Programmheft (PDF) herunterladen - Musikhochschule Stuttgart

Herzlich willkommen!
Mit besonderer Freude heiße ich alle Teilnehmerinnen und Teilnehmer sowie alle Gäste
zum Kongress über Mikrotonalität in der Staatlichen Hochschule für Musik und
Darstellende Kunst Stuttgart willkommen. Wir danken Ihnen für Ihr Kommen und
freuen uns auf Ihre Beiträge und Anregungen.
Der Kongress wurde initiiert vom Studio Neue Musik und sollte sich auch zunächst auf
diesen Bereich konzentrieren, doch zeigte sich sehr bald, dass das Thema mit allen
erdenklichen musikalischen Welten verbunden ist. Ob in der Alten Musik, in vielen
außereuropäischen Musiktraditionen oder auch in einer synthetisch erzeugten
Filmmusik, überall stoßen wir auf Mikrotonalität. Folglich dürfen wir zufrieden
feststellen, dass wir uns nicht ein Randthema der Musik ausgewählt haben, sondern uns
im Zentrum eines sehr weit gefassten Verständnisses von Musik bewegen. Spätestens zu
diesem Zeitpunkt wurde uns klar, dass dieser Kongress uns erneut eine wunderbare
Gelegenheit bietet, unsere Arbeit als forschende und lehrende Hochschule zwar aus
einem bestimmten Blickwinkel, aber doch in ihrer Gesamtheit zu sehen.
Ich möchte allen von Herzen danken, die am Zustandekommen dieses Kongresses
mitgewirkt haben, sei es bei der Konzeption und Organisation in unserer Hochschule,
sei es durch wissenschaftliche und künstlerische Beiträge. Es wäre ja höchst
unglücklich, wenn man über dieses Thema nur reden würde; erst die vielen
Konzertbeiträge machen den Kongress zu einem Gesamteindruck, aus dem alle
Teilnehmerinnen und Teilnehmer hoffentlich großen Gewinn schöpfen. Nicht zuletzt
danke ich auch unseren Förderern und Sponsoren, ohne deren Unterstützung der
aufwändige Kongress nicht möglich gewesen wäre.
Ich wünsche Ihnen allen einen angenehmen Aufenthalt in unserer Hochschule und einen
bereichernde Tagung.
Prof. Dr. Werner Heinrichs
Rektor
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Sehr geehrte Damen und Herren, liebe Kongressteilnehmer,
„Mikrotonalität“ erschien bei den ersten Überlegungen zum Kongress zunächst als ein
etwas sperriger Begriff und als Thema allzu weit gefasst; bei konkreten
Definitionsversuchen stellte sich dann auch noch heraus, dass offenbar jeder etwas
anderes darunter versteht – Komponisten, Experten Neuer bzw. Alter Musik,
enthusiastische bzw. leidgeprüfte Interpreten, Theoretiker usw. Manch einer nimmt
unser wohltemperiertes System spontan als Maßstab, andere sehen im Schwarz-Weiß
der Klaviertasten nur einen vorübergehenden und auf die sogenannte „westliche Welt“
begrenzten Sonderfall, noch andere denken von vornherein völlig wertneutral in „cents“.
Die Diskussion kam in Gang – und es wurde klar, dass „Mikrotonalität“ tatsächlich ein
ergiebiges Kongressthema sein würde.
Seit über einem Jahr haben wir vom Studio Neue Musik aus an der inhaltlichen wie
organisatorischen Konzeption des Kongresses gearbeitet. Nun freuen wir uns, das
Ergebnis präsentieren zu dürfen. Es ist dank der (zwar exemplarischen, aber umso
konsequenteren) Gegenüberstellung von alt-neu-außereuropäisch bzw. Theorie-Praxis-
Ästhetik vielfältiger geworden als wir erwartet hatten. Es zeigt einmal mehr die
wunderbare kreative Zusammenarbeit zwischen den verschiedenen Abteilungen unseres
Hauses und darüber hinaus. Und es wird uns zu neuen, faszinierenden Erkenntnissen
und Einsichten bringen – schon allein durch den direkten Kontakt zu den Fachleuten
verschiedenster Spezialgebiete. Und natürlich durch die unmittelbare Präsenz unserer
internationalen Gäste.
Bleibt mir noch, allen zu danken, die zum Gelingen des Kongresses beigetragen haben.
Förderer und Sponsoren machten durch Ihre Unterstützung den Kongress in dieser Form
erst möglich. Referenten und Künstler haben massiv dazu beigetragen, den Kongress
gleichzeitig auf fachlich hohem und finanziell moderatem Niveau realisieren zu können.
Die Hochschulleitung unterstützte uns in allen Phasen von den Vorüberlegungen bis zur
Durchführung. Viele Kollegen des Hauses wirken mit großem Engagement mit, vor und
hinter den Kulissen. Künstlerisches Betriebsbüro, Hausmeister, Bühnentechnik und
weitere Mitarbeiter des Hauses halfen in vielen organisatorischen Bereichen durch Rat
und Tat. Last but not least war die ebenso engagierte wie kritische Mitarbeit unserer
Studierenden eine unverzichtbare Voraussetzung für den Kongress.
Ich wünsche Ihnen erlebnisreiche Tage!
Dr. Cordula Pätzold
Projektleitung Kongress
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Praxis und Utopie
Mikrotonalität ist eines der großen Themen der Musik im 20. und 21. Jahrhundert.
Sie greift ins Innerste der Musik ein; sie erweitert das 12-tönig temperierte Tonsystem
unserer abendländischen Musik nicht nur, sondern stellt es auch in Frage. Der
Internationale Kongress Mikrotonalität. Praxis & Utopie setzt folgerichtig den
Schwerpunkt auf die Ausstrahlung mikrotonaler Konzepte in den ganzen Kosmos der
Musik.
Natürlich ist die Kenntnis und das Verständnis der Theorien und der historischen
Entwicklungen wichtig – aber ebenso bedeutsam scheint uns die sensuelle
Wahrnehmung: das Empfinden von Klang, der durch mikrotonale Prägung
grundsätzlich anders ist, als ein Klang innerhalb der 12-tönig temperierten Stimmung.
Wir wollen nicht eine tiefgehende theoretische Auseinandersetzung durch
Klangbeispiele, die ästhetisch unbefriedigend sind flankieren (harmlose Akkorde in
midi-Realisation). Wir gehen den entgegen gesetzten Weg: all unsere Energie haben wir
darauf verwendet, spektakuläre mikrotonale Konzepte real auf die Bühne zu bringen.
Ein zentrales Anliegen ist das vergleichende Hören: der Vergleich zwischen ähnlichen
harmonischen Progressionen in verschiedenen Stimmungen oder auch der Vergleich
zwischen ähnlichen musikalischen Ideen in ähnlichen Stimmungen aus verschiedenen
Jahrhunderten oder aus verschiedenen Kulturen mit Instrumenten aus klanglich
verschiedenen Welten.
Unsere Beispiele sind Extrempunkte mikrotonaler Musik. Wir erkennen in der Musik
um 1600 eine Situation, die sich in vielen Aspekten mit dem heutigen Ringen um die
Überwindung von Grenzen vergleichen lässt. Auch damals wurden Theorie,
Instrumentenbau und Ästhetik bis hin zu höchst spektakulären Sphären vorangetrieben.
Solche Spannungsbögen durchziehen den Kongress, und je mehr wir uns mit der
Materie beschäftigt haben, desto mehr wurde uns klar, welche Bedeutung die Praxis und
auch die Tradition im praktischen Umgang hat. Glücklicherweise sind diese Ideen
innerhalb der Musikhochschule fruchtbar aufgenommen worden. Die breite
Unterstützung von Lehrkräften und Studierenden, die substantiell zum ganzen
Programm beitragen, machten es möglich, dass wir in unserem Kongress die
Mikrotonalität als ein Thema zeigen können, in dem sich der Weg zu Utopien, zu
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unerhörten neuen klanglichen Welten in der musikalischen Praxis eröffnet. Diese
Spuren verfolgen wir in Vorträgen, Konzerten, Instrumentenausstellungen,
Präsentationen und Masterclasses – alle inhaltlich direkt aufeinander bezogen und auf
vielfältige Weise miteinander kommunizierend.
So können Sie das Thema Mikrotonalität von verschiedenen Seiten und mit
verschiedenen Sinnen erfahren und erleben!
Prof. Caspar Johannes Walter
Künstlerischer Leiter des Kongresses
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Grußwort
Obwohl die 12-tönige chromatische Stimmung in der westlichen Musik erst seit knapp
vier Jahrhunderten in Kraft ist, ist sie heute, hauptsächlich aus pragmatischen Gründen,
ein Standard geworden. Das führt oft zu Problemen für die musikalische Identität eines
mikrotonalen Werkes.
In anderen Ländern waren verschiedene ungleiche Stimmungen ganz gewöhnlich: jede
Kultur benutzte ihr eigenes System, und oft wurden die entsprechenden Instrumente
dafür entwickelt. Der Austausch von den Repertoires zwischen Kulturen war natürlich
nicht mühelos, aber es gab auch keine Notwendigkeit dafür, und deshalb wurde er nicht
gesucht. Erst durch die Entwicklung der digitalen Technologie (am Ende der 70er Jahre)
konnten endlose mikrotonalen Konfigurationen schnell analysiert und ausprobiert
werden.
Das Gebiet der Musikethnologie wurde durch diese neuen Analysenmittel stark
bereichert; es konnten genauere strukturelle Modelle des traditionellen Repertoires
erbaut werden. Die Komponisten instrumentaler Musik haben sofort angefangen, nicht
mehr in Tonhöhen, sondern direkt in Frequenzen nachzudenken, die aber mit
mikrotonalen Zeichen in Notenschrift übertragen werden sollten, um von akustischen
Instrumenten aufgeführt werden zu können. Schließlich war für die Computerkünstler,
die sich mit der Klangsynthese und -bearbeitung beschäftigen, eine nicht-chromatische
Stimmung die normale Art und Weise zu komponieren.
Die Welt der „Elektronen“ und die der „Mikrotonen“ sind deshalb heutzutage so stabil
miteinander verbunden, dass man sie nicht mehr voneinander trennen kann. Die
Teilnahme von verschiedenen Mitgliedern des Studios für Elektronische Musik unserer
Musikhochschule an diesem Symposium zeigt überzeugend, wie nah sich diese
Domänen inzwischen sind.
Es werden auch Werke unserer Studenten und Kollegen während der Konzerte
aufgeführt – und ich wünsche allen Teilnehmern, dieses Abenteuer zusammen zu
entdecken und zu genießen.
Prof. Marco Stroppa
Studio für Elektronische Musik
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Grußwort
Als Leiter des Studio Alte Musik unserer Musikhochschule begrüße ich sehr herzlich alle
Teilnehmerinnen und Teilnehmer des Kongresses über das spannende und vielfältige
Thema Mikrotonalität.
Zwischen der Alten und der Neuen Musik finden sich erstaunliche Parallelen in der
Auseinandersetzung mit der Intervalleinteilung innerhalb der Oktave, der letztlich
grundlegenden Konstante in unserer auf der Obertonreihe aufgebauten Musik. Die heute
übliche Einteilung der Oktave in 12 gleich große Halbton-Intervalle (welche die
„gleichstufige Stimmung“ ergibt) ist klangliches Fundament des größten Teils der
klassisch-westlichen Kunstmusik in den letzten 200 Jahren. Im Bereich der Alten Musik
haben vor 1800 hingegen andere Einteilungstypen vorgeherrscht, wie zum Beispiel die
„mitteltönige Stimmung“, in der die 12 Halbtonschritte innerhalb der Oktave von
unterschiedlicher Größe sind. (In der mitteltönigen Stimmung sind zum Beispiel dis und
es verschiedene Tonhöhen). In dieser Stimmung sind einige Großterzen rein, was zu
einem „schönem“ Klang beiträgt – aber nur in Tonarten mit wenigen Vorzeichen.
Die Suche nach dem schönen Klang führte zum Bau des „Cimbalo cromatico“ mit 19
Tasten pro Oktave. Jetzt stand den Alten Meistern ein Instrument zur Verfügung, auf
dem man in allen Tonarten reine Terzen zur Verfügung hat. Daher nennt Michael
Praetorius dieses Instrument in Syntagma Musicum (1619) „Clavicymbalum Universale,
sev perfectum“. Für ein Instrument dieser „perfekten“ Art komponierte Ascanio
Mayone zwei Toccaten (1609) und moduliert dabei bis Fis-Dur. Zudem konnte man mit
einem solchen Instrument Streicher, Bläser oder Sänger, die durchweg reine Terzen
intonieren können, in allen Tonarten mit schönklingenden Akkorden begleiten. Wenn
auch die Zielsetzung der Intervall-Experimente in Alter (die „schöne“ reine Terz) und
Neuer Musik (differenziertes Ausloten der Chromatik) unterschiedlich ist, so verbindet
doch beide Gebiete das Interesse an neuen klanglichen Wirkungen.
Allen am Kongress Beteiligten wünsche ich interessante Einsichten in diese
mannigfaltige Thematik, gerade auch in der schöpferischen Spannung zwischen Alter
und Neuer Musik.
Prof. Jon Laukvik
Studio für Alte Musik
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Stimmungen
Unsere Psyche ist in einer Stimmung; sie kann auch verstimmt sein. Das musikalische
Tonsystem hat eine Stimmung – diese scheint aber auf den ersten Blick auf einer ganz
anderen Grundlage zu stehen als die Stimmung der menschlichen Seele. Sie ist nämlich
im Allgemeinen mathematisch definiert. Bei der menschlichen Seele kann eine
Stimmung düster, dunkel oder trüb sein – und sie kann sich aufhellen, leuchten, glänzen.
Es ist kein Zufall, dass all diese Begriffe mit Licht zu tun haben. Farbe, die aus der
Gesamtheit des Lichts heraus gebrochene Welle, führt uns in den Bereich der Musik. Es
ist nicht nur so, dass Klangfarbe in der physikalischen Realität der Musik von
überragend allumfassender Bedeutung ist; auch der Begriff Farbe selbst steht seit dem
Altertum („Chroma“) als Synonym für die kleine Veränderung einer Tonstufe, den
chromatischen Schritt.
Die Musiktheorie kennt eine Vielzahl unterschiedlicher Stimmungen, die z.B. einen
chromatischen Schritt jeweils unterschiedlich definieren. In der Praxis kann sich die
Musik sehr genau in der Stimmung des Tonsystem bewegen – oder sie fließt frei um die
theoretisch gültigen Tonstufen herum. In jedem Fall ist das Tonsystem mit seiner
Stimmung ein wichtiger Teil der musikalischen Sprache - und es ist sehr lohnend, die
der jeweiligen Stimmung zugrundeliegende mathematische Grundlage genau zu
untersuchen.
Wir sollten aber nicht vergessen, dass der individuelle Ausdruck der einzelnen Klänge
dieses Gerüst erst färbt, um der musikalischen Linie individuelle Gestalt zu geben. Also
suchen wir die Querverbindung in alle Bereiche der Musik, suchen nach Gründen für
die Unterschiede zwischen den Stimmungen, beschäftigen wir uns mit dem realen Klang
und der kompositorischen Idee – beides Dinge, die oft in einem Spannungsfeld zur
theoretisch postulierten Stimmung des Tonsystems stehen.
Wir haben in der westlichen Musik seit dem 19. Jahrhundert eine relativ stabile
Situation. Eine in Harmonie und Kontrapunkt hochentwickelte Sprache bedurfte eines
neutralen und transponierbaren Stimmungssystems – und genau dafür hat sich die
wohltemperierte 12-tönige Stimmung als sehr geeignet erwiesen. Die Instrumente
wurden genau für dieses Stimmungssystem optimiert. Die Töne eines modernen
Konzertflügels sind gegeneinander gut ausbalanciert gerade dadurch, dass sie einzeln
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etrachtet inharmonisch verbogene Spektren aufweisen. Das diffuse Grau dieser
Spektren tritt als eigene Farbe zurück und ermöglicht die Wahrnehmung der Töne als
Bausteine einer musikalischen Syntax. Aber die Auseinandersetzung mit dem
Phänomen Mikrotonalität hat uns in Vielem neu sensibilisiert. Wir hören, dass ein
Cembalo, dessen viel dünnere Saiten ein viel harmonischeres Spektrum hervorrufen,
nach einer reineren Intonation verlangt - näher an den Obertonintervallen der
Naturtonreihe. Wie es Erik Oña in seinem Vortrag „Intonation und Klangfarbe“
ausführt, hängt es also auch von der Klangstruktur des einzelnen Instrumentes ab, ob ein
Intervall als „richtig“ intoniert empfunden wird.
