CRESCENDO 6&7/20 Dezember 2020–Januar 2021

PREMIUM-AUSGABE | DEZEMBER 2020 – JANUAR 2021 

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INKLUSIVE: 

Zugang zu 

150.000 

Klassik-Alben 

CODE IM HEFT 

HÉLÈNE GRIMAUD 

DANIEL BARENBOIM 

DIANA DAMRAU 

ITZHAK PERLMAN 

DOSSIER 

ART GOES DIGITAL 

Tobias 

Moretti 

ANZEIGE 

ist Beethoven – ein 

Spiel zwischen 

Identität und Rolle 

B47837 Jahrgang 23 06/07_2020 

Mit Beihefter CLASS: aktuell 

und Themenspecial Reise&Kultur 

MOZARTWOCHE 2021 

STIFTUNG MOZARTEUM 

SALZBURG 

21. bis 31. Januar 2021 

„Mozart lebt!“ 

Intendant: 

Rolando Villazón

HAPPY 

BIRTHDAY, 

BEETHOVEN! 

DIE NEUE GESAMTEDITION 

SÄMTLICHE KLAVIERSONATEN 


»Der wohl umfangreichste 

diskographische Beitrag zum 

Beethoven-Jahr mit einer Fülle an 

wichtigen und teilweise maßstabsetzenden 

Aufnahmen aus über 100 Jahren.« NDR Kultur 

»Barenboims Beethoven ist kompromisslos, 

voller Abgründe; kontrapunktisch aufwühlend und 

gleichwohl hauchzart ‚an die ferne Geliebte‘ 

schwärmend.« Anne-Sophie Mutter 

SINFONIEN 1-9 

HERMANN SCHERCHEN 

»…bis heute unerreicht, 

eine andere Galaxie. Das 

Orchester keucht, aber das 

Ergebnis ist überwältigend.« 

Rheinische Post 

»Eine Sternstunde der 

Schallplattengeschichte.« 

SWR2 

OPUS KLASSIK 2020 für 

das Lebenswerk 

»Viel besser kann Klavierspiel 

nicht sein!« 

Rondo 

»Rudolf Buchbinder ist 

ein Beethovenianer vor 

dem Herrn. Sein Spiel 

ist zupackend, brillant 

und klar.« 

Piano News 

KLAVIERKONZERT NR.1 

RUDOLF BUCHBINDER 

TRIPELKONZERT 

ANNE-SOPHIE MUTTER, YO-YO MA, 


»Es ist faszinierend, zu erleben, wie brillant, 

konzentriert und gleichzeitig entspannt diese 

drei Weltstars miteinander musizieren.« 

RBB24 

Entdecke jetzt noch mehr Beethoven auf beethoven-playon.com

P R O L O G 

FOTO TITEL: ARD DEGETO/WDR/ORF/EIKON/MEDIA/TOM TRAMBOW 

WINFRIED HANUSCHIK 

Herausgeber 

PREMIUM 

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Mit der Premium-Ausgabe, die Sie 

hier in Händen halten, haben Sie 

als Käufer oder Abonnent nicht nur 

ein Heft voller Musik und Lebensart 

erworben, sondern können auch 

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LIEBE LESER, 

ich hatte mich so gefreut, nach Monaten der Dürre Kunst und Kultur endlich wieder live zu 

erleben – und dann: der neue Lockdown. Von wegen „light“. Allein die Formulierung ist 

doch ein Schlag ins Gesicht aller Künstler, Veranstalter, Kulturschaffenden und Kulturinteressierten, 

bedeutet es doch nichts anderes als „Licht aus“ und Ende! 

Dabei sind weder Konzert- noch Theaterhäuser, weder Ballettbühnen noch Museen die Orte, 

an denen sich das Virus besonders verbreitet. Nirgends ist es leichter, ein Sicherheitskonzept einzuhalten. 

Und nirgends wird das ernsthafter getan. Die Zahlen sprechen für sich. Gleichzeitig 

verstehe ich die Politiker – lieber jetzt die Reißleine ziehen als später hören zu müssen: zu lang 

gewartet! Ich will nicht in deren Haut stecken, stochern sie doch genauso im Nebel wie wir. 

Aber machen wir das Beste draus: Holen wir uns die Kultur nach Hause! Wir hatten Sie ja in 

der letzten Ausgabe schon neugierig gemacht, dass wir die Zeit des ersten Shutdown gut genutzt 

haben. Denn da uns wie fast allen Opern-, Ballett- und Konzertliebhabern der Überblick fehlte, 

wo und wann Live-Übertragungen, Streams oder Klassik im TV stattfinden, hatten wir ständig 

das Gefühl, das Beste zu verpassen. Statt aber in Schockstarre zu verfallen, wurden wir kreativ, 

erinnerten uns an die gute alte Fernsehzeitschrift – und haben sie in die Moderne gehoben. 

Und nun ist es also so weit – Tusch und Taraaa, mit Pauken und Trompeten! We proudly 

present: FOYER. Das digitale Kulturportal. Auf www.foyer.de finden Sie über 500 

Konzerte, Opern, Tanz, Ballett und Dokumentationen. Darunter das Angebot aller öffentlichrechtlichen 

Sender, im Fernsehen und im Stream. Wofür Sie bisher unzählige Webseiten und 

Mediatheken durchsuchen mussten, genügt jetzt: FOYER.DE – Kultur auf einen Klick. 

Lassen Sie sich auf FOYER informieren und inspirieren. Anhand der übersichtlichen Kachel- 

Optik können Sie gezielt suchen, sich auf Kulturreisen begeben oder ein ganzes Themenspektrum 

ins Wohnzimmer holen. Wir haben für Sie sortiert und kuratiert. Und ich hoffe, 

Sie haben an dem Angebot genauso viel Spaß wie wir. Mehr dazu auf den Seiten 80/81. 

Insgesamt aber fanden wir das Thema „Digitalität in der Kultur“ so spannend, dass wir ihm 

hier unser Dossier widmen. Und keine Angst vor abgehobenen Techniktexten – „Art Goes 

Digital“ klingt abstrakter, als es ist. Es gibt einfach viel zu entdecken: Wie gut komponieren 

Computer? Eine junge Komponistin hat das für uns getestet. Wie wird aus Bildern und Fotos 

Kunst? Warum werden Musikinstrumente nicht für jeden Musiker individualisiert? Wie 

kann man ganze Orchester auf die grüne Wiese holen? Alles ziemlich smart! Übrigens: Auch 

der große ITZHAK PERLMAN plaudert über schlechtes WLAN und die Tücken, die im 

Online-Unterricht stecken. Klingt nach Kulturrevolution? Ist es vermutlich auch! Lesen Sie 

dazu den klugen Essay von Maria Goeth auf den Seiten 78/79. 

Daneben wollen wir Sie natürlich weiterhin über Neuerscheinungen und Veranstaltungen 

informieren, Sie kulturell und kulinarisch ver- und entführen und Ihnen erzählen, wer die 

schönsten und aufregendsten Veröffentlichungen auf den Markt bringt. Das sind in diesem 

Fall nicht nur Musiker, sondern auch Schauspieler. Allen voran der wunderbare TOBIAS 

MORETTI, der in dem TV-Ereignis „Louis van Beethoven“ (25.12., ARD) fast schon 

bedrückend authentisch einen Beethoven darstellt, wie er uns noch nie begegnet ist. 

Wir haben außerdem einen gut gelaunten DANIEL BARENBOIM getroffen, eine 

nachdenkliche HÉLÈNE GRIMAUD, den ausgesprochen unterhaltsamen ROLANDO 

VILLAZÓN, schließlich DIANA DAMRAU, KHATIA BUNIATISHVILI, ANKE 

ENGELKE – ein Heft voller großer Namen und Themen. 

Falls Sie sich übrigens fragen, ob CRESCENDO ein bisschen zugelegt hat: Ja, wir sind 

dicker geworden, da wir der Situation geschuldet die letzten beiden Ausgaben des Jahres 

zusammengelegt haben. Die nächste erscheint wie üblich im Februar. Einstweilen hoffe ich, 

wir machen Ihnen das Zuhausebleiben schöner. Viel Spaß beim Lesen – bleiben Sie gesund! 

Ihr Winfried Hanuschik 

w w w . c r e s c e n d o . d e — Dezember 2020 – Januar 2021 3

Profil 

Edition 

Günter 

Hänssler 

Christian Thielemann & Staatskapelle Dresden 

P R O G R A M M 

NEU 

2 CD PH20052 

08 

KLASSIK IN ZAHLEN 

Der Verkauf eines echten 

(ganzen) David Hockney rettet 

das Royal Opera House über 

die Pandemie 

24 

ROBERT STADLOBER 

Der Schauspieler hat sich 

intensiv mit Franz Schubert 

beschäftigt – und 

Gemeinsamkeiten entdeckt 

50 

RAPHAELA GROMES 

Die OPUS-Preisträgerin feiert 

Erfolge mit vergessenem 

Repertoire – eine romantische 

Offenbarung 

GIUSEPPE VERDI 

Messa da Requiem 

PH16075 

ANTON BRUCKNER 

Symphonie Nr. 7 

RICHARD WAGNER 

Liebesmahl der Apostel 

PH15013 

ANTON BRUCKNER 

Symphonie Nr. 8 

PH10031 

3 CD PH20059 

FERRUCCIO BUSONI 

Nocturne Symphonique 

op. 43 

HANS PFITZNER 

Klavierkonzert op. 31 

MAX REGER 

Romantische Suite op. 125 

Tzimon Barto, Klavier 

PH12016 

STANDARDS 

03 PROLOG 

Der Herausgeber stellt 

die Ausgabe vor 

06 BLICKFANG 

Kosmos für Oma: ein 

digitales intergalaktisches 

Museum der Zukunft 

08 OUVERTÜRE 

Klassik in Zahlen 

Was hört ... 

Gábor Boldoczki? 

Mein Beethoven-Moment 

Die Lieblingseinspielungen 

unserer Autoren 

Ein Anruf bei ... 

Mathis Nitschke, 

Entwickler der App 

Inside MPhil 

62 RÄTSEL 

IMPRESSUM 

114 SCHLUSSAKKORD 

Ricardo Simian über 

individuelle Instrumente 

aus dem 3-D-Drucker 

KÜNSTLER 

12 EIN KAFFEE MIT ... 

Anke Engelke 

14 TOBIAS MORETTI 

Perfektes Rollenspiel 

mit Beethoven 

20 KHATIA 

BUNIATISHVILI 

Von der Polyfonie 

der Sinne 

24 ROBERT 

STADLOBER 

Spannende Verbindung 

von Musik und Literatur 

27 ANDRÁS SCHIFF & 

JÖRG WIDMANN 

Lieben sie Brahms? 

Ja, beide! 

30 HÉLÈNE GRIMAUD 

... vermisst ihr Publikum 

34 DANIEL 

BARENBOIM 

„Beethoven spielen ist wie 

sein Tagebuch lesen“ 

38 DIANA DAMRAU 

Dreimal Königin! 

43 ROLANDO 

VILLAZÓN 

Heimat ist Kunst, Kultur, 

Musik und Familie 

46 SELINA OTT 

Newcomerin auf 

der Trompete 

HÖREN & SEHEN 

47 DIE WICHTIGSTEN 

EMPFEHLUNGEN 

DER REDAKTION 

48 FAURÉ QUARTETT 

Farbenreiche Harmonie 

seit 25 Jahren – eine 

Erfolgsgeschichte 

50 RAPHAELA GROMES 

Weltersteinspielung von 

Julius Klengels Drittem 

Cellokonzert und viele 

andere Preziosen 

52 AVI AVITAL 

Mandoline, Mandoline ... 

erstaunlich vielseitig, 

erfreulich virtuos 

54 MALTE ARKONA 

Mit Malte & Mezzo macht 

der Moderator Klassik für 

Kinder populär 

56 CHRISTIAN 

THIELEMANN 

Facettenreiches Glück: 

Arnold Schönbergs 

Gurre-Lieder 

60 SERGEI BABAYAN 

Hingebungsvolle Hommage 

an Rachmaninoff 

61 UNERHÖRTES & 

NEU ENTDECKTES 

Jahrhundertdirigenten von 

Barbirolli bis Rosbaud 

FOTOS: DAVID HOCKNEY; GUIDO WERNER1; SAMMY HART 

haensslerprofil.de 

Haenssler Alliance Distribution 

4 www.crescendo.de — Dezember 2020 – Januar 2021

WIENERSYMPHONIKER.AT 

63 

GABRIELE MÜNTER 

„Unter freiem Himmel“ – eine 

Ausstellung über die Reisen 

des Künstlerpaares Kandinski 

und Münter 

75 


Keine Angst vor der Machtübernahme 

ominöser KIs 

– die Kulturrevolution ist 

längst da. Und sie macht Spaß! 

100 

BASEL 

Ein Spaziergang mit dem 

Dirigenten Ivor Bolton 

durch die kleine große 

Schweizer Stadt am Rhein 

ERLEBEN 

DOSSIER 

LEBENSART 

FOTOS: GABRIELE MÜNTER- UND JOHANNES EICHNER-STIFTUNG, MÜNCHEN; DEEPART.IO; MYRI ROET / PIXABAY 

63 DIE WICHTIGSTEN 

TERMINE UND 

VERANSTALTUNGEN 

64 FRITZ WINTER 

990 Werke aus Malerei und 

Grafik des documenta- 

Künstlers 

66 IOAN HOLENDER 

Schwere Zeiten 

für die Kunst 

WRITTEN ON SKIN 

George Benjamin greift 

einen archaischen Stoff für 

seine Dreiecksgeschichte auf 

67 BEETHOVEN 

IM KINO 

Vom Stummfilm bis zur 

Avantgarde – der Titan hat 

alle Regisseure gereizt 

68 SPIEL IM SPIEL 

Don Quijote im 

Marionettenspiel am 

Theater Duisburg 

71 ULTRASCHALL 

BERLIN 

Das Festival für neue Musik 

wagt auch interdisziplinäre 

Experimente 

75 TABELLE 

Maschine. Macht. Musik 

78 ES LEBE DIE 

REVOLUTION I 

Eine kulturphilosophische 

Reise in die digitale Welt 

80 ES LEBE DIE 

REVOLUTION II 

Das neue Kulturportal 

FOYER geht an den Start 

82 AUGEN AUF IN 

AUGSBURG 

Virtuelle Welten zu Hause 

und auf der Bühne 

86 PLÖTZLICH 

WUNDERKIND! 

Komponier-Apps im Test 

88 TOTAL DIGITAL 

Kleine und große digitale 

musikalische Erfindungen 

90 KOMMENTAR 

Axel Brüggemann macht 

den ultimativen Digital- 

Check für klassische Musik 

92 PERLMAN ONLINE 

Der große Geiger 

dupliziert sich selbst 

96 WOHER KOMMT ... 

... eigentlich der Drang, 

Musik zu automatisieren? 

97 PARIS DIGITAL! 

3 e Scène, die fabelhafte 

Plattform der Pariser Oper 

99 KUNST FÜR 

CRESCENDO 

Aja von Loepers 

„Weiße Blätter“: 

Kunst für die Seele 

100 BASEL 

Die Stadt hat ein neues 

Stadtcasino samt 

sensationellem Konzertsaal. 

Und: Sie hat Ivor 

Bolton! Ein Spaziergang 

104 REISE & KULTUR 

Salzburg, Sachsen, 

Sahnestückchen – am 

Schwarzen Meer und in 

Norwegen 

110 LIEBLINGSESSEN 

Alexander Herrmanns 

Kniefall vor Beethoven: 

ein Weihnachtsdessert 

„Für Elise“ 

112 PAULA BOSCHS 

WEINKOLUMNE 

Weine vom Vulkan: 

der Beginn einer heißen 

Leidenschaft 

der nEuE 

cHeF- 

DiRiGeNT 

DEUTSCHLAND-TOUR: 

30. NOVEMBER – 

6. DEZEMBER 2020 

5

O U V E R T Ü R E 

Babushka in Space 

Die junge ukrainische Künstlerin Uli Golub wollte ein 

Projekt über die Einsamkeit älterer Menschen schaffen. 

Ihre eigene Großmutter ist 85 Jahre alt und kann wegen 

unerträglicher Knieschmerzen ihre winzige Wohnung fast 

nie verlassen, lebt so isoliert wie auf einer Raumstation. 

Golub verfasste deshalb – inspiriert von russischen 

Kosmonauten und zusammen mit ihrer Oma – einen Text 

über das utopische Leben auf einer solchen Raumstation 

und kreierte für die Ars Electronica Moskau dieses 

digitale intergalaktische Museum der Zukunft. 

6 w w w . c r e s c e n d o . d e — Dezember 2020 – Januar 2021

7 

FOTO: ULI GOLUB


KLASSIK 

IN ZAHLEN 

100 

Mitarbeiter der Deutschen Post DHL Group radelten 

von Bonn nach Wien, um dem dortigen Beethoven 

Museum eine goldene Beethoven-Statue zu überbringen. 

Wegen COVID-19 mussten sie kurz vor Wien 

haltmachen. Die letzten Kilometer übernahmen die 

österreichischen DHL-Kollegen. 

12,9 Mio. 

Pfund bekam das Royal Opera House 

für das Gemälde „Portrait von Sir 

David Webster“ von David Hockney. 

Damit will es in der Corona-Krise 

finanziell über die Runden kommen. 

1 Mio. 

Menschen sahen auf ARTE 

Concert die Highlights der 

100. Salzburger Festspiele. Unter 

dem Motto „Salzburg für 

Jedermann“ streamte ARTE 

täglich mehrere Veranstaltungen. 

8,3 Mio. 

Menschen ab 14 Jahren im deutschsprachigen 

Raum gaben laut einer 

Umfrage der AWA (Allensbacher 

Markt- und Werbeträger-Analyse) an, 

dass sie gerne klassische Musik, insbesondere 

Sinfonien und Klavierkonzerte 

hören. Wie schön! 

3 

Originalbriefe der Familie Mozart erwarb 

die Stiftung Mozarteum Salzburg. Neben 

einem Liebesbrief und einem Italienreisebericht 

findet sich darunter auch ein Brief 

an Papa Leopold, den zum ersten Mal das 

Symbol der Freimaurer ziert – danach 

hatten Forscher jahrhundertelang gesucht. 

FOTOS: ISM; DAVID HOCKNEY 


Was hört …? 

GÁBOR BOLDOCZKI 

Der ungarische Trompeter verrät uns seine Lieblingsmusik. 

François Couperin: 

Versailles, Gábor 

Boldoczki, Cappella 

Gabetta, Andrés 

Gabetta (Sony) 

1 

Andrés Gabetta, Cappella Gabetta: Tango Seasons 

Eine sensationelle Einspielung in jeglicher Hinsicht. Die 

wunderbare Musik von Vivaldi und Piazzolla lädt mich mit 

positiver Energie auf und gibt mir gute Laune. Die Interpretation von 

Andrés Gabetta ist spannend und großartig. 

2 

Iveta Apkalna, Mariss Jansons, BRSO: Orgelwerke 

von Saint-Säens und Poulenc 

Ich verbinde damit unglaublich schöne und tiefe Erinnerungen 

an den großen Maestro Mariss Jansons. Genauso die Musik – die 

beiden absoluten Klassiker des Orgel- und Orchesterrepertoires 

berühren uns immer. Es ist unfassbar, welche neuen, musikalisch 

unvergleichbaren Wege Maestro Jansons hier gegangen ist. 

3 

Albrecht Mayer, Sinfonia Varsovia: New seasons 

Ich höre jede Aufnahme von Albrecht Mayer immer 

wieder gerne. Seine Repertoire-Auswahl ist spannend 

und einfach wunderbar musiziert. 

4 

Fazil Say: Mozart Complete Piano Sonatas 

Fazil Say verzaubert die Zuhörer durch seine 

charismatische Ausstrahlung und ehrliche Interpretation. 

Ich liebe auch seine Kompositionen und bin geehrt, dass er mich 

mit seinem Trompetenkonzert beschenkt hat. 

5 

Regula Mühlemann, Kammerorchester Basel: 

Mozart Arias II 

Wie virtuos man mit einer Stimme umgehen kann, welche 

Farbenpracht sich da entfaltet, das zeigt Regula Mühlemann ganz 

wunderbar mit ihrem zweiten Mozart-Arien-Album. 

MEIN BEETHOVEN-MOMENT 

Zum Ende des Jubiläumsjahres noch zwei Lieblingseinspielungen unserer Autoren 

Jens Laurson 

Ich erinnere mich noch ganz genau, wie ich in meinem kleinen Studentenzimmer, 

wo das Bett die einzige Sitzgelegenheit war, die CD mit Thomas 

Zehetmairs Interpretation von Beethovens Violinkonzert einlegte. Ich war 

von den ersten Paukenschlägen hin und weg: als wäre ich wieder ein Kind 

und mein Vater würde das Konzert zum ersten Mal für mich abspielen. 

Spätestens wenn diese Paukenschläge in der Beethoven-Schneiderhan- 

Kadenz wiederkehren, rollen mir dicke Tränen die Wangen herunter. 

So bewegend stelle ich mir meinen idealen Beethoven vor. 

Stefan Sell 

Was einen als Kind begeistert, ist Elixier fürs ganze 

Leben. Bei mir war es das Presto aus Beethovens 

Siebter Sinfonie. 1969, ich war zehn, als mich 

Bernsteins Aufnahme mit den New Yorker 

Philharmonikern schier hinwegfegte. So viel 

Leidenschaft, Präsenz und Intensität, da 

wusste ich: Wenn es so eine Musik gibt, dann 

ist in diesem Leben alles möglich. 

9


Der begehbare Klang 

Ein Anruf bei Mathis Nitschke, Entwickler der App Inside MPhil, mit der man sich auf einer Wiese in 

München plötzlich mitten zwischen den Münchner Philharmonikern wiederfinden kann. 

CRESCENDO: Herr Nitschke, wobei störe ich Sie gerade? 

Mathis Nitschke: Wir arbeiten an einer Werkstatt-Performance, 

bei der ein Schlagzeuger mit einer künstlichen Intelligenz 

zusammenspielt. Daran programmiere ich gerade. 

Was verbirgt sich hinter Inside MPhil? 

Inside MPhil macht den Klang innerhalb eines Orchesters für den 

Nichtorchestermusiker erfahrbar. Wir betrachten das Orchester 

als Topografie, als Landschaft. Das haben wir ganz buchstäblich 

umgesetzt: Wir haben den Klang des 

Orchesters in die Landschaft verortet und 

ihn mit GPS und Kompass des Smartphones 

erforschbar gemacht. 

So kann man auf einer Wiese neben der 

Münchner St.-Nikolai-Kirche klanglich 

durch die Münchner Philharmoniker 

schlendern, die den 4. Satz von Robert 

Schumanns 1. Sinfonie spielen – mal zu den 

Trompeten, mal zur Oboe oder den ersten 

Geigen. Wie kam es zu dem Projekt? 

Bei der Oper Vergehen, einem musiktheatralen 

Spaziergang an der Isar, habe 

ich bereits begonnen, mit Apps zu 

arbeiten. Das war mein Einstieg, das Smartphone als künstlerisches 

Medium zu begreifen und nicht nur als Kommunikationsund 

Informationsmedium. Das Smartphone kann auch ein 

Gefühl von In-der-Welt-Sein erzeugen, nicht nur eines des 

Aus-der-Welt-Seins oder Ablenkens. Diese Vision traf sich mit der 

von Gunter Pretzel, frisch pensionierter Bratscher der Münchner 

Philharmoniker. Pretzel arbeitet seit Jahrzehnten daran, Erfahrungen 

des intimen Instrumentenklangs – so wie er und seine 

Kollegen ihn erleben – für Nichtmusiker erfahrbar zu machen. 

Er erzählte mir vom Problem, dass der Klang des Orchesters viele 

seiner Kollegen und ihn häufig enttäuscht, wenn sie es aus dem 

Publikum anhören. Der Klang ist zu weit weg, man ist nicht Teil 

des Geschehens. Seit vielen Jahren sucht er nach einem Weg, die 

Klangerfahrung des Orchestermusikers Menschen zu vermitteln, 

die nicht im Orchester sitzen. So kam es zur Idee, mit dem 

Smartphone durch den Klang des Orchesters zu laufen. 

Mathis Nitschke schafft mit einfachen Apps 

völlig neue Klangerfahrungen 

Was gab es dabei für technische Schwierigkeiten? 

Um die Illusion zu schaffen, dass ein Klang von rechts hinten oder 

links vorne kommt, muss er das eine Ohr anders erreichen als das 

andere. Dazu nutzt man die sogenannte binaurale Kopftransferfunktion, 

die aber nur unter Laborbedingungen wirklich gut 

funktioniert. Dazu müsste man die Instrumente völlig isoliert 

voneinander aufnehmen, aber dann entsteht keine Musik mehr! 

Um die Signale, die ich dazu brauchte, aus einem ganz normalen 

Orchestermitschnitt herzustellen, habe ich 

viel experimentiert. Am Ende hatte ich 

22 Spuren, die im Smartphone gemischt und 

in Raumakustik verwandelt werden. Dabei 

den Kompromiss zu finden zwischen best - 

möglicher Klangqualität und Kompatibilität 

auch mit etwas älteren Smartphones, war ein 

langer Weg! Außerdem sind der Kompass 

und das GPS sehr ungenaue Gesellen. Es gäbe 

Gerätschaften, mit denen man das lösen 

kann, aber das Schöne ist ja, dass man kein 

zusätzliches Equipment braucht: Ein 

Smartphone und Kopfhörer hat fast jeder. 

Das habe ich mir auf die Fahne geschrieben: 

Die Leute sollen nicht noch mal 20 Lautsprecher kaufen 

müssen, sondern unmittelbar Zugang haben. 

Was kommt als Nächstes? 

Eine der schönsten Erfahrungen, die man mit Inside MPhil 

machen kann, ist, von der Wiese wegzulaufen. Man lässt das 

Orchester auf der Wiese zurück, es wird immer kleiner und leiser. 

Es hat seinen Ort auf dieser Wiese, und man kann zurückkehren 

und wieder in den Klang eintauchen. Das wird das Spielprinzip 

der nächsten App, die mit den Planeten von Gustav Holst 

abendfüllend sein wird. Die Planeten sind im Park verteilt. Mit 

einem virtuellen Raumgleiter kann man von Planet zu Planet 

fliegen. Das wollen wir in allen Münchner Parks gleichzeitig 

rausbringen, es wird also nicht mehr so ortsspezifisch sein. Später 

sollen sich die User die App auch weltweit auf einem Park in ihrer 

Nähe einrichten können. Sie erscheint vermutlich nächsten März. 

Weitere Infos unter mathis-nitschke.com Maria Goeth 

Ich kann den Geist der Musik 

nicht anders fassen als in Liebe. 

Richard Wagner 

EIN WALD FÜR BACH 

Jährlich begrüßt das Internationale Bachfest über 70.000 Gäste 

im Störmthal bei Leipzig. Nun will der Bachfest-Intentant 

Michael Maul mit dem Projekt 

„Ein Wald für Bach“ 

ein Zeichen im Kampf gegen 

die CO 2 

-Emission 

setzen: Mit der Pflanzung 

von insgesamt 126.000 

Bäumen und mehr als 

3.600 Sträuchern am 

Störmthaler See sollen bis zu 290 Tonnen Kohlen dioxid pro 

Jahr gebunden und somit ein Beitrag zu einer verbesserten 

Luftqualität geleistet werden. 

FOTOS: ASTRID ACKERMANN; FRANZ HANFSTAENGL; PETER H. (PIXABAY) 


J o h a n n e s B r a h m s 

C l a r i n e t S o n a t a s 

A n d r á s S c h i f f , J ö r g W i d m a n n 

András Schiff 

Johannes Brahms Clarinet Sonatas 

Jörg Widmann 

G e m e i n s a m l o t e n A n d r á s S c h i f f u n d J ö r g W i d m a n n 

d i e s p ä t e n K l a r i n e t t e n s o n a t e n v o n J o h a n n e s B r a h m s a u s . 

E i n e n h e r b e n , f a s z i n i e r e n d e n K o n t r a s t b i l d e n d i e I n t e r m e z z i f ü r 

K l a v i e r v o n J ö r g W i d m a n n , d i e d e m P i a n i s t e n g e w i d m e t s i n d . 

E C M N e w S e r i e s 2 6 2 1 

C D 

e 

T i g r a n M a n s u r i a n 

C o n a n i m a 

A n l ä s s l i c h d e s 8 0 . G e b u r t s t a g s d e s a r m e n i s c h e n K o m p o n i s t e n 

n a h m d a s E n s e m b l e u m d e n G e i g e r M o v s e s P o g o s s i a n u n d 

d i e B r a t s c h i s t i n K i m K a s h k a s h i a n n e u e r e K a m m e r m u s i k w e r k e 

e r s t m a l s a u f . 

T i g r a n M a n s u r i a n 

C o n a n i m a 

E C M N e w S e r i e s 2 6 8 7 C D 

E r h ä l t l i c h a b 6 . N o v e m b e r 

A n j a L e c h n e r , F r a n ç o i s C o u t u r i e r 

L o n t a n o 

B e h u t s a m v e r w o b e n i s t d a s n e u e P r o g r a m m d e r C e l l i s t i n 

A n j a L e c h n e r u n d d e s P i a n i s t e n F r a n ç o i s C o u t u r i e r , 

d a s z w i s c h e n e i g e n e n K o m p o s i t i o n e n , f r e i e m S p i e l u n d 

W e r k e n v e r t r a u t e r K o m p o n i s t e n o s z i l l i e r t . 

e 

E C M 2 6 8 2 

C D / L P 

e 

Anja Lechner 

François Couturier 

Lontano 

E r k k i - S v e n T ü ü r 

L o s t P r a y e r s 

F l i r r e n d e K l a n g f l ä c h e n u n d s c h r o f f e G e g e n s ä t z e – 

d i e K l a n g s p r a c h e d e s e s t n i s c h e n K o m p o n i s t e n 

e n t f a l t e t i n d i e s e r k a m m e r m u s i k a l i s c h e n A u s w a h l 

a l l i h r e S o g k r a f t – e i n g e s p i e l t v o m S i g n u m Q u a r t e t t , 

T a n j a T e t z l a f f u n d d e m T a l l i n n T r i o . 

E C M N e w S e r i e s 2 6 6 6 C D 

E r h ä l t l i c h a b 1 3 . N o v e m b e r 

ECM 

Erkki-Sven Tüür 

Lost Prayers 

C y r i l l u s K r e e k 

T h e S u s p e n d e d H a r p O f B a b e l 

V o x C l a m a n t i s , J a a n - E i k T u l v e 

C y r i l l u s K r e e k s c h ö p f t a u s d e n Q u e l l e n d e r V o l k s m u s i k 

s e i n e r e s t n i s c h e n H e i m a t . S e i n e P s a l m v e r t o n u n g e n u n d 

g e i s t l i c h e n V o l k s l i e d b e a r b e i t u n g e n s i n d g e p r ä g t v o n 

i n n i g e r M e l o d i k u n d v o n e v o k a t i v e r K r a f t – i n s t r u m e n t a l e 

Z w i s c h e n s p i e l e d e r N y c k e l h a r p a u n d K a n n e l v e r w e b e n 

d i e s e z u e i n e m v i e l s c h i c h t i g e n K l a n g g e b i l d e . 

„ Ö f f n e t m u s i k a l i s c h e u n d m e t a p h y s i s c h e 

R ä u m e , d i e m a n g e r n b e t r i t t . 

E i n e h o c h a u r a t i s c h e A u f n a h m e . “ 

C h r i s t i n e L e m k e - M a t w e y , S W R 

e 

Cyrillus Kreek 

T h e S u s p e n d e d H a r p o f B a b e l 

V o x C l a m a n t i s 

Jaan_Eik Tulve 

E C M N e w S e r i e s 2 6 2 0 

C D 

www.ecmrecords.com 

www.klassikakzente.de / e cm-sounds 

e

TKI ÜT NE LS ZT EL IE LRE 

Auf einen Kaffee mit ... 

ANKE ENGELKE 

VON RÜDIGER STURM 

FOTO: NETFLIX / TOBIAS SCHULT 


Die reinen Comedy-Zeiten von Anke Engelke scheinen vorüber. In ihrer sechsteiligen 

tragikomischen Serie „Das letzte Wort“ (seit September auf Netflix) spielt die 54-Jährige 

eine Trauerrednerin, die selbst den Tod ihres Mannes zu verarbeiten hat. Der erste 

Eindruck beim persönlichen Treffen trügt nicht: Tatsächlich hinterließ die Arbeit an 

solchen Themen eine tiefbleibende Wirkung, wie sie im Interview gesteht. Auch weil ihrer 

Ansicht nach Kunst und Kultur die Grenzen der Endlichkeit überwinden können. 

CRESCENDO: In Ihrer Netflix-Serie Das letzte Wort spielen 

Sie eine Trauerrednerin, die selbst den Tod ihres Mannes zu 

bewältigen hat. Macht das ein bisschen Angst, wenn man so 

intensiv in das Thema „Sterben“ eintauchen muss? 

Anke Engelke: Total berechtigte Frage. Aber meine Antwort ist: 

nein! Obwohl das Thema so schwer ist, war mit der Vorbereitung 

und dem Dreh der Serie eine solche Leichtigkeit verbunden. Die 

intensive Zusammenarbeit hat mich dem Team nähergebracht, 

auch privat. Gestern war ich zum Beispiel mit meiner Co-Darstellerin 

Nina Gummich etwas essen und trinken. Das ist normalerweise 

nicht der Fall. Durch „Das letzte Wort“ bin ich, glaube ich, 

positiver gestimmt: jetzt erst recht das Leben genießen, jetzt erst 

recht mit vollem Bewusstsein durch den 

Tag latschen, anstatt zu denken „Lohnt 

sich nicht, ist eh bald alles vorbei“. Ich 

habe offenbar an Zuversicht gewonnen. 

Hatten Sie diese Wirkung erwartet? 

Das ist vielleicht ein Geschenk in der 

Schauspielerei, dass man nicht weiß, wohin 

die Reise geht. Ich will es mir auch nicht 

vorstellen. Dafür muss man keine Mystery- 

Serie mit Drachen oder Krimis, Schießereien und Verfolgungsjagden 

drehen. Gefühle allein reichen aus, um die Welt auf den Kopf 

zu stellen. Natürlich kannte ich den Inhalt bis auf den letzten 

Satz. Ich habe ja die Drehbücher gelesen. Aber die emotionale 

Reise stand nicht auf dem Ticket. 

Um es plakativ zu formulieren: Sie haben dem Tod ins Auge 

geschaut und dadurch das Leben mehr schätzen gelernt. 

Wenn Sie es so formulieren, klingt es fast ein bisschen kitschig. 

Aber klar, so ist es. Ich möchte nur aufpassen, dass ich nicht in 

einen Kalenderspruch-Schnack verfalle (beginnt zu singen): 

„Genieße das Leben, du hast nur eins, lass es nicht vorbeizieh’n, 

es gibt nämlich keins, das du wiederholen kannst ...“ 

Was im Grunde sachlich nicht falsch ist ... 

Ja, aber man hat so einen Kitschdetektor, und dann macht man 

zu. Es gibt Momente bei jedem Menschen, da wird man plötzlich 

weich und ist empfänglich für so etwas. Aber eigentlich möchte 

man das nicht sein und sagt sich „Das ist mir zu triefig, ich tue 

mir so eine Schnulze nicht an“. Andererseits, was ist der Unterschied 

zwischen Schlagern und zum Beispiel Lately von Stevie 

Wonder oder Sometimes It Snows In April von Prince? Das sind 

Lieder, bei denen ich innerlich weine, vielleicht auch manchmal 

richtig. Wenn man diese Texte auf Deutsch übersetzt, gibt es aber 

vielleicht ein böses Erwachen, und ich merke, „Alter, da ist ganz 

viel Pathos und Kitsch drin“. Wenn ich die deutsche Übersetzung 

als Poster an die Wand hänge, würden sich Schlagerfans vielleicht 

davor auf die Knie werfen. 

Welche Musikstücke begleiten Sie Ihr Leben lang? 

Das hat oft etwas zu tun mit der musikalischen Sozialisation, 

oder? Wann war man das erste Mal auf einem Pop- oder Rockkonzert? 

Welche Einflüsse hatten Musiklehrer, Chorleiter, 

Elternhaus? Diese Eindrücke bleiben. Jeder, der 40 oder 50 ist, 

weiß, dass er von bestimmten Liedern von früher berührt wird, 

„MIT DEM TOD IST ES NICHT 

AUS UND VORBEI. KEINER 

KANN MIR ERZÄHLEN, DASS 

SEELEN VERSCHWINDEN“ 

und er schämt sich dessen nicht mehr. In den 80ern habe ich zu 

Sachen getanzt, die ich heute zwar nicht mehr gut finde, aber 

die trotzdem noch etwas in mir triggern. Kürzlich habe ich 

wieder etwas von dem Funk-Musiker Roger Troutman gehört, der 

mit einer sogenannten Talkbox Gesang und Keyboard-Spiel 

vermischt hat. Heute klingt das out, aber damals hörte ich zum 

ersten Mal eine verfremdete Stimme und dachte mir: wow. 

So viel zum Thema Dance Music. Was ist mit trauriger Musik? 

Ich war in den 80ern bei einem Konzert von Ryūichi Sakamoto in 

der Tonhalle in Düsseldorf, da habe ich Rotz und Wasser geheult. 

Bis heute fange ich dabei sofort an zu flennen – ich weiß nicht, 

warum. Vielleicht weil ich mich damals in einer bestimmten 

Lebensphase befunden habe. Ich liebe die 

Pavane für eine tote Prinzessin von Ravel. 

Kompositionen von Brahms haben bei mir 

einen festen Platz. Und einer meiner 

ewigen Favoriten bleibt Prince. Sometimes 

It Snows In April habe ich schon erwähnt. 

Ich bin traurig, dass er gestorben ist, und 

höre das Stück heute anders als vor 35 

Jahren. Was mich dann zu seinen 

musikalischen Wegbegleiterinnen Wendy & Lisa bringt. Höre ich 

ihre Musik, bin ich im Kopf wieder in Kalifornien. Als ihre erste 

Platte 1987 herauskam, war ich dort. All diese Impressionen 

werden bleiben. Interessanterweise haben die sehr viel mit Jugend 

und Adoleszenz zu tun. 

Wenn die Wirkung von Kunst und Kultur so lange anhält, ist 

das vielleicht ein Zeichen für eine Art von Unsterblichkeit? 

Hui, gute Frage, aber das betrifft eher Jahrhundertkünstler, oder? 

Aber nicht meine Liga: Was ich mache, ist in 100 Jahren vergessen. 

Aber Sie selbst erwähnten die dauerhafte Wirkung von Kultur. 

Das stimmt schon. Man geht ins Museum, steht vor einem Bild, 

glotzt es an und denkt: Das kann doch nicht wahr sein, dass es 

mich so umhaut. Was hat das für eine Kraft? Ich mag zum 

Beispiel ganz viele Arbeiten von Louise Bourgeois. Bei einigen 

ihrer sehr feministischen Skulpturen und zärtlichen Zeichnungen 

denke ich oft: Das muss bitte die ganze Welt sehen. Vielleicht 

begreifen wir dann etwas. Also, ja, Kunst kann eine solche Kraft 

für die Ewigkeit haben, auch wenn viele Künstler zu Lebzeiten ja 

gar nicht wissen konnten, dass sie sich unsterblich machen. Wenn 

ich an Malerinnen und Maler denke, die für die Kunst lebten, 

aber nichts zu fressen hatten, weil sie alles Geld für Farben 

ausgeben mussten. Interessante Vorstellung, wenn man ihnen 

hätte sagen können, was aus ihrem Werk wird. 

Glauben Sie, dass es etwas jenseits der Grenze des Todes gibt? 

Es ist nicht aus und vorbei. Auf keinen Fall. Mir passiert es 

regelmäßig, dass ich innehalte und zum Beispiel einen Satz nicht 

beende, weil ich irgendetwas gespürt habe. Ich denke mir: Was 

war das jetzt? Ich kann es aber nicht erklären. Dabei bin ich nicht 

esoterisch oder religiös, höchstens spirituell. Aber da ist ganz viel. 

Es kann nicht sein, dass Seelen verschwinden. Das kann mir 

keiner erzählen. 

Das letzte Wort läuft seit 17. September 2020 auf Netflix. Weitere Infos: netflix.com 

n 

13

K Ü N S T L E R 

DAS BEGREIFEN 

VON LEBEN 

UND STERBEN 



15 

FOTO: THOMAS KOST

C 


FOTO: ARD DEGETO/WDR/ORF/EIKON/MEDIA/TOM TRAMBOW 


Ob ihn seine Radikalität so einsam gemacht hat oder 

seine Taubheit, wird ein ewiges Geheimnis bleiben. Doch 

ist es fast schon gespenstisch, was im TV-Ereignis 

Louis van Beethoven zum Abschluss des Jubiläumsjahres gelingt: 

Tobias Moretti zeichnet ein Bild des Komponisten, das 

Genie und Mensch miteinander verwebt. Ein Psychogramm, 

das so verstörend wie faszinierend ist. 

VON VERENA FISCHER-ZERNIN 

RESCENDO: Auf Beethoven können sich alle 

einigen. Er sieht aus wie ein Rockstar, hat wilde 

Musik geschrieben, hat radikal seine Meinung gesagt. Wie 

entgehen Sie als Darsteller dem allzu Wohlfeilen? 

Tobias Moretti: Das ist ein Klischee der 70er-Jahre, als er ein Teil 

der Popkultur wurde. Heute ist er zur Dauerattraktion verdammt. 

Zugleich ist das, was ihn als politischen Menschen seiner 

Zeit ausmacht, total in Vergessenheit geraten. Das hat er nicht 

verdient. Insofern ist jede Form von Beschäftigung mit ihm, auch 

der Film Louis van Beethoven, entscheidend und wichtig. 

Der Film erzählt ganz klassisch Beethovens Leben in einer 

Rahmenhandlung mit Rückblenden. 

Meine Rolle ist der Beethoven, den wir kennen, in seinen letzten 

Lebensmonaten als tauber Mensch. Es geht darum, diesen 

vorausschauenden Geist zu begreifen in seiner Radikalität, aber 

auch im Scheitern, in der Nichtbewältigung seiner 

Lebensumstände. 

Der Handlungsabriss liest sich fast wie ein Lexikoneintrag. 

Wenn man einen historischen Film macht – ich denke an 

Monumentalwerke wie Der Untergang –, suggeriert man damit 

nicht unweigerlich: Genau so war’s? Können Sie die Distanz 

noch deutlich machen, den hypothetischen Charakter? 

Als Schauspieler ist das für mich relativ einfach: Es ist die 

Behauptung, so könnte es gewesen sein. Und die Behauptung ist 

nachvollziehbar: in der Verzweiflung, auch in der Banalität im 

Kampf mit dem alltäglichen Leben. Ein musikalisches Genie, 

dessen Schicksal es seit 30 Jahren ist, von der Außenwelt akustisch 

abgeschnitten zu sein: Das macht einem sofort einen Weg 

frei in seine Innenwelt. 

Wo er selbst doch das Gefühl hatte, dass ihn niemand verstand. 

Und vermutlich zu Recht. 

In seiner politischen Reflexion, in der Gesellschaftsreflexion ist er 

ganz klar. Seine Radikalität zeigt sich im Umbruch seiner 

kompositorischen Mittel. Aber neben dieser Klarheit nach außen 

steht eine völlig andere Wahrnehmung der Innenwelt. Dieser 

Widerspruch macht ihn zu einem Menschen, der niemandem 

traut, der ständig Aggressionen hegt, den nicht mal die eigenen 

Musiker mehr verstehen. In seinem Fortwirken, in seinem Drang, 

seinem Druck, seinem Müssen geht er völlig neue Wege. Aber er 

muss sie alle mit sich ausmachen, denn er weiß nicht, wie die 

Außenwelt sie wahrnimmt. Wir sehen das in der Großen Fuge ... 

... die im Film leitmotivischen Charakter hat. 

Sie ist etwas so Unglaubliches. Sie hören Alban Berg, Sie hören 

Schönberg. Und hören dann, wie die Musik zum Einfachen 

zurückfindet, zur Harmonie, wie sie wieder zur Essenz wird. 

Das ist eine fast göttliche Vorgabe dessen, was wir als Menschen 

können und vermögen. Dass wir Dinge begreifen, die man 

eigentlich nicht begreifen kann. Die Rückführung auf ein 

einzelnes Wort, auf eine einzelne Melodie, das ist doch das 

Begreifen von Leben und Sterben. Genau das macht ein Genie 

aus. Genau das macht dieses Genie aus. 

Es gibt zu Beethoven sehr viele Zeitzeugnisse, und es gibt sein 

Werk. Wie haben Sie ihn von dort aus emotional verstehen 

gelernt? 

Wie spielt man jemanden, der nichts hört? Zunächst ganz profan. 

Ich habe mir Ohrenstöpsel reingetan. So kann ich so eine Figur 

natürlich nicht spielen, aber von dort kam ich dann schnell dahin, 

mich in einer abgekapselten Innenwelt zu fühlen: Was im Außen 

geschieht, nehme ich nicht mehr wirklich wahr. Sondern nur das, 

von dem ich mir einbilde, dass es außen vor sich geht. 

Und das entfernt Sie von der Welt. 

Das entfernt mich. Diese Entfernung befördert das paranoide 

Interpretieren, und daraus erwächst eine ständige Irritation. 

Boshaftigkeit. Sarkasmus. Zynismus. Misanthropie. Beethoven ist 

immer begleitet von Satellitengebilden der eigenen Wahrnehmung. 

Das ist schrecklich. Ich habe am dritten Drehtag eine Mandelentzündung 

bekommen und habe meiner Ärztin geschrieben. Dann 

fragte sie: „Was machst du denn gerade – ah, Beethoven – ja, wie 

17


geht’s dir denn?“ Ich habe ein privates Foto geschickt. Und sie hat 

geantwortet: „Man sieht, dass er nichts hört.“ 

So weit war die Identifikation fortgeschritten? 

So weit hatte sich die Figur eingegraben. Und wenn das gelingt 

im Film, dann ist der Grundzustand erreicht, von dem ich 

ausgehen kann. 

Sie spielen einen Komponisten, der mit dem Komponieren 

ringt. Und haben selbst eine Zeit lang Komposition studiert. 

Mein Zugang damals war allerdings 

ein relativ unbedarfter. Ich hatte eine 

sehr naive Vorstellung. Die Pubertät 

hievt einen ja in so eine romantische 

Sehnsucht. Und dann sitzt man 

plötzlich da und ist mit Mathematik 

und Physik konfrontiert und denkt 

immer: Wo ist meine Musik? Das war 

eine schreckliche Erfahrung. 

Wie ging es Ihnen denn, als Sie 

merkten, Sie würden das nicht 

weiterverfolgen? 

Das war eine befreiende Erkenntnis. Wenn ich den Schritt nicht 

gemacht hätte, wäre ich vielleicht ein verkappter Medienkompositeur 

mit klassischem Anspruch geworden und hätte ein kaputtes, 

zynisches Leben geführt. Ich habe ein Glück in meinem Leben: 

dass ich so ein Überlebenstier bin. Einer, der ein bissl misstrauisch 

ist und immer vorm Abgrund Angst hat oder vor der 

eigenen Mittelmäßigkeit. Und deswegen hab ich da gedacht 

(haut auf den Tisch): Das ist ein anderes Leben. 

So ehrlich sich selbst gegenüber muss man erst mal sein. 

Das ist kein großes Verdienst, das ist einfach nur ein Muss 

gewesen. Das hat mich zuerst natürlich in ein Vakuum geschmissen. 

Aber dann habe ich eine andere Form des künstlerischen 

Ausdrucks gefunden, und das war Schauspiel. 

Ist das zu Ihnen gekommen? 

Ich dachte, ich will das mal ausprobieren. Es gab eine Verbindung 

zur Falckenberg-Schule in München. Die war angebunden an die 

Münchner Kammerspiele, die damals das Theater schlechthin 

waren. Ich war viel früher einmal, noch als Hauptschüler, in Wien 

im Burgtheater. Da haben die mehr gesungen als gespielt, also 

deklamiert, und das fand ich grausam, so künstlich, so befremdend. 

(Beschreibt summend einen Bogen:) „Mmmhh!“ Ich habe 

das gehasst. Und ein paar Jahre später geh ich in die Kammerspiele 

und seh den Felix von Manteuffel und Lisi Mangold in 

Ernst Wendts Inszenierung von Kleists Käthchen. Ich bin nur 

dagesessen mit offenem Mund und dachte: „Was ist das? Warum 

können die so komplizierte Texte sprechen, als würd ich daheim 

in der Kuchl sitzen und sagen, bring mir mal den Löffel rüber? 

Da wusste ich: So ein Schauspieler will ich werden. Der die 

komplexesten Texte und Bedeutungen so vermitteln kann, als 

würden sie grad in mir entstehen. Das ist übrigens bis heute 

mein Verständnis. 

Also nicht die Schönheit der Sprache vermitteln ... 

... sondern den Inhalt der Sprache. Die Schönheit ist eine andere 

Sache. Da geht es um die Ästhetik, und die gewinnt man im Zuge 

des Alterns, des Reifens, des Werdens als Mensch. 

Um Artikulation und Deklamation geht es Ihnen offenbar 

gar nicht? 

Da bleibe ich lieber in der Interpretation. Was will ich damit 

erzählen? Wenn wir jetzt bei Beethoven bleiben: Was will er mit 

der Großen Fuge? 

Aber lassen Sie uns im Zusammenhang mit Beethoven doch 

noch ein wenig bei Ihnen bleiben: Sie sind ja Österreicher. 

Gelernter, ja. (Menschen, die Land, Leute und Verhältnisse eines 

Landes gut kennen, Anm. d. Red.) Das sagt man so bei uns. 

„DIE GROSSE FUGE IST EINE FAST 

GÖTTLICHE VORGABE DESSEN, 

WAS WIR ALS MENSCHEN KÖNNEN 

UND VERMÖGEN“ 

Und? War Beethoven ein Wiener? 

(lebhaft) Das glauben nur die Wiener, dass Beethoven ein Wiener 

war! Ich bin aber keiner! Deshalb habe ich meinen Beethoven im 

Film ja auch rheinisch „jesprochen“. 

Aber sehr dezent. An der Stelle habe ich mich gefragt: Hat 

Beethoven wirklich so wenig rheinisch gesprochen? 

Es sollte nicht zu viel sein. Aber es sollte schon klar werden, dass 

er von dort kommt. Die Klangfarbe eines Dialekts ist sehr 

wichtig. Das ist auch ein großer 

Verlust unserer Zeit. Dass wir die 

Klangfarben der Dialekte verlieren, 

weil die Dialekte der Ausdruck des 

Wesenszuges sind. Des Begreifens. 

Bei Goethe heißt es ja nicht umsonst: 

„Neische, neische, Schmerzensreische“ 

– da weiß man, dass er Hesse 

war. „Neige, neige, Schmerzensreige“, 

das gibt’s nicht. Wenn wir das 

ums Eck denken: Goethe hat bei 

Gretchen eine ganz klare soziale Zuordnung vor Augen. Sie hat 

nur Dialekt gesprochen, weil sie ein einfaches Mädchen war, im 

Gegensatz zu Faust. Der Dialekt hat einen großen, wichtigen, 

verdammten Sinn. Das zu begreifen, wäre ein wichtiger Schritt 

für unsere Deutschpädagogen. 

Dazu gibt es in der Musik Parallelen in der Bedeutung der 

Volksmusik. 

Mit der bin ich aufgewachsen. So wie viele bei uns. Am Land in 

Österreich haben wir eine große musikantische Kultur, und das 

ist die Basis für die musikalische. Harnoncourt hat oft – gerade 

bei Mozart, aber auch bei Haydn – dramatische Zusammenhänge 

in der Analyse aus der Volksmusik hergeleitet. Immer wieder. 

Welches Instrument haben Sie gespielt? 

Klavier und Orgel und in der Kirche, ein bisschen Gitarre, ein 

bisschen Klarinette. Nichts richtig natürlich, so wie viele 

Kompositionsstudenten, zum Umfassen und Begreifen der 

spielbaren Struktur. 

Lauter Harmonieinstrumente. 

