inhaltsverzeichnis - Gymnase Auguste Piccard

INHALTSVERZEICHNIS
A. Einführung S. 1
B. Historischer Überblick S. 2
C. Die 30er Jahre - Das Filmschaffen im 3. Reich S. 4 - 22
1. Zusammenfassung S. 4
2. Markante Regisseure S. 7
3. Markante Schauspieler S. 11
4. Zu den fünf Filmen, die ich mir angeschaut habe S. 15
D. Fazit S. 22
E. Bibliographie S. 24

A. Einführung - (Warum ich dieses Thema gewählt habe)
Dieses Thema hat mich besonders angesprochen, weil ich mich einerseits für Kino sehr
interessiere, sowohl für ältere als auch für aktuellere Filme, und andererseits wollte ich
mich mit der Geschichte des Filmschaffens auseinandersetzen.
Da ich zweisprachig aufgewachsen bin (deutsch und französisch), habe ich nicht lange
gezögert, mich mit diesem Thema zu beschäftigen. Dazu bin ich Ende des 1.
Gymnasiumsjahres drei Monate in Deutschland gewesen und habe dort auch viel über
die Periode 1933-1945 gelernt. Als “halb-Deutscher” kann ich zu dieser Zeit kein neutrales
Verhältnis haben. Es war natürlich spannend, den Text auf Deutsch zu schreiben und
das Filmschaffen im Zusammenhang mit den historischen Ereignissen zu beobachten und
daraus Konsequenzen zu ziehen. In der Familie reden wir oft über dieses Thema und ich
versuche mich damit auseinanderzusetzen.
Weil es nicht möglich war, die ganze Geschichte der Balbelsberg Studios in Berlin gründlich
zu studieren, habe ich mich mehr auf das 3. Reich fokalisiert und das, weil diese
Periode Deutschland und die ganze Welt sehr beeinflusst hat und natürlich auch das
Kino. Ich werde zuerst einen kurzen historischen Überblick über die ganze Geschichte
der Babelsberg Studios machen. Dann konzentriere ich mich auf die Periode von 1933
bis 1945, in dem ich eine Zusammenfassung dieser Zeit mache, markante Regisseure
und Schauspieler erwähne, die geblieben sind oder ins Auslang gegangen sind, und über
die fünf Filme, die ich mir angeschaut habe. Zum Schluss kommt das Fazit: eine
Synthese meiner Arbeit und meine persönliche Meinung zu dieser Maturaarbeit. Ich
werde versuchen, eine Arbeit zu schreiben, die sowohl informativ wie persönlich ist. Dazu
ist es wichtig, den Text in seine eigenen Worte zu fassen.
Um die Maturaarbeit besser illustrieren zu können, habe ich auch einen Ausschnitt aus
jedem Film gewählt und werde ihn auch kommentieren. Ich habe natürlich auch Bilder
über Regisseure, Darsteller und Filme hinzugefügt, die das Filmgeschehen der
Babelsberg Studios in Berlin über 90 Jahre geprägt haben.
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B. Historischer Überblick - (90 Jahre Geschichte 1912-2002)
Die Geschichte der Babelsberg Studios fängt 1911 an, als Guido Seeber, ein
Kameramann und Erfinder aus Berlin, mit seiner Bioscop-Filmgesellschaft aus einem kleinen
Berliner Fotoatelier nach Babelsberg zieht, um Filme zu drehen. Die Babelsberger
Studios befinden sich in Potsdam, im Süd-Westen von Berlin:
Dort wird ein lichtdurchflutetes Atelierhaus aus Glas gebaut. Ab Februar 1912 beginnen
die Dreharbeiten. Daraus entsteht der erste Film Der Totentanz von Urban Gad mit der
dänischen Schauspielerin Asta Nielsen in der Hauptrolle. Während des ersten Weltkrieges
versucht Seeber, seine Filmfabrik, die er Stück für Stück ausbaut, zu retten. 1920 fusioniert
die Deutsche Bioscop Gesellschaft mit dem Filmkonzern Eclair “Decla” in
Babelsberg zur “Decla Bioscop”. Ein Jahr später geht die Decla Bioscop in der 1917
gegründeten Ufa (Universum Film AG) auf. Die Ufa übernimmt damit die Führung in
Babelsberg und entwickelt das Studio zum Standort der deutschen Filmindustrie. Es
entstehen Meisterwerke des Stummfilms wie Die Nibelungen (Fritz Lang, 1922/1924) oder
Faust (Friedrich Wilhelm Murnau, 1926). Mit Metropolis (Fritz Lang, 1926) wird das
grösste Filmstudio Europas, die Mittelhalle (heute “Marlene Dietrich Halle” genannt), eröffnet.
Danach beginnt ein neues Kapitel der Filmgeschichte: in Babelsberg wird im Jahre 1929
das modernste Tonstudio seiner Zeit mit vier kreuzförmig angeordneten Ateliers
(Tonkreuz) gebaut. Melodie des Herzens (Hanns Schwarz, 1929) mit Willy Fritsch ist der
erste deutsche Tonfilm. Der Film wurde als Stummfilm konzipiert und erst nachträglich mit
Ton unterlegt. Musiker und Artisten, die in den Vorprogrammen der damaligen grossen
Stummfilmkinos auftraten, wurden arbeitslos. Es folgen andere sehr erfolgreiche Filme:
Der blaue Engel (Josef von Sternberg, 1930) mit Marlene Dietrich und Emil Jannings in
den Hauptrollen, Berlin Alexanderplatz (Phil Jutzi, 1931) oder Der Kongress tanzt (Erik
Charell, 1931). Schauspieler, die bis dahin unbekannt waren, stehen plötzlich im
Rampenlicht: Hans Albers, Willy Fritsch, Greta Garbo, Hans Moser, Jenny Jugo, Heinz
Rühmann, Lilian Harvey, Heinrich George, Werner Krauss und natürlich Marlene Dietrich.
Doch der deutsche Film hat nur einige Jahre diesen grossen Erfolg.
1935 werden die Filmbetriebe verstaatlicht. Von 1933 bis 1945 werden ungefähr 1’000
Spielfilme in den Hallen und auf dem Gelände gedreht. (Ich werde die Zeit von 1933 bis
1945 ausführlicher im Hauptkapitel studieren).
Der erste deutsche Nachkriegsfilm Die Mörder sind unter uns (Wolfgang Staudte,1946)
mit Hildegard Knef und Ernst Wilhelm Borchert wird in Babelsberg gedreht. Am 17. Mai
1946 wird die “DEFA Film AG” gegründet, aber erst ab 1948 erlaubt die sowjetische
Armee der DEFA, auf dem Studiogelände zu drehen. Es entsteht der erste Film unter der
DEFA-Ära, ein Zirkusfilm: 1-2-3 Corona (Hans Müller, 1948). Vier Jahre später wird die
DEFA volkseigener Betrieb und zum Hauptproduzenten von Spiel- und Fernsehfilmen der
DDR. Staat und Politiker haben Einfluss auf die Produktion. Bald arbeiten mehr als 2’000
Künstler, Techniker, Erfinder, Handwerker und Verwaltungsangestellte in der Filmstadt, die
sich auf 460’000 qm ausdehnt. Mehr als 700 Spielfilme und 540 Fernsehfilme entstehen
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in 45 Jahren, darunter ungefähr 160 Kinderfilme. Zu den bemerkenswertesten Werken
der DEFA gehören antifaschistische Filme wie Die Mörder sind unter uns (Wolfgang
Staudte, 1946), Ich war neunzehn (Konrad Wolf, 1968) und Publikumslieblinge wie Die
Legende von Paul und Paula (Heiner Carow, 1972).
Nach dem Fall der Mauer wird die DEFA am 1. Juli 1990 Kapitalgesellschaft. Im August
1992 übernimmt der französische Konzern Compagnie Générale des Eaux (heute Vivendi
Universal), die ehemeligen DEFA-Filmstudios in Babelsberg. Mehr als 1’000 feste
Mitarbeiter arbeiten überwiegend an Fernsehproduktionen und im Filmpark Babelsberg.
Studio Babelsberg etabliert sich als Filmproduzent und wird bekannt unter dem Moto “The
studio where Fritz Lang shot Metropolis and where Marlene Dietrich crossed her lovely
legs”. Das Unternehmen investiert mehrere Millionen Euro in das Filmstudio und seine
Hallen. Dadurch wird die Infrastruktur geschaffen, um sich erfolgreich am Markt zu beteiligen.
Mit Enemy at the Gates (Jean-Jacques Annaud, 2000) entsteht der bislang teuerste
europäische Film. Es folgen sehr erfolgreiche Filme wie Taking Sides (Istvàn Szabò,
2001) mit Stellan Skarsgård und Harvey Keitel in den Hauptrollen oder The Pianist
(Roman Polanski, 2001). Dieser Film gewann im Jahre 2002 die Goldene Palme in
Cannes.
Im Jahre 2002 gründet Vivendi-Deutschland die Firma Studio Babelsberg Motion Pictures
GmbH. Im Jahre 2003 fangen die Dreharbeiten zur Neuverfilmung In 80 Tagen um die
Welt (Frank Coraci, 2003) an. In diesem Film übernimmt der weltberühmte Schauspieler
Jackie Chan eine der Hauptrollen.
Heutzutage verfügt Studio Babelsberg über eines der modernsten digitalen Mischateliers
der Welt. Dies beweist, dass die Babelsberg Studios, nach dem Fall der Mauer, eine
Wiedergeburt erlebt haben und heute zu den grössten europäischen oder vielleicht sogar
weltweit grössten Filmproduzenten gehören.
Die Firma Studio Babelsberg Motion Pictures GmbH besteht aus dem Mediana Haus (1),
Fernsehzentrum Babelsberg (2), Film Casino (3), Tonkreuz (4), aus der Marlene Dietrich
Halle (5), aus den neuen West-neuen Ost Mischstudios-Synchronproduktion (6), aus dem
Sound Department (7), aus der Vorbau Halle (8), aus dem Plaster (9), aus den Requisiten
(10), aus dem Kostümstudio (11), Filmpark Babelsberg (12), FX Center Babelsberg (13),
aus der HFF Hochschule für Film und Fernsehen (14), aus dem ORB (15), aus der
Caligaris Halle (16) und aus dem Stuntshow “Vulkan”(17). Siehe Plan, umstehende Seite.
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C. Die 30er Jahre (bis zum Ende des 2. Weltkrieges) - Das
Filmschaffen im 3. Reich
1. Zusammenfassung
Im Jahre 1933 kommen die Nationalsozialisten an die Macht und Hitler wird im Januar
zum Reichskanzler ernannt. Joseph Goebbels wird zum Minister für Volksaufklärung und
Propaganda ernannt. Der NS-Staat bzw. Goebbels betrachtet den Film als geistige Waffe,
als Mittel, um Politik zu verschönern und das Bewusstsein der Menschen zu beeinflussen.
Er selbst nennt sich auch “Schirmherr des deutschen Films”. Er dirigiert das Filmwesen
und plant die Filmproduktion. Er versucht auch, über die Führung der deutschen
Filmgesellschaften hinweg Entscheidungen zu treffen und die Gagengestaltung der
Künstler zu ändern. Von 1933 bis 1945 werden rund 90% von den 1’100 Spielfilmen als
Unterhaltungsfilme gedreht.
Juden, Kommunisten, Sozialdemokraten, Freimaurer, Andersgläubige, Andersdenkende
und politisch “Missliebige” werden entlassen und verfolgt. Wer nicht “arisch” ist, wird nicht
in die Filmstadt Babelsberg aufgenommen und wer nicht schon im Filmgeschäft ist, kann
auch keinen Filmberuf ausüben. Manche Jüdische Schauspieler ändern ihren Vor- und
Nachnamen, damit sie weiterhin im Filmgeschäft arbeiten können. Die Ausschliessung
der Juden ergibt ein Ungleichgewicht im Film. Die freien Plätze (sowohl im administrativen
wie künstlerischen Bereich) werden nicht unbedingt von überzeugten Nazis besetzt.
