SAM FRANCIS | ABSTRACT WORLDS ... - Berlin Art Projects

CHRISTIAN AWE | ABSTRAKTE WELTEN
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CHRISTIAN AWE
SAM FRANCIS
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SAM FRANCIS | ABSTRACT WORLDS

IMPRINT
This catalogue is published on the occasion of the exhibition
ABSTRACT WORLDS – SAM FRANCIS / CHRISTIAN AWE
May – June 2009
BERLIN ART PROJECTS
GmbH & Co.KG
Auguststrasse 50 b
10119 Berlin
+49 (0) 30 240 87 606-0
+49 (0) 30 240 87 606-20
info@berlinartprojects.de
www.berlinartprojects.de
© Berlin Art Projects 2009
Text: Dr. Ulf Küster / Fondation Beyeler
Design: Nadine Winterer
Editors: Mirela Pappermann, Anna von Bodungen
Translation: Amy Patton
Photos: Bernd Borchardt
Studio view: “Sam Francis, Iverness, 1993, photo: N.J. Delaive” (p.3)
Exhibition views on the occasion of:
ABSTRACT WORLDS – SAM FRANCIS / CHRISTIAN AWE
We thank Gallery Delaive for their kind support
Production: Ruksaldruck GmbH & Co. KG, Berlin
Edition: 1500
May 2009
ISBN 978-3-941640-02-3
SHOWROOM: UNTER DEN LINDEN 40 | D-10117 BERLIN | FAX +49 (0) 30 700 11 86-86 | TEL +49 (0) 30 700 11 86-0
PROJECT SPACE: AUGUSTSTRASSE 50B | D-10119 BERLIN | FAX +49 (0) 30 240 87 606-20 | TEL +49 (0) 30 240 87 606-0
INFO@BERLINARTPROJECTS.DE | WWW.BERLINARTPROJECTS.DE
SAM FRANCIS | ABSTRACT WORLDS

04
AWE AND FRANCIS
Speaking to Christian Awe, one is instantly taken in by the artist‘s carefree charm: Is it the Simplicius Simplicissimus of
painting talking here, stumbled into the great art adventure almost as if by accident? Awe hails from the former GDR,
from the Berlin district Lichtenberg, and was eleven years old when the wall fell. The gray reality of the very real Socialist
everyday, morphed into a vacuum of apparently unlimited possibilities. So what do you do when the regulated, everyday
structure suddenly falls away? What do you do on the streets? Where to with the creativity? Playing basketball (“street
ball”, to be precise; Awe was once German champion) and trying out the usual “stuff”. Although we’re not really sure if
we want to know exactly what “stuff” was tried out: Isn’t it a blessing that the good old spray can was there to produce
the desired “kick”, the yearned-for thrill? The vacuum, the gray – all that had to be filled with color and gesture, and fast,
because it was (and is) forbidden, just a few seconds and the painting is already done – as the train stations and railway
cars can attest.
At home there was no particular connection to art. Spraying Graffiti was the way into painting, and for that, the Berlin
of the early 1990s was the perfect stage. School is over and one starts to look for an occupation that unites the things
that Graffiti characterizes especially well: color and speed, in other words, the ability to disappear quickly. Christian Awe
wants to be an art and sports teacher. He applies to the Hochschule der Künste in Berlin, becomes the student of an
artist he assures he had never heard of before, though given the name it is hard to believe: Georg Baselitz. He gives up
his dream of becoming a teacher, devotes himself completely to art and becomes a “Meisterschüler / Masterstudent” of
Daniel Richter, under whom he graduates.
What remains of Graffiti are the large formats, the speed with which
the paint is applied or at least the impression that the paintings were
produced this way, and the luminous colors. Upon closer inspection,
you realize that the process is actually much more in-depth; the first
glance is not always the most reliable. Not only because the painting
materials are so different: spray and acrylic paints can be combined
with India ink and watercolors, doodles with Sharpies and wax oil
pastels can be drawn on, scraped off and scratched out.
Various everyday materials and found objects are assimilated Pollock-
style: fabric scraps, boxes, napkins and curtains that, when sprayed
over, leave a fragmented, regular pattern on the surface of the image. Currently he is painting on PVC and transferring
it to canvas; this way, the artist says, the colors are more luminous, and some of the pictures become more malleable:
For example the work “Being” appears concave, something like Gotthard Graubner’s “reverse” color space bodies.
Awe’s paintings oscillate between figurative and abstract; for his generation there is of course no need to decide one specific
“direction” or another. His figures - often formed by the white contours of omission, making them appear very distanced
- seem to be taken from the glossy photographs of beautiful bodies from the world of sports. They appear almost as
“abstract” as the “splish-splash” paint waves in the other non-figurative paintings, one of which is not titled “IASUKOH“,
or “HOKUSAI” backwards for nothing – the early 19th century Japanese artist whose “waves” have become something
like the “model wave” of the Moderns. Presently, it is Awe’s non-figurative work that seems to dominate, so a look around
for comparisons stands to reason: the (apparent) restriction to gesture and material is of course no invention of our time,
and of course Awe’s gesture is not so carefree either: the idea of Abstract Expressionism and the Informel bears on the
two dominant art trends after the Second World War.
The combination and confrontation of Awe’s paintings with Sam Francis’
reminds one of this and has, with all the recklessness of comparison, some-
thing very compelling. It is that which Harald Rosenberg called “Action Painting”,
this game with movement and paint visible on the surface: time, movement and
space become one.
“Action Painting” was the art of a new beginning, was the zero hour after the ca-
tastrophes of the 20th century; it was the radical concentration on the essentials
of painting. Sam Francis was a typical representative of this direction, though he
also belonged to the generation that helped design this new beginning, always
conscious of the tradition in which he and others felt tied. Francis (1923-1994),
who originally had wanted to become a doctor, suffered severe injuries as a sol-
dier in the Second World War and was forced to lie for a prolonged period of time
on his stomach in a plaster cast. In this position, he began to paint on sheets
of paper lying on the floor. The view from above that his work touches is later
brought in connection with the view from an airplane high above the earth. In
1950, Francis went to “Old Europe” – to Paris – where he was introduced to the
radical later works of Henri Matisse, though it was Claude Monet’s water lilly paintings, the “Nymphéas” that were the
most important to him – these powerful, still austere, figurative color compositions from the nearly blind painter from
Giverny.
Is the “Wende”, or the German reunification of 1989, a “zero hour” of our time equal to the “zero hour” of 1945? Maybe
more than we have been ready to admit until now. In any case, art is forever manifesting the need to reflect only on
itself, and its long tradition – surely stretching all the back to the cave paintings at Lascaux – cannot be completely
erased. Christian Awe’s paintings, which at first seem so “now”, but are not so much when seen side-by-side with one of
Modernism’s greats, show once again what painting can do when restricted only to itself.
Dr. Ulf Küster
Curator / FONDATION BEYELER
UNTITLED | 1976 | Gouache auf Papier | 81 x 52 cm
gouache on paper | 32 x 20.5 inches
ANOTHER DISAPPEARANCE | 1963 | Lithographie auf Papier | 56,6 x 76,1 cm
lithograph on paper | 22.3 x 30 inches