Trompete hat mich immer fasziniert. Aber da mein Zugang als 

Schauspieler, der ja zu faul zum Üben ist, mich vom Ansatz her 

ausgrenzt, bleibt mir nur Basstrompete zum Dazufarb’ln, also 

zweite, dritte Stimmen. Aber das spiel ich aus vollem Herzen und 

immer gern. 

Eine typisch alpenländische musikalische Sozialisation also? 

Das ist ein großes Glück, wenn man in Österreich aufwächst. 

Neulich war ich beim Wiener Philharmonikerball. (Das Gespräch 

fand bereits im März 2020 statt, Anm. d. Red.) Eigentlich geh ich 

auf keine Bälle mehr, aber der Philharmonikerball ist so was 

Besonderes, weil lauter Musiker da sind. So ab ein, zwei Uhr 

morgens ergeben sich da manchmal Jamsessions der Volksmusik 

aus den Bläsergruppen der Philharmoniker, je nach Promillezustand. 

Das muss man sich mal vorstellen, weltweit führende 

Bläser, die alle vom Land kommen, sie können natürlich das 

Repertoire. Und dann geht’s dahin auf diesem Niveau, da spielt 

dann der Soloklarinettist plötzlich irgendwelche Zwiefachen. Und 

die Blechbläser sowieso. Herrlich. Dieses Grundpotenzial der 

musikalischen Bildung wissen leider viele nicht mehr so zu 

schätzen – und die Pädagogen sowieso nicht. 

Weil so etwas als volkstümelnd abgetan wird? Kappt man so 

nicht die Wurzeln? 

Man kappt die Wurzeln. Man kappt das Verständnis. 

Und wenn man das Verständnis für die Kultur 

kappt, kappt man auch die soziale Kompetenz. n 

Der Film „Louis van Beethoven“ läuft am 25.12. um 20.15 Uhr in der ARD; 

die DVD ist ab 28.12. erhältlich (Polyband) 



„ES GIBT POLYFONIE IN UNSEREN 

GEDANKEN, GEFÜHLEN, ERINNERUNGEN, 

TRÄUMEN. ABER AUCH IN DEN SINNEN“ 

KREATIVITÄT 

IST RISIKO 

Khatia Buniatishvili 

hat ein neues Album aufgenommen: 

Labyrinth. Und genau so liest sich 

das Komponistenverzeichnis: 

Scarlatti, Morricone, Pärt ... 

Für die georgische Pianistin ein 

musikalisches Kaleidoskop aller Sinne. 

Ein fast schon philosophisches 

Gespräch über die Spiegel der Seele. 


20 w w w . c r e s c e n d o . d e — Dezember 2020 – Januar 2021 

FOTO: ESTHER HAASE

21


CRESCENDO: Frau Buniatishvili, was hat es mit dem Titel 

Ihres neuen Albums Labyrinth auf sich? 

Khatia Buniatishvili: Der menschliche Geist ist doch wie ein 

Labyrinth, mit unerwarteten Kurven und Wendungen. Was ich 

suche, ist die Essenz des menschlichen Wesens. 

Der Mensch, das sind aber dann nicht nur Sie? 

Es ist ein sehr persönliches Album. Aber ich glaube ganz allgemein, 

dass ein Labyrinth unsere Bestimmung ist. Unser Leben 

hat Anfang und Ende. Was 

dazwischen passiert, kann man 

nicht beeinflussen. Ein Mensch 

kann sich aber auch selbst 

erfinden. Vorbestimmung und 

Kreativität gehen zusammen. 

Die Stückauswahl macht dem 

Titel alle Ehre: Sie reicht von Morricone bis Scarlatti und von 

Pärt bis Chopin. Dazu haben Sie Kurztexte geschrieben, die der 

Kombination geradezu Bekenntnischarakter verleihen. Nun 

ist die Musik relativ disparat – man liest das Booklet ja nicht 

unbedingt, wenn man die Platte auflegt. Wo sehen Sie den 

roten Faden? 

Die Musik war zuerst da. Ich habe dann zu meinen Emotionen 

und Gedanken diese Texte gefunden. Es gibt eine Polyfonie in 

unseren Gedanken, Gefühlen, Erinnerungen, Träumen, aber auch 

in den Sinnen. Ich wollte nicht einen einzelnen Komponisten 

nehmen, um das hörbar zu machen. 

Sie leben in Paris. Das Album haben Sie im Juni 2020 in der 

Philharmonie de Paris eingespielt. War das schon länger 

geplant oder ein Corona-Ergebnis? 

Wir konnten die Produktion nicht so langfristig planen. Ich 

wusste nur, dass die Aufnahme im Juni sein sollte. Die Daten 

haben sich ein bisschen verschoben, wir mussten improvisieren, 

so wie alle. Die Aufnahme in der Philharmonie de Paris hatte 

Symbolwert für mich. Das ist ein unglaublich schöner Saal mit 

toller Atmosphäre und fabelhafter Akustik. 

Auf Ihre Website steht schnörkellos: „There are currently no 

dates available.“ Das klingt, als würden Sie zurzeit gar keine 

Konzerte spielen? 

Doch, ich spiele! Die Konzerte sind immer voll, soweit das unter 

den Restriktionen möglich ist. Ich kündige die Termine nicht an, 

weil ich mein Publikum respektiere. Ich will nicht, dass jemand 

eine Karte kauft, bevor nicht sicher ist, dass das Konzert stattfindet. 

Von der preisgekrönten Nachwuchskünstlerin haben Sie sich in 

wenigen Jahren in den Kreis der international gefeierten 

Pianisten emporgespielt. Wer sind Ihre pianistischen Vorbilder? 

Man kann in ethischen Fragen Vorbilder haben, in der Kunst mag 

ich das Wort nicht. Kunst ist etwas Unlimitiertes und Freies. 

Natürlich kann man von jemandem inspiriert werden. Ich habe 

immer Pianisten geliebt, die etwas Einzigartiges waren, wie die 

großen des 20. Jahrhunderts: Richter und Gould, Rubinstein und 

Horowitz, Rachmaninow, Cziffra … Alle sehr unterschiedlich. 

Aber alle ehrlich, genial, authentisch, und alle haben etwas zu sagen. 

Vermissen Sie das bei heutigen Pianisten? 

Es gibt natürlich auch heute große Künstler. Aber sehr oft liegt 

die Betonung nicht auf der Persönlichkeit, sondern die Spieler 

suchen einen Rahmen. In diesem Rahmen versuchen sie, etwas zu 

finden, von dem sie denken, es würde in die heutige Zeit passen. 

Bei den Wettbewerben wollen viele Teilnehmer vor allem so 

spielen, dass die Jury ihnen nicht gefährlich wird. 

Werden die Interpretationen uniformer? 

Ich finde schon. Das liegt auch am Internet. Dass man dort so 

vieles findet, hat große Vorteile. Es hat aber auch Nachteile. Ich 

mag es nicht, wenn jemand versucht, eine Interpretation zu 

kopieren. Die großen Virtuosen des 20. Jahrhunderts waren 

einfach viel überraschender. Was ich heute beobachte, ist eine 

mechanische Einstellung zur Musik. Das heißt, Musik wird nicht 

„AUF DER BÜHNE ZEIGT SICH MEINE 

VERWUNDBARE SEITE“ 

im Sinne einer Virtuosität verstanden, die die gesamte künstlerische 

Persönlichkeit einbezieht. 

Glauben Sie, dass jemand, der eine ausgeprägt individuelle 

Stimme hat, sich von dieser Allverfügbarkeit korrumpieren lässt? 

Es gibt natürlich Gegenbeispiele. Boris Berezovsky zum Beispiel 

geht ungeheure Risiken ein. Er ist ein echter Virtuose. Aber Kunst 

und Risikolosigkeit vertragen sich nicht. Etwas ohne Risiko 

machen zu wollen, tötet die Kreativität. 

Wenn Sie ein Werk einstudieren, 

was ist Ihr Ziel? 

Am wichtigsten ist mir der Geist 

des Komponisten. Ich will sein 

Universum verstehen. Verstehen, 

was er mit seinen Zeichen sagen 

wollte. Jeder Komponist ist so 

anders. Ich respektiere seine Individualität und seine Sprache. 

Diese Individualität ist stärker als der Stil, stärker als die Bedingungen, 

unter denen er das Werk schuf. 

Wie wichtig ist Ihnen der Kontext der Entstehung? 

Ich betrachte alles. Aber äußere Informationen können trügerisch 

sein. Nur die Musik selbst kann nicht falsch sein. Da kann der 

Komponist seine Gefühle und Gedanken nicht verstecken. Es ist 

alles da. Durch die Noten finde ich die Wahrheit, meine subjektive 

Wahrheit. Und nicht durch irgendwelche Geschichten, die 

sich um die Entstehung ranken. Die sind ja nie wirklich verbürgt. 

Würden Sie für Ihre Interpretation über die Grenze des 

Notentexts hinausgehen? 

Der Notentext hat keine Grenze. Aber ich habe beim Einstudieren 

noch nie etwas gesehen, das ich hätte anders machen wollen, als 

es dastand. Der Notentext ist unglaublich reich. Er sagt mir oft 

mehr als die Buchstaben. Nehmen wir das Wort „crescendo“, also 

wörtlich „Stück für Stück lauter werdend“: Es steht bei jedem 

Komponisten. Aber es heißt deswegen nicht bei jedem Komponisten 

das Gleiche. Es ist viel reicher. 

Welche Rolle spielt für Sie Schönheit als Interpretationsideal? 

Sie ist ein Teil, aber nicht alles. So wie die Ästhetik in der 

Philosophie ihre Rolle und ihren Platz hat, aber nicht alles 

bedeutet, so ist es meiner Ansicht nach auch in der Musik. Oder 

in der Kunst. Schönheit gehört zu der Palette unterschiedlicher 

Sichtweisen auf ein Stück oder auf das Leben oder auf Menschen. 

Und abseits der Musik? Sie sind bekannt dafür, sich bei Ihren 

Auftritten extravagant zu kleiden. 

Brauche ich eine Erlaubnis von jemandem, wie ich mich kleide? 

Wer entscheidet darüber? Oder ist das meine Wahl? 

Wonach wählen Sie Ihre Garderobe denn? 

Dass ich auf der Bühne Abendkleider trage, liegt auch daran, dass 

das eine Tradition ist und ich diese Tradition respektiere. Aber 

die Sinnlichkeit, über die man oft spricht, die kommt nicht von 

der Kleidung. Die kommt von nackten Emotionen, die ich mit 

dem Publikum teile, weil ich nicht anders kann. Wenn ich auf der 

Bühne bin und spiele, kann ich meine Emotionen nicht verstecken. 

Da zeigt sich meine verwundbare Seite. 

Drückt sich in der Wahl der Garderobe Ihre Persönlichkeit aus? 

Ich bin eine Frau, und ich schaue jeden Tag mindestens einmal in 

den Spiegel. Manchmal sehe ich Schönheit, manchmal sehe ich 

Hässlichkeit. Ich habe Zweifel im Leben, ich habe schöne 

Momente und Momente, in denen ich mir meiner selbst sehr 

sicher bin. Manchmal fühle ich mich sexy und will das auch offen 

und großzügig zeigen, und manchmal fühle ich, dass ich für mich 

bleiben will. Dann ziehe ich sehr einfache 

Sachen an. Das ist ganz unterschiedlich. 

Aber natürlich zeigt sich in jedem Fall mein 

Verständnis von Ästhetik. 

n 

„Labyrinth“, Khatia Buniatishvili (Sony) 


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Wiener Symphoniker, Manfred Hoeck 

VIDEO-HIGHLIGHTS AUS 2020: 

JETZT AUCH IN 4K-ULTRA HD 

754707 (4K-ULTRA-HD) 

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VERDI · Il trovatore 

Arena di Verona 

Regie: Franco Zeffirelli 

Anna Netrebko, Yusif Eyvazov, 

Luca Salsi, Dolora Zajick 

Dirigent: Pier Giorgio Morandi 

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BEETHOVEN PROJECT 

Hamburg Ballett · John Neumeier 

Deutsche Radio Philharmonie 

Saarbrücken Kaiserslautern 

Simon Hewett 

754008 (DVD) · 754104 (Blu-ray) 

MASSENET · Don Quichotte 

Gábor Bretz, David Stout 

Prague Philharmonic Choir 

Wiener Symphoniker 

Daniel Cohen 

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J. S. BACH · The Bach Project 

Suiten für Violoncello 

Yo-Yo Ma 

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Im Vertrieb der NAXOS DEUTSCHLAND GmbH


FOTO: GUIDO WERNER 


BRÜDER IM GEISTE 

Der Schauspieler Robert Stadlober ist tief in die Lebens- und Gefühlswelt Franz Schuberts 

eingetaucht. Ein kontrastreiches Porträt – Überraschungen inklusive. 

W 

VON DOROTHEA WALCHSHÄUSL 

as wäre gewesen, wenn? Was war Zufall, was Fügung, 

was Glück, was Pech? Es gehört zum Faszinierendsten 

des Menschseins, dass sich die Auswirkungen von Ereignissen und 

Begegnungen auf das weitere Leben meist erst im Rückblick erschließen 

lassen. Besonders spannend ist dieses Phänomen bei der Rezeption 

von Kunst aus längst vergangenen Tagen zu erleben. Heute als 

Meisterwerk für sich betrachtet, entstand doch auch jedes Stück 

Musik, jedes Gemälde und jedes Gedicht immer im Kontext seiner 

Zeit, inspiriert oder herausgefordert durch gesellschaftliche und 

politische Ereignisse, als Widerhall auf persönliche Schicksalsschläge 

und eingebettet in die individuelle Lebenssituation und 

Gefühlslage seines Schöpfers. Die Hörbiografien, die bereits seit 

etlichen Jahren beim Bayerischen Rundfunk erscheinen, setzen 

genau hier an. Leben und Wirken eines Komponisten werden in 

diesem Format als Collage aus Musikwerken, Dokumenten, Tagebuchnotizen 

oder Briefen aufbereitet, wobei es gerade die Widersprüche, 

Ambivalenzen und Brüche sind, die im Rückblick aufhorchen 

lassen. Nach verschiedenen Veröffentlichungen, unter 

anderem zu Robert Schumann und Fanny und Felix Mendelssohn, 

ist nun eine Edition zu Franz Schubert mit dem Titel Die Liebe liebt 

das Wandern erschienen, gestaltet von Jörg Handstein und eingesprochen 

von Udo Wachtveitl als Erzähler und Robert Stadlober in 

der Rolle des Schubert. 

Für Stadlober glich die Erarbeitung des Skripts einer spannenden 

Entdeckungsreise, mitten hinein in die oft schwierige und raue 

Lebenswirklichkeit Franz Schuberts auf der stetigen Suche nach 

Anerkennung, künstlerischer Selbstverwirklichung und gesicherter 

Existenz. Die Aufnahme fand, coronabedingt, in kleinem Kreis an 

nur einem Tag in den BR-Studios in München statt. Hinter der 

Scheibe lauschten der Regisseur und Autor, im komplett abgedunkelten 

Studio saß Robert Stadlober mit Skript und Leselampe am 

Mikrofon und füllte den Text mit Leben. „Wir haben intensiv und 

sehr frei mit dem Text gespielt und gearbeitet und verschiedene 

Formen des Deklamierens ausprobiert, um den richtigen Rhythmus 

und die richtige Melodie für den Text finden“, erzählt Stadlober. 

„Ich durchwandere den Text und leuchte ihn aus“, sagt der Schauspieler. 

So könne das Publikum mit ihm gleichsam durch eine Textlandschaft 

gehen und begleitet von ausgewählten Kompositionen 

eine tiefergehende Vorstellung vom Menschen und Musiker Schubert 

erlangen. 

Stadlober selbst hat bei seiner Erkundung der Textfragmente 

und Beschreibungen von Franz Schubert einen Menschen entdeckt, 

der bei aller Melancholie und Trauer in seiner Musik immer auch 

eine riesige Sehnsucht hatte „nach Freude und wildem, intensivem 

Leben. Eigentlich war Schubert immer auf der Suche nach dem 

Fest“, so Stadlober, und er habe so viele mutige Pläne gehabt, die 

dann ein ums andere Mal an den Konventionen gescheitert seien. 

Dieser stetigen Enttäuschung habe Schubert mit starker Kraft 

getrotzt. „Schubert hat viele Kompromisse verweigert und stattdessen 

bedingungslos an das geglaubt, was er getan hat“, so Stadlober. 

Das habe ihn sehr beeindruckt. Der österreichische Schauspieler 

und Synchronsprecher hat schon sehr früh damit begonnen, 

parallel zu seiner Arbeit vor der Kamera oder auf der Bühne auch 

Hörbücher einzulesen. „Diese Verbindung von Musik und Literatur 

finde ich unglaublich spannend“, sagt Stadlober, und in gewisser 

Weise seien die konzentrierte Textarbeit und das Vorlesen „die 

purste Form“ seines Handwerks. „Ich erlebe das Körperspiel immer 

als sehr anstrengend. Letztlich geht bei mir immer alles erst mal 

vom Kopf aus, dann setze ich das um.“ 

Mit Schubert hatte sich der 38-Jährige bislang nicht intensiver 

auseinandergesetzt, die Musik jedoch spielte im Leben von Stadlober 

spätestens seit seiner Jugend eine wichtige Rolle. Mit zwölf bekam 

er seinen ersten CD-Player, danach hörte er „wie im Rausch“, wie 

er erzählt, und verbrachte Stunden im Plattenladen. Als Waldorf- 

Schüler lernte er zudem Geige, schwenkte später um auf Gitarre und 

brachte sich selbst autodidaktisch das Klavier- und Trompetespielen 

bei. „Musik ist für mich die barrierefreieste Kunst überhaupt“, sagt 

Stadlober, und diese beglückende Freiheit zelebriert er bis heute in 

seinen eigenen Rockbands. Bei Schubert sind es die Lieder, die ihn 

am meisten berühren. „Wenn Musik mit Text verbunden wird, ist 

mir das am nächsten. Ich gehe auch lieber in die Oper als ins Konzert 

und werde gern inhaltlich an der Hand genommen“, sagt Stadlober. 

Bei seiner Annäherung an Schubert ist der vielseitige Darsteller auf 

überraschend viel Vertrautes gestoßen. „Schubert war ein großer 

Zweifler und Haderer – das ist mir sehr nahe“, so Stadlober, und 

auch das romantische Gedankengut fasziniere ihn sehr. „Ich habe 

eine große Sehnsucht danach, Texte zu finden, die nicht vom deutschen 

Übermenschentum berichten und frei sind vom Brustton der 

absoluten Überzeugung“, sagt der Künstler. Viel eher finde er sich 

in Werken und Texten wieder, die von „Verletzlichkeit, Nachdenklichkeit 

und Zweifeln“ geprägt sind. Von eben dieser Größe und 

Brüchigkeit zugleich zeugen auch die Werke Franz Schuberts, der 

Zeit seines Lebens hin- und hergerissen war zwischen der Suche 

nach neuen Wegen und dem Bedienen der konventionellen gesellschaftlichen 

Erwartungen. „Dieser innere Zwiespalt ist mir sehr 

vertraut“, sagt Stadlober, und es sei tröstlich gewesen zu sehen, dass 

sich in mancherlei Hinsicht wenig verändert hat. Die Beschäftigung 

mit dem Ringen und Wirken Franz Schuberts war für Stadlober 

dabei nicht zuletzt auch eine inspirierende und mutmachende Arbeit 

für sein eigenes Leben: „Schubert hat mich darin bestärkt, dass der 

sture Weg jenseits der Konventionen zwar vielleicht nicht immer 

der glücklichere, aber auf lange Sicht der richtigere ist. Heute sind 

alle begeistert von Schuberts Musik. Ich denke, man darf die Menschen 

nicht unterschätzen. Man kann ihnen 

viel zumuten. Ein Publikum möchte Neues 

erfahren und kann wachsen am Inhalt.“ n 

„Schubert – Die Liebe liebt das Wandern“: Hörbiografie von 

Jörg Handstein (BR Klassik) 

25

D 

Entspannt 

an Ihrer 

Seite. 

ukw, dab+ und webstreaming


ALTE LIEBE 

ROSTET NICHT 

Es ist ja so mit Jugendlieben: Sie lassen sich nur schwer konservieren. Zeit und 

Erfahrung überlagern die einstigen Gefühle. Im besten Fall aber vergisst man nie, was 

einen mal angezogen hat, und die Liebe bekommt eine zweite Chance. András Schiff 

und Jörg Widmann haben sie ihrer Liebe zu Brahms geschenkt. Was für ein Glück! 

VON PATRICK WILDERMANN 

András Schiff und 

Jörg Widmann 

geraten ins 

Schwärmen über 

ihre junge alte 

Liebe: Johannes 

Brahms 

FOTO: FRITZ ETZOLD / ECM RECORDS 

er Klarinettist und Komponist Jörg Widmann 

und der Pianist András Schiff waren beide schon 

sehr früh für Johannes Brahms entflammt. Widmann erinnert sich 

daran, wie sich Schulfreunde und er auf dem Pausenhof gegenseitig 

Werke wie das Klarinetten-Quintett vorgespielt haben, jeder einen 

Kopfhörer-Stöpsel im Ohr: „Diese Musik hat uns berauscht im 

schönsten Sinne.“ In der Folge ist es nie wirklich zum Bruch gekommen. 

Aber mit Robert Schumann trat irgendwann ein neuer 

Schwarm in sein Leben und löste den alten ab. 

Auch Schiff erzählt, dass ihm mit 14, 15 Jahren kein Musiker 

näher war als Brahms, sein absoluter Lieblingskomponist. Zu Studienzeiten 

in Budapest studierte er unter anderem die Klarinetten- 

Sonaten mit seinem Lehrer György Kurág ein, „etwa ein halbes 

Jahrhundert her, schwer zu glauben“. Aber auch Schiff gelangte an 

den Punkt, wo er zu dieser engen Beziehung Distanz aufbauen 

musste: „Es war zu intensiv.“ 

Zum Glück haben die beiden als längst erwachsene und etablierte 

Künstler ihren Brahms wiederentdeckt. Und zu einer neuen 

Form von Liebe gefunden, die nicht mehr von jugendlichem Enthusiasmus 

befeuert, aber deswegen nicht weniger intensiv ist – ganz 

im Gegenteil. „Ich sehe ihn jetzt viel reifer nach so vielen Jahrzehnten“, 

sagt Schiff. Und auch Widmann beschreibt, dass sich ihm 

– mit einigem Abstand – ein noch viel umfassenderer Brahms- 

Kosmos erschlossen hat: „Als würde man auf die Oberfläche eines 

Sees schauen und auf einmal realisieren, welche Tiefen darunterliegen.“ 

Als „schockhaft und beglückend“ zugleich bezeichnet er 

27


FOTOS: MARCO BORGGREVE / ECM RECORDS; NADIA F. ROMANINI / ECM RECORDS 

dieses in jedem Fall große Gefühl. 

Vor allem die beiden späten 

Klarinettensonaten op. 120 haben 

Schiff und Widmann in den 

vergangenen Jahren oft auf 

Konzerten gespielt, hörbar die 

Musik eines Komponisten mit 

gelebtem Leben. „Ein junger 

Mensch übertreibt, nicht wahr?“, 

so der ungarische Pianist. „Das ist 

auch wunderbar, denn davon 

ausgehend kann man später reduzieren.“ 

Für ihn liegen Welten 

zwischen der frühen Klaviersonate 

op. 5 – ein kluger Mensch 

habe diesen Künstler am Beginn 

seiner Karriere mal den „Brahms 

ohne Bart“ genannt – und den 

„viel ökonomischeren, konzentrierteren“ 

Klarinetten sonaten. 

„Er braucht nicht mehr so viel 

Zeit, nicht mehr so viele Noten.“ 

Nun ist ein Album erschienen, 

auf der Widmann und Schiff 

die Sonaten in Es-Dur und f‐Moll 

zu einem herbstlichen, farbenreichen 

Leuchten bringen – verschränkt 

mit fünf Intermezzi für 

Klavier, die Widmann schon 2010 

eigens für den hochgeschätzten 

Kollegen und dessen „erstaunliches 

Differenzierungsvermögen“ komponiert hat. Anlass war damals 

ein gemeinsamer Auftritt bei den Salzburger Festspielen. 

Widmanns Stücke verneigen sich vor Brahms, aber eher aus 

der Ferne. Als Hommage, die nie den Eigensinn verliert. Im dritten 

Satz zum Beispiel schreibt er sich in eine Ekstase, die eigentlich die 

Form des Intermezzos sprengt – und spielt dabei auf die Brahms’sche 

Vorliebe an, für Orchester und Klavier eine Quinte oder Sexte tiefer 

zu komponieren als die Zeitgenossen. „Das tiefe A – wer verwendet 

das schon im 19. Jahrhundert?“, fragt Widmann. Daher auch der 

Titel, den er gewählt hat: Mit dunkler Glut. 

„Viel Wehmut“, hört Schiff in diesen Kompositionen, „auch 

etwas Wienerisches, das ich sehr schätze. Ich bin ja in Budapest 

geboren und fühle mich sehr als Kind der K.-u.-k.-Monarchie, da 

ist eine Nostalgie in mir wie in einem Roman von Joseph Roth.“ 

Natürlich, der Klarinettist und der Pianist hätten diese 

Brahms-Einspielung nebst Intermezzi schon viel früher herausbringen 

können. Aber Schiff findet es wichtig, „dass man ein großes 

Werk einstudiert und damit lebt, es immer wieder aufführt – dann 

ist die Zeit gekommen, es zu dokumentieren, nicht umgekehrt“. 

Das Grandiose an ihrer Aufnahme ist, dass sie den Menschen 

Brahms hörbar macht. Den Musiker, der seinem Verleger Fritz 

August Simrock sein Streichquintett op. 111 mit der Notiz geschickt 

hatte: „Hiermit übersende ich Ihnen mein letztes Stück“, was, so 

Widmann, „keine Koketterie war“. Der aber durch die Begegnung 

mit dem Klarinettisten Richard Mühlfeld in Meiningen so aufgewühlt 

und für das Instrument entzündet wurde, dass er doch noch 

einmal zu komponieren anfing. Apropos neu entflammte Liebe. 

Man trifft auch den versöhnten Zauderer. Brahms, das weiß 

man ja, war ein gnadenlos selbstkritischer Künstler. „Was wir von 

WIDMANNS KOMPOSITIONEN VERNEIGEN 

SICH VOR BRAHMS – UND SCHIFFS 

DIFFERENZIERUNGSVERMÖGEN 

ihm kennen, ist nur ein Bruchteil 

seiner Kompositionen, so viel landete 

im Papierkorb“, so Schiff. In 

den späten Werken aber zeigt sich 

ein anderer, kühnerer Musiker. 

Einer, der so zukunftsweisende 

Harmoniefolgen schrieb, dass sie 

„Jazz- oder Debussy-Assoziationen 

wecken“, findet Widmann. Nicht 

von ungefähr habe Schönberg den 

berühmten Aufsatz geschrieben 

Brahms, the Progressive – Brahms, 

der Fortschrittliche. 

Sicher, auch gegen Ende seines 

Schaffens habe Brahms nicht 

alle Zweifel an sich selbst beseitigt, 

aber zum Beispiel die f‐Moll- 

Sonate: die beginne als eines dieser 

charakteristischen Schmerzenswerke, 

„O Welt, wenn ich einmal 

soll scheiden“ – „und dann endet 

sie so heiter. Nicht schenkelklopfend, 

sondern Brahms-heiter“, 

beschreibt Widmann. „Ich habe 

den Eindruck, er lächelt am 

Schluss“. 

Solche Feinheiten herauszustellen, 

das braucht die Erfahrungstiefe 

zweier Virtuosen. Der 

liebevolle Respekt, den Schiff und 

Widmann Brahms entgegenbringen 

– er ist auch im Gespräch jederzeit spürbar. Wenn der Klarinettist 

etwa die Anekdote vom jungen Schüler erzählt, der in der 

riesigen Brahms’schen Bibliothek eine Tannhäuser-Partitur voller 

akribischer Anmerkungen auf jeder Seite fand und den Komponisten 

schüchtern fragte: „Ich dachte, Sie mögen Wagner überhaupt nicht?“ 

Woraufhin der entgegnet habe: „Aber man muss doch sehr genau 

kennen, was man nicht mag.“ 

Oder wenn Schiff eher beiläufig die Postkarte erwähnt, die auf 

seinem Schreibtisch steht, ein Original von Brahms, gerichtet an 

seinen Verleger: „Da schwärmt er von der Erstaufführung der 

7. Sinfonie d‐Moll von Dvořák und schlägt ihn Simrock vor.“ Bis heute 

nicht selbstverständlich, so viel Kollegialität in der Musikbranche. 

Widmann führt das Gespräch auf gepackten Koffern, er reist 

zu einem Auftritt nach Schottland (zum Zeitpunkt des Interviews 

fanden noch Konzerte statt, Anm. d. Red.). Schiff lebt in Budapest, 

wo er, der Sohn von Holocaust-Überlebenden, seit zehn Jahren aus 

Protest gegen die Politik der Orbán-Regierung nicht mehr aufgetreten 

ist. Auch er konnte zuletzt international noch relativ viel 

Konzerte spielen, Alben aufnehmen, „aber ehrlich gesagt: Ich hasse 

diese Zeit“, bekennt er. 

Wenn man überhaupt etwas Gutes an der Gegenwart finden 

will, dann vielleicht das: Sie macht die Menschen, nach beider Erfahrung 

auf Konzerten, empfänglicher „für große 

Musik, und dazu gehört zweifellos Brahms“. 

Fest steht in jedem Fall: Es ist nie die 

falsche Zeit, sich zu verlieben. 

n 

Brahms: Clarinet Sonatas, András Schiff, Jörg Widmann (ECM) 


Herausragende 

NEUHEITEN 

bei Sony Music 

Wiener Philharmoniker 

Neujahrskonzert 2021 

Pablo Sáinz-Villegas 

Soul of Spanish Guitar 

Das Neujahrskonzert der Wiener 

Philharmoniker wird 2021 von 

Riccardo Muti geleitet, den eine 

langjährige Zusammenarbeit mit 

dem Orchester verbindet. 

Er verkörpert „die Seele der 

spanischen Gitarre“ wie kein 

anderer. Auf seinem ersten 

Solo Album für Sony Classical 

spielt Pablo Sáinz-Villegas 

Erhältlich ab 8.1. als Doppel-CD 

und digital, ab Ende Januar als 

DVD/Blu-ray. 

wienerphilharmoniker.at 

Cover vorläufig 

pablosainzvillegas.com 

Werke von Francisco Tárrega, 

Gerónimo Giménez und 

Isaac Albéniz. 

Erhältlich ab 20.11. 

Hinrich Alpers 

Beethoven: Sinfonien 1-9 

Balthasar-Neumann-Chor 

Christmas in Europe 

Franz Liszts virtuose 

Berührende Weihnachtslieder 

Klavierfassungen der neun 

aus ganz Europa in 16 Sprachen 

Sinfonien Beethovens in einer 

mit dem Balthasar-Neumann-Chor 

Neueinspielung mit Hinrich 

und Ensemble unter Thomas 

Alpers. Die 9. Sinfonie in einer 

Hengelbrock. 

besonderen Fassung mit dem 

RIAS Kammerchor und 

exzellenten Solisten 

balthasar-neumann.com 

Lautten Compagney 

Time Zones 

Dorothee Mields 

Handel‘s Tea Time 

Auf „Time Zones‟ kombiniert 

Dorothee Mields und die 

die Lautten Compagney neue 

Berner Freitagsakademie 

Arrangements ausgewählter 

unter Katharina Suske mit 

Klavierstücke von Satie mit 

einer reizvollen Auswahl von 

Instrumentalwerken aus 

Vokal- und Instrumentalwerken 

bedeutenden Sammlungen von 

von Händel. 

Samuel Scheidt. 

lauttencompagney.de 

Corinna Simon 

Klavier für Kinder II 

Eine echte Schatztruhe, auch 

für Erwachsene: Teil 2 des 

„Klavier für Kinder“-Projekts 

mit selten zu hörenden Werken, 

die große Meister für Kinder 

und Jugendliche komponiert 

haben, wie Bach, Debussy, 

Bartók u.a. 

SONYCLASSICAL.DE 

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FOTO: MAT HENNEK 


FASZINIERENDES 

PARADOX 

Die Pianistin Hélène Grimaud erkundet zu Hause 

in New York neue Partituren, vermisst die 

spirituelle Verbindung mit dem Publikum – und 

hat unterdessen ein neues Album mit Musik von 

Mozart und Silvestrov herausgebracht. 

VON WALTER WEIDRINGER 

CRESCENDO: Mme Grimaud, eigentlich hätten Sie im Herbst 

eine Tournee mit der Camerata Salzburg machen sollen … 

Hélène Grimaud: Ja, aber die Absage war für mich unvermeidbar. Mittlerweile 

erscheint die schmerzliche Entscheidung ja tatsächlich noch vernünftiger 

als zu dem Zeitpunkt, an dem ich sie getroffen habe. Es gab und gibt ja 

keine Garantie, dass Termine halten, wenn überall die Infektionszahlen 

steigen, die Regeln strenger werden und Städte und ganze Länder auf die 

rote Liste kommen. Zusammen mit dem erhöhten Risiko, das sich aus 

meiner Krankengeschichte ergibt, war die Sache leider klar – ganz zu 

schweigen davon, dass ich seit Langem in den USA lebe und keine Wohnung 

mehr in Europa habe, ein Einreiseverbot besteht und ich weder zurück 

nach Hause noch irgendwo in eigenen vier Wänden bleiben könnte, sollte 

ich krank werden. Aber es ist traurig und frustrierend. Die furchtbare 

Unsicherheit wird wohl noch länger dauern. 

Körperliche Gesundheit ist wichtig, aber auch die seelische. Hat sich 

durch die Pandemie Ihr Verhältnis zur Musik verändert – oder ist das 

eine dumme Frage für eine Künstlerin, die schon schwere Krankheiten 

überwunden hat? 

Die Frage ist gar nicht dumm. Bei all diesen Streaming-Projekten ist mir 

eines aufgefallen: So schön sie auch waren, hatten sie doch auch etwas – ich 

will nicht sagen Deprimierendes, denn das wäre übertrieben. Schließlich 

haben sie auch viel Gutes bewirkt. Aber: Wir blühen und gedeihen erst 

durch die Verbundenheit mit einem Publikum. Es gibt einfach keinen 

Ersatz für das gemeinsame Erleben von Musik an ein und demselben Ort, 

31


FOTO: MAT HENNEK 

für die spezielle Dringlichkeit, die dabei entsteht, diese Gemeinschaft 

zwischen den Menschen auf der Bühne und im Publikum. 

Das ist für mich durchaus eine Art von Wunder. Es ändert nicht 

das Verhältnis zur Kunstform selbst, aber zu der Art, in der man 

sie tagtäglich lebt. 

Das Spielen für sich selbst ist eine ganz andere Kategorie? 

Die Freude an Musik ist da, die tägliche Arbeit mit den Noten 

bleibt; mit manchen Partituren hat man sich schon angefreundet, 

mit anderen ist man noch nicht auf du und du. Die Neugier lebt! 

Gerade jetzt habe ich Zeit, auch Werke auszuprobieren, die nicht 

direkt mit meinem Repertoire der 

nächsten Zeit in Verbindung 

stehen – aus reinem Vergnügen, 

ohne Druck. Das ist alles wertvoll 

und für sich genommen schon 

auch erfüllend. Aber dennoch 

fehlt mir das Entscheidende, diese 

spirituelle Dimension. Ich komme 

immer wieder auf das englische 

Wort „communion“ zurück, die 

Gemeinschaft. Ich weiß, dass das 

religiös klingt, und ich begreife es 

auch mehr allgemein spirituell 

– aber das ist der existenzielle 

Kern der Sache. 

Einen spirituellen Eindruck im 

allgemeinen Sinn macht auch Ihr 

neues Album mit dem Titel The 

Messenger, das Sie mit der schon 

erwähnten Camerata Salzburg 

aufgenommen haben. Was 

zeichnet dieses Orchester aus? 

Es gab viele Gründe für meine Vorfreude 

auf die nun so schmerzlich 

abgesagte Tournee nach den Aufnahmesitzungen Ende Januar in 

Salzburg! Ich hatte schon ein paarmal mit der Camerata zusammengearbeitet, 

etwa in Aix-en-Provence vor ein paar Jahren. Wir 

haben uns von Beginn an bestens verstanden und auch rasch 

Pläne geschmiedet. Aber durch unsere vollen Terminkalender hat 

es etwas gedauert, bis wir uns wirklich gezielt zusammensetzen 

konnten – und das übrigens direkt im Studio. Es gab kein 

vorheriges Abklopfen und Zusammenfinden in Konzerten. Wir 

haben uns einen Tag vor der ersten Aufnahme zur Probe getroffen, 

und das Einverständnis war sofort wieder dasselbe. Man 

braucht diesen Gleichklang in Dingen, die nicht erklärt und 

besprochen werden können. Die Chemie ist einfach da oder nicht, 

sie lässt sich nicht künstlich erzeugen. Ich weiß nicht, ob es am 

gemeinsamen Herzschlag liegt, am Atem, am nicht bloßen 

Zuhören, sondern am Aufeinanderhören, an der Energie ... Es ist 

undefinierbar, aber wenn man es fühlt, ist es großartig. Das liebe 

ich so an der Camerata Salzburg: Diese Musikerinnen und 

Musiker besitzen diese wunderbare Individualität, sowohl als 

Einzelspieler von höchster Qualität als auch als Organismus, als 

lebendiger Klangkörper. Das erlebt man nicht alle Tage. 

Die Aufnahmen sind ohne Dirigent entstanden – was ist da 

leichter, was schwerer? 

Ohne Dirigent macht man eher Kammermusik im Großen, jeder 

Einzelne wird zum direkten Partner. Das geht tatsächlich leichter 

ohne eine zusätzliche Instanz und ist für mich ein Ideal im 

Musizieren mit Kammerorchester. Ich habe Mozart-Konzerte mit 

verschiedensten Partnern gespielt – besonders gern erinnere ich 

mich zum Beispiel an die Zusammenarbeit mit Manfred Honeck 

und mit großem Orchester: Das ist auch unschlagbar, aber 

zugleich ein ganz anderes Paar Schuhe. Im Kammerorchester- 

Format kann man dafür eine viel tiefergehende Dichte und 

Intimität erzeugen, die etwas Besonderes ist. 

„WIR BLÜHEN UND GEDEIHEN 

ERST DURCH DIE VERBUNDENHEIT 

MIT EINEM PUBLIKUM“ 

Ihre Deutung des d‐Moll-Klavierkonzerts KV 466 ist ganz 

gewiss das Gegenteil jeder süßen „Mozartkugel“. Vielmehr 

ist sie kantig, dramatisch, insistierend, manchmal sogar 

auf nuancierte Weise hämmernd – mehr als bei vielen 

anderen Interpreten. 

All diese Adjektive, die Sie benutzen, stehen für mich untrennbar 

mit Mozarts wenigen Stücken in Moll-Tonarten in Verbindung, 

die eine besondere persönliche Bedeutung besitzen – die spezielle 

Aura einer Auseinandersetzung mit dem Schicksal. Man könnte 

sagen, dass mich solche Stücke besonders anziehen, weil sie mir 

pianistisch wie überhaupt 

musikalisch gleichermaßen 

entgegenkommen. Zugleich denke 

ich, dass bei meinen Aufnahmen 

zum Beispiel der Konzerte in 

A‐Dur KV 488 oder F‐Dur KV 459 

sehr wohl auch lyrischere, 

sanftere, leichtere Qualitäten 

hörbar sind. Aber das d‐Moll- 

Konzert und die beiden Fantasien 

in d‐Moll und c‐Moll sind mir sehr 

nahe, bedeuten mir sehr viel – 

und es war meine volle Absicht, 

sie so darzustellen, wie Sie es 

beschreiben. 

Sie spielen die üblichen Kadenzen 

von Beethoven ... 

Ich habe viel Material durchstöbert 

und auch schon selbst 

improvisiert, aber letztlich geht es 

mir um Qualität, und ich halte 

Beethovens Kadenzen für 

unerreicht. Es ist kein Zufall, 

dass er gerade für dieses Stück 

welche geschrieben hat. Im trotzigen Aufbegehren sind sich die 

beiden Komponisten so nahe wie nirgendwo sonst. 

Die Dramaturgie des Albums durchziehen zwei verschiedene 

Arten von Kombinationen oder Gegenüberstellungen: Zum 

einen bilden Mozarts Fantasien für Klavier solo ein dramatisches 

Vorspiel und eine Art Überleitung zu den Werken für 

Klavier und Orchester, zum anderen treffen Mozart und 

Valentin Silvestrov, der 1937 in Kiew geboren wurde, aufeinander. 

Wie sind Sie darauf gekommen? 

Diese Kombination basiert mehr auf Gefühl als auf einem 

speziellen Konzept. Silvestrov fasziniert mich schon länger, auf 

meinem letzten Album war bereits Musik von ihm vertreten. 

Mozart und er haben viel gemeinsam – in der Transparenz und 

Klarheit ihrer Texturen. Ich finde diese Parallelen interessant: 

die Unbeständigkeit, das Flüchtige. 

Der Mozart des d‐Moll-Konzerts ist dramatisch, dunkel, 

kämpferisch – weit weg vom immer noch manchmal bemühten 

Klischee der Lieblichkeit. Silvestrov hingegen ist zeitgenössische 

Musik, die oft generell für schwer zugänglich gehalten 

wird, für zu kompliziert und so weiter – aber er klingt tröstlich 

und sanft, baut stark auf Tonalität und Gefühl. 

Silvestrovs Musik spricht zu uns, als wäre sie ein Echo von etwas 

Vergangenem. Zugleich kommt auch Mozart für mich wie aus 

einer jenseitigen Welt: Beide überschreiten sie die Grenzen der 

unmittelbaren Realität. Das verbindet die beiden. Für mich ist 

dabei Mozart eher der Komponist der 

Zukunft, Silvestrov jener der Vergangenheit. 

Dieses Paradox fasziniert mich. 

n 

Mozart, Silvestrov: The Messenger, Hélène Grimaud 

(Deutsche Grammophon) 


MET 

OPERA 

IM KINO 

2./3. Januar 

IL TROVATORE 

Giuseppe Verdi 

2021 

16./17. Januar 

DIE ZAUBERFLÖTE 

Wolfgang Amadeus Mozart 

30./31. Januar 

ROMÉO ET JULIETTE 

Charles Gounod 

27./28. Februar 

FAUST 

Charles Gounod 

27./28. März 

DON GIOVANNI 

Wolfgang Amadeus Mozart 

17./18. April 

MET STARS IN CONCERT 

Jonas Kaufmann/Joyce DiDonato 

8./9. Mai 

NABUCCO 

Giuseppe Verdi 

5./6. Juni 

LES CONTES D’HOFFMANN 

Jaques Offenbach 

PHOTO: KEN HOWARD / METROPOLITAN OPERA 

Bei allen Opern handelt es sich um Aufzeichnungen aus den Vorjahren. 

Änderungen vorbehalten 

www.metimkino.de /METimKino /METimKino 

Driving Digital Innovation in Arts & Culture


FREIHEIT FÜR 

BEETHOVEN! 

Daniel Barenboims neues Album: 32 Sonaten plus die Diabelli-Variationen 

von Beethoven – Gigantonomie im Jubiläumsjahr des Titans? Mitnichten! 

Und in diesem Fall besonders spannend. Denn der Dirigent und Pianist 

hatte die Sonaten schon einmal als 15-Jähriger aufgenommen. Grund 

genug für einen Vergleich, fand unsere Autorin. Und hat mit dem Pianisten 

eine Reise in die Vergangenheit und in die Zukunft unternommen. 

VON MARGARETE ZANDER 

Einfach mal ausprobieren: Pathétique, Mondschein, 

Hammerklavier, Waldstein, Appassionata opus 111, die 

bekanntesten Beethoven-Sonaten also, die Daniel Barenboim als 

15-Jähriger beim New Yorker Plattenlabel Westminster eingespielt 

hat, mit den aktuellen Aufnahmen aus dem frisch erschienenen 

Bonus-Album per Schnittsystem übereinanderlegen und hin und 

her switchen – Staunen und Vergnügen könnten schöner nicht sein! 

Man wird mitgerissen vom Temperament des jungen Barenboim, 

der mit der strahlenden Sicherheit der Jugend die Dynamik auskostet, 

rasante Tempi anschlägt und ganz klar die Strukturen der 

Sonaten zeichnet. Und die aktuelle Aufnahme? Die macht Vergnügen, 

weil die Gestaltung noch differenzierter ist, weil er feinste 

Schattierungen malt zwischen glasklaren Verzierungen und musikalischen 

Gesten, die wie mit einem Pinselstrich dahingeworfen 

sind. Unerhörte Zwischenstimmen machen den Klang plastisch 

und lebendig und laden zu Entdeckerreisen in den Kosmos 

Beethoven ein. 

Mit diesen Eindrücken beginnt das Gespräch mit Daniel 

Barenboim. Er hört aufmerksam zu und erwidert auf die Frage, wie 

er die Aufnahme des 15-Jährigen finde: Er habe sie gar nicht gehört. 

Wie, noch nicht mal jetzt, wo die Deutsche Grammophon sie als 

Bonus-CD zu seinen aktuellen Aufnahmen veröffentlicht? 

„Nein, ich hatte Angst! (lacht) Angst, dass die Aufnahme von 

damals besser ist“, ergänzt er. Natürlich weiß Daniel Barenboim, 

dass er klaviertechnisch auch heute noch keine Probleme beim Spielen 

hat. Und dass in die aktuelle Aufnahme 60 Jahre Erkenntnisse 

und Erfahrungen mit Beethovens Musik eingeflossen sind. 

Extreme Tempi wie das im dritten Satz der Mondschein-Sonate 

sind schlicht beeindruckend. Die leichtläufige Beweglichkeit seiner 

Finger erlaubt Daniel Barenboim, seine Entdeckungen mit allen 

Facetten in Musik zu verwandeln, die Figuren für den Moment, wie 

er gerne sagt, „lebendig zu machen“. „Ich habe mit Anfang 60 festgestellt, 

dass ich mir die Socken nicht mehr auf einem Bein stehend 

anziehen kann“, verrät er schmunzelnd, aber dass er sich jung fühle, 

wenn er am Klavier sitzt. 

„Alles soll sich natürlich entwickeln“, fordert Daniel Barenboim, 

und dieses Ziel leitete ihn schon als Jugendlicher. Damals, 

1958, war es für ihn keine große Sensation, die bekanntesten Beethoven-Sonaten 

in New York aufzunehmen. Seit er neun Jahre alt 

war, hatte er sie gespielt, mit zehn Jahren zum ersten Mal öffentlich 

FOTO: HARALD HOFFMANN 


„WENN ICH AM 

KLAVIER SITZE, 

FÜHLE ICH MICH 

JUNG“


im Konzert. „Das war sehr spannend für mich, wissen Sie. Ich war 

kein sensationelles erfolgreiches Wunderkind wie Menuhin oder 

so. Ich hatte guten Erfolg, habe zwischen zehn und 14 in allen Hauptstädten 

gespielt. Es war okay, aber eben nicht sensationell.“ 

Offenbar hatte der Chef von Westminster Records ein besonderes 

Gespür für Nachwuchs. Denn diese Schallplatte wurde später 

als Geheimtipp gehandelt. „James Grayson war ein sehr netter 

Mann. Sein Kopf war eine Musikbibliothek. Er wusste alles, kannte 

alles und war sehr gebildet. Ein sehr lieber Mensch, der sich wirklich 

um mich gekümmert hat. Und es war für mich absolut natürlich 

und normal, in New York im Studio der RCA aufzunehmen.“ Seine 

Eltern hatten den Teenager damals begleitet, mental aber fühlte er 

sich nicht mehr von ihrer Unterstützung abhängig. Das lag auch an 

Arthur Rubinstein, der ihn ein paar Jahre zuvor, da war er zwölf, 

nach einer Unterrichtsstunde in Paris 

zum Essen eingeladen hatte – ohne 

die Eltern. Seitdem fühlte sich der 

Pianist ernst genommen und selbst 

verantwortlich für das, was er tat. „Ja, 

an dieses Gefühl kann ich mich bis 

heute sehr gut erinnern“, lacht 

Barenboim. 

Mit 17 Jahren spielte er dann 

den gesamten Zyklus der 32 Sonaten 

von Ludwig van Beethoven in Tel 

Aviv. Und das kam anders, als man 

es sich vielleicht vorstellt: „Die Zeit, 

als ich 16, 17 war, war für mich sehr 

traurig, denn ich hatte keine Konzerte. 

Verstanden habe ich das aber 

erst später. Ich hatte keine Konzerte, 

weil ich sozusagen nicht mehr Wunderkind, 

aber auch noch nicht erwachsen 

war. Und laut Kalender hatte ich 

eigentlich nichts zu tun. Das klingt 

ein bisschen überdramatisch für 

einen 16- oder 17-Jährigen, aber ich 

war eben gewöhnt, immer zu spielen. 

Und plötzlich war das Einzige, was 

ich machen konnte, meine Schule 

und das Abitur. Habe ich dann ja 

auch. Als man mir schließlich angeboten 

hat, in Tel Aviv alle Beethoven- 

Sonaten zu spielen, war das für mich 

eine großes Fest!“ Einmal pro Woche 

spielte er also Beethoven-Sonaten, in 

der gleichen Zeit machte er das Abitur. 

„Es war nicht in einem Konzertsaal, sondern im Journalistenhaus, 

das bis heute existiert. Der Mann, der das damals geleitet hat, 

war ein großer Musikliebhaber. Ich traf ihn per Zufall, und er hat 

gefragt: ‚Wie geht’s dir, was machst du?‘ Ich war in einer großen 

jugendlichen Depression. Und ich hatte Vertrauen zu ihm und habe 

gesagt: ‚Nicht gut. Wissen Sie, ich habe keine Konzerte, ich kann 

nirgendwo spielen!‘ Und er erwiderte: ‚Ich leite jetzt dieses Journalistenhaus, 

wenn du willst, kannst du dort spielen, so viel du willst!‘“ 

Auf den Konzertzyklus mit den Beethoven-Sonaten folgte einer 

mit sämtlichen Mozart-Sonaten, und schließlich stiegen die Buchungen 

für Konzerte international stetig an. Die Beethoven-Sonaten 

aber wurden eine Konstante in seinem Leben – ein Ratgeber. „Ich 

habe von Beethoven für das Leben gelernt!“, formuliert Daniel 

Barenboim gern. Etliche Male hat er die Sonaten in Konzerten 

gespielt, oft als Gesamtzyklus. Viermal wurden sie auf Schallplatte 

bzw. CD veröffentlicht: in den 60er-, 70er-, 80er- und 90er-Jahren. 

Ich konnte mir also gar nicht vorstellen, dass es heute noch Interesse 

an einer neuen Aufnahme geben würde!“, erklärt Daniel Barenboim 

und versteckt dabei seine Freude und das ungläubige Staunen über 

die spontane Anfrage der Deutschen Grammophon in keinster Weise. 

Weil ihm aber – wie vielen anderen Künstlern auch – der coronabedingte 

Stopp des Konzertbetriebes plötzlich viel Zeit schenkte 

und er schon angefangen hatte, die 32 Beethoven-Sonaten für eine 

Gesamtaufführung in Berlin und Wien neu zu erkunden, beschloss 

er dranzubleiben. „Ich habe das alles aufgenommen, ohne darüber 

nachzudenken, wofür. Ende Mai fing ich an – aber ich wollte das 

für mich machen! Ich habe sie nicht aufgenommen, um sie zu 

veröffentlichen.“ 

Das Üben habe ihm Spaß gemacht, schwärmt er, vor allem an 

dem Flügel, der für ihn gebaut wurde. Dieser Steinway-Flügel (es ist 

bereits der zweite) des belgischen Instrumentenbauers Chris Maene 

biete ein unerschöpfliches Meer von 

Klangnuancen, von den warmen 

durchklingenden Bässen bis zum 

gesanglichen Spiel im Diskant. 

Mit „jungfräulichem Blick“ 

schaue er jedes Mal die Noten an, 

erzählt Barenboim weiter. Aber wie 

kann das gehen, wo die Finger doch 

auch ein haptisches Gedächtnis 

haben und sich ein gewisser Automatismus 

kaum vermeiden lässt? 

