maC Portaits 2018

PORTRAITS
2018___maC
MASTERSTUDIENGANG CHOREOGRAPHIE
HOCHSCHULÜBERGREIFENDES ZENTRUM TANZ BERLIN

a

EINLEITUNG
Der Masterstudiengang Choreographie (maC) ist
künstlerisch-praktisch orientiert, entsprechend
nehmen choreographische Projekte einen großen
C
nehmen choreographische Projekte einen großen
Raum ein. Die abschließenden Choreographien
können Sie im Juni in und den Juli Uferstudios, in den Uferstudios, in der Pa-
im rochialkirche Großen Windkanal und im bat Adlershof, Studiotheater im Zentrum anschau-
für
Kunst en. Zum und Choreographieren Urbanistik sowie gehört im bat jedoch Studiotheater ebenso,
anschauen. dass die Studierenden Zum Choreographieren ihre eigene Praxis gehört kritisch jedoch
ebenso, re flektieren, dass einen die Studierenden eigenen künstlerischen ihre eigene Stand-
Praxis
kritisch punkt entwickeln re flektieren, und einen ihren eigenen ästhetischen künstlerischen Ansatz
Standpunkt vermitteln können. entwickeln Um und Ihnen ihren einen ästhetischen Einblick An-
in
satz diesen vermitteln Prozess können. zu geben, Um erscheint Ihnen einen anlässlich Einblick der in
diesen Aufführungen Prozess dieser zu geben, Band erscheint mit Portraits anlässlich der Studie-
der
Aufführungen dieser Band mit Portraits der Studierenden.
Die Die fünf sieben Hefte enthalten Hefte enthalten individuell individuell von den
von Choreographen den Choreographen gestaltete gestaltete Eindrücke, Eindrücke, Gedanken, Gedanken,
Materialien Materialien aus dem aus Studium, dem Studium, aus Proben- aus Proben- und
und Arbeitsprozessen, eine Reflexion eine Reflexion über zwei über Jahre zwei
Jahre Masterstudium. Masterstudium. Auf der Auf Seite, der Seite, die in die jedem in jedem Heft
Heft auf die auf Seite die Seite mit dem mit dem Portraitfoto folgt, folgt, finden finden Sie
Sie Texte, Texte, in denen in denen die Studierenden sich sich drei drei Fragen Fragen
widmen: widmen: Wo bist Wo bist du künstlerisch du gerade? Welche Welche
Bedeutung hat(te) hat(te) das das maC-Studium für deine
künstlerische Entwicklung? Wo möchtest du gerne
in ein paar Jahren sein?
Wir freuen uns, Ihnen unsere Absolventen in vorzu-
diesem
stellen Band - mit vorzustellen fünf persönlichen - mit sieben Antworten persönlichen auf die
Antworten Frage, was auf Choreographie die Frage, was sein Choreographie kann. sein
kann.

MASTERSTUDIENGANG CHOREOGRAPHIE
ANNELIE ANDRE Laws of Power
Konzept & Choreographie: Annelie Andre
in Zusammenarbeit mit den mitwirkenden
Künstler*innen | Performance: Nicole Berndt-
Caccivio, Marc Lagies, Dennis Alexander Schmitz,
Pauline Stöhr | Bühne: Jakob Blazejczak | Sound:
Charlotte de Montcassin | Licht: Luigi Kovacs
Dramaturgische Mitarbeit: Telmo Branco, Vanessa
Budai
Macht ist überall. Sie durchdringt Gesellschaften,
Beziehungen, Körper.
„Laws of Power“ ist eine choreographische
Untersuchung, die die Frage nach Manipulation
aufwirft: Wer hat die Fäden in der Hand? Subtil und
eindrücklich, fragil und kraftvoll werden Grenzen
verschoben und neue Räume geöffnet.

ABSCHLUSSARBEITEN 2018
ANNA KATALIN NÉMETH Arbeit / Spiel / Muse
ANTOINE CARLE Hollow Matters
Performance: Camille Käse, Josefine Mühle, Rafi
Martin, Hana Tefrati | Choreographie: Antoine Carle
aka Tchivett | Licht: Elliot Blue | Musik: Body Fool
Kostüme: Chaz Aracil | Skulptur: Jeremy Barzic
Text und Prothese: Zoe Lohmann | Dramaturgie:
Vanessa Budai | Beratung Bildhauerei: Vasili Berela
Mit Gusstechniken als Gestaltungsprinzip
untersuchen die Performer*innen negative Formen.
Körper-Skulpturen werden in ihrer Materialität deund
rekonstruiert. In der Konfrontation der eigenen
Körperlichkeit mit den harten Grenzen der Formen
werden soziale Normen hinterfragt und der Körper
neu formuliert.
Performermance: Attila Andrási, Nico Arawá, Laura
Beschi, Florencia Martina, Imola Nagy, Abraham
Iglesias Rodriguez | Malerei: Juana Anzelini,
Mathias Pelda | Szenographie: Janja Valjarević
Musik: Gábor Csongrádi | Dramaturgy und
Licht: Daniel Paiva de Miranda | Konzept und
Choreographie: Anna Katalin Németh zusammen
mit den Mitwirkenden
Sieben Tänzer*innen vollziehen zusammen mit
einem Maler ein tänzerisches Ritual. Sie suchen
Gemeinsamkeiten, um der Abkapselung von der
Gemeinschaft etwas entgegenzusetzen, Kraft
für alle. Das rituelle Handeln der Individuen
stiftet Gemeinschaft und kreiert einen Raum für
Verwandlung.
JARA SERRANO Art.-Nr. 247Y36
SHIRAN ELIASEROV Beyond Control
Choreographie: Shiran Eliaserov | Dramaturgie:
Valentin Schmehl | Performer: Vanessa Cokaric,
Alma Dolev, Felix Dompreh, Kiana Rezvani, Ardian
Hartono, Andre Lewski, Volker Sobottke
Seile dienen den Menschen zum Überleben. Seile
bringen Menschen zusammen, trennen sie aber
auch voneinander. Die Performance Beyond Control
verwebt die verschiedenen symbolischen und
ästhetischen Dimensionen des Seils und schafft
dabei Raum für einen zeitgenössischen Mythos.
Macht im Seil kondensiert.
Tänzer*innen: Sakurako Awano, Tiziano Portas,
Yuri Shimaoka, Laura Signoriello, Ichiro Sugae
Musiker: Snorre Sjonost Henriksen | Szenografie:
Kjersti Alm Eriksen | Choreografie: Jara Serrano
Anonymität minderte ihr Selbstwertgefühl und
befreite sie zugleich. Wie oft wollten sie etwas
anderes sein und verloren sich dabei selbst?
Ein Stück mit fünf Tänzern und einem Musiker, das
sich mit Identitätsverlust und Verfremdung des
eigenen Körpers in öffentlicher wie privater Sphäre
beschäftigt.
Alle Projekte entstanden mit freundlicher
Unterstützung durch den Deutschen Bühnenverein,
Landesverband Berlin.

