Gemälde Alte Meister – Teil 1

ONE OF THE LEADING AUCTION HOUSES IN EUROPE 

CATALOGUE II 

OLD MASTER PAINTINGS PART 1 

Auctions: Thursday, 29 June 2023 

Exhibition: Saturday, 24 June – Tuesday, 27 June 2023

OLD MASTER 

PAINTINGS 

PART I

177 

SPANISCHER MALER DES 15. JAHRHUNDERTS 

ZWEI HEILIGE MIT KREUZIGUNG CHRISTI 

SPANISH PAINTER OF THE 15TH CENTURY 

TWO SAINTS WITH CRUCIFIXION OF CHRIST 

Öl auf Pappelholz. 

225 x 102 x 10 cm. 

Ungerahmt. 

Hochformatiges Bildfeld mit horizontaler Zweigliederung: 

Die unteren zwei Drittel sind zwei stehenden 

polychrom gestalteten Heiligen gewidmet mit ihren 

Attributen Beil und Messer, jeweils von einem Maßwerkbogen 

überfangen der plastisch hervorgehoben 

beide überfängt. Hinter ihnen eine gemalte Mauer. 

Das obere Bilddrittel mit Darstellung der Kreuzigung 

Christi flankiert von der Mutter Gottes und Maria 

Magdalena, überfangen von Maßwerk- und Krabbenzier. 

Hintergrundfolie mit Darstellung eines Granatapfelmusters 

in Camaieu. Flankiert von plastischem 

architektonisch aufgefasstem Zierrat mit Fialen. Es ist 

denkbar, dass die vorliegende große Tafel einst Teil 

einer umlaufenden Chorgestühldekoration war, die den 

Kreuzweg und verschiedene Heilige zeigte. Besch. 

Rest. 

(1361163) (13) 

Oil on poplar panel. 

225 x 102 x 10 cm. 

€ 120.000 - € 150.000 

Sistrix 

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178 

LUCAS CRANACH D. Ä., 

1472 KRONACH – 1553 WEIMAR 

DER JUNGE CHRISTUS ANGEBETET 

VON JOHANNES DEM TÄUFER 

Öl auf Holz. 

35,2 x 23,2 cm 

Links unten signiert mit dem Künstlersignet einer 

geflügelten Schlange und datiert „1534“. 

Auf dem kleinen Andachtsbild dargestellt das Johanneskind 

mit dem Lamm, das ihn segnende Christuskind 

mit dem Kreuz anbetend. Das Thema Christus als 

Lamm Gottes, so bezeichnet von Johannes dem Täufer, 

war insbesondere bei norditalienischen Künstlern 

populär und wurde hier von Cranach adaptiert und in 

seine eigene Bildsprache übersetzt. 

Das vorliegende Werk, datiert auf 1534 und ist im Zusammenhang 

mit mehreren Versionen des Themas zu 

sehen, welche durch Cranach und dessen Werkstatt 

geschaffen wurden. Bei Friedländer und Rosenberg 

publiziert, überzeugt die überaus hohe Qualität der kleinen 

Tafel. Während seiner Tätigkeit für Johann Friedrich 

den Großmütigen (1503-1554), Kurfürst von Sachsen, 

in Wittenberg arbeitete Cranach auf dem Höhepunkt 

seines Schaffens sowohl für den Kurfürsten als auch 

für Privatkunden. 

Insbesondere drei weitere Arbeiten Cranachs kommen 

in Komposition und Ausführung der hier vorliegenden 

Tafel äußerst nahe. Zu unterscheiden ist allerdings, 

dass sich hier die Szenerie vor dunklem Hintergrund 

ansiedelt und so den Fokus des Betrachters ohne Ablenkung 

auf die beiden durchaus vergleichbar angelegten 

Figuren im Vordergrund lenkt. Eine Version mit einem 

etwas kleineren Lamm und Kieselgrund befindet sich 

in einer Privatsammlung in Luxemburg. Das besagte 

Gemälde wird heute als erste Fassung des Themas 

durch Cranach angesehen und datiert 1515/20. Zwei 

weitere Versionen im Niedersächsischen Landesmuseum 

Hannover und in den Kunstsammlungen Zwickau 

werden Cranachs Werkstatt zugeschrieben. 

Das Thema erfährt durch Cranach in späteren Arbeiten 

eine Weiterentwicklung und wird durch Vanitas symbole, 

Schlangen oder Dämonen ergänzt. Vergleichs weise 

kann hier ein sich heute im Wallraff- Richartz-Museum, 

Köln, befindliches Werk angeführt werden. 

Alle vier Arbeiten sind gelistet im Cranach Digital 

Archive. 

Provenienz: 

Edward R. Bacon (1848-1915), New York. 

Albert Keller (1879-1939), New York, um 1928. 

Mr. und Mrs. Drury W. Cooper, ca. 1935-40, New 

Jersey. 

Durch Erbe an John M. Cooper, 1939, Princeton. 

Versteigert über Sotheby‘s, New York, 12. Januar 

1995, Lot 10. 

Privatsammlung USA. 

Später versteigert durch Sotheby‘s, New York, 

28. Januar 2016, Lot 14 mit einem Schätzpreis von 

700.000 – 900.000 und gekauft für ca. 850.000 vom 

jetzigen Besitzer. 

Literatur: 

Max J. Friedländer und Jakob Rosenberg, Die Gemälde 

von Lucas Cranach, Berlin 1932, S. 64, Abb. 

184. 

Max J. Friedländer und Jakob Rosenberg, Die Gemälde 

von Lucas Cranach, London 1978, S. 114, Abb. 

222. 

Daniel Görres, in Gunnar Heydenreich, Daniel Görres 

und Beat Wismer, Lucas Cranach der Ältere: Meister, 

Marke, Moderne, München 2017, S. 174, Nr. 82 und 

Farbabb. S. 175. 

Ausstellungen: 

Museum Kunstpalast Stiftung, Lucas Cranach der 

Ältere: Meister, Marke, Moderne, Düsseldorf, 8. April 

– 30. Juli 2017, Nr. 82. 

(1361991) (17) 

Das vorliegende äußerst qualitätvolle Gemälde hebt 

sich im Vergleich mit den anderen Arbeiten insbesondere 

durch seine naturalistische Auffassung, das 

Blattwerk im Hintergrund und die größer angelegte 

Darstellung des Lamms von diesen ab. 


LUCAS CRANACH THE ELDER, 

1472 KRONACH – 1553 WEIMAR 

SAINT JOHN THE BAPTIST IN ADORATION 

OF THE CHRIST CHILD 

Oil on panel. 

35.2 x 23.2 cm 

Signed with artist’s emblem of a winged serpent and 

dated “1534” lower left. 

The small devotional painting depicts the Young Saint 

John with the lamb in adoration of the Christ Child 

blessing with the cross. The subject of Christ as the 

Lamb of God, as called by John the Baptist, was particularly 

popular with northern Italian artists and was 

adapted here by Cranach and conveyed in his own 

pictorial language. 

The work on offer for sale in this lot dates to 1534 and 

should be seen in the context of several versions of 

this subject created by Cranach and his workshop. 

Published by Friedländer and Rosenberg, the high 

quality of the small panel is convincing. At the peak 

of his career as court painter to Johann Frederick I, 

called the Magnanimous (1503 – 1554), Elector of Saxony, 

in Wittenberg, Cranach worked both for the Elector 

and for private clients. 

Three other works by Cranach show extreme similarities 

with regards to composition and execution to 

the present work. What must be distinguished, however, 

is that in the present painting the scenery is set 

against a dark background thus directing the viewer’s 

focus to the two comparable figures in the foreground 

without any distraction. A version with a slightly smaller 

lamb and a pebble background is now held in a private 

collection in Luxembourg. The painting in question 

is now regarded as the first version of the subject by 

Cranach and dates from 1515/20. Two further versions 

held at the Niedersächsisches Landesmuseum, Hannover 

and the Kunstsammlungen Zwickau are attributed 

to Cranach’s workshop. Cranach developed this 

subject further in later works by adding vanitas symbols, 

snakes, or demons. For example, a work now 

held at the Wallraf-Richartz Museum, Cologne, can be 

cited here. All four paintings are listed in the Cranach 

Digital Archive. 

The present painting, which is of extremely high quality, 

particularly stands out from the other works due 

to its naturalistic conception, the foliage in the background 

and the larger-scale depiction of the lamb. 

Provenance: 

Edward R. Bacon, 1848 – 1915, New York. 

Albert Keller, 1879 – 1939, New York, ca. 1928. 

Mr and Mrs Drury W. Cooper, ca. 1935 – 1940, 

New Jersey. 

Thence by descent to John M. Cooper, 1939, 

Princeton. 

By whom sold at Sotheby’s New York, 12 January 

1995, lot 10. 

Private collection, USA. 

Later sold at auction at Sotheby’s New York, 28 January 

2016, lot 14 with estimate of 700,000 – 900,000 

and acquired for ca. 850.000 by present the owner. 

Literature: 

Max J. Friedländer and Jakob Rosenberg, Die 

Gemälde von Lucas Cranach, Berlin 1932, p. 64, 

no. 184 with ill. 

Max J. Friedländer and Jakob Rosenberg, Die 

Gemälde von Lucas Cranach, London 1978, p. 114, 

no. 222 with ill. 

Daniel Görres, in: Gunnar Heydenreich, Daniel Görres 

and Beat Wismer (eds.), Lucas Cranach der Ältere: 

Meister – Marke – Moderne, exhibition catalogue, 

Munich 2017, p. 174, no. 82, colour ill. on p. 175. 

Exhibitions: 

Lucas Cranach der Ältere: Meister – Marke – Moderne, 

Museum Kunstpalast Foundation, Düsseldorf, 8 April 

– 30 July 2017, no. 82. 

€ 1.000.000 - € 1.500.000 (†) 

Sistrix 

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179 

AMBROSIUS BENSON, 

UM 1495 MAILAND – UM 1550 BRÜGGE 

Benson scheint lombardischer Herkunft zu sein, war 

jedoch ab 1518 als Meister in Brügge tätig und trat als 

Mitarbeiter in die Werkstatt von Gerard David (um 

1460-1523) ein. Als einer der wichtigsten flämischen 

Maler zwischen Spätgotik und Renaissance, neben 

Gerard David (um 1460-1523) und Adriaen Isenbrant 

(1480-1551), feierte Benson große Erfolge und seine 

Exporte reichten bis nach Spanien und Portugal. 

BILDNIS DES HEILIGE HIERONYMUS MIT GEISSEL 

Öl auf Holz. 

64 x 48 cm. 

In vergoldetem Rahmen mit seitlichen Säulen. 

Beigebeben eine Expertise von Till-Holger Borchert, 

umfassende Vergleichsbeispiele nennend, in Kopie, 

Liège, 23.5.2023. 

Die Heiligengestalt wird mit halbentblößtem Oberkörper 

und mit einer Geißel in der Hand gezeigt. Das 

Bildthema stellt den Heiligen als Büßer dar. Diese Art 

der Selbstkasteiung geht einerseits auf die Geißler- 

Bewegung der Jahrhunderte davor zurück, die versucht 

hatte damit die Pest abzuwenden. Andererseits 

wird Hieronymus aufgrund seiner Biografie stets auch 

als Büßer gezeigt, sowohl mit Geißel als auch mit einem 

an die Brust geschlagenen Stein. In diesem Sinne ist 

das Gemälde als ein Andachtsbild zu verstehen, das 

den Gläubigen zur Selbstbuße mahnen soll. Dementsprechend 

wirkt auch der auf den Betrachter gerichtete 

Blick auffordernd. Er hält einen Stein und ein 

Holzkreuz mit naturalistisch gemaltem Corpus Christi, 

während seine linke Hand auf einen Schädel gelegt 

ist. Als weiteres Attribut ist der große Kopf eines 

dunkel haarigen Löwen in der linken Ecke zu sehen, 

sein Kardinalshut am rechten Bildrand. Die Gestalt 

hebt sich hell beleuchtet vor dem dunklen Hintergrund 

ab, der seine Einsiedlerhöhle andeutet. Links 

oben ist der Ausblick in eine hügelige Landschaft ge- 

geben, mit einem kleinen Kirchengebäude. 

Ein identischer Bildaufbau findet sich in einem weiteren 

Gemälde des Künstlers, welches in die erste Hälfte 

des 16. Jahrhunderts datiert wird und sich im Koninklijke 

Museum voor Schone Kunsten van Belgie in 

Brüssel befindet. Das thematisch vergleichbare Werk, 

mit den Maßen 86,5 x 65,5 cm, wurde 2009 bei Bonhams 

London versteigert und stammte aus der ehemaligen 

Sammlung Roger Duterme 1969. Im Gegensatz 

zu dem vorliegenden Gemälde fehlt dort die 

Geißel, stattdessen hält der Dargestellte nur den 

Stein. Zudem ist die Landschaft dort ohne Kirche, der 

Löwenkopf wird weit schematischer gezeigt. A.R. 

Provenienz: 

Christie’s, London, April 2012. 

Literatur: 

Vgl. Eberhard von Bodenhausen, Gerard David und 

seine Schule, Brinkmann, München 1905, S. 201-207. 

Vgl. M. J. Friedländer, Ambrosius Benson als Bildnismaler. 

In: Jahrbuch der Preußischen Kunstsammlungen, 

31.1910, S. 139-148. 

Vgl. G. Marlier, Ambrosius Benson et la peinture 

à Bruges au temps de Charles Quint. Editions du 

Musée van Maerlant, Damme, 1957. 

Vgl. G. Marlier, Ambrosius Benson et le thème des 

Sibylles. In: Bulletin du Musée National de Varsovie, 

4.1963, S. 51-6. 

(1360521) (11) 


AMBROSIUS BENSON, 

CA. 1495 MILAN – 1550 BRUGES 

PORTRAIT OF SAINT JEROME WITH SCOURGE 

Oil on panel. 

64 x 48 cm. 

Accompanied by an expert’s report by Till-Holger 

Borchert, mentioning numerous comparative examples, 

in copy, Liège, 23.05.2023. 

The present painting is similar to other known versions 

of this subject dating to the second half of the 

16th century that are held at the Koninklijke Musea 

voor Schone Kunsten van Belgie in Brussels, (86.5 x 

65.5 cm, formerly Roger Duterme collection 1969), 

sold at auction at Bonhams in London in 2009 (described 

as attributed). 

Provenance: 

Christie’s, London, April 2012. 

€ 80.000 - € 100.000 

Sistrix 

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180 

BERNARD VAN ORLEY, 

1488 BRÜSSEL – 1541 EBENDA 

MARIA MIT DEM KIND, DAS AUF EINEM 

KISSEN STEHT 

Öl auf Holz. 

35,6 x 27,8 cm. 

Oberhalb der Darstellung „IHS“ und rechts der 

bekrönte Name „MARIA“. 

Um 1520. 

Dieses herausragende Werk von höchster Qualität 

wurde um 1996 Edwin Buijsen vom RKD in Den Haag 

vorgestellt. Buijsen schreibt das vorliegende Gemälde 

aufgrund von Vergleichen mit einem von Friedländer 

in den Fürstlichen Höfen in Donaueschingen zitierten 

Werk dem Meister persönlich zu. 

Diese Meinung vertritt auch Lats Hendrikman, der 

das Gemälde im Original begutachtet hat. Er stellt fest, 

dass das Werk von außergewöhnlicher Qualität ist 

und viele eindeutige Charakteristika der Werke des 

Künstlers aus den frühen 1520er Jahren aufweist, was 

auf eine Datierung in diese Schaffenszeit schließen 

lässt. 

Die schlanken Hände der Jungfrau Maria und das pausbäckige 

Gesicht des Kindes mit dem strähnigen Haar 

sind typisch für den Künstler. 

Details wie die Perlen Marias und die goldenen Strähnen 

ihres wallenden Haares machen van Orleys Gemälde zu 

einem seiner schönsten und ergreifendsten Beispiele in 

diesem Genre. 

Provenienz: 

Sotheby‘s, New York, 16. Mai 1996, Lot 2, dort 

fälschlicherweise als Joos van Cleve zugeschrieben. 

Privatsammlung USA. 

Christie‘s, New York, 29. Januar 2014, Lot 153, mit 

einer Schätzung von 500.000 – 800.000 angeboten 

und vom gegenwärtigen Besitzer erworben. 

Ausstellungen: 

Minneapolis Institute of Arts als Leihgabe als Bernard 

van Orley, Minneapolis 1997-2013. 

(1361993) (13) 

Gedankt wird auch Lars Hendrikman und Peter van 

den Brink, der das Bild vollständig Bernard van Orley 

zuschreibt nach Begutachtung im Original im Juni 

2022. 


BERNARD VAN ORLEY, 

1488 BRUSSELS – 1541 IBID. 

THE VIRGIN AND CHRIST CHILD STANDING 

ON A PILLOW 

Oil on panel. 

35.6 x 27.8 cm. 

ca. 1520. Inscribed “IHS” above the depiction and 

“MARIA” on the right, surmounted by a crown. 

Just before 1996 this outstanding work of the highest 

quality was presented to Edwin Buijsen of the RKD in 

The Hague. Buijsen personally attributes the painting 

on offer in this lot to the master based on comparisons 

with a work cited by Friedländer held at the Fürstliche 

Höfe in Donaueschingen. Lats Hendrikman, who 

examined the original painting, shares this opinion. 

He notes that the painting is of exceptional quality and 

shares many of the unique characteristics of the artist’s 

œuvre from the early 1520s, suggesting it can be 

dated to this period. 

The Virgin Mary’s slender hands and the chubby face 

of the Christ Child with the lanky hair are typical of the 

artist. Details such as the Virgin’s pearls and the golden 

strands of her flowing hair make van Orley’s painting 

one of his finest and most moving examples of 

this genre. 

Lars Hendrikman and Peter van den Brink is to be 

thanked, who fully attribute the painting to Bernard 

van Orley after examine the original in June 2022. 

Provenance: 

Sotheby’s, New York, 16 May 1996, no. 2, attributed 

erroneously to Joos van Cleve. 

Private collection, USA. 

Christie’s, New York, 29 January 2014, no. 153, offered 

for sale with an estimate of 500,000 – 800,000 and 

acquired there by the present owner. 

Exhibitions: 

Minneapolis, Minneapolis Institute of Arts, on loan 

1997 – 2013, as Bernard van Orley. 

€ 600.000 - € 800.000 (†) 

Sistrix 

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181 

FLORENTINISCHER MEISTER DER ERSTEN 

HÄLFTE DES 16. JAHRHUNDERTS 

BILDNIS EINES JUNGEN MANNES VOR WEITER 

LANDSCHAFT 

Öl auf Nussholz. 

45 x 36 cm. 

Verso zwei, originale Querleisten, Schablonennummerierung 

und ein alter Papieraufkleber mit Schablonennummer 

„2“. 

In vergoldetem Prunkrahmen. 

Halbbildnis eines jungen Mannes mit schwarzem 

Barett und entsprechender Kleidung, vor einer Flachlandschaft, 

die zum Horizont zieht. Ein weißer Hemdkragen 

führt sichelförmig in starkem Kontrast zur 

schwarzen Kleidung um den Hals. Der Kopf leicht 

seitlich geneigt, mit fragendem, nachdenklichem, beinahe 

forschendem Blick. Die Lippen schmal und geschlossen, 

am Kinn rasierter Bartwuchs zu erkennen. 

Der scheinbaren Schlichtheit des Portraitbildnisses 

entspricht auch die Landschaft, die auf ablenkende 

Elemente völlig verzichtet, lediglich einige schlanke 

Bäume zeigt und in blauer Luftperspektive mit dem 

über hellem Horizontlicht nach oben dunkler werdenden 

Himmel korrespondiert. So dürfte es sich bei 

dem Dargestellten um einen jungen Gelehrten handeln, 

wofür auch das Kostüm spricht. Deutlich sind 

hier die Einflüsse der Maltradition von Werken wie 

Raffael und Perugino zu sehen. 

Das vorliegende Bild weist Verwandtschaft auf mit 

dem Bildnis des Evangelista Scappi von Francesco 

Raibolini Francia (um 1450-1517), das sich in den Uffizien 

in Florenz befindet. 

FLORENTINE MASTER OF THE FIRST 

HALF OF THE 16TH CENTURY 

PORTRAIT OF A YOUNG MAN IN FRONT OF 

WIDE LANDSCAPE 

Oil on nut panel. 

45 x 36 cm. 

Verso two, original crossbars, stencil numbering 

and an old paper sticker with stencil number “2”. 

Provenance: 

Tuscan noble collection, acquired from a Viennese 

private collection. 

€ 25.000 - € 30.000 

Sistrix 

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Provenienz: 

Toskanische Adelssammlung, erworben aus einer 

Wiener Privatsammlung. 

(13619314) (18) 


182 

ANTONIO MORO, 

1519 – 1575, ZUG. 

BILDNIS EINES ADELIGEN HERRN 

Öl auf Holz. 

62,5 x 51 cm. 

Das Gemälde ist gelistet im RKD Bildarchiv unter Nr. 

0000028480. 

ANTONIO MORO, 

1519 – 1575, ATTRIBUTED 

PORTRAIT OF A NOBLEMAN 

Oil on panel. 

62.5 x 51 cm. 

The painting listed in the RKD image archives 

under no. 0000028480. 

Der Dargestellte im Dreiviertelbildnis richtet seinen 

Blick auf den Betrachter in der stolzen Weise einer 

höhergestellten Persönlichkeit. Sein kurzer schwarzer 

Kinnbart, der steife Stehkragen und die weißen Rüschen 

sind Ausdruck der Zeitmode. Obschon erkennbar, 

dass das enganliegende Gewand in seidenglänzendem 

Stoff gefertigt ist, mit gereihten Sticknähten 

und der Knopfleiste, so steht diese Bekleidung doch 

deutlich und bewusst in Nähe zu Harnisch-Darstellungen. 

Am eng geschnürten Ledergürtel hängt das Lederband 

des Schwertes, dessen Knauf die linke Hand 

umfängt, während die Rechte einen Lederhandschuh 

hält. Die Datierung (1563) am Oberrand hat sich als 

etwas spätere Zutat erwiesen. 

Der niederländische Portraitmaler, geboren in Utrecht 

als Anthonis Mor van Dashorst, studierte in Rom und 

war Mitglied der Lukasgilde. Mitte des 16. Jahrhunderts 

war der Maler am spanischen Hofe tätig und 

portraitierte Mitglieder der königlichen Familie. Er 

arbeitete auch am Hof Philipp II. in London sowie für 

Wilhelm I. Seine zahlreichen Werke finden sich in 

englischen Sammlungen, im Louvre, in Madrid, Wien, 

Brüssel und Sankt Petersburg. 

Provenienz: 

Chez Popoff, Paris, Juli 1935. 

(13621250) (10) 

Provenance: 

Chez Popoff, Paris, July 1935. 

€ 24.000 - € 30.000 

Sistrix 

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183 

FLÄMISCHER MALER DES 16. JAHRHUNDERTS 

PORTRAIT EINER RENAISSANCEDAME 

FLEMISH SCHOOL, 16TH CENTURY 

PORTRAIT OF A RENAISSANCE LADY 

Öl auf Holz. 

26,1 x 18,9 cm. 

Verso mit altem fragmentarisch erhaltenem Sammlungsetikett 

mit Sammlungsnummer. 

In hochrechteckigem teilvergoldetem gefasstem Profilrahmen 

nach oben hin als Kreissegment abschließend. 

Oil on panel. 

26.1 x 18.9 cm. 

€ 15.000 - € 20.000 

Sistrix 

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Vor dunklem Hintergrund das Hüftportrait einer jungen 

Dame in weinrotem Kleid mit Goldfadenstickerei auf 

den weißen Ärmeln. Goldringe und eine Goldkette, 

wie auch das Barett mit einer von Goldfäden gezierten 

Feder zeugen von dem Wohlstand der Dame, deren 

Blick sanft am Betrachter vorbeigleitet. 

(1362121) (13) 

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184 

LODEWYK TOEPUT, 

UM 1515 ANTWERPEN – UM 1603/ 1605 TREVISO, 

ZUG. 

Flämischer Maler, der sich in Italien ausbilden ließ und 

längere Zeit in Venedig aufhielt, um bei Veronese und 

Tintoretto zu studieren, Florenz und Rom besuchte, 

sich aber überwiegend in Treviso aufhielt. Er gilt als 

Hauptmeister der sog. nordisch-venezianischen Landschaftsmalerei. 

Zahlreiche Bilder seiner Hand befinden 

sich in Kirchen Oberitaliens, viele davon verschollen. 

Zusammen mit Varotari freskierte er die berühmte Villa 

Maser von Palladio. 

SUSANNA UND DIE BEIDEN ALTEN 

Öl auf Leinwand. 

56 x 106 cm. 

Ohne Rahmen, nur feine Rahmenleiste. 

Das betonte Breitformat lässt das Gemälde als Supraporte 

aus höfischem Zusammenhang annehmen, 

was auch in der Symmetrie der Komposition zum 

Ausdruck kommt. Die biblische Geschichte wurde 

durch aramäische Fassung überliefert. Gezeigt ist die 

Szene, wonach Susanne im Bad von den beiden Alten 

bedrängt wird. Um sie verführen zu können, drohen 

sie mit der Erpressung, gegenseitig Zeugen dafür 

zu sein, Susanna hätte eingewilligt. Erst der Prophet 

Daniel als Richter bewies ihre Unschuld aufgrund getrennter 

Befragung der Alten. Somit gilt die Legende 

– neben dem „Salomonischen Urteil“ – als historisches 

Zeugnis der frühen, antiken Wahrheitsfindung 

und Rechtsgeschichte. 

In auffälliger Symmetrie sind die drei Figuren in eine 

hochbarocke Parkanlage gesetzt. Ein dichtes Baumspalier 

umzieht den intimen Gartenbereich, wobei die 

Pflanzungen im Labyrinth-Schema vielleicht auch symbolisch 

gemeint sind, um gedanklich auf die widersprüchlichen 

Aussagen zu deuten. Die Figur der Susanna 

beherrscht in der betonten Beleuchtung das Bildzentrum. 

Sie hält ihr langes Haar mit der rechten Hand 

zusammen. Dies wurde noch in der Zeit der Entstehung 

des Bildes als Ausdruck züchtigen Verhaltens 

gesehen, da aufgelöstes Haar stets als tugendlos galt. 

Am Beckenrand Badeutensilien, wie Kamm, Kanne, 

Spiegel, Schwamm und Schere. Rechts das abgelegte 

Kleid, dessen weiße Farbe ebenfalls auf Unschuld weist. 

Wie in einer Verklammerung bedrängen die beiden 

Alten die Unschuldige. Deren Handgesten sind als die 

in der Bibel geschilderten Worte zu verstehen. 

Links im Bild ein Brunnenbecken mit Steinfigur eines 

pissenden Putto, der auch aus seinen Brüsten Wasser 

speit, was zudem zu deuten wäre. Aus einem rundbogigen 

Laubeneingang rechts treten mehrere Personen 

in den Gartenraum, die den Verführungsversuchen ein 

Ende bereiten. 

Das Gemälde steht thematisch in Verwandtschaft mit 

mehreren Gemälden des Malers. So ist eine weitere 

Darstellung des Susanna-themas bekannt, ebenfalls in 

einen Park mit Hecken gesetzt. Darüber hinaus hat 

Toeput vor allem für seine weiteren biblischen Themen 

Parkhintergründe gewählt, aber auch für sein 

„Bankett im Park“. Das Labyrinth-Thema findet sich in 

seinem bekannten „Vergnügungsgar-ten mit Labyrinth“, 

das sich im Hampton Court Palace in London befindet. 

Der flämische Maler verdankt seinen Zunamen „il Pozzoserrato“ 

der Übertragung ins Italienische. Ausgebildet 

wurde er in Italien. Der zeitgenössische Biograph Karlel 

van Mander nannte Mechelen als seinen Geburtsort, 

wogegen andere Quellen für Antwerpen sprechen. 

Ferner berichtet er, er wäre ihm in Venedig begegnet, 

wohin er wahrscheinlich um 1573-74 zog. Der venezianische 

Biograph Carlo Ridolfi (1594-1658) schrieb, 

Toeput habe in Venedig anfänglich im Atelier des Tintoretto 

gearbeitet, zusammen mit seinem Landsmann 

Pauwels Franck (Paolo Fiammingo). Die Figur der Susanna 

weist hier auch auffällig stilistischen Bezug zu 

den Susanna-Darstellungen Tintorettos auf. 

In Florenz dürfte er in den 1570er Jahren gewirkt haben, 

während ein Aufenthalt in Rom nicht gesichert ist. Die 

Gilde Venedigs war ihm verschlossen, was ihn veranlasste, 

nach Treviso zu ziehen, wo er sogleich genügend 

Auftraggeber- auch etwa für Fresken in Villen, 

oder Ausstattungsmalereien für die Monte di Pietá 

fand. Die Räume der berühmten Villa Maser von Palladio 

freskierte er zusammen mit Alessandro Varotari. Zahlreiche 

seiner bekannten Werke befinden sich in Oberitaliens 

Kirchen, viele davon verschollen. 

Im vorliegenden Gemälde dürfte die stilistische Verwandtschaft 

zur Schule der Bassano deutlich erkennbar 

sein, auch was die Farbcharakteristik betrifft. Die 

soge nannte „Nordisch-Venezianische“ Malerei hat in 

Toeput wohl ihren bedeutendsten Meister gefunden. 

Dem Gemälde ist eine Analysenbegutachtung mit 

ausführlicher Bibliografie und zahlreichen Detailabbildungen 

beigegeben, ausgestellt von Laura Voltolina 

und Paolo Proiette. 

Literatur: 

Luigi Menegazzi, Ludovico Toeput (il Pozzoserrato), 

in: Saggi e Memorie di Storia dell’Arte No. 1 (1957), 

Anne-Sophie Banner, Les jardins dans l’œuvre de 

Lodewijk Toeput : entre tradition flamande et culture 

vénitienne.En vue de l’obtention du grade Maître 

(M.A.) en histoire de l’art, Décembre 2014, p. 21 

Teréz Gerszi, The Draughtsmanship of Lodewijk Toeput, 

Master Drawings Vol. 30, No. 4 (Winter, 1992), 

pp. 367-395 

Teréz Gerszi. „Toeput, Lodewijk.“ Grove Art Online. 

Oxford Art Online. Oxford University Press. Web. 

19 September 2020 

A.R. 

(1361661) (11) 

LODEWYK TOEPUT, 

CA. 1515 ANTWERP – CA. 1603/ 1605 TREVISO, 

ATTRIBUTED 

SUSANNA AND THE TWO ELDERS 

Oil on canvas. 

56 x 106 cm. 

An analysis report with extensive bibliography and 

numerous detailed pictures by Laura Voltolina and 

Paolo Proiette is enclosed. 

€ 35.000 - € 45.000 

Sistrix 

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185 

OBERRHEINISCHER MEISTER UM 1500 

DIE HEILIGE MARIA MAGDALENA 

Öl auf Holz. Auf moderne Holzplatte aufgeleimt. 

55 x 41 cm. 

In Rahmen mit oben abgeschrägten Ecken. 

Vor grünem Hintergrund die leicht nach rechts stehende 

Maria Magdalena mit langem gewellten dunkelblondem 

Haar, auf dem sie eine turbanartige Kopfbedeckung 

mit Schmuckstücken trägt, zudem in einem 

roten Gewand und grünem Mantel um den Hals eine 

Kette mit Kreuzanhänger und in ihrer linken erhobenen 

Hand ein silbrig glänzendes Salbgefäß haltend. Sie 

hat dünne, wohlgeformte Augenbrauen, schmale rote 

Lippen und mit ihren blaugrauen Augen schaut sie 

seitlich aus dem Bild heraus. 

Anmerkung: 

Verso Aufkleber, das auf das Wallraf Richartz Museum 

Köln als Leihgabe verweist, sowie Provenienzvermerk, 

nach dem das Gemälde aus dem Nachlass des Franz 

von Lenbach stammen soll und anschließend in 

Familienbesitz war. 

(1360691) (18) 

UPPER RHENISH MASTER, 

CA. 1500 

SAINT MARY MAGDALENE 

Oil on panel. Laid on modern wooden board. 

55 x 41 cm. 

Notes: 

Label on the back, references a loan to the Wallraf- 

Richartz Museum in Cologne, as well as a provenance 

note according to which the painting apparently originates 

from the estate of Franz von Lenbach and has 

been family-owned since then. 

€ 12.000 - € 16.000 

Sistrix 

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35

186 

MALER DES 16. JAHRHUNDERTS 

DIE ENTFÜHRUNG DURCH EIN MEERUNGEHEUER 


75 x 67 cm. 

