ZBIGGY 2024

ZBIGGY 

| arttourist.com Jazz | Neue Musik | Elektro | 2024 Discover | 1 

#JAZZ | Neue Musik 

arttourist.com gazette 

2024 

Jazz | Neue Musik | Crossover | Elektronische Musik | Klangkunst | Clubs | Festival

jazzahead! BREMEN, GERMANY 

FESTIVAL 

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24 – 26 APRIL 2025 

jazzahead.de

ZBIGGY | arttourist.com Jazz | Neue Musik | Elektro | 2024 

Editorial | 3 

Editorial 

B o o k i n g | P r o m o t i o n | M a n a g e m e n t 

W o r k s h o p | S o c i a l m e d i a M a n a g e m e n t 

Web: 

Matti Klein Soul Trio 

Girls In Airports 

Cats & Breakkies 

J.Lamotta 

Joo Kraus 

Ron Minis 

Jin Jim 

Molass 

uvm. 

www.soundsgoodagency.com 

Sa 11.5.24 > Kongresshaus Zürich 

Jan Garbarek Group feat. Trilok Gurtu • Magischer Hymniker 

Mi 15.5.24 > Volkshaus Zürich 

Incognito Live Funk at its Best! 

Fr 17.5.24 > Volkshaus Zürich 

Kronos Quartet Five Decades Tour • einziges CH-Konzert 

Di 21.5.24 > Kaufleuten Zürich 

Judith Hill Baby, I’m Hollywood! 

Liebe Leserin, lieber Leser, 

liebe Freunde der arttourist, 

mit ZBIGGY liegt nach MILES, ELLA, OSCAR, 

PEGGY, TONY und MELBA die siebte Ausgabe 

vor Ihnen, die dem polnischen Geiger Zbigniew 

„ZBIGGY“ Seifert gewidmet ist und den Violinisten 

und Komponisten Gregor Huebner aus New 

York/München als unser Titelgesicht auf dem Cover 

hat. 

In ZBIGGY erwarten Sie viele spannende Veranstaltungsankündigungen, 

Berichte und Interviews 

zu den Themen Jazz, Neue Musik, Elektronische 

Musik, Klang- und Medienkunst und 

viele genreübergreifende Projekte, auf die wir in 

unserer Recherche gestoßen sind und die wir mit 

großer Spannung und Interesse verfolgen. In der 

Zusammenstellung der Themen mussten wir uns 

aber auch mit den Realitäten und Schicksalen des 

Lebens und der Branche auseinandersetzen. Kulturschaffende, 

die schwer erkrankt, Projekte, die 

Kai Geiger © Michael Schrodt 

gescheitert sind, Veranstaltungen, Festivals und Einrichtungen, die es jetzt nicht mehr gibt. Eine Zäsur 

zwischen Auseinandersetzung, Frust und unbändiger Leidenschaft und dem Willen, für die eigene Arbeit 

zu kämpfen. 

In der Recherche und Zusammenstellung der Inhalte für ZBIGGY sind wir mit der fragilen Situation, 

mit großer Unsicherheit, klammen Budgets und gebremster Innovation in der Kultur konfrontiert worden. 

Nachwirkungen der Pandemie, die hohe Inflation und eine weltpolitisch schwierige Situation hinterlassen 

Spuren, nicht zuletzt weil die Kulturbranche bei Einsparmöglichkeiten seitens der Politik stets ganz oben 

steht. Diese Situation hat sich auch auf unsere Planungen ausgewirkt. Unsere Druckerei, mit der wir alle 

Publikationen von Beginn an realisiert haben, hat ihren Betrieb eingestellt, was maßgeblich mit explodierenden 

Kosten und dadurch sinkenden Aufträgen zusammenhing. Auch wir haben uns entschieden, den 

digitalen Weg früher und stärker einzuschlagen, u.a. weil gerade der Druck durch die sich ständig ändernden 

Preise immer schwerer zu kalkulieren war und ist. 

500.000 Zugriffe auf die Extended Version von MELBA 2023 im Internet haben uns ermuntert, mit der 

digitalen Weiterentwicklung unserer Medien voranzuschreiten. Im Hintergrund und parallel zu ZBIGGY 

sind spannende Prozesse im Gang, wo wir vieles ausprobieren, entwickeln, verwerfen und neukonzipieren. 

Im Mai werden wir mit dem arttourist KUKIOSK 

(Kulturkiosk) an den Start gehen, eine digitale 

Plattform, auf der genreübergreifend Programmhefte, 

Flyer und Magazine zum Blättern und 

zum Download bereitstehen werden. Damit gehen 

wir ein Stück weit zurück an die Anfänge und der von uns initiierten Europäischen Kulturinitiative 

ART CITIES IN EUROPE der Federation of European Cities Tourist Offices, heute City Destinations 

Alliance #CityDNA Projekt. Dazu werden wir unsere regulären, zweimal im Jahr erscheinenden Publikationen 

zum Gesamterlebnis Kultur als digitales Magazin mit vielen Extras und Tools neu auflegen. 

Wir erscheinen seit Beginn aller Publikationen im Eigenverlag, jenseits eines großen Verlags- und Druckhauses, 

was es überhaupt erst möglich gemacht hat. Wir machen unsere Publikation aus Leidenschaft 

für die Vermittlung von Kultur und deren Bedeutung für unsere Gesellschaft. Und dies trotz und wegen … 

Wir müssen mutig, zuversichtlich und kreativ bleiben und weiterhin aus nichts vieles machen und unsere 

Träume leben. Und wir müssen weiter die Kultur und die Künstler mit unseren Eintritten sowie dem Kauf 

von CDs, Filmen und Büchern und unserer Empathie unterstützen. 

Wir sind dabei gerne an Ihrer Seite. 

Mit herzlichen Grüßen 

Fr 27.9.24 > Kirche Neumünster Zürich 

Stefano Bollani Italiens Jazzpiano-Star 

Mi 16.10.24 > Volkshaus Zürich 

Hiromi’s Sonicwonder Piano virtuoso 

So 27.10.24 > Kongresshaus Zürich 

Pat Metheny Dream Box/MoonDial Tour 

Mo 11.11.24 > Kaufleuten Zürich 

Nils Landgren Funk Unit 30 Years And Still Alive & Kicking 

Mi 13.11.24 > Kirche Neumünster Zürich 

John Scofield Solo Guitar Mastery 

Kai Geiger 

Herazsgeber arttourist, 

geiger@arttourist.com 

Wir suchen unser Gesicht 

für die Ausgabe 2025! 

Wir suchen SIE (w | d)! 

Sie sind Musikerin mit einem Instrument, 

dass nicht Trompete, Stimme, Klavier, 

Saxofon, Schlagzeug, Posuane 

oder Violine ist? 

Melden Sie sich bei Kai Geiger unter 

geiger@arttourist.com 

NAME 

Di 19.11.24 > KKL Luzern, Konzertsaal 

Anouar Brahem Quartet Voyage de Sahar 

Mi 4.12.24 > Kirche Neumünster Zürich 

Robin McKelle Impressions of Ella 

allblues.ch 

ticketcorner.ch 

Impressum: arttourist | Titel: Greor Huebner © Beate Armbruster, 

www.beatearmbruster.de | Produktion, Gestaltung & Layout: 

Chris Bernert, chris@deluxe-grafik.com | Redaktion: arttourist, 

Glärnischstraße 7, D-78464 Konstanz, Tel. +49 (0)7531 8074704, 

www.arttourist.com, info@arttourist.com 

arttourist.com 

thearttourist | jazzacrosseurope | kukioskbyarttourist 

 

Danke:

4 | Gregor Huebner 


Der Musikweltenbummler 

Der Komponist, Violinist und Pianist Gregor Huebner 

ist ein Reisender in Sachen Musik und auf der 

ganzen Welt zu Hause. Er pendelt zwischen seinen 

beiden Wohnsitzen. Zwischen New York, wo er in 

diesem Jahr seit 30 Jahren mit seiner Familie lebt, 

und München, wo er eine Professur an der Hochschule 

für Musik und Theater innehat. Gerade ist er in 

Venedig im Rahmen eines Forschungssabbaticals und realisiert 

seinen lang gehegten Traum, dort einmal auf Zeit 

zu leben, zu arbeiten, zu zeichnen und zu komponieren. 

Davor war er im Senegal, um die senegalesische Musik zu 

studieren. Die senegalesische Musik hat eine reiche und 

vielfältige Geschichte, in der sich traditionelle afrikanische 

Rhythmen mit modernen Klängen und Einflüssen 

vermischen. Genau nach dem kosmo-musikalischen 

Geschmack Huebners. 

© Asher & Oak Photography 

Gregor Huebner, in Stuttgart geboren und in Oberschwaben aufgewachsen, 

entstammt einer Musikerfamilie. Seine Eltern Heinz 

und Adelheid waren beide Musiklehrer in Ravensburg am Welfen 

Gymnasium. Sie sind jetzt pensioniert, aber musikalisch immer 

noch sehr rege, aber in der Zwischenzeit nur noch für den 

Hausgebrauch. Sie spielten regelmäßig Konzerte mit ihrem 

Streichquartett, und ein Highlight im Jahr ist immer der Auftritt 

des Salonorchesters seines Vaters, am Sonntagmorgen 

beim Einhalden Festival, einem Festival, das ursprünglich 

von Tango Five gegründet wurde und das jetzt schon seit 

vielen Jahren von seinem Bruder Veit immer im Sommer 

veranstaltet wird. Sein Vater hat Violine und Schulmusik 

in Stuttgart studiert und seine Mutter Orgel. Aus Gregor 

Huebners heutiger Sicht ein Glücksfall, als 13-jähriger 

Junge eine Bürde. Das Besondere daran, in einer Musikerfamilie 

aufzuwachsen, war, dass man immer eine Gemeinsamkeit 

hatte, die in seinem Fall die Familie regelmäßig 

zusammenbrachte. Als Kinder hatten sie schon 

so viel durch die Musik erlebt, was für immer bleibt. 

Mit seinen Geschwistern – Veit am Kontrabass und Fee 

am Klavier und Gesang – Musik zu machen, war für 

Gregor Huebner immer total relaxed, da man sich aufeinander 

verlassen kann. An diesem Vertrauen arbeiten 

Ensembles Jahrzehnte und kommen wahrscheinlich 

nie zu diesem Punkt, den sie als Familie haben. 

Durch sein erstes Engagement vor 30 Jahren in New 

York mit einer Charanga Band, die immer mittwochs 

im Club Gonzales y Gonzales spielte, wurde er mit der 

lateinamerikanischen Musik infiziert. Eine erste Reise 

nach Kuba, auf die viele nach Lateinamerika folgten, 

intensivierte die Leidenschaft für diese Musik, aus 

der sich die Latin Band Salsafuerte in Deutschland 

und El Violin Latino in New York gründete und die 

viele Einspielungen hervorbrachte. Am meisten 

begeistert ihn die Lebensfreude und Traurigkeit, 

das Emotionale in der Musik dieser Länder, wo er 

Gemeinsamkeiten zu der Volksmusik Osteuropas 

und Musik der Sinti und Roma findet, mit der 

er aufgewachsen ist und die in den Bands seines 

Bruders Veit (Kontrabass) – Foaie Verde und 

Kolsimcha – weiterlebt. Seine schwäbischen 

Wurzeln lebt er im Musikkabarettprogramm 

Berta Epple aus, wo er mit Bobbi Fischer und 

Veit Huebner auf der Bühne steht. Als Trio 

starten sie aus dem „Schwabenländle“ aus 

in die weite Welt der musikalischen Stilrichtungen 

(Latinmusic, Jazz, Weltmusik, 

Chanson) und gehen in die Tiefe der allzu 

oft verdrängten Gedanken und Emotionen. 

Wir sprachen mit Gregor Huebner über 

sein Sabbatical, das wunderbare Sirius 

Quartet, das Progressive Chamber Music 

Festival, das jedes Jahr in New York und 

München stattfindet, und das von ihm 

gegründete Munich Composer Collective. 

Alles Projekte, die arttourist seit vielen 

Jahren interessiert verfolgt, begleitet und 

liebt.

ZBIGGY | arttourist.com Jazz | Neue Musik | Elektro | 2024 Gregor Huebner | 5 

INTERVIEW 

mit dem Musiker und Komponisten Gregor Huebner 

Sie sind das Titelgesicht unserer 

Jazz & Neue Musik-Ausgabe namens 

ZBIGGY. Wer verbirgt sich 

dahinter und was verbindet Sie mit 

ZBIGGY? 

Gregor Huebner: Als ich das erste Mal 

mit Richie Beirach, meinem musikalischen 

Partner seit 30 Jahren, in seiner 

Wohnung in New York zusammenspielte 

und wir eine Stunde lang über ein 

Stück von Bartok improvisiert hatten, 

sagte er: „Auf dich habe ich seit Zbiggy 

gewartet. Und das waren fast 20 Jahre. 

Du hast denselben Spirit beim Spielen 

wie er.“ Zbigniew Seifert war ein unglaublicher 

Jazz-Violinist aus Polen, der 

leider sehr jung an Krebs gestorben ist, 

aber in der kurzen Zeit, die er in New 

York verbrachte, von allen bewundert 

wurde. Er wurde auch der Coltrane der 

Violine genannt. Das Peinliche für mich 

war, dass ich ihn nicht kannte. Eigentlich 

war ich zu Richie gekommen, um 

Piano-Unterricht zu nehmen, da ich 

damals Jazz Piano und Komposition an 

der Manhattan School of Music studierte 

und mich nicht als Jazz-Violinist sah. 

Das hat sich von diesem Tag an geändert, 

und sechs Wochen später war ich 

bei einer Recording-Session mit Richie, 

George Mraz und Billy Hart. Seitdem 

habe ich mich sehr intensiv mit Zbiggy 

beschäftigt und er ist mein ständiger 

inspirierender Begleiter. Für mich ist es 

wichtig, dass man ihn und sein Werk 

kennt, und von daher lag es nahe, dass 

ich ihn als Titelnamen für mich vorgeschlagen 

habe. 

Arbeitsphase in Venedig 

Sie befinden sich seit dem Winter-/ 

Sommersemester 23/24 in einem 

Forschungs-Sabbatical. Wie kam es 

dazu? 

Gregor Huebner: Vor Corona hatte ich 

mich nach der Möglichkeit eines Forschungs-Sabbaticals, 

einer Auszeit vom 

Unterrichten, erkundigt und die Antwort 

bekommen, wenn ich drei Jahre lang ein 

Drittel mehr arbeiten würde, könnte ich 

ein Jahr Pause machen. Dann kam Corona. 

Viele Student:innen haben in dieser 

Zeit ihr Studium verlängert und ich 

hatte dadurch ein Überdeputat, das ich 

dann bis zum Ende des Sommersemesters 

2023 ansparen konnte, um jetzt das 

Winter- und Sommersemester 23/24 

Pause machen zu können. 

Für mich war es immer schon wichtig, 

mich mit anderen Kulturen zu beschäftigen 

und diese zu studieren. Jetzt habe 

ich die Zeit dazu. Gleichzeitig möchte 

ich mich mehr um meine aktuellen Projekte 

kümmern und die Zeit zum Komponieren 

finden, ohne immer nur auf 

Deadline zu schreiben. 

Nach dieser Art von Entschleunigung 

habe ich gesucht und hoffe, dass ich sie 

auch in dieser Zeit finden werde. Auch 

für meine Arbeit als Lehrer und Mentor 

sehe ich dieses Jahr als immense Bereicherung, 

die ich danach auch wieder an 

meine Student:innen weitergeben kann. 

Wie haben Sie die Zeit bisher genutzt 

und welche Erfahrungen und 

Entdeckungen nehmen Sie bisher 

daraus mit? 

Gregor Huebner: Die Entschleunigung 

hat funktioniert und ich konnte mich 

um einige mir sehr wichtige Dinge kümmern. 

Mein Aufenthalt im Senegal war 

sehr aufregend, ich habe angefangen, 

ein neues Instrument zu lernen und zu 

erforschen, die Kora. Gleichzeitig habe 

ich dort großartige Musiker kennengelernt 

wie Noumouncounda und Sahad 

Sar. Im Mai spiele ich zusammen mit 

Noumouncounda auf Sahads Festival 

in Dakar, das gleichzeitig zur Biennale 

dort stattfindet. 

Die Kunstszene ist auch sehr aufregend 

und inspirierend in Dakar. In einem 

Dorf zweieinhalb Stunden südlich von 

Dakar konnte ich teilhaben an einem 

besonderen Fest für die Muslime der Sufi-Tradition. 

Die abendlichen Gesänge 

und Chants haben mich besonders beeindruckt. 

Der Besuch der Insel Goree, 

dem westlichsten Punkt Afrikas, von 

dem aus die meisten Sklaven verschifft 

wurden, auch „the gate of no return“ 

genannt, und eben diese Gesänge haben 

mich zu einer neuen Komposition 

inspiriert, die wir auch schon mit Sirius 

aufgenommen und gespielt haben. Mit 

„Chant pour l’ile Goreé“ ist mir eine 

sehr tiefgehende Komposition gelungen. 

Im Moment leben und arbeiten Sie 

in Venedig. Das hat einen bestimmten 

Grund? 

Gregor Huebner: Ja, Venedig, immer 

eine Stadt, die mich sehr bewegt und 

die mich in meiner Kreativität beflügelt. 

Ich hatte einige legendäre Auftritte 

u.a. mit Richie Beirach hier in Venedig 

und war immer begeistert von der kreativen 

Kraft dieser Stadt. Als Teenager 

Arbeitsphase Senegal 

habe ich das Buch „Verdi“, Roman der 

Oper von Franz Werfel, gelesen und 

war fasziniert von der musikalischen 

Geschichte dieser Stadt beginnend mit 

Gabrieli, Monteverdi, Salomone Rossi 

bis hin zu Verdi, Wagner, Strawinsky 

und Luigi Nono und natürlich vielen 

anderen. Es war immer ein Traum von 

mir, in dieser Stadt zu komponieren 

und Zeit zu haben für den kreativen 

Prozess. 

© privat 

Mein Thema ist es, ein orchestrales 

Werk zu schreiben zu einem Bild von 

Caravaggio mit dem Titel „Die sieben 

Werke der Barmherzigkeit“. Caravaggio 

war nie in Venedig und dieses Bild 

hängt in Neapel, aber wie gesagt, die 

Stadt Venedig inspiriert mich in meinem 

kreativen Prozess und die Beleuchtung 

von Venedig ist, besonders bei Nacht, 

den Bildern von Caravaggio sehr ähnlich. 

Nicht viele wissen, dass ich auch 

sehr gerne zeichne, und normalerweise 

habe ich gerade mal Zeit für eine größere 

Zeichnung im Jahr. Aber auch dafür 

habe ich mir Zeit genommen hier in Venedig, 

um die Verbindung von bildender 

Kunst und Musik mehr zu verstehen. 

Das Stück soll auch visualisiert werden. 

Wie stellen Sie sich das vor? 

Gregor Huebner: Visualisiert ist glaube 

ich zu viel gesagt, aber ich möchte 

das Lichtdesign mit in die Partitur einarbeiten, 

so wie Licht auch in den Werlen 

von Caravaggio ein sehr wichtiger 

Teil oder sogar der wichtigste Effekt ist. 

Visualisierung wäre es, wenn ich Teile 

des Bildes während der Musik in den 

Vordergrund stellte und das Bild somit 

musikalisch erklären würde, aber 

das ist nicht meine Absicht. Ich habe 

mir Gedanken gemacht, wie ich Licht, 

Schatten, Dunkelheit musikalisch umsetzen 

kann. Was bedeutet Vordergrund 

und Hintergrund oder Bewegung in einem 

Bild? Als Beispiel: Caravaggio hat 

den Rücken des Bettlers im Vordergrund 

des Bildes total ausgeleuchtet. Es ist der 

hellste Moment im Bild und gleichzeitig 

sieht man den Pilger, der um Einlass 

© privat 

bittet, mehr im Hintergrund. Musikalisch 

sehe ich den ausgeleuchteten grellen 

Punkt des Rückens wie einen sehr 

intensiven engen Akkord, also sehr viel 

Dissonanz, vielleicht sogar ein Cluster, 

was durch Lichtdesign während der 

Aufführung unterstützt werden sollte. 

Den Pilger im Hintergrund höre ich, 

musikalisch betrachtet, wie einen weiten, 

wärmeren Akkord. Das sind jetzt 

nur Beispiele, aber wie gesagt werde ich 

meine Ideen zum Licht in die Partitur 

mit einarbeiten und hoffe diese auch 

zusammen mit einem Lichtdesigner 

umzusetzen. 

Sie haben viele verschiedene Projekte 

und Ensembles ins Leben gerufen, 

wovon ich gerne drei herausheben 

möchte, die mich persönlich begeistern 

und die ich seit mehreren Jahren 

interessiert verfolge. Beginnen 

möchte ich mit dem Sirius Quartet 

New York, das in diesem Jahr 30 

Jahre alt wird. Wie kam es dazu 

und was ist zum Jubiläum geplant? 

Gregor Huebner: Um 2001, als ich 

zusammen mit dem Auswärtigen Amt 

in New York beim Bell Atlantic Jazzfestival 

der Knitting Factory eine größere 

Auftragskomposition zusammen mit Richie 

Beirach und Joe Lovano und einem 

Streichorchester präsentieren durfte, 

wurde ich von Ron Lawrence einem der 

Gründer der Sirius Quartetts (damals 

noch Sirius String Quartet) angesprochen, 

ob ich Interesse hätte im Quartett 

auszuhelfen bei einem Projekt von Elliott 

Sharp. Ein paar Jahre später war ich 

dann festes Mitglied und habe angefan-

6 | Gregor Huebner 


© Asher & Oak Photography 

Sirius Quartet 

gen, meine eigenen Kompositionen mit 

einzubringen. Ich brachte Sirius auch 

immer wieder nach Europa, wo wir zum 

Beispiel mit Uri Cain, Richie Beirach 

oder Joo Kraus Projekte verwirklichten. 

Gleichzeitig waren wir auch regelmäßig 

in Asien und konnten auch dort solche 

Projekte vorstellen. 

Seit seinem Debüt in der Knitting Factory 

vor dreißig Jahren, damals noch ohne 

mich, ist das Sirius Quartet ein Eckpfeiler 

der progressiven und experimentellen 

Musikszene von New York. Wie 

unsere Zeitgenossen vom Turtle Island 

und Kronos Quartett hatten wir den 

Wunsch, aus den Grenzen der traditionellen 

Kammermusik auszubrechen. Sirius 

entstand in den frühen 90er-Jahren 

in der New Yorker Downtown-Szene und 

neigte daher zu frivolerer Kost, arbeitete 

mit Komponisten wie Elliott Sharp und 

Nick Didkovsky zusammen und entwickelte 

auch eine Vorliebe für freie Improvisation. 

Mit einer wechselnden Besetzung aus einigen 

der besten kreativen Streicherinnen 

und Streicher in New York diente das Sirius 

Quartet im Laufe der Jahre als Inkubator 

für viele prominente Streicherinnen 

und Streicher, darunter Joyce Hammann, 

Jennifer Choi, Dave Eggar, Mike Block, 

Tomas Ulrich, Ron Lawrence, Meg Okura, 

Todd Reynolds und Mary Rowell, die 

alle weitere erfolgreiche Projekte ins Leben 

gerufen haben. Mit der Aufnahme 

von mir in den frühen 2000er-Jahren begannen 

wir uns langsam auf Musik zu 

konzentrieren, die von uns Mitgliedern 

komponiert und arrangiert wurde – zu 

denen nun auch der Geiger Fung Chern 

Hwei, der Bratschist Sunjay Jayaram 

und der Cellist Jeremy Harman gehören. 

Wir werden in diesem Herbst ein neues 

Album mit dem Titel „Incantations“ veröffentlichen 

und unser drei Jahrzehnte 

langes Bestehen mit einem Konzert am 

24. Mai im Joe’s Pub in New York feiern, 

das eine Hommage an die Vergangenheit 

darstellt und gleichzeitig die Gegenwart 

mit einer Reihe von Originalkompositionen 

von uns vier aktuellen Mitgliedern 

und Gastauftritten mehrerer früherer 

Mitglieder feiert. 

Das zweite ist das Progressive 

Chamber Music Festival. Stellen Sie 

es uns kurz vor? 

Gregor Huebner: Das Progressive 

Chamber Music Festival in New York 

und München präsentiert Kammermusik 

des 21. Jahrhunderts und sprengt die 

Grenzen zwischen Kammermusik, Jazz, 

Avantgarde, Folklore, Pop, Hip-Hop 

und anderen Genres zeitgenössischer 

Musik. Es lässt die verschiedenen Stile 

und klanglichen Richtungen auf oftmals 

überraschende und kongeniale Weise 

miteinander verschmelzen. 

Wie kam es zur Idee des Progressive 

Chamber Music Festivals? 

Gregor Huebner: Auf einer Sirius 

Quartet-Tour in Deutschland und in 

China, auf der wir unter anderem mit 

Uri Cane und Theo Bleckmann spielten, 

kam uns die Idee für diese spezielle Art 

von Musik, die zwischen Contemporary 

Classical Music, Jazz und improvisierter 

Musik angesiedelt ist, ein Festival zu 

gründen, bei dem wir einerseits unsere 

eigenen Programme präsentieren und 

andererseits gleichgesinnte Musiker:innen-Freunde 

einladen. 

Das Festival begann in New York 

und fand seine Fortsetzung in München. 

Wie kam es dazu? 

Gregor Huebner: Das war 2014, genau 

vor acht Jahren, im Shape Shifter 

Lab in Brooklyn, New York, wo wir mit 

Uri Cane seine „String Theories“ aufführten. 

Mit einem Jahr Corona-Pause 

fand das 7. Festival 2022 in der NAMA 

(New Amsterdam Musical Association), 

der ältesten African American Musiker 

Gewerkschaft, die um 1905 gegründet 

wurde, statt. Ein wunderbarer historischer 

Ort für ein immer noch junges 

Festival. Seit 2023, also dem 8ten 

Festival, hat Sirius einen festen Ort in 

Zusammenarbeit mit Greenwich Music 

School im West Village von Manhattan 

gefunden. 

Die Fortsetzung in München, wo das 

Festival 2023 zum sechsten Mal stattfand, 

kam durch die Zusammenarbeit 

mit dem Musiker und Komponisten 

Gerd Baumann, einem der Betreiber 

des Milla Clubs in München, zustande. 

Gerd war begeistert von der Idee eines 

solchen Festivals und wollte den Milla 

Club in die gleiche Richtung führen wie 

zum Beispiel das LPR in New York, in 

dem an einem Tag Neue Musik, am andern 

Tag Tango und dann wieder eine 

Big Band oder eine Metal Band auf dem 

Programm stehen. 

Wie stellen Sie das Programm zusammen? 

Gregor Huebner: In Absprache mit 

Gerd für München und dem Sirius Quartet 

in New York und München werden 

einzelne Gruppe angefragt, die uns musikalisch 

überzeugen und die unter dem 

Begriff Progressive Chamber Music einzustufen 

sind. 

Inzwischen erhalten wir sehr viele Bewerbungen, 

wodurch es nicht leichter 

wird, eine Auswahl zu treffen. In New 

York hat die Programmauswahl in 

diesem Jahr ausgesprochen gut funktioniert. 

Die Verschiedenartigkeit der 

Ensembles war sehr inspirierend und 

wurde vom Publikum begeistert aufgenommen. 

Dies ist uns auch in München 

gelungen und wir sind schon wieder in 

der Planung für 2024. 

Das Progressive Chamber Music 

Festival ist ein großes kleines Festival. 

Soll es dabei bleiben oder welche 

Vision treibt Sie um? 

Gregor Huebner: Das PCMF soll sich 

etablieren und kann sich natürlich in 

der Zukunft auch vergrößern, was aber 

mit einem organisatorischen Aufwand 

verbunden ist, der nicht nur von Sirius, 

Gerd und mir gestemmt werden kann. 

In der jetzigen Größe ist das im Moment 

noch möglich, stößt aber schon jetzt an 

seine Grenzen. In der Planung für die 

Zukunft ist auch ein Austausch der Ensembles 

und Workshops zwischen New 

York und München geplant, was natürlich 

fantastisch wäre. 

Einhalden Festival 

Aleppo City of Chaos, Zeichnung von Gregor Huebner 

Und Ihr drittes Projekt ist das Munich 

Composers Collective, das neben 

dem Sirius Quartet ein wichtiger 

Bestandteil des Festivals ist und 

in aller Regel den Abschluss des Festivals 

bildet. Was ist das Collective 

und was zeichnet es aus? 

Gregor Huebner: Das Munich Composers 

Collective (kurz: MCC) ist ein 

aus Alumni des Jazzinstituts und der 

Klassikabteilung der Hochschule für 

Musik und Theater München bestehendes 

Ensemble. Das Ensemble, das sich 

hauptsächlich aus ehemaligen Absolventen 

meiner Kompositionsklasse 

zusammensetzt, wurde im Jahre 2014 

von mir ins Leben gerufen und hat sich 

mittlerweile in der genreübergreifenden 

Musikszene weit über München hinaus 

einen Namen gemacht. Derzeit zählt 

es achtzehn Mitwirkende. Dabei ist 

die instrumentale Zusammensetzung 

eigenständig, so erklingen neben einer 

verkleinerten Bigband-Besetzung (vier 

Saxofone/Klarinetten/Flöten, zwei 

Trompeten/Flügelhörner, eine Posaune 

und Rhythm Section mit akustischem 

und elektrischem Bass) auch Tuba und 

drei Streichinstrumente (zwei Violinen, 

ein Cello). Das Ensemble spielt 

ausschließlich Stücke von Bandmitgliedern 

und folgt außerdem in seiner 

antihierarchischen Organisation dem 

Geiste des 1980 in Frankfurt gegründeten 

Ensemble Modern. In den zahlreichen 

hervorragenden Kritiken der 

Fachpresse zeigt sich, dass das MCC 

im internationalen Vergleich relevant 

ist und zu einer eigenen Stimme gefunden 

hat. In den Kompositionen 

vereinen sich Elemente von Jazz und 

Contemporary Classical, aber auch 

Independent Rock und zeitgenössischer 

improvisierter Musik. Durch diese 

eigenständige Mischung will sich 

das MCC als künstlerisch profiliertes 

Ensemble verstehen, was am Anfang 

seiner Entwicklung steht. Dies soll mit 

weiteren internationalen und deutschlandweiten 

Konzerten gefestigt werden. 

Aktuelle Besetzung: 

Monika Roscher (voc) 

Gregor Huebner (vl) 

Felix Weber (vl) 

Barbara Grahor Vovk (bratsche) 

Felix Thiedemann (vlc) 

Josef Reßle (piano) 

Jakob Jäger (bass) 

Anna Emmersberger (ebass) 

Leo Kuhn (git) 

Vincent Crusius (dr) 

Matthias Lindermayr (tp) 

Angela Avetisyan (tp) 

Jakob Grimm (tb) 

Bernadette Wolf (tuba) 

Mark Pusker (asax) 

Edi May (tsax) 

Moritz Stahl (tsax) 

Jakob Lakner (bcl) 

Mit dem Munich Composers Collective 

sind Sie seit diesem Jahr „in 

Residence“. Was verbirgt sich dahinter? 

© Beate Armbruster 

Gregor Huebner 

Gregor Huebner ist ein preisgekrönter, 

Grammy-nominierter Komponist und 

Geiger, der von Publikum und Kritikern 

gleichermaßen für seine visionäre 

Arbeit in verschiedenen Genres gefeiert 

wird. Seine Musik wurde von 

The New York City Jazz Record als 

„herausfordernd und lebendig (...) 

nahtlos integriert er kammermusikalische 

Elemente mit Avantgarde Jazz“ 

beschrieben. 

Der in Stuttgart geborene Huebner 

lebt zwischen New York und München. 

Als Mitglied des Sirius Quartets, des 

Richie Beirach/Gregor Huebner Duos, 

von El Violin Latino, Berta Epple und 

seinem Munich Composers Collective 

trat er bei vielen Festivals auf, darunter 

das Montreux Jazzfestival, das 

Kork Festival Irland, das Tiblisi Jazz 

Festival und das Bell Atlantic Festival 

in New York. 

Seit 2016 ist er Mitinitiator des Progressive 

Chamber Musik Festivals in 

New York und München. 

Aus Huebners Zusammenarbeit mit 

Richie Beirach und George Mraz sind 

drei von der Kritik hochgelobte Alben 

hervorgegangen, darunter das für 

den Latin Grammy nominierte „Round 

About Federico Mompou“. 2017 gewann 

er den Grande Prize bei der New 

World Composers Competition der 

New Yorker Philharmoniker. 

Huebner erhielt außerdem Aufträge 

von der Internationalen Bachakademie 

Stuttgart, dem Staatstheater Fürth und 

der Landesakademie Ochsenhausen, 

dem Grand Theatre Luxemburg, der 

WDR Big Band, Tribeka New Music und 

vielen anderen. 

Seine Werke wurden von bedeutenden 

Ensembles wie dem Pittsburgh 

Symphony Orchestra, dem Nova Philharmonic 

Orchestra und dem Stuttgarter 

Kammerorchester uraufgeführt. 

Die Irish Times schrieb in ihrer Rezension 

einer Aufnahme mit Huebner, 

Beirach und dem Saxophonisten 

Charlie Mariano: „Der Geiger Gregor 

Huebner (...) ist in einer Stimmung, die 

jeden umhaut (...) emotional komplex 

(...) wunderschön.“ 

Derzeit hält er eine Professur für Komposition 

an der Hochschule für Musik 

und Theater in München inne. 

www.gregorhuebner.com 

gregor.huebner.7 

GregorHuebnerViolin 

SiriusQuartetOfficial 

gregorhuebner

ZBIGGY | arttourist.com Jazz | Neue Musik | Elektro | 2024 Gregor Huebner | 7 

MCC Munich Composer Collective in der Flüsterkneipe, Werksviertel Mitte | © Helena Heilig 

Gregor Huebner: Wir sind Ensemble 

in Residence im Werksviertel-Kunst in 

München seit 2023. Wir haben einen 

Raum, der zwar noch nicht eröffnet ist, 

in dem wir aber schon zweimal mit 

dem MCC konzertiert haben und der 

in der Zukunft eine Art Proberaum und 

gleichzeitig Flüsterkneipe/Konzertraum 

für MCC und vielleicht auch für daraus 

resultierende kleinere Ensembles sein 

soll. Für das Festival Anfang 2025, 

„out of the box“ werde ich im Auftrag 

der White Box eine Komposition für 

das MCC und die Trontheim Voices 

schreiben, worauf ich mich schon sehr 

freue. 

Doch das ist es sicherlich noch nicht 

im Künstlerleben von Gregor Huebner 

gewesen. Was ist noch offen an 

Ideen, Projekten und Visionen? 

Gregor Huebner: Es gibt immer neue 

Ideen und mein Sabbatical-Jahr ist ja 

noch nicht vorbei. Im April werde ich 

eine weitere, schon lange angedachte CD- 

Aufnahme machen, und zwar im Trio 

zusammen mit Shoko Nagai und Satoshi 

Takeshi. Beide kenne ich schon sehr 

lange und mit beiden habe ich schon des 

Öfteren gespielt. Shoko und Satoshi sind 

auch regelmäßige Gäste bei unserem Progressive 

Chamber Music Festival in New 

York. Mit Shoko habe ich vor vielen Jahren 

im Spectrum, einem Veranstaltungsraum 

für contemporary classical, Improvisation 

und freieren Jazz gespielt, und das wurde 

auch sehr professionell aufgenommen, 

aber ich hatte nie die Zeit, diese Aufnahme 

zu vermarkten. Mit diesen beiden 

kann man auf die Bühne gehen und es 

passiert immer etwas Neues im Moment. 

Nun haben wir beschlossen, dies auch im 

Studio festzuhalten und darauf freue ich 

mich sehr. 

Im Mai feiern wir 30 Jahre Sirius (für 

mich 20) im Joe‘s Pub in New York, wo 

auch viele der früheren Mitglieder von Sirius 

dabei sein werden, und danach sind 

wir wieder auf Tour in Deutschland. 

Im Juli werde ich meine Anti-Trump- 

Komposition „New World Nov.9 2016“, 

die leider immer noch aktuell ist, für das 

Munich Composers Collective orchestrieren 

und dann auch in Lübeck beim Classical 

Beat Festival im Sommer uraufführen, 

und im Herbst plane ich eine weitere 

Aufnahme, und zwar mit meinem Gregor 

Huebner NY-NRG Quartet, mit dem ich 

2007 das letzte Mal im Studio war. 

Luis Perdomo, Hans Glawischnig und 

damals Billy Hart, jetzt wahrscheinlich 

Nasheet Waits, sind dabei meine Mitmusiker 

und waren zusammen mit mir 

an der Manhattan School, wo wir uns vor 

30 Jahren kennenlernten und zusammen 

spielten. Im August 1994 bin ich nach 

New York gezogen, also genau vor 30 

Jahren. Das muss mit neuen Ideen, Aufnahmen 

und Konzerten gefeiert werden. 

DAS GESPRÄCH FÜHRTE KAI GEIGER. 

Termine 

30 Jahre Sirius Quartett 

24.5.2024 

Einhaldenfestival Geratsreute 

25.–28.7.2024 

Progressive Chamber Music Festival New 

York, Greenwich Music School 

18–19.10.2024 

Progressive Chamber Music Festival 

München, Club Milla 

13.–14.11.2024 

weitere Termine unter 

www.gregorhuebner.com 

Gregor Huebner 

Piano Solo – Preludes Op. 80 

Während die Welt in der ersten Phase der Corona Infektion drohte aus den Fugen zu geraten und 

gerade die Kultur, Einrichtungen wie Künstler:innen besonders unter den Maßnahmen, Schließungen, 

Auftrittsverbote oder Konzert- und Tourneeabsagen litt und Existenzen bedroht waren, 

zog sich der Violinist und Komponist Gregor Huebner in sein „Homeoffice“ sein Studio in seiner 

Wohnung in Brooklyn New York zurück und entdeckte sein Zweitinstrument, das Klavier, wieder 

für sich. Was als Ablenkung und „Beschäftigungsmaßnahme“, als Flucht vor der ganzen Schwere 

der Situation, angedacht war entwickelte sich schnell zu einer Idee, die wiedergewonnene Leidenschaft 

für das Klavier, die ersten Kompositionen zu einer CD mit Eigenkompositionen entstehen 

zu lassen. Herausgekommen ist eine überraschend intensive Collection von 14 Eigenkompositionen, 

die gerade unter dem Titel „Gregor Huebner – Piano Solo Preludes Op. 80“ bei Solo Musica 

erschienen ist. 

Gregor Huebner stellt sich mit den Preludes opus 80 in eine große klassische Tradition dieser 

Gattung und knüpft an eine bedeutende Traditionslinie an, die von Johann Sebastian Bach über 

Chopin, Rachmaninow, Debussy (um nur einige zu nennen) bis in die Gegenwart reicht. 

Dieser nicht gerade kleinen Herausforderung ist Gregor Huebner in souveräner Weise gewachsen 

und entfaltet eine musikalisch vielseitige und kompositionstechnisch gekonnte Klangwelt, welche 

die Hörerschaft auf eine musikalische Weltreise mitnimmt. Die klassische Traditionslinie wird 

Afrikanische, südamerikanische und asiatische Stilelemente (bspw. Nr. 10, 11 und 7) werden immer 

wieder zur Inspirationen musikalischer Charakterstücke und weben auf überraschende Weise 

diese Elemente souverän ein. 

www.solo-musica.de

8 | jazzahead! 


Bremen 

jazzahead! 2024 

Die Niederlande im Zentrum – 

„Jazz braucht Diversität“ 

11.–13.4.2024 

Die jazzahead! ist das Must-go-Event der internationalen Jazzbranche 

und der Ort für hochwertigen, zeitgenössischen Jazz aus 

Deutschland, Europa und Übersee. Als weltweit größte Veranstaltung, 

auf der sich alle Protagonisten der Szene (Musiker, 

Labels, Agenturen, Festivalmacher, Booker und Medienvertreter) 

treffen, gilt sie bei Fachbesuchern aus aller Welt als 

„Familientreffen des Jazz“. Trotz ihres stetigen Wachstums 

hat die jazzahead! ihren familiären Charakter bewahrt. 

Die jazzahead! ist nicht nur eine Messe für Fachbesucher, 

sondern auch für das breite Publikum – mit einem Programm, 

das die Hansestadt Bremen einmal im Jahr in eine 

Jazz-Metropole verwandelt. 

© Paul Waller 

Ineza 

Jedes Jahr im April findet das jazzahead! Festival 

parallel zur Fachmesse jazzahead! in Bremen 

statt. Gemeinsam mit zahlreichen Kooperationspartnern 

organisieren die Veranstalter 

ein stadtweites Musik- und Kulturprogramm 

rund um den weltweit größten Treffpunkt 

der Jazzszene. Zum Programm gehören neben 

dem Showcase-Festival auch die CLUBNIGHT, 

das Galakonzert und ein Rahmenprogramm. 

Partnerland Niederlande 

Viele Acts aus dem Partnerland Niederlande, 

eine sehr starke Präsenz von Frauen und eine 

große Bandbreite aus allen Bereichen des Jazz, 

verbunden mit einer klaren gesellschaftlichen 

Message – so könnte man das musikalische 

Programm zusammenfassen, das die 40 Showcase-Acts 

auf der nächsten jazzahead! präsentieren. 

Sie findet als Fachmesse und Festival 

der MESSE BREMEN vom 11. bis zum 13. April 

in Bremen statt. Auch aus Deutschland und 

zahlreichen anderen europäischen Ländern 

kommen hochkarätige Künstler:innen, ganz 

zu schweigen von den Acts aus Übersee – „alleine 

für unser über die nächsten drei Jahre 

angelegtes Thema ,Jazz from Africa‘ hat die 

Jury drei hochspannende Ensembles aus dem 

Senegal, Kenia und Nigeria ausgewählt“, sagt 

der neue Artistic Advisor Götz Bühler. 

Neben Deutschland stellen die Niederlande 

den größten Anteil an Künstler:innen und 

Bands: Allein acht Acts kommen von dort, 

unter anderem das zwölfköpfige Kika Sprangers 

Large Ensemble um die gleichnamige 

komponierende Saxofonistin, die mit ihrer 

wunderschön konstruierten Musik als eines 

der größten Jazz-Talente ihres Landes gilt, 

oder BOI AKIH, die Elektronik, Orgelklänge 

und pointierte Rhythmik mit balinesischen 

Mikrotönen verbinden. Gitarrist Reinier Baas 

und Saxofonist Ben van Gelder, feste Größen 

in der Amsterdamer Szene, repräsentieren 

wiederum eine moderne, melodische Impro- 

Form des Jazz, während das Marmoucha Orchestra 

eine faszinierende Fusion der nordafrikanischen 

Gnawa-Sounds mit europäischen 

Klangwelten und Instrumenten bietet. 

Diese Acts stehen mit ihren spannenden Ansätzen 

einerseits für die Vielfalt und Klasse der niederländischen 

Szene, andererseits aber auch für 

die große Bandbreite des gesamten Showcase- 

Programms. Denn das hat es in sich: Krachend 

etwa das nur aus Frauen bestehende Quartett 

O.N.E. aus Polen, das Lyrik, folkloristische Einflüsse 

und Songwriting mit wilder Free-Jazz- 

Energie verbindet – ebenso kompromisslos wie 

Konventionen brechend. Ebenfalls dabei sind 

das Open Arms Project um den Musiker Oran 

Etkin an der Klarinette, der mit einem genresprengenden 

Ensemble mit Musiker:innen aus 

Brasilien und den USA auftreten wird (Bühler: 

„Der Name ist Programm“) oder der ungarische 

Gitarrist Bálint Gyémánt, der sich mit seinem 

Trio atmosphärisch zwischen eleganten Fusion-Klängen 

und Punkrock bewegt. Die elektronischen 

Avantgardisten von Antiánima aus 

Mexiko und der virtuose Fusion-Komplex um 

Yonglee & The DOLTANG aus Korea werden 

zum ersten Mal in Deutschland spielen, dazu 

einige der Musiker:innen des Themas „Jazz 

from Africa“ sowie aus der Ukraine und Israel. 

Besonders erfreulich sei auch, „dass zum ersten 

Mal seit dem Brexit wieder verstärkt Bands aus 

Großbritannien dabei sind, etwa der junge Pianist 

Sultan Stevenson aus der Talentschmiede 

der ,Tomorrows Warriors‘ oder die Band des 

schottischen Folk-Jazz-Saxophonisten Matt 

Carmichael“, so Kornitschky und Bühler. 

Jazz braucht Diversität 

Erfreulich ist ein hoher Frauenanteil – überhaupt 

spielt Diversität eine wichtige Rolle im 

Programm. „Jazz braucht Diversität!“, wie jazzahead!-Leiterin 

Sybille Kornitschky betont: „Es 

© Gabriel Baharlia 

Ariel Bart

ZBIGGY | arttourist.com Jazz | Neue Musik | Elektro | 2024 jazzahead! | 9 

INTERVIEW 

mit Sybille Kornitschky 

und Götz Bühler 

jazzahead! 2024 Galakonzert, NJJO GOES MAMBO Live 

ist ein gutes Zeichen, dass fünf der deutschen 

Bands von Frauen geleitet werden – und das 

nicht etwa nur, weil wir es politisch gewollt 

hätten, sondern weil es die aktuell spannendsten 

Bands sind.“ Die hochkarätig und international 

besetzten Jurys hätten so entschieden. 

Zu nennen sind hier unter anderem die Trios 

der Pianistinnen Alexandra Ivanova, Shuteen 

Erdenebaatar oder Julia Kadel (Letztere ist auch 

preisgekröntes Gründungsmitglied der QUEER 

CHEER Community) oder Saxophonist Phillip 

Dornbusch mit der Band Projektor, dessen elektro-akustische 

Soundwelten zwischen Avantgarde 

und Modern Jazz schwirren und eine 

ebenso klare wie zentrale Antirassismus-Aussage 

beinhalten. Jazz ist Musik, die verbindet und 

die keine Grenzen kennt. Das wird man auch 

während der jazzahead! in Bremen wieder ganz 

selbstverständlich und musikalisch spüren und 

deutlich machen. 

jazzahead! CLUBNIGHT 

12.4.2024 

1 Ticket, 35 Locations, 70 Konzerte 

Sie ist am großen Jazz-Wochenende im April 

ein besonderes Highlight, die Partynacht 

für Genießer und Entdecker: Die jazzahead! 

CLUBNIGHT, die in diesem Jahr am Freitag, 

den 12. April, stattfindet – von 17 Uhr bis tief 

in die Nacht. 35 Locations, unter denen einige 

zum ersten Mal dabei sind, inszenieren sich 

als „Birdlands“ und „Blue Notes“ mit mehr 

als 70 faszinierenden Konzerterlebnissen von 

hochkarätigen Bands aus aller Welt. Das Allin-one-Ticket 

verschafft dabei Zugang zu allen 

Spielstätten, inklusive Nutzung der öffentlichen 

Verkehrsmittel in Bremen und Niedersachsen. 

Die gut 70 Acts der Bremer CLUBNIGHT sind 

bestens über die Stadt verteilt – von der City und 

dem Ostertor/Steintor über die Neustadt und 

Woltmershausen mit dem Tabakquartier bis 

nach Bremen Nord. Unter den 35 Spielstätten 

Girls in Airports 

sind zahlreiche altbewährte, aber auch ganz 

neue Spielstätten wie z.B. die Union Brauerei 

im Bremer Westen, wo in Kooperation mit der 

SOUNDSGOOD Music Agency unter anderem 

das dänische Post-Jazz-Quartett Girls in Airports 

auftritt, zu späterer Stunde gibt es dort ein Set 

von DJ Tereza, die schon mit dem Deutschen 

Symphonie-Orchester, bei Gilles Petersons 

Worldwide FM oder im Boiler Room auftrat. 

www.jazzahead.de 

© Jessie Kamp 

© Kat Jarby 

Seit diesem Jahr leitet Götz Bühler als Artistic 

Advisor mit Ihnen die jazzahead! Veränderungen 

bringen Neuerungen. Wie tickt das 

Team Kornitschky & Bühler und wo ist eine 

neue Handschrift bei der diesjährigen jazzahead! 

erkennbar? 