ANNELIE ANDRE

©Martina Thalhofer

Immer wieder Standpunkte definieren.
Konfrontation. Täglich.
Mich aussetzen.
Hinein begeben. Verweilen.
Es transformiert sich, unbegreiflich.
Re-agieren? Aktion!
Neugierig werden, bleiben, sein. Entscheiden.
Intuitiv? Entscheiden. Entscheiden!
Meine Lust am Chaos
mündet im Streben nach Struktur.
Irritation, Reibung, eine Unruhe entsteht -
sie nährt mich.
Mäandern zwischen Polen
angezogen von Kontrasten
ein nonverbaler Versuch des Ausdrucks.
Doch Worte, ja Worte
auch die.
Ein Besinnen auf Körper.
Den Kopf verlieren
und darin gefangen sein, manchmal.
Das Theater neu denken,
es riecht nach Zuhause.
Ich suche nicht nach Themen, Menschen, Orten -
sie kommen auf mich zu, fließen durch mich hindurch
und treten mit neuem Gewand wieder zum
Vorschein. Ich möchte durchlässig sein für das,
was sich mir eröffnet, und im richtigen Moment
klare Entscheidungen treffen können.
Ich strebe nach Klarheit im Geist, Klarheit im Körper.
Es bedeutet für mich Einfachheit, die niemals
banal sondern selbstverständlich ist. Es fühlt sich
leicht und zugleich fordernd an, das, was ich künstlerisch
tue. Immer auf der Suche nach dem Dazwischen,
dem Kippmoment von einem zum anderen,
komplex und doch simpel.
Auch suchend kann ich ankommen. Weil ich gelernt
habe, zu vertrauen. Es fügt sich alles - jetzt
oder morgen oder viel später.
Das Spiel mit der Zeit ist ein faszinierendes. Sie
kann sich bis zur Unerträglichkeit dehnen und in
einem winzigen Moment eine ganze Welt verändern.
Timing ist alles.
Oft denke ich nicht in Worten sondern in Rhythmen.
Ich wünsche mir, Menschen um mich zu haben,
mit denen ich neue künstlerische Welten erforschen,
kreieren und für andere zugänglich machen
kann. Gemeinsam weichen wir Grenzen zwischen
Disziplinen auf und stellen die Aussage in den Mittelpunkt.
Alles bewegt sich - Gedanken, Körper,
Räume. Ich möchte mit simplen Mitteln eine eindrucksvolle
Wirkung erzeugen und für Mitwirkende
und Zusehende einen Raum des Erlebens ermöglichen,
der nachhallt. Es ist erfüllend, in Menschen
das Gefühl erwecken zu können, gemeinsam etwas
Bedeutsames zu kreieren. Einbinden, nahbar machen,
etwas erschaffen, das noch bewegen kann, in
einer von Reizen überfluteten Welt.
Nach Relevanz suchend
und der inneren Stimme folgend.
Ich höre sie nicht immer.
Geheimnissen auf der Spur sein.
Die, die sich zwischen Haut und Seele verbergen.
Sie sind mein innerer Motor.
Ich selbst finde Ruhe im genauen Beobachten. Ein
ganzes Universum im Detail. Körper, Wort, Klang,
Raum, Licht verweben sich zu immer wieder neuen,
einzigartigen Gebilden.
Ich möchte meine Fähigkeiten gut eingesetzt wissen
und die Leichtigkeit nicht verlieren.
Und irgendwann choreographiere ich eine Oper.

