Frankfurt in Takt Frankfurt in Takt - HfMDK Frankfurt

Frankfurt Frankfurt in in Takt 

Takt 

Magazin der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Frankfurt am Main 

Schwerpunktthema 

EXZELLENZ und ELITE 

10. Jahrgang, Nr. 1 Sommersemester 2010 

www.hfmdk-frankfurt.de

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Frankfurt in Takt 10/1 

Inhalt 

Schwerpunktthema 


2 Editorial 

Exzellenz und Elite – mehr Fragen als Antworten 

4 Gedanken zu Exzellenz und Elite 

Von Martin Lücker 

7 Welt ohne Musik: undenkbar! 

Über die Initiative Musikalische Bildung 

8 Persönliches Reifen auf ganzer Linie 

Interview mit Stephen Potts 

12 „Elite gehört in den Dienst der Gesellschaft 

– alles andere ist Dünkel“ 

Der Studiengang „Internationale Ensemble Modern Akademie“ 

16 „Elite auf den Fingersatz zu begrenzen, ist zu wenig“ 

Interview mit Lothar Zagrosek 

20 „Mut zum Querdenken und riskanten Erproben“ 

Interview mit Prof. Dr. Hans-Thies Lehmann 

26 „Die geistige Reife muss mitwachsen“ 

Interview mit Karl Rarichs 

29 Musikalische Selbsteinschätzung erwünscht 

31 „Mit Mittelmäßigkeit kommt die Kunst nicht weiter“ 

Interview mit Werner Wölbern 

Statements zu 


10 Peijun Xu 

15 Susanne Blumenthal 

17 Luise Rummel 

19 Vladimir Babeshko 

19 Jacob Bussmann 

20 Laura Linnenbaum 

23 Kristin Wömmel 

24 Annika Gerhards 

27 Elena Graf 

28 Hanna Eimermacher 

35 Lisa Weidenmüller 

41 Bianca Hellberg 

42 Christopher Park 

Freunde und Förderer 

36 Unterstützung der Förderer erleichtert und bereichert Studium 

Von Friedmar Deller 

40 „Bitte laden Sie die Frankfurter häufiger ein“ 

Opernproduktion „Rinaldo“ 

41 2. Runde für MainCampus-Stipendien 

Persönliches 

45 Pendeln zwischen Wurzel und Weite 

Hans-Ulrich Becker im Portrait 

46 Den Hirnmuskel aktivieren 

Andrea Tallis im Portrait 

47 Unterrichten ist ein Privileg 

Kristin von der Goltz im Portrait 

48 Ausgesuchte Erfolge unserer Studierenden 

48 Impressum

Editorial 

Schwerpunktthema EXZELLENZ und ELITE 

Exzellenz und Elite: mehr Fragen als Antworten 

Wenn in Deutschland in den letzten Jahren öffentlich über Hoch- 

schulen diskutiert wurde, dann ging es sehr oft um „Exzellenz“. 

Vor allem die milliardenschwere „Exzellenz-Initiative“ der Bundes- 

regierung rückte das Thema in den Mittelpunkt der Debatte, und 

die exzellentesten Hochschulen gelten seitdem als „Elite-Hoch- 

schulen“. Anlass genug für uns, „Exzellenz“ und „Elite“ einmal 

in den Mittelpunkt einer Ausgabe der „Frankfurt in Takt“ zu rücken 

und zu fragen: Sind auch wir eine „Elite-Hochschule“, gehören 

unsere Studierenden einer zukünftigen „Elite“ an und welche Rolle 

spielt „Exzellenz“ in unseremHaus? 

Die meisten Hochschulen nehmen für sich in Anspruch, exzellent 

zu sein. Auch ich argumentiere auf dieser Ebene, wenn ich für 

unsere Hochschule werbe – erfüllen wir doch wesentliche Kriterien, 

die eine „Elite-Hochschule“ ausmachen: 

• Unsere Studierenden sind ausgesucht – zehn Bewerber kommen 

im Schnitt auf einen Studienplatz. 

• Unsere Studierenden haben sich viele Jahre auf das Studium 

vorbereitet und sind deshalb hoch motiviert. 

• Unsere Abbrecherquoten sind mit Abstand die niedrigsten im 

gesamten hessischen Hochschulbereich; 90 Prozent der Studieren- 


den, die bei uns eine Ausbildung beginnen, beenden diese auch. 

• Unsere künstlerische Ausbildung ist international gefragt: 

Während Universitäten darum kämpfen, den internationalen Anteil 

ihrer Studierenden auf 15 Prozent zu erhöhen, liegt unser Auslän- 

deranteil bei 34 Prozent. Lediglich unsere Finanzierung entspricht 

nicht dem Standard einer „Elite-Hochschule“, da gehören wir 

eher zu den Kellerkindern mit einer mageren Personalausstattung 

in Lehre und Verwaltung sowie ohne Mittelbau. 

Für diese Ausgabe von „Frankfurt in Takt“ haben wir der Hochschu- 

le nahe stehende Persönlichkeiten und unsere Lehrenden und 

Studierenden zu Wort kommen lassen. Bei den Studierenden haben 

wir vor allem die nach ihrer Haltung zu „Exzellenz“ und „Elite“ 

befragt, die auf Grund besonderer Erfolge und Leistungen von 

außen sicherlich als „exzellente Elite-Studierende“ bezeichnet 

würden. Ihre Stellungnahmen sind nachdenklich und differenziert: 

Durchgängig werden mehr Fragen aufgeworfen als Antworten 

gegeben, herrscht eher Selbstbefragung statt Selbstgewissheit, ist 

stetes Bemühen um Weiterentwicklung angesagt statt stolzen 

Elitebewusstseins.


Dabei werden „Exzellenz“ und „Elite“ kritisch gesehen. „Exzellenz“ 

wird zwar als Messlatte, nach der man strebt, akzeptiert. Niemand 

bezeichnet sich jedoch selbst als exzellent. Es herrscht weitgehen- 

der Konsens darüber: Wer sich als Künstler zurücklehnt und 

von sich sagt, er sei jetzt „exzellent“, der hat aufgehört, Künstler 

zu sein, weil er sich selber nicht mehr hinterfragt. Auch den Begriff 

„Elite“ will niemand auf sich selber beziehen. Wozu auch? Alles, 

was mit Elite assoziiert wird – Einfluss, Macht, gesellschaftliche 

Führungsposition, Exklusivität – hat mit dem Selbstverständnis 

unserer Hochschulangehörigen wenig zu tun. Künstlerisch tätige 

Menschen sind Individualisten, die sich nicht vereinnahmen lassen 

wollen, auch nicht – schon gar nicht – als „Elite“. Trotzdem sind 

beide Begriffe für uns von großer Bedeutung. Das Streben nach 

Exzellenz steht im Mittelpunkt unserer Ausbildung, und natürlich ist 

unsere Ausbildung „elitär“ – im positiven Sinne. 

Alle Hochschulangehörigen verbindet das Bestreben, besser zu 

werden, sich zu vervollkommnen beziehungsweise die Studierenden 

dazu anzuhalten. Die harten Diskussionen mit den Lehrenden 

führen wir im Präsidium nicht über mehr Gehalt, Reisekostenzu- 

schüsse oder Deputatsreduzierungen. Wir setzen uns über bessere 

Ausbildungsbedingungen auseinander, über weitere Arbeitsräume 

oder zusätzliche Stellen für die Lehre. Und die Studierenden 

beklagen sich nicht darüber, dass die Anforderungen zu hoch seien, 

im Gegenteil: Sie fordern mehr Überäume und längere Öffnungs- 

zeiten. Die Qualität unserer Ausbildung und ihre Verbesserung, das 

sind Kernthemen unserer Institution – und was ist das anderes als 

das stete Bemühen um mehr Exzellenz? Warum bewerben 

sich jährlich fast 1000 junge Menschen aus dem Ausland um einen 

der 150 Studienplätze an unserer Hochschule? Weil es weltweit 

bekannt ist, dass die künstlerische Ausbildung in Deutschland 

„exzellent“ ist und weil viele unserer Lehrenden einen internationa- 

len Ruf genießen. Und wenn die Studierenden den Begriff „Exzel- 

lenz“ ablehnen, dann tun sie das aus einer Haltung heraus, die hoch 

zu achten ist: Dahinter stehen das Bemühen um Wahrhaftigkeit, 

das Wissen um den schweren Weg des Künstlers und darum, dass 

jener mit Sicherheit nicht weiterkommt, der sich auf seinen 

Leistungen ausruht. 

Unsere Ausbildung ist „elitär“, weil sie konsequent den Einzelnen in 

den Mittelpunkt stellt. Unsere Studierenden werden fast aus- 

schließlich im Einzelunterricht oder in kleinen Gruppen ausgebildet. 

Sie stehen als Individuen im Zentrum der Ausbildung. Wenn man 

das mit der Situation an den Universitäten und Fachhochschulen 

vergleicht: Welch ein Privileg, so studieren zu können! Dafür wird 

aber auch viel verlangt. Nicht nur der Beruf des Künstlers, auch die 

Ausbildung ist schon von großer Konkurrenz geprägt, und die 

hohen Anforderungen führen viele unserer Studierenden im Laufe 

ihres Studiums an ihre eigenen Grenzen. Trotzdem schließen bei 

uns fast 90 Prozent der Studierenden ihr Studium erfolgreich 

ab, denn alle verbindet eine große Leidenschaft für die Kunst. Es 

gibt an unserer Hochschule einen Konsens darüber, dass man sich 

– wie Martin Lücker später schreibt – in „Demut“ etwas Größerem 

wie der Kunst unterordnen muss. Es gibt die Bereitschaft, dafür 

auch das Äußerste von sich zu fordern. Eine stets fragende 

Grundhaltung (vor allem auch sich selbst gegenüber) ist die 

Voraussetzung für ein erfolgreiches Studium. Und natürlich muss 

jeder lernen, Verantwortung für sich selber zu übernehmen – im 

Vorspiel, beim Vorsprechen oder Vortanzen kann sich niemand 

hinter anderen verstecken. Ob nun deshalb jeder unserer Absol- 

venten zu einer Elite gehört, das will ich nicht behaupten. Aber auf 

jeden Fall vermitteln wir als Hochschule Haltungen, die man sich 

von den Eliten unseres Landes nur wünschen mag. 

Thomas Rietschel 

3

Gedanken zu 

„Exzellenz“ und „Elite“ 

Von Martin Lücker 

Das Redaktionsteam hat mich gebeten, Gedanken zu „Exzellenz und 

Elite“ zu äußern. Ich möchte mich zu diesen beiden Begriffen nicht 

unter allgemeinen Aspekten äußern, sondern einfach darstellen, 

wo diese beiden Begriffe mich in der Wirklichkeit meines Lebens 

als Künstler und Pädagoge betreffen. 

Zum Begriff „Exzellenz“ 

Dem Begriff „Exzellenz“ bin ich hier am Hause bisher nur dreimal 

begegnet: Vor einigen Jahren – ich glaube, es war noch zu Zeiten 

des Geschäftsführenden Präsidenten Klaus Neuvians – sollten 

die Bereiche Alte Musik und Neue Musik zu „Exzellenzbereichen“ 

der Hochschule erklärt werden. Des weiteren erinnere ich mich 

an eine Sitzung im Ministerium – damals war ich einer der Vize- 

präsidenten –, in welcher Vertreter der Präsidien Hessischer Hoch- 

schulen ihre Gedanken zu einem Wettbewerb „Exzellenz in 

der Lehre“ äußern sollten, den das Ministerium plante. Vor kurzem 

fand ich im Werbeprospekt der Abteilung Kirchenmusik 

einer kleineren deutschen Musikhochschule als Motto die Trias 

„Tradition – Erneuerung – Exzellenz“. 

Die freie Online-Enzyklopädie Wikipedia schreibt zu „Exzellenz“: 

„Exzellenz ist ein Ausdruck für überragende Qualität; das zugehörige 

Eigenschaftswort ist „exzellent“. Lange Zeit nur als subjektives 

Werturteil benutzt, wird Exzellenz heute zunehmend auch als 

objektives Güteprädikat verwandt, das mit bestimmten überprüfbaren 

Qualitätskriterien versehen ist. 



In der Hochschul- und Wissenschaftspolitik ist Exzellenz zu einem 

Fachausdruck geworden. Ausgehend von den englischen Begriffen 

„network of excellence“ oder „center of excellence“ kommt ihm 

heute eine besondere Bedeutung bei der öffentlichen Forschungsfi- 

nanzierung zu, was 2006 insbesondere in der deutschen Exzellenzini- 

tiative des Bundes und der Länder zum Ausdruck kam. Eine eindeu- 

tige Definition dieses Begriffes wird dabei jedoch vermieden.“ 

Ein Wissenschaftler hat vermutlich ein Problem, wenn ein Begriff 

(wie in diesem Fall „Exzellenz“) nicht eindeutig definiert wird. Ein 

Musiker wird ein größeres Herz haben, weil das, was er täglich 

ausübt, nämlich „Musik“, sich keinesfalls explizit und eindeutig 

definieren lässt, so wenig wie „Kunst“, „Liebe“ und „Elektrizität“. 

Als schwierig empfinde ich es, wenn „Exzellenz“ offenbar zu einem 

objektiven Güteprädikat werden soll, dessen eindeutige Definition 

aber nicht vorliegt (Parallele aus der Alltagswelt: Der Begriff „Bio“ 

gibt trotz Bemühens von vielen Seiten immer noch keine Auskunft 

über verbindliche Eigenschaften eines Produktes.). 

Ich versuche den Begriff „Exzellenz“ zu verknüpfen mit der Frage 

nach der Qualität meines Unterrichtes. Ist mein Unterricht von 

hoher Qualität, weil ich 

a) meinen Studentinnen und Studenten in der Zeit ihrer Ausbildung 

umfassend als Berater und Förderer zur Verfügung stehe; 

b) künstlerische Maßstäbe, die ich im Unterricht einfordere, 

in meinem eigenen Tun bewahrheite und dadurch Vorbild bin; 

c) für jeden immer wieder nach adäquaten methodischen 

Ansätzen suche; 

d) zum selbständigen Tun ausbilde, indem ich mich als Lehrer 

schrittweise immer unwichtiger mache; 

e) die Bewährung in professionellen Situationen (Podium, 

Vorstellung) einübe? 

Die Liste dieser Fragen wird nie vollständig sein können, weil 

das beständige Ringen um die Qualität des eigenen Tuns für mich 

untrennbar mit meiner Existenz als Lehrer, Künstler und nicht 

zuletzt als Mensch verbunden ist.


Oben: Für Pädagogen richtet sich die Exzellenz-Frage auch nach der Qualität 

ihres Unterrichtes aus. Motivationsfähigkeit – im Bild Prof. Vladislav Brunner 

– ist sicher ein Kriterium. 

Mitte: Meisterkurse und offene Workshops öffnen den Frankfurter Hochschülern 

immer wieder den Horizont ihres individuellen Wachsens als Künstler. 

Im Bild der gemeinsame Unterricht der Klarinettisten mit Laura Ruiz Ferreres. 

Sie hat den Ruf als HfMDK-Professorin zum kommenden Wintersemester 

angenommen. 

Unten: Für Orgelprofessor Martin Lücker – hier im Bild bei einer pädagogischen 

Begegnung mit Kindern – ist klar: Exzellenz ist in seinem künstlerischen 

Tun sicher keine objektiv messbare Größe. Foto: Katrin Schander 

Ich ändere die Blickrichtung: Woran ermessen eine Studentin 

oder ein Student die Qualität meines Unterrichtes: 

a) an der Empathie bei der gemeinsamen Arbeit; 

b) am Gefühl des Fortschrittes; 

c) an der wachsenden Wahrnehmung ihrer oder seiner selbst als 

integrale Persönlichkeit; 

c) am erfolgreichen Einstieg und Bewährung im erstrebten 

Musikerberuf? 

Je länger ich darüber nachsinne, umso unmöglicher erscheint es 

mir, „Exzellenz“ als objektiv messbare Größe im Rahmen einer 

künstlerischen Ausbildung zu fassen. Insofern ist dieser Begriff für 

meine Lebenswirklichkeit als Orgellehrer und Künstler ohne 

Bedeutung. 

Und nun zum Begriff „Elite“ 

Wiederum Wikipedia: „Eine Elite (urspr. vom lateinischen electus, 

„ausgelesen“) ist soziologisch genommen eine Gruppierung überdurchschnittlich 

qualifizierter Personen (Funktionseliten, Leistungseliten) 

oder die herrschenden bzw. einflussreichen Kreise (Machteliten) 

einer Gesellschaft.“ 

Im Werdegang als Musiker unterzieht man sich immer wieder 

Verfahren, bei denen man seine überdurchschnittliche Qualifikation 

unter Beweis stellen muss, nämlich in Aufnahmeprüfungen, bei 

Wettbewerben, schließlich bei Bewerbungsverfahren. Einfach 

gesagt: Man muss besser und „besonderer“ sein als „die anderen“. 

Solch ein lebenslanges Gemessen- und Beurteilt-Werden betrifft 

vermutlich einen Großteil von Menschen, insbesondere jene, die im 

Berufsleben stehen. Das kann man beklagen, muss es aber wohl als 

Schicksal annehmen. Im künstlerischen Bereich nun gründen sich 

Qualifikationen zu einem erheblichen Anteil auf individuelle 

Begabungen: eine schöne Stimme, ein schöner Ton, eine tiefe und 

reiche Künstlerpersönlichkeit, eine rasche Auffassungsgabe. Auch 

dies kann man beklagen, muss aber lernen zu akzeptieren, dass der 

liebe Gott hinsichtlich der Verteilung von Begabungen sich nicht 

unbedingt vom Grundsatz der Gleichheit und der Gerechtigkeit 

leiten lässt. 

Gehört also „überdurchschnittliche Qualifikation“ als Merkmal einer 

Elite zum Musikertum, so vermute ich andererseits, dass dem 

Musiker ein weiteres wichtiges Merkmal einer Elite fehlt, nämlichdas 

Gruppenbewusstsein einer Elite. Von mir selbst muss ich sagen,

dass ich mich auf dem Podium oder im Unterricht nicht auf das 

Gefühl der Zugehörigkeit zu einer Gruppe gleich Qualifizierter 

stützen kann. Ich vermute, dass selbst Angehörige von Spitzenen- 

sembles sich nicht anders fühlen. Eliten gewinnen durch ihr 

Gruppenbewusstsein eine große Stabilität, die einem darstellenden 

Künstler nicht ohne weiteres in gleichem Maße zu Gebote stehen: 

Bei jedem Auftritt muss er seinen einzigartigen Rang dem Publikum 

und sich selbst aufs Neue bewahrheiten. Und Sterne am Künstler- 

himmel können rasch aufgehen, aber auch rasch wieder verblassen. 

Und zuletzt: Angehörige einer Elite heben sich aus der Masse einer 

Gesellschaft auch durch höheren Einfluss und höhere Bezahlung 

hervor. Das wird auf klassische Musiker nur in seltensten Fällen 

zutreffen. 

Bin ich also Mitglied einer Elite? 

Von zentraler Bedeutung für mein Selbstgefühl und mein Selbst- 

wertgefühl als Künstler und Lehrer gehört, dass ich meine, etwas zu 

können und an mir zu haben, was mich von anderen Menschen 

absetzt und was mich in den Stand setzt, Kunst für sie auszuüben 

oder sie in der Kunst zu unterweisen. Dieses Selbstgefühl muss ich 

immer wieder kritisch reflektieren unter den Aspekten Demut und 

Verantwortung: Demut, weil meine Begabung und ebenso alle 

hilfreichen Umstände von Herkunft, Ausbildung und Förderung mir 

geschenkt wurden „ohn’ all mein Verdienst und Würdigkeit“; 

Verantwortung, weil als Darstellender Künstler ich nicht mich selbst 

darzustellen habe, sondern musikalische Kunstwerke. Somit 

erwachsen auch die Kriterien meines Tuns aus den Kriterien, welche 

die musikalischen Kunstwerke setzen, die ich so gut als möglich 

darstellen und vermitteln möchte. 

