammen mit Harald Schmidt, der selbst ein großer Fan 

des Instruments ist, junge Musikdetektive zu einem »Orgelkrimi« 

einlädt. Solch eine musikalische Spurensuche kann mitunter 

mit Überraschungen verbunden sein. Wer weiß, was sich in 

der Klais-Orgel mit ihren 5394 Pfeifen alles versteckt …? Für alle 

Unwägbarkeiten und Rückfragen des jungen Publikums gibt es 

Harald Schmidt, der bestens vorbereitet sein wird. Denn er gilt 

nicht nur als erfahrener und schlagfertiger Moderator, sondern 

hat tatsächlich den C-Schein für Organisten in der Tasche. Wie 

er das gemacht hat, fragte ihn einst ein Musikredakteur der Welt. 

Schmidt antwortete pflichtgemäß: »Man musste drei Stücke 

vorspielen. Das waren in meinem Fall der erste Satz von Bachs 

Italienischem Konzert, eine Haydn-Sonate und ein Schubert- 

Impromptu, dazu kamen Gehörbildung, Musikdiktat, ein bisschen 

Musikgeschichte und kleine Improvisationen. Zehn Jahre 

spielte Schmidt für die Gemeinde seiner Kirche, jeden Sonntag. 

Der Sonntag des Startkonzerts von Iveta Apkalna wird sicher 

nicht so eine trockene Sache. Denn das Luxembourg Philharmonic 

unter der Leitung von Gustavo Gimeno darf mit einem 

Programm glänzen, das die belebende Wirkung der Natur 

und südlicher Lebensfreude erspürt. Zunächst, als Ouvertüre, 

erklingt ein neues Werk des Luxemburgers Claude Lenners. 

Es folgen zwei Tondichtungen von Ottorino Respighi, die das 

Poulenc-Konzert einrahmen. »Feste romane« von 1928 feiert die 

Pracht des antiken Roms und den Stolz seiner Bürger, während 

»Pini di Roma«, vier Jahre zuvor entstanden, eine Ode an die 

Pinien der römischen Campagna anstimmt. So leuchtet sie, die 

Ewige Stadt. Helge Birkelbach 

Inwieweit wird Iveta Apkalna wohl Letzteres, nämlich die erfrischende 

»Street Credibility«, in ihre Interpretation einfließen 

lassen? Jedenfalls nicht mit Übertreibung. Als Titularorganistin 

der Hamburger Elbphilharmonie steht ihr seit 2017 eine der modernsten 

Orgeln der Welt zur Verfügung, die mit Touchscreen 

die aufwändigen Registrierungen vereinfacht und durch ihren 

Aufbau im Saalrund für ein enormes Volumen sorgen kann. 

Doch der Versuchung, völlig losgelöst und ohne Notwendigkeit 

in dieses »Klangbad« einzutauchen, widersteht die blitzgescheite, 

stets wache und die Kontrolle nie achtlos weggebende 

Musikerin konsequent. Die Lettin stellt klar: »In gewissem Sinne 

bin ich ein konservativer Mensch. Ich muss nicht unbedingt 

alle Effekte nutzen, die mir ein modernes Instrument anbietet. Je 

KONZERTTERMIN 

Sonntag 27. Oktober 2024, 18:00 

Iveta Apkalna Orgel 

Luxembourg Philharmonic 

Gustavo Gimeno Dirigent 

Claude Lenners out of the blue für großes Sinfonieorchester 

Ottorino Respighi Feste romane P 157, Poema sinfonico 

für Orchester 

Pini di Roma P 141, Poema sinfonico für Orchester 

Francis Poulenc Konzert für Orgel, Streicher und Pauken 

g-Moll FP 93 


Iveta Apkalna 

Das Magazin 49

Geschichte 

und Zukunft der 

afroamerikanischen 

Musik 

Der Trompeter Theo Croker erfindet den Jazz neu 

Als Musikkritiker über Theo Croker zu schreiben, ist eine 

echte Herausforderung. Denn der US-amerikanische Trompeter 

lehnt die gängigen Hilfsmittel, derer man sich in der 

Regel bedient, um über Musik zu schreiben, vehement ab. 

Genrebezeichnungen und andere Schubladen, Vergleiche 

mit anderen Musikerinnen und Musikern – da wird der 

39-jährige Croker schnell ungehalten. So heißt die Single 

seines neuen Albums »Love Quantum« auch provokativ 

»Jazz is Dead«. Aber er meint das kaum wie Frank Zappa 

mit seinem berühmten Ausspruch »Jazz is not dead, it just 

smells funny« aus den frühen 1970-er Jahren als Kritik am 

Zustand des Genres, sondern als Kritik an einer statischen 

Genrebezeichnung. Damit steht er in einer Tradition mit Miles 

Davis, der bereits 1969 in einem Interview sagte, dass 

er den Begriff als rassistische Zuordnung von Weißen, die 

damit ein Geschäft machen, ablehne. 


KONZERTTERMIN 

Samstag, 26. Oktober 2024, 20:00 

»Love Quantum« 

Theo Croker trumpet, vocals, DJ mixer 

Mike King piano, keys 

Eric Wheeler double bass 

Michael Shekwoaga Ode drums 

© WDR/Peter Adamik 

Also – wie über Theo Croker schreiben, ohne das Etikett 

Jazz (das in diesem Text ja nun schon oft genug gefallen 

ist) zu verwenden? Vielleicht eine Annäherung über seine 

Biografie? Theo Croker wurde 1985 in Florida als Enkel 

des Trompeters Doc Cheatham geboren. Dieses Erbe hat 

ihn mit elf Jahren zur Trompete gebracht, ein Jahr später 

spielte er bei dem Gedenkgottesdienst des 1997 verstorbenen 

Cheatham erstmals vor Publikum. Seinem Großvater 

hat Theo Croker sein zweites Album »In the Tradition« aus 

dem Jahr 2009 gewidmet. Bis 2007 studierte er am Musikkonservatorium 

des Oberlin College bei dem Trompeter 

Donald Byrd, der vielleicht als einer der meistgesampelten 

Jazz-Musiker im Hip Hop gilt (… ohne Kategorien geht es 

einfach nicht). Noch während des Studiums konnte Croker 

dank eines Stipendiums sein Debütalbum »The Fundamentals« 

einspielen, nach seinem Abschluss gefolgt von der 

erwähnten Hommage an seinen Großvater Doc Cheatham. 

Beide Alben, das sagen schon die Titel, stehen deutlich in 

der Tradition des – man kommt wirklich nicht umhin, es so 

zu benennen – Jazz. Mit dem Album »Afro Physicist« (2014), 

das im letzten Jahr auf Vinyl wiederveröffentlicht wurde, 

öffnet Croker sich und seine Musik deutlich, ohne seine 

musikalische Herkunft zu verleugnen. Hier hört man Big- 

Band-Sound ebenso wie Funk und Soul, mitunter sogar in 

einem einzigen Track. Neben weiteren Gästen ist die Jazzsängerin 

Dee Dee Bridgewater in drei Stücken zu hören. Sie 

hat außerdem das Album produziert. Der Nachfolger »Star 

People Nation« (2019) erhielt eine Grammy-Nominierung in 

der Kategorie Zeitgenössische Instrumentalmusik. Waren 

die ersten zwei Alben eine Verbeugung vor den Ahnen und 

»Afro Physicist« eine ungerichtete Erkundung der Möglichkeiten, 

so hat man bei Crokers viertem Album das Gefühl, 

dass er bei sich angekommen ist. Durch das Album zieht 

sich ein Tonfall der Reife, die, der nicht ständig Neues erkunden 

muss, sondern bei aller Fusion-Nervosität und an 

Drum’n’Bass geschultem Schlagzeug in sich ruht. Die beiden 

Alben »BLK2LIFE – A Future Past« (2021) und »Love 

Quantum« (2022) führen diesen Weg konsequent fort und 

knüpfen zugleich an Crokers frühere Verbeugungen vor der 

Vergangenheit an, wenn er musikalisch über die Geschichte 

und Zukunft der afro-amerikanischen Musik nachdenkt. 

