Musiker Magazin 1/2021

C 10973 F | N o 1/2021 | 6,00 Euro 

Kulturzeitschrift für Rock & Pop Musiker 

www.musiker-online.tv 

LENA 

HAUPTMANN 

Ihre Songs grooven, fließen 

und bewegen 

Jazzakkorde, 

krumme Taktarten und 

ein fetter Sound 

Bird’s View 

Sascha Salvati 

»Künstler müssen 

einfach mehr 

zum Unter nehmer 

werden« 

39. Deutscher 

Rock & Pop Preis 

am 18. Dezember 2021 

ZZ Top 

That Little Ol’ Band 

From Texas

DEUTSCHER ROCK & POP MUSIKERVERBAND E.V. 

DEUTSCHE POPSTIFTUNG UND MUSIKER MAGAZIN 

PRÄSENTIEREN: 

Bundeswettbewerb für Rock- und Popmusikgruppen und Sänger*innen 

aller musikstilistischen Bereiche 

Preisträger der Hauptkategorien und Sonderkategorien 

Agape records, Bettina Alms, Andrea-Beth, Atomic Picnic Project, ARREST, Aurelia Christina, Axel Nagel, Annette Meisl 

Alfred Fortkamp, Bastian Basse Liederpfarrer, Bernd B, Barry Alexander King, Beatrice Balthes, BCKR, Bändi, Rita Belmond 

Kati Breuer, Ben Hendricks feat. Ally Queen, Buffy Wallborn, Birds on Planes, Bernd-Michael Land, BRENNPUNKT 

Conny Conrad, Corny Held-Band, Coulord Rain, Christian Hüser, cvmusic film/ton 

Claudia K., Danny Streete, Dorian Black, Dirk Maverick, Daniel Kallauch, Dan Baron, Denise, David Beta, Der Schweiger 

EDSP, Exaltyca, Edelmeer, EPOS, ForestCity, fragmentiert, FreiHerr, Ferhat, Friedhelm Holz, Frank André, Fleadh 

Federnelken, Gustl das Faulhorn, Galahad, Gleis7, Günter Ermann, Gunnar Nanuk, Hemin Derya 

Hundertsaiten x fragmentiert, Hayat Chaoui, Hörbie Schmidt Band, Hedy J., IVORY The Rockband, Ive & T Bo 

Jamberry, Jasmin M., Jacuzzi, Jenna Akua Hoff, Sylvia Jessat, John Liedermann, Johannes Prätorius, J Hatch, Kanda 

Klangfeder, Veit Kortenkamp, Lili Czuya, Louisiana Moon, LUXUSGEDANKEN, LIO, Lena Hauptmann, Leona Balazs-Piri, 

Moritz Kruit + Band, MARRANDRO, Monika & Freunde, Marie Winter, Marie-Luise Cassar, Martin Lercher 

Marc Sommerfeld, Martha Rabbit, Myriam Unplugged, Mentsches in Green, Michaela Morschewsky, Marco Launert 

Manfred Zarrelli, Melissa Heinrichs, No!Plush, NANOBEAT, Nadine Sieben, NiMa Lindner, New Vision 

Open Source, Olli Ehmsen, Olivia Schüll, OCEANS, Paul Bartsch & Band, Phil Martin, Peter Trappe 

Philipp Dienstag, Peter Panduranga Bayreuther, Peter Volland, Pertaining to the arts 

Quinju, Marco Rauland, Ruth Maria Rossel, ROCKENBOLLE, Reinhard Markowsky, Rainer Gebauer, Roberto Bates 

Rhetaire, Sandra Ade, Sandra Dell'Anna, Suntrigger, Svenson, Steffi Neumann, Andreas A. Sutter 

Susanne Nopper/Prairie Rose, Slick 50, Sondermarke, SEYRAN, Stefan Lauterbach, Soulrender, SAMIYA, Saby O‘ 

Schirmbeck & Schott feat. Jessica Krüger, Slick 50 feat. Oliver Schmidl, Spacemueller, Sihna Maagé 

Sam Reckless, Sara Dähn/ Voice Over Piano, Triton, Ticket to Happiness, The Baltic Scots, Tonland, Tom Lessner 

Tony Liotta, Tanja Eichinger, Uncle Remus, Unplugged Inferno, Ur-Instinkt, Vibes O’Five, Voyager IV, Michael Vogt, WeLive 

Wattenläufer, Wetterleuchten aus Songtexten, Wolfgang Nicklaus, X-Plosive, ZartCore-Duo 

Schirmherren 

Steffen Mues – Bürgermeister der Stadt Siegen 

Prof. Martin Maria Krüger – Präsident des Deutschen Musikrates 

Bisher publiziert und gesendet vom ZDF (Heute Journal, Aspekte, 3SAT), der ARD (BR, SWF, SR, WDR, NDR, HR) sowie VH-1 und SAT1. 

Jährlich publiziert von über 200 Tageszeitungen in Deutschland. 

Gefördert aus Mitteln der Deutschen Popstiftung, des Deutschen Rock & Pop Musikerverbandes e.V. und des Kulturellen Jugendbildungswerkes e.V.

EDITORIAL 03 

Es ist ein großer Schritt nach vorne in unserer 38-jährigen Kulturarbeit, 

die zukünftig eingesandten Bewerbertonträger der zahlreichen Musik - 

grup pen und Interpreten anhand dieser Kriterien fair, gerecht und qualifiziert 

zu beurteilen und nicht wie bei Sportwettbewerben üblich mithilfe 

eines „Drei-Preisträger-Systems“ auszuzeichnen. 

Wir machen weiter… 

er 38. Deutsche Rock & Pop Preis 2020, der ursprünglich geplant 

D auch im letzten Jahr wieder zum sechsten Mal am 12. Dezember 

in der Siegerlandhalle in Siegen stattfinden sollte, musste aufgrund der ge - 

setzlichen Vorgaben des Landes Nordrhein-Westfalen wegen der Corona- 

Pandemie abgesagt werden. Deshalb haben sich der Deutsche Rock & 

Pop Musikerverband e.V. und die Deutsche PopStiftung dazu entschlossen, 

die Auszeichnungen der Preisträger virtuell durchzuführen. 

Aus diesem Grund wurden die Teilnahmegebühren für den 38. Deutschen 

Rock & Pop Preis 2020 von 150 € auf 100 € gesenkt. 

Die Deutsche PopStiftung hat ein Juroren-Team (Festivaljury) für die Vor - 

auswahl der zahlreichen eingesandten Bewerber-CDs der Haupt- und 

Sonder kategorien eingesetzt und folgend für die Endauswahl der Haupt - 

kategorien 20 fachlich qualifizierte Juroren (Bundesjury) aus den bisherigen 

Juroren-Teams zusammengestellt, die die Preisträger der Hauptkategorien 

des 38. Deutschen Rock & Pop Preises 2020 ermittelt haben. Die Preis - 

träger der Sonderkategorien und die Vorauswahl der Hauptpreisträger 

wurden unter meiner Leitung und maßgeblichen Entscheidungen – wie seit 

20 Jahren auch – im Rahmen der Festivaljury ermittelt. 

In Zukunft werden die Deutschen Rock & Pop Preise nicht mehr als „Wett- 

bewerbe“ durchgeführt werden, bei denen wie bei Sportveranstaltungen 

jeweils ein erster, zweiter und dritter Platz vergeben wird, sondern es werden 

zukünftig wie bei den Grammy-Verleihungen (USA) ca. dreistündige 

Auszeichnungs-Galas veranstaltet, in/bei denen alle ausgewählten Musik - 

gruppen und Interpreten als Auszeichnungen ihrer oft einjährigen künstlerischen 

Arbeiten eine Urkunde mit einer Auszeichnungsbewertung (wie bei 

Hochschulen und Universitäten) erhalten. 

Der Grund liegt darin begründet, dass man zwar bei Sportveranstaltungen 

jeweils einen ersten, zweiten und dritten Platz in den verschiedenen Dis zi - 

plinen aufgrund von Messergebnissen mit Zeituhren und Bandmaßen millimetergenau 

vergeben kann, nicht aber im Bereich der Musik! 

Im Bereich der Musik kann es ausschließlich nur um die Beurteilungen der 

künstlerischen Arbeiten einzelner Musikgruppen und Interpreten mithilfe 

von Bewertungsfaktoren wie Instrumentation, Gesang, Bühnenper for - 

mance, Komposition, Text, Originalität und Kreativität gehen. 

Damit erhalten in Zukunft all die Musikgruppen und Einzelinterpreten eine 

Auszeichnungsurkunde der Deutschen PopStiftung, die in den genannten 

summierten Beurteilungskriterien durch die Juroren ein „Sehr gut“, „Gut“ 

oder „Befriedigend“ erhalten haben. Alle anderen Bewerberinnen und Be - 

werber mit Ergebnissen wie Ausreichend, Mangelhaft oder Un ge nügend 

erhalten keine Auszeichnung. Damit spielt – wie bei Sport ver an staltungen 

üblich – die Anzahl der Musikinterpreten und Musikgruppen, die aufgrund 

ihrer oft monatelangen künstlerischen Arbeiten durch die Juroren-Teams 

eine Qualitätsauszeichnung erhalten, keine Rolle mehr. 

Die Deutschen Rock & Pop Preise werden seit 1983 durch die (gemeinnützige) 

Musiker-, Komponisten- und Texter-Organisation Deutscher 

Rock & Pop Musikerverband e.V. und seit 2002 zusätzlich durch die 

(ebenfalls gemeinnützige) Deutsche PopStiftung veranstaltet. Damit ist 

dieser unkommerzielle musikalische und musikereigene Musikwett be - 

werb Deutschlands ältester gemeinnütziger Musikwettbewerb. Ne gat ive 

und irrelevante Qualitätskriterien wie „Verkaufbarkeit“, „Verkaufserfolg“, 

„Hitparaden-Platzierung“ oder verkaufte Publikumskarten mit Stimm - 

recht spielen bei unserem Musikwettbewerb grundsätzlich keine Rolle 

(s. vergangene „Echo“-Verleihungen der Tonträgerindustrie). 

Es gab in der Vergangenheit und gibt auch heute in Deutschland keinen 

einzigen Musikerwettbewerb, der eine derart große Anzahl von Musik - 

gruppen und Musikinterpreten als Preisträger hervorgebracht hat, die 

anschließend (nach und mithilfe ihrer Preisauszeichnung) einen Ton - 

trägervertrag von einer großen Schallplatten-/Tonträgerfirma erhalten 

haben (s. Pur, Juli, Pasquale Aleardi, Klima, Luxuslärm u.v.m.). 

Seit nunmehr 38 Jahren werden alle im Rahmen dieser Kultur ver an stal - 

tun gen generierten Einnahmen satzungsgemäß entsprechend den 

gemeinnützigen Satzungen und Satzungszielen des Deutschen Rock & 

Pop Musikerverbandes e. V. und der Deutschen PopStiftung für den 

Erhalt und den Ausbau dieser Kulturveranstaltungen ausgegeben. 

Alle Mitarbeiterinnen und Mitarbeiter der Deutschen PopStiftung erhalten 

für ihre zwölfmonatige Mitarbeit und Organisation dieser Kultur veran - 

stal tungen (wie z. B. bei Sportvereinen und Kulturvereinen üblich) eine 

(bescheidene), vom Finanzamt genehmigte Übungsleiterpauschale in 

Höhe von monatlich 200 Euro und kein Gehalt oder irgendwelche Ho no - 

rare. Das sollte im Gegensatz zu zahlreichen anderen Musik wett be wer ben, 

die auf Grundlage der Absichten von kommerziellen und ge win n orien tier - 

ten Privat- und Einzelunternehmern, kommerziellen TV- Gesell schaften 

oder Ton trä gerfirmen durchgeführt werden, erwähnt werden. 

Seit nunmehr 38 Jahren werden diese gemeinnützigen Kulturveran - 

staltungen jährlich durch die ebenfalls auf gemeinnütziger Basis veröffentlichte 

Kulturzeitschrift Musiker Magazin redaktionell und publizistisch 

öffentlichkeitswirksam und umfangreich auf nichtkommerzieller Basis 

be gleitet. 

Wir empfehlen allen beteiligten Musikgruppen und Interpreten, sich mit 

ihren an sie verliehenen Urkunden/Auszeichnungen an die örtliche 

Tages presse/Tageszeitungen zu wenden. Die vergangenen Jahrzehnte 

haben gezeigt, dass die angesprochenen Medien in den meisten Fällen 

gerne und umfangreich über diese Auszeichnungen berichten. So 

haben in 2018 668 Tageszeitungen über diese Kulturveranstaltung 

berichtet und in 2019 510 Tageszeitungen (s. veröffentlichte Presse- 

Dokumentationen unter www.musiker-online.de). Bitte schickt uns eure 

Zeitungsartikel zu, damit wir sie in unsere geplante diesjährige Presse - 

do ku mentation für 2020 aufnehmen können (online und offline). 

WEITERE INFORMATIONEN: WWW.DEUTSCHERROCKPREIS.DE 

TEXT: OLE SEELENMEYER 

1/2021 musiker MAGAZIN

04 MUSIKER-NEWS 

FESTIVAL 

09 Deutscher Rock & Pop Preis 2021 – 

Anmeldung 

STORIES 

12 Lena Hauptmann – Ihre Songs 

grooven, fließen und bewegen 

16 BIRD’S VIEW – Jazzakkorde, 

krumme Taktarten und ein fetter 

Sound sorgen für originelle Songs 

18 Sascha Salvati – 

»Künstler müssen einfach mehr 

zum Unter nehmer werden« 

22 Chris Brandon – Eingängige 

Popsongs, ein Schuss Rhythm 

and Blues und eine markante 

Stimme, die vor Energie sprüht 

26 SPY # ROW – 

Eine neue Ära des Hard Rocks 

28 In den Fängen der roten Ideologen 

32 ZZ Top – 

That Little Ol’ Band From Texas 

38 DISLIKE SILENCE – 

Mit einem Knall traten sie 2019 

ins Rampenlicht 

40 The Beatles Beat Band – 

47 Jahre im Dienst der Pilzköpfe 

MUSIKBUSINESS 

44 The Singer’s Coach von LeeZa Nail – 

Teil 1: VOCAL SKILLS 

47 Nur intelligente Einzelkämpfer 

überleben 

RUBRIKEN 

04 Musiker-News 

50 CD-Rezensionen 

55 Titelschutzanzeigen 

56 Produkt-News 

66 Kleinanzeigen 

66 Impressum 

TITELFOTO: DAN BARON 

„POTENZIELL RUINIERT“ 

YouTube warnt Musiker im Tantiemenstreit 

Im Streit um eine strengere Gesetzgebung im werde dieses Gesetz nun allerdings nicht umgesetzt, 

heißt es weiter. Gleichzeitig sei die britische 

Umgang mit Musikrechten hat YouTube vor et - 

waigen negativen Auswirkungen für die Künstler Regierung allerdings bemüht, „sicherzustellen, 

gewarnt. 

dass mehr Geld in den Topf der Schöpfer zurückfließt“. 

Seit Langem wird den Betreibern der Video - 

plattform YouTube vorgeworfen, von ihren Werbe - 

einnahmen zu wenig an die Urheber von Musik - YouTube räumte gegenüber dem DCMS-Aus - 

videos abzutreten. In Großbritannien ist dieses schuss ein, dass die Musikindustrie mit über 500 

Thema nun erneut durch eine entsprechende Un - Stunden Videoinhalten, die jede Minute hochgeladen 

würden, ab Januar 2020 zwölf Millionen 

tersuchung aufgekommen, die der Ausschuss für 

Digitales, Kultur, Medien und Sport (Digital, Culture, Dollar an Tantiemen erhalten habe. Bis 2025, pro - 

Media and Sport Select Committee, DCMS) phezeite das Unternehmen weiter, könne YouTube 

kürzlich durchgeführt hatte. Demnach erhalten alle anderen Bezugsquellen, inklusive Spotify, 

viele Künstler nach wie vor nur einen Hungerlohn über holt haben. 

an digitalen Tantiemen, was angesichts der Ab - 

rufzahlen höchst ungerecht erscheint. Dies geht „RECHTEINHABERSCHAFT 

aus einem entsprechenden Artikel der britischen OFT UNKLAR“ 

Zeitung „The Guardian“ hervor. 

Eine strengere Gesetzgebung, sagte YouTube 

Tatsächlich würden 70 Prozent der Künstler, weiter, sei unter Umständen so schwer einzuhalten, 

dass die Plattform im Zweifelsfall sogar Musik - 

die bei Universal Music unter Vertrag stehen, über 

YouTube angehört werden. Das teilte David Joseph, inhalte sperren müsste, um eine Rechtsver let zung 

der britische Geschäftsführer des Labels, bereits zu vermeiden. Für Künstler und deren Labels 

Anfang Januar mit. Die entsprechenden Tantie - könne dies mitunter zu noch größeren Einbußen 

men betrügen allerdings nur fünf Prozent der Ein - führen und dazu, dass ihr Geschäft auf der Platt - 

nahmen des Unternehmens. 

form „potenziell ruiniert“ werde. „Vor allem in der 

Musikindustrie sind die Daten über die Rechte - 

„MEHR GELD IN DEN TOPF 

inhaberschaft oft unklar“, erklärte das Unterneh - 

DER SCHÖPFER“ 

men weiter. Schon in der Vergangenheit habe deshalb 

die Gefahr eines „Over-Blocking“ bestanden. 

Während die Künstler bislang nur einen Anteil 

aus den Werbeeinnahmen bekommen, hofft die Für seine Untersuchung hatte der DCMS- 

Musikindustrie auf neue Gesetze der Europäi schen Ausschuss auch einige Stimmen von Künstlern 

Union: Demnach könnten Streaminganbieter wie gehört: Der Frontman der Band Elbow, Guy 

YouTube oder Spotify künftig dazu gezwungen Garvey, drückte dabei die Sorge aus, dass die 

werden, im Voraus eine gewisse Gebühr für die nächste Generation von Bands verloren gehen 

Nutzung der Lizenzen zu bezahlen. Nach dem könne, weil Dienste wie Spotify oder Apple ihren 

Austritt des Vereinigten Königreichs aus der EU Kunden zu wenig berechnen würden. 

QUELLE: www.weser-kurier.de/startseite_artikel,-potenziell-ruiniert-youtube-warnt-musiker-im-tantiemenstreit-_arid,1957018.html#nfy-reload 

Foto: © charnsitr / Adobe Stock 

musiker MAGAZIN 1/2021

MUSIKER-NEWS 05 

haben. Eine Erhöhung der Gewinnbeteiligung von 

Spotify würde da vielleicht manche Sorgen aus 

der Welt schaffen. 

Foto: © nikkimeel / Adobe Stock 

SKLAVENTREIBER DER MUSIKINDUSTRIE 

Manuel Bogner sieht die Künstlervergütung bei Spotify kritisch 

Wer braucht schon CDs, wenn er Spotify hat? 

Der Streamingdienst ist für viele der einfachste Weg, 

um Musik zu hören. Doch dieser Komfort geht auf 

Kosten der Musiker, warnt Manuel Bogner (16) aus 

Straubing. Eine Meinung. 

Es war noch nie so einfach, neue Musik zu ent - 

decken und alte Lieblingslieder wiederzufinden. 

Dank Streaming kann jeder in kürzester Zeit 

neue Genres und Künstler anhören und ohne 

Probleme darauf zugreifen. Allerdings berichten 

vor allem unbekannte Musiker immer wieder, 

dass Spotify Künstler ungerecht behandele und 

sogar ausnutze. 

Der Hauptgrund sind die geringen Gewinn - 

beteiligungen, die die Plattform ihren Künstlern 

auszahlt. Bei Spotify schwanken sie zwischen 

0,0028 und 0,0037 Euro pro Stream, liegen also 

unter einem Cent. Das bedeutet, dass man mit 1 

000 Streams höchstens um die vier Euro verdienen 

kann. Im Vergleich zu anderen Platt formen 

ist der Unterschied groß: Durch Musiker, die ihre 

Gewinne veröffentlichten, ist bekannt, dass Apple 

Music und Amazon zum Beispiel rund doppelt 

so viel wie Spotify zahlen. 

Das liegt daran, dass Spotify die Anteile für ihre 

Künstler daran errechnet, wie oft ein Song im 

Vergleich zu den aktuell beliebtesten Tracks aufgerufen 

wird. Deshalb kommen besonders un - 

bekannte Künstler auf durchschnittlich geringere 

Einnahmen als große Namen wie Taylor Swift 

oder Kanye West. 

Daniel Elk, der Chef der meistgenutzten Strea - 

ming-Plattform weltweit, reagierte bereits vor 

einiger Zeit auf diese Vorwürfe: Er findet, Musiker 

sollten einfach mehr Musik produzieren, um über 

die Runden zu kommen. Die Gewinnbeteiligung 

will er nicht verbessern. Das ist und bleibt seine 

Meinung – auch während der Corona-Pandemie, 

in der Streaming-Gewinne für die Musikindustrie 

wichtiger denn je sind, da Konzerte und Festivals 

ausfallen. Sie waren vor Corona für viele Künstler 

die größte Einnahmequelle. Viele Musiker sind sich 

deshalb unsicher, ob sie eine Zukunft in der Branche 

QUELLE: www.idowa.de/inhalt.freischreiben-sklaventreiber-der-musikindustrie-manuel-bogner-sieht-die-kuenstlerverguetung-beispotify-kritisch.3b9bcdf6-1aa0-4fe3-b23b-551db020d269.html 

Peter Plate: 

ES BRAUCHT EINE 

QUOTE FÜR 

DEUTSCHE MUSIK 

IM RADIO 

Peter Plate, Ulf Leo Sommer und Joshua 

Lange haben zum Interview in ihr Studio in 

Berlin-Charlottenburg geladen. Hier machen 

sie Musik, sehr erfolgreiche Musik. Für Künstler 

wie Helene Fischer, Sarah Connor, Michelle, 

Max Raabe, Patricia Kaas und viele mehr, aber 

auch in eigener Sache. Siehe das Pop-Duo 

Rosenstolz, bei dem Plate zusammen mit der 

Sängerin Anna R. als Frontfigur in Erscheinung 

tritt. Ihre finanzielle Unabhängigkeit gibt ihnen 

nun die Freiheit, ganz ungeniert die Probleme in 

der Musikindustrie zu benennen. Dabei fordern 

sie infolge der Corona-Krise unter anderem 

eine Quote für deutsche Musik im Radio. 

QUELLE: www.berliner-zeitung.de/kultur-vergnuegen/musik/ 

peter-plate-es-braucht-eine-quote-fuer-deutsche-musik-imradio-li.139383?pid=true 

Außerdem gibt es noch einen Punkt, den Daniel 

Elk mit seiner Aussage ignoriert: Kunst entsteht 

nicht von einem Tag auf den anderen. Viele gute 

Alben brauchen teilweise jahrelange Planung und 

Arbeit, bevor sie erscheinen. Schließlich ist auch 

das Streaming-Format daran schuld, dass Alben 

immer länger und umfangreicher sein müssen. 

Plattenlabels wollen so mehr Streaming-Zahlen 

er zeugen, besonders weil sie dadurch am einfachsten 

hohe Chartplatzierungen erreichen können. 

Die Folge: Musik als lieblose Massen ware, 

nichts Neues oder Innovatives mehr. 

Doch nicht alles ist hoffnungslos in der Welt 

des Musik-Streamings, so zum Beispiel der Online- 

Musikdienst Bandcamp. Die Plattform gibt es 

seit 2008. Musiker können dort ihre Songs promoten 

und sie kostenlos oder kostenpflichtig zum 

Anhören und Herunterladen anbieten. Außerdem 

hilft der Streamingdienst unbekannten Künstlern, 

indem er ihnen und ihren Labels immer am ersten 

Freitag des Monats die Gesamteinnahmen an ihren 

Songs weitergibt. Spotify sollte sich daran ein Bei - 

spiel nehmen. 

Foto: Olaf Blecker 



MUSIK NUR NOCH 

ALS HOBBY? 

Britische Bands entsetzt 

über Brexit 

Britische Musikerinnen und Musiker 

haben in einer Petition eine „freie kulturelle 

Arbeitserlaubnis“ gefordert, die 

Tourneen in EU-Länder ermöglichen soll. 

Etwa 260 000 Menschen haben bereits 

unter schrie ben. Für längere Aufenthalte 

und Beschäfti gung in der EU sind für britische 

Bür gerin nen und Bürger nun spezielle 

Visa nötig. Zudem ist ein Zoll be gleit - 

schein für Aus rüs tung notwendig, für den 

ebenfalls Ge bühren gezahlt werden müssen. 

Dazu kommen Hunderte Pfund für 

die Kranken versicherung. 

Nicht nur Handel und Wirtschaft, auch die 

britische Musikindustrie leidet unter dem Brexit. 

Auch für Künstler, die künftig in EU-Ländern auf 

schwieriger geworden. Um sich länger in der abgeben. Das Gleiche gilt für Frankreich, Italien, 

EU aufzuhalten und dort zu arbeiten, sind für Kroatien und so weiter und so fort." 

Briten nun spezielle Erlaubnisse notwendig und 

Tournee gehen, gelten nun neue Visumregeln. umgekehrt. 

„IM SCHLIMMSTEN FALL WIRD 

DER GIG IN GROSSBRITANNIEN 

Das bedeutet bürokratische und finanzielle 

Hürden. Deswegen fordern Musiker und Kon zert - 

Das gilt sogar für das musikalische Equip ment WOHL ZUM HOBBY.“ 

und bedeutet insgesamt bürokratischen und 

veranstalter eine „freie kulturelle Arbeits er laub - finanziellen Aufwand. Die Briten und die EU Umgekehrt wird es auch für Bands, die aus 

nis“. Mehr als 260.000 Menschen, darunter schieben sich gegenseitig die schuld dafür in der EU nach Großbritannien kommen, um zu 

zahlreiche Stars wie Laura Marling, Louis die Schuhe, keine großzügigeren Regeln ge - spielen, komplizierter und teurer, meint der 

Tomlinson oder die Band Biffy Clyro, haben die 

Online-Petition bereits unterschrieben. 

funden zu haben. 

ARBEITSERLAUBNIS 

Frontmann der schwedischen Band The Hives, 

Pelle Almqvist. „Letztlich werden wir wahrscheinlich 

weniger Konzerte in Großbritannien 

ES GEHT UM 

5,8 MILLIARDEN PFUND 

FÜR 30 VERSCHIEDENE LÄNDER 

Paul Pacifico, CEO der Vereinigung unabhängiger 

geben, weil es sich rein wirtschaftlich weniger 

lohnt. Ich meine, es wird immer Spaß machen. 

Im schlimmsten Fall wird der Gig in Groß - 

Musiker (Association of Independent Music, britannien wohl zum Hobby.“ 

Auch Komponist Michael Berkeley, denn: 

„Musiker in diesem Land beziehen 44 Prozent 

ihres Einkommens aus Tourneen! Dieses Land 

AIM) warnt: „Wenn britische Bands oder Solo - 

künstler in Europa auf Tournee gehen, brauchen Derzeit könnten Musiker ohnehin nicht auf 

verdient 5,8 Milliarden Pfund an der Musik in - 

dustrie. Vergleichen Sie das mit der Fischerei, 

die als diese große souveräne Sache hochgehalten 

sie eine temporäre Arbeitserlaubnis in jedem Tournee gehen, sagt Paul Pacifico, aber sie 

europäischen Land. Das gilt nicht nur für die EU, müssten schon jetzt mit Klarheit planen können, 

falls es wieder losgeht. „Noch mal sechs 

sondern den gesamten europäischen Wirt - 

wurde, was ich verstehen kann – die schafts raum. Sie müssen also unter Um stän - Monate Ver zögerung können wir uns nicht lei- 

Hoheitsrechte müssen geschützt werden. Aber den die Regeln von 30 verschiedenen Ländern sten, wenn der kulturelle Sektor wirtschaftlich 

dabei geht’s um 1,4 Milliarden – das ist ein 

Unterschied.“ 

befolgen. 

auf die Beine kommen soll.“ 

Die Musikbranche ist mit rund 200.000 Jobs 

Wenn Sie als Band auf Tournee sind und ein wichtiger – allerdings von der Corona-Krise 

Monatelange Tourneen, Gastauftritte und 

Festival-Teilnahmen sind nach dem Brexit 

eine CD in Deutschland verkaufen, müssen Sie schwer gebeutelter – Industriezweig in Groß - 

in Deutschland eine Umsatzsteuererklärung britannien. 

QUELLE: de.euronews.com/2021/01/16/musik-nur-noch-als-hobby-britische-bands-entsetzt-uber-brexit | TEXT: Anja Bencze 

Foto: © MclittleStock / Adobe Stock 


Andy Langs neues Werk 

„DIE KRISE ALS CHANCE – EINE EINLADUNG ZUM REIFEN“ 


Angeregt vom Corona-Geschehen im Frühling 

2020 schrieb Andy Lang in wenigen Wochen wie 

in Trance und mit unglaublich viel Feedback seiner 

Fans dieses Buch, das eine Ansage für unsere 

allernächste Zukunft ist – daher ist es viel mehr 

als ein Corona-Buch: Eine Einladung zum Träu - 

men, Hoffen, Reifen und Bei-sich-selbst-Beginnen! 

„Vergeude nie eine gute Krise“ – Winston 

Churchill 

Jede Krise hat das Potential zur Veränderung. 

Die Herausforderungen und Zumutungen des 

Lebens laden uns ein, gewohnte Pfade zu überdenken, 

unser Verhalten zu verändern und zu reifen. 

Oder wir stagnieren und berauben uns als 

Opfer der Umstände unserer Möglichkeiten und 

inneren Schätze. 

Angeregt vom weltweiten Krisengeschehen im 

Frühjahr 2020 fragt Andy Lang in diesem Buch: 

„Was, wenn diese Krise kein Feind ist, den wir 

nun mit aller Kraft bekämpfen müssen, sondern 

eine Einladung zum Umdenken?“ 

So dient die Krise als Blaupause für alle Krisen 

sowohl im individuellen als auch im gesellschaftlichen 

Bereich. Statt eines einfachen „Weiter so“ 

spürt der Autor der Frage nach, wo wir unsere 

Haltungen zum Leben, zur Erde und schließlich zu 

unserem eigenen Menschsein nachhaltig verändern 

müssen, um mit Freude und in Gemein schaft 

leben und wirken zu können. 

Dieses Buch ist eine Einladung zur Hoffnung 

und Nahrung für alle, die sich nach einer gerechten 

und enkeltauglichen Welt sehnen und die bei 

sich selbst beginnen wollen. 

Die Texte machen Lust zum Lesen und Teilen 

und sind so Inspiration und Herausforderung für 

den eigenen Lebensweg oder die Arbeit in 

Gruppen. 

„Andy Lang hat nicht nur eine wunderbar 

herzöffnende Stimme. Er ist eine Stimme – eine 

Stimme der neuen Zeit. Sein Plädoyer für ein 

neues Leben in Gemeinschaft und Liebe hat mir 

absolut Gänsehaut beschert. Seine Botschaft voll 

Mut und Wertschätzung brauchen wir, wenn wir 

aus den alten Strukturen aufbrechen wollen in 

eine nachhaltige Welt.“ – Christina Kessler 

Andy Lang wurde 1970 in Kulmbach geboren 

und absolvierte 1990 sein Abitur in Münchberg. 

Seine Arbeit als Songwriter begann während seines 

Lebens in England Anfang der Neunzigerjahre. Seit 

2005 ist Andy Lang als freiberuflicher Künstler mit 

Konzerten und Lesungen unterwegs. 

DIE KRISE ALS CHANCE – 

EINE EINLADUNG ZUM REIFEN 

Zu bestellen: andy-lang.de/produkte/die-krise-alschance-eine-einladung-zum-reifen/ 

Gebundenes Buch, 180 Seiten, Preis: 14,– € 

ELTON JOHN FORDERT HILFEN FÜR 

NACHWUCHSKÜNSTLER 

Popstar Elton John kämpft weiter für Mu - kämen bald nur noch Mainstream-Musiker auf 

siker mit Brexit-Problemen und fordert eine Tour. „Vertraut mir, ich möchte das genauso 

Hilfs organisation für Nachwuchsmusiker. „Wir wenig wie ihr.“ 

brauchen eine neue Generation von Super - 

stars, nicht nur, weil eine Generation von John gehört zu den mehr als 100 Unter - 

Super stars – meine Generation – älter wird, zeich nern eines offenen Briefs, in dem Musikin 

den Ruhestand geht und wegstirbt“, heißt Stars der Regierung Versagen bei der Ver hand - 

es in einem Kommentar der Musikikone im lung über Visumregeln mit der EU vorgeworfen 

„Guardian“. 

hatten. In der vergangenen Woche traf sich der 

Musiker zudem zu einem Ge spräch mit dem 

Musiker bräuchten jetzt schnell Hilfe – die britischen Kulturminister Oliver Dowden. 

Hilfsorganisation solle jungen Künstlern bei 

der Tourplanung zur Seite stehen, mit An - Seit dem 1. Januar, dem Ende der Brexitwälten 

und Buchhaltern. 

Übergangsphase, benötigen Musiker und 

Künst ler Visa und andere Dokumente für 

Finanziert werden solle die Organisation Auf tritte in der EU beziehungsweise in Groß - 

auch von der Musikwirtschaft selbst, schlug britannien. London und Brüssel machen sich 

der Sänger vor. Und er warnte: Ohne Hilfe gegenseitig für die Situation verantwortlich. 

QUELLE: www.zeit.de/news/2021-02/08/elton-john-fordert-hilfen-fuer-nachwuchskuenstler | dpa 

Foto: © Joseph Guay 



DIE MUSIKINDUSTRIE KÄMPFT ERNEUT GEGEN 

STREAMING-MANIPULATION AN 

Foto: © sp3n / Adobe Stock 

Erst im vergangenen Jahr mussten diverse 

Strea ming-Manipulation-Anbieter ihre Tätig keiten 

ein stellen. Auch im Jahr 2020 kämpft die Musik - 

industrie gegen die illegalen Käufe und Verkäufe. 

Am 26. Januar leitete das Landgericht Frank - 

furt ein Eilverfahren gegen die Streaming-Mani - 

pu la tion-Webseiten www.likeservice24.de und 

www.likeservice24.com ein, so heißt es in einer 

Pressemitteilung der International Federation of 

the Phonographic Industry (IFPI). 

Genannte Anbieter generieren Kund*innen zu - 

sätzliche „Plays, Views, Likes und Abonnenten für 

Musik auf kommerziellen Online-Media-Platt for - 

men“, wie es in der Selbstdarstellung heißt. Dieses 

Vorgehen soll dessen Reichweite steigern und 

optio nal bessere Platzierungen generieren. Diese 

illegale Dienstleistung wird ihnen nun verboten. 

Der Bundesverband Musikindustrie (BVMI) 

und sein internationaler Dachverband IFPI geben 

bekannt, dass der Anbieter wegen Irreführung 

zur Unterlassung verurteilt wurde. Denn er rückt 

Nutzer*innen seines Angebots in ein besseres 

Licht und täuscht im selben Zug zukünftige Kon - 

sument*innen. 

Erst einmal betreffe es den „Verkauf von Plays 

auf Streaming-Plattformen wie Spotify, YouTube, 

Soundcloud und Deezer“. Darüber hinaus verhängte 

das LG Frankfurt das Kaufverbot von 

Abo nennt*innen, Rezensionen und Likes. Diese 

sind hinblicklich der Musikindustrie genauso 

wettbewerbswidrig. 

Frances Moore, CEO der IFPI, erläutert: „Dies 

ist eine weitere positive Entscheidung in einer 

Reihe von deutschen Gerichten, die den laufenden 

Kampf der Tonträgerindustrie gegen Streaming- 

Manipulationen weltweit unterstützt. IFPI und ihre 

Partner in der Branche setzen sich weiterhin dafür 

ein, diese schädliche Praxis zu bekämpfen, die 

nicht nur Künstler, Songwriter und andere Rechte - 

inhaber ihrer rechtmäßigen Vergütung be raubt, 

sondern auch Musikfans in die Irre führt.“ 

Dr. Florian Drücke, Vorstandsvorsitzender des 

BVMI, ergänzt diesbezüglich: „Wir wissen zwar 

nicht, welche konkreten Schritte die Streaming- 

Dienste selbst zur Verhinderung solcher Aktivi - 

täten auf ihren Plattformen unternehmen, ergreifen 

unsererseits in jedem Fall aber rechtliche 

Schritte, um sicherzustellen, dass der Strea ming- 

Markt ordnungsgemäß funktioniert. Denn Mani - 

pulationen schaden den Künstler*innen und 

ihren Partnern, sie gefährden die Genauigkeit der 

Tantiemenzahlungen ebenso wie die Glaub würdig - 

keit eines wichtigen Branchenbarometers, der 

Charts. Im Namen der Musikschaffenden wie der 

Fans werden wir das nicht hinnehmen.“ 

QUELLE: www.rollingstone.de/die-musikindustrie-kaempft-erneut-gegen-streaming-manipulation-an-2238663/ 

DER STREAMING-BOOM KANN VERLORENE 

KONZERTUMSÄTZE NICHT KOMPENSIEREN 

Foto: PR 

Mehr als 13 Milliarden Euro setzte die deutsche 

Musikwirtschaft 2019 um. So viel wird es 2020 

nicht sein. Bei Weitem nicht. Mit Livemusik verdiente 

kaum jemand Geld. Corona verstärkt aber 

auch vielversprechende Trends. 

Marvin Aloys war mittendrin, als es in Europa 

losging. Im Frühjahr in Ischgl – als sich unzählige 

Menschen in Partynächten mit dem damals noch 

neuartigen Coronavirus infizierten. Der DJ und 

Musik produzent gehörte auch dazu. In der Winter - 

saison macht er sein bestes Geschäft. Wenn er 

elektronische Musik auflegt, tanzen Tausende auf 

der Tanzfläche. 

Das war im Frühjahr schlagartig vorbei. Aloys 

fiel in eine Art Schockstarre. Erst im Sommer startete 

er einige neue Projekte, begann mit neuen 

Aufnahmen. Events streamen kam für ihn, ähnlich 

wie für viele andere Musiker, nicht infrage. 