Standard Textrahmen zum kopieren.
!!!
Diesen Textrahmen könnt ihr Euch kopieren und
überall dort hinsetzen, wo ihr den Standard Textsatz
haben möchtet. Ihr könnt ihn dann auch kleiner
ziehen. Einfach rumprobieren. Es ist wichtig,
das Ihr ihn immer an den lila farbigen Linien ansetzt.
Ich kontrolliere diese Rahmen aber auch vor
dem Druck.
Er ist zweispaltig, mit 12 Pkt. Zeilenabstand und
5mm Zellenabstand. Außerdem ordnet er sich nach
einem Raster, das auf Flyer, Portraitheft und Umheft
die gleichen Maße hat.
Standard Schrift ist DINPro.
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Spalten und Standard Text. Lorem ipsum
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SYNTAGMA | part 1
Kunstraum Potsdam, Mai 2017
mit Aabshaar Wakhloo und Pauline Stöhr
Choreographie & Sound: Annelie Andre
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Es ist so greifbar, das was es ist
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und zugleich rinnt es mir durch die Finger wie weißer Sand
©Annelie Andre
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...and then the night
in broken bones
I saw light.
©Jochen Nünning

Die Wände
sie fliehen
vor Körpern, heimlich
suchend
Halt suchend
in mir
Sand
in uns
ein Meer
ich bin viele
ein Nicht-Ort
eine Flucht

These are the days where we
get lost
These are the days where we
drown
These are the days where we
pretend
These are the days where we
get drunk
These are the days where we
lose ourselves
I lose you
I´ve lost myself
I lose you
These are the days where we
refuse
These are the days where we
abuse
We use you
And get lost again
And lose you
LET´S GET LOST AGAIN!
These are the days
of freedom
These are the days
of multiple ways
These are the days
without wrong and right
SYNTAGMA
ein interdisziplinäres Projekt in der
ehemaligen Willner Brauerei Berlin.
Mit Pauline Stöhr, Telmo Branco, Aabshaar
Wakhloo, Iza Herzfeld, Julien Herion, Jasmin
Loreen
It is ok
You are ok
It is ok
I hold you
I can hold you
Can you hold me?
Hold me.
©Jochen Nünning

ein unaufhörlicher VERSUCH, worte zu finden.
für all die komplexen VORGÄNGE, die teil eines künstlerischen PROZESSES sind.
und zugleich liebe ich die WORTLOSIGKEIT,
weil ich genau darin den SINN der physischen auseinandersetzung finde -
die basis meiner künstlerischen arbeit.
BEWEGUNG IST SPRACHE.

©Bahadir Gökce

LAWS OF POWER
Eine Arbeit von Annelie Andre in Kollaboration mit
Nicole Berndt-Caccivio, Marc Lagies, Dennis Alexander Schmitz, Pauline Stöhr (Performance)
Jakob Blazejzcak (Bühne), Luigi Kovacs (Licht)

Charlotte de Montcassin (Sound)
Telmo Branco, Vanessa Budai (Dramaturgische Mitarbeit)
8. & 9. Juni 2018, Uferstudio 14, HZT Berlin
Herzlichen Dank an Wanda Golonka, Colin Walker und das gesamte mAC - Team
Mit freundlicher Unterstützung von: Deutschlandstipendium, Deutscher Bühnenverein

Annelie Andre, geboren 1993 in Salzburg, hat
„Zeitgenössische Tanzpädagogik“ an der MUK
in Wien studiert. Nach dem Studienabschluss
mit dem interdisziplinären Gruppenstück
MITTAG7 sammelte sie Bühnenerfahrung als
Performerin und Choreographin in kollaborativen
Projekten sowie in Solo-Arbeiten, u.a. beim
Imagetanzfestival 2016 (Wien) mit ihrem Solo
SYS4. Neben der choreographischen Arbeit
unterrichtet sie Zeitgenössischen Tanz,
Improvisation und Komposition in der freien Szene
und an verschiedenen Bildungsinstitutionen in
Wien, Salzburg und Berlin. Seit einiger Zeit ist
sie auch als Musikerin mit Loopstation, Handpan,
Klavier und Stimme in unterschiedlichen
Konstellationen und Kontexten tätig. Einige
ihrer Texte wurden in Anthologien veröffentlicht.
Als Künstlerin gilt ihr besonderes Interesse der
interdisziplinären Verbindung von Tanz, Text,
Raum und Sound sowie der Transformation des
Theaterraumes in einen vielschichtigen Ort des
Erlebens.
2013___Schichtung (FIDELIO Preis 2013)
2015___MITTAG7
2016___SYS4
2017___poetic_waters
2017___SYNTAGMA
2018___Laws of Power
2018___maC
MASTERSTUDIENGANG CHOREOGRAPHIE
HOCHSCHULÜBERGREIFENDES ZENTRUM TANZ BERLIN
Das Hochschulübergreifende Zentrum Tanz Berlin (HZT) wird getragen
von der Universität der Künste Berlin und der Hochschule
für Schauspielkunst „Ernst Busch“ in Kooperation mit dem Netzwerk
TanzRaumBerlin

