Konzerthausorchester Berlin

KULTURRING
HEILBRONN E.V.
www.kulturring-heilbronn.de
ORCHESTERKONZERT I
KONZERTHAUS-
ORCHESTER BERLIN
DIRIGENT: CHRISTOPH ESCHENBACH
SOLIST: CHRISTIAN TETZLAFF, VIOLINE
DONNERSTAG, 04. NOVEMBER 2021
19.30 UHR

Orchesterkonzert I
KONZERTHAUSORCHESTER BERLIN
Dirigent: CHRISTOPH ESCHENBACH
Solist: CHRISTIAN TETZLAFF, VIOLINE
1. Veranstaltung der Kulturring-Konzertreihe 2021/2022
Theodor-Heuss-Saal, 19.30 Uhr
CARL MARIA VON WEBER 1786–1826
Ouvertüre zu »Der Freischütz« (1820)
- Adagio – Molto vivace
10 Min.
ANTONIN DVOŘÁK 1841–1904
Konzert für Violine und Orchester a-Moll op. 53 37 Min.
- Allegro ma non troppo
- Adagio ma non troppo
- Allegro giocoso ma non troppo
Pause
JOHANNES BRAHMS 1833–1897
Sinfonie Nr. 4 e-Moll op. 98
- Allegro non troppo
- Andante moderato
- Allegretto giocoso
- Allegro energico e passionato
44 Min.
Das Konzert des Konzerthausorchesters Berlin ist Teil
einer Tournee der Konzertdirektion Schmid.

Guten Abend,
herzlich willkommen in der neuen Kulturring-Saison
2021/2022, in der nach langer Corona-Pause endlich
wieder Konzerte stattfinden können.
Heute beginnen wir mit einem großen Orchesterkonzert:
das Konzerthausorchester Berlin, ehemals als
Berliner Sinfonie-Orchester (BSO) bekannt, mit seinem
Chefdirigenten Christoph Eschenbach wird die Saison
mit der Ouvertüre zu »Der Freischütz« von Carl Maria
von Weber eröffnen. Christoph Eschenbach ist nach
wie vor weltweit aktiv als Dirigent und Pianist, berühmt
für die Breite seines Repertoires und die Tiefe seiner
Interpretationen, unermüdlich als Förderer junger musikalischer
Talente und Träger höchster musikalischer
Ehren. Zusammen mit Christian Tetzlaff (Violine), der
seit Jahren einer der gefragtesten Geiger und spannendsten
Musiker der Klassikwelt ist, wird das einzige
Violinkonzert von Antonin Dvořák aufgeführt.
Freuen Sie sich auch auf die bedeutende vierte Sinfonie
von Johannes Brahms, die nach der Pause vom
Konzerthausorchester gespielt wird.
Gefördert:

KONZERTHAUSORCHESTER
BERLIN
Das Konzerthausorchester Berlin spielt seit der Saison
2019/20 unter Leitung von Chefdirigent Christoph
Eschenbach. Sein Vorgänger Iván Fischer ist dem
Orchester als Ehrendirigent verbunden; als erster Gastdirigent
gibt Juraj Valčuha seit 2017 regelmäßig wichtige
Impulse.
1952 als Berliner Sinfonie-Orchester (BSO) gegründet,
erfuhr das heutige Konzerthausorchester Berlin von
1960 bis 1977 unter Chefdirigent Kurt Sanderling seine
entscheidende Profilierung und internationale Anerkennung.
Seine eigene Spielstätte erhielt es 1984, als
das Schauspielhaus am Gendarmenmarkt nach jahrzehntelangem
Leerstand als Ruine im klassizistischen
Schinkel-Stil restauriert und schließlich wiedereröffnet
wurde. Zehn Jahre später wurde das BSO offizielles
Hausorchester am nun umgetauften Konzerthaus Berlin
und trägt seit 2006 selbst den Namen Konzerthausorchester
Berlin.
Heute hat das Konzerthausorchester Berlin über
12.000 Abonnenten, was mit die größte Stammhörerschaft
eines klassischen Orchesters in Deutschland ist.
In mehr als 100 Konzerten pro Saison kann man es im
Haus am Gendarmenmarkt erleben; darüber hinaus ist

