Kunstbulletin Juni 2024

Juni 2024 Fr. 12.– / € 10.–

Foto: Margot Sparkes 

Pauline Julier 

A Single Universe 

Aargauer Kunsthaus 

8.6.–27.10.2024

FOKUS 

36 Stranieri Ovunque — Die Hauptschau der Biennale Venedig als Panorama … Deborah Keller 

40 Biennale Venedig — Perlentauchen unter den Länderpavillons. Diverse Autor:innen 

52 Roman Selim Khereddine — Sitz! Platz! Fass? Gianna Rovere 

60 When We See Us — Gängige Narrative brechen. Claudia Spinelli 

70 Sasha Huber — Erinnerung und Freiheit. Katharina Holderegger 

80 La scia del monte — Montagne magique. Ingrid Dubach-Lemainque 

84 Chiara Camoni — Sacralità profana. Elisa Rusca 

HINWEISE 

86 Animation — Carlotta’s Face / Arlesheim — Waldeslust 

87 Baden — Susanne Hofer / Basel — Made in Japan 

88 Basel / Riehen — Entropia / Glarus — Megan Francis Sullivan / Emanuel Rossetti 

89 Kreuzlingen — Katja Schenker 

90 Kriens — Ramification / Langenbruck — Steiner & Lenzlinger 

92 Lausanne — Man Ray / Lausanne — Objekte der Begierde 

94 München — Cao Fei / München — Rebecca Horn 

96 Muri AG — Venus von Muri / Paris — Toucher l’insensé 

98 Venedig — Ydessa Hendeles / Weil am Rhein — Transform! 

99 Wil — Kilian Rüthemann 

100 Zürich — Lee Scratch Perry / Zürich — Im Rausch(en) der Dinge — Fetisch in der Kunst 

102 Zürich — More-Than-Planet / Zürich — Iran — Porträt eines Landes 

BESPRECHUNGEN 

104 Basel / Münchenstein — Rewilding — Alles neu? Zum Relaunch des KHBL 

108 Langenthal — Vom Körper im digitalen Leben — Häutungen 

110 Lausanne — Le Grand Jeu — Surrealismus einst und heute? 

112 St. Gallen — Experimental Ecology — Ästhetische Biologien 

114 Thun — Giacomo Santiago Rogado — Verbindungen durch Malerei 

116 Uster — Karla Black — Kunst ist wie Backen 

118 Venedig — Pierre Huyghe — Bewusstseinserweiterungen 

120 Venedig — Christoph Büchel — Not, Kot, Kostbarkeiten 

122 Winterthur — Script / Memory — Von Konventionen und Regelverstössen 

124 Zürich — Oliviero Toscani — Meister der Provokation 

126 Zürich — Kiki Kogelnik — So zeitgeschichtlich wie zeitgemäss 

NOTIERT 

128 KUNSTRÄUME / GROSSANLÄSSE / AUSSENPROJEKTE 

137 PREISE / AUSSCHREIBUNGEN / DIES UND DAS 

143 BUCHTIPPS 

144 AGENDA 

183 IMPRESSUM, MEDIADATEN 

EN PASSANT 

184 Zürich — Kateřina Šedá, Areal Guggach III — Was es alles gibt! 

1

25.5.– 18.8.2024 

Silvia Bächli, Ohne Titel, 2021 

Dass eins zum andern wurde. 

Welches welches ist?

Editorial — Zeit des Zuhörens 

Eine Schwarze Person steht im Zentrum. Sie spricht uns auf drei 

Bildschirmen an, und im Dunkel des Ausstellungsraums ist ein Gegenüber 

auszumachen, das aufmerksam zuhört. Diese dialogische 

Rollenteilung kann metaphorisch für viele Ausstellungen gelesen 

werden, die gegenwärtig stattfinden: Individuen, Historien und 

Werke, die in Kunst und Gesellschaft des Westens lange Zeit marginalisiert 

oder verdrängt waren, kommen nun zu Wort. Das Kunstmuseum 

Basel etwa bietet mit ‹When We See Us› panafrikanischer 

figurativer Malerei eine Bühne, während die schweizerisch-haitianische 

Künstlerin Sasha Huber in der Ferme-Asile in Sion Schlaglichter 

auf die Geschichte der Sklaverei wirft. 

Besonders prominent wird die Neukalibrierung des künstlerischen 

Kanons auf der diesjährigen Biennale von Venedig verhandelt, 

wo auch das Werk unseres Covers – eine Video- und Soundinstallation 

von Gabrielle Goliath – zu sehen ist. Der brasilianische 

Kurator Adriano Pedrosa hat die Hauptausstellung als Panorama 

des Fremden gestaltet mit Kunst aus fast ausschliesslich nicht 

westlichem Kontext. Auch diverse Länderpavillons der internationalen 

Mega-Schau zeigen ein Bewusstsein für historische Versäumnisse, 

präsentieren Künstler:innen mit migrantischem oder 

indigenem Hintergrund und thematisieren die ungleichen Machtverhältnisse 

unserer globalisierten Welt. Das Kunstbulletin hat mit 

verschiedenen Autor:innen die Biennale besucht und in zwei Fokusbeiträgen 

das Gesehene für Sie reflektiert. Drei ausgewählte 

weitere Ausstellungen in Venedig finden Sie übrigens in anderen 

Rubriken besprochen, sodass Sie die vorliegende Ausgabe gut als 

Kunst-Reiseführer verwenden können – und sei es auch nur für gedankliche 

Ausflüge in die Lagunenstadt. Deborah Keller 

TITELBILD · Gabrielle Goliath, ‹Personal Accounts›, 2024 (Ausschnitt), Video- und Sound-Installation, 

Masse variabel, Ausstellungsansicht 60. Biennale di Venezia. Foto: Jacopo Salvi / Matteo de Mayda 

3

Kunstmuseum / Kunsthalle 

Appenzell 

Autor*in unbekannt, Ziegelhütte um 1920, Kunstmuseum Appenzell

June 11 11 – 16 2024 Halle 1.1 Messe Basel 

swissartawards.ch 

@swissartawards #swissartawards 

J U N E 1 0 – 16 

BOOK TICKETS: VOLTAARTFAIRS.COM/BASEL 

KLYBECK 610, GÄRTNERSTRASSE 2, BASEL 4057

BURNING 

DOWN THE 

HOUSE 

1. JUNI – 8. SEP 24 

Museumstrasse 32 

9000 St.Gallen 

kunstmuseumsg.ch

Liste 

Liste 

Art 

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Fair 

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Basel 

Basel 

Liste 

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Basel 

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Liste 

10.–16. 

10.–16. 

Juni 


2024 


10.–16. 

10.–16. 



Messe Basel, Halle 1.1 

Messe Basel, Halle 1.1 

Hauptpartner seit 1997 

Hauptpartner E. Gutzwiller & seit Cie, 1997 Banquiers, Basel liste.ch 

E. Gutzwiller & Cie, Banquiers, Basel liste.ch

GERD 

DENGLER 

DEN MEISTERN DER MALKUNST 

Sammlung Würth und Leihgaben 

11.11.2023 – 14.04.2024 

Waldeslust 

Bäume und Wald 

in Bildern und 

Skulpturen 

23.3.2024 – 

3.8.2025 

Sammlung Würth 

Elementar- und 

Wetterphänomene 

in Werken der 

Sammlung Würth 

Bis 16. Februar 2025 

Eintritt frei 

Fernando Botero (1932–2023), Nach Velázquez (Detail), 2000, 

Sammlung Würth, Inv. 9429, Foto: J. Hyde, Paris 

Gabi Streile, Lichtung blau (Detail), 1988, Sammlung Würth, Inv. 9164 

Salvador Dalí (1904-1989), fotografiert von Jean Dieuzaide (1921-2003), 

Carl Sammlung Moll, Venedig, Würth, Inv. auf 7055 der Riva © Jean Schiavoni Dieuzaide - Blick (Detail) gegen den Giardino pubblico 

(Detail), um 1922, Sammlung Würth, Inv. 1879 

www.forum-wuerth.ch · Eintritt frei 

BILD – 

CHBILD

MO–FR 7–17H 

DIE KUNST DER MOBILIAR 

KUNST.MOBILIAR.CH 

REFLEKTIONEN: 

P ATR 

I C 

SANDRI: 

RÉFLEXIONS 

P 

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JEK 

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Ein 

genossenschaftliches 

Engagement 

der 

Mobiliar 

Un 

engagement 

coopératif 

de la 

Mobilière 

«Untitled (VWS231017GUM)», 2024 

Acryl auf Holzkonstruktion, bedeckt mit einem 

transparenten Baumwollstoff / Acrylique 

sur construction en bois recouverte d’un coton 

transparent, 160 × 90 × 9 cm © Patric Sandri 

E 

S 

P 

A 

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P 

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22.02.24 — 31.07.24 

BUNDESGASSE 35

Olaf 

Holzapfel 

30.5.– 

8.9.2024 

Zurich Art Prize 2024 

hauskonstruktiv.ch 

MICHAELA ALLEMANN 

SANDRA AUTENGRUBER 

URSULA BACHMAN 

MARIE-CLAIRE BALDENWEG 

KATHRIN BÄNZIGER 

ANGELA BOVO 

ELISA BRUDER 

MARILIN BRUN 

BRIGITT BÜRGI 

KLODIN ERB 

PEARLIE FRISCH 

MARIANNA GOSTNER 

CHRISTINE GRÜNENFELDER 

BARBARA HENNIG MARQUES 

SILVIA HINTERMANN-HUSER 

HEIDI HOSTETTLER 

JUDITH HUBER 

KATJA KUNZ 

NIKLAUS LENHERR 

MARIA JOSEFA LICHTSTEINER 

SARA MASÜGER 

BEA MERKEL 

VICTORINE MÜLLER 

IRENE NAEF 

SADHYO NIEDERBERGER 

MARLÈNE PICHLER 

URSINA GABRIELA ROESCH 

DIANE ROTACH 

FRANZISKA RUTISHAUSER 

LUKAS SALZMANN 

ESTHER TRESCH HAGENBUCH & 

DANIELA STIERLI-STALDER 

ELDA TREYER 

PAT TREYER 

JACQUELINE WEISS 

ROSI WEISS 

ATTILA WITTMER 

STEPHAN WITTMER 

HELENA WYSS-SCHEFFLER 

VENUS 

VON 

EINE SPURENSUCHE 

MURI 

SINGISEN FORUM 

AUSSTELLUNG STAFFEL 1: 

27. APRIL ― 28. JULI 2024 

www.murikultur.ch 

www.venusvonmuri.ch

Abb.: Álvaro Siza. Self-portrait sketching, 1980 (aus: Notizbuch 51) ©Drawing Matter Collections 

Begin Again. Fail Better 

preliminary drawings in architecture (and art) 

gemeinsam mit Manuel Montenegro, Helen Thomas und 

Marco Bakker, den Archiven von Drawing Matter (GB), 

ETHZ, EPFL und USI Mendrisio 

sowie über 50 Schweizer Architekturbüros 

1. Juni bis 25. August 2024 

Vernissage: Fr, 31. Mai, 18.30 Uhr 

Arbeit – und was es sonst noch 

zu tun gibt 

Schatzkammer Sammlung #8 

partizipatives Ausstellungsprojekt, 

kuratiert vom Wärchlade Olten 

2. Juni bis 25. August 2024 

Vernissage: So, 2. Juni, 11 Uhr 

Kunstmuseum Olten 

www.kunstmuseumolten.ch

June 

Riehenstrasse 90B 

4058 Basel 

Art Fair 

10.–16.6. 

2024 Basel 

10. - 15.06.2024 

grindelwald.swiss/landart

STUDIO 

LAB 

DAYS 


13. – 16. JUNI 2024 

ARBEITEN DES 

MASTER KUNST 

KAMPUS SÜDPOL 

LUZERN-KRIENS 

MASTER KUNST 

LUZERN 

hslu.ch/studiolabs 

N o 18 

16. JUNI — 

13. OKTOBER 


TWINGI — ZEITGE- 

NÖSSISCHE KUNST IM 

DIALOG MIT DER EIN- 

ZIGARTIGEN NATUR & 

KULTURLANDSCHAFT 

DES BINNTALS 

RUTH BAETTIG / LUKAS BERCHTOLD 

KASPAR BUCHER / BUCHLI/ISENSCHMID 

2XFUX / LAURA KINGSLEY / CHRISTOPH 

KOCH / LEANDER LOCHER / AUDE MARET 

PEDRO RODRIGUES / LAETITIA SALAMIN 

KOLLEKTIV SENNHAUSBACH 

KUNST IN DER 

TWINGISCHLUCHT 

WWW.TWINGI.CH

MUSÉE CANTONAL DES 

BEAUX-ARTS LAUSANNE 

Gina Proenza. Toi et ta bande 

Manor Kunstpreis Waadt 2024 

Gina Proenza, Patron/Partner, 2022, Leuchtreklame, Klebstoff, 90 × 22 × 16 cm. Private Sammlung. © Gina Proenza. Foto: Tristan Lavoyer 

24.5.2024 – 

1.9.2024 mcba.ch

All Systems Fail 

29.3. – 4.8.2024 

Mit der Unterstützung von: 

Sarah Morris, Springpoint (Spiderweb), 2021, Haushaltslack auf Leinwand, 152,2 × 152,2 cm, Courtesy of the artist, Foto/photo: Tom Powel Imaging © Sarah Morris 

VEBIKUS KUNSTHALLE SCHAFFHAUSEN 

2. JUNI−21. JULI 2024 

WHO 

CARES?! 

VEBIKUS.CH 

AKTUELLE PERSPEKTIVEN 

AUF SORGEARBEIT

Villa Bernasconi 

Route du Grand-Lancy 8 

CH 1212 Grand-Lancy, Genève 

www.villabernasconi.ch

ZUM SCHEIN 

ARCHITEKTUR 

KIRCHNER 

kirchnermuseum.ch 

09.06.– 

22.09.24 

DER UNBEKANNTE

Kommt rein 

Dineo Seshee Raisibe 

Bopape 

8.6. - 8.9. 


(KA) 

PHEKO 

YE 

Eintritt frei 

Wo der 

Traum 

beginnt 

im Löwenbräukunst, Limmatstrasse 270, 8005 Zürich, Di/Mi/Fr/Sa/So 11–18, Do 11–20 Uhr, migrosmuseum.ch

Von Grösse 

und 

Grazie 

Sammlung 

Oskar Reinhart 

«Am Römerholz» 

Winterthur 

18. Mai bis 

15. September 


Maillol 

und 

Sintenis

Momentum Helvetia Kunstpreis 2004 – 2024 

Mit Werken von Kathrin Affentranger, Josse Bailly, Andriu Deplazes, Florian Germann, Aloïs Godinat, 

Elisa Larvego, Luc Mattenberger, Thomas Moor, Anita Mucolli, Gina Proenza, u.a. 

Ausstellungsdauer 

30. Mai bis 29. August 2024 

Öffnungszeiten Art Foyer 

jeweils Donnerstag 16 bis 20 Uhr (ausser 1.8.2024) 

Helvetia Art Foyer 

St. Alban-Anlage 26, 4002 Basel 

Eintritt frei 

helvetia.ch/kunst

David Armstrong 

08.06.–15.09.2024 

Kunsthalle kunsthalle 

Zürich zurich.ch 

JONATHAN MEESE 

SA 8.6.2 

Eröffnung 14 – 16 Uhr 

Ausstellung 7.6. – 14.7.24 

Wasserkirche Zürich 

Limmatquai 31, 

8001 Zürich 

Eröffnung 18 – 23 Uhr 

Ausstellung 7.6. – 29.9.24 

Tichy Ocean Foundation 

Lessingstrasse 9, 

8002 Zürich 

Der Künstler 

und seine Mutter 

sind anwesend 

„DRACULA’S LIEBE MUTTERZ: BÖSE LEICHE!?!“ 

ERZ–INKUBATOREX DE LARGE: JOHNNY, DAS 

KUNSTKIND‚ EVOLUTINÄRRZ’! 

www.tichyocean.com

FINGS 

Camille Lichtenstern 

19.05 – 11.08.2024 

Centre d’art contemporain 

Yverdon-les-Bains 

centre-art-yverdon.ch

8000 

Kunsthalle 

8000 

25. 05. 

–31. 08. 24 

Ai Weiwei 

Mitchell Anderson 

Adam Cruces 

Christoph Draeger 

Ghost R. 

Bob Gramsma 

Lori Hersberger 

Lorenza Longhi 

Manfred Peckl 

Charlie Stein 

Valentina Stieger 

Cassidy Toner 

Timm Ulrichs 

Wink Witholt 

Nicole Zachmann 

Tomas Zipp 

THE 

LAST 

ARTWORK 

Kunsthalle 

8000 

Kunsthalle 

8000 

Kunsthalle 8000 Telos Stiftung 

Zugerstrasse 180 CH-8820 Wädenswil 

www.kunsthalle8000.ch

24.02. 16.06. 2024 

BARBARA PROBST 

SUBJECTIVE EVIDENCE 

Barbara Probst, Exposure #106: N.Y.C., Broome & Crosby Streets, 04.17.13, 2:29 p.m., 2013 (Detail), Ultrachrome-Tinte auf Papier, 12-teilig, 

je 75 × 112 cm, Courtesy Kuckei + Kuckei, Berlin, und Monica De Cardenas, Milano/Zuoz, © Barbara Probst, 2024 ProLitteris, Zürich

photo 

basel 

June 

11 –16 


© PUTPUT Popsicles 2012 

Switzerland‘s first 

and only art fair 

dedicated to 

photography 

based art 

Volkshaus Basel 

Rebgasse 12-14 

4058 Basel 

Switzerland 

photo-basel.com

Esiri Erheriene-Essi, The Birthday Party (Detail), 2021, Jorge M. Pérez Collection, Miami 

Hundert 

Jahre 

panafrikanische 

figurative 

Malerei 

25.5.— 27.10.2024 

Gegenwart 

St. Alban-Rheinweg 60

REWILDING 

13.4.– 


MONIRA AL QADIRI, BENZENE FLOAT (METHYLSTYRYL), 2023. 

INFLATABLE SCULPTURE (DETAIL). PHOTO CREDIT: MARKUS TRETTER 

MONIRA AL QADIRI 

EL ANATSUI 

THÉRÈSE BOLLIGER 

ANDREA BOWERS 

RENATE BUSER 

TONY COKES 

ANNE-LISE COSTE 

ROCHELLE FEINSTEIN 

SIMONE FORTI 

GABRIELLE GOLIATH 

JOAN JONAS 

DANIELA KEISER 

ANNA MARIA MAIOLINO 

LAURA MIETRUP 

ALEXANDRA NAVRATIL 

JACOB OTT 

MARINE PAGÈS 

PIPILOTTI RIST 

LEONOR SERRANO RIVAS 

GERDA STEINER 

& JÖRG LENZLINGER 

TATIANA TROUVÉ 

NAAMA TSABAR 

ANNA WINTELER 

KUNSTHAUS BASELLAND HELSINKI-STRASSE 5 DREISPITZ 

4142 MÜNCHENSTEIN / BASEL @KUNSTHAUSBASELLAND 

+41 (0)61 563 15 10 KUNSTHAUSBASELLAND.CH

Maria Hassabi, Untitled #2, 2024. Courtesy of The Breeder. 

Buy Tickets 

June 13 – 16, 2024 

ab

Ihr Engagement 

für die Kunst 

Gönnerbeitrag: CHF 250 

zzgl. Abonnement-Preis 

Unser Dankeschön: 

Gönneredition von Roman Signer 

↗ kunstbulletin.ch/goennerkreis 

Roman Signer · Flussaufwärts, 2008, Kunstdruck auf Premium-Hochglanzfotopapier, 

27 × 18 cm, Edition 220 + 20 AP. Foto: Aleksandra Signer

kunsthauszug.ch 

Kiesler heute 

Werkdialoge 

9.6.–6.10.2024 

Friedrich Kiesler, Large Horse Galaxy, 1954, The Estate of Frederick Kiesler, New York, Foto: Jorit Aust 

Photography © Österreichische Friedrich und Lillian Kiesler-Privatstiftung, Wien 

Bruce Nauman 

Sara Masüger 

Karl-Heinz Klopf 

Heidulf Gerngross 

Olafur Eliasson 

Diana Thater 

Thomas Schütte 

Eric Hattan Roman Signer 

Christoph Rütimann 

Heimo Zobernig 

Peter Kogler 

Michael Kienzer 

Studio Other Spaces 

Kerstin Stoll 

Adrian Schiess 

Peter Sandbichler

FOKUS 

Stranieri Ovunque — Die Hauptschau 

des Fremden 

Mataaho Collective, ‹Takapau›, 2022, Ausstellungsansicht 

Arsenale, Venedig. Foto: Marco Zorzanello 

Ione Saldanha, ‹Bambus›, 1960er/1970er, Ausstellungsansicht ‹Nucleo 

Storico – Abstractions›, Padiglione Centrale, Venedig. Foto: Werner Egli 

Claire Fontaine, ‹Foreigners 

Everywhere›, 2004–2024, 

Aussenansicht Arsenale, 

Venedig © ProLitteris. 

Foto: Marco Zorzanello 

36 Kunstbulletin 6/2024

der Biennale Venedig als Panorama 

Dana Awartani, ‹Come, let me heal your wounds. Let me mend your broken 

bones›, 2024, Ausstellungsansicht Arsenale, Venedig. Foto: Werner Egli 

Bouchra Khalili, ‹The Mapping Journey Project›, 2008–2011, Ausstellungsansicht 

Arsenale, Venedig © ProLitteris. Foto: Werner Egli 

FOKUS // BIENNALE VENEDIG — STRANIERI OVUNQUE 

37

Die diesjährige Hauptschau der Biennale Venedig fächert im Arsenale 

und im Padiglione Centrale eine breite Palette von Kunst auf, 

die nicht aus «Euroamerica» stammt. Denn der Kurator Adriano 

Pedrosa ist angetreten, die historische Schuld des zu lange zu eng 

gehaltenen künstlerischen Kanons zu begleichen – ein Konzept in 

nobler Absicht mit einigen Fallstricken. Deborah Keller 

Schlucken, ausatmen, Luft holen, ein sanftes Summen: Das ist alles, was wir von den 

Personen, die uns auf bodennah platzierten Bildschirmen begegnen, zu hören bekommen. 

Dabei hätten sie viel zu sagen. Als Schwarze, migrantische oder queere Menschen 

berichteten sie Gabrielle Goliath (*1983) von ihren alltäglichen Diskriminierungserfahrungen. 

Aus diesen intimen Gesprächen destilliert die südafrikanische Künstlerin für 

ihr Projekt ‹Personal Accounts› seit 2014 das heraus, was sich «zwischen den Zeilen» 

abspielt. Das Ringen um Worte, die Schwierigkeit, als marginalisiertes Individuum gehört 

zu werden, wird durch die bewusste Auslassung umso greifbarer. 

Die eindrückliche Videoinstallation liegt fast am Ende des Rundgangs durch den 

Padiglione Centrale, in dem Adriano Pedrosa die eine Hälfte seiner Venedig-Biennale 

eingerichtet hat. Während Goliath mittels absoluter Reduktion pointiert, geht der 

brasilianische Kurator quasi den umgekehrten Weg: Satte 331 künstlerische Positionen 

– so viele wie kaum jemand zuvor – hat er zur Hauptausstellung der diesjährigen 

Biennale eingeladen, um unter dem Titel ‹Stranieri Ovunque – Foreigners Everywhere› 

jene Kunst zu feiern, die der westlichen Kunstgeschichte lange «fremd» war: Werke 

von Kunstschaffenden des Globalen Südens oder von indigener Herkunft, von «Outsider 

Artists» und queeren Persönlichkeiten – denn die erste Bedeutung des Wortes 

«queer», so lehrt uns Pedrosa, ist «strange», fremd. 

Klassisch inszenierte Fremde 

Sowohl in den Giardini als auch im Arsenale gehört der Ausstellungsauftakt indigenen 

Positionen. Der Padiglione Centrale präsentiert sich mit einladend bunter 

Fassadenbemalung: Eine Parade von Lebewesen aller Art illustriert den Mythos der 

Krokodilbrücke über die Beringstrasse, wie ihn das brasilianische Kollektiv MAHKU 

aus der Ethnie der Huni Kuin hier nacherzählt. Demgegenüber wirkt der erste eigentliche 

Raum des Arsenale für einmal beinahe leer mit einer minimalistisch-poetischen 

Installation über den Köpfen der Besucher:innen: Aus handelsüblichen 

Last-Spanngurten hat das neuseeländische Mataaho-Kollektiv ein durchlässiges 

Dach aufgespannt. Es greift die traditionelle Flechttechnik aus dem Kontext eines 

Geburtsrituals der Maori auf und verweist zugleich auf global unabdingbare, oft wenig 

beachtete Schwerstarbeit. Dieser Brückenschlag brachte dem Kollektiv den Goldenen 

Löwen für den besten künstlerischen Beitrag der Hauptschau ein. 

Hinter diesen vielversprechenden «Torhütern» entfaltet sich eine aufgeräumt 

klassische Szenografie mit Bildern an den Wänden und gesockelten Skulpturen. 


Videos und Fotografie sind für einmal Mangelware. Stattdessen sprechen Farbigkeit, 

textile Materialien oder traditionelle handwerkliche Techniken die Sinne an, und verschiedenste 

Werke lassen uns eintauchen in liebevoll detaillierte Bilderzählungen 

über Bräuche, Geschichte und Legenden ferner Kulturkreise. Auch der Folklore räumt 

Pedrosa ihren erklärten Platz ein, womit er ungeachtet eines exotisierenden Beigeschmacks 

noch einmal verdeutlicht, dass der westlich geprägte, kunsthistorische 

Kanon auf Übereinkünften beruht, die man auch ganz anders denken könnte. 

In diesem Sinne setzt der Kurator zwischen das Zeitgenössische historische 

Schwerpunkte – Cecilia Alemani hatte in ihrer Biennale 2022 vorgemacht, wie das 

gelingen kann. Diesmal nun trifft man im Arsenale unvermittelt auf ein räumlich installiertes 

Gemälde-Bataillon von ausgewanderten italienischen Künstler:innen des 

20. Jahrhunderts. Im Padiglione Centrale breitet Pedrosa einen «Nucleo Storico» 

zum Thema Abstraktion und einen zum Thema Porträt aus: je ein Werk einer Position, 

die ausserhalb von «Euroamerica» lebte und die Moderne in je eigener Weise verhandelte. 

Die immense Ansammlung, die als Masse das Einzelne schluckt, ist ein Auffächern 

vielmehr als ein Gewichten, eine demonstrative Überforderung vielmehr als 

eine Klärung, wie das Gezeigte Anschluss findet an Kunst und Leben der Gegenwart. 

Das Fremde im Jetzt 

Das Gegenwärtige – im Grunde Kerngeschäft jeder Biennale – bricht sich in einigen 

der stärksten Arbeiten der Ausstellung Bahn. Zu den bereits erwähnten Installationen 

von Gabrielle Goliath oder des Mataaho-Kollektivs gesellt sich da etwa 

‹The Mapping Journey Project› der Marokkanerin Bouchra Khalili (*1975), für das 

Migrant:innen auf gross projizierten Landkarten ihre oft irrwitzigen Fluchtrouten 

nachzeichnen und aus dem Off kommentieren. Die saudische Palästinenserin Dana 

Awartani (*1987) berührt mit ihren von der Decke hängenden Seidentüchern, die sie 

mit Heilkräutern färbt, stellenweise verletzt und wieder flickt, um kriegerische oder 

terroristische Zerstörung von bedeutenden Orten der arabischen Kultur zu markieren. 

Und die Wahlberlinerin Charmaine Poh (*1990, Singapur) legt einen feinfühligen 

Film über den Kinderwunsch gleichgeschlechtlicher Paare vor. Zu nennen ist auch das 

‹Disobedience Archive›, eine Ausstellung in der Ausstellung, ein Fundus von Filmen 

mit aktivistischem Hintergrund, den der italienische Kurator Marco Scotini seit 2005 

anlegt. Und natürlich die Arbeit des Kollektivs Claire Fontaine, die Pedrosas Ausstellung 

ihren Titel gab. Schon eingangs von Arsenale und Padiglione Centrale kündigte 

sie sich mit einzelnen Neonschriftzügen an, in den Ausläufern des Arsenale wird sie 

mit unzähligen Leuchtschriften zum stillen Crescendo, das in aller Welten Sprachen 

«Fremde überall» ausbuchstabiert. Die babylonische Geste erinnert daran, dass wir 

alle irgendwo – und im Kern unserer Existenz – Fremde sind. Das eint und öffnet die 

Perspektive für den Moment, da die Überwindung des Kanons überwunden ist. 

Deborah Keller, Chefredakteurin des Kunstbulletin, lebt in Zürich. redaktion@kunstbulletin.ch 

→ ‹Stranieri Ovunque – Foreigners Everywhere›, 60. Biennale di Venezia, Arsenale / Giardini, bis 24.11. 

↗ labiennale.org 

FOKUS // BIENNALE VENEDIG — STRANIERI OVUNQUE 

39

Biennale Venedig — Perlentauchen unt 

‹Wael Shawky – Drama 1882›, Ausstellungsansicht Ägyptischer 

Pavillon, Venedig. Foto: Werner Egli 

‹Edith Karlson – Hora lupi›, 

Ausstellungsansicht 

Estnischer Pavillon, Venedig 

© ProLitteris. Foto: Anu 

Vahtra / Estonian Centre for 

Contemporary Art 


er den Länderpavillons 

‹Julien Creuzet – Attila cataracte 

ta source aux pieds des pitons 

verts finira dans la grande mer 

gouffre bleu nous nous noyâmes 

dans les larmes marées de 

la lune›, Ausstellungsansicht 

Französischer Pavillon, Venedig. 

Foto: Werner Egli 

‹Archie Moore – kith and kin›, Ausstellungsansicht Australischer 

Pavillon, Venedig. Foto: Rolf Bismarck 

FOKUS // BIENNALE VENEDIG — LÄNDERPAVILLONS 

41

Wie immer steuern Nationen aus der ganzen Welt eigene Ausstellungen 

zur Biennale Venedig bei. 87 sind es heuer. Viele dieser 

Beiträge scheinen sich diesmal am Thema der Hauptausstellung 

orientiert zu haben. Die Kunstbulletin-Redaktion hat 

gemeinsam mit verschiedenen Autor:innen eine Auswahl der 

sehenswertesten Länderpavillons zusammengestellt. 

Wael Shawky — Eine Geschichtslektion wie aus Tausendundeine Nacht 

Ägyptischer Pavillon — Im Wiegeschritt bewegen sich die kostümierten Gestalten 

durch die leuchtend bunte Szenerie. Schon sind wir mitten in den schicksalhaften 

Monaten um 1882, als eine Messerstecherei zur Niederschlagung der Revolte ägyptischer 

Nationalisten unter Ahmed Urabi und zur Bombardierung durch die Briten 

führte. Die betörend schönen, Puppentheater-ähnlichen Kulissen versetzen uns abwechselnd 

nach Alexandria, Kairo oder in ein Zeltlager beim Suez-Kanal. Die Protagonisten 

um den korrupten Vizekönig Tawfiq schwanken hin und her, die europäischen 

Abgesandten mischen kräftig mit, und ein Verräter wird vom Lager der Briten 

zu den Nationalisten geschleppt, wo er seine fatale Lüge abspult. Statt gesprochen 

wird gesungen, mal ertönen orientalische Klänge, mal Kriegstrommeln, mal stimmen 

Frauen melancholische Klagelieder an. Das Wiegen des Chors überträgt sich von der 

Leinwand ins Publikum, gebannt wie Kinder folgen wir der Oper, bis der Vorhang fällt. 

Was Wael Shawky (*1971) in sechs Monaten mit einer vierhundertköpfigen Truppe 

geschaffen hat und als «bewegtes Bild» bezeichnet, ist ein grandioses Welttheater 

und brennt sich ein. Das Spiel von Gier, Macht, Liebe, Verrat und Verlust wiederholt 

sich bis heute – und wurde bereits von Homer besungen, wie ein weiterer Film von 

Shawky in einer Ausstellung im Palazzo Grimani zeigt. Claudia Jolles 

→ ‹Wael Shawky – Drama 1882›, Giardini 

→ ‹Wael Shawky – I Am Hymns of the New Temples›, Palazzo Grimani, bis 30.6. 

↗ polomusealeveneto.beniculturali.it 

Archie Moore — Ein Memorial für die Zukunft 

Australischer Pavillon — Was bringt uns dazu, in einem Pavillon länger zu verweilen 

und dem Gezeigten Aufmerksamkeit zu schenken? Der australische Beitrag ‹kith and 

kin› von Archie Moore (*1970) schafft es mit der sinnlichen Wirkung einer Gesamtinstallation, 

die sowohl schneidend hart als auch versöhnlich sanft ist. Beim Eintreten 

wird es still, und ich bleibe stehen wie vor einem Panorama: In der Mitte beschreiben 

unterschiedlich hohe weisse Papierstapel eine Landschaft; dahinter breiten sich auf 

den schwarzen Wänden Schriftbilder aus Kreide aus, die aus der Ferne wie feiner Nebel 

vor dem Schiefergrund schweben. Er offenbart sich als riesige genealogische Karte: 

Biografische und fiktive Namen führen zu australischen First-Nation-Stämmen, 


nach Übersee zu britischen und schottischen Vorfahren. Moores Erblinien verlieren 

sich alsbald in der grösseren australischen Kolonialgeschichte, die auch von Verlust, 

Rassismus und Gräueltaten erzählt. Derweil bilden die Papierstapel – Dokumente 

aus gerichtlichen Untersuchungen, welche die Tode von First Nations in Polizeigewahrsam 

bekunden – ein Memorial, das uns ein schwarz glänzendes Wasserbecken 

nur aus der Distanz betrachten lässt. Der mit dem Goldenen Löwen ausgezeichneten 

Installation gelingt es, schweren Themen mit visueller Kraft zu begegnen und sie dabei 

in die Schwebe zu bringen, was den Raum für die Zukunft offenhält. Meret Arnold 

→ ‹Archie Moore – kith and kin›, Giardini ↗ kithandkin.me 

Edith Karlson — Die Stunde des Wolfs 

Estnischer Pavillon — Bestimmt der mystischste Pavillon 2024: Es ist die Stunde des 

Wolfs, ‹Hora lupi›, kurz vor der Dämmerung, und alles ist grau und unbestimmt. Ein 

Riesenpaar erschlägt eine Riesenschlange, Masken an den Wänden zeigen groteske 

Fratzen, Flamingos besiedeln die Fensterbalken, und eine doppelköpfige Katze lugt 

aus einer kleinen Luke. Eine feuchte, menschengrosse Öffnung im Boden – ein Grab?, 

eine Baustelle? – war angeblich Inspiration für diese suggestive Installation in der 

ruinösen Kirche Sta. Maria delle Penitenti. Die estnische Künstlerin Edith Karlson 

(*1983) hat ihr skulpturales Bestiarium und Menschenpanoptikum aus Ton mit Bezug 

zu archaischen Mythen gestaltet: Brudermord, Gut und Böse, Todesängste und 

Märchenhaftes – etwa Sirenen mit Fischköpfen, die aus dem Kirchenboden heraussteigen. 

Zu diesen gesellen sich Selbstporträts oder folkloristische Figuren aus der 

Geschichte Lettlands. Die Kunst versteckt sich vor den Lebenden: In den Schränken 

lagern glänzende Tierskelette aus Keramik. Jede Ecke der Büsserkirche hat eine kleine 

Transformation erlebt, züngelnde Schlangen lauern überall. Mit Kerzenbeleuchtung 

und sphärischer Musik wird diese Szenerie zum phantasmagorisch-immersiven 

Memento mori am äussersten Ende Venedigs. Patricia Grzonka 

→ ‹Edith Karlson – Hora lupi›, Kirche Sta. Maria delle Penitenti, Cannaregio 

Julien Creuzet — Kolonialgeschichte in Bunt 

Französischer Pavillon — Im Französischen Pavillon zeigt uns Julien Creuzet (*1986) 

womöglich die Zukunft unserer Kunstmuseen: eine Art intellektuelles Disneyland, eine 

alle Sinne ansprechende Lounge, in der man unweigerlich das Knallen von Sekt-, pardon, 

Champagnerkorken um die Ecke erwartet. Hier werden Credits und Sponsorenlogos 

nicht mehr verschämt als Kleingedrucktes am Eingang platziert: Sie erhalten 

eine selbstbewusste Präsenz auf Bildschirmen innerhalb der Ausstellung und werden 

selbstverständlich Teil des Werks. Die Dekoration, pardon, die raumgreifende Installation 

ist gemäss Creuzet inspiriert von kindlichen Streifzügen durch die Mangrovenwälder 

Martiniques, die er gemeinsam mit seinem Bruder und Vater auf der Suche nach 

der – zugegeben überirdisch schönen – Martinique-Baumvogelspinne unternahm. 


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‹Anna Jermolaewa›, 

Ansicht ‹Rehearsal 

for Swan Lake›, 2024, 

Performance von Oksana 

Serheieva, Österreichischer 

Pavillon, Venedig 

© ProLitteris. 



Guerreiro do Divino Amor, ‹Super Superior 

Civilizations›, Ausstellungsansicht mit dem 

Werk ‹The Miracle of Helvetia›, 2022, Schweizer 

Pavillon, Venedig. Foto: Werner Egli 

‹Open Group – Repeat after Me II›, Ausstellungsansicht Polnischer Pavillon, Venedig. 



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Man kann all dies nun als Beliebigkeit oder als Inhaltlosigkeit abtun, doch die filigranen, 

von der Decke hängenden Skulpturen, die Lavendelduft verströmenden Bronzeschiffe, 

diverse LED-Screens mit bunten Unterwasserwelten und der tranceartige 

Soundtrack verschmelzen tatsächlich zu einem immersiven Gesamtkunstwerk, das 

wohltut. Die Sehnsucht nach derartigen Kunsterlebnissen manifestiert sich in den 

Länderpavillons der diesjährigen Biennale in einer ausserordentlich grossen Zahl 

ähnlicher Installationen, die exakt dies versuchen – und dabei kläglich scheitern: 

Eine spannende Oberfläche ist alles andere als trivial, ihr Gelingen alles andere als 

einfach. Oliver Kielmayer 

→ ‹Julien Creuzet – Attila cataracte ta source aux pieds des pitons verts finira dans la grande mer 

gouffre bleu nous nous noyâmes dans les larmes marées de la lune›, Giardini 

Anna Jermolaewa — Vor der Revolution 

Österreichischer Pavillon — Anna Jermolaewa wurde 1970 in Leningrad geboren, 

1989 musste sie aufgrund ihres Engagements für eine Oppositionspartei aus der 

Sowjetunion fliehen. In Österreich kam sie zunächst ins Auffanglager Traiskirchen, 

später studierte sie Kunst und Kunstgeschichte. Ihre Fluchterfahrung und die ersten 

Monate ihrer Existenz im neuen Heimatland verarbeitet sie im Österreichischen 

Pavillon zu einer unsentimentalen, eindrücklichen Collage in fünf Akten. Da ist zum 

einen die Arbeit ‹The Penultimate›: sieben Blumenarrangements auf Vintage-Möbeln, 

die jedes eine politische Revolution symbolisieren. Die Nelke steht für den Militärputsch 

1974 in Portugal, die Kornblume für den Aufstand in Belarus 2006 oder die Zeder 

für die Revolution gegen die syrische Besatzung im Libanon. Aber da ist auch das 

Video mit probenden Balletttänzerinnen, die ‹Schwanensee› einstudieren. Es ist die 

Oper, die im Sowjetfernsehen immer dann gespielt wurde, wenn ein Machtwechsel 

anstand – und so hofft die Künstlerin implizit, dass auch heute bald wieder ‹Schwanensee› 

im Staatsfernsehen zu sehen sein wird. Schliesslich wurden im Innenhof 

sechs Telefonkabinen aufgestellt, die Jermolaewas Kontakte zu ihrer Familie stellvertretend 

für viele Flüchtende vergegenwärtigen. Die Künstlerin verknüpft persönliches 

Schicksal souverän mit übergeordneten zeithistorischen und geopolitischen 

Themen. Patricia Grzonka 

→ ‹Anna Jermolaewa›, Giardini ↗ biennalearte.at 

Open Group — Die Töne des Schreckens aus dem Nachbarland 

Polnischer Pavillon — Eine junge Frau erzählt, dass sie bei einer Bombardierung 

in einem Keller Schutz suchten und dass eine Verletzte vor ihren Augen gestorben 

sei. Sie sitzt ruhig da, nur als sie das Pfeifen der einschlagenden Rakete imitiert, 

schwenkt sie den Kopf und zeichnet die ballistische Kurve nach: «Tukh Wuuuuuuuuuu 

Tufkh.» Und nochmals. Und nochmals. Jetzt richtet sie sich direkt an uns: «Repeat 

after me.» Wir sehen, wie ihr Mund die Töne formt, wir folgen der Transkription auf der 


Leinwand, wir beäugen die im Raum stehenden Mikrofone – sie suggerieren eine improvisierte 

Karaokebar –, doch kaum jemand folgt der Aufforderung mitzusprechen. 

Auch alle weiteren Porträtierten stammen aus der Ukraine, leben im Exil und ahmen 

vor der Kamera ein Kriegsgeräusch nach. Die dazwischen aufleuchtenden Screens 

liefern die militärischen Fakten dazu. 

Die Videoinstallation fordert Empathie und zeigt zugleich Grenzen auf. Wie lassen 

sich diese Ungeheuerlichkeiten nachvollziehen, diese Erfahrungen einer hirnlosen 

Gewalt, die jede Logik sprengt? Dreissig Prozent der Ukraine sind vermint. Die 

Einladung zur Pavillon-Ausstellung an das ukrainische Kollektiv Open Group erfolgte 

nach Abwahl der rechtsgerichteten Regierung in Polen im vergangenen Herbst. Damit 

setzen die Verantwortlichen ein starkes Zeichen der Solidarität für ihr Nachbarland: 

«Foreigners everywhere.» Claudia Jolles 

→ ‹Open Group – Repeat after Me II›, Giardini ↗ labiennale.art.pl 

Guerreiro do Divino Amor — Hoch- und Höchstkulturen 

Schweizer Pavillon — Im Beitrag von Yael Bartana als Teil des Deutschen Pavillons 

scheitert die Thematik des auserwählten Volkes einerseits am Bombast einer auf 

Überwältigung zielenden Formensprache; andererseits sind Blut-und-Boden-Fantasien 

auch in einer jüdisch-kabbalistisch verbrämten Variante geschmacklos. Sympathischere 

Wege geht Guerreiro do Divino Amor (*1983) im Schweizer Pavillon, wo er 

die beiden Werkkomplexe ‹The Miracle of Helvetia› und ‹Roma Talismano› zu einem 

bunten Environment fusioniert. 

‹The Miracle of Helvetia› ist eine überdrehte Animation, die den von Helvetia präsidierten 

Olymp mit elf Göttinnen vorstellt. Als Einsprengsel sind zahlreiche Found- 

Footage-Clips zu sehen, so etwa eine brasilianische Karnevalstruppe, die sich zum 

Thema Schweiz zurechtgemacht hat, oder eine 1.-August-Ansprache von Simonetta 

Sommaruga aus dem Jahr 2020. Die damalige Bundespräsidentin gibt zugegebenermassen 

eine etwas tölpelige Figur ab, was das von ihr Gesagte jedoch keineswegs 

weniger intelligent macht. Guerreiro do Divino Amor lebt mehrheitlich in Brasilien, 

und vielleicht resultiert aus dieser Distanz zur Schweiz eine gewisse Narrenfreiheit, 

die ihn solche Szenen schamfrei zeigen lässt. ‹Roma Talismano› schaut auf die Gesellschaft 

des antiken Roms und kreist sehr viel stärker um die gleichnamige, scheinbar 

omnipotente Hauptgöttin. 

‹Super Superior Civilizations› liefert zwei Beispiele sogenannter Hochkulturen, 

die zeitlich und geografisch verschieden sind: Wenigstens historisch gesehen ist zivilisatorische 

Überlegenheit keine Konstante und schon gar nicht das Anrecht einer 

wie auch immer gearteten Gruppe. Oliver Kielmayer 

→ ‹Guerreiro do Divino Amor – Super Superior Civilizations›, Giardini 

↗ prohelvetia.ch 


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‹Aziza Kadyri – Don’t 

Miss the Cue›, Ausstellungsansicht 

Usbekischer 

Pavillon, Venedig. Foto: Gerda 

Studio / Courtesy of ACDF 


Claire Fontaine, ‹White Sight›, 2022, 

Ausstellungsansicht Pavillon 

des Vatikans, Venedig © ProLitteris. 

Foto: Marco Cremascoli 

‹Aleksandar Denić – Exposition coloniale›, 

Ausstellungsansicht Serbischer Pavillon, Venedig. 

Foto: Rolf Bismarck 

‹madeyoulook – Quiet Ground›, Ausstellungsansicht 

Südafrikanischer Pavillon, Venedig. Foto: Bubblegum 


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Aleksandar Denić — Europa, Europa 

Serbischer Pavillon — Das Kassenhäuschen vor dem Serbischen Pavillon passt perfekt 

zur 1938 entworfenen Architektur im hinteren Teil der Giardini. Noch prangen 

an der Fassade die Lettern des zerborstenen Vorgängerstaates Jugoslawien. Darauf 

antwortet im Innern eine Rauminstallation, die – trotz bestechendem Hyperrealismus 

– von Ambivalenzen und suggestiven Blickwechseln durchzogen ist. 

Das Setting schlingert zwischen ausrangiertem Jahrmarkt und Flüchtlingsheim, 

die Lämpchen verbreiten die sehnsuchtsvolle Tristesse einer nächtlichen Bar à la 

Edward Hopper, aus einer Jukebox klingt die Europahymne. Sind wir Publikum oder 

Objekte dieser Ausstellung, die der Künstler Aleksandar Denić (*1963) vielsagend 

‹Exposition coloniale› nennt? Als begnadeter Bühnenbildner bekannt geworden, 

führt er uns gekonnt auf unsicheres Terrain. Klar ist nur, wir befinden uns innerhalb 

einer von Maschendraht umzäunten Zone. Den blinkenden Schriftzug über dem Tor 

sehen wir spiegelverkehrt von hinten. Wir irren also durch einen verbarrikadierten 

Vergnügungspark namens Europa. Eine Warnung vor dem nächsten Schritt der Osterweiterung? 

Für wen? Für die aufnahmewilligen Serbinnen und Serben oder für die 

Europäer:innen? Eindeutige Antworten sind bei diesem augenzwinkernden Beitrag 

nicht intendiert. Claudia Spinelli 

→ ‹Aleksandar Denić – Exposition coloniale›, Giardini 

madeyoulook (Molemo Moiloa & Nare Mokgotho) — Zur Ruhe kommen 

Südafrikanischer Pavillon — Gedämpftes Licht, eine geschwungene Hügelanlage aus 

Holz mit Haufen trockener Ästchen und ein Vorhang aus denselben Pflanzen bilden 

den Raum für Konzentration, Austausch, Zuhören. Oder auch Verhandeln, Tanzen, 

Singen. Kernstück von ‹Quiet Ground› ist die Soundarbeit ‹Dinokana›, hervorgegangen 

aus der mehrjährigen Recherchearbeit von madeyoulook. Zikadengezirpe, Gesprächsfetzen, 

rhythmische Gesänge beschwören eine Stimmung der Zuversicht herauf. 

Donnerrollen, dann setzt Regen ein, Freude und Erleichterung. Ein Zufluchtsort. 

Molemo Moiloa (*1987) und Nare Mokgotho (*1986), die in Johannesburg seit 2009 

als interdisziplinäres Duo madeyoulook agieren, interessiert die Wiederbelebung individueller 

und gemeinschaftlicher Praktiken und Rituale, die im Zuge von Kolonialisierung 

und Apartheidregime an den Rand, in die Folklore oder ganz verdrängt worden 

sind. Dazu gehören Technologien der Wassergewinnung, der Anbau dürreresistenter 

Hirsesorten oder ein Busch, dessen Heilwirkung sich bei Asthma, Schmerzen, aber 

auch bei Depressionen und Erschöpfung zeigt. Sein langes Überleben bei Trockenheit 

und das rasche Aufblühen bei Regen nutzt das Künstlerduo in ‹Quiet Ground› als 

Metapher für die Wiederherstellung von Selbstbestimmung und der Verbindung der 

Menschen zu Erde und Wasser als tragendes Lebenselement. Ursula Badrutt 

→ ‹madeyoulook – Quiet Ground›, Arsenale 


Aziza Kadyri — Auch Dein Auftritt kommt 

Usbekischer Pavillon — Usbekistan ist mit seinem erst zweiten Auftritt an der Kunst- 

Biennale ein Newcomer, und jung und weiblich sind die Künstlerinnen, die den Pavillon 

im Arsenale bespielen. Dort, wo im 16. Jahrhundert die Segel gestrafft wurden 

und heute ein Theater logiert, hissen Aziza Kadyri und das von ihr in Taschkent gegründete 

Qizlar Collective ihre «Fahnen». Einem der Kulturhäuser nachempfunden, 

die sich in der Sowjetunion in ganz Eurasien verbreiteten, lässt uns der Beitrag Backstage 

in ein Environment aus blauen, bestickten Stoffbahnen eintreten. Wir begegnen 

Skulpturen aus vielen zusammengenähten Stoffen, die Kostümen in Aktion gleichen 

und uns einladen, mit ihnen zu interagieren. Und wir erleben, wie traditionelle 

usbekische «Suzani»-Stickereien mittels Künstlicher Intelligenz eine Metamorphose 

durchlaufen und in neue Muster übergehen. Es ist ein theatrales Setting, in dem 

wir die kulturellen Veränderungen gleichsam mitvollziehen. Die Künstlerinnen nutzen 

darüber hinaus die Kraft der Kollaboration und das Gefühl von Zugehörigkeit, die 

in diesem «weiblichen Kunsthandwerk» stecken, um Fragen nach der Identität von 

Frauen in Zentralasien aufzuwerfen. Der Titel ‹Dont’ Miss the Cue› richtet sich aber 

auch an alle Besucher:innen: Verpasse Deinen Einsatz nicht, denn am Ende Deines 

Rundgangs stehst auch Du plötzlich auf der Bühne! Meret Arnold 

→ ‹Aziza Kadyri – Don’t Miss the Cue›, Arsenale ↗ acdf.uz 

Con i miei occhi — Anerkennung, Erinnerung und was Freiheit bedeutet 

Pavillon des Vatikan — Dem Beitrag des Heiligen Stuhls ging eine Anfrage ans italienische 

Justizministerium voraus. Die Kurator:innen Bruno Racini und Chiara Parisi 

schlugen ein Ausstellungsprojekt für das Frauengefängnis auf Giudecca vor, 

einer ehemaligen Klosteranlage aus dem 16. Jahrhundert. Dem Antrag wurde nach 

Gesprächen mit dem Gefängnispsychologen stattgegeben. Darauf entwickelten die 

Künstler:innen Simone Fattal, Marco Perergo & Zoe Saldana, Claire Tabouret und 

Bintou Dembelé gemeinsam mit zwanzig inhaftierten Frauen verschiedene Projekte: 

Lava-Plaketten, in die von den Insassinnen verfasste Texte eingeritzt sind, den 

Film ‹Dovecote›, Porträts in Aquarell und eine Performance. Sie sind neben Werken 

von Maurizio Cattelan, Sonia Gomes, Sister Corita sowie Claire Fontaine auf Voranmeldung 

zu besichtigen. Der «Ausstellungsparcours» führt durch Räume, die Teil des 

Gefängnisalltags sind – Kapelle, Hof oder Aufenthaltsraum. 

Der kuratorische Ansatz grenzt ans Sozialpolitische. Er setzt auf Kunst als Mittel, 

Prozesse des «Othering» wahrzunehmen und zu verlernen. Andere Realitäten mit eigenen 

Augen zu sehen. Eine Abwandlung des Piktogramms für Fotografieverbot als 

neuere Neonarbeit von Claire Fontaine bringt das auf den Punkt. Stefanie Manthey 

→ ‹Con i miei occhi›, Gruppenausstellung, Frauengefängnis, Giudecca; 

Voranmeldung: +39 06 39967444 oder online ↗ ecm.coopculture.it 

→ 60. Biennale di Venezia, Ausstellungen aller Länderpavillons: bis 24.11. ↗ labiennale.org 


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Roman Selim Khereddine — Sitz! 

Platz! Fass? 

Roman Selim Khereddine. Foto: Abdul Halik Azeez 

Hunde sind als Besucher:innen im Helmhaus herzlich willkommen. 

In Roman Selim Khereddines erster institutioneller Einzelausstellung 

‹Beiss die Hand› rücken ein Polizeihund, sein Hundeführer 

und der Zürcher Künstler selbst in den Fokus. Er macht 

sich dieses Setting zunutze, um die vorherrschenden Machtverhältnisse 

für kurze Zeit umzudrehen: Seine mehrräumige Videoinstallation 

beleuchtet das Verhältnis von Befehlen und Befolgen 

sowie Mensch-Tier-Beziehungen, die bei Khereddine am 

Ende stets auf den Menschen zurückweisen. Gianna Rovere 


Roman Selim Khereddine, ‹Beiss die Hand›, 2024, Videoinstallation, 1 von 3 Projektionen, 14’58’’, 

Ausstellungsansicht Helmhaus, Zürich. Foto: Zoe Tempest 

FOKUS // ROMAN SELIM KHEREDDINE 

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Roman Selim Khereddine, ‹Beiss die Hand›, 2024, Videoinstallation, 1 von 3 Projektionen, 14’58’’, 

Ausstellungsansicht Helmhaus, Zürich. Foto: Zoe Tempest 



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«Polizei» steht in Grossbuchstaben auf dem Halsband des Belgischen Schäferhunds. 

