CRESCENDO 1/19 Januar-März 2019

20 JAHRE
AUSGABE 01/2019 FEBRUAR – MÄRZ 2019
WWW.CRESCENDO.DE 7,90 EURO (D/A)
mit CD im Heft
SCHWERPUNKT
100 Jahre Bauhaus
LUISA IMORDE
Vom Vexierspiel
der Tastentänzerin
FRIEDRICH ANI
REBEKKA HARTMANN
MAX RICHTER
WILFRIED HILLER
OSKAR LAZNIK
Diana
Damrau
Es muss nicht immer
Schumann sein ...
B47837 Jahrgang 22 / 01_2019

WIR SPIELEN
UNTER DIE HAUT.
VERY BRITISH!
„The Young Person’s
Guide to the Orchestra“
von Benjamin Britten
GYPSY
GOES CLASSIC
Sa. 16. Februar 2019 – Philharmonie im Gasteig
FAMILIENKONZERT AB 6 JAHREN
LEITUNG: SIAN EDWARDS
Mi. 20. Februar 2019 – Prinzregententheater
MIT SANDRO ROY – VIOLINE
LEITUNG: HENRY RAUDALES
Präsentiert von
PERCUSSION
TIME!
Virtuose SchlagWERKE
PARADISI GLORIA
Werke von
André Caplet und
Heinrich Ignaz Franz Biber
Mi. 10. April 2019 – Prinzregententheater
MIT SIMONE RUBINO – ARTIST IN RESIDENCE
LEITUNG: ARIEL ZUCKERMANN
Fr. 5. April 2019 – Herz-Jesu-Kirche München
MIT DEM BR-CHOR
LEITUNG: HOWARD ARMAN
Präsentiert von
Jetzt Tickets sichern! Kartentelefon: 0800 5900 594 • www.shop.br-ticket.de
RUNDFUNKORCHESTER.DE

P R O L O G
CRESCENDO LIVE
Liebe Leser,
herzlich willkommen in der ersten CRESCENDO Ausgabe 2019.
WINFRIED HANUSCHIK
Herausgeber
Wir starten furios ins neue Jahr: mit gleich zwei Veranstaltungen aus der Reihe
CRESCENDO LIVE. Zum einen würde ich mich sehr freuen, Sie bald persönlich
begrüßen zu dürfen: in der CRESCENDO Lounge am 20. Februar im Prinzregententheater
in München. In Kooperation mit dem Münchner Rundfunkorchester
bieten wir Ihnen nämlich ein exklusives VIP-Paket mit Karten in der besten
Kategorie, einer Backstage-Führung und anschließendem Plausch bei einem Glas
Sekt in der CRESCENDO Lounge – und das garantiert ohne Anstehen! Dafür mit
der Gelegenheit, die jeweiligen Künstler des Abends persönlich kennenzulernen.
Im Oktober letzten Jahres plauderten wir fröhlich mit Anna Bonitatibus – ein toller
Abend! Im Februar erwartet Sie der Geiger SANDRO ROY mit seinem spannenden
Programm „Gypsy goes Classic“. (Informationen auf Seite 42. Karten unter
www.crescendo.de/live).
Und dann zeigen wir Ihnen gern, wo CRESCENDO gemacht wird: Besuchen Sie
uns! Am 14. März zur Vernissage in der Redaktion am Münchner Marienplatz.
Die Künstlerin YO FRANKLIN, die auch das Cover der aktuellen Premium-CD
gestaltet hat, stellt persönlich einige ihrer Werke vor (siehe auch Seite 77). Der
Eintritt ist frei, wir bitten um Anmeldung unter www.crescendo.de/vernissage.
Zu unseren Inhalten: Im Schwerpunkt dieser Ausgabe feiern wir „100 Jahre Bauhaus“.
Was uns daran gefällt: Bauhaus begleitet uns im täglichen Leben, ob wir nun
den kleinen „Eierkoch“ von Wagenfeld oder den berühmten Sessel „Wassily“ von
Breuer zu Hause haben. Und doch ist es viel mehr als eine Revolution von Architektur
und Design: die Blaupause für eine offenere, moderne, ja, „bessere“ Gesellschaft.
Für Aufbruch in der zeitgenössischen Musik steht der Komponist MAX RICHTER,
gewissermassen ein Popstar seiner Zunft. Sein Stück November wurde allein auf
Youtube 8,4 Millionen Mal geklickt und begeistert auch Menschen, die mit klassischer
Musik sonst wenig am Hut haben. Daneben stellen wir Ihnen aufregende
Newcomer wie LUISA IMORDE, JULIA HAGEN und ANNIKA TREUTLER vor.
Noch ein Newcomer, und das sogar in zweierlei Hinsicht, ist Lars Reichardt: Er
schreibt erstmals in CRESCENDO – über sein Debüt in der Oper. Wir trafen uns bei
einer Weinverkostung der Tenuta di Trinoro, die ich mit unserer Kolumnistin
PAULA BOSCH besuchte, und er erzählte mir, dass er bislang zufriedener
Verweigerer in Sachen Opernbesuch gewesen sei. Diesen Status seiner neuen,
opernbegeisterten Freundin zuliebe aber tatsächlich ändern wolle. Und weil mich
die Geschichte über „das erste Mal“, und das der Liebe wegen, reizte, probierte ich
das vermeintlich Unmögliche. Und hatte Glück: Die Bayerische Staatsoper spendierte
zwei Karten für Otello, die längst ausverkaufte und aufregendste Inszenierung
der Saison. Wie die Sache ausging? Lesen Sie auf Seite 70.
FOTOS TITEL: JIYANG CHEN
Exklusiv für Käufer und Abonnenten:
die CRESCENDO Premium-CD
Viel Inhalt in besonders hochwertiger Ausstattung finden
Sie in dieser Premium- Ausgabe: Reportagen, Porträts,
Interviews, Aspekte und Hintergrundwissen aus der Welt
der Klassik. Außerdem für alle Käufer und Abonnenten
der Premium-Ausgabe:
sechs Mal pro Jahr die CRESCENDO CD,
ein exklusives Album mit Werken einiger in der
aktuellen Ausgabe vorgestellter Künstler.
In diesem Heft: die 76. CD der
CRESCENDO Premium-Edition.
Fehlt die CD? Dann rufen Sie uns an: 089/85 85 35 48.
Paula Bosch übrigens entdeckte großartige Weine in der Schweiz, die im kleinen
Alpenland niemand erwartet hätte. Und HANS-CHRISTOPH RADEMANN zeigt
uns sein Dresden, das ebenfalls viel mehr ist als Semperoper und Pegida.
In diesem Sinne viel Spaß beim Lesen, und vielleicht sehen wir uns ja bei
CRESCENDO LIVE in München,
Ihr Winfried Hanuschik
w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019 3

P R O G R A M M
11
KLASSIK IN ZAHLEN
„Bohemian Rhapsody“
von Queen – der meist
gestreamte klassische
Rock-Titel aller Zeiten
26
OSKAR LAZNIK
„Ich habe das Saxofon
gesehen und wusste
sofort, dass das
mein Instrument ist!“
39
EDVARD GRIEG
Ein wunderbarer Film über
den Komponisten, der ruhelos
auf der Suche nach seelischem
Frieden war
STANDARDS
KÜNSTLER
HÖREN & SEHEN
03 PROLOG
Der Herausgeber stellt
die Ausgabe vor
06 BLICKFANG
„Der tanzende Blick“ –
hinter den Kulissen
des Balletts
08 OUVERTÜRE
Was hört …
Joseph Moog?
Neues & Notizen
Ein Anruf bei …
Susann Bräcklein,
Juristin mit Schwerpunkt
Verfassungsrecht
Klassik in Zahlen
31 IMPRESSUM
40 KOMMENTAR
Sport oder Musik?
Beides muss gehen!
42 RÄTSEL &
CRESCENDO LIVE
82 HOPE TRIFFT
Sebastian Feydt, Pfarrer an
der Dresdner Frauenkirche
12 EIN KAFFEE MIT …
Friedrich Ani
14 MAX RICHTER
Zwischen Pomp und
Minimalismus
18 ANDRÁS ADORJÁN
Der Flötist auf den Spuren
der Doppler-Brüder
20 DIANA DAMRAU
… über ihr neues
Album: „Es war ein
großer Spaß“
23 JULIA HAGEN &
ANNIKA TREUTLER
Sie lieben Brahms
24 WILFRIED HILLER
Der Komponist über
Momo und die
Sache mit der Zeit
Dr. Goeths Kuriosa
Absonderliche
Geräuschkompositionen
26 OSKAR LAZNIK
Der Saxofonist wirbt für
sein Instrument
28 LUISA IMORDE
Die Pianistin enthüllt im
Ungleichen Gleiches
29 DIE WICHTIGSTEN
EMPFEHLUNGEN DER
REDAKTION
30 ATTILAS AUSWAHL
Faszinierende Newcomer
und andere Musikmagier
zum Start ins neue Jahr
33 BORIS GILTBURG
Mehr als bloße
Virtuosenkunst
38 UNERHÖRTES &
NEU ENTDECKTES
Unbekannte Kammermusik
39 LA FURA DELS BAUS
Haydns Schöpfung,
bildgewaltig in Szene gesetzt
FOTOS: QUEEN: UNIVERSAL MUSIC GROUP; ANDREJ GRILC; ARTHAUS
4 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019

L’OPÉRA
DES OPÉRAS
Karine DeSHaYeS
KatHerine WatSOn
reinOuD Van MeCHeLen
Le COnCert SPiritueL
HerVÉ niQuet
54
KURT WEILL
FEST
Die herausragende
Weill-Interpretin Ute Lemper
als Artist-in-Residence
55
BAUHAUS 100
Klar, puristisch und
funktional – die Geschichte
einer Design-Revolution
78
DRESDEN
Die Stadt an der Elbe,
neu entdeckt mit
Hans-Christoph Rademann
ALP 442
ERLEBEN
SCHWERPUNKT
LEBENSART
43 DIE WICHTIGSTEN
TERMINE UND
VERANSTALTUNGEN
50 MUSICA VIVA
Sir Simon Rattle kommt
als neuer Chefdirigent
mit dem LSO
51 IOAN HOLENDER
Gedanken zum
Operngeschäft
52 MICHAEL FRANCIS
Der neue Leiter der
Deutschen Staatsphilharmonie
Rheinland-Pfalz
54 KURT WEILL FEST
„Mut zur Erinnerung“
56 BAUHAUS 100
Eine Kulturgeschichte
59 MUSIK AM
BAUHAUS
„Es war eine
sehr exzessive Zeit“
61 WOHER KOMMT
EIGENTLICH …
der Soundtrack zum
Bauhaus?
62 BAUHAUSBÜHNE
Oskar Schlemmer und das
Triadische Ballett
64 ARCHITEKTUR
„DAS Bauhaus gibt es
nicht!“
68 LIEBLINGSESSEN!
Praline von der Aubergine
von Rebekka Hartmann
70 MEIN ERSTES MAL
Lars Reichardts
Debüt mit Othello
72 EDLE ELEGANZ
Die schönsten
Bauhaus-Klassiker
74 PAULA BOSCHS
WEINKOLUMNE
Die Helden der
Schweizer Nation
77 KUNST AM COVER
Die Künstlerin
Yo Franklin
ALP 440
SIBELIUS
Symphony no.1
En Saga
GOTHENBURG SYMPHONY
Santtu-MatiaS rOuVaLi
FOTOS: ADRIAN BUCKMASTER; WILFRIED HÖSL; WWW.DRESDEN.DE
EXKLUSIV
FÜR ABONNENTEN
Hören Sie die Musik zu
unseren Texten auf der
CRESCENDO Abo-CD –
exklusiv für Abonnenten.
Infos auf den Seiten 3 & 76
78 DRESDEN
Musikalischer Spaziergang
mit Hans-Christoph
Rademann
81 GLOBETROTTER
Termine in Spanien
oFFEnBaCh
CoLoRaTURE
JODie DeVOS
MünCHner
runDfunKOrCHeSter
Laurent CaMPeLLOne
ALP 437
5
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O U V E R T Ü R E
6 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019

Schweiß und Anspannung
Schwerelosigkeit, Grazie, Emotionen – die Fotos von
Roman Novitzky offenbaren das ganze Vokabular des
Tanzes. Mit seiner Kamera fängt der Erste Solist des
Stuttgarter Balletts nicht nur verborgene Momente
in der Probe oder von der Seitenbühne ein, er öffnet
dem Betrachter die Tür zu einem Kosmos aus
Schweiß, Anspannung, Zweifel – und Euphorie. Haben
Tänzer wie die Erste Solistin Alicia Amatriain in Christian
Spucks Le Grand Pas de Deux es auf die Spitze getrieben,
steht am Ende schlicht: der Durst. Und eine
profane, aber rettende Flasche Wasser. Kürzlich erschien
ein Fotoband im Verlag Edition Cantz (s. S. 10).
7
FOTO: ROMAN NOVITZKY

O U V E R T Ü R E
Was hört …?
Joseph Moog
Der Pianist – nominiert für den Grammy
2016 – verrät uns seine Best-of-Liste
Debussy:
12 Études,
Ravel: Gaspard
de la nuit,
Joseph Moog
(Onyx Classics)
Mannheim
Das Spielhaus des Nationaltheaters
Mannheim soll saniert werden. Das
Konzept in einem Kostenrahmen von
240 Millionen Euro wurde kürzlich
genehmigt, teilte die Stadt mit. Die
Summe enthält die Sanierungskosten in
Höhe von 200 Millionen Euro, die das
interdisziplinäre Planungsteam unter
der Leitung des Mannheimer Architekturbüros
Schmucker und Partner berechnet
hat, sowie 40 Millionen Euro für
notwendige Infrastruktur-Investitionen.
Hierzu gehören unter anderem der Bau
eines neuen Zentrallagers auf einem
Hafengrundstück sowie die Erweiterung
und der Umbau des Probenzentrums in
Neckarau. Die notwendige Anmietung
von Ersatzspielstätten für die Sparten
Schauspiel, Oper und Tanz während des
Sanierungszeitraums werden etwa 12,55
Millionen Euro kosten. Geplant ist die
Sanierung ab dem Spielzeitbeginn
2021/22, die Schließzeit soll vier Jahre
betragen.
Jahr zu erklären. Polen erinnert damit
an den 200. Geburtstag des Komponisten.
Der Warschauer Flughafen übrigens
ist nach Chopin benannt.
Opernball Wien
1
Alexander Skrjabin: Poême de
l’Extase, Chicago Symphony
Orchestra, Pierre Boulez
Poême de l’Extase gehört für mich zu den berauschendsten
und faszinierendsten Musikstücken überhaupt.
Die geheimnisvolle, knisternde Stimmung am
Anfang ist wie ein großes Versprechen, aus dem sich
im Laufe des Stückes wie durch ein kunstvoll gesponnenes
Netz ein verführerischer Sog entwickelt.
2
Anton Bruckner: Sinfonie Nr. 8,
RSO Saarbrücken,
Stanislaw Skrowaczewskil
Die Einspielung der 8. Sinfonie gibt mir nach dem Hören
das Gefühl, alles Wesentliche über Leben und Tod
erfahren zu haben. Es drängt sich subjektiv der Gedanke
auf, dass alles gesagt worden ist – dass die Welt
untergehen darf.
3
W. A. Mozart: Die Klavierkonzerte,
Salzburger Kammerphilharmonie,
Cyprien Katsaris
Katsaris mit Mozart? Viele können nicht verstehen,
wie der als extravagant bekannte Zypriote sich mit
Urtext und Kadenzenauswahl auseinandersetzen will.
Die Einspielungen der Klavierkonzerte werden diese
Fragen auf verblüffende Art und Weise beantworten.
4
Oscar Peterson: Live at the Blue Note
Wer Jazz und Klaviermusik liebt, kommt an
Oscar nicht vorbei. Seine Auftritte sind legendär.
Wenn ich diese Aufnahme heute höre, blicke ich
als absoluter Fan, ja fast als Groupie auf das Jazz-Universum:
diese Kreativität, Harmonik, dieser Drive!
5
Michael Bolton: Missing You Know
Was soll ich sagen? Ich mag diese Stimme einfach!
Leicht rauchig erinnert sie mich ein wenig an
Sting, dann kommt immer noch etwas Rockiges hinzu
und auch in der Höhe selbstverständlich jede Menge
Power. Vielleicht ist Michael Bolton auch so etwas wie
das männliche Pendant zu Céline Dion? Für mich ein
Muss abseits der Klassik!
Sicher ist sicher
Die Polizei von Calgary beschloss Anfang
des Jahres, den Flughafen der Stadt zu
räumen, nachdem ein Fluggast eine vermeintlich
bewaffnete Person gemeldet
hatte. Wie sich herausstellen sollte, war es
ein Jugendlicher mit seinem Instrument,
der sich auf ein Konzert vorbereitete, das
die Flughafenverwaltung in der Abflughalle
geplant hatte. Dafür war eine lokale
Band eingeladen worden. Eine Klarinette
war mit einem Gewehr verwechselt worden.
Der Flughafen wurde nach kurzzeitiger
Schließung wieder geöffnet.
Warschau
Der Warschauer Hauptbahnhof wurde
kürzlich nach dem polnischen Komponisten
Stanisław Moniuszko (1819 –1872)
benannt. Der polnische Senat verabschiedete
einstimmig eine Resolution, um
das Jahr 2019 zum Stanisław-Moniuszko-
Anna Netrebko wird mit Ehemann Yusif
Eyvazov am 28. Februar den 63. Wiener
Opernball musikalisch eröffnen. Für
Netrebko ist es bereits die dritte Opernballeröffnung,
sie wird den Kusswalzer
von Luigi Arditi singen. Eyvazov „debütiert“
mit Nessun dorma von Puccini.
5.000 Besucher sind jährlich beim Opernball
zu Gast. Eintrittskarten gibt es in
diesem Jahr für ca. 315 Euro, Logen kosten
zwischen 13.300 und 23.600 Euro.
Bleikorrosion
Bremer Materialwissenschaftler und das
Arp-Schnitger-Institut für Orgel und
Orgelbau haben herausgefunden, dass
Temperatur und Luftfeuchtigkeit entscheidende
Faktoren für die Bleikorrosion
an Orgelpfeifen sind. Das ergaben
die für eine Studie erfassten Daten. Kirchen
sind heutzutage besser wärmeisoliert,
werden aber zu selten gelüftet.
Dadurch wird es im Inneren der Kirche
zu feucht. Besonders während des Sommers
überschreitet die absolute Feuchtigkeit
einen für die Bleipfeifen kritischen
Wert. Abhilfe können hier automatisierte
Lüftsysteme schaffen. Auch reguläres
Lüften kann bereits zur Verbesserung der
Werte beitragen. Ein weiterer Ansatz
zum Schutz der Pfeifen bildet eine nachträgliche
Passivierung des Bleis durch
den Einsatz von Schwefelsäure. Früher
war dies ein automatischer Prozess, da
die Luft deutlich unreiner war.
FOTOS: RICHARD REINSDORF, MANFRED WERNER WIKI COMMONS
8 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019

Blumen berühren, knüpfen erste Bande, sie können um Verzeihung bitten oder Aufmerksamkeit
wecken. Seit 111 Jahren liefert Fleurop die schönsten Meisterwerke für Menschen, die ihren Lieben
eine Freude machen wollen. Nicht vergessen: Am 14. Februar ist Valentinstag!
Mit dem Gutscheincode CRESVAL15 erhalten Sie 15 % Rabatt auf www.fleurop.de (bis zum 28.02.2019).

O U V E R T Ü R E
Anruf bei Susann Bräcklein
Mädchen im Knabenchor? Warum nicht? Alles andere wäre Diskriminierung, meint Dr. Susann
Bräcklein, Juristin mit Schwerpunkt Verfassungsrecht, am Telefon. Sie hat kürzlich in einer Berliner
Tageszeitung gefordert, auch Mädchen in staatlichen geförderten Knabenchören aufzunehmen.
CRESCENDO: Frau Dr. Bräcklein,
wie kommen Sie darauf, dass Mädchen
im Knabenchor auftreten sollen?
Susann Bräcklein: Staatliche Knabenchöre
sind exklusive Musikschulen.
Es ist ein Grundrecht, dass Menschen
nicht wegen ihres Geschlechts oder
anderer persönlicher Merkmale, die
sie nicht ändern können, benachteiligt
werden, ohne dass es dafür zwingende
Gründe gibt. Werden Mädchen wegen
ihres Geschlechts selektiert und von
der musikalischen Ausbildung, dem
Repertoire und den Auftrittsmöglichkeiten, die Knabenchöre bieten,
ausgeschlossen, handelt es sich um eine Diskriminierung nach
Art. 3 Absatz 3 des Grundgesetzes.
Was wären denn zwingende Gründe?
Wenn Probleme zu lösen sind, die ihrer Natur nach nur entweder
bei Männern oder bei Frauen auftreten können, so das Bundesverfassungsgericht.
Das ist zum Beispiel beim Mutterschutz anerkannt;
bei der Feuerwehrabgabe für Männer hingegen nicht.
Was ist mit der Klangveränderung des Chors, wenn Mädchen
mitsingen?
Die aktuellen Forschungsergebnisse ergeben einen minimalen, subtilen
Unterschied in den Ohren von Experten – leicht oberhalb der
Schwelle des Zufälligen. Manche Stimmen oder Gruppen werden
konsequent falsch eingeschätzt. Die Studien ergeben, dass Gesangspädagogik
und Klangideal viel entscheidender für den Klang sind
als das biologische Geschlecht der Kinder.
Die Perspektive der Konsumenten ist auch nur eine Seite. Die kann
auch mit Klischees und Stereotypen behaftet sein. Auf der anderen Seite
muss man sehen, dass es um die Grundrechtsverwirklichung von
Kindern geht. Hierzu gehört die Teilhabe von Mädchen. Künstlerische
und pädagogische Belange erfordern nicht den generellen Ausschluss.
Flexible Auftritts- und Probenformate sind ohne Weiteres denkbar.
Das machen viele Domchöre schon seit 30 Jahren oder länger. Aber
um Ihre Frage zu beantworten: Zwingend wäre der Ausschluss in
Tölzer Knabenchor
Bezug auf den Klang, wenn nachweisbar
ist, dass Mädchen nicht singen können,
dass sie nur brummen oder fiepen und
den Chor verunstalten würden.
Gab es für Ihren Kommentar einen direkten
Auslöser?
Das oberste Finanzgericht in München
hat 2017 bestätigt, dass eine Freimaurerloge
nicht staatlich förderungswürdig ist,
weil sie grundlos Frauen ausschließt. Die
Entscheidung hat einzelne Brauchtumsoder
monogeschlechtliche Sportvereine,
aber auch Vereine in der Chorszene aufgeschreckt.
Das Phänomen Knabenchor hattte sich wohl bislang keiner
unter diesem Aspekt angesehen. Für Knabenchöre in unmittelbarer
staatlicher Trägerschaft gilt das Diskriminierungsverbot unmittelbar;
für andere Organisationsformen mittelbar im Rahmen der
Gemeinnützigkeitsprüfung. Zudem ist die Chancengleichheit von
Mädchen in der musikalischen Ausbildung die „kleine Schwester“
struktureller Benachteiligungen von Frauen in der klassischen, aber
auch der neuen Musik, was zum Beispiel der Anteil von Dirigentinnen
und Komponistinnen belegt. Die aktuelle Studie von Christian
Ahrens zu „Frauen in Berufsorchestern“ zeigt: je renommierter ein
Orchester, desto geringer der Anteil von Frauen. Das gilt für die
Spitzenkinderchöre genauso: je renommierter ein Knabenchor, desto
weniger Mädchen.
Haben Sie die teils heftigen Reaktionen überrascht?
Menschen haben sich an Knabenchöre als exklusive Einrichtungen
gewöhnt, auch durch deren Präsenz und ihre lange Tradition. Allerdings
ist diese lange Tradition auch eng mit dem Auftrittsverbot von
Frauen in der Kirchenmusik verbunden. Das gilt für den säkularen
Bereich entsprechend. Viele Männerchöre sind aus beruflichen und
handwerklichen Traditionen hervorgegangen, die männlich dominiert
waren. Allerdings gibt es kein Sonderrecht der Kunst auf Diskriminierung.
Auch heute schon werden die Knaben in der Zauberflöte
von Mädchen gesungen und keiner nimmt Anstoß daran.
Klaus Härtel
Die Musik
löst alle Rätsel
des Daseins.
Leo Tolstoi
HINTER DER BÜHNE
Roman Novitzkys erste Monografie umfasst
mehr als 60 Fotos aus dem Stuttgarter Ballettsaal,
der Garderobe und von Gastspielen
des Stuttgarter Balletts. Sein wachsames
Auge fängt Momente absoluter Präzision ein,
zeigt elegante, bis in die Fingerspitzen akkurate
Armbewegungen, durchgestreckte Füße
und virtuoses Muskelspiel. Der in Bratislava
geborene Novitzky tanzt seit 2009 als Erster
Solist beim Stuttgarter Ballett, seit rund sechs Jahren begleitet er den
Tanz auch hinter der Kamera. Daneben etabliert er sich auch als Choreograf,
beginnend mit ersten Stücken im Rahmen des Junge Choreographen-
Abends der Noverre-Gesellschaft, zuletzt beim Ballettabend „Die Fantastischen
Fünf“. Der 96-seitige Bildband ist in der Edition Cantz erschienen.
FOTO: PRIVAT, GEMÄLDE VON ILJA JEFIMOWITSCH REPIN (1887)
10 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019

100.000
Dollar hat der Niederländer Joël Bons für
seine interkulturelle Komposition Nomaden
erhalten. Mit dieser Summe ist der Grawemeyer-Preis
– einer der renommiertesten
Preise für zeitgenössische Musik – dotiert.
KLASSIK
IN ZAHLEN
1,6
889
Millionen Euro sind für die Sanierung
von Frankfurter Oper und Schauspiel
veranschlagt – kostspieliger als die Elbphilharmonie.
Frankfurts Kulturdezernentin
Ina Hartwig arbeitet an der Kostensenkung.
Milliarden: Die Single „Bohemian Rhapsody“
von Queen ist mit weltweit mehr als
1,6 Milliarden Streams der meist gestreamte
Song des 20. Jahrhunderts und der meist gestreamte
klassische Rock-Titel aller Zeiten.
FOTOS: OPER FRANKFURT: EPIZENTRUM; QUEEN: UNIVERSAL MUSIC GROUP; STUART & SONS: BROOK PENFOLD
11 verschiedene Musikstücke spielt der neue
Orgel-Audiomat in der Braunschweiger
St. Katharinenkirche, u. a. Bach, Brahms und Reger.
Für 50 Cent gibt es drei Minuten Orgelmusik.
108
21
Klaviere wollten
zwei Schmuggler
kürzlich aus der Schweiz nach
Deutschland bringen. Beamte des
Hauptzollamts Singen witterten
Steuerhinterziehung der musikalischen
Art und konnten dies am
Zollamt Rheinheim verhindern.
Tasten hat das Klavier, das Australiens letzter verbliebener Klavierbauer
Stuart & Sons nun vorgestellt hat. Dieses Neun-Oktaven-Phänomen erreicht
in der Welt der akustischen Klaviere bisher unerreichte Frequenzen.
Ein Standardklavier hat heute 88 Tasten (etwas mehr als sieben Oktaven).
11

K Ü N S T L E R
Auf einen Kaffee mit …
FRIEDRICH ANI
VON BARBARA SCHULZ
FOTO: PRIVAT
12 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019

Friedrich Ani (*1959) ist ein deutscher Schriftsteller, der vor allem für seine
Krimis um Ermittler Tabor Süden bekannt und mehrfach ausgezeichnet wurde.
Geboren in Kochel am See, ist er längst ein Münchner Urgestein, der die Stadt
und ihr Licht am meisten dann liebt, wenn Ferien sind – im August.
CRESCENDO: Herr Ani, wie wichtig ist Musik in Ihrem Leben?
Friedrich Ani: Musik ist einer der wesentlichen Pfeiler meines
Lebens. Ich hab sehr früh angefangen, selbst Musik zu machen: erst
auf der Trommel, dann hab ich sehr jung Blockflöte und bald Klavier
gespielt. Aber natürlich hab ich auch viel Musik gehört und schon
früh Songtexte geschrieben, auf Englisch und auf Deutsch. Und
weil ich gern gesungen habe und mich begleiten wollte, hab ich mir
Gitarre beigebracht – obwohl alle meinten, ich könne nicht singen.
Welche Musik hören Sie?
Klassische Musik, Rockmusik, vor allem Folkmusik – da gibt es
Phasen. Aber natürlich sind manche immer da: Bob Dylan, Bach,
Rachmaninow, Schubert … Und die Singer-Songwriter-Szene, die
ist schon meins – immer gewesen, Bob Dylan vor allen Dingen.
Was ist mit Jazz?
Selten. Es kommt vor, dass ich Jazz höre, dann gefällt er mir auch.
Es kommt aber genauso oft vor, dass er mir überhaupt nicht gefällt.
Er erreicht mein Herz nicht. Bach hingegen ist für mich kosmisch.
Einfach ewig. Auch Schubert kann ich unendlich hören.
Was macht die Musik mit Ihnen?
Ohne Musik hätte ich nie angefangen,
intensiv zu schreiben. Musik ist der
Quell meines Schreibens. Das heißt,
wenn ich Musik höre, bin ich inspiriert.
Was nicht bedeutet, dass ich mich
gleich hinsetze und schreibe. Musik ist
wie das Wasser, das ich als Kind in den
Bergen getrunken habe, direkt von der
Quelle. Also reines Wasser. So ist Musik
für mich reine Kunst. Und es ist großartig, was man mit Musik
erreichen kann – an Gefühlen, an inneren Zuständen. Da muss
man sich schon einen Wolf schreiben, um das mit Wörtern
herzustellen. Musik war mein Leben lang Basis, Hilfe und Trost,
auch bei der Arbeit. Ohne Musik kein Leben.
Schreiben Sie, während Sie Musik hören?
Unmöglich! Da mache ich ja selber Musik und versuche, meine
eigenen Töne zu treffen.
Die Inspiration findet also eher abstrakt statt.
Ja, es ist nicht immer so, dass Hören direkt zu etwas Konkretem
führt, aber es ist so, dass Musikstücke mich weiter beschäftigen,
auch wenn sie zu Ende sind.
Wie hören Sie?
Wenn ich eine CD oder Schallplatte auflege, kann ich nur zuhören,
nichts nebenbei machen. Was schwierig ist im Laufe des Lebens,
weil ich viel schreibe. Dann will ich auch noch lesen, und ich kann
beim Lesen keine Musik hören, das wäre total widersinnig. Also
muss ich mir die Zeit gut einteilen.
Verschiedene Stimmungen, verschiedene Richtungen?
Klar, wobei ich schon versuche, mich der jeweiligen Musik anzupassen.
Ich vermeide eher, in dunkler Stimmung dunkle Musik zu
hören. Allerdings habe ich nichts dagegen, mich von der Musik
verdunkeln zu lassen, auch wenn vorher alles weitgehend okay war.
Es braucht viel Fantasie, um sich so spannende Geschichten
auszudenken. Wichtiger ist aber, den richtigen Ton zu finden?
Der eigene Sound ist das, was mich von anderen Autoren unterscheidet.
Was ich schreibe, haben schon Hunderttausende vor mir
ES IST GROSSARTIG,
WAS MAN MIT MUSIK ERREICHEN
KANN AN GEFÜHLEN
UND INNEREN ZUSTÄNDEN
erzählt. Seit den Griechen gibt es ohnehin keine neuen Stoffe. Ich
schreibe über den Menschen in seinem Irrsinn, in seiner Verzweiflung,
seiner Not, seiner Trauer. Aber ich habe lange gebraucht, bis
meine Instrumente so gestimmt waren, dass ich sie spielen konnte.
Und sind sie heute immer verfügbar?
Leider nicht. Ich habe oft das Gefühl, dass sie vollkommen kaputt
in der Garderobe liegen. Vor jedem neuen Roman: komplett
zertrümmert! Ich muss sie jedes Mal erst wieder zusammenbasteln
und neu stimmen, um überhaupt anfangen zu können. Ich hab
30 Romane geschrieben und mehr, aber es wird nicht besser.
Ein elender Zustand?
Wenn ich die erste Fassung meines Romans lese, bin ich manchmal
entsetzt! Als wäre da jemand, der meine Sachen nachts heimlich
umschreibt. Man kann es nicht lesen. Und so muss ich die erste
Fassung neu vertonen, versprachlichen.
Der berühmte erste Satz …
Ja, der kommt oder kommt nicht. Wenn er nicht kommt, ist es
blöd. Dann muss man warten.
Musik hören?
Nein, der Satz kommt aus der Stille.
Würde ich Musik hören, wäre ich in
der Welt der Komponisten. Ich muss
aber in meine Welt kommen.
Mit welchem Komponisten würden
Sie sich vergleichen?
Vielleicht Schostakowitsch …
Warum er?
Die Dramatik, das Erzählerische, das
Poetische – unterschiedliche Ebenen bilden das Ganze. Da hatte
ich früher den Eindruck, dass das etwas mit mir zu tun hat.
Aber es fällt mir schwer, auch bei Schriftstellern – wo könnte ich
andocken? Natürlich gibt es Einflüsse, klar, hoffentlich viele.
Wer wäre das im Wesentlichen?
Georges Simenon, Cornell Woolrich, auch Hans Fallada, Erich
Maria Remarque. Und Derek Raymond, ein englischer Autor, den
ich erst sehr spät entdeckt habe. Obwohl er sehr hart ist, sprachlich
wie inhaltlich, ist es ergreifend, wie er erzählt, mit diesem blutenden
Herzen. Da entdecke ich immer wieder Ähnlichkeiten in der
Sprache, aber auch im Blick auf die Welt.
Ihr nächstes Buch hat auch eine politische Komponente.
Es kommen zwei syrische Kinder vor, die Thematik behandelt
Polizei und Migration. Vor allem aber geht es um drei Kommissare
von mir – Tabor Süden, Polonius Fischer, Jakob Franck – und eine
neue Kommissarin, Fariza Nasri. Insgesamt ist es ein gesellschaftspolitischer
Roman, sehr emotional mit wechselnden Stimmungen.
Hat es damit zu tun, dass Sie syrische Wurzeln haben?
Mein Vater war Syrer, und natürlich habe ich mich mit dem Land
beschäftigt. Ich fand es wichtig, mich dazu zu äußern, aber nur als
Bürger der Stadt. Ich habe keine Botschaft, nur weil
ich einen syrischen Vater hatte. Aber ja, vielleicht
treibt es mich mehr um. Doch eher in meinem
Zimmer und in meinem Herzen als auf der Straße. ■
Friedrich Anis neues Buch „All die unbewohnten Zimmer“
erscheint im Juni 2019 bei Suhrkamp
13

K Ü N S T L E R
14 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019

MAXI-
MALE
NEUGIER
Der Europäische Filmpreis 2008
für die Musik zu „Waltz with
Bashir“, im November 2018 der
Hollywood Music in Media
Award für den Soundtrack zu
„Mary Queen of Scots“ –
darüber hinaus stellt Max
Richter immer wieder in
visionären Soloprojekten seine
unbändige Fantasie unter
Beweis. Im Gespräch verrät er,
was ihn inspiriert.
VON KATHERINA KNEES
Max Richter hat der Stadt den
Rücken gekehrt: „Die Umgebung
hat Einfluss auf das Gehirn“
FOTO: YULIA MAHR
15