Mein Selbstbild ist also eher von einer ausgeprägten Wahrnehmung 

meiner selbst als Individuum geprägt und lässt sich mit dem auf 

eine Gruppe bezogenen Begriff der Elite kaum beschreiben. 

Insofern spielt dieser Begriff für mich keine Rolle. 

Am Rande: Ich fühle mich nicht als Mitglied einer Elite, wohl aber 

als hochgradig privilegiert, denn ich darf Musiker sein und damit 

eine Existenz führen, in der ich Körper, Geist und Seele immer 

wieder als Einheit erleben darf, Menschen Freude bereite, Anerken- 

nung und Ansehen gewinne und ein gutes finanzielles Auskommen 

habe. 


Was resultiert daraus für mein Lehren? Bilde ich eine künftige 

Elite aus? 

Jede Studentin, jeder Student muss von sich das Bewusstsein des 

Besonderen, des Einzigartigen haben oder gewinnen. Als Lehrer 

muss ich sie oder ihn unterstützen, zum Besonderen der eigenen 

Klavierprofessor 

Eike Wernhard im 

Schnupperunterricht 

im Rahmen eines 

Informationstages für 

Schulmusiker. 


Persönlichkeit vorzudringen und dieses Besondere in den Dienst 

des Darstellens und Vermittelns von Kunst zu bringen. Angesichts 

des hohen Grades von Individuation, welches Zentrum musikalischer 

Ausbildung ist, ist für mich der Begriff „Elite“ in meiner 

Lebenswirklichkeit als Pädagoge ohne Belang. 

Zum Schluss 

Eine Suche auf der Homepage der HfMDK ergibt bei „Exzellenz“ 

keinen Treffer, bei „Elite“ den folgenden: 

„Wir sehen unseren Bildungsauftrag gleichermaßen in der Breitenwie 

in der Spitzenförderung. Deshalb hat die Ausbildung von 

Pädagogen bei uns den gleichen Stellenwert wie die Ausbildung 

von Künstlern. Erst aus der Breite wächst die Elite, und nur wer 

Kinder für Kunst begeistert, sichert dieser die Zukunft.“ 

Ich bemerke, dass in diesem kurzen Absatz aus den Leitlinien der 

HfMDK sich drei Begriffspaare finden, welche sich als Gegensätze 

darstellen: 

Breitenförderung – Spitzenförderung; 

Pädagogen – Künstler; 

Breite – Elite. 

Ich halte den zitierten Absatz für verzichtbar, denn unter dem 

Blickwinkel der Individuation lösen sich die dargestellten Gegensätze 

auf. Schließlich besteht die „Breite“ ebenso wie die „Elite“ aus 

Individuen, die individuell gefördert werden sollen. Und Pädagogik 

und Künstlertum sind letzlich zwei Seiten einer Medaille: des 

Humanums in seinen besten Möglichkeiten. 

Der Autor Martin Lücker ist an der HfMDK Frankfurt am Main 

Professor für künstlerisches Orgelspiel und historische Interpretationspraxis. 

Er ist zugleich Organist an der evangelischen Frankfurter 

Hauptkirche St. Katharinen und international als Konzertorganist 

gefragt.


Welt ohne Musik: undenkbar! 

24 deutsche Musikhochschulen setzen sich mit einem Aktionsjahr für die Bedeutsamkeit der Musik ein 

„Können Sie sich eine Welt ohne Musik vorstellen? Wir nicht. Die deutschen Musikhochschulen.“ Unter diesem Motto haben sich alle 

24 selbstständigen staatlichen Musikhochschulen in Deutschland zusammengeschlossen. Gemeinsam wollen sie der Gefahr der mu- 

sischen Verarmung unseres Landes entgegenwirken. Sie übernehmen Verantwortung als eine Interessenvertretung für Musik und setzen 

sich mit Nachdruck ein für eine Gesellschaft, die die Bedeutung von Musik erkennt, nutzt und fördert. Mit einem Aktionsjahr zur 

musikalischen Bildung und Ausbildung will die Rektorenkonferenz der deutschen Musikhochschulen, die 2010 ihr 60-jähriges Bestehen 

feiert, ein Zeichen setzen. Der 19. November 2009 bildete dazu den Auftakt: Alle 24 Musikhochschulen öffneten an diesem Tag ihre 

Türen und veranstalteten einen gemeinsamen „Aktionstag musikalische Bildung“. Die HfMDK engagiert sich bereits seit Jahren konsequent 

und nachhaltig mit langfristig angelegten Projekten wie PRIMACANTA und Response für die kulturelle Bildung. Weitere Infos zur Initiative 

„Musikalische Bildung“ der 24 deutschen Musikhochschulen finden Sie online unter www.die-deutschen-musikhochschulen.de. 

Die Förderung musikalischer Bildung 

ist ohnehin ein Grundpfeiler im 

Selbstverständnis der Frankfurter 

Hochschule. Im Bild der Musikpäda- 

goge Felix Koch mit Kindern bei der 

Eröffnungsveranstaltung zur Aktion 

Musikalische Bildung im Kleinen Saal 

der HfMDK. 

Anzeigenkampagne der 

Initiative Musikalische Bildung.

Andreas Brantelid im 

Unterricht mit seinem 

Celloprofessor Frans 

Helmerson 

Persönliches Reifen auf ganzer Linie 

Stephen Potts, Direktor des „Kronberg Academy Master“, im Interview über den Elite-Studiengang für 

angehende Streichersolisten 

Stephen Potts, Direktor des 

Kronberg Academy Master, 

versteht sich zugleich als Mentor 

seiner Studierenden. 

Im Hintergrund die KAM- 

Studentin Marie-Elisabeth Hecker 

Fotos: Andreas Malkmus 

Mit dem „Kronberg Academy Master“ hat vor drei Jahren in Ko- 

operation mit der Kronberg Academy und der Hochschule für Musik 

und Darstellende Kunst Frankfurt am Main ein Elite-Studium für 

angehende Streichersolisten begonnen. Dessen Studierende stehen 

am Anfang einer vielversprechenden internationalen Karriere als 

Solisten. Während sie in der konzentrierten Ruhe der Kronberg 

Academy von weitgereisten Solisten und Professoren wie Christian 

Tetzlaff (Violine), Nobuko Imai (Bratsche), Gary Hoffman und Frans 

Helmerson (beide Violoncello) unterrichtet werden, studieren sie an 

der HfMDK Fächer wie Tonsatz, Gehörbildung und Komposition und 

nehmen an Projekten der Hochschule teil (Kammermusik etc.). 

Meisterkurse mit Persönlichkeiten wie Gidon Kremer ergänzen 

die Ausbildung. Stephen Potts ist Direktor des „Kronberg Academy 

Master“. Er ist zugleich Mentor für die jungen Musiker, denen er 

einerseits die bestmögliche fachliche Ausbildung angedeihen lassen 

möchte, andererseits aber auch eine natürliche und individuelle 

Persönlichkeitsentwicklung. Wie beides konfliktfrei ineinandergreift, 

erklärt Stephen Potts im nachfolgenden Interview. 


Frankfurt in Takt Herr Potts, der Kronberg Academy Master versteht 

sich ausdrücklich als Elite-Studiengang. In welchem Sinne wollen 

Sie diesen Begriff verstanden wissen? 

Stephen Potts Der Begriff Elite umschreibt für mich in diesem 

Zusammenhang die wundervollen Qualitäten von Musikern mit 

außergewöhnlicher Begabung und die Notwendigkeit, ihnen 

besondere Rahmenbedingungen zu ermöglichen, damit sie ihre 

Fähigkeiten voll entfalten können. Nur in diesem Sinne ist die 

Ausbildung elitär. Die jungen Künstler, die bei uns studieren, sind 

in unserem Selbstverständnis jenseits ihrer Musik Menschen 

wie jeder andere auch. Worin sich unsere Studierenden jedoch 

allesamt gleichen, ist ihre tiefe Liebe zur Musik. 

FiT Wie sieht im Alltag des Kronberg Academy Master diese 

Balance zwischen exzellenter Förderung und möglichst viel lebens- 

naher Normalität aus? 

HfMDK-Dozent Valentin 

Keogh beim Training 

in Alexandertechnik mit 

dem Cellisten 

Benedict Kloeckner.


Stephen Potts Wir versuchen hier in der Academy, den Studierenden 

eine Art Familie zu sein. Sie sollen Kronberg als einen ihnen ver- 

trauten Rückzugsort nutzen können, innerhalb dessen sie behandelt 

werden wie ganz normale junge Menschen. Zum einen können 

sie sich hier künstlerisch vorbereiten und ausprobieren, indem sie 

mit den besten Professoren und Musikern ihres Faches arbeiten 

können, mit ihnen ins Gespräch kommen und in sowohl musika- 

lischen als auch menschlichen Dialog treten. Kronberg ist für 

sie aber auch der Ort, an dem sie wichtige „life skills“ erlernen und 

darin wachsen. Für uns geht es darum, dass ihre Persönlichkeit 

auf ganzer Linie reifen kann. 

FiT Was tut der Kronberg Academy Master dafür? 

Stephen Potts Zum einen kann er helfen, den Künstlern die beste 

körperliche und geistige Gesundheit angedeihen zu lassen. Das 

fängt bei Fragen der gesunden Ernährung an und reicht bis 

zur mentalen Vorbereitung auf ein Leben als Solist, der Abend für 

Abend im Hotel aus dem Koffer lebt. Nur wenn man physisch in 

guter Verfassung ist, kann man es mental auch sein. Zu unserer 

Überzeugung gehört aber auch, dass unsere Studierenden 

außer-halb ihrer Musik reichlich Erfahrung sammeln, also ebenso 

ein Museum zu besuchen wie ein Fußballspiel im Stadion. 

FiT Warum sind Sie an umfassender Lebenserfahrung Ihrer 

Studierenden interessiert? 

Stephen Potts Wenn Musiker eine interessante Persönlichkeit sind, 

können sie auch interessante Musiker sein. Und Persönlichkeit 

erwächst aus Lebenserfahrung auch in den „normalen“ Bereichen 

des Alltags. Für Künstler sollte gelten: Es reicht nicht, sich vorzu- 

stellen, wie Leben sein könnte, sondern ich muss selbst erfahren, 

wie es ist. 

FiT Was verlangt der Kronberg Academy Master künstlerisch von 

seinen Studierenden und was will er ihnen geben? 

Stephen Potts Zunächst verlangen wir von unseren Musikern viel 

Ehrgeiz und Geduld. Ansonsten lautet das Credo unserer inhalt- 

lichen Arbeit, den Studierenden auf künstlerischer Ebene ein 

möglichst objektives Gegenüber zu sein, um ihnen zu zeigen, wo 

sie stehen, und ihnen die Vision aufzuzeigen, wo sie hinwollen. Dies 

soll helfen, den auf die Künstler einwirkenden Erwartungsdruck 

Dritter, zum Beispiel der Eltern, der Agenten oder des Publikums, 

durch eine möglichst objektive Einschätzung auf fachlicher Ebene 

zu relativieren. Anders formuliert: Wir begegnen ihnen nicht mit 

Vorurteilen über deren künstlerische Zukunft, sondern wollen ihnen 

helfen, ihren eigenen Weg zu finden. 

FiT Greifen Sie denn ein, wenn Sie glauben, dass der eingeschla- 

gene Weg eines Ihrer Studierenden in eine falsche Richtung driftet? 

Stephen Potts Als deren Mentor versuche ich, Kraft meiner Erfah- 

rung und Einschätzung, zwar ohne Vorurteile zu agieren, aber 

vorausschauend zu sein. Es gibt einige Gefahren für junge Solisten, 


wichtige Schritte in einer für sie nicht förderlichen Reihenfolge, 

Priorität oder Ausprägung zu unternehmen. 

FiT Was meinen Sie damit? 

Stephen Potts Die Frage, für welchen Künstler wann der nächste 

Schritt der richtige ist, ist eine höchst individuelle. Beispielsweise 

kann ein bestimmtes Repertoire zum aktuellen Zeitpunkt unter 

Umständen nicht das optimale Weiterkommen garantieren. Sehr 

früh – vielleicht zu früh – an großen Wettbewerben teilzunehmen, 

ist ebenso verführerisch wie das Angebot für eine CD-Aufnahme. 

Man darf nicht vergessen: Eine gepresste CD offenbart einen 

musikalischen Entwicklungsstand geradezu wie in Stein gemeißelt. 

Kurzum: Wir wollen helfen, dass unsere Künstler eine ihrer 

Individualität entsprechende Balance finden zwischen den ihnen 

sich bietenden Gelegenheiten und Chancen einerseits und ihrer 

musikalischen Entwicklung andererseits. 

FiT Welche Rolle spielt die HfMDK Frankfurt am Main als Koopera- 

tionspartner der Kronberg Academy innerhalb des Kronberg 

Academy Master-Studiums? 

Stephen Potts Uns ist wichtig klarzustellen: Bei unserem Studium 

handelt es sich um den Kronberg Academy Master der Hochschule 

für Musik und Darstellende Kunst Frankfurt am Main! Somit 

verstehen wir uns als Teil der Hochschule, deren Lehrangebote für 

unsere Studierenden von unverzichtbarem Wert sind. 

FiT Welche Angebote sind dies? 

Stephen Potts Die KAM-Studierenden erhalten durch die Lehrenden 

der Hochschule Unterricht in Hörschulung, Theorie und Kompositi- 

on. Auch Musikercoaching und Selbstmanagement sowie Alexan- 

dertechnik sind Angebote der Hochschule, die unsere Studierenden 

wahrnehmen. Diese Fächer betrachten wir nicht als Anhängsel des 

KAM, sondern als deren integrierter Bestandteil. Abgesehen vom 

„Pflichtprogramm“ steht es unseren Studierenden frei, darüber 

hinaus an weiteren Seminar-, Workshop- und Projektangeboten der 

Hochschule teilzunehmen. 

FiT Stichwort Freundschaft und Kooperation: Wie ist es an der 

Kronberg Academy um das Konkurrenzdenken unter den Studieren- 

den bestellt? 

Stephen Potts Auch wenn es schwer fällt, es zu glauben: Kon- 

kurrenz spielt innerhalb unseres KAM keine Rolle. Wenn es hier 

etwas gibt, dann ist es ehrliche Bewunderung für die eigenen 

Musikerkollegen. 

FiT Gibt es einen musikalischen Austausch zwischen den 

KAM-Kandidaten und den anderen Studierenden der HfMDK? 

Stephen Potts Der findet vor allem in kammermusikalischen 

Begegnungen statt. Und die Erfahrung hat gezeigt, dass beide 

Seiten reichhaltig davon profitieren. bjh

10 Schwerpunktthema EXZELLENZ und ELITE 


Interesse ist der beste Lehrer 

Die Bratscherin Peijun Xu studiert den Kronberg Academy Master – jüngst erhielt sie 

den ersten Preis beim Internationalen Yuri Bashmet Viola Wettbewerb 

Peijun Xu ist Bratschistin und Studentin des Kronberg Academy 

Master. Davor machte Sie ihren Hochschulabschluss an der 

HfMDK nach einem Studium in der Klasse von Prof. Roland Glassl. 

Sie gewann im Januar dieses Jahres den ersten Preis beim 

6. Internationalen Yuri Bashmet Viola Wettbewerb in Moskau. 

Darüber hinaus erhielt sie dort Sonderpreise für die beste Inter- 

pretation des Schnittke-Violakonzerts und für die beste Aufführung 

eines Werkes aus dem 20. Jahrhundert. 

Frankfurt in Takt Unsere herzliche Gratulation zu diesem grandiosen 

Erfolg. Einen derart wichtigen Wettbewerb zu gewinnen, dürfen Sie 

sicher als Meilenstein für Ihre Karriere verbuchen. 

Peijun Xu Sicher freue ich mich sehr über diesen Erfolg. Aber für 

mich gibt es keinen sportlichen Ehrgeiz, alle anderen Teilnehmer 

eines Wettbewerbs hinter mir zu lassen. Wichtig an einem solchen 

Ereignis ist für mich die Möglichkeit, mich weiterzuentwickeln 

– und das hätte ich auch getan, wenn ich keinen Preis erzielt hätte. 

Arroganz ist sowieso ganz fehl am Platz. Vielmehr habe ich Spaß 

und Freude dabei. Ich liebe das Musizieren; ich möchte einfach 

spielen. 

FiT Was hat aus Ihrer Sicht Ihren Wettbewerbserfolg begünstigt? 

Peijun Xu Ich habe als Solistin versucht, mit dem mich begleitenden 

Orchester kammermusikalisch zu kommunizieren. Das war für mich 

ein großes Erlebnis. Wenn man als Solist mit Orchester spielt, ist 

es genau so wichtig oder sogar noch wichtiger als bei der Kammer- 

musik, das Geben und Nehmen im Zusammenspiel zu verstehen. 

Man spürt dann, ob dem Orchester der Solist gefällt oder ob es den 

Peijun Xu hat im letzten Jahr 

ihr Viola-Diplom an der 

HfMDK abgeschlossen und 

ist nun Studierende des 

Kronberg Academy Master. 

Foto: Andreas Malkmus 

Musikern Spaß macht. Selbst bei einem Solowerk gibt es immer 

viele Stimmen, man ist beim Musizieren eigentlich nie allein. 

FiT Sie haben im vergangenen Sommer Ihr Diplom an der HfMDK 

absolviert und sind nun Studentin des Kronberg Academy Master. 

Wie finden Sie das Studieren in diesem besonderen Rahmen im 

Unterschied zum vorangegangenen KA-Studium an der Hochschule? 

Peijun Xu Man braucht zu einer bestimmten Zeit eine bestimmte 

Schule und einen bestimmten Lehrer; ohne die Frankfurter 

Hochschule wäre ich jetzt nicht in Kronberg. Ich bin mir sicher: 

Wenn ich von meiner Heimat China direkt nach Kronberg gegangen 

wäre, hätte das für mich nicht gepasst. Ich habe das sogenannte

„normale“ Studium und „normale“ Leben in Frankfurt gebraucht. 

In der Kronberg Academy ist der Kreis enger. Ich habe nun ein 

wenig das Gefühl, in einer großen Familie zu sein. Auch neben den 

musikalischen Belangen hilft mir das Team in Kronberg in vielen 

Angelegenheiten des Alltags. Fachlich gesehen ist es für mich 

gerade auch sehr gut, dort zu sein. Alle Studenten dort sind 

fantastische Musiker; wenn man erlebt, wie sie spielen, lernt man 

schon direkt davon. 

FiT Was war an der Frankfurter Hochschulzeit so wichtig und wie 

hat sie Sie geprägt? 

Peijun Xu Nachdem ich in Shanghai sechs Jahre Instrumentalunter- 

richt an einer Musikschule gehabt hatte, die dem bekannten 

Shanghai Musik-Konservatorium angeschlossen war, studierte ich 

ein Semester regulär und kam dann zum weiteren Studium nach 

Frankfurt in die Klasse von Roland Glassl. Dies war für meine 

musikalische Ausbildung ein ganz entscheidender Schritt. Ich hatte 

mir schon immer gedacht: Um die klassische Musik des Abend- 

landes wirklich zu verstehen und zu interpretieren, muss man selbst 

die Kultur und Sprache vor Ort erlebt haben. Hier habe ich viel 

besser verstanden, was meine chinesische Lehrerin mir vermitteln 

wollte. In meiner Heimat hatte ich die Musik versucht, vom Kopf 

her zu verstehen, aber noch nicht ganz im Herzen gespürt. Das ist 

nun anders. 

FiT In der Fremde so erfolgreich zu studieren, setzt doch voraus, 

einen Lehrer gefunden zu haben, der Ihnen das geben konnte, 

was Sie als asiatische Künstlerin in Deutschland lernen wollten. 