Unser Blick bleibt an ihm hängen. Dieser wiederum fixiert mit seinen Augen den Polizisten, 

der ihm durch die Verlangsamung von Bild- und Tonspur verzerrte Befehle erteilt. 

«Sitz!», «Platz!», «Fuss!». Die beiden Protagonisten bewegen sich mit scheinbar 

klarer Choreografie: synchron und eng beieinander – kontrolliert. Die Videoinstallation 

‹Beiss die Hand› (2024) von Roman Selim Khereddine (*1989) ist als Bewegungsstudie 

angelegt, die tiefer geht – über das rein Beobachtende hinaus. Die raumfüllenden 

Projektionen drehen sich um das Erteilen und das Befolgen von Befehlen, um das 

Erahnen einer paradoxen Beziehung und um die absolute Kontrolle, die der Polizist 

über seinen Dienstgefährten zu haben scheint. 

Dem Publikum wird ein überlebensgrosser Hund vorgeführt, der sich im Helmhaus 

parallel zu und mit ihm hin und her bewegt. Die Filmaufnahmen wurden in der 

knapp bemessenen Zeit zwischen dem Auf- und Abbau zweier Ausstellungen in den 

leeren Ausstellungsräumen gedreht, was zu einer bildlichen Verdoppelung führt: ein 

weisser Raum im weissen Raum, darin Polizist, Hund und Künstler. Während Ersterer 

anonym bleibt, wird Letzterer selbst immer wieder im Bild sichtbar, wie er mit 

langsamen Bewegungen und einem Handy in der Hand den Hund und den Polizisten 

festhält. So legt Khereddine bewusst offen, wie die Bilder entstanden sind. Dieser 

Ansatz spiegelt sich auch in der Dramaturgie der drei Räume. Die Anordnung der drei 

Videos entspricht dem Ablauf des Drehs, der inklusive Pausen für den Hund rund 

zwei Stunden dauerte. Folglich ist der Schäferhund im dritten Raum zunehmend ungeduldig 

und aufmüpfig. «Das ist mir während des Drehs gar nicht aufgefallen: Er 

bricht plötzlich aus den Übungen aus, ist nicht mehr so kontrolliert. Es herrscht etwas 

Revolution. Das habe ich versucht, im hektischeren Schnitt aufzugreifen», sagt 

Khereddine über die Filmaufnahmen. 

Wie der Hund, so sein Herrchen 

Die drei Räume im ersten Stock des Helmhauses bleiben neben den Videoprojektionen 

leer: «Es ist meine erste institutionelle Einzelausstellung und auch das erste 

Mal, dass ich mich in meiner Arbeit eingehender mit dem White Cube auseinandersetze», 

sagt Khereddine. «Die Installation ist minimalistisch und auf die komplett weissen 

Räumlichkeiten zugeschnitten.» Diese Reduktion ist ungewohnt und durchaus 

mutig. Der Künstler liess die Institution für sich arbeiten, um das Motiv möglich zu 

machen: Durch die Anfrage des Kurators des Helmhaus – einer städtischen Institution 

– bei der Stadtpolizei Zürich, konnte er einen Hundeführer zusammen mit seinem 

Diensthund für eine künstlerische Arbeit in die Ausstellungsräumlichkeiten abkommandieren 

lassen. Der Polizist erschien in blauer Uniform, umgeschnallter Ausziehleine, 

Pistole und Schlagstock. «Ich habe unter anderem durch vielfache Erfahrungen 

von willkürlicher Personenkontrolle ein kompliziertes Verhältnis zur Polizei – wäre die 

Anfrage von mir gekommen, hätte die Arbeit wohl nicht so realisiert oder gezeigt werden 

können. Auch ist der Belgische Schäferhund eine Hunderasse, mit der ich mich in 

meinem künstlerischen Schaffen schon länger auseinandersetze.» 


Roman Selim Khereddine, ‹Derb Sultan Symphony›, 2022, Stills aus Video, Found Footage, Ton, 14’54’’ 


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So laut und roh die Audio- und Bildwelt, so fein und vielschichtig ist der Inhalt, der 

sich in den endlos wiederholten Szenen entfaltet. Für den Dreh konnte Roman Selim 

Khereddine dem Polizisten mit dem Hund Anweisungen geben – quasi eine zeitlich 

beschränkte Umkehr der Machtverhältnisse. Durch den Beschnitt des Bildes ist der 

Polizist als Person nicht erkennbar und steht so stellvertretend für die Institution Polizei 

und den Staat. Aber vor allem interessiert Khereddine die Hierarchie, die nicht 

nur hier, sondern allgemein zwischen dem nichtmenschlichen und menschlichen Tier 

etabliert wurde: «Für mich ist die Basis der meisten Mensch-Tier-Beziehungen eine 

gewaltsame. Und damit meine ich nicht nur, dass wir Tiere essen, sondern vor allem 

unser dominantes Verhältnis zu ihnen, das nur mit Dressur und Gewalt erreicht werden 

kann. Die Beziehung zwischen Menschen und Hunden ist für mich ein Paradebeispiel, 

um dieses Phänomen unserer Gesellschaft zu untersuchen.» 

So sind Hunde aus unserer Kulturgeschichte nicht mehr wegzudenken, und es gibt 

mittlerweile unzählige Zuchtvarianten; vom Chihuahua zur Deutschen Dogge bis zum 

Pudel. Sie lassen sich gut dressieren, sind vielseitig einsetzbar und fester Bestandteil 

unseres Alltags: als Begleiter:innen, Dienstleister:innen oder Statussymbol. Mit letzterer 

Modeerscheinung hat sich Khereddine in seinem allerersten Videoessay ‹German 

Shepherds Need Heroes Too› (2020) und als Fortsetzung in ‹Derb Sultan Symphony› 

(2022) auseinandergesetzt. Eigentlich war eine Forschungsreise zum Hundemarkt 

im Quartier Derb Sultan nach Casablanca in Marokko geplant, die wegen Corona ins 

Wasser fiel. Mangels eigenen Bildmaterials arbeitete Khereddine mit Found Footage, 

unter anderem von YouTube-Kanälen, die sich ausschliesslich mit dem Hundehobby 

in Nordafrika beschäftigen. Es ist ein eher neues Phänomen, dass vor allem junge 

Männer Rassehunde halten und züchten. «Die in Marokko momentan sehr trendigen 

Belgischen Schäferhunde sind folgsam und leicht zu trainieren – aber vor allem sind 

sie Prothesen von Männlichkeit. Es geht einerseits um das Zeigen und andererseits 

Roman Selim Khereddine (*1989, Zürich) lebt in Zürich 

2010–2013 Bachelor of Arts in Islamwissenschaft und Geschichte, Universität Zürich 

2013–2016 Master of Arts in Geschichte, Arabisch und Türkisch, Universität Zürich 

2018–2020 Master of Arts in Fine Arts, Zürcher Hochschule der Künste 

Einzelausstellungen (Auswahl) 

2023 ‹Big House Narrow Grave›, Sentiment, Zürich 

2022 ‹Can’t Have It All›, Binz39, Zürich; ‹Hard-Won Images›, Espace 3353, Genf; 

‹Hard-Won Images 2›, Tunnel Tunnel, Lausanne 

2021 ‹Hécatombe› (mit Modulaw), Rindermarkt 23, Zürich 

Gruppenausstellungen (Auswahl) 

2024 ‹Atopia I›, dacodac, Zürich 

2023 ‹Animal Instinct / Instinct Animal›, Musée des Beaux-Arts Le Locle; ‹12 Rooms›, 

Kunstmuseum Appenzell; Swiss Art Awards, Messe Basel 

2022 ‹Entangled Events›, Kunst Halle Sankt Gallen 

2021 ‹Zirkuliere!›, Helmhaus, Zürich 


vielleicht auch darum, sich einen Hund anzueignen, der traditionell mit Polizei, Macht 

und Kontrolle in Verbindung gebracht wird», erläutert Roman Selim Khereddine seine 

These, die er in Form eines Essays als Untertitel unter das gefundene Bildmaterial gelegt 

hat. Grundsätzlich ist es auch eine Charakterstudie, in der er der Frage nachgeht, 

was die Instrumentalisierung eines Hundes über ihre Herrchen aussagt. 

Der Mensch im Fokus 

Oft steht in Khereddines Werken vordergründig das Tier im Fokus. Schaut man genauer 

hin, geht es eher um den Menschen und seine Rolle in der Beziehung zum Tier: 

«Das ist vielleicht im heutigen Kunstkontext eine etwas unpopuläre Herangehensweise, 

aber ich habe nach wie vor das Gefühl, dass wir mit dem Fokus auf den Menschen 

im Umgang mit Tieren verschiedene gesellschaftliche Phänomene analysieren 

und beleuchten können: Was bleibt, ist oft das Abbild des Tieres.» Dies manifestiert 

sich besonders im Fall von ausgestopften Tieren. Alles, was hier vom Tier übrig ist, ist 

sein Fell. Seine Hülle. Der Rest ist Plastik und die Vision des Tierpräparators. In seiner 

Installation ‹behind a thousand bars no world› (2023), die bei den Swiss Art Awards 

in Basel zu sehen war, hatte Khereddine ausgestopfte Flamingos ausgestellt – vom 

Transport noch in Luftpolsterfolie verpackt. Der begleitende Videoessay handelt von 

Zoos in Palästina und davon, wie diese von israelischen Streitkräften bombardiert 

werden. Oder wie die Zootiere während Ausgangssperren verhungern. Es sei üblich 

geworden, die toten Tiere auszustopfen und für die Besucher:innen wieder in ihre Käfige 

zu stellen. Die Arbeit entstand vor dem jüngst entflammten Gaza-Krieg – keiner 

der besprochenen Zoos wird heute noch stehen. 

Vor allem, wenn es um sensible und heikle Themen und Bilder geht, greift der 

Künstler gerne auf seinen Hintergrund als Historiker zurück. Es sei die Methodik und 

Art, wie er recherchiere und schreibe, die er von dort in sein künstlerisches Schaffen 

übernommen habe. Das Medium des Videoessays ist für ihn besonders interessant, 

da es ihm in stärkerem Masse als beim akademischen Schreiben erlaubt, seine eigene 

Meinung miteinfliessen zu lassen und assoziative Verknüpfungen herzustellen. So 

beleuchtet er in ‹Djemaa el Fna – Sechseläutenplatz oder «Wie der Zirkus zu seinen 

Marokkanern kam»› (2021) das marokkanische «Engagement» im Zirkus Knie, von 

Schlangenbeschwörern in Völkerschauen bis zu heutigen Saisonarbeitern. Khereddine 

kommentiert eine Ausgabe der SRF-Natursendung ‹Blick ins Tierreich› von 1960 

und die stereotypisierte Darstellung der Schlangenbeschwörer als Naturburschen 

im Gegensatz zum allwissenden weissen Wissenschaftler und Moderator. Vielleicht 

bietet ihm seine kommende Ausstellung in der *Altefabrik in Rapperswil die Möglichkeit, 

sich noch einmal eingehender mit dem Zirkus Knie auseinanderzusetzen, der 

dort einen Kinderzoo betreibt. Und vielleicht ist diesmal Streicheln erlaubt? 

Die Zitate stammen aus einem Gespräch mit dem Künstler in Zürich am 12.4.2024. 

Gianna Rovere, freischaffende Kulturjournalistin, Kuratorin, Autorin, lebt in Zürich. gianna.rovere@zhdk.ch 

→ ‹Roman Selim Khereddine – Beiss die Hand›, Helmhaus, Zürich, bis 15.6. ↗ helmhaus.org 

→ ‹Roman Selim Khereddine›, *Altefabrik, Rapperswil-Jona, 31.8.–13.10. ↗ alte-fabrik.ch 


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When We See Us — Gängige Narrative 

Zandile Tshabalala, ‹Two Reclining Women›, 2020, Acryl auf Leinwand, 91,5 x 122 cm, 

Courtesy Maduna Collection 


echen 

FOKUS // WHEN WE SEE US 

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Zéh Palito, ‹Que Se Chama Amor›, 2022, Acryl auf Leinwand, 162 x 125 cm, Courtesy Simões de Assis 

und Luce Gallery 


Die Ausstellung ‹When We See Us›, die das Kunstmuseum Basel 

vom Zeitz MOCAA in Kapstadt übernommen hat, widmet sich 

hundert Jahren künstlerischer Selbstermächtigung aus panafrikanischer 

Perspektive. Gastkuratorin Koyo Kouoh und Maja 

Wismer, Leiterin Gegenwartskunst am Basler Haus, erläutern im 

Gespräch Hintergründe und Schwerpunkte. Claudia Spinelli 

Claudia Spinelli: ‹When We See Us› ist das jüngste Beispiel einer Reihe von Ausstellungen, 

die das Schwarze Kunstschaffen würdigen. Wie kam es, dass eines der 

ältesten europäischen Museen den Blick auf Afrika und seine Diaspora richtet? 

Maja Wismer: Unser Ausgangspunkt ist die aktuelle Produktion. Darüber hinaus ist es für 

uns als Museum aber auch von allergrösster Relevanz, die Sammlung weiter zu bearbeiten. 

Und die ist absolut kalibrierungsbedürftig – aus verschiedenen Perspektiven. 

Als Koyo Kouoh den Kontakt zu uns suchte, fiel das auf fruchtbaren Boden. Überzeugt 

hat mich ihr Konzept insbesondere auch vor dem Hintergrund der zum Trend gewordenen 

figurativen Malerei. Auch das Kunstmuseum Basel hat entsprechende Werke 

angekauft – zum Beispiel von Michael Armitage oder Lynette Yiadom-Boakye. Mit 

dieser Ausstellung kommt jetzt die ikonografische Tradition dazu, der ganze Humus 

eigentlich, aus dem heraus sich die aktuellen Positionen entwickelt haben. 

Spinelli: Koyo Kouoh, was hat Sie und Ihr Team dazu bewogen, ein Jahrhundert panafrikanische 

figurative Malerei aufzuarbeiten? 

Koyo Kouoh: Die figurative Malerei, deren Wiederaufleben wir über den ganzen Globus 

hinweg erleben, kommt in einer sehr dezidierten und artikulierten Art zurück – nicht 

nur in Afrika, auch in Europa und in Lateinamerika. Aktuelle figurative Malerei ist sehr 

politisiert, insbesondere bei Positionen aus traditionell weniger sichtbaren Bereichen 

der afroamerikanischen Gesellschaft. Dies gab den Anstoss für unsere Recherche. 

Schwarzen Alltag sichtbar machen 

Spinelli: In der Ausstellung werden rund 150 Positionen gezeigt. Das ist viel. Gegliedert 

sind sie nicht chronologisch, sondern in bildinhaltliche Kapitel. 

Kouoh: Es ging uns darum, die figurative Praxis in ihrer ganzen Ausdehnung zu zeigen, 

und wir wollten auch auf parallele Ästhetiken aufmerksam machen, Gleichzeitigkeit 

zeigen. Hinzu kam die Vorgabe, die Ausstellung rund um Schwarze Lebensfreude aufzubauen, 

den Schwarzen Alltag, Schwarze Musse, also all diese sogenannt banalen 

Themen sichtbar zu machen. Themen, die aus der Perspektive von Darstellung und 

Sichtbarkeit aber auch ungeheuer politisch sind. 

Spinelli: Wie entwickelten Sie Ihre Ideen? 

Kouoh: Wir hatten nie Vollständigkeit im Fokus. Aber es gab bestimmte Künstler:innen, 

die für uns ganz klar eine Art Kompass waren. Zum Beispiel Kerry James Marshall. 

Die Tatsache, dass der Afroamerikaner in den letzten 15 Jahren so viel Anerkennung 

fand, hat einen sehr starken Einfluss auf andere, jüngere Schwarze Künstler. 


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Cassi Namoda, ‹To Live Long Is To See Much (Ritual Bathers III)›, 2020, Öl auf Leinwand, 

152,4 x 233,6 cm, Courtesy Jorge M. Pérez Collection, Miami 



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Spinelli: Auch auf die Biennalen und den Markt. Kaum eine Galerie, die in den letzten 

Jahren nicht eine junge Schwarze Position in ihr Programm aufgenommen hätte. 

Wismer: Was im Markt passiert, aber auch in den sozialen Medien und anderen nichtinstitutionellen 

Orten, an denen sich Kunst sichtbar macht, hat sich in den vergangenen 

Jahren extrem beschleunigt. Es ist nicht so, dass die Institutionen dem Markt 

folgen, ihre Aufgabe besteht vielmehr darin, zu verstehen und zu vermitteln, was da 

gerade alles passiert. 

Künstlerisches und politisches Statement 

Spinelli: Mit der Ausstellung wird ein grosses «Wir» heraufbeschworen. Was macht 

dieses aus? 

Kouoh: Ich bin eine grundlegende Panafrikanistin, welche Schwarze Erfahrung in ihrer 

globalen Sphäre betrachtet. Meine geografische Reichweite geht stets über den 

afrikanischen Kontinent hinaus. Aus dieser Perspektive betrachte ich die USA als afrikanisches 

Land, auch Brasilien, Kuba, Haiti oder Jamaika. Dies, weil afrikanische 

Kulturen diese Länder grundlegend prägen. 

Spinelli: Wie wurde die Ausstellung an ihrer ersten Station, dem Zeitz MOCAA in 

Johannesburg, aufgenommen? 

Kouoh: Die Reaktionen waren überwältigend positiv. Es war das erste Mal, dass eine 

Ausstellung dieser Grössenordnung von einer afrikanischen Institution produziert 

und präsentiert wurde. Es geht um ein künstlerisches und um ein politisches State- 

Koyo Kouoh (*1967, Douala) wuchs in der Schweiz auf, lebt in Kapstadt 

2007/2012 Mitglied im kuratorischen Team von documenta 12 und 13 

2008 Gründung der RAW Material Company, ein Zentrum für Kunst, Wissen und Gesellschaft in Dakar 

2017 Kuratorin von ‹Atraxia›, Salon Suisse, Biennale Venedig 

Seit 2019 Direktorin und Chefkuratorin des Zeitz Museum of Contemporary Art Africa 

(Zeitz MOCAA), Kapstadt 

Zahlreiche Publikationen zur internationalen Bedeutung der panafrikanischen Kunstgemeinschaft 

Maja Wismer (*1981, Arlesheim) lebt in Basel 

Studierte Kunstgeschichte, Neuere deutsche Literaturwissenschaft und Philosophie in Basel und Berlin 

2009/10 Mitarbeiterin im Kunsthaus Glarus 

2009–2011 Kuratorin diverser Projekte in Riga, Stockholm und Basel 

2012–2014 Curatorial Fellow, Busch-Reisinger Museum der Harvard University, Cambridge, Mass. 

Seit 2020 Leiterin Abteilung Kunst nach 1960 und Gegenwartskunst am Kunstmuseum Basel 

2021 Dissertation zur Musealisierung ephemerer Objekte 

Koyo Kouoh (links). Foto: Julian Salinas; Maja Wismer. Foto: Christian Knörr 


Michael Armitage, ‹The Dumb Oracle›, 2019, Öl auf Lubugo-Rindentuch, 150,5 x 100,5 cm, 

Norval Foundation, Courtesy der Homestead Group Holdings Ltd 


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ment, in dem dieses «Wir» eine zentrale Bedeutung hat. In der Ausstellung geht es 

nicht um eine Abrechnung mit sozialen Ungerechtigkeiten und anderen negativen Aspekten 

Schwarzer Erfahrungen. Es geht darum, unser Selbstbewusstsein zu stärken, 

indem wir den Blick auf uns selbst richten. Das ist die Bedeutung des «We», also «Wir», 

im Titel. Darüber hinaus wird die dringende Notwendigkeit postuliert, den kunsthistorischen 

Kanon zu erweitern, übergangene Schwarze Positionen ans Licht zu holen. 

Den kunsthistorischen Kanon erweitern 

Spinelli: Dieses Bestreben, marginalisierte Kunst in den Kanon zu integrieren, ist ja 

auch das Anliegen der aktuellen Biennale von Venedig. 

Kouoh: Die Sache ist die, dass Kunst etwas ist, das gleichzeitig und überall praktiziert 

wird. Der Modernismus wurde überall praktiziert und die Figuration auch. Genauso 

wie die abstrakte Malerei oder Konzeptkunst. Die Konzentration auf Europa und 

Amerika ist nicht gerechtfertigt. Ausstellungen wie ‹When We See Us› stellen diese 

Dominanz infrage. 

Spinelli: Reden wir doch noch ein wenig über die Kunstwerke der Ausstellung. Welches 

sind Ihre Highlights? 

Kouoh: Jedes Bild in der Ausstellung ist grossartig. Was ich aber dennoch unbedingt 

herausstreichen möchte, ist, dass auch einige historische Werke zu sehen sind, die 

trotz höchster Qualität bisher noch nie in einem Museum gezeigt wurden. Zum Beispiel 

vom senegalesischen Künstler Malang Badji. Er ist ein beeindruckender Kolorist, 

ein Modernist und ein Meister von Licht und Schatten. Erwähnen möchte ich 

auch Clementine Hunter. Sie ist eine der ältesten Künstlerinnen der Ausstellung, eine 

Schwarze Pächterin aus dem US-amerikanischen Süden. Sie malte in ihrer knappen 

Freizeit Bilder, die schlicht und einfach beeindruckend sind. Ich könnte noch lange 

weitererzählen: Es gibt so viele spannende Kunst zu entdecken in der Ausstellung! 

Afrikanischer Blick 

Wismer: Es ist mir ernsthaft unbegreiflich, dass ich so viele dieser Bilder nicht gekannt 

habe, eben gerade weil sie von so grosser Qualität sind. Ich schätze auch, dass wir 

einige Highlights von jüngeren Kunstschaffenden haben, wie zum Beispiel die Arbeiten 

von Mickalene Thomas oder Zandile Tshabalala. Auf der einen Seite bringt die 

Ausstellung Werke zusammen von Künstler:innen, die ich in institutionellen Ausstellungen 

und in Galerien in der jüngeren Vergangenheit gesehen habe, andere, die 

ich aus Ausstellungskatalogen der 1990er-Jahre kenne, oder eben auch Arbeiten, 

die in Mid-Century-Sammlungspräsentationen grosser Museen gehören. Als ich die 

Ausstellung in Kapstadt besuchte, ist mir ein Bild von Chéri Samba sofort ins Auge 

gestochen. Darin geht es um einen Bericht über einen Besuch des Völkerkundemuseums 

in Zürich, dessen Sammlung er gesehen hatte. Dieser Bezug zur Schweiz und 

zu unserer eigenen Geschichte hat mich, als Museumsfrau in meiner Verantwortung, 

direkt angesprochen. Denn mit diesem Werk haben wir auch die Diskussionen um die 

Rückführung afrikanischer Werke in der Ausstellung mit drin. 


Spinelli: Das ist spannend! Und ein wichtiger Aspekt des Bewusstseinswandels, 

der von der postkolonialen Kritik angestossen wurde. 

Wismer: Einen weiteren schönen Moment erlebte ich, als ich unter anderem ein Werk 

von Gerard Sekoto in der riesigen Porträtgalerie entdeckte, die Adriano Pedrosa im 

Hauptpavillon der Biennale von Venedig zusammengetragen hat. Für mich ist es 

schon denkwürdig, dass es so viele hervorragende Künstlerinnen und Künstler gibt, 

von denen ich keine Ahnung hatte und die ich noch nie gesehen hatte, obwohl ihre 

Arbeiten grossartig sind. 

Von Kapstadt nach Basel 

Spinelli: Maja Wismer, Sie haben die Ausstellung in Kapstadt gesehen. Wie musste 

sie sich ändern, um sie in Basel dem europäischen Publikum zu zeigen? 

Wismer: Tatsächlich hatten wir viele Diskussionen über dieses «Wir» und wie wir es 

reisen lassen können. 

Kouoh: Das Fazit dieser Diskussionen war, dass eine Ausstellung nicht viel anders funktioniert 

als ein Buch. Ein Buch, das von Schwarzer Erfahrung aus der Sicht der Künstlerinnen 

und Künstler erzählt in der Absicht, die gängigen Narrative zu brechen. 

Wismer: Es ist ja auch so, dass ich die Übersetzung von Schwarzer Erfahrung selbst 

nicht leisten kann. Die Möglichkeit, mit dem Zeitz MOCAA und mit Koyo Kouoh zusammenzuarbeiten, 

war überhaupt erst der Grund, diese Ausstellung von Kapstadt nach 

Basel zu holen. Das «Wir», also die Perspektive der von Koyo Kouoh und ihrem Team 

konzipierten Ausstellung, bleibt so gesehen an allen Ausstellungsorten dieselbe. 

Claudia Spinelli, Autorin und Kuratorin, lebt in Basel. claudia.spinelli@me.com 

→ ‹When We See Us – Hundert Jahre panafrikanische figurative Malerei›, Kunstmuseum Basel | 

Gegen wart, bis 27.10. ↗ kunstmuseumbasel.ch 


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Sasha Huber — Erinnerung und 

Freiheit 

Die haitianisch-schweizerische Künstlerin Sasha Huber greift 

seit rund zwanzig Jahren die in ihrer Herkunft verflochtenen Kolonialgeschichten 

in klar und fein gestalteten Werken auf, die 

ein intensives Seh- und Lernerlebnis in Gang setzen. In Hubers 

Händen verwandeln sich tiefe Betroffenheit und Wut in Wegmarken 

eines friedlicheren Zusammenlebens. Bis Mitte Juli bietet 

die Ferme-Asile in Sion nun die letzte Gelegenheit, ihre seit 

2021 international tourende Ausstellung ‹You Name It› zu entdecken. 

Der gleichnamige Werkzyklus steht in Verbindung mit dem 

2007 vom St. Galler Historiker und Politiker Hans Fässler initiierten 

Projekt ‹Demounting Louis Agassiz›. Katharina Holderegger 


Sasha Huber, ‹Rentyhorn – The Intervention›, 2008, digitaler C-Print, 75 x 51 cm © ProLitteris. 

Foto: Siro Micheroli 

FOKUS // SASHA HUBER 

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‹Sasha Huber – You Name It›, Ausstellungsansicht Ferme-Asile, Sion © ProLitteris 



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Die Werke von Sasha Huber hängen reihum an den Wänden des riesigen, aber Geborgenheit 

vermittelnden Dachstocks des ehemaligen Spitalbauernhofs Ferme-Asile. 

Gerne verweilt man in den Begegnungen mit ihnen wie mit einem menschlichen Gegenüber. 

Selbst den in der Mitte dieses Parcours in einer monumentalen Anordnung 

abgespielten vier Videos ist diese kommunikative Dimension auf Augenhöhe eigen. 

Auf den Stufen einer pyramidenförmigen Nachbildung des Agassizhorns sitzend, 

taucht man in Hubers künstlerische oder spirituelle Reinigungsrituale ein. Letztere 

hat sie gemeinsam mit Indigenen realisiert für eine Landschaft der Berner Alpen, die, 

wie insgesamt über achtzig Orte auf Erde, Mond und Mars sowie sieben Tierarten, 

nach dem streitbaren Schweizer Naturhistoriker Louis Agassiz (1807–1873) benannt 

ist. Der in Môtier geborene Pastorensohn war 1846 von Neuenburg in die USA ausgewandert, 

wo er in Harvard als Gründungsdirektor des Museums für vergleichende 

Zoologie und als Professor wirkte. Vor allem aber entwickelte er sich zu einem 

ebenso unbeugsamen wie einflussreichen Verfechter des Kreationismus, der nur die 

religiöse Schöpfungsgeschichte gelten lässt, sowie des Polygenismus, der die Entwicklung 

der Menschheit aus unterschiedlichen Rassen herleitete. 

Von der Grafikerin zur Künstlerin 

Die Traumatisierungen und Retraumatisierungen, die in ihrer von Afrika nach Haiti 

in der Karibik verschleppten Familie mütterlicherseits seit Generationen ineinandergreifen, 

haben Huber von der Grafikerin zur freien Künstlerin gemacht. Das war um 

2000/01. Damals war sie zur Fortbildung in der Kreativmaschine Fabrica der Kleidermarke 

Benetton in Catena di Villorba, wo sie auch ihren späteren Mann, den Künstler 

und Designer Petri Saarikko, kennenlernte. Die gefahrenbedingte Unmöglichkeit, mit 

ihm auf die Geburtsinsel ihrer Mutter zu reisen, die damals wie heute von politischen 

Unruhen geschüttelt wird, empfand Huber als Fortschreibung der jahrhundertealten 

kolonialen Gewalt. 

Das Porträt wurde ein Haupt-Genre in Sasha Hubers Auseinandersetzung mit 

historisch gewachsenen, asymmetrischen Machtverhältnissen. Intuitiv griff sie zu 

einem pistolenartigen Druckluft-Tacker und trieb Hunderte von Heftklammern in 

ausrangierte Holzlatten. Diese erinnerten sie an die Schiffe, mit denen die Welt von 

Europa erobert und in einem Dreieckshandel, auch unter Beteiligung der Schweiz, 

ausgebeutet worden war: Waffen und Alkohol wurden in Afrika abgesetzt, Schwarze 

wurden nach Amerika verschleppt und Baumwolle, Schokolade und Kaffee von dort 

nach Europa verkauft. Huber stellte mit ihrer Tacker-Pistole unter dem Titel ‹Shooting 

Back – Reflections on Haitian Roots› zunächst ein schillerndes Konterfei von 

Kolumbus her, gefolgt von je einem, das «Papa Doc» und «Baby Doc» Duvalier galt. 

Deren Erbdiktatur brachte die Redemokratisierung Haitis, das nach Aufständen gegen 

die Sklaverei unter Toussaint (1743–1803) zur Republik geworden und Anfang 

des 20. Jahrhunderts durch die USA besetzt worden war, zum Scheitern. Die Machtübernahme 

der Duvaliers 1957 zwang Sasha Hubers Grossvater, der auf Haiti eine 

lebendige Kunstschule aufgebaut hatte, mit seiner Familie zur Emigration. 


Sasha Huber, ‹Shooting Back – Louis Agassiz (1807–1873)›, Metallklammern auf Altholz, 150 x 115 cm, 

Sammlung Museum of Contemporary Art Kiasma, Helsinki, Ansicht Ferme-Asile, Sion © ProLitteris 


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Sasha Huber, ‹Tailoring Freedom – Renty and Delia›, 2021, Metallklammern auf Fotografie auf Holz, 69 x 97 cm, 

© ProLitteris, Courtesy S. Huber u. Tamara Lainer / Originalfotos: The Peabody Museum, Harvard University 



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Hubers postkoloniale Kunst – damals noch sehr neu und marginal – sollte bald 

eine aktivistische Dimension annehmen. Es begann damit, dass ihre Schwester Heidi 

ihr eines der ersten publizierten Bücher über die Beteiligung der Schweiz an der 

modernen Sklaverei schenkte: Die ‹Reise in Schwarz-Weiss› (2005) von Hans Fässler 

beginnt mit einer Hommage an Toussaint. Huber suchte darauf die Begegnung mit 

dem Autor, was eine bis heute fruchtbare Freundschaft besiegelte. 

So berief Fässler sie 2007 als einzige Künstlerin in sein transatlantisches Komitee 

‹Demounting Louis Agassiz›. Dieses sollte dem Deutungsgerüst rund um Agassiz, 

das anlässlich seines 200. Geburtstags zelebriert wurde und dessen folgenschweren 

Rassismus verschwieg, die Stirn bieten. Fässlers Sensibilisierungskampagne, die 

auch auf die Erkenntnis von Agassiz’ Mitschuld an rassentheoretisch unterfütterten 

Verbrechen wie Holocaust oder Apartheid zielte, war schon fast ins Leere gelaufen, 

doch Huber vermochte es, sie wieder anzuschieben. Ihre performative Umbenennung 

des Agassiz- in Rentyhorn 2008 hallte öffentlich nach: Die nun auch in Sion gezeigten 

Bilder, wie die junge Frau in einem Pelzkostüm aus dem 19. Jahrhundert aus einem 

Hubschrauber steigt und mithilfe eines Eispickels ein Schild in den Schnee rammt, 

gingen durch die Medien in der Schweiz wie auch in den Staaten. Die Tafel enthielt 

nebst erläuterndem Text ein Porträtmedaillon von Renty (1775–1865), einem Kongolesen, 

der um 1850 auf einer Plantage in South Carolina versklavt worden war. An- 

Sasha Huber (*1975, Uster) lebt in Helsinki 

1991–1996 Grafikdesign, Hochschule für Gestaltung und Kunst Zürich (heute ZHdK) 

2000/01 Fabrica Research Lab, Benetton Group, Catena di Villorba 

2002–2006 MA Visual Culture, Aalto University, School of Arts, Design and Architecture, Helsinki 

Seit 2013 Ph. D. Artistic Research, Aalto University, School of Arts, Design and Architecture, Helsinki 

Seit 2017 Ph. D. Art & Media, Zürcher Hochschule der Künste und Kunstuniversität Linz 

Einzelausstellungen (Auswahl) 

2021–2024 ‹You Name It›, Turku Art Museum / The Power Plant Contemporary Art Gallery, Toronto / 

Autograph, London / Kunstinstituut Melly, Rotterdam 

2021 ‹Dekolonialwaren Huber›, Galerie am Platz, Eglisau; ‹The Firsts – Edmonia Lewis›, Media Box, 

Forum Box Gallery, Helsinki 

2020 ‹Black Lives Matter› (zusammen mit Petri Saarikko), Artivist Lab, Prag; ‹Agassiz (All) Over›, 

Gallerie Image, Aarhus; ‹The Tipping of the Iceberg›, Gallery Lokal, Helsinki 

2019 ‹Nome próprio›, Galeria Ecarta, Porto Alegre, und Centro Hélio Oiticica, Rio de Janeiro 

Gruppenausstellungen (Auswahl) 

2024 ‹Apropos Hodler – Aktuelle Blicke auf eine Ikone›, Kunsthaus Zürich 

2023 ‹High Five›, Fondation Opale, Lens; ‹verstehen – Das Problem des Anderen›, Helmhaus, Zürich; 

‹Stranger in the Village›, Aargauer Kunsthaus, Aarau; ‹2 nd Helsinki Biennale – New Directions May 

Emerge›, Helsinki 

2022 ‹Ernte 22›, Museum zu Allerheiligen Schaffhausen; ‹5 th Mardin Biennale›, Mardin 

2015 56. Biennale di Venezia 

2014 19. Biennale of Sydney 

2010 29. Bienal de São Paulo 


hand von Rentys Physiognomie sowie jener seiner Tochter Delia und fünf weiterer 

Opfer hatte Agassiz gemeint, die Minderwertigkeit der Schwarzen abhandeln zu können, 

wozu er von ihnen Nackt-Daguerreotypien von allen Seiten hatte anfertigen lassen. 

Hubers Konzentration auf die Darstellung von Rentys Gesichtszügen war darum 

eine wichtige Geste der Würdigung und der Rehumanisierung. 

Lebenskunst statt Marktware 

Eine wichtige Frage für Huber war, wie den Opfern statt den Täter:innen auf Basis 

von Archivmaterial Monumente geschaffen werden können, ohne deren Diskriminierung 

weiter zu normalisieren. Ein von ihr gezeichnetes Ebenbild Rentys in der Begleitpublikation 

zur Ausstellung zeigt, dass sie 2008 etwa auch darüber nachdachte, 

ihn in eine traditionelle kongolesische Toga zu kleiden. Je virtuoser sie jedoch ihre Tackertechnik 

beherrschte, umso mehr verwandelte sich diese in einen Ansatz, mit dem 

sie nicht nur Täter kritisieren, sondern auch Opfer honorieren konnte. Dies gipfelte in 

der Serie ‹Tailoring Freedom› (2021), die Huber für die Ausstellung in der Ferme-Asile 

vervollständigte: Agassiz’ Fotografien von Renty und dessen Tochter Delia druckte 

Huber dafür als Halbfigurenporträts auf Holz, um sie in getackerte Kostüme zu 

kleiden, wie sie im 19. Jahrhundert Persönlichkeiten trugen, die für die Abschaffung 

der Sklaverei eintraten. Zudem legte Huber die Hände von Renty und Delia in deren 

Schoss, was den beiden etwas Gesetztes statt Erledigtes verleiht. 

Laut Huber fand Tamara K. Lanier, Nachfahrin von Renty und Delia, die 2010 mit 

Fässlers Komitee in Kontakt trat, diese Werke würden Vater und Tochter «wie in ihrem 

besten Sonntagskleid wirklich aus ihrer Situation befreien». So wird aus dem 

Schiessen ein Flicken. Huber vermeidet sogar tunlichst, dass ihre Reparationsarbeit 

zu Spekulationsware wird, indem sie ihre Werke höchstens an Museen verkauft und 

ansonsten innerhalb ihres Produktionskontexts bewahrt. Ihre getackerten Porträts 

von Renty und Delia etwa werden später an Lanier gehen. Indes sind deren Bemühungen, 

die Nackt-Daguerreotypien ihrer Ahnen von Harvard zurückzuerhalten, gescheitert. 

Huber dokumentiert den Prozess, den Lanier mit dem Schwarzen-Anwalt 

B.L. Crumb und unterstützt von einer Nachfahrin Agassiz’ führte, in der Ausstellung 

mittels Anklagekorrespondenz und dem Video ‹Pictures of a Reparation› (2019). 

Auch George Floyd (1973–2020) hat Sasha Huber getackert. Sie schätzt, dass die 

Schwarzenbewegung, die nach dessen polizeilich verursachtem Tod unter dem Slogan 

«Black Lives Matter» entfacht wurde, leider noch lange nicht abgehandelt sei. 

Aber durch das individuelle Gesicht, dass sie sowohl Täter:innen als auch Opfern 

verleiht, wehrt sie sich gegen jede angeborene Gruppenzugehörigkeit als Schicksal, 

auf eine bestimmte Art und Weise zu handeln und zu denken. Vielmehr gibt sie allen 

Involvierten und ihren Nachkommen die Freiheit zurück, zu neuen Horizonten aufzubrechen.Hubers 

Beitrag an die Aufarbeitung der Kolonialgeschichte ist ein Segen. 

Katharina Holderegger, Kunsthistorikerin, Kritikerin, Kuratorin, lebt mit ihrer Familie am Genfersee. 

kholderegger@hotmail.com 

→ ‹Sasha Huber – You Name It›, Ferme-Asile, Sion, bis 14.7. ↗ ferme-asile.ch 


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La scia del monte — Montagne 

magique 

Una Szeemann, ‹She Who Wanders at Night›, 2024, cuir, métal et caoutchouc cellulaire, h : 300 cm 

(à l’avant) ; ‹Incantarsi›, 2024, bois de châtaignier, frêne, bouleau, tilleul et bronze, divers formats, 

vue d’exposition MBAL, Le Locle. Foto : Lucas Olivet 


Dans sa nouvelle exposition, le Musée des Beaux-Arts du Locle 

invite le spectateur à relire l’histoire de la colonie du Monte 

Verità à l’aune de la création contemporaine. Le MBAL expose 

les travaux de 26 artistes – pour la plupart fruits de résidences 

artistiques réalisées in situ – inspirés par les avant-gardes de 

cette mythique colline tessinoise. Ingrid Dubach-Lemainque 

Est-ce dû à la localisation géographique du Locle, à flanc de Jura ? Un fil invisible 

semble relier la cité horlogère avec la pimpante station tessinoise d’Ascona. L’énergie 

tellurique de la roche, la présence magnétique des sommets environnants mais 

aussi l’encaissement de ces villes qui s’y sont blotties dans leur ombre : la résonance 

entre les deux lieux est multiple et Le Locle se révèle l’endroit idéal pour faire revivre 

l’esprit du Monte Verità – plus de 120 ans après les débuts de l’expérience utopique 

qui y vit le jour. La directrice du MBAL, Federica Chiocchetti, a tissé depuis son arrivée 

un lien fort avec la Fondazione Monte Verità qui s’est donné pour mission de 

revaloriser le lieu par le biais de la création contemporaine, en proposant notamment 

des résidences artistiques. 

Héritage utopique 

Qui sont ces utopistes magnétiques auxquels le musée rend hommage ? Théosophes, 

réformateurs de la vie, anarchistes, communistes, sociaux-démocrates, psychanalystes, 

puis hommes et femmes de lettres, écrivains, poètes et artistes, et enfin 

émigré.e.s des deux guerres mondiales se sont succédé par vagues sur la colline 

dans la première moitié du 20 e siècle. L’exposition ‹la scia del monte ou les utopistes 

magnétiques› fait la lumière sur un versant particulier de l’aventure du Monte Verità, 

celui de la part des femmes. « Racontées par les différents hommes qui ont étudié 

l’histoire du Monte Verità et se sont focalisés sur les personnages masculins, il est 

temps que toutes ces théosophes, végétariennes, alternatives, féministes (chacune 

à sa manière), naturistes, excentriques gardiennes de mamelles, ‹grandes mères›, 

fondatrices, artistes, intellectuelles et militantes racontent leur propre histoire », 

écrit la directrice du MBAL et co-commissaire de l’exposition avec Nicoletta Mongini. 

Ces figures tutélaires que l’exposition a adopté comme marraines se prénomment 

Marianne Werefkin, Sophie Taueber-Arp, Ida Hoffmann, Olga Fröbe-Kapteyn … 

Ce sont leurs portraits que l’on découvre à l’entrée du musée, leurs citations que 

l’on retrouve dans les pages du livre d’art qui sert de guide à l’exposition. L’autre 

figure, dont le souvenir plane sur l’exposition, c’est celle du curateur Harald Szeemann 

(1933-2005), installé au Tessin depuis la fin des années 1970 et qui explora 

durant des années l’expérience phénoménale du Monte Verità. Son exposition ‹Les 

Mamelles de la Vérité› (‹Monte Verità – Le mamelle della Verità›) qu’il organisa à l’été 

1978 sur les îles de Brissago, à Ascona et sur le Monte Verità joua un rôle majeur dans 

la redécouverte de la colonie artistique et de sa place dans l’histoire de l’art. 

FOKUS // LA SCIA DEL MONTE 

81

Il faut gravir les marches qui nous séparent des étages supérieurs du musée et 

découvrir les espaces d’exposition proprement dits pour plonger dans un parcours 

thématique où la nature, la danse, le féminisme ou la spiritualité sont convoqués : 

dans chaque salle, des échos historiques du Monte Verità (sous la forme d’œuvres 

d’artistes de la colonie) et des œuvres historiques de la collection du MBAL se 

mêlent aux créations contemporaines. Parmi ces dernières, plusieurs mettent l’accent 

sur le caractère unique, presque mystique du lieu – telles la série de photographies 

‹Hotel Verità› (2023) de Giaime Meloni (*1984, Italie) qui met en scène une 

atmosphère d’étrangeté sur la colline à la manière d’un film de David Lynch. Mais 

on retrouve aussi un esprit ludique et décalé dans la vidéo ‹This Is Not A Holiday› 

(2020) de Johanna Gschwend (*1990, Saint-Gall) créée en collaboration avec Moritz 

Hossli lors d’une résidence d’artiste au Monte Verità. Deux écrans se font face. Le 

fond sonore d’un match de tennis constitue la bande-son. Les images de l’hôtel du 

Monte Verità et de la nature luxuriante du lieu apparaissent et disparaissent des 

écrans suivant cette partition rythmée, à la manière des lumières automatiques du 

parc qui s’allument et s’éteignent au passage des visiteurs. Des visiteurs-fantômes, 

période de Covid oblige. 

The Cool Couple, ‹Energy Mat (Loreleyn, Gusto, Valkyrien)›, 2024, impression pigmentaire sur tapis 

de yoga; ‹Karma fails. After such a long journey›, 2024, papier peint, dimensions variables, installation 

accompagnée d’un audio (12’10’’ en boucle), vue d’exposition MBAL, Le Locle. Foto : Lucas Olivet 


Una Szeemann (*1975, Locarno) occupe, quant à elle, une place particulière dans 

ce panthéon de créatrices et l’exposition le matérialise, en lui réservant une salle entière 

: l’artiste est la fille d’Harald Szeemann et de l’artiste Ingeborg Lüscher (*1936, 

Freiberg). De cette dernière, l’œuvre iconique ‹The Shirt / Das Hemd› (1981) est présentée 

plus loin dans l’exposition : une chemise en papier aux dimensions de celles 

que les femmes de la colonie artistique portaient avec les mots d’une des créatrices 

du Monte Verità, la pianiste Ida Hoffmann, et issus de son manifeste féministe contre 

l’asservissement des femmes aux tâches ménagères comme le repassage. L’enfance 

d’Una Szeemann s’est passée « dans l’aura de Monte Verità » et c’est cette mémoire 

qu’elle réinvestit à sa manière aujourd’hui en produisant des installations et des 

sculptures imprégnées des mythes liés au magnétisme du lieu. Pour l’artiste, « les 

anomalies magnétiques de Monte Verità sont sculptrices des paysages intérieurs 

tout en recadrant les possibilités de perspectives alternatives ». 

Légendes et mythes 

Des feuilles de bananiers séchées du Tessin, puis coulées dans le bronze, constituent 

le matériau organique d’une de ses installations ‹The Birds Said You Move› 

(2021–2013). L’artiste a utilisé ces feuilles, symboles d’abondance, de prospérité et 

de fertilité dans de nombreuses religions, pour leur donner une « vie éternelle », en les 

fixant avec lenteur dans le bronze lors d’un processus quasi alchimique et les donnant 

en offrande aux spectateurs. Ce sont les légendes et mythes autour du Monte 

Verità, dont on raconte que des réunions de sorcières s’y tenaient et que des danses, 

des chants et des rituels y étaient célébrés, qui, encore, ont fasciné l’artiste. Bâtons 

de sorcière ou éclairs ? La forme hybride que prennent les branches d’arbres trouvées 

au Tessin, coulées dans le bronze et couronnées d’une tête de palmier, pour la série de 

sculptures ‹Incantarsi›, réalisée pour l’exposition, interroge. Plus loin, avec sa pièce en 

cuir ‹She Who Wanders at Night›, également réalisée pour l’exposition, Una Szeemann 

poursuit son exploration autour de la figure de la sorcière : trois lourds corps de cuir 

noir aux longues franges, pendus au plafond, se balancent. Présence inquiétante et 

intrigante, cet objet qui évoque une lourde selle de cheval fait allusion à la figure mythologique 

d’Hécate, « déesse de la magie, de la sorcellerie, de la nuit, de la lune ». La 

sculpture rappelle aussi les danses sacrées et mystiques performées par la danseuse 

allemande Charlotte Bara dans le Teatro San Materno, près d’Ascona. 

A en croire la densité et l’intensité de ces productions, le Monte Verità est encore 

aujourd’hui source fertile d’inspirations, un « endroit où notre front touche le ciel », 

comme le formulait en 1978 l’auteure Ise Gropius. 

Ingrid Dubach-Lemainque, historienne et critique d’art, vit sur le lac de Morat. 

idubachlemainque@gmail.com 

→ ‹la scia del monte ou les utopistes magnétiques›, MBAL, Le Locle, jusqu’au 15.9. ; publication 

‹Les voix magnétiques›, sous la direction de Federica Chiocchetti en collaboration avec Sophie Mauch 

et Nicoletta Mongini, Musée des Beaux-Arts Le Locle, 2024 ↗ mbal.ch 

FOKUS // LA SCIA DEL MONTE 

83

Chiara Camoni — Sacralità profana 

‹Chiara Camoni – Chiamare a raduno. Sorelle. Falene e fiammelle. Ossa di leonesse, pietre e 

serpentesse.›, veduta della mostra Pirelli HangarBicocca, Milano. Foto: Agostino Osio 


Al Pirelli HangarBicocca, la mostra personale di Chiara Camoni, 

curata da Lucia Aspesi e Fiammetta Griccioli, ci regala una passeggiata 

in un giardino, tra «hortus conclusus» e spazio sacro. 

Muovendosi nell’ampia sala, si percepiscono i resti di un rituale 

fuori dal tempo. Elisa Rusca 

La pratica artistica di Chiara Camoni (*1974, Piacenza) è eterogenea e multiforme. 

L’opera dell’artista italiana celebra e utilizza gli elementi naturali, come fiori, erbe 

e bacche selvatiche, materiali organici come la cenere e l’argilla, e oggetti familiari, 

domestici, quotidiani. L’universo semantico e visivo in cui Camoni si muove è volutamente 

lontano da ritmi e materie solitamente associati alle società contemporanee, 

urbanizzate, frenetiche, ipertecnologiche. L’attenzione di Camoni è volta verso 

le interazioni e la partecipazione – molte delle sue opere sono infatti realizzate collettivamente 

– al fine di esplorare il potere del gesto creativo che diventa rituale, la 

creazione artigianale che alchemicamente trascende la materia e la trasforma. 

Entrando al Pirelli HangarBicocca si ha l’impressione di non riconoscere più la 

sala espositiva che, lasciata nuda, senza particolari scenografie e con le finestre non 

oscurate, s’illumina di luce naturale, dando un’impressione diversa dell’installazione 

a seconda del momento della giornata in cui si svolge la visita. La mostra presenta il 

più ampio numero di opere mai presentate dall’artista: lavori meno recenti accompagnano 

una serie di nuove produzioni, organizzate nello spazio come un’architettura 

che ricorda le rovine di un antico luogo sacro. I riferimenti all’arte e all’archeologia 

sono molteplici; per entrare nel circuito delimitato dall’artista, definito al pavimento 

come da una mappa di stanze e corridoi, dobbiamo oltrepassare un varco: le due 

sculture dal titolo ‹Lionesses› (2024), scolpite in pietra leccese, come delle sfingi 

egizie piazzate all’entrata dei templi. All’interno del percorso, serpenti in ceramica, 

piante vere in vasi di terracotta e, installate in punti precisi, creando quasi un ritmo 

a sé stante, come degli alberi secolari o delle apparizioni di divinità silvane, le grandi 

sculture antropomorfe ‹Sisters› (2017–2023). Al centro di quest’orto, un mosaico 

disegnato a terra in marmo e onice, ai quali due lati, simmetricamente, sono situate 

due strutture circolari ai quali sono appesi dei grandi drappi bianchi di seta. Impressi 

naturalmente grazie alle proprietà tintoree degli elementi vegetali che l’artista vi ha 

disposto sulla superficie, questi lenzuoli sembrano portare stampati i ritratti di spiritelli 

boschivi, e nel contemplarli emergono dalla memoria immagini della Sindone, 

ma anche riferimenti alle macchie del test di Rorschach. 

Tra spazio intimo e di rituale collettivo, la mostra ci chiama a raduno per assistere 

alle incantazioni contemporanee di Camoni, offrendoci un momento di respiro nello 

spesso troppo frenetico quotidiano. 

Elisa Rusca è critica e storica dell’arte, vive a Ginevra. elisa.rusca@gmail.com 

→ ‹Chiara Camoni – Chiamare a raduno. Sorelle. Falene e fiammelle. Ossa di leonesse, pietre e 

serpentesse.›, Pirelli HangarBicocca, Milano, fino al 21.7. ↗ pirellihangarbicocca.org 

FOKUS // CHIARA CAMONI 

85

HINWEISE 

Carlotta’s Face 

Animation — Gesichtsmerkmale sind etwas, 

worüber sich der sehende Mensch keine bewussten 

Gedanken macht. Nase, Mund, Ohren, 

Augen sind einfach da, in allen möglichen 

Grössen und Formen. Wie oft wir uns im Alltag 

darauf verlassen, Menschen an ihren Gesichtszügen 

zu erkennen, wird erst klar, wenn 

jemand diese Fähigkeit nicht hat. Carlotta ist 

ein solcher Mensch. Sie lebt mit Gesichtsblindheit 

(Prosopagnosie). Sie kann Gesichter weder 

erkennen noch sich merken. 

Im Film ‹Carlotta’s Face› des Hirnforschers Valentin 

Riedl und des Animations-Filmemachers 

Frédéric Schuld erzählt sie, wie ihr Defizit sie 

bereits in der Schule beeinflusst hat, wie sie 

von Lehrer:innen und Mitschüler:innen gemobbt 

wurde und schlussendlich in der Kunst ihren 

Weg fand. Der Film übersetzt ihre Erzählung 

und die Beschreibungen ihrer Wahrnehmung 

in Bilder. Bilder, die immer wieder Gesichter 

andeuten. Formen, die Nasen oder Augen sein 

könnten, aber nicht klar zuzuordnen sind. Eben 

ganz so wie diese Frau Gesichter wahrnimmt. 

‹Carlotta’s Face› wurde an unzähligen Festivals 

gezeigt und gewann mehr als dreissig Preise. 

Riedl und Schuld möchten mit dem Film einen 

Beitrag zur sozialen Inklusion leisten und dem 

Publikum eine andere Sichtweise aufzeigen. 

2020 fügte Riedl den Dokumentarfilm ‹Lost in 

Face› hinzu, der die Künstlerin Carlotta porträtiert. 

Dominique Marconi 

Waldeslust 

Arlesheim — Manchmal geht man gern in den 

Wald, denn: «Wer möchte leben ohne den Trost 

der Bäume», so ein Gedicht von Günter Eich. 

Tatsächlich sind Wald und Bäume nicht nur in 

der Romantik ein prominentes Motiv der Kunst. 

