Bildrausch Filmfest Basel 9, Katalog 2019

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9. BILDRAUSCH 

FILMFEST BASEL 

19.06.—23.06.19 

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PROGRAMMÜBERSICHT 2 

EDITORIAL 4 

CUTTING EDGE 5 

INTERNATIONALER 

WETTBEWERB 

NACHHALL: 32 

MIT RENI MERTENS 

& WALTER MARTI 

IN DIE ZUKUNFT 

GIANFRANCO 54 

ROSI 

DER WAHRHEITS 

SUCHER 

SPECIALS 

ERDE 68 

MAKINO TAKASHIS ELEKTRISCHE MAGIE 70 

SINNESRAUSCH 74 

THEY SHALL NOT GROW OLD 78 

TALKS, EVENTS UND PODIEN 80 

RUND UM BILDRAUSCH 89 

DANK 120 

FESTIVALINFORMATIONEN 124 

IMPRESSUM 126

DIE 

VERMESSUNG 

DER WELT 

Das Kino als Vermessung der Welt, der Film als 

Topografie unseres Lebens. Der neunte Bildrausch führt 

uns mitten in die vibrierenden Zentren von Klasse, 

Identität oder Geschlecht, erkundet die Landschaften 

unserer Seele ebenso wie die Halden der Geschichte und 

entwirft freihändig eine kunstvolle Karte der Wirklichkeit. 

Deren besonderes Augenmerk gilt dem Dokumentarfilm, 

steht doch unsere Hommage an das Autorenpaar 

Reni Mertens und Walter Marti für einen eigenen Kinokontinent. 

Die Pioniere des Jungen Schweizer Films 

schufen ein avantgardistisches, zutiefst humanistisches 

Œ uvre, dessen Formenvielfalt, Dringlichkeit und Schönheit 

bis heute inspirieren. Das politische Wesen ihres 

Werks schlägt eine Brücke zu Gianfranco Rosi. Als 

Reisender in Sachen Wahrheit kratzt er beharrlich an 

der Oberfläche der Welt. Wir zoomen mit einer umfassenden 

Retrospektive und im Gedanken/Raum auf die 

unverhohlen subjektiven und doch zutiefst universellen 

Porträts des preisgekrönten Italieners. «(...) dass man sich 

mit dem Film auf die Äste hinauswagt, ganz weit hinaus 

in einen Bereich wo es tatsächlich ungemütlich werden 

könnte», hat sich der Filmemacher Peter Liechti 

(1951– 2014) einst von Kino und Publikum gewünscht. 

Wir freuen uns sehr, dass der neue Peter-Liechti-Preis 

einen Wettbewerbsfilm ehren wird, der in Form oder 

Narration besondere Risikofreude beweist. Sie sind herzlich 

eingeladen, sich ohne Netz und doppelten Boden 

ganz und gar dem diesjährigen Bildrausch hinzugeben! 

Nicole Reinhard, Beat Schneider 

4 

Am 23. Juni vergibt die Jury den Bildrausch-Ring 

der Filmkunst in Verbindung mit einer Preissumme 

von CHF 5000 an den Schöpfer oder die Schöpferin des 

besten Bildrausch-Films. Zum ersten Mal wird auch 

der neu geschaffene Peter-Liechti-Preis in Höhe in von 

CHF 2000 an ein Werk verliehen, das sich durch besonderen 

narrativen oder visuellen Mut auszeichnet. Der 

Preis für einen Film, der aufs Ganze geht, wird von der 

Tweaklab AG und Reck Filmproduktion gestiftet. 

RAMELL ROSS (*1982, Frankfurt a.M.) 

studierte Englisch und Soziologie an der 

Georgetown University und Kunst an der 

Rhode Island School of Design. Er lebt und 

arbeitet als Fotograf, Autor und Filmemacher 

in Rhode Island und Alabama und 

lehrt aktuell am Visual Art Departement 

der Brown University in Providence. Seine vielbeachteten 

fotografischen Arbeiten und Texte erschienen 

unter anderem in der «New York Times», im «Harper’s 

Magazine», in «Aperture», «TIME», «Oxford American» 

und dem Walker Arts Center. 2018 feierte sein Regiedebüt 

Hale County This Morning, This Evening am 

Sundance Festival Premiere, wo es mit dem Special Jury 

Award for Creative Vision ausgezeichnet wurde. Bei 

den diesjährigen Academy Awards war sein Erstling 

gar für einen Oscar für den Besten Dokumentarfilm 

nominiert. In der lyrischen Dokumentation über die 

afroamerikanische Lebenswelt im südlichen Alabama 

fing RaMell Ross deren atmosphärische Dichte mit 

beeindruckender visueller Erzählkunst ein und trat 

damit in die Fussstapfen von Charles Burnett, den er 

neben Andrei Tarkowski und Toni Morrison als Inspiration 

für sein Schaffen nennt. Letztes Jahr war RaMell 

Ross mit Hale County bei Bildrausch zu Gast und wurde 

von der Jury mit einer lobenden Erwähnung bedacht. 

5 

CUTTING EDGE

6 

7 

GERWIN TAMSMA (*1964, Franeker) 

war lange Jahre als Filmkritiker und Herausgeber 

unter anderem für das «NRC 

Handelsblad» und das «Dutch Film Yearbook» 

tätig, ehe er 1996 zum International 

Film Festival Rotterdam (IFFR) kam. 

Hier ist er für die Programmierung der 

Spielfilme aus Lateinamerika, China, Korea, Skandinavien, 

Italien, Spanien und Portugal verantwortlich 

und leitet die Sektion «Bright Future» für junge Filmemacher. 

Er ist zudem Teil des Auswahlkomitees für 

den Tiger-Awards-Wettbewerb und Mitglied des Komitees 

des Hubert Bals Fund, der innovatives und 

engagiertes Filmschaffen unterstützt. In seiner Zeit 

beim IFFR hat er verschiedenste Retrospektiven und 

Spezialprogramme kuratiert und sass schon in diversen 

internationalen Jurys wie beim Vancouver International 

Film Festival, beim Bafici Festival in Buenos 

Aires, beim CPH: DOX in Kopenhagen oder beim 

Cinema Digital Festival in Seoul. Sein Herz schlägt 

für Filme, die inspiriert wie inspirierend sind, sich mit 

frischem Blick und einer kreativen Einstellung zum 

professionellen Filmemachen und zur Welt an ihre 

Themen wagen und gerne auch unbequem und fordernd 

sein dürfen. 

ARAMI ULLÓN (*1978 Asunción): Die 

seit 2011 in Basel lebende Filmemacherin 

ist schon 25 Jahre im audiovisuellen Bereich 

tätig. Ihre Erfahrungen als Produzentin 

umfassen Musik-Videos, TV-Programme 

und Werbefilme überwiegend 

für paraguayische und einige europäische 

Produktionshäuser. Im Bereich Fiktion arbeitete sie 

für die Spielfilme El toque del Oboe (Paraguay/Brasilien, 

1997), Miami Vice (USA, 2006) und 18 cigarrillos y medio 

(Paraguay/Mexiko/Spanien, 2011). Letzteren hat sie 

selbst produziert. Nach zwei Kurzfilmen (Ausencia de 

un nombre propio (1998) und Beckon (2000)) feierte sie 

2014 mit El tiempo nublado ihr Regiedebüt. Die zutiefst 

persönliche, feinfühlige Dokumentation über ihre seit 

langen Jahren an Epilepsie und Parkinson erkrankte, 

in Paraguay lebende Mutter wurde auf über 70 internationalen 

Filmfestivals gezeigt und unter anderem 

mit dem Regards Neufs Award for Best First Film am 

Dokumentarfilmfestival Visions du Réel, dem SIGNIS- 

Preis, dem Prix du Lycéen Documentaire in Cinélatino 

– Rencontres de Toulouse und dem Basler Filmpreis 

für den besten Film ausgezeichnet. Aktuell arbeitet 

sie an ihrem zweiten Langfilm Nothing But the Sun, 

einer Untersuchung der komplexen Bedeutung von 

Identität und Zugehörigkeitsgefühl, basierend auf der 

Situation der Ayoreo-Ureinwohner in Paraguay. 

CUTTING EDGE

Ein Staatsstreich ist nicht viel wert, wenn keiner 

etwas davon mitbekommt – weshalb ein irregulärer 

Machtwechsel gemeinhin medial annonciert wird. 

Die Verkündung eines Militärputsches ist im Mai 1963 

denn auch die Aufgabe der Protagonisten von Mahmut 

Fazıl Coskuns drittem Film Anons: Während die Kollegen 

in Ankara die Regierung stürzen, sollen sie im 

Radio Istanbul die diesbezügliche Ansage machen. 

Nur leider befindet sich der dazu benötigte Radiotechniker 

nicht an seinem Arbeitsplatz, und auch sonst 

kommt mancherlei dazwischen. Eine Weile wähnt 

man sich in einer Deadpan-Komödie des Scheiterns, 

bis das erste Opfer hinreichend verdeutlicht, dass es 

sich hier um eine bierernste Sache handelt und zumindest 

keiner der auf der Leinwand Agierenden die 

Scherze lustig findet, die das Leben sich in jener schicksalhaften 

Nacht für sie hat einfallen lassen. Doch nicht 

nur die Tonlage des Films zeugt von der Experimentierfreudigkeit 

des 1973 in der Türkei geborenen, in 

Los Angeles und Istanbul ausgebildeten Regisseurs, 

auch visuell-stilistisch wagt er den Bruch mit Konventionen. 

So lässt er die Handlung wiederholt aus dem 

Bildrahmen treten und vermittelt das Geschehen über 

das Hör-, nicht das Sichtbare. Dabei macht er spielerisch 

und zwanglos klar, dass das Gefilmte immer lediglich 

ein Ausschnitt einer viel komplexeren Realität ist. (as) 

ANONS 

· Anons (The Announcement) 

· Türkei, Bulgarien 2018 

· 94 Min. Farbe. DCP. Türk/e 

· Regie: Mahmut Fazıl Coskun 

· Buch: Mahmut Fazıl Coskun, 

Ercan Kesal 

· Kamera: Krum Rodriguez 

· Schnitt: Çiçek Kahraman 

· Musik: Okan Kaya 

· Mit Ali Seçkiner Alici, 

Tarhan Karagöz, Murat Kiliç 

· Produzenten: Halil Kardas, 

Tarik Tufan 

· Kontakt: Heretic Outreach, Athen, 

www.heretic.gr 

9 

MI 19.6. 21:15 

Stadtkino Basel 

In Anwesenheit von 

Mahmut Fazıl Coskun 

SA 22.6. 19:15 

kult.kino atelier 

In Anwesenheit von 

Mahmut Fazıl Coskun

Im Frühjahr 2016 bekommen es die österreichischen 

Politiker mit der Angst zu tun. Sie fürchten, die «Flüchtlingsströme», 

die über die Balkanroute unterwegs in 

die EU sind, könnten die kleine Alpenrepublik unter 

sich begraben. Präventiv und populistisch werden 

Gegenmassnahmen ergriffen beziehungsweise vorgesehen 

respektive geplant oder immerhin überlegt. Ausgerechnet 

am Brenner, einer geo-ethno-politisch hochsensiblen 

Grenze, die dennoch schon immer relativ 

durchlässig war, soll ein Zaun errichtet werden. Der 

Aufruhr ist entsprechend. Mit gewohnter Ruhe aber 

begibt sich der österreichische Dokumentarist Geyrhalter 

ins Getümmel und schaut sich um und zeichnet auf. 

Entlang des Brennerpasses wandert er zwischen Nordund 

Südtirol, zwischen Österreich und Italien hin und 

her, spricht mit Jägern, Hüttenwirten, senegalesischen 

Bauarbeitern, Milchfahrern und Biobauern. Aus der 

Vielzahl der Stimmen und aus den vielfältigen Meinungen 

entsteht ein Bild, das weit mehr umfasst als die 

überschaubare Region, die es hervorbringt: Nicht nur 

von Europas Abschottungspolitik handelt Die bauliche 

Massnahme, sondern von den globalen Machtverhältnissen 

und vom Wesen der Humanität. Und das alles ausgehend 

von ein paar Metern Maschendrahtzaun … ein 

typisch Geyrhalter’sches Kunststück. (as) 

· Die bauliche Massnahme 

(The Border Fence) 

· Österreich 2018 

· 112 Min. Farbe. DCP. D/e 

· Regie, Buch, Kamera: Nikolaus 

Geyrhalter 

· Schnitt: Emily Artmann, Gernot Grassl 

· Produzenten: Markus Glaser, Wolfgang 

Widerhofer, Michael Kitzberger, 

Nikolaus Geyrhalter 

· Kontakt: Austrian Films, Wien, 

www.austrianfilms.com 

11 

DO 20.6. 14:15 


SA 22.6. 15:15 


In Anwesenheit von Nikolaus Geyrhalter 

DIE BAULICHE MASSNAHME

Das Schaffen des dominikanisch-mexikanischen 

Regiegespanns Laura Amelia Guzmán & Israel Cárdenas 

hat sich auf eine ziemlich unvorhersehbare 

Weise entwickelt: Von der flüchtigen, stark neorealistisch 

geprägten Poesie von Cochochi (2007) und Jean 

Gentil (2010) zu dem stilisiert-labyrinthischen Delirium 

ihres aktuellen Meisterwerks, La fiera y la fiesta . 

Man käme kaum darauf, dass auch dieses eine nonfiktionale 

Erdung hat: Der Filmschaffende, um dessen 

Bilder- wie Geisteswelt sich alles dreht, Jean-Louis 

Jorge, war ein Verwandter Guzmáns; viele seiner 

Weggefährten tauchen im Film auf; und zu sehen 

bekommt man auch einiges aus seinen Werken, allen 

voran La serpiente de la luna de los piratas (1973) und 

Mélodrame (1976). Geraldine Chaplin nun gibt eine 

Filmemacherin, die einem Freund einen Gefallen tun 

soll: Regie übernehmen bei einer Produktion, die auf 

Jorges letztem Buch basiert – und bald von einer Katastrophe 

in die nächste schlittert ... La fiera y la fiesta 

ist etwas Ausserordentliches: Einerseits kann man sich 

gut treiben lassen in diesem campigen Kinorausch – 

andererseits, entsprechend gelesen, funktioniert er 

perfekt als filmhistorischer Essay, bei dem man viel 

über einen obskuren Auteur lernt. Das gabs so wirklich 

noch nie! (om) 

· La fiera y la fiesta (Holy Beasts) 

· DR, ARG, MEX 2019 

· 90 Min. Farbe. DCP. Sp/E/F/e 

· Regie, Buch: Laura Amelia Guzmán, 

Israel Cárdenas 

· Kamera: Israel Cárdenas 

· Schnitt: Andrea Kleinman, 

Israel Cárdenas, Pablo Chea 

· Musik: Leandro de Loredo 

· Mit Geraldine Chaplin, Udo Kier, 

Luis Ospina, Jaime Piña 

· ProduzentInnen: Rafael Elías Muños, 

Laura Amelia Guzmán, Israel Cárdenas 

· Kontakt: Latido Films, Madrid, 

www.latidofilms.com 

13 

FR 21.6. 10:00 


In Anwesenheit von Laura Amelia 

Guzmán und Israel Cárdenas 

SA 22.6. 17:00 


In Anwesenheit von Laura Amelia 

Guzmán und Israel Cárdenas 

LA FIERA Y LA FIESTA

Angela Schanelec macht ein hochsensibles Kino 

der nicht verheilten Narben. Ein Kino, dem man 

ausgeliefert ist. In Ich war zuhause, aber, für den die 

deutsche Filmemacherin auf der Berlinale mit dem 

Preis für die Beste Regie ausgezeichnet wurde, entfaltet 

sich in jedem Bild das dringliche Gefühl einer 

Versehrtheit. Elliptisch zwischen Vergangenheit und 

Gegenwart oszillierend, werden Menschen gezeigt, 

die sich brauchen, und Menschen, die allein sein müssen. 