Die Darstellung geht insgesamt auf einen Kupferstich 

von Albrecht Dürer, von ca. 1498 zurück, mit dem Titel 

„Das Meerwunder“. Gezeigt ist im Stich wie im Gemälde 

eine felsige Erhebung mit bekrönender Burg an 

einem Fluss. Zwischen Burg und Ufer im Vordergrund 

eine befestigte Stadt, aus dessen Torweg ein Mann mit 

hilferufend erhobenen Armen dem Ufer zueilt, während 

eine nackte Schönheit von einem Meerwesen entführt 

wird. 

In der Kunstwissenschaft wird bis heute das Thema 

ohne überzeugendes Ergebnis diskutiert. Es könnte 

sich wohl um die „Entführung der Theophane durch 

Neptun“. Der Meeresgott wird hier als Ungeheuer mit 

Geweih und einem Schild in Form eines Schildkrötenpanzers 

dargestellt. Die Entführte blickt wehmütig 

zurück. Sinn macht die Darstellung, dass in der antiken 

Legende sich Neptun in einen Bock verwandelt hat, 

was hier durch das Geweih bestätigt wird. Theophane 

wird der Legende nach gemäß auf die Insel Crinissa 

verbannt. Der orientalische Legendenhintergrund 

wäre hier durch den Turbanhut des Mannes am Ufer 

erklärt. 

Vom Kupferstich weicht das Gemälde in mannigfachen 

Details ab. Der Maler hat die nach hinten verlaufende 

Bebauung am Ufer im Hintergrund dazu 

erfunden, den Burgturm mit Bäumen umstellt. Die 

weiteren klein wiedergegebenen Figuren am Ufer 

wurden weggelassen, dagegen hat der Maler einen 

schlanken Baum- und am rechten Bildrand ein Schiff 

zusätzlich ins Bild gesetzt. 

(1361041) (11) 

PAINTER OF THE 16TH CENTURY 

THE ABDUCTION BY A SEA MONSTER 


75 x 67 cm. 

The depiction is based on a copper engraving by 

Albrecht Dürer, ca. 1498 and titled The Miracle of 

the Sea. 

€ 85.000 - € 100.000 

Sistrix 

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187 

FLÄMISCHE SCHULE DES 16. JAHRHUNDERTS 

DIE PREDIGT JOHANNES DES TÄUFERS 

FLEMISH SCHOOL OF THE 16TH CENTURY 

THE PREACHING OF JOHN THE BAPTIST 

Öl auf Holz. 

97 x 135 cm. 


Das biblische Thema in eine weite Landschaft versetzt. 

Auf einer kleinen Lichtung auf einer Anhöhe vor 

einem Wald eine große Menschenansammlung, in 

deren Mittelpunkt Johannes der Täufer steht mit 

bräunlichem Fellgewand und einem roten Umhang, 

die beiden Hände im Redegestus ausgestreckt. Die 

um ihn herum versammelte Menschenmenge, zumeist 

in zeitgenössischer Kleidung des 16. Jahrhunderts, in 

allen Altersschichten, von der jungen hockenden Mutter 

im Vordergrund, die gerade ihrem Kind die Brust 

reicht, bis hin zu einem alten bärtigen, grauhaarigen 

Mann. Auch diverse Stände sind vertreten und an der 

Kleidung zu erkennen, von Regenten, wie das auffällig 

in der Mitte stehende Paar, er mit rot-weiß glänzender 

Pluderhose und in seiner rechten Hand einen Regentenstab 

haltend, sie in goldfarbenem Rock mit roten 

Querstreifen, ein Kind und ein Hündchen im Arm haltend, 

dazu einen Hut mit Federn tragend, links daneben 

ein Gelehrter mit Turban und einfach gekleidete 

Männer und Frauen. Auf der rechten Bildseite geht 

der Blick über eine weite Landschaft auf einen tiefer 

liegenden Fluss, in der auch die Taufe Jesu durch 

Johannes gezeigt wird. Rechts des Ufers auf der 

ansteigenden Bergkette sind eine Burganlage und 

eine Stadt silhouttenhaft erkennbar unter hohem 

wolkigen Himmel, der an einer Stelle aufreißt und 

gelbes Sonnenlicht durchläßt. Rest. 

(1361166) (18) 

Oil on panel. 

97 x 135 cm. 

€ 40.000 - € 60.000 

Sistrix 

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39

188 

PIETER BRUEGHEL D. J., 

UM 1564 BRÜSSEL – 1637/38 ANTWERPEN 

Er war der Sohn des Malers Pieter Brueghel d. Ä. und 

dessen Ehefrau Majken. Er wurde wohl bei dem Landschaftsmaler 

Gillis van Conninxloo (1544-1607) in die 

Lehre gegeben. Im Jahr 1585 ist er als selbstständiger 

Meister in den Büchern der Lukasgilde in Antwerpen 

verzeichnet. In der Stadt unterhielt er auch ein größeres 

Atelier. 

BAUERNSTREIT BEIM KARTENSPIEL 

Öl in Lasurtechnik auf Holz. 

41,7 x 58,4 cm. 

Beigegeben eine Expertise von Dr. Klaus Ertz, Lingen 

vom 2. Januar 2023. 

Stil und Auffassung der Darstellung zeigen deutlich, 

dass das Gemälde auf ein Werk des Vaters, Pieter 

Brueghel d. Ä. (1525-1569) zurückgeht. Die Motivübernahmen 

in Werken seines Sohnes vom Vater ist in 

der Familientradition keine Seltenheit. Charakteristisch 

für die Bildauffassung von Brueghel I ist das nahe 

Heranbringen der Figuren, wobei Personengruppen 

oft das gesamte Bildformat füllen. Dies ist auch hier 

der Fall und verleiht dem komisch-realistischen Sujet 

den besonderen Reiz. Schon der damalige Bildbetrachter, 

der ja der gehobenen Gesellschaft zugehörte, mag 

die Szenerie höchst humorvoll aufgenommen haben. 

Gezeigt ist eine Gruppe von Bauern, zu einem verwobenen 

Knäuel verstrickt, die nach einem Streift aufeinander 

losgegangen sind, wobei jeder gegen jeden 

schlägt. Die Figuren teilweise ineinander verhakt, 

während in diesem Durcheinander alle nur greifbaren 

Gegenstände als Prügelwaffen zum Einsatz kommen 

– Dreschflegel und Mistgabel, ebenso wie Weinkrüge 

oder Teller. Links im Bild ist ein etwas entfernter stehender 

Jüngling soeben dabei, zu einem Wurf auf die Raufbolde 

auszuholen. Vergeblich scheinen die Versuche 

der Frauen, die Raufbolde voneinander zu trennen. 

Eine umgestürzte Bank aus knorrigem Holz illustriert 

die Wildheit der Rauferei. 


PIETER BRUEGHEL THE YOUNGER, 

CA. 1564 BRUSSELS – 1637/38 ANTWERP 

PEASANTS FIGHTING OVER A GAME OF CARDS 

Die geballte Szenerie wird kompositorisch gerahmt 

durch Bäume an den Seitenrändern als Repoussoir. 

Sie spielt sich auf einem Dorfanger ab, der im Hintergrund 

strohgedeckte Hauser zeigt, dazwischen 

Personen, von denen eine herbeieilt und hilfeschreiend 

ihre Arme hochhält. Die Spielkarten, die verstreut 

auf dem lehmigen Boden liegen, heben sich 

farblich signifikant ab und verraten die Streitursache. 

Interessant ist die Frage nach dem Standpunkt des 

Beobachters des Geschehens. Ein Wirtshaus wird 

nicht gezeigt, jedoch verrät ein großes Fass, in der 

linken unteren Ecke angeschnitten, dass die Szene 

von der Schenke aus aufgefasst ist. 

Das Bildthema war schon in der Wirkungszeit von 

Pieter Brueghel d. Ä. so erfolgreich, dass es durch einen 

Stich von Lucas Vorstermann (1595-1675) Verbreitung 

fand. Darauf geht auch das vorliegende Gemälde 

zurück. Vergleicht man die bekannten Versionen, so 

zeigen sich jeweils markante Unterschieden in den 

Details. Pieter Brueghel II schuf allein schon 20 Versionen. 

Wie aus der beiliegenden Expertise hervorgeht, 

lassen sich dabei die Werke vor 1616 von denen 

danach abgrenzen. Dabei ist die Nähe zu einem 

Werk im Philadelphia Museum of Art zu erkennen, 

das nach 1616 datiert wird. A.R. 

Literatur: 

Klaus Ertz, Pieter Brueghel d. J., Die Gemälde mit 

kritischem Œuvrekatalog, 2 Bde. Lingen 2000, Klaus 

Ertz und Christa Nietze.Ertz, Jan Brueghel d. Ä. Die 

Gemälde mit kritischem Œuvrekatalog, 4 Bde. Lingen 

2008-10. (1360401) (11) 

Oil in glazing technique on panel. 

41.7 x 58.4 cm. 

Accompanied by an expert’s report by Dr Klaus Ertz, 

Lingen dated 2 January 2023. 

The style and concept of the depiction clearly show 

that the painting is based on a work by his father, 

Pieter Brueghel the Elder (1525 – 1569). It is not uncommon 

in the family tradition for the son to adopt 

motifs by his father. Characteristic of Brueghel I’s approach 

to painting is the close-up view of the figures, 

with groups of figures often filling the entire picture 

format. This is also the case in the painting on offer for 

sale here and adds special appeal to the comic-realistic 

subject. The subject of the painting was already very 

successful during Pieter Brueghel the Elder’s career 

and was circulated in an engraving by Lucas Vorstermann 

(1595 – 1675). The painting on offer for sale here 

is also based on this. A comparison of the known versions 

shows significant differences in the details. Pieter 

Brueghel II himself created 20 versions. As can 

be seen from the enclosed expert’s report, the works 

before 1616 can be distinguished from those after. 

The closeness to a work held at the Philadelphia 

Museum of Art, which is dated after 1616, is apparent. 

€ 100.000 - € 150.000 

Sistrix 

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189 

PIETER BRUEGHEL D. Ä., 

UM 1525 – UM 1569 

DER KALVARIENBERG 

Öl auf Leinwand. Doubliert. 

89,5 x 108 cm. 

In profiliertem Holzrahmen. 

In einer hügeligen Komposition in absteigender Keilform 

sehen wir den sogenannten Kalvarienberg, auf 

dem soeben das dritte Kreuz aufgestellt wird. Im Hintergrund 

die Stadtsilhouette von Jerusalem mit einem 

variantenreichen Himmel, da dieser gemäß der Bibel 

sich zu verdunkeln im Begriff ist. Die ausgewogene 

Komposition zeigt zahlreiche wohl verteilte Personen 

auf dem Berg Golgatha die teils trauern, teils kommunizieren 

und gestikulieren. Vergleichbar ist das 

Gemälde hinsichtlich der Gestaltungsweise der Personen 

etwa mit der Anbetung der Könige in den 

Königlichen Museen zu Brüssel oder auch der Kreuztragung 

Christi im Kunsthistorischen Museum in Wien, 

die hinsichtlich der gestaffelten Komposition, der im 

Vordergrund Trauernden (dort rechts, hier links) und 

der Pferde mit ihrem Zaumzeug gut als Vergleich herangezogen 

werden kann. Auch die in Wien befindliche 

Bekehrung des Paulus ist gut vergleichbar: Hier wie 

auch bei uns sehen wir die Rückenansichten der 

Pferde, die steile keilartige Komposition mit ihrer gesteigerten 

Dramatik und auch das die Komposition 

brechende Gewirr von Lanzen, das auch in dem hier 

angebotenen außergewöhn lichen Gemälde gut zu 

sehen ist. Auch zur Burggestaltung findet sich ein 

Vergleichsbild, nämlich „Die Elster auf dem Galgen“ 

im Hessischen Landesmuseum Darmstadt. 

Gutachten: 

Provenienzbestätigung der Provinciaal Vlaamse 

Kapucijnen über den Verkauf des Gemäldes am 15. 

Januar 1972, datierend 1. Februar 2007. 

Beglaubigter Auszug aus: De Antwerpsche Konstkamers 

/ Inventarissen van Kunstverzamelingen te 

Antwerpen in de 16e en 17e Eeuwen, J. Denuce, 1932, 

S. 15, Beglaubigung vom 30. Dezember 1987. 

Beglaubigter Auszug aus: Antwerpsch Archievenblad 

- uitgegeven bij opdracht van het Gemeentebestuur 

door den Dienst der Stadsarchieven, Tweede Reeks, 

6. Jahrgang 1931, S. 262. 

Anbei ein technischer Untersuchungsbericht von 

Edmond Florens, 25. August 1981, Brüssel. 

Provenienzbestätigung durch Edmond Florens vom 

27. August 1981. 

Gutachten von A. C. Roose, Brügge, 30. Juni 1975. 

Anbei ein Gutachten von Prof. S. Bergmans, Präsident 

der Académie Royale d‘Archéologie de Belgique, Brüssel, 

3. April 1975. 

Gutachten von Dr. Dr. Herbert Paulus, Erlangen, 1. 

April 1973, der zu dem Schluss kommt, dass es sich 

um eine Gemäldevorstudie Pieter Brueghel d. Ä. 

und seinen Gehilfen handelt. 

Provenienz: 

Vermutlich in der Sammlung von Philips van Valckenisse, 

dessen Nachlass am 10. April - 3. Mai 1614 

niederlegt wurde. Darin ist erwähnt eine „Lancworpige 

schilderye op doec, Cruycinge Ons Heeren. 

Vermutlich Sammlung des Gewürzhändlers Hendrik 

Bartels, 1672. Dort erwähnt „Een schilderey van de 

Cruyssingh Cristy. Van den ouden Breughel f. 150“. 

Das vorliegende Gemälde war Bestandteil der Sammlung 

eines Kapuzinerklosters und ist in die Sammlung 

zwischen 1852 und 1951 eingegliedert worden. 

Dort erworben durch einen Belgischen Industriellen 

am 15. Januar 1972, der das Gemälde 1974 von 

Edmond Florenzs restaurieren ließ und ihm die Herkunft 

am 26. August 1981 bestätigte. 

Literatur: 

Das vorliegende Gemälde ist vermutlich schriftlich 

erwähnt in: De Antwerpsche Konstkamers / Inventarissen 

van Kunstverzamelingen te Antwerpen in 

de 16e en 17e Eeuwen, J. Denuce, 1932, S. 15. 

Das vorliegende Gemälde ist vermutlich schriftlich 

erwähnt in: Antwerpsch Archievenblad – uitgegeven 

bij opdracht van het Gemeentebestuur door den 

Dienst der Stadsarchieven, Tweede Reeks, 6. Jahrgang 

1931, S. 262. 

Vgl.: Gotthard Jedlicka, Pieter Brueghel, Erlenbach, 

1938, dort besonders auch das Kapitel zur Kreuztragung, 

S. 166 ff. (1361162) (13) 



45

PIETER BRUEGHEL THE ELDER, 

CA. 1525 – CA. 1569 

THE CALVARY 

Oil on canvas. Relined. 

89.5 x 108 cm. 

Accompanied by a provenance confirmation of the 

Provinciaal Vlaamse Kapucijnen about the sale of the 

painting on January 15, 1972, dated February 1, 2007. 

Certified extract from: De Antwerpsche Konstkamers 

/ Inventarissen van Kunstverzamelingen te Antwerpen 

in de 16e en 17e Eeuwen, J. Denuce, 1932, p. 15, 

authenticated December 30, 1987. Authenticated 

extract from: Antwerpsch Archievenblad – uitgegeven 

bij opdracht van het Gemeentebestuur door den Dienst 

der Stadsarchieven, Tweede Reeks, 6th volume 1931, 

p. 262. Also attached a technical examination report 

by Edmond Florens, August 25, 1981, Brussels. Attached 

is an expert‘s report by A. C. Roose, Bruges, 

June 30, 1975. Also attached is an expert‘s report by 

Prof. S. Bergmans, President of the Académie Royale 

d’Archéologie de Belgique, Brussels, April 3, 1975. 

Also an expert‘s report by Dr. Dr. Herbert Paulus, Erlangen, 

April 1, 1973, who concludes that it is a painting 

preparatory study Pieter Brueghel the Elder and 

his assistants. 

Provenance: 

Probably in the collection of Philips van Valckenisse, 

whose estate was deposited on April 10 - May 3, 

1614. In it is mentioned a “Lancworpige schilderye 

op doec, Cruycinge Ons Heeren. 

Probably collection of the spice merchant Hendrik 

Bartels, 1672. There mentioned “Een schilderey van 

de Cruyssingh Cristy. Van den ouden Breughel f. 

150”. 

The present painting was part of the collection of a 

Capuchin monastery and has been incorporated into 

the collection between 1852 and 1951. 

Acquired there by a Belgian industrialist on January 

15, 1972, who had the painting restored by Edmond 

Florenzs in 1974 and confirmed its provenance on 

August 26, 1981. 

Literature: 

The present painting is probably mentioned in writing 

in: De Antwerpsche Konstkamers / Inventarissen van 

Kunstverzamelingen te Antwerpen in de 16e en 17e 

Eeuwen, J. Denuce, 1932, p. 15. 

The present painting is probably mentioned in writing 

in: Antwerpsch Archievenblad – uitgegeven bij opdracht 

van het Gemeentebestuur door den Dienst der Stadsarchieven, 

Tweede Reeks, 6. Year 1931, p. 262. 

€ 300.000 - € 400.000 

Sistrix 

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190 

JAN BRUEGHEL D. Ä., 

1568 BRÜSSEL – 1625 ANTWERPEN 

Jan Brueghel d. Ä. war Sohn des Pieter Brueghels I 

(um 1525- um 1569) und der jüngere Bruder des Pieter 

Brueghels II (um 1564-1637/38). Seine Freundschaft 

mit Paul Bril (um 1554-1626) anlässlich des gemeinschaftlichen 

Aufenthaltes in Rom ist ebenso bekannt, 

wie seine Zusammenarbeit mit Johann Rottenhammer 

(1564-1625). Zurück in Flandern wurde er 1597 

Mitglied der Antwerpener Lukasgilde, später deren 

Dekan. Auch sein Sohn Jan Brueghel d. J. setzte die 

Maltradition erfolgreich fort. 1604 in Prag, wirkte er 

anschließend für den Hof in Brüssel. Letztlich zeugt 

das Gruppenbild seiner Familie, gemalt von Peter Paul 

Rubens, vom Rang des Künstlers zu seiner Zeit (Courtauld 

Gallery London). 

SUMPFIGE WALDLANDSCHAFT MIT JÄGERN 

Öl auf Holz. 

30,5 x 43 cm. 

Gerahmt. 

Beigegeben eine Expertise von Dr. Jaco Rutgers, Tilburg, 

vom 14. Januar 2023, in Kopie. Dort ausführliche 

Literaturangaben. Die Expertise weist die Entstehungszeit 

des Bildes in die frühen Schaffensjahre, um 1588, 

vor der Reise nach Italien. 

Bereits der erste Blick verrät die hohe Qualität des 

Gemäldes. Dies sowohl was Komposition und Lichtauffassung, 

aber auch die Feinmalerei betrifft. Nicht 

zuletzt fällt hier die gut durchdachte Erzählweise der 

Staffagefiguren auf. 

Aus erhöhtem Betrachterstandpunkt wird der Blick in 

eine Waldlandschaft geführt, mit sumpfigem Grund 

seitlich und in eine Lichtung. Ein Eichenbaum beherrscht 

die linke Bildhälfte, der Stamm auffallend 

mehrfach gewunden. Rechts unten verläuft ein trockener 

Waldweg nach rechts und verschwindet hinter 

einem Baumstamm, der als Repoussoir den rechten 

Bildrand fungiert. 

Wie stets in Waldlandschaften des Malers heben sich 

die einzelnen Blätter der Baumkronen ab, so detailgenau, 

dass die Baumarten erkennbar werden, wie 

hier überwiegend die Eichen. 

Von besonderem Reiz, aber auch in exzellenter Feinmalerei 

sind die Staffagefiguren eingefügt. Hier sind 

es zwei Jäger mit Hund und ein rechts nach hinten 

gehender weiterer Jäger. Vor allem aber die nur bei 

näherer Betrachtung auszumachende Fauna. Einer 

der Jäger zielt mit seiner Flinte auf einen Storchvogel, 

der sich im Schilf versteckt hält. Ein kleines Waldkäuzchen 

auf einem Ast am Baum links, sowie zwei Enten 

zwischen Teichlilien und Seerosen darunter am Bildrand, 

gehören zu den Überraschungen, die das Bild 

für genauere Betrachtung bereithält. 

Die Beleuchtung von links setzt den gewundenen 

Eichenstamm in Szene, gleichzeitig die beiden Jäger, 

deren Rot in der Kleidung als Farbeffekte dienen. Der 

hellere Hintergrund der Waldschneise bietet als „pointde-vue“ 

eine ferne Kirchturmspitze. 

Die beiliegende Expertise behandelt das Gemälde ausführlich 

und dokumentarisch, mit entsprechenden Liter 

a turangaben und Vergleichen. So etwa wird Brueghels 

„Hügelige Flusslandschaft mit Jägern“, welches im 

Städel Frankfurt hängt, genannt, in der sich ein nahezu 

identisch gemalter Flintenschütze befindet, oder die 

„St. Georgs- Kirmess“ aus einer Privatsammlung. Vor 

allem weist die Expertise auf den Zusammenhang des 

hier geschlängelt gewachsenen Eichenstamms mit 

einem Kupferstich von Hieronymus Cock nach Pieter 

Brueghel d. Ä., dem Vater des vorliegenden Bildes 

(„Flämische Waldlandschaft“). 

So wird auch hier die enge Beziehung der Brueghel 

Familie und deren Werke anschaulich. Der Maler, der 

sowohl am Prager Hof Rudolphs II, als auch in Rom 

und Mailand wirkte, war für Auftraggeber höchsten 

Ranges, wie den Kardinal Borromeo ebenso wie für 

den Brüsseler Hof unter Albrecht und Isabella tätig, 

wo er erstmals dokumentiert ist. Der Maler, der an der 

Cholera starb, zählt zu den bedeutendsten Künstlern 

seiner Zeit. A.R. 

(1362171) (1) (11) 

Detailabbildungen 



49

Detailabbildung Lot 190 

JAN BRUEGHEL THE ELDER, 

1568 BRUSSELS – 1625 ANTWERP 

SWAMPY FOREST LANDSCAPE WITH HUNTERS 

Oil on panel. 

30.5 x 43 cm. 

Accompanied by an expert’s report by Dr Jaco Rutgers, 

Tilburg, dated 14 January 2023 with extensive bibliography, 

in copy. 

The report suggests that the painting was created in 

his early creative years, ca. 1588, before his travels 

to Italy. Above all, the expert’s report points to the 

connection between the meandering oak trunk and 

a copper engraving by Hieronymus Cock after Pieter 

Brueghel the Elder, the father of the present painter 

(Flemish Forest Landscape). The close relationship 

between members of the Brueghel family and their 

works is evident in the painting on offer for sale here. 

€ 200.000 - € 280.000 

Sistrix 

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191 

JAN BRUEGHEL D. J., 

1601 ANTWERPEN – 1678 EBENDA 

HOHER BLUMENSTRAUSS IN EINER CHINAVASE 

Öl auf Holz. 

58 x 40,5 cm. 

Verso gedruckter Aufkleber der Ausstellung im: 

„MUSEES ROYAUX DES BEAUX-ARTS DE BELGQUE 

Rue de Musée 9, 1000 Bruxelles“. 

Beigegeben eine Expertise von Dr. Klaus Ertz, Lingen. 

Das Stillleben, in gefälligem Format, präsentiert vor 

nahezu schwarzem Hintergrund einen hoch gesteckten 

Strauß bunter Frühsommerblumen. Weiße Lilien und 

blaue Iris ragen am weitesten nach oben, und bei längerer 

Betrachtung zeigt sich, dass die Irisfarben oben 

mit dem Türkisblau der Vase unten eine kompositorische 

Verklammerung bilden. Dazwischen konkurrieren 

rote, rosafarbene und gelbe Blüten von Butterblumen, 

Strauchblüten und Löwenmaul, bereichert durch gefiederte 

Tulpen, Schachbrettblume und Türkenbund. 

Besonders fein und nahezu unauffällig lassen sich 

Libellen ausmachen. Etliche kleine Blüten sind auf die 

hellbraune Standfläche herabgefallen. Besonderes 

Interesse gilt der Vase. Im Interesse der Barockzeit 

waren solche Gefäße wertvolle Exportprodukte aus 

Asien. Die blaugrundige Balustervase mit ihrem eingezogenen 

Rundfuß zeigt gemaltes Blattwerk, dazwischen 

ein Vogel auf einem Felsen. Die geometrische 

Dekoration an der Vasenschulter imitiert ähnliche 

Formen chinesischen Porzellans. 

Jan Brueghel II, Sohn des Jan Brueghels d. Ä. und der 

Isabella de Jode, die zwei Jahre nach seiner Geburt 

starb, erhielt seine erste Ausbildung bereits zehnjährig 

bei seinem Vater, der damals bereits neben Peter 

Paul Rubens zu den meistgeachteten Malern seiner 

Zeit zählte. 1622 reiste er zusammen mit Philippe de 

Momper nach Mailand zu Kardinal Borromeo, dann 

nach Genua. 1623 unternahm er ohne Zustimmung 

des Vaters und des Kardinals eine Weiterreise per 

Schiff nach Sizilien, wo er mit seinem Freund Anton 

van Dyck zusammentraf. Über Genua und Mailand 

führte ihn sein Weg nach Turin, Lyon, Paris und 

schließlich nach Antwerpen. Als Dekan der Lukasgilde 

erlebte er ab 1630 den Höhepunkt seiner Karriere. 

Er setzte die Tradition seines Vaters fort, auch mit anderen 

Malern zusammenzuarbeiten, vor allem kennt 

man seine Blumengirlanden, die religiöse Themen 

von Kollegen umrahmen. In der Stilistik dieser Blumenwerke 

ist auch das hier vorliegende Stillleben zu sehen. 

Literatur: 

Vgl. Klaus Ertz, Jan Breughel der Jüngere (1601-1678): 

die Gemälde mit kritischem Œuvrekatalog, Luca- 

Verlag, Freren 1984. 

Vgl. Marie-Louise Hairs, Jean Breughel le jeune, 

peintre de fleurs, In: Revue Belge d’Archéologie et 

d’Histoire de l’art, Académie royale d’archéologie de 

Belgique, Bd 36, Nr. 1-2-3-4, Brüssel 1967, S. 57-74. 

Anmerkung: 

Gedruckter Aufkleber der Ausstellung: Mit maschinenschriftlichem 

Vermerk „Exposition / Fleurs, la 

nature et l‘mage / 1 – 24 Juin 1979 / MINISTERE 

de‘l EDUCATION NATIONALE et de la CULTURE 

Francise de port“ .A. R. 

(13621230) (11) 

JAN BRUEGHEL THE YOUNGER, 

1601 ANTWERP – 1678 IBID. 

TALL BOUQUET OF FLOWERS IN CHINESE VASE 

Oil on panel. 

58 x 40.5 cm. 

Printed label of an exhibition on the back: “MUSEES 

ROYAUX DES BEAUX-ARTS DE BELGQUE Rue de 

Musée 9, 1000 Bruxelles”. 


Lingen. 

€ 50.000 - € 70.000 

Sistrix 

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192 



MARIA MIT DEM KINDE IM BLUMENKRANZ 

Öl auf Holz. 

39 x 27,7 cm. 

Verso mit altem Etikett. 

In profiliertem ornamental verziertem Rahmen. 

Beigegeben ein Gutachten von Dr. Klaus Ertz, Lingen. 

Vor tiefschwarzem Hintergrund ein für Jan Brueghel d. J. 

typischer, fein gemalter, in polychromer Farbgebung 

dargestellter Blumenkranz, der variantenreich Nelken, 

Rosen, Narzissen, Tulpen, Maiglöckchen und zahlreiche 

weitere Blumen nebst kleineren Insekten darstellt. 

Zentral polychrom ein hochovales Medaillon mit Maria 

und dem Kinde. 



MADONNA AND CHILD IN FLORAL WREATH 

Oil on panel. 

39 x 27.7 cm. 


Lingen. 

€ 20.000 - € 30.000 

Sistrix 

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Literatur: 

Vgl. Dr. Klaus Ertz, Jan Brueghel d.J., Die Gemälde, 

Freren 1984. 

Konrad Renger, Flämische Malerei des Barock in 

der Alten Pinakothek, München und Köln 2002. 

(13621229) (13) 


193 

PIETER COECKE VAN AELST D. Ä., 

1502/07 AALST – 1550 BRÜSSEL, 

(ZUG.) UND SEINE WERKSTATT 

DAS LETZTE ABENDMAHL 

PIETER COECKE VAN AELST THE ELDER, 

1502/07 AALST – 1550 BRUSSELS, 

(ATTRIBUTED) AND HIS WORKSHOP 

THE LAST SUPPER 

Öl auf Holz. 

66 x 88 cm. 

Das Gemälde zeigt einen Innenraum mit großem 

Tisch und weißer Decke, im Zentrum sitzend Jesus, 

umgeben von den zwölf Aposteln, unmittelbar nachdem 

dieser ihnen beim letzten gemeinsamen Essen 

am Vorabend seiner Kreuzigung gesagt hatte „Einer 

von Euch wird mich verraten.“ (Neues Testament Mt 

26,21). Das Gemälde geht auf die berühmteste Darstellung 

des letzten Abendmahls des italienischen 

Malers Leonardo da Vinci (1452-1519) zurück; sie 

schmückt die Nordwand des Refektoriums des Dominikanerklosters 

Santa Maria delle Grazie in Mailand. 

Die Jesus umgebenden Apostel sind teils in ein Gespräch 

verwickelt, teils nachdenklich blickend. Im Vordergrund 

rechts, an einem leicht umkippenden Hocker 

stehend, Judas in gelb-grüner Gewandung, auf dem 

Hocker den Geldbeutel als Lohn für den Verrat festhaltend, 

dabei Jesus anblickend und mit seinem rechten 

Finger auf sich zeigend, um zu fragen „War ich es Jesus?“. 

Im Vordergrund auf dem gekachelten Boden 

zwei spielende Hunde sowie am rechten Bildrand eine 

kleine Obstschale und linksseitig ein großer Korb mit 

Früchten. Nach links führt über einen kleinen Treppenabsatz 

ein Gang aus dem Raum hinaus ins Freie, in 

dem eine Figur Krüge für das Mahl hereinträgt. Die 

Apostel in teils kräftiger farbiger Kleidung, die, ebenso 

wie Jesus, durch die Beleuchtung besonders hervorgehoben 

wird gegenüber dem dunkleren Hintergrund. 

Auf dem Werk von da Vinci sind die Apostel alle zu 

Seiten Jesu zu finden, ferner auch keine Gegenstände 

oder Hunde im Vordergrund. 

Es existieren zahlreiche Wiederholungen durch den 

Künstler sowie dessen Werkstatt, die sich teils in großen 

Museen befinden, aber auch auf dem Markt angeboten 

werden. Die auffälligsten Unterschiede zwischen 

der hier vorliegenden Version und den meisten 

anderen sind das vereinfachte Schachbrettmuster des 

Bodens, der fast schwarzbraune Hintergrund der beiden 

Wände seitlich des mittleren Fensters und die 

starke Farbigkeit der Kleidungsstücke. Durch das Fenster 

im Hintergrund ist ein Torbogen zu erkennen, der 

auch von anderen Versionen abweicht. In den links 

und rechts davon liegenden verzierten Fenstern sind 

große Medaillen zu erkennen, auf denen linksseitig 

die Ermordung Kains sowie rechtsseitig die Geschichte 

von David und Goliath wiedergegeben werden. 

Teils werden die Darstellungen vertauscht wiedergegeben. 

(1360631) (18) 

Oil on panel. 

66 x 88 cm. 

€ 35.000 - € 45.000 

Sistrix 

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194 

GIAMPIETRINO, 

EIGENTLICH „GIOVANNI PIETRO RIZZOLI“, 

TÄTIG 1495 – 1540, KREIS DES 

MARIA MAGDALENA 

GIAMPIETRINO, 

ALSO KNOWN AS “GIOVANNI PIETRO RIZZOLI”, 

ACTIVE 1495 – 1540, CIRCLE OF 

MARY MAGDALENE 

Öl auf Holz. Teilparkettiert. 

69,5 x 51,5 cm. 

In verziertem Ädikularahmen. 

Vor einer aus mehreren Steinplatten aufeinanderliegenden 

Wand an einem Felsentisch stehend 

wiedergegeben, die Heilige Maria Magdalena im 

Dreiviertelbildnis. Sie hält ihre Arme mit den langen 

zarten Fingern vor der Brust über Kreuz, während 

das Lockenhaar den nackten Oberkörper bedeckt. 

Sie hat rötliche Lippen und mit ihren hellbraunen 

Augen blickt sie aus dem Bild auf den Betrachter 

hinaus. Vor ihr auf dem Stein befindlich das grau-silberne 

Salbgefäß mit Deckel. Um ihr Haupt trägt sie 

einen dünnen schmalen goldenen Nimbus, zudem 

sind ihre langen Haare mit zahlreichen goldfarbenen 

Strähnen versehen. Rest., Retuschen. 