Vielmehr auch heute wieder: Mit viel zeitgenössischer 

Kunst ist die Ausstellung ‹Waldeslust› 

im Forum Würth in Arlesheim der Beleg. Konnte 

das Fin de Siècle noch von Harmonie zwischen 

Mensch und Natur träumen (Max Ackermann, 

‹Drei Akte im Wald›, 1910), so feiern Künstler 

wie Franz Marc, Christian Rohlfs oder Alfred 

Sisley den Wald mit malerischer Delikatesse. In 

der Gegenwart tritt ein anderer Aspekt hervor: 

Schon im Titel von Andrea Zaumseils Pastellzeichnungen 

– ‹Weit fort› – artikuliert sich 

Distanz. Auch Robert Longos monumentale 

Kohlezeichnung lädt nicht eben zu positiven 

Emotionen, gar Waldseligkeit ein. Und David 

Nashs Holzskulptur ‹Walking Manzanita›, eine 

wandernde Astgabel, erinnert schon im Titel 

an den Film ‹Dead Man Walking›. Auch bei Gabi 

Streile ist das Waldsterben ein Thema: Verdorrt, 

erstorben ähnelt die gemalte Tanne asiatischen 

Schriftzeichen, während eingeschlagene 

Nägel in Günther Ueckers Skulptur ‹Baum› an 

verkümmerte Äste denken lässt. Nur Norbert 

Tadeusz’ wandfüllende Gemälde in Acryl sind 

im weichen, geradezu zärtlichen Pinselduktus 

der Versuch einer Wiederannäherung. Der Funken 

glimmt noch. HDF 

Valentin Riedl, Frédéric Schuld, ‹Carlotta’s 

Face›, 2018, 5’5’’ 

↗ vimeo.com/374351388 

Robert Longo, ‹Ohne Titel (Fair mount Forest)›, 

2011, Kohle auf Papier, 177,8 x 304,8 cm, Slg. 

Würth © ProLitteris. Foto: Robert Longo Studio 

→ Forum Würth, bis 3.8. 

↗ forum-wuerth.ch 


Susanne Hofer 

Baden — Das Blau des Meers und des Himmels 

läuft auf eine dünne Horizontlinie in der Ferne 

zu. Vor der wandfüllenden Videoprojektion, 

entspannend und intensiv zugleich, wähnen 

wir uns auf einem Pier. Dann bricht eine Welle. 

Weisse Gischt steigt gen Himmel, bevor es 

wieder still wird. ‹as it happens› im Eingang des 

Trudelhaus gibt der Soloschau von Susanne 

Hofer (*1970) ihren Titel und illustriert das 

Interesse der Künstlerin treffend. Der Saaltext 

nutzt dafür den Modebegriff «achtsam», der 

aber die diversen konzeptionellen «Ebenen» 

der Fotos und Videos und deren Art und Weise, 

die Aufmerksamkeit ein- und herauszufordern, 

durchaus gut erfasst. 

Im Video ‹Tramonto› müssen wir auf einem 

alten Getreidesilo die mit dem visualisierten 

Bauprojekt bedruckte Stoffbahn und die 

Schatten des umliegenden, nicht sichtbaren 

Hafentreibens im Abendlicht auseinanderdividieren. 

Ein Stockwerk tiefer zergliedern in ‹All 

tomorrow’s parties› hängende Papierstreifen 

die Projektion eines Bauzauns. Form und Inhalt 

der Projektionen verschmelzen mit dem Raum. 

Im untersten Geschoss öffnet derweil die 

‹Wohnmaschine› hintergründig eine Metaebene. 

Sich wild öffnende Türen, kreisende Lampen 

oder ein statisches Treppengeländer als Gegenstück 

werden auf einen Berg Transportboxen 

und Umzugskartons projiziert und beweisen 

fast schon Fischli/Weiss’schen Humor. AD 

Made in Japan 

Basel — Mit Japans Öffnung im Jahr 1853 

fand auch Kunst den Weg nach Westen, früh in 

Gestalt von Farbholzschnitten. Die Impressionisten 

erkannten sogleich deren künstlerischen 

Wert; nicht nur Manet und Van Gogh waren 

begeistert. ‹Made in Japan›: Endlich hat das 

Kunstmuseum Basel eine im Depot schlummernde 

Schatztruhe geöffnet. Rund 110 japanische 

Farbholzschnitte erblicken erstmals 

das Licht der Öffentlichkeit. Der repräsentative 

Querschnitt der etwa 350 Blätter umfassenden, 

zum guten Teil aus dem Vermächtnis des 

Baslers Carl Mettler stammenden Sammlung 

ist eine Galerie der Meisterwerke; darunter 

Landschaftsdarstellungen aus Hokusais 

‹36 Ansichten des Berges Fuji› oder Blätter wie 

Utamaros zauberhaftes ‹Horogaya-Mückennetz 

für ein Baby› mit säugender Mutter. Hiroshiges 

‹Kirschblütenschau auf dem Berg Asuka› zeigt 

eine belebte Szenerie im Freien; Manets ‹Déjeuner 

sur l’herbe› kommt einem in den Sinn. 

Zu den Themen, die den Parcours strukturieren, 

gehört auch weibliche Schönheit oder das 

Kabuki-Theater. Weit verbreitet waren Porträts 

von Schauspielern dieses Genres, die bekanntesten 

avancierten zu Posterboys ihrer Zeit. Kuniyoshi 

wiederum, der mit Heroenerzählungen 

aus Sage und Geschichte glänzt, lieferte die 

bildsprachlichen Muster für die Manga-Comics 

und Animes der Gegenwart. HDF 

Susanne Hofer, ‹Tramonto›, 2024, Video- 

Installation, Ausstellungsansicht Trudelhaus, 

Baden. Foto: Kaspar Ruoff 

→ Trudelhaus, bis 23.6. ↗ trudelhaus-baden.ch 

Utagawa Hiroshige, ‹Kirschblütenschau 

auf dem Berg Asuka (Asukayama)›, 1853, 

Farbholzschnitt, 22,8 x 36 cm, Kunstmuseum 

Basel. Foto: Jonas Schaffter 

→ Kunstmuseum Basel, bis 21.7. 

↗ kunstmuseumbasel.ch 

HINWEISE // ANIMATION / ARLESHEIM / BADEN / BASEL 

87

Entropia 

Basel / Riehen — Was verbindet ein Stück 

Polystyrol mit Kieselsteinen, Neonlichter 

mit Bienen oder bunte Hundekotbeutel mit 

Kommunikationsplattformen? Die Paarungen 

sind Ausdruck des menschlichen Eingriffs in 

die Natur und dessen Folgen. Mit der Gruppenschau 

‹Entropia – Von den Zeichen der Irreversibilität› 

untersucht der Kunst Raum Riehen 

kaleidoskop artig Themen von Transformation 

und Zerfall. Kunsthistorischer Ausgangspunkt 

liefert im Foyer eine Dokumentation zu Robert 

Smithsons (1938–1973) berühmter ‹Spiral 

Jetty›. 1970 entstanden, repräsentiert das 

Land-Art-Werk die Intervention in der Natur, 

während es zugleich seit 54 Jahren durch Erosion 

und Salzverkrustungen selbst sogenannten 

entropischen Prozessen ausgesetzt ist. 

Die gezeigten zeitgenössischen Werke zeichnen 

sich durch eine multiperspektivische Vielschichtigkeit 

aus. Von Adrien Missikas Werk 

‹Triste Galet› über Vanessa Billys Skulpturen 

‹Centipedes› zu Kilian Rüthemanns Fotoserie 

über Kernbohrungen auf dem Mars oder Rosa 

Barbas Videoarbeiten – die Schau der insgesamt 

sieben Positionen bietet einen multimedialen 

Abriss über Themen von Konsumkreislauf 

und Abfall, Klimawandel, Materialtransformationen 

bis hin zur Einwirkung des Menschen 

auf das Tierreich und regt einmal mehr zum 

Nachdenken über die Unumkehrbarkeit der 

Konsequenzen menschlichen Handelns an. RM 

Val Minnig, ‹Queere Flaggen›, 2020, Kot- und Hygienebeutel 

verschiedener Orte, Masse varia bel, 

Ansicht Kunst Raum Riehen. Foto: G. Folly 

→ Kunst Raum Riehen, bis 7.7. 

↗ kunstraumriehen.ch 

Megan Francis Sullivan / 

Emanuel Rossetti 

Glarus — Schroffe Einschnitte in den rauen 

Bergen sind ein Markenzeichen des Kantons 

Glarus. Täler und Ortschaften tragen charakteristische, 

den Flüssen entlehnte Namen wie 

Sernftal, Linthal oder das im Dialekt ‹Chlütal› 

genannte Klöntal. Aus eben diesem wilden 

Flecken hat uns Johann Gottfried Steffan 

(1815–1905) Bilder hinterlassen, die im Kunsthaus 

Glarus mit Werken der Wahlberlinerin Megan 

Francis Sullivan (*1975, Stamford) in deren 

Soloschau ‹Wolkenstudie› zusammengeführt 

sind. Steffan malte die Wolken sehr plastisch, 

mal bedrohlich dunkel über hell schäumendem 

Wasser, mal locker gebettet am Himmel über 

der Alp. Eine Geiss schien hier den Maler entdeckt 

zu haben, die nun, da das Werk vollendet 

ist, keck den Betrachtenden anguckt. 

Eher symbolisch ist die Wolke in der ‹Study 

of a Condensation Wall› zu verstehen, einer 

Installation aus den 1960er-Jahren von Hans 

Haacke, mit der sich Sullivan in diesem Werk 

beschäftigt. Ein transparenter Plexiglaskubus 

gibt Einblick in einen dauerhaft schwebenden 

Zustand: In seinem Inneren reagiert destilliertes 

Wasser auf die Änderungen in der umgebenden 

Atmosphäre. 

Gegen die Wand läuft man hingegen bei 

der ‹Study of facade, American Fine Arts 

at 22 Wooster Street, New York, circa 2002› 

(Sullivan mag lange Werktitel), welche in sattem 

Gelbgrün quer im Obergeschoss des 1952 

eröffneten und 2018/19 sorgsam umgebauten 

Hauses steht. Man schaut hinter die Fassade, 

aber da ist – nichts. Auch keine Wolke. Der 

Raum bleibt leer und kann mit eigenen Gedanken 

gefüllt werden. 

In der parallel laufenden Ausstellung lässt man 

sich auf die ‹Stimmung› von Emanuel Rossetti 

(*1987, Basel) ein und schaut auf Fotografien, 

die sich durch ihre Fischaugenoptik auszustülpen 

scheinen. Etwas verloren stehen daneben 

zwei mit Spiegeln und Porträts bestückte 

Notenständer im Raum. In den Fischaugen-Bildern 

aber behauptet sich etwa ein schrundiger 


Baum aus dem Jura, andernorts leuchtet die 

Sonne über kargen Bäumen auf einen unbekannten 

Strassenzug mit rissigem Belag. Es 

sind nicht die ersten Adressen von New York, 

wo Rossetti innerhalb von zwei Jahren seine 

Bilder machte; es ist eher «Soprano County» – 

ein geparktes Auto hat tatsächlich ein 

Nummernschild aus New Jersey, wo auch die 

legendäre TV-Mafia-Familie zu Hause war. Auf 

einer Fotografie nehmen wir eine Bushaltestelle 

an der Ecke Fulton St. / Grand Avenue wahr, 

andere Bilder geben den Blick aus einem Park 

auf die Silhouette der Stadt frei. TS 

‹Emanuel Rossetti – Stimmung›, Ausstellungsansicht 

Kunsthaus Glarus. Foto: Gina Folly 

Megan Francis Sullivan, ‹Study of facade, 

American Fine Arts at 22 Wooster Street, 

New York, ca. 2002›, 2024, Holz, Plexiglas, 

Gipskarton, Folienschrift, Ausstellungsansicht 

Kunsthaus Glarus. Foto: Gina Folly 

→ Kunsthaus Glarus, bis 30.6. 

↗ kunsthausglarus.ch 

Katja Schenker 

Kreuzlingen — Der ‹Dreamer› (2018) ist ein 

grosser Wurf. Katja Schenkers Kunstwerk für 

den Campus der Fachhochschule Nordwestschweiz 

in Muttenz überzeugt als Körper im 

Raum und ist ein sensuelles Erlebnis. Es ist 

in Beton gegossene Erdgeschichte, Natur 

und Körperarbeit. Doch was passiert mit dem 

Monolith, wenn er seine einzigartige Präsenz 

mit Schalen, Scheiben und Wandstücken teilt? 

Der elf Meter hohe ‹Dreamer› wurde nach dem 

Betonguss in seine endgültige Form gefräst. 

Aus den dabei abgetragenen Platten hat Katja 

Schenker seither kleinere Arbeiten realisiert. 

Sie sind auch in ihrer Ausstellung ‹Die Augen 

der Hand› in Kreuzlingen zu sehen. 

Die Präsentation im Kunstraum hat den Charakter 

einer konventionellen Galerieausstellung. 

Sie umfasst vier Werkgruppen mit jeweils 

einzeln platzierten Stücken: die ‹Dreamer›- 

Schnitte, die ‹dresses› aus Beton und Netzgewebe, 

die ‹Zementgärten› und die ‹rencontres›. 

Die drei letztgenannten Gruppen sind unmittelbar 

aus der Körperarbeit der Künstlerin hervorgegangen: 

Gebogene, gefaltete, zerdrückte 

Betongewänder, in Lehm getauchte Finger und 

umarmte Zementsäcke zeugen von der intensiven 

physischen Auseinandersetzung Schenkers 

mit Körper und Material. Seit Langem ist die 

Künstlerin im Bereich Performance aktiv und 

verbindet dabei das Ephemere mit dem Bildhauerischen: 

Die gezeigten Stücke verstehen 

sich nicht als Relikte, da Performance und Objekt 

bei Schenker integral zusammengehören. 

Im Tiefparterre sind vier Videos zu sehen. Drei 

davon halten Performances fest. Das vierte 

wird von der Künstlerin als ‹Dokumentation 

einer Entstehung› bezeichnet und kommentiert 

den ‹Dreamer› bis hin zur Sinnfrage: «Sollte 

jeder und jede einmal einen Turm gebaut 

haben?» Mehr als um die Kunst geht es hier um 

Gefühl und Befindlichkeit. 

Die Stärken Schenkers – das zeigt diese Ausstellung 

– liegen im Performativen und in Kunst 

und Bau. Für Letztere hält die Stadt Kreuzlingen 

sehenswerte Beispiele bereit. Im vergangenen 

Herbst wurde ‹einsinken› beim Familien- 

HINWEISE // BASEL / RIEHEN / GLARUS / KREUZLINGEN 

89

und Sportbad Bad Egelsee eingeweiht. Wenige 

Gehminuten entfernt ist ‹abfedern› zu Gast, das 

2015 für das Bundesamt für Gesundheit in Bern 

entstand, dort aber aufgrund von Umbaumassnahmen 

eingelagert wurde. Zur Ausstellung 

gehören auch zwei Fahrten zu je vier Kunstund-Bau-Standorten 

von Katja Schenker. Diese 

räumliche Erweiterung tut der Schau gut, sie 

sorgt für Offenheit und das In-Beziehung- 

Treten – Aspekte, die der Künstlerin in ihrem 

ganzen Schaffen sehr wichtig sind. KS 

‹Katja Schenker – Die Augen der Hand›, 

Ausstellungsansicht Kunstraum Kreuzlingen. 

Foto: Sebastian Stadler 

Katja Schenker, ‹Mise en abyme›, 2024, Holz, 

Stein, Metall, Beton, Armierungsnetz, je 

ca. 60 x 55 x 15 cm, Ausstellungsansicht Kunstraum 

Kreuzlingen. Foto: Sebastian Stadler 

→ Kunstraum Kreuzlingen, bis 1.8. 

↗ kunstraum-kreuzlingen.ch 

Ramification 

Kriens — Ohne grosse Berührungsängste 

überwuchern Pläne, Diagramme und wissenschaftliche 

Zeichnungen Wände und Interieur 

des Museum Bellpark Kriens und verwandeln 

es in eine Villa Kunterbunt. Die Parkettböden 

knarren unter den Schritten der Besuchenden, 

die beim Eintreten kaum wissen, wo sie zuerst 

hinschauen sollen, so dicht übersät sind die 

kleinteiligen Räume der Villa mit tiefschürfenden 

Informationen, die zu der von der Französin 

Céline Baumann (*1984, Lille) konzipierten 

Ausstellung über zeitgenössische Landschaftsarchitektur 

gehören. 

Neben intensivem Studieren von Plänen und 

Diagrammen gehört dazu auch das Lesen von 

Erläuterungstexten. Baumann, Professorin für 

Landschaftsarchitektur an der ETH Zürich, 

stellt internationale Projekte in den Raum, die 

eines gemeinsam haben: einen kurierenden, 

umweltschonenden Umgang mit zumeist vom 

Menschen stark beeinträchtigten, urbanen 

Landschaften. Hier rücken die dicht besiedelten 

Gebiete Europas und der USA in den Fokus 

und die Notwendigkeit, einstmals versiegelte, 

asphaltierte Oberflächen zu renaturieren. 

Das kann sich auf städtische Wohnflächen 

beziehen oder auch auf die Regulierung von 

kanalisierten Flussläufen, die auf sinnvolle 

Weise zurückgebaut werden sollen. Das wohl 

eindrücklichste Beispiel dafür zeigt sich an 

dem ondulierten Flussbett des Mississippi, 

dessen Verlaufsschema vom Erdgeschoss bis 

zum Obergeschoss der Villa illustriert wird. 

Doch es bleibt nicht allein bei dem grossen 

Überblick, es geht auch ins Detail. Nicht umsonst 

nennt Céline Baumann ihre mit Myriam 

Treiber konzipierte Ausstellung ‹Ramification› 

(Verästelung). Denn «eine Wasserscheide, wo 

kleine Nebenflüsse in immer grössere Flüsse 

münden, bevor sie das Meer erreichen», folge 

einer «ähnlichen Logik wie der grundlegende 

botanische Prozess der Verästelung», so 

Baumann. Ihre Arbeit als Landschaftsarchitektin 

leitet sie genau aus dieser Logik ab und 

findet sie auch bei anderen zeitgenössischen 

Landschaftsplaner:innen wieder. Nicht zuletzt 


geht es also um konstruktive, symbiotische 

Prozesse der Natur, die nicht nur zwischen 

Pflanzen, sondern auch zwischen Botanik 

und Mensch existieren. Ein ganzheitliches 

Denken also, für das bereits der Basler Lucius 

Burckhardt, Begründer der «Spaziergangswissenschaft», 

seit den 1970er- bis in die 

1990er-Jahre hinein plädiert hat. Seine «landschaftstheoretischen 

Aquarelle» werden in 

einer begleitenden Ausstellung gezeigt. MH 

‹Ramification – Eine Ausstellung zur zeitgenössischen 

Landschaftsarchitektur›, 

Ausstellungsansicht Museum im Bellpark 

Kriens. Foto: Martin Stollenwerk 

Lucius Burckhardt, ‹Was sagt uns Spaziergangswissenschaft›, 

o.J. (zw. 1925 u. 2003), 

Aquarell auf Papier, 23 x 31 cm, Universitätsbibliothek 

Basel 

→ Museum im Bellpark Kriens, bis 7.7. 

↗ bellpark.ch 

Steiner & Lenzlinger 

Langenbruck — Ausgangspunkt und Thema 

des jüngsten Projekts von Gerda Steiner & 

Jörg Lenzlinger ist die historische Anlage des 

ehemaligen Klosters Schönthal als Pilgerort. 

Sie wurde ab Ende der 1990er-Jahre instandgesetzt 

und seither durch Einladung internationaler 

Künstler:innen zu einem Skulpturenpark 

weiterentwickelt. Vergleichbare Initiativen mit 

dem Momentum, Kunst und Öffentlichkeiten 

jenseits der institutionellen Räume aufeinandertreffen 

zu lassen, hatten vor der Jahrtausendwende 

europaweit Konjunktur. Es ist eine 

eigene Aufgabe, solche Orte zu beleben und 

inhaltlich, ökonomisch und ökologisch in eine 

tragfähige Zukunft zu führen. Nicht zuletzt 

braucht es dazu Kunstschaffende, denen es um 

das grosse Ganze geht. 

Damit haben Steiner & Lenzlinger Erfahrung. 

Ihr Projekt für das Kloster Schönthal ist eine 

Totalinstallation, die sich aus einer überbordenden 

Fülle an Elementen zusammensetzt. Sie 

reichen von der goldenen Pilgerpelerine über 

die Einsaat eines Weizenfeldes und den Bau von 

Freiluftöfen zum Brotbacken bis zum Schönthaler 

als Pilgersouvenir. Unter sanfter Anleitung 

und mit Offenheit gegenüber Ideen von Menschen 

aus dem Dorf und Künstlerkolleg:innen 

wurde mehr als ein Jahr lang vorbereitet. Im 

Kern besteht ‹Der Eilige Geist kommt zur Ruhe› 

aus Andachtsorten für kulturübergreifende 

Werte wie Humor, Harmonie und Frieden, aus 

Pflanzen und seltenen Tierarten entlang des 

Wegs von Langenbruck nach Schönthal sowie 

aus Altären: Hauptaltäre für Brot, Wasser und 

Salz im neuen Hauptschiff der Klosterkirche 

und kleinere Altäre überall verteilt, inklusive 

Krypta und Gruft. Zwei Nebenaltäre sind «exterritorial» 

platziert: im Kunsthaus Baselland und 

im Kunstmuseum Olten, der Stadt am Nullpunkt 

des Schweizer Schienennetzes. 

Andachtsorte und Altäre sind menschengemachte 

Artefakte, für die es typisch ist, dass 

sie von ihrem Standort aus auf etwas anderes, 

Grösseres verweisen. Sie adressieren die 

Menschen einzeln und als Gemeinschaft in all 

ihren Facetten, mit ihren Sorgen und Nöten: Bis 

HINWEISE // KREUZLINGEN / KRIENS / LANGENBRUCK 

91

November wacht der «Eilige Geist» als Schutzpatron 

über die wachsende Gemeinschaft an 

Besucher:innen, die mit einer Teigprozession, 

einer Backinitiation und einem Pilgerfest von 

Mittag bis Mitternacht die Ausstellung eröffnete. 

Eine Pilgerkarte dieses Wegnetzes prekärer, 

wilder, nachwachsender Kunst und Natur und 

eine Liste der Backtage, Workshops, Vorträge 

und Buchvernissage findet sich auf der Projektwebsite. 

SM 

Gerda Steiner & Jörg Lenzlinger, ‹Der Eilige 

Geist kommt zur Ruhe›, 2024, Ausstellungsansicht 

Kloster Schönthal 

Man Ray 

Lausanne — Das Photo Elysée steuert mit 

‹Man Ray – Libérer la photographie› dem von 

der Direktion der Plateform 10 ausgerufenen 

Surrealismus-Jubiläum (→ s. auch S. 93 u. S. 110) 

eine gelungene Inszenierung einer anonymen 

Sammlung schwarz-weisser Fotografien von 

Man Ray bei. Das blau-gelbe Schachbrettmuster 

des Teppichs im Saal, aus dem da 

und dort quaderförmige Stellwand-Elemente 

emporragen, und die wolkenförmigen Accrochagen 

der gerahmten Bilder sorgen für ein 

surrealistisches Klima. Die Schau der Direktorin 

Nathalie Herschdorfer macht nicht nur die 

Revolution der Fotografie durch den Surrealismus 

deutlich, der sie mittels Arrangements 

oder Montagen erstmals dem inneren Erleben 

folgen liess, statt nur Oberflächen abzubilden. 

Die vielen extravaganten Porträts der von Man 

Ray frequentierten Intelligenzia in Paris – von 

Duchamp und Breton über Chanel und Schiaparelli 

bis Strawinsky – zeigen auch, wie stark der 

Surrealismus nicht zuletzt eine fantasievolle, 

humorreiche Lebensform war, die bis heute in 

Mode, Pop und Rock nachhallt. Die Ausstellung 

bietet dazu eindrückliches und informatives 

Anschauungsmaterial, das mit knappen, guten 

Erklärungen die Unterschiede zwischen den 

verschiedenen Abzugsformen von Man Ray und 

des von der Nachlassverwaltung lizenzierten 

Fotografen Pierre Gassmann aufzeigt. KHO 

Gerda Steiner & Jörg Lenzlinger, ‹Salzaltar›, 

2024 (Detail), Ausstellungsansicht Kloster 

Schönthal. Foto: Chandra Mäder 

→ Kloster Schönthal, bis 3.11. 

↗ schoenthal.ch 

↗ eiligergeist.ch 

‹Man Ray – Libérer la photographie›, 

Austellungsansicht Photo Elysée, Lausanne. 

Foto: Khashayar Javanmardi 

→ Photo Elysée, bis 4.8. 

↗ photoelysee.ch 


Objekte der Begierde 

Lausanne — Mit ‹Objekte der Begierde – Surrealismus 

& Design› läute das Museumsviertel 

Plateforme 10 Anfang März die «Surrealistische 

Saison» ein: 2024 wird das 100-Jahre-Jubiläum 

des Surrealismus gefeiert. Die Wanderausstellung 

über die Beziehungen zwischen 

Design und Surrealismus wurde 2019 vom Vitra 

Design Museum in Weil am Rhein konzipiert 

und findet im mudac ihre letzte Station. 

Von Anfang an hatten Alltagsgegenstände 

eine zentrale Bedeutung für die Surrealisten – 

man denke nur an René Magrittes Pfeife oder 

Salvador Dalís fantasievolles Hummertelefon. 

Die manchmal humorvollen, traumähnlichen 

Bildwelten des Surrealismus inspirierten 

umgekehrt bereits in den 1930er- und 1940er- 

Jahren zahlreiche Designer:innen in Europa und 

Amerika, unter anderen Ray Eames oder Osamu 

Noguchi, wie der erste Teil der Schau zeigt. Noch 

spannender ist es jedoch zu sehen, dass der 

Surrealismus bis heute eine Inspirationsquelle 

für Designer:innen geblieben ist. Die meisten 

von ihnen operieren mit Fragmenten und Zitaten 

– ein surrealistisches Prinzip an sich. 

Dank der Möglichkeiten, die neue Kunststoffe 

in den 1960ern und 1970ern boten, wurden 

surrealistische Motive in skulpturale Objekte 

verwandelt: Der Sessel ‹MagriTTa› (1970) von 

Roberto Sebastián Matta Echaurren ist eine 

Hommage an Magrittes Liebe zum grünen 

Apfel; das italienische Studio65 mit seinem 

ikonischen lippenförmigen Sofa ‹Neo Neo 

Bocca› (1970) reagiert auf Salvador Dalís ‹Mae 

West’s Face which May be Used as a Surrealist 

Apartment› (1934/35). Die Zweckentfremdung 

von scheinbar gewöhnlichen Gegenständen ist 

ein wichtiger Ansatz für neuere Objekte. Der 

‹High Tea Pot› (2003) des Studios Wieki Somers 

etwa hat die Form eines Schweineschädels und 

ist mit einem Rattenfell überzogen. 

Ein Teil der Ausstellung gilt auch dem Interesse 

der Surrealisten am Archaischen, Zufälligen 

und Irrationalen, was sich etwa im «dessin 

automatique» manifestierte – einer Technik, die 

der französische Designer Ronan Bouroullec 

noch heute praktiziert. 

«Das, was wir sehen, ist nicht immer das, 

was wir zu sehen glauben», sagt Mateo Kries, 

Direktor am Vitra Design Museum und Kurator 

dieser Ausstellung. Das gilt aber auch umgekehrt. 

Diese spannende Schau beschäftigt 

sich letztendlich viel mehr mit Formen als mit 

Konzepten. Die Haarbürste mit Menschenhaar 

anstelle von Borsten, die 1999 von dem deutschen 

Designerinnenkollektiv Bless hergestellt 

wurde, mag uns an surrealistische Arbeiten der 

Modedesignerin Elsa Schiaparelli erinnern. Die 

Designerinnen betrachten ihr Produkt nach wie 

vor als ein «absolut funktionales Stück». IDL 

‹Objekte der Begierde – Surrealismus & Design›, 

Ausstellungsansicht mudac, Lausanne, mit u. a. 

Salvador Dalí, ‹Mae West’s Face …›, 1934/35 

(Kopie), und Studio65, ‹Marilyn/ Bocca›, 

1970 (1986/87), Polyurethan und Textil, 

85 x 209 x 81 cm. Foto: Etienne Malapert / mudac 

Gae Aulenti, ‹Tour›, 1993 (vorne); Roberto 

Sebastián Matta Echaurren, ‹MagriTTa›, 1970, 

Ausstellungsansicht mudac, Lausanne 

© ProLitteris. Foto: Etienne Malapert / mudac 

→ mudac, bis 4.8. ↗ mudac.ch 

HINWEISE // LANGENBRUCK / LAUSANNE 

93

Cao Fei 

München — Eine Armada von Saugrobotern 

surrt über Schutt und Spuren gelebten Lebens. 

Mit diesem Bild bringt Cao Fei (*1978, 

Guang-zhou) die irre Gegenwart auf den Punkt, 

in der kein Platz für Erinnerung ist. Es ist eine 

Szene aus ihrem Film ‹Rumba II: Nomad›, der 

2015 den Abriss des Pekinger Viertels dokumentierte, 

in dem sich auch das Atelier der Medienkünstlerin 

befand. Wie die runden Sauger 

auf Spinnenbeinchen an jeder Abbruchkante 

abdrehen, das ist Dada deluxe. 

Der Film ist Teil der Ausstellung ‹Meta-mentary› 

im Lenbachhaus. Wer eintritt, wird empfangen 

von einer Klang- und Bildkulisse voller Attrappen; 

es blinkt, pulst, piepst und brummt. Das älteste 

Werk der von Eva Huttenlauch kuratierten 

Schau zeigt den Grossstadt-Eskapismus der 

‹Cosplayer› (2004), die sich im Manga-Kostüm 

durch Suburbia kämpfen. Das jüngste ist der 

aufblasbare Riesenkrake ‹Asia One› von 2024. 

Zwar gibt es dutzende Bildschirme, auf denen 

etwa Caos Avatare ‹China Tracy› und ‹Oz› 

agieren oder sich künstliche Stadtlandschaften 

als scheinbar heroische Symbole einer neuen 

Zeit um die eigene Achse drehen. Doch die 

Künstlerin nutzt das Digitale, um die analoge 

Welt sichtbar zu machen und von Land und 

Leuten zu erzählen: von einem Riesenreich, in 

dem alle permanent in Bewegung sind. Und von 

einem Staat, in dem die schlechtesten Seiten 

von Kapitalismus und Kommunismus wirksam 

werden. Cao Fei ist keine offensive Regimekritikerin, 

sonst könnte sie in ihrer Heimat nicht 

leben. Aber sie ist eine wache Beobachterin. 

Sie muss auf diese seltsame Wirklichkeit, 

in der die eigenartige Spezies Mensch oft 

unerklärliche Dinge tut, nur die Kamera richten. 

So wie in ‹Honxia› von 2019 über ein einstiges 

Arbeiterviertel, in dem es längst keine Arbeit 

mehr gibt. Erhellend ist auch das Zwei-Kanal- 

Video ‹MatryoshkaVerse› von 2022. Dafür 

begab sich Cao an die Grenze zu Russland in 

die Innere Mongolei, wo die Stadt Manzhouli 

an der Neuen Seidenstrasse als Symbol 

chinesisch-russischer Partnerschaft errichtet 

wurde – mittendrin ein Haus in Gestalt einer 

Matrioschka. Doch Manzhouli funktioniert 

nicht wie geplant. Politische Willensbekundungen 

und die schräge Realität stehen kommentarlos 

gegeneinander. 

Zugleich ist diese Präsentation sehr physisch: 

Man kann in Zelte kriechen, auf Gesundheitsbällen 

hopsen, sogar Federball spielen. Wie in 

Asiens Megacitys, wo alle alles 24/7 nebeneinander 

und auf engstem Raum machen. So 

virtuell Cao Feis Post-Digitalismus zunächst 

wirkt – so real ist dieses chinesische Lebensgefühl, 

das am Ende hängen bleibt. RDR 

Cao Fei, ‹MatryoshkaVerse 02›, 2022, Fotografie, 

Digitaldruck auf Diasec, 105 x 157 cm, Courtesy 

Sprüth Magers und Vitamin Creative Space 

Cao Fei, ‹Oz 05›, 2022, Fotografie, Digitaldruck 

auf Diasec, 145 x 200 cm, Courtesy Sprüth 

Magers und Vitamin Creative Space 

→ Lenbachhaus, bis 8.9. 

↗ lenbachhaus.de 


Rebecca Horn 

München — Wenn sich zwei küssen, dann 

knistert es: So ist das auch in Rebecca Horns 

kinetischer Skulptur ‹Der Kuss des Rhinozeros› 

von 1989. Berühren sich die an zwei Metallarmen 

angebrachten, stilisierten Hörner für einen 

Moment, gibt es eine elektrische Entladung. 

Die Wandinstallation gibt den Auftakt zur 

Retrospektive im Haus der Kunst. Zum 80. Geburtstag 

widmet das Haus der Bildhauerin, 

Aktionskünstlerin und Filmemacherin (*1944, 

Michelstadt) eine Werkschau über sechs Jahrzehnte: 

vom performativen Frühwerk in Videos, 

die digitalisiert wurden und nun als Projektionen 

zu sehen sind, zu mechanischen Wandobjekten, 

Raum- und Klanginstallationen sowie 

mit Zeichnungen aller Schaffensphasen. 

Horn setzte sich schon früh mit der Doppelnatur 

von Mensch und Tier auseinander: Mit Einhorn- 

Kopf-Extension trat sie gerade mal 28-jährig 

1972 auf Harald Szeemanns documenta 5 auf. 

Und ob Kakadumaske, Hahnengefieder oder 

ellenlange Handschuhe – sie erweiterte ihren 

Körper um alle möglichen Extremitäten und 

schuf so immer neue Hybridwesen. 

Mitunter sehen ihre Körper-Apparaturen aus, 

als entstammten sie dem Skizzenbuch Leonardo 

da Vincis. Zu sehen ist etwa das an die kalte 

Funktionalität der Apparate-Medizin erinnernde 

Schlauchgewand ‹Überströmer› von 1970. 

Darin liess sie einen symbolischen Blutkreislauf 

um den Leib fliessen. 

Der Schöpfer:innengeist wird hier grundlegend 

infrage gestellt: Nicht nur in ‹Brush Wings› 

(1988) und der ‹Malmaschine› (1991) schwingt 

ein Automat den Pinsel. Die Bewegungsabläufe 

wiederum, ob von Mensch oder Maschine, 

sind bei der Künstlerin, die lange Zeit selbst 

Ballett tanzte, präzise Choreografien. So wie 

das Kreiseln der ‹Hauchkörper›, dem jüngsten 

Exponat von 2017, eine Art Zeitlupenballett 

von zwölf Messingstäben. 

Welche Rolle Klang bei Rebecca Horn spielt, 

verdeutlicht der Wiener ‹Turm der Namenlosen› 

von 1994: An einem raumhohen Konstrukt aus 

Leitern sind sieben motorisierte Violinen angebracht, 

die ein disharmonisches Konzert geben. 

Am Originalschauplatz, in einem Stiegenhaus 

am Naschmarkt, stimmten einst Geflüchtete 

vor dem Jugoslawien-Krieg mit ihren Instrumenten 

mit ein. Im effektvollen ‹Concert for 

Anarchy› (2006) hingegen haut es in regelmässigen 

Abständen mit grossem Krach die Tasten 

aus dem von der Decke hängenden Flügel – 

Komposition durch Dekonstruktion. Und fast 

ein Paukenschlag in einem Lebenswerk, dessen 

Charakter sonst eher von nie versiegendem 

Vibrato geprägt ist. RDR 

Rebecca Horn, ‹Turm der Namenlosen›, 1994, 

17 Leitern, 7 Geigen und Motoren, Ausstellungsansicht 

Haus der Kunst, München 

© ProLitteris. Foto: Markus Tretter 

Rebecca Horn, ‹Circle for Broken Landscape›, 

1997, Mixed Media, h: 362 cm, Ansicht Haus der 

Kunst, München © ProLitteris. Foto: M. Tretter 

→ Haus der Kunst, bis 13.10. 

↗ hausderkunst.de 

HINWEISE // MÜNCHEN 

95

Venus von Muri 

Muri AG — 1000 Jahre Geschichte erheben sich 

rund um das ehemalige Benediktinerkloster 

Muri, und es ist eine männlich dominierte Geschichte. 

Die im 17. Jahrhundert reichste Abtei 

der Schweiz mit der prächtigen Barockkirche 

ist sehr arm an weiblichen Quellen. In diesem 

Jahr aber ist das anders. ‹Venus von Muri – Eine 

Spurensuche› infiltriert die strengen Mauern 

mit Werken von mehr als sechzig Kunstschaffenden 

aus der ganzen Schweiz. 

Schon in der Cafeteria grüsst die Leuchtschrift 

‹ecce Venus› von Michaela Allemann über dem 

Durchgang zum Äbtekeller, wo eine Ahninnengalerie 

von Kathrin Bänziger existierende Porträts 

alter religiöser Würdenträger fortschreibt 

und das ‹Fundstück› von Marilin Brun in Form 

einer weiblichen Reliquie die patriarchale 

Geschichte des Klosters herausfordert. Auch 

von aussen macht Venus auf sich aufmerksam. 

Der Klosterhof ist zu ihren Ehren beflaggt, und 

auf dem Konventrasen befindet sich eine durch 

Brigitt Bürgi «wiederentdeckte» Venusquelle. 

Bürgi ist in dieser Ausstellung nicht nur Künstlerin, 

sondern auch Initiatorin und hat zusammen 

mit Peter Fischer kuratiert. 

Die Werke konzentrieren sich im Singisenhaus, 

besetzen Gänge und füllen Kabinette. Sie snd 

klein wie die filigrane Puderdose von Sahyo 

Niederberger, die unsere Blicke geschickt auf 

eine Fotografie von ihr als Neunjährige lenkt. 

Oder gross wie die etwas an die Wand gedrückt 

wirkende Installation von Esther Tresch- 

Hagenbuch & Daniela Stierli-Stalder. Aus 

Hunderten von Blechdosen errichteten sie eine 

Mauer, in der sich das Wort Venus versteckt. 

Die Geburt der Venus von Muri im örtlichen 

Schwimmbad konnte durch einen glücklichen 

Zufall von Pearlie Frisch auf Film festgehalten 

werden. Das mag legendarisch sein, das Herz 

der letzten Kaisergattin von Österreich ist 

aber real. Zita von Habsburg starb 1989 in der 

Schweiz, und ihr Herz ruht in der Loretokapelle 

des Klosters. Barbara Henning Marques thematisiert 

dies in einer Videoinstallation. 

Im Kloster befinden sich ebenfalls das Museum 

Caspar Wolf – in dem Victorine Müller mit dem 

Video ihrer Performance im Söriker Tobel eine 

Ecke besetzt – und das Museum für Medizinhistorische 

Bücher. Eine zweite Staffel ‹Venus› 

mit neuen Werken läuft im August an. Dann 

werden auch Venus-Figuren präsentiert, 

welche Besuchende an zwei Daten im Juni 

unter der Leitung von Veronika Müller gestalten 

können. TS 

Esther Tresch-Hagenbuch und Daniela Stierli- 

Stalder, ‹Venus aurea murus›, 2023/24, Blechdosen 

und -deckel, Acryl, Ritzungen, digitale 

Techniken, 242 x 482 cm. Foto: Gregor Galliker 

Pearlie Frisch, ‹Ankunft›, 2024, Produktions- 

Still zum gleichnamigen Video (Performance: 

Elisa Bruder), Fine Art Print auf Dibond, 

120 x 80 cm. Foto: Murikultur 

→ Kloster Muri, bis 28.7.; 2. Teil: 10.8.–3.11. 

↗ venusvonmuri.ch 

↗ murikultur.ch 


Toucher l’insensé 

Paris — Das Palais de Tokyo, ein Käfig voller 

Narren? Guillaume Désanges kündigte Anfang 

2022, als er die Leitung des Hauses übernahm, 

eine «psychothérapie institutionnelle» an. Eine 

gewagte Übertragung der in den 1970er-Jahren 

von dem katalanischen Psychiater François 

Tosquelles ins Exil mitgebrachten Kreuzung 

aus Marx und Freud, die von einer Klinik in 

der Auvergne ausgehend zur antipsychiatrischen 

Bewegung in Frankreich beitrug. Wie 

die Dokumentarfilme von François Pain in der 

Ausstellung ‹Touché l’insensé› zeigen, entwickelten 

Psychiater wie Jean Oury, Philosophen 

wie Félix Guattari oder Psychoanalytikerinnen 

wie Ginette Michaud mit revolutionärer Absicht 

die 1901 von dem Militärpsychiater Hermann 

Simon formulierte These weiter, dass nicht 

nur Patient:innen, sondern auch Personal und 

Institution behandelt werden müssen. 

Das wollte im Kunstbetrieb schon die Institutionenkritik. 

Statt weiter gegen Gummiwände 

der Museen anzurennen, führt nun 

achtsamkeitsgetriebene Care-Taktik den 

Kampf mit zeitgemässer Softpower weiter. Der 

Vorteil: Direktor:innen und ihre (ak-)kuraten 

Assistent:innen wandeln sich zu Chefärzt:innen. 

Der Nachteil: Verantwortlichkeiten und Fehlfunktionen 

werden unscharf – bei Gegenwehr 

wird im Zweifel pathologisiert. 

Statt nun im Palais de Tokyo wie in Ken Keseys 

Roman übers Kuckucksnest zu fliegen, liefert 

der Hauskurator François Piron Hintergrundwissen: 

gewohnt präzise, etwas Text- und «Talking 

Head»-lastig, gleichwohl höchst informativ. 

Die weichen Werkzeuge aus Papier des 1954 

geborenen Patrik Pion sind aus über zwanzig 

Jahren Arbeit als Künstler in der Psychiatrie 

von Bourges gewachsen. Gegenüber der etwas 

selbstverliebten wandgrossen Mindmap von 

Dora García liefern die bitterspassigen Zeichnungen 

der 1987 in Dänemark geborenen Signe 

Frederiksen Anlass zur Selbstreflexion. Besonders 

interessant ist die Installation ‹Madness 

Poetry Resistance(s)›: Aus Materialien seines 

Familienarchivs zur Psychiatrischen Klinik 

Berrechid in Marokko und deren Methoden zwischen 

Kunst und Psychiatrie schuf Abdeslam 

Ziou Ziou 2021 ein archäologisches Relief 

emanzipatorischer Kraft. 

Paris entdeckt, woran in psychiatrischen Kliniken 

angesiedelte Kunstzentren wie das 3bisf 

in Aix-en-Provence oder das Malévoz quartier 

culturel im Westschweizer Monthey seit 

Langem arbeiten: Zukünftige Kunst entsteht, 

wo sie solidarisch Existenzielles berührt und 

die Bedingungen ihrer Möglichkeit aktiv in die 

Gesellschaftsbildung einbringt. JES 

Patrik Pion, ‹Objets blancs›, 2001–2023, 

Ausstellungsansicht Palais de Tokyo, Paris 

© ProLitteris. Foto: Aurélien Mole 

Carla Adra, ‹Capes-mentales›, 2022 (vorne); 

‹Paroles chaudes›, 2022, Ausstellungsansicht 

Palais de Tokyo, Paris. Foto: Aurélien Mole 

→ Palais de Tokyo, bis 30.6. 

↗ palaisdetokyo.com 

HINWEISE // MURI / PARIS 

97

Ydessa Hendeles 

Venedig — Die kleine, aber feine Ausstellung 

‹Grand Hotel› von Ydessa Hendeles ist allemal 

einen Abstecher an die nördliche Seite der Lagune 

wert. Ydessa Hendeles ist eine Legende. 

Die Tochter polnischer Juden – Auschwitzüberlebenden 

– kam 1948 im deutschen Marburg 

zur Welt und übersiedelte mit ihrer Familie 

1951 nach Toronto. Die Familie kam dort zu beachtlichem 

Vermögen, sodass die Tochter sich 

später als Sammlerin, Kuratorin und Künstlerin 

in Personalunion einen Namen machen konnte. 

Insbesondere ihre Ausstellung ‹Partners›, 2003 

im Haus der Kunst in München eingerichtet, 

beeindruckte die Kunstwelt wie kaum eine andere. 

Das sequenzielle Arrangement mit einer 

Teddybär-Sammlung und Maurizio Cattelans 

‹Him› (knieender Hitler) am Schluss liess niemand 

kalt. Die undogmatische Art, wie Ydessa 

Hendeles Artefakte und Kunstwerke zu einem 

vielschichtigen Narrativ verwebte, festigte 

ihren Ruf als begnadete Künstlerkuratorin. Sie 

festigte aber auch ihren Ruf als Person, die sich 

künstlerisch an den Traumata ihrer Familiengeschichte 

als Jüdin und Migrantin abarbeitete. 

Damit passt die autobiografisch geprägte 

Ausstellung ‹Grand Hotel› sehr gut zum Motto 

‹Stranieri Ovunque› der diesjährigen Biennale. 

Sie ist nicht ganz so spektakulär wie die 

Münchner Schau, aber dennoch eindrücklich. 

Ausgangspunkt der Assemblage ist ein Foto 

aus dem Familienalbum der Künstlerin. Es 

zeigt ihre Eltern mit zwei anderen Paaren beim 

Picknick vor einem VW. Beschriftet ist es mit 

«Sommer 1946». Sommer 1946? Wann war der 

Zweite Weltkrieg zu Ende?! Tatsächlich ist das 

Bild bloss fünf Monate nach der Befreiung der 

Eltern aus dem Vernichtungslager entstanden. 

Und doch posieren sie tapfer, als wäre nichts 

geschehen. Dass hinter der Fassade der Normalität 

Abgründe klaffen müssen, kann man 

nur erahnen. Diese Doppelbödigkeit zieht sich 

durch das gesamte Arrangement an eleganten 

Gegenständen, welche die Künstlerin im 

verheissungsvollen Halbdunkel des Raumes 

inszeniert hat. Der perlweisse VW Käfer mit 

stolzem Wappen der Stadt Wolfsburg, aber 

kanadischem Nummernschild könnte aus der 

elterlichen Garage stammen. Luxuskoffer einer 

vergangenen Epoche erzählen von Hotels, die 

sich die wenigsten leisten konnten. Und sie 

erzählen auch davon, dass der Unterschied 

zwischen Reisen und Migration hauchdünn, 

aber dennoch traumatisch sein kann. Zumindest 

für die Jüdin Ydessa, die einer Generation 

angehört, deren Existenz – gemäss Plan der 

Nazis – nicht vorgesehen war. CS 

Ydessa Hendeles, ‹Grand Hotel›, 2022 (Detail), 

Silberdruck mit Handschrift in Tinte, 6 x 9 cm, 

Collection of Ydessa Hendeles 

Ydessa Hendeles, ‹Grand Hotel›, 2022 (Detail), 

Assemblage aus Reisegepäck des 19. und 

20. Jahrhunderts 

→ Spazio Berlendis, bis 24.11. 

↗ spazioberlendis.it 


Transform! 

Weil am Rhein — Das Empfangskomitee: ein 

Wald aus Protestschildern, Plakaten, Aufrufen 

und Manifesten. Thema der neuen Schau im 

Vitra Design Museum in Weil am Rhein ist Öko- 

Design und der Titel angesichts der Erderwärmung 

ein Weckruf: ‹Transform! Design und die 

Zukunft der Energie›. Freilich: Energie und Design? 

Kommt Strom nicht direkt aus der Steckdose 

und muss mitnichten gestylt werden? Für 

Gestalter:innen ist das Thema topaktuell. Mit 

Strom betriebene Geräte, Anlagen, Architekturen 

brauchen eine Form. Im Ausrufezeichen 

plädiert der Titel wie viele der Plakate für den 

Wandel hin zu erneuerbaren Energien. Will die 

Ausstellung die Dringlichkeit eines Wandels 

betonen, so zeigt sie nebenbei auch, dass 

zeitgenössisches Design an Kunst geschult ist. 

Schon die Hausheiligen des Museums, Charles 

und Ray Eames, experimentierten vor Jahrzehnten 

mit Solarenergie. Das Ergebnis war 

ohne direkten Gebrauchswert, eher ein Kunstwerk, 

eine zweckfreie kinetische Skulptur. Als 

solche erscheint auch Tobias Trübenbachers 

‹Papilio›, das Modell einer Strassenlaterne mit 

integriertem Windrad. Selbst Mode betreibt 

Ökologie: Auch wenn die exzentrischen Power 

Suits vom Studio Isabel und Helen an wandelnde 

Installationen gemahnen und schon deshalb 

kaum in Serie gehen dürften. HDF 

O-Innovations Ltd, ‹O-Wind›, 2018–2023, 

omnidirektionale Windturbine 

→ Vitra Design Museum, bis 1.9. 

↗ design-museum.de 

Kilian Rüthemann 

Wil — Zweihundert Kilogramm Silikon, gegossen 

zu einem fast zweieinhalb Meter langen 

Schlauch von einem Meter Durchmesser – das 

ist ein unhandliches, schweres, instabiles 

Objekt. Es verformt sich, rutscht weg, lässt sich 

kaum greifen, geschweige denn aufstellen. Ist 

es platziert, sind ihm die Tücken des Installierens 

nicht mehr anzusehen. Für seine Ausstellung 

‹Drift› in der Kunsthalle Wil hat Kilian 

Rüthemann jedoch das Handling von ‹Re-Position› 

(2020) in den Fokus gerückt. Er bat sieben 

Personen einer Kunsttransportfirma, mit dem 

roten Silikonschlauch zu hantieren, drei Stunden 

lang und ohne Hilfsmittel wie Spannsets 

oder Gurte. Daraus entstand eine elfminütige 

filmische Dokumentation des menschlichen 

Kooperierens angesichts ungewohnter Aufgaben 

und zugleich eine Arbeit über Gewicht und 

Dynamik als Eigenschaften bildhauerischer 

Objekte. Unterlegt ist das Video mit Musik des 

Zürchers Tapiwa Svosve, aufgenommen in einer 

Abwasserröhre. Die dramatischen, mitunter repetitiven 

Klänge korrespondieren mit dem Risiko 

des Scheiterns, das ‹Re-Position› innewohnt, 

müssen doch die Fachleute der Transportfirma 

wieder und wieder anpacken, wobei das Gelingen 

nicht in jedem Moment sicher ist. 

Kilian Rüthemann wandert in seinem Schaffen 

regelmässig auf dem schmalen Grat zwischen 

Kontrolle und Kollaps. Er kennt seine Materialien 

genau und lotet präzise ihre Balance auf 

dem Höhepunkt der Fragilität aus. Anschaulich 

wird dies auch in den beiden Installationen für 

die Kunsthalle Wil. An der Wand im Erdgeschoss 

hat der Künstler neun grosse Stahlplatten 

lose fixiert und mit einer schwarzen Bitumen-Sand-Mischung 

bestrichen. Die wenigen 

Befestigungspunkte erlauben es den Platten, 

sich von der Wand zu schälen. Sie biegen sich 

in den Raum hinein, lösen die Wandoberfläche 

auf, lassen weisse Stellen zurück. Gegenüber 

stecken zwei Spiralwellstahlrohre in eigens 

geöffneten Fenstern. Sie halten nur durch ihr 

Eigengewicht. Die Durchdringung des Gebäudes 

ist brachial, zugleich zeugt die Geste von 

grossem räumlichen Verständnis. Rüthemann 

HINWEISE // VENEDIG / WEIL AM RHEIN / WIL 

99

arbeitet nicht nur die skulpturalen Qualitäten 

der industriellen Materialien heraus, sondern 

verändert den Blick auf den gebauten Raum 

und seine Umgebung: Die Vorhalle wird Teil des 

Ausstellungsraums, der geflickte Asphaltboden 

antwortet dem Bitumen an der Wand und die 

Lattenkonstruktion vor der Fassade den gleichmässigen 

Wellen der verzinkten Rohre. Alle 

Elemente werden zu Partnern der Kunst. KS 

Kilian Rüthemann, ‹Thins›, 2024, Stahlblech 

(0,8 mm), Bitumenfarbe, Sand, 9 Teile, je 

200 x 120 cm; ‹Ohne Titel›, 2024, Stahl verzinkt, 

2 x 600 cm, ◊ 50 cm, Ausstellungsansicht 

Kunsthalle Wil. Foto: Eva Guler 

Lee Scratch Perry 

Zürich — Als Musiker, Rastafari-Prophet und 

Produzent von Bob Marley ist Lee Scratch Perry 

(1936–2021) eine Legende. 2019 wurde der 

Kosmos seiner künstlerischen Produktion im 

Swiss Institute NY unter dem Titel ‹Mirror Masters 

Futures Yard› erstmals ausgebreitet. Die 

aktuelle collagenhaltige Ein-Raum-Installation 

im Gewölbekeller des Cabaret Voltaire ist die 

erste umfassende Ausstellung in Europa. Sie 

gründet im Interesse einer jüngeren Generation, 

das Werk von Perry aus der Gegenwart zu 

erschliessen und zu vermitteln, weil es den Debatten 

über Afrofuturismus und Diversifizierung 

oder der Umschreibung religiöser Praktiken 

im Spirit des Dub zwischen Jamaika und den 

Alpen für die Kunst- und Kulturgeschichte des 

karibisch-europäischen Raums vorgreift. Das 

Postermotiv transportiert diesen Drive. Es zeigt 

Perry 2020 bei einem Shooting vor dem Panorama 

einer Schweizer Landschaft, beide Hände 

zum Peace-Zeichen erhoben. Die Schweiz, 

zunächst Erlenbach am Zürichsee und später 

Einsiedeln, wurde für Perry Anfang der 1990er- 

Jahre zu einem zweiten Ort künstlerischer Produktion. 

Dort richtete er nach dem ‹Black Ark› 

(1974–1985) im Londoner Stadtteil Kingston die 

‹Blue Ark› ein. Vom Einsiedler Studio wurden 

Werke und Studioelemente gesichert und so in 

den Ausstellungsraum eingebaut, dass Würde, 

Spannung, Selbsttranszendenz und Verständnislücken 

Raum haben. SM 

Kilian Rüthemann, ‹Re-Position›, 2023, Still 

aus digitalem HD-Video, Musik: Tapiwa Svovse 

(Saxophon), 11’9’’, Loop 

→ Kunsthalle Wil, bis 30.6. 

↗ kunsthallewil.ch 

‹Lee Scratch Perry›, Ausstellungsansicht 

Cabaret Voltaire, Zürich. Foto: Cedric Mussano 

→ Cabaret Voltaire, bis 29.9. 