Unter der Herrschaft der NSDAP muss auch das Privatleben der jeweiligen Regisseure
und Schauspieler “rein” sein. Man muss einen Arier als Ehepartner haben, aber viele
Filmstars verstossen gegen diese Regel und müssen die Konsequenzen dafür tragen: die
Freundin von Hans Albers muss fliehen und Henny Porten weigert sich, sich von ihrem
Mann zu trennen. Während sich Heinz Rühmann sich von seiner Frau trennt, denn er
unterstützt die NSDAP; Andere festgenommene Juden werden extra aus den Ghettos
geholt, um in Filmen mitzuspielen. Regisseure und Schauspieler wie Fritz Lang, Lilian
Harvey, Peter Lorre, Marlene Dietrich, Erich Pommer, Erik Charell oder Detlef Sierck verlassen
Deutschland und versuchen ihr Glück in Hollywood.
Nach dem Wahlsieg der NSDAP wird zunächst im Namen des Regimes gedreht; das
Haupthema ist die nationale Revolution gegen Kommunismus und die linken Parteien. So
entstehen in der ersten Hälfte der dreissiger Jahren Filme im nationalsozialistischen Sinn.
Gleich zu Beginn, d.h. im Jahre 1933 werden drei “nationale Grossfilme” gedreht:
Morgenrot (Gustav Ucicky, 1933), Flüchtlinge (Gustav Ucicky, 1933) und Hitlerjunge Quex
(Hans Steinhoff, 1933). Morgenrot (Gustav Ucicky, 1933) ist von Todessehnsucht geprägt;
als sich im havarierten U-Boot zwei Bestazungsmitglieder erschiessen, weil es nur acht
Rettungsanzüge für zehn Überlebende gibt, führt der Kapitän einen Monolog: wozu noch
leben, wo geschafft ist, was zu schaffen war; doch dann sagt er sich, das Opfer müsse
angenommen werden, denn “unser Leben gehört ja gar nicht mehr uns”, nun müssten sie
wieder und wieder hinausfahren in den Kampf, “bis uns der liebe Gott beurlaubt”. Das
Sterben für das Vaterland wird also zu einer Art Lebenseinstellung.
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Der deutsche Film wird von Jahr zu Jahr immer mehr zu einem wichtigen Mittel der
Massenbeeinflussung. Goebbels ist einer der ersten, der die Massenkommunikation
benutzt. Er engagiert sich sehr für den Film: er verfolgt die amerikanische Produktion,
sieht alle Filme und trifft alle wichtigen Entscheidungen. Die Unterhaltung ist ein wichtiger
Stützpunkt für die Propagandafilme, die sich in der Minderheit befinden. Die Filme werden
in sogenannte Genres aufgeteilt: Komödie und Musical (Hälfte der Filme), Abenteuer und
Action, vor den “seriösen” Filmen und Themenfilme.
Nach 1933, ist im Film endlich Unterhaltung angesagt. Es wird viel gedreht, unter anderem:
Gold (Karl Hartl, 1934), Zu neuen Ufern (Detlef Sierck, 1937) oder Eine Nacht im
Mai (Georg Jacoby, 1938). Gold (Kral Hartl, 1934) wird in der Presse als “der grösste und
teuerste Film der Ufa-Produktion” bezeichnet. 1935 wird die Filmindustrie verstaatlicht
und ein Jahr später verbietet Goebbels sogar die Kunstkritik. Auch der Sport wird in die
Propaganda im Dritten Reich integriert, wobei Leni Riefenstahl eine wesentliche Rolle mit
den Filmen rund um die Olympiade 1936 einnimmt. Andererseits entstehen auch eine
Reihe “national-patriotischer” Filme, wie Ein Mann will nach Deutschland (Paul Wegener,
1934), Patrioten (Karl Ritter, 1937) oder Urlaub auf Ehrenwort (Karl Ritter, 1937). Diese
Zeit dauert ungefähr bis 1938. Dann verlangt Goebbels, dass die Filmthemen aus dem
Alltag der Menschen genommen werden müssen. Es entstehen z.B. das Melodrama
Heimat oder Pour le mérite (Karl Ritter).
Der Krieg rückt langsam aber sicher näher und Goebbels versucht, sich den
Erfordernissen diser Zeit anzupassen, um mit unterschiedlichen und wechselnden
Reglementierungen sowohl die geistige Mobilmachung zu fördern als auch das Volk mit
Unterhaltung bei guter Laune zu halten. Der wirtschaftliche Erfolg der Filme ist auf europäischer
Ebene gigantisch. Goebbels meint dazu: “Wir werden richtige Kriegsprofiteure”
(21. Oktober 1939). Ab November 1939 verlangt Goebbels, dass alle Filme durch das
Propagandaministerium vor Produktionsbeginn überprüft werden. Verarbeitung,
Drehbücher sowie Rohschnittfassungen müssen vor der endgültigen Fertigstellung vorgelegt
werden. Goebbels warnt davor, Filme “weltanschaulich zu übersättigen”, denn seiner
Erfahrung nach ist Propaganda unwirksam, wenn sie als solche erkannt wird. (Zitate von
Goebbels aus: GEISS Axel, Filmstadt Babelsberg, Berlin, Nicolai, 1994).
Von Januar bis März 1940 ist es in Deutschland eisig kalt. Dadurch werden die Ufa-
Ateliers für einige Zeit geschlossen, aber dies hält den Propagandaminister nicht davon
ab, Manuskripte und Filme täglich auf ihre Tauglichkeit zu prüfen, denn psychologisch
müssen sie für die Masse zugeschnitten sein. Im Dezember 1940 kommt der Film
Wunschkonzert (Eduard von Borsody, 1940) raus und hat ebenfalls einen grossen Erfolg.
Höhepunkte in diesem Film sind Lieder, die zu Schlagern werden. Sie sollen Optimismus
und Zuversicht in den Sieg deutscher Waffen vermitteln. Mitte 1941 sagt Goebbels in
einer Rede, dass die breiten Massen des Volkes an Deutschlands Schicksalskampf beteiligt
seien, und die Propaganda “zu einer Art geistiger Weltmacht” geworden sei. Er will,
dass die “Gedankengänge so einfach wie möglich auf die Masse übertragen werden, so
dass der letzte Mann von der Strasse in der Lage sei, sie zu beurteilen. Der Film sei eine
Kunst “für das Volk bis zu seinen primitivsten Regungen. Er appelliert nicht an den
Verstand, nicht an die Vernunft, sondern an den Instinkt.” (Zitate von Goebbels aus:
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GEISS Axel, Filmstadt Babelsberg, Berlin, Nicolai, 1994). Die Erhebung zu nationaler
Grösse, NS-Patriotismus und blinder Kriegsbegeisterung wird im Film Über alles in der
Welt (Karl Ritter, 1941) zuerst gezeigt. Der Film wird bereits 1939 in Babelsberg gedreht,
wegen des deutsch-russischen Nichtangriffspakts zurückgehalten und erst im Dezember
1941 aufgeführt. Dies ist noch gerade rechtzeitig, um die Jugend für den Kampf gegen
den “jüdisch-bolschewistischen Weltfeind” zu mobilisieren. Vom Film U-Boote westwärts
(Günther Rittau, 1941) verspricht man sich noch die nötige propagandistische
Begleitmusik im U-Boot-Krieg gegen England. Zum Überfall auf die Sowjetunion im Juni
1941 kommt der Film Stukas (Karl Ritter, 1941) in die Kinos. Er zeigt den
Kriegsaktivismus und die Übermacht der deutschen Armee ohne ein kritisches
Nachdenken aufkommen zu lassen. Obwohl Karl Ritter ein wichtiger Regisseur für die
Propaganda ist (neben Harlan, Steinhoff, Ucicky, ...) und immer versucht, sich der aktuellen
Kriegslage anzupassen, kommt er meistens zu spät. Germanin (Max W. Kimmich,
1943), der vorläufig letzte “wertvolle” deutsche Propagandafilm, wird von Goebbels’
Schwager gedreht.
Nach der Mobilmachung konzentriert sich die Produktion an erster Stelle auf musikalische
Komödien, die sich meistens in der Vergangenheit oder im Ausland abspielen, um eine
gewisse Freiheit der Sitten zu erlauben. Die Filme Hallo Janine! (Carl Boese, 1939) oder
Frauen sind doch bessere Diplomaten (Georg Jacoby, 1941) werden in dieser Zeit
gedreht. Frauen sind doch bessere Diplomaten (Georg Jacoby, 1941) ist der erste deutsche
Farbfilm. Ab 1941 gibt es keine private Produktion mehr. Die grössten Erfolge sind
die sogenannten weiblichen Melodramen: meistenes warten Mütter und Frauen auf ihre
Männer in Uniform. Die Filme, die diesem Genre entsprechen, sind z.B. Wunschkonzert
(Eduard von Borsody, 1940) mit 26 Millionen Besuchern oder Die grosse Liebe (Hansen,
1942) mit 27,4 Millionen Besuchern. Hitler beklagt sich bei Goebbels, dass es viele patriotische
Filme gibt, aber dass noch mehr nationalsozialistische Filme gedreht werden müssen.
Die Action-Filme - die kriegerisch, historisch oder auch nicht sind - produzieren einen
Sous-Genre, der über die verfolgten Volksdeutschen handelt. Filme wie Feinde
(Tourjansky, 1940), Heimkehr (Gustav Ucicky, 1941) oder Menschen im Sturm (Fritz Peter
Busch, 1941) gehören dazu. Vor der Endlösung der Juden kommt die Zeit der antisemitischen
Filme. In den drei nächsten Jahren werden folgende Filme gedreht: Robert und
Bertram (Hans Heinz Zerlett), Leinen aus Irland (Heinz Helbig, 1939), Die Rothschilds
(Waschneck), Über alles in der Welt (Karl Ritter, 1941), Carl Peters (Selpin, 1941), G.P.U.
(Karl Ritter, 1942) und natürlich die zwei bekanntesten Filme: Jud Süss (Veit Harlan,
1940) und Der Ewige Jude (Fritz Hippler, 1940). Goebbels holt sich auch gerne beliebte
Komiker wie beispielsweise Hans Moser, der z.B. im Film Karneval der Liebe (Paul
Martin, 1943) mitgespielt hat. Paradox ist, dass der teuerste Film des Nazi-Regimes einer
von denen ist, die am wenigsten die Ideologie der NSDAP zeigt: Münchhausen (Josef von
Baky, 1944) erhält nicht den erwarteten Erfolg; die Deutschen glauben schon nicht mehr
an Illusionen. Er wird gedreht während die deutschen Truppen in Stalingrad kämpfen
(später verlieren sie dort). Der Film entspricht also nicht mehr der politischen Lage und
der nationalen Stimmung.
Zum Schluss sammelt Goebbels nochmal alle Kräfte zusammen, damit die Bilder auch
der Realität entsprechen. Es werden Durchhaltefilme gedreht. Diese Art von Filmen soll
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dazu dienen, dass die Bevölkerung die Zähne zusammenbeisst während die deutschen
Truppen eine Niederlage nach der anderen akzeptieren müssen und das ganze Land
unter den Bomben liegt. Der bekannteste Film in dieser Zeit ist wohl Kolberg (Veit Harlan,
1943/45). In diesem Film spielen die berühmtesten Schauspieler dieser Zeit mit: Kristina
Söderbaum, Heinrich George, Paul Wegener und Gustav Diessl. Letzter Beweis für den
grossen Willen und Einsatz des Propagandaministers: die Premiere des Films findet in La
Rochelle (Frankreich) statt, von den allierten Armeen umzingelt, und die Kopie wird mit
einem Fallschirm gebracht! Ende des Jahres 1944 wird vom Propagandaministerium eine
Anzahl Filme für den verstärkten Einsatz in den Kinos empfohlen und diese Filme sollen
das Volk noch einmal mobilisieren. Die Liste von den Babelsberger Produktionen enthält
unter anderem Jud Süss (Veit Harlan, 1940), Stukas (Karl Ritter, 1941) und U-Boote westwärts
(Günther Rittau, 1941), weil sie scheinbar gut für die Propaganda und die
Massenbeeinflussung sind. Doch diese Filme haben nicht mehr viel gebracht: im Mai
1945 kapituliert Deutschland, nachdem die sowjetische Armee in Berlin angekommen ist.