Anmerkung: 

Das Gemälde weist, wie viele Maler im Kreis um 

und nach Leonardo da Vinci (1452-1519) auch dessen 

entsprechende stilistische Merkmale auf. Ein Gemälde 

mit fast identischem Motiv befindet sich in der 

Kathedrale von Burgos Spanien. (13621211) 

Oil on panel. Partially parquetted. 

69.5 x 51.5 cm. 

€ 10.000 - € 15.000 

Sistrix 

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195 

LUCA GIORDANO, 

1634 NEAPEL – 1705 EBENDA, ZUG. 

DER HEILIGE ANTONIUS DER EINSIEDLER 

MIT „ANTONIUSFEUER“ 


76 x 72 cm. 

Zuweisung an den Maler durch freundliche Mitteilung 

von Prof. Nicola Spinosa. 

In den meisten Darstellungen, etwa bei Hieronymus 

Bosch (um 1450-1516) oder David Teniers (1582- 

1649), wird Antonius als von Verführungen geplagter 

Einsiedler gezeigt. Hier dagegen stellt der Maler ihn 

im Halbbildnis vor, als bärtigen Alten im Ordenskleid, 

erkennbar durch seine Attribute Glöckchen und Feuer. 

Glöckchen oder Glocke ist in allen Darstellungen stets 

gezeigt, was auf den alten Brauch zurückgeht, dass 

die Antonius-Mönche ein sogenanntes „Antoniusschwein“ 

mit Glocke den Bauern unentgeltlich zur 

Mast überlassen haben. 

Hier im Bild jedoch ist, neben der Glocke an einem 

Stab rechts, in seltener Weise auch ein Feuer gezeigt, 

das auf einem Buch, wohl der Bibel liegt. Als im 11. 

Jahrhundert eine Seuche ausbrach, widmeten sich 

die Antonitermönche der Krankenpflege. Attribut wurde 

das sogenannte „Antoniusfeuer“. Heute weiß 

man, dass es sich hierbei um Vergiftungen durch Mutterkorn 

gehandelt hat. Gebete zum Heiligen Antonius, 

die Krankenpflege der Antoniter und der Schweineglöchen-Brauch 

machten Antonius zum verehrten 

Schutzpatron der Landwirte und des Viehs. 

Antonius der Einsiedler, in Queman in Ägypten geboren, 

verteilte sein Vermögen und wurde durch seine 

Abgewandtheit vom paganen Leben zum Vorbild für 

mönchische Lebensweise. Ehemals Bischof von Alexandrien, 

ging er in die Einsiedelei. Seine Vita haben die 

Kirchenlehrer des vierten Jahrhunderts, Athanasius 

und Eusebius von Caesarea überliefert. In der Kirchentradition 

wird er auch als Antonius der Große bezeichnet. 

Luca Giordano, Sohn eines neapoletanischen Malers 

und Kunsthändlers, hat wohl bei Jusepe de Ribera 

(1591-1652) studiert, war Lucas Vater doch auch 

Freund und Trauzeuge des Spaniers Riberas. Dessen 

Stileinfluss ist auch in vorliegendem Gemälde nicht 

zu verkennen. In ähnlicher Hell-Dunkel-Manier, des 

„Tenebroso“, bei Betonung der braunen Farbigkeit 

kennen wir von Giordano noch etliche weitere Halbbildnisse 

bedeutender Gestalten, wie „Plato“, „San 

Sebastian mit Buch“, der „Hl. Petrus“, ein Gemälde 

nach dem ein Stich weit verbreitet wurde. Ferner „Hl. 

Markus“ oder Philosophen, wie „Heraklit“ und „Thales“. 

In den späteren Werken werden Einflüsse von Mattia 

Preti (1613 – 1699), Pietro da Cortona (1596 – 1669) und 

Giovanni Lanfranco (1582 – 1647) deutlich. Die hohe 

Bedeutung seines Wirkens zeigt sich nicht zuletzt in 

den großen Werken, wie im Dom von Neapel und 

zahlreichen weiteren dortigen Kirchen, sowie in berühmten 

Sammlungen und Museen weltweit. 

Literatur: 

Vgl. Oreste Ferrari und Giuseppe Scavizzi, Luca 

Giordano. L’opera completa, 2 Bände, Electa, Neapel, 

Erstveröffentlichung 1966, Neuauflage 2000. 

V. Pacelli, Inediti di Luca Giordano, in: Napoli, l’Europa. 

Ricerche di storia dell’arte in onore di Ferdinando Bologna, 

Hrsg. F. Abbate, F. Sricchia Santoro, Catanzaro 

1995, S. 243, Abb. 

Vgl. D. M. Pagano, in: Luca Giordano 1634 – 1705, 

Ausstellungskatalog, Hrsg. W. Seipel, Neapel/ Wien 

2001. 

Vgl. Oreste Ferrari, Giuseppe Scavizzi, Luca Giordano: 

nuove ricerche e inediti, Neapel 2003. 

(1360301) (11) 

LUCA GIORDANO, 

1632 NAPLES – 1705 IBID., ATTRIBUTED 

SAINT ANTHONY AS HERMIT WITH 

SAINT ANTHONY’S FIRE 


76 x 72 cm. 

Attribution to the artist by kind communication 

from Professor Nicola Spinosa. 

€ 30.000 - € 40.000 

Sistrix 

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196 

JUSEPE DE RIBERA, 

1588/91 JÁTIVA, VALENCIA – 1652 NEAPEL, ZUG. 

CHRISTUS VOR DER KREUZIGUNG 


234 x 180 cm. 

Das großformatige Altarblatt gibt die Szenerie in hoher 

Dramatik wieder, dies vor allem durch den betonten 

Hell-Dunkel-Kontrast. Jesus, nur mit einem Lendentuch 

bekleidet und hell erleuchtet, erhält besonderes 

Augenmerk vor dem dunklen Hintergrund und den 

verschattet wiedergegebenen Begleitfiguren. Jesus 

ist hier nach links sitzend wiedergegeben, die Beine 

parallel gestellt, in einer Z-förmigen Haltung, die 

durch den linken Arm nach rechts oben weitergeführt 

wird. Das rechte Handgelenk trägt noch das Fesselseil, 

während der linke Oberarm von einem dahinterstehenden 

Mann hochgehalten wird. Der Blick Jesu 

ist mehr fragend als leidend nach oben gerichtet, augenscheinlich 

um noch einen rettenden Hinweis von 

Gottvater zu erhalten. Drei Figuren an der linken Bildseite, 

darunter ein stehender Römer in Rüstung sowie 

ein Knecht, der bereits eine Holzbohrung am Kreuz 

vornimmt. Diese erfahren die Beleuchtung ebenso 

von links oben. Entgegen dem Ernst der Darstellung 

und entgegen der Gesichter der handelnden Figuren 

erscheint der Jüngling rechts hier lachend, was der 

Szenerie insgesamt besondere Brisanz gibt. Der Maler 

hat ganz offensichtlich den Unverstand des Jünglings 

hier zum Ausdruck bringen wollen. Höchst durchdachte 

Komposition, qualitätvolle Ausführung. 

(1340751) (11) 

JUSEPE DE RIBERA, 

1588/91 XÀTIVA/ VALENCIA – 1652 NAPLES, 

ATTRIBUTED 

CHRIST BEFORE CRUCIFIXION 


234 x 180 cm. 

€ 25.000 - € 30.000 

Sistrix 

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197 

GUIDO RENI, 

1575 BOLOGNA – 1642 EBENDA, WERKSTATT 

DIE HEILIGE MARIA MAGDALENA MIT ENGELN 

GUIDO RENI, 

1575 BOLOGNA – 1642 IBID., WORKSHOP OF 

SAINT MARY MAGDALENE WITH ANGELS 


156 x 129 cm. 

Maria Magdalena als Büßerin im Eingang einer Höhle 

sitzend, durch die der Blick auf eine Landschaft und 

auf den hohen hellblauen Himmel fällt. Sie sitzt mit 

ihren langen dunkelblonden Haaren in einem weißen 

Gewand, das den Brustbereich frei lässt, und rötlichem 

Umhang auf einem Felsstück und hat ihren Kopf zurück 

gelehnt; dabei stützt sie sich mit ihrer rechten 

Hand ab. Ihren linken Arm hat sie ausgestreckt und 

ihre Hand ruht dabei auf einem Schädel, der auf einem 

weiteren Felsstück liegt. Sie hat ein feines, fast 

weißes Inkarnat und mit ihren dunklen Augen blickt 

sie reumütig zum Himmel in dem zwei große nackte, 

geflügelte Engel mit einem orangefarbenem Band zu 

erkennen sind, die auf sie herabschauen. Qualitätvolle, 

minutiös ausgearbeitete Malerei in zarten, weichen 

Farbtönen. 


156 x 129 cm. 

€ 80.000 - € 120.000 

Sistrix 

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Es existieren mehrere Fassungen dieses Gemäldes, 

darunter eine der Galleria Nazionale d’Arte Antica 

(Palazzo Barberini), Rom, bei der zusätzlich ein aufgestelltes 

Kruzifix neben dem Schädel zu sehen ist. 

Anmerkung: 

Guido Reni war einer der berühmtesten und bedeutendsten 

Künstler des 17. Jahrhunderts. Er wirkte 

vor allem in seiner Heimatstadt und in Rom und war 

der Hauptvertreter eines barocken Klassizismus in 

der Malerei. Renis Geldknappheit aufgrund seiner 

Spielsucht führte teils zu einer Art Serienproduktion, 

beispielsweise gibt es jeweils mehrere, oft leicht 

abgewandelte Versionen von Renis Himmelfahrt 

Mariä oder/und Immaculata, ebenso wie Maria 

Magdalenas. Einige dieser Gemälde entstanden zum 

Teil unter Mithilfe oder gänzlich von seiner Werkstatt. 

Das vorliegende Gemälde ist jedoch von hervorragender 

Qualität, so dass es ihm und seiner Werkstatt 

auch zugeschrieben werden könnte. (1360391) (18) 


198 

SALVATOR ROSA, 

1615 NEAPEL – 1673 ROM 

DER MATHEMATIKER 


117 x 92,5 cm. 

In mit vergoldeten Reliefs verziertem Profilrahmen. 

Beigegeben eine Expertise von Prof. Nicola Spinosa. 

Dieses eindrucksvolle Bildnis eines Mathematikers 

steht am Schnittpunkt verschiedener Typologien, die 

für das Schaffen von Salvator Rosa von zentraler Bedeutung 

sind: die abstrahierten Bilder von antiken 

Philosophen, Gelehrten und Wissenschaftlern in der 

Tradition von Ribera; die konzeptuelle, philosophische 

Malerei, die in der Mitte des 17. Jahrhunderts auch 

dank der Verbreitung des Stoizismus in Mode war; 

und vielleicht das Selbstportrait (wenn sich diese Vermutung 

für unsere Leinwand voll und ganz bestätigen 

ließe), das er eifrig und auf unterschiedlichste Weise 

praktizierte. Der beste, wenn auch nicht endgültige 

Beleg für die faszinierende Hypothese, dass Rosa 

sich hier selbst darstellen (und verklären) wollte, ist das 

Selbstbildnis, das sich heute im Musée des Beaux- Arts 

in Straßburg befindet, wo wir ihn in den Vierzigern finden 

müssten, also einige Jahre jünger, als unser Gemälde 

vermuten lässt (siehe Vergleichsabbildung, erworben 

1987). In diesem raffinierten Werk, einem Idealbild und 

gleichzeitig einem lebendigen und konkreten Porträt, 

kommen das distanzierte Desinteresse an weltlichen 

Dingen, die absolute Konzentration auf den Gegenstand 

der eigenen Meditation, aber auch die vitale 

Energie des Denkens in seiner Entwicklung in einer 

einzigartigen Mischung zum Ausdruck. 

Interessante Vergleiche für unser Gemälde – stilistisch, 

ikonographisch, aber auch ideell – bieten Heraklit 

und Demokrit aus dem Kunsthistorischen Museum in 

Wien, der Philosoph mit dem Schädel aus dem Christ 

Church College, Oxford, und der Belisarius aus Renishaw 

Hall in Stafford (Derbyshire). 

Provenienz: 

Ehemals in römischer Privatsammlung. 

Literatur: 

Vgl.: Roy, Alain, Juni 2017, De Giotto à Goya. Peintures 

italiennes et espagnoles du musée des Beaux-Arts 

de Strasbourg. Musées de la ville de Strasbourg. 

S. 204-205. (1360557) (13) 

SALVATOR ROSA, 

1615 NEAPEL – 1673 ROM 

THE MATHEMATICIAN 


117 x 92.5 cm. 

Accompanied by an expert‘s report by Professor 

Nicola Spinosa. 

The comparison with a self-portrait of the artist in the 

Musée des Beaux-Arts, Straßburg, supports the hypothesis, 

the artist portrayed himself in the painting 

on offer for sale – although in a glorified manner. 

Provenance: 

Formerly in Roman private collection. 

€ 100.000 - € 200.000 (†) 

Sistrix 

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Vgl. Salvator Rosa Selbstportrait, Musée des Beaux Arts, Straßburg 


199 

LEONELLO SPADA, 

1576 BOLOGNA – 1622 PARMA, ZUG. 

DIE ENTHAUPTUNG JOHANNES DES TÄUFERS 

LEONELLO SPADA, 

1576 BOLOGNA – 1622 PARMA, ATTRIBUTED 

THE BEHEADING OF SAINT JOHN THE BAPTIST 


154 x 155 cm. 

In mit Goldornamenten dekoriertem profiliertem 

Rahmen. 

Johannes der Täufer wird in dem vorliegenden Gemälde 

caravaggesk beleuchtet und von vier Figuren hinterfangen. 

Herodias hält eine Schüssel, in der das Johanneshaupt 

ruhen wird, derart, dass sie momentan wie ein 

Nimbus wirkt. Links oben das Schwert, dass soeben 

im Schwingen begriffen ist, um das Haupt von dem 

Korpus zu trennen. 


154 x 155 cm. 

€ 65.000 - € 85.000 (†) 

Sistrix 

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Anmerkung: 

Die Todesumstände des Johannes des Täufers werden 

einerseits durch die synoptische Evangelien überliefert, 

aber auch außerbiblische Quellen äußern sich zu seinem 

Ableben (Die Jüdischen Altertümer des Flavius 

Josephus). Das Lukasevangelium erwähnt, dass 

Johannes von Herodes ins Gefängnis geworfen (Lk 

3,20) und von ihm enthauptet wurde (Lk 9,7-9 ). Bei 

anderen Synoptikern lesen wir eine durchaus reichhaltigere 

Perspektive der Ereignisse. Markus erwähnt 

(Mk 6,14-29) Herodes Antipas habe Johannes festnehmen 

lassen, weil dieser sehr offenkundig Kritik 

an seiner Lebensweise geäußert hatte. Herodes 

nämlich hatte die Frau seines Bruders Philippos, 

Herodias geheiratet, was in den Augen des Täufers 

gesetzwidrig war. Antipas hatte also seine Schwägerin 

zur Frau genommen, für Johannes den Täufer 

ein Unding. Die Schuld trifft bei Markus vor allem 

Herodias und ihre Tochter, während Herodes Antipas 

selbst vor Furcht gegenüber Johannes erfüllt gewesen 

sei, da dieser ein gerechter und heiliger Mann 

war (Mk 6,20.). Herodias musste also Herodes austricksen, 

indem sie ihre Tochter Herodes betören ließ, 

bis dieser ihr versprach zu geben, was sie wünsche, 

dies war er Kopf des Täufers Johannes, sodass 

Herodes Johannes köpfen ließ. Matthäus berichtet 

ähnliches und fügt noch hinzu, dass Matthäus wegen 

der Erfüllung seines Eides traurig gewesen sei 

(Mt 14,9). 

(1360556) (13) 



69

Lot 199 


71

200 

CARLO CERESA, 

1609 VALLE PREMBANA – 1679 BERGAMO, ZUG. 

DER ENGEL ERSCHEINT HAGAR UND ISMAEL 

Öl auf Leinwand. Altdoubliert. 

93,2 x 113,2 cm. 

In vergoldetem, vegetabil geschnitztem Barockrahmen. 

Nach der Geburt Isaaks entließ Abraham die Magd 

Hagar, die ihm den Sohn Ismael geboren hatte, der 

hier am unteren Bildrand in gewagter optischer Verkürzung 

zu sehen ist. In der Wüste verirrten sich Hagar 

mit Ismael, und sie drohten zu verdursten. Da sandte 

Gott den hier am linken Bildrand zu sehenden Engel, 

der ihnen einen Brunnen zeigte (Genesis 21,9-21). 

Provenienz: 

Sotheby’s, London, 8. Dezember 2016, Lot 156 als 

Carlo Ceresa mit Dank an Keith Christiansen für die 

Künstlerbestätigung anhand von Fotografien, dort 

ungerahmt. 

(1361822) (13) 

CARLO CERESA, 

1609 BREMBANA VALLEY – 1679 BERGAMO, 

ATTRIBUTED 

THE ANGEL APPEARS TO HAGAR AND ISHMAEL 

Oil on canvas. Old relining. 

93.2 x 113.2 cm. 

Provenance: 

Sotheby’s, London, 8 December 2016, lot 156 as Carlo 

Ceresa with thanks to Keith Christiansen for identifying 

the artist based on photographs, there unframed. 

€ 50.000 - € 70.000 

Sistrix 

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73

201 

CESARE FRACANZANO, 

UM 1605 BISCEGLIE/ BARI – 1651 BARLETTA, ZUG. 

MOSES UND DAS WASSERWUNDER 


97 x 130 cm. 

In mit vegetabiler Zier und Festons gestaltetem Rahmen. 

Cesare war der Sohn von Alessandro Fracanzano, einem 

Bürger aus gehobenen Kreisen, der ebenfalls als Maler 

wirkte, wie auch sein Bruder Francesco Fracanzano 

(1612- um 1656). Dargestellt wird eine Erzählung des 

Alten Testaments mit dem Auszug der Israeliten aus 

Ägypten, diese sind mit Moses an der Spitze noch 

immer in der Wüste unterwegs. Die Israeliten sind 

unzufrieden, da sie kein Wasser finden und haben. Als 

Moses und Aaron zur Stiftshütte gehen um zu beten, 

sagt Jehova zu Moses, er möge alle zusammenrufen 

und er solle vor dem ganzen Volk zu diesem Felsen 

reden, dann würde genug Wasser für alle Leute und 

ihre Tiere aus dem Felsen sprudeln. Daraufhin ruft 

Moses das Volk zusammen und schlägt zweimal mit 

einem Stab gegen den Felsen. Darauf kommt ein großer 

Wasserstrahl hervor und es gibt genug Wasser für 

Volk und Tiere. 

(1361823) (13) 

CESARE FRACANZANO, 

CA. 1605 BISCEGLIE/ BARI – 1651 BARLETTA, 

ATTRIBUTED 

MOSES STRIKING WATER FROM THE ROCK 


97 x 130 cm. 

€ 60.000 - € 80.000 

Sistrix 

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75

202 

NEAPOLITANISCHER MALER 

DES 17. JAHRHUNDERTS 

DAS URTEIL DES SALOMO 

SCHOOL OF NAPLES, 

17TH CENTURY 

THE JUDGEMENT OF SOLOMON 


131 x 184 cm. 

In schmaler Holzleiste. 

Ganz nah ist der Betrachter an das biblische Geschehen 

gerückt, während Salomon mit seinen Würdezeichen 

Krone und Zepter von einem roten Ehrentuch 

überfangen auf einem Thron sitzt. Die Darstellung 

geht zurück auf das Erste Buch der Könige 3,16 „Zu 

der Zeit kamen zwei Huren zum König und traten vor 

ihn und die eine Frau sprach ’Ach mein Herr, ich und 

diese Frau wohnten in einem Hause und ich gebar bei 

ihr im Hause und drei Tage nachdem ich geboren hatte, 

gebar auch sie und wir waren beide beieinander und 

kein Fremder war mit uns im Haus, nur wir beide, und 

der Sohn dieser Frau starb in der Nacht, denn sie hatte 

ihn im Schlaf erdrückt und sie stand in der Nacht auf 

und nahm meinen Sohn von meiner Seite, als meine 

Magd schlief, und legte ihn in ihren Arm und ihren 

toten Sohn legte sie in meinen Arm. Als ich des morgens 

aufstand, um meinen Sohn zu stillen, siehe, da 

war er tot aber am Morgen sah ich ihn genau an und 

siehe, es war nicht mein Sohn, den ich geboren hatte“. 

Als die andere dementierte, sprach der König „Holt 

mir ein Schwert, teilt das lebendige Kind in zwei Teile 

und gebt dieser die Hälfte und jener die Hälfte“, der 

Frau jedoch, welche auf das Kind verzichten wollte, 

um es am Leben zu lassen, gab der König das Kind 

lebendig. Das Antlitz dieser Frau ist hier erleuchtet 

dargestellt und ganz nah an dem Säbel, der von einem 

jungen Mann im Vordergrund innegehalten wird, bereit, 

den Kopf des Säuglings vom Rumpf zu trennen. 

(1360394) (13) 


131 x 184 cm. 

€ 50.000 - € 70.000 

Sistrix 

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203 

PIETRO DA CORTONA, 

1596 CORTONA – 1669 ROM, SCHULE DES 

RAUB DER SABINERINNEN 

PIETRO DA CORTONA, 

1596 CORTONA – 1669 ROME, SCHOOL OF 

THE RAPE OF THE SABINE WOMEN 


182 x 243 cm. 

Ohne Rahmen (schmale Leiste). 

Das Gemälde ist in den Abmessungen kleiner als das 

Original mit 426 cm Breite, das der Maler in den Jahren 

1630/31 geschaffen hat. Nicht zufällig befindet sich das 

monumentale Bild im Museo Capitolino in Rom, denn 

das Kapitol und die geschilderte Szene stehen beide an 

der Wiege der Stadt Rom und damit des römischen 

Reiches. Bekanntlich schildert der Mythos, die Römer 

hätten nach der Gründung der Stadt ihren Mangel an 

Frauen durch Brautraub bei den benachbarten Sabinern 

ausgeglichen. Eine friedliche Verbrüderung der 

beiden Völker war angeblich das glückliche Ergebnis 

von Verhandlungen der beiden Anführer Romulus und 

Titus Tatius. 

Die Erinnerung an diesen Ursprung Roms wurde noch 

ein Jahrtausend später, vor allem in der Barockzeit in 

Bildwerken dokumentiert, wobei nicht die Waffengewalt, 

sondern die lustvolle Begehrlichkeit Thema geworden 

ist. Dies kommt auch hier in vorliegendem 

Gemälde zu Ausdruck. Taktischer Anlass der Entführung 

war ein Festgelage. So wird auch hier im Mittelgrund 

ein junger bärtiger Mann mit Bachuskranz im 

Haar gezeigt, wie er einem rauhaarigen Alten dessen 

schöne Beute zu entreißen sucht. Hilferufend erhebt 

eine Sabinerin ihre Arme, nachdem sie von einem 

Römer hochgehalten wird. Die historische Legende 

hat auf allen Gebieten der Kunst bedeutende Werke 

hervorgebracht, bekannt vor allem die Plastiken des 

Giovanni da Bologna. 

Der Malstil Cortonas zeichnet sich stets durch großzügige 

Formen aus, die harmonisch erscheinen, wo 

immer es das Bildthema erlaubt. Die Vorliebe von 

Harmonie im Thema nimmt im Werk des Malers eine 

erkennbare Stellung ein. Dies zeigen beispielsweise 

die Gemälde „Hagar und der Engel“ um 1643, „Der 

Bund zwischen Jacob und Laban“ im Louvre Paris, 

„Das goldene Zeitalter“ im Palazzo Pitti in Florenz sowie 

„Heimkehr der Hagar“ im Kunsthistorischen Museum 

Wien. A.R. 

(1360451) (11) 


182 x 243 cm. 

Unframed. 

€ 45.000 - € 60.000 

Sistrix 

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204 

ITALIENISCHER MALER DES 17. JAHRHUNDERTS 

VENUS ERSCHEINT AENEAS UND ACATUS 

ALS JÄGERIN 

ITALIAN MASTER OF THE 17TH CENTURY 

VENUS APPEARS TO AENEAS AND ACATUS 

AS A HUNTRESS 


202 x 159 cm. 

In schmalem, vergoldeten Rahmen. 

Das Gemälde zeigt in weiter Landschaft im Licht 

der untergehenden Sonne mit großen weißen Wolken 

die schöne Venus mit goldblondem Haar und altrosafarbenem 

Gewand, gehalten von einem prachtvollen 

Gürtel, an dem ein Köcher mit Pfeilen hängt; 

zudem trägt sie auf ihrem Rücken einen umgehängten 

Bogen. Sie begegnet Aeneas in Rüstung mit Helm, 

zwei Speere haltend, als er gerade das Land auskundschaftet. 

Er ist in Begleitung des Achates, welcher 

ebenso wie Venus auf einige Schwäne mit Handgestus 

hinweist, über die ein Adler kreist. Darstellung 

eines eher seltenen Motivs in frischer Farbgebung. 

(1360961) (3) (18) 


202 x 159 cm. 

€ 20.000 - € 25.000 

Sistrix 

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205 

NICOLAS TOURNIER, 

1590 MONTBÉLIARD – UM 1657 TOULOUSE, 

Bedeutender französischer Maler der Caravaggio- 

Nachfolge. Der italienische Stil des Malers erklärt sich 

aus seinem Aufenthalt zwischen 1619 und 1626 in 

Rom, woraufhin er nach Südfrankreich übersiedelte. 

1627 hielt er sich in Carcassonne und ab 1632 in Toulouse 

auf. Neben Simon Vouet (1590-1649), Valentin 

de Boulogne (1594-1632) und Nicolas Régnier (1590- 

1667) gilt er als einer der führenden französischen 

Caravaggisten. Nach einigen Quellen soll er bei de 

Boulogne gelernt haben, außerdem ist er beeinflusst 

durch den Caravaggisten Bartolomeo Manfredi (um 

1580-um 1620). Werke seiner Hand im Louvre, in Toulouse, 

im Prado sowie der Eremitage, aber auch in 

Museen der USA. Eine Ausstellung wurde dem Maler 

2001 in Toulouse gewidmet. 

GEFANGENNAHME CHRISTI 


116 x 147 cm. 

In vergoldetem ornamental verziertem Rahmen. 

Maurizio Marini ist für die Zuschreibung an den genannten 

Künstler zu danken. 

Vor einer dunklen Hintergrundfolie die zentral caravaggesk 

beleuchtete Dreiviertelfigur Christi in einem weißen 

Schurz leicht nach rechts gerichtet. Die Gefangennahme 

(Matt. 26,47 - 52; Markus 14.43 - 47; Lukas 

22,47-51; Johannes 18,1-11) wird unmittelbar vor dem 

Betrachter vollzogen; zwei Männer sind im Begriff, die 

Hände des Christus mit einem Strick zu binden, während 

sie von zwei Geharnischten am Bildrand beaufsichtigt 

werden. Durch Marini kann das hier vorliegende 

großformatige Gemälde auf die Jahre 1619 

- 1626 datiert werden, also auf die Zeit, die Tournier 

nachweislich in Rom verbracht hat, wenngleich eine 

Chronologie mangels gesicherter datierter Werke dieser 

Zeit momentan nicht mit Gewissheit möglich ist. 

Literatur: 

V. Rossi in: Light and Shadow, Caravaggism in Europe, 

Ausstellungskatalog, Lampronti Gallery, Rom, 2015, 

Katalognummer 31, S. 88 - 89. 

Tra il Sacro e il Profano, Ausstellungskatalog durch 

Marcella di Martino, Lampronti Gallery, Januar 2020, 

Kat. Nr. 17, S. 42 - 43. 

Vgl.: B. Nicholson, Caravaggism in Europe, Turin, II, 

1979, S. 198, Nr. 630. 

Vgl.: A. Brejon de Lavergnée, Pour Nicolas Tournier 

sur son Sejour Romain, Paragone, Nr. 287, Januar 

1974, S. 44 - 55. 

Vgl.: A. Brejon de Lavergnée, in: Valentin et les 

Carava gesques Francais, Ausstellungskatalog, 

Rom – Paris, 1974, S. 106 – 121. 

Vgl.: Nicolas Tournier. 1590 - 1639. Un peintre caravagesque, 

Ausstellungskatalog, Musée des Augustins, 

Toulouse, 29. März - 1. Juli 2001, Paris / Toulouse 

2001. 

Vgl.: Pascal-François Bertrand et. al., Nicolas Tournier. 

Et la peinture caravagesque en Italie, en France et 

en Espagne, Tagungsband, Toulouse 2020. 

Vergleiche: 

Eine ähnliche Komposition Tourniers wird in den 

Musées Royaux des Beaux – Arts de Belgique in 

Brüssel verwahrt. Auch eine Vertreibung der Händler 

aus dem Tempel kann hinsichtlich der hell erleuchteten 

Mittelfigur kann gut als Vergleich herangezogen 

werden, auch wenn diese Figur eben nicht Christus 

selbst ist, der links am Rand erscheint (Christie‘s, 

Rom, 7. April 1987, lot 130). 

(1360555) (13) 

NICOLAS TOURNIER, 

1590 MONTBÉLIARD – CA. 1657 TOULOUSE 

THE TAKING OF CHRIST 


116 x 147 cm. 

Maurizio Marini is to be thanked for identifying the 

above-mentioned artist for the present painting. 

€ 80.000 - € 100.000 (†) 

Sistrix 

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206 

ENTFÄLLT 



83

207 

FRANCESCO SOLIMENA, 

1657 CANALE DI SERINO – 1747 BARRA DI NAPOLI, 

ZUG. 

JAKOB UND RAHEL AM BRUNNEN 


129 x 181 cm. 

In ebonisiertem Rahmen. 

Beigegeben ein Restaurierungsbericht von Anna 

Lucchini, Mailand, in Kopie. 

Darstellung eines gestuften Brunnenbereiches, an 

welchem Jakob sich bemüht Wasser zu schöpfen, 

während neben ihm Rahel sitzt, den Kopf auf ihren 

Handrücken stützend. Die altbiblische Szene nach 

dem ersten Buch Mose, Kapitel 29, schildert die erste 

Begegnung Jakobs und seiner späteren Gemahlin 

Rahel. Gezeigt ist, wie er, soeben aus Haran eingetroffen, 

für die junge Schäferin Rahel einen schweren 

Stein von der Brunnenöffnung hebt, damit sie ihre 

Tiere tränken kann. 

(1351591) (13) 

FRANCESCO SOLIMENA, 

1657 CANALE DI SERINO – 1747 BARRA DI NAPOLI, 

ATTRIBUTED 

JACOB AND RACHEL AT THE WELL 


129 x 181 cm. 

Accompanied by a restoration report by Anna Lucchini, 

Milan, in copy. 

€ 20.000 - € 30.000 

Sistrix 

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85

208 

SIMONE BRENTANA, 

1656 VENEDIG – 1742 VERONA, ZUG. 

HERKULES TÖTET CACUS 

SIMONE BRENTANA, 

1656 VENICE – 1742 VERONA, ATTRIBUTED 

HERCULES KILLING CACUS 


123 x 62,5 cm. 

In ornamental verziertem Empire-Rahmen. 

Inmitten einer hügeligen Landschaft Cacus, unter einem 

Repoussoirbaum liegend und eine absteigende 

Diagonale bezeichnend. Die Darstellung geht auf eine 

Geschichte in der römischen Mythologie zurück. Cacus 

war ein riesenhafter mörderischer Räuber, der sich 

auf das Feuerspeien verstand und das Tor seiner Höhlenwohnung 

mit den Schilden und Knochen seiner Opfer 

dekorierte. Herkules trieb die Rinder des Geryon 

durch Italien und machte in der Nähe von Cacus Höhle 

Rast, was dieser nutzte, um zwei Rinder zu entwenden. 

Herkules machte den Täter ausfindig und erschlug 

ihn mit seiner großen Keule mit einem Schlag, 

wie hier gut zu erkennen ist. 

(1361811) (13) 


123 x 62.5 cm. 

€ 22.000 - € 25.000 

Sistrix 

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209 

LEANDRO BASSANO, 

1557 BASSANO DEL GRAPPA – 1622 VENEDIG, 

ZUG. 

DIE TIERE BETRETEN DIE ARCHE NOAH 

LEANDRO BASSANO, 

1557 BASSANO DEL GRAPPA – 1622 VENICE, 

ATTRIBUTED 

THE ANIMALS ENTERING NOAH’S ARK 


121 x 173 cm. 

In ornamental, verziertem bronziertem Rahmen. 