↗ cabaretvoltaire.ch 


Im Rausch(en) der Dinge — 

Fetisch in der Kunst 

Zürich — Wer hat sich nicht schon auf den 

Schutz eines Talismans oder Amuletts verlassen 

oder ein Ex Voto aufbewahrt. Es sind 

Fetischobjekte, denen gemeinhin magische 

Kräfte zugeschrieben werden. Abgesehen 

davon ist gemäss Karl Marx Geld als Machtmittel 

in unserer Gesellschaft zu einer Art Fetisch 

geworden. Ursprünglich war der Begriff des Fetisch 

Teil der Naturreligionen Westafrikas und 

wurde in der Moderne zweckentfremdet. In der 

Ausstellung der Graphischen Sammlung der 

ETH benennt er vornehmlich im psychoanalytischen 

Sinne emotionale Fixierungen auf Dinge, 

unter anderem Substitutionen für begehrte Sexualobjekte. 

Natürlich darf da Oskar Kokoschka 

nicht fehlen, der eine Puppe nach dem Vorbild 

seiner Geliebten Alma Mahler anfertigen liess, 

nachdem sie ihn verlassen hatte. 

Die aussagekräftige Ausstellung der Gastkuratorin 

Elisabeth Bronfen, die von der 

Sammlungskonservatorin Alexandra Barcal 

unterstützt wurde, lässt die Lust am Wühlen in 

den reichhaltigen Beständen der Graphischen 

Sammlung auf der Suche nach fetischisierenden 

Werken erahnen. Die Szenografie erinnert 

an Kuriositätenkabinette seit dem Hochmittelalter. 

Von einem solchen spricht exemplarisch 

‹Rembrandts Kunstkammer› (2007) von Erik 

Desmazières. Konzipiert ist die Schau nach 

der ikonologischen Methode von Aby Warburgs 

Mnemosyne-Atlas, der das Nachleben der 

Antike in der europäischen Kultur in visuellen 

Analogien festhielt. Mittels «cross-mapping», 

einer Art visuellem Denken, untersucht Bronfen 

Verknüpfungen zwischen Motiven entlang von 

Assoziationsräumen. Es ergeben sich thematische 

Cluster, deren Darstellung sich über die 

Jahrhunderte wandelt, sodass die zeitgenössische 

in Zusammenhang mit vormoderner 

Kunst gedeutet werden kann. Die ausgewählten 

Werke sind in acht Kapitel wie ‹Der parzellierte 

Körper›, ‹Enthauptungen› oder ‹Faszinosum 

Tod› gruppiert. Den Auftakt der Schau bildet 

das «Lumpentiti», eine Schwarz-Weiss-Fotografie 

von Fischli/Weiss aus dem Jahr 1992. 

Das «Lumpentiti», dem etwas Archaisches 

anhaftet, zeigt eine aus einem Strohsack 

geformte Figur, die von Münzen umgeben etwas 

trostlos auf dem Boden hockt. 

Laut Elisabeth Bronfen will die Ausstellung 

zeigen, dass «die Kunst selbst sich der rhetorischen 

Geste des Fetischs bedient». Man 

bedenke nur, dass Kunstwerke immer noch 

auratisch aufgeladen sein können, und dass ein 

Werk zum Fetisch erhoben wird, sobald es zur 

Kunst erklärt worden ist. DvB 

Erik Desmazières, ‹Rembrandts Kunstkammer›, 

2007, Radierung, Aquatinta und Roulette, 

50,2 x 65 cm, Graphische Sammlung ETH Zürich 

Fischli/Weiss, ‹Ohne Titel (Lumpentiti)›, 1992, 

Schwarz-Weiss-Fotografie, 41,5 x 29,8 cm, 

Graphische Sammlung ETH Zürich 

→ Graphische Sammlung ETH Zürich, bis 7.7. 

↗ gs.ethz.ch 

HINWEISE // WIL / ZÜRICH 101

More-Than-Planet 

Zürich — Ist die Menschheit eine Naturgewalt? 

Sollte eine Epoche der Erdgeschichte nach ihr 

benannt werden? In einer Zürcher Gruppenausstellung 

werden Antworten auf die Frage 

gegeben, ob wir bereits im «Anthropozän» 

leben. Im Fokus steht der Boden, dessen Sedimente, 

Fossilien, Bodenschätze, Verunreinigungen 

und Nährstoffe so gut wie alles über eine 

Kultur oder eine Klimaphase aussagen – es 

braucht nur gebohrt oder gegraben zu werden. 

So geht es in der Ausstellung vor allem um Eis, 

Schlamm, Erze oder Fossilien. Die Mitwirkenden 

der Schau ‹More-Than-Planet› kommen 

aus Wissenschaft und Kunstszene oder aus der 

mittlerweile breiten Mischzone der «künstlerischen 

Forschung». Es gibt viele Bildschirme mit 

dokumentierenden Videos und Experteninterviews, 

Wandtexte und wissenschaftliche Grafiken, 

aber auch Kunst: Magali Daniaux & Cedric 

Pigot etwa zeigen ein naturkundliches Tableau 

mit Fossilien, Pflanzen und Fantasieobjekten, 

die aus Beton und Kunststoff gegossen wurden, 

während der Zürcher Landschaftsklangkünstler 

Ludwig Berger in seiner 3D-Animation 

den Morteratsch-Gletscher zum Sprechen 

bringt: Man kann die verborgenen Geräusche 

von rhythmisch pulsierenden Luftblasen und 

zerbrechenden Eisteilen hören. Matilda Kenttä 

hingegen illustriert den Abriss von Gebäuden in 

der Altstadt des schwedischen Kiruna mithilfe 

von Teppichen: Die aus farbigem Recyclingmaterial 

geknüpften Matten geben den Grundriss 

von Räumen wieder, die der erweiterten Eisenerzmine 

weichen mussten. 

Dennoch könnte die Präsentation auch in ein 

Naturkundemuseum passen. Die Kunst hat in 

diesem Kontext offenbar die Aufgabe, Aufmerksamkeit 

und Zuspruch für eine umweltpolitische 

Agenda zu verstärken. Allerdings ist das 

Kunstpublikum in der Regel für Umweltthemen 

bereits sensibilisiert, sodass man hier offene 

Türen einrennt und sich allenfalls gegenseitig 

in seiner Haltung bestätigt. In den Wand- und 

Begleittexten findet sich jene Begriffswolke, 

die mittlerweile häufig am Kunsthimmel zu 

sehen ist: «Nachhaltigkeit», «Awareness», 

«interdisziplinäre Denk- und Forschungsräume», 

«experimentelle Vermittlungsformate», 

«alternative Zukünfte» und so weiter. 

Wer erstmalig Logo und Claim von We Are AIA | 

Awareness in Art sieht, mag etwas irritiert sein. 

Handelt es sich um eine Stiftung, NGO oder 

Sekte? In jedem Fall steht die Zürcher Gruppierung 

für den breiten Trend des Aktivismus, der 

derzeit global bis lokal das Kunstgeschehen 

bestimmt – ob in der Lagune von Venedig oder 

am Ufer der Limmat. CHS 

Matilda Kenttä, ‹Seven Reweavings›, 2021 

(vorne), Ausstellungsansicht We Are AIA, 

Zürich. Foto: Nicolas Petit 

Magali Daniaux & Cédric Pigot, ‹First Garden, 

Plants Crash Poli›, seit 2022, Ausstellungsansicht 

We Are AIA, Zürich. Foto: Nicolas Petit 

→ We Are AIA | Awareness in Art, Löwenbräukunst, 

bis 13.7. 

↗ weareaia.ch 


Iran — Porträt eines Landes 

Zürich — Immer wieder überraschend sind die 

kleinen Ausstellungen in der Park-Villa Rieter, 

die aktuelle Schau mit Fotografien von Antoin 

Sevruguin (1851–1933) beweist es. Da hat 

man am Ende 63 Bilder gesehen, alle vor 130, 

140 Jahren entstanden, dazu am Bildschirm 

weitere dreihundert: Zusammen machen sie die 

Sammlung aus, die der weitgereiste Schweizer 

Emil Alpiger (1841–1905) während seiner 

Jahre im Iran von 1880 bis 1896 aus den Bildern 

Sevruguins angelegt hat. Der berühmte Fotograf 

mit dem französisch klingenden Namen wollte 

mit seinen Werken ein Porträt seines Landes 

schaffen – denn er betrachtete sich, obwohl 

er ein Kind armenischer Eltern war, nach dem 

Tod des Vaters Teheran zunächst verliess und 

in Georgien aufwuchs, als Iraner. Seine Landsleute 

wollte er mit seinen Fotografien ebenso 

ansprechen wie die Fremden, die sich für den 

Iran interessierten. 

So stehen wir vor den Albumbildern eines 

Schweizer Unternehmers, der sich anhand 

der Fotos eines multiethnisch bewanderten, 

iranischen «Secondos» ein Bild des Iran macht, 

eines Landes, das sich eben stark verändert 

und der westlichen Moderne öffnet. Letzteres 

wird im dritten Kapitel der Schau deutlich: ‹Ein 

Land im Wandel› zeigt Palast- und Garten-, 

Moschee- und Stadtarchitektur in Teheran, 

manches aus eindrucksvoller Vogelperspektive, 

aber auch weite Landschaften im Norden mit 

Strassen, Brücken, hohen Bergen. Zuvor liess 

sich unter dem Titel ‹«Schnappschuss» oder 

inszenierte Komposition?› ein Eindruck der 

Lebensrealität gewinnen. Da zeigen Gruppenaufnahmen 

Basarszenen, Nomaden vor 

ihren Zelten, Bäuerinnen, Männer im Tee- und 

Kaffeehaus, Bettlerinnen, Weber in engsten 

Verhältnissen. Viele der Szenen lassen sich 

beispielhaft für die prekären Lebens- und 

Arbeitsbedingungen lesen. 

Am Ende kehrt man vielleicht noch einmal 

zum ersten Kapitel zurück, ‹Fremdbild und 

Selbstbild›. Denn dort werden wir direkt mit 

Menschen konfrontiert, die so unverrückbar 

sind wie alles Gewesene, einzeln oder in 

Gruppenporträts, in «orientalisch» anmutenden 

Typenporträts, assymetrisch «modernen» 

und klassisch persischen symmetrischen Kompositionen. 

Als kluger Schachzug von Kurator 

Axel Langer erweist sich, dass alle Aufnahmen 

ohne Kommentar präsentiert werden (den kann 

man im unentbehrlichen Saalheft nachlesen): 

Wir erfahren, was es heisst, Bilder zu lesen. – 

Ein Bild sagt mehr als tausend Worte? Aus der 

zeitlichen und kulturellen Distanz sagt ein Bild 

nur seine eigene, rätselhafte, uns oft verborgene 

Wahrheit. AM 

Antoin Sevruguin, ‹Seitlich liegende Frau, 

Iran›, um 1880–1896, Albuminpapierabzug, 

12,9 x 18,9 cm, Museum Rietberg 

Antoin Sevruguin, ‹Blick auf den Innenhof des 

Schreins von Fatima Masuma (gest. 817) in 

Qum, Iran›, um 1880–1896, Albuminpapierabzug, 

20,2 x 26,9 cm, Museum Rietberg 

→ Museum Rietberg, Park-Villa Rieter, bis 4.8. 

↗ rietberg.ch 

HINWEISE // ZÜRICH 103

BESPRECHUNGEN 

Rewilding — Alles neu? Zum Relaunch des Kunsthaus Baselland 

Nach langem Vorlauf und zweijähriger Bauzeit hat der Kanton 

Basel-Landschaft eine neue Adresse für zeitgenössische Kunst. 

Unter dem Dach einer einstigen Lagerhalle traut die erste Ausstellung 

des neuen Kunsthaus Baselland räumlich und inhaltlich 

der Kunst viel zu. Ein Augenschein aus Münchenstein bei Basel. 

Basel / Münchenstein — Es war damit zu rechnen: Kunst stand nicht im Fokus, als die 

Gäste zum ersten Mal in die Eingangshalle strömten. Mehr als um die Werke drehte 

sich das Gespräch um die räumlichen Voraussetzungen, unter denen Künstlerinnen 

und Künstler im neuen Kunsthaus Baselland ausstellen werden. Viele Wände sind 

hoch; in den rechtwinkligen Grundriss mischen sich Diagonalen ein; die Wechsel von 

Perspektiven beidseits der Mittelachse im Erdgeschoss schaffen Voraussetzungen 

nicht zuletzt für grosse, ortsspezifische Interventionen. 

«Wir haben ein Instrument gebaut», sagte Andreas Bründler von Buchner Bründler 

Architekten an der Preview, eine «Lichtmaschine». Mit ihren drei Betontürmen trägt 

die ehemalige Lagerhalle jetzt ein skulpturales Zeichen. Lyonel Feininger hätte seine 

Freude gehabt an dieser architektonischen Figur: Die schräg zum Bau ausgerichteten 

«Lichtbringer» schicken bei Tag Helligkeit in die Ausstellung, nachts strahlt die Beleuchtung 

von innen an ihre Betonflanken zurück (vielleicht wäre mit heutigem Start 

und unter strengeren ökologischen Bauvorschriften diese Geste bescheidener ausgefallen). 

Das Fundament der stolzen Silhouette schenkt dem Haus innen ein oberes 

Geschoss. Schräg angeschnittene Durchsichten und Wandsegmente scheinen wie 

Segel in den Raum gespannt. Fachwerkträger und das Parallelogramm der Lichtröhren 

an der Decke geben der Architektur eine starke Stimme, ohne dass sie die Geschichte 

des Baus aussperren: In der Eingangshalle, in Dachform oder Zugangsrampe 

überlebt die Anmutung eines grossen Schuppens. Während die Betonkonstruktion 

diesen in die Liga neuer Museumsbauten erhebt, bleibt diesem Kunsthaus doch auch 

der Charakter einer wandelbaren Hülle. 

Ines Goldbach, seit 2013 Direktorin des Kunsthaus Baselland, schickt der ersten 

Ausstellung am neuen Ort den Titel ‹Rewilding› voraus. Die «Rückeroberung» oder 

«Renaturierung» kündigt ein unvorhersehbares Leben an, spricht von Wachstum und 

Blühen. Und spielt an aufs Potenzial von Kunst, funktionale Engführungen unseres 

Alltags wenigstens für Augenblicke ausser Kraft zu setzen. Ganz in diesem Sinne 

spinnen Steiner & Lenzlinger mit verspielter Nostalgie einen Altar aus bunten Wertlosigkeiten 

in Richtung Himmelsfenster. Joan Jonas’ Blattwerk aus Papier senkt sich 

wie Zauberblütendrachen von der Decke im Folgeraum. Als Fototapete bietet Daniela 

Keiser dramatische Blitze auf, um den Himmel in Wellen übergehen zu lassen. Dass 


Daniela Keiser, ‹Ader›, 2024, Fototapete, von Hand gefertigte Bodenfarbe aus Kreiden, Jurakalk, 

Wasser, Gummiarabicum, pulverisiertes Schmerzmittel, Masse variabel, Courtesy Galerie Stampa, 

Basel, Ausstellungsansicht Kunsthaus Baselland, Münchenstein © ProLitteris. Foto: Gina Folly 

BESPRECHUNGEN // BASEL / MÜNCHENSTEIN 105

die Künstlerin das Weiss ihrer Bodenzeichnung aus pulverisiertem Schmerzmittel 

gewann, dehnt das Bild um Assoziationen an verschmutzte Gewässer, ans Klima und 

die Rolle unserer Körper im ökologischen Gleichgewicht. 

Die Südafrikanerin Gabrielle Goliath ruft im raschen Zeichenstrich das Gesicht 

eines schwarzafrikanischen, weiblichen Widerstands auf; mit fragmentierten 

E-Gitarren unterwandert Naama Tsabar aus New York den maskulinen Gestus von 

Rockmusik. In solchen Nachbarschaften stimmt die Ausstellung ein Bekenntnis an 

zu gefährdeten Existenzen, zum Aufbegehren und Überleben im Schatten gesellschaftlicher 

Dominanz. Im Zerbrechlichen, manchmal Abseitigen findet die Kunst 

ihre Stoffe und schreibt im postkolonialen Zeitalter Malerei, Fotografie, Performance 

oder Installationskunst fort. Ist es Zufall, dass uns die Spanierin Leonor Serrano Rivas 

mit Holz, Glas und Weberei im hintersten Raum des oberen Stockwerks letztlich 

zur Umkehr bewegt? Speichert die handwerkliche Fertigkeit ein Wissen, das uns zu 

entgleiten droht? 

19 Künstlerinnen, drei Künstler und ein Duo sind vertreten in der Eröffnungsschau 

des neuen Kunsthaus Baselland. Einige Arbeitsbiografien reichen bis in die 1960er- 

Jahre zurück; andere Künstlerinnen entwickelten ihr Vokabular unter Einbezug des 

Digitalen und mit einem diskursiven Hinterland. So legt die Ausstellung eine generationsübergreifende 

These nahe: Gelingt der weiblichen, oft feministisch motivierten 

Urheberschaft die Pflege der geschundenen Welt (natürlicherweise) besser? 

Ines Goldbach winkt ab – auch wenn Sorge und Achtsamkeit bei Künstlerinnen 

eine andere Dringlichkeit haben können, gehe das kuratorische Konzept zunächst 

auf frühere Kooperationen zurück. Mit einem Schwerpunkt auf Künstlerinnen setzt 

das Kunsthaus Baselland schon seit Jahren im regionalen und schweizerischen Radius 

an, um in andere Länder und Kontinente auszuschweifen. Die konkrete Auswahl 

sei dann erfolgt mit Blick auf die neuen Räume. «Der Parcours bietet Möglichkeiten, 

durch unterschiedliche Welten zu wandeln.» Auf poetische Weise könne Kunst sensibilisieren 

für Themen von hoher Brisanz. Dass weder die Werke noch wir als Besucherinnen 

und Besucher in solcher Brisanz gefangen bleiben, verdankt sich auch 

dem Bau. Ausblicke auf ausgediente Bahngeleise und den Birkenhain stiften Bezüge 

zum ehemaligen Zollfreilager im Dreispitzareal. Öffnungen zwischen oben und unten 

erlauben, schon Gesehenes mit neuen Eindrücken zu verbinden. 

Noch verlangt es Konzentration, die Werke nicht zuerst als Bemusterung der 

ebenso rohen wie noblen Räume anzusehen. Ob dieser Bau auch das intime Format 

beheimaten wird? Ob er zu Versuchsanordnungen und zum Experiment einlädt oder 

ob Werke hier unbedingt ein ganzes Stück Welt und Erfahrung und Erfolg schon mitbringen 

müssen? Nichts gewagt wäre nichts gewonnen – das Instrument steht da, 

jetzt will die Kunst unsere Aufmerksamkeit. Isabel Zürcher 

→ ‹Rewilding›, Kunsthaus Baselland, bis 18.8. 

↗ kunsthausbaselland.ch 


‹Rewilding›, Ausstellungsansicht Kunsthaus Baselland, Münchenstein, mit Werken von Andrea Bowers, 

Courtesy kaufmann repetto Mailand / New York u. Fondazione Furla © ProLitteris. Foto: Gina Folly 

‹Rewilding›, Ansicht Kunsthaus Baselland, Münchenstein, mit Werken von Gabrielle Goliath (links), 

Andrea Bowers (links hinten), El Anatsui (Mitte), Naama Tsabar (vorne) © ProLitteris. Foto: Gina Folly 

BESPRECHUNGEN // BASEL / MÜNCHENSTEIN 107

Vom Körper im digitalen Leben — Häutungen 

Die Gruppenausstellung ‹Vom Körper im digitalen Leben› versammelt 

im Kunsthaus Langenthal Arbeiten von jungen Schweizer 

Künstler:innen. Sie legen Schichten zu virtuellen Abgründen 

und Utopien frei, übersetzen digitale Konzepte in analoge Gestalten 

und schliessen den Besucher:innenkörper mit ein. 

Langenthal — Für ein gutes Selfie bedarf es einer ringförmigen Lampe. Ein Rudel 

solcher Leuchten auf skelettähnlichen Gerüsten blendet im Eingang des Kunsthaus 

Langenthal dermassen grell, dass man die Augen zusammenkneifen muss – keine 

vorteilhafte Fratze für ein Foto. Mit ‹Vom Körper im digitalen Leben› zeigt das Museum 

aktuell Arbeiten von neun jungen Schweizer Künstler:innen und Kollektiven. 

Sie alle sind mit und im Internet aufgewachsen und räumen in ihrem Schaffen dem 

Körper im digitalen Leben einen grossen Stellenwert ein. Gezeigt werden bereits bestehende 

und einige für die Ausstellung entstandene Werke. 

Utopische Ansätze wie jenen von Milena Mihajlović, die im Video ‹Race me Through› 

(2023) das Verlassen des eigenen, fehlerhaften Körpers und die Transformation in 

eine neue, kategorielose Gestalt imaginiert, gibt es nicht viele. Noah Ismael Wyss 

(*1999) beispielsweise verkehrt die digitale Verwandlung ins Gegenteil und transportiert 

sogenannte «Skins», virtuelle Häute zur Individualisierung eines Avatars, in die 

analoge Welt. Die Verschmelzung von digitalen Anwendungen mit organischen, körperlichen 

Attributen ist unheimlich. Beim mit künstlicher Haut überzogenen Computer 

wird mir schmerzlich bewusst, dass mir mein eigenes Smartphone während des 

gesamten Besuchs abwechselnd am Hintern oder an der Hand klebt. Mona Filleul 

(*1993) mischt in den Installationen ‹Bonnie› und ‹Kuromi› Technik, Digitalität und 

Körperlichkeit auf verwandte Weise, indem sie Erinnerungen an eine Person in einer 

Art überdimensionalen Smartphone-Sargs analog darstellt. 

Zwischen den Werken stellen sich Fragen wie: Was hinterlassen wir in welchen 

Welten? Wie bewegen wir uns darin, wo überschneiden sie sich? Wann versprechen 

sie Sicherheit, wo werden sie gefährlich? Was konsumieren wir? Giulia Essyad (*1992) 

macht aus ihrem digital verfremdeten Körper sakrale Leuchtbilder und thematisiert 

die Fetischisierung und Sexualisierung von makellosen, weiblich gelesenen Körpern 

im Netz. Wie sämtliche Arbeiten der Ausstellung berühren auch Essyads Bilder mehr 

oder weniger unangenehm. Sie faszinieren und konfrontieren uns mit dem Umgang 

gegenüber fremden und eigenen Körpern. Dass sich ausgerechnet in der hypnotischen 

Videoinstallation von Victoria Holdt (*1992) so etwas wie Ruhe einstellt, zeugt 

wohl von der physischen Leibhaftigkeit des Besucher:innenkörpers: Die abstrakten 

Bewegtbilder in ‹Visceral Freeloaders› (2024) zeigen Segmente eines Bandwurms – 

analoges Material, bei dem wir uns doch am wohlsten fühlen. Ava Slappnig 

→ ‹Vom Körper im digitalen Leben›, Kunsthaus Langenthal, bis 23.6. ↗ kunsthauslangenthal.ch 


Victoria Holdt, ‹Visceral Freeloaders›, 2024, Ausstellungsansicht Kunsthaus Langenthal. 

Foto: Cedric Mussano 

bleed, follow me, ‹ok›, 2024, Ausstellungsansicht Kunsthaus Langenthal. Foto: Cedric Mussano 

BESPRECHUNGEN // LANGENTHAL 109

Le Grand Jeu — Surrealismus einst und heute? 

Die Lausanner Plateform 10 feiert zurzeit den 100. Geburtstag 

des surrealistischen Manifests von André Breton. Juri Steiner, 

der das MCBA seit 2022 leitet, hat mit seinem neuen Kurator für 

Gegenwartskunst, Pierre-Henri Foulon, zusammengespannt, 

um das Echo der Bewegung in den Bildkünsten zu umreissen. 

Lausanne — ‹La femme et le surréalisme› hiess 1987 eine Schau im MCBA von Erika 

Billeter, die das Haus von 1981 bis zur Pensionierung leitete. Sie leistete mit der 

Ausstellung sowie dem begleitenden, umfangreichen Katalog eine grandiose Vermittlungs- 

und Vertiefungsarbeit zu ersten Resultaten der feministischen Kunstgeschichte. 

Die aktuelle MCBA-Produktion ‹Surréalisme – Le Grand Jeu› setzt sich zu 

ihr in Bezug. Auch sie übt mit ihrer Geschlechterparität Gerechtigkeit gegenüber den 

Surrealistinnen, die trotz der hoffnungsvollen Ansätze in der dritten Frauenbewegung 

wenig Beachtung fanden – bis zu Cecilia Alemanis Biennale von Venedig 2022. 

Leider verlässt einen in der von Juri Steiner und Pierre-Henri Foulon kuratierten 

Schau, die einen historischen Überblick über den Surrealismus sowie einen Beweis 

für seine Aktualität verheisst, die Frage nach den Auswahlkriterien nicht. Jubiläumsgerecht 

beginnt sie mit dem bretonschen Manifest von 1924 und geht dann in 

drei Kapiteln, ‹Schöpferische Strategien›, ‹Magie des Bildes›, ‹Spiel ohne Ende›, und 

thematisch weitreichenden Unterkapiteln bis 1970 mit 65 Positionen, die mit gewichtigen 

Werken vertreten sind. Dabei wird ausser Acht gelassen, dass Apollinaire 

schon 1917 aktuelle Tendenzen als «surrealistisch» ansprach und manche Kunstschaffende 

wie etwa Picasso, die den Surrealismus mitgeprägt hatten, oder ihn wie 

Meret Oppenheim zu einsamen Gipfeln führten, später ihr Schaffen nicht mehr mit 

dem «offiziellen» Kreis der Surrealisten assoziiert wissen wollten. Picasso kommt 

in ‹Le Grand Jeu› nicht vor, die Plastikerin Oppenheim ist mit einem Ölbild präsent, 

während etwa von der bekennenden surrealistischen Malerin Leonora Carrington nur 

eine Gouache zu sehen ist. Letztlich triumphieren im Medienmix die der Sammlung 

von Esther Grether entlockten Meisterwerke von Dalí, Magritte und Tanguy oder der 

hauseigene Max Ernst. Die zeitgenössische Sektion zeigt schliesslich exklusiv Werke 

von in den 1980er-, 1990er-Jahren geborenen Kunstschaffenden. Hier huldigen 

sowohl Tristan Bartolini als auch Maëlle Gross aus der Romandie dem zeichnenden 

und schreibenden Medium Catherine-Élise Müller, die durch den Genfer Psychologen 

Theodore Flournoy 1899 unter dem Fallnamen Hélène Smith bekannt wurde. Daneben 

sind etwa die Masken des Briten Jakob Rowlinson, die aus «objets trouvés» gefertigt 

sind, angeregt von gotischen Grotesken und Arcimboldo. So wird das surrealistische 

Universum schliesslich doch noch kunsthistorisch geöffnet. Katharina Holderegger 

→ ‹Surrealismus – Le Grand Jeu›, MCBA, bis 25.8. ↗ mcba.ch 

→ Weitere Ausstellungen zum Surrealismus-Jubiläum, s. S. 92/93 


‹Surrealismus – Le Grand Jeu›, Ansicht mit Werken von Max Ernst (Skulptur), Meret Oppenheim, Victor 

Braumet, Ithell Colquhoun, Friedrich Schröder-Sonnenstern, MCBA, Lausanne (v.l.n.r.) © ProLitteris 

‹Surrealismus – Le Grand Jeu›, Ausstellungsansicht mit Werken von Lou Masduraud (Installation, 

vorne) sowie Jakob Rowlinson (links) und Matthias Garcia, MCBA, Lausanne. Fotos: Etienne Malapert 

BESPRECHUNGEN // LAUSANNE 111

Experimental Ecology — Ästhetische Biologien 

Käse aus Mikroben der Haut von Promis, biomorphe Theaterkostüme, 

Interaktion mit Fisch-Avataren oder nonbinärem 

Plankton: Die Ausstellung ‹Experimental Ecology› im Kunstmuseum 

St. Gallen zeigt das Potenzial der transdisziplinären Zusammenarbeit 

zwischen Wissenschaft und Kunst. 

St. Gallen — Unter einer Glasglocke auf einem Tisch schwitzt ein runder Käselaib. Ein 

Schild fordert dazu auf, die Glocke anzuheben und daran zu riechen. Der intensive 

Geruch von monatelang gereifter Käserinde dringt in die Nase. Erinnerungen an meine 

Kindheit in der Käserei meiner Grosseltern werden wach, wo sich der Schweiss 

der Käser vermischte mit der feuchten Luft des Kellers und seinen Salzbädern. 

Kein gewöhnlicher Käse ist unter der Glocke, denn er ist auf der Basis von Körperabstrichen 

mit Mikroben der St. Galler Künstlerin Anita Zimmermann hergestellt 

worden. Aus Bakterien von Ostschweizer Persönlichkeiten haben die Synthetische 

Biologin Christina Agapakis und die Künstlerin Sissel Tolaas in Zusammenarbeit mit 

dem Milchhüsli beider Basel insgesamt sechs Käselaibe produziert. Damit wollen sie 

auf die symbiotische Beziehung zwischen Mensch und Mikrobe hinweisen und eine 

auf Sterilität und Vermeidung von Körpergeruch fixierte Gesellschaft infrage stellen. 

‹Experimental Ecology› wurde 2023 von der Kulturstiftung Basel H. Geiger initiiert. 

In Anlehnung an das Projekt ‹Experiments in Art and Technology (E.A.T.)› der 

1960er wurden dafür Künstler:innen und Wissenschaftler:innen zusammengebracht. 

So sind fünf Werke entstanden, die das Verhältnis von Mensch und Natur sowie von 

Kunst und Wissenschaft verhandeln: Der Schriftsteller Ingo Niermann und der Biologe 

Alex Jordan haben ein Videospiel entwickelt, das durch die Interaktion mit einem 

Fisch-Avatar die Empathie für Tiere fördern soll. Die Künstlerin Michelle-Marie Letelier 

und die Biologin Karin Pittman thematisieren in einem Theaterstück die Ausbeutung 

des Lachs. Um ihn als Lebewesen zu vergegenwärtigen, haben sie Kostüme aus 

Bio-Kunststoffen entworfen, die das Konzept des Schleims als Kommunikationsmittel 

zwischen Fischen aufgreifen. Der Künstler Zheng Bo und der Biologe Mathias 

Rillig unterhalten sich in einem bewusst unspektakulär gehaltenen Video, das im 

Buchenwald von Grumsin aufgezeichnet wurde, über Klimawandel und Ökologie. Die 

Künstlerin Riikka Tauriainen und die Biochemikerin Meike Vogt laden dazu ein, über 

einen Steg in einen verdunkelten Raum zu treten, um dort durch ein immersives Kinoerlebnis 

in die Welt des Planktons, die sich binären Codes entzieht, abzutauchen. Allen 

Arbeiten ist gemein, dass sie mit ästhetischen Mitteln eine Verbindung zwischen 

Mensch und Natur herstellen und so über die wissenschaftliche Abstraktion hinaus 

zu einer sorgsamen Haltung gegenüber allen Lebewesen motivieren. Andrin Uetz 

→ ‹Experimental Ecology – Kunst und Wissenschaft im Dialog›, Kunstmuseum St. Gallen, bis 24.11. 

↗ kunstmuseumsg.ch 


Michelle-Marie Letelier und Karin Pittman, in Kooperation mit Reactor Basel und Bio Design Lab / HfG 

Karlsruhe, ‹Salm Ethos›, 2023, Ausstellungsansicht Kunstmuseum St. Gallen. Foto: Sebastian Stadler 

Sissel Tolaas und Christina Agapakis, ‹The_Suisse_The_Cheese›, 2023, Installation, sechs Käse mit 

sechs Bakterienproben, Ausstellungsansicht Kunstmuseum St. Gallen © ProLitteris. Foto: S. Stadler 

BESPRECHUNGEN // ST. GALLEN 113

Giacomo Santiago Rogado — Verbindungen durch Malerei 

Die bisher grösste Überblicksausstellung von Giacomo Santiago 

Rogado ist weniger eine Retrospektive, als vielmehr eine «Prospektive», 

wie der Künstler selber meint. Werke aus rund zwanzig 

Jahren werden im Kunstmuseum Thun vereint, und im Thun- 

Panorama öffnet die Malerei den Blick ins Weite. 

Thun — Gleich zu Beginn seiner grossen Ausstellung führt uns Giacomo Santiago 

Rogado (*1979) den Übergang und damit die Verbindung von seiner früheren, figurativen 

zur späteren, abstrakten Malerei vor Augen: mit ‹Spiegel› (2008), einem 

Schwarz-Weiss-Porträt, eingefügt in ein abstraktes Streifenbild. Unter dem Titel ‹All 

That You See› wird im Kunstmuseum Thun das Verbindende gleichsam zum Leitmotiv. 

Umsichtig hat der Künstler mit der Museumsdirektorin Helen Hirsch die Werke in ein 

Raumgefüge überführt, das einen Bogen über die Arbeiten spannt und Durchblicke 

sowie individuelle Assoziationen gewährt. Konzipiert wurde die Schau zusammen 

mit der Kunsthalle Göppingen, mit der auch ein gemeinsamer Katalog erscheint. 

Drei weitere Porträts zeigen Figuren mit Oberteilen, auf denen sich surrealistisch 

Wolken und Meereshorizonte ausdehnen. Sie künden von Rogados Vorliebe fürs Experiment, 

für die Spielarten der Malerei, die er auf stupende Weise umsetzt. Sie leiten 

über zu den erstmals gezeigten Bildern ‹Fusion of Horizons› (2024). Der Blick übers 

Meer ist hier mal realistisch, mal abstrakt, mal geometrisch und reliefartig dargestellt. 

Nah und Fern werden verschränkt, und der Weitblick strahlt gleichermassen 

auf die übrigen Werke in der Ausstellung aus. Bisweilen trägt Rogado auch Farbe ab: 

Bei den Bildern der ‹Coalescence›-Reihe etwa subtrahiert er in feinen Linien Farbe 

von der zuvor eingefärbten Leinwand. Ein changierender Licht-Schatten-Effekt lässt 

die Strahlenbilder dreidimensional metallisch erscheinen. Prominent und einnehmend 

sind zwei raumgreifende Installationen aus zusammengefügten Leinwänden, 

«bemalt» in einer speziell entwickelten Fliesstechnik: Dazu lässt der Künstler Farbpigmente 

auf eingenässtem Grund zu runden bis amorphen, leuchtenden Formen 

ausblühen; eine Malerei mit dem Material und dem Zufall, die nur bedingt kontrollierbar 

ist. Daher auch die Bezeichnung ‹Intuition› der zugehörigen Werkreihe. Auf diese 

treffen wir im grossen Saal, neben weiteren, in mehreren Schritten überarbeiteten 

Bildern der Serie ‹Accord›. Deren elaborierte Technik und komplexe Ästhetik bewegt 

und hält uns zugleich auf, lässt uns in die Malerei eintauchen. 

Im Thun-Panorama werden wir von Rogados Fliessbildern unter dem Titel ‹Ausser 

Sicht› ebenfalls umschlossen und gleichzeitig durch Gucklöcher ins Weite geführt. 

Vor der Fensterfront wird die Bilderwand zur durchscheinenden Membran, wo sich 

unterschiedliche Wahrnehmungen und Welten durchdringen. Marc Munter 

→ ‹Giacomo Santiago Rogado – All That You See›, Kunstmuseum Thun, bis 4.8. ↗ kunstmuseumthun.ch 

→ ‹Giacomo Santiago Rogado – Ausser Sicht›, Thun-Panorama, bis 1.12. ↗ thun-panorama.ch 


Giacomo Santiago Rogado, ‹Ausser Sicht›, 2024, Mischtechnik auf Baumwolle, 16-teilig, h: je 2,5 m, 

b: zwischen 1,8 u. 2,2 m, Ausstellungsansicht Thun-Panorama. Foto: David Aebi 

Giacomo Santiago Rogado, ‹Bellevue 1 + 2›, 2007, Öl auf Leinwand, 2-teilig, je 190 x 140 cm, 

Sammlung und Ausstellungsansicht Kunstmuseum Thun. Foto: David Aebi 

BESPRECHUNGEN // THUN 115

Karla Black — Kunst ist wie Backen 

Mit Gipspuder, Rüschen aus duftendem Klopapier und pastellfarbenen, 

mehrdeutigen Wölbungen schafft die Schottin Karla 

Black Universen zwischen Barbie-Traum und Zuckerbäckerei. 

Und sie sagt: Ich bin Feministin. Ein Widerspruch? Mitnichten, 

wie eine Begegnung in der Bechtler Stiftung in Uster zeigt. 

Uster — Der Himmel hängt voller rosa «Wolken». Ist es Zuckerwatte, oder sind es 

Frauenbrüste oder gar fein geäderte Euter eines Muttertiers? Über sechzig rosa Objekte 

hängen an weissen Seidenbändern von der Decke. Darunter ein Teppich aus 

pfirsichfarbenem Puder. Fünf weitere Papierobjekte liegen auf der monochromen 

Fläche – diesmal wie kleine Höhlen mit der Öffnung nach unten. «Ich werde euphorisch, 

wenn’s um Farbe und Material geht», sagt Karla Black (*1972), die sich als 

Bildhauerin der «Anti-Form» versteht, also Kunst macht, die ihre Form von der Materialqualität 

ableitet. Das heisst: Sie schleppt eine dicke Rolle weisses Papier an, 

ratscht jeweils ein Stück davon ab, schwenkt und tränkt es in einem mit rosa Wasser 

gefüllten Zuber und stülpt das nasse Papier schliesslich über einen ausrangierten 

Katzenkorb («My cat doesn’t like it anymore»). So schildert die Künstlerin, die 2011 

Schottland an der Biennale Venedig vertrat und im selben Jahr für den Turner Prize 

nominiert war, den Arbeitsvorgang. 

Wer im Ausstellungsraum der Bechtler Stiftung den Blick weiter schweifen lässt, 

entdeckt hinten Bänder, die von der Decke baumeln und an den Enden auf einem 

kunstvoll mit Rüschen umrandeten Puderteppich aufliegen. Sie entpuppen sich als 

Klopapier und verströmen einen schwer-süsslichen Duft: «Die gibt es so nur noch 

in England», lacht Black. Make-up-Kügelchen und Badebomben liegen verstreut auf 

der Pulverfläche, die sich aus 150 Kilogramm zerriebenem Gips und je 50 Kilogramm 

rotem und gelbem Pigment zusammensetzt. Die Farbfelder gestaltet die Künstlerin, 

indem sie die Mixtur von Hand oder mit einem Küchensieb über den Boden verteilt. 

Typisch weibliche Kunst? «Auf keinen Fall. Ich bin Feministin», erwidert sie. Fakt 

sei: Frauen und Mütter prägten seit Jahrtausenden die Welt. Und sie trügen heute 

noch dazu bei, den Menschen zu zivilisieren – auch wenn die Geschichtsschreibung 

anderes behaupte. «Ich mach mir einfach den Raum zu eigen – wie es Männer schon 

immer taten.» Dass die in Glasgow lebende Bildhauerin Kunst auch als performativen 

Akt versteht, demonstriert sie in Uster: Mit behutsamer Geste lässt sie Nagellack auf 

den Boden tropfen, woraus sich je nach Unterlage Tupfen oder Linien bilden. «Kunst 

ist wie Backen. Ich probiere etwas aus, das Werk verschwindet vielleicht, und es bleibt 

das Rezept.» Dass dabei Einmaliges entsteht, davon kann man sich vor Ort überzeugen. 

Ephemere Kunst – ohne Anspruch auf Ewigkeit, aber ewig schön. Feli Schindler 

→ ‹Karla Black›, Bechtler Stiftung, bis 6.10.; Karla Black im Gespräch mit Heike Munder: 25.8., 14 Uhr 

↗ bechtlerstiftung.ch 


Karla Black, ‹The Academy (earlier)›, 2024, Gipspulver, Farbpulver, Kartuschenpapier, Aquarelltinte, 

Bänder, Toilettenpapier, Badebomben, Nagellack, Rougeperlen, Masse variabel, Courtesy Galerie Gisela 

Capitain, Köln, u. Modern Art, London, Ausstellungsansicht Bechtler Stiftung, Uster. Foto: Flavio Karrer 

BESPRECHUNGEN // USTER 117

Pierre Huyghe — Bewusstseinserweiterungen 

Das Booklet zur Schau von Pierre Huyghe bilanziert korrekt, 

‹Liminal› stelle unsere Wahrnehmung der Realität infrage: In der 

Punta della Dogana bringen Echtzeit-Simulationen, selbstgenerative 

Systeme und KI verunsichernde bis verstörende Bildwelten 

hervor, die es künftig wohl verstärkt einzuordnen gilt. 

Venedig — Beim Betreten der Ausstellung muss sich das Auge neu justieren, denn 

man taucht ein in eine abgedunkelte Welt. Langsam schält sich daraus eine riesige, 

im Raum schwebende LED-Wand; auf ihr ist ‹Liminal› (2024) zu sehen, die Arbeit, die 

der gesamten Schau von Pierre Huyghe ihren Titel gibt: Eine weibliche Figur ohne 

Gesicht und Kopfinhalt irrt in einer grauen Wüste umher. Da es sich um eine Echtzeit- 

Simulation handelt, die sich durch von Sensoren gewonnene Messdaten verändert, 

setzt sich diese Dystopie endlos fort, ohne jede Wiederholung. 

Die Einspeisung von Messdaten aus der Umgebung – sie werden nicht genauer 

spezifiziert, beinhalten unter anderem jedoch die Bewegung der Besucher:innen – ermöglicht 

eine partielle Selbstprogrammierung der Werke: ‹Offspring› (2018) benutzt 

ein mit Algorithmen arbeitendes System, um Sensordaten in eine Choreografie für 

eine Art Ton-Licht-Orgel zu transformieren. In ‹Idiom› (2024) generiert eine KI mithilfe 

von Messdaten Phoneme und ordnet diese dann in einer geheimnisvollen Syntax zu 

einer unverständlichen Sprache an. Für ‹UUmwelt – Annlee› (2018–2024) wurde von 

den Hirnströmen einer Person, die sich die fiktive Person Annlee vorzustellen hatte, 

ein Datensatz angefertigt, mit dessen Hilfe ein künstliches Gehirn (Deep Neural Network) 

nun laufend neue Bilder eines organisch-amorphen Etwas generiert. Die Hybridisierung 

digitaler und kognitiver Prozesse kulminiert in ‹Camata› (2024): Huyghe 

hat hierfür einen Kamerawagen, einen Roboterarm mit zweiter Kamera, einen Robotergreifarm 

sowie einen bewegbaren Spiegel in die Atacama-Wüste verfrachtet. 

Abgesehen davon, dass der Greifarm in einer Art Ritual bunte Glaskugeln um ein im 

Sand liegendes menschliches Skelett platziert, geschieht in dieser Versuchsanordnung 

eigentlich nichts. Allerdings wurden sowohl Greifarme als auch Kameras durch 

die Maschinen selbst gesteuert, und die Aufnahmen werden – wiederum entlang von 

Sensordaten – laufend neu von einer KI zusammengeschnitten. Das Ergebnis kann 

sich, abgesehen von einigen wenigen abrupten Schnitten, absolut sehen lassen und 

darf als ein Kommentar zu «Ars longa vita brevis» auf der Höhe der Zeit gelten. 

Angereichert mit älteren Arbeiten und etwas konventionelleren Skulpturen bietet 

Huyghes Schau in der Punta della Dogana eine gewaltig inszenierte Sehschule. Sie 

spielt mit der Unsicherheit, was wir überhaupt sehen und wie es zustande kam; wenn 

man sich darauf einlässt, erkennt man gleichzeitig, dass man dem eigenen (menschlichen) 

Wahrnehmungsapparat durchaus noch vertrauen kann. Oliver Kielmayer 

→ ‹Pierre Huyghe – Liminal›, Pinault Collection, Punta della Dogana, bis 24.11. ↗ pinaultcollection.com 


Pierre Huyghe, ‹Liminal›, 2024 (hinten); ‹Portal›, 2024, Courtesy Galerie Chantal Crousel, Marian Goodman 

Gallery, Hauser & Wirth, Esther Schipper und Taro Nasu; ‹Idiom›, 2024 (vorne), Courtesy Leeum 

Museum of Art, Ansicht Pinault Collection, Punta della Dogana, Venedig © ProLitteris. Foto: Ola Rindal 

BESPRECHUNGEN // VENEDIG 119

Christoph Büchel — Not, Kot, Kostbarkeiten 

Christoph Büchel proklamiert in Venedig den ultimativen Ausverkauf 

von Kunst und Kultur, ja sämtlicher Besitztümer. Mit der 

Verwandlung des stattlichen Palazzo Ca’Corner della Regina in 

ein bankrottes Pfandhaus gelingt es dem Künstler, das Gruselkabinett 

der Realität in Bilder zu fassen, ausufernd. 

Venedig — Nichts mehr weist auf die Fondazione Prada hin, das Ausstellungshaus 

der 1993 gegründeten gleichnamigen Stiftung. Die Fassade zum Canal Grande macht 

klar: Alles muss raus, auch der Palast wird verkauft, gar die Serenissima selbst. Auf 

dem Steg stehen Ölfässer und Bauabfall bereit zum Abtransport. Christoph Büchel 

(*1966) leistet ganze Arbeit und lässt kein Detail aus im konzeptuell angelegten Gesamtkunstwerk, 

mit dem seine seit Jahren verfolgte Strategie der Spiegelung von 

Weltzustand in Kunstzusammenhang einen neuen Höhepunkt erreicht. 

Die päpstliche Pfandleihanstalt Monte di Pietà hatte zwischen 1834 und 1969 tatsächlich 

Sitz im ehemaligen Palazzo der alteingesessenen Kaufmannsfamilie Corner. 

Vor dem Hintergrund von Venedigs internationalem Handels- und Kunstmarkterfolg 

seit dem Mittelalter fragt der in Island lebende Schweizer Künstler nach dem Verhältnis 

von Geld und Wert. Über drei Stockwerke inszeniert er die Mechanismen der 

Schuld-Geschäfte als Mittel zu Macht und Unterdrückung. 

Schutt und Morast säumen die Auktionshalle im Erdgeschoss. Im Mezzanin dann 

die Schalt- und Kontrollzentrale samt Live-Bildern aus aktuellen Kriegsgebieten neben 

Zerstreuungsangeboten wie etwa Videogames. Im Piano Nobile bestechen die 

unzähligen Objekte unterschiedlichster Wertkategorien in ihrer hierarchielosen Präsentation 

wie im Brockenhaus – von Altkleidern und Kuscheltieren bis zum «Stein 

von Rosette» oder dem Porträt ‹Caterina Corner als Heilige› von Tizian zwischen alten 

Ski und einem Werk Marta Minujins, das die Schuldenbegleichung Argentiniens gegenüber 

Amerika mittels Mais thematisiert. Auch Christoph Büchels ‹The Diamond 

Maker, 2020 –› ist da: Im Diamantenkoffer lagert sein gesamtes, zu synthetischen 

Diamanten verarbeitetes Schaffen – eine auch aus Not gefällte Entscheidung, als die 

Lagermöglichkeiten durch die Galerie während der Pandemie weggefallen sind. 

Die fingierte Auktion ist ein komplexes Verweissystem zur Geschichte von Reichtum 

und Besitzanspruch, oft im Zusammenhang kolonialer Machtansprüche. Als Referenzen 

fehlen auch Werke etwa von Duchamp, Balla, Klein, Beuys, Filliou nicht – 

Künstler, die sich im Sinne von Dada und Fluxus der Marktwirtschaft zu entziehen 

suchten. Einige Dosen ‹Merda d’artista› von Piero Manzoni stapeln sich direkt neben 

Büchels Edelsteinen, deren Herstellung zur Identifizierung ebenfalls auf Kot des 

Künstlers basiert. Getrost überfordert verlieren wir uns im ‹Monte di Pietà›, seinem 

Schalk und der Freude an subversiven Konstellationen. Ursula Badrutt 

→ ‹Christoph Büchel – Monte di Pietà›, Fondazione Prada, bis 24.11. ↗ fondazioneprada.org 


‹Christoph Büchel – Monte di Pietà›, Ausstellungsansicht mit dem Werk ‹The Diamond Maker›, seit 2020, 

Fondazione Prada, Venedig. Foto: Marco Cappelletti 

BESPRECHUNGEN // VENEDIG 121

Script / Memory — Von Konventionen und Regelverstössen 

Der Mensch als soziales Wesen braucht Strukturen und Bindungen. 

Doch genau darin verbergen sich Fallstricke und Unfreiheiten. 

Die Kunsthalle Winterthur zeigt acht Positionen zu diesem 

widersprüchlichen Verhältnis. Es ist die erste Ausstellung unter 

der neuen Leiterin Geraldine Tedder. 

Winterthur — Fotografieren heisst kommunizieren. Auch Dresscodes sind Kommunikation. 

Kunst sowieso. Mit der Kamera, mit der Kleidung, mit der Kunst – und vielem 

mehr – treten Menschen in Kontakt zueinander. Oder sie versuchen es, denn nicht 

immer gelingt die Übertragung der Informationen. Mitunter verweigert sich das Gegenüber, 

erkennt die Zeichen nicht oder versteht sie falsch. Die Kunsthalle Winterthur 

widmet dieser Ambivalenz die Ausstellung ‹Script – Memory›. Im Titel klingen 

die Bedingungen des alltäglichen Miteinander an: Der gemeinsame Verhaltenskodex 

folgt oft einem erlernten oder erinnerten Drehbuch aus Gesprächsformeln, der Dauer 

und Art von Blickkontakten oder Berührungen. Diese Spielregeln bestimmen das 

Zusammenleben und eröffnen zugleich ein weites Feld für Missverständnisse und 

Verweigerungen. Ein Schlüsselbild dafür liefert Niklas Taleb mit ‹Reverse Psychology› 

(2020). Der Künstler fotografiert seine kleine Tochter beim Frühstück. Ihr Blick 

sagt der Kamera: Keine Lust! Nicht schon wieder, Papa! Doch nicht dieser Unwille 

irritiert, sondern die Hand mit dem Fotoapparat im Bild. Diese formale Unstimmigkeit 

entspricht den Brüchen im zwischenmenschlichen Austausch. 

Die Brüche der Erinnerungen zeigen sich in Jordan Lords ‹I Can Hear My Mother’s 

Voice› (2018). Lords Mutter sichtet und kommentiert darin alte Videos, die sie selbst 

aufgenommen hat: Einfache, nüchterne Beschreibungen kontrastieren mit emotionalen 

Schilderungen einer Situation. Vermutungen werden als Gewissheiten präsentiert. 

Stimmig ist das trotzdem, weil die Erinnerung von einer grossen Verbundenheit 

mit den gefilmten Motiven getragen ist. 

Die Arbeit mit Familienmitgliedern – oder mit Menschen aus dem Freundes- oder 

Bekanntenkreis – liegt mehreren der ausgestellten Werke zugrunde. Die Kunst wird 

in ihnen zum sozialen Ereignis, sie untersucht die menschlichen Beziehungen nicht 

nur, sondern basiert auf ihnen. Und bei der Kunst ist die Ausstellung noch nicht zu 

Ende. Sie spannt den Bogen weiter bis zur Publizistik: ‹Heresis› war von 1977 bis 1993 

ein Magazin zu feministischen, künstlerischen und politischen Themen. Gezeigt werden 

ausgewählte Originalausgaben neben einem aktuellen Magazin zu kollaborativen 

Publikationspraktiken. Dessen Herausgeber ist das Rietlanden Women’s Office 

von Elisabeth Rafstedt und Johanna Ehde. Auch die beiden Frauen untersuchen, 

was sie zugleich anwenden: Sie kollaborieren als die neuen Grafikdesignerinnen der 

Kunsthalle Winterthur. Kristin Schmidt 

→ ‹Script – Memory›, Kunsthalle Winterthur, bis 14.7. ↗ kunsthallewinterthur.ch 


Jordan Lord, ‹I Can Hear My Mother’s Voice, with Deborah Lord›, 2018, HD-Video, 5’; Fernanda Laguna, 

‹Moñito rosa›, 2022, Acryl, Glitzer und gemischte Materialien auf Leinwand, 60 x 54 cm, Ausstellungsansicht 

Kunsthalle Winterthur. Foto: Cedric Mussano 

Chaumont-Zaerpour, ‹Panorama›, 2024, UV-Druck auf Dibond, 260 x 135 cm, Ausstellungsansicht 

Kunsthalle Winterthur. Foto: Cedric Mussano 

BESPRECHUNGEN // WINTERTHUR 123

Oliviero Toscani — Meister der Provokation 

Einst trat die italienische Marke Benetton mit farbenfroher 

Mode einen Siegeszug rund um die Welt an. Dank Oliviero Toscani 

wurde der Auftritt des Labels bunter, diverser – und schockierender. 

Über 500 Arbeiten des in Zürich ausgebildeten Mailänder 

Fotografen sind im Museum für Gestaltung zu sehen. 

Zürich — Man erinnert sich: Endlich wurden Kleider für junge Menschen bunt und 

erschwinglich. Benetton hiess das Zauberwort. Und in den Städten lachten Menschen 

aller Hautfarben im Megaformat auf einen nieder. Auch im Museum für Gestaltung 

startet die Schau zu Oliviero Toscani (*1942) mit dem Blick nach oben, wo die ikonischen 

Bilder von der Decke hängen: ein Neugeborenes an der Nabelschnur, in der Luft 

flatternde Kondome oder ein blutjunger Priester, der eine noch jüngere Nonne küsst. 