Auch dem Hip-Hop, der wohl einflussreichsten Musik der 

Gegenwart, zollt er nun Tribut mit Gästen wie dem Drummer 

und Sänger/Rapper Kassa Overall oder Wyclef Jean 

(ehemals The Fugees). Bei dem Track »State of the Union 

444« mit Jean konfrontiert er seine Trompete mit einem 

richtig düsteren Rap-Track. Auf »Love Quantum«, das mit 

dem besagten Stück »Jazz is Dead« eröffnet wird, spielt 

Croker mit seinem aktuellen Quartett, bestehend aus Mike 

King (Piano, Keyboard), Eric Wheeler (Double-Bass), Michael 

Shekwoaga Ode (Drums) und ihm selber an Trompete, 

DJ-Pult und mit Gesang. Dies ist auch die Besetzung für 

das Konzert in der Kölner Philharmonie. 

Christian Meyer-Pröpstl 

© Ollie Ali 

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SA 21. September 2024 

Kölner Philharmonie 

20.00 Uhr 

Karim Al-Zand 

Dmitrij Schostakowitsch 

Nikolaj Rimskij-Korsakow 

Miriam Khalil Sopran 

Sheku Kanneh-Mason Violoncello 

WDR Sinfonieorchester 

Cristian Măcelaru Leitung 


51 

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Stilsichere 

Freigeister 

Das Signum Quartett beweist mit einer Neukomposition von 

Abel Selaocoe seine stilistische Bandbreite 

Mit dem Signum Quartett ist ein Streichquartett in der Kölner 

Philharmonie zu Gast, das seit 1996 kontinuierlich auf den internationalen 

Bühnen zu Hause ist und dabei seinen ganz eigenen 

Klang entwickelt hat. Um den Olymp der Kammermusik 

zu erklimmen, braucht es einen langen Atem, denn das professionelle 

Quartettspiel ist eine Berufung, die in den meisten Fällen 

vor allem auf großer intrinsischer Motivation fußt und nicht 

umsonst als Königsdisziplin der Kammermusik gilt. Wenn man 

die Biografie des Signum Quartetts zitiert, dann hat sich das Ensemble 

mit »höchster Intensität, feinsten Differenzierungen und 

schonungsloser Expressivität« seinen Namen erspielt. Auch Innigkeit 

und Vitalität werden den vier Künstlerinnen und Künstlern 

immer wieder attestiert. Zu Recht. Wer das Glück hat, das 

Signum Quartett live zu erleben, der kann sich darüber hinaus 

von seiner schlüssigen Dramaturgie in der Programmgestaltung 

überzeugen und wird mit kompromissloser Perfektion und 

erfrischender Leichtigkeit verwöhnt. 

Längst sind Florian Donderer, Annette Walther, Xandi van Dijk 

und Thomas Schmitz, die in dieser Besetzung seit 2016 zusammenspielen, 

nicht nur gern gesehene Gäste in der Kölner 

Philharmonie, sondern auch in der Philharmonie de Paris, der 

Londoner Wigmore Hall, dem Amsterdamer Concertgebouw, 

dem Wiener Konzerthaus, der Hamburger Elbphilharmonie, der 

Carnegie Hall in New York und bei den BBC Proms. 

Im Konzertprogramm für die Kölner Philharmonie stellt das Signum 

Quartett einmal mehr seine stilistische Bandbreite unter 

Beweis: Neben Werken aus der Standard-Quartettliteratur wie 

Joseph Haydns Streichquartett D-Dur op. 20,4 Hob. III:34, mit 

dem Haydn 1772 als Quartettkomponist zur Höchstform auflief, 

und Robert Schumanns Streichquartett F-Dur op. 41,2, das als 

eines von drei Streichquartetten, die im Sommer 1842 innerhalb 

weniger Wochen entstanden sind, wiederum Schumanns romantische 

Begeisterung und sein intensives Studium der Vorbilder 

von Haydn, Mozart und Beethoven dokumentiert. Erst 

Anfang 1843 gab Schumann die Quartette zum Druck frei und 

widmete sie »seinem Freund Felix Mendelssohn-Bartholdy in 

inniger Verehrung«. 


Signum Quartett 

KONZERTTERMIN 



Florian Donderer Violine 

Annette Walther Violine 

Xandi van Dijk Viola 

Thomas Schmitz Violoncello 

Joseph Haydn Streichquartett D-Dur op. 20,4 Hob. III:34 

aus: 6 Divertimenti (»Sonnenquartette«) op. 20 

Leoš Janáček Streichquartett Nr. 2 »Listy důvěrné« 

(»Intime Briefe«) JW VII/13 

Abel Selaocoe Neues Werk für Streichquartett 

Robert Schumann Streichquartett F-Dur op. 41,2 


Vor der Pause bringen die vier Musikerinnen und Musiker 

Leoš Janáčeks Streichquartett Nr. 2, das den Untertitel »Listy 

důvěrné« (»Intime Briefe«) trägt. Es erzählt von der Entfremdung 

von seiner Ehefrau und der innigen Beziehung zu Kamila Stösslová, 

der der tschechische Komponist bis zu seinem Tod im August 

1928 Hunderte feurige Liebesbriefe schrieb: »Hinter jedem 

Ton stehst Du, lebendig, heftig, liebevoll«, so Janáček in einem 

Brief an die 38 Jahre jüngere Frau. 

Darüber hinaus hat das Signum Quartett mit einer Komposition 

des südafrikanischen Künstlers Abel Selaocoe auch noch 

ein brandneues Werk im Gepäck, das die zweite Konzerthälfte 

eröffnet und zugleich die spannende kompositorische Handschrift 

des Porträtkünstlers der neuen Spielzeit präsentiert. 

Durch ein Stipendium gelang Abel Selaocoe einst mit 18 Jahren 

der Sprung aus dem Township in der Nähe von Johannesburg 

ans Konservatorium in Manchester. Heute ist der Südafrikaner 

weltweit erfolgreich als Cellist, Sänger und Komponist unterwegs. 

Dabei verbindet er immer wieder westliche Musik mit den 

Klängen seiner Heimat – ein Spagat, den das Signum Quartett 

leichtfüßig meistert. Katherina Knees 


53

Júlio 

Resende 

Zwei Welten in zehn Fingern 

Dass sich die Menschen in Portugal heute frei bewegen und 

artikulieren können, verdanken sie der Nelkenrevolution von 

1974. Als der Pianist Júlio Resende im vergangenen Jahr sein 

Album »Sons of Revolution« veröffentlichte, da wollte er diesem 

historischen Ereignis ein klingendes Denkmal setzen. Der Sturz 

von Diktator António de Oliveira Salazar und dessen Nachfolger 

beendete nicht nur dessen Regime und ebnete den Weg 

zur Freiheit, zu demokratischen Wahlen, zu europäischer und 

globaler Offenheit. Das Datum markierte ebenfalls das Ende der 

portugiesischen Kolonialherrschaft und der damit verbundenen 

blutigen Kriege in Mosambik und Angola. »Ohne die Nelkenrevolution 

wäre ich nicht auf der Welt«, sagt Júlio Resende. »Mein 

Vater stammt aus Angola und emigrierte nach der Revolution 

nach Portugal, wo er meine Mutter kennenlernte. Die Freiheit, 

das auszudrücken, was ich denke und fühle, bedeutet mir sehr 

viel. Und das ist auch das Wichtigste im Jazz: Die einzige Konstante 

in dieser Musik ist die Idee der Freiheit.« 

Nicht nur wegen Sätzen wie diesen besitzt Júlio Resende die 

Befähigung, Portugals tief-emotionale Musik am Piano neu zu 

erfinden. Und das tut er, indem er gleich einen neuen Terminus 

ins Leben ruft: Fado Jazz. Mit dieser wagemutigen Melange 

zweier eigentlich konträrer Genres betritt der Tasten-Lyriker und 

Komponist bislang unerforschte Grenzbereiche. 

KONZERTTERMIN 

Freitag, 11. Oktober 2024, 20:00 

Júlio Resende piano 

Bruno Chaveiro portuguese guitar 

André Rosinha double bass 

Alexandre Frazão percussion 

»Sons of Revolution« 

Berückend schöne Eigenkompositionen 

Die Idee, die Musik seiner Heimat mit dem Vokabular des Jazz 

zu verbinden, ist für Resende demnach eine ganz natürliche. 

