Licht und Schatten - SüdwestdeutschesKammerorchesterPforzheim

LICHT UND
SCHATTEN
Sonntag, 17. xx. März xx 2021 2024
CongressCentrum Pforzheim, Großer Saal
Friedemann Breuninger Violine
Douglas Bostock Leitung

LICHT UND
SCHATTEN
3
Südwestdeutsches Kammerorchester Pforzheim
Friedemann Breuninger Violine
Douglas Bostock Leitung
Narongrit Dhamabutra *1962
Overture for Strings “Centennial Light”
(Uraufführung)
Adagio
Pēteris Vasks *1946
Violinkonzert “Distant Light”
Andante – Cadenza I – Cantabile – Mosso –
Cadenza II – (Mosso) - Cantabile - Agitato –
Cadenza III – Tempo di Valse – Andante
PAUSE 20 Minuten
Narongrit Dhamabutra
The Portraits of Three Temples (Dt. Erstaufführung)
Largo – Wat Buddha Chai
Allegro – Wat Poh Bangkla
(Largo) – Wat Arun
Arvo Pärt *1935
Fratres für Streichorchester und Schlagwerk
Benjamin Britten 1913-1976
Simple Symphony op. 4
1 Boisterous Bourée
2 Playful pizzicato
3 Sentimental Sarabande
4 Frolicsome Finale
Bitte stellen Sie Ihre Mobiltelefone ab.
Bild- und Tonaufnahmen sind ohne schriftliche
Genehmigung nicht gestattet.

LICHT UND
SCHATTEN
5
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Narongrit Dhamabutra
Overture for Strings “Centennial Light”
Es ist definitiv eine besondere Besonderheit, dass es
im Programm dieses Abonnementkonzertes neue,
thailändische Musik zu hören gibt. Denn man muss
eindeutig konstatieren, dass der klassische westliche
Konzertbetrieb sich insgesamt nur wenig mit Musik aus
sehr östlichen Gefilden und noch weniger mit Musik
aus Thailand befasst. Mit dem Komponisten Narongrit
Dhamabutra kommt heute allerdings auch ein Komponist
zu Wort, der schon früh zwischen Ost und West pendelte.
Der thailändische Künstler studierte zunächst in Bangkok,
bevor er in die Vereinigten Staaten zog und u. a. einen
Doktorabschluss in Komposition an der Michigan State
University absolvierte. Nach seiner Rückkehr nach
Thailand machte er es sich zur Aufgabe „die klassische
Musik in Thailand auf das Niveau zu bringen, das dem
in den entwickelten Ländern entspricht.“.
Dafür entwickelte er einen Kompositionsstil, der sich
deutlich der Tonsysteme seiner Heimat bedient, diese
aber immer wieder mit mehr oder weniger tonalen
Elementen westlicher Musik kombiniert. Das Ergebnis
ist in der Tat ein meisterlicher Brückenschlag über
kulturelle Grenzen hinweg.
Und wann wäre eine solche Klangsprache passender als
in der Jubiläumskomposition für den 100. Geburtstag
der thailändischen Prinzessin Ihrer Königlichen Hoheit
Prinzessin Galyani Vadhana? Diese Prinzessin war selbst
nicht nur eine große Brückenbauerin, sondern auch zeitlebens
bemüht, die (kulturelle) Bildung in ihrer Heimat
zu stützen und auszubauen:
Prinzessin Galyani Vadhana war in London geboren
worden, und hatte dann viele Jahre ihrer Jugend und
ihres jungen Erwachsenentums in Europa (v. a. in der
Schweiz) verbracht. So war sie mit französischer Literatur,
westlicher Musik und Kultur bestens vertraut. Nach
ihrer Rückkehr nach Thailand lehrte die Prinzessin
von 1952-1967 an der Chulalongkorn-Universität