Fühlen müsse man die Musik, miterleben. Live 

lasse sich nicht ersetzen, sagt er. Die Verluste allein 

durch seine entgangenen Gigs dieses Jahr beziffert 

er auf einen hohen fünfstelligen Bereich – das 

erste Quartal 2021 gar nicht eingerechnet, das 

auch ausfallen wird. 2020 hat er aufgegeben: 

„Das ist sehr brutal. Ein verlorenes Jahr, dessen 

Folgen ich noch länger spüren werde.“ 

QUELLE: www.wiwo.de/my/unternehmen/industrie/musikindustrie-der-streaming-boom-kann-verlorene-konzertumsaetze-nichtkompensieren/26743160.html?ticket=ST-4361051-4fGWTC0qgZ9s5vdLbeXm-ap2 


FESTIVAL 09 

ANMELDUNG 

39. DEUTSCHER ROCK & POP PREIS 2021 

Hiermit melde ich mich/uns für den Deutschen Rock & Pop Preis 2021 an. 

Band/Künstler*in: ......................................................... 

Ansprechpartner*in: ...................................................... 

Straße: .......................................................................... 

PLZ Ort: ........................................................................ 

Bundesland: .................................................................. 

Tel.: ............................................................................... 

Mobil: ............................................................................ 

Fax: .................................................................................... 

E-Mail: ................................................................................ 

Internet: .............................................................................. 

DRMV-Mitgl.-Nr.: ................................................................ 

GEMA-Mitglied?: q nein q ja: 

q angeschl. q außerord. q ordentlich 

Anmeldungen in mehreren Sparten sind möglich. 

Bewerbungsgebühr pro Musiksparte: 20,– Euro DRMV-Mitglieder /30,– Euro DRMV-Nichtmitglieder 

Die Bewerbungsgebühren in Höhe von Euro ........... q in bar beigelegt q als Scheck beigelegt q per Überweisung 

Bankverbindung: Deutsche Popstiftung, Postbank Hamburg, IBAN: DE08 2001 0020 0964 2792 08, BIC: PBNKDEFF 

Dieses Anmeldeformular, CD und Bewerbungsgebühr bitte spätestens bis 15. Juni 2021 an: 

Deutsche Popstiftung, Bewerbung 2021, Kolberger Str. 30, 21339 Lüneburg 

Teilnahmegebühr: 150,– Euro je Haupt- und je erste Sonder ka te gorie (alle weiteren 100,– Euro) – Diese Gebühr fällt erst nach Auswahl durch 

die Bundesjury an. Sollte das Live-Finale nicht stattfinden können, dann reduzieren sich die Teilnahmegebühren auf 100,– Euro pro Kategorie. 

39. DEUTSCHER ROCK & POP PREIS 2021: HAUPTKATEGORIEN 

Bitte gewünschte Musiksparte(n) ankreuzen und CD (pro Sparte eine CD!) beilegen! Der jeweils 1. Song wird gewertet! 

q 1 

q 2 

q 3 

q 4 

q 5 

q 6 

q 7 

q 8 

Deutscher Rock Preis (beste Rock-Band) 

Deutscher Pop Preis (beste Pop-Band) 

Deutscher Hard Rock Preis (beste Hard’n’Heavy-Band) 

Deutscher Funk & Soul Preis (beste Funk/Soul-Band) 

Deutscher Alternative Preis (beste Alternative-Band) 

Deutscher Singer-Songwriter Preis (beste*r Solosänger*in – Wertung: Eigenkomposition und Stimme) 

Deutscher Singer Preis (beste*r Solosänger*in – Wertung: Stimme) 

Deutscher Country Preis (beste Country-Band) 

Die durch die Jury ausgewählten Teilnehmer der Hauptkategorien präsentieren sich am 18. Dezember 2021 

im Finale auf der Hauptbühne der Siegerlandhalle in Siegen mit jeweils einem Song (maximale Länge: 4 Minuten). 

39. DEUTSCHER ROCK & POP PREIS 2021: SONDERKATEGORIEN 

q 9 Beste Filmmusik 

q 10 Bestes Kinderlieder-Album 

q 11 Beste Experimentalband 

q 12 Beste Crossoverband 

q 13 Beste Hardcoreband 

q 14 Beste Industrialband 

q 15 Beste Progressiveband 

q 16 Beste Skaband 

q 17 Beste Nu-Metal-Band 

q 18 Bestes Trancealbum 

q 19 

Beste(r) Mundart-Interpret*in 

q 20 Beste(r) Electronic-Interpret*in 

q 21 Bestes Dancehall-Album 

q 22 Beste Elektropopband 

q 23 Bestes traditionelles Blues-Album 

q 24 Beste Rock’n’Roll/Rockabillyband 

q 25 

Beste Cover/Revivalband 

q 26 Beste A-Capella-Band 

q 27 Bestes Chanson-Album 

q 28 Beste Punkband 

q 29 Beste Gothic/Wave-Band 

q 30 Beste(r) Gospel-Interpret*in 

q 31 Beste Gospelgruppe 

q 32 Bestes Weltmusikalbum 

q 33 Bestes Hip-Hop-Album 

EINSENDESCHLUSS: 15. JUNI 2021

10 FESTIVAL 

Bitte gewünschte Musiksparte(n) ankreuzen und CD (pro Sparte eine CD!) beilegen! Der jeweils 1. Song wird gewertet! 

BEREICH ROCK: 

q 34 Beste Rocksängerin 

q 35 Bester Rocksänger 

q 36 Bester Rocksong 

q 37 Bestes Rockalbum 

BEREICH POP: 

q 38 Beste Popsängerin 

q 39 Bester Popsänger 

q 40 Bester Popsong 

q 41 Bestes Popalbum 

BEREICH FUNK: 

q 42 Beste Funk-Sängerin 

q 43 Bester Funk-Sänger 

q 44 Bester Funk-Song 

q 45 Bestes Funk-Album 

BEREICH HARD ROCK: 

q 46 Beste Hard-Rock-Sängerin 

q 47 Bester Hard-Rock-Sänger 

q 48 Bester Hard-Rock-Song 

q 49 Bestes Hard-Rock-Album 

BEREICH METAL: 

q 50 Beste Metal-Sängerin 

q 51 Bester Metal-Sänger 

q 52 Beste Metal-Band 

q 53 Bester Metal-Song 

q 54 Bestes Metal-Album 

BEREICH FUSION-JAZZ-ROCK: 

q 55 Beste Fusion-Jazz-Rock-Sängerin 

q 56 Bester Fusion-Jazz-Rock-Sänger 

q 57 Beste Fusion-Jazz-Rock-Band 

q 58 Bester Fusion-Jazz-Rock-Song 

q 59 Bestes Fusion-Jazz-Rock-Album 

BEREICH ALTERNATIVE: 

q 60 Beste Alternative-Sängerin 

q 61 Bester Alternative-Sänger 

q 62 Bester Alternative-Song 

q 63 Bestes Alternative-Album 

BEREICH NEW AGE: 

q 64 Beste New-Age-Band 

q 65 Bester New-Age-Song 

q 66 Bestes New-Age-Album 

BEREICH R’N’B/SOUL: 

q 67 Beste R’n’B/Soul-Sängerin 

q 68 Bester R’n’B/Soul-Sänger 

q 69 Beste R’n’B/Soul-Band 

q 70 Bester R’n’B/Soul-Song 

q 71 Bestes R’n’B/Soul-Album 

BEREICH REGGAE: 

q 72 Beste Reggae-Sängerin 

q 73 Bester Reggae-Sänger 

q 74 Beste Reggae-Band 

q 75 Bestes Reggae-Album 

BEREICH LATIN-POP: 

q 76 Beste Latin-Pop-Sängerin 

q 77 Bester Latin-Pop-Sänger 

q 78 Beste Latin-Pop-Band 

q 79 Bester Latin-Pop-Song 

q 80 Bestes Latin-Pop-Album 

BEREICH FOLKROCK: 

q 81 Beste Folkrocksängerin 

q 82 Bester Folkrocksänger 

q 83 Beste Folkrockband 

q 84 Bester Folkrocksong 

q 85 Bestes Folkrockalbum 

BEREICH COUNTRY: 

q 86 Beste Country-Sängerin 

q 87 Bester Country-Sänger 

q 88 Bester Country-Song 

q 89 Bestes Country-Album 

BEREICH SCHLAGER: 

q 90 Beste Schlager-Sängerin 

q 91 Bester Schlager-Sänger 

q 92 Beste Schlager-Band 

q 93 Bester Schlager-Song 

q 94 Bestes Schlager-Album 

BEREICH MUSICAL: 

q 95 Beste Musicalsängerin 

q 96 Bester Musicalsänger 

q 97 Bestes Musicalalbum 

Die durch die Jury nominierten Preisträger aller Sonderkategorien werden am 18. Dezember 2021 

auf der Hauptbühne der Siegerlandhalle in Siegen bekanntgegeben. 

Die Anmeldeformulare können auch unter www.musiker-online.tv heruntergeladen werden. 

MUSIKBUSINESS: 

q 98 Bestes Rock-/Pop-Tonstudio (Preis-Leistungs-Verhältnis) 

(Bew.: CD, Studioausstattung, Mietpreis etc.) 

q 99 Bestes kreatives Independent-Label (Rock & Pop) 

(Bew.: Produktionsübersicht (CD), Vertriebswege etc.) 

q 100 Bester Independent Musikverlag (Rock & Pop) 

(Bew.: Künstlerübersicht, Vermarktungsstrategie etc.) 

q 101 Beste Booking-Agentur (Rock & Pop) 

(Bew.: Künstler-, Konzert- und Tourneeübersicht) 

q 102 Erfolgreiche*r Musikmanager*in (Rock & Pop) 

(Bew.: Künstler- und Vermarktungsunterlagen) 

q 103 Erfolgreiche*r Musikproduzent*in (Rock & Pop) 

(Bew.: Künstler- und Produktionsangaben, CD) 

q 104 Kulturpreis für die Förderung der Rock- & Popmusik in 

Deutschland (Bew.: Auf Empfehlung – keine Gebühren fällig!) 

q 105 Lebenswerk (Bew.: Beschreibung des Lebenswerks) 

MUSIKPRODUKTION: 

q 106 Beste*r neue*r Rock- und Popkünstler*in des Jahres 

q 107 Bestes CD-Album des Jahres (deutschsprachig) 

q 108 Bestes CD-Album des Jahres (englischsprachig) 

q 109 Bester Song des Jahres (deutschsprachig) 

q 110 Bester Song des Jahres (englischsprachig) 

q 111 Beste Studioaufnahme des Jahres 

q 112 Beste Single des Jahres 

q 113 Bestes Musikvideo 

q 114 Beste Komposition 

q 115 Bester deutscher Text 

q 116 Bestes Booklet und Inlaycard 

q 117 Beste Instrumentalband 

q 118 Bestes Instrumentalalbum 

q 119 Beste*r Barpiano-Interpret*in 

INSTRUMENTALISTEN: 

q 120 Beste*r Instrumentalsolist*in 

q 121 Beste*r Gitarrist*in 

q 122 Beste*r Keyboarder*in 

q 123 Beste*r Schlagzeuger*in 

q 124 Beste*r Bassist*in 

q 125 Beste*r Percussionist*in 

q 126 Bestes Arrangement 

q 127 Bestes Blasinstrument 

EINSENDESCHLUSS: 15. JUNI 2021


COVERSONGS ERFOLGREICH AUF 

STREAMING-PLATTFORMEN 

Die Songinterpretation eines Welthits der legendären Beatles – 

neu produziert und neu eingesungen in Lüneburg – eroberte 

in den letzten zwölf Monaten weltweit die verschiedenen 

internationalen Streaming-Portale und wurde von Millionen 

Käufern aus über 120 Ländern bereits gekauft. 

„Hey Jude“, der wohl berühmteste und erfolgreichste 

Hit des Komponisten, Texters, Sängers 

und Bassisten Paul McCartney (The Beatles) er - 

obert zurzeit als neu produzierte Song-Inter pre - 

tation des Lüneburger Sängers und Bassis ten Ole 

Seelenmeyer (The Beatles Orchestra: Hinrich Vogt 

– Klavier, Uwe Hopp – Gitarre, Matthias Herbst – 

Drums, Ole Seelenmeyer – Bass, Gesang, Chöre) 

die Streaming-Portale. Verkaufserfolg in den letzten 

sechs Monaten It. Abrechnungen: Zahlreiche 

Käufer weltweit haben sich diese spezielle „Hey 

Jude“-Interpretation aus Lüneburg be reits ge - 

kauft. Mit einem derartigen Erfolg hatte ich nie 

gerechnet. Das war mir eigentlich auch immer 

egal, denn Beatles-Songs zu singen war und ist 

seit 1963 bis heute meine große ideelle Leiden - 

schaft, auch dann, wenn ich gar nichts verkauft 

hätte ... Singen hatte ich damals als 10- bis 16- 

Jähriger im Lüneburger Kirchenchor St. Michaelis 

und im Herderschulchor gelernt – um dann mit 

Be geis terung 1964 zu den Beatles „überzulaufen“. 

Die Beatles waren damals mit ihrer neuen 

Musik eben viel romantischer und rebellischer 

angelegt als die Kirchenoratorien von Johann 

Sebastian Bach und Ludwig van Beethoven ...“ 

(P.S.: Die unten stehenden Fotos von mir auf dem 

Cover entstanden live während eines Konzertes 

(2008) in der Nähe von Dresden. Also: keine Foto - 

studio-Animation.) 

Ich bin dabei, mir eine eigene unabhängige 

„Musikwerkstatt“ zu bauen. Mit Konzert bühne, mit 

allem technischen Equipment, mit allen Musik - 

instrumenten wie in einem kleinen Musik theater 

mit ca. 100 roten Sesseln für zukünftige Kon zert - 

besucher und Musikgruppen/Einzel inter preten. 

Genau so etwas habe ich schon vor ca. 15 Jahren 

in Lüneburg gebaut und dort Klein konzerte für 

ca. 50 Personen veranstaltet. Zu gezogene un - 

musi kalische Spießer-Nachbarn ring sum beschweren 

sich dort jetzt bei der Stadt Lüneburg darüber, 

das fast unhörbare Ge räusche während der Kon - 

zerte zu hören seien. Obwohl die Wände des 

Konzertraumes vollisoliert sind und der Straßen - 

lärm viel lauter ist ... 

Nach eingehenden Recherchen bei unserem 

Grossisten, d. h. unserem Großhandel, Tochter - 

firma einer bekannten Hamburger Ton träger firma, 

hat sich ergeben, das seit Januar 2020 bis zum 

Dezember 2020 ca 9,98 Millionen Strea ming - 

käufer meinen interpretierten und neu aufgenom - 

menen Beatles-Song „Hey Jude“ ge kauft haben 

... Zumeist bei dem Streaming-Portal YouTube 

Music. Diese Verkaufszahlen lassen sich errech - 

nen, wenn man die uns überwiesenen Ver kaufs - 

ein nahmen pro Quartal bis zum 31. August 2020 

addiert und durch die YouTube-Music-Beteili - 

gungen pro Einzel-Streaming teilt. Um keine 

vorschnellen „Fake News“ zu verbreiten, habe 

ich eine nochmalige dritte Intensivrecherche vorgenommen. 

Mein Konkurrent auf der YouTube-Plattform 

für „Hey Jude“ war und ist mein Idol, Lehrer und 

Komponist dieses Werkes seit meiner Beatlesbegeisterten 

Jugend zu Be ginn der 1960er-Jahre 

der Bassist, Sänger, Komponist und Texter der 

Beatles, Paul McCartney ... Diese mir unbekannte 

Ver triebs erfahrung im Bereich des von mir nicht 

geschätzten Streamings nehme ich nun zum 

Anlass, 32 weitere von mir produzierte und als 

Sänger interpretierte Beatles-Songs auf die 

Streaming-Plattformen zu stellen. Mal sehen, wie 

das funktioniert ... 

Foto: lenscap50 / Adobe Stock 


12 

LENA HAUPTMANN 

Mit Einflüssen aus swingender Jazztradition, brasilianischen Rhythmen 

und eingängigen Melodielinien bewegt sie sich 

multilingual zwischen Englischer und Sorbischer Sprache und lässt 

Pop und Jazz nahtlos ineinanderfließen. 

Ihre Songs grooven, fließen und bewegen – mal lieblich-träumerisch, mal 

mystisch-melancholisch und dann wieder kraftvoll, expressiv und couragiert. 

LENA HAUPTMANN: Meine Begeisterung für Musik lässt sich schwer 

auf nur ein Genre festlegen, und daher fand ich es schon immer spannend, 

mit stilistisch verschiedenen Projekten unterwegs zu sein. 

Mit meinem Gitarristen Dan Baron habe ich das Jazz-Pop-Duo 

„LeDazzo“ gegründet, mit dem wir neben unseren sorbischen Songs 

überwiegend Jazzstandards, brasilianische Musik und französische 

Chansons spielen. Wir spielen auf großen Veranstaltungen wie zum 

Beispiel beim Osteuropäischen Filmfestival oder im Staatstheater Cottbus, 

aber auch auf kleinen privaten Events. Im Jahr 2019 sind wir beim 

Chansonwettbewerb des 27. Chansonfestivals „Köln-Breslau-Paris“ in 

Köln aufgetreten und haben dort sowohl den zweiten Platz als auch 

den Publikumspreis gewonnen. 

MM: Du schreibst deine Jazz- und Popsongs nicht nur auf Englisch, 

sondern verbindest auch die sorbische Sprache und Kultur mit 

deiner Musik. Wie bist du dazu gekommen? 

LENA HAUPTMANN: Ich bin in Cottbus in der Niederlausitz aufgewachsen, 

wo auch ein Großteil der Sorben beheimatet ist. Dort ging ich auf 

ein sorbisches Gymnasium und erlernte die sorbische Sprache und 

Kultur in meiner Schulzeit. Im Winter 2017 kam der Auftrag vom 

Sorbischen Rundfunk des RBB, dass ich doch auch mal etwas 

Sorbisches singen und komponieren könnte, was dann regelmäßig im 

Radio gespielt wird. Gemeinsam mit meinem Gitarristen Dan Baron 

nahm ich mich dieser Aufgabe gerne an. Beim Ideensammeln habe ich 

dann gemerkt, dass sich der indogermanisch-westslawische Eigen klang 

dieser Sprache wunderbar mit meiner Musik verbinden lässt und eine 

sehr besondere Klangfarbe erzeugt. Als wir die Songs in den letzten 

zwei Jahren nicht mehr nur in der Lausitz spielten, sondern damit auch 

in Berlin, Leipzig und Köln u. a. auf Festivals auftraten und damit großen 

Anklang beim Publikum fanden, war klar, das dieses Projekt weiter 

verfolgt werden muss. Darüber hinaus ist diese Sprache eine Minder - 

heits sprache und wird nur noch von circa 60 000 Menschen ge sprochen, 

weshalb es mir sehr am Herzen liegt, die sorbische Sprache immer 

wieder an ein neues Publikum heranzutragen und mit meiner Musik ein 

bisschen mehr publik zu machen. 

MM: Als Sängerin bist du sehr vielseitig unterwegs, in deinen vier 

Bandprojekten bewegst du dich unter anderem im Bereich Jazz, 

Pop und Swing. Magst du etwas mehr dazu erzählen? 

Ein weiterer Bereich, der mir ebenfalls sehr viel Spaß macht, ist der 

chorische Satzgesang. Neben diversen Studiojobs, in denen ich für 

andere Künstler Backgroundvocals einsinge (u.a. für Johnny Logan), 

kann ich meine Affinität zu mehrstimmigem Gesang in meinem Gesangs - 

trio „Die Lenas“ sehr gut ausleben. Die beiden Sängerinnen Lena 

Neumann, Anna-Lena Panten und den Pianisten Elias Vollmer habe ich 

beim Jazzstudium in Leipzig kennengelernt. Gemeinsam spielen wir 

sowohl Klassiker der 30er-Jahre à la Andrews Sisters als auch moderne 

Miles-Davis-Arrangements sowie eigene Songs mit einer Mischung 

aus Jazz, Soul & Pop. Neben privaten Events in Sachsen sind wir u. a. 

auch beim „Jazzfest Leipzig“ und in der Moritzbastei Leipzig aufgetreten. 

Weil ich darüber hinaus äußerst gerne in verschiedenen Sprachen 

singe, war ich sehr froh, als sich kürzlich das Projekt „Brazilian Lovers“ 

mit der brasilianischen Violinistin Priscila Baggio Simeoni und Musikern 

vom Staatstheater Cottbus gegründet hat. Hier widmen wir uns ausschließlich 

den Größen der brasilianischen Musik à la Antonio Carlos 

Jobim, Vinicius de Moraes oder Zequinha de Abreu. Aber auch mit 

großen Gala-& Showbands bin ich gerne unterwegs; z. B. mit dem 15- 

köpfigen Ballorchester „Toni Gutewort & His Dance Orchestra“, mit 

dem wir u.a. beim Take Off Award in Berlin oder in der Metropolis Halle 

Potsdam spielten. 

Zuletzt war ich mit der Dresden Big Band & Michael Winkler bei den 

Dresdener Jazztagen zu erleben. Das ist eine wirklich coole Big Band, 

die traditionellen Swing à la Count Basie, Glenn Miller oder Benny 

Goodman spielt, aber auch moderne, eigene Arrangements und Stücke 

des Big Band Leaders und Posaunisten Michael Winkler. 


STORIES 13 

Mich fasziniert die Abwechslung, die mein Beruf und all diese Projekte 

mit sich bringen, und ich stelle mich immer wieder gerne neuen Heraus for - 

derungen. 

MM: Zurzeit studierst du Jazz- und Popgesang an der Hochschule 

für Musik und Theater in Leipzig. Wie sieht dein Studienalltag aus 

und was beinhalten deine Studienfächer? 

LENA HAUPTMANN: Wir haben ein recht umfangreiches Pensum an Unter - 

richtsfächern, Projekten und Prüfungen. Neben Fächern wie Jazzklavier, 

Jazzharmonielehre und Gehörbildung, Improvisation, Komposition sowie 

verschiedenen Jazz-Ensembles haben die Sänger noch zusätzlich Schau spiel, 

Tanzen und Sprecherziehung. Dann gibt es immer mal wieder größere 

Projekte, z.B. ein „Ella Fitzgerald Tribute“ oder Big Band-Abende unter der 

Leitung des Jazzsaxophonisten Rolf von Nordenskjöld oder dem WDR- 

Big-Band-Arrangeur Ansgar Striepens. Mit dem Filmschauspieler und 

Regis seur Frank Leo Schröder und Arrangeur Juan Garcia als musikalischen 

Leiter haben wir auch mal die Musicalshow „Songs in the Key of 

Life“ mit neu aufgearbeiteten Songs von Stevie Wonder, Prince und Michael 

Jackson auf die Beine gestellt. Die künstlerische Ausbildung ist also recht 

vielumfassend. 

Durch die Corona-Situation ist das nun natürlich alles ganz anders. 

Einige Unterrichtsangebote wurden auf Online-Unterricht umgestellt und 

andere können leider gar nicht erst stattfinden, da die Zusammenkunft von 

vielen Musiker*innen und Sänger*innen dafür unabdinglich ist. 

8 


14 STORIES 

MM: Deine Musik bietet ein großes Spektrum an Genres, auch deine 

Songs in sorbischer Sprache sind sehr außergewöhnlich. Wie gehst 

du beim Songwriting vor? 

LENA HAUPTMANN: Meistens schwirrt mir zuerst eine Melodie im Kopf 

herum, die ich dann so vor mich hin singe. Manchmal ist es auch ein 

Rhythmus oder eine Harmonieverbindung, die ich auf dem Klavier klimpere 

und die eine erste Idee für einen Song sein könnte. Dann lege ich die musikalischen 

Skizzen erst mal wieder beiseite und krame sie nach einer Weile 

wieder heraus, um zu schauen, ob sie mir noch gefallen. Wenn das der Fall 

ist, kommen dann auch oft Textassoziationen ... und manchmal eben auch 

nicht. 

Eine ganz andere Erfahrung hatte ich bei einem Projekt gemacht, das 

ich 2018 mit dem u. a. für „Schätze der Welt“ arbeitenden Dokumentarfilm - 

autor Donald Saischowa hatte. Da erhielt ich den Auftrag, für eine be stimmte 

Szene in dem Dokumentarfilm „Selfie beim Höllensturz“ an dem Schaubild 

Weltgericht Festung Europa einen Song zu komponieren und den Text darüber 

selbst einzusprechen. Da hatte ich ein konkretes Bild und Thema vor 

Augen und konnte danach komponieren. 

MM: Woher holst du dir als Singer-Songwriter deine Inspiration? 

Hast du bestimmte Vorbilder? 

auch auf eine Art und Weise in meiner eigenen Musik widerspiegeln. Manch - 

mal sind es auch zwischenmenschliche Ereignisse, ernüchternde Begeg - 

nungen mit mir selbst und der Welt, die ich erlebe, sowie Momente des 

Scheiterns oder vollkommender Glückseligkeit, die mich zum Schreiben 

bewegen. Die Sängerin Anna-Maria Jopek, mit ihrer nahezu elfenhaften, 

klaren, durchdringenden Stimme, gepaart mit Einflüssen aus Weltmusik, 

Jazz, Pop und Folklore, finde ich musikalisch unheimlich inspirierend. Aber 

natürlich auch Popstars wie Sting, Jamiroquai, Fleetwood Mac oder Suzanne 

Vega haben großen Einfluss auf mich. Zu meinen derzeitigen Lieblings - 

musikern gehört ebenfalls der Jazzgitarrist Pat Metheny. Zwar würde ich 

nicht sagen, dass meine Musik zwingend viel mit seiner zu tun hat, jedoch 

finde ich seine auskomponierten und einprägsamen Melodien einfach hinreißend 

schön, und seine Musik schafft es jedes Mal, mich zu Tränen zu 

rühren. 

MM: Derzeit arbeitest du an deinem ersten eigenen Album. Es wird 

eine Jazz-/Popproduktion mit englischen und sorbischen Songs. 

Was können deine Hörer noch erwarten? 

LENA HAUPTMANN: Parallel dazu planen wir gerade mit dem Gesangstrio 

„Die Lenas“ ebenfalls ein Album. Hier soll es eigene Jazz-, Soul- & Pop- 

Stücke, geschrieben von uns drei Sängerinnen, und ein paar eigene Arran - 

gements von uns liebgewonnenen Jazzstandards zu hören geben. 

LENA HAUPTMANN: Da ich mir beim Schreiben keine stilistischen Grenzen 

setze, habe ich auch recht unterschiedliche musikalische Vorbilder, die 

mich inspirieren. Ich liebe die brasilianischen, wunderschönen und melancholischen 

Stücke von Baden Powell & Vinicius de Moraes. Ich denke, dass 

sich die liebliche Melancholie, die Beschreibung von Naturschönheit und persönlichen 

Sehnsüchten, wie sie oft in brasilianischer Literatur zu finden sind, 

MM: Wie fing es bei dir mit der Musik an? 

LENA HAUPTMANN: Ab meinem elften Lebensjahr habe ich während meiner 

musikalischen Ausbildung in Gitarre, Gesang, Tanz und Schauspiel Haupt - 

rollen in mehreren Musicals für Kinder gespielt. In dieser Zeit habe ich bereits 

gemerkt, dass ich auf jeden Fall Sängerin werden möchte. 


STORIES 15 

Neben Engagements als Darstellerin an Kleinkunsttheatern gründete ich mit 

14 Jahren mit meinem Bruder meine erste eigene Band „Roadahead“, mit der 

wir eigene Rock/Pop/Punk-Songs schrieben, viele Auftritte spielten und 

regionale Nachwuchswettbewerbe gewannen. Später habe ich dann 

Klavier- und Gesangsunterricht am Konservatorium in Cottbus genommen, 

in Nach wuchsjazzbands gesungen und war auch mal Bundes preis - 

trägerin bei „Jugend musiziert“. Irgendwann hab ich mich dann entschlossen, 

dass ich die Musik gerne zu meinem Beruf machen möchte. Nach 

dem Abitur habe ich ein Jahr lang eine studienvorbereitende Ausbildung 

für Jazz in Berlin gemacht und mich intensiv auf die hohen Anforderungen 

der Aufnahmeprüfungen an den Musikhochschulen vorbereitet. Dann war 

ich sehr glücklich, einen Studienplatz an der Hochschule für Musik und 

Theater „Felix Mendelssohn Bartholdy“ in Leipzig für Jazz- und Pop gesang 

zu bekommen. 

»Es ist schon ein seltsames 

und trauriges Gefühl, für so lange Zeit 

abstinent von der Bühne zu sein, 

die doch so ein wesentlicher Bestand teil 

meines Musikerdaseins geworden ist.« 

LENA HAUPTMANN 

WWW.LEDAZZO.DE 

WWW.FACEBOOK.COM/LENA.HAUPTMANN.3 

MM: Als Musikerin, die im Rundfunk tätig ist, studiert und an einigen 

Bandprojekten arbeitet, scheint dein Terminplan voll zu sein. Wie hat 

sich die Corona-Situation auf dich als Künstlerin ausgewirkt? 

LENA HAUPTMANN: Leider wurden mir fast alle Konzerttermine in 2020 

gecancelt und die aktuelle Situation für das Jahr 2021 sieht bisher noch 

nicht viel besser aus. Es waren nur kleine Ausnahmen an Konzerten, die 

über den Sommer stattfinden konnten. Immer wieder gab es auch noch 

kurzfristige Absagen, die eh schon entstandene finanzielle Einbußen noch 

verschärften. Es ist schon ein seltsames und trauriges Gefühl, für so lange 

Zeit abstinent von der Bühne zu sein, die doch so ein wesentlicher Bestand - 

teil meines Musikerdaseins geworden ist. Es gibt mir so unendlich viel, auf 

der Bühne meinem Publikum in die Augen zu sehen, in ihren Gesichtern 

zu lesen und so unmittelbares Feedback und Emotionen direkt zurückzubekommen. 

Das sind für mich diese sagenhaft kostbaren Momente, die 

ich nun schmerzlichst vermisse. Klar hat man in den vergangenen Monaten 

auch viel Zeit gehabt, um zu Hause kreativ zu sein, Songs zu schreiben, auf - 

zu nehmen oder sich überhaupt mal mit ganz anderen Dingen zu befassen, 

für die man vorher keine Zeit hatte. Doch letztendlich fehlt es, mit anderen 

Musikern zusammen zu spielen, das ständige Unterwegssein zum nächsten 

Gig und immer wieder eine überraschende Herausforderung zu haben. 

Ich gebe die Hoffnung jedoch nicht auf, dass es auch wieder so werden 

kann, und versuche, optimistisch zu bleiben. 

MM: Du konntest 2020 den ersten Platz im Bereich „Singer-Song- 

writer“ beim 38. Deutschen Rock und Pop Preis erzielen. Wie war 

es für dich, nachdem du von deinem Gewinn erfahren hast? 

ernst nehme, da sie durch ihren Wettkampfgeist nicht dem eigentlichen 

Sinn des Musikmachens entsprechen und nicht jedem Künstler gerecht 

werden können. Vielmehr geht es mir um den gegenseitigen Austausch 

zwischen Künstlern, das Kennenlernen neuer Leute und das Sammeln von 

Inspirationen, was sich aufgrund der diesjährigen Pandemie-Situation ja leider 

etwas schwieriger gestaltet hat. Ab und an finde ich es einfach spannend, 

seine Komfortzone zu verlassen und sich einfach mal etwas zu wagen. 

MM: Mit dem Gewinn beim Rock & Pop Preis und deinem Debütalbum 

in Arbeit, was sind deine weiteren Pläne für die Zukunft? 

LENA HAUPTMANN: Mein Wunsch ist es, mir ein Leben gemeinsam mit der 

Musik aufzubauen und mit ihr zu wachsen. Die Freiheit zu haben, die Musik 

spielen zu können, die mir am Herzen liegt, auf Bühnen zu stehen vor einem 

wertschätzenden Publikum und Musiker um mich herum zu haben, mit 

denen ich gerne zusammenarbeite und noch einige CDs aufnehmen kann. 

Ich möchte auf jeden Fall weiterhin an meinen Songwriting-Skills arbeiten, 

natürlich auch an meinen stimmlichen und musikalischen Fähig keiten weiter 

üben – das ist ein sehr langer Prozess, der wohl niemals aufhört. Dazu 

gibt es einfach noch zu vieles zu entdecken. Ebenfalls würde ich gerne 

die Arbeit im Tonstudio forcieren. Ob es meine eigenen Songs sind, das 

Einsingen von Backgroundvocals für andere Künstler oder das Ein - 

sprechen von Texten, ich kann mir die unterschiedlichsten Aufgaben vorstellen. 

Auch das Unterrichten von Musik wäre eine gute Möglichkeit, mein 

erlerntes Wissen weiterzutragen und anderen dabei zu helfen, ihre Stimme 

auszubilden. Ich glaube, in der heutigen Zeit muss man als freischaffender 

Musiker sehr flexibel und vielseitig aufgestellt sein. 

LENA HAUPTMANN: Ich habe mich natürlich sehr darüber gefreut, dass 

der Jury meine Musik gefallen hat. Auch wenn ich Wettbewerbe nicht zu 

INTERVIEW: LEONIE FÖRSTER 

FOTOS: CHARLOTTE & DAN BARON; MAREK SZYMCZAK 


16 STORIES 

View geben dort Vollgas, wo echte 

Bird’s 

Bands schon immer ihre Hymnen in den 

Asphalt brennen – live. Und seit ihrer Grün dung 

Anfang 2016 kennen sie nur eine Richtung: 

nach vorne! 

MM: 2016 habt ihr die Band gegründet. Wie 

lange kennt ihr euch schon und woher 

kam der Entschluss, gemeinsam Musik zu 

machen? 

Jazzakkorde, krumme Taktarten, 

ein fetter Sound und ein deutlicher Fokus 

auf den Groove sorgen für originelle 

und einprägsame Songs, 

die die Halle zum Beben bringen. 

BIRD’S VIEW: Kurz vor der Studioproduktion 

im September 2019 unserer zweiten EP gabs bei 

uns einen Besetzungswechsel, Jan (Drums) und 

Max (Bass) sind neu dazukommen. Wir haben 

aber vorher schon lange zusammen in verschieden 

Projekten Musik gemacht – sagen wir seit 

ca. 2013. 

MM: Das Finden eines Bandnamens stellt oft 

ein Problem dar. Wie seid ihr auf BIRD’S VIEW 

gekommen? 

BIRD’S VIEW: Kurze und relativ chaotische 

Sache: Alex und ich (Niko, d. R.) haben uns, 

nachdem wir das erste Mal wirklich Kohle mit 

Musik verdient haben, eine Drohne gekauft. 

Sagen wir einfach, wir sind mit der Drohne in 

eine Fensterfront geflogen, und das Einzige, 

was man in den Scherben noch gesehen hat, 

waren diese Deko-Vogelaufkleber. 

BIRD’S 

VIEW 

MM: Ihr habt im Jahr 2019 den Hessi schen 

Rock & Pop Preis gewonnen und anschließend 

auch noch beim Deutschen Rock & 

Pop Preis in der Kategorie „Rock“ den ersten 

Platz abgeräumt. Wie war das für euch? 

BIRD’S VIEW: Sehr viel warten und wenig spielen! 

Trotzdem war es aber eine coole Sache. 

Freuen uns natürlich mega über den Gewinn, 

und mal gucken, was als Nächstes kommt. 

MM: Woher holt ihr euch eure musikalische 

Inspiration? Gibt es auch bestimmte Alben, 

die euch inspirieren? 

BIRD’S VIEW: Ich glaube, wir hören alle sehr 

viele verschiedene Musikrichtungen. 

Jans Lieb lingsalbum ist momentan „On The 

Mountain“ von Elvin Jones, Alexs „Songs For 

The Deaf“ von Queens of the Stone Age, Maxs 

„In Your Honor“ von den Foo Fighters, und 

meins (Nikos, d. R.) „Grace – Jeff Buckley“. 

Ansonsten hängen wir einfach unglaublich 

viel miteinander ab und wissen ganz genau, 

wie der andere musikalisch tickt. 

Halt mein Bier – 

ich mach mal lauter … 


STORIES 17 

BIRD’S VIEW 

„Cigarettes and Coffee“ – EP 

VÖ: 29. FEBRUAR 2020 

WWW.BIRDSVIEW.EU 

WWW.FACEBOOK.COM/ 

BIRDSVIEW.OFFICIAL 

Mit Mut in den Kurven 

und Gitarrensounds 

in 6-Zylinder-Stylishness 

gehen sie zusammen 

nach vorne wie 

ein praller 40-Tonner eine 

Stunde vorm 

Sonntagsfahrverbot. 

Willkommen im 

Desert-Sound Drive-Thru. 

Die volle Bedienung 

– ausgewogen, 

anspruchsvoll, gerne 

auch kompliziert – 

aber immer mit dem 

ultimativen Kick für alle, 

die den Groove 

einer richtigen 

Rockband brauchen. 

MM: Ihr seid als Band im „Underground“ 

tätig. Welche war eure ereignisreichste 

„Underground“-Show und was sind eure 

Er fahrungen? 

BIRD’S VIEW: Ich glaub, ’ne Underground-Show 

ist nur gut, wenn am Ende die Polizei im Wohn - 

gebiet vor der Haustür steht. Viel Stagediving 

und Pogo, da wo eigentlich Menschen zu Abend 

essen. 

MM: Einige der größten Bands haben Pre - 

show-rituale – was ist euers und wie bereitet 

ihr euch auf einen Gig vor? 

BIRD’S VIEW: Ein paar von uns pennen nach 

dem Soundcheck meistens. Dann hören wir viel 

Tech House und trinken ’ne Stunde vorher ziemlich 

viel Kaffee. Zehn Minuten vor der Show 

machen wir uns warm und versuchen irgendwie, 

den Kreislauf in Schwung zu bringen. Dann 

machen wir ein Foto und reißen die Hütte ab. 

MM: Nach einer erfolgreichen Show wird 

meist erstmal gefeiert. Wie kann man sich 

eine After-Show-Party der BIRD’S VIEW 

vorstellen? 

BIRD’S VIEW: Meistens ist Jan irgendwo im 

Back stage am Skaten, während Alex und Max 

eine große Liebe für Tequila nach Shows entwickelt 

haben. Ich habe seit Anfang 2019 von 

unserem Manager absolutes Feuerwerks ver bot, 

weil das anscheinend nicht so gerne gesehen 

wird – also ziemlich guter Circus und jeder ist 

willkommen! 