ANNA KATALIN NÉMETH

© Martina Thalhofer

Ich bin mein Körper. Sinnlich und vergänglich. Ich
folge der intuitiven Stimme, die durch den Körper
zur Seele führt. Wo Vergnügen dem Schmerz
gleichkommt, und Transformation die Erfüllung
ist. Ich werde erst wirklich präsent, wenn ich nicht
mehr existiere. „Let the movement eat you.“ Ich will
keine Körper mehr sehen, welche die Bewegungen
tun, ich will Körper sehen, die selber zur Bewegung
geworden sind. Mein Tanz ist mein Wesen, meine
Arbeit, und meine Kunst ist mein Leben. Ich mache
keinen Unterschied, weil Gegenwart ist eins. Durch
fieberhafte Rhythmen, alleine oder mit anderen,
in der Einheit von tanzenden Körpern, versuche
ich den sinnlosen Käfig der Realität zu zerlegen.
Oder ich lasse mich wie ein Schmetterling im
Winde treiben und folge einfach der Kraft neuer
Begegnungen.
Ein Studienprogramm wie der maC ist nichts
anderes als ein greulicher Hurrikan, der über einen
Zeitraum von zwei Jahren durch den Menschen fegt.
Durch und durch reißt er alles auf, was er findet,
und setzt es in Bewegung. Er schafft Verwirrung
von Erinnerungen, Zielen, Intuitionen, erlernten
und instinktiven Vorlieben und Überzeugungen. Er
ist ein Sturm von Fragen und von begonnenen, aber
immer wieder neu zu formulierenden Antworten.
Ein faszinierendes, immer wiederkehrendes Chaos.
Wenn man aber für einen Moment innehält und
aus der ruhigen Mitte heraus diese spiralisierende
Kraft bewundert, erkennt man in der scheinbaren
Unordnung Ordnung und Entwicklung. Nur nicht
den Boden unter den Füßen verlieren.
Wohin mich dieser Hurrikan und die davor und
danach einwirkenden Kräfte hinleiten werden, weiß
nur die Zukunft. Ich wünsche mir nur, dass ich mich
selbst bis zu meinem Tot bewegen und andere in
Bewegung setzen kann.

© Carim Soleil Al Samarraie

Creatures of the soul
„I am not strange, weird, off, nor crazy, my reality is just different from yours“
A work inspired by Alice in Wonderland, by Lewis Caroll.
BAT Studiotheater February 2017
Performance:
Aya Toraiwa
Deva Schubert
György Jellinek
Alan Fuentes y Guerra
Concept/Choreography:
Anna Katalin Németh
Music: Gidge
Thank you for the team of BAT Studiotheater for this week of cooperation!

“In Absurdist experience suffering is individual, but from the moment that a movement
of rebellion begins, suffering is seen as a collective experience, as the experience of
everyone. Therefore the first step towards a mind overwhelmed by the absurdity of
things is to realize that this feeling, this strangeness is shared by all men, and the
entire human race suffers from a division between itself and the rest of the world.”
The Rebel by Albert Camus
SoulFolk
Premier 01. & 02. Juli 2017 Flutgraben e.V
Ein choreographisches Nachdenken über die Absurdität unserer Welt, über die Grenzen, die wir
kollektiven Existierens, welches uns vor der Absurdität bewahren kann…
Performance: Aya Toraiwa, Alexander Winder Lieberman, Deva Schubert, Sophia Krüger,
Musik: Hendryk K. Kar
Costume/Design: Tímea Vanka
Choreography Assistent: Sophia Krüger
Concept/Choreography: Anna Katalin Németh

© Andreas Prost
selber bauen, über die Einsamkeit der modernen Gesellschaft und über das Erleben
Flutgraben e.V.
Herzlichen Dank an:
Prof. Ingo Reulecke, Prof. Wanda Golonka, Dr. Christiane Berger,
Prof. Susanne Vincenz, Maxie Schreiner, Stephan Kostropetsch,
Andreas Harder, Maximilian Stelzl, das Team des HZT,
das Team der HfS „Ernst Busch“, Holger Hertling, Wolfgang
Schlegel, Matthias Krause und das Team des Flutgrabens,
den DAAD und an meine Familie für die Unterstützung!

“
The feet of your soul
“
TAKE RECEIVE DIGEST SEND TAKE RECEIVE
RECEIVE DIGEST SEND
Nature led me to understand my own resources, humanity as part of nature.
I started to discover myself, a moving body, as a renewable energy source which can function as
a channel of connection between all the Elements. In movement from the Inside to the Outside
and from the Outside to the Inside, created space for transformation.
Nature taught me to expose myself, my energy, my sources, to dive into exhaustion, step over
my boundaries and find the wonder and the joy in all perceivable actions. Listening carefully. It
became my daily practice and the base of my artistic research; how to generate energy, multiply
it and how to make it visible in a choreographed action or in interdisciplinary work.
This is the source of my art. It is a response towards society. A wish to keep open a channel of
an exchange through the honest language of the body.

DIGEST TAKE RECEIVE DIGEST SEND TAKE
© Anna Katalin Németh
Collaboration with KNI
In the early stage of the research of Arbeit/Spiel/
Muse a very rich collaboration with KNI Imre
Kövágó Nagy (photographer and painter) added an
interdisciplinary layer to my work. The relationship
between the body and its transformation to a photo
or into a painting drove my focus towards the question:
How to make the invisible visible? It shaped a
very sensitive, sensual and tension filled movement
language. Thank you Imre!
© Imre Kövágó Nagy

RESEARCH of
Arbeit/Spiel/Muse
(eng. Work/Play/Muse)
EXHAUSTION as a way
of TRANSFORMATION
CONNECTING through
PHYSICALITY. Finding
JOY in STRENGTH and
VULNERABILITY finding
TOGETHERNESS by
involving the Individual
EXPERIENCE
Herzlichen Dank an den Deutschen
Bühnenverein Landesverband
Berlin, der DAAD und
den Team des Flugwerk e. V.
Ein besonderes Dank an: Dr.
Christiane Berger und Be Van
Vark für die sehr unterstüzende
und inspirierende Betreuung/Mentorschaft.
DANCE PAINT PLAY
MUSIC RUN SHAKE
SING SHOUT HUG MOVE
SWEAT ROLL FALL
DRAW STOP REPEAT
DANCE
A PROCESS and
RESEARCH oriented
WORK to MAKE THE
ENERGY VISIBLE
and TENSE to rethink
LIFE and DANCE as a
RITUALISTIC ACTION.
© Anna Katalin Németh