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Französische Sprache, Literatur und Kultur. Dazu
dichtete sie selbst und übertrug französische Literatur
in ihre Muttersprache.
Wie für viele Künstler war die
Prinzessin so für Narongrit
Dhamabutra ein leuchtendes
Vorbild. Folgerichtig
nannte er seine Widmungskomposition
für die Prinzessin „The
Centennial Light“ –
„Das hundertjährige
Licht“: Der Prinzessin
nachhaltiges Bemühen
um Kultur und Bildung
für ihr Volk, vor allem
für den thailändischen
Nachwuchs und ihre Liebe
zu den Menschen ihres
Landes wird darin thematisiert
als eine Quelle des Lichts.
So hochrangig die Widmungsträgerin ist, so bescheiden
mutet die Instrumentation von „The Centennial Light“
an: Das einsätzige Werk, das in diesem Konzert seine
Welturaufführung erfährt, verwendet ausschließlich
Streicherklänge und als würzende, teils thematisch
verwendete Percussion das Glockenspiel sowie als
sphärischen Klangeffekt Chimes (eine Reihe von unterschiedlich
langen Klangstäben, die nebeneinander
hängen und entweder auf- oder absteigend als Ganzes
angeschlagen werden). Die Zartheit und Tonhöhe der
Percussionsinstrumente hält über die ganze Komposition
die Lichtassoziation lebendig. In sich ist das Werk
in drei Teile unterteilt. Der Anfang besteht aus sich
immer wieder neu behutsam entwickelnden Akkordklängen,
über denen Glockenspieleinwürfe wie kleine
Strahlen erklingen, und die sich dann zu schwirrenden,
in sich bewegten Clusterklängen verdichten können.
Mit dem Thema des Mittelteiles bezieht sich Dhamabutra
auf eine frühere Komposition, die er 2008 zum
Tod der Prinzessin Galyani Vadhana komponiert hatte.
In der Rhythmik wird Dhamabutra geleitet von den
Besonderheiten thailändischer Poesie, dazu nimmt er die
Elemente der Einleitung immer wieder variiert auf. Das
Werk verklingt in glitzernd-bewegten Klangflächen.
Foto: Ihre Königlichen Hoheit Prinzessin Galyani Vadhana
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Pēteris Vasks
Violinkonzert “Distant Light”
Peteris Vasks ließ sich zeitlebens von historischen
Geschehnissen oder biographischen Erlebnissen
(fremden und eigenen) zu seinen Kompositionen
inspirieren. Wesentlich geprägt wurde der lettische
Komponist durch die Kindheits- und Jugend-Erfahrungen
im russisch besetzten Lettland. Vasks beobachtete als
Sohn eines baptistischen Pfarrers schon früh viel Leid,
das Gemeindegliedern widerfuhr, die im Zuge stalinistischer
Säuberungen deportiert wurden. Sein grundsätzlicher
Widerstand gegen jede Form von Unrecht,
verübt an unschuldigen Menschen, ließ ihn bereits mit
10 Jahren ein lettisches Freiheitslied vertonen. Sein
Erleben der blutigen Barrikadenkämpfe in den Jahren
1990/1991, die zwar zur Freiheit der Lettischen Republik,
nicht aber zur Freiheit von Unrecht und Korruption
führten, waren eindringliche Erfahrungen. So wuchs
Vasks zum zutiefst humanistischen Komponisten heran,
der immer mitleidend die „Schmerzen der Welt“ (Vasks)
im Blick hat, aber auch immer die Hoffnung auf eine
bessere, trostvolle Welt formuliert. Dass Vasks im
Streben nach Liebe und Versöhnung, nach Frieden
und Menschlichkeit immer auch religiöse Dimensionen
erreicht, auch da, wo er nicht explizit geistliche Werke
komponiert, gehört zu den Besonderheiten dieses
großen Komponisten.
Für sein Violinkonzert „Distant Light“, komponiert für
den lettischen Geiger Gidon Kremer, bezog sich Vasks
auf dessen Autobiographie „Kindheitssplitter“, bei
deren Lektüre Vasks im Nachhinein feststellte, dass sie
– beide waren Schüler an der Rigaer Musikmittelschule
„Emils Arzins“ – durch ähnliche Jugenderinnerungen
miteinander verbunden waren. Dazu hat sich Vasks
von Kremers exorbitanten geigerischen Fähigkeiten
inspirieren lassen: Das etwa halbstündige Konzert verlangt
dem Solisten höchste technische, klangliche und
musikalische Qualitäten ab! Einsätzig konzipiert, verfügt
es über sage und schreibe drei Solokadenzen, in denen
die Solovioline in vielfältiger Weise brillieren darf. Ungewöhnlich
der Einstieg in das Konzert nur durch die
Solovioline, die sich glissandierend in höchste Höhen