„Routine ist der größte Feind von 

Musik“, sagt Daniel Barenboim. „Ich 

beschäftige mich mit so viel Musik 

– Klavier solo, Kammermusik, 

Orchester, Sinfonien, Oper –, und 

von jedem Stück habe ich etwas 

gelernt. Deswegen habe ich eine 

große Auswahl von Assoziationen. 

Zum Beispiel: Das erinnert mich an 

Fidelio – da ist es so, und hier es ist 

anders.“ 

Je tiefer Daniel Barenboim in 

Beethovens musikalischen Gesamtkosmos 

eindringt, umso mehr 

Freude macht es ihm, am Klavier die 

inneren Verbindungen zu entdecken. 

Im Vergleich macht Daniel Barenboim 

deutlich, was er meint: „Sie 

„ICH HABE VON BEETHOVEN 

kennen das lateinische Alphabet, 

FÜR DAS LEBEN GELERNT“ 

sprechen englisch, deutsch oder 

sonst eine Sprache. Jetzt gebe ich 

Ihnen einen Text auf Dänisch. Sie 

können das lesen, aber Sie verstehen kein Wort, und so wird leider 

oft musiziert. Dieses Verstehen aber ist etwas, das sich bei mir das 

ganze Leben über entwickelt hat. Ich sage oft zu den Studenten in 

der Akademie: ‚Ihr spielt Musik, als würdet ihr das Alphabet kennen, 

aber ihr sprecht die Sprache nicht.‘ Denn die Sprache sprechen heißt, 

den Ausdruck zu verstehen. Man kann den Ausdruck in der Musik 

nicht mit Worten erklären, sonst wäre es unnötig zu musizieren. 

Aber die Verbindungen, die muss man meiner Meinung nach immer 

neu denken! Und das habe ich vom Orchester gelernt!“ 

Die stetig wachsende Fülle an Details, auf die er die Musiker 

als Dirigent gestoßen hat, ist im Laufe der Jahre immer dichter 

geworden, nicht zuletzt im Programm „Beethoven für alle“ mit dem 

West-Eastern Divan Orchestra und der aktuellen Arbeit an den 

neun Beethoven-Sinfonien mit der Staatskapelle Berlin. 

Auf Unerwartetes stieß ihn im letzten Jahr auch die Begegnung 

mit Beethovens Klaviertrios im Pierre Boulez Saal, gemeinsam mit 

Michael Barenboim, Violine, und Kian Soltani am Violoncello. „Oft 

FOTO: HARALD HOFFMANN 


kam etwas Überraschendes von einem der beiden. Wenn ich dann 

gefragt habe, warum der eine das so und der andere das so macht, 

war die Antwort: ‚Weil so, so und so ...‘ Auf diese Weise bekomme 

ich auch neue Ideen. Wenn ich nur bedingt zustimme, schlage ich 

vor‚ die Idee umzusetzen, weil sie an sich gut ist, dass man aber auch 

ein bisschen da- oder dorthingehend ändern könnte.“ Das Fazit, 

das Barenboim aus dieser Arbeit zieht, ist bestechend: „Diese Arbeit 

bereichert das Leben, denn man ist in permanentem Kontakt mit 

der Musik. Und das ist wirklich eine privilegierte Existenz!“ 

Das Geheimnis, warum man in diesen Aufnahmen plötzlich 

auch in den bekannten Beethoven-Sonaten so viel mehr Details hört, 

liegt in der Sorgfalt und neu gewonnenen Freude beim Üben: „Meist 

übt man so, dass die Hauptstimme ein bisschen kräftiger und die 

Nebenstimmen leiser zu hören sind. Aber nicht alle Nebenstimmen 

sind gleich. Es gibt einige, die zum Beispiel harmonisch viel wichtiger 

sind als die anderen. Auch das habe ich vom Orchester gelernt.“ 

Besonders fasziniert haben Daniel Barenboim dieses Mal die 

Stellen, in denen Beethoven crescendo und dann subito piano 

schreibt. „Wie lang geht das crescendo, wie plötzlich ist das subito 

piano? Das ist eine Eigenart von Beethoven. Vor dem subito piano 

muss man das Gefühl haben, man ist bis zum Äußersten gegangen. 

Und dann plötzlich hört es auf, und man ist da, ohne zu fallen. Es 

fühlt sich an wie auf einem Berg: Sie gehen bis ganz zur Kante, aber 

Sie fallen nicht runter. Das ist sehr schwer, denn es braucht unglaublich 

viel Mut. Nicht weniger als auf dem Berg. Und das ist es, was 

ich wirklich faszinierend finde.“ 

Und noch eine weitere Beobachtung wird Daniel Barenboim 

beim Studium der Sonaten fortan begleiten: Er möchte auch in 

Zukunft die Sonaten in der chronologischen Reihenfolge ihrer Entstehung 

spielen. Auf diese Weise wird Beethovens Entdeckerlust 

für ihn zum Kompass. 

Dieses Neue zu entdecken, empfindet Daniel Barenboim umso 

schöner, als Beethovens Sonaten sehr intim sind. Für ihn fühlt es 

sich an, als würde er sein Tagebuch lesen. Dabei geht es ihm nicht 

um emotionale Befindlichkeiten aus Beethovens Alltag. Biografisches 

interessiert ihn im Zusammenhang mit dem Ausloten der 

Innenspannungen nicht, und das Wort „Interpretation“ lehnt er für 

seinen Vortrag am Klavier rigoros ab. Barenboims Fazit: „Wer die 

Sonaten und Streichquartette wirklich kennt, kennt im tiefsten 

Sinne des Wortes alles. Was sie bedeuten, kann man nicht mit Worten 

beschreiben. Es sind Impulse, es sind musikalische Gedanken, 

harmonische Spannungen und rhythmische Energien.“ Die Reflexion 

der musikalischen Lebensspur in Tönen. 

„Jedes Mal, wenn man ein Stück spielt, lernt man etwas Neues. 

Vielleicht ist es nur ein kleines Detail, aber es heißt, am Tag danach 

wissen wir mehr. Aber wir müssen am nächsten Tag nach wie vor 

bei null anfangen, denn der Klang ist ja weg. Das ist, was ich ein 

privilegiertes Leben nenne. Da gibt es keinen Platz für Routine und 

keinen Platz für Langeweile.“ 

Der absolute Höhepunkt der aktuellen Veröffentlichung sind 

für Barenboim Beethovens Diabelli-Variationen. „Das ist, als hätte 

sich Beethoven nach 32 Sonaten frei gefühlt von diesen strukturellen 

Dingen, die ein sehr organischer Teil seiner musikalischen Persönlichkeit 

waren. Und zwar völlig frei. Er hat die Fenster aufgemacht, 

und die Luft war anders. Ich liebe das Stück wirklich! Ich habe auch 

mehrmals die letzten drei Sonaten gespielt, und auch das ist ein 

Universum. Wenn man gut in Form ist, ein einmaliger Genuss! 

Aber die Freiheit in den Diabelli-Variationen, 

die ist wirklich einmalig!“ 

n 

Ludwig van Beethoven: Complete Sonatas, Diabelli-Variationen, 

Daniel Barenboim (Deutsche Grammophon) 

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37




QUEEN 

DIANA 

Man bleibt unter sich: Diana Damrau, die Königin 

des Koloratursoprans, hat sich dem Werk des 

Belcanto-Komponisten Gaetano Donizetti unter 

einem ganz besonderen Aspekt gewidmet und 

schlüpft für ihr neues Album Tudor Queens in das 

Korsett dreier tragischer Figuren: Maria Stuarda, 

Anna Bolena und Elisabetta aus Roberto Devereux. 


FOTO: CHRIS SINGER / PARLOPHONE RECORDS LTD 

Liederabend in Hamburg, Diana Damrau und der Harfenist 

Xavier de Maistre. Der Sopranistin unterläuft bei 

den französischen Zeilen ein winziger Textdreher. Backstage sagt sie 

kichernd: „Ich hab gedichtet!“ Damrau kichert gern, und sie tut es oft. 

Das wirkt erfrischend unverstellt – und so ist dieses ganze Bündel 

Energie insgesamt. Kein Brimborium, nirgends. Dabei gehört Damrau 

seit vielen Jahren zur Weltspitze der Koloratursopranistinnen. 

Der Anruf für das CRESCENDO Interview erreicht die Primadonna 

in der Küche ihres Ferienhauses in der Provence, wo sie gerade 

für die Familie Pasta zubereitet. Und auch hier kichert sie hin und 

wieder, wenn etwas überkocht. 

CRESCENDO: Wo und wie haben Sie den Lockdown überstanden, 

Frau Damrau? 

Diana Damrau: Hier in Südfrankreich. Wir hatten ja über Nacht 

nichts mehr zu singen und schlagartig einen anderen Beruf: 

Grundschullehrer. Da ist man den ganzen Tag im Einsatz! Aber so 

konnten wir hier auch mal den Frühling erleben und uns intensiv 

um den Garten kümmern. Das war schon eine besondere Zeit. 

Wie ist es Ihnen denn mit dem plötzlichen Stillstand gegangen? 

Ich bin erst mal in Schockstarre verfallen. Und dann habe ich 

39


angefangen, Oratorienarien und etwas 

freudigeres Repertoire zu singen. Und 

zu meditieren. Zudem kümmere ich 

mich um meine Stimme. Das ist die 

Gelegenheit, den Flieger, der dauernd 

im Einsatz ist, in den Hangar zu 

stellen und zum TÜV zu bringen. 

Ausprobieren, reflektieren, an 

Stellschrauben drehen, wieder 

ausprobieren. 

Klingt fast beneidenswert. Andere 

bangen derweil, ob sie überhaupt 

noch im Geschäft sein werden. 

Wir versuchen zu unterstützen und zu 

helfen, wo es geht, gerade jungen 

Sängern. Das muss man doch tun in 

der Position, die man als namhafter 

Künstler hat. Es ist erschütternd, wie 

die Kultur oftmals behandelt beziehungsweise 

nicht behandelt wird. Es 

wird wahrscheinlich eine Generation 

von jungen Künstlern verloren gehen, 

einfach wegbrechen. Manche können 

ihren Beruf nicht mehr ausüben. Mit 

großem Aufwand und viel Kreativität 

kann man tatsächlich einiges verwirklichen. 

Aber wenn man dann sieht, 

was teilweise in anderen Bereichen möglich ist, fragt man sich, 

weshalb Oper in reduzierter Form oder kleine Konzert formate 

nicht möglich sind. 

Sie haben immerhin im September in Zürich Donizettis 

Maria Stuarda gesungen, eine der drei Heldinnen Ihres neuen 

Albums Tudor Queens. 

Für ein Bühnentier sind das die tollsten Stücke. Die sind stimmlich 

und theatralisch eine Riesenfreude. Da kann man mit der 

Stimme spielen und hat gestandene Frauen vor sich mit allem, 

was man gestalterisch, stimmlich zeigen kann und darf. 

Bei diesen wahnsinnigen Donizetti-Frauen kommt einem 

unweigerlich Edita Gruberova in den Kopf ... 

Immer, wenn ich sie irgendwo erleben konnte, bin ich hingegangen! 

Und dachte: So möchte ich auch gern mal singen. 

Und nun singen Sie genauso erfolgreich, aber ganz anders. 

Das ist ja das Tolle am Belcanto, dass man sich an der eigenen 

Stimme orientieren muss. Man hat die Möglichkeit zu entscheiden, 

wie man die Kadenzen ausziert und wie man die Stimme 

einsetzt, ob man in höheren oder tieferen Lagen singt. Manche 

wollen einen dramatischen, andere einen lyrischen Koloratursopran. 

Es ist sehr individuell. Man kann auch umgestalten, das 

Tempo variieren und Fermaten einbauen. Man muss den 

entsprechenden Subtext finden. Es ist natürlich Vokalakrobatik, 

aber es soll immer mit der Figur verbunden bleiben. 

Donizetti zeigt die Königinnen, die ihre Empfindungen tagein, 

tagaus panzern mussten, gleichsam von innen. Das emotionale 

Spektrum ist riesig. Spielt der königliche Hintergrund überhaupt 

eine Rolle für Ihre Interpretation? 

Die Frauen stecken im Korsett ihres Rangs. Sie waren dauernd in 

Todesgefahr, sie konnten vor nichts und niemandem sicher sein. 

Schon das verleiht den Figuren Dringlichkeit. Donizetti schildert 

sie mit allen Problemen, an denen sie zerbrechen. Wenn sie trotz 

ihres Korsetts implodieren oder explodieren, hat das nichts 

Königliches an sich. Das ist urmenschlich, urfraulich. 

Die drei Opern entstanden zur Zeit des Risorgimento, der 

großen Einigungsbewegung Italiens. Hat Donizetti sich seine 

„WENN FRAUEN TROTZ IHRES 

KORSETTS IMPLODIEREN ODER 

EXPLODIEREN IST DAS 

URMENSCHLICH, URFRAULICH“ 

FOTO: CHRIS SINGER / PARLOPHONE RECORDS LTD 

Sujets aus politischen Motiven 

ausgesucht? 

Ganz bestimmt. Um zu zeigen, was 

ein absolutistischer Staat für Auswirkungen 

haben kann. Es war ein Mittel, 

die Leute aufzurütteln, zu schockieren 

und zu Diskussionen anzuregen. 

Natürlich muss man das immer im 

Kontext der Entstehungszeit begreifen. 

Wir würden die Themen, die Donizetti 

behandelt, heute aus einem 

anderen Blickwinkel sehen, etwa unter 

dem Aspekt der Emanzipation. Bei 

Donizetti ist die Frau Opfer von 

Zwängen. Die Krone und die Verantwortung 

wurden ihr aufgeladen. Er 

schildert die Unfreiheit, gegen die der 

Mensch sich auflehnt, revoltiert oder 

wahnsinnig wird. Die Sopranstimme 

dient ihm zur Darstellung für diese 

Pathologie. 

Wie man bei Anna Bolena erleben 

kann, wenn sie im Gefängnis von 

einem geschmückten Altar fantasiert 

und die Blumen mit Koloraturen 

in die Luft zeichnet. Diese 

Belcanto-Koloraturen sind Ihr 

Revier. Aber jede Stimme entwickelt sich. In welche Richtung 

geht es bei Ihnen zurzeit? 

Meine Stimme ist und bleibt ein Koloratursopran. Früher war es 

ein leichterer, jetzt wird es ein etwas schwererer, fraulicherer, ein 

dramatischer Koloratursopran. Das bedeutet, ich habe die 

absoluten Höhen, aber auch eine etwas größere Mittellage und 

Tiefe. Wenn ich lyrischere Rollen singe, dann behält meine 

Stimme trotzdem ihre Farben und Eigenheiten. Ich habe nur ein 

Instrument. 

Verändert sich die Kondition über die Jahre? 

Ich muss schauen, dass ich meine Stimme pflege und mir die 

nötige Zeit gönne. Ab 40 stellt einem der Körper schon Fragen. 

Was früher selbstverständlich ging, fällt nicht mehr so leicht. 

Dem muss man dann auf den Grund gehen. Die Arbeit an der 

eigenen Stimme endet nie. 

Welches Repertoire würden Sie sich gerne erschließen? 

Ich hatte eine Zeit der großen Primadonnenrollen. Jetzt möchte 

ich mehr Konversationsstil, die Feinheiten, die ich in meiner 

Muttersprache singen kann. Ich hoffe, dass ich Capriccio in Paris 

wie geplant interpretieren darf. Und die Figaro-Gräfin. Strauss 

und Mozart. 

Wie sieht Ihr vokales Trainingsprogramm aus? 

Die „angry crazy woman“ habe ich während der Auszeit etwas 

zur Seite gelegt. Aber die Arbeit geht natürlich weiter. Üben ist 

wie Zähneputzen. Vokalisen, Läufe, hohe Töne, Staccati, alles, 

was man so braucht zum Belcanto, das volle Programm. Zurzeit 

mit etwas mehr Muße und Entspanntheit. Das tut gut. 

Ihre Söhne sind sieben und neun Jahre alt. Die fragen vermutlich 

nicht danach, ob die Mutter sich schonen muss. Denken 

Sie im Familienalltag an Ihre Stimme als 

Instrument? 

Nein. Ich werde auch nicht zur tobenden 

Königin der Nacht. Aber klar, unser 

Instrument ist im Dauereinsatz. 

Gaetano Donizetti: „Tudor Queens“ (Warner Classics) 

n 


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KUNST IST 

ESSENZIELL! 

Rolando Villazón begeistert nicht nur als 

Sänger, sondern auch als Moderator, 

Schriftsteller, Cartoonist und Intendant der 

Mozartwoche Salzburg. Wir sprachen mit ihm 

über Heimat, die Suche nach Identität und 

Totenschädel aus Zucker. 

VON MARIA GOETH 

Crescendo: 

Sombrero, Tequila, Nachos – das verbinden 

die meisten Deutschen mit Mexiko. Wie würden Sie den echten 

Kern Ihrer Heimatkultur beschreiben? 

Rolando Villazón: Sombrero, Tequila und Nachos sind tatsächlich 

eine Seite der mexikanischen Kultur – vielleicht eine oberflächliche, 

aber keine schlechte. Ich mag sie, weil sie über Freude spricht. Tief 

in unserer Kultur steckt die Zeit vor der spanischen Kolonialisierung: 

die Azteken, die Olmeken, die Tolteken und so weiter, reiche 

prähistorische Hochkulturen ähnlich den alten Ägyptern, die sich 

dann mit den Spaniern mischten. Wichtig ist, dass die Spanier nicht 

einfach alles ausradiert haben. Das war in Brasilien unter den 

Portugiesen anders. Mexiko ist aus dem Schock des Zusammenpralls 

der prähistorischen Hochkulturen mit den Spaniern geboren! 

Der Kampf um die eigene Identität prägt Mexiko bis heute? 

Wir sind Nachbarn der USA, die unglaubliche Macht haben. Wir 

wurden zwar von den Spaniern erobert, aber kulturell haben die 

USA die ganze Welt erobert – Hollywood, Netflix, McDonald’s und 

Starbucks. Ob Kultur, Sport oder Werbung, die USA sind Modell 

und Strukturgeber. Auf der Suche nach der eigenen Identität gibt es 

Mexikaner, die alles wie die USA machen wollen, und die, die gegen 

diesen Einfluss kämpfen und versuchen, zu ihren Wurzeln zurückzukehren. 

Aber was sind diese Wurzeln? Wenn man sagt „Die 

Spanier haben UNS erobert“, stimmt das nicht, wir sind bereits die 

Konsequenz dieser Mischung. Der Name „Villazón“ kommt zum 

Beispiel aus Asturien. Es gibt ein wunderschönes Buch unseres 

einzigen Nobelpreisträgers Octavio Paz, Das Labyrinth der Einsamkeit, 

das diese Identitätssuche beschreibt. 

Kompensiert man das über Nationalismus? 

Ich glaube nicht an Nationalismus. Es gibt eine große „¡Viva 

México!“-Bewegung, das finde ich gefährlich. Es ist ein Unfall, wo 

wir geboren sind! Es kann ein wunderbarer Unfall sein – wie für 

mich! –, aber es ist nichts, das wir entscheiden. In Europa zu leben 

– ich lebe ja inzwischen in Frankreich und habe auch einen 

französischen Pass –, das war eine Entscheidung. 

FOTO: JULIEN BENHAMOU 

43


Was ist für Sie Heimat? 

Kunst! Kultur, Musik und meine Familie. 

Ist Frankreich nun auch eine Heimat geworden? 

Seit acht Jahren war ich nicht in Mexiko. Ich liebe es, in Frankreich 

zu wohnen, liebte schon immer die französische Literatur. Die 

Werke des lateinamerikanischen Schriftstellers Julio Cortázar 

spielen fast alle in Paris, deshalb wollte ich hier leben. Ich wollte 

eine Buchseite bei Julio Cortázar sein! Ich liebe aber auch Orte wie 

Berlin, Salzburg, Menorca – und ich passe mich sehr schnell an. 

Gleichzeitig bin ich überall fremd. Inzwischen auch in Mexiko. 

Sie waren schon als Kind unheimlich aktiv, haben neben dem 

Gesang auch getanzt, gezeichnet, geschrieben. Waren Sie in der 

Schule eher erste Bank oder letzte Reihe? 

Letzte Reihe! Ich war immer der Klassenclown. Ich war nicht so gut 

in der Schule. Es war eine deutsche Schule, deshalb fühlte ich mich 

etwas fremd, weil die meisten Schüler deutsche Eltern hatten. Lustig 

zu sein, gab mir einen Platz in dieser Gesellschaft. Ich war immer 

kulturell interessiert, habe unheimlich viel gelesen, aber nie die 

Bücher, die ich lesen sollte. 

Stimmt es, dass Sie beim Singen 

unter der Dusche entdeckt worden 

sind? 

Ich habe immer unter der Dusche 

gesungen. Das hörte eines Tages 

mein späterer Gesangslehrer, der 

Bariton Arturo Nieto, der ein Freund 

unserer Nachbarn war. Er war 

begeistert. 

Auf Ihrem aktuellen Album 

Serenata Latina sind lateinamerikanische 

Lieder in Arrangements 

für Harfe und Gesang zu hören. 

Wie kam es zur Zusammenarbeit 

mit dem Star-Harfenisten Xavier 

de Maistre? 

2005 sang ich La Traviata in 

Salzburg. Die einzige Stelle für Harfe 

ist die Serenade des Alfredo. Das war 

damals Xavier de Maistre, der 

Soloharfenist bei den Wiener 

Philharmonikern war. Wir blieben in Kontakt. Als er mich mit dem 

Vorschlag anrief, lateinamerikanische Lieder mit Harfe einzuspielen, 

sagte ich sofort Ja. Bei lateinamerikanischen Liedern denkt man 

ja schnell an La Cucaracha und Co., aber es gibt dieses ganze 

Repertoire von Komponisten, die auch mit Mahler und Schubert 

bekannt waren und die von der Volksmusik beeinflusste, aber 

anspruchsvolle Werke schrieben – Ginastera und Guastavino sind 

die bekanntesten unter ihnen. Ich wollte ein Album mit Liedern 

machen, die aus Liebe zur lateinamerikanischen Volksmusik 

entstanden sind. Es gibt Kunstlieder, aber auch echte Volkslieder 

wie Alfonsina y el mar und La Ilorona auf dem Album – wichtig war 

uns, dass man keinen Unterschied hört. 

Passt die Kombination aus Harfe und Gesang da besonders gut? 

Ja. Viele der Lieder sind ursprünglich für Klavier und Gesang 

geschrieben, wurden aber inspiriert durch folkloristische Lieder für 

Gitarre und Stimme. Harfe hat wenig zu tun mit Gitarre oder dem 

eher perkussiv geprägten Klavier. Sie ist eine Welt in sich selbst. Wir 

haben aus einem riesigen Repertoire – viel davon habe ich von 

Musikwissenschaftlern auf einer Argentinienreise mit Barenboim 

bekommen – gezielt Lieder ausgesucht, die zu diesem Klanguniversum 

passen. Die Harfe vereint perfekt das Folkloristische der 

Gitarre mit der Vornehmheit der klassischen Musik. Sie vereint das 

Beste aus beiden Welten. Und dann braucht man noch einen 

Künstler wie Xavier de Maistre: Er versteht die Liedwelt sehr gut, 

die Stimme, das Timing, das Atmen der Sänger. Und er hat die 

Originalbegleitungen eins zu eins von den Klavierstimmen 

„DIE HARFE VEREINT DAS BESTE 

AUS ZWEI WELTEN: FOLKLORE UND 

KLASSISCHE MUSIK“ 

übernommen. Das liebe ich. Er macht nicht auf Walt Disney, 

sondern arrangiert mit großem Respekt vor den Werken. 

Beschreiben Sie bitte die Stimmung dieser lateinamerikanischen 

Lieder. 

Eine Mischung aus Freude, Melancholie und der damit verbundenen 

Präsenz von Liebe und Tod. Wir Lateinamerikaner haben eine 

sehr enge, fast erotische Beziehung zum Tod. Das kommt vermutlich 

noch aus der Zeit vor der spanischen Kolonalisierung. Wir 

haben eine Art Bewunderung für den Tod, die stärker ist als die 

Angst davor. Die Spanier versuchten, uns Gott und Christus 

nahezubringen, aber neben den Kirchen gab es immer noch die 

ganze Mythologie der Azteken, Inkas und Mayas. Es hat also mit 

der Geschichte zu tun, aber auch mit den täglichen Tragödien, wie 

wir sie in Lateinamerika erleben. Früher war der Tod auch in 

Europa präsenter. So schreibt Mozart kurz vor dessen Tod an seinen 

Vater: „Ich lege mich nie zu Bette, ohne zu bedenken, dass ich 

vielleicht, so jung als ich bin, den anderen Tag nicht mehr sein 

werde, und es wird doch kein Mensch von allen, die mich kennen, 

sagen können, dass ich im Umgange 

mürrisch oder traurig wäre.“ Diese 

Mischung aus Sorge, Traurigkeit und 

Freude ist typisch für Lateinamerika. 

Wir tanzen mit dem Tod, machen 

Witze über ihn. Am zweiten 

November, dem Tag der Toten, 

schreiben wir kleine lustige Gedichte 

darüber, wie unsere Freunde und 

Verwandten sterben werden und 

schenken sie ihnen – mit personalisierten 

Totenschädeln aus Zucker. 

Meine Schüler in Mexiko haben mir 

zum Beispiel ein Gedicht geschrieben, 

wie ich unter der Dusche singe 

und dann der Teufel kommt und 

sagt „Jetzt reicht’s“ und mich 

mitnimmt. Dann macht man 

Picknick auf dem Friedhof und 

bringt den Toten das, was sie im 

Leben gerne mochten, zum Beispiel 

Tequila oder Tamales. 

Zurück zu den Lebendigen: Unser Heft hat den Schwerpunkt 

„Art goes digital“. Durch COVID-19 beschleunigt, haben viele 

Opern- und Konzerthäuser spannende Digitalangebote schaffen. 

Sie haben nicht mal ein Smartphone? 

(Villazón zückt sein analoges Nokia-Telefon und lacht) Es hat nicht 

mal eine Kamera! Aber ich muss auch keine Fotos machen. Ich 

kann telefonieren und SMS schreiben, das genügt mir. Auch mein 

Computer ist uralt. Ich nenne ihn „Mad Max“-Computer. Die 

Tastatur ist kaputt und ich muss eine externe anschließen. Meine 

E‐Mails beantworte ich alle paar Tage, das ist fast wie früher beim 

Briefeschreiben. Ich liebe auch das echte Briefeschreiben – Handschrift 

ist so etwas Persönliches! Ich bin nicht gegen alle diese 

digitalen Instrumente, sie sind fantastisch. Ich sehe es bei meinen 

Kindern, die damit spielen und sich austauschen. Sie haben ein 

Leben draußen und eines in der Digitalwelt. Aber ich selbst bin zu 

spät in die Zukunft gekommen. Ich bin glücklich, kein Smartphone 

zu haben, denn dann habe ich mehr Zeit zum Lesen. Ich versuche, 

ein Buch pro Woche zu lesen, höre Radio. Ich interessiere mich 

nicht dafür, was andere Leute auf Facebook posten, kaufe nicht bei 

Amazon ein. Ich liebe es, in einen Buchladen zu gehen und mit 

Menschen zu sprechen, die sich mit ihrem Sortiment auskennen. 

Algorithmen können sehr schön sein, aber sie nehmen viel Talent 

weg – nicht die großen Talente, aber diese kleinen Gaben, die uns 

voneinander unterscheiden. Für die Kunst ist es schön, dass die 

Leute eine Oper im Internet schauen können. Aber das ist nicht 

wirklich Oper, denn die muss man im Theater anschauen. 


Und Kunst, die speziell für die Digitalwelt geschaffen wird? 

Ich finde solche neuen Wege gut. Aber man muss sie auch bezahlen. 

Im Lockdown gab es so viel kostenlos. Auch im Lockdown habe ich 

keinen Kaffee umsonst bekommen. Ich hasse diese Umsonst-Mentalität. 

Ich weiß als Künstlerischer Leiter der Mozartwoche, wie 

schwierig es ist, ein Budget zu machen und Kunst zu unterstützen. 

Jede Karte ist so wichtig! Es müssen ja keine Riesenbeträge sein, 

aber wenigstens sollte man einen Euro für jedes Streaming von 

Covent Garden oder der Bayerischen Staatsoper zahlen. Kunst ist 

kein Accessoire! Kunst ist essenziell! Und nicht nur seichte 

Unterhaltung. Das haben wir in dieser Zeit besonders gemerkt. Ich 

freue mich, dass Bücher wie Die Pest von Albert Camus oder 

Robinson Crusoe von Daniel Defoe während des Lockdowns wieder 

mehr verkauft wurden. Es gibt ein kleines Buch von 1790, das 

Voyage autour de ma chambre, zu deutsch Die Reise um mein 

Zimmer heißt. Lustigerweise heißt der Autor auch Xavier de 

Maistre. Es ist zwar keine Weltliteratur, aber sehr charmant. Es geht 

um jemanden, der 42 Tage in seinem Zimmer bleiben musste, nicht 

wegen eines Virus, sondern aufgrund von Hausarrest. Er beschreibt, 

wie schön die Reise durch ein Zimmer sein kann. 

Besteht nicht umgekehrt die Gefahr, dass die Menschen im 

Lockdown bemerkt haben, dass man auch ohne Hochkultur 

auskommen kann? 

Ich hoffe nicht! Mein Wunsch ist, dass wir kämpfen. Heute ist keine 

Zeit für Egoismus. Wir Künstler müssen nicht für uns kämpfen, 

sondern für die Kunst. Einige müssen aktuell natürlich für sich 

selbst kämpfen, viele Musiker, die kein Geld mehr einnehmen. Ich 

bin in der glücklichen Situation, genug Rücklagen zu haben. Leute 

wie ich dürfen sich nicht beschweren. Ich bin viel eher in der 

Verantwortung zu unterstützen, und das mache ich gerne. Ich tue 

das privat und über Barbara Hannigans Stiftung Momentum. Man 

sollte offen sagen, wenn man Hilfe braucht. Es gibt Künstler, die 

jetzt für Amazon Pakete austragen. Das kann es nicht sein! Auch als 

Künstlerischer Leiter der Mozartwoche ist es meine Verpflichtung 

zu sagen: Ich behalte alle, auch wenn mein Budget halbiert wird. Ich 

bin in engem Gespräch mit jedem Musiker, Orchester, Sänger und 

Agenten, damit wir gute Lösungen finden. Wenn kein weiterer 

Lockdown mehr kommt, wird die Mozartwoche wie geplant 

stattfinden. Jetzt haben wir schon viel Erfahrung aus Salzburg, aus 

Luxemburg usw. Anfangs tappten wir im Dunkeln. Zu viele 

Festivals haben zu früh abgesagt. Natürlich gibt es ein Risiko. Aber 

das gibt es auch, wenn man einen Zug nimmt. Jetzt kann man 

kalkulieren, Abstände halten. 

Ihr Wunsch, wie es weitergeht? 

Dass es kein Corona mehr gibt! Und: dass die Politiker in die 

Konzerte kommen und sehen, wie gut das funktioniert. Wenn man 

zum Flughafen geht, wird überall Distanz gehalten, aber dann wird 

man 15 Minuten in einen Bus gepfercht – ohne Luft! Der eine 

hustet, der andere schnieft. Im Konzert haben wir Distanz, das ist 

gut. Wir haben Masken und bewegen uns nicht. Es gibt keine Pause. 

Ich will, dass die Politiker sehen, dass das besser funktioniert als 

jeder Flughafen. Noch einmal: Kunst ist keine Nebensache! Kunst 

zeigt, wer oder was wir sind, fordert, dass wir tief in uns selbst 

gehen. Sie stellt Fragen und gibt keine Antworten. Das ist das Leben 

im philosophischen Sinn: antworten müssen und nicht nur 

reagieren. Reagieren kann jedes Tier. Für Antworten muss man 

denken und einen Grund haben. Die Elemente, die wir brauchen, 

um das große Buch des Lebens zu schreiben, 

sind Bildung und Kunst. Zusammen machen 

sie die besten Menschen. 

n 

„Serenata Latina“, Rolando Villazón, Xavier de Maistre 

(Deutsche Grammophon)


JAZZ IST INSPIRATION 

Sie muss noch nicht mal laut spielen, um die Musikwelt aufzurütteln. Gerade mal 22-jährig 

hat sich die Trompeterin Selina Ott für ihr Debüt-Album schweren Stoff ausgesucht. Und 

wird dafür gefeiert. Sie bleibt gelassen. Weil sie mehr als nur die eine Leidenschaft kennt … 

VON STEFAN SELL 

FOTO: NANCY HOROWITZ 

Irrsinnig schön!“ Dieses Prädikat 

ist im Gespräch mit der 

Trompeten-Virtuosin Selina Ott oft zu 

hören, egal, ob es um ihre Trompete geht 

– oder um ihre Pferde. Und vielleicht ist 

das eines der wenigen Indizien für ihre 

Jugend. Treffender ließen sich auch ihr 

Spiel, ihr Ton, ihre Musikalität und ihr 

natürlicher Flow nicht beschreiben. Auf 

der Bühne strahlt sie eine unglaubliche 

Natürlichkeit aus. Und fast ist man versucht 

zu glauben, sie selbst wüsste gar 

nicht, wie gut sie ist. Preisverwöhnt 

gewann sie in ihrem Fach mit 20 Jahren 

als erste Frau den ersten Preis des ARD- 

Musikwettbewerbs. Seither reißen die Anfragen führender Orchester 

und Festivals nicht ab. 

Die nun 22-Jährige stammt aus Krems an der Donau. Ihre 

Eltern, beide Musiklehrer, unterrichten sie von klein an, die Mutter 

in Flöte und Klavier, der Vater in Trompete – er selbst war bereits 

mit sechs Jahren Schüler seines Vaters gewesen. Mit 13 wird sie an 

der Universität für Musik und darstellende Kunst in Wien in den 

Kreis der Hochbegabten aufgenommen, studiert dann an der Musikhochschule 

Karlsruhe und hat dieses Jahr ihr Studium mit Auszeichnung 

an der Musik und Kunst Privatuniversität der Stadt Wien 

abgeschlossen. Zählt man die Meisterkurse dazu, ist das ein rasanter 

Aufstieg. 

Und wie fühlt sich ein derart steiler Karrierestart an? „Es war 

überwältigend nach dem ARD-Wettbewerb, aber jetzt, in Zeiten 

von Corona, ist fast schon wieder ein halbes Jahr Pause.“ Anfang 

Oktober erschien ihr Debüt-Album Trumpet concertos. Die Repertoireauswahl: 

mutig. Arutjunjan, Wladimir Peskin, dazu ihr „Lieblingsstück“, 

das Trompetenkonzert Incantation, Thrène et Danse 

von Alfred Desenclos – eine echte Herausforderung. 

„Bei der Trompete muss man den Ton mit den Lippen fassen. 

Das ist sehr tagesabhängig – mal sehr gut, mal aber schlecht. Dann 

kämpft man mit dem Instrument. Man kann ja nicht unendlich viel 

üben – irgendwann sind die Lippen einfach durch. Da gilt es, die 

Balance zu finden zwischen genug und nicht zu viel üben, um für 

die Konzerte fit zu sein. Balance braucht es auch, mental vorbereitet 

zu sein, zu wissen, dass man die Stücke gut draufhat.“ 

Und unabhängig von Spielen und Üben: Was macht eine gute 

Trompetenstimme aus? „Für mich ist der Klang ganz wichtig. Mir 

gefällt, wenn sie ganz klar ist. Es gibt ein paar wenige, die haben 

einen irrsinnig guten Klang und große Musikalität – da muss die 

Technik passen. Es ist ein Zusammenspiel aus allem.“ 

Das Konzert von Desenclos, ein Werk der französischen 

Moderne, ist widersprüchlich, sperrig, mit romantischen Kantilenen, 

mit extremen Tonspitzen nicht 

leicht zu fassen. Ott weiß es filigran, zart 

und farbenreich zu spielen, so virtuos 

wie temperamentvoll, offen, klar und 

hell, dem Credo Desenclos folgend: 

„Musik sollte Emotion, Expansion sein.“ 

Warum aber gerade dieses Stück? „Das 

war das erste, das ich beim ARD-Wettbewerb 

gespielt habe. Zum ersten Mal 

gehört habe ich es mit 14 während einer 

Masterclass. ,Wow!‘, schoss mir damals 

durch den Kopf, das klingt schwer, ist so 

hoch und virtuos – irgendwann will ich 

das spielen können! Dann lag es als eine 

der Möglichkeiten beim Wettbewerb 

vor. Schicksal, dachte ich – das muss ich spielen. Eine echte Herausforderung, 

technisch anspruchsvoll, irrsinnig anstrengend. Dafür 

braucht man viel Kraft. Aber ich fand’s richtig cool und fetzig – und 

es wird so selten gespielt!“ 

Wer all diesen Anforderungen gerecht wird, braucht Ausgleich. 

Da lacht Selina Ott: „Mein größter Ausgleich sind meine zwei 

Pferde.“ Und ebenso leidenschaftlich wie von ihrem Spiel erzählt sie 

von ihren Tieren. Und dass das eine ohne das andere nicht denkbar 

sei. Vielleicht liegt hier ihr Geheimnis. Sie ist geerdet, weiß, dass die 

Kommunikation zwischen Mensch und Pferd hohe Achtsamkeit 

und Aufmerksamkeit erfordert, also genau das, was die feinen Nuancen 

ihres Trompetenspiels ausmacht. „Ja, Pferde sind sehr sensibel. 

Hätte ich sie nicht, könnte ich all das gar nicht absolvieren.“ 

Ausgleich hat sie also. Was aber ist mit Inspiration? „Ich war 

gerade im ,Zwe‘ in Wien, einem Mini-Jazzclub“, erzählt sie, und 

dass sie dort zum ersten Mal ein Freejazz-Konzert gehört habe. „Die 

spielen minutenlang über ein paar Akkorde. Ich habe meine Noten 

– das war’s. Ein Jazztrompeter meinte, mit Noten fühle er sich so 

eingeengt. Bei mir ist es umgekehrt: Ich habe ein vorgegebenes 

System. Aber die Musik darin, die kann sich frei entfalten. Was mich 

aber am Jazz inspiriert, ist die Lockerheit, der Flow.“ 

Braucht man diesen Flow in der Klassik nicht genauso? „Bei 

der letzten Probe mit meinem Pianisten ging es genau darum“, 

bestätigt sie. „Wir spielen zusammen, der Rhythmus muss passen, 

die Musikalität stimmen. Aber man muss Gleichzeitigkeit finden, 

gemeinsam, nicht stur nach Metronom. Das wird in der Klassik 

vernachlässigt.“ Und schließlich lacht sie: „Im Auto höre ich immer 

Michael Bublé. Ich find’s super! Schöne leichte 

Musik – das ist Ausgleich und Inspiration 

zugleich!“ 

n 

Arutjunjan, Peskin, Desenclos: Trumpet Concertos, 

Selina Ott (Orfeo) 


HÖREN & SEHEN 

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Lars Eidinger 

Entgrenztes Spiel 

Richard hat einen Buckel und humpelt. Doch nicht nur sein Körper ist deformiert. Auch 

psychisch ist er abnorm. Von Machthunger getrieben, instrumentalisiert er andere Menschen 

und geht grausam über Leichen. So erreicht er zwar das Ziel, als Nachfolger seines Bruders 

König von England zu werden. Doch selbst dieser Gipfel des Erfolgs ist ihm nicht genug. Als 

Protagonist von Thomas Ostermeiers Inszenierung Richard III. verkörpert Lars Eidinger diese 

Entwicklung mit vollem Einsatz inmitten einer zerrütteten Machtelite. Abwechselnd ist er 

eloquent-einschmeichelnd, elend oder ein Ekel – und die Kamera immer dabei. Aus verschiedenen 

Perspektiven zeigt sie Eidingers zunehmend entgrenztes Spiel bei der 

Aufzeichnung von Shakespeares Königsdrama auf dem Festival d’Avignon 

2015. Ins Hier und Jetzt holen das Historiendrama die Prosa-Übersetzung 

von Marius von Mayenburg, ein Mix aus Live-Percussion sowie elektronischer 

Musik und der Einsatz von Videoprojektionen. ASK 

William Shakespeare: Richard III., Lars Eidinger, Schaubühne Berlin (Theater Edition) 

FOTO: ARNO DECLAIR 

47

H ÖT IRTEEN L& ZSEEI HL E N 

FOTO: TIM KLÖCKER 

Seit 25 Jahren gibt es das Fauré Quartett, und bis heute spielt es in 

unveränderter Besetzung. Die Musiker feiern diese Erfolgsgeschichte 

mit einem Album, das sie ihrem Namensgeber, Gabriel Fauré, 

widmen. Im Zentrum stehen die Klavierquartette op. 15 und op. 45, in 

denen Fauré die einzelnen Stimmen meisterhaft miteinander verflicht 

und in einen fließenden Dialog treten lässt. Energiegeladen, nach 

vorne drängend und von großer Frische im Grundcharakter, ziehen 

die beiden Schlüsselwerke in der packenden Interpretation des 

Fauré Quartett 

In allen Farben 

Quartetts unmittelbar in Bann. Ergänzt werden die beiden Quartette 

durch fünf Lieder, darunter Notre amour, Les berceaux, Après un 

rêve, Clair de lune und Mandoline, die Dietrich Zöllner arrangiert hat 

und die mit subtilen harmonischen Wechseln, anmutigen Melodien 

und schwelgerischen Phrasen betören. So lässt das Ensemble die 

Musik in all ihren Farben eindrucksvoll lebendig werden. DW 

Gabriel Fauré: Quartet No 1 & 2, Songs, Fauré Quartett (Berlin Classics) 

Howard Arman 

Anders hören 

Auf den ersten Blick ist es eine physische Überraschung: Mozarts Requiem, Dauer 

in der Regel rund 45 Minuten, auf einer Doppel-CD. Auf den zweiten Blick zeigt 

sich: Der Zuhörer wird zum Besucher eines digitalen Konzerts, das nicht nur aus 

der Musik besteht (CD 1), sondern auch wie mittlerweile üblich aus einer 

Werkeinführung (CD 2). Ein Konzept, das aufgeht – gerade bei diesem Stück. 

Mozart hinterließ sein Requiem unvollendet. Die von Franz Xaver Süßmayr 

vervollständigte Musik ist akustischer Konsens, aber bis heute immer wieder 

Anlass für Komponisten und Dirigenten, nach anderen Lösungen zu suchen. So 

auch Howard Arman, der mit dem BR-Chor und der Akademie für Alte Musik 

Berlin zwar Süßmayer treu bleibt, sich aber auch selbst auf die Suche nach „mehr 

Mozart“ macht. Die Änderungen mögen subtil, fast unscheinbar beim Hören in 

Erscheinung treten. Die Werkeinführung lädt dazu ein, 

genauer und anders hinzuhören. Und was wollte man 

einem bekannten Werk wie diesem und auch den Musikern 

mehr wünschen als frisch geschärfte Ohren. UH 

Wolfgang Amadeus Mozart: Requiem d‐Moll KV 626, Chor des Bayerischen 

Rundfunks, Akademie für Alte Musik Berlin, Howard Arman (BR Klassik) 

Fazıl Say 

Vielschichtige Klangwelten 

Der Pianist und Komponist Fazıl Say saugt Einflüsse 

verschiedener Kulturen auf und formt daraus seinen 

eigenen musikalischen Kosmos. Seine zunächst für 

Solo-Piano komponierten drei Balladen op. 12 erklingen in 

einem Arrangement für Klavierquintett. Er kombiniert sie 

mit seiner hochexpressiven Quintett-Komposition Das 

verschobene Haus op. 72 b, die den Gründer der türkischen 

Republik, Kemal Atatürk, als Naturfreund zeigt, 

und Schumanns Klavierquintett op. 44 in Es-Dur. Mit dem 

fabelhaften casalQuartett, das durch Musizierfreude und 

Frische ebenso begeistert wie durch Präzision in der 

farblichen Detailgestaltung, 

bewegt sich Say souverän und 

voller Leidenschaft durch diese 

vielschichtigen Klangwelten. MV 

Ballads & Quintets, Fazıl Say & casalQuartett 

(Solo Musica) 


Nicolas Mahler 

Gezeichnete Sinfonie 

Nicolas Mahler ist ein Meister in der Kunst des 

Weglassens, Zuspitzens; phänomenal sein Gespür 

für das eine, bändesprechende Detail. Sieben Jahre 

nach Musils Mann ohne Eigenschaften hat der 

Wiener Künstler sich einen weiteren dickleibigen 

Klassiker aus der „Bibliothek der ungelesenen 

Bücher“ vorgenommen und in einen Comic 

transformiert – erneut mit höchster Treffsicherheit. 

Dass er James Joyces Ulysses von Dublin nach Wien 

versetzt und sein Leopold Wurmb (statt Bloom) den 

16. Juni 1904 mit äußeren und inneren Irrgängen in 

der Donaumetropole zubringt (auf über 280 Seiten, 

etwa dem doppelten Umfang von Mahlers Musil- 

Adaption!), entpuppt sich als Kunstgriff von spezieller 

Würze. Kuriose, virtuos collagierte Anzeigenund 

sonstige Fragmente aus dem „Neuigkeits-Welt-Blatt“ 

dieses Datums machen die 

humorvoll-tiefsinnige Umtopfung perfekt. 

Und wieder gilt: Mahlers Graphic Novels 

verlocken uns, die Originale (erneut) zur 

Hand zu nehmen und herauszufinden, was 

und wie er diese durchleuchtet, verknappt 

und schärft. WW 

James Joyce: Ulysses, neu übersetzt, stark gekürzt, 

erweitert und gezeichnet von Mahler (Suhrkamp) 

John Andrews 

Zweideutiges Opernvergnügen 

Warum kommen manche Trouvaillen erst so spät auf die Silberscheibe? 

Ihre posthume Uraufführung erlebte die Opernkomödie The Dancing 

Master des Brücke-am-Kwai-Komponisten Malcolm Arnold 2012 bei einem 

Festival in seinem Heimatort Northampton. Zu Arnolds Lebzeiten gab es 

nur eine Laienaufführung mit Klavier und eine Studioaufnahme. Diese 

späte Wiedergutmachung geschah auf Initiative des Dirigenten John 

Andrews. Das BBC Concert Orchestra und die Sänger lassen die 

melodiöse Partitur zu einem Hörvergnügen werden. 

Die für Filme des mittleren 20. Jahrhunderts unverzichtbare Begabung 

des gestischen Komponierens besaß Arnold. So kann man seine Partitur 

ohne Weiteres als annähernd ebenbürtig zu Nino Rotas souverän in den 

Spuren des 19. Jahrhunderts wandelndem Florentiner Strohhut betrachten. 

Nur war Arnolds Stoffwahl den prüden Jahren um 1960 viel zu weit 

voraus. Mit der Geschmeidigkeit seines Timings orientierte sich Arnold an 

Verdis Falstaff, musikalisch agiert er in etwa gleichem Abstand zu 

Bernstein und Britten. Seine Musik hat weder englisches noch spanisches 

Kolorit, manchmal spricht aus den Strophen- und Kavatinen-Gebilden 

eine Vorliebe für die italienische Gesangsschule. Also nichts Neues für die 

musikalischen Gewohnheiten der britischen Inseln. Mit dieser Oper hätte 

sich Arnold zu Lebzeiten als der Richtige für die Vertonung einer 

Gesellschaftskomödie Oscar Wildes empfohlen. Sexuelle Energie kleidet 

und verschleiert er mit einer melodischen, eleganten und dabei burlesken 

Tonsprache. Das Ensemble dieser Einspielung ist dafür goldrichtig: 

jugendliche Stimmen mit jener Gleichgültigkeit 

gegenüber Zweideutigkeiten, die diese erst recht 

komisch macht. DIP 

Malcolm Arnold: The Dancing Master, Eleanor Dennis, 

Catherine Carby, Fiona Kimm, BBC Concert Orchestra, 

John Andrews (Resonus) 

Konzertreise zum 

BACHFEST 

LEIPZIG 

11.–14. JunI 2021 

• 3 x Übernachtung inkl. Frühstück 

in einem 4* Innenstadthotel 

• Eintrittskarte für das Bachfest-Eröffnungskonzert 

mit dem Thomanerchor 

• touristisches Rahmenprogramm vor Ort 

Preis pro Person im DZ ab 475,- € 

Informationen und Buchung unter 

www.leipzig.travel/reiseangebote oder incoming@ltm-leipzig.de 

MUSIKSTADT :LEIPZIG 

49


Raphaela Gromes 

Romantische 

Leichtigkeit 

Nicht nur ist Raphaela Gromes eine gefeierte, 

junge Cellistin – gerade wurde sie mit ihrem 

Duopartner Julian Riem mit dem Opus Klassik 

gewürdigt –, sie setzt sich auch für vergessenes 

Repertoire ein. Auf ihrem Album ist die Weltersteinspielung 

des Dritten Cellokonzerts von Julius 

Klengel zu hören, einem Spätromantiker aus 

Leipzig und seinerzeit selbst europaweit 

gefeiertes Cello-Wunderkind und geschätzter 

Komponist. Klengels Konzert, das sich irgendwo 

zwischen Mendelssohn und Wagner bewegt, am 

Ende sogar mit rauschend ungarisch anmutendem 

Feuer tanzt, kann sich neben den großen 

Romantikern durchaus hören lassen. Und 

Gromes interpretiert mit Leichtigkeit, Virtuosität 

und warmem Klang von wohltuender Unmittelbarkeit, 

wozu ihr das Rundfunk-Sinfonieorchester 

Berlin unter Nicholas Carter ein Partner auf 

Augenhöhe ist. Auf das Klengel-Konzert folgt – 

nach einer hörenswerten frühen Orchesterromanze 

von Richard Strauss – mit Schumanns 

Cellokonzert a-Moll der Inbegriff des romantischen 

Cellokonzerts schlechthin, das Gromes innig und 

klangschön musiziert. Gut löst sich die Idee ein, 

die Orchesterwerke am Ende um ein paar 

Kammermusik-Preziosen von Robert und Clara 

Schumann sowie Johannes Brahms zu 

bereichern. Am Klavier sitzt dabei natürlich 

Duopartner Julian Riem. MG 

Romantic Cello Concertos, Raphaela Gromes, Rundfunk- 

Sinfonieorchester Berlin, Nicholas Carter (Sony) 

Ivan Repušić 

Spirituell 

Ende Juni 2020, bereits unter erschwerten Bedingungen, entstand 

eine Aufnahme, die besser nicht in ihre Zeit passen könnte. In reiner 

Streicherbesetzung und unter strengen Auflagen spielten die Musiker 

des Münchner Rundfunkorchesters unter der Leitung von Ivan 

Repušić Kompositionen des lettischen Komponisten Pēteris Vasks. 

