50 Years Galerie Voigt Jubiläumsedition 2022

EDIT 50RIAL
MEILENSTEINE – IN 50 JAHREN
EVA GROSSMANN ÜBER...
BJÖRN GROSSMANN ÜBER...
10
20
1972 Gründung der Galerie durch Beate Voigt, Hintere Ledergasse
1974 Umzug in die Obere Wörthstraße 1
1975 Eintritt von Eva Grossmann in die Galerie als Mitarbeiterin
1983 Übernahme der Galerie durch Eva Grossmann
1989 Gründung der ersten Dependance mit Rahmenwerkstatt, Obere Wörthstraße 21
1990 Umbau der Räume Obere Wörthstraße 1, separate Räume für Kunst und Schmuck
1992 Eröffnung Art-Shop & Kunsthandel in der Schustergasse 10
1992 Änderung der Gesellschaftsform in GmbH
1993 Umzug der Rahmenwerkstatt in die Äußere Sulzbacher Straße 48
1996 Umzug Art-Shop in die Obere Wörthstraße 8
301997 Galerie Voigt mit eigener Website online
2000 Verdopplung der Ausstellungsräume in der Oberen Wörthstraße 1-3
2003 Umzug der Rahmenwerkstatt in die Äußere Sulzbacher Straße 24
2002-08
40
Ausstellungsbetrieb im Frankencampus
2008 Neugestaltung und Erweiterung der Ausstellungsfläche in der Oberen Wörthstraße 8
für den Galeriebetrieb
2008 Beteiligung von Sohn Björn Grossmann zum Mitgeschäftsführer
2010 Trennung von Kunst (Obere Wörthstraße 1-3) und Schmuck (Obere Wörthstraße 8)
2011 „Schmuck Award“ in der Kategorie „Design“ als bestes Schmuckgeschäft im
deutschsprachigen Raum
50
2014 Eröffnung des eigenen Onlineshops
2017 Neue Galerieräume in der Kaiserstrasse 38
2018 Umzug der Galerie von der Oberen Wörthstraße 8 in die Kaiserstraße 38
2020 Neugestaltung der Schmuckgalerie Obere Wörthstrasse 1-3
KUNST
„Kunst ist gleichermaßen vergänglich und
zeitlos. Meinen Kunden rate ich, bei Kunst nicht
wie in Aktien zu denken. Natürlich ist es schön,
wenn etwas im Wert steigt. Dennoch sollte man
nach seinem Bauchgefühl kaufen, schließlich
möchte man sich mit der Kunst umgeben. Gute
Kunst stellt für mich ein Werk dar, das nicht nur
als reine Dekoration zu konsumieren ist, sondern
Tiefe beweist, weil es den Betrachter zum
Hinterfragen animiert, was den Künstler bewegt
haben mag und was hinter der Fassade steckt.“
SCHMUCK
„Wie bei der Kunst trägt auch ein Schmuckstück
die unverkennbare Handschrift seines Designers,
und so hat guter Schmuck in meinen Augen
immer etwas Unverwechselbares an sich. Im
Gegensatz zur Kunst wird allerdings der Träger
oder die Trägerin zum Teil eines Gesamtkunstwerks,
es geht also um die Proportion und die
Verbindung, um Stimmigkeit aus Persönlichkeit
und Schmuckstück.“
KUNST
„Kunst braucht Raum. Deshalb legen wir auch
großen Wert darauf, die Werke in unserer Galerie
immer in einem stimmigen Gesamtkonzept zu
präsentieren. Mich persönlich haben Besuche auf
der Biennale in Venedig inspiriert, die Pavillons
von Maurizio Cattelan und Shirin Neshat waren
echte Highlights. Ebenso erinnere ich mich gerne
an einen Besuch im Dia Center for the Arts in
Beacon, etwa eine Autostunde nördlich von New
York. Hier sind riesige Metallskulpturen des USamerikanischen
Bildhauers Richard Serra zu
sehen, monumentale Installationen in eigens
hierfür geschaffenen Hallen. Ein wirklich faszinierendes
Erlebnis.“
SCHMUCK
„Schmuck hat eine starke Symbolkraft. Ist der
Anlass, zu dem man ein Stück geschenkt bekommen
oder sich geleistet hat, besonders,
kann dieses Gefühl ein Leben lang bei einem
bleiben. Deshalb geben wir auch unser Bestes,
solche Schmuckstücke zu erhalten. Wir sind
immer wieder überrascht, wie lädiert so manches
Stück bei uns eintrifft. Es gab auch schon den
Fall, dass ein Trauring ohne das Wissen des
Partners verloren ging. Den haben wir dann eins
zu eins ersetzt. Sollte ich ein Stück aus unserem
Sortiment herausgreifen, dann wäre es wohl
eine Uhr von Lehmann, die viel über unsere
Philosophie verrät. Die Marke ist weniger bekannt
als andere, die Chronometer werden aber von
einem der besten Uhrenspezialisten überhaupt
gefertigt. Wer einen Blick für Uhren hat, sieht
sofort, dass es sich um etwas Außergewöhnliches
handelt. Lehmann ist echtes, edles Understatement.“
Die Fragen stellte Axel Rabenstein, freier Journalist und Buchautor.

4 DIE NEUEN SCHMUCKKOLLEKTIONEN DIE NEUEN SCHMUCKKOLLEKTIONEN
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Pomellato ist als Wegbereiter des „New
Precious“ bekannt geworden. Als Hüter der
renommierten Mailänder Goldschmiedetradition
kreiert das Unternehmen handgefertigte
Kollektionen, für die ausschließlich
Gold aus verantwortungsvoller Beschaffung
verwendet wird. Das Engagement für
ökologische Nachhaltigkeit steht dabei
ständig im Vordergrund und kontinuierliche
Investitionen in die Rückverfolg-barkeit von
Farbedelsteinen und Diamanten wurden
zur Selbstverständlichkeit.
Ring Four Seasons 18kt Rosegold
mit vier Saphiren, 4.640 eur
Ohrringe Nudo 18kt Rosegold mit skyblue Topas und weißen Diamanten, 8.400 eur — Ringe
in Rose und Weißgold mit Farbedelsteinen und Diamanten ab 3.600 eur
Kette Nudo 18kt Rosegold mit Londonblue Topas und weißen Diamanten ab 3.700 eur —
Ohrringe Nudo 18kt Rosegold mit Londonblue Topas und weißen Diamanten 10.300 eur
Nudo ist zweifelsohne das Must-Have Design von Pomellato,
das zum Markenzeichen des Unternehmens geworden ist und eine
zeitgemässe Stil-Ikone Pomellatos Nudo macht jetzt doppelt so
viel Spass, der faszinierende Clessidra-Schliff verleiht mit frischen
Neuheiten der ikonischen Nudo-Kollektion, neue Facetten. Eine
der originellsten Entwicklungen ist der doppelseitige Clessidra-
Schliff. Clessidra bedeutet „Sanduhr“ auf italienisch, weil das
Profil dieser Edelsteine von der Seite betrachtet einer sinnlichen
Acht ähnelt. Die Farbenvielfalt und der taktile Reiz dieses Schliffs
haben das Designerteam von Pomellato dazu inspiriert, neue Wege
zu gehen, um das innere Licht der Edelsteine zu enthüllen.
Angela Hübel, ihr Name ist zum
Begriff für eigenwillige,
skulpturale Ringformen geworden
Die ausdrucksvollen Schmuckstücke
mit ihren schlichten, meist geometrischen
Grundformen leben von dem unglaub-
lichen Ideenreichtum ihrer Schöpferin
Angela Hübel, die dem Thema „Ring“
immer neue Facetten verleiht. Feinste
Goldschmiedekunst, manchmal akzen-
tuiert mit feinen Perlen, edlen Farbstei-
nen oder Diamanten, umgibt die Finger
der Trägerin wie eine kleine Skulptur. Der
Erfolg einer so unkonventionellen und
intellektuell anspruchsvollen Schmuck-
linie beweist, dass der Schmuckmarkt
sich gewandelt hat.
Viele Frauen identifizieren sich nicht
mehr mit einer vordergründig am modisch
Dekorativen oder am materiellen Wert
orientierten Gestaltung, sondern sie
erfahren das Tragen von Schmuck als
Auseinandersetzung mit der eigenen
Person und dem eigenen Körper.
Neben zahlreichen Veröffentlichungen
in Zeitschriften, Magazinen und Büchern
ist das mehrfach preisgekrönte Design
von Angela Hübel in die Sammlungen
verschiedener deutscher Museen ein-
gegangen.
Kette Iconica 18kt Rosegold, 34.000 eur
Diese unverwechselbare Kette aus Roségold der Iconica-Kollektion ist etwas ganz Besonderes
Vielseitigkeit ist ein Hauptmerkmal von Pomellato, und der Verschluss ermöglicht es, die Kette
als Lariat-Kette mit dem größten Glied als Anhänger oder als lange Sautoir-Kette zu tragen.
Kette Nudo 18kt Rosegold mit skyblue Topas und weißen Diamanten Länge 42cm, 3.400 eur –
Länge 70cm 3900 eur — Kette Nudo 18kt Rosegold mit Londonblue Topas und weißen Diamanten
ab 3.700 eur — Kette 18kt Rosegold mit weißem Topas, Perlmutt und weiße Diamanten Länge
42cm, 3.000 eur – Länge 70cm 3.500 eur — Kette Nudo 18kt Rosegold mit Rosenquarz, Chalcedon
und braune Diamanten ab 2.800 eur
Ring Feuerwerk 18kt Rosegold mit Brillanten 0,13ct tw-vs, 5.400 eur