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schwingt, bevor sich das Streichorchester allmählich
durch vorsichtig stützende Klänge unter die violinistischen
Lichtblitze ins Geschehen tastet.
Nach der ersten Kadenz entwickelt ausgerechnet der
Kontrabass einen innigen Klagegesang, über dem die
Geige ihre ausufernden Bögen schwingt. Es folgt eine
folkloristisch-tänzerische Partie, die aber just zum Erliegen
kommt, wenn die zweite Kadenz einsetzt. Und
wieder ist es der klanglich der Violine so entgegengesetzte
Kontrabass, der dem Treiben mit einer neuerlichen
Klage Einhalt gebietet. Der dritten Kadenz folgt ein
„katastrophisches Auflösungsfeld“ (Lutz Lesle), das
mit ausdrücklicher Gewalt die Dynamik und die musikalische
Faktur zum Äußersten ausdehnt. Dieses Klang
gewordene Chaos wird nun energisch und nicht weniger
bedrohlich durch einen Valse macabre in eine nur kurzwährende
feste Form gezwungen – um dann von einer
Reminiszenz des sphärisch leuchtenden Anfangs des
Konzertes abgelöst zu werden, durch die nur vereinzelt
noch ein paar Fetzen des Walzers geistern.
Mit „Distant Light“ hat Vasks eines der eindrücklichsten
Werke unserer Zeit geschaffen, das – wiewohl unter
dem Eindruck der politischen Umbrüche in den 90er-
Jahren (s. o.) entstanden – auch heute (oder vielleicht
gerade wieder) ein mahnendes Klangmonument für
die gefährliche Fragilität und dabei so unbedingte
Notwendigkeit von Frieden und Freiheit darstellt!
Narongrit Dhamabutra
The Portraits of Three Temples
Narongrit Dhamabutras „Portrait of Three Temples“
für Streichorchester entstand 2016 und wurde in Wien
vom Sunrise Orchestra uraufgeführt. Das Werk besteht
aus vier ineinander übergehenden Abschnitten.
Seine Verbundenheit mit den religiösen Traditionen
seiner Heimat thematisiert der Komponist in der Einleitung,
um dann einige einmalige thaiändische Tempelbauten
zu „verklanglichen“. Da ist zunächst der Wat Chai
(Wat=Tempel), ein Tempel mit übergroßer Pagode in
Attuthaya, dessen Monumentalität und Farbenpracht
klanglich beschworen wird. Im nächsten Teil folgt der
Wat Pho Bangkla. Da seine Besuchenden stets von einer
großen Schar von Hühnerfledermäusen empfangen
werden, zeichnete Dhamabutra deren Flugbahnen durch
aleatorische Spielereien nach. Das dritte Monument
ist der Wat Arun, der „Tempel der Morgenröte“, das
Wahrzeichen von Bangkok. Er liegt am Fluss Chaophraya
und ist vollständig von chinesischem Porzellan eingeschalt,
dessen Widerschein – nähert man sich dem
Tempel im Licht der aufgehenden Sonne vom Fluss her
– den Tempel bunt erstrahlen lässt. Dhamabutra wählte
als Grundlage für diesen Teil ein Fragment einer
Melodie, komponiert von König Rama II. (18./19. Jh.),
der den Tempel aufwändig restaurieren hatte lassen.
Wat Chai in Attuthaya