2. Markante Regisseure
Die folgenden Regisseure haben von 1933 bis 1945 die Geschichte der Babelsberg
Studios am stärksten beeinflusst und geprägt. Man darf nicht vergessen, dass Hitler und
Goebbels sehr grosse Kinofreunde sind. Hitler liebt es, ins Kino zu gehen; er mag
Unterhaltung. Aber der Film ist auch ein sehr wichtiges Mittel - neben den zahlreichen
Reden - und sonstigem, um seine Ideen zu vermitteln und Propaganda auszuüben.
Goebbels, der als Autor keinen Erfolg hatte, versucht mit Filmen Erfolg zu haben und die
Massen zu beeinflussen. Da ihn dieses Thema auch interessiert, kommen die Filme auch
besser bei den Leuten an, die Bilder wirken überzeugender. Aber er benutzt diese Bilder
zu einem schlechten Zweck: Manipulation der Masse durch Propaganda.
Der Regisseur Carl Froelich (1875-1953) ist zuerst Ingenieur für Elektronik. Ab 1902 produziert
er mit dem Erfinder Oskar Eduard Messter die ersten Filmzeitungen. Während des
ersten Weltkrieges ist er Kameramann. 1920 gründet er seine eigene
Produktionsgesellschaft. Er widmet sich der Realisierung von kommerziellen Filmen in der
erfolgreichen Periode des deutschen Films. Inspiriert wird er von Expressionisten und
vom bürgerlichen deutschen Theater (z.B. von Hermann Sudermann). Nach der
Machtergreifung der Nazis bleibt der Regisseur in Deutschland und akzeptiert den Posten
als President der Reichsfilmkammer, den Professortitel und andere Auszeichnungen (u.a.
die Goethemedaille für Kunst und Naturwissenschaft) aus Goebbels Händen.
Der Regisseur Hans Steinhoff (1882-1945) studiert zuerst Medizin bevor er sich für das
Theater interessiert, wo er als Schauspieler und Spielleiter arbeitet. 1922 entdeckt er den
Film. Er dreht ungefähr vierzig Filme in seiner Regisseurkarriere und ist ein sehr opportunistischer
Mensch. Der erwähnenswertesten Filme, die ihn auch bekannt macht, sind
Nachtgestalten (1929), Hitlerjunge Quex (1933) sowie einige Biographien wie Robert
Koch (1939), der Bekämpfer des Todes (1939), Ohm Kroger (1941) und Rembrandt
(1942). Er stirbt im letzten Jahr des Krieges in einem Flugzeugunglück.
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Der Regisseur Karl Ritter (1888-1977), ehemaliger Flieger-Major, kommt 1925 zum Film,
als Werbegrafiker engagiert er sich u.a. für Mickey-Mouse-Filme. Er wird schliesslich
Produktionschef der “Reichsliga-Film”, die jedoch in finanzielle Probleme gerät.
Unmittelbar nach der Machtergreiffung der Nazis nimmt die Ufa den Regisseur unter
Vertrag, denn sie weiss, dass Ritter zu den Nazis hält. Der Film Hitlerjunge Quex (Hans
Steinhoff, 1933) ist unter seiner Aufsicht gedreht und findet auch bei Goebbels hohes
Lob. Dazu sind der Regisseur Hans Steinhoff und Karl Ritter Mitglieder der NSDAP. Der
Durchbruch gelingt ihm mit dem Film Verräter (1936) und gewinnt in Venedig eine
Medaille. Er dreht viele Propagandafilme, darunter Patrioten (1937). Danach wagt er sich
in die komödiantische Welt mit einem Film wie Capriccio (1938), aber Goebbels bleibt
sehr skeptisch. Dazu kommt, dass Ritter immer wieder Filme dreht, die der politischen
Lage bzw. der Kriegslage nicht angepasst sind. D.h. dass die Bevölkerung in Kriegszeiten
andere Filme (z.B. Unterhaltungsfilme oder Durchhaltefilme) anschauen will als vor dem
Krieg (z.B. patriotische Filme). Nach Kriegsende wird er entnazifiziert und denkt trotzdem
noch im nazionalsozialistischen Sinn, aber er darf es natürlich nicht mehr zum Ausdruck
bringen.
Der Regisseur Fritz Lang (1890-1976) studiert zunächst Architektur und Zeichnen, stellt
aber bald fest, dass beide Gebiete nicht seine Berufung sind. Nachdem er eine lange
Reise durch Afrika, Europa und Asien gemacht hat, wohnt er in Paris. Dann kommt der
erste Weltkrieg und Lang kehrt nach Wien zurück, um sich als Kriegsfreiwilliger zu melden.
Er wird danach zweimal im Krieg verletzt und für kriegsuntauglich erklärt. Er wird
nach dieser Periode von einem Mitglied der Decla entdeckt und fängt an, Drehbücher zu
schreiben, doch er ist mit dieser Arbeit nicht zufrieden. Darum wird er selber Regisseur:
sein erster Film heisst Halb Blut (Fritz Lang, 1919). Seine ersten Jahre als Regisseur, d.h.
bis 1921, sind nicht bemerkenswert. Dann integriert er sich in den expressionistischen
Einfluss mit dem Film Der müde Tod (Fritz Lang). Mit diesem Film zeigt Lang, dass er ein
grosser Regisseur für die Zukunft ist und sein Produzent, Erich Pommer, kann mit dieser
Wahl nur zufrieden sein. Lang muss bis 1923 warten, um den grossen Erfolg zu erleben:
mit dem Film Die Nibelungen (Fritz Lang, 1923). Die Deutschen sind sehr enthusiastisch,
denn der Regisseur zeigt in seinen Filmen den deutschen Nationalismus. Andererseits
zeigt er das Bürgertum, das bereit ist, sich in die Arme des Nazionalsozialismus zu werfen;
z.b. in Metropolis (Fritz Lang, 1926). Nach der Machtergreifung der Nazis wollen
Hitler und Goebbels, dass Lang der offizielle Regisseur des Nazifilms wird, aber Lang ist
dagegen, denn er hat israelische Wurzeln. Er flieht auf der Stelle nach Frankreich und
geht dann nach Amerika. Dort macht er ebenfalls eine grosse Karriere und ist einer der
wenigen mit Ernst Lubitsch, die sich dort am besten integrieren konnten.
Der Regisseur Veit Harlan (1899-1964) macht im Dritten Reich Karriere. Doch Ende der
20er Jahre spielt er erst Theater und ist Schauspieler in verschiedenen Filmen, aber er
hat damit keinen Erfolg. Er ist am Anfang seiner Karriere politisch eher links orientiert.
Erst im Film Yorck (Gustav Ucicky,1931) sieht man, dass er wechselt und zu rechten
Parteien hält. Als Schauspieler hat Veit Harlan trotzdem keinen Erfolg und wird Regisseur.
Mit dem Film Der Herrscher (Veit Harlan, 1937) von der Tobis-Produktion rückt er zu den
ersten Regisseuren des NS-Regimes auf. Dann schliesst er mit der Ufa einen Vertrag. Er
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wird durch den antisemitischen Hetzfilm Jud Süss (Veit Harlan, 1940) berühmt. Von 1941
bis 1944 entstehen drei Farbfilme: Die goldene Stadt (Veit Harlan, 1941), Immensee (Veit
Harlan, 1943) und Opfergang (Veit Harlan, 1942-44). Anschliessend dreht er den berüchtigten
Durchhaltefilm Kolberg (Veit Harlan, 1943-45). Dieser Film ist bis dahin der teuerste
der deutschen Filmgeschichte. Kristina Söderbaum ist seine Frau und Hauptdarstellerin.
Harlan beweist durch seine Filme, dass er den NS-Staat unterstützt. Er wird nach
Kriegsende verhaftet und vor Gericht gestellt, schliesslich aber als “Entlasteter” eingestuft.
In drei weiteren Prozessen vor dem Hamburger Schwurgericht muß sich Harlan aufgrund
seiner Propagandaunterstützung für das NS-Regime verantworten. Für Jud Süss (Veit
Harlan, 1940) wird er wegen Verbrechen an der Menschlichkeit angeklagt. Harlan wird
vorgeworfen, durch den Film eine Mitschuld an der Judenvernichtung zu tragen. Er streitet
sowohl seinen Antisemitismus als auch seine Unterstützung der NS-Propaganda ab
und behauptet, diese hätten seine Kunst “mißbraucht” und ihn zur Regie von Jud Süss
(Veit Harlan, 1940) gezwungen. Harlan wird schliesslich in allen drei Prozessen freigesprochen.
Mit seinem ersten Nachkriegsfilm Unsterbliche Geliebte (Veit Harlan, 1951)
schafft er ein Comeback als Regisseur. Dies löst aber auch Gegendemonstrationen und
Boycott aus. Er dreht noch acht andere Filme mit seiner Frau in der jeweiligen Hauptrolle.
Der Regisseur Gustav Ucicky (1899-1961) arbeitet von 1929 bis 1936 für die Ufa. Er inszeniert
in dieser Zeit dreizehn Filme, dazu vier fremdsprachige Versionen. Die Filme
Morgenrot (Gustav Ucicky, 1932), der zum nationalen Film der Saison 1932/33 wird, und
Flüchtlinge (Gustav Ucicky, 1933), der erstmals den neu geschaffenen Staatspreis der
nationalsozialistischen Partei erhält, prägen das Bild des Regisseurs. Mit den Erfolgen
steigt sein Honorar als Regisseur. Er gehört zu den Spitzenregisseuren und -verdienern.
Neben den Propagandafilmen dreht Ucicky auch Literaturverfilmungen, Abenteuerfilme
und Melodramen. Anders als Karl Ritter, dem zweiten Propaganda-Regisseur der ersten
Jahre des Nationalsozialismus, ist Ucicky weder Mitglied der NSDAP noch scheint er der
NS-Ideologie privat nahezustehen. Da er aber leicht bessere Leistungen als Ritter bringt,
entsprechen seine Filme auch mehr den nationalsozialistischen
Propagandavorstellungen. Dazu haben seine Komödien am meisten Erfolg.
Der Regisseur Detlef Sierck (1900-1987) interessiert sich am Anfang für das Theater,
doch im Jahre 1934 nimmt ihn die Ufa unter Vertrag. Der Film Schlussakord (Detlef
Sierck, 1936) wird ein grosser Erfolg. Es ist das erste Melodrama von Sierck und ein
Genre, in dem er von nun an immer wieder arbeiten wird. Im Jahre 1937 dreht der
Regisseur zwei Filme mit dem neuen weiblichen Star Zarah Leander: Zu neuen Ufern
(Detlef Sierck, 1937) und La Habanera (Detlef Sierck, 1937). Im Dezember 1937 kehrt
Detlef Sierck von einer Auslandsreise nicht zurück. Mit seiner jüdischen Frau verlässt er
Deutschland und macht in Hollywood Karriere. Aus Detlef Sierck wird Douglas Sirk.
Zwischen 1940 und 1959 arbeitet er dort, ab 1950 für die Universal. Er entdeckt Rock
Hudson und macht ihn zum Star. Er arbeitet auch mit anderen Schauspielern wie Robert
Stack oder Jane Wyman.