Dichte Komposition in einer teils hügeligen, teils ge birgigen 

Landschaft mit einem rechts liegenden Repoussoir 

baum, sowie einem weiteren Repoussoirbaum 

auf der linken Seite, hinter dem sich die Arche Noah 

erhebt. Das Gesicht Noahs ist im Inneren der Eintrittsluke 

gut sichtbar. Vor und unter dem Schiff zahlreiche 

Tiere und Figuren, welche paarweise im Begriff 

sind das Schiff zu betreten. Ein Paar Löwen ist bereits 

auf dem Steg nach oben zu sehen und die Bäume an 

den Bildseiten von zahlreichen Vögeln bevölkert. Eine 

weitere Bassano-Komposition mit den Bildmaßen 

226,5 x 226,5 cm wird im Wawel in Krakau verwahrt. 

Eine Komposition von Jacopo da Ponte Bassano 

(1510/15-1592), das gleiche Thema zeigend, befindet 

sich im Museo del Prado, Invent.nr. P000022. 

(1360922) (13) 


121 x 173 cm. 

€ 25.000 - € 30.000 

Sistrix 

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89

210 

NICCOLÒ DE SIMONE, 

TÄTIG 1636 – 1655 

Gemäldepaar 

BIBLISCHE SZENEN 


Je 128 x 156 cm. 

In dekorativen Rahmen. 

Beigegeben eine Expertise von Prof. Giancarlo Sestieri, 

Rom, 23. April 2023 (in Kopie vorliegend). 

Die beiden Gemälde zeigen die Erzählungen von „Judith 

und Holofernes“ (Apokryphen des Alten Testaments) 

und „David und Goliath“ (Samuel 17, 38-51 

und 18, 6-7); beiden gemeinsam ist das Thema der 

Enthauptung. 

Sestieri ordnet zeitlich beide Werke dem zweiten 

Viertel des 17. Jahrhunderts zu und zwar unter striker 

Einhaltung des spezifischen Genres der „Schlacht“. 

Beide Arbeiten sind ausgeführt in schnellem Pinselstrich, 

in überwiegend beige-brauner Farbigkeit, mit 

ausgeprägten Lichteinschnitten, bei der rote, blaue 

und weisse Kleidungsstücke und Fahnen farblich 

Akzente setzen. 

Das erste Gemälde zeigt im Vordergrund in abendlichem 

Licht die tobende Schlacht, teils zu Pferde, und 

im Hintergrund ein aufgebautes Zeltlager, während 

die links oben auf einem Gebäude stehende Judith in 

einem hellen Gewand mit blauem Umhang, umgeben 

von weiteren Figuren, in ihrer linken erhobenen Hand 

das mit einem Schwert von ihr abgetrennte Haupt des 

Heerführers Holofernes in die Höhe hält. Hinter ihr im 

Himmel eine dramatisch aufsteigende weisse Wolke 

mit mehreren Putti, die auf sie herabblicken. 

Das zweite Gemälde, als Gegenstück zu sehen, 

zeigt linksseitig ein Schlachtengetümmel mit Pferden 

und einer roten Fahne, im Hintergrund erneut ein Zeltlager, 

sowie in der linken unteren Ecke den kopflosen 

Körper des Goliath mit ausgestrecktem muskulösem 

rechten Arm. Rechtsseitig führt ein Weg vor den Mauern 

und Türmen einer Stadt entlang, an dessen oberem 

Ende der junge David steht, der auf einem nach oben 

gestreckten Stab das aufgespießte Haupt des Goliath 

hält. Im nächtlichen Himmel eine große dramatische 

Wolkendecke, in deren hellem Schein wiederum einige 

Putti zu sehen sind. Auch hier spielt die Enthauptung 

gegenüber der Darstellung einer Schlacht eher 

eine Nebenrolle. Teils rest. 

(1361684) (2) (18) 


NICCOLÒ DE SIMONE, 

ACTIVE 1636 – 1655 

A pair of paintings 

BIBLICAL SCENES 


128 x 156 cm each. 

Accompanied by an expert’s report by Giancarlo 

Sestieri, Rom, 23. April 2023, in copy. 

€ 35.000 - € 40.000 

Sistrix 

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91

211 

PIER FRANCESCO CITTADINI, 

1616 MAILAND – 1681 BOLOGNA, ZUG. 

STILLLEBEN MIT OBSTSCHALE UND BLUMENVASE 

PIER FRANCESCO CITTADINI, 

1616 MILAN – 1681 BOLOGNA, ATTRIBUTED 

STILL LIFE WITH FRUIT BOWL AND FLOWER VASE 


84 x 114 cm. 

In profiliertem vergoldeten Rahmen. 

Auf einem Tisch stehend eine prall gefüllte Obstschale 

mit danebenliegenden Bergamotten, einer Tazza mit 

Sturzgläsern und einer links stehenden gefüllten 

Blumenvase, flankiert von kantigen Flaschen. Die 

Szenerie wird überfangen durch einen Brokatvorhang 

mit roten Quasten. 

(1362101) (13) 


84 x 114 cm. 

€ 35.000 - € 50.000 

Sistrix 

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212 

JUAN DE ARELLANO, 


Der spanische Stilllebenmaler war vornehmlich in 

Madrid tätig, wobei sein Werk neben Anregungen 

durch Jan Brueghel d.Ä. oder Daniel Seghers insbesondere 

von dem seinerzeit in Madrid hoch geschätzten 

Maler Mario Nuzzi, bekannt als Mario dei Fiori, beeinflusst 

wurde. 

BLUMENBOUQUET IN GLASVASE 


62 x 51 cm. 

In dekorativem Rahmen. 

JUAN DE ARELLANO 


FLOWER BOUQUET IN GLASS VASE 


62 x 51 cm. 

€ 14.000 - € 16.000 

Sistrix 

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Vor braunem Hintergrund, auf einer Ablage stehend, 

eine große bauchige Glasvase mit einem großen darinstehenden 

Blumenstrauß, der u.a. besteht aus gefiederten 

rötlichen Nelken, Chrysanthemen, blauer Ackerwinde, 

Löwenmäulchen und gelben Ringelblumen. 

Qualitätvolle farbenfrohe Darstellung. 

Provenienz: 

Christie’s, London, 11. Dezember 1987, The property 

of a gentleman, Lot 133. 

(1360936) (3) (18) 


213 

ANDREA BELVEDERE, 

1652 NEAPEL – 1732 EBENDA, ZUG. 

FRÜCHTESTILLLEBEN MIT MELONE 

UND BLUMENVASE 

Öl auf Leinwand, auf Hartfaser. 

90 x 145 cm. 

In ornamental verziertem Rahmen. 

Wir danken Prof. Dr. Dr. hc Jan De Maere für freundliche 

Hinweise betreffend der Zuweisung an genannten 

Künstler. Beigegeben ausführliche Dokumentation 

mit umfassenden Vergleichsbeispielen. 

Breit gelagerte Parklandschaft mit links vorne dargestellter 

figürlicher Fontäne in Form eines Putto mit 

Füllhorn, aus dem Wasser quillt. Auf ihm ein Papagei 

sitzend, der begierig auf das Früchtestillleben blickt. 

Dieses gebildet aus einer Melone, Weintrauben, Pfirsichen 

und Feigen, dahinter auf einem Podest eine 

prall gefüllte Blumenvase, deren Inhalt den Bildraum 

erobert. Links wie rechts ein Ausblick auf die Parklandschaft 

bzw. auf eine hügelige Landschaft in abendlichem 

Licht mit Ruinenstaffage. 

(1361174) (13) 

ANDREA BELVEDERE, 


FRUIT STILL LIFE WITH MELON 

AND FLOWER VASE 

Oil on canvas, on hardboard. 

90 x 145 cm. 

We would like to thank Professor Dr. Dr. hc Jan De 

Maere for his kind advice regarding the attribution to 

the artist. Extensive report with comparative examples 

enclosed. 

€ 50.000 - € 70.000 

Sistrix 

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97

214 

DAVID VINCKBOONS, 

1576 – 1629 

FLUSSLANDSCHAFT MIT AUFFINDUNG 

DES MOSES 

Öl auf Holz. 

105 x 150 cm. 



In betontem Großformat ist das Gemälde angelegt, 

und schafft damit eine mit vielen Bildelementen angereicherte 

Landschaftsdarstellung in die zugleich eine 

biblische Szenerie eingefügt ist. Derartige Kombinationen 

von Landschaft und Bibelmotiv war schon bei 

Jan Brueghel vorbereitet und wurde äußerst beliebt. 

Die Vorliebe für Staffagefiguren dieser Art erklärt sich 

aus der Tradition der Schule des Jan Brueghel. 

Allerdings hebt sich das vorliegende Werk in zweierlei 

Hinsicht von solchen Vorbildern ab. Einmal ist es die 

Bildgröße, die weit über die Formate hinausgeht, die 

wir in der Brueghel-Tradition finden, andererseits hat 

der Maler hier äußerst mutig die biblische Szene völlig 

neu interpretiert: 

Der Maler erfindet hier eine völlig neue Situation denn 

die „Auffindung des Moses“ wird in der Bildtradition 

ausnahmslos dem Wortlaut der Bibel entsprechend 

dargestellt, dass es die Pharaonentochter selbst ist, 

die mit ihrer Magd das Körbchen aus dem Nil holt. 

Hier dagegen ist es ein in Rot gekleideter Edelmann, 

mit umgegürtetem Schwert und auffällig hohen roten 

Hutfedern, der am gegenüberliegenden Ufer steht 

und das aufgefundene Kästchen mit dem Kind hält. 

Prinzessin und Hofgesellschaft ziehen zwischen 

Bäumen herab an den Fluss. Nahezu feierlich zieht 

die Hofgesellschaft wie zu einem Empfang ans Ufer, 

und die gesamte Szenerie wird bühnenhaft, nahezu 

bedeutungsgebend gerahmt durch die Baumwipfel, 

die von beiden Seiten hereinragen. 

In der hügeligen Landschaft werden vor allem die 

Burganlagen und eine sich weit in den Hintergrund 

fortsetzende Häusergruppe betont. Alle diese Beobachtungen 

lassen den Schluss zu, dass es sich hier 

um einen höfischen Auftrag an den Maler gehandelt 

haben könnte, im Zusammenhang mit der Geburt 

eines Prinzen. Das Thema „Auffindung des Moses“ 

wäre demnach als Bibelzitat genutzt worden, um 

einer adeligen Geburt Bedeutung zu verleihen. 

Der Maler war der Sohn und Schüler des Miniaturmalers 

Philipp Vinckboons, mit dem er schon jung 

nach Antwerpen, später nach Amsterdam zog. Der 

Malstil lässt die Tradition der Brueghels deutlich erkennen. 

DAVID VINCKBOONS, 

1576 – 1629 

RIVERSCAPE WITH THE FINDING OF MOSES 

Oil on panel. 

105 x 150 cm. 

Accompanied by an expert’s report by Dr Klaus 

Ertz, Lingen. 

€ 50.000 - € 70.000 

Sistrix 

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Literatur: 

Vgl. Hermann Arthur Lier und Vinckboons David, 

In: Allgemeine Deutsche Biographie (ADB). Band 40, 

Duncker & Humblot, Leipzig 1896, S. 402 f. 

Vgl. Klaus Ertz und Christa Nitze-Ertz, David Vinckboons 

1576-1632. Monographie mit kritischem Katalog der 

Zeichnungen und Gemälde, Bd 10, Luca Verlag, Lingen 

2016. A.R. (13621226) (11) 



99

215 

ELISABETH SELDRON, 

1674/76 – 1761 

KIRMESFEST MIT FEIERLICHER PROZESSION 

Öl auf gehämmerter, kräftiger Kupferplatte. 

28 x 39,9 cm. 

Verso im Schräglicht sichtbare Zeichen Kreuz zwischen 

„C + B“, sowie „113“, ferner „100 f.“ – wohl ehemaliger 

Kaufpreis von 100 Gulden. 

Ohne Rahmen. 

Beigegeben eine Expertise von Mrs. Violette Doclo, 

Oudenaarde, Mai 2023, in Kopie. 

Eine unübersehbare Volksversammlung hat sich anlässlich 

eines Kirchweihfestes auf dem weiten Anger 

eines Städtchens eingefunden. In Gruppen, aber auch 

in tanzenden Paaren sind die Figuren ins Bild gesetzt. 

Beidseitig Giebelhäuser, ein Gebäude durch Fahne als 

Wirtshaus erkennbar. Davor Szene mit einem Trunkenen 

am Boden. In der rechten Ecke die Bühne eines 

Quacksalbers, der seine Elixiere mit Musikbegleitung 

eines Harlekins anpreist, umringt von Schaulustigen. 

Der rechten Häuserzeile entlang zieht eine Festprozession 

nach der im Hintergrund gezeigten Kirche, 

mit einem erhoben getragenen Bischof. 

Kirmesszenen waren in der Zeit höchst beliebt, wie 

zahlreiche ähnlichen Darstellungen auch aus der 

Brueghelfamilie und anderen Malern zeigen. 

Die Malerin Elisabeth Seldron war im den katholischen 

östlichen Niederlanden tätig. Zusammen mit Catharina 

van Sticheln wurde sie 1701 in Brüssel in der Gilde 

zugelassen. 1735 wurde sie Hofmalerin von Maria-Elisabeth 

von Österreich, der Tochter Kaiser Leopolds, 

die 1724 die Landvogtherrschaft über die südlichen 

Niederlande innehatte. Dies erklärt auch hier im Bild 

das Motiv einer katholischen Prozession mit Bischof 

in dem andernorts protestantischen Holland. Darüber 

hinaus war die Malerin auch für einen Bilderzyklus in 

der Kapuzinerklosterkirche Sankt Martin in Geraardsbergen 

beauftragt 

Elisabeth Seldron zählt zu den damals noch wenigen 

Frauen in der Malerei. Damit ist das Gemälde dazu 

ein wertvolles Dokument, wie auch für die religiösen 

Verhältnisse der Niederlande im 17./18. Jahrhundert. 

Ihre Gemälde wurden früher meist den Malern Theobald 

Michau, Matthijs Schoevvaerdts oder Franz Paul 

Ferg zugeschrieben. In der beiliegenden Expertise 

wurde das im vorliegenden Fall berichtigt. 


ELISABETH SELDRON, 

1674/76 – 1761 

Literatur: 

Katlijne Van der Stighelen en Sabine van Cauwenberge, 

„Lijst van Zuid-Nederlandse kunstenaressen, circa 

1500-1800“, In: Els Kloek, Catherine Peters-Sengers 

en Esther Tobé (eds.), Vrouwen en kunst in de Republiek 

Een overzicht, 1998, S. 178-180. 

Katlijne Van der Stighelen und Mirjam Westen, Elck 

zijn waerom. Vrouwelijke kunstenaars in België en 

Nederland, 1500-1950, Ludion 1999, S. 203. 

Pieter Groenendijk, Beknopt biografisch lexicon van 

Zuid- en Noord-Nederlandse schilders, graveurs, 

glasschilders, tapijtwevers et cetera van ca. 1350 

tot ca. 1720, Groenendijk 2008. 

A.R. (1362107) (18) 

FAIR WITH A SOLEMN PROCESSION 

Oil on hammered, strong copper plate. 

28 x 39,9 cm. 

Accompanied by an expert’s report by Mrs. Violette 

Doclo, Oudenaarde, May 2023, in copy. 

€ 40.000 - € 60.000 

Sistrix 

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216 

PEETER GYSELS, 

1621 ANTWERPEN – 1690/91 EBENDA 

Der Künstler war bekannt für seine Landschaften, Architekturkompositionen 

und Stillleben. Seine Landschaften 

im Stil Jan Brueghels d. Ä. (1568-1625) waren zu seiner 

Zeit sehr gefragt. Seine Landschaftsbilder sind farbenfroh 

und oft mit vielen Figuren bestückt. Im Jahr 

1649-1650 wurde er Meister der Antwerpener Gilde. 

WEITE HAFENLANDSCHAFT MIT 

BOCKWINDMÜHLE UND FIGUREN 

Öl auf Holz. Parkettiert. 

38,5 x 50,7 cm. 

Rechts auf Paket monogrammiert „G Y“. 



PEETER GYSELS, 

1621 ANTWERP – 1690/91 IBID. 

VAST HARBOUR LANDSCAPE WITH POST MILL 

AND FIGURES 

Oil on panel. Parquetted. 

38.5 x 50.7 cm. 

Monogrammed lower right on package “G Y”. 


Lingen. 

€ 25.000 - € 35.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Im blau-gelblich schimmernden Licht der untergehenden 

Sonne eine weite Flusslandschaft mit diversen 

Segelbooten, die sich im türkis-grünen und bläulichweißen 

Wasser harmonisch widerspiegeln. Rechtsseitig 

eine mit Häusern bebaute Landzunge, bei deren 

Hintergrund diverse Bäume und silhouettenhaft 

Häuser und Figuren erkennbar sind. Im Vordergrund 

jedoch ein ankerndes Segelschiff und ein kleines verlassenes 

Boot, sowie am Ufer rechts ein Pferdekarren, 

der von einer Frau mit diversen glänzenden Töpfen und 

Schalen beladen wird. Dahinter ein weiterer Wagen mit 

zwei Pferden, der für den Abtransport gerade an Land 

getragener Waren sorgen soll. Majestätisch in die Höhe 

ragend eine prachtvolle Bockwindmühle, zu der man 

über eine angestellte Leiter hinaufgelangt. Um die 

Mühle herum eine fröhliche Gänseschar auf einer 

Wiese. Malerische harmonische Darstellung mit vielen 

feinen kleinen Details, bei der fast die gesamte linke 

Bildseite und der Hintergrund in einer tonigen Farbigkeit 

gehalten ist, die von Hellblau bis ins Türkis-Grün 

reicht. Ganz anders die untere rechte Bildseite, in 

mehreren beige-braunen Tönen, sowie mit weißen, 

roten und blauen Farbakzenten durch die Kleidung der 

dargestellten Figuren. 

(13621227) (18) 



105

217 

MAERTEN RYCKAERT, 


WASSERSTURZ AM FELSEN 


85 x 128,5 cm. 

In ebonisiertem Profilrahmen. 

Wir danken Herrn Luuk Pijl für die Zuschreibung des 

vorliegenden Gemäldes an Maerten Ryckert auf der 

Grundlage eines Fotos. Dieser Bericht vom 29. März 

2021 liegt in Kopie vor. 

Das Gemälde ist im RKD Den Haag unter der Bildnummer 

1001241294 als Werk von Marten Rijckaert 

abgebildet und verzeichnet. 

Blick auf einen großen dunklen Gebirgshang mit 

Baumbewuchs, von dem aus ein breiter Wasserfall 

über mehrere Kaskaden ins Tal fällt. Auf der unteren 

linken Wasserseite unterhalb eines hohen, bis zum 

Himmel reichenden Baumes sind zwei Hirten mit ihren 

Hunden und Ziegen zu erkennen, von denen einer auf 

einer Flöte spielt und die friedliche Stimmung der Darstellung 

betont. Rechtsseitig in der Mitte sind drei 

Männer am Eingang einer Höhle zu erkennen, die 

einen Vergleich mit der Größe der Höhle und des Hanges 

erlauben. Im Hintergrund links fällt die Sicht auf 

eine sonnenbeschienene weite Landschaft in grüner 

und blauer Farbgebung mit wenigen schemenhaften 

Figuren und Tieren unter hohem hellblauen Himmel. 

Das vorliegende Gemälde ist ein typisches Beispiel 

für Ryckaerts Schaffen mit italianisierenden Darstellungen. 

Es wird angenommen, dass der Künstler zwischen 

1607 und 1610 Italien bereiste. Der Künstler 

greift wohl bei dem vorliegenden Werk auf Motive 

früherer Meister wie von Paul Bril (1554-1626), der in 

den 1590er-Jahren in Rom tätig war, zurück. Ein vergleichbares 

Gemälde von Bril ist unter der Bildnummer 

1001209055 im RKD Den Haag zu finden mit dem Titel 

„Berglandschaft mit Hirschen an einem Wasserfall“ 

und wird auf 1619 datiert. Horizontale Rest., Retuschen. 

Provenienz: 

Sammlung Walther Bernt (1900-1980), München, 

verkauft am 22. Februar 1954. 

Antiquariat F. Dörling, Hamburg, 3.-4. Dezember 

1987, Lot 6201 (verkauft als Paul Bril). 

Christie’s, Amsterdam, 12. Dezember 1990, Lot 129 

(verkauft als Paul Bril). 

Cesare Lampronti, Rom, 1990. 

Privatsammlung, Deutschland, bis 2020. 

(13621223) (13) 

MAERTEN RYCKAERT, 


ROCKY LANDSCAPE WITH A WATERFALL 


85 x 128.5 cm. 

We would like to thank Mr Luuk Pijl for the identification 

of the artist Maerten Ryckaert for the present 

painting based on a photograph. A copy of the report 

dated 29 March 2021 is enclosed. The painting is listed 

and depicted at the RKD in The Hague under image 

no. 1001241294 as a work by Marten Rijckaert. 

Provenance: 

Walther Bernt Collection (1900 - 1980), Munich, sold 

on 22 February 1954. 

Antiquariat F. Dörling, Hamburg, 3 - 4 December 

1987, lot 6201 (sold as Paul Bril). 

Christie’s, Amsterdam, 12 December 1990, lot 129 

(sold as Paul Bril). Cesare Lampronti, Rome, 1990. 

Private collection, Germany, since 2020. 

€ 18.000 - € 20.000 

Sistrix 

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218 

FRANS FRANCKEN II 

(1581-1642) UND 

GYSBRECHT LEYTENS 

(1586-1643/56) 

DAS URTEIL DES MIDAS 

Öl auf Holz. Verso teils Festigungsverstrebungen. 

57 x 83 cm. 

Wir danken Dr. Ursula Härting für die Zuschreibung 

des vorliegenden Gemäldes an Frans Francken II (Figuren) 

und Gysbrecht Leytens (Landschaft). 

In Ovids Metamorphosen wird die Geschichte vom 

musikalischen Wettstreit zwischen Pan und Apollon 

berichtet (Ovid 11, 148ff). Im Reich des kleinasiatischen 

Königs Midas fordert Pan, der die Hirtenflöte 

erfunden hatte, den Gott Apollon zu einem musikalischen 

Wettstreit heraus. Der weise Schiedsrichter 

Tmolos gibt dem Lyraspiel des Apollon den Vorzug, 

doch König Midas, der von Pans Flöte bezaubert ist, 

erhebt Einspruch. Apollon war darüber derart gekränkt, 

dass er Midas mit Eselsohren strafte. Das Gemälde 

zeigt eine bergige Waldlandschaft, in deren 

Zentrum große alte Bäume stehen mit reichlichem 

Blattbestand, in denen sogar einige Vögel erkennbar 

sind. Vor den Baumstämmen sitzend der jugendliche 

Musengott Apollon in blauem glänzenden Gewand 

und rotem faltenreichen Umhang, auf einer Lyra 

spielend. Rechtsseitig an einen Felsen halbgelehnt 

der sitzende Pan mit menschlichem Oberkörper und 

dem Unterkörper eines Ziegengotts. Zwischen ihnen 

stehend König Midas mit einem Zepter in seiner Hand, 

einer Krone auf dem Haupt und bereits gewachsenen 

Eselsohren, sowie mit seiner nach unten gesenkter 

linker Hand mit der er wohl Pan leicht zurückweist. 

Linksseitig Apollons zwei Frauen, eine davon mit 

Wasserkrug, während im Hintergrund in einer kleinen 

Waldlichtung die Gefährten des Pans zu erkennen 

sind. Nach rechts geht der Blick in den Hintergrund in 

eine weite Landschaft unter hohem Himmel, der meist 

nur aus weißen und hellblauen Streifen besteht. Erzählerische 

Darstellung die das malerische Können 

der beiden Künstler beweist. Rest. 

(13621222) (18) 

FRANS II FRANCKEN 

(1581 – 1642) AND 

GYSBRECHT LEYTENS 

(1586 – 1643/56) 

THE JUDGEMENT OF MIDAS 

Oil on panel. Parquetting slats on the back. 

57 x 83 cm. 

We would like to thank Dr Ursula Härting for her identification 

of the artists Frans II Francken (figures) and 

Gysbrecht Leytens (landscape) in the present painting. 

€ 20.000 - € 30.000 

Sistrix 

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107

219 

IZAACK VAN OOSTEN, 

1613 ANTWERPEN – 1661 

LANDSCHAFT MIT WEINBERGEN UND FIGUREN 

Öl auf Kupferplatte, parkettiert. 

33 x 45 cm. 

Links unten bezeichnet „J. V. Oosten fecit“. 

Das vorliegende Werk in verschiedenen, meist keilartigen 

Ebenen aufgebaut: Die erste Ebene erstreckt 

sich vom rechten unteren Rand bis in die Mitte des 

linken Randes, darin zu sehen eine überdachte Werkstatt, 

in der zwei Männer eine große hölzerne Traubenpresse 

bedienen, die von einem vor Körben und 

einem Bottich stehenden Paar befüllt wird. Im Vordergrund 

links ein Mann, der die zu befüllenden Holzfässer 

herrichtet. Nach links geht der Blick auf einen Felsen, 

auf dem eine Gebäudeanlage mit Rundturm 

steht und zu dem eine steile Treppe hinaufführt. Im 

Vordergrund der Mitte ein elegant gekleideter Kavallier 

auf einem Schimmel, wohl der Besitzer des Gutes 

und der Weinberge, der sich bei einem älteren Herren 

nach dem Vorrankommen der Weinlese erkundigt. 

Diese Ebene überwiegend in beige-brauner Farbigkeit 

wiedergegeben, aufgelockert durch rötliche und blaue 

Kleidungsstücke der dargestellten Figuren. Nach 

rechts geht ein Weg ins Tal hinunter und es folgt die 

zweite Ebene, die sich wie ein ins Bild ragender Keil 

gestaltet, auf dem zunächst ein stufenartig gestalteter 

beige-grüner Berg zu erkennen ist, mit diversen Häusern 

und zahlreichen Weinstöcken. Eine Stadt leitet 

den Blick über in ein hohes blau-weißes Gebirge. Darüber 

der hohe hellblaue Himmel mit großen weißen 

Wolkenformationen und einigen fliegenden Vögeln. In 

der Mitte des Bildes ein hoher, bis zum Himmel reichender, 

teils dürrer Baum, der alle Ebenen malerisch 

miteinander verbindet. Malerei in der typischen Manier 

des bekannten Künstlers mit vielen Details. 

(1362126) (18) 

IZAAK VAN OOSTEN, 

1613 ANTWERP – 1661 

LANDSCAPE WITH VINEYARDS AND FIGURES 

Oil on copper, parquetted. 

33 x 45 cm. 

Inscribed “J. V. Oosten fecit” lower left. 


Lingen. 

€ 25.000 - € 35.000 

Sistrix 

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109

220 



LÄNDLICHE SZENE MIT WÄSCHERINNEN 

Öl auf Holz. 

27,5 x 36,5 cm. 

Verso mit alter Sammlungsnummer 359. 

In ebonisiertem Rumpelleistenrahmen. 


An einem Weiher, auf dem sich Enten tummeln, eine 

Gruppe von Kühen und Wäscherinnen, im Begriff, 

einem Brunnen Wasser zu entziehen bzw. Wäsche in 

einem Bottich zu waschen, während sie sich mit einem 

Bauern unterhalten, der mit einer Heugabel bestückt 

einen Pferdekarren führt. Im Hintergrund eine reetgedeckte 

Häusergruppe vor Baumbestand. 



RURAL SCENE WITH WASHER WOMEN 

Oil on panel. 

27.5 x 36.5 cm. 

Accompanied by an original expert’s report by Dr Klaus 

Ertz, Lingen. 

€ 25.000 - € 35.000 

Sistrix 

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Literatur: 

Vgl. Klaus Ertz, Pieter Brueghel d. J., Die Gemälde 

mit kritischem Œuvrekatalog, 2. Bde., Lingen 2000. 

(13621228) (13) 



111

221 

ABEL GRIMMER, 

UM 1570 ANTWERPEN – UM 1619 EBENDA 

Der Maler war Sohn von Jacob Grimmer (1525/26 - um 

1590), der sich einen Namen gemacht hatte mit der 

Wiederholung von Arbeiten des Pieter Brueghel d. Ä. 

(um 1525 - um 1569), meist auf kleinen Holztäfelchen. 

Abel Grimmer wurde 1592 Meister der Antwerpener 

Sankt Lukas Gilde und übernahm dann die Werkstatt 

seines Vaters. Vor allem bekannt durch Arbeiten auf 

kleinem Format, wobei der Einfluss von Pieter 

Brueghel d. Ä. und Hans Bol (1534-1593) deutlich zu 

erkennen ist. Für sein Werk typisch ist die Vereinfachung 

und Systematisierung von Figuren und 

Landschaften, bei äußerst feiner und detailgenauer 

Wiedergabe. 

BELEBTE WINTERLICHE DORFLANDSCHAFT 

Öl auf Holz. 

29,5 x 42 cm. 

In dekorativem schwarzem Holzrahmen. 

Beigegeben ein Gutachten von Dr. Klaus Ertz, Lingen, 

in Kopie. 

Im Vordergrund der Darstellung im Schnee stehende, 

mit langen Gewändern gut gekleidete Städter, möglicherweise 

auch Angehörige der Aristokratie, die den 

schlittschuhlaufenden Figuren auf dem zugefrorenen 

Eis im Mittelgrund des Bildes interessiert zuschauen. 

Links- und rechtsseitig, sowie im Hintergrund, die 

schneebedeckten Häuser und am rechten Bildrand 

ein grüner, von einem Pferd gezogener Schlitten vor 

einem kleineren Haus, während am linken Bildrand 

wohl zwei bepackte Wanderer um Unterkunft bei einer 

stehenden Frau bitten. Einige wenige kahle Bäume 

ragen seitlich in den grauweißen Himmel. Die Komposition 

beginnt im Vordergrund mit einem kleinen dunklen 

Zwickel, der sich scheinbar in Querschlangen bis 

in den Hintergrund zieht, ohne dass das Auge des Betrachters 

„hängen“ bleibt, so Dr. Ertz. Die winterliche 

Darstellung der Künstler aus dem 16. und 17. Jahrhundert 

mit gesellschaftlich gemischten Figurengruppen 

waren und sind auch heute noch sehr beliebt. Die 

Landschaft und Häuser überwiegend in weißgrauer 

und hellbrauner Farbgebung, die dargestellten Figuren 

jedoch teils in farbenfroher Kleidung. Dr. Ertz geht davon 

aus, dass das vorliegende Werk in der Zeit um 1610 

in Antwerpen gemalt wurde. Rest. 

(13619311) (18) 

ABEL GRIMMER, 

CA. 1570 ANTWERP – CA. 1619 IBID. 

LIVELY VILLAGE SCENE IN WINTER 

Oil on panel. 

29.5 x 42 cm. 


Lingen, in copy. 

€ 15.000 - € 18.000 

Sistrix 

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222 

PETER SNYERS, 

1681 ANTWERPEN – 1752 EBENDA, ZUG. 

ÜBERFALL MIT REITERGEFECHT 

Öl auf Holz. 

55 x 73 cm. 

Mittig auf Schimmel ein Monogramm. 

In teilvergoldetem Rahmen. 

In weiter hügeliger Landschaft, die links- und rechtsseitig 

durch einen hohen Baum als Repoussoir flankiert 

wird, ein breiter, bis zum Horizont schmäler werdender 

Weg mit einer ziehenden Wagenkarawane mit 

zahlreichen Figuren. Im Vordergrund der gerade stattfindende 

Überfall mit kämpfenden Reitern und Fußvolk, 

bei dem Gewehre, Lanzen und Degen eingesetzt 

werden. Linksseitig ein bereits zu Boden gegangenes 

Pferd sowie einige gestürzte und liegende 

Männer. Rechtsseitig, hinter einem Felsvorsprung, 

nähert sich eine kleine Armee zu Pferde mit Soldaten 

in Rüstung und Helm, rot geflaggte Standarten haltend. 

In der Mitte des Hintergrunds eine bewaldete 

Anhöhe, inmitten derer eine kleine Kirche in den Himmel 

ragt, während linksseitig eine kleine Mühle zu 

erkennen ist. Malerei in zurückhaltender Farbgebung, 

bei der jedoch die Pferde durch weiße Farbgebung 

und die Figuren durch rote Kleidungsstücke besonders 

hervorgehoben werden. Wohl ein Frühwerk des 

Künstlers, das noch den Einfluss von Sebastian Vrancx 

(1573-1647) erkennen lässt. 

(1360752) (18) 

PETER SNYERS, 

1681 ANTWERP – 1752 IBID., ATTRIBUTED 

ATTACK WITH EQUESTRIAN BATTLE 

Oil on panel. 

55 x 73 cm. 

Monogrammed at centre on grey horse. 

€ 15.000 - € 25.000 

Sistrix 

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Das Monogramm 

auf dem Schimmel 


113

223 

JAN BRUEGHEL D.J. 