Peijun Xu In der Tat. Roland Glassl war der absolut richtige Lehrer 

für mich, sowohl musikalisch als auch menschlich. Ich finde es 

immer sehr wichtig, dass man als Musiker nicht nur lernt, wie 

man mit dem Instrument gut umgeht, sondern auch, wie man als 

Mensch sein soll. Schließlich drücken wir selbst uns durch das 

Instrument und die Musik aus. Man spielt eben, wie man ist. Roland 

hat mich immer wieder in diesem Wissen erzogen und beeinflusst. 

Er ermunterte mich auch, meine Augen für alles offen zu halten: 

Unter anderem fördern kammermusikalische Begegnungen den 

Austausch zwischen Studierenden der HfMDK und des Kronberg 

Academy Master. Im Bild ein Dozentenkonzert mit Lehrenden 

und Studierenden im Großen Saal der Hochschule, unter ihnen 

auch Peijun Xu. 

also nicht den ganzen Tag in der Übezelle zu verbringen, sondern 

auch Erfahrungen anderer Art zu sammeln, sei es durch Reisen, 

Lesen oder anderes. Von der dabei wachsenden Reife profitiert 

auch das eigene Musizieren. Außerdem empfahl mir Roland Glassl 

stets, viele Festivals und Meisterkurse zu besuchen. In dem knapp 

fünfjährigen Studium bei ihm habe ich immer offen mit ihm über 

alles geredet und nichts vor ihm versteckt. Er hat mich immer in 

eine gute Richtung geführt und gute Tipps gegeben, wie ich mich 

auf meinem musikalischen Weg noch besser entwickeln kann. Mich 

interessieren mittlerweile viele Dinge, und ich bin offen, weiter zu 

lernen. Dies hat dazu geführt, dass ich neben der Solistenausbil- 

dung im Kronberg Academy Master an der Hochschule außerdem 

noch als Nebenfächer Barockviola und Gesang studiere. 

FiT Was sehen Sie als die wichtigste Voraussetzung dafür, dass Sie 

heute dort stehen, wo Sie sind? 

Peijun Xu Ich antworte mit einem chinesischen Spruch: „Interesse 

ist der beste Lehrer.“ Als kleines Kind hatte ich schon Freude am 

Geigespiel – am Spielen, nicht am Üben, wohlgemerkt. Später habe 

ich übrigens gemerkt, dass die Bratsche besser zu mir und meiner 

Persönlichkeit passt – ihr Klang ist wärmer als der der Geige. Davon 

abgesehen, müssen Lust und Liebe der Hauptantrieb sein. Ich 

bin jetzt süchtig nach der Bratsche und der Musik. Und ich glaube, 

dass diese Sucht aus dem Herzen kommt. bjh 

exzellent? 

Elitär und 

11 

Serie „Inwiefern sind Exzellenz und Elite für Sie Leitbegriffe 

in Ihrer künstlerischen Ausbildung?“ Ausgewählten Studie- 

renden aus allen drei Fachbereichen der Hochschule haben wir 

diese Frage gestellt. Deren Antworten bilden eine Serie von 

Statements, die im Heft verteilt zu finden sind. Die Antworten 

zeigen: Für den einen ist der Elite-Begriff eher eine gesell- 

schaftskritische Provokation als ein neutrales Qualitätsmerk- 

mal, für den anderen ein Ausdruck von Dankbarkeit dafür, mit 

dem Studium an einer Kunsthochschule eine so individuelle 

Ausbildung durchlaufen zu dürfen. Die einen empfinden 

Exzellenz als eine schiere Selbstverständlichkeit auf dem Weg 

in einen künstlerischen Beruf, andere definieren sie eher als 

subjektives Erfolgserleben nach gelungenen Proben und Auf- 

tritten. Die Serie beginnt mit einem ausführlichen Interview 

mit der Bratschistin Peijun Xu. Die meisten weiteren Antworten 

sind knappe Kommentare, die streiflichtartig zeigen: Die 

Begriffe Exzellenz und Elite polarisieren und laden ein zu einer 

ausgiebigen Diskussion. 

Vom schmalen Grat zwischen 

Anspruch und Ausgrenzung



„Elite gehört in den Dienst der Gesellschaft 

– alles andere ist Dünkel“ 

Die Internationale Ensemble Modern Akademie (IEMA) bietet Studierenden ein Jahr lang eine intensive Auseinander- 

setzung mit der Musik des 20. und 21. Jahrhunderts – 150 Kandidaten bewerben sich jährlich um 14 Studienplätze 

Von Michael M. Kasper 

Als ich gebeten wurde, über den Studiengang der Internationalen 

Ensemble Modern Akademie in Verbindung mit den Begriffen „Elite“ 

und „Exzellenz“ zu berichten, habe ich mir mit der Zusage einige 

schlaflose Stunden eingehandelt. Beide Begriffe schmecken nämlich 

gleichermaßen nach Anspruch und Arroganz. Hier und wir: Arte 

– dort die anderen: Hartz IV-Fernsehen aus Marzahn. Dazu noch: das 

Ensemble Modern und die zeitgenössische Musik im Korsett von 

Lehrplan, „Exzellenzclustern“ und Creditpoints. Neue Musik als 

Exzellenzausbildung mit dem klangvollen Abschluss „MasterMus“? 

Kommt hier zusammen, was zusammengehört? Wer sucht die 

Etiketten und klebt sie mit welcher Berechtigung worauf? Erst im 

Bewusstsein, keine zufriedenstellende Antwort auf diese Fragen zu 

finden, konnte ich den Artikel schreiben. Der Studiengang „Interna- 

tionale Ensemble Modern Akademie – Masterstudiengang an der 

HfMDK Frankfurt“ – wurde im Jahr 2005 von der HfMDK und dem 

Ensemble Modern aus der Taufe gehoben; er „passt“ in die Erfor- 

dernisse eines Masterstudienganges, in seiner inneren Struktur ist 

er jedoch nicht „fertig“ und wird es hoffentlich nie sein. 

Inhalt und Form 

Im Mittelpunkt des einjährigen Studiums steht die Musik des 

20. und 21. Jahrhunderts. Genauer noch: Komposition und Inter- 

pretation als Ergebnis einer fruchtbaren Spannung zwischen 

Komponisten und Musikern. Von Anfang an stellte sich die Frage 

nach einer geeigneten Form der Vermittlung. Ist es möglich, 

während eines Studienjahres einen repräsentativen Überblick über 

alle Strömungen, wichtige Impulsgeber (oder Außenseiter) zu 

erhalten, neue Spieltechniken und neues Denken im Umgang mit 

dem Material zu entwickeln? Was ist zu tun, um Interpreten und 

Komponisten zu einem tieferen Verständnis füreinander zu führen? 

Wie und wie oft bekomme ich 14 Stipendiaten aus aller Welt in 

einen Probenraum? Welche Form der Arbeitsweise, welcher Lehr- 

plan ist erforderlich, braucht es gar einen neuen Typ Musiker? 

Lösungen für einige dieser Fragen ergaben sich im Laufe der ersten 

Jahre seit Bestehen des Studienganges, andere werden noch 

entwickelt. 

Die Aufnahmeprüfung 

Die Zulassung zum Studiengang bedeutet eine Auswahl von 

14 Musikern aus ungefähr 150 meist schon examinierten Bewer- 

bern. In einem dreistufigen Verfahren werden im Schnitt zehn 

Instrumentalisten, ein Dirigent, ein Klangregisseur und zwei 

Komponisten zum Masterstudiengang zugelassen. Die Ausgewähl- 

ten (Elite, lat electus ausgewählt) bestreiten dann in unterschied- 

lichen Besetzungen das Programm eines Studienjahres. Mit dem 

Studienplatz ist ein Stipendium von monatlich 800 Euro verbunden. 

Arbeitsphasen nahe am Vorbild 

Die Stipendiaten treffen sich in jedem Monat zu zehntägigen 

Arbeitsphasen. Diese gewährleisten einerseits eine Kontinuität im 

Lern- und Schaffensprozess; andererseits lassen sie den Teilneh- 

mern Spielraum zur Pflege ihrer Netzwerke in ihren Herkunftsorten. 

Insgesamt ergibt sich ein Zeitraum von 150 Tagen mit bis zu drei 

Proben täglich mit Einzelunterricht, Kammermusik, dirigierten 

Ensemblewerken, mit internen Werkstattkonzerten und rund 

20 öffentlichen Konzerten. Dahinter steht der Gedanke, die Vielfalt 

des Komponierten nicht nur theoretisch, sondern auch praktisch, 

150 Musiker bewerben sich jährlich 

auf 14 Studienplätze der Internationale 

Ensemble Modern Akademie.

Frankfurt in Takt 0 / 13 

spielend und interpretierend, zu erfahren. Die zunächst vorherr- 

schende Skepsis vor dem unbekannten Material, vor dem „Unspiel- 

baren“, die zu Beginn häufige Frage „Was soll das?“ weicht all- 

mählich einer Spiel- und Entdeckerfreude. Die Arbeitsphasen der 

Stipendiaten finden zum größten Teil während der Projektphasen 

des Ensemble Modern statt. Dies bietet in probenfreien Stunden 

den Vorteil der Teilnahme am musikalischen Leben des jeweils 

anderen. Recht bald ergibt sich für die Stipendiaten die Erkenntnis, 

dass die Probleme im Umgang mit dem Material und die des 

täglichen Musizierens in beiden Gruppen ähnlich sind. Die Suche 

nach Lösungen, aber auch das nicht Lösbare, werden zum gemein- 

sam Erlebten. 

Die Programme 

Die Programme folgen mehreren Strängen: Musikgeschichtliche 

Benchmarks – wichtigen „Schulen“ oder Individuen folgend 

– vermitteln das Verständnis einer zwangsläufigen Verbindung 

zwischen historisch-soziologischem Umfeld und kompositorischer 

Entwicklung. Einer solchen Kenntnis folgt das Wissen um eine 

differenzierte Interpretation. Technik wird nicht als eigenständiger 

Wert innerhalb der Neuen Musik vermittelt, sondern als Träger 

einer adäquaten Darstellung von Inhalten. Neben der Abbildung des 

musikalischen „Hauptstroms“ folgt die Programmierung dem 

Grundsatz des Ensemble Modern: keine ästhetischen Einschrän- 

kungen! Dem Unbekannten, dem Unbequemen und Neuen Raum 

geben! 

Instrumentalisten, Dirigenten, Komponisten 

und Klangregisseure 

Mit dem Studium der Kompositionen verbunden ist eine Beschäfti- 

gung mit den Komponisten dieser Werke. Zu den Stipendiaten 

eines Jahrganges gehören deshalb bis zu zwei Komponisten. Die 

Instrumentalisten erarbeiten mit den Komponisten deren neue 

Werke, lernen ungewohnte ästhetische Ansätze zu begreifen und 

setzen sich mit den Unbequemlichkeiten des neuen Materials 

auseinander. Die Position des Dirigenten hat ebenfalls ein Stipendi- 

at inne. Der Dirigent eines Ensembles für zeitgenössische Musik hat 

nichts mehr mit den Pultchoreographen des klassischen Orchesters 

gemein. Profunde Schlagtechnik und Kenntnis der Partitur voraus- 

gesetzt, sind das Wissen um instrumentale Charakteristiken und 

Grenzbereiche sowie psychologisches Fingerspitzengefühl unab- 

dingbar, um zusammen mit dem fragilen Kollektiv eines Solistenen- 

sembles herausragende Ergebnisse zu erreichen. Dass schließlich 

der Mann (oder die Frau) hinter den Reglern eines Mischpultes 

nicht nur für feedbackfreie Beschallung eines Konzertes verantwort- 

lich ist, sondern auch als gleichberechtigter Partner, Musiker 

und Mitspieler das musikalische Gesamtkonzept mitverantwortet, 

teilt sich den Stipendiaten durch die Erarbeitung von Werken mit

1 

Klangregie oder Elektronik mit. Unterschiedliche Anforderungen 

und Bedürfnisse während des Einstudierens, Kommunikations- 

probleme oder Missverständnisse, schließlich das Erkennen des 

gegenseitigen Bedingens und der Abhängigkeit, schaffen ein 

Bewusstsein für die nur gemeinsam zu lösenden musikalischen 

Probleme. Der Klangregisseur des Ensemble Modern trägt gemein- 

sam mit dessen Musikern die musikalische und pädagogische 

Verantwortung. 

Tutoren, Dozenten und Unterricht 


Jede programmatische Idee ist nur so gut wie ihre Vermittlung. 

In den Mitgliedern des Ensemble Modern als Dozenten findet die 

ästhetische Vielfalt der jüngsten Musikgeschichte ihre kongruente 

Ausprägung. Seit 30 Jahren arbeiten die Musiker des EM eng 

mit den bedeutendsten Komponisten unserer Zeit zusammen. Es 

entstand durch Gespräche, Proben und Konzerte ein unschätzbares 

„musikalisches Gedächtnis“, das weit über das fehlerfreie Abspie- 

len eines komplexen Notentextes hinausweist. Gerade das „Unno- 

tierbare“ in einem Notentext findet sich in der Erfahrung eines 

jeden Musikers. Die Teilhabe daran ist das eigentliche Privileg der 

Stipendiaten des Studienganges. Dass diesem Wissen neben seiner 

Vielfalt durch die Darstellung durch 18 Ensemblemusiker auch 

manches Widersprüchliche innewohnt, mag nur auf den ersten 

Blick verwirren. Letztlich ermöglicht es die Ausbildung eigener Vor- 

stellungen, die sich in der gemeinsamen Arbeit und in den 

Konzerten zu bewähren haben. Jedem Stipendiaten ist ein Tutor zur 

Seite gestellt, der den Stipendiaten in allen Bereichen der Ausbil- 

dung begleitet. Ein weiterer wichtiger Aspekt ist der fachübergrei- 

fende Einzelunterricht: Er ermöglicht z.B. einer Cellostipendiatin 

Frankfurt in Takt10/1 

– über die Vorgartenperspektive eines Unterrichts beim Cellisten 

des Ensemble Modern hinaus – die Auseinandersetzung mit neuen, 

ungewohnten oder vielleicht störenden Ansichten etwa eines 

Klavier- oder Schlagzeugdozenten. Die Frage: Wo stehe ich, was 

ist richtig oder wichtig für mich, ist hierbei zentraler Aspekt einer 

Pädagogik, die bewusst die Antwort offen lässt. 

Durchlässigkeit für äußere Einflüsse 

Das Ensemble Modern ist durch eigene Anstrengung, aber auch 

durch äußere Einflüsse zu dem geworden, was es heute ist: ein 

Maßstab für die Wiedergabe und Interpretation der Musik der 

Jetztzeit. Dieser Status quo ist nur möglich, weil eine Durchlässig- 

keit für äußere Einflusse stets gewünscht wurde. Komponisten, 

Dirigenten und Redakteure waren ständige Begleiter in einem 

Prozess, der zwar die eigenen Fähigkeiten kennt und ihre Grenzen 

immer wieder auslotet, der die Notwendigkeit der Horizonterweite- 

rung für künstlerisches Schaffen aber für unerlässlich hält. In 

diesem Sinne sind sowohl international hochgeschätzte Dirigenten 

und Klangregisseure, renommierte wie auch junge Komponisten 

gern gesehene Gäste; der Lehrplan geht auf die Wünsche der 

Gäste ein. 

Theorieseminare 

„Grau ist alle Theorie“ war früher – „man spielt nur, was man weiß“ 

ist heute. Die Themen der Theorieseminare spiegeln die aktuelle 

ästhetische Diskussion und sind unverzichtbarer Bestandteil der 

künstlerischen Ausbildung. War in früherer Zeit die Kunst eher 

Ausdruck des „Wahren, Schönen, Guten“, so verstört sie heute oft 

durch ihre Konzepte und die Auflösung gemeingültiger Werte. 

Mit 14 Studierenden 

pro Jahr bleibt die 

Internationale Ensemble 

Modern Akademie 

auch für Studierende 

überschaubar: Ihr 

musikalisches Miteinan- 

der ist im Laufe dieses 

Studienjahres selbst- 

verständlich 

und unabdingbar.


Ohne das Wissen um die Entwicklung der Zusammenhänge zwi- 

schen Befindlichkeit, Denken und Ausdruck ist eine verantwortliche 

Interpretation der Musik unserer Zeit nicht möglich. Für diesen 

Ausbildungsbereich ist die HfMDK verantwortlich, die durch eigene 

und Gastdozenten der Komplexität des Sujets Rechnung trägt. 

Demokratie und Kunst 

Wenn etwas grundsätzlich nicht zusammengeht, dann diese zwei 

Begriffe Demokratie und Kunst. Dennoch bezeichnet sich das 

Ensemble Modern als ein demokratisches. Der Weg zu gemeinsam 

Verantwortetem ist ein mühsamer: Nur durch eine ständige Suche 

nach der geeigneten Verbindung von künstlerischer Mitbestimmung 

und künstlerischem Ausdruck ist gewährleistet, dass das Podium 

während des Konzertes „brennt“ und sich jeder Musiker zu ein- 

hundert Prozent mit dem Konzertereignis identifiziert. Das Ensemb- 

le Modern arbeitet seit 30 Jahren daran. Die Mitbestimmung der 

Stipendiaten an ihrem eigenen Studienprogramm gibt Platz für 

diese Erfahrung. 

Für Schönbergs Kammersinfonie, dem musikalischen Ursprung der 

Formation „Solistenensemble“ und übrigens Programmpunkt des 

ersten Ensemble Modern-Konzertes, ist ein neuer Musikertypus 

erforderlich: Er vereint neben solistischem Durchsetzungsvermögen 

auch kammermusikalische Sensibilität, gleichermaßen orchestralen 

Klangsinn und die Fähigkeit zur Unterordnung; außerdem besitzt er 

Kenntnis über die jüngsten musikgeschichtlichen und gesellschaft- 

lichen Zusammenhänge und ist sich seiner in die Zukunft wei- 

senden künstlerischen und sozialen Verantwortung bewusst.Durch 

entsprechende Programmierung, die gelebte Vorbildfunktion 

aller Musiker des Ensemble Modern und durch die gemeinsame 

Arbeit der Stipendiaten mit dem EM kann dieser neue Musikertyp 

entstehen. 

Unterstützung und Zusammenarbeit 

Eine solche Aufgabe ist nicht von einer Institution allein zu lösen. 

Die HfMDK Frankfurt am Main und das Ensemble Modern sehen 

sich gemeinsam der Idee verpflichtet, sowohl der zeitgenössischen 

Musik als auch dem der Interpretation sich stellenden Musiker 

einen angemessenen Raum zur Entwicklung zu geben. Die Kultur- 

stiftung des Bundes und die Kunststiftung NRW stellen über das 

Ensemble Modern die Stipendien zur Verfügung. Die HfMDK trägt 

ebenfalls einen finanziellen und organisatorischen Anteil, stellt 

ihre Räumlichkeiten für Projekte und Konzerte zur Verfügung und 

zeichnet für die Theorie verantwortlich. Das Zentrum für Kunst und 

Medientechnologie (ZKM) in Karlsruhe stellt Konzert- und Theater- 

räume sowie elektronische Studios zur Verfügung. Einige größere 

Projekte sind bewusst auf die Teilnahme von anderen Studierenden 

der HfMDK abgestimmt. So kann z. B. Helmut Lachenmanns 

2 Gefühle oder Wolfgang Rihms Chiffre-Zyklus nur mit Hilfe von 

weiteren Spielern aus den Klassen der HfMDK realisiert werden. 

Projekte dieser Art verhindern – auch in kleineren Besetzungen 

– die Ghettobildung einer Elite- oder Exzellenzausbildung (der größ- 

te Teil der Probenarbeit während eines Jahres findet im Hause des 

Ensemble Modern im Frankfurter Ostend statt). 

exzellent? 