06
OHNE TITEL | 1986 | Arcyl auf Leinwand | 160 x 213,7 cm
acrylic on canvas | 63 x 84.1 inches

08
DENSE AND NOW | 1989 | Acryl auf Leinwand | 61,1 x 30,5 cm
acrylic on canvas | 24.1 x 12 inches
UNTITLED | 1990 | Acryl auf Leinwand | 76 x 40 cm
acrylic on canvas | 29.9 x 15.7 inches

10
UNTITLED | 1975 | Acryl auf Papier | 58 x 73,3 cm
acrylic on paper | 22.8 x 28.8 inches
L.A. | 1976 | Acryl auf Papier | 58 x 81,2cm
acrylic on paper | 22.8. x 32 inches

12
UNTITLED | 1989 | Acryl auf Papier | 91 x 183 cm
acrylic on paper | 35.8 x 72 inches

14
CONCERT HALL SET II | 1977 | Lithographie auf Papier | 75 x 56 cm
lithograph on paper | 29.5 x 22 inches
BRIDE JADE GHOST III | 1963 | Lithographie auf Papier | 63,4 x 90,7 cm
lithograph on paper | 24.9 x 35.7 inches

16
UNTITLED | O.J. | Lithographie auf Papier | 113 x 89 cm
lithograph on paper | 44.5 x 35 inches

SAM FRANCIS | BIOGRAPHY
1923 born on June 25 San Mateo, California (USA)
geboren am 25. Juni San Mateo, Kalifornien (USA)
1943 – 48 Francis studies Botany, Psychology and Medicine at Berkeley before joining the American Air Force
in 1943. In an emergency landing he suffers a severe back injury that leaves him tied to a bed for over
a year. It is during this time the Francis begins to paint under the influence of David Park and develops
his own abstract style. After convalescing, he returns to Berkeley.
Francis studiert Botanik, Psychologie sowie Medizin in Berkeley, bevor er 1943 zur amerikanischen
Luftwaffe geht. Bei einer Notlandung zieht er sich eine schwere Rückenmarksverletzung zu, die ihn über
ein Jahr lang ans Bett fesselt. Während dieser Zeit beginnt Francis unter dem Einfluss von David Park
zu malen, und hat bereits einen eigenen abstrakten Stil entwickelt als er nach seiner Genesung
nach Berkeley zurückkehrt.
1948 – 50 studies Visual Art and Art History at Berkeley . It was during this time, as a student of Clyford Still
among others, that Francis developed his preference for clear color surfaces and thinned pigments.
studiert in Berkeley Bildende Kunst und Kunstgeschichte. Während des Studiums, unter anderem
bei Clyford Still, entwickelt Francis die Tendenz für klare Farbflächen und verdünnte Pigmente.
1950 Francis goes to Paris and quickly establishes ties with numerous important friendships and contacts
Among others, he meets his future wife Muriel Goodwin, the artist Michel Tapié and patron Georges Duthuit.
Francis geht nach Paris und knüpft in kurzer Zeit zahlreiche wichtige Freundschaften und Kontakte.
Unter anderem lernt er seine Frau Muriel Goodwin, sowie den Künstler Michel Tapié und den Mäzen
Georges Duthuit kennen.
1955 The Museum of Modern Art in New York purchases Black and Red (1953), one of the artist’s key works
in which rivlets of paint run down the canvas and melt into cloudy, flowing forms. This and other paintings
show Francis as a frontrunner between Abstract Expressionism and Art Informel.
erwirbt das Museum of Modern Art in New York Schwarz und Rot (1953), eines der Hauptwerke des
Künstlers, in dem die Farben die Leinwand hinunterrinnen und in wolkig-fließenden Flächen ineinander
verschmelzen. Dieses und andere Bilder lassen Francis als Grenzgänger zwischen abstraktem
Expressionismus und informeller Kunst erscheinen.
1957 Francis travels around the world. He visits Japan numerous times throughout the 1960s, where
influences inspire paintings with a strong Minimalist tendency.
Francis unternimmt eine Weltreise. In den sechziger Jahren hält er sich mehrfach in Japan auf,
wo er sich Anregungen für eine stärker minimalistisch beeinflusste Malerei holt.
1985 Sam Francis designs, among others, a mural for the San Francisco Museum of Modern Art (1985)
and the German Bundestag in Bonn (1992). He actively protests the Vietnam War and in 1987 founds
the “Sam Francis Medical Research Center” to research environmentally-caused diseases.
Sam Francis gestaltet u. a. Wandbilder für das San Francisco Museum of Modern Art (1985) und den
Deutschen Bundestag in Bonn (1992). Er engagiert sich gegen den Vietnamkrieg und gründet 1987
das „Sam Francis Medical Research Center“ zur Erforschung umweltbedingter Krankheiten.
1994 Sam Francis dies on November 4 in Santa Monica (USA)
stirbt Sam Francis am 4. November in Santa Monica (USA)
SOLO EXHIBITIONS (SELECTION)
1999 Retrospective: Sam Francis: Paintings 1947-1990, The Museum of Contemporary Art Los Angeles, CA (USA)
1985 National Gallery of Art Washington, DC (USA)
1979 Gallery of the Cultural Center of the Phillippines Taipei (Taiwan)
1970 Los Angeles County Museum of Art Los Angeles, CA (USA)
1965 Kestner-Gesellschaft Hannover
1958 The Phillips Gallery Washington, DC (USA)
GROUP EXHIBITIONS (SELECTION)
2009 “ABSTRACT WORLDS – SAM FRANCIS / CHRISTIAN AWE” Berlin Art Projects, Berlin
2006 “Sam Francis and Bern” Museum of Fine Arts Bern (Switzerland)
2000 “Cross-Currents in Modern Art” Tribute to Peter Selz, Achim Moeller Fine Art, New York (USA)
“Looking West” CollectFineArt.com, Venice, California (USA)
1998 “Three Americans” Iris Wazzau Gallery, Davos (Switzerland)
1997 “Sam Francis” Andre Emmerich Gallery, New York (USA)
1996 - 97 “Sam Francis: A Survey of Paintings 1965 - 1983” Gagosian Gallery, Beverly Hills (USA)
1996 “Group Show” Avanti Galleries, New York (USA)
“Color Field: The Classic Years 1960-1975” Andre Emmerich Gallery, New York (USA)

