Statusbericht - Homepage - Kunsthistorisches Institut in Florenz

Mattia Preti,
Johannes der Täufer
mit Selbstporträt,
Detail, 1687.
Taverna, S.
Domenico.
„Bravura“. Zur Thematisierung von Virtuosität in Malerei und Kunsttheorie
Nicola Suthor
Das Forschungsprojekt beschäftigt sich mit der historischen Kontextualisierung eines
kunsttheoretischen Terminus. Die Kategorie „bravourös“ wird in der Kunstgeschichte
als verkürzte Beschreibung für Gemälde, in der die malerische Setzung forciert thematisiert
ist, häufig gebraucht. Die Selbstverständlichkeit ihrer Anwendung scheint jedoch eher
auf ihren alltagssprachlichen Gebrauch zurückzugehen, der vor allem durch die Idee
des Bravourstücks bestimmt ist – eine Musikgattung, die sich im Laufe des 18. Jahrhundert
ausdefiniert („Bravourarien“ etc.). „Bravour“ bzw. „Bravura“ beinhaltet eine demonstrativ
vorgeführte Virtuosität der Technik in der souveränen Beherrschung des Instrumentes.
Das Bravourstück ist eine Komposition, welche durch das Ausspielen auffallender
Schwierigkeiten, die in der Aufführung zu meistern sind, auf Applaus als Anerkenntnis
der Virtuosität abzielt. Das Forschungsprojekt wird u.a. danach fragen, ob sich in der
Malerei ein spezifisches Genre für die demonstrative Vorführung von Virtuosität
ausbildete, bzw. welche Gattung sich durch welche bildnerischen Strategien für diesen
Kunstdiskurs offen zeigte.
Der Begriff „Bravura“ hat jedoch in der Malereitheorie eine weit ältere Geschichte,
welche aufgezeigt werden soll. „Bravura“ wurde erstmals im 17. Jahrhundert als Begriff
für eine spezifisch kühne, d.h. mit den Malmitteln mutwillig operierende Malerei benutzt.
Als derjenige Autor, der erstmals dem Begriff eine kunsttheoretische Tragfähigkeit
beigemessen hat, gilt Marco Boschini (vgl. Pepe-Grassi, Eintrag „bravura“). Wenn
Boschini in seinem mehr als 600 Seiten umfassenden Lobgedicht auf die venezianische
Malerei „La carta del navegar pitoresco“ (1660) die
Maler als „Bravi“ aufruft, und wenn er den Pinsel als
Schwert (spada) bezeichnet, mit dem „kühne Taten“
verübt werden, dann heroisiert er die eigene
Malereitradition mittels dieser metaphorischen
Annäherung an die Kriegskunst.
Die Bravura (dt., Tapferkeit, Kühnheit) des Bravo
(Degenheld) ist auch die tragende Idee der
Selbstdarstellung in vielen Künstlerselbstporträts im 17.
Jahrhundert, in welchen die Utensilien des Malers gegen
diejenigen des Degenhelden eingetauscht wurden.
Hybridformen, d.h. Selbstporträts, in denen der Künstler
in seiner Rechten gleichzeitig Degen und Palette, Schwert
und Pinsel vorführt, werden in der Untersuchung wegen
ihrer illustrativen Aussagekraft besondere
Berücksichtigung finden. Diese Selbstporträts haben in
der Kunstgeschichte wegen ihrer Unkonventionalität
bisher kaum Beachtung gefunden. Auch sind die meisten
Selbstporträts trotz der frappierenden physiognomischen
Gleichheit mit den autorisierten
Selbstbildnissen durchgängig schlicht als „Porträt eines
Soldaten“ betitelt worden.
Inwieweit diese Maskerade des Künstlers, die den Aspekt von männlicher Virilität
herausstreicht, – im Sinne der Idealvorstellung des bravourösen Künstlers – auf die
Lebenspraxis übergreift, können einige Vitenbeschreibungen bezeugen. Erstaunlicherweise
läßt sich für einige dieser Maler nachweisen, daß sie sowohl eine Malereiausbildung als
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Forschungen des wissenschaftlichen Nachwuchses