— EXKLUSIV FÜR GALER IE V OIGT
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DIE NEUEN SCHMUCKKOLLEKTIONEN
DIE NEUEN SCHMUCKKOLLEKTIONEN
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Die Regeln für das Tragen von
edlem Schmuck neu definiert
Ketten in 18kt Gold mit vielen individualisierbaren Anhängern wie Buchstaben, Fingerabdruck, Key To My Heart, Koordinaten, Sternzeichen, Symbole ab 299 eur
Kette Mikado Delicate Candy 18kt Weißgold mit Diamant
Pavé, Swiss Topas, Peridot und Turmalin, 10.900 eur
Ring Tulip mit rosa Turmalin 4,87ct in 18kt Weißgold mit 0,18ct
Brillantpavé F/vs, 7.200 eur — Ring Tulip mit Turmalin mint 4,24ct
in 18kt Weißgold mit 0,18ct Brillantpavé F/vs, 7.700 eur — Ring
Tulip mit facettiertem Aquamarin 2,95ct, gefasst in 18kt Weißgold
mit Brillantpavé 0,15ct F/vs, 7.890 eur
Unendliche Möglichkeiten
Seit der Gründung der Marke im Jahr 1992 hat Tamara Comolli die
Regeln für das Tragen von edlem Schmuck neu definiert. Mit ihren
unglaublich vielseitigen Designs hilft sie jeder Frau, sich auf natürliche
und mühelose Weise auszudrücken. „Barfuß-Luxus“ ist das, worum es
uns geht: ein Gefühl der Freiheit und des Glücks, mit dem Sie dem
Alltag entfliehen können. Die beliebte MIKADO Kollektion verkörpert
wie keine andere diese einzigartige Philosophie. So sind die unverkennbaren
kegelförmigen Edelsteine in leuchtenden Farben heute das
Lieblingsstück zahlreicher Frauen auf der ganzen Welt und begleiten
sie tagtäglich in den schönsten Farbkombinationen und Layering
Looks. Neu dazu gekommen sind in diesem Jahr, die lässigen, vielseitig
zu tragenden Mikado Delicate Halsketten, mal edel mit Diamanten
oder sportlich mit den für Comolli so typischen Farbkegelchen. Die
neuen Colourstorys „Blush“ und „Ocean“ ergänzen die Kollektion mit
wunderschönen Farbklängen.
Die beiden Gründerinnen des niederländischen
Unternehmens Marloes und Marshia
lassen sich von ihren Kindern für die zarten
Schmuckdesigns inspirieren. Nach der Geburt
ihrer Kinder entstand bei Beiden, das tiefe
Verlangen ihre Kinder buchstäblich wie auch
im übertragenen Sinne nah am Herzen zu
tragen. Daraus entwickelte sich die Idee feine
und zeitlose Schmuckstücke mit den Initialen
der Kinder zu entwerfen. Seit 2011 haben
die beiden ihre Kollektionen immer weiterentwickelt
und ergänzt. Neben Ketten gibt es
nun auch Ringe, Ohrhänger und Armbänder,
die man nach Herzenslust personalisieren und
individuell gestalten kann. Jedes der Stücke
erzählt seine eigene Geschichte. Die Initialen
kann man mit Fingerabdrücken seines Lieblingsmenschen
oder einem handgeschriebenen
Text ergänzen. Die Marke Minitials begeistert
durch Einfachheit, Authentizität und vor allem
Liebe. Jedes Stück wird in den Niederlanden aus
den besten Materialien, wie 18 Karat Gold und
feinsten Diamanten, hergestellt.
Armband Circle Of Love 18kt Gelbgold mit 16 weißen Brillanten, Satinband,
regulär 589 eur
Jubiläumspreis (– 50 eur): 539 eur
Armband Mikado Flamenco Candy 18kt Rosegold, 49.900 eur
Anhänger Mikado Flamenco 18kt Rosegold mit pinkem
Turmalin, 1.990 eur — Anhänger Mikado Bouquet 18kt
Rosegold mit Swiss Topas, 1.990 eur — Anhänger Mikado
Flamenco 18kt Rosegold mit Peridot, 1.390 eur
Ring Bouton small 18kt Rosegold Peridot, 1.690 eur —
Ring Bouton Solitaire 18kt Rosegold Saphir pink, 1.690 eur —
Ring Bouton small 18kt Rosegold Mandaringranat, 1.990 eur —
Ring Bouton large 18kt Rosegold Swiss Topas, 2.490 eur
Armband Mikado Flamenco Charm Blush 18kt Rosegold,
Turmaline und Mondstein, 8.190 eur
Kette Mikado Delicate Diamant Pavé
18kt Rosegold, 11.900 eur

— EXKLUSIV FÜR GALER IE VOIGT
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DIE NEUEN SCHMUCKKOLLEKTIONEN
DIE NEUEN SCHMUCKKOLLEKTIONEN
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Anhänger Mirage Loop 18kt Gold ab 740 eur, Halsschnur 18kt Gold ab 880 eur
Niessing hat die moderne Schmuckwelt wie
keine andere Marke geprägt. Querdenken,
neu denken, Traditionen schätzen und den
Mut Neues zu wagen ist fester Bestandteil
ihres Selbstverständnisses.
Alles neu – eine attraktive Auswahl an besonderem und außergewöhnlichem
Ohrschmuck ergänzt die bekannten Schmuckthemen wie ARTIST, MIRAGE, TOPIA,
PRINCESS um nur einige zu nennen. Typisch bei Niessing, die Goldfarben können
individuell konfiguriert werden.
Ohrschmuck Artist Kreis 18kt Gold mit fünf Brillanten
tw-vs2 gesamt 0,12ct, 2.880 eur
Ohrstecker Artist 18kt Gold mit vier Brillanten tw-vs2
gesamt 0,05ct, 1.070 eur
Ohrhänger Princess 18kt Gold mit zwei Brillanten tw-vs2,
ab 1.120 eur
Ohrschmuck Satellite Orbit 18kt Gelbgold mit 39 Brillanten
tw-vs2 im Set komplett, 5.570 eur
Unverkennbar und einzigartig. So lässt sich
der Schmuck von Marco Bicego wohl für jene
beschreiben, die ihn noch nicht kennen. Der Italiener,
der seiner Marke seinen Namen gab, begeistert sich
für natürliche Formen und will Schmuck designen,
der täglich getragen werden kann.
Ohrstecker Diamond Wave 18kt Gelbgold mit 6 Brillanten
tw-vs2 0,18ct, 1.490 eur
Creole Satellite 18kt Gelbgold mit Brillanten tw-vs2,
ab 4.012 eur
Ohrstecker Mirage 18kt Gelbgold, 2.170 eur
Ohrstecker Topia Mini 18kt Rosewood, 1.490 eur
Jaipur – außergewöhnliche Farbsteine.
— EXKLUSIV FÜR GALER IE VOIGT
Inspiriert von einem tropischen indischen Sonnenuntergang
zeichnet die Kollektion die Steinschleifer
Tradition in Jaipur aus. Die mehrfarbigen Edelsteine
​im Prismenschliff stammen aus der „rosa
Stadt“ Jaipur, wo das fachmännische Steinschleifen
im Laufe der Jahrhunderte perfektioniert wurde.
Die spezialisierten Handwerker der Stadt wenden
Ihre Erfahrung an, um Schönheit und Licht aus
jedem Stein zu zaubern und den idealen Schliff
Schwungvoll, strahlend, extravagant, was
könnte einen einzelnen Diamanten besser
highlighten als viele kleine Brillanten? Der
Niessing Spannring Lucia Highlights spielt
mit einer funkelnden Linie aus Licht. Die
feinen Brillanten sitzen seitlich auf der
Ringschiene und umgeben den Solitär mit
ihrem Strahlen. Kostbar und einzigartig,
einfach perfekt für Ihren glanzvollen Auftritt.
Regulär gibt es den Spannring Lucia Highlights
erst ab einer Briilantgröße von über
einem Carat. Zu unserem Jubiläum hat
Niessing den Spannring exklusiv für uns
mit jeweils einem Solitär-Brillanten 0,72
carat gefertigt, in Verbindung zu unserem
Gründungsjahr 1972.
Kette Jaipur Link 18kt Gold ab 8.950 eur — Anhänger Jaipur 18kt Gold Citrin
ab 790 eur, Anhänger Jaipur 18kt Gold mit Brillant Linie ab 1.730 eur
herzustellen. Jeder ist bewusst unterschiedlich
und gleichermaßen wertvoll, da er sorgfältig aus
vielen ausgewählt wurde. Jeder Stein wird einge-
bettet in einen Rahmen aus 18 karätigem Gold, der
sorgfältig von Hand mit dem Stichel graviert wurde
und auf diese Weise, die für Bicego-Schmuck so ty-
pische wie einzigartige, samtige Oberfläche erhält.
Spannring Lucia Highlights 950 Platin mit seitlichem Pavé aus 62 Brillanten tw-vs2 je 0,003ct und ein Brillant VVS1-River D, 0,72ct, 12.660 eur – Spannring Lucia Highlights 18kt Gelbgold mit
seitlichem Pavé aus 62 Brillanten tw-vs2 je 0,003ct und ein Brillant VS1-TW(G) 0,72ct, 11.160 eur – Spannring Lucia Highlights 18kt Rosewood mit seitlichem Pavé aus 62 Brillanten tw-vs2 je
0,003ct und ein Brillant SI-Cinnamon 0,72ct, 8.910 eur
Kette Jaipur aus 18kt Gold mit Amethysten, Topasen, Citrinen und
Turmalinen im Verlauf von 6-15mm, Länge 43cm, 4.600 eur
Anhänger Jaipur 18kt Gold mit Perlmutt ab 790 eur, mit London Topas
ab 1360 eur, mit Amethyst ab 790 eur, mit sky blue Topas ab 790 eur,
Kette Jaipur 18kt Gold ab 6250 eur

— EXKLUSIV FÜR GALER IE V OIGT
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DIE NEUEN SCHMUCKKOLLEKTIONEN
DIE NEUEN SCHMUCKKOLLEKTIONEN
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Der Name steht für das
Gründungsjahr des
ungewöhnlichen Schmucklabels
Exklusiv für Galerie Voigt hat uns Twentyten den Abguss
einer kostbaren antiken Münze gefertigt. Die Vorderseite zeigt
Aphrodite, die Göttin der Liebe, der Schönheit und der sinnlichen
Begierde. Ihr Pendant in der römischen Mythologie ist die Venus.
Die Rückseite der Münze schmückt Pegasos, das geflügelte Pferd
der Unsterblichkeit. Die kleine Auflage von wenigen Exemplaren
ist nur während unseres Jubiläumsjahres erhältlich.
Ohrschmuck Lotus 18kt Gold mit Serpentin, Rutilquarz und zwei Brillanten tw-vs2 0,02ct, 3.850 eur
Ring Boho large 18kt Gold mit Aquamarin und 8 Brillanten tw-vs2 0,06ct, 12.900 eur
Kette twentySOME Jubiläumsedition Galerie Voigt 2022 mit Sonderprägung in 18kt Rosegold, mit
der Göttin Aphrodite auf der Vorderseite und auf der Rückseite Pegasos, 1.620 eur
Ring Boho 18kt Gold mit Türkis, Opal und 7 Brillanten tw-vs2 0,05ct, 8.550 eur
Halskette AIR Clip 18kt in Rosegold, 4.900 eur — Münz Anhänger mit antiker
Münze „Dionysos“ gefasst in 18kt Rosegold mit 64 Brillanten C2, 1,33ct, 12.800 eur
Ring mit antiker Münze „Zeus“ 18kt Rosegold mit 40 Brillanten tw-vsi 0,66ct, 11.000 eur
Die BoHo Kollektion ist der Beginn
einer außergewöhnlichen neuen Linie
von Charlotte Lynggaard
Kette mit antiker Münze „Gorgoneion“ 18kt Rosegold, 1.800 eur
Kette mit antiker Münze „Taube“ 18kt Rosegold, 2.400 eur
Armband mit antiker Münze „Gorgoneion“ 18kt Rosegold, 2.600 eur
Ring Boho large 18kt Gold mit Aquamarin und 8 Brillanten tw-vs2 0,06ct, 12.900 eur – Ring Boho
medium 18kt Gold mit Aquamarin und 5 Brillanten tw-vs2 0,04ct, 5.600 eur – Ring Boho small
18kt Gold mit Aquamarin und 3 Brillanten tw-vs2 0,02ct, 3.250 eur
BoHo inspiriert vom Design des Art
Deco, dem Lebensstil der Bohème und
lebendigen Strukturen die sich an der
Natur orientieren. Die gewagten, großzügigen
und attraktiven Schmuckstücke
werden in aufwendiger Handarbeit in
den eigenen Werkstätten in Kopenhagen
gefertigt. Individuell geformt, mit einzigartigen
Edelsteinen und kostbaren
Diamanten besetzt und in 18 Karat Gold
gefasst.
Vor über einem Jahr kreierte Charlotte
Lynggaard dann den ersten BoHo-Ring
für sich selbst, den sie fast jeden
Tag trug, um die Form weiter zu
perfektionieren.Mit ihrem edellässigen
Schmuck ist die Schmuck-Designerin
Charlotte Lynggaard direkt am Puls
der Zeit. Ganz in der Tradition ihres
Vaters, dem renommierten dänischen
Goldschmied Ole Lynggaard stehend,
ist sie seit 1992 der kreative Part des
Familienunternehmens.
Die Kollektionen von Ole Lynggaard
sind klassisch und modisch zugleich,
dabei markant, feminin und von
der Natur inspiriert. Hier trifft alte
Handwerkskunst auf modernen Look.