Performance
Attila Andrási, Abraham Iglesias Rodriguez, Florencia
Martina, Imola Nagy, Laura Beschi, Nico Arawá
Paint
Juana Anzellini, Mathias Pelda
Scenography
Janja Valjarević
Costume
Bärbel Jahn, Ulla Hartmann
Music
Gábor Csongrádi
Dramaturgy and Light
Daniel Paiva de Miranda
Concept and Choreography
Anna Katalin Németh
© Martina Thalhofer

Anna Katalin Németh studierte und arbeitete
viel im Ausland: in Portugal, in Österreich, in
Deutschland und in Frankreich. Zur Zeit lebt sie
in Berlin. In den Augen ihrer Heimat und ihrer
Familie ist dies ein Verlust. Entstanden aus der
Not, ist es für sie zum Geschenk geworden.
Die Vielfalt, die Diversität von Kulturen, die
Notwendigkeit, ständig in Bewegung zu sein
hat sie kontinuierliche Reflektion, Akzeptanz
und Vertrauen in ihre Intuition gelehrt. Anna
arbeitet gerne sozial-, generationen- und
genreübergreifend.
Meine Kunst lebt von dem Glauben an die
Erneuerung der Lebensenergie durch die Kraft
von Bewegung und Tanz. Meine Muse ist das
Mysterium der ständig sich verändernden Natur
und des puren menschlichen Körpers als Teil
dieser Natur. Ich suche im Tanz nach der Kraft,
welche die Unterscheidung zwischen Realität
und Mystik auflöst.
2018__ Arbeit / Spiel / Muse
2018__You again
2017__13 x 11 x 10 x ∞
2017__SoulFolk
2017__Siendo
2016__I saw you last night
https://vimeo.com/annakatalinnemeth
2018___maC
MASTERSTUDIENGANG CHOREOGRAPHIE
HOCHSCHULÜBERGREIFENDES ZENTRUM TANZ BERLIN
Das Hochschulübergreifende Zentrum Tanz Berlin (HZT) wird getragen
von der Universität der Künste Berlin und der Hochschule
für Schauspielkunst „Ernst Busch“ in Kooperation mit dem Netzwerk
TanzRaumBerlin

SHIRAN ELIASEROV

©Martina Thalhofer

Ich lebe in einer Zeit, in der die Suche nach Wahrheit
eine Begegnung zwischen Wissenschaft und
Spiritualität herstellt. Diese Schnittstelle brachte
mich dazu, Fragen nach Herkunft und Wesen zu
stellen.
Ich habe herausgefunden, dass die Suche nach
Authentizität - als die unaufhörliche Replikation
des Selbst und dessen Möglichkeiten des Seins -
ihre Bedeutung verloren hat.
Wohin könnte ich gehen, um Wahrheit zu finden?
Roland Barthes sagt: “If a myth is to be effective it
must be believed in by its audience.”
Ich sehe das Potenzial dieser erzeugten Wahrheit
auf der Bühne und kreiere eine Brücke, die uns
erlaubt, dorthin zurück zu kehren, wo die wahre
Choreographie immer schon existiert hat: in unseren
lebendigen Körpern. Es ist mein Bestreben als
Choreographin, innere Muster und Impulse an die
Oberfläche zu bringen, das “make believe” in die
Sphäre des Bewusstseins zu holen.
Das Studium war für mich eine luxuriöse Möglichkeit,
mich meinen künstlerischen xProzessen über
eine Dauer von zwei Jahren intensiv zu widmen
und sie weiter zu entwickeln. The egg shells were
not easy to break. Doch durch das Offenlegen meiner
Schwierigkeiten habe ich neue Kraft geschöpft
und Vertrauen in meine Arbeit gewonnen
Sie haben mich gefragt: Wo wirst du in ein paar
Jahren sein?
Far across and wild beyond, tempting while I get
there…

The Empty

Performers: André Lewski, Silja Korn, Dessa Ganda,
Tarren Johnson, Matan Goldenberg
Choreographer Assistance & dramaturgy:
Nuphar Blechner
Academic support: Susanne Vincenz
Technical support : Andreas Harder
Preformed in Silent Green, Berlin

„The Empty“ is portraying five true stories of survival or near death
experiences. Each performer is listening through his earphones
to a virtual sound journey that was composed for his/her to
re-live their own experience. Through this choreographic work
Shiran Eliaserov embodies the potential of an auditory virtual
environment to examine how oneself can evoke an action, regain
control, and transform their personal experience of survival.

SOMATIC JOURNEY THROUGH 3D GLASSES
• As a part of my understanding of how images are controlling our reality I developed a short
score that is bringing one person to interact with 3D glasses - an object of popular culture.
Let‘s play an active role of shifting your perception of reality.
• Please put on your 3D glasses and follow the instruction below:
• On the left side there is the red world
• On the right there is the blue world
• Please cover your right eye and keep the left eye wide open
• First blink a bit, get used to the colours around you, to the different shades of red. Check the
distance of the objects how far they are from you, and then from each other. Try to get them
as three dimensional as possible. give them depth and check how sharp you can get with your
vision.
• Imagine you are a photographer working in a darkroom, developing a film - But now the
darkroom has overtaken your world. there is no anticipation for a picture to come out from a
container full of liquid…
• You need to fill up another container in water so you go to the bathroom. Instead you
decide to open the tap to feel some running water over your skin. stay there, meditate to the
sounds and textures coming to your eyes and ears..
• There is a constant sound of water…the images you have developed earlier in the darkroom
are now starting to appear… like flashbacks..
• What do you see? Stay there and let the images come to you.. like memories
• Take your time
• After a while .. you observe that your skin got a weird texture from the water..
• Slowly you start to sense there is someone approaching you from the back. You wish to turn
your head but you keep on concentrating in the sound of water.
• You can’t overcome your curiosity. You close the tap and turn around
• Wipe your wet hand cover your left eye
There is nobody behind you… but you keep on feeling a presence..