Elitär und 

Wer mag, kann den Studiengang „IEMA“ mit dem Etikett „Exzel- 

lenzausbildung“ versehen. Jede Ausbildung, in deren Mittelpunkt 

der einzelne Musiker im Verhältnis zu seiner Geschichte und seinem 

sozialen Umfeld gestellt wird, ist exzellent. Jede Ausbildung, 

die sich hinterfragt, sich öffnet und fähig ist zu Veränderungen in 

Form und Inhalt, ist exzellent. Die Elite schließlich ist diejenige, die 

ihre spezifischen, hervorgehobenen Fähigkeiten dem gesellschaft- 

lichen Kontext zur Verfügung stellt – alles andere ist Dünkel. 

Der IEMA-Studiengang arbeitet mit seinen Partnern an der Aufgabe, 

den Anforderungen eines solchen Ausbildungsganges gerecht zu 

werden. 

Michael M. Kasper ist Cellist des Ensemble Modern und Mitbegründer 

sowie Leiter des HfMDK-Masterstudiengangs Internationale 

Ensemble Modern Akademie (IEMA). Bis 1997 war er Cellist im 

Kölner Rundfunk-Sinfonieorchester, außerdem zehn Jahre lang an 

der Aachener Musikhochschule Dozent für Violoncello und Zeitgenös- 

sische Kammer- und Ensemblemusik. 

1 


Anspruch und Ausgrenzung 

Susanne Blumenthal ist Dirigentin bei der Internationale 

Ensemble Modern Akademie (IEMA) und Stipendiatin der 

Kunststiftung NRW: „Von dem Moment an, in dem ich mich 

selbst zur Elite zähle und mein künstlerisches Schaffen mit dem 

Begriff der Exzellenz assoziiere, laufe ich Gefahr, mich auf dem 

Status quo auszuruhen und mein Streben nach ständiger 

Weiterentwicklung preiszugeben. Der Begriff der Elite hat in 

meinem Ringen um künstlerische Qualität und individuellen 

Ausdruck tatsächlich nie eine Rolle gespielt und wird es auch in 

Zukunft nicht – andernfalls ginge es nicht länger um Musik, 

sondern um eitle Selbstinszenierung. Exzellenz hingegen könnte 

zumindest als Leitmotiv funktionieren, ist für mich aber 

dennoch mit der Gefahr des schieren Selbstzwecks behaftet.“



„Elite auf den Fingersatz zu begrenzen, ist zu wenig“ 

Lothar Zagrosek begeisterte Spieler und Publikum bei seinem ersten Gastdirigat vor dem Frankfurter Hochschulorchester 

– ein Interview mit dem Mitglied des HfMDK-Hochschulrates 

Eine Woche lang erarbeitete Lothar Zagrosek mit dem HfMDK-Hochschulorchester ein sinfonisches Programm mit einem abschließenden 

Konzert im Großen Saal der Hochschule. Zwischendurch schilderte der derzeitige Chefdirigent des Konzerthausorchesters Berlin seine 

Eindrücke von der Zusammenarbeit mit den Frankfurter Studierenden und erläuterte seine Überzeugungen über eine exzellente Orches- 

terausbildung. Außerdem hat Lothar Zagrosek eine ganz persönliche Sicht auf die Entwicklung der HfMDK Frankfurt am Main: Er ist 

nämlich zugleich Mitglied des HfMDK-Hochschulrates.


Frankfurt in Takt Herr Zagrosek, als erster Gastdirigent der Jungen 

Deutschen Philharmonie pflegen Sie regelmäßige Begegnungen mit 

jungen Musikern. Wie haben Sie nun die Zusammenarbeit mit dem 

HfMDK-Hochschulorchester erlebt? 

Lothar Zagrosek Ich war sehr positiv überrascht über die Ernsthaftig- 

keit und die konzentrierte Zusammenarbeit in den Proben. Angetan 

war ich von der guten organisatorischen Vorarbeit, und Prof. Rajski 

hat das Orchester in den Proben vorab glänzend vorbereitet. Vom Geist 

der Arbeit mit der Jungen Deutschen Philharmonie, die ich immer 

wieder dirigieren darf, ist in der Arbeitsphase mit dem Hochschulor- 

chester viel spürbar gewesen. 

FiT Mit ihm haben Sie unter anderem Beethovens 8. Sinfonie ein- 

studiert – genau jene, die das Konzerthausorchester Berlin unter Ihrer 

Leitung als Live-Mitschnitt im Jahr 2008 als CD herausgebracht hat. 

Zufall oder Absicht? 

Lothar Zagrosek Beethoven-Sinfonien sind immer noch eine der 

größten Herausforderungen für einen Musiker. Wichtig ist mir, dass 

wir Beethoven als Komponist und Künstler der Aufklärung verstehen, 

der sich mit wachem Auge dem politischen Geist seiner Zeit gestellt 

hat. Alle Äußerungen in seinen Sinfonien sind wahre Reden an die 

Menschheit. Um einen entsprechend schnörkellosen und rhetorisch 

fein differenzierten Ausdruck habe ich mich in der CD-Aufnahme 

bemüht und auch dem Hochschulorchester nahe zu bringen versucht. 

FiT Wie unterscheidet sich Ihre Arbeit mit einer durchweg jungen 

Orchesterbesetzung von einer solchen mit einem eingespielten 

Profiorchester? 

Lothar Zagrosek Die jungen Musiker sind noch deutlicher auf dem 

Weg, ihre Orientierung nach allen Seiten im Orchester zu finden – zu 

lernen, auf welche Stimme sie bei einem Harmoniewechsel besonders 

achten müssen, mit wem sie atmen und wie in der Partitur gerade 

die musikalischen Hierarchien verteilt sind. Diese Parameter haben 

Musiker eines Berufsorchesters bereits auf eine andere Weise 

erfahren. Wichtig war mir in der Arbeitsphase mit dem Hochschulor- 

chester, jeweils an dem in der vorhergegangenen Probe Erreichten 

anknüpfen zu können. 

Lothar Zagrosek gelang vor dem Hochschulorchester die 

Balance zwischen künstlerischem Ehrgeiz und pädagogischem 

Fingerspitzengefühl. Die Hochschule initiiert weitere Gastdiri- 

gate für die kommenden Semester. 

FiT Wie sollte sich die Arbeit eines Hochschulorchesters optimalerweise 

gestalten? 

Lothar Zagrosek Auf zwei Ebenen: Zum einen sollten Orchesterprojekte 

in der Ausbildung das notwendige Rüstzeug handwerklicher und 

intellektueller Art vermitteln. Darüber hinaus geht es um die Musizier- 

erfahrung in einem großen Orchester mit all ihren sozialen Komponen- 

ten. Musiker sollen hier lernen, sich auf das Ensemblespiel wirklich 

einzulassen. Professionell ist der Orchestermusiker, der sich – auch 

bei Ausgefallenem abseits des „mainstream“ – nicht verweigert, 

Ungewöhnliches für sich selbst vielleicht zwar innerlich ablehnt, aber 

trotzdem mit professionellem Einsatz aufführt. Dies gilt vor allem für 

Neue Musik und die dort geforderten ästhetischen und spieltechnischen 

Voraussetzungen. Eine Hochschule sollte diese in einem Studium 

vermitteln. 

exzellent? 

Elitär und 

Luise Rummel studiert Orchestermusik mit Hauptfach 

Oboe. Sie ist Stipendiatin der Studienstiftung des 

Deutschen Volkes und der Stiftung „Villa Musica“: „Die 

Rufe nach „Exzellenz“ oder „Elite“ setzen einen schon ein 

wenig unter Druck, denn wahrscheinlich möchte jeder, der hier 

studiert, seine Sache gut machen, in etwas der Beste sein. 

Doch die Maßstäbe, an denen man sich misst, sollte man sich 

selbst auferlegen. Ob uns dann jemand zur „Elite“ ernennt 

oder nicht, das ändert schließlich nichts an unserer künstleri- 

schen Persönlichkeit, an einer musikalischen Aussage oder 

an einem bewegenden Moment.“ 

1 



1 Frankfurt in Takt 10/1 

FiT An der HfMDK probt und konzertiert das Hochschulorchester 

in einem Saal, der für Orchesterarbeit in Ihren Augen sicher nicht 

optimal ist. 

Lothar Zagrosek Sicher nicht, ich habe es ja nun selbst erlebt. Der 

Große Saal der Hochschule hat zwar seinen Reiz, ist aber als Konzert- 

saal für ein großes Orchester völlig ungeeignet. Schon allein er ist 

ein wichtiger Grund dafür, dass die HfMDK ein neues Hochschulge- 

bäude braucht. 

FiT Setzen Sie sich dafür als Mitglied des Hochschulrates ein? 

Lothar Zagrosek In der Tat: In der jüngsten Sitzung des Hochschul- 

rates haben wir sehr intensiv darüber diskutiert und viele gute Gründe 

dafür gefunden, warum wir eine neue Hochschule brauchen. 

FiT Wie verstehen Sie Ihre Aufgabe als Mitglied des Hochschulrates? 

Lothar Zagrosek Als Hochschulrat bringe ich die Lebenswirklichkeit 

als Spiegelung aus dem täglichen Betrieb in die Überlegungen und 

Diskussionen um die Weiterentwicklung der Hochschule ein. Ich 

verfolge deren Aktivitäten und gebe dazu Anmerkungen als gleichsam 

Außenstehender, der aber selbst in der musikalischen Welt seine 

tägliche Arbeit macht und auch den Mut hat, manchmal Kritisches 

anzumerken. 

FiT Wie nehmen Sie die HfMDK aus dieser Position wahr? 

Lothar Zagrosek Ich nehme die HfMDK als sehr lebendig und nach- 

denklich gegenüber den zukünftigen Prozessen des Musikbetriebes 

wahr. Und Hochschulpräsident Thomas Rietschel sieht sehr genau die 

lauernden Gefahren, die eine falsche Orientierung zur Folge haben 

könnten, und er steuert deutlich dagegen. 

FiT Welche Gefahren meinen Sie? 

Lothar Zagrosek Die, sich fälschlicherweise an einem oberflächlichen 

Zeitgeist zu orientieren, also eine Ausbildung zu betreiben, die reine 

Eventkultur bedient. Die Hochschule sollte vor allem ihre Studierenden 

dafür qualifizieren, was wir Hochkultur nennen. Die Frankfurter Hoch- 

schule tut dies bereits, indem sie sich Evaluierungen und der öffent- 

lichen Diskussion stellt und Qualifizierungsmaßnahmen vornimmt. 

FiT Also sollte eine Hochschule stets eine Eliteausbildung anstre- 

ben? 

Lothar Zagrosek Elite ist in unserer Branche vollkommen unverzicht- 

bar. Nehmen wir den Orchesterbereich: Das Niveau der großen 

Orchester ist so hoch, dass deren einzelne Spieler absolute Elite 

sein müssen. Für mich heißt Elite aber auch, dass jemand seine 

sozialen Verpflichtungen kennt und danach handelt und kontinuier- 

lich eine sehr hohe Leistung erbringt. Die Elite nur auf den Finger- 

satz zu begrenzen, ist viel zu wenig. Das sollte einer Hochschule 

wichtig sein: zu vermitteln, dass es darum geht, mehr zu werden 

als ein „Fachidiot“. 

FiT Kulturelle Bildung und musikalische Nachwuchsförderung ist 

Ihnen bekanntermaßen ein wichtiges Anliegen. Die HfMDK hat 

kulturelle Bildung ebenfalls als ein wichtiges Ziel ihrer Arbeit 

erklärt. Was motiviert Sie persönlich für derartiges Engagement? 

Lothar Zagrosek Es ist eine allgemein bekannte Weisheit, dass das 

Musizieren in frühen Lebensjahren neurologische Prozesse im Hirn 

beschleunigt, die intellektuell und sozial förderlich sind. Singen ist


für mich ein natürliches und organisches Hineinwachsen in die 

Musik – das kann ich als ehemaliger Regensburger Domspatz per- 

sönlich bestätigen. Als Teil der Gesellschaft haben Musiker wie auch 

Hochschulen eine soziale Verpflichtung, in diesem Sinne tätig zu 

werden. Das von der HfMDK initiierte Projekt „Primacanta – Jedem 

Kind seine Stimme“ ist ein hervorragendes Beispiel dafür. 

FiT Stichwort Kindheit: Stimmt es, dass Sie mit Frankfurt frühe 

musikalische Erinnerungen verbinden? 

Lothar Zagrosek Das ist richtig. Mein Vater Hans war in den 30er 

Jahren erster Geiger im Orchester des damaligen „Reichssender 

Frankfurt“, das übrigens im heutigen Großen Saal der Hochschule 

geprobt und aufgenommen hat. Als kleiner Junge habe ich im 

Jahr 1954 an der Frankfurter Oper und dann für eine Aufnahme 

in genau diesem Saal musiziert. Georg Solti war der Dirigent – und 

ich der erste Knabe in Mozarts Zauberflöte. bjh 


exzellent? 

Elitär und 

Vladimir Babeshko studiert in der Künstlerischen Aus- 

bildung Bratsche bei Prof. Jörg Heyer. Als erster Bratscher 

überhaupt ist er Stipendiat des Freundeskreises 

Anne-Sophie Mutter-Stiftung e. V. Dadurch erhält er neben 

finanzieller Unterstützung Unterricht bei der Geigerin 

Anne-Sophie Mutter, Hilfestellung bei der Vermittlung 

von Konzerten, Vorspielen und Kontakten zu großen 

Solisten und deren Meisterkursen: „Wenn man auf den 

Markt kommen will, ist Exzellenz unabdingbar, hinzukommt 

aber eine ganze Portion Glück. Ob ich als Solist zur Elite 

gehöre oder nicht, entscheidet das Publikum, indem es zeigt, 

ob es bereit ist, für meine Musik Geld auszugeben. Selbst 

große Künstler fragen sich nicht, ob sie zur Elite gehören, 

sondern ob sie ihren eigenen Ansprüchen genügen. Wenn 

ich auf der Bühne stehe, alles klappt und ich selbst danach 

glücklich bin, war es für mich eine exzellente Aufführung. 

Was ich als Musiker versuche, ist, meine Ideen mit dem 

Publikum zu teilen. Wenn die Zuhörer dabei so still sind, dass 

sie dir wirklich zuhören, folgen und vertrauen und dabei 

ihre Probleme vergessen, war dies für mich ein exzellentes 

Konzert.“ 

Jacob Bussmann ist Absolvent des Schulmusikstudiums 

für das Künstlerische Lehramt an Gymnasien, studiert 

nun Instrumentalpädagogik für Klavier und entwickelt Per- 

formances an der Grenze zwischen Konzert und Theater. 

Seit 2008 ist er Stipendiat der Stiftung Polytechnische 

Gesellschaft: „Exzellenz und Elite spielen für mein Selbstver- 

ständnis keine besondere Rolle. Diese Begriffe dienen dazu, 

bestimmte Leistungen innerhalb bestimmter Rahmen anzuer- 

kennen. Sie sind etwas Vorgeschobenes, nicht die Sache 

selbst. Für mich ist Qualität ein aussagekräftigeres Prädikat. 

Ich versuche, meinen eigenen Ansprüchen zu genügen, die 

sich zum Beispiel von der Musik selbst oder vom Willen, eine 

gute Aufführung zu machen, ableiten.“ 

1 





„Mut zum Querdenken 

und riskanten Erproben“ 

Warum Hans-Thies Lehmann, Professor für Theater- 

wissenschaft, die Elite-Diskussion für problematisch 

hält und wie gut sich die Hessische Theaterakademie 

als Kooperationsmodell bewährt hat 

Innerhalb der Hessischen Theaterakademie (HTA) ist die Hochschu- 

le für Musik und Darstellende Kunst Frankfurt am Main in ein 

gut funktionierendes Netzwerk von Universitäten, Hochschulen, 

Theatern und Ensembles der Region eingebunden. Dazu zählt auch 

die Professur für Theaterwissenschaft am Institut für Theater-, Film- 

und Medienwissenschaft der Johann Wolfgang Goethe-Universität 

Frankfurt am Main. Professor Hans-Thies Lehmann ist zugleich 

Mitbegründer und Leiter des Aufbaustudiengangs Dramaturgie und 

schätzt das institutionsübergreifende Miteinander unter dem Dach 

der HTA. Sie ermöglicht unter anderem gemeinsame Lehrveranstal- 

tungen und szenische Projekte, bei denen die angehenden Drama- 

turgen der Universität mit Studierenden der Regie, des Schauspiels 

und der Bühnengestaltung zusammenwirken. Hans-Thies Lehmann 

beantwortet im nachfolgenden Interview Fragen nach Exzellenz und 

Elite aus dem Blickwinkel eines Theaterwissenschaftlers, der die 

HTA als gut funktionierendes Kooperationsmodell erlebt und per se 

als kreativer Sucher nach neuen Ausdrucksformen bekannt ist. 

Frankfurt in Takt Herr Lehmann, was verbindet Sie als Professor für 

Theaterwissenschaft an der Johann Wolfgang Goethe-Universität 

mit der HfMDK? 

Hans-Thies Lehmann Der Dramaturgiestudiengang an der Goethe- 

Universität ist enger Kooperationspartner der Hochschule unter 

dem gemeinsamen Dach der HTA, also der Hessischen Theateraka- 

demie. Er wäre ohne die HTA vermutlich gar nicht existent. Die 

Dramaturgiestudierenden besuchen zum Teil die gleichen Lehrver- 

anstaltungen wie die Regiestudierenden der HfMDK; sie erarbeiten 

gemeinsam künstlerische Konzepte, können bei Regisseuren lernen, 

die gemeinsam eingeladen werden, und pflegen die Zusammenar- 

beit mit den Bühnenbildnern der Hochschule für Gestaltung Offen- 

bach am Main. 

FiT Die HTA ist also ein Netzwerk, das vieles möglich macht, weil 

man vorbehaltlos zusammenarbeitet? 

Hans-Thies Lehmann Aus meiner sicht ist die HTA eine wirkliche 

Erfolgsgeschichte, von der alle Studiengänge profitieren, die an ihr 

beteiligt sind. Das, was etwa die Studierenden der Dramaturgie in 

theoretischen Seminaren lernen, bleibt keine abgehobene Theorie, 

sie bilden sich gemeinsam mit den Studierenden der anderen 

Studiengänge. Die Dramaturgiestudierenden haben als wesent- 

lichen Teil der Prüfung zum Abschluss ihres Studiums eine eigene, 

exzellent? 

Elitär und 


Anspruch und Ausgrenzung 

Laura Linnenbaum ist Studierende des Studiengangs 

Regie: „Auswahlkriterium: eine ‚dem Studiengang entspre- 

chende Begabung‘ – weder heraus- noch hervorragend, 

zumindest aber begabt oder dafür befunden. Über die 

Messbarkeit solcher Qualitätsbefunde lässt sich vermutlich 

streiten. Da helfen auch die, noch immer ideologieverdäch- 

tigen, ‚E‘s wenig. Ob nun die anstehende Einführung der 

Credit-Points eine gedachte Antwort auf die Frage sein kann, 

wer eigentlich definiert, ob man oben, vorne oder an der 

Seite mit läuft? Oder führt die Punkte-Sammelleidenschaft 

nicht noch weiter weg von dem, worum es eigentlich gehen 

sollte, nämlich die Suche nach Eigen-Art? Denn eigentlich 

steckt im Titel der Exzellenz doch auch ein schöner Gedanke: 

sich diplomatisch zu künstlerischen Interessenvertretern 

dieses Landes ausbilden zu lassen.“ 

Prof. Hans-Thies Lehmann: 

„Das öffentliche Gerede 

von Exzellenz und Elite hat 

auch etwas zutiefst 

Unfeines.“

Frankfurt Performance in derTakt Abteilung 10/1 1 

Zeitgenössischer und 

Klassischer Tanz beim 

HTA-Präsentationstag in der 

Hochschule.

wenn auch von erfahrenen Dramaturgen an den Theatern ange- 

leitete, praktische Dramaturgiearbeit an einem der professionellen 

Theater zu machen. 

FiT Die HTA ist also als eine rundum exzellente Einrichtung zu 

bezeichnen? 