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Arvo Pärt
Fratres für Streichorchester und Schlagwerk
Als der Este Arvo Pärt 1976 mit dem kleinen Klavierstück
„Für Alina“ einen völlig neuen Kompositionsstil
erklingen ließ, bedeutete das eine wirkliche musikalische
Revolution. Und zwar vor allem, weil Pärt alle
bekannten Wege der Musik verließ und aus der Reduktion
(„Ich habe erkannt, dass es genügt, wenn ein
einziger Ton schön gespielt wird.“ Arvo Pärt) eine
ganz neue Welt schuf. Der vollkommenste Ton – der
Ton der in sich komplett schwingenden, obertonreichen
Glocke – und alles, was im Zusammenspiel mit
anderen Glocken sich als zufällige und immer wieder
sich ändernde Klangkombinationen ergibt, wurden
Grundlage seiner neuen Kompositionsweise, die
manchmal unter dem schwammigen Begriff „Neue
Einfachheit“ subsummiert wird, die aber viel mehr ist
als „einfach“.
„Fratres“ (1977) gehört dabei zu den ersten und wichtigsten
Werken des nun als „Tintinnabuli-Stil“ (von
Tintinnabulum – Glöckchen) bezeichneten neuen Stils.
Neun Akkorde, entstanden aus dem Tonvorrat der
d-Moll-Tonleiter und die drei Töne desa-Moll-
Dreiklanges bilden das melodisch-harmonische Gerüst,
das Schlaginstrument unterbricht die einzelenn Akkordflächen
immer wieder durch eine gleichbleibende
rhythmische Passage, die Pärt als „Refugium“, als
Rückzugsort bezeichnet. Der amerikanische Musikwissenschaftler
Alex Ross schreibt über Pärts Musik „Seine
Akkorde bringen einer nach dem anderen den
Lärm des Selbst zum Schweigen, indem sie den Geist
an ein ewig Gegenwärtiges anbinden. Aus diesem
Grund geben die Anekdoten der Erfahrungen der Hörer
…. Eine bessere Rechenschaft von seiner Musik ab
als jede Analyse der Arbeitsweisen.“ Hören Sie sich in
größere Zusammenhänge!
Benjamin Britten
Simple Symphony op. 4
Mit seiner Simple Symphony für Streichorchester wollte
Benjamin Britten ursprünglich ein Schulorchester beglücken.
Entsprechend der Zielgruppe wählte er als melodischen
Gegenstand eines jeden der vier Sätze je zwei
Themen aus Werken, die er im Alter von 10-13 Jahren
komponiert hatte, und die er für besonders gelungen
erachtete. Wie gerne er verspielt war, lassen die Satzbezeichnungen
der Simple Symphona erkennen, die
allesamt Alliterationen (beide Worte beginnen mit dem
gleichen Buchstaben) sind. Die Sätze sind alle überaus
charakteristisch – mitreißend oder tiefsinnig, witzig
oder kraftvoll – was der „Einfachen Sinfonie“ schnell
einen hohen Bekannt- und Beliebtheitsgrad verschaffte.
NEUGIERIG GEWORDEN?
Zur Simple Symphony gibt es auf
Youtube auch eine eigene Folge
unserer Videoreihe „Discovery“.
IMPRESSUM
Redaktion
Anne-Katrin Mücke
Gestaltung
Landauer Design Management, Pforzheim
Fotos
Peter Adamik, Regine Landauer,
Künstler-Agenturen
Redaktionsschluss
1. März 2024
Ruth M. Seiler

14 15
FRIEDEMANN
BREUNINGER
Friedemann Breuninger absolvierte sein Violinstudium
bei Prof.Valerij Klimov an der Musikhochschule
Saar, bei Prof.Shmuel Ashkenasi an
der Northern Illinois University (Chicago) und
bei Prof. Franco Gulli an der Indiana University
in Bloomington. Über mehrere Jahre arbeitete
er eng mit Prof. Heraian Krebbers in Amsterdam
zusammen. Während dieser Zeit entstanden
viele Aufnahmen als Solist und Kammermusiker
für den saarländischen Rundfunk.
Seit 2014 ist er als Konzertmeister beim Südwestdeutschen
Kammerorchester in Pforzheim tätig.
Dieselbe Position übt er seit 2002 im Orquesta
Ciudad de Granada (Spanien) und seit 2012 bei
“le concert olympique“ Antwerpen (Belgien),
welches sich besonders auf die historisch informierte
Aufführungspraxis bei Beethoven und
Zeitgenossen spezialisiert, aus.
Als Gastkonzertmeister wird er von zahlreichen
in Deutschland, Schweiz, Belgien, Italien und
Spanien eingeladen und arbeitet dabei mit Dirigenten
wie u.a. Philippe Herrewghe, Emanuelle
Krivine, Eiji Oue Stanislaw Skrowacevski, Josep
Pons, Joseph Swendsen, Giovanni Antonini,
Kiril Karabits oder Wladimair Ashkenasy.
Seine erfolgreiche Tätigkeit als Solist, Kammermusiker
und Konzertmeister belegen zahlreiche
Aufnahmen für den spanischen Rundfunk (Radio
Nacional de España) sowie mehrere mit Preisen
ausgezeichnete CD Aufnahmen für Harmonia
Mundi.
Neben seiner musikalischen Laufbahn ist
Friedemann Breuninger auch pädagogisch tätig:
im Jahr 2000 als Assistent von Prof. Franco Gulli
an der Indiana University in Bloomington, USA
und von 2008 bis 2013 als Professor für
Kammermusik an der ESMUC in Barcelona.

