CRESCENDO 1/19 Januar-März 2019

K Ü N S T L E R
C
RESCENDO: Sie haben dem Leben in der Großstadt
den Rücken gekehrt und sind aufs Land gezogen. Beeinflusst
das auch Ihre Musik?
Max Richter: Ich glaube, dass sich alles gegenseitig beeinflusst, und die
Umgebung hat natürlich auch Einfluss auf das Gehirn. Trotzdem finde
ich, jedes musikalische Werk hat irgendwie sein eigenes Ökosystem, in
dem es sich entwickelt und aufblüht. Darum glaube ich nicht, dass
Äußerlichkeiten so eine große Rolle spielen. Aber ich genieße zum Beispiel
die Jahreszeiten sehr und nehme sie ganz bewusst wahr. Ich lebe
nun mitten im Nirgendwo auf dem Land, und da bekommt man das
sehr deutlich mit. Und es ist sehr schön,
JEDES MEINER PROJEKTE IST
EIN EXPERIMENT, MIT DEM ICH
ETWAS HERAUSFINDEN ODER ZUM
AUSDRUCK BRINGEN MÖCHTE
dieses gemächliche Tempo zu beobachten,
in dem sich alles verändert. Ich mag
diese Langsamkeit um mich herum.
Wenn man im Inneren und in der Fantasie
viel beschäftigt ist – und das bringt
das Komponieren ja mit sich –, braucht
man viel Zeit für sich, damit sich die
Ideen auch entwickeln können.
Welche Ideen stecken denn in Ihrer preisgekrönten Filmmusik
zu „Mary Queen of Scots“?
Die beiden Frauen, um die es in diesem Film geht, die beiden Königinnen
Maria Stuart und Elisabeth I., leben eigentlich in einer Welt, die
den Männern gehört und in denen ihre Macht sehr eingeschränkt ist.
Deshalb wollte ich mit den Stimmen der Frauen anfangen. Sie bilden
quasi den Hintergrund, vor dem alles passiert. Man kann sich die Partitur
wie ein Renaissancegemälde vorstellen, in dem die Farbe Schicht
für Schicht auf den Untergrund aufgetragen wird, auf dem dann nach
und nach immer mehr Elemente und Figuren im Vordergrund hinzugefügt
werden.
Welche Elemente sind das in diesem Fall?
Es gibt sozusagen ein königliches Thema, das sich die Königinnen
teilen und das vom Englischhorn gespielt wird. Außerdem haben
wir viel Chormusik aufgenommen, die sozusagen die musikalische
Landschaft gestaltet. Und es gibt Musik für die Antagonisten – in
diesem Fall eigentlich alle Männer, die in dem Film vorkommen
(schmunzelt). Diese Ebene wird vor allem durch orchestrale Musik
gestaltet, die allerdings weniger kultiviert ist. Im Vordergrund
erscheinen dann nach und nach weitere Themen und auch zeitgenössische
klangliche Elemente. Außerdem gibt es viele Trommeln,
die in der Musik inhaltlich eine wesentliche Rolle spielen. Sie deuten
quasi an, wo es mit Mary hingehen wird. Sie begleiten ihre Exekution
und die Beerdigung. Aber sie tauchen auch in Form von
Marschmusik auf, im Thema, das für die Ehe steht, oder als königliche
Paukenklänge.
Haben Sie die Musik auf den fertig geschnittenen Film komponiert
oder war er noch in der Entstehung?
Ich habe nur einige Schnipsel gesehen, sodass ich einen Eindruck
von der Atmosphäre und den Personen bekommen konnte. Dann
habe ich mit dem Schreiben angefangen, und der Film hat parallel
Gestalt angenommen. Es war ein sehr organischer Prozess. Es gibt
immer einen eigenen Rhythmus und einen Workflow, und ich habe
immer Interesse daran, den natürlichsten Weg zu finden. Manchmal
muss man sich die ganze Zeit die Bilder anschauen, und manchmal
kann die Musik einfach Musik sein und man nimmt sich dann,
was man braucht. Ich glaube, das ist in jedem Projekt anders.
Lernt man denn über die Filmmusik einen anderen Max Richter
kennen als über eines Ihrer Soloprojekte?