AUSSTELLUNGEN (AUSWAHL) | EXHIBITIONS (SELECTION)
2009 „ABSTRAKTE WELTEN – SAM FRANCIS / CHRISTIAN AWE“ Berlin Art Projects, Berlin (Katalog)
„Spirit of Fugue“ Piano und Malperformance mit Andrea Fan, Royal Academy of Arts, London (GB)
„GROUP SHOW I – CONTEMPORARY ART“ Vonderbank Artgalleries, Berlin
„Movement“ Berlin Art Projects, Berlin
2008 „New Walls from Europe“ Sundaram Tagore Gallery, New York (USA)
„From here to Fame“ Alta Fine Arts, Istanbul (Türkei)
„Christian Awe, Megan Olson + Barnett Newmann, Jackson Pollock, Marc Rothko, David Smith;
Arbeiten der Sammlung Pietzsch zu Ehren von Irving Sandler“ Checkpoint Ilgen, Berlin
„Lange Nacht der Bilder“ Berlin Lichtenberg
2007 „welcome to my arena“ (solo) Vonderbank Artgalleries, Berlin (Katalog)
„Figure and Space – New Positions II“ Vonderbank Artgalleries, Berlin
2006 „Contemporary Istanbul – Malperformance“ Istanbul Art Fair, (Türkei)
„warm up – young talents“ Vonderbank Artgalleries, Berlin
„Soccer Art“ Konrad-Adenauer-Stiftung, Berlin
„durchgeknallt – UdK Berlin“ Netzwerk Offenbach, Offenbach
„emerging international“ Curators Without Borders, New York (USA)
2005 „Rückblick-Ausblick“ Galerie Nisters, Speyer
„Neue Berliner Künstler – Die Jüngste Generation“ Galerie Claudius, Hamburg
„Verschwende Deine Zeit“ (solo) VVM Galerie, Berlin (Katalog)
„5 Diamanten“ VVM Galerie, Berlin
„Immer nur das Eine…“ Asperger Gallery, Berlin
„Under Construction“ DNA, Berlin
„aufgeräumt – raumgefüge in junger Kunst“ Kunstbüro Berlin, Berlin
„Zusammen Leben“ 6. KunstKreuz, Berlin
„Subjektive Obsession – UdK Berlin“ Sonderausstellung Art Frankfurt (Katalog)
2004 „Identität im Digitalen Zeitalter“ Künstlerhaus Bethanien, Berlin (Katalog)
„Die Klasse von Baselitz“ Galerie Apex, Göttingen
2003 „Druck – art“ Haus am Kleistpark, Karl Hofer Gesellschaft, Berlin
„Einsichten – Die Klasse von Baselitz“ Galerie Michael Schultz, Berlin |
Galerie Helmut Leger, München | Galerie für Zeitkunst, Bamberg (Katalog)
KUNSTMESSEN | ART FAIRS
2009 „SCOPE“ Basel (Schweiz), Berlin Art Projects, Berlin
2008 „Contemporary Istanbul“ Istanbul (Türkei), Berlin Art Projects, Berlin
„KIAF“ Seoul (Korea), Vonderbank Artgalleries, Berlin
2007 „Contemporary Istanbul“ Istanbul (Türkei), Berlin Art Projects, Berlin
„KIAF“ Seoul (Korea), Vonderbank Artgalleries, Berlin
„VIENNAFAIR“ Wien (Österreich), Vonderbank Artgalleries, Berlin
2006 „Contemporary Istanbul“ Istanbul (Türkei), Berlin Art Projects, Berlin
„Art Salzburg“ Salzburg (Österreich), Vonderbank Artgalleries, Berlin
„VIENNAFAIR“ Wien (Österreich), DNA, Berlin
„Art Moscow“ Moskau (Russland), DNA, Berlin
2005 „Art Fair“ Köln, DNA, Berlin
„Art Frankfurt – Subjektive Obsession, Universität der Künste, Berlin“ Frankfurt
SAMMLUNGEN (AUSWAHL) | COLLECTIONS (SELECTION)
Bundesdruckerei, Berlin
China Academy of Arts, Hangzhou (China)
Sofa Collection, Istanbul (Türkei)
Privatsammlung aARTa, Königstein
Privatsammlung Bührer, Zürich (Schweiz)
Privatsammlung Erler, Berlin
Privatsammlung Güreli, Istanbul (Türkei)
Privatsammlung Hahn, Seoul (Korea)
Privatsammlung Hamann, Hamburg
Privatsammlung Jacqueline und Fré Ilgen, Berlin
Privatsammlung Kelterborn, Frankfurt
Privatsammlung Kösters, Greven
Privatsammlung Marc Maennig, Berlin
Privatsammlung Prof. Dr. Mengütürk, Istanbul (Türkei)
Privatsammlung Minks, Berlin
Privatsammlung Nachmann, München
Privatsammlung New York
Privatsammlung Özer, Istanbul (Türkei)
Privatsammlung Paquet, New York (USA)
Privatsammlung Gabriele Quandt, München
Privatsammlung Untersiemau
Privatsammlung Westerwick, Düsseldorf
Privatsammlung Woo, Seoul (Korea)
SOZIALES ENGAGEMENT | SOCIAL ENGAGEMENTS
2008 Ärzte ohne Grenzen – Fördermitglied
2007 Aenne Burda Charity – Benefiz Auktion zugunsten krebskranker Kinder
Werkstatt Deutschland – Quadriga Edition
2006 Ballhaus Ost – Benefiz Auktion zum Erhalt des Kunsthauses
2005 Überleben Stiftung für Folteropfer – Benefiz Auktion
Aufnahme ehrenamtlicher Tätigkeit für Menschen mit Migrationshintergrund,
besonders für Flüchtlinge und Asylsuchende