So auch eine nach der eigenen Lebendigkeit suchende 

Mutter (wie oft bei Schanelec grandios: Maren 

Eggert). Sie leidet am Verlust ihres Mannes und der 

Unmöglichkeit, ihren Kindern gerecht zu werden. 

Jedes Bild im Film ist die Wiedergabe einer verzweifelten 

inneren Stimme. Jedes Fragment deutet auf 

etwas, was man nicht sehen kann. Sei es im behutsamen 

Rascheln von Blättern, einem zittrigen Schrei 

oder beim nächtlichen Liegen im Friedhofsmoos, begleitet 

von einer Wachtel und der traurigsten Coverversion 

von «Let’s Dance» ... Dagegen hält nur die 

reine und lebensbejahende Präsenz von Kindern und 

Tieren. Man spürt, dass dieser Film auch lange nach 

dem Abspann kein Ende findet. (ph) 

· Ich war zuhause, aber 

(I Was at Home, But) 

· Deutschland, Serbien 2019 


· Regie, Buch, Schnitt: Angela Schanelec 

· Kamera: Ivan Markovic 

· Mit Maren Eggert, Jakob Lasalle, 

Clara Möller, Franz Rogowski 

· Produzentin: Angela Schanelec 

· Kontakt: Deutsche Kinemathek, Berlin, 

www.deutsche-kinemathek.de 

15 

DO 20.6. 12:00 


FR 21.6. 18:45 


In Anwesenheit von Maren Eggert 

ICH WAR ZUHAUSE, ABER

Es ginge um Authentizität, um Lebhaftigkeit, 

bekräftigt die junge Regisseurin, die im Auftrag 

der Stadt ein patriotisches Freilichttheater inszenieren 

soll. Und so frontal, wie sie eingangs ihrem 

Publikum gegenübertritt, geht sie schliesslich 

auch ihr Thema an – das 1941 von rumänischen 

Besatzungstruppen begangene Massaker an 

25 000 Juden in Odessa. In einer provokanten 

Versuchsanordnung stellt die engagierte Aktivistin 

die historischen Ereignisse mit Laiendarstellern 

auf einem zentralen Platz in Bukarest nach und 

erregt damit nicht nur die Aufmerksamkeit der 

Öffentlichkeit, sondern auch den Unmut von 

Zuschauern und staatlichen Zensoren. Mit präziser 

Beobachtungsgabe, erfrischendem Humor und 

einem leidenschaftlichen Mut zur Auseinandersetzung 

– mit der Vergangenheit wie mit seinen 

Figuren – verfolgt der rumänische Regisseur 

Radu Jude in seinem jüngsten Werk die Dreharbeiten 

um das Projekt mitsamt den Konversationen 

und Konfrontationen, die sich daraus ergeben. 

Nach seiner vorangegangenen Trilogie vergrabener 

Geschichte(n) in Aferim!, Scarred Hearts 

und der Dokumentation The Dead Nation gelingt 

es Jude diesmal, Fakten und Fiktion in einem 

elegant verspielten und zugleich angriffslustigem 

Drama zu verbinden, das seine Wut im Bauch 

und sein Herz auf der Brust trägt. (pj) 

· Îmi este indiferent daca în 

istorie vom intra ca barbari 

(I Do Not Care If We Go Down 

in History as Barbarians) 

· RUM, D, BUL, F, CS 2018 

· 140 Min. Farbe. DCP. Rum/e 

· Regie, Buch: Radu Jude 

· Kamera: Marius Panduru 

· Schnitt: Catalin Cristutiu 

· Mit Ioana Iacob, Alex Bogdan, 

Alexandru Dabija, Ion Rizea 

· Produzentin: Ada Solomon 

· Kontakt: Beta Cinema GmbH, 

Oberhaching/München, 

www.betacinema.com 

17 

DO 20.6. 21:15 


In Anwesenheit von Ioana Iacob 

SO 23.6. 11:30 


ÎMI ESTE INDIFERENT DACA ÎN 

ISTORIE VOM INTRA CA BARBARI

Die Sonne ein gleissendes Gelb, der Himmel ein 

gestochenes Blau, und irgendwann sehen alle nur noch 

rot. Es ist eine Tragödie biblischen Ausmasses, die sich 

in Love Me Not nicht zwischen Tempeln und heiligen 

Stätten abspielt, sondern in der ausgedörrten Wüste 

des Vorderen Orients. Hier wird der mysteriöse Prophet 

Yokanaan aufgrund seiner unkonformen Vorhersagen 

von der herrschenden Armee als Terrorist in einem 

Kerker gefangen gehalten. Als jedoch Salome, die 

Stieftochter des Obersten Befehlshabers Antipas, von 

dem geheimnisvollen Häftling erfährt, ist sie ihm bald 

verfallen, und ein zunehmend absurder und intriganter 

Reigen der Lust, Gier, Gewalt und verletzten Eitelkeit 

nimmt seinen Lauf. Für seinen zweiten Spielfilm 

hat sich der spanische Filmemacher und Produzent 

Lluís Miñarro mit seiner stilisierten Version von Oscar 

Wildes «Salome» auf ein narratives und visuelles Wagnis 

eingelassen. In einer fatal gewundenen Spirale aus 

Politik und Gewalt findet er Schönheit in einer von 

messerscharfen Bildern eingefangenen Landschaft 

und den lustvoll gefilmten Körpern, die sich darin bewegen. 

Beflügelt von seiner kühnen Leidenschaft für 

aufregendes, mutiges und sinnliches Kino entwirft 

der multitalentierte Filmrebell Miñarro ein brisantes 

Konglomerat aus Mythologie und Moderne. (ph) 

· Love Me Not 

· Spanien, Mexiko 2019 

· 82 Min. Farbe. DCP. Sp/Cat/e 

· Regie: Lluís Miñarro 

· Buch: Lluís Miñarro, Sergi Belbel 

· Kamera: Santiago Racaj 

· Schnitt: Núria Esquerra, Gemma Cabello 

· Musik: Esteban Aldrete 

· Mit Ingrid García-Jonsson, Oliver Laxe, 

Francesc Orella, Lola Dueñas 

· Produzenten: Lluís Miñarro, 

Julio Chavezmontes 

· Kontakt: Reel Suspects, Paris, 

www.reelsupects.com 

19 

DO 20.6. 19:15 


In Anwesenheit von Lluís Miñarro 

FR 21.6. 15:00 


In Anwesenheit von Lluís Miñarro 

LOVE ME NOT

Die Grossstädterin der Gegenwart hat es nicht 

leicht; hip soll sie sein und emanzipiert, sowohl cool als 

auch informiert, hart im Nehmen, zart im Austeilen, 

vielseitig interessieren soll sie sich, präsent sein, aber nicht 

aufdringlich – das alles und noch viel mehr. Angesichts 

dessen kann ein Mädchen dann schon mal melancholisch 

werden. In ihrem an der dffb entstandenen essayistischen 

Spielfilm hält die 1985 bei Leipzig geborene, bislang 

als Schriftstellerin tätige Heinrich dem neoliberalpostmodernen 

Rollen-Overkill zwischen Konsumismus 

und Ökoterror den passiven Widerstand der Titelfigur 

entgegen. Das melancholische Mädchen fungiert in 16 

Episoden, die von Ausstattung bis Diktion antinaturalistischen 

Prinzipien gehorchen, als Projektionsfläche; 

die, gerade weil an ihr alle Posen und alles Blendwerk 

scheinbar abprallen, am Ende eine authentische Figur 

der permanenten Überforderung ergibt. Eine Tour 

d’ennui für Marie Rathscheck in der Hauptrolle, die 

sich in ihrer Eigenschaft als Frau ohne Eigenschaften 

wenig anmerken lassen darf und die wie zum Ausgleich 

dafür schliesslich zu angemessen pompöser Bigband- 

Musik einen derart fulminanten Abgang hinlegt, dass 

selbst die Strandfototapete sich in Pixel auflöst. Eine 

frische Brise, die beim diesjährigen Max Ophüls Festival 

mit dem Hauptpreis ausgezeichnet wurde. (as) 

· Das melancholische Mädchen 

(Aren’t You Happy?) 

· Deutschland 2019 


· Regie, Buch: Susanne Heinrich 

· Kamera: Agnesh Pakozdi 

· Schnitt: Susanne Heinrich, B. Mirguet 

· Musik: Moritz Sembritzki, Mathias Bloech 

· Mit Marie Rathscheck, Nicolo Pasetti, 

Monika Wiedemer, Yann Grouhel 

· ProduzentInnen: Jana Kreissl, 

Till Gerstengeber, Philippe Bober 

· Kontakt: Coproduction Office, Berlin, 

www.coproducionoffice.eu 

21 

MI 19.6. 18:00 


In Anwesenheit von Susanne Heinrich 

MI 19.6. 18:45 


DO 20.6. 16:45 


In Anwesenheit von Susanne Heinrich 

DAS MELANCHOLISCHE MÄDCHEN

Guerillas im Nebel, stationiert im Nirgendwo einer 

kolumbianischen Hochebene. Die acht Teenagersoldaten, 

die sich über Kampfnamen wie Rambo, Dog und 

Smurf identifizieren, sollen in der Abgeschiedenheit 

des Hinterlandes eine paramilitärische Einheit bilden. 

Sie trainieren intensiv und geben sich Mühe, neben einer 

kostbaren Milchkuh auch die US-Amerikanerin Doctora 

zu bewachen, die sie im Auftrag ihrer «Organisation» 

gefangen halten. Doch es dauert nicht lang, bis die 

prekäre Situation eskaliert und die Truppe mitsamt 

ihrer Geisel zum Rückzug in die Tiefe des Dschungels 

gezwungen wird. Aufbauend auf diesem minimalen 

Handlungsgerüst hat der brasilianische Regisseur 

Alejandro Landes ein surreales, optisch wie akustisch 

überwältigendes Überlebenskampfszenario geschaffen, 

das die psychologische Dichte von William Goldings 

Inseltrauma «Herr der Fliegen» in den Horror 

moderner Kriegsführung überträgt. Vor allem eine 

imposante Bildsprache und der oszillierende Soundtrack 

von Mica Levi machen Monos zu einer höchst 

eindringlichen Erfahrung der Sinne, Emotionen und 

Instinkte. Hierarchien lösen sich auf, Machtverhältnisse 

verschieben sich, doch Landes behält auch in seinem 

dritten Spielfilm stets die Oberhand eines jungen Auteurs, 

der seiner Ausdruckskraft keine Grenzen setzt. (pj) 

· Monos 

· COL, ARG, NL, DK, S, D, UR, USA 2019 

· 102 Min. Farbe. DCP. Sp/e 

· Regie: Alejandro Landes 

· Buch: Alejandro Landes, A. Dos Santos 

· Kamera: Jasper Wolf 

· Schnitt: Yorgos Mavropsaridis, 

Ted Guard, Santiago Otheguy 

· Musik: Mica Levi 

· Mit Julianne Nicholson, Moisés Arias, 

Sofía Buenaventura, Karen Quintero 

· ProduzentInnen: Alejandro Landes, 

Fernando Epstein, Santiago Zapata, 

Cristina Landes 

· Kontakt: Le Pacte, Paris, 

www.le-pacte.com 

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DO 20.6. 09:30 


In Anwesenheit von Alexis Dos Santos 

SA 22.6. 21:30 


In Anwesenheit von Alexis Dos Santos 

MONOS

Julie, Filmstudentin, kommt aus gutem Hause 

und wuchs offenbar in wohlbehüteten Verhältnissen 

auf – selbst Punk hat etwas irritierend Unschuldiges, 

wenn er durch ihr Apartment rauscht. Eines Tages 

lernt sie Anthony kennen und verliebt sich Hals über 

Kopf in den elegant-kultivierten Charmeur, der für 

das Aussenministerium tätig und deshalb stets von 

einer Aura des Geheimnisses umgeben ist. Dabei hat 

er aber auch etwas Halbseidenes – eine weitere, weniger 

glamouröse verborgene Seite ... Julie entscheidet 

sich, nur den Mann zu sehen, den sie liebt. Joanna 

Hogg hat sich nach Unwanted (2008), Archipelago (2010) 

und Exhibition (2013) erneut der Malaise und Melancholie 

unter den sozial wie finanziell Bessergestellten 

Grossbritanniens zugewandt, wenn auch diesmal aus 

einem verblüffenden Blickwinkel: dem der eigenen 

Erinnerung. Doch man hüte sich vor der Sackgasse 

«Geständnisse und Autobiografisches»: The Souvenir 

ist vor allem eine Amour fou, die den Zuschauer in 

einen der Sinnlichkeit geweihten Alltag hineinzieht, 

die innere Wirklichkeit eines einander Verstehens, die 

sich vor allem in gemeinsamen Rhythmen und zueinander 

passenden Kleidungsstücken ausdrückt. Ein 

Meisterwerk des modernistischen Melodrams. (om) 

· The Souvenir 

· Grossbritannien 2019 

· 119 Min. Farbe. DCP. E/e 

· Regie, Buch: Joanna Hogg 

· Kamera: David Raedeker 

· Schnitt: Helle le Fevre 

· Mit Honor Swinton Byrne, 

Tom Burke,Tilda Swinton 

· ProduzentInnen: Luke Schiller, 

Joanna Hogg 

· Kontakt: Universal Pictures 

International, London, 

www.universalpicturesinternational.com 

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FR 21.6. 12:15 


SA 22.6. 20:00 


THE SOUVENIR

Mit Wundern ist das so eine Sache: Sie sind 

vor allem eine Frage der Interpretation. Vielleicht 

passt der Titel, den Syllas Tzoumerkas für sein 

raffiniert verschachteltes, schwer greifbares Psychodrama 

gewählt hat, genau deshalb so gut. 

Denn was als rauer Thriller um die abgebrühte 

Polizistin Elisabeth beginnt, wird bald zu einem 

sich immer unaufhaltsamer verdüsternden Figurenspiel 

im griechischen Hinterland, in dem sich 

Elisabeths Einsamkeit auf seltsame Weise mit 

dem Schicksal von Rita, der Schwester des lokalen 

Nachtclubsängers und Drogenenthusiasten 

Manolis, überschneidet, nachdem dessen plötzlicher 

Tod das verschlafene Städtchen Mesolongi 

in helle Aufregung versetzt. Wie bereits in seinen 

ersten beiden Spielfilmen Homeland (2010) und A 

Blast (2014) arbeitet Tzoumerkas auch in seinem 

neuesten Werk gekonnt von innen heraus, um 

seine Herzthemen wie Identität, Zugehörigkeit 

und Familie, das Private und das Politische gleichermassen 

metaphorisch wie direkt anzugehen. 