— EXKLUSIV FÜR GALER IE V OIGT
— EXKLUSIV FÜR GALER IE V OIGT
— EXKLUSIV FÜR GALER IE V OIGT
— EXKLUSIV FÜR GALER IE V OIGT
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DIE NEUEN SCHMUCKKOLLEKTIONEN
DIE NEUEN SCHMUCKKOLLEKTIONEN
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Anhänger Blub 26mm mit Öse und facettiertem Morganit 59,13ct in 18kt Rotgold, 24.065 eur —
Ring Pokal rund 16mm mit facettiertem Morganit 12,95ct in 18kt Rotgold, 13.245 eur
Bron bringt Farbe in die
Welt der Fine Jewelry!
Leuchtende Edelsteine sind
das Herz der Kollektion
„Very Peri“ heißt die Pantone-Farbe des Jahres
2022, sie vereint Blautöne, mit einem rötlichvioletten
Unterton und verbreitet eine lebhafte,
fröhliche Sicht der Dinge auf die Welt und ihren
„Ich will, dass dieser Schmuck in ein
dynamischen Wandel, während sie gleichzeitig
zu Kreativität und Fantasie inspiriert und perfekt
paar tausend Jahren irgendwo ausgegraben
in die Zeit passt. Exklusiv für Galerie Voigt wurden
fünf Schmuckstücke von Bron angefertigt,
wird und dann immer noch funktioniert,
Die neue Daybreak Kollektion
die alle in der Farbe des Jahres Very Peri
gehalten sind und von denen jeweils nur ein
er unsere heutige Zeit widerspiegelt.“
von Bron sprüht vor Lebensfreude!
Rauchquarz und Mondstein spiegeln
Exemplar hergestellt wurde. Kostbare Edelsteine
wie Tansanit, Saphire und Chalzedon
die letzte Dunkelheit der Nacht,
verwandeln diesen besonderen Steinmix zu
während Citrin und rosa Turmalin
etwas völlig Einmaligem.
den Himmel zum Leuchten bringen.
Georg Spreng liebt den Gedanken, ein Stück Unvergänglichkeit
Passend zu den Anhängern sind drei Pokalringe entstanden.
Rutil Quarz mit seinen goldenen
zu schaffen. Einige seiner Stücke sind jetzt schon unvergessen
und haben einen festen Platz in namenhaften Museen, wie dem
Museum of Modern Art NY eingenommen.
Intensivblauer Aqamarin in edles Platin gefasst, leuchtend
rosa, der feine Morganit in Rosegold und strahlend schön,
der gelbe Citrin umrahmt von klassischem Rotgold.
Sonnenstrahlen läutet den neuen
Tag ein. Carpe diem!
Ohrringe 18kt Roségold mit Tansanit, Chalcedon und
champagnerfarbene Brillanten, 11.000 eur
Georg Spreng verwendet viel Sorgfalt auf die Auswahl der
DREI MAL 50 CARAT PLUS
Für unser Jubiläum wählte Georg Spreng drei sensationelle
Farbsteine mit jeweils über 50 Carat Steingewicht aus seiner
Edelsteine, sucht nach Ihnen bei Händlern auf der ganzen
Welt, nutzt seine Kontakte, um an bestes Material zu kommen.
Viele seiner Steine, erzählt er, sind absolute Einzelstücke,
Ring Catch 18kt Rosegold mit pinkem Turmalin
10mm, 2.900 eur — Ring Catch 18kt Rosegold
mit Citrin 12mm, 1.900 eur — Ring Catch 18kt
Rosegold mit Rutilquarz, 1.750 eur
Ohrringe Sushi 18kt Rosegold mit pinkem Turmalin und
Brillanten, 5.250 eur
Steinsammlung, für die abgebildeten Schmuckstücke aus.
die es so nicht mehr gibt und deren Wert stetig wächst.
Armband Joy 18kt Rosegold mit weißen Brillanten, 1.700 eur — Armband Reflex mit
verschiedenen Edelsteinen und 18kt Rosegold, 975 eur — Armreif Reflex 18kt Rosegold
mit weißen Brillanten, 3.450 eur
Ring Catch 18kt Roségold mit Tansanit und weißen Brillanten,
5.200 eur
Ring Confetti small in 18kt Roségold mit Saphiren in blau und
violett, 2.550 eur — Ring Confetti 18kt Roségold mit Saphiren in
blau und violett, 3.750 eur
Anhänger Blub 26mm mit Öse in 18kt Gelbgold mit facettiertem, gelbem Citrin 57,32ct, 8.830 eur —
Ring Pokal rund 20mm in 18kt Gelbgold mit facettiertem, gelbem Citrin 25,54ct, 7.953 eur
Anhänger Blub oval 950 Platin mit dunklem, facettiertem Aquamarin 58,53ct, 48.060 eur —
Ring Pokal oval 950 Platin mit dunklem, facettiertem Aquamarin 11,43ct, 15.335 eur
Kette Joy 18kt Rosegold mit weißen und champagnerfarbenen Brillanten, Saphiren und
Click Öse, 4.950 eur — Anhänger Sushi 18kt Rosegold mit Citrin 12mm, 1.650 eur — Anhänger
Joy 18kt Rosegold mit weißen Diamanten, 1.250 eur
Armband Reflex mit Amethyst und Kyanit und sieben Perlen aus 18kt Roségold, 975 eur

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50 WAYS TO LOVE ART 50 WAYS TO LOVE ART
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50 JAHRE
ERFOLGSGESCHICHTE:
DAS WAR SCHON
EINE KUNST
Im
FRAU GROSSMANN, WIE HAT DAS ALLES
BEGONNEN?
Schon als Kind war ich kunstbegeistert, auf meinem
Schulweg lag ein Kunstgewerbegeschäft, an dessen Scheibe ich
mir beinahe täglich die Nase plattgedrückt habe. Ich interessierte
mich für Kunst in allen Facetten, auch für alte Kirchen. An der
Waldorfschule, die ich besuchte, hatte der Kunstunterricht einen
hohen Stellenwert. Gerne hätte ich meine Berufswahl direkt in die
bildende Kunst gesteuert.
WAS SPRACH DAGEGEN?
Einen Berufsweg als freie Künstlerin hätten mir meine
Eltern nicht gestattet. Ich entschied mich für den Beruf der Kunsterzieherin,
mit der Geburt meines Sohnes kam dann aber alles
anders. Schließlich machte ich eine Ausbildung im Kunsthandel.
Als ich hörte, dass Beate Voigt Unterstützung für ihre Galerie
suchte, bewarb ich mich dort. So kam ich meinem Traumberuf ein
gutes Stückchen näher.
WIE HABEN SIE DIE ANFÄNGE BEI BEATE VOIGT
ERLEBT?
Die Galerie war 1972 als „Wohnzimmergalerie“ in der
Hinteren Ledergasse gegründet worden, ich kam 1975 dazu. Für
mich als junge Frau war es ein faszinierendes Umfeld. Was Beate
Voigt hier schuf, war wirklich außergewöhnlich, und die Galerie
hatte schon bald einen Ruf als Institution in Nürnberg.
Interview erzählt Eva Grossmann von den Anfängen
ihrer Galerie. Von künstlerischen Wegbegleitern. Und von
der zeitlosen Freude über zufriedene Kunden.
Beate hatte eine Familie gegründet und wollte, dass ihre Kinder in
einer gesunden und friedlichen Welt aufwachsen.
HABEN SIE NOCH KONTAKT ZU FRAU VOIGT?
Ja, sie besucht uns immer wieder mal hier in Nürnberg.
„Ich konnte auf die Arbeit von Beate und
unserer gemeinsamen Erfahrung aufbauen.“
WIE GING ES DANN WEITER?
Ende der 70er hatte die Galerie bereits ein Netzwerk
mit vielen namhaften Künstlern und international agierenden
Kunstverlagen. Zu Friedensreich Hundertwasser gab es gute
Kontakte, der übrigens ein Nachbar von Beate in Neuseeland war,
und von dem wir Zeichnungen und Grafiken verkauften. Es war
der Phantastische Realismus, der zu dieser Zeit sehr gefragt war.
Ich konnte auf die Arbeit von Beate und auch unsere gemeinsame
Erfahrung aufbauen, ich wusste, was unsere Kunden sich
wünschten, und was in welchen Preislagen gefragt war.
WELCHE KÜNSTLER PRÄGTEN DEN WEG DER
GALERIE?
Anfang der 80er Jahre entdeckte ich James Rizzi, war
damit eine der ersten Galerien hier in Deutschland. Für uns war
das ein Boost, der sich über Jahre und Jahrzehnte gehalten hat.
Er war einige Male hier, wir waren bei ihm in New York.
Einer meiner ersten Künstler, die ich ganz gezielt gefördert habe,
war Alexander Befelein mit seinen zarten Städtebildern. Das
war damals auch etwas Neues. Über ihn kam ich beispielsweise
zu Monika Kaiblinger, und so ging es weiter und weiter. Die Liste
der Künstler, die wir in 50 Jahren präsentiert haben, ist lang. In
unserem Archiv befinden sich Unterlagen, Einladungskarten und
Kunstplakate zu mehr als 200 Ausstellungen, die wir im Laufe
der Jahre gezeigt haben.
HABEN DIE VON IHNEN PRÄSENTIERTEN
KÜNSTLER ETWAS GEMEINSAM?
Es sind Künstler mit einer ganz eigenen Handschrift. Es
gibt immer wieder einen Trend und in der Folge viele Künstler, die
dem folgen. Wir haben stets versucht, den eigentlichen Trendsetter
für eine Kooperation zu gewinnen. Und nicht die Nachahmer.
WIRD VIEL KOPIERT IN DER KUNST?
Es gibt ein Phänomen, das sich die „Konvergenz
der Ideen“ nennt. In der Kunst kommen häufig sehr ähnliche
Techniken oder neue Stilausprägungen zur gleichen Zeit.
Viele Künstler sagen dann von sich, sie seien der oder die Erste
gewesen, was sie auch wirklich denken, weil sie sehr sensibel auf
den Zeitgeist reagieren, auf gesellschaftliche Stimmungen und
Entwicklungen. Künstler zeigen mit ihrer Kunst, was in uns
vorgeht, was nicht nur sie selbst, sondern viele von uns beschäftigt.
WELCHE BEGEGNUNGEN WAREN BESONDERS?
Da kommt mir ein Treffen mit Christo und Jean-Claude
in Sinn. Es war in Basel, wo sie Bäume verhüllt hatten und ihr
Projekt in kleinem Kreis vorstellten. Das war zweifellos eine
unvergessliche Begegnung, mit dem berühmten Künstlerpaar in
einer einzigartigen Atmosphäre.
Geschäft von Beate übernommen hatte, lernte ich Schmuckdesigner
und Goldschmiede kennen. Das gefiel mir, und so entwickelte
ich das Portfolio von Keramik und Glas in Richtung Schmuck
weiter.
„Man muss nicht alles besitzen: Man
kann sich auch so daran erfreuen.“
FOLGTEN SIE DABEI EINER SPEZIELLEN IDEE?
Wir haben die Philosophie der Kunstgalerie in
den Schmuck übertragen, setzten auch hier auf besondere
Manufakturen, kleine individuelle Silber- und Goldschmiede.
Namhafte Schmuckkünstler kamen und kommen auf uns zu, und
inzwischen erhalten wir Anfragen von vielen Marken, die mit uns
arbeiten möchten. Wir können aber gar nicht alle unterbringen
und bleiben sehr selektiv.
WERDEN SIE NACH ALL DEN JAHREN
MANCHMAL NOSTALGISCH?
Es gibt natürlich schöne und heimelige Erinnerungen.
Ganz früher haben wir noch mit einem alten Ölofen geheizt und
im Winter schon mal den einen oder anderen Liter Glühwein
an unsere Kunden ausgeschenkt. Ich erinnere mich auch gerne
an die Zeit, zu der es noch nicht einmal ein Fax gab, als alles
per Briefverkehr geregelt wurde. Ich weiß noch, dass es eine
Riesensache war, als wir die erste Schreibmaschine mit Korrekturfunktion
bekamen. Heute arbeitet man mit CMS-Systemen im
eigenen Onlineshop. Die Welt des Einzelhandels ist sehr schnell
geworden. Generell macht mir mein Beruf aber so viel Spaß wie
eh und je.
WORAN LIEGT DAS?
Mich macht es glücklich, wenn ich einem Kunden
nachblicke, der mit seinem Wunschstück unser Geschäft verlässt.
Außerdem erhalten wir täglich Warenpakete, aus denen wir
wunderschöne Dinge auspacken dürfen. Das ist Tag für Tag wie
an Weihnachten. Ich begeistere mich sehr für schöne Kunstobjekte
und Schmuckstücke. Ich denke, man muss nicht immer alles
besitzen: Man kann sich auch so daran erfreuen.
„Künstler zeigen mit ihrer Kunst,
was in uns vorgeht.“
Von li nach re — Tamara Comolli, Christo und Jeanne-Claude, Udo Lindenberg, James Rizzi.
1972 — Der Beginn einer Erfolgsgeschichte.
WIE KAMEN SIE IN DIE POSITION, DIE GALERIE
1983 ZU ÜBERNEHMEN?
Im Jahr 1982 unternahm Beate mit ihrem Mann Thomas
eine Weltreise. In dieser Zeit führte ich die Galerie alleine, war
für alles verantwortlich, pflegte den direkten Kontakt zu den
Künstlern. Ich war sehr fleißig, hatte große Freude an der Arbeit,
und als Beate nach einem Jahr zurückkehrte, war es so gut
gelaufen, dass die Idee aufkam, eine eigene Galerie zu eröffnen.
WARUM VERKAUFTE IHNEN BEATE VOIGT IHRE
ERFOLGREICHE GALERIE?
Sie hatte den Plan gefasst, auszuwandern. Die 80er
Jahre waren eine spannungsgeladene Zeit, und Beate hatte kein
Vertrauen in die Politik von Franz-Josef Strauß und Helmut Kohl.
Der Kalte Krieg und das Thema der Atomkraft waren sehr präsent.
WAS WAR ÜBER DIE JAHRE – NEBEN DEM
GESPÜR FÜR KUNST – IHR UNTERNEHMERI-
SCHES ERFOLGSREZEPT?
Ein gewisser Pragmatismus hat uns über all die Jahre
mit Sicherheit sehr geholfen. Viele der Werke, die uns die Künstler
brachten, waren beispielsweise unzureichend oder gar nicht
gerahmt. Also mieteten wir damals in der Oberen Wörthstraße 21
einen Laden an, und so entstand 1989 unsere eigene Rahmenwerkstatt,
die bis heute eines unserer Standbeine ist.
WIE KAM ES DAZU, NEBEN KUNST AUCH
SCHMUCK ANZUBIETEN?
Das heutige Schmuckgeschäft befindet sich auf der
Fläche von vier ehemaligen Läden. Neben dem Galerieraum
befand sich eine kleine Kunstgewerbeboutique mit dem Namen
„ART&Präsent“, daneben waren noch ein Antiquitätenhändler
und ein Frisör. Der erste Durchbruch verband die Galerie mit der
Boutique, die Beate ihrem damaligen Lebensgefährten abgekauft
hatte. Dieser zweite Bereich war deutlich kleiner und eignete sich
nicht wirklich als Galerieraum. Also haben wir hier ein großes
Glasregal platziert und es mit Keramiken und mundgeblasenen
Glasunikaten gefragter Künstler bestückt. Nachdem ich das
1972 — Wolfgang Turba Einladungskarte zur ersten Ausstellung der Galerie Voigt. 2011 — Gewinn des Schmuckawards in der Kategorie „Design“ als bestes Schmuckgeschäft.