Hans-Thies Lehmann Ja. Wobei klar ist: Die Erfolgsgaranten eines 

solchen Zusammenschlusses sind nur in zweiter Linie die adminis- 

trativen und sogar finanziellen Bedingungen, sondern vor allem die 

Bereitschaft, der Wille und das Interesse der Beteiligten zur 

Zusammenarbeit. Die in der HTA zusammengeschlossenen Insti- 

tutionen haben mittlerweile ein viel größeres gemeinsames 

Verantwortungsgefühl für die Theaterszene der Region, auch für 

die Nachwuchsförderung entwickelt und tauschen sich einfach 

viel intensiver aus, als dies vor der Gründung der HTA der Fall war. 

FiT Die „inneren“ Voraussetzungen stimmen offenbar; wie steht es 

um die äußeren Rahmenbedingungen? 


Hans-Thies Lehmann Das muss man freilich zu meiner Bemerkung 

von eben nachtragen: In einigen Studiengängen, die unter dem 


Dach der HTA arbeiten, wird wirklich unter Bedingungen gearbeitet, 

die durchaus am unteren Rand dessen, was finanziell noch 

vertretbar ist, liegen. Ich denke da zum Beispiel an den eklatanten 

Raummangel und die Mittelknappheit in der Schauspielabteilung 

der HfMDK. In Fragen der Ausstattung gibt es sicherlich 

einen großen Nachholbedarf, wenn die Studiengänge der HTA im 

Vergleich mit anderen Regionen nicht abfallen sollen. 

FiT Ist denn mit wenig Geld eine exzellente bzw. elitäre Ausbildung 

überhaupt möglich? 

Hans-Thies Lehmann Ohne Frage: Geldmangel zeitigt qualitative 

Einschränkungen des Möglichen. Aber meines Erachtens wird mit 

den Begriffen Exzellenz und Elite in der gegenwärtigen Diskussion 

viel Schindluder getrieben. 

FiT Was meinen Sie damit? 

Hans-Thies Lehmann Der mit der Exzellenz- und Elitediskussion in 

Verbindung stehende Schub an Wettbewerb und Konkurrenz der 

Hochschulen und Universitäten hat etwas Zwanghaftes. Manchmal 

sollen, glaube ich, diese Schlagwörter rhetorisch darüber hinweg-


täuschen, was Öffentlichkeit und Politik nicht wirklich zugeben 

wollen: dass nämlich ein insgesamt viel größeres gesellschaftliches 

Opfer, ein finanzielles Opfer in Form von viel höheren Ansätzen bei 

den Steuermitteln für Bildung, also Zukunft, absolut notwendig 

ist – dass aber offenbar die Gesellschaft insgesamt gar nicht bereit 

ist, dieses Opfer zu bringen: eine notwendige massive Steigerung 

der Bildungsausgaben. Billiger sind wohlklingende Sonntagsreden. 

Ich interpretiere darum die gegenwärtige Entwicklung im Grunde 

als ein mehr oder minder unehrliches, notdürftig getarntes 

Sparprogramm und als Versuch, die Studierendenzahlen zu reduzie- 

ren, ohne dass jemand dafür die Verantwortung tragen muss. 

Übrigens hat, finde ich, das öffentliche Gerede von Exzellenz und 

Elite auch etwas zutiefst Unfeines. Tut man das? Den eigenen 

Bereich, die eigene Arbeit als „Elite“ zu deklarieren? Das ist doch 

schon in puncto Benimm und Stil eigentlich ganz unmöglich. 

Ich möchte aber auch insistieren, dass man über all den jetzt be- 

triebenen Formalisierungen, Bürokratisierungen, „effektiven“ 

Strukturierungen der Lehre und Ausbildung nicht vergessen sollte, 

dass sich Exzellenz wesentlich in der Begabung, im Engagement, 

in der geistigen Anspannung sowohl der Lehrenden als auch 

der Lernenden manifestiert. Die Politik muss gerade Künstlern, 

ähnlich aber auch in den sogenannten Geisteswissenschaften, viel 

mehr Spiel- und Zeiträume lassen. 

FiT Das klingt nach manifester Opposition gegen die Einführung 

von Bachelor- und Masterstudiengängen im künstlerischen Bereich. 

Hans-Thies Lehmann Es tut mir leid, aber Ausbildung zu künstleri- 

schen Berufen in die Form eines Bachelor und Master zu zwängen, 

finde ich irgendwie lächerlich – Bachelor-Regisseur? 

FiT Empfinden Sie denn Exzellenz und Elite als Leitbilder des 

künstlerischen Handelns? 

Hans-Thies Lehmann Nein, jedenfalls nicht vordergründig, denn oft 

wird ja die Exzellenz einfach am sogenannten „Erfolg“ gemessen. 

Ein wirklich exzellenter Regisseur mag aber heute als Versager oder 

als „unverdaulicher“ Künstler gelten und wird vielleicht erst morgen 

angemessen erkannt und gewürdigt. Umgekehrt kann es sein, dass 

der als exzellent geltende Künstler heute seine Reputation einem 

eigentlich recht oberflächlichen Erfolg verdankt. Es gibt einen 

Unterschied zwischen Erfolg und Wirkung, pflegte Heiner Müller zu 

Seite 22: Szene aus „Der 

kleine Lord“ beim HTA-Tag 

in der Hochschule. 

Links: Ani Sargysan und 

Björn Bürger in „Madame 

Butterfly“. 

Rechts: Begabungsbündel 

Operngesang: Gesangs- 

studierende Sören Richter 

und Marina Unruh mit 

einem tänzerischen 

Szenenschluss bei einem 

szenischen Abend im 

Gallus Theater. 

exzellent? 

Elitär und 

Kristin Wömmel, Absolventin eines Schulmusik-Studiums 

mit Hauptfach Gesang, studiert nun Theater- und Orches- 

termanagement und beginnt ihre Promotion im Fach 

Musikpädagogik. Sie ist MainCampus doctus-Stipendiatin 

des MainCampus-Stipendiatenwerks der Stiftung Polytech- 

nische Gesellschaft Frankfurt am Main: „Was bedeutet 

schon Elite? Ich lehne es total ab, den Begriff so zu benutzen, 

wie er (besonders von den Medien in Diskussionen um 

die Eliteuniversitäten in Deutschland) eingesetzt wird. Bei der 

Förderung von Exzellenz und Elite handelt sich um eine 

spezielle Art der Förderung, derer es genauso wie anderer 

Förderungsarten bedarf, da alle Menschen laut Gesetz der 

Natur unterschiedlich begabt sind. Besonders schlimm finde 

ich es, wenn aus dem Ganzen auch noch als Produkt ein 

Menschentyp entsteht, der sich ‚elitär‘ fühlt. Jeder Studierende 

ist froh, wenn er sein passendes Puzzleteil in Form einer För- 

derung findet, die seinen Fähigkeiten sowie seinem persön- 

lichen Verständnis von Kunst entspricht, das ihn zu einem 

Ganzen entstehen lässt. So, wie es bei mir in meinem Schul- 

musikstudium der Fall war und mich sehr glücklich machte. 

Im jetzigen Masterstudiengang zählen noch viel mehr 

die Arbeit in der Gruppe und die exzellente Unterstützung der 

Künstler auf der Bühne. In der späteren Arbeit gilt für mich 

ausnahmslos: Eine für alle, alle für die Kunst! Was bedeutet 

da schon Elite?!“ 

3 



Schwerpunktthema Berufswege 

sagen. Exzellenz ist, administrativ verwaltet, jedenfalls im Bereich 

des Geistigen und Künstlerischen – und vielleicht überall – ein 

hochproblematisches Kriterium. Ähnliches gilt für den Begriff der 

Elite. Es mag schon möglich sein, im nachhinein festzustellen, dass 

dieser oder jener zur Elite gehört hat. Aber wer in seiner Zeit 

wahrhaft zur Elite gehört, wird es, wie gesagt, tunlichst vermeiden, 

sich selbst als Elite zu bezeichnen. Heutzutage ist es besonders 

schwer, in der Gesellschaft wirkliche Elite von denen zu unterschei- 

den, die nur mit Geld und Macht Einfluss nehmen. Bei Künstlern 

verbinde ich mit Begriffen wie Exzellenz und Elite vor allem den Mut 

zum Querdenken, das riskante Erproben. Für einen exzellenten 

Künstler sollte das Credo gelten, sich couragiert querzustellen – mit 

größtmöglichem Engagement und Ehrlichkeit gegenüber sich selbst 

in dem Bestreben, die Welt künstlerisch zu formulieren. Das sollten 

wir den jungen Leuten zu vermitteln versuchen. Im Falle des 

Theaters bedeutet es, an viele Menschen die Einladung auszuspre- 

chen, eine Weltformulierung im Theater mit ihm zu teilen. Heiner 

Müller hat einmal formuliert: „Es ist die Aufgabe der Kunst, die 

Wirklichkeit unmöglich zu machen.“ Kunst soll auch Widerstand 

gegen die Wirklichkeit sein, eine kritische Distanz zu unserer Art zu 

leben herstellen. Das bedeutet eben, dass man gerade nicht Elite im 

Sinne rascher gesellschaftlicher Anerkennung anstreben soll. Von 

Richard Schechner kommt mir sein Wahlspruch für Studierende in 

den Sinn: „If you want to be famous, don`t try.“ Jeder Versuch, 

Erfolg und Ruhm vordergründig nachzujagen, im Exzellent-Werden 

und Elite-Werden, schmälert die eigene Arbeit und Entwicklung. 

FiT Was bedeutet diese Einschätzung für die künstlerische Ausbil- 

dung? 

Hans-Thies Lehmann In der Ausbildung müssen die Ermutigung und 

der Impuls Vorrang haben, in sich selbst nachsuchen zu lernen, was 

dort vorgeht und was man als künstlerische Individualität allenfalls 

auszudrücken und zu sagen hat. Dies wird nicht durch schema- 

tische Ausbildungsraster begünstigt, sondern durch Raum, Zeit- 

raum für Prozesse der Selbstfindung –, und die ist ein Prozess, der 

nicht auf Vollkommenheit und Perfektion zielt. 

FiT Wie können diese Anforderungen praktisch aussehen? 

exzellent? 

Elitär und 


Annika Gerhards studiert an der HfMDK Operngesang 

und ist Stipendiatin der Freunde und Förderer der 

HfMDK: „Exzellenz und Elite – Schlagworte, die einem auf 

dem nicht gerade unterbesetzten Musikmarkt ziemlich 

häufig begegnen. Vermutlich gibt es kaum andere Studien- 

gänge, in denen diese zwei Leitbegriffe so viel über den 

späteren beruflichen Werdegang und Erfolg eines Men- 

schen aussagen können, wie in der Musik. Komischerweise 

hat das Wort Elite für mich häufig einen negativen Beige- 

schmack: Ich denke dabei eher an Ellenbogengesellschaft 

und skrupelloses Erfolgsdenken, vielleicht gerade deswe- 

gen, weil Eliten sich gerne von oftmals nur vermeintlich 

weniger Privilegierten absetzen wollen. Exzellenz und das 

Streben danach ist für mich nicht nur im musikalischen 

Umfeld tendenziell positiv besetzt, eben weniger verknüpft 

mit einem krankhaften Drang zur Selbstverwirklichung 

als mit ehrlichem und hartem Arbeiten an sich selbst, das 

nicht auf Kosten anderer geschieht.“ 

Links: Opernszene aus „Der kleine 

Lord“ zwischen Publikum und 

Kuchentheke bei einem Präsentati- 

onstag der Hessischen Theateraka- 

demie in der HfMDK. 

Rechts: Die szenische Arbeit der 

Opernabteilung – im Bild eine 

Szene mit Anne-Kathrin Frank und 

Annika Gerhards – erfährt durch die 

Kooperation in der Hessischen 

Theaterakademie immer wieder 

wichtige Impulse. 




Hans-Thies Lehmann Es kennen alle Institutionen diesen Kampf um 

Zeit. Der Fetisch der Effizienz bedarf der Kritik. Systematik der 

künstlerischen Ausbildung darf nicht deren oberstes Kriterium sein. 

Dagegen erachte ich die persönliche Beziehung zwischen Leh- 

renden und Studierenden als wesentlich. Es müssen im Studium 

Freiräume des scheinbaren Abirrens erhalten bleiben, Gelegen- 

heiten zum Scheitern. 

FiT Was raten Sie also Studierenden? 

Hans-Thies Lehmann Ich rate ihnen vor allem, nicht auf die Ratschlä- 

ge von uns Älteren zu warten. Vielmehr müssen sie unter den 

Bedingungen von heute versuchen, sich als künstlerische Persön- 

lichkeit zu entwickeln und zu behaupten. Wie das geschieht, 

ist hochgradig persönlichkeitsabhängig. Das beste System der 

Ausbildung ist dasjenige, welches am wenigsten vorschreibt, 

festlegt und stattdessen die größten Spielräume für Abweichung 

und Variation lässt. Ich glaube auch an die Möglichkeit. Zugestan- 

den, das Künstlersein war schon immer schwer und wird es weiter 

bleiben. Aber ich möchte daran erinnern, dass trotz aller Schwierig- 

keiten das deutsche Theatersystem ein reiches und reichhaltiges das Kriterium der Exzellenz selbst zu überprüfen. bjh 

RZ_100121_Anz ist. Deutschland Ffm in gibt Takt&VK_210x142 im Vergleich zu anderen 25.01.2010 Ländern ein 11:50 Viel- Uhr Seite 1 

BEWERBUNG 

BIS 

31. MAI 2010 

für junge Bühnenbildner, 

Dirigenten, Dramaturgen, 

Komponisten, Kulturmanager 

und Regisseure 

www.musiktheater-heute.org 


faches an Subventionen für seine Theater aus. Diesem könnte man 

bedeutend mehr an Risiko zumuten, als man ihm abverlangt. 

FiT Sie sind bekannt dafür, stets auf der kreativen Suche nach 

neuen Formen des Theaters zu sein. Wer exzellent ist, bleibt auf der 

Suche? 

Hans-Thies Lehmann Kunst ist sicherlich nicht dadurch definiert, 

dass sie um jeden Preis das Neue will. Aber es gehört zur künstleri- 

schen Grunderfahrung, dass Formeln, Modelle und Darstellungs- 

weisen, die gestern noch richtig waren, heute schon nicht mehr 

adäquat erscheinen können, weil sie abgenutzt sind und nur noch 

wie Zitate wirken. Suche nach Neuem ist in diesem Sinne nicht 

Innovationssucht. Die ganze Gesellschaft befindet sich gegenwärtig 

in einer Phase, in der alles auf dem Prüfstand steht und in der auch 

der Kunstbegriff nicht mehr das ist, was er einmal war. Die gesell- 

schaftliche Vielschichtigkeit fordert sogar, die Suche nach neuen 

Formen mutig fortzusetzen und den Bereich dessen, was als 

Gegenstand von „Ästhetik“ galt, immer wieder neu zu vermessen, 

ihn anders und weiter zu verstehen. Und das bedeutet eben auch, 

Akademie Musiktheater 

heute 

Stipendium 2010 – 2012

Schwerpunktthema EXZELLENZ und ELITE Frankfurt in Takt Takt10/1 10/1 

„Die geistige Reife muss mitwachsen“ 

Ein Interview mit Hochschulratsmitglied Karl Rarichs über wachsende Anforderungen an Musiker, die hohe 

Verantwortung der Pädagogen und die erfreuliche Öffnung der Hochschule in die Gesellschaft 

Foto: Fotostudio Amling 

Der Dirigent, Pianist, Musikmanager und Verleger Karl Rarichs ist 

unter anderem Künstlerischer Leiter der Weilburger Schlosskon- 

zerte, stellvertretender Vorsitzender der Frankfurter Museums- 

Gesellschaft, Gründer und Leiter des Internationalen Dirigenten- 

wettbewerbs Sir Georg Solti, war Leiter der Frankfurter Singakade- 

mie und viele Jahre Geschäftsführer des Musikverlages C. F. Peters. 

Als Mitglied des Hochschulrates der HfMDK Frankfurt am Main 

fördert er Kontakte und Kooperationen der HfMDK mit anderen 

Kulturinstitutionen und bringt seine jahrzehntelange Erfahrung auf 

dem Musikmarkt beratend in die hochschulpolitische Arbeit ein. 

Frankfurt in Takt Herr Rarichs, die Begriffe Exzellenz und Elite sind 

Ihnen aus ihrem täglichen Engagement auf kultureller Ebene sehr 

vertraut. Haben sich die Maßstäbe für diese Begriffe im Laufe von 

Jahrzehnten verändert? 

Karl Rarichs In jedem Fall. Vieles läuft in der Musikbranche – und 

nicht nur da – heute komplett anders als noch zwei Generationen 

zuvor. Die Anforderungen an die heutigen Künstler sind in jeder 

Hinsicht immens, und das umfassend – nicht zuletzt auch durch die 

globale Vernetzung bedingt. 

FiT Worin drückt sich dies aus? 

Karl Rarichs Vergleichen Sie einmal die Solisten der 30er Jahre des 

vergangenen Jahrhunderts mit den heutigen Künstlern – was ja 

dank vorhandener Tonaufzeichnungen möglich ist –, so wird Ihnen 

sofort der Unterschied auffallen: Die technische Perfektion von 

Pianisten wie beispielsweise Lang Lang, Jean-Yves Thibaudet oder 

Bernd Glemser hat es in dieser Form zur damaligen Zeit noch nicht 

gegeben. Das hat sicher auch mit der technischen Entwicklung auf 

allen Ebenen zu tun und nicht damit, dass die Musiker von damals 

schlechtere Künstler gewesen wären. 

FiT Hier klingt der sportliche Ehrgeiz „höher, schneller, weiter“ 

durch.


Karl Rarichs Sie haben Recht. Hier ist durchaus ein Vergleich mit 

Höchstleistungen im Sport gegeben, wobei wir wissen müssen, 

dass sowohl im künstlerischen als auch im sportlichen Bereich die 

technische Entwicklung im Sinne noch höherer Virtuosität irgendwo 

einmal ausgereizt ist und leicht zu Überforderung führt. Schon 

heute gibt es viele Sportler, die deshalb in späteren Jahren mit 

großen gesundheitlichen Schäden zu kämpfen haben. Im künstleri- 

schen Bereich zeigt sich die Überforderung durch den heutigen 

Stress und die oft gewaltige nervliche Belastung. Eine weitere 

Gefahr besteht darin, dass die Technik zum Schwerpunkt der 

künstlerischen Arbeit wird und die geistige Entwicklung dem nicht 

folgen kann. Von den heutigen Künstlern verlangt man aber, dass 

sie neben der technischen Weiterentwicklung auch über eine 

umfassende Allgemeinbildung verfügen. 

FiT Ist Reife nicht vor allem eine Frage des Alters? 

Karl Rarichs Nicht nur. Zwar hat beispielsweise Verdi eine seiner 

hervorragendsten Opern, den Falstaff, erst mit 79 Jahren geschrie- 

ben; gleichwohl gibt es aber heute in allen – so auch in den 

künstlerischen Bereichen – Beispiele von Frühreife, die oft erstaun- 

lich sind. Denken sie nur an unsere junge HfMDK-Professorin Julia 

Fischer, die trotz ihrer Jugend nicht nur eine außergewöhnliche 

Pädagogin ist, sondern bereits im Alter von 16 Jahren bei den 

Weilburger Schlosskonzerten das Violinkonzert von Beethoven 

Ganz Links: Karl Rarichs steht der Hochschulleitung als Mitglied des Hochschul- 

rates mit jahrzehntelanger Erfahrung im Musikgeschäft beratend zur Seite. 

Drittes Bild von Links: Probespieltrainings, hier mit Trompetern im Großen Saal 

der Hochschule, helfen den Studierenden, sich auf den „Ernstfall“ vorzubereiten. 

Das Feedback der kompetenten Jury ist allerdings jetzt schon „echt“. 

exzellent? 