Kirchenmotive wie Klosterschüler und gruselige Skelette in Messgewändern gehörten 

übrigens zu den ersten Schwarz-Weiss-Bildern, die Toscani als Schüler der 

Kunstgewerbeschule Zürich Anfang der 1960er nach Hause trug. «Die Kirche hat die 

Werbekommunikation schon früh begriffen», sagt er in einem Filmbeitrag. Später 

fotografiert der Mailänder für Jesus Jeans einen Frauenhintern in knappen Shorts, 

auf denen ein Bibelzitat steht: «Chi mi ama mi segua» (Wer mich liebt, der möge mir 

folgen). Skandal, Skandal in Italia. Aber nicht genug: Ein aidskranker Mensch am 

Sterben, Gefängnisinsassen in Todeszellen und blutige Kleider eines gefallenen Soldaten 

werden bald mit dem Label des Modehauses Benetton versehen. Ein Schock. 

Ein nacktes, magersüchtiges Model an der Mailänder Fashionweek in Weltformat zu 

zeigen mache Sinn, sagt Toscani: «Guardare e vedere», hinschauen und (Probleme) 

erkennen, das sei seine Mission. Die Affichen lösten weltweit Empörung, kontroverse 

Diskussionen und Gerichtsverfahren aus. «Moral hat in der Kunst nichts verloren», 

meint Toscani. Dass der streitbare Fotograf People of Color, Genderfragen und Krieg 

in die Welt hinaustrug, ist in der Schau, kuratiert von Christian Brändle, umfassend 

dokumentiert. Wer weiss etwa, dass der Mailänder eine Ausgabe von L’Uomo Vogue 

bereits 1972 mit ausschliesslich Schwarzen Models bebilderte? 

Seine Arbeiten zu Aids, Magersucht, Todesstrafe und Naziverbrechen sind auch in 

Zürich schwere Kost. Als Kontrast dazu muten die Aufnahmen von Kindern verschiedener 

Hautfarbe, von Schwulenpärchen und Regenbogenfamilien geradezu heiter an. 

Und fast schon versöhnlich stimmen die Porträts prominenter Zeitgenossen – allen 

voran Andy Warhol, dem Freund und Vorbild aus New Yorker Zeiten. Das filmische 

Porträt von 2011 am Ende des Rundgangs lässt keine Zweifel offen: Der Meister der 

Provokation war ein charismatischer Vollprofi, ein Lebemann auch, der – wie auf seinem 

Quad im Dokfilm – immer Vollgas gegeben hat. Feli Schindler 

→ ‹Oliviero Toscani – Fotografie und Provokation›, Museum für Gestaltung, bis 15.9. 

↗ museum-gestaltung.ch 


Oliviero Toscani, Andy Warhol für Polaroid, 1975 © ProLitteris 

Oliviero Toscani, ‹Bosnienkrieg›, 1994, Kampagne für United Colors of Benetton © ProLitteris 

BESPRECHUNGEN // ZÜRICH 125

Kiki Kogelnik — So zeitgeschichtlich wie zeitgemäss 

Ihr Name verleitet zu alliterativem Spiel: Kiki Kogelniks Schaffen 

ist keck und kühn, karikierend und kämpferisch. Die vielseitige 

Pop-Art-Ikone wird im Kunsthaus Zürich mit einer umfassenden 

monografischen Präsentation gewürdigt und aus dem 

Schatten ihrer kanonisierten Künstlerkollegen geholt. 

Zürich — «Ich habe genug!», ist in einem Typoskript vom 5. August 1970 zu lesen, 

in dem Kiki Kogelnik (1935–1997) nach Seitenhieben auf die männlich dominierte 

Kunstszene ihre eigene Karriere selbstbestimmt voranzutreiben gelobt. Nicht nur 

mit diesem persönlichen Manifest verströmt Kogelnik im Kunsthaus Zürich zurzeit 

Aufbruchstimmung. Die Archivalie ist Bestandteil einer gross angelegten Retrospektive 

auf ihre künstlerische Produktion, die sich durchgängig von der Lust an neuartigen 

Materialien sowie der Faszination für moderne Errungenschaften leiten liess. 

In der von Cathérine Hug in Kooperation mit dem Kunstforum Wien kuratierten 

Ausstellung sind zwischen Kogelniks früher expressionistischer Malerei und ihrer 

späten Zuwendung zum traditionellen Keramik- und Glashandwerk bislang wenig 

bekannte Schaffensperioden ausgerollt, die von der eigenwilligen Teilhabe der 

gebürtigen Österreicherin an der Pop-Art-Bewegung im New York der 1960er- und 

1970er-Jahre zeugen. Hier schweben menschliche Umrisse als monochrome Flächen 

durch gepunktet bunte Welträume oder baumeln aus greller Vinylfolie geschnitten 

reihenweise von Kleiderbügeln. Körperfragmente werden in glänzenden Polyurethanobjekten 

und diagnostisch anmutenden Stempelbildern mit Kabeln, Telefonhörern 

und Zahnrädern zusammengeflickt. Und Frauenfiguren nehmen vor Airbrush- 

Grund die exaltierten Posen der Modebranche auf die Schippe, ermächtigen sich der 

kulturgeschichtlichen Tiersymbolik und münden in Selbstporträts einer Künstlerin, 

die sich mit Pinsel und Schere bewaffnet selbstbewusst zu inszenieren weiss. 

Im Kern dreht sich Kogelniks facettenreiches Œuvre um das wohl zeitlose Thema 

von Einschränkung und Erweiterung des Körpers sowohl in seiner physisch-sinnlichen 

als auch in seiner soziopolitischen Dimension. Man kann ihre Arbeiten aber 

auch als eingehenden Rückblick auf Stile und Narrative vergangener Dekaden im 

Zeichen der Raumfahrt, des Massenkonsums und der Frauenbewegung lesen oder 

darüber staunen, dass hier heutige Debatten über technisierte Lebenswelten und 

hybride Identitäten vorweggenommen sind. Der künstlerische Kosmos Kiki Kogelniks 

steht für viele Betrachtungsweisen offen und ist durch Ausstellungen wie diese endlich 

in voller Breite zugänglich – auch um wiederkehrende Elemente in ihrem Werk 

zu entdecken, die zum Sinnieren einladen. Etwa über Knochen und Küsse, Krankheit 

und Komik. Julia Schmidt 

→ ‹Kiki Kogelnik – Retrospektive›, Kunsthaus Zürich, bis 14.7. ↗ kunsthaus.ch 


Kiki Kogelnik, ‹Woman’s Lib›, 1971, Siebdruck und Buntstift auf Papier, 76,2 x 56,2 cm 

© Kiki Kogelnik Foundation 

BESPRECHUNGEN // ZÜRICH 127

NOTIERT // KUNSTRÄUME 

Fondation Fernet-Branca — Wiedereröffnung 

Basel — Die Freude ist gross. Mit einem 

dreifachen ‹joie, joie, joie› wird die Fondation 

Fernet-Branca wiedereröffnet, rechtzeitig, um 

ihr zwanzigjähriges Bestehen zu feiern. Das 

Ausstellungshaus im einstigen Lagerhaus der 

Fernet-Branca-Brennerei in St. Louis an der 

Grenze zu Basel musste temporär schliessen, 

um Reparaturarbeiten am Gebäude vorzunehmen. 

Die Industriearchitektur wurde 2004 

von Architekt Jean-Michel Wilmotte in einen 

Ausstellungsraum umgebaut, in dem seither 

Retrospektiven bekannter Künstler:innen wie 

Lee Ufan oder Charles Pollock gezeigt wurden. 

Die Gruppenschau ‹Splendore – joie, joie, joie›, 

die von Richard Neyroud zur Wiedereröffnung 

kuratiert wird, zeigt Werke von sieben jüngeren 

Kunstschaffenden. Die Institution strebt einen 

Platz im Bereich der lokalen und internationalen 

Kulturlandschaft an. Dem Kunstschaffen 

soll die Möglichkeit zu experimentieren 

geboten werden, Tendenzen der internationalen 

zeitgenössischen Kunst wollen aufgespürt 

werden – aber jetzt wird erst mal gefeiert. 

in den letzten zehn Jahren regelmässig auch 

Kunstschaffende für Ausstellungen beherbergte. 

Gezeigt wurden etwa Béatrice Gysin oder 

Peter Aerschmann, wobei der Standort mit 

dem reizvollen Garten die Kunstschaffenden 

immer wieder zu fein abgestimmten Konzepten 

inspirierte. Das ist auch bei der Jubiläumsschau 

‹Le jardin de Nyx› von Nicolas Bernière 

(*1970, Paris) der Fall. Der in Bern lebende 

Künstler übernimmt unter anderem mit seinen 

fantastischen Kartoninstallationen in Form von 

Pflanzen oder Objekten, etwa einem Vogelhäuschen 

im verglasten Treppengeschoss, den 

Innenraum und verkleidet sogar das Bett. Die 

casita wandelt sich in eine Traumwelt, die der 

Nachtgöttin würdig ist. Werden doch unter 

dem Motto «Habiter une installation» erst- und 

letztmals beide Funktionen des Ortes verbunden, 

das Haus wird Übernachtende mit Kunst 

willkommen heissen. Damit erfüllt sich für 

Bernière sowie die Betreibenden Hélène und 

Daniel Lüthi ein lang gehegter Wunsch. Wobei 

dies für die zwei Gastgeber:innen, die das Ganze 

mit einem gehörigen Feu sacré angetrieben 

haben, zugleich den würdigen Abschied für ihre 

casita als Ausstellungsort darstellt. AD 

Die Fondation Fernet-Branca im einstigen 

Lagerhaus der Brennerei 

→ ‹Splendore – joie, joie, joie …›, bis 7.7. 

↗ fondationfernet-branca.org 

casita — 10 Jahre Jubiläum und Abschied 

Bern — Zuhinterst im Länggassquartier versteckt 

sich ein schmuckes Gästehäuschen, das 

Aussenansicht casita am Schwalbenweg in Bern 

→ casita, bis 20.6.; Vernissage: 14.6.; Schlafen 

in der Kunst: 24.6.–18.8. ↗ casita-bern.ch 

Gallery Kendra Jayne Patrick 

Bern — New York und – seit 2022 – Bern: Das 

sind die zwei Standorte der umtriebigen Galeristin 

Kendra Jayne Patrick. Nach vier Jahren 

nomadisierender Existenz hat die Pandemie 


die Galeristin mit Partner einen fixen Space in 

Bern eröffnen lassen. Die zwei Räume liegen 

im Erdgeschoss eines altehrwürdigen Hauses 

mit Garten hinter dem Bahnhof. Diese dienen 

auch als Basis für Projekte in Amerika, sei es 

die Art Basel Miami oder Pop-up-Ausstellungen 

im Big Apple. Mit Kendra Jayne Patrick gewinnt 

Bern eine international ausgerichtete Galerie, 

deren Programm sich eng an den kritischen 

Fragen des Zeitgeists bewegt. In Miami etwa 

entsprach Qualeasha Wood (*1996, New Jersey) 

einer solchen Position, kreisen die Textilarbeiten 

der Künstlerin doch um Themen der 

Identität und Geschlechterrollen in Bezug zum 

Schwarzen Körper. Die Galeristin sagt zu ihren 

Interessen: «Mich ziehen Werke an, die materiale 

– und materielle – Risiken nicht scheuen, 

ein Kunstschaffen, bei dem über Spielereien 

hinaus etwas auf dem Spiel steht.» In Bern sind 

als Nächstes die kritischen Netzkunstpioniere 

Eva & Franco Mattes zu Gast, die jüngst im 

Frankfurter Kunstverein zu sehen waren. AD 

Rüschlikon — In aussichtsreicher Lage über 

dem Zürichsee steht das sogenannte Brahmshaus. 

Es verdankt seinen Namen einem 

(kurzen) Aufenthalt von Johannes Brahms im 

Sommer 1874, doch nicht die Musik, sondern 

die Malerei sollte es bis heute erfüllen. Seit 

Hermann Gattiker (1865–1950) hier residierte 

und in dieser damals noch ländlichen Idylle 

seine Schüler:innen der Gewerbeschule in 

Landschaftsmalerei unterrichtete, ist die Kunst 

nie mehr ausgezogen. 1937 konnte der Maler 

Werner Weber (1892–1977) mithilfe der Malerin 

Anna Hug, die ebenfalls hier wohnte, einen Teil 

des Riegelbaus erwerben. Nach seinem Tod 

wurde es zum Sitz der von ihm gegründeten 

Werner-Weber-Stiftung. Sie hat in Kooperation 

mit dem Verein KulturRüschlikon in den letzten 

15 Jahren Künstler:innen mit Lokalbezug ausgestellt, 

etwa Helen Dahm oder Margrit Gsell- 

Heer. Nun soll dem Ort mit Ausstellungen, die 

über den lokalen Rahmen hinausgehen, weitere 

Strahlkraft verliehen werden. Den Auftakt 

macht eine Schau von Franz Wanner (*1956), 

der sich in seinem Schaffen mit grossen Figuren 

der Malereigeschichte auseinandersetzt. 

In Rüschlikon zeigt er Arbeiten, die sich um 

Stillleben Francisco de Zurbaráns drehen, und 

trifft dabei auf Werke von Werner Weber, der 

sich in seinem Schaffen ebenfalls stark an der 

europäischen Stilllebenmalerei des 17. Jahrhunderts 

orientierte. 

Aussenansicht der Gallery Kendra Jayne 

Patrick, Bern 

→ ‹Eva & Franco Mattes›, 1.6.–20.7., 

Vernissage: 31.5., 18 Uhr bis spät 

↗ gallerykendrajaynepatrick.com 

Brahmshaus — Werner-Weber-Stiftung 

Aussenansicht des Brahmshauses. 

Foto: Marcel Baumgartner 

→ ‹Was malen? – Franz Wanner mit Francisco 

de Zurbarán zu Gast in der Werner-Weber- 

Stiftung›, 1.–30.6.; Vernissage: 31.5. 

↗ werner-weber-stiftung 

NOTIERT // KUNSTRÄUME 129

FOMO Art Space 

Zürich — FOMO steht für Fear Of Missing Out 

und ist seit 2023 der Name eines unabhängigen 

Kunstraums in Zürich-Altstetten. Die Angst, 

etwas zu verpassen, ist gerechtfertigt, zeigt 

das Team um Leandra Agazzi doch monatlich 

wechselnde Ausstellungen, davon jährlich vier 

Schwerpunktausstellungen, die einem spezifischen 

Thema gewidmet sind. Agazzi, selbst auch 

Künstlerin und im Kulturmanagement geschult, 

sammelte bereits Erfahrungen im Offspace 

Flüelastrasse, den sie von 2020 bis 2023 betrieb. 

Nun, am Enzianweg 4, gibt es Zuständige für 

Kuration, Vermittlung, Dokumentation – und 

Biodiversität. Das Engagement brachte dem 

Kunstraum bereits eine Einladung an die letztjährige 

Visarte-Ausstellung in der Photobastei 

und den Basel Social Club ein. Dieses Jahr ist er 

beim Zurich Art Weekend mit dabei. Zu sehen 

sein wird die Ausstellung ‹Shapeshifters› der 

beiden Zürcher Maler Adam Thompson und 

Orlando Marosini. Zwei sehr unterschiedliche 

«Formwandler»: Die Werke von Thompson umfassen 

hieroglyphenartige, scharfkantige, meist 

zweifarbige Bildobjekte auf eigen geformten Trägern; 

Marosini hingegen schafft in Mischtechniken 

sprühend gestische Malereien, in denen 

sich unzählige Motive und Symbole verbinden. 

GROSSANLÄSSE 

Les Rencontres d’Arles 

Arles — Jeden Sommer verwandelt sich Arles 

in ein Zentrum der internationalen zeitgenössischen 

Fotografie. Seit 1970 finden in Museen, 

Kirchen oder Industriegebäuden der südfranzösischen 

Stadt Ausstellungen und Workshops 

statt, werden Preise verliehen und Lebenswerke 

geehrt. Auch die 55. Ausgabe bietet ein volles 

Programm, welches das ganze Spektrum der 

Fotografie abdeckt. Im Espace Van Gogh ist mit 

Mary Ellen Mark die Dokumentar- und Porträtfotografie 

vertreten. Ein besonderes Augenmerk 

liegt auf Japan mit einer historiografischen Ausstellung 

zu japanischen Fotografinnen seit den 

1950ern, einer Werkschau von Ishuichi Miyako 

und den Fotografien von japanischen Fischerinnen 

aus dem Archiv von Uraguchi Kusukazu. 

Urs Stahel kuratiert bei Luma die Ausstellung 

‹When Images Learn to Speak› über konzeptuelle 

dokumentarische Fotografie mit Werken 

aus der Astrid Ullens de Schooten Whettnall’s 

Collection. Sophie Calle zeigt im unterirdischen 

römischen Kryptoportikus ‹Finir en beauté›, eine 

Ausstellung um Zersetzung und Tod, die von einem 

Pilzbefall einiger ihrer Fotografien in ihrem 

Lager angestossen wurde. 

Uraguchi Kusukazu, ‹Offshore›, 1974 

→ Div. Orte, 1.7.–22.9. ↗ rencontres-arles.com 

Der Eingang zum FOMO Art Space, Zürich 

→ ‹Adam Thompson, Orlando Marosini – 

Shapeshifters›, 7.–28.6. 

↗ fomoartspace.ch 

Swiss Art Awards 

Basel — Parallel zur Art Basel vergibt das 

Bundesamt für Kultur die Swiss Art Awards. 

Insgesamt 55 Finalist:innen des Wettbewerbs 


präsentieren ihr Werk in einer Ausstellung 

im Obergeschoss der Messehalle 1.1. Daraus 

werden zehn bis zwölf Preise à CHF 25’000 

verliehen, wobei Kunst den grössten Anteil 

erhält und je ein Preis in den Bereichen 

Architektur, Kritik, Publikation und Ausstellung 

dazu kommt. In derselben Halle stellen 

auch die Anwärter:innen auf die Swiss Design 

Awards und die 17 Finalist:innen des Kiefer 

Hablitzel | Göhner Kunstpreis aus, der sich an 

Kunstschaffende unter dreissig Jahren richtet. 

Alle Gewinner:innen werden zur Eröffnung 

bekannt gegeben. Ebenso findet die Verleihung 

des Prix Meret Oppenheim in diesem Rahmen 

statt. Die Publikation zur Ausstellung erhalten 

alle Kunstbulletin-Abonnent:innen mit der 

November-Ausgabe zugeschickt. 

Die Swiss Art Awards und Swiss Design 

Awards, Aussenansicht, Basel, 2023 

werden ihr entlang gezeigt; das Hotel Merian 

bildet darin das Zentrum und wird rund um 

die Uhr als Veranstaltungs- und Ausstellungsort 

genutzt. An Schlaf ist nicht zu denken, 

doch vielleicht wird das Kornfeld von Agnes 

Denes (*1931), von Samuel Leuenberger für 

den Messeplatz kuratiert, Ruhe und Einhalt 

gebieten: Bis zur Ernte im Herbst kann man 

dem Getreide von ‹Honouring Wheatfield – A 

Confrontation› (2024) beim Wachsen zuschauen. 

Raumgreifend geht es wie immer auch in 

der Art Unlimited zu und her: Giovanni Carmine 

versammelt darin nicht weniger als siebzig 

grossformatige Installationen. Der Zukunft 

der Kunst widmen sich die ‹Conversations›, für 

die Kimberly Bradley Expert:innen eingeladen 

hat. Für ‹Art Basel Film› hat Filipa Ramos ein 

Filmprogramm zusammengestellt, das von 

künstlerischen Beiträgen über Dokumentationen 

bis zu einem speziellen Programm für 

Kinder ab vier Jahren reicht. Neben dem Hauptsektor 

‹Galleries› konzentriert sich ‹Feature› 

auf kunsthistorische Präsentationen, während 

‹Statements› aufstrebenden Kunstschaffenden 

eine Solo-Schau gewährt. Im Sektor ‹Edition› 

finden sich Druckgrafiken und Editionsarbeiten. 

Das Kunstbulletin ist wie immer bei den 

‹Magazines› zu finden – schaut vorbei! 

→ Messe Basel, Halle 1.1, 10.–16.6.; Preisverleihung 

(mit Anmeldung): 10.6., 11.30–13 Uhr; 

Vernissage: 10.6., 18–20 Uhr 

↗ swissartawards.ch 

Art Basel 

Basel — Die Art Basel steht vor der Tür: 286 

der führenden Galerien aus aller Welt sind 

angekündigt. Es ist die erste Messe unter der 

neuen Leitung von Maike Cruse. Änderungen 

gibt es insbesondere beim Art Parcours, der 

neu von Stefanie Hessler, Direktorin des Swiss 

Institute in New York, kuratiert wird. Anders 

als in den letzten Jahren wird er in Messenähe 

geholt und sich auf die Clarastrasse beschränken. 

Zwanzig ortsspezifische Installationen 

Latifa Echakhch, ‹Der Allplatz›, 2024, 

Messeplatz, Art Basel 2023 

→ Messe Basel, 13.–16.6.; Preview: 11./12.6. 

↗ artbasel.com 

Parallelmessen zur Art Basel 

Basel — Wie immer findet zur Art Basel eine 

Vielzahl von weiteren Messen statt. Die Liste 

NOTIERT // KUNSTRÄUME / GROSSANLÄSSE 131

Art Fair ist die Plattform für eine jüngere Generation. 

In der Messehalle 1.1. präsentiert sie 

überwiegend Solo-Positionen, welche die neuesten 

Entwicklungen in der zeitgenössischen 

Kunst aufzuzeigen versprechen. Ergänzend 

bieten sich die digitalen Kanäle der Liste zur 

Recherche an. Und auch der Berliner Kunstbuchladen 

do you read me?! ist bei ihr zu Gast. 

Ein intimeres Messeerlebnis ermöglicht die 

June Art Fair in Gehdistanz im unterirdischen, 

von Herzog & de Meuron umgebauten Bunker. 

Die Volta logiert erneut im Klybeck 610. Lee 

Cavaliere als künstlerischer Leiter gibt dieses 

Jahr seinen Einstand mit einer verstärkt international 

ausgerichteten Auswahl. Der Sektor 

‹Firsts› zeigt die neu teilnehmenden Galerien. 

Liebhaber:innen der Fotografie gehen ins 

Volks haus zur photo basel, wo dieses Jahr unter 

anderem zahlreiche afrikanische Positionen 

auftreten und in ‹Beyond photography› Mischtechniken 

mit Fotografie zu entdecken sind. 

Neu gibt’s ‹The Digital Art Mile› von ArtMeta im 

Rebgasse-Quartier, die sich ausschliesslich der 

digitalen Kunst widmet. Mit der thematischen 

Setzung ‹Playing against the Machine› will sie 

die Maschine nicht nur als Werkzeug, sondern 

als kreativen Partner der Künstler:innen beleuchten. 

Wer lieber zum Buch greift, besucht 

die I Never Read Art Book Fair in der Kaserne. 

Festival Belluard Bollwerk 

Fribourg — Das Thema der 41. Ausgabe des 

Festival Belluard Bollwerk ist so positiv wie 

kämpferisch: Lebenswut sei der Impuls, der die 

künstlerischen Projekte aus Tanz, Theater, Performance, 

Musik, Literatur und bildender Kunst 

antreibe. Das Programm kündigt Künstler:innen 

an, die sich dafür einsetzen, Mechanismen der 

Unterdrückung aufzudecken, um ein Leben in 

Würde zu ermöglichen. Wie immer befindet sich 

die Hauptbühne im mittelalterlichen Bollwerk, 

das, jüngst restauriert, sich in neuer Frische 

zeigt. Auch in diesem Jahr greift das Festival 

auf den Stadtraum über und nutzt unter anderem 

erstmals die ehemalige Militärkaserne 

La Poya als Spielstätte. Zur Eröffnung wird das 

Theaterstück ‹Fremde Seelen› von Eva-Maria 

Bertschy, einer langjährigen Kollaborateurin 

des dokumentarischen Theaters von Milo Rau, 

gezeigt. In ihrer ersten Arbeit geht sie dem Tod 

eines Pfarrers vietnamesischer Herkunft in 

einem kleinen Dorf in den Schweizer Voralpen 

nach. Auch bildende Künstler:innen sind mit 

von der Partie: Xénia Lucie Laffely, die traditionelles 

textiles Handwerk mit der Ästhetik von 

Photoshop-Malerei verbindet, wird einen hybriden 

Ort zwischen Ausstellungsraum und gemeinsamem 

Zufluchtsort erschaffen. Und der 

Fribourger Künstler Janosch Perler lässt die 

künstliche Intelligenz sein Kunstprojekt ‹L’Insta 

perdu› interpretieren, eine Bildersammlung von 

Menschen aus aller Welt, die fotografierend die 

Zeit einzufangen versuchen. 

Volta Art Fair 2023. Foto: Nicholas Winter 

→ Liste, June, Volta, Digital Art Mile: 10.–16.6. 

↗ liste.ch ↗ june-art-fair.com 

↗ voltaartfairs.com ↗ artmeta.org 

→ photo basel, Design Miami: 11.–16.6. 

↗ photo-basel.com ↗ designmiami.com 

→ I Never Read: 12.–15.6. ↗ ineverread.com 

Eva-Maria Bertschy, ‹Fremde Seelen›, 2024, 

mit Kojack Kossakamvwe und Carol Schuler. 

Foto: Philip Frowein 

→ Diverse Orte, 27.6.–6.7. ↗ belluard.ch 


Neuchâtel International Fantastic Film Festival 

NIFFF 

Neuchâtel — Das NIFFF widmet sich seit 

seiner Gründung im Jahr 2000 dem Genre des 

Fantasy-Films und ergänzt diesen Schwerpunkt 

mit dem digitalen Filmschaffen und 

dem asiatischen Kino. In der diesjährigen 

23. Ausgabe kommt die Elite auf den Grill. 

Dies kündigt die Retrospektive ‹Eat The Rich› 

an, die sich der Repräsentation von Eliten 

im Genrekino widmet. Sie umfasst Filme wie 

Luis Buñuels ‹El Ángel Exterminador› (1962), 

der in einem Kammerspiel die Benimmregeln 

der Bourgeoisie auf die Probe stellt, Mamoru 

Oshiis Kult-Animationsfilm ‹Ghost in the Shell› 

(1995) oder aus jüngster Zeit ‹Good Madam› 

(2021) von Jenna Cato Bass, einen südafrikanischen 

Horrorfilm, in dem die Auswirkungen der 

Apartheid widerhallen. Im Sonderprogramm 

‹Forever Young› werden Spielfilme gezeigt, die 

über das Alter und die eigene Endlichkeit, aber 

auch die sozialen und psychologischen Folgen 

der menschlichen Obsession mit ewiger Jugend 

nachdenken lassen. Auch hier kommen Anhänger 

des Horror-Genres auf ihre Rechnung, wenn 

in der Satire ‹Dumplings› (2004) des chinesischen 

Regisseurs Fruit Chan die Gesellschaft 

Frauen dazu drängt, um jeden Preis gegen das 

fortschreitende Alter anzukämpfen. 

Videoex. Die 26. Ausgabe zeigt ein breites 

Spektrum des zeitgenössischen nicht narrativen 

Films, das sich aus den Einsendungen für 

den internationalen und Schweizer Wettbewerb 

speist. Ein spezieller Fokus liegt dieses Jahr 

auf Vietnam, ein Land, in dem die Zensur es 

lange Zeit verunmöglichte, künstlerisch frei zu 

arbeiten. Mit Nguyen Trinh Thi wird unter anderem 

das Werk einer Pionierin des unabhängigen 

Kinos in Vietnam vorgestellt. Die Videokünstlerin 

gibt mit zwei kuratierten Programmen für 

Videoex Einblick in die junge vietnamesische 

Kunst- und Experimentalfilmszene. In der 

Schweiz liegt der Blick auf der Genferin Pauline 

Julier, die in ihren gleichsam dokumentarischen 

wie auch fiktionalen Filmen den Verflechtungen 

von Mensch und Natur nachgeht. Ihr Werk wird 

ab Anfang Juni auch im Aargauer Kunsthaus in 

einer umfassenden Einzelausstellung gezeigt. 

Pauline Julier, ‹Naturales Historiae›, 2019, 

Still aus HD-Film, 56’ 

→ Kunstraum Walcheturm, bis 2.6. 

↗ videoex.ch 

DZG und Zurich Art Weekend 

Mamoru Oshii, ‹Ghost in the Shell›, 1995, 

Filmstill 

→ Diverse Orte, 5.–13.7. ↗ nifff.ch 

Videoex 

Zürich — Noch bis Sonntag läuft das internationale 

Experimentalfilm- und Videofestival 

Zürich — Zum siebten Mal zieht das Zurich Art 

Weekend am Wochenende vor der Eröffnung 

der Art Basel das internationale Messepublikum 

nach Zürich und präsentiert das grosse 

kulturelle Angebot von Museen, Galerien, Offspaces, 

Verlagen, Sammlungen und Stiftungen. 

Freier Eintritt und Veranstaltungen laden zum 

Zirkulieren zwischen den verschiedenen Orten 

ein. VIP-Anlässe mit Brunches und Cocktail- 

Partys befördern das Socializing. Zusätzlich 

zu den bisherigen Formaten, darunter Art 

NOTIERT // GROSSANLÄSSE 133

Walks, Führungen oder Workshops, ist neu ein 

Performanceprogramm angekündigt, an dem 

sich Theater, Ausstellungshäuser und Galerien 

beteiligen. Es gibt Kollaborationen mit dem AI 

Center der ETH oder der ZHdK; im schwarzescafé 

/ Luma Westbau finden Talks zu Kunst 

und Wissenschaft statt. Am Samstag gastiert 

einmal mehr die Kunstbuchmesse Volumes 

im Löwenbräukunst. Von den Mitgliedern des 

Vereins Die Zürcher Galerien DZG sind dreissig 

Galerien mit speziellen Öffnungszeiten und 

viele auch mit Vernissagen mit von der Partie. 

Arthur Jafa, ‹Slopex› 2022, geführte Tour 

am Zurich Art Weekend 2023, Ansicht Luma 

Westbau. Foto: Urs Westermann 

Findlingen, die zwischen dem HEK und dem 

Kunsthaus Baselland platziert sind, auf den 

stillgelegten, rostigen Gleisen, die vor einiger 

Zeit wiederbegrünt wurden und nun von 

Birken und Gräsern bewachsen sind. Der Ton 

erklingt direkt aus den Steinen, doch die Arbeit 

bedient keine Naturromantik: Zu hören sind 

neben atmosphärischen Klängen klar menschgemachte 

Beats und Perkussionselemente, 

Stimmen, kurze melodische Fragmente sowie 

computergenerierte Klänge. Die von Weinberger 

bearbeiteten Steine dienen für all dies als Resonanzrahmen, 

sind aber auch selbst Sinnbild: 

über Jahrtausende entstanden, vereinigen sich 

in ihnen verschiedene Mineralien und Gesteine, 

geformt und in Bewegung versetzt von Kräften 

aus der Umgebung, die auf sie einwirkten. In 

ihrer Arbeit präsentiert Weinberger die Natur 

entsprechend als etwas Mächtiges und Grundlegendes, 

aber auch als etwas Gestaltetes, das 

in ständigem Austausch mit dem menschlichen 

Kulturerbe steht und entsteht. MV 

→ Diverse Orte, 7.–9.6. 

↗ zurichartweekend.com 

↗ dzg.ch 

AUSSENPROJEKTE 

Hannah Weinberger — As if I became upside 

down, right side up 

Basel — Nähert man sich derzeit dem Haus der 

Elektronischen Künste, nimmt man in dessen 

Aussenraum einladende Klänge wahr. Unwissend, 

woher sie stammen, könnte man ein Café 

mit Lounge-Musik oder auch eine spontane 

Jam-Session vermuten. Dies ist allerdings 

nicht der Fall: Die Klänge ertönen aus Hannah 

Weinbergers (*1988) Arbeit ‹As if I became 

upside down, right side up› (2022), die vor 

Kurzem als Dauerleihgabe der Bundeskunstsammlung 

ins HEK eingegangen ist. Die Arbeit 

besteht aus drei von Weinberger bearbeiteten 

Hannah Weinberger, ‹As if I became upside 

down, right side up›, 2022, 3-Kanal-Soundkomposition, 

Natursteine, Verstärker, Kabel, Exciter, 

Ansicht Haus der Elektronischen Künste 

→ HEK, Aussenraum (Gleisfeld), permanent 

↗ hek.ch 

Julian Charrière — Calls for Action 

Basel — Letztes Jahr prangte eine comicartige 

Wüstenlandschaft an der Fassade des Globus 


am Marktplatz; jetzt blicken wir per Live-Schaltung 

in eines der feuchtesten Gebiete der Erde. 

Das Public Art Project, das in Zusammenarbeit 

mit der Fondation Beyeler den dreijährigen 

Umbau des Warenhauses begleitet, geht in 

die zweite Runde. Nach Claudia Comte gehört 

die Fläche Julian Charrière, der mit ‹Calls 

for Action› die Passant:innen zum Handeln 

aufruft. Er verwandelt die Fassade gestützt auf 

Solartechnik in einen Bildschirm, ein riesiges 

Echtzeit-Fenster zu einem Nebelwald in den 

ecuadorianischen Westanden. Dieses gefährdete, 

für unseren Planeten lebensnotwendige 

Ökosystem umfasst eine immer noch üppige 

Biodiversität, obwohl es bereits siebzig Prozent 

seiner ursprünglichen Vegetation verloren hat. 

Charrière belässt es denn auch nicht beim 

passiven Schauen. In einer Telefonkabine 

können wir den Nebelwald anrufen, ihn hören 

und mit ihm sprechen. Der Call ist sowohl 

Aufruf als auch Anruf. Neben dieser persönlichen, 

emotionalen Verbindung, die dadurch 

mit diesem entlegenen Fleck entstehen kann, 

sammelt Charrière über einen in der Kabine 

angebrachten QR-Code aber auch ganz konkret 

Spendengelder für lokale Schutzmassnahmen. 

Die ‹Calls for Action› sind eine gross angelegte 

Aktion. So schaltet der Künstler in einer 

immersiven Installation im Museum Frieder 

Burda einen zweiten Livestream, dort in einen 

Regenwald an der Küste des Andenlandes. 

Biennale Bregaglia 

Bergell / Bondo — Der Bergsturz von 2017 prägt 

Bondo bis heute. Noch immer sind Baustellen 

mit der Wiederinstandsetzung und Sicherung 

beschäftigt. Diese Situation war mit ein Grund, 

weshalb die Gemeinde zum diesjährigen 

Hauptaustragungsort der Biennale Bregaglia 

bestimmt wurde. Hier, aber auch in der Region 

von Isola bis Chiavenna, wird die Ausstellung 

zum Thema Architektur und Gärten über den 

Sommer stattfinden. Aus 230 Bewerbungen 

hat die fünfköpfige Jury zehn Positionen 

ausgewählt, internationale und Schweizer 

Künstler:innen verschiedener Generationen, 

von Lea Schaffner (*1989) über Athene Galiciadis 

(*1978) bis zu Piero Maspoli (*1949). Die 

Kunstschaffenden sind angehalten, ortsspezifische 

Arbeiten aus lokalen Materialien im 

öffentlichen und privaten Raum zu entwickeln. 

Deshalb, aber auch um im Vorfeld den Dialog 

mit der lokalen Bevölkerung zu initiieren, wurden 

sie im Frühjahr zu einer Residenzwoche ins 

Dorf eingeladen. Mehr dazu gibt’s im Kunstbulletin 

7-8/2024. 

Bondo, Hauptaustragungsort der Biennale 

Bregaglia 2024. Foto: Michel Gilgen 

→ Diverse Orte, 2.6.–28.9. 

↗ biennale-bregaglia.ch 

Julian Charrière, ‹Western Andean Cloud 

Forest, Ecuador›, 2024 © ProLitteris 

→ Marktplatz, 8.6.–6.10. 

↗ globus.ch/public-art-project 

→ Baden-Baden, ‹I Feel the Earth Whisper›, 

bis 3.11. ↗ museum-frieder-burda.de 

Jérôme Leuba — Assemblage 

Lancy / Genf — Wer durch die Wälder in 

Stadtnähe spaziert, trifft gerne auf improvisierte 

Hütten. Wenige Äste, zu einer Pyramide 

aufgestellt, markieren eine Behausung 

NOTIERT // GROSSANLÄSSE / AUSSENPROJEKTE 135

mehr, als dass sie tatsächlich Schutz bieten 

würden. Doch die Symbolik wirkt und schafft 

eine Art Bannkreis. Dieses in gleichem Masse 

zerbrechliche wie auch starke Bild hat der 

Genfer Künstler Jérôme Leuba (*1970) für sein 

Kunst-und-Bau-Werk ‹Assemblage› beigezogen. 

Inmitten eines Wohnquartiers in Lancy, das im 

Süden an Genf grenzt, hat er sieben sechs bis 

acht Meter lange, in Bronze gegossene Äste 

zum Tipi geformt, miteinander verschraubt 

und fest im Boden verankert. Das Werk ist aus 

einem Wettbewerb hervorgegangen, den die 

Fondation Berthe Bonna-Rapin organisierte. Sie 

hat einen Grossteil des zwischen 2012 und 2018 

erbauten Quartiers La Chapelle finanziert und 

bietet subventionierte Wohnungen an. Insgesamt 

sind 18 neue Gebäude mit 692 Wohnungen 

entstanden. Die Astpyramide wirkt in dieser 

Umgebung einerseits als Reminiszenz an den 

Wald und den Naturraum, der im Abstandsgrün 

abhandengekommen ist. Andererseits erscheint 

er als Versammlungspunkt für alle, die vor lauter 

Gebäuden die Gemeinde nicht mehr sehen. 

Die dünnen, fragilen Äste offenbaren sich in 

der Nähe als starke Struktur, ihre organische 

Vielfalt setzt ein menschliches Zeichen inmitten 

von Architektur der Standards und Normen. 

Zur Einweihung liess Jérôme Leuba in seiner 

Performance ‹Battlefield #156› bei jedem der 

18 Häuser Musiker:innen spielen, die sich 

langsam dem Kunstwerk näherten, sodass eine 

eigenwillige Klangassemblage entstand. 

Art Safiental 

Safiental — «Was wäre, wenn?», fragt die biennal 

stattfindende Art Safiental dieses Jahr und 

lässt ‹Stimmen aus der Zukunft› im Bündner 

Alpental ertönen. 13 Kunstschaffende hat das 

Kurator:innenteam bestehend aus Anne-Laure 

Franchette, Josiane Imhasly, Johannes M. Hedinger 

und Joanna Lesnierowska eingeladen, 

die Zukunft zu imaginieren. Sie tun dies in 

der ortsspezifischen Ausstellung auf dem 

Hintergrund des Safientals und den Alpen als 

Schmelztiegel von menschlichen und natürlichen 

Aktivitäten. Die Künstler:innen kommen 

aus Indien, Brasilien, Australien, Japan und 

Europa und bringen dementsprechend unterschiedliche 

Erfahrungshorizonte mit. Aus der 

Schweiz sind unter anderen Hemauer/Keller 

oder Monica Ursina Jaeger mit von der Partie. 

Die Frage «Was wäre, wenn?» wird dabei nicht 

rhetorisch verstanden, sondern als Werkzeug, 

um über das Bekannte hinauszugehen. Der 

spezifische Landschaftsraum bildet dafür das 

Sammelbecken, um lokale und globale Stimmen, 

Mythen, verschiedene Orte und Zeiten 

miteinander zu verbinden. Die Werke sind über 

das ganze Safiental verteilt, mit Konzentration 

um die vier Dörfer Versam, Tenna, Safien Platz 

und Thalkirch. Sie können unentgeltlich und 

meist rund um die Uhr besucht werden. Eine 

Karte und ein Ausstellungsführer geben Auskunft 

über die genauen Standorte der Werke. 

Jérôme Leuba, ‹Assemblage›, 2023, Bronze, 

ca. 5,6 x 6,7 x 6,7 m, La Chapelle, Lancy bei Genf 

© ProLitteris. Foto: Simon Lamunière 

↗ kunstbetrieb.ch/de/jerome-leuba-2023 

Christina Hemauer und Roman Keller, 

‹Solarballonflug›, 2016, Videostill 

→ Diverse Orte, 6.7.–20.10.; Eröffnung: 6./7.7. 

mit Performance-Programm; Finissage: 20.10.; 

Info-Zentrum: Berghotel Alpenblick, Tenna 

↗ artsafiental.ch 


Froh Ussicht — Halt 

Samstagern — Es wird Sommer, und einmal 

mehr lädt Martin Blum auf seinen Bauernhof 

‹Froh Ussicht›. Seit über einer Dekade finden 

hier Kunstausstellungen statt, die sich mit 

Fragen auseinandersetzen, welche die Landwirtschaft 

und die zeitgenössische Kunst 

gleichermassen umtreiben: Umweltschutz, 

Artensterben und Biodiversität, Landschaft oder 

die Beziehung von Mensch und Natur. Dieses 

Jahr installieren sich unter dem Titel ‹Halt› 

vier künstlerische Positionen auf dem Bio- 

Bauernhof. Alle Kunstschaffenden entwickeln 

ortsspezifische Werke. Das Projekt ‹Querbeet› 

des Autors und Theaterregisseurs Tim Zulauf 

inszeniert eine Feldversuch-Station zu einer 

regenerativ-bakteriologischen Gemüseanbauform, 

in der die Performerin Susanne Abelein die 

Perspektiven des Bakteriums, des Grossverteilers 

oder der Forscherin vorführt. Weiter ist die 

Lithic Alliance von Daniel V. Keller zu Gast, die 

sich im Reich der Mineralien bewegt, sowie Una 

Szeemann und Mickry 3. Der Ausstellungstitel 

soll dabei in verschiedenen Facetten zum Tragen 

kommen, nicht nur im Innehalten, sondern auch 

im Rückhalt durch die Arbeit im Kollektiv, im 

psychischen Halt durch sinnstiftende Tätigkeiten 

wie etwa dem landwirtschaftlichen Gemüseanbau 

oder auch im Anhalten und schliesslich 

Aussteigen aus dem ewig gleichen Trott. 

PREISE 

AC-Stipendium 

Bern — Das Louise Aeschlimann und 

Margareta Corti-Stipendium gilt mit einer 

Gesamtsumme von CHF 50’000 als eines der 

wichtigsten privaten Förderinstrumente im 

Kanton Bern. Jährlich vergibt es Stipendien 

an Kunstschaffende der jüngeren Generation. 

In einem zweistufigen Verfahren wählte die 

Jury 18 Positionen für die Ausstellung in der 

Kunsthalle Bern aus, aus der sie die finalen 

Gewinner:innen prämierte. 

Das mit CHF 20’000 dotierte Hauptstipendium 

geht an Olivia Abächerli (*1992). Sie präsentierte 

mit ‹the center and the other› (2023) 

eine subjektive Kartografie, in der sie sich als 

Mensch in kapitalen Themen verortet. Die Jury 

würdigt denn auch die langjährige zeichnerische 

Erforschung von gesellschaftsrelevanten 

Fragestellungen und die Übersetzung in eine 

eigenständige, sinnliche Ausdrucksweise. 

Abächerli studierte an der HKB in Bern und 

dem Dutch Art Institute in den Niederlanden; 

von 2019 bis 2021 war sie Fellow der Sommerakademie 

Paul Klee. Im letzten Jahr zeigte sie 

ihre erste Einzelausstellung in der Kunsthalle 

Luzern. Weitere Förderstipendien à CHF 10’000 

erhalten Mattania Bösiger, Martin Jakob und 

das Duo Lulu&Whiskey bestehend aus Myriam 

Gallo und Yvonne Lanz. 

Tim Zulauf, Vorarbeiten für ‹Querbeet› (Live- 

Performance und Online-Video), Hof Blum 

→ Hof Blum, 3.6.–27.10.; Eröffnungswochenende: 

1. / 2.6. ↗ frohussicht.ch 

Olivia Abächerli. Foto: Noëlle Guidon 

Mattania Bösiger. Foto: Roshan Adhihetty 

Martin Jakob. Foto: Yao Wong 

Lulu&Whiskey 

NOTIERT // AUSSENPROJEKTE / PREISE 137

Jan-Tschichold-Preis und Die schönsten 

Schweizer Bücher 

Bern / Zürich — Jedes Jahr prämiert das Bundesamt 

für Kultur auf Empfehlung einer internationalen 

Fachjury ‹Die schönsten Schweizer 

Bücher›. Insgesamt wurden 18 von 412 eingesandten 

Büchern ausgezeichnet. Vier davon 

gewannen zudem im Wettbewerb ‹Schönste 

Bücher aus aller Welt›, der von der Stiftung 

Buchkunst in Leipzig durchgeführt wird, eine 

Medaille. Die von Jana Sofie Liebe aus Zürich 

gestaltete Publikation ‹Walking as Research 

Practice› erhielt die ‹Goldene Letter›. 

Mit dem Jan-Tschichold-Preis würdigt das 

BAK zeitgleich eine hervorragende Leistung 

in der Buchgestaltung – in diesem Jahr den 

unabhängigen Verlag Jungle Books mit Sitz in 

St. Gallen. Er wurde 2015 von Samuel Bänziger, 

Rosario Florio, Olivier Hug und Larissa Kasper 

gegründet und widmet sich hauptsächlich 

der zeitgenössischen Schweizer Kunst und 

Architektur. Die Jury würdigt die Qualität und 

Beständigkeit der Produktion im schwierigen 

Umfeld des unabhängigen Verlagswesens. Die 

Bücher aus den Wettbewerben sind wie immer 

in einer dreitägigen Ausstellung im Helmhaus 

Zürich zu sehen. 

AUSSCHREIBUNGEN 

Solo Position 

Basel — Die Abteilung Kulturförderung des 

Kantons Basel-Landschaft, die Fachkommission 

Kunst und das Kunsthaus Baselland schreiben 

zum achten Mal die ‹Solo Position› aus. Die Ausschreibung 

richtet sich an Kunstschaffende der 

Region und bietet die Möglichkeit einer ersten 

institutionellen Einzelpräsentation im Rahmen 

einer Ausstellung im Kunsthaus Baselland. 

→ Eingabeschluss: 2.6. 

↗ bl-ch/kulturfoerderung 

Regionale 25 

Basel / Dreiländereck — Kunstschaffende aus 

der Region am Oberrhein (Nordwestschweiz, 

Südbaden und Elsass) können sich für eine Teilnahme 

an der Regionale 25 bewerben. 18 Ausstellungsräume 

in Deutschland, Frankreich 

und der Schweiz zeigen zum Jahresende die 

Vielfalt und Qualität des regionalen Kunstschaffens. 

Zugelassen sind Künstler:innen, 

die im trinationalen Raum leben und arbeiten, 

einen starken biografischen Bezug zur Region 

haben (etwa durch Studium oder Herkunft) oder 

Mitglied der teilnehmenden Kunstvereine sind. 

Die Kurator:innen der Institutionen sichten die 

Dossiers und konzipieren daraus ihre Ausstellungen. 

In der Städtischen Galerie Stapflehus in 

Weil am Rhein wird eine KI co-kuratieren. 


↗ regionale.org 

Kasseler Dokfest 

Das Team von Jungle Books. Foto: Katalin Deér 

→ ‹Die schönsten Schweizer Bücher›, 

Helmhaus, Zürich, 21.–23.6. 

↗ helmhaus.org 

Kassel — Das Kasseler Dokfest widmet sich 

sowohl dem internationalen dokumentarischen 

Schaffen als auch dem regionalen Filmgeschehen 

in all seinen Variationen. Für die 41. Aus gabe 

sind Filmemacher:innen und Künstler:innen eingeladen, 

aktuelle dokumentarische, experimentelle 

und künstlerische Filme oder Installationskonzepte 

aller Längen und Themen einzureichen. 


Die Werke müssen in den Jahren 2023 oder 2024 

fertiggestellt worden sein. 


↗ kasselerdokfest.de 

Internationaler Comic-Wettbewerb 

München — Der Gemeinnützige Verein H-Team 

schreibt einen Internationalen Comic-Wettbewerb 

zum Thema Geduld aus. Es stehen Preisgelder 

in Höhe von € 6000 und Sonderpreise für 

Kinder und Jugendliche zu € 2000 zur Verfügung. 

Kunstschaffende sowie Laien sind eingeladen, 

teilzunehmen. Die eingereichten Comics 

dürfen nicht früher als 2020 entstanden sein. 

Arbeiten, die mit künstlicher Intelligenz erstellt 

wurden, sind nicht zugelassen. Die Länge darf 

DIN A3 oder DIN A4 nicht überschreiten. 


↗ h-team-ev.de 

Kanton Zürich — Kunst und Bau 

Winterthur — Das Hochbauamt Kanton Zürich 

veranstaltet einen Studienauftrag im selektiven 

Verfahren für die künstlerische Ausgestaltung 

des Neubaus Campus Technikumstrasse 

der ZHAW School of Engineering sowie des 

Campus-Parks. Gesucht werden Kunstschaffende 

mit ausgewiesener Erfahrung in der 

Abwicklung eines Kunst-und-Bau-Auftrags. 

Mindestens ein Platz ist für Künstler:innen 

ohne Referenzprojekte vorgesehen. 


↗ zh.ch/de/planen-bauen/hochbau 

(Wettbewerbe) 

DIES UND DAS 

Mahdi Baraghithi — Gästeatelier Krone 

Aarau — Das Gästeatelier Krone ermöglicht 

jedes Jahr Kunstschaffenden aus Indien, 

Palästina, der Republik Kongo und Burkina 

Faso einen sechsmonatigen Aufenthalt in 

Aarau. Dieses Jahr war der palästinensische 

Künstler Mahdi Baraghithi (*1991, Ram) zu 

Gast, der in der Ausstellung ‹We Are Fighting 

Human Animals› die entstandenen Werke 

präsentiert. Sie bilden den Startpunkt zu einer 

Recherche über Maskulinität und den männlichen 

Körper in arabischen Gesellschaften. 

Einige collageartige Werke knüpfen in ihrer 

Ästhetik an frühere Arbeiten an, in denen sich 

Baraghithi etwa mit dem zeitgenössischen 

Helden beschäftigte und die Darstellung 

palästinensischer Freiheitskämpfer untersuchte. 

Dabei geht es ihm nicht nur um dokumentarische 

Analysen, sondern auch darum, 

stereotype Bilder aufzubrechen und zu 

vermenschlichen. Mahdi Baraghithi studierte 

zeitgenössische visuelle Kunst an der International 

Academy of Art Palestine in seiner 

Geburtsstadt Ramallah und der École nationale 

supérieure d’art de Bourges in Frankreich. 

Seine Erfahrungen als arabischer Mann mit 

muslimischem Hintergrund in Palästina und in 

Europa prägen seine Praxis, die neben Collagen 

auch Performance und Installationen umfasst. 

Mahdi Baraghithi, ‹We Are the Past and the 

Future›, 2024, Mixed Media, 3-teilig 

→ Forum Schlossplatz, 8.–23.6.; Vernissage: 

7.6., 18.30Uhr ↗ forumschlossplatz.ch 

Tanz und Kunst — Mein TraumRaum 

Aarau — Tanz und Kunst steht für Gesamtkunstwerke, 

die jährlich in der Klosterkirche 

Königsfelden zur Aufführung kommen. Alter- 

NOTIERT // PREISE / AUSSCHREIBUNGEN / DIES UND DAS 139

nierend zu den internationalen Produktionen 

finden im Zweijahresrhythmus pädagogische 

Projekte in Zusammenarbeit mit Aargauer 

Schulen statt. Dieses Jahr nehmen, erstmals 

unter der Leitung der Tänzerin Salomé Martins, 

zweihundert Mittelstufen-Schüler:innen aus 

Gränichen teil, was es zu einem der grössten 

tanz- und kunstpädagogischen Projekte der 

Schweiz macht. Bereits seit Januar arbeiten die 

Schüler:innen in unzähligen Workshops mit renommierten 

Künstler:innen aus den Disziplinen 

Tanz und Bühnengestaltung am Thema ‹Mein 

TraumRaum›, erkunden ihre persönlichen wie 

auch gemeinsamen Visionen und suchen nach 

tänzerischen und gestalterischen Ausdrucksformen. 

Das Bühnenbild erschaffen sie gemeinsam 

mit den Künstlerinnen Viviana González 

Méndez und Antonia Businger. Aufgrund von 

Sanierungsarbeiten der Klosterkirche finden 

die Aufführungen dieses Jahr ausnahmsweise 

in der Alten Reithalle in Aarau statt. 

aus allen Epochen sind an dem Wochenende zu 

entdecken, vom Grand Hotel über historische 

Engadinerhäuser und moderne Mehrfamilienhäuser 

bis zu Kirchen, Schulhäusern, Museen 

und Infrastrukturbauten. Jedes Jahr ist etwa 

ein Drittel neue Gebäude dabei, darunter viele, 

die gewöhnlich nicht für die Öffentlichkeit 

zugänglich sind. Patronatsgemeinden sind 

in dieser Ausgabe Pontresina und Celerina. 

Im Rahmenprogramm werden zehn geführte 

thematische Architektur-Spaziergänge in den 

Dörfern des Oberengadins angeboten. Die 

Orte können aber auch mittels einer Karte 

individuell besucht werden. 

Villa Klainguti, Pontresina. Foto: Manuel Martini 

→ Diverse Orte, 29./30.6. 

↗ opendoors-engadin.org 

Impressionen aus der Entstehung des 

Gesamtkunstwerks ‹Mein TraumRaum› 

→ Alte Reithalle, 27.6.–2.7. 

↗ tanzundkunst.ch 

Open Doors Engadin 

Bergell / Engadin — Zum dritten Mal öffnen das 

Bergell und das Engadin ihre Türen. Unter dem 

Motto ‹Architektur für alle› lädt die Region zu 

den Open Doors Engadin. Rund achtzig Bauten 

Giuseppe Haas-Triverio und M.C. Escher 

Sachseln — Sie kamen aus unterschiedlichen 

Flecken, gingen einige Zeit gemeinsam, bevor 

sich die Wege wieder trennten. Giuseppe Haas- 

Triverio aus dem Obwaldnerischen Sachseln 

und M.C. Escher aus den Niederlanden verband 

ihre Leidenschaft für Italien. Beide lebten zeitweise 

in Rom, Joseph, der seinen Namen dort 

zu Giuseppe wechselte, ganze dreissig Jahre. 