Das Wasser, die See ist dabei nie weit und schnürt 

sich wie ein Korsett immer fester um die rätselhafte 

Handlung, die bei aller Ausweglosigkeit 

dennoch Raum für Erlösung lässt. (pj) 

· To thávma tis thálassas ton Sargassón 

(The Miracle of the Sargasso Sea) 

· GR, D, NL, S 2019 

· 121 Min. Farbe. DCP. Gr/e 

· Regie: Syllas Tzoumerkas 

· Buch: Youla Boudali, Syllas Tzoumerkas 

· Kamera: Petrus Sjövik 

· Schnitt: Andreas Wodraschke 

· Musik: Jean-Paul Wall, 

drog_A_tek, Phoebus 

· Mit Angeliki Papoulia, Youla Boudali, 

Christos Passalis, Argyris Xafis 

· Produzentin: Maria Drandaki 

· Kontakt: New Europe Film Sales, Warschau, 

www.neweuropefilmsales.com 

27 

FR 21.6. 21:15 


In Anwesenheit von Syllas Tzoumerkas 

SO 23.6. 14:30 


In Anwesenheit von Syllas Tzoumerkas 

TO THÁVMA TIS THÁLASSAS 

TON SARGASSÓN

Das Abenteuer akzeptieren, die Welt erkunden 

und sich ein Bild von ihr machen, das war 

der Plan, mit dem Jiro Koretzky in den Siebzigern 

als junger Mann von dreissig Jahren zu einer 

Reise um den Globus aufbrach. Die zahlreichen 

Fotos und Notizen, die dabei entstanden, hat der 

spätere Landschaftsarchitekt bis ins Alter wie 

einen Schatz aufbewahrt. Ein Schatz, den seine 

Tochter nun für ihren Film ausgegraben und in 

ein liebevoll filmisch nachkonstruiertes Reisetagebuch 

verwandelt hat. Der Vater mit seinem 

unermüdlichen Erkundungssinn für Orte und 

Menschen sowie die kleinen und grossen Wunder 

der Natur ist darin stets omnipräsent. Für ihn 

und mit ihm hat die in Portugal aufgewachsene 

und heute zwischen Lissabon und Tokio pendelnde 

Regisseurin Vergangenheit und Gegenwart, 

Geschichtliches und Privates anhand der 

historischen Bilder und modernen Super-8-Aufnahmen 

zu einem komplexen Mosaik der Erinnerung 

zusammenfügt, das von der Magie flüchtiger 

Momente ebenso lebt wie von der eindringlichen 

Stimme und Gedankenwelt eines 

Mannes, der nicht nur die verschiedensten Länder 

gesehen, sondern im Laufe seines Lebens auch 

tief in sich selbst hineingeschaut hat. (pj) 

· A volta ao mundo quando tinhas 

30 anos (Around the World When 

You Were My Age) 

· Portugal 2018 

· 110 Min. Farbe. DCP. Jap/e 

· Regie, Kamera: Aya Koretzky 

· Buch: Aya Koretzky, Jiro Koretzky 

· Schnitt: Tomás Baltazar 

· Mit Jiro Koretzky, Aya Koretzky, 

Anna Koretzky 

· Produzentinnen: Joana Ferreira, 

Isabel Machado 

· Kontakt: C.R.I.M., Lissabon, 

www.crim-productions.com 

29 

FR 21.6. 16:45 


In Anwesenheit von Aya Koretzky 

SO 23.6. 17:00 


In Anwesenheit von Aya Koretzky 

A VOLTA AO MUNDO QUANDO 

TINHAS 30 ANOS

Die Ausgangssituation: Eine Künstlerin und ein 

Schauspieler begeben sich in einem Filmstudio in 

Klausur. Die Aufgabe: Sie wollen in der Auseinandersetzung 

mit den Projektionen und Erwartungen, die 

sich an ihre jeweiligen öffentlichen Images angelagert 

haben, ihrer je eigentlichen (vor allem auch Geschlechts-)Identität 

auf den Grund gehen. Die Mittel: 

totale Aufrichtigkeit und schonungslose Selbstentäusserung, 

ermöglicht durch den Einsatz von je drei 

Alter Egos, die distinktive Charakterzüge sowie unterschiedliche 

Gender verkörpern und von weiteren 

SchauspielerInnen dargestellt werden. Ergebnis: Beim 

Frühstück sitzen zwei Personen in Gestalt von acht 

Persönlichkeiten beieinander und im Studio geht es 

alsbald absehbar rund. Die schwedische Künstlerin 

Anna Odell, Jahrgang 1973, deren provokantes Werk 

die eigene Person am wenigsten schont, hat eine hochkarätige 

Riege skandinavischer MimInnen versammelt, 

um in vielfach oszillierenden Spiegelungen Rollenmodelle 

an Wesenszügen zu brechen. Zwischen 

Angststörung, Profilneurose und Kunstwollen verhandeln 

Alphamann und Alphafrau den Fortgang der 

Ereignisse, die Verführerin mit dem Kinderwunsch 

zwingt das allzeit bereite Sexsymbol in die Knie, doch 

es sind am Ende auf beiden Seiten die Duckmäuser, 

die die Riesenegos zu Fall bringen. Grosses Theater! (as) 

X&Y 

· X&Y 

· Schweden, Dänemark 2018 

· 112 Min. Farbe. DCP. S/Dän/e 

· Regie, Buch: Anna Odell 

· Kamera: Daniel Takács 

· Schnitt: Kristin Grundström, 

Hanna Lejonqvist 

· Musik: Gustaf Berger, 

Markus Hasselblom 

· Mit Anna Odell, Mikael Persbrandt, 

Vera Vitali, Trine Dyrholm 

· Produzentinnen: Mattias Nohrborg, 

Frida Bargo 

· Kontakt: Outside The Box, 

Délémont, www.outside-thebox.ch 

31 

FR 21.6. 21:15 


In Anwesenheit von Anna Odell 

SA 22.6. 12:00 


In Anwesenheit von Anna Odell

NACHHALL: 

MIT RENI 

MERTENS & 

WALTER MARTI 

IN DIE 

ZUKUNFT 

Erinnerungen werden eine zentrale Rolle spielen, 

wenn bei Bildrausch 2019 das Schaffen von Reni Mertens 

& Walter Marti wiederentdeckt wird, sind die 

beiden Filmschaffenden doch schon vor rund zwei 

Dekaden verstorben, zuerst er am 22. Dezember 1999 

(*10.7.1923), dann sie, kein Jahr darauf, am 26. September 

2000 (*8.4.1918). Viele Weggefährten, Freunde und 

Kollegen, darunter Fredi Murer, Moritz de Hadeln 

und Erich Langjahr, werden kommen und davon 

berichten, wie das Leben und Arbeiten mit diesen 

Ausnahmegestalten des internationalen Kinos war. 

Und um es gleich zu sagen: kein einfaches, gehörte 

das Duo doch zu den streitwilligsten Persönlichkeiten 

ihrer Zeit und Welt – vor allem Marti war gefürchtet 

für den Furor seiner Worte. 

Womit man schon bei der wichtigsten Qualität 

ihres Kinos wäre: Es mag stets von Engagement und 

Kampfgeist getrieben sein – die Formen, zu denen 

Mertens & Marti in ihrer Arbeit Film für Film fanden, 

sind aber so nüchtern in der Darlegung der Belange 

wie ergreifend in den Bildern und Klängen, Stimmungen. 

Da ist nichts hitzköpfig Hingeschludertes: Sei es 

eine grosse, über Jahre entstandene Arbeit wie ihr wohl 

berühmtestes Werk, Ursula oder das unwerte Leben (1966), 

32 

sei es ein schnell aus dem Augenblick auf Dritt-Anfrage 

hin geschaffener Film wie Gebet für die Linke (1974) 

– jede ihrer Arbeiten charakterisiert eine ganz strenge, 

dabei ästhetisch direkt ansprechende formale Durchgestaltung. 

Selbst ein offenbar streitbares Werk wie 

Im Schatten des Wohlstandes (1961), der nach seiner 

Erstausstrahlung von den Zürcher Behörden verboten 

wurde, gibt sich inszenatorisch kühl und ein wenig 

didaktisch. Sinnvollerweise, denn: Gerade weil der Film 

so exemplarisch Zusammenhänge aufweist zwischen 

asozialen Verhaltensformen von Kleinkindern und 

dem Dauerstress des kapitalistischen Lebens, ist er so 

bezwingend. Man kann sich der Argumentation von Im 

Schatten des Wohlstandes verschliessen, aber nur schwer 

deren Herleitung widerlegen – auch, weil Mertens & 

Marti ein brillantes Gleichgewicht gefunden haben 

zwischen Informationen und Gefühlen. Und das ist 

wichtig: Kulturell hätten wirs gerne, wenn Argumentationen 

eine rein intellektuelle Leistung wären – aber 

da wir Menschen sind, müssen wir die Dinge auch 

fühlend nachvollziehen können. 

Um etwas zu bewegen, muss es bewegen; doch 

um zu bewegen, braucht es sinnvolle Argumente, 

Bilder und Worte und Klänge, welche man erst einmal 

finden muss; und jede neue Sache bedarf einer anderen 

Herangehensweise. Alle Filme von Mertens & Marti 

sind zwar Dokumentationen, doch inszenatorisch 

haben sie sich nie wiederholt, selbst wenn es ästhetische 

und/oder methodische Nahverhältnisse zwischen 

einzelnen Filmen gibt, z.B. in der Art, wie 

Ursula oder das unwerte Leben und Gebet für die Linke in 

Kapitel unterteilt sind, oder wie Héritage (1980) und 

Requiem (1992), aber auch Krippenspiel (1953 & 1962) 

ohne Sprache auskommen. Totale inszenatorische 

Antithesen gehören letztlich auch dazu, siehe allen 

voran die beiden Porträts Die Selbstzerstörung des 

Walter Matthias Diggelmann (1973) und Héritage: Ersteres 

ist ein Monolog, bei dem man dem Schriftsteller 

33 

RENI MERTENS & WALTER MARTI

W. M. Diggelmann eine Stunde ununterbrochen zuhört 

und -schaut, sich ihm so ausliefert, wie er sich der 

Kamera aussetzt – Letzteres eine wortfreie Montage, 

bei der einem der Künstler und Komponist Peter Mieg 

allein über seine Musik sowie Bilder seiner Privaträume 

näherkommt. Ob in diesen komplett gegensätzlichen 

Zugängen ein Klassenantagonismus formuliert wird? 

Zumindest ward Diggelmann in ärmste Verhältnisse 

geboren und blieb in besseren Kreisen anscheinend 

immer ein Fremder, alldieweil sich Miegs gutbürgerliche 

Herkunft in seiner Lebenswelt widerspiegelt ... 

Mertens & Marti erwiesen sich als angenehm 

undogmatisch offen für alle möglichen Gestaltungsformen, 

ganz im Einklang mit ihrer Rolle als Mentoren, 

gerade in den 1960ern: Mit Alain Tanners Les 

apprentis (1964) produzierten sie z.B. ein Meisterwerk 

des Direct Cinema, ein Idiom, das ihnen selber fernlag 

(und dessen Ästhetik sie 1977 in ihrer eigenen kritischen 

Fortschreibung des Unterfangens À propos des 

apprentis so subtil wie klug kommentierten); während 

sie mit Rolf Lyssys verschrobenem Eugen heisst wohlgeboren 

(1968) auch einen Spielfilm aus der Taufe hoben 

(parenthetisch erwähnt sei, dass zu ihren vielen unrealisierten 

Projekten ein Animationsfilm gehörte). 

Um es ganz direkt zu sagen: Die Werke von Mertens 

& Marti sind ungeheuer schön. Und sie sind sehr 

klug, freigeistig, grosszügig, dem Menschen als kleinstem 

und doch einzig wichtigem Baustein des Kollektivs 

Gesellschaft in Nächstenliebe zugewandt. Darin 

sind sie ganz dicht bei ihren Lehrmeistern: Bertolt 

Brecht, Ignazio Silone und Cesare Zavattini (ein Dramatiker/Lyriker, 

ein Romancier und ein Drehbuchautor), 

die sie alle in Zürich im Debattierklub von Reni 

Mertens kennengelernt hatten – und wo sich auch 

Marti und Mertens zum ersten Mal begegnet waren. 

Anlässlich von Gib’ mir ein Wort (1988) brachte Reni 

Mertens ihrer beider Zugang zur Welt einmal so auf 

den Punkt: « Unsere ist die Haltung derjenigen, die 

34 

es nicht besser wissen, sondern wissen wollen. Ich 

glaube, es ist sehr wichtig, dass man diese Neugier, dieses 

kindliche Staunen mit dem Alter nicht verliert. Darin 

liegt das Mysterium unseres Schaffens und die Qualität 

einer dokumentarischen Arbeit, die poetisch ist.» 

Dazu passt, dass ihr berühmtestes Werk, Ursula 

oder das unwerte Leben, einen Lernprozess erzählt, und 

wie schwer es ist, sich Wissen anzueignen, also Eindrücke 

zusammenhängend zu verarbeiten. Der Weg 

dahin war lang: 1953 hatten Mertens & Marti einen 

ersten Film mit der Rhythmikerin und Heilpädagogin 

Mimi Scheiblauer realisiert: Krippenspiel. Neun Jahre 

darauf folgt eine neue Version desselben Stoffes bzw. 

Vorgangs: ein von Scheiblauer inszeniertes Krippenspiel 

mit Gehörlosen; dazwischen entstand Rhythmik 

(1956), der Scheiblauers Methode vorstellt. Ursula oder 

das unwerte Leben dann ist die Synthese ihrer aller 

Bemühungen: Der Film zeigt anhand der taub-blinden 

und geistig behinderten Ursula Bodmer, wie sich mit 

Scheiblauers Prinzipien und Praxis ein Mensch weiterentwickeln, 

lernen kann. Was heute vielleicht am 

meisten erstaunt an Ursula oder das unwerte Leben , ist das 

Kristalline der Bilder, deren Nacktheit, überhaupt das 

Skulpturale des gesamten Films (zu dem auch der 

Kommentar, gesprochen von Helene Weigel, einen 

Beitrag leistet). Eine solche Ästhetik würde man bei 

einem Unterfangen dieser Art nicht erwarten, und sei 

es nur, weil es etwas implizit Undramatisches hat. 

Mertens & Marti sind aber auch nicht an einem Drama 

interessiert, weil es dem Lernen seine Selbstverständlichkeit 

nähme. Und um die geht es hier: Jeder Mensch 

kann lernen, wenn man einen Artikulationsweg zu ihm 

findet. Die Suche nach solchen Wegen: Das ist das 

Kino von Mertens & Marti. 

Aber dazu braucht es auch eine Zeit und einen 

Raum, in dem solche Versuche wertgeschätzt werden. 

Auf der Berlinale 1993 lief als Sondervorführung ein 

Doppelprogramm, bestehend aus Mertens & Martis 

35 


Requiem und Alain Ferrari & Thierry Ravalets Un jour 

dans la mort de Sarajevo (1992), gezeigt in dieser Reihenfolge. 