K Ü N S T L E R
C
RESCENDO: Sie haben dem Leben in der Großstadt
den Rücken gekehrt und sind aufs Land gezogen. Beeinflusst
das auch Ihre Musik?
Max Richter: Ich glaube, dass sich alles gegenseitig beeinflusst, und die
Umgebung hat natürlich auch Einfluss auf das Gehirn. Trotzdem finde
ich, jedes musikalische Werk hat irgendwie sein eigenes Ökosystem, in
dem es sich entwickelt und aufblüht. Darum glaube ich nicht, dass
Äußerlichkeiten so eine große Rolle spielen. Aber ich genieße zum Beispiel
die Jahreszeiten sehr und nehme sie ganz bewusst wahr. Ich lebe
nun mitten im Nirgendwo auf dem Land, und da bekommt man das
sehr deutlich mit. Und es ist sehr schön,
JEDES MEINER PROJEKTE IST
EIN EXPERIMENT, MIT DEM ICH
ETWAS HERAUSFINDEN ODER ZUM
AUSDRUCK BRINGEN MÖCHTE
dieses gemächliche Tempo zu beobachten,
in dem sich alles verändert. Ich mag
diese Langsamkeit um mich herum.
Wenn man im Inneren und in der Fantasie
viel beschäftigt ist – und das bringt
das Komponieren ja mit sich –, braucht
man viel Zeit für sich, damit sich die
Ideen auch entwickeln können.
Welche Ideen stecken denn in Ihrer preisgekrönten Filmmusik
zu „Mary Queen of Scots“?
Die beiden Frauen, um die es in diesem Film geht, die beiden Königinnen
Maria Stuart und Elisabeth I., leben eigentlich in einer Welt, die
den Männern gehört und in denen ihre Macht sehr eingeschränkt ist.
Deshalb wollte ich mit den Stimmen der Frauen anfangen. Sie bilden
quasi den Hintergrund, vor dem alles passiert. Man kann sich die Partitur
wie ein Renaissancegemälde vorstellen, in dem die Farbe Schicht
für Schicht auf den Untergrund aufgetragen wird, auf dem dann nach
und nach immer mehr Elemente und Figuren im Vordergrund hinzugefügt
werden.
Welche Elemente sind das in diesem Fall?
Es gibt sozusagen ein königliches Thema, das sich die Königinnen
teilen und das vom Englischhorn gespielt wird. Außerdem haben
wir viel Chormusik aufgenommen, die sozusagen die musikalische
Landschaft gestaltet. Und es gibt Musik für die Antagonisten – in
diesem Fall eigentlich alle Männer, die in dem Film vorkommen
(schmunzelt). Diese Ebene wird vor allem durch orchestrale Musik
gestaltet, die allerdings weniger kultiviert ist. Im Vordergrund
erscheinen dann nach und nach weitere Themen und auch zeitgenössische
klangliche Elemente. Außerdem gibt es viele Trommeln,
die in der Musik inhaltlich eine wesentliche Rolle spielen. Sie deuten
quasi an, wo es mit Mary hingehen wird. Sie begleiten ihre Exekution
und die Beerdigung. Aber sie tauchen auch in Form von
Marschmusik auf, im Thema, das für die Ehe steht, oder als königliche
Paukenklänge.
Haben Sie die Musik auf den fertig geschnittenen Film komponiert
oder war er noch in der Entstehung?
Ich habe nur einige Schnipsel gesehen, sodass ich einen Eindruck
von der Atmosphäre und den Personen bekommen konnte. Dann
habe ich mit dem Schreiben angefangen, und der Film hat parallel
Gestalt angenommen. Es war ein sehr organischer Prozess. Es gibt
immer einen eigenen Rhythmus und einen Workflow, und ich habe
immer Interesse daran, den natürlichsten Weg zu finden. Manchmal
muss man sich die ganze Zeit die Bilder anschauen, und manchmal
kann die Musik einfach Musik sein und man nimmt sich dann,
was man braucht. Ich glaube, das ist in jedem Projekt anders.
Lernt man denn über die Filmmusik einen anderen Max Richter
kennen als über eines Ihrer Soloprojekte?
Ja, das sind für mich ganz unterschiedliche Dinge, aber ich könnte
jetzt nicht sagen, dass mir das eine oder das andere mehr oder weniger
Spaß macht. Die Arbeit an einem Kinofilm ist immer ein
Gemeinschaftsprojekt. Es geht dabei grundsätzlich viel um Kommunikation
und Zusammenarbeit. Und die Musik steht quasi im
Dienst der Geschichte, die erzählt wird. Sie ist nur ein Element in
einem großen Kontext, Filmmusik ist keine Sinfonie. Wohingegen
ich bei einer Soloplatte oder in einem Orchesterstück alles genau so
machen kann, wie ich es mir vorstelle, und ich mir dabei nur musikalische
Fragen stellen muss.
Sie haben nicht nur viele Soundtracks, sondern auch völlig unterschiedliche
Soloprojekte realisiert. Was inspiriert Sie?
In allen kreativen Konzepten stecken Fragen. Jede neue Idee von
mir kann man als eine „Was-wäre-wenn-Frage“ verstehen, denn
jedes meiner Projekte ist ein Experiment,
mit dem ich etwas herausfinden
oder zum Ausdruck bringen möchte.
Eigentlich fühlt sich jedes Projekt
unmöglich an, bevor ich loslege. John
Cage hat mal gesagt: „Unsere Aufgabe
als Künstler ist es, neugierig zu sein.“
Das trifft es eigentlich ziemlich genau.
Mit jeder Platte versuche ich herauszufinden,
was es eigentlich ist, was ich da mache. Das klingt vielleicht
paradox, aber das ist meine Vorgehensweise. Wenn ich dann am
Ende zufrieden bin mit dem, was dabei herauskommt, dann ist das
ein riesiger Erfolg, und ich bin sehr glücklich (lacht).
Wie ist es dazu gekommen, dass Sie eine eigene Version von Vivaldis
Die vier Jahreszeiten kreiert haben?
Das Recomposing-Projekt zu den Jahreszeiten war mir ein ganz
persönliches Bedürfnis (lacht). Als Kind habe ich mich in das Stück
verliebt. Es ist ein wunderschönes virtuoses Stück voller Geschichten
und Farben. Aber im Laufe der Jahre habe ich es dann eigentlich
nur noch in der Werbung oder in einer Warteschleife oder im Aufzug
gehört, und ich habe angefangen, das Stück zu hassen. Meine
Bearbeitung war für mich dann sozusagen eine Rettungsmaßnahme
und der Versuch wiederzuentdecken, was ich ursprünglich mal an
dem Stück geliebt habe. Eine derartige Beziehung habe ich aber zu
keinem anderen Stück.
Für Ihr Projekt „Sleep“ haben Sie mal eine achtstündige Musik
komponiert, die man schlafend auf sich wirken lassen soll. War
das auch eine Selbsterfahrung?
Schlaf hatte für mich immer schon eine große Bedeutung. Ich habe
Schlafen immer als wichtigen Bestandteil in einem kreativen Prozess
wahrgenommen, denn unser Geist ist dann ja nicht einfach
ausgeknipst, er arbeitet nur anders. Als ich 2014 mit dem Projekt
„Sleep“ begonnen habe, hatte ich das Gefühl, dass unser Leben im
Alltag von Informationen regelrecht überflutet wird und dass das
sehr anstrengend ist. Ich wollte einen kleinen Urlaub von all den
Eindrücken und Informationen und Daten. Außerdem hat es mich
interessiert, was die Musik aus neurologischer Sicht mit uns macht,
wenn wir schlafen.
Ihre Musik ist oft minimalistisch, die jüngste Filmmusik für
„Mary Queen of Scots“ ist im Kontrast dazu sehr opulent. Gibt
es etwas, das den Kern Ihrer musikalischen Sprache ausmacht?
Sparsamkeit und Minimalismus sind mir sehr wichtig, aber es
stimmt, „Mary Queen of Scots“ ist in gewisser Hinsicht tatsächlich
regelrecht pompös. Das hängt in dem Fall wohl mit der Welt zusammen,
die in dem Film dargestellt wird. Aber wenn man sich meine
Soloplatten anschaut, dann steht im Mittelpunkt immer, dass man
das Maximum aus dem Minimum herausholt. Ich
bin an einer direkten Sprache interessiert, die sich
ganz einfach anfühlt. Sie ist zwar nicht einfach,
aber sie kommt so rüber (lacht).
n
„Mary Queen of Scots. Music by Max Richter“ (DG)
16 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019

17
FOTO: YULIA MAHR

K Ü N S T L E R
GEMISCHTES
DOPPEL
András Adorján kennt das Werk der Doppler-Brüder wie kein Zweiter –
als Flötist und Herausgeber. Nun legt er an der Seite von Emmanuel
Pahud unter dem Titel „Doppler Discoveries“ mehrere Ersteinspielungen
von Werken für ein und zwei Flöten zusammen mit Klavier vor.
VON KLAUS KALCHSCHMID
András Adorján,
Emmanuel Pahud und
Jan Philip Schulze
FOTO: ASMUS HENKEL
18 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019

FÜR MICH IST ES SEHR WICHTIG,
FLÖTISTEN DIE MÖGLICHKEIT ZU
GEBEN, IHR REPERTOIRE ZU BEREICHERN
Franz und Carl Doppler bereisten ab 1852 als virtuos flötespielendes
Brüderpaar ganz Europa. Franz übersiedelte 1858
nach Wien als Soloflötist der Hofoper und Dirigent fürs Ballett, dem
er jährlich eine Komposition widmen musste. Sein Bruder Carl wurde
1865 für 30 Jahre Königlicher Hofkapellmeister in Stuttgart und spielte
nur noch gelegentlich zusammen mit seinem Bruder in Konzerten.
CRESCENDO: Herr Adorján, schon in den 1960ern haben Sie
begonnen, Unbekanntes der Doppler-Brüder zu suchen – und
zu finden! Wie hat alles angefangen?
András Adorján: Mein Flötenlehrer in Dänemark, wo ich aufgewachsen
bin, wenn auch in Ungarn geboren, gab mir irgendwann
die Fantaisie pastorale hongroise zum Spielen, und für mich als
Ungar war es natürlich etwas Besonderes, fern der Heimat auf
eine Flötenkomposition mit ungarischer Thematik zu treffen.
Als ich dann Jahre später, 1968, in Freiburg bei Aurèle Nicolet
studiert habe, bin ich in einem Stuttgarter Telefonbuch auf den
Namen „Franz Doppler – Kammermusiker“ gestoßen, der, wie
sich herausstellte, ein Enkel von Carl Doppler war. Meine Frau
und ich haben dann irgendwann ein kleines Konzert mit Werken
für zwei Flöten von Franz und Carl Doppler, die ich in Bibliotheken
gefunden hatte, im Wohnzimmer der Dopplers gespielt.
Hatte der Enkel auch Noten?
Bis dahin hatte der Enkel geglaubt, keine Handschriften zu
besitzen, und kannte auch die Musik des Großvaters überhaupt
nicht. Doch im Speicher fand sich, nach hartnäckigem Insistieren
meinerseits, dann überraschend doch eine Kiste mit meist unvollständigen
Autografen. Aber auch ein ganzes, vollständiges
Konzert für zwei Flöten, das nie gedruckt worden war. Das habe
ich dann herausgegeben und 1976 mit Jean-Pierre Rampal,
ebenfalls einer meiner Lehrer, aufgenommen.
Kann man den Anteil der beiden Brüder an den gemeinsam
komponierten Stücken unterscheiden, deren Honorar sie – wie
Aufzeichnungen beweisen – auch brüderlich geteilt haben?
Es ist wohl schon so, dass Franz, der bedeutendere Komponist
von beiden, für sich die erste Stimme geschrieben und die zweite
vielleicht skizziert hat. Carl hat sie dann auskomponiert – als
ebenso virtuose, aber eben tiefere Stimme.
Auf Ihrer CD findet sich auch die Erstfassung jener berühmten
Fantaisie pastorale hongroise, als Stück für zwei Flöten, deren
Solostimmen in der besagten Kiste gefunden wurden und die
Sie von den Dopplers geschenkt bekamen. Wie unterscheiden
sich die beiden Versionen?
Der Anfang beider Stücke ist gleich, danach sind sie aber völlig
verschieden. Da hier zum Glück nur die Begleitung fehlte, ließ
sich das Stück als der von den Brüdern oft gespielte, aber nie
veröffentlichte „Ungarische Hirtengesang“ identifizieren. Und
unser Pianist konnte seinen Part dazu rekonstruieren.
Ihr neuester Fund sind die beiden ersten Sätze der Sonate
op. 25, die bislang nur als Andante und Rondo bekannt war.
Wo und wie kam es dazu?
Im Zusammenhang mit der Neuherausgabe der Fantaisie
pastorale hongroise habe ich nicht nur das Manuskript im Archiv des
Schott-Verlags einsehen können, sondern auch die entsprechende
Korrespondenz dazu. In einem Brief erwähnte Franz
eine mir bis dahin unbekannte Sonate, allerdings mit der sehr
bekannten Opusnummer 25. Ich wurde neugierig und bekam eine
Kopie der Titelseite, worauf zu lesen war: „NB. Von dieser Sonate nur
Andante u. Rondo stechen zu lassen und das Stück demgemäß zu
titulieren.“ Ich suchte nach den verworfenen Sätzen und habe sie
gefunden: ein großes, siebeneinhalb Minuten langes Moderato und
ein kürzeres Menuetto. Neben dem Doppelkonzert war dies eine
weitere Flötenkomposition der beiden, die keine Fantasie, kein
Potpourri, keine Variationen und weder eine Opernbearbeitung
noch ein Stück im beliebten Stil „à la hongroise“ darstellt. Welch
toller Zufall, dass wir jetzt auch eine „seriöse“ Doppler-Sonate haben.
Warum denken Sie, sollten diese beiden Sätze nicht veröffentlicht
werden?
Eigentlich kann ich mir darauf keinen rechten Reim machen,
außer dass es vielleicht Franz selbst aufgefallen war, wie sehr er
sich in die Nähe von Schubert, Brahms oder gar Mendelssohn
gewagt hatte.
Was hat es mit Aus der Heimat, einem „Festspiel“ für zwei
Flöten und Klavier auf sich, das die CD abschließt? Das klingt
mit seinen vielen verschiedenen Tänzen ungemein spritzig
und lebendig!
Diese Ballete mit eingewebten Gesängen, wie er es selbst genannt
hat, ist ursprünglich ein Orchesterstück, wurde 1879 zur Silberhochzeit
von Sisi und Kaiser Franz Joseph komponiert und zu
sogenannten „Tableaux vivants“ in der Hofoper aufgeführt. Dem
Regenten-Paar sollten alle musikalischen Facetten der Monarchie
– etwa aus Österreich, Ungarn, Rumänien, der Slowakei oder
Tirol – präsentiert werden. Das Stück war so populär, dass es bis
1881 über 50-mal gespielt und für verschiedene Instrumente
bearbeitet wurde. So gibt es eine Version für zwei Flöten und
Klavier, die aber kaum von den Dopplers sein kann, da hier die
beiden Flöten fast immer unisono spielen. Anhand eines originalen
Klavierauszuges, den ich in der Badischen Staatsbibliothek
gefunden habe, konnten wir die beiden Flötenstimmen „à la
Doppler“ rekonstruieren und was übrig blieb als Klavierbegleitung
belassen. Somit ist nichts neu komponiert, diese Musik
wurde lediglich für zwei Flöten und Klavier eingerichtet.
Sie geben immer gleichzeitig die Noten heraus und gehen mit
den Stücken, die Sie gefunden haben, ins Aufnahmestudio.
Ja, für mich ist es sehr wichtig, Flötisten die Möglichkeit zu
geben, ihr Repertoire zu bereichern. Es gibt tatsächlich Musiker,
die ihre Funde einspielen, sie dann aber lieber nur für sich
behalten. Eine Vorgehensweise, die ganz und gar nicht meiner
Mentalität entspricht.
n
Als neuer Abonnent erhalten
Sie diese CD (siehe S. 76)
„Doppler Discoveries“, András Adorján, Emmanuel Pahud, Jan Philip
Schulze, Arcis Hornquartett (Farao Classics)
Track 5 auf der CRESCENDO Abo-CD: Sonate für zwei Flöten und
Klavier op. 25, III. Andante von Franz Doppler
19

K Ü N S T L E R
AUS DEM
BAUCH
HERAUS
Diana Damrau und Jonas Kaufmann haben mit dem
Pianisten Helmut Deutsch ein Album mit Liedern
von Hugo Wolf aufgenommen. „Es war ein großer
Spaß“, blickt die Sopranistin zurück. Und verneigt
sich vor dem Komponisten.
VON VERENA FISCHER-ZERNIN
CRESCENDO: Hätten Sie Hugo Wolf, den alten
Grantler, gerne persönlich kennengelernt?
Diana Damrau: Auf jeden Fall! Er war kein einfacher Mensch,
weder für seine Mitmenschen, noch für sich selbst. Aber wie er
sich mit den Liedtexten musikalisch auseinandersetzt, das hat
unglaublich viel Esprit.
Sie hätten ihn bestimmt geknackt!
So einen Geist und Künstler zu treffen – das wäre schon toll
gewesen. Ich kenne seine Biografie nicht gut. Mein Eindruck
speist sich aus seinen Kompositionen. Ich habe einen Hang zu
Menschen, die mit geschliffener Zunge sprechen. Es ist spannend,
sie zu erleben. Gerade, wenn ihre Art ein bisschen eckig ist.
Was hat Sie an dem Italienischen Liederbuch gereizt?
Die künstlerische Aussage der Wolf-Lieder ist einfach großartig.
Was er für das Kunstlied geschaffen hat, für die Wort-Ton-Kunst,
sei es mit Orchester oder kammermusikalisch, dafür muss man
20 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019

Hatten sichtlich Spaß an der
gemeinsamen Arbeit: Diana Damrau,
Jonas Kaufmann und Helmut Deutsch
FOTO: PARLOPHONE RECORDS LTD
ihm einfach dankbar sein. Ich habe schon als junge Studentin
Lieder daraus gesungen. Auch kleine Dinge können uns entzücken
oder Ich hab’ in Penna einen Liebsten wohnen, das sind Zugabenstücke
per se. Kurz und aussagekräftig. Jedes einzelne Lied ist ein
kleines Juwel, das Liederbuch ist eine Schatztruhe! Das wollte ich
schon immer mal singen.
Und wer hat Sie drei zusammengebracht?
Helmut Deutsch kam auf die Idee, Jonas und mich zusammen-
zuspannen. Ich hatte bis dahin mit Jonas relativ wenig große
gemeinsame Werke auf der Bühne. Aber bei kleinen Konzerten
haben wir gemerkt, das funktioniert gut. Wir waren von Helmuts
Vorschlag sofort begeistert. Es ist natürlich schwer, das mit den
Kalendern zusammenzukriegen. Und dann kam eine ganze
Tournee mit zwölf Liederabenden in 23 Tagen zustande. Da
haben wir uns beide gefragt, schaffen wir das? Und dann auch
noch im Januar, Februar, Erkältungswetter! Mit Reisen dazwi-
21

K Ü N S T L E R
schen! Aber Helmut blieb ganz gelassen: „Ach, das schafft ihr.“
Das Italienische Liederbuch ist über einen großen Zeitraum
hinweg entstanden. Es ist eigentlich kein Zyklus, eher eine lose
gefügte Liedsammlung. Von wem stammt die Dramaturgie?
Die Lieder sind wirklich Kondensate, jedes für sich. Der Zufall
wollte, dass es eine gute Balance zwischen eindeutig männlichen
und eindeutig weiblichen Texten gibt, nur einige Lieder sind
ICH HABE EINEN HANG ZU MENSCHEN,
DIE MIT GESCHLIFFENER ZUNGE SPRECHEN
neutral. Vor etwa 50 Jahren haben die Sänger sich das Liederbuch
als Duo-Abend „unter den Nagel gerissen“. Das bietet sich an.
Es sind kleine Dialoge oder Monologe, aus denen man Geschichten
zusammenstellen kann. Helmut beschäftigt sich schon seit
30 Jahren damit und hat immer wieder anderes ausprobiert, um
kleine Geschichten zu finden. Fix war nur das erste Lied.
Wir haben es also nicht mit einem einzigen Paar zu tun.
Es sind immer andere. Wir haben vier Liedgruppen gebildet. Am
Anfang sind sie sehr, sehr jung, sie dürfen nicht mal aus dem
Haus. In der zweiten Gruppe sind sie zusammen. Da kommen die
typischen Eifersüchteleien. Ein falsches Wort kann Streit auslösen.
Sie sind immer noch sehr jung. In den dritten Teil haben wir
Tod, Krieg und Religion genommen und in den vierten die
humoristischen Lieder. In diesem Werk steckt wirklich alles, was
man sich an menschlichen Regungen denken kann.
Harter Tobak für den Mann, was ihm die heimlich Angebetete
im vierten Teil so alles von ihren Liebhabern erzählt.
Er ist der schwärmerische Freund, der nicht wagt, ihr seine
verborgene Liebe zu gestehen. Oder sie hört nicht zu, sie versteht
es nicht. Bis es ihr dann wie Schuppen von den Augen fällt.
Deshalb sind die Empfindlichkeiten sehr groß. Aber es endet ja
gut! Jedenfalls haben wir es so arrangiert.
Waren Sie in den Konzerten versucht, szenisch zu agieren?
Es war ein großer Spaß. Wir haben das nicht szenisch geplant,
sondern einfach auf den anderen reagiert. Auch mimisch und
gestisch, mit kleinen Körperbewegungen. Es ergibt sich alles aus
dem Text. Und aus der Musik. Hugo Wolf stößt einen wirklich
von einem zum nächsten Satz. Es ist alles ins Kleinste hinein
durchdacht und in Harmonien und Klangfarben umgesetzt. Man
kann gar nicht anders, man agiert aus dem Bauch heraus.
Was machen Sie denn so auf der Bühne, während der andere
singt? Wohin mit den Händen?
Wenn Jonas im dritten Teil „Sterb ich“ gesungen hat, wäre ich am
liebsten unsichtbar gewesen. Da wir zu zweit auf der Bühne sind
und den anderen meistens ansprechen, müssen wir aufeinander
reagieren. Nicht wie auf der Opernbühne oder im echten italienischen
Leben, wo dann Teller oder Tomaten fliegen. Aber wir
können auch nicht dastehen wie die Orgelpfeifen, dann hätten wir
das Thema verfehlt! (lacht)
Ich habe mal eine Kollegin erlebt, die sich beim Liederabend
eine Schürze umband und ein Gummihähnchen aus dem Flügel
zog. Für Puristen ein Graus. Wie halten Sie es mit Requisiten?
Kommt immer drauf an, wie man’s anlegt. Ich habe nur die Stola
gewechselt. Durch die Farbe der Stola konnte das Publikum
unbewusst wahrnehmen, jetzt ist sie eine andere, oder jetzt ist
was passiert. Am Schluss war die Stola feuerrot. Mein Kleid war
ganz schlicht, schwarz mit Blumen. Ich wollte kein Divenkleid.
Warum singt eine gefeierte Opernsängerin überhaupt Lieder?
Weil aus dem Lied für mich alles hervorgeht. Lied ist für mich die
IN DIESEM WERK STECKT ALLES,
WAS MAN SICH AN MENSCHLICHEN
REGUNGEN DENKEN KANN
ideale Verbindung von Wort und Ton. Und es ist erzieherisch eine
gute Methode, wenn man lernt, absolut ins Detail zu gehen und
mit einer großen Sorgfalt diese Lieder zu singen und ganz schnell
umzuschalten zwischen den verschiedenen Stimmungen. Und
man kann sich seine eigenen Programme zusammenstellen.
Es muss nicht immer Schubert sein …
… oder Schumann. Das Liedschaffen ist nicht nur im deutschsprachigen
Raum unglaublich reich, es gibt auch ganz
tolle französische, russische und englische Lieder.
Vieles aus diesem immensen Repertoire wird auch gar
nicht so oft aufgeführt. Es ist wie eine Schatztruhe, die
man aufmacht: Das passt gut zusammen und das …
So eine Reise kann manchmal eine richtige Achterbahnfahrt
sein. Ich kann verschiedene Stile zusammenbringen.
Oder ich fange vielleicht mit Schubert an und schließe mit
Zeitgenössischem, oder ich stelle das Zeitgenössische in die Mitte.
Aber auch zwischen Komponisten und den Ländern Verbindungen
zu schaffen, das ist toll, und sich eine eigene Dramaturgie zu
überlegen.
Was machen Sie stimmlich anders als bei der Oper?
Ich kann mehr riskieren, weil ich feiner zeichnen kann. Allein in
den Kompositionen ist das so gegeben. Außerdem habe ich nicht
das Orchester unter mir und die Entfernung vom Zuschauerraum,
da kann ich wirklich mit ganz feinem Pinsel zeichnen.
Das muss man sich trauen …
Es ist eine Herausforderung. Man ist allein und hat nicht die Hilfe
durch Kostüme und Bühne und Licht und Partner. Sondern man
macht nur Musik und lässt Wort und Musik klingen und ihre
Wirkung bringen. Manchmal ist es wie Meditation. Aber man
kann die Menschen auch mitnehmen. Und das ist toll! Wenn man
zwischen den Stücken merkt, oh, jetzt wird’s lustig. Man ist viel
näher an den Menschen dran. Natürlich bin ich beim Liederabend
auf der Bühne ich selber, aber trotzdem steige ich in jedes
Lied ein wie in eine kleine Opernszene. Mal bin ich das lyrische
Ich, mal bin ich der Erzähler. Das heißt, ich kann mit der Stimme
spielen und verschiedene Rollen einnehmen, Vater und Mutter
und Kind darstellen.
Ist Liedgesang also auch eine Art, Ihr Instrument zu pflegen?
Schon. Aber auch meinen Geist. Meinen Geist und mein Instrument.
Damit man einfach fein bleibt und achtsam.
Mit dem musikalischen Partner und auch mit den eigenen
Ressourcen?
Auf jeden Fall. Dass man immer in die Feinheiten zurückgeht
und es auch wagt, diese Feinheiten auf die Opernbühne zu
übertragen. Es geht in der Oper nicht immer nur um Lautstärke
und hohe Töne. Die sind beeindruckend, das ja. Aber es sind doch
die Farben, es sind die Herzenstöne, die transportieren. Oper ist
keine Discomusik, zu der man tanzt und vergisst. Was uns
anspricht, sind die feinen Töne und Worte. Das
Menschliche. Darum geht’s. Und im Lied umso
mehr.
■
Hugo Wolf: „Italienisches Liederbuch“,
Diana Damrau, Jonas Kaufmann, Helmut Deutsch (Erato)
22 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019

Das Schönste, was es gibt
Die Cellistin Julia Hagen und die Pianistin Annika Treutler sind zwei vielversprechende junge
Solistinnen. Jetzt haben sie ihr erstes gemeinsames Album mit Werken von Johannes Brahms
veröffentlicht. Unsere Autorin, selbst Cellistin, merkte bei dem Treffen mit den Musikerinnen
in einem Berliner Café schnell, dass die beiden sich nicht nur musikalisch bestens verstehen.
VON SINA KLEINEDLER
Julia Hagen
Annika Treutler
FOTOS: NEDA NAVAEE, WWW.ANNIKATREUTLER.DE
CRESCENDO: Wieso Brahms?
Julia Hagen: Für mich war immer klar, dass Brahms mein
Debütalbum sein muss, weil diese Musik mich schon seit meiner
Kindheit begleitet. Sein Wiegenlied habe ich – wie viele andere –
schon als Baby gehört. Seine e-Moll Sonate war die erste „richtige“
Cellosonate, die ich gelernt habe. Da war ich ungefähr zwölf,
seitdem habe ich mit jedem meiner Lehrer an den beiden
Brahms-Sonaten gearbeitet.
Annika Treutler: Natürlich stellt sich immer die Frage: Warum
muss man ein tausendstes Brahms-Sonatenalbum aufnehmen?
Sicher ist das keine Aufnahme, bei der alles auf links gedreht ist,
aber dennoch ist es eine sehr persönliche Sicht, und zwar unsere
Sicht, auf diese Stücke. Mit dem besten, reinsten Gewissen und
den ehrlichsten Emotionen, die wir haben.
Was macht Brahms’ Musik so besonders?
Annika Treutler: Es gibt ein Zitat von Brahms: „Es ist nicht
schwer zu komponieren. Aber es ist fabelhaft schwer, die überflüssigen
Noten unter den Tisch fallen zu lassen.“ Man spürt das in
seiner Musik: Jeder Ton ist wichtig und hat eine Bedeutung. Alles
geht vom Bass aus. Diese Tiefe ist das Fundament seiner gesamten
Musik. Die Musik von Brahms ist einfach das Schönste, was es
gibt. Als ich klein war, bin ich oft mit seinen Liedern eingeschlafen.
Meine Mutter begleitete meinen Vater am Klavier und sie
haben geübt, während wir schon im Bett lagen.
Einige Brahms-Lieder habt ihr jetzt mit aufgenommen. Wie
habt ihr sie ausgesucht?
Julia Hagen: Diese sechs Lieder sind von David Geringas
zusammengestellt und bearbeitet. Ich bin normalerweise skeptisch
bei Transkriptionen, aber das Cello ist nun mal das Instrument,
das der Stimme am ähnlichsten ist …
Annika Treutler: Quatsch! (beide lachen)
Julia Hagen: Doch, schon! Ich habe mir den Text über die Noten
geschrieben und viele Lieder angehört. Gesang zaubert immer die
größten Gänsehautmomente. Einmal habe ich ein Konzert von
András Schiff besucht. Als Zugabe stand das gesamte Orchester
auf und hat ein Lied gesungen – es war das berührendste Erlebnis,
das ich je im Konzert erlebt habe. Das war so ehrlich und pur …
Es ging total unter die Haut.
Wie habt ihr beide euch kennengelernt und als Duo
zusammengefunden?
Annika Treutler: (holt tief Luft) Es war einmal im Sommer …
(beide fangen an zu lachen). Also: Vor zweieinhalb Jahren haben
wir drei Wochen in der Akademie des Verbier Festivals verbracht.
Wir spielten gar nicht miteinander, hörten uns aber gegenseitig
zu, verbrachten die Abende zusammen und verstanden uns
einfach gut – quasi Liebe auf den ersten Blick. Da wir beide in
Berlin wohnen, blieben wir in Kontakt. Zusammengespielt haben
wir erst ein Jahr später.
Ist es wichtig, sich nicht nur musikalisch, sondern auch
persönlich zu verstehen?
Annika Treutler: Für mich untrennbar. Man verbringt so viel Zeit
miteinander, auch neben der Bühne. Könnten wir nur auf der
Bühne kommunizieren, hätten aber sonst keinen Draht, würde es
nicht funktionieren.
Julia Hagen: Das gibt es aber auch, und ich frage mich, wie das
geht. Jeder aus dem Ensemble in einem anderen Hotel …
Annika Treutler: Das hört man so, ich könnte mir das nicht
vorstellen. Für mich ist das Persönliche und das Musikalische
ganz, ganz eng miteinander verbunden.
Inwiefern bereichert ihr euch gegenseitig musikalisch?
Julia Hagen: Es ist einfach schön zu merken, dass man sich beim
Zusammenspiel aufeinander verlassen und fallen lassen kann. Es
macht Spaß weil die Musik so spontan und aufregend bleibt.
Annika Treutler: Wir haben eine gute Basis, und dazu gehört,
dass man den anderen im Spielen schon vorausahnen kann. Ich
glaube, das ist die allerwichtigste Qualität im Kammermusikspiel:
nicht nur zu spüren, was der Partner im selben Moment macht,
sondern was er als Nächstes tun wird. Wir sprechen die gleiche
musikalische Sprache.
■
Brahms: „Cellosonaten Nr.1 & 2, Six Songs“,
Julia Hagen, Annika Treutler (hänssler classic)
Track 8 auf der CRESCENDO Abo-CD: Minnelied op. 71/5.
Aus: 6 Lieder op. 86 von Johannes Brahms
23

K Ü N S T L E R
Momo und die Schildkröte
Kassiopeia im Reich der Zeit,
bei Meister Hora
FOTOS: CHRISTIAN POGO ZACH
EINFACH NUR
ZUHÖREN
Im Dezember fand am Münchner Gärtnerplatztheater die Uraufführung der neuen Oper
von Wilfried Hiller statt: Michael Endes Klassiker Momo. Ein Gespräch mit dem
Komponisten und Freund des Autors über das Thema Zeit, das heute aktueller ist denn je.
VON BARBARA SCHULZ
CRESCENDO: Sieht man die Menschen heute durch die Straßen
hetzen, denkt man unwillkürlich an Michael Endes Momo ...
Wilfried Hiller: Ja, es ist geradezu beängstigend, wie aktuell das
Buch war, als es 1973 erschien. Das haben wir damals nicht gesehen.
Der Ende übertreibt mal wieder, hat man gesagt.
Wie kann man das Thema auf die Bühne bringen?
Tatsächlich konnte ich viel aus den Fehlern anderer lernen. Also
zum Beispiel den Geschichtenerzähler Gigi nicht wegzulassen oder
den Straßenkehrer Beppo. Von Anfang an war aber klar: Momo
darf nicht singen. Zum Glück war der Intendant des Gärtnerplatztheaters,
Josef Köpplinger, einverstanden. als ich ihm gesagt habe,
dass die Titelrolle nicht singt.
Momo singt nicht, um zuhören zu können?
Genau! Denn sie entlockt durch ihre Art, einfach zuzuhören, still
zu sein, den Menschen ihre Probleme. In einer Szene singt Gigi
davon. Und im Hintergrund sieht man Leute zu Momo kommen:
den Friseur, den Maurer, die Ehefrauen – und was passiert? Plötzlich
geben sich die Menschen wieder die Hand. Oder als Momo den
24 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019