MM: Im März 2020 habt ihr bekannt gegeben, 

dass ihr an eurem ersten Album arbeitet. 

Wie weit seid ihr und wie ist euer Song - 

writing-Prozess? 

BIRD’S VIEW: Wir sind mitten im Songwriting 

und schreiben ’ne Palette an Songs, bevor wir 

im Januar ins Studio von Oli Rüger gehen und 

anfangen, alles vorzuproduzieren – so ist der 

Plan. Im Moment sind wir also noch voll in der 

Orga-Phase. 

MM: Durch Covid-19 werden Konzerte zurzeit 

verhindert – wo seid ihr dennoch am 

liebsten: im Studio oder auf der Bühne? 

BIRD’S VIEW: Auf jeden Fall auf der Bühne! 

Das ist eine ganz andere Energie als im Studio. 

Und das Geilste ist, wenn du Leute siehst, denen 

die Mukke gefällt. Dafür macht man ja den 

ganzen Kram letztendlich! 

MM: Neben einem Album, was sind eure 

Pläne für die Zukunft? 

BIRD’S VIEW: Erst mal wieder Shows spielen 

dürfen, bei denen es erlaubt ist zu moshen. 

Ansonsten passiert grade trotz Corona glücklicherweise 

ziemlich viel bei uns. Da kommt auf 

jeden Fall in der nächsten Zeit noch einiges auf 

euch zu ... 

WEB: BIRDSVIEW.EU 


FOTOQUELLE: BIRD’S VIEW 

BACKGROUNDFOTO: ADOBE STOCK 


18 STORIES 

SASCHA SALVATI 

»Künstler müssen einfach mehr zum Unter nehmer werden« 

Der Dortmunder Vollblutmusiker wurde in Soest geboren. Im Alter von 15 Jahren 

war er bereits als professioneller Studiosänger aktiv. Er spielt sowohl Klavier 

als auch Gitarre und wird von seinen Musikerkollegen als Songwriter 

und Komponist geschätzt. Sascha hat immer einen lustigen Spruch auf den Lippen. 

Auf der Bühne sprüht er vor Energie und das kann man hören und sehen. 

MM: Wie ich erfahren habe, habt ihr an der 

TV-Show Popstars 2007 teilgenommen. 

Kannst du uns dazu etwas sagen? 

SASCHA SALVATI: Tialda und ich haben 2007 die 

TV-Show Popstars gewonnen und waren Mit glie - 

der der Band ROOM2012. 

In dieser Zeit wurden wir auch privat ein Paar 

und entschieden uns nach der Trennung der 

Band, den Weg zu zweit weiterzugehen. 

SASCHA SALVATI: Ich komme aus einer multinationalen 

Familie mit deutschen, italienischen, 

jamaikanischen, amerikanischen Wurzeln. 

Be sonders die afroamerikanischen Einflüsse 

haben sich bei mir musikalisch sehr niedergeschlagen. 

Ich bin mit Oldschool-RnB-Musik aufgewachsen 

und diese Musik hat den größten Einfluss auf 

mich gehabt. 

ROOM2012 haben in seiner kurzen Bestehens - 

zeit etwa 150 000 CDs verkauft und mehrere Top- 

Ten-Platzierungen in den Charts erhalten. 

Die Band hat sich nach Differenzen mit Ma na - 

gement und Plattenfirma getrennt. 

MM: Welche Auszeichnungen hattet ihr in 

2019 anlässlich des Deutschen Rock & Pop 

Preises erhalten? 

Natürlich gibt es auch einen großen Hip-Hop- 

Anteil in meinen musikalischen Wurzeln. Daher hat 

es mich auch sehr gefreut, dass mein Soloalbum 

„Was ich will & was ich gebe“ einen der Hip-Hop- 

Preise gewonnen hat. Musikalisch bin ich aber 

weniger Hip-Hop, sondern sehr RnB! 

MM: Wie lebt ihr als unabhängige Musiker 

und Künstler? 

SASCHA SALVATI: Ich durfte insgesamt sieben 

Preise mit heimnehmen. Unter anderem den ersten 

Platz in der Kategorie RnB, die mir als RnB- 

Sänger extrem wichtig war. 

SASCHA SALVATI: Darüber könnte ich ein Buch 

schreiben: Für uns war nach der Popstars-Ge - 

schichte klar, dass wir nie wieder in ein so extremes 

Abhängigkeitsverhältnis kommen dürfen. 

MM: Bitte beschreibe euren musikalischen 

Background … 

In dieser Situation hatten wir absolut keine 

Kontrolle über unsere Karriere oder das Busi ness. 


STORIES 19 

Zudem waren die Beteiligungen für uns so gering, dass 

wir trotz extremen Bekanntheitsgrads kaum über die 

Runden gekommen sind. 

Nach einiger Zeit wurde uns klar, dass wir unsere musikalische 

Karriere als Business verstehen müssen. Deshalb 

haben wir TS Entertainment gestartet. Ich habe nach der 

Erfahrung mit Popstars ein Betriebswirtschaftsstudium 

ab geschlossen, damit ich mein wirtschaftliches Knowhow 

auf ein vernünftiges Level bringe. 

Wir sind jetzt nur musikalisch und wirtschaftlich so er - 

folgreich, weil wir unser Business zu 100 Prozent selbst 

steuern. 

Das nimmt natürlich extrem viel Zeit in Anspruch. Wir 

müssen uns immer wieder aus unserer Komfortzone herausbegeben, 

um zu wachsen. Aber die extreme Mühe ist es 

wert. Wir wissen ganz genau, was in unserer Unter neh mung 

passiert, und können selbst entscheiden. 

Auch wenn der Bekanntheitsgrad nicht ansatzweise so 

hoch ist wie damals, verdienen wir ein Vielfaches von dem, 

was wir nach Popstars erhalten haben. Auch wenn Musiker 

immer ungern über Finanzen reden, ist es wie in jedem 

Business trotzdem ein wichtiges Thema. Und Musik ist 

halt einfach ein Business. 

MM: Wie ich erfahren habe, bist du nicht nur Musiker, 

sondern auch Betriebswirt und berätst als Business 

Coach angehende Unternehmer. Wie schaffst du diesen 

Spagat? 

SASCHA SALVATI: Nach meiner Erfahrung, mit dem Auf - 

bau von TS Entertainment und dem Studium wurde ich 

immer wieder von Musikern gefragt, ob ich Tipps habe. 

Ein Musikerkollege hat mich gefragt, ob ich beim Aufbau 

seiner Musikschule behilflich sein kann. Ich bin so zufällig 

in den Bereich Unternehmensberatung und Coaching ge - 

rutscht. 

Interessant ist für mich, dass ich oberflächlich gesehen 

ja absolut nicht dem typischen Bild eines Unternehmens - 

beraters entspreche. 

Ich drehe Musikvideos mit Frauen und Sonnenbrille. Für 

manche Leute ist das etwas verwirrend, auch für mich 

selbst manchmal. Ich hatte zu Beginn oft das Gefühl, dass 

ich diesem typischen Unternehmensberatertyp entsprechen 8 


20 STORIES 

muss. Heute weiß ich, dass ich gerade weil ich eine völlig andere Art von 

Berater bin, so gerne und häufig von jungen Existenzgründern oder Unter - 

nehmern beauftragt werde. Durch meine Erfahrung kann ich auch mit völlig 

anderen Ansätzen coachen. Allerdings ist meine Zeit begrenzt, und ich 

merke, dass ich immer weniger dazu komme, Musik zu machen. 

Ein schwieriger Spagat. Trotzdem genau das Richtige für mich und meinen 

Weg. Ich will Gründern ja auch ersparen, ähnliche Fehler zu machen 

wie ich zu Beginn. 

MM: Mit deiner Lebenspartnerin hast du die Firma TS Entertain ment 

gegründet. Deine Lebenspartnerin ist auch Sängerin und ihr habt 

gemeinsam die TV-Show Popstars gewonnen. Welche Auswir kungen 

hat dieser Gewinn für euch? 

SASCHA SALVATI: Die Show war für uns beide ein super Sprungbrett und 

ist nach wie vor eine gute Referenz für uns. 

Die Zeit hat uns unglaubliche und wertvolle Erfahrungen beschert, von 

denen wir heute noch jeden Tag profitieren. Es war wirklich eine super 

Schule für uns. Wir haben uns darüber kennengelernt und so hat die ganze 

»Ich wurde erst erfolgreich, 

als ich mich gefragt habe: Was kann ich 

anderen Menschen für 

einen Mehrwert bieten? Erst dann kam 

der wirtschaftliche Erfolg.« 

SASCHA SALVATI 

„HIER FÜR DICH“ – MUSIKVIDEO 

VÖ: 03. JULI 2020 

YOUTU.BE/NWO7TAJT8YM 

WWW.FACEBOOK.COM/SASCHASALVATI 

WWW.INSTAGRAM.COM/SASCHASALVATI 


STORIES 21 

Geschichte eigentlich erst begonnen. Vor Popstars 

war ich komplett „Lost“. Ich wusste nur, dass ich 

Musiker werden wollte, hatte aber keine Ahnung, 

wie das gehen soll. Popstars war damals der große 

Schritt in die richtige Richtung. 

MM: Könnt ihr erfolgreich von eurer Musik 

leben? 

SASCHA SALVATI: Wir leben sehr gut von der 

Musik. Das aber vor allem auch, weil wir ständig 

an unserem Business und an unserer Ver mark - 

tung feilen. 

Wir wissen, was unsere Leistung wert ist. Durch 

das Wirtschaftsstudium und viel Weiterbildung in 

verschiedenen Businessbereichen konnten wir 

Prozesse in unser Unternehmen integrieren, die 

eigentlich vor allem in anderen Branchen ge nutzt 

werden. Dadurch haben wir extrem viel Nach - 

frage und eine hohe Abschlussquote an Auf trä - 

gen. Mittlerweile verbuchen wir ja auch andere 

Künstler. 

MM: Beschreibe die Denkweise eines Künst - 

lers … 

SASCHA SALVATI: Früher war ich der Meinung, 

dass ein Künstler mit dem Businessteil nichts zu 

tun haben sollte. Ein Manager sollte sich um alle 

Bereiche des Business kümmern und der Künstler 

macht nur Musik und Show. 

Ein Konzept, das vor allem den Sängern und 

Rappern in den letzten Jahrzehnten eingebläut 

wurde und das mittlerweile völlig überholt ist. 

Kreativität ist natürlich die Nummer-eins-Qualität 

jedes Künstlers. Allerdings ist es heutzutage und 

war es auch damals schon unheimlich wichtig, 

dass ein Künstler das Mindset eines Unter neh - 

mers entwickelt. 

Ansonsten hat man immer den kürzeren Stroh - 

h alm in der Hand. Die größten Künstler unserer 

Zeit sind alle auch richtig gute Unternehmer. 

Wer schon mal seine Streaming-Abrechnung 

gesehen hat, dem wird schnell klar, dass er andere 

Incomestreams benötigt. 

Das Livegeschäft ist einer der wenigen Wege 

heutzutage, mit Musik noch Umsatz zu machen. 

Wer eine starke Marke hat, der kann aber auch 

mit Merch und anderen Leistungen gut verdienen. 

Wir werden langfristig immer mehr Independent 

Artists sehen, die ohne Plattenfirma sehr erfolgreich 

werden. 

Fynn Kliemann ist da besonders hervorzuheben. 

Er hat in dem Zusammenhang ja sogar eine 

richtig gute Dokumentation produziert. 

Künstler müssen einfach mehr zum Unter - 

nehmer werden. Es führt kein Weg daran vorbei. 

Als Künstler musst du heute einfach die Pro zesse 

begreifen, die hinter der Musik stehen. Radio und 

TV werden immer mehr an Bedeut samkeit verlieren. 

Dies ist ja jetzt schon der Fall. Social Media 

wird immer weniger organische Reichweite bieten. 

Auch Künstler müssen anfangen, Werbung zu 

schalten. 

Rapper haben irgendwie häufig schon dieses 

Mindset. Bei den Sängern und Instrumentalisten 

habe ich oft das Gefühl, dass sie noch immer in 

diesem alten Mindset hängen und mit dem 

Business part nichts oder nur wenig zu tun haben 

wollen. Das Resultat ist, dass man kaum über 

die Runden kommt. 

Jeder Musiker sollte sich aktuell intensiv mit 

TikTok beschäftigen. Leider vernachlässige ich 

selbst aktuell diesen Social-Media-Kanal noch 

zu sehr. Das werde ich sicherlich noch bereuen. 

MM: Wie sieht bei euch die Musik in Zeiten 

von Corona aus? 

Die meisten Musiker stellen sich die Frage: Wie 

kann ich Geld verdienen? Das war auch immer 

die Frage, die ich mir gestellt habe, als ich wirtschaftlich 

schlecht dastand. 

Ich wurde erst erfolgreich, als ich mich gefragt 

habe: Was kann ich anderen Menschen für einen 

Mehrwert bieten? Erst dann kam der wirtschaftliche 

Erfolg. 

Als Künstler müssen wir vor allem lernen und 

offen sein. Unsere Grenzen erweitern. In allen 

Be reichen. Daher kommt ja auch die Kreativität. 

MM: Wie siehst du die Zukunft des Musik - 

geschäfts? 

SASCHA SALVATI: Streaming hat alles verändert. 

Ich bin ehrlich gesagt froh, dass es Streaming gibt, 

auch wenn die Beteiligungen noch nicht gut sind. 

Als wir mit ROOM2012 erfolgreich waren, hat 

kaum noch jemand CDs gekauft. Alle haben sich 

die Musik illegal aus dem Netz gezogen. Heute 

werden wir über Streaming wenigstens am Kon - 

sum beteiligt. 

SASCHA SALVATI: Wir treten mittlerweile schon 

wieder im kleinen Rahmen auf. 

Im Lockdown (2020) waren wir grad in LA und 

haben da die Zeit genutzt, richtig gute Videos zu 

prodduzieren. Wer hat schon die Gelegenheit, 

das völlig menschenleere Los Angeles zu filmen. 

Das war eine einmalige Gelegenheit für uns. 

Ansonsten haben wir einfach viel aufgenommen. 

Ich muss aber auch sagen, dass es mir guttat, 

einmal weniger zu tun zu haben. 

Aktuell habe ich extrem viel Nachfrage für meine 

Coachings. Daher ist Musik in den letzten Mo naten 

sehr in den Hintergrund gerückt. Umso mehr weiß 

ich die kleinen Auftritte zu schätzen. 

Mir ist egal, vor wie vielen Leuten ich singe. 

Haupt sache die Emotion kommt beim Zuhörer an. 

Wir hatten einige private und persönliche Livestreams, 

die allesamt unerwartet emotional waren. 

Eine völlig neue Erfahrung für uns. 

INTERVIEW: MUSIKER MAGAZIN 

FOTOQUELLE: SASCHA SALVATI 

WEB: WWW.T-S-ENTERTAINMENT.COM 

WWW.FACEBOOK.COM/SASCHASALVATI 


22 STORIES 

CHRIS BRANDON 

„I Shouldn't Love U 

(feat. RGT)“ 

VÖ: 2020 

WWW.FACEBOOK.COM/ 

CHRISBRANDONOFFICIAL 

Christian Besau, alias Chris Brandon, 

wurde 1972 in Mannheim geboren 

MM: In den letzten 20 Monaten ist bei dir 

einiges passiert, Chartplatzierungen in den 

US-Charts und deine Gewinne beim Deut - 

schen Rock & Pop Preis 2019. Wie ist es für 

dich als Musiker, so positive Rück mel dun gen 

zu erhalten? 

CHRIS BRANDON: Die Frage erinnert mich daran, 

wie ich als Teenager für die Musik brannte. Ich war 

mir sicher, nie wieder damit aufzuhören, während 

viele in meinem Umfeld ständig flehten, ich solle 

doch um Himmels willen nicht schon wieder singen. 

Ein Lehrer nannte mich damals ständig 

Troubadix, in Anlehnung an den glücklosen Sänger 

im Asterix-Comic. Aber wenn die Musik ganz tief 

in dir einmal gesät ist, dann kannst du nicht anders 

als dem Sound deiner inneren Stimme zu folgen. 

Eine coolere Bestätigung als die erfolgreichen 

Abenteuer der letzten 20 Monate kann ich mir 

nicht vorstellen. Klar habe ich sehr hartnäckig mit 

meinem typischen Dickschädel daran gearbeitet, 

aber das tun andere Künstler auch – und ich kenne 

ganz hervorragende Musiker, die Auf merk samkeit 

verdienen. Erfolg ist nicht selbstverständlich, und 

Man nehme aktuelle und 

eingängige Popsongs, 

dazu eine markante Stimme, die 

vor Energie sprüht, einen Schuss 

Rhythm and Blues und 

einen gutgelaunten Sänger. 

Das Ergebnis: 

CHRIS 

BRANDON 


STORIES 23 

Für die Ärzte stand 

schnell fest: Er würde nie 

etwas sehen können, also 

blieb das Hören. 

Und die Musik faszinierte 

ihn von Anfang an. 

Bereits mit fünf Jahren 

kannte er jeden Hit 

von Elvis und Bruce 

Springsteen. Einflüsse, 

mit denen Chris 

seine aktuellen Popsongs 

zu einer seltenen und 

erfrischenden Mischung 

macht. Rock ’n’ Roll 

wurde für Chris Brandon 

zur Lebenseinstellung 

für die Seele. 

manchmal musst du wieder und wieder aufs Tor 

zielen, um einmal zu treffen. Wenn das passiert, 

ist das immer ein Grund, dankbar zu sein. 

MM: Du selbst bist ein großer Elvis-Presley- 

Fan und hast schon gemeinsam mit seinem 

entfernten Cousin Ryan Presley an Songs 

ge arbeitet und sogar in den Sun Studios 

produziert. Wie war das Erlebnis für dich? 

CHRIS BRANDON: Ganz ehrlich, mit dem Wort 

„Fan“ hatte ich immer Probleme, weil es eine 

gewisse Unterwürfigkeit ausdrückt. Das schmälert 

aber keinesfalls meinen riesigen Respekt und 

die Bewunderung für Künstler wie Elvis. Obwohl 

ich für seine Songs zu jung war und sie erst nach 

seinem Tod kennenlernte, war und ist Rock ’n’ Roll 

für mich eine geniale Offenbarung. Hätte man mir 

mit 17 prophezeit, dass ich später in den legen - 

dären Sun Studios in Memphis produzieren würde, 

wo alles begann, und dass ich sogar Freund - 

schaft mit der Familie Presley und besonders mit 

Ryan schließen würde – der geniale Songs 

schreibt –, ich hätte es wohl selbst nicht geglaubt. 

8

24 STORIES 

Manchmal läuft das Leben aber besser, als du 

denkst. Was Elvis betrifft, so ist er für mich die 

perfekte Kombination aus Rebell und Schwie ger - 

mutters Liebling. Gerade in seinen Spielfilmen 

hat er sich aber auch extrem vom eigenen An - 

spruch entfernt, wie er selbst sagte. Manchmal 

ist es wohl Segen und Fluch zugleich, wenn man 

das große Talent hat, sich an die Erwartungen 

anderer zu adaptieren. Gut, wenn man das im 

Hinterkopf behält, in der Musik und im Leben. 

MM: Als du in Memphis warst, hattest du 

die Ehre, gemeinsam mit der Band der Blues- 

Legende B. B. King in dessen Club aufzutreten. 

Du bist der erste weiße Mann, der 

diese Gelegenheit bekam. Wie waren deine 

Erfahrungen? 

CHRIS BRANDON: Das war eine extrem große 

Ehre. Da stand ich backstage im Club einer der 

ganz Großen und vor mir hatte ich seine genialen 

Bühnenbegleiter, alle längst im Rentenalter, 

extrem bescheiden und absolut professionell. 

Sie kannten ja den deutschen Musiker nicht, der 

weit gereist war, um mit ihnen zu spielen. Und 

doch empfingen sie mich mit der warmherzigen 

Offenheit, die so typisch ist für die Südstaaten. 

Schnell wurde mir aber klar, dass das Mana - 

gement und auch ich selbst etwas Wichtiges 

übersehen hatten. Welche Songs würden wir 

eigentlich gleich spielen? Es war schnell klar, dass 

es unbedingt Titel von schwarzen Künstlern sein 

mussten. Diesen Respekt verdiente die Band 

einfach und irgendwie war das für alle selbstverständlich. 

Am Ende war es dann wie fliegen. Alles 

lief von selbst und wir feierten gemeinsam eine 

unglaublich tolle Samstagnacht mitten in der 

brodelnden und schwülen Hitze von Memphis. Nie 

hatte ich übrigens lautere Bühnenmonitore als mit 

dieser hammer Band. 

MM: Inwiefern haben solche Erlebnisse dich 

und deine Musik geprägt? 

»Rock ’n’ Roll ist wohl der einzige Krach auf 

der Welt, der Kopfschmerzen vertreibt. 

Er ist Sex, Freude und Wut zugleich und 

macht all das zu guter Energie. 

Alles, was wir heute an Musik hören und 

spielen, basiert darauf und ist 

für mich mehr oder weniger Rock ’n’ Roll.« 

CHRIS BRANDON: Musik kam für mich nie einfach 

nur aus dem Radio, das zur Untermalung 

vor sich hinplätschert. Sie wurde für mich zur 

Lebenseinstellung und zum Ventil für große 

Traurig keit und riesige Freude, mit der man es 

schaffen kann im Leben. Ich bin ganz sicher, dass 

ich seit meinem fünften Lebensjahr keinen Tag 

ohne bewusstes Musikhören verbracht habe. 

Ich verdanke ihr unendlich viel und hoffe sehr, 

sie behält ihren hohen Stellenwert in unserer 

Gesell schaft, auch wenn sie immer verfügbarer 

wird. Wenn ein toller Künstler ein neues Album 

macht, sollte das auch künftig Gesprächsthema 

in der Straßenbahn oder Kneipe sein. 


STORIES 25 

»Corona zeigt der Gesellschaft, 

wie sensibel und wichtig Kultur ist, 

und uns Musikern, 

wie dringend wir unser Publikum 

brauchen. 

Wir alle sind aufeinander 

angewiesen, und Musik ist eben 

doch nicht nur 

irgendein Beiwerk oder Dudel ware, 

sondern hat einen enormen Wert, 

auch finanziell.« 

MM: Über dich ist zu finden, dass nicht nur 

Elvis Presley, sondern auch Bruce Springsteen 

und Bob Dylan zu deinen Idolen gehören. 

Inwiefern inspirieren sie dich? 

CHRIS BRANDON: Erst mal inspiriert mich auch 

ganz neue Musik von Künstlern wie Gregory 

Porter zum Beispiel. Aber Bruce Springsteen 

sagte mal, dass Elvis mit dem Rock ’n’ Roll den 

Körper be freite und Dylan mit seinen messerscharfen 

Texten den Geist. Für mich trifft das voll 

zu. Ein perfektes Beispiel ist das unschlagbar 

knappe und klare Statement von Bob Dylan: „To 

live outside the law you must be honest.“ Ich 

liebe es, mit solchen Gedanken als Abenteurer 

unterwegs zu sein. Außerdem vergisst man schnell, 

dass es der Rock ’n’ Roll war, der es Schwarzen 

und Weißen erstmals ermöglichte, zur gleichen 

Musik zu tanzen. Damit sprengte er Grenzen und 

schuf die Basis für das heutige Ver ständnis von 

Gleich heit. 

MM: Was genau bedeutet Rock ’n’ Roll für 

dich? 

CHRIS BRANDON: Rock ’n’ Roll ist wohl der 

einzige Krach auf der Welt, der Kopfschmerzen 

vertreibt. Er ist Sex, Freude und Wut zugleich 

und macht all das zu guter Energie. Ich meine 

dabei nicht nur Elvis & Co. Alles, was wir heute 

an Musik hören und spielen, basiert darauf und 

ist für mich mehr oder wenigerRock ’n’ Roll. 

MM: Bob Dylan durftest du sogar interviewen, 

da du Radiojournalist und Promi mode rator 

bist. Was ist das Spannendste an deinem 

Beruf? 

CHRIS BRANDON: Ganz klar: die Menschen 

selbst. Nach meiner Erfahrung gilt übrigens: Je 

prominenter, desto unkomplizierter sind die meis - 

ten Menschen, die ich im Radio interviewen darf. 

Allüren, Zeitknappheit oder Arroganz erlebe ich 

eher auf der mittleren Ebene, auch im Mana ge ment 

oder bei pseudowichtigen Aufpassern back stage. 

Die Künstler, die sie betreuen, sind dagegen meist 

angenehm entspannt und oft auch dankbar für 

Gesprächspartner, die sie nicht an himmeln, sondern 

ernst nehmen. 

Ich denke da an Stars wie Udo Lindenberg, 

Stefanie Heinzmann oder Peter Maffay, mit denen 

ich sehr persönlich sprechen konnte. Mit einigen 

Künstlern wie etwa den Hooters oder Mango 

Cherry haben wir sogar tatsächlich mitten im 

Interview ganz spontan gesungen. 

MM: Viele Musiker hatten mit Covid-19 und 

dessen Auswirkungen schwer zu kämpfen. 

Wie verlief das Jahr 2020 für dich? 

CHRIS BRANDON: Durch mein berufliches Stand - 

bein im Radio gehöre ich zu den Glück lichen, 

deren Existenz nicht bedroht ist. Ich denke aber, 

Corona zeigt der Gesellschaft, wie sensibel und 

wichtig Kultur ist, und uns Musikern, wie dringend 

wir unser Publikum brauchen. Wir alle sind 

aufeinander angewiesen, und Musik ist eben doch 

nicht nur irgendein Beiwerk oder Dudel ware, 

sondern hat einen enormen Wert, auch finanziell. 

Um ihn unbedingt zu erhalten, müssen jetzt alle 

Seiten kreativ sein – und ganz wichtig: Corona ist 

längst nicht der einzige Killer. Warum soll es sich 

eigentlich für Musiker lohnen, ihre Songs auf di - 

gi talen Plattformen zu streamen, die dafür bestenfalls 

lächerlichste Centbeträge als Spothonorar 

zahlen, das nicht mal für neue Drum sticks oder 

Gitarrensaiten reicht? Auch hier müssen wir uns 

alle perspektivisch etwas einfallen lassen. 

MM: Trotz Covid-19 hast du es geschafft, mit 

deinem aktuellen Song „I Shouldn’t Love You“ 

bereits über 20 500 Klicks bei Spotify zu 

erreichen. Was ist als Nächstes geplant? 

CHRIS BRANDON: Das ist schnell erzählt, es 

gibt spannende neue Songs in der Pipeline. Ich 

wurde als Musiker ins Leben gestellt, der gar nicht 

anders kann, als Musik aus tiefstem Herzen zu 

lieben und zu machen – and so I will keep on singing 

a song. 

WEB: WWW.FACEBOOK.COM/ 

CHRISBRANDONOFFICIAL 


FOTOQUELLE: CHRIS BRANDON 

GRAFIKQUELLE: ADOBE STOCK 


26 STORIES 

SPY # ROW 

„Blood Brothers“ 

VÖ: 26. APRIL 2019 

SPYROW.DE 

FACEBOOK.COM/SPYROWDREIEICH 

INSTAGRAM.COM/BANDSPYROW 

»Der Begriff „Band“ war 

für uns schon immer mehr 

als eine Gruppe von Musikern. 

Es bedeutet für uns 

Familie und unbedingten 

Zusammenhalt.« 

Eine neue Ära des Hard Rocks 

MM: Ihr kennt euch schon seit Geburt an 

und macht seit 15 Jahren zusammen Musik. 

Woher kam die Entscheidung, professionell 

Musik zu machen? 

SPY#ROW: Wir sind zusammen aufgewachsen 

und kennen uns seit Stunde 0 – wir hatten uns 

tatsächlich schon gegenseitig auf dem Arm. Von 

klein auf hatten wir den gleichen Musik gesch - 

mack, auf den uns glücklicherweise unsere Väter 

gebracht haben. Die spielen auch in einer Band, 

und wir waren als Kids extrem fasziniert, was auf 

der Bühne passiert ist. Und wie das dann so ist, 

wollten wir das auch mal probieren. Der Wunsch, 

das professioneller zu machen, hat sich dann im 

Laufe der Zeit entwickelt. 

MM: Wie waren eure Anfänge? 

SPY#ROW: Wir hatten bereits seit 2005 zu - 

sammen Musik gecovert, aber 2012 haben wir uns 

gedacht: Wieso versuchen wir nicht mal, einen 

eigenen Song zu schreiben? Also haben wir uns 

zusammengesetzt und ziemlich lange gefeilt. 

Danach waren wir voll im Flow und unsere eigene 

Setlist ist immer weiter gewachsen – bis wir 

vier Songs auf eine EP gebrannt haben. Die weiteren 

Jahre hat sich unser Sound aber immer mehr 

verändert. 

MM: 2019 kam dann euer erstes Album 

„Blood Brothers“. Woher kam der Ent schluss, 

an einem Album zu arbeiten? 

SPY#ROW: Dadurch, dass wir uns stetig etwas 

weiterentwickelt haben, hatten wir irgendwann 

viele Songs zusammen, doch kein einziger war 

irgendwo (professionell aufgenommen) zu hören ... 

Die einzig logische Konsequenz war dann, 

dass wir 2018 ins Studio gegangen sind und ein 

ganzes Album aufgenommen haben, das wir 2019 

über Fastball Music releasen durften. 

MM: Euer Album beinhaltet insgesamt elf 

verschiedene Songs. Habt ihr die Songs zu - 

sammen komponiert? Und wie war der Pro - 

zess des Songwritings? 

SPY#ROW: Der Tim spielt immer und überall 

Gitarre und hat deswegen generell zu jeder Zeit 

gute rohe Riffs am Start. Die gehen wir dann in 

der Regel durch und schauen, welcher direkt bei 

uns einschlägt. Der Song wird dann zusammen 

ausgefeilt und Bass & Drums bauen sich darauf 

auf. Manchmal haben wir auch schon Refrains 

fertig, die dann zum Riff passen – man kann sich 

das vorstellen wie einen Baukasten aus einzelnen 

Sequenzen, aus dem wir uns fürs Song writing 

bedienen. 

MM: Das Endprodukt ist ein sehr persönliches 

Hard-Rock-Album. Was bedeutet „Blood 

Brothers“ für euch als Band? 

SPY#ROW: Der Begriff „Band“ war für uns schon 

immer mehr als eine Gruppe von Musikern. Es 

bedeutet für uns Familie und unbedingten Zu - 

sammenhalt. Das wird besonders deutlich, wenn 

man bedenkt, dass wir seit Geburt eine Einheit 

sind und seit fast 16 Jahren zusammen Musik 

machen – ohne einen einzigen Wechsel in der Be - 

setzung. Wir sind von klein auf zusammen durch 


jede wichtige Phase des Lebens gegangen und 

können einander blind vertrauen – sowohl auf 

der Bühne als auch abseits der Bühne. 

MM: Ihr geltet als „der frische Wind“ der 

Rock-Musik. Was ist die Besonderheit eurer 

Band? 

SPY#ROW: Wir freuen uns immer, wenn das 

den Leuten auffällt: Wir wollen die „alten“ Werte 

des Hard-Rocks – die das Musikgenre so groß 

gemacht haben – erhalten, aber in ein neues, 

STORIES 27 

frisches & modernes Gewand kleiden. Das bedeutet, 

wir stehen auf handgemachten Riff-Rock, 

der aber in keinem Fall angestaubt wirkt. Fette und 

einprägsame Riffs auf der Gitarre sind nämlich in 

der heutigen Zeit etwas Mangelware ge worden. 

Auf der Bühne sind wir auch ziemlich präsent und 

bewegen uns viel: Man merkt uns on stage auch 

glaube ich an, mit welcher Passion wir Musik 

machen und es genießen, dort zu stehen ... vielleicht 

hat das auch was zum Image beigetragen ;) 

MM: Es waren ja einige Konzerte für 2020/ 

21 geplant, die jetzt leider nicht stattfinden 

konnten. Wie nutzt ihr dennoch die freie Zeit? 

SPY#ROW: 2020 war ein hartes Jahr, in dem wir, 

wie viele andere auch, alles komplett neu sortieren 

mussten. Generell sind wir aber positive Men - 

schen mit einem positiven Blick in die Zukunft. 

Also haben wir uns nicht auf die faule Haut gelegt, 

sondern uns Gedanken ge macht, wie wir stärker 

und noch professioneller aus der Krise zurückkommen 

können. Zu viel sei noch nicht verraten, 

aber wir haben uns kon zeptionell einiges überlegt 

und freuen uns, die Sachen im neuen Jahr 

angehen zu können. :) 

MM: Habt ihr schon Pläne für das Jahr 

2021? Kommt vielleicht ein neues Album? 

SPY#ROW: Da habt ihr aber genau ins Schwarze 

getroffen! Wir wollten tatsächlich die auftrittsfreie 

Zeit 2020 dazu nutzen, ins Studio zu gehen 

und unsere zweite LP zu recorden. Leider wurde 

das durch diverse Lockdowns verhindert, aber 

wir sind der festen Überzeugung, das im ersten 

Garantiert 

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Songs stehen und warten nur darauf, auf Platte 

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MM: Ihr seid noch relativ am Anfang eurer 

Karriere. Wo seht ihr Spy # Row in zehn 

Jahren? 

SPY#ROW: Als junge Steppel waren wir öfters 

auf Konzerten in der Festhalle in Frankfurt und 

haben uns dabei vorgestellt, wie es wohl ist, 

auch mal dort oben zu stehen. So ganz ist das 

irgendwie nie aus den Köpfen gewichen. ;) 

Aber wie gesagt: Wir wollen unseren Weg 

weiter gehen und schauen, wohin er uns führt. 

Auf der gemeinsamen Tour mit NAZARETH 

haben wir jedenfalls noch mal richtig Blut ge leckt 

und sind mehr als bereit, den nächsten Schritt 

zu gehen. 

WEB: SPYROW.DE 


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alfredmusic.de

28 

in den 

fangen der 

roten 

ideologen ... 

Ideengeber und Gründer wurde ich von diesen 19 Personen, die als 

Gründungsmitglieder dem Verband beigetreten waren, zum Sprecher 

gewählt. (Juristisch heißt es laut Vereinsgesetz ‚„Vorsitzender“, in unserem 

Sprach gebrauch „Sprecher“.) 

Dann veröffentlichte ich im damaligen bundesweiten „Fachblatt Musik - 

magazin“ Kleinanzeigen mit dem Hinweis, dass sich eine „Arbeits gemein - 

schaft für Rock und Pop Musikerinnen und Musiker“ gegründet hat, die 

Gleichgesinnte sucht. In den ersten drei Monaten des Jahres 1983 meldeten 

sich eine ganze Anzahl von neugierigen Musikerinnen und Mu s ikern, 

da damals diese Idee völlig neu war. Es gab eben keinen „Rock musiker - 

verband“, der sich um die Rechte und Ziele dieser Künstlergruppe kümmerte 

... 


STORIES 29 

Als ich Anfang 1983 auf die Idee kam, 

einen deutschlandweiten Verband 

für die Rock- und Popmusiker*innen 

zu gründen und aufzubauen, 

war mir Gott sei Dank 

völlig unbekannt, mit welchen 

Schwierigkeiten eine derartige 

Gründung und ein derartiger Aufbau 

einer großen Kultur-Organisation 

für diese Künstlergruppe behaftet ist. 

Wahrscheinlich war dies 

ein wesentlicher Grund dafür, 

warum ich es damals wagte, diesen 

Verband in 1983 zu gründen ... 

gründen? 2. Mit welcher Instanz hätten wir das vorher abgesprochen? 

3. Welche kulturpolitische Zielsetzung hätten wir? 4. Und wer alles würde 

diesen gewählten Vorstand und Verein leiten ... 

Gemäß meinem Temperament kritisierte ich, dass es eine Frechheit 

sei, mir derartige Fragen zu stellen, weil es in Deutschland bekanntermaßen 

keine Instanz gab/gibt, die für eine Vereinsgründung um Erlaubnis 

hätte gefragt werden müssen. Mir war klar, dass das Vereinsrecht in 

Deutschland jedem Bürger dieses Landes das Recht gibt, einen eigenständigen 

und unabhängigen Verein zu gründen. Mir war ebenfalls klar, 

dass man in der DDR und anderen kommunistischen Ländern eine Geneh - 

migung dafür hätte einholen müssen (die man allerdings nie bekommen 

hätte). Aufgrund dieser „Verhörmethoden“ von Reinald W. war das 

Gespräch dann beendet. Offensichtlich klar war allerdings, dass mein 

„neuer Kollege“ Michael Pick diesen Reinald W. schon länger kannte und 

sie sich beide vorher abgesprochen hatten. Die politischen Hinter gründe 

wurden mir kurze Zeit später klar. 

Nachdem Michael Pick und ich das Büro dieses Landesrates für Musik 

verlassen hatten, schlug er mir vor, dass wir in Zukunft eng mit dem 

Musikverlag „Pläne“ aus Dortmund zusammenarbeiten sollten. Ich fragte 

Michael Pick verwundert, ob er nicht wisse, dass es sich hier um 

einen von der DDR finanzierten Verlag der DKP handelt (Deutsche Kom - 

munistische Partei). Ich sagte ihm ebenfalls, dass das für mich nicht 

infrage komme ... 

Eines Tages meldete sich bei uns ein Musiker namens Michael Pick 

aus einer norddeutschen Stadt mit dem Vorschlag, eine Ortssektion der 

AGRD in seiner Stadt zu gründen. Das hörte sich damals gut an und wir 

verabredeten ein von ihm anberaumtes Treffen beim Landesrat für 

Musik in Hannover, einer Dachorganisation zahlreicher Verbände und 

Institutionen aus dem Bereich der Musik. Unser damaliger Gesprächspartner 

bei diesem Landesrat war der damalige Geschäftsführer Reinald W. 

Ich kannte diesen Mann nicht, wusste nichts von seinem Vorleben und 

war auf dieses Gespräch neugierig und gespannt. Nach circa 30 Minu ten 

hatte ich das unmissverständliche Gefühl, „verhört“ zu werden, und 

zwar von Reinald W. wie auch seltsamerweise von meinem mitgebrachten 

neuen „Freund“ Michael Pick. Kern ihrer Verhörfragen war: 1. Wer 

hatte uns/mir die Erlaubnis vorher erteilt, einen derartigen Verband zu 

Was ich zudem damals nicht wusste, war, dass dieser Reinald W. schon 

in den Siebzigerjahren in pseudokommunistischen Parteien und Sekten 

intensiv mitgewirkt hatte: So verfasste er Artikel im „Hannoverschen 

Zentralorgan der sozialistischen Basis und Projektgruppen“ mit einem 

Achim Z. unter der Überschrift „Warum die Kampagne von der Re - 

volution in Vietnam lernen, die Revolution in Vietnam unterstützen“. 