Die Stimmungen, die während des Kongresses zum Klingen gebracht werden, sind so
verschieden wie die aufgeführten Musikstücke und Musikinstrumente es sind, und sie
folgen unterschiedlichen Konstruktionsprinzipien.
Wohltemperierte Stimmungen (in diesen wird ein Intervall – meistens die Oktave –
logarithmisch in gleich große Schritte unterteilt) stehen reinen Stimmungen, in der die
Intervalle direkt von den Verhältnissen der Obertonreihe abgeleitet werden, gegenüber.
Häufig ist auch eine Synthese dieser zwei Prinzipien anzutreffen: die mitteltönigen
Stimmungen etwa gehen von einzelnen reinen Intervallen aus, die wiederum genau
mittig (logarithmisch) geteilt werden.
Den Extrempunkt der wohltemperierten Stimmungen markiert die 16tel-ton Temperatur
des Carrillo-Klavieres. Dort wird die Oktave in 96 gleich kleine Schritte geteilt. Die
portable Fokker-Orgel teilt die Oktave in 31 gleiche Teile. Dies ist allerdings keine Idee
des 20. Jahrhunderts, diese Stimmung wurde schon von Vicentino 1555 postuliert, um
den offenen Kreis der damaligen mitteltönigen Stimmungen zu schließen, und um ein
sehr kleines Intervall für den enharmonischen Tetrachord zur Verfügung zu haben.
Das Cembalo von Johannes Keller repräsentiert einen 24-tönigen Ausschnitt dieser 31
Töne. Es wird am zweiten Tag allerdings in einer anderen Stimmung zu hören sein: 24tönig
pythagoreisch. Dies ist eine reine Stimmung nur aus Quinten. Aufgrund der
Vielzahl von Tönen enthält sie (enharmonisch verwechselt) aber auch beinahe reine
Terzen und Septimen. Die gleichen Akkordkonstellationen in diesen zwar ähnlichen
aber doch grundsätzlich verschiedenen Stimmungen vergleichend hören zu können,
gehört sicher mit zum Spannendsten des Kongresses.
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Wolfgang von Schweinitz verlangt eine vollständig reine Stimmung die nicht nur
Quinten zur Basis hat sondern auch 5. Obertöne (Terzen), 7. Obertöne (Naturseptimen)
und 11. Obertöne. In einer experimentellen Installation werden Akkorde, losgelöst aus
dem Werk von Wolfgang von Schweinitz, auf der großen Konzertsaalorgel zu hören
sein. Dafür wird eine große Anzahl von Orgelpfeifen neu gestimmt werden.
Die Pfeifen einer Orgel sind geradezu ideal geeignet, um reine Intervalle aufzuführen,
da ihr eigenes Spektrum sehr gerade ist (im Gegensatz zum oben erwähnten
Konzertflügel). Wir freuen uns besonders darauf, den mächtigen Eindruck reiner
Orgelakkorde als konsonanten, statischen Klang genießen zu dürfen.
Auch wenn die den Stimmungen zugrundeliegende Mathematik höchst interessant und
auch sehr wichtig zum Verständnis der Musik selbst ist, so ist es doch offensichtlich,
dass in der Praxis die Theorie nicht buchstabengetreu befolgt wird. Dies ist aber kein
Mangel, sondern es gibt der Musik, wie oben angesprochen, eine eigene Dimension von
Farbe.: Ein besonders schönes Beispiel gibt uns da die türkische und die arabische
Kunstmusik: Wenn in einem strukturell wichtigen Moment einem Ton innerhalb einer
Linie eine neue besondere Bedeutung zukommen soll, dann entfernt sich der Ton in
seiner Intonation von seinem angestammten Platz. Um auf den eingangs erwähnten
chromatischen Tetrachord zurückzukommen zeigt sich das in der Position der mittleren
chromatischen Töne. Sie entfernen sich von der rahmenbildenden Quarte und gewinnen
dadurch an Stärke und eigenständiger Bedeutung. So verbindet sich (mikrotonale)
Intonation mit Artikulation.
Caspar Johannes Walter
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Uraufführungen zum Kongress – kreative Stellungnahmen
Die Mikrotonalität fasziniert heute Generationen von Komponistinnen und
Komponisten. Als kreative Stellungnahmen zur Thematik entstanden einige
Kompositionen eigens für diesen Kongress.
Größere Kompositionen steuern als Kompositionsauftrag des Kongresses Vegard Fægri
und Rafael Nassif bei. Nassif fokussiert sich auf den konkreten Klang der Mehrklänge
von Oben und Fagotte. N. Andrew Walsh verbindet Antike, Renaissance und Neuzeit.
Seine Josquin-Bearbeitung führt enharmonische Tetracorde von Archytas aus der
altgriechischen Musiktheorie ein, das Vokalensemble wird durch die von Harry Partch
konstruierte Adapted Viola unterstützt.
Ein besonderes Projekt sind die kurzen Kompositionen mit dem Cimbalo Cromatico von
Johannes Keller, das im Eröffnungskonzert (Do) in einer erweiterten mitteltönigen
Stimmung gestimmt sein wird (dies ist die Stimmung, für das es gebaut wurde). Marina
Khorkova wird dieser Stimmung ein experimentell verwendetes Klavier
gegenüberstellen. Beim Kammerkonzert (Fr) leisten wir uns ein Experiment: Das
Cembalo stimmen wir pythagoreisch – durch die Vielzahl von Tönen pro Oktave
können wir uns damit mittels enharmonischer Verwechslungen einer reinen Stimmung
annähern. Wir sind gespannt, wie sich diese in der Praxis der damaligen Zeit nicht
übliche Stimmung in der Konzertsituation bewähren wird. Die Kompositionen von
Koka Nikoladze und von Günay Mirzayeva loten diese pythagoreische Stimmung auf
ihre Weise aus. Auch meine eigenen kurzen Kompositionen fügen sich in das Konzept
der Beispielkompositionen um 1600 ein, deren spektakuläre Harmonien auf kürzestem
Raum, aber ohne Verzicht auf ästhetisch-kompositorische Qualität formuliert sind.
Do 11 Uhr: Caspar Johannes Walter: kommunizierende Mehrklänge für Klarinette, Cello und Klavier
Do 20 Uhr: Marina Khorkova: Beschwörung durch Lachen für Sopran, Cembalo, Monochord, Klavier
Do 20 Uhr: Rafael Nassif: floresta anônima für ein Doppelrohrblattensemble verteilt im Raum
Fr 20 Uhr: Vegard Fægri: tiltrekning (og landskap) / landscape (or attraction) für Ensemble
Fr 20 Uhr: Günay Mirzayeva: Mugham Impulses für Cello, Gitarre und Cembalo
Fr 20 Uhr: Koka Nikoladze: Poezdèplacement - differentzeitmaßcope für Geige, Cello und Cembalo
Fr 20 Uhr: Caspar Johannes Walter: Studie zu harmonischen Illusionen für Geige, Cello und Cembalo
Sa 16 Uhr: N. Andrew Walsh: Etüde 7 – erweitertes System für Vokalensemble und Adapted Viola
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Ehrengast Klaus Huber
Wenige Komponisten der Gegenwart haben sich so radikal auf außereuropäische
Musikkulturen eingelassen wie Klaus Huber in seinem Spätwerk. Dazu gehört die
kompositorische Konfrontation europäischer und arabischer Musiker und Ensembles,
insbesondere aber auch die Auseinandersetzung mit Modi und Intervallstrukturen der
arabischen Musik. Von der Arbeit mit Dritteltönen, so in … plainte … für Viola d’amore
(1990) – einem Stück, aus dem ein ganzer Werkkomplex hervorgegangen ist –,
verspricht er sich eine radikalere Abkehr vom „Diktat der gleichschwebenden
Intervalle“ als z.B. von vierteltönigen Modellen. Seine Musik provoziert ein hellwaches
Hören auf feinste Schattierungen im Innern des Klangs und ist zugleich eine politisch
engagierte, oft von Gedichten oder theologischen Texten getragene Musik. Langjähriger
Bezugspunkt war der unter Stalin in der Verbannung umgekommene Dichter Ossip
Mandelstam. Klaus Hubers Annäherung an die arabische Musik stand auch im Zeichen
des Protests gegen den ersten Golfkrieg 1991.
Prof. Dr. h.c. bis Klaus Huber, geb. 1924 in Bern, wurde 1973 Professor für
Komposition in Freiburg im Breisgau. Zu seinen Schülern gehören Brian Ferneyhough,
Toshio Hosokawa und Wolfgang Rihm. Seit 1990 führt Huber seine Lehrtätigkeit in
freier Form weiter. 1999 erschienen seine Gesammelten Schriften „Umgepflügte Zeit“,
hrsg. von Max Nyffeler. 2009 erhielt er den Ernst von Siemens-Musikpreis. Zuletzt
erschien der Interviewband Von Zeit zu Zeit. Das Gesamtschaffen. Gespräche mit
Claus-Steffen Mahnkopf, Hofheim 2009. Sein Vorlass liegt in der Paul Sacher Stiftung
Basel. Er lebt in Bremen und in Panicale/Umbrien.
„Sein christlicher Glaube bewegt ihn, sich direkt dem zuzuwenden, was er als die doppelte utopische
Sendung der Musik sieht: den Zuhörer zur konkreten sozialen Reflexion anzuregen und eine
hoffnungserfüllte Vision vom “rechten Leben” zu verkörpern. Wie mit diesem Credo steht es auch mit
dem Menschen. Das hat sich in den Erfahrungen von einander folgenden Generationen jüngerer
Komponisten gezeigt, die, wie ich selbst, die Kraft von Hubers pädagogischen Fähigkeiten selbst erleben
konnten und so seine vollkommene Offenheit und kritische Toleranz gegenüber einer weiten Vielfalt von
ästhetischen Positionen, kulturellen Hintergründen und angestrebten Zielen bestätigen können.“
Brian Ferneyhough über Klaus Huber unter www.klaushuber.com.
Auf Klaus Hubers Anregung hin haben wir das syrische Ensemble Al-Kindî eingeladen,
für das seine Assemblage „Die Erde dreht sich auf den Hörnern eines Stiers“ für 4
arabische und 2 europäische Musiker 1993 originär komponiert wurde.
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Kongressprogramm
Mittwoch, 15. Juni 2011
18.00-19.30 OPR Konzert „gegen unendlich“
21.00-23.00 KMS Konzert „Arabische Nacht“
Masterclasses/Workshops für Komposition (OPR) und Carrillo-Sechzehntelton-Klavier (KS)
Donnerstag, 16. Juni 2011
ab 9.00 Literaturstudium in Bibliothek und Wandelhalle (Ebene 8) oder
Gelegenheit zum „Besuch“ von Monochord-Studio mit
Instrumentenausstellung (8.06) dort:
10.00 Vorführung von David Stützel „Klangfundstücke“
11.00-11.30 OPR Kongresseröffnung & Begrüßung
11.30-13.00 OPR Caspar Johannes Walter
Kommunizierende Mehrklänge (mit Uraufführung)
*** SESSION 1 A – Präsentationen – 14.00-16.30 Uhr – Konzertsaal
14.00-15.00 Bernfried Pröve (Berlin), Moritz Ernst (Badenweiler)
Komponieren für Sechzehntelton-Klavier
15.30-16.00 Veli Kujala (Helsinki)
Quarter tone accordion – a presentation of a new microtonal instrument
16.00-16.30 B. Haas, M. Bidin, C. J. Walter, W. von Schweinitz (Lancaster)
Die Installation rein gestimmter Töne auf der großen Orgel des Konzertsaales
*** SESSION 1 B – Präsentationen – 14.00-18.00 Uhr – OPR
14.00-15.00 Michalis Cholevas (Rotterdam)
Modal system (Makam) and style in Turkish art music.
15.30-16.00 Koka Nikoladze, David Stützel (Trossingen)
Die Volksmusik Georgiens und ihre Beziehung zur europäischen Musik
16.00-16.45 Susanne Erding-Swiridoff
Traditionelle Musik der Araber im Dialog mit zeitgenössischer Musik
17.00 -18.00 OPR Andreas Meyer
Mikrotonalität warum?
19.00-19.45 OPR Ehrengast Klaus Huber im Gespräch mit Andreas Meyer
20.00-22.00 KS Eröffnungskonzert Open Spaces
Masterclasses/Workshops für Cembalo (8.23), Cello (8.28), Stimme (8.05), Geige (8.35) und
Gitarre (8.04)
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Freitag, 17. Juni 2011
*** SESSION 2 A – Vorträge – 9.00-13.00 Uhr – OPR
9.00-10.00 Julien Jâlal Eddine Weiss (Istanbul)
Singularity of the Qanun as a micro-tonal instrument by excellence and
problematic of musical notations…
10.00-11.00 Wolfgang von Schweinitz (Lancaster)
Zur Emanzipation der Konsonanz.
Das Repertoire der nach Gehör stimmbaren Intervalle
11.00-11.30 Georg Hajdu (Hamburg), Heinz Bohlen (Kehl)
Die Bohlen-Pierce-Skala
12.00-13.00 OPR Sander Germanus (Amsterdam)
31-tone music in theory and practice
*** SESSION 2 B – Papers – 9.00-11.30 Uhr – Raum 8.28
9.00-9.30 Manfred Cordes (Bremen)
Seguite I pochi; e non la vulgar gente.
Nicola Vicentinos enharmonisches Tongeschlecht
9.30-10.00 Manfred Stahnke (Hamburg)
Ganzzahlige Intervallproportionen in temperiertem Kontext –
Parallelen zwischen dem Archicembalo und einer heutigen mikrotonalen
Synthesizerstimmung
10.30-11.00 Matteo Cesari (Paris)
Pushing the Performer to his Limits: Microtonality and Interpretation
11.00-11.30 Tilmann Langbein (Abtsgmünd), Michael Scheer (Jestetten)
Das Stimmgerät CTS-32-C
*** SESSION 3 A – Präsentationen – 14.00-18.30 Uhr – OPR
14.00-15.00 Johannes Keller (Basel)
Gebrauchsanweisung für das Cimbalo Cromatico.
Einblicke in Bauweise und Aufführungspraxis anhand konkreter Beispiele
15.30-16.30 Piet Johan Meyer, Oliver Frick, Caspar Johannes Walter
Monochord / Mikroton-Player / Soft- Hardwareausstellung
17.00-18.30 OPR Martin Kirnbauer (Basel)
Mikrotonalität versus Vieltönigkeit ?
Konzepte und Praktiken ‚mikrotonaler‘ Musik des 16. und 17. Jahrhunderts
*** SESSION 3 B – Papers – 15.30-16.30 Uhr – Raum 8.28
15.30-16.00 Till Knipper (Oldenburg)
Mikrotonale Intonation am Beispiel von Klaus Hubers "...Plainte..."
16.00-16.30 Bernd Asmus
Werkeinführung zu “Gewölk”
20.00-22.00 KMS Kammerkonzert Plainsound Symphony
Masterclasses/Workshops für Orgel (KS), Flöte (8.23), Saxophon (8.04)
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Kongressprogramm

Kongressprogramm
Samstag, 18. Juni 2011
*** SESSION 4 A – Präsentation/Paper/Vortrag – 9.00-13.00 Uhr – OPR
9.00-10.00 John Schneider (Los Angeles)
Partch: Re-Genesis of a Music
10.30-11.00 Lidia Ader (St. Petersburg)
Russian microtonal theory: 1910-1920s approaches and tendencies
11.00-11.30 Cordula Pätzold (Stuttgart)
Panchromatische Zeitanordnung
11.30-13.00 Erik Oña (Basel)
Intonation und Klangfarbe
***SESSION 4 B – Papers – 10.30-11.30 Uhr – Raum 8.28
10.30-11.00 Joachim Junker (Kaiserslautern)
“Ein reines Fruchtland”:
Zur Mikrotonalität in Luigi Nonos Das atmende Klarsein
11.00-11.30 Sarvenaz Safari (Hamburg)
Mikrotonalität: Klangfarbe oder Klangfärbung?
[György Ligeti: Streichquartett Nr.2 (1968), Georg Friedrich Haas:
Streichquartett Nr.2 (1998), Manfred Stahnke: Streichquartett Nr.4 (2000)]
14.00-15.30 Roman Brotbeck (Bern)
Mikrotonalität als Reconquista – der mexikanische Futurist Julián Carrillo
16.00-18.00 KS Abschlusskonzert & Abschlussdiskussion
Ende des Kongresses gegen 18.30 Uhr.