• Wipe your wet hand and cover your left eye
• There is nobody behind you… but you keep on feeling a presence..
• The only thing you can remember from this person is their blue eyes, is it a man? a woman?
child? You go to trace him/her..
It all feels like an hallucination, but fresh fragile one.
• Find her/him and ask her/him if you can look into their eyes, it seems like you have to go
through a few glass walls, deep inside in order to see better…
• Linger…
• Take your hand off the glasses
• Your eyes decide to blink fast, you look around …. It feels like you‘re at a party in Barghain!?!
You walk between the people, and start to look for the missing piece of the puzzle..
• Suddenly you remember the sound of the running water (from the bathroom before), and
you decide to leave the party…
• Amons the crowd you hold your breath…. close your eyes for 10 seconds and open only
the right eye
Suddenly, you are inside of a water tank, you push yourself to get out… your voice is very low.
• Call: “Hello, Hey….. “ it seems like time has been shifted … or stretched… people and
objects are looking back at you. You observe the silhouette of their movement. it moves you
too…
• Immerse yourself in the blue.. the blue thoughts, feelings and textures..
• Close your eyes and let your eyes and breath rest for some time.
• Suddenly you don’t want to leave..
• You take off the glasses
• Slowly you let the light enter into your eyes, you open them and receive the present situation.
There might be objects, sound or people around: You scan your surrounding and observe the
difference in the three dimensionality that the colours / light / shadows are giving if without the
glasses.

ようこそ
All photos by © Johan Planefeldt

Shiran Eliaserov ist freie Choreographin, Performerin
und Video-Künstlerin. 2011 schloss sie
ihre Tanz-Ausbildung am SEAD - Salzburg Experimental
Academy of Dance ab. Derzeit studiert
sie Choreographie am Hochschulübergreifenden
Zentrum Tanz (HZT) Berlin.
Sie arbeitet intensiv mit dem schwedischen Regisseur
Johan Planefeldt zusammen. Mit ihm
hat sie „Holytropic Film Productions“ gegründet,
spezialisiert auf Tanzfilme, Fiktion und Branded
Content.
Sie haben für den Film “THE WIND”den PEARLS
ARTIST PRIZE von POOL17 / international dance
film festival Berlin gewonnen. Shiran wird unterstützt
von der Mifal ha Paise foundation.
2018___Beyond Control
2017___The Empty
2016___ The arrow of time
2016___ The wind - film (choreographer, editor,
director)
2015___ Configuration of a broken figure
2012___Blinking time to meaning
2011___The world of in-between (2)
2010___The world of in between (1)
2010___The see-through people
www.shiraneliaserov.com
www.holytropic.com
2018___maC
MASTERSTUDIENGANG CHOREOGRAPHIE
HOCHSCHULÜBERGREIFENDES ZENTRUM TANZ BERLIN
Das Hochschulübergreifende Zentrum Tanz Berlin (HZT) wird getragen
von der Universität der Künste Berlin und der Hochschule
für Schauspielkunst „Ernst Busch“ in Kooperation mit dem Netzwerk
TanzRaumBerlin

ANTOINE CARLE / Tchivett

Das maC-Studium war für mich eben diese Passage,
die mir einen neuen Raum eröffnet, in dem
ich gedeihen kann und der mich mit Motivation und
Anregungen erfüllt.
Aller Desorientierung zum Trotz, die ich immer
wieder spürte, war ich gezwungen mein Zentrum
zu finden und entdeckte dabei, dass jene Stellen,
an denen ich mich am unsichersten fühlte, meine
tatsächlichen Stärken sind. Ich erkannte, dass
Unsicherheit und Verletzlichkeit kein Zeichen von
Unvermögen sind sondern im Gegenteil ein unhintergehbarer
Teil meiner künstlerischen Arbeit, die
immer auch bedeutet, ein Risiko einzugehen und
eine Reise in das Unbekannte zu unternehmen.
Meine Erfahrungen während des Studiums haben
mir ein physisches Verständnis davon vermittelt,
was ein kreativer Prozess ist, wie transformativ
er sein kann – eine Quelle neuer Inspiration und
künstlerischer Lust.
Meine choreografische Praxis ist eng mit meinem
Hintergrund in bildender Kunst, Performance Art
sowie alternativer und Queer-Kultur verbunden. So
ist eine Ästhetik entstanden, die oft sehr visuell und
stilisiert ist und Sensibilität, Seltsamkeit und eine
entspannte Authentizität miteinander verbindet.
Die letzten beiden Jahre haben mir erlaubt, all jene
Ressourcen zu bündeln, die ich in vielen Jahren des
Tanzens, der Forschung und kreativer Prozesse
und Trainings gesammelt habe. Ich habe sie innerhalb
der maC Studien angewandt, erprobt, befragt
und reflektiert und habe so Vertrauen in diese Ressourcen
gewonnen.
Von einem autodidaktischen Künstler, der in queere
und alternative Szenen eingreift und seine Kunst
aus nichts kreiert, habe ich mich hin zu einem Choreographen
entwickelt, der künstlerische Prozesse
anleitet, formt und in eine Produktion, ein Tanzstück
münden lässt.
Choreographieren bedeutet für mich, mittels unserer
eigenen organischen Materie sich bewegende
Skulpturen und Landschaften zu erschaffen. Dem
liegt die Vorstellung zu Grunde, dass alle Materie
der Welt, einschließlich des tanzenden Körpers, in
einem konstanten Fluss ist. Die Umwelt verbindet
sich zu physischen Formen, und die Körper lösen
sich wieder in ihnen auf. Ich möchte dazu einladen,
im Fließen mit der Welt eine queere, anti-identitäre,
physische und künstlerische Praxis einzunehmen.
Darin lässt sich eine Quelle der Ermächtigung und
Handlungsfähigkeit finden, mit deren Hilfe wir unsere
eigenen ephemeren Formen, unsere eigenen
sich transformierenden Körper und unsere eigenen
Arten des Existierens formulieren können, und so
subjektive Beiträge zu Fragen unserer Zeit liefern.