Wilfried Hiller bei
den Proben zu Momo
Vogel, der seit Langem stumm war, wieder
zum Singen bringt. „Man muss ihm zuhören,
auch wenn er nicht singt“, erklärt Momo ihr
Geheimnis.
Aber irgendwann wendet sich das Blatt.
Ja, bereits zu Beginn des zweiten Aktes ist diese
kleine heile Welt fest in Händen der grauen
Herren von der Zeitsparkasse. Die Menschen
können nicht mehr zuhören. Sie sind getrieben: schneller, schneller,
weiter, weiter. Sie schauen auf die Uhr, rennen über die Bühne, kreuz
und quer. Dazu die Melodie – übrigens von Michael Ende –, die
immer schneller wird, bis sie Purzelbäume schlägt. Und bis Momo
sagt: „Wir müssen etwas dagegen tun.“ Sie geht zu Meister Hora, der
ihr die Stundenblume gibt. Damit schafft sie, dass die Menschen
wieder zu sich kommen.
Die grauen Herren von heute sind meist digital …
Absolut. Und sie verhindern die direkte Kommunikation. Ich sehe
das oft in Restaurants: Ehepaare, die während des Essens beide mit
ihren Handys hantieren, aber nicht miteinander reden. Manchmal
glaube ich schon, sie schreiben sich gegenseitig. Es ist verrückt.
Was ist Ihre persönliche Erfahrung mit Zeit?
Ich habe irgendwann mein Handy beiseitegelegt und es nie wieder
hervorgeholt. Es hat mich nervös gemacht, auch wegen meines Herzschrittmachers.
Aber es gab in meinem Leben eine Begegnung, die
an Momo erinnert: Für mich war mein Lehrer Carl Orff so etwas
wie der Meister Hora. Er hatte eine so ruhige Ausstrahlung – bei
ihm blieb die Zeit stehen. Es war eine besondere Beziehung: Mein
Vater war ja im Krieg gefallen, und Orff hatte nur eine Tochter. Seine
Frau meinte einmal, ich sei der Sohn, den er nie bekommen habe.
Sie haben viel von ihm übernommen …
Ja, seine Ruhe und Leichtigkeit hatten durchaus auch Auswirkungen
auf mich und meine Musik.
Was an Momo hat Sie thematisch gereizt – die Zeit?
Mich als Musiker hat noch viel mehr das Thema Zuhören und Zuhörenkönnen
gereizt. Und dass es uns heute verloren
gegangen ist.
Wie aber kann man Zuhören hörbar machen?
Die Zeitdauer spielt eine Rolle. Viele Menschen
macht langsame Musik nervös. Dabei ist dieses
Sichausbreiten doch das Schönste. Ich wollte
auch Intervalle komponieren, die Ruhe ausstrahlen,
Naturtöne, also die Töne, die mitklingen,
wenn man einen Ton anschlägt, ich wollte Klangschalen
benutzen. Tatsächlich ist es ja so, dass man die Leute, die ins Theater
kommen, ins Zuhören bringen muss. Sie sind außer Atem, aufgeregt
– und dann geht das Licht aus. Also muss ich sie erst mal runterholen.
Und so beginnt die Musik erst mal ganz, ganz leise.
Die ersten Takte klingen fast japanisch …
Richtig! Ich bin fasziniert vom japanischen No-Theater. Das beginnt
immer mit einer Nokan – eine Flöte, die das Theater eröffnet. Und
so hab ich den ersten Satz, die erste Szene genannt. Die ersten drei
Zeilen: Man hört fast nichts. Nur im Hintergrund die Besenstriche
von Beppo. Bei Olivier Messiaen gibt es eine Fermate über eine ganze
Seite. So hätte ich das auch gern, denn der Dirigent dirigiert das ja
auch ganz anders als eine normale Fermate.
Wie klingen die grauen Herren?
Da ist richtig was los. Genau das Gegenteil von Momos Ausstrahlung
– ständige Dissonanz. Immer Hochspannung, die nicht aufgelöst
wird. Für die grauen Herren hab ich die großen japanischen
Trommeln, die Schamanentrommeln, die staccatoartig gespielt werden.
Es wird heftiger und intensiver. Die Leute bekommen Angst.
Da merkt man, welchen Einfluss Musik auf die Psyche hat.
Begreifen die Kinder, worum es geht?
Ich glaube schon, dass die Musik das vermittelt, aber natürlich bin
ich befangen. Das kriegen die Leute unbewusst mit. Giora Feidman
hat einmal gesagt, als er in einer meiner Opern die Hauptrolle
gespielt hat: „Das Wichtigste bei Hiller ist nicht nur die Musik, sondern
der Raum zwischen den Tönen.“ So ist das wohl. n
Als Gioachino Rossini in seiner Oper Il Signor Bruschino die
zweiten Violinen mit ihren Geigenbögen an die Notenpulte klopfen
ließ, war das ein waschechter Skandal – heute ein Schmunzelgarant.
Dr. Goeths Kuriosa
SINFONIE FÜR
STABMIXER UND SELLERIE
Ein paar exklusive Beispiele ausgewählt
absonderlicher Geräuschkompositionen.
Wer im 18. Jahrhundert die berühmte Kindersinfonie
schrieb, wissen wir bis heute nicht. Sicher hingegen
ist, dass die Besetzung Instrumente aus der Spielzeugkiste
verlangt: Kuckuck, Wachtel, Ratsche, Orgelhenne
(eine Art Wasserpfeife) und Cymbelstern.
Im 20. Jahrhundert entwarf der Italiener Luigi Russolo um 1913
raumfüllende Lärm- und Geräuschinstrumente, die „Intonarumori“.
George Gershwin ließ in An American in Paris Autohupen quäken,
György Ligeti im Vorspiel zu Le Grand Macabre. John Cages CREDO
IN US braucht eine Türklingel und Konservenbüchsen. Und Leroy
Anderson verpasste 1950 in The Typewriter einer Schreibmaschine
die Hauptrolle – inklusive Zeilenende-Pling.
Karlheinz Stockhausens Helikopter-Streichquartett erfordert
neben der herkömmlichen Streicherbesetzung vier Hubschrauber,
deren Rotorengeräusche sich mit dem gewohnten Klang mischen.
Das 1. Deutsche Stromorchester musiziert ausschließlich auf Elektrogeräten
wie Laubsaugern, Toastern und Mixern, während sich The
Vegetable Orchestra der Musik auf Gemüse verschrieben hat – vom
Gurkophon bis zur Sellerie-Percussion.
Und wer bei der Verleihung des Ernst von Siemens Komponistenpreises
2018 an Clara Iannotta ganz genau hinsah, konnte einen
Schlagzeuger dabei beobachten, wie er seinen Brummtopf zur Klangerzeugung
mit einem außergewöhnlichen Hilfsmittel traktierte: Es
war ein Dildo!
25

K Ü N S T L E R
„PERFEKTION ALLEIN
HAT KEINEN WERT!“
Der slowenische Saxofonist Oskar Laznik bedauert, dass sein Instrument
in der klassischen Musik immer noch ein Exot ist. Und ist
mit perfektionistischer Verve auf dem besten Weg, das zu ändern.
VON DOROTHEA WALCHSHÄUSL
Nicht selten entscheidet über den Beginn einer Liebesbeziehung
der Zufall. So war es auch bei Oskar
Laznik. Als das Saxofon in sein Leben trat, war er acht Jahre alt und
lebte in Hrastnik, einer kleinen Gemeinde in Slowenien. Sein Vater
arbeitete in der Computerbranche, seine Mutter in einem Unternehmen
für Dioden und Gleichrichter. Musik fand in der Familie
so gut wie nie statt. „Wir waren weit weg von klassischer Musik und
Konzerten dieser Art“, sagt Laznik, und entsprechend hatte die Welt
der Töne, der Rhythmen und der Harmonien während der ersten
Jahren seines Lebens kaum eine Rolle gespielt. Dann wurden in
Spannender Dialog: Laznik und
sein Pianist Tadej Horvat
seiner Grundschule verschiedene Instrumente vorgestellt – und der
kleine Oskar traf auf das Saxofon. Es war Liebe auf den ersten Blick.
Bis heute kann er nicht genau sagen, was ihn damals so magisch
anzog. War es das glänzende Blech? Der warm singende Ton? Der
elegante Schwung des Korpus? „Ich habe das Saxofon gesehen und
wusste sofort, dass das mein Instrument ist“, sagt Laznik schlicht,
dann lächelt er versonnen und legt die Hände aneinander.
Oskar Laznik ist ein schmaler junger Mann mit kurzen braunen
Haaren und konzentriertem Blick, der oft erst einmal innehält,
bevor er antwortet. Unprätentiös, ernsthaft und reflektiert ist er
FOTO: ANDREJ GRILC
26 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019

einer der spannendsten Saxofonisten seiner Generation und lotet
mit seinem Instrument neue Klangdimensionen aus. Gleichwohl ist
der 1987 geborene slowenische Musiker bislang ein Geheimtipp in
der Welt der Klassik. Sein Album „Légende“, Mitte Januar veröffentlicht,
könnte das ändern.
Nachdem der achtjährige Oskar Laznik sich damals für das
Saxofon entschieden hatte, wurde er sechs Jahre lang an der Musikschule
in Hrastnik unterrichtet. Anschließend ging er nach Ljubljana
auf das Konservatorium für Musik und Ballett. Dort lebte er
im Internat und entdeckte im Musikgymnasium
und in der Stadt eine völlig
neue Welt. „Das war sehr befreiend
für mich“, erinnert er sich. „Das kulturelle
Angebot war viel größer. Es gab
viele Konzerte und Veranstaltungen
– damals ging es für mich musikalisch
wirklich los.“ Und genau ab diesem
Zeitpunkt sei ihm klar gewesen: „Das will ich in meinem Leben
machen: Musik, einfach nur Musik.“ Eine Entscheidung, die der
feinsinnige Musiker in Folge nie mehr infrage stellte. Sein weiterer
Weg ist bis heute ebenso konsequent wie stringent. Die Eltern hätten
ihn dabei womöglich manchmal nicht ganz verstanden, meint Laznik,
doch hätten sie ihn immer unterstützt. „Sie haben gesagt: Du
musst etwas für dich finden, das zu dir passt und dir wichtig ist. In
der Musik hab ich das gefunden.“
Von 2006 bis 2010 besuchte Laznik die Musikakademie in Ljubljana,
parallel dazu begann er, an Wettbewerben teilzunehmen und
gewann zahlreiche Preise. 2010 ging er schließlich nach Köln, um
bei Daniel Gauthier zu studieren. Gauthier war schon lange sein
Vorbild gewesen. „Seine klangliche und musikalische Ausdruckskraft
haben mich schon immer fasziniert und ich wollte unbedingt
bei ihm studieren. Ich habe das Gefühl, dass er die Musik wirklich
lebt“, so Laznik. Er selbst hat sich daran ein Beispiel genommen.
Auch sein eigenes Spiel ist erfüllt von zärtlicher Hingabe an den
musikalischen Moment und zeugt von der hoch konzentrierten und
innigen Auseinandersetzung mit den jeweiligen Werken. „Bei Gauthier
habe ich gelernt, dass es um viel mehr geht als nur um die technische
Beherrschung“, sagt Laznik. Viel wichtiger seien die ganz
besondere Ausstrahlung eines Klangs und der musikalische Ausdruck.
„Perfektion allein hat keinen Wert“, ist Laznik überzeugt.
Wenn er selbst ein Konzert besuche, gehe es ihm nicht darum, wie
fehlerlos jemand spiele. Viel entscheidender sei, ob der Musiker ihn
emotional berühre. Nichtsdestotrotz neige er selbst zum Perfektionismus,
gesteht Laznik ein. „Ich bin auch im Alltag ziemlich perfektionistisch,
nicht nur in der Musik. Da bin ich eigentlich ziemlich
deutsch“, sagt der Saxofonist und lacht. Parallel zum Studium bei
Gauthier tauchte Laznik in das Kölner Kulturleben ein. Mindestens
dreimal pro Woche besuchte er Konzerte in der Philharmonie,
außerdem ging er oft ins Museum. „Das habe ich extrem genossen“,
erinnert sich Laznik, und auch deshalb sei es für ihn sehr wichtig
gewesen, im Ausland zu studieren.
Heute lebt Oskar Laznik wieder in Ljubljana und unterrichtet
als Professor am dortigen Konservatorium für Musik und Ballett.
Vom ehemaligen Schüler wurde er direkt nach Studienende mit
einem Mal selbst zum Lehrer – ein Schritt, den er nicht bereut hat.
„Ich wollte schon immer auch unterrichten“, sagt Laznik, und das
slowenische Schulsystem sei gerade im Fach Saxofon eines der besten
in Europa. Am Konservatorium unterrichtet Laznik nun Schüler
ES GEHT NICHT DARUM, WIE
FEHLERLOS JEMAND SPIELT.
ENTSCHEIDEND IST, OB DER
MUSIKER EMOTIONAL BERÜHRT
zwischen 14 und 18 Jahren. Und er versucht ihnen das mitzugeben,
was ihm selbst am wichtigsten ist: „offen zu sein für verschiedene
Stile und Werke. Denn die Musik ist so ein großes Feld“. Parallel
dazu konzertiert er regelmäßig und ist als Saxofonist auch immer
wieder Initiator neuer Kompositionen. „Das Saxofon ist ein so junges
Instrument, dass wir als Interpreten gefordert sind, immer wieder
neue Stücke dafür in Auftrag zu geben“, so Laznik. Umso bedeutender
sei daher die zeitgenössische Musik für ihn und seine Kollegen.
Oft nimmt er intensiv teil an der Entstehung eines neuen
Stückes. Dann tauscht er sich aus mit
dem Komponisten, probiert dessen
Ideen auf dem Instrument und feilt mit
am Stück. „Das Saxofon hat in der
klassischen Welt noch immer einen
gewissen Exotenstatus“, sagt Laznik.
Warum das so sei, wisse er selbst nicht,
aber es sei höchste Zeit, das zu ändern.
Der Jazz als eine der Hauptsparten des Saxofons hat ihn dabei nie
besonders interessiert. „Ich war immer sehr traditionell orientiert
und an die klassische Musik gebunden“, erzählt der Musiker, und
gerade die klassische Kammermusik mit anderen Instrumenten sei
für ihn ein Schlüssel zum eigenen Musikverständnis. Dies spiegelt
sich auch auf seinem Album „Légende“ wider, das er zusammen mit
dem Pianisten Tadej Horvat aufgenommen hat. Dialoghaft, ebenbürtig
und innig verbunden treten Saxofon und Klavier hier miteinander
in Beziehung und erschaffen eine lebendige und spannungsvoll
offene Atmosphäre. Das Album ist für Laznik weit mehr
als eine musikalische Momentaufnahme. Es ist ein künstlerisches
Statement mit Gewicht und Strahlkraft. Für sein Debütalbum hat
er ausschließlich Stücke gewählt, die als Originalwerke für Saxofon
geschrieben wurden. Ein Anliegen war ihm dabei, „ganz verschiedene
ästhetische Klangwelten“ aufzuzeigen. Ob bei Paul Hindemiths
Sonate für Altsaxophon und Klavier, dem titelgebenden Stück
Légende op. 54 von Georges Sporck oder Yvan Markovitchs
Complainte et Danse – es ist ihm gelungen. Laznik zeigt sich als
klangsinnlicher und außerordentlich vielseitiger Interpret, der sein
Publikum mit warm strömendem Ton und kompromissloser Präsenz
in den Bann zieht. Sein Spiel ist hierbei von einnehmender
Eleganz und Dichte und führt den Hörer im Zwiegespräch mit dem
Klavierpart in ungeahnte musikalische Räume.
Bei der Erarbeitung von neuen Werken denkt sich Laznik oft
in Streicher oder Sänger hinein, ganz gleich, für welches Instrument
ein Stück ursprünglich komponiert wurde. „Die Phrasierung, die
richtige Balance aus Spannung und Entspannung, die Bedeutung
der musikalisch passenden Atmung – all das sind Dinge, die ich an
Streichern und Sängern sehr natürlich finde und von denen ich mich
inspirieren lasse“, sagt Laznik. Legt er sich in seiner Freizeit einmal
selbst Musik auf, hört er am liebsten Kompositionen für Streichquartett.
Überhaupt seien ihm die Streichinstrumente sehr nahe,
allen voran die Bratsche, und in gewisser Weise versuche er in seinem
eigenen Spiel immer, den Holzklang auf einem Blechblasinstrument
herzustellen. „Manchmal bin ich mir nicht sicher, ob ich
das richtige Instrument ausgewählt habe“, sagt
Laznik und lacht. Seine Liebe zum Saxofon aber
hält bis heute an. Und das Schönste daran: Man
kann sie hören.
n
„Légende“, Oskar Laznik, Tadej Horvat (mdg)
27

K Ü N S T L E R
Virtuoses Vexierspiel
Woelfl oder Mozart? Widmann oder Schumann? Die Pianistin Luisa Imorde entdeckt mit tiefer
Sensibilität, einer ernsthaften Prise Humor und leidenschaftlicher Lust an den Tasten kompositorische
Spiegelbilder. Und bringt damit so manchen Kenner ins Grübeln.
VON STEFAN SELL
Wann ich mit dem Klavierspiel begonnen
habe, weiß ich nicht mehr. Ich kann mich
nicht erinnern, irgendwann einmal nicht
Klavier gespielt zu haben.“ Klavierspielen ist für
Luisa Imorde ein Synonym für leben. Sie entstammt einer Musikerfamilie
und ist bereits mit 29 vielfach preisgekrönt. Es ist nicht nur
das leidenschaftliche Spiel – ihre Ambition für Kontexte und Konnotationen
begeistert ebenso. Die selbstbestimmte Repertoireauswahl
lässt ausgetretene Pfade wieder grünen.
Auf ihrem Debütalbum „Zirkustänze“ verschachtelte sie die
heitere Suite JörgWidmanns und dessen zauberhaften Klavierzyklus
Elf Humoresken raffiniert mit Klavierwerken Robert Schumanns.
Für Widmann, einen der gefragtesten zeitgenössischen Komponisten,
offenbarte sich damit etwas Neues in seinen Werken, Imordes
Funkenüberschlag zwischen romantischer und zeitgenössischer
Tonwelt ist taghell. „Viele Leute haben mir nach Konzerten gesagt,
sie hätten überhaupt nicht mehr gewusst, was ist Widmann und was
ist Schumann.“
Das Pianisten-Duell des Jahres 1798 lautete: Beethoven versus
Woelfl. 220 Jahre später lässt sich behaupten: And the winner is ...
Luisa Imorde! „L’affaire d’honneur“, eine Sache der Ehre, heißt ihr
verzauberndes Album, auf dem sie sich in beide hineinversetzt und
aus der jeweiligen Perspektive die Wettbewerbsbeiträge spielt.
Musik, die vertraut scheint, darf wieder unvertraut klingen. Durchdacht
und ausgeklügelt hat sie die Werke angeordnet und mit viel
Verve den Tasten übergeben. „Ich möchte die Werke zweier Komponisten
so in Bezug setzen, dass sich daraus etwas Drittes ergibt.
Ich finde es genial, dass man das mit älterer Musik noch machen
kann, wo man doch immer denkt, wir kennen alles, und was man
heute nicht mehr kennt, war eben schlecht und nicht hörenswert.“
Joseph Woelfl war seinerzeit ein Starpianist mit Gagen, von
denen ein Beethoven nur träumen konnte: „Woelfl muss im Schnitt
drei Konzerte pro Woche gespielt haben. Ich weiß nicht, wer das
Newcomer
Pianistin
Luisa Imorde
heute noch macht, Yuja Wang wahrscheinlich oder Lang
Lang in seinen Spitzenzeiten. Woelfl war wahnsinnig fleißig,
hat 60 Klaviersonaten, zehn Klavierkonzerte, Sinfonien und
alles mögliche geschrieben. Dabei ist er nur 38 geworden. Bei Beethoven
lag der Fokus nicht so sehr auf dem Konzertieren, er hatte
vielleicht mehr Zeit zu schreiben.“
Luisa Imorde reproduziert nicht einfach. Sie weiß intelligent
austarierte Nuancen zu setzen, die das Hörerlebnis zur inspirierenden
Freude werden lassen: Der Vorhang öffnet sich, und der Zuhörer
darf dabei sein in diesem Winter 1798 in Wien. Woelfl wie Beethoven
spielen Variationen des Salieri-Duetts La stessa aus der Oper
Falstaff. Woelfls Klaviersonate WoO 113 steht Beethovens Pathétique
ebenbürtig ausgereift gegenüber. All das spielt sie, als seien es
Vexierbilder, von denen Kafka sagt: „Das Versteckte in einem
Vexierbild sei deutlich und unsichtbar.“
Ihre Repertoireauswahl ist ein Dialog, der im Ungleichen Gleiches
enthüllt und Gleichzeitigkeit wie gleich Gültiges in der Musik
demonstriert. Für den Hörer eine Einladung teilzuhaben. Imorde entdeckt
das Versteckte so, dass – wie bei Widmann und Schumann –
selbst Kenner ins Grübeln kommen: „Ich habe im Konzert Beethoven-
und Woelfl-Variationen gespielt, ohne zu verraten, was von
wem ist, und das Publikum lag falsch. Es waren Musikwissenschaftler
im Publikum, die dachten, Woelfl sei Beethoven und Beethoven
sei Woelfl. Das war für mich natürlich der größte Erfolg. Ich dachte,
wie toll, das Konzept funktioniert, der Wettbewerb auch (sie lacht
herzlich). Jeder Musikkenner sagt (und sie imitiert die Seriosität der
Fachsimpler): ‚Natürlich erkenne ich Beethoven!‘ “ Entdecken wir
mit Luisa Imorde Beethoven neu und Woelfl
gleich dazu!
■
Joseph Woelfl: „L’affaire d’honneur“, Luisa Imorde (Berlin Classics)
Track 9 auf der CRESCENDO-CD: Sonate précédée d’une introduction
et fugue c-Moll WoO 113. III. Allegro molto von Joseph Woelfl
FOTO: JULIA WESELY
28 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019

HÖREN & SEHEN
Die besten CDs, DVDs & Vinylplatten des Monats von Oper über Jazz bis Tanz
Attila Csampais Auswahl (Seite 30)
CRESCENDO-Empfehlungen lesen und direkt kostenlos dabei anhören?
Kein Problem: Auf www.crescendo.de finden Sie unsere Rezensionen mit direktem Link zum Anhören!
Sol Gabetta
Wunderbare Erfüllung
KAMMER-
MUSIK
Gleich zwei ver trau te musi ka li sche Part ner hat die Cel lis tin Sol Gabet ta für ihr neu es Album mit Werken
von Robert Schu mann aus ge wählt. Das im Ori gi nal für Horn kom po nier te Adagio und Alle gro, die drei
Fan ta sie stü cke (ursprüng lich für Kla ri net te) und die Fünf Stü cke im Volks ton präsentiert sie mit ihrem langjäh
ri gen Kam mer mu sik part ner, dem Pia nis ten Bert rand Cha ma y ou. Gemein sam erschaffen sie ein geistrei
ches, bun tes Bild die ser kurz wei li gen Wer ke. Für ihre ers te Ein spie lung des mäch ti gen Cellokonzerts
hat Gabet ta wie der ein mal das Kam mer or ches ter Basel unter der Lei tung von Gio van ni Anto ni ni an
ihrer Sei te. In allen Stü cken besticht sie mit ihrem war men, run den Klang und der sen si blen Phra sen gestal
tung. Durch Satz be zeich nun gen wie „nicht zu schnell“, „mit Humor“ oder „zart und mit Aus druck“
lässt Schu mann wenig Zwei fel an sei nen Vor stel lun gen, die hier eine wun der ba re Erfül lung fin den. Sol
Gabet ta beweist wie der ein mal ihre außer ge wöhn li chen cel lis ti schen und musi ka li schen Fähig kei ten. SK
Robert Schu mann: Sol Gabet ta,
Bert rand Cha ma y ou, Kam mer or ches ter
Basel, Gio van ni Anto ni ni (Sony)
FOTO: DAVID MAUPILE
29

H Ö R E N & S E H E N
Empfehlungen von Attila Csampai
FASZINIERENDE NEWCOMER UND
ANDERE MUSIKMAGIER
… begeistern unseren Chefrezensenten im neuen Jahr.
MOZART: PIANO CON CERTO NO 20 K 466,
SONATAS K 281 & K 332
Seong-Jin Cho, Chamber Orchestra of Europe,
Yannick Nézet-Séguin (DG)
Der große russische Mozart-Experte Georgi W.
Tschitscherin spürte in dessen Musik die „Urkräfte
des Universums“. Was er damit gemeint haben
könnte, kann man jetzt auf dem ersten Mozart-Album der südkoreanischen
Klavier-Hoffnung Seong-Jin Cho im Klang erleben. Selten
entlockte ein junger Pianist im Wechselspiel mit dem ähnlich aufgekratzten
Chamber Orchestra of Europe dem populären d-Moll-Konzert
solche existenzielle Kraft, solche geballte, dramatische Wucht. Hier
treffen, wie im Don Giovanni, stärkster Lebenswille und schicksalshafte
Gegenmächte unvermittelt aufeinander und liefern dem Hörer
ein hochdramatisches, dabei glasklar durchgezeichnetes Szenario
schärfster Gefühlskontraste. Vor wenigen Monaten erst überraschte
uns der 24-jährige Wahl-Berliner durch sein kalligrafisch-feingliedriges
Debussy-Album, das meditativen Klangzauber verströmte. Dagegen
wirkt sein Mozart-Zugriff geradezu energisch und schlackenlos
prägnant und entfacht jugendliches Feuer und ungestüme Lebenskraft.
Diesen klaren, hellwachen Blick auf Mozarts impulsreiche Dramatik
kultiviert Cho dann auch in den beiden Sonaten KV 281 und 332,
denen er einen ähnlichen Reichtum an Gefühlskontrasten abtrotzt.
Hier bezieht ein hochtalentierter Newcomer und ausgeschlafener
Mitstreiter Gegenposition zu den Armeen von blassen
Mozart-Säuslern.
SCHUBERT 1828: PIANO SONATAS D. 958, 959,
960, 3 KLAVIERSTÜCKE D. 946
Alexander Lonquich (Alpha)
Track 2 auf der CRESCENDO Abo-CD:
Klaviersonate Nr. 19 c-Moll, D. 958, II. Adagio
Keine Frage, dass Schuberts letzte drei Klaviersonaten,
die er zwei Monate vor seinem Tod vollendete,
zu den Gipfelwerken der Gattung zählen. Aber nur wenige
Pianisten vermochten deren unglaubliche innovative Substanz und
das Ausmaß des Tragischen überzeugend umzusetzen, da die meisten,
unter dem Eindruck von Schuberts äußeren Lebensumständen, das
Fiebrig-Kränkelnde, Depressiv-Verhangene und die lähmende Todesnähe
in den Vordergrund rückten. Auch der heute 58-jährige Alexander
Lonquich unterstreicht im Booklet-Text seiner neuen, schlackenlos
klaren Einspielung der Trias deren „betont erzählerischen
Charakter“ und deutet sie als „fortlaufende Geschichte eines einzigen
Romans“. Und dennoch durchleuchtet er ihre strukturelle Komplexität,
ihre harmonischen Kühnheiten und emotionalen Abgründe mit
Beethovenscher Rigorosität und einer dem Kompositionsprozess folgenden
Klarheit und Stringenz, die diese letzten Arbeiten als Manifeste
visionärer Modernität und einer mit neuen Inhalten gefüllten Wahrhaftigkeit
ausweisen: Lonquichs faszinierende Anschlagskultur, sein
perfektes, flexibles Timing, seine schlackenlose Prägnanz und sein
dramatisch geschärfter, stets plausibler Erzählstrom enthüllen die tiefe
Trost- und Ausweglosigkeit dieser Werke in ungeschützter, entblößter
Klarheit und verweigern entschieden jede Spur von falscher Gefühligkeit.
Das ist fesselnd und erschütternd zugleich.
MENDELSSOHN: PIANO CONCERTOS 1 & 2,
RONDO BRILLANT, OUVERTURE
„DIE HEBRIDEN“
Roberto Prosseda, Residentie Orkest The Hague,
Jan Willem de Vriend (Decca)
Mendelssohns Ächtung durch die Nazis ist bis
heute nicht überwunden. Noch immer ist das
Interesse des breiten Publikums und vieler Musiker auf wenige Werke
beschränkt, während vieles andere, wie etwa sein umfangreiches Klavierwerk,
ein klägliches Schattendasein fristet. Hier zählt der italienische
Pianist Roberto Prosseda zu den weltweit führenden Mendelssohn-Aktivisten,
denn er hat nicht nur als Erster das gesamte Solo-Klavierwerk
modellhaft eingespielt, sondern auch eine Reihe verschollener
Stücke wiederentdeckt. Jetzt hat er mit dem traditionsreichen Residentie
Orkest aus Den Haag und seinem Chef Jan Willem de Vriend
die beiden reifen Klavierkonzerte in g-Moll und d-Moll in einer elektrisierend
frischen, ungestüm drängenden und historisch herben Interpretation
aufgenommen und so zwei Meisterwerken der frühen
Romantik eine in jedem Moment spannungsreiche und aufregende
Klanggestalt verliehen. Dass er dem derzeit herrschenden Trend zu
historischen Fortepiani widersteht und seine stets prägnante Artikulation
lieber auf einem modernen Fazioli-Flügel glasklar ausformuliert,
unterstreicht die zeitlose Modernität und die virtuose Brillanz dieser
ewig jungen Konzerte, die die Schönheit und das humane Antlitz des
Mozart’schen Erbes in sich tragen und genialisch weiterentwickeln.
Das Rondo Brillant fungiert da als virtuos funkelndes, ähnlich temperamentvolles
Bindeglied zwischen den Konzerten.
ZEICHNUNG: STEFAN STEITZ
30 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019

IMPRESSUM
BEETHOVEN: SYMPHONY NO. 3 „EROICA“,
BRAHMS: VARIATIONS ON A THEME BY HAYDN
Maxim Emelyanychev, Nizhny Novgorod Soloists
Chamber Orchestra (Aparté)
Maxim Emelyanychev zählt zu den größten Hoffnungen
der russischen Musikszene. Seit 2016 leitet
er das renommierte Barockensemble Il pomo
d’oro. Für sein Dirigenten-Debüt hat er sich zwei sinfonische Kronjuwelen
ausgesucht: Wer sich heute an Beethovens Eroica herantraut,
muss über Zauberkräfte verfügen, um das alte Schlachtross in ein
Rennpferd zu verwandeln. Doch Emelyanychev meistert die Verjüngungskur
mit tänzerischer Unbekümmertheit und Anmut, die alles
heroische Pathos, allen Titanismus, alle romantische Bedeutungsschwere
von ihm abfallen lassen und es in die schlanken, spielerisch
drängenden Bewegungsmuster einer klassischen Sinfonie zurückführen.
Mit historisch orientierter, leichtfüßiger Transparenz verweisen
seine Nizhny Novgorod Soloists wieder auf die strukturelle Logik von
Beethovens revolutionärer Satztechnik und entfachen mit riesigen
Atembögen eine sog artige Stringenz, die ohne äußeren Druck die
Musik selbst sprechen lässt. Mit ähnlich frischem Puls entstaubt Emelyanychev
auch Brahms’ Haydn-Variationen und durchglüht sie mit
jugendlichem Feuer.
SALUT D’AMOUR
Sueye Park, Love Derwinger (BIS)
Dass sie zu den herausstechendsten Begabungen
der gar nicht so dichten jungen Geigerszene
gehört, hat die in Berlin ausgebildete Koreanerin
Sueye Park schon im vergangenen Jahr mit ihrem
musikalisch wie technisch exzellenten Debütalbum
und den 24 Solo-Capricen Paganinis spektakulär unterstrichen.
Jetzt gibt es ein weiteres Manifest geigerischer Perfektion mit ähnlich
unspielbaren romantischen Encores, diesmal mit einfühlsamer Klavierbegleitung
durch Love Derwinger und gespickt mit zwei weiteren
grausamen Solonummern wie Milsteins Paganiniana und Heinrich
Wilhelm Ernsts Die letzte Rose. Was die erst 17 Jahre junge Violinhexe
hier wieder abliefert, ist nicht nur von technischer Makellosigkeit und
virtuoser Brillanz, die einem den Atem rauben, sondern verströmt
eine schier unglaubliche stilistische Souveränität und Reife. Sueye Park
knüpft damit an die großen alten Ikonen des Violinspiels an, die alle
Zauberer waren und in der Lage, auch diese Petitessen in den Rang
von Kunstwerken zu heben. Ihr Album entführt uns in eine längst
vergangene Welt der musikalischen Schönheiten: simply irresistible!
VERDI: MACBETH
Shirley Verett, Piero Cappuccilli, Nicolai Ghiaurov,
Plácido Domingo, Core e Orchestra del Teatro alla
Scala, Claudio Abbado (DG)
Bei Verdis Oper Macbeth ist Maria Callas’ sensationeller
Scala-Auftritt im Jahr 1952 bis heute der
Maßstab geblieben: Die erste rundum überzeugende
Studioaufnahme gelang Claudio Abbado erst 24 Jahre später,
als er die gefeierte Scala-Produktion Giorgio Strehlers für die Schallplatte
nachproduzierte. Diese auch akustisch exzellente Referenzaufnahme
gibt es jetzt in einem neuen digitalen Remaster, und sie hat
nichts eingebüßt von ihrer jugendlichen Frische, ihrer scharfen, rhythmischen
Attacke und ihrer fesselnden Klarheit. Es ist bis heute die im
Orchesterspiel sorgfältigste, in der vokalen Gesamtleistung homogenste
Einspielung dieser finsteren Oper geblieben, die in den männlichen
Partien mit Piero Cappuccilli (Macbeth), Nicolai Ghiaurov
(Banco) und Plácido Domingo (Macduff) die damals weltweit führenden
Akteure aufbot. Auch Shirley Verett lieferte ein hochdramatisches
Porträt der Lady, wenngleich ihr das entscheidende Quantum vokalen
Gifts fehlte, während der junge Abbado das Kunststück fertigbrachte,
den nötigen theatralischen Furor mit einer an Pedanterie grenzenden
Präzision im Orchester und bei den Chören zu verknüpfen.
VERLAG
Port Media GmbH, Rindermarkt 6, 80331 München
Telefon: +49-(0)89-74 15 09-0, Fax: -11, info@crescendo.de, www.crescendo.de
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und im AKS Arbeitskreis Kultursponsoring
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VERLAGSLEITUNG
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RESSORT „SCHWERPUNKT“
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RESSORT „HÖREN & SEHEN“ UND „ERLEBEN“
Ruth Renée Reif | reif@crescendo.de
RESSORT „STANDARDS”
Klaus Härtel | haertel@crescendo.de
RESSORT „KÜNSTLER“ UND „LEBENSART“
Barbara Schulz | schulz@crescendo.de
SCHLUSSREDAKTION
Maike Zürcher
KOLUMNISTEN
Axel Brüggemann, Paula Bosch, Attila Csampai (AC), Ioan Holender,
Daniel Hope, Lars Reichardt, Christoph Schlüren (CS), Stefan Sell (SELL)
MITARBEITER DIESER AUSGABE
Florian Amort (FA), Roland H. Dippel (DIP), Alexander Fischerauer (AF),
Verena Fischer-Zernin, Philipp Hontschik, Klaus Kalchschmid (KLK),
Sina Kleinedler (SK), Katherina Knees (KK), Corina Kolbe (CK), Guido Krawinkel (GK),
Jens F. Laurson (JFL), Teresa Pieschacón Raphael (TPR), Alexander Rapp (LXR),
Steffen Schleiermacher, Antoinette Schmelter-Kaiser (ASK), Stefan Sell (SELL),
Fabian Stallknecht (FS), Dorothea Walchshäusl (DW), Walter Weidringer (WW)
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Nr. 22 vom 09.09.2018
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Verbreitete Auflage:
69.680 (lt. IVW-Meldung 1V/2018)
ISSN: 1436-5529
(TEIL-)BEILAGEN / BEIHEFTER:
Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks
DAS NÄCHSTE CRESCENDO
ERSCHEINT AM 15. MÄRZ 2019.
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unterstützt
31