Sybille Kornitschky: Es ist eine Evolution – wir tragen 

Jazz nicht nur im Namen, sondern leben auch 

den Geist dieser Musik, die ständig in Veränderung 

ist, sich weiterentwickelt, und dabei auf eine lange 

Tradition zurückblicken kann. In den 18 Jahren, die 

es die jazzahead! jetzt schon gibt, haben wir viele 

Erfahrungen gesammelt, die auch dazu führen, dass 

sich die Dinge immer wieder und immer weiter ändern. 

Natürlich gibt es ganz offensichtliche Neuerung, 

die sicher auch etwas mit dem neuen „Artistic 

Advisor“ an meiner Seite zu tun haben: innerhalb 

der „Overseas Showcases“ gibt es ab diesem Jahr 

immer ein Thema. Für die nächsten drei Jahre ist 

es „Jazz aus Afrika“ und wir freuen uns sehr, dass 

es uns gelungen ist hier drei – oder vielleicht sogar 

vier – sehr interessante Talente aus unterschiedlichen 

Ländern des afrikanischen Kontinents für die 

jazzahead! nach Bremen zu holen. Die Trompeterin 

Christine Kamau aus Kenia, der Bassist und Sänger 

Alune Wade aus dem Senegal und die Afro4Band 

aus Nigeria. Zudem können wir unser kosmopolitisches 

Partnerland die Niederlande schon bei der 

Eröffnungsfeier am Donnerstag mit diesem Thema 

verknüpfen: der südafrikanische Gitarrist und Bandleader 

Vuma Levin, der gerade seinen Doktor in Musik 

in den Niederlanden macht, tritt dort mit seiner 

Gruppe auf – allesamt Musiker, die er beim Studium 

in Amsterdam kennengelernt hat. 

Ich empfinde die Kulturbranche gerade in einer 

sehr fragilen Situation. Auswirkungen der 

Corona Krise, steigende Inflation und die politische 

Unsicherheit machen sich immer mehr, 

auch nach dem Wegfall der Förderprogramme, 

bemerkbar und der Kultur das Leben schwer. 

Wie nehmen Sie die Situation wahr und wie 

verhält sich die allgemeine Zurückhaltung 

auf die jazzahead!? 

Sybille Kornitschky: Wie gut wir auf der künstlerischen 

Seite mit der jazzahead! dastehen, zeigt 

schon die ungebrochen große Anzahl an Bewerbungen, 

die uns auch dieses Jahr für die Showcases erreicht 

hat. Die fünf international besetzten Jurys, 

die unser neuer „Artistic Advisor“ Götz Bühler zusammengestellt 

hat, hatten die nicht ganz leichte 

Aufgabe aus über 800 Bewerbungen eben nur 40 

Bands auszuwählen. Was das Finanzielle angeht: 

dass wir in einer Zeit leben, in der Haushalte noch 

im Folgejahr nicht beschlossen sind, macht auch 

unsere Förder-Situation sicherlich nicht einfacher. 

Aber gerade jetzt, wo wir von Seiten der Politik 

für Unterstützung mehr denn je kämpfen müssen, 

kommt es uns sehr gelegen, dass sich die Bremer 

Bürger selbst aktiv in unserem Förderverein jazzahead! 

Festival engagieren. Den Menschen in der 

Stadt ist schon klar, wie bedeutsam und wichtig die 

jazzahead! nicht nur für Bremen ist. 

© Oskari Joutsen 

In den letzten Jahren klappen immer neue 

Themen in der Kulturbranche auf, die die 

Kultur- und Musikbranche beschäftigen. Wie 

bündelt man diese, ohne den Überblick zu 

verlieren. Wie gehen Sie damit um, wie entscheiden 

Sie und auf welche Themen setzten 

sie zukünftig Ihren Fokus? 

Götz Bühler: Wir müssen nicht nur mit der Zeit 

gehen was die Musik angeht, sondern natürlich 

auch, was die großen Themen unserer Zeit angeht. 

Deshalb sind wir Teil des Projekts „Better Live“, 

das sich für nachhaltigeres Touren in Europa einsetzt. 

Darüber hinaus arbeiten wir an einem größeren 

Tool, dass hier auch weit über die Jazzwelt 

hinaus sicherstellen wird, dass sich die Branche untereinander 

besser koordiniert, vor allem eben was 

Touren durch Europa angeht. Natürlich beschäftigen 

uns auch Themen wie die Nachwuchsförderung: 

hier bieten wir unter anderem ein Kinderkonzert 

mit dem Timbalooloo-Gründer Oran Etkin 

an. Inklusion ist ein weiteres wichtiges Thema, das 

mit einem „FishBowl“-Gespräch und dem Konzert 

Kaisas Machine 

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10 | jazzahead! | Jazz 


© M3B GmbH, Kerstin Rolfes 

jazzahead! 2024 Götz Bühler und Sybille Kornitschky 

einer inklusiven Band in der CLUBNIGHT einen 

guten Rahmen findet. Und natürlich beschäftigen 

uns Themen wie Parität und Diversität ganz besonders. 

Für viele gesellschaftliche Entwicklungen 

war die Jazzwelt ein gutes Vorbild – man denke 

nur daran, dass das sehr populäre Benny Goodman 

Quartet mit Lionel Hampton, Teddy Wilson und 

Gene Krupa schon Ende der 30er Jahre, also lange 

vor der Aufhebung der so genannten „Rassentrennung“, 

„integrated“ war. 

Diversität ist ein Thema davon, das eine immer 

wichtigere Rolle in der Kultur spielt. Wie 

spiegelt sich Diversität im Programm der jazzahead!? 

Götz Bühler: Allein wenn man sich die Besetzung 

unserer Jurys für die 40 Showcases ansieht, wird 

man leicht erkennen, dass hier erstmals mehr Frauen 

als Männer die Entscheidungen getroffen haben. 

Das spiegelt sich natürlich auch in unserem Programm 

wider. Zudem haben wir nicht nur durch 

unser Thema „Jazz aus Afrika“, sondern allein 

aufgrund der Natur des Jazz, so viele „People of 

Color“ im Programm wie wohl kaum eine andere 

Veranstaltung hierzulande. Jazz braucht eben Diversität. 

Es ist gerade die Vielfalt der Menschen 

und dadurch auch der musikalischen Einflüsse, die 

Jazz auch über 100 Jahre nach seinem Entstehen, 

nicht nur immer wieder spannend und zeitgemäß 

machen, sondern eben zu einer lebendigen Musik. 

Das können nicht viele Traditionsmusiken von sich 

behaupten. 

Das diesjährige Gastland sind die Niederlande. 

Auf wen und was dürfen wir uns freuen? 

Götz Bühler: Die Niederlande sind das New 

York Europas – ein Schmelztiegel, der einerseits 

von den Einflüssen der Menschen aus den ehemaligen 

niederländischen Kolonien, aber auch 

durch die vielen ausländischen Studenten an den 

hochkarätigen Konservatorien des Landes immer 

wieder profitiert. So ist auch das Programm, das 

unser diesjähriges Partnerland mitbringt, so vielfältig 

und spannend geworden. Die Bandbreite 

reicht von einem Duo des Saxophonisten Ben van 

Gelder mit dem Gitarristen Reinier Baas über den 

indonesisch beeinflussten Jazz der Gruppe BOI 

AKIH oder die Gruppen der Saxophonistinnen 

Kika Sprangers – mit ihrem wunderbaren Large 

Ensemble – und Tineke Postma – mit einem von 

Opernmusik beeinflussten Programm – oder dem 

sehr wilden Trio „Raw Fish“ bis zu dem von nordafrikanischer 

Gnawa-Musik geprägten Marmoucha 

Orchestra. Unser Galakonzert der Niederlande 

am Samstagabend ist noch ein gutes Beispiel: die 

holländische Trompeterin Maite Hontelé, die vor 

sieben Jahren für ihre damalige Wahlheimat Kolumbien 

ein Showcase bei der jazzahead! gespielt 

hat, leitet das nationale Jugendorchester der Niederlande 

mit einem nagelneuen „Mambo“-Programm 

– mit dem kubanischen Pianisten Ramón 

Valle und dem Flötisten Ronald Snijders aus Surinam 

als „Special Guests“. 


JAZZ 

Schaerer, Kalima, Lefebvre | © ACT_Gregor Hohenberg 

Basel (CH) 

Jazzfestival Basel 

15.4.–16.5.2024 

Vom 15. April bis zum 16. Mai 2024 gastieren 

in der Kaserne Basel, im Gare du Nord, 

im Volkshaus Basel, im Bird’s Eye Jazzclub, im 

Stadtcasino Basel, in der Dorfkirche Riehen, im 

Guggenheim Liestal, im Elefantehuus Liestal, 

im Atlantis Basel, im Sudhaus sowie im Jazzcampus 

Basel Jazz-Newcomer, stilbildende 

Musiker:innen und große Stars. Sie bereichern 

einmal mehr Basel mit Jazz, Worldmusic, Oriental 

Music und Funk und hoffen, ein großes 

Bad Hersfeld 

Swing & Wine Festival 

16.–20.5.2024 

Publikum mit ihren Konzerten beglücken zu 

können. 

Über 1500 Jazz-/Funk-/Worldmusic-Konzerte 

hat offbeat/jazz in Basel im Laufe der Jahrzehnte 

durchführen und so die Basler Jazzszene nachhaltig 

prägen können. Das offbeat-Team hat 

auch für das Festivaljahr 2024 einiges Sehenswertes, 

Überraschendes und Entdeckenswertes 

im Köcher, ein „musikalisches Feuerwerk“ bestehend 

aus Jazz, Funk, Soul und Globalmusic 

in und um Basel. Divers, vielschichtig und 

stilistisch offen ist offbeat in diesem Jahr, und 

die Veranstalter:innen sind stolz, dass sie namhafte 

Jazz-Frauen und weibliche Stars der Globalmusic 

im Programm haben. Das Jazzfestival 

Basel geht auch neue Wege, verjüngt sich programmatisch 

und personell. Frischer Wind in 

vielen Bereichen! 

www.offbeat-concert.ch 

Bezau (A) 

Bezau Beatz 2024 

8.–11.8.2024 

Vom 8. bis 11. August finden die Bezau Beatz 

im Herzen des Bregenzerwaldes mit der bewährten 

Kombination aus aufsteigenden, zu 

entdeckenden Künstler:innen und etablierten 

Namen der europäischen Impro-Szene statt. 

„Glauben Sie mir: Nichts wirkt so belebend wie eine swingende Band.“ 

(Paul Kuhn, dt. Pianist, Bandleader und Sänger, 1928–2013) 

Seit 1984 findet alljährlich in der Fachwerk- und Festspielstadt Bad Hersfeld 

das Live Jazz Festival statt. Pfingsten 2022 vereinte sich dann zum 

ersten Mal das Live Jazz Festival mit dem traditionellen Weinfest zu einem 

neuen Top-Event in der osthessischen Region, dem „SWING & WINE FES- 

TIVAL“. Zahlreiche musikalische Top-Acts mit Künstlern aus aller Welt locken 

unzählige Fans für fünf Tage in Waldhessens Kulturstadt. 

Das „SWING & WINE FESTIVAL“ bringt die Musik der 20er- bis 50er-Jahre 

nach Bad Hersfeld. Die besten Swingbands, fantastischer Early Jazz, Brass 

Bands, mitreißender Boogie Woogie, Blues, Rock’n’Roll und mehr wird 

am Pfingstwochenende in Bad Hersfeld den Musikfans ein grooviges Wochenende 

bescheren. Im historischen Parkgelände an der Bad Hersfelder 

Stiftsruine und bis in die Gässchen der Altstadt hinein geht fünf Tage lang 

musikalisch die Post ab. 

www.swingandwinefestival.de 

Velvet Revolution | © Nicolas Dhondt 

Das vom österreichischen Schlagzeuger und 

Label-Betreiber (Boomslang Records) Alfred 

Vogel organisierte Festival hat sich einen festen 

Platz 

im europäischen Festivalkalender gesichert. 

Von improvisierter Musik bis zu Singer-Songwritern 

spannt sich der Programmbogen. Die 

Spielstätte der Lok-Remise des Wälderbähnles 

besticht durch eine einzigartige Atmosphäre, 

und der Charme des Alpen-Dorfes Bezau 

garantiert einen kollektiven Musikgenuss. 

Neben den abendlichen Konzerten ist die 

legendäre DJ Wälderbähnlefahrt und ein abwechslungsreiches 

Rahmenprogramm Pflicht. 

Für den erkrankten Alfred Vogel übernimmt 

in diesem Jahr der Schlagzeuger Valentin 

Schuster die Leitung. 

© Stadtmarketing Bad Hersfeld 

Programm Bezau Beatz 

Breeezy (D, DK) 

Sylvain Darrifourcq (FR) 

Alma Tree feat RA-Kalam Bob Moses (PT, USA, ESP) 

Leila Martial/Valentin Ceccaldi (FR) 

Reza Askari ‘Roar’ (D) 

DJ-Fahrt mit der Museumsbahn 

Kenneth Jimenez/Josefinna Vannesluoma (CRI/FIN) 

Drummers Talk 

Luis Vicente/John Dikeman/John Edwards/Hamid Drake 

(PT, USA, UK) 

Bobo & Behaja (FR, MDG) 

KUU! 

Immerweiter (D/GR) 

Motusneu (D) 

Vera Morais Mutante Ensemble 

Jäzzspätzle 

Velvet Revolution (D, FR, UK) 

Bezau Beatz Orchestra of Good Hope 

I like to sleep (NOR) 

Iseul Kim’s two voices 

Gerne bezeichnet Alfred Vogel sein Festival 

als „Boutique-Festival“ und meint damit, dass 

es ihm vor allem um Qualität vor Quantität 

geht. Und in der Tat lassen die Namen der 

Künstler, die in den letzten Jahren hier auftraten, 

einen erlesenen und exquisiten musikalischen 

Geschmack erkennen: Lisa Simone, 

Peter Evans, Charlie Cunningham, Jean Paul- 

Bourelly, Billy Martin, Josh Dion, Steven Bernstein, 

Wolfgang Muthspiel, Wild Birds & Peace 

Drums, Steve Swallow, Adam Nussbaum, 

Gwylim Simcock, Bombino, Tony Scherr, Trixie 

Whitley, The Sons of Komet, The Thing, 

Mostly other people do the killing u.v.a. haben 

Bezau besucht. Es hieß in einschlägigen 

Feuilletons, Bezau würde sich zu einem neuen 

Zentrum für improvisierte Musik entwickeln, 

das European Jazz Network zählt die Bezau 

Beatz zu den schönsten Sommer-Festivals. 

www.bezaubeatz.at 

Bezau Beatz | © Bezau Tourismus, 

Fotograf: Lukas Hämmerle

ZBIGGY | arttourist.com Jazz | Neue Musik | Elektro | 2024 Jazz | 11 

Bingen 

25. Bingen Swingt 

14. – 16.6.2024 

Vorhang auf für Bingen Swingt: Zum 25. Jubiläum vom 14. bis 16. Juni ertönen 

alle Facetten des Jazz, Funk, Soul und Swing in der Rheinstadt. Mit 26 Acts auf 

4 Festplätzen in der gesamten Innenstadt verspricht das Internationale Jazzfestival 

eine dreitägige musikalische Reise voll mitreißender Rhythmen, fesselnder 

Melodien und energiegeladener Kompositionen zu werden. Zu den Programmhighlights 

zählen unter anderem die Souldiva China Moses, das Ed Partyka Jazz 

Orchestra feat. Julia Oschewsky, Dr. Soul & The Chain of Fools und viele mehr. 

Renommierte Jazzstars treffen auf spannende Newcomer und ausgezeichnete 

Musik trifft direkt am Tor zum UNESCO Welterbe auf „Rhine & Wine“. 

Bingen Swingt lockt zur 25. Edition mit einem abwechslungsreichen Programm 

Jazzfans und Musikfreunde gleichermaßen: Das LineUp präsentiert neben internationalen 

Musiker:innen wie China Moses und aufstrebenden Youngstars wie 

der mehrfach für den deutschen Jazzpreis Nominierten Shuteen Erdenebaatar 

auch zahlreiche lokale und regionale Acts, wie das beliebte Quartett Klangcraft. 

Die spannende Mischung aus Big-Bands, Quartetten und Solisten greift erneut 

das Motto des diesjährigen Kultursommers Rheinland-Pfalz auf: Zu den „Sternen 

des Südens“ gehören unter anderem Giovanni Costello und Júlio Resende Fado 

Jazz Trio „Sons of Revo- lution“. 

Den fulminanten Festivalauftakt spielen nach der Eröffnungsrede am Freitag, 

den 14. Juni um 18.00 Uhr 4 Bands auf den Bühnen am Bürgermeister-Neff-Platz 

und dem Freid- hof. Am Samstag, den 15. Juni können Festivalbesucher durchgehend 

von 11:00 bis 23:45 Uhr 13 Acts auf 4 Bühnen genießen. Bingen Swingt endet 

am Sonntag, den 16. Juni um 20.00 Uhr nach 9 Stunden Tagesprogramm mit 

9 Acts auf allen 4 Bühnen mit dem Abschlusskonzert des Pablo Martin Caminero 

y su Flamenco Jazz Ensembles feat. David Carpio. Kostenfreie Konzerterlebnisse 

bietet die Bühne am Speisemarkt: Samstag und Sonntag kann man die Vielfalt 

des Jazz hier auch ohne Ticket genießen. 

Ein Genuss für alle Sinne verspricht Bingen Swingt nicht nur wegen der malerischen 

Kulisse am Zusammenfluss von Rhein und Nahe zu werden: Inmitten 

von gleich 4 Weinbaugebieten sind ausgezeichnete Vinos lokaler Winzer und 

regionale Köstlichkeiten selbstverständlicher Bestandteil des Konzepts: „Music 

meets Rhine & Wine“. Mit einem vielfältigen Rahmenprogramm für Groß und 

Klein lädt Bingen Swingt auch rund um das Festival zum Erkunden und Erleben 

der Rheinstadt ein. Ein Muss für Jazzliebhaber und alle, die es werden wollen. 

www.bingen-swingt.de 

China Moses | © Sylvain Norget 

Bringt beim Jazzfest Bonn am 1. Mai das Opernhaus 

zum Beben: die für den Deutschen Jazzpreis nominierte 

Monika Roscher Bigband. 

Bonn 

15 Jahre Jazzfest Bonn 

19.4.–1.5.2024 

Das Jazzfest Bonn geht in seinem Jubiläumsjahr 

neue Wege. Mit über 30 Konzerten, drei 

neuen Spielstätten und rund 150 Musiker:innen 

ist das Festival auf Wachstumskurs. Sie 

richten in 2024 den Blick auf die Zukunft der 

improvisierten Musik. Dafür stehen im Hauptprogramm 

vom 19. April bis 1. Mai das Bundesjazzorchester, 

die virtuosen Genre-Sprengerinnen 

Mirna Bogdanovic‘, Olga Reznichenko 

und Cymin Samawatie sowie die Sängerin Sera 

Kalo, die mit futuristischen Sounds neue Generationen 

für den Jazz begeistert. Aber auch alte 

Bekannte finden sich im Programm. „Wir feiern 

unser Jubiläum mit Künstler:innen, die das 

Publikum in den letzten 15 Jahren nachhaltig 

begeistert haben“, sagt Materna und nennt die 

Pianist:innen Julia Hülsmann, Julia Kadel und 

Iiro Rantala, die Bassistin Lisa Wulff, die fulminante 

Monika Roscher Bigband und den Sänger 

Thomas Quasthoff als Beispiele. Einen Fokus 

legen sie auf die europäische, insbesondere 

skandinavische Szene, indem Musiker:innen 

wie Lars Danielsson, Rebekka Bakken und Makiko 

Hirabayashi eingeladen sind. Mit amerikanischen 

Künstler:innen wie Linda May Han Oh 

und Harold López-Nussa werden musikalische 

Brücken nach Übersee geschlagen. Mit einem 

Sonderkonzert am 15. Juni, zu dem Weltstar 

Ute Lemper mit ihrem jazzigen Projekt Time 

Traveler das Bonner Opernhaus beehrt, endet 

das Jubiläumsjahr. 

www.jazzfest-bonn.de 

Dresden 

52. INTERNATIONALES DIXIELAND 

FESTIVAL 

12.–19.5.2024 

Über 400.000 Besucher, rund 50 Veranstaltungen, 

über 40 nationale und internationale 

Bands und Solisten in rund 300 Stunden Musik, 

davon knapp die Hälfte eintrittsfrei – das sind 

die musikalischen Argumente des INTERNA- 

TIONALEN DIXIELAND FESTIVALS Dresden. 

Das 1971 gegründete, achttägige Festival findet 

jährlich Mitte Mai statt und ist mittlerweile das 

weltweit größte und älteste Festival für Traditional 

Jazz. Zu den jährlichen Highlights zählen 

die „Riverboat-Shuffle“ mit der gesamten historischen 

Raddampferflotte der „Weißen Flotte“ 

entlang der schönsten Motive des Elbtals, musikalisch 

spannende Konzerte auf kleinen und 

großen Bühnen der Theater, Clubs und Kneipen 

und die eintrittsfreie „Dresdner Jazzmeile“ 

und am Abschluss-Sonntag die „Dixieland-Parade“ 

durch die historische Dresdner Altstadt. 

In Dresden nennt man diese lockere und fröhliche 

Atmosphäre „Dixie-Fieber“ – überzeugen 

Sie sich selbst! 

Das 53. Dixieland-Festival findet vom 11. bis 

18. Mai 2025 statt. 

www.dixielandfestival-dresden.com 

E-Werk Köln, Haus Eingang | © Markus Graessel 

Köln (D) 

DEUTSCHER JAZZPREIS 2024 

Jazz-Highlights in Köln und Bremen 

Der Deutsche Jazzpreis wird dieses Jahr zum 

vierten Mal vergeben und verspricht ein außergewöhnliches 

Ereignis mit einer Reihe von 

Highlights zu werden, die die Vielfalt und Dynamik 

des Jazz feiern. Im Mittelpunkt steht 

in diesem Jahr neben der Auszeichnung und 

Würdigung der herausragenden Leistungen der 

Nominierten und Preisträger:innen auch eine 

Serie von Live-Auftritten, die im Rahmen dreier 

besonderer Anlässe stattfinden: der feierlichen 

Preisverleihung im E-Werk Köln am 18. April 

2024, der jazzahead! Clubnight in Bremen am 

12. April 2024 sowie der Cologne Jazzweek am 

6. September 2024. 

Im Rahmen der Preisverleihung im Kölner E- 

Werk werden die Preisträger:innen mit einer 

Trophäe und einem Preisgeld in Höhe von 

12.000 € prämiert. Nominierte, die keinen Preis 

gewinnen, erhalten 4.000 € Nominierungsgeld. 

Neben der Preis- vergabe erwarten das Publikum 

Live-Auftritte von der Kölner Saxofonistin Angelika 

Niescier im Duo mit Alexander Hawkins, 

dem Omer Klein Trio und der internationalen 

Jazzlegende Kenny Barron. Durch den Abend 

führen Moderatorin Hadnet Tesfai und Götz 

Bühler, künstlerischer Leiter der jazzahead!. 

„Nordrhein-Westfalen ist ein Hotspot des Jazz. 

Viele international anerkannte Künstlerinnen, 

Künstler und Ensembles sind Teil der dichten, 

lebendigen und hoch- karätigen Jazzszene in 

unserem Bundesland. Die Kunstform, die uns 

immer von neuem überrascht, ist an vielen 

Spielorten im ganzen Land zu erleben und hat 

ein festes und begeistertes Publikum. Mit der 

Musikhochschule und dem Europäischen Zentrum 

für Jazz und aktuelle Musik ist Köln eines 

der Zentren dieser Musikform. Die Verleihung 

des Deutschen Jazzpreises 2024 und 2025 ist 

hier also in jeder Beziehung am richtigen Ort!“, 

sagt die Ministerin für Kultur und Wissenschaft 

des Landes Nordrhein-Westfalen, Ina Brandes, 

über die Zusammenarbeit, die gemeinsam mit 

der Stadt Köln auch 2025 fortgesetzt wird. 

www.deutscher-jazzpreis.de 

>> WEITER AUF SEITE 14

12 | Jazz | Allensbach 


TILL BRÖNNER (tr) & DIETER ILG (kb) 

Eröffnungskonzerte des 

Jubiläumsjahrs 

Mo., 18. und Di., 19. März 2024 

ev. Gnadenkirche Allensbach 

20 Uhr 

Was für ein unglaubliches Duo. Sie sind eng 

verbunden mit JAZZ am SEE, traten schon 

mehrfach in der Gnadenkirche auf und hatten 

sogar ihre Premiere als Duo bei JAZZ am SEE: 

Trompeter Till Brönner, der erfolgreichste deutsche 

Jazzmusiker, Komponist und Fotograf, 

und der virtuose Kontrabassist, „der mit dem 

Bass tanzt“, Dieter Ilg. Zusammen bringen sie 

acht ECHO Preise auf die Bühne. 

„Die Reduktion auf das Wesentliche ist bis 

heute mein Credo“. Dieses Zitat von Till 

Brönner beschreibt treffend das Konzept 

dieses außergewöhnlichen Duos, das in 

kürzester Zeit vergessen lässt, dass es nur eine 

Trompete und ein Kontrabass sind, die scheinbar 

ein gesamtes Orchester erklingen lassen 

können. Von Coleman bis zum deutschen 

Volkslied, den Beatles oder Richard Wagner 

– Genregrenzen spielen dabei keine Rolle, im 

Gegenteil, sie werden ausgelotet und Unvorhersehbares 

großgeschrieben. Zwei begnadete 

Storyteller, die zugleich aufmerksame Zuhörer 

sind, und eine besondere musikalische Begegnung 

zweier Genies an ihren Instrumenten. 

Wallis Bird | Spark Visions of Venus | © Gregor Hohenberg 

Allensbach 

JAZZ am SEE wird 25 

Allensbach, der kleine große Kulturort am Bodensee 

Die Gemeinde Allensbach am Untersee ist nicht nur bei Feriengästen beliebt, sondern auch bei 

Kulturreisenden aus nah und fern. Das Kultur- und Tourismusamt stellt jedes Jahr ein abwechslungsreiches 

und spannendes ganzjähriges Programm auf die Beine, das Einheimische wie Gäste 

aus aller Welt gleichermaßen begeistert. Die Kulturverantwortlichen in Allensbach haben die positive 

Bedeutung, Wirkung und Nachhaltigkeit durch Kunst- und Kultur im Innen- wie im Außenverhältnis 

schon vor vielen Jahren erkannt. 

Das Ministerium für Ernährung, Ländlichen 

Raum und Verbraucherschutz Baden-Württemberg 

hat in einer Studie über die Situation 

und Fördermöglichkeiten für Kultur im 

ländlichen Raum explizit darauf hingewiesen, 

wie wichtig Kultur auch dort als Standortfaktor, 

für ein lebendiges und attraktives Umfeld 

und für den Zusammenhalt der Gesellschaft 

ist. „Sie sind ein Bindemittel, denn mit ihren 

Angeboten fördern sie Kreativität, Empathie, 

gemeinsames Handeln und Toleranz, sie regen 

zu kritischem Denken und zur Selbstreflexion 

an“ und sie sorgen dafür, dass Gäste immer 

wieder gerne nach Allensbach kommen, um 

dort Kultur zu genießen und zu verweilen. 

Das jährliche Kulturabo mit Konzerten und 

Kabarett, die Teilhabe am Bodenseefestival, 

das umsonst & draußen Programm auf der 

preisgekrönten Freilichtbühne im Seegarten, 

die Kultur Blind Dates, die Allensbacher 

Kinderwochen, das MÜHLENWEGMuseum 

mit einer literarischen Dauerausstellung, das 

Archäologie- und Heimatmuseum und eine 

Ausstellung über die Meinungsforschung, die 

im Allensbacher Institut, dem Institut für Demoskopie, 

gemacht wird, stehen im Kulturportfolio 

der Gemeinde Allensbach. 

Und JAZZ am SEE, das in diesem Jahr 25 Jahre 

alt wird. JAZZ am SEE steht seit Anfang an 

für außergewöhnliche musikalische Begegnungen 

verschiedener Kulturen und Genres 

und großer Stimmen des Jazz. Ein Konzert 

mit der Musikerlegende Charlie Mariano 

war Impuls und Beginn der Reihe. Viele unvergessliche 

Konzerte mit beeindruckenden 

Künstler:innen aus der ganzen Welt folgten. 

Viele hochkarätige Musiker:innen und Musiker 

konnten für die Reihe JAZZ am SEE gewonnen 

werden, die aufhorchen lässt. So 

waren u.a. schon Charlie Mariano, Richard 

Galliano, Till Brönner, Michael Wollny, Branford 

Marsalis, Nils Landgren, Rebekka Bakken, 

Silje Nergaard, Dino Saluzzi, Lars Danielsson, 

Adam Baldych, Viktoria Tolstoy, Louis Sclavis, 

Dieter Ilg, Gregor Huebner und viele andere 

zu Gast in der Gnadenkirche. Und viele von 

ihnen kamen und kommen immer wieder, 

wie Till Brönner, der auf die Frage, was ihm 

an Allensbach besonders gefalle, antwortete: 

„Qualität benötigt noch immer dieselben 

Zutaten wie früher. Für viele Menschen ist es 

daher heute schon unverständlich, wie sehr 

Ausdauer, persönliches Engagement und erworbener 

Sachverstand am Ende noch immer 

zu langfristigem Erfolg führen können. Es gibt 

zu diesem Rezept meines Erachtens keine Alternative. 

Allensbach ist ein von mir geliebter 

und gern bereister Ort für ein Gastspiel, weil 

ich für mein Konzept dieselben Zutaten verwende 

und meine Musik sich hier bestmöglich 

entfalten kann!“ 

Der Erfolg hat viele Faktoren und vor allem 

Menschen, die mit Leidenschaft und Begeisterung 

dies alles möglich machen. Der Prime 

Faktor ist sicherlich der besondere intime Konzertort, 

die kleine, hoch über Allensbach gelegene 

Gnadenkirche. Der Blick von dort auf 

ein fantastisches See- und Bergpanorama hat 

schon so manchen Künstler:in sehnsuchtsvoll 

zum Wiederkommen inspiriert. Ein kreatives 

und engagiertes Team um die Leiterin des Kultur- 

und Tourismusbüros Sabine Schürnbrand, 

das seit vielen Jahren in der gleichen Besetzung 

den Künstler:innen von JAZZ am SEE 

eine Konzertwohlfühloase bescheren, ein Bürgermeister 

und der Pfarrer der evangelischen 

Gnadenkirche, Gastgeber der Konzerte, die die 

Begeisterung teilen und vieles möglich machen, 

der Freundeskreis ..., die die charmante 

Bewirtung rings um die Konzerte organisieren, 

und regionale Unternehmen, die JAZZ am SEE 

unterstützen und manch Konzerttraum realisiert 

haben. Und nicht zuletzt ein großartiges 

Publikum, das bis aus Stuttgart, Freiburg und 

Zürich zu Konzerten an den Untersee kommt. 

Sie, die Künstler:innen und engagierten Menschen 

vor Ort, haben es möglich gemacht, 

dass die Zeit der pandemiebedingten Konzertabsagen 

gut durchgestanden wurde und man 

mit Vorfreude und Zuversicht ein spannendes 

und attraktives Jubiläumsprogramm „25 Jahre 

JAZZ am SEE“ auf die Beine gestellt hat, das 

Raum für musikalische Grenzgänge gibt und 

in dem es Wiederbegegnungen und Entdeckungen 

geben wird. 

www.allensbach.de 

Andrea Motis | © Clara Ruiz ANDREA LOOPHOLES 

ANDREA MOTIS (tr; voc) & 

JOSEP TRAVER (g) 

Mo., 22. April 2024 


20 Uhr 

Als außergewöhnliches Talent oder „fée trompette“ 

bezeichnet die internationale Presse die 

1995 in Barcelona geborene Andrea Motis. 

Im Alter von sieben Jahren erhielt sie ihre ersten 

Musikunterrichtsstunden und da Geige 

und Klavier belegt waren, nahm sie die Trompete. 

Zum Glück. Nur fünf Jahre später spielte 

sie die Leadtrompete in der Sant Andreu Jazz 

Band der städtischen Musikhochschule, die 

von Joan Chamorro geleitet wurde und die als 

lokale Talentschmiede inzwischen internationalen 

Ruhm erworben hat. Bereits mit 15 Jahren 

nahm sie ihr Debütalbum auf. 

Andrea Motis ist ein Multitalent. Sie singt, 

spielt mehrere Instrumente, v.a. Trompete, 

komponiert und begeistert mit ihrer Musik 

und Präsenz auch die junge Generation für den 

Jazz und das mit durchaus klassisch anmutenden, 

oft sich an Bossa Nova oder Samba orientierenden 

Jazz. Seit 2012 veröffentlichte die 

Singer-Songwriterin diverse Alben, spielte mit 

renommierten Musikern wie Quincy Jones, Yo- 

Yo Ma, der WDR Big Band u.a. und sorgt für 

ausverkaufte Konzertsäle und für Aufsehen bei 

internationalen Festivals in New York, Wien, 

Tokyo u.a. Nils Landgren holte sie gerade zum 

renommierten Jazz Baltica Festival. 

Die 28-jährige katalanische Trompeterin und 

Sängerin und der Shootingstar der internationalen 

Jazzszene ist zum ersten Mal in Allensbach. 

LARS DANIELSSON LIBERETTO IV 

„Cloudland“ 

Mo., 13. Mai 2024 


20 Uhr 

Lars Danielsson – kb 

Grégory Privat – p 

John Parricelli – g 

Magnus Öström – dr 

Der schwedische Bassist, Cellist und Komponist 

Lars Danielsson ist ein Meister der Atmosphäre, 

der subtilen Spannung und der Balan-

ZBIGGY | arttourist.com Jazz | Neue Musik | Elektro | 2024 Jazz | Allensbach | 13 

Lars Danielsson Liberetto | © Thomas Schloemann 

Nils Landgren Funk Unit1 | Nikola Stankovic 

ce zwischen eindringlichen Klangbildern und 

ausgefeilt lyrisch sanglichen Improvisationslinien. 

Über allem schwebt sein virtuoser, unverwechselbar 

singender, warmer Basston. „Demjenigen, 

der sich fragt, warum Musik Kunst 

ist, die uns am direktesten und nachhaltigsten 

berührt, dem sollte man dieses Album in die 

Hand drücken …“ (Jazzpodium). Mit seinen 

Einspielungen „Liberetto I“, „Liberetto II“ und 

„III“ sorgte er auch bei JAZZ am SEE für Furore. 

Das Wortspiel „Liberetto“ spiegelt seine Herangehensweise 

wider. Der darin enthaltene Bestandteil 

„Libretto“ steht für das Komponierte, 

sozusagen Klassische der Stücke, während das 

lateinische „Liber“ auf die Freiheiten der Interpretationen 

und Improvisationen des Jazz verweist. 

Zusammen mit seinen kongenialen Musikern 

spürt Lars Danielsson einmal mehr neue musikalische 

Räume und die Freiheit der Musik 

zwischen Jazz und Klassik auf und formt sie zu 

fantasievollen, atmosphärisch intensiven 

Kompositionen. 

Ein JAZZ am SEE-Konzert im Rahmen des 36. 

Bodenseefestivals 2024 und ein Kammerjazz 

mit hohem Genusswert. 

Dock In Absolute | © Christian Wilmes 

DOCK IN ABSOLUTE „(RE)FLEKT“ 

Mo., 21. Oktober 2024 


20 Uhr 

Jean-Philipp Koch – p, komposition 

David Kintziger – e-bass 

Victor Kraus – dr 

Das Trio aus Luxemburg um den Pianisten 

und Komponisten Jean-Philippe Koch kombiniert 

neo-progressiven Jazz mit klassischen, 

melodischen und rockigen Elementen und 

bringt frischen Wind in die Musikszene. Ihr 

Spiel ist reich an Wendungen und Stimmungen, 

variiert von kraft- und druckvoll, feurig 

bis lyrisch, von klar, bestimmt und dramatisch 

bis spielerisch leicht und stellt unter 

Beweis, dass Jazz unzählige Geschichten zu 

erzählen hat. 

Die klassisch ausgebildeten und studierten 

Jazzmusiker veröffentlichten ihr Debütalbum 

im Jahr 2017. Das dritte (RE)FLECT 

erschien 2023. Dock In Absolute gastierten 

weltweit bei renommierten Jazzfestivals, u.a. 

wurde ihnen der Titel „Export Artist of the 

Year 2017 and 2019“ by music:LX verliehen 

sowie von Jazznews „Discovery Artist of the 

Year“. Lassen Sie sich ein und überraschen, 

wenn sich romantischer Melodiestil und Virtuosität 

am Klavier, Effekte und Farben des 

E-Basses, spielerische Leichtigkeit und Präzision 

am Schlagzeug zu Spaß am mitreißenden 

Spiel verbinden. 

NILS LANDGREN FUNK UNIT 

„Funk is my Religion“ 

Di., 12. November 2024 

Bodanrückhalle Allensbach 

20 Uhr 

Nils Landgren – tb, voc 

Magnum Coltrane Price – b, voc 

Andy Pfeiler – g, voc 

Robert Ikiz – dr 

Petter Bergander – key 

Jonas Wall – sax, fl 

„Mr. Red Horn“ Nils Landgren, mehrfacher 

Grammy-Gewinner, Träger zahlreicher Auszeichnungen, 

zählt zu den bekanntesten und 

innovativsten europäischen Jazzmusikern 

und zu den ganz wenigen, die mit Jazz ein 

Publikum weit über die Szene hinaus erreichen. 

Bei JAZZ am SEE war der schwedische 

Posaunist, Sänger, Komponist, Mentor, Festivalleiter, 

Bandleader … mehrfach zu Gast 

und begeisterte u.a. mit seinen „Christmas 

With My Friends“ Gänsehaut-Konzerten. 

Nun kommt er im Jubiläumsjahr zum ersten 

Mal mit seiner fesselnd groovenden „Funk 

Unit“, die seit Jahren für euphorisch bejubelte 

Konzerte von Stockholm bis Peking sorgt. 

Als er mit Funk Unit an den Start ging, war 

von vielen die Frage zu hören: Wer braucht 

schon Funk aus Schweden? Heute, 17 Jahre, 

zehn Alben und Hunderte von Konzerten 

später, fragt dies niemand mehr. Selbst Maceo 

Parker, Fred Wesley, Ray Parker jr. oder 

Joe Sample von den Crusaders wirkten schon 

bei der Funk Unit mit. Der Weltklassemusiker 

mit seiner legendären Funk Unit zum ersten 

Mal in Allensbach. 

JAZZ UND MEHR … der besondere 

musikalische Grenzgang 

WALLIS BIRD & SPARK – die klassische 

Band „Visions of Venus“ 

Mi., 15. Mai 2024 

Bodanrückhalle 

20.30 Uhr 

Im Rahmen des 36. Bodenseefestivals 

„vielstimmig|einstimmig“ 

SPARK denkt Klassik neu auf höchstem musikalischem 

Niveau und ist damit weltweit erfolgreich. 

„Die klassische Band“ prägt mit unbändiger 

Experimentierfreude, der pulsierenden 

Kraft einer Rockband und mitreißenden energetischen 

Life-Performances die junge kreative 

Kammermusikszene. Im Kern klassisch, nach 

außen eigenwillig, neugierig, unangepasst 

sorgen sie für Furore und wurden mit einem 

ECHO Klassik ausgezeichnet. Die irische Singer-Songwriterin 

WALLIS BIRD begeistert mit 

ihrer musikalischen Wucht, einer explosiven 

Mischung aus Irish Folk, Rock und Pop. Über 

1000 Konzerte in 

Europa, USA, Australien und Asien und Auftritte 

bei Festivals (u.a. Montreux Jazz Festival) gab 

sie und erhielt zahlreiche renommierte internationale 

Auszeichnungen. 

Gemeinsam bringen sie ein genreübergreifendes 

Musikerlebnis auf die Bühne, das ein 

ganzes Jahrtausend weiblicher Klangkunst umfasst 

mit herausragenden Komponistinnen verschiedener 

Epochen und Genres, von Klassik 

und Avantgarde über Jazz, Indie Rock und Art 

Pop bis zu Weltmusik und Singer-Songwriter. 

Und wenn Wallis Bird „Babooshka“ von Kate 

Bush interpretiert, ist das Publikum ohnehin 

nicht mehr zu halten. Ein Konzert, das seinesgleichen 

sucht. Unbeschreiblich. 

LELÉKA | © Dovile Sermokas 

YOUNG & NEXT! 

auf der KULTUR am SEE-Bühne 

LELÉKA „Ukrainian Folk & Jazz“ 

Do., 13. Juni 2024 

KULTUR am SEE-Bühne 

19.30 Uhr 

Leléka ist ein junges multikulturelles Berliner 

Quartett um die ukrainische Sängerin 

Viktoria, das mit seinem unverwechselbaren 

Stil zwischen Kammerjazz und ukrainischer 

Volksmusik begeistert. Die Musik ist im Jazz 

zwar verwurzelt, geht aber weit über die Grenzen 

des Genres hinaus und wurde bereits mit 

einigen Preisen ausgezeichnet. „Die Frau ist 

wirklich ein Phänomen“ (Jazz Thing). 

LANDESJUGENDJAZZORCHESTER 

BADEN-WÜRTTEMBERG 

Do., 27. Juni 2024 

KULTUR am SEE-Bühne 

19.30 Uhr 

Das Lajazzo ist seit mehr als 40 Jahren das Auswahlorchester 

des Landes Baden-Württemberg 

im Bigbandformat für Nachwuchsmusiker 

und -musikerinnen im Alter von 16 bis 22 

Jahren. „Wir nehmen nur die Besten“, befand 

Jazzprofessor Bernd Konrad bereits bei der 

Gründung. Seither sind zahlreiche Jazzpreisträger 

aus dieser Talentschmiede hervorgegangen 

und einige davon waren bei JAZZ am SEE 

zu erleben. 

JAZZ im FILM von Willy Meyer 

In Memoriam „The Jazzworld of 

Charlie Mariano“ 

Mo., 14. Oktober 2024 

ev. Gnadenkirche 

19 Uhr 

Eine Hommage an einen der größten Jazzmusiker, 

der 2011 im Alter von 85 Jahren 

verstarb. Der Allensbacher Autor und Regisseur 

Willy Meyer begleitete ihn anlässlich 

seines 75. Geburtstages mehrere Wochen in 

seiner Heimatstadt Boston und anderen Stätten 

seiner ungewöhnlichen Musikerkarriere. 

Entstanden ist ein zweistündiges Porträt, das 

nicht nur wichtige Lebensstationen zeigt und 

Freunde und Familie zu Wort kommen lässt, 

sondern auch berührende persönliche Einblicke 

gewährt. 

In Memoriam: Ein Konzert mit dem unvergesslichen 

Saxofonisten und der Musikerlegende 

war der Beginn unserer Reihe JAZZ am 

SEE, bei der Charlie Mariano regelmäßig Gast 

mit verschiedenen Besetzungen war. Mit einführenden 

Worten des Regisseurs. 

Joachim Ernst Berendt 

„Vom Hören des Unerhörten“ 

Mo., 4. November 2024 


19 Uhr 

Ein zweiteiliger Film über den „Jazzpapst“ und 

großen Wegbereiter des Jazz in Europa. Filmische 

Wiederbegegnungen mit Größen der internationalen 

Jazzszene und einiger Musiker, 

die auch bei JAZZ am SEE aufgetreten sind. 

Eine Jazz-Zeitreise. 

FOTOAUSSTELLUNG 

„25 Jahre JAZZ am SEE“ 

Momentaufnahmen, eingefangen 

bei Konzerten und ein Blick zurück 

auf 25 Jahre JAZZ am SEE. 

Ausstellungsdauer 16.03.–15.05.2024 

in der Gnadenkirche 


REBEKKA BAKKEN (p, voc) „Winter 

Nights – Das Weihnachtsprogramm“ 

Mo., 9. Dezember 2024 


20 Uhr 

Rebekka Bakken zählt zweifelslos zu den eindrücklichsten 

und charismatischsten Stimmen 

Skandinaviens. Ihr Stil umfasst mehrere 

Genres, ihre Stimme über vier Oktaven und 

bewegt sich von rauen, rauchigen Klängen bis 

zu klaren, hellen Tönen. Eine ihrer ganz großen 

Stärken ist die Einzigartigkeit mit der sie 

Emotionen vermittelt und ihr Publikum in den 

Bann zieht. Mehrfach begeisterte sie in Allensbach 

und beschließt nun das JAZZ am SEE-Jubiläumsjahr 

mit ihrem Solo-Weihnachtsprogramm 

und ihrer Musik, so zauberhaft wie die 

Winterlandschaft 

Norwegens. Ein 

besonderer Abend 

mit der phänomenalen 

Stimme 

Norwegens in der 

intimen Atmosphäre 

der Gnadenkirche. 

Ausführliches Programm 

25. JAZZ am SEE 

VVK ab sofort: 

Kultur- und Tourismusbüro Allensbach 

+49 (0)7533 801 35 


kulturbuero@allensbach.de

14 | Jazz 


Absinthe 

Joual Vert 

Foaie Verde | © Sebastian Klein 

Geratsreute 

Einhaldenfestival 

25. – 28.7.2024 

Vom 25-28. Juli 2024 sind auf dem Kaseshof 

bei Fronhofen wieder herausragende Köpfe 

aus der internationalen Musikszene und der 

deutschsprachigen Kabarettwelt zu Gast, 

darunter Django Asül, Quadro Nuevo und 

Lars Reichow. Late-Night erobern vielversprechende 

Newcomer-Bands die Bühne. Am 

Wochenende gibt’s für Kinder und Familien 

auch tagsüber jede Menge Spielraum für Musik 

und aktives Erleben. Das Einhaldenfestival 

ist ein Musik- und Kabarett- Festival unter 

dem freien Himmel Oberschwabens. Seit 

2004 lockt das Kultur-Projekt jeden Sommer 

erstklassige Virtuosen und Charakterköpfe 

auf den Bauernhof – die ersten 13 Jahre an 

den Gründungsort, den Bauernhof Einhalden, 

seit 2017 auf den Kaseshof in Geratsreute, 

einem kleinen Weiler bei Fronhofen. Sie 

kommen aus allen Ecken des Landes und der 

Welt. Für viele, die einmal da waren, ist das 

familiäre Festival ein Stück zuhause geworden 

und sie kommen gerne wieder. 

Das Programm für 2024 kann sich einmal 

mehr sehen lassen: Mit dabei sind u.a. die 

aus Caracas stammenden Sängerin Marga 

Mitchell mit dem in Buenos Aires geborenen 

Bandoneon-Virtuosen Leandro 

Ragusa, der vielfach ausgezeichnete niederbayerische 

Kabarettist Django Asül, die 

ECHO-preisgekrönten Weltenbummler und 

Ausnahmemusiker von ‚Quadro Nuevo‘, der 

klaviervirtuose Sänger und spitzzüngige Kabarettist 

Lars Reichow, das tempofreudige 

Balkan-Folk-Ensemble ‚Foaie Verde‘ sowie 

Jazz-Größen und musikalische Weggefährten 

der Festival-Mitgründer von ‚Berta Epple‘ 

wie Joo Kraus, Fola Dada, Ralf Schmid, Ulf 

Kleiner und Torsten Krill. Im Late-Night Programm 

bringt das Festival in Kooperation mit 

dem Popbüro Bodensee-Oberschwaben zwei 

vielversprechende Newcomer auf die Bühne: 

Den Instrumental-Minimal-Musiker Samuel 

Heinrichs und die junge Fusion-Band ‚Entropic 

Minds‘. Am späten Samstagabend gibt das 

Quartett ‚Peterston & Co‘ um den Tübinger 

Martin Peters den Takt an. 

www.einhaldenfestival.de 

Asaf Avidan | © Asaf Avidan 

Hamburg 

ELBJAZZ 

7.–8.6.2025 

Am 7. und 8. Juni 2024 verwandelt das ELB- 

JAZZ den Hamburger Hafen wieder für zwei 

Tage in einen spektakulären Melting Pot 

für Live-Musik: Inmitten der urban-maritimen 

Szenerie von Hamburg bilden einzigartige 

Spielorte wie das Werftgelände von 

Blohm+Voss und die weltbekannte Elbphilharmonie 

mit der angrenzenden HafenCity 

die Herzstücke des Festivals. 