In fünf Studienreisen erwanderten die zwei 

Künstler zwischen 1929 und 1935 die Abruzzen, 

Kalabrien, Korsika und Sizilien und zeichneten 


oft Schulter an Schulter. Das machen die Werke 

deutlich, die in der von Beat Stutzer kuratierten 

Ausstellung ‹Gemeinsam unterwegs› im Museum 

Bruder Klaus ausgestellt sind. Immer wieder 

lassen uns die Bilder im Nebeneinander auf 

dasselbe Motiv blicken, jedoch durch zwei verschiedene 

künstlerische Linsen. Die genauen, 

detailreichen Holzschnitte von Giuseppe Haas- 

Triverio haben rein durch die Technik – auf die 

er sich meisterhaft verstand – einen gröberen 

Duktus. In M.C. Eschers Lithografien von verwinkelten 

italienischen Dörfern klingen bereits 

seine Perspektivspiele an, die sich zusehends 

ins Absurde entwickeln sollten und für die er 

in den 1950er- und 1960er-Jahren weltweit 

berühmt wurde. Haas-Triverio verlor nach seiner 

Rückkehr in die Schweiz während des Zweiten 

Weltkriegs hingegen international an Präsenz. 

Die Ausstellung und die Reisetagebücher, die 

nun erstmals publiziert werden, bieten Anlass, 

ihn erneut zu entdecken. 

die historischen Wurzeln des Laientheaters 

und befragt Aktive. Die Schau, an der auch 

Theateraufführungen über die Bühne gehen, 

wird von einem speziellen Vermittlungsformat 

begleitet: In der ‹Lebendigen Bibliothek› 

erzählen Mitglieder von Laientheatervereinen 

aus der Zentralschweiz von ihren Theatererfahrungen. 

Alternierend dazu findet jeweils ein 

Theaterworkshop statt, an dem ohne Anmeldung 

teilgenommen oder auch nur zugeschaut 

werden kann – mit dem Risiko, dass man sich 

vom Theatervirus anstecken lässt. 

Theater Buochs, um 1901 

→ Nidwaldner Museum Salzmagazin, bis 27.10. 

↗ nidwaldner-museum.ch 

Sophie Taeuber — Textilreformerin 

Giuseppe Haas-Triverio, ‹Stilo›, 1931, 

Holzschnitt, 60 x 70 cm, Stiftung Giuseppe 

Haas-Triverio © ProLitteris 

→ Museum Bruder Klaus, bis 18.8. 

↗ museumbruderklaus.ch 

Alles Theater 

Stans — In der Zentralschweiz lebt eine starke 

Theaterkultur. In Nidwalden, Obwalden und Zug 

existieren sogar mehr Theatergesellschaften 

als Gemeinden. Grund genug, diesem Theaterfieber 

eine Ausstellung zu widmen. Das 

Nidwaldner Museum Salzmagazin beleuchtet 

Trogen — Von der Textilwelt der Ostschweiz 

in die Kunstwelt Europas: Sophie Taeuber 

(1889–1943) war in mehrfacher Hinsicht eine 

Pionierin. Sie begann als Textilentwerferin 

in St. Gallen, unterrichtete nach Stationen 

in München und Hamburg an der Zürcher 

Kunstgewerbeschule und sorgte für ihren und 

Hans Arps Lebensunterhalt, bevor sie weiterzog 

nach Strassburg und Paris. Mühelos 

verband sie Kunst und Kunsthandwerk, trat als 

Ausdruckstänzerin auf und erhielt den Auftrag, 

das Unterhaltungslokal Aubette in Strassburg 

zu gestalten. Sie war Herausgeberin und 

Autorin und pflegte ein grosses künstlerisches 

Netzwerk. Die aktuelle Kabinettausstellung 

im Festsaal der Kantonsbibliothek Appenzell 

Ausserrhoden, kuratiert von Medea Hoch und 

NOTIERT // DIES UND DAS 141

Gabriele Lutz, befasst sich mit Sophie Taeubers 

frühem textilen Schaffen. Sie präsentiert neu 

entdeckte Entwürfe für die Klöppelheimarbeit 

im Berner Oberland und die Ostschweizer 

Textilindustrie. Zudem gibt sie Einblicke in 

das avantgardistische Entwurfsverfahren der 

Künstlerin. Inspiriert von historischen Textilien 

aus der Sammlung des damaligen Industrieund 

Gewerbemuseum St. Gallen, fand Taeuber 

zu abstrahierten, vertikal-horizontalen Kompositionen, 

die oft radikaler waren als jene ihrer 

Künstlerkollegen. Zur Ausstellung erscheint im 

Verlag Scheidegger & Spiess die gleichnamige 

Publikation ‹Sophie Taeuber – Textilreformerin›. 

Die Schau ist in Kooperation mit dem Kunstmuseum 

Thun entstanden, wo sie ab August 

gemeinsam mit einer Ausstellung zu Gunta 

Stölzl und Johannes Itten gezeigt wird. Und das 

Kunstmuseum Appenzell beleuchtet gegenwärtig 

in ‹Allianzen› die Zusammenarbeit von 

Taeuber mit Hans Arp und Max Bill. KS 

setzen die Eindrücke direkt vor Ort in eigene 

malerische Werke um. Das Angebot ermöglicht 

es ihnen, am öffentlichen kulturellen Leben 

teilzunehmen; darüber hinaus erlaubt ihnen die 

schöpferische Tätigkeit, sich selbstbestimmt 

zu erleben. Das Museum Rietberg arbeitet seit 

Beginn mit dem Verein Treffpunkt Demenz und 

Kultur zusammen, der sich für die Teilhabe von 

an Demenz erkrankten Personen einsetzt. Nun 

versammelt die Werkpräsentation ‹Demenz 

hat viele Gesichter› Momentaufnahmen der 

vergangenen Jahre. Es ist keine Kunstausstellung, 

sondern gibt Einblick in den individuellen 

Ausdruck der Teilnehmenden. Die Schau findet 

im Rahmen der Aktionstage der Behindertenrechte 

statt, die sich während eines Monats 

mit Veranstaltungen zu Themen der Inklusion, 

Teilhabe und Rechte von Menschen mit Behinderung 

starkmachen. 

Bild von Teilnehmenden der Demenzgruppe am 

Museum Rietberg. Foto: Rainer Wolfsberger 

Sophie Taeuber beim Klöppeln, Trogen, 1906, 

Vintage-Silbergelatineabzug, 7 x 10 cm, 

Aargauer Kunsthaus, Aarau 

→ Festsaal der Kantonsbibliothek Appenzell 

Ausserrhoden, bis 28.7. 

↗ sophie-taeuber-arp.ch 

↗ ar.ch (Kantonsbibliothek) 

→ Museum Rietberg, bis 30.6. 

↗ rietberg.ch ↗ demenz-kultur.ch 

→ Aktionstage der Behindertenrechte, bis 15.6. 

↗ zukunft-inklusion.ch 

Demenz hat viele Gesichter 

Zürich — Seit sieben Jahren trifft sich im 

Museum Rietberg jeden Freitag eine Gruppe 

von Menschen, die von Demenz betroffen sind. 

Sie bewegen sich durch die Ausstellungen und 


BUCHTIPPS 

Die Kunstgeschichte habe die Entdeckung des 

Kunstpublikums noch vor sich, eröffnet Oskar 

Bätschmann seine Abhandlung. Während der (in 

der Regel als männlich erachtete und einzelne) 

Betrachter zwar Beachtung finde, würde die 

Analyse des Kunstpublikums gern der Soziologie 

überlassen. Zu prüfen sei demnach: Kann die 

Kunstgeschichte eigene Fragen hinsichtlich des 

Kunstpublikums entwickeln? Handelt es sich 

bei diesem um etwas anderes als eine Vervielfältigung 

der Betrachter:innen, und reagieren 

einzelne unabhängig voneinander, oder gibt es 

psychische Übertragungen? Antworten liefern 

die in 15 thematischen Kapiteln vorgetragenen, 

diachronischen Betrachtungen nur ansatzweise, 

aber Bätschmann eröffnet ein äusserst 

interessantes Feld ausgehend von Darstellungen 

des Publikums in Bild und Wort seit dem 

15. Jahrhundert, etwa von Apelles oder Giorgio 

Vasari bis zu Heinrich Wölfflin oder Max Raphael, 

den Malern Frans Francken d.J., Honoré 

Daumier oder Félix Vallotton. Erachtete man das 

Urteil von Dienern, Handwerkern und Händlern 

zunächst noch für anhörungswürdig, wird das 

«niedrige Volk» später häufig als unqualifiziert 

abgewiesen. Heute, so Bätschmann im letzten 

Kapitel ‹Grosse Player›, sind es die spektakulären 

Preise, die Milliardäre für Werke bezahlen 

und das Massenpublikum in den Bann ziehen. 

Der verheerende Einfluss dieses Wettbewerbs 

der Superreichen auf das Feld der Kunst sei 

noch nicht geklärt. BP 

Oskar Bätschmann, ‹Das Kunstpublikum – 

Eine kurze Geschichte›, Hatje Cantz, 2023 

Was können Museen im Umgang mit Gegenwartskunst 

leisten? Viel! Weltweit präsentieren, 

sammeln und vermitteln sie Kunst in ihrer 

medialen Vielfalt und Vergänglichkeit (Installationen, 

Medienkunst, Performances) und 

streben danach, die Werke langfristig zu erhalten. 

Es ist ein Effort multidisziplinärer Teams, 

der vor allem intern dokumentiert wird. Durch 

Open Access und Onlineangebote ist sichtbarer 

geworden, wo und zu welchen Aspekten dazu 

geforscht und publiziert wird. Was jetzt neu zu 

diesem Thema vorliegt, ist eine vom Aargauer 

Kunsthaus herausgegebene Publikation. Auf 

sorgfältig recherchierte, präzise illustrierte 

Aufsätze zur Sammlungs- und Ausstellungsgeschichte 

folgen Beiträge von Bärbel Küster zum 

Wandel von Kunstmuseen, von Rachel Mader 

zu Performance, von Hanna Hölling über das 

Kuratieren und Konservieren von Veränderlichkeit 

und von Anna Schäffler über Erhaltungspraxis 

von Kunst, die darauf angelegt ist, 

betastet, angezogen und betreten zu werden. 

Sie problematisieren, wo Handlungsfelder und 

strukturelle Herausforderungen von Museen 

wegen ihres tradiert objektbasierten Verständnisses 

von Kunst liegen. Es ist ein sympathisches 

Buch, das bei Scheidegger & Spiess auch 

via Open Access zugänglich ist. Ein Referenzwerk 

mit anschaulichen Beispielen aus der 

eigenen Sammlung, die deutlich machen, dass 

die beste Konservierungsstrategie darin besteht, 

eine Arbeit immer wieder zu zeigen und 

mit den Beteiligten in der Gegenwart darüber 

zu sprechen. SM 

Simona Ciuccio, Katrin Weilenmann, 

Katharina Ammann (Hg.), ‹Aargauer Kunsthaus 

– Mit Gegenwartskunst umgehen›, 

Scheidegger & Spiess, 2024 

NOTIERT // DIES UND DAS — BUCHTIPPS 143

AGENDA 

Schweiz *0041 

Aarau Aargauer Kunsthaus, Aarau, Aargauerplatz, *62 835 2330 Hugo Suter – Sammlung im Fokus –ı 24.8. 

Pauline Julier – A Single Universe 7.6.–26.10. 

Schau, wie der Gletscher 

–ı 24.8. 

schwindet. 

Forum Schlossplatz, Schlossplatz 4, *62 822 6511 We Are Fighting Human Animals 8.6.–23.6. 

Adligenswil z s u z s a’ s galerie, Luzernerstr. 15, *370 19 19 träumen erlaubt 1.6.–6.7. 

Adliswil Galerie Kunst Zürich Süd, Zürichstrasse 1 Fantasie pur –ı 1.6. 

Untergründliches – 

4.7.–27.7. 

Mirjam Widmer 

Agno Museo plebano, Piazza San Provino Fabiola Di Fulvio –ı 30.6. 

Albinen Galleria Graziosa Giger Albinen, Rosutrukelti Thomas Andenmatten –ı 2.6. 

Altdorf Haus für Kunst Uri, Herrengasse 4, *870 29 29 10 Jahre Stiftung Kunstdepot 

8.6.–18.8. 

Göschenen 

Appenzell Kunstmuseum / Kunsthalle Appenzell, Ziegeleistr. 14, Möglichkeit Architektur –ı 6.10. 

*71 788 18 60 

Kunstmuseum Appenzell, Unterrainstrasse 5, 

Allianzen – Arp, Taeuber-Arp, Bill –ı 6.10. 

*71 788 1800 

Arbon Kunsthalle Arbon, Grabenstrasse 6 Edit Oderbolz 9.6.–21.7. 

I Have No Roots in This Life – 

9.6.–21.7. 

Edit Oderbolz 

Arlesheim Forum Würth Arlesheim, Dornwydenweg 11, *61 705 95 95 Waldeslust –ı 3.8. 

Ascona Fondazione Rolf Gérard, Via Carrà dei Nasi 1, *91 791 1982 Rolf Gérard, Peter Brook – amicizia –ı 27.10. 

e creatività 

Museo Castello San Materno, Via Losone 10, *91 759 8160 Die Sammlung der Kulturstiftung 

–ı 29.9. 

Kurt und Barbara Alten 

Karl Hofer – Figuren, Stillleben, 

Landschaften 

–ı 29.9. 

Museo Comunale d’Arte Moderna, Via Borgo 34, 

*91 759 81 40 

Kandinsky, Klee, Marc, Münter... 

e altri 

Marianne Werefkin –ı 5.1. 

Yuri Catania – Jazz off the Wall 22.6.–1.9. 

Galleria Sacchetti, Via Beato P. Berno 14, *91 791 20 79 Percezione –ı 15.6. 

Assens Espace culturel Assens, Rte du Moulin 9, *21 881 1677 Armin Göhringer – sculpture –ı 2.6. 

Bad Ragaz Öffentlicher Raum Bad Ragartz, Grossfeldstrasse 10, 9. Triennale der Skulptur –ı 30.10. 

*81 330 1433 

Baden Galerie 94, Bruggerstrasse 37, Merker-Areal Nelly Frei, Guido Gläser – 

–ı 29.6. 

Gotthardsüd 

Kunst im Trudelhaus, Obere Halde 36 Susanne Hofer – as it happens –ı 23.6. 

Kunstraum Baden, Merker-Areal, Bruggerstrasse, 37, einziehen umräumen –ı 1.12. 

*56 200 84 48 

Balsthal Galerie Rössli Balsthal, Herrengasse 8 Berndt Höppner 9.6.–30.6. 

Basel Cartoonmuseum Basel, St. Alban-Vorstadt 28, 

Richard McGuire 8.6.–3.11. 

*61 226 3360 

Helvetia Art Foyer, Steinengraben 25 Momentum –ı 29.8. 

–ı 21.7. 

Kulturstiftung Basel H. Geiger | KBH.G, Spitalstrasse 18, 

*61 262 01 66 

Michael Schindhelm – The End 

of Aging 

The End of Aging –ı 21.7. 

Kunsthalle Basel, Steinenberg 7, *61 206 9900 Ghislaine Leung –ı 11.8. 

Nolan Oswald Dennis –ı 11.8. 

Toyin Ojih Odutola 7.6.–1.9. 

Kunstmuseum Basel | Hauptbau & Neubau, 

St. Alban-Graben 16 / 20, *61 206 62 62 

–ı 2.6. 

Dan Flavin 

–ı 18.8. 

Geniale Frauen –ı 30.6. 


Adliswil — Mirjam Widmer, 

Galerie Kunst Zürich Süd 

Ascona — Yuri Catania, 

Museo Comunale d’Arte Moderna 

Museum der Kulturen Basel, Münsterplatz 20, 

*61 266 56 00 

Museum Tinguely, Paul Sacher-Anlage 1, *61 681 93 20 

Made in Japan –ı 21.7. 

When We See Us –ı 27.10. 

Basler Fasnacht 

–ı 31.12. 

Memory –ı 5.7. 

Nacht – träumen oder wachen –ı 19.1. 

Zwölftausend Dinge – Anfänge der –ı 27.4. 

Sammlung Europa 

Alex Silber Archiv präsentiert 

–ı 10.11. 

The Bible 

La roue = c’est tout –ı 1.2. 

Mika Rottenberg 5.6.–3.11. 

Atelier Editions Fanal, St. Alban-Tal 39, *61 272 13 54 Hommage à Vera Molnar – 

–ı 27.6. 

32-jährige Zusammenarbeit 

Artstübli, Steinentorberg 28 Janik Bürgin 26.6.–29.6. 

Kostas Maros 19.6.–22.6. 

Nici Jost 12.6.–15.6. 

Ana Brankovic 5.6.–8.6. 

Katharina Kemmerling 29.5.–1.6. 

Pink Universe –ı 29.6. 

Ausstellungsraum balagan ARTS, Allschwilerstrasse 101 Among us – Simona Deflorin 6.6.–16.6. 

Ausstellungsraum Klingental, Kasernenstrasse 23, 

Country Offside 2.6.–30.6. 

*61 681 6698 

BelleVue – Ort für Fotografie, Breisacherstrasse 50 

Lichtblick – Fotografien 

–ı 16.6. 

politischer Bewegungen in den 

1970ern und heute 

Bildrausch – Filmfest Basel, Theaterstrasse 22, 

Bildrausch 2024 –ı 2.6. 

*61 205 98 80 

Eleven Ten Studio, Feldbergstrasse 86, *79 171 11 10 Eden of today by Liliya Mano –ı 1.6. 

Till death do us part – 

Aleksandra Cegielska 

6.6.–16.6. 

Galerie Eulenspiegel, Gerbergässlein 6, Postfach 507, 

*61 263 70 80 

Galerie Marianne Grob, Amerbachstrasse 10, *61 535 1340 

Fabrizio Ceccardi, 

Hans Georg Müller 

Valérie Balmer, Pia Gisler, 

Gert Handschin 

–ı 22.6. 

1.6.–13.7. 

Gallery Ann Mazzotti, Horburgstrasse 80, *76 433 17 82 A Group Show –ı 16.6. 

Guillaume Daeppen | Gallery & Space for zines, 

Without Title – a group show 12.6.–20.7. 

Müllheimerstrasse 144, *79 467 90 62 

Hauser & Wirth Basel, Luftgässlein 4, *43 547 46 30 Vilhelm Hammershøi – Silence 1.6.–13.7. 

Hebel_121, Hebelstrasse 121, *61 321 1503 Michael Rouillard 8.6.–3.8. 

Internationaler Lyceum Club Basel, Münsterplatz, 17, Verdichtung – Ursula Traber 6.6.–30.6. 

Andlauerhof 

Messe Basel, Messeplatz 10, *58 200 2020 Swiss Art Awards 2024 10.6.–16.6. 

Nicolas Krupp, Rosentalstrasse 28 Japanese Art 1964–2024 –ı 29.6. 

AGENDA // SCHWEIZ 145

Baden — Susanne Hofer, 

Kunst im Trudelhaus 

Balsthal — Berndt Höppner, 

Galerie Rössli 

Basel — Simona Deflorin, Aus stellungs 

raum balagan ARTS © ProLitteris 

Peripherie 8, das Kunstzimmer, Holeestrasse 8 

Angles & Angels, Clemens 

–ı 21.6. 

Fellmann – Art Basel 2024 

PF25 cultural projects, Pfeffergässlein 25 

Inner Alchemy – Hanison Lau 

7.6.–28.6. 

Hok-Shing, Julia Steiner 

Sarasin Art, Spalenvorstadt 14, *61 261 09 11 Momentum – Nanja Heid –ı 15.6. 

see you next tuesday, Rosentalstrasse 24, *79 229 33 06 Therese Weber – In the Space of 

–ı 29.6. 

Time / Zeiträume 

SGBK, Spalenvorstadt 18, *61 361 61 48 SGBK Newcomer – Show 2024 19.6.–6.7. 

space25, Rebgasse 25 Project 18 21.6.–16.8. 

Tony Wuethrich, Vogesenstrasse 27–29, *61 321 9192 Neue Werke – Corsin Fontana –ı 29.6. 

videocity, Messeplatz 21 

LP2024 Ring & Wings – Peace 10.6.–12.10. 

Love Joy 

Wilde | Basel, Angensteinerstrasse 37 

Kendell Geers – The Oculist 

10.6.–17.8. 

Witness 

Basel / Liestal Kunsthalle Palazzo, Poststrasse 2, Postfach 277 Le Sacre du Printemps –ı 23.6. 

Basel / 

Münchenstein 

HEK (Haus der Elektronischen Künste), Freilager-Platz 9, 

*61 283 60 50 

Virtual Beauty 8.6.–18.8. 

Kunsthaus Baselland, Helsinki-Strasse, 5, *61 563 15 10 Rewilding –ı 18.8. 

Basel / Riehen Fondation Beyeler, Baselstr. 101, *61 645 9700 Sommerausstellung –ı 11.8. 

Kunst Raum Riehen, Baselstrasse 71, *61 641 2029 

Entropia – Von den Zeichen der 

–ı 7.7. 

Irreversibilität 

Künstlerhaus Claire Ochsner, Baselstr. 88, *61 641 1020 Fantasia – Claire Ochsner 1.6.–30.3. 

Galerie Lilian Andrée, Gartengasse 12, *61 641 09 09 Wolfgang Beltracchi – Engel 2.6.–14.7. 

Galerie Mollwo, Gartengasse 10, *61 641 1678 70 Jahre Beat Breitenstein –ı 23.6. 

Bellinzona Museo Villa dei Cedri, Piazza San Biagio 9, *58 203 17 31 Underground. Ecosistemi 

–ı 4.8. 

da esplorare 

Bern Kunstmuseum Bern, Hodlerstr. 8–12, *31 328 0944 Albert Anker – Lesende Mädchen –ı 21.7. 

Tracey Rose – Shooting Down 

–ı 11.8. 

Babylon 

Museum für Kommunikation Bern, Helvetiastr. 16, 

*31 357 5555 

Nichts –ı 21.7. 

Zentrum Paul Klee, Monument im Fruchtland 3, 

*31 359 0101 

Kosmos Klee – Architektur mit Klee 1.6.–13.10. 

Kosmos Klee – Die Sammlung –ı 9.2. 

Sarah Morris – All Systems Fail –ı 4.8. 

casita, Schwalbenweg 6a Nicolas Bernière – Le jardin de Nyx 14.6.–20.6. 

Christine Brügger, Kramgasse 31, *31 311 9021 Ivo Soldini –ı 29.6. 

Die Mobiliar – Öffentlicher Ausstellungsraum, 

Reflektionen – Patric Sandri –ı 31.7. 

Bundesgasse 35, *31 389 61 11 

Galerie Bernhard Bischoff & Partner, PROGR_Zentrum für Martin Kasper – Contained –ı 29.6. 

Kulturproduktion, Waisenhausplatz 30, *31 312 0666 

Galerie da Mihi | KunstKeller, Gerechtigkeitsgasse 40, Willi Müller – Spurensuche –ı 15.6. 

*31 332 11 90 

Galerie Glaab, Gerechtigkeitsgasse, 52, *79 502 01 53 Maya Minder 21.6.–20.7. 


Bern / 

Wichtrach 

Ona Sadkowsky –ı 8.6. 

Kunstreich AG Bern, Gerechtigkeitsgasse 76, *31 311 4849 Michel Loth, Esther Tschudin –ı 15.6. 

Mediothek HKB, Fellerstrasse 11 Videocity x REX Box Bern x HKB 6.6.–3.7. 

Videocity x REX Box, Schwanengasse 9 

Simply Nature – To the Point 

–ı 5.6. 

of Illusion 

videokunst.ch, PROGR, Waisenhausplatz 30 Jürg Straumann – Transsaturnia –ı 29.6. 

volume Kunstraum, Lorrainestrasse 14 God is a DJ 8.6.–22.6. 

Galerie Henze und Ketterer, Kirchstrasse 26 

Panta rhei – Alles fliesst 

–ı 20.12. 

Weltkunst für Frieden & Freiheit –ı 20.12. 

Expressiv! –ı 20.12. 

Biberist Schlösschen Vorder-Bleichenberg Biberist, Asylweg 15, 

*32 672 29 89 

Biel / Bienne Kunsthaus Biel Centre d’art Bienne, Seevorstadt 71, 

*32 322 5586 

Marc Reist –ı 23.6. 

Jim Shaw 

9.6.–25.8. 

Loretta Fahrenholz 9.6.–25.8. 

Photoforum Pasquart, Seevorstadt 71–75, *32 322 4482 ‹Oro Verde› Ritual Inhabitual 9.6.–25.8. 

‹Stammtisch› Collectif 

–ı 25.8. 

Le Salon & Guests 

Binn Twingi, Steinmatten, *27 971 5050 Twingi 24 16.6.–13.10. 

Birsfelden City Salts, Hauptstrasse 12, *61 311 7375 Box: Maya Hottarek, Uriel Orlow, 

–ı 2.6. 

Dorian Sari 

Dougoud, Ngoy, Ndele u. a. 13.6.–1.9. 

Kenneth Bergfeld, Charlotte Horn 13.6.–1.9. 

Meriem Bennani, Rasha Omar 13.6.–1.9. 

Mohamed Harb – Gaza Fish –ı 2.6. 

Number 1 Main Road 13.6.–1.9. 

R. Sebastian Schachinger 13.6.–1.9. 

Thomas Jeppe 13.6.–1.9. 

Virginie Sistek – L’Envie De Plaire –ı 2.6. 

Bondo Bondo – Biennale Bregaglia 2024, div. Standorte Biennale Bregaglia 2024 2.6.–28.9. 

Bonstetten Wald in Bonstetten, Am Lochenweiher, Hütte des 

kunstWALDkunst 2.6.–15.10. 

Natur- und Vogel-Schutzvereins Specht 

Brig Galerie Zur Matze, Alte Simplonstr. 28, *27 946 01 22 Folge – Landschaft –ı 7.7. 

Brugg Zimmermannhaus Brugg, Vorstadt 19, *56 441 96 01 LAB in LAB –ı 30.6. 

Brunnen kunstkabinen.ch, Bahnhof Brunnen, Bahnhofstrasse Claudette Ebnöther 6.7.–17.8. 

Dijan Kahrimanovic –ı 22.6. 

Bruzella Rolla Foundation, Rolla.info – la Stráda Végia, 

Scenescape 8.6.–24.11. 

(ex via Municipio), *77 474 0549 

Burgdorf Museum Franz Gertsch, Platanenstrasse 3 Esther Ernst – Verzeichnungen –ı 2.6. 

Franz Gertsch – Rüschegger Erde –ı 1.9. 

Karin Kneffel – Face of a Woman, 

–ı 1.9. 

Head of a Child 

Schnitt & Druck in Variation – 

8.6.–1.9. 

80 Jahre Xylon Schweiz 

Bülach Kulturzentrum Sigristenkeller, Hans-Haller-Gasse 4 Pascal Fehr –ı 13.10. 

Castasegna Sala Viaggiatori, Via Principale 4 Mondi Costruiti –ı 25.8. 

Chiasso m.a.x. museo, Via Dante Alighieri 6, *58 122 4252 Giuliano Vangi – il disegno –ı 21.7. 

Chur Bündner Kunstmuseum Chur, Bahnhofstrasse 35, 

*81 257 28 70 

Jan Kiefer – Lieber Lachen 

–ı 7.7. 

Wie Sprache die Welt erfindet –ı 28.7. 

Forum Würth Chur, Aspermontstr. 1, *81 558 0558 Vorbild – Nachbild –ı 20.10. 

Davos Kirchner Museum Davos, Promenade 82, 

Der unbekannte Kirchner 9.6.–22.9. 

Ernst Ludwig Kirchner Platz, *81 410 6300 

Dornach Kloster Dornach, Amthausstr. 7, *61 705 10 80 Holy Wow! Den Klostergarten neu –ı 30.11. 

entdecken 

Objektinstallation «Die Glocke» 

–ı 31.12. 

mit kuratierten Performances 

Eglisau Galerie am Platz Eglisau, Obergass 23 Christine Bänninger – Fluss 2.6.–6.7. 

Erlenbach Python Gallery, Dorfstrasse 2 Bodo Korsig 7.6.–20.7. 


Basel — Eveline Laing, Neuer SGBK 

Kunstraum 

Fribourg — S. Landovka & A. Tsyrlina 

u. a., Friart © ProLitteris 

Genf — Léonie Rose Marion, 

Centre de la photographie Genève 

Flims Dorf Das Gelbe Haus, Via Nova 60, *81 936 7414 Räumliche Solidaritäten –ı 27.10. 

Frauenfeld Shed im Eisenwerk, Industriestr. 23, *52 728 8982 Pablo Walser 13.6.–6.7. 

Fribourg Espace Jean Tinguely – Niki de Saint Phalle, 

Rue de Morat 2, *26 305 5140 

Rico Weber –ı 23.6. 

Genève 

Kunsthalle Friart Fribourg, 22, Petites-Rames, 

*26 323 23 51 

Musée d’Art et d’Histoire Fribourg, Rue de Morat 12, 

*26 305 5140 

Sara Deraedt – Free 

Sid Iandovka, Anya Tsyrlina, 

Leslie Thornton, Thomas Zummer 

200 ans du musée / 200 Jahre 

des Museums 

1.6.–28.7. 

–ı 28.7. 

–ı 22.9. 

Beat Fasel –ı 2.6. 

Belluard Bollwerk, Bollwerk Festival Belluard Bollwerk 2024 27.6.–6.7. 

Galerie J.-J. Hofstetter, 18, rue des epouses, *26 323 2403 Gaby Studer, Regula Verdet-Fierz, 

Marie-Laure Beun 

–ı 1.6. 

Centre d’édition contemporaine, 15, rue des Rois, 

Denis Savary – Quiet Clubbing –ı 23.8. 

*22 310 5170 

Centre de la Photographie Genève, 28, rue des Bains, 

Léonie Rose Marion 11.6.–18.8. 

*22 329 2835 

Ferme de la Chapelle, 39, rte de la Chapelle Coexistences liquides, in divenire –ı 7.7. 

FMAC, Rue du 23-Août 5, *22 418 45 30 

coalitions – ever ever expanding 

–ı 23.6. 

waves 

MAMCO Genève, 10, rue des Vieux-Grenadiers, 

*22 320 6122 

Musée Ariana, 10, av. de la Paix, *22 418 5450 

Musée d’Art et d’Histoire Genève, 2, rue Charles-Galland, 

*22 418 2600 

Erica Pedretti 

–ı 9.6. 

Hannah Villiger –ı 9.6. 

Manon –ı 9.6. 

Paul Neagu –ı 9.6. 

Paul Thek –ı 9.6. 

Tishan Hsu –ı 9.6. 

Donating – An Affair of the Heart or –ı 2.3. 

the Mind? 

Nicolas Muller –ı 22.9. 

De bleu, de blanc, de rouge 

–ı 18.8. 

Wim Delvoye –ı 16.6. 

Musée Rath, Place Neuve, *22 418 3340 Vélo 6.6.–22.9. 

Société des Arts – Salle Crosnier, 2, rue de l’Athénée, Romane Chabrol –ı 29.6. 

*22 310 4102 

Villa Bernasconi, 8 route du Grand-Lancy, *22 342 94 38 Paths of desire pass through chaos –ı 7.7. 

Galerie Mezzanin, 63 rue des Maraîchers, *22 328 3802 Endlich Skulptur –ı 5.7. 

Olivier Varenne, 37–39 rue des Bains, *22 810 27 27 

Retroviseur – Autoportraits 

–ı 20.7. 

Surréalistes 

Skopia, Vieux-Grenadiers 9, *22 321 6161 Art Basel 13.6.–16.6. 

Leanne Picthall –ı 29.6. 

Wilde | Genève, Boulevard Georges-Favon 19 Charlotte Herzig – Santé menthol –ı 19.6. 

Joachim Perez –ı 19.6. 

Xippas, Rue des Sablons 6 Shifts and Phases –ı 13.7. 


Giornico fabbrica culturale baviera, 7 Via Cribiago, *77 410 91 04 Spazio 1 – Galleria Nicola Jaeggli –ı 30.6. 

Spazio 2 – Museo: René Moser –ı 30.6. 

Spazio 3 – Museo: Domenico 

–ı 30.6. 

Angelica 

Spazio 4 – Biblioteca –ı 30.6. 

Spazio 5 – Archivio –ı 30.6. 

Glarus Kunsthaus Glarus, Im Volksgarten, Postfach 1636, 

*55 640 2535 

Emanuel Rossetti – Stimmung 

–ı 30.6. 

Megan Francis Sullivan –ı 30.6. 

Gepäckausgabe Glarus, SBB Bahnhof, *55 640 2535 Sebastian Haas 1.6.–16.6. 

Goldau Atelier R6, Parkstrasse 37 na-türlich –ı 6.6. 

Gontenschwil Galerie Schlössli, Dorfstr. 399, *44 381 04 42 Schaufenster Intermezzo 

–ı 31.5. 

Therese Bertschi 

Schaufenster Intermezzo – 

Peter Wisler 

1.6.–31.8. 

Grenchen 

Kunsthaus Grenchen, Bahnhofstrasse 53, vis-à-vis 

Bahnhof Grenchen Süd, *32 652 50 22 

20m2 – Fenster ins Atelier von 23.6.–15.9. 

Delia R. Ferraro 

All over – Gergana Mantscheva 23.6.–15.9. 

Schang Hutter – 

23.6.–15.9. 

Zum 90. Geburtstag 

Grindelwald Land Art Festival, Entlang der Erlenpromenade Land Art Festival 2024 10.6.–15.6. 

Gruyères Château de Gruyères, Rue du Château 8, *26 921 2102 Sonia Kacem – La chute –ı 9.6. 

Herrliberg MOOS fine art, Forchstrasse 20 Ana de Alvear – Time is Now –ı 13.7. 

Juan Zamora – Every missing 

–ı 13.7. 

flower 

Hochdorf Kunstraum Hochdorf, Lavendelweg 8 Kunst Seetal 8.6.–7.7. 

project_Objects –ı 2.6. 

Hombrechtikon art-noser, Feldbachstrasse 80, *79 415 91 62 Marcel Schaffner –ı 30.6. 

Huttwil Galerie Artdirekt, Marktgasse 14 Anita Nydegger –ı 23.6. 

Interlaken Kunsthaus Interlaken, Jungfraustrasse 55, *33 822 1661 Werte im Wandel II 9.6.–25.8. 

Galerie IHB Spectrum, Postgasse 16, *33 822 4653 Hansueli Urwyler –ı 27.9. 

JungfrauPark, Obere Bönigstr. 100 Hansueli Urwyler –ı 29.9. 

Kriens Museum im Bellpark, Luzernerstr. 21 / PF, *41 310 33 81 Bellparknacht Plus 21.6.–21.6. 

Lucius Burckhardt –ı 7.7. 

Ramification –ı 7.7. 

Galerie Kriens, Obernauerstrasse 1, *320 4842 Helen Eggenschwiler –ı 23.6. 

La Chauxde-Fonds 

Musée des beaux-arts La Chaux-de-Fonds, Rue des 

Musées 33, *32 967 6077 

Ana Mendieta – 

Aux commencements 

30.6.–27.10. 

Temps de Mars –ı 9.6. 

Langenbruck Kloster Schönthal, Schönthalstrasse 158, *061 706 7676 Gerda Steiner & Jörg Lenzlinger –ı 3.11. 

Langenthal Kunsthaus Langenthal, Marktgasse 13, *62 922 6055 Vom Körper im digitalen Leben –ı 23.6. 

Laufenburg Rehmann-Museum, Schimelrych 12, *62 874 4270 Schimelrych bis Chrottehalde –ı 27.9. 

Lausanne 

CHUV Centre Hospitalier Universitaire Vaudois, 

rue du Bugnon 46, *21 314 1817 

Clare Goodwin, Marie Ilse 

Bourlanges, Valérie Alonso, 

Maëlle Gross 

Rafael Kouto –ı 9.6. 

Fondation de l’Hermitage, Route du Signal 2, *21320 5001 Nicolas de Staël –ı 9.6. 

Mudac, Plateforme 10, Place de la Gare 17, *21 315 2530 Dialog zwischen einem Kraken und 

einer Zitronenpresse 

–ı 15.3. 

Musée Cantonal des Beaux-Arts Lausanne, Plateforme 10, 

Place de la Gare 16, *21 318 44 00 

–ı 9.6. 

Esther Shalev-Gerz 

–ı 4.8. 

Gina Proenza –ı 1.9. 

Surrealismus – Le Grand Jeu –ı 25.8. 

Photo Elysée, Place de la gare 17, *21 316 99 11 Aurélie Pétrel –ı 2.6. 

Christian Marclay –ı 2.6. 

Cindy Sherman –ı 4.8. 

Man Ray –ı 4.8. 

CALM – Centre d’art La Meute, Parc du Loup 3 Our Labor, Our Passion, Our Love –ı 23.6. 

AGENDA // AGENDA // SCHWEIZ 149

Luzern — Eliška Bartek, 

Max Wandeler Stiftung 

Meggen — Ramon Feller, Benzeholz 

Circuit, 9, av. de Montchoisi (accès quai Jurigoz), 

*21 601 4170 

Fabienne Levy Lausanne, Avenue Louis-Ruchonnet 6, 

*21 711 43 20 

Full Moon Sergio – Alfredo Aceto 31.5.–27.7. 

Anna Fasshauer 

–ı 29.6. 

Space Invasion 9.7.–5.9. 

Le Noirmont La Nef, Ancienne Eglise, *32 951 1745 Aqua 15.6.–15.9. 

Lens Fondation Opale, Route de Crans 1, *27 483 46 10 Artiste Activiste Archiviste 16.6.–10.11. 

Lenzburg Stapferhaus, Bahnhofstrasse 49 Natur – Und wir? –ı 29.6. 

Stiftung Villa Sonnenberg, 50 Schlossgasse Synthesis Sonnenberg – 

–ı 22.6. 

Anja Furrer 

Leuk-Stadt Galleria Graziosa Giger, Badnerstrasse 1, *27 473 2442 Thomas Andenmatten –ı 2.6. 

Ligornetto Museo Vincenzo Vela, Largo Vela, *58 481 30 44 Casa d’artista e mostre 

–ı 31.12. 

temporanee 

Locarno Museo Casa Rusca, Piazza Sant’Antonio 1, *91 756 3185 Corrispondenze –ı 7.7. 

Fondazione Marguerite Arp, Via alle Vigne 46, *91 751 2543 

–ı 3.11. 

Locarno- 

Solduno 

Jean Arp, Sophie Taeuber-Arp, 

Max Bill 

Lugano Bally Foundation, 24 Via Cortivo Arcadia –ı 12.1. 

Fondazione Gabriele e Anna Braglia, 

Emil Nolde – Herbert Beck –ı 13.7. 

Riva Antonio Caccia 6 / a, *91 980 08 88 

MASI Lugano, Piazza Bernardino Luini 6, Via Canova 10, Auge in Auge – Hommage an 

–ı 21.7. 

*58 866 4230 

Ernst Scheidegger 

Black or White –ı 1.12. 

Calder – Sculpting Time –ı 6.10. 

Monika Emmanuelle Kazi. 

–ı 11.8. 

Bally Artist Award 2024 

Sentiment and observation – 

–ı 30.12. 

Art in Ticino 1850–1950 

Shahryar Nashat – 

–ı 18.8. 

Streams of Spleen 

Luzern 

–ı 16.6. 

Hans Erni Museum, Haldenstrasse 44, c / o Verkehrshaus 

der Schweiz, *041 370 44 44 

Die Enzyklopädie von Diderot über 

Hans Erni bis heute 

Hans Ernis Tafeln für die UNESCO –ı 31.12. 

Kakao, Kunst und Kolonialismus – 20.6.–7.6. 

Philipp Keller 

Miró, Erni, Tàpies – Welt auf Papier 4.7.–10.11. 

Kunsthalle Luzern, Bourbaki / Löwenplatz 11, *41 412 08 09 beyond the font 14.6.–18.8. 

Lukas Hoffmann – Strassenbilder –ı 2.6. 

Kunstmuseum Luzern, Europaplatz 1, *41 226 78 00 Barbara Probst – 

–ı 16.6. 

Subjective Evidence 

spot on – Simon Kindle 8.6.–25.8. 

Ugo Rondinone – Cry Me a River 6.7.–20.10. 

Woher kommst du? –ı 17.11. 

Max Wandeler Stiftung, Brüggligasse, 2 Fotogramme und Clichés verre – 

Eliška Bartek 

–ı 6.7. 


Luzern- 

Emmenbrücke 

Museum Gletschergarten, Denkmalstrasse 4, *410 4340 Melting Gallery & Solarstalgia –ı 8.9. 

Verkehrshaus, Lidostrasse 5 

Planetarium – Nicole Schmölzer, 

–ı 22.6. 

Bernhard Dittmann 

APROPOS, Sentimattstrasse 6, *41 240 15 78 Barbara Mühlefluh 31.5.–21.6. 

Galerie Urs Meile Luzern, Rosenberghöhe 4, *41 420 33 18 Ju Ting –ı 30.7. 

Galerie Vitrine Luzern, Stiftstr. 4 Wasser, Berge, Luft – 

1.6.–16.8. 

Bruno Müller-Meyer 

marytwo, Mariahilfgasse 2A The House That Judd Built –ı 8.6. 

Redaktion Luzern, 4 Himmelrichstrasse Interference – Oliver Krähenbühl –ı 29.6. 

sic! Raum für Kunst, Elephanthouse / Neustadtstrasse Noah Ismael Wyss 2.6.–13.7. 

Hochschule Luzern – Design Film Kunst, Nylsuisseplatz 1, 

745 Viscosistadt, *41 248 64 64 

Martigny Le Manoir de la Ville de Martigny, Rue du Manoir 3, 

*27 721 2230 

StudioLab Days 2024 

13.6.–16.6. 

Werkschau Design Film Kunst 2024 22.6.–30.6. 

Paraísos inseguros – Patricio Gil 1.6.–8.9. 

Flood, Jorge Raka 

Fondation Louis Moret, 33, chemin des Barrières Pierre-Alain Zuber 9.6.–18.8. 

Meggen Benzeholz Raum für zeitgen. Kunst, Benzeholzplatz 2, Ramon Feller, Andreas Weber –ı 7.7. 

*377 1365 

Melano Artrust S.A., Via Pedemonte 1, *91 649 3336 Banksy at a Glance –ı 31.5. 

Mendrisio Museo d’arte Mendrisio, Piazzetta dei Serviti 1, 

Enrico Castellani –ı 7.7. 

*58 688 3350 

Moutier Musée jurassien des Arts, Rue Centrale 4, *32 493 36 77 Fleurs – de la collection 23.6.–10.11. 

Ignacio Ruiz – Hommage 23.6.–10.11. 

Muri AG Singisen Forum, Marktstrasse 4, *56 664 70 11 Venus von Muri – eine Spurensuche –ı 3.11. 

Murten Museum Murten, Ryf 4, *26 670 3100 Grégory Sugnaux – Griserie –ı 2.6. 

Neerach Cosmopolitan Art GmbH, Juchstrasse 9 ARTdeSuisse Luzern 2024 I 

–ı 2.6. 

Spring Edition 

Neuchâtel Centre Dürrenmatt Neuchâtel, Ch. du Pertuis-du-Sault 74, Friedrich Dürrenmatt – 

–ı 31.12. 

*58 466 70 60 

Schriftsteller und Maler 

Musée d’art et d’histoire de Neuchâtel, Esplanade 

Léopold-Robert 1, *32 717 79 20 

Mouvements –ı 23.1. 

Ditesheim & Maffei Fine Art, 8, rue du Château, 

*32 724 5700 

Artistes de la galerie 

13.6.–24.8. 

Frédéric Clot – Digital –ı 8.6. 

Galerie C, Esplanade Léopold-Robert 1a, *32 724 16 26 Ma rage est de couleur égarée –ı 31.5. 

Niederhelfenschwil 

Kobesenmühle / Stiftung Wilhelm Lehmann, 

Stille –ı 6.10. 

Kobesenstrasse, 60 

Oetwil am See Helen Dahm Museum, Chilerain 10, *44 929 6027 Helen Dahm und Bertha Züricher – –ı 27.10. 

München und die Walze 

Olten Kunstmuseum Olten, Kirchgasse 8, *62 212 86 76 Arbeit – Schatzkammer 

2.6.–25.8. 

Sammlung #8 

Begin Again – Fail Better 1.6.–25.8. 

Kunstverein Olten, Hübelistr. 30 

Christiane Maier Reinhard, 

–ı 23.6. 

Ruth Berger 

Pfäffikon SZ Vögele Kultur Zentrum, Gwattstrasse 14, *55 416 1125 Was Macht mit uns macht –ı 22.9. 

Pfäffikon ZH Forum Museum Eva Wipf, Hochstrasse 4, 

Liv Jecklin – Farben im Fluss –ı 16.6. 

Altes Bezirksgebäude, *44 950 33 48 

Porrentruy Espace d’art contemporain (les halles), 

Hot Shots! –ı 23.6. 

rue Pierre-Péquignat 9, *32 420 8402 

Pully Musée d’art de Pully, Ch. Davel 2, *21 729 5581 Vivre l’oeuvre –ı 16.6. 

Rapperswil- 

Jona 

*Altefabrik, Klaus-Gebert-Str. 5, *55 225 74 74 

We the Parasites –ı 16.6. 

Kunst(Zeug)Haus, Schönbodenstrasse 1, *55 220 20 80 Ein Wiegenlied vom Gold –ı 6.6. 

Karin Schwarzbek – Hilo Glow –ı 4.8. 

Mein Garten –ı 6.4. 

Seitenwagen – Felix Stöckle –ı 3.8. 

We the Parasites – A Playbook to 

Complicity 

–ı 4.8. 

–ı 14.6. 

Galerie Textilaltro an der OST, Gebäude 5, 1. Stock 

(Bibliothek), Oberseestrasse 10, *58 257 45 31 

Fakten und Prognosen zum 

Klimawandel 


Riggisberg — sig. Anthonij Janssen, 

Abegg-Stiftung. Foto: C. von Viràg 

Sion — Sasha Huber, Ferme-Asile 

© ProLitteris. Foto: Siro Micheroli 

Rifferswil Park Seleger Moor, MoorArt24 7.6.–31.10. 

Riggisberg Abegg-Stiftung, Werner Abegg-Str. 67, *31 808 1201 Augentäuschung –ı 10.11. 

Romanshorn Atelier Galerie Demarmels, Amriswilerstrasse 44, 

*71 463 1811 

Mayer’s Kulturbad, Kastaudenstr. 11 

Ludwig Demarmels – 

Retrospektive 

Lilian Muheim – Kunst für 

die Blumen 

–ı 31.12. 

–ı 23.6. 

Rombach Arnold – Rahmenmanufaktur GmbH, Alte Stockstrasse 7 Markus Kuhn – Variationen –ı 1.6. 

Rorschach Forum Würth Rorschach, Churerstrasse 10, *71 225 10 70 Gunter Damisch –ı 2.6. 

Wasser, Wolken, Wind –ı 16.2. 

Rüschlikon Werner-Weber-Stiftung, Brahmshaus, Säumerstrasse 45 Franz Wanner – Was malen? 1.6.–30.6. 

–ı 18.8. 

Sachseln Museum Bruder Klaus Sachseln, Dorfstrasse 4, 

*41 660 55 83 

Giuseppe Haas-Triverio & 

M. C. Escher 

Samstagern Froh Ussicht, Hof Blum, *44 784 2994 Halt 1.6.–27.10. 

Savièse Espace d’exposition de la collection communale, 

Alfred Rehfous – Sommets 

–ı 28.7. 

Route de Saint Germain 50, *273961018 

Saisons –ı 28.7. 

Schaffhausen 

Kunstkästen Schaffhausen, Bahnhof 

Schaffhausen / Bahnhofstrasse, *52 625 2418 

Vebikus Kunsthalle Schaffhausen, Baumgartenstrasse 19, 

*52 625 2418 

Liao Wenfeng 

29.6.–21.9. 

Samuel Herzog –ı 22.6. 

Who Cares?! 2.6.–21.7. 

Schüpfheim Entlebucherhaus MuseumKultur, Kapuzinerweg 5 Garten Idylle – Jürg Gfeller –ı 8.6. 

Hommage für Georges Bühlmann 15.6.–21.7. 

Sigriswil Paradiesli, Feldenstr. 87, *33 251 51 55 Urkuh und Kühe –ı 25.8. 

Sion Ferme-Asile, Promenade des Pêcheurs 10, *27 203 2111 You Name It – Sasha Huber –ı 14.7. 

La Grenette de la Ferme-Asile, Rue du Grand-Pont 24, Grand Nord –ı 22.6. 

*27 203 21 11 

Lemme, 45 Rue de Lausanne Roberta Folliero – Un Souvenir –ı 15.6. 

Solothurn Kunstmuseum Solothurn, Werkhofstrasse 30, 

*32 626 93 80 

Amanda Tröndle-Engel, 

Oskar Tröndle 

2.6.–6.10. 

Berge versetzen –ı 9.3. 

Dunja Herzog 2.6.–6.10. 

Marie Velardi 2.6.–6.10. 

Haus der Kunst St. Josef, Baselstr. 27, *32 621 09 80 Lukas Hoffmann 8.6.–21.7. 

Kunstforum Solothurn, Schaalgasse 9, *79 717 67 09 in constant change II –ı 15.6. 

Johan Tahon –ı 15.6. 

Kunstraum Medici, Römerstrasse 1, *32 622 8171 Jean Pfaff –ı 6.7. 

Künstlerhaus S11, Schmiedengasse 11 Künstlerinnenkollektiv DUA 3.6.–31.7. 

Spiez Schloss Spiez, Schlossstrasse 16, *33 654 1506 Samuel Buri und das Berner 

21.6.–20.10. 

Oberland 

St. Gallen Architektur Forum Ostschweiz, Davidstr. 40, *71 242 0675 Monika Sennhauser 7.6.–30.6. 

Kunst Halle Sankt Gallen, Davidstrasse 40, *71 222 1014 Reto Pulfer – Fachzustand –ı 18.8. 

Kunstmuseum St. Gallen – Lokremise, Grünbergstr. 7, 

*71 277 8840 

Arthur Simms – Chair with my Hair –ı 7.7. 


Kunstmuseum St.Gallen, Museumstrasse 32, *71 242 0671 Burning Down the House – 

1.6.–8.9. 

Rethinking Family 

Experimental Ecology –ı 24.11. 

open art museum, Davidstrasse 44, *71 223 58 57 collage – collection –ı 4.8. 

versammelt –ı 4.8. 

Stiftung Sitterwerk und Kesselhaus Josephsohn, 

Sittertalstrasse 34, *71 278 87 09 

Hans Josephsohn –ı 31.12. 

St. Moritz Central Art Gallery St. Moritz, Via dal Bagn 15A, 

*81 830 0070 

Arvenskulpturen – Not Bott 

–ı 31.12. 

Das Feuer des Engadiner Winters –ı 31.12. 

Ernestina Abbühl –ı 31.12. 

Graubünden pur – Patrick Nyfeler –ı 31.12. 

Silser See – Thomas Seilnacht –ı 31.12. 

Galerie Andrea Caratsch, Via Serlas 12, *81 734 0000 Accrochage – Künstler der Galerie –ı 29.6. 

Stampa Museo Ciäsa Granda, Strada Cantonale 102, *081 822 1716 Varlin – Bondo, das Bergell und 1.6.–20.10. 

die Welt 

Stans Nidwaldner Museum Salzmagazin, Stansstaderstr. 23, Alles Theater! Spiellust auf der 

–ı 26.10. 

*618 73 60 

Laienbühne 

Mutig, Trotzig, Selbstbestimmt –ı 26.10. 

Nidwaldner Museum Winkelriedhaus, Engelbergstr. 54A, 

*618 73 60 

Galerie Stans, Dorfplatz 11 

Johann Melchior Wyrsch – 

Frauenbildnisse 

Selbst und Welt – Werke aus der 

Sammlung 

Anna Margrit Annen – Wo sind die 

Farben in der Nacht? 

22.6.–29.9. 

–ı 31.12. 

–ı 30.6. 

Steckborn Haus zur Glocke, Seestr. 91, *52 770 2450 Mit Systemen spielen 8.6.–6.7. 

Stein am Rhein Kloster Sankt Georgen, Fischmarkt 3, *52 741 2142 Kris Martin – Altar –ı 31.10. 

Kulturhaus Obere Stube, Oberstadt 7 Aykan Safoğlu – Unbesonnen –ı 9.6. 

Im Spiegel der Zeit –ı 31.10. 

Kris Martin – Altar –ı 31.10. 

Stone in Three Phases 2022 – 

–ı 31.12. 

Jamie North 

Steinen Verein Kulturplatz Müsigricht, Goldauerstrasse 9 Drüüü –ı 16.6. 

Steinmaur / Ateliers und Skulpturenpark, Park Deponie24 –ı 26.10. 

Sünikon 

Sursee Museum Sankturbanhof, Theaterstr. 9, *41 922 24 00 Im Atelier – Jeremias Bucher –ı 9.6. 

Sincerely, Mickry 3 –ı 15.9. 

Sursee – erleben –ı 31.12. 

Susch Muzeum Susch, Surpunt 78, *81 861 03 03 Anu Põder –ı 30.6. 

Teufen Zeughaus Teufen, Zeughausplatz 1, *71 335 8030 Protest / Architektur –ı 9.6. 

Thalwil ThalwilerHofKunst, Zehntenstrasse, 2 ArtBox #119 – Rosmarie von 

5.7.–19.8. 

Scarpatetti 

ArtBox#118 –ı 1.7. 