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50 WAYS TO LOVE ART 50 WAYS TO LOVE ART
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50 JAHRE
ERFOLGSGESCHICHTE:
VON DER KUNST,
EINE GALERIE
ZU FÜHREN
Im
Interview spricht Björn Grossmann über Veränderungen auf
dem Kunstmarkt. Über neue Entwicklungen wie Kryptowährungen.
Und über das Erfolgsrezept in Zeiten des Wandels.
HERR GROSSMANN, SIE FÜHREN DIE GALERIE
GEMEINSAM MIT IHRER MUTTER ALS CO-GES-
CHÄFTSFÜHRER. WEM FALLEN WELCHE
AUFGABEN ZU?
Wir ergänzen uns sehr gut. Meine Mutter betreut den
Einkauf und steckt all ihre Erfahrung in die Auswahl unserer
Produkte. Zudem ist sie als kreativer Kopf für das Marketing
und die Dekoration verantwortlich. Mir obliegen die operativen
Themen, von der Finanzierung über Buchhaltung und Personal
bis zur kompletten IT und unserem Onlineauftritt inklusive
Aktivitäten wie Google Adwords, Analytics oder Instagram. Das
ist schon mal sehr technisch, für die erfolgreiche Arbeit unserer
Galerie aber von essentieller Bedeutung. Die Galerie zu managen
ist ein fortlaufender Prozess, der am Ende das Steuern von vier
Läden beinhalten: von Schmuck, Kunst und Rahmen sowie
Onlineshop. Hinzu kommen Vernissagen, Kundenevents und
Feste. Gerne hätten wir mehr Zeit, nicht nur im sondern auch am
Unternehmen zu arbeiten.
DAS DESIGN DER GESCHÄFTE IN DER OBEREN
WÖRTHSTRASSE UND KAISERSTRASSE HAT
SICH IMMER WIEDER VERÄNDERT? SIND
WEITERE UMGESTALTUNGEN GEPLANT?
Wie man sich über das Interieur nach außen darstellt,
war für uns immer sehr wichtig. Wir wollten stets neue Wege gehen
und dabei gerne wegweisend sein. Bei allen Umzügen haben wir
uns verändert. Und unsere Räumlichkeiten in der Oberen
Wörthstraße haben wir auch ohne Umzug alle zehn Jahre komplett
umgestaltet. Bis 2020 war hier alles sehr cool und ganz in Weiß,
nun haben wir das Ladendesign gemeinsam mit Katja Reiter, die
uns schon lange als Innenarchitektin begleitet, deutlich wärmer
gestaltet.
WIE HAT SICH DER KUNSTMARKT IN DEN
„Noch kam kein Kunde, der
in Bitcoin bezahlen wollte.“
2020 — aktuelles Erscheinungsbild unserer Schmuckgalerie.
VERGANGENEN JAHREN VERÄNDERT?
Inzwischen bin ich seit 25 Jahren fest in der Galerie
tätig. Der Kunstmarkt hat sich seitdem stark gewandelt. Künstler
können sich selbst über soziale Medien vermarkten, gleichzeitig
ist das Angebot extrem gestiegen, es ist beinahe unmöglich, den
Überblick zu behalten. Uns als Galerie kommt deshalb mehr
denn je eine beratende Funktion zu. Wir suchen nach Highlights,
nach besonderen Werken, nach genau dem, was unsere Kunden
sich wünschen, und stehen ihnen mit all unserer Erfahrung und
Marktkenntnis zur Seite.
GLAUBEN SIE, DASS DIGITALE KUNST UND
KRYPTOWÄHRUNGEN DEN KUNSTMARKT REV-
OLUTIONIEREN WERDEN?
Das Thema der virtuellen Kunst ist zweifellos spannend
und hochaktuell. Aber wir sind immer gut damit gefahren, uns
selbst treu zu bleiben. Und so wollen wir es auch weiterhin
handhaben. Wir haben keine Video Art oder Digital Art im
Portfolio. Und noch kam auch kein Kunde, der ein Kunstwerk oder
Schmuckstück in Bitcoin oder Ethereum bezahlen wollte. Wir
sind gut genug damit beschäftigt, die aktuellen Entwicklungen
innerhalb unserer klassischen Branche zu beobachten.
UND WAS TUT SICH GERADE?
Derzeit haben wir ein ganz grundlegendes Thema: Lieferkettenprobleme
und Rohstoffknappheit, in Folge von Pandemie
und Krieg. Das sind Entwicklungen, die hier in Europa vor nicht
allzu langer Zeit kaum jemand auf dem Schirm hatte.
Von li nach re — Galerie vor 1990, nach 1990, 2000-2010.
WIE WICHTIG IST ES IN ZEITEN DER DIGITAL-
ISIERUNG, PERSÖNLICH UND VOR ORT IN
ERSCHEINUNG ZU TRETEN?
Sowohl Kunst als auch Schmuck sind haptische Produkte.
Gerade bei Schmuck geht es darum, ein Stück anzuprobieren
und auf sich wirken zu lassen. Die persönliche Beratung und das
Miteinander sind charakteristisch für uns. Das unterscheidet uns
auch von so mancher größeren Kette oder schnelllebigen Galerie.
Wir freuen uns sehr über den Besuch unserer Kunden, und wir
wissen, dass viele Kunden einfach gerne zu uns kommen, und sei
es auch nur mal auf einen Espresso. Wir sind guter Dinge, dass
es wichtig bleiben wird, sich als Galerie auch weiterhin offline zu
präsentieren. Zudem gibt es immer wieder spannende Formate.
ZUM BEISPIEL?
Von 2002 bis 2008 hat uns eine Immobilienfirma eine
Halle im Frankencampus zur Verfügung gestellt, um dabei zu
helfen, das Areal zu entwickeln. Wir haben dort Vernissagen und
Ausstellungen mit bis zu 500 Gästen an einem Abend realisiert.
Für uns war es eine spannende Zeit, wir konnten jungen Künstlern
und Akademieabsolventen die Möglichkeit geben, sich zu
präsentieren. Und der Frankencampus ist heute ein gefragtes
Objekt.
„Wir wollten auch mit unserem Interieur
immer wieder wegweisend sein.“
2010-2020 — Neugestaltung zur reinen Schmuckgalerie.
BEI ALLER VERÄNDERUNG: WAS IST UND
BLEIBT DAS ERFOLGSREZEPT?
Ich denke, dass wir trotz zunehmender Schnelllebigkeit
und Anonymität die Nähe zu unseren Kunden pflegen. Man hat
zwar weniger Frequenz im Geschäft, dafür erhalten wir viele
Anfragen per Mail, die wir schnell und gewissenhaft beantworten.
Und wenn ein Kunde zu uns ins Geschäft kommt, dann ist er in der
Regel viel informierter als früher und hat bereits sehr konkrete
Vorstellungen. Darauf wollen wir vorbereitet sein.
UND WIE IST MAN DAS?
Ein einfaches Beispiel: Wir bieten online nur an, was wir
auch hier im Shop haben. Das machen nicht viele. Bei uns gibt es
keine wochenlangen Wartezeiten, so wie bei anderen Anbietern,
die gerne mal Stücke anbieten, die sie erst noch auftreiben
müssen. Wir haben alles da und begrüßen auch mal einen Kunden,
der von weit her anreist, weil er bei uns eine bestimmte NOMOS
Uhr vorrätig findet. Da haben wir schon das ein oder andere Mal
für glänzende Augen gesorgt.
„Uns nach 50 Jahren auszuruhen,
wäre nicht unsere Art“
BLEIBT ALS FAZIT?
Alles ist im Umbruch. Wir werden beobachten, wie sich
die Branche entwickelt und immer wieder unsere pragmatische
Antwort darauf geben. Was wir nach 50 Jahren mit Sicherheit
nicht tun werden, ist, uns auf unseren Lorbeeren auszuruhen.
Das wäre nicht unsere Art.
Die Fragen stellte Axel Rabenstein, freier Journalist und Buchautor.