Rund 50 Konzerte mit nationalen und internationalen 

Acts aus dem Jazz und populären 

Genre-Verwandten stehen alljährlich für ein 

zeitgenössisches Musikprogramm. 

Beim ELBJAZZ wird der Begriff Jazz seit Anbeginn 

nicht als spezifische Genrezugehörigkeit, 

sondern als Frage der Einstellung verstanden, 

stilistisch ist das Feld dabei offen. 

Als trendgebender Leuchtturm unter den 

bundesweiten Jazz-Festivals präsentiert das 

ELBJAZZ ganz unterschiedliche Acts und Formationen 

– aufstrebende Newcomer, trendsetzende 

Größen und internationale Stars – 

live und unmittelbar. 

Das musikalische Programm präsentiert 

sich auf verschiedenen Bühnen, die sich 

südlich der Elbe auf dem Werftgelände von 

Blohm+Voss und nördlich der Elbe in der HafenCity 

befinden. Abgerundet wird das musikalische 

Programm durch ein vielseitiges 

Rahmenprogramm. 

www.elbjazz.de 

JFB Brad Mehldau Trio | © Michael Wilson 

✓ Fein balanciert 

✓ Ausdrucksstark 

✓ Tradition 

✓ Natürlich 

✓ Sagenhaft 

Heidelberg 

Enjoy Jazz 

2.10.–2.11.2024 

Mit Enjoy Jazz findet das größte Jazzfestival 

Deutschlands und eines der renommiertesten 

seiner Art in Europa alljährlich in Heidelberg, 

Mannheim und Ludwigshafen statt. Vom 2. 

Oktober bis zum 2. November 2024 präsentieren 

die Macher:innen bei der 26. Ausgabe 

des „Festival for Jazz and More“ unter anderem 

Pat Metheny, Cecile McLorin Salvant 

und das Brad Mehldau Trio in der Metropolregion 

Rhein-Neckar. 

enjoyjazz.de 

Yellowjackets © Roberto Cifarelli 

cantonsabsinthe.de 

Hilden 

28. Hildener Jazztage 

„Blue in Green“ 

22.–26.5.2024 

Die Hildener Jazztage wurden 1996 als Private 

Public Partnership gegründet und sind mittlerweile 

ein wichtiger Bestandteil der Jazzszene 

in der BRD. Zu den Künstlern gehören 

sowohl Musiker aus der deutschen Jazzszene 

mit dem Schwerpunkt NRW als auch international 

bekannte Größen. Obwohl das Festival 

am Jazz-Genre orientiert ist, treten auch 

Musiker verschiedener Musikrichtungen auf 

(Fusion Blues, Weltmusik, Modern Jazz). Die 

an den verschiedenen Veranstaltungsorten 

in Hilden stattfindenden Konzerte werden 

teilweise vom WDR Hörfunk mitgeschnitten 

und auf dem Radiosender WDR 3 übertragen. 

Die künstlerische Leitung hat der konzertierende 

und bekannte Jazzdrummer Peter 

Baumgärtner. Der gebürtige „Schwarzwälder“ 

aus St. Georgen, geb. am 11.02.1958, lebt seit 

mehr als 40 Jahren in NRW. 

Der Titel des diesjährigen Festivals ist „Blue in 

Green“. In der Farbenlehre steht die Farbe 

Blau für Weisheit, Harmonie und Frieden. 

Sie ist auch die Farbe der Loyalität und fördert 

Lachen sowie Heiterkeit. Die Farbe der 

Meere lässt die Wahrheit durch ihre Klarheit 

erkennen. Die Farbe Grün ist die Farbe des 

Lebens. War es diese Symbolik, die den klugen 

und weitsichtigen Miles Davis dazu veranlasste, 

seine wunderbare Ballade „Blue in 

Green“ zu nennen? Definitiv steht Jazz in seiner 

Gesamtheit für all diese Merkmale. 

www.hildener-jazztage.de 

Köln 

COLOGNE JAZZWEEK 

31.8.–7.9.2024 

Die Reise geht weiter! Nach drei erfolgreichen 

Ausgaben mit Rekordbesucherzahlen und der 

Auszeichnung als „Festival des Jahres“ beim 

Deutschen Jazzpreis 2023 setzt das Festival im 

Jahr 2024 seine Erfolgsgeschichte fort: Erleben 

Sie herausragende Künstlerinnen und Künstler 

aus der Kölner, deutschen und internationalen 

Jazzszene auf zahlreichen Bühnen in der gesamten 

Stadt. Ob im Stadtgarten, LOFT, King 

Georg, unter freiem Himmel, in den Ehrenfeld-Clubs 

oder an unseren neuen Veranstaltungsorten 

wie dem Filmhaus, dem Klaus von 

Bismarck Sendesaal im WDR oder der Philharmonie 

– neue Begegnungen entstehen und fesselnde 

Geschichten werden geschrieben. Seien 

Sie dabei im Festivalsommer 2024 und tauchen 

Sie ein in die faszinierende Welt der improvisierten 

Musik! 

www.jazzweek.de 

Ola Kvernberg STEAMDOME, photographer | 

© Birgit Fostervold 

Kongsberg (N) 

60. Kongsberg Jazz Festival 


Das Kongsberg Jazz Festival feiert im Jahr 2024 

sein 60-jähriges Bestehen und ist heute eines 

der wichtigsten Jazzfestivals in Skandinavien. 

Das Festival präsentiert ein abwechslungsreiches 

Programm mit fast 60 norwegischen, 

nordischen und internationalen Künstlern aus 

den Bereichen Modern Jazz, experimenteller, 

freier Jazz und kommerzielleren Genres. 

www.kongsbergjazz.no 

Stax | © Simon Chmel 

Leipzig 

48. Leipziger Jazztage 

19.–26.10.2024 

Ein Festival zwischen Tradition und Innovation, 

für lokale Held*innen und die internationale 

Szene. 

Mit den Leipziger Jazztagen und der MUSIK- 

ZEIT, einer eigenen Konzertreihe und verschiedenen 

Sessions bietet der Jazzclub Leipzig e.V. 

gleichermaßen eine Plattform für aufstrebende 

Talente und etablierte Künstler:innen. Seit 

seiner Gründung vor über 50 Jahren hat sich 

der Jazzclub zu einer bedeutenden Institution 

entwickelt, die die lokale Jazzkultur prägt und 

international vernetzt ist.

ZBIGGY | arttourist.com Jazz | Neue Musik | Elektro | 2024 Jazz | Burg Fürsteneck | Eiterfeld | 15 

Eiterfeld/Hessen 

Jazz, Improvisation 

und vieles mehr auf 

Burg Fürsteneck 

© Akademie BURG FÜRSTENECK e.V. 

Die Akademie Burg Fürsteneck ist eine renommierte 

Einrichtung für kulturelle, berufliche 

und gesellschaftspolitische Weiterbildung 

mit einer langen Geschichte und tief verwurzelter 

Tradition. Im Jahr 1953 wurde die mittelalterliche 

Burg zur Heimvolkshochschule 

umgestaltet, 2006 grundlegend renoviert und 

im Jahr 2023 feierte sie stolz ihr 70-jähriges 

Jubiläum als Bildungseinrichtung. Neben einem 

breiten Spektrum an Kursinhalten und 

-formaten hat sich in den letzten Jahren ein 

weiterer Schwerpunkt herauskristallisiert: Jazz 

und jazzverwandte Musik. 

Der renommierte Pianist Jan Luley ist mittlerweile 

mit seinem Classic Jazz Workshop fest im 

Programm der Akademie etabliert. „Die Burg 

Fürsteneck ist für unser Workshop-Konzept 

einfach ideal, mit ihren zahlreichen Räumen, 

die mit moderner Tagungs- und Soundtechnik 

ausgestattet sind, sowie den Übernachtungsmöglichkeiten 

direkt vor Ort und einem 

vielseitigen kulinarischen Angebot aus der 

Burgküche. Das Ambiente der historischen 

Burgmauern verleiht dem Ganzen einen umwerfenden 

Charme“, betont Luley. Neben 

Instrumentalunterricht und Ensemblespiel 

für alle gängigen Jazzinstrumente, einschließlich 

Gesang, umfasst der abwechslungsreiche 

Stundenplan Kurse zu Gehörbildung, 

Harmonielehre, Rhythmik, Jazzgeschichte, 

Atemtechnik, Bühnenpräsenz, Musikbusiness 

und Soundtechnik. Abendliche Jam-Sessions 

in der Burghalle, ein Konzert des Dozententeams 

sowie ein Abschlusskonzert der Workshop-Ensembles 

runden das facettenreiche 

Angebot der Classic Jazz Bandwoche im Januar 

ab. 

Jan Luley zog nach dem ersten Workshop auf 

der Burg im Jahr 2023 begeistert Bilanz: „Die 

einzigartige Atmosphäre der Location hat 

sowohl die Teilnehmenden als auch uns Dozenten 

völlig in den Bann gezogen. Das Konzept 

des gemeinsamen Arbeitens und Lebens 

sowie das äußerst entgegenkommende, engagierte 

Team der Burg machen nicht nur Spaß, 

sondern motivieren auch ungemein.“ 

Auch Andreas Burckhardt (Uni Hannover, 

Tonhalle) ist als Dozent an der Akademie tätig 

und betrachtet die Burg Fürsteneck als „einen 

inspirierenden Ort für musikalische und kreative 

Entfaltung“. Tobias Schulte, international 

erfolgreicher Schlagzeuger, unter anderem bei 

Triosence und Edgar Knecht, „fühlt sich einfach 

immer pudelwohl“ und schwärmt von 

der Energie und Atmosphäre der Burg sowie 

von allen Beteiligten. 

Der Programmbereichsleiter der Akademie, 

Wolfram Benczek, erweitert kontinuierlich 

das Workshop-Angebot rund um die Thematik 

Jazz und improvisierte Musik. Mit einem 

hochkarätigen Dozententeam werden knapp 

90 Musikkurse pro Jahr angeboten, darunter 

diverse Workshops in den genannten Schwerpunkten. 

Jeder Kurs zeichnet sich durch eigene, 

oft innovative Konzepte der Musikvermittlung 

aus. Das Spektrum reicht von Band- und 

Instrumentalworkshops über Kurse mit professionellen 

Rhythmusgruppen für Holz- und 

Blechbläser bis hin zu angeleiteten Trainingswochen 

und interdisziplinären Kursen, die 

den Dialog und die Weiterentwicklung mit 

anderen Genres und Künsten suchen. 

Workshops für Jazz und 

jazzverwandte Musik 

im Jahresprogramm 2024 

Ich müsste mal wieder üben 

– Trainingswoche für alle 

Blasinstrumente 

Dozenten: Andreas Burckhardt 

(s.o.) und Anselm Simon (Hamburger 

Konservatorium) 

Mai 2024 

Konnakol meets Taketina – 

Rhythmus verkörpern und 

verstehen 

Dozenten: Esther Diehthelm 

(HH), B.C. Manjunath (Karnataka, 

Indien) u.a. 

Mai 2024 

Jazz-Gitarre 

Dozent: Ulrich Hoffmeier (Max 

Raabe Palast Orchester) 

Juni 2024 

Saxophon Sommer – Für 

Saxophonspielende auf allen 

Niveaus 

Dozenten: Thomas Zander 

(Roger Cicero Bigband, Bill 

Ramsey u.a.), Anselm Simon, 

Andreas Burckhardt, Anke 

Schimpf 

Juni 2024 

43. Fürstenecker Rock, 

Pop und Jazz Werkstatt – 

Power-Woche für Hobby- und 

Amateurmusiker:innen 

Dozenten: Tobias Schulte (Triosence), 

Deniz Atalas (The Busters), 

Thomas Höhl (Komponist 

für Film und Videospiele) u.a. 

Juli 2024 

Dozenten: Lars Störmer, 

Andreas Burkhardt. Band: Clara 

Däubler (bs), Willi Hanne (dr.), 

Eike Wulfmeier (p.) 

Oktober 2024 

Swingin’ Castle – Die 20er 

Jahre sind zurück! 

Instrumental-, Ensemble- und 

Tanzkurse 

Dozenten: Charlotte Pelgen, 

Christoph Pelgen, Sunny Side 

Swing Tanzstudio 

November 2024 

Fürstenecker Gitarrengipfel 

Verschiedene Gitarrenworkshops 

Dozenten: Patrick Steinbach 

(Irish Guitar), Ulrich Hoffmeier 

(Max Raabe), Deniz Atalas u.a. 

Dezember 2024 

Classic Jazz Band Workshop 

Mit 9 Dozenten, u.a. Jan Luley, 

Samantha Wright, Roman 

Klöcker 

Januar 2025 

Freie Improvisation – zwischen 

Stille und musikalischer 

Präsenz 

Workshop für fortgeschrittene 

Spieler:innen und professionell 

Musizierende 

Alle Instrumente 

Dozenten: Dr. Wiebke Burckhardt, 

Andreas Burckhardt, 

Willi Hanne 

Januar 2025 

© Akademie BURG FÜRSTENECK e.V. 

Jazzwochenende mit den 

Workshops: Jazzmusik für 

Einsteiger:innen, Jazz Ensemble, 

Classic/Oldtime Jazz und 

Jazz Gesang 

Dozenten: Barbara Jungfer, 

Britta Rex, Tobias Schulte, Detlef 

Landeck (hess. Jazzpreisträger), 

Jan Luley u.a. 

September 2024 

Latin Jazz Gesang 

Dozentin: Britta Rex 


Zwischen Freiheit und Form – 

Improvisationsworkshop mit 

prof. Band für alle Melodieinstrumente 

Saxophon Winter für Holzund 

Blechbläser mit professioneller 

Rhythmusgruppe 

Dozenten: Anke Schimpf, 

Andreas Burckhardt, Anselm 

Simon. Band: Clara Däubler 

(bs), Willi Hanne (dr.), Eike 

Wulfmeier (p.) 

Februar 2025 

Viele weitere Kurse unter 

www.burg-fuersteneck.de/ 

kurskalender 

Akademie 

BURG FÜRSTENECK 

Am Schlossgarten 3 

D-36132 Eiterfeld 

www.burg-fuersteneck.de

16 | Jazz | Stuttgart 


© Patrick Van Vlerken Avishai Cohen Trio AB Brussel-3 © Ramon Valle 

Stuttgart 

34. Theaterhaus Jazztage 

25.3.–7.5.2024 

Die 34. Theaterhaus Jazztage: Round about Jazz heißt es vom 25. März 

bis 7. Mai. Ein famoses Programm mit lokalen und internationalen 

Künstler:innen wartet an Ostern auf alle Jazzfreunde. 

Das Line-up der diesjährigen Theaterhaus 

Jazztage ist wieder einmal eine erstklassige 

und bunte Mischung aus nationalen und 

internationalen Künstler:innen. Zahlreiche 

bekannte Namen finden sich ebenso darunter 

wie Newcomer:innen und regionale Musiker:innen. 

Und dem Motto Round about 

Jazz der inzwischen 34. Theaterhaus Jazztage 

getreu, decken die verschiedenen Acts 

auch die ganze Bandbreite ab, die moderner 

Jazz zu bieten hat, der sich auch mal abseits 

der bekannten Pfade wagt. 

Den Auftakt macht am 25. März das Avishai 

Cohen Trio. Das Gregory Privat Trio und 

Kinga Glyk & Band wissen am Tag darauf zu 

begeistern, ehe am 27. März Mare Nostrum 

III und die Rabih Abou Khalil Group in Begleitung 

von Elina Duni auf der Bühne stehen. 

Ein besonderes Highlight bringt Pepe Lienhard 

am 28. März mit: Spiel mir das Lied … 

von Morricone. Für dieses Tribute an den 

großen Filmkomponisten Ennio Morricone 

bringt der Schweizer Künstler ein 30-köpfiges 

Orchester ins Theaterhaus. Am selben 

Abend gibt es außerdem noch ein Doppelkonzert 

mit Clara Vetter. Die Gewinnerin des 

Landesjazzpreises von 2023 wird gemeinsam 

mit Ronny Graupe spielen. Danach gehört 

die Bühne dem Laura Kipp Quartett, das von 

Eric Séva verstärkt wird. 

Am Freitag, 29. März, spielen dann Patrick 

Bebelaar & Friends. Am 30. März wartet 

dann die Cuban Jazz Night mit Michael Olivera 

& The Cuban Jazz Syndicate, dem großartigen 

Ramón Valle und dem Ana Carla 

Maza Quartet Caribe auf das jazzbegeisterte 

Publikum. Am selben Abend zeigen eine 

Halle weiter das Dieter Ilg Trio und das Iiro 

Rantala Hel Trio ihr Können. 

Der März klingt dann vielseitig aus mit den 

Streets of Minarets von Dhafer Youssef und 

den Wolfgang Haffner Magic Four sowie 

dem Doppelkonzert von Kartman Kollektiv 

und Kolsimcha. 

In den April starten die Jazztage mit Kraan 

und Embryo in der Halle T1. Das Ull Möck 

Trio wird an den Vocals von Lilly Thornton 

verstärkt. Danach spielt Joo Kraus zusammen 

mit Malia und Gregor Hübner. 

Am 4. April kommt die norwegische Künstlerin 

Rebekka Bakken mit einem eigens für 

die Jazztage konzipierten Programm nach 

Stuttgart: True North – Norwegian Tradition 

My Way. Ein ganz besonderer Abend also. 

Am Tag darauf bringen Noir de Soul und die 

Robohands eine spannende Symbiose von 

Jazz, Hip-Hop und Soul mit einem Hauch 

Ambient Musik auf die Bühne. 

Abgerundet werden die Jazztage dann von 

der Magnus Mehl Pocket Brass Band und 

dem Nils Kugelmann Trio am 6. April. 

Der krönende Abschluss ist dann 

der Auftritt von Joachim Kühn, 

der am 7. Mai zuerst mit Michael 

Wollny und danach 

mit Eric Schaefer & Chris Jennings 

zusammen sein wunderbares 

Pianospiel erlebbar macht. 

Übrigens: Am 6. April 1985 starteten die 

ersten Theaterhaus Jazztage. Und in die 34. 

Jazztage fällt am 29. März der 39. Geburtstag 

des Theaterhauses. 

www.theaterhaus.com/de 

© Cristobal Alvarez 

Joo Kraus © Rob Stirne

ZBIGGY | arttourist.com Jazz | Neue Musik | Elektro | 2024 Discover | 17 

18. - 27. JULI 2024 

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Tickets weitere Informationen unter 

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www.classicalbeat.de 

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18 | Jazz 


Jan Luley 

Inspirationen zwischen 

New Orleans und Estland 

Ein Gespräch mit Pianist, Komponist 

und Dozent Jan Luley, der musikalisch 

wie privat zwischen Estland, 

Deutschland und New Orleans pendelt. 

Stark in der Jazztradition verwurzelt, 

nimmt er die vielfältigen 

Einflüsse aus der quirligen Musikszene 

in New Orleans auf, wohin er 

auch jedes Jahr Gruppenreisen organisiert, 

lässt sich aber auch von der 

Natur Estlands mit seinen Mooren 

und zahllosen Inseln inspirieren. 

Ihr neues Programm bewegt sich 

musikalisch zwischen Estland und 

New Orleans, Louisiana. Wie passt 

das zusammen? 

Jan Luley: Ehrlich gesagt, frage ich 

mich das auch manchmal *lacht*. Ich 

lebe privat wie musikalisch in diesen 

verschiedenen Welten, mache die Augen 

und Ohren auf und dann finden 

sich manche Dinge auf den 88 Tasten 

zusammen. Der Early Jazz aus New Orleans 

ist eine Art Volksmusik. Und solche 

gibt es auch in Estland. Das sind die 

musikalischen Traditionen, auf die ich 

gerne zurückgreife und auf mich wirken 

lasse. Ich finde es auch sehr spannend, 

deutsche Volkslieder in den Jazzkontext 

zu ziehen. Dann gibt es natürlich sowohl 

im Jazz in New Orleans moderne 

Einflüsse als auch in der Musik Estlands 

Brückenschläge in den zeitgenössischen 

Bereich, wie zum Beispiel durch den 

Komponisten Arvo Pärt. 

Inspirationen für neue Kompositionen 

entnehmen Sie hauptsächlich 

aus der Natur? 

Jan Luley: In Estland oft. Ich war 

schon immer ein sehr naturverbundener 

Mensch und habe bereits als Kind 

Vögel beobachtet und Pilze gesammelt. 

Jan Luley 

Beispielsweise die Sümpfe Louisianas 

und die Moorlandschaften Estlands sind 

beides faszinierende Biotope, die viele 

Parallelen haben und mich auf eine 

Art berühren, die Musik in mir erklingen 

lässt. Aber natürlich sind es auch die Begegnungen 

mit den Menschen vor Ort, 

die Ideen entstehen lassen. 

Sie haben früher überwiegend traditionellen 

Jazz gespielt. Heute fließen 

mehr und mehr eigene Kompositionen 

in Ihr Spiel ein. Was hat sich 

geändert? 

Jan Luley: Ich habe nichts bewusst geändert. 

Vielleicht war es die Coronazeit, 

in der man aus seinem gewohnten Trott 

herausgerissen wurde und plötzlich Zeit 

hatte, sich Fragen zu stellen, sich wortwörtlich 

infrage zu stellen. Wer bin ich 

und was will ich hier überhaupt? Möglicherweise 

hat mir die Pandemie den 

Raum gegeben, mich mit Neuem auseinanderzusetzen. 

Einfach weil man die 

Zeit dazu hatte und es sowieso keine 

Möglichkeit gab, raus auf die Bühne zu 

gehen, um Geld zu verdienen. 

Was steht als nächstes Projekt auf 

Ihrer Agenda? 

Jan Luley: Ich spiele in letzter Zeit immer 

mal wieder Konzerte in Estland. Ich 

denke, dieses Land – aus dem auch meine 

Frau stammt – wird mich zukünftig 

noch stärker beschäftigen. Die Idee, dort 

ein Festival zu planen, steht im Raum. 

Wir organisieren auch Reisen dorthin, 

für Leute, die sich dieses junge, vielseitige 

Land mal anzuschauen wollen, das 

so traditionsbewusst und gleichzeitig so 

modern ist. Ich sage nur „Digitalisierung“! 

Und die Absicht, den Menschen 

nahezubringen, bewusster Musik zu 

hören, steht sowieso immer auf meiner 

Agenda. 

linktr.ee/janluley 

www.luleymusic.de 


LULEY’S Marketing, Design, Fotografie 

www.luleys.de 

Reisen zum Groove 

www.jazztouren.de 

Jan Luley Photography 

www.luleyfoto.com 

Workshops für Jazz, 

Blues und Improvisation 

www.jazzworkshop.info 

Die Leipziger Jazztage bilden das Herzstück der 

lebendigen Jazzszene in Leipzig. Das jährlich 

stattfindende Festival bietet in acht Tagen ein 

Programm mit über 100 Musiker:innen an verschiedenen 

Spielorten in der Stadt. Neben traditionellen 

Locations wie der Oper Leipzig finden 

sich auch historische Veranstaltungsorte 

wie das UT Connewitz oder das Alte Stadtbad. 

Zusätzlich erschließen die Festivalmacher:innen 

auch unkonventionelle Konzerträume wie 

Kirchen, soziokulturelle Zentren und kleine 

Galerien. 

Von traditionellen Klängen bis hin zu experimentellen 

Sounds bietet das Festival ein abwechslungsreiches 

Programm, das die Grenzen 

des Genres immer wieder neu definiert. 

Die Programmgestaltung der jung und weiblich 

besetzten Festivalleitung überzeugt durch 

innovative und stilistisch offene Konzepte, die 

an der Neuerungskraft des Genres orientiert 

sind. Durch jährlich wechselnde thematische 

Schwerpunkte, Open Calls und regionale, nationale 

und internationale Kooperationen 

entsteht ein vielseitiges Programm, das experimentelle 

Ansätze und Nachwuchsförderung 

stärkt und zugleich etablierten Künstler:innen 

Platz bietet. 

Das neugierige Publikum vereint Gründungsmitglieder 

der ersten Stunde mit überregionalem 

Fachpublikum, interessierte Bürger:innen 

mit Musikstudierenden und einem für Leipzig 

so typischen „hippen“ Publikum, das sich aus 

der diversen Clubszene speist – alles in allem 

eine spannende Gemengelage, die zu interessanten 

Zusammenkünften führt und nicht umsonst 

2021 mit dem 1. Deutschen Jazzpreis als 

„Festival des Jahres“ ausgezeichnet wurde. 

Leipzig bietet der zeitgenössischen Jazzszene 

als junge und dynamische Stadt den entsprechenden 

Raum, sich kreativ entfalten und 

neue künstlerische Ansätze entwickeln zu können 

– definitiv eine Reise wert. 

www.jazzclub-leipzig.de/leipziger-jazztage 

Pink Martini | © Chris Hornbecker 

Marciac (F) 

Jazz in Marciac 

18.7.–4.8.2024 

Die 46. Ausgabe des Jazz in Marciac wird ein 

Festival der Emotionen, die man grenzenlos 

teilen kann. Nach den rekordverdächtigen 

Besucherzahlen des letzten Jahres ist es an 

der Zeit, ein weiteres Mal diese besondere Atmosphäre 

zu entdecken, in der die Musik alle 

Grenzen aufhebt. 

Künstler wie Anne Paceo, Émile Parisien mit 

dem Orchestre National du Capitole von Toulouse 

und Avishai Cohen, der eine „besondere 

und einzigartige Show für Jazz in Marciac“ bieten 

wird, sind bestrebt, außergewöhnliche Programme 

und Konzerte auf die Bühne zu bringen. 

Nicht zu vergessen ist die Hommage an den 

Sonnenkönig Ahmad Jamal, dessen perkussive 

Töne für immer die große Bühne füllen werden. 

Der Jazz in Marciac ist auch für junge Musiker:innen 

offen. Bei gut ausgebildeten Musikern 

zeigt sich das Talent schon in jungen Jahren. Um 

nur einige zu nennen: der Sänger und Songwriter 

Laufey, erst 24 Jahre alt und der meistgestreamte 

Jazzkünstler auf Spotify im Jahr 2022; die 

Bassistin Kinga Glyk, die vor siebenundzwanzig 

Jahren geboren wurde und von der man sagt, 

dass sie die Welt der Bassisten buchstäblich 

unterjocht; der Sänger und Multiinstrumentalist 

Jacob Collier, Gewinner von vier Grammy 

Awards, der eine Woche vor seinem dreißigsten 

Geburtstag mit dem Vokalensemble Take 6 auf 

den Brettern des Big Tops stehen wird. 

Und natürlich wird Marciac seine Türen für 

Künstler:innen öffnen, die bisher noch nie in 

Marciac aufgetreten sind, wie z.B. die legendären 

Pink Martini, die das Festival eröffnen werden, 

gefolgt von Vulfpeck, die ebenfalls zum 

ersten Mal bei den Königen des Funks auftreten 

werden. Erwähnenswert sind auch Ludovico 

Einaudi, Meshell Ndegeocello, Chris Isaak oder 

das großartige Projekt „Black Lives: from generation 

to generation“. Es gibt wieder viel Neues 

unter dem Himmel der Gascogne. 

www.jazzinmarciac.com 

Montreux (CH) 

Montreux Jazz Festival 


Das Montreux Jazz Festival findet jeden Sommer 

zwei Wochen lang am Ufer des Genfer 

Sees statt. Das 1967 von Claude Nobs gegründete 

und seit 2013 von Mathieu Jaton geleitete 

Portrait Rylsee NB | © Luthor 

Montreux Jazz Festival hat sich im Laufe der 

Jahre zu einem unverzichtbaren Ereignis entwickelt, 

das fantastische Geschichten und legendäre 

Auftritte hervorbringt. 

Nahezu 250.000 Besucher:innen kommen jedes 

Jahr zum Festival und genießen die atemberaubende 

Kulisse, die Konzerte mit der besten 

Akustik und die zahlreichen freien Bühnen. 

Mit seiner anspruchsvollen Programmauswahl, 

seiner musikalischen Vielfalt und seinem herzlichen 

Empfang bietet das Montreux Jazz Festival 

Musikern wie Publikum eine privilegierte 

Erfahrung. Jazz, Soul und Blues sind zwar die 

Wurzeln dieser Veranstaltung, aber auch andere 

Musikstile haben schnell ihren Platz im 

Festival gefunden, das von künstlerischen Begegnungen 

und einzigartigen Experimenten 

geprägt ist. In den letzten Jahren haben Muse, 

Radiohead, Kendrick Lamar, Pharrell Williams, 

Ed Sheeran, Alicia Keys, Adele, Lady Gaga, Tyler 

The Creator, Lizzo, Rita Ora und viele mehr 

in Montreux gespielt und die Legenden geehrt, 

die vor ihnen hier aufgetreten sind. 

MJF 2024: Eine Bühne am See und eine Rückkehr 

ins Casino. Das Montreux Jazz Festival erfindet 

sich für seine Ausgabe 2024 im Herzen der Stadt 

Montreux neu. Dafür wird beim Marktplatz eine 

Seebühne errichtet, die dem Publikum nicht nur 

einen atemberaubenden Blick auf den See und 

die Region, sondern auch ein außergewöhnliches 

Konzerterlebnis bieten wird. Das Festival feiert 

außerdem seine Rückkehr ins Casino, einem 

geschichtsträchtigen Ort für das Montreux Jazz 

Festival. Zahlreiche Gratisbühnen vervollständigen 

das Angebot der 58. Ausgabe, welche erwartungsgemäß 

die übliche Kapazität von 250.000 

Zuschauer:innen fassen wird. 

Viele träumen seit dem Jahr 2021 davon: Das 

Montreux Jazz Festival wird im nächsten Sommer 

eine eigene Bühne auf dem See haben. 

Die Hauptbühne wird unterhalb des Place du 

Marché, zwischen den Quais und dem See, gebaut. 

Das Publikum wird vom Place du Marché 

aus einen atemberaubenden Blick auf den See 

und den Sonnenuntergang genießen können. 

Ein außergewöhnlicher Rahmen, der magische 

Wechselwirkungen zwischen Live-Musik und 

der Landschaft von Montreux verspricht. 

www.montreuxjazzfestival.com 

TechnoBass © Vincent Zobler 

Nancy (F) 

Nancy Jazz Pulsations NJP 

5.–19.10.2024 

Seit 1973 bietet das NJP allen Musikliebhabern 

ein ambitioniertes Programm, das 

für alle Generationen zugänglich ist. Seine 

Gründung und sein mutiger Start gaben 

den Ton für Jahrzehnte der Musik an, die im 

Herbst stolz im historischen Herzen und in 

der grünen Lunge von Nancy, aber auch in 

ganz Lothringen zu hören ist. Vom Jazz bis 

zur zeitgenössischen Musik, die „Pulsations 

automnales“ kennen keine Grenzen, versammeln 

jedes Jahr innerhalb von zwei Wochen 

über 90.000 Besucher und machen das NJP 

zu einem der wichtigsten Festivals in Frankreich. 

Als Pionierfestival hat das Nancy Jazz Pulsations 

renommierte Künstler wie Ray Charles, 

Sun Ra Orchestra, Nina Simone, Count Basie 

Orchestra, Miles Davis, Bobby McFerrin, 

Sarah Vaugan, Daft Punk, -M-, Herbie Hancock, 

Stéphane Eicher, Chick Coréa, Youssou 

N’Dour, Laurent Garnier, Astor Piazzola, Blur, 

Biréli Lagrène, Michel Portal, Keith Jarreth, 

Calypso Rose, Rita Mitsouko, Woodkid, Cheb 

Khaled, Asaf Avidan oder Metronomy präsentiert. 

Jedes Jahr gibt das Festival auch neuen Musikrichtungen 

einen Ehrenplatz, um die Ge-

ZBIGGY | arttourist.com Jazz | Neue Musik | Elektro | 2024 Jazz | Nantes | 19 

schichte, die den Ruf des NJP begründet hat, 

weiterzuführen. Als Festival mit einer langjährigen 

Geschichte von hohem kulturellem 

Wert hat das NJP schon immer die Vielfalt 

und das Miteinander in den Mittelpunkt gestellt. 

Urban und sympathisch glänzt NJP in 

Nancy durch sieben Bühnen (Big Top, Magic 

Mirrors, Opera, Salle Poirel, Théâtre de la 

Manufacture, Le Hublot, L’Autre Canal), aber 

auch in Parks, Straßen, Bars, Krankenhäusern, 

Schulen, Universitäten, Kirchen ... und sogar 

in den Konzertsälen der Region Grand Est. 

www.nancyjazzpulsations.com 

St. Moritz (CH) 

Festival da Jazz 


Das Festival da Jazz zeichnet sich aus durch 

eine rar gewordene Nähe zu den Künstlern. 

Selbst die Main Stage – der Dracula Club – 

fasst nur ca. 150 Gäste. In diesem äußerst 

intimen Rahmen sind schon Stars und Legenden 

wie Al Jarreau, Chick Correa, Diana 

Krall, Nigel Kennedy und viele weitere aufgetreten. 

Auch der schöne Karajan-Saal im 

Reine Victoria wird wieder mit von der Partie 

sein. Neben den Main Concerts versprüht das 

FDJ in und um St. Moritz mit einer Vielzahl 

Herbie Hancock und Chick Corea by Matthias Heyde 

kostenfreier Konzerte seinen Festival-Groove: 

Brunch- und Apérokonzerte auf Hauser’s Terrasse, 

Late Night Konzerte in der Sunny Bar 

etc. 

Das Festival da Jazz wurde gegründet von 

Christian Jott Jenny mit gütlicher Mithilfe 

von Künstler und Designer Rolf Sachs. 

Das Festival da Jazz entstand nicht als Consulting-Konzept, 

sondern als Leidenschafts- 

Gedanke, ganz organisch. Erst waren da ein 

paar vereinzelte Konzerte, mittlerweile zählt 

es zu den wichtigsten kulturellen Ereignissen 

der Schweiz. 

www.festivaldajazz.ch 

Filili Viridi, J. Jullien, Nantes | © R. Delaroque 

Nantes (F) 

Reiseziel Nantes 

Lars Danielsson’s Liberetto in Speyer | © Thomas Schloemann 

Tübingen 

LJFTÜ 

Landesjazzfestival Tübingen 


Im Frühjahr 2024 ist Tübingen Jazzhauptstadt 

des Landes. Mit mehr als 20 Konzerten 

bringt das Landesjazzfestival Baden-Württemberg 

vom 8. bis 20. Mai 2024 Musik an 

unterschiedlichste Orte in der Stadt. Unter 

dem Festivalmotto „Beyond Borders“ gastieren 

in Tübingen international renommierte 

Bands wie Shalosh, Mare Nostrum, Lars Danielsson 

oder das Anke Helfrich Trio. Dazu 

viele Künstler:innen, die die Vielfalt und 

Lebendigkeit der deutschen Jazzszene und 

junge Sounds auf die Bühne bringen. 

Das Festival bespielt Konzertsäle, Clubs und 

Lounges sowie Kirchen und auch exklusiv 

ein Radiostudio oder eine ehemalige Fabrikhalle 

am Neckar. Umrahmt werden die Konzerte 

von Talks, Sessions, Workshops und 

Filmen. 

Das Landesjazzfestival 2024 öffnet den Horizont 

von modernem Jazz über Dancefloor 

zu Musik aus der Ukraine oder Indien, zu 

Fusion- und Crossover-Projekten. Das Festival 

in Tübingen ist ein Schaufenster in die 

Welt. 

Come Together and Listen! 

„Beyond Borders – über Grenzen hinweg“ 

„Beyond Borders“ schafft neue Verbindungen, 

Grenzüberschreitungen in Stil und 

Ästhetik. Jazz von hier trifft auf Sounds 

und Rhythmen aus der ganzen Welt. Kein 

Festival nur für Jazzpuristen, sondern für 

Menschen mit offenen Ohren und Lust auf 

Neues. 

„Beyond Borders“ meint: Jazz wird besonders 

dann aktuell, lebendig und interessant, 

wenn die Musik eingefahrene Wege verlässt, 

über Grenzen hinweg geht. 

„Beyond Borders“ heißt mehr als zwanzig 

Konzerte mit Musikern aus dreizehn Nationen 

... heißt Musik, die in die Beine geht 

und Konzerte für konzentrierten Hörgenuss 

... heißt Jazzband-Ball und Dancefloor ... 

heißt Talks für die Ohren und Musik(filme) 

für die Augen. 

„Beyond Borders“ – Das Landesjazzfestival 

2024 in Tübingen lädt Menschen jeden Alters 

und jeder Couleur ein ins Offene ... 

www.landesjazzfestival-tuebingen.de 

30 Minuten vom Atlantik entfernt liegt die historische 

Hauptstadt der Bretagne: Nantes. Heute 

ist die Stadt die sechstgrößte Frankreichs und 

zieht immer wieder die Blicke auf sich – Kreativität 

im urbanen Raum und künstlerische 

Installationen machen Nantes zu einer dynamischen 

Kulturstadt. Und wie ließe sich all das 

besser erleben als bei einem Bummel entlang 

der grünen Linie? Sie zeigt Besucherinnen und 

Besuchern am Boden den Weg, über 20 Kilometer 

von Ort zu Ort, vom Botanischen Garten 

„Jardin des Plantes“ zum Schloss der Herzöge 

der Bretagne, weiter zum Kunstmuseum 

und der Pommeraye-Passage, vom neuen Dobrée-Museum 

zu den faszinierenden Machines 

de l’île ... Der Kunstparcours von Le Voyage à 

Nantes präsentiert dauerhaft gut einhundert 

Werke überall in der Stadt, die grüne Linie ist 

also das ganze Jahr über einen Besuch wert! 

Sommer-Event 

Le Voyage à Nantes 2024 

6.7.–8.9. 

Zum 13. Mal weckt das Event 

mit vielen Aktionen Neugier, 

stillt Wissensdurst und 

schafft Entdeckerfreude, 

es zeigt, was Nantes so 

unverwechselbar macht: 

Kreativität, Kultur und 

Sinnstiftung. Le Voyage setzt 

alles daran, eine barrierefreie 

Destination für alle zu schaffen, 

die größte Bewegungsfreiheit mit bester 

Laune vereint. Sommerthema ist dieses Jahr 

der Baum, und so setzen Künstler, die sich mit 

dieser Thematik beschäftigen, außergewöhnliche 

Bäume in Szene: Henrique Oliveira, Fabrice 

Hyber, Séverine Hubard, Yushin U Chang. 

Außerdem präsentiert der Parcours große Einzelausstellungen, 

so Caroline Mesquita in der 

HAB Galerie, Lassaâd Metoui im Schloss (Château 

des Ducs de Bretagne) sowie bei unseren 

Kulturpartnern: Lauren Lee McCarthy im Lieu 

Unique und Pierrick Sorin im Musée d’arts. 

Kunstparcours 

Estuaire NantesSaint-Nazaire 

Nicht nur in Nantes sind Kunstwerke zu erleben! 

Der Freiluft-Kunstparcours „Estuaire 

Nantes Saint-Nazaire“ zeigt entlang der 

Loire über eine Strecke von 60 Kilometern eine 

Kunstsammlung mit 33 großformatigen Werken, 

Skulpturen und verblüffende Architektur 

von großen internationalen Künstlerinnen 

und Künstlern. Die Installationen sind in situ 

entstanden und frei zugänglich – zu Fuß, mit 

dem Rad oder mit dem Auto. Von April bis Oktober 

werden Fluss-Kreuzfahrten angeboten. 

Le Voyage dans le vignoble – 

Reise in die Weinberge 

Le Voyage à Nantes, das ist auch die etwa 100 

Kilometer lange Route durch die Muscadet- 

Weinberge und an die Flüsse Sèvre und Maine. 

Insgesamt ein gutes Dutzend Etappen 

und gute Adressen von Weingütern, 

Restaurants, Unterkünften und Freizeitaktivitäten. 

Clisson, La Frémoire 

... und seit 2020 der Porte-vue 

von Emmanuel Ritz, ein Belvedere 

in Château-Thébaud, dessen 30 

Meter langer Steg hoch über dem 

Maine über dem Abgrund schwebt. 

Pass Nantes 

(24, 48, 72 h oder 7 Tage) 

Mit dem Pass Nantes 7 Tage entdecken Sie die 

kreativste Stadt Frankreichs und ihr Umland 

und erleben Kunst, Urbanität und Freiluftaktivitäten. 

Sie erhalten kostenlos Zugang zu gut 

dreißig Orten, den öffentlichen Verkehrsmitteln 

und dem Flughafen-Shuttle und können 

Führungen, Flussfahrten, Verkostungen und 

sportliche Aktivitäten buchen. 

www.levoyageanantes.fr

20 | Ralf Dombrowski 


Dr Lonnie Smith | © Ralf Dombrowski 

Ralf Dombrowski 

Der Saal füllt sich, Besucher:innen nehmen 

ihre Plätze ein, man orientiert sich, wie ist die 

Sicht, die Akustik, das Licht und man beobachtet 

die Menschen, Konzertbesucher:innen, 

Roadies, Einlasspersonal und die Helfer auf der 

Bühne, die ein letztes Mal das Klavier Stimmen, 

für Getränke sorgen und die Handtücher bereitlegen. 

Die Spannung steigt. So auch bei den 

zahlreichen Fotograf:innen, die Platz bezogen 

haben, um den perfekten Blick auf die Bühnen 

für das Bild des Abends zu haben, das noch 

in der Nacht über die digitalen Medien- und 

News-Kanäle zur Verwertung versendet wird, 

das dann morgen, spätestens übermorgen auf 

den Zeitungsseiten erscheinen und den Besucher:innen 

das Gefühl vermitteln wird, im Mittelpunkt 

der aktuellen Berichterstattung, eines 

besonderen Moments gewesen zu sein. 

Die Arbeit der Fotograf:innen steht in „Konkurrenz“ 

mit Tausenden Bildern auf Facebook, 

Instagram, TikTok und anderen Social-Media- 

Kanälen. Momentaufnahmen, schnelllebig mit 

bedingter Haltbarkeit. Der Journalist vermittelt 

uns mehr. Das Gefühl, das Erzählte tatsächlich 

erlebt zu haben, gibt Einblicke, transportiert 

Emotionen, Wissen und persönliche Einschätzungen 

zur Veranstaltung, den Künstler:innen 

und dem Erlebten. In ihrer Arbeit geht es um 

die Nähe zu Menschen, denen man sich gut vorbereitet, 

einfühlsam und zurückhaltend nähert, 

deren Vertrauen man gewinnt, und dabei immer 

wieder versucht, zum Kern des Menschen, 

ihres Seins und Tuns zu kommen, und damit die 

Nähe zu den Leser:innen herstellt, die das haptisch 

oder im Kopf und Herzen konservieren. 

Der:die Fotograf:in produziert Bilder, die Momentaufnahmen, 

Stimmungsbilder und Lebenszeichen 

sind, die, wenn perfekt getroffen, 

mehr als tausend Worte sagen. Sie sind 

Chronisten, Zeitzeugen und oft Wegbegleiter 

von Künstler:innen, die sie über einen längeren 

Zeitraum begleiten und deren Karriere 

festhalten, fördern und am Erfolg und der 

Bekanntheit beteiligt sind. Dabei nehmen sie 

sich zurück, stehen nicht im Mittelpunkt und 

erzählen von anderen Menschen. 

Ralf Dombrowski | © Ralf Dombrowski 

Der Fotojournalist kann und vereint beides. 

Er bleibt ruhig, beobachtet, lässt die anderen 

handeln, dokumentiert und zückt im richtigen 

Moment seine Kamera. 

Bei der jazzahead!, dem wichtigsten Treffpunkt 

und Marktplatz der internationalen 

Jazzszene, kommt es jedes Jahr zu einer Art 

Branchentreffen von Journalist:innen, Fotograf:innen 

und Fotojournalist:innen. Sie sind 

nicht zu übersehen und wichtiger Bestandteil. 

Alle zwei Jahre wird dort der deutsche Jazz 

Journalismus Preis der Dr. E.A. Langer Stiftung 

gemeinsam mit der jazzahead! verliehen. Mit 

dem Preis soll die Stilrichtung Jazz als solche 

gestärkt und auch die Sichtbarkeit der Jazz- 

Szene in den Medien erhöht werden. Der Preis 

richtet sich an Journalist:innen, die sich besonders 

um den Jazz verdient gemacht haben. 

2024 wird er erneut verliehen. 

Bei der letztjährigen jazzahead! wurde der 

Fotografie die Ausstellung „MY PERSONAL 

VIEW – on today’s German jazz“ gewidmet, 

wo Bilder von professionellen Fotograf:innen 

gezeigt wurden, die in den letzten 50 Jahren 

entstanden sind. Kuratiert wurde sie von Ralf 

Dombrowski. 

Dort war auch der freischaffende Musikjournalist 

und Fotograf Ralf Dombrowski mit 

seinen Bildern vertreten, der für seine journalistische 

Arbeit schon 2013 den Preis für 

Deutschen Jazz-Journalismus erhalten hat 

und unter anderem für die Süddeutsche Zeitung, 

Spiegel Online, den Bayerischen Rundfunk, 

goethe.de, Jazz thing, Jazzzeitung, nmz, 

Stereoplay, Audio, Münchner Feuilleton (Leitung 

Musikredaktion), lettre, Crescendo, 

London Jazz News, SPAM Magazin und verschiedene 

Online-Medien geschrieben hat. 

Er war und ist außerdem Juror (PdSK, Internationaler 

Nachwuchs-Jazzpreis Burghausen, 

Münchner Jazzpreis, JTI Trier Jazz Award u.a.), 

Festivalleiter (European Jazztival, Schloss Elmau 

1998-2014, Jazz aux Oudayas, Marokko, 

2002-2004), Dozent, Moderator, DJ und natürlich 

Hobbymusiker. Die Süddeutsche Zeitung 

schrieb 2014 über seine Arbeit: „1994 

begann Ralf Dombrowski für die Süddeutsche 

Zeitung, die Jazzlandschaft unter die Lupe zu 

nehmen. Seither analysiert er die Entwicklung 

der zweiten großen Kunstmusik so fachkundig 

wie sprachgewaltig. Inzwischen gibt es wohl 

kein für den Jazz einschlägiges Medium in der 

Republik mehr, für das er noch keine Beiträge 

geschrieben hat.“ 

Seit Jahren begegnet arttourist der Arbeit von 

Ralf Dombrowski in unserer Betreuung von 

verschiedenen Kulturveranstaltungen und 

Ensembles, wie z.B. dem Progressive Chamber 

Music Festival, dem Munich Comoser Collective 

oder in den Aktivitäten im Werksviertel 

Kunst und dem Out of the Box Festival und 

schätzen seine Expertise und wunderbare Arbeit 

in Bild und Text. 

Wir sprachen mit Ralf Dombrowski über seine 

Arbeit. 

Ralf Dombrowski (*1965) 

schrieb 1994 seine ersten Texte für die Süddeutsche 

Zeitung, meistens über Jazz, gerne auch über Pop oder 

allgemein Kultur. Andere Medien kamen hinzu, Jazz Thing, 

der Bayerische Rundfunk, Spiegel Online, ausländische 

Zeitschriften und Online-Medien. Außerdem Bücher, über 

John Coltrane, über Platten, die man haben muss, oder 

Gründe, warum man Jazz lieben muss. Die Leitung von 

Festivals von Schloss Elmau bis Marokko. Redaktionen 

von goethe.de, Klassik heute, Stereoplay bis aktuell zum 

Münchner Feuilleton. Schließlich auch die Kamera. Wo er 

eh schon vor Ort war, entstanden seit Ende der Nullerjahre 

Bilder von Künstler:innen, Venues, Situationen, Architektur. 

Ausstellungen folgten in Burghausen, München, 

Bingen, unter anderem. 