H Ö R E N & S E H E N
FOTO: NANCY HOROWITZ
Mozarteumorchester
Fragment im Fiebertraum
ORCHES-
TER
Dieser (Uraufführungs-)Mitschnitt aus dem Salzburger
Mozarte um von 2005 ist doppelt spannend. Erstens, weil
Mozarts Requiem ohne jede Ergänzung erklingt und somit
radikal ein Torso bleibt. Das fokussiert das Hörerlebnis
auf das Wesentliche, also das, was Mozart ursprünglich
nie dergeschrieben hat: den vierstimmigen
Vokalsatz. Zweitens, weil Georg Friedrich Haas
in die Leerstellen sie ben Klangräume setzt und
mit seinem Auftragswerk expressiv auf Mozart
reagiert – in der Anmutung, wir würden in die
Fieberträu me des Sterbenden hineinlauschen.
Nach dem Lacrimosa bedeutet das geräuschhafte
Kargheit, ansonsten bildet ein Brieftext von 1791
die Grundlage: jenes in star rem Bürokratendeutsch abgefass
te Schreiben, in dem Mozart eine unbezahlte Stelle
am Stephansdom zugesprochen bekommt. Im Gan zen
klingt das nicht nur historisch und zeitgenössisch informiert,
son dern auch beklem mend, tröst lich
und erha ben zugleich. WW
Mozart: „Requi em KV 626“, Georg Haas: „Sie ben
Klang räu me“, Salz bur ger Bach chor, Mozarteumorchester
Salzburg, Ivor Bol on (Belvedere)
Sabine Devieilhe und Lea Desandre
Liebe in allen
Facetten
GESANG
Als Georg Fried rich Hän del 1707 nach Rom kam, waren Opern auffüh run gen ver boten.
Nach einem Erd be ben hat te der Papst sie für über flüs si gen Luxus erklärt. Doch
welt li che Kan ta ten, kur ze dra ma ti sche Sze nen in klei ner Beset zung waren davon
nicht betroffen. Also kom po nier te Hän del kur zer hand in die ser Form. Sei ne Kan taten
han deln von den ganz gro ßen Gefüh len: Lie be in allen tra gi schen, dra ma ti schen
und glück li chen Facet ten. Drei wun der ba re Künst le rin nen haben sich in die se Wer ke
ver tieft: die Sän ge rin nen Sabi ne Devi eil he und Lea Desand re und die Cem ba lis tin und
Diri gen tin Emma nu el le Haïm mit ihrem Barock ensem ble Le Con cert d’Astrée.
Gemein sam ist ihnen eine Ein spie lung gelun gen, die den Hörer sofort in den Bann
der über 300 Jah re alten Musik zieht. Desand re zeigt beson ders in der tra gi schen
Rol le der Lucre zia eine fas zi nie ren de Kraft und Fle xi bi li tät ihrer Stim me. Devi eil he,
als die von ihrem Gelieb ten Rinal do ver las se ne Zau be rin Armi da, ist aus drucks stark
suchend, seh nend. SK
Hän del: „Ita li an Can ta tas“, Sabi ne Devi eil he, Lea Desand re, Le Con cert d’Astrée,
Emma nu el le Haïm (War ner)
32 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019

SOLO
Mel Mercier
Füllhorn des
Lebens
Von Beginn an keimt die Erin ne rung an
John Cages zeit los wun der ba res Hörepos
Roara to rio, des sen Fähr te Mer cier
auf nimmt. Das Album klingt wie aus
einem Guss, obwohl der iri sche Sound-
Desi gner Thea ter mu si ken aus ver schiede
nen Schaffens pe ri oden zusam men gestellt
hat. Jede für sich ist eine Col la ge
von Stim men, Tönen, Rhyth men, Melodi
en und Rezi ta ti ons split tern, die wie
Ton trop fen zu einem Oze an des Klangs
wer den. Der Ver weis auf Cage kommt
nicht von ungefähr,
haben doch
Mel Mer cier und
sein Vater Pea dar
Mer cier, ehe mals
Mit glied der
Chief tains, in
Roara to rio mit
der aus ge wo ge nen Bril lanz ihres
Bodhrán spiels für die ver knüp fen de
Rhyth mik gesorgt. Der Vor gang des
Recom po sing and Remi xing hat die einzel
nen Stü cke aus ihrem frü he ren Kontext
befreit und ihnen ein neu es Eigen leben
ver lie hen, das in kel tisch bud dhis tischer
Lee re das Füll horn des Lebens
zeigt. Groß ar tig und hörens wert. SELL
Mel Mercier: „Testament“ (Hersey)
Elmira Darvarova und Zhen Chen
Gemeinsame
Spielfreude
Dem Duo Elmi ra Dar va ro va und Zhen Chen
gelingt es mühe los, den Brahms-Sona ten einen
leben di gen Atem ein zu hau chen. Die Leich tig keit
in den Alle gro-Sät zen har mo niert wun der bar
mit den melan cho li schen und erns te ren Tei len
wie dem Ada gio der G-Dur-Sona te. In wei ser
Vor aus sicht hütet sich das Duo vor jeg li chem
über trie be nen Pathos. Statt des sen ste hen
gemein sa me Spiel freu de, musi ka li sche Erzählkunst
und melo diö ser Gestal tungs wil le im Vorder
grund. Über haupt ist das Zusam men spiel
zwi schen den bei den Instru men ten ganz besonders
aus ge wo gen. Chen zeigt sich als ein fühl samer
Beglei ter, der einen idea len Klang tep pich
für die gra zi len Kan ti le nen Dar va ro vas aus breitet.
Die se ent lockt ihrer Vio li ne eben so fei ne
wie auch mar kan te Töne und über zeugt besonders
in der span nungs rei chen Aus ge stal tung der
gro ßen Brahms’schen Satz struk tu ren. Da fal len
ein paar klei ne into na to ri sche Eigen wil lig kei ten
nicht wei ter ins Gewicht. Durch gän gig inspi riert
und über zeu gend. AF
KAMMER-
MUSIK
Brahms: „The Com ple te Sona tas
for Vio lin and Pia no“, Elmi ra
Dar va ro va, Zhen Chen (Solo
Musi ca)
Track 6 auf der CRESCENDO
Abo-CD: Sonate für Geige &
Klavier Nr. 3 d-Moll, II. Adagio
Oscar Peterson
Easy-Listening-Jazz
vom Feinsten
Jazz-Puris ten hal ten Oscar Peter sons LP
„Motions & Emo ti ons“ für einen Fehl tritt.
Nach einer Rei he exzel len ter Trio-Alben produ
zier te der kana di sche Kla vier gi gant im Jahr
1969 für das Schwarz wäl der Jazz-Label MPS
ein mit ra f inier ten Blä ser- und Strei cher -
arrangements von Claus Ogerman angereichertes
Album, auf dem er aktu el le Pop- und
Bos sa-Nova-Hits von Tom Jobim, den Beat les
oder Hen ry Man ci ni im typi schen Soft Sound
der Zeit zu ver träum ten oder auch sanft
swin gen den „Easy-Listening“-Appetizern verwan
del te, zugleich aber auch hier sei ne
unglaub li che Krea ti vi tät und Vir tuo si tät aufblit
zen ließ. Jetzt hat Edel die ses Uni kum
remas te rt und Start rom pe ter Till Brön ner als
„Ambassa dor“ gewon nen, der im Book let in
höchs ten Tönen davon schwärmt. Tat säch lich
han delt es sich um ein authen ti sches Dokument
des damals herr schen den musi ka li schen
Zeit geis tes und um ein in sei ner Art per fek tes
Arte fakt nobler Unter hal tung. AC
Oscar Peter son: „Moti ons
& Emo ti ons“ (MPS)
JAZZ
SOLO
Boris Giltburg
Gespür für
Zwischentöne
Boris Gilt burg eröff net sei ne Liszt-Ein spie lung mit
der lyri schen Rigo let to-Para phra se, in der er den
Hörer durch eine bezau bern de Sang lich keit sofort
in den Bann zieht. Sei ne dyna mi sche Gestal tung
wie auch der Umgang mit Klang far ben zeu gen von
einem beson de ren Gespür für fei ne Zwi schentö
ne, nicht zuletzt in den vir tuo sen Pas sa gen der
tech nisch unge heu er her aus for dern den Étu des
d´exécution trans cen dan te. Die Inter pre ta ti on der
zwölf Etü den zeich net sich durch einen feu riglei
den schaft li chen Ges tus aus, wobei Gilt burg es
ver steht, die Klang mög lich kei ten des Kla viers voll
und ganz aus zu schöp fen. Im Lyri schen zärt lich und
bewe gend, im Vir tuo sen auf brau send und lei denschaft
lich – Gilt burg beweist, dass Franz Liszts
berühm te Etü den weit mehr zu bie ten haben als
blo ße Vir tuo senkunst. AF
Liszt: „Étu des d’exécution
trans cen dan te“, Boris Gilt burg (Naxos)
Track 7 auf der CRESCENDO Abo-CD:
No. 12 b-Moll „Chasse-neige“,
Andante con moto
FOTO: SASHA GUSOV
33

H Ö R E N & S E H E N
ORCHES-
TER
René Jacobs
Farbenreich und
vielschichtig
Mit den Sin fo ni en Nr. 1 und Nr. 6 sind auf diesem
Album zwei packen de Früh wer ke Franz
Schu berts zu erle ben, die die sen als eben so
lebens freu di gen wie rin gen den Men schen
offen ba ren. René Jacobs erweckt sie mit seinem
B’Rock Orches tra far ben reich und vielschich
tig zum Leben und fas zi niert dabei mit
einem erfri schend ande ren und direk ten
Zugang zu den Jugend wer ken. Dabei betont er
eben so humor voll, kon trast reich und hin tersin
nig die kar ne val es ken Sei ten der Stü cke,
wie er die dra ma ti schen und düs te ren Phra sen
aus ge stal tet. Das B’Rock Orches tra über zeugt
unter sei ner Lei tung als inten siv und dicht aufspie
len der Klang kör per mit his to ri schen
Instru men ten, der dabei nie an Trans pa renz
ein büßt. Licht und Schat ten, höchs te Freu de
und tie fe Melan cho lie lie gen bei der packenden
Inter pre ta ti on der zwei Sin fo ni en stets
eng bei ein an der und zei gen Schu bert in sei ner
gan zen musi ka li schen Fül le. DW
Schu bert: „Sym pho ny No. 1
& No. 6“, B’Rock Orches tra,
René Jacobs (Pen ta to ne)
Track 1 auf der CRESCENDO
Abo-CD: Sinfonie Nr. 6 C-Dur,
D. 589, II. Andante
Concentus Musicus Wien
Vollendet
Nie klang Schu berts Unvoll ende te so vollendet
wie in die ser voll kom me nen Einspie
lung des Con cen tus Musi cus Wien
unter Ste fan Gott fried. Bereits als
Teen ager Fan des Ensem bles, war Gottfried
lan ge Har non courts Assis tent und
lei tet seit 2016 die ein zig ar ti ge Musi kerver
bin dung. Schu bert, der nur zwei Sät ze
zu sei ner h-Moll-Sin fo nie hin ter ließ, lässt
bis heu te die Exper ten rät seln. Auch die
Vari an te, Schu bert selbst hät te sie als
voll endet betrach tet, ist eine der Deu tungen.
Das von Schu bert skizzierte Trio
Scherzo Alle gro wur de oft von frem der
Feder aus kom po niert, sel ten so ra f iniert
und ein fühl sam wie hier vom ita lie ni schen
Kom po nis ten Nico la Sama le und dem
deut schen Musik for scher Ben ja min-
Gun nar Cohrs. Die Krö nung der CD
sind Schu berts von Brahms und Webern
orches trier te Lie der, deren viel sa gen de
Inter pre ta tio nen des Aus nah me-Bass ba ritons
Flo ri an Boesch tief berüh ren. SELL
„Schu bert Unfinished“:
Flo ri an Boesch,
Con cen tus Musi cus
Wien, Stefan Gottfried
(Aparte)
TANZ
Juilliard String Quartet
Meilensteine der
Kammermusik
Das Juil li ard String Quar tet zählt zu den
unbe strit te nen Gigan ten unter den Strei cheren
sem bles. Mit te der 1940er-Jah re reg te
Wil liam Schu man, Lei ter der renom mier ten
Juil li ard School in New York, die Grün dung
eines Resi denz-Quartetts an. Die Musi ker
soll ten älte res Kernrepertoire mit neu er Frische
prä sen tie ren und sich ernst haft mit
Wer ken aus der Gegen wart befas sen. Den
hohen Erwar tun gen wird das Ensem ble seit
Jahr zehn ten gerecht. Mit Ein spie lun gen von
Wer ken Mozarts, Haydns, Beet ho vens, Schuberts,
Bergs oder Car ters hat es inter na tio nal
Maß stä be gesetzt. In der vor lie gen den Box
sind die Gesamt auf nah men für das Label RCA
zwi schen 1957 und 1960 ver sam melt. Mit Elan
und Akku ra tes se inter pre tiert das Quar tett
Schu berts Der Tod und das Mäd chen eben so
wie Stü cke von Debus sy und Ravel. Die elf
CDs umfas sen de Box bie tet einen fas zi nie renden
Rück blick auf eine Zeit, in der noch legendä
re Grün dungs mit glie der wie Robert Mann
und Rapha el Hil ly er
dabei waren. CK
„The Com ple te Record ings
1957 –60“, Juil li ard String
Quar tet (Sony)
André Previn
Spielerische
Frische und Feuer
Para dox genug: Bis heu te steht die vier ak ti ge,
zwei ein halb Stun den lan ge „ori gi na le“ Bal lett mu sik
zu Shake speares Romeo und Julia, die Ser gei Pro kofjew
1936 voll ende te, im Schat ten der drei spek taku
lä ren Orches ter sui ten. Jetzt hat War ner eine
Modellauf nah me der 52-tei li gen Bal lett mu sik auf
drei 180-g-Vinyls wie derauf ge legt, die André Previn
1973 in Lon don mit dem Lon don Sym pho ny
Orches tra pro du zier te und die bis heu te nichts
ein ge büßt hat von ihrer betö ren den Far ben pracht,
ihrer spie le ri schen Fri sche und ihrem dra ma ti schen
Feu er. Man staunt vor allem über die sti lis ti sche
Viel falt Pro kof jews, der hier stän dig die Hal tung
wech selt zwi schen Klas si zi tät, Moto rik, Lyris mus
und Gro tes ke. Allein für das tra gi sche Lie bes paar
erfin det er mehr als 20 ver schie de ne The men, die
das Werk leit mo ti visch durch zie hen. So konn te der
damals 44-jäh ri ge Musik di rek tor des Lon don Sympho
ny Orches tra des sen unglaub li che Spiel kul tur
punkt ge nau und rhyth misch swin gend auf blü hen
las sen und die Hand lung im rich ti gen Kon text präsen
tie ren. Auch die Klang qua li tät der Auf nah me ist
exzel lent, sodass sie selbst
nach 45 Jah ren kei ne Konkur
renz fürch ten muss. AC
Pro kof jew: „Romeo and Juliet“,
Lon don Sym pho ny Orches tra, André
Pre vin (War ner)
KAMMER-
MUSIK
Stefan Zweig Trio
Üppige Schwelgerei
Das Ste fan Zweig Trio ist nicht das ers te
Ensem ble, das Alex an der Zem lin skys – für
einen Wett be werb mit Johan nes Brahms als
Jury-Mit glied ent stan de nes – Kla vier trio mit
Vio li ne anstel le der ori gi nal vor ge se he nen
Kla ri net te aufführt. Die se Kom bi na ti on des
Opus Zem lin skys mit dem Debüt werk seines
pro mi nen ten Schü lers Erich Wolf gang
Korn gold hat es in sich. Voll endung und
Auf bruch sind Kate go ri en, die bei de
Schwel len wer ke nur in Teil as pek ten defi nieren,
zumal das Ste fan Zweig Trio sie mit
einer immensen Lust an der Viel falt aller
nur denk ba ren Lega to-Kul tu ren zele briert.
Hier deu tet nichts dar auf hin, dass Arnold
Schön berg als bald die bis dahin gül ti gen
Ton sys te me infra ge stel len wird. Im Gegenteil:
Das Ste fan Zweig Trio ris kiert fast süffi
ge Ele ganz und unver schäm te Run dun gen
mit rei fem bis über rei fem Klang. Die se
„luxu rie ren de Mor bi dez za“ ist gera de für
das Trio des zu sei ner Ent ste hung 13-jäh rigen
Korn golds ide al. DIP
Korn gold: „Kla vier trio
op. 1“, Zem lin sky:
„Kla vier trio op. 3“,
Ste fan Zweig Trio
(Ars Pro duc tion)
Il pomo d’oro
Schönstimmiges
Brüderpaar
Erst nach der Wie der ent de ckung in Göt tin gen
1924 wür dig te man, mit welch modern anmuten
der, subtiler Iro nie Hän del die ero ti schen
Ver wir run gen um den Per ser kö nig Arta xer xes
ver tont hat te. Für die 1738 in Lon don wenig
erfolg rei che Oper um das berühm te Lar go
ori en tier te er sich an Sil vio Stam pi gli as Libretto
für Gio van ni Bonon ci ni. Unter Maxim
Emely any chev macht das Ori gi nal klang-
Ensem ble Il pomo d’oro sei nem Namen
alle Ehre. Das gel be Label hat nach Fran co
Fagio lis fas zi nie ren dem Hän del-Album um den
argen ti ni schen Coun ter te nor und Vivi ca
Genaux in den Par ti en der so unter schied lichen
Brü der Ser se und Arsa mene ein stil kundi
ges und mit allen voka len Fines sen agie rendes
Ensem ble arran giert. Inten siv gestal te te
Rezi ta ti ve, ein jugend lich dyna mi scher Vortrag,
dazu opti ma les Gespür für die Spannungsbögen
von Händels Arien-Ketten machen
die se Neu ein spie lung zum Ver gnü gen. DIP
„Han del: Ser se“, Fran co
Fagio li, Vivi ca Genaux, Inga
Kal na u. a., Il pomo d’oro,
Maxim Emely any chev
(Deut sche Gram mo phon)
ALTE
MUSIK
34 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019

„It changed my life. It is impacting,
seismic – like an earthquake.“
Zane Zalis, Komponist
„Musik ist der Schlüssel
zu unseren Herzen.“
Rabbi Peretz Weizmann
I
BELIEVE
A HOLOCAUST ORATORIO FOR TODAY
Chor- und Orchesterwerk von Zane Zalis
Solitude Chor © Foto HaWa, Material der Staatsoper Lodz
SA / 9. MRZ 2019 / 20.00 UHR
HISTORISCHE STADTHALLE / WUPPERTAL
SO / 10. MRZ 2019 / 18.00 UHR
ERHOLUNGSHAUS / LEVERKUSEN
Kelsey Cowie (Sopran) / Jean-Pierre Quellet (Tenor) / Marko Zeiler (Bass),
Solitude-Chor Stuttgart / Einstudierung: Klaus Breuninger,
Chor der Konzertgesellschaft Wuppertal / Einstudierung: Georg Leisse,
Leverkusener Kinder- und Jugendchor / Einstudierung: Nicole Jers und
Martin te Laak, Sprecher: Stefan Müller-Ruppert
Bayer-Philharmoniker / Dirigent: Bernhard Steiner
Karten: 26 bis 36 Euro
35

H Ö R E N & S E H E N
4 Wheel Drive
Top-Quartett mit
Pop-Klassikern
4 Wheel Dri ve heißt das ers te Album eines neu en
Quar tetts euro päi scher Jazz-Grö ßen, die ein an der
lan ge ken nen und schon in ver schie de nen For ma tionen
mit ein an der gear bei tet haben: Ange trie ben von
den fet zi gen Soli des schwe di schen Posau nen-Cracks
Nils Land gren, ver zah nen sich Micha el Woll ny (Pia no),
Lars Dani els son (Bass) und Wolf gang Haff ner (Per kussi
on) zu einem musi ka li schen Hoch leis tungs mo tor, der
in vier vir tuo sen Eigen kom po si tio nen und acht klas sischen
Popsongs von Sting, Phil Col lins, Bil ly Joel und
Paul McCart ney die se Ohr wür mer kraft voll neu aufbe
rei tet, wobei Land gren in sechs bal la des ken Titeln
mit rau chig-sanf ter Stim me auch den Vokal part übernimmt.
Ein über wei te Stre cken über ra schend ruhi ges,
besinn lich-inti mes Album ver eint vier star ke Pro fi le in
traum wand le ri scher Homo ge ni tät und bestechen der
Dich te und scheint wie geschaffen für beschau li che
Win ter aben de. Zwi schen drin aber geben die vier auch
wie der mäch tig Gas und las sen ihre Funk- und Rock-
Gene auf blit zen, so in einer kna cki gen 7/8-Ver si on von
Lady Madon na. Ist es womöglich
die Geburt einer neu en
Super-Group? AC
Nils Landgren, Michael Wollny, Lars
Danielsson, Wolfgang Haffner:
„4 Wheel Drive“ (ACT)
JAZZ
FOTO: STEPHEN FREIHEIT
John Cranko
Unerfüllte Liebe
und Leidenschaft
Die Erfolgs ge schich te des Stutt gar ter Bal letts ist
eng mit John Cran ko ver knüpft. In den zwölf Jahren
sei ner Amts zeit als Direk tor von 1961 bis
1973 avan cier te es zu den welt bes ten Com pagni
en. Grund war auch die Cho reo gra fie des
Hand lungs bal letts One gin. Mit ihr über setz te
Cran ko den Vers ro man von Alex an der Pusch kin
in getanz te Bewe gun gen von vier Solis ten und
einem gro ßen Corps de bal let. In drei Akten
erzäh len sie zu Tschai kow sky-Klän gen von unerfüll
ter Lie be und Lei den schaft. Auch 52 Jah re
nach der Urauffüh rung über zeugt die Qua li tät des
Klas si kers bei jeder prä zi sen Pirou et te, jedem virtuo
sen Pas de deux, jedem kraft vol len Sprung. In
ästhe ti schen Kos tü men und dem Büh nen bild von
Jür gen Rose tau chen Ali cia Ama triain als Tat ja na
und Frie de mann Vogel als One gin ein ins Russ land
des 19. Jahr hun derts. Beson der heit der Aufführung
ist Bal lettlegen de Mar cia Hay dée als Tat ja nas
Kin der mäd chen. Die Bonus-DVD ent hält ein ausgie
bi ges Inter view mit ihr, Jür gen Rose und Reid
Ander son, der das Stutt garter
Bal lett bis Som mer 2018
lei te te. ASK
„The Stuttgart Ballet in John Cranko’s
Onegin“, Stuttgart Ballet, State
Orchestra Stuttgart, James Truggle
(Cmajor)
TANZ
Till Fellner
Eleganz und Ruhe
SOLO
In einer Zeit von gehyp ten, PR-Agen turgestrie
gel ten Instru men ta lis ten sticht Till
Fell ner – ob sei ner zumin dest schein ba ren
Zurück hal tung – eben nicht her aus. Als
Alfred-Bren del-Lieb ling zwar durch aus
mit Vor schuss lor bee ren auf den Solis tenpar
cours ent las sen, scheint sich sei ne Karrie
re etwas ver hal ten ent wi ckelt zu haben
und Fell ner sel ber per ma nent unterschätzt
zu wer den. Da erfreut die se Neuerschei
nung, auch wenn die Ein spie lun gen
schon 16 (Liszts ers tes Buch der Années
de pèle ri na ge) bzw. zehn (Beet ho vens Opus
111) Jah re alt sind. Fell ner ist kein Liszt-
Prüg ler: Sein Liszt ist betö rend, mode rat,
sub til. Sein gla mourfrei er Ansatz, sein feines
Spiel und sein gera de in Val lée d’Obermann
fri scher Zug nach vorn, machen Lust
auf mehr und Neu es von Fell ner. Der
Beet ho ven – eine abtrün ni ge Note zum
Ende des Alle gro con brio sowie Applaus
ver ra ten die Live-Natur der Auf nah me –
besticht durch Ele ganz und Ruhe. JFL
Beet ho ven: „Sona ta
No. 32 op. 111“, Franz
Liszt: „Années de
pèle ri na ge“ u. a.,
Till Fell ner (ECM)
Karim Said
Klangliche
Korrespondenzen
Zwei Stü cke von Wil liam Byrd bil den den Rah men
für das unge wöhn li che Pro gramm die ser Aufnah
me, in dem sich eng li sche Kom po nis ten der
Renais sance neben Ver tre tern der Zwei ten Wiener
Schu le wie der fin den. Die Ers te ren sind allesamt
Schü ler oder Nach fol ger Byrds; das ande re
Ende des Spek trums bil den Arnold Schön berg und
sein Schü ler Anton Webern. Für Karim Said steht
im Zen trum die ser Ver bin dung Johan nes Brahms’
Zwei te Kla vier so na te. Die ses Werk zeich net sich
durch diver se Ver wei se auf den Stil illus trer Kol legen
und Vor bil der aus. Es bil det damit das Programm
die ses Albums im Klei nen ab und ist
gleich zei tig des sen Dreh- und Angel punkt. So
prägt die Sona te auch Saids Inter pre ta ti on der
älte ren und neue ren Wer ke. Der jor da ni sche Pianist
bün delt die se so unter schied li chen Stü cke in
eine homo ge ne Inter pre ta ti on, die Puris ten der
Alten oder Neu en Musik Tole ranz abver langt.
Lässt man sich dar auf ein, erkennt man intui tiv
struk tu rel le und klang li che Kor re spon den zen, und
die Wer ke grup pie ren sich zu einer gro ßen Sui te.
Saids Ver dienst ist es auch, durch die kon tras tieren
de Anord nung der Stü cke deren jewei li ge
Beson der hei ten offen bar
wer den zu las sen. LXR
Byrd, Mor ley, Webern,
Schoe n berg, Brahms u. a.:
„Lega cy“, Karim Said (Rubicon)
36 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019

OPER
Vox Luminis
Leuchtende
Stimmen
Beschwingt tän zeln de Chö re, melan cho lisch
abgrün di ge Ari en sowie krie ge risch auf trumpfen
de Pau ken und Trom pe ten: Es sind ungewohn
te Klän ge, die das bel gi sche Vokalensemble
Vox Lumi nis unter der Lei tung seines
Grün ders, des fran zö si schen Flö tis ten und
Trom pe ters Lio nel Meu nier, in sei ner neu en
Ein spie lung prä sen tiert. Liegt der Schwerpunkt
des Ensem bles doch in der geist li chen
Vokal mu sik Deutsch lands und Ita li ens des 17.
und 18. Jahr hun derts. Mit Hen ry Pur cells King
Arthur wen det es sich nun erst ma lig der
Gat tung Oper und der eng li schen Spra che zu.
Den Merk ma len der eng li schen Barock oper
fol gend, besteht das Werk aus gespro che nen
Schau spiel tex ten, die sich aller dings nicht auf
der CD fin den, und kom men tie ren den Musiknum
mern für wech seln de Beset zun gen. Mit
stimm ge wal ti gen, gewitz ten und stel len wei se
auch stark cha rak ter lich gefärb ten Stim men
bie tet das Ensem ble ein durch gän gi ges,
abwechs lungs rei ches Hör ver gnü gen. FA
Pur cell: „King Arthur“, Vox
Lumi nis, Lio nel Meu nier
(Alpha)
Track 3 auf der CRESCENDO
Abo-CD: Woden, first to thee
KAMMER-
MUSIK
Amati Quartett
Unerschöpflicher
Einfallsreichtum
Dis zi plin ist eben nicht alles: Sei ne sechs
Quar tet te op. 50 hat Joseph Haydn mit dem
Bei na men „Preu ßisch“ ver se hen. Sie sind
dem instru men tal offen bar nicht ganz unbegab
ten Fried rich Wil helm II. gewid met, der
sich nicht nur der viel apo stro phier ten preußi
schen Tugen den rühm te, son dern als
kunst sin ni ger Mäzen in die His to rie ein ging.
In jeder Hin sicht tugend haft ist auch die se
Dop pel-CD des Ama ti Quar tetts. Die vier
Strei cher wid men sich Haydns mal über aus
humo ri gen, mal ziem lich ver schmitz ten
Quar tett küns ten mit der gebo te nen Ernsthaf
tig keit, aber auch einer gro ßen Leich tigkeit.
Flufg-beschwingt wird etwa das Fina le
des F-Dur-Quar tetts absol viert, mit bur schi kosem
Charme das Menu ett des Es-Dur-Quartetts.
Stets fin det man das rich ti ge Maß für
Haydns schier uner schöpfl i chen Ein falls reichtum
und spielt auf höchs tem Niveau. GK
Haydn: „String Quar tets, op. 50“, Ama ti Quar tett (Solo
Musi ca)
Track 4 auf der
CRESCENDO Abo-CD:
Streichquartett op. 50,6
D-Dur Hob. III:49, II.
Poco Adagio, Menuetto
Mariss Jansons
Romantische
Sinnlichkeit
ORCHES-
TER
Beethovens Mes se in C-Dur op. 86 steht von jeher
ein wenig im Schat ten der „gro ßen Schwes ter“
Mis sa Solem nis. Sie offen bart nicht wie jene das
gro ße Rin gen, die künst le ri sche Aus ein an der setzung
mit dem Glau ben, bie tet aber eben falls eine
rei che Palet te an Aus drucks nu an cen und indi vi duel
len Deu tun gen des lit ur gi schen Tex tes. Die se
lässt Mariss Jan sons mit sei nem groß arti gen
BR-Sym pho nie or ches ter und Chor auf fas zi nieren
de Wei se hör bar wer den, vom wie aus dem
Nichts kom men den Beginn über ein dring li che
Pia no-Geflech te bis hin zur gro ßen Klang de monstra
ti on – immer unprä ten ti ös, sinn lich und differen
ziert. Für Jan sons gehört Beet ho ven defi ni tiv
zur Roman tik, den noch ist der Klang schlank, flexi
bel und ohne auf ge setz ten Pomp; eine Les art,
die auch das homo ge ne, kul ti viert sin gen de Solisten
quar tett mit trägt. Als „Raus schmei ßer“ gibt
es eine ful mi nan te, mit sin fo ni schem Feu er atem
gespiel te Leo no re III. FS
Beet ho ven: „Mes se C-Dur op. 86“ u. a., Chor und Sym pho nie -
or ches ter des Baye ri schen
Rund funks, Mariss Jan sons
(BR Klas sik)
Track 10 auf der
CRESCENDO Abo-CD: Messe
C-Dur op. 86, VI. Agnus Dei
Lunascope
Abnehmend hektisch, zunehmend
himmlisch: die erste MeisterSinger
mit Mondphasenmodul
37
www.meistersinger.de

H Ö R E N & S E H E N
Unerhörtes & neu Entdecktes
von Christoph Schlüren
HERRLICH RAU UND WILD
Kammermusik von Albert Roussel, Florent Schmitt, Hans Weisse und anderen.
Im April steht der 150. Geburtstag von Albert Roussel (1869–1937)
an, jenes ganz großen französischen Meisters im Schatten seiner
Zeitgenossen Debussy und Ravel. Und immer noch mangelt es an
wirklich herausragenden Aufnahmen seiner Musik, insbesondere
auch seiner Kammermusik, die an Originalität und Meisterschaft
unübertroffen ist. Sicher liegt das ein wenig daran, dass Roussel bis
auf sein Frühwerk nicht ins impressionistische Klischee passt und
überhaupt herrlich ungefällig rau und wild ist.
Ein Glücksfall ist daher die neue Duo-CD der Geigerin Hélène
Collerette und der Pianistin Anne Le Bozec bei Signature, die neben
der mit architektonischer Präzision und geradezu klassischer Clarté
bestechenden Zweiten Sonate Roussels noch die gigantisch angelegte,
rauschhaft ornamentierende Sonate libre in zwei Sätzen vom ebenfalls
maßlos unterschätzten Florent Schmitt (1870–1958) enthält.
Dieses gut halbstündige Werk ist eine Enescu oder Szymanowski
vergleichbare Herausforderung und dürfte bei Konzerten sensationell
ankommen. Doch bei Schmitt, der in späteren Jahren eine unglückliche
Zuneigung zum Vichy-Vasallenregime gepflegt hatte, kann man
ähnlich wie bei Hans Pfitzner zumindest verstehen, dass es außermusikalische
Gründe für die Vernachlässigung gab.
Das Programm wird abgerundet durch die horrend virtuose
Sonate von 1961 des Franko-Kanadiers André Prévost (1934–2001),
die musikalisch nicht auf derselben Höhe
steht, uns jedoch mit einem weiteren entdeckenswerten
und eigentümlichen Meister
bekannt macht. Hélène Collerette frappiert
nicht nur mit staunenswerter technischer
Makellosigkeit, sie verzaubert mit äußerst
farbenreichem Klang und vielschichtigem,
unendlich nuancenreichem Ausdruck, ohne
in die Niederungen billiger Effekthascherei abzugleiten.
Und Anne Le Bozec mit ihrem groovigen Zugriff
und empathischen Selbstverständnis ist ihr eine grandiose
Partnerin. So wunderbar kann ein
Album für diese Standardbesetzung sein,
wenn nicht nur das Können, sondern auch der
Mut und die Liebe groß genug sind.
Einige weitere aktuelle Kammermusikempfehlungen
seien dem angefügt. Darunter
ragt insbesondere die schöpferische Größe des
Wiener jüdischen Schenker-Schülers Hans
Weisse (1892–1940) heraus, dessen dreiviertelstündiges Klarinettenquintett
in vollendeter Weise zeitlos auf Bahnen „junger Klassizität“
(um Busoni zu zitieren) schreitet, die man in ihrer Haltung zu Brahms
zurückverfolgen kann – auch in der introvertiert-dramatischen
Atmosphäre, kontrapunktischen Raffinesse und modulatorischen
Meisterschaft (MDG). Hochinteressant sind drei Streichquartette des
Briten Leonard Salzedo (1921–2000), der als Ballett- und Filmkomponist
sehr angesehen war.
Stilistisch könnte man meinen, er sei Spanier – und zugleich liegt
in all dem zündenden Esprit eine Abgeklärtheit, die den Wunsch
nährt, noch viel weitere Musik seines so umfangreichen wie unbekannten
Schaffens kennenzulernen (darunter ein großes rein instrumentales
Requiem für großes Orchester). Arnold Cooke (1906–2005)
hingegen ist in England immer wieder aufgenommen worden, und
wer wie ich findet, dass Hindemith auch wertvolle Stilverwandte haben
darf, wird an Cookes kunstreichen Werken für Violine (allein, mit
Klavier, mit Bratsche) große Freude haben (beide CDs bei MPR).
Der gleichen Generation entstammt der Schwede Dag Wirén
(1905–1986), dessen komplette verfügbare Quartette das Wirén Quartet
für Naxos vorbildlich eingespielt hat: kurzweilige, äußerst vitale
Musik, die zugleich die Reduktion aufs absolut Wesentliche betreibt.
Ein gänzlich Unbekannter tritt uns, wie so oft bei Toccata
Classics, mit Hans Winterberg (1901–1991) entgegen, einem tschechischen
Juden, der Theresienstadt überlebte und danach in München
wohnte. Eigentlich hätte seine fast minimalistisch
expressive Bläser-Kammermusik, die
ehestens an den Janáček des Concertino
anknüpft, dort ja von Orff und Killmayer als
geistesverwandt erkannt werden müssen. Nun
wird sie erst postum entdeckt.
■
Florent Schmitt, Albert Roussel, André Prévost:
„Sonates“, Hélène Collerette, Anne Le Bozec
(Signature)
Weisse: „Chamber Music“, Berolina Ensemble (MDG)
Leonard Salzedo: „String Quartets 1, 5 and 10“,
Archaeus Quartet (MPR)
Arnold Cooke: „The Complete Violin Sonatas“,
The Pleyel Ensemble (MPR)
Dag Wirén: „String Quartets Nos. 2-5“, Wirén Quartet (Naxos)
Hans Winterberg: „Chamber Music“, Volume One, Arizona Wind
Quintet (Toccata Classics)
38 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019

