Aufgehende Sonne - SüdwestdeutschesKammerorchester Pforzheim

AUFGEHENDE
SONNE
Sonntag, Sonntag, 13. November xx. xx 2021 2022
CongressCentrum Pforzheim, Großer Saal
xx Stefan xx Schilli Oboe
Douglas Junichi Hirokami Bostock Leitung

AUFGEHENDE
SONNE
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Ein neuer
Morgen
Südwestdeutsches Kammerorchester Pforzheim
Stefan Schilli Oboe
Junichi Hirokami Leitung
Claus-Dieter Hanauer Konzerteinführung
Yasushi Akutagawa 1925-1989
Tryptique für Streichorchester
1 Allegro
2 Berceuse. Andante
3 Presto – Adagio – Tempo 1 – Adagio – Tempo 1
Zum 150. Geburtstag
Ralph Vaughan Williams 1872-1958
Konzert für Oboe und Streichorchester a-moll
1 Rondo pastorale. Allegro moderato
2 Minuet & Musette. Allegro moderato
3 Scherzo. Presto – Doppio più lento – Lento – Presto
PAUSE 20 Minuten
Tōru Takemitsu 1930-1996
Requiem für Streichorchester
Lent
Hinter‘m Horizont geht’s weiter. Wo eben
noch der Tellerrand war, ist jetzt ein Ozean
an Möglichkeiten.
Deshalb fördern wir neue Technologien,
neue Wege und neues Denken.
Antonín Dvořák 1841-1904
Serenade E-Dur Op. 22
1 Moderato
2 Tempo di Valse
3 Scherzo. Moderato
4 Larghetto
5 Finale. Allegro vivace
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ZU DEN WERKEN
AUFGEHENDE SONNE
5
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Yasushi Akutagawa
Tryptique für Streichorchester
Yasushi Akutagawa wurde als jüngster Sohn des Schriftstellers
Ryunosuke Akutagawa geboren und wuchs in
Tokyo auf. Dort studierte er bei Kunihiko Hashimoto,
Kanichi Shimofusa und Akira Ifukube Komposition und
bei Kaneko Dirigieren. Seine Studien schloss er 1949 ab
und erlangte den ersten Preis im Japanischen Radio
Wettbewerb für junge Komponisten. 1950 folgte ein
erster internationaler Erfolg, denn Thor Johnson wurde
in den USA aufmerksam auf Akutagawas ‚Music for
Symphonic Orchestra‘ und dirigierte das Werk über
200 Mal – mit steigendem Erfolg!
Ein großes Interesse an Musik anderer Kulturkreise hatte
Akutagawa bereits während seines Studiums entwickelt.
Die verschiedensten großen Musiker der riesigen, viele
Staaten und Kulturen einschließenden Sowjetunion
interessierten den jungen japanischen Musiker dabei
besonders. Er verschaffte sich verschiedenste Möglichkeiten,
sich mit dieser Musik auseinander zu setzen.
1954 reiste er erstmals illegal in die Sowjetunion, um
seine Vorbilder persönlich kennen zu lernen. In den
folgenden Jahren kamen etliche „legale“ Reisen hinzu
und Akutagawa wurde in der Sowjetunion zum bekannten
modernen Komponisten.
Zu seinen Favoriten gehörten aber bereits vor diesen
direkten Kontakten Komponisten wie Kabalewski,
Khatchaturian, Shostakovich – und immer wieder
Prokofiev.
Diese Vorbildschaft ist im 1953 komponierten ‚Triptyque‘
für Streichorchester deutlich zu hören – in Form von
drängenden rhythmischen Ostinati, die das Streichorchester
immer wieder fast zum Schlagzeug werden
lassen, von unbändig repetierender Bewegung und
dann unvermittelt lyrischem Gesang, schließlich von
Klangballungen, die den Streicherapparat an die

Grenzen seiner Lautstärkefähigkeit bringen können.
Akutagawas Musik, die nicht die eines Kopisten ist, stellt
vielmehr eine geschickte Verquickung japanischer Klangverbindungen
mit den fast martialischen rhythmischen
Formen seiner Idole dar.
Akutagawas besondere Vorliebe für den Streicherklang
schlägt sich in einer überaus vorteilhaften Verwendung
streicherischer Effekte und Klangmöglichkeiten nieder.