Und seine Pionierarbeit trägt ganz allmählich Früchte. »Kurioserweise 

fanden gerade die Fado-Musiker den Ansatz von 

Anfang an toll. Für sie ist Fado eine lebendige Musik, nichts Museales. 

Eine Kunstform mit tiefen Wurzeln, die sich aber ständig 

weiterentwickelt und mitten im Leben der Portugiesen passiert. 

Die Jazzer haben ein bisschen länger gebraucht, aber ich merke, 

dass sich immer mehr von ihnen trauen, ihre eigenen Traditionen 

stärker in ihre Musik einfließen zu lassen.« Freilich geht es 

bei Resendes Fado Jazz kaum um Bearbeitungen traditioneller 

Songs. Vielmehr lebt er von seinen oft berückend schönen, 

melodiegetragenen Eigenkompositionen, die den Geist beider 

Welten perfekt verkörpern. Mit einer Ausnahme: »Fado Poinciana 

For Ahmad Jamal« – eine Hommage auf den legendären 

amerikanischen Pianisten – bringt nicht den Jazz zum Fado, 

sondern umgekehrt. Und das Ergebnis klingt auch hier so leicht 

und natürlich, als hätte es diese Verbindung schon immer gegeben. 

Einst bestand der Fado fast ausschließlich aus Geschichten von 

an Land wartenden Frauen, während ihre Männer zur See fuhren. 

Doch er reflektierte außerdem die Unterdrückung während 

des Salazar-Regimes und die Hoffnungen der sogenannten 

Nelkenrevolution. »Ich weiß eigentlich nicht, ob ich Fado oder 

Jazz spiele, vielleicht beides«, beschreibt Resende sein Grenzgängertum. 

»Ich möchte mich aber nicht ausschließlich dem 

einen oder dem anderen verschreiben. Sobald man sich festlegt, 

dann lässt man sich die Möglichkeit der Entwicklung nicht 

mehr offen. Ich jedoch möchte frei und offen sein, so wie auch 

die Klänge von Fado und Jazz.« 

Eine besondere Konstante von Júlio Resendes Fado Jazz besteht 

neben dem Klavier in der für den Fado typischen, lautenähnlichen 

Guitarra portuguesa – einer Klangfarbe, die im Jazz 

ziemlich einzigartig sein dürfte. In Konzerten wie in der Kölner 

Philharmonie sticht sie aus Resendes perfekt eingespieltem 

Quartett mit Bassist André Rosinha und Schlagzeuger Alexandre 

Frazão heraus, ist aber auch in mehreren Duo-Stücken nur 

zusammen mit dem Klavier zu hören. Bedient wird sie von Bruno 

Chaveiro, einem der gefragtesten Spieler dieses Instruments 

und Begleiter von Fado-Größen wie Carminho oder Ana Moura. 

Derart ungewöhnliche und gleichzeitig organische Allianzen 

symbolisieren die Bedeutung der Musik von Júlio Resende. Es 

geht um Tiefe, um echte Emotionalität, um musikalische Freiheit, 

um ein Maximum an Ausdruck und eine ganz und gar gegenwärtige, 

lebendige Weiter-Erzählung einer in langer Zeit 

gewachsenen Tradition. Reinhard Köchl 




Jonathan Nott 

Heute der 

Blick auf Morgen 

Die Junge Deutsche Philharmonie 

auf Jubiläumstournee 


KONZERTTERMIN 



Jonathan Nott Dirigent 

Gustav Mahler Sinfonie Nr. 7 e-Moll 

Irgendwann kommt der Zeitpunkt der Häutung. Das Alte wird zu 

eng, zu klein, es passt nicht mehr so ganz. Vor dieser Situation 

standen vor einem halben Jahrhundert die Musizierenden, die 

dem Bundesjugendorchester entwachsen waren. Und jetzt? Für 

viele Mitglieder, die es in die Hochschulen zog, blieb als erste 

und oft einzige Anknüpfung das Orchester der jeweiligen Ausbildungsstätte. 

Eine nur teilbefriedigende Lösung. Warum also 

nicht ein überregionales Orchester gründen für Studierende? So 

entstand das »Bundesstudentenorchester«, bestehend aus Mitgliedern 

zwischen 18 und 28 Jahren. Das war 1974, die Zeit war 

geprägt vom Sog der 1968er-Bewegung, vieles musste sich neu 

justieren, Werte, Gesellschaft, Institutionen. 

TOGETHER NOW! 

In der Saison 2024/25 nun feiert die in Frankfurt beheimatete 

Junge Deutsche Philharmonie, wie sich das Orchester inzwischen 

nennt, rundes Jubiläum. Bewusst haben sich die 260 

Mitglieder aus mehr als 30 Nationen dazu entschieden, den 50. 

Geburtstag nicht mit einem einzelnen Festakt, sondern mit einer 

ganzen Jubiläumssaison zu feiern. Einer der Schwerpunkte 

ist die Herbsttournee, die das Orchester auch nach Köln führen 

wird. »Welches Stück wäre besser geeignet, alle Gegensätze zu 

vereinen, als Gustav Mahlers 7. Sinfonie?«, heißt es in der Saison-Ankündigung. 

»Ein Stück, das einem labyrinthischen Traum 

gleicht mit seiner Flut von märchenhaften Bildern und Szenen.« 

15. –25. August 2024 | 80 Konzerte 

Heute ist das Orchester aus der deutschen Orchesterlandschaft 

nicht mehr wegzudenken. Da ist einerseits die Historie. Aus der 

»Jungen Deutschen Philharmonie« sind etliche prominente Ableger 

hervorgegangen, ob das Ensemble Modern, die Deutsche 

Kammerphilharmonie Bremen oder das Freiburger Barockorchester. 

Da ist auch die lange Liste prominenter Namen, die das 

Orchester geprägt und mit ihm zusammengearbeitet haben. 

Von Pierre Boulez bis Jörg Widmann, von George Benjamin bis 

Matthias Pintscher – die Auseinandersetzung mit neuer, zeitgenössischer 

Musik gehört seit fünf Jahrzehnten zur festen DNA 

des Orchesters. Insofern ist die selbst erkorene Bezeichnung 

»Zukunftsorchester« keinesfalls übertrieben: »kreativ, lebendig 

und voller Tatendrang« lautet das Motto. Dabei sieht sich 

die Junge Deutsche Philharmonie zugleich als Brückenbauer 

zwischen Studium und Beruf, zwischen Heute und Morgen. Insofern 

ist das Orchester immer auch ein Botschafter seiner jeweiligen 

Generationen. Praktisch bedeutet das: Man trifft sich 

mehrmals im Jahr zu intensiven Probenphasen, geht anschließend 

auf Tournee und gastiert in renommierten Konzertsälen. 

Doch hinter diesem formalen Ablauf stecken zugleich bestimmte 

Ideale und Werte. Daher ist Musikvermittlung ein grundlegender 

Aspekt bei der Arbeit der Jungen Deutschen Philharmonie. 

Wissen und Leidenschaft für die Musik lassen sich schlecht im 

stillen Kämmerlein konservieren, sondern wollen geteilt und 

neue kreative Prozesse angestoßen werden. 

Doch 2024 ist nicht nur ein Jahr des Feierns, sondern gleichzeitig 

ein Jahr des Wandels. Ab Sommer übernimmt Maximilian 

von Aulock das Amt des Geschäftsführers, und Jonathan Nott, 

seit 2014 Erster Dirigent und Künstlerischer Berater, wird feierlich 

verabschiedet. Die Häutung geht also weiter. 

Christoph Vratz 

MITTENDRIN IM 

SUNNESCHING. 

Familien-Brunch 

am Sonntag, den 11. August 

online 

Am Hof 

Jetzt reservieren! 