La Fura dels Baus
Schöpfungsspektakel
Die se Kopro duk ti on der Lud wigs bur ger Schloss fest spie le
mit der Elb phil har mo nie prä sen tiert Joseph Haydns Schöpfung
in einer sze ni schen Insze nie rung von Car lus Pad ris sa
von La Fura dels Baus. Die sze ni sche Gestal tung nimmt
sich des Inhalts der Schöp fungs ge schich te an und erwei tert
die sen um eine aktu el le poli ti sche Dimen si on. Im Kon trast
zum Libret to, das als unbe schwer te Lobes hym ne auf die
Erschaffung der Welt vor dem Sün den fall endet, führt die
Insze nie rung dar über hin aus in die sün di ge Rea li tät von
Ver trei bung und Not. Der Chor stellt Flücht lin ge aus verschie
de nen Län dern und Zei ten dar. Am drit ten Tag, als
Gott die Erde vom Was ser schei det, springt ein jun ger
Mann mit Schwimm wes te in einen Was ser tank. Ange sichts
der vie len visu el len Ele men te wie Schrift, Licht, auf wen di ge
Kos tü me, leuch ten de Tablets in den Hän den der Chor sänger
wird die Musik stel len wei se fast zur Film mu sik degradiert,
was der Leis tung der Diri gen tin und der Sän ger
kei nes wegs gerecht wird. Lau rence Equil bey diri giert das
Insu la orches tra sowie den Chor Accen tus und das Sän gerensem
ble mal wuch tig, mal trei bend, mit fei nem Gespür für
den spe zi fi schen Cha rak ter der auf ein an der fol gen den Tage
in Haydns Par ti tur. Beson ders Dani el Schmutz hard als
Raphael/Adam und Mari Eriks mo en als Gabriel/Eva begeistern
mit ihrer far ben rei chen Inter preta
ti on. Die Bild re gie ver mit telt einen
guten Ein druck der bild ge wal ti gen
Insze nie rung. LXR
Haydn: „Die Schöpfung“, Accentus, Marc Korovitch,
Insula orchestra, Laurence Equilbey,
La Fura dels Baus (Naxos)
Jürgen Flimm
Mozart in der
Sommerfrische
FILM
Sel ten erlebt man eine der art beschwing te Auffüh rung
von Mozarts Oper Hoch zeit des Figa ro wie auf die sem
exzel len ten Mit schnitt. Zum Ende sei ner Zeit als Intendant
der Staats oper Unter den Lin den hat Jür gen Flimm
den berühm ten Stoff mit viel Sinn für die komö di an tischen
Zwi schen tö ne insze niert. Das Ergeb nis ist ein
mär chen haf ter Opern rei gen mit hoch ka rä ti ger Besetzung.
Dabei durch le ben die Sän ge rin nen und Sän ger als
„Som mer gäs te“ des Hau ses hin ge bungs voll Lie bes leid
und -freud. Neben Lau ri Vasar als ein drucks vol lem Figaro
sind es ins be son de re die Frau en stim men, die viel seitig
in den Bann zie hen, allen vor an Anna Pro has ka als
gran dio se Susan na und Doro thee Rösch mann als Rosina.
Die Staats ka pel le Ber lin über zeugt unter Lei tung
von Gus ta vo Duda mel mit opu lentem
Klang und voll endet eine Inszenie
rung von eben so gro ßer Ele ganz
wie Leicht fü ßig keit. DW
Mozart: „Le nozze di Figaro“, D’Arcangelo,
Röschmann, Prohaska u. a., Staatsoper Unter
den Linden, Gustavo Dudamel (Accentus)
Edvard Grieg
Fanatische Liebe zur Heimat
Da sitzt er als alter Mann auf einem Boot im Fjord wohl in der Nähe
seines Hauses in Troldhaugen bei Bergen und lässt sein Leben Revue
passieren: der Komponist Edvard Grieg (1843–1907). Ruhelos war er,
immer auf der Suche nach seelischem Frieden, nach Glück und Perfektion,
geprägt von einer großen Liebe zur Heimat. „Diese fanatische, fast
dämonische Liebe zur Heimat ist die Stärke, aber auch die Begrenzung
Griegs“, schrieb etwa G. Schjelderup 1907 in seinem Nekrolog auf den
gerade verstorbenen Komponisten. „Meister wie Bach und Beethoven“,
sagte Grieg einmal, „haben auf den Höhen Kirchen und Tempel errichtet,
ich aber will in den Tälern Wohnstätten für Menschen
bauen, in denen sie sich heimisch und glücklich fühlen
sollen.“ Es gelang ihm. Regisseur Olofsson lässt seinen
Protagonisten – verkörpert vom Pianisten Staffan
Scheja – in Musik, Wort und Bild sprechen. Ein
wunderbarer Film! TPR
BUCH
„The Musical Biopic of Edvard Grieg: What Price Immortality?“
A film by Thomas Olofsson und Ture Rangström (Arthaus)
Thomas Bernhard
Paket mit belastenden Themen
Er kann te sei nen Vater nicht, litt unter der feh len den Lie be sei ner
Mut ter und des po ti schen Leh rern, erkrank te mit 18 Jah ren schwer
und lag mona te lang in Ster be zim mern sowie Sana to ri en: Tho mas
Bern hards Kind heit und Jugend waren so schwie rig, dass er schon
früh an Selbst mord dach te. Ent spre chend düs ter ist die Zeit rei se in
sei ne Ver gan gen heit, auf die er sich in fünf auto bio gra fi schen Schriften
begibt. Bedrü cken de Lebens um stän de, aus sichts lo se Exis ten zen,
Schmerz und Trau er rekon stru iert der Autor wort ge wal tig und
foto gra fisch genau; Licht bli cke sind außer Besu chen bei sei nem
Groß va ter und auf einem Bau ern hof drei glück li che Jah re als Lehrling
des Salz bur ger Lebens mit tel händ lers Pod laha, in denen sich
Bern hard nütz lich und ande ren Men schen nahe fühl te.
Nach und nach packt er so „vor Zeu gen“ ein „Paket“
mit belas ten den The men aus, die ihn nach hal tig prägten
und ein Schlüs sel zu sei nem Werk sind. Das Bild
des 1989 ver stor be nen Autors ver voll stän di gen zar te
Aqua rel le von Erwin Wurm, der wie Bern hard zu den
bedeu tends ten Künst lern Öster reichs zählt. ASK
Thomas Bernhard: „Autobiographische Schriften“ mit Aquarellen von
Erwin Wurm (Residenz Verlag)
FOTO: ARTHAUS
39

M E I N U N G
Der Axel-Brüggemann-Kommentar
AUF EIN WORT,
LIEBE SPORTSFREUNDE
Der Sportbund in Bonn findet, dass zu viel Geld für die Kultur ausgegeben
wird – dabei sitzen Vereine und Orchester im selben Boot.
Plädoyer gegen eine Spaltung der Gesellschaft und für mehr Solidarität.
Vielleicht steht diese Kolumne im falschen Blatt, vielleicht wäre
sie im „Kicker“ besser aufgehoben oder in der Vereinszeitung des
Bonner Sportbundes. Hier in CRESCENDO werden wir wahrscheinlich
ziemlich schnell einig sein, dass Sport und Musik
keine Gegner, sondern Partner im Kampf gegen eine vermeintlich
durchoptimierte Gesellschaft sein können – ja, müssen! Umso
wichtiger, ein offenes Wort mit unseren Sportsfreunden zu führen,
um zu merken, dass es viele Parallelen zwischen Noten und Trainingsplänen,
Konzerthäusern und
Stadien gibt.
Konkret geht es darum:
Kürzlich hat der Sportbund Bonn
eine etwas verunglückte Pressemitteilung
herausgegeben. Mit
„großer Aufmerksamkeit“ habe
man zur Kenntnis genommen,
dass der Generalmusikdirektor
des Beethoven Orchesters, Dirk
Kaftan, gesagt hätte, Hochkultur würde bei ihm eine „Art Würgereiz“
auslösen. Der Sportbund ist echauffiert, immerhin flössen
Bonner Steuermillionen in Theater und Beethoven Orchester, ja,
60 Millionen in die Kulturförderung der Stadt insgesamt! Zu viel,
findet der Sportbund nun und rechnet vor: 105,5 Orchesterstellen
und 14 Büroangestellte habe Kaftans Orchester. Wie könne
es sein, dass nur sechs Orchester in Deutschland größer seien als
das in Bonn? Wie, dass ein Ensemble wie das Mozarteumorchester
Salzburg mit 91 Musikern auskommt? Immerhin würde Salzburg
sogar mit „Hochkultur“ werben, die Kaftan so verachte. Fazit der
Sportler: Bonn gibt zu viel Geld für „Hochkultur“ aus, insbesondere
für Oper und Orchester, und würde Kaftan nicht mindestens
EIN ORCHESTER SOLL KEINE ELITÄRE
MUSIKERTRUPPE SEIN, SONDERN
KULTURELLE GRUNDVERSORGUNG
3,5 Millionen sparen, werde man dem Beethoven Orchester vom
Spielfeldrand auch weiterhin zubuhen.
Die Wahrheit sieht etwas differenzierter aus, ist aber längst
nicht so kompliziert wie die Abseitsregel, sollte also auch für die
Sportfreunde verständlich sein! Auf einem Bildungsempfang hat
Dirk Kaftan sich Gedanken über das Wort „Hochkultur“ gemacht.
Sein Gedankengang: Während die Kultur immer mehr unter
gesellschaftlichem Druck steht, viele Politiker erfolgreich argumentieren,
dass mit Orchestersubventionen
lediglich Veranstaltungen
für Reiche gefördert würden,
wolle er gern auf dieses Wort, das
zum gesellschaftlichen Kampfbegriff
geworden sei, verzichten.
Stattdessen schlug Kaftan vor, von
„Tiefen-Kultur“ zu reden. So würde
klar werden, dass sein Orchester
in die tieferen Schichten der Stadt
eindringe, dass das Beethoven Orchester sich auch als Bildungseinrichtung
für Jugendliche verstehe, mit seinen Konzerten in Stadtteile
ziehe, die ansonsten nur wenig mit klassischer Musik zu tun
hätten, und dass sein Orchester keine elitäre Musikertruppe, sondern
eine kulturelle Grundversorgung für alle Bonner sein wolle.
Kaftan argumentiert, dass mit dem Begriff der „Tiefen-Kultur“
klarer würde, warum eine Stadt wie Bonn sich überhaupt
ein Orchester, ein Theater und eine Oper leiste: weil sie allgemein
zugängliche Säulen des Diskurses sind, weil sie dort einspringen,
wo viele Schulen längst aufgegeben haben (etwa im Musikunterricht),
weil sie täglich beweisen, dass Musik das Zuhören, das Miteinander,
die Konzentration und Aufmerksamkeit fördert – all
ZEICHNUNG: STEFAN STEITZ
40 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019

jene Eigenschaften also, die gerade bei Schülern oft als Defizite
festgestellt werden. Dass sein Orchester nicht elitär ist, nicht im
Elfenbeinturm auf das gut betuchte Publikum wartet, sondern alle
Menschen vor Ort besucht und begeistert.
All das müssen die Leute vom Sportbund irgendwie in den
falschen Hals bekommen haben. Das ist umso absurder, da sie
die eigentlich gleiche Ausgangsposition wie das Orchester haben:
Auch der Sport wird an unseren Schulen schon lange nicht mehr
ernst genommen – neben dem Musikunterricht das Fach, das am
meisten ausfällt. Gleichsam hat der Sport eine ähnliche gesellschaftliche
Kraft wie die Musik: Teamgeist, Integration, Ausdauer,
Konzentration – in Turnhallen, auf Bolzplätzen und Tartanbahnen
werden ebenfalls gesellschaftliche Tugenden gefördert wie auf
Orchesterpodien und in den Rängen eines Konzertes.
Mit Verlaub, lieber Sportbund in Bonn: Wie absurd, bitte
schön, ist eure Argumentation gegen das Theater? Wäre Solidarität
nicht die bessere Positionierung als eine billige Neiddebatte?
Die Kultureinrichtungen der Stadt sind nicht eure Feinde, sie sind
eure natürlichen Freunde, sie haben ähnliche Auswirkungen auf
das Bildungsniveau und den Geist einer Stadt. Es ist wissenschaftlicher
common sense, dass Sport
und Musik dafür sorgen, dass wir
keine Fachidioten werden, dass
wir aufgeschlossene, ausdauernde
und kreativ denkende Mathematiker,
Chemiker und Ärzte ausbilden.
Vorzeige-Bildungssysteme
wie Finnland wissen, dass ihr
gutes Abschneiden in Fächern wie
Mathematik und Naturwissenschaften
darauf zurückzuführen ist, dass an den Schulen des Landes
Musik und Sport gleichberechtigt zu allen anderen Fächern
unterrichtet werden.
Was an der Bonner Debatte wirklich aufregt, ist, dass hier
etwas passiert, das politisch vielleicht sogar gewollt ist. Fragen nach
Steuergeldern werden immer öfter mit Entweder-oder-Fragen vorgelegt:
Schwimmbad oder Kunsthalle? Kindergarten oder Opernhaus?
Neue Straßen oder Schauspielhaus? Und nun eben: Sportverein
oder Orchester? Derartige Zuspitzungen sind Quatsch, fördern
Neid und verhindern Solidarität. Jeder Sportverein und jedes
Orchester sollte derartigen Debatten eine Absage erteilen – sonst
ist er das nächste Opfer.
In Bonn lässt sich der Sport gegen die Kultur ausspielen. Mit
fatalen Folgen. Weil genau das für eine gesellschaftliche Stimmung
sorgt, an deren Ende beide – sowohl der Sport als auch die Kultur
– verlieren werden. Klar, nun könnte man auf Zahlen pochen:
Wie viele Mitglieder haben Bonns Sportvereine? Stimmt es, dass
mehr Menschen Livekonzerte deutscher Orchester besuchen als
Spiele der Fußball-Bundesliga? Aber auch diese Erbsenzählerei
wird nicht viel bringen. Fakt ist: Eine Gesellschaft braucht Kultur
UND Sport!
Gehen wir einen Schritt zurück. Warum subventionieren wir
überhaupt Theater und Orchester? „Hochkultur“ ist vielleicht eine
Kategorie: große Produktionen, die ohne Subventionen nicht zu
stemmen wären. Aufführungen, die den Bürgern der Stadt Bonn
ein professionelles Kulturangebot garantieren, Veranstaltungen,
die Bonn als Kulturstadt strahlen lassen. Aufführungen, die junge
Menschen zum Freidenken inspirieren und anregen – nicht nur
im kulturellen, sondern auch im gesellschaftlichen Denken. Diese
„Hochkultur“-Förderung ist vergleichbar mit der Förderung von
Sportleistungszentren, wo es darum geht, dass Athleten aus Bonn
ES IST WISSENSCHAFTLICHER COMMON
SENSE, DASS SPORT UND MUSIK
DAFÜR SORGEN, DASS WIR KEINE
FACHIDIOTEN WERDEN
die Möglichkeit haben, in nationale Kader aufzurücken, an der
Spitze der Fußball-, der Badminton-, der Handball- oder Eishockey-Bundesliga
mitzuspielen.
Aber der Kulturhaushalt hat – und da liegt Kaftan mit seiner
„Tiefen-Kultur“ durchaus richtig – auch den Zweck, eine kulturelle
Grundversorgung zu garantieren. Noch einmal: Unsere Schulen
schaffen das schon lange nicht mehr. Diese Aufgabe übernehmen
Musikschulen und zunehmend Orchester und Theater. Das wiederum
ist mit der Förderung des Breitensports zu vergleichen: die
Möglichkeit für jeden Menschen, sich einem Verein anzuschließen,
Teamgeist oder eigenen Ehrgeiz zu verfolgen.
Ich glaube, nicht einem Musiker des Beethoven Orchesters
würde es einfallen zu fordern, dass die Stadt weniger Geld für die
Sportförderung ausgeben sollte. Im Gegenteil! Sport und Kultur
haben gleichermaßen gegen eine Politik zu kämpfen, in der ihre
Arbeit gegen den Bau von Kindergärten, Schulen, Krankenhäusern
oder Straßen ausgespielt wird. Werder-Trainer Otto Rehhagel
warb einst für das Bremer Theater, die drei Tenöre eröffneten die
Fußball-WM – Bewegung und Musik schließen einander nicht aus,
sie bedingen sich!
Bonn ist nur ein Einzelbeispiel.
Auch in anderen Städten
wird die Kultur immer öfter politisch
als Kostenfaktor denunziert –
in Linz hat sich die Stadt sogar vollkommen
aus der Förderung ihres
Orchesters zurückgezogen. Da
sollten die Alarmglocken läuten!
Kultur und Sport sollten Seit᾽
an Seit᾽ stehen und miteinander
dafür kämpfen, dass Politik und die Vergabe öffentlicher Gelder
nicht als Entweder-oder-Frage gestellt wird. Dass natürlich Kindergärten,
Krankenhäuser und Straßen gebaut werden, dass sie
alle aber weniger wert sind, wenn eine Stadt ihre Kultur oder ihr
sportliches Image dafür infrage stellt. Es ist wie im finnischen
Schulsystem: Eine Gesellschaft braucht Freiräume des Unkonkreten,
Orte für Spaß und Orte, an denen leidenschaftliche Arbeit
allein der Leidenschaft wegen gefördert wird. Klar, man könnte
eine Aufführung von Beethovens Neunter Sinfonie als ebenso
sinnlos empfinden wie Steuergelder, mit denen das Training
einer Leistungs kanutin gefördert wird. Aber wer so argumentiert,
glaubt auch, dass Schule darin besteht, in möglichst geringer Zeit
möglichst viel Wissen zu anzuhäufen, dass die Liebenswürdigkeit
einer Stadt allein durch die Sauberkeit ihrer Straßen entschieden
wird, dass eine gute Gesellschaft darin besteht, fleißig zu sein,
dass Kreativität, Unterhaltung oder Neudenken keine Standortfaktoren
sind.
Liebe Bonner Sportsfreunde, die Attacke gegen das Beethoven
Orchester und die kulturellen Einrichtungen eurer Stadt ist vielleicht
kein rotwürdiges Foul, aber es war eine unglaublich dumme
Kampfansage! An unseren Schulen sehen wir bereits, welche Auswirkungen
Bildung mit Verzicht auf Sport und Kultur hat: Zwischenmenschliche
Tugenden und Leistungsförderungen wie Aufmerksamkeit,
Zuhören, Kreativität und Ehrgeiz gehen verloren.
Der Verlust von Kultur und Sport bedeutet für eine Stadt Standortnachteile!
Ich weiß nicht, ob es hilft, dass diese Kolumne in einer
Musikzeitschrift steht, wenn sie doch eigentlich die Sportler erreichen
soll. Aber Sport und Musik schließen einander nicht aus, also,
liebe sportliche Musiker und musische Sportler: Lassen wir uns
nicht instrumentalisieren und gegeneinander ausspielen – wir sind
ein Team. Und haben das gleiche Motiv: unsere Leidenschaft! ■
41

R Ä T S E L
& C R E S C E N D O L I V E
GEWINNSPIEL
Wer verbirgt sich hinter diesem Text?
Das Foto stammt aus meinem dritten Leben …
Geboren wurde ich 2637 vor Christus. Zum zweiten Mal lebte ich in
der Zeit Alexanders des Großen. Bei dessen Beerdigungszeremonie
in Babylon im Jahr 323 vor Christus habe ich sogar im Begräbnis-
Orchester mitgespielt. Und zum dritten Mal geboren bin ich im Jahr
1905 in Ligurien als ein Conte di Ayala Valva. Als mir im Alter gelegentlich
das Bein wehtat, lag das an einer uralten Verletzung, die ich
vor Tausenden von Jahren als Krieger erlitten habe. Ja, ich glaube an
die Wiedergeburt. Man nennt mich auch einen Meister der Desinformation,
mein Leben ist ein großes Geheimnis. Journalisten, die
Fragen zu meiner Biografie stellen, mag ich grundsätzlich nicht.
Ab 1929 habe ich komponiert, vor allem Klavierstücke. In
Rom habe ich Konzerte mit zeitgenössischer Musik veranstaltet. Als
das Mussolini-Regime die Werke Schönbergs und anderer jüdischer
Komponisten verbot, ging ich ins Ausland. 1944 schrieb ich
mein erstes Streichquartett, ein hochkomplexes Zwölftonstück.
Nach einer seelischen Krise inklusive psychiatrischer Behandlung
war ich als Komponist völlig verändert. Ich wurde krank, weil ich zu
viel nachdachte. Jetzt denke ich nicht mehr. Seit 1952 kreisen die
Musikstücke um einen Ton, eine Tonachse, ein tonales Zentrum.
Ich war gar kein Komponist mehr, sondern nur ein Medium der
Klangenergie. In meinem Nachlass fanden sich beinahe 1.000
bespielte Tonbänder. Erst 2010 wurden die Archive geöffnet, die
Bänder sind inzwischen immerhin digitalisiert.
KH
FOTO: FONDAZIONE ISABELLA SCELSI
HINTER
DEN KULISSEN!
Treffen Sie mit CRESCENDO
Künstler und Gleichgesinnte.
Dass das Prinzregententheater in München nach Prinzregent
Luitpold benannt wurde, wussten Sie? Vielleicht auch, dass der
von 1900 bis 1901 errichtete Bau von dem zu dieser Zeit
äußerst erfolgreichen Architekten Max Littmann entworfen
wurde? Littmann orientierte sich damals am Richard-Wagner-
Festspielhaus in Bayreuth und übernahm beispielsweise den
amphitheatralischen Zuschauerraum. Aber hätten Sie auch
gewusst, dass sich die Bühne über eine Fläche von 29 mal
23 Metern erstreckt und damit insgesamt auf eine Fläche von
667 Quadratmetern inklusive „abtrennbarer Hinterbühne“?
Und hinter diese Kulissen, vor denen einst Werke von Orff
und Hindemith uraufgeführt worden sind, haben CRESCENDO
Leser die Chance zu blicken: am 20. Februar.
Wenn es nämlich heißt „Mittwochs um halb acht“, dann wird
diese Veranstaltung des Münchner Rundfunkorchesters vom
Magazin CRESCENDO in Kooperation mit dem Rundfunkorchester
präsentiert. Das heißt: Exklusivleistungen für seine
Leser! Karten in der besten Kategorie, eine Backstage-Führung
vorab und Künstlergespräche in der CRESCENDO Lounge im
Gartensaal.
Bevor der junge Geiger Sandro Roy, Multitalent und Grenzgänger
zwischen den Genres, das Publikum auf eine Reise
„Gypsy goes Classic“ mitnimmt, werden CRESCENDO Leser
backstage geführt, also hinter die Kulissen des Prinzregententheaters.
Anschließend ist noch etwas Zeit für einen kurzen
Plausch mit anderen Lesern und den Künstlern in der
CRESCENDO Lounge im Gartensaal des Prinzregententheaters.
Das Konzert beginnt um 19.30 Uhr.
Im Anschluss sind Sie herzlich in die CRESCENDO Lounge
im Gartensaal eingeladen, wo wir Sie mit einem Getränk empfangen
– ohne Anstehen! Hier können Sie sich mit anderen
CRESCENDO Lesern austauschen und das Team von
CRESCENDO treffen. Später haben Sie zudem die Gelegenheit,
einige Künstler des Abends persönlich kennenzulernen.
www.crescendo.de/live (weitere Termine 10.4. und 8.5.2019)
RÄTSEL LÖSEN UND
EINE CD-BOX GEWINNEN!
Wer ist hier gesucht? Wenn Sie
die Antwort kennen, dann nehmen
Sie an der Verlosung teil unter
www.crescendo.de/mitmachen.
Diese CD-Box können Sie gewinnen:
„Bernard Haitink: Portrait“
(BR Klassik). Einsendeschluss ist der 28.02.2019. Gewinner unseres
letzten Gewinnspiels ist Thomas Duppe aus Homburg. Die Lösung war
Johann Peter Abraham Schulz.
Nette Leute treffen, gute Musik hören – CRESCENDO-Verleger
Winfried Hanuschik mit der Sängerin Anna Bonitatibus
FOTOS: FONDAZIONE ISABELLA SCELSI; PRIVAT
42 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019

ERLEBEN
Die wichtigsten Termine und Veranstaltungen im Januar und Februar im Überblick (ab Seite 44)
Das London Symphony Orchestra und Sir Simon Rattle bei der musica viva (Seite 50)
Ute Lemper ist Artist-in-Residence beim Kurt Weill Fest in Dessau (Seite 54)
28. Februar bis 26. Mai, Frankfurt am Main
GETRIEBEN
VON FURCHT UND
VERLANGEN
Ein Flur mit Türen, die sich zu weiteren Fluren mit Türen
öffnen, ein Krokodil, das sich lässig eine Zigarette anzündet,
ein Mann, der Scheren und Metallwerkzeuge unter
seinem Mantel trägt – dazu elektronisch generierte und
verzerrte Klänge, die die Absurdität und Unheimlichkeit
der Szene um eine weitere Dimension steigern: One
Need Not Be a House, The Brain Has Corridors – die
jüngste Arbeit des schwedischen Künstlerpaares Nathalie
Djurberg und Hans Berg, deren Titel die Zeile eines
Gedichts der amerikanischen Poetin Emily Dickinson
aufgreift, führt den Betrachter durch skurrile Traum- und
Erinnerungswelten. Seltsame Figuren befinden sich an
abgegrenzten Orten, im Wald, in einer Höhle, in einem
Raum, und sie werden getrieben von Furcht und Verlangen.
Seit 2004 arbeiten die beiden zusammen. 2009 wurden
sie für ihre Rauminstallation The Experiment auf der
Biennale in Venedig mit dem Silbernen Löwen ausgezeichnet.
In einem umfangreichen Überblick unter dem
Titel A Journey Through Mud and Confusion with Small Glimpses
of Air wird ihr Werk erstmals in Deutschland vorgestellt.
Zu sehen sind rund 40 Video- und Soundarbeiten
der letzten beiden Jahrzehnte, darunter das frühe Video
Tiger Licking Girl’s Butt, großformatige Rauminstallationen
wie The Potato und The Parade, zahlreiche Skulpturen und
ihre erste Virtual-Reality-Arbeit It Will End in Stars aus
dem Jahr 2018.
Frankfurt am Main, Schirn Kunsthalle, www.schirn.de
Nathalie Djurberg und Hans Berg: Szene aus
dem Stopp-Motion-Film „Worship“, 2016
FOTO: DAVID NEMAN
43

E R L E B E N
Februar / März 2019
DIE WICHTIGSTEN
VERANSTALTUNGEN AUF
EINEN BLICK
Ihr persönlicher Navigator für Premieren, Konzerte und Festivals
PREMIEREN
2.2. AUGSBURG THEATER
Werther / Jules Massenet
2.2. CHEMNITZ THEATER
Die Zauberflöte / W. A. Mozart
2.2. DARMSTADT STAATSTHEATER
Kiss Me Kate / Cole Porter
2.2. ESSEN AALTO-MUSIKTHEATER
Otello / Giuseppe Verdi
2.2. WUPPERTAL BÜHNEN
Play Europeras 1 & 2 / J. Cage
3.2. HAMBURG STAATSOPER
Orphée et Euridice / Chr. W. Gluck
3.2. NÜRNBERG STAATSTHEATER
Rusalka / Antonín Dvořák
3.2. ZÜRICH (CH) OPERNHAUS
Le Grand Macabre / György Ligeti
8.2. BASEL (CH) THEATER
Der Kaiser von Atlantis / Viktor Ullmann
8.2. ERFURT THEATER
Der Zauberer von Oz / P. Valtinoni
9.2. DORTMUND THEATER
Turandot / Giacomo Puccini
9.2. HEIDELBERG THEATER
Benjamin / Peter Ruzicka
9.2. KAISERSLAUTERN PFALZ-
THEATER Jenůfa / Leoš Janáček
9.2. OSNABRÜCK PFALZ THEATER
Bauhaus / Mary Wigman, Edward Clug
9.2. WIEN (AT) STAATSOPER
Lucia di Lammermoor / G. Donizetti
10.2. AACHEN THEATER
Trouble in Tahiti und A Quiet Place /
Leonard Bernstein
10.2. GIESSEN STADTTHEATER
Königskinder / Engelbert Humperdinck
10.2. MANNHEIM NATIONAL-
THEATER Der gute Ehemann / Georg
Anton Benda und Herzog Blaubarts
Burg / Béla Bartók
10.2. WIEN (AT) VOLKSOPER
Porgy and Bess / George Gershwin
15.2. KARLSRUHE BADISCHES
STAATSTHEATER
Serse / Georg Friedrich Händel
15.2. LUDWIGSHAFEN THEATER
IM PFALZBAU
Die Hochzeit des Figaro / W. A. Mozart
16.2. FREIBURG THEATER
Hulda / César Franck
16.2. HANNOVER STAATSOPER
Fausts Verdammnis / Hector Berlioz
16.2. REGENSBURG THEATER
Gefährliche Liebschaften / Yuki Mori
9. und 10. März, Wuppertal und Leverkusen
FRAGEN NACH DEM
MENSCHLICHEN SEIN
Solitude-Chor Stuttgart
Der Holocaust habe ihn tief in seiner Seele getroffen, erklärt der
kanadische Komponist Zane Zalis. Je mehr er über das Geschehen
nachgedacht und mit anderen darüber gesprochen habe, desto
deutlicher sei ihm geworden, dass er darüber schreiben müsse.
Dabei waren es allgemeine Fragen nach dem menschlichen Sein,
und was es bedeutet, wenn Menschen einander Derartiges antun,
die ihn umtrieben. Er hatte den Wunsch, eine emotionale Verbindung
zur Vergangenheit herzustellen, und suchte nach einer Darstellungsweise,
die nachfühlbar machen könnte, wie dieses entsetzliche
Ereignis der menschlichen Geschichte sich für jene angefühlt
hat, die sich mittendrin befanden – Opfer wie Täter. Fünf
Jahre verbrachte er damit nachzudenken, zu lesen und Gespräche
zu führen. Auf diesem Wege entstand ein gewaltiges Werk. Von
Bach über Wagner bis zu zeitgenössischem Jazz und elektronischer
Musik erstreckt sich Zalis’ musikalische Palette. I Believe – A Holocaust
Oratorio for Today ist eine vielfältige und emotional überwältigende
Komposition für Orchester, Chöre und Solisten. An der
Aufführung wirken die Sopranistin Kelsey Cowie, der Tenor Jean-
Pierre Ouellet und der Bassist Marko Zeiler sowie der Solitude-
Chor Stuttgart, der Chor der Konzertgesellschaft Wuppertal und
der Leverkusener Kinder- und Jugendchor mit. Es spielen die
Bayer-Philharmoniker unter Bernhard Steiner. Sprecher ist Stefan
Müller-Ruppert.
Wuppertal, Historische Stadthalle, 9.3., Leverkusen, Erholungshaus, 10.3.,
www.kultur.bayer.de
FOTO: HAWA, MATERIAL DER STAATSOPER ŁÓDŹ
16.2. WIEN (AT) THEATER AN DER
WIEN Elias / F. Mendelssohn Bartholdy
17.2. BERLIN STAATSOPER
Die Zauberflöte / W. A. Mozart
17.2. HAMBURG STAATSOPER
All Our Yesterdays / John Neumeier
17.2. MANNHEIM NATIONAL-
THEATER Orpheus in der Unterwelt /
Jacques Offenbach
17.2. MÜNSTER THEATER
Das Tagebuch der Anne Frank / G. Frid
22.2. DESSAU ANHALTISCHES THEA-
TER Im weißen Rössl / Ralph Benatzky
22.2. HALLE OPER
Ariadne auf Naxos / Richard Strauss
22.2. STUTTGART OPER
One of a Kind / Jiři Kylián
23.2. BRAUNSCHWEIG STAATSTHE-
ATER Die lustige Witwe / Franz Lehár
23.2. COTTBUS STAATSTHEATER
Frau Luna / Paul Lincke
23.2. NÜRNBERG STAATSTHEATER
Così fan tutte / W. A. Mozart
24.2. BERN (CH) THEATER
Lotario / G. F. Händel
24.2. ESSEN AALTO-MUSIKTHEATER
Der Ring an einem Abend / Richard
Wagner, Vicco von Bülow
24.2. FRANKFURT AM MAIN OPER
Dalibor / Bedřich Smetana
24.2. GERA LANDESTHEATER ALTEN-
BURG Oedipe / George Enescu
24.2. HAMBURG STAATSOPER
The World of John Neumeier
1.3. GELSENKIRCHEN
MUSIKTHEATER IM REVIER
Eugen Onegin / Peter I. Tschaikowsky
1.3. GELSENKIRCHEN
MUSIK THEATER IM REVIER
Big Fish / Andrew Lippa und John Appelt
2.3. CHEMNITZ THEATER
Drachenherz / Wolfgang Böhmer
2.3. SALZBURG (AT) LANDESTHEA-
TER Der Prozess / Philip Glass
3.3. HILDESHEIM THEATER FÜR
NIEDERSACHSEN
Die Prinzessin von Trapezunt /
Jacques Offenbach
8.3. DRESDEN SEMPEROPER
Die verkaufte Braut / Bedřich Smetana
8.3. GERA LANDESTHEATER
Die Passagierin / Mieczysław Weinberg
8.3. LUDWIGSHAFEN THEATER
IM PFALZBAU
Das Land des Lächelns / Franz Lehár
8.3. LÜBECK THEATER
A Quiet Place / Leonard Bernstein
44 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019