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Ralph Vaughan Williams
Konzert für Oboe und Streichorchester a-moll
Ralph Vaughan Williams ist eine der wichtigsten Persönlichkeiten
in der englischen Musik. Mit unglaublich großer
Kenntnis der Materie „englische Musik“ (er war u. a.
Mitglied der Folk Song Society und hatte sich intensiv
mit der „großen“ englischen Musik des elisabethanischen
Zeitalters auseinandergesetzt), bestens beschlagen in
allen kompositorischen Formkünsten und ein Meister
flexibler und eigenständiger Klänge hat er eine Musik
geschaffen, die in bestem Sinne „national“ war – etwas,
was es in England lange gar nicht mehr gegeben hat. Sie
zollt der hohen Gesangskunst auf der britischen Insel
in ausgedehnten Kantilenen ihren Tribut, sie spiegelt
englischen Witz ebenso wie englische Emotionalität
wider, sie war auf der Höhe ihrer Zeit, ohne die Traditionen
zu verleugnen. Und: Ralph Vaughan Williams war
ein guter Kenner der instrumentenspezifischen Möglichkeiten
und verstand es in seinen Solokonzerten, die
spezifischen Besonderheiten der einzelnen Soloinstrumente
bestens zu bedienen.
Der Widmungsträger des Oboenkonzertes ist Léon
Goossens, ein exzellenter, international anerkannter
Oboist und Begründer einer englischen Oboenschule.
Er sollte das Werk bereits im Juli 1944 in London uraufführen,
was jedoch wegen Luftangriffen der deutschen
Wehrmacht nicht stattfinden konnte. So wurde es erst
im Herbst 1944 von Léon Goossens zusammen mit dem
Liverpooler Orchester daselbst aus der Taufe gehoben.

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Das dreisätzige Werk ist eine einzige große Steigerung.
Pastorale Kantilenen im Wechsel mit leicht-bewegten
Passagen, freien Kadenzen und hymnischen Passagen
– dabei versehen mit einer feinziselierten Rhythmik –
prägen den ersten Satz ‚Rondo Pastorale‘. Der zweite
Satz ist ein ‚Minuet-Musette‘ – also ein Tanz, der mal
beschwingt, mal versonnen, nie wirklich schnell einherkommt.
Das Schwergewicht des Konzertes ist der Finalsatz – ein
Scherzo, in dem das Soloinstrument endlich zu einem
virtuosen Gegenspieler des Orchesters wird, nachdem
beide in den vorhergehenden Sätzen sich gegenseitig
gestützt und gestärkt hatten. Hier kann der Solist seine
ganze Spielkunst entfalten. Doch auch hier wendet
sich das Blatt bald eher in Richtung nachdenklicher Versonnenheit
– auch hier gibt es immer wieder pastoralkantable
Passagen – bis am Schluss die Oboe den Satz
in ätherischen Klängen fast alleine beschließt.
Die große Nähe zu Vaughan Williams‘ V. Symphonie
(ein Jahr früher entstanden) ist in diesem Konzert von
großer Bedeutung – immer wieder greift es auf motivisches
Material daraus zurück – und bringt es in eine
„oboenwohlgefällige“ Form. Unbestritten ist der hohe
Rang dieses Konzertes unter den nicht gerade üppig
gesäten Oboenkonzerten des 20. Jahrhunderts!
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Tōru Takemitsu
Requiem für Streichorchester
Eigentlich muss man es als eine unvorhersehbare Laune
des Schicksals bezeichnen, dass Tōru Takemitsu zu einem
international höchst angesehenen Komponisten wurde.