Züge Richtung Norden (Hamburg/Berlin): Abfahrt 18.51 Uhr
Züge Richtung Südwest (Basel): Abfahrt 19.11 Uhr
Züge Richtung Südost (München/Salzburg): Abfahrt 18.53 Uhr
Mikrotonalität. Praxis & Utopie
Zur Dokumentation des Kongresses erscheint voraussichtlich 2012 ein
Kongressbericht in Buchform
(Stuttgarter Musikwissenschaftliche Schriften, Schott Verlag) sowie eine
Doppel-CD der Konzerte (Edition Zeitklang)
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Mittwoch, 15. Juni 2011
18.00-19.30 OPR
Konzert „gegen unendlich“
Stellen / Ausschnitte / Aspekte aus mikrotonaler Musik des 20. & 21. Jahrhunderts
echtzeitEnsemble, Christof M Löser (Leitung und Moderation)
21.00-23.00 Kammermusiksaal
Konzert „Arabische Nacht“
Klaus Huber Die Erde dreht sich auf den Hörnern eines Stiers (1993)
Assemblage für vier arabische und zwei europäische Musiker
und Tonband
Sänger (Sufi);
arabische Instrumente: Nay (Flöte), Qânûn (Zither),
Riqq/Mazhar (Schellentamburin/große Rahmentrommel);
Viola, Gitarre und Tonband
Traditionelle Arabische Musik
Ensemble Al-Kindî:
Julien Jâlal Eddine Weiss, Qânûn/arabische Zither, künstlerische Leitung
Hasan Altnji, Sufi-Gesang
Ziad Kadi Amin, Ney/arabische Holzflöte
Jamal Al Sakka, Riqq/arabisches Schlagwerk
Andra Darzins, Viola
Johannes Monno, Gitarre
Igor Stepanov, Elektronik
Malte Giesen, Assistenz
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Konzerte

Konzerte
Donnerstag, 16. Juni 2011
Komponistengespräch: 19.00-19.45 OPR
Ehrengast Klaus Huber im Gespräch mit Andreas Meyer
20.00-22.00 Konzertsaal
Eröffnungskonzert „Open Spaces“
Zum Einlass ab ca. 19.45 Uhr:
Orgelinstallation - Akkorde in reiner Stimmung nach Wolfgang von Schweinitz
Marco Bidin, Orgel
Nicola Vicentino Musica priscia caput (1555) für Vokalensemble und Cembalo
Vokalensemble der MHS Stuttgart; Ltg: Prof. Johannes Knecht;
Johannes Keller, Cembalo
Georg Friedrich Haas Open Spaces II (2007) in memory of James Tenney
für 12 Streicher und zwei Schlagzeuger, vierchörige Raumdisposition
echtzeitEnsemble Stuttgart; Ltg: Christof M Löser
Julián Carrillo Klavierkonzert „Balbuceos“ (1959, Ausschnitt)
Bernfried Pröve Echo á Gérard, Spalt
Moritz Ernst, Sechzehntelton-Klavier
Ascanio Mayone Beispielkompositionen aus Fabio Colonnas
La Sambuca lincea, overo dell'istromento perfetto (Neapel 1618-22)
eingerichtet für Celloquartett in mitteltöniger Stimmung
KlassenEnsemble Prof. Conradin Brotbek /
Johannes Keller (Basel), Cembalo
Rafael Nassif floresta anônima (2010/11) für Doppelrohrblattensemble
KlassenEnsembles Prof. Christian Schmitt & Prof. Marc Engelhardt
Ltg: Christof M Löser
URAUFFÜHRUNG
- - -
Domenico Mazzocchi Mater euryali (1638)
Gunhild Alsvik, Sopran; Johannes Keller, Cembalo
Marina Khorkova Beschwörung durch Lachen (2010/11)
Gunhild Alsvik, Sopran; Johannes Keller, Cembalo;
Koka Nikoladze, Monochord; Julia Draginda und
Marina Khorkova, präpariertes Klavier
URAUFFÜHRUNG
Klaus Huber Die Erde dreht sich auf den Hörnern eines Stiers
[siehe Konzert „Arabische Nacht“]
16

Freitag, 17. Juni 2011
20.00-22.00 Kammermusiksaal
Konzert „Plainsound Symphony“
Steffen Krebber Zerscheinen (2010) für Fokker-Orgel und Ensemble
Ensemble SCALA der Huygens-Fokker-Stiftung, Amsterdam
Sander Germanus Gallium (2010) für Fokker-Orgel und Ensemble
Ensemble SCALA der Huygens-Fokker-Stiftung, Amsterdam
Harry Partch 17 Gedichte (Auswahl, 1930-33) für Adapted Viola
John Schneider, Adapted Viola
Wolfgang von Schweinitz Plainsound-Litany op.46a (2004) für Violoncello solo
Hanna Kölbel, Violoncello
Vegard Fægri tiltrekning (og landskap) / attraction (and landscape) (2010/11)
für Ensemble URAUFFÜHRUNG
komponiert im Auftrag des Studio Neue Musik der
Musikhochschule Stuttgart
echtzeitEnsemble / Stirling Ensemble Stuttgart
Christof M Löser, Leitung
URAUFFÜHRUNG
- - -
Bernd Asmus Gewölk (1996) für Ensemble
Stirling Ensemble Stuttgart; Christof M Löser, Leitung
Ascanio Mayone Beispielkompositionen aus Fabio Colonnas
La Sambuca lincea, overo dell'istromento perfetto (Neapel 1618-22)
eingerichtet für Celloquartett in pythagoreischer Stimmung
KlassenEnsemble Prof. Conradin Brotbek /
Johannes Keller (Basel), Cembalo
Günay Mirzayeva Mugham Impulses(2010/11) für Violoncello, Gitarre und Cembalo
echtzeitEnsemble / Johannes Keller , Cembalo
URAUFFÜHRUNG
Koka Nikoladze Poezdéplaement – differentzeitmaßcope (2010/11)
Eva Saladin, Violine; Céline Papion, Violoncello;
Johannes Keller, Cembalo
URAUFFÜHRUNG
Caspar Johannes Walter Studie zu harmonischen Illusionen (2010/11)
Eva Saladin, Violine; Céline Papion, Violoncello;
Johannes Keller, Cembalo
URAUFFÜHRUNG
Konzerte
Caspar Johannes Walter Flattergeist (2008) für drei Celli
Conradin Brotbek, Ester Saladin, Caspar Johannes Walter
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Konzerte
Samstag, 18. Juni 2011
16.00-18.00 Konzertsaal
Abschlusskonzert & Abschlussdiskussion
Diskussionsrunde mit Klaus Huber und Referenten
Diskussionsleitung: Andreas Meyer
Erik Oña Tiger und Patriarch (1994)
für Flöte, Klarinette, Schlagzeug, Violine und Violoncello
Stirling Ensemble Stuttgart
Christof M Löser / Erik Oña (Basel), Leitung
N. Andrew Walsh Etude 7 – Erweitertes Perfektes System (2011)
für Sopran, adapted Viola, Tenor, Bariton und Bass
nach „Douleur me bat“ von Josqiun Desprez
John Schneider, Adapted Viola
Vokalensemble der MHS Stuttgart; Ltg: Prof. Johannes Knecht
URAUFFÜHRUNG
Malte Giesen 7th litany for Heliogabalus (2010) für Ensemble
echtzeitEnsemble Stuttgart / Christof M Löser, Leitung
DEUTSCHE ERSTAUFFÜHRUNG
*** Diskussionsrunde, Leitung: Andreas Meyer
Klaus Huber Plainte – Die umgepflügte Zeit (1990/91) für Viola d’amore und
13 Instrumentalsolisten pour Luigi Nono,
Gunther Teuffel, Viola d’amore
Stirling Ensemble Stuttgart / Christof M Löser, Leitung
Gérard Grisey Jour, Contre-Jour (1978/79) pour 13 musiciens, orgue électrique et
bande magnétique 4 pistes
echtzeitEnsemble Stuttgart / Stirling Ensemble Stuttgart
Christof M Löser, Leitung
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Innerhalb der Masterclasses bzw. Workshops sollen im Allgemeinen die
Herausforderungen ausgewählter mikrotonaler Werke praktisch erarbeitet und typische
Herangehensweisen erprobt werden. Sie haben bisweilen experimentellen Charakter
und werden daher von einem Team aus Dozenten durchgeführt.
Komposition Mi 14.30-17.30 OPR
Prof. Klaus Huber (Bremen/Panicale), Prof. Dr. Erik Oña (Basel), Prof. Caspar
Johannes Walter (Stuttgart)
Carrillo-Klavier Mi 14.30-17.30 Konzertsaal
Bernfried Pröve (Berlin), Moritz Ernst (Badenweiler)
Cembalo Do 12.00-18.00 8.23
Johannes Keller (Basel)
Cello Do 12.00-18.00 8.28
Prof. Conradin Brotbek (Stuttgart), Prof. Wolfgang von Schweinitz (Lancaster), Andrew
Walsh (Stuttgart)
Stimme Do 12.00-18.00 8.05
Prof. Angelika Luz (Stuttgart), Gunhild Alsvik (Basel), Prof. John Schneider (Los
Angeles), Margarethe Huber (Berlin)
Geige Do 12.00-15.00 8.35
Prof. Judith Ingolfsson (Stuttgart)
Gitarre Do 12.00-15.00 8.04
Prof. Johannes Monno (Stuttgart, Koordination), Prof. Dr. John Schneider (Los
Angeles), Stefan Gerritsen (Ensemble SCALA Amsterdam), Agustín Castilla-Àvila
(Gesellschaft für ekmelische Musik Salzburg)
Orgel Fr 12.00-18.00 KS
Prof. Bernhard Haas (Stuttgart), Prof. Wolfgang von Schweinitz (Lancaster), Marco
Bidin (Stuttgart)
Flöte Fr 12.00-18.00 8.23
Antje Langkafel (Stuttgart), Eva Kingma (Amsterdam), Jos Zwaanenburg (Amsterdam),
Matteo Cesari (Paris), Raymond Honing (Hilversum)
Saxophon Fr 13.00-18.00 8.34
Nikola Lutz (Stuttgart), Prof. Bernd Konrad (Stuttgart)
Masterclasses / Workshops
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Ausstellungen
Monochord-Studio / Soft- und Hardware / Instrumentenausstellung
Raum 8.06 Führungen nach Anmeldung im Kongressbüro
Sehr nützlich für die praktische Arbeit ist es, einen Arbeitsplatz mit Software zur Berechnung von
Stimmungen zur Verfügung zu haben und auch midi-Instrumente, mit denen man jede Stimmung
direkt hören kann – und alles so einfach zu bedienen, dass jeder Komponist und Musiker ohne
technische Vorkenntnisse an diesem Arbeitsplatz arbeiten kann. Auf dieser Basis haben wir ein
Soft- und Hardware-Studio zusammengestellt, das vielfältige praktische Hilfsmittel in der
Beschäftigung mit Mikrotonalität zur Verfügung stellt. Neben verschiedenen Tools aus dem
Softwarebereich, die zum Teil aus dem Elektronischen Studio der Musikakademie Basel stammen,
sind es vor allem Eigenentwicklungen aus der Musikhochschule Stuttgart: die programmierbare
36-ton Tastatur mit Mikrotonplayer, den mehrstimmigen Controller in flexibler Intonation und das
Monochord.
Zu den „akustischen“ Instrumente gehört die Sammlung „Klangfundstücke“ von David Stützel:
„Ein Sammelsurium erstaunlicher (Mehr-)Klänge, Spiel- und Gesangstechniken, Ideen und
Instrumente, die vieles hörbar machen, veranhörlichen (Ober-, Unter-, Differenz- und Mikrotöne,
Multiphonics). Eine Instrumenten- und Klangausstellung, die sich großteils erst mit Vorführung
erschließt: Sägen, Töpfe, Rohre, Tassen, Gummibandtrompeten. Georgische Instrumente : Panduri
– mit gleichmäßiger Siebenteilung der Oktav – Tschonguri, Gudastviri, Duduki.“
Zu den im Kongressbüro angegeben Zeiten wird ein(e) Betreuer(in) anwesend sein, so dass alle
Interessierten die Soft- und Hardware auch ohne Vorkenntnisse ausprobieren können.
Orgel-Installation
Konzertsaal Do 16.30-17.00 Uhr (im Anschluss an die Präsentation)
Fr 12.00-16.00 Uhr (im Rahmen der Masterclass Orgel)
Carrillo-Klavier
Konzertsaal Mi 14.30-17.30 Uhr (im Rahmen der Masterclass Carrillo-Klavier)
Do 15.00-15.30 Uhr (im Anschluss an die Präsentation)
Cembalo universale
OPR Fr 15.00-15.30 Uhr (im Anschluss an die Präsentation)
Do 12.00-18.00 Uhr (im Rahmen der Masterclass Cembalo)
Kingma-Flöten
8.23 Fr 12-18 Uhr (im Rahmen der Masterclass Flöte)
Fachliteratur
Bibliothek (Ebene 8) Do 9.30-18.00 Uhr & Fr 9.30-15.00 Uhr
Die Bibliothek der Musikhochschule Stuttgart stellt Literatur zum Thema „Mikrotonalität“
zusammen, das zu den angegebenen Zeiten gesichtet werden kann.
Uraufführungen
Wandelhalle (Ebene 8) Mittwoch bis Samstag ganztägig
Begleitmaterial zu den eigens für den Kongress entstandenen Uraufführungen ist in den
Schaukästen der Wandelhalle ausgestellt und kann in jeder Pause studiert werden.
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Vorträge / Präsentationen / Papers
� Do 11.30-13.00 Prof. Caspar Johannes Walter (Stuttgart)
Hauptvortrag: Kommunizierende Mehrklänge (mit Uraufführung)
Mehrklänge gehören zu den interessantesten klanglichen Phänomenen, die Musikinstrumente
hervorbringen können. Besonders Bläsermehrklänge gehören seit vielen Jahrzehnten zum
Repertoire experimentellen Komponierens. Den Mehrklängen ist eine gewisse Sperrigkeit
gegenüber der tradierten Musiksprache eigen. Sie lassen sich nicht vollständig in Noten fassen und
oft nicht transponieren. Sie werden häufig als Objekt zwischen Akkord, Klang und Geräusch
eingesetzt, das aus dem musikalischen Kontext heraus sticht. In letzter Zeit gibt es Bestrebungen,
die Möglichkeit von Mehrklängen in allen Instrumentengruppen (besonders Saiteninstrumenten)
zu untersuchen. Damit tritt neben der Besonderheit dieser Klänge auch viel Verbindendes zu Tage:
Gesetzmäßigkeiten im Aufbau dieser Klangkomplexe über die Grenzen der verschiedenen
Instrumentenfamilien hinweg. Mein Vortrag stellt die Mehrklänge auf dem Klavier ins Zentrum.
Dabei geht es um Phänomen selbst, seine erklärbare Struktur, die instrumentale Praxis und die
Analogien zwischen ähnlichen Mehrklängen verschiedener Instrumentengruppen.. Ich bin der
Überzeugung, dass das strukturelle Verständnis der Mehrklänge, das Wissen um die praktische
Umsetzung und die Möglichkeit, den Mehrklang vom einzelnen Instrument abzulösen und auf das
andere Instrument zu übertragen, dazu beitragen kann, der Komposition mit Mehrklängen über
ihre starke Farbwirkung hinaus mehr strukturelles Gewicht zu geben.
� Do 14.00-15.00 Bernfried Pröve (Berlin), Moritz Ernst (Badenweiler)
Präsentation: Komponieren für 1/16 Ton Klavier – How to compose for 1/16 Tone Piano
Die größte Innovation im Klavierbau seit 1945 ist zweifelsohne das 1955 von Julian Carrillo bei
der Firma Sauter in Auftrag gegebene Sechzehntelton-Klavier, welches 1958 auf der
Weltausstellung in Brüssel erstmals der Öffentlichkeit präsentiert wurde. In diesem Vortrag, der
sich sowohl an Musikwissenschaftler als auch um ausübende Künstler/Pianisten richtet, wird
insbesondere auf Notation, Artikulation, Resonanzverhalten und – zusammen mit dem Pianisten
Moritz Ernst – auf die Interpretation von Werken für Sechzehntelton-Klavier eingegangen. Kurz
gesagt wird hier die Frage „Wie spiele ich ein Sechzehntelton-Klavier“ beantwortet werden.
Die besondere Notation (hier ist die von Bernfried E.G.Pröve 2003 entwickelte 1/16 Ton
Notationstabulatur ausschlaggebend) ist für den Komponisten Grundlage für eine professionelle
Auseinandersetzung mit dem Instrument und die Möglichkeit für 1/16 Ton Klaviere zu
komponieren (Tabulatur-Klang-Griffschrift). Spieltechniken wie 1/16-ton-Präparation, Äolian-
Harp-Effekt, Oberton-Abgreifen und Präparation mit Stimmkeilen werden zur Sprache gebracht.