Waschhaus – frisch gewaschen –ı 22.8. 

Thun Kunstmuseum Thun, Hofstettenstrasse 14, *33 225 84 20 Giacomo Santiago Rogado – 

All That You See 

–ı 28.7. 

–ı 1.12. 

Thun-Panorama, Hofstettenstrasse 14, Schadaupark, 

*33 223 2462 

Giacomo Santiago Rogado – 

Ausser Sicht 

Kunstraum Satellit Thun, Scheibenstrasse 2 Christian Helmle –ı 5.6. 

Trun Spazi Spescha, Via Fabrica 13 Espaces Imaginaires – Matias 

–ı 27.10. 

Spescha, Esther Mathis 

Uster Bechtler Stiftung, Weiherweg 1, *44 521 25 20 Karla Black –ı 6.10. 

Pipilotti Rist – I couldn’t agree 

–ı 31.12. 

with you more 

Walter de Maria – The 2000 

–ı 31.12. 

Sculpture 

akku künstleratelier uster, Zeughausgasse 

Behindert – Jasmin Polsini, 

Valentin Weilenmann 

20.6.–5.9. 


Solothurn — Jean Pfaff, 

Kunstraum Medici 

Winterthur — Angela Anzi, oxyd 

© ProLitteris. Foto: S. Haug 

Kunstkiste N° 55 – Željka Marušić –ı 6.6. 

foryouandyourcustomers Uster, Bankstrasse 1 Susanne Lyner –ı 30.11. 

Zeughausareal Uster, Berchtoldstrasse 10, *44 244 41 30 kunst+bündig 15.6.–15.6. 

Versam Safiental Tourismus, Safiental Tourismus / Haus Signina, Art Safiental 2024 6.7.–20.10. 

Hauptstrasse 35 *0041 81 630 60 16 

Visp 

Galerie zur Schützenlaube, Ecke 

Philip Spiegel 29.6.–21.7. 

Schützenhausgasse / Stapfengasse, *792788994 

Waldenburg Biennale «Ville des Arts» Waldenburg / BL, Zentrum Ville des Arts – Biennale 2024 8.6.–26.10. 

Walenstadt museumbickel, Zettlereistrasse 9, *81 710 27 77 Karl Bickel – Zyklus 15.6.–18.8. 

Warth 

Kunstmuseum Thurgau / Ittinger Museum, Kartause 

Ittingen, *58 345 1060 

Claudio Hils 

–ı 18.4. 

Hans Krüsi –ı 9.6. 

Olga Titus –ı 15.12. 

Wettingen Galerie im Gluri Suter Huus, Bifangstrasse 1, *56 426 2969 Toni Businger, Antonina Businger –ı 30.6. 

Museum Eduard Spörri, Bifangstrasse 17a, *56 221 5353 Wau! – Tiere als Kunst –ı 16.6. 

Wetzikon Galerie Kemptnertobel, Tobelweg 9, *076 231 8886 80 Jahre – 80 Bilder 2.6.–8.6. 

Bilder in Acryl – Jürg Spörri 14.6.–30.6. 

Wil Kunsthalle Wil, Grabenstrasse 33, *71 913 53 73 Drift – Kilian Rüthemann –ı 29.6. 

Winterthur Gewerbemuseum Winterthur, Kirchplatz 14, *52 267 51 36 Blut & Staub – Wenn Reststoffe zu 

–ı 1.9. 

Werkstoffen werden 

Maarten Baas 7.6.–27.10. 

Kunst Museum Winterthur | Beim Stadthaus, 

Museumstrasse 52, *52 267 51 62 

Kunst Museum Winterthur | Villa Flora, Tösstalstr. 44, 

*52 212 99 60 

Burhan Doğançay 

–ı 2.6. 

Silvia Bächli –ı 18.8. 

Bienvenue! –ı 5.1. 

Kunsthalle Winterthur, Marktgasse 25, *52 267 5132 Script – Memory –ı 14.7. 

Sammlung Oskar Reinhart «Am Römerholz», 

Haldenstr. 95, *58 466 77 40 

Amsel WerkGalerie, Stadthausstrasse 51, *76 411 92 92 

Maillol und Sintenis 

–ı 15.9. 

Sammlungsausstellung –ı 31.12. 

Vrendli Amsler – Arbeiten in 

–ı 30.11. 

Pergament u. a. m. 

AXA Superblock Winterthur, Pionierstrasse 3 Pedro Rodrigues –ı 3.6. 

Coalmine – Raum für Fotografie, Turnerstr. 1, *52 268 6868 Laura Bielau – Druck –ı 30.6. 

kuk! raum für kunst und kultur, da-Sträuli-Strasse 73d I Christine Läubli – weben leben 16.6.–29.6. 

Kulturort Weiertal, Rumstalstr. 55, *52 222 70 32 

Hortus conclusus – im Garten 

–ı 8.9. 

der Sinne 

Irene Curiger, Conny K. Wepfer 23.6.–8.9. 

kunstkasten, Katharina-Sulzer-Platz Maja Bringolf – Kneader –ı 9.6. 

Vanessa Billy 22.6.–16.8. 

oxyd – Kunsträume, Untere Vogelsangstrasse 4, 

Chanted Water – Angela Anzi –ı 28.7. 

*52 316 29 20 

Wädenswil Kunsthalle 8000, Zugerstrasse 180 The last artwork –ı 31.8. 

Yverdon-les- 

Bains 

Centre d’art contemporain Yverdon-les-Bains, Place 

Pestalozzi, *24 423 63 80 

Camille Lichtenstern –ı 11.8. 


Zuoz — Markus Raetz, Monica de 

Cardenas © ProLitteris 

Zürich — Elena Alonso, Galerie 

Fabian Lang © ProLitteris 

Art Contemporain Kaminska & Stocker, Rue de la Plaine 22, 

*77 443 99 85 

Andrea Dora Wolfskämpf, 

Max Roth, Pierre Oulevay 

Anouk Landry, François 

Vaillancourt, Sylvie Wozniak 

–ı 1.6. 

13.6.–29.6. 

Zofingen Kunsthaus Zofingen, Gen. Guisan-Str. 12, *62 751 4829 Look@JKON – Roshan Adhihetty 27.6.–9.8. 

Zug Kunsthaus Zug, Dorfstrasse 27, *41 725 3344 Kiesler heute – Werkdialoge mit 9.6.–8.9. 

Zeitgenossen 

Galerie Carla Renggli, Ober-Altstadt 8, *711 95 68 Judith Albert – Loop & Layers –ı 29.6. 

Galerie Urs Reichlin AG, Baarerstrasse 133, *41 763 1411 Rachel Lumsden – Turn of 

–ı 6.7. 

the Huntress 

Lakeside Gallery, Artherstrasse 3, *41 710 46 47 Da Capo 13.6.–4.7. 

Vivida Brillante – Luzia Imhof, 

–ı 28.6. 

Eva Gratzl 

Öffentlicher Raum Zug, Altstadt 

NICHE Performance Art Festival 

7.6.–7.6. 

Zug 

Zuoz Monica De Cardenas Zuoz, Chesa Albertini, Stradun 111, Markus Raetz –ı 13.7. 

*81 868 80 81 

Zürich Cabaret Voltaire, Spiegelgasse 1, *43 268 08 44 (Office) Lee Scratch Perry –ı 29.9. 

Monster Chetwynd – 

–ı 20.7. 

Head-Less-Ness 

Graphische Sammlung ETH, Rämistrasse 101, 

Im Rausch(en) der Dinge – Fetisch 

–ı 7.7. 

*44 632 4046 

in der Kunst 

Intoxicating Objects – Fetishism 

–ı 7.7. 

in Art 

Helmhaus, Limmatquai 31, *44 415 56 77 

Die schönsten Schweizer Bücher 20.6.–23.6. 

2023 

Jeannette Muñoz –ı 16.6. 

Roman Selim Khereddine –ı 16.6. 

Kunsthalle Zürich, Limmatstr. 270, *44 272 1515 David Armstrong 8.6.–15.9. 

Kunsthaus Zürich, Heimplatz, *44 253 8484 Apropos Hodler –ı 30.6. 

Born Digital 7.6.–29.9. 

Eine Zukunft für die Vergangenheit –ı 31.12. 

Kiki Kogelnik –ı 14.7. 

Landesmuseum Zürich, Museumstrasse 2, *44 218 65 11 Archäologie Schweiz –ı 1.1. 

begehrt, umsorgt, gemartert – 

–ı 14.7. 

Körper im Mittelalter 

Das zweite Leben der Dinge 14.6.–10.11. 

Die Sammlung –ı 31.12. 

Geschichte Schweiz –ı 31.12. 

Swiss Press Photo 24 –ı 30.6. 

World Press Photo 2024 –ı 9.6. 

Migros Museum für Gegenwartskunst, 

Limmatstrasse 270, *44 277 2050 

Dineo Seshee Raisibe Bopape 8.6.–8.9. 


Museum für Gestaltung Zürich, Ausstellungsstr. 60, 

*43 446 6767 

Museum für Gestaltung Zürich im Toni-Areal, 

Pfingstweidstrasse 96 

Museum Haus Konstruktiv, Selnaustrasse 25, 

*44 217 70 80 

Collection Insights – Sieben 

–ı 1.12. 

Perspektiven 

Oliviero Toscani – Fotografie und 

–ı 15.9. 

Provokation 

Design für alle? Vielfalt als Norm –ı 20.10. 

Tatiana Bilbao Estudio –ı 2.6. 

Olaf Holzapfel – Zurich Art Prize 

–ı 8.9. 


Stories Written – Zurich Art Prize 

–ı 8.9. 

Winners 2007–2023 

Musée Visionnaire, Predigerplatz 10, *44 251 6657 (de)codiert –ı 4.8. 

Nordamerika Native Museum NONAM, Seefeldstr. 317, Move – Idigene Kulturen in 

–ı 16.3. 

*44 413 49 90 

Bewegung 

Pavillon le Corbusier, Höschgasse 8 Lucien Hervé – Gebautes Licht –ı 24.11. 

Stiftung Kunstsammlung Albert und Melanie Rüegg, Dominik Heim –ı 13.7. 

Rämistrasse 30 

Tichy Ocean Foundation – Prague & Zurich, 

Jonathan Meese 7.6.–29.9. 

Lessingstrasse 9, *44 250 43 63 

ZAZ BELLERIVE, Höschgasse 3, *44 545 80 01 

SAY Swiss Architecture Yearbook 

–ı 2.6. 

2023 

a publik, Geroldstrasse 11, *78 634 58 99 Anna Panek –ı 9.6. 

A1 M.O.V.E., Bändliweg 20, *43 311 7010 Ingeborg Haas –ı 16.8. 

Annemarie Verna Galerie, Neptunstrasse 42, *44 262 3820 Glen Rubsamen –ı 9.8. 

annex14 Zürich, Hirschengraben 3 

Susan Hefuna, Ana Roldan, 

6.6.–6.7. 

Andrea Sparta 

Paul Czerltizki, Struan Teague –ı 1.6. 

Art Forum Ute Barth, Kartausstr. 8, *765646367 Mahroo Movahedi –ı 22.6. 

Beletage Art Space, Utoquai 41, c / o Dr. Rai Winata Why do I keep thinking? –ı 16.8. 

Bildhalle, Stauffacherquai 56, *44 552 09 18 Ilona Langbroek – Terra Incognita –ı 31.5. 

Laurence Aëgerter – The elasticity 6.6.–24.8. 

of time 

Christophe Guye Galerie, Dufourstrasse 31, *44 252 0111 Yoshinori Mizutani – 

–ı 1.6. 

Tokyo Whispers 

Die Diele, Sihlhallenstrasse 4 

B. Davatz, E. Bachmann, A. Züst, 

–ı 2.6. 

G. Vogler 

Edition VFO, Limmatstrasse 268, *44 241 5300 Echoes of Imagination –ı 14.9. 

Espace Diaphanes Zürich, Löwenbräukunst, Ebene A, 

Limmatstrasse 270 

F+F Schule für Kunst und Design, Flurstrasse 89, 

*44 444 1888 

Stefan Burger – Anschnitt Jso 

Maeder 

F+F Abschlussausstellung 

Fachklassen Fotografie und Grafik 

EFZ / BM 2024 

F+F Abschlussausstellung Vorkurs 

berufsbegleitend 2024 

F+F Diplomausstellung 

Studiengänge HF 2024 

–ı 30.6. 

4.7.–7.7. 

20.6.–22.6. 

FOMO Art Space, Enzianweg, 4 Aline Witschi, Angelos Merge –ı 31.5. 

foryouandyourcustomers Zürich, Seefeldstrasse 5A Bob Gramsma –ı 5.9. 

Galerie & Edition Marlene Frei, Zwinglistrasse 36 Thomas Kapielski 1.6.–6.7. 

Galerie & Edition Stephan Witschi, Zwinglistr. 12 (Hof), floral unterwegs –ı 29.6. 

*44 242 3727 

Galerie am Lindenhof, Pfalzgasse 3 Eszter Koos 4.6.–10.6. 

Gabriele Jahnk, Harald Glatte 11.6.–17.6. 

–ı 9.6. 

↗ kunstbulletin.ch / abo 


Zürich — Markus Weggenmann, 

Galerie Mark Müller 

Zürich — Laurent Goei, 

Kupper Modern 

Gauthier Cerf 18.6.–24.6. 

Katarina Waser-Ouwerkerk –ı 3.6. 

Mainart Präsentiert 25.6.–8.7. 

Nils Mehr 9.7.–15.7. 

Galerie Eva Presenhuber, Maag Areal, Zahnradstr. 21 Tobias Pils – Happy Days 7.6.–20.7. 

Galerie Eva Presenhuber, Waldmannstrasse, 

Shara Hughes – Tree Farm 7.6.–20.7. 

Waldmannstrasse 6 

Galerie Fabian Lang, Obere Zäune 12, *44 223 54 33 Kind and Sharp – Elena Alonso 7.6.–7.9. 

Galerie Francesca Pia, Limmatstrasse 270, *44 271 2444 Dietrich – curated by Anne 

8.6.–23.8. 

Pontégnie 

Galerie Haas Zürich, Rämistrasse 35 Louise Nevelson 7.6.–20.7. 

Galerie König Büro, Birmensdorferstr. 299, *41 201 20 54 Janet Mueller, Claudio Rasano, 

7.6.–13.7. 

Talaya Schmid – Suffer Now 

Galerie La Ligne, Heinrichstr. 237, *43 205 28 29 Alea Iacta Est 8.6.–27.7. 

Déclinaisons sur papier –ı 1.6. 

Galerie Mark Müller, Hafnerstrasse 44, *44 211 8155 Markus Weggenmann 7.6.–27.7. 

GALERIE ROSENBERG, Dufourstrasse 169, *44 311 79 52 Carlos Matter, Louise Schmid 7.6.–13.7. 

Flavio Micheli –ı 31.5. 

Galerie Thalberg, Rämistrasse 38, *44 251 0124 Best of Thalberg 1.6.–29.6. 

Galerie Tschudi Zürich, Rämistrasse 5, *44 210 13 20 Not Vital – Silence 7.6.–3.8. 

Galerie Urs Meile, Rämistrasse 33 Shao Fan 7.6.–27.7. 

Galerie WOS, Kirchgasse 28, *434998585 Aufbruch –ı 15.6. 

Galerie Ziegler SA, Rämistrasse 34, Schauspielhaus, Lift, Bernhard Luginbühl – Frühe Grafik –ı 29.6. 

3. Stock, *44 251 2322 

Hartdurm, Hardturmstrasse 307 Trilogie Südtrottoir 28.6.–14.9. 

Hauser & Wirth Zurich, Limmatstrasse, Limmatstr. 270, 

*44 446 80 50 

Nairy Baghramian – Modèle vivant 

(Se ployant) 

7.6.–7.9. 

Philip Guston – Singularities 7.6.–7.9. 

Jedlitschka Gallery, Seefeldstr. 52, *44 252 3530 12. Skulpturengarten –ı 31.10. 

jevouspropose, Molkenstrasse 21 

Christina Lehnert, 

–ı 14.7. 

Ketuta Alexi–Meskhishvili 

Kupper Modern, Zwinglistrasse 10 Laurent Goei –ı 22.6. 

Last Tango, Sihlquai 274 Pascale Birchler –ı 13.7. 

Le Sud + NGALA, Seestrasse 92, *44 210 0244 From Land to Sea and Back –ı 28.9. 

Lechbinska Gallery, 12 Mühlebachstrasse 

Ceremony – Dansekhwa by 

6.6.–17.8. 

Hyunae Kang 

Chiaki Saito – Everything Flows –ı 1.6. 

Livie Gallery, Claridenstrasse 34 André Butzer 7.6.–22.8. 

loop, Weststrasse 118, *44 200 70 70 Ausstellung über Waschküchen 6.6.–18.7. 

Lullin + Ferrari, Limmatstrasse 214, *43 205 2607 Liminal Moments 2 7.6.–13.7. 

Mai 36 Galerie, Rämistrasse 37, *44 261 6880 Matt Mullican – What They See 7.6.–10.8. 

Poppy Jones – Frozen Sun 7.6.–10.8. 

Mr. Green, Predigerplatz 2 Recycled extractions – From the pin –ı 27.6. 


Zürich / 

Schlieren 

Belgien *0032 

nano – Raum für Kunst, Röschibachstr. 57, *79 785 22 29 Andrea Alteneder, Joseph Egan –ı 7.6. 

Peter Kilchmann, Zahnradstr. 21, *44 278 1010 Bruno Jakob –ı 1.6. 

Didier William 7.6.–26.7. 

Grace Schwindt 7.6.–26.7. 

Petra Gut Contemporary AG, Nüschelerstrasse 31 

Intersections: Exploring Form 29.5.–29.6. 

and Contrast 

ring-ring, Aargauerstrasse 60 Laura Paloma –ı 31.5. 

Navid Tschoop 6.6.–18.8. 

Schaufenstergalerie Stampfenbachstrasse, 

Ingeborg Haas –ı 6.6. 

Stampfenbachstrasse 31 

Schuler Auktionen, Seestr. 341, *43 399 7044 Ausstellung Juni-Auktionen 2024 31.5.–4.6. 

Sentiment, Murwiesenstrasse 45 Stardust 1.6.–13.7. 

Universität Zürich, Rämistr. 71 Nicolas Buzzi – Carbon –ı 1.6. 

Visarte Zürich, Schoffelgasse 10, *44 252 4161 Maria Bill 13.6.–22.6. 

Nathalie Diserens 4.6.–9.6. 

Rita Maya Kaufmann –ı 1.6. 

Tristan Amor Rabit 11.7.–14.7. 

Valeria Boisco 27.6.–6.7. 

WBB Gallery, Trittligasse, *79 388 73 09 Sensigns – Peter Wallimann –ı 22.6. 

We Are AIA I Awareness in art, Löwenbräukunst, 

More-Than-Plane –ı 13.7. 

Limmatstrasse 268 

WOM!-art Pop up Art Space, Paradeplatz 8 Goldrausch –ı 16.6. 

Kunsthalle Schlieren, Gaswerkstr. 15 Voodoo 30.6.–29.9. 

Brüssel La Verrière, boulevard de Waterloo 50, *2 511 2062 Emmanuelle Castellan – Spektrum –ı 27.7. 

contretype, 1, avenue de la Jonction Kryztal –ı 7.7. 

Brüssel / Uccle DuflonRacz Bruxelles, Chaussée de Waterloo 690 Propositions –ı 29.6. 

Bulgarien *0359 

Sofia foryouandyourcustomers Sofia, 1 Pozitano Square Nevena Ekimova –ı 20.9. 

Deutschland *0049 

Aachen Ludwig Forum für internationale Kunst, 

Ulrike Müller –ı 9.6. 

Jülicher Strasse 97–109 

Arnsberg Kunstverein Arnsberg, Königstrasse 24, *2931 21 122 Inverse, Youniverse – 

9.6.–22.9. 

Oliver Goethals 

River Biographies – Lundahl & Seitl 9.6.–30.6. 

Backnang Galerie der Stadt, Petrus-Jacobi-Weg 1, *7191 894 477 Alice Musiol 8.6.–18.8. 

Tafelmusik No. 1 – Aufgetischt –ı 14.7. 

Berlin Akademie der Künste, Hanseatenweg 10, *30 200 57 2000 Sandra Vásquez de la Horra 19.6.–25.8. 

Akademie der Künste Berlin, Pariser Platz 4 Bilderkeller –ı 18.12. 

Alexander und Renata Camaro Stiftung, Potsdamer 

Die Kraft der Melancholie –ı 26.7. 

Straße 98A, *30 2639 2975 

Alfred Ehrhardt Stiftung, Auguststrasse 75 Alfred Ehrhardt – Ernst Barlach –ı 30.11. 

Alte Nationalgalerie, Bodestrasse 1–3, *30 2090 5801 Caspar David Friedrich –ı 4.8. 

Berlinische Galerie, Alte Jakobstr. 124–128 Closer to Nature –ı 14.10. 

Deutsches Historisches Museum Berlin, 

Roads not Taken –ı 24.11. 

Unter den Linden 2, *30 203 040 

Georg-Kolbe-Museum, Sensburger Allee 25 Hoda Tawakol –ı 13.10. 

Noa Eshkol –ı 25.8. 

Gropius-Bau, Niederkirchnerstr. 7, *30 254 860 Nancy Holt – Circles of Light –ı 21.7. 

Pallavi Paul – How Love Moves –ı 21.7. 

Radical Playgrounds –ı 14.7. 

Hamburger Bahnhof, Invalidenstr. 50–51 Alexandra Pirici –ı 6.10. 

Joseph Beuys –ı 22.9. 


Marianna Simnett – Winner –ı 3.11. 

Preis der Nationagalerie 7.6.–5.1. 

Haus am Waldsee, Argentinische Allee 30, *30 801 8935 Josephine Pryde –ı 18.8. 

HKW Haus der Kulturen der Welt, John-Foster-Dulles- Sergio Zevallos –ı 14.1. 

Allee 10, *30 397 870 

Julia Stoschek Collection Berlin, 60 Leipziger Straße Unbound – Performance as 

Rupture 

–ı 28.7. 

KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst, 

Am Sudhaus 3, *30 8 3215 9120 

KW Institute for Contemporary Art, Auguststrasse 69 

Franz Wanner – Mind the Memory 

–ı 14.7. 

Gap 

Ré-imaginer le passé –ı 28.7. 

This is poor! Patterns of Poverty –ı 14.7. 

Jimmy DeSana & Paul P. – Ruins 6.7.–20.10. 

of Rooms 

Luiz Roque – Estufa 6.7.–20.10. 

Pia Arke – Arctic Hysteria 6.7.–20.10. 

Museum für Fotografie Berlin, Jebensstr. 2, *30 266 2187 Michael Wesely –ı 1.9. 

Neue Nationalgalerie, Potsdamer Str. 50 Zerreißprobe –ı 28.9. 

Neuer Berliner Kunstverein, Chausseestr. 128–129 Banu Cennetoƒülu 8.6.–4.8. 

Thomas Arslan 8.6.–4.8. 

Schinkel Pavillon, Oberwallstr. 1, *30 2088 6444 Ivana Bašić 5.6.–25.8. 

Buchmann Galerie Berlin, Charlottenstr. 13, *30 2589 9929 Pedro Cabrita Reis – 

Wunderkammer 

–ı 26.6. 

Galerie Nordenhake Berlin, Lindenstrasse 34, 

*30 206 1483 

Galerie Poll, Gipsstr. 3 / Parterre, *30 261 7091 

Frida Orupabo – All is broken in 

the night 

Menagerie – Malerei und 

Skulpturen 

–ı 29.6. 

14.6.–27.7. 

Volker Stelzmann – Dickicht –ı 8.6. 

Lothar Wolleh Raum, Linienstraße 83A, *30 28873848 Jan Schoonhoven & Lothar Wolleh –ı 6.9. 

Kyiv Perenniale 

–ı 9.6. 

nGbK – neue Gesellschaft für bildende Kunst, Karl- 

Liebknecht-Straße 11 / 13, 1. Etage (Zugang über 

Rolltreppe), *30 616 5130 

Gastarbeiter 2.0 –ı 16.6. 

Municipal Kitchens 29.6.–18.8. 

Bielefeld Kunsthalle Bielefeld, Artur-Ladebeck-Strasse 5 Stellung beziehen – Käthe Kollwitz –ı 16.6. 

Bochum Kunstsammlungen der Ruhr-Universität Bochum, 

Weltsichten. Landschaft in der 

–ı 1.10. 

Nevelstraße 29C 

Kunst seit dem 15. Jahrhundert 

Bonn Bundeskunsthalle, Helmut-Kohl-Allee 4, *228 917 1201 Franz Erhard Walther –ı 28.7. 

Interactions 2024 –ı 27.10. 

Kengo Kuma – Onomatopoeia 

–ı 1.9. 

Architecture 

Macht mit! Demokratie gestalten –ı 13.10. 

Bremen Gesellschaft für Aktuelle Kunst, Teerhof 21, *421 500 897 Nika Son – scatter, no turn –ı 4.8. 

Kunsthalle Bremen, Am Wall 207, *421 329 080 

Lisa Seebach, Julia Charlotte 

–ı 4.8. 

Richter 

Three by Chance –ı 28.7. 

Wild! Kinder – Träume – Tiere – 

–ı 14.7. 

Kunst 

Weserburg Museum für moderne Kunst, Teerhof 20 

Martin Reichmann – Hyper!ons 21.6.–25.8. 

Epiphysis 

So wie wir sind –ı 30.8. 

Von De Stijl bis Boekie Woekie –ı 2.6. 

Yael Bartana – Utopia Now! –ı 24.11. 

Bremerhaven Kunsthalle Bremerhaven, Karlsburg 4, *471 468 38 In ihrer Zeit. Spuren von Gewicht –ı 14.9. 

Nora Schultz –ı 21.7. 

Brühl Max Ernst Museum, Comesstrasse 42 / Max-Ernst-Allee 1 Nevin Aladağ –ı 30.6. 

Chemnitz 

Kunstsammlungen Chemnitz am Theaterplatz, 

Theaterplatz 1, *371 488 4424 

Hanna Bekker vom Rath 

7.7.–20.10. 

Vier Frauen. Vier Lebensläufe –ı 9.6. 

Museum Gunzenhauser, Falkeplatz Chemnitz –ı 1.9. 

Win / Win 16.6.–4.8. 

AGENDA // SCHWEIZ / BELGIEN / BULGARIEN / DEUTSCHLAND 159

Darmstadt Institut Mathildenhöhe, Olbrichweg 13 A, *6151 132 778 Raumkunst –ı 27.7. 

Dessau Bauhaus Museum Dessau, Mies-van-der-Rohe-Platz 1 Bodies in Sync – Clément Cogitore –ı 2.2. 

Donaueschingen 

Dortmund 

Museum Art.Plus, Museumsweg 1, *771 896 6890 

Hartware MedienKunstVerein (HMKV), Leonie-Reygers- 

Terrasse 

Nature unlimited 

–ı 27.9. 

Reinhard Klessinger –ı 2.6. 

Niklas Goldbach – The Paradise 

–ı 11.8. 

Machine 

Künstlerhaus Dortmund, Sunderweg 1, *231 820 304 Transformation – Panta rhei 1.6.–7.7. 

Museum am Ostwall im Dortmunder U, Leonie-Reygers- Kopfüber in die Kunst –ı 25.8. 

Terrasse, *231 502 3247 

Dresden Residenzschloss, Taschenberg 2, *351 49 14 2000 Candida Höfer –ı 21.7. 

Staatliche Kunstsammlungen Dresden, 

Revolutionary Romances? –ı 2.6. 

Residenzschloss / Taschenberg 2 

Generationengarten, Schäferstr. 14 Let the Grassroots Grow –ı 9.6. 

Duisburg Lehmbruck Museum, Düsseldorfer Str. 51, *203 283 2630 Courage 15.6.–13.10. 

Düsseldorf Julia Stoschek Collection Düsseldorf, 

Lynn Hershman Leeson –ı 14.12. 

Schanzenstrasse 54, *211 585 8840 

K20 Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Grabbeplatz 5, Hilma af Klint und Wassily 

–ı 11.8. 

*211 8381204 

Kandinsky 

Visionen von morgen – 

6.7.–6.7. 

Geschichten der Abstraktion 

K21 Kunstsammlung NRW, Ständehausstr. 1, *211 8381204 Forthcoming –ı 4.8. 

Mike Kelley –ı 8.9. 

Kunsthalle Düsseldorf, Grabbeplatz 4, *211 899 6240 Die Heilung der Erde 29.6.–8.9. 

Margarete Jakschik, 

–ı 9.7. 

Friedrich Kunath 

foryouandyourcustomers Düsseldorf, Marienplatz 1 Aljoscha –ı 26.9. 

Galerie Ludorff, Königsallee 22, *211 326 566 

Klaus Fussmann – Ein Fest für die 

–ı 1.6. 

Augen 

Neuerwerbungen Frühjahr 2024 –ı 31.8. 

Sammlung Philara, Birkenstraße 47a, *211 24862721 In Abwesenheit –ı 8.9. 

Sies + Höke Galerie, Poststrasse 2+3, *211 301 4360 Federico Herrero –ı 29.6. 

Xie Lei –ı 29.6. 

Essen Museum Folkwang, Museumsplatz 1, *201 884 5444 Ferne Länder, Ferne Zeiten –ı 7.7. 

Andreas Slominski –ı 14.7. 

Willi Baumeister –ı 16.6. 

foryouandyourcustomers Essen, 50 Zweigertstraße Crossover – Jürgen Pass, Marlon 

Red 

–ı 1.10. 

Frankfurt / M Museum für Angewandte Kunst Frankfurt, Schaumainkai 17, 

*69 2123 4037 

Museum MMK für Moderne Kunst, Domstrasse 10, 

*69 2123 0447 

Freiburg / B 

Im Garten der Zufriedenheit 

–ı 14.7. 

Meet asian art: Antik? –ı 24.11. 

Christelle Oyiri 

–ı 23.6. 

Elizabeth Catlett –ı 16.6. 

There is no there there –ı 29.9. 

Schirn Kunsthalle, Römerberg, *69 299 8820 Cosima von Bonin –ı 9.6. 

Selma Selman 20.6.–15.9. 

Städel Museum, Schaumainkai 63 Kollwitz –ı 9.6. 

Muntean / Rosenblum –ı 1.12. 

basis, Gutleutstrasse 8–12, *69 400 376 17 Toni Schmale – opferblech –ı 21.7. 

Galerie für Gegenwartskunst, E-Werk Freiburg e.V., 

Eschholzstr. 77, *761 207 570 

Solmaz Daryani, Sabina 

Shikhlinskaya 

4.6.–14.7. 

PEAC Museum, Robert-Bunsen-Str. 5, *761 510 6606 Zwischen weißen Wänden… –ı 21.7. 

Friedberg Galerie Hoffmann, Görbelheimer Mühle 1, *06031 2443 Raritäten –ı 15.6. 

Friedrichshafen Kunstverein Friedrichshafen, Buchhornplatz 6 Tamara Goehringer –ı 23.6. 

Fulda Villa Franz Erhard Walther, Paulustor, 4 Lygia Clark und Franz Erhard 

–ı 30.6. 

Walther 

Giessen Neuer Kunstverein, Ecke Licher Str. / Nahrungsberg Jody Korbach –ı 8.6. 

Halle 

Kunstmuseum Moritzburg Halle (Saale), Friedemann- 

Bach-Platz 5, *345 212 590 

It’s all about collecting … –ı 22.6. 


Konstanz — Johann Jakob 

Biedermann, Rosgartenmuseum 

Regensburg — Hans Lankes, 

foryouandyour costumers © ProLitteris 

Hamburg Deichtorhallen, Deichtorstrasse 1–2, *40 321 030 Survival In The 21 st Century –ı 3.11. 

Hamburger Kunsthalle, Glockengießerwall 5, 

*40 428 131 200 

Georges Adéagbo 

–ı 29.9. 

Impressionismus –ı 1.1. 

Kathleen Ryan –ı 11.8. 

Making History – Hans Makart –ı 31.12. 

something new, something old, 

–ı 15.9. 

something desired 

The Ephemeral Lake – 

–ı 27.10. 

Jakob Kudsk Steensen 

untranquil now –ı 19.1. 

William Blakes Universum 14.6.–8.9. 

Kunsthaus Hamburg, Klosterwall 13–15 Lila-Zoé Krauß –ı 7.7. 

Kunstverein Hamburg, Klosterwall 23 Diego Marcon – La Gola –ı 11.8. 

Marina Xenofontos –ı 11.8. 

Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg, Steintorplatz Water Pressure –ı 13.10. 

Sammlung Falckenberg, Wilstorfer Strasse 71, 

*40 3250 6762 

Jakob Lena Knebl und 

Ashley Hans Scheirl 

–ı 15.9. 

Galerie Nanna Preußners, 13 Klosterwall Constanze Vogt 28.6.–20.7. 

Hannover Kestner Gesellschaft, Goseriede 11, *511 701 2016 Anna K. E. –ı 30.6. 

Marlena Kudlicka –ı 7.7. 

Rebecca Ackroyd – Mirror Stage –ı 24.11. 

Roger Hiorns – Today –ı 30.6. 

Sprengel Museum, Kurt-Schwitters-Platz Jean Leppien –ı 23.6. 

Pablo Picasso, Max Beckmann –ı 16.6. 

Kunstverein Hannover, Sophienstrasse 2 István Csákány –ı 19.1. 

The Myth of Normal –ı 14.7. 

Heidelberg foryouandyourcustomers Heidelberg, 37 Hauptstraße Skafte Kuhn –ı 4.7. 

Herford Marta Herford, Goebenstr. 4–10, *5221 9944 300 Rodney McMillian –ı 16.6. 

Hörstel DA, Kunsthaus Kloster Gravenhorst, Klosterstrasse 10, 

*2551 69 4200 

[intimacy] – von Menschen und 

Orten 

Das Kloster Gravenhorst 

1256–1808 

6.7.–25.8. 

Karlsruhe Staatliche Kunsthalle Karlsruhe, Hermann-Veit-Straße 6 KunsthalleKarlsruhe@ZKM –ı 29.4. 

Kassel Kunsthalle Fridericianum, Friedrichsplatz 18 Ulla Wiggen –ı 2.6. 

Kiel Stadtgalerie Kiel, Andreas-Gayk-Str. 31, *431 901 3400 X – Premio Fondazione VAF 15.6.–1.9. 

Kleve Museum Kurhaus, Tiergartenstr. 41, *2821 75010 Schönheit & Verzückung – 

–ı 23.6. 

Jan Baegert 

Konstanz Rosgartenmuseum, Rosgartenstraße 3–5, *7531 900 2913 Ignaz Heinrich von Wessenberg –ı 1.9. 

Kunstgrenze Galerie, Kreuzlinger Straße 56, *79 197 9140 Kulturgut Tarot –ı 31.5. 

Krefeld Kunstmuseen Krefeld, Joseph-Beuys-Platz 1, 

*2151 975 580 

Köln 

Die Photographische Sammlung / SK Stiftung Kultur, 

Im Mediapark 7, *221 888 950 

–ı 8.9. 

Collection Satellite #9 

–ı 6.10. 

Museum without Borders –ı 8.9. 

Blick in die Zeit – Alter und Altern 

–ı 7.7. 

im photographischen Porträt 

AGENDA // DEUTSCHLAND 161

Leipzig 

Lindau / 

Bodensee 

Jem Southam – The Pond at Upton 

–ı 7.7. 

Pyne 

Kolumba, Kolumbastraße 4 Wort Schrift Zeichen –ı 14.8. 

Museum Ludwig Köln, Heinrich-Böll-Platz 

Hier und jetzt – Und gestern und 

–ı 13.10. 

morgen 

Roni Horn –ı 11.8. 

ZADIK | Zentralarchiv für deutsche und internationale 

Kunstmarktforschung, Im Mediapark 7, *221 470 89230 

Barbara Gross – Women Artists as 

Protagonists 

–ı 30.8. 

Galerie Boisserée, Drususgasse 7–11, *221 257 8519 Eduardo Chillida –ı 20.7. 

Galerie für Zeitgenössische Kunst, Karl-Tauchnitz-Str. Tübke und Italien –ı 16.6. 

9–11, *341 140 8125 

Kunstmuseum Lindau, Maximilianstr. 52, *8382 27 47 47 Christo und Jeanne-Claude –ı 13.10. 

Lingen Kunsthalle Lingen, Kaiserstrasse 10 a, *591 59 995 Antonia Hirsch – Phenomenal 

–ı 2.6. 

Fracture 

Luckenwalde E-WERK Luckenwalde, Rudolf-Breitscheid-Straße 73 The Sustainable Institution –ı 30.11. 

Mainz Kunsthalle Mainz, Am Zollhafen 3–5, *6131 126 936 Melanie Bonajo – Schule der 

–ı 16.6. 

Liebenden 

Philipp Gufler – Dis / Identification –ı 16.6. 

Mannheim Kunsthalle Mannheim, Moltkestrasse 9, *621 293 6413 Sarah Lucas – Sense of Human 7.6.–20.10. 

Reiss-Engelhorn-Museen, Zeughaus C5 Ugo Dossi – Zeichen und Wunder –ı 30.6. 

Marl Skulpturenmuseum Marl, Georg-Herwegh-Straße 67 Stefanie Klingemann – Progress –ı 9.6. 

Memmingen MEWO Kunsthalle, Bahnhofstraße 1, *8331 850 770 Sebastian Bühler – Abstract 

–ı 21.7. 

Realities 

Wolfgang Niesner –ı 23.6. 

München Alte Pinakothek, Barer Straße 27 Aktmodell und Tugendheldin –ı 2.6. 

Alte Meister in Bewegung –ı 31.12. 

Rubens, Brueghel und die 

9.7.–12.1. 

Blumenkranzmadonna 

Von Goya bis Manet –ı 31.12. 

Architekturmuseum der Technischen Universität, 

The Gift –ı 8.9. 

Arcisstrasse 21 

Die Neue Sammlung – The International Design Museum, Das Fahrrad –ı 22.9. 

Türkenstraße 15 

ERES Projects, Theresienstraße 48, *89 388 79 079 Oliver Laric – Metamorphosen –ı 26.7. 

ERES Stiftung, Römerstrasse 15, *89 3887 9079 The Bird Show –ı 27.7. 

Haus der Kunst München, Prinzregentenstrasse 1, 

*89 211 27 113 

Liliane Lijn – Arise Alive 

–ı 19.9. 

Luisa Baldhuber – Afterglow –ı 14.12. 

Martino Gamper – Sitzung –ı 27.10. 

MMMHaus – Meet Make Move –ı 11.9. 

Rebecca Horn –ı 12.10. 

Samaneh Atef, Belén Sánches, 

–ı 13.7. 

Desmond Tjonako 

Kunsthalle der Hypo-Kulturstiftung, Theatinerstrasse 8 Viktor&Rolf – Fashion Statements –ı 6.10. 

Museum Brandhorst, Theresienstr. 35a Andy Warhol & Keith Haring 28.6.–26.1. 

Von Andy Warhol bis Kara Walker. –ı 14.7. 

Pinakothek der Moderne, Barer Strasse 40, *89 2866 9944 Abstrakte Horizonte 14.6.–8.9. 

Alfred Ehrhardt – Wind, Sand und 14.6.–8.9. 

Wasser 

Die Sammlung van de Loo 14.6.–8.9. 

Gutai 14.6.–8.9. 

ZEN 49 – zum 75. Jubiläum 14.6.–8.9. 

Galerie der Künstler*Innen, Maximilianstrasse 42 Fremde, die sich am besten kennen –ı 22.6. 

Galerie J. J. Heckenhauer, Markstr. 13 Vadim Vosters & Michael Aerts –ı 1.6. 

Kunstverein München, Galeriestrasse 4 Carissa Rodriguez –ı 18.8. 

Smudajescheck Galerie, Schwindstr. 3 

15 Years | 5 Artists – Orange is the 

Color of my Dreams 

20.6.–27.7. 


Münster Kunsthalle Münster, Hafenweg 28, *251 492 4191 Forms of the Surrounding Futures –ı 4.8. 

Neuss Skulpturenhalle, Lindenweg / Ecke Berger Weg Thomas Schütte – Prints –ı 28.7. 

Stiftung Insel Hombroich, Minkel 2, *2182 887 4000 Bernhard Fuchs – Hofau –ı 25.8. 

Gleichklang in Autonomie – 

–ı 23.2. 

Hildegard und Erwin Heerich 

Gotthard Graubner –ı 3.11. 

Nürnberg Kunsthaus Nürnberg, Königstr. 93, *911 203 110 Unterwegs 1956 – 2023 –ı 23.6. 

Neues Museum Nürnberg, Klarissenplatz, *911 240 2069 Tapetenwechsel –ı 1.9. 

Oldenburg Edith-Russ-Haus, Katharinenstr. 23 Robert Glas –ı 9.6. 

Pforzheim Kunstverein im Reuchlinhaus, Jahnstr. 42, *7231 215 25 atmen & sehen 5.7.–29.9. 

Potsdam Das Minsk Kunsthaus, 17 Max-Planck-Straße Soft Power –ı 11.8. 

Ravensburg Kunstmuseum Ravensburg, Burgstr. 9 Cobra nach Cobra –ı 23.6. 

Regensburg foryouandyourcustomers Regensburg, Traubengasse 6 Hans Lankes 28.6.–12.12. 

Reutlingen Kunstmuseum Reutlingen / konkret, Eberhardstraße 14, 

*7121 303 2322 

Bernard Aubertin – Rouge et plus –ı 20.10. 

Kunstmuseum Reutlingen / Spendhaus, 

Spendhausstrasse 4, *7121 303 2322 

Florian Haas – Historienschnitte 

Holz – Skulptur, Relief und 

Arbeiten auf Papier 

–ı 28.7. 

–ı 23.6. 

Kunstmuseum Reutlingen / Galerie, Eberhardstr. 14, Simone Eisele – after Millet 2.6.–1.9. 

*7121 303 2322 

Riegel kunsthalle messmer, Grossherzog-Leopold-Platz 1 Bella Italia – Enrico Ghinato & 

–ı 23.6. 

Vespa 

Rostock Kunsthalle Rostock, Hamburger Strasse 40 Clemens Krauss –ı 9.6. 

Saarbrücken foryouandyourcustomers Saarbrücken, Am Staden 21 Sigrún Ólafsdóttir –ı 31.7. 

Schweinfurt Museum Georg Schäfer, Brückenstrasse 20 Der rote Schirm –ı 16.6. 

Siegen Museum für Gegenwartskunst Siegen, Unteres Schloss 1, 

*271 405 7710 

Museum der Schatten 

–ı 2.6. 

Sung Tieu 30.6.–10.11. 

Sindelfingen Galerie Stadt Sindelfingen, Marktplatz 1 Decoding the Blackbox –ı 16.6. 

Expression und Geste –ı 30.6. 

Singen Kunstmuseum Singen, Ekkehardstrasse 10, *7731 85 271 125 x Singen – Historische 

–ı 15.9. 

Ausstellung 

Krieg und Frieden – Otto Dix –ı 8.9. 

Marcus Schwier – Singen –ı 15.9. 

Stuttgart Kunstmuseum Stuttgart, Kleiner Schlossplatz 1, 

*711 216 196 00 

Staatsgalerie, Konrad-Adenauer-Str. 30–32 

Frischzelle_30 – Simone Eisele 

–ı 22.9. 

Kubus – Sparda-Kunstpreis 2024 –ı 25.8. 

Otto Herbert Hajek –ı 6.10. 

Vom Werk zum Display 20.6.–2.11. 

Dokumentarfotografie 

–ı 23.6. 

Förderpreise 14 

Florian Slotawa –ı 16.6. 

Galerie von Braunbehrens, Rotebühlstr. 87, *711 605 584 Willi Siber –ı 6.6. 

Tuttlingen Galerie der Stadt Tuttlingen, Rathausstrasse 7, 

*7461 99 318 

Andrea Francolino 

8.6.–21.7. 

Lotte Günther –ı 2.6. 

Tübingen Kunsthalle Tübingen, Philosophenweg 76 Kunstschätze –ı 15.9. 

Kunstdorf Unterjesingen, Unterjesingen Ist das schön 22.6.–23.6. 

–ı 29.9. 

Ulm kunsthalle weishaupt, Hans-und-Sophie-Scholl-Platz 1, 

*731 161 4360 

Wolfram Ullrich – Überwindung der 

Schwerkraft 

Unna Zentrum für Internationale Lichtkunst, Lindenplatz 1 Weithin leuchtend – Tief unter der 

Erde strahlend 

Völklingen Weltkulturerbe Völklinger Hütte, Rathausstraße 75–79, 

*6898 9100 100 

Waiblingen Galerie Stihl Waiblingen, Eva Mayr-Stihl Platz 1, (ehemals 

Weingärtner Vorstadt 12), *7151 5001 1686 

–ı 1.6. 

Der Deutsche Film – 1859 bis Heute –ı 18.8. 

Urban Art Biennale –ı 10.11. 

Ja was denn!? Volker Kriegel – 

–ı 2.6. 

Musiker, Zeichner, Autor 

Weil am Rhein Städt. Galerie Stapflehus, Bläsiring 10 Colette Couleau, Verena Thürkauf, –ı 14.7. 

Gabriela Stellino 

Weilburg fotobildlager7a + Archiv_Klaus Graubner*1938, 

Friedrich-Ebert-Straße 7a 

Street Seen –ı 31.7. 

AGENDA // DEUTSCHLAND 163

Wilhelmshaven Kunsthalle Wilhelmshaven, Adalbertstr. 28 –162°C, 450 kg / m³ – Fossile 

Energie, fragile Zukunft 

Wuppertal Von der Heydt-Museum, Turmhof 8, *202 563 6231 Lothar Baumgarten – Land of the 

Spotted Eagle 

Nicht viel zu sehen – Wege der 

Abstraktion 1920 bis heute 

Würzburg Museum im Kulturspeicher, Oskar-Laredo-Platz 1 24! – Fragen an die Konkrete 

Gegenwart 

Frankreich *0033 

–ı 28.8. 

–ı 1.9. 

–ı 1.9. 

–ı 22.9. 

Aix-en- 

Provence 

Annecy 

Hôtel de Caumont – Centre d’Art, 3, rue Joseph Cabassol Bonnard et le Japon –ı 6.10. 

Fondation Salomon Art Contemporain, 34 avenue de 

Loverchy, *4 5002 8752 

L’Abbaye – Espace d’art contemporain, 15 Chemin de 

l’Abbaye 

Anima – Quand le dessin s’anime –ı 12.10. 

Iris Levasseur –ı 17.12. 

Arles Les Rencontres d’Arles, 10, rond point des Arènes Rencontres de la Photographie 

Arles 2024 

Besançon FRAC Franche-Comté, Cité des arts / Passage des arts 2, 

*381 878740 

1.7.–22.9. 

Esther Ferrer, Un minuto más 

–ı 27.10. 

La Ribot, Attention, on danse ! –ı 27.10. 

Blois Fondation du doute, 14 rue de la Paix Benoit Huot – Le peuple qui vient –ı 2.6. 

Bordeaux CAPC, Entrepot Lainé, 7, rue Ferrière Nina Beier – Auto –ı 8.9. 

Musée des Beaux-Arts Bordeaux, 20, cours d’Albret Valérie Belin –ı 28.10. 

Cannes Suquet des Artistes, Rue Saint-Dizier 7, *4 970 645 21 Julien des Monstiers –ı 22.9. 

Cherbourg- Le Point du Jour, 109, av. de Paris, *9923 La couleur est la lumière –ı 1.9. 

Octeville 

Clamart Fondation Arp, 21, rue des Châtaigniers Esprit d’atelier, arp et taeuber, 

–ı 24.11. 

vivre et créer 

Corte FRAC Korsika, La Citadelle Jordi Colomer –ı 15.6. 

Céret Musée d’Art Moderne Céret, 8, Boulevard Maréchal Joffre Teresa Lanceta – la mémoire tissée –ı 2.6. 

Delme Centre d’art contemporain Delme, 33, rue Poincaré Gina Folly – The Simple Life –ı 2.6. 

Dunkerque FRAC Grand Large, 503 Av des Bancs de Flandres José Loureiro – Croque-couleur –ı 1.9. 

LAAC – Lieu d’Art et d’Action contemporaine, Jardin des Gérard Duchêne – L’Appel du large –ı 13.10. 

sculptures 

Flassans-sur- Commanderie de Peyrassol, Chemin de Peyrassol Bertrand Lavier –ı 3.11. 

Issole 

Hyères CN Villa Carmignac, Île de Porquerolles, *170 02 33 26 The Infinite Women –ı 3.11. 

Hégenheim FABRIKculture, 60, rue de Bâle Exploring Conscious Territories 7.6.–28.6. 

Ile de Vassivière Centre International d’Art et du Paysage, Diplomaties terrestres 11.6.–5.11. 

Ivry-sur-Seine Centre d’art contemporain d’Ivry – le Crédac, 

L’amitié – ce tremble –ı 13.7. 

25–29 rue Raspail 

Jumièges Abbaye de Jumièges, 24, rue Guillaume le Conquérant Laurent Grasso – Clouds theory –ı 29.9. 

Landerneau Fonds Hélène & Edouard Leclerc, 71 Rue de la Fontaine Henri Cartier-Bresson 15.6.–5.1. 

Blanche, Rue des Capucins 

Lens Musée du Louvre-Lens, 99, rue Paul Bert, *3 2118 6262 Mondes soutterains –ı 22.7. 

Lille Institut pour la photographie, 11 rue de Thionville L’automne à l’Institut –ı 24.12. 

Lyon Musée d’art contemporain Lyon, 81, quai Charles de Gaulle Désordres –ı 7.7. 

Friends in Love and War –ı 7.7. 

Sylvie Selig –ı 7.7. 

Marseille Musée des civilisations de l’Europe et de la Mediterranée, 

Espace Georges Henri Rivière 

Paradis Naturiste 3.7.–9.12. 

Metz 

Centre Pompidou Metz, 1, parvis des Droits de l’Homme 

CS 90490 

Katharina Grosse – déplacer les 

étoiles 

1.6.–24.2. 

Montpellier FRAC Occitanie Montpellier, 4–6, rue Rambaud Anna Solal 21.6.–12.10. 

Mouans- Espace de l’Art Concret, Château de Mouans 

Francis Bacon et l’Âge d’Or du 

9.6.–5.1. 

Sartoux 

Design 

herman de vries. Zéro et après –ı 5.1. 


Mougins FAMM (Femmes Artistes du Musée de Mougins), 

Gruppenausstellung 21.6.–21.10. 

Rue du Commandeur 32 

Mulhouse La Kunsthalle, 16, rue de la Fonderie, *369 776 647 Darra-Zahra-Jabal – Younes 

7.6.–27.10. 

Rahmoun 

Nantes HAB / Hangar à Bananes, Quai des Antilles 21 Caroline Mesquita –ı 29.9. 

Le Lieu Unique, 2, rue de la biscuiterie Lauren Lee McCarthy 21.6.–8.9. 

Le voyage à Nantes, 1 / 3 rue Crucy 13 ème édition du Voyage à Nantes 6.7.–8.9. 

Nice La Gaya Scienza, Rue Dalpozzo, 9 bis We Are Happy Here in A Happy 

–ı 13.7. 

House 

Villa Arson, 20, av. Stephen Liégeard Parasite 2.0 – gently brut –ı 25.8. 

Nogent-sur- 

Marne 

Maison d’Art Bernard Anthonioz, Rue Charles VII 16, 

*1 48 71 90 07 

Patrick Goddard – Essaims, 

hordes, fléaux ! 

Noisiel La Ferme du Buisson, Allée de la Ferme Justin Fitzpatrick, Mary Reid 

–ı 28.7. 

Kelley, Patrick Kelley 

Paris Bourse de Commerce, 2 Rue de Viarmes Le monde comme il va –ı 2.9. 

Centre Pompidou, Place Georges Pompidou, *1 4478 1233 Hannah Villiger –ı 22.7. 

Roberta González –ı 9.3. 

Drawing Lab Paris, 17 rue de Richelieu, *1 45 38 51 15 Efe Godoy –ı 15.6. 

Fondation Cartier, 261, blvd Raspail, *1 4218 5651 Matthew Barney – Secondary 8.6.–8.9. 

Fondation d’entreprise Pernod Ricard, 1 cours 

Paul Ricard, *1 5330 8800 

Crumbling the Antiseptic Beauty –ı 13.7. 

Pontault- 

Combault 

Rochechouart 

Roubaix 

Fondation Henri Cartier-Bresson, Rue des Archives 79, 

*1 40 61 50 50 

Stephen Shore – Véhiculaire & 

Vernaculaire 

–ı 7.7. 

1.6.–15.9. 

Fondation Louis Vuitton, 8, av. du Mahatma Gandhi Henri Matisse, Ellsworth Kelly –ı 9.9. 

Institut du Monde Arabe, 1, rue des Fossée-Saint-Bernard Aurélia Zahedi – La Rose de Jéricho –ı 30.6. 

mahJ – musée d’art et d’histoire du Judaïsme, 

Jérôme Zonder 1.6.–27.10. 

Hôtel de Saint-Aignan 

Maison de l’Amérique latine, 217, bd Saint-Germain Julio Le Parc –ı 29.6. 

Musée du quai Branly, 37, quai Branly Myriam Mihindou –ı 10.11. 

Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, 11, avenue du 

Président Wilson, *1 5367 4000 

Beware – Carte blanche à 

Ari Marcopoulos 

–ı 25.8. 

Jean Hélion – La prose du monde –ı 18.8. 

Présences arabes –ı 25.8. 

Musée Picasso Paris, 5, rue de Thorigny, *1 4271 2521 Picasso Iconophage 11.6.–22.9. 

Palais de Tokyo, 13, av. du Président Wilson Mohamed Bourouissa – Signal –ı 30.6. 