Weitere Aktivitäten: Moderationen zum Beispiel, auf 

Panels für die jazzahead!, den VUT, den American German 

Business Club, diverse Jurys von Trier JTI über den SWR 

bis Burghausen und München. Online-Moderationen und 

Live-Interviews in Streams, Aufbau und Pflege von Blogs, 

Pressetexte. Da ist außerdem ein Jahrzehnte lang aufgebautes 

Netzwerk in die Kulturindustrie, zu Institutionen, 

Venues, Autor:innen. Und das Atelier in der Künstlergemeinschaft 

Karli17 (München), für Diverses, was sich über 

die Fotografie hinaus nicht zuletzt mit Farbe erreichen 

lässt. 

RALF DOMBROWSKI 

Journalist, Autor, Fotograf. 

Simmerleinplatz 1, 80992 München 

Phone: +49 172 8839 767 

de.wikipedia.org/wiki/Ralf_Dombrowski 

www.ralfdombrowski.de 

ralf.dombrowski.3 

ralf.dombr

ZBIGGY | arttourist.com Jazz | Neue Musik | Elektro | 2024 Ralf Dombrowski | 21 

INTERVIEW 

mit Ralf Dombrowski 

Sie sind sehr vielseitig unterwegs. 

Wer ist Ralf Dombrowski? 

Ralf Dombrowski: Wenn ich das so genau 

wüsste! Also ursprünglich mal ein 

studierter Germanist und Historiker aus 

München, der 1994 anfing, für die Süddeutsche 

Zeitung über Jazz zu schreiben. 

Aus dem Quereinstieg ist dann ein Beruf 

geworden, mit Arbeit für den Rundfunk, 

Moderationen, der Leitung von Festivals, 

Büchern, später auch Fotografie und seit 

ein paar Jahren in bescheidenem Umfang 

Kunst-Crossover mit Malerei. 

Wie kamen Sie vom Journalismus 

zusätzlich zur Fotografie? 

Ralf Dombrowski: Nach etwa 15 Jahren 

Konzertkritiken, Features, Interviews 

entstand das Bedürfnis, eine andere 

Möglichkeit zu finden, Musiker:innen 

bei ihren Leidenschaften und Projekten 

zu dokumentieren. Zunächst habe ich 

einfach eine Kamera mitgenommen und 

Fotografie ausprobiert. Nach zahllosen 

Fehlversuchen und viel Amateur-Frust 

wurden die Bilder langsam besser. Lernen 

durch Erfahrung, dauert lange, aber 

ist auch erfüllend. 

Was kann das Bild, was die Sprache 

nicht kann? Und was kann die Sprache, 

was das Bild nicht kann? 

Ralf Dombrowski: Pauschal ist das 

schwer zu fassen. Es gibt Mitteilungsebenen 

im Bild, die von Menschen unmittelbarer 

erfahren werden können, als es mit 

Worten möglich ist. Emotionen, Augenblicke, 

Situationen. Dafür ermöglicht die 

Sprache die differenziertere Betrachtung, 

die Analyse und auch die Einbindung in 

größere Zusammenhänge. Es sind sich 

ergänzende Methoden, Kunst und Musik 

auf die Spur zu kommen. 

Was ist für Sie der richtige Augenblick, 

der Augenblick, in dem Sie auf 

den Auslöser drücken? 

Ralf Dombrowski: Digital mache ich 

in der Regel viel zu viele Bilder. Die Kunst 

ist dann das Aussortieren und Erkennen 

von Geschichten im Bild. Ich versuche 

jedenfalls, Musiker:innen immer dann 

zu fotografieren, wenn ich das Gefühl 

habe, dass sie möglichst ganz bei sich 

und ihrer Kunst sind. Manchmal klappt 

es. Das sind dann Glücksmomente! 

Macht es die Kombination aus Journalist 

& Fotograf einfacher, Kontakt 

und Vertrauen zu den Musiker:innen 

aufzubauen, und ist der Journalist 

der bessere Fotograf, weil er 

die Emotion im Wort und im Klang 

gleichermaßen im Moment festhalten 

kann? 

Ralf Dombrowski: In jedem Fall sind 

die Bilder einfacher zugänglich, weil 

sie unabhängig von einzelnen Sprachen 

sind. Die Bildschirme der Kameras ermöglichen 

einen unmittelbaren Austausch, 

das ist ein großes Plus. Wenn 

sich Künstler:innen gut getroffen fühlen, 

ist das tatsächlich ein Türöffner für weitere 

Kommunikation. Allerdings ist das 

nicht selbstverständlich. Denn manchmal 

gehen die Vorstellungen eines guten 

Bildes zwischen Künstler:in und Fotograf:in 

durchaus auseinander. 

Sie sind in diesem Jahr seit 30 Jahren 

als Musikjournalist mit dem 

Schwerpunkt Jazz tätig. Wie haben 

sich die Musikbranche und der Stellenwert 

des Jazz in diesen Jahren 

verändert? 

Ralf Dombrowski: Für die Vermittlung 

von Musik wird in der Breite weniger Geld 

ausgegeben als früher. Das überlassen 

die Labels, Agenturen und auch Medien 

den Plattformen und Fans. Etablierte 

Produkte halten sich, es ist aber ungleich 

schwerer als früher, junge Künstler:innen 

zu den Menschen zu bringen. Viele 

klassische Medien sind weggefallen, Expert:innen 

haben weniger Gewicht als 

früher. Das Publikum vertraut gerne werbefinanzierten, 

polarisierenden Vereinfachern 

von Botschaften. Speziell im Jazz 

tut sich einerseits viel. Die Universitäten 

bilden immens viele Talente aus, es gibt 

reichlich Interesse, auch bei jungen Leuten, 

an ungewöhnlicher Musik. Es ist 

aber andererseits schon auf Musiker:innenseite 

ein derart spezialisiertes und 

brotloses Business, dass auf der Ebene 

der Vermittlung fast gar nichts mehr übrig 

bleibt. Der Musikjournalismus steht 

ganz am Ende der Nahrungskette. Nach 

vergleichsweise prosperierenden Zeiten 

in den Siebzigern bis Neunzigern ist er 

inzwischen fast wieder auf dem Niveau 

der Liebhaberei angelangt, die den „Goldenen 

Jahren“ voranging. Kaum jemand 

kann es sich leisten, vom Musikjournalismus 

zu leben. 

Kaum jemand kann es 

sich leisten, vom 

Musikjournalismus 

zu leben. 

Ralf Dombrowski 

Und der Jazz hat aus Ihrer Sicht welche 

Zukunft? 

Ralf Dombrowski: Ich bin kein Prophet, 

ich würde es mir wünschen, dass 

er Zukunft hat. Jedenfalls ist Jazz von 

allen Musiken eine der flexibelsten. Er 

ist strukturell und, bis auf wenige Ausnahmen, 

auch in der Haltung offen für 

Impulse von allen kreativen Seiten. Insofern 

glaube ich, wird es ihn weiterhin 

Stanley Clarke | © Ralf Dombrowski 

geben. Vielleicht in veränderten Formen, 

aber im Kern neugierig. 

Wie empfinden Sie die Arbeit mit der 

Kamera? Bildet die Fotografie heute 

noch die unverfälschte Wahrheit ab 

oder haben die technischen Möglichkeiten 

den Blick dafür verändert? 

Ralf Dombrowski: Fotografie ist immer 

Interpretation. Allein die Wahl des 

Ausschnitts, des Lichts, des Moments 

ist bereits eine Bedeutungslenkung. Aber 

ein Foto referiert im Kern noch auf ein 

tatsächliches Ereignis. Es hat abbildende 

und realitätsnahe Qualitäten. Man 

sollte es daher unbedingt und klar von 

„Promptos“ trennen, von durch Prompts 

genierten Motiven eines künstlich erstellten 

Bildproduktes. Das hat als intransparente 

Quersumme von Datensätzen 

der Vergangenheit keine Entsprechung in 

der Wirklichkeit und ist ausschließlich 

künstlich. 

Eine viel diskutierte Frage, die im 

Raum steht, ist die KI. Wie gehen 

Sie damit um und ist KI das Ende 

der Fotografie und des Journalismus 

und auch deren Wertschätzung? 

Ralf Dombrowski: KI ist ein Tool, 

das an vielen Stellen helfen kann, vor 

allem wenn man keine genaue Vorstellung 

davon hat, was man machen 

will. Es ist durchaus sinnvoll in Phasen 

der Themenfindung, wenn man 

sich beispielsweise einen Entwurf als 

Einstieg erstellen lässt. Als derart eingesetztes 

Hilfsmittel ist es sinnvoll und 

wird sich fest im gestaltenden Prozess 

etablieren. Bild- und Textgeneratoren 

werden einfache Arbeiten überflüssig 

machen, aber nicht deren Kontrolle. Ich 

glaube, der Journalismus wird sich daher 

verändern und sich mehr noch auf 

Elemente der Recherche, der menschlichen 

Gestaltung, Analyse und übergreifenden 

Kreativität verlegen. Zentral 

ist die Wahrung der Glaubwürdigkeit, 

der Unabhängigkeit, der Nachprüfbarkeit. 

KI ist intransparent, es gehört zu 

ihrem Geschäftsmodell, sich nicht in 

die Algorithmen blicken zu lassen. Sie 

ist eine Simulation der Wirklichkeit und 

das muss der Öffentlichkeit klar sein 

oder ihr klar gemacht werden. Mit allen 

Chancen und Gefahren. 


Nils Petter Molvaer | © Ralf Dombrowski



Esperanza Spalding | © Ralf Dombrowski


Roscoe Mitchell | © Ralf Dombrowski 

Al Jarreau | © Ralf Dombrowski



Jazzmeia Horn | © Ralf Dombrowski 

Leleka (Viktoria Anton) | © Ralf Dombrowski


James Carter | © Ralf Dombrowski

26 | Neue Musik 


Fortsetzung Camille 

Wie ging es weiter mit Camille Claudel und Steffen Schorn? 

Im Frühjahr 2022 sprachen wir mit Steffen Schorn über seine geplante 

„Camille Claudel – an Inner Opera“ (www.arttourist.com/jazz/steffenschorn) 

und die anstehende Realisierung. Im November 2022 fand die 

Uraufführung in München statt und im Herbst dieses Jahres wird Steffen 

Schorn eine CD mit seinem Werk herausgeben. 

Portrait Camille Claudel um 1894, Privatsammlung 

Ich war sehr gespannt, als ich im November 2022 nach München 

fuhr, um bei der Premiere im Funkhaus des Bayerischen 

Rundfunks dabei zu sein. Wie würde es wohl sein, und würde 

es meinem Bild von Camille Claudel, das maßgeblich auf der 

Lektüre des wunderbaren Buchs „Der Kuss: Kunst und Leben der 

Camille Claudel“ von Anne Delbee und der Biografie von Reine- 

Marie Paris „Camille Claudel 1864-1943“ basierte, entsprechen? 

Ginge das überhaupt, eine solche aufwühlende Geschichte musikalisch 

umzusetzen? Im Studio 2 erwartete mich eine spannende 

Szenerie, der Aufbau der Bühne im Rund, die breite und 

in die Tiefe gehende ungewöhnliche Instrumentalisierung, ein 

Setting wie eine Skulptur. Flügel, Tuba und Harfe sowie Holzbläser, 

mehr als 40 Instrumente, viele von ihnen hatte ich noch nie 

gesehen, geschweige denn gehört. Allesamt Instrumente, die in 

die Gruppe Flöte, Klarinette und Saxofon gehörten und Gewaltiges 

erahnen ließen. 

30 Jahre lang trug Steffen Schorn das Bild und Gesicht einer 

Frau, das der Künstlerin Camille Claudel, mit und in sich, seit 

dem Abend, an dem er im Kino die großartige Isabel Adjani und 

den damals gefeierten, heute umstrittenen Gérard Depardieu in 

den Rollen der Camille Claudel und des Auguste Rodin in der 

Regie von Bruno Nuytten gesehen hatte. Der Film über die bewegende 

Geschichte einer außergewöhnlichen Frau und genialen 

Bildhauerin 

hatte ihn spontan zu einer Komposition bewegt, die nach Realisierung 

schrie, aber ihre Zeit brauchte, bis alle Irrungen und 

Wirrungen in der Geschichte der Schülerin, Assistentin, Muse 

und Geliebten Rodins und das, was es in Steffen Schorn „anrichtete“, 

verarbeitet und in die richtigen Noten, Töne und Instrumentalisierung 

gesetzt war. Die Pandemie hat ihm die nötige 

Zeit und Raum für die Vollendung geschenkt. 

Camille Claudel 

„La Joueuse 

de Flûte“ 

Camille Claudel links „Femme accroupie“, rechts „The Implorer (L‘Implorante)“ 

Camille Claudel war davon überzeugt gewesen, dass Rodin ihre 

Ideen stahl und sie umbringen wollte. Nach dem Ende ihrer Affäre 

mit Rodin begann sie vor Kummer, fast ihr gesamtes Werk 

zu zerstören, woraufhin sie von ihrer Mutter und ihrem Bruder 

mit der Diagnose Schizophrenie in die Psychiatrie eingewiesen 

wurde und dort 30 Jahre bis zu ihrem Tod blieb. Und dies, obwohl 

das ärztliche Bulletin die Familiendiagnose nicht bestätigte 

und viele Künstlerfreunde sich darüber empörten. 

Sie erwartet „starker Tobak“, waren die ersten Worte, die Steffen 

Schorn an diesem Abend an das Publikum im Funkhaus des BR 

in München richtete, und manch Besucher zuckte zusammen, 

um sich dann an einem Klangteppich zu berauschen, der über 

die Bühne des Studios gelegt wurde, dem man sich vorsichtig 

näherte, sich ein- und reinhörte, um sich dann fallen zu lassen 

und Bilder und deren Assoziationen vor dem inneren Auge 

vorbeiziehen zu lassen. Tief bewegt und umarmt von einer ungewöhnlichen 

Komposition, die Innere Oper der Schornschen 

Camille Claudel, stimmte ich in den langanhaltenden begeisterten 

Applaus ein. Mit „Klangbildhauerei“ bezeichnete die Süddeutsche 

Zeitung sehr treffend das Stück von Steffen Schorn. 

Ich habe bis heute größte Hochachtung vor diesem komplexen 

kompositorischen Geniestreich, wie man solch ein Werk sich 

ausdenken, in Noten fassen und zur Aufführung bringen kann. 

Für die Konzerte hat sich Steffen Schorn herausragende Musiker:innen 

an die Seite gestellt, mit denen er zum Teil seit Jahren 

befreundet ist und fast blind zusammenspielt, wie mit Rebecca 

Trescher, Anton Mangold, Lars Andreas Haug oder Michael 

Heupel. Eine Entdeckung war für mich die Komponistin, Sängerin 

und Vokalkünstlerin Ruth Wilhelmine Meyer, die ich bisher 

nicht gekannt habe und die mich mit ihren vokalen Klangfarben 

und stilistischen Ausdrucksformen, mit ihren Hauch- und 

Klicklauten in eine ganz neue Klangwelt eintauchen ließ und 

die nicht passender in das Werk von Steffen Schorn hätte eingebunden 

sein können, um das aufwühlende Leben von Camille 

Claudel so wunderbar stimmlich zu umschreiben. Ruth 

Wilhelmine Meyer erschafft mit ihrem vielseitigen Ausdruck 

Klangwelten vom Realistischen zum Unrealistischen, vom Erwarteten 

zum Unerwarteten und der Klang wird immer auch 

zum Erzähler. Sie arbeitet weltweit mit Instrumentalist:innen 

und Sänger:innen aus verschiedenen Genres und Kulturen zusammen. 

Diese einzigartige Klangwelt macht sie für Konzerte, 

Bühnenproduktionen, Filmmusiken, Klanginstallationen und 

Aufnahmen auf der ganzen Welt beliebt. Steffen Schorn fand in 

ihr einen Seelenzwilling und sie beschlossen, ihre Zusammenarbeit 

zu intensivieren und weitere Projekte zu realisieren. Gerade 

erschien das neue Album „One Voices“ von Ruth Wilhelmine 

Meyer, in dem Steffen Schorn eingebunden war, das zu einem 

einzigartigen Klanguniversum einlädt und die Zuhörer:innen 

auffordert, sich für eine neue Hörerfahrung zu öffnen. 

Über „One Voices“, Camille Claudel und die besondere musikalische 

Beziehung von zwei außergewöhnlichen Musiker:innen 

und Komponist:innen sprachen wir mit Ruth Wilhelmine Meyer 

und Steffen Schorn. 

INTERVIEW 

mit Ruth Wilhelmine Meyer & 

Steffen Schorn 

Als Fortsetzung des Interviews von 2022 in TONY, hier 

noch verfügbar: www.arttourist.com/jazz/steffen-schorn 

Wir haben uns 2022 über Ihre Idee, ein Stück über das Leben 

und die Kunst Camille Claudels zu machen, unterhalten, 

das im November 2022 in München Premiere hatte und 

im Herbst dieses Jahres auf CD erscheinen wird. Sind Sie 

zufrieden mit dem Resultat und wie waren die Reaktionen? 

Steffen Schorn: Absolut, ich bin mehr als zufrieden. Trotz sehr 

langer und akribischer Vorbereitung war die „Geburt“ – die Uraufführung 

beim BR in München und die anschließende Tour dann 

doch ein „krasser Ritt“ mit vielen Unwägbarkeiten. Im „Aufführungsmodus“ 

ist man vor allem damit beschäftigt, alles zusammenzuhalten, 

und versucht, möglichst im Moment zu sein. Umso 

bewegender war es mitzuerleben, wie großartig sich alle Ensemblemitglieder 

in das Projekt eingefühlt haben. Die Reaktionen des Publikums 

waren sehr emotional und absolut überwältigend. Sprachlosigkeit, 

Tränen, Kommentare wie „Sie haben in mir genau die 

Gefühle erzeugt, die ich damals beim Film hatte – wie machen Sie 

das nur?“, „Endlich mal wieder ein Ritual“ und „Ich fühle mich 

als Frau erkannt“ musste ich erst mal wirken lassen ... und es gibt 

mir den Mut, zu erkennen, dass das Werk eine gewisse Relevanz 

zu haben scheint. 

Hat sich das Werk in der Zeit bis heute nochmals weiterentwickelt 

oder wurde das Material direkt nach der Premiere 

eingespielt und wird jetzt gemastert? 

Steffen Schorn: Wir haben das Werk in der Version, in der wir es 

live gespielt haben, direkt im Anschluss an die Konzerte im großen 

Saal des Deutschlandfunks in Köln aufgenommen. Einige Teile 

wurden gegenüber der Live-Version etwas gekürzt, dafür wird es 

auf der CD Zwischenräume geben, bei denen mehrere Schichten 

von Ruth Wilhelmines Stimme zu Klangkaskaden kombiniert werden, 

was – vor allem in Surround – nochmals neue Räume und 

Ebenen eröffnen wird. Dies hatten wir bei den Konzerten schon 

teilweise vorproduziert und eingesetzt, und es wird – auch mit der 

gerade frischen Erfahrung der Produktion von Ruth Wilhelmines 

aktueller CD „One Voices“, bei der bis zu 256 Vokal-Spuren kombiniert 

wurden – einen größeren Anteil an der CD haben. 

Darüber hinaus wird es auch andere Versionen geben. Gerade gestern 

habe ich eine 25-minütige Instrumentalversion, die ich „Symphonic 

Dances of an Inner Opera“ genannt habe, mit dem Orchestra 

Riga in Lettland uraufgeführt. Die Komposition ist so angelegt, 

dass verschiedene Kombinationen möglich sind, ohne dass die Essenz 

verloren geht. 

Steffen Schorn sprach im Interview davon, dass er in Ihnen 

einen Seelenzwilling gefunden habe. Was schätzen Sie am 

Menschen und Musiker Steffen Schorn? 

Ruth Wilhelmine Meyer: Als ich Steffen zum ersten Mal traf, 

habe ich sofort gemerkt, dass es keine Einschränkungen in Bezug 

auf Ideen, Themen und Visionen gab. Alles konnte man besprechen, 

es gab eine Art erhellende Unendlichkeit, die man teilen 

konnte. Solche Begegnungen schätze ich sehr. Sie sind ein Geschenk 

und bringen im positiven Sinne allerlei Überraschungen mit sich. 

Dieses Gefühl verstärkte sich noch in der engen Zusammenarbeit 

für Camille Claudel und in der Produktion von ONE VOICES. Es 

war und ist auf jeden Fall eine sehr wertvolle Begegnung für mich. 

Steffen ist als Mensch eine sehr offene, zugewandte und vorurteilslose 

Person, was sehr selten ist. Dazu ist er chaotisch und strukturiert 

zugleich. Einfach fantastisch für mich und unsere Zusammenarbeit.

ZBIGGY | arttourist.com Jazz | Neue Musik | Elektro | 2024 Neue Musik | 27 

Sie sind die Stimme, der Klang im Projekt Camille Claudel 

und ebenso eine international gefragte und erfolgreiche 

Komponistin, Stimm- und Klangkünstlerin. Was fasziniert 

Sie am Klang? 

Ruth Wilhelmine Meyer: Klang ist räumlich und dabei mehrdeutig. 

Klang ist offen und dabei spielerisch. Klang weckt Assoziationen 

und wird dabei persönlich spürbar und interpretierbar für 

den Zuhörer. Es ist für mich ein großes Glück und Abenteuer, jeden 

Tag mit Klang zu arbeiten. 

Was macht der Klang mit uns Menschen? 

Ruth Wilhelmine Meyer: Ich denke, Klang macht viel mehr mit 

uns, als es uns bewusst ist. Klang sind Schwingungen, die auf uns 

physisch wirken. Wenn ein Klang von einer menschlichen Stimme 

oder einem Körper kommt, wird er physisch auf den Körper der 

Zuhörer wirken. Dadurch, dass Klang einen räumlichen Charakter 

bildet, ist Klang der Träger einer Taktilität, einer fast körperlichen 

Erfahrung, die ich für sehr wichtig halte in der Musik. Klang weckt 

unsere Sinne. 

Wann wurde Ihnen klar, dass der Klang und Ihre Stimme 

Ihre künstlerische „Bestimmung“, Ihr Instrument sind? 

Ruth Wilhelmine Meyer: Das war eine lange Reise, die sich nach 

und nach entwickelt hat. Es war, als ob ich das nicht selbst entscheiden 

konnte, sondern eher, dass die Erforschung der Klänge 

und der menschlichen Stimme mich immer weiter und tiefer in 

das Klangreich geführt hat. Der Name einer meiner letzten Projekte 

war KLANGBIOTOPER (2018) (www.wilhelmine.no/album/ 

klangbiotoper/). Hier habe ich versucht, Klangräume in der Natur 

darzustellen. 

Nach jedem Projekt dringe ich tiefer und tiefer in die Materialität 

der Klänge ein. In dem Camille Claudel Projekt mit Steffen Schorn 

haben wir bewusst und viel über die Möglichkeit des Klanglichen 

gesprochen, um unterschiedliche Seelenzustände von Camille 

Claudel darzustellen. Da es nonverbal ist, hatten wir die Möglichkeit, 

etwas universell Menschliches darzustellen, bei dem jeder Zuhörer 

etwas Eigenes entdecken kann. 

Wie finden und entwickeln Sie Ihre Klangbausteine, wie erfassen 

und archivieren Sie diese? 

Ruth Wilhelmine Meyer: Jeden Morgen gehe ich auf die Suche 

nach neuen Klangnuancen. Dies kann im Bereich der tiefen Töne 

sein, in unterschiedlichen Multiphonics, damit meine ich unterschiedliche 

Spaltungen der Stimmlaute, oder in der Ultrahöhe. Es 

kommt darauf an, welche Themen oder Stücke anstehen. Sich an 

Klänge zu erinnern, ist schwierig. Sie müssen eins werden mit dem 

Körper. Das bedeutet vor allem intensives Üben, bis der Klang im 

Körpergedächtnis gespeichert ist. Das ist ein langer und stetiger 

Prozess. Zur Unterstützung und als Gedächtnishilfe helfen mir 

Aufnahmen. 

Sie sind beide sehr intensive Musikmenschen, die sich sehr 

individuell und tief in die Musik, deren Bedeutung und Ausdruck 

auf der Suche nach dem richtigen Ton einfühlen. Beim 

Projekt Camille Claudel kamen die Kunst und das Leben 

der Camille Claudel dazu, was jeden Menschen unterschiedlich 

berührt und auf eine innere Gedankenreise schickt. 

Wie geht man in solch einem Prozess mit unterschiedlichen 

Wahrnehmungen, Emotionen und Interpretationen um, wie 

findet man da den gemeinsamen Ton? 

Ruth Wilhelmine Meyer: Zum Glück hat Steffen sehr viel spannendes 

musikalisches Material erarbeitet und zur Verfügung gehabt, 

bevor ich dazugekommen bin. Zum Beispiel in Bezug auf 

Skalen, melodische Themen und andere konkrete Ideen. Das gab 

ein sicheres Fundament als Basis für weitere Gedanken und Möglichkeiten. 

Natürlich waren diese musikalischen Bausteine sehr 

eng mit dem Leben und Schicksal Camille Claudels verbunden. 

Und hier entstand ein Punkt, an dem man die Geschichte weitererzählen 

und verdichten konnte und wo wir sehr eng zusammengearbeitet 

haben. Das ist eine spannende Phase, die nie fertig wurde 

und wird. 

Steffen Schorn: Es gab viele Vorgespräche und das Magische ist, 

dass mit Ruth Wilhelmine auf sämtlichen Ebenen ein intensiver 

Austausch möglich ist – das ist in dieser Form wirklich selten. 

Klingt jedes Konzert mit demselben Stück 

gleich oder ist Ihre Stimme jedes Mal im 

Rahmen der Komposition eine Momentaufnahme 

des Abends? 

Ruth Wilhelmine Meyer: Hoffentlich klingt 

es nie gleich. Jeder Augenblick ist neu und ich 

versuche, mich immer wieder neu und frisch 

jedem Konzert zu stellen. 

Diese Wachheit im Augenblick wirkt auch direkt 

auf den Zuhörer. Wichtig für mich ist, 

dass man als Publikum jede Sekunde fühlt, 

dass man sich in einem schöpferischen JETZT 

befindet. 

Die Stimme birgt immer Überraschungen und 

dabei muss man immer präsent sein, lauschend 

und horchen, was die Stimme gerade 

sucht. Zum Glück haben Kompositionen aber 

Ruth Wilhelmine Meyer 

auch eine Form, Akkorde, Tempi etc., denen man versucht, treu zu 

sein. Diese Dialoge halten einen wach und aufmerksam. 

Wie viel Spielraum lassen Sie Ruth Wilhelmine Meyer und 

Ihren Musiker:innen oder sind Sie Perfektionist und überlassen 

nichts dem Zufall? 

Ruth Wilhelmine Meyer ist eine norwegische, 

außergewöhnlich vielseitige Komponistin 

und Stimmkünstlerin. Sie bewegt 

sich mit ihrem unglaublichen Umfang von 

etwa sieben Oktaven spielerisch zwischen 

den Klangwelten von Volksmusik, Klassik 

und experimenteller Avantgarde. Aufgewachsen 

in Telemark in Norwegen, aber 

mit der Welt als Arbeitsplatz, hat sie ihren 

eigenen experimentellen klanglichen vokalen 

Ausdruck entwickelt. Sie interagiert 

mit Musikern verschiedenster Traditionen 

und Gattungen. Ihre Musik ist meistens 

nonverbal und sie erschafft besondere 

und einzigartige klangliche Welten. 

www.wilhelmine.no 

ruth.w.meyer 

ruthwilhelmine/ 

simax.no 

Ruth Wilhelmine Meyer | © Carl Jasquini 

Steffen Schorn: Das ist in der Tat eine sehr interessante Frage: 

Die Antwort findet sich, wie so oft, im Spannungsfeld zwischen 

Struktur und Spontaneität. Einerseits reizt es den Komponisten 

in mir, das Material absolut akribisch und streng zu entwickeln 

und eine ganz eigene Klangwelt zu schaffen – hier gibt es keinen 

Platz für Beliebigkeit. Auch habe ich sehr exakte Vorstellungen von 

Artikulation, Ausdruck, Instrumentation, Klangmischung und -gestaltung. 

Auf der anderen Seite habe ich versucht, das Ton-Material so zu 

gestalten, dass es mannigfaltig kombinierbar und formbar ist. So 

können vielschichtige Bezüge und Querverbindungen 

jedes Mal neu entstehen, die ich zum 

Teil plane und zum Teil nicht im Geringsten 

vorhersehen kann. Und natürlich besteht das 

Ensemble aus fantastischen Improvisatoren, 

die allein schon für sich einen Abend tragen 

und gestalten könnten. 

Ruth Wilhelmine hat als Hauptsolistin eine 

herausragende Rolle, da sie ihre ganz eigene 

Klang- und Ausdruckswelt mitbringt, die eine 

komplett neue Ebene hinzufügt, auch und 

insbesondere dramaturgisch. Insofern hat sie 

sehr große Freiheiten, allerdings musste ich 

auch lernen, dass der Einsatz verschiedener 

und extremer Stimmregister gut dosiert und 

geplant sein muss. 

Für mich selbst als Instrumentalist bedeutet 

das, dass ich mich sehr lange vorbereite – in 

diesem Fall etwa ein Jahr – um alle Themen, Basslinien etc. auf 

allen meinen Instrumenten in allen Transpositionen auswendig 

parat zu haben – sodass ich dann bei Auftritt oder Aufnahme alles 

„Am Start“ habe und dadurch maximal spontan sein kann. Natürlich 

versuche ich, den Ensemblemitgliedern so viel improvisatori- 

>> 

Steffen Schorn | © Roger Hanschel 

Ruth Wilhelmine Meyer | © Rolf Schöllkopf



sche Freiheit zu geben, dass sie sich in ihrem 

persönlichen Ausdruck entfalten können – dies 

erst kann die besondere Wirkung erzielen. 

Hat sich Ihr Blick auf das Leben von Camille 

Claudel durch die intensive Auseinandersetzung 

und die musikalische Umsetzung 

verändert? 

Ruth Wilhelmine Meyer: Wenn man sich 

einem musikalischen Stoff widmet, gibt es 

immer Möglichkeiten, Schicht für Schicht tiefer 

zu gehen. Die psychologische Perspektive 

oder Kenntnisse über die Biografie einer Person 

spielen auch in diesem Prozess eine wichtige 

Rolle. Das Werk von Steffen ist als innere 

Oper konzipiert worden. Eine Oper ohne 

Worte, ohne Libretto, das dem Publikum die 

Möglichkeit gibt, sich selbst in das Werk und 

die Geschichte hineinzudenken und sie zu 

interpretieren. 

Steffen Schorn 

Steffen Schorn: Ja, auf jeden Fall. Die Initialzündung für mich 

war der Film von 1988 mit Isabelle Adjani, davor hatte ich noch 

nie von Camille Claudel gehört. Ich habe mir damals alle verfügbaren 

Bücher besorgt und gelesen, mittlerweile gibt es ja noch viel 

mehr Literatur und auch das Musée Camille Claudel in Nogentsur-Seine, 

das ich zweimal besucht habe. Hier erst ist mir die ungeheuer 

ausdrucksstarke und geniale Kunst von Camille Claudel 

wirklich direkt spürbar und bewusst geworden. 

Im Januar erschien Ihr neuestes Projekt „One Voices“ auf 

CD und hatte im März im Konzerthaus von Oslo Premiere. 

Worum geht es in diesem Werk? 

Ruth Wilhelmine Meyer: Es geht darum, eine nonverbale Klangwelt 

mit einer einzigen, nicht bearbeiteten Stimme in real time, 

also ohne Loops, zu erschaffen. Das Gesamtwerk besteht aus mehreren 

Einzelwerken, die ich als auditive Räume bezeichne. Ich habe 

versucht, eine Art vokales Orchester darzustellen. Das Projekt ist 

ebenso nonverbal. Damit bleibt der Zuhörer frei, seine eigenen Bilder 

und Geschichten zu entwickeln und vollendet auf diese Weise 

das Kunstwerk. Ich habe auch versucht, etwas Unrealistisches mit 

Steffen Schorn ist ein international 

bekannter Musiker - Spezialist für tiefe 

Holzbläser -, Komponist, Improvisator und 

Dirigent. Er hat weltweit in mehr als 70 

Ländern konzertiert und zahlreiche Preise 

und Auszeichnungen erhalten. Er hat eine 

persönliche Tonsprache entwickelt, die 

Spontaneität und Struktur mit anspruchsvollem 

Groove verbindet. Sein Repertoire 

für große und kleine Ensembles besteht 

aus 11 Konzertsuiten, einer inneren Oper, 

einer Auswahl jazzbasierter Stücke namens 

„Songbook“, dem rhythmisch avancierten 

das rhythmisch anspruchsvolle 

„Groovebook“ und über 30 Arrangements 

von Stücken des brasilianischen Genies 

Hermeto Pascoal. Sein Album „Three 

Pictures“ wurde von allaboutjazz.com zum 

besten Big-Band-Album des Jahres 2018 

gewählt. Seit 2001 ist er Professor für 

Saxophon und Komposition und künstlerischer 

Leiter der Jazzabteilung an der 

Musikhochschule in Nürnberg. 

www.steffenschorn.de 

steffen.schorn.9 

realistischen Mitteln darzustellen. Das heißt, 

die Stimme auf unterschiedliche Arten zu verwenden 

und dabei neue Welten zu erzeugen. 

(www.wilhelmine.no/project/one-voices/) 

Bei Camille Claudel hatten Sie den 

„Lead“, bei „One Voices“ Ruth Wilhelmine 

Meyer. Aber Sie waren auch hier Teil 

des Teams. Was war Ihre Aufgabe? 

Steffen Schorn: Bei „One Voices“ war ich 

als Produzent für die technische Umsetzung 

des Mixes, die Spatialisierung, die Produktion 

und die „Montage“ der Klangskulpturen zuständig. 

Der Prozess erfolgte in enger künstlerischer 

Zusammenarbeit mit Ruth Wilhelmine 

und dauerte mehrere Wochen. 

Welche weiteren Ideen und Pläne gibt es 

im Team Meyer & Schorn? 

Ruth Wilhelmine Meyer: Jetzt geht es darum, 

das Album „One Voices“ der Welt zu präsentieren. Und dann 

auch Camille Claudel bekannt zu machen. Dass beide Projekte 

auch auf unterschiedliche Art live präsentiert werden, das ist der 

Plan und die Realisierung würde mich sehr freuen. 

Steffen Schorn: Zunächst werden wir uns darauf fokussieren, unsere 

beiden „Babys“ in die Welt hinauszutragen, hierzu gehören auch 

verschiedene Live-Versionen. „One Voices“ beispielsweise wurde bei 

der CD-Taufe zusammen mit den Nordic Voices aufgeführt, es gibt 

auch schon eine Fassung des Norske Solistenkors von dem Stück 

„Lokeslottet“, der die Komposition in Auftrag gegeben hat. Wir planen, 

in Norwegen eine größere Version von „Camille Claudel“ auf 

die Beine zu stellen, u.a. mit den Nordic Voices, dem Norwegian 

Wind Ensemble, und Nils Henrik Asheim, Ruth Wilhelmines langjährigem 

Duopartner an der Orgel. 

Darüber hinaus hat mich die Auseinandersetzung mit „One Voices“ 

enorm inspiriert. Ruths Denk-, Kompositions- und Produktionsweise, 

die auf eine ganz andere Art Struktur, Klarheit des Ausdrucks 

und Freiheit miteinander verbindet, wird sicher in meinen 

zukünftigen Kompositionen Widerhall finden. 


Ruth Wilhelmine Meyer | © Knut Bry 

Musée Camille Claudel | © Frédéric Lopez 

Musée Camille Claudel | © Frédéric Lopez 

Nogent-sur-Seine (F) 

Musée 

Camille Claudel 

Das Musée Camille Claudel in Nogent-sur-Seine, 

40 Minuten von Sens entfernt, am Schnittpunkt 

der Departements Yonne, Aube und Seine-et-Marne, 

konzentriert sich auf die Skulptur 

zur Zeit Camille Claudels. Es stellt die größte 

Sammlung der Werke von Camille Claudel dar 

und ermöglicht es, die Entwicklung der Künstlerin 

zu verstehen und ihre Persönlichkeit 

wahrzunehmen. In Nogent-sur-Seine entdeckte 

die 12-jährige Camille Claudel das Modellieren 

und fand ihre Berufung zur Bildhauerei. 

Das Musée Camille Claudel verfügt über eine 

bedeutende Sammlung von Skulpturen aus der 

zweiten Hälfte des 19. Mehr als 300 Werke sind 

auf einem Rundgang zusammengestellt, der 

die Geschichte der Skulptur, die Skulptur zur 

Zeit Camille Claudels oder auch die Bedeutung 

dieser Kunst in den bürgerlichen Innenräumen 

nachzeichnet. Mithilfe von Audioguides und 

Führungen können Sie diesem Weg folgen 

www.museecamilleclaudel.com 

Musée Camille Claudel | © Frédéric Lopez


Neue Musik 

Grandbrothers, Takeover23 | 

© Manolo Press, Michael Bode 

Baden-Baden 

Takeover Festival 

31.1.–2.2.2025 

Das Festivaljahr im Festspielhaus Baden-Baden 

beginnt jedes Jahr mit dem Takeover Festival. 

Vom 31. Januar bis 2. Februar 2025 feiern Fans 

der elektronischen Musik, des Indie-Rocks und 

des Jazz, wo sonst die Stars aus Oper und der 

Klassik-Welt zu Hause sind, gemeinsam mit 

dem neugierigen Klassik-Publikum. Das vierte 

Takeover Festival möchte die Musik nahbar 

und die Zukunft greifbar werden lassen. Neben 

Konzerten und Tanztheater bieten die Künstlerinnen 

und Künstler des Wochenendes Workshops 

und Mitmachmöglichkeiten – auch für 

ein vorkenntnisfreies Publikum. „Es geht um 

die gute alte ‚vierte Wand‘, diese oft erforschte, 

unsichtbare Barriere zwischen Bühne und 

Publikum soll durchlässiger werden“, sagt Festspielhaus-Intendant 

Benedikt Stampa. Das Publikum 

ist eingeladen, mit den Künstlerinnen 

und Künstlern ins Gespräch zu kommen, um 

mehr über deren Inspiration und Motivation 

zu erfahren. „Baden-Baden ist von jeher ein Ort 

der Begegnung und der Behandlung von Zukunftsfragen. 

Da möchten wir uns anschließen 

und fragen, wie sich das Publikum ein Festival 

der Zukunft vorstellt“, so Benedikt Stampa. 

www.festspielhaus.de 

Eröffnung MdzM 2023 | © Stefanie Kulisch 

Berlin 

Monat der zeitgenössischen Musik 

September 2024 

Auch im Jahr 2024 präsentiert im September 

der „Monat der zeitgenössischen Musik“ 

den einzigartigen Reichtum der zeitgenössischen 

Musikszene Berlins. In Konzerten, Performances 

und Klanginstallationen können 

aktuelle Werke von Berliner Ensembles, Künstler:innen 

und Komponist:innen entdeckt werden 

– sowohl in etablierten Konzertsälen als 

auch in freien Spielstätten. Der „Monat der 

zeitgenössischen Musik“ wird von der Szene 

selbst kuratiert: Ensembles, Festivals, Spielstätten 

und Künstler:innen sind eingeladen, Veranstaltungen 

zum Programm beizusteuern. 

www.field-notes.berlin/mdzm 

Berlin 

Konzertkirche St. Matthäus 

Die Stiftung St. Matthäus ist die Kunst- und 

Kulturstiftung der Evangelischen Kirche Berlin- 

Brandenburg-schlesische Oberlausitz (EKBO). 

Sie führt und fördert den Dialog der Kirche mit 

den Künsten. Die St. Matthäus-Kirche im Berliner 

Kulturforum ist der Hauptwirkungsort der 

Stiftung St. Matthäus. Hier finden Gottesdienste, 

Ausstellungen und Kulturveranstaltungen 

wie Lesungen, Diskussionen oder Konzerte 

statt. Kooperationen mit Museen oder Galerien 

sowie Projekte zur kulturellen Bildung verwirklichen 

den Stiftungszweck. St. Matthäus steht 

heute inmitten des Kulturforums, welches zum 

herausragenden Ort nationaler wie internationaler 

Kunst und Kultur geworden ist. Die Kirche 

ist umgeben von bedeutenden Bauten des 

20. Jahrhunderts: Neue Nationalgalerie (Mies 

van der Rohe), Philharmonie und Neue Staatsbibliothek 

(Hans Scharoun), Gemäldegalerie 

und Kupferstichkabinett (Hilmer und Sattler). 

Dabei schlägt die Kirche des Schinkelschülers 

Friedrich August Stüler eine Brücke zum 19. 

Jahrhundert. 

www.stiftung-stmatthaeus.de 

Das Kuratorische Team der Ruhrtriennale 2024: 

T Prasqual, I van Hove, K Lada, D Bolat, M Jakob und 

B Schänemann | © Volker Beushausen_Ruhrtriennale 

Bochum 

Ruhrtriennale 2024 

16.8.–15.9.2024 

Die Ruhrtriennale ist das internationale Festival 

der Künste in der Metropole Ruhr. Intendant 

für die Jahre 2024–2026 ist der belgische 

Regisseur Ivo van Hove. 

Die Ruhrtriennale 2024 beginnt am Freitag, 

den 16. August und endet am 15. September. 

Viereinhalb Wochen lang bespielt sie die ehemaligen 

Industriemonumente im Ruhrgebiet 

mit spartenübergreifenden Produktionen aus 

Schauspiel, Musiktheater, Konzert, Tanz, Performance, 

Installation, Literatur und Dialog. 

Das gesamte Ruhrtriennale-Programm findet 

in diesem Jahr in geballten viereinhalb Wochen 

statt – bei gleicher Programmstärke wie 

in den vergangenen Jahren. Neuer Intendant 

der Ruhrtriennale ist Ivo van Hove. Der international 

bekannte Theater- und Opernregisseur 

inszenierte in den vergangenen Jahren 

vor allem in New York, London und Paris. Bis 

Herbst 2023 war er Direktor des International 

Theater Amsterdam (ITA), ehemals Toneelgroep 

Amsterdam. Bei der Ruhrtriennale war Ivo 

van Hove bereits mehrfach zu Gast: Mit Bühnenadaptionen 

der Romane von Louis Couperus 

„Die stille Kraft“, „Die Dinge, die vorübergehen“ 

und „Kleine Seelen“ (2015–2017) sowie 

mit „Rocco und seine Brüder“ von Luchino 

Visconti (2008) und „Teorema“ nach Pier Paolo 

Pasolini (2009). 

Ivo van Hove stellt das Festival unter das Motto 

„Longing for tomorrow – Sehnsucht nach morgen“ 

und sagt: „Man kann Sehnsucht nicht nur 

nach Vergangenem haben, sondern auch nach 

der Zukunft – danach, die verlorenen Paradiese 

neu zu erfinden. Ich möchte, dass das Festival 

sich mit Themen beschäftigt, die heute wichtig 

und notwendig sind. Das ist auch immer die 

Herausforderung an mich selbst als Regisseur, 

ich möchte etwas schaffen, das bedeutungsvoll 

ist. Theater kann helfen, Empathie zu wecken 

und die Menschen neugierig auf andere zu machen. 

Und: Ein Festival sollte immer auch ein 

Fest sein, es soll das Publikum überraschen und 

begeistern.“ 

www.ruhrtriennale.de 

Brandenburg 

intersonanzen - Brandenburgisches 

Fest der Neuen Musik 2024 

i n t e r l i n e a r 

30.5.–9.6.2024 

„interlinear“ betont den offenen Raum, der 

zwischen den Zeilen und Linien, zwischen Musik 

und anderen Künsten entsteht. Dabei wird 

der Blick auf ein Mehr gerichtet, das sich durch 

die sich weitende Perspektive ergibt. 

Klangwandel intersonanzen Rausch | © intersonanzen 

Die Vision des Teams um den neuen künstlerischen 

Leiter Henry Mex für das kommende 

Festival und die nächsten Jahre ist die sich 

gegenseitig beeinflussende Kombination von 

Keyvisual SuR | © Jaro Suffner 

gegenwärtiger Musik und anderen Künsten 

– einschließlich visueller Kunst, Technologie 

und KI. 2024 startet das Festival mit Musik 

und Literatur. Als Kooperationspartner wurde 

LIT:potsdam gewonnen. Es sind zwei Konzerte 

geplant, die mit Lesungen bzw. Texten des Fontane-Preisträgers 

Matthias Nawrat kombiniert 

und im Konzert des Broken Frames Syndicate 

auch inszeniert werden. 

Am 1. Juni lädt Frau Prof. Dr. Ulrike Liedtke in 

einer Gesprächsrunde Schriftsteller:innen, 

Komponist:innen und Musiker:innen im Museum 

FLUXUS+ zu einer Gesprächsrunde über 

interlineare Kunst ein. 

Es sind internationale und nationale Spitzenensembles 

zu Gast. Mit Ensemble Couleurs 

Berlin 

Schall & Rausch 

Festival für brandneues Musiktheater 

7.–16.2.2025 

Glamour, Beats und Pailletten treffen auf autokratische Machthaber, archaische Rituale auf 

elektronische Klänge und alte Bekannte auf Neuentdeckungen, um in guter alter Komische- 

Oper-Tradition den Spagat zwischen Pop und Experiment, Affirmation und Kritik zu wagen. 

In der dritten Ausgabe Schall & Rausch führt die Komische Oper Berlin Gegensätze zusammen 

und (un)bekannte Gesichter zueinander! Consistent Fantasy is Reality – die türkische Popsängerin 

Gaye Su Akyol vereint Fantasie und Realität in einer retrofuturistischen Musikparty, die 

Courage und Selbstermächtigung mit rockig-psychedelischen Klängen beschwört. Extreme 

werden in Gaia24 vom ukrainischen Kollektiv Opera Aperta erforscht, das mit Streichquartett 

und Technomusik menschengemachten Katastrophen wie der russischen Invasion in die Ukraine 

und ihren Folgen für das Klima auf die Spur geht. Die belgische Musikerin, Performerin 

und Regisseurin Liesa van der Aa dringt im Gig Theatre Rich Niche mit einer Mischung aus 

Avant-Pop, Jazz und Barock in die Schlupflöcher der Reichsten der Reichen vor. In Everybody 

Now! kehren Loulou Hameleers vom niederländischen Musiktheaterkollektiv CLUB GEWALT, 

Nhlanhla Mahlangu vom Centre for the Less Good Idea, Performancekünstler Daniel Cremer 

und Generalmusikdirektor James Gaffigan zum Festival zurück, um gemeinsam mit dem Publikum 

Schall und ihre ganz besondere Art von Rausch zu erzeugen! Last but not least erweitert 

Schall & Rausch 2025 sein Einzugsgebiet von Neukölln bis nach Charlottenburg. Hier wird 

auf der Bühne der Komischen Oper Berlin im Schillertheater Herbert Fritschs und Herbert 

Grönemeyers „Pferd frisst Hut“ Premiere feiern. 

www.komische-oper-berlin.de



Donaueschingen 

„alonetogether“ - 

Donaueschinger Musiktage 2024 

17. – 20.10.2024 

Jedes Jahr im Oktober ist es wieder so weit: die kleine Stadt Donaueschingen am Rande 

des Schwarzwalds verwandelt sich für ein Wochenende zum internationalen Hotspot 

neuester Musik, der mehr als 6.500 Besucher:innen aus aller Welt anlockt. Seit 

102 Jahren gehen von den Donaueschinger Musiktagen entscheidende Impulse für die 

zeitgenössische Musik aus – hier wurde und wird Musikgeschichte geschrieben. 2024 

widmet sich das Festival vom 17. bis zum 20. Oktober unter dem Titel „alonetogether“ 

dem Verhältnis von Individuen und Gruppen und präsentiert in gut 15 Konzerten, Installationen 

und Veranstaltungen mehr als 20 Uraufführungen von internationalen 

Komponistinnen und Komponisten. Zum ersten Mal gastiert der Pianist Pierre-Laurent 

Aimard als Solist beim Festival. Der legendäre Saxophonist Roscoe Mitchell ist sowohl 

im Doppelkonzert von George Lewis für menschlichen Solisten, Künstliche Intelligenz 

und Orchester als auch im Trio zu hören. Und mit dem SWR Symphonieorchester, dem 

SWR Vokalensemble und dem SWR Vokalensemble ist der Sender gleich mit dreien seiner 

herausragenden Klangkörper präsent. 

www.swr.de/donaueschingen 

Russell Greenberg | © Oliver Matlok 

(RO), Cracow Duo (PL) und Good Mori (KR) 

wird es Brückenkonzerte in Krakow, Bukarest, 

Cluj-Napoca und Südkorea geben. Wichtig ist 

auch der musikalische Raum für Kinder, Jugendliche 

und angehende Musiker:innen in 

der Kooperation mit der Voltaireschule und der 

Musikschule Johann Sebastian Bach. 