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Die Regisseurin und Schauspielerin Leni Riefenstahl (1902-2003) wurde durch die Nazis
weltberühmt. Sie beginnt zuerst eine Karriere als Tänzerin, aber verletzt sich so schwer,
dass sie im Alter von 21 Jahren aufhören muss. Am Anfang ist sie Schauspielerin. Sehr
schnell interessiert sie sich auch für die Regie und der erste Film unter ihrer Leitung ist
Das blaue Licht (Leni Riefenstahl, 1932 ) in dem sie auch die Hauptrolle spielt. Der Film
hat europaweit Erfolg und wird in Venedig mit einem Filmpreis ausgezeichnet. Leni
Riefenstahl lernt schon 1932 Hitler kennen und 1933 dreht sie für die NSDAP den ersten
Dokumentarfilm Sieg des Glaubens (Leni Riefenstahl, 1933). Sie ist aber vom ästhetischen
Aspekt nicht überzeugt. Danach soll sie aus den langweiligen Aufmärschen, Reden
und Jubelszenen des Nürnberger Reichsparteitages ein Kunstwerk machen. Tatsächlich
schafft sie es, unter dem Titel Triumph des Willens (Leni Riefenstahl, 1934) mit den
damaligen neuen Spezialeffekten, ein revolutionäres Werk herzustellen. Es ist natürlich
nicht die Rede von Spezialeffekten wie heute, aber die Ästhetik der Bilder ist für damalige
und heutige Verhältnisse überwältigend; der Effekt einer Glorifizierung des
Nationalsozialismus ist umso stärker. Der Film erhält internationale Auszeichnungen und
macht Riefenstahl zur Lieblingsregisseurin des Regimes. Er wird auch oft als der vielleicht
“beste” Propagandafilm der Geschichte bezeichnet. Die Filme Fest der Völker und Fest
der Schönheit (Leni Riefenstahl, 1936) über die olympischen Spiele in Berlin erhalten die
höchsten Auszeichnungen, werden heute aber sehr kritisiert, denn die Sportler verkörpern
das Naziideal: gesunde, kraftvolle und durchtrainierte Körper. Die Jahre danach wird
Riefenstahl immer mehr als Mitarbeiterin der NSDAP betrachtet und nicht mehr als freie
Künstlerin. Mit Beginn des Zweiten Weltkrieges folgt sie 1939 als Kriegsberichterstatterin
den deutschen Truppen nach Osten und setzt den Einzug der Truppen in Danzig in
Szene. Geschockt von der Grausamkeit des Krieges verlässt sie die Front. Danach dreht
sie den Film Tiefland (Leni Riefenstahl, 1940-1953), wozu sie Sinti und Roma aus dem
Internierungslager Maxglan bei Salzburg aussucht und zu den Drehorten bringen lässt.
Nach dem Abschluss der entsprechenden Szenen finden einige der Darsteller in
Auschwitz den Tod. Nach Kriegsende wird Riefenstahl 1945 in Kitzbühel von Amerikanern
verhaftet. In drei Prozessen wird das Verhältnis Riefenstahl zum Nazionalsozialismus
untersucht. Zweimal lautet das Urteil “nichtbetroffen” und einmal wird sie als “Mitläufer”
eingestuft. Sie führt noch weitere fünfzig Prozesse wegen Verleumdung, die sie fast alle
gewinnt, schafft es aber nicht mehr, als Regisseurin Erfolg zu haben. 1962 macht sie
einen Neuanfang als Fotografin mit einer Fotoreihe über einen sudanesischen Stamm
“Die Nuba”. Aber auch hier kritisiert man die Überbetonung der heroïschen Stärke der
Nubakrieger und das in Szenesetzen der nackten Körper. Dennoch wird das Werk zu
einem grossen Erfolg, ebenso wie ihre folgenden Arbeiten. Sie stirbt im hohen Alter von
101 Jahren.
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3. Markante Schauspieler
Die folgenden Schauspieler haben, ebenso wie die oben erwähnten Regisseure, die
Filmgeschichte der Babelsberg Studios massgeblich beeinflusst.
Der Schauspieler Emil Jannings (1884-1950) besetzt fast ausschliesslich (mit Paul
Wegener) die Spitzenpositionen im künstlerischen deutschen Stummfilm. Der Film Faust
(Friedrich Wilhelm Murnau, 1926) öffnet ihm die Studios von Hollywood. 1929 gewinnt er
dort als einziger deutscher Schauspieler bis heute einen Oscar mit den Filmen The Way
of all Flesh (1927) und The last Command (Joseph von Sternberg). Weitere sechs
Stummfilme machen ihn in den USA weltberühmt. Dann kommt der Tonfilm, und da Emil
Jannings nur schlecht englisch spricht, ist er gezwungen, nach Berlin zurückzukehren, wo
er erneut triumphiert: dieses Mal mit Der blaue Engel (Josef von Sternberg, 1929). Nach
der Machtübernahme der Nazis dreht er weiterhin in Deutschland. Obwohl er selbst nicht
Mitglied der NSDAP wird, ist er mit der NS-Ideologie einverstanden. Er ist einer der
Lieblingsschauspieler von Hitler. 1938 verleiht ihm Goebbels den “Adlerschild”, eine der
höchsten kulturellen Auszeichnungen des NS-Regimes. 1941 wird er zum
Staatsschauspieler. Mit jeder Rolle im deutschen Tonfilm schreibt er
Schauspielergeschichte. Nach der deutschen Kapitulation im Zweiten Weltkrieg gibt es für
Jannings ein Berufsverbot aufgrund seiner Arbeit mit dem Nazionalsozialismus. Dann
setzt er sich intensiv mit dem katholischen Glauben auseinander und konvertiert vom
Protestantismus zum Katholizismus.
Die Schauspielerin Henny Porten (1888-1960) ist der erste grosse Filmstar in
Deutschland. Ihr Anfang macht sie 1906 im Film Apachentanz (Franz Porten, 1906). Sie
ist eine blonde schöne Frau, die am Anfang - bis zur Entdeckung des Tonkreuzes - viel
Erfolg hat. Zu den vielen Filmen, in denen sie mitgewirkt hat, zählen Rose Bernd (Alfred
Halm, 1919), Anne Boleyn (Ernst Lubitsch, 1920) und Komödianten (G.W. Pabst,
1940/41). Während des Nazionalsozialismus dreht sie sehr wenige Filme, denn sie will
sich nicht von ihrem jüdischen Mann, Dr. von Kauffmann, trennen. Sie spielt bis in die
50er Jahre mit: z.B. in Mademoiselle de Scuderi (Eugen York, 1954) und Carola Lamberti
(Hans Müller, 1955).
Der Schauspieler Hans Albers (1892-1960) wird in den 30er Jahren in Deutschland zum
Publikumsliebling. Er spielt auch Theater. In den Filmen der Erich Pommer-Produktion
Anfang der 30er Jahre kann Albers seine Qualitäten beweisen; in Stummfilmen wie Der
blaue Engel (Josef von Sternberg, 1929) oder Bomben auf Monte Carlo (Hanns Schwarz,
1931). Er gibt seine Bühnenkarriere auf und wendet sich ganz dem Film zu. Nach der
Machtergreifung der Nazis spielt er im Film Flüchtlinge (Gustav Ucicky, 1933) mit. Mit
dem Erfolg steigert Albers seine Honoraransprüche. Da die Ufa Angst hat, dass Albers
abwandert, nimmt sie ihn unter Vertrag mit Gagenerhöhung. Während des Zweiten
Weltkrieges ist Albers der beliebteste und bestbezahlte männliche Star, obwohl er sich mit
den Nazis schlecht versteht. Seine grössten Erfolge sind unter anderem Münchhausen
(Josef von Baky, 1944). Er hat auch einen grossen Einfluss auf das, was sich neben den
Dreharbeiten abspielt. Albers dreht gleichzeitig bei der Bavaria. Nach dem Krieg und im
Gegensatz zu vielen Kollegen bleibt ihm ein Berufsverbot erspart. Da er sich zwischen
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1933 und 1945 politisch äusserst zurückhaltend verhielt, ist seine Entnazifizierung schnell
abgeschlossen. Er dreht auch noch in der Nachkriegszeit erfolgreiche Filme.
Der Schauspieler Heinrich George (1893-1946) ist der bedeutendste deutsche
Schauspieler zwischen 1930 und 1945. Auf der Bühne wie im Film hat er eine unglaubliche
Ausstrahlung und Vielseitigkeit. Er spielt z.B. im Film Metropolis (Fritz Lang, 1925)
mit. Bis 1932 mimt er Kriminelle, Verbrechertypen oder spielt Charaktere in kleinbürgerlichen
Milieus. Diese Filme sind reine Unterhaltungsfilme. Politisch gesehen ist er links eingestellt,
also gegen Hitler. Nach der Machtergreifung der Nazis, wird George aufgrund
seiner politischen Einstellung kurzzeitig vom Spielbetrieb des Staatstheaters ausgeschlossen.
Er arrangiert sich mit dem NS-Regime und stellt sich als populäres Leinwandidol in
den Dienst der NS-Propaganda. Er spielt im Film Hitlerjunge Quex (Hans Steinhoff,
1933), einen Kommunisten, der sich zu einem überzeugten Anhänger des
Nationalsozialismus wandelt. Im Januar 1937 wird Heinrich George von Hitler zum
Staatsschauspieler ernannt und damit Teil des nationalsozialstischen Systems. Mit der
Literaturverfilmung Der Postmeister (1940) des russischen Dichters Alexander Puschkin
(1799-1837) erreicht George einen großen Publikumserfolg. Während des Krieges und
als Leiter des Schillertheaters hat er sich für jüdische Ensemblemitglieder eingesetzt. Dies
ist natürlich sehr paradox, da er auch für die Nazis arbeitet. Doch anderthalb Jahre nach
Kriegsende und im Alter von 53 Jahren stirbt er als einziger deutscher Schauspieler im
KZ von Sachsenhausen in sowjetischer Haft.
Der Schauspieler Gustav Gründgens (1899-1963) ist ein grosser Schauspieler im deutschen
Theater. 1923 kommt er zum Film: er spielt in Danton (Dimitri Buchowetski, 1923)
mit. In diesem Film spielen bekannte Schauspiler wie Emil Jannings, Conrad Veidt oder
Werner Krauss mit. Weil er mit dem Theater viel beschäftigt ist, dreht er nur wenige
Filme: Die Frau im Mond (Fritz Lang, 1929), Brand in der Oper (Carl Froelich, 1930), York
(Gustav Ucicky, 1931). Aber im selben Jahr spielt er im berühmten Film M-Eine Stadt
sucht einen Mörder (Fritz Lang, 1931) und Die Gräfin von Monte-Cristo (Karl Hartl, 1931)
mit Brigitte Helm. Doch den ersenhten Erfolg hat er im Theater. Die Nazis bemerken ihn
schon nach kürzerster Zeit und so wird 1933 er zum Staatsschaupieler ernannt und 1934
Intendant des preussischen dramatischen Theaters. Nach dem zweiten Weltkrieg interessiert
er sich für das lyrische Theater (er hat sogar eine Zeit lang bei der Scala in Mailand
gearbeitet). Gründgens hat auch einige Filme als Regisseur gedreht: Capriolen (Gustav
Gründgens, 1937), Der Schritt vom Wege (Gustav Gründgens, 1939), Zwei Welten
(Gustav Gründgens,1940) und Faust (Gustav Gründgens, 1960). Ausserdem wird nach
seinem Tod ein Film über seine Nazi-Kompromisse gedreht: Mephisto (Istvàn Szabò,
1981)
Der Schauspieler Willy Fritsch (1901-1973) ist seit Mitte der 20er Jahre Ufa-Darsteller.
Im Jahre 1926 spielt er im Film Die keusche Susanne (Richard Eichberg, 1926) mit und
kommt erstmals in Kontakt mit der englischen Schauspielerin Lilian Harvey. Von 1926 bis
1939 drehen sie zwölf Filme zusammen, davon elf für die Ufa: ein Film erfolgreicher als
der andere. Auch ausserhalb der Dreharbeiten verstehen sich die beiden gut. Mit der
Komödie Frau am Steuer (Paul Martin, 1939) drehen die beiden ihren letzten gemeinsamen
Film. Danach trennen sich ihre Wege, denn Lilian Harvey emigriert nach Frankreich,
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um dann in Amerika zu landen. 1941 ist er an der Seite von Marika Rökk im Film Frauen
sind doch bessere Diplomaten (Georg Jacoby, 1941) zu sehen. Er ist von 1933 bis 1945
einer der bestbezahlten Schauspieler und obwohl er MiItglied der NSDAP ist, versucht er,
sich nicht für offizielle Propagandazwecke missbrauchen zu lassen. Nach dem Krieg ist er
noch erfolgreich und spielt meistens in Unterhaltungs- und Heimatfilmen mit. 1965 wird er
mit dem Deutschen Filmpreis ausgezeichnet. Sein Lachen hat ihn berühmt gemacht.
Der Schauspieler Heinz Rühmann (1902-1994) ist in seinem Filmdebut noch
Spassmacher, er braucht Jahrzehnte, bis er in grossen ernsten Filmen mitspielen darf.