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Stimmwelten – Stimmungswelten 2023 

Tag der offenen 

Philharmonie 2024 

Ein Tag des musikalischen Natur(er)lebens für alle 

Ein ganzer Tag voller Klänge für alle, inspiriert durch das Naturleben 

und Naturerleben! Der Tag der offenen Philharmonie 

am 3. Oktober bietet vielfältige Einblicke in die Education- 

Angebote der Kölner Philharmonie und ihrer Partner. Konzerte 

zum Zuhören und Mitmachen, Instrumente zum Entdecken 

und Aktionen in der Umgebung der Philharmonie sind für Groß 

und Klein zu erleben. Es erwartet Sie ein abwechslungsreiches 

Programm für unterschiedliche Altersgruppen bei freiem Eintritt. 

Das Programm am Vormittag richtet sich an Familien mit 

kleinen Kindern, der Nachmittag ist insbesondere der Jugend 

und jungen Erwachsenen vorbehalten. 

Den Tag über begleitet uns folgende Fragestellung: Wie leben 

wir mit der Natur – in der Vergangenheit, Gegenwart und 

Zukunft? Hierzu haben sich unterschiedliche Communities in 

Köln in den vergangenen Monaten in drei unterschiedlichen 

partizipativen Projekten intensiv Gedanken gemacht. Ihre Antworten 

spiegeln sich in den Musikwelten dieses Tages der 

offenen Philharmonie wider. Ob Gemeinsamkeiten, Auseinandersetzungen, 

Visionen oder Kritik, die Akteure des Tages vertonen 

ihre Gedanken und bringen sie auf die große Bühne der 

Kölner Philharmonie, um damit ein Zeichen für mehr Umweltsensibilität 

zu setzen! 

Programmstart um 11:00 für die Kleinen 

Den Auftakt gestaltet das Posaunenquartett des Gürzenich-Orchesters 

gemeinsam mit dem Erzähler Guido Sterzl in einem 

Familienkonzert ‚Karneval der Tiere‘ für die allerjüngsten Ohren. 

Ein ganzer Zoo aus Tönen - diese Welt erschafft Camille Saint- 

Saëns mit seinem berühmten Werk, in dem sich Löwen, Elefanten, 

Schildkröten und viele weitere Tiere präsentieren. 

In der Mittagszeit lädt das Jazzhaus Community Orchestra ein. 

Die inklusive Band mit Musikerinnen und Musiker zwischen 10 

und 70 Jahren, Laien und Profis, Menschen mit und ohne Beeinträchtigungen 

hat unter der Leitung von Julian Bossert und 

Joscha Oetz ihre ganz eigene musikalische Antwort auf die gesellschaftlichen 

Umweltfragen unserer Zeit formuliert. Die Prinzipien 

»Vielfalt« und »Barrierefreiheit« sind dabei Programm! 


Nachmittagskonzerte für Jugendliche und junge Erwachsene 

Am Nachmittag erzählen im Rahmen des interkulturellen Chorkonzertes 

insgesamt acht Laienchöre ihre individuellen Bezüge 

zur Natur. Ob das Schwelgen in Erinnerungen, die Auseinandersetzung 

mit der Umweltzerstörung heute oder die Naturschönheit 

anderer Länder dieser Erde, Hayat Chaoui begleitet den 

Choraustausch und lädt das Publikum wieder zum Mitsingen 

ein. Ein Loblied auf die Natur, wir laden dazu ein, die eigene 

Stimme zu erheben! Beide Communitykonzerte werden gefördert 

von der RheinEnergie-Stiftung Kultur. 

TERMIN 

Donnerstag, 3. Oktober 2024, 11:00 

Tag der offenen Philharmonie 

Der Eintritt ist frei! 

Die Konzerte werden gefördert von der RheinEnergie 

Stiftung Kultur, der PwC-Stiftung und vom Kuratorium 

KölnMusik e. V. 

Den Abschluss bildet ein mehrdimensionales Konzerterleben. 

Gemeinsam mit vier Klassen vom Georg-Simon-Ohm-Berufskolleg 

und Gymnasium Pesch haben sich Jugendliche und Junge 

Erwachsene zusammen mit einem multiprofessionellen Team 

auf den Weg gemacht, um kompositorische und multimediale 

Antworten zu ihren »Future Gardens« zu kreieren. Die Schülerinnen 

haben dabei ihre eigene kreative Auseinandersetzung in 

akustische Kompositionen, Visuals, Soundscapes und Kommunikationsmedien 

umgesetzt und bringen diese gemeinsam mit 

dem Fagottisten Mathis Stier und der Percussionistin Rie Watanabe 

multimedial auf die Bühne. Das eResponse-Kompositionsprojekt 

wird dankenswert gefördert durch die PwC-Stiftung. 

Rund um die Kölner Philharmonie wartet ein interessantes Rahmenprogramm, 

ob Präsentationen der Rheinischen Musikschule 

im Filmforum, der b:free Soundwalk (Bitte eigene Kopfhörer mitbringen!) 

und andere Interaktionsmöglichkeiten. 

Freuen Sie sich auf vielfältige musikalische Spiegelungen rund 

um das Thema Natur! 

22 

23|24 

Sep 

Verbotene Liebe 

Zum 150. Geburtstag von Arnold Schönberg 

Pelleas und Mellisande | Konzert für Streichquartett und Orchester | Fünf Orchesterstücke 

Quatuor Diotima | François-Xavier Roth 

Tickets unter: 

(0221) 22 12 84 00 

guerzenich-orchester.de

MELDUNGEN 

Schmerzen 

und Freuden 

der Seele 

Das Collegium Vocale Gent und 

Philippe Herreweghe im Festival FEL!X 

Philippe Herreweghe 

Berühmt für seinen durchsichtigen Klang gilt das Collegium 

Vocale Gent als Ausnahmephänomen. Sein legendärer Leiter, 

Originalklang-Experte Philippe Herreweghe, präsentiert mit diesen 

wunderbar klaren Stimmen Vokalmusik aus Italien an der 

Schwelle von der Renaissance zum Barock. 

Farbige Harmonik, Eleganz der Melodik, Klarheit und Ebenmaß 

zeichnen die Vokalmusik aus Italien um 1600 aus. Drei- bis achtstimmige 

Canzonen, Madrigale und Tanzlieder von Claudio Monteverdi 

und seinen Kollegen handeln vom Leben und Sterben, 

von der Liebe und den Sternen, von den Schmerzen und Freuden 

der Seele. Das Ausdrucksspektrum ist enorm – ideales Territorium 

für die gestaltungsfreudigen Sänger des Collegium Vocale 

Gent. Mit Fingerspitzengefühl geleitet Philippe Herreweghe sein 

hochgelobtes Vokalensemble durch diese faszinierenden musikalischen 

Landschaften. 

Mittwoch 28.08.2024, 20:00 St. Mariä Himmelfahrt 

Collegium Vocale Gent 

Philippe Herreweghe Dirigent 

Werke von Salamone Rossi, Giovanni Gastoldi, Luca Marenzio, 

Claudio Monteverdi, Sigismondo D'India und Giaches de Wert 

Bildunterschrift 

BlätterWerke 

Kinderkonzert 

Die Blätter leuchten um die Wette im späten Oktober. In der Kölner 

Philharmonie kann man sie sogar hören, die bunte Farbenpracht 

des Herbstes, im vielfältigen Programm des Ensembles 

kreuzvier, mit Werken aus verschiedenen Musikkulturen, präsentiert 

für kleine und große Ohren. 

In ihrem abwechslungsreichen Programm »BlätterWerke« bringen 

die drei Musiker des Ensembles #kreuzvier ihren kleinen 

und großen Zuhörern den Klang der Blätter nahe. Instrumental 

und vokal, mit einer Vielzahl an Musikrichtungen, an Instrumenten 

und Klangfarben lassen sie einen akustischen Blätterwald im 

Saal der Kölner Philharmonie entstehen und ziehen das Publikum 

in ihren Bann. Zuhören und staunen, selber mitmachen und genießen 

heißt die Devise. Es gibt viel zu entdecken: So klingt der 

Herbst in der Kölner Philharmonie! 