(1601 ANTWERPEN – 1678 EBENDA) 

UND PIETER VAN AVONT 

(1600 MECHELEN – 1652 ANTWERPEN) 

ALLEGORIE DER ERDE 


30 x 41 cm. 


Das berühmte Gemälde gleichen Titels von Jan 

Brueghel d.Ä. und Hendrik van Balen aus dem Jahr 

1610 (siehe Literatur) hat, lt. Dr. Ertz, dem vorliegenden 

Werk als Vorlage gedient. Die erneute Aufnahme 

einer erfolgreichen Komposition wie hier ist gerade 

im 17. Jahrhundert eher typisch. 

Auf der Darstellung werden insbesondere Sommerund 

Herbsternte in einer allegorischen Gruppierung 

zusammengefasst, zusammen mit anderen Objekten 

als Allegorie der Erde. Im Zentrum unter einer Baumgruppe 

die weibliche Allegorie der Abundantia mit 

Früchtefüllhorn in ihren Händen, in einem rot-blauen 

Umhang sitzend. Links daneben am Boden in leichter 

Rückenansicht die männliche Allegorie des Sommers 

mit einem Ährenbündel im Arm. Rechts ein Putto, der 

die Symbole des Herbstes in Form einer großen Traubenschale 

heranträgt. Weiter hinten ist ein Pan zu 

sehen, der nach Baumfrüchten greift. Im Vordergrund 

auf ebenem Waldboden sind eine Fülle an Erd- und 

Baumfrüchten ausgebreitet, wie Äpfel, Pflaumen, Feigen 

und Trauben. Rechts daneben sind die unterschiedlichsten 

Kräuterblüten, Blumen und Pflanzen zu 

sehen, denen jeweils in der Zeit der Entstehung des 

Gemäldes besondere allegorische Bedeutung zugemessen 

worden war. Am linken unteren Bildrand sind 

auch ein Äffchen neben Kürbissen und Rüben sowie 

daneben zwei kleine Meerschweinchen zu sehen. Die 

beiden Ausblicke seitlich der mittleren Baumgruppe 

zeigen links die Sicht auf eine tieferliegende Stadt 

sowie rechts ein Erntefeld mit Landarbeitern, dahinter 

ein Dorf mit Kirchturm, der zwischen Bäumen in den 

Himmel ragt. Detailreiche Malerei mit präziser Wiedergabe 

von Früchten und Blumenarten. 

Die für Jan Brueghel d.J. typischen kräftigen Farben 

sind für die Zeit der Entstehung des Gemäldes bezeichnend, 

erinnern in ihrer Malweise auch an die Vorliebe 

des Vaters für allerkleinste Details und ordnen 

das Werk der ersten Hälfte der 1630er Jahre in Antwerpen 

zu. Diese Farbigkeit, vor allem in dem wie ein 

Blütenteppich wirkendem Vordergrund, wird von dem 

für die Figuren verantwortlichen Maler Pieter van 

Avont in der Kleidung aufgenommen. Somit lässt sich 

zusammenfassen, dass die Landschaft, Tiere, Früchte 

und Blumen von Jan Brueghel d.J. und die Figuren 

von seinem Malerkollegen Pieter van Avont stammen. 

Literatur: 

Vgl. Ertz, Klaus/Nitze-Ertz,Christa: Jan Brueghel 

d.Ä,, Die Gemälde mit kritischem Œuvrekatalog, 

4 Bände, Lingen 2008-10, Band III, Kat. 491. 

(1340522) (18) 


(1601 ANTWERP – 1678 IBID.) 

AND PIETER VAN AVONT 

(1600 MECHELEN – 1652 ANTWERP) 

ALLEGORY OF EARTH 


30 x 41 cm. 


Lingen. 

The depiction combines the summer and autumn 

harvests in an allegorical group, symbolizing the abundance 

of harvest. 

€ 20.000 - € 30.000 

Sistrix 

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224 

PIETER GERRITSZ VAN ROESTRATEN, 

UM 1630 HAARLEM – 1698 LONDON 

STILLLEBEN MIT POKAL 


127 x 103 cm. 

Links mittig signiert „P. Roestraeten“. 

Verso mit altem Etikett. 

In ebonisiertem Kehlrahmen mit Goldleiste. 

Auf einer Tischplatte steht eine aufwändig ziselierte 

zweihenklige Silbervase, die das Prunkelement und 

durch ihre scheinende Oberfläche eine indirekte Lichtquelle 

der Komposition darstellt. Notenblätter, Musikinstrumente, 

ein Globus, eine geöffnete Taschenuhr 

und Musikinstrumente liegen umher. Ein mit Lorbeerkranz 

geschmückter Schädel lässt die Vanitassymbolik, 

die in der ganzen Komposition mitschwingt augenscheinlich 

werden. Wobei die Platzierung auf dem 

Buch als die Überwindung des Ruhmes durch die 

Literatur zu lesen ist, aber auch durch die weiteren 

Künste wie Musik, bildnerisches Schaffen und nicht 

zuletzt durch die Malerei selbst. Dies wird nicht nur 

von dem vorliegenden Gemälde selbst verkörpert, sondern 

auch in der Widerspiegelung des Malers mit seiner 

Staffelei vor seinem Fenster gezeigt – ein Raum en semble, 

das von einer herabhängenden Kugel ge spiegelt 

wird. Auch das dort dargestellte, im Fenster liegende 

Fensterkreuz wird traditionell als Vanitassymbol gelesen. 

Das vorliegende, aufwändig gestaltete Stillleben lässt 

sich besonders gut mit einem Gemälde des gleichen 

Künstlers vergleichen, das sich 1944 in der Galerie 

Agnews London befand und am 11. Mai 1993 bei der 

Galerie Fischer, Luzern angeboten worden ist. Dieses 

Gemälde zeigt die selbe Vase, wie sie auf dem hier 

angebotenen Werk des Roestraeten zu sehen ist, auf 

einer profilierten Steinplatte nebst Schmetterling. 

Provenienz: 

Privatsammlung, England. 

Christie’s, London, 30. Juli 1943, Lot 77, ohne 

Abbildung. 

Kunsthandel Bertil Rapp, Stockholm, um 1950. 

Privatsammlung Schweden. 

Privatsammlung London / Helsingborg (1990). 

Sotheby’s, London, 13. Dezember 2001, Lot 19 

mit Farbabbildung. 

Bukowskis, Stockholm, 4. – 7. Dezember 2012, 

Lot 514, mit Farbabbildung. 

Literatur: 

Fred G. Meijer in: Dutch and Flemish Still-life Paintings 

Bequeathed by Daisy Linda Ward, Ashmolean 

Museum, Oxford 2003, S. 29-30, Abb. 13. 

(13621244) (13) 

PIETER GERRITSZ VAN ROESTRATEN, 

CA. 1630 HAARLEM – 1700 LONDON 

STILL LIFE WITH CUP 


127 x 103 cm. 

Signed at centre left: P. Roestraeten. 

Provenance: 

Private collection, England. 

Christie’s, London, 30 July 1943, lot 77. 

Sotheby’s, London, 13 December 2001, lot 19 with 

colour ill. Bukowskis, Stockholm, 4 - 7 De-cember 

2012, lot 514, with colour ill. 

Literature: 

Fred G. Meijer in: Dutch and Flemish Still-life Paintings 

Bequeathed by Daisy Linda Ward, Ashmole-an 

Museum, Oxford, 2003, pp. 29, 30, ill. 13. 

€ 28.000 - € 30.000 

Sistrix 

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225 

GERARD TER BORCH, 

1617 ZWOLLE – 1681 DEVENTER, ZUG. 

FRAU BEI KERZENLICHT 

Öl auf Holz. 

31,5 x 26 cm. 

Verso Aufkleber der Ausstellung „MUSEUM GOUDA 

– Klaarslicht Candlelight – 13-11-21 t/m 27-3-22“. 

Das Gemälde wurde im Museum Gouda anlässlich 

der Ausstellung „Klaarsicht – Candlelight“ (Nov. 2021 

– März 2022) gezeigt, als Gerard ter Borch. 

Die Kerzenlicht-Themen erfreuten sich im 17. Jahrhundert 

besonderer Beliebtheit. Eine Gruppe von Malern 

erhielt aufgrund dieser Sujets die Bezeichnung „Candlelight-Masters“. 

Zu ihnen zählen Gerrit van Honth orst, 

Gottfried Schalcken, oder Trophime Bigot, der als 

„Candlelight Master“ bekannt wurde. 

Themenentsprechend ist der Darstellungsraum nächtlich 

oder dunkel gehalten, die Gestalten, wie hier die an 

einem Tisch vor einer Öllampe sitzende Frau, heben 

sich im Feuerlicht ab. Sie ist mit einer Handarbeit 

beschäftigt und blickt konzentriert auf ihre Hände, die 

sie nahe ans Licht hält. Im Hintergrund zeichnet sich 

lediglich die Lehne des holländischen Stuhles ab, sowie 

ein bogiger Türrahmen in ein etwas helleres Nebenzimmer. 

Die Darstellungen von Frauen am Tisch mit Nähzeug, 

Spinnwirtel oder am Spinett, sind keine Seltenheit im 

Werk des Malers. 

Ter Borch, der 1632 erstmals in Amsterdam nachzuweisen 

ist, und ein Jahr später nach Haarlem ging, 

kam auch in Verbindung mit Anthonius Van Dyck. Trotz 

ausgedehnter Reisen nach Spanien wie nach Italien, 

blieb er dennoch seinem eigenen Stil und dem der 

holländischen Schule treu. Seine Feinmalerei und die 

Unverwechselbarkeit seiner Bildauffassung machten 

ihn zu einem der Hauptmeister des holländischen 

Genrebildes. 

GERARD TER BORCH, 

1617 ZWOLLE – 1681 DEVENTER, ATTRIBUTED 

WOMAN BY CANDLELIGHT 

Oil on panel. 

31.5 x 26 cm. 

Exhibition label on the back: “MUSEUM GOUDA – 

Klaarslicht Candlelight- 13-11-21 t/m 27-3-22”. 

The painting was shown as a work by Gerard ter Borch 

at the exhibition “Klaarsicht – Candlelight” (November 

2021 – March 2022). 

€ 25.000 - € 35.000 

Sistrix 

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Literatur: 

Museum Gouda, Klaarslicht, Ausstellungskatalog, 

13. November 2021 – 27. März 2022. 

S. J. Gudlaugsson, Gerard Terborch, Den Haag 1960. 

S. J. Gudlaugsson, Katalog der Gemälde Gerard Ter 

Borchs, Springer Niederlande 1960. 

(1361925) (1) (11) 


226 

FRANS VAN MIERIS D. Ä., 

1635 LEIDEN – 1681 EBENDA, NACHFOLGE DES 

DAME VOR DEM SPIEGEL 

Öl auf Kupfer. 

45 x 33 cm. 

In den Bildmaßen identische Wiederholung der Bilddarstellung 

des von Frans van Mieris d. Ä. um 1670 

auf Eichenholz gemalten Originalgemäldes, das sich 

in der Alten Pinakothek in München befindet und ursprünglich 

aus der Kurfürstlichen Galerie stammt. 

(Invent.Nr. 219). Der Maler des vorliegenden Bildes 

hat die Farben leuchtender gewählt und auf den im 

Original sichtbaren oberen dunklen Bogen verzichtet, 

ansonsten wurden die Details übernommen. Die 

sehr beliebte Darstellung, ein Musterbeispiel für die 

Feinmalerei, wurde schon früh vielfach wiederholt. 

Die vorliegende Fassung zeigt hohe Malqualität, besonders 

in der Wiedergabe des Stofflichen. 

A.R. 

(13621213) (11) 

FRANS VAN MIERIS THE ELDER, 

1635 – 1681, FOLLOWER OF 

LADY IN FRONT OF A MIRROR 

Oil on copper. 

45 x 33 cm. 

In the dimensions identical repetition of the picture 

depiction of the original painted by Frans van Mieris 

the. Ä. ca. 1670 on oak wood, which is in the Alte 

Pinakothek in Munich and originally came from the 

Kurfürstliche Galerie. (Bayer. Staatsgemäldesammlungen, 

Inv. No. 219). 

The present version shows high painting quality, especially 

in the rendering of the material. 

€ 12.000 - € 15.000 

Sistrix 

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227 

ABRAHAM JANSSENS, 


HEILIGE CÄCILIA 

ABRAHAM JANSSENS, 


SAINT CECILIA 

Öl auf Holz. 

121 x 85 cm. 

Verso mit altem Sammlungsetikett und Speditionsetikett. 

In mit Eierstabfries dekoriertem Rahmen. 

Im Œuvre Janssens spielen Frauen eine große Rolle 

und so ist es nicht verwunderlich, dass auch weibliche 

Heilige mit ihren Attributen häufig bei ihm vertreten 

sind. In dem hier angebotenen Werk ist die Heilige 

Cäcilia, Patronin der Kirchenmusik, in höfischer Kleidung 

mit Krone vor rotem Velum in den Vordergrund 

gerückt mit ihrem Attribut der Orgel, das zusammen 

mit einem Kruzifix und zwei musizierenden Putti die 

rechte Bildhälfte einnimmt. 

Provenienz: 

Sammlung Gaston Dulière. 

Anmerkung: 

Abraham Janssens war ein Schüler von Jan Snellinck. 

Um die Jahrhundertwende verweilte er in Rom, 1602 

erscheint er jedoch bereits wieder in den Büchern der 

Lukasgilde von Antwerpen, zu deren Dekan er 1607 

wurde. Er war Historienmaler und beschäftigte sich 

hauptsächlich mit religiösen Themen, Allegorien und 

mythologischen Darstellungen großen Formats. Seine 

Werke spiegeln gekonnt die Einflüsse des „italianisierten 

Klassizismus“ der Antwerpener Schule der 

ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts wieder. Seine 

Werke hatten anfänglich einen gewissen Einfluss auf 

den jungen Rubens, bevor dieser zur dominantesten 

Figur der flämischen Malerei wurde und auch Janssens 

schwer beeindruckte. Aus Janssens Werkstatt 

gingen viele hervorragende Künstler hervor, darunter 

Michele Desubleo, Nicolas Régnier, Gérard Seghers 

und Theodor Rombouts. (1360754) (13) 

Oil on panel. 

121 x 85 cm. 

Provenance: 

Gaston Dulière collection. 

€ 16.000 - € 18.000 

Sistrix 

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228 

GOVAERT FLINCK, 

1615 KLEVE – 1660 AMSTERDAM 

PORTRAIT EINER HÖFISCHEN DAME ALS 

HEILIGE CÄCILIA, UM 1659 


67,9 x 54,1 cm. 

In diesem Bildnis hat der Maler eine junge Dame – 

wohl aus dem flämischen Hochadel – mit einer Orgel 

links im Bild dargestellt. Die Malerei des 17. Jahrhunderts 

war die Blütezeit raffinierter allegorischer 

Anspielungen. Herrscher und deren Angehörige ließen 

sich gerne als mythologische Gestalten darstellen, 

was auch als eine Aussage über Charakteristik und 

Vorlieben der Porträtierten zu verstehen ist. Das besondere 

Interesse der Porträtierten für Musik, möglicherweise 

ihr musikalisches Können, sollte gezeigt 

werden. Eine Identifikation als Hl. Cäcilia, die Patronin 

der Musik, liegt nahe. Es existieren zahlreiche Beispiele, 

von Rubens wie ebenso von kleineren Meistern 

wie Adriaen Lommelin usw., die musizierende 

Damen als Cäcilia thematisieren. Allerdings enthält 

das vorliegende Bild keinerlei religiöse Attribuierung. 

Das Porträt wirkt ausgesprochen lebensecht. Der hohe 

gesellschaftliche Rang der Dame zeigt sich in der Kleidung 

ebenso wie im Perlschmuck, den sie im Haar, 

im Ohrgehänge und am Hals trägt. Perlen sind auch 

ins Kleid eingenäht. Die Orgelpfeifen, oben wie unten 

durch vergoldete barocke Manschetten gefasst, verweisen 

zudem auf eine höfische Ausstattung. 

Die Körperhaltung und der auf den Bildbetrachter 

gerichtete offene Blick vermittelt den Eindruck, als 

sei die Orgelspielerin soeben abgelenkt worden. Eine 

Bildauffassung die den hohen Meister verrät. 

Govaert Flinck wurde bereits zeitlebens hochgeachtet. 

1629 wurde er von Lambert Jacobsz (1598-1636) 

in Leeuwarden in der Malerei ausgebildet. Später arbeitete 

er für Hendrick van Uylenburgh. Nach Amsterdam 

zog er erst 1632, erhielt aber dort Unterricht bei Rembrandt, 

was sich auch hier in der Malweise, vor allem 

im textilen Bereich kundtut. Das Gesicht hingegen 

verrät den Einfluss des Van Dyck. Dass seine Porträts 

auch vom königlichen Hof in Auftrag gegeben wurden, 

beweist seine hohe Reputation. Kurfürst Friedrich 

Wilhelm von Brandenburg und Prinz Moritz von Nassau 

und deren Hof ließen sich von ihm porträtieren. 

Danach ist das Gemälde als ein hervorragendes Werk 

des Meisters zu würdigen, in dem sowohl das Wirken 

Rembrandts als auch des Van Dyck zum Ausdruck 

kommt. 

Provenienz: 

1924 London, Kunsthandel Asscher, Koetser und 

Welker. 

1926 London, Kunsthandel Agnews. 

1974 London Kunsthandel. 

Petworth, Burton Park, Coll. Major John Sewill 

Courtauld; 

Vererbt an: Coll. Miss Jeanne Courtauld. 

GB, Privatsammlung, Bonhams, London 8. 7. 2015, 

Nr. 45. 

Anmerkung: 

Das Gemälde wird in das in Vorbereitung befindliche 

Werkverzeichnis von Tom van der Molen aufgenommen. 

Nach dessen Auskunft wird es in die letzten 

Schaffensjahre um 1659 eingeordnet. 

Anmerkung 2: 

In den kunsthistorischen Arbeiten der Autoren Joachim 

Wolfgang von Moltke (1965) und Werner Sumowski 

(1983). 

Literatur: 

Vgl. Tom van der Molen, Von Leeuwarden nach Amsterdam. 

In: Rembrandt & Saskia. Liebe im goldenen 

Zeitalter, Fries Museum, Leeuwarden 2018, S. 38-51. 

Vgl. Tom van der Molen, Das Leben von Govert Flinck. 

In: Govert Flinck. Reflecting History. Vgl. Museum 

Kurhaus Kleve – Ewald Mataré – Sammlung, B.O.S.S. 

– Druck und Medien, Goch 2015. 

Vgl. Werner Sumowski (Hrsg.): Gemälde der Rembrandt-Schüler. 

6 Bände. Edition PVA, Landau 1983. 

Vgl. Joachim Wolfgang Moltke: Govaert Flinck 1615- 

1660 (= Painters of the past). Menno Hertzberger, 

Amsterdam 1965. (1361922) (1) (11) 


1615 CLEVES – 1660 AMSTERDAM 

PORTRAIT OF A COURTLY LADY IN FRONT 

OF AN ORGAN, CA 1659 


67.9 x 54.1 cm. 

Notes: 

The painting will be included in the catalogue raisonné 

of Tom van der Molen, which is currently 

being prepared. According to his information, it belongs 

to the last period of creation around 1659. 

€ 150.000 - € 200.000 

Sistrix 

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229 


1615 KLEVE – 1660 AMSTERDAM 

BILDNIS EINES HÖFISCHEN HERREN ALS APOLLO 


92,7 x 74, 6 cm. 

Um 1658. 

Gerahmt. 

In diesem Bildnis hat sich ein junger Herr – höchstwahrscheinlich 

aus dem flämischen Hochadel – als Apollo 

darstellen lassen. Die Malerei des 17. Jahrhunderts war 

die Blütezeit des raffinierten Spieles mit allegorischen 

Anspielungen. Herrscher und deren Angehörige ließen 

sich gerne als mythologische Gestalten darstellen. 

Stets hatte dies auch eine Aussage über Charakteristik 

und Vorlieben des Porträtierten. Das wurde im vorliegenden 

Fall sicher als Anspielung auf das besondere 

Interesse des Porträtierten für Kunst, Literatur, Musik 

und Theater verstanden. 

Flinck zeigt ihn im Halbbildnis von der Rückseite, mit 

entblößter Schulter, über die er dem Betrachter entgegenblickt. 

In seiner Rechten hält er den Bogen des 

Apollo, über die Schulter zieht der Riemen des mit rotem 

Samt bezogenen Pfeilköchers. Das lang herabfließende 

Lockenhaar weist in die Entstehungszeit der noch 

üblichen Allongeperückenmode. Der Lorbeerkranz auf 

dem Haupt lässt auch eine Deutung des Porträts zu, 

dass es sich um ein Mitglied des Hofes als gefeierten 

Sänger oder dergleichen handeln könnte. 

Die Maltechnik präsentiert neben der Porträtkunst 

auch das Stoffliche in gleicher Weise von höchster 

Qualität. Das Manteltuch leuchtet als goldfarbene, 

knittrige Seide auf, wie ebenso das Samtrot des Köchers. 

Um diese Wirkung zu wahren, hat der Maler den 

Hintergrund weitgehend ohne zusätzliche Effekte gestaltet, 

während die dunkle Wolke und die Andeutung 

einer Baumkrone Gesicht und Lorbeerkranz umso 

wirkungsvoller zur Geltung bringen. 

Es ist nicht zu übersehen, dass sich das auffallende 

Rot des Köchers in subtiler Weise auch in der Lippenrötung, 

wie in einem Teil des Bogens wiederfindet. 

Govaert Flinck wurde bereits zeitlebens hochgeachtet. 

Dass er alss Sohn eines Textilhändlers zunächst in Kleve 

das Seidengeschäft erlernt hatte, zeigt sich auch in 

vorliegendem Gemälde überdeutlich. 1629 wurde er 

von Lambert Jacobsz (1598-1636) in Leeuwarden in 

der Malerei ausgebildet. Nach Amsterdam zog er erst 

1632, erhielt aber dort Malunterricht bei Rembrandt, 

und arbeitete für Hendrick van Uylenburgh. Dass seine 

Porträts neben dem Hochbürgertum bereits auch 

vom königlichen Hof in Auftrag gegeben wurden, beweist 

seine hohe Reputation. Kurfürst Friedrich Wilhelm 

von Brandenburg und Prinz Moritz von Nassau 

und deren Hof ließen sich von ihm porträtieren. Der 

spätere Einfluss von Anthonis van Dyck ist auch in 

vorliegendem Werk spürbar. 

Das Gemälde ist in den Werken über Govaert Flinck von 

den Autoren Joachim Wolfgang von Moltke (1965) und 

Werner Sumowski (1983) noch nicht enthalten (s. Lit.). 

Provenienz: 

Privatsammlung Genua. 

Christie´s, London 06.Juli 2018 (Lot 165, dort noch 

nicht als Govaerts erkannt). 

Anmerkung: 

Das Gemälde wird in das in Vorbereitung befindliche 

Werkverzeichnis von Tom van der Molen aufgenommen. 

Nach dessen Auskunft wird es in die letzten Schaffensjahre 

des Malers eingeordnet, also um 1658/59. 

Ferner werden dort Vergleiche mit weiteren Werken 

Flincks gezogen, auch was die Landschaft in seinen 

mythologischen Themen betrifft. 

Literatur: 

Tom van der Molen, Von Leeuwarden nach Amsterdam, 

In: Rembrandt & Saskia. Liebe im goldenen Zeitalter, 

Fries Museum, Leeuwarden 2018, S. 38-51. 

Tom van der Molen, Das Leben von Govert Flinck. In: 

Govert Flinck. Reflecting History. Museum Kurhaus 

Kleve - Ewald Mataré- Sammlung, Goch 2015, 

Werner Sumowski (Hrsg.), Gemälde der Rembrandt- 

Schüler. 6 Bände. Edition PVA, Landau 1983. 

Joachim Wolfgang Moltke, Govaert Flinck 1615-1660 

(= Painters of the past). Menno Hertzberger, Amsterdam 

1965. 

A.R. (1361921) (1) (11) 


1615 CLEVE – 1660 AMSTERDAM 

COURTLY PORTRAIT OF A MAN AS APOLLO 


92.7 x 74.6 cm. 

ca. 1658. 

Provenance: 

Private collection, Genoa. 

Christie’s, London 6 July 2018 (lot 165, not identified 

as Govaerts yet). 

Notes: 

The painting will be included in Tom van der Molen’s 

forthcoming catalogue raisonné. According to him 

this work was created in the last creative years of 

the artist, ca. 1658/59. 

€ 200.000 - € 300.000 

Sistrix 

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230 

JACOB JORDAENS, 


DER PROPHET ELIA EMPFÄNGT NAHRUNG VOM 

ENGEL VOR DEM GANG ZUM BERG HOREB 


69 x 58,5 cm. 

In plastisch verziertem Rahmen. 

Beigegeben ein Gutachten von Alessandro Delpriori, 

ohne Ort und Datum, in Kopie. 

Zwischen zwei in Grisaille gestalteten, gedrehten auf 

quadratischen Basen ruhenden Säulen mit vergoldeten 

ionischen Kapitellen sind zwei polychrome, von einem 

Velum überspannte Gestalten zu sehen, die in ihrer 

Polychromität dem Grisaille gegenübergestellt und in 

ihrem Wirklichkeitsgehalt wesensechter, greifbar und 

in ihrer Bedeutung überhöht gegenüber der scheinarchitektonischen 

Umrandung sind. Dargestellt wird 

eine Stelle im Alten Testament (1.Kön 19, 1-8). Elias 

hatte gerade die Propheten Baals umgebracht und 

Ahab berichtete dies Isebel, die sogleich Boten an 

Elia senden ließ, die im sagten: „Die Götter sollen mir 

dies und das tun, wenn ich nicht morgen um diese 

Zeit dir tue, wie du denen getan hast“. Elia geriet in 

Furcht, flüchtete in die Wüste, setzte sich unter einen 

Wacholder und wünschte den Tod herbei. Elia, hier nur 

in einem Lendenschurz stehend, wurde jedoch zwei 

Mal von einem Engel mit Nahrung, hier ist ein Laib Brot 

und ein Kelch dargestellt, versorgt, was traditionell 

auch als Vorgriff auf die Eucharistie gelesen wird. 

Danach ging er vierzig Tage und vierzig Nächte zum 

Berg Gottes, dem Horeb. Das Säulenmotiv kennen 

wir bei Jacob Jordaens bereits aus anderen Gemälden, 

wie dem Triumph des Stadthalters Frederik Hendrik van 

Oranje Nassau von 1651, das im Muzeum Narodowe 

Warschau (Inventarnummer M. Ob. 57) verwahrt wird. 

Wenn auch nicht gedreht rahmen auch die Säulen 

das Geschehen in der Darbringung im Tempel in der 

Gemäldegalerie Alte Meister (Inventarnummer 1012) 

aus der Hand des Jacob Jordaens. Vor allem aber 

muss als wichtigstes Vorbild das Gemälde des Peter 

Paul Rubens mit dem gleichen Motiv im Musée Bonnat 

in Bayonne in Frankreich von 1625-1628 genannt werden, 

zu dem unser Gemälde von Jacob Jordaens als 

Kopie gesehen werden kann. Jenes Gemälde ist als 

eine Vorstudie zu einer Tapisserie zu sehen mit dem 

Thema der Eucharistie für das Franziskanerkloster der 

Descalzes Reales in Madrid, in Auftrag gegeben von 

der Infantin Isabel Clara Eugenia, Tochter des Königs 

Philip IV. Die Serie von Wandteppichen ist eines der 

anspruchsvollsten Werke, die Rubens anvertraut wurden, 

so dass die Dokumente ganz klar festlegen, dass 

die Rolle des Meisters nur darin bestand, die Skizzen 

und Entwürfe zu erstellen. Die Schüler, unter denen 

sich die besten flämischen und holländischen Künstler 

des Marktes befanden, kopierten diese in größere 

Kartons und Modelle – wie auch in diesem Gemälde 

zu sehen –, bis die monumentalen Formen der Wandteppiche 

gewebt und nach Madrid geschickt wurden. 

Wir wissen, dass Rubens bereits 1626 an dieser Reihe 

von Skizzen arbeitete und das die fertigen Webereien 

zwischen 1627 und 1633 nach Spanien geschickt wurden. 

Das Werk wurde vom König und seiner Familie 

außerordentlich geschätzt, die zudem eine privilegierte 

Beziehung zu Rubens hatte, da er 1625 zum 

Pfalzgrafen von Spanien ernannt wurde (vielleicht aufgrund 

des Interesses der Infantin Isabella). Nicht weniger 

als 19 Skizzen sind erhalten und auf verschiedene 

Museen verteilt, aber der wichtigste Kern ist natürlich 

der Prado in Madrid. Der Rubensbozetto, das zwischen 

1626 und 1633 entstanden ist zum Elia Thema befand 

sich in der Sammlung des Victor-Bernard Derrécagaix, 

der seine Sammlung samt dem Bozetto dem Museum 

seiner Heimatstadt Bayonne vermachte. 

Neben Peter Paul Rubens und Athonis van Dyck war 

er einer der drei wichtigsten flämischen Maler, welche 

die Antwerpener Schule im 17. Jahrhundert prägten. 

Der Künstler ist für seine großen und zahlreichen szenischen 

Bilder der Genremalerei bekannt, die sich an 

Sprichwörter seines Zeitgenossen Jan Brueghel d. Ä. 

anlehnen, wie beispielsweise dessen bekannteste 

Bilder „Der König trinkt“ und „Wie die Alten summen, 

so pfeifen die Jungen“. 

Provenienz: 

Auktion Fischer, Luzern, 27. 12.1949, lot 49, 

als Anthony van Dyck. 

Privatsammlung Schweiz. 

Privatsammlung Italien. 

Anmerkung: 

Siehe die Vergleichsabbildung der Tapisserie im 

Monasterio des Descalzas Reales in Madrid, die das 

gleiche, seitenverkehrte, Motiv zeigt. Die Maße der 

Tapesserie sind 490 x 420 cm. 

Literatur: 

L. Burchard, Corpus Rubenianum, Bd. I, 1978, 

S. 304 - 306 (Nr. 9b). 

S. Held, The oil sketches of Peter Paul Rubens, 

a critical catalogue, Bd. 1, Princeton 1980, Nr. 97. 

Vgl.: Ludwig Burchard II, Corpus Rubenianum, 

Eucharist Serie, 9. 

Vgl.: Rubens, Painter of Sketches, Ausstellungskatalog, 

Madrid 2018, Kat. 35-41, S. 142-152. 

(1361051) (13) 

JACOB JORDAENS, 


THE PROPHET ELIJAH FED BY AN ANGEL 

BEFORE HIS WALK TO MOUNT HOREB 


69 x 58.5 cm. 

Accompanied by an expert’s report by Alessandro 

Delpriori, n.d. or location, in copy. 

€ 90.000 - € 120.000 

Sistrix 

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231 

NICOLAES MAES, 

1634 DORDRECHT – 1693 AMSTERDAM 

Der Künstler war ein bedeutender holländischer 

Maler und einer der besten Schüler von Rembrandt 

van Rijn (1606-1669). 


PORTRAITS EINES EHEPAARES 


Je 58 x 47,5 cm. 

Auf dem Portrait des Mannes in der Mitte der linken 

Seite signiert und datiert „Maes 1679“. 

Das Dreiviertelbildnis des Mannes in freier Natur, im 

Licht der rötlich untergehenden Sonne, der seinen 

rechten Arm leger auf ein steinernes Kapitell abgelegt 

hat. Er trägt ein weißes, teils mit Spitze verziertes 

Hemd, eine schwarze Jacke und einen großen goldbraunen 

Umhang, der von seinem rechten Arm herabhängend 

bis vor seinen Körper zur linken Schulterpartie 

führt. Er hat graues lockiges Haar und mit seinen blauen 

Augen schaut er würdevoll aus dem Bild heraus. Das 

Gegenstück zeigt seine Frau in gleicher Landschaft in 

einem eleganten, weiß glänzenden Kleid mit weitem 

Dekolleté, die Ärmel zusätzlich mit gelblichem Stoff 

und Schmuckbroschen versehen, zuletzt über der linken 

Schulter ein rot glänzendes Tuch tragend. Sie hat 

schulter lange lockige Haare, ein feines zartes Inkarnat 

mit leicht rötlichen Wangen und Lippen. Sie trägt 

wertvollen Perlenschmuck um ihren Hals und in den 

Ohren und schaut mit ihren Augen anmutig aus dem 

Bild heraus. Zudem hat sie den Ellbogen auf den 

Rand eines kleinen Wasserbeckens abgestützt und 

spielt mit den Fingern ihrer linken Hand mit ihren 

Haarlocken. Qualitätvolle repräsenta tive Portraits in 

der typischen Manier des bekannten Malers. 