Erich Pommer holt Rühmann von der Bühne des Deutschen Theaters in Berlin nach
Babelsberg. Der Tonfilm wird entdeckt und Rühmann spielt im ersten Ufa-Musical Die drei
von der Tankstelle (Wilhelm Thiele, 1930) neben Willy Fritsch mit und wird damit zum
Star. Nach der Machtübernahme der Nationalsozialisten nimmt Rühmann eine politisch
neutrale Haltung ein und versucht, sich mit dem NS-Regime zu arrangieren. Im Zweiten
Weltkrieg wird Rühmann als Pilot in die Wehrmacht eingezogen. Seine Hauptaufgabe
besteht aber weiterhin darin, die Bevölkerung mit Filmen wie Quax, der Bruchpilot (Kurt
Hoffmann, 1941) zu unterhalten und vom Kriegsalltag abzulenken. Für die Wochenschau
lässt er sich als Kurierflieger ein einziges Mal aktiv für die NS-Propaganda einspannen.
Nach dem Zweiten Weltkrieg wird Rühmann während der Entnazifizierung als nicht
belastet eingestuft, das alliierte Spielverbot wird aufgehoben. Mit dem Stück Der
Mustergatte begibt er sich auf Theatertournee durch Deutschland. Er spielt in ungefähr
100 anderen Filmen mit und wird zum Liebling der Nation. Er hat auch eine grosse
Regisseurkarriere mit dem Film Der Herr vom andern Stern (Heinz Rühmann, 1948) starten
wollen, leider ohne Erfolg. Er bleibt bis zu seinem Tode eine grosse
Künstlerpersönlichkeit in Deutschland.
Die englische Schauspielerin Lilian Harvey (1906-1968) ist zwischen 1930 und 1940 die
populärste Schauspielerin in Deutschland. Der deutsche Schauspieler Willy Fritsch ist ihr
Partner sowohl im Film als auch im Privatleben. Beide werden zum berühmtesten
Liebespaar auf der europaïschen Kinoleinwand. Sie beherrscht drei Sprachen sehr gut:
Englisch, Deutsch und Französisch. Dadurch dreht sie auch in den jeweiligen Sprachen
mit anderen Schauspielern. Sie dreht z.B. drei verschiedene Versionen von Schwarze
Rosen (Paul Martin, 1935-1937) mit drei verschiedenen Schauspielern. Sie spielt meistens
in Unterhaltungsfilmen. Lilian Harvey verliebt sich dann in den Regisseur Paul Martin
und beide versuchen in den USA eine neue Karriere zu starten, doch scheitert der
Regisseur und seinetwegen kehrt sie nach Deutschland zurück. Im Frühjahr 1939 flieht
die englische Schauspielerin vor der Gestapo nach Frankreich (sie wurde nach
Kriegsbeginn aus Deutschland ausgebürgert). Sie ist erst 32 Jahre alt und hat eine ungewisse
Zukunft vor sich. Wegen der drohenden Besetzung Südfrankreichs durch die
Deutschen geht sie in die USA, wo sie wieder auf Bühnen zu sehen ist. 1943 wird ihr die
deutsche Staatsbürgerschaft aberkannt. Nach 1946 kehrt sie nach Frankreich zurück und
unternimmt Gastspielreisen. 1965 erhält sie das Filmband in Gold des Deutschen
Filmpreis und 1967 den goldenen Bambi.
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Die schwedische Schauspielerin Zarah Leander (1907-1981) fängt ihre Karriere in ihrem
Heimatland Schweden an, wo sie viel Erfolg hat. Dann kommt sie nach Österreich und
dreht zwischen 1937 und 1942 zehn Filme bei der Ufa. Sie wird von der Ufa in Wien
entdeckt und zum renommiertesten weiblichen Kinostar. Sie ist für den Film der Nazizeit
ein Glücksfall und die Nachfolgerin von Greta Garbo (schwedische Schauspielerin, die in
Deutschland gespielt hat und die Anfang der 30er Jahre in die USA geht. Später macht
sie in Hollywood Karriere, aber kann sich dort der Lebensweise nie ganz anpassen). Sie
spielt in sogenannten Gesellschaftsdramen. Ihre besten Rollen spielt sie in La Habanera
(Detlef Sierck, 1937), Zu neuen Ufern (Detlef Sierck, 1937), Es war eine rauschende
Ballnacht (Carl Fröhlich, 1939), Der Weg ins Freie (Rolf Hansen, 1940/41) und Die grosse
Liebe (Rolf Hansen, 1941/42). Sie hat eine herbwarme Altstimme, die zu einem neuen
Gesangsstil führt, sogar zur Mode wird (eine ganze Generation von “Girl-Singers” in den
deutschen Bigbands der 30er und 40er Jahre wurde von ihr beeinflusst). Nach dem Krieg
geht sie nach Schweden zurück und wird dort oft mit den Nazionalsozialisten in
Verbindung gebracht. Dann geht sie nach Wien zurück und dreht noch einige Filme wie
Gabriella (Gezah von Cziffra, 1950), Ave Maria (Alfred Braun, 1953) oder Der blaue
Nachtfalter (Wolfgang Scleif, 1959). Nach sieben Jahren erscheint sie wieder im italienischen
Film Come imparai ad amare le donne (Luciano Salce, 1966). Dies ist ihre letzte
Erscheinung auf der Leinwand. Sie spielt bis 1978 auf der Bühne. Leander war der bestbezahlte
Filmstar überhaupt. Auch nach ihrem Tod im Jahre 1981 bleibt die Schwedin
eine Kultfigur des Films.
Die österreichische Schauspielerin Paula Wessely (1907-2000) erhält ihre erste Rolle am
Deutschen Volkstheater Wien im Jahre 1924. Später spielt sie auch am Neuen Deutschen
Theater Prag grössere und ernste Rollen. Danach fängt sie an, im Film zu spielen. Ihr
erfolgreiches Film-Debüt findet auch im Ausland Beachtung. Sie überzeugt durch ihren
natürlichen Charme, ihre Menschlichkeit und ihre Schlichtheit. Sie ist einer der höchstbezahlten
Film-Darstellerin des Dritten Reichs und spielt meistens in Melodramen mit, die
oft unter der Regie von Geza von Bolvary oder Gustav Ucicky sind: Die Julika (Geza von
Bolvary, 1936), Spiegel des Lebens (Geza von Bolvary, 1938), Späte Liebe (Gustav
Ucicky, 1943) und Das Herz muss schweigen (Gustav Ucicky, 1944). 1941 spielt sie im
Propagandafilm Heimkehr (Gustav Ucicky) mit. Nach 1945 erhält sie wegen diesem Film
ein vorübergehendes Berufsverbot. Trotzdem gelingt ihr in der Nachkriegszeit ein
Comeback mit dem Film Der Engel mit der Posaune (Karl Hartl, 1948). Sie drehte noch
einige andere Filme und hatte 1961 ihren letzten Leinwandauftritt. Anschliessend arbeitete
sie noch für das Fernsehen und setzte seit den 20er Jahren ihre Bühnenkarriere kontinuierlich
fort. Mit ihren zahlreichen Auszeichnungen ist sie die vielleicht populärste
Schauspielerin Österreichs gewesen.
Die schwedische Schauspielerin Kristina Söderbaum (1912-2001) zieht nach dem Tod
beider Eltern nach Berlin, um Kunstgeschichte zu studieren, bricht aber nach wenigen
Semestern ab und nimmt Schauspielunterricht. Dann holt sie die Ufa und ihr erster Film
heisst Onkel Bräsig (Erich Waschneck, 1936). Die entscheidende Begegnung in ihrem
Leben ist der Regisseur Veit Harlan, der sie entdeckt. Ihr erster Film unter Veit Harlan ist
Jugend (Veit Harlan) und seit den Dreharbeiten sind sie ein Paar. Zusammen drehen sie
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auch Verwehte Spuren (Veit Harlan, 1938) und Das unsterbliche Herz (Veit Harlan, 1939).
1939 heiraten sie. Die schwedische Schauspielerin wirkt in vielen Filmen mit: Jud Süss
(Veit Harlan, 1941), Die Goldene Stadt (1942), Immensee (1943), Opfergang (1944) und
Kolberg (1945). Die Nazis haben sie schon immer als Prototyp des arischen Weibchens
betrachtet: flachsblond, blauäugig und den Männern unterlegen. Kurz nach Kriegsende
zieht die Schauspielerin nach Hamburg, wo Veit Harlan gleich nach der Kapitulation verhaftet
und mit Berufsverbot belegt wird. Es folgten jahrelange Prozesse und öffentliche
Kampagnen gegen das Ehepaar Harlan. Ein Comeback nach dem Krieg schaffte sie nicht
mehr, die Filme waren Flops. Nach dem Tod ihres Mannes in Jahre 1964 nahm sie
Abschied von der Schauspielerei und wurde Fotografin.
Die tschechische Schauspielerin Lida Baarova (1914-2000) ist schon sehr früh im Film
tätig. 1934 wird sie von der Ufa verpflichtet; ihr erster Film in Deutschland war Barcarole
(1935) mit Gustav Fröhlich, mit dem sie eine Zeit lang liiert ist. Sie spielt am Deutschen
Theater und an der Volksbühne. Aus einer heftigen Liebesaffäre mit Nazi-
Propagandaminister Dr. Joseph Goebbels, der sich ihretwegen scheiden lassen will, wird
eine Staatsaffäre; Hitler greift ein. Von da an gilt Baarova als Unperson und bekommt
keine Filmangebote mehr. 1938 wird Baarova ausgewiesen, geht in die Tschechoslowakei
und filmt dort, hat aber grosse Schwierigkeiten und geht nach Italien. Nach Kriegsende
sitzt sie in Prag 18 Monate in Haft (Vorwurf: Spionage) und flieht dann mit ihrem
Ehemann, Jan Kopecky, nach Österreich. Ab 1950 geht sie wieder nach Italien und dreht
dort Filme. 1956 lässt sie sich scheiden und übersiedelt wieder nach Österreich, wo sie
Theater spielt (auch in Deutschland). 1958 heiratet sie in Salzburg den schwedischen
Professor Kurt Lundwall, mit dem sie 22 glückliche Ehejahre verbringt. Als er 1980 stirbt,
wenden sich alle von ihr ab. Was Baarova bleibt, ist die Einsamkeit und die Erinnerung:
“Ich habe Goebbels geliebt. Nur der Preis, den ich dafür gezahlt habe, der war zu hoch.”
4. Zu den fünf Filmen, die ich mir angeschaut habe
Ich habe natürlich versucht, Filme auszusuchen, die verschiedene Themen ansprechen,
und mich z.B. nicht nur auf die Propagandafilme fokalisiert. Ich habe die fünf Filme in der
Mediathek von Dorigny gefunden und sie mir angeschaut. Es gibt für jeden Film eine
Verbindung zur damaligen politischen Lage, Inhaltsangaben, und meinen eigenen
Kommentar dazu. Ich hätte auch die Möglichkeit gehabt, Filme von einem revisionistischen
amerikanischen Filmkonzern über Internet zu bestellen. Aber moralisch gesehen,
habe ich es nicht mit meinem Gewissen vereinbaren können; ausserdem waren die Filme
relativ teuer.
Hitlerjunge Quex (Hans Steinhoff, 1933): Als Josef Goebbels durch Hitler zum
Propagandaminister wird, beginnt er mit einem Programm von Nazifilmen und Hitlerjunge
Quex (Hans Steinhoff, 1933) ist der erste Film dieser Serie. In diesem Film gilt das wahre
Leben eines Mörders als Vorlage: ein zwölf Jahre alter Junge, der zur Hitlerjugend gehören
will, tötet einen Kommunisten. Im Film spielen Heinrich George (Vater von Heini) und
Jürgen Olsen (Heini) die Hauptrollen. Heinrich George übernimmt im Film nicht ungern
die Rolle des Kommunisten, weil er darin als Nazifeind Dinge aussprechen kann, die zum
Teil auch seine eigene Meinung sind. Der Regisseur Hans Steinhoff und sein Produzent
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Karl Ritter waren Mitglieder der NSDAP. Goebbels erklärt sich mit dem Film sehr zufrieden,
sowohl mit der Propaganda als auch mit der künstlerischen Seite des Films.