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50 WAYS TO LOVE ART 50 WAYS TO LOVE ART
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50
WAYS
TO
LOVE
ART
Jubiläumsausstellung vom
27. Mai bis 26. Juni 2022
THOMAS
BAUMGÄRTEL (*1960)
Thomas Baumgärtel verdanken wir die berühmte
Spraybanane neben unserer Eingangstür, die er
anlässlich seiner ersten Einzelausstellung bei uns
2017 im Beisein der geladenen Vernissagegäste
gesprayt hat und die seit Jahrzenten zu seinem
„Markenzeichen“ geworden ist. Die Banane ist
nicht nur einfaches Logo, sondern vielschichtiges
Bildmotiv und Gestaltungsmittel zugleich. Die
fröhliche, exotische Frucht setzt Baumgärtel dazu
ein in gekonnt humorvoller, ironischer Weise
auf politische und gesellschaftliche Umstände
hinzuweisen. Auch mit politischem Charakter
transportieren seine Bilder Freude und Witz.
Die Auswahl der 50 Kunstwerke steht exemplarisch als
Auszug zu unserer langen Galeriegeschichte, vielen wunderbaren
Begegnungen mit Künstlern und Kunstfreunden.
Jede der über 200 Ausstellungen seit 1972 war ein einzigartiges
Erlebnis und ein Höhepunkt. Jede Vernissage
verlief anders und ist auch heute immer noch spannend
und niemals nur Routine. Als Höhepunkt unsere Jubiläumsjahres
zeigen wir vom 27. Mai bis 26. Juni, die hier im
Magazin abgebildeten Werke in unseren Galerieräumen in
der Kaiserstraße 38.
Über die Jahrzehnte hinweg konnten wir mit einer Vielzahl
verschiedener namhafter Künstler aus verschiedenen
Stilrichtungen zusammenarbeiten. Für unser Jubiläum
wählten wir von 50 Künstlern unserer Galeriegeschichte
je ein Exponat aus. Wir spannen mit dieser Auswahl einen
Bogen von der ersten Ausstellung mit Wolfgang Turba 1972
bis heute. Die ausgewählten Werke der gezeigten Künstler
stehen repräsentativ für unsere jahrzehntelange Galerietätigkeit.
Einige der Werke sind letzte Exemplare direkt aus
unserem Archiv, oder bei einem Atelierbesuch aus einer
Vielzahl von Werken ausgewählt. Dabei war uns wichtig
eine besonders typische Arbeit zu wählen, die der DNA des
Künstlers am meisten entspricht. Egal ob es sich um ein
Unikat oder eine limitierte Originalgrafik handelt, alle
Bilder und Skulpturen sind handverlesen. Mit jedem der
gezeigten Künstler verbindet uns eine eigene Geschichte,
die wir Ihnen gerne während unserer Jubiläumsausstellung
bei einem Glas Crémant erzählen möchten.
Bei allen Kunstfreunden bedanken wir uns sehr herzlich
für die langjährige Treue und Freundschaft und würden
uns sehr freuen, viele von Ihnen zu unserer Jubiläumsausstellung
persönlich begrüßen zu dürfen.
Wir freuen uns auf Sie!
Eva Grossmann, Björn Grossmann
und das gesamte Galerie Voigt Team
Thomas Baumgärtel, Brooklyn Bridge, Unikat, Acryl/Spraylack auf Plakatwand, 240 x 170 cm, Werkverzeichnis-Nr.: 1971, 2016, 22.500 eur

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GEORG
BASELITZ (*1938)
Der deutsche Maler und Bildhauer prägte
mit seinem Neoexpressionismus nachhaltig
die moderne Kunst. Seine umgekehrt
abgebildeten Figuren signalisieren dem
Betrachter die Unabhängigkeit der Kunst
von der Realität. Seine Originalgrafiken,
meist als Aquatinta oder Farbradierung in
kleinen Auflagen zeigen seine kraftvolle
gestisch abstrakte, aber auch figurative
Malweise.
BARBARA
BERNRIEDER (*1970)
Barbara Bernrieder kombiniert in ihren Gemälden
die maltechnischen Möglichkeiten sehr geschickt
miteinander. Da können kompakte Farbflächen
schroff nebeneinanderstehen, sie können sich opak
überlappen, können in festen Schlieren marmor-
kuchenartig ineinanderfließen, ohne sich zu ver-
mischen; sie können sich aber auch fließend mit
der Nachbarfarbe vermengen. Dieser Malvorgang
hat mehr mit alchemistischen oder kulinarischen
Vorgängen und Handlungen zu tun als mit den
Streichbewegungen der klassischen Malerei.
Barbara Bernrieder, abstrakte Bergwelt, Unikat, Mischtechnik/Harz/Öl und Pigment auf Leinwand,
40 x 40 cm, 2.000 eur
Georg Baselitz, Mittelpunkt von 1996, Kaltnadelradierung, Auflage 12, 60 x 80 cm, 5.200 eur
ISABELLA
BERR (*1963)
Alexander Befelein, Nürnberg-Highlights, Unikat, Aquarell/Gouache auf Collage, 66 x 29 cm, 5.800 eur
Berr setzt die Unschärfe gekonnt ein, um
geheimnisvoll wirkende Arbeiten mit einer
unaufdringlichen Intensität zu schaffen.
Bei Betrachten rufen sie Erinnerungen an
Vertrautes, Orte und auch Menschen, hervor.
Sie nähert sich dadurch teilweise der Malerei
an und rückt von der Fotografie als reine
Reproduktion der Realität ab. Die Ausstellung
mit Isabella Berr war eine unserer ganz
wenigen Fotoausstellungen.
ALEXANDER
BEFELEIN (*1952)
Sein wesentlicher Blick auf die Besonderheiten
einer Stadt, werden sehr gekonnt mit
Bleistift, Aquarell oder Radierwerkzeug in
Szene gesetzt. Mit wenigen feinen Linien
umreißt er die Sehenswürdigkeiten der von
ihm bereisten Städte und hat hierbei einen
ganz eigenen, unverwechselbaren Stil geschaffen.
Oft reist er die Motive nur an und
lässt sie mit dem Hintergrund verschmelzen.
Klaus Böttger, Klaus Portrait, Original Radierung, Probedruck, 36 x 43 cm, 1975, 290 eur
Isabella Berr, Fassade/Fractale, Fine-Art Print auf Aludibond mit matter Acrylglasplatte versiegelt, Auflage2/10, 40 x 24 cm, 1.600 eur
Seine handwerklich perfekten
Radierungen sowie die große
Vielfalt seiner Motivwahl, machten
ihn in den 1970er Jahren zu einem
der beliebtesten Künstler. Die
eindringlichen Portraits, Akt- und
Landschaftsbilder waren heiß
begehrt und gehörten in den 70ern
zum festen Bestandteil der Galerie.
KLAUS
BÖTTGER (1942-1992)

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TONI
BURGHART (1928-2008)
Aus Nürnberg nicht weg zu denken. Sein
Bild „Nürnberg sauer“ im Dürerjahr 1971
war damals ein Skandal und seine immer
mit viel Hintersinn ausgestatteten Grafiken
prägten seinen unverkennbaren Stil. Seit
seinem Tod 2008 fehlt uns Toni mit seiner
künstlerischen Sicht auf die großen und
kleinen Dinge. Die zu unserem Jubiläum
angebotene Landschaft, die auf der Insel
Krk entstanden ist, zeichnet sich durch das
flirrende Licht, die klaren Formen und
die sanfte Farbgebung aus und ist ein echtes
Liebhaberstück.
Toni Burghart, Krk, Unikat, Acryl auf Leinwand, 50 x 60 cm, handsigniert, 4.670 eur
CHRISTO (1935-2020)
UND
JEANNE-
CLAUDE
(1935-2009)
Jörg Döring, The Portrait, Unikat, Öl auf Leinwand, 130 x 130 cm, 10.060 eur
Christo und Jeanne-Claude, Wrapped statue sleeping fawn, Lithographie mit Collage, signiert und nummeriert, 58,4 x 81,3 cm, Auflage
XVII/XXV, 14.800 eur
Die beiden Künstler lediglich auf
„Verhüllungskünstler“ oder „Verpackungskünstler“
zu reduzieren, würde
ihnen nicht gerecht werden. Neben
verhüllten Gebäuden und verpackten
Gegenstände zählen zu Ihren atemberaubenden
Projekten auch weitläufige
Installationen in der Natur. Die
Ausstellung zum verhüllten Reichstag
1992 war ein Höhepunkt in unserer
Galeriegeschichte, zumal wir seinerzeit
die einzige Galerie außerhalb Berlins
waren, die Werke, Unikate auf Leinwand,
Skizzen und limitierte Drucke
zum verhüllten Reichstag in einer
Einzelausstellung präsentierten.
Jörg Döring gilt als einer der wichtigsten
Vertreter der Pop Art unserer Zeit. Bereits
in seiner Jugend entstand diese tiefe
Verbundenheit. Döring entwickelt die Pop
Art stets weiter und geht mit seinen Werken
immer neue Wege.
Angefangen hat unsere Zusammenarbeit
vor mehr als 30 Jahren und die Werke
von JD sind fester Bestandteil unseres
Galerieprogramms. Sein Ideenreichtum,
seine unverwechselbare Handschrift sind
immer wieder Garant für tolle Bildideen.
Nie langweilig, immer cool und am Puls
der Zeit sorgt Döring immer aufs Neue für
Überraschungen und zeigt sein Potenzial.
2024 planen wir die nächste Einzelausstellung.
JÖRG
DÖRING
(*1965)

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CLAUDIO
FILIPPINI (*1953)
Der italienische Künstler schafft in seinen
fotorealistischen Ölgemälden einzigartig
atmosphärische Szenen, die weit über das
Gezeigte hinausgehen. Deutlich wird immer
wieder sein klares Verständnis von kompositorischen
Strategien. Er beschneidet die
gezeigte Szene stark, schafft so deutliche
Spannungsmomente, die vor allem auch
durch ungewöhnliche visuelle Perspektiven
bestechen.
Das Sonnenlicht spielt bei Filippini eine
zentrale Rolle. So scheinen die Szenen
durch die hell beleuchteten, reflektierenden
Objekte und Oberflächen von innen heraus
zu leuchten.
Claudio Filippini, Guggenheim, Unikat, Öl auf Leinwand, 100 x 100 cm, 4.400 eur
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Anna Flores, True Love, Unikat, Malerei, Mischtechnik auf Leinwand, 180 x 200 cm, 2022, 4.950 eur
ANNA
FLORES (*1969)
Wolf Gast, Heavy Metal, Serigrafie mit 6 Sieben auf Hahnemühle, Auflage 9, Format 59,4 x 42 cm
Die Jubiläumsedition ist während der Ausstellung für 350 eur statt 390 eur erhältlich.
Liebevolle kleine Unikate im Format 15 x 15 cm,
dafür steht Anna Flores und so hat sie viele
Freunde ihrer kleinen Werke bei uns, die sich
so gut zum Sammeln und Verschenken eignen.
Für unsere Jubiläumsausstellung präsentiert
Flores ein großes Bild, in dem sie die verschiedenen
Motive der Little Icons zu einer knallig
fröhlichen Collage kombiniert. Es gibt sehr viel
zu entdecken und sorgt für gute Laune!
Seit seinem ersten Auto – einem Käfer
Cabriolet – begeistern ihn klassische
Automobile und Motorräder. Wolf Gast
fertigt seine Kunstwerke im Siebdruck,
als Radierung oder Holzschnitt in aufwändiger
Handarbeit. Die einzelnen
Editionen sind streng limitiert, meist
gibt es nur 9 Exemplare. Für unser
Jubiläum hat Wolf Gast exklusiv eine
„Harley“ aufgelegt.
WOLF
GAST (*1965)