CHRISTIAN AWE | BIOGRAPHIE
1978 geboren in Berlin
born in Berlin
1990 Beginn der Auseinandersetzung mit Graffiti und Street Art
active in Graffiti and Street Art movement
1995 / 96 Aufenthalt in Dallas, Texas (USA), im Rahmen des
Parlamentarischen Patenschaftsprogramms der Bundesregierung
student exchange Dallas, Texas (USA), as part of the
German Parliamentary Sponsorship Program
1998 Abitur, freie Mitarbeit in Werbeagenturen
high school diploma, freelance work in advertising agencies
1999 Studienbeginn Sportwissenschaft an der Humboldt-Universität zu Berlin
begins Sports Science teaching degree at Humboldt-Universität zu Berlin
1999 - 05 Universität der Künste, Berlin - Professor Georg Baselitz
Universität der Künste, Berlin - Professor Georg Baselitz
2001 / 02 Theater- und Performanceprojekte
theatre and performance projects
2003 Deutsche Basketball Hochschulmeisterschaften, Humboldt-Universität zu Berlin
German Basketball University Championships, Humboldt-Universität zu Berlin
2004 - 08 Basketballtrainer Humboldt-Universität zu Berlin
Basketball coach Humboldt-Universität zu Berlin
2005 Deutscher Meister Streetball
German Street Ball Champion
Kurator junger Kunstausstellungen
curator of emerging art exhibitions
Aufnahme ehrenamtlicher Tätigkeit für Menschen mit Migrationshintergrund,
besonders für Flüchtlinge und Asylsuchende
begins voluntary work offering support to refugees and asylum seekers
2006 Gründung Kunstprojektraum „Brunnensex / Curators Without Borders“, Berlin
establishes art space “Brunnensex / Curators Without Borders”, Berlin
Meisterschüler bei Professor Daniel Richter, Universität der Künste, Berlin
Masterstudent of Professor Daniel Richter, Universität der Künste, Berlin
2008 Nominierung ZVAB-PHÖNIX – Der Kunstpreis für Nachwuchskünstler
nominee ZVAB-PHOENIX – the emerging art prize
Referent Kunst, Street Art, Graffiti – im Rahmen des Poesiefestival, Akademie der Künste, Berlin
lecturer of art, Street Art, Graffiti – as part of the Poesiefestival, Akademie der Künste, Berlin
lebt und arbeitet in Berlin
lives and works in Berlin

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DAS GUTE LEBEN | 2008 | Acryl, Sprühlack auf PVC auf Leinwand | 180 x 150 cm
acrylic, spray paint on PVC on canvas | 70.9 x 59.1 inches

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UNDERGROUND PAINTING IV | 2008 | Acryl, Sprühlack, Wachsölpastell auf PVC auf Leinwand | 102 x 74 cm
acrylic, spray paint, wax oil pastel on PVC on canvas | 40.2 x 29.1 inches
URBAN LIFE | 2009 | Acryl, Sprühlack auf PVC auf Leinwand | 182 x 145 cm
acrylic, spray paint on PVC on canvas | 71.7 x 57.1 inches

28
BEING | 2009 | Acryl, Sprühlack auf gewölbtem PVC auf Leinwand | 154 x 146 cm
acrylic, spray paint on curved PVC on canvas | 60.6 x 57.5 inches

26
KREATIV ZÜNDELNDE LUFT | 2009 | Acryl, Sprühlack auf PVC auf Leinwand | 86 x 182 cm
acrylic, spray paint on PVC on canvas | 33.9 x 71.7 inches

24
UNDERGROUND PAINTING 14.II.2009 II | 2009 | Acryl, Sprühlack auf PVC auf Leinwand | 50 x 40 cm
acrylic, spray paint on PVC on canvas | 19.7 x 15.7 inches
MEETING FREEDOM | 2008 | Acryl, Sprühlack auf Leinwand | 121 x 101 cm
acrylic, spray paint on canvas | 47.6 x 39.8 inches

22
UNDERGROUND PAINTING 14.II.2009 I | 2009 | Acryl, Sprühlack auf PVC auf Leinwand | 50 x 40 cm
acrylic, spray paint on PVC on canvas | 19.7 x 15.7 inches
SMALL WORLD | 2008 | Acryl, Sprühlack auf PVC auf Leinwand | 51 x 25 cm
acrylic, spray paint on PVC on canvas | 20.1 x 9.8 inches

WAYS OF LIFE | 2009 | Acryl, Sprühlack, Buntstift, Wachsölpastell auf PVC auf Leinwand | 182 x 402 cm
acrylic, spray paint, crayon, wax oil pastel on PVC on canvas | 71.7 x 158.3 inches

18
OCEAN GAMES | 2009 | Acryl, Sprühlack auf PVC auf Leinwand | 154 x 146 cm
acrylic, spray paint on PVC on canvas | 60.6 x 57.5 inches

16
MAX ERNST | 2009 | Acryl, Sprühlack auf PVC auf Leinwand | 122 x 102 cm
acrylic, spray paint on PVC on canvas | 48 x 40.2 inches

14
JAZZYBELLE | 2008 | Acryl, Sprühlack auf PVC auf Leinwand | 121 x 102 cm
acrylic, spray paint on PVC on canvas | 47.6 x 40.2 inches

12
CREATIVE BLOSSOM | 2008 | Acryl, Sprühlack auf PVC auf Leinwand | 160 x 140 cm
acrylic, spray paint on PVC on canvas | 63 x 55.1 inches