Werke von Carillo sowie Vandenborgade, Bancquart, Imholz, Flammer und Pröve (Écho à Gérard,
Spalt, Études ultrachromatique) werden eingehend analysiert.
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� Do 15.30-16.00 Veli Kujala (Helsinki)
Paper: Quarter tone accordion – a presentation of a new microtonal instrument
In 2005 I started with the Finnish composer Sampo Haapamäki a project to develop a 24 tone
equal temperament accordion. The main idea was to use the normal concert button accordion's
body, and change the reeds inside of it. Together with Haapamäki we decided about the tone range
of manuals and made also several compromises with some registers in left manual. The new reed
benches were ready in autumn 2006 and Sampo Haapamäki started to compose a concerto for this
new instrument. Since 2008 the repertoire has already grown and includes by now several solo and
chamber music works and a double concerto for quarter tone accordion, accordion and chamber
orchestra by Joachim F. W. Schneider. In my presentation I will show the tremendous possibilities
of this new microtonal instrument with the help of scores, videos, several sound examples and by
playing the instrument.
� Do 16.00-16.30 Prof. Bernhard Haas, Marco Bidin, Prof. Caspar Johannes Walter
(alle Stuttgart), Prof. Wolfgang von Schweinitz (Lancaster)
Präsentation: Die Installation rein gestimmter Töne auf der großen Orgel des Konzertsaales
Für die Dauer des Kongresses wird eine große Anzahl von Pfeifen der Orgel des Konzertsaales in
einer speziellen reinen Stimmung gestimmt sein. Diese Stimmung beruht auf der Komposition
„Plainsound-Litany“ von Wolfgang von Schweinitz. Wir möchten einfache und komplizierte
Akkorde mit der Klarheit und dem Volumen des Orgelklanges zu Gehör bringen. Kein Instrument
ist besser geeignet, den in sich ruhenden vollständig konsonanten Klang eines rein gestimmten
Akkordes sinnlich erfahrbar werden zu lassen. Die ausgewählten Akkorde basieren auf den
Teiltönen 2, 3, 5, 7 und 11. Der Grundton ist dabei variabel; Innerhalb der vorgestellten Auswahl
von Tönen lassen sich alle Klänge in harmonisch nachvollziehbaren Progressionen auf den
gleichen einfachen Ausgangszustand zurückführen. In den Akkorden selbst treten allerdings
untereinander oft ganz leicht verschobene Intonationen auf, die ihren Grund in der
unterschiedlichen Herleitung der Töne vom Ausgangspunkt haben.
Die Installation zeigt also durch die (großräumig langsame) Abfolge der Akkorde sowohl die
völlige Harmonie der einzelnen Klänge als auch die starke Spannung zwischen ihnen, die gerade
durch ihre Reinheit so deutlich zu Tage treten kann. Die Stimmung der Orgel nimmt Prof.
Bernhard Haas vor. Ihm assistiert Marco Bidin, der auch die Ausführung der Akkorde übernehmen
wird.
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� Do 14.00-15.00 Michalis Cholevas (Rotterdam)
Vortrag: Modal system (Makam) and style in Turkish art music.
Turkish music consists of a vast mixture of musical styles. All these styles have been roughly
�������� ����� ���� �������� ���� �������� ����� ������ ������ ����� �������� ������� ������ ��������� ����
��������������������������������������������������������������������) genre, which includes the
music of the Ottoman court, the Mevlevi ceremonies and the urban music styles of Istanbul and
other urban areas of the Ottoman empire. The heterophonic TSM genre is described theoretically
by a 53 equal commas per octave temperament. This temperament results in a 9 commas tone
which therefore has two unequal semitones of 4 and 5 commas.
In this presentation, the following topics will be discussed: TSM’s style: Ascending descending
attraction, “moveable” notes (clusters) and “stable” ones. – The “Seyir” (path): Paths of the modes
and melodic development. – Ornamentation – Differences of the TSM system with the rest of the
eastern Mediterranean music genres (e.g. Byzantine, Arabic) as a result of the different division of
the scale, ornamentation, the seyir approach, ascending descending attraction. – Possibilities of
integrating harmony in the TSM genre.
� Do 15.30-16.00 Koka Nikoladze (Stuttgart), David Stützel (Trossingen)
Präsentation: Die Volksmusik Georgiens und ihre Beziehung zur europäischen Musik
Die Musik Georgiens entstammt einer 2500 Jahre alten Tradition, die sich weitgehend unabhängig
von äußeren Faktoren entwickelt hat. Es ist eine mehrstimmige Musik, basierend auf Skalen mit
kleineren und größeren Tonschritten, die im Vergleich zur europäischen Musik sehr fein
differenziert sind. Daraus resultiert eine Harmonik, die für uns zunächst schwer fassbar erscheint.
Die Quellen dieser Musik werden hörbar gemacht, das verwendete Tonsystem und die Struktur
der uralten, oft dreistimmigen Vokalkompositionen untersucht. Der georgische Komponist Koka
Nikoladze zeigt, wie er in seinen Kompositionen die Tradition verarbeitet. Koka Nikolaze und
David Stützel reflektieren die heutige Situation der neuen und alten georgischen Musik und
demonstrieren die Stimmungen und den Klang georgischer Volksinstrumente.
23

Wolfgang von Schweinitz
� Do 16.00-16.45 Susanne Erding-Swiridoff (Stuttgart)
Präsentation: Traditionelle Musik der Araber im Dialog mit zeitgenössischer Musik
My seminars on non-European music incorporate traditional music from many cultures like China
- India - Persia - Japan - Bali - Africa - South America. With special reference to microtonality the
seminar on Music from the Arab Countries in Magrib and Masriq is most significant to present
music instruments as well as the voice set in a dialogue with the phenomen of Maqamat or the
rhythmic Iqa. The incredibly artistic diversifications can be seen elaborated e.g. in the Andalusian
Nuba, the Takht Ensemble, the Mizmar Ensemble, the Muwashsha – all tracing Islamic aesthetics
by combining elements of language, instrumental genres and formal structuring. In addition the
dialogue with contemporary music for composers and interpreters of music and also for all
participants interested in music of the Arab Countries is a challenging framework for individual
experiences interfacing European and non-European cultural spheres. My seminars include
didactic activities and methods which allow to shift in between oral perception and detailed
instructed knowledge. This presentation will show steps and material with a lot of music and
books, collected all over the world, calligraphy, special events and guest seminars during the
curriculum and suggestion for a final test – such as expressing culture by experiencing music. In
order to share cultural concepts I let the students participate in learning about the wealth of other
traditions and the best of its past as they all relate to the present.
� Do 17.00 -18.00 Prof. Dr. Andreas Meyer (Stuttgart)
Hauptvortrag: Mikrotonalität warum?
Entgegen der verbreiteten Vorstellung, Mikrotonalität sei ein esoterischer Sonderweg innerhalb
der experimentellen Avantgarde, soll umgekehrt die historische und ästhetische Tragweite der
Thematik deutlich werden – und der Ausnahmecharakter der „gleichschwebend temperierten
Stimmung“, die nicht einmal 200 Jahre lang die europäische Musikgeschichte beherrscht hat.
Entlang einer primär ästhetischen Argumentation werden einige prägnante Stationen vorgestellt,
auch im Sinne einer Einführung für die Kongressteilnehmer. Welcher Reiz, vielleicht auch: welche
innere Notwendigkeit liegt in der Verwendung von Intervallen unterhalb der Halbtongrenze?
Dabei soll eine möglichst scharfe Unterscheidung zwischen (1.) einer „usuellen“, rein klanglich
begründeten Einbeziehung von Mikrotönen, (2.) dem für die Neue Musik des 20. Jahrhunderts
typischen Motiv der „Erweiterung des Materials“, sowie (3.) aus der Obertonreihe entwickelten
Konzepten getroffen werden. Zumal die dritte Option, die in den letzten Jahren einen ungeahnten
Aufschwung genommen hat, bewegt sich auf einem schmalen Grat zwischen „mathematischem“
Anspruch, Naturklang-Ideologie und einer – im besten Sinne – „musica speculativa“. Die Frage
der Theoriefähigkeit des Phänomens berührt letztlich sehr grundsätzliche Fragen der komponierten
Neuen Musik heute.
Der Vortrag wird voraussichtlich durch Klangbeispiele von Sidsel Endreson, Ivan
Wyschnegradsky, Gérard Grisey, Luigi Nono, Klaus Huber und Caspar Johannes Walter illustriert.
24

� Fr 9.00-10.00 Julien Jalâl Eddine Weiss (Istanbul/Türkei)
Vortrag: Singularity of the Qânûn as a micro-tonal instrument by excellence and
problematic of musical notations based on common outdated theories as 24 quarter tons, 53
holderien commas, 72 Chrysantos commas, and presentation of my two just-intonation systems
based on Pythagorean and spectral ratios.
Description and critique of different Qânûn tuning systems in Arabic and Turkish music: 1. The
Egyptian modern tuning system with a double apotome divided in 4 tempered quarter-tones (5
notes from flat to sharp on each string) and 24 tempered quarter-tones in one octave. – 2. The
Syrian Aleppo system: a double tempered apotome divided in 10 unequal intervals (11 unequal
notes from flat to sharp on each string) and 53 unequal intervals in one octave (Sheikh Ali
Darwish). – 3. The Turkish system: a double tempered apotome divided in 12 equal intervals (13
notes from flat to sharp) 72 notes in one octave (Chrysantos), in contradiction with the official
Turkish holderien 53 commas theory. – 4. Presentation of the different tuning systems of my two
Qânûn prototypes in just intonation based on 14 pythagorean apotomes divided in 7 unequal
intervals: System no1: 81/80, 245/243, 3159/3136, 144/143, 121/120, 100/99, 81/80; System no2:
81/80, 105/104, 572/567, 144/143, 1547/1536, 120/119, 81/80. (15 notes from flat to sharp in each
string) and presentation of the 15 symbols used for my transcription of Arabic and Turkish music
as well as contemporary music.
� Fr 10.00-11.00 Prof. Wolfgang von Schweinitz (Lancaster)
Vortrag: Zur Emanzipation der Konsonanz. Das Repertoire der nach Gehör stimmbaren
Intervalle
Die akustischen Grundlagen zur Entwicklung neuer mikrotonaler Intonations- und Ensemble-
Spieltechniken für die nicht-temperierte reine Stimmung; Hermann von Helmholtz (“Die Lehre
von den Tonempfindungen als physiologische Grundlage für die Theorie der Musik”, 1863); das
Phänomen der Teiltöne; die Obertonreihe, interpretiert als das vorgegebene Repertoire der reinen
Intervalle; die rationalen Frequenzverhältnisse (Harry Partch) und die Definition des
Toleranzbereichs; James Tenney’s Konzept des Harmonischen Tonraums (“harmonic space”) als
ein Modell der harmonischen Perzeption unseres Sensoriums (“John Cage and the Theory of
Harmony”, 1983) und seine Definition des Harmonischen Abstands (“harmonic distance”)
zwischen den Tönen eines gestimmten Intervalls; das je spezifische Timbre der nicht-temperierten
Intervalle: die Partialton-Unisoni, die Kombinationstöne (“natürliche Ringmodulation”) und die
Periodischen Signaturen (Marc Sabat); Präsentation und Diskussion der umfassenden von Marc
Sabat 2005 vorgelegten Liste der nach Gehör stimmbaren Intervalle; Klangbeispiele.
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� Fr 11.00-11.30 Prof. Dr. Georg Hajdu (Hamburg), Heinz Bohlen (Kehl)
Vortrag: Die Bohlen-Pierce-Skala
Was sind eigentlich die Kriterien für die Schaffung einer für harmonische und letztlich tonale
Musik geeigneten Skala, wie sie die bekannten 12 Tonstufen im Oktavrahmen ohne Zweifel
darstellen? Diese oberflächlich gesehen laienhafte Frage führte in den Jahren zwischen 1972 und
1984 gleich dreifach zur Entdeckung einer Skala, die die Duodezime in 13 Stufen teilt. Sie ist
harmonisch, besitzt diatonische Modi und erlaubt tonale Kompositionen, enthält aber
kein Oktavintervall und kann damit nicht unter die Stimmungen der 12-stufigen Skala eingeordnet
werden. Stattdessen öffnet sie den Zugang zu einer musikalischen Parallelwelt. Da ihre
Ausgangsbasis die Annahme einer vorwiegend kubisch-nichtlinearen Gehörcharakteristik ist, hat
sie eine enge Affinität zu Instrumenten mit überwiegend ungeradzahligen Harmonischen, wie
Klarinette und Panflöte. Eine nicht oktavierende Skala bringt jedoch auch spezielle Probleme bei
der Notation mit sich. Spezielle Software erlaubt allerdings zwischen unterschiedlichen
Notationsprinzipien (kognitiv, instrumental und logisch) nahtlos zu wechseln, was besonders bei
Kompositions-, Lern- und Analyseabläufen von eminentem Vorteil ist.
� Fr 12.00-13.00 Sander Germanus (Huygens-Fokker-Stiftung Amsterdam)
Vortrag: 31-tone music in theory and practice
The Dutch physicist Christiaan Huygens described the 31-tone equal temperament in his Lettre
Touchant le cycle harmonique of 1691. Earlier, it was the Italian composer Nicola Vicentino who
already presented 31 tones per octave to the outside world in 1551. The writings of Christiaan
Huygens came to the attention of the Dutch physicist Adriaan Fokker in 1942, who caused a true
31-tone wave during the following decades. His enthusiasm led to the construction of the Fokker
organ (Fokker-Orgel) in 1950. Since that time many new 31-tone works were composed in
different styles based on different theories. During this presentation, both theoretical and practical
aspects of the 31-tone will be discussed. For example, there will be a description about the need
for this musical system. One of the main advantages is that the problem of enharmonic tones is
solved, while the meantone temperament is maintained and modulating to all keys is made
possible. In contemporary music, other possibilities are mostly an inspiration to composers who
want to work with the 31-tone temperament. In practice, the system is unfortunately less easily
deployable than the conventional 12-tone system. All these aspects will be discussed by Sander
Germanus.
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� Fr 9.00-9.30 Prof. Dr. Manfred Cordes (Bremen)
Paper: Seguite I pochi; e non la vulgar gente. Nicola Vicentinos enharmonisches
Tongeschlecht
Vicentinos besondere Leistung besteht darin, dass er das antike Tonsystem, speziell dessen
Anwendung aller drei Genera, in seine zeitgenössische Musikpraxis transformieren und integrieren
will. Sein Ansatz unterscheidet sich damit grundlegend von späteren Versuchen der Neubelebung
der antiken Tongeschlechter und steht – wie die wenigen in diesem Zusammenhang mitgeteilten
Beispielkompositionen – in der gesamten europäischen Musikgeschichte singulär.
Für die Erweiterung des Tonspektrums auf nunmehr 31 Töne pro Oktave liefert Vicentino nicht
nur einige Beispielkompositionen, sondern zugleich eine Bau- und Stimmanleitung für das
Tasteninstrument, mit dessen Hilfe die Realisation dieses äußerst komplexen Tonsystems möglich
sein soll: Sein archicembalo benötigt ein zweites Manual, um die Menge der zusätzlich
erforderlichen Zwischenschritte unterbringen zu können.
Im Vortrag soll versucht werden, Vicentinos Gedankengänge nachvollziehbar zu machen und zu
zeigen, wie ein Tonsystem beschaffen war, dessen Entwicklung ein bedeutender Musiker des 16.
Jahrhunderts fast sein ganzes Leben gewidmet hat. Die Hörbeispiele liefern erstmals auch eine
sinnliche Erfahrung dessen, was Vicentino für eine nach weiteren Raffinessen dürstenden (Hof-)
Gesellschaft ersonnen hatte.
� Fr 9.30-10.00 Prof. Dr. Manfred Stahnke (Hamburg)
Paper: Ganzzahlige Intervallproportionen in temperiertem Kontext – Parallelen zwischen
dem Archicembalo und einer heutigen mikrotonalen Synthesizerstimmung
Wenn 5/4 und 7/4 auf einer 12er-Tastatur bestmöglich verkettet werden, ergibt sich bei alleiniger
Betrachtung dieser beiden Intervalle eine nicht-oktavierende Stimmung von 12. Wurzel aus
1.9560685. Hier beträgt die Abweichung für 5/4 bzw. 7/4 von jedem Ton aus jeweils unter 1 cent:
Um 0.869c ist "5/4" zu groß, um denselben Wert "7/4" zu klein. Zum Vergleich sei das
Archicembalo in einer idealen 31ton-Temperatur hinzugezogen: 5/4 wäre hier um 0.78c zu groß,
7/4 um 1.08c zu klein. Das Archicembalo hätte von jedem Ton aus zusätzlich die mitteltönigen
Quinten (-5.18c gegen rein 3/2) und selbstverständlich reine 2/1 Oktaven.