es regelmäßig national und international auf Tourneen
und Festivals zu hören. An der 2010 gegründeten heutigen
Kurt-Sanderling-Akademie wird hochbegabter
Orchesternachwuchs ausgebildet.
Einem breiten Publikum auf höchstem Niveau gespielte
Musik nah zu bringen, ist dem Konzerthausorchester
Berlin wesentliches Anliegen. Dafür engagieren sich
die Musiker*innen etwa bei »Mittendrin«, wenn das
Publikum im Konzert direkt neben Orchestermitgliedern
sitzt, oder als Mitwirkende in Clipserien im Web
wie dem mehrfach preisgekrönten #klangberlins. Die
Verbundenheit mit Berlin zeigt ihr direktes Engagement
als Jugendorchestermentor im Rahmen von Tutti Pro,
in mehreren Patenschulen und einem Krankenhaus
sowie die dauerhafte Zusammenarbeit mit der Wohnungsbaugesellschaft
degewo, die die kulturelle Teilhabe
sozial benachteiligter Kinder fördert.
CHRISTOPH ESCHENBACH
Christoph Eschenbach (*20.
Februar 1940 in Breslau)
wuchs als Kriegswaise bei
der Cousine seiner Mutter,
der Pianistin Wallydore
Eschenbach, in Schleswig-Holstein
und Aachen
auf. Der Unterricht bei ihr legte den Grundstein für
einen glänzenden musikalischen Werdegang. Nach
dem Studium bei Eliza Hansen (Klavier) und Wilhelm
Brückner-Rüggeberg (Dirigieren) ebneten ihm erste
Preise als Pianist beim ARD-Wettbewerb 1962 und
dem Concours Clara Haskil 1965 auch international
den Weg.
Gefördert von Mentoren wie George Szell und Herbert
von Karajan, verlagerte Eschenbach seinen
Fokus zunehmend auf das Dirigieren: Er war Chefdirigent
und Künstlerischer Leiter des Züricher Tonhalle-
Orchesters von 1982 bis 1986, Musikalischer Direktor
der Houston Symphony von 1988 bis 1999, Künstlerischer
Leiter des Schleswig-Holstein-Musik-Festivals
von 1999 bis 2002 sowie Musikalischer Direktor des

NDR-Sinfonieorchesters von 1998 bis 2004, des Philadelphia
Orchestra von 2003 bis 2008 und des Orchestre
de Paris von 2000 bis 2010. Von 2010 bis 2017 leitete
Eschenbach das Washington National Symphony
Orchestra.
Als Gegengewicht zu seinen vielen festen Verpflichtungen
setzt Eschenbach bewusst auf eine extensive
Gastdirigenten-Tätigkeit, unter anderem bei den Wiener
und Berliner Philharmonikern, dem Chicago Symphony
Orchestra, der Staatskapelle Dresden, der Scala
sowie dem NHK Symphony Orchestra, Tokyo.
Die beeindruckende Diskografie von Christoph Eschenbach,
sowohl als Dirigent wie als Pianist, entstand im
Lauf von fünf Jahrzehnten und reicht von J. S. Bach
bis zu zeitgenössischer Musik. Zahlreiche Einspielungen
haben mittlerweile Referenzstatus und wurden
mit bedeutenden Preisen ausgezeichnet, darunter sind
der Preis der Deutschen Schallplattenkritik oder der
Grammy Award. Eine besonders fruchtbare kammermusikalische
Partnerschaft verbindet Eschenbach mit
dem Bariton Matthias Goerne. Live und mittlerweile
auch auf CD durchmessen die beiden kongenial den
Liederschatz der deutschen Romantik von Schubert
bis Brahms.
Christoph Eschenbach ist Ritter der Légion d‘honneur,
Commandeur des Arts et des Lettres und Gewinner
des Leonard Bernstein-Preises. 2015 wurde er als Pianist
und Dirigent mit dem Ernst-von-Siemens-Musikpreis,
dem »Nobelpreis für Musik«, ausgezeichnet.
Seine größte Passion bezieht sich längst nicht mehr
auf die eigene Karriere. Er möchte die Fackel weitergeben
an die nächste Generation, als Mentor, der
sich selbst inspirieren und mitreißen lässt von der
Energie und Motivation der Jungen. Zu seinen Entdeckungen
zählen der Pianist Lang Lang, die Violinistin
Julia Fischer oder die Cellisten Leonard Elschenbroich
und Daniel Müller-Schott. Für die künftige Weltklasse
engagiert er sich zudem als Künstlerischer Beirat und
Dozent der Kronberg Academy, der legendären Eli-