Ensemble #kreuzvier 

Sonntag, 27. Oktober 2024, 11:00 


Johanna Risse Gesang, Violine, Rahmentrommel, Shruti 

Clara Flaksman Viola, Klavier, Gesang, Ukulele, Bodhrán 

Jacques Wery Klavier, Posaune, Darbuka, Gesang, Schlagzeug 

Eine Produktion der KölnMusik 


MELDUNGEN 

Tournee 

zum 70. 

Pat Metheny’s 

Dream Box-MoonDial-Tour 

Pat Metheny ist einer der erfolgreichsten Gitarristen der heutigen 

Jazzwelt. In seinen bald siebzig Lebens- und fünfzig Karrierejahren 

hat sich »der Kreativmotor des Jazz«, wie ihn die New York 

Times nannte, nicht nur mit seinen verschiedenen Bands, sondern 

auch an der Seite von so unterschiedlichen Künstlerinnen 

und Künstlern wie Steve Reich, David Bowie, Herbie Hancock 

und Joni Mitchell in die erste Reihe gespielt. 

Pat Metheny 

Die Konzerte der »Dream Box-MoonDial«-Tour werden seine sehr 

unterschiedlichen Solo-Produktionen widerspiegeln und sich 

»ziemlich tief mit all den verschiedenen Arten, wie ich im Laufe 

der Jahre solo gespielt habe, befassen«. So Pat Metheny selbst. 


Pat Metheny guitar 

Rising Stars 

Der Luxemburger Cellist 

Benjamin Kruithof 

Nobel, füllig und sonor: Das Cello ist ein vielseitiges Instrument. 

Und auf einem ganz besonderen Cello spielt Rising Star Benjamin 

Kruithof – und demonstriert im Konzert gleich auch den ganzen 

Facettenreichtum seines tenoralen Streichinstruments. 

Gebaut im 18. Jahrhundert in den Werkstätten des legendären 

Giovanni Battista Guadagnini in Piacenza, entlockt der junge luxemburgische 

Cellist, der eine Zeitlang auch in Köln studierte, 

seinem Instrument mit Nadia Boulanger einen impressionistischen 

Farbenreichtum, erweckt Benjamin Brittens bizarr-charaktervolle 

Sonate zum Leben und steigert sich in Rachmaninows 

Opus vom düsteren Beginn zum furiosen Abschluss. Dazu spielt 

er mit seinem Klavier-Duopartner Marco Sanna ein neues Werk 

der britischen Komponistin Sally Beamish, die sich als Bratschistin 

bestens auskennt mit Streichinstrumenten. 

»Rising Stars« ist ein Projekt der European Concert Hall Organisation 

(ECHO). Benjamin Kruithof wurde nominiert von Het Concertgebouw 

Amsterdam und der Philharmonie du Luxembourg. 

Benjamin Kruithof 


Benjamin Kruithof Violoncello 

Marco Sanna Klavier 

Nadia Boulanger Trois Pièces für Violoncello und Klavier 

Sally Beamish Neues Werk 

Kompositionsauftrag von Het Concertgebouw Amsterdam, 

Philharmonie du Luxembourg und 

European Concert Hall Organisation (ECHO) 

Benjamin Britten Sonate für Violoncello und Klavier C-Dur op. 65 

Sergej Rachmaninow Sonate für Violoncello und Klavier 

g-Moll op. 19 


61

MI 

21 22 

DO 

20:00 20:00 

Alexandra Cravero 

ONE PIECE Music Symphony 

25th Anniversary World Tour 

Höhner 

August 

FR 

23 

20:00 

/ 

SO 

– 

25 

20:00 

Junge Sinfonie Köln 

Sebastian Hässy Leitung 

Höhner Classic 2024 

DI 

27 

19:00 

Anima Eterna Brugge 

Pablo Heras-Casado Dirigent 

Philharmonie.7 – 

Eine Stunde (R)auszeit 

Anton Bruckner 

Sinfonie Nr. 4 Es-Dur 

(»Romantische«) WAB 104,1 

1. Fassung 

Gefördert vom 

Kuratorium KölnMusik e. V. 

und der Kunststiftung NRW 

DO 

29 

20:00 

B’Rock Vocal Consort 

B’Rock 

Andreas Küppers Orgel, Cembalo 

und künstlerische Leitung 

»Monteverdi in Flandern« 

Werke von Cipriano de Rore, 

Nicolas Gombert, Claudio 

Monteverdi, Giaches de Wert 

und Adrian Willaert 



FR 

30 

20:00 

Hannah Morrison Sopran 

Camille Allerat Sopran 

Lucretia Starke Sopran 

Laura Lopes Mezzosopran 

Anthea Pichanik Alt 


»Brabant 1653« 

Anonymus 

»Jesu Redemptor omnium« 

aus einem Graduale, notiert 

von Frans Jespers 

»Adoro te devote« 

aus einem niederländischen 

Graduale 

Gregorianischer Gesang 

»Rorate coeli« 

aus einem niederländischen 

Graduale 

»Stabat Mater« 

aus einem zumindest teilweise 

von Benedictus a 

Sancto Josepho redigierten 

Processionale 

sowie Werke von: Cornelis 

Verdonck, Benedictus a 

Sancto Josepho, Carl Rosier, 

Jan Baptist Verrijt und Herman 

Hollanders 



SA 

31 

20:00 

SALOMEA 

Rebekka Salomea vocals 

Yannis Anft keys 

Oliver Lutz electric bass 

Leif Berger drums 

KNOWER 

Genevieve Artadi vocals 

Louis Cole drums 

Sam Wilkes bass 

Iridescent Tones keys 

Isis Giraldo keys 

Thom Gill electric guitar 

SALOMEA 

KNOWER – KNOWER FOREVER 

September 

SO 

01 

18:00 


Paul van Nevel Dirigent 

»Polyphone (T)Räume« 

Die franko-flämische 

Polyphonie des 15. und 

16. Jahrhunderts 

Werke von Alexander Agricola, 

Pierre Cadéac, Josquin 

des Prez, Nicolas Gombert 

u. a. 



MO 

02 

20:00 

Daniil Trifonov Klavier 

Gewandhausorchester Leipzig 

Andris Nelsons Dirigent 

Thomas Adès 

Shanty – Over the Sea 

für Streichorchester 

Wolfgang Amadeus Mozart 

Konzert für Klavier und Orchester 

C-Dur KV 503 

Anton Bruckner 

Sinfonie Nr. 6 A-Dur WAB 106 



DO 

05 

20:00 

Anne-Sophie Mutter Violine 

Pittsburgh Symphony Orchestra 

Manfred Honeck Dirigent 

Jubiläumskonzert: 111 Jahre WDK 

John Adams 

Short Ride in a Fast Machine 

Fanfare for Orchestra 


Konzert für Violine und Orchester 

e-Moll op. 64 

Gustav Mahler 

Sinfonie Nr. 1 D-Dur 

SA 

07 

20:00 

08 

SO 

20:00 

Siobhan Stagg Sopran 

Claudia Mahnke Mezzosopran 

Bürgerchor 

Gürzenich-Orchester Köln 

François-Xavier Roth Dirigent 

Rückkehr – Festkonzert 

Gustav Mahler 

Sinfonie Nr. 2 c-Moll 

für Sopran, Alt, Chor und 

Orchester 

/ 

MO 

09 

20:00 

Wiebke Lehmkuhl Alt 

Eric Cutler Tenor 

Verneri Pohjola Trompete 

Staatskapelle Berlin 

Susanna Mälkki Dirigentin 

Kaija Saariaho 

Hush 

Konzert für Trompete und 

Orchester 

Gustav Mahler 

Das Lied von der Erde 

für Tenor, Alt/Bariton und 

Orchester. Texte nach Hans 

Bethges »Die chinesische Flöte« 



DI 

10 

20:00 

Baltic Sea Philharmonic 

Kristjan Järvi Dirigent 

Nordic Swans 

Jean Sibelius 

Tuonelan joutsen (Der Schwan 

von Tuonela) op. 22,2 

Arvo Pärt 

Swansong 



Peter Iljitsch Tschaikowsky 

Suite aus »Der Schwanensee« 

op. 20 CS 12 

zusammengestellt von Kristjan 

Järvi

MI 

11 

20:00 

S.O.S. – GLOW UP YOUR POWER 

Benefizkonzert zugunsten 

Kindernöte e. V. 