Der Film beginnt mit einem Hitlerjugendlied. Heini ist ein frecher blonder Junge mit blauen
Augen. Sein Vater ist ein agressiver Alkoholiker, und er ist arbeitslos. Seine Mutter ist
Hausfrau. Heini arbeitet in einer Druckerei und kann dadurch seine Familie ernähren. Ein
Freund des Vaters fragt Heini, ob er zur kommunistischen Jugend beitreten will, doch er
ist nicht davon überzeugt. Der Vater möchte auf gar keinen Fall, dass sein Sohn zur
Hitlerjugend geht, die Familie ist nämlich kommunistisch. Eines Tages fährt Heini dann
doch (unter Druck) mit der kommunistischen Jugend mit. Als die jungen Kommunisten im
Grünen angekommen sind, bauen sie ein Lager. Heini fühlt sich dort nicht wohl, und findet
das Lager der Hitlerjugend. Er wird aber von der Hitlerjugend festgenommen und als
Kommunist erkannt. Schlussendlich wird er wieder freigelassen, und bleibt in der Nähe
der Hitlerjugend (er versteckt sich). Er ist fasziniert und beeindruckt (durch die Musik, die
Märsche, das Sporttraining, ...). Danach geht er nach Hause und sagt seinen Eltern, dass
er bei der Hitlerjugend war; er sagt sogar: “es war kolossal!” Stolz singt er ein Nazilied vor
seinem kommunistischen arbeitslosen Vater. Dieser ärgert sich und wird wütend, er
schlägt seinen Sohn. Am nächsten Tag verteilen Jugendliche der Hitlerjugend Flugblätter
vor der Schule, die Heini besucht. Die meisten Schüler sind Kommunisten und werfen das
Blatt weg, doch Heini liest es durch; und wird sogar von einem Nazi-Jungen zum Essen
eingeladen. Heini will nun zur Hitlerjugend gehören. Am selben Abend gibt es ein Treffen
der Hitlerjugend und Heini darf kommen. Später geht Heini zur Hitlerjugend, aber die jungen
Kommunisten bewachen die Nazijungen und Heini wird von den Kommunisten
zurückgehalten. Es kommt zu einem Kampf zwischen Kommunisten und Nazis. Die
Polizei nimmt Jugendliche fest, unter ihnen Heini. Er beteuert seine Unschuld und wird
freigelassen. Die Nazis glauben jedoch, dass er sie bei den Kommunisten verraten hat.
Die Kommunisten haben noch eine “Überraschung” für die Nazijungen bereit: sie wollen
eine Fabrik mit Dynamit explodieren lassen, wenn sich die Hitlerjugend dort aufhält. Heini
warnt die Nazis.Als der ganze Sprengstoff hochgeht, wird niemand verletzt. Die
Kommunisten wollen den Verräter finden. Heini kommt nach Hause und sagt seiner
Mutter, dass er die Nazijungen gewarnt hat. Die Mutter ist aber verzweifelt, sie will, dass
ihr Sohn zu den jungen Kommunisten geht. Die Kommunisten finden heraus, dass Heini
sie verraten hat, er soll umgebracht werden. Am selben Abend lässt die verzweifelte
Mutter das Leuchtgas an, sie will ihren Sohn und sich selbst töten. Doch überlebt er und
wird ins Krankenhaus geliefert. Nazi-Jungen kommen und entschuldigen sich bei ihm. Sie
schenken ihm eine Nazi-Uniform: Heini ist glücklich. Heini erfährt, dass seine Mutter beim
Vergasen gestorben ist. Heini wohnt bald bei der Hitlerjugend, denn der Vater hat ihn vor
die Tür gesetzt. Heini glaubt an seinen Führer und folgt seinen Nazi-Kameraden. Bald
gibt es Wahlen, beide Parteien, d.h. die Nazis und die Kommunisten, verteilen Flugblätter
(Heini verteilt sie für die Nazis). Die Kommunisten erkennen Heini als Nazi und verfolgen
ihn: er wird von den Kommunisten umgebracht, aber er stirbt für das Vaterland, für seinen
Führer. Das letzte Bild des Films ist ein Hakenkreuz.
In diesem Film ist Heini ist der Prototyp des Ariers: er ist blond, blauäugig und geht schon
arbeiten. Er ist der Ideenträger der Nazis. Andere Gestalten im Film entsprechen auch
dem Naziideal: die Mutter von Heini ist eine folgsame Hausfrau und ist ihrem Mann immer
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unterlegen. Beim Hitlerjungen isst Heini Eierkuchen, ein typisches deutsches
Nationalgericht. Das Lied , das man am Anfang hören kann heisst “Unsere Fahne flattert
uns voran”; es war zur offiziellen Hymne der Hitlerjugend geworden. Im Film gibt es einen
ständigen Konflikt zwischen Nazis und Kommunisten, der durch visuelle Kontraste
gestärkt wird: als Heini und die Kommunisten z.B. am Bahnhof auf den Zug warten, gibt
es auch eine Gruppe der Hilterjugend. Die Hitlerjugend ist streng diszipliniert, alle
Jugendlichen stehen schon in Reihen, wie bei der Armee; dagegen bewegen sich die jungen
Kommunisten viel lockerer. Vor allem sind Nazis freundlich und generös, während
Kommunisten nur zerstörerisch und menschenfeindlich wirken. Im Nazi-Lager ist die
Musik feierlich, aber im kommunistischen Lager ist die Musik eher fröhlich. Die beiden
Parteien unterscheiden sich auch durch ihre Kleidung: die Nazis tragen Uniformen, während
die Kommunisten weite, breite Hosen und Hüte tragen. Heini ist während des ganzen
Films hin- und hergerissen, er glaubt immer mehr an das Naziideal. Dies ist eine perfekte
und subtile Propaganda für die Nazis, die durch diesen Film zeigen wollen, dass
man schon im jungen Alter der Nazionalsozialistischen Gruppe beitreten kann, um später
dann im Krieg zu kämpfen und es ist für einen guten Zweck, nämlich für Hitler, für das
Vaterland, auch wenn man am Ende sterben muss
Olympia 1.Teil-Fest der Völker (Leni Riefenstahl, 1936): Die olympischen Spiele 1936 in
Berlin werden durch eine eindrucksvolle Verfilmung von Leni Riefenstahl dokumentiert.
Ziel ist es, die olympische Idee zum Ausdruck zu bringen.
Der Film ist Baron Pierre de Coubertin, dem Erfinder der modernen olympischen Spiele,
gewidmet. Die Musik erinnert an ein Fest (viele Trompeten). Am Anfang gibt es einen
Fackellauf von Griechenland nach Berlin mit verschiedenen Athleten, die die Flamme weitergeben,
denn die Wiege des Olympismus ist Athen und die Flamme ist die Verbindung
dazu. Danach werden eine Chronologie und eine Zusammenfassung der wichtigsten
Wettkämpfe zusammengestellt. Im Olympiastadion von Berlin ist die Stimmung sehr
gross: viele Zuschauer nehmen Platz, Fahnen werden hochgeseilt, und es wird Trompete
gespielt. Sowohl Zuschauer als auch Athleten machen den Hitlergruss. Dann laufen
Athleten mit ihrer jeweiligen Flagge durch das Stadion. Viele Nationen machen mit gestrecktem
Arm und Blick zum Führer den Hitlergruss, wie Griechenland, Österreich, Italien
und Deutschland; aber nicht alle: z.B. Schweden, England und Japan. Vielleicht bedeutet
das, dass die drei letzten erwähnten Nationen die Ideen des Nazionalsozialismus nicht
nachvollziehen, aber Japan schliesst später mit Deutschland ein Bündnis im Zweiten
Weltkrieg? Die Franzosen und Amerikaner laufen grusslos durch das Stadion.
Dokumentiert Leni Riefenstahl nur, was sie sieht oder ist es schon Propaganda? Die deutsche
Nationalmannschaft trägt Uniform mit Hakenkreuz. Alle Athleten laufen diszipliniert in
Reihen. Danach eröffnet Hitler offiziell die olympischen Spiele. Die Flamme im Stadion
wird angezündet. Viele Journalisten und Kommentatoren sind gekommen. Zu den bemerkenswertesten
Leistungen gehören die des Afro-Amerikaners Jesse Owens, der vier
Wettkämpfe gewinnt, darunter den 100 Meter-Lauf und den Weitsprung. Im 10’000 Meter-
Lauf sind die drei Finnen Salininen, Askolo und Iso-Hollo auf den ersten drei Plätzen.
Ansonsten gewinnen Amerika, Deutschland, Italien, Japan und England die meisten
Medaillen, sie sind also sehr dominant. Dazu gibt es eindrucksvolle Bilder des
Stabhochsprungs, der Staffelläufe bis hin zum Marathonlauf. Am Ende gibt es eine
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Schlussfeier, die Fahnen werden runtergeseilt, die Athleten und die Zuschauer verlassen
das Stadion. Das Hakenkreuz wird auch nochmal gezeigt. Das letzte Bild des Films ist die
olympische Fahne.
Der Fackellauf vom antiken Grienchenland soll zeigen wo der Ursprung der olympischen
Spiele herkommt. Man kann auch einen Vergleich mit dem Nazi-Regime ziehen: die
Griechischen Athleten sind muskulös und sehen gut aus, so stellen sich die Nazis die
Rasse der Arier auch vor. Die Art, wie gefilmt wird, und auch die Spezialeffekte sind innovativ
für diese Zeit: am Anfang wird aus einer Griechischen Skulptur ein Athlet, d.h. dass
die olympischen Spiele im modernen Zeitalter einen Neuanfang erleben. Die
Körperbewegungen sind auch bemerkenswert, sowohl bei Streckübungen als bei den
Wettkämpfen. Oft werden die Athleten auch in der Zeitlupe gefilmt. Die ganze
Inszienierung der olympischen Spiele ist im Sinn der Nazionalsozialisten: die Zuschauer
im Stadion machen den Hitlergruss; nach jedem Sieg macht auch der jeweilige Athlet den
Hitlergruss, die Musik ist patriotisch, die Athleten auf dem Podest kriegen einen Kranz auf
den Kopf gesetzt (dies erinnert an die Zeit der Römer). Alles wirkt grossartig, gigantisch,
grandios; die Nazis wollen die Deutsche Bevölkerung und den Rest der Welt dadurch
beeindrucken. Der Kommentator spricht sehr pathetisch, er sagt nur das Nötigste. Er ist
aber auch rassenfeindlich, indem er z.B. vor einem Wettlauf sagt: “zwei schwarze Läufer
gegen die stärksten der weissen Rasse”, aber so wollen es die Nazis. Auch die
Zuschauer sind rassistisch: sie pfeifen nämlich, wenn ein Amerikaner gewinnt. Leni
Riefenstahl musste nach diesem Film immer mit dem Vorwurf leben, dass sie ihre Ästhetik
und ihr grosses filmisches Können einem terroristischen Regime dienstbar gemacht
hat. Aber aus der Distanz sollte ein kritischer Zuschauer die faszinierenden sportlichen
Ereignisse und die hohe Kunst ihrer Verfilmung betrachten, auch wenn sie in einer Zeit
des Wahnsinns gelebt hat.
Olympia 2.Teil-Fest der Schönheit (Leni Riefenstahl, 1936): Leni Riefenstahl konzentriert
sich in ihrem zweiten Werk über die Berliner Olympiade auf die “reine” Schönheit von
Körpern und Bewegungen. Grosse künslerische Ambitionen in Fotografie und Montage
zeigen effektvoll den Geist der damaligen Zeit.