teschmiede für junge Geiger, Cellisten und Bratschisten.
Mit seinen 81 Jahren wird Christoph Eschenbach
selbst nicht müde, zu neuen Ufern aufzubrechen – seit
September 2019 ist er Chefdirigent des Konzerthausorchesters
Berlin.
CHRISTIAN TETZLAFF
Konzerte mit Christian Tetzlaff
werden oft zu einer existenziellen
Erfahrung für Interpret
und Publikum gleichermaßen,
altvertraute Stücke
erscheinen in völlig neuem
Licht. Daneben lenkt er den
Blick immer wieder auf vergessene Meisterwerke wie
das Violinkonzert von Joseph Joachim, für das er sich
erfolgreich stark gemacht hat, oder das Violinkonzert
Nr. 22 von Giovanni Battista Viotti, einem Zeitgenossen
Mozarts und Beethovens. Zudem engagiert sich Christian
Tetzlaff für gehaltvolle neue Werke, wie das von
ihm im Jahre 2013 uraufgeführte Violinkonzert von Jörg
Widmann – er pflegt ein ungewöhnlich breites Repertoire
und gibt rund 100 Konzerte pro Jahr.
Zu den Höhepunkten der Spielzeit 2021/2022
gehören Konzerte mit dem Tonhalle-Orchester
Zürich, London Philharmonic Orchestra, Bergen
Philharmonic Orchestra, Orchestra della Svizzera
Italiana, San Francisco Symphony Orchestra,
Orchestre symphonique de Montréal, Deutsches
Symphonie-Orchester Berlin, NDR-Radiophilharmonie
sowie NDR-Elbphilharmonie-Orchester. Im Herbst
2021 ist er im Rahmen einer Tournee mit dem
Konzerthausorchester Berlin unter der Leitung von
Christoph Eschenbach zu erleben und wirkt als Solist
beim Haydn2032-Projekt des Kammerorchesters
Basel unter der Leitung von Giovanni Antonini mit.
Zudem tritt er im Duo mit dem Pianisten Lars Vogt
beim Rheingau-Musikfestival, MDR-Musiksommer,
Festival International de Musique de Menton, den
Weilburger Schlosskonzerten und den Sommerlichen
Musiktagen Hitzacker auf. Es folgen weitere Duo-
Konzerte mit dem Pianisten Leif Ove Andsnes

u. a. im Boulez-Saal Berlin, dem Théâtre des Champs-
Élysées sowie der Moscow State Philharmonic Society.
Christian Tetzlaff wird regelmäßig gebeten als Residenzkünstler
bei Orchestern und Veranstaltern über
einen längeren Zeitraum seine musikalischen Sichtweisen
zu präsentieren, so u. a. bei den Berliner
Philharmonikern, dem Seoul Philharmonic Orchestra
und den Dresdner Philharmonikern. In der Saison
2021/2022 wird ihm diese Ehre bei der Londoner
Wigmore Hall zuteil. Die ursprünglich für die Saison
2020/2021 geplante Resideny beim London Symphony
Orchestra wird voraussichtlich in der Saison
2022/2023 nachgeholt werden.
Im Verlauf seiner Karriere gastierte Christian Tetzlaff
mit allen großen Orchestern, darunter den Wiener und
New Yorker Philharmonikern, dem Concertgebouworkest
in Amsterdam und allen Londoner Orchestern.
Er arbeitete mit legendären Maestri wie Sergiu
Celibidache, Bernard Haitink, Lorin Maazel und Kurt
Masur sowie in jüngerer Zeit mit Barbara Hannigan,
Karina Canellakis, Robin Ticciati, Christoph von
Dohnányi, Paavo Järvi, Vladimir Jurowski, Andris
Nelsons, Sir Simon Rattle, Esa-Pekka Salonen und
Michael Tilson Thomas, um nur einige zu nennen.
Bereits 1994 gründete Christian Tetzlaff sein eigenes
Streichquartett und bis heute liegt ihm die Kammermusik
ebenso am Herzen wie seine Arbeit als Solist
mit und ohne Orchester. Jedes Jahr unternimmt er mit
dem Tetzlaff Quartett mindestens eine ausgedehnte
Tournee, so auch in der Saison 2021/2022 mit Konzerten
u. a. in der Kölner Philharmonie, dem Théâtre
des Champs-Élysées sowie einer Tournee in die USA
inklusive der Carnegie Hall. 2015 wurde das Quartett
mit dem Diapason d’or ausgezeichnet, das Trio mit
seiner Schwester Tanja Tetzlaff und dem Pianisten
Lars Vogt im darauffolgenden Jahr für den Grammy
nominiert.