16 17
DOUGLAS
BOSTOCK
Der britische Dirigent Douglas Bostock wirkt seit Beginn
der Konzertsaison 2019/20 als Künstlerischer Leiter und
Chefdirigent des Südwestdeutschen Kammerorchesters
Pforzheim.
Zuvor war er von 2001 bis 2019 Chefdirigent des Schweizer
Sinfonieorchesters „Argovia Philharmonic“, das er in
dieser Zeit mit frischen Konzepten und innovativen
Formaten künstlerisch erfolgreich in der Orchesterlandschaft
positioniert hat. Weitere Stationen seiner Laufbahn
waren u. a. die Karlsbader Symphoniker, die
Tschechische Kammerphilharmonie, die Münchner
Symphoniker und das Tokyo Kosei Wind Orchestra.
Sein breites Repertoire umfasst Werke aus allen Epochen
einschließlich einer Vielzahl selten aufgeführter Werke,
zeitgenössische Musik und Opern. Sein Temperament,
sein unverkennbarer Stil und sein Kommunikationstalent
führten ihn als Gast zu bedeutenden Orchestern
in Europa, Amerika und Asien, darunter die Orchester
der BBC, das London Philharmonic Orchestra, das Radio-
Symphonie-Orchester Prag, das National Orchestra
Washington, das Mexikanische Staatsorchester und
das New Japan Philharmonic Orchestra.
Beinahe 100 CD-Aufnahmen dokumentieren das
künstlerische Profil und das vielseitige Repertoire von
Douglas Bostock. Als Gastprofessor, u. a. in Tokyo,
widmet er sich auch der Arbeit mit jungen Musikern
und leitet Kurse und Meisterklassen für Dirigenten.
Mit dem Südwestdeutschen Kammerorchester Pforzheim
arbeitete er seit 2013 bereits mehrfach als Gastdirigent
zusammen und prägt und entwickelt nun als Künstlerischer
Leiter Klang, Stilistik und Programmatik dieses
ebenso traditionsreichen wie innovativen Ensembles
weiter.

18 19
DAS
SÜDWESTDEUTSCHE
KAMMERORCHESTER
PFORZHEIM
Ein frischer und packender musikalischer Zugriff und
stilistische Vielfalt von der Alten bis zur Neuen Musik
sind die Erkennungszeichen des Südwestdeutschen
Kammerorchesters Pforzheim.
Mit seinem künstlerischen Anspruch und dem internationalen
Renommée macht es sich zum musikalischen
Aushängeschild der Stadt. Seit 2019 prägt der britische
Dirigent Douglas Bostock als künstlerischer Leiter Klang,
Stilistik und Programmatik des Ensembles.
Das 1950 vom Hindemith-Schüler Friedrich Tilegant ins
Leben gerufene Kammerorchester war schon bald nach
seiner Gründung bei Festspielen in Salzburg und Luzern,
in Amerika, Asien und Afrika zu Gast. Es spielte mit
legendären Musikern wie Yehudi Menuhin, Maurice
André und Dietrich Fischer-Diskau. In jüngerer Zeit
musizierte das Orchester mit international bekannten
Solisten wie Nigel Kennedy, Mischa Maisky, Cyprien
Katsaris, Christian Tetzlaff und vielen anderen.
Auf seinem Erfolgsweg hat das Südwestdeutsche Kammerorchester
neben etlichen Rundfunkaufnahmen etwa
300 Schallplatten und CDs eingespielt, von denen eine
ganze Reihe mit internationalen Preisen ausgezeichnet
wurden. Zahlreiche Uraufführungen (Jean Francaix,
Harald Genzmer, Enjott Schneider, Mike Svoboda)
belegen seine Kompetenz auch für die zeitgenössische
Musik.
Klassik ohne Grenzen: Davon zeugen Projekte in den
Bereichen Weltmusik (Giora Feidman), Jazz (Sebastian
Studnitzky) und Crossover (Fools Garden), aber auch
die Kombination von Musik mit Literatur (Senta Berger,
Iris Berben), Tanz, Kabarett, Film und Figurentheater.
Nicht zuletzt durch seine Abonnementreihe im
CongressCentrum Pforzheim, zahlreiche Kooperationen
mit den anderen Pforzheimer Kulturträgern und die
Kinder-, Familien- und Schulveranstaltungen ist das
Südwestdeutsche Kammerorchester Pforzheim fest in
der Stadt und der Region verankert. Mit Gastspielreisen
und Tourneen wirkt das Südwestdeutsche Kammerorchester
Pforzheim als Werbe- und Sympathieträger
der Stadt, unterstützt von einem engagierten Förderverein,
namhaften Spendern und Sponsoren.

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Verwaltung, Kartenservice
Hendrik Münchenberg, FSJ Kultur
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