10
Your “Underground Paintings” are first painted on PVC and then transferred to canvas. Despite the variety of
materials the base remains classic. How do you see the relationship between the situation on the street and the
exhibition space?
Removing the boundary between street and exhibition space is something that I would welcome. But as long as
we have a “white cube” situation in the majority of galleries and exhibition spaces, the street will stay in front of the
exhibition space. Street Art works better in the urban sphere, especially as an artistic intervention and moment
of surprise.
With their extreme colorfulness and moving surface structures, your paintings have a strong presence; they
literally jump out at the eye. What’s more, titles such as “Brennen für Deutschland (Burning for Germany)” or
“Culture Deportation” clearly point to a political dimension in the work. The message is very important to you,
yet it can’t be read at first glance – you have to look through the layers of your images to come to it. Are the titles
something like an added layer?
Yes, I would say so. I think it is always more interesting when the artist shies away from making things too obvious
and keeps a little secret. All of my paintings are of an autobiographical nature and many of my more figurative works
have hidden socio-critical content. Titles like “Treibgut (Drifting Goods)”, “verschwende Deine Zeit (waste your time)”,
“Ways of Life”, “Being”, “Meeting Freedom” and “Das gute Leben (The good Life)” are only there to provide the viewer with
food for thought. I’m always happy to talk and answer questions in person.
You studied sports and art. Sports and movement play an important role in your images, in the “Springer (Jumper)”
series, for example, and in the installation “Struggle”. At the same time, the amount of effort and physical exertion
in the painting process can be intensely felt. How important is the physical aspect to your work?
For me, physical movement is an important counterweight to an artistic existence, both physically and psychologically.
The worlds of art and sports hardly ever overlap. In my paintings, I try to depict a certain rhythm, a balanced combination
of swinging lines, forms and colors. I always hope that my intensity can be felt in the painting itself when it’s on its own.
You are one of the few artist born in Berlin who also live here. How has the city influenced you, and how does it
continue to influence you?
Berlin is a city of constant change. It offers a gateway to a wide variety of lifestyles, very similar to your collage method
for the About Change, Collection. Besides the many exhibitions, Berlin is also the world capital of contemporary art
production. The city is very ambivalent; here anyone can find his or her own brand of happiness. Here, the rich live next
to the poor, no one minds the sexual orientation of the other and there is still creative freedom to preserve!
Besides your two professors, Georg Baselitz and Daniel Richter, who were your biggest influences?
I have been inspired and influenced by my surroundings, friends and family, many travels, contemporary art, Graffiti,
basketball, hip-hop music, social injustice, open and creative people and lateral thinkers. The streets of Berlin were and
are my creative teacher.
Christiane zu Salm is an art collector. Starting in 2007, she made the About Change, Collection open to the public in her
space at Kupfergraben in Berlin. Christiane Rekade is the curator of the collection.