Kurz nach Beginn von Requiem waren erste 

Unmutsäusserungen zu hören, die bis zum Ende des 

Films lauter und lauter wurden. Was machte so erschreckend 

viele Zuschauer derart aggressiv an diesem 

Filmgedicht über Soldatenfriedhöfe, das Gedenken 

an die Abermillionen von Kriegsopfern – und über 

jenes merkwürdige Wunder namens Kultur, das 

Schönheit zu schaffen vermag aus dem Unsagbarsten 

an Leiden? Der Kontext war sicherlich ein Grund: Den 

aktuellen Krieg wollte man, die neuen Bilder sehen, 

die prononcierte Meinung eines Bernard-Henri Lévy 

hören – Requiem sprach hingegen von der Vergangenheit, 

evozierte Gefühle und Erinnerungen, machte 

nachdenklich statt mobil. Auf seine sehr eigene Weise 

will Requiem gestrig sein, weil er sich ein Morgen 

ohne diese Bauten ersehnt. Implizit macht er klar, dass 

schon alles zu spät ist, wenn die Un jour dans la mort de 

Sarajevos kommen. Dann ist da die Form: Requiem 

besteht nur aus Bildern und Klängen, funktioniert frei 

von Sprache, bietet keine Erklärungen oder Deutungen 

an. Zu sehen sind Reihen um Reihen von Grabsteinen, 

arrangiert zu gewaltigen Mustern in der 

Landschaft; nur manchmal kommen auch Friedhöfe 

ins Bild, die kleiner sind, fast intim, und weniger 

strukturversessen in ihrer Anlage. Dazu stets Musik, 

die man mal kommentierend wahrnehmen kann und 

mal als etwas Eigenständiges, das neben den Bildern 

für sich selbst existiert, einen manchmal dazu verführt, 

sich in dem Taumel der Eindrücke zu verlieren, doch 

dann auch wieder rausstösst, so dafür sorgt, dass man 

immer wieder neu sich zu den Gräbern verhalten muss. 

Etwas war zerbrochen in der Welt, dass man Requiem 

so begegnete. Nicht überall, bewahre! Dieser 

Abend war bestimmt eine Ausnahme. Und dennoch 

blieb er in Erinnerung, weil sich darin zeigte, wie 

zerbrechlich dieses Kino ist. 

36 

Ein Kommentar Walter Martis zu Gebet für die 

Linke öffnet hier vielleicht Wege. Er sagte: «Mit ‹beten› 

meine ich, die Dinge anschauen und sich besinnen, 

ein konzentriertes In-sich-Gehen aus dem Bedürfnis, 

das scheinbar Unlösbare zu lösen. In diesem Sinne ist 

der ganze Film ein Gebet.» Wenig wirkt unlösbarer 

als das, was sich in den Soldatenfriedhöfen offenbart 

über unsere Zivilisation; oder ein taub-blinder und 

geistig behinderter Mensch, dessen Innenleben sich 

allem entzieht, was wir uns vorstellen können; oder 

ein Mensch allein vor einer Kamera, der sich zeigt und 

spricht, mit Worten ringt und mit der Zeit, die ihm 

bei dieser Gelegenheit bleibt, und der dieser Situation 

ähnlich hilflos gegenübersteht wie all die Menschen, 

welche das Dokument später sehen werden – was kann 

ein Einzelner sein für andere? Aber man muss sich auf 

den Weg machen, sich dem Unlösbaren hingeben. 

Walter Matthias Diggelmann tat das, als er das Angebot 

von Reni Mertens & Walter Marti annahm, eine 

Stunde ununterbrochen vor Kamera und Mikrofon 

zu sprechen, und Mertens & Marti, als sie ihm dieses 

Angebot machten. Nur so findet man manchmal dann 

doch eine Lösung. Das Schaffen von Mertens & Marti 

ist vergleichsweise klein geblieben – aber jeder Film, 

den sie geschaffen haben, enthält die Ahnung einer 

Lösung. Das ist sehr, sehr viel. 

Olaf Möller 

37 


Der Titel ist wie ein Schlag vor den Kopf: 

unwertes Leben? Der Titel des Durchbruchswerks 

von Mertens & Marti rekurriert auf eine von Karl 

Binding (Rechtswissenschaftler) und Alfred 

Hoche (Psychiater) 1920 veröffentlichte Schrift: 

«Die Freigabe der Vernichtung lebensunwerten 

Lebens. Ihr Mass und ihre Form», welche den 

NS-Ideologen als Grundlage für ihre Euthanasieprogramme 

diente. Ursula Bodmer, blind und 

taub und geistig behindert, wäre danach vernichtungswert 

gewesen. Doch selbst in der Schweiz 

hatte es das Kind zuerst schwer, weil ihr nach 

ersten Untersuchungen alle Lernfähigkeit abgesprochen 

wurde – sie demnach als nicht finanziell 

unterstützungswürdig angesehen wurde, ergo 

vor sich hin vegetieren hätte sollen. Ihre Ziehmutter 

Anita Utzinger glaubte aber daran, dass 

Ursula sich entwickeln könnte; die Rhythmikerin 

und Heilpädagogin Mimi Scheiblauer fand 

einen Weg dahin. Mertens & Marti begleiteten 

sie dabei. Entstanden ist so ein Film, der vor allem 

durch seine gestalterische Strenge, die aufs Allernötigste 

entschlackte Formensprache besticht – 

und so zeigt, dass Scheiblauers eine Bühnenarbeit 

ist, eine gestalterische, welche heilt. (om) 

· Ursula oder das unwerte Leben 

· Schweiz 1966 

· 88 Min. sw. 35mm. D/Dialekt/e 

· Regie, Buch: Reni Mertens, Walter Marti 

· Kamera: Rolf Lyssy, Hans-Peter Roth 

· Schnitt: Rolf Lyssy 

· Mit Ursula Bodmer, Mimi Scheiblauer, 

Anita Utzinger, Helene Weigel 

· ProduzentInnen: Teleproduction, 

Zürich, Reni Mertens, Walter Marti 

· Kontakt: Langjahr Film GmbH, 

Root, www.langjahr-film.ch 

DO 20.6. 

18:45 


In Anwesenheit von Rolf Lyssy 

39 

URSULA 

ODER DAS UNWERTE LEBEN

Der vielleicht enigmatischste Film von Mertens 

& Marti, und seis auch nur, weil er einen so 

auf sich selbst zurückwirft, dass es einen narrisch 

macht. Folgende Setzungen: Der Schriftsteller 

Walter Matthias Diggelmann bekommt eine 

Stunde Zeit, sich vor der Kamera bei laufendem 

Tonaufzeichnungsgerät mitten ins Mikro auszulassen. 

Es wird nichts geschnitten. Alles bleibt, 

wie es ist. Diggelmann hätte auch einfach eine 

Stunde lang nichts sagen können, oder in Mundart 

sprechen, was ihm leichtgefallen wäre, will 

einem scheinen, wenn man ihn da mit dem Hochdeutschen 

ringen hört/sieht. Diggelmann jedoch 

lässt sich aus zu den Dingen. Aber zerstört er sich 

dabei? Was ist das eigentlich: eine Selbstzerstörung? 

Kann man im Auge der Öffentlichkeit je 

hart genug mit sich selbst umgehen? Und was 

nützt alle Ehrlichkeit, wenn man – mit bestem 

Wissen und Gewissen wie im Beichtstuhl unter 

den Augen des Himmlischen Vaters – alles so 

sagt, wie es ist, und es entspricht nicht dem, was 

von einem erwartet wird, was die anderen in 

einem sehen? Wie viel Mensch kann einem das 

Kino vermitteln? Kann es das überhaupt? Ein 

angewandter Beitrag zur Filmphilosophie. (om) 

· Die Selbstzerstörung des 

Walter M. Diggelmann 


· 69 Min. Farbe. 16 mm. D/e 

· Regie, Buch: Reni Mertens, Walter Marti 

· Kamera: Hans-Peter Roth 

· Schnitt: Hanka Kaminska 

· Musik: Jehoshua Lakner 

· Mit Walter Matthias Diggelmann 





SO 23.6. 

11:25 


In Anwesenheit von Clara Obermüller 

41 

DIE SELBSTZERSTÖRUNG DES 

WALTER M. DIGGELMANN

Mertens & Marti hochverdichtet: Als Mentoren 

wie Gestaltende; damit: als Freunde der rabiaten Satire 

wie als Praktiker einer weltweisen und genauen Poesie 

des Klangs, des Lichtes, der Farben. In Do It Yourself 

zeigen der Debütant Erich Langjahr & Walter Marti, 

wie man dem Fernseh- und damit Konsumexzess 

handgreiflich begegnen kann: durch das Schrotten, 

Verbrennen oder Zerhacken von TV-Geräten. Was 

man dabei (auch an europäischen Idealen ...) entsorgt, 

vom Aktuellen Frühschoppen bis zum Edelfernsehspiel, 

schwebt geistergleich durch den Raum. Schnöde 

neue Welt ... Und dann Héritage: ein Film darüber, 

wie ein Einzelner das Fortbestehen von Idealen verkörpert 

– ganz intim, innerlich. Dieser Einzelne ist 

der Komponist und Maler Peter Mieg, zu sehen in 

seinen vier Wänden plus Garten: ein Stillleben mit 

Musik, ein Versuch, einen Menschen aus seiner Umgebung 

heraus zu erzählen. Miegs Ideenwelt vermitteln 

Mertens & Marti durch seine zu hörende Musik 

sowie jene Welt, welche er über Dekaden um sich 

herum errichtet hatte, quasi als Projektion seines Innenlebens. 

Was Mertens & Marti in Formen und 

Strukturen zerlegen, ironisch das Pathos bürgerlicher 

Kultur und Traditionsbemühungen konterkarierend, 

mit leichter Hand und liebevoller Zugewandtheit. (om) 

· Héritage 


· 60 Min. Farbe. 16 mm. Ohne Dialog 

· Regie, Konzeption: Reni Mertens, 

Walter Marti 

· Kamera: Urs Thoenen, Erich Langjahr 

· Schnitt: Edwige Ochsenbein 

· Musik: Peter Mieg 

· Mit Peter Mieg 





43 

Vorfilm 

· Do It Yourself 

· Schweiz 1982. 9 Min. Farbe. DCP. D/e 

· Regie: Erich Langjahr, Walter Marti 

Weltpremiere der restaurierten 

und digitalisierten Fassung 

SO 23.6. 16:00 


In Anwesenheit von Urs Thoenen, 

Erich Langjahr 

HÉRITAGE

Tote. Millionen und Abermillionen von Toten. 

Genaugenommen: was von ihnen übrigbleibt, wenn 

die Natur das Ihrige getan hat, der Körper Nährstoff 

werden, sich auflösen, schliesslich verschwinden durfte. 

Was bleibt da? Die Erinnerung bzw. der Versuch 

einer Erinnerung; und wenn selbst die ausgelöscht ist: 

das Ritual und das Register – die Erinnerung daran, 

dass dieses Leben existierte. Requiem singt von einer 

Kultur der Erinnerung, welche uns immer fremder 

wird: die des Soldatenfriedhofs. Reihen um Reihen 

um Reihen identischer Kreuze, durchfahren, umfahren, 

erforscht und dann mit tiefstem Respekt aus der 

Ferne als Form kontempliert. Massen an Namen, die 

man nie gehört hat, alle «Mort pour la France», «Killed 

in action», «Presente», oder was auch immer so auf 

diesen meist schlichten Grabsteinen steht als Formel; 

welche dem vermasst-, quasi industriellen Krepieren 

einen höheren Sinn verleihen soll. Friedhöfe um Friedhöfe, 

einer schöner wie kälter als der nächste, fliessen 

hier ineinander zu einer gewaltigen filmischen Form 

aus Bildern und Musik. Letztere kann einen manchmal 

wahnsinnig machen – wie viel einfacher schaute sich 

das alles stumm, weil dann käme es einem nicht so 

brutal nahe, wie’s die (Dis-)Harmonien Léon Franciolis 

schaffen. Ein Monument. (om) 

· Requiem 



· Regie, Buch: Reni Mertens, 

Walter Marti 

· Kamera: Urs Thoenen 

· Schnitt: Edwige Ochsenbein 

· Musik: Léon Francioli 



· Kontakt: Langjahr Film GmbH, Root, 

www.langjahr-film.ch 

FR 21.6. 

19:15 


In Anwesenheit von Urs Thoenen, 

Michael Pilz 

45 

REQUIEM

46 

Eine Vermessung des Kontinents Mertens & 

Marti durch ihr Kurzfilmschaffen: Jour de pêche 

sollte man ein Idyll nennen, wenn das Wort 

heute nicht so einen Ruch hätte: Bilder eines 

Fischers, der Wind, der das Wasser sich kräuseln 

lässt, aber weiter draussen auch Fabriken – Alltag, 

ganz einfach, und doch komplex in dem vergleichenden 

Nebeneinander von Land- und Stadtarbeit. 

Krippenspiel II dann ist gestalterisch fundamental 

anders: Gehörlose Kinder (geleitet von 

der Heilpädagogin Mimi Scheiblauer) stellen die 

Weihnachtsgeschichte nach Lukas dar. Ganz 

streng ist das alles, sehr theatralisch, darin reines 

Kino von unermesslicher Schönheit. Auch Im 

Schatten des Wohlstandes dreht sich um Kinder, 

doch deren Krankheiten, wenn man es denn so 

nennen will, sind zivilisatorischer Natur: Ihre 

Eltern müssen sie vernachlässigen, um im Beruf 

mithalten zu können; Frustration ist der Kern 

des Kapitalismus. Gebet für die Linke war der letzte 

Kurzfilm von Mertens & Marti, was gut passt 

zu einem Werk, das sich wie eine Summe schaut: 

einerseits Bilder aus Oerlikon, wo am Rande der 

Stadt Gastarbeiter und Waffenindustrie angesiedelt 

sind. Andererseits die Worte des Erzbischofs 

von Olinda e Recife und damals weltberühmten 

Befreiungstheologen Dom Hélder Câmara, der 

nach einem Vortrag in der Züspa-Halle auf 

Wunsch Walter Martis ein Gebet für die Linke 

sprach. Der Film war in jenen Tagen ein Nachwort 

zur Bührle-Affäre – heute ist er ein Paradebeispiel 

für religiöses und politisches Kino. (om) 

47 

KURZFILMPROGRAMM: DER 

KONTINENT MERTENS & MARTI

48 

Im Schatten des Wohlstands 


· 28 Min. sw. 16 mm. D/e 


Walter Marti 



Jour de pêche 

· Schweiz 1955–1958 

· 15 Min. sw. 16 mm. Ohne Dialog 


Walter Marti 



Gebet für die Linke 


· 28 Min. Farbe. 16 mm. D/e 


Walter Marti 



Krippenspiel II 


· 27 Min. sw. 35 mm. Ohne Dialog 


Walter Marti 



49 

FR 21.6. 14:15 


In Anwesenheit von Fredi Murer, 

Erich Langjahr 

KURZFILMPROGRAMM: DER 

KONTINENT MERTENS & MARTI

Seit 1935, inspiriert von dem Vorbild des katholischen 

Schriftsteller-Lyriker-Essayisten und Opfer des 

Ersten Weltkriegs, Charles Péguy, begeben sich Studenten 

(ursprünglich nur der Sorbonne) auf eine Pilgerwanderung 

gen Chartre, zur Kathedrale. Der Weg 

dauert circa zwei bis drei Tage, Moritz de Hadelns 

Dokumentation der knapp Le Pèlé genannten Wallfahrt 

gerade mal eine Stunde. Vier Aufnahmegruppen 

verfolgten die Trosse – denn es führen viele Wege 

nach Chartre – auf ihrem Zug durch die Landschaft. 

1935 zogen nur ein paar wenige los – in den 1960ern 

waren jedes Mal rund 10.000 dabei. Die meisten sind 

gläubig, einige wenige würde man vielleicht als intellektuelle 

Katholiken bezeichnen; einige wenige Atheisten 

versuchen subversiv zu wirken. Diese Massen 

von Menschen, die sich da durch die Landschaft bewegen, 

haben durchaus etwas Widerzeitiges – so stellt 

man sich die 60er nicht vor: mit wehenden Wimpeln 

und Gonfanons auf dem Weg wenn schon nicht zu 

Gott dann doch zumindest einem ernsteren Selbst. 