Ja, das sind für mich ganz unterschiedliche Dinge, aber ich könnte
jetzt nicht sagen, dass mir das eine oder das andere mehr oder weniger
Spaß macht. Die Arbeit an einem Kinofilm ist immer ein
Gemeinschaftsprojekt. Es geht dabei grundsätzlich viel um Kommunikation
und Zusammenarbeit. Und die Musik steht quasi im
Dienst der Geschichte, die erzählt wird. Sie ist nur ein Element in
einem großen Kontext, Filmmusik ist keine Sinfonie. Wohingegen
ich bei einer Soloplatte oder in einem Orchesterstück alles genau so
machen kann, wie ich es mir vorstelle, und ich mir dabei nur musikalische
Fragen stellen muss.
Sie haben nicht nur viele Soundtracks, sondern auch völlig unterschiedliche
Soloprojekte realisiert. Was inspiriert Sie?
In allen kreativen Konzepten stecken Fragen. Jede neue Idee von
mir kann man als eine „Was-wäre-wenn-Frage“ verstehen, denn
jedes meiner Projekte ist ein Experiment,
mit dem ich etwas herausfinden
oder zum Ausdruck bringen möchte.
Eigentlich fühlt sich jedes Projekt
unmöglich an, bevor ich loslege. John
Cage hat mal gesagt: „Unsere Aufgabe
als Künstler ist es, neugierig zu sein.“
Das trifft es eigentlich ziemlich genau.
Mit jeder Platte versuche ich herauszufinden,
was es eigentlich ist, was ich da mache. Das klingt vielleicht
paradox, aber das ist meine Vorgehensweise. Wenn ich dann am
Ende zufrieden bin mit dem, was dabei herauskommt, dann ist das
ein riesiger Erfolg, und ich bin sehr glücklich (lacht).
Wie ist es dazu gekommen, dass Sie eine eigene Version von Vivaldis
Die vier Jahreszeiten kreiert haben?
Das Recomposing-Projekt zu den Jahreszeiten war mir ein ganz
persönliches Bedürfnis (lacht). Als Kind habe ich mich in das Stück
verliebt. Es ist ein wunderschönes virtuoses Stück voller Geschichten
und Farben. Aber im Laufe der Jahre habe ich es dann eigentlich
nur noch in der Werbung oder in einer Warteschleife oder im Aufzug
gehört, und ich habe angefangen, das Stück zu hassen. Meine
Bearbeitung war für mich dann sozusagen eine Rettungsmaßnahme
und der Versuch wiederzuentdecken, was ich ursprünglich mal an
dem Stück geliebt habe. Eine derartige Beziehung habe ich aber zu
keinem anderen Stück.
Für Ihr Projekt „Sleep“ haben Sie mal eine achtstündige Musik
komponiert, die man schlafend auf sich wirken lassen soll. War
das auch eine Selbsterfahrung?
Schlaf hatte für mich immer schon eine große Bedeutung. Ich habe
Schlafen immer als wichtigen Bestandteil in einem kreativen Prozess
wahrgenommen, denn unser Geist ist dann ja nicht einfach
ausgeknipst, er arbeitet nur anders. Als ich 2014 mit dem Projekt
„Sleep“ begonnen habe, hatte ich das Gefühl, dass unser Leben im
Alltag von Informationen regelrecht überflutet wird und dass das
sehr anstrengend ist. Ich wollte einen kleinen Urlaub von all den
Eindrücken und Informationen und Daten. Außerdem hat es mich
interessiert, was die Musik aus neurologischer Sicht mit uns macht,
wenn wir schlafen.
Ihre Musik ist oft minimalistisch, die jüngste Filmmusik für
„Mary Queen of Scots“ ist im Kontrast dazu sehr opulent. Gibt
es etwas, das den Kern Ihrer musikalischen Sprache ausmacht?
Sparsamkeit und Minimalismus sind mir sehr wichtig, aber es
stimmt, „Mary Queen of Scots“ ist in gewisser Hinsicht tatsächlich
regelrecht pompös. Das hängt in dem Fall wohl mit der Welt zusammen,
die in dem Film dargestellt wird. Aber wenn man sich meine
Soloplatten anschaut, dann steht im Mittelpunkt immer, dass man
das Maximum aus dem Minimum herausholt. Ich
bin an einer direkten Sprache interessiert, die sich
ganz einfach anfühlt. Sie ist zwar nicht einfach,
aber sie kommt so rüber (lacht).
n
„Mary Queen of Scots. Music by Max Richter“ (DG)
16 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019