Seine frühe Jugend war wenig prägend in dieser Richtung:
Takemitsu verbrachte seine ersten Lebensjahre
mit seiner Familie in China, wo sein Vater beruflich beschäftigt
war. Zum Schuleintritt wurde der siebenjährige
Tōru alleine nach Japan zurückgesandt, anscheinend
ohne dass eine besondere musikalische Bildung initiiert
worden wäre. Einzig von einer ‚Koto‘ (japanische Wölbbrettzither)
spielenden Tante ist die Rede, durch die
Takemitsu mit traditioneller japanischer Musik in Berührung
kam. 1944 wurde der noch nicht vierzehnjährige
Tōru Takemitsu zum Militär eingezogen, was
eine ganz und gar traumatische Erfahrung darstellen
sollte – aber eben auch der Durchbruch für seine Identitätsfindung
als Musiker. Ein Offizier scheint Takemitsu
u.a. eine Platte mit dem französischen Chanson „Parlezmoi
d’amour“ vorgespielt zu haben (man bedenke:
in einer Zeit, da westliche Musik aus ideologischen
Gründen eigentlich verboten war!) und Takemitsu war
elektrisiert von den Klängen. Nach dem Krieg arbeitete
er auf einer amerikanischen Militärbasis, wo er durch
das amerikanische Radio nun ungehindert neue, fremde
Klänge kennen lernen konnte. Sein Ausspruch, nach
dem Krieg sei einzig die Musik geblieben als reale,
verlässliche Größe und er habe deshalb beschlossen,
ihr sein Leben als Komponist zu widmen, ist vor dem
Hintergrund, dass er ja immer noch quasi ohne diesbezügliche
Ausbildung war, einigermaßen bemerkenswert.
Er verschlang alles, was er zu hören bekam –
von der Unterhaltungsmusik bis zur amerikanischen
Moderne, von der Filmmusik bis zu César Franck und
Claude Débussy – und begann mit eigenen Kompositionsstudien.
Den einzigen, eher kunstphilosophischen
Unterricht erhielt er bei Yasuju Kiyose, in dem Filmkomponisten
Fumio Hayasaka fand er einen getreuen
Mentor. Über seine beiden Förderer bekam er Kontakt
zu einer Gruppe, die sich ‚Neuer Kompositionsschulverein‘
nannte und sich um die Gründung von Konservatorien
und Konzertreihen bemühte. In diesem Zuge erweiterte

11
Takemitsu seinen musikalischen Horizont. Zur besonderen
Inspiration wurde u. a. das Schaffen von Olivier
Messiaen, der als Franzose bewusst „heimische“ Klänge
mit fernöstlichen und afrikanischen Klängen und
Rhythmen, dazu mit Klangeindrücken aus der Natur
verwob und so eine ganz neue Klangwelt erstehen ließ.
Es sollte noch etwas dauern, bis Takemitsu gewissermaßen
den gleichen Weg, nur in entgegengesetzter
geographischer Richtung beschritt, indem er eine
Musik schuf, die eine neue Verbindung von westlicher
und japanischer Musik und Naturklängen war. Zunächst
ließ er sich lieber von allem, was die westliche Avantgarde
so aufzubieten hatte, faszinieren. Messiaen stand
Pate bei Takemitsus Werk ‚Lento in due movimenti‘, das
1950 in einer Veranstaltung des Kompositionsschulvereines
uraufgeführt wurde und mit dem er das öffentliche
Parkett betrat. In den folgenden Jahren befasste
Takemitsu sich mit den Errungenschaften des Serialismus,
der elektronischen Musik und mit philosophischen
Überlegungen zum Verhältnis von Stille und Klang.
Zusammen mit anderen Künstlern (Musikern und
Nichtmusikern) gründete er 1951 ein Experimentelles
Studio, indem sie multimediale Projekte verwirklichten;
1956 schrieb er zum ersten Mal eine von schließlich über
100 Filmmusiken.
Nur ein Jahr später, 1957, entstand sein ‚Requiem‘
für Streichorchester, das den Beginn von Takemitsus
internationaler Karriere begründen sollte. Sein Mentor
Hayasaka war gestorben und Takemitsu wurde von
einer Tbc-Erkrankung gebeutelt. Aus dieser körperlichen
und emotionalen Notsituation heraus schrieb
er sein ‚Requiem‘ für Streichorchester, dessen dichte
Klangschönheit bis heute fasziniert. Takemitsu verwendete
darin an den Gesetzen der Dodekaphonie
und des Serialismus orientierte Klanggruppen, die
zwar überwiegend durch dissonante Intervalle wie
kleine Sekunde und übermäßige Quarte (Tritonus)
konstruiert sind, die sich aber dennoch immer wieder
durch die Schaffung tonaler Zentren und die geniale
Verwendung des obertönigen Streicherklanges zu
leuchtenden, wohlklingenden Klangebenen entspannen.