Improvisierte Musik und Komponistenperformer 

sowie ein Soundwalk werden auch diesmal 

nicht fehlen. Die Veranstaltungen finden 

im Potsdam Museum, Palais Lichtenau und im 

Museum FLUXUS+ statt. 

www.intersonanzen.de 

www.henry-mex.de 

Burkina Elektric + Mahabharata Lorenz 

Essen 

Festival NOW! 2024 

30.10.–10.11.2024 

Die Geschichte des Festivals NOW! beginnt im 

Jahr 2007, als die Kulturstiftung des Bundes 

das „Netzwerk Neue Musik“ ins Leben rief, um 

für vier Jahre musikalische Akteur:innen einer 

Region anzuregen, Konzerte zeitgenössischer 

Musik gemeinsam zu veranstalten. Die Jahre 

2007 bis 2010 waren also die Gründungsjahre, 

in denen sich die Philharmonie Essen, die 

Folkwang Universität der Künste, der Landesmusikrat 

NRW, die Folkwang Musikschule und 

die Gesellschaft für Neue Musik Ruhr (GNMR) 

zusammenschlossen, um unter dem Motto 

„Entdeckungen“ gemeinsam die ersten Konzerte 

mit Neuer Musik zu planen. 

Diese künstlerische Partnerschaft war dann der 

Ausgangspunkt, um im Jahr 2011 das Festival 

NOW! ins Leben zu rufen und in den Folgejahren 

weitere Partner wie die Stiftung Zollverein, 

PACT Zollverein und das Museum Folkwang 

hinzu zu gewinnen. Dank dieser starken künstlerischen 

Allianz und dank der kontinuierlichen 

Partnerschaft mit der Kunststiftung NRW, 

dem Ministerium für Kultur und Wissenschaft 

des Landes Nordrhein-Westfalen und seit 2019 

auch mit der Alfried Krupp von Bohlen und 

Halbach-Stiftung sowie der Treue der Besucher:innen 

konnten wir das Festival NOW! bis 

heute zu einem wichtigen Akteur in der Szene 

der Neuen Musik entwickeln. 

Vielen Komponist:innen im In- und Ausland 

ist das Festival NOW! ein Begriff, und sie kommen 

auf uns zu mit dem Wunsch, neue Werke 

für das Festival komponieren zu dürfen oder 

bestehende Stücke beizutragen – gemäß der 

Philosophie des Festivals, Klassiker der Moderne 

neben Uraufführungen zu präsentieren und 

Programme mit spannenden inhaltlichen Bezügen 

zu erarbeiten, die eine neue Perspektive 

auf die Musik der Gegenwart bieten. In diesem 

Sinne werden wir das Festival NOW! auch in 

den nächsten Jahren weiterführen. 

www.theater-essen.de 

Sophia Hegewald | © Podium Esslingen 2023 

Esslingen 

PODIUM Festival 

25.4.–5.5.2024 

Am Anfang war die Idee. Was, wenn klassische 

Musik nicht nur im Elfenbeinturm stattfindet? 

Was, wenn wir aufhören, Musik in Genres einzuteilen, 

in Formate, in Konventionen? Was, 

wenn ein Konzert nicht mehr nur ein Konzert 

ist, sondern Kunstformen wie Tanz, Theater, 

Film und Animation mit der Musik vereint? 

Was, wenn Musik tatsächlich will, dass Menschen 

sie immer wieder für sich neu entdecken, 

neu erfinden? Eine Musik, die alte Gewissheiten 

neu denken lässt – und keine neuen aufzwingt. 

Und eine Kulturinstitution, die ihre 

gesellschaftliche Rolle verantwortungsbewusst 

gestaltet. 

2009 gründeten einige junge Menschen ein 

kleines, alternatives Kammermusikfestival: 

PODIUM Esslingen. Binnen weniger Jahre hat 

es sich unter dem Motto „Musik wie sie will“ 

zu einer vielseitigen Plattform für intelligente 

Innovationen im Bereich klassischer und zeitgenössischer 

Musik entwickelt. Jedes Jahr werden 

beim PODIUM Festival Esslingen visionäre 

Produktionen präsentiert, die zeigen: So sieht 

undogmatisches Musikschaffen im 21. Jahrhundert 

aus. 

Vielfältige Projekte wie das Fellowship-Projekt 

#bebeethoven anlässlich des Beethoven-Jubiläums 

2020, Gastspiele im In- und Ausland, Konzertwochenenden 

an besonderen Orten wie 

dem Kloster Bebenhausen bei Tübingen oder 

dem Schloss Liebenberg im Havelland und ein 

engagiertes Education-Programm sind Teil des 

umfangreichen Jahresprogramms. Dabei ist der 

digitale Raum ein selbstverständliches Aktionsfeld: 

Mit PODIUM.Digital wurde eine Querschnittsparte 

geschaffen, die in verschiedenen 

Projekten und Formaten den virtuellen Raum 

als Medium für Musik und ihre Vermittlung erschließt. 

Gesellschaftspolitisch aktuelle Themen aufzugreifen 

und mit vielfältiger Musik eine Plattform 

zu schaffen, auf der diese oft brisanten 

Themen in einem breiten Diskurs verhandelt 

werden, ist den jungen PODIUM Künstler:innen 

ein Herzensanliegen. 

www.podium-esslingen.de 

KunstKulturKirche Allerheiligen | © Stephan Brendgen 

Frankfurt 

KunstKulturKirche 

Forum für Moderne Kunst und Neue 

Musik 

Die KunstKulturKirche Allerheiligen ist das Profil 

des Kirchorts Allerheiligen der Kath. Dompfarrei 

St. Bartholomäus. Ziel ist es, die Allerheiligenkirche 

im Frankfurter Ostend zu einem neuen 

Begegnungszentrum mit Kunst und Künstlern 

und den Menschen im Stadtteil und darüber 

hinaus zu machen. Seit 2008 finden regelmäßig 

Konzerte und Ausstellungen von Gegenwartskunst 

statt. Seit Herbst 2010 liegt der Fokus auf 

der Neuen Musik, sowohl bei den Konzerten 

als auch in der Liturgie. Der offene, starke und 

zugleich karg anmutende Sakralraum der 1953 

erbauten Kirche bietet den Raum für punktuelle 

Begegnungen zwischen Religion und Kunst 

(Neue Musik und zeitgenössische bildende 

Kunst). Dabei soll die Autonomie der Kunst 

ebenso gewahrt bleiben wie die Autonomie des 

Raumes, als ein aus der Alltagswelt herausgehobener, 

sakraler Raum. Die KunstKulturKirche 

Allerheiligen will in großer Offenheit zur Begegnung 

zwischen Kunst und Kirche beitragen. 

www.kunstkulturkirche.de/kunstkulturkirche/idee/ 

Ensemble Klangforum Wien | © Tina Herzl 

Graz (A) 

impuls Festival 

17.–28.2.2025 

Bereits zum 9. Mal bietet das impuls Festival ein 

reichhaltiges und vielseitiges tägliches Musikund 

Diskursprogramm. Zeitgenössische Musik, 

präsentiert in unterschiedlichen Formaten (wie 

z.B. Minutenkonzerte, inszenierte und installative 

Konzerte oder Late Nights jenseits traditioneller 

Settings), wird dabei an verschiedene 

Orte in der Stadt Graz gebracht – von kleinen, 

informellen wie der kunst.wirt.schaft über diverse 

Spielstätten im KUG, im IEM Cube, dem 

esc medien kunst labor bis hin zu traditionellen 

Konzertsälen, wie dem MUMUTH oder der 

Helmut List Halle. 

Auch im Februar 2025 begrüßt impuls wieder 

international renommierte Spitzenformationen 

(u.a. Klangforum Wien, Quatuor Diotima, 

Trio Accanto) und aufstrebende Ensembles 

(NAMES, Schallfeld Ensemble u.a.) sowie einzelne 

Musiker:innen und Künstler:innen und 

bietet mit der Präsentation von Werken des 

20. und 21. Jahrhunderts, darunter zahlreiche 

Welt- und Österreichpremieren, von denen viele 

eigens für und bei impuls produziert wurden, 

einen intensiven Einblick in den Reichtum und 

die Vielfalt der zeitgenössischen Musik. 

Darüber hinaus bereichern Vorträge, Diskussionen, 

Komponistengespräche und andere Musikvermittlungsprogramme 

das Programm des 

impuls Festivals, das von der impuls Akademie 

begleitet wird und rund 300 junge Komponisten, 

Musiker und Ensembles aus aller Welt beherbergt. 

Neue Musik, ob klassische Moderne oder aktuellste 

Musik, wird so in Theorie und Praxis, in 

Diskurs und Klang hautnah erlebbar. 

www.impuls.cc 

Mass Leonard Bernstein | © Paul de Hueck 

© courtesy of the Leonard Bernstein office 

Herrenhausen 

KunstFestSpiele Herrenhausen 

16.5.–2.6.2024 

Die 15. KunstFestSpiele Herrenhausen werden 

im Mai 2024 mit einer riesigen, detailgetreuen 

Nachbildung der Erdkugel des britischen 

Künstlers Luke Jerram auf dem Maschteich am 

Neuen Rathaus eröffnet. Hannovers größtes 

internationales Festival bietet vom 16.5. bis 

2.6. an 18 Festivaltagen insgesamt 28 künstlerische 

Produktionen mit rund 600 eingeladenen 

Künstler:innen und Chorsänger:innen. Das 

multidisziplinäre Programm mit Konzerten, 

Tanz und Theater, Zirkus, Performances und 

Installationen findet rund um die Herrenhäuser 

Gärten, im Kuppelsaal des HCC, am Neuen 

Rathaus und im Schauspielhaus Hannover 

statt. Neue Klänge, Vielfalt, Überraschendes 

und künstlerische Neugierde prägen die Festivalproduktionen 

mit rund 100 Einzelver- 

>> WEITER AUF SEITE 32

ZBIGGY | arttourist.com Jazz | Neue Musik | Elektro | 2024 Neue Musik | Göttingen | 31 

Göttingen 

Göttinger Symphonieorchester | © Mirko Plha 

Göttinger Symphonieorchester präsentiert Festival: 

Neue Horizonte mit 

zeitgenössischer Musik 

Wer Neue Musik entdecken möchte, sollte diesen Sommer nach Göttingen 

schauen. Das Göttinger Symphonieorchester präsentiert vom 21. 

bis 29. Juni 2024 das Festival „horizonte“, das den Konzertsaal verlässt 

und in Wohnzimmer, Gärten und WG-Zimmer geht. Ein innovatives 

Programm aus Orchesterkonzert, Kammermusik und Installation im öffentlichen 

Raum eröffnet neue Horizonte. 

Göttingen – ein Name, der Bilder weckt: das 

Gänseliesel, die Göttinger Sieben, die ehrwürdige 

Georg-August-Universität oder die pulsierende 

politische Zivilgesellschaft. Diesen 

Sommer erweckt das Göttinger Symphonie Orchester 

(GSO) diese Bilder zum Leben. Mit dem 

Festival „horizonte“ taucht es in die Welt der 

Neuen Musik ein und verbindet sich mit der 

lebendigen Subkultur der Stadt. 

Fünf Jahre lang haben die Musiker:innen aus 

Göttingen ihre Spielstätte umgebaut. Jetzt erstrahlt 

sie nicht nur äußerlich in neuem Glanz, 

sondern auch innerlich. Beethoven, Brahms 

und Tschaikowsky – ihre Notenblätter sind 

meist mit diesen Namen bedruckt, wie in den 

meisten Symphonieorchestern. Doch während 

andere Musikinstitutionen im Sommer die altbekannten 

Klassik-Hits hervorholen, geht das 

GSO einen anderen Weg. Sie wagen sich an 

Neues, experimentieren und überraschen ihr 

Publikum. Sie erneuern sich, sie wachsen, sie 

entwickeln sich weiter. 

„Zeitgenössische Musik ermöglicht Experimente, 

und wir wollen unsere eigenen Ohren 

und die des Publikums öffnen“, erklärt Geschäftsführerin 

Franziska Vivaldi. Dafür hat 

sie sich mit ihrem Team unterschiedliche Formate 

ausgedacht: In Wohnzimmern, Gärten, 

WG-Zimmern oder Scheunen entsteht die 

zeitgenössische Version eines musikalischen 

Salons. Eine Schulklasse komponiert zusammen 

mit den professionellen Musiker:innen 

ein neues Werk. Kammerkonzerte werden mit 

kulturpolitischen Debatten, wissenschaftlichen 

Vorträgen und elektronischer Tanzmusik 

kombiniert. Dazu schafft das Festival Verbindungen 

in der Kulturszene, wie die Zusammenarbeit 

mit dem Universitätschor bei Claude 

Debussys „Nocturnes“. Aber auch treue 

Fans des GSO finden im Festivalprogramm 

Das horizonte Festival in Göttingen, u.a. in der Lokhalle (© Mirko Plha), 

im Forum Wissen (© Anna Greger / Universität Göttingen) und in Privatwohnungen (© Sarah Stärzl) 

Komponist:innen und Dirigentin des horizonte Festivals. V.l.n.r.: Shadi Kassaee, Eloain Lovis Hübner, Friederike 

Scheunchen, Lucia Kilger, Dmitri Remesov und Marta Kowalczuk | © Louise Engel 

vertraute Elemente, wie ein Orchesterkonzert 

in der Lokhalle, einer beliebten Spielstätte des 

Orchesters. 

Sieben Stipendien bilden das Herzstück und 

den Antrieb des Festivals. Fünf sind für Uraufführungen, 

zwei für Kompositionspädagogik. 

Lucia Kilger und Dmitri Remesov komponieren 

für Sinfonieorchester. Eloain Lovis Hübner 

gestaltet eine Installation im öffentlichen 

Raum. Shadi Kassaee und Marta Kowalczuk 

widmen sich der Kammermusik. Anne Bischof 

und Felipe Egaña Labrin werden Konzepte in 

Kompositionspädagogik entwerfen. Ein Expertenkomitee, 

bestehend aus Kompositionsprofessoren, 

Kuratoren der freien Szene und 

der künstlerischen Leitung des Festivals, wählte 

diese Stipendiaten aus. Ergänzt werden die 

Uraufführungen mit selten gespielten Werken 

des 20. und 21. Jahrhunderts von Komponisten 

wie Kristine Tjøgersen oder Vito Žuraj. 

Dies ist Nachwuchsförderung par excellence. 

Die Stipendiaten sind keine Neulinge in der 

Neuen-Musik-Szene. Lucia Kilger, Professorin 

an der Detmolder Musikhochschule, hat 

bereits für das Ensemble Recherche und das 

ensemble mosaik komponiert. Eloain Lovis 

Hübner, Gewinner des Deutschen Musikautor:innenpreises 

2022 in der Kategorie „Nachwuchs“, 

wird die Innenstadt von Göttingen in 

eine Musikinstallation verwandeln und den 

Klangraum der Stadt zum Leben erwecken. 

Das Festival spricht jeden an, ob Neue-Musik- 

Enthusiasten oder Neulinge in diesem Genre. 

„Um zeitgenössische Musik für alle erlebbar zu 

machen, wollen wir Nähe schaffen und die Menschen 

dort abholen, wo sie sich befinden“, sagt 

Louise Engel, die das Projekt leitet und zusammen 

mit Clemens K. Thomas die Kuration übernimmt. 

Thomas möchte gemeinsam mit dem 

Publikum Erlebnisse kreieren: „Es ist uns wichtig, 

sowohl das Publikum als auch die Orchestermusiker:innen 

bei diesem Entdeckungs- und Entstehungsprozess 

mitzunehmen. Dann entsteht eine 

,Oh, das hat etwas mit mir und meiner Gegenwart 

zu tun‘-Erfahrung. Oder ein ,Das macht was 

mit mir, das berührt mich, obwohl ich das noch 

nie gehört habe‘-Moment. Das begegnet mir nur 

bei zeitgenössischer Musik.“ 

Ob die Göttinger daran auch Interesse zeigen 

werden? Franziska Vivaldi hat keine Angst vor 

leeren Stühlen: „Das Göttinger Publikum ist 

sehr neugierig.“ Der erste Lackmustest ist bereits 

bestanden: Über 60 Göttinger boten ihre 

Wohnzimmer als Bühne an. 

Tickets 

Prinzipiell sind Tickets einzeln zu erwerben. Es gibt 

ein Kombiticket für helle nacht am 22.6. und sommertag 

am 29.6. Zusammen mit der Installation bei 

freiem Eintritt ermöglicht das Kombiticket zum Preis 

von 39 Euro das Erleben aller im Festival programmierten 

Werke. Alle Informationen und Tickets unter 

gso-online.de/horizonte.



anstaltungen, darunter fünf deutsche Erstaufführungen. 

Von indigenen Traditionen bis zu 

postkolonialen Debatten, vom großen Orchesterwerk 

bis zu spektakulärer Akrobatik, vom 

Kinderstück bis zur retro-futuristischen Oper 

begegnen sich bei den KunstFestSpielen diverse 

kulturelle Traditionen. 

www.kunstfestspiele.de 

Arthur Verocai & Metropole Orkest | 

© Lais Catalano Aranha 

Niederlande (NL) 

Holland Festival 2024 

Kreuzungen, Begegnungen und 

Heimkehr 


Die 77. Ausgabe des Holland Festivals präsentiert 

innovative, internationale darstellende 

Kunst mit mehr als 40 Werken von 46 

Filmemachern, darunter 8 Weltpremieren, 23 

niederländische Erstaufführungen und 8 Koproduktionen 

und über 380 Künstler an 21 

verschiedenen Orten in Amsterdam. 

Die Eröffnung findet am Donnerstag, den 6. 

Juni, mit einem besonderen Programm im 

Gashouder statt, bei dem Strawinskys ikonischer 

„Sacre du printemps“ von einem Film 

von Evangelia Kranioti sowie Caroline Shaws 

„Music in Common Time“ von einem neuen 

Film der assoziierten Künstlerin Christiane Jatahy 

begleitet wird. Das Festival endet am 29. 

Juni mit den letzten Stunden der 24-Stunden- 

Performance The Second Woman, einem halluzinatorischen 

Theater- und Filmerlebnis, bei 

dem eine bekannte Schauspielerin im Laufe 

von 24 Stunden dieselbe Trennungsszene mit 

ständig wechselnden Mitspielern spielt. 

In den mehr als drei Wochen dazwischen wird 

ein breites Spektrum an Performances, Disziplinen 

und Künstlern zu sehen sein. Besondere 

Aufmerksamkeit widmet das Holland Festival 

dem Wochenendprogramm, bei dem Sie von 

morgens bis abends Aufführungen, Vorträge, 

Workshops und außergewöhnliche Partys erleben 

können. 

www.hollandfestival.nl 

Köln 

ACHT BRÜCKEN 

„Feine Unterschiede“ 


„Feine Unterschiede“, 2024 stellt ACHT 

BRÜCKEN | Musik für Köln die westeuropäisch 

geprägte Musiktradition mit der Etablierung 

der temperierten Stimmung und 

der Einteilung der Oktave in zwölf Halbtonschritte 

als „überlegenes Mastermodell“ infrage. 

Mit der Thematisierung der „feinen 

tonalen Unterschiede“ stellt das Festival an 

neun Tagen nicht nur die Erweiterung des 

Tonsystems in unterschiedlichen musikalischen 

Kulturen vor, sondern beleuchtet auch 

die gesellschaftliche Vorrangstellung unseres 

Tonsystems kritisch. 

Ein Meister der Mikrotonalität ist Porträtkomponist 

Enno Poppe, von dem im Festivalzeitraum 

zehn Werke erklingen, darunter 

am Abschlusstag direkt zwei Uraufführungen 

– das gab es auch für den Komponisten Poppe 

noch nie. Enno Poppe war sehr erfreut, als er 

die Anfrage erhielt, Porträtkomponist zu werden, 

denn er ist seit seiner Jugend ein großer 

Fan der Kölner Philharmonie, die er erstmals 

1987 besuchte, und der Programmierung 

des Hauses, das „sich so viel traut“. Auf die 

Frage, was er sich als Porträtkomponist wünsche, 

antwortete er mit „Einmal für François- 

Xavier Roth komponieren“. Poppe stellt sich 

grundsätzlich beim Kompositionsprozess die 

Ausführenden vor, ganz konkret die Ensembles 

und Musikerinnen und Musiker, mit denen 

er regelmäßig zusammenarbeitet. Roth 

sei ein fantastischer Dirigent. „Strom“ heißt 

sein neues Werk, das der Kölner Generalmusikdirektor 

mit dem Gürzenich-Orchester 

Köln am 12. Mai zur Uraufführung bringen 

wird. Es ist geprägt von kleinen Tonschritten 

und langsamen Veränderungen. Poppe: „Das 

ist für das Orchester eine unheimliche Herausforderung, 

sie werden vollkommen neue 

Akkorde spielen.“ 

Das zweite neue Werk Poppes interpretiert 

am ACHT BRÜCKEN-Abschlusstag das Ensemble 

Recherche: „Laub“ für Septett ist ein 

dem Mozart Requiem 2018 – versuchen Begegnungsräume 

zwischen neuster Musik und Kirche 

zu schaffen. In Konzerten, Gottesdiensten, 

Ateliers, Schulprojekten und vielen weiteren 

Gestaltungsformen stehen aktuell immer wieder 

Kompositionen im Mittelpunkt. 

Über Festivals hinaus findet die zeitgenössische 

Musik im Alltag der kirchenmusikalischen 

Arbeit einen breiten Raum: in kleineren Predigtreihen, 

in Konzerten und weiteren Spielformen. 

www.musik-martinskirche.de 

Kölner Philharmonie Handportraits, 11.01.24 | 

© Vanessa Stratmann 

Stück, dass sich verästelt und immer mehr in 

die Tiefe geht. 

Im Abschlusskonzert von ACHT BRÜCKEN 

interpretiert das WDR Sinfonieorchester 

unter der Leitung von Elena Schwarz Enno 

Poppes Liederzyklus „Augen“ mit Sarah Maria 

Sun sowie Clara Iannottas neues Klavierkonzert 

„the purple fuchsia bled upon the 

ground“ mit Pierre-Laurent Aimard und die 

Uraufführung von Miroslav Srnkas „Is This 

Us?“ für zwei Hörner und Orchester. 

Insgesamt sind in den neun Festivaltagen 18 

Uraufführungen zu hören. 30 Veranstaltungen 

widmen sich neuer Musik und Musik anderer 

Kulturen, in diesem Jahr schwerpunktmäßig 

dem östlichen Mittelmeerraum und 

Indien. Die Konzerte finden in der Kölner 

Philharmonie und elf weiteren Spielstätten 

in Köln statt, darunter erstmals St. Maria im 

Kapitol, St. Ursula und die Wolkenburg. In 

der Zentralbibliothek läuft die Installation 

„im wald“ zu Enno Poppes Werk „Wald“ für 

vier Streichquartette, begleitend dazu gibt 

es an zwei Vormittagen im Festivalzeitraum 

die Führung „Waldluftleben“ zu Farbklängen 

und Waldaromen im Königsforst. 

www.achtbruecken.de 

etwa den jährlichen Composer in Residence, 

ein, sich unabhängig von ihrer Herkunft 

und Glaubensrichtung künstlerisch in der Begegnung 

von Kunst, Musik und Gemeinde zu 

entfalten. Zudem erklingt in den Messen zeitgenössische 

Orgelmusik. 

www.sankt-peter-koeln.de/wp/musik/konzerte/ 

ihrer ganzen Vielfalt zu präsentieren, was in 

zahlreichen Projekten rund um Bruckner seinen 

Ausdruck finden wird, auf Plätzen und an 

Orten, in Dörfern und Städten, überall in Oberösterreich. 

www.anton-bruckner-2024.at 

Sujet Brucknerfest BF24-Unendliche Weiten rosa 

Linz (A) 

Internationales Brucknerfest Linz 


Unendliche Welten. Bruckners Werk 

als Griff nach den Sternen 

4.9.–11.10.2024 

Am 4. September 2024 feiert einer der bedeutendsten 

oberösterreichischen Komponisten, 

Anton Bruckner, seinen 200. Geburtstag, und 

das Brucknerhaus Linz wird seinen Ehrentag 

mit vielen grandiosen Konzerthighlights 

und einer einzigartigen Weltsensation gebührend 

feiern. Natürlich steht auch eines der 

wichtigsten Festivals für Klassische Musik im 

deutschsprachigen Raum, das Internationale 

Brucknerfest Linz 2024, das von Brucknerhaus- 

Intendant Mag. Dietmar Kerschbaum programmiert 

wird, ganz im Zeichen des großen 

Bruckner-Jubiläums und trägt den Titel: „Unendliche 

Weiten. Bruckners Werk als Griff nach 

den Sternen“. Jährlich startet das Festival an 

Bruckners Geburtstag, am 4. September und erstreckt 

sich bis zu seinem Todestag am 11. Oktober. 

Eine Weltsensation darf im Rahmen des 

heurigen Brucknerfestes erwartet werden: Die 

weltweit erste zyklische Aufführung aller elf 

Sinfonien (inklusive der Studiensinfonie und 

der sogenannten „Nullten“) Anton Bruckners 

im Originalklang, eine Entdeckungsreise in elf 

Konzerten, die als Zyklus exklusiv im Brucknerhaus 

Linz zu hören sein wird. Die besten Originalklang-Orchester 

der Welt mit fantastischen 

internationalen Dirigenten werden Bruckners 

elf Sinfonien in einzigartiger Weise präsentieren. 

Zudem warten viele weitere Konzerthöhepunkte, 

um das gesamte Werk Bruckners von 

den ersten Gehversuchen bis zu den späteren 

Meisterwerken, vom Orgel- und Klavierstück 

über Kammermusik bis zu Liedern, Motetten 

und Männerchören und nicht zu vergessen die 

großdimensionierten Messen und Sakralwerke 

des genius loci auf die Bühnen bringen, um so 

endlich den ganzen Bruckner kennenzulernen 

und die Musik für den Menschen sprechen zu 

lassen. 

www.brucknerhaus.at/programm/internationalesbrucknerfest-linz-2024 

Martinskirche im Stadtteil Mitte | © ABP 

Kassel 

Musik an Sankt Martin 

Neben der Pflege der Tradition ist St. Martin zu 

einem überregional bedeutsamen Zentrum für 

Neue Musik in der Kirche geworden. Im Mittelpunkt 

steht dabei der interdisziplinäre Dialog 

von Neuer Musik und Theologie. Auch wenn 

die Formen und Rahmenbedingungen sich in 

einem ständigen Wandlungsprozess befinden, 

wird das Wesentliche dabei erhalten, gefördert 

und weiterentwickelt. 

Neue Festivals – wie Spring Pipes 2019 – und 

eine ständige neue Musik in den regulären 

Konzerten – wie Hosokawas Engel-Lieder mit 

Sound of Rubens 3 © Tomek Kujawinski 

Köln 

Kirche der Jesuiten Sankt Peter 

Sankt Peter ist ein Zentrum für zeitgenössische, 

aktuelle Musik. Mit freien Konzerten, einer einzigartigen 

Orgel, konzipiert von Peter Bares, 

durch die Zusammenarbeit mit Festivals wie 

Acht Brücken oder dem Deutschlandfunk, einer 

Vielzahl von Uraufführungen und Kompositionsaufträgen 

ist der Raum ein renommierter 

Konzertort für ausgewählte Partner, die zeitgenössische 

Musik auf hohem künstlerischem 

Niveau im Raum der Kirche präsentieren. Die 

Kirchengemeinde lädt aktuelle Komponisten, 

klangwald © Land Oberösterreich Andreas Krenn 

Linz (A) 

Anton Bruckner 2024 

Oberösterreich war Anton Bruckners Heimat. 

In Ansfelden wurde er 1824 geboren, im Stift 

des Nachbarortes St. Florian musikalisch sozialisiert, 

gefördert und ausgebildet. In Linz 

entwickelte er sich zum umjubelten Orgelimprovisator 

und zu einem Komponisten mit 

unverwechselbarer Tonsprache. Hier erklingt 

seine Musik heute im renommierten Konzerthaus, 

das seinen Namen trägt, hier spielt sie das 

nach ihm benannte Orchester und hier lehrt 

und erforscht sie eine Universität, deren Namensgeber 

er ist. 

Sein runder Geburtstag ist willkommener Anlass, 

gemeinsam oberösterreichische Kultur in 

Luzern (CH) 

Forward Festival 

November 2024 

Alljährlich im November bietet Lucerne Festival 

Forward der Gegenwartsmusik eine Bühne 

und gibt den Musiker:innen der jungen Generation 

eine Stimme. Ausgangspunkt ist die Idee, 

das über die Jahre gewachsene internationale 

Netzwerk der Lucerne Festival Academy, das 

heute mehr als 1.200 Künstler:innen umfasst, 

als kollektives Mastermind zu nutzen. Und das 

in mehrfacher Hinsicht: Die Konzerte werden 

nicht nur vom Lucerne Festival Contemporary 

Orchestra (LFCO) gestaltet, unserem Exzellenzorchester 

für die Aufführung neuer und neuester 

Musik. Ausgewählte Contemporary Leaders 

aus dem Academy-Netzwerk entwickeln 

überdies als Kurator:innen das Programm. 

Dabei gehen sie neue Wege, um den Graben 

zwischen der sogenannten „Neuen Musik“

ZBIGGY | arttourist.com Jazz | Neue Musik | Elektro | 2024 Neue Musik | München | 33 

München 

When 

The Sun 

Stands 

Still 

Von Sonnwende 

zu Sonnwende // 

Solstice to Solstice 

bis 20. Juni 2024 

Piano Vertical 24.01.20 | © Ralf Dombrowski 

Der Künstler Alain Roche spielt 

ein halbes Jahr lang, von Sonnenwende 

zu Sonnenwende, jeden 

Morgen vom Kran hängend in die 

blaue Stunde hinein eine Komposition. 

Per Live-Stream werden die 

Klänge Bayerns zugespielt – über 

hochsensible Mikrofone, die in 

der Fränkischen Schweiz, im Bayerischen 

Wald, auf der Zugspitze, 

bei Schloss Elmau, im Moor von 

Heilbrunn, auf der Stadtalm auf 

dem Dach des daneben gelegenen 

WERK3 und außerdem auf dem 

Aletsch Gletscher platziert sind – 

in der Erde, unter Baumrinden, im 

Wasser, im Eis, auf Bäumen ... Das 

Erwachen der Natur – in den Tag 

und in den Frühling hinein – wird 

Teil der Komposition. Es geht um 

das Zyklische in der Natur, um die 

Vielfalt und den Reichtum unserer 

Landschaften, um den Schutz unserer 

Biotope. Und um die einzigartige 

Verbindung von ländlichem 

und urbanem Raum. 

Das Publikum sitzt – wie schon 2020 bei der 

spektakulären Inszenierung der Baustelle „Piano 

Vertical“ – auf Liegestühlen am Boden, auf 

dem Grundstück des im Werksviertel geplanten 

Konzerthauses, den Blick Richtung Osten 

gerichtet, wo Alain Roche in der Vertikalen 

hängend spielt. Die Silhouette des Konzertflügels 

hebt sich gegen den nächtlichen Himmel 

ab, der sich während des Konzerts allmählich 

ins Blaue wendet, die berühmte „Blaue Stunde“, 

die nur wirkliche Frühaufsteher kennen. 

Die Zuhörenden tragen Kopfhörer, über die 

sie sowohl Roches Klavierspiel als auch die 

zugespielten Naturklänge hören. Welche der 

32 Klänge das sind, entscheiden die Sounddesigner 

Stéphanie Boll und Pablo Diserens, 

die vom Boden aus mittels eines speziell für 

das Projekt entwickelten Sound-Interface die 

Klänge live in die Musik hineinschicken – für 

den Pianisten Alain Roche genauso wenig vorhersehbar 

wie für das Publikum. Er reagiert in 

Echtzeit darauf und entwickelt so seine Komposition 

täglich weiter. Nicht nur die Natur, 

auch das Klavierkonzert verändert sich so im 

Einklang mit und im Rhythmus der Jahreszeiten, 

von Wintersonnenwende zu Sommersonnenwende. 

When The Sun Stands Still zeigt, 

wie der Klang Bayerns auf besondere Weise 

eingefangen und an einem Ort zusammengeführt 

wird. Und wie Kunst dazu beitragen 

kann, ein Bewusstsein für die Schönheit unserer 

Naturräume zu schaffen. 

© Schindel PR 

Zeit und Dauer der täglichen Konzerte hängen 

von der elliptischen Umlaufbahn der Erde ab. 

Start, Länge und Ende der Vorstellungen sind 

jeden Tag unterschiedlich. Die Blaue Stunde 

am Morgen, die sich Alain Roche für seine 

Konzerte ausgesucht hat, beginnt dann, wenn 

sich die Sonne 10° unter dem Horizont befindet. 

Ein tiefblauer, elektrisierender Schatten 

erscheint am Himmel. Das ist indirektes Sonnenlicht. 

Diese Erscheinung endet, wenn sich 

die Sonne 2.5° unter dem Horizont befindet 

und der Goldenen Stunde, die den Sonnenaufgang 

markiert, Platz macht. Die Zeit der 

Blauen Stunde variiert von Örtlichkeit zu Örtlichkeit 

und hängt von der Umlaufbahn der 

Erde um die Sonne ab. Die Anfangszeiten wurden 

daher präzise für den Standort im Werksviertel-Mitte 

berechnet. 

Das erste Konzert des halbjährigen Projekts, 

exakt zur Wintersonnenwende am 22. Dezember 

2023, beginnt um 6.58 Uhr und dauert 

bis 7.45 Uhr. Das abschließende Konzert des 

halbjährigen Projekts, exakt zur Sommersonnenwende 

am 20. Juni 2024, beginnt um 3.54 

Uhr, dauert 1 Stunde und zwei Minuten bis 

4.56 Uhr. Die Konzerte finden bei jedem Wetter 

und jeder Temperatur statt. Lediglich Sturm 

ist ein Grund für die kurzfristige Absage. Das 

Publikum sitzt im Freien. Frühmorgens könnten 

die Temperaturen im Winter frostig sein. 

Dagegen helfen wärmende Decken und heiße 

Getränke, die das Team von Werksviertel-Mitte 

Kunst bereithält. Für wetterfeste und warme 

Kleidung muss das Publikum selbst sorgen. 

Werksviertel 

www.werksviertel-kunst.de 

www.sunstill.de 

Alain Roche | © Guillaume Perret



Leuchten über der Stadt, Koerber Zupkova Pelevica 

© hwinkler 

Juwel des Piemont 

Grappa Baldi 

✓ authentisch 

✓ klar zuzuordnen 

✓ ausdrucksstark 

✓ gehaltvoll 

✓ genussreich 

baldigrappa.de 

Furrer Beat | © Manu Theobald 

und dem Publikum zu schließen: Sie suchen 

den Kontakt mit den Hörer:innen, erproben 

ungewohnte Konzertformate, rücken weniger 

bekannte Stimmen und ästhetische Positionen 

des zeitgenössischen Musikschaffens in den Fokus 

und mischen bewusst Nationalitäten, Generationen 

und Geschlechter. 

www.lucernefestival.ch/de/forward 

Niedersachsen 

Klangbrücken 2024 

Sichtbare Musik 

10 Jahre Klangbrücken – 

Neue Musik für und aus Hannover 

26.4.–5.5.2024 

Sichtbare Musik – dieses Thema beleuchtet einen 

wesentlichen, die Grenzen zwischen den 

Kunstsparten auflösenden Aspekt der zeitgenössischen 

Musik. In 10 Konzerten und mehreren 

„Interventionen“ an wechselnden Orten 

entfaltet sich das breite Spektrum von Musik, 

bei der visuelle und performative Aspekte eine 

wesentliche Rolle spielen, also beispielsweise 

Musik(machen) als Klangaktion oder theatrale 

Aktion, imaginäres Klangtheater, Musik und 

Körper, Musik im Grenzbereich zu den visuellen 

Künsten usw. Entsprechend vielfältig sind 

die Formate der einzelnen Konzerte zwischen 

Film, Tanz und multimedialer Performance. 

Brücken zu bauen zur Musik unserer Zeit, zu 

ihren ungewohnten Klängen, zu ihrem neuartigen 

Formdenken und ihren teilweise ungewöhnlichen 

Präsentationsformen – dies ist 

das Ziel des Festivals „Klangbrücken“, das seit 

2014 alljährlich im Frühjahr in Kooperation 

mit dem Netzwerk Musik 21 Niedersachsen, 

der Hochschule für Musik, Theater und Medien 

Hannover, dem NDR, dem Kulturbüro der Landeshauptstadt 

Hannover und weiteren Musikinstitutionen 

und freien Ensembles stattfindet 

und in dessen Fokus stets ein:e Komponist:in 

oder eine Stilrichtung der Moderne steht, die 

eine wichtige Position innerhalb der zeitgenössischen 

Musik repräsentieren. 

Entstanden ist das Festival aus der Idee, die Aktivitäten 

der zahlreichen Hannoverschen Institutionen 

und Ensembles, die sich für die zeitgenössische 

Musik engagieren, thematisch und 

zeitlich zu koordinieren, um so über mehrere 

Tage ein Programm zu bieten, das mit unterschiedlichsten 

Formaten und Besetzungen die 

Facetten im Werk der jeweiligen Komponist:innen 

möglichst umfassend darstellt. 

www.musik21niedersachsen.de/ueber-uns/klangbruecken 

Nordschwarzwald 

ORNAMENTA 2024 

Deutschlands Region Nordschwarzwald 

erfindet sich neu! 

5.7.–29.9.2024 

Ornamenta ist ein regionales Kulturprogramm 

im Nordschwarzwald in Deutschland, das von 

Juli bis September 2024 stattfindet. 1989 erstmals 

durchgeführt, wird ORNAMENTA 2024 

als Plattform für die zeitgenössische kulturelle 

Entwicklung wieder ins Leben gerufen, mit 

thematischen Ausstellungen, Dauerinstallationen, 

Performances, Galas, Symposien und Gemeinschaftsevents. 

Einwohner:innen der Region, neugierige 

Nachbar:innen und abenteuerlustige (inter) 

nationale Besucher:innen sind eingeladen, die 

ländliche Region des Nordschwarzwald neu zu 

entdecken und durch eine Route mit Ausstellungen 

gemeinsam umzugestalten. Der Nordschwarzwald 

umfasst unter anderem die Städte 

Alpirsbach, Calw, Pforzheim, Nagold, Maulbronn 

und Mühlacker und ist aufgrund seiner 

Wälder ein beliebtes Ziel für Wander- und Naturtourismus. 

Das Land der Naturschönheiten 

ist darüber hinaus bekannt für seine hochentwickelte 

Metallindustrie, charmante Kurorte 

sowie eine vielseitige Kulturlandschaft mit diversen 

Gemeinschaften. 

Ornamenta lässt die Grenzen der Region buchstäblich 

verschwimmen. Drei Monate lang 

werden die kommunalen Bezirke der Region 

durch fünf thematische Nachbarschaften erweitert. 

Diese neuen Gemeinden – Schmutzige 

Ecke, Zum Eros, lnhalatorium, Bad Databrunn 

und Solartal – greifen Themen auf, welche die 

Münchener Biennale, THE DAMNED AND THE SAVED | © Smailovic 

München 

19. Münchener Biennale 

31.5.–10.6.2024 

Die vom Kulturreferat der Landeshauptstadt 

München veranstaltete 

Münchener Biennale ist eines der 

weltweit führenden Uraufführungsfestivals 

für gegenwärtiges Musiktheater. 

Der Komponist Hans Werner 

Henze, der die Biennale 1988 gründete, 

verstand das Festival vor allem 

als Nachwuchsplattform für junge 

Komponierende. Sein Anliegen war 

es, dem Musiktheater ein neues Repertoire 

zu erschließen und damit 

eine Zukunft zu sichern. Uraufgeführt 

wurden Werke von u.a. Adriana 

Hölszky, Mark-Anthony Turnage, Jörg 

Widmann, Violeta Dinescu, Marco 

Stroppa sowie Tania León. 

Im Jahr 1996 übernahm der Komponist, 

Dirigent und ehemalige Intendant 

der Hamburgischen Staatsoper, 

Peter Ruzicka, die künstlerische 

Leitung der Biennale. Ruzicka, der 

jeder Festivalausgabe einen Leitgedanken 

voranstellte, vergab Kompositions- 

und Librettoaufträge an Moritz 

Eggert, Helmut Krausser, Toshio 

Hosokawa, Mauricio Sotelo, Chaya 

Chernowin, Durs Grünbein, Sarah 

Nemtsov, Enno Poppe, Mark Andre, 

Marcel Beyer, Klaus Lang (u.a.) und 

rückte auch multimediale Musiktheaterformen 

wie die Internetoper 

„Orpheus Kristall“ von Manfred 

Stahnke ins Blickfeld. Darüber hinaus 

erweiterte Ruzicka das Begleitprogramm 

des Festivals um zahlreiche 

Gesprächs- und Vermittlungsformate. 

Mit Daniel Ott und Manos Tsangaris 

übernahm 2016 erstmals ein künstlerisches 

Leitungsteam die Intendanz 

der Biennale. Ihr programmatisches 

Konzept untersucht Formen zeitgenössischen 

Komponierens und 

Inszenierens zu Beginn des 21. Jahrhunderts 

und fragt nach möglichen 

gesellschaftlichen Funktionen und 

Bedeutungen des Musiktheaters. So 

entwirft das neue Leitungsteam für 

die einzelnen Festivalausgaben explizit 

thematische Suchfelder wie 

„Privatsache“ oder „Point of NEW 

Return“ und lädt die mitwirkenden 

Künstler:innen dazu ein, ihre Konzeptionen 

entlang der inhaltlichen Fragestellungen 

zu entwickeln. Im Rahmen 

der vergangenen vier Biennalen (von 

denen sich die 2020er-Ausgabe wegen 

der Corona-Pandemie über mehr 

als ein Jahr erstreckte) entstanden 

Inszenierungen, Performances und 

Installationen auf Bühnen, in Ausstellungsräumen, 

Gewächshäusern, 

Volksbädern, im Öffentlichen Raum 

der Stadt, am Starnberger See sowie 

in Münchner Privatwohnungen. Die 

an diesen Orten uraufgeführten Musiktheaterwerke 

entstanden häufig in 

Koproduktion mit anderen Opernhäusern, 

Theatern und Festivals des 

deutschsprachigen und europäischen 

Raums. 

Interview mit der 

Künstlerischen Leitung 

Daniel Ott und 

Manos Tsangaris 

Warum ist die Münchener Biennale 

– auch 36 Jahre nach ihrer Gründung 

– besonders? 

Die Münchener Biennale ist das weltweit 

wohl einzige Musiktheater-Festival, das 

ausschließlich Uraufführungen zeigt. Sie 

zeichnet sich dadurch aus, dass (schon 

qua definitionem) ihr Thema immer 

auch die Aktualität und die Erneuerung 

des Kunstschaffens ist. Das neue Musiktheater 

umfasst heutzutage ein aufregendes 

und weitgespanntes Feld von Arbeiten, 

das von der klassischen „alten“ Oper 

über Medienkomposition, komponierte 

Performance, partizipative Modelle bis 

hin zu Formaten reicht, die gerade erst 

erfunden werden. 

So hat sich das Festival in den letzten 

Ausgaben auch wieder darauf besonnen, 

vor allem junge Kunstschaffende aller beteiligten 

Disziplinen zu verknüpfen und 

das Unvorhergesehene anzuregen. 

Unser aller Leben haben sich in jüngster 

Zeit rasant und zum Teil dramatisch verändert. 

Das, was so allgemein neues Musiktheater 

genannt wird, ist eine Form, 

sich auf künstlerische und reflektierte 

Weise mit den gegenwärtigen Fragen und 

der Vielstimmigkeit unserer Lebenswelten 

auseinanderzusetzen. 

„On the way“: Wohin geht die Reise? 

Bestimmt nicht nur in eine Richtung, das 

ist das Spannende daran. „On the way“ 

macht den Weg und die Bewegung selbst 

zum Thema. Elf Produktionen werden 

im Zeitraum 31.5.–10.6.2024 Wege aus 

unterschiedlichen Perspektiven beleuchten: 

Wege, die Menschen gehen, Wege, 

die die Welt geht: in die Hitze, ins Globale, 

ins Digitale, zu Fuß oder im Kopf. 

Mal geht es um gesellschaftliche Veränderungen, 

Migration, Transformation 

und die konkreten individuellen wie kollektiven 

Auswirkungen. Mal entsteht reine 

Fiktion, eine Reise in defekten Raumschiffen. 

Oder es wird die Frage nach 

Daniel Ott und Manos Tsangaris 

© Manu Theobald 

dem Personentransport der Zukunft gestellt. 

Wohin die Reise geht? Ins Offene. 

Fragend, suchend, tastend... 

Welches sind die Programmlinien 

2024? 

Wir halten eine große Vielfalt in der 

Programmgestaltung für notwendig, und 

doch lassen sich bestimmte Linien immer 

wieder erkennen. 

2024 zeichnet sich noch einmal mehr 

durch einen hohen Anteil neuer Formen 

und Formate aus. Es gibt in jeder Ausgabe 

ein breit angelegtes Partizipations- 

Projekt, aber auch die Kammeroper und 

ihre Verwandten werden weiterverfolgt 

und gefördert. 

Für diese Ausgabe wurden alle künstlerischen 

Teams gefragt, sich mit Themen 

und Prozessen von Bewegung, Veränderung 

und Transformation auseinanderzusetzen. 

www.muenchener-biennale.de


Schwetzingen 

Schwetzinger SWR Festspiele 

„Da capo“ 

26.4.–25.5.2024 

ornamenta 2024 one day group show in June 2023 

on the topic of post burnout at forum Koenig Karlsbad 

in Bad Wildbad 

Menschen der Region und in Europa gleichermaßen 

und doch in unterschiedlicher Form 

betreffen. Diese gesellschaftlichen Herausforderungen 

werden als Gemeinsamkeiten artikuliert, 

die im Nordschwarzwald erforscht werden. 

Von Sonnenschein und sauberer Luft bis 

hin zu sozialen Tabus und Technologie stellt 

jede Gemeinde einen Ort der Interaktion: lokale 

Gemeinschaften und Vereine präsentieren 

unerwartete Partnerschaften mit internationalen 

Kreativen, traditionelle Institutionen 

treffen progressive Künstler:innen, regionale 

Industrien werden durch innovative Ideen von 

Designer:innen bereichert. 

Ornamenta verschreibt sich einer nachhaltigen 

Entwicklung der Region und unterstützt dabei 

insbesondere aufstrebende Talente. Sie schafft 

Chancen für neue Generationen von Kreativen 

Unternehmer:innen, Künstler:innen und 

sozialen Organisationen, indem sie sowohl 

temporäre als auch langfristige Projekte realisiert. 

Durch Kooperationen mit der regionalen 

Industrie und der Ausrichtung von Ausstellungen 

in außergewöhnlichen, nicht institutionellen 

Kontexten wird der Nordschwarzwald zu 

einem Treffpunkt für Kulturinteressierte und 

stärkt Beziehungen zwischen einem lokalen, 

nationalen und einem internationalen Publikum. 

www.ornamenta2024.eu/de 

KORK Singing Plastic Store Studio 3 | 

© Signe Fuglesteg Luksengard 

Oslo (N) 

Ultima 2024 

12.–21.9.2024 

Das Ultima Oslo Contemporary Music Festival 

öffnet seit 1991 mit zeitgenössischer Musik 

und klangbasierter Kunst Ohren und Geist. 