08
Deine „Underground Paintings“ malst Du auf PVC und ziehst sie dann aber auf Leinwand auf. So bleibt bei aller
Materialvielfalt der Untergrund klassisch. Wie siehst Du das Verhältnis zwischen der Straßensituation und dem
Ausstellungsort?
Eine Aufhebung der Grenze zwischen Straße und Ausstellungsraum fände ich wünschenswert. So lange wir aber in den
meisten Galerien bzw. Ausstellungsorten eine White Cube Situation haben, wird die Straße vor dem Ausstellungsraum
bleiben. Street Art funktioniert besser im Urbanen, vor allem als künstlerische Intervention und Überraschungsmoment.
Deine Malerei hat durch ihre extreme Farbigkeit und die bewegte Oberflächenstruktur eine starke Präsenz,
sie springt buchstäblich ins Auge. Darüber hinaus transportieren die Bildtitel oft eine Botschaft. „Brennen für
Deutschland“ oder „Culture Deportation“ sind eindeutige Hinweise auf eine politische Bedeutung. Die Botschaft ist
Dir sehr wichtig, doch ist sie nicht auf den ersten Blick zu lesen – man muss sich durch die Schichten Deiner Bilder
hindurcharbeiten, um auf diese zu stoßen. Die Titel sind wie eine weitere Schicht?
Ja, so kann man es sehen. Ich finde es spannender, wenn man als Künstler nicht alles zu offensichtlich darstellt, sich ein
kleines Geheimnis bewahrt. Alle meine Bilder sind autobiografischer Natur und viele meiner figürlichen Arbeiten haben
einen versteckten sozialkritischen Inhalt. Mit Bildtiteln wie „Treibgut“, „verschwende Deine Zeit“, „Ways of Life“, „Being“,
„Meeting Freedom“ und „Das gute Leben“ gebe ich lediglich dem Betrachter Denkanstöße. Gern stehe ich in persönlichen
Gesprächen Rede und Antwort.
Du hast Sport und Kunst studiert. Sport und Bewegung spielen eine wichtige Rolle in Deinen Bildern: Wie beispiels-
weise in der „Springer“ Serie und in der Installationsarbeit „Struggle“. Gleichzeitig sind der Kraftaufwand und
Körpereinsatz des malerischen Entstehungsprozesses förmlich zu spüren. Wie wichtig ist dieser physische Aspekt
in Deiner Arbeit?
Körperliche Bewegung ist für mich physisch wie psychisch ein wichtiger Ausgleich zum Künstlerdasein. Die Kunst- und
Sportwelt überschneidet sich kaum. In meinen Bildern selbst versuche ich, eine gewisse Rhythmik, eine ausgewogene
Kombination von schwungvollen Linien, Formen und Farben darzustellen. Ich hoffe immer, dass meine Intensität noch
zu spüren ist, wenn das Bild auf sich selbst gestellt ist.
Du bist einer der wenigen Künstler, die in Berlin geboren sind und auch hier leben. Wie hat Dich die Stadt geprägt,
prägt sie Dich immer noch?
Berlin ist eine sich ständig im Umbruch befindende Stadt. Sie ist die Schnittstelle der verschiedensten Lebenswelten,
sehr ähnlich Eurem Collage Ansatz der About Change, Collection. Neben vielen Ausstellungen ist Berlin momentan
auch die Welthauptstadt der zeitgenössischen Kunstproduktion. Die Stadt ist sehr ambivalent, jeder kann hier nach
seiner Fasson glücklich werden. Hier lebt Arm neben Reich, keinen stört die sexuelle Orientierung des anderen und es
gibt noch immer kreativen Freiraum, den es zu bewahren gilt!
Wer hat Dich außer Deinen beiden Professoren Georg Baselitz und Daniel Richter geprägt?
Inspiriert und geprägt wurde ich von meiner Umgebung, Freunden und Familie, den vielen Reisen, zeitgenössischer
Kunst, Graffiti, Basketball, Hip Hop Musik, sozialen Missständen, offenen und kreativen Menschen und Querdenkern.
Die Straßen Berlins waren und sind für mich kreativer Lehrmeister.
Christiane zu Salm ist Kunstsammlerin. Die About Change, Collection macht Sie seit 2007 in den Räumen am
Kupfergraben in Berlin öffentlich. Christiane Rekade ist Kuratorin der Sammlung.
ARCHEOLOGY IN ATMOSPHERIC COLOR LANDSCAPES
An initiative of Christiane zu Salm: A conversation between Christiane Rekade and Christian Awe, May 2009
Your work is currently being shown with Sam Francis’ in a two-person exhibition, “Abstract Worlds”, at the gallery
Berlin Art Projects in Berlin. This contextualization casts a new light on both your work and Sam Francis’. What is it
about his work that you find particularly relevant right now?
Sam Francis’ paintings are dynamic worlds of luminous color. For me, the relevance of his work lies in his individual
style of painting, the abstract expressive gesture and especially his great desire for experimentation.
How important are the abstract and expressive aspects of your works?
Even in my figurative work, I was abstract when it came to detail. The thing I am always most interested in investigating
in painting is the field of tension between the figurative and the abstract. Expressivity for me is a reflection of my own
individual handwriting and whatever I am feeling at the time.
The exhibition also includes works from your “Underground Painting” series. Where does the title of this series
come from?
For one, I started with Graffiti and Street Art at age 11, so I come from the creative “Underground” of the art scene. And
secondly, my new works are painted on PVC, a kind of flooring or underground material as the support for my artistic
work. The connection between these two things gave way to what is for me a fitting title for the series. One of the
advantages of working on PVC is that the paint stays on the surface; it becomes brighter – like Graffiti. Also the material
allows me to do certain things that I couldn’t do otherwise, like cutting it with a wood cutting knife or creating slightly
angled or bowed shapes that extend into space.
Your work is a result of a layering process with materials and color. These layers are then scratched and scraped
away to reveal the series of layers underneath. So does your work have something to do with the act of covering and
uncovering?
My paintings consist of up to 15 layers of various colors of paint. Sometimes the paint I’ve applied is so fluid that the
drying time can take several days. With my special scratching-out/washing-out technique, I am able to bring deeply
buried layers back into the daylight, allowing the finest color mixtures, new shapes and color combinations to emerge.
I encourage anyone at least once to stand in front of my paintings and take a long close look. Like staring into the
clouds, the brain begins to make associations with objects, shapes and figures.
That reminds me of Street Art – where tags and Graffiti but also posters and stickers are constantly being glued on
top of one another. It also makes me think of work by Klara Liden, who takes the layered street posters from the walls
and puts them in the exhibition. What does layering mean to you?
Sometimes it feels as if I am my own artistic archeologist. I forage in atmospheric color landscapes, runlets and
material mounds to neatly lay bare what has been lost and present it to the public.
You – like many artists of your and my generation – came to art through Street Art and Graffiti and have to some
degree taken techniques from Street Art onto the canvas. What kind of significance do these different materials and
techniques have for your work?
It is a constant experiment and an enhancement of my artistic abilities. The combination of somewhat unusual materials
such as homemade acrylic paint, India ink, different spray paints, stencils, markers, colored pencils, oil wax pastels etc.
allows me to have a more differentiated working process. I create a kind of learning arena that allows me to work with the
highest possible degree of luminosity, one in which rich contrasts, subtle nuances and differentiated surfaces can develop.