Das Ergebnis ist berührend. Über den Abstand hinweg und durch 

die Plexiglaswände hindurch verschmilzt das Ensemble zu einer 

mitreißenden Einheit. Vasks Musik hat etwas Spirituelles, steckt 

voller Emotionen – von der tiefsten Verzweiflung hin zur glücklichsten 

Hoffnung. „Warum komponieren, wenn es keine Hoffnung gibt?“, 

sagte er einmal. Zudem bezeichnete sich der in der sowjetischen 

Unterdrückung aufgewachsene Sohn eines Pfarrers kürzlich als 

„trauriger Optimist“. Mit der außergewöhnlichen Kraft seiner 

Kompositionen erschafft er sphärische Momente, in denen man 

kaum wagt zu atmen – mitreißende folkloristische Rhythmen oder 

größtes, aufwühlendes Chaos. Für Vasks geht es um Glaube, Liebe, 

Ideale und Hoffnung. Wie sein Vater predigt 

er – in der mächtigen Sprache der Musik. SK 

Pēteris Vasks: Viatore, Tālā gaisma, Erste Sinfonie, 

Stanco Madić, Münchner Rundfunkorchester, Ivan Repušić 

(BR Klassik) 

Florian Uhlig 

Ungeahnte Nuancen 

Kurz vor der Zielgeraden befindet 

sich Florian Uhlig mit seiner 

Gesamteinspielung aller zweihändigen 

Klavierwerke von Robert 

Schumann. Die Folge 14 von 15 ist 

den Variationen vorbehalten, 

darunter ein paar echte Preziosen 

und Ersteinspielungen, etwa zwei 

verschiedene Variationen über Themen von Beethoven 

und weitere über ein Thema von Paganini. Eine Aufnahme, 

die in jedem Fall lohnt, da manche der hier eingespielten 

Zyklen zwar nicht zum ersten Mal, aber dennoch selten 

genug zu hören sind. Insgesamt ist der Eindruck in jeder 

Hinsicht exzellent: das kenntnisreiche Booklet, die 

Aufnahme und natürlich die Musik selbst. Florian Uhlig 

spielt Schumann technisch perfekt, entlockt dem Steinway 

ungeahnte Nuancen und entdeckt dabei Facetten, die man 

nicht zu kennen glaubte. Mit seinem Projekt leistet er 

Großartiges, musikalisch wie editorisch. GK 

Robert Schumann: Variationen, Florian Uhlig (Hänssler Classic) 

FOTO: SAMMY HART 


BRAHMS, WIE MAN IHN 

NOCH NIE GEHÖRT HAT 

Tabea Zimmermann 

Temperament und Feinsinn 

Die Bratschisten bedauern bis heute, dass Johann Sebastian Bach ihrem Instrument keine 

Originalwerke zugedacht hat. Zum Glück gibt es da die berühmten Cello-Suiten, die sich leicht 

auf die Viola übertragen lassen. Bereits vor zehn Jahren hat Tabea Zimmermann die ersten 

beiden Suiten für das Label Myrios aufgenommen, nun hat sie Nummer drei und vier einer 

Auswahl von sechs Stücken aus der Sammlung Signs, Games and Messages des ungarischen 

Komponisten György Kurtág gegenübergestellt. Die Künstlerin versteht es wie nur wenige ihrer 

Kollegen, die oft etwas spröde tönende Bratsche zum Klingen zu bringen. Mit wunderbar 

sonorem Ton und anmutig tänzerischem Schwung meistert sie die Bach’schen Sätze, dabei verrät 

ihr sparsamer Vibrato-Einsatz eine intensive Auseinandersetzung mit der 

historischen Aufführungspraxis. Auch Kurtágs Miniaturen weiß sie 

farbenreich mit Temperament und Feinsinn zu profilieren. MV 

Tabea Zimmermann plays Bach & Kurtág (myrios classics) 

Brahms liebte Klavier zu vier Händen. Inspiriert 

von dieser Liebe arrangierte der 

vielseitige österreichische Komponist Richard 

Dünser Brahms‘ Klavierquartett op. 

25 für Streichorchester und Klavier zu vier 

Händen und widmete es seinem langjährig 

befreundeten Klavierduo Silver-Garburg. 

Daraus entstand eine einzigartige Aufnahme 

gemeinsam mit den Wiener Symphonikern 

unter Florian Krumpöck. Wie aus den Schatten 

der Vergangenheit wird ein neues Werk zutage 

geführt, das man so noch nie gehört hat. 

Simone Dinnerstein 

Meditativ 

Homerecording im Homeoffice: Die Pianistin Simone Dinnerstein hat aus der Not eine Tugend 

gemacht und im heimischen Studio in Brooklyn nicht nur geübt, sondern auch aufgenommen, 

eine Aufnahme „al fresco“ gewissermaßen: frisch aus der Situation heraus entstanden und 

konserviert für die Ewigkeit. Passend zur Stimmung in der Krise ist die CD A Character of Quiet 

betitelt. Und ruhig, um nicht zu sagen surreal war es in der Zeit des Lockdowns ja durchaus. 

Drei Etüden von Philip Glass und Franz Schuberts B‐Dur-Sonate (D 960) sind Dinnersteins 

Soundtrack der Stille. Im Falle von Glass’ ebenso meditativer wie dramatischer Musik ist das 

durchaus sinnig, im Hinblick auf Schuberts visionäre Musik nicht weniger 

stimmig. Das ist auch Dinnersteins Deutung. Die musikalische Tiefe hat 

in der Krise jedenfalls nicht gelitten – im Gegenteil. Glass fasziniert mit 

fesselnder Gleichförmigkeit, Schubert mit expressivem Gestus. GK 

A Character of Quiet, Simone Dinnerstein (Orange Mountain Music) 

Calefax 

Klangliche Ausweitung 

Das Rohrblattquintett Calefax lässt mit seinem neuen Album Bach’s Musical Offerings nicht nur 

die Herzen zahlreicher Bach-Fans höherschlagen. Anlässlich seines 35. Jubiläums spielt es 

ausgewählte Werke Johann Sebastian Bachs nach einem ausgeklügelten Arrangement des 

Saxofonisten Raaf Hekkema – ein komplexer kompositorischer Hörgenuss, der mit seiner 

Dynamik und den sanften Klangkombinationen den Zuhörer in Trance versetzt und ihn in diese 

einzigartige Fülle der Klangwelten eintauchen lässt. Verstärkt wird die klangliche Ausweitung 

durch Arthur Klaassens’ musikalische Unterstützung auf dem Lupophon und dem Englischhorn, 

wodurch das Musikalische Opfer BWV 1079 und die 14 Kanons aus BWV 1087 an musikalischer 

Intensität gewinnen. Neun verschiedene Variationen über Vom Himmel 

hoch laden zu einer besinnlichen, vorweihnachtlichen Stimmung ein. GT 

Johannes Brahms 

Konzert für Klavier zu vier Händen 

und Streichorchester g-Moll 

KLAVIERDUO SILVER-GARBURG 

WIENER SYMPHONIKER 

FLORIAN KRUMPÖCK 

Bach’s Musical Offerings, Calefax (Pentatone) 

Beethoven Quiz 

100 Fragen 

Welche von Beethovens Sinfonien ist die kürzeste? Wie viele Haarlocken gibt es im Bonner 

Beethoven-Haus zu sehen? Warum schrieb das Musikgenie nur eine einzige Oper? Und wie viele 

Kaffeebohnen zählte der Komponist jeden Morgen ab? Das sind nur vier von insgesamt 100 

Fragen, mit denen das „Beethoven Quiz“ im kleinen schwarzen Kästchen Liebhaber und Kenner 

des Komponisten auf die Probe stellt. Dabei sind die einzelnen Kärtchen ebenso musikwissenschaftlich 

fundiert wie unterhaltsam aufbereitet und spannen in ihren 

Themen einen weiten Bogen von Beethovens Lebzeiten bis hin zu seiner 

Rezeption in der Gegenwart. Gespielt werden kann mit zwei oder auch 

mehreren Spielern, wer die Antwort weiß, erhält die Karte, am Ende 

gewinnt der Beethoven-Experte mit dem größten Kärtchenstapel und 

den meisten Anekdoten in der Hand. DW 

Beethoven Quiz (Grupello Verlag) 

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Till Brönner und Bob James 

Elysischer Traum 

Es wirkt auf den ersten 

Blick zynisch, ein Album 

mit dem dreisten Titel 

On Vacation in Zeiten 

zu veröffentlichen, da 

Urlaub unter strengem 

Risikoverdacht steht. 

Man könnte Till 

Brönners neues Unterfangen freilich 

auch als subversiv bezeichnen. Denn mit 

den 13 im September 2019 in Südfrankreich 

eingespielten Stücken setzt er eine 

Gegenvision des leger-harmonischen 

Idylls zu einer Stimmung der Bedrückung. 

Mit Grammy-Gewinner Bob 

James am Piano entfaltet er sanfte 

Jazzmelodien, meist Eigenkompositionen, 

manchmal aufreizend verspielt, 

manchmal ins Melancholische abdriftend, 

aber immer mit einer entspannten 

Grundschwingung – die freilich dank der 

klaren Linien der Trompete und der 

präzise gespielten Klavierakkorde 

immer auch stringente Energie statt 

Lethargie vermittelt. Gleichzeitig 

entlocken die beiden Stücke anderer 

Komponisten, etwa Neil Diamonds und 

Gilbert Bécauds September Morn, feine 

poetische Nuancen. In dem groovigen 

Lemonde singt Til Brönner: „We’ll leave 

the year behind and wander yonder.“ 

In diesen elysischen Traum möchte man 

gerne folgen. RS 

On Vacation, Till Brönner, Bob James (Masterworks) 

FOTO: CHRISTOPH KOESTLIN 

Avi Avital 

Ungeahnte Vielfalt 

Avi Avital: The Art 

of Mandolin 

(Deutsche Grammophon) 

Wie breit gefächert das Repertoire für die Mandoline ist, zeigt uns Avi Avital auf seinem 

neuen Album. Es sind keine Transkriptionen, sondern ausschließlich Originalwerke zu hören. 

Wer hätte gedacht, dass sogar Beethoven für das bauchige Zupfinstrument komponierte? Mit 

dem zart melodischen Adagio ma non troppo wollte er eine junge Gräfin umgarnen. Avitals 

Duopartnerin ist die belgische Harfenistin Anneleen Lenaerts. Antonio Vivaldis beschwingtes 

Konzert für zwei Mandolinen bestreitet er mit seinem Kollegen Alon Sariel und dem Venice 

Baroque Orchestra. Dass Domenico Scarlattis Sonate d‐Moll KV 86 für Mandoline statt für 

Klavier geschrieben wurde, ist nicht belegt, erscheint aber höchst plausibel. Überraschend ist 

auch das große Spektrum zeitgenössischer Werke. In Hans Werner Henzes Carillon, Récitatif, 

Masque treffen Mandoline, Gitarre und Harfe auf neue harmonische Strukturen. David Bruce 

bietet mit Death is a Friend of Ours dem Tod fröhlich die Stirn. Und Paul Ben-Haim verbindet 

in seiner Sonate barocke mit orientalischen Klängen. CK 

Martin Geck 

Stimmen zu Beethoven 

Mythos Ludwig van: Romantiker, Revoluzzer, Prometheus der 

Musik. Doch wie „sah die Welt Beethoven“ wirklich, fragte 

sich Martin Geck gegen Ende seines Lebens in seinem 

Büchlein mit Momentaufnahmen aus zweieinhalb Jahrhunderten. 

Unterschiedliche Menschen kommen zu Wort: vom 

Bäckermeister Gottfried Fischer aus Bonn, der den jungen 

Beethoven in seiner „grünen, kurzen Hos“ in Erinnerung 

behielt, bis hin zum Kitsch einer „vom süßen Schwanken der 

Töne die durch den Busen wühlen“ ‚trunkenen‘ Bettine von 

Arnim. Von Beethovens Neffen Karl, der meinte, er sei 

„schlechter geworden, weil mich mein Onkel besser haben 

wollte“ bis hin zur Stilisierung Robert Schumanns, der 

schrieb: „Bald darauf tritt der junge Beethoven herein, 

athemlos, verlegen und verstört, mit unordentlich herumhängenden 

Haaren, Brust und Stirne frei 

wie Hamlet“. Georges Auric wiederum 

fiel zum 100. Todestag Beethovens 1927 

nur das ein: „Denn er geht mich gar 

nichts an und ich glaube, auch die 

Jungen nach Stravinsky nicht mehr.“ 

Schönes Buch! TPR 

Martin Geck: So sah die Welt Beethoven 

(Olms Verlag) 

Pervez Mody 

Zärtliches Erzählen 

Bei Alexander Skrjabin – der Person sowie seiner Musik – 

schwingt immer ein Faible fürs Dramatische mit. Und das von 

Geburt an, die am (julianischen) Weihnachten stattfand. Eine 

Blutvergiftung zog den nur 43-Jährigen 1915 ins frühe Grab. Alles 

in seiner Klaviermusik verlangt nach farbenreichem Spiel: von 

den Anfängen eines fast epigonalen Chopins via die mittlere, vage 

an Rachmaninoff erinnernde Phase bis hin zu urmessiaenesken 

Spätklängen. Im Spätwerk allerdings ist dies nicht nur hilfreich, 

sondern unentbehrlich. Pervez Modys Aufnahme, nominell der 

sechste Teil seiner Gesamteinspielung der Skrjabin’schen 

Klavierwerke, ist auch singulär attraktiv, bietet sie doch ein 

ordentliches Spektrum von ebendieser großen Bandbreite in 

feinfühligen Interpretationen. Im Zentrum steht die Sechste 

Sonate (1911), die subtil-zurückhaltend erklingt, ohne dabei an die 

Farbenpracht (oder den präsenten Klang) von Håkon Austbø 

oder Varduhi Yeritsyan heranzukommen. In der Prélude op. 25/4 

derweil zeichnet sich Mody nicht nur 

durch rundes, schönes Spiel aus, sondern 

zeigt zugleich, wie zärtlich man am 

Klavier erzählen kann, ohne zu soft zu 

wirken. JFL 

Pervez Mody plays Scriabin vol. 6 (Thorofon) 


Thomas Christian Ensemble 

Unheimlich aktuell 

Es ist keine Neuheit, 

die hier in Form einer 

Doppel-CD präsentiert 

wird. Die 

Aufnahmen stammen 

aus dem Jahr 2004 

und haben damit 

immerhin bereits 

16 Jährchen auf dem Buckel. Dennoch: Fast 

unheimlich mutet die Aktualität dieser 

Einspielung an, in Zeiten, in denen auch die 

Konzertprogramme nach Regeln der Pandemiebekämpfung 

gestaltet werden. Die Arrangements 

aus verschiedener Hand von Anton 

Bruckners Siebter und Gustav Mahlers Vierter 

Sinfonie für Kammermusikensemble entstanden 

schon vor 100 Jahren für eine Aufführung im 

exklusiven Kreis und sind beileibe nicht nur 

Notlösung für schwierige Zeiten. Das Thomas 

Christian Ensemble beweist mit der Sopranistin 

Christiane Oelze, dass die Größe der Musik im 

Kleinen steckt. Die oft gelobten sogenannten 

kammermusikalischen Qualitäten der Werke 

kommen geradezu blank zum Vorschein. Direkt 

und ungeschminkt wirkt der Klang, jede 

Stimme heischt um Aufmerksamkeit. Wer sich 

nach Nähe in der Distanz sehnt, der findet sie 

hier. UH 

Anton Bruckner, Gustav Mahler: Christiane Oelze, Thomas 

Christian Ensemble (MDG) 

Friedrich Cerha 

Grandios zwiespältig 

Ein Verdienst um die österreichisch-deutsche 

Moderne: die Wiederveröffentlichung der Weltersteinspielung 

von 1995 eines nach der Uraufführung 

im April 1926 in Köln und einer Reprise 

in Magdeburg 1927 kaum gespielten „kultischen 

Dramas für Tanz, Sologesang und Chor“ des 

Schönberg-Schülers Egon Wellesz. Friedrich 

Cerha fächert das Werk auf und befeuert die 

expressionistischen Übersteigerungen der 

erweitert tonalen Partitur. 

In Die Opferung des Gefangenen, ein fast bizarrer 

Mittelpunkt im Dreieck von Schönbergs Gurreliedern, 

Strawinskys Sacre und Orffs Carmina Burana, 

werden dem besiegten Prinzen, der sterben soll, in 

Tänzen noch einmal die Schönheiten des Lebens 

dargeboten: Rausch, Frauen, Hymnen. Dazu singen 

Hofstaat, Feldherr (damals im Zenit: Wolfgang 

Koch), Schildträger des Verurteilten (Robert 

Brooks) und monumentale Chormassen – ein Abgesang 

auf die alte aristokratische Welt vor 1914. 

Insofern gehört das personalintensive Hybridstück 

durchaus in die Werkreihe zwischen Elektra und 

Turandot. Das macht Friedrich Cerha in dieser 

grandios zwiespältigen Einspielung hörbar. DIP 

Egon Wellesz: Die Opferung des 

Gefangenen, Wolfgang Koch, 

Robert Brooks, Wiener 

Konzertchor, ORF Radio-Symphonieorchester 

Wien, Friedrich 

Cerha (Capriccio) 

Chris Hopkins 

Swinging Jazz 

Eine elegante 

Hotelbar, ein 

wunderbar torfiges 

Glas Whiskey und 

dazu eine Musik, die 

sofort die Fußspitzen 

zum Wippen 

bringt ... Für sein 

neues Album hat sich der in Bochum 

aufgewachsene amerikanische Jazz-Pianist 

Chris Hopkins mit drei preisgekrönten 

Solisten aus Australien zusammengetan 

– den Jazz Kangaroos. Das sind Jazzgeiger 

und Sänger George Washingmachine, der 

ganz in der Tradition von Frank Sinatra bis 

Nat King Cole steht, der vielseitige 

Gitarrist David Blenkhorn und Mark Elton, 

einer der führenden Kontrabassisten von 

Down Under. Ergebnis der Zusammenkunft 

dieses Quartetts ist ein Sound mit 

Gute-Laune-Garantie, der eingängig, 

entspannt, packend und zeitlos ist. 

Interpretiert werden Songs aus dem Great 

American Songbook von Ellington bis 

Gershwin, von Can’t we be friends? bis 

Moonlight in Vermont. Swingt und macht 

wie gesagt: einfach gute Laune! MG 

Chris Hopkins meets the Jazz Kangaroos Vol. I, 

George Washingmachine, David Blenkhorn, Mark Elton 

(Echos of Swing Productions) 

Anja Lechner und François Couturier 

Freiheit 

Jenseits aller Epochen, weit weg von jeglicher Zuordnung schweben 

die Cellistin Anja Lechner und der Pianist François Couturier in dem 

für sie so charakteristischen Klangbild – Musik, die in keine Schublade 

passt, einfach exzellent. Denn ja, die beiden sind seit Langem ein 

Dream-Team. Lontano ist ein weiterer Höhenflug ihres Zusammenspiels. 

Sie sind so aufeinander eingestimmt, dass vieles, was improvisiert, 

ertastet und erahnt ist, wohl durchkomponiert wirkt. Jeder 

Ton greift präzise in den vorherigen. Wie aus 

dem Nichts sind immer wieder Referenzen zu 

hören, zwanglos, als würden sie dem Duo auf 

der Reise durch ihren Kosmos einfach 

entgegenleuchten, es flüchtig berühren. Ein 

Beispiel ist Memory of a Melody, das mit 

sphärisch avantgardistischen Schichten 

beginnt, aus denen dann zaghaft und 

wohlbehütet die Melodie der Bachkantate Wie zittern und wanken der 

Sünder Gedanken schlüpft. „Es gibt keine alte oder neue Musik. Sie 

liegt in der Atmosphäre, überall, die ganze Zeit“, sagt Lechner. Wenn 

in Lontano die Klaviermusik Frederic Mompous aufblitzt, in Hymne die 

Musik von Gurdjieff funkelt, dann ist das „vielleicht, weil wir diese 

Musik so vollkommen eingesogen haben“. Und immer wieder singt 

Lechners Cello einfach bezaubernd schön, wie es schon auf ihrer 

Schubert-CD Die Nacht zu hören war. In dem Zamba Alfonsina y el 

mar von Ariel Ramírez erklingt es, innig berührend, wie einst die 

Stimme Mercedes Sosas, die das Lied 1969 zum ersten Mal sang. Das 

letzte Stück, Postludium, entlässt den Hörer mit dem warmherzigen 

Gefühl zu wissen, wie schön Freiheit ist. SELL 

Lontano, Anja Lechner, François Couturier (ECM) 

LA BOHÈME OPER 

GIACCOMO PUCCINI 

30. Juli bis 21. August 

CABARET MUSICAL 

JOHN KANDER (Musik) 

18. Juni bis 22. August 

Natur erleben 

Kultur genießen 

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Tel: 04521 - 8001-0 | Mail: ticket@eutiner-festspiele.de 

Info: www.eutiner-festspiele.de 

53


SCHLAUFUCHS, NERVENSÄGE 

UND KNUTSCHKUGEL 

Malte Arkona ist Sprecher der neuen Hörbuchserie 

Malte & Mezzo – Die Klassik entdecker. Im Dialog mit der für die Serie entwickelten 

Figur erzählt er Geschichten aus der Welt der klassischen Musik. 

VON GEORGIA TSONIS 

FOTO: BEN WOLF / GRAFIK: DIRK RUDOLPH 

CRESCENDO: Herr Arkona, Sie arbeiten ja immer wieder mit 

Kindern zusammen. Sieht aus, als könnte man Ihren Beruf 

eher als Berufung bezeichnen ... 

Malte Arkona: Unbedingt! Man muss es mögen, spontan zu sein 

und sich nicht vom Ideenreichtum der Kinder aus der Bahn werfen 

zu lassen. Kinder sagen das, was ihnen gerade durch den Kopf geht. 

Strikte Drehbücher sind daher eher nicht vonnöten: Denn sobald 

Kinder anwesend sind, verläuft eine Sendung ohnehin anders als 

gedacht.Und das ist auch gut so! Ich finde es furchtbar, wenn man 

Kinder in irgendwelche Text-Korsette zwängt. 

Nehmen Kinder Musik und Geschichten anders wahr? 

Kinder gehen grundsätzlich offener durch die Welt! Als 

Kind konnte ich mich ohne große Probleme in Pumuckls Welt 

hineinversetzen. Der Gedanke, dass es sich dabei um eine 

Produktion des Bayerischen Rundfunks handelt, kam in mir 

nicht auf. Es entstanden Bilder in meinem Kopf, die mir bis heute 

im Gedächtnis geblieben sind. 

Was würden Sie Eltern entgegnen, die klassische Musik für ihre 

Kinder als altmodisch ansehen? 

Wenn man sich mit der Struktur und Wirkung klassischer Musik 

beschäftigt, setzt man sich automatisch auch mit sich selbst 

auseinander. Eltern sind bestimmt daran interessiert, dass ihre 

Kinder zu großartigen Persönlichkeiten heranwachsen – zu 

fantasievollen, geduldigen und achtsamen sozialen Wesen. 

Fühlten Sie sich durch Ihre musikalisch geprägte Kindheit 

dazu inspiriert, die Hörbuchserie Malte & Mezzo – Die 

Klassikentdecker aufzunehmen? 

Ja klar! Ich konnte nicht genug von 

Karlheinz Böhms Hörspielen 

kriegen, in denen er das Leben und 

Schaffen bekannter Komponisten 

auf unglaublich faszinierende Art 

und Weise darstellte. Ich habe 

seine Kassetten so oft gehört, dass 

sie schon anfingen zu leiern. 

Auch ohne Selfie und Insta gram- 

Account hat er es geschafft, zu meinem wichtigsten Klassik- 

Influencer zu werden. 

Wie verlief der Produktionsprozess von Malte & Mezzo? 

Mein Autorenteam und ich kamen bei mir zu Hause in Berlin 

zusammen. Wir trafen eine Musikauswahl und schrieben einfach 

drauflos. Ich hatte jeweils eine Grundidee, die wir weiter ausfeilten, 

um unsere Geschichten zum Leben zu erwecken. Da wir im 

Jahre 2020 leben, war es mir ein großes Anliegen, die Auseinandersetzung 

mit der klassischen Musik und den Komponisten 

alltagstauglich und ganz selbstverständlich darzustellen. 

Ihr Begleiter in der Serie trägt den Namen Mezzoforte Diminuendo 

Crescendo di Stracciatella ... 

Der Name sollte italienisch klingen, damit Mezzo ab und zu auch 

damit angeben kann. Wir wollten eine Leitfigur schaffen, die 

Schlaufuchs, Nervensäge und Knutschkugel zugleich ist und 

ehrliche und freche Fragen stellt, die in diesem Moment auch 

unseren kleinen Zuhörern auf dem Herzen liegen könnten. 

Wie hat es sich für Sie angefühlt, zwei Rollen zu spielen – zum 

einen die des Mezzo und zum anderen die des Malte? 

Es hat mir viel Spaß bereitet, mir ständig selbst ins Wort zu 

fallen. Das haben sich immer alle sehnlichst gewünscht. 

Denken Sie, dass Sie Kinder dazu bewegen können, selbst zu 

kleinen Komponisten zu werden? 

Wichtiger ist mir, dass wir Kinder dazu inspirieren, Fragen zu 

stellen und Konzertbesuche als etwas Schönes zu betrachten. 

Wenn sie zusätzlich verstehen, warum man 

während einer Aufführung eine Stunde lang 

keinen Laut von sich gibt, haben 

wir mit unserem Hörspiel schon 

viel erreicht. 

Die Hörbuchserie Malte & Mezzo – Die 

Klassikentdecker: Eine Party mit Beethoven, 

Gruselige Bilder einer Ausstellung, Auf Tour mit 

Mozart und Keine Nöte mit der Zauberflöte, 

Malte Arkona (Edel Kultur) 


Giovanni Antonini 

Pittoreske 

Naturschilderungen 

Als willkommenes 

Nebenprodukt der 

Gesamtaufführung und 

‐einspielung der 

Haydn-Sinfonien bis 

zum Jubiläumsjahr 

2032 legt Giovanni 

Antonini mit dem 

Ensemble Il Giardino Armonico sowie als 

besonderem Asset dem Chor des Bayerischen 

Rundfunks eine Aufnahme der Schöpfung vor. 

Monumentalität, Gewicht und Pathos 

traditionellen Zuschnitts geht Antonini – 

zumindest jenseits der dramatisch-verstörenden 

„Vorstellung des Chaos“ – wo immer 

möglich aus dem Wege, hält die Tempi alert 

und frisch sowie den Tonfall, trotz oft 

attackierender Tongebung im Orchester, 

insgesamt leicht. Dafür erfreut er sich vor 

allem an den vielen pittoresken Naturschilderungen, 

nicht bloß in den aufzählenden 

Accompagnato-Passagen (bei denen er auf 

Harnoncourts strikt trennende Generalpausen 

verzichtet), sondern auch in Arien und 

Ensembles. Unter den Solisten mit der etwas 

durchdringend jubelnden Anna Lucia Richter 

und dem nasalen Maximilian Schmitt dominiert 

nach bester Harnoncourt-Schule Florian 

Boesch mit seiner exemplarisch detaillierten, 

immer plastischen Textausdeutung, die 

fallweise auch überdeutlich-humoristische 

Effekte nicht ausschließt. WW 

Joseph Haydn: Die Schöpfung, Anna Lucia Richter, 

Maximilian Schmitt, Florian Boesch, Il Giardino Armonico, 

Giovanni Antonini (Alpha) 

Christoph Koncz 

Auf Mozarts Geige 

Eine neue Einspielung der Violinkonzerte 

Mozarts sollte heutzutage, zumindest 

aus Marketingsicht, schon einen 

besonderen Aufhänger haben. Insbesondere 

wenn man vom Solisten außerhalb 

Wiens, wo er Konzertmeisterdienst 

bei den Philharmonikern schiebt, noch 

nie etwas gehört hat. Hier ist es das 

Instrument, das der Star sein soll: 

Mozarts eigene Konzertgeige, vom 

Museumsstaub befreit und wieder 

fitgefiedelt. Nicht, dass es auf das 

Instrument jenseits der PR ankäme, 

selbst wenn es die schönstklingende 

Guarneri wäre. Gott sei Dank aber 

wird hier viel mehr geboten als eine 

unscheinbare Barockgeige mit einem 

berühmten toten Vorbesitzer: nämlich 

Unterhaltung! Die Musiciens du Louvre 

bilden die flott-federnde, graziöse, aber 

weder preziöse noch hastende Grundlage 

zum Erfolg. Christoph Koncz spielt 

die musikalisch sehr, technisch weniger 

anspruchsvollen Konzerte erfrischend 

attitüdenfrei, ohne Glacéhandschuhe 

und mit unauffällig-eleganten Kadenzen 

eigener Hand. Neben Frank Peter 

Zimmermanns seligmachend-stimmiger 

und Henning Kraggeruds hochvirtuoser 

Einspielung ist das wohl eine der 

gelungensten Interpretationen der 

letzten Jahre. JFL 

Mozart’s Violin, 

Christoph Koncz, Les 

Musiciens du Louvre 

(Sony) 

Reininghaus, Kemp, Ziane 

Zum Schmökern 

Musik ist eine hochgradig 

soziale Angelegenheit. 

Tief verstrickt ist sie in 

die Ökonomie, Politik, 

Technik und Gesellschaft 

ihrer Zeit, in Fragen nach 

Ästhetik, Innovation, 

Prestige und Lebensglück. 

Diesen Verstrickungen 

wollten die Herausgeber 

von „Musik und Gesellschaft. Marktplätze, 

Kampfzonen und Elysium“ nachspüren und 

luden über 100 Autoren ein, sich von den 

verschiedenen Seiten mit den letzten 1.000 

Jahren europäischer Musikgeschichte – inklusive 

interkontinentaler Ausflüge – auseinanderzusetzen. 

Das Ergebnis ist eine gewichtige 

Anthologie in zwei Bänden mit 421 chronologisch 

angeordneten Essays auf rund 1.400 

Seiten. Von der Tanzlust und Tanzwut im 

Mittelalter über Opiumkonsum im Programm 

der Symphonie fantastique oder die Vielfalt der 

Katzenmusik bis hin zu Musik und Fußball, 

Rappen im gesellschaftlichen Bewusstsein 

oder den prekären Verhältnissen im aktuellen 

Kunstbetrieb – die Bände sind ein für 

jedermann verständliches Füllhorn spannender 

Einblicke in die wichtigsten Ereignisse, Werke 

und Leistungen der Musikgeschichte. Jedem 

Artikel sind zeitgeschichtliche Daten 

vorangestellt, die einzelnen Abschnitte reich 

bebildert. Ein inspirierendes Werk zum 

Schmökern und Entdecken. MG 

Frieder Reininghaus, Judith Kemp, Alexandra Ziane (Hrsg.): 

Musik und Gesellschaft. Marktplätze – Kampfzonen – 

Elysium (Königshausen & Neumann) 

Gabriel Schwabe 

Abgründig 

Nicht nur, wenn die tiefen Cello-Saiten knarzen, tun sich 

Abgründe auf. Im besten Sinne freilich: Es wird auf so 

beseelte Weise musiziert, dass sich Höllenpforten öffnen. 

Gabriel Schwabe entfesselt Urgewalten: abgründig, 

eindringlich, durchdrungen von einem heftig lodernden 

inneren Feuer, das auch Zuhörer unmittelbar entflammt. 

Schwabes Darstellung der Solosonaten von Ligeti und 

Kodály ist bei all ihrer Unterschiedlichkeit schlichtweg 

atemberaubend, spieltechnisch brillant und von unmittelbar 

für die Musik einnehmender Intensität. In Kodálys fast 

halbstündigem Duo op. 7 steht ihm seine Partnerin Hellen 

Weiß nicht im geringsten nach. Diese Musik fesselt vom 

ersten bis zum letzten Ton, auch wenn man mit Solo- 

Streichern unter Umständen nicht viel anzufangen vermag. 

Nach dem Hören dieser herausragenden 

CD sollte sich das ändern. GK 

Zoltán Kodály, György Ligeti: Gabriel Schwabe, 

Hellen Weiß (Naxos) 

FOTO: STUDIO MONBIJOU 

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FOTO: KAUPO KIKKAS / SONY CLASSICAL 

Niklas Liepe 

Tanz um Bach 

Es wimmelt nur so von Goldberg-Variationen in allen Formen und 

Besetzungen. Um da herauszustechen, braucht es schon etwas 

Besonderes. Das liefert Niklas Liepe. Es fängt damit an, dass der 

30-jährige Musiker Geige spielt und nicht etwa ein Tasteninstrument 

(oder Harfe, Akkordeon oder Marimba, die üblichen Transkriptionsverdächtigen 

bzgl. der Goldberg-Variationen). Und des Weiteren, dass 

er nicht einfach Andreas Tarkmanns Arrangement der Variationen für 

Geige bzw. Streichtrio, Streichorchester und Cembalo spielt – quasi 

als groß aufgelegte Variante der Sitkovetsky-Streichtrio-Version –, 

sondern in die 13 ausgesuchten Variationen (nebst der beiden Arien) elf 

kleine, neu komponierte Halbedelsteinchen einstreut, die Bachs Licht 

brechen, färben und zurück auf die Variationen werfen. Von Rolf 

Rudin über u. a. Dominik Dieterle, Moritz Eggert, Friedrich Heinrich 

Kern und Stephan Koncz zum feinen Epilog von Konstantia Gourzi hin 

gibt es da Intermezzi, die auf ihre – hier in sich gekehrte, dort 

extrovertierte – Art um Bach tanzen, mal jazzig, mal im Stil von 

Piazzolla oder Schnittke. Die Bach’schen Goldberg-Variationen selbst 

werden derweil zu neobarocken Suiten und kommen den Neukompositionen 

ein Stück entgegen. Für Bach-Liebhaber mit 

offenen Ohren sind diese #GoldbergReflections ein wahrer 

Schmaus der vom Initiator und Solisten und den 

Streichern der NDR Radiophilharmonie blitzsauber 

hingelegt wird. JFL 

#GoldbergReflections, Niklas Liepe, NDR Radiophilhamonie, 

Jamie Phillips (Sony) 

Alex Esposito und Christiane Karg 

Ein toller Tag 

La folle journée heißt Mozarts Le nozze di Figaro in der Vorlage von 

Beaumarchais. Und das sieht man in David Böschs Inszenierung aus dem 

Jahr 2016 in Amsterdam auch, denn das Feuerwerk an stets zündenden 

Gags schreit nach Brandpolizei. Ob Graf, der seine Wut am Hometrainer 

strampelnd in den Griff zu bekommen sucht, oder Marzellina, die 

Susanna den Brautschleier mit dem Bügeleisen verbrennt; ob Schraubenzieher, 

Bohrmaschine, Axt oder Gewehr, die hier als durchaus komische 

Waffen ihre Wirkung nicht verfehlen, oder ein Schlafzimmer, dessen 

gigantischer Kleiderschrank seine vielen Türen mal mit Fernbedienung, 

mal magisch öffnet (Bühne: Patrick Bannwart). Wenn man zu Mozarts 

genialer Musik, die in allen Schattierungen lachen, weinen oder wütend 

sein kann, singenden Erzkomödianten so viel Futter gibt, dann ist das 

Ergebnis beglückend. Alex Esposito hat als Figaro Hummeln im Hintern 

und singt mit Pfeffer, Stéphane Degout ist als Graf ein geiler eitler Depp 

und doch auch attraktiver Bassbariton. Getoppt werden beide von 

einem Jüngling in Gestalt Marianne Crebassas, die den pubertierenden, 

hyperaktiven Cherubino perfekt als Knaben mit verlegen schlackernden 

Gliedern mimt, der partout nicht weiß wohin mit seinem wild aufflackernden 

Begehren. Zu dessen Erfüllung hilft sein traumhaft schönes 

Singen aber mächtig. Christiane Karg verkörpert eine herb-süße 

Susanna, die einer Gräfin dient, die in Gestalt von Eleonora Buratto die 

Inkarnation reifer Liebe ist. Zwar trauert sie in zwei großen Arien 

intensiv um die erkaltende Zuneigung des geliebten Manns, der sich 

buchstäblich als Schürzenjäger blamiert. Am Ende verzeiht sie ihm 

jedoch alles, auch wenn sie ihn gerne erschießen 

würde. Ivor Bolton feuert das Niederländische 

Kammerorchester nicht minder heftig an und legt 

schäumende Tempi vor, lässt an vielen Stellen die 

Musik aber auch strahlend erblühen. KLK 

Wolfgang Amadeus Mozart: Le nozze di Figaro, Alex Esposito, 

Christiane Karg, Marianne Crebassa, Netherlands Chamber 

Orchestra, Ivor Bolton, David Bösch (Arthaus) 

Christian Thielemann 

Rares Glück 

Man muss sich das Datum dieses 

Mitschnitts der Gurre-Lieder des 

27-jährigen Arnold Schönberg, die 

einen achtstimmigen gemischten Chor, 

drei vierstimmige Männerchöre und 

150 Orchestermusiker erfordern, auf 

der Zunge zergehen lassen: 10. März 

2020. Allen Beteiligten ist anzuhören, 

dass sie die Tragweite und das rare Glück des vorläufig letzten 

Konzerts dieser Größenordnung erahnten. So wird der 

Zwitter aus Liederzyklus und Oratorium, der von der Liebe 

eines Königs zu einem Mädchen, ihrem gewaltsamen Tod, 

seiner Auflehnung gegen Gott und dem gespenstischen Ritt 

mit seinen Mannen als Untoter handelt und in einer Apotheose 

der Natur kulminiert, zum denkwürdigen Dokument, 

das zunächst nur zu Archivzwecken mitgeschnitten wurde. 

Leider trübt der trotz Stimmgewalt immer leicht heiser und 

schwerfällig klingende Heldentenor Stephen Gould als 

Waldemar die hohe Qualität dieser 100 Minuten etwas. 

Camilla Nylund und Christa Mayer, die das berühmte Lied der 

Waldtaube zur Perle macht, gebührt dafür umso größerer 

Dank wie auch dem schillernden Charaktertenor Wolfgang 

Ablinger-Sperrhacke und dem 83-jährigen Franz Grundheber 

als expressiv artikulierendem „Sprecher“. MDR-Rundfunkchor, 

Sächsischer Staatsopernchor und die fulminant aufspielende 

Sächsische Staatskapelle Dresden mit Mitgliedern des Gustav 

Mahler Jugendorchesters lassen das Werk unter Christian 

Thielemann in allen Facetten leuchten, das der nun zehn Jahre 

ältere Schönberg am Ende weitaus moderner und durchsichtiger 

instrumentiert als die erste Hälfte. KLK 

Arnold Schönberg: Gurre-Lieder, Sächsische Staatskapelle Dresden, 

Christian Thielemann (Hänssler) 


H Ö R EHN ÖT & IRST EEN HL& EZSN EE| I HAL EN NZ E I G E 

HAPPY BIRTHDAY SWR CLASSIC! 

Seit 20 Jahren bringt das Label SWR Classic die Aufnahmen der wichtigsten 

Orchester, Ensembles und Festivals des Südwestrundfunks heraus – mit Künstlern 

von Fritz Wunderlich bis Michael Gielen. 

Herausragende Klangkörper brauchen ein herausragendes 

Label! So wollten im Jahr 2000 auch die Orchester und 

Ensembles des Südwestrundfunks ihren Klang optimal 

einfangen und ihr künstlerisches Schaffen dokumentieren 

– das Label SWR music wurde geboren und 2017 

schließlich in SWR Classic umbenannt. Ob große Orchesterstücke, 

A-cappella-Werke, Kammermusik oder Jazz-Produktion: Qualität 

zählt und mit ihr konnte sich SWR Classic seinen festen Platz auf 

dem heiß umkämpften Tonträgermarkt sichern und zahlreiche 

Preise und Auszeichnungen gewinnen. 

So vielfältig das Repertoire, so vielfältig und renommiert auch 

die durch das Label präsentierten Klangkörper: Da wäre das SWR 

Symphonieorchester, das 2016 aus der Fusion des SWR Sinfonieorchesters 

Baden-Baden und Freiburg mit dem Radio-Sinfonieorchester 

Stuttgart des SWR hervorging und mit seinen Chefdirigenten 

wie Hans Rosbaud, Sir Roger Norrington, Michael Gielen oder 

aktuell Theodor Currentzis vor allem in der großen Sinfonik Maßstäbe 

setzte und setzt. Dann das SWR Vokalensemble Stuttgart – 

einer der besten A-cappella-Chöre unserer Zeit, mit denen SWR 

Classic dieses Jahr eine Alben-Reihe zu Chormusik aus verschiedenen 

Ländern und Regionen der Welt vollendete – zum Abschied des 

langjährigen Chorleiters Marcus Creed; die Deutsche Radio Philharmonie 

Saarbrücken Kaiserlauten, die unter ihrem Chefdirigenten 

Pietari Inkinen derzeit für die meisten Neuproduktionen von SWR 

Classic sorgt – aktuell mit den Einspielungen der Prokofjew-Sinfonien; 

außerdem die SWR Big Band, eine der besten Big Bands der 

Welt und last but not least die SWR Schwetzinger Festspiele, das 

bedeutende internationale Klassikfestival im Barockschloss 

Schwetzingen. 

Neben den Neuproduktionen hat sich SWR Classic auf das 

Remastering von historischen Aufnahmen berühmter Musiker und 

Dirigenten spezialisiert. Dieses Jahr erschien zum Beispiel bereits 

die neunte Box der Michael Gielen Edition. Die Fritz Wunderlich 

Edition wird im kommenden Jahr abgeschlossen, nachdem zwischen 

2016 und 2020 insgesamt zehn Alben herauskamen. Und die aufwendig 

und hochwertig gestalteten Boxen zum großen Dirigenten 

Hans Rosbaud wurden dieses Jahr mit einer Beethoven- und einer 

Mahlerbox fortgesetzt – Ziel ist die umfassendste Dokumentation 

von Rosbauds Schaffen überhaupt! Brandneu ist eine Serie zu Friedrich 

Gulda, die am Ende alle Aufnahmen enthalten soll, die der 

Pianist jemals für den SWR aufnahm. Neben der bestmöglichen 

Aufnahmequalität ist es dabei für SWR Classic selbstverständlich, 

die Tonträger mit detaillierten und aus dem Archivschatz reich bebilderten 

Beiheften mit Artikeln führender Musikwissenschaftler zu 

ergänzen. 

Und dann wäre da noch die Liste der großen Künstlerpersönlichkeiten, 

die den Katalog von SWR Classic bereichern und die sich 

wie ein Who’s who der klassischen Musik des 20. Jahrhunderts liest: 

Swjatoslaw Richter, Claudio Arrau, Clara Haskil und Ida Haendel 

sind dort ebenso vertreten wie Carl Schuricht – eine 30-CD-Box 

erschien diesen August –, Carlos Kleiber und Dirigenten jüngerer 

Generation wie François-Xavier Roth, Letzterer etwa mit einem 

kompletten Strauss-Zyklus. Außerdem lässt sich Ensembles wie dem 

Tokio String Quartett, dem Alban Berg Quartett, dem Melos oder 

dem La Salle Quartett lauschen. 

Die Liste wird sich hoffentlich auch in der Zukunft noch lange 

fortsetzen, und wir sind gespannt und freuen uns auf die nächsten 

Veröffentlichungen von SWR Classic. 

n 


Ulrich Noethen 

Cleverness und Güte 

In unserer digitalisierten Welt lassen sich Heldentaten im Handumdrehen per Twitter verbreiten. 

In der Märchenwelt der Gebrüder Grimm stickt das „tapfere Schneiderlein“ seine 

Erfolgsmeldung „Sieben auf einen Streich!“ analog auf einen Gürtel und trägt sie zu Fuß in die 

Welt hinaus. Wie viel uns eine so alte Geschichte heute noch zu sagen hat, zeigen Ute Kleeberg 

und Uwe Stoffel mit ihrer Märchen-CD – wobei in dieser Fassung der Abenteuerlust, dem 

Selbstvertrauen und der Cleverness des Schneiders auch eine Portion Güte hinzugefügt wird. 

Schauspieler und Hörbuchsprecher Ulrich Noethen, der nicht umsonst bereits an einer Vielzahl 

von Produktionen für Kinder mitgewirkt hat, lässt all das lebendig werden. Zwischen den 

Textabschnitten erklingt – wie es für die Hörbücher der seit über 25 Jahren erfolgreichen 

Edition See-Igel typisch ist – klassische Musik. Diesmal geben Kompositionen von Mozart, Pleyel 

und Koechlin Gelegenheit, den im Kopf entstandenen Bildern nachzuträumen. Wunderschön 

musiziert werden die Stücke von Uwe Stoffel und Kurt Berger (Klarinette) 

sowie Albrecht Holder (Fagott). Eine rundum charmante CD für 

Kinder und Erwachsene, die unweigerlich Appetit auf Pflaumenmus 

macht – zum Glück enthält das Booklet ein entsprechendes Rezept. JH 

Gebrüder Grimm: Das tapfere Schneiderlein, Ulrich Noethen, Uwe Stoffel, Ute Kleeberg 

(Edition See-Igel) 

Sophy Roberts 

Trost in den Weiten Sibiriens 

„Ich unternahm Abstecher in Territorien, von denen ich nicht annahm, dass 

mich Klaviere dahin führen würden, reiste von meinem Heim in England aus 

weiter und weiter auf der Jagd nach einem Instrument, das ich nicht einmal 

spiele“, beschreibt Sophy Roberts ihre Fahrten durch Sibirien in eigenem 

Erstaunen darüber, wie sehr ihr Vorhaben sie packt. Ein deutscher Freund 

im Orchon-Tal gab ihr die Idee ein. „Wir müssen eines der vergessenen 

Klaviere für sie finden“, flüsterte er ihr nach einem Konzert der mongolischen 

Pianistin Odgerel Sampilnorow zu. Damit begann Roberts’ dreijährige 

Suche und ihre wachsende Begeisterung für das Land, seine Menschen 

und ihre Geschichten. Auf abenteuerlichen Wegen kamen Klaviere in die 

Weiten Sibiriens. Roberts sichtet Zollpapiere im staatlichen russischen Marinearchiv von 

St. Petersburg und stößt auf ein Clavichord, das im 18. Jahrhundert auf Schlitten, Booten und 

Pferden quer durch Sibirien geschafft wurde. Ihr Buch berührt viele Aspekte und ist auch eine 

politische Geschichte, die an dunkle Vergangenheiten erinnert. Von der Strafexilierung im 

17. Jahrhundert über die Verbannung bis zu den sowjetischen Gulags spannt sich der Bogen. 

„Wie solche Instrumente überhaupt in diese verschneite Wildnis kamen, das sind Geschichten 

über die innere Stärke von Gouverneuren, Verbannten und Abenteurern“, resümiert sie. 

„Dass sie überlebt haben, ist Zeugnis des Bedürfnisses nach Trost im menschlichen Geist.“ RRR 

Sophy Roberts: Sibiriens vergessene Klaviere (Zsolnay Verlag) 

Christiane Karg 

Bittersüße Sehnsucht 

Der Vortrag von Christiane Karg und dem Pianisten Malcolm Martineau ist so klar, transparent 

und konturenstark, wie man ihn von der gemeinsamen Strauss-CD gewohnt ist. Nun hat sich 

das Duo Lieder des großen Antipoden Mahler vorgenommen und eine durchaus ungewöhnliche 

Interpretation eingespielt. Karg singt auch Mahler mit quellfrischer Stimme, jugendlichem 

Schmelz und Schalk und viel lyrischer Innigkeit; die Düsternis, Zerrissenheit und aufbegehrende 

Melancholie des Komponisten ist nicht zu erleben. Stattdessen betont Karg in Liedauswahl und 

Vortrag die zuweilen verborgenen Schönheiten der Musik und verzaubert vor allem in den 

Liedern aus der Jugendzeit mit silbrig-leuchtendem Glanz und bittersüßem Sehnsuchtston. 

Dieser prägt auch die Fünf Rückert-Lieder, die man selten so verinnerlicht und fragil gehört hat 

wie hier. Mit großer Leichtigkeit und vokaler Eloquenz meistern Sängerin und Pianist die 

Wunderhorn-Lieder, eine Prise Ironiegewürz mag man allerdings vermissen. Ein zuweilen 

sicherlich gewöhnungsbedürftiges, aber individuelles Album mit viel 

Ausdruck und klanggestalterischer Imagination. FS 

Gustav Mahler: Lieder, Christiane Karg, Malcolm Martineau (Harmonia Mundi) 

CD 900192 

MARISS JANSONS 

HIS LAST CONCERT 

LIVE AT CARNEGIE HALL 

Mariss Jansons’ letztes Konzert 

mit Werken von Brahms und 

Strauss in einer Liveaufnahme 

vom 8. November 2019 in der 

New Yorker Carnegie Hall mit 

seinem Symphonieorchester des 

Bayerischen Rundfunks. 

MARISS JANSONS 

HIS LAST CONCERT 

LIVE AT CARNEGIE HALL 

STRAUSS · BRAHMS 

SYMPHONIEORCHESTER 

DES BAYERISCHEN RUNDFUNKS 

RICHARD STRAUSS 

Vier symphonische 

Zwischenspiele aus „Intermezzo“ 

JOHANNES BRAHMS 

Symphonie Nr. 4 e-Moll op. 98 

Ungarischer Tanz Nr. 5 

SYMPHONIEORCHESTER 

DES BAYERISCHEN 

RUNDFUNKS 

59 

Im Vertrieb von Naxos Deutschland 

br-klassik.de/label · Erhältlich im Handel und im BRshop: br-shop.de


Adam Bałdych, Vincent Courtois, Rogier Telderman 

Vielgestaltig 

Zart, zerfedert, imposant, dramatisch – Wolken können die 

unterschiedlichsten Formen haben und sich schnell verändern, 

wenn Wind weht. Ähnlich vielgestaltig sind die elf Titel auf dem 

Album Clouds. Ihre Bandbreite reicht von impressionistisch-melodisch 

bis zu klassischen oder auch experimentellen Anklängen, 

immer gespielt auf den Instrumenten Klavier, Geige und Cello. 

Dass sie in einer unkonventionellen Konstellation gemeinsame 

Sache machen, beruht auf einer Zufallsbegegnung von Rogier Telderman, Adam Bałdych 

und Vincent Courtois. Beim Sounds of Europa-Festival 2018 in Breda lernten der 

Niederländer, der Pole und der Franzose einander kennen und begeisterten Publikum 

und Presse mit einem spontanen gemeinsamen Auftritt. Zwei Jahre später folgte die 

Fortsetzung mit einem ersten Album als Trio, zu dem alle drei eigene Kompositionen 

beisteuerten. Rogier Teldermann – mit 28 Jahren der Jüngste in der Runde – übernahm 

zusätzlich die Rolle des Produzenten. Resultat ist ein Debüt als Dialog zwischen drei 

virtuosen Solitären und Welten. ASK 

Clouds, Adam Bałdych, Vincent Courtois, Rogier Telderman (ACT) 

Sergei Babayan 

Dankbare Liebeserklärung 

Sergei Babayan trifft auf Sergei Rachmaninoff. Der armenische Pianist widmet 

diese Soloaufnahme seinem Namensvetter – und dem Komponisten, dem er 

wahrscheinlich seine Karriere zu verdanken hat. Als ihn in Teenagerjahren die 

Lust am Klavierspiel verließ, er mit dem Üben haderte und sogar schon ans 

Aufhören dachte, schenkte sein Vater ihm eine Aufnahme mit Rachmaninoffs 

Zweitem Klavierkonzert – die Taktik ging auf. Babayan vertiefte sich sofort 

immer hingebungsvoller in die weiten Klangwelten des großen russischen 

Komponisten und ließ sich voller Leidenschaft wieder auf sein Instrument ein. 

Heute kann er auf eine erfolgreiche Laufbahn zurückblicken. Der mehrfach 

ausgezeichnete Pianist zählt zu den Besten seines Fachs. „Wenn Rachmaninoff 

davon spricht, dass Musik Liebe ist, die von Herz zu Herz geht, dann kann 

man das wahrer gar nicht ausdrücken“, so Babayan im Booklet des Albums. 