Die ruhige, dreiteilige Struktur tut ein Übriges:
Das Requiem beginnt aus dem Einklang heraus mit
sich rasch verdichtenden Klängen, setzt im Mittelteil
rhythmische Akzente und verliert sich am Ende, angeführt
von einer kurzen Soloviolinpassage und verstärkt
durch Flageolettklänge in einer (musikalischen?)
Unendlichkeit.

13
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Kein Geringerer als Igor Strawinsky wurde über dieses
Werk mit der Kunst Takemitsus bekannt und trug wesentlich
dazu bei, dass Takemitsus Name als einer der
großen neuen Avantgardisten in Japan und dann auch
in der westlichen Welt bekannt wurde.
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Antonín Dvořák
Serenade E-Dur Op. 22
1875 war für den jungen Antonín Dvořák ein besonderes
Jahr – ein Wiener Ministerium hatte ihm 1874 ein Künstlerstipendium
in Höhe von 400 Gulden bewilligt, das er
nun dafür verwendete, in Ruhe von den verschiedensten
ihn interessierenden Gattungen je erste Werke zu
schreiben. In diesem Zuge entstanden lauter „erste
Klänge aus Mähren“, ein erstes Klaviertrio, ein erstes
Klavierquartett …. und – eine erste Serenade. Diese
Serenade in E-Dur für Streichorchester wurde – wiewohl
ein relatives Frühwerk – eine der erfolgreichsten Vertreterinnen
ihrer Gattung. Was eindeutig geschaffen
wurde, um – mitten in der Romantik –an die großen
(reinen…) klassischen Serenaden eines Haydn oder
Mozarts anzuknüpfen, wurde vielmehr ein Meisterwerk
spätromantisch samtigen Klanges von größter Innigkeit,
dabei auch aller Lebendigkeit folkloristischer Tänze und
allen Melodienreichtums, den Dvořáks Heimat zu bieten
hatte! Die kleinen Formen der einzelnen Serenadensätze
kamen Dvořák sehr entgegen, so konnte er auf
kleinem Raum sehr ökonomisch und immer wieder neu
charakteristisch komponieren.
Um das Ganze unter einen großen Bogen zu stellen,
gönnte er sich den zyklischen Zusammengriff in dem er
thematisches Material aus dem ersten Satz im Finale
wieder aufgriff.
Nach der Uraufführung 1876 in Prag, die ein voller Erfolg
war, nahm sich etwa auch Janaek dieses Werkes an und
führte es in Brünn auf – das Publikum reagierte überall
begeistert…und so soll diese Serenade auch an unserem
Konzertabend den erfüllenden Schlusspunkt setzen.
Ruth M. Seiler

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STEFAN
SCHILLI
Stefan Schilli studierte an den Musikhochschulen in
Trossingen und Karlsruhe, bevor er 1991, mit gerade
zwanzig Jahren, Solo-Oboist im Symphonieorchester
des Bayerischen Rundfunks wurde. 1996 gewann er den
internationalen Wettbewerb „Prager Frühling“ und den
ARD-Wettbewerb, nachdem er schon den Deutschen
Musikwettbewerb für sich entschieden und den Brüder
Busch-Preis entgegengenommen hatte.
Stefan Schilli zählt heute zu den führenden Oboisten
seiner Generation und tritt auf allen großen Konzertbühnen
der Welt auf. Als Solist musiziert er mit Dirigenten
wie Lorin Maazel, Mariss Jansons, Sir Colin Davis,
Christopher Hogwood und Franz Welser-Möst. Gastspielreisen
führen ihn regelmäßig u.a. nach Asien, in die
USA, nach Russland oder zu renommierten Festspielen
wie z.B. dem Edinburgh-Festival oder dem Pablo-Casals-
Festival. Im „Ensemble Triolog“ befasst er sich intensiv
mit zeitgenössischer Musik.
Neben seiner Professur an der Universität Mozarteum
in Salzburg ist Stefan Schilli ständiger Gastdozent bei
Meisterkursen, u.a. an der Sibelius-Akademie in Helsinki.