(1360751) (18) 

NICOLAES MAES, 

1634 DORDRECHT – 1693 AMSTERDAM 

The artist was an important Dutch painter and one 

of the best students of Rembrandt van Rijn (1606- 

1669). 

A pair of paintings. 

PORTRAITS OF A MARRIED COUPLE 


58 x 47.5 cm each. 

Signed on the portrait of the husband at centre left 

and dated “Maes 1679”. 

€ 20.000 - € 30.000 

Sistrix 

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232 

DAVID DE CONINCK, 

UM 1642/44 ANTWERPEN – UM 1700 BRÜSSEL 

JAGDSTILLLEBEN 


74 x 96 cm. 

In ebonisiertem Profilrahmen mit Goldleiste. 

Wir danken Dr. Fred G. Meijer für die Zuschreibung an 

den genannten Künstler. 

Unter einer Eiche, deren Blätter an knorrigen Ästen 

das Stillleben überfangen und scharf mit dem dahinter 

liegenden blauen Himmel kontrastieren, steht ein 

Korb mit darin und davor befindlichen Jagdtrophäen 

wie einem Hasen und einem Eichelhäher, daneben 

ein aus dem Bildfeld hinausblickender Jagdhund. 

Vergleiche: 

Von de Coninck gibt es ähnliche Bildmotive, wie ein 

Gemälde, das am 18. April 1996 bei Christie’s, London 

angeboten wurde oder auch das Jagdsstück im polnischen 

Museum Zamkowe. (13621238) (13) 

DAVID DE CONINCK, 

CA. 1642/44 ANTWERP – CA. 1700 BRUSSELS 

HUNTING STILL LIFE 


74 x 96 cm. 

We would like to thank Dr Fred G Meijer for his identification 

of the aforementioned artist. 

Examples of comparison: 

Similar subjects are known by de Coninck, such as a 

painting on offer for sale at Christie’s in London on 

18 April 1996 or a Hunting Still Life held at the Polish 

Zamkowe Museum. 

€ 18.000 - € 20.000 

Sistrix 

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133

233 

MICHEL DE BOUILLON, 

TÄTIG 1628 – 1673, ZUG. 

FRÜCHTESTILLLEBEN 

MICHEL DE BOUILLON, 

ACTIVE 1638 – 1673, ATTRIBUTED 

STILL LIFE OF FRUITS 


114 x 216 cm. 

Darstellung eines Prunktisches mit zahlreichen Früchten 

wie Melonen, Birnen, Pfirsichen und einer Fayence- 

Schale mit Aprikosen und davor liegenden Feigen und 

Trauben sowie Pflaumen. Links am Rand ein kleinerer 

Tisch mit Muschel- und Schneckengehäusen. Das 

Ensemble hinterfangen von einem roten Tuch, das 

auch die Tischoberfläche ziert und von Posamenten 

dekoriert wird, die sich wirkungsvoll vor einem leicht 

bewölkten Himmel abzeichnen. 


114 x 216 cm. 

€ 20.000 - € 30.000 

Sistrix 

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Provenienz: 

Sotheby’s Monaco, 18. Juni 1992, Lot 43. (1362173) 

(1) (13) 



135

234 

ANTON MIROU, 

UM 1578 ANTWERPEN – UM 1627 

LATONA VERWANDELT DIE LYKISCHEN BAUERN 

IN FRÖSCHE 

Öl auf Kupferplatte. 

28 x 37 cm. 

Beigegeben eine Expertise von Luuk Pijl, Dokkum, 

12. Dezember 2022, in Kopie. 

Dargestellt ist eine Geschichte aus den Metamorphosen 

des Ovid (6. Buch, Vers 315-384). Auf der 

Flucht vor der eifersüchtigen Göttergattin Juno irrt Latona, 

die Geliebte des Jupiter, mit ihren Zwilligen 

Apoll und Diana durch Lykien. Als sie schließlich erschöpft 

einen kleinen See erreicht verwehren ihr 

die Bauern, die gerade Weiden und Schilf schneiden, 

zu trinken. Sie äußern Drohungen und wirbeln den 

Schlamm vom Grund auf, sodass das Wasser trüb 

wird und nicht mehr trinkbar ist. Erzürnt verflucht daraufhin 

Latona die boshaften Bauern und verwandelt 

sie in Frösche. Das Gemälde zeigt in weiter Landschaft, 

unter hohem weiß-blauen Himmel diverse Gebäude, 

darunter antike römische Ruinen und einen Hirten mit 

seiner Schafherde und einem Hund. Überragt wird die 

Szenerie jedoch von einem riesigen alten knorrigen 

Baum auf der rechten Bildseite und einem dahinterliegenden 

Wald und einem kleinen, zwischen ihnen fließenden 

Fluss. Im Vordergrund die mit rotem Tuch 

bekleidete sitzende Latona mit ihren beiden Kindern, 

vor ihr halb im Wasser stehend zwei der Bauern, bei 

denen die Verwandlung schon eingesetzt hat. Im Hintergrund 

ein weiterer Bauer, der noch Schilf schneidet 

und links von ihr ein Händler, in Begleitung eines mit 

Körben beladenen Mulis, der angstvoll seinen linken 

Arm ausstreckt, um möglicherweise den Fluch für sich 

noch abzuwehren. 

Anmerkung: 

Diese Erzählung war bei den flämischen Malern des 

16. und 17. Jahrhunderts sehr beliebt, zu denen auch 

Peter Paul Rubens (1577-1640) und Jan Brueghel d. 

Ä. (1568-1625) gehören. Die farbige Ausführung und 

der räumliche Aufbau leiten sich von den kleinformatigen 

Kabinettbildern ab, wie sie von Paul Brill (um 

1553/54-1626) und Jan Brueghel d. Ä. ab den 1590er- 

Jahren in Italien entwickelt wurden. Anton Mirou 

muss einige Werke dieser innovativen Meister gekannt 

haben. 

(1362125) (18) 

ANTON MIROU, 

CA. 1578 ANTWERP – CA. 1627 

LATONA TURNING THE LYCIAN PEASANTS 

INTO FROGS 

Oil on copper. 

28 x 37 cm. 

Accompanied by an expert’s report by Luuk Pijl, 

Dokkum, 12 December 2022, in copy. 

€ 25.000 - € 35.000 

Sistrix 

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235 

GASPARD DUGHET, 

AUCH "GASPARD POUSSIN", 


ARKADISCHE LANDSCHAFT MIT RASTENDEN 

HIRTEN 

GASPARD DUGHET, 

ALSO KNOWN AS “GASPARD POUSSIN”, 


ARCADIAN LANDSCAPE WITH SHEPHERDS 

RESTING 


60 x 75 cm. 


Blick vom erhöhten Standpunkt auf eine felsige mit 

einem Flusslauf durchzogene Landschaft mit seitlich 

hochragenden Bäumen, die den Vordergrund verschatten, 

in dem zwei Hirten mit ihrer großen Ziegenherde 

zu erkennen sind. Der Stehende mit Hirtenstab und in 

antiker goldgelber Kleidung mit blau-weißlichem Umhang. 

Im Flusslauf eine Figur mit großem Netz beim 

Fischfang zu erkennen, während eine weitere sitzende 

Figur auf der anderen Seite des Ufers zuschaut. 

Zwischen terrassenförmig gestalteten Felsformationen 

führt ein Weg zur Spitze der Anhöhe mit einer 

ummauerten Stadt, in deren Zentrum das prachtvolle 

Stadttor mit flankierenden quadratischen Türmen und 

Zinnen steht. Nach rechts eine weite ebenfalls terrassenförmig 

gestaltete Landschaft mit teils rotbraun, 

herbstlich verfärbten Bäumen und Sträuchern, die zu 

einem großen Gebirge in hellblauem Farbton unter 

hohem Himmel mit großen weiß-blauen Wolkenformationen 

führt. Harmonische ruhige Landschaftsdarstellung 

in zurückhaltender Farbgebung in der 

typischen Manier des Künstlers. 

Anmerkung: 

Der Künstler war ein in Rom geborener, französischer 

Maler. Zwischen 1631 und 1635 wurde er Schüler von 

Nicolas Poussin, der zuvor seine Schwester angeheiratet 

hatte. Aufgrund dieser Verbindung war er weithin 

als „Gaspard Poussin“ bekannt. Er spezialisierte 

sich auf die Malerei von Landschaften der römischen 

Campagna. (1362105) (18) 


60 x 75 cm. 

€ 20.000 - € 30.000 

Sistrix 

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137

138 HAMPEL ONLINE Visit www.hampel-auctions.com for around 7.000 additional images. 

Detailabbildung und Größenvergleich Lot 236

236 

FRANS SNYDERS, 

1579 ANTWERPEN – 1657 EBENDA, UMKREIS 

HATZ AUF EINEN EBER 

FRANS SNYDERS, 

1579 ANTWERP – 1657 IBID., CIRCLE OF 

BOAR HUNT 


200 x 332 cm. 

In profiliertem Holzrahmen. 

Vor einer sanft hügeligen Landschaft im Zentrum ein 

Wildschwein mit aufgerissenem Maul und feuerroten 

Augen, das von sieben Jagdhunden angefallen wird, 

von denen sich einer in den Rücken des großen Tieres 

verbissen hat, während am linken Bildrand zwei mit 

einem Zweizack bewaffnete Männer sich anschicken, 

dem Tier den Garaus zu machen. Der unter Pieter 

Brueghel d. J. (1564-1638) und Hendrick van Balen 

(1575-1632) ausgebildete Künstler spezialisierte sich 

auf Stillleben und Tiermalerei, die zumeist sehr großformatig 

angelegt sind. 


200 x 332 cm. 

€ 50.000 - € 60.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Anmerkung: 

Eine vergleichbare Wildschweinjagd des Künstlers 

wird im Palacio Real de Riofrio in Segovia, Spanien 

verwahrt. 

(1362021) (13) 


139

237 

MONSÙ DESIDERIO, 

EIGENTLICH FRANCOIS DE NOMÉ 

UND DIDIER BARRA, 

UM 1583 METZ – NACH 1644 NEAPEL 

PHANTASTISCHE ANSICHT DER PIAZZA 

SAN MARCO MIT DER ABFAHRT DES BUCINTORO 


93 x 181 cm. 

In fruktal reliefiertem und vergoldetem Rahmen. 

Der Bacino di San Marco eröffnet sich in einem 

scharf gezeichneten kontrastreichen Panorama, auf 

dem Gondeln schematisch parallel gesetzt sind und 

so eine Strenge evozieren, die im Einklang mit den 

camaieuhaften Gegensetzen der Farbgebung von 

Architektur und Gewölk stehen. Links der hell erleuchtete 

Campanile neben der Bibliotheca Nazionale 

Marziana, rechts der Markusdom und als horizontaler 

Riegel der Torre del’Orologio. Im Zentrum der Bucintoro, 

das Staatsschiff der Dogen von Venedig, dem an 

Christi Himmelfahrt zum traditionellen sposalizio del 

mare besondere Bedeutung zukommt. Die sogenannte 

Vermählung mit dem Meer geht auf das Jahr 997 

zurück, als der Doge Pietro II Orseolo in See stach, 

um die dalmatischen Küstenstädte von Piraten zu befreien. 

Darauf gründete die langwährende Herrschaft 

Venedigs über die dalmatische Küste. 

Hinter dem Künstlernamen Monsù Desiderio verbergen 

sich eigentlich die beiden Maler Francois de Nomé 

und Didier Barra, welche im 17. Jahrhundert in Rom 

und Neapel tätig waren. Das vorliegende Gemälde 

gilt in der heutigen Forschung als Teil eines Gemäldepaares. 

Es ist ungewiss, ob der bzw. die Maler Zeit 

hatten, die Werke zu vollenden, denn im Sommer wurde 

die Stadt Neapel von einer schrecklichen Pestepidemie 

heimgesucht, bei der er vermutlich den Tod 

fand. Unter den überlieferten Werken ist dieses neben 

dem Hartford-Gemälde eines der größten. Doch 

das auf dem Kunstmarkt aufgetauchte, stark beschädigte 

Gemälde mit einer Ansicht von Neapel beweist, 

dass es eine Produktion von großen Landschaften aus 

seiner Hand gab. In einigen Inventaren, wie dem von 

Martin de Saavedra Guzman y Galindo 1630 in Madrid 

(Burke 1997), findet sich die Notiz: „Zwei Bilder, eines 

mit Neapel, das andere mit Venedig von Monsieur de 

Napoles“. Im Inventar der Sammlung Del Rosso in Florenz 

wird „Eine Ansicht des Markusplatzes mit dem 

Bucintore, der Prozes sion des Dogen, dem Senat und 

einer Vielzahl von edlen Damen, ausgeführt von einem 

Lothringer, der viel in Neapel malte“ (Cinelli, 1677) vermerkt. 

Wie bei den Ansichten von Neapel könnte die 

Präsenz dieser Themen in den Sammlungen spanischer 

Adliger durch den Wunsch erklärt werden, eine 

Erinnerung an das eroberte und besuchte Land mit 

nach Hause zu nehmen. Die Hypothese, dass der Maler 

nach Venedig gereist ist, ist keineswegs ausgeschlossen, 

aber er könnte sich bei der Ausführung seiner 

Werke auch von den Stichen inspiriert haben lassen, 

die die Stadt darstellten, und wahrscheinlich auch von 

den Gemälden anderer flämischer Künstler, die seit dem 

späten 16. dort wirkten, wie Louis de Caullery (um 1580 

– 1621) und Joseph Heintz der Ältere (1564 – 1609). 

Provenienz: 

Vermutlich in Auftrag gegeben von Camillo Sanfelice 

im Jahr 1656 als Pendant zu einer Ansicht von Neapel: 

In einem Dokument vom 10. Mai 1656 erwähnt 

Camillo Sanfelice an Didier Barra den Auftrag zweier 

Gemälde mit identischen Maßen, Neapel und Venedig 

darstellend. 

Sammlung Lady Samner, gemäß des rückwärtigen 

Galerieetiketts. 

Southampton Art Gallery gemäß einem rückwärtigen 

Etikett. 

Chaucer Fine Arts, London, 1978. 

Auktion, Christie’s, New York, 12. Januar 1996, Lot 37. 

Galleria Pietro Scarpa, Venedig. 

Anmerkung: 

Der Bucintoro, das Staatsschiff des Dogen von Venedig, 

hier rechts im Bild, war eine prächtige vergoldete 

Galeere mit 168 Ruderern an 42 Riemen. Überreste 

des letzten im Dienst befindlichen Bucintoros, das 

jedoch erst 1728 gebaut wurde, befinden sich im 

Arsenale in Venedig und das Schiff maß einst – um 

eine Größenvorstellung zu geben – 43,8 × 7,3 × 8,4 

Meter. 

Literatur: 

Maria Rosa Nappi, Francois de Nomé e Didier Barra, 

l’enigma Monsù Desiderio, Mailand/ Rom 1991, 

S. 231, Nr. C9. 

Ausstellungskatalog: Enigma Mansù Desiderio. Un 

fantastico architettonico nel Seicento, Musée de la 

Cour d’Or, Metz 2004-2005, S. 46 - 47 mit Abb. 

(1360554) (13) 

MONSÙ DESIDERIO, 

ALSO KNOWN AS FRANÇOIS DE NOMÉ 

AND DIDIER BARRA, 

CA. 1593 METZ – AFTER 1644 NAPLES 

FANTASTIC VIEW OF THE SAINT MARK’S SQUARE 

WITH THE DEPARTURE OF THE BUCINTORO 


93 x 181 cm. 

Literature: 

Maria Rosa Nappi, François de Nomé e Didier Barra, 

l’enigma Monsù Desiderio, Milan/ Rome, 1991, p. 231, 

no. C9. 

Enigma, Monsù Desiderio: Un fantastico architettonico 

nel Seicento, exhibition catalogue, Metz, Musée de 

la Cour d’Or, 2004 - 2005, pp. 46 - 47 with ill. 

Provenance: 

Probably commissioned by Camillo Sanfelice in 1656 

as a pendant to a View of Naples. In a document dated 

10 May 1656 by Camillo Sanfelice to Didier Barra, he 

mentions the commission of two paintings with identical 

dimensions depicting Naples and Venice. 

Lady Samner Collection according to gallery label on 

the back. Southampton Art Gallery according to a label 

on the back. 

Chaucer Fine Arts, London, 1978. 

Auction, Christie’s, New York, 12 January 1996, no. 37. 

Galleria Pietro Scarpa, Venice. 

€ 200.000 - € 300.000 (†) 

Sistrix 

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238 

JOHANN ANTON RICHTER, 

AUCH „GIOVANNI RICHTER“, 

1665 STOCKHOLM – 1745 VENEDIG 

Richter begab sich 1697 von Schweden in die Lagunenstadt, 

wo er alsbald Arbeiten für Sammlerkreise schuf. 

1717 ist er bereits durch ein Schreiben des Veroneser 

Antonio Balestra dokumentiert. Richter stand in der 

Maltradition des Luca Carlevarijs (1663/65-1729/31), 

bei dem er anfänglich gelernt hatte. 

VENEDIG – BLICK AUF DIE GIUDECCA MIT DER 

KIRCHE STA. MARIA UND DER INSEL SAN GIORGIO 


73 x 109 cm. 

Beigegeben eine Expertise von Dario Succi. Dort wird 

das Gemälde in die Zeit Anfang der 1730er Jahre eingeordnet. 

Das Gemälde zählt zu den sehr seltenen Venezianischen 

Veduten. Einmal, weil die Ansicht der Giudecca 

nicht sehr häufig Bildthema geworden ist, andererseits, 

weil der Maler zu den frühesten Vedutisten der Lagunenstadt 

gehört. Der Blick führt über den sich nach 

hinten weitenden Canale della Grazia, mit ruhiger 

Wasserfläche, befahren mit etlichen Gondeln und einem 

größeren, mit Lasten beladenen Segelboot im 

Vordergrund links. Die Häuserzeile steht im Sonnenlicht. 

Am Bildrand die Fassade von Sta. Maria della 

Visitazione und die Scuola dell Spirito Santo. Die Vedute, 

deren Gebäude rechts den Schwerpunkt bilden, 

erhält kompositorisches Gleichgewicht durch das 

Schiff mit weit hochziehendem, leicht geblähtem Segel 

links. Die Figurenstaffage belebt die ansonsten 

sehr ruhige Folge der Fassaden. Der Wolkenhimmel 

zeigt bereits einen niedrigen Stand der Sonne, die der 

Maler geschickt hinter dem Segel abgedeckt hat. 

Richter hat die beiden Giebelfassaden in einem weiteren 

Werk ein weiteres Mal gemalt, jedoch von der 

Position weiter hinten, sodass die Gebäudezeile links 

im Bild erscheint (Christie´s, 7. 7. 2006, Lot 234). Zwei 

weitere Versionen im Philadelphia Museum of Art und 

in der Galleria Nazionale di Palazzo Barberini, Rom. 

Eine andere, ebenfalls seltene Ansicht der Giudecca 

ist noch von Francesco Guardi bekannt geworden 

(Museum Boijmans van Beuningen, Rotterdam). A.R. 

Literatur: 

Vgl. Rodolfo Pallucchini, La pittura nel Veneto. 

Il Settecento, Mailand 1994 - 1996 I., S. 192. 

Vgl. Dario Succi, La Serenissima nello specchio di 

rame, Castelfranco Veneto 2013. (1360861) 

JOHANN ANTON RICHTER, 

ALSO KNOWN AS “GIOVANNI RICHTER”, 

1665 STOCKHOLM – 1745 VENICE 

VENICE – VIEW OF THE GIUDECCA WITH THE 

CHURCH OF STA. MARIA AND THE ISLAND OF 

SAN GIORGIO 


73 x 109 cm. 

Accompanied by an expert’s report by Dario Succi. 

€ 90.000 - € 120.000 

Sistrix 

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239 

ASCANIO LUCIANI, 

UM 1621 NEAPEL – 1706 EBENDA, ZUG. 


BRUNNENANLAGE MIT PORTIKUS UND BOGEN- 

ARCHITEKTUR 

sowie 

TEMPELANLAGE MIT RUINÖSEN RUNDBÖGEN 


Je 115 x 91 cm. 

In vergoldeten Profilrahmen. 

Als Pendants ausgeführte Gemälde mit diagonal in 

den Bildraum hineinführenden Versatzstücken klassischer 

Architektur mit Rundsäulen, Kapitellen und teils 

gesprengtem Giebel. Ein Gemälde mit Brunnenanlage 

mit Figuren- und Puttostaffage vor großzügiger 

gestaffelter Bogenarchitektur, die den Blick auf eine 

in diffusem Licht dargestellte südliche Hafenanlage 

preisgibt. Das zweite Gemälde mit dem Vorplatz eines 

Tempels mit klassischen Figuren und sanft hügeliger 

Landschaft, die horizontal von einer 

Rundbogenan lage, vielleicht einem Aquädukt, durchzogen 

wird. 

Anmerkung: 

Am 22.05.2001 wurde bei Christie’s in Rom unter 

Lot 215 ein Gemälde Lucianis versteigert, das hinsichtlich 

seiner Komposition und der einzelnen Elemente, 

nämlich den vorgestellten in den Bildraum 

hineinführenden geäderten Säulen mit korinthischen 

Kapitellen und der horizontalen Ruinengruppe gut 

mit unserem rechten Gemälde zu vergleichen ist, 

während die schlanke freie Bogenarchitektur des 

anderen Gemäldes gut mit einem Bild in Einklang 

steht, das am 24.06.2021 in unseren Räumen unter 

Lot 293 angeboten worden ist. 

(1360224) (13) 


147

ASCANIO LUCIANI, 



FOUNTAIN WITH PORTICO 

and 

TEMPLE COMPLEX WITH RUINOUS ROUND ARCHES 


115 x 91 cm. 

Notes: 

On 22 May 2001, a painting by Luciani was sold at 

auction at Christie’s in Rome under lot 215. It compares 

well with the painting on offer for sale in this 

lot on the right with regards to its composition and 

the individual elements, such as the veined columns 

with Corinthian capitals placed in front and leading 

into the pictorial space and the horizontal group of 

ruins. On the other hand, the slender, freestanding 

arches of the other painting are in line with a painting 

that was offered for sale here on 24 June 2021 

under lot 293. 

€ 18.000 - € 25.000 

Sistrix 

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240 

GIOVANNI ANTONIO CANAL, 

GENANNT „CANALETTO“, 

1697 – 1768 VENEDIG 

RUINENCAPRICCIO MIT RÖMISCH-ANTIKEN 

FIGUREN UND DENKMÄLERN SOWIE DER 

VEDUTE DER STADT PADUA 


70 x 90,7 cm. 

In bronziertem Rahmen. 

Beigegeben in Kopie ein Gutachten von Dario Succi, 

5. Juni 1995. Ebenfalls in Kopie ein Bestätigungsschreiben 

von Prof. Ugo Ruggeri, Venedig, sowie von 

Filippo Pedrocco, 13. März 2002. 

Vor dem Betrachter breitet sich ein prächtiger Ausblick 

über die Stadt Padua aus mit einem Ruinencapriccio 

im Vordergrund und der Porta Ponte Corvo 

im Zentrum des Gemäldes mit dem links im Vordergrund 

sichtbaren Canale Piovego und darüber der 

Palazzo della Ragione mit seinen wundervollen Arkadengängen 

sowie die Kuppel und der Campanile der 

Santa Giustina. Rechts im Vordergrund jedoch ein architektonisches 

Versatzstück mit welchem Canaletto 

sein in Lichtregie typisches Werk von rechts her einführt: 

eine Bogenhalle mit gotischem Aufbau. Die ruinösen 

Arkaden sind typisch für Canaletto und können 

als Hauptaugenmerk im Zentrum des Geschehens 

stehen, wie in dem Gemälde von 1756, welches sich 

im Museo Poldi Pezzoli in Mailand befindet, oder bei 

uns eine einleitende Funktion haben, wenn das 

Hauptaugenmerk auf dem Mittel- und Hintergrund liegen 

soll. Der geschichtliche Aspekt, den die Ruinen 

vermitteln sollen und welcher historischen Skulpturen 

– wie hier der Löwe oder der rechts am Bildrand befindliche 

Sarkophag - innewohnt, wird nachdrücklich 

durch die Staffagefiguren vermittelt, welche zwar 

einer seits ihren Alltagsgewohnheiten nachgehen, andererseits 

aber (vielleicht Reisende) den historischen 

Monu menten Aufmerksamkeit schenken. Häufig sehen 

wir den müden Blick von Staffagefiguren, wie bei 

der sitzenden Figur ganz rechts am Rand. Dario Succi 

schlägt für unser Werk eine Datierung von 1742 – 

1745 vor, während alle anderen von einer reiferen 

Schaffensperiode um 1756 ausgehen, also nach sei- 

ner Rückkehr nach Venedig von seiner ausgedehnten 

Londonreise. Von diesem natürlich sehr beliebten Thema 

mit der schönen Ansicht Paduas gibt es mehrere 

Fassungen, wobei die ursprüngliche Fassung bis heute 

noch nicht sicher bestimmt ist. Am nächsten 

kommt unserem Gemälde die Version in der Kunsthalle 

Hamburg (Constable-Links, Bd. I, Nr. 496, Bd. II, Nr. 

496). Dario Succi bescheinigt dem Gemälde „una qualitá 

pittorica eccelente, come dimostrano le bellissime 

„macchiette“ (figure) toccate con maestria e connotate 

dalla tipica disinvolta e fluente grafia canalettiana“. 

Provenienz: 

Privatsammlung. 

Literatur: 

Vittorio Moschini (Hrsg.), Canaletto, Athenäum, Bonn 

1955. 

W. G. Constable und J. G. Links, Canaletto. Giovanni 

Antonio Canal 1697-1798, Oxford 1989, Bd. I, N. 496, 

und Bd. II, Nr. 496. 

Vergleiche: 

Ein gleiches Bild aus Canalettos Hand und seiner 

Werkstatt befindet sich in der Galleria dell’Accademia 

in Venedig und zeigt nur wenige Unterschiede, etwa 

in einer etwas kühleren Farbigkeit. 

Eine ähnliche Darstellung Canalettos war ausgestellt 

in: Canaletto e i vedutisti. L’incanto dell’acqua, Palazzo 

Penotti Ubertini, 2011. 

(1360551) (13) 

GIOVANNI ANTONIO CANAL, 

ALSO KNOWN AS “CANALETTO”, 

1697 – 1768 VENICE 

RUIN CAPRICCIO WITH ANCIENT ROMAN FIGURES 

AND MONUMENTS AS WELL AS VEDUTA OF PADUA 


70 x 90.7 cm. 

In burnished frame. 

Accompanied by an expert’s report by Dario Succi, 5 

June 1995 and a copy of the confirmation letter by 

Professor Ugo Ruggeri, Venice, by Filippo Pedrocco, 

13 March 2002, in copy. 

Magnificent view of Padua city with a ruin capriccio in 

the foreground and the Porta Pontecorvo at centre, 

the Piovego Canal in the foreground to the left surmounted 

by the Ragione Palace with its beautiful arcades 

and cupola and the campanile of Basilica di Santa 

Giustina. Several versions of this highly popular 

subject with the beautiful vista of Padua are known, 

however, to date it is not entirely clear, which of them 

is the original version. A version held at Kunsthalle 

Hamburg (Con-stable-Links, vol. I, no. 496, vol. II, no. 

496) appears to be closest to the painting on offer for 

sale in this lot. Dario Succi describes the painting on 

offer for sale here as “una qualitá pittorica eccelen-te, 

come dimostrano le bellissime” macchiette (figure) 

toccate con maestria e connotate dalla tipica disinvolta 

e fluente grafia canalettiana.” 

Provenance: 

Private collection. 

Literature: 

Vittorio Moschini (ed.), Canaletto, Athenäum, Bonn 1955. 

W. G. Constable and J. G. Links, Canaletto. Giovanni 

Antonio Canal 1697 - 1798, Oxford 1989, vol. I, N. 496, 

and vol. II, no. 496. 

Examples of comparison: 

The same depiction by Canaletto and his workshop 

is held at Galleria dell’Accademia in Venice with only 

few differences, for example a slightly cooler colour 

palette. 

A similar depiction by him was exhibited at: Canaletto 

e i vedutisti. L’incanto dell’acqua, Palazzo Penotti 

Ubertini, 2011. 

€ 300.000 - € 500.000 (†) 

Sistrix 

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241 

GIOVANNI PAOLO PANINI, 

1691 PIACENZA – 1765 ROM 

RUINENCAPRICCIO MIT DER PREDIGT 

EINER SIBYLLE 


49,5 x 64,5 cm. 

In vergoldetem Holzrahmen. 

Das raffinierte Capriccio, das hier angeboten wird, ist 

durch die Studien über Panini seit langem bekannt 

und stellt ein Thema dar, das im Œuvre des Malers aus 

Piacenza sehr häufig vorkommt, wenn auch mit subtilen 

Variationen in der Anzahl der Figuren und in ihrer 

Anordnung und vor allem in den architektonischen 

und skulpturalen Elementen, die den Rahmen und 

gleichzeitig das eigentliche Thema bilden. 

In der Tat gibt es zahlreiche Vergleiche von Ferdinando 

Arisi mit anderen katalogisierten Werken, die nach seiner 

Ansicht über die gesamte Spanne der römischen 

Produktion des Künstlers datiert werden können, beginnend 

um 1730, dem Datum, das bereits für das 

Gemälde in der Galerie Artems in Graz als Entstehungsdatum 

vorgeschlagen wurde. Dieselben Motive 

kehren auch in einem der Pendants in der Cassa di 

Risparmio di Piacenza wieder, wo wir unter anderem 

dieselbe Löwenfigur sehen, die auch auf unserem 

Gemälde zu sehen ist, mit einem Portikus mit drei 

Säulen, der die Szene auf der rechten Seite abschließt. 

Wie bei dem oben erwähnten Paar schlägt 

Arisi vor, unser Gemälde in das fünfte Jahrzehnt des 

18. Jahrhunderts zu datieren, und zwar aufgrund der 

klaren, leuchtenden Farbpalette, die die Szene auszeichnet. 

Nah an unser Gemälde kommt ein Gemälde 

Paninis im Prado heran (Arisi 331-332). 

Es wird vermutet, dass er Schüler des Francesco Galli 

Bibiena (1659-1739) war, der bereits in seinem, auch 

grafischen Werk, die Fantastik römischer Stadtlandschaften 

in theatralischer Weise vortrug, was Panini 

sicher auch ohne persönliche Begegnung hat übernehmen 

können. Ab 1711 in Rom, wurde er auch mit 

Giovanni Antonio Canal (1697-1768) bekannt. Zunächst 

mit Dekorationsmalerei in Palästen wie der Villa Patrizi 

oder des Palazzo De Carolis tätig, widmete er sich 

zunehmend dem Thema des Antikenarchitektur 

Capriccios. 

Provenienz: 

Sammlung Giuseppe Mainardi, Cremona. 

Anmerkung: 

Das gleiche Sujet hat Panini bereits ca. 10 Jahre zuvor 

gemalt (Palais Attems, Graz). 

Literatur: 

Das hier angebotene Gemälde ist abgebildet und 

besprochen in: Ferdinando Arisi, Gian Paolo Panini 

e i fasti della Roma del ’700, Rom 1986, Nr. 293. 

(1351707) (13) 


1691 PIACENZA – 1765 ROME 

RUIN CAPRICCIO WITH THE PRAYER 

OF A SYBIL 


49.5 x 64.5 cm. 

In gilt wooden frame. 

Provenance: 

Giuseppe Mainardi Collection, Cremona. 

Literature: 

The painting on offer for sale here is illustrated and 

reviewed in: F. Arisi, Gian Paolo Panini e i fasti della 

Roma del ’700, Rome 1986, no. 293. 

€ 55.000 - € 70.000 (†) 

Sistrix 

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153


242 


1691 PIACENZA – 1765 ROM, ZUG. 


ARCHITEKTURCAPRICCI 


132 x 61,5 cm. 

In teilvergoldeten Rahmen. 

Beigegeben eine Expertise von Prof. Giancarlo Sestieri. 

Die beiden als Gegenstücke gemalten, betont hochformatigen 

Bilder präsentieren sich als typische Grand 

Tour-Rom-Erinnerungen für das entsprechende Sammlerklientel 

aus der adeligen oder großbürgerlichen Gesellschaft. 

Auch Panini und seine Werkstatt hatten für 

diese Anliegen und Interessen gearbeitet. Im Nebeneinander 

der beiden Gemälde stehen die Tempelsäulen 

jeweils links bzw. rechts im Bild. Der Freiraum zeigt 

weiter hinten befindliche Bauten, über denen der 

Wolkenhimmel Raum finden kann. In der links zu positionierenden 

Ansicht eine Brunnenfigur vor absidialem 

Abschluss und Rundbogen mit Balustrade. Im Gegenstück 

ist rechts eine antike korinthische Säule eines 

Tempels zu sehen mit rundbogig dahinter abschließendem 

Ende. Die Versatzstücke beziehen sich wie 

häufig bei Panini vermutlich auf real existierende in 

Rom im Bereich des Forum Romanums befindliche 

antike Bauten. Bereichert werden die Darstellungen 

jeweils mit Staffagefiguren mit literarischem Hintergrund. 