Die Bilder sind spröde, streng; der von Walter Marti 

gesprochene Kommentar bleibt trocken. Nach Le Pèlé 

weiss man: Aus dem Debütanten de Hadeln hätte ein 

grosser Filmemacher werden können. (om) 

· Le Pèlé 


· 57 Min. sw. 16 mm. D/e 

· Regie: Moritz de Hadeln, Walter Marti, 

Sandro Bertossa 

· Kamera: Ernest Artaria, Richard Clifton- 

Dey, Hervé Hesnard, Jan Oonk, 

Jean-Charles Meunier 

· Schnitt: Ernest Artaria 

· Musik: Rev. Père Deiss, J. Samson, 

Rev. Père Gelineau 





SA 22.6. 

13:30 


In Anwesenheit von Moritz de Hadeln 

51 

LE PÈLÉ

Zu den Eigenarten des Jungen Schweizer Films 

gehörte auch das Interesse an der kritischen Bestandsaufnahme: 

Wer sind die Menschen, welche in der 

Schweiz leben, warum sind sie hier, was macht sie aus? 

Man sollte das im Hinterkopf behalten, wenn man Les 

apprentis sieht, vielleicht erinnern, dass zur gleichen 

Zeit Alexander J. Seiler & June Kovach & Rob Gnant 

sich in Siamo italiani (1964) mit einer anderen Gruppe 

von Arbeitern im Land beschäftigten. Quer- und 

Längsschnitte werden gemacht, es gilt, die Schweiz 

neu zu entdecken – bzw.: eine junge Schweiz sichtbar 

zu machen, welche im alten Film nur verzerrt vorkam, 

wenn überhaupt. Tanners erste long metrage, entstanden 

für die Expo 64, eine Porträtsammlung junger 

Auszubildender (Uhrmacher, Feinmechaniker, bautechnische 

Zeichner ...), schaut sich an, wie sie leben, 

hört ihnen zu, wenn sie über die Verhältnisse am 

Arbeitsplatz sprechen – macht kenntlich, was an ihnen 

typisch ist für jene Zeit, jenen Ort. Der Rest, dem eigentlich 

viel eingeräumt wird, das sind sie selbst, gezeigt 

mit jenem Pathos des Flüchtigen, welche Zierde 

ist und Würde des Direct Cinema. Les apprentis liegt 

nun als digitale Restauration vor, welche der körnigen 

Poesie des Originals zur Ehre gereicht. (om) 

· Les apprentis 


· 73 Min. sw. DCP. F/e 

· Regie, Buch: Alain Tanner 

· Kamera: Ernest Artaria 

· Schnitt: Ernest Artaria, Alain Tanner 

· Musik: Victor Fenigstein 





Weltpremiere der restaurierten 

und digitalisierten Fassung 

SA 22.6. 

18:00 


In Anwesenheit von Rolf Lyssy 

und Pierre-Emmanuel Jacques 

(Cinémathèque suisse) 

53 

LES APPRENTIS

IM WASSER 

FILMEN: 

DAS KINO DES 

GIANFRANCO 

ROSI 

«Achtung, fall nicht ins Wasser!», wird Gianfranco 

Rosi in seiner ersten Arbeit Boatman von seinem Protagonisten 

gewarnt. Es ist eine Warnung, die vieles 

beschreibt, was den in Eritrea geborenen Filmemacher, 

der sowohl die italienische als auch die amerikanische 

Staatsbürgerschaft besitzt, zu einer der aufregendsten 

und provokantesten Stimmen des politischen Dokumentarfilms 

macht. Ganz wörtlich genommen, fällt 

auf, dass Rosi häufig am oder auf dem Wasser dreht. 

Von seinem Debüt Boatman in den Strömungen des 

Ganges bis zum Mittelmeer vor Lampedusa in seinem 

Fuocoammare spielt das Wasser in seinen natürlichen, 

unberechenbaren, politischen und metaphorischen 

Zuständen eine entscheidende Rolle für den Filmemacher. 

Dort gerät etwas in Bewegung, Tod und 

Leben treffen sich. Das Wasser verkörpert und verstärkt 

die Direktheit, nach der Rosi sucht. Seine Filme 

sind geschult am Direct Cinema, also einer Auffassung 

des Dokumentarfilms, die mit möglichst wenig Künstlichkeit 

und Erklärungen eine unmittelbare Beziehung 

zwischen Kamera und Welt herstellen will. Er wolle 

unsichtbar sein, sagt Rosi immer wieder. In seinen 

Filmen gibt es keine kommentierenden Erzählstimmen, 

kaum Selbstverweise des Filmemachers. Die zum 

Teil hochbrisanten und politischen Themen seiner 

Filme, etwa die Drogenkartelle in Mexiko oder die 

54 

«Flüchtlingskrise», werden weder erklärt, noch formuliert 

Rosi eine wirkliche Haltung zu ihnen. Stattdessen 

zeigt er schlicht das, was er mit seinen Augen sieht. 

Die Struktur für seine Filme, so sagt er, finde er, 

während er drehe, in der Begegnung mit den Menschen 

und Orten. Statt intellektueller Distanz setzt er 

auf Erfahrung: Oft verbringt er lange Zeit an einem 

Ort, um seine Geschichten zu finden – ein Jahr auf 

Lampedusa, jüngst mehrere Monate in den kurdischen 

Grenzgebieten zur Türkei im Nordirak, in Nordsyrien 

und im Iran für den neuen Film Notturno. Mit 

diesem Eintauchen zusammen hängt auch eine immense 

Körperlichkeit, die sich etwa an den häufig 

halbnackt gefilmten männlichen Körpern und zahlreichen 

Tieren in seinen Filmen entzündet. Oft begibt 

sich Rosi, der all seine Filme selbst dreht, in Situationen, 

die er nicht mehr kontrollieren kann. Er liefert 

sich aus. Trotzdem wahrt er eine erstaunliche Distanz. 

Seine Kamera wackelt nicht, seine Bilder wirken bestimmt. 

Es kommt keine Hektik auf, weil er sich dem 

verschrieben hat, was im Bild sichtbar wird. Rosis 

Kino glaubt daran, dass man auf der Leinwand mehr 

sieht als während des Drehens. Sein zusammen mit 

Jean Sébastien Lallemand und Carlos Martinez Casas 

realisierter Kurzfilm Afterwords ist zugespitzter Ausdruck 

dieser entwaffnenden Körperlichkeit. Gezeigt 

wird ein nackter Mann in abstrakten, zerstörten Zimmern. 

Der Versuch des Films ist es, durch den Körper 

des Mannes und die Umgebung in dessen Innenleben 

einzudringen. Rosi versucht mit der Kamera aufzusprengen, 

was allzu gut versiegelt scheint. 

Den italienischen Dokumentaristen interessieren 

die unter den glättenden Bestrebungen der westlichen 

Welt versteckten Auswüchse und Verformungen; 

sowohl ganz konkret an den Körpern als auch in Bezug 

auf gesellschaftliche Tendenzen, also in all dem, was 

an den Rand gedrängt wird, die Ausgestossenen und 

Unterdrückten. Er betreibt ein Konfrontationskino, 

55 

GIANFRANCO ROSI

das sich äusserst zaghaft und poetisch, aber auch mit 

nachdrücklicher Vehemenz manifestiert. Und wie er 

die Protagonisten mit der Kamera konfrontiert, konfrontiert 

er die Zuseher mit den Bildern. Dabei bewegt 

er sich häufig auf einem schmalen Grad filmischer 

Ethik. Gerade in einem Film wie Below Sea Level, einer 

Annäherung an die Bewohner von Slab City, einer 

Wohnwagensiedlung jenseits staatlicher Überwachung 

in Kalifornien, gibt es eine brisante Wechselwirkung 

zwischen zärtlicher Nähe und dem Instrumentalisieren 

der Menschen als Protagonisten. Es ist ein 

bewusster Ritt auf der Rasierklinge zwischen Humanismus 

und Zurschaustellung. So ist man etwa ganz 

nahe an der Transfrau Cindy, als diese abends und 

versteckt vor dem Rest der Welt ihre Perücke abnimmt, 

oder an einem fluchenden Mann, der gerade sexuell 

befriedigt wird. Rosi zeigt Menschen, wenn sie am 

verletzlichsten sind. Letztlich führt er uns jene Unsicherheiten 

gegenüber dem Fremden und Unbekannten 

vor Augen, die nur allzu leicht verdrängt werden 

oder unter dem Schutzmantel einer politischen Korrektheit 

unentdeckt bleiben. Er sucht nach einer eigenen 

Position zu den Dingen, er will sie nicht lediglich 

behaupten. Die Kamera zeigt bei ihm nicht 24-mal in 

der Sekunde die Wahrheit, sondern stellt eher 24 

Fragen in der Sekunde. Fragen an sich selbst, an uns 

und die Welt. Ein oftmals ungenannter Protagonist 

oder vielmehr Antagonist ist dabei der Kapitalismus. 

Die touristischen Verrücktheiten am Ganges, die 

neuen Schuhe, die den Narcos-Killer motivieren, ein 

Massenmörder zu werden, die prekären Bedingungen 

in Slab City, die auf dem Meer gestoppten Migranten 

oder die Reste römischer Aristokratie entlang der 

Ringautobahn in Sacro GRA sind letztlich alle Kehrseiten 

des Kapitalismus. Der Kosmopolit Rosi zeigt 

sie wie Wucherungen, um die ganze Welt reichend. 

Oft kreiert er in seinen Filmen einen Mikrokosmos, 

kleine, in sich zusammenhängende Welten, in denen 

56 

Utopien und Dystopien gleichermassen sichtbar und 

hinterfragt werden. 

Rosi leistet immer wieder investigative Arbeit. 

Passend dazu gehört der Filmemacher auch zu den 

Verfechtern digitaler Kameras, die es ihm erlauben, 

unbemerkt und spontan an schwer zugänglichen 

Orten zu filmen. In seinem El Sicario, Room 164 lässt er 

einen ehemals für mexikanische Drogenbosse mordenden 

Mann mit Maske verdeckt vor der Kamera 

von seinen Taten erzählen. Es ist kein dezidiert filmisches 

Vorgehen, sondern eines, das sich komplett der 

Suche nach Wahrheit verschreibt. In all seinen Filmen 

gibt es eine ungestillte Neugier auf die tiefere Wahrheit 

hinter der Fassade. Geheimnisse kommen ans Licht. 

Doch die Wahrheit bei Rosi existiert auch jenseits 

der journalistischen Bestrebungen nach Information 

und Aufdeckung. Es ist eine filmische Wahrheit, die sich 

vor allem in seinem Sacro GRA , der als erster sogenannter 

Dokumentarfilm überhaupt den Goldenen 

Löwen in Venedig gewann, zeigt: als eine sinnliche 

Wahrnehmung der Welt, die Raum und Zeit lässt für 

alles, was zwischen den Erzählungen passiert. Ein 

Abendhimmel, ein Wind in den Ästen oder die plötzliche 

Stille einer Friedlichkeit. Hierbei offenbart sich das 

Filmen als eine Suche nach etwas Ursprünglichem. Es 

ist die widersprüchliche, hoffnungslose, inspirierende 

und notwendige Suche nach dem Menschlichen durch 

alle Unmenschlichkeiten hindurch. 

Patrick Holzapfel 

Gianfranco Rosi ist Gast im Gedanken/Raum, der 

am Samstag, 22. Juni (10:00–13:00) im Stadtkino Basel 

stattfindet. 

57 

GIANFRANCO ROSI

Gleich in seinem Debüt praktiziert Gianfranco 

Rosi ganz wörtlich jenes vom Direct Cinema inspirierte, 

mitreissende Eintauchen in eine Umgebung, 

die seine Arbeit bis heute kennzeichnet. In Varanasi 

am Ganges folgt er den Linien des heiligen Flusses 

gemeinsam mit dem Bootsführer Gopal. Entlang des 

Ufers treibend entblösst Rosi eine geschlossene und 

sich doch in alle Richtungen hin öffnende Welt: mit 

wild schaukelnden Touristenbooten voller auf das 

Spektakel des Heiligtums gaffender Augen, im Wasser 

schwimmenden Leichen von Menschen, die nicht 

genug Geld für ein ordentliches hinduistisches Ritual 

hatten, spirituellen Bädern, spielenden Kindern und 

unzähligen Tieren in und um den Fluss. Es ist ein 

bizarres und wildes Bild dieses Ortes. Rosi fängt flüchtige 

Bilder und Töne ein, ohne sie besitzen zu wollen. 

Der Film hinterfragt den westlichen Blick auf diese 

Welt genauso wie die hinduistischen Rituale am Ganges 

selbst. Urteile fällt er dabei nicht. Stattdessen liefert 

er einen sinnlichen Eindruck einer Welt, in der alles 

gleichzeitig zu passieren scheint. Die Inder hätten ein 

verrücktes Herz, sagt Gopal einmal in Richtung der 

beständig surrenden Kamera. Es scheint, als würde 

Rosi genau dieses Herz filmen. (ph) 

· Boatman 

· Italien 1993 

· 55 Min. sw. DCP. Hindi/E/I/e 

· Regie, Buch, Kamera: Gianfranco Rosi 

· Schnitt: Jacopo Quadri 

· Produzent: Gianfranco Rosi 

· Kontakt: Doc & Film International, Paris, 

www.docandfilm.com 

FR 21.6. 

17:15 


In Anwesenheit von Gianfranco Rosi 

59 

BOATMAN

«Derjenige, der findet, dass diese Menschen am 

Rand der Gesellschaft leben, ist jemand, der sich dafür 

verantwortlich fühlt», sagte Rosi in einem Interview 

zu diesem Porträt von Slab City, einem jenseits staatlicher 

Normen existierenden Wohnwagenrefugium 

im südlichen Kalifornien. Er nähert sich den dort 

unter dem Wüstenhimmel lebenden Menschen auf 

Augenhöhe, sitzt mit ihnen in Campingstühlen vor 

oder in den unaufgeräumten, beschädigten Wohnwagen 

und lässt sie sprechen – schon vor dem Dreh hat 

Rosi lange Zeit mit ihnen verbracht. Alle haben ihr 

eigenes Territorium abgesteckt, man kennt sich, aber 

nur langsam kommt man sich näher. Für viele ist der 

Ort nur eine Durchgangsstation. Sie hören auf seltsame 

Namen wie Bulletproof, Insane Wayne oder Bus 

Kenny. Dahinter verbergen sich tragische Lebensgeschichten, 

die zwischen dem täglichen Philosophieren, 

Herumhängen, Beziehungskrisen und kleineren Jobs 

zutage treten. Eine starke Auseinandersetzung mit 

den Möglichkeiten und Grenzen der Freiheit. (ph) 

· Below Sea Level 

· USA, Italien 2008 

· 110 Min. Farbe. DCP. E/e 

· Regie, Kamera, Musik: Gianfranco Rosi 


· Produzent: Gianfranco Rosi 



SA 22.6. 