„Es wäre vergeblich, die ganze heilende Kraft seiner Musik verständlich 

machen zu wollen – sie ist ein Frühlingsgarten der neuen Hoffnung und 

Wiedergeburt, der Inspiration und des Neuanfangs für die vom Weg 

Abgekommenen und alle, die ihren Glauben verloren haben.“ In ausgewählten 

Préludes, Études-Tableaux und Moments musicaux schafft Babayan eine 

Hommage an sein Idol. Die feinsinnig und virtuos gespielten Werke sind 

Porträt und dankbare Liebeserklärung zugleich. SK 

Sergei Rachmaninoff: Préludes, Études-Tableaux, Moments musicaux, 

Sergei Babayan (Deutsche Grammophon) 

FOTO: MARCO BORGGREVE 

Dorothee Mields 

Bei Händel zum Tee 

Wenn das Berner Barockensemble 

Die Freitagsakademie 

mit der deutschen 

Sopranistin Dorothee Mields 

einladen zu Handel’s Tea Time 

(englische Schreibweise), heißt 

das: Hier geht’s um Händels 

Britishness. Also beginnt das Album mit seiner wohl 

ersten Komposition in englischer Sprache: Venus und 

Adonis. Dorothee Mields’ erprobter Barock-Sopran 

ist weich und stark in der Höhe der Koloraturen, und 

sie meistert den Ausdruck im ironisch-weinseligen 

„Falschsingen“ in Bacchus, als der Weingott schon 

nicht mehr so sicher steht. Die typische Schäferlyrik, 

die im Barock europaweit schwer angesagt war, das 

bukolische Idyll einiger Textvorlagen ruft geradezu 

nach flötendem Fließen, und es trifft sich also 

ausgezeichnet, dass Katharina Suske seit 1993 die 

Freitagsakademie leitet. Als Oboistin spielt sie 

Händels Leib- und Magen instrument, neben dem 

Cembalo, das Sebastian Wienandt virtuos durch 

Air & Five Variations aus der E‐Dur-Suite stürzt – den 

populären Beinamen „Der Harmonische Grobschmied“ 

bekam das Werk nicht umsonst. Ein 

bisschen sparsam geht das Booklet mit Dorothee 

Mields um – neben den Fotos dürfte man über diesen 

Sopran gern ein bisschen mehr verraten. PH 

Handel’s Tea Time, Dorothee Mields, Die Freitagsakademie (dhm) 

Katharina Bäuml 

Mystische Erde 

Die vier Elemente haben das 

Berliner Alte-Musik-Ensemble 

Capella de la Torre zu einer 

faszinierenden CD-Serie 

inspiriert. Nach Wasser, 

Feuer und Luft ist das letzte 

Album den Geheimnissen der 

Erde gewidmet. Unter Leitung 

der Oboistin und Schalmei-Spielerin Katharina Bäuml 

erkunden die Musiker mit Mitgliedern des RIAS 

Kammerchores die Entstehung der Erde. Sie dringen 

in die Tiefen vor, entdecken sie als Ernährerin und 

spüren ihrer Melancholie nach. Dazu erklingen 

Vokal- und Instrumentalwerke einer Vielzahl von 

Renaissance- und Barockkomponisten wie etwa 

Giovanni Gabrieli, William Byrd, Francesco Cavalli, 

Heinrich Schütz oder Michael Praetorius. Der von 

Estêvão de Brito vertonte Hymnus Lucis Creator 

Optime preist Gott als Schöpfer der Welt und des 

Lichtes. Dagegen ist Guillaume de Costeleys Trinklied 

La terre les eaux va buvant mitten aus dem irdischen 

Leben gegriffen, ebenso wie die schwungvolle Pavane 

Mille ducas von Tielman Susato. Ein hörenswertes 

Album, das auch dazu anregt, über die Gefährdung 

der Natur in unserer Gegenwart nachzudenken. CK 

Earth Music, Capella de la Torre, Katharina Bäuml (dhm) 


Unerhörtes & neu Entdecktes 

von Christoph Schlüren 

JAHRHUNDERT-DIRIGENTEN 

VON BARBIROLLI BIS ROSBAUD 

Maßstäbesetzende Einspielungen klassischer und selten gespielter Werke. 

Als 1936 das New York Philharmonic Orchestra John 

Barbirolli zu seinem neuen Chefdirigenten – und damit 

zum Nachfolger von Toscanini – ernannte, war die 

Sensation groß. Freilich verstand es die New Yorker 

Presse, über sieben Jahre den hochbegabten Italo-Engländer 

so effizient zu diffamieren, dass er mitten im Krieg das Angebot, 

das zugrunde gerichtete Hallé Orchestra im heimischen Manchester 

wiederaufzubauen, annahm. Barbirolli machte es zu einem 

der unverwechselbarsten europäischen Klangkörper und dirigierte 

dort bis zu seinem Tode am 29. Juli 1970. 

Zu Barbirollis 50. Todesjahr haben nun sowohl Warner Classics 

als auch Sony ihre Bestände kompiliert: Sony mit einer Box aus sechs 

Alben sämtlicher kommerzieller New Yorker Aufnahmen, Warner 

mit dem 109 CDs umfassenden Rest, weit überwiegend vom Hallé 

Orchestra gespielt, aber auch von den Berliner (Mahlers Neunte) 

und Wiener (Brahms’ Erste bis Vierte) Philharmonikern. Die Warner-Anthologie 

ist das umfassende Porträt eines großen Jahrhundertdirigenten, 

und wer maßstäbesetzende Einspielungen von Sibelius, 

Elgar, Vaughan Williams, Mahler, Delius oder Bax sucht, 

kommt um die Anschaffung nicht herum. Barbirolli hat noch unter 

Elgar gespielt, und mit einer innigeren Verbindung von Wärme, 

Kraft und Würde ist diese Musik nirgends zu hören. Der Barbirolli- 

Stil ist stets leidenschaftlich zupackend, gut geerdet, 

das Sangliche hervorhebend, doch nicht in Süße und 

Kitsch abgleitend. Es ist ein immer intensives, dichtes, 

sprachmächtiges Musizieren, bedingungslos in der 

Charakterzeichnung. Natürlich sind auch die zentralen 

Meister Haydn, Mozart, Beethoven, Schubert, 

Tschaikowsky usw. dabei. Und dann sind da 

unter den frühen Dokumenten unglaublich 

faszinierende Aufnahmen mit großen Sängern 

wie Dusolina Giannini, Feodor Schaljapin, 

Benjamino Gigli usw., die auch zeigen, 

was für ein fesselnd präsenter Begleiter Barbirolli 

war. Nicht zu vergessen die legendären 

Aufnahmen mit Jacqueline du Pré bzw. 

Daniel Barenboim und großartige Chormusik 

von den Totenmessen Mozarts und Verdis bis zu 

Elgars Dream of Gerontius. Diese Box gehört zum 

Wunderbarsten seit langer Zeit. 

Nachdem Sony schon die RCA-Aufnahmen Fritz Reiners mit 

seinem Chicago Symphony Orchestra veröffentlicht hatte, folgen 

nun Reiners frühere Columbia-Aufnahmen auf 14 CDs, überwiegend 

mit dem Pittsburgh Symphony Orchestra. Natürlich ist hier 

ein echter Meister am Werk, besonders im sinfonischen Arrangement 

von Gershwins Porgy and Bess von Robert Russell Bennett 

oder der heimischen ungarischen Musik. Aber man spürt auch seine 

harte Hand. Und Decca veröffentlicht gleichfalls in einer 14-CD-Box 

den Großteil der Aufnahmen, die Charles Munch nicht in Boston 

(davon gibt’s die RCA-Sony-Box) gemacht hat, von sperrigen Raritäten 

wie Henry Barrauds Dritter Sinfonie bis zur Spritzigkeit von 

Bizet oder Offenbach. Beide Sammlungen präsentieren Wiederauflagen 

einst weltweit verbreiteter Referenzeinspielungen. 

Anders die Rundfunkaufnahmen zweier großer Männer des 

deutschsprachigen Raums, die der SWR auf SWR Classic nun (teilweise 

unter Mithilfe des WDR) vorlegt. Da ist zum einen auf 30 CDs 

die Wiederauflage der ausgewählten Mitschnitte Carl Schurichts, 

des großen Beethoven‐, Bruckner- und Reger-Dirigenten, der hier 

auch mit so Seltenem wie den Violinkonzerten von Hermann Goetz 

und Robert Oboussier und Werken von Robert Volkmann oder 

Günter Raphael zu hören ist – zu einem absolut 

fairen Preis. Und dann natürlich die Fortsetzung 

der Hans Rosbaud Edition, diesmal auf acht CDs 

mit Sinfonien (außer Nr. 2, 3, 8 und 10) und dem 

Lied von der Erde von Gustav Mahler, vieles 

davon erstmals auf CD. Da ich die Cover-Texte 

geschrieben habe, steht mir die Beurteilung des 

Drum und Dran nicht an, doch möchte ich bemerken, 

dass dies meines Erachtens die großartigsten 

Darstellungen dieser so komplexen wie vielfältigen 

Werke sind. 

n 

The Complete RCA and Columbia Album Collection, 

New York Philharmonic, John Barbirolli (Sony) 

The Complete Warner Recordings, Sir John Barbirolli (Warner) 

The Complete Columbia Album Collection, Fritz Reiner (Sony) 

The Complete Decca Recordings, Charles Munch (Decca) 

The Collection, Radio-Sinfonieorchester Stuttgart, 

Carl Schuricht (SWR Classic) 

Hans Rosbaud dirigiert Mahler (SWR Classic) 

61

R Ä T S E L 

GEWINNSPIEL 

Was verbirgt sich hinter diesem Text? 

„Moderne Musik ist Instrumentenstimmen nach Noten“ 

Grenzenlos, bewegt und neu: Das waren nicht nur meine Kompositionen, 

sondern auch mein Leben. Schon in meiner Kindheit 

musste ich mir ein dickes Fell zulegen: In einem wohlhabenden, 

musikalisch-kultivierten Haushalt aufzuwachsen, in dem Leistung 

und Disziplin großgeschrieben wurden, war gar nicht so einfach. 

Auch wenn ich dem Wunsch meiner Eltern nachgegangen bin, eine 

juristische Ausbildung zu beginnen, blieb mein Kompositionstalent 

nicht lange unentdeckt. Ein bekannter russischer Komponist nahm 

mich unter seine Fittiche und inspirierte mich, tiefer in die Welt 

der Komposition und Instrumentation einzutauchen. Er ermöglichte 

mir, musikalisch experimentierfreudig zu sein; dennoch 

schränkte mich meine konservative und introvertierte Heimat in 

meinem Schaffensprozess ein. 

Ein Telegramm aus Paris wurde zu meiner musikalischen 

Rettung: So konnte ich den Einschränkungen meines Vaterlandes 

entkommen. Mein kompositorischer Publikumsschocker, dessen 

Uraufführung im Pariser Théâtre des Champs-Elysées stattfand, 

machte mich über Nacht berühmt. Die stählernen Rhythmen, messerscharfen 

Einzeltöne und beißenden Akzente meiner Komposition 

lösten sogar Schlägereien im Publikum aus. Ein Skandal, der in die 

Musikgeschichte einging! 

Neben meiner kurzen Affäre mit Coco Chanel ließ ich mit der 

Zeit auch meinen spätromantischen-impressionistischen Kompositionsstil 

in Frankreich zurück und wagte mich ins Land der unbegrenzten 

Möglichkeiten – nach Amerika. Dort tobte ich mich musikalisch 

aus: Die Polytonalität oder die serielle Musik haben mir 

ermöglicht, meinen unverwechselbaren Musikstil weiterzuentwickeln. 

Manchmal sind Wagnisse im Leben lohnend – mich machten 

sie zum Wegbereiter der modernen Musik! 

RÄTSEL LÖSEN UND EINE VON 

DREI CD-BOXEN GEWINNEN! 

Wer oder was ist hier gesucht? Wenn Sie die 

Antwort kennen, dann nehmen Sie an der Verlosung 

teil unter www.crescendo.de/mitmachen. 

Gleich dreimal gibt es folgende CD-Box zu gewinnen: Dimensionen. 

Mensch & Lied, Marlis Petersen (Solo Musica). Einsendeschluss ist 

der 06.01.2021. Gewinnerin unseres letzten Gewinnspiels ist 

Juliane Linke aus Dresden. Die Lösung war: Notenschlüssel. 

FOTO: EWA KRASUCKA, ARCH. TEATRU WIELKIEGO-OPERY NARODOWEJ 

IMPRESSUM 

VERLAG 

Port Media GmbH, Rindermarkt 6, 80331 München 

Telefon: +49-(0)89-74 15 09-0, Fax: -11, info@crescendo.de, www.crescendo.de 

Port Media ist Mitglied im Verband Deutscher Zeitschriftenverleger 

und im AKS Arbeitskreis Kultursponsoring 

HERAUSGEBER 

Winfried Hanuschik | hanuschik@crescendo.de 

VERLAGSLEITUNG 

Petra Lettenmeier | lettenmeier@crescendo.de 

ART DIRECTOR 

Stefan Steitz | steitz@crescendo.de 

CHEFREDAKTEURIN 

Barbara Schulz | schulz@crescendo.de 

LEITENDE REDAKTEURIN 

Dr. Maria Goeth (MG) | goeth@crescendo.de 

RESSORTS „HÖREN & SEHEN“ UND „ERLEBEN“ 

Dr. Ruth Renée Reif (RRR) | reif@crescendo.de 

RESSORTS „KÜNSTLER“ UND „LEBENSART“ 

Barbara Schulz (BS) | schulz@crescendo.de 

SCHLUSSREDAKTION 

Maike Zürcher 

KOLUMNISTEN 

Axel Brüggemann, Paula Bosch, Ioan Holender, 

Christoph Schlüren (CS), Stefan Sell (SELL), Ricardo Simian 

MITARBEITER DIESER AUSGABE 

Roland H. Dippel (DIP), Verena Fischer-Zernin, Ute Elena Hamm (UH), 

Julia Hartel (JH), Alexander Herrmann, Philipp Hontschik (PH), Carlotta Rabea Joachim, 

Klaus Kalchschmid (KLK), Sina Kleinedler (SK), Corina Kolbe (CK), 

Guido Krawinkel (GK), Jens F. Laurson (JFL), Teresa Pieschacón Raphael (TPR), 

Antoinette Schmelter-Kaiser (ASK), Stefan Sell (SELL), Fabian Stallknecht (FS), 

Rüdiger Sturm (RS), Georgia Tsonis (GT), Mario Felix Vogt, Dorothea Walchshäusl (DW), 

Walter Weidringer (WW), Patrick Wildermann, Margarete Zander 

VERLAGSREPRÄSENTANTEN 

Tonträger: Petra Lettenmeier | lettenmeier@crescendo.de 

Kulturbetriebe & Touristik: Dr. Cornelia Engelhard | engelhard@crescendo.de 

Verlage: Hanspeter Reiter | reiter@crescendo.de 

AUFTRAGSMANAGEMENT 

Stefanie Greißinger | greissinger@portmedia.de 

GÜLTIGE ANZEIGENPREISLISTE 

Nr. 23 vom 01.09.2019 

DRUCK 

Westermann Druck, Georg-Westermann-Allee 66, 38104 Braunschweig 

VERTRIEB 

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ERSCHEINUNGSWEISE 

CRESCENDO ist im Zeitschriftenhandel, bei Opern- und Konzert häusern, im 

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eingesandte Manuskripte und Fotos wird keine Gewähr übernommen. 

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Verbreitete Auflage: 

65.434 (lt. IVW-Meldung 1/2020) 

ISSN: 1436-5529 

(TEIL-)BEILAGEN / BEIHEFTER: 

CLASS: aktuell, Leipzig Tourismus 

DAS NÄCHSTE CRESCENDO 

ERSCHEINT AM 19. FEBRUAR 2021. 

CRESCENDO 

unterstützt 


ERLEBEN 

Die wichtigsten Termine und Veranstaltungen bis Januar 2021 im Überblick (Änderungen vorbehalten) 

Schwere Zeiten für die Kunst: Die Ioan-Holender-Kolumne (Seite 66) 

Beethoven im Blick: Der Titan hat seit jeher auch Filmemacher inspiriert – die schönsten Kino-Juwelen (Seite 67) 

München, bis 6. Juni 2021 

Leichtes Gepäck 

Wassily Kandinsky und Gabriele Münter, die 

zentralen Figuren der Künstlerformation Der 

Blaue Reiter, verband bereits vor dieser Zeit eine 

enge künstlerische Verbindung. Die Ausstellung 

„Unter freiem Himmel“ begleitet die beiden auf 

ihren gemeinsamen Wegen und Reisen in den 

Jahren von 1902 bis 1908, wo sie „mit leichtem 

Gepäck“ Kallmünz, Rotterdam, Tunis, Rapallo, 

Paris und mehr Orte besuchten. Ölskizzen, 

Fotografien und Zeichnungen, die direkt vor den 

Motiven entstanden, zeigen eine heitere 

Unmittelbarkeit wie hier Kandinskis Bleistiftstudie 

des Hafens in Amsterdam mit Booten und 

Häusern aus dem Jahr 1904. 

1902 hatten sie ihre erste gemeinsame Reise 

nach Kochel angetreten, Kandinski hatte seine 

Schülerin Münter dazu eingeladen. Sie waren 

ausgerüstet mit Kamera, Paletten, Malpappen, 

faltbarer Staffelei und Farbtuben und entdeckten 

per Fahrrad das Voralpenland. Den zweiten 

Malsommer der Klasse Kandinskys 1903 

verbrachten sie in Kallmünz, nun schon als Paar. 

Mobilität bestimmte in dieser Zeit ihr Privatleben 

sowie ihre künstlerische Arbeit, die 

miteinander korrespondierte, was sie während 

ihrer kommenden Reisen fortführen sollten: Sie 

widmeten sich einem Motiv – vorwiegend 

Landschaften und Architekturen der 

gewählten Zielorte – gingen aber mit verschiedenen 

Techniken an sie heran, verwendeten 

unterwegs entstandene Fotografien auch als 

Vorlage für Zeichnungen, Holzschnitte und 

Gemälde. Die Ausstellung mit überwiegend 

kleinen und intimen Formaten legt nahe, dass 

einer der Höhepunkte dieser modernen 

Künstlerbeziehung sicher die Gespräche über 

ihre jeweilige individuelle künstlerische Weiterentwicklung 

waren. 

München, Lenbachhaus, www.lenbachhaus.de 

FOTO: LENBACHHAUS / ERNST JANK 

63

E R L E B E N 

DIE WICHTIGSTEN 

VERANSTALTUNGEN AUF 

EINEN BLICK 

bis Januar 2021 

bis 21. Februar, Kassel 

Der Weg in die innere Wirklichkeit 

Fritz Winter war Maler der ersten Stunde der documenta in 

Kassel. Die von Arnold Bode initiierte Ausstellung im 

Fridericianum war nach dem Ersten Weltkrieg die erste große 

Kunstausstellung moderner Kunst in Westdeutschland. Bode 

wollte jenen Künstlern Bekanntheit vermitteln, die während 

des Nationalsozialismus verfemt waren. So stand die 

abstrakte Kunst der 1920er- und 1930er-Jahre im Mittelpunkt. 

Fritz Winters Arbeiten wurden in den ersten drei Ausstellungen 

1955, 1959 und 1964 gezeigt. 1905 in Altenbögge geboren, 

kam Winter 1927 ans Bauhaus. Angeregt von der Lehre Paul 

Klees und Wassily Kandinskys, fand er zu den naturmythischen 

Ideen der Künstlergruppe Blauer Reiter in München. 

Bestimmend für diese Künstler war die Vorstellung eines 

allumgreifenden Seins als Ursprung der Bilder. Winter fand im 

Ungegenständlichen einen Weg, sich der inneren Wirklichkeit 

anzunähern. Der Nationalsozialismus unterbrach seine Arbeit. 

1937 wurden seine Bilder aus den Museen entfernt und 

enteignet. Zwei Jahre darauf wurde Winter zum Kriegsdienst 

Fritz Winter: 

Gelber Klang, 

1950 

einberufen. Erst 1949 kehrte er aus russischer Kriegsgefangenschaft 

nach Deutschland zurück. Die Kriegserlebnisse 

gaben seinem Schaffen noch einmal einen bedeutsamen 

Impuls. In schwingenden Kraftfeldern, energetischen 

Spannungen und kristallinen Strukturen verlieh er seinen 

Erlebnissen Ausdruck und bahnte sich einen Weg, um zu 

jenem fernen Punkt vorzudringen, an dem alles zur Deckung 

kommt. Der Kunsthistoriker Werner Haftmann, der die dritte 

documenta mitkuratierte, verwies auf das abstrakte Bild als 

„das Rettende“ zur Bewältigung einer abstrakt gewordenen 

Welt. Auf Initiative der Fritz-Winter-Stiftung und der 

Bayerischen Staatsgemäldesammlungen rekonstruiert die 

Museumslandschaft Hessen Kassel die zentralen Beiträge 

Fritz Winters zu den ersten drei documenta-Ausstellungen. 

Gezeigt werden rund 990 Werke aus Malerei, Grafik und 

Bildwirkerei. 

Neue Galerie, Museumslandschaft Hessen Kassel, 

www.museum-kassel.de 

FOTO: BAYERISCHE STAATSGEMÄLDESAMMLUNGEN, MÜNCHEN, FRITZ-WINTER-STIFTUNG 


FOTOS: MINDO CIKANAVIČIUS; NANDA HAGEMAARS; PETER ADAMIK; KERSTIN KUEHNE; BENNO HUNZIKER; FELIX BROEDE; CHARLES LIMA; HANS SCHERHAUFER; HARALD KRICHEL; MORLIER; CHRISTIAN MAI; WDR/CRISTIAN MĂCELARU; PIACLODI 

BIS 16. MÄRZ 

FESTSPIELE MECKLENBURG-VORPOMMERN 

Stille Seen, endlose Alleen und Küsten mit hell 

leuchtenden Kreidefelsen – das ist Mecklenburg- 

Vorpommern. Den ganzen Winter hindurch bis 

zum Beginn des Frühlings führen die Festspiele 

zu den schönsten Orten des Landes. Im 

Landstädtchen Klütz, wo sich die größte 

barocke Schlossanlage von Mecklenburg-Vorpommern 

befindet, versammelt sich die junge Elite zum Kammermusikfest. 

In Grabow mit seinen Fachwerkhäusern kann man sich nicht nur 

„Küsschen“ (Schaumküsse, Anm. d. Red.) holen, sondern auch einen Abend 

mit dem Akkordeonisten Martynas Levickis (Foto) genießen. Mit Werken 

von Bach, Vivaldi, Rossini u. a. beginnt er seine Tournee, die ihn bis nach 

Rostock und zum Seebad Sellin auf der Insel Rügen führt. Die Organistin 

Iveta Apkalna und der Trompeter Gábor Boldoczki gastieren in Neubrandenburg, 

der Stadt des Volksdichters Fritz Reuter. Der Musikstadt Wien 

ist eine Reihe mit Werken von Komponisten gewidmet, die zeitweilig in 

Wien lebten wie Haydn, Mozart, Beethoven, Brahms und Schubert. Auch 

eine Uraufführung steht auf dem Programm. Die Ausführenden des 

neuen Klavierquintetts von Georg Breinschmid sind der Geiger Emmanuel 

Tjeknavorian, der Bratschist Benedict Mitterbauer, der Cellist Jeremias 

Fiedl, der Bassist Dominik Wagner und der Pianist Maximilian Kromer. 

Und zum Abschluss kommt ein Musiker, dem Wien ebenfalls zur Heimat 

wurde: Rudolf Buchbinder. In der Konzertkirche von Neubrandenburg 

spielt er Beethoven. 

Verschiedene Spielorte, festspiele-mv.de 

5. UND 6. FEBRUAR 

KÖLN AUFERSTEHUNGSSINFONIE 

Wie ein Blitz habe es ihn getroffen, bekundete 

Gustav Mahler, als er auf der Totenfeier zu 

Hans von Bülow den Choral Auferstehn! von 

Friedrich Klopstock hörte. Damit hatte er das 

Finale seiner Zweiten Sinfonie gefunden. Mit 

gewaltigem Chor-, Orgel- und Glockenklang 

gestaltete er dieses Finale zum „großen Appell“ 

aus dem Jenseits. Cristian Măcelaru (Foto), der Chefdirigent des WDR 

Sinfonieorchesters, leitet die Aufführung der riesigen Sinfonie. Zu den 

weiteren Mitwirkenden gehören die Sopranistin Christina Landshamer, 

die Altistin Wiebke Lehmkuhl, der WDR Rundfunkchor und der Chor 

des Bayerischen Rundfunks. 

Köln, Philharmonie, www.wdr.de/orchester-und-chor 

19. UND 20. DEZEMBER 

STUTTGART DIE VERZAUBERTE WELT 

Der Geist der Kindheit durchweht die 

Kompositionen von Maurice Ravel. Einige 

schrieb er auch explizit für Kinder wie etwa 

die Suite Ma mère l’oye (Meine Mutter Gans), 

die er 1908 auf der Grundlage von Märchen 

komponierte und seinen immerwährenden 

Freunden, den Kindern, widmete. Auch die 

Oper L’enfant et les sortilèges (Das Kind und der Zauberspuk) wendet 

sich an Kinder. Das Libretto dazu stammt von Colette, Ravels 

Nachbarin im Künstlerort Montfort-l’Armaury am Rande des Waldes 

von Rambouillet bei Paris. Die Dichterin schätzte den „unnahbaren 

kleinen Mann mit den feinen Händen“ und zählte zu den frühen 

Verfechtern seiner Musik. Jahrelang saß Ravel an der Partitur, in die 

er Rhythmen einarbeitete, wie sie damals modern waren. So lässt er 

die Teekanne einen Ragtime tanzen und zwei Katzen im Duett miauen. 

Der Regisseur und Sänger Schorsch Kamerun, der herausfinden 

möchte, wie junge Menschen heute in die Zukunft blicken, was sie 

in Wut bringt und wobei sie nicht mehr mitmachen wollen, entwickelt 

unter dem Titel Die verzauberte Welt mit dem Dirigenten Dennis 

Russell Davies aus den beiden Werken Ravels und eigenen Liedern 

einen Opernabend. 

Stuttgart, Oper, www.staatsoper-stuttgart.de 

TIROLER 20/21 

FESTSPIELE 

ERL WINTER 

26. DEZ 

— 

06. JAN 

Info · Karten 

T +43 (0)5373 81000-20 

karten@tiroler-festspiele.at 

www.tiroler-festspiele.at 

OPER 

PIETRO 

MASCAGNI 

L’AMICO FRITZ 

Musikalische Leitung 

Francesco Lanzillotta 

Regie Ute M. Engelhardt 

26. DEZ / 02. JAN / 04. JAN 

OPER 

GAETANO 

DONIZETTI 

DON PASQUALE 

Musikalische Leitung 

Simone di Felice 

Regie Caterina Panti Liberovici 

27. DEZ / 30. DEZ / 05. JAN 

SPECIAL 

MUSICBANDA 

FRANUI 

MISCHMASCH 

29. DEZ 

KONZERT 

SILVESTER- / 

NEUJAHRS- 

KONZERT 

31. DEZ / 01. JAN 

SPECIAL 

FRANZ HACKLS 

„WINTERREISE“ 

FEATURING 

LEO GENOVESE 

UND DAS WIENER 

POSAUNEN- 

ENSEMBLE 

03. JAN 

KONZERT 

FAMILIEN- 

KONZERT 

EDVARD GRIEG — 

PEER GYNT 

28. DEZ 

65

E R L E B E N 

Ioan-Holender-Kolumne 

SCHWERE ZEITEN 

FÜR DIE KUNST 

Mitte März wurden plötzlich von heute auf morgen 

Opern- und Theatervorstellungen abgesagt, und 

man stand vor geschlossenen Türen in den Konzerthäusern. 

Viele Monate fanden keinerlei Darbietungen mit 

oder für die Kunst statt, Museen waren zu. Die Wiener 

Staatsoper war zum ersten Mal seit der Wiedereröffnung 

im Jahr 1955 länger geschlossen. Im Zweiten Weltkrieg hat 

sie kürzere Zeit nicht gespielt als in diesem Jahr. Damals 

herrschte Angst vor den Bomben, jetzt lähmt die Angst vor 

dem Corona-Virus alle und alles. 

Seit einem Monat wird in den Theater- und Opernhäusern 

in Europa mit teilweise radikalen Einschränkungen und 

störenden Maßnahmen gespielt, mit schmerzvollen Auflagen, 

die leider auch eine negative Auswirkung auf die künstlerische 

Qualität des Dargebotenen haben. An manchen Orten 

werden nur Aufführungen ohne Pause gespielt, die Stücke 

werden gekürzt dargeboten, die Künstler dürfen sich auf 

der Bühne nicht näherkommen, Chöre sind unsichtbar und 

werden nur akustisch übertragen oder ganz gestrichen, die 

ursprüngliche Inszenierung wird radikal in eine sogenannte 

Corona-Inszenierung abgeändert. Eine Mahler-Sinfonie wird 

mit reduzierten Instrumenten musiziert! 

Das Traurigste ist jedoch, dass das reduzierte Kartenangebot 

meistens nicht ausgenutzt wird. Oft bleibt ein Großteil 

der angebotenen Karten unverkauft. Das Streaming 

bietet keine Alternative zum lebendigen Hör- und Seherlebnis. 

Das Schlimmste wird folgen, wenn der Zugang – hoffentlich 

bald – wieder ganz zugelassen wird und es trotzdem 

lange dauern wird, bis das Publikum wie vorher die Häuser 

wieder füllen wird. Die Menschen gewöhnen es sich ab, ins 

Theater zu gehen, Abonnements wurden notgedrungen 

aufgelöst, deren Inhaber gingen verloren und kommen kaum 

zurück. Die Angst vor der Pandemie wird diese selbst noch 

überleben. Je mehr jetzt geschieht, je mehr Publikum jetzt 

kommt, umso mehr wird auch später wiederkommen. Was 

man in dieser eingeschränkten Zeit anbietet, darf die künstlerische 

Qualität unter keinen Umständen verlieren. Sonst 

haben wir auch die Zukunft fast schon verloren. 

„kulTOUR Holender“ auf 

ServusTV Deutschland: 

13.11., 23:35 Uhr und 15.11., 9 Uhr: 

Bern – die verkannte Hauptstadt 

22.11., 9 Uhr: Palermo – Wiedergeburt einer Kulturstadt 

29.11., 9 Uhr: Genf – Im Spiegel der Hugenotten 

Weitere Informationen unter: www.servustv.com 

AB DEZEMBER 

KÖLN WRITTEN ON SKIN 

Eine verstörende Oper bringt der Regisseur 

Benjamin Lazar auf die Bühne. George 

Benjamin, dessen Kompositionen von visuellen 

und literarischen Eindrücken geprägt sind, ließ 

sich ein Libretto von dem Dramatiker Martin 

Crimp schreiben. Crimps Dramen zeichnen 

sich durch einen pessimistischen Zug aus. Für 

Written on Skin griff er auf Le cœur mangé (Das verspeiste Herz) des 

okzitanischen Troubadours Guilhem de Cabestanh zurück. Dieser fasst 

darin eine seit Jahrhunderten erzählte Dreiecksgeschichte in Verse, in 

der der Liebhaber am Ende getötet wird und der Ehemann seine Frau 

das Herz des Verstorbenen essen lässt. Etwas Archaisches ist dem Stoff 

eigen, das vorkulturelle Schichten im Menschen berührt und gleichermaßen 

abstößt wie fasziniert. Benjamin bringt das Mythische auch in 

seiner Musik zum Ausdruck. So schreibt er nicht nur eine Glasharmonika, 

sondern für die Rolle des Engels, der in das Leben des Ehepaars 

eingreift, auch einen Countertenor vor, dessen hoher Gesang etwas 

Übernatürliches hat. Die Rolle übernimmt Cameron Shahbazi (Foto). 

Das Ehepaar wird von Robin Adams und Jenny Daviet verkörpert. Die 

musikalische Leitung liegt von den Händen von François-Xavier Roth. 

Köln, Oper, 1., 3., 5. und 9.12., www.oper.koeln/de 

31. JANUAR UND 1. FEBRUAR 

BERLIN MÁ VLAST 

In einem Akt ungeheurer Willensanstrengung 

und nationaler Aufbruchstimmung nahm 

Bedřich Smetana zehn Jahre vor seinem Tod 

den sinfonischen Zyklus Má Vlast (Mein 

Vaterland) in Angriff. Er litt damals bereits 

schwer an den Symptomen seiner unbehandelten 

Syphilis. In seinen Tagebüchern schreibt er 

von quälendem Ohrensausen, Schwindel und der raschen Abnahme des 

Hörvermögens, Symptome, die in Sprachstörungen, zunehmender 

Verwirrung und schwerer Abmagerung mündeten und 1884 zu seinem 

Tod führten. Das Deutsche Symphonie-Orchester Berlin bringt den 

gesamten Zyklus zur Aufführung – vom frühen Glanz der Königsburg 

Vyšehrad über die Sage von der Maid Šárka, die allen Männern Rache 

für die Untreue ihres Geliebten schwört, und der Unerschrockenheit 

der Gotteskämpfer bis zum Aufmarsch des ganzen Volkes. Am Pult 

steht Ingo Metzmacher. 

Berlin, Philharmonie, www.dso-berlin.de 

AB JANUAR 

FRANKFURT AM MAIN, FEDORA 

Umberto Gordano gilt als der letzte Verist. 

Nach Leoncavallo, Puccini und Mascagni wurde 

er zum Vertreter jener „jungen italienischen 

Schule“, die Wahrheit statt Schönheit auf der 

Opernbühne forderte. 1896 ließ ihn der 

glanzvolle Erfolg seines musikalischen Dramas 

André Chénier an der Mailänder Scala schlagartig 

berühmt werden. Ihm folgte zwei Jahre darauf am Teatro Lirico in 

Mailand mit ebensolchem Erfolg das Melodram Fedora, das zurückführt 

ins St. Petersburg der 1880er-Jahre. Das Libretto von Arturo Colau 

basierte auf einem historischen Drama von Victorien Sardou, bei dem 

sich auch Camille Saint-Saëns und Jacques Offenbach ihre Stoffe holten. 

Enrico Caruso, der an der Seite von Gemma Bellincioni die Rolle von 

Loris Ipanow verkörperte, bescherte das Werk mit der Arie Amor ti 

victa den Aufstieg zum international gefeierten Tenor. In der Folge 

geriet es jedoch weitgehend in Vergessenheit. In einer konzertanten 

Aufführung kommt es, musikalisch geleitet von Carlo Montanaro, mit 

Olesya Golovneva (Foto) in der Partie der Fürstin Fedora Romanow 

und Andrea Carè erneut auf die Bühne. 

Frankfurt am Main, Oper, 17.1. (Premiere) sowie 7., 12., 20. und 26.2., 

www.oper-frankfurt.de 


FOTOS: MINDO CIKANAVIČIUS; NANDA HAGEMAARS; PETER ADAMIK; KERSTIN KUEHNE; BENNO HUNZIKER; FELIX BROEDE; CHARLES LIMA; HANS SCHERHAUFER; HARALD KRICHEL; MORLIER; CHRISTIAN MAI; ROBERTO MASOTTI; PIACLODI; ZEUGHAUSKINO 

1 bis 5. Dezember, Berlin 

Beethoven im Kino 

„Beethoven – Tage aus einem 

Leben“: Donatas Banionis 

Der Film stürzte sich von Beginn an auf Beethoven. Bereits 1917 

kam mit Fritz Kortner als Beethoven die Stummfilmbiografie Der 

Märtyrer seines Herzens von Emil Justitz heraus. Zehn Jahre darauf 

stand Kortner in dem Stummfilm Beethoven von Hans Otto 

Löwenstein abermals vor der Kamera. 1936 zeigte Abel Gance in 

Un grand amour de Beethoven (Beethovens große Liebe) mit 

Harry Baur in der Hauptrolle eine melodramatische Geschichte 

von Beethovens Ertaubung. Und 1949 spielte Ewald Balser in 

Walter Kalm-Veltées Film Eroica Schicksalsszenen Beethovens aus 

den Jahren zwischen der Fünften und Neunten Sinfonie. „Vom 

Klang bewegt. Das Kino und Ludwig van Beethoven“ lautet der 

Titel einer von dem Filmwissenschaftler Stephan Ahrens kuratierten 

Retrospektive von Beethoven-Filmen. Vielfältig sind jene 

Filme, in denen Beethoven und seine Musik eingesetzt wurden, 

um andere Themen zu verhandeln. So weckte etwa der britische 

Dokumentarfilmer Humphrey Jennings in The Heart of Britain 

1941 mit Beethoven Hoffnung auf ein Ende des Krieges. 1950 

setzte Ingmar Bergman in seinem filmischen Künstlerdrama Till 

glädje (An die Freude) Beethovens Neunte Sinfonie im läuternden 

Ende einer zerstörerischen Beziehungsschlacht ein. Und 1976 

brachte der DEFA-Film aus der DDR Beethoven – Tage aus einem 

Leben von dem Dichter Günter Kunert und dem Regisseur Horst 

Seemann den Komponisten als zeitgenössische Identifikationsfigur 

auf die Leinwand. Auch in den Avantgarde-Film fand Beethoven 

Eingang. Werner Schroeter stellte 1968 in seinem experimentellen 

Film Paula – Je reviens eine Cembalosonate Antonio Solers 

gegen eine Violinsonate Beethovens. Begleitend zur Filmreihe gibt 

Ahrens einen gleichnamigen Sammelband heraus. 

Berlin, Zeughauskino, www.dhm.de/zeughauskino 

FOTO: GÄRTNERPLATZTHEATER 

Opernreise nach Leipzig 

FRÜhwERkE vOn 

rIcharD 

Wagner 

18.–21. JunI 2021 

• 3 x Übernachtung inkl. Frühstück in einem 

4* Innenstadthotel 

• je 1 Eintrittskarte für folgende Aufführungen: 

»Die Feen«, »Rienzi«, »Das Liebesverbot« 

• touristisches Rahmenprogramm vor Ort 

Preis pro Person im DZ ab 749,- € 

Informationen und Buchung unter 

www.leipzig.travel/reiseangebote oder incoming@ltm-leipzig.de 

SCHLOSS 

FEST 

SPIELE 

6. MAI– 

11. JULI 


MUSIKSTaDT :LeIPZIg 

LUDWIGSBURGER SCHLOSSFESTSPIELE 

INTERNATIONALE FESTSPIELE BADEN-WÜRTTEMBERG 

LUDWIGS 

BURG 

FESTIVAL 

KARTEN & INFO 

SCHLOSSFESTSPIELE.DE 

07141 939 636 

67

E R L E B E N 

ab Dezember, Duisburg 

Spiel im Spiel 

Ein Marionettentheater im Haus seines Freundes, des Dichters 

Federico García Lorca, regte Manuel de Falla zu seinem Operneinakter 

El retablo de Maese Pedro an. Den Auftrag erhielt er von 

der Pariser Prinzessin Edmond de Polignac, die das Stück in ihrem 

Salon aufführen lassen wollte. De Falla, der in seiner Komposition 

volksmusikalische Elemente mit Klängen und Rhythmen verwebt, 

schrieb auch das Libretto. Er wählte eine Episode aus Miguel de 

Cervantes’ Roman Don Quijote und gestaltete daraus ein Spiel im 

Spiel. Don Quijote ist Zuschauer eines Puppenspiels, das Meister 

Pedro mit seinen Marionetten gibt. Die Handlung sagt ein kleiner 

Junge im psalmodierenden Ton spanischer Geschichtenerzähler an. 

Sie dreht sich um die Tochter Karls des Großen, die schöne 

Melisendra, die im Morgenland gefangen ist und deren Gatte 

Gayferos sich aufmacht, sie zu befreien. Don Quijote aber vermag 

Spiel und Wirklichkeit nicht zu trennen. Er fühlt den Ritter in sich 

angesprochen und fällt mit gezücktem Schwert über die Marionetten 

her. Pedro ist verzweifelt über seine geköpften Marionetten. 

Aber Don Quijote ist zufrieden über die Rettung des Paares und 

widmet seinen Sieg der schönen Dulcinea. Die Regisseurin Ilaria 

Lanzino, der Filmemacher Torge Möller sowie das Düsseldorfer 

Marionetten-Theater, das in seinen Spielplänen auch Musiktheaterstücke 

zeigt, setzen die Oper mit Sängern und dem Orchester des 

Düsseldorfer Opernhauses in Szene. Die musikalische Leitung liegt 

in den Händen von Ralf Lange. Als Vorspiel gibt es Ausschnitte aus 

den Danses concertantes von Igor Strawinsky, der bei der Uraufführung 

der Oper 1923 mit Picasso im Publikum saß. Pedros Puppentheater 

ist als Wagenbühne konzipiert. Gespielt wird „halboffen“, 

das heißt, die Spieler der Marionetten stehen hinter den Kulissen, 

sodass ihre Hände, die die Fäden führen, sichtbar sind. Möller filmt 

das Marionettenspiel sowie die Reaktionen Don Quijotes und zeigt 

den Zusammenschnitt auf einer Leinwand. 

Duisburg, Theater, 4., 5., 13. und 25.12., www.theater-duisburg.de 

Karl der Große, 

der Vater der 

schönen Melisendra 

FOTO: DÜSSELDORFER MARIONETTEN-THEATER 

16. JANUAR 

DORTMUND, FRÉDÉGONDE 

Mit einem Kuriosum beginnen die Feierlichkeiten 

zum 100. Todestag von Camille Saint-Saëns. 

Erstmals kommt die Oper Frédégonde in 

Deutschland auf die Bühne. 1895 übernahmen 

Saint-Saëns und Paul Dukas die Aufgabe, die 

Oper ihres über der Arbeit verstorbenen 

Komponistenfreundes Ernest Guiraud zu 

vollenden. Die Oper basiert auf dem literarisch-historischen Werk 

Récits des temps mérovingiens (Erzählungen über die Merowingerzeit) 

20.8. – 10.9.2021 

VORVERKAUF AB 

30. NOVEMBER 

www.beethovenfest.de | Tickets +49(0) 228 - 50 20 13 13 

des Schriftstellers Auguste Thierry, einer Szenenfolge des blutigen 

Zusammenstoßes zwischen dem Barbarentum und der sterbenden 

antiken Kultur mit ausführlichen Schilderungen der Hoffeste, Bruderzwiste 

und Sitten des Adels. Das Libretto von Louis Gallet stützt sich 

auf die Ereignisse und Intrigen, die nach dem Tode Chlotars I. das 

Merowingerreich infolge der Aufteilung unter Chilperich, Sigebert, 

Gunthram und Charibert erschütterten. Chilperich, der als perfide und 

gewalttätig beschrieben wird und in wehmütigen Gedanken dem 

Zusammenbruch der alten Kultur nachhängt, lässt auf Drängen seiner 

Konkubine Fredegunde seine Frau Galswintha ermorden. Dessen 

Schwester Brunhild fordert daraufhin ihren Gemahl Sigebert zur Rache 

auf. Doch Fredegunde gelingt es, Sigebert und auch den zweiten Mann 

Brunhilds zu beseitigen. Als Guiraud starb, lagen nur die ersten drei 

Akte vor. Dukas übernahm ihre Orchestrierung, und Saint-Saëns 

komponierte die letzten beiden Akte. Am 18. Dezember 1895 wurde 

Frédégonde an der Pariser Oper uraufgeführt. Es kam jedoch nur zu acht 

weiteren Aufführungen. Dann verschwand die Oper vom Spielplan. 

Gallet hatte in seinem Libretto die archaisierende Sprache Thierrys 

übernommen, und die Musik wurde als uneinheitlich und dem Stil 

Guirauds, der bekannt war für seine orchestralen Rezitative zu Bizets 

Carmen und Offenbachs Hoffmanns Erzählungen, fremd empfunden. Die 

Oper Dortmund bringt das Werk in Zusammenarbeit mit dem 

Palazzetto Bru Zane – Centre de musique romantique française in 

Venedig, das auch die Partituren herausgab, auf die Bühne. Marie-Eve 

Signeyrole setzt sie mit Marie Karall / Hyona Kim als Frédégonde, 

Mandla Mndebele als Hilpéric, Anna Sohn als Brunhilda, Pene Pati als 

Mérowig und Gabriel Feltz am Pult in Szene. 

Dortmund, Theater, 16. (Premiere) und 23.1., 13.2., 28.3., 16.4. sowie 

13. und 27.5., www.theaterdo.de 

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crescendo_Dez_20.indd 1 20.10.2020 10:52:54


BADEN-BADEN SÃO PAULO DANCE 

COMPANY 

FOTOS: MINDO CIKANAVIČIUS; NANDA HAGEMAARS; PETER ADAMIK; KERSTIN KUEHNE; BENNO HUNZIKER; FELIX BROEDE; CHARLES LIMA; HANS SCHERHAUFER; HARALD KRICHEL; MORLIER; CHRISTIAN MAI; ROBERTO MASOTTI; PIACLODI 

Dem Erfahren von Zeit in ihren verschiedenen 

Bedeutungen widmet sich Cassi Abranches in 

ihrer Choreografie Agora (Jetzt). Mit afro-brasilianischen 

Perkussionrhythmen von Sebastian 

Piracés gestaltet sie Aspekte des Vergehens 

und Werdens wie Erinnerungen und Erwartungen. 

Das kurze, helle Aufleuchten eines Sterns 

vor seinem Erlöschen inspirierte Martin Goecke zu choreografischen 

Reflexionen über Leben und Tod. Supernova zur Musik der Band Antony 

and the Johnsons um die Sängerin und Pianistin Anohni zeigt Leben und 

Tod als Kontrast von Licht und Dunkel, Auftauchen und Verschwinden. 

Anthem (Hymne, Foto), die Choreografie von Goyo Montero, reflektiert 

den Prozess des Aufbaus und Abbaus kollektiver Identitäten. Seine 

Arbeit versteht er als Mahnung an den immer gleichen Fehler der 

Menschen, zu denken, wir seien voneinander getrennt und verschieden, 

während wir doch in Wahrheit eine einzige Gruppe sind, die Menschheit. 

„Sobald wir diese Einheit verlieren, beginnen die Probleme“, 

betont er. Owen Belton, mit dem Montero bereits mehrere Arbeiten 

realisierte, schuf ein Lied für ihn. Dabei greift er zurück auf Lieder, die 

zu Hymnen wurden. Montero setzt ihnen die menschliche Stimme 

entgegen: „Die menschliche Stimme wird zum Lied, und dieses Lied 

wird etwas, mit dem wir uns identifizieren.“ 

Baden-Baden, Festspielhaus, www.festspielhaus.de 


BERLIN DER SILBERSEE 

An gleich drei Theatern, dem Alten Theater in 

Leipzig, dem Städtischen Theater in Magdeburg 

und dem Stadttheater in Erfurt, fand am 18. 

Februar 1933 die Uraufführung von Kurt Weills 

Musiktheater Silbersee statt. Zweieinhalb 

Wochen davor hatte Hitler die Macht ergriffen. 

Vier Tage nach der Uraufführung flüchtete 

Weill nach Frankreich. Der Silbersee wurde verboten. Der Reichstagsbrand 

zehn Tage darauf markierte das Ende der Weimarer Republik. 

Der Dramatiker Georg Kaiser hatte das Stück über Freundschaft, 

Staatsgewalt und Privatbesitz extra für Weill geschrieben. Die Ballade 

Césars Tod wurde als satirische Attacke auf Hitler gewertet. Die 

Komische Oper entreißt das Stück mit Schauspielern des Berliner 

Ensembles und dem Vocalconsort Berlin dem Vergessen. Die musikalische 

Leitung übernimmt HK Gruber, und die szenische Einrichtung 

besorgt Tilo Nest. 

Berlin, Komische Oper, www.komische-oper-berlin.de 

9. DEZEMBER 

FRANKFURT AM MAIN 40 GESCHENKE 

Mit 40 Kurzkompositionen rund um das Thema 

„Winter – Weihnachten – Zeremonie“ feiert das 

Ensemble Modern das 40. Jubiläum seines 

Bestehens. Um das Ideal einer demokratischen 

Arbeitsweise zu verwirklichen, fanden sich 1980 

Studenten der Jungen Deutschen Philharmonie 

zusammen. Bis heute werden alle Projekte 

basisdemokratisch entschieden und umgesetzt. Zur besonderen 

Arbeitsweise des Ensembles gehört der intensive Austausch mit 

Komponisten. Zahllose Werke brachten die Musiker im Laufe der Jahre 

zur Uraufführung. „Los, einfach machen!“, lautete dabei das Credo. Zu 

den Gratulanten im Jubiläumskonzert gehören u. a. Mark Andre, Brian 

Ferneyhough, Georg Friedrich Haas, Enno Poppe, Olga Neuwirth, Steve 

Reich, Johannes Maria Staud und Salvatore Sciarrino. Als musikalischen 

Leiter haben die Musiker Ingo Metzmacher eingeladen. Die Moderation 

übernimmt der Schriftsteller Ilija Trojanow (Foto). Und mit den 40 

Kompositionen bringt das Ensemble auf dem hauseigenen Label, das in 

diesem Jahr sein 20. Jubiläum begeht, auch ein Album heraus. 

Frankfurt am Main, Alte Oper, www.ensemble-modern.com 

MAX 

KLINGER 

und das Kunstwerk 

der Zukunft 

bis 31. Januar 2021 in Bonn 

Kunst- und Ausstellungshalle 

der Bundesrepublik Deutschland 

www.bundeskunsthalle.de 

In Kooperation mit 

100 JAHRE 

SALZBURGER FESTSPIELE 

IM KINO 

Fidelio 

21./22.11.2020 

die zauberflöte 

05./06.12.2020 

erstmalig im kino! 

Jetzt tickets sichern unter 

www.salzburgimkino.de 

WWW.SALZBURGIMKINO.DE 

Max Klinger Beethoven (Ausschnitt), 1902, Museum der bildenden Künste Leipzig, Foto: © InGestalt/Michael Ehritt 

69

E R L E B E N | A N Z E I G E N 

13. – 15.05.2021 

30. INTERNATIONALES 

LÜBECKER 

KAMMERMUSIKFEST 

Freunde der Kammermusik 

können sich auf musikalische 

Leckerbissen mit international 

bekannten Interpreten wie dem 

Klavierduo Trenkner & Speidel, 

den Cello-Virtuosen Quattrocelli, 

dem Vogler-Quartett, dem 

Lübecker Trio ClariNoir von der 

Lübecker Musikhochschule, Maria 

Kliegel & Oliver Triendl sowie den 

Ausnahme-Pianisten Haiou Zhang 

freuen. Als Besonderheit ist 

anlässlich des dänisch-deutschen 

Kulturjahres der Freundschaft 

auch das Morten-Kargaard-Septett 

dabei. 

+49-(0)451-642 64 

ETrenkner@aol.com 

www.scharwenka.de 

01. – 09.05.2021 

BRAHMS-FESTIVAL 

LÜBECK 

„Ganz Ohr!“ Selbstverständlich 

scheint es zu sein, das Hören. 

Dabei ist es so erstaunlich! Wie 

existenziell es werden kann, zeigt 

das Beispiel Beethoven. Seine 

Musik steht 2020 im Mittelpunkt 

des Brahms-Festivals der 

Musikhochschule Lübeck. Hören 

Sie hin. Hören Sie neu. Seien Sie 

ganz Ohr! 

Sinfoniekonzert in der MuK / 

Themenkonzerte am Abend / 

Hören am Nachmittag / Lunchtime-Concerts 

/ Matineen & 

Impulse am Morgen / Nacht der 

Wahrnehmung / Musik im 

öffentlichen Raum / Edu!cation: 

Workshops zum Mitmachen. 

+49-(0)451-150 50 

brahmsfestival@mh-luebeck.de 

www.brahms-festival.de 

25.06. – 04.07.2021 

10. UNERHÖRTES 

MITTEL- 

DEUTSCHLAND 

Schirmherr ist Ministerpräsident 

Dr. Reiner Haseloff. Bei 14 

Konzerten an musikhistorisch 

bedeutsamen Orten erklingen 

Werke überwiegend unbekannter 

Komponisten, interpretiert von 

exzellenten Solisten, Kammerensembles, 

Organisten und Chören. 

+49-(0)1577-23 81 236 

info@strassedermusik.de 

www.strassedermusik.de 

12.12.2020 – 06.01.2021 

TIROLER FESTSPIELE ERL 

Im Zentrum der Winterfestspiele 

steht die Neuinszenierung von 

Gaetano Donizettis Don Pasquale. 

+43-(0)5373-810 00 20 

karten@tiroler-festspiele.at 

www.tiroler-festspiele.at 

18.06. – 10.07.2021 

FESTSPIELE IM 

SCHLOSSGARTEN 

NEUSTRELITZ 

Carmen, die Opéra comique von 

Georges Bizet, fasziniert uns bis 

heute. Der angepasste Sergeant 

Don José trifft auf die schöne 

Zigeunerin Carmen. Wie kein 

anderes Stück bietet Carmen die 

Möglichkeit für aufregendes und 

unterhaltsames Theater unter 

freiem Himmel im Schlossgarten 

Neustrelitz mit großem Ensemble. 

Mit den Solisten des Musiktheaters 

und dem Opern- und 

Extrachor der TOG sowie der 

Deutschen Tanzkompanie und der 

Neubrandenburger Philharmonie. 

+49-(0)3981-20 64 00 

serviceNZ@tog.de 

www.tog.de 

Musik im Wormser Lutherjahr 2021 

Die Stadt Worms und die Evangelische Kirche in Hessen und 

Nassau haben anlässlich der 500. Wiederkehr von Luthers Widerrufsverweigerung 

auf dem Wormser Reichstag von 1521 ein 

umfangreiches und vielfältiges Gesamtprogramm von April bis 

Oktober 2021 geplant. Es beinhaltet über 80 Einzelveranstaltungen, 

darunter auch mehrtägige wie die Nibelungen-Festspiele mit 

der Uraufführung eines Lutherstücks aus der Feder von Lukas 

Bärfuss und die Landesausstellung Hier stehe ich. Gewissen und 

Protest – 1521 bis 2021, die von April bis Oktober im Städtischen 

Museum im Andreasstift gezeigt wird. Ein Programmheft, das 

unter www.worms-luther.de fortlaufend ergänzt wird, stellt die 

Veranstaltungen nach den Sparten Konzerte, Theater, Ausstellungen, 

Kino, Vorträge, Kirche und Führungen vor. 