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50 WAYS TO LOVE ART 50 WAYS TO LOVE ART
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Als bedeutender Mitbegründer und
einer der letzten lebenden Vertreter der
amerikanischen Pop-Art und Zeitgenosse
von Andy Warhol vertreten wir James
Francis Gill seit 2018. Wir hatten das große
Glück den Künstler zu seiner Einzelausstellung
bei uns in Nürnberg persönlich
vorstellen zu dürfen.
AXEL
GERCKE (*1979)
Für einige Jahre hatten wir die Möglichkeit
in einer großen Halle Ausstellungen auf
mehr als 500qm zu präsentieren. In einer
der Ausstellungen gaben wir Studierenden
bzw. Absolventen der Nürnberger Kunst-
akademie Gelegenheit ihre Arbeiten zu
zeigen. Aus dieser Zeit hat sich die Zusam-
menarbeit mit Axel Gercke entwickelt und
etabliert.
Das Thema Bewegung und Dynamik
ist zentrales Motiv in seinen Arbeiten.
Die Landschaften zeigen immer wieder
Radsportler, die die detailreichen Landschaften
durchfahren. Um die für das
Motiv wichtige Dynamik zu erhalten, malt
Axel Gercke „alla prima“. Dabei bleibt der
Pinselduktus sichtbar und unterstützt so
den Eindruck von Bewegung und Raum.
Die Landschaften sind durchflutet mit
Licht und zeigen die Schönheit der Natur.
Gill spielt mit den Ikonen der Film und Pop
Art und interpretiert sie auf die ihm ganz
eigene Weise. Neben seinen Unikaten sind
auch die Grafiken gesuchte Werke und
haben großen Sammlerwert.
GILL (*1943)
JAMES FRANCIS
James Francis Gill, Her Beautiful Lipstick, Study for Painting, Unikat auf Papier, 40 x 55 cm, 19.800 eur
Katharina Grosse ist eine der profiliertesten
Malerinnen der internationalen Gegenwartskunst
und seit den 1990er Jahren eine
international anerkannte und gefeierte
Künstlerin.
Ab dem Jahrtausendwechsel arbeitet
Katharina Grosse mit parallelen Linien,
die sie, ebenso wie andere Farbflecken und
-spuren, bald auch über Objekte, Gebäude
und Landschaften zieht. Diese Loslösung
der Malerei von den klassischen Bildträgern
und die Eroberung des Raumes sind charakteristisch
für viele ihrer Arbeiten. Aber
auch die traditionellen Bildträger bleiben
Teil ihres Gesamtwerks, wie Leinwand
und Papier. Ihre dynamisch-abstrakten
Papierarbeiten sind echte Sammlerstücke.
Katharina Grosse, Cokeypane, Lithographie, Auflage 34/50, Blattformat 70 x 100 cm, rückwärtig handsigniert
und nummeriert, 4.000 eur
GROSSE (*1961)
KATHARINA
Axel Gercke, Gavia Girl, Unikat, Öl auf Leinwand, 160 x 120 cm, 2020, 5.700 eur

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50 WAYS TO LOVE ART 50 WAYS TO LOVE ART
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BLALLA W.
HALLMANN
Auf Anregung von Beate Voigt entstand
der vorliegende Siebdruck 1974 als
eigene Edition der Galerie Voigt. Einige
wenige Exemplare sind noch erhalten
und reflektieren auf ihre Weise die
psychodelische Stimmung der damaligen
Zeit.
Mit dem großes Hasenstück am Nürnberger
Hauptmarkt 2003 setzte er Dürer und
Nürnberg ein Denkmal. Seither sind
seine unverwechselbaren Figuren aus
Kunststoff fester Bestandteil der Galerie.
Als Huldigung an das großartige Werk von
Joseph Beuys haben wir uns von Hörl für
unser Jubiläum die Figur Weltanschauungsmodel
IV, Anmerkung zu Beuys gewünscht.
Entstanden ist eine kleine Auflage von nur
50 Exemplaren in der Sonderfarbe Bronze.
OTTMAR
HÖRL (*1950)
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Wolfgang Hallmann, der schon während
seiner Studienzeiten an der Nürnberger
Akademie wegen seines unorthodoxen
Stils “Blalla” genannt wurde, war alles
andere als ein „akademischer Maler“.
Seine expressiven Bilder zeigen seine Wut
gegen die gesellschaftlichen Missstände.
Seine Bilder bedienen sich Elemente des
Realismus, Surrealismus und der Karikatur.
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Peter Handel, Sterntaler, Unikat, Öl auf Holz, 20 x 30 cm, 1994, 2.700 eur
PETER
HANDEL (1941-1994)
Der Meisterzeichner begeistert uns schon seit
den 70er Jahren, als wir die ersten Bleistiftzeichnungen
von ihm zeigen konnten. Im ersten
Moment erscheint es dem Betrachter wie eine
Fotografie und auf den zweiten Blick erkennt
man die zarte Linienführung. Nie gibt die
Zeichnung das konkrete Model wieder, er spielt
mit der künstlerischen Freiheit seine Akte
ganz nach seinen Vorstellungen auszuführen.
Sie stehen in einem Spannungsfeld zwischen
Realismus und Idealismus. Sie gehen weit über
die reine Wiedergabe hinaus.
Blalla W. Hallman, o.T., Lithogaphie, Auflage 100, 74 x 62 cm, 1972, 590 eur
Ottmar Hörl, Weltanschauungsmodell IV, Anmerkung zu
Beuys, Objekt aus Kunststoff in der Sonderfarbe Bronze,
mit Prägung HÖRL, unsigniert, 42 x 18 x 13 cm, limitiert auf
50 Stück
Die Jubiläumsedition ist während der Ausstellung für 120 eur
statt 150 eur erhältlich.
GUIDO
HÄFNER (*1968)
Guido Häfner sucht sich sprödes Material und
haucht ihm Leben ein. Seine bis zu 6 Meter
hohen Stelen sind auch für den Außenbereich
gut geeignet und schwingen am schönsten im
Einklang mit der Natur. Schneehaube auf der
Spitze oder leuchtendes Blättergrün im Hintergrund
- der Dialog mit Außen und Innen ist
eröffnet.
In den Jahren zwischen 1976 – 1989 gehörten
die Aquarelle und Radierungen von Janosch zu
unserem festen Programm. Damals wurde
er durch den Merlin Verlag vertreten und seine
nicht nur für die Kinderbücher entstandenen
Werken, zeugten von seinem feinen Humor und
der unverwechselbaren Handschrift. Er wurde
zu einem der bekanntesten deutschen Künstler
und Kinderbuchautoren.
Die Tigerente ist heute seine bekannteste Figur.
So gesellt sich das gestreifte Tier auf Rädern als
treuer Begleiter Woche für Woche zu seinem
Alter Ego „Wondrak“ im ZEITMAGAZIN.
Guido Häfner, Schauender, Skulptur aus Cortenstahl,
Höhe 210 cm, 2018, 10.600 eur
Seine Arbeiten zeigen meist Körperformen oder
Gesichter, in offenkundiger Zeichenhaftigkeit
auf die wesentlichen Elemente reduziert. Ein
Bewegungsmoment wird eingefangen und
festgehalten, die Allansichtigkeit eröffnet stets
neue Blickachsen und Ansichten.
JANOSCH (*1931)
Janosch, Fröhliche Grüße, handkolorierte Radierung, E.A., 14,5 x 12,5 cm, mit Passepartout und
Vergolderrahmen 40 x 50 cm, 2.980 eur

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ALLEN
JONES (*1937)
Allen Jones gilt durch seine
provokanten Arbeiten als einer der
prägendsten Künstler der britischen
Pop Art. Fasziniert von der weiblichen
Form widmet sich der Maler und
Bildhauer Allen Jones dem nackten
Körper der Frau, thematisiert sexuelle
Vorlieben, betont sie, persifliert oder
verfremdet sie gleichzeitig. Er vermengt
sexuelle Motive mit Glamourösem.
Seine Bildsprache ist graziös, musisch
und stellt immer ein Spannungsfeld
zwischen Erotik und Fetisch her.
Allen Jones, Life Class VIII, Lithographie, 2-teilig, Auflage 32/75, Format 56 x 82 cm,
handsigniert und nummeriert, 1968, 3.900 eur
TANJA
KIESEWALTER (*1970)
Papierfetzen, Posterabrisse, eigene
Fotografien, Papiersammelsurien aller Art
wie Tickets, Eintrittskarten, Stadtpläne etc.
bilden den Malgrund der Crazy Clouds.
Die Bildmotive, meist Comicmotive, korrespondieren
mit Elementen des vielschichten
Hintergrunds und erzählen immer
eine Geschichte. Mit den Clouds gelang
Kiesewalter der internationale Durchbruch
ihrer bisher fast 30-jährigen Karriere.
MONIKA
KAIBLINGER (*1954)
Monika Kaiblinger, Paloma, Unikat, Acryl auf Leinwand, 100 x 130 cm, 2022, 4.800 eur
Kaiblingers wilde und expressive
Malweise, hat uns seit den 90er
immer wieder begeistert. Ihre Bilder
sind bewegt und authentisch. Sie
sind nicht Konstruktion fiktiver
Geschehnisse, sie sind gelebtes,
gemaltes Leben, zusammengefasst
und verdichtet wie ein Tagebuch. In
Ihren Bildern zeigt sie das Sinnliche,
Lustvolle und Fröhliche. Meist sind
es Frauen: tanzende, lachende,
verführerisch, offenherzig – oder
stumme weibliche Wesen - versteckt,
scheu, lauernd, beobachtet.
Tanja Kiesewalter, Mickey & Minnie on Times Square,
Unikat, Papiercollage auf Aluminium, versiegelt mit
einem hochglänzendem Resin, 76 x 96 cm, 2022, 5.200 eur