14:45 



61 

BELOW SEA LEVEL

Basierend auf Charles Bowdens Essay «The Sicario» 

wagt sich Rosi in eine Situation, die zunächst wenig 

Potenzial für das Kino bereitzuhalten scheint. Ein 

Hotelzimmer an der Grenze zwischen Mexiko und 

den USA sowie ein Mann mit einem schwarzen Tuch 

über dem Kopf. Das sind die minimalen Zutaten des 

Films. Dass man dennoch weder Augen noch Ohren 

von der Leinwand nehmen will, hängt mit dem Mann 

zusammen, den Rosi da filmt. Er arbeitete für ein 

mexikanisches Drogenkartell und erzählt von seinem 

Werdegang vom Polizeioffizier zum Kriminellen. Er 

berichtet von zahlreichen Morden und unvorstellbaren 

Gräueltaten. Während er spricht, zeichnet er einfache 

Skizzen auf einen Block, die das Gesagte visualisieren 

oder vereinfachen. Manchmal spielt er gar 

etwas vor. Es ist eine nüchterne und heftige Konfrontation 

mit schockierenden Geschehnissen und Taten. 

Der Mann lebt versteckt in Ciudad Juarez, das lange 

Zeit als die Stadt mit der höchsten Gewaltrate der Welt 

galt. Inzwischen hat er sein Leben aufgegeben und 

hofft auf göttliche Vergebung. In seiner Schilderung 

offenbart sich ein brutales und korruptes System, das 

Rosi dadurch aufdeckt, dass er schlicht zuhört. (ph) 

· El Sicario, Room 164 

· Frankreich, USA 2010 

· 80 Min. Farbe. DCP. Sp/e 

· Regie, Kamera: Gianfranco Rosi 

· Buch: Gianfranco Rosi nach einer Vorlage 

von Charles Bowden 


· Produzenten: Serge Lalou, Gianfranco Rosi 



SO 23.6. 

09:45 


63 

EL SICARIO, ROOM 164

In Sacro GRA nähert sich Rosi Menschen, die an 

den Ausfallstrassen der Autostrada del Grande Raccordo 

Anulare wohnen. Er trifft dabei auf schräge 

Vögel und Aussenseiter, die um ihre Existenz kämpfen. 

Seine mal kuriosen, mal heftigen, mal herzerwärmenden 

Geschichten hängen nur dadurch zusammen, dass 

sie alle entlang der kreisförmigen Verkehrsader, dem 

sogenannten GRA, spielen. Aus der scheinbar ziellosen 

Entdeckungsreise in die Peripherie entwickelt sich so 

ein faszinierender Mikrokosmos, der poetisches und 

komisches Potenzial zugleich entfaltet. So begegnet 

man einem schrullig-romantischen Naturforscher, 

der die Bäume entlang der Autobahn auf Käferbefall 

inspiziert, zwei Prostituierten, die zynisch einen Zwischenfall 

mit der Polizei diskutieren, oder einem 

Aristokraten, der von seinem Fenster aus die gegenüberliegende 

Villa beobachtet. Das Alltägliche wird 

zum Politischen erklärt, und so wagt sich Rosi weit 

hinein in die Ambivalenzen und Unklarheiten der 

Post-Berlusconi-Gesellschaft. Sacro GRA ist der erste 

Dokumentarfilm, der den Goldenen Löwen der Filmfestspiele 

von Venedig gewann. (ph) 

· Sacro GRA 

· Italien, Frankreich 2013 

· 95 Min. Farbe. DCP. I/e 


· Buch: Gianfranco Rosi nach einer Idee von 

Niccolò Bassetti 


· ProduzentInnen: Roberta Ballarini, 

Marco Visalberghi 



DO 20.6. 

21:15 



65 

SACRO GRA

Mitten hinein in eines der grossen Themen unserer 

Zeit und doch auf der Suche nach ganz anderen 

Bildern ist Rosis Berlinale-Gewinner. Fuocoammare 

offenbart eine aufklaffende Lücke zweier Welten, die 

der Film strukturell aufeinanderprallen lässt: Hier die 

beinahe entspannt gefilmte Coming-of-Age-Geschichte 

des jungen Samuele auf der Insel, der auf Uferfelsen 

klettert, mit seiner Schleuder auf Büsche und Vögel 

schiesst oder am Hafen umherstreift. Dort der auf den 

Booten gefilmte Überlebenskampf der ankommenden 

Flüchtlinge. Der grosse politische Konflikt wird so 

durch die Augen eines Kindes betrachtet. Mit ihm 

lernt man das Sehen, der Blick verändert sich. Rosi, 

der über ein Jahr auf der Mittelmeerinsel Lampedusa 

verbrachte, zeigt, was man nur im Kino sichtbar machen 

kann: die kleinen Alltäglichkeiten und Schönheiten 

inmitten einer politischen Krise, das einfache 

Leben im Angesicht des Sterbens von Tausenden. Das 

Politische im Unpolitischen? Man kann und muss 

darüber streiten. Ein Film, der keine Gewissheiten 

behauptet, sondern Ungewissheiten bestärkt. (ph) 

· Fuocoammare (Fire at Sea) 

· Italien, Frankreich 2016 

· 114 Min. Farbe. DCP. I/F/d/e 


· Buch: Gianfranco Rosi 

nach einer Idee von Carla Cattani 


· Mit Samuele Pucillo, Mattias Cucina, 

Samuele Caruana, Pietro Bartolo 

· ProduzentInnen: Roberto Cicutto, 

Paolo Del Brocco, Camille Laemlé, 

Serge Lalou, Gianfranco Rosi, 

Martine Saada 



FR 21.6. 

10:00 


67 

FUOCOAMMARE

Dass der Mensch sich die Erde untertan macht – 

was bedeutet das eigentlich? Nikolaus Geyrhalter, 

bedeutender österreichischer Dokumentarist globaler 

Phänomene, besucht an verschiedenen Orten Europas 

und Nordamerikas Stätten des Tief- und des Tagebaus, 

Räume der Entwicklung und der Umwälzung, Schauplätze 

der fundamentalen Veränderung und der unwiderruflichen 

Vernichtung. Erde hat den Charakter 

einer nüchternen Bestandsaufnahme in grandiosen 

Tableaus. Sie zeigen Maschinen, die in sich auflösenden 

Landschaften ein unermüdliches Wühlwerk immensen 

Ausmasses verrichten und offene Wunden in die 

Erdkruste reissen. Und sie verzeichnen, was die dort 

Tätigen über ihre Arbeit und deren mögliche Bedeutung 

zu sagen haben. Geyrhalters Blick zeichnet sich 

durch Geduld und Genauigkeit aus. Seine vorurteilsfreie 

Aufmerksamkeit wird von der Offenheit und den 

immer wieder überraschenden Überlegungen seiner 

GesprächspartnerInnen belohnt. Die Montage der 

Vignetten verdichtet sich zu einer Dramaturgie des 

Katastrophischen. In den Optimismus gesellschaftlichen 

Unternehmertums schleicht sich zunehmend 

das Bewusstsein seines hohen Preises. Bis am Ende 

der Profitmaximierung die buchstäblich verbrannte 

Erde steht. Eine schmerzliche Aussicht als Fluchtpunkt 

einer unsentimentalen Reise. (as) 

· Erde (Earth) 

· Österreich 2019 

· 115 Min. Farbe. DCP. 

E/D/Sp/I/Ung/e 

· Regie, Buch, Kamera: 

Nikolaus Geyrhalter 

· Schnitt: Niki Mossböck 

· Produzenten: Michael Kitzberger, 

Nikolaus Geyrhalter, Markus Glaser, 

Wolfgang Widerhofer 

· Kontakt: Austrian Films, Wien, 

www.austrianfilms.com 

SO 23.6. 

13:20 


In Anwesenheit von Nikolaus Geyrhalter 

69 

ERDE

Die drei Werke dieser Hommage an den japanischen 

Künstler und Experimentalfilm-Zauberer 

Makino Takashi (geb. 1978) werden Bildrausch 

elektrifizieren. Objekte, Naturphänomene, 

Menschen und Städte verschmelzen in seinen 

Arbeiten zu wahrhaft rauschhaften filmischen 

Exzessen, die aufgrund zigfacher Schichtung 

und Mehrfachbelichtung vom konkreten Bild 

zum abstrakten Gemälde mutieren, die Leinwand 

manchmal zum Verschwinden bringen 

und den Betrachter in Bann ziehen. In langjähriger 

Zusammenarbeit mit Musikern und Musikerinnen 

wie Jim O’Rourke oder Inconsolable 

Ghost erschafft Makino Kunstwerke, die nicht 

nur visuell, sondern ebenso auditiv das mediale 

Verschwimmen von abstrakten und konkreten 

Bildern sinnlich erfahrbar machen. Makino fasziniert, 

dass das, was auf der Leinwand erscheint, 

mit der emotionalen Landschaft jedes einzelnen 

Betrachters kollidiert und ein völlig neues Bild 

im Kopf entstehen lässt. Was bereits für seinen 

ersten Film Eve (2002) gilt, über den er sagt: «Ich 

stelle Licht und Leben dar, das aus der Dunkelheit 

kommt, in einer Fusion von Animation und visueller 

Überlagerung.» Sein mehrfach ausgezeichnetes 

Meisterwerk On Generation and Corruption 

(2017) findet seinen Antrieb wiederum 

zwischen Hell und Dunkel und schöpft seinen 

Rhythmus aus den zyklischen Wiederholungen, 

die die Säulen des Lebens und der Zivilisation 

sind. Seine bislang letzte Arbeit Memento Stella 

(2018), die er an Bildrausch exklusiv und live 

vertonen wird, überwältigt aufs Neue mit unzähligen 

Bildern und Flächen, teils abstrakt, teils 

figurativ, die lange nachhallen, «auf dass wir nie 

vergessen, dass auch wir zwischen den Sternen 

wohnen». (bb) 

71 

MAKINO TAKASHIS 

ELEKTRISCHE MAGIE

72 

Memento Stella 

· Japan, Hongkong 2018 

· 60 Min. Farbe. DCP. Lat/E 

· Regie, Buch: Makino Takashi 

· Kontakt: Makino Takashi, Tokio, 

www.makinotakashi.net 

Mit LivePerformance von Makino 

Takashi 

Eve 

· Japan 2002 

· 3 Min. Farbe. HD File. Ohne Dialog 




On Generation and Corruption 

· Japan 2017 

· 26 Min. Farbe. HD File. Ohne Dialog 




73 

SA 22.6. 

23:00 


In Anwesenheit und mit LivePerformance 

von Makino Takashi 

MAKINO TAKASHIS 

ELEKTRISCHE MAGIE

75 

Die vier neusten Arbeiten der Bildrausch-Freunde 

Anya Tsyrlina, Johan Lurf, Apichatpong Weerasethakul 

und Teresa Villaverde verführen zu genauem 

Hinhören, Hinschauen und Eintauchen. «Six, zéro, 

vingt-et-un ...», beginnt in horizon eine hypnotisierende 

Stimme zu zählen. Das Knistern analoger Tonspuren 

von Siebzigerjahre-Wochenschau-Sprengseln mit 

fliegenden Raumkörpern und mit Blumen beschenkten 

jungen Menschen führt in eine verflossene Zeit. 

Die Bilder stammen aus Sibirien, wo die in Basel lebende 

Künstlerin und Filmemacherin Anya Tsyrlina 

geboren wurde. Irrlichternd verdichtet sich der Film 

zu einer Reflektion über Erinnerung, Vergänglichkeit 

und Erfahrung. Der österreichische Experimentalfilmer 

Johan Lurf, dessen visuelles Feuerwerk am letzten 

Bildrausch bereits zu entdecken war, spielt in seinem 

neusten Streich Cavalcade erneut mit Wahrnehmung. 

In der nächtlichen Szenerie eines idyllisch plätschernden 

Bachs sirrt ein künstliches Wasserrad, das Lurf 

bei Stroboskoplicht und durch Akzeleration zu einem 

wunderbaren Crescendo antreibt. In Blue von Bildrausch-Ringträger 

Apichatpong Weerasethakul gehen 

ebenfalls zwei Geräuschkulissen ineinander über: Im 

nächtlichen Zirpen und Rauschen eines Waldes in 

Thailand breitet sich zusehends das Lodern von Feuer 

aus, versucht eine Frau in einem magischen Porträt 

zwischen Traum und Wirklichkeit zu schlafen. Ausgangspunkt 

für Six Portraits of Pain von Teresa Villaverde, 

auch sie trägt den Bildrausch-Ring der Filmkunst, 

ist das gleichnamige musikalische Werk des 

portugiesischen Komponisten António Pinho Vargas, 

das auf der Tonspur zu hören ist und dessen durchdringende 

Wucht Villaverde in ihrem eigenen filmischen 

Nachdenken über Schmerz aufnimmt. (bs) 

SINNESRAUSCH

76 

Cavalcade 

· Österreich 2019 


· Regie, Produzent: Johann Lurf 

· Kamera: Martin Putz 

· Kontakt: sixpackfilm, Wien, 

www.sixpackfilm.com 

horizon 

· Schweiz, Russland, USA 2019 

· 7 Min. Farbe. DCP. Ohne Dialog 

· Regie: Sid Iandovka, Anya Tsyrlina 

· Musik: Sid Iandovka 

· Produzentin: Anya Tsyrlina 

· Kontakt: Anya Tsyrlina, Basel 

Six Portraits of Pain 

· Portugal 2019 

· 25 Min. Farbe. DCP. Ohne Dialog 

· Regie, Buch: Teresa Villaverde 

· Musik: António Pinho Vargas 

· Kontakt: Filmes do Tejo, Lissabon, 

www.filmesdotejo.pt 

Blue 

· Frankreich 2018 

· 12 Min. Farbe. HD File. 

Ohne Dialog 

· Regie, Schnitt: Apichatpong 

Weerasethakul 

· Kamera: Chatchai Suban 

· Mit Jenjira Pongpas Widner 

· Produzenten: Philippe Martin, 

Laurent Metivier 

· Kontakt: Les Films Pelléas, Paris, 

www.lesfilmspelleas.com 

77 

SO 23.6. 18:00 


In Anwesenheit von Anya Tsyrlina 

SINNESRAUSCH

Im Prinzip erzählt They Shall Not Grow Old eine 

bekannte Geschichte: die des Frontsoldaten im Ersten 

Weltkrieg. Angefangen beim sich freiwillig melden 

über die Grundausbildung hin zur Front, von der 

ersten Kampferfahrung bis zur Erschütterung, als 

Ende ’18 alles vorbei ist und man nicht weiss, wohin 

im Frieden mit dem Menschen, der man im Laufgraben 

geworden ist. Aber wie Peter Jackson das hier 

erzählt, so hat man das noch nie gesehen und gehört 

– alles andere hätte einen aber auch schwer verwirrt 

beim Regisseur von u.a. The Lord of the Rings (2001–03)! 

Jackson bekam alles an Bild- und Tonmaterial aus dem 

Imperial War Museum zur Verfügung gestellt, welches 

er dann massiv bearbeitete: Die zweite Hälfte 

des Films wurde komplett koloriert in einem Stil, der 

mehr malerisch als realistisch ist; eine unendliche, 

komplexe Klangebene wurde erarbeitet, für die man 

per Lippenleser u.a. herausfand, was die Soldaten in 

den stummen Bildern sagten; und das dann alles noch 

konvertiert zu 3D. Das macht den Film einerseits zu 

einem genuinen Spektakel, andererseits zu einer hochintelligenten 

Revision des Materials unter Berücksichtigung 

von Techniken und ästhetischen Vorlieben 

jener Jahre, in denen das 19. Jahrhundert starb und das 

20. geboren wurde. (om) 

· They Shall Not Grow Old 

· Grossbritannien, Neuseeland 2018 

· 99 Min. Farbe. DCP. 3D. E 

· Regie: Peter Jackson 

· Schnitt: Jabez Olssen 

· Musik: John Neill 

· Produzenten: Peter Jackson, Clare Olssen 

· Kontakt: Warner Bros. Entertainment 

Switzerland GmbH, Zürich, 

www.warnerbros.ch 

SO 23.6. 