Dieser Film zeigt die olympischen Wettkämpfe an verschiedenen Austragungsorten. Am
Anfang trainieren Athleten in der Natur oder ruhen sich im olympischen Dorf aus. Dann
kommt der Tag, an dem die Wettkämpfe beginnen. Im zweiten Teil zeigt die Regisseurin
andere Sportarten als im ersten Teil: Zehnkampf, Segeln, Gymnastik, Turnen,
Schwimmen, Polo und Reiten. Schwerpunkt in diesem Film ist die Bewegung des
Körpers in Zusammenhang mit dem Sport und weniger die sportliche Leistung. Am Ende
der Wettkämpfe entfernt sich die Kamera vom Olympiastadion, die Glocken leuten und
Lichter strahlen in der Nacht auf das Olympiastadion. Ein Feuer geht aus und der Rauch
bewegt sich in Richtung Himmel. Das letzte Bild ist das helle Licht im Himmel.
Leni Riefenstahl setzt für ihre Produktion alle Filmmöglichkeiten ein. 45 Kameraleute und
ein Heer technischen Personals sind ständig im Einsatz. Dafür braucht es 800’000 Meter
Negativmaterial, das für ungefähr 500 Stunden Film gereicht hätte. 6000 Meter bleiben
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am Ende für die filmische Realisation. Es werden raffinierte technische Einrichtungen installiert,
Schienen für Kamerafahrten verlegt, um Läufer und Speerwerfer zu verfolgen. Die
sportlichen Ergebnisse sind im Film eigentlich nur nebensächlich. Die Art wie gefilmt wird
ist viel interessanter, denn Riefenstahl filmt mit vielen innovativen Möglichkeiten. Im zweiten
Teil spielt die Ästhetik bzw. die Harmonie der verschiedenen Körper und Sportarten
eine sehr wichtige Rolle. Die Propaganda ist meines Erachtens nicht sehr auffällig, man
sieht nicht, wie die Nazis geehrt werden. Es wird von Aufnahmewagen, Fesselballons und
Kränen, vom Zeppelin “Hindenburg” und von Flugzeugen aus gefilmt. Das ganze olympische
Geschehen wird also ständig vom Kameraauge überwacht. Die Kamera ist überall
dabei: zwischen den Beinen der Pferde, unter Wasser und am Himmel. Sie scheint die
spektakulärste aller olympsichen Leistungen zu bestätigen. Lange Panorama-Bilder wechseln
mit Grossaufnahmen von den angespannten Gesichtern der Wettkämpfer. Selbst die
Geräuschkulisse wechselt ständig: das Summen der Menschenmenge, der Hufschlag der
Pferde, die Stimmen der Stadionsprecher und Kommentatoren. Die Musik zum Film ist
die neoromantische Musik von Richard Strauss oder zeitgenössischer Jazz. Aus diesem
zweiteiligen Film entsteht ein cineastisches Meisterwerk. Wegen der souveränen
Beherrschung von allen filmischen Mitteln, des straken Gefühls für den Rythmus, der
absoluten Sensibilität für die Wirkung des Lichts. Der zweite Teil des Olympiafilms Fest
der Schönheit (Leni Riefensthal, 1936) spricht wegen seiner Vielseitigkeit vielleicht noch
stärker an als der erste, der die Leichtathletik würdigt.
Jud Süss (Veit Harlan, 1940): Das ganze Jahr über beschäftigt sich Goebbels mit einem
Projekt von allerhöchstem Staatsinteresse, wie bei keinem anderen Film, ausser Kolberg
(Veit Harlan, 1945): der Film Jud Süss (Veit Harlan, 1940). Nachdem nämlich die deutschen
Truppen Gebiete im Osten erobert haben und Tausende von Juden von der SS
verfolgt und vernichtet worden sind, will Goebbels auch den deutschen Spielfilm verstärkt
für die antisemitische Propaganda einsetzen. Veit Harlan wird von Goebbels gezwungen,
diesen Film zu drehen. Durch Jud Süss (Veit Harlan, 1940) wird Harlan berühmt, aber
auch berüchtigt, denn er hat für das Nazi-Regime gearbeitet. Im Film spielen Ferdinand
Marian (Josef Oppenheimer), der diese Rolle gar nicht spielen wollte, aber von Goebbels
dazu gezwungen wurde und Heinrich George (Herzog Karl Alexander von Württemberg)
die Hauptrollen. Werner Krauss spilet eine Nebenrolle als Jude; Kristina Söderbaum spielt
ebenfalls mit.
Dieser Film spielt sich im Jahre 1733 in der Stadt Stuttgart ab, im Land Württemberg.
Der Herzog Karl Alexander von Württemberg übernimmt die Regierung, nachdem sein
Vater gestorben ist. Der Herzog braucht Schmuck für seine Familie und sich selbst. Er
lässt ausnahmsweise einen Juden, Josef Oppenheimer, in die Stadt kommen, denn es
gibt eigentlich eine Judensperre. Dieser kommt verkleidet aus Frankfurt und verkauft dem
Herzog Schmuck. Doch kann der Herzog es nicht bezahlen. Der Jude kommt auf die
Idee, Strassen- und Brückengelder einzukassiern, und dem Herzog einen kleinen
Prozentsatz abzugeben. Dadurch würde Herr Oppenheimer sein Geld kriegen. Der
Herzog ist damit einverstanden. Die Leute erkennen Oppenheimer als Juden und sind
empört. Die Bevölkerung beschwert sich, dass das Leben nach und nach teurer wird. Der
Jude, der zum Verwalter des Herzogs geworden ist, wird als Ausbeuter beschimpft. Der
Jude wird immer einflussreicher und kann mitbestimmen. Er wird sogar zum
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Finanzminister des Herzogs ernannt und schafft es, die Judensperre aufzuheben. Die
Schwaben beschweren sich, dass es zu viele Juden in der Stadt gibt und wollen, dass
der Herzog zu ihnen hält. Doch ist dieser nicht einverstanden dem Juden das Handwerk
zu legen. Der Jude überzeugt den Herzog, ein neues Ministerium zu gründen und alle
Gegner auszurotten. Das eigentliche Ziel von Josef Oppenheimer besteht darin, in
Württemberg das neue Israël zu gründen. Der Herzog hört nur auf den Juden und wird
von ihm manipuliert. Er sieht beim Juden nur die guten Seiten: er bringt ihm Geld, Macht
und Rat. Doch langsam wird der Herzog misstrauisch: er merkt, dass der Jude ihm
Widerstand leistet und sich zu sicher fühlt. Das Volk will einen Aufstand durchführen und
die Juden, die durch die Aufhebung der Judensperre in die Stadt eingedrungen sind, werden
als Armee den Aufstand unterdrücken, denn sie sind dem Herzog etwas schuldig. Die
Leute schaffen es nicht, den Herzog vor den Plänen des Juden zu warnen. Er verreist
einige Tage und unterdessen vergewaltigt der Jude eine Frau, die er in den Selbstmord
treibt, weil sie nicht mit ihm schlafen will. Als der Herzog zurückkommt, stirbt er an
Herzversagen. Der Jude wird vom Volk erhängt und alle Juden sollen die Stadt innerhalb
von drei Tagen verlassen.
In diesem Film wird der Jude als geldgierig, hinterhältig, skrupellos, geizig, intrigant, brutal,
rücksichtslos, pervers und schlau dargestellt. Dies sind die typischen antisemitischen
Klischees. Am Anfang ist er wie ein Jude angezogen, er trägt ein langes, schwarzes Kleid
(Kaftan) mit Hut und einem Bart. Doch danach sieht er wie irgendein Schwabe aus, denn
er muss sich anders anziehen, um sich in Stuttgart aufhalten zu können. Die Kleidung
spielt also eine sehr wichtige Rolle in der öffentlichen Meinung. Dazu sieht man, dass der
Jude sich in Geschäften auskennt: am Anfang des Films handelt er um den Verkaufspreis
eines Schmuckstücks und beweist bei dieser Gelegenheit, dass er sehr schlau in diesem
Geschäft ist. Am Ende siegt doch der stärkere: in diesem Fall sind es die Bewohner
Stuttgarts und der Jude wird, bevor er stirbt, richtig blamiert. Dieser Film sollte dazu dienen,
bei der Bevölkerung Hass und Misstrauen gegenüber den Juden aufkommen zu lassen.
Der Antisemitismus wird auf subtile Weise gezeigt ohne aufgebaut oder kunstlich zu
wirken. Die Person Joseph Süss Oppenheimer wurde schon in mehreren Büchern wie
z.B. im Roman Jud Süss (Lion Feuchtwanger, 1925) oder im antirassistischen und antinazi-Film
Jew Süss (Lothar Mendes, 1934) benutzt. In Jud Süss (Veit Harlan, 1940) wird
also die Vergangenheit geändert, in dem man eine bekannte Figur wie Joseph Süss
Oppenheimer benutzt, um den Juden unbeliebt zu machen. Die Musik im Film spielt auch
eine wichtige Rolle: am Anfang gibt es ein Fest für den Herzog, Musiker spielen
Trompete. Es erinnert an die Reden von Hitler: es gab auch immer ein Fest mit Musik,
alles sah grandios aus, man wollte die Leute dadurch beeindrucken. Man kann es auch
mit den Olympiaden vergleichen: am Anfang eine feierliche Zeremonie und dann die
Spiele. Als Propagandafilm wirkte dieser Film natürlich sehr überzeugend. Man stellt fest,
dass es immer Antisemitismus und Antisemisten gab. Die Hitler-Periode ist im Grunde
genommen nur der letzte Höhepunkt des Judenhasses. Das zeigt einmal mehr, dass dieses
Problem schon immer bestand und dass Hitler mit seiner “Endlösung” einen besonders
furchtbaren Höhepunkt erreicht! Der Film von Veit Harlan hat auch im Ausland
(Frankreich oder Italien) viel Erfolg. Dieser Propagandafilm ist neben den propagandistischen
Werken von Leni Riefenstahl, der einzige Nazi-Film, der lange Zeit im Gedächtnis
der Leute geblieben ist.
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Der polnische Filmhistoriker Jerzy Toeplitz schreibt über Jud Süss (Veit Harlan, 1940)
u.a.:
“Sein Ziel war, dem deutschen Volk die tödliche Gefahr zu zeigen, die ihm drohe, und es
gleichzeitig zum Hass gegen die Juden zu mobilisieren; man kann einfach ohne dem
menschlichen Vorstellungsvermögen Grenzen zu setzen, sagen: zur Ermordung der
Juden.” Toeplitz zitiert Günter Netzeband: “Allgemein bekannt ist, dass Jud Süss (Veit
Harlan, 1940), dieser offene Aufruf zu Pogromhetze und Massenvernichtung, in den okkupierten
Gebieten immer dann verstärkt eingesetzt wurde, wenn Deportationen bevorstanden.”
Nicht umsonst ordnet der Reichsführer SS Himmler an, dass die gesamte SS sowie
die Polizei den Film Jud Süss (Veit Harlan, 1940) anzuschauen habe. “Die
Familienangehörigen können an den Vorstellungen teilnehmen.” In diesem Film wird “nur”
über die Vertreibung der Juden gesprochen.
Tiefland (Leni Riefenstahl, 1940-1953): Der Film ist eine optisch und musikalisch stimmungsvolle
Verfilmung des Melodramas “Tiefland” nach der gleichnamigen Oper von
Eugen d’Albert. Leni Riefenstahl spielt im Film eine Zigeunertänzerin. Leni Riefenstahl
wollte lieber “Tiefland” verfilmen, ohne einen Propaganda- oder Kriegsfilm machen zu
müssen. Es dauert mehr als zwanzig Jahre bis Tiefland (Leni Riefenstahl, 1940-1953)
endlich herauskommt. Krieg, Krankheit und eine fast zehnjährige Beschlagnahmung des
Materials waren die Ursache. Im Jahre 1940 war Deutschland im Westen einmarschiert,
hatte die Benelux-Länder eingenommen und war bis nach Frankreich eingedrungen. Da
die Regisseurin den Film ursprünglich in den spanischen Pyrenäen drehen wollte, wurde
nach änhlichen Motiven gesucht: es wurde schliesslich in Deutschland und in den
Dolomiten gedreht. Goebbels kam es während dieser Zeit in erster Linie auf patriotische
Stoffe und Unterhaltung in jeder Form an, um die Zuschauer einerseits auf das Ziel des
Krieges auszurichten, andererseits von ihren Sorgen abzulenken. Im Film spielt Leni
Riefenstahl (Martha) eine der Hauptrollen.