ARCHÄOLOGE IN ATMOSPHÄRISCHEN FARBLANDSCHAFTEN
Auf Initiative von Christiane zu Salm: Ein Gespräch zwischen Christiane Rekade und Christian Awe, Mai 2009
In der Doppelausstellung „Abstrakte Welten“ in der Galerie Berlin Art Projects werden zurzeit Deine Arbeiten
gemeinsam mit Werken von Sam Francis gezeigt. Diese Kontextualisierung wirft ein neues Licht sowohl auf Deine
Arbeiten als auch auf die von Sam Francis. Worin liegt für Dich die Aktualität seiner Arbeiten?
Sam Francis’ Arbeiten sind dynamische Bildwelten von leuchtender Farbigkeit. Seine individuell gestische Malweise,
das Abstrakt-Expressive und vor allem die enorme Lust am Experimentieren machen die Arbeiten für mich aktuell.
Wie wichtig sind das Abstrakte und Expressive in Deinen Arbeiten?
Bereits in meinen figurativen Arbeiten war ich ja im Detail abstrakt. Für mich liegt das zu Erkundende der Malerei im
Spannungsfeld von Figuration und Abstraktion. Das Expressive spiegelt für mich dabei meine individuelle Handschrift
und derzeitigen Gefühle wider.
Die Ausstellung zeigt Arbeiten Deiner Serie „Underground Paintings“. Woher kommt der Titel der Serie?
Zum einen habe ich bereits im Alter von 11 Jahren mit Graffiti und Street Art angefangen, ich komme also aus dem
kreativen „Untergrund/Underground“ der Kunstszene, zum anderen sind meine neuen Arbeiten auf PVC gemalt, ja
Bodenbelag/Untergrundmaterial als Träger meines künstlerischen Schaffens. Die Verbindung aus beiden ergab für mich
diesen, wie ich finde, griffigen Titel der Serie. Das PVC hat dabei den Vorteil, dass die Farbe mehr auf der Oberfläche
steht, sie wird leuchtender – Graffiti ähnlich. Auch bestimmte technische Dinge wie das Schneiden mit dem Holzschnitt-
messer sowie leicht schräge oder in den Raum gewölbte Formate sind mir mit diesem Material möglich.
Deine Arbeiten entstehen durch Schichtungen von Materialien und Farbe. Diese Schichten legst Du anschließend
durch Abschaben und Auskratzen wieder frei. Geht es Dir dabei um Verdecken und Freilegen?
Meine Bilder bestehen aus bis zu 15 übereinander liegenden Farbschichten. Mitunter sind die aufgetragenen Farben
so flüssig, dass sie tagelange Trocknungszeiten haben. Durch meine spezielle Technik des Rauskratzens / Auswaschens
hole ich tiefer Liegendes wieder ans Tageslicht. Dabei entstehen feinste Farbmischungen, neue Formen und Farb-
zusammenstellungen. Ich lade jeden ein, sich meine Bilder einmal live für längere Zeit genauer zu betrachten. Wie beim
Blick in die Wolken beginnt das Gehirn, Dinge, Formen und Figuren zu assoziieren.
Das erinnert mich an Street Art – wo Tags und Graffitis, aber auch Plakate und Sticker immer wieder übereinander
geklebt und gemalt werden. Da fallen mir auch zum Beispiel die Arbeiten von Klara Liden ein, die Poster, die immer
wieder übereinander geklebt wurden, von den Mauern nimmt und sie ausstellt. Was bedeutet Dir das Schichten?
Das fühlt sich manchmal so an, als wäre ich mein eigener künstlerischer Archäologe. Ich stöbere in den atmosphärischen
Farblandschaften, Rinnsalen und materiellen Erhebungen. Dabei lege ich lang Verschollenes fein säuberlich wieder frei
und präsentiere es der Öffentlichkeit.
Du bist – wie viele KünstlerInnen Deiner und auch meiner Generation – über Street Art und Graffiti zur Kunst
gekommen und hast zum Teil die Techniken der Street Art auf die Leinwand übertragen. Was haben die unter-
schiedlichen Materialen und Techniken, die Du benutzt, für eine Bedeutung in Deiner Arbeit?
Es ist ein fortwährendes Experiment und eine Weiterentwicklung meiner künstlerischen Fähigkeiten. Die Kombination
teils ungewöhnlicher Materialien wie z.B. selbst hergestellte Acrylfarbe, Tusche, verschiedenste Sprühlacke, Stencil,
Marker, Buntstifte, Wachsölpastelle u.v.v.m. ermöglicht mir eine differenzierte Arbeitsweise. Ich erschaffe mir ein
Lernfeld, das mir ermöglicht, Werke mit höchstmöglicher Leuchtkraft, mit satten Kontrasten, sanften Nuancen und
differenzierten Oberflächenstrukturen entstehen zu lassen.