FR 

13 

20:00 

Leif Ove Andsnes Klavier 

Mahler Academy Orchestra 

Philipp von Steinaecker Dirigent 

Sergej Rachmaninow 



Gustav Mahler 

Sinfonie Nr. 5 cis-Moll 

SA 

14 

11:00/15:00 

Die Maus Moderation 


Jesko Sirvend Dirigent 

Jana Forkel Moderation 

Johannes Büchs Moderation 

WDR Familienkonzert: 

Das Konzert mit der Maus 

SO 

15 

18:00 


Jonathan Nott Dirigent 

Gustav Mahler 

Sinfonie Nr. 7 e-Moll 


MO 

16 

20:00 

Georg Philipp Telemann 

Konzert für Flöte, Violine, Violoncello, 

Streicher und Basso 

continuo A-Dur TWV 53:A2 

Marc Migó 

Concerto Grosso Nr. 1 

»The Seance« 

für Barockensemble 

Antonio Vivaldi 

Concerto für zwei Violinen, 

Violoncello, Streicher und Basso 

continuo d-Moll op. 3,11 RV 565 

Concerto für Flöte, Streicher und 

Basso continuo g-Moll op. 10,2 

RV 439 

Arcangelo Corelli 

Concerto grosso D-Dur op. 6,4 

SJ Hanke 

Starfish Rebellion II 

SA 

21 

20:00 

Sheku Kanneh-Mason Violoncello 


Cristian Măcelaru Dirigent 

Klangzauber 

Karim Al-Zand 

Al Hakawati 



Dmitrij Schostakowitsch 

Konzert für Violoncello und 

Orchester Nr. 1 Es-Dur op. 107 

Nikolaj Rimskij-Korsakow 

Šecherazada (Scheherazade) 

op. 35 

Sinfonische Suite für Orchester 

SO 

22 

11:00 

Quatuor Diotima 

Yun-Peng Zhao Violine 

Léo Marillier Violine 

Franck Chevalier Viola 

Pierre Morlet Violoncello 


François-Xavier Roth Dirigent 

Verbotene Liebe 

Arnold Schönberg 

Fünf Orchesterstücke op. 16 

TERMINE 

Konzert für Streichquartett und 

Orchester B-Dur 

nach dem Concerto grosso B-Dur 

op. 6 Nr. 7 von Georg Friedrich 

Händel 

Pelléas und Melisande op. 5 

Sinfonische Dichtung nach dem 

Drama von Maurice Maeterlinck 

SO 

22 

16:00 

Benjamin Kruithof Violoncello 

Marco Sanna Klavier 

Nadia Boulanger 

Trois Pièces 

für Violoncello und Klavier 

Sally Beamish 

Neues Werk 

Kompositionsauftrag von Het 

Concertgebouw Amsterdam, 

Philharmonie du Luxembourg und 

European Concert Hall Organisation 

(ECHO) 

Benjamin Britten 

Sonate für Violoncello und 

Klavier C-Dur op. 65 


Sonate für Violoncello und 

Klavier g-Moll op. 19 

SO 

22 

20:00 

Dorothea Brandt Sopran 

Bettina Schaeffer Alt 

Thomas Laske Bariton 

Lucas Singer Bass 

Europäischer Kammerchor 

Köln e. V. 

Kölner Kurrende 

Estonian Youth Choir 

Mitglieder aus Chören des 

Netzwerks Kölner Chöre 

Osnabrücker Symphonieorchester 

Michael Reif Dirigent 

In Terra Pax – Friedenskonzert 

Frank Martin 

In terra pax 

Oratorium für Sopran, Alt, Tenor, 

Bariton, Bass, zwei Chöre und 

Orchester. Texte aus der Bibel 

Riho Esko Maimets 

Neues Werk 

Uraufführung 


»Verleih uns Frieden« 

Choral für gemischten Chor, 

kleines Orchester und Orgel 

Text von Martin Luther 

MO 

23 

DI 

20:00 

wie So 22.09. 11:00 

/ 

MI 

25 

20:00 

24 

20:00 



Guglielmo Dandolo Marchesi 

Violine 

Gregor Hrabar Viola 

Bartolomeo Dandolo Marchesi 

Violoncello 

Josquin des Prez 

»Mille regretz« 

[Echtheit zweifelhaft] 

Chanson für vier Stimmen 

Franz Schubert 

Streichquartett a-Moll op. 29 D 804 

Marc Migó 

Streichquartett Nr. 2 »Sardana 

– Quodlibet« 


Streichquartett e-Moll op. 59,2 

FR 

27 

20:00 

Alina Ibragimova Violine 


Anja Bihlmaier Dirigentin 

Schwerelos 

Igor Strawinsky 

Concerto in Es 

für Kammerorchester 



e-Moll op. 64 

Jean Sibelius 

Sinfonie Nr. 1 e-Moll op. 39 

SA 

28 

20:00 

Anoushka Shankar sitar 

Arun Ghosh clarinet 

Sarathy Korwar drums 

Pirashanna Thevarajah indian 

percussion 

Tom Farmer bass, keys 

SO 

29 

11:00 

Ford-Sinfonieorchester 

Steffen Müller-Gabriel Dirigent 

Herbstkonzert 


SO 

29 

16:00 

Christoph Sietzen Percussion 

Bogdan Bacanu Marimbaphon 

Academy of Ancient Music 

Bojan Čičić Konzertmeister 

Giorgio Musolesi 

Neues Werk 

für Schlagzeug und Barockorchester 

Uraufführung 

Kompositionsauftrag der Kölner 

Philharmonie (KölnMusik) 

sowie Werke von Antonio Bertali, 

Francesco Geminiani, Georg 

Friedrich Händel, Johann 

Sebastian Bach, Anonymus, 

Iannis Xenakis und Constanzo 

Festa 



Oktober 

DI 

01 

20:00 

SA 

05 

20:00 

Kurt Elling vocals 

WDR Big Band 

Bob Mintzer leader, arrangements 

WDR Big Band In Concert 

Philipp Poisel 

SO 

06 

20:00 

Neon Acoustic Orchestra 

MO 

07 

20:00 

Philippe Jaroussky Countertenor 

L’Arpeggiata 

Christina Pluhar Theorbe und 

Leitung 

»Passacalle de la Follie« 

DO 

10 

20:00 

Florian Boesch Bariton 

Malcolm Martineau Klavier 

Robert Schumann 

Die beiden Grenadiere 

(»Nach Frankreich zogen zwei 

Grenadier’«) op. 49,1. Text von 

Heinrich Heine 

Belsatzar. Ballade op. 57 

für Singstimme und Klavier. Text 

von Heinrich Heine 

Der arme Peter op. 53,3. Text von 

Heinrich Heine 

»Mein Wagen rollet langsam« 

op. 142,4. Text von Heinrich Heine 

»Wer nie sein Brot mit Tränen aß« 

op. 98a,4 

»Wer sich der Einsamkeit ergibt« 

op. 98a,6 

»An die Türen will ich schleichen« 

op. 98a,8 

Dichterliebe op. 48 

Liederzyklus für Singstimme und 

Klavier. Texte aus Heinrich Heines 

»Buch der Lieder« 

Johannes Brahms 

Sonntag (»So hab ich doch«) 

op. 47,3. Text nach einem Volkslied, 

bearbeitet von Ludwig 

Uhland 

Blinde Kuh (»Im Finstern geh ich«) 

op. 58,1. Text aus dem Italienischen 

von August Kopisch 

Sehnsucht (»Mein Schatz ist nicht 

da«) op. 14,8. Volkslied 

MO 

30 

20:00 

Angela Metzger Orgel 

Julia Hagen Violoncello 

Orgel Plus... Violoncello 

Antonio Vivaldi 

Sonate Nr. 1 für Violoncello und 

Basso continuo B-Dur RV 47 

Gabriel Pierné 

Trois Pièces op. 29 

für Orgel 

Sofia Gubaidulina 

In croce 

für Violoncello und Orgel 


Suite für Violoncello solo Nr. 1 

G-Dur BWV 1007 

Max Bruch, Heinrich Reimann 

Kol Nidrei d-Moll für Violoncello 

mit Orchester und Harfe nach 

hebräischen Melodien op. 47 

Bearbeitung für Violoncello und 

Orgel 

Philipp Maintz 

« haché » 

für Orgel solo 

Uraufführung 

Josef Gabriel Rheinberger 

Abendlied 

Kit Armstrong Klavier 


Fünfzehn Sinfonien BWV 787–801 

für Klavier 

Franz Liszt 

Etudes d’exécution 

transcendante S 139 

für Klavier 

MI 

02 

19:00 

Bläserklassen 

aus Nordrhein-Westfalen 

WDR Funkhausorchester 

Wayne Marshall Dirigent 

Federico Bresciani Moderation 

Gershwin mal anders: 

Symphonic Grooves 

DO 

03 

11:00 

Tag der deutschen Einheit 

Tag der offenen Philharmonie 

FR 

04 

20:00 

Bodo Wartke Gesang, Klavier 

Wandelmut 

Werke von Lorenzo Allegri, Gabriel 

Bataille, Maurizio Cazzati, 

Henry de Bailly, Claudio Monteverdi, 

Henry Purcell, Luigi Rossi 

u. a. 