Von besonderem Reiz sind hier allerdings zudem 

die Darstellungen durch zwei extrem hochformatige 

Pendants, was im Œuvre Paninis nur selten 

vorkommt. 

(1351706) (13) 


1691 PIACENZA – 1765 ROME, ATTRIBUTED 


ARCHITECTURAL CAPRICCIOS 


132 x 61.5 cm. 

Accompanied by an expert’s report by Prof Giancarlo 

Sestieri. 

€ 55.000 - € 70.000 (†) 

Sistrix 

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155

243 

NICOLAS DE LARGILLIÈRE, 

1656 – 1746, NACH 

PORTRAIT DES GIOVANNI PAOLO PANINI 

(1691 – 1765) 


1656 – 1746, AFTER 

PORTRAIT OF GIOVANNI PAOLO PANINI 

(1691 – 1765) 


90 x 73 cm. 

In vergoldetem, gekehltem, ornamental und verziertem 

Rahmen. 

Vor einem angedeuteten Ehrenvelum die sitzende 

Halbfigur des in reichen Samt gekleideten Mannes 

mit Spitzenbesatz und blauer Kappe, die mit dem 

Mantel korrespondiert, der innen golden ausgeschlagen 

ist und von einem Edelstein besetzten Agraffe 

zusammengehalten wird. 

(1362104) (13) 


90 x 73 cm. 

€ 40.000 - € 60.000 

Sistrix 

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244 

MICHELE GIOVANNI MARIESCHI, 

1696/1710 – 1743 VENEDIG 

Michele Marieschi war nur eine kurze Lebens- und 

Schaffenszeit gegönnt. Es wird angenommen, dass 

er seine Lehre in der Werkstatt seines Vaters, eines 

Architekturmalers und Holzstechers, erhielt. Vermutlich 

war er in Deutschland Ende der 1720er-Jahre oder 

nach 1731 als Theatermaler tätig, um 1735 nach Venedig 

zurückzukehren, wo er zwischen 1735 und 1741 

Mitglied der Malergilde Fraglia de Pittori wurde. Unterstützt 

wurde er durch Gaspare Diziani (1689-1767). 

Bekannt ist, dass der Kunstliebhaber Freiherr von der 

Schulenburg, Generalfeldmarschall im Dienste der 

Republik Venedig, vom Künstler 1738 zwei Veduten 

erwarb. 1741 entstand eine Serie von 21 Radierungen. 

Werke seiner Hand finden sich in mehreren öffentlichen 

Sammlungen, wie in Prag, Warschau, Stockholm, 

Mailand oder Hannover. 

CAPRICCIO MIT KIRCHE UND OBELISK 


82,8 x 117,7 cm. 

Verso mit mehreren älteren Etiketten. 

In à jour gearbeitetem Louis XV Stilrahmen. 

Ein weiter Platz mit großzügigem quadratischem Bodenbelag 

dient als Grund für einen gestuften Obelisken, 

der auf einem hochrechteckigen Sockel und Kugelfüßen 

ruht und in einer Zierspitze mit Kugel endet. 

Rechts eine Freitreppe mit Kirchenpokal und Blick bis 

zur Vierung über der eine mächtige Rundkuppel mit 

hoher Laterne erhebt. Dahinter ein ummauerter Garten, 

der in schlanken Zypressen in lichtem Blau endet und 

von sanften Hügeln und einer leicht abgesenkten 

Stadt endet. Die Figuren, die mit den Dimensionen 

der Kirche in Wettstreit zu stehen scheinen, sind elegant 

gekleidet und teilweise beritten. Die Figuren 

sind, wie bereits verschiedentlich in der Literatur angemerkt 

wurde, auch für Toledano entweder Antonio 

oder Francesco Guardi zuzuweisen. 

Provenienz gemäß Toledano: 

Galerie Haberstock, Berlin, 1944. 

Arthur Tooth & Sons, London. 

Privatsammlung, London. 

Literatur: 

Das hier angebotene Gemälde ist aufgeführt in: 

Ralph Toledano, Michele Marieschi, L’opera completa, 

Mailand 1988, S. 137, Nr. C. 27.1. 

Max Goering, Francesco Guardi, Wien 1944, S. 24 

mit Zuschreibung der Figuren an Francesco Guardi. 

Rodolfo Pallucchini, Die venezianische Malerei des 

18. Jahrhunderts, Venedig 1960, S. 295, Abb. 498. 

Rodolfo Pallucchini, A proposito della mostra bergamasca 

del Marieschi, in: Arte veneta, Nr. 20, 1966, 

S. 315. 

Antonio Morassi, Appunti su Michele Marieschi, „alter 

ego“ del Canaletto, in: Festschrift Ulrich Middeldorf, 

hrsg. von Antje Kosegarten und Peter Tigler, Berlin 

1968, S. 501. 

Dario Succi (Hrsg.), Michiel Marieschi. Venezia in 

scena, Ausstellungskatalog, Galleria Lorenzelli, 

Bergamo, April-Mai 1987, Turin 1987, S. 25, Abb. 14 

und 15. (1351701) (13) 

MICHELE GIOVANNI MARIESCHI, 

1696/1710 – 1743 VENICE 

CAPRICCIO WITH CHURCH AND OBELISK 


82.8 x 117.7 cm. 

Provenance according to Toledano: 

Galerie Haberstock, Berlin, 1944. 

Arthur Tooth & Sons, London. 

Private collection, London. 

Literature: 

The painting on offer for sale here is listed in: 

R. Toledano, M. Marieschi, L’opera completa, p. 137, 

no. C. 27.1. 

M. Goering, Vienna, 1944, p. 24 with attribution of 

the figures to Francesco Guardi. 

Pallucchini, 1960, p. 295, ill. 498. 

Pallucchini, 1966, p. 315. 

Morassi, 1968, p. 501. 

Succi, 1987, p. 25, ill. 14 and 15. 

€ 100.000 - € 150.000 (†) 

Sistrix 

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159

245 

BERNARDO BELLOTTO, GENANNT CANALETTO, 

1721 VENEDIG – 1780 WARSCHAU 

VEDUTE MIT DER RIALTOBRÜCKE VON SÜDEN 


60,5 x 77,5 cm. 

Beigegeben ein ausführliches Gutachten von Dario 

Succi, Gorizia, der das hier zum Verkauf stehende Gemälde 

als „splendida opera“ von Bernardo Bellotto 

rühmt und reich an Vergleichs- und Literaturangaben 

ist, in Kopie. 

In herrlicher Stimmung wird der Canal Grande gezeigt 

mit der ihn überziehenden Rialtobrücke und auf dem 

Gewässer fahrenden Gondeln mit Figurenstaffage; 

links ist sogar ein Burchiello zu sehen, ein eleganteres 

Wassergefährt, das als Transportmittel von Edelleuten 

von Venedig nach Padua entlang des Brenta galt. Während 

das linke Ufer verschattet präsentiert wird, erstrahlt 

das rechte Ufer im Sommerlicht und gibt hinter 

der bekannten Brücke den Blick frei auf den Fondaco 

dei Tedeschi. Bellotto, der einer der großen Maler der 

venezianischen Vedutenkunst des 18. Jahrhunderts 

zusammen mit Luca Carlevarijs, Antonio Canal genannt 

„Canaletto“, Michele Marieschi und Francesco 

Guardi war, entstammte einer Familie, aus der bereits 

zwei weitere Maler bekannt sind. Sein Großvater und 

dessen Bruder waren Theatermaler und sein Onkel 

war der schon seinerzeit berühmte venezianische 

Vedutist Giovanni Antonio Canal (1697-1768), genannt 

„Canaletto“, in dessen Werkstatt Bernardo 1736 eintrat. 

Da über die folgenden Jahre bis 1742 nur wenig 

über Bellotto bekannt ist, außer hunderte erhaltener 

Zeichnungen und nur wenige ihm zuordenbare Veduten, 

ist es ein Glücksfall, dass wir das vorliegende Gemälde 

anbieten können. Durch sein weiteres Werk, 

das ihn als Schöpfer von Veduten so zahlreicher Städte 

wie München, Wien, Turin, Pirna, Dresden oder Warschau 

bekannt gemacht hat, gilt er bis heute als einer 

der bedeutensten Vedutisten des 18. Jahrhunderts. 

Das hier angebotene Gemälde ist in die letzten Jahre 

der 1730er-Jahre zu datieren und variiert einen Prototyp 

von Canaletto im Musée Jacquemart-André in 

Paris, das von Antonio Visentini 1742 als Reproduktion 

veröffentlicht worden ist. 

Provenienz: 

Privatsammlung. 

Literatur 

Vgl.: Dario Succi (Hrsg.), Bernardo Bellotto detto il 

Canaletto, Ausstellungskatalog, Villa Morosini, Mirano, 

23. Oktober-19. Dezember 1999, Mailand 1999. 

Dario Succi, Bernardo Bellotto. Il Canaletto delle corti 

europee, Ausstellungskatalog, Galleria Comunale 

d´Arte Moderna, Conegliano, 11. November 2011-15. 

April 2012, Venedig 2011. 

Dario Succi, Carlevarijs, van Wittel, Venezia (The young 

Bellotto), in: Luca Carlevarijs e la veduta veneziana 

del Settecento, Ausstellungskatalog, Palazzo della 

Ragione, Padua, 25. September-26. Dezember 1994, 

Mailand 1994, S. 51-58. (1360552) (13) 


BERNARDO BELLOTTO, 

ALSO KNOWN AS “CANALETTO”, 

1721 VENICE – 1780 WARSAW 

VEDUTA WITH THE RIALTO BRIDGE 

FROM THE SOUTH 


60.5 x 77.5 cm. 

The painting on offer for sale in this lot can be dated 

to the last years of the 1730s and is a variation of a 

prototype by Canaletto held in the Musée Jacquemart- 

André in Paris, which was published as a reproduction 

by Antonio Visentini in 1742. 

Accompanied by an extensive expert’s report by Dario 

Succi, Gorizia, who praises the present painting as a 

“splendida opera” by Bernardo Bellotto and includes 

detailed examples of comparison and bibliography, in 

copy. 

Provenance: 

Private collection. 

€ 600.000 - € 800.000 (†) 

Sistrix 

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246 

FRANCESCO ALBOTTO, 

1721/22 VENEDIG – 1757 EBENDA, ZUG. 

Der Maler ist insbesondere für seine Venedigveduten 

bekannt, vereinzelt schuf er auch Landschaften, zumeist 

mit antik-römischen Versatzstücken besetzt. 


BLICK ÜBER DEN CANAL-GRANDE 

AUF DOGENPALAST UND CAMPANILE 

sowie 

BLICK IN DEN CANAL-GRANDE AUF CANAREGIO 

MIT PALAZZO LA LEZZE UND DER CHIESA DEGLI 

SCALZI 

Jeweils Öl auf Leinwand. 

Je 61 x 97,5 cm. 

Beide Veduten gleich in Format und Farbgebung. Die 

Konturen und Schatten der Gebäude betont, wie bei 

allen Werken Albottos. Wie üblich sind beide Ansichten 

mit reicher Figurenstaffage belebt, sowie durch Wiedergabe 

der Gondeln und größeren Schiffe. So zeigt die 

letztgenannte Vedute den Kanalabschnitt des Sestiere 

Cannaregio, mit großen Seeschiffen mit eingezogenen 

Segeln im Hintergrund davor ein mehrere Passanten 

fassendes Boot. Derartige Details sind für die Bilder 

Albottos durchaus typisch, wie ebenso die schwere 

Farbigkeit. Von Interesse ist im zweitgenannte Bild 

die frühe Darstellung der von Palladio entworfenen 

Fassade der Karmeliterinnenkirche Santa Maria di 

Nazareth, genannt Degli Scalzi, noch vor späteren 

Änderungen. 

Wenngleich über den Maler nur wenige Quellen Auskunft 

über Biographie und Wirken geben, wird angenommen, 

dass er Schüler und Mitarbeiter von Michele 

Marieschi (1710 – 1744) gewesen ist, da er nach 

dessen Tod die Witwe ehelichte und die Werkstatt 

übernahm. So wurde er alsbald als der „zweite Marieschi“ 

bekannt. So verwundert es nicht, dass seine 

und seines Lehrers Werke nur sehr schwer und spät 

jeweils zugeordnet werden konnten. Erst als 1972 in 

New York ein Gemälde auftauchte, mit Signatur und 

Bezeichnung „Francesco Albotto F (fecit) in S. Luca 

Cale di ca Loredan“, konnten die Händescheidungen 

erfolgen. Gleichzeitig berichtet diese Bezeichnung 

auch den Ort seines Ateliers. 

Insgesamt sind nur wenige Werke Albottos bekannt 

geworden, viele finden sich in öffentlichen Sammlungen 

und Museen. Dennoch kommen immer wieder 

Werke seiner Hand ans Licht. 

Literatur: 

Vgl. Maria Manzelli, Michele Marieschi e il suo alterego 

Francesco Albotto, Venedig 2002. A.R. 

(1360558) (11) 



1721/22 VENICE – 1757 IBID., ATTRIBUTED 


VENICE, VIEW ACROSS THE GRAND CANAL 

TO THE DOGE’S PALACE AND CAMPANILE 

and 

VIEW OF THE GRAND CANAL TO CANNAREGIO 

WITH PALAZZO DA LEZZE AND CHIESA DEGLI 

SCALZI 

Oil on canvas each. 

61 x 97.5 cm each. 

The latter painting is of interest as it shows an early 

depiction of the façade of the Carmelite Church Santa 

Maria di Nazareth, also known as Chiesa degli Scalzi 

designed by Palladio before its later alterations. Only 

after the appearance of a painting in New York in 1972, 

signed and inscribed “Francesco Albotto F (fecit) in S. 

Luca Cale di ca Loredan”, the artist could be identified 

individually. 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

€ 120.000 - € 180.000 (†) 165 

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247 


1721/22 VENEDIG – 1757 EBENDA 

DER CANAL GRANDE MIT DEM PALAZZO 

BOLDÙ GEGENÜBER DEM PALAZZO CORNER 

DELLA REGINA 


104 x 139 cm. 

In ornamental verziertem und vergoldetem Rahmen. 

Beigegeben ein Gutachten von Fabrizio Magani sowie 

eine Expertise von Dario Succi, Gorizia, in Kopie. 

Links am Bildrand sieht man die drei übereinanderliegende 

Fenster der Seitenfassade des Palazzo, der 

im 16. Jahrhundert von der Familie Boldù gebaut wurde. 

Dem Gebäude liegt eine Gondel vor, da der Palazzo 

über einen Zugang zum Wasser verfügt. Die sonnenbeschienene 

diagonal in das Bild hineinführende Seite 

des Kanals zeigt im Zentrum den schönen barocken 

Großpalast Corner della Regina mit seinem dreifach 

horizontal gegliedertem Aufbau, der von Domenico 

Rossi 1724 bis 1727 geschaffen wurde. Francesco 

Albotto (auch Albotti oder Francois Albotti) war Schüler 

und Mitarbeiter des Vedutisten Michele Marieschi 

(1710-1744) und übernahm nach dessen Tod die Werkstatt, 

was dazu führte, dass er „der Zweite Marieschi“ 

genannt wurde und seine Werke oft als die seines 

Vorgängers gesehen wurden. Erst 1972 gelang durch 

Entdeckung einer Signaturbezeichnung mit Adresse 

die Händescheidung. Erst in jüngerer Zeit lassen sich 

ihm daher die wenigen bekannt gewordenen Gemälde 

seiner Hand zuweisen. Sein Malstil zeigt sich im Gegensatz 

zu den Vorgängern weit glatter in der Peinture, 

was dem Anspruch einer exakteren Wiedergabe 

gewidmet ist. 

Werke seiner Hand befinden sich in privaten wie öffentlichen 

Sammlungen, darunter in Berlin, Gemäldegalerie, 

Neapel, Museo e Gallerie Nazionali di Capodimonte, 

Vicenza, Gallerie di Palazzo Leoni Montanari etc. 

Literatur: 

Vgl. Filippo Pedrocco, Il Settecento a Venezia - i Vedutisti, 

Mailand 2001. 

Bozena Anna Kowalczyk, Six vues de Venise provenant 

d’une saisie révolutionnaire. Nouvelles attributions à 

Michele Marieschi et Francesco Albotto, in: La revue 

des musées de France, 63, 2013, S. 56-69, 107, 

109-110. 

Dario Succi, Michele Marieschi. Opera completa, 

Treviso 2016. 

Federica Spadotto, Il tragico destino di un matrimonio 

di convenienza, in: Il Giornale dell’Arte vom 10. Juli 

2020. 

Gianiacopo Fontana, Cento Palazzi fra i più celebri 

di Venezia sul Canalgrande e nelle vie interne dei 

Sestieri. Descritti quali monumenti d’arte e di storia, 

Venedig 1865, S. 321. (1351712) (13) 


1721/22 VENICE – 1757 IBID. 

THE GRAND CANAL WITH PALAZZO BOLDÙ 

OPPOSITE PALAZZO CORNER DELLA REGINA 


104 x 139 cm. 

Accompanied by an expert’s report by Fabrizio Magani 

and an expert’s report by Dario Succi, Gorizia, in copy. 

€ 90.000 - € 120.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


248 

MEISTER DER LANGMATT FOUNDATION, 

APOLLONIO FACCHINETTI, 

GENANNT „DOMENICHINI“, 

TÄTIG UM 1740 – 1770 

PIAZZA SAN MARCO, VENEDIG 


71,8 x 110,5 cm. 

Links unten in Rot ehemalige Inventarnummer „1588“. 

Beigegeben eine Expertise von Dario Succi, Gorizia. 

Blick auf den Platz aus der Kavaliersperspektive. Dominierend 

im Bild der Campanile und die Markuskirche, 

rechts daneben ist noch ein Teil des Dogenpalastes zu 

sehen, angeschnitten durch die Ecke der von Sansovino 

und Scamozzi 1445 -1588 errichtete Biblioteca 

Marciana, die hier im Licht steht. Links gegenüber der 

Uhrenturm mit den Glockenschlägern. Auch die Fassade 

der Markuskirche und ihre Kuppeln sind detailgenau 

gezeichnet. Von Interesse sind vor allem die in 

Gruppen und einzeln auf den Platz verteilten Staffagefiguren, 

deren Kostüme die Mode des 18. Jahrhunderts 

dokumentieren. Dabei lassen sich Personen 

unterschiedlichen Standes ausmachen. Einige Herren 

tragen bereits die Mitte des 18. Jahrhunderts bereits 

zurückgekämmte Haarmode, mit Schleife gebundenes 

Haar unter Dreispitz, höhere Würdenträger, wie rechts 

unten im Bild, noch gepuderte Allonge-Perücken. 

Am Fuß des Campanile Sonnendächer und eine Versammlung 

von Zuschauern vor einer Bühne mit einem 

Schauspieler. Alle diese Einzelheiten geben dem Gemälde 

besonderen Reiz. 

Nachrichten über den Maler waren lange Zeit sehr 

dürftig. Der Name Domenichini wird fürs Jahr 1757 in 

der venezianischen Malergilde Fraglia erwähnt. Aufgrund 

von Stilvergleichen und archivalischen Quellen 

konnte jedoch ein Gesamtbild vom Wirken des Malers 

entworfen werden. Das Geburtsjahr 1715 hat Lino 

Moretti ermittelt. Er konnte aufgrund eines Dokuments 

vom August 1702 feststellen, dass der eigentliche 

Familienname Facchinetti lautet. Die Quelle 

nennt den Vater, ebenfalls Maler, mit beiden Namen 

(s. Lit.). 

Es wird angenommen, dass der Facchinetti bei Luca 

Carlevarij (1663-1730) studiert hat, sich jedoch um 1740 

selbständig machte. Auch architektonische Details in 

den Veduten lassen seine Werkgruppe um 1744 datieren. 

Das einzige datierbare Werk Facchinettis ist eine 

Romansicht von 1746. Die Veduten der Stiftung Langmatt 

(Schweiz) wurden u. a. 1994 in einer Ausstellung 

gezeigt, mit einem Katalog von Gertrude Borghero. 

Darüber hinaus hat Dario Succi das Werk Facchinettis 

mit späteren Malern in Verbindung gebracht, die von 

Facchinetti beeinflusst gewesen sein dürften, wie 

etwa Michele Marieschi (1710-43), Francesco Albotto 

(1721-1757) oder Francesco Tironi (1745-1797). 

Literatur: 

Vgl. Gertrude Borghero, Katalog : Mythos Venedig, 

Venezianische Veduten des 18. Jahrhunderts, Stiftung 

Langmatt, Sidney & Jenny Brown, Baden 8. Juni 

- 31 Oktober 1994. 

Vgl. Dario Succi und Gertrude Borghero a Alito e 

Fascino di Venezia nelle vedute del Settecento 

(Stiftung Langmatt, Baden 1994). 

Vgl. F. Pedrocco, Visions of Venice, Paintings of the 

18th Century, London. 

Vgl. Lino Moretti, Di Apollonio Facchinetti detto 

Domenichini [1715-1757] e altri pittori di quella 

famiglia, in: Arte Veneta, 68, S. 319-323), 

Vgl. Lino Moretti, In: Arte Veneta, 68, S. 319-323. 

A.R. (1360151) (11) 

MASTER OF THE LANGMATT FOUNDATION, 


ALSO KNOWN AS „DOMENICHINI“, 

ACTIVE CA. 1740 – 1770 

PIAZZA SAN MARCO, VENICE 


71.8 x 110.5 cm. 

On the lower left in red former inventory number 

“1588”. 

Accompanied by an expert‘s report by Dario Succi, 

Gorizia. 

€ 90.000 - € 120.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 



171

Detailabbildungen Lot 248 


249 

MEISTER DER LANGMATT FOUNDATION, 


GENANNT „DOMENICHINI“, 

TÄTIG UM 1740 – 1770 

Die Aufmerksamkeit für den genannten Maler erfolgte 

erstmals 1994, als 13 Gemälde in der Sammlung der 

Langmatt Foundation in Baden-Baden als offensichtlich 

von derselben Malerhand erkannt wurden. Die 

Identifizierung als Apollonio Facchinetti gelang durch 

Aufdeckung einer Künstlerbezeichnung auf der Rückseite 

eines der Werke. 

VENEDIG, CANAL GRANDE MIT RIALTOBRÜCKE 

VON NORDEN GESEHEN 


66 x 94,5 cm. 

Beigegeben eine Expertise von M. Beddington, in 

Kopie. 

Der Blick auf den leicht gekrümmten Kanal ist aus 

leicht erhöhter Position gegeben. Bemerkenswert ist 

hier der Gegensatz von hell erleuchteten Palazzi links 

im Bild gegenüber den im Schatten stehenden Gebäuden 

in der rechten Bildseite. Der Blick aus nördlicher 

Richtung zeigt die Rialtobrücke entsprechend 

völlig verschattet. Dieser Helldunkel-Auffassung entspricht 

auch die Wiedergabe des Himmels, der von 

wenigen aufleuchtenden Wolken belebt wird. Auch 

die Gondeln, im Bild in dunklere und hellere Wasserflächen 

komponiert, tragen zur Tiefendynamik der Bildwirkung 

bei. 

Information über den Maler waren lange Zeit sehr 

dürftig. Sein Name wird fürs Jahr 1757 in der venezianischen 

Malergilde Fraglia de Pittori erwähnt. Die 

Kunstwissenschaft hat jedoch aufgrund von Stilvergleichen 

und archivalischen Quellen ein Gesamtbild 

vom Wirken des Malers entwerfen können. Das 

Geburtsjahr 1715 hat Lino Moretti ermittelt. Darüber 

hinaus konnte er feststellen, dass sein eigentlicher 

Familienname Facchinetti lautet, aufgrund eines 

Dokuments vom August 1702. Die Quelle nennt 

den Vater, ebenfalls Maler, mit beiden Namen (siehe 

Literatur). 

Es wird angenommen, dass Facchinetti bei Luca 

Carlefarij (1663-1730) studiert hat, sich jedoch um 

1740 selbständig machte. Auch architektonische 

Details in den Veduten lassen seine Werkgruppe um 

1744 datieren. Bei dem einzigen datierbaren Werk 

Facchinettis handelt es sich um eine Romansicht von 

1746. Die Veduten der Stiftung Langmatt (Schweiz) 

wurden u. a. 1994 in einer Ausstellung zusammen 

gezeigt, mit einem Katalog von Gertrude Borghero. 

Darüber hinaus hat Dario Succi das Werk Facchinettis 

mit weiteren, späteren Malern in Verbindung gebracht, 

wie etwa Michele Marieschi (1710-43), Francesco Albotto 

(1721-1757) oder Francesco Tironi (1745-1797). 

Deren Malweise dürfte von Facchinetti beeinflusst 

gewesen sein. 

Provenienz: 

Privatsammlung, New York. 

Literatur: 

Vgl. Gertrude Borghero, Mythos Venedig. Venezianische 

Veduten des 18. Jahrhunderts, Ausstellungskatalog 

Stiftung Langmatt, Sidney & Jenny Brown, 

Baden 8. Juni – 31. Oktober 1994. 

Vgl. F. Pedrocco, Visions of Venice. Paintings of the 

18th Century, London. 

Vgl. Lino Moretti, Di Apollonio Facchinetti detto 

Domenichini (1715-1757) e altri pittori di quella 

famiglia, in: Arte Veneta, 68, S. 319-323. 

(1360161) (11) 

MASTER OF THE LANGMATT FOUNDATION 


ALSO KNOWN AS “DOMENICHINI”, 

ACTIVE CA. 1740 – 1770 

VENICE, VIEW OF THE GRAND CANAL WITH RIALTO 

BRIDGE FROM THE NORTH 


66 x 94.5 cm. 

Accompanied by an expert’s report by M. Beddington, 

in copy. 

€ 50.000 - € 70.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 



175

250 


1721 VENEDIG – 1780 WARSCHAU, SCHULE DES 

CANAL GRANDE MIT BLICK AUF DI CA‘FOSCARI 


68 x 100 cm. 

Das Bild bietet einen Blick aus erhöhtem Standpunkt, 

wohl von der Rialtobrücke, und erfasst den Verlauf 

des Kanals und die flankierenden Palazzi von der 

Kanal mitte, wodurch sich eine nahezu symmetrische 

Ansicht bietet. Der spätgotische Palazzo Foscari 

– ehemals das größte Privathaus Venedigs im Viertel 

Dorso duro, heute die Universität – bietet hier den 

Zielpunkt des Ausblicks. Die Gebäudereihen zu beiden 

Seiten mit großer Akribie wiedergegeben, entsprechend 

des Sonnenstandes links leicht verschattet. 

Hier, auf einem vortretenden Platz - sowie rechts 

unter Sonnenvordächern, zahlreiche Passanten als 

Figurenstaffage. Die Kostüme lassen die Entstehung 

des Bildes zusammen mit dem Malstil in die zweite 

Hälfte des 18. Jahrhunderts datieren. Beeindruckend 

sind die dichten Reihen der beidseits anliegenden 

Gondeln. 

(1360581) (11) 


1721 VENICE – 1780 WARSAW, SCHOOL OF 

GRAND CANAL WITH VIEW OF CA’FOSCARI 


68 x 100 cm. 

The costumes of the painting and the painting style 

suggest that it was created in the second half of the 

18th century. 

€ 20.000 - € 30.000 

Sistrix 

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179

251 

FRANCESCO GUARDI, 

1712 VENEDIG – 1793 EBENDA 

VENEZIANISCHE LAGUNENLANDSCHAFT 


17 x 23 cm. 

Laut Versoaufschrift auf dem Keilrahmen, mit Künstler 

bezeichnung „Capries da Fr. Guardi“ – Nochmalig 

gleiche Bezeichnung handschriftl. auf dem Rahmen. 

Beigegeben eine Expertise von Dario Succi, Gorizia. 

Das kleine Gemälde bietet eine stimmungsvolle Ansicht 

einer Lagunenlandschaft bei Venedig. Das abendliche 

Halbdunkel findet sich im Werk Guardis mehrfach, 

insbesondere bei seinen kleinformatigen, fast skizzenhaften 

Darstellungen, die dadurch umso beeindruckender 

sind. Ähnliche Stimmung weist u. a. sein Werk „Bacino 

di San Marco con San Giorgio e Giudecca“ in der 

Galleria dell‘Accademia in Venedig auf, oder sein 

„Capriccio mit Ruinen und Figuren“. 

Unter einem hohen Wolkenhimmel breitet sich die Lagune 

bis zum Horizont aus. Etwas näher herangebracht 

tauchen aus dem Nebel Segelschiffe auf. Im Vordergrund 

eine Sandbank mit Fischern beim Netzeinholen. 

Zwei dürre Baumstämme rechts im Bild korrespondieren 

mit totem Holz links. 

Die hohe Qualität zeigt sich hier auch darin, dass die 

Stadt Venedig selbst nur in weitester Ferne als weißer 

Fleck links des Burghügels aufleuchtet. Trotz aller Spontanität 

des Pinselauftrags meint man die Kirchenfassade 

von San Giorgio zu erkennen. 

Francesco Guardi war der jüngere Sohn des Domenico 

Guardi (1678-1716) aus dem Trentino, und der Maria 

Claudia Pichler aus Neumarkt. Er war Bruder des älteren 

Gianantonio Guardi. Deren Schwester ehelichte den 

Maler Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770). Nach seiner 

Geburt zog die Familie nach Venedig, wo auch seine 

Brüder wirkten. Bis 1760, dem Todesjahr seines Bruders 

Antonio wirkte er in der Familienwerkstatt. Zunächst 

schuf er Altarbilder. Doch als Schüler von Canaletto 

verlegte er sich auf die Vedutenmalerei, nachdem Canaletto 

Venedig verließ. Mäzene, darunter vor allem der 

Doge Alvise IV Mocenigo förderten ihn durch zahlreiche 

Aufträge, vor allem für die Ereignisbilder anlässlich 

des Besuches der Stadt von Papst Pius VI., aber auch 

des russischen Großfürstenpaares. Werke seiner Hand 

befinden sich in zahlreichen internationalen privaten 

und öffentlichen Sammlungen. 

Provenienz: 

Sammlung Conte Ascanio Chiericati, Vicenza. 

Sammlung Luigi Bianchi, Mantova laut rotem Sammlerstempel 

auf dem Keilrahmen. 

Anmerkung: 

Ascanio Chiericati (1866 Vicenza - 1913 Rom), aus 

venezianischer Nobelfamilie, war Maler, vor allem 

Porträtist. 

Literatur: 

Vgl. F. Pedrocco, Francesco Guardi Pittore di ‚Storia‘, 

In: Francesco Guardi 1712 - 1793, 2012. 

Vgl. L. R. Bortolatto, Francesco Guardi, 1974, Nr. 417 

Vgl. M. Merling, in Francesco Guardi 1712-1793, a 

cura di A. Craievich e F. Pedrocco, catalogo della 

mostra (Venezia), Milano 2012, S. 175, Nr. 57 

Vgl. Cornelia Friedrichs, Francesco Guardi, Venezianische 

Feste und Zeremonien, Deutscher Kunstverlag, 

München 2006. 

Vgl. Museo Correr Ausstellungskatalog Francesco 

Guardi, A cura di Alberto Craievich e Filippo Pedrocco, 

Venedig 2012. 

A.R. 

(1360559) (11) 


FRANCESCO GUARDI, 

1712 VENICE – 1793 IBID. 

VIEW OF THE VENETIAN LAGOON 


17 x 23 cm. 

Accompanied by an expert’s report by Dario Succi, 

Gorizia. 

Provenance: 

Collection Conte Ascanio Chiericati – Vicenza. 

According to the inscription on the back of the stretcher 

with the artist’s name “Capries da Fr. Guardi”. 

Same handwritten inscription also on the frame. 

Collection Luigi Bianchi, Mantua according to the 

red collector’s stamp on the stretcher. 

Sistrix 

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€ 55.000 - € 70.000 (†) 181 

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252 

FRANCESCO TIRONI, 

UM 1745 VENEDIG – 1797 BOLOGNA, ZUG. 

Der Maler war nahezu vergessen, bevor ihn Hermann 

Voss 1927/28 mit seinem Werk über die Veduten Venedigs 

wieder bekannt gemacht hat. Über die Biografie 

des Malers ist nicht viel bekannt, er stammte wohl 

aus einer Familie aus Friaul. Neben Gesamtansichten 

und Stadtveduten allgemein berühmter Plätze findet 

sich im Werk Tironis nicht selten die Erfassung intimerer 

Stadtteile oder einzelner Bauten, wobei die beigebraune 

Farbgebung meist typisch für seine Werke ist. 