Jedes Jahr im September präsentiert das Festival 

an verschiedenen Orten in Norwegens 

Hauptstadt Oslo ein zehntägiges Programm 

mit Orchester-, Kammer-, Instrumental- und 

elektronischen Musikkonzerten, Musiktheater, 

Oper, Klanginstallationen, Tanz, Multimedia, 

Performancekunst und mehr. Unter dem 

Motto „Ein Ohr für die Gegenwart“ vermittelt 

Ultima den Besuchern einen starken Eindruck 

von der Bandbreite der heutigen Musik und 

ihrer Wechselwirkung mit der ganzen Welt. Zu 

jedem Festival gehören spezielle Aktivitäten 

zur zeitgenössischen Musik für Kinder und Jugendliche. 

Außerdem gibt es Ultima Context, 

eine Reihe von Vorträgen, Podiumsdiskussionen, 

Seminaren und Workshops. Durch diese 

Programme können sich junge Menschen und 

neugierige Zuhörer der heutigen Musik annähern. 

www.ultima.no 

Die Festspielausgabe 2024 mit insgesamt 47 Veranstaltungen ist die 

letzte Saison unter der Künstlerischen Leitung von Heike Hoffmann. 

Unter dem Motto „Da capo“ stellt sie diejenigen in den Fokus, die in 

den vergangenen Jahren mit ihrer Musik und leidenschaftlicher Hingabe 

begeistert haben – die Künstlerinnen und Künstler. Da capo also, 

unter anderem, für Tabea Zimmermann, Avi Avital und Fabian Müller, 

die sich in diesem Jahr als Residenzkünstler mit jeweils drei Konzerten 

in ganz unterschiedlichen Konstellationen präsentieren. 

Erstmals und gleich zweimal in Schwetzingen zu erleben sind Les Siècles 

unter der Leitung von François-Xavier Roth mit den Solisten Isabelle 

Faust, Alexander Melnikov und Jean-Frédéric Neuburger. Ebenfalls 

erstmals dabei ist das Ensemble Les Forces Majeures, das zu einer musikalischen 

Radtour an den Rhein einlädt, mit verschiedenen Stationen 

in der Region und einem zusätzlichen Konzert am Abend im Schwetzinger 

Schloss. Karten dafür gibt es nach dem Prinzip „Pay what you 

want“. 

Die Schwetzinger SWR Festspiele 2024 eröffnen am 26. April mit der 

Uraufführung der Oper Der Doppelgänger von Lucia Ronchetti (Musik) 

und Katja Petrowskaja (Libretto) nach dem gleichnamigen Roman 

von Dostojewski. Das SWR Symphonieorchester spielt unter der Leitung 

von Tito Ceccherini. Regie führt David Hermann. Das Auftragswerk 

der Schwetzinger SWR Festspiele entsteht in einer Koproduktion 

mit dem Theater Luzern. 

Weitere szenische Produktionen: La Stagione Frankfurt kombiniert 

Georg Anton Bendas Melodram Pygmalion mit der dramatischen Kantate 

Ino von Georg Philipp Telemann. Das Ensemble Ascolta bringt 

© Limina Contemporary Music Festival Salzburg 

Salzburg (A) 

Limina Contemporary Music Festival 

Salzburg 

28.–30.11.2024 

Das Ziel des seit 2014 am Mozarteum Salzburg 

veranstalteten Festivals ist die Förderung der 

internationalen Zusammenarbeit zwischen 

Kompositionsstudierenden und jungen Ensembles 

für zeitgenössische Musik aus verschiedenen 

europäischen Ländern. Dazu bewerben 

sich die Komponist:innen in einem Open Call 

für einen Auftrag von einem der eingeladenen 

Ensembles, ein neues Stück für ihre Besetzung 

zu schreiben. Die Ensembles wählen aus den 

für sie eingegangenen Bewerbungen bis zu vier 

Komponist:innen selbst aus und ergänzen das 

Konzertprogramm mit einigen Werken ihres 

Repertoires. Jeden Herbst werden dann an drei 

Tagen in den zwei Spielstätten am Mirabellplatz 

diese Konzerte präsentiert und die neu entstandenen 

Werke erarbeitet und uraufgeführt. Die 

Veranstaltungen des Festivals bieten somit einen 

Einblick in die jüngsten ästhetischen Entwicklungen 

im Bereich zeitgenössischer Musik 

und ihrem Zusammenwirken mit Elektronik, 

Video und Performance. 

Das Limina Contemporary Music Festival Salzburg 

findet in diesem Jahr vom 28. bis 30. November 

statt. Im Rahmen des 10-jährigen Jubiläums 

werden auch dieses Mal wieder über 

20 neue Werke von Kompositionsstudierenden 

europäischer Musikhochschulen von 5 internationalen 

jungen Ensembles uraufgeführt, 

begleitet von Vorträgen namhafter Komponist:innen. 

www.limina.moz.ac.at 

Salzkammergut (A) 

Alles schon weg komponiert 

MAHLER UND GULDA IN STEINBACH 

im Rahmen DES Salzkammergut 


Mai/Juni 2024 

Gustav Mahlers zweite Symphonie „Resurrection“ 

sollte jedes bekannte Format sprengen 

und sich mit den großen Sinnfragen auseinandersetzen. 

Bekannt auch als „Auferstehungssymphonie“ 

lässt sie in ihrer überwältigenden 

Klanglichkeit das existenzielle Ringen des 

Komponisten nachvollziehen. Im ersten Teil 

des Konzerts am 1. Juni spielt das junge Ausnahmetalent 

Emilian Schmid Friedrich Guldas 

Cellokonzert. Der Klaviervirtuose und Komponist 

Gulda, der viele Sommer am Attersee verbrachte, 

wird am 15. Mai mit der Eröffnung 

des neuen Salon Gulda im Hotel Föttinger gewürdigt 

– ein lebendiger Musikraum für junge 

Pianist:innen. Am 29. Mai führt eine Gustav 

Mahler Reise auf dem „Schwimmenden Künstler-Salon“ 

mit Expert:innen in die zweite Symphonie 

ein, die als Orchesterkonzert mit Chor 

in der Steinbach-Halle aufgeführt wird. 

www.salzkammergut-2024.at 

OMC at Confidencen Summer festival 

© Christoffer Hästbacka (1) 

Cuarteto Quiroga © CR IGOR STUDIO 

Stockholm (S) 

Festival O/Modernt 

June 14-16, 2024 

Queen Silvia Concert Hall, 

Stockholm 

Unter der Leitung des Geigers Hugo Ticciati 

widmet sich das Festival O/Modernt in diesem 

Jahr dem Thema „Schubert und der Klang der 

Erinnerung“. Dabei werden die Verbindungen 

zwischen der Musik und dem Gedächtnis 

untersucht und ein Komponist gefeiert, dessen 

Musik sowohl zutiefst avantgardistisch als 

das Musiktheater Inszenierte Nacht des dänischen Komponisten Simon 

Steen-Andersen auf die Bühne des Rokokotheaters. Die Festspiele 

schließen mit der Premiere einer neuen Produktion von NICO AND 

THE NAVIGATORS: The whole Truth about Lies – Musiktheater über 

Wahrsager und Trugschlüsse, die einmal mehr brandaktuelle Themen 

aufgreift. 

Auch einen neuen Spielort haben die Festspiele dieses Jahr im Gepäck: 

den Dom zu Worms. Hier wird Claudio Monteverdis Marienvesper 

mit dem renommierten italienischen Ensemble La Fonte Musica unter 

der Leitung von Michele Pasotti aufgeführt. Darüber hinaus gibt es 

bewährte Konzertformate wie die „Streichquartett Matineen“ und die 

„Grenzgänge“. Sämtliche Konzerte werden in SWR2 ausgestrahlt oder 

live übertragen. 

www.schwetzinger-swr-festspiele.de 

auch von der Erinnerung an die Vergangenheit 

geprägt ist. Das Programm selbst ist so einfallsreich 

wie immer und kombiniert Schubert- 

Klassiker wie das Forellenquintett mit modernen 

Werken wie Tabakovas Fantasie-Hommage 

an Schubert und populärer Musik von Beatles, 

Sting und Pink Floyd. Zu den Solisten, die Ticciati 

und sein O/Modernt Chamber Orchestra 

begleiten, gehören die Pianisten Christian Ihle 

Hadland und Polina Leschenko, der Sarodspieler 

Soumik Datta und die Mezzosopranistin 

Fleur Barron. 

www.omodernt.com/festival 

www.omodernt.com/omodernt 

Armand Singh conducts TMC Fellows in Caprington 

Doubles by Sally Beamish (Hilary Scott) 

Tanglewood (USA) 

Festival of Contemporary Music 

Festival für zeitgenössische Musik 

25.–29.7.2024 

Das Festival of Contemporary Music (FCM) ist 

eine der weltweit wichtigsten Präsentationen 

von Werken der aktuellen Musiklandschaft 

und wegweisenden Stücken der Avantgarde der 

Neuen Musik des 20. Jahrhunderts. Das FCM 

bietet den Stipendiaten des Tanglewood Music 

Center die Möglichkeit, unbekanntes Repertoire 

zu erkunden und den Wert einer direkten 

Zusammenarbeit mit lebenden Komponisten 

zu erfahren. Das Festival of Contemporary Music 

(FCM) in Tanglewood, das in diesem Sommer 

vom 25. bis 29. Juli sein 60-jähriges Bestehen 

feiert, wird von der 2022 vom Kennedy 

Center ausgezeichneten Tania León und dem 

für den GRAMMY nominierten Komponisten 

Steven Mackey kuratiert. 

Neben Werken von León und Mackey und 

prominenten Komponisten wie Ellen Taaffe 

Zwilich und Valerie Coleman werden auf 

dem Festival auch einige aufstrebende Stars 

der Kompositionswelt zu hören sein: Leila 

Adu-Gilmore, Marcos Balter, Lembit Beecher, 

Tyondai Braxton, Arthur Kampela, Dai Wei, 

Du Yun, Salina Fisher, Vijay Iyer, Nathalie 

Joachim, Miya Masaoka, Angélica Negrón,



Niloufar Nourbakhsh, Nick DiBerardino, Ileana 

Perez Velazquez, T.J. Anderson und Trevor 

Weston. Die Programme des Festivals für zeitgenössische 

Musik werden von den Fellows des 

Tanglewood Music Center und Gastkünstlern, 

darunter die Pianistin Orli Shaham, bestritten. 

www.bso.org/events/tanglewood-events/festival-ofcontemporary-music 

UMO Helsinki Jazz Orchestra © Heikki Kynsijärvi 

Travemünde 

CLASSICAL BEAT Festival 2024 

Von Travemünde nach New York 

18.–27.7.2024 

Erleben Sie die Vielfalt und Magie der amerikanischen 

Musikgeschichte bei unvergesslichen 

Konzertabenden in Travemünde, von 

dessen Stränden manch sehnsüchtiger Blick 

bis heute in die weite Welt schweift. Das 

CLASSICAL BEAT Festival präsentiert herausragende 

Künstler aus aller Welt, die Ihnen auf 

Ihrer musikalischen Reise nach New York ein 

fesselndes Programm bieten. Tauchen Sie ein 

in die Klangwelt von Jimi Hendrix mit dem 

legendären „Purple Haze“ und erleben Sie 

die zeitlose Eleganz von Duke Ellingtons „In 

a Sentimental Mood“. Die magische Atmosphäre 

von George Gershwins „Summertime“ 

entführt Sie in unvergessliche Momente, während 

Cole Porters „Night and Day“ den Abend 

mit zeitloser Eleganz durchzieht. 

Musik erzählt Geschichten. Mehr als 52 Millionen 

Europäer verließen im 19. und 20. 

Jahrhundert den Kontinent, einen Großteil 

von ihnen zog es in die USA. Vor allem 

Deutsche migrierten in das Land der unbegrenzten 

Möglichkeiten. Hamburg, Bremen 

und Bremerhaven entwickeln sich zu großen 

Auswandererhäfen. Von dort aus brachen sie 

in die Neue Welt auf, um sich eine neue Existenz 

aufzubauen, und brachten neben ihrer 

Arbeitskraft und ihren Träumen auch ihre 

Sprache, ihre Kultur, ihre Lebensvorstellungen 

mit. Und ihre Musik, die bis heute in Amerika 

in den aus Europa stammenden Familien in 

vielen Vereinen und bei „Volksfesten“ weiterlebt. 

Im ethnischen und kulturellen Schmelztiegel 

Amerika sind die verschiedenen Musik- 

Stile vom Ragtime über die Country-Musik 

bis zum Hip-Hop allerdings besonders eng 

verbunden mit einer grundlegenden Suche 

der Amerikaner:innen nach einer eigenen 

US-amerikanischen Musik. Diesen Geschichten 

geht das Festival nach und erzählt sie mit 

den jungen europäischen Musiker:innen der 

CLASSICAL BEAT Ensembles neu. Mit Etienne 

Schnyder, Etienne Abelin und Gregor Huebner 

stehen drei Musiker auf dem Programm, 

die Teil dieses Musiktransfers sind. Alle drei 

leben in Amerika und arbeiten auf beiden 

Kontinenten, was die Denk- und Musikfarbe 

ihrer Arbeit so spannend und abwechslungsreich 

macht. Mit Ed Partyka, dem in Chicago 

geborenen Dirigenten und Leiter des UMO 

Helsinki Jazz Orchestra, kommt ein weiterer 

Musiker zwischen den Welten mit seinem 

Orchester nach Travemünde, der heute mehrheitlich 

in Europa lebt und arbeitet und mit 

verschiedensten Jazz Orchestern, wie dem 

Bundesjugendjazzorchester oder dem Zurich 

Jazz Orchestra, gearbeitet hat. 

Die Besucher:innen des CLASSICAL BEAT Festivals 

erwartet eine musikalische Reise durch 

die Höhepunkte der amerikanischen Musikgeschichte, 

die die Sinne verzaubern wird. 

www.classicalbeat.de 

Ensemble Via Nova © Guido Werner 

Weimar 

Weimarer Frühjahrstage 

23.–26.5.2024 

Die Weimarer Frühjahrstage bieten ein Podium 

für Ur- und Wiederaufführungen zeitgenössischer 

Musik mit herausragenden Ensembles. 

Das Programm reicht von instrumental geprägten 

Konzerten, Elektroakustik, Symphonik 

bis hin zur Performance. Damit eröffnen die 

Frühjahrstage nicht nur neue Zugänge zur zeitgenössischen 

Musik, sondern schlagen auch 

Brücken zu anderen Genres aktueller Musik. 

Vermittlungsprojekte, Vorträge und Workshops 

bereichern das Programm um theoretische, 

wissenschaftliche und berufsspezifische Hintergründe. 

Auf dem Programm stehen Konzerte 

mit dem ensemble via nova, dem Ensemble 

MIET+, dem Bassklarinettentrio infinitum zusammen 

mit Helmut Oehring, RESPONSE-Konzerte 

mit Kompositionen Thüringer Schülerinnen 

und Schüler sowie die Preisträgerkonzerte 

der Internationalen Kompositionswettbewerbe 

für Akusmatik und Orchester mit den Thüringer 

Symphonikern Saalfeld-Rudolstadt unter 

der Leitung von Markus L. Frank. Das Festival 

feiert sein 25-jähriges Bestehen! 

www.via-nova-ev.de 

Hilda Paredes | © Graciela Iturbide 

Weingarten 

w e i t ! neue musik weingarten – 

Hilda Paredes 

22.–24.11.2024 

w e i t ! neue musik weingarten ist ein dreitägiges 

Festival, das jährlich stattfindet und in 5 

Konzerten, einer Lecture, einem Vortrag und 

einem Komponistengespräch die Musik einer 

Komponistin/eines Komponisten präsentiert. 

Ein pädagogisches Vermittlungsprojekt begleitet 

das Festival. Mit seinem Konzept der Einbindung 

anderer Künste und der Kontextualisierung 

der Musik kann es deutschlandweit 

eine Sonderstellung im Festivalgeschehen beanspruchen. 

Bisher waren die Komponist:innen Toshio Hosokawa, 

Sarah Nemtsov, Rolf Riehm in Weingarten 

zu Gast. 2024 wird die Musik der mexikanischen 

Komponistin Hilda Paredes im 

Mittelpunkt des Festivals stehen. 

Hilda Paredes gilt als eine der führenden mexikanischen 

Komponist:innen ihrer Generation. 

Sie lebt seit fast 40 Jahren in London. Mit 

ihrer Musik erforscht Hilda Paredes ihre Identität 

und ihre vielfältigen Verbindungen zur 

Welt. In ihren Werken wendet sie sich der zeitgenössischen 

indigenen mexikanischen Poesie 

zu, den Emanzipationskämpfen und dem Leid 

mexikanischer Migrantinnen in den Vereinigten 

Staaten, Geschlechterfragen und Themen 

sozialer Gerechtigkeit, der Last des Rassismus, 

der Erfahrung von Gewalt, der Zerstörung der 

Sprache und der Umwelt. Ihr Universum der 

Klänge schafft eine Kontinuität zwischen Vergangenheit 

und Gegenwart und überwindet 

zugleich Räume und Zeiten. 

www.weit-weingarten.de 

Wien (A) 

Wiener Festwochen 

17.5.–23.6.2024 

Arnold Schönberg in einem Photomaton, Berlin 1930 

Wien (A) 

Wien Modern 37 

30.10.–30.11.2024 

Der Mythos, Neue Musik sei schwierig, schwer 

vermittelbar, elitär, unzugänglich und nur für 

eine eher überschaubare Gruppe spezieller 

Nerds interessant, lässt sich mehr oder weniger 

präzise zurückverfolgen bis zu Momenten wie 

dem berühmten „Skandalkonzert“ im Wiener 

Musikverein 1913 oder dem „Verein für musikalische 

Privataufführungen“, mit dem 1918 

in Wien Aufführungen Neuer Musik „dem korrumpierenden 

Einfluss der Öffentlichkeit entzogen“ 

werden sollten. Mit anderen Worten: 

Dieser Mythos hat einiges mit Arnold Schönberg 

zu tun, und der Mythos ist bereits sehr, 

sehr alt. Das Festival Wien Modern mit seinen 

Zehntausenden Besucher:innen pro Jahr ist der 

perfekte Rahmen, um sich zu diesem uralten 

Klischee ein aktuelles Update zu holen. Deswegen 

stellt das Festival 150 Jahre nach Schönbergs 

Geburt das von Mythen, Klischees und 

Gerüchten umrankte Verhältnis zwischen Neuer 

Musik und Publikum in den Mittelpunkt. 

Vom 30. Oktober bis zum 30. November 2024 

laden an den unterschiedlichsten Orten in 

ganz Wien vielfältige Klein- und Großformate 

zum persönlichen Erleben und Ausprobieren 

ein. 

www.wienmodern.at 

Club der Republik © Rafaela Proell 

2024 erfinden sich die Wiener Festwochen neu: Ab 17. Mai treffen u.a. Elfriede Jelinek, Kornél 

Mundruczó, Peter Brook, Florentina Holzinger, Carolina Bianchi und nora chipaumire in 

Wien auf Kirill Serebrennikov, Tim Etchells und Oksana Lyniv. Konzerne, Medienhäuser, Politiker:innen 

und Gutmeinende werden vor ein Tribunal der Kunst gebracht, Arnold Schönberg 

und Karl Kraus gefeiert, das Verhältnis zwischen Mensch und Maschine ausgelotet, ein Volksstück 

durch Wien geschickt und Dieselmotoren rituell in die Luft gesprengt. Das Festival unter 

der Intendanz von Milo Rau erklärt sich zur Freien Republik Wien – eine Kunstrepublik von 

allen für alle! Neben den künstlerischen Produktionen gibt es viel Raum für Partizipation. 

45.000 Tickets werden aufgelegt, der Verkauf startet am 1. März. 

Die Wiener Festwochen finden heuer vom 17. Mai bis 23. Juni statt und bieten 46 Produktionen 

und künstlerische Projekte aus den Bereichen Sprechtheater, Oper, Musik, Tanz, Performance, 

bildende Kunst und Aktivismus. Einen Schwerpunkt bilden dabei partizipative Formate 

und Projekte bei freiem Eintritt. 2024 erklären sich die Wiener Festwochen zur Freien 

Republik Wien mit eigener Hymne, Fahnen, neuen revolutionären Institutionen (Akademie 

Zweite Moderne, Die Wiener Prozesse), einer Festivalzentrale (Haus der Republik), einer Partyzentrale 

(Club der Republik) und dem aus 100 nationalen und internationalen Mitgliedern 

bestehenden Rat der Republik. „Wer, wenn nicht wir – wann, wenn nicht jetzt? Wien ist die 

Hauptstadt der Moderne, wir rufen nun eine zweite Moderne aus, gemeinsam mit Hunderten 

von Intellektuellen, Künstler:innen und Bürger:innen aus Wien, Österreich und der ganzen 

Welt“, so Festwochen Intendant Milo Rau anlässlich der Programmpräsentation im Hotel Imperial. 

„Holen wir uns den Glanz des Lebens zurück!“ 

www.festwochen.at

ZBIGGY | arttourist.com Jazz | Neue Musik | Elektro | 2024 Elektro | 37 

Elektro 

Wild North 

Rye Whisky 

✓ authentisch 

✓ originär 

✓ wilde Passion 

✓ stolze Natur 

✓ kraftvolles Erlebnis 

© Nerea Coll 

Barcelona (E) 

Sónar 2024 

Music. Innovation & Creativity 

13.–15.6.2024 

Sónar ist ein bahnbrechendes Festival, das seit 

seiner ersten Ausgabe im Jahr 1994 die Entwicklung 

und Verbreitung von elektronischer 

Musik und digitaler Kultur widerspiegelt. Jedes 

Jahr verwandelt Sónar Barcelona in einen 

Brennpunkt für Musikliebhaber, Künstler und 

Fachleute aus der ganzen Welt, die von den innovativen 

Inhalten, dem Format und der feierlichen 

Atmosphäre des Festivals, den Bühnen 

und Veranstaltungsorten angezogen werden. 

Getreu seinem Namen spürt Sónar die aktuelle 

und zukünftige Musiklandschaft auf und verstärkt 

sie, indem es die einflussreichsten künstlerischen 

Produktionen zeigt und Künstler:innen 

aus der ganzen Welt eine Plattform bietet. 

Das Festival dient den aktuellen und kommenden 

Trends als Schnittstelle von Performance, 

Musik, Wissenschaft, Informationstechnologie 

und vielem mehr. Nach drei Jahrzehnten und 

über 100 Ausgaben weltweit definiert Sónar 

weiterhin, was ein Festival sein kann, indem es 

Barrieren beseitigt, Grenzen überschreitet und 

Verbindungen zwischen Publikum, Genres 

und kreativen Ausdrucksformen herstellt. 

www.sonar.es 

© Angelfire Seeded-Glory 

Basel (CH) 

Virtual Beauty 

8.6.–18.8.2024 

Die internationale Gruppenausstellung Virtual 

Beauty beleuchtet, wie neue Technologien 

und unser zunehmend digitales Leben unsere 

klassischen Vorstellungen von Identität infrage 

stellen und den Schönheitsbegriff des Menschen 

verändern. Anhand von Installationen, 

Fotografie, digitaler Kunst und Film untersuchen 

die Werke in dieser Ausstellung die oft 

unbemerkten Auswirkungen des technologischen 

Fortschritts auf unsere physischen und 

virtuellen Körper. 

Das HEK ist das Schweizer Kompetenzzentrum 

für die Begegnung von Kunst, Technologie und 

Medien. Mit seinem vielfältigen Programm 

präsentiert sich das Haus als lebendiger Knotenpunkt 

für die kritische Auseinandersetzung 

mit elektronischer Kunst und digitaler Kultur. 

HEK Haus der Elektronischen Künste | www.hek.ch 

Frankfurt 

MILESTONES OF HIP-HOP 

bis 26.5.2024 

Parallel zu „THE CULTURE“ präsentiert das 

MOMEM – Museum Of Modern Electronic Music 

– die Ausstellung „Milestones of Hip-Hop“ 

und konzentriert sich konsequent auf die musikalische 

Seite des Hip-Hop. Dem erfolgreich 

erprobten Prinzip der dauerhaft gezeigten Ausstellung 

„MILESTONES – Favorite Club Tracks 

1985-2020“ folgend wurden über 50 deutsche 

Hip-Hop-Artists nach ihren persönlichen Milestones 

des Hip-Hop gefragt. Unter diesen 

Selectors sind unzählige Frankfurter:innen wie 

D-Flame, Murat Güngör, Real Jay, DJ Feedback, 

DJ Release, Jeyz, CODX, A BOMB FX, Liz und 

Sabrina Setlur, aber auch nationale Artists wie 

Kitty Kat, MC Rene, Jan Delay, Morlockk Dilemma, 

Marteria, Michi Beck, Torch, Toni L 

und viele weitere. 

Die persönlichen TOP 20 dieser Artists sind in 

der Record-Ausstellung „Milestones of Hip- 

Hop“ allesamt zu hören. Wie in einem Plattenladen 

kann die Auswahl der Selectors durchstöbert, 

Platten herausgenommen und die Tracks 

angehört werden. Im Mittelpunkt stehen aber 

diejenigen zwanzig Milestones of Hip-Hop, die 

am häufigsten in den persönlichen TOP 20 der 

Selectors zu finden sind und deren Geschichte in 

der Ausstellung erzählt wird. Der Ausstellungsbesuch 

wird zur musikalischen Entdeckungsreise 

durch die MILESTONES des Hip-Hop und 

seiner Protagonist:innen mit einem großen 

Schwerpunkt auf Frankfurter Akteur:innen. 

Begleitet wird diese musikalische Reise von 

mehr als 50 Fotografien aus der Geschichte 

der Hip-Hop-Kultur in Frankfurt am Main, die 

ihre Wurzeln Anfang der 1980er-Jahre rund 

um die Hauptwache hat. Gezeigt werden unzählige, 

bisher unveröffentlichte Fotografien 

aus den Privatarchiven von Frankfurter Hip- 

Hop-Akteur:innen wie Pino Caruso, Jörg Kuberek, 

Ali Taner und vielen weiteren mehr, die 

eine Bildergeschichte des Frankfurter Hip-Hop 

entstehen lassen. Darüber hinaus wird es ein 

umfangreiches Rahmenprogramm mit den 

Original-Protagonist:innen geben, bei dem in 

verschiedenen Formaten wie Paneltalks und 

Workshops die Geschichte lebendig wird. 

MOMEM – MUSEUM OF MODERN 

ELECTRONIC MUSIC 

www.momem.org 

springfestival graz, 2023 

Graz (A) 

spring festival graz 

29.5.–2.6.2024 

Die Geschichte des springfestivals ist unweigerlich 

mit der medialen und popkulturellen 

Entwicklung der letzten beiden Jahrzehnte 

verbunden. Die Jahrtausendwende war ein 

entscheidender Zeitpunkt: Die elektronische 

Musik fand wegen neuer, allgemein verfügbarer 

Musik- und Kulturtechnologien den Weg 

aus dem Untergrund in die Breite. Das springfestival 

war 2001 eines der ersten Festivals, das 

sowohl musikalisch als auch programmatisch 

in Form von Lectures, Workshops und Diskussionen 

diese Strömung mitgestaltet und nachhaltig 

geprägt hat. Dabei hat das Festival Jahr 

für Jahr globale Musikkultur nach Graz geholt. 

Aber auch vice versa: Die steirische Veranstaltung 

hat eine große Zahl an österreichischen 

Musikkarrieren gefördert. Viele Künstlerinnen 

und Künstler schafften es von hier aus auf 

internationale Bühnen. Es ist daher die größte 

österreichische Plattform für Elektronische 

Kunst und Musik und somit auch Sprungbrett 

Weeze 

PAROOKAVILLE 

19.–21.7.2024 

wildnorthwhisky.de 

vor internationalem Fachpublikum. Nach wie 

vor zeichnet sich das Festival dadurch aus, dass 

60 Prozent der auftretenden Acts heimische 

Künstlerinnen und Künstler sind. 

www.springfestival.at 

Lilly Palmer | @ MGMT 

In 165 Tagen öffnen sich die Stadttore von PAROOKAVILLE, Deutschlands größtem Electronic 

Music Festival, bereits zum achten Mal. Vom 19. bis 21. Juli 2024 bietet die City of Dreams am 

Airport Weeze (NRW) Wahnsinn, Liebe und pure Glückseligkeit und erneut über 300 Acts aller 

elektronischen Genres. Zwanzig weitere stehen nun fest. Das Areal in der City und vor der 

gigantischen Mainstage wird bei gleichbleibender Besucher:innen-Zahl deutlich vergrößert. 

PAROOKAVILLE bestätigt Techno-Ikone Paul Kalkbrenner und Superstar-Brüder Dimitri Vegas 

& Like Mike als weitere Headliner. 

www.parookaville.com

38 | Elektro | München 


München 

TUNE. Sound 

and beyond 

Ganzjährig 

Westgalerie, Terrassensaal, Auditorium 

TUNE ist eine Serie kurzer Soundresidencies am Haus der 

Kunst, angesiedelt zwischen den Feldern Sound, Musik und 

visuelle Kunst. Die eingeladenen Künstler:innen arbeiten 

genre-, epochen- und stilübergreifend und schaffen klangliche 

Beiträge, die im Dialog mit dem aktuellen Programm 

des Hauses der Kunst stehen. 

HDK TUNE keyiaA Dawuna performance 2023 © Tanja Kernweiss 

Das Programm 2024 bewegt sich zwischen 

Makro- und Mikroerfahrungen 

von Klang; vom Spirituellen zum Materiellen 

und von der Zeitlosigkeit zur 

Gegenwart. In Resonanz mit der Ausstellung 

„In anderen Räumen“ werden 

Ellen Arkbro und Marcus Pal die 

TUNE-Ausstellungsreihe eröffnen. 

Beide Künstler:innen haben mit La 

Monte Young und Marian Zazeela im 

Bereich Stimmsysteme gearbeitet, das 

Künstler:innen-Duo, das eine Reihe 

von permanent installierten Klanglandschaften 

mit dem Titel Dream Houses 

entwarf – darunter eine Installation in 

Polling, außerhalb von München. Sie 

glauben, dass „das gesamte Universum 

als eine einzige Schwingung verstanden 

werden kann“ (Catherine Christer 

Hennix, The Wire 2018). Akkord für 

Akkord und Ton für Ton stimmen Arkbro 

und Pal den Klang auf den Raum 

ab, mit Augenmerk auf akustische 

und psychoakustische Phänomene. 

Sie schaffen Umgebungen, in denen 

das Zuhören zu einem aktiven Prozess 

der kreativen Beteiligung wird und die 

Zuhörer:innen dazu einlädt, nach und 

nach selbst in den Klang einzutauchen. 

Die Resonanz mit der natürlichen Welt 

Jahresvorschau 2024 

FRÜHJAHR/SOMMER 

Luisa Baldhuber. Afterglow 

23.2.–15.12.24 | Personaleingang 

Pan Daijing. Mute 

9.3.–14.4.24 | Westgalerie 

Liliane Lijn. Arise Alive 

5.4.–22.9.24 | Nordgalerie 

Rebecca Horn 

26.4.–13.10.24 | Ostgalerie 

Samaneh Atef – Belén Sánchez – Desmond 

Tjonakoy. euward9 

17.5.–14.7.24 | Südgalerie 

TUNE. Sound and beyond 

Ganzjährig | Westgalerie, Terrassensaal, 

Auditorium 

Martino Gamper. Sitzung 

verlängert bis 27.10.24 | Mittelhalle 

wird auch durch die Arbeit von Meredith 

Monk erforscht. Neben ihrer 

Überblicksausstellung „Calling“ im 

Haus der Kunst wird sie eine Auswahl 

von Werken ihres bisherigen Schaffens 

live aufführen. Später im Jahr erforscht 

Jana Winderen menschliche und nichtmenschliche 

Stimmen, indem sie fortschrittliche 

Klangerfassungstechnologie 

nutzt, um in der natürlichen 

Umgebung verborgene Klangwelten 

aufzufinden. Dem Publikum wird somit 

eine neue Form des tiefen Hörens 

und Verstehens der uns umgebenden 

Klänge eröffnet. FUJI|||||||||||TA hingegen 

findet das bisher unbekannte Potenzial 

seiner Instrumente und arbeitet es mithilfe 

von Klangfarben verschiedener 

Materialien auf. 

Neben dem Performance-Programm 

wird ein:e Künstler:in beauftragt, eine 

neue Klangarbeit zu entwickeln, die 

für neun Monate im Terrassensaal zu 

hören sein wird. Der Terrassensaal ist 

ein Durchgangsbereich, in dem einem 

die Komposition gewissermaßen „begegnet“. 

In diesem Kontext lädt sie zu 

einer kritischen Auseinandersetzung 

mit Klang und Musik als vielschichtige 

Kunstformen ein, die Geschichte(n) 

und Bedeutung tragen. Zudem wird 

der:die Künstler:in Kompositionen für 

digitale Produkte des Hauses der Kunst 

zur Verfügung stellen und bei Live-Veranstaltungen 

auftreten. Der:die ünstler:in 

wird so zur Stimme des Hauses. 

Eingeladene Künstler:innen für 2024 

sind u.a. Ellen Arkbro, Marcus Pal, 

Meredith Monk, Puce Mary, Leila Bordreuil, 

Jim C. Nedd, Slauson Malone 1, 

DJ Nigga Fox, Márcio Matos, nwakke, 

FUJI||||||||||TA, Jana Winderen, Pavel 

Milyakov und Hanne Lippard. Kuratiert 

von Sarah Miles. 

INTERVIEW 

mit Kuratorin Sarah Miles 

What is TUNE and how did the 

idea come about? 

Sarah Miles: Tune is a monthly programme 

where I invite musicians to give 

two performances and take part in an 

artist talk. They are given the opportunity 

to make new site-specific works, 

and sometimes if they work with other 

media such as films, we programme 

screenings. The idea is to take them out 

of their normal touring schedules and 

give them the space to do something 

unique and give the audience the chance 

to dive deeply into their practice. For 

independent musicians, constant touring 

is often their main or only source 

of income, and I think it’s important to 

give them the opportunity to put more 

time into a single gig and have the space 

to try new things in their practice. 

Is TUNE an independent series of 

events, separate from the general 

exhibition program, or does it correspond 

to the current exhibitions? 

Sarah Miles: TUNE is its own series, 

and it’s very much connected to the 

general exhibition programme. When 

I curate, I research the artists who will 

have exhibitions at the museum deeply 

and I think about the ideas and themes 

that run throughout the museum’s 

programme. I think about artists who 

connect to these ideas sonically and in 

other ways. Sound can often be an afterthought 

at art institutions. And there 

are also musicians who have not in the 

past been framed as ‘sound artists,’ but 

who in fact have just as much depth 

and cultural importance as those who 

have been given the stamp of approval 

by the art world. 

What goals are you pursuing with 

TUNE and who would you like to 

reach with it? 

Sarah Miles: I’d like to reach anyone 

who is interested! The programme is 

broad and varied, it spans generations, 

genres, and scenes. It’s not supposed to 

be for one group of people – it’s for anyone 

who is interested in learning more 

about artists working with sound and 

for thinking about it in different ways, 

and those who are open to new experiences. 

Performances are always more 

memorable when there is a healthy mix 

in the crowd. For example, someone 

may have had a lifelong interest in the 

canon of avantgarde music but has not 

closely followed developments in underground 

music, and vice versa. 

© Sarah Miles 

What role does sound play in art? 

Sarah Miles: Sound often plays a role 

in supporting other mediums, whether it 

is a soundtrack for a film, performance, 

or installation. Often sound doesn’t receive 

the care of other mediums between 

the echoing white walls of a gallery or 

museum. Sound can be crucial to the reception 

of a given work, but it’s often in 

very subtle ways that impact the viewer/ 

listener subconsciously. 

Do you receive applications for 

TUNE or what criteria do you use 

to search for and find your artists? 

Sarah Miles: I travel often to music 

festivals around Europe and speak with 

a wide network of artists around the 

world. As a co-founder of Berlin Community 

Radio, I was exposed to many 

emerging artists and have had the privilege 

to watch their work develop over 

the years. In my role at HDK, I see it 

as a way of offering an interesting opportunity 

to an artist at a point in their 

development where it might be inspiring 

to try something new, to have the luxury 

of experimentation. 

Do you set specific tasks or are the 

artists completely free in their program 

& performance? 

Sarah Miles: The programme comes 

together through an organic process 

where I talk with the artists and find 

out what they are working on. Sometimes 

I commission new pieces such as 

Nkisi’s |Ngo| which opened the Tune series 

in 2021, or Beatrice Dillon ‘Impossible 

Ideal Angle’ (2022). Other times, 

such as with Jim C. Nedd, who is an 

Italo-Colombian musician and photographer, 

and whose work I will present 

in April, the programme has developed 

and evolved in collaboration. What 

started as two evenings of music performances 

will now include a live poetry 

reading by Flor Barcenas Feria, a spoken 

word performance by Beatriz E. Balanta, 

and an installation of three films, 

with newly composed sound works, in 

the West Galley of Haus der Kunst during 

the weekend he is with us (26th& 

27th April). 

Are the sound residencies snapshots, 

unique listening and viewing 

experiences or how are they preserved 

and kept for the museum’s collection? 

Sarah Miles: They are live moments 

that you have to catch! This is one thing 

that’s special for me about music and 

sound, it is an ephemeral experience, 

which is different every time and it’s about 

being in the space in that moment 

with everyone and sharing it. 

Having said that, we do record all of the 

performances, and on occasion, artists 

have released the recordings, as Chuiquimamani-Condori 

and Joshua Chiquimia-Condori 

did in 2021. 

Also, Lamin Fofana, the first artist to 

make the Terrace Hall commission, 

which I haven’t mentioned yet, afterward 

released three new albums and a 

lot of the source material for these releases 

came out of the installation. The 

Terrace Hall commission is a sound 

work that is installed in the Terrace 

Hall for 6-9 months and it is also part 

of Tune. It’s the one permanent presence 

of the programme in the building. Excerpts 

of the installation are also used to 

frame Haus der Kunst’s content online, 

so the artist’s work in effect becomes the 

sound of the museum. 

In recent years, your museum’s 

program has repeatedly included 

exhibitions that, in addition to art, 

also addressed the senses, challenged 

them, and invited them to participate. 

Do we expect this kind of 

cross-genre thinking and work in a 

house for contemporary art today 

or are you constantly confronted 

with the clichéd question “Is this 

art?”? 

Sarah Miles: I think that with music 

there is maybe a freedom from this discursive 

mode sometimes because there 

is an immediacy to it. Perhaps it has to 

do less work to justify itself. 

There is a museum for light art in 

Unna and a house for electronic art 

in Basel, the HEK. Isn’t a museum 

for sound art long overdue? 

Sarah Miles: Though I would happily 

spend hours in such a museum, I don’t 

personally think this kind of separation 

is always necessary. Since Andrea Lissoni 

started at the museum, many of the 

shows have included different expressions 

in different mediums alongside one 

another, and this is how I enjoy experiencing 

art. I sometimes find labels, 

like genre titles, limiting. And many artists 

mainly known for their work with 

sound and music also work with film, 

language, sculpture, performance, and 

other mediums. 

Sarah Miles 

Sarah Miles is a freelance music 

programmer and is currently curating 

the ‘Tune’ sound series at Haus der 

Kunst in Munich, Germany. Each month 

she invites a different artist for a short 

residency, with two live performances 

and an artist talk. Previously, she 

programmed the Roter Salon for the 

Volksbuehne in Berlin for two years, 

and she is the co-founder of Berlin 

Community Radio, which broadcasted 

from 2013-2020. 

www.hausderkunst.de 

sarahmilesoo/ 

HDK TUNE Katalin Ladik Performance 230715 © Franz Kimmel

ZBIGGY | arttourist.com Jazz | Neue Musik | Elektro | 2024 Medien | 39 

Medien 

Museum außen | © NEMO Sciene Museum 

Amsterdam (NL) 

NEMO Science Museum 

Das NEMO-Wissenschaftsmuseum ist ein interaktives, 

informelles Lernumfeld, in dem die 

breite Öffentlichkeit mit Wissenschaft und 

Technologie in Berührung kommt. Die Besucher 

sehen, hören und erleben, wie wissenschaftliche 

Phänomene und Technologie eine 

wichtige Rolle in ihrem Leben spielen. NEMO 

arbeitet eng mit den Bereichen Wissenschaft 

und Bildung zusammen und ist ein Museum 

mit einer bedeutenden historischen Sammlung. 

Es hat es sich zur Aufgabe gemacht, der 

Öffentlichkeit Wissenschaft und Technologie 

auf interaktive und zugängliche Weise näherzubringen, 

im Museum, in Schulen, bei landesweiten 

Veranstaltungen und online. 

Die Vision des NEMO ist es, die Welt und uns 

selbst durch Wissen, Wissenschaft und Technologie 

besser zu verstehen, uns als Menschen zu 

entwickeln und die Welt auf die Zukunft vorzubereiten. 

Das Museum weckt bei Jung und Alt 

die Neugierde auf die Kraft, die Bedeutung und 

die Besonderheit von Wissenschaft und Technik. 

www.nemosciencemuseum.nl 

A MAZE | © Jens Keiner 

Berlin 

A MAZE./Berlin 

13. Internationales Games und Playful 

Media Festival: 


A MAZE./Berlin ist ein internationales Festival 

für Games und Playful Media, das unabhängige 

und alternative Computerspiele, immersive 

Medien (VR, AR) und digitale Kultur feiert. Im 

silent green Kulturquartier präsentiert A MAZE. 

ein viertägiges Programm mit professionellem 

Austausch und Networking in Vorträgen, 

Workshops, Open Screens, einem Games-Markt 

und einer öffentlichen Ausstellung zu den A 

MAZE. Awards. In der kuratierten Ausstellung 

sind alle Nominierten und ehrenvollen Erwähnungen 

erfahr-/spielbar; darüber hinaus 

sind auch weitere internationale Künstler:innen 

und Kollektive vertreten, die die vielfältige 

und künstlerische Seite von Games und Playful 

Media jenseits des Mainstreams zeigen. Party, 

Musik, Installationen, Performances rund um 

Independent Games Culture erwarten die Besucher:innen 

an den Festivalabenden im Panke 

Culture. Für alle, die an Independent Games/ 

Playful Experiences, Kunst, Design und experimentellen 

Formaten interessiert sind. The future 

is pink. 

A MAZE. 

Berlin Festivaldaten der nächsten zwei Jahre: 

14.–17. Mai 2025 

13.–16. Mai 2026 

www.a-maze.net 

Re:publica x Reeperbahn Festival 

© Julia Schwendner, re:publica 

Berlin 

Re:publica 24 

27.–29.5.2024 

Die republica GmbH veranstaltet mit der re:publica 

Berlin das Festival für die digitale Gesellschaft 

und damit die größte Konferenz ihrer Art 

in Europa. Die Teilnehmer*innen der re:publica 

bilden einen Querschnitt unserer (digitalen) 

Gesellschaft. Zu ihnen gehören Vertreter*innen 

aus Wissenschaft, Politik, Unternehmen, 

Hackerkulturen, NGOs, Medien und Marketing 

sowie Blogger:innen, Aktivist:innen, Künstler:innen 

und Social Media-Expert:innen. 

Die re:publica 24 findet vom 27. bis 29. Mai 

2024 in der STATION Berlin statt. Das Festival 

für die digitale Gesellschaft steht in diesem Jahr 

unter dem Motto „Who cares?“. Die Stärke einer 

Gesellschaft bemisst sich an der Lebensqualität 

ihrer schwächsten Mitglieder – und derer, die 

sich um sie kümmern. Letztere werden wir in 

naher Zukunft immer mehr brauchen, denn so 

viel scheint sicher: Die fitten Jahre sind vorbei! 

Der demografische Wandel sorgt für eine alternde 

und damit pflegebedürftigere Gesellschaft. 

Die Auswirkungen von Kriegen und der 

Klimakrise werden viele Millionen Menschen 

in die Flucht zwingen oder in der Heimat arm, 

obdachlos, hungrig, krank machen. Im Netz 

haben wir uns von einigen wenigen Unternehmen 

abhängig gemacht, die mit ihren Entscheidungen 

unser Leben beeinflussen. 

www.re-publica.com 

In den kommenden Jahren wird iMAL seine 

Aktivitäten ausweiten und für neue Zielgruppen 

zugänglich machen. Dabei stehen die 

einzigartige Expertise von Künstlern und ihr 

besonderer Blick auf Gesellschaft und Technologie 

immer im Mittelpunkt. iMAL will diesen 

Blick nutzen, um über (technische) Entwicklungen 

zu informieren, Bürgerinnen und Bürger 

zu inspirieren und zu ermutigen, sich aktiv 

an den neuesten digitalen Kulturen zu beteiligen, 

aber auch, um sie zu sensibilisieren und 

zu lehren, kritisch mit den Herausforderungen 

umzugehen, die mit der digitalen Revolution 

verbunden sind. 

iMAL nutzt seine einzigartige Position als Plattform, 

um andere Künstlerinitiativen, Workshops 

und Festivals mit dem Schwerpunkt 

Kunst, Wissenschaft und Technologie zu vernetzen, 

und sieht es als seine Aufgabe an, diese 

Aktivitäten sichtbar zu machen und einer breiten 

Öffentlichkeit zugänglich zu machen und 

eine Brücke zwischen den Kreativen und einer 

breiteren Öffentlichkeit zu schlagen. 

www.imal.org 

arthub Copenhagen | © Hampus Berndtson 

Copenhagen (DK) 

Art Hub Copenhagen 

Art Hub Copenhagen (AHC) ist eine internationale 

Kunstinstitution und Begegnungsstätte 

in Kopenhagen mit dem Ziel der Unterstützung 

und Förderung professioneller bildender 

Künstler, der Förderung und Qualifizierung 

der öffentlichen Diskussion über die Künste, 

einer Stärkung der Stimme der Künstler:innen 

in der Gesellschaft mit einem starken Fokus 

auf Forschung, Produktion, Entwicklung und 

Kommunikation. Es bietet Künstler:innen ein 

professionelles Umfeld für ihre künstlerische 

Entwicklung, die Vernetzung, Forschung und 

Produktion neuer Werke. Sie bringen Menschen 

aus verschiedenen Genres und unterschiedlicher 

Herkunft zusammen, um einen 

gezielten und qualifizierten Dialog mit der Öffentlichkeit 

zu führen und die Kooperation mit 

einer Vielzahl von lokalen und internationalen 

Partnern zu entwickeln und zu unterstützen. 

www.arthubcopenhagen.net 

© Andrea Vollmer 

Berlin 

Future Soundscapes Festival 


Das Future Soundscapes Festival lädt zu einer Reise in die audiovisuelle Zukunft ein und präsentiert 

Künstler:innen an den Schnittstellen von Musik, Medienkunst und Sound Art. 

Wie klingt die Zukunft? Das Future Soundscapes Festival widmet sich der Geschichte und 

Gegenwart des Science Fiction Sounds zwischen Popkultur, Musik und Kino. Mit Konzerten, 

Sound Walks und Lectures, African SciFi Shorts, Performances und Live-Vertonungen von und 

mit Jan Brauer, Karl Heinz Jeron, Manfred Miersch, Peggy Piesche, Quadrature, Liam Young 

und Felix Kubin mit Hubert Zemler und Josephin Böttger. 

Ob das mechanische Quietschen der Gelenke von humanoiden Robotern, der bedrohlichstampfende 

Rhythmus von Maschinenstädten, das digitale Prasseln von Bits und Bytes oder 

die sphärischen Klänge der unendlichen Weiten des Universums – all diese Geräuschkulissen 

verbinden wir mit utopischen bis dystopischen Bildwelten. Wie aber haben sich die akustischen 

Stereotype ausgebildet, und wieso halten wir sie für glaubwürdig? Welche Klänge verbinden 

wir mit totalitären Kontrollgesellschaften, mit Atomkrieg und Klimakatastrophen? 

Und welche mit friedvollen Vielvölkerstaaten? Wie klingt das Fremde, Unbekannte und Bedrohliche? 