Zwischen April und Oktober wird auch zu zahlreichen Konzerten 

eingeladen, darunter Der Scheiterhaufen des Phönix, eine Koproduktion 

mit der Wormser Partnerstadt Parma, die am 

9. Juli ausgehend von Giordano Bruno das Thema „Gewissen und 

Protest“ bearbeitet, und mit dem Oratorium Worms 1521 von 

Hartwig Lehr am 29. und 30. Oktober auch zwei Uraufführungen. 

Das umfangreiche Konzertprogramm reicht von Jazz mit dem 

Oscar Peterson Trio am 22. April und Musik vom Kaiserhof Karls 

V. mit der Capella Lutherana am 29. April über die Komposition 

Verley uns Frieden mit dem Landesjugendchor und dem Landes- 

JugendJazzOrchester am 22. Mai bis zu Konzerten der israelischen 

Sängerin Yael Deckelbaum am 18. September und des 

Ensembles Gothic Voices im Rahmen des Festivals wunderhoeren 

am 10. Oktober. 

LUTHER-JAHR 


Hier stehe ich. 

Landesausstellung 

17.4. - 31.10.2021 

Museum der Stadt Worms im Andreasstift 

Luther 

Nibelungen-Festspiele Worms 

16.7. - 1.8.2021 

Uraufführung vor dem Wormser Dom 

Der Luther-Moment 

Multimedia-Inszenierung 

17.4.2021, 23 Uhr 

Marktplatz Worms & per Übertragung 

> www.luther-worms.de 


FOTOS: MINDO CIKANAVIČIUS; NANDA HAGEMAARS; PETER ADAMIK; KERSTIN KUEHNE; BENNO HUNZIKER; FELIX BROEDE; CHARLES LIMA; HANS SCHERHAUFER; HARALD KRICHEL; MORLIER; CHRISTIAN MAI; ASTRID ACKERMANN; PIACLODI 

AB DEZEMBER 

FRANKFURT AM MAIN LE VIN HERBÉ 

1938 erhielt Frank Martin vom Züricher 

Madrigalchor einen Kompositionsauftrag. 

Martin sah darin die Chance, seine lange 

gehegten Pläne zu verwirklichen, ein Kapitel 

aus Le roman de Tristan et Iseut des Romanisten 

und Mittelalterforschers Joseph Bédier zu 

vertonen. Sein Vorsatz war es, Le vin herbé 

nicht dramatisch, sondern episch-lyrisch anzulegen. Auch beschränkte 

er sich auf ein kleines Ensemble von zwölf Sängern sowie sieben 

Streichern und einen Pianisten und verzichtete auf groß angelegte 

Effekte. In 18 Bildern gestaltete er die Geschichte von der Überfahrt 

Tristans und Isoldes nach Cornwall, wo Isolde gegen ihren Willen König 

Marke heiraten soll, bis zu beider Tod und fand damit zu seiner 

individuellen Musiksprache. Unter der musikalischen Leitung von 

Markus Poschner setzt Tilmann Köhler das Oratorium mit Ian Koziara 

und Eleonore Marguerre (Foto) sowie Marvic Monreal in Szene. 

Frankfurt am Main, Oper, 3., 5. und 11.12. sowie 14., 22. und 31.1., 

www.oper-frankfurt.de 

20. BIS 24. JANUAR 

BERLIN ULTRASCHALL BERLIN 

„Ich bin seit 17 Jahren, 36 Monaten und 2 Tagen 

schwanger. Ich schlafe mit dem Himmel. Ich 

erwarte ein Himmelsbalg ...“ Die Gedichte und 

die Stimme des aus dem Kongo stammenden 

Autors Fiston Mwanza Mujila dienen Yiran Zhao 

als Material für ihre Komposition oder Ekel 

kommt vor Essenz. Das Deutsche Symphonie- 

Orchester Berlin unter Karen Kamensek eröffnet damit das Festival 

Ultraschall Berlin. Kuratiert von Rainer Pollmann und Andreas Göbel, 

sucht es nach Strömungen im zeitgenössischen Musikschaffen. Sergej 

Newskis 18 Episoden mit Zuspielungen von Stadtklängen, gegen die die 

Musik sich durchsetzen muss und damit den Charakter von Straßenmusik 

gewinnt, stehen auf dem Programm des Rundfunk-Sinfonieorchesters 

Berlin unter Bas Wiegers. Solistin im Klavierkonzert von Christian 

Winther Christensen, das die Stille des Universums zu begreifen sucht, 

ist Rei Nakamura. Im Abschlusskonzert, das ebenfalls vom Deutschen 

Symphonie-Orchester Berlin gestaltet wird, erklingen Burr, zu denen Arne 

Gieshoff sich von jenen Holzpuzzles inspirieren ließ, die sich zu ineinandergreifenden 

Formen zusammenfügen lassen, Brunnen, Carola Bauckholts 

Hommage an Jean Paul, Liza Lims Orchesterfanfare Flying Banner sowie 

Quicksilver von Milica Djordjević (Foto). Das Werk spielt mit den Eigenschaften 

des Elements, seinem silbrigen Glanz und seiner Giftigkeit. 

Schimmernde Klanggebilde verdichten sich, bis es zum Ausbruch kommt. 

Berlin, verschiedene Spielorte, ultraschallberlin.de 

19. DEZEMBER 

DÜSSELDORF ROMEO UND JULIA 

In einer schwierigen Zeit komponierte Boris 

Blacher seine Kammeroper Romeo und Julia. 

1943 lebte er in Berlin, wo er als sogenannter 

Vierteljude gerade noch geduldet war, und 

seine Tuberkulose, mit der er sich bei einer 

russischen Tänzerin angesteckt hatte, brach 

wieder aus. Umso beeindruckender ist die 

„leichte Hand“, die seine Komposition auszeichnet. Seinem „style 

dépouillé“ (enthäuteten Stil) lag die Devise zugrunde, mit einem 

Minimum an Anstrengung ein Maximum an Effekt zu erreichen. 

Shakespeares Tragödie verdichtete er auf das Schicksal der beiden 

Liebenden. Dabei kommt dem Solistenchor, dessen unterschiedliche 

Stimmen das Liebesleiden sowie das Scheitern der großen Liebe 

humorvoll und untergangstrunken kommentieren, eine wichtige Rolle 

zu. Manuel Schmitt setzt die Kammeroper unter der musikalischen 

Leitung von Christoph Stöcker mit Cornel Frey als Romeo und Lavinia 

Dames (Foto) als Julia in Szene. 

Düsseldorf, Oper, 19. (Premiere), 26. und 28.12., www.operamrhein.de 

Konzerte an Pfingsten: 

21. Mai 2021 

Kammermusik mit 

dem Aris Quartett 


Poetische Reise in die 

Welt des Maurice Ravel 


Lied-Matinée mit Werken von 

Fauré, Wolf, Debussy und Strauss 

u.a. mit 

Christiane Karg (Sopran) 

Simon Lepper (Klavier) 

Dominique Horwitz (Rezitation) 

und dem Aris Quartett 

www.kunstklang-feuchtwangen.de 

Kartentelefon 09852 904-44 

Sehnsuchtsorte 

Die großen Bühnen, 

die einsame Hütte in den Bergen, 

Paris, Hollywood oder Wien – 

Momente der Sehnsucht 

im Leben von 53 MusikerInnen. 

60 Bl./54 Fotos/€ 22,–/ISBN 978-3-0360-3021-0 

Musiker und ihre 

Sehnsuchtsorte 

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DER 

MUSIK 

KALENDER 2021 

Foto: Gisela Schenker 

www.edition-momente.com 

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raabe + vitali 

71

E R L E B E N | A N Z E I G E 

GROSSE GEFÜHLE 

IN MOLL 

Die Mozartwoche Salzburg 2021 feiert Mozart, dessen Geburtstag am 27. Januar zum 

265. Mal wiederkehrt, als Musikdramatiker. „Musico drammatico“ gibt der Intendant 

Rolando Villazón als Motto aus. VON RUTH RENÉE REIF 

„Es fliegen 2999 und ½ bussel von mir, die aufs aufschnappen warten“ 

– liebevoll und leidenschaftlich schrieb Wolfgang Amadeus 

Mozart in seinen letzten beiden Lebensjahren an seine Ehefrau 

Constanze. Shane Woodborne und Reginaldo Oliveira greifen mit 

der szenischen Produktion Ewig Dein Dich Liebender ... des Salzburger 

Landestheaters und der Camerata Salzburg die in Variationen 

stets wiederkehrende Schlussformel der Briefe auf. Magdalena 

Kožená trifft eine Auswahl an Liedern und Arien zum Thema Liebe, 

während Woodborne, der auch den grausamen 

Widerstand Leopold Mozarts gegen die 

Eheschließung seines Sohnes in den Blick 

nimmt, als Kontrapunkt zwei späte Klavierwerke 

voll emotionaler Düsternis wählt. All 

die Gefühle, mit denen Mozarts Genie die 

MOZARTWOCHE SALZBURG 

21. bis 31. Januar 2021 

Tel.: +43-(0) 662-87 31 54 

tickers@mozarteum.at 

www.mozarteum.at 

Menschen bewegt, bringt zudem tänzerisch die Choreografie von 

Reginaldo Oliveira zum Ausdruck. 

„Musico drammatico“ hat Rolando Villazón das Programm 

überschrieben – „Was für ein passendes Festival-Motto in diesen 

dramatischen Zeiten!“ Angesichts der Corona-Pandemie musste er 

eine Adaption des Programms vornehmen. „Kunst, Musik und 

Kultur können in Corona-Zeiten stattfinden!“, bekräftigt Villazón. 

„Die Mozartwoche verfügt über ein ausgeklügeltes Schutz- und 

Hygienekonzept. Deshalb stehen wir mit 

großer Vorfreude, aber mit Bedacht vor einer 

besonderen Mozartwoche.“ Elf Tage lang 

wird Mozart als Musikdramatiker gefeiert. 

„In all seinen Werken war Mozart ein Meister 

der Dramatik und der menschlichen 



Der Sitz der Stiftung Mozarteum Salzburg, die alljährlich die Mozartwoche veranstaltet, 2021 u. a. mit Marianne Crebassa, 

dem Dirigenten Alain Altinoglu, Regula Mühlemann sowie dem Duo Daniel Barenboim und Martha Argerich 

Geschichten – in seinen Opern, Sinfonien und Konzerten.“ Ein 

Schwerpunkt des Programms, das auch die dramatischen Ereignisse 

in Mozarts Leben einbezieht, liegt auf Werken in Moll, weil bei 

diesen die dramatische Wirkung unmittelbar spürbar werde. 

Einem Werk unterschwelliger Dramatik, die in plötzlichen 

Ausbrüchen kulminiert, widmet sich Mitsuko Uchida mit dem 

Klavierkonzert KV 467 als Solistin des Mahler Chamber Orchestra. 

Christina Pluhar schlägt mit ihrem Ensemble L’Arpeggiata und dem 

Bachchor Salzburg einen spannungsreichen Bogen von der Missa 

brevis KV 65, die Mozart mit zwölf Jahren komponierte, zum 

Requiem KV 626, über dem er starb. Und das Freiburger Barockorchester 

gastiert mit Werken, in denen die strahlende Schönheit 

von Mozarts Musik ihren Ausdruck findet. Die Leitung hat der 

Pianist Kristian Bezuidenhout inne, und Solist ist der Tenor Daniel 

Behle. Sir András Schiff wählt für seine Konzerte mit seiner Cappella 

Andrea Barca zwei Klavierkonzerte, die eine bedeutsame Dramatik 

in Mozarts Leben anklingen lassen: das Klavierkonzert KV 271 aus 

dem Jahr 1777, das letzte Konzert, das Mozart in Salzburg schrieb, 

bevor er den Plänen seines Vaters den Rücken kehrte und das Klavierkonzert 

KV 595, dessen Uraufführung zum letzten öffentlichen 

Auftritt Mozarts wurde. Einen wenig bekannten Aspekt von Mozarts 

Œuvre beleuchtet Schiff in seiner Mozartiade. Mit Solisten widmet 

er sich sämtlichen Liedern Mozarts. 

Auch gänzlich Unbekanntes steht auf dem Programm. Zum 

Auftakt gestalten der Pianist Robert Levin und der Moderator Ulrich 

Leisinger mit nur als Fragment existierenden oder verschollenen 

Kompositionen 94 Sekunden neuer Mozart. Und das Mozarteumorchester 

Salzburg unter Riccardo Minasi rekonstruiert das Debütkonzert, 

das Mozarts Sohn Franz Xaver Wolfgang 1805 mit 13 Jahren 

im Theater an der Wien gab. Zur Aufführung kommt neben einer 

wiederaufgefundenen Kantate des Sohnes auch eine Komposition 

des Vaters: das Klavierstück KV 626 b / 16, das die Stiftung Mozarteum 

Salzburg ankaufte. Robin Ticciati stellt mit dem Chamber 

Orchestra of Europe den Kontrast von Hell/Dunkel in Mozarts 

Musik heraus. Solistin in dem Vokalwerk Exsultate jubilate KV 165 

ist die Sopranistin Regula Mühlemann. Ein Pasticcio zum Thema 

Szenen einer Ehe entwirft Thomas Hengelbrock mit dem Balthasar- 

Neumann-Ensemble sowie der Sopranistin Katharina Konradi und 

dem Tenor Jonathan Abernethy. Ein überwältigendes Geschenk der 

Liebe bereitete Mozart seiner Constanze zur Geburt ihres ersten 

Kindes mit der c-Moll-Messe KV 427. Alain Altinoglu leitet die Wiener 

Philharmoniker bei ihrer Aufführung. 

Seit über 70 Jahren kennen sie einander, und seit rund zehn 

Jahren treten sie gemeinsam auf: Daniel Barenboim und Martha 

Argerich. „Ich habe sie die ganze Zeit geliebt, in jeder Hinsicht“, sagt 

Barenboim und betont die Freude über das gemeinsame vierhändige 

Musizieren. Barenboim ist zudem Solist mit dem Krönungskonzert 

sowie dem eindringlichen c-Moll-Konzert KV 491 und steht am Pult 

der Wiener Philharmoniker, die ihren Zyklus der großen Klavierkonzerte 

und Sinfonien fortsetzen. Arien steuert die Mezzosopranistin 

Marianne Crebassa bei. Nicht fehlen darf das feierliche Abschlusskonzert. 

Mojca Erdmann widmet sich Mozarts Konzertarien, und 

Václav Luks leitet das Collegium 1704 bei der Sinfonie g-Moll KV 550, 

einem Werk voll Leidenschaft, Gewalt und Schmerz. 

n 

73 

FOTOS: ISM CHRISTIAN SCHNEIDER; HOLGER KETTNER; HENNING ROSS / SONY CLASSICAL; SIMON FOWLER / ERATO / WARNER CLASSICS; MARCO BORGGREVE


FOTO: QUADRO NUEVO 

LEICHTIGKEIT DES SEINS 

Mare vermittelt mediterrane Unbeschwertheit. Das Ensemble Quadro Nuevo lässt sich 

von musikalischen Wellen zurück zu seinen Anfängen tragen. 

VON RUTH RENÉE REIF 

CRESCENDO: Herr Francel, Mare, das neue Album von Quadro 

Nuevo, weckt Träume von Sonne und glitzernden Wellen. 

Empfinden Sie das Meer als eine inspirierende Kraft? 

Mulo Francel: All die alten Mythen, die unser Abendland 

geprägt haben, kommen aus dem mediterranen Raum. Sie 

entzünden unseren Geist und unsere Geschichten. Wir befassen 

uns seit Langem mit der Musik der an das Mittelmeer angrenzenden 

Kulturräume. Von Spanien, Südfrankreich und Italien über 

Griechenland bis zur Levante sind wir gereist und haben uns 

inspirieren lassen. Anregungen aus den Musiktraditionen der 

Länder des ehemals biblischen Gebiets wie der Türkei, Jordaniens 

und Ägyptens beflügeln unsere Musik. 

Mare sei der friedliche und beruhigende Klang von etwas 

Großem, das die unterschiedlichsten Länder und Menschen 

vereine, beschrieb der Pianist Chris Gall das Album. Kommt da 

eine Hoffnung zum Ausdruck? 

Diese Vision haben wir als reisende Musiker immer. Wir hoffen, dass 

die Völker einander mit Einfühlungsvermögen und gegenseitigem 

Verständnis begegnen. In diesem alten Kulturkreis um das Mittelmeer 

herum und dem Meer als Vermittler sehe ich eine Chance für 

den Frieden. Es kann ein Miteinander geben. Wir müssen nur den 

Weg dahin finden. Die Musik hat etwas Verbindendes und Beseelendes. 

In diesem Sinne sehen wir unser Projekt Mare auch. 

Jeder Titel hat eine Geschichte. Kann man das Album als einen 

Rückblick auf die Geschichte von Quadro Nuevo begreifen? 

Dieses Album zeichnet sich durch eine große Leichtigkeit aus. 

Wir nahmen in den vergangenen Jahren Alben auf, bei denen wir 

uns mit Verve in Themen hineingruben. Für Flying Carpet zum 

Beispiel arbeiteten wir mit ägyptischen Musikern. Für Volkslied 

Reloaded hoben wir die alten Volkslieder mit Orchester auf eine 

neue konzertante Ebene. Diese Projekte waren großartig und mit 

viel Anstrengung verbunden. Mare dagegen besitzt jene Unbeschwertheit, 

die uns wieder zu den Anfängen von Quadro Nuevo 

vor 25 Jahren zurückführt. Auch die Aufnahme im Studio fiel uns 

leicht und bereitete große Freude. 

Mit Cinema Paradiso erinnern Sie an Ennio Morricone ... 

Morricone war ein fantastischer Komponist. Als wir das Stück im 

Mai einspielten, wussten wir nicht, dass es zum Nachruf werden 

würde. Aber sechs Wochen später starb er. Ich wollte das Stück 

immer schon aufnehmen. Wenn ich es spiele, ziehen vor meinem 

geistigen Auge die Filmbilder vorbei. 

Eine Hommage an das legendäre Café Groppi in Kairo bringt der 

Oud-Spieler Basem Darwisch, mit dem Sie einst durch Ägypten 

zogen. Waren Sie in dem Café? 

Ja, wir haben es besucht. Das Café Groppi besitzt eine wechselvolle 

Geschichte. Es entstand zu Anfang des 20. Jahrhunderts und 

entwickelte sich zu einem Künstler- und Intellektuellentreff, in 

dem auch Musik gespielt wurde. In den 50er- und 60er-Jahren 

wurde es kommerzialisiert. Für Ägypter aber, die sich mit Kultur 

befassen, erinnert es daran, dass es einmal einen solchen Ort gab. 

Es leben viele kreative Musiker in Ägypten, und pars pro toto 

luden wir Basem Darwisch ein. 

Für die neapolitanische Canzone Torna a Surriento greifen Sie 

zur Mandoline. Wie sind Sie auf das Instrument gestoßen? 

Der Klang der Mandoline fasziniert mich. Er steht für die 

neapolitanische Lebensart, zu improvisieren und das Leben nicht 

zu schwer zu nehmen. Auch das Quirlige und manchmal 

theatralisch Laute liegt darin. Im Tremolo 

der Mandoline spiegelt sich für mich die 

flirrende Sonne des italienischen Meeres 

wider. 

n 

Quadro Nuevo: Mare (GLM) 

Termine und Informationen: www.quadronuevo.de 


DOSSIER 


Begrenzte Mittel: Maschinen können kreativ sein – Kunst können sie nicht. Von digitalen Dimensionen (Seite 78) 

Voller Überblick: Das neue Kulturportal foyer.de liefert das Beste aus der digitalen Klassikwelt (Seite 80) 

Junger Geist: Der große Itzhak Perlman ist 75. Und stellt sich der Pandemie-Herausforderung nicht ganz altersgerecht (Seite 92) 

Maschine. Macht. Musik 


SOLO PIÙ TUTTI 

Appassionato 

PlayGround, der 

Wischiwaschi- 

Remix: Auf dem 

Smartphone 

tauchen Quadrate und Rechtecke 

auf. Hinter jedem verbirgt sich ein 

Sound: Schlagzeug, Percussion, 

Bass und Synthesizer. Aus Gesten 

werden Grooves. Je geschickter 

die Finger den Optionen auf dem 

Display folgen, umso cooler 

wird der Remix. 

Die digitale Band: Vier Leute, 

vier Tablets, vier Instrumenten- 

Apps. Einer tippt abwechselnd auf 

dem Touchscreen Bassdrum und 

Snare, ein anderer triggert Töne 

mit einer Bass-App, ein Dritter 

bedient wechselnde Harmonien 

einer Gitarren-App und ein Vierter 

(er-)wischt die Melodie über 

eine Bildschirmklaviatur. Fertig 

ist der Popsong! 

ChoirMob: Digitaler Chor als musikalisches 

Gruppenerlebnis. Die 

„Sänger“ stehen mit ihren Smartphones 

wie ein Chor im Halbkreis 

um einen Bildschirm, also den 

Chorleiter, der eine grafische Partitur 

zeigt, die jeder lesen kann. 

Der Partitur folgend, fahren die 

Finger den Linien ihres Displays 

nach. Klingt wie ein Chor – ohne 

menschliche Stimmen. 

Commodo 

Misterioso 

Die Welturaufführung der Musik 

einer Spieluhr gab es 1796 in 

Genf. Eine mit Stiften gespickte 

Walze drehte sich entlang parallel 

liegender Metallzungen und – oh 

Wunder! – Ton für Ton entstand 

eine Melodie. Der Uhrmacher 

Antoine Favre (1734 –1820) kam 

auf die Idee, nachdem er gehört 

hatte, wie eine Stimmgabel klingt. 

Solo ist die erste Gitarre, 

die im Wohnzimmer steht und 

allein spielt. Über Smartphone 

mit Bluetooth verbunden, 

spielt die Gitarre auf Wunsch 

zum Beispiel selbstständig 

Stairway to Heaven. Unzählig 

kleine Kontaktpunkte und Picks 

für den Saitenanschlag sorgen 

dafür, dass das funktioniert. 

Ludwig Hupfeld, ein Name wie 

geschaffen für den Bau von 

Musikautomaten. Das Hupfeld- 

Sinfonie-Jazz-Orchestrion hupt, 

plingt, pfeift, klingt, scheppert, 

trommelt und begleitet sich 

selbstspielend am Klavier. Seine 

Phonoliszt Violina mit automatischem 

Geigenspiel galt 1910 als 

achtes Weltwunder. 

Automatica: Unterstützt von 

einer Firma für Industrieroboter, 

lässt der neuseeländische 

Komponist Nigel Stanford 

analoge Instrumente 

computergesteuert von Präzisions-Roboterarmen 

betätigen. 

Arme greifen Töne auf dem 

Griffbrett eines E‐Basses, schlagen 

Saiten an, spielen Schlagzeug, 

scratchen auf Turntables. 

Das erste Reproduktionsklavier 

war das 

Welte-Mignon. 

Debussy schwärmte: 

„Es ist unmöglich, 

größere Perfektion in der 

Wiedergabe zu erreichen als mit 

den Welte-Apparaten. Was ich 

gehört habe, hat mich in 

Erstaunen versetzt.“ 

Der Musiker 

Bertold Meyer trägt 

eine Handprothese. 

Seine Liebe zur 

Electro-Musik 

brachte ihn auf die Idee, deren 

Steuerung mit einem Synthesizer 

zu verbinden. Nun verändert er 

kraft seiner Gedanken über 

Muskelströme Töne und macht 

Musik, die er denkt, hörbar. 

FOTOS: RUDY AND PETER SKITTERIANS / PIXABAY; RUDY AND PETER SKITTERIANS / PIXABAY 

75

A R T G O E S D I G I T A L 



ART GOES 

DIGITAL 

Längst ist das Digitale starker Partner der Künste 

geworden. In der Pandemie sicherte es sogar die 

kulturelle Grundversorgung – und tut es noch. Das 

Foto entstand beim Projekt MU Worlding Worlds bei 

der Ars Electronica Eindhoven 2020. 

13 internationale Künstler schufen dabei alternative 

Schöpfungsmythen utopischer, abseitiger und 

unkonventioneller Welten. 

(Foto: Hanneke Wetzer) 

77


SEID 

NEUGIERIG! 

Durch COVID-19 beschleunigten sich die Prozesse der digitalen Revolution rapide. 

Auch in der Kultur war es überfällig, den neuen Möglichkeiten mit offenen Armen 

entgegenzueilen. Sich also den Ängsten zu stellen! Beginnt nun eine neue Ära? 


Die digitale Revolution gehört zu den zentralen Neuorientierungspunkten 

der Menschheitsgeschichte, wie das Ende des 

geozentrischen Weltbilds oder die aufkeimende Industrialisierung. 

Diese Momente zeichnen sich dadurch aus, dass der 

Mensch im veränderten Gefüge seinen neuen Platz finden muss, dass 

sich Werte verschieben und er sich auch unbequemen Fragen stellen 

muss. Als er einst bemerkte, dass er nicht der Mittelpunkt des Universums 

ist, war das ein Schock. Heute schmunzeln wir über dieses 

Grauen. Für die Menschen damals war es immerhin so essenziell, dass 

sie Gelehrte auf dem Scheiterhaufen verbrannten. Mit der Erfindung 

der Dampfmaschine und der Maschinisierung kam die Furcht vor der 

Ersetzbarkeit der eigenen Arbeitsleistung, dabei vervielfachten sich die 

Arbeitsplätze in den ersten Jahrzehnten der Industriellen Revolution 

nachweislich auf mehr als das Doppelte. Wie immer stellt sich an solchen 

Wendepunkten insbesondere die Frage nach der menschlichen 

Einzigartigkeit und Ersetzbarkeit. 

Auch die digitale Revolution wurde nicht allseits mit wehenden 

Fahnen begrüßt. Deshalb lohnt sich neben der Frage, was die Technik 

alles kann, besonders die, welche Auswirkungen sie auf den Menschen 

hat: Wo ist der neue Platz des Menschen im Digitalzeitalter? Was lernen 

wir über uns im Angesicht der Maschine? Was wird der Mensch wert 

sein? Was wird er wert gewesen sein? 

Und nirgends lassen sich diese Fragen besser ausfechten als im 

Hinblick auf die Kunst. Während die Diskussion um Chancen und 

Grenzen der neuen digitalen Welten in vielen Bereichen längst heiß 

brannte, schlief die Kunst noch lange auf einer Insel der vermeintlich 

Unantastbaren. Man aalte sich in der eigenen Einzigartigkeit und verpasste, 

sich das Digitale früh genug zum Partner zu machen: Kunst, 

Kreativität, schöpferische Kraft und Inspiration würden per se leibhaftige 

Wesen fordern. Selbst den fortschrittsoptimistischsten Menschen 

bereitete und bereitet zum Teil bis heute die Vorstellung, ein 

Algorithmus könne komponieren wie Bach, ein Roboter dirigieren wie 

Karajan und ein Hologramm singen wie die Callas ein gewisses Unbehagen. 

Weil sie fürchten, dass ihnen damit ein Stück des Urmenschlichen 

geraubt wird? Kreativität als letzte Bastion des Nichtmaschinisierbaren? 

Oder Skepsis vor einem Algorithmus, der zu lernen gelernt hat 

und dessen Schaffensprozess ähnlich mythisch bleibt wie der des Genies? 

Während viele Kulturschaffende aufgrund dieses kaum konturierten 

Unbehagens abgesehen von ein paar halbherzigen Videoübertragungen 

noch in digitaler Ignoranz verharrten, brachte COVID-19 

eine Zwangsbeschleunigung der digitalen Revolution. Viele Institutionen 

nutzten die ungewollt freie Zeit, um einen Prozess voranzutreiben, 

der sich sonst über mehrere Jahre vollzogen hätte. Mehr noch: Das 

Digitale gewährleistete weltweit die kulturelle Grundsicherung! Plötzlich 

war es möglich, kleine, aber richtungsweisende Stadttheaterproduktionen 

ebenso ins Wohnzimmer zu streamen wie die Produktionen 

der weltweit größten Opernhäuser. Vergleichbarkeit wurde geschaffen, 

Zugänglichkeit, kulturelle Teilhabe auch für Menschen, die sich sonst 

keine 200-Euro-Parkettkarte leisten, geschweige denn Hunderte Kilometer 

dafür durch die Republik fahren können. Kultur hat sich geöffnet, 

die Wände des Theaters sind eingerissen, eine neue Generation findet 

über das Digitale ihren Weg zur Kunst, und dennoch stellt keiner das 

Live-Erlebnis, das lebendige Darstellen etwa in Oper und Theater 

infrage. Ähnlich wie bei der Verbreitung des Tonträgers, des Fernsehens 

oder des Internets müssen die Künste nicht fürchten, verdrängt oder 

überrannt zu werden. Sie werden um diese Möglichkeiten erweitert 

und bereichert. 

Das Digitale ist die neue Muse des Kunstschaffenden. Mit ihr und 

durch sie lässt sich Inspiration gewinnen, erfinden, produzieren und 

Innovation schaffen. Sie ist ein Freund und Partner auf Augenhöhe, ein 

Türöffner zu neuen unerforschten Welten. Und dennoch: Maschinen 

können kreativ sein, aber sie können keine Künstler sein. Denn der 

Künstler schafft in seinem absichtsvollen Ausdruckswillen erst die 

Bedeutung. Musik ist eben doch mehr als „organisierter Klang“ oder 

die Kultivierung des Unerwarteten. Durch den Künstler bekommt sie 

ihren Gehalt, ihre Relevanz, ja ihre „Seele“. 

Um schließlich die Urangst der mangelnden Beherrschbarkeit 

des Digitalen zu überwinden, hilft nur eines: seine Technik zu beherrschen! 

Algorithmen sind Werkzeuge wie ein gut gebautes Musikinstrument 

oder die perfekt gelungene Farbmischung auf einer Palette. 

Der Künstler der Zukunft wird sich virtuos daran bedienen. Wenn er 

nicht selbst technikaffin ist, wird er einen Digitalitätsexperten an seiner 

Seite haben wie heute einen Bühnenbildner oder Dramaturgen. Er 

wird neugierig mit den digitalen Möglichkeiten spielen, wie man mit 

den technischen Möglichkeiten einer Geige oder mit dem Pinsel auf 

der Leinwand spielen kann. 

Und was ist nun das Urmenschliche im Angesicht der Maschine? 

Dem Mensch bleibt die Welt der Emotion, die der Kunst so nahesteht 

– durch Maschinen allenfalls simulierbar, nicht jedoch real erweckbar. 

Ihm bleibt vor allem aber sein Wille zur Gestaltung und zum Ausdruck. 

Dem Mensch gehört die Welt der Zwischentöne abseits von Null und 

Eins, die Komplexität durch Irrationalität, mit keinem Algorithmus 

errechenbar. Das im wahrsten Sinne des Wortes „Menschliche“, die 

einzigartige Schönheit seiner Fehlerhaftigkeit. Und dem Mensch gehört 

seine Neugier, die ihn im Gegensatz zu allen anderen Lebewesen und 

allen Maschinen immer weitertreibt – bis zur nächsten Revolution. n 


Bei Alice Unchained der Universität 

Berkley (USA) verwandeln sich Musiker, 

Tänzer und die Klänge selbst in 

kunterbunte Avatare – inspiriert von 

Alice im Wunderland 

FOTO: THE CENTER FOR NEW MUSIC AND AUDIO TECHNOLOGIES (CNMAT) 

79


Mit FOYER (www.foyer.de) hat CRESCENDO ein brandneues und 

brandaktuelles digitales Kulturportal geschaffen. Ab sofort gibt es 

dort die besten Live-Streams, Videos und TV-Ereignisse aus Oper, 

Konzert und Ballett. Ausgewählt von der CRESCENDO Redaktion! 

Die Kulturschaffenden haben sich nicht unterkriegen lassen! Wo 

man auch hinsieht: In den letzten Wochen und Monaten sind beeindruckende 

und außergewöhnliche Digitalformate entstanden, weit 

über die ersten pixeligen Gehversuche in Telefonkonferenz-Kacheloptik 

hinaus. Häuser, die im Digitalbereich ohnehin bereits gut 

aufgestellt waren, haben ihr Programm erweitert und ergänzt. Ob 

die Wiener Staatsoper jeden Tag eine andere Opernproduktion 

streamte – wäre dreimal Tosca auf dem Programm gestanden, wurden 

auch drei verschiedene Aufzeichnungen des Werks gezeigt –, 

die New Yorker Philharmoniker ein digitales Mahler-Festival inklusive 

virtuellem New-York-Rundgang feierten oder die Opéra National 

de Paris mit aufwendig produzierten Kurzfilmen begeisterte 

(siehe S. 97) – viel Erfreuliches war und ist zu sehen. 

So weit, so wunderbar. Aber die Realität bringt vermutlich jeden 

von uns sehr schnell an seine Grenzen. Wo läuft was? Und vor allem: 

Wo läuft das Beste? Selbst auf den Seiten der Opernhäuser, Institutionen 

und Veranstalter sind sie oft gut versteckt. Sich einen Überblick 

über das europa- oder gar weltweite Programm zu verschaffen, 


DAS DIGITALE KULTURPORTAL 

VON CRESCENDO 

FOTOS: FINNISH NATIONAL OPERA/FOTO STEFAN BREMER; SALZBURGER FESTSPIELE/FOTO KLAUS LEFEBVRE; 3SAT/ZDF; SADLER’S WELLS THEATRE 

kann Tage, ja Wochen kosten. Und dann das alles auch noch im 

Blick zu haben, zu verwalten ... Kostet mindestens einen eigenen 

Kulturkalender. Klingt definitiv mühsam. Zu mühsam! 

Das fanden wir auch. Also hat die CRESCENDO Redaktion die Idee 

zum digitalen Kulturportal FOYER geboren – und umgesetzt! 

Bereits jetzt bietet www.foyer.de eine kuratierte Auswahl herausragender 

Opernaufführungen, Sinfonie- und Kammermusikkonzerte, 

Tanztheaterproduktionen, Musik-Dokumentationen. Kurz 

gesagt: alles, was der Bereich der klassischen Musik und Kultur zu 

bieten hat. Ein einfacher Klick auf die Live-Streams der Veranstalter 

oder die Videos aus den Mediatheken, ausgewählt von unserer Kulturredaktion 

– entspannter kann Streaming nicht sein! Das komplette 

Klassikprogramm der öffentlich-rechtlichen Sender? Finden 

Sie bei FOYER! Thematisch sortierte Streams und Videos wie etwa 

ein Special zum Beethovenjahr? Finden Sie bei FOYER! Die atemberaubende 

Inszenierung der Salzburger Festspiele? Das spannendste 

Solokonzert der Saison? Finden Sie bei FOYER! 

Lassen Sie sich also inspirieren, verführen, einfach treiben oder 

filtern Sie per Suchfunktion gezielt nach Begriffen, Genres oder 

Künstlern. Den gewünschten Stream auswählen, Play-Button antippen 

und – Film ab! Probieren Sie’s gleich aus! Viel Spaß beim Stöbern, 

Sehen, Hören, Staunen ... FOYER – Kultur auf einen Klick! n 

81


LIEFERSERVICE 

FÜR VIRTUELLE WELTEN 

Während viele große Opernhäuser in Sachen Digitalität behäbig vor sich hin köcheln, gibt 

das Staatstheater Augsburg Vollgas: Es versorgt seit der Pandemie das Publikum nicht nur 

mit virtueller Realität im Wohnzimmer, sondern ruft für die frisch aus der Taufe gehobene 

Spielzeit nicht weniger als eine eigene Digitalsparte ins Leben. 


Magische Welten: Blick durch die Brille ins 

virtuelle Augsburger Orfeo-Elysium 

Vorne die in Halbschatten getauchten schroffen Silhouetten 

einer postapokalyptischen Großstadt mit tiefen, düsteren 

Straßenschluchten. Von links und rechts nähern sich 

hagere, in lange tiefschwarze Gewänder gehüllte Gestalten, 

ihre Kapuzen tief in die Gesichter gezogen. Doch haben sie überhaupt 

Gesichter? Oder sind es Untote? Der Blick zurück öffnet sich 

auf eine ganze Phalanx dieser Gestalten unter dem kalt flackernden 

Neonlicht asiatisch anmutender Leuchtreklamen … 

Ein bizarrer Alptraum? Nein, man befindet sich mitten in der 

Unterwelt aus Christoph Willibald Glucks Orfeo ed Euridice – und 

zwar mittels Virtual-Reality-Brille. Ja, diese ein bisschen wie schwarz 

getönte Taucherbrillen anmutenden Kästchen, die man sonst nur 

von Computerspiel-Freaks kennt. André Bücker, Intendant des 

Staatstheaters Augsburg, hat für seine Inszenierung der Gluck-Oper 

mehrere hundert solcher Brillen angeschafft. Mehrmals katapultiert 

er damit das Publikum während der laufenden Oper in virtuelle 

Parallelwelten. Noch nie wurde VR-Technik im künstlerischen 

Bereich in diesem Umfang eingesetzt! Und dadurch, dass jeder 

Zuschauer seinen Blick rundum individuell auf etwas richten kann, 

hat jeder auch ein einzigartiges Erlebnis. „Die Virtual-Reality- 

Sequenzen sind so reich und vielfältig gestaltet, da reicht einmal 

gucken eigentlich nicht, da kann man gar nicht alles erfassen“, verrät 

Bücker. „Man taucht wirklich in eine andere Dimension ein.“ 

Als die Premiere im Mai wegen COVID-19 zunächst verschoben 

werden muss, stecken die Augsburger nicht den Kopf in den 

Sand, sondern treiben die Sache im Gegenteil mit Hochdruck voran: 


„WIR WOLLEN DIE LEUTE 

FRUSTFREI AN DIE TECHNIK 

HERANFÜHREN!“ 

FOTO: HEIMSPIEL GMBH UND CHRISTIAN SCHLÄFFER; JAN-PIETER FUHR 

Sie produzieren weitere digitale Virtual-Reality-Formate in 

360-Grad-Perspektive. „Das war unglaublich aufregend“, schwärmt 

Bücker. „Wir haben künstlerischen Output generiert, der nicht darin 

bestand, irgendwelche Wohnzimmervideos zu machen oder alte 

Aufführungen zu streamen, sondern haben originär für den digitalen 

Raum neu produziert, ein echtes Repertoire für VR-Brillen 

aufgebaut.“ Neben dem Musiktheater ist dabei auch Tanz und Schauspiel 

vertreten – etwa Nikolai Gogols Tagebuch eines Wahnsinnigen 

oder eine Choreografie zu Maurice Ravels Boléro. 

Und damit diese brandneuen Inhalte auch zu ihren Zuschauern 

kommen, wurde kurzerhand mit einem ortsansässigen Lieferservice 

kooperiert. Für ein paar Stunden können sich die Augsburger 

eine VR-Brille mit ihrer Wunschproduktion ins Haus liefern 

lassen. Das Interesse war phänomenal! „Jeder weiß, dass es solche 

Brillen gibt, aber die wenigsten haben es je ausprobiert“, erzählt 

Bücker, „entsprechend riesig war die Neugier!“ Vom Lieferservice 

kann man sich im Prinzip auch die Flasche Wein und Essen mitbringen 

lassen – in der Stofftasche vom Staatstheater Augsburg. 

Darüber hinaus kann man sich über die Website des Theaters die 

Produktionen aber auch weltweit in die eigene VR-Brille holen. 

Bücker hat in den letzten Jahren immer wieder mit digitalen 

Mitteln gearbeitet, zusammen mit Programmierern, mit Videotechnik 

und aktuell eben mit Virtual Reality. Bei Letzterer kooperiert 

das Theater mit Heimspiel GmbH, einer Augsburger Produktionsfirma 

für Film, Design, Animation, 3-D und Audio. 

Der nächste Schritt war logisch: „Nachdem wir so viel Knowhow 

gesammelt, so viel Hardware und Software angeschafft hatten, 

sollte das der Grundstein sein, um weiter auf diesem Gebiet zu 

entwickeln, zu forschen und künstlerisch tätig zu sein. Das habe ich 

immer als den Auftakt zu einer fünften Sparte bezeichnet“, so 

Bücker. Seit September hat er sich deshalb Tina Lorenz als Projektleiterin 

für Digitale Entwicklung ins Haus geholt. Sie ist nicht nur 

erfahrene Dramaturgin, sondern wurde auch im Chaos Computer 

Club, der legendären europäischen Hacker-Vereinigung, sozialisiert 

und ist Expertin in Sachen digitales Theater. 

„Im kommenden halben Jahr werden wir eigentlich in jedem 

Monat eine Premiere in unserer Digitalsparte haben“, kündigt 

Bücker an. Dass er dabei in Konkurrenz zur Film- oder Computerspielindustrie 

tritt, fürchtet er nicht: „Wir machen echtes Digital- 

Theater, eine ganz spannende Form, bei der mit den Mitteln des 

Theaters auf digitalem Wege produziert wird. Da gibt es zwar 

Elemente des Gamings oder Films, aber das Fundament ist das 

Theater. Ich verspreche mir davon ganz neue, interessante Perspektiven 

für das Publikum.“ 

Dabei ist für Bücker die größtmögliche intellektuelle Barrierefreiheit 

absolut zentral: „Auch Menschen, die nicht mal ihr Smartphone 

richtig bedienen können, sollen damit klarkommen! Wir 

wollen die Leute frustfrei an die Technik heranführen! Bei den 

VR-Brillen entführen in Augsburg nicht nur das Publikum, 

sondern auch die Schauspieler in andere Welten 

VR-Brillen ist es so: Man setzt sie auf, und das Ding spielt. Man 

muss keinen Knopf drücken, man muss sich nicht ins WLAN einwählen 

und kein Kabel einstecken – das funktioniert absolut zuverlässig“, 

begeistert sich Bücker. Lediglich für Epileptiker sei die VR- 

Technologie leider nicht geeignet. 

Aber läuft man dabei nicht Gefahr, dass die Technik zum 

Selbstzweck wird? Braucht Theater Geschmacksverstärker? Im Orfeo 

sind Unterwelt, Elysium und die finale Lösung durch Gott Amor 

ästhetisch völlig unterschiedlich gestaltet – inklusive einer interessanten 

interpretatorischen Überraschung, die man klassisch-analog 

nicht hätte erzählen können. Das ist der Punkt, der Bücker interessiert: 

„Es geht nicht um technische Gimmicks, sondern um dramaturgische 

Gedanken, die dem technischen Einsatz zugrunde liegen. 

Das Publikum wird buchstäblich in eine völlig neue Dimension 

gebracht – eine Verschmelzung zwischen Live-Theater, Live-Musik, 

Live-Sängern und animierter 360-Grad-Realität.“ 

Kann es passieren, dass das Digitale irgendwann dem Live- 

Ereignis das Wasser abgräbt? „Das hat man, als das Fernsehen aufkam, 

ja auch schon befürchtet“, lacht Bücker. „Das Theater ist durch 

nichts zu ersetzen! Das will auch niemand! Aber es gibt inte-ressante, 

spannende Weiterführungen! Die können, dürfen und sollen alle 

nebeneinander existieren wie unterschiedliche Genres!“ n 

Weitere Termine von Orfeo ed Euridice 2020: 5., 10. und 22.12., 

Termine 2021 sind in Planung. 

Aktuelle Infos auf staatstheater-augsburg.de 

83

A R T G O E S D I G I T A L | A N Z E I G E 

LANDSCHAFTEN DER TRÄUME 

Mit SLEEP hat Max Richter eine App kreiert, die Ruhe, Schlaf, Erholung und Konzentration 

spendet – auf herausragendem künstlerischen Niveau. 

Den Menschen 

Ruhe schenken 

im Wirbelwind 

des Lebens war 

das Ziel des legendären britischen 

Komponisten Max 

Richter. So schrieb er sein 

persönliches Wiegenlied für 

eine hektische Welt – „ein 

Manifest für eine langsamere 

Gangart des Lebens“, wie er 

selbst es formuliert. Acht 

Stunden ist sein Monumentalwerk 

SLEEP lang – das wohl 

längste je aufgezeichnete einteilige 

klassische Musikstück. Doch 

Richter erwartet nicht, dass jemand 

es jemals vollständig wach anhört. Er 

möchte in eine Landschaft der Träume 

entführen, in einen Bewusstseinszustand 

wie als kleines Baby, „mit ausgestreckten 

Armen, voll Vertrauen in die Welt“. 

Bei den Live-Aufführungen des 

Werkes, die bislang an so prominenten 

Orten wie dem Opernhaus Sydney, 

der Philharmonie Paris 

oder dem Kraftwerk Berlin 

stattfanden, stehen den 

Zuhörern Betten statt 

Sitzplätze zur Verfügung. 

Rund um den 

Globus wurde 

SLEEP mehr als 

eine halbe Milliarde 

Mal 

gestreamt. 

Nun ist das 

Werk in 

FOTO: MIKE TERRY 

Zusammenarbeit mit der Deutschen Grammophon 

auch als individuell anpassbare App erschienen. 

Diese generiert neue Sequenzen aus SLEEP, 

um Schlaf, Meditation und Konzentration ihrer 

Nutzer zu fördern. Darüber hinaus stehen ein 

eigens komponierter Weckton, eine Tagebuchfunktion 

und – parallel zum Klang – eine visuelle 

Reise ins Sonnensystem zur Verfügung: In 36 HD- 

Videos lassen sich die Planeten umkreisen. 

„Ich will erforschen, wie das Gehirn ein 

Raum für die Musik sein kann, wenn unser 

Bewusstsein Urlaub hat“, erklärt Richter. „Wir verbringen 

mehr Zeit mit Schlafen als mit jeder anderen 

Tätigkeit – in einem durchschnittlichen Leben 

sind es mehrere Jahrzehnte. Welch ein wunderbarer, 

geheimnisvoller Teil unseres Lebens, dieser 

Schwebezustand zwischen Sein und Nichtsein“, so 

Richter. Während der Komposition tauschte er sich 

deshalb mit dem renommierten amerikanischen 

Neurowissenschaftler David Eagleman über die 

Gehirnfunktionen beim Schlafen aus. 

Angelegt ist SLEEP als große Reihe von Variationen 

in Anspielung auf Bachs Goldberg-Variationen, 

die der Barockmeister schrieb, um einem 

schlaflosen Grafen Ruhe und Aufmunterung zu 

schenken. Weitere Inspiration schöpfte Richter aus 

der Renaissancemusik ebenso wie aus der durch 

Minimalismus geprägten Drone Music der 1960er- 

Jahre und der elektronischen Ambient-Musik. 

Richter sieht alle diese Einflüsse in das Werk eingehen, 

„als ob es selbst von Musik träumte“. 

Resultat ist ein auf das Wesentliche reduzierten 

Klangkosmos aus Streichern, Stimme, Orgel, 

Klavier und Elektronik, der keine Töne oberhalb 

von ein paar hundert Hertz enthält: „Das bildet 

die akustische Umgebung eines Fötus in der 

Gebärmutter ab“, erklärt Richter. „Es gibt einen 

Beat von etwa 40 Schlägen pro Minute, das entspricht 

einem sehr ruhigen Ruhepuls.“ Bewusst 

spielt Richter in der Aufnahme auch mit Hallräumen, 

die an die Wahrnehmung von Musik im Ohr 

erinnern, wenn man gerade einschläft. Außerdem 

werden niedrige, elektrische Frequenzbänder im 

Gehirn angeregt – die Alpha-, Delta- und Thetawellen 

–, die für Schlaf- und Entspannungsphasen 

typisch sind. Mit SLEEP entstand 

somit die erste Gesundheits-App, die originär 

künstlerisches Material mit einer qualitativ 

hochwertigen Studio-Musikproduktion 

verbindet. 

n 

Die App „SLEEP by Max Richter“ gibt es 

im Google Play und im Apple Store. 

Sie ist kostenlos und erfordert kein Abo. 

Um die Musik zu streamen, benötigt man 

allerdings einen Premium-Account bei Apple 

Music oder Spotify. 


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Mahlerfest Leipzig 

Sie erleben Mahlers »5. Sinfonie« mit dem Royal Concert 

gebouw Orchestra Amsterdam unter Fabio Luisi, die 

»6. Sinfonie« mit dem London Symphony Orchestra unter 

Sir Simon Rattle, die »9. Sinfonie« mit den Berliner Philhar 

monikern unter Kirill Petrenko und das Gewandhausorchester 

unter Andris Nelsons mit der »2. Sinfonie«. 

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Die Elbphilharmonie stellt aus architektonischer und aus 

kultureller Sicht ein spektakuläres neues Konzerthaus 

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DiDonato oder das London Philharmonic Orchestra. Zudem 

wohnen Sie John Neumeiers Ballett »Ein Sommernachtstraum« 

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Dresdner Musikfestspiele 

Freuen Sie sich auf Werke von Mozart und Ravel mit 

dem Kammerorchester Basel in der Frauenkirche und 

den glanz vollen Festspielauftritt der Wiener Philharmoniker 

unter Daniel Harding mit Mahlers »1. Sinfonie« 

im Kulturpalast sowie auf ein Festspielkonzert mit dem 

Brentano Streichquartett und Jan Vogler. 

Termin: 19. – 23.5.2021 Preis: ab 1.990 € 

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KOMPONIEREN 

FÜR JEDERMANN 

Apps, die versprechen, dass auch der musikalische Laie damit komponieren kann wie 

Beethoven oder Mozart, schießen wie Pilze aus dem Boden. Wir haben einige dieser 

künstlichen Intelligenzen von einer echten Komponistin testen lassen. 

VON CARLOTTA RABEA JOACHIM 

AIVA 

AIVA komponiert Soundtracks und ist darin 

erschreckend gut. Jeder kann das Programm extrem 

schnell und einfach bedienen, musikalische 

Vorbildung ist nicht notwendig. Perfekt für Menschen der Unterhaltungsbranche, 

die besonders schnell, besonders viel und besonders 

kostengünstig Musik zur Untermalung benötigen – und schade 

für „echte“ Komponisten der Mittelklasse, die sich ganz bald einen 

neuen Job suchen müssen. AIVA kann verschiedene Stile und verschiedene 

Besetzungen. Beeindruckend ist die Möglichkeit, ein 

bestimmtes Stück als Vorbild hochzuladen, an dem AIVA sich orientiert. 

Seine künstlerische Aussagekraft beschränkt sich derzeit zwar 

auf Plagiate – nichts anderes wird von menschlichen Filmkomponisten 

meist auch verlangt –, aber was, wenn AIVA eines Tages 

kreativ wird? Diese KI schläft nicht ... 

aiva.ai 

ALYSIA 

Das klassische Tagebuch, dem man seine Sorgen und 

Gefühle anvertraut, bekommt musikalische Konkurrenz: 

Alysia hilft auch Nicht-Notenlesern und Singverweigerern, 

Songs auf der Grundlage emotionaler Schlagwörter zu 

kreieren, sie baukastenartig zusammenzusetzen und von der App 

singen zu lassen. Oder seine eigene Stimme so sehr zu bearbeiten, 

dass sie nicht mehr peinlich klingt. Zu selbst verfassten oder – falls 

man einmal nicht weiß, was man seinem Tagebuch erzählen möchte 

– von Alysia vorgeschlagenen Texten werden verschiedene melodische 

Möglichkeiten generiert, die nicht originell, aber auch nicht 

ungenießbar klingen. Auf jeden Fall lässt sich mit Alysia ein Lied 

komponieren, über das Oma sich zu ihrem 80. Geburtstag freut. 

www.withalysia.com 

LUDWIG 

Dieses Programm muss nur mit einer Melodie gefüttert 

werden, die Begleitungen komponiert es selbst. Verschiedene 

Stile und Besetzungen sind möglich. Professionelle Komponisten 

verstehen vielleicht nicht, wozu so eine „Komponier-Backmischung“ 

gut sein soll – Laien und Schülern aber ermöglicht Ludwig, in vereinfachter 

Form einen Kompositionsprozess zu erleben. Noten lesen 

sollte man für die Noteneingabe können, zur Not greift man auf 

Ludwigs Datenbank zurück. Schön ist, dass Ludwig die Begleitstimmen 

direkt ausschreibt, sodass sie ausgedruckt und mit echten 

Instrumenten und Gesang realisiert werden können. Zurück zur 

„Backmischung“: Durch das Zusammenspiel der fertigen Anteile 

mit den möglichen „Zutaten“ entsteht ein Lerneffekt. Somit könnte 

Ludwig besonders für den Musikunterricht in Schulen eine Bereicherung 

sein!www.write-music.com 

IMPRO AI 

Diese App ist ein kleines Improvisations-Spieleparadies 

für Rhythmus- und Effektfans. Vorkenntnisse sind 

nicht nötig, da die Bedienung intuitiv erfolgt. Die 

Ergebnisse klingen sehr gut, lassen sich aber nicht für die Ewigkeit 

einfangen. Auch können keine eingängigen Herzschmerz-Songs 

kreiert werden, was nicht unbedingt ein Nachteil sein muss. Einen 

großartigen Lerneffekt gibt es nicht, Langeweile kommt aber auch 

nicht auf – das sind gute Voraussetzungen für ein künstlerisches 

Flow-Erlebnis. 

www.musi-co.com 

A.I. DUET 

Hier kann jeder auf seiner Computertastatur mit 

einem künstlichen Improvisationspartner kommunizieren. 