Es wird ein kompositorischer Ansatz untersucht, der die oben beschriebene nicht-oktavierende
Synthesizerstimmung kombiniert mit einer naturrein gestimmten akustischen Harfe, die eine
oktavidentische Stimmung benutzt, aber die 7 vorhanden Saiten pro Oktave in 5/4 und 7/4
Intervallen einstimmt. Durch den Pedalmechanismus werden einerseits diese reinen Intervalle
begrenzt transponierbar. Andererseits ergeben sich aber weitere komplexe Intervalle durch die
inhärente 100c-Abständigkeit der Pedalpositionen. Zusammen mit der nicht-oktavidentischen
Synthesizerstimmung ergibt sich ein grenzenlos erscheinendes meloharmonisches Feld, welches in
Ausschnitten vorgestellt wird aufgrund einer realen Aufführung eines Werkes des Autors für
mikrotonale Harfe und mikrotonalen Synthesizer.
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� Fr 10.30-11.00 Matteo Cesari (Paris)
Paper: Pushing the Performer to his Limits: Microtonality and Interpretation
Contemporary composers demands that the performer attains a far-reaching level of technical and
physical “bravura”, whilst at the same time integrating a complex system of pitches including the
4th tone, 8th tone and even 6th tone scale.
What choices does the performer make when faced with a so complex system of pitches
organization? How does the performer allow the auditor to perceive them? Is there any possible
technical improvement that can help the interpreter to achieve a higher degree of precision?
It is only through a minute analysis of the composers’ works that the performer can conceive of an
interpretation that also takes into account the listener’s perceptions. The specific concrete
examples from the present study will be performed and thus allow the public to visualise pitch
organisation of some of contemporary main composers' scores for flute (Ferneyhough, Sciarrino,
etc.) and a possible interpretative and technical approach to the score.
� Fr 11.00-11.30 Tilmann Langbein (Abtsgmünd), Michael Scheer (Jestetten)
Paper: Das Stimmgerät CTS-32-C
Das Stimmgerät soll für das Stimmen von Instrumenten beliebige, frei definierbare Tonsysteme
unterstützen. – Übersicht über die Funktionalität des Geräts: Stimmen in der Betriebsart für 12-
Ton-Systeme/ Stimmen in der mikrotonalen Betriebsart. – Übersicht über die Betriebsart für 12-
Ton-Systeme: Die Bargraph-Anzeige/ Die Stroboskop-Anzeige/ Die numerische Tonhöhen-
Anzeige/ Die Toneinstellung/ Die Einstell-Funktionen des Stimmprogramms/KTON
(Kammerton)/CENTS (Cent-Einstellung)/SCHWB (Schwebungen)/INTVL (Intervall)/ Speichern
der Einstellungen/ Der Mithörton. – Übersicht über die mikrotonale Betriebsart: Betriebsart
Stimmen mikrotonal/ Automatische Berechnung einer frei definierbaren mikrotonalen Ton-Skala/
Namen für Ton-Skala ändern/ Benennung der einzelnen Töne ändern/ Cents der einzelnen Töne
ändern/ Parameter für mikrotonale Skala einstellen/ Einzelne mikrotonale-Skala auf
Auslieferungszustand rücksetzen.
Anwendung des Geräts mit Beispielen von der Renaissance bis zur Klassik.
� Fr 14.00-15.00 Johannes Keller (Basel)
Präsentation: Gebrauchsanweisung für das Cimbalo Cromatico. Einblicke in Bauweise und
Aufführungspraxis anhand konkreter Beispiele
Die Entdeckung Nicola Vicentinos (1555), dass die Teilung der Oktave in 31 Fünftel-Töne genau
mit einem vollständigen mitteltönigen Tonsystem übereinstimmt, regt bis heute unzählige
Musiker, Komponisten, Instrumentenbauer und Theoretiker zu ungewöhnlichen Experimenten an.
Darüber hinaus bildet seine Entdeckung jedoch die Grundlage eines Neu-Verständnis der
Aufführungspraxis und des Instrumentenbaus des 16. und 17. Jahrhunderts. Dieses besteht darin,
die mitteltönige Stimmung nicht auf 12 Noten pro Oktave zu beschränken. Sie ist keine Stimmung,
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die für Tasteninstrumente entwickelt wurde (wie alle späteren temperierten Stimmungen bis hin
zur heutigen Standard-Klavierstimmung) sondern ein Konzept eines beliebig erweiterbaren
Tonsystems.
Viele selbstverständlicherweise mitteltönig intonierende Instrumente (wie der Zink, die Lirone,
bundlose Streichinstrumente, die Blockflöte) sind natürlicherweise vieltönig, denn sie nutzen
verschiedene Griffe bzw. Saiten zur Unterscheidung beispielsweise eines dis von einem es. Aus
dieser Perspektive betrachtet, läuft die Anwendung der mitteltönigen Stimmung auf ein
Tasteninstrument ganz selbstverständlich auf die Hinzufügung von mehr als 12 Tasten pro Oktave
hinaus. Dies hat zur Folge, dass ein beträchtlicher Teil des bekannten Repertoires neu erschlossen
werden kann, wovon wiederum neue Impulse für den historisch-kopierenden Instrumentenbau
ausgehen können.
In diesem Vortrag werden ausgewählte Stücke aus dem 16. und 17. Jahrhundert vorgestellt und
diskutiert, ihr aufführungspraktischer Kontext erklärt und demonstriert und gerne auch intensiv
über Fragen aus dem Publikum diskutiert. Ausserdem wird die Funktionsweise des bei diesem
Kongress vielfältig eingesetzten Cimbalo Cromaticos erklärt und aus dem alltäglichen, praktischen
Musikerlebens mit diesem Instrument erzählt.
� Fr 15.30-16.30 Prof. Piet Johan Meyer, Oliver Frick, Prof. Caspar Johannes
Walter, Vincent Herrmann (alle Stuttgart)
Präsentation: Monochord, Soft- und Hardware
Im Zentrum der Präsentation steht ein Monochord, das ein Team der Musikhochschule Stuttgart
um Piet Meyer als Demonstrations- und als Konzertinstrument konstruiert und gebaut hat.
Mehrere Saiten gleicher Länge (ca. 200 cm) und Tonhöhe aus verschiedenem Material werden
nebeneinander aufgespannt, um verschiedener Phänomen (z.B. sehr hohe Flageolettes und
Mehrklänge) eine möglichst günstig erforschen zu können.
Der Mikrotonplayer, der über 3 midi-Tastaturen frei einstellbare Stimmungen mit bis zu 36 Tönen
pro Oktave erzeugt, wurde von Oliver Frick programmiert. Dieses midi-Instrument kann mit
einfachster und für jeden erlernbarer Bedienung beinahe jedes mikrotonale Phänomen akustisch
zum Klingen bringen. Es ist konstruiert einerseits als praktisches Hilfsmittel für Interpreten, um
beispielsweise mikrotonale Intervalle und Stimmungen zu üben, andererseits als Werkzeug zur
Gehörbildung sowie für Komponisten um verschiedene Modelle mikrotonaler Stimmungen
ausprobieren und hören zu können.
In der Präsentation werden weitere Soft- und Hardwarelösungen zum Thema vorgestellt, darunter
ein Controller für mehrstimmiges Spielen in mikrotonaler Intonation von Vincent Herrmann.
Dieses Gerät wurde entwickelt um Glissandi und mikrotonale Intervalle intuitiv und genau
erzeugen zu können – und dabei nicht beschränkt auf Einstimmigkeit sondern mehrstimmig.
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John Schneider
� Fr 17.00-18.30 PD. Dr. Martin Kirnbauer (Basel)
Hauptvortrag: Mikrotonalität versus Vieltönigkeit? Konzepte und Praktiken ‚mikrotonaler‘
Musik des 16. und 17. Jahrhunderts
‘Mikrotöne’ sind sowohl vom Namen wie vom Konzept her eindeutig ein Phänomen der jüngeren
Musikgeschichte. Es gab aber bereits spätestens im 16. und 17. Jahrhundert vergleichbare
musikalische Phänomene: etwa große und kleine Halbtöne, wie sie sich in bestimmten
musikalischen Temperaturen ergeben, oder auch noch viel kleinere Intervalle, wie sie durch die
Wiederentdeckung der antiken Genera (insbesondere Chromatik und Enharmonik) bekannt und
gebraucht wurden. Dabei handelt es sich um durchaus praxisrelevante Phänomene, für die ich den
Begriff „vieltönig“ verwende: Gemeint sind damit pragmatisch Tonsysteme mit mehr als 12 realen
Tönen (oder Tonstufen) in der Oktave.
In dem Beitrag werden verschiedene ‘vieltönige’ Konzepte und Praktiken vorgestellt. Es wird
dabei weniger um ihre theoretischen Grundlagen als um ihre praktisch-musikalischen Resultate
gehen, wie sie sich in einer Reihe von teils avantgardistisch anmutenden Kompositionen finden
lassen: Vieltönigkeit ist musikalisch relevant, sozusagen eine musikalische Spielweise und keine
theoretische Spielwiese. Eine der Pointen besteht darin, dass auch ein bislang herkömmlich
aufgeführtes Repertoire davon betroffen ist und im neuen Klanggewande aufregend neu erscheint.
� Fr 15.30-16.00 Till Knipper (Oldenburg)
Paper: Mikrotonale Intonation am Beispiel von Klaus Hubers "...Plainte..."
Der Begriff "Mikrotonalität" wurde zunächst als Intervall kleiner dem temperierten Halbton
definiert, doch weitete er sich im Laufe der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts auch auf größere
Intervalle mit kleinintervallischen Abweichungen im Vergleich zur äquidistanten
Klavierstimmung. Folgerichtig wurde der Begriff von einigen Autoren dann auch auf historische
Stimmungen und nicht-europäische Tonsysteme, wie auch auf die hierin praktizierte Musik
angewandt. Neben diesen musiktheoretisch fundierten Definitionen bezeichnen auch Musikhörer
manche Musik als mikrotonal, allerdings nicht immer übereinstimmend mit den bestehenden
Definitionen. Daher stellt sich die Frage, welche Musik von Hörern als mikrotonal bezeichnet wird
und nach welchen Kriterien sie urteilen.
Die Untersuchungen zeigen, dass ein "mikrotonales" Klangbild nicht nur abhängig ist von dem
verwendeten Tonsystem, sondern auch ganz wesentlich von dessen Gebrauch. Da mikrotonale
Musik ganz wesentlich auf das Hören von Musik ausgerichtet ist, wird auch für eine Definition
plädiert, welche die Hörwahrnehmung einschließt.
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� Fr 16.00-16.30 Prof. Bernd Asmus (Stuttgart)
Vortrag: Werkeinführung zu “Gewölk”
In der Kammermusik-Komposition „Gewölk“, die 1996 im Théâtre Molière in Paris uraufgeführt
wurde, prallen zwei radikal unterschiedliche Stimmungssysteme aufeinander: zum einen die
gleichstufig temperierte Stimmung des Klaviers, zum anderen rein intonierte Intervalle in den
Streichern und Bläsern, welche kettenförmig aufeinander aufbauen. In dieser Konfrontation
entstehen Mischformen, die sich wolkenartig zersetzen und wieder aufbauen. Es entstehen aber
gleichsam beiläufig auch Intervalle, welche gar keinem Stimmungssystem zuzuordnen sind und
welche gerade die „rein“ intonierten Akkorde bevölkern und beleben. Im Programmtext heißt es,
Gewölk spielt „auf eine wohlvertraute Versuchung an, sich im Sommer rückenwärts ins Gras zu
legen und in den vorüberziehenden Wolkenfigurationen zu verlieren... den ungeheuren Raum
zwischen sich und der Bewegung zu erspüren und ihn – gleichzeitig – aufzuheben.“
� Sa 9.00-10.00 Prof. Dr. John Schneider (Los Angeles)
Präsentation: Partch: Re-Genesis of a Music
Harry Partch (1901-1974) created two dozen unique, handbuilt instruments to perform his
extraordinary music - but by doing so, he virtually condemned his repertoire to obsolescence. The
originals are alive and well at the Harry Partch Institute (US), but they rarely travel and are aging
quickly. For the past two decades, John Schneider has been building roadworthy copies to bring
this sensually alluring and emotionally compelling music to concert stages around the world. He
will describe the process, illustrate the theory and construction of the ‘instrumentarium’, perform
excerpts live on the Adapted Guitar and Adapted Viola, and show video of his group “Partch”
performing excerpts from Castor & Pollux, and rare footage of the composer himself
demonstrating some of his singular creations.
� Sa 10.30-11.00 Lidia Ader (St. Petersburg)
Paper: Russian microtonal theory: 1910-1920s approaches and tendencies
In my paper I am going to focus on theoretical approaches of Russian composers, musicologists,
acoustics and physics of 1910–1920s by showing ways of microtonal idea developing. Musicians
renewed a correspondence with European microtonal composers, trying to involve them in
Russian musical life. The Quarter-tone circle was in contact with Ivan Wyschnegradsky, Alois
Hába, Julián Carrillo and Jörg Mager. I examine two ‘schools’ formed in Moscow (The State
Institute of Musical Science) and Petersburg (‘Circle of quarter-tone music’) as an opposition to
each other. In this paper I use documents, articles and scores kept in Russian and European
archives that still remain unpublished. Focusing on this topic it is important to take into account
historical and socio-cultural preconditions of subdivision into micro-parts, explore a context of
European trends and critically study all innovations of the specified period.
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� Sa 11.00-11.30 Dr. Cordula Pätzold (Stuttgart)
Vortrag: Panchromatische Zeitanordnung
‚Alles ist relativ‘, wusste man schon in der Ars Subtilior und unterteilte die Brevis in fünf, sieben
oder noch mehr Werte, wobei man eine damit verbundene Verlangsamung des Zeitmaßes
tolerierte. Aber warum wurden nicht ebenso die Notenlinien ein wenig auseinander gerückt, die
Intervalle ein wenig gespreizt, um dazwischen Platz zu schaffen für – sagen wir – sieben (Mikro-)
Töne? Nach gut 600 Jahren Entwicklung und einigen mutigen Grenzüberschreitungen war es
endlich so weit. Die beiden Parameter Tonhöhe und Tondauer fanden zueinander und profitierten
voneinander in dem ebenso rudimentären wie revolutionären Modell der Serialität: gleiche Regeln
für alle – und eine Fülle an weiterführenden (kompositorischen) Fragestellungen.
Heute wissen wir: „alles ist komplex“, insbesondere wenn wir auf die vielfältigen Themengebiete
unseres Kongresses blicken. In meinem Vortrag geht es um die Zeitanordnung. Ich zeige
signifikante Lösungen des aktuellen Pioniers auf diesem Gebiet: Brian Ferneyhough. Konkret: den
fließenden Übergang einer Darstellung von ganz groß zu ganz klein, sowie eine Alternative zum
gewohnten Ansatz immer kleinerer Unterteilungen. Ein Denkanstoß. Damit wir nicht versäumen
zu überlegen, welches Potential kreative Verfahren (z.B.) der Zeitordnung möglicherweise haben,
wenn wir sie auf den Aspekt der Tonhöhe anwenden…
� Sa 11.30-13.00 Prof. Dr. Erik Oña (Basel)
Hauptvortrag: Intonation und Klangfarbe
Early on in my compositional development I was intrigued with the realization that in our musical
praxis a flagrant contradiction exist between tone systems, as conceived to construct scales,
harmony, etc. and the actual sounds produced by our instruments. Most intonation systems, for
instance, seem to try to solve the clash between historically determined musical syntaxes and the
structure of the harmonic spectrum. Yet, almost no instrument produces a pure harmonic spectrum,
the deviations from it being often of a greater magnitude than the variation among scale degrees of
different tunings. Various hypotheses can be proposed to explain that contradiction, and they lead
to different solutions, the most prevalent nevertheless is to ignore the existing structure of the
spectrum of our instruments and proceed in a basically arithmetical form with the construction of
further intonation systems of aspired universal validity. Nevertheless it is possible to approach this
contradiction from the perspective of the existing instruments and their spectra, and it is also
possible to reinterpret the speculation upon which most tuning systems are based, namely that of
proportions, in such a way that their theoretical value is actually in accordance with the “timbrical
reality” of an instrument or set of instruments. This approach should also provide valuable
consequences for the art of instrumentation and orchestration.