Darunter erschien sein Artikel als Stellungnahme der „Roten Garde 

Hannover“. 

Kostprobe: Zitat Reinald W.: „Ohne Organisation, sogar ohne straff 

zentralisierte und disziplinierte Organisation ist eine kommunistische 

Partei undenkbar. Sie unterscheidet sich jedoch von Opportunisten und 

Putschisten dadurch, das für sie die Organisation nicht Voraussetzung 

8 


30 

des Handelns ist, sondern ein ständiges Ineinanderspielen von Voraus - 

setzungen und Folgen während des Handelns, denn die revolutionäre 

Organisation der Massen ist nur und in der Revolution selbst möglich, 

wenn die Massen vom Geist der Revolution ergriffen werden ... Das ist 

eben die Revolution. Und so gefährlich diese Organisierung inmitten des 

Sturmes der Revolution auch sein mag, sie lässt sich unmöglich umgehen.“ 

(Quelle: www.Mao-Projekt.de | Autoren: Reinald W.und Achim Z.) 

Nachdem ich das gelesen hatte, war mir klar, dass mich mein damaliger 

Instinkt zu Recht gewarnt hatte. Wie konnte ein dermaßen ideologisch 

indoktrinierter linkssektiererischer Ideologe Geschäftsführer in einer Kultur - 

einrichtung wie dem Landesrat für Musik in Niedersachsen werden? 

Nachdem ich dann in weiteren Gesprächen diesem Fantasten mitgeteilt 

hatte, dass unser neu gegründeter Verband in der Satzung festgelegt 

hatte, dass wir keine rechtsradikalen und linksradikalen Verehrer 

und Mitglieder aus NPD, DKP, KB, KBW, KP, KPDML etc. bei uns aufnehmen 

würden, waren die zukünftigen Auseinandersetzungen mit 

Reinald W. vorprogrammiert. Ohne Zweifel hatte er schon damals viele 

ideologische Mitstreiter um sich und im zuständigen Ministerium für 

Wissenschaft und Kultur in Hannover „geschart“, die mir den damaligen 

Aufbau unseres Verbandes enorm erschwerten. 

Nachdem wir auf Empfehlung des Vorsitzenden des Landesrates 

Sch. Fördergelder seitens des Ministeriums für Wissenschaft und Kultur 

für unsere landesweiten Seminare und Workshops in Lüneburg erhalten 

hatten, rief mich eines Tages ein enger Freund von Reinald W., Lothar P., 

aus dem Niedersächsischen Ministerium für Wissenschaft und Kultur 

an und forderte mich unmissverständlich auf, dafür zu sorgen, dass dieser 

Satzungsparagraf des „Unvereinbarkeitsbeschlusses“ in Bezug auf 

die DRMV-Mitgliedschaft rechts- wie linksradikaler Personen in unserer 

Satzung gestrichen würde, wenn wir nicht zukünftig unsere Kultur för - 

der gelder verlieren wollten. In einem weiteren Gespräch verdeutlichte er 

mir zudem unmissverständlich, dass er nichts dagegen einzuwenden 

hätte, wenn wir Rechtsradikale aus unserem Verband ausschließen würden. 

Klar wurde für mich damit, dass er ein ideologisch politischer 

Weggefährte von Reinald W. war. Natürlich habe ich mich geweigert, 

dieser Forderung nachzukommen. Ein halbes Jahr später rief dieser Re - 

»So endete nach 15 Jahren 

ehrenamtlicher Kulturarbeit für/mit über 

250 Seminare(n) und Konzerte(n) 

für die Rock- und Popmusiker 

in Niedersachsen und Deutschland 

aufgrund eindeutig 

politideologischer Gründe mehrerer 

Linksideologen ein vorbildliches 

und wegweisendes Kulturexperiment.« 

ferent aus dem Ministerium für Wissenschaft und Kultur erneut an und 

fragte, ob die von ihm geforderte Streichung vollzogen sei. Nachdem ich 

ihm klargemacht hatte, dass er diese Forderung nicht zu stellen habe und 

dass sein damaliger Vorgesetzter, der damalige CDU-Minister Tönjes 

Cassens (dann folgend ein SPD-Minister) aus seinem Ministerium, ganz 

bestimmt nicht damit einverstanden sein würde, wenn er von seinem 

Ansinnen er fahren würde, sagte er nur, er werde jetzt dafür Sorge tragen, 

dass uns sämtliche Fördergelder seines Ministeriums gestrichen würden ... 

Was dieser Ideologe damals nicht wusste: Das zweite Gespräch hatte 

ich erwartet und mit einem Tonband vor Zeugen/Mitarbeitern aus unserem 

Büro aufgenommen und als Zeugnis gespeichert ... Und tatsächlich wurden 

in den folgenden Jahren unsere Kultur-Etats dieses Minis teriums für 

Wissenschaft und Kultur immer kleiner und tendierten letztendlich gegen 

null. Das war für mich der Anlass, dass ich die damalige Abtei lungs - 

leiterin im Ministerium für Wissenschaft und Kultur in Hannover, Barbara 

K., um ein Gespräch bat und sie über diese Hinter gründe aufklärte. 

Sie sorgte daraufhin dafür, dass uns in 1999 für 2000 ein neuer kleiner 

Kulturetat in Höhe von ca. 20 000 DM für Fortbildungsprogramme für 

Musiker-Seminare und Workshops in Lüneburg/Niedersachsen zur Ver - 


STORIES 31 

fügung gestellt wurden. Daraufhin informierte dieser Ideologe des 

Minis teriums, Lothar P., den leitenden Amtsleiter der Bezirksregierung 

Lüneburg ‚W.‘, er solle uns, dem DRMV, auf keinen Fall diesen genehmigten 

Kulturetat überweisen! Deshalb rief ich die Abteilungsleiterin 

dieses Ministeriums erneut an und teilte ihr mit, das die von ihr bewilligten 

Förder gelder nicht ausgezahlt würden. Sie gab daraufhin die direkte An - 

weisung an diesen Amtsleiter W. in Lüneburg, den Kulturetat sofort im 

September des Jahres auszuzahlen. Trotzdem war dieser fest zugesagte 

Förderetat bis fast Ende November 2000 auf unserem Verbandskonto 

nicht eingetroffen. 

Die Folge: Uns blieb dann nur noch ein Monat (besser drei Wochen 

wegen der Weihnachtsfeiertage) bis Ende Dezember, die 20 geplanten 

Seminare und Workshops für Rock- & Popmusiker im Lüneburger 

Glockenhaus durchzuführen. Denn Ende eines jeden Jahres musste 

jegliches Kulturprogramm immer abgeschlossen und alle bewilligten 

Kultur gelder mussten ausgegeben worden sein. 

Mein Entschluss stand damals fest: 

Als die Fördergelder dann endlich Ende November bei uns eintrafen, 

habe ich sie sofort an das Ministerium in Hannover zurücküberweisen 

lassen, da unsere Kultur programme nicht mehr in den drei verbleibenden 

Dezember wochen durchführbar waren. Man stelle sich vor: was 

wäre passiert, wenn wir in den letzten sechs Monaten vor diesen Kultur - 

ver anstaltungen zahlreiche Seminarreferenten nach Lüneburg eingeladen 

und Verträge geschlossen hätten – und das Geld wäre dann nicht 

ausgezahlt worden? Dieses Risiko war damals für eine frühzeitige 

Buchung der 20 Referenten viel zu groß gewesen. Dieser Amtsleiter W. 

in Lüneburg hatte es damals tatsächlich geschafft, die Anweisungen 

seiner ihm und der Bezirksregierung in Lüneburg übergeordneten Abtei - 

lungsleiterin des Ministeriums für Wissenschaft und Kultur in Hannover 

einfach zu hintergehen. 

Es handelte sich damals bei der Abteilungs leiterin um die spätere 

Hamburger Kultursenatorin/Ministerin (und leider verstorbene) Barbara 

Kisseler, die mich im Zuge unserer Gespräche spontan fragte, wie ich 

den ideologisch begründeten „Terror“ der genannten Per sonen eigentlich 

aushalten könne. 

So endete nach 15 Jahren ehrenamtlicher Kulturarbeit für/mit über 250 

Seminare(n) und Konzerte(n) für die Rock- und Popmusiker in Nieder - 

sachsen und ganz Deutschland in Lüneburg aufgrund eindeutig politideologischer 

Gründe mehrerer Linksideologen aus Hannover und wegen dieses 

inkompetenten Amtsleiters aus Lüneburg ein vorbildliches und wegweisendes 

Kulturexperiment – ehrenamtlich, da es nie eine institutionelle 

Förderung (Gehälter/Honorare) seitens des Ministeriums für Wissen schaft 

und Kultur in Hannover für diese Kulturarbeiten gegeben hatte. 

Reinald W. holte dann einfach (nach eigenen Aussagen!) einen engen 

Verwandten (Holger M.) aus Berlin nach Hannover und sorgte mit zahlreichen 

Maßnahmen und „Seilschaften“ dafür, das dieser mittels einer 

von ihm gezielt und neu gegründeten „gemeinnützigen GmbH“ zahlreiche 

Fördergelder seitens verschiedener Ministerien und Institutionen in 

mehrfacher Millionenhöhe für ein von ihm „erdachtes Rockhaus“ in 

Hannover erhielt. Der von Reinald W. zuerst eingestellte Mitarbeiter und 

spätere Geschäftsführer des Landesrates für Musik Manfred S. wurde 

Mitte der 2000er-Jahre wegen Unterschlagung hoher Geldbeträge aus der 

Gesamtkasse dieses Dachverbandes „einvernehmlich fristlos“ (ohne 

Strafanzeige) entlassen ... (s. Artikel Braunschweiger Zeitung vom 

29.06.2009 unter dem Titel „Der Landesmusikrat hat einige Sorgen“). 

Als im LRM ein neuer Vorstand gewählt werden musste, weil der alte 

Vorsitzende Sch. erkrankt war, zauberte Reinald W. unter Zustimmung 

des alten Vorsitzenden Sch. urplötzlich einen neuen Vorsitzenden aus dem 

Hut und stellte ihn der staunenden Mitgliederversammlung ohne Gegen - 

kandidaten „bestimmend“ zur Wahl ... Eine vorherige Aus schrei bung 

dieser Position hatte es öffentlichkeitswirksam (!) nicht gegeben! 

Nachfolger: Karl-Jürgen K., der sich große Mühe gab, das ideologische 

Erbe von Reinald W. „linientreu“ fortzuführen. Erst recht in Bezug auf 

den nicht linientreuen DRMV e.V., den er in seinen folgenden „Amts- 

jahren“ gnadenlos verfolgte und überall diffamierte und diskreditierte ... 

Sein vergiftetes Mittel: Desinformation! 

WEB: WWW.DRMV.DE 

TEXT: OLE SEELENMEYER 

FOTOS & GRAFIKEN: © PIXEL EMBARGO; © SAVELOV; 

© NADIA – ADOBE STOCK 


32 STORIES 

ZZ Top hörte ich irgendwann im Herbst 

Von 

1973 das erste Mal in einem Schall - 

platten geschäft, das hin und wieder Import-LPs 

im Angebot hatte. Der Händler spielte gerade ein 

Blues-Boogie-Stück ab, das mir verdächtig nach 

Canned Heat zu klingen schien. Das war aber 

der Song „La Grange“ von der grünen LP „Tres 

Hombres“. In der Ladenatmo sphäre konnte ich 

den Text nicht richtig verstehen, dafür ging die 

Musik durch Mark und Bein. Deswegen nahm 

ich mir vor, die LP an einem anderen Tag genauer 

anzuhören. Doch da war sie schon verkauft. 

Um die sechs Jahre später kündigte der WDR 

an, dass ZZ Top in den frühen Morgenstunden des 

20. April 1980 in der 6. Rockpalast-Nacht auftreten 

würden. Ende August 1979 hatte die Band in 

den USA ihr Album „Degüello“ für Warner Brothers 

herausgebracht, wovon man in Deutschland prak - 

tisch nichts erfahren hatte. ZZ Top waren hier 

kein Begriff. Rockpalast-Nächte waren allerdings 

als Ereignisse der Rockmusik quasi Pflicht pro - 

gramm, und das Motto der Band „Let’s boogie til 

the cows come out“ machte die Ankündigung 

noch verlockender. Videorekorder eingeschaltet 

und Tonbandmaschine angeworfen. Und dann 

spielte das Trio Frank Beard (Drums), Billy Gibbons 

(Gitarre) und Dusty Hill (Bass) ein entfesseltes 

Konzert, das ZZ Top nicht nur als Musiker der 

Extraklasse auswies, sondern mit zu den besten 

Rockpalast-Auftritten überhaupt zählt. 

Es leuchtete zu einigen Sekunden mexikanischer 

Bläsermusik der scheinbar in Flammen 

stehende Schriftzug „Fandango“ auf, und dann 

entfachten die drei Musiker weit nach Mitter nacht 

sofort mit dem Isaac-Hayes-Stück „I Want To 

Thank You“ ihr Bluesrock-Feuerwerk, das bis 

zum Ende des Konzertes kraftvoll loderte. In der 

Essener Grugahalle spielten ZZ Top bis auf wenige 

Ausnahmen die Songs von „Degüello“ und 

dazu einen Querschnitt aus ihrem Repertoire, das 

viele Dauerbrenner enthielt, wie die Band ge - 

schichte im Nachhinein zeigt. Gibbons und Hill 

bedienten optisch mit ihren langen Bärten einen 

latenten Hinterwäldler-Look, der im scharfen 

Kontrast zu der wuchtigen, fulminanten Musik der 

Band und Beards exzellentem Schlag zeug als 

Rückgrat stand. Im Handumdrehen hatten ZZ 

Top auf einer Bühne ohne Ausstat tungs effekte 

durch ihre Musik und ihre Präsenz die Besucher 

in der Halle und vor den TV-Schirmen für sich ein - 

genommen. Auf „I’m A Fool For Your Stockings“ 

stimmte Gibbons sie mit „It’s Blues Time!“ ein. 

Natürlich war auch ihr „La Grange“ dabei. Nun 

war zu verstehen, wovon dieser Blues-Boogie 

handelte: Väter führten ihre noch jungen Söhne in 

dem gleichnamigen Bordell in die Welt der 

Sexualität ein. Billy Gibbons machte deutlich, 

dass er Top-Gitarrist und überzeugender Blues - 

That Little Ol’ Band From Texas 

Mehr als 50 Millionen Tonträger konnten ZZ Top 

in den 45 Jahren seit ihrer Gründung verkaufen, 

2004 wurden sie in die Rock and Roll 

Hall of Fame aufgenommen. 

Vor allem ihre ursprüngliche Rauheit, 

die konsequent auf jedes Overdubbing im Studio 

verzichtet, sorgt dafür, dass die Band 

aus Houston, Texas, noch immer der Inbegriff 

des bodenständigen Boogie-Rocks ist. 

sänger in einer Person ist. Überhaupt war auch 

das Album „Tres Hombres“ gut vertreten, zum 

Beispiel mit den beiden ineinander übergehenden 

Blues-Stücken „Waiting For The Bus“ und 

„Jesus Left Chicago“. Ein selten live gespieltes 

Stück war „El Diablo“ von dem Album „Tejas“. ZZ 

TopS deftig-drastische Songtexte waren meistens 

gar nicht jugendfrei, passten aber zu dem von 

Blues und Rhythm and Blues geprägten Bluesrock 

– Musik, die ja auch kein Blatt vor den Mund 

nimmt. Wie gut ZZ Top sich auf Show verstanden, 

zeigten Filmaufnahmen von ihnen als die 

„Lone Wolf Horns“, die im zweiten Teil des Kon - 

zertes auf einer Leinwand hinter den Drums unter - 

legt mit Ton zu einigen Stücken pro jiziert wurden. 

Auf diese Weise begleitete sich die Band selbst 

als Bläsergruppe. Mit einem atemlosen Set von 

fünf Songs ging der ZZ-Top-Auftritt kurz vor 

sechs Uhr morgens zu Ende. Dazu ge hörten „Hi- 

Fi Mama“, der Elvis-Presley-Klassiker „Jailhouse 

Rock“ und der Bandsong „Tush“, allesamt ge - 

sungen von dem bekennenden Presley-Fan Hill, 

der sich mit seiner kraftvollen Stimme nicht zu ver - 

stecken brauchte. Mit dem bisher noch nicht auf 

LP veröffentlichten „Tube Snake Boogie“ und „Just 

Got Paid“ vom zweiten Band-Album „Rio Grande 

Mud“ ging das spannende Konzert zu Ende. 

Danach konnte man sich nur noch den Schweiß 

von der Stirn wischen, den die Begeisterung für 

diesen texanischen Bluesrock vom Feinsten ins 

Gesicht getrieben hatte: Was für ein Konzert und 

was für eine Live-Band! Es dauerte knapp 40 Jahre, 

bis das Rockpalast-Konzert offiziell als CD (um 

sechs Songs gekürzt) und bald danach als DVD 

(vollständig) unter dem Rockpalast-Banner herauskam. 

Der Rockpalast-Auftritt war eine doppelte 

Premiere für Beard, Gibbons und Hill: ZZ Tops 

erster Auftritt in Europa und ihr erstes TV-Kon - 

zert weltweit. Die Begeisterung der Zuschauer in 

der Grugahalle und an den TV-Geräten hatte in 

den der Eurovision angeschlossenen Ländern 

schnell Folgen. Die Band war mit einem Schlag 

zum internationalen Top Act geworden. Kurze Zeit 

später waren alle ZZ-Top-Alben seit Grün dung der 

Band in Plattenhandlungen erhältlich und führten 

kein Nischendasein mehr. Sehr schnell kehrte die 

Band nach Deutschland zurück und spielte im 

Hamburger Musikclub Grünspan auf dem Kiez 


STORIES 33 

ein weiteres herrliches Konzert. Dort war die Atmo - 

sphäre natürlich ungleich intimer als in Essen. 

Die noch vor Kurzem großen Unbekannten 

aus den USA hatten sich schon 1969 gegründet. 

Der Bandname stammt Gibbons zufolge von ihm 

und ist eine Verbeugung vor dem Bluessänger 

Z.Z. Hill und vor B.B King, einen der bedeutendsten 

Bluesgitarristen. Um King nicht zu sehr in 

den Vordergrund zu stellen, ersetzte Gibbons 

den Namen durch „Top“. Als ZZ Top in Europa 

bekannt wurden, kursierte auch eine andere Ver - 

sion über die Entstehung des Bandnamens: Er 

sollte auffallen und beim Stöbern in Schall platten - 

läden unter den alphabetisch nach Bands sortierten 

LPs ganz am Ende leicht zu finden sein. 

Kein anderer Band name begann mit „ZZ“. Um 

nicht den Eindruck aufkommen zu lassen, wo - 

möglich musikalisch am Ende zu rangieren, wurde 

„Top“ hinzugefügt. Passen würde diese Version 

zum unterhaltsamen Trio, aber die Authentizität 

ist nicht garantiert. 

Alle drei Musiker sind 1949 geboren und hatten 

vor Gründung von ZZ Top musikalische Erfah - 

rung in Bands wie American Blues, Blues Union 

und Warlocks gesammelt. Vor allem Gibbons war 

mit seinen Gitarrenfähigkeiten auf gefallen. 1967 

spielte er im Vorprogramm der Doors und 1968 

vor Auftritten von Jimi Hendrix, der Gibbons als 

seinen Lieblings gitarristen be zeichnete. Im selben 

Jahr war Gibbons Mit glied der Moving Side walks, 

die die psychedelisch beeinflusste hörenswerte 

LP „Flash“ bei einem kleinen Label mit ersten An - 

klängen an ZZ Top herausbrachten. Unter dem 

Namen „Blues Union“ war schon einmal Jahre vor 

„Deguëllo“ der intensive Blues-Song „A Fool For 

Your Stockings“ aufgenommen worden. 

Wurzel des ZZ-Top-Bluesrocks ist der Blues 

mit unterschiedlichen Ausprägungen als Boogie, 

Southern Rock, Hard Rock und gelegentlichen 

An klängen an Country-Musik. Das Kategorisieren 

sollte aber nicht zu einem Schubladendenken führen. 

Die Band steht für weiterentwickelten, modernen 

Blues eigener Couleur. 

Der überzeugende Sampler „One Foot In The 

Blues“ von 1994 umreißt die Band treffend und 

zeugt von ihrer hohen Kom petenz. 

Was in ZZ Top steckt und man von der Band 

erwarten durfte, zeigte das 1970 aufgenommene 

und Anfang 1971 veröffentlichte Debütalbum „ZZ 

Top’s First Album“ auf dem Label London. Es ist 

ein beachtliches Debüt album, das die Stärken 

der Bandmitglieder erkennen lässt. Im Mittel punkt 

stehen Gibbons’ virtuoses Gitarrenspiel und sein 

unverwechselbarer Bluesgesang. Stellvertretend 

sei der Song „Brown Sugar“ genannt. Gibbons 

favorisierte seine Gibson Les Paul Pearly Gates. 

Er zog dünne Saiten auf, die er anstelle eines 

Plek trums mit einer Münze anschlug. 

Später kam der von Tom Scholz entwickelte 

handliche Gitarren verstärker Rockman hinzu, der 

für den unverwechselbaren kratzigen Gitarren - 

sound sorgte. Er wurde zum Markenzeichen von 

ZZ Top und von den Leadgitarristen der deutschen 

Band Rodgau Monotones als ZZ-Top- 

Fans kompetent aufgegriffen. 

Der Nachfolger „Rio Grande Mud“ punktete mit 

spannenden und originellen Songs, dazu der erste 

Hit „Francine“. Stell ver tretend für den ureigenen 

ZZ-Top-Stil ist der Slide-Rock „Just Got Paid“ mit 

8 


34 STORIES 

seinem prägnanten Break – viele Jahre später 

von der Band noch einmal zitiert mit „I Gotsta Get 

Paid“. Der stimmungsvolle Slow-Blues „Sure Got 

Cold After The Rain Fell“ geht mit seinen Stops und 

Gibbons’ Soli tief unter die Haut. John Mayalls 

ehemaliger Gitarrist Buddy Whittington coverte 

dieses ZZ-Top-Stück auf seinem vorzüglichen 

Debütalbum von 2008. Mit diesem musikalischen 

Potenzial war die Band auf dem Weg zu USamerikanischen 

Publikumslieblingen. 

Das dritte Album „Tres Hombres“ von 1973 

mit dem Hit „La Grange“ ist wohl das typischste 

ZZ-Top-Album, bevor die Band in den 1980er- 

Jahren zum Megastar wurde. Die treffsichere 

Mi schung aus intensivem Blues und beinhartem 

texanischen Rock wirkte wie ein Publikums - 

magnet. Vor allem die beiden ineinander übergehenden 

Bluesstücke „Waiting For The Bus“ 

und „Jesus Left Chicago“ sind neben „La Grange“ 

ZZ-Top-Klassiker. Spätes tens ab der Rockpalast- 

Nacht waren sie so beliebt, dass sie zu Dauer - 

brennern der Live-Auftritte des Trios wurden. Als 

das Album 2006 auf CD ein weiteres Mal wiederveröffentlicht 

wurde, wurden diese drei Songs in 

Live-Fassungen als Bonus-Tracks hinzugefügt. 

Die Stücke „Beer Drinkers And Hell Raisers“ und 

„Precious And Grace“ wiederum stehen für den 

kraftvollen Rock, der das Publi kum aus dem 

Häuschen bringt. 

„Tres Hombres“ steigerte die Popularität von 

ZZ Top enorm. Die Nachfrage nach Live-Auf tritten 

war so stark, dass die Band bis 1975 ständig auf 

Tournee war. Angesichts der damit einhergehenden 

Rastlosigkeit war als nächstes Album eine 

Live-LP die logische Folge. Indessen füllten Live- 

Mitschnitte nur die erste Seite von „Fandango!“ 

aus dem Jahr 1975. Die zweite Seite bestand 

aus sechs neuen Studio-Tracks, die die Band 

während einer knappen Tournee-Pause aufgenommen 

hatte. Allein drei davon zählen ebenfalls 

zu den gefragten ZZ-Top-Klassikern. Billy 

Gibbons’ „Blue Jean Blues“ coverte der kanadische 

Spitzen gitarrist Jeff Healey grandios auf 

seinem Debüt album „See The Light“ von 1988. 

„Heard It On The X“ und vor allem „Tush“ sind oft 

gespielte ZZ-Top-Publikumslieblinge. Die gelungene 

Mischung aus rasanten Live-Aufnahmen 

und neuen Studio songs, die mitreißen konnten, 

machten „Fandango!“ zum Verkaufsknüller. Auch 

dieses Album wurde als CD mehrfach herausgegeben, 

2006 erweitert um drei bis dahin unveröffentlichte 

Live-Auf nah men. 

Um an den Erfolg von „Fandango!“ anzuknüpfen, 

wurde der Tournee-Betrieb von Ende Mai 1976 

bis Ende 1977 mit knapp 100 US-Konzerten als 

Worldwide Texas Tour fortgesetzt. Anders als die 

bisherigen Live-Auftritte von ZZ Top wurde sie als 

Multimedia-Ereignis konzipiert. Die Bühne wurde 

dem Umriss des Staates Texas nachempfunden, 

Tiere gingen mit auf Tournee, darunter eine Klap - 

per schlange in einer Glaspyramide. Das Bühnen - 

bild wurde mit Gegenständen ausgerüstet, die 

als typisch für Texas galten. Dazu gab es visuelle 

Effekte und ein riesiges 3-D-Panoramabild. Die 

Worldwide Texas Tour markiert auch den Beginn 

von Gibbons und Hill in auffällig bestickten Bühnen - 

kostümen und als schrullige Parodien ihrer selbst, 

ohne darunter die Musik leiden zu lassen. Jahre 

später überlegte Gibbons beim Ausfüllen eines 

Meldeformulars, ob er als seinen Beruf „Musiker“ 

oder „Entertainer“ eintragen sollte. Die Worldwide 

Texas Tour füllte große Spielstätten wie Arenen und 

Stadien, sodass sie mit rund zehn Millionen Dollar 

Einnahmen zum Kassenfüller wurde. Sie gilt als 

eine der ehrgeizigsten und bizarrsten Touren in der 

gesamten Rockgeschichte. Geplant wurde damals, 

mit dem Tournee-Konzept Mexiko, Japan, 

Australien und Europa zu bereisen. Quaran - 

täne bestimmungen, die insbesondere die zur 

Show gehörenden Büffel betrafen, durchkreuzten 

jedoch solche Pläne. Auch Rockpalast-Redak - 

teur Peter Rüchel bestand bei den Ver hand lungen 

über den ZZ-Top-Auftritt in der Essener Grugahalle 

darauf, dass die Band ohne ihre Tiere kommen 

müsse. Von dem üppigen Bühnen-Outfit der 

World wide Texas Tour blieb schließlich nur der 

elektrische Schriftzug Fandango übrig. 

Während der US-Tour der Superlative entstand 

das Anfang Februar 1977 herausgekommene 

nächste Studioalbum „Tejas“. Das Cover-Design 

knüpft vor allem mit Panoramabild, das sich nach 

dem Aufklappen des Covers zeigt, thematisch 

an die Tournee an. Inhaltlich aber ist „Tejas“ eine 

musikalische Weiterentwicklung mit variationsreichen 

Songstrukturen, Rhythmen und Country- 

Elementen, die durch die ungewohnten Klänge der 

Pedal Steel Guitar unterstrichen werden. Gibbons 

spielt auf dem Start-Stück „It’s Only Love“ nicht nur 

diese Gitarre, sondern auch die Blues-Mund har - 

monika. Drummer Beard zeigt sich mit ausgezeichneten 

Parts und Tempowechseln von seiner 

besten Seite. Der auch während des Rockpalast- 

Auftrittes zu hörende Song „El Diablo“ ist auch in 

seiner hervorragend produzierten Studiofassung 

absolut hörenswert. Ausdruck der musikalischen 

Vielfalt von „Tejas“ ist auch das gleichermaßen un - 

gewohnte wie stimmungsvolle Instrumental „Asleep 

In The Desert“. „Ten Dollar Man“ mit Hill als Sänger 

und „She’s A Heartbreaker“ hatten wohl das Zeug 

zu Hits. Sie blieben aber aus. Vielleicht wurde 

„Tejas“ nicht zuletzt deswegen von einigen 

Kritikern als belanglos abgetan. So hat das Album 

unter den ZZ-Top-Veröffentlichungen den Status 

eines spannenden Geheimtipps, der facettenreichen 

Bluesrock bietet. 

Die jahrelangen Tourneen und dazu die eingeschobenen 

Studioaufnahmen für „Fandango!“ und 

„Tejas“ verlangten ihren Tribut. Gibbons resümierte 

das ständige Unterwegssein als „mörderische 

und grauenvolle Erfahrung“. Das erinnert an den 

ständigen Tourneebetrieb, der die Supergruppe 

Cream zermürbte, sodass sie 1968 auseinanderbrach, 

und an Jimi Hendrix, der nach unablässigen 

Auftritten im September 1970 im Alter von 

nur 27 Jahren starb. Beard, Gibbons und Hill 

zogen Konsequenzen: Sie blieben der Öffent lich - 

keit längere Zeit fern und hielten zudem Abstand 

voneinander. Hill und Gibbons rasierten sich 


STORIES 35 

nicht mehr. ZZ Top hatten sich indessen nicht aufgelöst, sondern 

eine schöpferische Pause eingelegt. 1979 hatten sie ihr Schallplatten- 

Label gewechselt und bei Warner Brothers ihr wohl stärkstes Album 

„Degüello“ herausgebracht. Die Band hatte sich an der Kraft von „Tres 

Hombres“ orientiert und trat nun auch wieder live auf. Es ist ein echter 

Klassiker des Bluesrock voller Leidenschaft mit großartiger und vielfältiger 

Musik, die zuweilen hypnotisch stampft. Die Songtexte sind 

sprachlich noch derber als zuvor. Mit ihren berühmten Vollbärten hatten 

Gibbons und Hill auch optisch einen Wandel vollzogen. Jahre später 

schlugen beide das Angebot des Rasierklingen-Herstellers Gillette aus, 

sich für je eine Million Dollar die Bärte abzunehmen. 

Die Spannung war groß, ob ZZ Top „Degüello“ ein Album von ähnlicher 

Intensität folgen lassen konnten. Die einzige Verbindung auf der 

im August 1981 erschienenen LP „El Loco“ war aber der geglättete 

„Tube Snake Boogie“, den die Band in Essen noch ungleich rauer präsentiert 

hatte. Das Trio hatte für diese LP das Schwergewicht auf 

Synthesizer sowie ein etwas höheres Tempo gelegt und damit auf eine 

größere Marktgängigkeit. Doch das ging auf Kosten von Ecken und 

Kanten, die die ZZ-Top-Musik so spannend gemacht hatten. Sich dem 

Mainstream anzunähern, war kommerziell ein richtiger Schritt. 

Besonders weiche, 

instrumentenschonende 

$#"! " ! Ȁ Ā 

»Let’s boogie til the cows come out!« 

Auch als transluzente 

Version erhältlich 

„El Loco“ war unter diesem Blickwinkel das Vorspiel für ZZ Tops im 

März 1983 erschienenes Album „Eliminator“. Es folgte ganz dem 

Mainstream-Sound und traf mit der Kombination des typischen Band - 

sounds mit noch mehr Synthesizer-Klängen und Geschwindigkeit den 

Geschmack des breiten Publikums. „Eliminator“ wurde mit rund 14 

Millionen verkauften Scheiben das mit Abstand erfolgreichste ZZ-Top- 

Album. Die Geschwindigkeit signalisierte bereits das Cover: ZZ Top 

stand darauf in einem neuen Schriftzug, der an einen Blitz denken lässt. 

Abgebildet ist außerdem ein Hot Rod, den Gibbons nach dem Vorbild 

eines Ford-Coupés von 1933 hatte bauen lassen. Vor allem dieses auffällige 

Automobil wurde zu einem weiteren Band-Symbol. Mit „Eliminator“ 

konnte man außerdem gleich die drei Hits „Gimme All Your Lovin’“, 

„Sharp Dressed Man“ und „Legs“ landen. Dazu wurden für sie und den 

Song „TV Dinners“ Videoclips gedreht, die sich in der Frühzeit solcher 

Musikpräsentationen bei dem im Herbst 1981 auf Sendung gegangenen 

Musiksender MTV als außergewöhnlich erfolgreich erwiesen. 

Sicher und platzsparend – 

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36 STORIES 

In der Folge entstanden weitere solcher Clips. 

Dadurch wurde das Image der Musiker nachhaltig 

geprägt als Figuren, die eher in eine Comedy 

passen, als dass man sie rockend auf der Bühne 

erwartet. Zu der schnellen Musik, ihrem Flitzer und 

den Frauen, denen die Band immer wieder hinterherschaut, 

steckten Gibbons und Hill in Fan tasie - 

anzügen und spielten auch schon mal pelzbesetzte 

Instrumente. In dem Stil wurde ebenfalls der 

Clip zur ZZ-Top-Version des Elvis-Presley-Songs 

„Viva Las Vegas“ gedreht, der sich optisch ganz 

in die künstliche Welt der Spielerstadt in der Wüste 

anschloss. Wie man auch dazu stehen mag: Der 

Band war es gelungen, gute Songs geschickt 

mit viel Zeitgeschmack über kleine Filme im Be - 

wusstsein des Publikums zu verankern. 2008 

brachten Warner Brothers ZZ Tops wirtschaftliches 

Meilenstein-Album, das stilistisch kaum weiter von 

„Degüello“ hätte entfernt sein können, stark erweitert 

und mit einer Extra-DVD heraus. Der Hit „Legs“ 

war gleich viermal vertreten: als LP- und Single- 

Version, als Dance Mix und als Videoclip. Dazu 

kamen einige Live-Aufnahmen von Album-Titeln 

auf CD und DVD und die schon genannten vier 

Videoclips. 

Der enorme Erfolg von „Eliminator“ hatte musikalisch 

seinen Preis. Die folgenden beiden ZZ-Top- 

Alben hinterließen den Eindruck von Musikern, die 

Ge fan gene des Mainstreams waren und bis auf 

Weiteres keinen Weg daraus heraus fanden. Auch 

wenn „Afterburner“ (Oktober 1985) erneut den 

Nerv des Publikums traf und der Band noch mehr 

Fans hinzugewann, wirkt die künstliche Atmo - 

sphäre, als die Band nach „Eliminator“ etwas 

Ähnliches nachlegen musste. Mit den vier Video - 

clips zu den Albumtiteln „Sleeping Bag“, „Stages“, 

„Rough Boy“ und „Velcro Fly“ wurde die bisherige 

kassenträchtige Vermarktungs strategie weiter 

verfolgt. Musikalisch war von ZZ Tops ehemals 

kraftvollem Bluesrock-Sound nur noch in „Rough 

Boy“ etwas zu finden. Hatte man sich deswegen in 

den Album-Credits zum umfassenden Syn the - 

sizer-Einsatz vorsichtshalber ausgeschwiegen? 

Das fünf Jahre später entstandene Album 

„Recycler“ ließ vergangene Tage auch nur mit 

dem Boogie „My Head’s In Mississippi“ einigermaßen 

wiederaufleben. Man stattete dieses Stück 

neben dem besser in die Disco-Ära passenden 

„Give It Up“ sowie „Burger Man“ abermals mit 

Video clips aus. 

Wieder dauerte es Jahre, bis das Trio mit 

einem neuen Album herauskam. Man war mit 

„Antenna“ von 1994 zu RCA gewechselt und von 

Synthesizern weggekommen, um zum be währten 

soliden Bluesrock zurückzukehren. Die Liebhaber 

der Band honorierten das. Auch dank umfangreicher 

Werbung verkaufte sich „Antenna“ sehr gut, 

wenngleich die außergewöhnlichen Dimen sionen 

von „Eliminator“ nicht erreicht wurden. „Pincushion“ 

wurde ein Hit und als Maxi-Single in zwei Fas - 

sungen ausgekoppelt. Und dennoch wollte der 

Funke auf „Antenna“ nur selten überspringen. 

1996 verzichtete die Band für die Produktion von 

„Rhythmeen“ auf Overdubs. Im reinen Drei- 

Mann-Live-Stil entstanden viele beinharte Songs 

wie „She’s Just Killing Me“ für den Gangster/ 

Vampir/Splatter-Film „From Dusk Til Dawn“ von 

Robert Rodriguez und die Hommage „Vincent 

Price Blues“. Vorab hatte man schon den Titel 

„What’s Up With That“ veröffentlicht, ohne dass 

daraus ein Hit wurde. An die Ver kaufserfolge von 

„Eliminator“ bis „Antenna“ reichte „Rhythmeen“ 

nicht heran. ZZ Top hatten sich aber klar auf die 

Blues rock-Stärken zurückbesonnen. Konsequent 

blieb die Band sich treu und beschritt diesen Weg 

1999 mit „XXX“ weiter, einem Album mit acht 

Studio- und vier Live-Auf nahmen. Zwar gingen die 

Ver käufe erneut zurück, und die Kritik begegnete 

dem Album mit ge mischten Reak tionen. ZZ-Top- 

Fans werden aber ein so mitreißendes Stück wie 

„Beatbox“ bejubelt haben. Schließlich fühlt man 

selbst, ob Musik unter die Haut geht oder kalt 

lässt. Ähnlich wie mit „XXX“ erging es der Band 

mit ihrem 2003 erschienenen Album „Mescalero“. 

17 Stücke hatte man zusammenbekommen, 

die Gibbons als einfallsreichen Song writer auswiesen 

und für die Art Musik standen, die ZZ Top 

einst berühmt ge macht hatten. „Goin’ So Good“ ist 

ein weiterer meisterlicher Slow-Blues, der im 

Spannungsfeld der hochverstärkten Elek tro gitarre 

und der geradezu zart klingenden Pedal Steel 

Guitar steht. Als sogenannten Hidden Track brachte 

man den Song „As Time Goes By“ unter. Über 

25 Jahre nach „Tejas“ war mit „Crunchy“ auch eines 

der seltenen Instrumentals dabei. 