Der Mensch fängt an, der Computer antwortet musikalisch 

einigermaßen sinnvoll. Damit das klingende Google-Experiment 

aber nicht frustriert, sollte man dem Computer unbedingt nur kleine 

Häppchen vorwerfen und versuchen, auf seine Antworten wiederum 

entsprechend selbst zu reagieren. Mit A. I. Duet lässt sich zwar nicht 

komponieren, doch diejenigen, die sich für Improvisation interessieren 

oder es wirklich lernen, sich auf alle Fälle nicht blamieren 

wollen, können prima damit üben. 

experiments.withgoogle.com/ai/ai-duet/view/ 

CARLOTTA RABEA JOACHIM 

Carlotta Rabea Joachim wurde 1995 im Ruhrgebiet geboren und studierte Komposition in Detmold, 

Essen, Luzern und aktuell bei Prof. Moritz Eggert in München. Unter anderem gewann sie den 

Bundespreis Jugend komponiert und den Opus One, den Wettbewerb der Berliner Philharmoniker. 

Ihre Werke wurden in Europa, Südamerika und den USA aufgeführt. Ihr erstes Bühnenwerk schrieb 

Carlotta Rabea Joachim für die Neuköllner Oper in Berlin. 

Für CRESCENDO hat Carlotta Rabea Joachim Komponier-Apps getestet und damit kleine Stücke 

komponiert. Die Ergebnisse sowie einen ergänzenden Artikel über die Komponier-Algorithmen von 

David Cope finden Sie unter crescendo.de/dossiers/digital 


Dieses Bild hat die CRESCENDO 

Redaktion mit der Kunst-KI deepart.io 

„gemalt“ (siehe folgende Doppelseite). 

Dazu mischte sie das berühmte 

Beethovengemälde von Joseph Karl 

Stieler mit einer Speicherplatte 

87


TOTAL DIGITAL 

Von kleinen und großen digitalen Erfindungen, die 

aktuell die Musikwelt revolutionieren, das Leben erleichtern 

oder einfach nur richtig Spaß machen. 

Putzige Roboterkünstler 

Sie sehen nicht nur knuffig aus, sie ermöglichen auch 

völlig neue Konzertformate: Roboterkünstler. So trat 

jüngst etwa der Klavierroboter Teotronico mit seinen 

53 Fingern in einem Wettstreit gegen den ganz menschlichen 

und deshalb „nur“ zehnfingrigen italienischen 

Pianisten Roberto Posseda an – unter anderem mit 

Werken von Chopin. Im Gegensatz dazu arbeitet 

Shimon, der Marimba-Roboter der Georgia Tech 

Universität, am liebsten mit Menschen zusammen: 

Er komponiert gemeinsam mit seinem Erfinder Werke, 

singt und betätigt sich als Textdichter. 

www.teotronico.it 

Gut geraten 

Quiz-Apps sind in, und es gibt auch einige zur 

klassischen Musik. Doch die App Intermezzo der 

Bayerischen Staatsoper ist anders: Hier wird 

kein dumpfes Faktenwissen abgefragt, sondern 

echte Geschichten erzählt – so machen sogar 

falsche Antworten Spaß. Oder hätten Sie 

gewusst, was ein Barista mit einem Geiger 

gemeinsam hat oder was herauskommt, wenn 

man Beethovens Neunte mit Lehárs Die lustige 

Witwe kreuzt? 

www.staatsoper.de/intermezzo 

Geschmeidig geblättert 

Umblättern ist eine hohe Kunst. Das weiß jeder, der 

sich schon mal wegen eines Seitenwechsels beim 

Klimpern oder Fiedeln verhaspelte oder einen schwitzenden 

Notenwender neben sich sitzen hatte. Seit 

der Zeit digitaler Noten sollten meist Pedale Abhilfe 

schaffen, doch auch das ist noch nicht der letzte 

Schrei. Die Noten-App Beatik verspricht nun Abhilfe: 

Sie hört mit und blättert – ganz ohne Aufstehen und 

Schwitzen – exakt im richtigen Moment! 

beatik.com 

Vollendet 

Zum 250. Beethoven-Geburtstag hätte dieses Jahr in Bonn 

eigentlich dessen Zehnte Sinfonie zur Uraufführung kommen 

sollen – fertiggestellt von einer künstlichen Intelligenz. 

Coronabedingt wird die Premiere erst 2021 stattfinden. 

2019 ließ Huawei in London bereits Schuberts Unvollendete 

vollenden – von einer Smartphone-KI. 

www.bthvn2020.de 


FOTOS: FEDERICO GIUSSANI; BAYERISCHE STAATSOPER; BEATIK; BASEHOLOGRAM; CHRIS SINGER / PARLOPHONE RECORDS LTD / DEEPART.IO; VERONIKA SEIDEL CARDOSO 

Mitveranstaltet 

Mit der neuen App PARTi kann man 

kulturelle Veranstaltungen in der eigenen 

Umgebung suchen und dabei selbst 

Aufgaben übernehmen – von Künstlerbetreuung 

bis Lichtdesign. Die lässigste Art, 

selbst einmal Kulturmanager zu werden!? 

www.tonali.de 

Digitaler Segen 

Genial gemalt 

Verehrte 

Avatare 

Ein lasergestütztes Hologramm lässt 

die große Maria Callas von den 

Toten auferstehen – sie geht als 

3-D-Avatar auf Tournee. Künftig 

werden so vielleicht nicht nur 

Stimmen, sondern auch die Bewegungen 

der größten Künstler für 

immer konservierbar sein. In Japan 

geht es sogar ohne menschliche 

Vorlage: Der Popstar Hatsune Miku 

ist eine rein virtuelle Figur und mit 

mehreren 100.000 veröffentlichten 

Videos eine echte Ikone. Jüngst hat 

ein verliebter Japaner den 

synthetischen Star sogar geheiratet. 

basehologram.com 

Auch in der Bildenden Kunst gibt’s reichlich Digitalspaß: wie mit der 

App Deepart der Uni Tübingen. Hier kann man Bilder und Fotos mit 

berühmten Gemälden oder anderen Fotos mixen. Achtung: Suchtpotenzial! 

Siehe auch das Bild auf der vorherigen Doppelseite. 

deepart.io 

Nicht nur in der Kunst werden digitale Helfer 

immer populärer. Im nordrhein-westfälischen 

Oelde spendete jüngst der Roboter-Pfarrer 

BlessU-2 den Gläubigen seinen Segen. Na dann 

steht ja auch von oberster Stelle der digitalen 

Zukunft nichts mehr im Wege! 

Mitgespielt 

Die App Nomad Play bringt die 

Idee der Playalong-CDs und Mitspielaufnahmen 

in eine ganz neue 

Dimension: Hier kann man eines 

aus mehr als 20 verschiedenen Instrumenten 

auswählen und es in 

einer Orchesteraufnahme stumm 

schalten, um selbst im interaktiven 

Klangkörper mitzuspielen – sei es 

mit dem Île-de-France-Nationalorchester, 

den Straßburger Philharmonikern 

oder dem Saarländischen 

Staatsorchester. 

www.nomadplay.fr 

Schlank. 

Stark. 

Schick. 

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89 

MEHR KLANGFASZINATION


Der Axel-Brüggemann-Kommentar 

KLASSIK IM MEDIEN-CHECK 

Klassische Musik und Digitalität – geht das überhaupt zusammen? 

Doch, das geht! In diesen Zeiten allemal. Axel Brüggemann 

nimmt hier unter die Lupe, was oder wer wo wie unterwegs ist. 

Eine Shortlist samt Einordnung … 

Eine Kunst wie die Oper ist per se erfunden worden als „Multimedium“, 

das Musik, Text, Architektur, Tanz und Bild miteinander 

verbindet. Mit Digitalität allerdings scheint die Klassik doch noch 

ein wenig zu fremdeln. Aber die Neugier wächst. Eine persönliche 

Bestandsaufnahme des Digitalen in der Welt der klassischen Musik. 

SOCIAL MEDIA 

In der Klassik dauert vieles ein wenig länger, so auch die Social- 

Media-Präsenz von Häusern und Künstlern. Hauptmarktplatz der 

virtuellen Welt ist dabei für viele noch immer das inzwischen fast 

schon ein wenig altmodisch anmutende Medium Facebook. Hier 

sind inzwischen fast alle Häuser und Künstler vertreten, manche 

aber lediglich mit einem „Abklatsch“ 

aus anderen Social-Media-Plattformen. 

AUF INSTAGRAM IST 

ANNA NETREBKO DIE 

KÖNIGIN DER 

HEMMUNGSLOSIGKEIT 

Igor Levit ist einer der wenigen 

deutschsprachigen Künstler, die bei 

Twitter zu Hause sind und gleichzeitig 

Instagram bespielen. Er hat uns allen 

gezeigt, dass ein Handy auch als Streaming-Server 

für kostenlose Hosentaschenkonzerte 

funktioniert, bei denen 

es nicht auf Klangqualität, sondern auf 

Unmittelbarkeit ankommt. 

Die intimsten Einblicke in die Klassikwelt gibt derzeit wohl 

Insta gram. Und hier ist Anna Netrebko die unangefochtene Königin 

der Hemmungslosigkeit: Egal, ob sie ihren Sohn, ihren Vater, 

den neuesten Modetrend ihres Gatten, sich selbst beim Klettern 

auf Turngeräten oder vor weißrussischer Diktatoren-Architektur 

postet – der Netrebko ist einfach gar nichts peinlich. Und genau 

das macht ihren Auftritt bei Instagram jedes Mal zu einem neuen 

Ereignis. Die „klassischen“ Klassikmedien sind eher noch bei Facebook 

zu Hause, auch wenn einige versuchen, die Möglichkeiten 

von Instagram für persönliche, direkte und unmittelbare Berichterstattung 

zu nutzen. 

Digi-Wertung: Die Klassikszene ist noch nicht im aktuellen 

Social-Media-Kosmos angekommen, aber einige eindrucksvolle 

Ausnahmen gehen voran. **** 

VIRTUAL REALITY AND BEYOND 

Man kann argumentieren, dass Musik – vor allem die Oper – bereits 

eine Art handgemachte virtuelle Realität darstellt. Und tatsächlich 

kommt die digitale virtuelle Realität nur sehr langsam in der Klassik 

an. Eines der ersten experimentierwütigen Häuser auf diesem Feld 

war das Konzerthaus Berlin. Schon 

heute kann man dessen Musiker mithilfe 

von Handy und App im eigenen 

Wohnzimmer spielen lassen. Auch die 

Bayerische Staatsoper ist mit Pioniergeist 

vorangegangen und bietet einen 

dreiminütigen Opern-Trailer für VR- 

Brillen, in dem man ganz unterschiedliche 

Perspektiven – unter anderem 

jene eines Künstlers, dem applaudiert 

wird – einnehmen kann (zu den bemerkenswerten VR-Projekten 

des Staatstheaters Augsburg siehe S. 82, Anm. d. Red.). Virtual Reality 

scheint für viele Häuser tatsächlich zunächst einmal eine Möglichkeit 

zu sein, das Publikum einzuladen – auch das Bayreuther 

Festspielhaus wurde bereits für VR vermessen. VR-Opern sind 

indes eher selten. Zwei Jahre dauerte die Produktion der Kurzoper 

Eight des niederländischen Komponisten Michel van der Aa. Er ist 

ein Pionier, wenn es um Musiktheater in Verbindung mit neuesten 

Technologien geht. Für die Realisierung der weltersten virtuellen 


und interaktiven Oper holte er die VR-Produktionsfirma The Virtual 

Dutch Man mit ins Boot. Außerdem wird derzeit an 3-D-Projektionen 

getüftelt. So wurde überlegt, die Drei Tenöre noch einmal 

zu beleben: mit Plácido Domingo, José Carreras und einer 3-D-Projektion 

von Luciano Pavarotti. 

Digi-Wertung: VR führt in der Klassik derzeit noch ein Nischendasein 

und wird – außer für PR – kaum genutzt. ** 

AUDIO-STREAM 

Hier spalten sich die Geister. Während Spotify mit seiner geringen 

Höhe von Auszahlungen eine Zumutung für jeden Künstler darstellt, 

lockt der Streaming-Anbieter sein Publikum mit der Idee, alles bei 

sich zu vereinen: Kinderhörspiel, Rock-Pop, exklusive Podcast- 

Produktionen und natürlich auch Klassik. Spezielle Anbieter für 

klassische Musik wie Idagio haben es bisher noch nicht geschafft, 

durch wirklich bessere, auf Klassikansprüche ausgerichtete Angebotsorganisation 

zu bestechen. Eines 

der spannendsten Projekte auf dem 

Audio-Streaming-Markt ist wahrscheinlich 

der Streaming-Dienst von 

Naxos, die Naxos Music Library, die 

durch ihre Vielfalt, vor allen Dingen 

aber durch fairere Ausschüttungsquoten 

besticht (das Naxos-Music-Library- 

Abo gibt es als PREMIUM HÖREN 

übrigens zum CRESCENDO Abo dazu, Anm. d. Red.). Das größte 

Streaming-Problem scheint derzeit allerdings, dass ein Großteil des 

Klassikpublikums noch nicht bereit fürs Streamen ist, sowohl was 

die Hardware-Ausstattung als auch die digitale Neugier betrifft. Im 

Gegensatz zum Pop ist beim Klassik-Streamen noch immer Luft 

nach oben. 

Digi-Wertung: Der Audio-Streaming-Markt in der Klassik ist 

hart umkämpft, aber noch gibt es wenige Geschäftsmodelle, die 

fair und klanglich optimal mit Blick auf Klassik streamen. *** 

VIDEO-STREAM 

Auf diesem Feld finden gerade brutale Verteilungskämpfe statt: Die 

Deutsche Grammophon greift mit ihrer Plattform, der Digital Stage, 

frontal Anbieter und Rechtehändler wie Unitel an, die sich derweil 

– in Deutschland undenkbar! – vom ORF ihre Bezahlplattform 

Fidelio mitfinanzieren lassen. Auch Opernhäuser und Orchester 

versuchen sich im Streaming-Geschäft. Am erfolgreichsten ist dabei 

wohl, weil mit guter Werbung finanziert, die Digital Concert Hall 

der Berliner Philharmoniker. Weder die Bayerische noch die Wiener 

Staatsoper bringen derweil genügend Menschen zu ihren Plattformen, 

um tragfähige Geschäftsmodelle zu finden. Perspektivisch 

wird es hier wohl auf eine Zusammenarbeit mehrerer Häuser unter 

einem Streaming-Service herauslaufen. Das öffentlich-rechtliche 

Fernsehen rüstet nur langsam auf, füllt seine Mediatheken mit Kurzzeit-Content, 

der oft dem Geo-Blogging unterliegt, und hat es bislang 

nicht geschafft, zum Beispiel einen gemeinsamen Server für seine 

Rundfunkorchester aufzubauen. CRESCENDO präsentiert mit seiner 

Plattform FOYER zum ersten Mal eine Plattform, die alle verfügbaren 

Streaming-Angebote auf einer Seite kostenfrei zugänglich 

macht – und zwar auf einer sehr einfach zu bedienenden Benutzeroberfläche 

(Anm. der Red.: siehe auch S. 80). 

Digi-Wertung: Grundsätzlich ist viel Bewegung im Streaming- 

Markt. Einer Rentabilität steht aber noch die große Diversität 

entgegen. *** 

SPOTIFY IST MIT SEINER GERINGEN 

AUSZAHLUNGSHÖHE EINE 

ZUMUTUNG FÜR JEDEN KÜNSTLER 

INNOVATIONEN FÜRS ORCHESTER 

Gerade in Corona-Zeiten hat sich gezeigt, dass selbst in einer hochtechnologisierten 

Welt das Wort „unmöglich“ noch immer möglich 

ist. Vor allen Dingen, wenn es um das gemeinsame Proben eines 

Orchesters von zu Hause aus geht. Für Bands gibt es inzwischen 

Möglichkeiten, einigermaßen synchron miteinander zu musizieren. 

Auf Plattformen wie Sofasession oder Jammr lässt sich zeitgleich 

mit anderen Musik machen. Wer technisch ein bisschen versierter 

ist, kann auch auf Open-Source-Software wie Jamulus, Ninjam 

Wahjam oder Jamtaba zurückgreifen. Für große Orchester mit Dirigent 

ist all das aber aufgrund der Zeitverzögerung noch immer keine 

Lösung! Und auch andere Innovationen haben nicht so richtig Fuß 

gefasst in der Orchesterszene: Einst waren die Bamberger Symphoniker 

das erste Orchester, das von iPads spielte. Solisten nutzen diese 

Art der Noten ebenfalls gern – aber für große Orchester hat sich 

diese digitale Variante nicht wirklich durchgesetzt. 

Digi-Wertung: Das Orchester scheint 

ein Kollektiv zu sein, das auf analoges 

Spiel setzt – oder noch setzen muss. ** 

ARTIFICIAL INTELLIGENCE 

Der Traum ist uralt: Kann eine 

Maschine so genial sein wie Mozart, 

Beethoven oder Haydn? Kann man 

einen Computer mit Noten füttern, ihn 

lernen und Schuberts Unvollendete vollenden lassen? Dieses Experiment 

des Handy-Anbieters Huawei scheiterte bereits vor knapp zwei 

Jahren krachend. Statt Genie spuckte der Computer eher Mittelmaß 

aus. Die nächste Chance hat ein neues Modell im kommenden Jahr, 

dann will die Telekom Beethovens Zehnte Sinfonie „errechnen“ 

lassen. Warten wir’s ab. Tatsächlich zeigt sich, dass Computer sich 

derzeit noch schwertun, das Menschliche „berechnen“ und antizipieren 

zu können. Vielleicht sollte man es andersherum versuchen: 

Im Haus der Musik in Wien sind die Wiener Philharmoniker bereits 

ein „artifizielles“ Orchester, das sich von jedem Besucher dirigieren 

lässt – wenn man nicht im Takt dirigiert, stehen die Musiker auf 

der Leinwand auf und beschimpfen den Laien-Maestro. Ein hübsches 

Spiel. Mehr aber auch nicht. 

Digi-Wertung: Vielleicht auch beruhigend die Erkenntnis, dass es 

noch keinen Computer gibt, der den Namen Beethoven verdient. * 

DIGITALER SERVICE 

In der klassischen Administration ist Digitalität schon lange nicht 

mehr wegzudenken: egal ob in der Orchesterorganisation, beim 

Ticketing oder in der Künstlervermittlung, etwa mit Datenbanken 

wie Operabase. Aber auch inhaltlich verlegen sich immer mehr 

Orchester und Häuser auf ein digitales Angebot, sie verschicken 

mehr oder weniger spannende Newsletter, und die Wiener Staatsoper 

vertraut ihrem digitalen Angebot so sehr, dass sie für das 

gedruckte Jahresprogramm sogar fünf Euro Schutzgebühr erhebt. 

Tatsächlich tut sich viel Spannendes auf dem Feld des digitalen 

Service. So gibt es zum Beispiel großartige Podcasts statt gedruckter 

Programmhefte, die das Publikum bereits auf dem Weg zum Konzert 

hören können, zum Beispiel vom Grafenegg Festival. Der Service 

ist der aktuell wohl innovativste Teil der Klassikszene und 

versucht das Publikum auf immer neuen Wegen möglichst direkt 

und persönlich anzusprechen. 

Digi-Wertung: Wirklich innovativ ist die Organisation der 

Klassik. Sie ist die vielleicht digitalste Abteilung der Musik. **** n 

(Bewertung 1* bis 5*****) 

91


VON VIRTUELLEN 

GEIGENSTUNDEN 

UND WLAN-TÜCKEN 

Itzhak Perlman, der vor wenigen Wochen seinen 

75. Geburtstag feierte, ist einer der größten Geiger 

des Jahrhunderts. Aktuell kämpft er mit 

den Besonderheiten des Online-Unterrichts. 


Meister Perlman ist sichtlich verzweifelt. Für einen Moment 

scheint es, als müsste das Video-Interview ohne Worte 

stattfinden. Mit seinem lebhaften Gesichtsausdruck und 

seiner beredten Gestik hätte der Stargeiger sicher auch 

so genug zu sagen. Doch dann erbarmt sich die Technik. Perlman 

lacht erleichtert. 

Itzhak Perlman: Mir wird erst klar, was ich alles nicht weiß über 

diese Maschinen! Ich habe die neuesten Geräte, aber ich weiß 

einfach nicht, wie man sie bedient. Und man hängt immer von 

der Gnade des WLAN ab. Sie können die fantastischsten Mikrofone 

und Verstärker haben – will das WLAN nicht, geht nichts. 

CRESCENDO: Musizieren Sie auch online? Wie kommen Sie 

mit der Übertragungsverzögerung zurecht? 

Ich habe eine App, mit der man Kammermusik machen kann 

– mit nur minimaler Verzögerung. Wir haben kürzlich Mozart- 

Quartette gespielt. Jeder von uns war an einem anderen Ort. Es 

ging gar nicht schlecht. Das einzige Problem war ... 

... lassen Sie mich raten: das WLAN. 

Es ist nicht zu glauben. Sie schicken Menschen auf den Mond, 

aber sie können kein verlässliches WLAN bieten. 

Wie ging es Ihnen eigentlich, als im Frühjahr plötzlich alle 

Konzerte abgesagt wurden? 

Erst mal hat es sich angefühlt wie Ferien. Aber in ein Konzerthaus 

zu gehen und für ein Publikum zu spielen, das brauche ich 

einfach wie die Luft zum Atmen. 

Streaming-Konzerte sind kein Ersatz für Sie? 

Es ist sehr interessant, was mit Technik alles geht. Wir haben The 

Snow von Elgar für Chor, Klavier und zwei Geigen gemacht. Das 

haben wir von verschiedenen Orten aus zusammengesetzt. Ich 

habe beide Geigenstimmen gespielt. Ich trug verschiedenfarbige 

Hemden, es gab also Perlman I und Perlman II. Alle Stimmen 

wurden einzeln aufgenommen, auch der Chor. Die Sänger hatten 

Klick-Tracks für das Tempo. Das Ergebnis war sehr gelungen. 

Sind Sie inzwischen wieder live aufgetreten? 

Nein. Man muss ja das Social Distancing wahren. Man kann die 

Säle nicht ausverkaufen. Ein Desaster für die Veranstalter. Wenn 

man 2.500 Plätze hat, kann man vielleicht 500 Leute reinlassen. 

Gestern hat ein Freund von mir ein Konzert gespielt. Er erzählte: 

„Es sah aus, als wäre es sehr schlecht beworben worden.“ Es fühlte 

sich an, als wäre niemand da! 

Musik braucht Nähe. 

Ich brauche den Kontakt! Mit dem Publikum, mit den Studenten. 

Unterrichten Sie auch per Video? 

Der Unterricht an der Juilliard School findet bislang nur online 

statt. Neulich gab es ein Problem mit der Synchronisation. Der 


„In die Tonhöhe mischt sich die Technik nicht ein!“ 

Stargeiger Itzhak Perlman stellt sich den 

Herausforderungen des Online-Unterrichts 

FOTO: BYU ARTS 

93


Student fing an zu reden, aber ich sah nur die Lippenbewegungen. 

Und dann hörte ich ihn drei Sekunden später reden. Es ist eine 

Herausforderung. 

Vom Spielen ganz zu schweigen. 

Denken Sie nur an die Stückauswahl: Wenn die Schüler eine 

Sonate spielen, haben sie keinen Pianisten, es sei denn, zufällig 

spielt jemand aus der Familie Klavier. Aber wenn nicht, wie soll 

man Musik interpretieren, wenn die Hälfte fehlt? Es ist etwas 

einfacher, wenn man ein Solokonzert macht, denn die Solostimme 

enthält meist die wesentlichen Gedanken. 

Unterrichten besteht aus vielen Einzelaspekten. Wie können Sie 

etwa den Klang beurteilen? 

Die Übertragungsqualität kann sehr gut sein. Aber bei der 

Dynamik ist das Problem, dass oft 

alles gleich laut klingt. Dann weiß 

man nicht, woran das liegt. Wenn 

jemand sehr spezielle Klangfarben 

macht, dann sage ich: „Ich glaube, 

das ist gut, aber ich weiß es nicht 

sicher.“ Oder manchmal spielt 

jemand plötzlich ein Accelerando, 

und wenn ich ihn dann frage, 

warum, dann merken wir, dass das 

Video versucht, mit dem Ton Schritt 

zu halten, und deswegen wird die 

Tonspur mal beschleunigt und mal 

gedrosselt. Man muss sich intensiv 

einfühlen, um zu erfassen, wie der 

Schüler spielen will. Das Einzige, 

worauf man sich wirklich verlassen 

kann, ist die Tonhöhe! In Intonationsfragen 

mischt sich die Technik 

nicht ein. 

Was ist mit Bewegungsabläufen? 

Die kann man natürlich sehen. Aber 

es hängt auch davon ab, wie die 

Schüler vor der Kamera stehen. 

Wenn ich sage, ich sehe deine rechte 

Hand nicht, dann treten sie einen 

Schritt zurück, und dann höre ich sie 

wieder schlechter. Ich gewöhne mich 

an das virtuelle Unterrichten, aber es 

ist nicht ideal. 

Jetzt mal die Tücken des Online-Unterrichts beiseite: Sie sind 

eine dieser Ausnahmebegabungen, denen das Instrument von 

Kindheit an gleichsam zugewachsen ist. Wie können Sie 

unterrichten, wenn Sie für sich selbst über vieles nie haben 

nachdenken müssen? 

Das ist eine wichtige Frage. Wenn jemand spielt und das nicht so 

richtig funktioniert, ertappe ich mich manchmal dabei zu 

denken: Das ist doch ganz einfach! Dann muss ich mir sagen: 

Dass es für mich einfach ist, heißt nicht, dass es das für andere 

auch ist. Ich muss also herausfinden, was die Schwierigkeit ist. 

Bestimmte Fingersätze sind für mich einfach, weil ich große 

Hände habe. Aber für jemand anderen bedeuten sie, dass er die 

Hand dehnen muss. Ich muss also fragen: Fühlt sich das für dich 

bequem an? Denn wenn es nicht bequem ist, ist die Intonation 

gefährdet. 

Sie haben einmal von dem Unterschied zwischen Zeigen und 

Unterrichten gesprochen. Können Sie mir ein Beispiel geben? 

Wenn begabte Schüler etwas hören, dann spielen sie es einfach 

nach. Aber wenn es um Phrasierungen oder Klangfarben geht, 

und sie spielen, ohne dass ich es vormache, dann verstehen sie es 

von innen heraus, und es geht besser. Weil es ihr Eigenes ist. Es ist 

für den Lehrer natürlich anspruchsvoller, Dinge in Worte zu 

Bei einem Streaming-Konzert spielte Itzhak Perlman mit 

sich selbst: Es gab Perlman I und Perlman II 

fassen, als sie zu zeigen. Manchmal greife ich unwillkürlich nach 

meiner Geige. Aber dann sage ich mir, lass es. Es ist wie bei einem 

Gesangslehrer. Der muss die Dinge verbalisieren, weil er ja nicht 

zeigen kann, was im Körper vorgeht. Ein Sänger muss fühlen, wie 

er einen Klang herstellt. 

Gesangslehrer machen dafür manchmal den Fehler, dass sie 

ihren Schülern Bilder aufzwingen, die für die Schüler nicht 

passen. 

Es kommt darauf an, wie man etwas sagt. Ich habe ein bisschen 

Erfahrung damit, denn ich hatte selbst sechs oder sieben 

Gesangsstunden. 

Sie haben einmal den Gefängniswärter in Tosca gesungen! 

Mein Part war 19 Sekunden lang, ich habe nachgezählt! Ich habe 

mit Pavarotti zusammen gesungen. 

Und habe beschlossen: Das war mein 

Abschiedsdebüt. 

Das war ja eine kurze Gesangskarriere. 

Umso länger dauert Ihre 

Geigenkarriere schon an. Seit Sie 

die Bühnen der Welt betreten 

haben, haben sich die Interpretationsstile 

dramatisch verändert. 

Die Originalklangbewegung hat 

vieles revolutioniert – aber es gibt 

insgesamt eine Tendenz hin zum 

Straffen, Schlanken, Hellen. Es ist 

eine fast digitale Ästhetik, mit 

wenig Ritardando, ohne Schluchzer, 

ohne Glissandi und so. Gefällt 

Ihnen das? 

Bestimmte Gewohnheiten, die 

Streicher haben, sind Teil unserer 

heutigen Sprache. Ich habe neulich 

mit jemandem über große Geiger der 

30er- und 40er-Jahre gesprochen: 

Kreisler, Oistrach, Elman, Heifetz, 

Milstein. Nicht einer von denen hat 

FOTO: LISA MARIE MAZZUCCO 

wie die anderen geklungen. Es war 

sehr einfach, sie zu unterscheiden. 

Wen man natürlich sofort erkannte, 

war Heifetz. Aber heute haben wir 

ein Problem, weil es das Internet 

gibt. Man kann alles und jeden 

hören. Viele Spieler wählen einfach den Klang, der ihnen gefällt. 

Das ist dann nicht besonders individuell. 

Wenn Sie zurückschauen: Was würden Sie heute anders 

machen? 

Wenn ich alte Aufnahmen von mir höre, von vor 30, 40 Jahren, 

gibt es immer gute und schlechte Nachrichten. Die gute Nachricht 

ist: Für damals war es gar nicht schlecht. Und die schlechte 

ist: Ich würde es heute nicht mehr so machen. Und das ist wieder 

gut. Eine alte Aufnahme immer noch zu mögen, würde ja 

Stillstand bedeuten. Aber es ist so wichtig, sich weiterzuentwickeln. 

Ich glaube, dass ich heute besser höre. Ich bekomme mehr 

mit, was geschieht. 

Wie viel üben Sie? 

Ich übe nach Bedarf. Manchmal merke ich, es ist nicht nötig. 

Brauchen Sie körperliches Training? 

Sie meinen Tonleitern und so etwas? Nein, nicht mehr. Ich übe die 

Stücke, die ich aufführe. Da ist genug drin. Wenn Sie ein virtuoses 

Stück spielen, ist das wie eine Etüde. Man muss nur dafür 

sorgen, dass es den Fingern gut geht. 

Eine Online-Meisterklasse mit Itzhak Perlman finden Sie unter 

www.masterclass.com/classes/itzhak-perlman-teaches-violin 

n 


A R T G O E S D I G I T A L | A N Z E I G E 

Elīna Garanča und Malcolm Martineau im Berliner Meistersaal 

FOTO: CHRISTOPH KÖSTLIN 

KANN SICH HÖREN LASSEN ... 

Musiker brauchen ein Publikum, und wir brauchen die Musik, 

dachte sich Deutsche Grammophon – und schritt zur Tat. 

Endlich wieder ins Konzert. Zu Anna Netrebko? Grigory Sokolov? 

Anne-Sophie Mutter? Die Wiener Philharmoniker? Oder 

zum Orchester des Mariinsky-Theaters? Deutsche Grammophon 

hat es möglich gemacht und kurzerhand einen Konzertsaal 

eröffnet. Nun lädt das Label ein – auf dem Spielplan zu Weihnachten 

ein Programm, das man auf keinen Fall missen möchte. 

„DG Stage – The Digital Concert Hall“ ist eine Plattform für 

Live-Aufführungen aus aller Welt. Hinter der Initiative steht der 

Wunsch, dass Musikliebhaber trotz diverser Absagen durch die Pandemie 

ein hochwertiges individuelles Konzertprogramm erleben 

können. Neben „Live on Tape“-Produktionen enthält das Angebot 

Mitschnitte aus jüngerer Zeit, ergänzt um Highlights aus dem hauseigenen 

Archiv. 

Was das Unternehmen – seit Kurzem in Kooperation mit Siemens 

– auf diese Bühne bringt, kann sich sehen und hören lassen. 

Als das Teatro San Carlo Ende Juli im Zentrum von Neapel zu Puccinis 

Tosca unter freiem Himmel lud, war DG Stage dabei. Das topbesetzte 

Schauspiel mit Anna Netrebko in der Titelrolle, Yusif Eyvazov 

als Cavaradossi und Ludovic Tézier als Scarpia kam in bester Klangqualität 

auf die heimischen Endgeräte. Als den Bayreuther Festspielen 

die Absage drohte, konzipierte DG im Handumdrehen einen Wagner- 

Sommer in virtueller Form mit jüngsten Bayreuth-Produktionen. 

Ausnahmepianist Grigory Sokolov war im Eisenstädter Palais Esterházy 

zu erleben, Geiger Nemanja Radulovič in Carnac, die Filmmusiklegende 

John Williams im Musikverein zu Wien, und Elīna 

Garanča sang von Schumanns Frauenliebe und -leben. 

Ähnlich hochkarätige Darbietungen wird es auch in der Vorweihnachtszeit 

geben. Allein im Dezember muss man sich zwischen 

einem knappen Dutzend Konzerte entscheiden, für das Klavierrecital 

von Evgeny Kissin etwa oder die glanzvolle Nussknacker-Inszenierung 

des Petersburger Mariinsky-Theaters aus dem Jahr 2011. 

Festtagsstimmung sollte spätestens am 20. Dezember aufkommen, 

wenn der Chor der Sixtinischen Kapelle, immerhin der älteste 

Chor der Welt, zum Weihnachtskonzert lädt. An Heiligabend stehen 

barocke Klänge auf dem Programm: eine Aufnahme von 1999 mit 

Chorwerken von Bach, Händel und Mozart sowie den Solisten 

Barbara Bonney, Matthias Goerne, dem Freiburger Barockorchester 

und dem Ensemble German Brass. Der Innenraum des Freiburger 

Münsters bietet eine beeindruckende Kulisse für dieses Konzert. 

Doch was fehlt? Natürlich. Das Weihnachtsoratorium von 

Johann Sebastian Bach. DG Stage hat sich für den Mitschnitt jenes 

Konzerts entschieden, mit dem Barockspezialist John Eliot Gardiner 

seine große Tournee zum Bach-Jahr 2000 startete. Auch hier war der 

Ort mit Bedacht gewählt: die Herderkirche in Weimar, eine der thüringischen 

Bach-Stätten. Solisten wie Bernarda Fink und Christoph 

Genz, der Monteverdi Choir und die English Baroque Soloists machen 

diese Darbietung zu einem absoluten Hörerlebnis. Weihnachten kann 

kommen. www.dg-premium.com | www.dg-stage.com 

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WOHER KOMMT 

EIGENTLICH … 

... der Drang, Musik zu automatisieren ? 


Carl Maria von Weber war entzückt vom Klang 

des Trompeten-Androiden. Der von Friedrich 

Kaufmann erfundene Musikautomat steht heute im 

Deutschen Museum München 

Wer Musik machen will, muss singen 

oder ein Instrument spielen, 

auf jeden Fall aktiv werden. Was 

aber, wenn man sich nach 

„süßem Nichtstun“ sehnt, wünscht, alle Töne, 

Klänge und Melodien würden sich von selbst 

spielen? Viel wird dafür getan, nichts zu tun. 

In der frühen Antike stellte man einen Kasten 

aus Holz mit vertikal gespannten Saiten auf. 

Durch einen Windtrichter brachte der Wind die 

Saiten zum Klingen. Da damals Äol der Herrscher 

der Winde war, nannte man das Instrument 

Äolsharfe. Keine Elektronik, kein Computerprogramm, 

nur das Klingen des Windes, der 

sich in den Saiten verfing. Noch 1725 widmete 

Bach dem Windgott seine Kantate BWV 205 Der 

zufriedengestellte Aeolus. 

Heron aus Alexandrien, schillernde Persönlichkeit 

der Antike, verfasste ein ganzes Buch mit Anleitungen zum 

Bau von Automaten, darunter auch automatische Musikinstrumente. 

Dort ist zu lesen, wie man „eine Trompete bei Öffnung von 

Tempeltüren ertönen lassen“ kann, ohne selbst hineinblasen zu müssen. 

Weiter heißt es, „manche Gefäße sind so beschaffen, dass ein 

Mönch (= Vogel) singt oder pfeift, wenn man Wasser eingießt“. 

Im Mittelalter gab es Glockenspiele, die mithilfe einer Mechanik 

Musik machten. In der Renaissance versuchten sich Kunsthandwerker 

als Erfinder musikmachender Automaten. Töne eines 

Spinetts ließen sich von Stiften auf drehenden Walzen erzeugen. 

Im Laufe der Zeit entstanden immer verrücktere und komplexere 

Musikautomaten, Mechaniken mit Steuerungen durch Notenrollen 

und vieles mehr. „Musikmaschinisten“ nannte man die Leute, 

die so etwas konstruieren konnten. Einer von ihnen war Johann 

Nepomuk Mälzel, Entwickler des Metronoms, ein Tausendsassa, 

der neben Hörrohren für Beethoven auch einen Trompeterautomaten 

baute. Das genügte ihm nicht – ein ganzes Orchester, das auf 

Knopfdruck spielt, sollte her. Sein Panharmonikon, für das er selbst 

Walzer komponierte, war eine Erstausgabe der späteren Orchestrien. 

Haydn, Mozart, wie auch Beethoven hauchten ihnen ihren Geist 

ein, verfassten Werke für eine Flötenuhr. Im 18. und 19. Jahrhundert 

erlebten die konstruierten Maschinen eine wahre Blüte. 

Perfektioniert hat den Trompeterautomaten Friedrich Kaufmann. 

Er und sein Sohn waren mit einem Automatenvarieté auf 

Tournee. Carl Maria von Weber war außer sich vor Freude, als er 

1812 in der Allgemeinen Musik Zeitung verlauten 

ließ: „Durch ihre drei neu erfundenen Maschinen 

von der schwierigsten und interessantesten Erfindung, 

von dem schönsten und kunstgerechtesten 

Ton nehmen sie Kopf und Herz, Gehör und 

Gesicht gleichsam abwechselnd in Beschlag.“ Er 

befand sogar „die Töne der Kaufmannischen 

Maschine sind bei weitem schöner, als die der 

gewöhnlichen Tanz-Orchester“. Weber fand die 

Töne des Androiden so echt, „dass man bestimmt 

zwei Trompeter zu hören meint; ja sogar das tiefe 

a und h, an welchen bisher alle lebendige Trompeterlippen 

verzweifelten“. 

Ein weiterer Musikmaschinist war der 

Franzose Jacques de Vaucanson. Ob mechanische 

Ente oder Flötenspieler – er baute alles. Wert 

legte er auf die Nuancen, ging so weit ins Detail, 

dass er, „um das Weiche der natürlichen Finger 

nachzuahmen“, die Finger seines berühmten Flötenspielers mit 

Leder versah. Dieser Android, 1738 erstmals der Académie Royale 

des Sciences präsentiert, braucht nicht einmal Luft zu holen. Vaucanson 

war sicher: „Dieser Automat übertrifft hierinnen alle unsere 

Pfeiffer, die ein solches Instrument blasen.“ 

Über diese der Kunst so fremde Künstlichkeit sinnierten 1814 

Ludwig und Ferdinand, zwei musikalisch bewanderte Freunde in 

der Erzählung Die Automate von E. T. A. Hoffmann. Was Weber 

begeisterte, ließ die beiden verzweifeln: „Ich bin von all der Maschinenmusik 

ordentlich durchgewalkt und durchgeknetet, dass ich es 

in allen Gliedern fühle und lange nicht verwinden werde. Die 

Maschinenmusik ist für mich etwas Heilloses und Greuliches.“ Sie 

wussten, dass aus einem seelenlosen Automaten niemals „der vollkommene 

Ton dringen könne“. 

Vielleicht wäre den beiden ein Trost gewesen zu hören, welche 

Schöpfungen der amerikanische Neutöner Conlon Nancarrow aus 

einem elektrisch-mechanischen Klavier herausholen konnte. Seine 

Kompositionen für das Selbstspielklavier (Studies for Player Piano) 

gelten für die Klaviermusik des 20. Jahrhunderts als absolut einzigartig. 

Für Ligeti war es „die beste Musik eines lebenden Komponisten, 

die größte Entdeckung seit Webern und Ives, überaus 

originell, erfreulich, konstruktiv und gleichzeitig emotional“. Hier 

fand sich wieder, was Ludwig und Ferdinand vermissten: „My Soul 

is in the Machine“, verriet Nancarrow. Künstlichkeit wurde wieder 

Kunst. 

n 

FOTO: DEUTSCHES MUSEUM 


ANMUTIGER TANZ DER PIXEL 

3 e Scène, die digitale Plattform der Pariser Oper, zeigt seit fünf Jahren 

aufsehenerregende experimentelle Filmkunstwerke zum Thema Oper und Tanz. 

VON RUTH RENÉE REIF 

FOTO: HUGO ARCIER / ONP LFP 

Kein einziger Mensch lebt mehr auf der Erde. Nur die Wartungsroboter 

der Oper verrichten Tag für Tag ihre Arbeit. 

Sie wechseln kaputte Glühbirnen aus, fahren mit Staubsauger 

und Putzwagen durch die Gänge und entfernen den 

Staub von den Steinbüsten der Foyers. Bei Einbruch der Nacht löscht 

Roboter Mikki die Lichter im Haus, nimmt im Zuschauerraum Platz 

und projiziert die geheimnisvollen Bilder eines Tanzes auf die 

Bühne. Ugo Bienvenu und Félix de Givry haben mit L’Entretien (Die 

Wartung) eine wunderbare poetische Vorstellung geschaffen: Was 

von der Menschheit bleibt, sind Erinnerungen an einen Tanz. 

Entstanden ist der Kurzfilm für 3 e Scène. Vor fünf Jahren hat 

Stéphane Lissner, der Leiter der Pariser Oper, die Plattform ins Leben 

gerufen. Die Idee sei gewesen, erläutert Philippe Martin, der gegenwärtige 

künstlerische Leiter des Portals, die Oper zu öffnen – für 

Künstler, die nicht in ihrem Bereich tätig sind, und für ein Publikum, 

das mit ihr nicht vertraut ist. Beschieden war dieser Idee ein durchschlagender 

Erfolg. Bereits im Gründungsjahr 2015 verzeichnete 

die Plattform, deren Zugang jedermann offensteht, unglaubliche 

1,8 Millionen Zuschauer. Außergewöhnliche Beliebtheit erlangte 

Nephtali des Comiczeichners Glen Keane aus den Disney-Studios. 

Der Titel seines Films bezieht sich auf die biblische Gestalt Naftali, 

die von ihrem Vater Jacob mit einer Gazelle verglichen wird. Keane 

folgt mit seinem Stift den grazilen Tanzbewegungen der Balletttänzerin 

Marion Barbeau. 

Mehrere Dutzend Filmkunstwerke liegen mittlerweile auf der 

Plattform, in denen Künstler aus verschiedenen Bereichen jeweils 

eine eigene Sicht auf die Oper wiedergeben. Ascension (Aufstieg) 

betitelt der Fotograf Jacob Sutton seinen Film, der in der Dunkelheit 

der Unterbühne des Palais Garnier beginnt. Zur sphärischen Musik 

Jon Hopkins tanzt ein Paar durch das Palais, erhebt sich zum üppig 

mit Gold beladenen Grand Foyer und steigt schließlich auf das Dach, 

von wo es in den Himmel zu entschwinden scheint. Es sei das romantischste 

Projekt, an dem er jemals gearbeitet habe, betont Sutton. 

Die Räume der Opéra Bastille, zweiter Standort der Pariser 

Oper, erkundet der Beitrag États transitoires (Durchgangszustände) 

des Ill-Studios. Zu Celestial Arc von Jonathan Fitoussi bewegt sich 

ein Tänzer mit mechanischen Bewegungen durch die Räume, wird 

verdoppelt und vervielfacht, was wie in einem Kaleidoskop faszinierende 

Schwarz-Weiß-Muster entstehen lässt, bis er auf der Hauptbühne 

zum Stillstand kommt. 

Was die einzelnen Filmkunstwerke auszeichnet, ist ihre Einzigartigkeit 

und die dem Internet angepasste Ästhetik. Die meisten haben 

den Charakter von Clips. Komprimiert auf wenige Minuten Länge, 

erzählen sie eine lyrische, optisch packende und emotional ergreifende 

Geschichte. Dabei finden raffinierte neue Techniken Anwendung. 

Der Digitalkünstler Hugo Arcier etwa verwendet für seinen 

Film dreidimensionale Computergrafiken. Inspiriert von dem Epos 

Von der Natur der Dinge des römischen Dichters Lukrez, das die Welt 

der Atome und deren Bewegungen schildert, lenkt er den Blick in 

den Weltraum, wo sich die Atome im Rhythmus von Trommelschlägen 

bewegen. Clinamen bezeichnet jene Abweichung, mit der Lukrez 

das Element des Zufalls einbezieht. Nach und nach lassen sich drei 

Tänzer erahnen. Zur Musik von Xavier Thiry tanzen sie durchs 

Opernhaus, das Arcier in immer neuen Verwandlungen zeigt. 

Auf die Corona-Pandemie nimmt der Fotograf und Filmregisseur 

Antoine d’Agata in seinem Beitrag La vie nue (Das nackte Leben) 

Bezug. Fotos, die er während des Lockdowns an verschiedenen Orten 

der Stadt aufgenommen hat, verfremdet und arrangiert er zu einem 

halluzinatorischen Horrortrip. Unerbittlich und immer schneller 

wechseln die Bilder, bis man meint, einen verstörenden Film ablaufen 

zu sehen. 

n 

Die Plattform 3 e Scène der Pariser Oper: 

www.operadeparis.fr/3e-scene 

97

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Abb.: Portmedia Verlag; Strezhnev Pavel / fotolia.com 

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w w w . c r e s c e n d o . d e — Dezember 2020 – Januar 2021

LEBENSART 

Das neue Stadtcasino in Basel ist eine Sensation – inklusive feinstem Konzertsaal! Ein Spaziergang mit Ivor Bolton (Seite 100) 

Sternekoch Alexander Herrmann widmet Beethovens Elise ein Weihnachtsdessert (Seite 110) 

Heiße Liebe: Paula Bosch ist eine glühende Verehrerin von Weinen aus Vulkanregionen (Seite 112) 

STILLE MUSIK 

... mit dem weißen Blatt Papier“ überschreibt die 

Künstlerin Aja von Loeper ihre Arbeit. Und so wie 

sie viele Jahre fast nur Stücke von Frédéric Chopin 

auf dem Klavier spielte, setzte sich Leidenschaft, 

Hingabe und Beständigkeit fort: Obwohl sie an der 

Akademie der Bildenden Künste Nürnberg Freie 

Malerei wählte, studierte sie fast 16 Jahre lang 

künstlerisch die Struktur eines Birkenstammes. Ihr 

Werkzeug: ein Grafitstift und ein Blatt Papier. 

Als „ihr“ Papier plötzlich nicht mehr hergestellt 

wurde, suchte sie lange nach einer neuen Ausdrucksform. 

Und wieder war es Chopin, der von 

Loeper die Richtung wies: Wie er ließ sie sich von 

Mallorca inspirieren und entdeckte dort zum ersten 

Mal, wie sich das weiße Blatt Papier durch intensives 

Reiben und Drücken mit ihrem inzwischen 

selbst entwickelten Buchenkolben entwickelt 

und verändert. Seither verfeinert sie diese 

Technik stetig weiter – sie hat verinnerlicht, was 

sie in 16 Jahren inmitten des Waldes gelernt hat: 

„Mit jedem neuen weißen Blatt, das ich bearbeite, 

ist es, als würde da wirklich etwas vor mir wachsen 

und an Substanz gewinnen – ohne Wasser 

oder Sonstiges hinzuzuführen. Nicht was, sondern 

wie ich mit Kolben und Papier arbeite, ist entscheidend. 

Vielleicht ist es also im Grunde weniger Bild 

als vielmehr stille Musik, die ich mit dem weißen 

Blatt Papier entstehen lasse.“ 

www.ajavonloeper.de 

Bis wir hier in den Verlagsräumen wieder eine 

Vernissage veranstalten dürfen (wir geben den Termin 

rechtzeitig bekannt), können Sie unsere digitale 

Vernissage auf crescendo.de/vernissage besuchen 

und sich Ihr Lieblingsbild sichern. Aja von Loeper 

spendet die Hälfte vom Erlös des Verkaufs der 

CRESCENDO Künstlernothilfe. Wir sagen Danke! 

Mehr über Aja von Loeper auf www.crescendo.de/leben 

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FOTOS: IRISCH / PIXELIO; NOAH WINDLER / UNSPLASH; FÄH SYLVIA / PIXABAY; MARKUS KREBS / PIXABAY; MARKUS WALTI / PIXELIO.DE; HANS BRAXMEIER / PIXABAY; STUDIO CHEZ E‘LAIN; CLICKPHOTO SWITZERLAND / PIXABAY; RUBI BILL / UNSPLASH; 

STANDORTMARKETING BASEL-STADT 

1) Kreativfabrik: Werkraum Warteck 2) Historische Fassaden in der Basler Altstadt 3) Der Roche-Turm – modernstes Wahrzeichen Basels und 

höchstes Gebäude der Schweiz 4) Romantische Rheinpromenade 5) Messehalle von Herzog & de Meuron 6) Rathaus am Basler Marktplatz 

7) Bequem mit der Tram durch die Basler Innenstadt 8) Basler Läckerli 9) UNESCO-Weltkulturerbe: Basler Fasnacht 10) Blick ins Basler Münster 


WAS AN BASEL SO ANZIEHEND IST? NIRGENDS GIBT ES SO VIEL KULTUR AUF 

ENGEM RAUM. UND JETZT HAT DIE GRENZSTADT AM RHEINKNIE AUCH NOCH EINEN 

FRISCH RENOVIERTEN KONZERTSAAL – MIT SAGENHAFTER AKUSTIK. 

Basel 

Seit fünf Jahren ist Ivor Bolton Chefdirigent des Sinfonieorchesters Basel. 

Der Brite liebt die Stadt vor allem für ihr großstädtisches Flair 

und dafür, dass sie auf so wenig Platz so viel Kultur packt. Ein bisschen auch für 

ihre gemütliche Gastronomie. Und: für ihre sensationellen Läckerli natürlich. 

VON CHRISTA SIGG 

FOTO: MATTHIAS WILLI 

Die Tür geht auf, und um die 50 

Musiker des Sinfonieorchesters 

Basel verlassen zügig den Probensaal. 

Draußen überm Picassoplatz 

scheint die Herbstsonne. Jetzt 

noch ein wenig Licht tanken kann in diesem Job 

nicht schaden. Nur der Chef mag sich nicht so 

recht lösen – der Abstand auf dem Podium ist 

noch zu klären. Und am Ende soll es ja gut klingen. 

Was heißt gut? Perfekt natürlich. Die Basler 

haben mit dem Stadtcasino einen frisch renovierten 

Konzertsaal, und dass die immer schon 

fabelhafte Akustik sogar noch einen Tick besser 

geworden ist, soll man auch hören. Die Lösung 

scheint gefunden, Ivor Bolton nickt staccatoartig, wie nur er es kann, 

ohne eine Gehirnerschütterung davonzutragen. Das Impulsive, die 

kurzen zackigen Gesten sind sein Markenzeichen – wenn er nicht 

gerade ein elegisches Adagio oder ein honigsüßes Amabile formt. 