Die Musik des Films wird von den Wiener Symphonikern gespielt, es ist klassische Musik
von Eugen d’Albert. Der Film spielt sich in den spanischen Pyrenäen ab. Dort lebt der
Grossgrundbesitzer Don Sebastian, ihm gehört u.a. eine Stierherde. Er ist unbarmherzig
und herrisch. Die Bauern beklagen sich, dass sie nicht genug Wasser für sich haben,
denn Don Sebastian benutzt es für die Stiere. Don Sebastian hat Schulden und, um sie
loszuwerden, hat er der Tochter des wolhabenden Bürgermeisters, Amelia, die Ehe versprochen.
Sie ist damit jedoch nicht einverstanden, denn sie weiss dass Don Sebastian
nur an ihrem Geld interessiert ist. Eines Abends lernt der Grossgrundbesitzer die
Zigeunerin Martha in einem Wirtshaus kennen. Sie tanzt dort. Don Sebastian nimmt
Martha zu sich nach Hause mit und küsst sie: sie wird seine Geliebte. Die Tochter des
Bürgermeisters ist auf die Beziehung zwischen Don Sebastian und Martha eifersüchtig,
doch Amelia will ihn durch das Zahlen seiner Schulden für sich gewinnen. Im Dorf muss
unterdessen die Bevölkerung das Wasser schon aus den Brunnen holen. Die Bauern sind
gereitzt und wollen mit Don Sebastian sprechen, aber dieser ist nicht bereit, ihnen das
nötige Wasser zu geben. Martha verlässt Don Sebastian, ohne dass er es merkt, und die
Tochter des Bürgermeisters ist schliesslich einverstanden, die Schulden des
Grossgrundbesitzers zu bezahlen, aber unter einer Bedingung: Martha soll nicht zurückkommen.
Ein Hirte, der Pedro heisst, findet Martha verletzt auf und bringt sie zu sich in
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die Hütte. Die Leute von Don Sebastian holen Martha bei ihm ab und bringen sie zum
Grossgrundbesitzer zurück, denn er will sie unter seiner Aufsicht behalten. Don Sebastian
will Martha mit einem Mann verheiraten, damit seine Schulden bezahlt werden. Der Hirte
ist einverstanden, Martha zu heiraten, da er sich in sie verliebt hat. Martha verliebt sich
ebenfalls in Pedro. Am selben Tag heiraten Pedro und Martha sowie Don Sebastian und
die Tochter des Bürgermeisters. Der Grossgrundbesitzer trifft Martha wieder und will sie
umarmen, aber sie wehrt sich. Pedro erscheint, es kommt zu einem schrecklichen
Messerduell zwischen Pedro und Don Sebastian, bei dem der Bösewicht schliesslich den
verdienten Tod findet. Nach dem Tod Don Sebastians kommt der erlösende Regen, die
monatelange Dürre ist beendet, die Bauern haben wieder Wasser, und Pedro und Martha
verlassen das “Tiefland”, um in die Berge zu gehen. Ende gut, alles gut.
In diesem Film gibt es einen ständigen Konflikt zwischen den armen Bauern, die Wasser
brauchen, und dem korrupten, skrupellosen und verschuldeten Grossgrundbesitzer Don
Sebastian. Pedro und Don Sebastian lieben beide Martha, dadurch entsteht auch eine
Rivalität zwischen den beiden Männern, die mit dem Tod des Grossgrundbesitzers endet.
Die Bergwelt mit dem Hirten Pedro verkörpert das Gute, das Tiefland mit Don Sebastian
das Böse. Die beiden weiblichen Gestalten, Martha und Amelia, verkörpern zwei verschiedene
Rollen: Martha ist die arme erliche Zigeunerin und Amelia ist die reiche berechnende
Tochter eines Bürgermeisters. Dieser Film ist ein Melodrama, das zur Unterhaltung
dient. Es ist aber kein reiner Unterhaltungsfilm. Don Sebastian verkörpert den
Kapitalismus, den Machtbesitz und die Bauern sind die Armen. Es gibt also nur wenig
Propaganda, anders als in Hitlerjunge Quex (Hans Steinhoff, 1933). Tiefland (Leni
Riefenstahl, 1940-1953) ist aber bedrückend, wenn man bedenkt, dass Zigeuner aus KZs
für den Film benutzt wurden und dann trotzdem umkamen. Leni Riefenstahl streitet bis
heute ab, dass sie Zigeuner aus KZs geholt hat, um sie in ihrem Film als Komparsen einzusetzen.
Wenn es aber stimmen würde, dann würde es bestätigen, dass sie skrupellos
diese Zigeuner benutzt hat, ohne sich Sorgen über ihre Zukunft zu machen. Sie hat im
richtigen Zeitpunkt mit dem NS-Staat kollaboriert und wurde dadurch erfolgreich. Sie ist
also kein Opfer des NS-Staates, denn sie hat den Kontakt mit Hilter gesucht und ausgenutzt.
D. Fazit
Das Filmschaffen im Dritten Reich wurde durch die Nazis sehr beeinflusst, sowohl die
Regisseure und Darsteller wie die Filme selbst. Einige Regisseure wie Veit Harlan, Karl
Ritter oder Leni Riefenstahl machten während dieser Zeit Karriere, aber ihre Einstellung
zur NSDAP wird im Nachhinein oft kritisiert und ihre künstlerische Begabung wird unterschätzt.
Ich denke, dass man jedoch beides in Betracht ziehen muss. Einige jedoch
haben den Mut oder die Intelligenz gehabt sich gegen das System durchzusetzen, in dem
sie z.B. eine neue Karriere im Ausland angefangen haben. Dadurch konnten sie sich auf
künstlerischer Ebene weiterentwickeln. Andere blieben und wollten sich nicht anpassen:
die meisten verloren den Kampf gegen diese rücksichtslose Machherrschaft. Die Filme
sind immer in Bezug auf die Kriegslage und die Stimmung im Land gedreht worden: ging
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es der Bevölkerung gut, so wurde mehr auf Propaganda gesetzt bzw. patriotische oder
nazionalsozialistische Filme, ging es dem Volk schlecht so wurden Unterhaltungsfilme
gezeigt. Die zwei Protagonisten für die Propaganda, d.h. Adolf Hitler und Joseph
Goebbels, sind richtige Kinoliebhaber gewesen und Goebbels kannte sich in der
Filmbranche aus: er wusste genau welcher Film wann eingesetzt werden musste und welcher
nicht; und da er an die Beeinflussung der Bevölkerung durch den Film so fest
glaubte, so wirkten seine Reden über das Filmschaffen und die Filme selbst viel besser
und überzeugend. In den Filmen wirkte alles grösser, besser, reeller und richtig. Doch das
deutsche Volk hatte damals nicht die nötige Distanz zum Film, um zu merken, dass dies
eine weitere Lüge der Nazis war.
Persönlich gesehen habe ich durch diese Maturaarbeit zuerst ein neues Kapitel des deutschen
Kinos in Zusammenhang mit der Geschichte entdeckt. Ich habe gelernt, autonom
zu arbeiten, Recherchen über dieses Thema zu machen und Filme mit einem kritischen
Auge anzuschauen. Es ist nicht einfach gewesen, diese Periode des Filmschaffens in
Babelsberg auf so wenigen Seiten zusammenzufassen, denn es gibt so viel darüber zu
berichten (Regisseure, Schauspieler, Filme). Das ist vielleicht das Einzige, was mich an
dieser Arbeit ein bisschen frustriert hat. Persönlich gesehen war das Filmanschauen am
interessantesten, denn ich habe gelernt, wie man sich Filme kritisch anschaut, ohne den
damaligen historischen Kontext zu vergessen. Ich habe feststellen können, dass Bilder
ein sehr wirksames Mittel sind, um eine Idee zu vermitteln, die der Realität nicht unbedingt
entspricht. Bei den Zuschauern bilden sich dann sogenannte Vorurteile, die man
nicht mehr so schnell los wird. Wenn man z.B. den Juden als skruppellos und hinterhältig
darstellt, erscheinen sie als solche in der Gesellschaft und werden ausgeschlossen, das
ist eines der Ziele der Nazis von 1933 bis 1945. Die Nazis haben den Film auf negative
Art benutzt und missbraucht, um der Bevölkerung ihre Ideologie zu vermitteln und es hat
funktioniert. Es hat doch nicht nur Propagandafilme gegeben, sondern auch
Unterhaltungsfilme mit sehr wenig ohne gar keiner Propaganda, damit die Bevölkerung
ihre Sorgen vergisst. Ich hätte nie gedacht, dass der Film eine so wichtige Rolle für die
Nazis hat spielen können, aber im Nachhinein kann man es erklären: neben den Reden
von Hitler, der Hitlerjugend, den Festen,... ist es wichtig gewesen, die Leute auf eine
andere Art zu unterhalten und die NS-Ideen mit Bildern z.B. rüberzubringen, aber es ist
ein perverses System gewesen.
Nicht nur der NS-Staat hat Propagandafilme produziert sondern auch die UdSSR z.B. Der
damalige Diktator Stalin hat sich wie Goebbels für den Film sehr engagiert und wollte
durch Filme Propaganda ausüben, um die Bevölkerung und die rote Armee zu beeinflussen.
Heutzutage wird man rund um die Uhr durch die Medien manipuliert. Ein Beispiel
dafür ist der Irak Krieg. Der amerikanische Sender CNN und der arabische Sender Al-
Jazira haben ununterbrochen, und jeder aus seiner Sicht über die Kriegsereignisse
berichtet. Die Wahrheit liegt irgendwo in der Mitte. Ausserdem haben sich die technischen
Mittel in kürzerster Zeit rapide verbessert. Eigentlich sollte man aus der Geschichte lernen
und nicht nochmal die selben Fehler begehen. Man sollte sich bewusst sein, dass man
ständig durch Wort, Bild und Ton manipuliert wird. Darum ist es wichtig, unter allen
Umständen kritisch zu bleiben, kritisch zu denken und sich vor allen Dingen eine eigene
Meinung zu bilden.
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E. Bibliographie
Maturaarbeit unter der Leitung von Frau Suzanne Déglon
Für die angeschauten Filme: Mediathek von Dorigny
Für die Filmmontage: Herr Alain Boillat
Bücher:
BEYER Friedemann, Die Ufa-Stars im Dritten Reich - Frauen für Deutschland,
München, Wilhelm Heyne Verlag, 1991
BLUMENFELD Samuel, Le Juif Süss, manipulation nazie, Zeitungsartikel in “Le Monde”
vom 11.07.2003
BOCK Hans-Michael, CineGraph - Lexikon zum deutschsprachigen Film, München, edition
text & kritik, 1984
BOCK Hans-Michael und TÖTEBERG Michael, Das Ufa-Buch, Frankfurt am Main,
Zweitausendeins, 1992
BORGELT Hans, Die Ufa - ein Traum, Berlin, edition q, 1993
BOUSSINOT Roger, L’Encyclopédie du cinéma, Paris, Les Savoirs Bordas, 1995
EISENSCHITZ Bernard, Le Cinéma allemand, Paris, Nathan Université, 1999
GEISS Axel, Filmstadt Babelsberg, Berlin, Nicolai, 1994 (Reden von Goebbels)
JACOBSEN Wolfgang, Babelsberg - 1912 ein Filmstudio 1992, Berlin, Argon, 1992
RIEFENSTAHL Leni, Memoiren - 1902-1945, Berlin, Ullstein, 1987
SCHENK Ralf, Das zweite Leben der Filmstadt Babelsberg - DEFA-Spielfilme 1946-
1992, Berlin, Henschel,1994
TRIMBORN Jürgen, Riefenstahl-Eine deutsche Karriere-Biographie, Berlin, Aufbau-
Verlag, 2002
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Sites im Internet:
www.filmmuseum-potsdam.de/geschichte.html
www.studio-babelsberg.com/de
www.kinoindex.de
www.avi.de/de/html/de babel.html
www.zukunftssalon.de/berlin/karsten62001.html
www.kinosessel.de
www.dhm.de/lemo/html/biografien
www.deutscher-tonfilm.de
www.prisma-online.de/tv/person.html
www.deutsches-filminstitut.de
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