My eyes fly over this shape engraved in the matter. My eyes are drawn into this hollow, its silence and emptiness as a magnetic force.
Its concave shape offers space to my body. My mind is already flowing inside, my fantasies infuse into the darkness at the bottom.
I‘m softening and melting to the hollow, I lose the sense of the limits of my own body. Floating in a liminal space between matter
and myself, between immobility and movement. My thoughts are drifting. I meditate on what gives us a shape. The compromises we
make to adjust ourselves to the hard rule of the mould that’s applied to us. What attitude do we adopt in face of the metaphysical
wall of our limits? As we sink into the moulds and overflow again, how are we looking for our own shape? What is my bodily utopia?

HOLLOW MATTERS

In „Weaves and Spirals“
verwandle ich mich selbst in eine Skulptur und
benutze das Publikum als physisches Material,
um Formen im Raum zu erschaffen. Dazu habe
ich meine Fragen zu Weiblichkeit und Geschlechtsrollen
thematisiert.
Le tissage est noué et dénoué, de ligne, de connexions et
de traces de mouvements.
Ça se passe entre les corps, et ça entre en dedans à nouveau,
en dessus, en dessous.
C’est dans la physicalité d’une danse devant vous, et soudain
c’est en vous, vous êtes dedans, puis en dehors.
Ça entre et ressort en spirales, décrit des boucles dans
l’espace, contre le mur, ou dans un corps sculpture,
un objet.
L’œuvre elle même est construite et déconstruite et semble
se glisser, fluide, entre les formes, l’espace et le temps.
Alors que le langage de la division semble occuper tout
l’espace et déterminer la pensée collective, le travail de
recréer le lien effectué chaque jour passe inaperçu, comme
invisible dans l’arrière plan, bien que sans cela nos
conditions de vie seraient complètement désintégrées.
Inquantifiable ? Inqualifiable ? A t-on trop peu de mots
dans notre langage pour le dire ? Une culture trop débile?
Qualité féminine et donc dévaluée ? La douleur
d’une dispute a suscité l’urgence d’inventer un art de
guérir et de se réconcilier. Peut être la danse est à
même de le formuler, ou bien la rencontre entre l’œuvre
d’art et la personne est l’occasion elle même de renouer?

In
„Zombie
Queer
Punk
Urban
Post
Porn
Horror
Show“
verwandelte ich meine
Darsteller mit Bodypainting
in eine queere Version
der Popkultur-Figur
des Zombies. Wir haben
dann einen Post-Porno-Kurzfilm
in der Stadt
gedreht, um die aktuelle
Gentrifikationsdynamik
in Berlin offen zu legen.
Der Film wurde in meiner
Sommerprojekt-Performance
gezeigt, in der
wir auch darstellten,
wie Gentrifizierung und
angespannte wirtschaftliche
Bedingungen unser
tägliches Leben beeinflussen,
während luxuriöse
Immobilienprojekte die
Stadt verändern.
In Berlin, As gentrification is raging everywhere, Undead creatures appear
around construction sites. Queer exploited bodies, drained out of their
life. Walking corpses still animated by the drive of love. Turned on by
the city transforming. They are sexing the landscape of the slow-motion
capitalist apocalypse. As if there were no tomorrow.

Sedimentierte ...
Einige Gebäude, die den Körper
der Stadt bilden, wurden
mit großer Hoffnung und
Träumen aufgebaut.
Sie waren die Verkörperung
einer Utopie oder einer Vision.
Nach einiger Zeit jedoch ist
der Traum obsolet, der Körper
immer noch da, einer Hülle
gleich, vielleicht für neue
Träume, um dort zu leben…

... Träume
... Wie ein Baum, der die Zeit
Schicht um Schicht in seinem
eigenen Körper markiert.
Auch unsere Körper tragen die
Empfindung von etwas, das uns
berührt hat, das uns bewegt und
inspiriert hat und nun nicht mehr
da ist. Wie haben die Träume der
Vergangenheit sich transformiert?
Was sind die neuen Träume, mit
denen wir unsere Körper und auch
unsere Stadt anreichern wollen?
Herzlichen Dank an Martina, Jascha, Jochen, Juli, Harvey, Wanda, Christiane und alle,
die zu diesen Portraitheft beigetragen haben.
Bildnachweis - Seite 2: Martina Talhofer, Seite 4: Antoine Carle (oben), Martina
Talhofer (unten), Seite 5: Niels Weijer (oben), Jeremy Barzic (unten), Antoine Carle
(rechts), Seite 6 - 7: Annelie Andre (mitte & oben rechts), Elliot Bursch (mitte
rechts), Antoine Carle (unten rechts), Seite 8: Gilles Aguilar, Seite 9: Harvey Rabbit,
Seite 10: Martin Müller, Seite 11: Karsten Dirk Gloger.
Performer*innen: Camille Käse, Josephine Mühle, Vanessa Jupiter, Elena Dragonetti,
Bishop Black & Tchivett