Novoflot 

DI 

08 

20:00 

Die Schönberg-Gala 

MI 

09 

19:00 

Tara Khozein Sopran 

Hanni Lorenz Schauspielerin 

Ensemble Modern 

Ondřej Adámek Dirigent 

Thomas Fiedler Dramaturgie 

Norbert Ommer Klangregie 

Philharmonie.7 – 

Keine unmögliche Stunde 


Connection Impossible / 

Unmögliche Verbindung 

Musiktheater. Konzeption 

von Thomas Fiedler und 


Konzertante Fassung 


»Dein blaues Auge« op. 59,8. Text 

von Klaus Groth 

»Kein Haus, keine Heimat« op. 94, 

5. Text von Friedrich Halm 

Die Trauernde (»Mei Mueter«) 

op. 7,5. Volkslied 

Schwermut (»Mir ist so wehe«) 

op. 58,5. Text von Karl Candidus 

»Es steht ein Lind« WoO 33,41 

FR 

11 

20:00 

Júlio Resende piano 

Bruno Chaveiro portuguese guitar 

André Rosinha double bass 

Alexandre Frazão percussion 

»Sons of Revolution« 

SA 

12 

20:00 

Yefim Bronfman Klavier 

NDR Elbphilharmonie Orchester 

Alan Gilbert Dirigent 

»Giganten der Romantik« 




Peter Iljitsch Tschaikowsky 

Sinfonie Nr. 4 f-Moll op. 36 CS 24 


SO 

13 

11:00 

FR 

18 

20:00 

FR 

25 

19:00 

MO 

28 

20:00 

Pavel Kolesnikov Klavier 

Kölner Kammerorchester 

Christoph Poppen Dirigent 

Reise nach Wien 

Joseph Haydn 

Sinfonie A-Dur Hob. I:59 



Nr. 4 G-Dur op. 58 


Sinfonie D-Dur KV 504 

SO 

13 

20:00 

Thomas Quasthoff Quartett 

Thomas Quasthoff vocals 

Simon Oslender keyboards 

Dieter Ilg bass 

Wolfgang Haffner drums 

Nils Landgren trombone 

Bill Evans saxophone 


von Thomas Quasthoff 

GLOW UP – Demokratie feiern 

SA 

19 

20:00 

Joja Wendt Klavier 

»Spiel doch mal leiser!« 

SO 

20 

11:00 

Alexander Melnikov Klavier 


Ivor Bolton Dirigent 

Ewig jung 

Carl Maria von Weber 

Sinfonie Nr. 1 C-Dur op. 19 JV 50 



d-Moll KV 466 

Menuetto. Allegretto – Trio 

aus: Sinfonie Es-Dur KV 543 

SO 

20 

20:00 

Giusy Ferrigno vocal 

Zuzana Miková vocal 

Sabina Olijve vocal 

Giacomo Voli vocal 

František Hönig drums 

Jiri Rambousek guitars 

The Symphonic Rock Orchestra 

Friedemann Riehle lead 

Chris de Burgh 

5 0 L O 

SA 

26 

20:00 

Theo Croker trumpet, vocals, DJ 

mixer 

Mike King piano, keys 

Eric Wheeler double bass 

Michael Shekwoaga Ode drums 

»Love Quantum« 

SO 

27 

11:00 


Johanna Risse Gesang, Violine, 

Rahmentrommel, Shruti, Glockenspiel 

Clara Flaksman Viola, Klavier, 

Gesang, Ukulele, Bodhrán, Rahmentrommel 

Jacques Wery Klavier, Posaune, 

Darbuka, Gesang, Schlagzeug, 

Gitarre, Tin Whistle 

Kinderkonzert 

»BlätterWerke« 

SO 

27 

18:00 


Florian Donderer Violine 

Annette Walther Violine 

Xandi van Dijk Viola 

Thomas Schmitz Violoncello 

Joseph Haydn 

Streichquartett D-Dur op. 

20,4 Hob. III:34 

Leoš Janáček 

Streichquartett Nr. 2 »Listy 

důvěrné« (»Intime Briefe«) 

JW VII/13 

Abel Selaocoe 

Neues Werk 

für Streichquartett 

Robert Schumann 

Streichquartett F-Dur op. 41,2 



Midori Violine 

DO 

31 

20:00 


Joshua Weilerstein Dirigent 

Fluchtpunkt – Sonderkonzert 

Pavel Haas 

Studie für Streichorchester 

Béla Bartók 


Nr. 2 Sz 112 

Antonín Dvořák 

Sinfonie Nr. 7 d-Moll op. 70 B 141 

MO 

14 

20:00 

»Rock The Opera« 

mit den größten Hits von Pink 

Floyd, Queen, AC/DC, Radiohead, 

Deep Purple u. v. a. 

Pat Metheny guitar 

Dream Box Tour 

DI 

15 

20:00 

Bläck Fööss 

Mirko Bäumer Gesang 

Pit Hupperten Gitarre 

Hanz Thodam E-Bass 

Andreas Wegener Klavier 

Christoph Randerath Gitarre 

Alex Vesper Schlagzeug 

Bläck Fööss Konzert 2024 

Yiruma Klavier 

Live in Köln 

DO 

17 

20:00 

MO 

21 

20:00 / 

wie 20.10, 11:00 

DI 

22 

20:00 

MI 

23 

20:00 

Konstantin Wecker 

& Band 

Der Soundtrack meines Lebens 

Mighty Oaks 

DO 

24 

20:00 

Iveta Apkalna Orgel 

Luxembourg Philharmonic 

Gustavo Gimeno Dirigent 

Claude Lenners 

out of the blue 

für großes Sinfonieorchester 

Francis Poulenc 

Konzert für Orgel, Streicher und 

Pauken g-Moll FP 93 

Ottorino Respighi 

Feste romane P 157 

Poema sinfonico für Orchester 

Pini di Roma P 141 

Poema sinfonico für Orchester 

Fotonachweise: 

Alinde Quartett © Davide Cerati; 

Anoushka Shankar © Laura 

Lewis; Christoph Sietzen © 

Matthias Baus; Kit Armstrong 

© Marco Borggreve; Philippe 

Jaroussky © Simon Fowler; 

Thomas Quasthoff © Gregor 

Hohenberg; Iveta Apkalna © 

Christian Palm 

Alle Infos zum aktuellen 

Status der Konzerte finden 

Sie auf unserer Webseite. 


T 

KARTENKAUF 

koelner-philharmonie.de 

Onlinekartenkauf im Webshop der Kölner Philhar monie. 

Philharmonie-Hotline: 0221 280 280 

Vorverkaufsstelle 

Konzertkasse: Kurt-Hackenberg-Platz / Ecke Bechergasse, 50667 Köln 

gegenüber der Kölner Philharmonie 

Montag – Samstag 12:00-20:00 Uhr 

und jeweils zwei Stunden vor Konzertbeginn 

Bitte beachten Sie, dass in der Konzertkasse nur Kartenzahlung möglich ist. 