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� Sa 10.30-11.00 Joachim Junker (Kaiserslautern)
Paper: “Ein reines Fruchtland”: Zur Mikrotonalität in Luigi Nonos Das atmende Klarsein
Der geplante Vortrag soll zunächst einen Überblick über die vielfältigen Erscheinungsformen der
Mikrotonalität in Nonos Oeuvre bieten. Anschließend wird Das atmende Klarsein einer
detaillierten, auf Nonos Skizzen beruhenden Analyse unterzogen, in deren Mittelpunkt die Frage
steht, welche Rolle die Mikrotonalität beim Kompositionsprozess des Werkes spielt und welche –
auch politischen – Deutungsansätze sich hieraus ergeben. Bemerkenswert ist in diesem
Zusammenhang, dass das unmittelbar vorher entstandene Streichquartett Fragmente – Stille, An
Diotima eine intensive Diskussion um Kontinuität und Wandel der politischen Einstellung Nonos
ausgelöst hat. Abschließend wäre zu hinterfragen, inwiefern die in Das atmende Klarsein zu
beobachtenden Techniken mikrotonalen Komponierens zum Verständnis anderer Werke Nonos
beitragen können.
� Sa 11.00-11.30 Sarvenaz Safari (Hamburg)
Paper: Mikrotonalität: Klangfarbe oder Klangfärbung?
Ich beobachte den Aspekt „Klangfarbe“ in Beziehung auf Mikrotonalität, als eine mögliche
Klanghöhenerweiterung im 20. Jh. und beschränke mich auf drei Stücke: György Ligeti:
Streichquartett Nr. 2 (1968), Georg Friedrich Haas: Streichquartett Nr. 2 (1998), Manfred Stahnke:
Streichquartett Nr. 4 (2000). Bei jedem dieser drei Stücke, die sehr unterschiedlich gebaut sind,
wird die Mikrotonalität jeweils neu definiert.
� Sa 14.00-15.30 Prof. Dr. Roman Brotbeck (Bern)
Hauptvortrag: Mikrotonalität als Reconquista – der mexikanische Futurist Julián Carrillo
Seit 1965 scheint die Zeit am Santísimo in San Angel, einem denkmalgeschützten idyllischen
Ruhepunkt in der 30- Millionenstadt Mexico City, stillgestanden zu sein. Der Schreibtisch wurde
so belassen, wie ihn Julián Carrillo bei seinem Tod mit 90 Jahren hinterlassen hatte. Alle
Partituren, Tausende von Artikeln, die Korrespondenz, – alles ist gut erhalten, aber unberührt.
Auch die mikrotonalen Instrumente stehen in einem eigens für sie gebauten Anbau, – ungespielt,
wie Zeugen vergangener Zeiten und Kämpfe: Als grösster Revolutionär wollte sich Carrillo in der
Geschichte installieren. Er war ein rasender Futurist, der sich zum Rächer und zugleich Retter der
Musikgeschichte erklärte und mit der „revolución del sonido 13“ eine Reconquista der
europäischen Musik anstrebte.
In Kategorien europäischer Musikgeschichtsschreibung ist diesem Komponisten nur ungenügend
beizukommen. Im Referat wird versucht, die auffällige Verschraubung von extremer
Domestizierung und rächender Befreiung als kulturelle Interferenz zu analysieren.
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Masterclasses / Workshops
� Masterclass/Workshop Komposition Mi 14:30-17:30 OPR
Prof. Dr. h.c. bis Klaus Huber (Bremen/Panicale), Prof. Dr. Erik Oña (Basel),
Prof. Caspar Johannes Walter (Stuttgart)
In knappen Einführungen referieren die Dozenten über die Bedeutung der Mikrotonalität in ihrem
eigenen Werk. Daran schließt sich eine Diskussionsrunde an: die TeilnehmerInnen erläutern ihre
eigenen künstlerischen Positionen und stellen Fragen zu den Ausführungen der Dozenten. Ab ca.
16 Uhr teilt sich die Gruppe. Die drei Dozenten haben jeweils einen eigenen Raum und
beschäftigen sich direkt mit den Werken der TeilnehmerInnen (Einzel- oder Gruppenunterricht, je
nach Anzahl der Anmeldungen). Während des ganzen Kongresses sind die Dozenten anwesend
und stehen für Fragen zur Verfügung.
� Masterclass Carrillo-Klavier Mi 14.30-17.30 Konzertsaal
Bernfried Pröve (Berlin), Moritz Ernst (Badenweiler)
Der mexikanische Komponist Julián Carrillo (1875-1965) stellte bereits um 1920 eine Theorie der
mikrotonalen Musik auf. Er ging davon aus, dass beim Intervall des 1/16-Tons für das
menschliche Ohr eine Grenze ist, unterhalb derer verschiedene Tonhöhen nicht mehr deutlich
voneinander abgegrenzt werden können. Der Wunsch einer Realisierung solch kleiner Tonschritte
war der Anlass für die Konstruktion neuer Instrumente, insbesondere im Bereich Klavier. Bei der
Weltausstellung 1958 in Brüssel schließlich konnten Werke von Carrillo auf Mikroton-Klavieren
der Firma Sauter einer großen Öffentlichkeit präsentiert werden; seither ist das Interesse in
Komponistenkreisen nicht mehr abgebrochen, und es erscheinen stetig neue Werke für dieses
spannende Instrument, dessen gegriffene Quinte gerade mal einen Halbton erklingen lässt und
dessen „chromatische“ 97 Tasten den Umfang einer Oktave abbilden. Der Klang des Instruments
ist „bemerkenswert, da es nicht nach dem traditionell empfundenen Klangempfinden eines
Klaviers klingt, sondern sich durch die permanent entstehenden Schwingungen der einzelnen Töne
vollkommen neue Klangweiten ergeben.“ (Sauter)
Im Rahmen der Masterclass besteht die ebenso seltene wie einzigartige Chance, anhand
signifikanter Kompositionen sowohl das Instrument – mit seinen gänzlich anderen Anforderungen
an die Artikulation! – als auch die verschiedenen Formen der Notation unter fachkundiger
Anleitung selbst kennen und umsetzen zu lernen. Für Interessierte ist die Masterclass daher eine
wunderbare Gelegenheit zur Erweiterung des eigenen Repertoires hin zu einem faszinierenden
Instrument; für Interpreten zeitgenössischer spektraler Musik erscheint die Beschäftigung mit dem
Instrument sogar unerlässlich.
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� Masterclass Cembalo Do 12.00-18.00 8.23
Johannes Keller (Basel)
Drei Ansätze werden in der Masterclass verfolgt: das solistische Spiel (12-14 Uhr), die Begleitung
von Gesang (14-16 Uhr mit der Basler Sängerin und Spezialistin für Alte Musik Gunhild Alsvik)
und das instrumentale Zusammenspiel (16-18 Uhr mit dem Stuttgarter Cellisten Prof. Conradin
Brotbek).
Ähnlich wie heute gab es vor mehr als 400 Jahren eine intensive Auseinandersetzung mit dem,
was wir heute Mikrotonalität nennen. Tasteninstrumente nahmen damals eine Schlüsselrolle ein;
vom Experiment bis hin zur stabilisierten Praxis. Als besonderer Gast wird der
Cembalist Johannes Keller eine wesentliche Rolle innerhalb des Kongresses spielen. Er wurde in
der Schola Cantorum Basel ausgebildet und hat sich nach historischen Vorbildern ein
„vieltöniges“ Cimbalo Cromatico bauen lassen, mit dem er konzertierend immer neues Repertoire
aus der Umbruchzeit zwischen Renaissance und Barock ans Licht bringt. Die 24 Töne seines
Instrumentes (meist in einer erweiterten mitteltönigen Stimmung nach Vicentino gestimmt)
ermöglichen auch die Aufführung hochspekulativer Werke, deren Klang uns heute in Erstaunen
versetzt.
� Masterclass/Workshop Cello / Schule des Hörens! Do 12:00 – 18:00 8.28
Prof. Conradin Brotbek (Stuttgart), Prof. Wolfgang von Schweinitz (Lancaster), Andrew Walsh
(Stuttgart)
Die Masterclass Cello richtet sich an Cellistinnen/Cellisten und Interessierte für Neue Cellomusik
und für Fragen der Intonation. Im Zentrum steht die Komposition Plainsound Litany von
Wolfgang von Schweinitz. Dies ist eine Komposition in reiner Stimmung, in der die
Möglichkeiten reiner Intonation klar entwickelt sind: beginnend von einfachen
Ausgangsintervallen bis hin zu immer komplexeren Obertonrelationen. Welche Notation eignet
sich für welche Musik? – Neben der von Wolfgang von Schweinitz verwendeten Notation werden
verschiedene Modelle mikrotonaler Notation diskutiert. Wie kann man hörend intonieren? – Auch
hier zeigt das Werk von Schweinitz’ paradigmatisch Wege auf. Andrew Walsh hat diesen Aspekt
in seiner Etüde für Cello solo ins Zentrum gestellt.
Aus dem Bereich der Alten Musik gibt es einen Leckerbissen zum Training des Hörens und zum
Verständnis kleinster Intervalle. Mikrokompositionen von Ascanio Mayone aus einem Traktat
über die Konstruktion eines Tasteninstrumentes mit 31 Tönen pro Oktave sind für Celloquartett
arrangiert. An dieser Musik wird mit Unterstützung durch den Cembalist Johannes Keller während
der Masterclass praktisch gearbeitet (ab 16 Uhr). Die aktiv teilnehmenden Cellisten haben die
Möglichkeit, eigenes Repertoire mitzubringen und vorzustellen.
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� Masterclass/Workshop Stimme Do 12.00-18.00 8.05
Prof. Angelika Luz (Stuttgart), Gunhild Alsvik (Basel), Prof. John Schneider (Los Angeles),
Margarethe Huber (Berlin)
Zunächst (12-14 Uhr) werden Stimmtechnik in alter und neuer Musik im Vergleich thematisiert:
I. Barocke Vokaltechnik: Die Sopranistin Gunhild Alsvik ist Spezialistin für historische
Aufführungspraxis und pflegt dabei besonders die „vieltönige“ Mikrotonalität der erweiterten
mitteltönigen Praxis. Sie beleuchtet das Spannungsfeld zwischen moderner Bühne und historisch
informierter Aufführungspraxis.
II. Die globalisierte Stimme: Prof. Angelika Luz stellt in dieser Schnupperstunde neue
Vokaltechniken vor. Die TeilnehmerInnen hören Klangspiele, können Partituren vokaler Musik
nach 1950 lesen und werden vor allen Dingen an sich selbst erfahren können, welch klanglicher
Reichtum in jeder Stimme verborgen ist.
III. Mikrotonalität und Stimme: Die Sopranistin und Komponistin Margarete Huber zeigt
praktische Übungen zum Thema Mikrotonalität mit Stimme und spricht über Mikrotonalität in
improvisierter und komponierter Musik.
Anschließend (14-16 Uhr) geht es um Literatur der Alten Musik. Hierbei wird Gunhild Alsvik
zusammen mit dem Basler Cembalisten Johannes Keller auf dessen 24-tönigem Cembalo
universale Mater euryali (1638) von Domenico Mazzocchi und ähnliche Stücke sowie deren
konkrete Anforderungen an die Interpreten vorstellen.
Zurück ins 20. Jahrhundert geht der Blick im abschließenden Teil (16-17 Uhr): John Schneider
stellt das Ideal der mikrotonalen Sing- bzw. Sprechweise des 1980 verstorbenen amerkanischen
Komponisten Harry Partch vor, dem amerikanischen Komponisten und Pionier der mikrotonalen
Komposition im 20. Jahrhundert: „Singing Partch's Ratios: 43 tones/octave! Demonstrations of
notation, repertoire and technique using the Adapted Viola and the Adapted Guitar.” (Beide
Instrumente sind eigens für mikrotonalen Kontext adaptiert.)
� Masterclass Geige Do 12.00-15.00 8.35
Prof. Judith Ingolfsson (Stuttgart)
Die Barockmusik ist reich an unterschiedlichen Konzepten im Gebiet der Intonation. Mitteltönige
Stimmungen herrschen vor, in der enharmonisch verwechselte Töne (z.B. as und gis) eine
unterschiedliche Intonation haben. Im Gegensatz zur später üblichen gleichstufig temperierten
Stimmung spielt die Reinheit der großen Terz eine viel größere Rolle - und damit der intensive
Farbwechsel zwischen den verschiedenen Harmonien. In diesem Kontext stehen Artikulation,
Phrasierung und Vibrato in einem ganz eigenen Licht. Ein auch für die virtuose Violintradition
bedeutender Sonderfall ist Giuseppe Tartini. Seine Verwendung der (sehr tiefen) Naturseptim steht
zwar in der Tradition des Forschens und Experimentierens des frühen Barocks, doch im Gegensatz
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zu Violinmusik-Komponisten wie Francesc Valls (31-ton Temperierung) oder Giambattista Doni
(enharmonische Genera, Vierteltonkonzepte) hat Tartinis Musik die Zeiten überdauert und ist auch
heute im Konzertsaal präsent. In der Masterclass von Prof. Judith Ingolfsson steht das umfassende
und tiefgehende Verständnis der Musik Tartinis im Zentrum. Interpretationsfragen werden
diskutiert – vom Frühbarock bis zur zeitgenössischen Musik.
� Masterclass/Workshop Gitarre Do 12.00-15.00 8.04
Prof. Johannes Monno (Stuttgart, Koordination), Prof. Dr. John Schneider (Los Angeles/USA),
Stefan Gerritsen (Ensemble SCALA Amsterdam), Agustín Castilla-Àvila (Gesellschaft für
ekmelische Musik Salzburg)
Agustín Castilla-Ávila stellt ein eigenes System zum Umgang mit Mikrotonalität vor: A lecture
especially for guitarists and composers about different ideas on how to approach microtonality on
the guitar and a practical explanation by composer Castilla-Ávila on his sixths-of-a-tone system: 1.
Historical uses o the string and physical possible uses; new approaches to the string functions. 2. A
description of several microtonal guitars and the practical problems there might be for classical
guitarists. Why choosing a sixth of a tone system on a conventional guitar without changing
ordinary guitar technique. 3. Practical examples and different uses of this guitar, from solo to
sextet. 4. Practical aspects by using different types of notation as well as traditional ways to write
microtonal music. 5. Description of other different ways to use microtones on a conventional
guitar. Discussion about “the lost intimacy of the guitar.”
John Schneider stellt die „Adapted Guitar“ aus dem Instrumentarium von Harry Partch vor, dem
amerikanischen Komponisten und Pionier der mikrotonalen Komposition im 20. Jahrhundert:
Repertoire, notation, fretting pattern, tuning & techniques will be demonstrated, along with rare
photographs of the original instruments, and modern performing copies.
Stefan Gerritsen benutzt im Konzert eine 31-tönige Gitarre: „The colour pattern is made by
Siemen Terpstra and is a very inventive solution for orientation on 31-tone fret board. Besides this
guitar I also play on another 31-tone guitar made by Bert Terpstra (…): It has a selection of the 31
tone scale, in order to be able to play "old music" in better tune (very close to meantone
temperament)”.
� Masterclass/Workshop Orgel Fr 12.00-18.00 Konzertsaal
Prof. Bernhard Haas (Stuttgart), Prof. Wolfgang von Schweinitz (Lancaster/USA), Marco Bidin
(Stuttgart)
Die Orgel – die Königin der Instrumente – hat in den Fragen von Stimmungen und auch in der
Diskussion und Praxis vieltöniger Tastaturen immer eine Schlüsselrolle in der Auseinandersetzung
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mit dem, was wir heute Mikrotonalität nennen, gespielt. Um 1550 hat Nicola Vicentino Orgeln in
einem temperierten 31-ton System gebaut und damit die Farbigkeit mitteltöniger Stimmsysteme
mit einer unbegrenzten Modulationsfähigkeit zwischen den Tonarten verbunden. Aus dem Geist
altgriechischer Musiktheorie hat er außerdem „enharmonische“ Intervalle, die kleiner als ein
Viertelton sind theoretisch fundiert und kompositorisch angewendet. Im 20. Jahrhundert wurden
diese Gedanken aufgegriffen – in unserem Kongress werden wir daher eine portable 31-ton-
Fokker-Orgel vorstellen.