Antoine Carle ist seit 2011 Performer,
Tanzmacher und Improvisator. Er hat fünf Solo-
Tanz-Performances kreiert und ist international
getourt. Unter anderem hat er für Reenactments
von Hanna Halprin und Marina Abramovic, die
choreografischen Stücke von Atsushi Takenouchi
und Annabel Guérédrat, und in Berlin mit
Shannon Cooney, Jolika Südermann und Josep
Caballero getanzt. Er unterrichtet regelmäßig
Butoh, Kontaktimprovisation und somatische
Praxis in Workshops und Klassen. Darüber
hinaus trug er zu verschiedenen Kollektiven
der Tanzforschung und -performance (Danses
bizarres, CORPOL, Collective matters, usw.) mit
Schwerpunkt auf queer Kultur, feministischer
Politik und selbstorganisierung bei. Er schrieb
sich 2016 in den maChoreographie am HZT
ein und entwickelte seine eigene Praxis als
Tanzmacher.
2012___Infante
2013___Melani
2014___Stela
2015___Zombie Queer Punk Sexy Dance Show
2016___Weaves and Spirals
2017___Sedimentierte Träume
2018___Hollow Matters
www.vimeo.com/tchivett
2018___maC
MASTERSTUDIENGANG CHOREOGRAPHIE
HOCHSCHULÜBERGREIFENDES ZENTRUM TANZ BERLIN
Das Hochschulübergreifende Zentrum Tanz Berlin (HZT) wird getragen
von der Universität der Künste Berlin und der Hochschule
für Schauspielkunst „Ernst Busch“ in Kooperation mit dem Netzwerk
TanzRaumBerlin

JARA SERRANO

Ich pendle zwischen Fantasie und Realität.
Im Studium konnte ich in einer geschützten
Umgebung reifen. Indem ich mich mit meinen Ideen
zu positionieren lernte, konnte ich sie vertiefen
und mich auf das jeweils Spezifische fokussieren.
In der Zukunft möchte ich diesen Weg fortsetzen,
noch tiefer in meine Arbeitsweise eintauchen, Sicherheit
gewinnen, um mich auf dieser Basis immer
wieder in Frage stellen zu können.

JARA SERRANO (1983, Madrid) studierte
Klassisches Ballett an der Ballettschule
Victor Ullate in Madrid, schloss ihr Studium im
Zeitgenössischen Tanz an der Amsterdamse
Hogeschool voor de Kunsten in Amsterdam
ab (2002-06) und nahm am Tanzprogramm
„D.A.N.C.E across Europe“ teil, einem
interdisziplinären Programm in Brüssel (2005-
06). Zurzeit absolviert sie ihren Master in
Choreographie am Hochschulübergreifenden
Zentrum Tanz (HZT) in Berlin (2016-18).
Ihre Arbeitserfahrungen mit den Choregraf*innen
William Forsythe, Pierre Droulers, Colette Sadler
und Nadja Raszewski gaben ihr Impulse für die
Erarbeitung eigener choreographischer Projekte.
2018___ART.nr: 247Y36
2018___PAUSEFISK
2017___IN ANDEREN HÄNDEN MIT ANDEREN
KÖRPERN
2017___VERSTECKTES LEBEN. Welcome Home!
2017___EMILY UND THE DETRAUMATIZER
2016___UTOPISCHER ERFOLG
2015___UNSICHTBARE GEDANKEN
http://www.jaraserrano.dance
facebook.com /Jara Serrano
2018___maC
MASTERSTUDIENGANG CHOREOGRAPHIE
HOCHSCHULÜBERGREIFENDES ZENTRUM TANZ BERLIN
Das Hochschulübergreifende Zentrum Tanz Berlin (HZT) wird getragen
von der Universität der Künste Berlin und der Hochschule
für Schauspielkunst „Ernst Busch“ in Kooperation mit dem Netzwerk
TanzRaumBerlin

IMPRESSUM
Herausgeber Hochschulübergreifendes Zentrum
Tanz (HZT) Berlin
Redaktion/Lektorat Christiane Berger
Gestaltung Jascha Viehstädt, Wanda Golonka
Grafik Amandine Maudry
Auflage 1000 Stück
Team maC Prof. Wanda Golonka
(Studiengangsleitung), Prof. Ingo Reulecke, Prof.
Susanne Vincenz, Dr. Christiane Berger
Diese Publikation erscheint zu den Abschlussarbeiten
des Masterstudiengangs Choreographie
des HZT Berlin.
www.hzt-berlin.de | mac@hzt-berlin.de
© HZT Berlin 2018
Das HZT Berlin wird getragen von der Hochschule für Schauspielkunst “Ernst Busch” und der Universität der
Künste Berlin in Kooperation mit dem Netzwerk TanzRaumBerlin.

aNNELIE aNDRE
aNNa KaTaLIN NÉmETH
SHIRaN ELIaSEROV
aNTOINE CaRLE
JaRa SERRaNO