Diese Linie mit frischen Ideen fortzuführen, 

war allerdings offenbar schwerer geworden. Ein 

neues Album entstand erst, als der renommierte 

Produzent Rick Rubin sich anbot, es gemeinsam 

mit Gibbons zu produzieren. Diese Zusammen - 

arbeit war jedoch genau das, worauf die Lieb haber 

der Band ge wartet hatten. Wie kaum ein anderer 

hatte es Rubin verstanden, wesentliche und 

unverwechselbare Eigenheiten herauszustelllen, 

die auch schon betagteren Künstlern eine be - 

sondere Frische bewahrt. Das bisher letzte 

ZZ-Top-Studio-Album „La Futura“ von 2012 für 

das neue Label america glänzt und verhehlt 

zugleich nicht die lange Band-Geschichte. ZZ 

Tops Hot Rod war schon lange nicht mehr auf 

einem Album-Cover zu sehen gewesen. Nicht mehr 

hochpoliert, sondern gleichsam mit Patina be - 

setzt und mit der einen oder anderen Schramme 

versehen ist das Gefährt auf der Rückseite des 

CD-Covers zu sehen. Aber es ist noch immer 

fahrbereit. Und auch der einem Blitz nachempfundene 

Schrift zug des Bandnamens sieht eher 

danach aus, als ob Zorro ihn mit seinem Degen 

dahingeritzt hätte. 

Wie lebendig die Band war, zeigte ihr als Blu- 

Ray veröffentlichter Auftritt „Live At Montreux“ 

auf dem Montreux Jazz Festival von 2013. Ge - 

mein sam mit einigen Gästen spielten sie ein energiereiches, 

spannendes Konzert, in dem auch 

einige musikalische Leckerbissen außerhalb des 

ZZ-Top-Kanons zu finden sind. Gibbons hat seit 

„La Futura“ zwei Soloalben vorgelegt. „Perfecta- 

mundo“ von 2015 mit den BFG’s wandelt gekonnt 

auf ungewohnten afro-kubanischen Pfaden, während 

„The Big Bad Blues“ von 2018 allen Er - 

wartungen gerecht wird, die man mit Gibbons 

und ZZ Top verbindet – nur dass Beard und Hill 

nicht dabei sind. 

Die Abstände zwischen den Studio-Alben 

be deuteten nicht, dass die Musiker sich zurückgezogen 

hatten. ZZ Top blieben aktiv und traten 

live auf. Zu Gibbons’ augenzwinkerndem Image 

zählte schon seit vielen Jahren die mit Noppen 

besetzte Nudu-Kopfbedeckung, die er meist unter 


STORIES 37 

»Wenige Musiker können im 

Rockgeschäft auf eine 

mittlerweile über 

fünf Jahrzehnte andauernde 

gemeinsame Karriere 

zurückblicken und von sich 

sagen, dass man es über all 

die Jahre doch miteinander 

ausgehalten hat.« 

seinem leicht verbeulten Hut trägt. Längst war er 

gefragter Gastmusiker auf Alben von Jeff Beck, 

Gov’t Mule, Buddy Guy, Warren Haynes, B.B. King, 

John Mayall, Johnny Winter und Ronnie Wood, um 

nur wenige zu nennen. Für die CD „Butchering The 

Beatles“ steuerte Gibbons eine spannungsgeladene 

Version des ohnehin harten Songs „Revolution“ 

bei. 2004 wurde die Band in die Rock and Roll 

Hall of Fame aufgenommen. Die Ein füh rungsrede 

hielt Keith Richards. Ebenfalls 2004 lud Eric 

Clapton ZZ Top zu seinem Crossroads Guitar 

Festival ein und wiederholte die Einladung zum 

Festival von 2010. 2008 kamen zusammen drei 

DVDs mit Live-Konzerten heraus, zwei davon mit 

Auftritten aus jenem Jahr. Die Band präsentierte 

sich in bester Spiellaune, vor allem bei „Live From 

Texas“. Als Beigabe unterhielten sich die drei Mu - 

siker während eines Pokerspiels über die 

Band ge schichte und spielten dann während eines 

anderen Konzertes den Jimi-Hendrix-Song „Foxey 

Lady“. 

Von der generationsübergreifenden Beliebtheit 

der Band zeugen diverse Sampler. Nach „Tejas“ 

wurde „The Best of ZZ Top“ mit dem Untertitel 

„10 Legendary Texas Tales“ herausgegeben, um 

die Zeit bis zur Veröffentlichung von „Deguëllo“ 

zu überbrücken. ZZ Top „Greatest Hits“ kam 1992 

mit zwei bis dahin unveröffentlichten Stücken auf 

den Markt. 2004 wurde das „Best of“ unter dem 

Titel „Rancho Texicano – The Very Best of ZZ Top“ 

auf zwei CDs erweitert. „The Very Baddest of ZZ 

Top“ von 2014 bezog danach auch die Alben bis 

„Mescalero“ ein. Eine etwas andere Art des Best 

of war die Live-CD „Live! Greatest Hits From 

Around The World“ mit zwei Stücken, auf denen 

sich Jeff Beck der Band angeschlossen hatte 

(„Rough Boy“ und „Sixteen Tons“). Und natürlich 

war zum 50-jährigen Jubiläum noch ein Sampler 

fällig, der „Goin’ 50“ genannt wurde und mit 

schwarzem Cover versehen auf drei CDs angewachsen 

war. Nicht nur „La Futura“ war vertreten, 

sondern man hatte auch tief im Archiv nachgeforscht 

und die Band-Single aus dem Jahr 1969 

mit den Stücken „Salt Lick“ und „Miller’s Farm“ 

wieder ans Licht befördert. Parallel wurde eine 

abgespeckte Version mit nur einer CD im gelben 

Cover angeboten. Wer so vieles zusammentragen 

kann, hat auch viele Verehrer unter den 

Kollegen. Bisher sind 2010 und 2011 die beiden 

CDs „Just Like ... Tribute to ZZ Top“ und „ZZ Top. 

A Tribute From Friends“ erschienen. Nicht zu vergessen 

ist auch der schon genannte Blues- 

Sampler „One Foot In The Blues“ von 1994. Und 

2006 hatte sich im Nimbus des großen Band - 

namens auch die CD-Box „The Beginning of ZZ 

Top“ mit Aufnahmen der verschiedenen Bandvorläufer 

am Markt platzieren lassen. 

2018 spielte die Band gemeinsam mit John 

Fogerty die Blues and Bayous Tour, in deren 

Vorfeld Fogerty Gibbons als seinen Lieblings - 

gitarristen bezeichnet hatte. Wer hätte daran ge - 

dacht, Musik von Creedence Clearwater Revival 

und ZZ Top gemeinsam mit Musikern dieser 

Bands auf einer Bühne zu erleben? Zum 50-jährigen 

Bestehen tourte die Band 2019 international 

und brachte die gelungene, unterhaltsame 

Dokumentation „That Little Ol’ Band From Texas“ 

auf Blu-Ray heraus mit einer Fülle von Filmauf - 

nahmen, die bis in die Zeit vor Grün dung der 

Band zurückreichen. Eigens für die Produktion 

hatten sich Beard, Gibbons und Hill für einige 

Aufnahmen in die Gruene Hall im texanischen 

New Braunfeld eingefunden und spielten frisch 

ihre vertraute Musik, die vergessen ließ, dass 

man 70 geworden war und sich zum Musi zieren 

schon mal hinsetzen musste. Aber ihre gute 

Musik war eben nicht gealtert. Wenige Musiker 

können im Rockgeschäft auf eine mittlerweile 

über fünf Jahrzehnte andauernde gemeinsame 

Karriere zurückblicken und von sich sagen, dass 

man es über all die Jahre doch miteinander ausgehalten 

hat. Längst haben sich ZZ Top wie andere 

bekannte Musiker im Kreuzfahrtge schäft mit 

Rock & Blues Cruises Fuß gefasst. Corona hat den 

nächsten Turn allerdings vorerst auf 2022 verschoben. 

An Langlebigkeit können ZZ Top es mit den 

Rolling Stones aufnehmen, die sich für dasselbe 

Jahr anschicken, ihr 60-jähriges Be stehen mit 

einer neuen Millionen-Tournee zu feiern. Im Unter - 

schied zu ZZ Top sind die Stones aber nicht ohne 

Um- und Neubesetzungen ausgekommen. 

NÄCHSTE FOLGE: RANDY CALIFORNIA 

UND SPIRIT 

WEB: WWW.ZZTOP.COM 

TEXT: DR. NORBERT APING 

FOTOQUELLE: ZZ TOP 

GRAFIKEN: © REICHDERNATUR / 

ADOBE STOCK 

DR. NORBERT APING 

Geboren 1952, 

Buchautor und Direktor 

des Amtsgerichts a. D. 

in Buxtehude 


38 STORIES 

Mit einem Knall 

traten sie 2019 ins Rampenlicht 

und bewiesen seither, 

dass sie die Massen schneller 

in ihren Bann ziehen, als dass 

sie spielen. 

Den festgefahrenen 

Mainstream von 

heute abzulegen und 

den nackten Rock wieder zum 

Leben zu erwecken, 

das ist die Vision der Band 

Dislike Silence. 

DISLIKE SILENCE 

„Human“ – EP 

VÖ: 2019 

WWW.DISLIKESILENCE.COM 

WWW.INSTAGRAM.COM/ 

DISLIKESILENCEOFFICIAL 

MM: Wie habt ihr euch kennengelernt und 

wie kam es zu der endgültigen Zusammen - 

setzung? 

DISLIKE SILENCE: Die Welt ist ein Dorf. Während 

sich die meisten heutzutage über das Internet 

verknüpfen, haben wir uns alle über Bekannte 

und andere Musiker kennengelernt. Gegründet 

wurde die Band von unserer Sängerin Jenny 

im Sommer 2016. Bis das finale Band-Line-Up 

stand, war es jedoch ein holprigerer Weg als 

anfangs erwartet. Der erste musikalische Weg - 

begleiter, der dieselbe Passion teilte, war nach 

kurzer Zeit gefunden, jedoch brauchte es zwei 

Jahre und mehrere Schicksalsfügungen, bis die 

restlichen Mitglieder die Band komplettierten. 

Das sollte aber nicht lange so bleiben … 

MM: Woher holt ihr euch eure Inspiration? 

DISLIKE SILENCE: Inspiriert werden wir durch 

gesellschaftliche und zwischenmenschliche Ein - 

flüsse. 

MM: 2019 erschien eure Debüt-EP „Human“. 

Wie war der Prozess vom Songwriting bis zur 

Veröffentlichung? 

DISLIKE SILENCE: Auch der Entstehungs pro - 

zess der EP „Human“ war kein einfacher. Sie 

entstand nicht in Kooperation mit einem klassischen 

Produzententeam. Die Texte wurden von 

Jenny geschrieben und in Zusammenarbeit mit 

den restlichen Bandmitgliedern wurden die 

Songs vervollständigt. Für die Aufnahmen, den 

Mix und das Mastering wurde auf ein Ton - 

studio eines Bekannten der Band zurückgegriffen. 

Nachdem die Songs fast im Kasten 

waren, verließ ein Mitglied die Band. Wir standen 

nun vor der Herausforderung, die Songs 

teilweise neu zu arrangieren und uns neu zu 

sortieren. Nach einer mehrwöchigen Unter - 

brec hung und Überlegungen bezüglich zukünf - 

tiger Besetzung wurde beschlossen, die Pro - 

duktion der EP als Quartett fortzuführen. 

MM: Schreibt ihr die Songs gemeinsam oder 

teilt ihr euch z. B. Verfassen von Text und 

Melodie untereinander auf? 

DISLIKE SILENCE: Anders als bei unserer EP 

„Human“ umfasst unser Repertoire mittlerweile 

mehr als 20 Songs. Wir sind als Band enger 

zusammengewachsen und das Songwriting 

besteht aus einem noch engeren Zusammen - 

spiel als davor. Was unter anderem bedeutet, 

dass durchaus jedes Bandmitglied bereits Texte 

geschrieben hat. Unsere Songs entstehen 

gemeinsam im Proberaum und werden dort zu 

dem gemacht, was man live auf der Bühne 

erleben und spüren kann. 

MM: Ihr habt bereits zwei gelungene Musik - 

videos veröffentlich. Was ist euch am wichtigsten 

an der Umsetzung eines Songs in ein 

Video? 

DISLIKE SILENCE: Das Wichtigste an der Um - 

setzung eines Videos ist, dass die Kernaus sage 

eines Songs visuell dargestellt wird, aber dem 

Zuschauer dennoch genügend Interpretations - 

spielraum offenlässt. 


STORIES 39 

DISLIKE SILENCE SIND 

JENNY (GESANG) – DENNIS (GITARRE) – PABLO (BASS) – RAPHAEL (SCHLAGZEUG) 

»Wie ein Schlag ins 

Gesicht, besticht die 

Female-fronted-Formation 

mit ihrer 1,60 Meter 

großen Sängerin durch 

außerordentlich 

stimmliche Größe.« 

MM: Im Juli 2016 habt ihr DISLIKE SILENCE 

gegründet. Wie habt ihr zu eurem Musikstil 

gefunden? 

DISLIKE SILENCE: Unser Musikstil ist das Er - 

geb nis einer Fügung von vier Menschen mit 

eigentlich unterschiedlichen musikalischen Ein - 

flüssen. 

MM: Eure Vision ist es, den Mainstream ab - 

zulegen und den Rock wieder zum Leben zu 

erwecken. Wie ist eure Meinung zur aktuellen 

Musik? 

DISLIKE SILENCE: Wenn man einen Blick auf 

die Charts wirft, ist es schön zu sehen, dass 

jegliche Musikrichtung von Rock, Pop, Schlager 

bis hin zum Metal auch im vorderen Bereich 

vertreten ist. Leider wird in den Radios unserer 

Meinung nach zu oft dasselbe wiedergegeben 

und vieles klingt auch ähnlich. Insbesondere 

im Bereich Rock findet man nur die langjährigen 

etablierten Bands; Newcomern wird kaum 

die Chance geboten, ein breites Publikum zu 

erreichen. 

MM: Was möchtet ihr mit eurer Musik vermitteln? 

DISLIKE SILENCE: Unsere Passion, die Liebe 

zur Musik, das Auftreten und das gemeinsame 

Musikmachen sind Dinge, die wir versuchen 

bei jedem Auftritt und jeder Aufnahme zu trans - 

portieren. Menschen aus ihrem Alltag zu entführen 

und ihnen mit unseren Songs zu helfen, 

sie zu motivieren oder einfach mal abschalten 

zu lassen. 

MM: Euer Plan für 2020 war, als Sup port von 

der Band SILBERMOND beim „Stimmen- 

Festival“ aufzutreten, dies wurde auf 2021 

verschoben. Wie ist es für euch, als Band 

bei einem so großen Festival dabei sein zu 

können und vor SILBERMOND aufzutreten? 

DISLIKE SILENCE: Unbeschreiblich! Zumal das 

Stimmen-Festival bereits viele große Künst ler 

nach Lörrach gebracht hat und wir uns die 

Bühne mit einer solch erfolgreichen Band wie 

Silbermond teilen dürfen. Wir sehen dies nicht 

als selbstverständlich und sind dankbar, dass 

wir diese Chance bekommen haben. 

MM: Was sind eure nächsten Ziele als Band? 

DISLIKE SILENCE: Step by step … Unser nächs - 

tes Ziel ist es, ein Album in Zusammenarbeit 

mit einem Produzententeam zu veröffentlichen 

und dieses, wenn möglich in Form einer Tour, 

zu promoten. 

WEB: WWW.DISLIKESILENCE.COM 

WWW.FACEBOOK.COM/DISLIKESILENCE 


FOTOQUELLE: DISLIKE SILENCE 


40 STORIES 

47 Jahre im Dienst der Pilzköpfe 

um ersten Mal seit nunmehr 40 Jahren Musiker Magazin stelle 

Z ich als begeisterter Musiker meine eigene Band in meinem 

Magazin off- und online vor … Seit 1963 gehört mein musikalisches 

Herz zahlreichen Bands und Interpreten, aber an erster Stelle den 

legendären Beatles. 

1974 beschlossen damals der Gitarrist Uwe Hopp, der Gitarrist 

und Pianist Hinrich Vogt, der Bassist und Gitarrist Ole Seelenmeyer 

und der Gitarrist Rainer Pompel, zusammen eine Band zu gründen. 

1976 kam der Hamburger Schlagzeuger Holger Quintus noch hinzu. 

Uralte Fotos aus den Jahren 1974/75 dokumentierten damals den 

musikalischen Anfang. Diese damalige Musikgruppe nannte sich 

ARTANTS, was so viel heißt wie „KunstAmeisen“. 

Schon damals war mir klar, dass man nicht nur gute Musik machen, 

sondern sich auch ansprechende Bühnenkleider zulegen musste (s. 

Fotos). Musikalische Stilrichtung der ARTANTS: zu circa 50 Prozent 

Beatles-Songs, 20 Prozent melodische und mehrstimmige Country- 

Songs, 10 Prozent Rock-’n’-Roll-Songs, zumeist von Chuck Berry, 

und der Rest mehrstimmige Popsongs anderer Bands. Die meis - 

ten Konzertauftritte dieser damals neuen Band organisierte ich 

jeden Sonntag im Alexandra-Kino in Bleckede, Einzelkonzerte in 

der Treubund-Halle in Lüneburg, in einem kleinen Club in Bad 

Bevensen und anderswo. 

1975 schlug ich zum Erstaunen meiner Band als damaliger Gitarrist 

und Sänger meinen Bandmitgliedern ein völlig anderes musikalisches 

Konzept vor: eine perfekte Beatles-Show, in der nur noch 

Beatles-Songs gespielt werden würden, mit einheitlichen schwarzen 

Anzügen, Beatles-Stiefeln, Schlipsen und Originalfrisuren wie 

einst die Beatles … Und dafür müsste die Band eine neue PA, d. h. 

Gesangsanlage, neue originale Bühnen verstärker, ein tragbares klassisches 

Klavier, verschiedene Originalinstrumente und eine Licht - 

anlage kaufen. 

Ich war mir damals sicher, dass man mit einer derartigen Bühnen - 

show erfolgreiche und gut bezahlte Konzerte überall in Deutschland 

absolvieren könnte. Voraussetzung: Die Band müsste bereit sein, jeden 

Abend in meiner selbst gebauten Musikwerkstatt (mit Bühne) im 

vierten Stock im Zentrum von Lüneburg ein Jahr lang zu proben. 


STORIES 41 

44 000 DM auf Ab zahlung. Monatliche Rate: 1 000 DM! Gleichfalls 

kaufte ich nach und nach alle authentischen Verstärkeranlagen und 

einige Instrumente. 

Das Schwierigste war es, ein erfolgreiches Konzertmanagement 

aufzubauen. Nach einem Jahr fast täglichen Proben für ca. 40 

Beatles-Songs waren wir zwar musikalisch gut bis sehr gut, wussten 

allerdings nicht, wie wir an gut bezahlte Konzerte in Clubs, auf 

Festivals und Stadtfesten gelangen sollten. 

Die Reaktion meiner Musikerfreunde war eindeutig: 

Keiner von ihnen wollte sein Geld in eine Idee investieren, von der 

niemand genau wusste, ob sie für die Zukunft realistisch wäre. 

Daraufhin schlug ich meiner Band vor, alle zukünftigen Risiken dieser 

Idee alleine zu übernehmen sowie alle nötigen Anschaf fungen wie 

Verstärker, Instrumente (besonders das Klavier), die Gesangs anlage 

mit Mikrofonen und die benötigte Lichtanlage (Gesamtwert ca. 

15 000 DM) sowie einen großen Transportbus alleine zu kaufen. 

Da ich damals in meiner Studentenzeit selber kein Geld hatte 

und mit BAföG überleben musste, arbeitete ich nebenbei in verschiedenen 

Firmen und als Gitarrenlehrer an Volksschulen im Land - 

kreis, um so das nötige Geld zu verdienen. Zudem bot ich damals 

meinen Mitmusikern an, dass ich das gesamte Musik management 

dieses Projektes selber in die Hand nehmen und jedem Einzelnen 

von ihnen für Konzertauftritte eine jeweilige Festgage zahlen würde. 

Dazu waren dann meine Freunde bereit … 

Zusätzlich musste noch der Transport geregelt werden. Ich hatte 

zwar einen alten, kleinen Hanomag-Bus, mit dem ich bisher für die 

Band alles selber transportierte, aber mir war klar, dass für die 

neuen, größeren Anlagen und circa fünf Auf- und Abbauhelfer 

(Schüler) ein wesentlich größerer Bus gekauft werden musste. 

Nachdem ich etwa ein Jahr lang nebenbei hier und da bis Ende 1976 

Geld verdient und angespart hatte, bestellte ich Ende 1976 einen 

großen Mercedes-Transporter als Neuwagen im Wert von circa 

Aus diesem Grund entwickelte ich folgende Idee: Ich rief das 

bekannte Hamburger Stadtmagazin Ultimo (heute Oxmox) an und 

fragte, ob ich für ca. fünf Konzerte innerhalb eines Monats in 

Hamburgs bekanntestem Clubs ihre Titelseite kaufen könnte. Ich 

kann mich heute noch gut daran erinnern: Der Chefredakteur und 

Herausgeber des Ultimo war völlig konsterniert ... Er sagte mir klar 

und deutlich, dass noch nie jemand auf eine derartige verrückte Idee 

gekommen sei, und verlangte nach kurzem Nachdenken 850 DM. 

Ich willigte sofort ein und ging danach mit meiner Band in ein 

Hamburger Fotostudio, um professionelle Fotos zu machen. Heute 

rückblickend kann man sagen: Sie waren wirklich fantastisch und 

äußerst authentisch. 

Versehen mit einem entsprechenden Layout ließ ich von einem 

dieser Fotos 500 Plakate herstellen und fuhr damit zu den drei 

wichtigsten Hamburger Clubs: zum bekannten und be rühmten 

Hamburger Szeneclub Onkel Pö, zum ebenso bekannten Ham - 

burger Club Logo und dann zum Winterhuder Fährhaus mit seinem 

großen Saal. 

All diesen Clubbesitzern zeigte ich das Plakat und sagte ihnen: 

Wenn sie uns im Dezember 1976 und im Januar 1977 zwei jeweilige 

Doppelauftritte geben würden, kämen sie mit diesem Plakatfoto 

und den Konzertterminen mit auf die Titelseite des Hamburger 

Stadtmagazins Ultimo. 

Die Reaktion der Clubbesitzer: Sofortige Zusagen mit einer je - 

weiligen Festgage von jeweils 1 000 DM pro Konzertauftritt. 

Was niemand ahnte und wusste, war, was kommen würde, wie 

also die Reaktionen der musikbegeisterten Leser des Hamburger 

Stadtmagazins Ultimo auf diese ungewöhnliche und außergewöhnliche 

Titelseite ausfallen würden. 

Um es kurz zu sagen: Alle Konzerte waren nicht nur ausverkauft, 

sondern zahlreiche Konzertbesucher erhielten keinen Einlass 

mehr und mussten draußen vor den Türen und Fenstern stehen. 

Nach jedem Konzert mussten wir zahlreiche Zugaben spielen und 

Autogramme geben. Für uns war das alles wie Zauberei, denn so 

etwas hatten wir zuvor noch nie erlebt. 8 

8 


42 STORIES 

Im Winterhuder Fährhaus spielten wir zwölf Zugaben. Dann explo - 

dierte auch noch meine Gesangsanlage mit einem großen Knall. 

In diesem Augenblick wurde mir klar, dass ich die Chance hatte, 

diese Erfolge in fast allen Musikclubs in Deutschland zu wiederholen. 

Wenn es uns in der zweitgrößten Stadt Deutschlands gelungen war, 

so eine Begeisterung und einen derartigen Ansturm hervorzurufen, 

dann müsste das in den zahlreichen kleineren Städten dieses Landes 

genauso funktionieren. 

Was tun? Ich kaufte für 1 000 DM von einem Konzertveranstalter 

circa 5 000 Adressen, entwarf einen Brief und legte diesem Brief 

eine genaue Beschreibung der sechs Kon zerte in Hamburg bei – mit 

den Namen, Adressen und Telefonnummern dieser Clubs als 

Referenzen. 

Danach bemerkte ich, dass circa 4 000 Adressen nicht mehr 

stimmten – die Briefe kamen in den meisten Fällen postalisch 

zurück. (Mails gab es damals noch nicht.) 


STORIES 43 

Und siehe da: Plötzlich riefen eine große Anzahl von Veran - 

staltern bei mir an und wollten die Beatles Beat Band auch bei 

sich haben. 

Daraufhin erhöhte ich die Gage je nach Größe des Clubs auf 

1 000 bis 1 500 DM. Und auch das klappte, denn die Veran stalter 

rechneten selber mit Gewinnen. Damit hatte ich innerhalb von ein 

bis zwei Monaten 120 bis 130 kleine und größere Kon zert auf tritte 

für 1977 zusammen. Sämtliche Verträge mit den Veran staltern entwarf 

und formulierte ich selber. 

Da sich dieser große Erfolg schnell herumsprach, brachte unser 

Schlagzeuger Mitte 1976 einen befreundeten Studenten der Ham - 

burger Uni mit, der bereit war, uns zukünftig bei allen Kon zerten als 

Agent zu vertreten. Sein Name: Klaus Lühnenschloss. 

Die Folge der Gagenerhöhungen: Die Konzerte wurden weniger, 

was auch für uns eine Erleichterung war, denn für so wenig Geld wie 

bisher in ganz Deutschland mit einem großen Bus herumzufahren – 

die meiste Zeit fuhren ihn unser Pianist Hinrich Vogt und ich im ständigen 

Wechsel –, beladen mit inzwischen großen Anlagen und 

Instrumenten, belastete in erheblichem Maße die Nerven und die 

Gesundheit aller Bandmitglieder. 

Wahrscheinlich haben wir in circa zehn Jahren auf 400 bis 500 

Konzerten gespielt. Um die Musikgruppe immer attraktiver werden 

zu lassen und die Veranstalter für Konzerte zu gewinnen, ließ ich 

laufend neue Plakate und Infos drucken. Je höher die Gagen ausfielen, 

umso schwieriger wurden die Verhandlungen mit den Veran - 

staltern. Zum Schluss unserer vielen Konzerte managte uns der 

Manager der Beatles Revival Band aus Frankfurt, Klaus Schmitt. 

»Wahrscheinlich haben wir 

in zehn Jahren auf 400 bis 500 

Konzerten gespielt.« 

Herausragend war ein Konzert auf dem Hannoveraner Stadtfest, 

bei dem um die 10 000 Personen anwesend waren. Herausragend 

war auch ein Konzert im heiligen Parlamentssaal des Hamburger 

Senats/Rathauses. Ebenso herausragend war ein Konzert in 

Amsterdam/Holland während einer Beatles Convention. Und auch 

in der Ham burger Ernst-Merck-Halle, in der einst die Original-Beatles 

auftraten, spielten wir vor mehreren Tausend Besuchern zusammen 

mit Truck Stop. 

Circa 1993 entschloss sich unser Pianist, Gitarrist und Sänger 

Hinrich Vogt zu heiraten und in Bayern ein großes Hotel zu übernehmen. 

Uwe und ich machten ab 1996 weiter. Wir engagierten verschiedene 

Gitarristen und Schlagzeuger bis zum Jahre 2005, als 

Hinrich als Pianist, Gitarrist und Sänger wieder zu uns zurückkehrte. 

Seitdem haben wir mit verschiedenen Schlagzeugern (unter ihnen 

Henning Dahlmann, der leider inzwischen verstorben ist) weiter in 

einem kleinen Probe-, Video- und Konzerttheater in Lüneburg geübt, 

das ich in einer ehemaligen Autowerkstatt fantastisch und technisch 

perfekt aufgebaut und eingerichtet habe, und weiter auf Konzerten 

gespielt. Bis zum heutigen Tage … 

Ich habe in den folgenden zehn Jahren über alle Konzerte genaue 

Terminkalender geführt, die ich bis heute aufbewahrt habe. Nach 

und nach erhöhte ich dann die Gagen. Im Mittel aber verlangten unser 

Agent und ich als Organisator dieser Musikgruppe zwischen 2 000 

und 3 000 DM für ein Konzert. 

Zu unser aller Begeisterung sind 46 Jahre nach unserer Grün - 

dung im Jahr 1974 zu unserem letzten Konzert im Dezember 2019 

in das Kulturforum Gut Wienebüttel circa 400 Besucher gekommen, 

die bereit waren, zwischen 12 und 15 Euro Eintritt zu zahlen. 

Und auch hier forderte das Publikum wie in alten Tagen viele 

Zugaben – für eine Rentner band mit einem Altersdurchschnitt von 

inzwischen ca 70 Jahren ein unerwarteter Erfolg! 

1979 verließ uns unser Schlag zeuger Holger Quintus und wir 

engagierten als neuen Schlagzeuger Knut Purwin aus Bad 

Bevensen. 

WEB: WWW.FACEBOOK.COM/THEBEATLESORCHESTRA 

TEXT UND FOTOQUELLE BBB: OLE SEELENMEYER 

FOTO BEATLES WALL: © GIGIGNOFORCELLA/ADOBE STOCK 


44 MUSIKBUSINESS 

The Singer’s Coach von LeeZa Nail 

Teil 1: VOCAL SKILLS 

LEEZA NAIL 

The Singer’s Coach – Der Karriere-Ratgeber 

Alles, was ambitionierte Sänger*innen wissen sollten! 

DIN A4, 160 SEITEN, 18,95 EURO 

ISBN13: 9783947998081 

WWW.ALFREDMUSIC.DE 

LEEZANAIL.DE | 

FACEBOOK.COM/LEEZA.NAIL.AUTORIN 

KÖRPERHALTUNG 

UND GRUNDSPANNUNG 

Für alle Übungen ist eine gerade, aufgerichtete 

Haltung mit einer guten Körper-Grund span nung 

einzunehmen. Eine „gute Grundspannung“ ist 

immer dann gegeben, wenn deine Muskel span - 

nung zwischen nicht angespannt („fallen gelassen“) 

und überspannt liegt. 

Mit dieser Grundspannung verfügt dein Körper 

über einen effizienten Energie-Level und kann ihn 

auch über längere Zeit halten. 

AUFBAU DER GERADEN HALTUNG 

Stelle dich mit dem Rücken an eine Wand. Die 

Füße stehen parallel zueinander und etwa hüftbreit 

auseinander. Fersen, Po, Schultern und 

Hinter kopf berühren die Wand. Nun machst du 

dich groß, indem du die Wirbelsäule an ihren beiden 

Enden „auseinanderziehst“. Ziehe den 

Scheitel punkt (den höchstgelegenen Punkt an der 

Oberseite deines Kopfes) nach oben (die Augen 

schauen dabei in Augenhöhe geradeaus, die Hals - 

wirbelsäule dehnt sich), während du gleichzeitig 

den Steiß (das untere Ende der Wirbelsäule) nach 

unten ziehst. Das erreichst du, indem du beide 

Pobacken anspannst, sie leicht zusammenkneifst. 

Achte darauf, dass du dabei das Schambein nach 

vorn oben ziehst und damit dem Hohlkreuz entgegenwirkst. 

Das heißt, die natürliche S-Form der 

Wirbelsäule wird in der unteren Hälfte etwas „be- 

gradigt“ (daran zu merken, dass der Zwischen - 

raum zwischen unterem Rücken und Wand kleiner 

wird). Spüre aufmerksam, wie sich die – oft 

durch Bewegungsmangel und zu langes Sitzen – 

gestauchten Wirbel auseinanderziehen und die 

Wirbelzwischenräume vergrößern. Deine Beine 

sollen gerade und gestreckt sein, die Knie aber 

nicht krampfhaft durchgedrückt, sondern in lockerer 

Federung. 

Nun kreise ein paarmal mit den Schultern, 

lasse sie dann hinten – unten stehen (so, als ob 

sich am Rücken die beiden Schulterblätter be - 

rühren wollten) und lass die Arme locker an den 

Seiten herabhängen. 

Wenn du alle Punkte beachtest, solltest du in 

dieser Haltung eine lockere Grundspannung deines 

Körpers spüren. Am Anfang mag dir diese 

Haltung unnatürlich und verkrampft vorkommen, 

aber wenn du sie ein paarmal eingenommen und 

dabei bewusst die Muskeln nur „gesund“ angespannt 

und zur Aufrichtung eingesetzt hast, 

dann wird sie dir mit der Zeit als die natürliche, auf - 

gerichtete Haltung unverzichtbar werden. Natürlich 

kann und soll niemand so den ganzen Tag herumstehen, 

dennoch ist es für den Aufbau einer 

guten Körperspannung (die wir für kraftvollen Ge - 

sang benötigen) wichtig, diese aufrechte Haltung 

immer wieder einzunehmen. 


W– wie 

Wissenswertes 

Übrigens: Die bekannte Management- und 

Motivationstrainerin Vera F. Birkenbihl hat einen 

wirkungsvollen Tipp gegen Frust und Ärger. 

Sie empfiehlt, in einen Spiegel zu schauen 

und sich eine Minute lang (!) anzulächeln. 

Auch wenn das Gesicht in den ersten 15 bis 

20 Sekunden eher einer verzerrten Fratze 

ähnelt: Spätestens nach einer Minute produziert 

das Gehirn vermehrt Endorphine und 

verbessert die Stimmung. Einen Versuch ist 

es allemal wert, oder? 

Merke: Die Aufrichtung der Wirbelsäule ist das A 

und O einer gesunden Haltung und kann dich im 

besten Fall vor schmerzhaften Rücken pro blemen 

bewahren. 

Der menschliche Körper ist ein Be wegung s - 

apparat, und so sollte er auch eingesetzt werden. 

Ohne angemessene, möglichst tägliche Be we - 

gung bringt auch die beste Haltung auf Dauer 

nur mäßigen Erfolg. 

AUFRECHTE HALTUNG STÄRKT 

AUCH DIE PSYCHE 

Wenn du überwiegend in der geraden, aufgerichteten 

Haltung gehst, stehst und sitzt, sendest 

du kraftvolle Signale in die Außenwelt, fühlst dich 

stärker und deine Stimmung verbessert sich auto - 

matisch. Zum einen schöpfst du deine Körper - 

größe vollends aus, zum anderen erweitert sich 

dein Blickfeld im wörtlichen wie im über tragenen 

Sinne. Das ist einer der Gründe dafür, dass es hilft, 

sich aufzurichten und die körperliche Hal tung zu 

ändern, wenn man deprimiert oder frustriert ist. 

Auch wenn’s in dieser Stimmung zunächst un - 

möglich scheint: Auf richten, Kopf hoch und lächeln, 

mindestens eine Minute lang, und du wirst spüren, 

wie nach und nach Kraft und Optimismus zurückkehren 

(s. Kasten unten). 

»There’s no business like showbusiness« 

BUSINESS SKILLS FÜR 

SÄNGER*INNEN 

OUTFIT UND IMAGE 

EINES*EINER SÄNGER*IN 

Ein*e Musiker*in schenkt seinem*ihrem Pu - 

blikum nicht nur gespielte oder gesungene Töne. 

Die Bühne ist eine Art Laufsteg; hier gelten andere 

Gesetze als im alltäglichen Leben. Im Moment der 

Perfor mance offenbart ein*e Musiker*in immer 

auch einen Teil seiner*ihrer Persönlichkeit. Und 

dieser Teil ist wichtig. Selbst wenn für die Zuhörer 

die Musik die erste Intention gewesen sein mag, 

zum Konzert zu kommen, so geht doch das In - 

teresse oft weit darüber hinaus: 

»Man möchte 

auch wissen, was das 

für ein Mensch ist, 

der da auf der Bühne steht 

und einen so fasziniert. 

Wie ist er oder sie 

zu der Person ge worden, 

die sie heute ist? 

Was hat sie für eine 

Vergangenheit? 

Wie und wo lebt sie? 

Was liebt sie?« 

MUSIKBUSINESS 45 

Die Wahrheit ist jedoch: Wir alle lassen uns 

von Äußerlichkeiten beeindrucken – und be ur tei - 

l en andere (mehr oder weniger be wusst) danach. 

Grund genug, sich als Sänger*in mit diesem 

Thema zu beschäftigen. 

Wie zum Teufel kommt man denn nun zu einer 

Ausstrahlung, wie sie eine Adele, ein Bruno Mars 

oder eine Lady Gaga besitzen? Zwar kann man 

sich Ausstrahlung und Charis ma nicht einfach 

antrainieren wie Muskeln, aber du kannst deine 

dir innewohnende Ein zig ar tig keit nutzen, indem 

du deine besonderen Eigenschaften an dir selbst 

entdeckst und sie bewusst verstärkst. So ge - 

langst du zu dem, was die Menschen fasziniert: 

Au then tizi tät. 

A – wie Anekdote 

Karl Lagerfeld sagte in der Talkshow 

von Markus Lanz am 19. April 2012: „Wer 

eine Jogginghose trägt, hat die Kontrolle über 

sein Leben verloren.“ 

Die Fortführung des Gedankens ist: Eine 

Person in Jogginghosen und Badelatschen 

bewegt, fühlt und verhält sich instinktiv 

anders als eine im Anzug bzw. im Kostüm 

und mit High Heels. Was bedeutet das für 

eine*n Sänger*in? 

WIE FINDE ICH 

MEIN PERSÖNLICHES IMAGE 

UND OUTFIT? 

Eine wichtige Funktion für eine gute Haltung 

übernehmen die Schultern. Nach vorne, zum 

Brust bein hin gewölbte, hängende Schultern deuten 

nicht nur auf einen kraftlosen, gedrückten Men - 

schen hin, sondern sie machen es auf Dauer auch 

immer schwerer, sich wieder aufzurichten und zu 

neuer Kraft zurückzufinden. Ein aufgerichteter 

Rücken mit erhobenem Kopf und locker nach 

hinten – unten gestellten Schultern zeigen einen 

kraft vollen und selbstbewussten Men schen (bitte 

nicht wie ein Gockel mit übertrieben vorgestreckter, 

stolzgeschwellter Brust). 

Extrovertierte Sänger*innen haben es da leichter. 

Sie zeigen gerne und meist intuitiv durch ihre 

Art zu singen, zu reden, sich zu kleiden und zu 

stylen, durch Gestik und Mimik dem Publikum 

etwas von ihrem Inneren. 