Wir lassen auch eine Utopie Wirklichkeit werden, nämlich indem wir einige Register der großen
Rieger Orgel im Konzertsaal der Hochschule in einer vollständig reinen Stimmung erklingen
lassen. Reine Terzen, Naturseptimen, 11. Obertöne, auch transponiert und gespiegelt – all diese
Töne werden durch Umstimmungen zur Verfügung stehen. Wolfgang von Schweinitz komponiert
seit langer Zeit Musik in vollständig reiner Stimmung; aus seinen Kompositionen haben wir einen
Fundus von Tönen destilliert, die alle über Obertonbeziehungen miteinander verbunden sind.
Diese Töne werden wir in einer Installation erklingen lassen. Einfache reine Akkorde, aber auch
sehr gespannte Situationen von fast gleichen Tönen, deren harmonischen Ursprung wir durch
Progressionen auf die gleiche Ausgangssituation zurückführen.
Bernhard Haas und Marco Bidin geben einen Kurzüberblick über das Instrument Orgel und
führen in die verschiedenen Stimmungssysteme, die in der Geschichte in Gebrauch waren und
über besondere Bauformen der Tastaturen (geteilte Tasten) ein.
- Tonhöhen lassen sich durch den Gebrauch von obertönig gestimmten Registern modifizieren.
- Durch teilweises Ziehen von Registerzügen und durch teilweises Drücken der Tasten auf der
mechanischen Traktur sind deutliche Veränderungen der Intonation einzelner Klänge möglich.
- Weitere Möglichkeiten einer klanglichen Erweiterung bestehen in einer Modifikation oder einer
Überlastung der Windzufuhr – und in der Verstimmung sowie der Präparationen einzelner Pfeifen.
All diese zum Teil außergewöhnlichen Techniken werden innerhalb der Masterclass praktisch
demonstriert. Dazu können Workshopteilnehmer ihr persönliches Repertoire mit Bernhard Haas
besprechen.
� Masterclass/Workshop Flöte Fr 12.00-18.00 8.23
Antje Langkafel (Stuttgart), Eva Kingma (Amsterdam), Jos Zwaanenburg (Amsterdam), Matteo
Cesari (Paris), Raymond Honing (Hilversum)
Eva Kingma bringt einige der von ihr selbst entwickelten speziell mikrotonalen Flöten mit: “A
little history about how I started at my uncle, the collaboration with Jos Zwaanenburg, Robert
Dick and now Matthias Ziegler, the collaboration with Bickford Brannen on the Kingma-System
and after that with the Sankyo-Company. I will bring a contrabass Flute in C, 3 new
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Kingma&Brannen altflutes, both open and closed hole (small and large bore), a bassflute in C, the
Brannen/Kingma and Sankyo/Kingma-system C flute.”
Jos Zwaanenburg zeigt Besonderheiten des praktischen Umgangs mit diesen Instrumenten.
Raymond Honing ist Flötist des Ensemble SCALA der Huygens-Fokker-Stiftung Amsterdam,
eines Forschungszentrums für mikrotonale Musik. Er stellt interessante mikrotonale Stücke aus
seinem eigenen Repertoire vor.
Matteo Cesari hält am selben Tag bereits den Kongress-Vortrag „Pushing the Performer to his
Limits: Microtonality and Interpretation”. Im Rahmen der Masterclass erweitert er diesen Vortrag
zu praktischen Studien am Instrument.
Antje Langkafel koordiniert den Workshop. Auf Basis vorausgehender hochschulinterner
Workshops thematisiert sie die Herangehensweise zur mikrotonalen Spielweise auf der Basis von
Vierteltönen und anderen Klangtechniken, auch im Hinblick auf einen pädagogischen Ansatz.
� Masterclass/Workshop Saxophon Fr 13.00-18.00 8.34
Nikola Lutz (Stuttgart), Prof. Bernd Konrad (Stuttgart)
Prof. Bernd Konrad beschäftigt sich seit langer Zeit schon mit dem Thema Mikrotonalität –
sowohl in Neuer Musik als auch im Jazz sowie in der Musik fernöstlicher Kulturen. Vor diesem
Hintergrund und basierend auf seiner langjährigen Erfahrung als ausübender Künstler und
Pädagoge stellt er seinen ganz eigenen Umgang damit vor.
Nikola Lutz stellt Mikrotonalität auf dem Saxofon am Beispiel der Komposition „Alter Ego“ von
Georges Aperghis für Tenorsaxofon solo vor: Die Komposition „Alter Ego“ etabliert einen
konsequent vierteltönigen Klangraum, der in der gesamten Komposition wirksam ist. In seinem
Verlauf konzentriert sich das Stück passagenweise auf bestimmte Lagen, was die
Hörwahrnehmung der Mikrointervalle begünstigt. Dabei sind die grifftechnischen Anforderungen
an den Interpreten sehr hoch und nicht immer mit standardisierten Lösungen ausführbar. So gibt
das Werk Gelegenheit, Möglichkeiten und Grenzen der Mikrointervallik auf dem Saxofon zu
diskutieren, Grundlagen und fallspezifische Speziallösungen aufzuzeigen und auf Strategien der
Erarbeitung mikrotonaler Musik im Hochschulunterricht einzugehen. Eine eigens für den
Kongress von Nikola Lutz eingespielte Fassung von „Alter Ego“ steht zur Verfügung und ist auch
später über das Archiv der Musikhochschule Stuttgart zugänglich. Der Workshop wendet sich
insbesondere an Saxophonstudenten, Profimusiker und Komponisten.
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Biographische Notizen
Lidia Ader – Musikwissenschaftlerin, St. Petersburg/Russland – Lidia Ader specializes in Russian
musical culture of the 1920s (Shostakovich, musical avant-garde) and microtonal music in Russia
and Europe (1900–1930s). She is an author of articles, commentaries, lists of works and indexes,
organizer of two international conferences (2010, 2011).
Gunhild Alsvik – Sängerin, Basel/Schweiz – Geboren 1981 in Norwegen. Studien in Oslo und an
der Schola Cantorum Basiliensis in Basel, wo sie sich in Aufführungspraxis Alter Musik
spezialisierte. www.gunhildalsvik.com
Prof. Bernd Asmus – Komponist, Stuttgart – Studien in Essen (Gitarre, Musikerziehung) und
Freiburg (Komposition, Musiktheorie). 1989 Beginn der Lehrtätigkeit an der Musikhochschule
Karlsruhe, dort ab 1993 als Professor für Musiktheorie/Neue Medien. Seit 2001 Professor für
Musiktheorie an der Musikhochschule Stuttgart.
Marco Bidin – Organist, Stuttgart – wurde in Italien geboren und studiert seit 2010 Master Neue
Musik (Orgel) an der MHS Stuttgart. Marco Bidin ist Mitglied der Kirchenmusikkommission der
Diözese Concordia-Pordenone und leitet das internationale Projekt “INCONTRI – Asiatische und
westliche Kultur in der Neuen Musik“ sowie ALEA, Associazione Laboratorio Espressioni
Artistiche.
Heinz Bohlen – Geboren 1935. Beruflich Spezialist für Mikrowellen-Vakuumelektronik. Seit
1972 Seiteneinsteiger in die Musiktheorie durch die Erst-Entdeckung der (nicht von ihm so
benannten) Bohlen-Pierce-Skala.
Prof. Conradin Brotbek – Cellist, Stuttgart – Geboren 1960. Studium in Luzern, Genf, Wien und
London. Besonders intensiv widmet er sich der Neuen Musik. Enge persönliche Kontakte zu
zeitgenössischen Komponisten ermöglichen das unmittelbare Erlebnis von Ur- und
Erstaufführungen neuester Werke. Seit 2007 Professor für Cello an der Musikhochschule Stuttgart.
Prof. Dr. Roman Brotbeck – Musikwissenschaftler, Bern/Schweiz – Geboren 1954. Großer
Forschungsauftrag des Schweizerischen Nationalfonds und längere Aufenthalte in Mittel- und
Nordamerika, Frankreich und der UdSSR. 2003 bis 2009 Leiter des Bereichs Musik an der
Hochschule der Künste Bern HKB. 2002 und 2009 Direktor ad int. der HKB. Zahlreiche
Publikationen und Referate vor allem zur Musik des 20. Jahrhunderts.
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Agustín Castilla-Àvila – Gitarrist, Salzburg – Studium in Sevilla, London, Salzburg, Luxemburg
und Arizona (Gitarre und Komposition). Er ist künstlerischer Berater der Internationalen
Gesellschaft für Ekmelische Musik in Österreich. Vorträge über Mikrotonalität bei der Gitarre u.a.
in Sankt Petersburg, Madrid, London und Singapur.
Matteo Cesari – Flötist, Paris – Following flute and university studies in Bologna and Modena,
Italy, Matteo Cesari received highest honors for his thesis on Berio’s Harvard Lectures. He
pursued a Master’s Degree with Mario Caroli at the Strasbourg Conservatoire, and at present is a
doctoral student at the Conservatoire de Paris and the University of Paris IV (Sorbonne). He has
performed extensively as a soloist and as a member of the ensembles Accroche Note, Itinéraire,
Algoritmo, and Risognane. www.matteocesari.com
Michalis Cholevas is a Greek multi-instrumentalist musician playing Ney, Saz, Yayli Tanbur and
its descendant, Tarhu. His path starts in Athens, Greece where he studied Byzantine, Jazz and
Eastern Mediterranean music traditions. At the age of 30 he moved to the Netherlands to follow a
Master’s in Turkish Music at Rotterdam Conservatory (under the Dutch HSP excellence
scholarship) where he now teaches at the Turkish music academy. He is working as a freelance
musician. www.michalischolevas.com
Prof. Dr. Manfred Cordes studierte Schul- und Kirchenmusik, Klassische Philologie und
Gesangspädagogik in Hannover und Berlin. Nach dem Studium folgte eine Gastdozentur für
Musiktheorie in Groningen (NL). 1991 wurde er promoviert mit einer Arbeit über den
Zusammenhang von Tonart und Affekt in der Musik der Renaissance und 1994 als Professor
(Musiktheorie, Kontrapunkt und Ensemble) an die Hochschule für Künste Bremen berufen. Er
leitete als Dekan von 1996 bis 2005 den Fachbereich Musik, seit 2007 ist er Rektor.
Susanne Erding-Swiridoff – Komponistin, Stuttgart – Geboren 1955. Seit 1979 ist Susanne
Erding-Swiridoff Dozentin an der Staatlichen Hochschule für Musik in Stuttgart, mit den
Schwerpunkten Zeitgenössische Musik und seit 2001 auch für außereuropäische Musik (China,
Indien, Musik der Araber, Persien, Japan, Bali, Afrika, und Korea). www.erding-swiridoff.com
Moritz Ernst – Pianist und Cembalist, Badenweiler – Geboren 1986. Studium in Detmold und
Basel. Noch während seiner Studienzeit initiierte er mit seinem Duopartner eine Aufführung von
Ivan Wyschnegradkys Präludien im Vierteltonabstand. www.moritz-ernst.com
Oliver Frick – Komponist, Stuttgart – Geboren 1973. Studium Musiktheorie und Neue Medien
sowie Komposition in Stuttgart, Paris und Freiburg. Oliver Frick ist seit 2007 Tonmeister an der
Staatsoper Stuttgart sowie Lehrbeauftragter an der Kunstakademie Stuttgart. Seit 2008
Lehrbeauftragter für Computermusik an der Musikhochschule Stuttgart.
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Sander Germanus – Saxophonist und Komponist, Amsterdam/Niederlande – Geboren 1972 in
Amsterdam. Seit 2007 Direktor der Huygens-Fokker-Stiftung, Zentrum für mikrotonale Musik,
Amsterdam/Niederlande. www.huygens-fokker.org
Stefan Gerritsen – Gitarrist, Amsterdam/Niederlande – Geboren 1973. Gerritsen studierte Gitarre
bei Wim Pfister und Lex Eisenhardt in Amsterdam und bei Alex Garrobé in Barcelona. Er ist
Mitglied einiger Ensembles für zeitgenössische Musik, u.a. dem Amsterdam Kwintet und dem
Ensemble Radak.
Prof. Bernhard Haas – Organist Stuttgart – Geboren 1964. Haas studierte Orgel, Klavier,
Cembalo, Kirchenmusik, Komposition und Musiktheorie in Köln, Freiburg und Wien. Zahlreiche
Preise bei internationalen Orgelwettbewerben. CD-Aufnahmen u.a. mit Werken von Ferneyhough,
Feldman und Xenakis. Seit 1994 Professor für Orgelspiel an der Musikhochschule Stuttgart.
Prof. Dr. Georg Hajdu – Geboren 1960 in Göttingen. Er gehört zu den ersten Komponisten
seiner Generation, die sich systematisch der Verbindung von Musik, Naturwissenschaft und
Informatik verschrieben haben. Studien und Promotion in Köln und Berkeley. Seit 2002 Professor
für multimediale Komposition an der Hochschule für Musik und Theater in Hamburg.
Raymond Honing, Flötist, Hilversum/Niederlande – Studierte Flöte, Barockflöte und
Kammermusik in Amsterdam. Sein Repertoire reicht vom 18. Jahrhundert und früher romantischer
Musik auf historischen Instrumenten bis zu zeitgenössischer Musik auf modernen Flöten. Neben
zahlreichen Konzerten in den Niederlanden tritt er bei Festivals in zahlreichen Ländern Europas
auf. www.raymondhoning.com
Prof. Dr. h.c. Klaus Huber – Komponist, Bremen/Panicale – Geboren 1924 in Bern. 1973-90
Leiter der Kompositionsklasse und des Instituts für Neue Musik an der Musikhochschule in
Freiburg/Breisgau. Seit den 80er Jahren intensive Beschäftigung mit arabischer Musik und
Mikrotonalität. Ernst von Siemens Musikpreis 2009. www.klaushuber.com
Margarete Huber – Sängerin und Komponistin, Berlin – Studium (Gesang, Musikwissenschaft,
Komposition) in Bremen und Berlin. Sängerischer Schwerpunkt u.a. die Erforschung neuer
Stimmklänge.
Prof. Judith Ingolfsson – Violinistin, Stuttgart – Gebürtig in Island, absolvierte sie ihr
Musikstudium in den USA. Internationale Konzerttätigkeit als Solistin. Nach einer Professur an
der University of Colorado in Boulder/ USA ist Judith Ingolfsson seit Oktober 2008 Professorin an
der Musikhochschule Stuttgart. www.judithingolfsson.com
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Joachim Junker legte in Saarbrücken das Erste Staatsexamen in den Fächern Musik und Deutsch
ab und absolvierte außerdem die Diplomstudiengänge Musiktheorie und Gehörbildung. Er arbeitet
an einem Dissertationsprojekt zu Luigi Nonos Streichquartett Fragmente – Stille, An Diotima.
Daneben veröffentlichte er mehrere Aufsätze zur Musik des 17. und 20. Jahrhunderts.
Johannes Keller – Cembalist und Organist, Basel/Schweiz – Geboren 1984. Studium an der
Schola Cantorum Basiliensis. Internationale Konzerttätigkeit. Eigenes Forschungsprojekt zum
Thema chromatisch-enharmonische (mehr als 12 Töne pro Oktave) Instrumente und Musik aus
dem 16. und 17. Jahrhundert. www.ilprofondo.com
Eva Kingma – Flötenbauerin, Grolloo/Niederlande – Die von ihr entwickelte Kingma System
Flöte erlaubt, neben weiteren neuen klanglichen Möglichkeiten, durch sechs zusätzliche Klappen,
eine komplette chromatische Vierteltonskala durch alle Register durch extra Griffe exakt zu
spielen. www.kingmaflutes.com
PD Dr. Martin Kirnbauer – Musikwissenschaftler, Basel/Schweiz – Geboren 1963 in Köln.
2007 Habilitation für Musikwissenschaft mit einer Studie „Vieltönige Musik – Spielarten
chromatischer und enharmonischer Musik in Rom in der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts“. Seit
2004 Leiter des Musikmuseums in Basel und dort Kurator für die Sammlung Alter
Musikinstrumente. Daneben Lehrbeauftragter für Ältere Musikgeschichte am
Musikwissenschaftlichen Institut der Universität Basel.
Till Knipper ist in Freiburg i.Br. aufgewachsen, studierte in Hamburg und Salamanca/Spanien
historische und systematische Musikwissenschaft sowie Philosophie. Er promoviert an der
Universität über die "Intonation mikrotonaler Musik" auf Streichinstrumenten. Sein langjähriges
Interesse an den Problemen und Fragen der Mikrotonalität hat bereits zu mehreren
Veröffentlichungen innerhalb dieser Thematik (v.a. zu Werken von K. Huber und G.F. Haas)
geführt.