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BRUNO
KURZ (*1957)
Bruno Kurz beschäftigt sich in seinem
Werk mit den Kernthemen der Malerei:
Material, Licht und Farbe. Durch die
Kombination ungewöhnlicher Materialien,
wie Gazegeweben, Metallen, Harzund
Lackschichten, erzielt Kurz eine
verblüffende Wirkung. Das Bild wird
zum vor der Wand schwebenden Farbraum,
der mittels subtiler Farbübergänge
und seidig schimmernder
Oberflächen seine Wirkung entfaltet.
Der Künstler versteht seine stets
quadratischen Bilder als grenzenlose
pars pro toto Ausschnitte unendlicher
Landschaften.
Bruno Kurz, Scala Eressos 1, Unikat, Acryl/Harz auf Metall, 70 x 70 cm, 2021, 3.400 eur
SABINE
LIEBCHEN
(*1960)
Sabine Liebchen lässt alles Überflüssige weg, überlässt nichts dem
Zufall, sie abstrahiert gewissermaßen und filtert das Wichtige
heraus. Auch fehlt den Arbeiten jeder geographische Bezug, ihr
neutral-monochrom grauer – mal hellgrau, bis hin zu anthrazitfarbenem
– Hintergrund, verleiht den Bildern Allgemeingültigkeit,
schafft aber auch Distanz und zugleich eine unrealistische
Atmosphäre, was durch die virtuos gemalten Körperschatten und
Lichtfelder unterstrichen wird. Dadurch erzeugt Sabine Liebchen
eine klare und transparente Realität, die auch den Blick auf das
Unsichtbare freigibt.
Michael Lauterjung, Durchblick, Unikat, Acryl/Lack/Leinwand/Öl auf Holz, 114 x 122 cm, 2019, 6.200 eur
MICHAEL
LAUTERJUNG (*1959)
Ich erinnere mich noch sehr gut an unseren
Rundgang auf der ART Frankfurt 2009, als ich
dort bei einem Galeriekollegen das erste Mal
Bilder von Michael Lauterjung hängen sah, war
ich sofort begeistert und beeindruckt von seinen
Sujets und der besonderen Malweise. In seinen
Bildern lenkt Lauterjung den Blick des Betrachters
auf die Schönheit des Alltäglichen. Durch die
Größe der Bilder und so auch der Gegenstände
setzt die Irritation beim Betrachter ein: ins
Monumentale gesteigert, bekommen die Motive
Bedeutung und Gewicht, in der Gruppierung
Macht, und durch die Zentrierung eine Aura der
Besonderheit. Realistisch dargestellt sind die
Motive optisch dominant, geben aber auch den
Blick frei auf einen Hintergrund, der in mehreren
Lagen vielschichtig gestaltet ist.
Sabine Liebchen, o.T. (city), Unikat, Acryl auf Leinwand, 140 x 100 cm, 2021, 8.400 eur

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50 WAYS TO LOVE ART 50 WAYS TO LOVE ART
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LINDA
MÄNNEL (*1983)
Linda Männel erschafft durch die
Kombination von Malerei auf Leinwand
und farbigem Garn wunderbar
leichte Landschaften, Portraits und
Blumenstillleben. Ihren Tuschezeichnungen
verleiht sie durch diese
ganz eigene Technik eine zusätzliche
verschleierte Oberfläche, rückt
das Bildmotiv schemenhaft in den
Hintergrund und erzeugt eine
zusätzliche räumliche und zeitliche
Tiefe. Das konkrete Bildmotiv setzt
sie zuerst mit schwarzer Tusche auf
Leinwand um. Anschließend wird
das Garn in den gewünschten Farben
eingefärbt. Mit dem gefärbten Garn
bestickt Männel die Leinwand
zeitaufwendig per Hand.
Linda Männel, El Cambino, Unikat, Tusche/Garn auf Leinwand, 2022, 110 x 135 cm, 5.200 eur
Birgit Nadrau, o.T. (Äste), Unikat, Acryl/Blattaluminium auf Leinwand, 120 x 190 cm, 2015, 8.500 eur
BIRGIT
NADRAU (*1971)
IRENE
MÜLLER
(*1941)
Geprägt durch ihre Tanzausbildung erfahren ihre Figuren eine
traumhafte Leichtigkeit, als würden sie elfengleich schweben.
Irene Müller bringt Gestalten auf die Leinwand, die oft wie von
Nebel umfangen erscheinen und aus der Fantasie geboren sind.
Die dazu ausgewählten Farben sind nie besonders bunt oder
kräftig oder gar fröhlich, sondern zurückhaltend und so gut wie
farblos. Schon als junges Mädchen konnte man ihre künstlerische
Urbegabung erkennen. Nicht umsonst sind ihre Werke in öffentlichen
Einrichtungen und Museen zu bestaunen. Ihr Stil ist
unverkennbar.
Durch den außergewöhnlichen Malgrund erhalten die
Landschaftsgemälde und Porträts eine einzigartige
Leuchtkraft. Dadurch entsteht eine Aura, die an die
Transzendenz mittelalterlicher Malerei auf Goldgrund
erinnert. In dunklen Silhouetten bildet sie schattenhaft
Äste oder den Blick auf das bewegte Wasser ab und
verzichtet hierbei auf reale Hintergründe. Beim Betrachten
wird man von der Stille des Bildes ergriffen,
entrinnt dem Stress und der Bilderfülle des Alltags.
Die Werkgruppe der Wasser- und Astbilder widmet sie
ihrer Heimat, der fränkischen Landschaft.
Irene Müller, o.T., Unikat, Öl auf Leinwand, 42 x 60 cm, handsigniert, 1982, 1.200 eur

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Birgit Osten, Skyline Sonderedition, Giclee-Druck auf Büttenpapier, Auflage 99, 100 x 30 cm, nummeriert und handsigniert
Die Jubiläumsedition ist während der Ausstellung für 350 eur statt 390 eur erhältlich.
BIRGIT
OSTEN (*1964)
Erik Offermann, Am Meer, Unikat, Öl auf Leinwand, 120 x 90 cm, Werknummer 1057, 2022, 3.600 eur
Die Motivation für die Arbeiten von Birgit
Osten ist es die Stadt in all ihren bunten
Facetten zu zeigen. Nürnberg: spritzig
anders interpretiert, modern, sympathisch
und frech. Mit bunten fröhlichen, fließenden
Farben zeigt sie unsere Stadt von Ihren
schönsten Seiten.
ERIK
OFFERMANN (*1956)
Die Unschärfe ist in den emotionalen Bildern
von Erik Offermann zentrales Gestaltungsmotiv,
die auf fotografischen Vorlagen basiert. Durch
seine eigene Art der unscharfen und verwischten
Malerei verliert die Fotografie ihre Realität.
Die Bilder bekommen eine geheimnisvolle
Ausstrahlung. Durch die Verwischung schafft
er, im Gegensatz zum Fotorealismus, Spielraum
und Freiraum zur Interpretation.
A.R.
PENCK (1939-2007)
Udo Lindenberg, Mal dir dein Leben, Siebdruck, Auflage 250, Format 56 x 42 cm, handsigniert und
nummeriert, 2022, 2.250 eur
UDO
LINDENBERG (*1946)
Der Name ist Kult: Sein Name steht für Coolness, Rock’n’Roll und
Humor. Er ist nicht nur als Sänger bekannt, sondern arbeitet mittlerweile
genauso erfolgreich als Maler. Ganz in Rockstar-Manier malt er seine
sog. ‚Likörelle‘ mit Eierlikör, Blue Curacao und anderen alkoholischen
Getränken. Entstanden sind die ersten dieser Arbeiten an den Hotelbars.
Mit dem Finger tauchte er ins Likörglas und malte damit auf Papier. Seine
künstlerischen Statements setzt er nicht nur auf der Bühne musikalisch
gekonnt um, sondern auch in karikaturhafter Weise in seinen Bildern.
Unserer lang vorbereitete Einzelausstellung 2009 war noch mit seinem
persönlichen Erscheinen geplant, doch sein fulminantes Comeback 2008
als Musiker war leider der Grund für die Absage.
Bekannt durch seine „Elementarzeichen-
Figuren“, die immer auch an Höhlenzeichnungen
erinnern, gehört A.R. Penck heute
zu den renommiertesten Künstlern der
Gegenwart. Penck thematisiert immer
wieder die Beziehung zwischen Individuum
und Gesellschaft. Charakteristisch für seine
gestisch-figurative Kunst sind Symbole
und mythische Fabelwesen. Seine ersten
Grafiken schuf Penck 1977, heute sind seine
Druckgrafiken begehrte Sammlerstücke.
A.R. Penck, Serie II Du, Aquatinta-Radierung, Auflage 31/50, 77 x 107 cm, handsigniert und nummeriert, 2.980 eur

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50 WAYS TO LOVE ART 50 WAYS TO LOVE ART 39
EDVARDAS
RACEVICIUS (*1974)
Aus nur einem Stück Holz arbeitet er eine
Figur heraus, wobei das Holz die Form
bedingt, die er seinen Arbeiten am Ende
gibt. Mit seinen Werken stellt er immer
wieder die existenziellen Fragen in der
Vordergrund: „Wer bin ich?“ „Woher
komme ich?“ „Wohin gehe ich?“. Kern seiner
Arbeit ist immer, wo das Material endet
und der Mensch beginnt. So entstehen
absurd-bizarre Kompositionen, die vor
allem aus der Manipulation und Zerlegung
des Materials resultieren. Das Holz
bearbeitet er nur grob.
RALPH-J.
PETSCHAT
(*1964)
RASCH (*1961)
FOLKERT
Die Werke entstehen in einer aufwendigen Technik,
in der er in einer sehr eigenständigen Art und Weise
Malerei mit Fotografie und Druck kombiniert. Die
teilweise selbst erstellten Fotovorlagen werden durch
digitale Bearbeitung auf das Wesentliche reduziert,
wodurch er eine lebendige Ruhe erschafft. Die fertige
Fotovorlage druckt Petschat auf einzelne Papiere
im A4-Format, die er anschließend auf Leinwand
aufbringt. Anschließend wird in einem langwierigen
Prozess das Bildmotiv durch Malerei noch überarbeitet.
So entstehen Werke mit erstaunlicher
Tiefe und großer Farbkraft an der Schnittstelle von
Erfindung, Illusion und Abbild. Seine Werke zeigen
wir seit 2021.
Edvardas Racevicius, o.T. Unikat, Holz,
bemalt, 25,5 x 85 cm,handsigniert,
5.000 eur
Folkert Rasch, Bilder vom Meer H8, Unikat, Mischtechnik auf Holz, 74 x 72 cm, 2022, gerahmt mit
dezenten Schattenfugenrahmen, 3.000 eur
Folkert Rasch malt zarte Gemälde auf Leinwand
und Holz. Seine Bilder von Strand und
Meer leben durch zarte Überlagerungen von
Farben und Strukturen.
Er bildet keine Ausschnitte der Realität ab,
konsequent vermeidet er konkrete Bezüge.
Seine Bilder lassen sich nicht lokalisieren,
seine Landschaften bergen in sich zugleich
metaphysische und sachliche Aspekte. Sie
bieten Projektionsflächen für die Ideenwelt
des Betrachters.
JAMES
RIZZI (1950-2011)
Als eine der allersten Galerien in Deutschland
stellten wir James Rizzi 1988 bei uns
in Nürnberg aus. Er kam sehr gerne zu uns
nach Nürnberg oder wir besuchten ihn in
New York. Viele Ausstellungen folgten bei uns
bis zu seinem überraschenden Tod 2011.
Bereits während seines Studiums beschäftige
er sich mit der Kombination von
Malerei und Skulptur und entwickelte
schließlich die von ihm häufig verwendete
Technik der 3D-Grafik. Im Laufe der Jahre
entwickelte er seinen charakteristischen
und einzigartigen, farbenfrohen Stil
immer weiter und schuf eine Vielzahl an
lebensfrohen Bildern.
James Rizzi, In a Trance of a colorful glance by chance, 3-D Lithographie,
handsigniert mit Hologramm auf der Rückseite und nummeriert, Auflage 199/350,
Motivgröße 38 x 57 cm, im Schrägschnitt-Passepartout, mit farbigem Käntchen,
im Format 70 x 90 cm, 2006, © Art Licensing International GmbH, 7.800 eur
Ralph-J. Petschat, Chelsea N.Y., Unikat, Acryl/Pigmenttinte/Papier auf Leinwand, 150 x 100 cm, 2021, 3.800 eur