Mit einem „Sorry“ steht er plötzlich am Eingang: „Wir sollten 

gleich los, sonst fallen mir noch andere Details ein, und unser Mittagessen 

geht flöten“, sagt er. „Am besten zu Za Zaa runter an den 

Barfi“ – so nennen die Einheimischen den Barfüßerplatz, das ist der 

zentrale Knotenpunkt der Stadt mit acht querenden Tramlinien. Die 

wichtigen Museen sind nur einen Katzensprung entfernt, in den 

umliegenden Cafés trifft man sich zum Apéro, und hier sollte die 

2016 verstorbene Architektin Zaha Hadid den Stadtcasino-Komplex 

ins 21. Jahrhundert katapultieren. 

In Basel stößt man ständig auf das unangestrengte Zusammenspiel 

von Alt und Neu. Von Frank Gehry bis Tadao Ando haben hier 

zwölf Pritzker-Preisträger gebaut. Hadids provokative Beton-Glas- 

Stahl-Wucht im Herzen der Altstadt ging den Bürgern dann aber 

doch zu weit. Und nachdem das Projekt 2007 an den Wahlurnen 

gescheitert war, kamen die ausnahmsweise mal zweitplatzierten 

Jacques Herzog und Pierre de Meuron wieder ins Rennen. Zwei Ur- 

Baseler, die das historische Zentrum respektieren und nicht überall 

Ivor Bolton freut sich über ein 

neues Dach im Stadtcasino 

mit einem prominenten Signalbau auftrumpfen 

müssen. Zumal die Sanierung eines denkmalgeschützten 

Gebäudes Grenzen vorgibt. Was bei 

den beiden eine besonders originelle Form der 

Fantasie freigesetzt hat, die mit der duplizierten 

Fassade des neobarocken Altbaus beginnt und 

mit dem fulminanten neuen Foyer endet. Der 

Glanz der Belle Époque leuchtet wieder auf. 

Im Za Zaa geht es dagegen gemütlich orientalisch 

zu. „Ich kann auf den Sofas sofort entspannen 

und dabei die Küche des Nahen Ostens 

genießen – eine Oase“, schwärmt Ivor Bolton 

und empfiehlt eine Auswahl Mezze und unbedingt 

das Tabulé mit Granatapfelkernen. Nach 

solchen Vorspeisen könne er immer noch dirigieren, vor Bruckner 

bräuchte es dann allerdings einen erfrischenden Spaziergang am 

Rhein: „Man ist vom Probenraum aus schnell am Fluss – in Basel ist 

alles ganz nah und durch das Flair doch irgendwie großstädtisch.“ 

Mit einiger Leidenschaft pflegen die Basler dort auch das Rheinschwimmen, 

und mittlerweile gehört diese alte Tradition auch zu den 

Touristenattraktionen. Beliebt ist die Zone zwischen der Dreirosenbrücke 

und dem Museum Tinguely, das wir nach einem abschließenden 

Mokka ansteuern: „Ein tolles Haus! Wenn ich Besuch habe, 

kommt der um Jean Tinguely nicht herum“, amüsiert sich Bolton. Die 

Reaktionen auf die kinetischen Skulpturen des Schweizer Künstlers 

seien jedes Mal begeistert: „Das Kind in uns wird angetippt.“ Mit 

etwas mehr Zeit wäre Bolton an diesem Nachmittag auch gerne in 

Richtung Riehen, in den Vorort an der Grenze nach Baden hinausgefahren. 

Die Fondation Beyeler sei allein durch die Verschmelzung 

von Gebäude und weitläufigem Park die pure Poesie. Renzo Piano, 

der Architekt, hat sich auf die Kunst eingelassen, und nach seiner 

Eröffnung 1997 ist der Bau mit seinen exquisiten Ausstellungen bald 

zum meistbesuchten Museum der Schweiz avanciert. 

„Ich bin jetzt fünf Jahre beim Sinfonieorchester und immer 

noch verblüfft, wie viel Kultur hier geboten ist“, sagt Bolton und 

101


Das Spalentor: das prächtigste und 

imposanteste der drei Stadttore 

blickt hinüber zum anderen Ufer auf die Altstadt, 

über der das Münster thront. Diese Neugier 

auf Kunst und Musik, das imponiere ihm 

sehr. „Unser Publikum kommt auch, wenn wir 

Zeitgenössisches im Programm haben“, erzählt 

er, „und während anderen Orchestern die 

Abonnenten davonlaufen, haben wir in der 

Krise sogar zugelegt.“ 

In der Grenzstadt am Rheinknie ist auch 

das Mäzenatentum tief verankert. Von den 77,5 

Millionen Franken, die die Sanierung des Stadtcasinos 

gekostet hat, kam gut die Hälfte von privaten 

Gönnern. Das Budget wurde übrigens eingehalten, 

für Schnickschnack ist man in der 

Schweiz nicht zu haben. Lieber wird gezielt 

investiert – etwa in scheinbar Simples wie Fenster. 

Jahrzehntelang musste man in Basel das 

Rumpeln der Trambahnen in Kauf nehmen, 

selbst das Zumauern der Fenster in den 60er-Jahren konnte die Störung 

nicht verhindern. Wenn Bolton seine Musiker nun durch das 

Largo von Dvořáks Neunter, Aus der Neuen Welt lenkt, muss niemand 

mehr die Pianissimo-Stellen fürchten. Durch eigens für das Casino 

entwickelte Spezialfenster bleibt der Straßenlärm tatsächlich draußen. 

„Dieser Saal gibt uns allen einen Kick“, versichert Bolton. Und 

das betrifft nicht nur die Sinfoniker. Basel ist mit Ensembles wie dem 

Kammerorchester und dem Barockensemble La Cetra bestens aufgestellt. 

Konkurrenz sei das nicht, schüttelt er den Kopf. Wie auch? Der 

62-jährige Brite aus dem englischen Lancashire kommt schließlich 

aus der alten Abteilung. An der Bayerischen Staatsoper in München 

ist er als Spezialist für Cavalli, Händel und Mozart gefragt und dirigiert 

am liebsten vom Cembalo aus. Das liegt ihm seit Studententagen 

im Blut. Dann vergisst er alles um sich 

herum, lebt nur noch in der Musik – das hat 

ihm auch in Basel schnell die Sympathie des 

Orchesters eingebracht. 

Blitzartig ist Bolton dann auch wieder in 

der Realität: „Wir müssen noch Basler Läckerli 

besorgen, mein Sohn Samuel ist ganz scharf 

darauf.“ In Basel heißen die kleinen quadratischen 

Honigkuchen „Läckerli“ mit einem ä, 

und die besten und selbstredend auch die teuersten 

gibt es im Läckerli Huus. An der Greifengasse, 

direkt an der Mittleren Brücke, im 

noblen Café Spitz, sitzt die schönste Filiale. 

Bolton kauft mehrere Packungen und lächelt 

leicht verlegen: „Ich mag die genauso, und sie 

halten lange ... Nur nicht bei uns.“ Sofern er 

überhaupt zu seiner Familie fahren kann. Mit 

Sohn Samuel und Ehefrau Tess Knighton, einer 

Musikwissenschaftlerin, lebt Bolton vor allem in Spanien, in Ma drid 

ist er außerdem Musikdirektor am Teatro Real. Doch jetzt sei das 

Reisen mühsam bis unmöglich geworden, und ja, er vermisse die 

beiden. Das sei der einzige Haken an seinem Traumjob. Auf der 

anderen Seite der Brücke ist es nicht mehr weit bis zum Grand Hotel 

Les Trois Rois. „Wir haben uns eine Pause verdient“, findet Ivor. Die 

Ober kennen ihn, ein Chesterfieldsessel in 

der Bar ist ihm sicher. Basel sei nirgends so 

britisch wie hier beim Afternoon Tea, betont 

er. „Das hilft gegen jedes Heimweh.“ ■ 

Beethoven, Satie u.a.: Live from Stadtcasino Basel, 

Ivor Bolton, Sinfonieorchester Basel (Berlin Classics) 

Tipps, Infos & Adressen 

Reiseinformationen rund um Ihren Besuch in Basel. 

Kultur 

Die neueste Attraktion Basels: das von Herzog 

& de Meuron gestaltete Stadtcasino 

(stadtcasino-basel.ch). Neben der Fondation 

Beyeler (fondationbeyeler.ch) und dem 

Museum Tinguely (tinguely.ch) übersieht 

man leicht die Schausammlungen, zumal gerade 

im Kunstmuseum (kunstmuseumbasel.ch) 

beste Schweizer Malerei präsentiert wird. 

Konrad Witz erkundet im 15. Jahrhundert den 

Raum, schafft Figuren von großer plastischer 

Klarheit. Und die Arbeiten von Caspar Wolf, 

dem vorromantischen Pionier der Hochgebirgsmalerei, 

sind so präzise, dass die Geologen 

den Rückgang der Gletscher ermessen 

können. 

Essen & Trinken 

Wer mittags die libanesische Küche im Za Zaa 

(zazaa.ch) ausprobiert hat, lässt sich abends am 

besten noch mal überraschen: beim Isaak 

(zum-isaak.ch). Im Restaurant am Münsterplatz 

gibt es Cuisine surprise – was genau, verrät nur 

der Service. Aber natürlich wird man auch à la 

carte verwöhnt: z. B. mit gebackenem Geißenkäse 

auf Rucola, danach eine der Spezialitäten, 

fabelhafte Maispoulardenbrust mit zarter 

Estragonsauce oder Lammfilet an Rosmarinjus. 

Das Basler Läckerli Parfait ist Lokalkolorit in 

Dessert-Form. Und wer dann noch nicht genug 

von den kleinen Lebkuchen hat: Das Läckerli 

Huus (laeckerli-huus.ch) hat Nachschub. 

Übernachten 

Eigentlich ist der Teufelhof (teufelhof. 

com) ein Kulturzentrum: Theater, Bar-Café, 

Weinladen, Brauerei, Atelier- und Gourmet- 

Restaurant, Kunst- und Galeriehotel. 

Man ist in den denkmalgeschützten Räumen 

rund um die Uhr unterhalten und versorgt. 

Schon vor 30 Jahren wurden Zimmer 

und Suiten von Künstlern wie Flavio Paolucci 

oder Dieter Meier gestaltet. Gleich gegenüber 

ist die Musikakademie. Wer königlich 

wohnen möchte, nimmt nicht nur – wie 

Ivor Bolton – einen Drink in der Bar des 

Les Trois Rois (lestroisrois.com), sondern 

sinkt danach auch dort aufs Kissen. 

FOTOS: CEKORA / PIXELIO.DE; ROMAN WEYENETH; LES TROIS ROIS BAR; KUNSTHOTEL IM TEUFELHOF 


MOUNTAIN RESORT • SPIRIT & SPA 

WinteraufTAKT 

Auf 1.769 Metern Seehöhe gelegen. Ein Wellnesshotel mit Chalet-Almdorf mitten im herrlichen 

Skigebiet Gerlitzen Alpe mit freiem Blick über die Täler und Berge. Österreichs Badewelt am 

Berg auf 4.500 m² mit Almsee, 12 Pools, 11 Saunen und 16 Ruheoasen. Wie klingt Ruhe und 

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REISE- & KULTURANZEIGEN 

KULTURSCHATZKAMMER 

SACHSEN 

Da sind das Leipziger Gewandhaus, 

der Dresdner Zwinger, die Frauenkirche 

oder die legendäre Semperoper: 

Die prominenten Kulturorte 

Sachsens sind zweifelsohne eine Reise wert 

und ziehen ein internationales Publikum 

an. Doch die sächsische Kulturlandschaft 

hat weit mehr zu bieten als die weithin bekannten 

Großstädte der Hochkultur. So 

lockt das Bundesland mit zahlreichen 

Stadtschönheiten, die mit eindrucksvoller 

Architektur und gewichtiger Geschichte 

ebenso aufwarten wie mit romantischen 

Gässchen, bunten Märkten und span nend 

aufbereiteten Museen. Dabei ist der vielseitige 

Freistaat immer für eine Überraschung 

gut und es lohnt sich, auch jenseits 

der bekannten Pfade und Ziele auf Entdeckungsreise 

zu gehen und einzutauchen in 

die facettenreiche und lebendige Kulturszene 

in den Städten der Region. 

In Sachsens Hauptstadt Dresden präsentiert 

sich eines der berühmtesten Museen 

der Welt, die Dresdner Gemäldegalerie 

Alte Meister, in reizvollem neuen Gewand. 

Sieben Jahre lang wurde die Galerie 

saniert, nun finden die Besucher in der 

neu konzipierten Ausstellung fantastische 

Gemälde ebenso vor wie Kleinbronzen, 

Büsten und Marmorwerke. Ein Höhepunkt 

des prachtvollen Rundgangs ist der 

Canaletto-Saal, in dem die weltberühmten 

Veduten des Meisters Bernardo Bellotto 

auf Augenhöhe präsentiert werden. 

Ein Museumserlebnis ganz anderer 

Art bietet sich den Besuchern in den ebenfalls 

frisch sanierten Hallen des Zwickauer 

Audi-Baus, in dem das August-Horch- 

Museum zu Hause ist. Vor außergewöhnlicher 

Kulisse erstreckt sich hier auf 6.500 m² 

Ausstellungsfläche die Geschichte von 

über 115 Jahren Zwickauer Automobilbau, 

anschaulich und innovativ aufbereitet und 

reizvoll eingebettet in den jeweiligen historischen 

Kontext. Der Pioniergeist und Erfindungsreichtum 

der Zwickauer Automobilbranche 

ist zudem auch in der Sonderausstellung 

im Rahmen der 4. Sächsischen 

Landesausstellung nachzuspüren, die im 

Museum spannungsvoll die Zukunft der 

Mobilität und die Entwicklung des Automobils 

ins Zentrum stellt. 

Was für Zwickau das Auto ist, ist für 

die Stadt Meißen das Porzellan. Doch die 

Anziehungskraft dieses besonderen Orts 

reicht weit über das kostbare Gut der Manufaktur 

hinaus. So zeigt sich Meißen 

rund dreißig Jahre nach der Wende mit 

einer umfassenden Stadterneuerung von 

seinen schönsten Seiten und so lohnt sich 

ein ausgiebiger Stadtbummel in der geschichtsträchtigen 

Handelsstadt. Romanti- 

FOTO: HOLGER STEIN 

INFORMATIONEN 

Die Tourismus Marketing Gesellschaft Sachsen hat ein liebevolles Magazin „Stadtschönheiten“ 

herausgebracht, das mit vielen Städtetipps, Geschichten und Inspirationen aufwartet. 

Die „Stadtschönheiten“ können Sie kostenlos bestellen unter: 

Tourismus Marketing Gesellschaft Sachsen mbH 

Bautzner Straße 45 – 47, 01099 Dresden, +49-(0)351-49 17 00, info@sachsen-tour.de 

www.sachsen-tourismus.de 



FOTO: HOLGER STEIN 

sche Kopfsteinpflaster-Gassen und schmucke 

Wohn- und Geschäftsgebäude aus vielen 

Jahrhunderten mit prächtig verzierten 

Balkendecken und kunstvoll gemauerten 

Giebeln lassen das Herz jedes Architekturfreunds 

höherschlagen. Eine Stadtführung 

entlang der neu konzipierten „Denkmalroute“, 

die faszinierende Einblicke in den 

Wiederaufbau Meißens als kulturhistorisches 

Kleinod verspricht, vereint die wertvollsten 

Zeugnisse deutscher Baukultur. 

Mit der Silberstadt Freiberg mitten in 

der historisch gewachsenen Montanregion 

Erzgebirge lockt ein weiteres vielseitiges 

Ausflugs- und Urlaubsziel. Bis heute spiegelt 

sich der durch den Silberboom entstandene 

Reichtum im prachtvollen Stadtbild 

wider. Dabei fallen dem Besucher bei 

einem ausgiebigen Stadtbummel durch die 

malerischen Gassen und Straßenzüge zahlreiche 

schmucke Bauten ins Auge. Da ist 

etwa das Schloss Freudenstein, das mit 

seiner großartigen Renaissance-Fassade 

in den Bann zieht und eine der weltweit 

schönsten Mineralien-Sammlungen beherbergt, 

oder der eindrucksvolle Dom 

St. Marien, in dem die beiden Instrumente 

des legendären Barock-Orgelbauers Gottfried 

Silbermann zu bewundern sind. Für 

alle, die tiefer eintauchen möchten in die 

Vergangenheit dieser besonderen Region, 

lohnt sich schließlich auch eine Fahrt unter 

die Erde in die „Himmelfahrt Fundgrube“ 

mit der „Reichen Zeche“, mitten 

hinein in die spannende Geschichte des 

Bergbaus. So zeigt sich das Kulturland 

Sachsen bei einer genussvollen Rundreise 

durch die verschiedenen Städte in all seinen 

Facetten: lebendig, kreativ, kunstsinnig 

und aufgeschlossen. Lassen Sie sich 

ins pirieren vom Magazin „Stadtschönheiten 

Sachsen“. 

ANNABERG- 

BUCHHOLZ 

www.annaberg-buchholz.de 

BAUTZEN 

www.tourismus-bautzen.de 

CHEMNITZ 

www.chemnitz-tourismus.de 

DRESDEN 

www.dresden.de/tourismus 

FREIBERG 

www.freiberg.de/tourismus 

GÖRLITZ 

www.goerlitz.de 

GRIMMA 

www.grimma.de 

KAMENZ 

www.kamenz.de/tourismus 

LEIPZIG 

www.leipzig.travel 

MEISSEN 

www.touristinfo-meissen.de 

Der Freistaat Sachsen lockt neben den Zentren 

Dresden und Leipzig mit zahlreichen weiteren 

reizvollen Städten und Kulturoasen 

Blick über die Weinberge 

auf die Stadt Meißen 

mit Albrechtsburg und Dom 

PIRNA 

www.pirna.de/tourismus 

PLAUEN 

www.plauen.de/tourismus 

RADEBEUL 

www.radebeul.de 

TORGAU 

www.tic-torgau.de 

ZITTAU 

www.zittau.de 

ZWICKAU 

www.zwickautourist.de 

105


FOTOS: NIKOLAJ LUND 

VON 

TROLLEN 

UND 

TÖNEN 

Das Hemsing Festival – 

Kammermusik inmitten 

der idyllischen Natur Norwegens. 

Hinter verschneiten Bergen, dichten Wäldern und 

sich windenden Fjorden, inmitten der malerischen 

norwegischen Landschaft Valdres, befindet 

sich das Dorf Aurdal. Der Ort mit nicht einmal 700 

Einwohnern ist die Heimat der Geigerinnen Ragnhild 

und Eldbjørg Hemsing. Hierher laden sie seit 2013 befreundete 

Musiker und Musikliebhaber aus aller Welt 

zum Hemsing Festival ein, um die Tradition und die Musik 

Norwegens aus nächster Nähe zu erleben. 

Die Schwestern Ragnhild und Eldbjørg Hemsing 

könnten unterschiedlicher nicht sein. Ragnhild ist die ältere 

der beiden, mit ihren strahlenden Augen, den langen 

braunen Haaren und ihrer ruhigen, freundlichen Art hat 

sie etwas „Elfenhaftes“, das sofort in die Umgebung passt. 

Die zwei Jahre jüngere Eldbjørg hat ihr Haar hell blondiert, 

ist energiegeladen und redet schnell und voller Begeisterung. 

Beide sind inmitten von Natur und Musik 

aufgewachsen und tief mit der norwegischen Tradition, 

den Mythen und Sagen verbunden. Der Vater ist Förster, 

die Mutter Geigenpädagogin. Schon im Kindergartenalter 

begannen die Schwestern, Geige und die traditionelle 

Hardangerfiedel zu lernen, nach dem Üben begleiteten sie 

ihren Vater auf seinen Touren durch die Berge. Später 

verließen sie das Dorf, um in Wien zu studieren. Mittlerweile 

sind beide international gefragte Solistinnen. Eldbjørg 

lebt in Oslo, Ragnhild zog zurück nach Aurdal und 

hat es sich neben ihrer Karriere als Violinistin zur Aufgabe 

gemacht, auch die Hardangerfiedel, die mit ihren zusätzlichen 

Resonanzsaiten und ihrem besonderen Klang 

schon Grieg und Halvorsen inspirierte, auf die großen 

Konzertbühnen zu bringen. 

Die Idee, in ihrem Heimatdorf ein Festival zu veranstalten, 

entstand aus dem Wunsch heraus, dem Ort etwas 

zurückzugeben. So laden die beiden Schwestern international 

renommierte Musiker ein – und die kommen gerne: 

Kammermusik in fantastischer Umgebung und einer 

warmen, familiären Atmosphäre. „Intime Begegnungen 

mit großartiger Musik“, das ist das Ziel des Hemsing Festivals. 

Statt in großen Sälen finden die Konzerte an kleinen 

Orten statt. Der größte ist Aurdals Dorfkirche, in der 

280 Personen Platz finden. Dann gibt es den historischen 

Gasthof, in dem Grieg übernachtete, als er die Musik der 

Region erforschte, die Fischfarm, auf der die Konzertbesucher 

nach dem Konzert den traditionellen „Rakfisk“ 

probieren können, und eine Bergkirche, die man nur auf 

Skiern oder mit dem Hundeschlitten erreicht. Der Weg 

zum Konzert ist für das Publikum Teil der Festivalerfahrung. 

„Die besondere Umgebung öffnet die Sinne“, sagt 

Eldbjørg, „und statt auf den großen Bühnen in Berlin 

oder New York kann das Publikum hier große Musiker 

hören, in absolut intimer Atmosphäre.“ – „Man ist wirklich 

nah dran! Heute auf der Fischfarm saß Cellist 

Andreas Brantelid beinahe auf dem Schoß eines Zuhörers!“, 

sagt Ragnhild lachend: „Wir haben als Klavierquartett 

angefangen zu spielen, dann waren wir quasi ein 

Quintett.“ 

INFORMATIONEN 

Hemsing Festival | 24. bis 28. Februar 2021 

2021 bekommt das Festival coronabedingt einen noch intimeren 

Rahmen, es findet verkürzt und mit lokalen Musikern statt. 

www.hemsingfestival.com 



FOTOS: TOURISMUS SALZBURG GMBH 

Ja, irgendwie gibt es Orte, in denen ist mehr Weihnachten 

als anderswo. Vielleicht liegt es daran, dass der 

Advent mehr zelebriert wird, Traditionen lebendig 

sind. Salzburg ist so einer: Sehenswürdigkeiten schmiegen 

sich an den schönsten Plätzen in die Felsenstadt, als wären 

sie Teil der Kulisse. Selbst wenn in diesem Jahr alles anders 

ist – Salzburg büßt nichts von seinem Reiz ein. Fast möchte 

man sagen: im Gegenteil. Denn selten hat man den Advent 

hier so entspannt erlebt. Krisen bergen eben doch Chancen, 

und so darf in Salzburg stattfinden, was moderne 

Städte nur noch selten bieten können: sie zu Fuß kennenzulernen. 

Keine Form der Eroberung ist sanfter und schöner! 

Und natürlich ist es auch recht charmant, das „Rom 

des Nordens“ ganz privilegiert entdecken zu können. 

Allein die Mozart-Museen hat man vermutlich noch 

nie in dieser Ruhe erleben dürfen: Das Mozart-Geburtshaus 

in der Getreidegasse, wo das Wunderkind 1756 zur 

Welt kam und 17 Jahre lebte mit der jährlich wechselnden 

Sonderausstellung, sowie das Wohnhaus am Makartplatz, 

wo die Mozarts ab 1773 lebten, lässt aufschlussreiche Einblicke 

in den Alltag der Musikerfamilie zu. 

Eine gute Adresse in Sachen Brauchtum speziell in 

dieser Zeit ist das nahezu ganzjährig geöffnete Salzburger 

Weihnachtsmuseum mit liebevoll gesammelten Exponaten. 

In der Ausstellung „Weihnachtszeit – Feste zwischen Advent 

und Neujahr in Süddeutschland und Österreich 

1840 – 1940“ wird unter anderem Weihnachtsschmuck aus 

dem Erzgebirge oder den Wiener Werkstätten gezeigt. 

Ein weiteres Highlight: Festspiel-Flair im Winter! 

„100 Jahre Salzburger Festspiele“ in der Neuen Residenz 

zählt ganz sicher zu den interessantesten und atmosphärisch 

dichtesten Ausstellungen, die je einem Festival zuteil 

wurde. Kurzweiliger lässt sich ein Tag nicht planen. 

SALZBURG 

LEUCHTET! 

Auch in Salzburg wird in diesem Jahr 

der Veranstaltungskalender ein wenig 

kürzer ausfallen. Dafür aber umso schöner 

und mit einer völlig neuen Qualität. 

Noch ein Must für einen Salzburg-Trip im Advent: 

das Winterfest (9. bis 29. Dezember), das in diesem Jahr 

20-jähriges Jubiläum feiert. Das größte Festival für zeitgenössische 

Circuskunst im deutschsprachigen Raum setzt 

mit atemberaubender Akrobatik und Veranstaltungen 

aus Kunst, Tanz, Musik, Schauspiel und Puppentheater 

einen charmanten Kontrapunkt zur besinnlichen Zeit. 

Schließlich legt Salzburg auch ein Päckchen unter 

den Christbaum: die Vorfreude auf die Mozartwoche 2021 

(21. bis 31. Januar). „Mozart lebt!“ ist das Motto und legt 

sein Hauptaugenmerk auf den Musikdramatiker Mozart: 

der für den Intendanten Rolando Villazón nicht nur das 

fröhliche Wunderkind der Stadt ist, sondern auch der vollkommenste 

„musico drammatico“. Mit einem klugen und 

vielseitigen Programm tritt er den Beweis aufs Unterhaltsamste 

an! (Veranstaltungen & Termine: Änderungen vorbehalten.) 

INFORMATIONEN 

Tourismus Salzburg 

+43-(0)662-88 98 70 

www.salzburg.info 

www.mozarteum.at 

www.winterfest.at 

SALZBURGER PACKAGES 

Pauschalangebote für Ihre persönlich 

arrangierte Salzburg-Reise finden Sie 

unter: www.salzburg.info/pauschalen 

107


INFORMATIONEN 

Odessa Classics 7. International Music Festival | 2. bis 12. Juni 2021 

+38-(0)48-704 07 33, odessaclassics@gmail.com, en.odessaclassics.com 

Änderungen sind vorbehalten. 

FOTOS: ODESSA CLASSICS 

EIN FESTIVAL-JUWEL 

AM SCHWARZEN MEER 

Das Odessa Classics Music Festival lockt mit einer exquisiten Musikauswahl. 

Odessa – die Perle am Schwarzen Meer – kommt 

im Juni 2021 mit der siebten Ausgabe von 

Odessa Classics kulturell und musikalisch in der 

oberen Liga der europäischen Festivalkultur an. Mit großem 

Erfolg wurde innerhalb von nur sechs Jahren ein 

durch seine Vielseitigkeit beeindruckendes internationales 

Festival geschaffen. Daniel Hope kommt mit großer 

Begeisterung bereits zum wiederholten Mal als Artist in 

Residence und hat sich als der große Publikumsliebling 

etabliert. 

Der bekannte Pianist und Intendant des Odessa 

Classics Alexey Botvinov präsentiert auch dieses Jahr ein 

spannendes Programm mit außerordentlichen Ensembles 

und Solisten: San Francisco New Century Orchestra, Zürcher 

Kammerorchester, Estonian National Symphony Orchestra, 

Daniel Hope, Sebastian Knauer, Matthias Goerne, 

Michael Guttman, Alexey Botvinov und viele mehr. 

Die Konzerte werden nicht nur im Saal der historischen 

Philharmonie, sondern auch im Opernhaus Odessa, 

einem der schönsten Opernhäuser der Welt, stattfinden. 

Höhepunkt des Festivals wird wie jedes Jahr das 

große Open-Air-Konzert auf der berühmten Potemkinschen 

Treppe sein. Und „last but not least“ ist die Stadt 

Odessa selbst mit der wunderschönen historischen Altstadt, 

ihrem intensiven mediterranen Charisma und den 

gastfreundlichen Bewohnern immer eine Reise wert. 

IMPRESSUM 

Reise & Kultur ist ein Themenspecial von CRESCENDO – Deutschlands großem Magazin für klassische Musik & Lebensart 

Verlag: Port Media GmbH, Rindermarkt 6, D-80331 München, www.crescendo.de, Tel. +49-(0)89-74 1 5 09-0 

Herausgeber: Winfried Hanuschik (v. i. S. d. P.) | Redaktion: Petra Lettenmeier 

Autoren: Barbara Schulz, Sina Kleinedler, Dorothea Walchshäusl | Artdirection: Christine Tschorn 

Anzeigen: Cornelia Engelhard, Petra Lettenmeier, www.crescendo.de/media, anzeigen@portmedia.de, Tel. +49-(0)89-74 15 09-20 

Verbreitete Auflage 132.000 Expl. | CRESCENDO Themenspecials unterliegen der Auflagenkontrolle durch die IVW 

Druck: Westermann, D-38104 Braunschweig 


DIE SCHÖNSTEN OPERNHÄUSER 

DER WELT UND 

EXKLUSIVE SALONKONZERTE 

Klassik- und Kulturreisen mit ADAC Reisen für Musikfreunde. 


FOTO: MICHAEL HOLZ 

Musikalischer Genuss der Spitzenklasse, kombiniert 

mit einem handverlesenen Rahmenprogramm. 

Unter dem Motto „Reisen für Musikfreunde“ 

präsentiert der ADAC Reisen für Klassikfans. In 

diesem Jahr stehen noch mehrere musikalische Highlights 

auf dem Programm: darunter einige schöne Musikreisen 

nach Dresden, wo die Semperoper einen attraktiven Alternativ-Spielplan 

erarbeitet hat. Das berühmte Opernhaus 

bietet Die Zauberflöte von Mozart, Puccinis wundervolle 

Oper Tosca sowie Atilla von Giuseppe Verdi zum Teil in 

adaptierten Fassungen an. Wunderbare Konzerte der Sächsischen 

Staatskapelle Dresden – insbesondere auch das geplante 

Silvesterkonzert – ergänzen das Musikangebot. Attraktive 

Besichtigungen und Führungen in der Stadt und 

den zahlreichen Museen komplettieren die Reisen. 

Auch nach Hamburg sind mehrere Klassikreisen geplant: 

Erleben Sie den Ausnahmekünstler Igor Levit in 

einer Konzertreihe mit ausgewählten Sonaten Beethovens 

im großen Saal der Elbphilharmonie. Übernachtet wird 

ganz in der Nähe des neuen Wahrzeichen Hamburgs im 

Luxushotel Fraser Suites Hamburg. 40 Jahre Erfahrung 

in der Organisation hochkarätiger Musikreisen bringt der 

ADAC mittlerweile mit. Ob individuell oder als Gruppenreise, 

ob zu Festspielen oder auf Musikkreuzfahrt – 

rund 250 persönlich und mit viel Herzblut geplante Reisen 

stehen jedes Jahr auf dem Programm. Neben erstklassigen 

Opern-, Konzert- und Ballettbesuchen erleben die 

Gäste Spitzengastronomie, interessante Stadtführungen 

und einen Blick hinter die Kulissen, übernachten in ausgesuchten 

Top-Hotels und werden von versierten ADAC- 

Reiseleitern begleitet. Alle Reisen sind auch für Nichtmitglieder 

buchbar. 

Schlosshotel Kronberg im Taunus 

Die handverlesene „Salonreise“ 

Die „Salonreisen“ bieten erstklassig besetzte Kammerkonzerte, 

die nur für Gäste der „Reisen für Musikfreunde“ 

in schönen Salons oder Räumlichkeiten stattfinden 

– ganz im Sinne der traditionellen Salonkultur 

des 18. bis 20. Jahrhunderts. Die Unterbringung in 

stilvollen Hotels, interessante Rahmenprogramme und 

ein begrenzter Teilnehmerkreis von zehn bis maximal 

19 Personen zeichnen dieses neue Angebot aus 

Zum Jahreswechsel steht eine dreitägige Salonreise 

an. Es geht nach Kronberg im Taunus, wo die Gäste 

im edlen Schlosshotel Kronberg residieren. Ein Ausflug 

in die Kurstadt Wiesbaden mit Besuch der aktuellen 

Ausstellung „August Macke. Paradies! Paradies?“ 

im Museum Wiesbaden und eine interessante Stadtführung 

bilden das Rahmenprogramm. Musikalisch 

begeistern die hochkarätigen Künstler Nami Ejiri (Piano) 

sowie die Mitglieder des hr-Symphonieorchesters 

Stefano Succi (Violine) und Ulrich Horn (Violoncello) 

mit ihren Interpretationen bei intimen Konzerten in 

der Bibliothek des Schlosshotels. 

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INFORMATIONEN 

Beratung & Buchung 

in jedem ADAC Reisebüro 

+49-(0)69-66 07 83 10 

info@adac-musikreisen.de 

www.adac-musikreisen.de 

REISEANGEBOTE 

Neben Gruppenreisen, die eine Betreuung durch versierte 

Reiseleiter beinhalten, werden Individualreisen, 

die Hotel und Eintrittskarten beinhalten, angeboten. 

109 

Sonderveröffentlichung/Anzeigen/Präsentationen 77


Lieblingsessen! 

HIER VERRATEN DIE STARS UND STERNEKÖCHE IHRE BESTEN REZEPTE. 

UND KLEINE GESCHICHTEN, DIE DAZUGEHÖREN ... 

KULINARISCHER KNIEFALL VOR 

BEETHOVEN: EIN DESSERT FÜR ELISE 

ALEXANDER HERRMANN 

FOTO: STUDIO CHEZ E’LAIN 


ALEXANDER HERRMANN 

GASTRONOM UND KOCH MIT ZWEI STERNEN 

„Man mag mir die ein wenig konstruierte Brücke verzeihen, aber es liegt in dieser Zeit ja irgendwie auch auf der Hand: 

Es gibt für mich nur ein Produkt auf dieser Welt, das ich mit Für Elise in Verbindung bringe, und das ist der Elisenlebkuchen. 

Der Legende nach hat ihn ein Nürnberger Lebküchner, der um die Kraft der orientalischen Gewürze wusste, 

erfunden für seine kranke Tochter Elisabeth – die tatsächlich wieder gesund wurde. Das Tiramisu mit Elisenlebkuchen ist 

meine Hommage an Beethoven – eine Komposition, die seiner Elise vermutlich auch gefallen hätte.“ 

FOTO: DEBUS FOTOGRAFIE 

Mit diesem Rezept geht unsere 

Serie mit Alexander Herrmann 

zu Ende. Der 2019 mit zwei 

Sternen gekürte Koch war als 

Klassikeinsteiger Botschafter 

des BR-Großprojekts 

Beethoven bewegt und hat sich 

auf seiner Reise in die Welt 

der Musik von Beethoven- 

Werken inspirieren lassen. 

Nach dem kulinarischen 

Ta-ta-ta-taaar in der letzten 

Ausgabe hat er nun mit Elise 

geflirtet. Der er ein Weihnachtsdessert 

widmet – zu 

servieren mit großem 

Ta-ta-ta-taaa. 

Mindestens zwei Sterne in den 

Augen inklusive ... 

• 

MANDELSPLITTER-TIRAMISU MIT ELISENLEBKUCHEN 

Für 2 Personen 

Zutaten für die Mandelsplitter: 1 Vanilleschote, 40 g Mandelsplitter, 1 TL Puderzucker, 80 g dunkle Schokolade, Abrieb 

von 1 Bio-Orange, 1 Elisenlebkuchen (ca. 60 g), 20 g Amarettini, 1 EL Orangenlikör 

Zutaten für die Creme: 1 Eigelb, 1 EL Puderzucker, 80 g Mascarpone, ½ TL Lebkuchengewürz, 100 g Sahne 

Zubereitung: Die Vanilleschote der Länge nach aufschneiden, das Mark herauskratzen, zusammen mit den Mandelsplittern 

und dem Puderzucker in einen kleinen Topf geben, auf dem Herd bei mittlerer Hitze unter gelegentlichem Rühren in 

2–3 Minuten goldbraun karamellisieren und in eine Schüssel umfüllen. Die Schokolade in groben Stücken in eine Metallschüssel 

geben, über dem Wasserbad schmelzen und den Orangenabrieb (ein wenig für die Deko beiseitestellen) einrühren. 

Die Oblate vom Boden des Lebkuchens entfernen. Den Lebkuchen und die Amarettini zwischen den Fingerspitzen 

grob zerbröseln, in die Schüssel zu den Mandeln (ein paar für die Deko beiseitestellen) geben, alles mit Orangenlikör 

beträufeln, durchrühren, unter die flüssige Schokolade heben, gut vermengen, auf einem großen, mit Backpapier ausgelegten 

Teller verteilen und zum raschen Abkühlen ins Tiefkühlfach stellen (alternativ einen Tag vorher zubereiten). 

Eigelb und Puderzucker mit dem Handrührgerät in einer Schüssel hell und cremig aufschlagen, die Mascarpone einrühren 

und großzügig mit Lebkuchengewürz abschmecken. Die Sahne steif schlagen und vorsichtig locker unter die Mascarponecreme 

heben. Die Lebkuchen-Mandel-Masse aus dem Tiefkühlfach holen, in grobe Stücke brechen und abwechselnd mit 

der Mascarponecreme in Gläser schichten. Sofort servieren und genießen 

Wer „einfach“ mal besser essen möchte: Gourmetwelten in Alexander Herrmanns Posthotel 

in Wirsberg (herrmanns-posthotel.de). Oder in Nürnberg im Imperial, im Frank’ness oder bei 

der Dinner-Show Palazzo. Mehr Informationen unter www.alexander-herrmann.de 

111


Die Paula-Bosch-Kolumne 

ZIEMLICH HEISSER STOFF 

Ein Tanz auf dem Vulkan gilt gemeinhin als nicht empfehlenswert. Man ist aber angesichts der 

Weine, die in Vulkannähe gedeihen durchaus versucht, ihn aufzuführen. Denn die Qualität 

verursacht selbst bei Kennern leidenschaftliche Ausbrüche in wahre Begeisterungsstürme. 

Wo auch immer auf der Welt Weinreben gepflanzt 

werden – für die Qualität der Trauben sind 

natürliche Faktoren wie Klima, Geologie, Bodentypen 

und Lage des Weinberges von entscheidender 

Bedeutung. Die unterschiedlichen 

Bodenarten zum Beispiel werden grob in 

drei Typen unterschieden: sedimentäre Böden, 

metamorphes Gestein und Vulkanböden. 

Bedeutende Weine von Vulkanböden 

kommen von aktiven Vulkaninseln wie vom 

Ätna, Santorin, Lanzarote oder den Azoren, 

aber auch vom Festland wie der Basilikata, 

dem Kaiserstuhl oder aus dem Rheingau. 

Durch den anhaltenden Trend zu biodynamisch 

angebauten Weinen finden unterschiedliche 

Bodentypen viel Beachtung, und bei Winzern wie 

Weinfreunden sind diese Weine derzeit gefragt wie nie. 

Daraus ergeben sich Fragen wie: Wo wachsen die attraktivsten 

Weine, welche Charakteristik in Duft und Geschmack zeichnet sie 

aus? Schmecken sie anders als Weine von Lössböden, Schiefer, Granit 

oder Kalk? Kurze Antwort vorab: Ja, sie sind anders, sind auch im Charakter 

eigen. Doch das Wie sollte ein Weinfreund unbedingt selbst 

erfahren – eine analytische Erklärung ist hier nicht zielführend. 

ITALIEN / BASILIKATA 

2013 „LA STIPULA“ SPUMANTE MILLESIMATO, BRUT; 

CANTINE DEL NOTAIO, RIONERO 

Die 1998 gegründete Cantine del Notaio liegt in Vulture, im grünen 

Herzen der Basilikata am Fuße eines inaktiven Vulkans. Der 

Inhaber Gerardo Giuratrabocchetti hat sich bei seinen 30 Hektar 

Reben von Anfang an für biodynamischen Weinanbau entschieden. 

Die Namen mancher Weine – La Firma, La Stipula, Il Sigillo – gehen 

auf notarielle Tätigkeiten der Familie zurück. Der Spumante „La 

Stipula“ ist ein sortenreiner Aglianico del Vulture, in traditioneller 

Flaschengärung auf der Hefe gereift und in Tuffsteingrotten bis zum 

Degorgieren gelagert. Strohgelbe Farbe, das Aroma von Muskatblüten, 

Ginster, dunklem Honig wird durch einen würzigen Gaumen 

VULKANWEINE SIND ANDERS. 

WIE ANDERS, DAS SOLLTEN 

WEINFREUNDE UNBEDINGT 

SELBST ERFAHREN 

ergänzt. Kaum schmeckbare Säure, dafür eine Spur Gerbstoff der 

Aglianico. Der stoffige, ungewöhnlich sanfte Spumante gilt als 

Rarität, da aus der Rebsorte in der Regel alkoholreiche und säurebetonte 

Rotweine produziert werden. superiore.de/ 18,42 € 

PORTUGAL / AZOREN 

2018 VERDELHO „ORGINAL“; 

AZORES WINE COMPANY 

Die Inselwelt der Azoren ist in jeder Hinsicht 

ein imposanter Platz für den Anbau 

von Reben. Ihre überwältigend schöne 

Natur, die noch im Gleichgewicht scheint, 

ermöglicht Weinanbau bis kurz vor die 

Wassergrenze, was einen Kontakt der 

Pflanzen mit dem Meerwasser oft nicht 

ausschließt. Salzige Gischt kommt von oben, salziges Grundwasser 

von unten. Dazu die Vulkanerde, die das Wachstum der Pflanze 

erschwert. Keine einfache Angelegenheit – doch hat Antonio 

Macanita, ein vinophiler, weit gereister Tausendsassa, es 2014 mit 

zwei Freunden gewagt, die Azores Wine Company zu gründen. Die 

Insel Pico hat es dem Weinvisionär besonders angetan. Hier 

produziert man aus heimischen Rebsorten, u. a. auch der Verdelho, 

einzigartige Weine. Bestes Beispiel: der 2018er „Original“. Der vom 

Jod geprägte Weißwein präsentiert nicht nur einen vom Meerwasser 

leicht salzigen Charakter auf den Lippen, sondern rollt mühelos 

mit seiner zitrigen Säure und erfrischendem Geschmack über den 

Gaumen. Mit vegetabilen frischen Noten ruft er unmissverständlich 

nach Meer. gute-weine.de/ 22 € 

GRIECHENLAND / SANTORIN 

2018 ASSYRTIKO „FAMILIA“; HATZIDAKIS, SANTORIN 

Die griechische Insel Santorin ist Teil eines alten Vulkans. Auf 

dieser wunderschönen Insel gedeiht die autochthone Rebsorte 

Assyrtiko besonders gut. Die trocken ausgebauten Weißweine sind 

voll mineralischer Würze, im Duft wie am Gaumen, manchmal 

streng, teils mit steinigen Anklängen und stets mit markanter 

Säure, die ihrer Sorte eigen ist. Der Hatzidakis „Familia“ hat dazu 


FOTO: TENUTA TASCANTE 

Spektakulärer Blick, sensationeller Wein! Hier die Terrassen des 

Weinguts Tascante am Fuß des Ätna 

ist berauschend. Mandarine, Glera, Galiamelone, reife Ananas, ein 

Touch Akazienhonig, Erdnuss, braune Butter, Toast. Im Mund 

überzeugende Mineralität und Salzigkeit, voll, reich, fast sahnig, 

dabei doch frisch. Mit irrer Kraft, viel Druck und Länge präsentiert 

sich der perfekt gestylte Abgang. weinhandelshaus.at/ 31,60 € 

Austernschale, Jodtinktur, Meersalz, Lorbeer, verpackt im cremigen, 

perfekt balancierten Körper. Tochter Stella führt nach dem 

Tod des Inhabers 2017 den kleinen Familienbetrieb mit sicherer 

Hand weiter. griechischer-weinversand-vindusud.de/ 29,90 € 

ITALIEN / SIZILIEN / ÄTNA 

2017 PASSOBIANCO CHARDONNAY; 

AZ. AGR. PASSOPISCIARO, CASTIGLIONE DI SICILIA 

Andrea Franchetti, Besitzer des toskanischen Topweingutes 

Trinoro, war an den Hängen des Ätna einer der Ersten, die hier in 

den Weinbau investierten. Der Weinkeller von Passopisciaro wurde 

in einem antiken Gehöft auf etwa 800 Metern integriert. Die 25 

Hektar Rebfläche sind größtenteils mit Chardonnay und Nerello 

Mascalese bepflanzt, letzterer oft 100 Jahre und älter und wurzelecht. 

Der aufwendig erst im Edelstahl, dann im Beton-Ei und 

danach im Holz ausgebaute Chardonnay ist eine ganz besondere 

Interpretation eines Vulkanweins, wobei die Rebsorte durch die 

gewaltige mineralische Aromatik schwer erkennbar ist. Der Duft 

ITALIEN / SIZILIEN / ÄTNA 

2016 CONTRADA RAMPANTE; TASCANTE, ÄTNA 

Eindeutig im Trend liegen derzeit die sizilianischen Weine des Ätna, 

vor allem die Rotweine aus der spätreifenden dünnschaligen 

Nerello Mascalese. Beste Bedingungen findet die Rebsorte in 

höheren Lagen, wo kühle Temperaturen bei Nacht für den Erhalt 

ihrer Säure sorgen und damit ihre Frische konservieren. Die 

Geschwister Alberto und Giuseppe Tasca vom grandiosen Weingut 

Tenuta Regaleali nahe Palermo haben vor knapp 15 Jahren auch die 

Bedeutung des Weinanbaus am Ätna erkannt, investiert und zählen 

heute zu den glücklichen Besitzern von 25 Hektar Weinbergen, die 

bis auf über 600 Meter ü. M. liegen. Ihre Lage am Nord-Ost-Abhang 

des Vulkans zählt zu den besten. Die Charakteristik der Weine wird 

in erster Linie durch die verschiedenen Böden und deren Zusammensetzung 

erreicht. Contrada nennt man hier Einzellagen, Blöcke 

mit terrassierten Rebanlagen, wenn man so will. Rampante ist 2016 

ein besonderes Kunstwerk an Finesse, Eleganz und delikater Textur. 

Feinste Hibiskusnoten, Preiselbeer, Wassermelone, aber auch 

dunkle Gewürze wie Pfeffer, Wacholder, Kümmelsamen. Der sanfte, 

reife Trinkfluss am Gaumen und seine seidigen Tannine sorgen für 

ein außergewöhnliches Trinkerlebnis. superiore.de/ 38,70 € n 

113

S C HT LI TU ES LS ZA EKIKL OE 

R D 

INSTRUMENT? MASSGESCHNEIDERT! 

Die Evolution von Musikinstrumenten ist noch lange nicht zu Ende, sagt Ricardo Simian 

Und hält ein Plädoyer für mehr Mut zu individueller Personalisierung – aus dem 3-D-Drucker. 

FOTO: PRIVAT 

Flöte 4.0: Ricardo Simian mit einer 

Maßanfertigung aus dem 3-D-Drucker 

„Evolution“ ist ein ganz schön aufgeheiztes 

Wort! Die meisten verbinden es mit Entwicklung, 

implizit also auch mit Überlegenheit 

und Verbesserung. Dabei ist das Konzept 

ein anderes: Evolution erklärt, wie sich 

etwas durch winzige Variationen verändert 

und das Geeignetste überlebt. Das Geeignetste 

muss aber nicht unbedingt das Beste 

sein. Jeder Homo sapiens darf sich intelligenter 

als ein Krokodil fühlen – eine Spezies, 

die sich in den letzten hundert Millionen 

Jahren kaum verändert hat. Sperrt man die 

beiden in einen Käfig, wird trotzdem das 

Krokodil überleben, ganz egal, wie gebildet 

der Homo sapiens daherkommt. 

Auch die Evolution von Musikinstrumenten 

hat sich in winzigen Schritten vollzogen. 

Sie haben an Tonumfang, Dynamik 

und Agilität gewonnen; andererseits vielleicht 

an Klangqualität und Charme eingebüßt, 

weil gerade die Unregelmäßigkeiten 

der frühen Instrumente kein Makel, sondern 

eine Bereicherung waren, die die Komponisten 

gezielt eingesetzt haben. Der Streit 

zwischen historisch informierter und 

moderner Aufführungspraxis ist eine der 

natürlichen Konsequenzen daraus. Fest steht 

jedenfalls, dass Musikinstrumente sich seit 

dem Mittelalter entwickelt haben. Dieser 

Prozess lässt sich an den vielen Instrumentenfamilien 

und Unterfamilien festmachen, 

die überlebt haben oder verschwanden wie 

die Lebewesen in den Stammbäumen eines 

Biologielehrbuchs. 

Trotzdem haben sich die heutigen 

Musikinstrumente seit Jahrhunderten kaum 

verändert. Ihre Evolution scheint wie stehen 

geblieben. Immerhin konnten sich manche 

dank der Elektrizität weiterentwickeln, 

wofür die E‐Gitarre oder das Keyboard prominente 

Beispiele sind. Das Design blieb 

trotzdem fast unverändert, selbst wenn 

unter die Oberfläche Elektronik eingepflanzt 

wurde. Warum? Gab es keine technischen 

Innovationen, die eine Weiterentwicklung 

erlaubt hätten? 

Doch! Wir besitzen fast unendlich viele 

Mittel, um neue Formen, Oberflächen und 

Objekte zu kreieren, von denen Stradivari 

nur träumen konnte. Trotzdem beschränken 

sich unsere Designs bei Musikinstrumenten 

fast ausschließlich auf Formen und Strukturen, 

die auch ein Geigenbauer aus dem 

Barock hätte fabrizieren können. Fast jedes 

Instrument hat ausschließlich runde bzw. 

DIE EVOLUTION DER MUSIK- 

INSTRUMENTE VOLLZOG SICH 

WIE DIE VON LEBEWESEN IM 

BIOLOGIELEHRBUCH 

gerade Bohrungen oder Löcher und 90- 

Grad-Winkel – denn das sind die einzigen 

Formen, die man mit herkömmlichem 

Zimmermannswerkzeug produzieren kann. 

Sogar die wunderbar schwungvollen 

Kurven einer Violine täuschen nur darüber 

hinweg, dass Decke, Boden und Zargen 

senkrecht zueinander stehen – genau wie bei 

einer Schublade. Ist das wirklich das ultimative 

Design? Haben wir in Bezug auf mögliche 

Formen von Musikinstrumenten schon 

alles ausgeschöpft und brauchen keine weitere 

Evolution? Dann würden Musiker nicht 

wild darum kämpfen, ihre Körper darauf zu 

drillen, überhaupt über mehrere Stunden 

spielen zu können. So gut wie jeder Musiker 

hat schon einmal unter einer Sehnenscheidenentzündung 

oder anderen Krankheit 

gelitten – nur weil er geübt hat. Obwohl man 

das Gleiche auch über Sportler sagen kann, 

ist fraglich, ob ein Profiathlet mit einer Ausrüstung 

in den Ring steigen würde, die in 

Technologie und Material dem Stand des 17. 

Jahrhunderts entspricht. Musiker tun das 

täglich und sind sogar noch stolz darauf. 

Neue Technologien, neues Material 

und die Revolution des 3-D-Drucks geben 

uns Mittel an die Hand, die für die Musikinstrumentenherstellung 

bislang kaum 

genutzt wurden. Das sollten wir schleunigst 

ändern und die nächste Generation von 

Musikinstrumenten erfinden und erkunden. 

Die Möglichkeiten sind grenzenlos! Noch 

gibt es keine systematischen Tests zu Bohrlöchern, 

die nicht rund sind, zu geschwungenen 

Formen, die rechte Winkel ersetzen, 

oder komplexen Formen, die aus einem 

Stück gegossen sind. Während es im Radsport 

bereits Standard ist, dass Geräte individuell 

an ihren Benutzer angepasst werden, 

gibt es noch kein Konzept für personalisierte 

Musikinstrumente für jeden Spieler, was mit 

3-D-Modellierung spielend möglich wäre. 

Im konservativen Kosmos der Musik 

pflegen wir Tradition um der Tradition willen. 

Wir setzen voraus, dass ein „warmer“ 

Klang nur von natürlichem Holz kommen 

kann, ohne je eines der neuen Polymere ausprobiert 

zu haben, die längst auf dem Markt 

sind. So viel wartet darauf, ausprobiert zu 

werden! Und es gibt nichts zu verlieren: 

Wenn wir feststellen, dass die jahrhundertealten 

Versionen besser sind, behalten wir sie 

einfach. Aber nun sollten wir den Mut 

haben, neue Welten zu entdecken! n 


Entspannt 

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