Elitär und 

Elena Graf studiert Violine bei Prof. Julia Fischer, ist be- 

reits mit mehreren Orchestern als Solistin aufgetreten und 

betreibt intensiv Kammermusik. Derzeit fungiert sie als 

Konzertmeisterin in der Jungen Deutschen Philharmonie 

und ist Aushilfe bei den Berliner Philharmonikern: „Für 

mich ist der Begriff Elite negativ geprägt. Zur Elite gehört nur 

ein sehr kleiner Teil der Menschheit und ist meist durch Hilfe 

anderer dazu gekommen. Meistens haben nur die Besten 

und Jüngsten etc. die Möglichkeiten, gut gefördert zu werden. 

Aber man sollte vielmehr die Allgemeinheit fördern als ledig- 

lich die Elite... Das sollte sich ändern!“ 



neben aller technischen Perfektion mit einer enormen Vollendung 

und Reife gespielt hat. Für alle, die das miterlebt haben, wird dies 

ein unvergessliches Erlebnis bleiben. 

FiT Welchen Anspruch leiten Sie daraus für eine Hochschule ab, die 

ihre Absolventen auf ihren Beruf vorzubereiten hat? 

Karl Rarichs Dies ist nicht mit einem Satz zu beantworten. Meines 

Erachtens ist die Zeit des Studiums die wichtigste und prägendste 

Phase im Leben eines jungen Künstlers auf dem Weg in sein 

Berufsleben. Daraus ergibt sich, dass unseren Pädagogen an der 

Hochschule eine große Verantwortung auferlegt ist. Nicht zuletzt 

durch ihre Arbeit, ihr pädagogisches Geschick, ihr Einfühlungsver- 

mögen und ihre Menschenführung entscheidet sich, wie der 

jeweilige Künstler sich entwickelt und ob er die zukünftigen Be- 

lastungen künstlerisch, aber auch menschlich bewältigt. Dazu 

gehört eben auch, dass die Hochschule ein Klima schafft, das den 

Studierenden eine Ausbildung auf breiter Basis ermöglicht. 

Die vielen internationalen großen Künstler, die ich in meinem Leben 

kennenlernen durfte – mit vielen hat sich eine enge Freundschaft 

entwickelt –, haben mir immer wieder bestätigt, dass auch eine 

umfassende Bildung und Ausbildung unverzichtbare Vorausset- 

zungen für eine große Karriere sind. Kein einziger unter ihnen war 

und ist – salopp gesagt – ein „Fachidiot“. 


Ein weiterer Punkt ist, und da stehe ich mit meiner Meinung nicht 

allein, dass an jeder Musikhochschule – vor allem, wenn es sich um 

Auszubildende in Orchesterdirigieren, Chorleitung und Schulmusik 


handelt – zur Vorbereitung auf ihren zukünftigen Beruf – zumindest 

als Nebenfach – auch eine psychologische Unterweisung gehört. 

Hier tut sich für meine Begriffe eine Lücke auf, die unbedingt 

geschlossen werden muss. Ich habe oft erlebt, dass durchaus hoch- 

begabte, junge Dirigenten durch falsche Behandlung der ihnen 

anvertrauten Musiker deren Karriere frühzeitig zerstört haben. In 

jedem Orchester sitzen vielfach hochsensible und hervorragende 

Musiker mit einer umfassenden Allgemeinbildung. Vor allem der 

junge Dirigent sollte seine eigene Funktion als „Primus inter pares“ 

verstehen und nicht als Diktator, dem sich das ganze Orchester 

unterzuordnen hat. Das künstlerische Ergebnis bei solcher Arbeits- 

einstellung wird niemals optimal sein. Hier im Studium frühzeitig 

psychologische Hilfe zu geben, ist meiner Meinung nach dringend 

geboten. Sicher gäbe es noch, um Ihre Frage erschöpfend zu 

beantworten, viele weitere Punkte; die würden aber den Rahmen 

dieses Interviews sprengen. 

FiT Wie sollen Orchestermusiker auf ihren Beruf vorbereitet 

werden? 

Karl Rarichs Hier kommt eine große Verantwortung auf die jewei- 

ligen Pädagogen zu. Es beginnt schon damit, dass Instrumentalis- 

ten, die nicht die Voraussetzung erfüllen, um international große 

Solisten zu werden, von Anfang an darauf eingestellt werden 

müssen, dass ihre Zukunft höchstwahrscheinlich im Orchesterbe- 

reich liegt, obwohl auch da der Schüler wissen muss – bedingt 

durch das hohe Niveau unserer heutigen Orchester –, dass nur die 

allerbesten Studierenden die Voraussetzung erfüllen, um in einem 

guten Orchester unterzukommen. 

FiT Dementsprechend wichtig sollte aus Ihrer Überzeugung wohl 

auch die Arbeit des Hochschulorchesters sein? 

exzellent? 

Elitär und 

Hanna Eimermacher hat an der HfMDK Komposition 

studiert und ist Stipendiatin der Sommerakademie 

Schloss Solitude: „Der Begriff Elite hat den Beigeschmack 

eines geschlossenen Zirkels, bei dem schnell die Qualität 

oder Besonderheit übersehen wird, die sich außerhalb 

dieses Radius` abspielt. Alles, was fixiert und abgegrenzt 

ist, wird schnell unflexibel und steht somit dem Beweg- 

lichen der Kunst diametral gegenüber.“ 




Karl Rarichs Hier stimme ich Ihnen zu. In der Praxis heißt das, dass 

auch das Violinkonzert und die Violinsonate zwar ihre Berechtigung 

im Studium haben, gleichzeitig aber auch die Voraussetzungen für 

die künstlerische Arbeit als Orchestermusiker durch möglichst 

intensive Mitarbeit im Hochschulorchester geschaffen werden. Hier 

kann man immer wieder erleben, dass das Spiel im Hochschulor- 

chester von einzelnen Studierenden als lästige Pflicht betrachtet 

wird, was dann meist zu Problemen bei späteren Probespielen führt. 

FiT Wie hat sich unsere Hochschule aus Ihrer Sicht in den letzten 

Jahren ihren pädagogischen, künstlerischen und gesellschaftspoli- 

tischen Aufgaben gestellt? 

Karl Rarichs Hier kann ich eine erfreuliche Entwicklung feststellen. 

Die Hochschule hat früher eine lange Zeit in einer Art Dornröschen- 

schlaf gelebt, von dem keine Impulse nach außen gingen. Die 

Hochschule wirkte fast wie eine geschlossene Gesellschaft. Heute 

dagegen ist sie in allen Bereichen präsent, so beispielsweise bei 

den Weilburger Schlosskonzerten, beim Barockfest in Weilburg, bei 

den Familienkonzerten der Museums-Gesellschaft, beim Rheingau- 

Musikfestival, bei den Bad Hersfelder Festspielen sowie beim 

Sir Georg Solti Dirigentenwettbewerb, für den junge Solisten der 

Hochschule für Konzertbegleitungen der Dirigierkandidaten zur 

Verfügung stehen. 

Aber auch in vielen anderen Bereichen zeigt die Hochschule eine 

Präsenz, die es vorher so nicht gab: nämlich in der Zusammen- 

arbeit mit unseren allgemeinbildenden Schulen bei der Förderung, 

Kinder zum Singen zu animieren, und vielem anderen mehr. Hier 

kommt dem Präsidenten der Hochschule, Thomas Rietschel, ein 

besonderes Verdienst zu, denn viele Anregungen für diese und 

weitere Gebiete gehen auf seine Initiative zurück. Damit nimmt die 

Frankfurter Musikhochschule ihren kulturpolitischen Auftrag sehr 

ernst, die Leute zum Musizieren zu bringen und Begeisterung 

dafür in breiten Kreisen der Bevölkerung zu wecken. Bei diesen 

ganzen Projekten kann die Hochschule darauf bauen, dass ihre 

jungen Künstler einen Enthusiasmus in sich tragen, der Begeiste- 

rung weckt, die wie ein Funke auf das Publikum überspringt. 

FiT Herr Rarichs, Sie sind am 5. Dezember letzten Jahres 80 Jahre 

alt geworden, dazu nachträglich unsere herzliche Gratulation. 

Was fällt Ihnen als Erstes ein, wenn Sie auf Ihr musikalisches Leben 

zurückblicken? 

Karl Rarichs Zurückblickend erfüllen mich sehr große Gefühle der 

Dankbarkeit und Demut dafür, dass es mir vergönnt war, mein 

ganzes Leben im Dienste der Musik zu verbringen – und dass mir 

Gott die Möglichkeit, Disziplin und Kraft gegeben hat, um meine 

vielen Ideen und Pläne zu verwirklichen. bjh 

Musikalische 

Selbsteinschätzung 

erwünscht 

Musikpädagogen suchen Teilnehmer für eine Online-Befragung 

Die Studie zur Entwicklung eines Messinstruments des musi- 

kalischen Selbstkonzeptes von Prof. Dr. Maria Spychiger und 

ihrem Forschungsteam geht in eine neue Runde. In dieser 

Studie geht es um die Selbsteinschätzung im musikalischen 

Bereich. Dabei werden Fragen nach den musikalischen 

Fähigkeiten, dem emotionalen Erleben von Musik, der sozialen 

Bedeutung und den Ausdrucksformen gestellt. 

Eine erste, bereits stattgefundene Befragung hat das Team 

empirisch ausgewertet. Daraus hat es einen neuen Fragebo- 

gen ausgearbeitet, der nun online in 15 Minuten beantwortbar 

ist. Für eine Teilnahme an dieser Befragung suchen die 

Forscher nun Personen ab 30 Jahren und besonders ab 

66 Jahren, die einen rein hörenden Zugang zur Musik haben, 

selbst Musik ausüben oder auch einen Beruf im Bezug 

auf Musik ausüb(t)en, wie zum Beispiel Instrumentenbau oder 

Tontechnik. Das Forschungsteam freut sich über jede 

Meldung. Wenn Sie bereit sind zur Teilnahme, schicken Sie 

bitte eine Mail an die wissenschaftliche Mitarbeiterin Lucia 

Gruber (Lucia.Gruber@hfmdk-frankfurt.de), Sie erhalten 

dann eine E-Mail mit den Zugangsadaten zur – anonymen! – 

Online-Befragung. 

Worum es bei dem Forschungsprojekt geht, ist detailliert 

zu erfahren unter 

http://www.hfmdk-frankfurt.info/studium/forschung-projekte/ 

musikal-selbstkonzept.html


Seit zwei Jahren ist Werner Wölbern in der HfMDK-Schauspiel- 

abteilung Professor für Rollenspiel und szenischen Unterricht. 

Im nachfolgenden Interview gibt er seine Überzeugungen preis, 

wie Schauspieler sich exzellent auf ihre Rollen auf der Bühne 

vorbereiten können und was eine Schauspielausbildung leisten 

muss, um die Künstler dazu zu befähigen. Jahrzehntelanges eigen- 

es Schauspiel auf großen Bühnen wie am Burgtheater Wien und 

am Thalia-Theater Hamburg prägt seinen Erfahrungshorizont. 

Frankfurt in Takt Herr Wölbern, welchen Wert haben die Begriffe 

„Exzellenz“ und „Elite“ für Sie als Schauspieler und Lehrender? 

Werner Wölbern Wenn man weiß, worauf man in seiner Arbeit hinaus 

will, erfüllen sich beide Kriterien notwendigerweise von selbst. Die 

Arbeit muss genau, intensiv und fundiert sein. Grundsätzlich 

glaube ich, dass Kunst Elite braucht, weil wir mit Mittelmäßigkeit 

in diesem Bereich nicht weiterkommen. Andererseits habe ich dann 

Probleme mit dem Begriff Elite, wenn er eine Form von Ausgren- 

zung meint, die hochnäsig und abgehoben ist. Mit dem Begriff Ex- 

zellenz kann ich aber gut umgehen. 

FiT Welchen Anspruch, exzellent zu werden, hatten und haben Sie 

an sich selbst? 

Werner Wölbern Exzellenz in der Schauspielerei setzt voraus, dass 

ich von der Lust beseelt bin, Figuren zum Leben zu erwecken, sie zu 

präsentieren und mich der Kritik darüber zu stellen. Es sollte auch 


„Mit Mittelmäßigkeit kommt die Kunst nicht weiter“ 

Werner Wölbern, HfMDK-Professor für Rollenspiel und szenischen Unterricht, über Angst und Glück auf der Bühne und 

den Ehrgeiz, mit Studierenden im Arbeitsprozess durch Türen zu gehen, die ihnen bislang verschlossen waren 

die Lust sein, sich mit Text und Sprache intensiv zu befassen, sich 

als Künstler immer mehr zu vervollkommnen. Das impliziert für 

mich auch, sich gezielt eigenen Ängsten zu stellen und das Risiko, 

an einer Rolle zu scheitern, in Kauf zu nehmen. 

FiT Was heißt das für Sie als Professor für Schauspiel? 

Werner Wölbern Wenn von 400 Aspiranten, die einen Studienplatz 

im Schauspiel anstreben, acht am Ende einen Platz bekommen, 

bedeutet dies für mich, dass ich mit denen nicht etwa vier Jahre 

lang das mache, was sie ohnehin schon können. Vielmehr liegt 

für mich eine wesentliche Notwendigkeit darin, mit ihnen gemein- 

sam durch Türen zu gehen, die ihnen bislang noch verschlossen 

waren. Ich selbst habe als Schauspieler lange gebraucht, das zu 

verstehen und in Anspruch zu nehmen. In der Ausbildung können 

wir da frühzeitig animieren und Lunten legen. 

FiT Welche Türen mussten Sie für sich selbst öffnen, um gut spielen 

zu können? 

Schauspielprofessor Werner Wölbern: 

„Möchte mit Studierenden durch 

Türen gehen, die ihnen bislang noch 

verschlossen waren.“ 

Werner Wölbern Beispielsweise die Angst, sich vor 1.000 Leuten 

hinzustellen und sich zu präsentieren. Es ist eigentlich schrecklich, 

jeden Abend auf der Bühne zu stehen – zugleich ist es auch 

reines Glück. Ich bin selbstkritisch genug und spüre genau, wenn 

ich mit einer Rolle nicht dahin komme, wo ich hin wollte. Auch 

möglicherweise für etwas gelobt zu werden, was man selbst nur 

mittelmäßig findet, ist schrecklich. 

31



FiT Welche Grenzerfahrung haben Sie beim Spielen einer Rolle 

gemacht? 

Werner Wölbern Einen Kindermörder zu spielen, war sicherlich die 

bislang größte Grenzerfahrung für mich. Die Rolle verfolgte mich 

sehr, Schweißausbrüche, Albträume. Nach 48 Vorstellungen habe 

ich die Rolle abgelegt. Überleben kann man als Schauspieler nur 

dann, wenn man, nachdem man die Fremdfiguren gelebt hat, sie 

wieder wegstellt, duscht und sagt: Ich habe auch ein Privatleben. 

FiT Welche Art von Zufriedenheit ziehen Sie aus Ihrer Arbeit? 

Werner Wölbern Als junger Schauspieler habe ich auf der Bühne 

gestanden, um Erfolg zu haben. Mittlerweile ist für mich die 

Probenzeit wichtiger, in der sich Spannungen, Energien und Kon- 

flikte im zwischenmenschlichen Bereich entwickeln und ent- 

laden. Es macht einfach Spaß, mit fremden Leuten fokussiert eng 

zusammenzuarbeiten. Das ist Lebenszeit und etwas Wunder- 

bares. Außerdem: Wo sonst als im Theater hat man die Lizenz, 

sich so anzubrüllen und zugleich zu umarmen? Die Figur gibt uns 

Schauspielern einen Schutz vor Übergriffigkeit. All dies zu erleben, 

ist mir wichtig. Sich von äußerem Erfolg abhängig zu machen, 

ist kein guter Beweggrund, Schauspieler zu sein. 

FiT Welche Ausbildungsgrundsätze ergeben sich daraus für die 

Schauspielausbildung? 

Werner Wölbern Notwendige Voraussetzung ist natürlich das 

Hand-werk wie eine physiologische Basis für die Stimme und eine 

gute Körperarbeit. Davon ausgehend, bin ich der Meinung, dass 

man spätestens im zweiten Ausbildungsjahr anfangen muss, an der 

darstellerischen Persönlichkeit zu arbeiten. Studierende müssen 

sich dann mit der Frage auseinandersetzen, warum es ihr eigenes 

unbedingtes Anliegen ist, eine Rolle spielen zu wollen. Diese 

Auseinandersetzung ist elementar, sonst rezitiert man nur Text. 

Dieser Ehrgeiz erfordert eine starke Bereitschaft, sich selbst zu 

fragen, was man überhaupt will. Ausbildungsleiter können bei 

der Beantwortung zwar Hilfestellung geben, doch der Impuls muss 

von den Studierenden ausgehen. 

FiT Wie nähert sich Ihrer Überzeugung nach ein exzellenter 

Schauspieler seiner Rolle an? 

Werner Wölbern Ich habe anfangs gedacht, dass man nur das spielen 

kann, was man selbst erlebt hat; bis heute hat sich diese Sichtwei- 

se sehr verschoben. Am Anfang steht für mich das Denken und 

Reflektieren, daraus kann eine Emotion erwachsen. Entscheidend 

ist, sich am Anfang eines jeden Rollenstudiums die Zeit zu nehmen 

zu begreifen, wie eine Figur innerhalb des Stücks von A nach B 

kommt. Das setzt viel Arbeit am Tisch zu Hause voraus. Wenn das 

Licht auf der Bühne angeht, muss man diese theoretische Vorarbeit 

vergessen und loslassen. Loslassen heißt hier nichts anderes, als 

darauf zu vertrauen, dass das, was ich zu Hause vorbereitet habe, 

schlichtweg da ist. Dann beginnt der Prozess, als Figur Fehler zu 

machen, vorwärts zu gehen, möglicherweise „zu viel“ zu machen, 

auch: Widersprüche zu dulden. Man muss mit Figuren immer an 

Grenzen gehen. Es ist meine Aufgabe, ein weißes Blatt Papier 

komplett mit Farbe zu füllen. Und wenn es komplett voll ist, habe 

ich einen – hoffentlich – guten Regisseur, der das sortiert, der was 

weg nimmt, verstärkt, in Frage stellt ... Das ist Theaterarbeit.

Frankfurt in Takt 10/1 Schwerpunktthema EXZELLENZ und ELITE 

33



3 

FiT Sie schildern Prozesse, die Zeit brauchen und sich – vor allen 

Dingen während des Studiums – nur schwer in Zeitraster pressen 

lassen. 

Werner Wölbern Wir Schauspieler brauchen Zeit zum Arbeiten und 

zum Atmen. Das zwanghafte Einpassen in äußere Zeitraster ist 

in gewisser Weise der Tod unserer Arbeit. Gerade in unserem vier- 

jährigen Schauspielstudium an der HfMDK beobachte ich sehr 

individuelle Entwicklungsschübe. Es gibt Studierende, die erst im 

dritten Jahr aufblühen und dann ihre größte und beste Entwicklung 

durchmachen. Das aufgepfropfte Credit-System rund um Bachelor 

und Master ist für den Schauspielbereich geradezu aberwitzig. 

Andererseits ermöglicht es natürlich den kompatiblen Austausch 

mit anderen Hochschulen. Aber da ist noch viel Handlungsbedarf. 

FiT Die HfMDK hat deutschlandweit den kleinsten Ausbildungsbe- 

reich Schauspiel überhaupt. Ein Vor- oder Nachteil? 

Werner Wölbern Das ist erstmal ein großer Vorteil und im besten 

Sinne die Chance auf eine wirklich elitäre Ausbildung. Die individu- 

elle Betreuung, die bei uns dadurch sehr ausgeprägt ist, ist ein 

entscheidendes Kriterium für eine exzellente Ausbildung. 

FiT Größere Abteilungen haben vermutlich aber auch ein größeres 

Raumangebot? 

Werner Wölbern: In der Tat haben wir ein massives Raumproblem. 