Während die Narrative und Bilder des SciFi-Genres bereits allgegenwärtig und mit einer Vielzahl 

von Stereotypen fest im kollektiven Gedächtnis verankert sind, erkundet Future Soundscapes 

den Sound als essenzielles Element in der Gestaltung zukünftiger Welten, sei es als 

Geräusch, Klang oder Musik. 

www.future-soundscapes-festival.de 

www.silent-green.net 

© iMAL 

Brussels (B) 

iMAL Art Center for 

Digital Cultures & Technology 

iMAL ist ein Raum für künstlerisches Schaffen 

rund um die kreative und kritische Nutzung neuer 

Technologien. iMAL vereint eine Gruppe von 

Künstlern, Denkern, Machern und Bürgern aus 

Belgien und dem Ausland und bietet eine komplett 

neue Infrastruktur zur Unterstützung eines 

Programms, das sich auf Forschung, Produktion 

und Präsentation konzentriert. iMAL, das die 

künstlerische Kreativität in all ihren Entstehungsprozessen 

und Facetten verfolgt, steht in direktem 

Zusammenhang mit den neuesten künstlerischen 

Ausdrucksformen, gesellschaftlichen 

Trends und technologischen Entwicklungen. Als 

Werkstatt, Labor und Präsentationsplattform an 

der Schnittstelle von Kunst, Technologie, Wissenschaft 

und Gesellschaft nimmt es eine einzigartige 

Stellung ein, indem es die zeitgenössischen 

Künste mit anderen Bereichen verbindet – lokal, 

national und international. 

First satellite image of Earth, 1959 NASA 

Düsseldorf 

düsseldorf photo + 

Biennale for Visual and Sonic Media 

On Reality 

17.5. – 14.7.2024 

Die dritte Edition der Biennale for Visual and 

Sonic Media. düsseldorf photo+ vom 17. Mai 

bis 14. Juli 2024 steht unter dem Leitmotiv

40 | Medien 


„On Reality“. In Ausstellungen und Konzerten, 

bei Talks, Panels und weiteren Veranstaltungen 

wird in ganz Düsseldorf aktuelle und aktualisierte 

Fotografie sowie medienbasierte Kunst 

in ihren vielfältigsten Facetten zu erleben 

sein. Die Künstler:innen reflektieren auf unterschiedlichste 

Art und Weise, wie Medien unser 

Verständnis von Wirklichkeit heute und in der 

Vergangenheit maßgeblich prägen. Computergenerierte 

Bild- und Klangwelten umgeben uns 

allgegenwärtig, die Biennale bindet diese in 

den Kunstparcours ein und verknüpft analog 

erzeugte audiovisuelle Wirklichkeiten. Insgesamt 

bietet die Biennale über 50 Ausstellungen 

und Veranstaltungen in Museen, Sammlungen, 

Galerien, freien Ausstellungsräumen und 

Hochschulen. Die diesjährige düsseldorf photo+ 

findet unter der künstlerischen Leitung von 

Pola Sieverding und Rupert Pfab statt. 

www.duesseldorfphotoplus.de 

© B3, Hochschule für Gestaltung Offenbach am Main 

Frankfurt/Offenbach 

B3 

13.–20.10.2024 

Seite 2012 regt die B3 den genreübergreifenden 

Diskurs über Trends und Entwicklungen 

in Film, Kunst, Games, VR/AR und KI an. Nationale 

und internationale Kunst- und Medienschaffende 

melden sich zur Zukunft des 

Geschichtenerzählens im digitalen Zeitalter zu 

Wort. Ziel der B3 ist es, eine interdisziplinäre 

Allianz für das bewegte Bild zu schaffen und 

einen branchen- und genreübergreifenden Dialog 

zu initiieren. Sie bietet der internationalen 

Kultur- und Kreativwirtschaft eine übergreifende 

Plattform für Innovation und Austausch. 

Als crossmediales Bewegtbild-Festival mit Filmscreenings, 

Ausstellungen, Konferenz- und 

Workshop-Programmen, inklusive Wettbewerbsformaten 

richtet sie sich an Professionals 

und junge Talente aus den Kreativ- und Medienbranchen, 

der Wirtschaft, der Politik, der 

Wissenschaft sowie an die interessierte Öffentlichkeit. 

www.b3festival.de 

@DEEP SPACE 8K Photo © Tom Mesic 

Hellerau 

HYBRID Biennale 

Festival for 

Digital Arts 

12.–27.10.2024 

Am Beginn des 20. Jahrhunderts wurde HEL- 

LERAU als gemeinsames Projekt von Industrie, 

Forschung und Kunst und als Antwort 

auf die Industrialisierung und Veränderungen 

von Arbeits- und Lebensbedingungen gegründet. 

Heute steht die Welt vor neuen, außergewöhnlich 

kritischen Phasen globaler Transformationsprozesse, 

die nicht zuletzt durch 

enorme und dynamische Entwicklungen 

im Bereich der Digitalisierung geprägt sind. 

In HELLERAU, das inzwischen als eines der 

wichtigsten internationalen Zentren für zeitgenössischen 

Tanz, Musik und Performance 

gilt, wird deshalb mit HYBRID eine experimentelle 

Plattform der Künste im (post-)digitalen 

Zeitalter etabliert. Als Möglichkeit der 

Annäherung an die genannten Transformationsprozesse 

wird hier mit internationalen 

Projekten der Electronic und Digital Arts, in 

Try-outs, Residenzen und Symposien der Begriff 

des Hybriden in seinen technologischen, 

aber auch politischen und ökologischen Dimensionen, 

im Prinzip des „Verwandtmachens“ 

(Donna Haraway) sowie seiner Potenziale 

von Diversität und Innovation neugierig 

und kritisch reflektiert. 

Im Mittelpunkt der Plattform steht die zunächst 

als dreiteiliges Projekt angelegte HY- 

BRID Biennale, die jeweils im Oktober die 

Linz (A) 

Ars Electronica 

Festival für Kunst, Technologie und 

Gesellschaft 


Aus erster Hand erfahren, wie neue Technologien 

unser Leben verändern. Selbst erleben, 

wie Machine Learning, VR, Robotik oder Biotech 

zu einem sozial und ökologisch nachhaltigen 

Fortschritt beitragen können. Auf 

Augenhöhe mitdiskutieren, welche Rechte 

und Pflichten wir als digitale Bürger:innen 

haben sollten. Menschen aus aller Welt kennenlernen, 

die kritisch, aber optimistisch 

unser aller Zukunft mitgestalten wollen. Für 

all das steht Ars Electronica. 

Ausstellungen 

Ars Electronica zählt weltweit zu den ersten 

Adressen für Medienkunst. Auf dem Festival 

triffst du das Who is Who der internationalen 

Medienkunstszene ebenso wie junge 

Shootingstars, die gerade erst anfangen, sich 

einen Namen zu machen. Allen voran möchten 

wir dir eine der vielen Ausstellungen, 

die Prix Ars Electronica Exhibition ans Herz 

legen, wo die besten Medienkunstwerke des 

Jahres zu sehen sind, die von der internationalen 

Jury des renommierten Wettbewerbs 

ausgezeichnet wurden. 

Ein weiteres „Muss“ ist die große Ausstellung 

zum jeweiligen Jahresthema des Festivals, 

in der immer wieder künstlerische Positionen 

auf spektakuläre Weise präsentiert werden. 

Lass dich bei der STARTS Prize Exhibition 

von bahnbrechenden Kooperationen 

zwischen Wissenschaft, Technologie und 

Kunst inspirieren! Jedes Jahr nutzen mehrere 

Dutzend internationale Universitäten die Ars 

Electronica als Plattform und präsentieren 

in der Campus-Ausstellung beeindruckende 

Ergebnisse ihrer Bildungsprogramme an der 

Schnittstelle von Kunst und Technologie. 

www.ars.electronica.art 

Linz (A) 

Zum 200. Geburtstag eines Großen 

Eine immersive Reise durch Anton 

Bruckners Klangwelten 

Being Anton? Playing Anton! Mit zwei eigens 

geschaffenen Erlebniswelten startete Ars 

Electronica in das Brucknerjahr 2024. Der 

einzigartige Klangraum „Being Anton“ und 

die „spielerische“ Deep-Space-Applikation 

„Playing Anton“ laden zu einer ebenso ungewöhnlichen 

wie immersiven Annäherung 

an die Kompositionen und Klangwelten Anton 

Bruckners ein. Ars Electronica setzt dabei 

auf menschliche Kreativität, das immersive 

Poteztial neuer Audiosysteme und Virtual 

Reality, um Bruckners biografische Pfade und 

Werk für ein breites Publikum zu öffnen. 

Anton Bruckner & Ars Electronica 

Der Name Anton Bruckner steht für Improvisationskunst 

im Orgelspiel und eine einzigartige 

Tonsprache, für zukunftsweisendes 

Denken und Komponieren. Wenig melodisch 

und voller Fragmente, dafür mit Energie und 

Groove – das macht Bruckners sinfonisches 

Repertoire aus. Was in der Romantik des 

19. Jahrhunderts kaum angenommen wurde, 

wird heute als avantgardistisch und originär 

gefeiert. Kein Wunder also, dass die 

1979 gegründete und von vielen als schräg 

und nerdig angesehene Ars Electronica sich 

NONOTAK SHIRO IV | © Tony Trichanh 

Themen BODY (2022), SPACE (2024) und 

SOUND (2026) fokussieren wird. Die erste 

Edition 2022 mit Künstler:innen wie Maria 

Hassabi, Cécile B. Evans, Choy Ka Fai, Lamin 

Fofana, Tai Shani, Sophia Al-Maria oder 

Ryoichi Kurokawa wurde von der Kulturstiftung 

des Bundes und der Kulturstiftung des 

Freistaates Sachsen großzügig gefördert. Das 

für die zweite Edition 2024 zentrale internationale 

Symposium BLACKBOX WHI- 

TECUBE XR, das sich ausgehend von der 

Gründungsgeschichte des Festspielhauses 

Hellerau damit beschäftigt, wie Raumkonzepte 

für Musik und darstellende Künste – 

und für eine neues Publikum – im digitalen 

Zeitalter weiterentwickelt werden können 

Bruckners Spirit von Anfang an verbunden 

fühlte und die allererste Klangwolke zum 

„sinfonischen Open Air mit Bruckners 8.“ in 

den Donaupark lud. Die Menschen stellten 

ihre Radios in die Fenster und überall in Linz 

und Oberösterreich ertönten die Klänge des 

Bruckner Orchesters. 45 Jahre später zeigt Ars 

Electronica wieder zwei innovative Bruckner- 

Experimente. 

www.ars.electronica.art 

7. In Pursuit of Repetitive Beats (2021). Installation 

view at FACT Liverpool. Courtesy of East City Films. 

Photography © Mark McNulty 

Liverpool (GB) 

FACT 

EINE WELT DER MÖGLICHKEITEN 

FACT ist ein weltweit führendes Zentrum für 

Kunst, Film und den kreativen Einsatz von 

Technologie. Sie setzen sich für neue Ideen 

und Erfahrungen ein und fördern die nächste 

Generation von Stimmen und Visionären, 

um eine Welt der Möglichkeiten zu schaffen. 

In ihrem preisgekrönten Gebäude in Liverpool 

präsentieren sie ein spannendes Programm 

an zeitgenössischer Kunst, das neue 

Technologien nutzt und die digitale Kultur 

erforscht. 

und müssen, wird erneut durch die Projektförderung 

der Kulturstiftung des Bundes 

großzügig unterstützt. 

Als Pre-Showing der HYBRID Biennale 2024 

sind am 14.03. in Kooperation mit PYLON, 

Goethe-Institut Rotterdam und der neuen 

Dresdner Kreativ.Raum.Börse zur Stadtraum-Zwischennutzung 

ein HYBRID Box 

Projekt in der Dresdner Innenstadt und 

in Rotterdam geplant, am 15.03. folgt ein 

Konzertprojekt von Ryoji Ikeda und Ensemble 

Modern sowie rastermedia mit Frank 

Bretschneider, XURI und Cleworth im großen 

Saal im Festspielhaus Hellerau. 

www.hellerau.org 

FACT ist ein lebendiger, öffentlicher Raum, 

der mit Künstlern und Menschen zusammenarbeitet, 

um transformative Erfahrungen zu 

schaffen, die die Fantasie anregen und das 

Leben bereichern. Sie beauftragen und produzieren 

Kunstwerke, Ausstellungen, Projekte 

und Veranstaltungen, die Menschen zusammenbringen, 

sowohl physisch als auch 

virtuell. Als Zentrum für neue Geschichten 

und Visionen bieten sie Plattformen und Gelegenheiten 

für Menschen, der Welt von heute 

einen Sinn zu geben. 

www.fact.co.uk 

Tilburg (NL) 

music film festival 


Beim Musikfilmfestival dreht sich alles um 

Musik: Dokumentarfilme, Spielfilme und Musikvideos, 

wobei kein Musik- oder Filmgenre 

ausgeschlossen ist. Von Klassik bis Schlager, 

von Pop bis Rap bis Niederländisch. 

Das Musikfilmfestival dauert drei Tage und 

findet im Zentrum von Tilburg statt. In dieser 

Musikhauptstadt des Südens der Niederlande 

gibt es viele schöne Veranstaltungsorte, 

an denen sie Filmvorführungen, Interviews, 

Workshops und Live-Musik organisieren. 

www.musicfilm.nl 

Utrecht (NL) 

IMPAKT Zentrum für Medienkultur 

IMPAKT ist eine Organisation für Medienkunst 

mit Sitz in Utrecht und wurde 1988 

gegründet. Sie präsentiert kritische und kreative 

Ansichten über zeitgenössische Medienkultur 

und Kunst in einem interdisziplinären 

Kontext. Ihr Ziel ist es, wichtige Themen der 

digitalen und transglobalen Kultur zu identifizieren, 

indem sie sich auf die Beziehung 

zwischen Gesellschaft, Medien, Technologie 

und Kunst konzentriert. Sie untersucht 

Themen rund um Politik, Wissenschaft und 

Populärkultur aus verschiedenen Blickwinkeln. 

Ihr Ziel ist es, kreative und innovative 

Konzepte zu präsentieren und mit kritischen 

Ideen Debatten über gängige Überzeugungen 

in der Gesellschaft im Allgemeinen sowie 

über vorherrschende Auffassungen in Kunst 

und Wissenschaft anzuregen. 

www.impakt.nl

ZBIGGY | arttourist.com Jazz | Neue Musik | Elektro | 2024 Klang | 41 

Klang 

Creation by Marco Brambilla at Nxt Museum, 

The Netherlands 

Amsterdam (NL) 

Nxt Museum 

Nxt zeigt die Kunst der Zukunft, heute. Bewegung. 

Klang. Licht. Eine plötzliche Veränderung 

in Ihrer Umgebung kann eine unausweichliche 

Reaktion auslösen – eine Urreaktion. Sie ist unwillkürlich. 

Sie ist irrational. Sie ist natürlich. 

Wir können sie nicht kontrollieren, so ist der 

menschliche Körper verdrahtet. Kunst ergreift 

unsere Sinne. Sie überträgt Ideen, Gefühle und 

Geschichten. Sie verändert unsere Wahrnehmungen 

und fügt sie zu neuen Perspektiven 

zusammen. 

Das Nxt Museum ist das erste Museum in den 

Niederlanden, das sich der neuen Medienkunst 

widmet. Wir konzentrieren uns auf Kunst, die 

moderne Werkzeuge benutzt, um die moderne 

Zeit zu verkörpern. Wir glauben, dass die Werkzeuge, 

die im künstlerischen Ausdruck verwendet 

werden, die Zeit widerspiegeln, in der wir 

leben. Das macht sie zum perfekten Mittel, um 

die Komplexität unserer Zeit zu verstehen und 

uns zu ermöglichen, unsere Realitäten zu erkennen, 

in Beziehung zu setzen und darüber 

nachzudenken. 

www.nxtmuseum.com 

DARK-MATTER © Dark Matter GmbH 

Berlin 

DARK MATTER 

DARK MATTER ist ein Parallelkosmos aus 

raumgreifenden Lichtinstallationen, in dem 

die Grenzen zwischen realer und digitaler Welt 

verschwimmen. Mit DARK MATTER begibt sich 

der Besucher auf eine Reise durch sieben teilweise 

interaktive Werke. Licht, Bewegung und 

Klang verschmelzen zu emotionalen Choreografien 

aus leuchtenden Formen und Farben. 

Auf 1000 qm Ausstellungsfläche präsentiert 

DARK MATTER multimediale Installationen – 

von intimen kleinen Lichtkompositionen 

über begehbare interaktive Objekte bis hin zu 

raumfüllenden audiovisuellen Lichtshows mit 

weltweit einzigartigem 3D-Soundsystem. Jeder 

Raum entfaltet dabei eine ganz eigene Atmosphäre 

und ist doch Teil eines ganzheitlichen 

Erlebnisses für Besucher:innen jeden Alters. 

Hinter der Idee dieser zukunftsweisenden Erfahrung 

stehen Lichtkünstler Christopher 

Bauder und sein Designstudio WHITEvoid. Gemeinsam 

hat dieses Team schon Installationen 

wie „DEEP WEB“ oder „SKALAR“ im Kraftwerk 

Berlin umgesetzt sowie 2014 die 8000 leuchtenden 

Ballons der LICHTGRENZE anlässlich 

des Ereignisses von 25 Jahren Mauerfall erdacht 

und produziert. 

In Kooperationen mit weiteren innovativen 

Technologiepartnern wird sich DARK MATTER 

zum Ort eines einmaligen Experiments entwickeln. 

15 Jahre technische Innovation und 

kreative Vision bündeln sich in einer Sammlung 

von einzigartigen Lichtinstallationen, 

die teilweise noch nie zuvor öffentlich gezeigt 

wurden. 

www.darkmatter.berlin 

Berlin 

DYSTOPIA sound art biennial 2024 


Die DYSTOPIA Biennale ruft zur Einreichung 

von Vorschlägen für ihre nächste Ausgabe im 

Jahr 2024 auf, wobei der Schwerpunkt auf Indien 

liegt. Die Klangkunstausstellung, die unter 

dem Motto „dys/utopia“ steht, bringt ein 

breites Spektrum an Klangkunst-bezogenen 

künstlerischen Praktiken zusammen, darunter 

Installationen, Performances, experimentelle 

Musik, Hörsitzungen sowie Projekte im öffentlichen 

Raum. 

Als Genre der literarischen Fiktion haben Dystopien 

schon immer ein gewisses Maß an Realität 

in sich getragen. Dystopische Gesellschaften 

zeichnen sich durch autoritäre Herrschaft, 

technokratische Überwachung und Umweltzerstörung 

aus und sind zunehmend von ethnischem 

Nationalismus, globalen Pandemien 

und Klimakatastrophen geprägt. Es sind Orte, 

an denen der extraktive Kapitalismus die Existenz 

des Planeten bedroht, an denen Kriege 

wahllos gegen Zivilisten geführt werden und 

an denen die Möglichkeiten des Kampfes erschöpft 

zu sein scheinen. Wenn dystopisches 

Denken ein Versuch ist, uns vor der totalen 

Zerstörung der Allmende zu warnen, dann 

ist es eng mit utopischen Vorstellungen verbunden. 

Mit diesem offenen Aufruf lädt die 

DYSTOPIA Biennale Künstler:innen ein, neue 

Arbeiten zu entwickeln oder bereits bestehende 

zu präsentieren, die sich unseren dys/utopischen 

Topologien widersetzen und eine andere 

Welt wünschen. 

Nach den Eröffnungsausgaben des DYSTOPIA 

Festivals Berlin-Türkei 2018/2019 und Berlin- 

Brasilien 2020/2021 (Berlin-Russland 2022 

musste abgesagt werden), wird sich DYSTOPIA 

24 auf klangbezogene Praktiken konzentrieren, 

die auf dem indischen Subkontinent entstehen. 

www.dystopie-festival.net 

Bonn 

stadtklangkünstlerin + künstler 

bonn 2024 

Für das neue Jahresprojekt wurden die in 

Düsseldorf lebenden und arbeitenden Künstler:innen 

Miki Yui und Stefan Schneider von 

der Beethovenstiftung zu Stadtklangkünstlerin 

und Stadtklangkünstler Bonn 2024 berufen. 

In engem Austausch mit Wissenschaftler:innen 

des Instituts für Sprach-, Medien- und Musikwissenschaft 

der Universität Bonn und der 

Universität Cape Coast (Ghana) konzentrieren 

sich die beiden Künstler:innen auf das westafrikanische 

Ghana, u.a. wegen der zentralen Rolle 

von gemeinschaftlichem Denken und Handeln 

in den lokalen traditionellen Musikkulturen 

Ghanas. Nach zwei Forschungsresidenzen dort 

werden Miki Yui und Stefan Schneider zunächst 

in Cape Coast, der Projektpartnerstadt 

von Bonn, ihre ersten künstlerischen Ergebnisse 

präsentieren. Im Anschluss entwickeln sie 

ein größeres künstlerisches Projekt, das sie im 

September 2024 zum Beethovenfest in Bonn 

realisieren werden. 

www.soundforum.info 

Satin © Satin 

Berlin 

Klangwerkstatt Berlin 2024 

Festival für Neue Musik 

Nono 100 

8.–17.11.2024 

Miki Yui & Stefan Schneider, ArtJunk 

© Roman Szczesny 

Vom 8. bis zum 17. November 2024 findet im Kreuzberger Kunstquartier 

Bethanien die 34. Ausgabe der Klangwerkstatt Berlin – Festival für 

Neue Musik statt. Das Festival umfasst 21 Konzerte, Performances, Familienkonzerte, 

Kinder- und Jugendensembles und Mittagsmusiken 

mit Imbiss. Zu Gast sind herausragende Berliner:innen, nationale und 

internationale Ensembles und Künstler:innen aller Generationen mit 

zahlreichen Ur- und deutschen Erstaufführungen. Moderationen und 

Gespräche bieten Einblicke und Gelegenheit zum Austausch mit den 

Künstler:innen. 

Die Klangwerkstatt Berlin 2024 steht anlässlich des 100. Geburtstages 

Luigi Nonos unter dem Titel „Nono 100“. Dieser Titel ist nicht 

als Thema im Sinne einer Retrospektive zu verstehen. Er möchte über 

Gallneukrichen (A) 

KLANGfestival 2024 


Das KLANGfestival präsentiert von 5. bis 6. 

Juli 2024 zum Leitmotiv „Zuneigung: Unboxing 

Society“ ein experimentell-künstlerisches 

Programm, das sich den aktuellen gesellschaftlichen 

Herausforderungen widmet. „UNBO- 

XING SOCIETY“ verkörpert den Innovationsdrang 

und die Experimentierfreude. Der Fokus 

© André Fischer/Klangwerkstatt Berlin 2 

liegt auf dem Schaffen von Verbindungen zwischen 

zeitgenössischen Ansätzen und Kunstsparten. 

Dabei werden sowohl traditionelle als 

auch avantgardistische Formate genutzt, um 

Neuland in der Kunst zu betreten und bestehende 

Grenzen zu überwinden. 

Das Festival und das gesamte Jahresprogramm 

legen besonderen Wert auf interkulturelle, 

inklusive und partizipative Maßnahmen. Es 

fungiert als Knotenpunkt zwischen aktuellen 

künstlerischen und kulturellen Entwicklungen. 

Hierbei spielt die Kunst- und Kulturvermittlung 

eine zentrale Rolle, um ein Bewusstsein 

für die gegenwärtigen kreativen Strömungen 

zu schärfen. 

Das KLANGfestival 2024 findet zum zweiten 

Mal im Alten Hallenbad und erstmals auch in 

der Evangelischen Kirche Gallneukirchen statt. 

Als Green Event verbindet das KLANGfestival 

zudem regionale Verwurzelung mit internationalen 

Impulsen. 

Altes Hallenbad Gallneukirchen 

www.klangfestival.at 

Lyon (F) 

Nuits sonores 


Nuits sonores durables et solidaires (NSDS) ist 

ein Programm, das 2010 von der Vereinigung 

Arty Farty, den Organisatoren von Nuits Sonores, 

ins Leben gerufen wurde. Sein Ziel ist es, 

mit konkreten Maßnahmen das Engagement 

des Festivals für zeitgenössische wirtschaftliche, 

soziale und ökologische Fragen öffentlich 

zu machen und einen Beitrag zu den umfassenderen 

Bemühungen der Akteure der Kulturund 

Kreativwirtschaft zu leisten. 

Diese Verantwortung lässt sich heute in wichtige 

Themen wie Zugänglichkeit, Umwelt, 

Integration und Solidarität sowie Prävention 

untergliedern. Die Teams des Festivals ergrei- 

das herausragende Werk des Komponisten zu einer erweiterten Wahrnehmungsperspektive 

aktueller Musik anregen, indem er nach dem 

Zukunftsweisenden und nach wie vor Aktuellen in der Musik Nonos 

fragt. 

Kunstquartier Bethanien – Berlin-Kreuzberg | www.klangwerkstatt-berlin.de

42 | Klang 


fen daher Maßnahmen in verschiedenen Bereichen, 

darunter die Zugänglichkeit des Festivals 

für Menschen mit Behinderung, die Abfallwirtschaft, 

die Mobilität, die verantwortungsvolle 

Kommunikation, die Wiederverwendung und 

der verantwortungsvolle Einkauf, die Restaurierung, 

die Bekämpfung geschlechtsspezifischer 

und sexistischer Gewalt, Risikominderung, 

Vorbeugung von Gehörschäden und 

Lärmbelästigung sowie die Entwicklung eines 

Programms, das sowohl für die lokale als auch 

für die internationale Szene repräsentativ ist 

und aktuelle Themen aufgreift. 

www.nuits-sonores.com 

Portrait of Shala Miller, lead vocalist in Sable Elyse 

Smith’s If you unfolded us, 2024. | © Naima Green 

New York (USA) 

Studio Sound: Sable Elyse Smith 

Juli 2024 

Die zweite jährliche Präsentation von Studio 

Sound – einer Performance-Reihe, die Künstler 

und Musiker fördert, deren Arbeit neue Möglichkeiten 

für Klang und Musik bietet – wird 

von der interdisziplinären Künstlerin und Autorin 

Sable Elyse Smith präsentiert. In dieser 

fortlaufenden Reihe werden auditive Kunstformen 

durch Live- und aufgezeichnete Performances 

erforscht und eine erweiterte Kunstgeschichte 

geschrieben, in der Klang eine zentrale 

Rolle spielt. 

Smiths Arbeit schöpft aus dem Erbe der Konzeptkunst, 

indem sie Video, Skulptur, Fotografie, 

Text und nun auch Sound einsetzt, um 

sich mit den alltäglichen und allgegenwärtigen 

Auswirkungen der systemischen Unterdrückung 

auseinanderzusetzen. Im MOMA wird 

Smith eine neue Musikkomposition und eine 

Videoinstallation in Form einer Oper präsentieren, 

die während der Öffnungszeiten des Museums 

zu sehen sein wird und für die Eintrittskarten 

erworben werden können. Das Werk 

ist Teil eines größeren Projekts und erzählt 

die Geschichte einer queeren Liebe zwischen 

zwei schwarzen Frauen in einer surrealen Umgebung. 

Die Performance, die sich über mehrere 

Szenen erstreckt, erforscht das politische, 

kollektive und dramatische Potenzial der Stimme 

sowie die Art und Weise, wie sich Sprache 

durch klanglichen Ausdruck auflöst. 

MOMA | www.moma.org 

Tanita Olbricht | © Katharina Lohmeyer 

Osnabrück 

European Media Art Festival 

Festival 24.–28.4.2024 

Ausstellung 24.4.–26.5.2024 

In Filmen, Installationen, Soundarbeiten, Performances 

und Wortbeiträgen geht der Themenschwerpunkt 

Feelers, Sensors in diesem 

En amour | © Joachim Bertrand – Philharmonie de Paris 

Paris (F) 

„En amour“ 

Adrien M & Claire B – Création musicale Laurent Bardainne 

Bis 25.8.2024 

„En amour“ ist ein immersives und interaktives Erlebnis an der Schnittstelle zwischen darstellendem Spiel, Performance und Installation der 

visuellen Kunst. Es ist Teil der Rituale, die von Adrien M & Claire B als kollektive und zugleich intime Experimentierräume konzipiert wurden, 

die unter der Ägide einer starken Sanftheit stehen. 

Der Körper des Publikums wird eingeladen, eine temporäre, freie und organische menschliche Choreografie zu bilden. Das Installations-Experiment 

„Dernière minute“ leitete diese Reihe im Jahr 2022 ein. Für „En amour“ komponiert der Musiker Laurent Bardainne ein neuartiges Klangerlebnis, 

das sensiblen Pop, elektronische Musik und die Stimme der Sängerin November Ultra in einem zarten Geflecht mit den Bildern vereint. 

Musée de la musique 

www.philharmoniedeparis.fr/fr/musee-de-la-musique 

Jahr der Frage nach, welche Rolle die sinnliche 

Wahrnehmung für die menschliche und 

nichtmenschliche Erfahrung von Welt spielt 

und wie ein technologisch erweitertes Sensorium 

die Orientierung und Interaktion in der 

Welt verändert, sie anders teil- und mitteilbar 

macht. 

www.emaf.de 

Lukas_Berchtold-Balladrum | © Ketty Bertossi 

Oltingen (CH) 

Festival Rümlingen 2024 

AUSKLNKEN – AUFWACHEN 

24.–25.8.2024 

24 Künstler bespielen über 24 Stunden ein abgelegenes 

Dorf im Baselbiet (CH). Es geht um 

Heimat, dörfliches Dasein, Weggehen und 

Heimkehren. Wer will, darf im Dorf übernachten 

oder zum Sonnenaufgang wiederkommen. 

Die künstlerische Leitung (Andreas Eduardo 

Frank und Sylwia Zytynska) macht aus Oltingen 

ein Proto-Dorf der musikalischen Gegenwart. 

Mit Uraufführungen von: Romane Bouffioux 

(FRA/CH), Léo Collin (CH), Rama Gottfried 

(US/CH), Wolfgang Heiniger (CH), Urban Mäder 

(CH), Aya Metwalli (EGY), Marina Tantanozi 

(CH), Violetta Garcia (ARG), Michel Robin 

(CH), Daniel Ott (CH), Anna Sowa (CH/PL). 

www.neue-musik-ruemlingen.ch 

Experimance Festival | © Sascha Markus 

Saarbrücken 

EXPERIMANCE FESTIVAL 

12.–14.7.2024 

Vom 12. bis 14. Juli findet das transdisziplinäre 

Experimance Festival in Saarbrücken statt. 

Das bedeutet: KLANGKUNST, EXPERIMEN- 

TELLE MUSIK UND PERFORMANCE halten 

endlich wieder Einzug in die Stadt. Im Sektor 

Heimat, dem Silodom und dem gesamten Außenbereich 

des Kulturguts Ost bieten wir ein 

vielgestaltiges und spannendes Programm auf 

einem Gelände. Von Freitag bis Sonntag gibt 

es dort Kunst im Außenbereich der Kulturstätten, 

eine Ausstellung, Konzerte, Performances, 

Musik, partizipative Formate wie Workshops 

und eine Clubnacht. Inhaltlich stehen dabei 

selbstgebaute Klangerzeuger, einzigartige Instrumentarien, 

eigenartige Spielmethoden, ortsspezifische 

Klanginstallation sowie interaktive 

Kunstwerke und partizipative Formate im Zentrum. 

www.experimance.de 

Francesco Filidei © Oliver Roller 

Schwaz (A) 

KLANGSPUREN SCHWAZ 

TIROLER FESTIVAL FÜR NEUE MUSIK 

„Konspirationen“ 


Die diesjährige Klangspuren Festivalausgabe 

mit dem Thema „Konspirationen“ will in Zeiten 

der zunehmenden Polarität den Fokus auf 

Verbindendes richten. Konspiration ist dabei 

– im Gegensatz zum landläufigen Verständnis 

des Begriffes als Aufruf zur Verschwörung – zu 

interpretieren als Inspiration zum kollektiven 

Erleben. Die ursprüngliche Bedeutung von 

„Conspiratio“ weist nämlich auf ein „Miteinander-Atmen“ 

hin und bedeutet wertneutral 

oder sogar im positiven Sinne Gemeinschaft 

und Verbundenheit. Was das konkret bedeuten 

kann, zeigen in diesem Jahr künstlerisch 

sehr unterschiedliche Projekte und Formate 

zwischen musikalischen Performances und 

Installationen, Musiktheater und hybriden 

Programmen, zwischen Alter und Neuer Musik 

sowie zwischen kreativen Kooperationen 

und Improvisationsmusiken. Und selbstverständlich 

finden sich auch im diesjährigen Programm 

zahlreiche Ur- und österreichische Erstaufführungen 

junger Komponist:innen sowie 

Orchesterwerke und Soloperformances wieder. 

Und auch Jubilare der zeitgenössischen Musik 

werden im Festival 2024 gefeiert. 

Die Klangspuren Schwaz haben seit jeher den 

Akademiegedanken fest verankert und setzen 

diesen auch heuer fort. Das Composers Lab, Teil 

des Klangspuren Future Lab, ist ein Programm

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für junge internationale Komponist:innen, die 

im Rahmen der Meisterklasse mit renommierten 

Komponist:innen und Interpret:innen an 

ihren Uraufführungen arbeiten. 2024 konnten 

Chaya Czernowin, Francesco Filidei und NA- 

MES, das diesjährige Ensemble in Residence, 

dafür gewonnen werden. Sie sind auch mit 

Werken und Konzerten im Festival vertreten. 

www.klangspuren.at 

Terres de l’Ebre (E) 

Eufònic 


Eufònic ist ein Festival für Klang, visuelle und 

digital-performative Kunst, das seit 2012 in 

Terres de l’Ebre, 200 km südlich von Barcelona, 

stattfindet. Eufònic präsentiert außergewöhnliche 

Kunst im weitesten Sinne: audiovisuelle 

Performances, Workshops, Installationen in 

Museen, Klangaktionen, Schulungen und Seminare, 

Programme für Kinder und Konzerte 

in einzigartigen Räumen. Die Einzigartigkeit 

der Landschaft der Terres de l’Ebre im Allgemeinen 

und des Deltas des Flusses Ebre im Besonderen 

ist das vertebrale und differenzierende 

Element des Festivals, das Eufònic zu einem 

in der Landschaft verankerten Klang- und Bilderlebnis 

macht. 

Amposta, Tortosa, Campredó, Miravet, Roquetes 

und Ulldecona sowie Naturräume im Ebre- 

Flussdelta sind Schauplätze der wichtigsten Aktivitäten 

(Kunstinstallationen, Performances, 

Klangaktionen, musikalische oder audiovisuelle 

Darbietungen). Eufònic Pro in Tortosa bietet 

Präsentationen, Panels und Speed-Meetings 

mit nationalen und internationalen Referenten. 

Eufònic Campus präsentiert eine Reihe 

von Workshops und partizipativen Aktivitäten, 

die eng mit dem Kontext verbunden sind. 

www.eufonic.net 

Klangweg Toggenburg | © Toggenburg Tourismus 

Toggenburg (CH) 

Klangweg 

zwischen Erlebnis, Natur, 

Kunst und Klang. 

Neueröffnung 18.5.2024 

Der Klangweg ist das Aushängeschild der 

Klangwelt Toggenburg. Bis zu 50.000 Menschen 

jährlich besuchten in den letzten 20 Jahren 

den einmaligen Themenweg am Fuße der 

Churfirsten. Jetzt wurde der Klangweg erneuert 

und überarbeitet. Die schönsten und wichtigsten 

Werke des bestehenden Weges wurden 

sorgfältig restauriert. Über 15 neue Klangkunstwerke 

gibt es zu entdecken. 

Der neue Klangweg ist Erlebnisraum für Kinder 

und Erwachsene – er ist Erkundungsraum für 

Natursuchende, Wanderlustige, Erholungsbedürftige, 

Kunstinteressierte sowie Musik- und 

Klangbegeisterte – ein Exkursionsfeld für Schulen 

und Bildungseinrichtungen oder sensueller 

Erfahrungsraum für unterschiedliche berufliche 

Fachrichtungen zwischen Philosophie, 

Ökonomie und Ökologie und ausgehend vom 

Klanghaus als „Nukleus“ der Klangwelt ein 

wertvoller Inspirationsraum für alle. 

www.klangwelt.swiss 

Impulskugel Sensorium 

Walkringen (CH) 

20 Jahre Sensorium 

Das Sensorium basiert auf den Ideen von Hugo 

Kükelhaus, dem Gründer dessen, was er selbst 

„die Felder des Experimentierens“ nannte. 

Es ist ein Konzept, das nach der Weltausstellung 

von Montreal 1967 entwickelt wurde, 

an der Hugo Kükelhaus eingeladen war, seine 

Arbeiten als Vertreter Deutschlands zu präsentieren. 

So wurden seine Objekte, die auf die 

außergewöhnlichen Funktionen unserer Wahrnehmungen 

aufmerksam machten, Gegenstand 

einer Dauerausstellung, die sich als etwas 

zwischen Themenpark, Wissenschaftszentrum 

und Museum definiert. 

In Frauenfeld entstand das erste Sensorium 

für einen festen Zeitraum von vier Jahren. Anschließend 

fand man für die rund 40 Stationen, 

die damals das Experimentierfeld bildeten, 

das Rüttihubelbad als neuen Standort. Im 

Jahr 2004 wurde das Sensorium in der Stiftung 

Rüttihubelbad aufgenommen, um zum „Sensorium 

im Rüttihubelbad“ zu werden, wie wir 

es heute kennen. Seitdem ist es als Museum 

stetig gewachsen und empfängt aktuell an 70 

Stationen und einer jährlich neu konzipierten 

Themenausstellung rund 56.000 Besucher:innen 

pro Jahr. 

In einer Welt, in der die digitalen Medien, speziell 

im öffentlichen Bildungswesen, eine immer 

wichtigere Rolle spielen, hat sich das Sensorium 

die Aufgabe gestellt, allen Leuten zu 

ermöglichen, die Welt durch die Sinneswahrnehmungen 

zu erleben und zu verstehen. 

Hugo Kükelhaus und weitere Gleichgesinnte 

haben immer wieder darauf hingewiesen, dass 

das Handeln im Mittelpunkt der Entwicklung 

des Menschen steht. Dazu bietet das Sensorium 

den notwendigen Raum, sowohl einfache 

wie auch außergewöhnliche Sinnesempfindungen 

zu erleben – in geschützter Umgebung 

und ohne elektronische Hilfsmittel. 

Das Sensorium feiert 2024 sein 20-jähriges 

Bestehen. Das Jubiläumsjahr wird von einer 

handverlesenen Auswahl an kulturellen Anlässen 

umrahmt: Konzerte, Lesungen, Extraführungen, 

abendliche Öffnungszeiten und 

die Sonderausstellung „Leben ist Schwingung“. 

www.ruettihubelbad.ch 

Kunst 

Nancy Holt, Electrical System, 1982, Installationsansicht 

(Detail), Gropius Bau, 2024 © Holt/Smithson 

Foundation, VG Bild-Kunst, Bonn 2024, Courtesy: 

Sprüth Magers, Foto: Luis Kürschner 

Berlin 

Nancy Holt: Circles of Light 

Experimente mit Sound, Bild und 

Objekten 1966-1986 

22.3.–21.7.2024 

Über fünf Jahrzehnte hinweg beschäftigte sich 

Nancy Holt damit, wie wir unsere Umwelt 

wahrnehmen und unseren Platz auf der Oberfläche 

dieses Planeten zu verstehen versuchen. 

Mit Circles of Light zeigt der Gropius Bau ab 

März 2024 die bislang umfassendste Überblicksausstellung 

der Künstlerin in Deutschland. 

Die Ausstellung umfasst unter anderem 

Film, Video, Fotografie, Soundarbeiten, konkrete 

Poesie, Skulpturen und raumgreifende 

Installationen sowie Zeichnungen und Dokumentationen 

aus über 25 Jahren. 

In ihrer Praxis dachte Nancy Holt ortsspezifische 

Installationen und die Arbeit mit natürlichem 

und künstlichem Licht neu. Sie thematisierte 

schon früh ökologische Aspekte und 

bezog die Erdrotation, Astronomie sowie Zeit 

und Ort in ihre Skulpturen ein – und forderte 

uns so immer wieder dazu auf, jenseits dessen 

zu blicken, was wir zu wissen glauben. Holts 

Arbeitsweise soll in der Ausstellung im Gropius 

Bau durch Texte und Aufnahmen der Künstlerin 

besondere Präsenz verliehen werden. 

Gropiusbau | www.berlinerfestspiele.de 

Nevin Aladağ, Raise The Roof (Venice), Videostill, 

2017, Video, 8:24 min, © VG Bild-Kunst, Bonn 2024, 

Foto © Raphael Beinder 

Brühl 

Nevin Aladağ – INTERLOCKING 

10.3.–30.6.2024 

Nevin Aladağ (lebt und arbeitet in Berlin) gehört 

zu den international renommiertesten 

Künstler:innen der Gegenwart. Mit ihren Installationen, 

Performances und Videoarbeiten 

war sie etwa auf der Biennale von Venedig (im 

Jahr 2017) oder der documenta 14 vertreten. 

Musik und Klang, Tanz, Textil und Ornamente 

spielen eine große Rolle in ihrem Werk. Die 

Überblicksausstellung INTERLOCKING (Ineinandergreifen) 

zieht mit textilen Collagen, 

Klangskulpturen, Installationen und Videos 

Verbindungslinien zwischen unterschiedlichen 

Mustern künstlerischen Schaffens und deren 

soziokulturellen Hintergründen. Das Herstellen 

solcher Zusammenhänge ist ein Hauptthema 

in Nevin Aladağs umfangreichem Werk. 

Max Ernst Museum 

www.maxernstmuseum.lvr.de 

Till Brönner, Cellists Berlin Philharmonics 2014 

© Till Brönner 

Budapest (HUN) 

Till Brönner: „Identity – 

Landscape Europe“ 

4.4. – 25.8.2024 

Vom 14. April bis zum 25. August 2024 

präsentiert das Ludwig Múzeum – Museum for 

Contemporary Art in Budapest die Ausstellung 

IDENTITY – LANDSCAPE EUROPE des Musikers 

und Fotografen Till Brönner. Auf mehr 

From Voices to Images 2, Oskar Sala, 1995 | © Reiner Pfisterer 

Bietigheim-Bissingen 

Reiner Pfisterer – »From Voices to Images« 

12.5. – 22.9.2024 

Der in Bietigheim-Bissingen ansässige Fotograf Reiner Pfisterer (*1967) hat sich über Jahrzehnte 

insbesondere mit Musikfotografie aller Sparten einen Namen gemacht. Er begleitete 

die Toten Hosen ebenso wie die Brenz Band oder das Stuttgarter Kammerorchester auf ihren 

weltweiten Konzertreisen. Dabei hält er nicht nur die Live-Auftritte in außergewöhnlichen 

Aufnahmen fest, sondern interessiert sich auch für den Alltag der Musiker*innen auf Tour, die 

Situationen hinter der Bühne und den Kulissen. Ein besonderes Anliegen sind Reiner Pfisterer 

Langzeitprojekte wie die Fotoserie „Die Rückkehr der Musik“, eine Hommage an die Kulturschaffenden, 

die in Zeiten der Corona-Pandemie neue Wege suchten, um Musik erlebbar zu 

machen. Die Werkschau in der Städtischen Galerie, die Einblick in das vielfältige Schaffen 

des gefragten Fotografen gibt, findet im Rahmen des Projekts „BiBi Pop“ statt, dass die bemerkenswerte 

Musikgeschichte von Bietigheim-Bissingen im Sommer 2024 in verschiedenen 

Ausstellungen und Veranstaltungen präsentiert. 

Städtische Galerie Bietigheim-Bissingen | www.galerie.bietigheim-bissingen.de

44 | Kunst | Frankfurt 


Frankfurt 

The Culture 

Hip-Hop und zeitgenössische Kunst im 21. Jahrhundert 

29.2.–26.5.2024 

Anlässlich seines 50. Geburtstags widmet die Schirn Kunsthalle Frankfurt dem Hip-Hop 

und seinem tiefgreifenden Einfluss auf die aktuelle Kunst und Kultur unserer Gesellschaft 

vom 29. Februar bis 26. Mai 2024 eine große, interdisziplinäre Ausstellung. 

Hip-Hop entstand in der Bronx im New York 

der 1970er-Jahre als kulturelle Bewegung unter 

Schwarzen und lateinamerikanischen Jugendlichen. 

Durch große Blockpartys entwickelte 

er sich schnell zu einer Kultur, die auf 

den vier Säulen MCing oder Rappen, DJing, 

Breaking oder Breakdance und Graffiti gründet. 

Von Anfang an übte Hip-Hop Kritik an 

vorherrschenden Strukturen und kulturellen 

Erzählungen und bot neue Möglichkeiten, 

um diasporische Erfahrungen auszudrucken 

und Alternativen zu bestehenden Machtverhältnissen 

zu schaffen. Dies ging mit einem 

wachsenden sozialen und politischen Bewusstsein 

sowie Wissensbildung einher, die 

als fünfte Säule gelten. Heute ist Hip-Hop ein 

globales Phänomen, das zahlreiche Innovationen 

in Musik, Mode, Technologie sowie 

bildender und darstellender Kunst vorangetrieben 

hat. 

Basierend auf den Ursprüngen des Hip-Hop 

in den USA präsentiert die Ausstellung „THE 

CULTURE“ über 100 Arbeiten, zumeist aus 

den letzten 20 Jahren, darunter Gemälde, Fotografien, 

Skulpturen und Videos sowie Mode 

von international bekannten Künstler:innen 

der Gegenwart, darunter Lauren Halsey, Julie 

Mehretu, Tschabalala Self, Arthur Jafa, Kahlil 

Joseph, Virgil Abloh und Gordon Parks. 

Sie gliedert sich in die sechs Themenbereiche 

Pose, Marke, Schmuck, Tribut, Aufstieg 

und Sprache. „THE CULTURE“ beleuchtet 

die politischen, kulturellen und ästhetischen 

Merkmale, die Hip-Hop zu einem globalen 

Phänomen gemacht und ihn als künstlerischen 

Kanon unserer Zeit etabliert haben. 

Die Ausstellung greift zudem zeitgenoössische 

Themen und Debatten auf – von Identität, 

Rassismus und Appropriation bis hin zu 

Sexualität, Feminismus und Empowerment. 

Schirn Frankfurt | www.schirn.de 

Rammellzee und K-Rob, mit Jean-Michel Basquiat, 

Beat Bop/Test Pressing, 1983, Nachdruck 2001, Vinylplatte, 

31,1 × 31,1 cm, The Museum of Modern Art, 

New York. Commitee on Prints and Illustrated Books 

Fund, 2013, © Rammellzee Estate. Digitales Bild © 

The Museum of Modern Art/Lizenziert von SCALA/Art 

Resource, NY 

Zéh Palito, It was all a dream, 2022, Acryl auf Leinwand, 

170x175 cm, Courtesy the artist, Simões de 

Assis and Luce Gallery | © Zéh Palito 

Weitere Ausstellungen 

Die Ausstellung „THE CULTURE“ in der Schirn 

wird im Kunstverein Familie Montez mit der 

Videoinstallation ISDN (2022) von Stan Douglas 

fortgesetzt sowie erweitert durch eine Ausstellung 

rund um Milestones des Hip-Hop im 

MOMEM – Museum Of Modern Electronic Music, 

eine Aktion des Diamant Offenbach: Museum 

of Urban Culture und eine Filmreihe zur 

50-jährigen Geschichte des Hip-Hop im DFF – 

Deutsches Filminstitut & Filmmuseum. 

Monica Ikegwu, Open/Closed, 2021, 

Öl auf Leinwand, je 121,9 × 91,4 cm, 

Courtesy der Künstlerin und Galerie Myrtis 

© Monica Ikegwu

ZBIGGY | arttourist.com Jazz | Neue Musik | Elektro | 2024 Kunst | 45 

als 450 Quadratmetern werden rund 80 Fotografien, 

darunter zahlreiche neue Arbeiten, der 

Öffentlichkeit gezeigt. Ergänzt wird die Einzelausstellung 

durch ein Rahmenprogramm aus 

Vorträgen, musikalischen Interventionen und 

Panels. Till Brönner, renommierter Jazz-Musiker 

und Fotograf, fängt durch die Linse seiner 

Kamera den kulturellen Facettenreichtum des 

Kontinents Europa ein. Ausgangspunkt der 

Ausstellung IDENTITY – LANDSCAPE EUROPE 

ist die 2019 im Auftrag der Brost-Stiftung und 

der Stiftung für Kunst und Kultur e.V. Bonn 

entstandene Serie MELTING POTT, für die der 

Künstler durch eine der vielfältigsten und ambivalentesten 

Regionen Deutschlands zog – das 

Ruhrgebiet. In der Ausstellung über das Ruhrgebiet 

konnte man eine persönliche, man kann 

sagen humanistische Haltung in den Fotografien 

erkennen und genau diese Thematik in der 

Darstellung und in der Dokumentation sowohl 

des Ruhrgebiets wie auch in der Darstellung 

der europäischen Landschaften insgesamt, machen 

das deutlich. Das Ruhrgebiet, eine große 

Industrielandschaft, die einst das Synonym für 

das deutsche Wirtschaftswunder darstellte, ist 

heute das Beispiel eines internationalen Weltbildes 

und Ausdruck neuer Lebenshaltung. 