04
AWE UND FRANCIS
Wenn man sich mit Christian Awe unterhält, dann nimmt einen sogleich der unbekümmerte Charme dieses Künstlers
gefangen: Spricht hier ein Simplicius Simplicissimus der Malerei, der fast zufällig in das große Abenteuer Kunst gestürzt
ist? Awe stammt aus der früheren DDR, aus Berlin-Lichtenberg, und war elf Jahre alt, als die Mauer fiel. Das Graue
des real existierenden sozialistischen Alltags wandelte sich in das Vakuum der scheinbar unbegrenzten Möglichkeiten.
Was mit sich anfangen, wenn die verordnete Alltagsstruktur endgültig wegfällt? Was tun auf der Straße? Wohin mit der
Kreativität? Basketballspielen (genauer gesagt „Streetball“; Awe war sogar einmal Deutscher Meister) und die üblichen
„Sachen“ ausprobieren. Wobei wir lieber gar nicht so genau wissen wollen, welche „Sachen“ wie ausprobiert wurden:
War es da nicht geradezu ein Segen, dass es für den erwünschten „Kick“, den ersehnten Nervenkitzel, die gute alte
Farbsprühdose gab? Das Vakuum, das Grau, das musste gefüllt werden mit Farbe und Geste, schnell, denn es war
(und ist) ja verboten, wenige Sekunden und schon ist das Bild fertig, da mussten eben Bahngebäude und Eisenbahn-
waggons dran glauben.
Eine besondere Beziehung zu Kunst habe es bei ihnen zu Hause nicht gegeben. Der Weg zur Malerei begann mit dem
Sprühen von Graffitis, und dafür war das Berlin der 90er Jahre die richtige Bühne. Die Schule wird beendet und ein Beruf
angestrebt, der genau das vereinigt, was Graffiti besonders charakterisiert: Farbe und Schnelligkeit, also die Fähigkeit,
schnell verschwinden zu können. Christian Awe will Kunst- und Sportlehrer werden. Er bewirbt sich an der Hochschule
der Künste in Berlin, wird Schüler bei einem Künstler, von dem er versichert, ihn vorher nicht gekannt zu haben, man
kann es kaum glauben: Georg Baselitz. Er gibt den Wunsch auf, Lehrer zu werden, widmet sich ganz der Kunst und wird
schließlich Meisterschüler von Daniel Richter, bei dem er seinen Abschluss macht.
Was vom Graffiti geblieben ist, sind die großen Formate, die Rasanz des Farbauftrages oder zumindest der Eindruck, die
Bilder seien so entstanden, überhaupt die leuchtenden Farben. Beschäftigt man sich mit seinen Bildern genauer, stellt
man schnell fest, dass der Arbeitsprozess sehr viel gründlicher ist; dem ersten Blick sollte man nicht immer vertrauen.
Nicht nur, dass die verwendeten Farbmaterialien sehr unterschiedlich sind: Sprühlacke, Acrylfarben können mit Tusche
und Wasserfarben kombiniert werden, Kritzeleien mit Eddingstiften und Wachsölpastellen können aufgebracht und mit
dem Messer wieder abgeschabt und herausgekratzt werden.
Unterschiedliche Alltagsmaterialien und Fundstücke werden, in Pollockscher Manier, verarbeitet, Stofffetzen, Kartons,
Servietten und Gardinen, die, wenn man über sie sprüht, regelmäßige Musterfragmente auf der Bildoberfläche
hinterlassen. Zur Zeit wird auf PVC gemalt, das auf Leinwand aufgebracht wird. Durch das PVC würden die Farben mehr
leuchten, sagt der Künstler, und einige der Bilder werden plastischer: So erscheint z.B. das Werk „Being“ konkav, etwa
in der Art „umgekehrter“ Farbraumkörper Gotthard Graubners.
Awes Bilder oszillieren zwischen Figuration und Abstraktion; für seine Generation gibt es natürlich keine Entscheidung
für die eine oder andere „Richtung“. Seine Figuren, deren oft weiße Konturen durch Auslassungen und Auskratzungen
entstehen, was sie sehr distanziert erscheinen lässt, scheinen den Hochglanzfotografien der Sportwelt schöner Körper
zu entstammen. Sie wirken fast ebenso „abstrakt“ wie die „Splish-Splash“-Farbwogen auf den anderen nicht figurativen
Bildern, deren eines nicht umsonst „IASUKOH“ heißt, also „HOKUSAI“ in der Gegenrichtung gelesen – der japanische
Künstler des frühen 19. Jahrhunderts, dessen „Woge“ so etwas wie die „Modell-Welle“ der Moderne geworden ist. Zur
Zeit scheinen bei Awe die nicht figürlichen Arbeiten zu dominieren, und da liegt es nahe, sich ein bisschen umzuschauen
und nach Vergleichbarem zu suchen: Die (scheinbare) Beschränkung auf Geste und Material ist ja keine Erfindung
unserer Zeit, und so ganz unbekümmert ist Awes Tun natürlich auch nicht: Die Idee des Abstrakten Expressionismus
und des Informel, der dominierenden Kunstströmungen der Zeit nach dem 2. Weltkrieg, beruht darauf.
Die Kombination und Konfrontation von Awes Bildern mit Bildern Sam Francis’ erinnert daran und hat, bei aller Gewagt-
heit des Vergleichs, etwas sehr Bezwingendes. Es ist das, was Harold Rosenberg „Action Painting“ genannt hat, dieses
Spiel mit der Bewegung und den Farben, die sich auf dem Malgrund abbilden: Zeit, Bewegung und Raum werden eins.
„Action Painting“ war eine Kunst des Neuanfangs, der Stunde Null nach den Katastrophen des 20. Jahrhunderts, es war
die radikale Konzentration auf das Essentielle der Malerei. Sam Francis war ein typischer Vertreter dieser Richtung,
wenn er auch zu der Generation gehörte, die den Neuanfang zwar mitgestaltet hat, sich aber immer einer Tradition
bewusst war, in die sie sich eingebunden fühlte. Francis (1923-1994), der eigentlich Arzt werden wollte, wurde als
Soldat im 2. Weltkrieg bei einem Flugunfall schwer verletzt und musste danach lange Zeit in einem Gipsbett auf dem
Bauch liegen. In dieser Position begann er auf Papierbögen zu malen, die auf dem Fußboden lagen. Das Blicken von
oben, worauf sein Werk beruht, ist später auch mit dem Blick des Fliegers aus der Höhe auf die Erde in Verbindung
gebracht worden. Francis ging 1950 ins „Alte Europa“, nach Paris, wo die Begegnung mit dem radikalen Spätwerk
von Henri Matisse, vor allem aber die Seerosenbilder Claude Monets, die „Nymphéas“, für ihn wichtig wurden, diesen
gewaltigen, immer noch streng figurativen Farbkompositionen des fast erblindeten Malers im Garten von Giverny.
Ist die Wende von 1989 eine „Stunde Null“ unserer Zeit gewesen, die der „Stunde Null“ von 1945 gleicht? Vielleicht mehr,
als wir bisher wahrzunehmen bereit sind. Jedenfalls hat Kunst offenbar immer wieder das Bedürfnis, sich ganz auf sich
selbst zu besinnen, und immer kann ihre lange Tradition - sie geht bestimmt bis zu den Höhlenbildern von Lascaux
- nicht ganz ausgeblendet werden. Christian Awes Bilder, die zunächst so ganz „heutig“ zu sein scheinen, es aber im
Vergleich mit einem der Großen der Moderne gar nicht all zu sehr sind, zeigen wieder einmal, was Malerei kann, wenn sie
sich auf sich selbst beschränkt.
Dr. Ulf Küster
Kurator / FONDATION BEYELER

IMPRESSUM
Der Katalog erscheint anlässlich der Ausstellung
ABSTRAKTE WELTEN – SAM FRANCIS / CHRISTIAN AWE
Mai – Juni 2009
BERLIN ART PROJECTS
GmbH & Co.KG
Auguststrasse 50 b
10119 Berlin
+49 (0) 30 240 87 606-0
+49 (0) 30 240 87 606-20
info@berlinartprojects.de
www.berlinartprojects.de
© Berlin Art Projects 2009
© Christian Awe 2009
www.christianawe.com
Text: Dr. Ulf Küster / Fondation Beyeler
Gespräch: Christiane zu Salm, Christiane Rekade / About Change, Collection
Gestaltung: Nadine Winterer
Redaktion: Mirela Pappermann, Anna von Bodungen
Übersetzung: Amy Patton
Fotos: Bernd Borchardt, Achim Kleuker (S.03), Amin Akhtar (S.34)
Galerieaufnahmen anlässlich der Ausstellung:
ABSTRAKTE WELTEN – SAM FRANCIS / CHRISTIAN AWE
Produktion: Ruksaldruck GmbH & Co. KG, Berlin
Auflage: 1500
Mai 2009
ISBN 978-3-941640-02-3
SHOWROOM: UNTER DEN LINDEN 40 | D-10117 BERLIN | FAX +49 (0) 30 700 11 86-86 | TEL +49 (0) 30 700 11 86-0
PROJECT SPACE: AUGUSTSTRASSE 50B | D-10119 BERLIN | FAX +49 (0) 30 240 87 606-20 | TEL +49 (0) 30 240 87 606-0
INFO@BERLINARTPROJECTS.DE | WWW.BERLINARTPROJECTS.DE
CHRISTIAN AWE | ABSTRAKTE WELTEN