Seit einigen Jahren beschäftigt er sich außerdem mit
dem Spiel der historischen Oboeninstrumente und ist
Mitglied des neugegründeten Ensembles „L‘Accademia
giocosa“. Für das CD-Label Oehms Classics hat er die
Oboenkonzerte von Mozart, Strauss und B.A. Zimmermann
mit dem Symphonieorchester des Bayerischen
Rundfunks unter der Leitung von Mariss Jansons und
auf der Barockoboe das Oboenkonzert von Dall‘Abaco
aufgenommen.
Mit dem Südwestdeutschen Kammerorchester Pforzheim
verbindet Stefan Schilli eine langjährige Zusammenarbeit,
u.a. auf der CD „As you like it“ mit dem Oboenkonzert
von Vaughan Williams und Stücken von
Benjamin Britten.

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JUNICHI
HIROKAMI
Junichi Hirokami wurde in Tokio geboren und studierte
Dirigieren, Klavier, Musikwissenschaft und Bratsche an
der renommierten Musikhochschule von Tokio. Seine
internationale Dirigentenlaufbahn begann im Alter
von 26 Jahren, nachdem er den Kondrashin-Dirigentenwettbewerb
in Amsterdam gewonnen hatte.
Seit 1990 tritt Junichi Hirokami als Gastdirigent mit
bedeutenden Orchestern in der ganzen Welt auf,
darunter das Orchestre National de France, das Rundfunk-Sinfonieorchester
Berlin, das Royal Concertgebouw
Orchestra, das Israel Philharmonic Orchestra, das
Gewandhausorchester Leipzig, die Wiener Symphoniker,
das St. Petersburg Philharmonic Orchestra, das NHK
Symphony Orchestra und viele mehr.
Daneben wirkte Junichi Hirokami als Chefdirigent des
schwedischen Sinfonie-Orchesters Norrköping, des
Sinfonie-Orchesters Limburg in den Niederlanden,
des Japan Philharmonic Orchestra und des Columbus
Symphony Orchestra sowie als Erster Gastdirigent des
Royal Liverpool Orchestra. Er profilierte sich auch als
Operndirigent, darunter mit bedeutenden Aufführungen
wie „Un ballo in maschera“ und „Rigoletto“
am Opernhaus von Sydney, „La Traviata“ an der Oper
Fujiwara und „La Traviata“ and „Aida“ am New National
Theatre.
Von 2008 bis 2022 war Junichi Hirokami sowohl
Chefdirigent als auch Künstlerischer Berater des Kyoto
Symphony Orchestra. 2015 erhielt er zusammen mit
diesem Orchester den prestigereichen, 46. Suntory
Music Award. Derzeit wirkt er als Künstlerischer Berater
des Japan Philharmonic Orchestra und Friendship
Conductor des Sapporo Symphony Orchestra, seit der
Saison 2022/23 auch als Künstlerischer Leiter des
Orchestra Ensemble Kanazawa und darüber hinaus als
Professor an der Dirigierabteilung des Tokyo College
of Music.

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DAS
SÜDWESTDEUTSCHE
Ein frischer und packender musikalischer Zugriff und
stilistische Vielfalt von der Alten bis zur Neuen Musik
– das sind die konstanten Erkennungszeichen des
Südwestdeutschen Kammerorchesters Pforzheim.
Das in der Basis mit vierzehn Streichern aus sieben
Nationen besetzte Ensemble ist eines der ganz wenigen
„Full-time“-Kammerorchester Europas. So wird eine
außergewöhnliche Homogenität und Flexibilität des
Klangbildes möglich, die auch in größerer Besetzung
mit Bläsern und weiteren Instrumentalisten aus einem
festen Musikerstamm erhalten bleibt.
Gegründet wurde das Südwestdeutsche Kammerorchester
im Jahr 1950 von dem Hindemith-Schüler
Friedrich Tilegant. Rasch fand das Ensemble internationale
Anerkennung: Man sprach vom „Tilegant-Sound“,
der bei den Festspielen in Salzburg, Luzern und Leipzig
und auf weltweiten Konzertreisen zu hören war.
Maurice Andre, Dietrich Fischer-Dieskau, Frans Brüggen
und Yehudi Menuhin waren nur einige der musikalischen
Größen, mit denen das „Südwestdeutsche“
zusammenarbeitete. Nach der Tilegant-Ära wurde das
Orchester vor allem durch Paul Angerer, Vladislav
Czarnecki, Sebastian Tewinkel und Timo Handschuh geprägt.