Bétonsalon, 9, esplanade Pierre Vidal-Naquet Sylvie Fanchon – Sofarsogood –ı 13.7. 

Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts, 13, 

autohistorias –ı 30.6. 

quai Malaquais 

L’Ahah #Griset, 4 cité Griset, *171 27 72 47 Piet Moget & Patrick Sauze –ı 22.6. 

Centre Photographique d’île-de-France, 107, av. de la François Bellabas – Blank Memory –ı 21.7. 

République 

Musée départemental d’art contemporain, 

Natsuko Uchino –ı 15.9. 

Place du Château 

Musée d’art et d’industrie – La Piscine, 26, rue des 

Gaëlle Choisne –ı 30.6. 

Champs – 23, rue de l’Espérance 

Rouen Musée des beaux-arts Rouen, Square Verdrel David Hockney – Normandism –ı 22.9. 

Rouillé RurArt, Lycée agricole Venours, *5 4943 6259 Julien Salaud –ı 30.6. 

Saint-Nazaire Le Grand Café, Place des quatres z’Horloges Katharina Grosse 1.6.–24.2. 

Saint-Ouenl’Aumône 

Saint-Paulde-Vence 

L’Abbaye de Maubuisson, rue Richard de Tour 

Sentience, écouter le parfum de 

–ı 1.9. 

la couleur 

Fondation CAB Saint-Paul-de-Vence, Chemin des Trious Edith Dekyndt –ı 27.10. 

↗ kunstbulletin.ch 

AGENDA // DEUTSCHLAND / FRANKREICH 165

Sottevillelès-Rouen 

FRAC Haute-Normandie, 3, place des Martyrs-de-la- 

Résistance 

Francis Baudevin –ı 22.9. 

Sète MIAM, 23, quai Maréchal de Lattre de Tassigny Beaubadugly 27.6.–10.3. 

Sélestat FRAC Alsace, 1, espace G. Estève, *3 8858 8755 Il était une fuite –ı 2.6. 

Sérignan Musée Régional d’Art Contemporain, 146, av. de la Plage Fortuna –ı 22.9. 

Thiers Le Creux de l’Enfer, Vallée des Usines Silvana Mc Nulty –ı 2.6. 

Toulouse Les Abattoirs, 76, Allées Ch.-de-Fitte Artistes et paysans –ı 25.8. 

Printemps de septembre, 18, rue St Rémesy Ursula Biemann – Deep Weather –ı 30.6. 

Versailles Château de Versailles, Place d’Armes Eva Jospin 18.6.–29.9. 

La Maréchalerie, 5, av. de Sceaux La grotte de l’amitié –ı 12.7. 

Villeneuve LaM, 1, Allée du Musée, *3 2019 6870 Marisa Merz –ı 22.9. 

d’Ascq 

Vitry-sur-Seine MAC / VAL Musée d’art contemporain, Place de la Libération Humain Autonome – Déroutes –ı 22.9. 

Galerie municipale de Vitry, 59, av. Guy-Môquet L’Œil vérité –ı 15.6. 

Vélizy- 

L’Onde, 8, av. Louis Breguet, *134 580 335 Namsa Leuba – Tropicadelic –ı 6.7. 

Villacoublay 

Wattwiller Fondation François Schneider, 27 rue de la Première Armée Aqua Terra –ı 22.9. 

Italien *0039 

Aosta Centro Saint Benin, Via Bonifacio Festaz 27 Sguardi di intesa –ı 22.9. 

Bard Forte di Bard, Cerntro, AO, *125 833 811 Non c’è più tempo –ı 21.7. 

Bergamo Monastero del Carmine, Via Bartolomeo Colleoni 21, BG Contemporary Locus 16 | VOCI –ı 30.6. 

Palazzo della Ragione Bergamo, Piazza Vecchia 8A, BG Sonia Boyce –ı 22.9. 

GAMeC, Via San Tomaso, 53 Lin May Saeed –ı 22.9. 

Massi Erratici –ı 22.9. 

Pensare come una montagna –ı 22.9. 

Una Galleria, Tante Collezioni –ı 11.1. 

Bologna Fondazione Artistica Collegio Venturoli, Via Centotrecento 4 Lo sviluppo del talento –ı 15.6. 

Fondazione MAST, Via Speranza 42 Vertigo –ı 30.6. 

Museo d’Arte Moderna, Via Don Minzoni 14, *51 649 6611 Frontiera –ı 30.6. 

Museo Morandi, Palazzo Accursio Mary Ellen Bartley –ı 7.7. 

Museo Ottocento Bologna, Piazza San Michele 4C, BO Mario De Maria detto Marius Pictor –ı 30.6. 

Palazzo Bentivoglio, C Via del Borgo di San Pietro 1, BO Luigi Ghirri – Aterlier Morandi –ı 30.6. 

Raccolta Lercaro, 57 Via Riva di Reno, BO Antonio Violetta –ı 15.9. 

Palazzo Fava, Via Manzoni, 2 Da Felice Giani a Luigi Serra –ı 30.6. 

Bolzano Fondazione Antonio Dalle Nogare, Rafensteiner Weg 19, 

BZ, *0471 971 626 

Under the Spell of Duchamp 

–ı 28.12. 

«I just don’t like eggs!» –ı 22.2. 

Museion Bolzano, Dantestr. 6, BZ, *471 223 413 Adolf Vallazza –ı 2.6. 

Ezio Gribaudo –ı 1.9. 

Renaissance –ı 1.9. 

Brescia Palazzo Martinengo, Via Musei 30 I Macchiaioli –ı 9.6. 

Capena Art Forum Würth, 2, Via della Buona Fortuna, *690 103 800 Namibia –ı 29.6. 

Catania Palazzo della Cultura, via Vittorio Emanuele II, CT Miró – La gioia del colore –ı 7.7. 

Civitella La Serpara, Loc. Serpara 2, SP 5, KM 26, VT 40 Künstler im Skulpturengarten –ı 31.12. 

d’Agliano 

Como Fondazione Antonio Ratti, San Francesco Ibon Aranberri 1.7.–26.7. 

Faenza Museo int. delle Ceramiche, Viale Baccarini 19 Gio Ponti – Ceramiche 1922–1967 –ı 13.10. 

Palazzo dei Diamanti, Piazza del Municipio 2 Escher –ı 21.7. 

Florenz 

Museo del Novecento Firenze, Piazza di Santa Maria 

Novella 10, FI 

André Butzer 

–ı 9.6. 

Jannis Kounellis –ı 9.6. 

Ritorni – Da Modigliani a Morandi –ı 15.9. 

Museum Bardini, 37 Via dei Renai, FI Mimmo Jodice –ı 14.7. 

Palazzo Medici Riccardi, Via Camillo Cavour 1 L’Incanto di Orfeo –ı 8.9. 

Palazzo Strozzi, Piazza Strozzi 1, FI, *55 282 635 Anselm Kiefer – Angeli caduti –ı 21.7. 

Gallarate MAGA Museo Arte di Gallarate, Via De Magri 1 Alfabeto del Contemporaneo –ı 1.9. 

Davide Maria Coltro –ı 1.9. 

Genova Palazzo Ducale Genova, Piazza Matteotti 9, *10 562 440 Franco Maria Ricci –ı 30.6. 


Modernità di un sentimento –ı 1.9. 

Sebastião Salgado –ı 14.7. 

Macerata Gaba.Mc Young, Via Antonio Gramsci 57, MC Grazia Varisco –ı 2.6. 

Milano Fondazione Arnaldo Pomodoro, Via Andrea Solari 35 Magali Reus –ı 30.6. 

Fondazione Elpis, 25 Via Orti, MI 

Theodoulos Polyviou – Un Palazzo 

–ı 7.7. 

in esilio 

Fondazione Luigi Rovati, 52 Corso Venezia, MI Vulci –ı 4.8. 

Fondazione Prada Milano, Largo Isarco 2, *25 3570 9200 Pino Pascali –ı 23.9. 

Fondazione Prada Osservatorio, Galleria Vittorio Emanuele II Miranda July – New Society –ı 14.10. 

ICA Milano, Via Orobia 26, MI, *375 532 48 06 Erika Verzutti –ı 19.7. 

Formafantasma –ı 19.7. 

MUDEC, Via Tortona 56, MI Exposure –ı 8.9. 

Martin Parr –ı 30.6. 

Vincent van Gogh –ı 28.9. 

Modena 

Museo del Novecento Milano, Palazzo dell’Arengario, MI, 

*2 8844 4061 

Archiviale_001 – Magali Reus 

–ı 30.6. 

Masbedo – Ritratto di città –ı 30.6. 

Palazzo Borromeo, Piazza Borromeo, 12, MI Loris Cecchini –ı 28.6. 

Palazzo Reale Milano, Piazza del Duomo 12, MI, 

*2 3646 1394 

Phillips Milano, Via Lanzone, 2, MI 

Brassaï 

–ı 2.6. 

Cézanne e Renoir –ı 30.6. 

Dolce&Gabana –ı 31.7. 

Giuseppe De Nittis –ı 30.6. 

Louise Nevelson – Beyond the 

–ı 30.6. 

Surface 

Pirelli HangarBicocca, Via Chiese 2, MI, *2 6611 1573 Chiara Camoni –ı 21.7. 

Nari Ward –ı 28.7. 

Triennale – Palazzo dell’Arte, 6 Viale Emilio Alemagna, MI Alessandro Mendini –ı 13.10. 

Giò Marconi, Via Tadino 15 Alex Da Corte –ı 31.7. 

Monica De Cardenas Milano, Via Francesco Viganò 4, MI, 

*2901 0068 

Fondazione Modena Arti Visive, Corso Cavour 2, MO, 

*59 203 31 66 

Federico Tosi – Bonsai Riot 

Project Room – Emilio Gola 

–ı 31.7. 

–ı 1.6. 

Franco Fontana 

–ı 16.6. 

Lupo Alberto –ı 25.8. 

Napoli Fondazione Morra Greco, Largo Avellino 17 Allora Vero – Cezary Bodzianowski –ı 27.7. 

Le Gallerie d’Italia – Palazzo Zevallos Stigliano, 

Velázquez –ı 14.7. 

177 Via Toledo, NA 

MADRE, Via Luigi Settembrini 79, NA Costruire comunità –ı 19.6. 

Nuoro Museo d’Arte Nuoro, Via Satta 15, NU, *784 252 110 Giorgio Andreotta Calò –ı 16.6. 

Valentina Medda –ı 16.6. 

Orani Museo Nivola, Via Gonare, 2, NU Siro Cugusi – Chimere –ı 3.6. 

Ortisei Biennale Gherdëina, 8 Pontives, BZ Biennale Gherdëina 9 –ı 1.9. 

Padova Cultural Center Altinate San Gaetano, Via Altinate, 72, PD Claude Monet –ı 4.8. 

Fondazione Alberto Peruzzo, Via Dante 63, 

Fabrizio Plessi –ı 13.10. 

Nuova Sant’Agnese, PD 

Padua Musei Civici, Piazza Eremitani 8 Olimpia Biasi –ı 7.7. 

Palermo Palazzo Branciforte, Via Bara all’Olivella 2 William Kentridge –ı 12.10. 

Parma 

Fondazione Magnani Rocca, Via Fondazione Magnani Bruno Munari –ı 30.6. 

Rocca 4, PR 

Pieve di Cento Pinacoteca Civica «Graziano Campanini», 

Nsurrezioni Dello Sguardo –ı 28.7. 

Via Marco Rizzoli 4 / 6, BO 

Pistoia Palazzo de’ Rossi, 26 Via de’ Rossi, PT ’60 Pop Art Italia –ı 14.7. 

Prato 

Centro Arte Luigi Pecci, Viale della Repubblica 277, PO, Alfredo Volpi 

–ı 9.6. 

*574 5317 

Colorescenze 28.6.–29.9. 

Museo del Tessuto di Prato, Via Puccetti, 3, PO Walter Albini –ı 22.9. 

Villa Rospigliosi, Via Firenze 83, PO Antonio Fiorentino – ad naturam –ı 23.6. 

Ravenna Fondazione Sabe, 31 Via Giovanni Pascoli, RA Massimo Baldini –ı 30.6. 

Reggio Emilia 

Collezione Maramotti, Via Fratelli Cervi 66, RE, 

*522 382 484 

Manuele Cerutti 

–ı 28.7. 

Silvia Rosi – Disintegrata –ı 28.7. 

Musei Civici di Reggio Emilia, Via Lazzaro Spallanzani 1 Luigi Ghirri –ı 2.3. 

AGENDA // FRANKREICH / ITALIEN 167

Palazzo Magnani, Corso Giuseppe Garibaldi 29 Fotografia Europea 2024 –ı 9.6. 

Rivoli Castello di Rivoli, Piazza del Castello, TO, *11 956 522 Exposed – Torino Foto Festival –ı 2.6. 

La Collezione Cerruti –ı 30.4. 

Paolo Pellion di Persano –ı 8.9. 

Rossella Biscotti –ı 25.11. 

Roma Casa di Goethe, Via del Corso 18, RM, *650 412 25 Jahre «Casa di Goethe» in Rom –ı 31.12. 

intervenzioni – Interventionen 

The Uncany House –ı 1.9. 

Chiostro del Bramante, Via della Pace, RM, *6880 9035 Emotion –ı 31.8. 

Fondazione Giuliani, via Gustavo Bianchi 1 Isabelle Cornaro –ı 29.6. 

Gaggenau DesignElementi Hub Roma, Lungotevere De’ Ingar Krauss –ı 24.7. 

Cenci, 4, RM 

Galleria Borghese, Piazzale Scipione Borghese 5, *32 810 Louise Bourgeois – Ricordati di me 21.6.–15.9. 

–ı 14.7. 

Rovereto 

Galleria Nazionale d’Arte Antica, Via Quattro Fontane 13, 

RM, *338 0570 

Effetto notte – Nuovo realismo 

americano 

Galleria Nazionale d’Arte Moderna, Viale delle Belle Arti Bai Ming –ı 30.6. 

131, RM, *322 981 

Istituto Svizzero, Via Ludovisi 48, RM, *06 420 421 On Love –ı 30.6. 

Maude Léonard-Contant, 

–ı 29.6. 

Monia Ben Hamouda 

L’Accademia Nazionale di San Luca, 77 Piazza Accademia Rifrazioni – 15 curatori x 15 artisti –ı 28.6. 

di San Luca, RM 

MACRO, Via Nizza 138 / Via Reggio Emilia 54, *6 7107 0400 Alvin Curran –ı 16.7. 

Noto, Grisi, Serafini, Tamburini –ı 25.8. 

MAXXI Museo Nazionale delle Arti del XXI Secolo, 

Aalto – Aino Alvar Elissa –ı 26.6. 

Via Guido Reni 2, RM, *7350 

Gagosian Rome, Via Francesco Crispi 16, RM, *86 498 Oscar Murillo –ı 15.6. 

Quirinale-Scuderie Papali, Via XXIV Maggio 16, RM, *7500 Napoli Ottocento –ı 16.6. 

MART Museo d’Arte Moderna e Contemporanea, 

Corso Bettini 43 

Arte e Fascismo 

–ı 1.9. 

Pietro Gaudenzi –ı 1.9. 

Rovigo Palazzo Roverella, Via Laurenti 8 Henri de Toulouse-Lautrec –ı 30.6. 

Sabbioneta Degli Antichi Gallery, Via Galleria 5, MN Georg Baselitz –ı 24.11. 

San Gimignano Galleria Continua, via del castello 11 Ai Weiwei, Zhanna Kadyrova, 

–ı 15.9. 

The Citrus Project 

Termoli MACTE Termoli Museum of Contemporary Art, 

Via Giappone, CB, *0875 808 025 

Ersilia – Praticare l’altrove –ı 1.6. 

Torino 

Camera – Centro Italiano per la Fotografia, 

Via delle Rosine 18 

Margaret Bourke-White 

14.6.–6.10. 

Robert Capa e Gerda Taro –ı 2.6. 

Fondazione Merz, Via Limone 24 Dia Beacon –ı 20.11. 

Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Via Modane 16 Diana Anselmo –ı 13.10. 

Fly on the Wall – Danielle McKinney –ı 13.10. 

Mohammed Sami –ı 13.10. 

The Otolith Group –ı 13.10. 

Galleria d’Arte Moderna e Contemp., Via Magenta 31, TO, 

*11 562 9911 

Italo Cremona 

–ı 15.9. 

Jacopo Benassi –ı 1.9. 

Museo Ettore Fico, Via Francesco Cigna 114 Afrika Now –ı 30.6. 

Quartz Studio, via Giulia di Barolo 18 / D, TO, *11 429 0085 Ingar Krauss –ı 20.7. 

Tremmezina Villa Carlotta, 2 Via Regina, CO L’Olimpo sul lago 22.6.–30.9. 

Trento Fondazione Galleria Civica, Via Belenzani 46 Allegoria della felicità pubblica –ı 30.6. 

Trieste Museo Revoltella, Via A. Diaz 27 Vincent van Gogh –ı 30.6. 

Museo Storico e il Parco del Castello di Miramare, 

Kosmos –ı 16.6. 

Viale Miramare, TS 

Venezia Arsenale, Campo Arsenale Massimo Bartolini –ı 24.11. 

Ca’ Corner della Regina, Santa Croce 2215, *2 5467 0981 Christoph Büchel –ı 24.11. 

Espace Louis Vuitton, 1353 Calle Ridotto, VE Ernest Pignon-Ernest –ı 24.11. 

Fondazione Bevilacqua La Masa, Galleria di Piazza 

San Marco 71 / c 

Betsabeé Romero –ı 1.9. 


Vaduz — Barry Le Va, 

Kunstmuseum Liechtenstein 

Vaduz — Ursula Wolf, Kunstraum 

Engländerbau © ProLitteris 

Vicenza 

Liechtenstein *0423 

Fondazione Querini-Stampalia, Castello 5252 A World of Many Worlds –ı 24.11. 

Yoo Youngkuk –ı 24.11. 

Galleria dell’Accademia Venezia, Campo de la Carità 1050, Willem de Kooning e l’Italia –ı 15.9. 

VE, *41 522 2247 

Giardini, Corderia dell’ Arsenale Stranieri Ovunque –ı 24.11. 

Le Stanze del Vetro, Isola di San Giorgio Maggiore 1 

Il Vetro di Murano e la Biennale 

–ı 24.11. 

di Venezia 

Le Stanze della Fotografia, Fondamenta San Giovanni, VE Helmut Newton – Legacy –ı 24.11. 

Patrick Mimran –ı 11.8. 

Padiglione Svizzero, Giardini di Castello, VE Super Superior Civilizations –ı 24.11. 

Palazzo Bonvicini – Fondation Valmont, 

Ulysses – We Are All Heroes –ı 23.2. 

2161 Calle Agnello, VE 

Palazzo Fortuny, San Beneto / 3780 San Marco, *41 520 0995 Eva Jospin –ı 14.11. 

Palazzo Grassi, San Samuele 3231 Julie Mehretu –ı 6.1. 

Peggy Guggenheim Collection, 701 Dorsoduro Jean Cocteau, Jean Cocteau. –ı 16.9. 

Procuratie Vecchie, 119 Piazza San Marco, VE Andrzej Wróblewski –ı 24.11. 

Robert Indiana – The Sweet 

–ı 24.11. 

Mystery 

Punta della Dogana, Dorsoduro 1, VE Pierre Huyghe –ı 24.11. 

Salone Verde, Sestiere Santa Croce 2258, Calle della Regina Cosmic Garden –ı 24.11. 

Spazio Berlendis, Calle Berlendis, VE Ydessa Hendeles – Grand Hotel –ı 24.11. 

A plus A Gallery, San Marco 3073 Double Take –ı 15.7. 

Arsenale Institute for Politics of Representation, 

Riva Dei Sette Martiri, Castello 1430 / A, VE 

William Kentridge – Self-Portrait 

as a Coffee-Pot 

–ı 24.11. 

Ca’Pesaro, Santa Croce 2076 Armando Testa –ı 15.11. 

Chiara Dynys –ı 15.11. 

Capsule Venice, Sestiere Dorsoduro, 2525, VE Hovering –ı 23.6. 

Istituto Santa Maria della Pietà, Calle Larga De Castelo, 

3701, VE 

Above Zobeide 

–ı 24.11. 

Peter Hujar –ı 24.11. 

La Biennale di Venezia, Giardini – Arsenale La Biennale di Venezia 2024 –ı 24.11. 

Museo di Palazzo Grimani, Ramo Grimani, 4858 

Karine N’guyen Van Tham, 

–ı 24.11. 

Parul Thacker 

Palazzo delle Prigioni, Castello, 4209 (San Marco) Yuan Goang-Ming – Everyday War –ı 24.11. 

Palazzo Ducale Venezia, San Marco 1, VE I mondi di Marco Polo –ı 29.9. 

Tanarte, Castello 2125, VE Elias Sime –ı 24.11. 

Basilica Palladiana, Musei Civici – Palazzo Chiericati, Pop / Beat Italia 1960–1979 –ı 30.6. 

Piazza Matteotti 37 / 39 

Vaduz 

Kunstmuseum Liechtenstein mit Hilti Art Foundation, 

Städtle 32, *235 0300 

Artist’s Choice – Bethan Huws 

–ı 1.9. 

Barry Le Va – In a State of Flux –ı 29.9. 

Die ganze Palette –ı 27.10. 

Kunstraum Engländerbau, Städtle 37, *236 6077 Atelier62 – Ursula Wolf 4.6.–28.7. 

AGENDA // ITALIEN / LIECHTENSTEIN 169

Graz — Andrea Scrima, 

Kunsthaus Graz 

Lustenau — Christine Katscher, 

DOCK 20 

Luxemburg *0352 

Luxemburg 

Norwegen *0047 

MUDAM / Musée d’Art Moderne Luxembourg, 3, Park Dräi 

Eechelen, *4537 851 

Billy Bultheel und James Richards 

–ı 9.6. 

Jason Dodge –ı 8.9. 

Oslo OsloBiennale, Myntgata 2 OsloBiennale –ı 31.12. 

Österreich *0043 

Bregenz 

Dornbirn 

Berufsvereinigung Bildender Künstlerinnen und Künstler 

Vorarlbergs, Gallusstr. 10, *5574 42 751 

Flatz Museum – Zentrum für Photographie, 

Marktstrasse 33, 2. Stock, *5572 306 4839 

Martin Walde –ı 23.6. 

No Limits | Körper, Performance & 

Photographie 

7.6.–12.10. 

foryouandyourcustomers Dornbirn, 6 / 4 Marktstraße Marbod Fritsch –ı 31.8. 

Kunstraum Dornbirn, Jahngasse 9, *5572 55 044 Angela Glajcar – Flashback 21.6.–1.12. 

Toni Schmale – Tanke –ı 9.6. 

Graz Kunsthaus Graz, Lendkai 1, *316 8017 9200 Andrea Scrima –ı 12.6. 

Sol LeWitt’s Wall – Performed –ı 9.6. 

Neue Galerie Graz, Joanneumsviertel 2, *316 8017 9100 Günter Brus – Ein irrer Wisch –ı 6.10. 

Janz Franz – Eine Sache des 

–ı 27.10. 

Überlebens 

Show! Highlights aus der Sammlung –ı 18.8. 

Grazer Kunstverein, Burggasse 4 Curtis Cuffie –ı 1.6. 

Halle für Kunst Steiermark, Burgring 2, *316 740 084 Every Romance Is a Repair – 

22.6.–1.9. 

Isabel Lewis, Dirk Bell 

Franz Kapfer: Atlanten – Ich oder 22.6.–1.9. 

das Chaos 

Hohenems Jüdisches Museum Hohenems, Schweizer Strasse 5 A Place of Our Own – Iris Hassid –ı 25.8. 

Krems 

ZEIT KUNST NIEDERÖSTERREICH Krems, 

Monocolor – Screen – Space –ı 10.11. 

Dominikanerkirche / Körnermarkt 14 

Linz galerie wuensch aircube, Volksfeststrasse 36 aircube 5 selection 2008–2013 –ı 29.6. 

aircube 5 selection 2014–2018 1.7.–30.9. 

Jorge Adrian Pruna Ginesta –ı 31.10. 

Lustenau DOCK 20 – Kunstraum und Sammlung Hollenstein, 

Planen + Falten: «Schwelle» –ı 27.7. 

Pontenstraße 20 

Salzburg Galerie Fotohof, Inge-Morath-Platz 1–3, *662 849 296 Edith Tudor-Hart – Ein klarer Blick 7.6.–3.8. 

in turbulenten Zeiten 

Julius Deutschbauer –ı 1.6. 

Wolf Suschitzky Prize –ı 1.6. 

Wien Kunst Haus Wien, Untere Weissgerberstr. 13, *1 712 0495 1. Klima Biennale –ı 14.7. 

das weisse haus, Hegelgasse 14, *1 236 3775 god’s entertainment –ı 8.6. 

foryouandyourcustomers Wien, Köstlergasse 6–8 Käthe Schönle –ı 26.9. 


Rumänien *0040 

Timisoara Museum of Art Timisoara, éiata unirii 1 Dieter Mammel – Lifeline –ı 4.8. 

Spanien *0034 

Almería Centro Andaluz de la Fotografía, 9 Calle Pintor Díaz Molina Lee Miller –ı 16.6. 

Badajoz Meiac, C. Museo, s / n, Badajoz Martín López Lam –ı 4.8. 

Pablo Reinoso –ı 10.6. 

Barcelona 

Caixa Forum Barcelona, Avenida del Marqués de 

Domillas 6–8, B, *93 476 8600 

Desde la Frontera 

–ı 24.6. 

Horizonte y límite –ı 1.9. 

Veneradas y temidas –ı 9.6. 

Centre d’Art Santa Mónica, Rambla de Santa Mónica 7 L’altre costat –ı 2.6. 

Centro de Cultura Contemporánea, Montalegre 5, B Suburbia –ı 8.9. 

Fundació Antoni Tàpies, Aragó 255, B, *93 487 0315 Chiharu Shiota – Fils de memòria –ı 23.6. 

Tàpies – La empremta japonesa –ı 23.6. 

Fundació Joan Miró, Parc de Montjuic, B, *93 443 9470 Inari Sandell – Lògica papallona –ı 7.7. 

Joaquim Gomis 11.6.–29.9. 

Fundació Suñol, Passeig de Gràcia 98, B, *9349 6103 Equipo Crónica –ı 13.7. 

KBr Fundación MAPFRE, Avenida Litoral, 30, B Louis Stettner 6.6.–15.9. 

La Pedrera, Paseo de Gracia 92, B, *93 214 25 76 Barceló – Cerámicas –ı 30.6. 

La Virreina Centre de la Imatge, La Rambla 99, B Jeff Wall – Contes possibles –ı 13.10. 

Museu d’Art Contemporani, Plaça dels Angels, 1, B, 

Jordi Colomer –ı 24.9. 

*93 412 0810 

Museu Nacional d’Art de Catalunya, Parc de Montjuïc Suzanne Valadon –ı 1.9. 

Museu Picasso Barcelona, Montcada 15–19, B Bernard Plossu –ı 16.9. 

Sala Parés, Petritxol 5, B Xavier Rodés –ı 22.6. 

Ana Mas Projects, Carrer D’isaac Peral, 7, L’Hospitalet de Rita Sala 12.6.–6.9. 

Llobregat, Barcelona 

Galeria Àngels Barcelona, Carrer del Pintor Fortuny, 27 Ania Soliman –ı 22.6. 

Galería Marlborough Barcelona, 68 Carrer d’Enric Granados Juan José Aquerreta – Autorretrato –ı 29.6. 

Galería Zielinsky, 10 Passatge de Mercader, B Vera Chaves Barcellos –ı 12.6. 

Vera Chaves Barcellos –ı 21.6. 

Joan Prats, Rambla de Catalunya 54 Muntadas – Paratopias –ı 1.6. 

La Capella, Hospital 56 Marta van Tartwijk – Parpella –ı 7.7. 

Sofía Montenegro – Maquinal –ı 7.7. 

Mirador Torre Glòries, Avinguda Diagonal 211, B Tomás Saraceno –ı 31.12. 

ProjecteSD, Passatge Mercader 8, B, *93 488 1360 Dora García –ı 18.6. 

Senda, 32 Carrer de Trafalgar, B Xavi Bou –ı 20.6. 

Bilbao Guggenheim Museum, Abandoibarra Etorbidea 2 Anthony McCall – Split Second 20.6.–10.11. 

Martha Jungwirth 7.6.–22.9. 

Museo de Bellas Artes, Plaza del Museo 2 Beatriz Carvaggio – Out of Control –ı 10.6. 

Castellon EACC, Plaça de l’Ajuntament 17, Valencia Nicoleta Moise – Reclinar la imatge –ı 15.6. 

Coruña Fundación Luis Seoane, San Francisco, s / n. La táctica del colibrí –ı 13.10. 

Cuenca Fundación Antonio Pérez, Calle de Julián Romero 20 Calo Carratalá –ı 2.6. 

Museo de Arte Abstracto, Casas Colgadas Jordi Teixidor – Obra sobre papel 13.6.–22.9. 

Córdoba Casa Árabe Córdoba, C / Samuel de los Santos, CO, 

*957 498 413 

María Primo –ı 19.7. 

Gijón 

LABoral Centro de Arte y Creación Industrial, 

Los Prados, 121 

Arte Asturiano en Residencia 

–ı 16.11. 

Milennials 13.6.–31.12. 

Girona Bolit Centre d’Art Contemporani, Pujada de la Mercè, 12 Vacances amb Franco –ı 6.10. 

Granada Centro José Guerrero, Oficios, 8 Nicolás de Lekuona –ı 15.9. 

↗ kunstbulletin.ch / abo 

AGENDA // LUXEMBURG / NORWEGEN / ÖSTERREICH / RUMÄNIEN / SPANIEN 171

Huesca Centro de Arte y Naturaleza CDAN, C / Doctor Artero, s / n, 

HU, *974 239 893 

Javier Vallhonrat – Ciclo de la 

Maladeta 

–ı 13.10. 

Illa del Rei Hauser & Wirth Menorca, Diseminado Illa del Rei, PM Roni Horn, Eduardo Chillida –ı 27.10. 

Las Palmas de 

G.C. 

León 

CAAM Centro Atlántico de Arte Moderno, Balcones 9–13, 

GC, *92 831 1824 

MUSAC Museo de Arte Contemporáneo León, Avenida de 

los Reyes Leoneses 24, LE, *987 090 000 

Carlos Garaicoa 

20.6.–15.9. 

Legado Juan Hidalgo 20.6.–15.9. 

Fenómenos 

Pipilotti Rist – Homo Sapiens 

sapiens 

–ı 15.9. 

8.6.–13.10. 

Madrid Caixa Forum Madrid, Paseo del Prado, 36, 60, *91 330 7300 Arte y Naturaleza –ı 9.6. 

Casa Arabe, Alcalà 62, M, *91 563 30 66 Agitación en el Nilo –ı 23.6. 

Centro Cultural Conde Duque, Conde Duque 9 y 11 Las verbenas desiertas –ı 21.7. 

CentroCentro, Plaza de Cibeles 1 Barbara Brändli (PHE24) 20.6.–22.9. 

Circulo de Bellas Artes, Calle Alcala 42 Cristina García Rodero –ı 18.8. 

El Águila, RamÍrez de Prado 3 Javier Campano (PHE24) 11.6.–8.9. 

Fundación Mapfre Sala Recoletos, Paseo Recoletos 23 Consuelo Kanaga (PHE24) –ı 25.8. 

David Goldblatt (PHE24) –ı 25.8. 

Matadero, Paseo de Chopera 12, M, *91 480 4968 Jenna Sutela –ı 15.12. 

Museo ICO, Zorrila, 3, M, *91 420 1242 Iwan Baan (PHE24) 6.6.–8.9. 

Museo Lázaro Galdiano, 122 Calle de Serrano, M Lúa Ribeira (PHE24) –ı 25.8. 

Museo Reina Sofía, Santa Isabel 52 Antoni Tàpies –ı 24.6. 

Olga de Soto –ı 1.7. 

Museo Thyssen-Bornemisza, Paseo del Prado 8 Isabel Quintanilla –ı 2.6. 

Palacio Velázquez, Parque del Retiro James Lee Byars –ı 1.9. 

Sala Alcalà, Calle de Alcalà 31, M Eva Lootz –ı 21.7. 

Blanca Berlín Galería, 28 Calle del Limón, M Luis González Palma (PHE24) –ı 31.7. 

Camara oscura, c / Alameda, 16 Jon Gorospe (PHE24) –ı 20.7. 

Canal Isabel II, Santa Engracia 125 Gonzalo Juanes –ı 21.7. 

Casado Santapau, 10 Calle de Piamonte, M Gerold Miller –ı 1.6. 

Freijo Gallery, 46 Calle de Zurbano, M, *91 310 30 70 México – Arquitectura y Paisaje –ı 13.7. 

Galería Elvira González, General Castaños, 3 Roger Ackling –ı 12.7. 

Guillermo de Osma, Claudio Coello 4 Pop y otras figuraciones –ı 28.6. 

Helga de Alvear Madrid, Doctor Fourquet, 12, M, 

Candida Höfer (PHE24) –ı 13.7. 

*91 468 0506 

La Casa Encendida, Ronda de Valencia 2, M, *91 506 3875 Un réquiem por la humanidad –ı 14.7. 

PHotoEspaña, Alameda 9 

International Festival of 

Photography (PHE24) 

–ı 29.9. 

Madrid / 

Mostoles 

CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, Avda. de la 

Constitución 23, M, *91 276 0221 

Ana Gallardo 

–ı 7.7. 

Asunción Molinos Gordo –ı 25.8. 

Murcia Centro Párraga, Calle Madre Elisea Oliver Molina, Murcia Juan Antonio Cerezuela 13.6.–25.7. 

Málaga Centro de Arte Contemporáne Málaga, Calle de Alemania, Marcelo Viquez –ı 30.6. 

MA, *95 212 0055 

Museo Picasso de Málaga, San Agustín, 8 Joel Meyerowitz 15.6.–15.12. 

Navarra Museo Oteiza, Calle de la Cuesta, 7, Navarra Maite Vélaz –ı 2.6. 

Palma de Esbaluard, Plaza Porta de Santa Catalina 10 

Ana Laura Aláez 

–ı 1.9. 

Mallorca 

Bel Fullana –ı 9.6. 

Museu Fundación Juan March Palma, Sant Miquel 11, PM Zóbel – Memoria de un instante –ı 19.10. 

Salamanca Domus Artium, Avenida de la Aldehuela Carla Andrade –ı 23.6. 

San Sebastián San Telmo Museum, Zuloaga Square, 1 Chillida y las Artes 8.6.–29.9. 

Tabacalera Donostia, Duque de Mandas 52 Larruak eta izurrak –ı 2.6. 

Santander Centro Botín, Muelle de Albareda s / n, S Retratos – Esencia y expresión –ı 20.10. 

Shilpa Gupta –ı 8.9. 

Silvia Bächli – Partitura –ı 20.10. 

Santiago de 

Compostela 

CGAC Centro Gallego de Arte Contemporáneo, Valle Inclán 

s / n 

Concha Jerez e José Iges 

15.6.–1.9. 

Mayte Vieta – O son do mar –ı 8.9. 

Salto Cuántico –ı 2.2. 

Fondación Eugenio Granell, Plaza del Toral s / n. Philip West –ı 15.9. 


Segovia 

Sevilla 

Museo de Arte Contemp. Esteban Vicente, Plazueal de 

Bellas Artes s / n 

CAAC – Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, 

Monasterio de la Cartuja, SE, *955 037 070 

Hugo Fontela –ı 15.9. 

Delcy Morelos 

–ı 13.10. 

Ignasi Aballí 6.6.–10.11. 

Valencia IVAM Centre Julio González, Guillem de Castro 118 Carolina Caycedo 13.6.–13.10. 

El poder con que saltamos juntas –ı 29.9. 

Valladolid Museo Patio Herreriano, Jorge Guillén 6 Delhy Tejero –ı 9.9. 

Vigo Museo Marco de Vigo, Príncipe, 54 Bosco Caride –ı 15.9. 

Vitoria-Gasteiz Artium Contemporary Art, Calle Francia, 24 Ibon Aranberri – Vista parcial –ı 29.9. 

Patricia Dauder – Unform –ı 29.9. 

Vereinigtes Königreich *0044 

Birmingham Eastside Projects, 86 Heath Mill Lane Sahjan Kooner, Gary Zhexi Zhang, –ı 31.12. 

Sophie Chapman 

Ikon Gallery, 1 Oozells Square Dion Kitson – Rue Britannia –ı 8.9. 

Bristol Spike Island, 133 Cumberland Road Donald Rodney – Visceral Canker –ı 8.9. 

Bruton 

Hauser & Wirth Somerset, Durslade Farm, Dropping Lane, 

*1749 814 060 

Phyllida Barlow – Unscripted –ı 5.1. 

CCA Derry~Londonderry, 10–12 Artillery St 

–ı 29.6. 

Derry~ 

Londonderry 

Ieva Kotryna Ski and Roisín 

McGuigan 

Liverpool Bluecoat, Bluecoat Chambers Jennifer Lee Tsai –ı 31.7. 

Tate Gallery Liverpool, Albert Dock, *151 709 3223 Resolve Collective –ı 14.7. 

Fact Liverpool, 88 Wood Street Melanie Crean and Katrina Palmer –ı 2.6. 

Walker Art Gallery, William Brown Street Landscapes by Women Artists –ı 18.8. 

London Barbican Art Gallery, Silk St., *20 7588 9023 Soufiane Ababri –ı 30.6. 

Camden Arts Centre, Arkwright Road Andrew Omoding –ı 23.6. 

Matthew Krishanu –ı 23.6. 

Cell Project Space, 258 Cambridge Heath Road, 

Coumba Samba – Capital –ı 2.6. 

*20 241 3600 

Design Museum London, 224–238 Kensington High St Enzo Mari –ı 8.9. 

ICA Gallery, 12 Carlton House Terrace, *20 7930 3647 Rheim Alkadhi 11.6.–8.9. 

Serpentine Galleries (North), West Carriage Drive, 

Greater London 

Judy Chicago – Revelations –ı 1.9. 

Serpentine Galleries (South), Kensington Gardens, 

*20 7402 6075 

Yinka Shonibare CBE – 

Suspended States 

South London Gallery, 65 Peckham Road, *20 7703 6120 Acts of Resistance –ı 2.6. 

Tate Britain, Millbank Alvaro Barrington –ı 10.11. 

John Singer Sargent –ı 7.7. 

Now You See Us –ı 13.10. 

Zeinab Saleh –ı 23.6. 

Tate Modern, Bankside Expressionists –ı 20.10. 

Yoko Ono – Music of the Mind –ı 1.9. 

Victoria & Albert Museum, Cromwell Road, *20 942 2000 Japan – Myths to manga –ı 8.9. 

Whitechapel, 80–82 Whitechapel High St., *20 7522 7888 Andrew Pierre Hart –ı 7.7. 

CHELSEA space, 16 John Islip Street Kate Morrell –ı 4.2. 

Chisenhale Gallery, 64 Chisenhale Road Rory Pilgrim –ı 21.7. 

Gasworks Gallery, 155 Vauxhall Street Rahima Gambo 13.6.–8.9. 

Hauser & Wirth London, 23 Savile Row, *207 287 2300 Harmony Korine – Aggressive 

–ı 27.7. 

Dr1fter Part II 

Isa Genzken – Wasserspeier and 

–ı 27.7. 

Angels 

Iniva (Institute of International Visual Arts), Rivington Place Maria Amidu –ı 8.9. 

Lisson Gallery London, 29 and 52–54 Bell Street, 

Jack Pierson –ı 3.8. 

*20 7724 2739 

Manchester Home, 70 Oxford St., *161 228 7621 Matthew Bamber – Dream Home –ı 9.6. 

Margate Turner Contemporary, The Rendezvous Ed Clark –ı 1.9. 

Middlesbrough mima, Centre Square Jacqueline Poncelet –ı 23.6. 

–ı 1.9. 

AGENDA // SPANIEN / VEREINIGTES KÖNIGREICH 173

1/6 quer 1/6 quer 

Nottingham Nottingham Contemporary, Weekday Cross Claudia Martínez Garay –ı 8.9. 

Southend-on- Focal Point Gallery, Victoria Avenue 

Amy Pennington, Gaby Sahhar, 

–ı 15.7. 

Sea Essex 

Maz Murray 

Maz Murray – Principal Boy –ı 15.7. 

Wakefield Yorkshire Sculpture Park, West Bretton Yukihiro Akama – Basho no 

–ı 30.6. 

Kankaku 

The Hepworth, Gallery Walk Andrew Cranston –ı 2.6. 

Kim Lim – Space, Rhythm & Light –ı 2.6. 

Walsall The new art gallery Walsall, Gallery Square The World That Belongs To Us –ı 9.6. 

Hongkong *0852 

Hong Kong Hauser & Wirth Hong Kong, 15–16 / F, H Queen’s, 80 

Queen’s Road Central, Hong Kong Island 

Südafrika *0027 

Kapstadt 

Zeitz Museum of Contemporary Art Africa, V&A Waterfont, 

S Arm Road, *(0)87 350 4777 

Vereinigte Staaten *0001 

Boston Präsenz kann sich jede:r leisten 

Museum of Fine Arts Boston, 465 Huntington Avenue, MA, 

*617 267 9300 

Im Heft und auf kunstbulletin.ch 

Tetsumi Kudo –ı 31.8. 

Seekers, Seers, Soothsayers –ı 13.10. 

Hallyu! The Korean Wave 

–ı 28.7. 

Toshiko Takaezu –ı 29.9. 

Chicago Smart Museum of Art, 5550 S. Greenwood Avenue Haegue Yang –ı 24.8. 

Houston Jahresabo The Institutionen: Menil Collection, 1515 CHF Sul Ross 165.– / € 150.– (inkl. Wall Porto Drawing Ausland) 

Series – Marc Bauer –ı 25.9. 

Los Angeles Hauser & Wirth Downtown Los Angeles, 901 East 3 rd Street Jason Rhoades –ı 14.1. 

New York MoMA – The Museum of Modern Art New York, 11 West Joan Jonas 

–ı 6.7. 

53 th Street 

Käthe Kollwitz –ı 20.7. 

MoMA PS1, 22–25 Jackson Ave at 46 th Ave Long Island City Pacita Abad –ı 2.9. 

Queens Museum of Art, Flushing Meadows Corona Park Aki Sasamoto – Point Reflection –ı 4.7. 

Whitney Museum, 99 Gansevoort Street Harold Cohen –ı 31.5. 

San Francisco Museum of Modern Art San Francisco, 151 Third Street, 

CA, *415 357 4000 

Yayoi Kusama – Infinite Love –ı 7.9. 

Messen und Auktionen 

Basel Kaserne Basel, Klybeckstr. 1b I never read, Art Book Fair Basel 12.6.–15.6. 


Messe Basel, Messeplatz 10, *58 200 2020 Art Basel 2024 13.6.–16.6. 

June Art Fair 2024 10.6.–16.6. 

Liste Art Fair Basel 2024 10.6.–16.6. 

Volkshaus, Rebgasse 12–14 photo basel 2024 10.6.–16.6. 

Volta Basel, 215 Elsässerstrasse Volta Basel 2024 10.6.–16.6. 

Zürich Germann Auktionshaus, Stockerstrasse 38, *44 251 83 58 Auktionen Juni 2024 24.6.–26.6. 

Schuler Auktionen, Seestr. 341, *43 399 7044 Juni-Auktionen 2024 6.6.–12.6. 

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Im Heft und auf kunstbulletin.ch 

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Kunst 

Raum 

Riehen 

ENTROPIA – Von den Zeichen 

der Irreversibilität 

Rosa Barba, Vanessa Billy, Jérémie Gindre, 

Val Minnig, Adrien Missika, Kilian Rüthemann 

und ein Beitrag von Robert Smithson 

bis 7. Juli 2024 

Kuratiert von Simone Neuenschwander 

Mi–Fr 13 bis 18 Uhr, Sa–So 11 bis 18 Uhr 

Kunst Raum Riehen 

Baselstrasse 71, 4125 Riehen, Tel. 061 641 20 29 

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18. Mai – 29. Juni 2024 

Mi – Fr: 14 – 18 Uhr, Sa: 11 – 16 Uhr 

Vogesenstrasse 27 – 29, 4056 Basel 

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Berndt Höppner 

kreuz und quer und irgendwie hin 

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9. bis 30. Juni 2024 

Herrengasse 8 

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Öffnungszeiten: 

FR 18–21 Uhr 

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Samuel Buri, Hüttlenen. Foto: Serge Hasenböhler Basel, 2023 © 2024 ProLitteris, Zürich 

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Kunstbulletin 6/2024 

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Feller 

Andreas 

Weber 

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03. 

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15. 

09. 

24 

Donnerstag 

14:00 – 20:00 

Freitag 

14:00 – 17:00 

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Anna Margrit Annen 

«Wo sind die Farben in der Nacht?» 

25. Mai bis 

30. Juni 2024 

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2. Juni bis 21. Juli 

Who Cares?! 

Aktuelle Perspektiven 

auf Sorgearbeit 

Gastkuratorin: Sarah Merten 

Vernissage: Samstag, 1. Juni 17 Uhr 

Kulturzentrum Kammgarn 

Do 18 – 20 Uhr 

Baumgartenstrasse www.vebikus.ch Fr 16 – 18 Uhr 

CH – 8201 Schaffhausen 

Sa / So 12 – 16 Uhr 

CUT IN – CUT OUT 

Monika Sennhauser 

Städtische Ausstellung im Lagerhaus, 

Architektur Forum Ostschweiz, 

Davidstrasse 40, 9000 St. Gallen, 

täglich geöffnet von 8 bis 18 Uhr 

7. Juni – 

30. Juni 


Manoir de la Ville 

de Martigny 

Paraísos 

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Jorge Raka 

Patricio Gil Flood 

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INNERSCHWEIZ / OSTSCHWEIZ / GRAUBÜNDEN / WESTSCHWEIZ 179

Kunsthaus Glarus 

1 4 . 7 . - 2 4 . 1 1 . 2 0 2 4 

Jay Chung & Q Takeki Maeda 

John Miller 

Kulturort Galerie Weiertal 

Helmhaus 

Roman Selim 

Khereddine 

Beiss die Hand 

Jeannette Muñoz 

Meere in Körpern 

Hortus conclusus – 

im Garten der Sinne 

26. Mai - 8. September 2024 

Do - Sa 14 - 18h · So 11-17h 

Brigitte Baserga · Notta Caflisch · Margaretha 

Dubach · Elisabeth Eberle · federstahl.ch 

Markus Fehr · Flora Frommelt · Sylvia Geel 

Sabina Gnädinger · San Keller & Daniel Züsli 

Brigitt Lademann · LAST nico lazúla I ruedi 

staub · Maboart · Mickry3 · Barbara 

Stirnimann · Marion Strunk · Eva Wandeler 

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Bis 16.6.2024 

21.–23.6.2024 

Die schönsten 

Schweizer Bücher 

Vernissage: 

Donnerstag, 20.6.2024 

Di–So: 11–18 Uhr 

Do: 11–20 Uhr 

Limmatquai 31 

8001 Zürich 

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Froh Ussicht 

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9. MAI BIS 13. JULI 2024 

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12. MAI BIS 7. JULI 1924 

MARCEL SCHAFFNER 

Retrospektive 

geöffnet Freitag von 14 bis 17 Uhr 

oder auf Vereinbarung 

KONZERT im Rahmen von 

«Klingende Museen» 

Franziska Bruecker & Dave Gisler 

Mi, 5. Juni 2024, 19.30 Uhr 

Galeriewochenende der Zürcher Galerien 

7. bis 9. Juni, 14 bis 18 Uhr 

Feldbachstrasse 80, 8634 Hombrechtikon 

info@art-noser.ch, art-noser.ch 

READING PERFORMANCE 

Dominic Oppliger & Marco Papiro 

Mi, 26. Juni 2024, 19.30 Uhr 

Rämistrasse 30, 8001 Zürich 

www.kunstsammlung-ruegg.ch 

Was malen? 

Franz Wanner mit Francisco de Zurbarán zu 

Gast in der Werner-Weber-Stiftung Rüschlikon 

1. bis 30. Juni 2024, jeweils Samstag u. Sonntag 

Werner-Weber-Stiftung im Brahmshaus 

Säumerstrasse 45 · 8803 Rüschlikon 

www.werner-weber-stiftung.ch 

Franz Wanner, Tisch I, 2012 

Karla Black 

21. April 2024 – 6. Oktober 2024 

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Weiherweg 1, 8610 Uster 

+ 41 44 521 25 20 

Do – So, 11–17 Uhr 

WALTER DE MARIA 

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Met au concours 

LE PRIX ALBERT CHAVAZ 2025 

Le prix de Fr. 10’000 récompensera un/e 

artiste dans le domaine des arts visuels. 

Ouvert aux artistes d’origine valaisanne 

domicilié/es en Valais ou hors canton, et les 

artistes quelle que soient leur nationalité mais 

établi/es en Valais depuis au moins 3 ans. 

Dossier à déposer jusqu’au 29.11.24. 

Attribution du prix juin 2025. 

Les artistes sont invités à s’inscrire et 

demander le réglement du prix, par mail : 

denis.chavaz@netplus.ch 

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kunstbulletin.ch/weekly 


Neufrankengasse 4, CH-8004 Zürich 

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Redaktion 

Deborah Keller (Chefredaktion) 

Meret Arnold (Redaktion) 

Claudia Steffens (Online-Redaktion, Agenda) 

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Joëlle Bischof (Redaktion Kunstbulletin weekly) 

Françoise Ninghetto (Rédaction romande) 

Elisa Rusca (Redazione ticinese) 

Layout/Satz 

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directarts.ch 

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Für Studierende: CHF 54 

Mit Kulturlegi: CHF 47.50 

ERSCHEINUNGSTERMINE 

Ausgabe Erscheinungsdatum Anzeigenschluss 

7-8 Juli/August 12.07.2024 12.06.2024 

9 September 30.08.2024 31.07.2024 

10 Oktober 27.09.2024 28.08.2024 

11 November 25.10.2024 25.09.2024 

Mediadaten (Inserate im Heft und online) 

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Auflage 

Druckauflage: ca. 7000 Exemplare 

Abonnemente: ca. 6300 Exemplare 

Direktvertrieb: ca. 700 Exemplare (Buchhandel und Kiosk) 

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Telefon 0041 (0)44 928 56 35 

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FACHMEDIEN 

Zürichsee Werbe AG 

Tiefenaustrasse 2, CH-8640 Rapperswil 

ISSN 1013 – 69 40 

Autor:innenkürzel dieser Ausgabe 

(AD) Adrian Dürrwang, (AM) Angelika Maas, (BP) Brita 

Polzer, (CHS) Christian Saehrendt, (CS) Claudia Spinelli, 

(DvB) Dominique von Burg, (HDF) Hans-Dieter Fronz, 

(IDL) Ingrid Dubach-Lemainque, (JES) J. Emil Sennewald, 

(KHO) Katharina Holderegger, (KS) Kristin Schmidt, 

(MH) Mechthild Heuser, (MV) Martina Venanzoni, (RDR) Roberta 

De Righi, (RM) Rani Magnani, (SM) Stefanie Manthey, 

(TS) Thomas Schlup 

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EN PASSANT 

Was es alles gibt! 

Kateřina Šedá, ‹Radio Guggach›, 2021–2024, Areal Guggach III, Zürich. Foto: Samuel Herzog 

«Oha», grummelt der Alte, schiebt eine kleine Kurve mit seinem Rollator und kickt 

dann vergnügt gegen den abgebrochenen Hals einer Schaumweinflasche. «Oho, da 

hat wohl jemand ein Festchen gefeiert!» Die Scherbe scheppert schnell über den regenschwarzen 

Asphalt und verschwindet unter einem Wohnwagen, der hier auf einem 

Parkfeld an der Käferholzstrasse steht. «Weh, weh, weh, Radiogugga – Chchch», 

entziffert er über den Rand seiner Lesebrille hinweg, was in grossen Buchstaben 

auf der Seitenwand des Campers steht. «Oih, was es alles gibt!» Während der Herr 

sein Gefährt in Richtung Friedhof Nordheim weiterschiebt und dazu rhythmisch den 

Bremshebel schnalzen lässt, klopfe ich an die Türe des Wagens. Eigentlich, denke 

ich, eigentlich hat der Mann ganz gut getroffen, worum es bei Radio Guggach geht: 

Um das, was es alles gibt in diesem neuen Lebequartier der Stadt, um die Menschen 

und ihre Aktivitäten, um die Bewohnerinnen und die Schrebergärtner, die Leute vom 

Bau und die passionierten Handwerker. Nur mit dem «Chchch» lag er etwas daneben, 

denn das Radio rauscht nicht durch den Äther, es tönt übers Internet. Darum habe ich 

auch einige der Interviews schon gehört, welche die Künstlerin Kateřina Šedá und ihr 

Team geführt haben: das mit der Aktivistin, das mit dem Lehrer, das mit dem Kaffeehausbetreiber 

und das mit der Architektin. Sorgfältige Gespräche mit viel Raum für 

Persönliches. Jetzt geht die Türe auf. Schade, wohne ich nicht hier. Samuel Herzog 

Samuel Herzog, Textbauer, Inselbauer, Schüttsteinschaffer. info@samuelherzog.net 

Eine Textreihe in Kooperation mit der Fachstelle Kunst und Bau, Amt für Hochbauten, 

Stadt Zürich. Weitere Informationen zum Werk via QR-Code und artlist.net 


2.6.– 

6.10.24 

Dunja Herzog 

Eintritt frei! 

kunstmuseum-so.ch 

Marie Velardi 

Ein Museum der 

Unterstützt von 

Dank an 

Hans und Renée 

Müller-Meylan Stiftung 

Judith und Hansruedi 

Koelz-Vonlanthen 

Christof Vonlanthen 

Amanda Tröndle-Engel 

und Oskar Tröndle

Kunstbulletin Juni 2024

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