FOTOS: ROLAND UNGER; BERNHARD SCHMIDT; CITY OF ABSTRACT; MARCO BORGGREVE; ACHIM REISSNER; VOYAGER QUARTET; SEBASTIAN STOLZ, FILMWILD.DE; FELIX BROEDE; YAN REVAZOV; THOMAS GROPPER; DEBORAH O‘GRADY; KAI BIENERT
12. und 14. Februar
BERLIN
MUSIK AN DER HUMBOLDT-UNIVERSITÄT
Mit Gustav Mahlers gewaltiger Achter Sinfonie
feiern die Musikensembles der Humboldt-
Universität Jubiläum. Vor 25 Jahren rief der
Universitätsmusikdirektor Constantin Alex
Humboldts Studentische Philharmonie und
Humboldts Philharmonischen Chor ins Leben.
Damit begründete er die Institution Musik an
der Humboldt-Universität. Mittlerweile vereint sie sechs Ensembles
unter ihrem Dach. Studierenden unterschiedlicher Fachrichtungen bietet
sie die Möglichkeit, gemeinsam zu musizieren, über ihr Fachstudium
hinaus Fähigkeiten zu entwickeln und Anschluss an Gleichgesinnte zu
finden. Zu den Jubiläumskonzerten kommen die beiden studentischen
Sinfonieorchester sowie die beiden großen Chöre zusammen. Als Gäste
wirken Solisten sowie der Rundfunk-Kinderchor Berlin und der Kinderchor
„Georg-Friedrich-Händel“ mit. Am Pult steht Constantin Alex.
Berlin, Philharmonie, 12.2., Konzerthaus, 14.2.,
www.musikundmedien.hu-berlin.de/de/umd
9. März
BERLIN BABYLON
Es war die Frage, ob Babylon nicht doch mehr
gewesen sei als Hurerei und Sprachverwirrung,
die Jörg Widmann (Foto) umtrieb und ihn 2012
zu seiner Oper Babylon anregte. Der Philosoph
Peter Sloterdijk verfasste ihm dazu ein gedankenschweres
Libretto. Jetzt hat Widmann das
Werk überarbeitet. Da die babylonische Sprachverwirrung
im Libretto nicht vorkomme, passiere sie in der Musik,
ebenso der Turmbau zu Babel. „Der Bau der Partitur entspricht der
Form einer Zikkurat, also dem Babelturm“, erläutert Widmann. Bis zum
siebten Bild hin verjünge sich das Werk immer mehr. So werde der Turm
in der Musik gebaut. Die Uraufführung der Neufassung leitet Daniel
Barenboim. Die Inszenierung übernimmt Andreas Kriegenburg. Als Jude
Tammu ist Charles Workman zu erleben. Die Seele ist Mojca Erdmann.
Die Partie der Inanna singt Susanne Elmark, und als Priesterkönig steht
John Tomlinson auf der Bühne.
Berlin, Staatsoper Unter den Linden, 9. (Premiere), 11., 20., 22. und 24.3.,
www.staatsoper-berlin.de
8. März
MEININGEN SCHLOSS DÜRANDE
Othmar Schoeck war der erste Schweizer Komponist,
der außerhalb seines Landes Beachtung
errang. Nach dem Zweiten Weltkrieg stieß seine
spätromantische Ästhetik zwar auf wenig
Resonanz. In den 1980er-Jahren aber wurden
einzelne seiner Werke wiederentdeckt. Schloss
Dürande komponierte Schoeck nach einer
Novelle von Joseph Eichendorff, die ihm 30 Jahre zuvor Hermann Hesse
empfohlen hatte. Sie handelt von der Liebe des Grafen Armand Dürande
zu Gabriele, der Schwester seines Waldhüters Renald. Da dieser jedoch
der Reinheit seiner Liebe misstraut, schließt er sich den Revolutionären
an, stürmt das Schloss und erschießt Armand und seine Schwester. Als er
erkennt, wie unrecht er hatte, legt er Feuer an den Pulverturm und
kommt in der gewaltigen Explosion, die das ganze Schloss zerstört, ums
Leben. Mit dem Libretto wurde der deutsche, dem Nationalsozialismus
anhängende Dichter und Dramatiker Hermann Burte beauftragt. Der
sagte auch zu, wollte jedoch den Schluss ändern: „Ein happy end ist als
Wirkung einem killing around vorzuziehen: Hochzeitsmarsch angenehmer
als Trauermarsch.“ Schoeck aber blieb fest: „Der Stoff ist unbedingt
tragisch.“ Die Uraufführung erfolgte am 1. April 1943 mitten im
Krieg in Berlin. Das Publikum war begeistert. Die Explosion des Schlosses
am Ende gelang so realistisch, dass sie für einen Bombeneinschlag gehalten
wurde. Der große Erfolg blieb dennoch aus, und nach dem Krieg
geriet die Oper in Vergessenheit. In einem Projekt der Hochschule der
Künste und der Universität Bern wurde nun das nationalsozialistisch geprägte
Libretto restauriert und durch Originaltexte von Joseph Eichendorff
ergänzt. Am Pult steht Philippe Bach. Die Inszenierung mit Ondrej
Šaling (Foto) als Armand übernimmt Ansgar Haag.
Meiningen, Staatstheater, 8. (Premiere), 10., 16. und 29.3., 28.4., 8. und 7.5., 27.
und 30.6. sowie 6.7., www.meininger-staatstheater.de
Ab 5. Februar
ESSEN WILLIAM FORSYTHE
„Ich bin ein Künstler, der im Medium der Choreografie
arbeitet“, erklärt William Forsythe. Von
1984 bis 2009 war er Ballettdirektor des Frankfurter
Balletts. 2005 bis 2015 leitete er die von
ihm gegründete Forsythe Company. 2019 begeht
er seinen 70. Geburtstag, und das Museum
Folkwang feiert ihn das ganze Jahr über. Im Februar
zeigt es im Foyer die interaktive Videoarbeit City of Abstracts (Foto).
Im Frühsommer sind Human Writes Drawings zu sehen, großformatige
Papierarbeiten, die Forsythes choreografische Auseinandersetzung mit
den Menschenrechten ins Genre der Zeichnung übertragen. Im Sommer
installiert Forsythe Aviariation. Das Werk, dessen Titel eine Kombination
aus dem englischen Wort „aviary“ (Voliere) und Variation ist, verwandelt
die Bäume in einem der Lichthöfe des Museums in ein choreografisches
Naturtheater. Und im November gibt es im Rahmen von „100 Jahre Bauhaus
im Westen“ das Projekt Acquisition mit zwei Tänzern zu sehen.
Essen, Museum Folkwang, www.museum-folkwang.de
14. Februar
FRANKFURT AM MAIN
RHAPSODY IN CONCERT
Sich alle Freiheiten zu nehmen, um Geschichten
zu erzählen – das ist die Idee der musikalischen
Gattung Rhapsodie. Die Künstler-Initiative
Rhapsody in School greift diese Idee auf. Über
400 Musiker besuchen in ihrem Rahmen Schulen
und erzählen von ihrer Musik und ihren Instrumenten.
Die Konzertreihe „Rhapsody in Concert“
stellt diese Musiker in Konzerten vor. In der Alten Oper Frankfurt
unternehmen die Pianistin und Rhapsody-Botschafterin Annika Treutler,
der Hornist Felix Klieser, Miljenko Turk, Bariton an der Kölner Oper und
Mitbegründer von „Rhapsody goes Opera“, mit dem Quintett Spark und
dem Signum Saxophone Quartet einen Streifzug durch Rhapsodien vom
18. Jahrhundert bis in die Gegenwart. Moderiert wird der Abend von
Schülern, die sich zuvor im Rahmen eines Projekts intensiv mit den Werken
befassten.
Frankfurt am Main, Alte Oper, www.rhapsody-in-school.de
9. Februar
MÜNCHEN NEBENSONNEN
Als Franz Schubert im Herbst 1827 seinen
Freunden die Vertonung des Liederzyklus
Winterreise auf dem Klavier vorspielte, waren sie
erschüttert. Helle Töne fehlten darin komplett.
Andreas Höricht, Bratschist des Voyager
Quartets, hat 12 der 24 Liedkompositionen
Schuberts aus dem Zyklus für sein Streichquartett
arrangiert. Nebensonnen nach dem Titel des 23. Liedes haben
die Violinis ten Nico Christians und Maria Krebs, der Cellist Klaus Kämper
und Andreas Höricht, die 2014 zum Quartett zusammenfanden, den
Abend überschrieben. Beethovens Streichquartett Nr. 14 cis-Moll,
op. 131 widmen sie den zweiten Teil. Es gehört zu den späten, dunklen
Quartetten Beet hovens. Wagner sah darin das „Schwermütigste“, was je
in Tönen ausgesagt wurde. Allein George Bernard Shaw rühmte gerade
die späten Quartette als die schönen, „geradlinigen, unprätentiösen,
vollkommen verständlichen“.
München, Allerheiligen-Hofkirche, www.voyagerquartet.de
45

E R L E B E N
20. Februar, München
BEEINDRUCKENDE KUNSTFERTIGKEIT
Sandro Roy
FOTO: SANDRO ROY
Der Geiger Sandro Roy entstammt einer Sinti-Familie. Bewundert als
Musiker, sind Sinti und Roma in Europa als Menschen allzu oft ausgegrenzt.
Durch wirtschaftliche und soziale Umstände zum Wanderdasein
gezwungen, hat der Musikerberuf eine lange Tradition bei ihnen.
So spielten sie in den jeweiligen Gastländern für die Angehörigen des
Mehrheitsvolkes – und zwar deren Musik. Eine ungeheure Vielfalt an
Musikstilen schufen sie dadurch, und mit beeindruckender Kunstfertigkeit
verstanden sie es, jedem Musikstück ihren Stempel aufzudrücken.
Sandro Roy stellt Werke von Sinti- und Roma-Musikern vor wie Hejre
Kati des ungarischen Komponisten und Violinisten János Bihari, den
auch Beethoven und Liszt bewunderten, Hora mărțișorului des rumänischen
Komponisten und Violinisten Grigoraș Dinicu oder Minor
Swing des legendären Django Reinhardt. Darüber hinaus kommen
Werke von George Enescu, Vittorio Monti, Pablo de Sarasate sowie
des Filmkomponisten Miklós Rózsa zur Aufführung. Deutlich wird der
überwältigende Einfluss der Sinti- und Roma-Musiker auf das europäische
Musikschaffen. Das Konzert „Gypsy goes Classic“, geleitet von
Henry Raudales und moderiert von Antonia Goldhammer, ist Teil der
Reihe „Mittwochs um halb acht“ des Münchner Rundfunkorchesters.
Das Magazin CRESCENDO präsentiert es in Kooperation mit dem
Rundfunkorchester und bietet Exklusivleistungen für seine Leser:
Karten in der besten Kategorie, eine Backstage-Führung vorab und
Künstlergespräche in der CRESCENDO-Lounge im Gartensaal.
München, Prinzregententheater, www.crescendo.de/live
1. März
BERLIN LA SYLPHIDE
La Sylphide bildet einen Meilenstein in der Geschichte
des klassischen Balletts. Die Choreografie
Filippo Taglionis folgt einem Libretto über
die unerfüllte Liebe eines schottischen Landjunkers
zu einer Sylphide, einem geflügelten
Geis terwesen. Taglionis Tochter Maria, die bei
der Uraufführung an der Pariser Oper 1832
die Sylphide tanzte, verhalf dem Spitzentanz zur Durchsetzung. Der
Kostümbildner Eugène Lami schuf mit dem weißen, durchschimmernden
Knierock das fortan typische Ballettkostüm. Und das in weiße Tutus gekleidete
Corps de ballet, das die im Wald leichtfüßig dahinschwebenden
Sylphiden darstellte, wurde zum Modell des Ballet blanc. Überliefert ist
La Sylphide in einer Fassung, die August Bournonville 1836 am Königlichen
Theater in Kopenhagen schuf. Frank Andersen, jahrelanger Leiter des
Königlich Dänischen Balletts und Bournonville-Spezialist, hat diese Fassung
rekonstruiert, und das Staatsballett Berlin erweckt sie zu Herman
Severin LØvenskiolds Musik zum Bühnenleben.
Berlin, Deutsche Oper, 1. (Premiere), 3., 12., und 22.3., 4., 22. und 26.4. sowie 26.
und 31.5., www.staatsballett-berlin.de
9. März
KOBLENZ DOCTOR ATOMIC
Während des Zweiten Weltkriegs bereiteten
in der Wüste New Mexicos Wissenschaftler,
Regierungsbeamte und Militärs die Tests einer
Atombombe vor. Am 6. und 9. August 1945
wurde sie auf Hiroshima und Nagasaki geworfen.
John Adams (Foto) nahm jenes Manhattan-
Projekt zum Sujet seiner Oper Doctor Atomic, zu
der Peter Sellars das Libretto verfasste. Zu Beginn trägt ein Chor Albert
Einsteins Formel E = mc 2 als apokalyptischen Chor des Schreckens vor.
Der erste Akt spielt 1945, etwa einen Monat vor den ersten Tests in der
Wüste. Dabei geht es Adams vor allem darum, die Charaktere der Beteiligten
auszuleuchten und ihre Zweifel, Ängste und Anspannung in der
Musik zum Ausdruck zu bringen. Tatsächlich wussten die Physiker damals
nicht, wie die Tests ausgehen würden. Die Aufführung in Koblenz wird
musikalisch von Enrico Delamboye geleitet. Die Inszenierung mit Andrew
Finden als J. Robert Oppenheimer, Jongmon Lim als Edward Teller und
Ilkka Vihavainen als General Leslie Groves besorgt Markus Dietze.
Koblenz, Theater, 17., 28. und 30.3., 7.4., 5. und 24.5. sowie 5., 18. und 20.6.,
www.theater-koblenz.de
46 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019

FOTOS: ROLAND UNGER; BERNHARD SCHMIDT; CITY OF ABSTRACT; MARCO BORGGREVE; ACHIM REISSNER; VOYAGER QUARTET; SEBASTIAN STOLZ, FILMWILD.DE; FELIX BROEDE; YAN REVAZOV; THOMAS GROPPER; DEBORAH O‘GRADY; KAI BIENERT
9.3. KASSEL STAATSTHEATER
Die Walküre / Richard Wagner
9.3. KIEL THEATER
Die Frau ohne Schatten / R. Wagner
9.3. LÜNEBURG THEATER
Der Rosenkavalier / Richard Strauss
9.3. MAINZ STAATSTHEATER
Avis de Tempête / Georges Aperghis
9.3. WIEN (AT) VOLKSOPER
Der fliegende Holländer / R. Wagner
10.3. BONN THEATER
Elektra / Richard Strauss
10.3. HAMBURG STAATSOPER
Nabucco / Giuseppe Verdi
10.3. KÖLN OPER
Rusalka / Antonín Dvořák
13.3. BERLIN STAATSOPER
Schneewittchen / Wolfgang Mitterer
14.3. BERN (CH) THEATER
Humanoid / Leonard Evers
10. Februar, München
KÜNSTLER
LEIF OVE ANDSNES
7., 8.2. Frankfurt am Main, Alte Oper
22.2. Berlin, Konzerthaus
10.3. Essen, Alfried Krupp Saal der
Philharmonie
BENJAMIN APPL
17.2., 2., 8. und 9.3. Hamburg,
Staatsoper
24.2. Münster, Theater
26.2. Dortmund, Konzerthaus
10.3. Hitzacker, Verdo
SALEEM ASHKAR
21.2. Duisburg, Lehmbrück Museum
23.2. Garmisch-Partenkirchen,
Kongresshaus
EIN MENSCH VOLLER
UNENTSCHLOSSENHEIT
Bo Skovhus
Karl V. ist das erste Werk, in dem Ernst Krenek die Zwölftontechnik
anwandte. Clemens Krauss, der Direktor der Wiener Staatsoper,
hatte ihn 1930 beauftragt, eine Oper zu schreiben. Krenek wählte
den römisch-deutschen Kaiser, der für ihn zu jenen „problematischen,
dunklen Gestalten“ gehörte, die ihn schon immer anzogen,
„ein Mensch voller Zweifel und großer Unentschlossenheit“. Die
Tatsache, dass er beispiellose Macht ausübte und sie aufgab, um
seine letzten Tage in einem entlegenen spanischen Kloster zu verbringen,
faszinierte ihn. Krenek sah in dem Kaiser „einen der letzten
Repräsentanten der mittelalterlichen Vorstellung von Universalität“.
Nach einem Jahr mühseliger Recherchen erarbeitete er sein Libretto,
in dem der sterbende Kaiser im Kloster von San Juste dem jungen
Mönch Juan de Regla sein Leben erzählt. Krenek entwickelte seine
eigene Interpretation der Geschichte. Denn er wollte ein politisches
Drama schaffen. Zu einer Aufführung in Wien kam es allerdings
nicht, denn Krenek musste emigrieren. Erst nach dem Zweiten
Weltkrieg fand das Werk seine Anerkennung. An der Bayerischen
Staatsoper setzt die Theatergruppe Carlus Padrissa – La Fura dels
Baus es in Szene. Erik Nielsen dirigiert. Die Titelpartie übernimmt
Bo Skovhus (Foto).
München, Nationaltheater, 10. (Premiere), 13., 16., 21. und 23.2. sowie
14.7., www.staatsoper.de
FOTO: ROLAND UNGER
14. Februar 2019
Die Luft, in der ich atme
Das Künstlerpaar Clara und
Robert Schumann im Portrait
Fatma Said (Sopran)
Malcolm Martineau (Klavier)
Jutta Speidel (Rezitation)
21. Juni 2019
Meisterpianist
Franz Liszt:
„Années de pèlerinage“
(Auszüge)
Louis Lortie (Klavier)
www.kunstklang-feuchtwangen.de
Kartentelefon 09852 904-44
C-MOLL-MESSE
WOLFGANG AMADEUS MOZART
Sonntag, 17. März 2019, 20.00 Uhr
München, Herkulessaal der Residenz
Solisten
Chor und Symphonieorchester der Bayerischen Philharmonie
Mark Mast Dirigent
www.bayerische-philharmonie.de
Karten: 59 / 49 / 39 / 32 / 24 €, ermäßigt 50 %
Telefon +49 89 120 220 320 | info@bayerische-philharmonie.de | www.muenchenticket.de
Foto: Gisela Schenker
47

E R L E B E N
AURYN QUARTETT
6.2. Memmingen, Kreuzherrensaal
7.2. Stuttgart, Liederhalle
9.2. München, Max-Joseph-Saal
17.2. Wiesbaden, Herzog-Friedrich-
August-Saal
AVI AVITAL
10.2. Berlin, Konzerthaus
11.2. Bielefeld, Rudolf-Oetker-Halle
12.2. Düsseldorf, Tonhalle
13.2. Heidelberg, Stadthalle
16.2. Hannover, NDR Landesfunkhaus
17.2. Darmstadt, Staatstheater
19. u. 20.2. Hamburg, Elbphil harmonie
21.2. Wien (AT), Musikverein
22.2. Linz (AT), Brucknerhaus
24.2. Friedrichshafen, Graf-Zeppelin-H.
25.2. Schaffhausen (CH), Kirche
St. Johann
26.2. und 2.3. Zürich (CH),
Tonhalle Maag
27.2. Neumarkt, Reitstadel
Benjamin Appl
SERGEI BABAYAN
22., 24. und 25. 2. Düsseldorf, Tonhalle
2.3. Zürich (CH), Tonhalle Maag
4.3. Krün, Schloss Elmau
10.3. Frankfurt am Main, Alte Oper
14.3. Wien (AT), Konzerthaus
17.3. München, Prinzregententheater
CHRISTIAN BENNING
9.2. Dachau, Schloss
13.3. Bonn, Beethoven-Haus
YEFIM BRONFMAN
26.2. Köln, Philharmonie
28.2. München, Prinzregententheater
4.3. Berlin, Pierre Boulez Saal
KHATIA BUNIATISHVILI
23.2. Dresden, Kulturpalast
25.2. Berlin, Philharmonie
SEONG-JIN CHO
22.2. Köln, Philharmonie
23.2. Bielefeld, Rudolf-Oetker-Halle
6. bis 10. Februar, Zürich und Bürgenstock (CH)
FREMDHEIT
UND EINSAMKEIT
Das 7. Winterfestival in dem schweizerischen Bergkurort Bürgenstock
hoch über dem Vierwaldstädtersee widmet sich Franz Schuberts
ergreifendem Liederzyklus Winterreise. Ein Jahr vor seinem
Tod vertonte Schubert die Verse Wilhelm Müllers, die von der existenziellen
Fremdheit und Einsamkeit des Menschen auf Erden erzählen.
Unter der künstlerischen Leitung des Klarinettisten Andreas
Ottensamer und des Pianisten José Gallardio, die auch selbst zu den
Mitwirkenden zählen, werden die Lieder an fünf Konzertabenden
kombiniert mit neuen Arrangements der Lieder ohne Worte von Felix
Mendelssohn Bartholdy sowie Werken von Carl Maria von Weber,
Max Bruch, Johannes Brahms und Leoš Janáček. Als Sänger wurde
der Bariton Benjamin Appl (Foto) gewonnen. 1982 in Regensburg
geboren, studierte er an der Hochschule für Musik und Theater in
München, an der Juilliard School in New York sowie der Guildhall
School of Music in London und war der letzte Schüler von Dietrich
Fischer-Dieskau. Dessen Tradition lebendig fortführend, hat er sich
leidenschaftlich der Liedkunst hingegeben, die ihr Augenmerk auch
auf die Textausdeutung legt. Im Abschlusskonzert des Festivals gibt
es das neue Album der Bürgenstock Festival CD-Edition zu sehen.
Zürich und Bürgenstock (CH), Kaufleuten und Hotel Villa Honegg,
www.buergenstock-festival.ch
FOTO: UWE ARENS SONY CLASSICAL
16. Februar
DÜSSELDORF
SCHADE, DASS SIE EINE HURE WAR
Ein elisabethanisches Schauerdrama schuf der
Shakespeare-Zeitgenosse John Ford mit seiner
Tragödie ’Tis Pitty Shees a Whore. Inzest, Intrige
und Mord sind die Themen der Handlung, die
Ford allerdings mit psychologischem Gespür
gestaltet. Die geschwisterliche Liebe Giovannis
und Annabellas stellt er als schicksalhafte
Fügung dar, der sich die beiden nur zögernd beugen. Anno Schreier, geschätzt
für die Sinnlichkeit seiner Musik, nimmt das Drama zur Vorlage
seiner Oper Schade, dass sie eine Hure war. In der Uraufführung, dirigiert
von Lukas Beikircher und inszeniert von David Hermann, stehen Lavinia
Dames (Foto) und Jussi Myllys als Geschwisterpaar auf der Bühne.
Düsseldorf, Deutsche Oper am Rhein, 16. (Premiere), 23., und 27.2. sowie 8.,
10. und 17.3., www.operamrhein.de
16. und 23. März
BERLIN UND HAMBURG
SCHAROUN ENSEMBLE BERLIN
Mit einer Uraufführung feiert das Scharoun
Ensemble Berlin sein 35-jähriges Bestehen.
1983 wurde es von Mitgliedern der Berliner
Philharmoniker in der klassischen Orchesterbesetzung
mit Klarinette, Fagott, Horn, zwei
Violinen, Viola, Violoncello und Kontrabass gegründet.
Im Jubiläumskonzert stehen Arnold
Schönbergs Zweites Streichquartett sowie Sofia Gubaidulinas Hommage
à T. S. Eliot auf dem Programm, an deren Aufführung die Sopranistin
Rinnat Moriah mitwirkt. Außerdem gibt es das Oktett zu hören, das
George Benjamin, Composer-in-Residence der Berliner Philharmoniker,
nach seinen Studien bei Olivier Messiaen in Paris komponierte. Und zur
Uraufführung kommt ein neues Werk von Mark Andre.
Berlin, Kammermusiksaal der Philharmonie, 16.2., Hamburg, Kleiner Saal der
Elbphilharmonie, 23.2., scharoun-ensemble.com
21. Februar
MÜNCHEN WINTERREISE
Franz Schubert war der Schöpfer des lyrischdramatischen
Liedes. Wie keiner vor ihm
fügte er dichterischen Text, Melodien und stimmungsvolle
Begleitung zu einer Einheit. Gedanken
und Gefühle von Dichtern begegnen den
seinigen und lassen ergreifende Miniaturen des
Lebens entstehen. Eine der berührendsten
Liedkompositionen Schuberts ist die Winterreise. Immer wieder neu stellt
sich in ihr die Frage nach dem Sinn des Lebens. Der Bariton Thomas
Gropper und die Pianistin Maharani Chakrabarti, die seit über 15 Jahren
als Lied-Duo auftreten, bringen die 24 Lieder des Zyklus zur Aufführung.
München, Max-Joseph-Saal, www.muenchenticket.de
16. bis 23. Februar
BERLIN BRAHMS-PERSPEKTIVEN
Lange zögerte Johannes Brahms, ehe er sich auf
das „große Abenteuer“ einließ, eine Sinfonie zu
schreiben. Er sah es als eine „Sache von Leben
und Tod“ an. Erst im Alter von 43 Jahren legte
er nach zahlreichen Vorstudien seine Erste
Sinfonie vor. Robin Ticciati und das Deutsche
Symphonie-Orchester Berlin widmen sich in
einem Festival allen vier Brahms-Sinfonien. Unter dem Motto „Brahms-
Perspektiven“ spüren sie historischen Linien nach, die zu Brahms führen
und von ihm ausgehen. Zum Abschluss gibt es einen literarisch-musikalischen
Abend mit Klavierstücken und Briefen Brahms’.
Berlin, verschiedene Spielorte, www.dso-berlin.de
48 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019

FOTOS: MAX BRUNNERT; ROLAND UNGER; BERNHARD SCHMIDT; CITY OF ABSTRACT; MARCO BORGGREVE; ACHIM REISSNER; VOYAGER QUARTET; SEBASTIAN STOLZ, FILMWILD.DE; FELIX BROEDE; YAN REVAZOV; THOMAS GROPPER; DEBORAH O‘GRADY; KAI BIENERT
24.2. Berlin, Philharmonie
27.2. Wuppertal, Hist. Stadthalle
1.3. Zürich (CH), Tonhalle Maag
15.3. Frankfurt am Main, Alte Oper
LUCAS DEBARGUE
10., 11.2. Hamburg, Elbphil harmonie
17.2. München, Prinzregententheater
FAURÉ QUARTETT
16.2. Geseke, Rittergut Störmede
17.2. Marburg, Erwin-Piscator-Haus
23.2. Gschwend, Evangelische Kirche
SOL GABETTA
2.2. Freiburg, Konzerthaus
3.2. Frankfurt, Alte Oper
11.2. Rheinfelden (CH), Kurbrunnensaal
12.2. Vaduz (CH), Vaduzer Saal
14.2. Zürich (CH), Tonhalle Maag
15.2. Bern (CH), Kursaal
19.2. Winterthur (CH), Stadthaus
HÉLÈNE GRIMAUD
2.2. Mannheim, Rosengarten
3.2. Bremen, Die Glocke
6.2. Frankfurt am Main, Alte Oper
8.2. Düsseldorf, Tonhalle
MARTIN GRUBINGER
21.2. Frankfurt am Main, Alte Oper
24.2. Köln, Philharmonie
26.2. Wien (AT), Konzerthaus
28.2., 1.3. Berlin, Philharmonie
5.3. Hamburg, Elbphilharmonie
6.3. Düsseldorf, Tonhalle
7.3. Ludwigshafen, Feierabendhaus
8.3. Reutlingen, Stadthalle
9., 10.3. Hannover, Gr. Sendesaal
13., 14.3. Zürich (CH), Tonhalle Maag
FOTO: ASTRID ACKERMANN
BORIS GILTBURG
10.3. Hitzacker, Verdo
11.3. Magdeburg, Johanniskirche
JULIA HAGEN
6.3. Salzburg (AT), Großes Festspielh.
9.3. Aue, Kulturhaus
11.3. Annaberg-Buchholz, Eduard-von-
Winterstein-Theater
HILARY HAHN
28.2. Stuttgart, Liederhalle
1.3. Freiburg, Konzerthaus
3.3. Mannheim, Rosengarten
SIMON HÖFELE
3.2. Halle, Steintor-Varieté
11. bis 13.2. Schwerin, Mecklenburgisches
Staatstheater
17.2. Basel (CH), Casino
3.3. München, Prinzregententheater
16.3. Leipzig, Gewandhaus
DANIEL HOPE
12., 16.2. Dresden, Frauenkirche
10.3. Baden-Baden, Festspielhaus
12.3. Zürich (CH), Tonhalle Maag
15. bis 17.3. Berlin, Konzerthaus
MAXIMILIAN HORNUNG
2.2. Ludwigshafen, Pfalzbau
3.2. Northeim, Stadthalle
15.2. Grünwald, August Everding Saal
16.2. Donaueschingen, Donauhallen
17.2. Bonn, Trinitatiskirche
19.2. Köln, Deutschlandfunk
23.2. Freinsheim, Von-Busch-Hof
3., 4.3. Karlsruhe, Staatstheater
14., 15.3. Bremen, Glocke
16.3. Heidelberg, Stadthalle
2. März, München
LUISA IMORDE
7.2. Köln, Steinway Galerie
8.2. Bonn, Historischer Gemeindesaal
Bad Godesberg
13.2. Bremen, Die Glocke
15.2. Wels (AT), Klavierhaus
ARTHUR UND LUCAS JUSSEN
3.2. Oldenburg, Staatstheater
12.2. Heidelberg, Alte Aula
JONAS KAUFMANN
7.2. Berlin, Philharmonie
10.2. Frankfurt, Alte Oper
14.2. München, Philharmonie
17.2. Hannover, Kuppelsaal
KLANGFORUM WIEN
6., 8.2. Stuttgart, Theaterhaus
15.2. Graz (AT), Helmut List Halle
22., 23.2. Wien (AT),
MuseumsQuartier
4.3. Wien (AT), Konzerthaus
9.3. München, Allerheiligen-Hofkirche
JAN LISIECKI
1.2. Essen, Philharmonie
4.2. Hamburg, Elbphilharmonie
5.2. Frankfurt am Main, Alte Oper
6.2. Düsseldorf, Tonhalle
7.2. Nürnberg, Meistersingerhalle
8.2. Hannover, Congress Zentrum
ALICE SARA OTT
19.2. Berlin, Philharmonie
20.2. München, Philharmonie
27.2. bis 1.3. Salzburg (AT)
Felsen reitschule
8.3. Wien (AT), Musikverein
11.3. St. Pölten (AT), Festspielhaus
SANDRO ROY
3.3. Augsburg, Brechthaus
MARIA SOLOZOBOVA
3.2. München, Prinzregententheater
2.3. Ulm, Haus der Begegnung
3.3. Zürich (CH), Tonhalle Maag
4.3. München, Herkulessaal
MARTIN STADTFELD
2.2. München, Prinzregententheater
3.2. Berlin, Kammermusiksaal der
Philharmonie
17.2. Delmenhorst, Theater
24.2. Frankfurt am Main, Holzhausenschlösschen
9.3. Boppard, Stadthalle
STEFAN ZWEIG TRIO
27.2. Berlin, Konzerthaus
4 TIMES BAROQUE
3.2. Magdeburg, Gesellschaftshaus
5.2. Erlangen, Wohnstift Rathsberg
ANNIKA TREUTLER
25.2. Dortmund, Konterhaus
10.3. Friedrichshafen, Kiesel im k42
DANIIL TRIFONOV
9., 23.2. Wien (AT), Musikverein
12.2. München, Herkulessaal
14.2. Hamburg, Elbphilharmonie
21.2. Berlin, Philharmonie
VOGLER QUARTETT
10.2. Neubrandenburg, Alte Gießerei
20.2. Fürth, Stadttheater
2. bis 7.3. Kassel, Nordhessische
Kammermusiktage
16.3. Berlin, Konzerthaus
STABAT MATER VON DVOŘÁK UND ĽUBICA ČEKOVSKÁ
Chor des
Bayerischen Rundfunks
Antonín Dvořák liebte seine Kinder
über alles. Der Tod seiner Tochter
Josefa 1875, der zwei Jahre darauf
Tochter Růžena und Sohn Otakar
folgten, hatte ihm deutlich gezeigt,
wie fragil dieses Glück war. 1876
nahm Dvořák die geistliche Kantate
Stabat mater für Soli, Chor und Klavier
in Angriff, die er 1877 orchestrierte.
Der Chor des Bayerischen
Rundfunks unter seinem künstlerischen
Leiter Howard Arman
bringt mit Julius Drake am Klavier
die frühe Fassung zur Aufführung,
ergänzt von Neukompositionen
Ľubica Čekovskás. Die mit zahlreichen
Preisen ausgezeichnete
Komponistin, die auch Opern und
Filmmusik schreibt, studierte u. a.
bei Robert Saxton, Thomas Adès,
Harrison Birtwistle und Arvo Pärt.
Von diesem stammt das dritte
Werk des Abends, der Chorsatz
And I Heard a Voice.
München, Prinzregententheater,
www.br-chor.de
49

E R L E B E N
Kommt mit Musik des 20. und 21. Jahrhunderts nach München: das London Symphony Orchestra
FOTO: RANALD MACKECHNIE
MUSIK ZWEIER
JAHRHUNDERTWENDEN
Die räsonanz – Stifterkonzertinitiative der Ernst von Siemens Musikstiftung –
macht es möglich: Das London Symphony Orchestra und sein neuer
Chefdirigent, Sir Simon Rattle, geben bei der musica viva des Bayerischen Rundfunks
in der Philharmonie im Gasteig ihr erstes Münchner Gastspiel.
VON RUTH RENÉE REIF
Heftig stampfende Moll-Akkorde eröffnen John Adams’ Harmonielehre.
Sie wecken Assoziationen an die düsteren Streicher und
Oboenklänge am Beginn von Jean Sibelius’ Vierter Sinfonie. Sein
Werk richte den Blick in die Vergangenheit, erläutert Adams. „Die
Schatten von Mahler, Sibelius, Debussy und dem jungen Schönberg“
seien darin überall. Harmonielehre ist eine imposante orchestrale
Auseinandersetzung mit der sinfonischen Musik der Wende vom
19. zum 20. Jahrhundert. Der Titel bezieht sich auf das gleichnamige
Lehrbuch, das Schönberg 1911, also just in jenem Jahr veröffentlichte,
als er selbst sich von der Tonalität
abwandte. Adams, der bei Leon Kirchner, einem
Schüler Schönbergs in Los Angeles, studierte,
kostete es „einen Akt enormer Willenskraft“,
sich dem Einfluss Schönbergs zu entziehen. Er
RÄSONANZ –
STIFTERKONZERT
2. Mai, München, Philharmonie im Gasteig,
www.br-musica-viva.de
empfindet es daher nicht als überraschend, dass seine Zurückweisung
häufig „die Form einer Parodie“ annahm. Adams 1985 entstandenes
dreisätziges Orchesterwerk beschreibt er als Verbindung
minimalistischer Techniken mit „der harmonischen und expressiven
Welt“ der Spätromantik.
Sir Simon Rattle, seit September 2017 künstlerischer Leiter des
London Symphony Orchestra, setzt das Werk auf das Programm
seines ersten Münchner Gastspiels, das von der musica viva, einer
Konzertreihe des Bayerischen Rundfunks, veranstaltet wird. Möglich
wird das Gastspiel durch eine Initiative der
Ernst von Siemens Musikstiftung. Unter dem
Titel räsonanz – Stifterkonzert ermöglicht die
Stiftung jährlich je ein Konzert zeitgenössischer
Werke mit internationalen Gastorchestern und
50 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019

Ioan-Holender-Kolumne
Oper ist ein
schweres Geschäft
Sir Simon Rattle
Solisten in München bei der musica viva und in der Schweiz bei
Lucerne Festival. Den ersten Teil des Programms gestaltet Rattle
mit Musik aus Großbritannien. Die Trompeter Philip Cobb und
Gábor Tarkövi sind die Solisten in Dispelling the Fears aus den Jahren
1994–1995 von Mark-Anthony Turnage, dem Rattle seit Jahrzehnten
eng verbunden ist. Turnage schätzt Rattles Einsatz für
zeitgenössische Musik. „Simon macht sich für das Neue stark“,
betont er. Neue Werke probe er unwahrscheinlich gründlich. Das
Entscheidende sei jedoch, „dass er Komponisten wirklich achtet“.
Zu Dispelling the Fears ließ sich Turnage von dem düsteren Gemälde
der australischen Malerin Heather Betts anregen, auf dem ein kleines
weißes „Lichtfenster“ den Blick anzieht. Dieses Gefühl des Übergangs
vom Dunkel zum Licht bringt er in der Komposition zum
Ausdruck. So wird der letzte Satz zu einer bewegenden Meditation
der Trompete, deren zarte Klänge all die vorausgegangene Bedrohlichkeit
und Angst zu besänftigen scheinen.
In seinem Orchesterwerk The Shadow of Night aus dem Jahr
2001 erkundet Sir Harrison Birtwistle die nächtliche Melancholie,
von der elisabethanische Dichter erzählen. Der Titel stammt von
einem Gedicht George Chapmans aus dem 16. Jahrhundert, das
Melancholie nicht als depressive Gemütslage, sondern als eine inspirierte
Gestimmtheit der Nacht darstellt. Anregung suchte Birtwistle
zudem in Albrecht Dürers rätselhaftem Stich Melencolia I
und John Dowlands Lautenlied In darkness let me dwell. Die ersten
drei Noten daraus zitiert er in einem Solo der Piccoloflöte gleich
nach Beginn seines Werks. Sodann webt er das Motiv, mal in höherer,
mal in tieferer Tonlage, in dessen Struktur ein. Lange melodische
Linien werden unterbrochen und wieder aufgenommen wie
die Strahlen des Mondlichts, das hinter vorbeiziehenden Wolken
langsam zum Vorschein kommt. Raunende Streicher- und Fagottklänge
steigern sich immer wieder zu emotionaler Spannung, die
sich in schrillen Bläserstößen entlädt, bis sich melodisch sanft der
Morgen ankündigt.
■
Ohne sich in die nähere Geschichte zu vertiefen,
wissen wir, dass das bis in die 1970er- und
1980er-Jahre gepflegte Ensemblesystem, in dem
jedes Opernhaus – ob klein oder groß – den Spielplan vornehmlich
durch seine eigenen Sänger bestritt, qualitativ
besser ist als der heute, leider sogar in den kleinen Stadttheatern
praktizierte Weg mit Gastsängern. Eine langsame,
organische Entwicklung eines angehenden Gesangssolisten
ist äußerst schwierig geworden. Man debütiert in den
allergrößten Häusern gleich mit neuen Partien, ohne sich
davor selbst ausprobieren und Erfahrung sammeln zu können,
wie man sich zum Beispiel lange Partien einteilt. Es
gibt keine Möglichkeit mehr, Fehler zu machen und aus
ihnen zu lernen.
Die mediale Ankündigung beherrscht ebenso wie die
Berichte der Vorankündigung alles, zur Freude des jeweiligen
Intendanten, aber auch des Künstlers. Die Regisseure
sind derzeit immer hausfremde Gastregisseure. Sie kennen
weder die Mitarbeiter noch das Haus und oft auch nicht
die Stadt, in der sie arbeiten. Die Wahl eines Regisseurs ist
genauso schwierig wie jene des Sängers, denn wenn der
Regisseur das Werk, für das man ihn sucht, schon irgendwo
inszeniert hat, ist er oder sie sowieso schon nicht mehr
inter essant. Alles muss schnell gehen, und nichts, was
schon war, soll wieder sein. Manche Länder oder manche
Orte geben enorme Honorare aus, um ein Ereignis, pardon,
ein Event, zu feiern. Es geht schon lange nicht mehr
um Kunst, auch nicht um Unterhaltung, sondern nur noch
ums Geschäft.
Oper zu gestalten, ist heute sehr teuer geworden.
Einen Regisseur zu engagieren, bedeutet, noch mindestens
fünf Mitarbeiter dazu zu beschäftigen, einen Assistenten,
den Lichtarchitekten, den Videobetreuer, den persönlichen
Assistenten und einen Dramaturgen. Ein Theaterleiter
braucht neben sich einen Berater, einen Besetzungschef,
den Dramaturgen und, und, und … Doch der arme Sänger
bleibt allein, er muss alles machen, was man von ihm
wünscht und was er oftmals nicht möchte, und dazu soll
er noch gut singen. Es kommt bald die Zeit der öffentlichen
Playbacks, der Mikrofonierung, und wer weiß was noch
alles, um endlich den Störfaktor Sänger zu ersetzen.
„kulTOUR mit Holender“ auf
ServusTV Deutschland:
7. und 10.2. „Dresden“ | 21. und 24.2. „Krim“ |
7.3. Porträt des Schauspielers Philipp Hochmair
51