Aber nicht allen fällt das gleichermaßen leicht 

– einige müssen vielleicht erst herausfinden, was 

für ein Typ sie sind und wie sie von ihrem Pu bli - 

kum wahrgenommen werden (möchten). Oder 

sie denken, dass sie doch zuallererst mit ihrem 

Gesang und nicht mit Äußerlichkeiten ihr Publikum 

überzeugen wollen. 

Natürlich gibt es kein Patentrezept, wie man es 

schafft, authentisch zu sein. Doch du kannst einiges 

dafür tun und dieses Kapitel als An regung 

verstehen, dich mit dem zu beschäftigen, was auf 

dein Publikum und die Men schen in deiner Um - 

gebung einwirkt: deine Musik, deine Stimme, 

dein Erscheinungsbild, Gestik und Mimik, deine 

Art, mit dem Publikum zu kommunizieren, Show 

und Bewegung. 

Und das geschieht auf zwei Ebenen. Die erste 

ist die, auf der der*die Sänger*in als Privatperson in 

der Öffentlichkeit fungiert. 

8 



THE SINGER’S COACH 

In ihrem bei Alfred Music erschienenen Buch The Singer’s Coach (978-3-947998-08-1) gibt LeeZa Nail 

ihre Erfahrungen weiter an alle, die es ebenfalls ernst meinen mit der eigenen Gesangskarriere. 

In insgesamt dreizehn Kapiteln beschäftigt sich LeeZa mit: 

• der Gesangspraxis und deren handwerklichen Grundlagen (Atemtechnik, Stimmbildung, Interpretation) 

• den „Basics“ der allgemeinen Musiklehre (Harmonik, Rhythmik, Gehörbildung, Vom-Blatt-Singen) 

• der bewussten Auseinandersetzung mit der eigenen Rolle als Sänger*in (Performance, An sprache des 

Publikums, Imagebildung, Zeit- und Selbstmanagement, Fitness von Körper, Geist und Seele) 

• den Notwendigkeiten des Musikbusiness (Equipment, Marketing, Künstlersozialkasse, Verwer tungs - 

gesellschaftenwie GEMA und GVL) 

Spannende und aufschlussreiche Interviews mit Profimusiker*innen aus Soul, Pop, Jazz, Musical, 

Oper und Chor runden ihr Buchkonzept ab. 

Selbstanalyse 

DER*DIE SÄNGER*IN 

ALS PRIVATPERSON 

Die Bühne ist nur eine der öffentlichen Platt - 

formen, auf denen der Künstler agiert. Grund - 

sätzlich ist jedes öffentliche Auftreten, jedes Ge - 

spräch, jeder Smalltalk repräsentativ. Indem ein 

Musiker über seinen Beruf spricht und für seine 

Kunst wirbt, wirbt er gleichzeitig auch immer für 

seine Person. 

Sänger*innen – erst recht, wenn sie mit dem 

Singen Geld verdienen wollen – sollten sich neben 

einem Bühnenimage und -outfit ein zweites, nennen 

wir es das Repräsentier-Outfit, zulegen. 

Zum Beispiel für Treffen mit Veranstaltern oder 

der örtlichen Presse oder um ein Interview zu 

geben. Auch werden dich fremde Menschen, die 

dich als Sänger*in (er-)kennen, sehr neugierig 

be obachten, wenn sie dich plötzlich auf der Straße 

oder beim Friseur treffen. 

Der Artikel „W – wie Wissens wertes“ – rechte 

Spalte – macht zweierlei deutlich: zum einen, wie 

sehr die Wirkung, die wir auf andere haben, auch 

von Komponenten wie der Körpersprache ab - 

hängig ist, und zum anderen zeigt er uns, dass 

wir überhaupt Einfluss darauf nehmen können, 

wie wir auf andere wirken. 

Zuallererst solltest du dich mit deiner eigenen 

Persönlichkeit beschäftigen, quasi dich selbst 

besser kennenlernen. Die folgenden Fragen können 

dir dabei helfen. Nimm dir dazu ausreichend 

Zeit sowie Block und Stift zur Hand und denke 

intensiv über die Fragen nach. Du kannst die vorliegende 

Tabelle nutzen und mit Stichpunkten aus - 

füllen. Doch ich empfehle dir, zusätzlich die Fragen 

ausführlich und schriftlich auf einem Extrablock zu 

beantworten, indem du positiv formulierst, also 

zum Beispiel „Mir ist wichtig, dass …“ usw. 

AUTOR: LEEZA NAIL 

TEXTQUELLE: MIT FREUNDLICHER 

GENEHMIGUNG VON ALFRED VERLAG 

FOTOS: © FANTOM_RD / ADOBE STOCK 

W– wie 

Wissenswertes 

Der Psychologe und langjährige Chef - 

redak teur der Zeitschrift „Psychologie 

heute“ Heiko Ernst thematisiert in seinem 

Artikel „Unser täglicher Aus druckstanz“ in 

der Aus gabe 04/2014 die „emotionale 

Selbst beein flussung“. 

Die Wahl der Kleidung, die Art zu sprechen 

und die eigene Körpersprache, also 

kurz: die eigene Selbstdarstellung beeinflusst 

unsere Außenwirkung auf andere. 

Aber das ist nur ein Teil der Wahrheit! 

Neuere Forschung hat nämlich ergeben, 

dass man durch bewusste Körper - 

haltungen sich auch emotional selbst – 

sozusagen auch nach innen – beeinflussen 

kann. „Nicht nur unsere inneren Zu - 

stände drücken sich in der Körper sprache 

aus. Wir können den Pro zess umkehren 

und dem Gehirn durch be wusste Gesten 

vorgeben, wie es sich zu be finden hat, zum 

Beispiel in Prüfungs- oder Bewertungs - 

situationen.“ 

Gerade diejenigen, die nicht zur Selbst - 

sicherheit tendieren, sich eher selbst klein - 

machen, zu Schüchternheit, Intro vertier t - 

heit und/oder übertriebener Selbstkritik 

neigen, können ihre Selbstpräsenz durch 

die eigene Körpersprache optimieren. 

Dazu sind keine besonderen schauspielerischen 

Fähigkeiten nötig. Es reicht schon, 

„negative Körper ein flüsse auf das Denken 

und Fühlen zu vermeiden“ und sich selbst 

davon zu überzeugen: „Hier bin ich, so bin 

ich! Die Wirkung wird verblüffend sein.“ 



NUR 

INTELLIGENTE 

EINZELKÄMPFER 

ÜBERLEBEN 

»Ich bin bekanntlich einer 

der schärfsten Kritiker der 

GEMA – schickt 

Ole Seelenmeyer voraus. 

Aber sie hat in 2012 

einen großen Schritt nach 

vorn gemacht und 

notwendige Reformen 

eingeläutet.« 

er Vorsitzende des Deutschen Rock & 

D Popmusikerverband (DRMV) spricht von 

der Umstellung auf das INKA-Abrechnungs ver - 

fahren in 2012/2013. Damit löste die Verwer tungs - 

gesellschaft das bisherige PRO-Verfahren ab, 

einem nach Ansicht von Ole Seelenmeyer „extrem 

komplizierten und ungerechten Tantiemen-Aus - 

schüt tungs system. INKA ist einfacher, transparenter 

und bietet eine höhere Abrechnungs - 

genauig keit.“ 

Mit der Einführung der PRO-Abrechnung vor 

23 Jahren seien die Urheberrechtseinnahmen der 

live auftretenden Künstler in Deutschland „massiv 

eingebrochen“. Das PRO-Verfahren zu entschlüsseln 

habe jahrelange Erfahrung erfordert. 

Von den GEMA-Lizenzgebühren für einen Live - 

auftritt einer Band habe die Verwertungs gesell - tet als positiv, dass die GEMA-Mitglieder über 

schaft bisher im Lizenzbereich zwischen 350 und INKA abstimmen durften, während PRO ein „reiner 

Verwaltungsentscheid“ des damaligen Auf - 

750 Euro und damit einen Großteil einbehalten. 

Seelenmeyer gibt ein Rechenbeispiel: „Es kam vor, sichts rats gewesen sei. „PRO konnte zudem 

dass lediglich zehn Prozent der Konzertlizenzen extrem missbraucht werden, und zwar von den 

ausgeschüttet wurden. Das war ein Aderlass, bei GEMA-Millionären, die die eigentlichen Großver - 

dem professionelle Künstler auf bis zu 90 Prozent diener des PRO-Verfahrens waren und es bis 

der GEMA-Lizenzeinnahmen verzichten mussten.“ heute sind.“ 

Nach Seelenmeyers Meinung stünden den 

selbst komponierenden und textenden Musikern Doch Livekonzerte sind nur eine der Vergü - 

jedoch 85 Prozent der GEMA-Lizenzgebühren zu. tungsquellen der Musiker. „Die Einnahmen eines 

Die restlichen 25 Prozent entfallen auf Be ar bei - Rock- und Popmusikers stammen aus vielerlei 

tungsgebühren sowie Kultur- und Sozial ab gaben. Töpfen, wobei das Livegeschäft, bestehend aus 

Gagen und daraus oft resultierenden GEMA- 

Diese Verteilung könne nun hoffentlich das Tantiemen, mit zusammen 60 bis 70 Prozent den 

INKA-Verfahren gewährleisten. Seelenmeyer wer- größten Anteil ausmacht.“ Doch während sich 8 



bei den Konzerten mit INKA eine gerechtere 

Verteilung für die Musiker abzeichnete, sieht 

Seelenmeyer im Rundfunkbereich noch großen 

Nachholbedarf: „99,9 Prozent aller Musiker ist 

dieser Bereich leider weitgehend verschlossen.“ 

Die öffentlich-rechtlichen Sender und großen 

Privatstationen stünden fast ausschließlich für 

Majorkünstler offen. „Und nur 0,01 Prozent aller 

Musiker in Deutschland haben einen CD-Vertrag 

bei einer Major-Company“, schätzt Seelenmeyer. 

„Es gibt rund 200 Radiosender in Deutsch - 

land. Davon müssen nur die größten 50 Musik - 

pro grammbögen (Sendeprotokolle) an die GEMA 

einreichen.“ Ohne Programmfolgebögen erhalten 

die Künstler keine GEMA-Ausschüttung. „Das trifft 

die 99,99 Prozent vertragsfreien Bands und 

Interpreten. Des wegen sollte die GEMA 

diese 150 Rundfunkstationen auffordern, 

Pro grammfolgebögen einzureichen“, 

sagt Seelenmeyer. „Die 

GEMA muss noch viel reformieren. 

Aber sie ist auf dem richtigen 

Weg.“ Es seien jetzt viele 

junge Leute dabei: „Die alten 

Knacker sind weg; es herrscht in 

dieser Beziehung ein anderer Elan.“ 

Seine Kritikpunkte an der Verwertungsgesell - 

schaft vertrat der Verbandssprecher bereits vor 

Politikern des Bundestags. 2009 war er Mit initia - 

tor einer Petition zur Reformierung der GEMA. 

Seitdem habe die Verwertungsgesellschaft beispielsweise 

ihre Delegiertenzahl verdoppelt. 

„Thematisch hatte ich das in meiner Petition 

gefordert“, erklärt Seelenmeyer. Von der damaligen 

Anhörung im Bundestag blieb ihm vor allem 

ein Satz in Erinnerung: „Ich fordere sie, die GEMA, 

dazu auf, sich endlich zu reformieren. Wenn sie 

dem nicht nachkommt, werden wir sie politisch 

dazu zwingen“, sagten damals die CDU-Bundes - 

tags abgeordnete Gitta Connemann und der 

damalige Fraktionsvorsitzende Kauder. Diesen 

Satz habe die GEMA als Ansporn ge nom men. In 

Ini tia tiven wie der Bundestagsanhörung sieht 

Seelenmeyer den Sinn seiner Verbands tätigkeit: 

„Unsere Aufgabe ist es, die Politiker für das zu 

sensibilisieren, was in unserem Kunst- und Kultur - 

be reich im Argen liegt und reformiert werden 

muss.“ 

Doch der DRMV versteht auch die Information 

seiner Mitglieder als wichtige Aufgabe und erfüllt 

diese beispielsweise mit dem Musiker Magazin. 

Im Livebereich engagiert sich der Verband unter 

anderem mit dem Deutschen Rock & Pop Preis, 

der bereits Gruppen wie Juli und Luxuslärm als 

Sprungbrett diente. 

Doch nicht allein das 

Verhältnis der Musiker zur 

GEMA ist geprägt von In - 

teressenskonflikten – das gilt 

auch für Verlage und Labels: 

„Die meisten professionellen 

Musiker sind sehr kritische Geister. 

Sie stehen zum Beispiel den Musik - 

verlagen generell kritisch gegenüber.“ 

Ein Musiker frage sich oft: „Warum soll ich die 

Nutzungsrechte an meinen Werken an irgendeinen 

Verleger abgeben, der nur auf seinem Stuhl 

sitzt und wartet, dass irgendwann mal was von 

selbst passiert?“ 

Deshalb sei sein Ratschlag, so Seelenmeyer, 

erst einmal keine Verlagsrechte zu vergeben. 

„Das lohnt sich erst, wenn man einen Künstleroder 

Bandübernahmevertrag hat.“ Damit sie ihre 

Einnahmen optimieren, empfiehlt Seelenmeyer 

den Künstlern, möglichst oft live zu spielen. Wichtig 

dabei sei die „organisatorische Systematik“: „Am 

besten ist es, wenn die Bands genau Buch führen, 

wo und wann sie gespielt haben, nach jedem 

Konzert einen Musikfolgebogen an die GEMA 

schicken und ein Duplikat davon einbehalten.“ 

Zudem sollten sich Musiker voll auf die „Er- 

oberung des Internets konzentrieren“. Dazu ge - 

höre es, bei YouTube, Facebook, Instagram, 

iTunes und Amazon vertreten zu sein. „Künstler 

müssen ihre Produkte auf Verkaufsportalen an - 

bieten und sie intensiv über begleitende Kom - 

munikationskanäle bewerben – und zwar intelligent 

und mit den richtigen Keywords.“ Doch 


Lüneburger Musikerinitiative IDLM. Der Sänger und Bassist 

spielte in den 70er- und 80er-Jahren rund 600 Konzerte 

im In- und Ausland und ist auf rund 290 Tonträgerpro - 

duktionen zu hören. Vor der Gründung des DRMV im Jahr 


auch hier seien noch Reformen seitens der GEMA nötig. „Die 

GEMA muss endlich das, was sie im Internet kassiert, auch an 

die Künstler ausschütten, die im Internet tatsächlich verkauft 

oder gespielt werden.“ 

Seelenmeyer weist zudem auf die 

neuen Finanzierungs möglichkeiten hin, 

die Musikern heute zur Verfügung stehen: 

„Da gibt es zum Beispiel das Crowd fun ding, 

bei dem quasi Aktien an Fans vergeben werden.“ 

Er sei sich aber „nicht so ganz sicher, ob das der richtige 

Weg ist“. Auch die staatliche Musikförderung sieht 

Seelenmeyer differenziert: „Infrastruk tur förderung halte ich für 

richtig. Band subventionen halte ich für falsch. Wenn man 

Musiker subventioniert, kann das Wichtigste kaputt gehen – 

ihre Kreativität zur Selbstständigkeit und Unab hängigkeit. Wer 

in dieser Branche überleben will, muss zum intelligenten, musikalischen 

Einzel kämpfer mit oder ohne Band werden.“ 

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ZUR PERSON OLE SEELENMEYER 

Firma: 

Ist seit 1984 geschäftsführender Bundesvorsitzender des 

Deutschen Rock & Pop Musikerverbandes e.V. (DRMV). 

Als Musiker und Komponist gründete er bereits 1973 die 

Telefon: 

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Zu bestellen über: Musiker Press, Kolberger Str. 30, 21339 Lüneburg, Telefon: (0 41 31) 23 30 30, info@drmv.de 

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1984 rief er 1981 die AGLM und 1982 die AG Rock Musiker 

in Deutschland ins Leben. 

DEUTSCHER ROCK & POP MUSIKERVERBAND 

(DRMV) 

Das Sprachrohr der Musiker, der DRMV, repräsentiert über 

die ihm angeschlossenen 1 300 Musikgruppen, 80 Musik firmen, 

36 Musikerinitiativen und Vereine sowie 1800 Einzelmusiker, Kom - 

ponisten und Texter rund 20 000 Kulturschaffende aus dem 

Gesamtbereich der Popularmusik. Der Verband macht sich für 

die „kulturelle Anerkennung der Rock- und Popmusik und eine 

„gleichwertige Behandlung von populärer und klassischer 

Musik“ stark. Zudem fordert der DRMV die Chancengleichheit 

deutscher Musiker und Urheber in den Veröffentlichungen der 

Ton träger industrie und Musikverlagen sowie im Rundfunk und 

Fern sehen. Generelles Ziel des DRMV ist die Verbesserung der 

Arbeits be dingungen von Musikern, Komponisten und Text - 

dichtern. Der DRMV vergibt unter anderem den Deutschen 

Rock & Pop Preis, veröffentlicht das Musiker Magazin und 

betreibt das Internet portal Musiker-Online.TV. 

TEXT: NORBERT OBKIRCHER | QUELLE: MUSIKWOCHE 

FOTOS: BILLIONPHOTOS.COM / ADOBE STOCK 

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50 REZENSIONEN 

BASTIAN KORN 

»Held« 

„Authentische und ehrliche Stücke mit deutschem Text, die 

aus dem bewegten Leben des waschechten Musik-Malochers 

erzählen.“ Bastian Korn ist sich selber den Nachteilen von 

Klischees zwar vollends bewusst, kommt bei der Beschrei - 

bung seiner Karriere aber kaum umhin, sich solcher zu be - 

dienen. Ein waschechtes Ruhrpottkind inklusive Schloten, 

Feinstaub, Feierabendbier und Kleingarten, das sich über 

seine erste Ukulele und gemeinsam mit seinem Schlagzeug 

spielenden Zwillingsbruder über die Bühnen der Region ins 

Rampenlicht spielte. Gemeinsam mit diversen Koryphäen 

der Ruhrpottszene wie dem Rockpalast-Gründer Peter 

Rüchel tourte er über die Bühnen der Republik, seit einigen 

Jahren arbeitet Bastian Korn nun mit dem Produzenten 

Wolfgang Stach zusammen. Die beiden bilden ein exzellentes 

Produzenten- und Songwriting-Duo, das die neue Musik in 

die Welt bringt. 

Die 2019 erschienene EP „Held“ bietet dem Hörer tiefgehenden, 

aber trotzdem eingängigen und leicht melancholischen 

deutschsprachigen Pop – und zwar ganz ohne den so oft 

zu erlebenden negativen Beigeschmack flacher Texte und 

billiger Arrangements. Hier wirken zwei Profis zusammen 

an ausgefeilten Stücken, ohne jedoch den Fehler zu begehen, 

den Drive der Lieder durch Sperrigkeit zu behindern. 

Eine erfrischend lockere Angelegenheit, ohne verkrampft 

und flach zu wirken. 

bastiankorn.de 

P.S. 

INGO HÖRICHT 

»Deep Blue« 

Der studierte Violinist Ingo Höricht ist Kennern nicht nur 

durch sein spielerisches Talent bekannt, sondern auch durch 

seine kompositorischen Fähigkeiten, die er mit Projekten 

wie Mellow Melange oder dem Schné Ensemble immer 

wieder unter Beweis gestellt hat. Mit „Deep Blue“ ist nun 

kürzlich unter seinem eigenen Namen ein neues Album 

erschienen, auf dem Höricht und sein Ensemble sich wieder 

einmal Hörichts großem Steckenpferd, ja seiner gar 

nicht so heimlichen Liebe widmen: der Kammermusik. 16 

Stücke bzw. Arrangements erwarten den Hörer auf „Deep 

Blue“ und sie geben einen tiefen Einblick in die Vielfältigkeit 

in Hörichts Werk und seine unorthodoxe Stilmischung. Vom 

Piano-Solo über das Trio aus Klarinette, Cello und Klavier 

bis hin zum Streichquartett sind so gut wie alle denkbaren 

Besetzungen zu finden. Auch die Stimmung der einzelnen 

Stücke reicht von ruhigen und andächtigen, vom „Nordic 

Jazz“ inspirierten Stücken (die an moderne Interpreten wie 

Jan Garbarek oder Ketil Björnstad erinnern) bis hin zu feurigen 

Kom positionen, in denen osteuropäische Klassik, Jazz und 

Folk aus Südeuropa und dem Balkan zu verschmelzen scheinen. 

Ingo Höricht und seinen Mitmusiker*innen ist mit „Deep 

Blue“ ein absoluter Geheimtipp gelungen für diejenigen, die 

gerne über den Deckelrand von Klassik und Kammermusik 

hinausschauen – einem Genre, in dem die Scheuklappen 

bisweilen oft noch sehr hoch gezogen werden. 

www.ingo-hoericht.de 

P.S. 

ANDY SUSEMIHL 

»Alienation« 

Wo beginnt man, all die Kollaborationen des Tausendsasas 

Andy Susemihl aufzuzählen? Nachdem er mit zwölf Jahren die 

Gitarre erstmals bespielte, folgten erfolgreiche Jahre mit den 

Größten aus dem Rock-Geschäft. Um nur einige zu nennen 

– sie heißen Sinner, Udo Dirkschneider, Richie Kotzen (Poison, 

Mr. Big) und Rafael Moreira (Pink). Andy lebte mal in L.A., 

mal in deutschen Landen – immer wieder auf Live-Shows 

mit verschiedenen Projekten und als hoch angesehener 

Studiomusiker unterwegs. Er veröffentlichte zahlreiche Alben, 

so zum Beispiel unter eigenem Namen ein deutschsprachiges 

Album sowie ein Instrumentalalbum, und er machte 

Aus flüge in die Country-Musik. Mit „Alienation“ beschreitet 

Susemihl wieder seine Roots – mit elektrifizierten Saiten - 

klängen – irgendwo zwischen melodischem Power-Rock 

und solidem Metal. Seine Songwriter-Qualitäten strahlen in 

jedem der zwölf Songs. Die Stimmung ist beim Titel „Aliens“ 

ganz nah an der kalifornischen Küste angekommen, bildlich 

gesprochen. Modern wie die Winery Dogs und eingängig wie 

der früher rockige Bryan Adams. Eine veritable Ballade bester 

Tradition ist „Billion Dollar Light Show“. „Top Of The World“ 

ist ein Titel, der selbstredend da hindeutet, wo sein Protagonist 

hingehört. Kollaborationen kommen und gehen. Es bleiben 

die Gitarre und ehrliche, schweißgetränkte Musik von echten 

Rockmusikern. Von der Sorte eines Andy Susemihl. 

www.andysusemihl.com 

C.S. 

KINDERMUSIK / 

VARIOUS ARTISTS 

»42 starke Kinderlieder für 

eine bessere Welt« 

Eine illustre Ansammlung von Kindermusiker*innen versammelt 

sich auf „42 starke Kinderlieder für eine bessere Welt“ 

zum Stelldichein. 42? Da war doch mal was. Genau: Laut 

dem Kultbuch „Per Anhalter durch die Galaxis“ ist dies die 

Antwort auf alle Fragen der Welt, nach dem Sinn des Lebens. 

Nun will diese Compilation mitnichten so tun, als könnte oder 

wollte sie Kindern erzählen, wie die Welt funktioniert und was 

sie denken sollen. Stattdessen werden den (zumeist wohl 

eher jungen Hörer*innen) hier spielerisch vielfältige Themen 

rund um das Leben, die Welt und das Zusammen leben präsentiert. 

Songs wie „Viva Wasser“ zum Thema Wasser ge - 

brauch, „Wie schön, dass jeder anders ist“ zur Vielfalt oder 

„Mobbing ist nicht mein Ding“ sollen auf altersgerechte Art 

zum Denken anregen – und selbstverständlich auch ohne 

den textlichen Rahmen musikalisch genießbar sein, es geht ja 

schließlich um Musik. So tummeln sich auf „42 starke 

Kinderlieder für eine bessere Welt“ daher vor allem lustige, 

fröhliche, positive, tanzbare und aufgeweckte Lieder, die einiges 

an Stimmung ins Kinderzimmer, in den Kindergarten oder 

auf den Spielplatz bringen sollten. Musikalisch gibt es nichts 

zu meckern: Quasi die gesamte infrage kommende musikalische 

Palette wird abgedeckt, der Produktions standard und 

das musikalische Handwerk sind durchgehend auf einem 

hohen Niveau. Ein weiterer Beweis, dass Kindermusik per se 

kein einfältiger, simpler Einheitsbrei sein muss, der Kinder 

unterfordert – so viel darf man Kindern schon zumuten. 

www.kindermusik.de 

P.S. 

DIFFERENT IMAGE PROJECT 

»Freedom« 

Als Gewinner in der Sparte beste Progressive Band 2019 

präsentieren DIFFERENT IMAGE PROJECT nach dreijähriger 

Arbeit ihr neues Album „Freedom“. Die Preisträger der Deut - 

schen PopStiftung wissen mit einer sauberen Pro duktion zu 

begeistern. Die Musiker um Jorge Klapproth haben ab - 

wechslungsreiche Arrangements aus Heavy Riffing, verträumten, 

harmonischen Melodien und orchestralen Synthie- 

Läufen konstruiert. In ihrer Heimat Hückelhoven, zwischen 

Aachen und Mönchengladbach und im gesamten WDR2- 

Gebiet wurden sie von den Hörern dieses Radiosenders als 

„Beste Band im Westen“ ausgemacht. Neben kernigen 

Rock-Nummern mit heavy Shredding in „Guilty“ überrascht 

ein klassisch anmutender Chorgesang in „Freedom“. Stimm - 

lich zu überzeugen weiß Ruth Klapproth, die auch die Keys 

bedient, genauso wie Jorge. So erwarb der Sänger auch die 

Auszeichnung „Bester Rocksänger“. Weiter sammelte die 


REZENSIONEN 51 

Band die Auszeichnung „Bestes Arrangement“, „Bester 

Popsong“ sowie „Bestes Video“. Nach all den Auszeich nun - 

gen meint Jorge Klapproth zu seiner Intention hinter der 

Musik: „Die Musik muss ins Herz treffen. (...) Mal mitreißend, 

mal melancholisch, mal aufrührend, mal nachdenklich. 

Aber immer mit einem hohen Wiedererkennungswert und 

voller Spannungen.“ 

www.cmc-eclipse.de 

C.S. 

JESTER’S TEARS 

»Perception« 

Die Ursprünge von JESTER’S TEARS, einfünfköpfiges Pro - 

gressive-Metal-Projekt, gehen bis auf das Jahr 1992 zurück. 

Damals war die Idee geboren, einen Song zum Bandnamen 

zu machen, nachdem ihn Tobias Dorner und Vokalist Dimitrios 

Tsiktes aufgenommen hatten. Der Gitarrist und der Vokalist 

suchten sich in den folgenden Jahren Musiker, die schließlich 

1995 als JESTER’S TEARS ihr erstes Demo aufnahmen. 1996 

erschien das selbstbetitelte Album, das mit einem internationalen 

positiven Feedback bedacht wurde. Die Alben 

„Re flections“ und „Illusion“ erschienen. Schließlich begann 

man nach langer Pause 2018 mit dem Songwriting für 

„Perception“. Die Band meldet sich gestärkt mit orchestralem 

und melodiösem Metal zurück, der sich mit den Genre - 

größen messen lassen kann. Kompositorisch und instrumental 

versiert, handelt es sich um ganz große Metal- 

Schmiede. Das Quintett bewegt sich lyrisch zwischen dem 

Ursprung der Gefühle, der Wahrnehmung, Traumata, Schöpfen 

positiver Energie und Zuversicht. Und dies im Kontext unserer 

pandemischen Lage. Das Gitarren-Riffing ist spektakulär und 

der Gesang erinnert an die Kolorationen der „Helloween 

Shouter“. Die Power erinnert an Mystic Prophecy, auch eine 

Metal-Manufaktur, die international Beachtung findet. Mit 

Power und energiegeladenem Tempo überzeugt der Song 

„Scream Into Darkness“, eine Anspielung auf das postfaktische 

Zeitalter und eine Warnung an die Leichtgläubigkeit 

ist „Critical Thinking“. JESTER’S TEARS lassen wieder aufhorchen, 

mehr als je zuvor! 

www.jesters-tears.de 

C.S. 

WECHSELSTROM 

»Liquid« 

„Zwischenkieferknochen, Hinterhauptknochen, Brust knochen“ 

… „Eigentlich schön, Knochen“. Der „Fluid Control – 

Processing Text“ dauert 21 Minuten und 20 Sekunden und 

nimmt somit über ein Drittel der Spieldauer von Christoph 

Theilers CD „Liquid“ ein. Die Klanginstallation aus Stimmen – 

mal übereinanderlappend, mal einzeln und klar verständlich 

– und Geräuschen, die sich zeitweise zu einer Art Beat 

zusammenfinden, ist auf alle Fälle ein ungewöhnlicher Album- 

Auftakt. Ungewöhnlich für nichteingeweihte Hörer*innen, nicht 

so ungewöhnlich aber für den Kom po nisten Christoph Theiler, 

der nicht nur Kammermusik und Orchesterwerke komponiert, 

sondern auch elektronische Musik und Klanginstal lationen im 

Bereich Multimedia. Aufschluss über die Entstehungs weisen 

der einzelnen Tracks gibt ein Besuch auf der Website: Alle 

Tracks sind selbstverständlich elektronisch entstanden, 

„Click and Error“ mit Analogschalter-Sounds, „Beep and 

Error“ aus Warnsignalen, „HF-114“ aus Hochfrequenzinter - 

ferenzen mit 4- bis 6-MW-Sendern. Der genannte Track 

„Fluid Control – Processing Text“ ist aus Aufnahmen von 

Per for mances in Wien, Glasgow, Wroclaw und Linz zusammengesetzt. 

In diesem Kontext sollte man Theilers Klang - 

installation auch hören; die Sound-Stücke, die er schafft, 

üben zwar ohne Kontext eine ziemliche Faszination aus, sind 

aber definitiv nicht einfach mal als leichte Unterhaltung 

nebenbei zu hören. Kombiniert mit Lichtdesign, Performances 

oder anderen Kunstformen und im Kontext eines Live-Events 

entfalten sie wahrscheinlich erst ihr volles Potenzial. 

www.wechsel-strom.net 

L.K. 

FARYNA 

»Sicher im Straßenverkehr« 

„Diese Melodie, die vergisst du nie“ singt Sängerin Faryna 

auf „Hallo ihr Leut’“, dem ersten Lied ihrer CD „Sicher im 

Straßenverkehr“. Damit trifft sie genau ins Schwarze, denn 

die Melodie brennt sich ein. Verkehrsregeln können Spaß 

machen und bleiben viel besser im Gedächtnis, wenn man 

sie mit eingängigen Melodien verbindet. Faryna wiederholt 

die Regeln nicht einfach nur, sondern baut sie in lebensnahe 

Geschichten aus dem Alltag ein, sodass sich die Inhalte 

leicht auf die Lebenswelt der jungen Zuhörerinnen und 

Zuhörer übertragen lassen. Die Reime dürfen dabei ruhig 

einfach sein: „Rot heißt stehen, Grün heißt gehen.“ Das 

Thema Straßenverkehr wird auch in 15 Songs nicht langweilig, 

denn es gibt mehr zu erklären, als man denken 

könnte. „Was brauche ich am Fahrrad?“ oder „Was passiert 

eigentlich in der Waschstraße?“ Die Musik ist lebensfroh 

gestaltet, Farynas singt klar und immer gut verständlich. 

Einige ihrer Songs beruhen auf bekannten Melodien 

wie „Zur Schule fahr ich mit dem Rad“ („Von den blauen 

Bergen kommen wir“), andere sind nach dem Call-and- 

Response-Prinzip gestaltet. Beide kommen bei den Mitmach- 

Konzerten, die Faryna regelmäßig veranstaltet, bei den 

Kindern bestimmt gut an. Manche Beats sind richtiggehend 

funkig („Ist deine Kleidung hell, sieht man dich schnell“, 

„Ein Hut, ein Stock, ein Regenschirm“ oder „Was brauche 

ich am Fahrrad?“), auf anderen Tracks ist die musikalische 

Begleitung mit Akustik-Gitarre klassisch gestaltet. Neben 

den Straßenregeln stehen Bewegung und Mitmachen im 

Fokus. Die Kinder werden animiert, mitzuspringen, mitzutanzen 

und mitzusingen. So geht Faryna ganz nebenbei ein 

anderes wichtiges Thema an, das in der Schule und zu 

Hause manchmal zu kurz kommt. 

www.faryna-musik.de 

L.K. 

LOOPAHEAD 

»Approaches JJ Cale« 

LOOPAHEAD haben es wieder getan. Diesmal haben Udo 

Lummer (guit., voc., diverse instr.), Paul Gerhard Lange (bass 

guit.) und Uli Twelker (drums) weniger geloopt. Der Titel 

beschreibt es eindeutig: „Approaches JJ Cale“ ist ein Tribut 

an einen der herausragendsten Künstler der Rock- und Blues- 

Geschichte. LOOPAHEAD zitieren Eric Clapton („The God“), 

der gern wie Jay Jay sein wollte. Das Trio um Udo Lummer 

war 2017 Preisträger beim Deutschen Rock und Pop Preis 

(Beste Experimentalband, 2. Platz Revival-/Coverband) und 

trifft den Relax-Sound wie den berühmten Nagel auf den 

Kopf. Die Geschichten um billige Frauen, verehrte Frauen, 

verrückte Frauen und das „Land Of The Free“ erzählt das 

Trio gekonnt und mit dem Spielwitz, der in jedem Solo zu 

fühlen ist. Die großen Hits „Cocaine“ oder „Call Me The 

Breeze“ fehlen zwar, dafür sind 18 (!) Songs auf diese Pro - 

duktion gepresst, die sonst keine Wünsche offen lässt. 

„Since You Said Goodbye“ klingt wie ein würdiger Abschied 

für den 2013 verstorbenen John Weldon JJ Cale. So liebevoll, 

detailverliebt und entspannt hat sich selten eine Tribut- 

Platte angehört. 

www.loopahead.de 

C.S. 

GREEN WAVE 

»Stolen Dreams In Nearby Lost 

& Found« 

Es soll also das letzte GREEN-WAVE-Album sein, meint 

Rainer Wahlmann. Als würde er das Aus beschwören wollen, 

heißt der erste Titel des neuen Albums „Reality Is The 

Gallows Pole“. Es beginnt mit gruseliger Sound-Collage, was 

dann in einen psychedelischen Twang-Guitar-Slow-Swamp- 

Rock in „Amsterdam“ mündet. Das Album des Projekts GREEN 

WAVE ist der vierte Teil einer Reihe von Konzept alben. Wer 

interessiert ist an der Philosophie des Projekts, dem sei 

die Story auf dem Blogspot „Green days on a planet blue“ 

8 



nahegelegt. Hier finden sich auch die Inspiranten von 

Wahlmann aus frühen Zeiten: Alex Harvey, The Kinks, Leonard 

Cohen – ich würde stilistisch um Ziggy Stardust ergänzen. 

Nachdem Mastermind Wahlmann 2015 bereits sein persönliches 

50-jähriges und 40-jähriges Bandjubiläum live feierte, 

kommt mit „Stolen Dreams In Nearby Lost & Found“ ein 

auf geringe Stückzahl limitiertes Album heraus, das von 

Lebens erfahrung und Kreativität nur so strotzt. Es atmet den 

Spirit der 70er-Krautrocklegenden. Und dies auf eine so 

coole, unverschämt verspielte Art, wie es selten zu hören 

war. Sound collagen, souveräner Laid-Back-Groove mal 

abgedreht psychedelisch, mal folkig in „Dreams & Clouds“ 

münden in eingängige Melodien, wie in „The Morning“. Die 

Pro ta gonisten der guten Zeiten des Rock lassen sich wahrnehmen, 

wenn auch die klassisch rockig besetzte Band 

absolut original und originell jung klingt. Man wünscht sich 

ein Album nach dem Tod, der Galgen bleibt leer und Rainer 

Wahlmann reiht noch einmal Sven Gross (keyboards, voc.), 

Daniel Minnerath (guitars), Deddé Schäfer (bass, voc.) und 

Manuel Schwierczek (drums) um sich herum, als die „letzte 

Rock band vor der Grenze“. 

www.green-wave-live.jimdofree.com C.S. 

KEV 

»Momente.« 

Den Werdegang von KEV könnte man wohl ein wenig als 

Justin-Bieber-Geschichte auf Kölsch bezeichnen. Der ausgebildete 

Erzieher und Musiktherapeut, der bereits seit 

Kindesalter diverse Instrumente spielt, begann vor einigen 

Jahren damit, Videos mit eigenen, auf Kölsch verfassten und 

akustisch begleiteten Kompositionen bei YouTube hoch zu - 

laden. Die Videos kamen an, vielen Menschen gefielen 

KEVs Lieder mit Mundart und nach kurzer Zeit wurde sein 

Produzent Heiko Mürkens auf ihn aufmerksam. Seitdem bilden 

die beiden ein eng verbundenes Songwriting-Duo, zudem 

konnte man einen Deal beim Label Mike’s Music Records 

aus Frankfurt landen. 

KEVs Musik selber lässt sich dabei am besten beschreiben 

als Best-Of der seit einigen Jahren so in aller Munde schwin - 

genden Deutschpop-Poeten – nur mit dem Unter schied, 

dass die kölschen Texte die Zielgruppe wohl ein wenig eingrenzen 

(der norddeutsche Autor dieser Zeilen versteht mit 

Glück die Hälfte der Zeilen auf Anhieb). Ansonsten bietet KEV 

auf „Momente.“ auskomponierte Singer-Songwriter-Stücke 

mit oftmals mehr oder weniger stark melancholischem 

Einschlag. Von tanzbaren Stücken wie dem Opener „Nemm 

ming Hand“ bis zur Ballade „Jar kein Iwigkeit“ werden alle 

Dynamiken ausgereizt und machen das Album zu einer 

vielfältigen Angelegenheit. 

www.kev-musik.de 

C.S. 

ARREST 

»Reincarnation« 

Mitten ins Herz eines Metal Heads muss diese Platte treffen. 