Mit Beginn der Konzertsaison 2019/20 übernahm
der britische Dirigent Douglas Bostock die künstlerische
Leitung, um seitdem Klang, Stilistik und Programmatik
des Ensembles zu prägen und weiterzuentwickeln.
KAMMERORCHESTER
PFORZHEIM
Auf seinem Erfolgsweg hat das Südwestdeutsche
Kammerorchester neben etlichen Rundfunkaufnahmen
etwa 300 Tonträgern eingespielt, von
denen eine ganze Reihe mit internationalen Preisen
ausgezeichnet wurden. Zahlreiche Uraufführungen
(Jean Françaix, Harald Genzmer, Enjott Schneider,
Mike Svoboda) belegen seine Kompetenz auch für
die zeitgenössische Musik.
Auch in jüngerer Zeit musizierte das Kammerorchester
mit international bekannten Solisten wie Nigel Kennedy,
Andrea Bocelli, Mischa Maisky, Yuri Bashmet, Christian
Tetzlaff oder Lars Vogt und war in ganz Europa (Festival
Schwetzinger Festspiele, Festival Euro Mediterraneo
Rom, OsterKlang Wien, Sala Verdi Mailand, Auditorio
Nacional Madrid, Berliner Philharmonie), in den USA
und in Japan zu Gast. Daneben erweiterte es seine
Bandbreite durch neue Programmideen und Projekte
in den Bereichen Weltmusik (Giora Feidman), Jazz
(Nigel Kennedy, Sebastian Studnitzky), Crossover
(Fools Garden), Musik und Literatur (Iris Berben, Senta
Berger, Hannelore Hoger), Kabarett (Lars Reichow),
Oper (Manfred Honeck) und Tanz (Nina Corti, Bettina
Castaño).

20
Sonntag, 20. November 2022
Jugendkulturhaus Kupferdächle Pforzheim
16 Uhr, Workshop für Jugendliche ab 12 Jahren
20 Uhr, Konzert
Südwestdeutsches Kammerorchester Pforzheim
Robeat, Human Beatbox
Mark Mast, Leitung
KLASSIK
MIT BEAT
Musik von Robeat,
Edvard Grieg, Karl Jenkins und
Wolfgang Amadeus Mozart
Samstag, 31. Dezember 2022
18 Uhr, CongressCentrum Pforzheim, Großer Saal
Südwestdeutsches Kammerorchester Pforzheim
Douglas Bostock, Leitung und Conférence
EIN
MUSIKALISCHES
21
Musik von
Michail Glinka, Jacques Offenbach,
Johann Strauss (Sohn), Camille Saint-Saëns,
Franz von Suppé, Hans Christian Lumbye,
Ferdinand Hérold, Manuel de Falla,
Nikolai Rimsky-Korsakow, Pietro Mascagni,
Alexander Borodin
Nähere Informationen: www.swdko-pforzheim.de
Nähere Informationen: www.swdko-pforzheim.de
BONUS: Vergünstigung für Abonnenten des Kammerorchesters
In Zusammenarbeit mit WSP –
Wirtschaft und Stadtmarketing Pforzheim

22 23
VEREIN ZUR FÖRDERUNG
DES SÜDWESTDEUTSCHEN
KAMMERORCHESTERS
PFORZHEIM E.V.
Der Förderverein
Tradition trifft Innovation – diese drei Worte beschreiben
„unser“ Kammerorchester perfekt: die
Verankerung in der reichen klassisch-romantischen
Orchestertradition ebenso wie die Aufgeschlossenheit
für spannende Begegnungen mit Literatur, Jazz,
Weltmusik oder Tanz.
Um die erfolgreiche künstlerische Arbeit des Kammerorchesters
für die Stadt Pforzheim und ihre Region
weiter zu ermöglichen und auszubauen, ist privates
Engagement unerlässlich. Im Förderverein sammeln
sich daher Freunde und Mäzene, um die kulturellen
Aufgaben des Orchesters ideell und finanziell mitzutragen.
Seien Sie dabei!