WEBER OUVERTÜRE
Carl Maria von Weber (1786-1826) hat mit seiner Oper
»Der Freischütz« quasi im Alleingang die deutsche
romantische Oper begründet. Dass die Zeit dafür reif
war, belegt der sensationelle Erfolg der Uraufführung,
die am 18. Juni 1821 im neueröffneten Berliner Schauspielhaus
stattfand.
Vor Weber und seinem Librettisten Johann Friedrich
Kind hatten schon andere den Stoff für die Bühne bearbeitet.
Weber und Kind begannen 1817, und im Mai
1820 war die Partitur abgeschlossen. Wie üblich entstand
die Ouvertüre zuletzt.
Die Ouvertüre zur Oper »Der Freischütz« beruht zum
Teil, aber nicht ausschließlich auf Themen, die danach
in der Oper wiederkehren. Sie zeichnen aber den zentralen
Handlungsstrang, den Kampf zwischen Gut und
Böse (in der Form schwarzer Magie) nach. Insofern
kann man die Ouvertüre als komprimierte Tondichtung
über den »Freischütz«-Stoff ansehen. Sie setzt sich in
der seinerzeit üblichen Weise aus einer Adagio-Einleitung
und einem schnellen Hauptteil, der die Form eines
Sonatensatz-Allegros hat, zusammen. Die Eröffnung des
Adagios ist unabhängig von der Oper, auch der «Chor»
der vier Hörner kehrt später nicht wieder, dient an dieser
Stelle aber natürlich dazu, die Waldstimmung und das
Jägermilieu, in dem die Handlung spielt, zu evozieren.
Vor allem durch die Klangfarben: Streichertremolo, tiefe
Klarinetten, dumpfe Paukenschläge, kontrastiert der folgende
Abschnitt. Er verweist auf die Wolfsschlucht-Szene,
in der die Jägerburschen Max und Caspar den Teufel
in Gestalt des schwarzen Jägers Samiel beschwören
und Freikugeln gießen.
Das anschließende Molto vivace hat zwei sehr gegensätzliche
Themenkomplexe. Der erste, in c-Moll, ist
ebenfalls der Wolfsschlucht-Szene entnommen und
untermalt dort das Gewitter, in welchem Samiel mit seinem
Gefolge kommt. Ihm steht ein jubelndes Dur-Thema
gegenüber, das in der Oper zuerst in der großen Arie
der Agathe im 2. Akt erscheint, wo es die leidenschaftlichen
Aufwallungen ihrer Liebe zu Max ausdrückt. Am