Prof. Bernd Konrad – Saxophonist Stuttgart – Studium in Stuttgart (Klarinette und Komposition)
und in Boston/USA (Jazz-Studien). Er ist Gewinner zahlreicher Preise und Auszeichnungen und
spielte in den verschiedensten Formationen mit denen er Tourneen in die ganze Welt unternahm.
Seit 1986 ist Konrad Professor an der Musikhochschule Stuttgart (Saxophon, Klarinette, Big Band,
Saxophon-Workshop, Improvisation, Pädagogik, Formenlehre). www.bernd-konrad.net
Veli Kujala finished his Doctor of Music Degree (focused on contemporary Finnish accordion
music) at the Sibelius Academy in 2010. He is a prize-winner of many international soloist and
concert accordion competitions. As a composer he has been awarded with lots of prizes. Since
2005 Veli Kujala has been teacher of concert accordion and improvisation at the Sibelius-
Academy. www.velikujala.com
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Tilmann Langbein – Geboren 1954. Studium an der Fachhochschule Aalen; Seither neben
verschieden Tätigkeiten in der Industrie-Elektronik, Herstellung und Entwicklung elektronischer
Stimmgeräte. www.tla-electronic.de
Antje Langkafel – Flötistin Stuttgart – Geboren 1965. Flöten-, Kompositions- und
Musiktheoriestudium in Stuttgart; seit 1995 unterrichtet sie an der Musikhochschule Flöte – mit
besonderem Interesse an Neuer Musik.
Ere Lievonen – Organist, Niederlande – Geboren 1972 in Oulu, Finnland. Studium in Helsinki
und in den Niederlanden. Tätigkeit als Künstler auf Cembalo, Klavier, Hammerklavier und Orgel,
sowie als Komponist. Als Interpret ist er sowohl auf historische Aufführungspraxis als auch auf
zeitgenössischer Musik spezialisiert. webusers.siba.fi/~elievone
Christof M Löser – Dirigent, Stuttgart – Geboren 1972. Studium in Freiburg (Schulmusik) und
Karlsruhe (Dirigieren). An der Musikhochschule Stuttgart seit 2000 Orchestermanager, Dirigent
(Leitung KammerEnsemble, Stirling Ensemble) und Dozent für Musiktheorie; seit 2008 Dozent
für Ensembleleitung Neue Musik und Musiktheorie.
Nikola Lutz – Saxophonistin, Stuttgart – Aufführungen verschiedener Instrumentalwerke, Stücke
für Elektronik und Bühnenwerke sowie Hörspielvertonungen. Seit 2006 Dozentin für klassisches
Saxophon an der Musikhochschule Stuttgart mit besonderem Interesse an Neuer Musik.
www.nikolalutz.de
Prof. Angelika Luz – Stimme, Stuttgart – Mit den Neuen Vocalsolisten war sie bis 2006 in
regelmäßiger Arbeit verbunden und hat im intensiven Austausch mit KomponistInnen zahlreiche
Werke uraufgeführt. Seit 1998 unterrichtet sie an der Musikhochschule Stuttgart Neue
Vokalmusik, Professur seit 2007. www.angelika-luz.de
Prof. Johannes Monno – Gitarrist, Stuttgart – Studium der Gitarre in Spanien, Köln und Athen.
Lehrtätigkeit an der Hochschule für Musik und Theater Hamburg und der Hochschule für Musik
und Darstellende Kunst Frankfurt. Seit 2004 Professor für Gitarre an der Musikhochschule
Stuttgart. www.johannesmonno.de
Prof. Dr. Andreas Meyer – Musikwissenschaftler, Stuttgart – Geboren 1966. 2005 Habilitation
mit einer Arbeit über Musik und Lyrik im 20. Jahrhundert. Andreas Meyer ist Mitherausgeber der
Korrespondenz Schönbergs mit Alban Berg, die im Frühjahr 2007 erschien. Seit 2007 Professor
für Musikwissenschaft an der Musikhochschule Stuttgart. Herausgeber der Reihe „Stuttgarter
Musikwissenschaftliche Schriften“.
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Prof. Piet Johan Meyer – Klangrealisateur, Stuttgart – Forschungsbereich: Verbindung von Live-
Elektronik und künstlicher Intelligenz sowie Echtzeit-Interakion. Seit 2009 Professor für
Computermusik und Medienpraxis an der Musikhochschule Stuttgart.
Koka Nikoladze – Komponist und Geiger – Geboren 1989 in Georgien. Studien in Georgien und
zurzeit in Stuttgart. Als Geiger Auftritte in ganz Europa und als Komponist Interesse für
Theatermusik und für die Einbindung von georgischer Volksmusik in die experimentelle Musik.
Prof. Dr. Erik Oña – Komponist und Dirigent, Musikakademie Basel/Schweiz – Geboren 1961 in
Córdoba, Argentinien. Musikstudium in Argentinien und Buffalo/USA. Stipendien des IRCAM in
Paris, des ZKM und der Akademie Schloss Solitude. Er unterrichtet Komposition und ist Leiter
des Elektronischen Studios an der Musik-Akademie der Stadt Basel, Schweiz. www.erik-ona.com
Bernfried Pröve – Komponist, Berlin – Geboren 1963. Studien (Klavier, Komposition,
Musiktheorie, Dirigieren, Musikwissenschaft, Filmmusik, Elektronische Musik) u.a. in Berlin,
Freiburg, Paris. Nationale und internationale Stipendien und Auszeichnungen. Eigenes CD-Label
„Edition Zeitklang“. www.zeitklang.de
Dr. Cordula Pätzold – Musikwissenschaftlerin, Stuttgart – Geboren 1969. Studium in Stuttgart
(Schulmusik, Mathematik), Freiburg (Musikwissenschaft, Philosophie) und Oldenburg (Master
Bildungsmanagement). Seit 2001 Dozentin für Hörerziehung an der Musikhochschule Stuttgart,
seit 2008 Geschäftsführung des Studio Neue Musik der Hochschule / Projektleitung Kongress.
Sarvenaz Safari wurde 1984 in Teheran geboren, studierte Komposition an der Hochschule für
Musik und Theater Hamburg. Als Komponistin beschäftigt sie sich mit musikreflektierenden
Werken wie Machaut-Paraphrasen. Sie erhielt Stipendien der Otto-Stöterau-Stiftung und des
DAAD.
Michael Scheer, geboren 1950, etablierte 1980 sein Atelier „Kielflügel-Kunst“ in Jestetten, das
neben dem Nachbau und der Neuentwicklung historischer das erste dynamisch spielbare Cembalo
entwickelt sowie verschiedene ¼ton Cembali gebaut hat. Zu den besonderen Gebieten gehört die
Mensurierung und Temperierung von Saiteninstrumenten. Er ist Gesellschafter sowie der
Geschäftsführer der Marc Vogel GmbH – Cembaloteile. www.vogel-scheer.de
Prof. Dr. John Schneider – Gitarrist, Los Angeles/USA – He holds a Ph.D. in Physics & Music
from the University of Wales, music degrees from the University of California and the Royal
College of Music [London], and is past President of the Guitar Foundation of America. A
specialist in contemporary music, Schneider's The Contemporary Guitar (University of California
Press) has become the standard text in the field. He is the founding artistic director of MicroFest,
an annual festival of microtonal music. His upcoming CD Harry Partch: Bitter Music will be
released by Bridge records in Fall of 2011. www.microfest.org
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Prof. Wolfgang von Schweinitz – Komponist, Lancaster CA/USA – Geboren 1953.
Kompositionsstudium in Hamburg, u.a. bei György Ligeti. In den 90er Jahren intensive
Beschäftigung mit Reiner Stimmung und Mitentwicklung der „Erweiterten Helmholtz-Ellis-
Notation“. Seit 2007 Lehrstuhl für Komposition am California Institute of the Arts in
Lancaster/USA (Nachfolger von James Tenney). www.plainsound.org
Prof. Dr. Manfred Stahnke, 1951 in Kiel geboren. Studierte ab 1966 in Lübeck, Freiburg,
Hamburg und in den USA Komposition und Musikwissenschaft. 1979 Dr. phil. in Hamburg, bei
Constantin Floros über Pierre Boulez. Hauptlehrer Wolfgang Fortner, Klaus Huber, Ben Johnston
und vor allem György Ligeti. Seit 1989 Professor für Komposition und Musiktheorie an der
Musikhochschule Hamburg. www.manfred-stahnke.de
David Stützel, geboren 1973. Er hat Cello, Gitarre und experimentelle Blasinstrumente gebaut.
Studium der Klassischen Gitarre in Trossingen. Er unterrichtet Instrumentenkunde, Gitarre,
Obertongesang, Singende Säge, Laute, (oft auch Topf, Schlauch, Rohr, Tassen, Vasen...) hält
Vorträge, leitet Kurse, gibt Konzerte und leitet Chöre.
N. Andrew Walsh – Komponist, Stuttgart – Geboren 1978 in Washington, DC. Er studiert zur
Zeit Musikwissenschaft und Komposition an der Musikhochschule Stuttgart. Gründer des Vereins
"Klang Büro", Institut für graphische Partituren und improvisierte Musik.
Seine Lieblingsfarbe ist blau, und er glaubt, dass Fliegen lustig klingen.
Prof. Caspar Johannes Walter – Komponist, Stuttgart – Geboren 1964. Kompositionsstudium in
Köln (J. Fritsch). 1998/99 Stipendiat der Villa Massimo in Rom. Zahlreiche Preise und
Auszeichnungen (u.a. Preis der deutschen Schallplattenkritik). 2002/03 composer in residence und
Kompositionslehrer an der University of Birmingham. Seit 2006 ist er Professor für Komposition
an der Musikhochschule Stuttgart. Leiter des Studio Neue Musik.
Julien Jalâl Eddine Weiss – Instrumentalist, Istanbul – Geboren 1953 in Paris. Weiss hat lange
Jahre den arabisch-türkischen Raum bereist, die reiche und vielfältige musikalische Tradition
dieser Region studiert und das Qânûn, ein der Zither vergleichbares Instrument, virtuos spielen
gelernt. Das Ensemble Al Kindî, das sich klassischer arabischer Kammermusik verschrieben hat,
wurde 1983 von ihm in der nordsyrischen Stadt Aleppo gegründet. www.alkindi.org
Jos Zwaanenburg – Flötist und Komponist, Amsterdam/Niederlande – Geboren 1958. Studierte
Flöte und Komposition in Amsterdam. Er hat in Zusammenarbeit mit den Flötenbauern Eva
Kingma und Dirk Kuiper eine open-hole Altflöte entwickelt, auf der durch Klappen mit kleinen
Löchern und zusätzlichen Klappen möglich wurde, auf der Altflöte möglichste viele Töne zu
erzeugen. www.composers21.com/compdocs/zwaanenj.htm
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Ensembles
Stirling Ensemble Stuttgart
Das Stirling Ensemble Stuttgart entstand 2006 auf Initiative von Christof M Löser als Ensemble
für Neue Musik mit Lehrenden und Studierenden der Musikhochschule Stuttgart. Sie bringen sehr
verschieden gerichtete musikalische Vorstellungen und Ideen ins Stirling Ensemble ein, was auch
der pluralistischen Ãsthetik der Architektur von James Stirling entspricht, in der die Mitglieder der
Stuttgarter Musikhochschule – in direkter Nachbarschaft zur Staatsgalerie und zum Haus der
Geschichte – täglich arbeiten, mit dem gemeinsamen Ziel, ein Ensemble-Netzwerk innerhalb der
Musikhochschule, des Studios Neue Musik und mit Wirkung „nach draußen“ aufzubauen.
echtzeitEnsemble der Musikhochschule Stuttgart
Ein Ensemble für Neue Musik aus Studierenden der Musikhochschule Stuttgart. Aus einem Pool
meist einfach besetzter Instrumente bildet sich die Grundbesetzung der einzelnen Projekte. Die
konkrete Besetzungsgröße in den Konzerten liegt bei ca. 10 Musikern, inklusive
Technik/Klangregie.
Ensemble SCALA der Huygens-Fokker-Stiftung, Amsterdam/Niederlande
Ensemble SCALA is the new ensemble for microtonal music initiated by the Huygens-Fokker
Foundation. Its purpose is to let audiences experience microtonality with a whole scala of timbres,
using the Fokker organ as part of a larger ensemble for the first time. The cast of Scala is Fokker
organ (Ere Lievonen), microtonal guitar (Stefan Gerritsen), viola, flute (Raymond Honing),
clarinet (Michel Marang), master keyboards (Keiko Shichijo) and percussion (Adam Jeffrey). The
musicians are all specialists in the area of microtonal music, and will explore the boundaries of the
colourful 31-tone tuning of the Fokker organ in this combination. The ensemble concerns itself
primarily with four important microtonal systems: 31-tone, 24-tone and 19-tone temperaments and
just intonation, but mostly with 31-tone equal temperament. The name of the ensemble originates
from the software program for microtonal music of the same name by Manuel Op de Coul which
has an international reputation. www.huygens-fokker.org
Ensemble Al-Kindî, Aleppo/Syrien
Das Ensemble Al-Kindî wurde 1983 von Julien Jâlal Eddine Weiss gegründet. Es kommt aus
Aleppo/Syrien und wird momentan als eine der besten Formationen für Musik aus dem türkischarabischen
Raum gehandelt. In einzigartiger Weise verbindet es höchste musikalische Qualität
ihrer Ensemble-Mitglieder mit höchstem Standard seiner musikalischen Erforschung und
Realisierung verschiedenster musikalischer Traditionen des nahen und mittleren Ostens. Das
traditionelle orientalische Ensemble besteht aus den vier Musikern Julien Jâlal Eddine Weiss
(Qânun/arabische Zither, künstlerische Leitung), Hasan Altnji (Sufi-Gesang), Ziad Kadi Amin
(Ney/arabische Holzflöte) und Jamal Al Sakka (Riqq/arabisches Schlagwerk). www.alkindi.org
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Vorschau
2. Juli 2011
Komponistenwerkstatt der Klassen
Prof. C.J. Walter und Prof. M. Stroppa
mit Gastensemble Le Balcon (Paris)
2./3. Juli 2011
geister stimmen
Ensemble v.act – Neue Vokalmusik.
Leitung Prof. Angelika Luz,
Studierende der EMP- Tanzperformance.
Leitung Prof. Ann-Barbara Steinmeyer
12. Juli 2011
Käthe Kollwitz: Ohne jeden Reiz waren mir
die Menschen aus dem bürgerlichen Leben.
Briefe/Tagebücher/Texte
Staatsgalerie Stuttgart
Studierende des Studiengangs Sprechkunst
Leitung Prof. Ulrike Maier-Hillenbrand
Kompositionen & Improvisationen Neuer
Musik, Leitung Prof. C.J.Walter
und N. Andrew Walsh
9. Oktober 2011
Ensemble ascolta zu Gast mit Stummfilmen
und Musik aus den Kompositionsklassen
Prof. C.J.Walter und Prof. M. Stroppa
13./17. Oktober 2011
Donaueschingen off-Programm
Konzerte mit dem echtzeitEnsemble
Leitung: Christof M Löser
25. Oktober 2011
Mathias Spahlinger, farben der frühe für 7
klaviere Musikhochschule Frankfurt
Professoren und Studierende der
Musikhochschulen Frankfurt und Stuttgart /
Leitung: CM Löser
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26. Oktober 2011
INFOS: Musik aus dem Studio für
Elektronische Musik
7. November 2011
Serenade / echtzeit im FMZ
Freies Musikzentrum Feuerbach
Musik von Mozart, Schönberg und aus den
Kompositionsklassen
Prof. C.J.Walter und Prof. M. Stroppa
echtzeitEnsemble / Leitung: CM Löser
1. Dezember 2011
echtzeit im Dillmann
Dillmann-Gymnasium Stuttgart
Musik von und mit Schülern des Dillmann-
Gymnasiums Stuttgart sowie der
Kompositionsklassen Prof. C.J.Walter und
Prof. M. Stroppa / echtzeitEnsemble / Studio
für Elektronische Musik
Leitung: CM Löser / Prof. Piet Johan Meyer
7. Dezember 2011
Komponistenwerkstatt der Klassen
Prof. CJ Walter und Prof. M. Stroppa
echtzeitEnsemble / Leitung CM Löser
27. Januar 2012
Antrittskonzert Prof. Piet Johan Meyer
Solisten & Stirling Ensemble Stuttgart
Leitung: CM Löser
4. Februar 2012
Komponistenwerkstatt der Klassen
Prof. C.J.Walter und Prof. M. Stroppa
echtzeitEnsemble / Leitung: CM Löser
weitere Informationen: www.mh-stuttgart.de