16:30 


79 

THEY SHALL NOT GROW OLD

SCHULVORSTELLUNGEN 

DO 20. 6. – FR 21. 6., Stadtkino Basel 

Wie erzählen Filmschaffende die Geschichten 

ihrer Filme? Welchen Ausschnitt von Wirklichkeit 

wählen sie? Bildrausch sensibilisiert junge Erwachsene 

in seinen Schulvorstellungen für die Filmkunst und 

ermöglicht ihnen den Austausch mit Regieführenden. 

Das Gespräch nach dem Film wird von Bildrausch- 

Moderatoren geführt, aber auch von SchülerInnen, 

die sich auf diese spannende Aufgabe vorbereiten. Auf 

dem Programm stehen der Urwald-Thriller Monos 

über acht jugendliche Paramilitärs (DO 20. 6., 9:30, mit 

Alexis Dos Santos), der Dokumentarfilm Die bauliche 

Massnahme (DO 20. 6., 14:15, mit Nikolaus Geyrhalter 

via Skype), der beim Thema Migration die totale 

Differenzierung statt Populismus wagt, Fuocoammare 

(FR 21. 6., 10:00, Gespräch mit Jean Perret), in dem die 

Welten von Bewohnern Lampedusas und Menschen 

auf der Flucht kollidieren, und A volta ao mundo (FR 21. 

6., 16:45, mit Aya Koretzky), ein filmisches Tagebuch 

über eine Initiationsreise. Mehr Infos erhalten Lehrpersonen 

von: Valerio Bonadei, valerio@filmbuero.ch. 

80 

ABOVE US ONLY SKY 

VON ARTHUR KLEINJAN 

Dreikanal-Videoinstallation, 27:30 Min., 2018 

DO 20. 6, 18:00–20:00, balzer projects (Vernissage) 

DO 20. 6. – SA 29. 6., 13:00–18:00, balzer projects 

Ein Erzähler reist ins heutige Prag, um einen 

Flugzeugunfall (1972) zu recherchieren, bei dem eine 

einzige Frau den Fall aus tausenden Metern Höhe 

überlebte. Er entdeckt überraschende und unheimliche 

Beziehungen zwischen der kommunistischen Vergangenheit 

und Gegenwärtigem, beginnt, die Macht 

der Logik zu hinterfragen, und beschliesst, Zufälle 

und Hinweise aus der Vergangenheit zu untersuchen 

und so eine Geschichte zu erschaffen, die vollständig 

auf realen Zufallsereignissen basiert. Akribisch und 

spielerisch zugleich verwischt Above Us Only Sky die 

Grenzen, die uns von der Vergangenheit trennen, und 

ersetzt sie durch eine Gegenwart, die sich zwischen 

Realität, Imagination und Spekulation bewegt. Eine 

mehrschichtige visuelle und narrative Allegorie des 

individuellen und kollektiven Gedächtnisses. Arthur 

Kleinjan ist Künstler und Filmemacher in Rotterdam. 

81 

TALKS, EVENTS, PODIEN

THE ORACLE VON PETER METTLER 

VERNISSAGE DECKENPROJEKTION 

DO 20. 6., 20:45, Stadtkino Bar 

«Vor langer Zeit, als ich noch ein Teenager war, 

schlich ich mich nachts mit zwei Freunden in das 

Orakel von Delphi, um unter freiem Himmel auf den 

antiken Steinen zu schlafen. Am nächsten Morgen 

stellten meine Freunde fest, dass sie beide die gleichen 

Traumbilder hatten: eine überbordende, bacchantische 

Prozession unserer Vorfahren. Ich hingegen 

konnte mich an nichts erinnern ... Vielleicht suche ich 

auch deshalb seit Jahrzenten nach den Zeichen und 

dem Wesen unserer Zukunft im Rausch von Bildern 

und Tönen – in jenen, die ich selber kreiere, und in 

denen, die uns umgeben und auf uns einwirken.» Der 

Kanada-Schweizer Peter Mettler verbindet in seinem 

dokumentarischen Œ uvre Intuition mit Drama und 

Experiment zu einer ganz eigenen sinnlichen Essay- 

Form. Für Bildrausch bannt er seine Suche nach den 

wahren und tiefen Bildern auf die Deckenprojektion 

des Stadtkino Basel, wo sie während des kommenden 

Jahres zum Sinnes- und Bildrausch einladen. 

82 

FILMSCHAFFENDE AN DEN 

KOCHTÖPFEN 

FR 21. 6., 18:00–21:00, Monika Willi, Piazza 

SA 22. 6., 18:00–21:00, Christoph Schaub, Piazza 

«I’m quite convinced that cooking is the only alternative 

to filmmaking», sagt Werner Herzog, während 

er seinen Schuh isst. Jeder, der kochen kann, könne 

auch Filme machen, sagt der Filmemacher und Exzentriker 

Peter Kubelka. So weit wollen wir nicht gehen. 

Aber dass beides plastische Formen sind, die im Kopf 

des Beschauers oder Essers Gedanken auslösen, darin 

stimmen wir mit ihm überein. Die Beherrschung 

des Handwerks, Kreativität, Mut und Intuition sind 

nötig, um in der Küche wie am Set Überraschendes 

und Stimmiges zu kreieren. Kein Wunder, steckt in so 

manchem Filmschaffenden ein begnadeter Koch: Der 

Schweizer Regisseur Christoph Schaub nähert sich dem 

Set wie dem Suppentopf mit Neugierde, Gespür und 

Meisterschaft. Und die österreichische Schnittmeisterin 

Monika Willi beweist, dass die kunstvolle Balance perfekter 

Ingredienzien auch beim Kochen entscheidend ist. 

Beide stehen für Bildrausch am Herd! CHF 10/Menu 

83 


FORMEL-SUPER-8-PROJEKTORENRENNEN 

DER GROSSE PREIS VON BASEL 

FR 21. 6., 22:00, Theaterplatz (bei jedem Wetter) 

Das verrückteste Rennen, seit es Kino gibt. Vier 

Teams mit ihren heissen Maschinen treten gegeneinander 

an. Es gilt die unglaubliche Strecke von 15 m 

(die Länge einer Super-8-Filmrolle) heil hinter sich 

zu bringen. Die auf Rädern montierten Kisten aus 

(Gross-)Papas Heimkino ziehen sich selbst an ihren der 

Länge nach abgewickelten Filmstreifen vorwärts und 

projizieren gemeinsam einen wahren Bilderrausch. 

Aufregung und Karambolage garantiert. Hält der 

Film? Welcher getunte Bolide geht als erster ins Ziel? 

Ekstase! Das Publikum wettet bis zum letzten Rappen. 

Echte Stadionatmosphäre garantiert! Das Wettbüro 

öffnet um 22.00 Uhr. Der Startschuss fällt um 22.30 

Uhr. Unsere Moderatorenstimme im Projektorengeratter 

ist Mario Fuchs. 

84 

GEDANKEN/RAUM MIT 

GIANFRANCO ROSI 

SA 22. 6., 10:00–13:00, Stadtkino Basel 

Der Gedanken/Raum, in dem Jean Perret von 

Neugier und Wertschätzung geleitet in den «Werkzeugkasten» 

von Filmschaffenden schaut, ist heuer 

Gianfranco Rosi gewidmet. Während Monaten liess 

sich der italienische Dokumentarist ein auf die Begegnungen 

mit Menschen in den kurdischen Grenzgebieten 

zur Türkei im Nordirak, in Nordsyrien und 

im Iran, um daraus seinen neuen Film Notturno zu 

drehen. Für Bild und Ton zeichnete er gleichermassen 

verantwortlich, was ihm ermöglichte, sehr eigene, oft 

unbequeme Wege zu verfolgen, die sich kein Konzept 

oder Drehbuch vorher hätten ausdenken können. 

Es war eine unbedingte Suche nach ungesehenen 

Geschichten bei zunehmender Ernüchterung über 

die allgegenwärtige Gewalt. Anhand von exklusiven 

Filmsequenzen lotet Jean Perret mit Gianfranco Rosi 

ein Schaffen aus, das auf bemerkenswerte Weise tief 

in unserer Gegenwart verankert ist. In Kooperation 

mit FOCAL. Im Anschluss lädt Aesop zum Apéro. 

85 


«GEGEN DEN WIND» – PODIUMSGE- 

SPRÄCH ZUM SCHAFFEN VON RENI 

MERTENS UND WALTER MARTI 

SA 22. 6., 15:30, Bildrausch-Salon 

Sie waren die Pioniere des Neuen Schweizer Films. 

Sie verbanden politische Haltung mit avantgardistischer 

Formensuche. Jeder Film, jedes Thema verlangte 

für sie nach einer anderen Herangehensweise – dennoch 

waren all ihre Werke gleichermassen radikal, 

klarsichtig, poetisch und zutiefst humanistisch. 20 

Jahre nach ihrem Tod machen wir uns auf die Suche 

nach Reni Mertens und Walter Marti, Autoren und 

Produzenten sowie Mentoren einer ganzen Generation 

junger Schweizer Filmschaffender. Im Gespräch 

mit dem Filmemacher und Nachlassbetreuer von 

Mertens und Marti Erich Langjahr, dem Journalisten 

und ehemaligen Chef der Sektion Film des Bundesamtes 

für Kultur Alex Bänninger, dem österreichischen 

Filmemacher Michael Pilz und Marina Mertens fragt 

Christian Jungen (Biograf von Moritz de Hadeln) nach 

der Bedeutung ihres Schaffens damals und nach seiner 

Botschaft heute. In Kooperation mit Balimage. 

86 

PETER-LIECHTI-PREIS 

SO 23. 6., 20:15, Stadtkino Basel 

Mit dem neugeschaffenen Peter-Liechti-Preis erinnert 

Bildrausch an den Schweizer Filmemacher und 

Autor Peter Liechti (1951–2014). Die Auszeichnung soll 

einen mutigen Film ehren, «der aufs Ganze geht». Der 

Peter-Liechti-Preis in Höhe von CHF 2000 wird von 

der Jury des internationalen Wettbewerbs im Rahmen 

der Preisverleihung vergeben und wird in den kommenden 

drei Jahren von der Basler Firma Tweaklab 

AG und Reck Filmproduktion, Zürich, gestiftet. Peter 

Liechtis Werk verkörpert die Idee des radikal Eigenen. 

Risikobereitschaft war sein Credo, und die verlangte 

der grosszügige, humorvolle Autor und Filmemacher 

nicht nur sich selber ab, sondern auch vom Publikum: 

«(...) dass man sich mit dem Film auf die Äste 

hinauswagt, ganz weit hinaus in einen Bereich, wo 

es tatsächlich ungemütlich werden könnte» war für 

ihn die einzige konsequente Herangehensweise. Peter 

Liechti amtete am ersten Bildrausch im Jahre 2011 als 

Juror des Internationalen Wettbewerbs und blieb dem 

Festival Zeit seines Lebens verbunden. 

87 


DIE BILDRAUSCH FESTIVAL-TASCHE 

MI 19. 6. – SO 23. 6. 

Seit 2017 präsentiert Bildrausch in Kooperation 

mit der Fachmaturitätsschule (FMS) eine eigens für 

das Festival kreierte Tasche. Jedes Jahr ändert sich der 

Look, was bleibt, ist das coole Design, das die Taschen 

zum «objet du désir» gemacht hat. Auch 2019 wollen 

wir unsere Gäste wieder mit einer original Bildrausch- 

Tasche beglücken. Die Abschlussklasse 3E Gestaltung/ 

Kunst der FMS Basel hat in der Auseinandersetzung 

mit den Bedürfnissen der Festivalbesuchenden und 

mit bekannten Festivaltaschen eine neue Form entwickelt, 

kritisch diskutiert, mittels Prototypen erprobt 

und in einer Auflage von 80 Exemplaren produziert. 

Als Ausgangsmaterial dienten wieder alte Festival- 

Plakate. Deren Steifheit in Kombination mit einer 

leichten Transparenz erzeugen eine ungewöhnliche 

Wirkung. Durch die Materialwahl ist zudem jede 

Tasche ein Unikat. Tanja Maria Stoller und Stephanie 

Wagner-Büttiker haben das Projekt begleitet. Zu kaufen 

gibt es die Taschen nicht, wir werden aber jeden 

Abend zwei Exemplare verlosen. 

88 

FEIERLICHE ERÖFFNUNG 

MI 19. 6., 17:30–2:00, Stadtkino Basel 

Mit einem Glas Sekt und Sounds von 

DJ Tai Share werden die Gäste in der 

charmanten Gartenlandschaft vor 

dem Stadtkino Basel begrüsst. Um 

18 Uhr geht es ins Stadtkino Basel. 

Nach einem Grusswort von Catherine Ann Berger, 

Direktorin von Swiss Films, eröffnet Das melancholische 

Mädchen (2019) in Anwesenheit der Regisseurin 

Susanne Heinrich den Internationalen Wettbewerb 

und damit auch das Festival. Anschliessend an die 

Filmvorführung und das Q&A laden Bildrausch und 

tibits zum Apéro riche. Um 21.15 Uhr folgt der zweite 

Wettbewerbsbeitrag Anons, eine bitterböse Politsatire 

um einen Staatsstreich, dessen Absurdität alleine von 

der Realität übertroffen wird. DJ Tai Share lädt derweil 

auf der Piazza ein, das Tanzbein zu schwingen. 

89 

RUND UM BILDRAUSCH

BAR UND GRILL 

MI 19. 6. – SO 23. 6., Piazza 

Die Bar im Stadtkino Basel und die 

Piazza öffnen jeweils eine halbe 

Stunde vor dem ersten Screening 

und bleiben bis um 2 Uhr offen (am 

Freitag und Samstag bis 4 Uhr). Die 

lauschige Piazza vor dem Kino lädt zum Verweilen 

und Diskutieren ein. Der Bildrausch-Salon in der 

Werkstatt der Kunsthalle Basel ist heuer wieder geöffnet 

und bietet sich tagsüber als charmanter Rückzugsort, 

abends als Tanzfläche an. Für das leibliche 

Wohl ist auch gesorgt: Kleine Snacks und türkische 

Spezialitäten gibt es den ganzen Tag an der Bar, gegen 

Abend ist der Grill mit Gemüse-Spiessen und den 

legendären Würsten von Pippo in Betrieb. Zudem 

locken ab 18:00 Uhr die «Filmschaffenden an den 

Kochtöpfen» mit ihren kulinarischen Künsten (siehe 

S. 83), Schnittmeisterin Monika Willi am 21.6. und 

Regisseur Christoph Schaub am 22.6. 

DJS IM BILDRAUSCH-SALON UND AUF 

DER PIAZZA – LET’S DANCE! 