Der eingetragene und als gemeinnützig anerkannte
Förderverein erhebt keine Mitgliedsbeiträge. Für
Ihre steuerlich abzugsfähige Spende nach eigenem
Ermessen erhalten Sie eine Spendenbescheinigung.
Samstag, 17. Dezember 2022
16 Uhr Kulturhaus Osterfeld
Südwestdeutsches Kammerorchester Pforzheim
Juri Tetzlaff Erzähler
Johanna Pichlmair Violine
SONNE,
STURM
UND
GEIGENHAGEL
Antonio Vivaldi:
Vier Jahreszeiten – oder:
Können Geigen bellen?
Kann man Hitze hören?
Vorstand:
Ilka Knoth (Vorsitzende), Martin Linnebach-von Wedel,
Prof. Dr. Ulrich Jautz, Michael Hasch, Heidrun Horn-
Martin, Wilfried Staiger
Informationen:
Tel. (0 72 31) 46 46 44
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Kammerorchesters!
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Montag 8.30-13.00 bis Freitag Uhr 8.30-13.00 Uhr / 14.30-18.30 75172 Pforzheim Uhr
Samstag 9.00-13.00 Uhr
Montag 14.30-18.30 bis Freitag Uhr Westliche 07231/451132
257 a
8.30-13.00 Westliche 257a, Uhr 75172 Pforzheim
Sa: 9.00-13.00 Uhr 75172 Pforzheim 07231/4438523
14.30-18.30 07231/451132 Uhr und 07231/4438523 07231/451132
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KONZERTE
IN DER REGION
Sonntag, 20. November 2022, 20 Uhr
Jugendkulturhaus Kupferdächle
Klassik mit Beat – Konzert
Robeat, Human Beatbox
Südwestdeutsches Kammerorchester Pforzheim
Mark Mast, Leitung
Samstag, 17. Dezember 2022, 16 Uhr
Pforzheim, Kulturhaus Osterfeld
Sonne, Sturm und Geigenhagel
Familienkonzert
Antonio Vivaldi: Die vier Jahresezeiten
Juri Tetzlaff, Erzähler
Johanna Pichlmair, Violine und Leitung
Südwestdeutsches Kammerorchester Pforzheim
Freitag, 25. November 2022, 19.30 Uhr
Pforzheim, Forum im TurmQuartier
Zauber der Klassik: London und Wien
Laszló Fenyö, Violoncello
Südwestdeutsches Kammerorchester Pforzheim
Douglas Bostock, Leitung
Samstag, 10. Dezember 2022, 18 Uhr
Pforzheim-Büchenbronn, Bergkirche
Stadtteilkonzert
Lukas Adams, Cembalo
Südwestdeutsches Kammerorchester Pforzheim
Olivier Robe, Leitung
Samstag, 31. Dezember 2022, 18 Uhr
Pforzheim, CongressCentrum
Ein musikalisches Feuerwerk
Silvesterkonzert
Südwestdeutsches Kammerorchester Pforzheim
Douglas Bostock, Leitung
Freitag, 6. Januar 2023, 11 Uhr
Pforzheim, CongressCentrum, Mittlerer Saal
Dreikönigskonzert
In Zusammenarbeit mit der
Löblichen Singergesellschaft von 1501 Pforzheim
Südwestdeutsches Kammerorchester Pforzheim
Douglas Bostock, Leitung
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Nähere Informationen auch zu weiteren Konzerten
und Tickets: www.swdko-pforzheim.de

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DANKE ...
CD-AUSWAHL
27
… der Stadt Pforzheim als Orchesterträger,
dem Land Baden-Württemberg als Zuschussgeber,
unserem Förderverein,
allen Sponsoren, Förderern und Partnern:
As You like it
Englische Musik für Oboe und Streicher
mit Stefan Schilli, Oboe
Ralph Vaughan Williams:
Konzert für Oboe und Streichorchester
(u.a.)
Südwestdeutsches Kammerorchester
Pforzheim
Sebastian Tewinkel, Leitung
HEUTE
IM
PROGRAMM
HEUTE
IM
PROGRAMM
Portrait
Antonín Dvořák: Serenade (u.a.)
Südwestdeutsches Kammerorchester
Pforzheim
Vladislav Czarnecki, Leitung
Hauptsponsoren und Medienpartner
Bad Homburger Schlosskonzerte
Antonín Dvořák: Serenade (u.a.)