E R L E B E N
FOTOS: CHRISTIAN KLEINER
Vollendete Technik, psychologisches Verstehen und Empathie zeichnen Michael Francis am Pult aus
52 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019

MUSIK FÜR ALLE
Michael Francis übernimmt mit Beginn der Jubiläumssaison 2019/2020 die Leitung
der Deutschen Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz.
VON RUTH RENÉE REIF
„Es ist ein wunderbarer Beruf “, schwärmt Michael Francis. Erlebt man
ihn bei der Arbeit am Pult, ist man versucht, von Berufung zu sprechen.
Francis besitzt jene Gabe, die das Dirigieren immer wieder so
geheimnisvoll erscheinen lässt und die doch wenig mit Magie und viel
mit Empathie zu tun hat. Er vermag es, akribische Partituranalyse,
vollendete Dirigiertechnik und psychologisches Verstehen in beglückende
Dimensionen musikalischen Ausdrucks umzusetzen. Im
Dezember 2018 unterschrieb er einen Fünfjahresvertrag als neuer
Chefdirigent der Deutschen Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz. „Mit
Francis ist es gelungen, einen herausragenden und weltweit gefragten
Dirigenten zu gewinnen“, freut sich Intendant Beat Fehlmann. Francis
war der Wunschkandidat des Orchesters. Als er 2016 zum ersten Mal
vor ihm stand, spürte man sogleich die besondere Beziehung, die sich
zwischen ihm und den Musikern einstellte.
Seine Laufbahn begann Francis als Kontrabassist wie sein
Vater, der auch sein erster Lehrer wurde. Als sich im Alter von 17,
18 Jahren sein Wunsch zu dirigieren festigte, entschied er sich für
eine breit angelegte Vorbereitung. An der Universität Cardiff absolvierte
er ein Studium der Musikgeschichte. Anschließend studierte
er an der Royal Academy of Music Kontrabass. Dieses Instrument
eignete sich seiner Einschätzung nach am besten, um dem Dirigieren
auf den Grund zu kommen. Da die Aufgabe des Bassisten hauptsächlich
darin bestehe zu begleiten, sei er gezwungen, den anderen
zuzuhören, und befinde sich „auf dem Boden der Harmonie“. Er
habe alles über Musik erfahren und danach eine Musikerstelle im
besten Orchester bekommen wollen, erläutert Francis seinen Plan.
Tatsächlich erhielt er eine Anstellung beim London Symphony
Orchestra. Zehn Jahre arbeitete er als Orchestermusiker. Auch im
Rückblick sieht er es als den besten Weg an, ein Orchester dirigieren
zu lernen, ihm anzugehören. Es eröffnete ihm die Möglichkeit, verschiedene
Dirigenten zu erleben und ein Gefühl für die psychologischen
Vorgänge im Inneren eines Orchesterapparates zu
entwickeln.
Eine erste Chance, sich als Dirigent zu beweisen, erhielt er 2007.
Valery Gergiev musste krankheitsbedingt eine Probe absagen. Auf
dem Programm standen Dmitri
Schostakowitsch und Sofia Gubaidulina.
Francis übernahm die Probe und
dirigierte erfolgreich die Aufführung.
Einzuspringen für John Adams und
André Previn, waren weitere Meilensteine
auf seinem Weg zum international
gefragten Dirigenten. Von 2012 bis
2016 war Francis Chefdirigent des
Norrköping Symphony Orchestra.
Zudem gastierte er bei zahlreichen
Orchestern in Europa, Asien sowie
den USA und arbeitete mit Solisten
DEUTSCHE STAATSPHILHARMONIE
RHEINLAND-PFALZ, MICHAEL FRANCIS
Informationen und Kartenservice:
Worms, 1.2., Ludwigshafen, 2.2., Neustadt, 7.3.,
Wörth am Rhein, 8.3., Mannheim, 9.3.
Konzerte mit dem Dirigenten und Violinisten
Pinchas Zukerman: Wörth am Rhein, 17.4., Pirmasens,
18.4., Heidelberg, 20.4., Karlsruhe, 21.4.
Konzerte mit Pinchas Zukerman und
Michael Francis am Pult: Ludwigshafen, 25.4.,
Kaiserslautern, 26.4., Worms, 27.4., Mainz, 28.4.
www.staatsphilharmonie.de
wie Ian Bostridge, Lang Lang, Daniel Müller-Schott, Itzhak Perlman,
Christian Tetzlaff und Arcadi Volodos zusammen. Seit 2015
ist er künstlerischer Leiter des Mostly Mozart Festivals in San Diego
sowie Chefdirigent des Florida Orchestra.
Seine Position als Chefdirigent in Ludwigshafen tritt er am
1. September 2019 zu Beginn der Saison an, in der die Deutsche
Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz ihr 100-jähriges Bestehen feiert.
In mehreren deutschen Städten fanden nach dem Ersten Weltkrieg
Orchestergründungen statt. Die Auflösung der Militärkapellen hatte
viele Musiker ihrer Existenzgrundlage beraubt. Sie versuchten, sich
neue Spielmöglichkeiten zu schaffen. Dieses rege musikalische Leben
veranlasste einige pfälzische Städte, Musikvereine und Mäzene, sich
zu einem Orchesterverein zusammenzuschließen, der 1919 in Landau
das Landes-Sinfonie-Orchester für Pfalz und Saarland ins Leben
rief. Mehrfach änderte der Klangkörper in der Folge seinen Namen,
bewältigte Krisen und wuchs an Erfolgen. 1983 wurde Leif Segerstam
zum Leiter berufen, der die Orchesterkultur durch die Aufführung
Neuer Musik nachhaltig bereicherte. Seit 2014 bringt die
Deutsche Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz unter dem Titel
„Modern Times“ beim Label Capriccio Porträts von Komponistinnen
des 20. Jahrhunderts heraus. Gleich für die erste Veröffentlichung
„Bernd Alois Zimmermann“ wurde sie als „Orchester des Jahres“
mit dem Echo Klassik 2015 ausgezeichnet. 2018 erhielt sie für ihre
Einspielung „George Antheil“ den Opus Klassik. Aktuell fördert
auch die Bundeskulturstiftung das Orchester im Rahmen des Programms
„360° – Fonds für Kulturen der neuen Stadtgesellschaft“.
Francis zeigt sich beeindruckt von dem hohen Stellenwert, den
das Orchester innerhalb der Gesellschaft einnimmt. Als Privileg
empfinde er es, dass die Staatsphilharmonie auch nach 100 zurückliegenden
Spielzeiten die Musik zu den Menschen in Rheinland-Pfalz
bringe, um sie für alle zugänglich zu machen, und er an diesem
Auftrag mitwirken dürfe. Bereits in der aktuellen Saison ist er mit
dem Orchester zu erleben. Das Repertoire bereichert er mit Kompositionen
aus seinem Geburtsland. So setzt er das wundervoll
romantische Violinkonzert h-Moll von Edward Elgar sowie die Ritual
Dances aus Michael Tippetts Oper
Mittsommerhochzeit aufs Programm.
Er bringt die sinfonische Totenmesse
Sinfonia da Requiem, die Benjamin
Britten 1940 zum Gedenken an seinen
im Ersten Weltkrieg getöteten Vater
schrieb, und er dirigiert die London
Symphony, in der Ralph Vaughan Williams
mit den Glocken von Westminster
und den Melodien der Straßenausrufer
von Bloomsbury ein musikalisches
Porträt der Stadt an der Themse
entwirft.
■
53

E R L E B E N
„HEUTE SCHREIBE ICH
FÜR HEUTE“
Die international gefeierte Weill-Interpretin Ute Lemper ist Artist-in-Residence des
27. Kurt Weill Fests vom 1. bis 17. März in Dessau und Umgebung.
VON RUTH RENÉE REIF
Berühmte Künstler aus aller
Welt bereichern das Fest: Die
Chansonsängerin Ute Lemper
und der Trompeter Frank London
kommen aus New York
FOTOS: ADRIAN BUCKMASTER; ADRIAN BUCKMASTER
„Wir müssen mit dem Musiktheater Weills
im Dialog bleiben“, forderte Luciano Berio
1999. Er sah in ihm „eines der wichtigsten
Phänomene des 20. Jahrhunderts“. Das
Kurt Weill Fest hält diesen Dialog aufrecht
und verleiht ihm immer wieder neue
Impulse. 48 Veranstaltungen mit bedeutsamen
Künstlern wie den Schauspielerinnen
Katja Riemann und Katharina Thalbach,
der Sängerin Helen Schneider, dem
Trompeter Frank London, dem Posaunisten
Nils Landgren und dem Dirigenten
Karl-Heinz Steffens feiern den Komponisten,
der sich wünschte, nur Musik zu sein.
Zur Eröffnung gastieren die Sopra nistin
Dagmar Pecková und der Tenor Jiří Hájek
mit ihrer Revue Wanted im Anhaltischen
Theater. Songs wie die Zuhälterballade aus
der Zusammenarbeit mit Bertolt Brecht in
Berlin, Der Abschiedsbrief, den Weill im
September 1933 nach einem Text von Erich
Kästner in Paris komponierte, und Buddy
on the Nightshift aus den Songs for the War
Effort, die 1942 im New Yorker Exil entstanden,
lassen Stationen aus dem Leben
Weills Revue passieren. Die Dreigroschenoper,
der unvergessliche Klassiker, der aus
Weills Zusammenarbeit mit Brecht hervorging,
steht in der Inszenierung von Ezio
Toffolutti und mit Markus L. Frank am Pult erneut auf dem Spielplan
des Anhaltischen Theaters Dessau.
Artist-in-Residence ist Ute Lemper, eine der vielseitigsten
Künstlerinnen des Musiktheaters. Seit Beginn ihrer Karriere, als
sie in Berlin mit Nicole Heesters und Ingrid Caven in einer Kurt-
Weill-Revue auftrat, ist sie eine herausragende, international gefeierte
Weill-Interpretin. In einem Galakonzert mit der Anhaltischen
Philharmonie Dessau singt sie Songs wie Surabaya Johnny aus dem
Songspiel Happy End oder den Tango Youkali aus der Operette Marie
galante nach Jacques Devals gleichnamigem Roman, die Weill
bereits auf der Flucht in Frankreich schrieb. Das
Orchester unter Markus L. Frank spielt die Suite
aus der Musiquette Silbersee, Weills letztes in
Deutschland komponiertes Werk, das 1932/33
KURT WEILL FEST
Informationen und Kartenservice:
www.kurt-weill-fest.de
aus der Zusammenarbeit mit dem Dramatiker
Georg Kaiser entstand. Über ihr
bewegtes Leben auf zwei Kontinenten, ihre
Arbeit und ihre Liebe zu Weill unterhält
sich Ute Lemper mit Intendant Gerhard
Kämpfe im Festivalcafé. Als „eine zweite
Marlene Dietrich“ wurde Ute Lemper
gefeiert, und „von der Wurzel her“ sieht sie
sich auch von ihr und ihrer Zeit inspiriert.
In der Show Rendezvous mit Marlene
erzählt sie die Geschichte Marlene Dietrichs
und trägt ihre Lieder vor, von den
Berliner Kabarettjahren bis zur Zusammenarbeit
mit Kurt Weill und anderen
Komponisten. „Am Broadway geht’s härter
zu als am Kurfürstendamm“, musste Weill
der Dietrich 1942 erklären.
„Mut zur Erneuerung“ lautet das
Motto des Festes. Weills Streben war es,
ein neues Genre des Musiktheaters zu
schaffen, das „die völlig veränderten
Lebensäußerungen unserer Zeit in einer
entsprechenden Form“ behandle. „Man
komme mir nicht mit der Nachwelt“, erwiderte
er auf die Frage nach den Zukunftsaussichten
seiner Musik, „heute schreibe
ich für heute“. Zugleich spiegelt sich in dem
Motto die vor 100 Jahren geborene Idee des
Bauhauses, die Welt neu zu denken. Im
Jubiläumsjahr des Bauhauses greift die neue Reihe „Neues Hören
durch Sehen“ das Bauhaus-Ziel der „Sammlung alles künstlerischen
Schaffens zur Einheit“ auf. Im nächtlichen Kammerkonzert des
Perkussionisten Andreas Hepp und des Lichtdesigners Björn Schneider
finden musikalische Handlungsfäden, die sich in Klangfarbe,
Tempo, Rhythmus und Melodie unterscheiden, mit Lichtgestaltung
und der architektonischen Umgebung zu einem großen Gesamterlebnis
zusammen. Kunst und Technik vereint die Konzertsuite
Trains Bound for Glory. Sie enthält populäre Nummern aus der Show
Railroads in Parade, die Weill für den Eisenbahnpavillon der New
Yorker Weltausstellung 1939–1940 schrieb.
Markus L. Frank leitet im DB-Werk die Anhaltische
Philharmonie Dessau bei ihrer deutschen
Erstaufführung.
■
54 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019

SCHWERPUNKT
BAUHAUS
Weimar, Dessau, Berlin. Gropius, Itten, Schlemmer. Was hat die neue Formensprache geprägt? (Seite 56)
Eine Revolution der Architektur: Was hat es in die Neuzeit geschafft? (Seite 64)
200 (!) Jahre BAUHAUS
VON STEFAN SELL
41 Jahre
BAUHAUS Band
59 Jahre
BAUHAUS Baumarkt
100 Jahre
BAUHAUS Kunst
wahr
Vor 41 Jahren hoben vier Kunststudenten
in Northampton mit
Bauhaus die erste Gothic-Band
aus der Taufe. Mit vielen Genrebezeichnungen
versuchte man
ihren Musikstil zu fassen: von
Dark Wave und Post Punk bis
zu funkigem Psychodelic-Noise-Glamrock-Dub.
Bis heute
genießt die Band Kultstatus.
Der aus Schriesheim
stammende
Schreiner
und Glaser
Heinz-Georg
Baus war 26 Jahre
alt, als er in Mannheim das Bauhaus-Unternehmen
gründete. Sein
Name war dabei hilfreich, fehlte
ihm zwischen der ersten Silbe und
dem Konsonanten „s“ doch nur der
richtige Hau: Bau-hau-s, Europas
größte Baumarktkette.
1922 fand Ludwig Mies,
er wolle mehr als
nur „Mies“ sein und
fügte seinem
Mies den Geburtsnamen seiner
Mutter hinzu. Das Ganze krönte
er durch ein adelig klingendes
„van der“ und hieß von nun an
„Mies van der Rohe“.
unwahr
interessant
1980 landeten Bauhaus
mit einer düsteren
Coverversion
von Mike Krügers
„Mein Gott, Walter“
einen Hit. 23 Wochen führten
sie die deutschen Charts an. Ihre
stark vereinfachte Variante war
eine Platte im Plattenbaustil. Der
Titel bezog sich auf Gropius’ Ehe
mit Alma Mahler, die nur fünf
Jahre dauerte.
Peter Murphy, alias „Godfather of
Goth“, dessen Gesang an David
Bowie erinnert, eröffnete mit
dem Bauhaus-Debüt Bela Lugosi’s
Dead einprägsam und finster
Tony Scott’s modernen Vampirfilm
„Begierde“ mit Catherine
Deneuve und David Bowie in den
Hauptrollen.
Als Bauhausgründer Baus davon
hörte, dass sein Konkurrent
Albrecht Hornbach eine eigene
Firmenband namens „Herzblut“
betrieb, beschloss der öffentlichkeitsscheue
Großunternehmer,
eigene Kompositionen einzuspielen.
Nach seinem Tod 2016
wurden sie unter dem Titel „Bau
Haus des Geldes“ veröffentlicht.
Die exzellente Schlagwerkerin
Leonie Klein ist im Baumarkt
anzutreffen, wenn sie auf
experimenteller Klangsuche
nach „Sachen, die sonst
keiner benutzt“ Scharniere
und Pfostenträger anschlägt.
Ob sie dies im Bauhaus tut,
wird – um dem Vorwurf
der Schleichwerbung zu entgehen
– nicht verraten.
Mies van der Rohe wollte den von
ihm geforderten Minimalismus
für die Architektur auch für die
Preisgestaltung der Honorare einlösen.
Er diskutierte mit seinen
Kollegen, wie hoch der Preis für
die Arbeit eines Bauhäuslers sein
darf, und schlug vor, „Weniger
ist mehr“ für alle verbindlich zu
machen.
Walter Gropius (Foto) schlug 1920
seinen Bauhauslehrern, den
„Herren Meistern“,
vor: „… bei den Aufnahmen
für absehbare
Zeit Damen nur mit
ganz außerordentlicher
Begabung aufnehmen zu
wollen“. Daraus könnte
man schließen, dass
Herren auch minderbegabt
Aufnahme am Bauhaus
finden konnten.
FOTOS: CLOUIS HELD; FRANK VINCENTZ; WIKIMEDIA COMMONS; DANIEL ASH / C PFIG
55

B A U H A U S 1 0 0
Grafische Elemente bestimmten das Design in der Zeit des Bauhauses:
das Bauhaus-Logo, entworfen 1922 von Oskar Schlemmer
56 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019

BAU
HAUS
Klar, puristisch, funktional.
Seit 100 Jahren beeinflusst das Bauhaus alle Künste.
VON TERESA PIESCHACÓN RAPHAEL
D„er ele gan te Frei schwin ger aus Stahl rohr von Mar cel Breu er im Arztzim
mer, die halb ku gel för mi ge Tisch lam pe von Wil helm Wagen feld
im hip pen Sin gle-Haus halt, die Wei ßen hof sied lung in Stutt gart mit
ihren hell verputzten, kubischen Flachdachwohnungen – alles minima
lis tisch und funk tio nal: die Klas si ker des Bau hauses. „Form fol lows func tion“
hat te sich der Archi tekt Wal ter Gro pi us auf die Fah nen geschrie ben, als er 1919
sein Amt als Direk tor einer neu en Kunst hoch schu le in Wei mar antrat.
Es ging um weit mehr als puris ti sches Design. Der Ers te Welt krieg hat te die
alte Ord nung hin weg ge fegt. Eine jun ge, nicht sel ten im Schüt zen gra ben trau mati
sier te und in jedem Fall erwerbs lo se Genera ti on such te Halt und Sinn. Auch der
damals 36-jäh ri ge Gro pi us hat te im Krieg Schlim mes erlebt. Er for der te einen
mora li schen Neu an fang, eine „neue Bau kunst“. Vor bild für sein „Staat li ches Bauhaus“,
wie er die Hoch schu le nann te, waren ihm die mit tel al ter li chen Bau hüt ten
der Kathe dra len, wo sei ner zeit Bild hau er, Maler, Archi tek ten, Kunst ge werb ler
und Hand wer ker zusam menarbei te ten und es kei ne Tren nung zwi schen künst leri
scher Kon zep ti on und Ver wirk li chung gab.
Zugleich träumte Gropius von der Überwindung gesellschaftlicher Ungleichheit.
Sei ne Sozi aluto pie zog nicht nur hoch be gab te Künst ler wie Paul Klee, Was si ly
Kan din sky, Lyo nel Fei nin ger und Oskar Schlem mer an, son dern auch eso te ri sche
Heils leh rer dubio ser Cou leur: Astro lo gen, Spi ri tis ten, Wan der apos tel und sek tie-
57

B A U H A U S 1 0 0
re ri sche Pro phe ten sowie Anthro po so phen, Sozia listen
und Kommunisten. Ein explosiver schöpferischer
Mix. „Glau ben Sie ja nicht, dass das Leben am Bau haus
einfach oder unkompliziert gewesen wäre!“, erinnerte
sich Tut Schlem mer, die Frau Oskars. „Man fühl te sich
viel mehr wie auf einem vul ka ni schen Gelän de, und
man muss te sehr auf pas sen, all zu sehr hin und her
geris sen zu wer den von all dem, was auf uns einstürm
te.“ Und: „Man war ja andau ern den Wand lungen
preis ge ge ben: Wir fin gen ja fast mit tel al ter lich an
mit unse ren Sat zun gen von Form meis tern, Handwerks
meis tern und Lehr lin gen und ende ten doch am
Schluss (1933) mit einer Avant gar de auf allen
Gebie ten.“
Im gut bür ger li chen Wei mar ent wi ckel ten sich
die Bau häus ler zum Bür ger schreck. „Wenn ihr euch
nicht benehmt“, droh ten Eltern ihren Kin dern, „dann
ste cken wir euch ins Bau haus!“, zu den „Zucht häuslern“,
wie sie ihrer lan gen Haa re wegen genann t wurden.
Oft zogen sie durch die Gas sen in Rus sen kit tel
und Trich ter ho se, an den Hüften ganz weit und den
Knö cheln ganz eng, und begrüß ten sich mit dem
„Bauhauspfiff “, einer 13-töni gen Melo die, die jetzt,
im Jubi lä ums jahr, täg lich um zwölf Uhr vom Rat hausturm
in Des sau tönt, der zwei ten Bau haus-Stät te.
Ein Cha rak ter kopf der ers ten Stun de war Lothar
Schrey er, ein Freund kul ti scher Wei he bot schaften
und Erlö sungs vi sio nen. Über troffen wur de er von
dem exzen tri schen Johan nes Itten, der sich als
erleuch te ter „Meis ter“ ver stand und kahl köp fig im
pseu do pries ter li chen Ornat, im „Anzug aus pur purvio
let tem kost ba ren Tuch“ auftrat, wie Schrey er sich
erinnert. Als überzeugter Anhänger der Mazdaznan-
Lehre, einer esoterischen Heilslehre, vertrat Itten eine
rigide Ernährungs-, Atem- und Wiedergeburtslehre,
mit der er nicht nur Klee nerv te. Der ließ ihm bestellen,
er den ke nicht dar an „auf dem Weg über den
gerei nig ten Darm in den Him mel“ zu kom men. Ittens
Form- und Farbstudien allerdings, seine „übersinnliche“
Farbenlehre, derzufolge jeder Mensch von einer
farbigen Aura umgeben sei, faszinierte Klee. Auch
Kan din sky sah die Men schen in sei nen Bil dern in Rot,
Blau und Gelb.
Die Bau häus ler fei er ten gern. Gele gen heit gab es immer, ob
beim Later nen-, Son nen wend-, Dra chen- oder Julklapp-Fest (Weihnach
ten). Dann spiel te die Bau haus ka pel le auf mit Lux Fei nin ger an
der Kla ri net te oder dem Ban jo. Man tanz te Charles ton und erfand
sogar einen Bau haus-Tanz. Wenn der Abend zur Nei ge ging, wur den
gern Thea ter ex pe ri men te zum Bes ten gege ben. Wie in Möbeln und
der Archi tek tur soll ten auch die Akteu re auf der Bau haus-Büh ne
nichts Indi vi du el les aus strah len. Durch „Tri kots und Mas ken ver einheitlicht“
stellten sie eine „Synthese von Mensch und Marionette, von
Natur- und Kunst fi gur“ dar.
Musik war am Bau haus kei ne eigen e Dis zi plin und doch immer
präsent. Feininger musizierte, auch Klee wollte ursprünglich Geiger
werden. In seinen Werken finden sich abstrahierte Noten, Notenzeilen
und Vio li n schlüs sel. Musik sei ihm die Gelieb te, sag te er, Male rei
die „ölrie chen de Pin sel göt tin, die ich bloss umar me, weil sie eben
mei ne Frau ist“. Kan din sky war über die Musik zur Male rei gekommen.
Bei einer Auffüh rung von Wag ners Lohengrin hat te er Far ben
„gese hen“. Aus Paris kam Igor Stra win sky, um die Auffüh rung sei ner
Geschichte vom Soldaten zu erle ben. Aus Ber lin Fer ruc cio Buso ni. Mit
ihm sein Schü ler Kurt Weill. Auch Paul Hin de mith, ein Freund Oskar
Von oben: László Moholy-
Nagy, Perpe, 1919; Grundlagen
der Farbtheorie und
Farbkreis nach Johannes
Itten; dreidimensionales
Seh- und Hörerlebnis:
„Das totale Tanztheater
360°“; Teekanne von
Naum Slutzky
Schlemmers, der ihm einige Bühnenbilder geschaffen
hat te, war oft da.
Das Bau haus war der Ort, wo moder ne Kunst
gelehrt wur de, wo man sie auch aus pro bier te. Wo Gropi
us lehr te, wo Klee lehr te, wo Kan din sky lehr te …
und Mondrian zu Vorlesungen kam.“ Auf Anweisung
von Itten, erin nert sich Wol pe, „gin gen wir alle raus
mit einem klei nen Koffer und sam mel ten alles, was
wir fan den – von Ziga ret ten kip pen bis zu klei nen Feilen,
kleinen Schrauben, Briefschnipseln, Brotkrümeln,
toten Vögeln, Federn, Milch fla schen … (wir) muss ten
diese Dinge unabhängig von ihrer subjektiven Bedeutung
ver wen den … als for ma le Ele men te wur den sie
neu tra li siert, so exis tier te ein toter Vogel nur in sei ner
for ma len struk tu rel len Bezie hung …“
Die neu aufkommende Dodekaphonie (= Zwölfton
mu sik) spal te te die Gemü ter. Das Lager von Erwin
Ratz ver trat die Auffas sung von Arnold Schön berg,
das von Itten fühl te sich der Phi lo so phie von Josef
Mat thi as Hau er ver bun den. Klee, den man wegen seiner
stil len Art auch „Bau haus bud dha“ nann te, hielt
sich zurück. Für ihn schien nach Mozart ohne hin
schon fast alles gesagt. 1909 kari kier te er einen Pianisten
bei der Interpretation Neuer Musik: angekettet
an sein Instru ment, auf einem Nacht topf sit zend,
„dabei ‚durch schau bar‘ bis auf die Kno chen (in sei ner
Inno va ti ons sucht) und ‚bedürftig‘ in einem ganz elemen
ta ren Sin ne“.
Doch die Sucht nach Neu em war nicht auf zuhal
ten. Fas zi niert expe ri men tier te Bau haus-Leh rer
László Moholy-Nagy mit Schellack-Schallplatten, ließ
sie rück wärts abspie len, schnitt mit Lin ol schnitt messern
und Nadeln neue Struk tu ren hin ein, um Klangeffek
te zu gewin nen. Der ers te DJ der Geschich te! Das
alles half nicht, die chronischen finanziellen Probleme
der Lehr an stalt in den Griff zu bekom men. Das Bauhaus
schien zu eli tär, kaum einer konn te sich die
schmuck lo sen, aber teu ren Lam pen, Kan nen und Sessel
leisten, die nun standardisiert in größeren Mengen
pro du ziert wer den konn ten. Erst in den 1980ern wurden
sie zu begehr ten Designklas si kern.
1924 strich die Thü rin ger Regie rung die Sub ventio
nen und man zog in die Indus trie stadt Dessau. Die
Aus ein an der set zun gen und die pre kä re Lage blie ben. 1928 gab Gropi
us sei nen Direk tor pos ten auf, Schlem mer folg te ihm 1929. Auch
Kan din sky, den man wegen sei nes diplo ma ti schen Geschicks „Gropi
us’ Kanz ler“ nann te, wur de nicht mehr gese hen. Mies van der Rohe
ver such te, das Bau haus als Pri vat in sti tut in einer ver las se nen Telefon
fa brik in Ber lin-Ste glitz weiterzuführen.1933 wurde der Lehr betrieb
endgültig eingestellt durch die Nazis, denen die „Brand fa ckel
Moskaus“ ohnehin nie geheuer war. Gropius und andere emigrierten
in die USA. In Chi ca go ent stand ein „New Bau haus“.
In Deutsch land aber konn te man mit den Bau ten der „Wei ßen
Göt ter“ aus Wei mar mit ihren engen Flu ren, nied ri gen Decken, ohne
Stuck und Far be lan ge nichts anfan gen. Ador no sprach von „Konser
ven büch sen“, Brecht von „Kaser nen“, Bloch mokier te sich über die
geschichts lo sen „Stahl mö bel, Beton ku ben, Flachdachwesen“. 1960
kam das end gül ti ge Aus für den Kul tur be griff „Bau haus“. Ein Großmarkt
für Schrau ben, Pin sel und Klo sett de ckel hat te sich den Namen
gesichert. Seitdem darf auch kein Muse um mehr ein Pro dukt unter
der Namen „Bau haus“ ver kau fen.
n
Die Infos zu den wich tigs ten Ver an stal tun gen rund um das Bau haus-Jubi lä um fin den Sie
unter www.bauhaus100.de
58 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019

MUSIK AM BAUHAUS
Mechanisches Ballett, ekstatische Klaviermusik und
selbst gebaute Geräuschinstrumente – die Musik am Bauhaus
war so innovativ wie seine Architektur.
VON STEFFEN SCHLEIERMACHER
Die Bauhauskapelle mit Lux Feininger
Musik war am Bau haus kein Lehr fach, einen „Musik meister“
hat es nie gege ben. Zwar fan den am Bau haus neben
offen bar recht schrä gen Tanz aben den mit der Bau hauskapel
le durch aus klas si sche Kon zer te statt, doch ein
Hort der musi ka li schen Avant gar de war es im Grun de nie. Zumindest
ein mal stand jedoch die aktu el le Musik im Mit tel punkt: Anlässlich
der Bau haus wo che 1923 erklan gen in einem Kon zert Wer ke
von Buso ni, Schön berg, Bar tók, Hin de mith und Stra win sky.
Der wesent lichs te und päd ago gisch prä gends te „Meis ter“ der
ers ten Jah re war zwei fel los Johan nes Itten, der mit der Ein füh rung
seines „Vorkurses“ Maßstäbe in der Kunstpädagogik setzte, die noch
heu te wirk sam sind. Teil die ses Kon zepts waren neben Zei chen unter
richt, Mate ri al- und For men kun de auch Wahr neh mungs stu di en
und musi ka li sche Übun gen, die Ger trud Gru now – als ein zi ge
„Musik leh re rin“, die das Bau haus je hat te – anlei te te. Hier ging es
jedoch nicht um Musik un ter richt im enge ren Sin ne, son dern vielmehr
um Ent span nungs übun gen, um Har mo ni sie rung, um das
Umset zen von Klän gen in Bewe gun gen, in Ges ten oder auch in
Hal tun gen.
Itten hat te in sei ner Wie ner Zeit engen Kon takt zu Josef Matthi
as Hau er gefun den. Die Künst ler fühl ten sich wesens ver wandt,
bei de arbei te ten an einem Syn äs the sie-Kon zept, der Zuord nung
von Far ben zu Klän gen, des Ent wi ckelns von Far ben- und Tonkreisen.
Der Musik schrift stel ler und Kom po nist Hans Heinz Stu ckenschmidt,
dem wir einen Zeit zeu gen be richt über die Musik am Bauhaus
ver dan ken, berich tet davon, dass Kom po si tio nen von Hau er
in Wei mar auch nach Ittens Weg gang noch bekannt waren und dass
Vor trä ge über des sen Musik auf gro ßes Inter es se stie ßen. Itten und
Hau er hat ten offen bar sogar erwo gen, in Wei mar als Ergän zung des
Bau hau ses eine Musik schu le zu grün den. Doch die ser Plan hat te
FOTO: MARKUS HAWLIK / BAUHAUS100
59