Bei uns haben 32 Schauspielstudierende im Prinzip nur einen 

wirklich großen Raum zum Arbeiten, und der ist konsequenterweise 

von Montag bis Sonntag (!) rund um die Uhr belegt. Das heißt: 

Die Schauspielstudenten arbeiten permanent außer-stundenplanmäßig. 

Um gut und fokussiert – und excellent! – arbeiten zu 

können, bräuchten wir mindestens ein weiteres Studio. Abgesehen 

vom reinen Platzangebot ist aber in den letzten beiden Jahren 

hier viel Erfreuliches passiert, die Hochschul-Leitung ist da sehr 

offen und gesprächsbereit – ich hoffe, dass sich das fortsetzt. 

FiT Haben Sie sich ein ehrgeiziges Ziel als Professor der HfMDK 

gesetzt? 

Werner Wölbern Die Vermittlungsquote unserer Studierenden ist ja 

jetzt schon sehr gut und mutmachend. Mein Ziel und Anspruch 

ist es, dass ein Schauspiel-Aspirant unbedingt nach Frankfurt an 

die HfMDK will und dass unsere Absolventen mit Stolz sagen: 

Ich war in Frankfurt! Dafür kämpfe ich mit meiner Person – und ich 

hoffe unbedingt auf jede mögliche Unterstützung. bjh 

exzellent? 

Elitär und 

Seiten 30, 32–34: 

Eindrücke aus einem 

szenischen Abend der 

Schauspielklasse im Kleinen 

Saal der Hochschule. 

Rechts: Werner Wölbern 

auf der Bühne in 

„Der Weibsteufel“ am Burg- 

theater Wien. 

Lisa Weidenmüller studiert Schauspiel an der HfMDK: 

„Exzellenz und Elite sind in unserem Ausbildungsbereich 

eigentlich keine Leitbegriffe. Es geht eher darum, die eigenen 

Darstellungsmöglichkeiten so weit wie möglich zu erweitern, 

um vielleicht eine exzellente Darstellung einer Figur zu 

erreichen. Nur was heißt das wieder? Exzellente Darstellung 

im Sinne von authentisch, glaubwürdig? Oder doch lieber 

abstrakt, entfremdet oder emotional und berührend? Bei der 

Vielzahl von Spielstilen und -formen suchen wir eher nach 

Wegen, wandelbar zu sein und dabei eine gewisse Eigenheit 

oder Spezialität zu bewahren, um sich dann in einem Spiel- 

ensemble in den Dienst der Sache zu stellen. Allerdings 

genießen wir eine ziemlich elitäre Ausbildung, da wir nur acht 

oder neun Studenten in einem Jahrgang sind und sehr 

individuell betreut und unterrichtet werden. Wir sind quasi 

eine kleine Elite, die von der Gesellschaft finanziert wird, um 

dann über ebendiese zu reflektieren.“ 



3 Freunde und Förderer 


Unterstützung der 

Förderer erleichtert und 

bereichert Studium 

Friedmar Deller, Studierender für KA Kontrabass, ist 

Starter-Stipendiat der Gesellschaft der Freunde und 

Fördererder HfMDK Frankfurt am Main 

Die Gesellschaft der Freunde und Förderer der Hochschule für Musik 

und Darstellende Kunst Frankfurt am Main e.V., kurz GFF – jeder 

kennt sie, doch wissen die wenigsten Details über ihre Unterstüt- 

zungarbeit. Und diese ist tatsächlich beachtlich: In den beiden 

vergangenen Jahren stellte die 2007 gegründete GFF schon fast 

300.000 Euro für verschiedenste Projekte zur Verfügung. 

Und so ist es schon erstaunlich, dass man meist nur durch die 

hochschuleigenen Presseorgane FiT und O-Töne etwas von ihnen 

mitbekommt (abgesehen natürlich von den delikaten Buffets 

nach GFF-Veranstaltungen, bei denen Spätgebliebene ein unver- 

hofftes Abendessen bekommen). Ich selber habe schon oft von 

der großen Spendenbereitschaft profitiert: von einem über vier 

Semester gehenden Starterstipendium über Projekte wie die 

Händeloper „Rinaldo“ bis zur Anschaffung eines neuen fünfsaiti- 

gen Kontrabasses. Diese wichtigen Unterstützungen haben mein 

Studium erleichtert und bereichert. 

Elite muss durchlässig sein 

Trotz dieser außergewöhnlichen Förderung sehe ich mich ungern 

als Teil einer Elite an. Sicher – wir sind hier an einer Hochschule mit 

vergleichsweise hohen Anforderungen bei der Aufnahmeprüfung 

und allein schon durch die Exklusivität unserer Ausbildung elitär. 

Aber in dem Begriff „Elite“ schwingt für mich immer auch eine 

Abgrenzung zu bildungsferneren Schichten mit. Elite, ob wirtschaft- 

liche, politische oder künstlerische, hat für mich aber immer nur 

dann eine Daseinsberechtigung, wenn sie durchlässig ist und nicht 

um ihrer Selbst willen agiert. Und genau darum sollte es in unserer 

Ausbildung gehen: um Offenheit gegenüber anderen Kreisen und 

Kulturen sowie, allgemeiner gesprochen, um Schulung eines 

sensiblen Bewusstseins für gesellschaftliche und auch politische 

Veränderungen und wie man künstlerisch und als Mensch damit 

umgeht. Wie auch sonst will man sich künstlerisch ausdrücken und 

artikulieren? Denn es reicht eben nicht, allein technisch ein Stück 

zu meistern. Und meiner Ansicht nach merkt man auch sehr 

schnell, ob sich jemand ernsthaft und mit Freude dem Kunstwerk 

widmet und kritisch hinterfragt oder nicht.


Förderer: Ehrliches Interesse und Offenheit 

Die Bedingungen, sich auf eine solche Weise künstlerisch zu bilden, 

werden von der GFF nicht nur durch die oben genannten Förder- 

maßnahmen nachhaltig verbessert, sondern auch durch viele 

Projektförderungen übers Jahr unterstützt. Wer einmal wie ich 

die Menschen, die hinter diesem finanziellen Engagement stehen, 

erlebt hat, weiß um das ehrliche Interesse und um die Offenheit 

gegenüber den Studierenden. Neben solchen einfach „nur“ kulturell 

Interessierten sind in der GFF auch manche in der Szene wichtige 

und entscheidende Persönlichkeiten vertreten: Heiner Goebbels, 

Andreas Mölich-Zebhauser, Gerd Albrecht und Bernd Loebe. 

Dadurch, dass der Präsident sowie der Vizepräsident der Hochschu- 

le mit diesen den Beratenden Ausschuss bilden, ist eine hohe 

Verzahnung der GFF mit der Hochschule sowie mit anderen, für die 

Hochschule wichtigen Institutionen und Menschen gewährleistet. 

Man sieht also: Die GFF tut einiges, um ihrem eigenen Anspruch 

gerecht zu werden. Denn Exzellenz und die Entwicklung talentierter 

Studierender zu international gefragten Künstlern (und Künstlerin- 

nen) erfordern Studienbedingungen, die weit über das herkömm- 

liche Curriculum hinausweisen. So auch Projekte, bei denen 

Studentinnen und Studenten (hier schreibe ich als angehender 

Orchestermusiker) ihren Horizont jenseits von Orchesterstellen und 

Probespielstellen erweitern können – um der Gefahr einer sich 

selbst reproduzierenden künstlerischen Elite vorzubeugen. 

Vielfältige Förderung 

Studierende der HfMDK profiteren mit etwas Glück gleich mehr- 

fach von der Gesellschaft der Freunde und Förderer der 

Hochschule. So erhalten jedes Jahr fünf Studienanfänger aller 

Fachbereiche ein Starterstipendium des Fördervereins. Das 

Stipendium soll den Studienstart in Frankfurt, einer Stadt mit 

hohen Lebenshaltungskosten, erleichtern. Darüber hinaus 

ermöglichen es die Freunde und Förderer den besten Instumen- 

talisten, ihr Abschlusskonzert im „Konzertexamen“ mit einem 

eigens hierfür zusammengestellten Orchester zu spielen. Seit 

2009 finanzieren die Förderer außerdem einen Gastdirigenten: 

Nach Lothar Zagrosek arbeiten Krzysztof Penderecki (Mai 2010) 

und Sebastian Weigle (2011) mit dem Hochschulorchester. 

Weiterhin trugen die Freunde und Förderer mit dem Kauf be- 

sonderer Instrumente – eines fünfsaitigen Kontrabasses, einer 

Bassposaune, eines Fagotts und eines Kontrafagotts – zur 

hervorragenden Ausstattung der Hochschule und Konkurrenz- 

fähigkeit ihrer Studierenden bei. Denn Insturmentalisten, 

die auch ein seltener gespieltes Instrument beherrschen, haben 

bessere Chancen im Wettbewerb. 

3

Auf Wiedersehen im Netz 

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und Kommentare, 

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GFF 

Gesellschaft der Freunde 

und Förderer der 

Hochschule für Musik 

und Darstellende Kunst 

Frankfurt am Main 

Seit 2007 gibt es die Gesellschaft der Freunde und Förderer der 

Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Frankfurt am 

Main e.V. Die Freunde und Förderer engagieren sich für optimale 

Studienbedingungen und mehr Spielraum für junge begabte 

und leidenschaftliche Künstlerinnen und Künstler. 

Sie fördern große Opernproduktionen, Stipendien für talentierte 

Studienanfänger oder für ausländische Studierende, hochklassige 

Abschlusskonzerte, Gastprofessuren, Arbeitsphasen mit renommierten 

Dirigenten, Mentaltrainings, Instrumental-, Tanz- und 

Gesangsworkshops, den Kauf besonderer Instrumente und mehr. 

Als Mitglied im Förderverein genießen Sie viele exklusive Angebote. 

Vor allem aber haben Sie teil an der Entwicklung der Hochschule 

für Musik und Darstellende Kunst Frankfurt am Main zu einer 

der besten Hochschulen für Musik, Theater und Tanz im nationalen 

und internationalen Vergleich. Werden auch Sie Freund und 

Förderer – wir freuen uns auf Sie! 

Kontakt 

Beate Eichenberg 

Telefon 069 154 007 137 

info@hfmdk-freunde.de 

www.hfmdk-freunde.de 

Spendenkonto Nr. 80 65 070 

bei der Deutschen Bank Frankfurt, 

Bankleitzahl 500 700 24 

3

0 Freunde und Förderer 


„Bitte laden Sie die 

Frankfurter häufiger ein“ 

Hochschule beeindruckte mit „Rinaldo“-Inszenierung bei 

Karlsruher Händel-Festspielen 

Ein großer Erfolg war die Rinaldo-Aufführung der HfMDK am 

24. Februar 2010 bei den Händel-Festspielen Karlsruhe. Zuvor 

wurde die von den Freunden und Förderern der Hochschule 

unterstützte Opernproduktion insgesamt fünfmal in Rüsselsheim, 

Frankfurt und Bensheim gezeigt. 

Nach der Karlsruher Abschlussaufführung erreichte die Händelge- 

sellschaft der Brief einer begeisterten Zuschauerin. Die Karlsruherin 

schrieb: „Ich danke den Initiatoren dafür, dass diese die Frankfurter 

mit dem Rinaldo eingeladen haben… Die Form in Rinaldo, fast 

Formparodie (siehe Kleidung „halb und halb“ und Bühnenausstat- 

tung „krass, schön, romantisch (rosalie)“) hat mich außerge- 

wöhnlich beeindruckt … Einfach toll und originell dargestellt und 

dem Publikum rübergebracht. Bitte, laden Sie die Frankfurter 

häufiger ein.“ 

Fotos: Thomas Jürgens


. Runde für 

MainCampus-Stipendien 

Das MainCampus-Stipendiatenwerk der Stiftung Polytechnische 

Gesellschaft Frankfurt am Main fördert zum zweiten Mal Studieren- 

de der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Frankfurt am 

Main. Mit ihren MainCampus academicus-Stipendien unterstützt 

die Stiftung junge Menschen mit herausragender wissenschaft- 

licher und künstlerischer Begabung sowie großem Persönlich- 

keitspotenzial. Ein solches Stipendium erhalten Bianca Helberg 

(Lehramt an Gymnasien/Musik) und Luise Audersch (Schauspiel). 

MainCampus doctus-Stipendiaten verfolgen bereits eine wissen- 

schaftliche Laufbahn in Frankfurt oder schlagen sie gerade ein. 

Hier hat sich die Absolventin für das Lehramtsstudium an 

Gymnasien Kristin Wömmel, die bei Prof. Dr. Maria Spychiger 

promoviert, erfolgreich beworben. 


Die drei Bewerberinnen haben eine unabhängige Auswahl- 

Kommission fachlich und künstlerisch überzeugt und wiesen dazu 

soziales Engagement, die Bereitschaft zu interdisziplinärem 

Austausch sowie künstlerischen und kulturellen Weitblick auf. 

Neben der finanziellen Förderung erwartet die Stipendiaten ein 

anspruchsvolles Betreuungs- und Qualifizierungsprogramm der 

MainCampus Akademie. Das Programm fördert besonders den 

interdisziplinären Austausch, stärkt die individuelle Handlungskom- 

petenz und bringt die Stipendiaten mit spannenden Persönlich- 

keiten aus allen Gesellschaftsbereichen zusammen. 

exzellent? 

Elitär und 

Bianca Hellberg studiert Schulmusik im und IGP Violine im 

Aufbaustudium. Sie ist gerade zur MainCampus academi- 

cus-Stipendiatin des MainCampus-Stipendiatenwerks der 

Stiftung Polytechnische Gesellschaft Frankfurt am Main 

ernannt worden: „Für mich sind diese Begriffe alles andere 

als Leitbegriffe. Zum einen scheint mir besonders der Begriff 

Elite in der künstlerischen Ausbildung ebenso wenig definiert, 

wie er es in der gesellschaftlichen Diskussion ist. Was ist 

Elite? Wer ist Elite? Wer definiert das? Eigentlich sollte es in 

der Ausbildung vor allem um Chancen gehen, um Entwick- 

lung, um Potenziale und deren Förderung, damit auch um 

Leistung. Aber nicht um die Abgrenzung einer Elite gegenüber 

der großen Masse aufgrund fadenscheiniger Kriterien. Zum 

anderen frage ich mich, ob Elite als Leitbegriff in der künstleri- 

schen Ausbildung nicht eher schadet, als dass er nützt. Eine 

künstlerische Ausbildung ist meiner Ansicht nach geprägt von 

Vielfalt, von Unterschiedlichkeit, auch von verschiedenen 

Lebenswegen. Wir haben eine beachtliche Vielfalt an Hoch- 

schulen und an künstlerischen Ausbildungsgängen an jeder 

einzelnen dieser Hochschulen. Soll das zugunsten einer 

Elitenbildung reduziert werden? Einer Elite in welchem Fach? 

Und wessen Elite ist das dann? Für wen macht diese Elite 

Kunst? Und erreicht eine solche Elite ihr Publikum noch?“ 

1 



„Man kann nicht 

mehr machen, als sein 

Bestes zu geben“ 

Christopher Park, einst Jungstudent und jetzt ange- 

hender Konzertpianist, ist Studierender in der Klavier- 

klasse von Prof. Lev Natochenny 

Christopher Park kam als 16-jähriger Jungstudent zu Lev Natochenny. 

Heute, als 22-jähriger ordentlicher Student an der HfMDK Frankfurt 

am Main, ist er immer noch Schüler des Klavierprofessors 

Lev Natochenny, dessen Klasse erfolgreiche Pianisten wie Martin 

Stadtfeld, Eugenia Rubinova, Nami Ejiri und Dirk Mommertz hervor- 

gebracht hat. Auch Christopher Park hat einen vielversprechenden 

Weg angetreten: Aktuell stellt er auf einer Korea-Tournee seine 

Duo-CD „Nore“ mit Richard O` Neill und sein Debut-Album „Russian 

Transcription“ vor. Im folgenden Interview spricht Christopher Park 

über seine Überzeugungen auf dem Weg, ein exzellenter Musiker zu 

werden, schildert eine außergewöhnliche Lehrer-Schüler-Beziehung 

und verrät, warum er Wettbewerbe nicht mag. 

Frankfurt in Takt Herr Park, wer als Jungstudent antritt, hat als Kind 

vermutlich den größten Teil seiner Freizeit am Klavier verbracht. 

Standen Sie früh unter Erfolgsdruck? 

Christopher Park Ich habe erst mit sieben Jahren angefangen, Klavier 

zu spielen. Und mir ist es von Anfang an sehr leicht gefallen, ich 

habe es nie als anstrengendes „Üben“ aufgefasst; meine Eltern 

jedenfalls brauchten keinen Druck auf mich auszuüben. Musikalisch 

entscheidend waren für mich als Kind die wegweisenden Begeg- 

nungen mit einem älteren Herrn, der im gleichen Ort wohnte wie 

ich: Friedrich Pohlner, einst auch Dozent an der Frankfurter Hoch- 

schule, war wie ein Vater zu mir und hat mir gezeigt, dass Musik 

eine Sprache ist, und man mit ihr zu den Leuten sprechen kann. 

Für mich bis heute die wichtigste Erkenntnis, die sich immer weiter 

entdecken und ausweiten lässt. Und immer faszinierender wird! 

Seitdem war mir klar, dass ich genau dies beruflich machen wollte. 

Auch mein damaliger Nachbar, der Komponist Richard Rudolf Klein, 

hat mich stark für das Musizieren motiviert. Ich war halt zufälliger- 

weise von tollen Leuten umgeben. Und den Zufall oder eher das 

Glück muss man in dem Musikgeschäft auf seiner Seite haben! 

Christopher Park und 

sein Professor Lev 

Natochenny bei der 

Arbeit: „Mein Lehrer 

sieht seine Schüler eher 

als Kollegen an.“ 

Frankfurt in Takt 10/1


FiT Wie hat sich Ihre Freude an der „Sprache Musik“ weiter- 

entwickelt? 

Christopher Park Ich habe zur Musik heute noch genau den gleichen 

Zugang wie damals, nur verbinde ich mit ihr mittlerweile mehr 

Verantwortung, sowohl für mich als auch für das Publikum. 

Sicherlich aber ist es heute eine hoffentlich gesunde Mischung aus 

Motivation und durchaus vorhandenem Leistungsdruck. Sprachlich 

gesehen, habe ich immer mehr musikalische „Dialekte“ kennenge- 

lernt und werde wahrscheinlich mein ganzes Leben noch damit 

verbringen, auch meinen Dialekt zu entwickeln. Aber es darf nur ein 

Dialekt bleiben, der unaufdringlich im Hintergrund und automatisch 

auftritt und niemals die Sprache des Komponisten verändert. 


FiT Was macht für Sie Musik als Sprache so wesentlich? 

Christopher Park: Sie enthält für mich viel mehr Feinheiten und 

Facetten als die gesprochene Sprache. Davon habe ich mich schon 

früh überzeugt, wenn ich mir beispielsweise ein Stück von Chopin 

von zehn verschiedenen Interpreten angehört habe. Musik ist 

einfach eine Sprache, die die Menschen direkter anspricht. Für mich 

auf eine sehr ehrliche Art und Weise. 

FiT Diese Überzeugung teilen Sie mit Ihrem Klavierprofessor 

Lev Natochenny? 

Christopher Park Ja, er unterstützt mich in dieser Hinsicht sehr, mich 

selbst auch weiterzuentwickeln! Unser Lehrer-Schüler-Verhältnis ist 

etwas ganz Besonderes, es hat durchaus etwas von einer „Heirat“, 

wie er damals bei unserem ersten Treffen lustig formulierte. Lev 

Natochenny sieht seine Schüler eher als Kollegen an – wenn man 

denn etwas zu sagen hat. Er sagt immer, der Unterschied zwischen 

uns und ihm sei sein enormer Erfahrungsvorsprung. Zwischen uns 

findet also ein ständiger Ideenaustausch statt, was heißt, dass der 

Lehrer auch offen ist für die Ideen seiner Schüler. 