Südwestdeutsches Kammerorchester
Pforzheim
Berhard Epstein, Leitung
HEUTE
IM
PROGRAMM
GEBRÜDER SCHAICH STIFTUNG
Departure
Wolfgang Amadeus Mozart:
Ouvertüre zur Oper Lucio Silla KV 135
Klavierkonzert Nr. 9 Es-Dur KV 271
„Jeunehomme“
Sinfonie Nr. 34 C-Dur KV 338
Vasco Dantas, Klavier
Südwestdeutsches Kammerorchester
Pforzheim
Douglas Bostock, Leitung
Sponsoren, Förderer und Partner
Mozart: Bläserkonzerte & Sinfonie Nr. 1
Oboenkonzert C-Dur KV 271 (u.a.)
Paolo Grazia, Oboe
Südwestdeutsches Kammerorchester
Pforzheim
Alexandros Myrat, Leitung
... und allen weiteren Institutionen und Personen,
die uns finanziell und ideell unterstützen.
Erhältlich heute im Foyer, über die Geschäftsstelle des
Kammerorchesters (Tel. (07231) 46 46 44), im Internet
www.swdko-pforzheim.de/cds und in Auswahl bei
City Music Voigt, Pforzheim (Jägerpassage)

28
29
KONTAKT
Geschäftsstelle
Südwestdeutsches Kammerorchester Pforzheim gGmbH
Westliche Karl-Friedrich-Straße 257a
D-75172 Pforzheim
Telefon: (0 72 31) 46 46 44
Telefax: (0 72 31) 46 46 43
info@swdko-pforzheim.de
www.swdko-pforzheim.de
Öffnungszeiten:
Montag/Dienstag/Donnerstag: 10–15 Uhr
Mittwoch/Freitag: 10–12 Uhr
Management
Andreas Herrmann, Geschäftsführer
Anne-Katrin Mücke, Projektmanagement,
Künstlerisches Betriebsbüro, Marketing
Sekretariat, Verwaltung, Kartenservice
Silvia Arnone und Frau Mätschke, Sekretariat,
Verwaltung, Kartenservice
Paul Rapp, FSJ Kultur
Bankverbindung
Sparkasse Pforzheim Calw
IBAN: DE26 6665 0085 0000 6422 58
BIC: PZHSDE66XXX
Sonntag, 5. Februar 2023
19 Uhr im CongressCentrum Pforzheim, Großer Saal
18 Uhr Konzerteinführung
3
HIMMLISCHE
FREUDEN
IMPRESSUM
Redaktion
Andreas Herrmann
Anne-Katrin Mücke
Gestaltung
Landauer Design Management, Pforzheim
Fotos
Sebastian Seibel, Lisa Lorch, Regine Landauer,
Wolfgang Schmidt, Georg Moritz (Pforzheimer
Zeitung), Künstler-Agenturen
Redaktionsschluss
1. November 2022
Maria Rosendorfsky Sopran
Douglas Bostock Leitung
Leoš Janáček Idylla
Gustav Mahler Sinfonie Nr. 4 G-Dur

30
HEUTIGE
KONZERTBESETZUNG
LEITUNG
Junichi Hirokami
VIOLINE I
Manuel Druminski, Gast- Konzertmeister
Michael Ewers
Andrzej Brzecki
Verena Böckenhoff
Florian Bachofer
VIOLINE II
Gabriele Etz, Stimmführerin
Eleonore Bodendorff
Vera Kleimann
Claudiu Rupa
VIOLA
Dariusz Wasiak, Solo
Tomasz Korniluk
Cheryl Swoboda
VIOLONCELLO
Rastislav Huba, Solo
Konstanze Bodamer
Kevin Guerra Rondón
KONTRABASS
Matthias Botzet, Solo
Talent,
Technik,
Schnelligkeit
Ultrapräzision
Wir wünschen Ihnen
ein klangvolles Konzert!
31
DIE NEUE DIMENSION DER STANZTECHNIK
Fritz Stepper GmbH & Co KG
Robert-Bosch-Str. 5 I 75180 Pforzheim
Telefon + 49 (0) 7231/9733-0 I E-mail: pro@stepper.de
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das Leben
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