Ludwig Múzeum – Museum for Contemporary Art 

www.ludwigmuseum.hu 

Ausstellungsansicht Klangquellen everything is music. 

Weltkulturen Museum, Foto © Wolfgang Guenzel 

Frankfurt 

„Klangquellen. Everything is Music!“ 

Eine Reise durch Klänge aus aller 

Welt 


Das Weltkulturen Museum präsentiert die Ausstellung 

„KLANGQUELLEN. Everything is Music!“ 

„Jede und jeder von uns ist tagtäglich und jederzeit 

von Klängen umgeben. Sie können laut 

oder leise, hart oder sanft, schrill oder dezent 

sein. Mit der Ausstellung „KLANGQUELLEN. 

Everything is Music!“ widmet sich das Weltkulturen 

Museum in Frankfurt dem Thema Klang 

auf vielfältige Art und Weise. Im Blickpunkt der 

Ausstellung stehen das Verhältnis von Umwelt, 

Klang und Mensch und die Frage, wie unsere 

Umgebung unsere Hörwahrnehmung beeinflusst. 

Die Schau bietet eine breite Sammlung 

an Instrumenten aus der ganzen Welt und 

an Exponaten, die man nicht zwangsläufig in 

einer Ausstellung über Musik erwartet. Über 

einen Audioguide können Besucherinnen und 

Besucher in die Welt von „KLANGQUELLEN“ 

eintauchen und einen Hörparcours mit mehr 

als 25 Stationen erleben. Dazu gibt es ein vielversprechendes 

Begleitprogramm mit Workshops 

und sechs Konzerten. 

Weltkulturen Museum 

www.weltkulturenmuseum.de 

Gronau 

rock’n’popmuseum Gronau 

Hören, sehen, fühlen: 

Das rock’n’popmuseum schafft mit seinem Ausstellungskonzept 

Gänsehaut-Momente wie bei 

einem Live-Konzert. In der Ausstellung finden 

alle Altersgruppen ein multimediales Erlebnis 

aus Sounds, Bildern und Exponaten. Multimediale 

und interaktive Elemente machen den 

Besuch zu einem unvergesslichen Erlebnis. Ein 

Höhepunkt wartet bereits am Eingang auf die 

Besucher: Gronaus berühmtester Sohn, Rocklegende 

Udo Lindenberg, begrüßt auf einer Multimonitor-Animation 

jeden höchstpersönlich. 

Die Besucher dürfen sich auf einen thematisch 

und gestalterisch faszinierenden Gang durch die 

Dimensionen der Popmusik freuen. Aufwendig 

inszenierte Showcases formieren Themeninseln, 

die sich inhaltlich um Begriffe wie Rebellion, 

Live on Stage oder Performance gruppieren. 

www.rock-popmuseum.de 

Anton Bruckner © OÖ Landes-Kultur GmbH. Sammlung 

Bibliothek, Inv. Nr. PF I 3_4_Anton Bruckner 

Linz (A) 

Wie alles begann. 

Bruckners Visionen 

4.5.–27.10.2024 

Denkt man an Anton Bruckner, dann denkt 

man an seine Messen und Sinfonien aus seiner 

zweiten Lebenshälfte. Für seine lange persönliche 

und künstlerische Entwicklung bis hin zu 

diesen Spitzenleistungen aber war das Augustiner-Chorherrenstift 

St. Florian von entscheidender 

Bedeutung. Insgesamt 13 prägende Jahre 

verbrachte er zunächst als Sängerknabe, später 

als Lehrer und Stiftsorganist in einem Umfeld, 

das von einem aufgeklärten, den Wissenschaften 

und dem gesellschaftlichen Leben gegenüber 

aufgeschlossenen Katholizismus geprägt war. 

Dort, in einem „Ort von Welt“, suchte der junge 

Dorflehrerssohn zäh und auch konfliktreich seine 

Identität als Künstler. 

Im Archiv des Stiftes befindet sich eine Vielzahl 

von Dokumenten, die Licht in diese entscheidende 

Lebensphase mit all ihren Chancen und 

Risiken bringen. Sie werden nun zum ersten 

Mal in einer Ausstellung umfassend gezeigt, 

kommentiert und medial mit Hörstationen und 

einem dokufiktionalen Film vermittelt. Ein vermintes 

Feld der Vorurteile und Fehldeutungen 

hat uns die ältere Bruckner-Literatur hier hinterlassen. 

Vom „mystischen Dämmer“ des Stiftes 

war da die Rede. Das Thema „Bruckner und St. 

Florian“ wird nun in den Ausstellungsinnenräumen 

auf neue Weise veranschaulicht. 

Im Innenhof des Stiftes St. Florian wird ein besonderes 

Erlebnis für Besucher:innen geboten. 

Hier stehen mehrere monumentale und weltweit 

einzigartige, vom Linzer Architekturbüro 

MARCH GUT konzipierte Anton-Bruckner-Pavillons. 

Diese laden Besucher:innen ein, mittels 

multimedialer Präsentationen Bruckners Träume 

und Visionen zu erleben. Der erste bietet die 

Möglichkeit, ins weltgrößte Archiv von Bruckners 

Tonträgern reinzuhören. Das Archiv weist 

mehr als 4.000 Tonträger auf. Im nächsten Bruckner-Pavillon 

werden Passagen aus Bruckners Lebensgeschichte 

vorgelesen, und im letzten kann 

man künstlerische Filme sehen, darunter einige 

Auftragswerke, die Bruckner und sein Wirken 

thematisieren. Jeder dieser Pavillons kann bis zu 

25 Personen aufnehmen. Das Programm wechselt 

täglich, wobei Besucher:innen die Möglichkeit 

haben, selbst aktiv ins Programmgeschehen 

einzugreifen, um sich dadurch spezifische Inhalte 

zu vergegenwärtigen. Das Angebot richtet sich 

sowohl an allgemein Interessierte als auch an 

Expert:innen. 

Stift St. Florian 

www.anton-bruckner-2024.at/ausstellung/ 

Ines Doujak, Sing mit!, Temporäres Kunstprojekt im Stadtraum Wien, 2019/20 

© eSeL.At – Lorenz Seidler/KÖR GmbH, 2019 

Linz (A) 

Komm, sing mit! 

4.10.2024 – 5.1.2025 

Im Rah men des Anton Bruck ner Jah res 2024 wid met sich die Aus stel lung dem Aspekt des 

gemeinsamen Singens aus der Perspektive zeitgenössischen Kunstschaffens. Dabei versammelt 

die Schau rund 20 natio na le und inter na tio na le Posi tio nen, für die Gesang ein ele menta 

rer Bezugs punkt inner halb ihrer künst le ri schen Pra xis ist. Die gezeig ten Arbei ten grei fen das 

Sin gen in sei nen unter schied li chen Bedeu tungs ebe nen auf: sei es als Aus druck der eige nen 

Identität, als Möglichkeit des interkulturellen Austauschs, als Mittel zum (politischen) Protest 

oder als eine gemeinschaftsbildende Praxis innerhalb heutiger Gesellschaften. 

Videos, Klang- und Soundinstallationen sowie performative Projekte, die teilweise extra für 

die Schau entstehen, werden in einer attraktiven Ausstellungsarchitektur im großen Saal des 

Lentos prä sen tiert. Die Aus stel lung lädt die Besucher:innen dazu ein, die Rol le des gemein samen 

Sin gens im Kon text der zeit ge nös si schen Kunst zu erkunden. 

Lentos | www.lentos.at 

Yoko Ono and John Lennon, Bed-In for Peace, Amsterdam, 

1969. © YOKO ONO 

London | Düsseldorf (GB | D) 

YOKO ONO 

London, Tate Modern bis 1.9.2024 

Kunstsammlung 

Nordrhein-Westfalen 

28.9.2024–16.3.2025 

Die Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen 

präsentiert in Kooperation mit der Tate Modern 

ab Ene September 2024 das bahnbrechende 

und einflussreiche Werk der Künstlerin 

und Aktivistin Yoko Ono (*1933, Tokio) 

in einer umfassenden Einzelausstellung. Yoko 

Ono ist eine Pionierin der frühen konzeptuellen 

und partizipativen Kunst, des Films und 

der Perfor- mance, eine gefeierte Musikerin 

und eine beeindruckende Kämpferin für den 

Weltfrieden. YOKO ONO: MUSIC OF THE 

MIND umspannt sieben Jahrzehnte der kraftvollen, 

multidisziplinären Praxis der Künstlerin 

von der Mitte der 1950er-Jahre bis heute 

und zeichnet die Entwicklung ihres innovativen 

Werks und dessen nachhaltigen Einfluss 

auf die zeitgenössische Kultur nach. Die in 

enger Zusammenarbeit mit Onos Atelier konzipierte 

Ausstellung zeigt mehr als 200 Werke, 

darunter Anleitungen und Partituren, Installationen, 

Filme, Musik und Fotografien, und 

beleuchtet Onos radikalen Ansatz in Bezug 

auf Sprache, Kunst und Partizipation, der bis 

in die Gegenwart hineinwirkt. 

Tate Modern | www.tate.org.uk 

Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen 

www.kunstsammlung.de 

London (GB) 

Girl Power! Spice Girls at 30 


„Girl Power! Spice Girls at 30“ ist eine temporäre 

Ausstellung, die die Geschichte der wichtigsten 

Girlband der britischen Geschichte nachzeichnet. 

Im März 1994 erschien eine Anzeige in The 

Stage mit der Frage: „Bist du clever, extrovertiert, 

ehrgeizig und kannst du singen und tanzen?“ 

Der Rest ist Geschichte. Die Debütsingle 

„Wannabe“ der Spice Girls erreichte 1996 in 31 

Ländern die Spitze der Charts, sie verkauften 80 

Millionen Tonträger und hatten neun britische 

Nummer-Eins-Singles. Die Ausstellung erzählt 

die Geschichte, wie Sporty, Baby, Scary, Ginger 

und Posh zu einer der erfolgreichsten Girlgroups 

aller Zeiten wurden und einen phänomenalen 

weltweiten Erfolg feierten. 

„Girl Power! Spice Girls at 30“ erzählt die Geschichte 

der Band anhand von Outfits aus der 

außergewöhnlichen Sammlung der unabhängigen 

Kuratorin Liz West, der weltweit führenden 

Sammlerin von Erinnerungsstücken und Fanartikeln 

der Spice Girls. Liz’ Sammlung, die einen 

Guinness-Weltrekord aufstellt, umfasst viele 

ikonische Kostüme, die alle von internationalen 

Designern handgefertigt oder von den Spice 

Girls selbst in Auftrag gegeben wurden. 

British Music Experience 

www.britishmusicexperience.com 

Oberhausen 

HIPGNOSIS. BREATHE 

Album Cover Art und Photo Design 

by Aubrey Powell & 

Storm Thorgerson 

Celebrating 50 Years T 

HE DARK SIDE OF THE MOON 


Hipgnosis, das legendäre britische Fotodesign- 

Studio, gegründet von Aubrey Powell und 

Storm Thorgerson, gestaltet zwischen 1967 

und 1984 mehr als 400 Plattencover für internationale 

Bands und Musiker:innen. Zahlreiche 

Motive gehören zu den Ikonen der Musikgeschichte 

und haben heute Kultstatus. Neben 

Entwürfen für Pink Floyd, mit deren Bandmitgliedern 

die beiden Designer eng befreundet

46 | Kunst | Label 


Pink Floyd, Wish You Were Here, back sleeve, invisible 

businessman © Pink Floyd Music Ltd. 

sind – The Dark Side of the Moon feiert gerade 

seinen unglaublichen 50. Geburtstag – erlangen 

auch Gestaltungen zu Houses of the Holy 

und Presence von Led Zeppelin, Elegy von 

The Nice und Deceptive Bends von 10cc sowie 

viele weitere Designs Weltruhm. 

Die Ausstellung geht diesen nach, indem sie 

die wichtigsten Designs des Duos vereint und 

in beeindruckender Weise auf über 120 großformatigen 

limitierten Fine Art Prints und 

Fotografien präsentiert. Zum Teil handelt es 

sich dabei um Entwürfe, die nicht realisiert 

worden sind. Außerdem sind mehr als 20 originale 

Plattenhüllen zu sehen. Ergänzt werden 

diese Exponate durch den neuen Dokumentarfilm 

„Eclipse“ von Aubrey Powell für 

Pink Floyd anlässlich des 50. Jubiläums von 

The Dark Side of the Moon sowie durch einen 

Soundwalk, der die Musik vor den Designs erlebbar 

macht. 

LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen 

www.ludwiggalerie.de 

Paris (F) 

METAL 

5.4.–29.9.2024 

Sättigung, Verzerrung, Stimmen aus dem Jenseits, 

schockierende Ikonografie: Metal ist subversiv in 

Form und Inhalt. Seit seiner Entstehung vor fast 

fünfzig Jahren hat sich das Genre jeder Form von 

Institutionalisierung widersetzt, aber seine Anhängerschaft 

wächst weiter. Nach Elektro und 

Hip-Hop erkundet die Philharmonie dieses Neuland, 

seine Codes und den Reichtum seiner Mythen. 

Im Gegensatz zu den Karikaturen, auf die 

der Metal oft reduziert wird, zeigt die Ausstellung 

Behemoth, Knotfest, Clisson, juin 2016. | 

© Corentin Charbonnier_2 

zum ersten Mal in Frankreich ein dokumentiertes 

Bild dieser Bewegung, in der Musik, Popkultur, 

anthropologische Vision und zeitgenössische 

Kunst miteinander in Dialog treten. 

Musée de la musique 

www.philharmoniedeparis.fr/fr/musee-de-la-musique 

Label 

Was sie interessiert, sind unkonventionelle Herangehensweisen 

an Fragen musikalischer sowie 

gesellschaftlicher Natur. Das international 

verankerte Duo erlebt Musik als Lebensenergie, 

als eine Spielwiese, als einen Ort der Neuentdeckungen 

und eine Möglichkeit, Begegnung 

zu erleben und zu ermöglichen. Die Geigerin 

siedelte 2022 für ein halbes Jahr nach Paris 

um. Das zu dieser Zeit entstandene Album dokumentiert 

den Beginn ihrer Zusammenarbeit 

und lässt auf weitere Veröffentlichungen gespannt 

sein. 

www.fabianastriffler.com 

www.wopela.com 

Fabiana Striffler & 

Karsten Hochapfel 

La Plume Du Dimanche 

„La Plume Du Dimanche“ heißt das Album der 

Berliner Geigerin Fabiana Striffler mit dem Pariser 

Cellisten Karsten Hochapfel. Die beiden 

Musizierenden teilen die gleiche Schwäche für 

Improvisation, psychedelischen Folk, Jazz, experimentelle 

Musik, aber auch für ein einfaches 

Lied und die Schönheit einer Melodie. Auf eine 

fast schon unbeschwerte und intuitive Art und 

Weise bewegen sich die beiden Musizierenden 

in „La Plume Du Dimanche“ außerhalb klassischer 

Muster und suchen nach einer gemeinsamen 

Ausdrucksform, ohne sich in dem Sog 

der über Jahrhunderte entstandenen Hochkultur 

ihrer jeweiligen Instrumente zu verfangen. 

Jo Beyer 

MIC IN THE FACE IS NOT 

ON PURPOSE 

Ein Soloprojekt des Schlagzeugers Jo Beyer, 

welches produzierte Electronic Dance Music 

mit akustischem Live-Schlagzeug kombiniert. 

„Dazu kann man Yoga machen oder im Club 

die ganze Nacht durchtanzen.“ – Eine Reaktion 

aus dem Publikum, die diese Musik 

kaum treffender beschreiben könnte. 

MIC IN THE FACE IS NOT ON PURPOSE ist 

Electro mit vielen kleinen Elementen, die 

immer wieder für Überraschungen sorgen 

und diese Musik vom üblichen Four on the 

Floor-EDM unterscheiden. Eine Besonderheit 

ist der starke Einfluss aus dem Bereich 

der Filmmusik, der dafür sorgt, dass die Musik 

neben dem Electro-Clubbing-Charakter 

immer wieder in episch-cineastische Atmosphären 

eintaucht. Der konsequente Einsatz 

von akustischen Live-Drums in Kombination 

mit gesampelten Spoken Words erzeugt 

eine ganz eigene, warm-lebendige Farbe und 

erschafft eine Musik zum bewussten Zuhören, 

zum Laufenlassen und Atmosphäre 

Schaffen, zum Tanzen, Fallenlassen oder 

zum nächtlichen Autofahren. Man ist sich 

nie ganz sicher, ob man gerade Teil eines 

Electro-Trips ist oder sich in einem Kinofilm 

befindet. 

Aufgenommen, produziert und gemischt 

von Jo Beyer im Kyffhouse Studio Köln, gemastert 

von Lukas Schäfer. 

www.jobeyer.com 

www.farbton.wordpress.com 

Patrick Manzecchi 

Tenderly 

Der Schlagzeuger Patrick Manzecchi im Quartett 

mit der US-Legende Scott Hamilton. Patrick 

Manzecchi gehört seit mehr als 25 Jahren 

zu den erfahrensten Sidemen Deutschlands. 

Weltstars wie Sheila Jordan, Pee Wee Ellis und 

Fred Wesley, Paolo Fresu, Arthur Blythe, Harry 

Allen, Bobby Watson, Robin Eubanks, Richie 

Beirach und George Mraz, aber auch 

deutsche Koryphäen wie Gregor Huebner, 

Steffen Schorn, Sebastian Studnitzky, Torsten 

Goods, Thomas Siffling, Lyambiko, Anke 

Helfrich und Lisa Bassenge sind da nur einige 

wenige Namen, die genannt werden müssen, 

wenn es um die musikalischen Qualitäten des 

Schlagzeugers geht. 

Auch als Bandleader macht er immer wieder 

LUCIA DLUGOSZEWSKI. 

Abyss and Caress. (Doppel-CD) 

Als fulminante Wiederentdeckung erlebt die polnisch-amerikanische 

Komponistin Lucia Dlugoszewski (1925–2000) aktuell eine Renaissance. 

Das Klangforum Wien hat das erste umfassende Klangporträt ihres Werks 

aufgezeichnet und erhielt für diese Doppel-CD den Preis der deutschen 

Schallplattenkritik. 

Als Vertreterin der New York School schuf Dlugoszewski unverwechselbare 

Werke, durch die sie spezifische Qualitäten ihrer Identität in die experimentellen 

Tendenzen der westlichen modernen Musik einbrachte. 

Als Erfinderin von Instrumenten und in der Zusammenarbeit mit der Erick 

Hawkins Dance Company erweiterte sie den Horizont des spielerisch 

Möglichen. Produziert mit freundlicher Unterstützung des Adam Mickiewicz 

Instituts. 

www.klangforum.at

ZBIGGY | arttourist.com Jazz | Neue Musik | Elektro | 2024 Label | 47 

von sich reden. Nach fünf Produktionen unter 

eigenem Namen zwischen 2000 und 2022 – darunter 

die beiden für die Bestenliste des Preises 

der Deutschen Schallplattenkritik nominierten 

CDs „Rectilinear“ (2017) und „Talking To Myself“ 

(2022) – bringt Manzecchi wieder einmal 

eine Live-Aufnahme heraus. 

Getreu dem Motto, nichts ist authentischer als 

ein Konzertmitschnitt, erleben wir hier eine 

bestens eingespielte Truppe, bestehend aus 

Mitgliedern, die über die Jahre ein geradezu 

traumwandlerisches Zusammenspiel und eine 

erstaunliche Intimität miteinander entwickelt 

haben: 

Scott Hamilton, den man nicht mehr vorzustellen 

braucht, ist ein ganz Großer, eine Legende, 

eine Galionsfigur des Tenorsaxophons. 

Der Pianist André Weiss hat trotz seiner jungen 

Jahre bereits mit Eric Alexander, Grant Stewart, 

Jim Rotondi und Don Menza gearbeitet und 

2020 eine CD unter eigenem Namen mit Ralph 

Moore für das Label Neuklang eingespielt. Der 

Kontrabassist Joel Locher arbeitet(e) mit Pee 

Wee Ellis, Joe Magnarelli, Howart Alden, Gerd 

Dudek, Dusko Goykovich, Biréli Lagrène, Jim 

Rotondi, Harry Allen, Philip Catherine/zwei 

CDs unter eigenem Namen bei GLM Records. 

Der Überraschungsgast und Kornettist Thimo 

Niesterok ist sicherlich das Küken in der Runde, 

überzeugt aber aufgrund seiner profunden 

Kenntnisse und Reife spätestens 2023 mit seinem 

beeindruckenden Einstand unter eigenem 

Namen auf MONS Records/Zusammenarbeit 

mit Dan Barrett, Emil Mangelsdorff. 

Gewidmet ist dieses Gesamtwerk dem Fotografen 

Christof Rostert, der tragischerweise im Mai 

2023 verschieden ist. Seine Konzert-Fotos im 

Booklet umranden die CD in würdiger Manier. 

www.manzecchi.de 

„Henry Reloaded“ ist seit dem 9.2.2024 auf allen 

gängigen Plattformen digital verfügbar. 

https://songwhip.com/tetrabrass/henry-reloaded 

Tonsee Records 

Tetra Brass & Sirius Quartet 

Henry Reloaded 

In einer wegweisenden musikalischen Kooperation 

verschmelzen die Klänge des Sirius Quartets 

und Tetra Brass zu zwei einzigartigen Tracks, 

die die Grenzen traditioneller Genres überschreiten. 

Unter dem treffenden Titel „Henry 

Reloaded“ repräsentiert diese Veröffentlichung 

die bemerkenswerte Fusion eines Blechbläserquartetts 

und eines Streichquartetts, die eine 

außergewöhnliche Klangwelt schafft, welche 

die Sphären des Jazz und der klassischen Musik 

gleichermaßen transzendiert. 

„Henry Reloaded“, geschrieben von Gregor 

Huebner, besteht aus drei verschiedenen Ebenen 

musikalischer Ideen. Die erste ist eine im 

Stil von Henry Purcell komponierte Grundform 

und melodische Struktur, die sich im gesamten 

Stück wiederholt. Die zweite Schicht ist 

eine Reharmonisierung dieser Melodie, die eine 

ganze Reihe neuer klanglicher Veränderungen 

erzeugt, und als dritte Schicht kommt eine 

freie Blues-Improvisation hinzu. Zusammen erzeugen 

alle drei die mystische Stimmung einer 

New Orleans Beerdigung. 

„Paths Become Lines“ wurde im Herbst 2010 

im Vorfeld einer Tour des Sirius Quartets durch 

Deutschland und die Schweiz geschrieben und 

war das erste Stück, das Jeremy Harman als 

Mitglied des Quartetts komponierte. Aufgewachsen 

zwischen Cello und klassischer Musik 

und dem Gitarrenspiel in Metal- und Hardcore- 

Bands, ist dieses Stück ein Versuch, die Kluft 

zwischen diesen beiden Musikwelten zu überbrücken. 

Der Titel des Stücks kam Jeremy nach 

der Fertigstellung der Komposition und er entschied 

sich, ihn nicht weiter zu hinterfragen. 

www.tetrabrass.com 

www.siriusquartet.com 

Viktoria Tolstoy 

Stealing Moments 

Viktoria Tolstoys ACT-Debütalbum „Shining 

On You“ aus dem Jahr 2004 markiert aus 

heutiger Sicht einen wichtigen Moment in 

der Erfolgsgeschichte populärer Jazzstimmen 

aus Skandinavien. Die Musik für die Aufnahme 

schrieb Esbjörn Svensson, der zusammen 

mit Dan Berglund und Magnus Öström die 

Kern-Band bildet, welche wenig später als 

e.s.t. weltberühmt wurde. Das von Nils Landgren 

produzierte Album ist auch ein Treffen 

vieler Mitglieder der damals noch jungen 

ACT Family of Artists, die als Gäste an der 

Session teilnahmen. Genau 20 Jahre später 

hat Viktoria Tolstoy für „Stealing Moments“ 

die Idee des „familiären“ Musizierens wieder 

aufgegriffen. Die Kompositionen des Albums 

stammen von einer ganzen Reihe aktueller 

ACT-Künstler:innen, von denen viele auch 

schon an „Shining on You“ beteiligt waren. 

Und auch Esbjörn Svensson ist auf besondere 

Art am Album beteiligt: Von ihm stammt die 

Instrumentalkomposition „Hands Off“, für 

welche seine Frau Eva nun einen Text verfasst 

hat. Dazu kommen Kompositionen, die langjährige 

Freunde und Weggefährten wie Nils 

Landgren, Ida Sand, Wolfgang Haffner, Cæcilie 

Norby, Lars Danielsson, Iiro Rantala und 

Jan Lundgren eigens für Viktoria Tolstoy und 

ihre Stimme geschrieben haben. „Wenn du 

singst, geht die Sonne auf“, sagte Pat Metheny 

einst zu Viktoria Tolstoy. Ihre klare, kraftvoll 

strahlende Stimme ist der rote Faden, der 

alle Stücke auf „Stealing Moments“ verbindet. 

Dazu kommt eine Mischung aus Energie 

und Leichtigkeit, die Viktoria Tolstoy als Person 

ausmacht und die sich durch die Musik 

auf die Zuhörer überträgt. Ihre Botschaft ans 

Publikum, in Anlehnung an den Albumtitel: 

„Lasst mich Euch ein bisschen Zeit stehlen, 

um dieser Musik zuzuhören.“ 

www.viktoriatolstoy.se 

www.actmusic.com 

Mikael Máni 

Guitar Poetry 

„Ich liebe die Musik von Joni Mitchell oder 

Bob Dylan“, sagt der isländische Gitarrist 

Mikael Máni. „Ich glaube, vor allem deshalb 

schreibe ich für die Gitarre oft Songs, 

die man genauso gut auch singen könnte.“ 

Womit man bereits beim Kern seines ACT- 

Debüts „Guitar Poetry“ angelangt wäre: Es 

Bill Laurance 

The Untold Orchestra 

Bloom 

„Bloom“, das ACT-Debüt des Pianisten und Komponisten Bill Laurance als Leader, vollzieht 

einen Wandel von der kleinstmöglichen Form musikalischer Interaktion zum Breitbildformat. 

Nach dem vielbeachteten ACT-Album „Where You Wish You Were“ im Duo mit Snarky 

Puppy-Bandkollege Michael League trifft Bill Laurance nun auf das junge, 18-köpfige Streichorchester 

The Untold Orchestra. Entstanden ist ein Werk mit einer enormen Bandbreite von 

Emotionen und Stimmungen. Die Grundidee für Bloom war es, grenzenlose Musik von großer 

Intensität zu schaffen. Nach einer Phase des Experimentierens machte sich Bill Laurance von 

seinem Londoner Studio aus an die Komposition und Umsetzung. The Untold Orchestra erwies 

sich schnell als perfektes Gegenüber: Das erst 2019 gegründete Ensemble aus Englands 

neuer musikalischer Keimzelle Manchester setzt auf Kollaborationen in den unterschiedlichsten 

Genres. Das junge Orchester beherrscht den Groove und die Direktheit moderner Popmusik 

ebenso wie die Raffinesse und Nuancierung der Klassik und zeitgenössischer Musik. 

Gespielt von diesem außergewöhnlichen Ensemble und arrangiert von Joshua Poole wecken 

die Kompositionen von Bill Laurance Assoziationen zu italienischem Barock, Vivaldi, Schostakowitsch 

und Philip Glass. „Bloom“ lebt von seinen Kontrasten und von Bill Laurances Fähigkeit, 

aus diesen ein stimmiges Ganzes zu schaffen, das die Zuhörenden in seinen Bann zieht, 

unabhängig davon, in welcher Musik sie sich normalerweise zu Hause fühlen. 

Veröffentlichung 26.4.2024 

www.billlaurance.com 


zeigt einen Instrumentalisten, der die Raffinesse 

des Komponierens und die Freiheit des 

Improvisierens gleichermaßen liebt und beides 

mit der Klarheit und Aufrichtigkeit eines 

Singer-Songwriters verbindet. Das macht seine 

Musik so vielschichtig. Mikáel Mani beschreibt 

diese gerne als Mixtur aus Jazz, Rock 

und Impressionismus, immer mit dem Ziel, 

sowohl zugänglich als auch anspruchsvoll zu 

sein, um Menschen intellektuell anzuregen 

und gleichzeitig emotional zu berühren. 

Mikael Máni ist ein junger Meister der Kontraste 

und musikalischen Überraschungen. 

Und ein Gitarrist mit ganz eigener Handschrift, 

die sich kaum in Kategorien des gängigen 

Spektrums des Instruments im Jazz einordnen 

lässt. Der Jazz-Bezug zeigt sich eher 

in einer Spielhaltung und weniger in einer 

wirklichen Genre-Zugehörigkeit. Augenfälliger 

sind eher das Finger-Picking von Folk-Gitarristen, 

Einflüsse aus Blues, Americana und 

nordischen Liedern und immer wieder eine 

ganz eigene, cineastische Qualität. Und auch 

wenn Máni seine Musik rein instrumental interpretiert, 

hat sie einen extrem gesanglichen 

Charakter. Virtuositäts-Wettbewerbe und 

Instrumentalisten-Eitelkeiten sind diesem 

Künstler fremd. Mikael Máni lässt seine Musik 

fließen und erzeugt Intensität, mal durch 

Ruhe und Entspanntheit, mal durch Energie 

und kleine Ausbrüche, die auch schon mal 

kurz aus jeder Tonalität ins Geräuschhafte 

explodieren können, um dann entweder 

zurückzufinden oder ganz neue Auswege zu 

entdecken. Und manchmal hat man das Gefühl, 

zwei oder mehr Gitarristen zu erleben, 

mehrere Klangschichten parallel wahrzunehmen. 

www.mikaelmanimusic.com 


Das Gesamterlebnis Kultur. Nun an einem Ort.

48 | Label 


INTERVIEW 

mit Uwe Hager 

Wie kam es vor 25 Jahren zur Gründung 

Ihrer Künstleragentur o-tone music? 

Uwe Hager: Vor 25 Jahren war ich noch Student 

und studierte final Musikwissenschaft, 

Musikpädagogik und Soziologie. Konzerte zu 

organisieren, war schon damals fester Bestandteil 

für mich. Innerhalb der Uni hatten wir einige 

Festivals ins Leben gerufen. Als ich damals die 

Chance bekam, u.a. Labels wie Prestige, Pablo, 

Milestone, Riverside, Contemporary, Fantasy zu 

betreuen, kam auch der Wunsch auf, weitere Labels 

zu gründen (z.B. Brown Sugar rec. als rare 

groove label, Village mit dt. Jazzveröffentlichungen 

oder im Blues & Bluesrock das Label Pepper 

cake oder BHM im Groove/Funk-Bereich) und 

damit natürlich viele Künstler, die auch danach 

fragten, ob man bei der Planung von Konzerten 

oder Tourneen behilflich sein konnte. So ergab es 

sich peu a peu, dass ich mehr und mehr Konzerte 

plante und in einer Nische mit meiner Firma o- 

tone music wachsen konnte. 

Wie hat sich Ihr Portfolio, Ihre Arbeit in den 

letzten 25 Jahren verändert? 

Uwe Hager: Stilistisch sind wir noch vielfältiger 

geworden in dem, was man als Jazz oder jazzverwandt 

beschreiben kann. Neben Erzählkonzerten 

sind auch immer neue Bands dazugekommen, 

die sich bei uns beworben haben. Leider kommen 

wir mittlerweile kaum hinterher mit dem Hören 

der ganzen Band-Bewerbungen, die wir täglich 

erhalten. Es gibt aber sehr viel spannende junge 

Acts. Sprich, die Kreativ-Szene ist agil, aber den 

Nachwuchs aufzubauen, wird nicht leichter. 

Die Möglichmacher 

Künstleragentur o-tone music – Alles aus einer Hand 

o-tone music wurde 1999 von Uwe Hager gegründet. 

Mit seinem Team bietet o-tone music 

einen umfassenden Service an, der Künstleragentur, 

inklusive Artist-Management, Label 

und Releasemanagement (inklusive Promotion 

und Marketingkoordination) sowie den 

Service einer Tourneeagentur beinhaltet. Sie 

haben sich als Distributionsnetzwerk und Bookingagentur 

für Jazz-, Soul-, Blues-, World-, 

Singer-Songwriter-Künstler:innen etabliert 

und schaffen zusätzliche Impulse zwischen 

Tour und Veröffentlichung des Tonträgers im 

Handel. Als umfassende Musikagentur können 

sie damit den nachhaltigen Aufbau von 

Künstler:innen beschleunigen und zielorientierter 

mit den verschiedensten Akteuren aus 

einer Hand agieren. Als Schnittstelle zwischen 

Künstler und Veranstalter sorgt die Künstleragentur 

im Sinne beider Seiten für einen reibungslosen 

Ablauf. 

Nach den verheerenden Auswirkungen der 

pandemiebedingten Veranstaltungsverbote 

begannen die Künstleragenturen im letzten 

Jahr mit der Wiederaufnahme ihres Programms. 

Das Publikum dankte es ihnen und 

kehrte hungrig und mit Leidenschaft, aber 

differenzierter und mit Blick auf die eigenen 

finanziellen Möglichkeiten zurück. Die Entwicklung 

der Konzertbranche war in den 

vergangenen Jahren von Höhen und Tiefen 

gekennzeichnet. Nach Jahren, wo es besser, 

größer und erfolgreicher nicht ging, was insbesondere 

auf das Wachstum der Haushaltseinkommen 

zurückzuführen war, kam mit 

dem Jahr 2020 und der Pandemie ein tiefer 

Absturz. Jahre, die für etliche Agenturen das 

Gibt es Künstler:innen, die Sie die gesamte 

Zeit, seit Beginn Ihrer Agentur begleitet und 

betreut haben, oder sind Wechsel ein ganz 

normaler Prozess? 

Uwe Hager: Manche würden wir noch betreuen, 

wenn es ihre Gesundheit zuließe und sie noch 

fit wären, andere sind leider schon verstorben. 

Manche Bands haben sich aufgelöst (Familienplanung 

oder einfach unterschiedliche Entwicklungen 

der Bandmitglieder), andere wurden weggeworben 

oder hatten andere Pläne und kamen 

oder kommen auch wieder bald zurück, Neue 

Acts kommen dazu und und und. Fast keine Ehe 

hält heute noch 25 Jahre und es gehört dazu, 

unterschiedliche Wege zu gehen – auch wenn es 

da oder dort weh tut, für uns oder auch einem 

Act, wo Anspruch und Wirklichkeit zu stark auseinanderfallen. 

Aber wie heißt es so schön: „Wo 

eine Tür zugeht, geht wieder eine andere auf.“ 

Und so stellen wir uns heute den Herausfordealle 

Bilder © o-tone music 

Aus bedeuteten. So langsam erholt sich die 

Branche, auch wenn sie in ihrer Entwicklung 

zurückgeworfen wurde. Viele Branchenakteure 

haben die Stagnation in den Krisenjahren 

trotz Überbrückungsmaßnahmen nicht überwunden 

und kämpfen mit Spätfolgen der Pandemie, 

der Inflation und der schwierigen weltpolitischen 

Lage, deren Auswirkungen schwer 

einschätzbar sind. Zudem stehen Kunst und 

Kultur leider auf den Listen des möglichen 

Einsparpotenzials ganz oben, auch in vielen 

Haushalten. Dabei geht es nicht ohne Kultur 

und diejenigen, die sie für uns mit Leidenschaft 

und in all ihren Facetten planen und 

organisieren. 

Wir sprachen mit Uwe Hager, dessen Agentur 

o-tone music in diesem Jahr das 25-jährige Jubiläum 

feiert. 

Warum wird es auch in Zukunft für Künstler:innen 

nicht ohne Agentur im Zeitalter 

von Selbstvermarktungsmöglichkeiten wie 

Social Media und TikTok gehen? 

Uwe Hager: Unsere Aufgabe als Artist Management 

ist es, eher den Blick auf die Entwicklung 

zu richten und Empfehlungen auszusprechen. In 

Analysen immer wieder zu besprechen, wo man 

als Act gerade steht und wo man sich in 2 bis 

3 Jahren sehen möchte. Wie die Welt und der 

Markt reagiert und was wir tun sollten ... alles 

oft in einer zeitaufwendigen beratenden Funktion. 

Das innermusikalische Fachwissen hilft uns 

auch, historische Bezüge zu hören, zu erläutern 

und Assoziationen zu kontextualisieren – sprich, 

zu versuchen, das Besondere herauszuarbeiten. 

Reicht die gute musikalische Qualität heute aus, 

eine künstlerische Entwicklung ohne Social Media 

Kanäle zu ermöglichen? Gerade, wenn man 

versucht, ein jüngeres Publikum anzusprechen? 

Ob TikTok da eine immer wichtigere Rolle bei 

Jazzkünstler:innen spielen wird, wird man noch 

sehen, aber für eine heute heranwachsende Generation 

von Musikern wird das normal werden, 

und mal schauen, was danach kommen wird. 

Man sagt, Facebook sei out. Bei 20-Jährigen 

schon, bei 40-Jährigen ist es die Plattform Instagram, 

aber 50-Jährige, die mit Facebook groß 

geworden sind, haben dort ihre Fans. Also der 

stetige Wandel ist gewiss und dieser geht schneller 

voran, als man denkt, was wiederum oft sehr 

viel Zeit in Anspruch nimmt.

Supported by Initiative Musik gGmbH with project funds from the 

Federal Government Commissioner for Culture and Media 


Label | 49 

rungen des Marktes und wachsen auch noch in 

schwierigeren kulturellen Zeiten. 

Seit 2020 steht die Welt und speziell die Kulturbranche 

Kopf. Und vieles wird erst noch 

spürbar werden. Wie haben Sie die Zeit der 

Konzertausfälle und -verschiebungen gemeistert 

und wie sind Sie für die Zukunft 

aufgestellt? 

Uwe Hager: Wir haben ca. 450 Konzerte mehrfach 

verlegt in der Corona-Zeit! Es war hart, ins 

Büro zu kommen und schlicht nur Absagen zu 

erhalten. Was für eine frustrierende Arbeit, aber 

wir haben sie irgendwie doch gemeistert und versucht, 

den Kopf nicht in den Sand zu stecken. 

Leider gab es in dem Zeitraum auch etliche 

Künstler:innen, die ihre Karriere an den Nagel 

gehängt haben und einfach einen anderen Job 

anfingen, der ihnen mehr Sicherheit und vor allem 

eine bessere Lebensplanung ermöglichte. Wie 

verrückt muss man sein, heute noch eine Karriere 

in unserem Genre zu planen? SEHR! Aber deswegen 

machen wir es ja auch. 

Sie sind selbst Jazzmusiker, spielen Klavier. 

Kommen Sie noch zum Spielen, zum Auftreten? 

Uwe Hager: Ich würde gerne mehr, aber zeitlich 

geht es oft nicht, alles unter einen Hut zu bekommen. 

Ich gebe Solo-Konzerte oder spiele im 

Quintett. Bei uns im Club spielen wir im Mai 

wieder Tracks von Mingus, Coltrane und Monk 

etc. Solistisch entwickle ich da und dort für mich 

Neues am Fender Rhodes, Wurlitzer oder Flügel 

und bastle an Material, das zwischen Neoklassic 

und Jazz beheimatet ist. Ja, ich spiele fast täglich 

ca. 1 Stunde für mich, das hilft, den Bürojob 

etwas auszugleichen und ist eine Art Meditation 

oder Reise ins Off oder „on the Edge“. 

Neben Ihrer Arbeit in der Agentur sind Sie 

Initiator verschiedener Veranstaltungsformate 

wie Jazz & World in der Lutherischen 

Pfarrkirchengemeinde St. Marien in Marburg 

oder dem Piano Festival in Gießen als 

Bestandteil des Kultursommers Mittelhessen. 

Wie steht es um die Veranstaltungen 

und was ist für 2024 geplant? 

Uwe Hager: Wir werden wieder ein paar heimische 

Konzerte im Jahr 2024 planen und verstärkt 

aber in 2025/2026 loslegen. In 2024 haben wir 

einen anderen Schwerpunkt, da wir das Label 

stärker ausbauen werden. Einen alten Freund 

von mir – Musikproduzent Joachim Becker – begrüßen 

wir mit seinen beiden Labels neu bei uns 

im Team. Wir kennen uns schon recht lange aus 

damaligen EFA-Zeiten und hatten bereits in der 

Vergangenheit immer wieder zusammengearbeitet, 

damals als Geschäftsführer des Labels BHM 

mit Veröffentlichungen von tok tok tok, Maceo 

Parker oder Joe Zawinul u.v.a. Neue VÖs sind 

ab Juni 24 geplant. Dann mit tollen Neuentdeckungen 

wie dem armenischen Pianisten Tigran 

Tatevosyan oder mit Markus Stockhausens neuem 

Album „CELEBRATION“, einem Tribute To 

Curtis Mayfield mit Ledisi, Bilal, Vince Mendoza 

& der WDR Big Band und dem WDR Rundfunkorchester, 

den neuen Alben von Simon Oslender/ 

Steve Gadd/Will Lee, Mark Lettieri, Alma Naidu, 

WDR Bigband – Tribute To Chick Corea, Trilok 

Gurtu, Jakob Bänsch u.v.a., um nur einige zu 

nennen auf dem Jazzline bez. Leopard Label. Es 

bleibt also spannend, der Katalog wird wachsen. 

otonemusic/ 

otonemusic/ 

www.o-tonemusic.de 

25 

JAHRE 

since 1999 

O-TONE MUSIC 

AT JAZZAHEAD! 2024! 

MEET US THERE 

AT BOOTH 6C23 

MARKUS 

STOCKHAUSEN 

GROUP: 

CELEBRATION (VÖ 05.04.24) 

feiert das Leben, die Musik und die Freundschaft 

des Quartetts mit sechs wunderbaren Gastmusikern 

aus vielen verschiedenen Ländern: Rabih Lahoud, 

Levan Andria, Tamara Lukasheva, Nguyên Lê, 

Bodek Janke und Mateusz Smoczyński. 

18.04. KAISERSLAUTERN Jazzfest. feat. Nguyên Lê 

19.04. STUTTGART Petruskirche 

10.05. MAR-RABAT Festival Jazz au Chellah 

24.05. ESSEN Alter Bahnhof Kettwig 

28.06. TIMMENDORFER STRAND JazzBaltica 

16.07. F-VIDAUBAN Provence Vineyards‘ Music Fest. 

17.07. F-JUNAS Jazz Festival feat. Nguyên Lê 

16.08. RU-BRASOV - Jazzfestival 

20.09. ST. WENDEL Jazzfestival 

05.10. WEIMAR Das Festival 

20.10. HUN- BMC, Budapest Music Festival 

1 Celebration 05:19 

Tigran Tatevosyan 

2 Brilliant Corners 05:19 

Mer Tan Itev 

Thelonious Monk / arr. Tigran Tatevosyan 

3 Mer Tan Itev (solo) 01:29 

Traditional / arr. Tigran Tatevosyan 

4 Forgotten City 05:09 

5 The Sorcery: Manifestation (solo) 01:19 

6 Memories of a Dream 05:18 

7 The Wind's Dance 05:31 

8 The Sorcery: Ritual (solo) 01:40 

9 A Child’s Mind 02:21 

10 Blessing 06:34 

11 The Sorcery: Reflection (solo) 03:44 

Tigran Tatevosyan piano 

Ziv Ravitz drums 

Giorgi Kiknadze bass 

Recorded at: Fattoria Musica, Osnabrück - 22./23.04.2022 

Recording Engineer - Stephan van Wylick 

Mixing and Mastering Engineer - Katsuhiko Naito (NY) 

Artwork by Knut Schötteldreier 

All songs composed by Tigran Tatevosyan, except #2 Brilliant Corners 

All songs published by o-tone music publishing, except #2 Brilliant Corners 

| LC: 30913 | for promotional use only 

Tigran PROMO.indd 1 07.03.24 10:27 

TIGRAN 

TATEVOSYAN: 

MER TAN ITEV (VÖ: 07.06.24) 

Tigran Tatevosyan - Piano, Ziv Ravitz – Drums 

Giorgi Kiknadze – Bass 

Der gebürtige Armenier Tigran Tatevosyan 

entpuppt sich als aufrichtiger Geschichtenerzähler 

mit einer neuen, aber reifen Stimme. 

14.06. BREMEN Sendesaal (Season Opening) 

30.06. TIMMENDORFER STRAND JazzBaltica 

30.11. BREMEN Sendesaal 

MALIKA 

TIROLIEN 

EUROPA 

TOUR 2024 

TRIOSENCE 

25-JAHRE 

JUBILÄUMSTOUR 

04.04. CHN- XI’AN, Chanba Poly Theatre 

05.04. CHN- SHANGHAI, 

Jazz At The Lincoln Center 

10.04. CHN- XIAMEN, Jiageng Theatre 

12.04. MARL Scharoun Saal 

19.04. ACHERN Rathaus am Markt 

20.04. WITTLICH Jazzclub 

02.05. DORTMUND Domicil 

03.05. BONN Harmonie 

20.05. SAXDORF Pfarrgarten 

22.05. BERLIN A-Trane 

23.05. BERLIN A-Trane 

30.05. KAISERSLAUTERN Kammgarn 

07.06. STUTTGART Bix 

08.06. CH-ALLSCHWIL Piano di Primo 

19.07. F-JUNAS Junas Jazz Festival 

18.08. WORMS Jazz & Joy Festival 

31.08. CH-MEILEN 7. Meilemer Jazznacht 

07.09. COBURG Museumsnacht 

08.09. HANNOVER Pavillon 

22.09. HERFORD MARTa Museum 

26.09. KIEL Kulturforum 

27.09. BREMEN Sendesaal 

28.09. HAMELN Double Time Jazz Club 

29.09. HAMELN Double Time Jazz Club 

04.10. PADERBORN Jazzclub 

05.10. ESSEN Mariengymnasium 

06.10. FREIBURG Jazzhaus 

09.10. MÜNCHEN Unterfahrt 

10.10. MÜNCHEN Unterfahrt 

11.10. MÜHLDORF Haberkasten 

30.10. DARMSTADT Centralstation 

13.12. HAMBURG Halle 424 

09.05. BERLIN Zig Zag Jazz Club 

11.05. STUTTGART Bix 

12.05. CH-ZÜRICH Moods 

13.05. AT-INNSBRUCK Treibhaus 

14.05. ASCHAFFENBURG Colos Saal 

15.05. BAD MEINBERG Red Horn District 

16.05. KÖLN Stadtgarten 

17.05. FÜRTH Kulturforum 

19.05. CZ-OLOMOUC Jazz Tibet Club 

20.05. CZ-PRAGUE Akropolis 

21.05. CZ-ČESKÁ Lípa U bílýho černocha 

22.05. MAINZ Frankfurter Hof 

24.05. F-PARIS Sunset Sunside 

31.10. HANNOVER Jazzclub 

01.11. KASSEL Theaterstübchen 

05.11. REGENSBURG Jazzclub 

06.11. AALEN Jazzfest 

08.11. PL-WARSAW Jassmine 

10.11. LEVERKUSEN Leverkusener Jazztage 

13.11. TÜBINGEN Sudhaus 

o-tone music - intl. booking agency / artist management / label / 

distribution service / publishing www.o-tonemusic.de info@o-tonemusic.de 

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Tourdaten in DE präsentiert von 

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basel 

June 

11 –16 


© PUTPUT Popsicles 2012 

Switzerland‘s first 

and only art fair 

dedicated to 

photography 

based art 

Volkshaus Basel 

Rebgasse 12-14 

4058 Basel 

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ZBIGGY 2024

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