Ende der Oper begleitet dieses Thema den Jubelchor,
und in dieser Stimmung beendet es, wenn es in der
Reprise zum zweiten Mal erklingt, die Ouvertüre.
DVOŘÁK VIOLINKONZERT
Sein einziges Violinkonzert komponierte Antonin Dvořák
1879-80, zeitgleich mit der 6. Sinfonie. Beide gelten als
Hauptwerke seiner »Slawischen Periode«. In den Sommermonaten
(Juli bis September) 1879 entstand das
Violinkonzert, während eines Landaufenthalts. Zweimal
(1880 und 1882) überarbeitete der Komponist sein Violinkonzert
und widmete es Joseph Joachim, dem wichtigsten
Geiger der Epoche, der ihm bei der endgültigen
Fassung des Violinparts behilflich war. Die Uraufführung
fand am 14. Oktober 1883 im Tschechischen Nationaltheater
Prag statt. Damals spielte nicht Joachim,
der das Konzert lediglich halb-öffentlich in der Berliner
Musikhochschule aufführte, sondern der tschechische
Geiger František Ondřiček.
Zu Beginn des Konzerts (Allegro ma non troppo, a-Moll,
4/4) wird man daran erinnert, dass Beethovens Neunte
das erste sinfonische Werk war, das Dvořák in seinem
Leben gehört hat. Die leeren Quinten und Oktaven des
lakonischen Orchestermottos erinnern an den Beginn
der Neunten. Die Geige antwortet mit einem lyrischen
a-Moll-Gesang aus Doppelgriffen und Triolen. Diesen
greift das Orchester auf, während die Geige ihrerseits
das Orchestermotto übernimmt und verwandelt. Beiden
Partnern gemeinsam ist die düster-tragische Stimmung,
die sie fast durchweg anschlagen. Breitere Durepisoden
fehlen völlig, nur das lyrische Seitenthema sorgt für ein
kurzes Innehalten im heroisch-pathetischen Dialog, der
den Satz prägt. Immer wieder muss sich die Geige in
Doppelgriffen und kraftaufwendigen Passagen gegen
das Orchester behaupten. Der formal originellste Zug
ist das Ausfransen des Allegros am Ende des Kopfsatzes.
Die kämpferischen Passagen des Solisten münden
in eine Art Kadenz mit obligaten Bläsern, die Themen
beruhigen sich, und aus ihnen tritt der wundervolle
F-Dur-Gesang des Adagios hervor.

Der Mittelsatz (Adagio ma non troppo, F-Dur, 3/8) wird
zum eigentlichen Hauptsatz des Werkes, eine Idylle aus
Geigenthema und Bläserklängen, die sich zunehmend
rhapsodisch auflöst und von zwei dramatischen Mollepisoden
unterbrochen wird.
Mit einem überaus eingängigen, strahlenden Dur-Thema
in hoher Lage setzt das Rondo (Allegro giocoso
ma non troppo, A-Dur, 3/8) ein. Es ist ein konzertantes
Gegenstück zu den Slawischen Tänzen, eine Art Apotheose
des böhmischen Volkstanzes (Furiant) mit einer
rastlos brillierenden Solo-Violine. Nur die ruhige Dumka
in der Mitte des Rondos beruhigt manchmal den ausgelassenen
Tanz.
BRAHMS 4. SINFONIE
Entstanden ist die 4. Sinfonie, wie so oft bei Johannes
Brahms (1833-1897), in der Sommerfrische (1884 und
1885 in Mürzzuschlag). Brahms zweifelte jedoch an
seinem Werk. Es schmecke nach dem dortigen Klima,
in dem noch nicht einmal die Kirschen süß und reif
werden, berichtet er mehreren Freunden. Weil Brahms‘
Bekanntenkreis mit Bedenken auf die neue Sinfonie
reagierte, entschloss sich der Komponist zu einer
Vorabaufführung an zwei Klavieren. Die Reaktion war
verhalten, doch nach der gelungenen Uraufführung
(25. Oktober 1885) durch die Meininger Hofkapelle, die
Brahms selbst dirigierte, fand die Vierte ihren Weg in
die Konzertsäle.
Es gibt keine Einleitung im ersten Satz (Allegro non troppo,
alla breve), es geht einfach los mit einer sehr nostalgischen
und melancholischen Melodie der Geigen
(erstes Thema); rhythmisch komplementäre Bläserakkorde,
Achtelbewegung der tiefen Streicher begleiten.