FiT Als Pianist haben Sie sich auf dem Musikmarkt einer großen 

Konkurrenz zu stellen. Da passiert sicher viel über Wettbewerbe. 

Christopher Park Von Wettbewerben halte ich wenig. Das Problem 

ist heute, dass es derer mittlerweile wahnsinnig viele gibt, wodurch 

es wiederum einen Wettbewerb zwischen den Wettbewerben gibt. 

Meiner Meinung nach müssen die Interpretationen in einem 

Wettbewerb aalglatt sein, um damit einen Preis zu machen. Sobald 

es interessant und außergewöhnlich wird, wird es immer Menschen 

geben, die es hassen oder lieben. Sobald es aber Hasser gibt, wird 

es keinen ersten Platz mehr geben. Ich persönlich bezweifle 

manchmal, dass Jahrhundertpianisten wie Horowitz, Gould oder 

Richter heute noch einen ersten Preis bekommen würden. Dafür 

sind ihre Interpretationen viel zu charakterstark und ehrlich. 

Und an Ehrlichkeit mangelt es der Musik, besonders den heutigen 

CD-Aufnahmen, sehr. 

FiT Wenn Sie spielen, fühlen Sie sich also bei einem Konzert besser 

als bei einem Wettbewerb? 

Christopher Park Auf jeden Fall. Ich würde niemals im Wettbewerb 

so spielen wie in einem Konzert. Bei Konzerten bin ich viel mutiger. 

Spontaneität kann man bei einem Wettbewerb kaum zulassen. Die 

qualitative Messbarkeit von Kunst in Form von Wettbewerben finde 

ich per se zweifelhaft. Schließlich fehlt mir bei einem Wettbewerb 

der eigentliche Sinn meines Spiels: den Zuhörern Freude zu bereiten. 

3

FiT Da wären wir wieder bei ihrem Bild von „Musik als Sprache“. 

Christopher Park Genau. Das Wichtigste für mich im Konzert ist es, 

eine Botschaft zu vermitteln, eine Geschichte zu erzählen. Das wird 

oftmals viel zu wenig versucht, weil der Hang zur Perfektion 

überwiegt. Manchmal hat man den Eindruck, man hätte es zu 

Hause auswendig gelernt und würde es nun im Konzert aus dem 

Gedächtnis abrufen. 

FiT Aber wer exzellent sein will, muss die Technik beherrschen. 

Christopher Park Perfektion, die ich an sich schon für problematisch 

im Zusammenhang mit Kunst halte, sollte eher als Nebenprodukt 

entstehen. Eine tadellose Technik ist Voraussetzung dafür, dass 

man sich gut ausdrücken kann. Exzellenz bedeutet für mich, Musik 

für die Menschen zu machen und das möglichst authentisch. Wenn 

sich davon jemand angesprochen und bewegt fühlt, habe ich mein 

Ziel erreicht. 

FiT Fühlen Sie sich elitär? 

Christopher Park Elite muss von unten definiert werden und nicht 

von denen, die es gern wären. Die Gesellschaft braucht Zugpferde, 

die sie meinetwegen als Elite bezeichnet. Denn ohne kulturelle Elite 

gibt es keinen kulturellen Fortschritt. 

FiT Was kann Ihnen die Hochschule geben, um ein starkes 

„Zugpferd“ zu werden? 

Christopher Park Die Frankfurter Hochschule lässt mir als Studieren- 

dem viel Freiraum, und die Lehrenden tolerieren oft meine häufigen 

Abwesenheiten in Folge von Konzerten. In der Klasse von Lev 

Natochenny erlebe ich einen konstruktiven Konkurrenzdruck, den 

unser Lehrer positiv und unverkrampft fördert. Er vermittelt mir das 

Vertrauen: Es kann klappen. Außerdem: Man kann nicht mehr 

machen, als sein Bestes zu geben. bjh 

Fingerzeig: 

Simon Noack, Bergische 

Universität Wuppertal, 

23. Plakatwettbewerb 

des Dt. Studentenwerks 

(Elite! Für alle?) 



Von Prof. Hans-Ulrich Becker 

Ich komme aus einer so genannten gutbürgerlichen Familie. Theater 

gehörte dazu. Pflichtbewusst hatte ich ein Jugendabonnement. 

Aber wenn ich ehrlich bin, ist nicht viel hängen geblieben. Mir war 

damals viel wichtiger, im Theater neben Cornelia Auffenberg, in die 

ich mordsmäßig verknallt war, sitzen zu können und im abgedun- 

kelten Raum zufällige Berührungen inszenieren zu können. Mein 

Lebensweg führte mich dann auf Umwegen und relativ spät wieder 

zum Stadttheater. 

Nach medizinischem Irrweg sah ich in den späten siebziger Jahren 

den Pantomimen Milan Sladek auf der Bühne seines winzigen 

Theaters in Köln, und der löste in mir einen Urknall aus. Ein Jahr 

später gehörte ich zu seinem Ensemble und fuhr mit dem Goethe- 

Institut um die Welt. 

Aber dann forderte der Kopf wieder sein Recht, ich begann 

Germanistik und Theaterwissenschaft zu studieren und mich als 

Schauspieler in einer „freien“ Gruppe intensiv mit verschiedenen 

Formen eines stark körperbetonten Theaters auseinanderzusetzen. 

Wir fühlten uns als Avantgarde, und das Stadttheater war der 

Feind. Aber um überleben zu können, musste man sich damals 

entweder im Bereich der Hofnarrenspaßigkeiten der „Szene“ 

aufhalten oder ein extremes Spezialistentheater betreiben. Beides 

wollte ich nicht, und außerdem war mir der Entstehungsprozess 

einer Aufführung stets wichtiger als das Spielen selbst. 

Nach meinem Magister wurde ich Regieassistent am Münchner 

Staatsschauspiel und suchte einen „Meister“. Der begegnete mir 

in München leider auch nicht. Dafür lernte ich meine ersten Lek- 

tionen. Das (Staats-)Theater war ein Betrieb mit Produktionen, 

Besetzungslisten und fünf verschiedenen Entlohnungssystemen. 

Ich hatte eine Dienstleistung zu erbringen. Gespräche über Sinn 

und Zweck unseres Tuns waren eher selten. 

Nach gut einem Jahr Drängelns bekam ich die Chance, meine 

erste eigene Regie zu machen: die deutsche Erstaufführung eines 

Harold Pinter-Stückes. 

Persönliches 

Pendeln zwischen Wurzel und Weite 

Hans-Ulrich Becker ist neuer Professor für Regie und Ausbildungsdirektor für Szene an der HfMDK 

Dann ging es nach Aachen, als fester Regisseur. Damals dachte 

ich noch, Regieführen heißt Konzepte entwerfen, grandiose Einfälle 

haben und die Schauspieler lenken. Die Arbeit an einem kleinen 

Haus war eine heilsame Kur: Die Schauspieler wollten sich partout 

nicht an meine Pläne halten, sie machten völlig andere Dinge, die 

aber spannender waren als das vorher von mir Ausgedachte. 

Locken, ergründen, verführen, Mut machen, ausbilden, zuhören, 

wahrnehmen, loslassen — eher Hebammentugenden waren gefragt. 

Improvisieren mit den Improvisationen der Schauspieler. 

Erfolge stellten sich ein; ich ging nach Heidelberg, von dort nach 

Mannheim und weiter nach Stuttgart. Einladungen zum Theater- 

treffen, an mehrere große Häuser und auf Festivals folgten. 

Meine Inszenierungsarbeit wandelt sich von Stück zu Stück: Ich 

habe keine fertige Ästhetik. Mehr und mehr versuche ich, die 

Schauspieler dazu zu bringen, ihre Umwelt als Insektarium zu 

sehen, ihre Nachtseiten aufzunehmen, die Proben dazu zu benutzen, 

sich wirklich auszuprobieren. Ich schickte z.B. meine Schauspieler 

für ein Projekt über alte Leute als Praktikanten in verschiedene 

Altenheime der Stadt. Sie sollten sich eine Figur ausspähen, sich 

ihr nähern, Notizen machen, nachahmen. Wir arbeiteten an Gängen, 

Eigenarten, Krankheitsbildern. Das Ergebnis war aufwühlend. 

Pendeln zwischen Wurzel und Weite, Realität und Phantastik, 

Naivität und Intellekt, Lehren und Lernen, das wurden meine 

Themen. 

Ich entschied mich, meine Erfahrungen weiterzugeben, und folgte 

einem Ruf an die Folkwang Hochschule in Essen. Hier gab es 

einen Raum, Dinge ohne Druck auszuprobieren und zu überdenken. 

Gleichzeitig konnten diese Erfahrungen in Inszenierungen 

in München, Wien und sogar in Brasilien zurückfließen. Heute in 

Frankfurt stehe ich vor einer neuen Herausforderung: Ist Regie 

lehrbar? Was macht einen Regisseur aus? Wie kann er Schauspieler 

produktiv machen? Alles neu.

Von Melanie Suchy 

Persönliches 

Den Hirnmuskel aktivieren 

Andrea Tallis Tassopoulus ist die neue Professorin in der 

Tanzabteilung ZuKT 

„Manchmal arbeitest du an etwas, und es fällt dir schwer. Wenn 

du‘s hast, ist es plötzlich einfach“, lobt Andrea Tallis, als die Übung 

bei einem der Studenten nicht mehr wackelt. Tanz wird zwar in der 

Gruppe unterrichtet, doch natürlich hat ein Lehrer jeden Einzelnen 

im Blick, in all seinen Einzelteilen, Fähigkeiten, Entwicklungen. Seit 

dem Wintersemester 2009/2010 ist Andrea Tallis Tassopoulos neue 

Professorin für Klassischen Tanz an der HfMDK. Für sie selbst gebe 

es auch viel zu lernen, sagt sie darüber, dass sie sich neugierig mit 

der Institution Hochschule vertraut macht. Die Stadt und ihre Atmo- 

sphäre kennt sie von früher. 

Die Amerikanerin mit dem schulterlangen dunklen Haar wurde in 

Los Angeles geboren. Mit drei Jahren begann sie beim Kursus für 

Ballett, Steptanz, Gymnastik, mit zehn kam der Unterricht auf 

Spitze dazu, Bühnenaufführungen, mit 15 der Wechsel zur School 

of American Ballet von George Balanchine in New York. Solo- 

Vertrag mit 18 bei der Kompanie in Los Angeles, wo sie William 

Forsythe kennen lernte und Leute aus Europa, erzählt sie, und sie 

hörte von Egon Madsen in Frankfurt. „Dort wollte ich unbedingt 

hin.“ 1983/84 nahm er sie in die Kompanie der städtischen Bühnen 

auf und empfahl sie dann Forsythe, der ab 1984 das Ballett 

Frankfurt leitete. „Ich blieb 16 Jahre.“ Bis dahin hatte sie viel 

Klassisch getanzt, viel Balanchine und tat das auch weiterhin in den 

ersten Forsythe-Jahren. „Dann kam der Sturm.“ Der blies von 

Frankfurt aus der Ballettwelt neuen Wind um die Ohren. 

Als Andrea Tallis 36 Jahre alt ist, ungefähr die übliche Altersgrenze 

für Bühnentänzer, fragt der ehemalige Kompanie-Kollege von 

Schweden aus bei ihr an: Anders Hellström, der 1999 das Göteborg 

Ballett übernimmt und einen Ballettmeister braucht. „Ich dachte: 

Ok, ich mache eine Pause von der Bühne. Und wollte einen neuen 

Beruf lernen.“ Das mit der Pause erledigt sich irgendwie im 

Weitergehen – als Ballettmeisterin. Unterrichten, Rekonstruktionen 

und Einstudierungen von Stücken. Unter anderem ist sie für „The 

Vertiginous Thrill of Exactitude“ von Forsythe zuständig, wenn eine 

Kompanie es aufführen will. Nach drei Jahren Anstellung in 

Göteborg arbeitet sie als Ballettmeisterin sieben Jahre freischaffend 

bei großen Kompanien wie dem Cullberg Ballett in Stockholm, 

Nederlands Dans Theater, Royal Danish Ballet und Norwegisches 


Nationalballett und studiert Werke von Jiri Kylian, Ohad Naharin, 

Twyla Tharp, Pär Isberg und anderen mit den Tänzern ein, 

neben Klassikern wie Don Quijote, Cinderella, Romeo & Julia und 

Nussknacker. Besonders gerne beschäftigt sie sich in den Kompa- 

nien mit den jungen Tänzern, den Eleven, berichtet Andrea Tallis. 

„Jetzt ist Zeit für Veränderung.“ In Frankfurt zu arbeiten, sei wie ein 

Nachhause-Kommen. 

„Ich mag viele Stile. Doch das Klassische Ballett ist eine notwendige 

Basis auch für die zeitgenössischen Stile, um Muskulatur und 

Koordination zu entwickeln. Klassisch ist ein Futter, das ein Tänzer 

täglich braucht.“ Die Systeme Vaganowa und Balanchine liegen 

ihrem Unterricht zugrunde. „Ich behandele es als lebendige 

Kunstform: Jeder Körper, jeder Mensch hat eigene Anforderungen. 

Das Training ist auch jeden Tag anders, je nachdem, was danach auf 

dem Stundenplan der Studierenden steht und wie weit die Klasse 

kommt. Das ist insgesamt ein langer Weg. Man weiß erst nach 

Jahren, was man wirklich gelernt hat.“ 

„Use your brain muscle!“ ruft sie und meint Konzentration. „Ich 

muss sie fordern, damit sie weiter gehen. Das Arbeiten soll sie 

packen: das Suchen, für sich und in der Gruppe. Ich gebe Ideen 

hinein, und sie dürfen auch sagen: Kann ich nicht. Dann sage ich: 

Wir finden einen Weg. Ich will den kommenden Tänzern die Zukunft 

eröffnen, ich möchte ihnen ein Fenster aufmachen – wie es damals 

William Forsythe tat – und sie dorthin bringen, wo sie Meister ihrer 

Kunstform sind.“


Unterrichten ist ein Privileg 

Kristin von der Goltz hat an der HfMDK eine Professur für 

Barockcello angetreten 

Von Kristin von der Goltz 

Es ist mir eine große Freude, hier in Frankfurt an der HfMDK die 

Professur für Barockcello anzutreten. Mein Lebenslauf ist maßgeb- 

lich geprägt durch die klassisch-romantische Kammermusik auf 

der einen und der Generalbass-Musik des 17. und 18. Jahrhunderts 

auf der anderen Seite. Seit 1987 beschäftige ich mich mit dem 

Barockcello und arbeite seit 1989 auf dem historischen wie auf 

dem modernen Cello. Zehn Jahre verbrachte ich in London, wo ich 

unter anderem Mitglied im Symphonie-Orchestra New Philharmo- 

nia London war und vor allem über viele Jahre einen wunderbaren 

Unterricht von Wiliam Pleeth genießen durfte. 14 Jahre war ich 

Mitglied im Freiburger Barockorchester, einem wunderbaren 

Ensemble, dem ich auch heute noch freundschaftlich verbunden 

bin. Das Unterrichten wurde über die Jahre zu meinem größten 

Interesse und führte mich zu vielen interessanten Begegnungen 

durch alle Altersklassen. Es ist für mich eine Arbeit, die ich als ein 

großes Privileg empfinde!

Ausgesuchte Erfolge unserer Studierenden 

Aufgrund der Vielfalt ist hier nur eine 

aktuelle Auswahl wesentlicher Erfolge 

unserer Studierenden vermerkt. 

Christine Rauh, Violoncello (Klasse Prof. 

Gerhard Mantel), hat den mit 30.000 $ 

dotierten Internationalen Isang-Yun- 

Wettbewerb in Seoul gewonnen und 

darüber hinaus einen Sonderpreis für die 

beste Interpretattion eines Isang-Yun- 

Werks erhalten. In Berlin hat sie den Felix 

Mendelssohn-Bartholdy-Wettbewerb 

gewonnen und eine Einladung zur Gruppe 

der zwölf Cellisten der Berliner Philharmoniker 

erhalten. 

Das Trio Monte mit Ana Rachel Feitosa 

(Violine), Claude Frochaux (Violoncello) 

und Anca Lupu (Klavier) erspielte sich beim 

Europäischen Kammermusikwettbewerb 

Karlsruhe den ersten Preis. 

Georg Boge und Andreas Kipp, beide 

Absolventen, sowie Arthur Hornig, 

Violoncello (alle Klasse Prof. Michael 

Sanderling), haben sich jeweils eine Stelle 

im Rundfunksinfonieorchester Berlin 

erspielt. 

Impressum 

Frankfurt in Takt – Magazin der Hochschule für Musik 

und Darstellende Kunst Frankfurt am Main 

Eschersheimer Landstraße 29–39, 60322 Frankfurt am Main, 

www.hfmdk-frankfurt.de 

Persönliches 

Herausgeber Thomas Rietschel, Präsident der HfMDK 

Idee und Konzept Dr. Sylvia Dennerle 

sylvia.dennerle@hfmdk-frankfurt.de; Telefon 069/154 007 170 

Redaktion Björn Hadem (bjh) bhadem@arcor.de 

Autoren Vladimir Babeshko, Prof. Hans-Ulrich Becker, Susanne 

Blumenthal, Jacob Bussmann, Dr. Julia Cloot, Friedmar Deller, Dr. 

Sylvia Dennerle, Beate Eichenberg, Hanna Eimermacher, Annika 

Gerhards, Elena Graf, Lydia Hasselbach, Björn Hadem, Bianca Hellberg, 

Thomas Heyer, Michael M. Kasper, Laura Linnenbaum, Prof. 

Martin Lücker, Thomas Rietschel, Luise Rummel, Melanie Suchy, 

Prof. Kristin van der Goltz, Lisa Weidenmüller, Kristin Wömmel 

Peijun Xu, Bratsche (Absolventin Klasse 

Prof. Roland Glassl, jetzt Studierende im 

„Kronberg Academy Master“), hat den 

ersten Preis beim 6. Internationalen Yuri 

Bashmet Viola Wettbewerb in Moskau 

gewonnen. Darüber hinaus erhielt sie dort 

Sonderpreise für die beste Interpretation 

des Schnittke-Violakonzerts und für die 

beste Aufführung eines Werkes aus dem 

20. Jahrhundert. 

Vladimir Babeshko, Bratsche (Klasse Prof. 

Jörg Heyer), ist der erste Bratschen- 

Stipendiat im „Freundeskreis Anne Sophie 

Mutter Stiftung e. V.“, unter anderem 

verbunden mit Unterrichten und Konzerten 

bei und mit der Geigerin Anne-Sophie 

Mutter. 

Christopher Park, Klavier (Klasse Prof. 

Lev Natochenny), hat auf seiner jüngsten 

Korea-Tournee seine Duo-CD „Nore“ 

mit Richard O’Neill und sein Debut-Album 

„Russian Transcription“ vorgestellt, beides 

unter dem Label der Deutschen Grammophon. 

Im Februar spielte er für das 

gleiche Label „German Songs“ mit der 

Sopranistin Sumi Jo ein. 


Titelmotiv Moritz Pliquet beim Szenischen Abend der 

Schauspielabteilung im Herbst 2009 

Fotos Björn Hadem (53), Andreas Malkmus (5), Thomas Jürgens (3), 

Katrin Schander (1) 

Layout Opak Werbeagentur GmbH, 

Münchener Str. 45, 60329 Frankfurt am Main 

Anzeigen Björn Hadem (es gilt die Preisliste 01/2009) 

Erscheinungsweise jeweils zu Beginn des Semesters 

Druck VARIO PLUS Druck GmbH, 

Flinschstr. 61, 60388 Frankfurt am Main 

Drittmittelkonto Account for Private funds 

Konto 200 138 090, BLZ 500 502 01, Fraspa 1822 

Überweisungen aus dem Ausland International Payments 

IBAN: DE71 5005 0201 0200 1380 90; SWIFT-BIC: HELADEF1822


0 Frankfurt in Takt 10/1 

Michel M.-C. | Pädagogikstudent | Kunde seit 2000 

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