MI 19. 6. – SO 23. 6., 21:00–2:00 (FR/SA bis 4:00) 

Piazza, Bildrausch-Salon 

· MI 19. 6. ab 21:00 

DJ Tai Share 

Quer durch die 60er, 70er und 

80er: psychedelische Filmmusik, 

Bollywood, Krautrock und mehr 

· DO 20. 6. ab 21:00 

DJ Kukuruz 

Antidisco-Musik aus der ganzen Welt und immer 

tanzbar 

· FR 21. 6. ab 21:00 

DJ B-Seite & Monaco Bertrand 

Beats und Swing aus München und Berlin – 

eine beflügelnde Symbiose 

· SA 22. 6. ab 21:00 

DJ Tom Best 

Rock ’n’ Roll, Rhythm ’n’ Blues, Early Soul 

· SO 23. 6. ab 21:00 

DJ Fröhlein & Rumspringa 

Here comes the summermusic 

RUND UM BILDRAUSCH 

90 

91

FRÖHLICHE TAFELRUNDE 

MIT DEN FILMSCHAFFENDEN 

SA 22. 6., 17:45, Piazza 

Bildrausch lädt auch heuer zum traditionellen 

Filmemacher-Essen, an 

dem auf der Piazza alle teilnehmen 

können. Setzen Sie sich an die grosse 

Tafel zu unseren Filmschaffenden 

aus der ganzen Welt – mit einem Glas Wein von 

der Bar, einer Wurst vom Grill oder auch einfach so 

zum Reden. Für Feinschmecker gibt es den leckeren 

3-Gänger vom Restaurant Kunsthalle inkl. Wein für 

CHF 80. Anmeldungen für das Menu werden an der 

Stadtkino-Kasse bis zum 20. 6. 2019 um 15.00 Uhr 

entgegengenommen. Achtung: Die Plätze sind beschränkt. 

Bei schlechtem Wetter findet das Essen im 

Panton-Saal der Kunsthalle statt. 

BEAT THE ARTISTS 

SO 23. 6., 13:00, Piazza 

Beim Töggeli-Turnier fordern sich 

Journalisten, Jury und Filmschaffende 

von nah und fern zum sportlichen 

Wettbewerb heraus. Fünf Festival- 

Besucher haben die Chance, per Los 

einen Turnierplatz zu ergattern. Tischfussballerinnen 

und -fussballer melden sich bis zum 21. 6. 2019 um 18.00 

Uhr unter: turnier@bildrausch-basel.ch an. 

PREISVERLEIHUNG 

SO 23. 6., 20:15, Stadtkino Basel 

Am Sonntagabend prämiert die internationale 

Jury den besten Bildrausch-Film 

mit einer Preissumme 

von CHF 5000 und überreicht den 

Bildrausch-Ring der Filmkunst. 

Zum ersten Mal wird auch der neu geschaffene Peter-Liechti-Preis 

in Höhe von CHF 2000 an ein Werk 

verliehen, das sich durch besonderen narrativen oder 

visuellen Mut auszeichnet. Der Preis für einen Film, der 

aufs Ganze geht, wird von der Basler Firma Tweaklab 

AG und Reck Filmproduktion, Zürich, gestiftet. Die 

Preisverleihung moderiert Brigitte Häring. Im Anschluss 

laden Bildrausch und tibits zu einem Apéro 

ein. Die beiden Gewinnerfilme werden um 21.15 Uhr 

im Stadtkino Basel und im kult.kino atelier gezeigt. 

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Informative Berichte rund um die Stadt 

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Kurzfilmtage 

Séance d’information sur le court métrage pour 

la branche suisse / Swiss Industry Information 

16 Juin 2019 

10h à 11h15, Alte Kaserne Winterthur 

Vendredi 9 novembre 2018, 10h à 11h15, 

Alte Kaserne Winterthur 

Le court métrage est souvent oublié dans les discussions sur la 

production, la distribution et l’exploitation des films. Cette fois, il est 

au centre : différents institutions et organismes publics font le point 

sur les préoccupations actuelles de la branche suisse par rapport au 

court métrage. Politique du cinéma, stratégies actuelles et futures 

pour l’encouragement et financement sont au programme du débat. 

Intervenants : Matthias Bürcher (Office fédéral de la culture), 

Patrizia Pesko (Cinéforom), Sven Wälti (SRG SSR), 

Daniel Waser (Zürcher Filmstiftung). 

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Modération : Lucie Bader (Cinébulletin) 

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des verlorenen Sohnes 

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guten Film aus? 

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missglückten? 

Sind die Kriterien bei einem Schweizer Film andere als bei 

einem aus Österreich oder aus Hollywood? Welche Rolle 

spielt dabei die Filmkritik, die Filmbildung oder gar die 

Zensur? Mit welchen Mitteln versucht die Filmförderung, 

die Qualität der geförderten Filme sicherzustellen? Mit 

welchen Filmschulen oder Festivals? Fragen, auf die die 

neue Ausgabe des Jahrbuchs Cinema Antworten sucht. 

Und wie jedes Jahr: Ein Rückblick auf das Schweizer 

Filmschaffen 

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auch arabisch. 

Untertitelungen 

subtitling sous-titrage 

Voice-Over 

v o i x - o ff 

Übersetzungen 

translations traductions 

LiveSubtitling 

sous-titrage virtuel 

118 

119

UNTERSTÜTZUNG 

Bildrausch gäbe es nicht ohne die Menschen, die an uns 

glauben. An erster Stelle sei hier den Kulturabteilungen und 

den SwisslosFonds beider Basel gedankt. Der Dank gilt auch 

allen Stiftungen, Institutionen und Firmen sowie weiteren 

Donatoren, die nicht genannt sein wollen: 

• SwisslosFonds BaselStadt 

• SwisslosFonds BaselLandschaft 

• GGG Basel 

• Sulger Stiftung 

• Isaac DreyfusBernheim Stiftung 

• Doms Stiftung 

• ScheideggerThommenStiftung 

• Istituto Italiano di Cultura Zurigo 

• Aesop 

• Bogen 33 

• Burckhardt+Partner AG 

• Creaplot AG 

• Delinat 

• FedEx 

• Gremper AG 

• Hotel Krafft 

• Mineralquelle Eptinger AG 

• Reck Filmproduktion 

• Stadtgärtnerei Basel 

• SUBS Subtitling 

• tibits 

• Tweaklab AG, Basel 

120 

PARTNERSCHAFT 

• Balimage 

• balzer projects 

• Basel Tourismus 

• Basler Kunstverein 

• Cécile Grieder 

• Christa Wegener 

• Fachmaturitätsschule Basel 

• FOCAL 

• Fondation Beyeler 

• GGG Stadtbibliothek Basel 

• kult.kino 

• Kulturbox 

• Kunsthalle Basel 

• Maya Rikli 

• point de vue – audiovisuelle Produktionen 

• Pro Innerstadt/BaselLive 

• Restaurant Kunsthalle 

• Seminar für Medienwissenschaft der Universität Basel 

• Theater Basel 

• Verein Le Bon Film 

121 

DANK

MEDIENPARTNER 

• Basler Zeitung 

• Cinébulletin 

• cinefile 

• Filmbulletin 

• Filmexplorer 

• Kulturjoker 

• ProgrammZeitung 

• Radio X 

• ray Filmmagazin 

• WOZ Die Wochenzeitung 

DANK 

Bildrausch dankt den folgenden Personen und 

Institutionen für ihren Beitrag zum Filmfest: 

Till Brockmann, Zürich. Cécile Grieder, Basel. Ute Holl, 

Basel. Pamela Jahn, London. Erich Langjahr, Root. 

Marina Mertens, Zürich. Claudia Mertens, Winterthur. 

Primo Mazzoni, Zürich. Luis Miñarro, Barcelona. 

Jean Perret, Genf. Ursula Pfander, Bern. Maya Rikli, Basel. 

Christa Wegener, Basel. 

Fachmaturitätsschule Basel (Tanja Maria Stoller, 

Stephanie Wagner-Büttiker). kult.kino, Basel (Romy Gysin, 

Tobias Faust, Roman Weiss). Kulturbüro, Basel. 

Kunsthalle Basel (Elena Filipovic, Beatrice Hatebur, Rudi 

Pelger). Kunsthalle Restaurant, Basel (Claudia Danuser). 

Sound & Light Pool, Basel (Regine Wetterwald), 

Stadtgärtnerei, Basel (Mareike Holluba). Subs, Hamburg 

(Thorsten Birk). Theater Basel (Mario Fuchs, Beat 

122 

Weissenberger). Verein Le Bon Film (David Glauser, 

Isabel Heiniger, Elisabeth Metzger, Catherine Reinau, 

Christoph Stratenwerth). 

Austrian Films, Wien (Anne Laurent). Balthus, Paris 

(Malena Pellion). Beta Cinema GmbH, Oberhaching/ 

München (Cosima Finkbeiner). Cinémathèque Suisse, 

Lausanne (Frédéric Maire, Caroline Fournier, André 

Schäublin). Coproduction Office, Berlin (Christina 

Demetriou). C.R.I.M., Lissabon (Joana Ferreira, Isabel 

Machado). Deutsche Kinemathek, Berlin (Anke Hahn). 

Doc & Film International, Paris (Théo Lionel). Filmes do 

Tejo, Lissabon (Marie João Mayer). Heretic Outreach, 

Athen (Christina Liapi). Latido Films, Madrid (Marta 

Hernando). Langjahr-Film GmbH , Root (Erich Langjahr). 

New Europe Film Sales, Warschau (Ewa Bojanowska), 

Outside the Box, Renens (Christian Ströhle). Protagonists 

Pictures, London (Mounia Wissinger). Reel Suspects, 

Paris (A. Alvarez Aguilera). sixpackfilm, Wien (Gerald 

Weber). Makino Takashi, Tokio. trigon-film, Ennetbaden 

(Walter Ruggle, Martin Aeschbach). Universal Pictures 

International, London (Kate Wyhowska). Warner Bros. 

Entertainment Switzerland GmbH, Zürich (Marcel 

Lanthemann). 

Und nicht zuletzt danken wir unseren Mitarbeitenden, 

Moderierenden, Helferinnen und Helfern, die mit ihrer 

Begeisterung und ihrem Engagement dieses Festival 

mitgestalten und -tragen. 

123 

DANK

TICKETPREISE 

• Einzeleintritt CHF 17/13 * 

• Early-Bird-Eintritt CHF 13/8 * 

(Vorstellungsbeginn vor 15:00) 

• Multipass CHF 56/44 * 

(4 Eintritte) 

• Festivalpass CHF 110/90* 

* Studierende, AHV, Stadtkino-Mitglieder 

mit Super-8-Karte oder Passepartout 

• Der Eröffnungsfilm ist für Passepartout-Mitglieder von 

Stadtkino Basel/Landkino kostenlos. 

• Der Gedanken/Raum im Stadtkino kostet CHF 17/13*. 

Das Podium Mertens & Marti, das Formel-Super-8- 

Projektorenrennen, die Preisverleihung und sämtliche 

Veranstaltungen auf der Piazza sind kostenlos. 

TICKETVERKAUF 

Vorverkauf (ab 7.6.2019) online auf 

www.bildrausch-basel.ch und an der Kinokasse des 

Stadtkino Basel. Der Verkauf von Festival- und 

Multipässen erfolgt exklusiv an der Kinokasse des 

Stadtkino Basel. Einzeleintritte für sämtliche 

Vorstellungen können im Stadtkino Basel oder im 

kult.kino atelier gekauft werden. 

ÖFFNUNGSZEITEN 

• Die Bar des Stadtkino Basel, der Bildrausch-Salon 

und die Piazza öffnen jeweils eine halbe Stunde vor der 

ersten Vorstellung. 

• DJs legen bis 2 Uhr auf – am Freitag und Samstag 

bis 4 Uhr. 

124 

ANFAHRT 

• Ab Bahnhof SBB: in 7 Minuten zu Fuss oder mit 

Tram 2, 8, 10, 11 bis Haltestelle Bankverein 

• Ab Badischem Bahnhof: Tram 2 bis Haltestelle 

Bankverein oder Tram 6 bis Haltestelle Theater 

• Parkhäuser: Elisabethen, Steinen, Bahnhof 

SPIELSTELLEN UND SATELLITEN 

1 Stadtkino Basel, Piazza und Bildrausch-Salon, 

Festivalzentrum, Klostergasse 5, 4051 Basel 

2 kult.kino atelier, Theaterstrasse 7, 4051 Basel 

3 Formel-Super-8-Projektorenrennen, 

Theaterplatz, 4051 Basel 

4 balzer projects, Wallstrasse 10, 4051 Basel 

< BARFÜSSERPLATZ 

THEATERSTRASSE 

2 

TINGUELY 

BRUNNEN 

THEATER- 

PLATZ 

3 

KLOSTERGASSE 

1 

KLOSTERBERG 

STEINENBERG 

KUNSTHALLE 

ELISABETHEN- 

KIRCHE 

125 

FREIE STRASSE 

4 

ELISABETHENSTRASSE 

HENRIC PETRI- 

STRASSE 

FESTIVALINFORMATIONEN

9. BILDRAUSCH 


· Bildrausch ist eine Initiative des Vereins Bildrausch, 

Theaterstrasse 22, 4051 Basel, Telefon: 061 205 98 81 

· Vorstand: Isabel Heiniger, Hanspeter Giuliani, Brigitte Häring 

· In Zusammenarbeit mit dem Verein Le Bon Film. 

· Vorstand: David Glauser, Isabel Heiniger, Elisabeth Metzger, 

Catherine Reinau, Christoph Stratenwerth 

· Direktion: Nicole Reinhard, Beat Schneider 

· Programmdelegierte: Olaf Möller, Susana Santos Rodrigues, 

Bernd Brehmer 

· Backoffice: Rebecca Szediwy 

· FormelSuper8Projektorenrennen: Primo Mazzoni, 

Nicole Reinhard, Mario Fuchs 

· Produktionsleitung/Technik: Fabian Frei 

· Praktikantin: Dolma Vanetti 

· Medienarbeit, Social Media: Valerio Bonadei 

· PR und Pressetexte: Ursula Pfander 

· Marketing: Waelti Content & PR, Christine Waelti 

· Gästebetreuung: Luzia Böni 

· Trailer: Lav Diaz 

· Website: Angela Reinhard (Gestaltung), Bütler BIZ, 

Bruno Bütler (WebProgrammierung) 

· Webmaster: Kaspar Aebi 

· Buchhaltung: IMAGO Treuhand 

· Kopientransport: Flavio Caldana 

· TeamCatering: Angela Knor 

· Gestaltung BildrauschSalon: Cécile Grieder 

· Blumenschmuck: Maya Rikli 

· Fotografen: Piotr Dzumala, Daria Kolacka, Nicholas Winter 

· FilmfestTeam: Adeline Sirlin (Barchefin), Johannes Wolfsperger 

(Chefoperateur), Sarah Amelie Bodner, Lucy Gmünder, 

Claudia Gruntz, Viktor Klima, Sandro Mazzoni, Catia dos Santos, 

Tobija Stuker, Axel Töpfer, Niggi Ullrich, Tobias Voss 

· AutorInnen: Bernd Brehmer (bb), Patricia Hinkelbein, 

Patrick Holzapfel (ph), Pamela Jahn (pj), Olaf Möller (om), Nicole 

Reinhard, Beat Schneider (bs), Alexandra Seitz (as) 

· Redaktion: Patricia Hinkelbein, Beat Schneider, Nicole Reinhard 

· Korrektorat: Dominik Süess 

· Übersetzung: Andrew Blackwell, Kate Whitebread (Lektorat) 

· Inserate: Barbara KellerBergheimer 

· Grafischer Auftritt: Ludovic Balland Typography Cabinet, 

Ludovic Balland mit Anna Bierler 

· Layout/Satz: Ludovic Balland Typography Cabinet, Anna Bierler 

· Prepress und Druck: Gremper AG 

126

7 

9. BILDRAUSCH 


19.06.—23.06.19 

1 2 

8 

3 

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Bildrausch Filmfest Basel 9, Katalog 2019

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