ARREST feiern ihre „Reincarnation“, ein Power-Metal- 

Album der alten Schule, modern dem Genre entsprechend 

produziert und gemixt. Wer Helloween, Accept oder die britischen 

eisernen Jungfrauen zu seinen Favoriten zählt, wird 

in bester Weise in ARREST genommen. Denn die Band ist 

in ihrem Fach seit 1992 musikalisch tätig. Mal rocken Frank 

(guit.), Alex (voc., guit.), Jerry (drums) und Ralf (bass guit.) 

progressiv mit studiotechnischen Synthiespielereien im Hinter - 

grund, mal fährt der Metal-Zug mit Double Bass Drumming 

in höllischer Geschwindigkeit vorwärts. Ihre eigenständigen 

Songs stehen in nichts den live gespielten Covern von Metallica 

und Co. nach. Der Opener „Solitary Man“ überzeugt mit 

vielseitigen Vocals, Atmosphäre und überraschenden 

Riffs. „Night Stalker“ groovt sogar tanzbar und heavy zugleich. 

Alben von ARREST verkaufen sich in Japan, den USA und 

überall, wo Metal gehört wird. Mit ihrem Sound konnten sie 

auch die Jury des Deutschen Rock und Pop Preises überzeugen 

– als Gewinner in der Kategorie „bester Song“ mit 

„Desperate Memories“. Sicher hören wir von ARREST bald 

Live-Sound auf einem der großen Festivals – nach dem 

pandemie bedingten Arrest der Kulturszene bestimmt! 

www.arrestmusic.com 

C.S. 

ANDY SUSEMIHL 

»Burning Man« 

Andy Susemihl kann wahrlich auf eine bewegte Karriere 

zurückschauen. Bereits mit zwölf Jahren griff er zum ersten 

Mal zur Gitarre, stieg schnell auf die elektrisch verstärkte 

Variante um und machte sich in der deutschen Szene der 

späten 80er einen Namen. Als Teil der Ursprungsformation 

von U.D.O. mit Udo Dirkschneider, dem legendären, ehemaligen 

Accept-Frontmann, wurde er schnell auch über die 

deutschen Grenzen hinaus bekannt, tourte mit zahlreichen 

internationalen Rock-Größen und verkaufte Hunderttau - 

sende Platten. Seit Anfang der 90er ist er neben Aktivitäten 

mit der Band Sinner vornehmlich solo unterwegs und bastelt 

an seinem eigenen musikalischen Vermächtnis – das, ganz 

getreu dem Motto „never change a running system“, nach 

wie vor schwer auf gitarrengetriebenen Rock’n’Roll ausgerichtet 

ist. „Burning Man“ heißt seine aktuelle, 2020 veröffentlichte 

EP, die dem Hörer klassischen, melodischen, eingängigen 

und bisweilen dynamischen Rock bietet. Neben den 

eingangs erwähnten Acts kommen hier stellenweise auch 

zeitgenössischere Bands wie die Foo Fighters, 3 Doors Down 

oder eben auch die klassischen AC/DC ins Ohr. Musik - 

geografisch riecht hier alles nach Good Ol’ America. Dazu 

gesellen sich eine glasklare, druckvolle Produktion und eine 

Backing-Band, die Susemihls Kompositionen, sein Gitarren - 

spiel und seinen klaren, melodischen Gesang ins rechte 

Licht rücken. 

www.andysusemihl.com 

P.S. 

OLLI EHMSEN 

»Fliegen« 

Seit 15 Jahren ist Olli Ehmsen bereits als Kindermusiker aktiv. 

Mit „Fliegen“ ist nun sein neues Album erschienen. Elf Songs 

zum Mitsingen, Tanzen und Bewegen präsentiert Ehmsen 

seinem wohl eher jungen Zielpublikum. Tanzbar, leicht rezipierbar, 

aber ohne einfältig und flach zu sein, kommen die 

Stücke daher und laden die Kids damit zum Auspowern, zur 

„Bodypercussion“, aber auch zum Mitdenken, Mitsingen und 

Mitmachen ein. „Vielfalt ist das Leben“, einer der prägenden 

Songs der Scheibe, wurde für seine Botschaft sogar zum 

Siegertitel des Wettbewerbs „Klasse inklusiv – gemeinsam 

stark“ aus Hamburg erklärt und von Kindermusik-Koryphäe 

Rolf Zuckowski geadelt. Olli Ehmsens Konzerte bestechen ja 

seit jeher durch einen ganzheitlichen Ansatz von Bewegung, 

Rezeption, Zuhören, Nachdenken und Mitmachen – die 

Stücke seines Albums „Fliegen“ werden sich nahtlos in dieses 

Konzept einfügen und die Shows weiter bereichern. 

singen-ist-stark.de 

P.S. 

KLAUS MICHEL 

»Primavera« 

Die tiefen Wasser der pandemischen Krise, Liebes sehn - 

sucht und Straßen, um Grenzen zu überschreiten, das sind 

die lyrischen Zutaten von „Primavera“, dem aktuellen Album 

von Klaus Michel. Der Musiker, der auch als Gitar ren lehrer firmiert, 

hat ein wunderbar gitarrenlastiges Americana-Album 

vorgelegt. Unterstützt wird Klaus Michel von einer top auf - 

gelegten Begleitband in verschiedenen Besetzungen, u. a. 

mit Oliver Kölsch (dr.), Mark Horn (pedal steel guit.), Kay 


REZENSIONEN 53 

Zingler (bass) und gesanglich von Catherine Klier (keys, 

backing voc.) sowie Ina und Wolfgang Behm. Oft in sehnsuchtsvollen 

Midtempo-Nummern angesiedelt, fehlt es 

nicht an Abwechslung. So, wenn es mal schneller rockt, wie 

bei „Three Weeks (… to Italy)“. In Zeiten, wo der Schengen- 

Raum in Europa nicht mehr das verspricht, was der Reisende 

sich von der EU wünschte. Nostalgische Gefühle von Frei - 

heiten wie dem grenzenlosen Reisen kommen auf. Eine kritische 

Verarbeitung des amerikanischen postpräsidialen 

Dramas ums Weiße Haus ist der Song „American Dream“, 

eine düstere Ballade der Song „Don’t give up“ mit der Chance 

auf ewige Liebe. Witzig ist das Zitat von Wang Chung aus 

„Dance Hall Days“ im Song „Hands“. Dann überrascht eine 

psychedelische Gitarren-Feedback-Orgie in „Passing Away“. 

Tom Petty würde heute vielleicht ähnlich klingen. Sehr wohl 

erzählt das Album von Ängsten, Depres sionen und den doch 

möglichen Wegen aus der Krise. Die Monate des Shut - 

downs durch das ungekrönte Virus hat Klaus Michel zu diesen 

Liedern inspiriert, so scheint es. Das Menschliche spiegelt 

sich doch besonders in der Fähig keit wider, Musik zu 

kreieren und zu genießen. Dieses Folk- und Country-beeinflusste 

Rockalbum „Primavera“ ist ein besonders ge lun - 

gener Beweis hierfür. Gerade jetzt: Prä dikat „Besonders 

hörenswert“! 

www.klaus-michel-music.com 

C.S. 

GALL/FINGERHUT 

»Im Dunkeln übers Wasser geh’n« 

Eine „Rebellin auf leisen Sohlen“, das ist Nadine Fingerhut, 

eine einfühlsame Singer-Songwriter-Pop-Poetin. Hier zusammen 

mit Rudi Gall, dem Sänger, Komponist, Texter und Pro - 

duzent aus Leidenschaft. Gemeinsam haben sie ein gefühlvolles, 

trocken produziertes, reduziert klingendes Album ge - 

schaffen. Nadine hat schon jede Menge Liedermacher-Preise 

eingeheimst und stand schon mit namhaften Größen wie Wolf 

Mahn, Purple Schulz, Karat und Anastacia als Support auf 

der Bühne. Viele Radiosender spielten sie in „Hot Ro tation“. 

Rudi Gall produzierte und sang gemeinsam mit ihr für diese 

Veröffentlichung. Bei aller Zurückhaltung handelt es sich 

bei „Im Dunkeln übers Wasser geh’n“ von GALL/ FINGERHUT 

um eine feine und ausgefeilte dynamische Scheibe zwischen 

Rock-, Pop- und Jazz-Arrangements. Wohl gefällig, eingängig 

und hittauglich klingen die beiden dabei, wie in „Wir wollten 

wissen, wo unser Stern steht“. Hier rockt es, eingeläutet von 

Geräuschen tickender Uhren in einer Art von Pink Floyds 

„Money“. Ein Swing-Blues voller Gefühl folgt mit „Bitte 

wärm nochmal meine Hände“. Anspieltipps gibt es ohne 

Ende auf diesem Album – nicht nur für die leisen Rebellen 

unter uns. 

www.angerhaus-records.de 

C.S. 

KATRIN WETTIN 

»Katrin Wettin & Classic Sounds« 

Die Tochter einer Mathematikerin und eines Opernsängers 

entdeckte schon früh ihr Talent für die Violine. Sie absolvierte 

die Dresdener Spezialschule für Musik „Carl Maria von Weber“ 

und ging an die Hochschule für Musik in Dresden. In verschiedenen 

internationalen Projekten baute sie ihr musikalisches 

Spektrum aus und variierte ihr Können mit Rock, 

Swing und Pop. Katrin Wettin präsentiert auf ihrem aktuellen 

Album „Katrin Wettin & The Classic Sounds“ Stücke aus 

der Rock- und Popmusik souverän. Ihr gefühlvolles Spiel lässt 

den Crossover der Musikstile mit Klassik verschmelzen. 

„Bohemian Rhapsody“ ist eine wohlgefällige Produktion, 

„Highway To Hell“ als orchestrales Ereignis lässt das Feuer 

der Hölle etwas missen. Dass Katrin als Supertalent im 

RTL-TV auftrat und ich die blonde sympathische Geigerin 

spontan mit dem schönen David Garrett vergleiche, ist kein 

Zufall. Man wünscht dem Album gern ein paar rockige Kanten 

und Ecken. Für gemütliche winterliche Abende jedoch mag 

ihr Album bei knisterndem Kamin die Idealbesetzung sein. 

www.katrinwettin.com 

C.S. 

GERALDINO 

»Banane Banane Banane« 

Geraldinos Mini-CD beginnt mit einer Liebeserklärung an die 

Banane. „Jeder mag sie gerne, denn sie hat keine Kerne“, 

„Grün schmeckt sie nicht, gelb ist sie lecker“ – diesen Ein - 

sichten kann man sich wahrlich nicht verwehren. Im entspannten 

Reggae-Groove chillen sich Geraldino und Friends durch 

den Song. Ein lässiger Gast-Rap von Poppa W, ein stimmungsvoll 

eingesetzter Hintergrund-Chor sowie ein souliges Saxo - 

phon-Solo machen den Groove perfekt. Mit seinem untergründigen 

Humor hat der Song das Poten zial zum Kult-Hit und wird 

bestimmt nicht nur Kinder begeistern. Denn Kinder sind die 

eigentliche Zielgruppe Geraldinos und das schon seit sage und 

schreibe 37 Jahren! Weitere amüsante Geschichten in Lied - 

form folgen. Ob es um den Besuch einer Fee bei einem ein - 

samen Jungen in Australien geht, der lediglich ein Hühner bein 

zum Spielen hat („Eine Geschichte“), um die nervige kleine 

Schwester Amelie, die den Sänger in den Wahnsinn treibt 

(„Kleine Schwester Amelie“) oder um singende Nilpferde und 

kletternde Schweine im Garten. Der Fantasie sind keine Gren - 

zen gesetzt und die Geschichten werden durch passende 

unterhaltsame Sounds bereichert. Musikalisch bleibt es 

ebenso abwechslungsreich. Neben den klassischen Band - 

instrumenten kommen Didgeridoo, Akkordeon, Kontrabass, 

Bandoneon und Klavier zum Einsatz. So ist die Mini-CD wahrlich 

eine Wundertüte, und zwar eine ziemlich bunte und lustige! 

geraldino.net 

L.K. 8


ROBIN SUN 

»Liaison Vol. 2« 

Schon nach den ersten Takten ist es klar: Robin Sun kann 

singen – und wie. Mit voll klingender Stimme, die auch 

Höhen bravourös meistert, entfesselt er Emotionen mit 

einem Cover des melancholischen „February Song“ und 

macht Lust auf den Rest seines Albums „Liaison Vol. 2“, 

das Coversongs sehr emotionaler Natur enthält. Ein Blick 

auf die Website des Sängers gibt Aufschluss: Der Musiker 

ist gefragter Sänger bei Hochzeiten und Geburtstagen, entsprechend 

gefühlvoll also die zusammengestellten Titel. 

Dabei singt Robin Sun nicht nur gerne auf Englisch, sondern 

wechselt ebenso flüssig in andere Sprachen. Die 

Stimmung bei „Anthem“ aus dem Musical „Chess“ kann fast 

schon als episch bezeichnet werden. Dem Original von 

Sänger Tommy Körberg steht Robin Suns Version kaum 

nach. Irgendwann ähneln sich die schwelgerischen Streicher 

und das nachdenkliche Klavier jedoch, sodass man sich 

über „All’imorovviso Amore“ freut, bei dem E-Gitarre und 

Synthie den Beat zumindest zeitweise etwas anheizen. Oft 

dienen Songs von Josh Groban als Inspiration, was Sinn 

macht, da sich die Stimmen der beiden Sänger in ihrer 

Klangfarbe und Virtuosität gleichen. Obwohl man sich nach 

17 Songs voll gefühlvoller Höhen und Tiefen etwas Leichtig - 

keit wünscht, überzeugen Robin Suns starke Stimme und 

Emo tionalität. Diese Stimme gehört eigentlich auf eine größere 

Bühne, und bis er das erreicht hat, können sich die 

zukün ftigen Brautpaare glücklich schätzen. 

www.robin-sun.com 

L.K. 

WAIDMANN 

»Für Dich« 

Reibeisenstimme und Rock im idyllischen Waidmannsland. 

Passt nicht? Oh doch, das passt. Die Waidmänner Manu, Phil, 

Fabi und Pepe haben scheinbar Großes vor, prangen doch 

Krone, Banner und Siegel auf dem Cover ihres Erstlings „Für 

Dich“. Dass sie sich wie Könige fühlen, geben die vier Jungs 

auch gleich zu. Nachdem man auf Track 1 im „Waidmanns- 

land“ begrüßt wurde, erzählt Track 2 davon, wie sich die 

Band „nur mit euch“ wie „Könige“ fühlt. Ein Kompliment 

also an die gute Gesellschaft. Die „Melodie für Sieger“ ist 

absolut einprägsam. Da möchte man direkt zusammen mit 

den Waidmännern den Erfolg feiern – welchen auch immer. 

Die Akustikgitarre auf „Wie Waid“ bietet eine angenehme 

Abwechslung zu den härteren Klängen davor. Inhaltlich 

setzt sich Sänger Manu damit auseinander, wie weit man 

bereit ist zu gehen und wie man in scheinbar ausweglosen 

Situationen reagiert. „Wie lang wollen wir zusehen, wenn 

Hunderttausende an Hunger sterben“ oder „Wie lang diesen 

Weg gehen, wenn Waffen mehr wert sind als ein Menschen - 

leben“. Schön, dass die Waidmänner auch tiefgründigen 

Themen Platz geben. „Für Dich“ bietet eingängige Gitarren- 

Riffs, abwechslungsreiche Texte und eine Bomben-Stim - 

mung, die man gerne mal live erleben möchte. Ein vielversprechendes 

Debüt, mit dem sich die Band sicher einen 

wohlverdienten Platz in der deutschsprachigen Rockszene 

erarbeiten wird. 

www.waidmann.online 

L.K. 

PHIL MARTIN 

»SchlagerWelt« 

Phil Martin möchte mit seinen Liedern die Welt ein bisschen 

besser machen. Er appelliert an das Gute im Men schen, zum 

Beispiel auf „Leben lassen“, wo es heißt „Denk nicht immer 

nur an dich, wenn dich jemand braucht, dann lass ihn nicht 

im Stich, nur gemeinsam sind wir stark“. Auch umweltpolitische 

Themen sind ihm ein Anliegen: „Fukushima“ prangert 

den schädlichen Eroberungswillen der Menschheit an, 

der nur durch Naturgewalten und Umweltkatastrophen 

gestoppt werden kann. Die Atomkatastrophe Fukushima 

dient als Symbol bild für sinnloses Sterben und ein verödetes 

Land und setzt dabei ein Statement gegen Atomkraft. 

„Träumer wach auf“ kommt in bester Schlager-Manier daher, 

schwel gende Streicher und dezenter Background-Gesang 

untermalen den Refrain, Klavier und E-Gitarre setzen solis - 

tische Akzente. Einen Ausreißer ins Jazzig-Swingende gibt’s 

auf „60, na und?“. Was auf einer runden Schlager platte nicht 

fehlen darf? Die Liebe! Am Ende von „Schlager Welt“ folgen 

zwei romantische Liebes schman kerl, eines davon garniert 

mit Saxophon-Solo. 

philmartin.de 

L.K. 

PHIL MARTIN 

»Schwobeland« 

Auf „Schwobeland“ lädt Phil Martin auf eine musikalische 

Reise in seine Heimat ein. Die EP ist eine Liebeserklärung 

an das „Ländle“, ob an die Natur, das Essen, den Wein oder 

an die „hübschen Mädle“. „Wenn du mal bei uns warst, 

dann willst du gar nicht mehr weg. Es ist halt weit und breit 

und auf der Welt der schönste Fleck“, singt Martin voller 

Enthusiasmus in „Schwobeland oh Heimatland“. Mit einem 

„Hoch auf die Schwaben“ geht es in dem dritten Song wei- 

ter. Hier werden speziell die sympathischen Ein wohner des 

Schwabenlands gelobt, aber auch Regionalgerichte wie die 

weltbekannten Spätzle. Der Refrain ist sehr eingängig und 

lädt zum Mitsingen ein. Etwas gefühlvoller gelingt die Liebes - 

erklärung an die „Schwobemädle“, die neben zahlreichen 

positiven Eigenschaften „herzlich, gefühlvoll und adrett“ 

sind. Wenn auch vielleicht ein wenig besitzergreifend, denn 

kurz nach der ersten Verliebtheit wird oft schon von Hoch - 

zeit gesprochen. Aufgepasst, ihr verliebten Herren! Untermalt 

von launiger instrumentaler Begleitung, die auch mal regionaltypisch 

von Akkordeon und Blasinstrumenten verstärkt 

wird, macht die CD richtig Stimmung. Phil Martins Dialekt 

lässt die Musik besonders authentisch klingen. Trotzdem sind 

die Texte auch für Nicht-Schwaben gut zu verstehen. 

philmartin.de 

L.K. 

GABY JOGEIX 

»Meanwhile In New Orleans« 

Nach seinem erfolgreichen Album „Hermosa Beach“ (2013) 

erscheint am 16. April 2021 das neue Album „Meanwhile In 

New Orleans“ von Gaby Jogeix, das er in New Orleans auf - 

genommen hat. New Orleans war für Gaby Jogeix die perfekte 

Stadt, um neue Klänge in seine Songs zu integrieren. 

Mit den Aufnahmen kehrte er nach Spanien zurück, um sein 

Album in Madrid fertigzustellen. An seiner Seite die Pro du - 

zenten Juan Guevara und Felipe Guevara, der für einen 

Latin-Grammy nominiert war. 

Mit „Meanwhile In New Orleans“ zeigt der Künstler sein 

breites Spektrum und seine Einflüsse. Die Singles „Right 

Way To Love You“ und „Fair Green“ hatten bisher mehr als 

1 000 Airplays in Deutschland, Österreich, der Schweiz, 

Spanien und Frankreich. 

Die dritte Single „The Other Side“ wird am 6. April 2021 

über Enghardt Media / Edel Music auf allen Online-Portalen 

weltweit erhältlich sein. 

Das Album „Meanwhile In New Orleans“ folgt am 16. April 

2021 digital und im Handel. 

Hier ein erster Vorgeschmack auf das Album: 

youtu.be/FkQtJk720lw 

REZENSENTEN: 

C.S. – CHRISTIAN SCHÖNING 

L.K. – LINDA KNAUER 

P.S. – PHILIPP STRUNK 


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TITELSCHUTZANZEIGEN 55 

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„Will the circle be unbroken“ 

VÖ: 15.01.2021 

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„A Journey to…“ 

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info@martinschroer.de 

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„Live & Pure“ 

VÖ: 01.10.2019 

www.acupof-t.de 

Hiermit beantrage ich Titelschutz gem.§5 Abs.3 

für Bild/Ton/Medienträger, Bücher (physisch und digital) 

und Verlag für den Titel 

„Musiker-Liebe“ 

in allen Schreibweisen, Schriftarten, 

auch im Zusammenhang mit Zusätzen. 

Klaus Neuhaus, Arneckestr. 70, 44139 Dortmund 

GOLDMARIE 

„Awakening“ 

VÖ: 11.12.2020 

franziskabubproduction.com 

DIE PLANK 

„Jetzt geht die Sonne auf“ 

VÖ: 17.04.2020 

www.die-plank.de 

DACAPO 

„Covers“ 

VÖ: 06.09.2019 

www.tanzband-dacapo.de 

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www.franziskabubproduction.com 

In freundschaftlicher Partnerschaft 

Produzentin Franziska Bub mit Designerin Sophie Graff. 

www.franziskabubproduction.com | www.sophiegraff.ch 

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FRANK PROFT 

„Wo bist du“ 

VÖ: 18.11.2020 

proft-live.de 

PART OF THE CROWD 

„Time Machine“ 

VÖ: 15.04.2020 

www.part-of-the-crowd.de 

JOSEF BECKER 

„We all grew older“ 

VÖ: 16.08.2019 

Unter Hinweis auf §§ 5, 15 MarkenG nehme ich 

Titel: 

M 

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usen-Land, 

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Weinheimstr. 

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Titelschutz in Anspruch für den 

in allen Schreibweisen und Darstellungsformen, als Einzeltitel und für alle Medien 

auch im Zusammenhang mit Zusätzen. 

Georg Berha 

11, 53229 Bonn 

www.mischun 

E 

GOLDMARIE 

„Bittersweet Misery“ 

VÖ: 09.10.2020 


DORIAN BLACK 

„Down Wth You Love“ 

VÖ: 28.08.2020 

www.dorian-black.de 

NIMA LINDNER 

„The truth behind“ 

VÖ: 03.04.2020 

www.nima-lindner.de 

JOGALO 

„Jogalo and 

the Funkey Fellas“ 

VÖ: 18.02.2020 

jojobamusic@gmx.de 

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„Dicht an dicht“ 

VÖ: 16.08.2019 

facebook.com/CAPELLASTREET- 

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WATTENLÄUFER 

„We bruuk keen Kalifornien“ 

VÖ: 09.08.2019 

www.wattenlaeufer.de 

CD-Veröffentlichungen in den weltweiten 

digitalen Downloadportalen 

über 

– MUSIKER ONLINE – 

Infos: info@musikermagazin.de 

JÜRGEN TESCHAN DUO 

In Session“ 

VÖ: 03.07.2020 

www.teschan.com 

CAPELLASTREET 

„Close to close“ 

VÖ: 20.12.2019 

thiboe@gmx.de 

CIRCUS GENARD 

„Southie Kids“ 

VÖ: 09.08.2019 

www.circus-genard.de 

DORIAN BLACK 

„Winter“ 

VÖ: 05.04.2019 


DORIAN BLACK 

„Take The Hard Way“ 

18.06.2020 


JAMBERRY 

„Schicksal“ 

22.11.2019 

jamberry-music.de 

THE NEW TEAM PROJECT 

„New Trinity“ 

VÖ: 19.07.2019 

www.the-new-team-project.de 

DORIAN BLACK 

„This Will Make You 

Love Again“ 

VÖ: 15.03.2019 


DORIAN BLACK 

„Sounds Like A Melody“ 

18.06.2020 


DIE ROCKMEDIZINER 

„… auf Krankenschein“ 

VÖ: 22.11.2019 

ALEX FRIDL 

„Weida gezz“ 

VÖ: 07.06.2019 

DORIAN BLACK 

„Sweet Thing“ 

VÖ: 08.03.2019 


DORIAN BLACK 

„Take Me Out Of Here“ 

18.06.2020 


Jenna Akua Hoff 

„Happy Holidays“ 

VÖ: 16.11.2019 

facebook.com/iamjennahoff 

HARALD JOST 

„Tiefgefrorenes“ 

VÖ: 07.06.2019 

DORIAN BLACK 

„Time Runs Backwards“ 

VÖ: 08.03.2019 


DORIAN BLACK 

„Your Room“ 

18.06.2020 


FRANK PROFT 

„Stück zurück“ 

VÖ: 15.11.2019 

www.proft-live.de 

DOMINION FORCE 

„Dominion Force“ 

VÖ: 31.05.2019 

www.facebook.com/Dominion- 

Force-1997023837273526 

STEFAN LAUTERBACH 

„Moments of truth“ 

VÖ: 26.02.2021 

stefan.lauterbach@arcor.de 

DORIAN BLACK 

„Revenge“ 

18.06.2020 


BARBARA ZANETTI 

„Dein Leben“ 

VÖ: 08.11.2019 

www.barbarazanetti.com 

ECLIPSE SOL-AIR 

„Mutter Erde“ 

VÖ: 31.05.2019 

www.eclipse-sol-air.com 

BLACKROY 

„Blood, Passion & 

Rock ’n’ Roll“ 

29.01.2021 

www.facebook.com/ 

blackroymetaldortmund/ 

GOLDMARIE 

„Goldmarie“ 

29.05.2020 


FRANK PROFT 

„Schon im Himmel gesehen“ 

VÖ: 18.10.2019 

proft-live.de 

KARMA BITCH 

„Breathe your last“ 

VÖ: 19.04.2019 


56 PRODUKT-NEWS 

TM-70 – DYNAMISCHES MIKROFON FÜR PODCASTING 

UND BERICHTERSTATTUNG VON TASCAM 

Mit dem TM-70 stellt Tascam ein dynamisches Mikrofon 

vor, das sich besonders für Live-Sendungen, Podcasting, 

Film dialoge und Audio-Streaming eignen soll. Dank 

Supernieren-Richtcharakteristik unterdrückt das TM-70 

Umgebungs geräusche, zudem ist es ideal auf die Fein - 

heiten der menschlichen Stimme abgestimmt. Mit seiner 

ausgeprägten Richtwirkung und einem Frequenzbereich von 

30 Hz bis 20 kHz fängt dieses Mikro das ein, worauf es 

gerichtet ist, und hebt es effektiv hervor. Im Ergebnis erhält 

der Anwender ein sauberes, klares Audiosignal mit erstklassiger 

Sprachverständlichkeit. 

Zum Lieferumfang des Tascam TM-70 gehören eine elastische 

Aufhängung zur Reduzierung von tieffrequenten Stör - 

geräuschen, ein Tischstativ und ein Anschlusskabel – also 

alles, was man braucht, um sich an seinem Schreibtisch 

einzurichten und sofort mit der Aufnahme loszulegen. 

Weitere Informationen: www.tascam.de 

TASCAM STELLT MIT DEM TM-82 EIN VIELSEITIGES MIKROFON FÜR SPRACHE, 

GESANG UND INSTRUMENTE VOR 

Tascam kündigt ein weiteres dynamisches Mikrofon an: Das 

TM-82 eignet sich mit seiner nierenförmigen Richtcharak - 

teristik besonders gut für Sprache, Gesang und akustische 

Instrumente. Dank hervorragender Wiedergabequalität über 

einen Frequenzbereich von 50 Hz bis 20 kHz kann man es 

für Aufnahmen wie für Live-Performances gleichermaßen gut 

einsetzen. Die Nierencharakteristik verringert das Risiko von 

Rückkopplungen und sorgt darüber hinaus für einen moderaten 

Nahbesprechungseffekt, der Gesangsstimmen und 

anderen Klangquellen einen besonders warmen „Boden“ 

verleihen kann. Zudem ist das Mikrofon unkompliziert zu 

handhaben, da es keine Phantomspeisung benötigt. 

Die robuste Metallkonstruktion und das bewährte elektrische 

Konzept des TM-82 machen es über viele Jahre zu 

einem zuverlässigen Begleiter für Musiker, Verleiher oder 

kommunale Veranstaltungsorte. 


TASCAM TM-82: FREQUENZVERLAUF UND POLARDIAGRAMM (1 KHZ) 


PRODUKT-NEWS 57 

ELISABETH AMANDI 

GARANTIERT MARIMBA LERNEN 

Die Methode für Einsteiger und 

Fortgeschrittene an Marimba, Xylophon und 

Vibraphon 

Mit GARANTIERT MARIMBA LERNEN schließt die Marimba- 

Pionierin Elisabeth Amandi eine seit Jahrzehnten bestehende 

Lücke im Markt der Percussion-Unterrichtsliteratur 

und bietet eine Marimbaschule für Einsteiger und Fort ge - 

schrittene an, die den Motivationsaspekt der Schüler in den 

Fokus rückt. Bewusst ersetzt sie rein technische Übungen 

durch 300 bekannte, internationale Lieder, Tänze und Solo - 

stücke, die Schritt für Schritt die wichtigsten Spieltechniken 

systematisch abdecken. Egal, ob Kinder oder Erwachsene: 

Bekannte und einprägsame Melodien sprechen das musikalische 

Vorstellungsvermögen an und erleichtern die Um - 

setzung auf der Marimba. Fast nebenbei werden die Fähig - 

keiten zum Notenlesen und die spieltechnischen Fertig keiten 

der Zwei-Schlägel-Technik geschult. Jeder Musiktitel – vom 

einfachen Kinderlied bis zum virtuosen Hummelflug – 

bereitet den darauffolgenden vor. So baut eins auf dem 

anderen auf und bildet selbst die Brücke zum nächsten. 

Kontinuierlich wird der Tonraum vom kleinen e bis zum 

dreigestrichenen g erschlossen, werden Handsätze und 

Bewegungsabläufe trainiert und gleichzeitig musiktheoretische 

Grundlagen sowie musikalische Gestaltungs mög lich - 

keiten vermittelt. Auf diese Weise deckt GARANTIERT 

MARIMBA LERNEN die wesentlichen Aspekte des komplexen 

Marimbaspiels ab. Denn Elisabeth Amandi weiß aus 

eigener Erfahrung als Marimba-Solistin und -Pädagogin: 

„Wenn eine Melodie gefällt, geht selbst beim intensiven 

Üben der Spaß nicht verloren, und das Training wird zu einem 

wunderschönen Tanz über die Marimbatasten!“ GARANTIERT 

MARIMBA LERNEN ist auch als Lernmethode für Xylophon 

und Vibraphon geeignet! 

Buch & MP3 CD – 20288G, 23,95 Euro 

ISBN-13: 978-3-947998-22-7 

Weitere Informationen: www.alfredmusic.de 

FLORIAN TEKALE 

POP PIANO SCHOOL – FÜR EINSTEIGER 

Die Klavierschule für Popularmusik mit aktuellen Pop-Rhythmen, modernem Akkordspiel und 

zeitgemäßen Solostücken mit CD mit 70 Tracks im Audio-Format! 

ANDRÉ BAUER 

THE DREAM BEHIND 

THE WALL 

Eine Story aus dem Leben eines 

DDR-Amateurmusikers 

Einfach genial – die Story über eine unbekannte Band 

aus der Provinz der DDR. Anleitung für Band gründer. 

Eine junge Coverband im Schatten der DDR-Rock - 

musikszene – 80 Profibands und 5 000 Amateur bands, 

Made in GDR. Spannender Bandalltag aus den 80er 

Jahren einer ganz normalen Amateur rockband aus 

Thüringen. Keine Erfolgs story der großen Stars der 

Musik geschichte, sondern die fantastische Geschichte 

des Provinzstars zwischen Groupies, versifften Toiletten, 

starrsinnigen Funktio nären, Wünschen, Träumen, 

Hoffnungen. Abseits des eintönigen DDR-Alltags pulsierte 

das Leben der Jugend. 

ISBN 978-3-96567-002-0 

2. Auflage, 355 Seiten, 17,20 Euro (ohne CD) 

Self-Publishing, bauandre@gmx.net 

POP PIANO SCHOOL ist eine neue, innovative Methode für 

Klaviereinsteiger. Dieses kompakte Lehrbuch ermöglicht 

angehenden Pianistinnen und Pianisten einen zeitgemäßen 

Start ohne klassische Umwege, angepasst an die Wünsche 

und Bedürfnisse der großen Mehrheit der Schülerinnen und 

Schüler von heute. Vor allem Jugendliche und Erwachsene 

haben mit POP PIANO SCHOOL endlich Das Buch gefunden, 

um Klavier spielen zu lernen. 

Wenn der Piano-Sound in Richtung Ludovico Einaudi, Yann 

Tiersen oder Alicia Keys gehen soll, dann ist POP PIANO 

SCHOOL genau richtig! Eine Auswahl bekannter Hits aus 

Pop, Rock und Folk neben lyrischen Stücken, coole Grooves 

und entspannte Lounge- und Chill-out-Sounds dieses 

Piano-Buchs ist so vielseitig wie die Popularmusik des 21. 

Jahrhunderts. 

Die große Vielfalt an stilistisch abwechslungsreichen und 

schönen Spielstücken macht POP PIANO SCHOOL zu einem 

einzigartigen Lehrwerk. Die professionell produzierte CD 

soll inspirieren und erhöht die Motivation. 

Von Rock & Pop bis New Classic – POP PIANO SCHOOL bietet 

eine große musikalische Bandbreite für Anfangs unterricht 

und Selbststudium. POP PIANO SCHOOL – so geht Piano 

heute! 

Alfred Music Publishing GmbH 

1. Edition (8. April 2020) 

Buch & CD, 120 Seiten, 21,95 Euro 

ISBN-13 : 978-3-947998-16-6 


In POP PIANO SCHOOL lernt ihr grundlegende „Handgriffe“ 

und Techniken für einen modernen Piano-Sound. POP PIANO 

SCHOOL ist in drei Teile gegliedert: 

• Teil 1 (S. 6 – 49) Basics (Notenlesen, Einführung in die 

Pop-Rhythmik, Pedal, Lagenwechsel) 

• Teil 2 (S. 50 – 87) Akkorde (Songbegleitung, Harmonielehre, 

Spiel nach Akkordsymbolen) 

• Teil 3 (S. 88 – 113) Solo Piano (Techniken für die linke 

Hand, Dynamik, musikalische Gestaltung) 



ANIKA NILLES 

PAD BOOK 

Fundamental-Workouts 

SUBDIVISION-STUDIEN, MIXED METERS, POLYRHYTHMEN 

UND UNABHÄNGIGKEIT DER HÄNDE 

Wer nicht regelmäßig am Drumset üben kann, wird sich 

bereits ein Drum Pad zugelegt haben. Aber ohne Drumset 

zu üben, ist speziell! Denn wer seine Hände nicht nur be - 

weglich halten, sondern am Pad auch EFFEKTIV üben möchte, 

für den ist Anika Nilles‘ PAD BOOK genau DAS RICHTIGE! 

In ihrem für sich selbst entwickelten TRAININGSSYSTEM 

präsentiert Anika eine Vielzahl von Optionen, WAS und WIE 

man am Pad am besten üben kann. Besonders gut geeignet 

ist das Pad, weil es im Wesentlichen auf nur EINE KLANG - 

QUELLE reduziert ist. So kannst du den Prozess deiner Fort - 

schritte hinsichtlich Stickings und Rudiments, Phrasierung 

und Rhythmus-Konzepten kontinuierlich verfolgen. 

In ihren FUNDAMENTAL-WORKOUTS widmet sich Anika auf 

insgesamt 280 Seiten den Themen SUBDIVISION STUDIEN, 

MIXED METERS, UNABHÄNGIGKEIT DER HÄNDE und POLY- 

RHYTHMEN. Es ergibt sich ein vollständiges System mit 

Triolen, 16teln, Quintolen, Sextolen und Septolen, die in 

einzelnen Arbeitsschritten – von sehr einfachen bis hin zu 

komplexen Rhythmen – aufgeschlüsselt sind. Der Auf- und 

Ausbau von Grundlagen, die Sensibilisierung für Time und 

Rhythmus sowie die zahlreichen Möglichkeiten der Er - 

weiterung eigener Fertigkeiten stehen im Fokus. Zusam - 

menstellungen von WARM-UPS geben dir eine Idee davon, 

wie du deine eigenen Rhythmuspatterns entwickeln kannst. 

Der tiefere Sinn dahinter ist, den Übungsprozess KREATIVER 

zu gestalten, effektiv an den eigenen Schwächen zu arbeiten, 

neue Themen für sich selbst zu entwickeln und bereits Ver - 

trautes einfach aus einer anderen Perspektive zu be trachten. 

Zurück am DRUMKIT wirst du feststellen, dass du dich auf 

spezifischere, musikalisch relevante Themen wie Sound, 

Orchestrierung und Dynamik konzentrieren kannst, da 

Hände, Körper und Geist die auf dem Pad geübten Grund - 

lagen bereits verinnerlicht und automatisiert haben. Eben 

FUNDAMENTAL! 

Alfred Music Publishing GmbH – 20284G (Deutsche Edition) 

ISBN-10 3-947998-17-1, ISBN-13 978-3-947998-17-3 

Format: DIN A4, Buch (280 Seiten), 21,95 Euro 


CONNY CONRAD 

KRIMINALTANGO – ZWISCHEN GITARRE UND KRIPO 

CONNY CONRAD – der 1958 in Schöntal an der Jagst ge - 

borene Komponist, Gitarrenvirtuose, Multiinstrumen talist, 

Texter und Musikproduzent, zählt mit ca. 1 300 Komposi - 

tionen, über 500 Texten, 125 Tonträger ver öffentlichungen in 

einer Auflage von über 2,5 Millionen Exemplaren, Millionen 

von Radio-Airplays mit weltweiten Chartsplatzie rungen und 

internationalen Musikpreisen zu den erfolgreichsten und 

außergewöhnlichsten Künst lern unserer Zeit. 

Außergewöhnlich auch deshalb, weil er diese Bilanz als „Erster 

Kriminalhauptkommissar“ nach über 40-jähriger Dienst zeit in 

2018 mit in seinen, wie er sagt, „Unruhe stand“, nahm. Wie 

es zu diesem „Doppelleben“ kam und wie er mit dieser un - 

gewöhnlichen Lebenserfahrung gerade in diesen schwie - 

rigen, oft existenzbedrohenden Zeiten vielen Menschen und 

insbesondere Künstlern Lebenshilfe geben kann, beschreibt 

er, teilweise auch humorvoll, in dieser Biografie. 