Das trotzig wirkende zweite Thema (h-Moll), von den
Bläsern vorgetragen, unterstreicht den elegischen Charakter
des Satzes noch:
Die breite Entfaltung der Melodik und ihre organische
Verknüpfung, ihr logischer Zusammenhang, die emotionale
Kraft ihrer Aussage, das alles ist charakteristisch
für die dramatisch-epische Gestaltungsweise von
Brahms.
Auch der zweite Satz (Andante moderato, E-Dur, 6/8)
beginnt ungewöhnlich. Mit einem archaisch (phrygisch)
anmutenden Bläserthema, später dann eine warme,
schier unendlich scheinende Kantilene der Celli. Es
gibt nie die gewohnten Pausen am Ende eines Teils,
sondern es schreitet immer weiter. Dieses unaufhaltsame
Weiterschreiten und andererseits die langsamen
Tempi schaffen eine Spannung vom ersten bis zum
letzten Ton.
Es folgt der größtmögliche Kontrast im dritten Satz
(Allegretto giocoso, C-Dur, 2/4): ein lärmendes, fast
burleskes Scherzo; Einwürfe von Piccoloflöte, Kontrafagott
und Triangel geben dem Ganzen einen schon
fast grotesk wirkenden Charakter. Eine gewollte Heiterkeit
wird erzeugt, die etwas Drohendes hat. Bei alledem
ist eine Knappheit der Aussage vorherrschend.
Mit der barocken Form einer Passacaglia und einem
Bach zitierenden Thema greift Brahms im Finale (Allegro
energico e passionato, 3/4) seiner vierten Symphonie
einerseits auf frühere Epochen zurück, andererseits
stößt er gerade mit diesem Schlusssatz das Tor auf

für die musikalische Zukunft. Merkwürdige Synkopen
laufen mit. Überall gibt es Akzente, nur nicht auf der
Eins. Und diese Synkopen, diese Gegenharmonien und
Gegenrhythmen bringen eine Modernität, die bis zu
Bartók führt.
Mit der Sinfonie Nr. 4 op. 98 schloss Brahms sein sinfonisches
Schaffen ab. Zugleich bedeutete die Vierte
auch das Ende der klassisch-romantischen Sinfonie
und ihrer Finallösung »durch Nacht zum Licht«. Die
Frage, wie Beethovens sinfonisches Erbe fortgesetzt
werden könnte, bewegte das gesamte 19. Jahrhundert.
Brahms beantwortete sie im Finale der 4. Sinfonie
mit einem Rückgriff auf die barocke Chaconne bzw.
Passacaglia. In dem Vertrauen auf die majestätische
Strenge und erhabene Größe dieses bewährten Variationsmodells
erlangte Brahms auf diese originelle Weise
orchestrale Wucht und sinfonische Größe. Davon war
der junge Richard Strauss als einer der ersten Zuhörer
begeistert: »Ein Riesenwerk [...] neu und originell und
doch von A bis Z ein echter Brahms«.

Konzerte der Abonnementreihe 2021 / 2022
im Theodor-Heuss-Saal der Harmonie, 19.30 Uhr
2. Veranstaltung
Dienstag,
30. November 2021
3. Veranstaltung*
Dienstag,
18. Januar 2022
4. Veranstaltung*
Freitag,
18. Februar 2022
5. Veranstaltung
Freitag,
25. März 2022
6. Veranstaltung
Dienstag,
26. April 2022
7. Veranstaltung*
Dienstag,
10. Mai 2022
Klavierduo
ANDREAS GRAU &
GÖTZ SCHUMACHER
Klaviertrio
TRIO JEAN PAUL
Saxophonquartett
CLAIR-OBSCUR
Liederabend
DANIEL BEHLE, Tenor
TAKEO SATO, Gitarre
Streichquintett
BARTHOLDY QUINTETT
Konzerte der Reihe »Perspektiven Heilbronn«
2021 / 2022, Städtische Museen Heilbronn
im Deutschhof, 19.30 Uhr
Montag,
29. November 2021
Dienstag,
15. März 2022
Montag,
16. Mai 2022
Orchesterkonzert II
ACADEMY OF ST MARTIN
IN THE FIELDS
Dirigentin und Solistin:
JULIA FISCHER
MATTHIAS LORENZ
(Dresden), Violoncello
BENEDIKT BÜSCHER
(Stuttgart), Kontrabass
MARKO KASSL
(Düsseldorf), Akkordeon
RAINER BÜRCK
(Bad Urach), Elektronik
Herausgeber: Kulturring Heilbronn e.V.
Abonnementbüro: Heilbronner Reisebüro Böhm
Sülmerstraße 13 / Tel. 0 71 31/62 40 17
Text: Ulrich Heffter / Gestaltung: www.wsk-werbung.de