VEDUTEN VON VENEDIG 


Je 59 x 92 cm. 

In vergoldeten Prunkrahmen, darauf kleine 

Plakette mit Künstlernennung. 

Beigegeben eine Expertise von Emilio Negro. 

Das erste Gemälde zeigt die bekannte Rialtobrücke, 

flankiert linksseitig von dem im Schatten liegenden 

Fondaco dei Tedeschi, sowie rechtsseitig von dem Palazzo 

dei Camerlenghi, der ebenso wie die Rialtobrücke 

im strahlenden Sonnenlicht steht. Der Palazzo hat 

einen fünfeckigen Grundriss, durch den er der Biegung 

des Canal Grande an dieser Stelle folgt und ist 

drei Stockwerke hoch. Neben ihm das breite Ufer mit 

zahlreichen Figuren und am Kai mehrere ankernde 

Gondeln und Boote. Auf dem Canal Grande selbst 

weitere Gondeln, von denen besonders links im Vordergrund 

eine mit rötlicher Bedachung und vier Gondolieren 

besonders auffällt. Das zweite Gemälde zeigt 

über eine Anlegerstelle am linken Ufer und ankernden 

Gondeln den Blick über den Canal Grande mit einem 

Nebenarm mit Bogenbrücke und verschiedenen Palastgebäuden. 

Besonders auffallend ein großer dreistöckiger 

Palastbau mit daran stehenden hohem 

Campanile. Beide Gemälde jeweils im strahlenden 

Sonnenlicht unter hohem wolkenlosen Himmel wiedergegeben. 

Von dem ersten Gemälde mit der Rialtobrücke 

gibt es auch eine vergleichbare Ansicht im 

Werk von Canaletto (1697-1768), welche auf die Zeit 

um 1750 datiert wird, jedoch wird bei Canaletto der 

linksseitig liegende Fondaco dei Tedeschi besser hervorgehoben. 

(1362291) (4) (18) 


FRANCESCO TIRONI, 

CA. 1745 VENICE – 1797 BOLOGNA, ATTRIBUTED 


VEDUTE OF VENICE 


59 x 92 cm each. 

€ 40.000 - € 90.000 

Sistrix 

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183

253 

PIETRO BELLOTTI, 

1725 VENEDIG – UM 1804 

VENEDIG LA PIAZZETTA MIT DER LIBRERIA 

SANSOVINIANA 


60 x 75 cm. 

Beigegeben eine Expertise von Dario Succi mit ausführlicher 

Dokumentation, in Kopie. 

Die Vedute ist insofern außergewöhnlich, als sie Platz 

und Fassade der von Sansovino erbauten Bibliothek in 

gewittrig dunkler Stimmung wiedergibt, was eine Seltenheit 

der Venedigansichten darstellt. Das Dach des 

Baus, die beiden Säulen für Markus und Georg aber 

auch die Glanzlichter der Gebäudepilaster erscheinen, 

wie im Blitzlicht erhellt, ebenso die Gondeln auf nachtdunklem 

Wasser und die Kleider der zahlreichen Personen 

auf dem Platz, zumeist in Gruppen verteilt. 

Der Maler ist nicht identisch mit dem gleichnamigen, 

in Salò geborenen Pietro Bellotti, der sich fast ausschließlich 

dem Porträt gewidmet hatte. 

Pietro Bellottis Geburtsdatum wurde für den 22. März 

1725 ermittelt, als ein Maler, der in der Werkstatt des 

Canaletto wirkte. Er war der jüngere Bruder des Bernardo 

Bellotto und Neffe des Antonio Canal, genannt 

Canaletto. 1746 zog er nach Genua, verehelichte sich 

zwei Jahre später mit Francoise Lacombe. Aus der 

Ehe gingen zwei Töchter und ein Sohn hervor. In den 

Jahren 1747-1750, dann 1759-1761 und 1772-1778 

wohnte er in der nordspanischen Stadt Tolosa, und für 

einige Jahre auch in London. Ein Katalog des Augustiner 

Museums in Tolosa berichtet seinen Tod „kurz 

nach seinem Aufenthalt in Frankreich“. Seine Werke 

hat er in der Königlichen Akademie von Tolosa ausgestellt. 

Darunter „zwanzig venezianische und römische 

Veduten“, gearbeitet wohl nach mitgeführten 

Skizzen. 

Das Gemälde das zu zwei weiteren Veduten „Il Vacino 

di San Marco dalla Piazzetta“ zu zählen ist, wird in der 

beiliegenden Expertise Anfang 1740 eingeordnet. 

Literatur: 

Vgl. Dario Succi, „Bernardo Bellotto detto il Canaletto“, 

Mirano 1999. 

Vgl. Les collectionneurs toulousaine du XVIIIe siècle, 

Paris Somogy 2001, S. 100 ff. 

Vgl. Museo del Settecento Veneziano, Pietro Bellotti 

un altro Canaletto, Ca‘Rezzonico, Venedig 2013-2014. 

A.R. (1360191) (3) (11) 

PIETRO BELLOTTI, 

1725 VENICE – CA. 1804 

VENICE LA PIAZZETTA WITH SANSOVINIANA 

LIBRARY 


60 x 75 cm. 

Accompanied by an expert’s report by Dario Succi 

with extensive documentation. 

The enclosed expert’s report dates the painting, 

which belongs to two other vedutas titled Il Vacino di 

San Marco dalla Piazzetta to the beginning of 1740. 

€ 40.000 - € 50.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 



185

254 

JACOB PHILIPP HACKERT, 

1737 PRENZLAU – 1807 FLORENZ, KREIS DES 

BLICK AUF DAS FORUM IN ROM 

JACOB PHILIPP HACKERT, 

1737 PRENZLAU – 1807 FLORENCE, CIRCLE OF 

VIEW OF THE ROMAN FORUM IN ROME 

Öl auf Holz. 

51 x 80 cm. 


Blick von erhöhtem Standpunkt aus auf das Forum 

Romanum mit den Überresten antiker Bauten. Rechtsseitig 

auf der Anhöhe stehend ein junges elegant 

gekleidetes Paar, das von einem Reiseführer in Rückenansicht 

mit rotem Mantel die einzelnen Sehens würdigkeiten 

erklärt bekommt. Linksseitig, als Repoussoir, 

ragt ein hoher verästelter Baum in die Höhe. Feine 

Malerei in zurückhaltender Farbgebung, unter hohem 

hellblauem Himmel mit wenigen Wolken. 

(1351705) (18) 

Oil on panel. 

51 x 80 cm. 

€ 20.000 - € 30.000 (†) 

Sistrix 

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187

255 

JOHANN ANTON DE PETERS, 

1725 KÖLN – 1795 EBENDA 

JUNGE FRAU BEIM KÄMMEN 


79,1 x 63,2 cm. 

Verso mit älterem Galerieetikett. 

In ebonisiertem Profilrahmen. 

In einem abgedunkelten Innenraum sitzt im verlorenen 

Profil dargestellt eine jungen Frau an ihrer Poudreuse, 

dessen Rückwand von einem Spiegel gebildet wird, 

der das Antlitz der Dargestellten wiedergibt. Auf dem 

Tisch einige Utensilien. 

Provenienz: 

Sammlung Graf Andrassy, Budapest. 

Prof. Dr. H. F. Secker, Köln. 

Albert Otten (Ottenheimer), Köln, später Engelwood 

New Jersey. 

Leihgabe an das Portland Museum of Art, Maine 

(1986 – 2001). 

Leslie und Mildred Otten, Maine. 

Sotheby’s, London, 10. Juli 2002, Lot 81. 

JOHANN ANTON DE PETERS, 

1725 COLOGNE – 1795 IBID. 

A YOUNG LADY AT HER TOILET COMBING 

HER HAIR 


79.1 x 63.2 cm. 

Provenance: 

Collection of Count Andrassy, Budapest. 

Prof Dr H. F. Secker, Cologne. 

Albert Otten (Ottenheimer), Cologne, later Engelwood 

New Jersey. 

On loan to the Portland Museum of Art, Maine (1986 

– 2001). 

Leslie and Mildred Otten, Maine. 

Sotheby’s, London, 10 July 2002, lot 81. 

Exhibition: 

Portland Museum of Art, Maine. A Passion for Art: 

The Albert Otten Collection, 1987-88, no. 55. 

€ 15.000 - € 25.000 (†) 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Ausstellung: 

Portland Museum of Art, Maine. A Passion for Art: 

The Albert Otten Collection, 1987-88, Nr. 55. 

Anmerkung: 

De Peters war Sohn des Miniaturenmalers Wilhelm 

Johann Peters und heiratete Elisabeth Gouel de 

Villebrune, die ebenfalls Malerin war. Er war in Paris, 

Brüssel und 1762 auch in Rom tätig, kehrte aber in 

späten Lebensjahren in seine Geburtsstadt Köln zurück, 

um den Wirrungen der Revolution zu entgehen, 

denn er war Hofmaler Christiaan VII von Dänemark 

und wurde von Louis XV in den Adelsstand erhoben. 

Er selbst hatte auch eine Gemäldesammlung, die 

von großen Namen wie Rembrandt und Rubens 

geschmückt wurde. 

(1351709) (13) 


256 


1656 PARIS – 1746 EBENDA 

PORTRAIT DES MONSIEUR JEAN AUBERT 

Öl auf Leinwand, auf Holz aufgezogen. 

134,5 x 103 cm. 

Links auf einem Schriftstück die Inschrift: A Monsieur/ 

M*nsi*** Aubert/Controlle* général des Ponts/ 

Chaussée de france. 

In aufwändig gestaltetem teils à jour gearbeitetem 

Louis XV Rahmen. 

Dominique Brême, der das Werkverzeichnis für die 

Arbeiten Largillières vorbereitet, bestätigte die Ausführung 

des Gemäldes auf um 1725-1730. 

Dreiviertelfigur eines Mannes im besten Alter inmitten 

einer angedeuteten klassischen Architektur mit 

Rundsäulen und einer steinernen Tischplatte. Auf dieser 

ist eine Gruppe von Büchern zu sehen, Schreibzeug, 

Siegellack und eine Dokumentenmappe. Aubert mit 

seinem Spitzenjabot, der Allongeperücke, rotem Umhang 

und weißen Handschuhen, von denen einer ausgezogen 

in der noch bekleideten Hand liegt, steht 

neben der Tischplatte, die von seinem Arbeitsgerät 

geziert wird, worauf er mit einer Hand hinweist, und 

blickt aus dem Bildfeld hinaus. Jean Aubert lebte im 

Hôtel de Beringhen in der Rue Saint-Nicaise in Paris, 

unweit des Palais des Tuileries in der Gemeinde Saint- 

Germain-l’Auxerrois. Ein weiteres Haus besaß er in 

der 18 rue Grande in La Chapelle, heute ein eingemeindeter 

Teil von Paris. Vermutlich wurde Aubert 

bereits Ende des 17. Jahrhunderts geboren und heiratete 

um 1725 Marie Catherine Marchand (1745), welche 

ursprünglich aus Fontainebleau stammte und die 

Tochter eines Hoflieferanten für Pflaster und Schwester 

eines königlichen Straßenbauers war. Sie hatten 

mehrere Kinder, die nach dem Tod des Vaters eine 

königliche Pension erhielten als Anerkennung für die 

Dienste des Vaters: Adrien Aubert, Henry Camille 

Aubert, Nicolas Jean Claude Aubert, Marie Rosalie 

Aubert, Jean Jacques Aubert, Jean Etienne Aubert. Er 

erwarb das Amt des Schatzmeisters der Menus- Plaisirs 

der Petite Écurie des Königs (wo heute die na tio nale 

Architekturschule von Versaille untergebracht ist), und 

dann, um 1728 bis 1730, das des königlichen Rats 

und Generalkontrolleurs der französischen Brücken 

und Straßen. Etwa zu dieser Zeit kann angenommen 

werden, dass das vorliegende Gemälde entstand. 

Von Largillière sind weitere vergleichbare Portraits 

bekannt, die zwischen 1724 und 1730 entstanden 

und in vielerlei Hinsicht Vergleichspunkte anbieten. 

So sei genannt das Portrait des Konrad Detlev Graf 

von Dehn im Herzog Anton Ulrich-Museum in Braunschweig 

von 1724, das Portrait des Barthélemy-Jean- 

Claude Pupil von 1729 in der Putnam Foundation des 

Timken Museum of Art, San Diego, Kalifornien oder 

auch das Portrait in Coughton Court von 1729, das Sir 

Robert Throckmorton darstellt. 

Provenienz: 

Arnold S. Kirkeby (1901-1962). 

An das Los Angeles County Museum of Art 1955 

und dort ausgestellt. 

Sotheby’s, New York, 10. Januar 1991, Lot 82. 

Christie’s, London, 7. Juli 2010, Lot 186. 

Trustees of Exbury House. 

Literatur: 

Richard F. Brown, Recent Gifts of Paintings, in: Bulletin 

of the Art Division, Los Angeles County Museum, 

VIII, 1957, S. 8-9, Nr. 4. 

Scott Schaefer, Peter Fusco, European Paintings and 

Sculpture in the Los Angeles County Museum of 

Art, Los Angeles 1987, S. 53, dort abgebildet und 

mit ca. 1735 datiert. 

Vgl.: Exposition N. de Largillierre, Ausstellungskatalog, 

Palais des beaux-arts de la ville de Paris, Petit Palais, 

Mai-Juni 1928. 

Agnès Cuchet (Hrsg.), Nicolas de Largillière (1656 – 

1746), Ausstellungskatalog, Musée Jacquemart- André, 

Paris, 14. Oktober 2003-30. Januar 2004, Paris 2003. 

Joan Thornley (Hrsg.), Largillière and the eighteenthcentury 

portrait, Ausstellungskatalog, Montreal 

Museum of Fine Arts, 19. September-15. November 

1981, Montreal 1981. 

(1350371) (13) 


1656 PARIS – 1746 IBID. 

PORTRAIT OF MONSIEUR JEAN AUBERT 

Oil on canvas, laid on panel. 

134.5 x 103 cm. 

Inscribed on a document: A Monsieur/M*nsi*** 

Aubert/Controlle* général des Ponts/ Chaussée 

de France. 

Dominique Brême, who is currently preparing the 

cata logue raisonné for Largillière’s Œuvre, confirmed 

that the painting was executed around 1725-1730 

at the Christie’s auction in 2010. 

Provenance: 

Arnold S. Kirkeby (1901 - 1962). Received and exhibited 

at the Los Angeles County Museum of Art in 

1955. Sotheby’s, New York, 10 January 1991, lot 82. 

Christie’s, London, 7 July 2010, lot 186. Trustees of 

Exbury House. 

Literature: 

Richard F. Brown, Bulletin of the Art Division, Los 

Angeles County Museum, VIII, 1957, pp. 8-9, no. 4. 

Scott. Schaefer and Peter Fusco Husco, European 

Paintings and Sculpture in the Los Angeles County 

Museum of Art, Los Angeles, 1987, p. 53, illustrated 

there and dated ca. 1735. 

cf. Exposition N. de Largielliere, Palais des Beaux- 

Arts de la Ville de Paris, exhibition catalogue, 1928. 

Nicolas de Largillière (1656 - 1746), exhibition catalogue, 

Musée Jacquemart-André, Paris. 

Largillière, eigtheenth century portraitist, Montreal 

Museum of Fine Arts, 1981. 

€ 60.000 - € 80.000 

Sistrix 

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257 

CHARLES FRANÇOIS LACROIX DE MARSEILLE, 

UM 1700 MARSEILLE – 1782 BERLIN 


MEDITERRANE KÜSTENSTÜCKE, UM 1750-1759 


Jeweils 49 x 63,5 cm. 

In vergoldetem Kehlrahmen. 

Beigegeben eine Expertise von René Millet. 

Lacroix de Marseille war ein französischer Landschaftsmaler, 

der sich von 1750-63 in Rom aufhielt, wo er 

sowohl die Antike als auch die Landschaftsmalerei 

aus dem Erbe der früheren Jahrhunderte rezipierte. 

Im Werk von Lacroix de Marseille gibt es jedoch keine 

majestätischen Häfen mit rigorosen Perspektiven, 

sondern eher eine Vorliebe für das Pittoreske und für 

eine wildere Natur. Er entwickelte einen Stil unter 

dem Einfluss von Claude-Joseph Vernet, den er während 

seines Aufenthalts in Rom 1751 kennenlernte, 

und von dem er lernte, Seestücke zu malen. Vernet, 

der gerade vom König beauftragt worden war, seine 

berühmte Serie der „Ports de France“ zu malen, bevorzugte 

eine poetische Version, während Lacroix auf 

Genauigkeit bedacht war. In seiner bezaubernden Vision 

der Welt bewegen sich die Figuren mit Natürlichkeit. 

Sein Werk, das von den Liebhabern des 18. Jahrhunderts 

sehr geschätzt wurde, variierte und lebte von seiner 

Wirkung von Nacht und Morgen, ob nächtlich oder 

morgens, ruhig oder stürmisch. Seine Werke befinden 

sich heute in den wichtigsten privaten und öffentlichen 

Sammlungen. Ganz offensichtlich sind die beiden hier 

angebotenen Werke als Pendants gedacht: Einmal mit 

einer Festung am Hafen mit Rundgebäude im Gegenlicht, 

die am Ufer befindlichen Figuren wie auch das 

anlandende Segelschiff scharf konturierend, einmal 

eine schroffe Felsküste mit daraufsitzender Architektur 

mit im Vordergrund befindlichem Küstenstreifen mit 

anlandendem Boot, Figurenstaffage und in den dunstigen 

Hintergrund ziehendem Küstenstreifen mit mediterraner 

Architektur. 

(1362406) (13) 


193

CHARLES FRANÇOIS LACROIX DE MARSEILLE, 

CA. 1700 MARSEILLE – 1782 BERLIN 


MEDITERRANEAN COASTAL SCENES, 

CA. 1750 – 1759 


49 x 63.5 cm each. 

Accompanied by an expert’s report by René Millet. 

€ 170.000 - € 200.000 (†) 

Sistrix 

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Detailabbildungen Lot 257 


195

198 HAMPEL ONLINE Visit www.hampel-auctions.com for around 7.000 additional images. 

Detailabbildungen

258 

CLAUDE JOSEPH VERNET, 

1714 AVIGNON – 1789 PARIS, ZUG. 

AUFZIEHENDES UNWETTER 


79 x 132 cm. 

In vergoldetem Salvador Rosa Rahmen. 

Vernet hielt sich 1734 – 1752 in Italien auf und unternahm 

einige Ausflüge nach Neapel zwischen 1737 und 

1746, wo er sich der Darstellung maritimer Szenen 

widmete. Unser Gemälde ist wahrscheinlich um 1740 

– 1742 entstanden, denn es gleicht dem typischen 

Repertoire, das er zu Beginn diese neapolitanischen 

Periode pflegte und in dem noch der warme Geist des 

Salvador Rosa mitschwingt. Wie häufig im Werk des 

Malers, ist auch dieses Bild in leicht längsgestrecktem 

Querformat angelegt. Auch die Komposition mit einem 

Uferanstieg, hier mit einem dahinterliegendem Leuchtturm 

mit Anbauten, gegenüber dem Weitblick bis zum 

Meereshorizont, ist typisches Gestaltungsmerkmal 

des bekannten Künstlers. Während viele seiner Gemälde 

einen ruhigen Eindruck hinterlassen, wird die See 

hier von bedrohlichen Wolken mit Wetterleuchten 

heimgesucht, die im scharfen Kontrast zum sonnigen 

Wetter über dem Land steht. Eine Wetterschneise, die 

neben dem vielfältigen Können des Malers auch die Dramatik 

auf Leinwand bannen soll, die der Gewalt des 

Wassers innewohnt von der mancher Seefahrer überrascht 

wird. Auch die Figurenstaffage, die im Vordergrund 

am Ufer lagert ist von Interesse. Mehrere elegant 

gekleidete Personen nehmen den Fisch in Augenschein, 

der ihnen von drei Fischern offe riert wird. Dahinter ein 

horizontal gelagertes Ruder boot, das nur mit größter 

Anstrengung in die gewünschte Richtung gelenkt werden 

kann. Die Gestaltung und Malqualität sprechen für 

die Autorschaft des genannten Künstlers. 

Anmerkung: 

Unter den bekannten Küstenstücken von Vernet ist 

etwa die Küste nähe Neapel in Apsley House, London, 

das Gemälde im Musée d‘Art et d‘Histoire de Genève 

in der Schweiz aber ganz besonders – auch kompositionell, 

der Leuchtturm im Unwetter im Musée des 

Beaux - Arts de Nantes in Frankreich zu nennen. 

Literatur: 

Vgl. Léon Lagrange, Joseph Vernet, Didier & Cie, 1864. 

Vgl. Florence Ingersoll-Smouse, Joseph Vernet, 

Peintre de Marine, Etienne Bignou, 1926. 

Vgl. Ausstellungskatalog: Joseph Vernet 1714 – 1789, 

Musée de la Marine in Paris (15. Oktober 1976 – 

9. Januar 1977). 

Emilie Beck Saiello, Napoli e la Francia – I Pittori 

di paesaggio da Vernet a Valenciennes, L‘erma di 

Retschneider, Rom, 2010. 

(1362421) (13) 


1714 AVIGNON – 1789 PARIS, ATTRIBUTED 

STORM COMING UP 


79 x 132 cm. 

€ 40.000 - € 60.000 

Sistrix 

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199

259 


1714 AVIGNON – 1789 PARIS, ZUG. 

EIN MEDITERRANER HAFEN 


1714 AVIGNON – 1789 PARIS, ATTRIBUTED 

A MEDITERRANEAN HARBOUR 


112 x 168 cm. 

Mitte des 18. Jahrhunderts. 

Im Vordergrund des Gemäldes herrscht geschäftiges 

Treiben. Am Ufer eines Gewässers versammeln sich 

zahlreiche Figuren um frisch entladene, noch verpackte 

Waren. Links entfernt sich bereits ein beladenes Pferd. 

In der Mitte nähert sich ein bis zum Rand gefülltes 

Boot, das von einer Figur vom Ufer aus gesteuert 

wird. Daneben räkelt sich ein Seemann auf bereits 

entladenen Bündeln. Hinter ihm wird abgerechnet, 

während andere Figuren den Horizont beobachten, 

an dem der Dreimaster ankert, der für das Treiben am 

Ufer verantwortlich ist. Vernet versteht es, mit der 

Beleuchtung zu spielen, um seinen Vordergrund mit 

Figuren zu beleben. Zu dem geschickten Spiel mit 

Licht und Schatten fügt der Maler eine hierarchische 

Farbpalette hinzu, um die Tiefenschärfe zu erhöhen. 

Ausgehend von den dichten Brauntönen des Vordergrunds 

geht es weiter zu einem grünen, kühleren 

Mittelbereich, um schließlich den Horizont mit bläulichen 

Tönen abzuschließen. Die rosa Farbtöne des 

Himmels sowie der Morgennebel versetzen die Szene 

in den frühen Morgen. 

Provenienz: 

Privatsammlung, New York. 

Anmerkung: 

Joseph Vernet (1714-1789) war ein französischer 

Maler, Zeichner und Grafiker, der für seine Seestücke 

berühmt war. Er wurde von den Malern Louis-René 

Vialy (1680-1770), Philippe Sauvan (1697-1792) und 

Adrien Manglard (1695-1760) ausgebildet. 1734 

reiste Vernet nach Rom, um Landschaftsmalereien 

der alten Meister zu studieren, insbesondere Claude 

Lorrain (1600-1682), von dem er einiges übernahm. 

Er baute jedoch seinen eigenen Stil auf, indem er Unwetter 

einführte und dem Himmel in seinen Werken 

viel Platz einräumte. 1753 berief der französische 

König Ludwig XV Vernet an den französischen Hof. 

(13624012) (10) 


112 x 168 cm. 

Mid-18th century. 

€ 100.000 - € 150.000 (†) 

Sistrix 

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260 

FRANZÖSISCHE SCHULE DES 18. JAHRHUNDERTS 

DIE REISE VON JACQUES CHARLES UND NOËL 

ROBERT 


93 x 110 cm. 

Um 1790. 

Beigegeben eine Expertise von René Millet. 

Diese hier dargestellte edle Versammlung, die sich 

beim Anblick eines Ballons begeistert, gibt eine historische 

Tatsache wieder. Die Darstellung bezieht 

sich auf die erste Wasserstoffballonfahrt von Jacques 

Charles und Noël Robert, am 1. Dezember 1783. Das 

experimentelle und außergewöhnliche Ereignis, erlangte 

damals große Berühmtheit und wird im vorliegenden 

Gemälde genau wiedergegeben, um die 

Erinnerung daran zu bewahren. Die Protagonisten 

sind leicht zu erkennen, der Wissenschaftler Jacques 

Charles befindet sich im Korb des Ballons und bereitete 

sich vor, zum zweiten Mal in die Luft aufzusteigen, 

während der Erbauer des Ballons, Noël Robert, 

links in rotem Gewand, mit dem Protokoll in der 

Hand steht. Rechtsseitig zwei Aristokraten, der Herzog 

von Chartres und Philippe d‘Orléans, ein Cousin 

von König Ludwig XVI, erkennbar anhand der blauen 

Kordel des Heilig-Geist-Ordens, sowie der Herzog von 

Fitz-James, die allesamt dem Ballon von Paris aus zu 

folgten um die Helden zu begrüßen. 

In der Ferne und im Vordergrund sind die verblüfften 

Bewohner von Nesles-la-Vallée, wo der Ballon soeben 

gelandet ist, dargestellt. Charles, ein wahrer Deus ex 

machina, ist kaum gelandet, schon beginnt er seinen 

zweiten Aufstieg und widersetzt sich erneut den 

Gesetzen der Schwerkraft. Die Komposition ist symmetrisch 

um den Ballon herum aufgebaut. Die Figuren 

sind auf beiden Seiten in gleicher Entfernung vom 

Korb verteilt, ihre Gesten ähneln denen von Theaterschauspielern. 

Manche scheinen zwischen Entsetzen 

und Bewunderung hin- und hergerissen zu sein. 

Die Palette der Farben gehorcht den Gesetzen der 

atmosphärischen Perspektive, gesättigt im Vordergrund 

und dann in der Ferne verblassend, bis sie 

schließlich pastellfarben werden. Dieses Gemälde, 

das eine Mischung aus historischer Episode und 

Nachrichtenmeldung darstellt, gehört zum beliebten 

Genre des Gedenkereignisses. Von dem Aufstieg, der 

in der Geschichte der Wissenschaft einen Meilenstein 

darstellte, wurden zahlreiche Stiche angefertigt, 

die alle Etappen des Ereignisses, von seinem Aufstieg 

in den Himmel bis zu seiner Landung zwei Stunden 

später, fünfunddreißig Kilometer weiter westlich dokumentierten. 

Nach der Unterzeichnung des Protokolls steigt Charles 

allein wieder in den Ballon und steigt auf bis zu einer 

Höhe von 3.300 Metern. Somit gewann er einen Wettbewerb 

mit den Gebrüdern Montgolfier, die mit Hilfe 

von Heißluft vom Schloss La Muté aus in die Luft gegangen 

waren, allerdings nur bis auf 1000 m Höhe für 

eine Strecke von 9 km in 25 Minuten. Der Wissenschaftler 

Charles gewann also den Rekord für die 

größte Flughöhe. Der Rekord wurde durch die Verwendung 

von Wasserstoff, einem Gas, das zwölfmal 

leichter als Luft ist, und durch einen kleineren Ballon 

erreicht. Die Größe des Ballons war mit 380 m 3 im 

Vergleich zu 1400 m 3 bei der Montgolfière sehr gering. 

Es gibt zwar sehr viele Drucke die das Ereignis 

dokumentieren, aber nur wenige Gemälde. Die außergewöhnlichen 

Ausmaße des vorliegenden Gemäldes 

machen es zu einem seltenen Meisterwerk. 

(1362403) (10) 

FRENCH SCHOOL OF THE 18TH CENTURY 

THE JOURNEY OF JACQUES CHARLES AND NOËL 

ROBERT 


93 x 110 cm. 

Circa 1790. 

Accompanied by an expertise of René Millet. 

€ 55.000 - € 70.000 (†) 

Sistrix 

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203

260 A 

JEAN-BAPTISTE MONNOYER, 

1636 LILLE – 1699 LONDON 

BLUMENBOUQUET IN EINER VASE 

Öl auf Leinwand. Doubliert. Im Hochoval. 

76 x 63 cm. 

Wir danken Dr. Fred G. Meijer für die mündliche 

Zuschreibung. 

Vor dunklem Hintergrund, der nach rechts leicht aufhellt, 

eine auf einer steinernen Platte stehende Vase, 

darin ein prachtvolles Arrangement aus roten, rosafarbenen, 

weißen und vereinzelt gelblichen Blumen. Zu 

diesen gehören u.a. Mohnblumen, Päonien, gelb-rötliche 

Tulpen sowie diverse Kleinblütler. Der Bauch der 

Vase ist mit einem Relief versehen, das an den Brudermord 

von Kain und Abel erinnert. Malerei in qualitätvoller 

Manier, die hellen prachtvollen Blüten gegenüber 

dem dunkleren Hintergrund besonders hervorgehoben. 

(13621232) (18) 

JEAN-BAPTISTE MONNOYER, 

1636 LILLE – 1699 LONDON 

FLOWER BOUQUET IN VASE 

Oil on canvas. Relined. In vertical oval. 

76 x 63 cm. 

We would like to thank Dr Fred G. Meijer for his verbal 

identification of the artist. 

€ 10.000 - € 15.000 

Sistrix 

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261 

NOËL NICOLAS COYPEL, 

1690 PARIS – 1734 EBENDA, ZUG. 

GEBURT DER VENUS 


59,5 x 86 cm. 

In vergoldetem ornamentierten Rahmen. 

Beigegeben eine Expertise von Prof. Egidio Martini. 

Von zwei weißen, geflügelten Pferden in einer Muschelkutsche 

gezogen, wird Venus, die Göttin der Liebe und 

der Schönheit, aus den wogenden Wellen an Land 

gebracht. Dort wird sie von einem muskulösen Mann, 

der lediglich mit einem faltenreich drapierten Lendentuch 

bedeckt ist, erwartet. Er reckt ihr zwei Korallen 

entgegen. Der Mann nimmt die Bewegung der Pferde 

auf, was dem Gemälde eine große Dynamik verleiht. 

Während im linken Bildteil die Kraft, dargestellt durch 

den Muskeltonus, die Bewegtheit der Pferde und das 

rote Tuch, dominiert, wird der rechte Bildteil von der 

Weichheit der zarten Tücher, die Venus umwehen, wie 

auch dem hellen Inkarnat und dem lieblichen Gesichtsausdruck 

der Venus beherrscht. Dies kann als eine 

Verbildlichung der weiblichen und männlichen Gegensätze 

gedeutet werden. Das Sujet ist in typischer 

Rokoko-Manier in einer farbenreichen Palette gestaltet 

und zeigt die Vorliebe Coypels für mythologische 

Themen. 

(1361703) (19) 

NOËL NICOLAS COYPEL, 

1690 PARIS – 1734 IBID., ATTRIBUTED 

The birth of venus 


59.5 x 86 cm. 

Accompanied by an expert’s report by Professor 

Egidio Martini. 

€ 15.000 - € 18.000 

Sistrix 

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205

262 

JACQUES DE L‘ANGE, 

TÄTIG 1630 – 1650, NACH 

DIE GEFANGENNAHME CHRISTI 

JACQUES DE L‘ANGE, 

ACTIVE 1630 – 1650, AFTER 

THE TAKING OF CHRIST 


120 x 134 cm. 

In vergoldetem, ornamental verziertem Rahmen. 

In caravaggesker Lichtführung stellt der Maler vor 

dunkler Hintergrundfolie den in Fesseln liegenden 

Christus dar, mit ihn umzingelnden Personen. Jacques 

de l‘Ange malte zahlreiche mehrfigurige Gemälde 

in breit lagerndem, horizontal ausgerichtetem Format, 

die eine caravaggeske Lichtführung aufweisen. 


120 x 134 cm. 

€ 60.000 - € 100.000 (†) 

Sistrix 

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Anmerkung: 

Das Gemälde nach dem Original im Museo Nazionale 

di Capodimonte in Neapel. 

(13605511) (13) 



207

KATALOG III 

GEMÄLDE ALTE MEISTER – TEIL 2 & 

GEMÄLDE 19. / 20. JAHRHUNDERT 

Zum nächsten Katalog, bitte hier klicken: 

ONE OF THE LEADING AUCTION HOUSES IN EUROPE 

CATALOGUE III 

OLD MASTER PAINTINGS PART 2 

19TH/20TH CENTURY PAINTINGS 

Auctions: Thursday, 29 June 2023 

Exhibition: Saturday, 24 June – Tuesday, 27 June 2023

Gemälde Alte Meister – Teil 1

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