Exemplare mit einer persönlichen Widmung sind per E-Mail 

an „coco@arcor.de“ bestellbar. 

Taschenbuch ISBN: 9783751976213 | E-Book ISBN: 9783752693355 | Zu bestellen: www.amazon.de 

CHRISTOPH HERDER 

PLEKTRUM BASS 

Alles, was du zur Plektrumtechnik 

wissen musst! 

Das Plektrumspiel gehört neben Pizzicato- und Slaptechnik 

zu den drei wichtigsten Spieltechniken auf dem E-Bass! In 

Plektrum Bass zeigt dir Autor Christoph Herder alles, was 

du zur Plektrumtechnik wissen musst! Im ersten Teil findest 

du viele hilfreiche Informationen zur Geschichte von Plek - 

trum, E-Bass und den bedeutendsten Plektrum bassisten. 

Tipps zum Kauf eines Plektrums gibt dir die kleine Waren - 

kunde, in der die verschiedenen Formen, Größen, Ma te ria lien, 

Oberflächen und Stärken vorgestellt werden, um die zentrale 

Frage zu beantworten: Welches Bass plektrum ist optimal 

für dich? Im zweiten Teil geht es in die Spielpraxis! In 

neun aufeinander aufbauenden Kapiteln erklärt dir Christoph 

alle wichtigen Plektrumtechniken wie Downstroke, Upstroke, 

Left Hand Muting und Palm Muting und wie du sie am 

besten in den unterschiedlichen rhythmischen Zusammen - 

hängen anwenden kannst. Natürlich werden auch die Tech - 

niken der Greifhand wie Hammer On, Pull Off, Dead Notes 

und Slides behandelt und in Bezug zur Plektrum technik 

gesetzt. In kleinen, gut nachvollziehbaren Schritten wirst du 

diese Techniken sicher erlernen und vertiefen. Damit sie 

aber kein Selbstzweck bleiben, findest du viele stilistisch 

unterschiedliche Groovebeispiele, die der In spiration für deine 

eigenen Ideen dienen. Ein Spielstück rundet jedes Kapitel 

ab und ist – neben allen Übungen und Grooves – auf der 

beiliegenden CD als Demo-Track (mit Bass) und Play-Along 

(ohne Bass) zu hören. Und als zusätzliches Bonbon: Akkord - 

spiel mit Strumming und Picking! 

Alfred Music Publishing GmbH 

Buch & CD – 20287G, 21,95 Euro 

ISBN-13: 978-3-947998-21-0 




Ausgezeichnetes Unternehmen 

KÖNIG & MEYER ERHÄLT INNOVATIONSPREIS MIT TOP-100-SIEGEL 

Der König & Meyer GmbH & Co. KG in Wertheim wurde das 

TOP-100-Siegel 2021 verliehen. Mit dieser Auszeichnung 

werden besonders innovative mittelständische Unterneh - 

men aus ganz Deutschland geehrt. Zuvor hatte der Musik - 

zubehörhersteller in einem wissenschaftlichen Auswahl ver - 

fahren seine Innovationskraft bewiesen. 

Seit mehr als 25 Jahren attestiert das Siegel „TOP 100“ 

mittelständischen Unternehmen mit Sitz in Deutschland ein 

hervorragendes Innovationsmanagement. Alljährlich werden 

je einhundert innovative Unternehmen in drei Größen- 

Kategorien ausgezeichnet. Damit werden vor allem „Hidden 

Champions“ branchenübergreifend auf einer Plattform ge - 

bündelt, wodurch sie erheblich an Sichtbarkeit gewinnen 

können. Als Mentor gibt der Wissenschaftsjournalist Ranga 

Yogeshwar diesem einzigen Wettbewerb seiner Art ein be - 

kanntes Gesicht. 

Unternehmen werden anhand von 120 Prüfkriterien in fünf 

Kategorien, die Innovationserfolg, Innovationsklima, in no vative 

Prozesse und Organisation, Außenorientierung/Open Inno va - 

tion und innovationsförderndes Top-Management um fassen, 

bewertet. Im Kern geht es um die Frage, ob In no va tionen das 

Ergebnis planvollen Vorgehens oder ein Zufalls produkt sind, 

also um die Wiederholbarkeit von Innovationsleistungen. Und 

darum, ob und wie sich die entsprechenden Lösungen am 

Markt durchsetzen. Besonderes Augenmerk lag dieses Mal 

auf der Reaktion der Unternehmen hinsichtlich der COVID-19- 

Pandemie. 

Gerade in solch plötzlich eintretenden Krisensituationen zeigt 

sich umso deutlicher, was Innovationskraft bewirkt. Infolge 

des Lockdowns des gesamten Kulturlebens brach die Nach - 

frage nach Veranstaltungstechnik und Musikerequipment 

stark ein. Als Reaktion darauf suchte König & Meyer nach 

neuen Möglichkeiten, konzipierte innerhalb von drei Wochen 

eine neue Produktlinie und brachte verschiedene Des in fek - 

tionsmittelständer auf den Markt. 

„Hier hat sich unsere Philosophie der kurzen Wege, der 

eigenen hohen Fertigungstiefe und der strukturierten Pro zesse 

bei der Produktentwicklung bewährt. Die starke Nach frage 

nach diesen Produkten hat uns 2020 nachhaltig geholfen, 

den starken Umsatzrückgang gerade bei den Produkten für 

Veranstaltungen und Live-Events aufzufangen. Mittlerweile 

ist die Produktpalette der Desinfektions mittelständer auf über 

30 Produkte gewachsen“, beschreibt Geschäfts füh rerin 

Gabriela König die firmeninterne Flexibilität. 

Darüber hinaus wurde die Firma vor allem für das strukturierte 

Innovationsmanagement und gute Innovationsklima 

im Unternehmen ausgezeichnet. 

„Bei uns sorgt eine klare Herangehensweise dafür, dass die 

notwendigen Schritte von der Idee bis zur Markteinführung 

durch ein definiertes Projektmanagement nicht jedes Mal 

neu überlegt werden müssen. Wir haben einen ausgewogenen 

Portfolio-Mix aus kurz- bis langfristigen Projekten. 

Fortschritte bei der Produktentwicklung werden regelmäßig 

kontrolliert und koordiniert. Jede Produktneuheit wird vor 

der Markteinführung geprüft und getestet. Wir haben 

Innovationsprojektteams, die sich aus Mitarbeitern verschiedener 

Bereiche zusammensetzen und die sich kontinuierlich 

austauschen. Kurze Wege und flache Hierarchien 

sorgen hier für Schnelligkeit bei der Umsetzung der Pro - 

jekte“, gewährt Geschäftsführer Heiko Wolz einen Einblick 

in die internen Abläufe. 

Bei König & Meyer bündeln sich Know-how und Kreativität: 

So besitzt das Unternehmen eine eigene Konstruktionsund 

Entwicklungsabteilung mit sieben Mitarbeitern und eigene 

Produktmanager als Schnittstelle zwischen Geschäfts - 

leitung und den technischen Abteilungen sowie Vertrieb 

und Marketing. Die Produktideen kommen entweder direkt 

von Händlern oder Endkunden, über Messen und Veranstal - 

tungen oder von den eigenen Mitarbeitern. Etwa dreißig 

Neuheiten – Innovationen und Produktverbesserungen – 

werden so im Jahr durchschnittlich herausgebracht. 

Über die Auszeichnung freut sich die Geschäftsleitung be - 

sonders, weil sie den bisherigen Weg, die geleistete Arbeit 

und die gestellten Weichen für die Zukunft gleichermaßen 

bestätigt. Gabriela König: „Mit innovativen Pro dukten und 

Ideen unterstützen wir seit Jahrzehnten den Musiker in seinem 

Alltag. Wir beobachten unseren Markt immer sehr genau 

und reagieren frühzeitig auf Trends, um wettbewerbsfähig 

zu bleiben und als Erste neue und wegweisende Innova - 

tionen auf den Markt zu bringen. Eine gelebte Unternehmens - 

kultur, die Ideen und Verbesserungs vorschläge von 

Mitarbeitern aktiv fördert und unterstützt, ist dabei unerlässlich.“ 

Die-TOP 100-Preisverleihung ist für den 26. November 2021 

im baden-württembergischen Ludwigsburg terminiert. 

Beide Geschäftsführer hoffen, vor Ort dabei sein zu können. 

Falls dies aus Pandemiegründen nach wie vor nicht 

möglich sein sollte, werden die Veranstalter gefordert sein, 

ihrerseits Innovationskraft zu beweisen. 

Weitere Informationen: www.k-m.de 



FRANK BRUNS 

SCHLAGZEUSPIELEN ZU SONGS 

Ein Praxisbuch für Einsteiger und Fortgeschrittene über Drumming in Rock & Pop 

Frank Bruns, Jahrgang 1971, studierte Schlagzeug 

am Konservatorium Maastricht und am Drummers 

Collective in New York. Als freischaffender Musiker 

und Instrumentalpädagoge betreut er zahlreiche Pro - 

jekte. Neben der Leitung seiner eigenen Drumschool 

spielt er in verschiedenen Bands aus dem Jazz- und 

Popbereich und nahm an TV-, CD- und Rundfunk - 

produktionen in Deutschland und den Niederlanden 

teil. 

Im LEU-Verlag sind neben „Schlagzeug Spielen zu 

Songs“ auch die „Lehrwerke Schlagzeug Lernen“, 

„Schlag zeug Spielen“, das „Practice Pad Workbook“ 

und „41 Drum Duets“ erschienen. 

„Schlagzeug spielen zu Songs“ ist ein spannendes Buch, 

das einen etwas „anderen“ Weg geht als die meisten Lehr - 

bücher. Der Zusammenhang zwischen der Musik / dem Song 

und dem Instrument wird selten so deutlich und so intensiv 

bearbeitet wie hier. 

Mit diesem Ansatz füllt Frank Bruns eine Lücke im Bereich 

der Lehrbücher. Bei aller Technik, Koordination und Inde - 

pendence: Im Kern geht es beim Trommeln immer um Musik 

und um Gefühle. Wir wollen unsere Zuhörer*innen mit unserer 

Musik und unserem Drumming berühren. 

„Schlagzeug spielen zu Songs“ animiert uns dazu, Musik 

intensiver zu hören und dabei den Focus auf das Schlag - 

zeug zu richten. Wir lernen die Grooves berühmter 

Songs kennen und wir bekommen Hilfe beim Verstehen 

und beim Nachspielen dieser Grooves. 

Mit viel Akribie und Gespür für den Zeitgeist hat Frank 

Bruns dieses Lehrbuch kreiert, das die Drummerszene im 

deutschsprachigen Raum bereichern wird. Schlagzeug - 

lehrer*innen und ihre Schüler*innen, Autodidakten und 

Hobby drummer werden von diesem Buch profitieren und 

sie werden Spaß damit haben. 

Dieses Lehrbuch möchte dich motivieren, Musik zu hören 

und sie am Schlagzeug zu begleiten. Es verbindet Übun - 

gen, Rhythmen und Drumfills mit den dazu passenden 

Songs. Es soll dich auch ermutigen, Musik selbst zu gestalten, 

mit deinem eigenen Stil, in deiner dir eigenen Art. In 

der heutigen Zeit ist der Zugang zu Musik dank der Musik- 

Streaming-Dienste fast grenzenlos. Wir Musiker sehen diese 

Entwicklung zwar durchaus kritisch, aber das soll nicht 

Thema dieses Buchs sein. Für dich als lernenden Schlag - 

zeuger ist es einfacher denn je, Musik zu hören, zu entde - 

cken und sie somit auch am Schlagzeug zu begleiten. 

Egal welcher Stil, egal welches Jahrzehnt – mit einem Abo 

bei einem Streaming-Dienst steht dir fast die gesamte 

Musik bibliothek zur Verfügung. Alternativ kannst du dir 

auch Songs per Download oder ganze Alben als CD kaufen. 

Ein Mix hieraus ist in der heutigen Zeit sicherlich sinnvoll. In 

deinem und im Interesse der Künstler sollte aber immer der 

Gedanke sein, dass Musik niemals kostenlos sein darf. Es 

handelt sich hierbei um urheberrechtlich geschütztes 

Material, in das die Künstler viel Arbeit, Leidenschaft, 

Kreati vität und Geld investiert haben. 

Dieses Buch enthält eine Vielzahl von kurzen Informationen, 

Vorschlägen und Stichpunkten zu vielen verschiedenen 

Songs. Diese kurzen Vorschläge sollen dich inspirieren, das 

jeweilige Lied mit möglichst einfachen Mitteln zu begleiten 

und es mit eigenen Ideen zu ergänzen. Es bietet dir die 

Starthilfe, den ersten Schritt, mit dem du viele neue Songs 

und Stilrichtungen entdecken kannst. 

FÜR WEN IST DIESES BUCH GEEIGNET? 

• für Einsteiger (mit Schlagzeugunterricht) als ergänzendes 

Lehrbuch 

• für Fortgeschrittene (mit Schlagzeugunterricht) als 

ergänzendes Lehrbuch 

• zum Selbststudium mit entsprechenden Vorkenntnissen 

im Notenlesen 

WAS SIND DIE LERNZIELE DIESES BUCHS? 

• Rhythmen und Drumfills als mehrtaktige Phrase spielen 

können 

• improvisieren (Drumfills) und gestalten (Songs) können, 

songdienlich spielen 

• mehr Musik hören (und das aufmerksam) 

• Schlagzeugerpersönlichkeiten und ihre Grooves kennen - 

lernen 

• Songs begleiten und Spaß haben 

• neue Musikstile entdecken 

ISBN 978-3-89775-187-3 

172 Seiten, 24,90 Euro 

FOLGENDE LEHRBÜCHER SIND AKTUELL 

IM FACHHANDEL ERHÄLTLICH: 

41 Drum Duets – ISBN 978-3-89775-152-1 

Schlagzeug Lernen – ISBN 978-3-89775-135-4 

(3. Auflage ab 12/2020) 

Schlagzeug Spielen – ISBN 978-3897751743 

Alle Bücher sind im LEU-Verlag erschienen. 

Weitere Informationen: www.leu-verlag.de 



VS-R265 – 4K/UHD-STREAMER UND -RECORDER VON TASCAM 

VS-R265 und VS-R264 können Audio-/Videomaterial 

gleich zeitig und in 4K/UHD- bzw. Full-HD-Auflösung kodieren, 

streamen (AV over IP), aufnehmen und dekodieren und 

unterstützen die Codecs H.265/HEVC beziehungsweise H.264. 

Sie erlauben die Übertragung über Firmen netz werke und 

WANs sowie das Live-Streaming ins Internet. Zudem können 

sie Aufnahmen automatisch per FTP in einen Netz werk - 

speicher oder in die Cloud hochladen. Dank Ver wen dung offener 

Streaming-Formate und -Protokolle versteht sich die VS- 

R-Serie mit Content Delivery Networks (CDNs) und Live- 

Plattformen im Internet wie YouTube, Wowza, Ustream, AWS 

Elemental MediaLive, AWS CloudFront und anderen. 

Mit Power-over-Ethernet oder 12-Volt-Stromversorgung, 

HDMI-Ein- und -Ausgang mit Embedding und De-Em bed ding 

des Audiosignals sind die Geräte vielseitig einsetzbar. Darüber 

hinaus unterstützen sie die Steuerung per RESTful API und 

lassen sich so optimal mit Automatisierungs- und Steue rungs - 

systemen verknüpfen. Während vergleichbare Produkte entweder 

keine professionellen Audiopegel oder -an schlüsse 

bieten, nicht aufzeichnen oder nicht zeitgleich enkodieren 

und dekodieren können, bietet die VS-R-Serie von Tascam 

symmetrische Audioein- und -ausgänge über Euroblock- 

Verbinder mit konfigurierbarem Bezugspegel. Damit sind 

sie vollständig kompatibel mit professionellen Audio - 

systemen. Unsymmetrische Klinkenausgänge für die Ver bin - 

dung mit Unterhaltungselektronik sind ebenfalls vorhanden. 

Der bidirektionale AV-Betrieb, das Live-Online-Streaming 

und die sichere Aufnahme auf SD-Karten mit dem späteren 

Hochladen auf eine Website sind ideale Voraussetzungen 

für die Live-Übertragung, Bereitstellung und Archivierung 

von Vorträgen, Regierungssitzungen, Vorstands präsen ta - 

tionen, Konzerten und Ansprachen, oder für Verbin dungen 

zwischen mehreren Räumen oder Veranstaltungsorten. Mit 

nur einer Höheneinheit bei halber Standardbreite passen 

zwei Geräte nebeneinander ins Rack. Sie lassen sich aber 

auch einfach auf dem Tisch aufstellen oder mit der beiliegenden 

Halterung unter ein Bord schrauben. 

• Live-Streaming für Unternehmens-Mitteilungen oder 

-Geschäftsberichte an Mitarbeiter oder Aktionäre 

• Ideal für Online-Schulungen oder die Aufzeichnung von 

Vorträgen 

• Live-Streaming von Musikkonzerten 

• Live-Streaming für mehr Transparenz in politischen 

Prozessen 

• Live-Streaming zu mehreren Anzeigen in Lobbys von 

Unternehmen oder Konferenzzentren 

TASCAM STELLT MIT SEINER US-HR-SERIE HOCHAUFLÖSENDE 

USB-AUDIOINTERFACES VOR 

Tascam präsentiert eine neue Serie hochauflösender USB- 

Audiointerfaces. Die drei Modelle – US-1x2HR, US-2x2HR 

und US-4x4HR – bieten eine Audioauflösung von 24 Bit bei 

Abtastraten bis 192 kHz, einen sehr hohen Rausch ab stand, 

extrem niedrige Latenzen dank Puffergrößen ab vier Samples, 

Ultra-HDDA-Mikrofonvorverstärker für überragende Klang - 

quali tät und ein umfassendes Softwarepaket. Laut Tascam 

sind die auf Benutzerfreundlichkeit und Flexi bilität ausgelegten 

Interfaces eine gute Wahl für jeden anspruchsvollen 

Tonschaffenden, von Einsteigern in die Auf nahmetechnik über 

Projektstudio-Betreiber bis hin zu Pod cast- und Webcast- 

Producern. 

Für das Live-Streaming von Musik-Sessions, Spielen oder 

ähnlichen Sendungen über das Internet mit einem Windows-, 

Mac-, iOS- oder iPadOS-Gerät verfügen alle Modelle über 

eine Mono-/Stereo-umschaltbare Loopback-Funktion und 

unterstützen OBS Studio und andere Streaming-Software. 

Jedes der Interfaces kommt mit Steinberg Cubase LE (einschließlich 

Cubasis LE3) für Aufnahme und Produktion, 

IK Multimedia Sample Tank SE 4 mit einer umfangreichen 

30-Gigabyte-Klangbibliothek und einer kostenlosen 3- 

Monats-Lizenz für Auto-Tune Unlimited von Antares. 

Das kleinste Mitglied der Serie, das US-1x2HR, ist ideal für 

Solisten geeignet. Es verfügt über einen XLR-Mikro fon ein - 

gang, einen Instrumenten-/Line-Eingang über Klinke (beide 

umschaltbar auf Line-Eingänge über Cinch-Anschlüsse) 

und zwei Cinch-Ausgänge. 

Das US-2x2HR ist eine gute Wahl für Musikproduktion, 

Podcast und Live-Streaming. Es bietet zwei umschaltbare 

Mikrofon-/Line-/Instrumenteneingänge und zwei 

symmetrische Line-Ausgänge sowie MIDI-Eingang und 

-Aus gang, um Keyboards, Drumcomputer und andere 

MIDI-Geräte in die Produktionsumgebung einzubinden. 

Als ideale Lösung für den Aufbau einer anspruchsvollen 

Musikproduktionsumgebung bietet das US-4x4HR vier 

XLR-Mikrofoneingänge, vier symmetrische Line-Eingänge 

über Klinkenbuchsen (von denen zwei auch für In stru - 

mente verwendet werden können), vier symmetrische 

Line-Ausgänge, MIDI-E/A und zwei Kopfhörer anschlüsse. 

Tascam betont, dass sich alle Modelle der US-HR-Serie 

aufgrund ihrer hervorragenden Klangeigenschaften auch 

hervorragend als hochwertige Standalone-Vorverstärker 

ein setzen lassen. 

TASCAM VIDEO-STREAMER 

KÖNNEN JETZT DREI 

RTMP-STREAMS GLEICHZEITIG 

SENDEN 

Mit der neuen Firmware v1.1 erhöht sich die Gesamtzahl 

der Videostreams, die ein VS-R264 oder VS-R265 gleichzeitig 

liefern kann, auf acht: 3 × RTMP/RTMPS, 1 × RTSP, 

1 × HLS, 2 × RTP/UDP-Unicast und 1 × RTP/UDP-Multi - 

cast. Ein VS-R kann das Material auch gleichzeitig auf SD- 

Karten oder USB-Speichermedien aufzeichnen und aufgezeichnete 

Dateien automatisch per FTP hochladen. Darüber 

hinaus kann der Dekoder des VS-R – ebenfalls zur gleichen 

Zeit – einen Stream in einem von mehreren Formaten 

empfangen und das dekodierte Signal über HDMI an einen 

Bildschirm beziehungsweise über symmetrische und 

unsymmetrische Ausgänge an eine Tonanlage übergeben. 




FAME BAPHOMET II 20TH ANNIVERSARY SILVER & GOLD – JETZT ERHÄLTLICH! 

Zum 20. Jubiläum der Marke Fame stellt die Manufaktur für Gitarren und Bässe zwei besonders edle, jedoch streng limitierte Aus führungen 

des beliebten Fame Baphomet II Bass vor 

Der schlank designte E-Bass erhält im Rah - 

men der Geburtstags-Sonderserie edle Fi - 

ni shes in Antique Gold oder künstlich gealtertem 

Antique Silver, welche in sorgsamer 

Hand arbeit aufgetragen werden. Natürlich 

kommen im Rahmen der Sonderserie klassische 

Baphomet-Features in Form zweier 

aktiver MEC Single Coils mit aktiver 2-Band- 

Klangregelung, hochwertiger Hardware von 

WSC und Schaller und selektierter Ton - 

hölzer wie Esche, Mahagoni und Ahorn zum 

Einsatz. 

Der Fame Baphomet II 20th Anniversary ist 

wahlweise im Antique Silver oder Antique 

Gold Finish und jeweils als 4- und 5-saitige 

Ausführung erhältlich. Doch Fans sollten 

besser schnell handeln und vorbestellen, 

denn die Anniversary-Serie ist insgesamt 

nur auf 10 Stück limitiert! 

Der Fame Baphomet II 20th Anniversary 

Antique Gold/Silver ist ein handgemachter 

Nobelbass, der zum 20-jährigen Bestehen 

der Marke Fame mit einem limitierten, 

künstlich gealterten Gold-/Silver-Finish versehen 

ist. Der mit einer extrem schicken 

Holz auswahl und optimalen Spiel eigen schaf - 

ten versehene E-Bass bietet das bekannt 

vielseitige Baphomet-Klangbild für attackreiche 

Slaps und breit aufgestellte Metal- 

Sounds. Dementsprechend verfügt der 

Fame Baphomet über einen leicht gewölbten 

Korpus aus Esche und einen sechsfach 

geschraubten Hals aus Ahorn und Mahagoni, 

dessen flaches „D“-Profil bequem in der 

Hand liegt. Zwei aktive MEC Jazz Single- 

Coil-Pickups und eine aktive 2-Band-Klang - 

regelung aus gleichem Haus sorgen darüber 

hinaus für ein vielseitiges Klangspektrum, 

das mit hoher Durchsetzungskraft jedes 

Genre gekonnt abdeckt. Auch Hardwareseitig 

zeigt sich der Fame Baphomet II 20th 

Anniversary mit einer WSC-SI4-Brücke und 

präzisen WSC-JB15-Mechaniken bestens 

ausgestattet. 

ERSTKLASSIGE HÖLZER UND 

HOHER SPIELKOMFORT 

Für die Konstruktion der Bassgitarre kommen 

ausschließlich handselektierte Hölzer 

zum Einsatz, die optimale Klang- und Spiel - 

eigenschaften garantieren. Dementsprechend 

unterstützt der Korpus aus leichter Esche 

einen druckvollen Sound, während die sanfte 

Wölbung eine bequeme Anlage an den 

Spieler garantiert. Der fünfteilige Hals aus 

Ahorn mit Trennfurnieren aus Mahagoni ist 

für eine besonders stabile Verbindung sechs - 

fach verschraubt und bietet mit schlankem 

„D“-Profil beste Spieleigenschaften über alle 

24 Bünde des Ebenholz-Griffbretts. 

FAME BAPHOMET II 

MIT UNVERWÜSTLICHER HARDWARE 

Nicht zuletzt ist der Fame Baphomet II 4 

20th Anniversary Antique Gold mit unverwüstlicher 

Hardware ausgestattet, die mit 

uneingeschränkter Funktionalität eine lang 

anhaltende Spielfreude garantiert. Dem - 

entsprechend unterstützt die massive WSC- 

SI4/5-Bassbrücke auf dem Korpus die 

gleichmäßige Klangentfaltung, wobei vier 

individuelle Saitenreiter eine optimale 



Der Fame Baphomet II 4/5 

20th Anniversary im Überblick: 

• 4-/5-String E-Bass, gefertigt in Danzig 

• Limitierte Jubiläumsedition 

zum 20-jährigen Bestehen der Marke Fame 

• Korpus aus Esche 

• Leichte Korpuswölbung für eine bequeme 

Anlage an den Körper 

• Sechsfach geschraubter, fünfteiliger Ahorn- 

Mahagoni-Hals 

• Griffbrett aus Ebenholz mit 

20th-Anniversary-Inlay 

• „D“-Halsprofil 

• Zwei aktive MEC Jazz Single-Coil-Pickups 

• Aktive MEC-BEC2-2-Band Klangregelung 

• WSC-JB15-Bassmechaniken 

• WSC-SI4/5-Bassbrücke 

• Schaller S-Locks 

Einstellung von Intonation und Saitenlage 

sicherstellen. An der Kopfplatte sorgen darüber 

hinaus vier/fünf gekapselte WSC-JB15- 

Mechaniken für ein akkurates und stabiles 

Tuning des Vier saiters/Fünfsaiters. 

MEC PICKUPS UND ELEKTRONIK 

FÜR HOCHKARÄTIGE SOUNDS 

Die elektrische Tonwandlung des Baphomet 

II Antique Gold/Silver übernehmen zwei aktive 

MEC Jazz Single-Coils. Ausgestattet mit 

Keramikmagneten, überzeugen die Ton ab - 

nehmer mit einem besonders transparenten 

Klangbild, das eine hohe Durchset zungs - 

kraft mit Allround-Fähigkeiten für nahezu 

jede Musikrichtung verbindet. Neben den 

Volume- und Balance-Reglern bietet der 

Baphomet II E-Bass außerdem eine aktive 

MEC-BEC2-2-Band-Klangregelung. Mit 

Höhen- und Bassregler auf einem Doppel- 

Potiermöglicht der Equalizer ein präzises 

Anpassen des Sounds, wobei die musikalische 

Abstim mung auch bei extremen Ein - 

stellungen erstklassige Klangerlebnisse 

garantiert. 

Weitere Infos: www.musicstore.de 



OLI RUBOW 

ECHODRUMS 

Anders trommeln dank Strom und Effekten 

NELLIE HILL & ARTHUR HULL 

HANDBUCH DER 

DRUM CIRCLE FACILITATION 

Vor über 30 Jahren hat Arthur Hull die Drum-Circle-Methode 

entwickelt. Sie ist eine Methode zur Improvisation. Es werden 

weder Rhythmen vorgegeben noch wird Technik geübt. 

Im Unter schied zu Trommelkursen bringt der*die Moderator*in 

kein faktisches Wissen in die Gruppe ein. Im Gegenteil: 

Vorhandenes Potenzial wird aus den Teilnehmenden hervorgeholt 

und im gemeinsamen Spiel genutzt, es geht nur 

um den Spaß am Musizieren. Großer Vorteil ist, dass alle 

Menschen teilnehmen können: sowohl diejenigen, die über 

große musikalische Erfahrung verfügen, als auch alle anderen, 

selbst wenn sie noch nie ein Instrument gespielt haben. 

Drum Circles werden in allen denkbaren Situationen eingesetzt, 

in denen Gruppendynamik und Persönlichkeits ent - 

wick lung eine Rolle spielen. 

Dieses Buch ist für alle, die rhythmusbasierte Events moderieren 

möchten, egal ob neu eingestiegen, schon länger dabei 

oder ausgebildete „Village Music Circle Playshop“-Absol - 

ven ten. 

Es soll dabei helfen, jeder Situation gerecht zu werden, von 

öffentlichen Drum Circles über die Arbeit mit Kindern, 

Menschen mit besonderen Bedürfnissen oder Senioren bis 

hin zu Teambuilding-Maßnahmen und begleitet von der 

ersten Kontaktaufnahme über die Auftragsklärung bis zur 

praktischen Ausführung: 

Die grundlegenden Struktur eines erfolgreichen Drum Circles, 

vom Drum Call bis zum vollendeten Abschluss. Zusätzlich 

gibt es immer wieder Reflektions-Fragen, Platz für eigene 

Notizen sowie jede Menge Referenzmaterialien, Konzepte der 

Drum-Circle-Moderation, Arthurs Dreiheiten (Triplicities), 

Beispiele für einen Vertrag uvm. 

Im Anhang: Tagebuch über Events, Notizen zu Ideen und 

Lernerfahrungen. 

Leu-Verlag, ISBN-13 : 978-3897751804, 100 Seiten 


Am Anfang war die Echokammer: ein langer Gang und zwei 

weit voneinander entfernte Mikrofone. Längst ist der Echo - 

effekt als transportables Gerät verfügbar. Du brauchst nur 

ein Mikro, Kabel und Delaypedal, um einen neuen Kosmos 

an Sounds und Pattern anzuzapfen. 

Jenseits der Bedienungsanleitung zu operieren ist ein wesent - 

licher Bestandteil der elektronischen Musikkultur – man 

denke beispielsweise an Tapeloops der Musique concrète und 

scratchende DJs im Hip-Hop, an Dub-Versionen oder an 

experimentierfreudige Schlafzimmerproduzenten. Folge richtig 

begrüßte Oli Rubow zur Jahrtausendwende ein Echo gerät 

nebst Mikrofon und Kabeln auf seinem Schlagzeugteppich. 

In diesem Buch erklärt er, wie einfach sich das Effektgerät 

beim Trommeln integrieren lässt. Er bricht eine Lanze für 

die Vielfalt dieser untypischen Kombination, die sowohl das 

Klangspektrum als auch den Rhythmuswortschatz des Schlag - 

zeugers bereichert. Darüber hinaus gibt es musikgeschichtliche 

Vorbilder quer durch den Genre-Garten, Anekdoten, eine 

verlinkte Musiksammlung sowie viele praktische Übungen. 

Die Gitarristen haben es längst vorgemacht: einfach Klinken - 

stecker rein und los. 

• Das Delay Pedal als weiteres „Add On“ 

• Vom Studioproduktionsmittel auf die Bühne 

• Echo zur Erweiterung des Klangspektrums 

• Echo zur Erweiterung des Groove-Repertoires 

• 250 Tonträgerbeispiele aus der Musikgeschichte 

SIMON MADAUS 

GET INTO THE GROOVE 

Trommeln mit Kindern im Vorschulalter 

ab 4 Jahren 

Trommeln und Rhythmen aus verschiedenen Ländern 

faszinieren alle Menschen gleichermaßen. Seit Urzeiten 

begleiten Menschen sich bei Ritualen auf Trommeln 

und Flöten! Kleine Kinder fangen plötzlich an zu tanzen 

und in die Hände zu klatschen, wenn Musik erklingt. 

Trommeln ist ein Kulturgut, das es zu erhalten gilt. 

Dieses Buch richtet sich an alle interessierten Eltern, 

• Legendäre Pioniere 

• Futuristische Echodrummer und Beat-Visionäre 

• Geschichte des Delay FX, Übersicht der Gerätschaften 

• Kreative Ansätze und Möglichkeiten 

• Delay für Dich und Mitmusiker 

• Die Computer-DAW als Effektgerät 

Viele praktische Übungen. Begleitende Website mit Video - 

links. 

Leu-Verlag, ISBN-13 : 978-3897751842 , 112 Seiten 


Pädagog*innen und Erzieher*innen. Ich möchte Mut 

machen, den „Groove“ selbst zu entdecken und an die 

„Kleinen“ weiterzugeben! Man hört oft: „Ich kann keine 

Noten lesen. Also kann ich meinem Kind auch nicht das 

Trommeln beibringen!“ Falsch: Um mit diesem Buch zu 

arbeiten, braucht man keinerlei Notenkenntnisse. Die 

Noten werden im Verlauf des Buches „von alleine gelernt“. 

Die Kinder brauchen keine Vorerfahrung. Es spielt auch 

keine Rolle, ob mit einem Kind oder einer Gruppe von 

Kindern getrommelt wird. In Kindergärten, Kindertages - 

stätten und Schulen habe ich immer wieder erfahren, 

dass Erzieher*innen und Lehrer*innen gerne mit Kindern 

trommeln würden. Sie wissen nur nicht, wie sie vorgehen 

sollen, weil sie selbst keine Trommel- Expert*innen 

sind. An diesem Punkt setzt dieses Buch an. Kinder und 

Erwachsene lernen beide durch dieses Buch die Grund - 

lagen des Trommelns. 

Leu-Verlag, Taschenbuch – Hörbuch 

40 Seiten DIN A4, geheftet Rhythmusmuster, 

Trommelanleitungen, Lieder, Zeichnungen. 

ISBN-13 : 978-3897751866 




TASCAM, EINER DER FÜHRENDEN ANBIETER VON AUDIOPRODUKTEN 

FÜR MUSIKER, TONTECHNIKER, BROADCAST-PROFIS UND AV-SYSTEMINTEGRATOREN, 

FEIERT IM JAHR 2021 SEIN 50-JÄHRIGES FIRMENJUBILÄUM 

! 

Der Hersteller, den man zu Recht als Erfinder des revolutionären 

Heimstudios bezeichnen kann, hat mit seinen Pro - 

dukten die Art und Weise, wie Menschen Musik und Sound 

machen, unwiderruflich beeinflusst. Vom 4-Spur-Porta studio 

über den mit dem Emmy Award ausgezeichneten digitalen 

Mehrspurrecorder DA-88 bis hin zu den Recording-Misch - 

pulten der Model-Serie und darüber hinaus hat Tascam die 

Tonproduktion auf allen Ebenen neu definiert – vom Heim - 

anwender bis hin zu High-End-Produktionsstudios und führenden 

Installationen in aller Welt. 

Die Geschichte von Tascam, der professionellen Audiosparte 

der TEAC Corporation, reicht bis in die späten 60er-Jahre 

zurück, als die Brüder Tani – beide Ingenieure – und Dr. Abe, 

ein leitender Ingenieur bei TEAC, eine spezielle Forschungsund 

Entwicklungsgruppe namens TASC (TEAC Audio 

Systems Corp.) gründeten, um Möglichkeiten zu erforschen, 

die Aufnahmetechnologie von TEAC für Musiker und 

Aufnahmestudios nutzbar zu machen. 

1971 entstand die Firma Tascam (TASC AMerica Corp.) mit 

dem Ziel, die TASC-Produkte in den USA zu vertreiben und 

weitere Marktforschung zu betreiben. 1974 wurde das Unter - 

nehmen dann von der schnell wachsenden Vertriebs ge - 

sellschaft TEAC Corp. of America übernommen, und Tascam 

wurde der offizielle Markenname aller TEAC-Aufnahme pro - 

dukte, die speziell für Musiker und Aufnahmestudios be stimmt 

waren. 

Der Name Tascam hat eine traditionsreiche Geschichte – 

sowohl in Bezug auf die technischen Errungenschaften des 

Unternehmens als auch auf die Künstler und Ingenieure, die 

Tascam-Produkte eingesetzt haben. Beispielsweise das 

Tascam 80-8: Das Halbzoll-Spulenbandgerät mit acht Ton - 

spuren diente zur Aufnahme der Stimmen von R2-D2 und C- 

3PO bei den Dreharbeiten zum ersten Star-Wars-Film „Eine 

neue Hoffnung“ (Originaltitel: A New Hope) im Jahr 1977. 

Ebenso bemerkenswert ist, dass der Vater der Sängerin, 

Songwriterin und Schauspielerin Lady Gaga ihr ein Porta - 

studio schenkte, als sie etwa elf Jahre alt war. Über dieses 

Geschenk sagt sie: „Ich konnte mich einfach ans Klavier 

setzen, ein Mikro anschließen und selbst aufnehmen. Das 

ist wahrscheinlich das beste Geschenk, das mein Vater mir 

je gemacht hat.“ 

In ähnlicher Weise leitete die Rocklegende Bruce Springsteen 

mit Tascam eine Revolution des Homerecording ein: Mit der 

Hilfe seines Freundes und Gitarrentechnikers Mike Batlan 

nahm „The Boss“ mit einem Portastudio 144 das Album 

„Nebraska“ aus dem Jahr 1982 auf. Über die Jahre haben 

unzählige weitere Künstler ihre Karriere mit Tascam-Pro - 

dukten vorangetrieben, darunter die Rockkünstler Tommy 

Bolan und Doyle Wolfgang von Frankenstein, der Video filmer 

Chris Beals und der Produzent, Künstler und Techniker KC 

Porter, um nur einige zu nennen. Tascam-Produkte stecken 

buchstäblich in Zehntausenden von Aufnahmen und in Hun - 

derten von Gold- und Platin-Schallplatten. 

Im Laufe des Jahres 2021 können sich Tascam-Anwender 

und -Interessenten auf viel Neues freuen. Es sind verschiedene 

Aktionen geplant, bei denen Musikbegeisterte ihr 

Equipment erweitern können. Und natürlich wird Tascam 

im Jahr 2021 und darüber hinaus neue Produkte vorstellen, 

die ein breites Spektrum an Anwendungen abdecken. 

Abschließend noch ein Gruß von allen Mitarbeitern bei 

Tascam an die ständig wachsende Nutzergemeinde, verbunden 

mit einem herzlichen „Dankeschön!“. 

tascam.jp/int/special/tascam_50th 

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