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KARSTEN
RISCHE (*1960)
Die Arbeiten von duckpool alias Karsten Rische
entstehen aus einer Kombination unterschiedlicher
Techniken. Neben der Malerei in Acryl
setzt er eine Vielzahl verschiedener Techniken
im Farbauftrag ein. Seit 2000 entstehen –
fasziniert von der Graffiti-Szene der 70er- und
80er-Jahre – großformatige Leinwandbilder.
Zeitgleich und bedingt durch intensive Kontakte
zur internationalen Comiczeichner-Szene
wurde die Walt Disney Company Deutschland
auf seine Arbeiten und Techniken aufmerksam.
Zahlreiche Auftragsarbeiten von Disney, aber
auch Disneyland Paris, in denen vorwiegend die
historischen Disney-Charaktere wie Donald,
Mickey und Minnie eingebunden werden,
resultierten daraus.
Friedrich Schröder-Sonnenstern, Die moralische Praxis... oder wie der Papst es gern hätt‘,
Farblithographie, Auflage 7/222, signiert, nummeriert, datiert und monogrammiert,
60 x 78,5 cm, 1972, 1.290 eur
FRIEDRICH
SCHRÖDER-
SONNENSTERN
(1882-1982)
Seine Bilder zeigen bizarre, teils erotische,
teils alptraumhafte Kreaturen, mit gewagten
Kombinationen aus Mensch und Tier. Als eine
Besonderheit sieht er die Darstellungen der
Gesichtsteile wie Nase, Kinn und Ohr, welche
er als „Männergeschlechtsteile“ deutete. Er
galt fälschlicherweise lange Jahre als Vertreter
einer „Kunst der Geisteskranken“, wurde aber
im Nachhinein von Jean Dubuffet rehabilitiert,
der Schröder-Sonnenstern nicht als Vertreter
von Art brut bezeichnete, sondern als Vertreter
der sogenannten Outsider-Art. Die Surrealismus-Ausstellung
„L‘Exposition Internationale
du Surréalisme“ in Paris 1959 feierte ihn als den
beeindruckendsten Künstler des 20. Jahr-
hunderts, zu seinen Fans und Käufern zählen
Henry Miller, Picasso, Max Ernst und
der spätere französische Staatspräsident
Georges Pompidou.
Karsten Rische, o.T., Unikat, Acryl auf Leinwand, 100 x 100 cm, rückseitig handsigniert, 2.150 eur
ANDREAS
SCHOLZ (*1955)
Er erforscht Seen, Wälder und Schluchten auf der
Suche nach Bildmotiven, hält Momente fotografisch
und filmisch fest und nutzt diese als Vorlagen
und Skizzen für seine Gemälde. Nahezu realistisch
fängt er die Feinheiten der Landschaften ein:
die Spiegelung des Lichts im Wasser und den
Schattenwurf der Bäume. Er zeigt Momente und
Orte, bei denen man glaubt, sie schon einmal ge-
sehen zu haben und Teil von Ihnen gewesen zu sein.
Scholz macht uns die Schönheiten und Feinheiten
unserer Umgebung mit seinen Gemälden deutlich,
die man in der hektischen Welt und bei all der
Flüchtigkeit leicht übersehen kann.
Andreas Scholz, Pont d‘Arc, Unikat, Öl auf Leinwand, 200 x 140 cm, 2014, 9.800 eur

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GEORG
SCHULZ (*1952)
Der Werkstoff Holz scheint Georg Schulz buchstäblich in
die Wiege gelegt zu sein. Sein Vater war Tischler, er selbst ist
neben seiner Kunst auch Antiquitätenrestaurator und
Möbel-Macher. Er schafft handliche Skulpturen, meist um
die 25 cm groß. Mit einem alten englischen Stecheisen schlägt
Schulz seine Figuren aus Lindenholz und bearbeitet sie grob
mit der Bandsäge, bevor er sie mit Acrylfarben bemalt. Es
entstehen karikaturenhafte Figuren mit einen so individuellen
Gesichtsausausdruck, dass man meint, parallelen zu lebenden
Personen entdecken zu können.
JÖRG
SCHEMMANN (*1959)
Georg Schulz, Familie, Unikat,
bemalte Holzskulpturen, Lindenholz,
Höhe ca. 33 cm, handsigniert,
2.200 eur
Auf den Landschaftsgemälden von Schemmann sieht man keinen Horizont, sondern allein die
Weite des Himmels. In seinen Arbeiten wird der Respekt vor der Natur und der Pflanzenwelt
deutlich. Dieser Gedanke zeigt sich auch in der dargestellten Perspektive. Der Blick nach oben,
der sich fast wie ein Leitmotiv durch die Arbeiten zieht, zeigt dies deutlich. Spannung entsteht
in den Bildern durch die dargestellten Gegensätze: Hell und Dunkel, Leichtigkeit und Schwere,
vertikale und horizontale Bezüge sowie Nähe und Unendlichkeit.
THITZ (*1962)
Kunst kommt bei ihm nicht in, sondern vor allem auf die Tüte. Thitz schafft
expressive Stadtlandschaften, perspektivische Blicke in die Häuserschluchten
der Metropolen, die er rund um den Globus bereist. Dabei sind seine
Großstadtbilder von witzigen Figuren aller Hautfarben, jeglichen Alters und
Geschlechts bevölkert. Aus Fenstern, Türen, Dächern schauen ihre Köpfe.
Kunst ist bei Thitz stets mitten aus dem Leben gegriffen.
Für 2024 planen wir eine Einzelausstellung mit Thitz.
Thitz, New York City Pop Art, Unikat, Acryl auf Künstlersiebdruck, Tüten auf Leinwand, 110 x 80 cm, 2021, 9.500 eur
Jörg Schemmann, Feigenkaktus, Unikat, Acryl auf Leinwand, 180 x 120 cm, 2021, 6.800 eur

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50 WAYS TO LOVE ART 50 WAYS TO LOVE ART
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In seinen Arbeiten zeigen sich Rückgriffe auf Chiffren aus der
afrikanischen Kunst. Damit beleuchtet Stanley mit seinen Zeichnungen,
Skizzen und Collagen seine eigene Identität, die geprägt ist von
seiner Herkunft aus zwei verschiedenen Kulturkreisen – Sein Vater
ist Nigerianer, seine Mutter ist Deutsche. Vor allem die Gegensätze
Nähe und Distanz, Vergangenheit und Gegenwart stehen deutlich im
Vordergrund seiner Arbeiten. Stanley kombiniert auf einzigartige Weise
realistische Porträts mit Tieren, Literatur und originellen Beziehungen
zu Symbolen und antiken Mythologien. Seit seiner ersten Ausstellung
bei uns 1988, gehört Stanley zu unserem festen Künstlerstamm und
begeistert seine Sammler immer wieder aufs Neue.
STANLEY
RANSOME (*1953)
Henning von Gierke lernte Beate Voigt bei
seiner ersten Ausstellung 1973 in Berlin „Kleine
Weltlaterne“ kennen. Es folgten zahlreiche
Ausstellungen in unseren Räumen. Von Gierke
gilt inzwischen als ein wichtiger Vertreter der
realistischen Malerei des 21. Jahrhunderts.
Neben mythologisch abendländischen Bildinhalten
schafft er auch realistische Stillleben
und Landschaftsbilder. Seine Bilder strahlen
durch eine subtile Farbgebung und gekonnte
Inszenierung der Bildmotive und Figuren eine
sinnliche Leichtigkeit aus. In seinen Arbeiten
hinterfragt er das menschliche Dasein im
Zusammenhang mit der Natur, Philosophie und
Religion. Häufig findet er seine Bildmotive in der
christlichen Mythologie und kunstgeschichtlichen
Vorbildern die er als Zitate umsetzt.
HENNING
VON
GIERCKE
(*1947)
Ransome Stanley, Malcom, Unikat, Öl auf Leinwand, 120 x 110 cm, 2021, 6.500 eur
FRANK TEUFEL (*1966)
Maximilian Verhas, Rolling Spiral, Bronze, 2017,
23 x 19 x 17 cm, Auflage 25, 6.200 eur
MAXIMILIAN
VERHAS (*1960)
Frank Teufel, o.T., griechischer Marmor, 41 x 29 x 30 cm, 7.500 eur
Die scheinbar schwerelosen und
ein Spannungsmoment aufbauen. Im
leichten Skulpturen des Bildhauers Vordergrund seines künstlerischen
Frank Teufel bestehen meist aus
Schaffens stehen die abstrahierten
zwei Ebenen, die sich aufeinander Raumlinien, durch die er sich
zu und voneinander wegbewegen, mit den Themen Bewegung und
wodurch sie schwebend wirken und Beziehung auseinandersetzt.
Maximilian Verhas schafft seit 1990 Objekte, die nicht
in einer Starre verharren, sich jederzeit durch einen
Impuls in Bewegung versetzten lassen. Die schweren
und festen Metallkörper zeigen eine erstarrte, festgehaltene
Bewegung: Sie winden sich, fließen, sind in
sich verschlungen. Sie bewegen sich im Raum und im
Verhältnis zum Betrachter immer neu, sie sind in einem
ständigen Wandel. Diese haben nicht nur einen einzelnen
Schwerpunkt, sondern rotieren meist über zwei
Achsen. Die schweren Bronzeskulpturen erscheinen
durch ihren Bewegungsmoment in einer spielerischen
Leichtigkeit sinnlich und poetisch.
Henning von Gierke, Justitita mit Schwert und Apfel, Öl auf Leinwand, 100 x 140 cm, 2021, 17.500 eur

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50 WAYS TO LOVE ART 50 WAYS TO LOVE ART
PAUL
WUNDERLICH
(1927-2010)
Paul Wunderlich gehörte wie kaum ein
Wolfgang Turba, Ameisenstuhl,Originalgrafik, Auflage 4/18, 38 x 49,5
cm, 1961, 99 eur
anderer Kunstschaffender unserer Zeit
zu den wirklich stilbildenden Künstlern
der Moderne. Sein eigenwilliger Stil liegt
zwischen Manierismus und Surrealismus,
weist zudem auch Elemente des Jugendstils
und Art Déco auf. Später wurden ihm
erotische und sexuelle Motive wichtiger,
die er mit Delikatesse und auch einer
Spur Morbidität behandelte, was teilweise
strafrechtlich verfolgt wurde. Seit den
späten 1960er Jahren arbeitete er auch an
bildhauerisch ästhetisierten Alltagsgegenständen,
die in Einklang standen mit der
raffiniert ausgearbeiteten Bildsprache
seiner Malerei.
Paul Wunderlich, Goldene Schale, Bronze, Auflage 99/110,
17,5 x 20,5 x 9cm, 1979, Preis auf Anfrage
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Mit dem Künstler Wolfgang Turba eröffnete
Beate am 21.01.1972 ihre erste Ausstellung.
Turba ist Mitglied der Nürnberger Künstler-
gruppe „Der Kreis“. Seine Malerei und
Grafik bestechen durch eine durchdachte
Linienführung. Mythische Themen, kosmische
Träume und apokalyptische Visionen waren
beliebte Bildmotive des phantastischen
Realismus.
WOLFGANG
TURBA (*1947)
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FRANK
WAHLE (*1953)
Frank Wahle war der erste Künstler, den wir nach
der Wende 1989 in seinem Atelier in Ostberlin
besuchten. Seine großformatigen Linolschnitte sind
einzigartig, jeder Schnitt muss bei dieser Technik
exakt ausgeführt werden, sonst ist die gesamte Arbeit
unbrauchbar. Das Basis Material Linoleum gibt es
in dieser Form auch nicht mehr. Seine extrem aufwendigen
Grafiken bestechen nicht nur durch ihre
Größe, sondern auch den gekonnten Einsatz der
Schnittführung und Wahles ganz eigene Formsprache.
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