Akzeptiert werden alle Giro- und Kreditkarten sowie Apple Pay und Google Pay. 

Der Weg von der Kölner Philharmonie bis zur Konzert- und Tageskasse ist 

barrierefrei. 

Abonnementservice 

Konzertkasse: Kurt-Hackenberg-Platz / Ecke Bechergasse, 50667 Köln 

Tel.: 0221 204 08 204 

abo@koelnmusik.de 

Kartenpreise 

Alle Preise sind Endpreise, inkl. aller Gebühren. 

Adresse 

Unseren Konzertsaal finden Sie in der Bischofs gartenstraße 1, 50667 Köln 

im Schatten des Kölner Doms. 

Plätze 

Besucher in den Blöcken C und F kommen schneller ins Foyer, wenn sie 

die oberen Ausgänge benutzen! Gehbehinderte brauchen für die X- und 

Y-Balkone jeweils nur neun Stufen zu überwinden. Die Plätze in Block Z 

erreichen Sie mit einem Aufzug. Bitte halten Sie den auf Ihrer Eintrittskarte 

vermerkten Platz ein. 

Partner 

I 

II 

B E 

A C D F 

III G H L M N Q auch Seitenplätze A * D * 

IV I K O P 

V T * º Y * º 

auch Reihe 32 und 33 LQ 

auch Seitenplätze GM 

Reihe 29 und 30 IKOP 

KONZERTSAAL 

Tages- / Abendkasse 

Die Konzertkasse am Kurt-Hackenberg-Platz /Ecke Bechergasse öffnet 2 Stunden 

vor Konzertbeginn, dort können Sie noch Tickets im Vorverkauf erwerben. 

Stehplatzkarten sind ab 2 Stunden vor Konzertbeginn erhältlich, auch online auf 

koelner-philharmonie.de. 

VI U * º X * º 

Z 

R S 

Balkone 

Chorempore mit Rollstuhlplätzen 

(Reihe 4 º ) 

Stehplätze und Rollstuhlplätze 

Ermäßigungen 

Bei Konzerten der KölnMusik erhalten Schüler, Studierende (unter 29 Jahre), 

Auszubildende, Schwer behinderte und Köln-Pass-Inhaber in der Regel 25 Prozent 

Rabatt. Bitte beachten Sie: Es kann nur jeweils eine Preisermäßigung beansprucht 

werden. Der Ermäßigungsnachweis ist beim Kauf der Karte und Einlass 

in den Saal unaufgefordert vorzuzeigen. 

L 

Q 

Fahrausweise 

Ihre Eintrittskarte ist zugleich Hin- und Rückfahrkarte im Verkehrsverbund 

Rhein-Sieg. Die Hinfahrt darf frühestens vier Stunden vor Beginn der Veranstaltung 

angetreten werden. Die Rückfahrt muss spätestens um 10 Uhr des Folgetages 

abgeschlossen sein, wenn am Abend keine Züge mehr verkehren. Im Hinblick 

auf die Gültigkeitsdauer der Fahrscheinberechtigung vor und nach der 

Veranstaltung gelten die Bestimmungen des jeweiligen Verkehrsverbunds bzw. 

Verkehrsunternehmens. Die Eintrittskarte ist nach Veranstaltungsbesuch nicht 

auf andere Personen übertragbar, auch nicht als Fahrausweis. 

R 

I 

G 

K 

H 

A 

C 

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M 

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S 

Datenschutz 

Wir nehmen den Datenschutz ernst und informieren Sie auf der Internet-Seite 

koelner-philharmonie.de/datenschutz/, wie wir Ihre Daten verarbeiten und welche 

Ansprüche und Rechte Ihnen nach den datenschutzrechtlichen Regelungen 

zustehen. In der Konzertkasse händigen wir Ihnen die Datenschutz-erklärung 

gerne auch in gedruckter Form zum Mitnehmen aus. 

U 

Z 

Danke! 

Wir tun alles, um Programm-, Besetzungs- oder Terminänderungen zu 

vermeiden. Trotzdem lassen sie sich manchmal nicht umgehen. Beachten 

Sie deshalb bitte unsere Mitteilungen in der Tagespresse und im Internet 

(koelner-philharmonie.de). Grundsätzlich berechtigen Besetzungs- und 

Programm änderungen nicht zur Rückgabe bereits erworbener Eintrittskarten 

oder Abonnements. 

* In diesen Blöcken kann es Sichtbehinderungen geben. 

º Diese Plätze werden nicht bei allen Konzerten ange boten. 

Y 

X 

IMPRESSUM 


ist die Zeitschrift der Kölner Philharmonie und erscheint alle drei Monate. 

Das Heft ist im Abonnement für € 16,– im Postversand zu beziehen und liegt in ausgesuchten 

Verteilstellen aus. Abonnentinnen und Abonnenten genießen besondere Vorteile. 

Herausgeber 

Kölner Philharmonie, KölnMusik GmbH, Bischofsgartenstraße 1, 50667 Köln 

V.i.S.d.P. 

Louwrens Langevoort, Intendant 

Redaktion 

Gesa Köhne, mit Beiträgen von Oliver Binder, Helge Birkelbach, Jan Boecker, Dorle Ellmers, 

Guido Fischer, Tom Fuchs, Susanne Göllner, Katherina Knees, Reinhard Köchl, Jan Hagen Krüger, 

Louwrens Langevoort, Christian Meyer-Pröpstl, Philipp Möller, Manfred Müller, Regine Müller, Yvonne 

Schroeder, Sebastian Tebarth, Anne Tüshaus, Christoph Vratz, Anke Wildhusen (wil), Bjørn Woll. 

Gesamtdesign 

hauser-lacour kommunikationsgestaltung GmbH 

Gestaltung und Layout 

MWK Zimmermann & Hähnel GmbH Köln – www.mwk-koeln.de 

Druck 

Weiss-Druck GmbH & Co. KG – www.weissgruppe.de 

Anzeigen 

MWK Zimmermann & Hähnel GmbH Köln 

Ute Singer 0221 - 12 34 35 

Neumarkt 1c, 50667 Köln 

Mediaunterlagen auf Anfrage oder unter www.mwk-koeln.de 

Bildnachweis 

Titel: Simon Fowler; S. 2: KölnMusik/Matthias Baus; S. 4: Simon Fowler, KölnMusik/Matthias Baus, Harmonia 

Mundi/Javier Salas, Falko Siewert (v.o.n.u.); S. 5: Michal Novak (o.r.), Laura Lewis (l.), Hugo Silva (u.r.); S. 6: 

Marica Rosengard; S. 8/9: Sound & Picture Design; S. 10: Marco Borggreve; S. 11: Dario Acosta; S. 12: KölnMusik/ 

Matthias Baus; S. 14: Menie Weissbacher; S. 16: Harmonia Mundi/Javier Salas; S. 18: Björn Comhaire; S. 20: 

Christian Palm; S. 21: Wouter Jansen; S. 22/23: Luk Van Eeckhout; S. 24: schneiderphotography; S. 25: Simon 

Pauly; S. 26: Helge Hansen/Sony Music Entertainment; S. 28: Laura Lewis; S. 30/31: Davide Cerati; S. 33: Gregor 

Hohenberg; S. 34: Sophia Hegewald; S. 36: Marco Borggreve; S. 38/39: Falko Siewert; S. 40: Falko Siewert; S. 41: 

Janet Sinica; S. 42: Michal Novak; S. 43: Michal Novak; S. 45: Foto: Matthias Baus; S. 46: Clemens Fabry; S. 49: 

Aiga Redmane; S. 50: Obidigbo Nzeribe; S. 52/53: Irene Zandel; S. 55: Hugo Silva; S. 56: Guillaume Megevand; 

S. 58: Holger Talinski; S. 59: Holger Talinski; S. 60: Stephan Vanfleteren (o.), Nikolas Müller (u.); S. 61: Jimmy Katz 

(o.), Kaupo Kikkas (u.); FEL!X-Wortmarke: Sonja Irini Dennhöfer, Studio Süd 

Letzte Aktualisierung 

27. Mai 2024 


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Das Magazin Nr. 4 / 2024

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