B A U H A U S 1 0 0
sich eben so wie Kan din skys Plan, Schön berg
als Rek tor für die Wei ma rer Musik hochschu
le zu gewin nen, sehr schnell
zer schla gen.
„Ich wuchs in Ber lin her an, doch Weimar
liegt nicht sehr weit von Ber lin, und wir
alle fuh ren nach Wei mar, wie Pil ger nach
Jeru sa lem oder Mekka.“ Stefan Wol pe war
vermutlich der einzige professionelle Kompo
nist, der je am Bau haus war – jedoch nicht
als Leh rer oder Meis ter, son dern als Schü ler.
Als sol cher nahm er an Ele men tarkur sen bei Itten und Klee teil.
Hans Heinz Stu cken schmidt schreibt in sei nem bereits erwähnten
Arti kel über sei nen Besuch am Bau haus: „Wol pe saß meis tens
ein sam in einer Ecke und schrieb wie der ein mal eines sei ner ekstati
schen Kla vier stü cke, das er Friedl Dicker wid me te, einer hoch begab
ten Bau häus le rin, die aus Wien kam und Johan nes Itten
nahestand.“
Stu cken schmidt selbst kam 1923 für eini ge Zeit auf Ein la dung
von Moho ly-Nagy ans Bau haus. Er arbei te te gemein sam mit Kurt
Schmidt an des sen „Mecha ni schem Bal lett“. Die Musik zu dem
Bal lett ist ver schol len – soweit sie über haupt je auf ge zeich net war,
denn die Erin ne run gen von Stu cken schmidt legen die Ver mu tung
nahe, dass die Musik über wei te Stre cken impro vi siert war. Die ser
ver stand sich aller dings weni ger als Kom po nist, son dern schrieb
vor allem Kri ti ken und Bücher, von denen vie le noch heu te zu den
Stan dard wer ken der Musik ge schich te des 20. Jahr hun derts
gehören.
Ob Geor ge Ant heil, der ame ri ka ni sche Pia nist und Kom ponist,
der durch sei ne futu ris ti schen Kon zer te immer wie der für
Skan da le und Sen sa tio nen sorg te, jemals in Wei mar war, lässt sich
heu te nicht mehr rekon stru ie ren. Und doch muss es Kon tak te zum
Bau haus gege ben haben. Xan ti Scha win ski schreibt in sei nen Erinne
run gen an die Bau haus ka pel le, die sich um Andor Wei nin ger
gebildet hatte und aus musikalischen Amateuren bestand, die Tänze
und „Kon zer te“ auf zum Teil selbst ge bau ten Geräusch in stru menten
impro vi sier ten, dass mit der „Musik von Bach, Hän del, Mozart,
Ant heil, Stu cken schmidt, Strawin
sky, Hin de mith oder den
Impro vi sa tio nen der Kapel le“
das Tanzgelage in eine atemlose
Zuhö rer schaft ver wan delt
wurde.
In einer Annon ce zu den
soge nann ten „Bau haus-
Büchern“ wur de auch ein Buch
von Geor ge Ant heil, „musi co
mechanico“, angekündigt. Dieses
Buch ist jedoch nie erschienen.
Unter glei chem Titel hat te
Ant heil in der Zeit schrift „De
Sti jl“ bereits einen Arti kel veröffent
licht, in dem es um die
Musik der Zukunft ging, um
den Ein satz der Maschi ne in der
Musik, um die Erfah rung des
Mög li chen, des Scho ckie renden,
um sei ne „strom li ni en förmi
ge Musik“. Der Her aus ge ber
die ser Zeit schrift, der Lite rat,
DER EIGENTLICHE ERFINDER DER
ZWÖLFTONMUSIK: JOSEF MATTHIAS HAUER
Sein Leben stand im Schat ten „die ses Sch.“, die ser „Rari tät von einem
Schwind ler“, wie Josef Mat thi as Hau er Arnold Schön berg nann te. Fakt ist:
Drei Jah re bevor Schön berg 1922 sei ne „Metho de, mit zwölf Tönen“
anwandte, erschien Hauers Nomos op. 19, das ers te Zwölfton-Stück von
1.100 Wer ken, dar un ter zwei Opern. „Dumm froz zelnd“ hat te Hau er
1917 den Riva len emp fun den, dem er den noch 1922 Neun Etü den op. 22
für Klavier wid me te. „Stel len wir unse re Ide en unter genau er Abgren zung
des Unterscheidenden, mit Zuhilfenahme sachlicher (aber höfl icher) Polemik
dar“, schlug Schön berg 1923 vor. Doch der kau zi ge Hau er, Sohn eines
zitherspielenden Gefängniswärters, lehnte ab und wetterte beim Heurigen
lie ber gegen die Kol le gen. Wag ner war ihm ein „Bor dell-Musi kant“,
Strauss und Beet ho ven „Nar ko ti kum für das Volk“.
Während Schönberg seine expressive Klangsprache auch mit klassischen
Mit teln wie Phra sie rung und Dyna mik gewann, ord ne te Hau er die zwölf
Töne der chromatischen Tonleiter wie ein „Uhrmacher“ (Adorno)
mechanistisch-mathematisch aneinander. 479.001.600 Möglichkeiten
errech ne te er, die er in 44 Grup penrei hen – „Tro pen“– unter teil te. Bis zu
sei nem Tod 1959 poch te er dar auf, der „Inven tor der Zwölf-Töne-Technik“
(Paul Hin de mith) zu sein. Ver ge bens.
Alle auf einmal: von Antheil bis
Wolpe. Und unser Autor Steffen
Schleiermacher am Klavier (mdg)
Maler, Theo re ti ker und Künst ler Theo van
Does burg, leb te von 1921 bis 1923 in Weimar,
zwar ohne unmit tel bar am Bau haus zu
unterrichten, doch gab es zweifelsohne Kontak
te zwi schen ihm und den Bau häus lern.
Lyo nel Fei ni gers oft zitier tes musi ka lisches
Schaffen beschränkt sich auf 14 Fugen
für Orgel. Er war von sei nen Eltern zwar
ursprüng lich nach Euro pa geschickt wor den,
um sein musi ka li sches Kön nen zu ver vollkomm
nen – galt er doch als eine Art Wunder
kind, als begab ter und früh rei fer Violin vir tuo se. Doch mehr und
mehr wand te sich Fei nin ger der bil den den Kunst zu, mar gi nal blieb
sei ne Aus ein an der set zung mit Musik. An neu es ter Musik war Feinig
ner para do xer wei se nicht inter es siert, genau so wenig übri gens
wie Paul Klee.
Die Expe ri men te, die Moho ly-Nagy am Bau haus – wahr scheinlich
ange regt durch die Ide en von Piet Mon dri an und des sen Schrift
„Neu es Gestal ten“ – mit Schall plat ten mach te, in die er direkt Muster,
Lini en oder ande re Gebil de ritz te, um sie dann abzu spie len,
lassen sich heute nicht mehr rekonstruieren; ebensowenig die Filmarbei
ten von Hirsch feld-Mack oder Alex an der László, die recht
schlich te Kla vier mu sik zu ihren „Licht spie len“ kom po nier ten, welche
aber ein ge stan de ner ma ßen die Funk ti on hat te, die Stil le während
der Vor füh run gen zu über de cken und die Geräu sche der Projek
to ren zu kaschie ren.
Musik am Bau haus. Obwohl es kei nen „Musik meis ter“ gab,
haben die Ide en des Bau hau ses doch auf die Musik ein ge wirkt, wenn
auch eher mit tel bar: Ste fan Wol pe emi grier te über Paläs ti na nach
Ame ri ka, wur de dort in New York ein gesuch ter Leh rer und Anreger,
unter ande rem von Mor ton Feld man und David Tudor. Mor ton
Feld man sei ner seits schätz te die Musik von Josef Mat thi as Hau er
außerordentlich.
László Moholy-Nagy emigrierte ebenfalls nach Amerika, eröffnete
nacheinander mehrere Kunstschulen in Chicago, die auch John
Cage besuch te. Cage hat sich immer wie der in sei nen Arti keln über
den gro ßen Ein fluss und die Fas zi na ti on, die von Moho ly-Nagy ausging,
geäu ßert. Und viel leicht
ste hen auch vie le Expe ri men te
von Cage in mit tel ba rer Nachfolge
zu den frühen Experimenten
von Moho ly-Nagy in
Weimar.
Josef Albers, erst Bau hausstudent,
dann Bauhausmeister,
emigrierte ebenfalls nach Ameri
ka, wirk te als eine der Vater figu
ren der Maler des abs trak ten
Expressionismus wie Willem de
Kooning, Jackson Pollock oder
Mark Roth ko. Er wur de Direktor
am legen dä ren Col le ge in
Black Moun tain, wel ches in vielen
Din gen dem Bau haus nachemp
fun den war. Hier fand das
erste Happening – so zumindest
stellt es sich im Rück blick dar
– der Kunst ge schich te statt, mit
Robert Rau schen berg, Mer ce
Cun ning ham und John Cage.n
60 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019

WOHER KOMMT
EIGENTLICH …
… der Soundtrack zum Bauhaus ?
VON STEFAN SELL
Piet Mondrians „Victory Boogie
Woogie“ – es wurde getanzt ohne
Ende, gern bis zur Erschöpfung
Ob Kurt Weill Brecht ver ton te
oder Ope ret ten wie Leo
Falls Die Stra ßen sängerin
Pre mie re hat ten,
die Ber li ner Luft vor 100 Jah ren war
musikgeschwängert. Der Jazzpionier Eric
Bor chard war all ge gen wär tig, in Falls
Ope ret te von 1921 eben so wie in Fritz Langs
„Dr. Mabuse“. Hindemith, Schönberg, Busoni und
Schreier lehrten in Berlin. Klaus Mann charakterisiert
Deutsch land zu Beginn der Bau hau s epo che als „zugleich
erschöpft und hek tisch auf ge kratzt“. Der Ers te Welt krieg
war eben erst vor bei, und die Men schen sehn ten sich nach
„Won ne, Erleb nis, Eksta se und Erhe bung“, wie Har ry Hal ler ali as
Her mann Hes se im Roman „Der Step pen wolf“ beschreibt. Har ry
kommt zum Tanz auf dem Vul kan in die „Höl le“, das Kel ler ge schoss
eines Tanz pa las tes. „Von der Men ge gescho ben, gelang te ich in diesen
und jenen Raum, Trep pen hin auf, Trep pen hin un ter; ein Gang
im Kel ler ge schoß war von den Künst lern als Höl le aus ge stat tet, und
eine Musik ban de von Teu feln pauk te dar in wie rasend.“ Klaus Mann
im Rück blick: „Das Ber li ner Nacht le ben, Jun ge-Jun ge, so was hat
die Welt noch nicht gese hen!“
„The Roaring Twen ties“, die „Gol de nen 20er“, waren eine Zeitspan
ne zwi schen Wirt schafts auf schwung und Welt wirt schafts kri se,
ein rau schen des Fest für die Kunst. Über all in der Musik, im Film,
in der Lite ra tur, der Kunst und Archi tek tur blüh ten neue For men
auf. Es war eine Ära des Jazz, der Ope ret te, des Schla gers und der
Neu en Musik. Der Sound track zum Bau haus: ein Remix aus all dem.
Paul Klee trat mit sei ner Gei ge auf, zeich ne te eine Tran skrip ti on der
ers ten Tak te aus Bachs Sechster Sonate für Violine und Cembalo, und
Feininger komponierte Fugen. Musik verwandelte sich in Bauhauskunst,
Gren zen wur den über schrit ten. Kurt Schmidt schuf 1923 die
„Form- und Farbor gel“, Oskar Schlem mer expe ri men tier te mit dem
Tria di schen Bal lett, Johann Itten bau te den Turm des Feu ers, László
Moholy-Nagy entwarf die Partiturskizze zur Mecha ni schen Exzentrik,
Kan din sky tausch te sich mit Schön berg aus und schöpfte den
„gelben Klang“, Piet Mondrian tanzte Boogie-Woogie und brachte
ihn auf Lein wand. Gab es eine Bau haus-Ver samm lung, hieß es:
„Musiker, bitte Instrumente und Noten mitbringen!“ Das Gleiche
galt für Wochen end aus flü ge: „Musik geht mit!“
Im Hexen kes sel der „Höl le“ hört Har ry Hal ler das Stück
Year ning von den Cali for niacs: „Ein neu er Tanz, ein Fox trott,
erober te sich in jenem Win ter die Welt,
mit dem Titel Year ning. Year ning wurde
ein s ums and re Mal gespielt und
immer neu begehrt, alle waren wir
von ihm durch tränkt und berauscht,
alle summ ten wir sei ne Melo die
mit. Ich tanz te unun ter bro chen“. Wei ter
heißt es: „Ein Erleb nis wur de mir in die ser
Ball nacht zuteil: das Erleb nis des Fes tes, der
Rausch der Fest ge mein schaft, das Geheim nis vom
Unter gang der Per son in der Men ge, von der Unio mysti
ca der Freu de.“ Hes se fängt das Lebens ge fühl ein, das
suchen de Künst ler beflü gelt haben muss. Das Bau haus hat
vie les unter sei nem Dach ver eint, der inspi rie ren de Sound track
war stets prä sent.
1924 wur de eine eige ne Bau haus ka pel le ins Leben geru fen,
dar in spiel ten Andor Wei nin ger Kla vier, Hanns Hoff mann-Lede rer
Schlag zeug, Hein rich Koch Teu fels gei ge und Rudolf Paris Schlagzeug.
Am liebsten konzertierten sie auf selbst gebauten Instrumenten.
Spä ter kamen wei te re Musi ker und Instru men te hin zu, die
Bau haus-Jazz-Kapel le war in den 20er-Jah ren eine der belieb tes ten
Bands. Dabei waren unter ande rem Lux Fei nin ger, Lyo nel Fei ningers
jüngs ter Sohn, der Ban jo und Kla ri net te spiel te, und – als einzige
Frau – die damalige Bauhausstudentin, spätere Fotografin und
Archi tek tin Lot te Gerson mit ihrem Saxo fon.
Lux erin nert sich: „Ein hin rei ßen der Tanz des Namens ‚Der
Chromatische‘ muss aus dem Repertoire einer längst verschollenen
Mili tär ka pel le ent nom men sein, so wie die bekann tes te aller Bauhaus
me lo di en, der Bau haus Marsch, des sen Anfang zu den Wor ten
‚Itten-Muche-Maz daz nan‘ gesun gen wer den konn te und als ‚Bauhaus
pfiff‘ inter na tio nal bekannt war.“ Lux Fei nin ger, der das biblische
Alter von 101 erreich te, schwärm te von der Eksta se, mit der
die Kapel le spiel te, die einem „Veits tanz“ gleich kam. Har ry Hal ler
wuss te, es gibt kein Ent kom men: „Als die Musik abbrach, blie ben
wir umschlun gen ste hen, alle die ent zün de ten Paa re rings um uns
klatsch ten, stampften, schrien, peitsch ten die erschöpfte Kapel le
zur Wie der ho lung des Year ning auf.“ In der Erin ne rung des Bauhaus
stu den ten Far kas Molnár klingt das so: „Der Tanz nimmt kein
Ende. Die Jazz-Kapel le zer bricht ihre Instru men te. Der Knei per
ver liert sei ne Geduld … jetzt ist der Höhe punkt erreicht. Baro meter
365 Grad. Span nungs ma xi mum. Zap fen streich, der Hen ker
erscheint. Roter Pfeil. Not aus gang.“
n
FOTO: GEMEENTEMUSEUM DEN HAAG
61

B A U H A U S 1 0 0
NEUES WELTTHEATER –
OSKAR SCHLEMMER
UND DIE BAUHAUSBÜHNE
Begeistert huldigten Bauhäusler wie Oskar Schlemmer der Idee des
Gesamtkunstwerks, des Zusammenwirkens der einzelnen Kunstdisziplinen.
Und verweigerten sich jedem vorschriftsmäßig abgegrenzten „Lager“.
VON PHILIPP HONTSCHIK
FOTO: WILFRIED HOESL
Triadisches Ballett an der Bayerischen Staatsoper, 2014
Wien, 1987. Die Gründung der Bauhausbühne liegt
66 Jahre zurück. Am Burgtheater inszenieren
Achim Freyer und Urs Toller ein Stück mit dem
Titel Metamorphosen des Ovid oder die Bewegung
von den Rändern hin zur Mitte und umgekehrt. Die Musik und Teile
des Texts stammen von Dieter Schnebel, dem unlängst verstorbenen
großen Komponisten zeitgenössischer experimenteller Musik. Auch
Freyer und Toller haben mitgetextet.
Im Publikum sitzt offenbar ein organisierter Block von Störern.
„Die Burg“ will sich das einfach nicht bieten lassen: Ein hölzerner
bunter, großer Schmetterling bewegt sich quälend langsam von links
unten nach rechts oben, hin zur Mitte der schräg erhöhten Holzbühne.
Ein Mädchen auf einem hölzernen Tretroller. Eine Frau
kommt von links auf die Bühne, zieht einen Schuh aus, geht einen
Schritt, wieder einen zurück, zieht den Schuh wieder an, geht zwei
Schritte weiter, zieht den anderen Schuh aus … Derweil kommt vom
Band Sprechtext, der die Dame als ziemlich unerschrockene Prostituierte
ausweist: „Na, freilich setz’ ich mich ihm aufs G’sicht, bin
ja ka Snob.“ In Endlosschleife. „Braucht ma da lang, bis ma des
kann?“, kommt’s im tiefsten Wienerisch aus dem Parkett. „Halt’s
Maul, Faschist!“, kommt rüde die Antwort. „Kamma des studier’n?“
„Nach Haus geh’, wem’s nicht g’fallt!“ „Zum Fernsehen, ihr Deppn!“
Und heute? Wer die klassische Sprechbühne des Theaters
„zweckentfremdet“, erzielt immer noch schockierende oder freund-
62 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019

lich gesagt: durchschlagende Wirkung. Mal mehr und mal weniger
schlüssig, aber warum soll das Gegenwartstheater darauf verzichten?
Schon Gründgens stellte die Filmsequenz der Hiroshima-
Bombe mitten in die Faustische Walpurgisnacht – ein dramaturgischer
Glücksgriff. Bezüge auf die bildende Kunst, Zitate
aus oder von Gemälden, Filmbildeinspielungen, Überblendungen,
Liveaufnahmen von der Bühne selbst – all
das setzt Theater heute ein, in einem von Bildern gefluteten
„Heute“.
Dabei denken wir über unsere eigene Verortung nach
und finden einen humanoiden Roboter auf der Bühne, dessen
Gesicht dem eines bekannten Schauspielers gleicht.
Was Digitalisierung und künstliche Intelligenz für uns
sind, war für die der Bauhausbühne die plötzlich technologisierte,
beschleunigte und von Maschinen geprägte
Umwelt des frühen 20. Jahrhunderts. „Verortung des Ich“,
das klingt schwülstig. Aber als Walter Gropius 1921 die
Bauhausbühne ins Leben rief, hatten Einstein und Planck
neue Weltmodelle vorgelegt: Raum und Zeit krümmen
sich, abhängig von der beteiligten Masse. Und Teilchen,
noch viel kleiner als Atome, geben entweder ihren Impuls oder ihren
Ort zu erkennen, aber nicht beides. Hinzu kam, dass nicht wenige
der bestimmenden Bauhausfiguren den Ersten Weltkrieg an der
Front erlebt hatten, den Menschen im Zeitalter seiner maschinellen
Vernichtbarkeit. Die Verstörung, die Erschütterung, die hieraus
stammten, sollten in Fragen
DAS TRIADISCHE
BALLETT BLEIBT
EIN MEILENSTEIN
DER THEATER-
GESCHICHTE
münden nach dem Bezugsfeld
zwischen Menschen und ihrer
seelisch-körperlichen Befindlichkeit
und den von menschlichen
Gehirnen erdachten und
erbauten Maschinen, die den
Alltag immer stärker prägen.
Gemessen an der Furcht
der Heutigen davor, dass uns
die künstliche Intelligenz womöglich um die Ohren fliegt, bevor
wir es verhindern können, hegten die Bauhausleute Vertrauen in
die Zukunft, Zuversicht und Technikbegeisterung. Auf Standortsuche
gehen sollte „der Mensch“, den der literarische Expressionismus
vor allem in der Lyrik ständig an- und aufruft, auf der Bauhausbühne
gleichwohl: Das Triadische Ballett hat nichts mit der
hegelianisch-marxistischen „dialektischen Triade“ aus These, Antithese
und Synthese zu tun. Vielmehr stand diese Triade (Dreiklang)
für Beziehungen wie Kostüm – Bewegung – Musik als choreografische
Grundsäulen oder Raum – Form – Farbe als physische Attribute,
Höhe – Breite – Tiefe als klassische Dimensionen des Raums.
Die geometrischen Grundformen Kreis – Quadrat – Dreieck kommen
zum Tragen, und die Grundfarben Rot – Gelb – Blau, das alles
übertragen auf die Bewegungen dreier Akteursfiguren.
Arnold Schönberg lehnte eine Zusammenarbeit ab. Angeklopft
hatte bei Schönberg ein gewisser Albert Burger, Tänzer an der
Königlichen Hofoper Stuttgart. Burger und seine Frau Elsa Hötzel
waren 1912 die Ersten, die sich auf die Suche nach „Neuem Ballett“
machten. Noch im selben Jahr fanden sie den Maler Oskar Schlemmer
als inspirierten Partner. Die drei ahnten, welche Epoche sie
damit machten: Gleich nach der Uraufführung des Triadischen
Balletts 1922 in Stuttgart zerstritt sich das Ehepaar mit Schlemmer
heillos. So wie sich Oskar Schlemmers Erben überwarfen, was der
Bekanntheit des Triadischen Balletts, dieses Aushängeschilds der
Bauhausbühne, schwer geschadet hat. Was Schlemmer als Beginn
neuer „deutscher Tanzkunst“ sah, auch als Gegenentwurf zum russischen
oder schwedischen Ballett, bleibt vorerst, was es schon lange
ist: ein Meilenstein der Theatergeschichte, den kaum jemand je zu
sehen kriegt.
n
Oskar Schlemmer
Als Oskar Schlemmer zwölf Jahre alt war, waren beide Eltern
gestorben. Wer psychologisieren möchte, wird es rührend
finden, dass sich der Kunstprofessor
Schlemmer Jahrzehnte später in die Frage
nach dem „Menschen im Raum“ so sehr
vertiefen konnte. Als jüngstes von sechs
Kindern hätte er es ja auch mit dem zeitgenössischen
Pathos der Expressionisten
halten können: Deren „Oh, Mensch!“-Lyrik
zielte auf das Verhältnis zwischen Mensch
und Gesellschaft. Die „soziale Frage“ wurde
damals überhaupt immer lauter: in der
Politik wie in allen Sparten der Kunst. Das
Epigonale, Harmlose hatte sich verbraucht.
Notwendig war eine grundlegende Erweiterung
der künstlerischen Ausdrucksmittel.
Die Malerei machte sich auf, weg vom
Figürlichen hin zur höchsten Abstraktion.
Den Niederländer Piet Mondrian sollte Oskar Schlemmer
später einmal den „eigentlichen Gott des Bauhauses“
nennen.
Aber zunächst kommt ein 15-jähriger Waise aus Göppingen,
wo er aus Geldgründen die Realschule verlassen hatte,
zurück in seine Geburtsstadt Stuttgart, findet Zugang zu einer
renommierten Werkstatt, erfüllt dort Vorlagen für Intarsien
und andere gewerbliche, vorkünstlerische Aufgaben. Nebenher
bildet er sich in Figurenzeichnen und Stillehre weiter.
1906 nimmt die Stuttgarter Akademie für Bildende Künste
ihn 18-jährig auf. Drei Jahre später: Meisterklasse in Komposition
bei Friedrich von Keller. Anschließend, in Berlin, trifft
er Kubisten, die Avantgarde. Der Kubismus schlägt sich deutlich
in seiner Malerei nieder. Deswegen rücken ihn viele in
die Nähe von George Grosz oder Giorgio de Chirico. Aber
Grosz ist selbstbewusster Kritiker der Kaiserzeit wie der Weimarer
Republik. Politische Stellungnahmen waren aber Oskar
Schlemmers Sache nicht. Und im Vergleich zu de Chiricos
„metaphysischer Malerei“ springt bei aller Ähnlichkeit ein
Unterschied ins Auge: De Chiricos Stadtlandschaften sind
menschenleer, Schlemmer sucht nach dem Ort des Menschen
im Raum und seiner Wirkung darin.
Es bleibt dabei: Oskar Schlemmers Schaffen lässt sich
nur schwer einer Kunstrichtung angliedern. Auch weil er der
Idee des Gesamtkunstwerks, des Zusammenwirkens der einzelnen
Kunstdisziplinen huldigte und sich nicht zu einem der
vorschriftsmäßig abgegrenzten Lager bekennen wollte.
Schlemmer hatte sich bei Kriegsbeginn 1914 freiwillig
gemeldet, eine Verwundung ermöglichte, dass er überlebte
und weitermalen konnte. 1920 berief Walter Gropius Schlemmer
ans Bauhaus Weimar, wo er die Klasse für Wandmalerei,
bald auch für Holz- und Steinbildhauerei übernahm. 1922
gelang in Stuttgart die Uraufführung des Triadischen Balletts
– das nie auf der Bauhausbühne aufgeführt wurde. Deren Leitung
übernahm Schlemmer mit dem Umzug des Bauhauses
nach Dessau 1925. Das Triadische Ballett erlebte Aufführungen
im In- und Ausland, der Erfolg hatte sich eingestellt, ein
schöpferischer Mensch seinen Ort im Raum gefunden. Aber
bis zum Regime des Unmenschen dauerte es nicht mehr lange.
1930 ließ man von oberster Stelle in Weimar ein Wandgemälde
Schlemmers übermalen. In der Nazi-Schmäh-Ausstellung
„Entartete Kunst“ hingen schließlich fünf seiner Bilder
„Bauhaustreppe“ von Oskar
Schlemmer, 1932
als undeutsch. Oskar Schlemmer starb im April 1943 in einem
Sanatorium in Baden-Baden.
n
FOTO: BAUHAUS100
63

B A U H A U S 1 0 0
GEFÜHLTE
ARCHITEKTUR
FOTOS: SASCHA KLETZSCH
Bauhaus heute: zwei Privathäuser
in München vom Büro Stenger2
64 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019

Eine Bewegung machte Furore und veränderte das Gesicht
ganzer Städte: Mit dem Bauhaus hielt die Moderne endgültig
Einzug in die Architektur. Wie nachhaltig war und ist ihr Einfluss
auf die kommenden Jahre? Ein Gespräch mit dem Architekten
Markus Stenger, der in der Wiege des Bauhauses studiert hat.
VON BARBARA SCHULZ
CRESCENDO: Herr Stenger, welche Bedeutung hat das Bauhaus
für die Architektur heute?
Mar kus Sten ger: Die Fra ge, die vor ab gestellt wer den muss, ist
doch: Wel ches Bau haus meint man? Das ursprüng lich sen si ble,
sensuelle, fühlende Bauhaus? Oder das rationale Bauhaus von
Mies van der Rohe, das am Ende stand? Wir haben es ja, allein
auf Deutsch land bezo gen, mit einem Drei ak ter zu tun: Die ers te
Epi so de spielt 1919 in Wei mar, die zwei te 1925 in Des sau und die
drit te schließ lich um 1933 in Ber lin.
Wie kam es zu dieser Dreiteilung?
Das muss man im jewei li gen Kon text sehen: Wal ter Gro pi us hatte
1919 das Staat li che Bau haus in Wei mar gegrün det. Dass sich
ein so frei heit li ches Gut in dem stren gen Kor sett die ser kon servativen
Stadt entwickeln konnte, war bemerkenswert. Schließlich
drängte Wei mar das Bau haus doch aus der Stadt. Das sozia listisch
ein ge stell te Des sau nahm es ger ne auf, stellte ein Grundstück
und Mit tel zur Ver fü gung. Das war der Umbruch: Die
Bauhäusler suchten nun nach Möglichkeiten, Architektur in Teilen
seri ell zu pro du zie ren – ab die sem Zeit punkt Haupt the ma
am Bau haus. Dann ver dräng ten die Nazis das Bau haus aus Dessau.
Die Flucht nach Ber lin geschah bereits in dem Wis sen, dass
das nicht mehr lan ge gehen wür de.
Sie haben in Weimar Architektur studiert. War für Sie das
Bauhaus noch spürbar?
Ich kam 1992 nach Wei mar. Es war eine Welt, die sich noch in
der herr li chen Aufbruchs stim mung der letz ten Jah re der DDR
und der ers ten Jah re des ver ei nig ten Deutsch land befand. Der
Osten war noch sehr gegen wär tig, aber auch das ori gi na le Bauhaus.
Der „Vor kurs“ war noch Teil unse rer Aus bil dung.
Was beinhaltet der „Vorkurs“?
Gro pi us hat te ja ein Lay out fest ge legt, das ers te Bau haus-Manifest.
Inter es sant ist, dass es zunächst kein Text, son dern eine
Gra fik war: ein Kreis mo dell, das sich auf einen Punkt hin zentriert.
Ganz außen steht der Vor kurs des Schwei zer Malers und
Kunst päd ago gen Johan nes Itten: indi vi du el les Emp fin den, subjek
ti ves Erken nen und objek ti ves Erfas sen als Grund la ge aller
Krea ti vi tät. Im nächs ten Ring dann die Leh re von der Kon strukti
on und Dar stel lung, die Mate ri al-, Natur-, Raum- und Stoffleh
re, im drit ten Ring schließ lich das Mate ri al selbst. Es ging
ganz stark um die Wer tig keit der sinn li chen Erfah rung von Materi
al. Und das alles mün de te schließ lich im Bau.
Sensibilisierung also …
Ja, Füh len, Tas ten, Hören, Sehen … Sen so rik ent wi ckeln, Oberflä
chen struk tu ren ver in ner li chen. Dafür wur de extrem viel Zeit
auf ge wen det, auch dar über zu reden und zu reflek tie ren. Heu te
ist die Kom mu ni ka ti on zur Archi tek tur ganz anders. Zum einen
gibt es die mit dem Auftrag ge ber des Archi tek ten: Pri vat mann,
Inves tor, öffent li cher Auftrag ge ber. Dane ben die auf einer zwei-
65

B A U H A U S 1 0 0
Das Bauhaus-Manifest:
Alles konzentriert sich hin zum Bau
FOTO: SASCHA KLETZSCH
ten, viel öffent li che ren Ebe ne: wenn das Pro dukt fer tig
ist. Das Voka bu lar der bei den ist völ lig unter schiedlich.
Spricht man mit einem Bau her rn, wäre man oft
froh, das ursprüng li che Bau haus vo ka bu lar zur Ver fügung
zu haben. Bei die ser unmit tel ba ren Annä he rung an
Architektur geht es – sobald wirtschaftliche und raumplanerische
Fra gen geklärt sind – dar um, wie Archi tek tur spä ter ange fasst, wie
sie gese hen, gespürt, gefühlt wird. Inves to ren kann man mit die sem
Voka bu lar bei brin gen, qua li tät voll zu bau en. Ich hät te gern, dass
die Schu le der gefühls mä ßi gen Annä he rung an Archi tek tur aus
dem Bau haus zum Pflicht fach in jeder Schu le wird.
Bestehende Architektur muss anders kommuniziert werden?
Ja. Der Mensch ist mit einer sol chen Geschwin dig keit in Rich tung
urba ner Agglo me ra ti on unter wegs, dass das Leben auf dem Land
beziehungsweise im nicht Urba nen immer mehr zur Aus nah me -
si tua ti on wird. Das bedeu tet im Umkehr schluss, wir haben uns
damit abge fun den, dass unser Kon text Archi tek tur ist, weil die Stadt
im sicht ba ren Bereich zu 90 Pro zent aus Archi tek tur besteht. Wir
leben also in einem Umfeld, das wir nie gelernt haben zu eva lu ieren,
son dern „nur“ nut zen. Weil wir auf gefähr lich dog ma ti sche
Sät ze ver trau en wie den von Mies van der Rohe, „Form fol lows
func tion“. Die wich ti ge Arbeit wäre nun, stän dig neu zu ergrün den
und zu kom mu ni zie ren, was das Poten zi al
gebau ter Struk tur ist, wie ich das Wer te gerüst
einer Struk tur ändern oder ver bes sern
kann, wie etwas Archi tek tur wer den kann …
Dafür braucht man das Voka bu lar: um mündig
zu wer den. Das war die immense Leistung
die ser Schu le.
Irgendwann nahm die Bedeutung der Sensorik
aber ab.
Ja, die Mit te des Krei ses, der Bau, wur de
immer her me ti scher. Man kann es Fokussie
rung nen nen. Oder als extre men Ver lust
bezeich nen, was da auf der Stre cke geblie ben
ist. Fas zi nie rend ist, dass unter einer Mar ke
„Bau haus“ die se völ lig wider sprüch li chen
Bewegungen zusammengefasst sind: Weimar,
das die Ein heit von Kunst und Handwerk
such te, und Des sau, das völ lig offen zur
Indus trie war. In Des sau war wich tig, einen
Ent wurf so strin gent zu machen, dass man
mit Stan dard pro duk ten aus der Indus trie
ein gan zes Haus pro du zie ren konn te.
Massenfertigung also?
Nicht ganz, dafür ist das Bau haus-Gebäu de viel zu poe tisch und
qua li tät voll. Zwar war das Haus sehr zweck mä ßig, man hat aber
nicht sim pli fi ziert, eher stan dar di siert. Und auch pro vo ziert. Da
war ein guter Schuss Humor dabei bei die ser Archi tek tur. Irgendwie
war Bau haus weni ger Bus si Bus si, Bau haus war mehr Sex. Die se
Lust spürt man in der Anfangs zeit. Und aus die ser Lust wur de
immer mehr Leis tung und Arbeit, es wur de immer erns ter.
Bedeutet Standardisierung, dass Dessau vorbereitend für die
Fertigbauarchitektur war?
Das wür de ich nicht sagen. Ein Fer tig haus bie tet kei ner lei Mög lichkeit,
meh re re Dis zi pli nen an einem Objekt zu ver sam meln. Des sau
woll te sicher nicht, dass ein Gebäu de, das ein mal ent wor fen war,
belie big oft repro du ziert wer den soll te. Eher so: vie le ähn li che Fenster,
Türen etc., die man seri ell her stellt. Das Meis ter haus zum Beispiel
war noch indi vi dua li siert. Für den Ort, für den Kon text, für
die Auf ga be. Das Fer tig haus ist das Gegen teil davon.
Hat es das Dessauer Bauhaus in die Gegenwart geschafft?
Ich wür de eher sagen, die ers te Epi so de, Wei mar. Weil es alles ande re
Mar kus Sten ger und sei ne Frau Annet te
leben und arbei ten in Mün chen. Unter dem
Titel „fearless“ stell ten sie u. a. in Vene dig
zur Archi tek tur bi en na le 2016 mit ihrem
Büro „Stenger2 Archi tek ten und Part ner“
ihre bis lang wich tigs te Arbeit vor: die Wie derbe
le bung des 1990 still ge leg ten Gas-Versuchs
kraft werks in Mün chen-Ober send ling
und das Erleb nis empi ri schen Bau ens.
Infos unter s2lab.de
her vor ge ru fen hat. Man tut dem Bau haus sicher einen
Gefal len, wenn man es ver ket tet mit sei ner eige nen
Geburts ge schich te. Zu sagen, das ist Bau haus und jenes
ist jetzt die Fol ge davon, ist schwie rig. Die se zehn Jah re
nach Bau haus, von 1933 bis 1943: Da ist für mich mehr die
Fra ge, wie hat die Indus tria li sie rung oder die se kriegs ge trie be ne
Mas sen pro duk ti on das Fer tig teil bau en ermög licht? Die hoch ge rüste
ten Indus trie zwei ge hat ten ja plötz lich kei nen Zweck mehr. So
fand man zivi le Ein satz ge bie te. Fens ter la cke zum Bei spiel, die das
eigent lich viel lang le bi ge re und zudem bio lo gi sche Lein öl
ablösten.
Es gab aber auch sinnvolle neue Materialien.
Gemeinsam mit anderen Architekturströmungen dieser Zeit wandte
sich das Bau haus früh Stahl und Stahl be ton zu. Und das ist wohl
der wich tigs te Ein fluss auf heu te: dass über die Rän der der Pro fessi
on geschaut wur de und das Gute, das man jen seits fand, über nommen
hat. Man hat sich hin be wegt zum Hand wer ker, zum Künst ler,
spä ter zum Trag werksinge nieur. Und hat Syn er gi en genutzt.
Das bedeutet auch flache Hierarchien …
Ganz genau, in der Pra xis kann man so – wie übri gens in der für das
Bauhaus namensgebenden mittelalterlichen Dom-Bauhütte auch –
allen die Mög lich keit geben, Glei cher unter Glei chen zu sein. Und
so jedes Werk zum klei nen Bau haus
machen. Dann ist die Archi tek tur nicht die
Mut ter aller Küns te, der sich alle unter zuord
nen haben. Viel mehr gibt es eine Erfahrungs
hier ar chie aller Betei lig ten. Ein Mitarbeiter
oder Handwerker kann zu gegebener
Zeit in eine lei ten de Funk ti on wech seln,
wenn er mehr Erfah rung hat. Da muss es
kein objek ti ves Füh ren geben. Der Architekt
schließt im Ide al fall nur die Lücken
zwi schen den Dis zi pli nen. Hät te ich eine
Fra ge ans Bau haus, dann wüss te ich gern,
wie die Kom mu ni ka ti on funk tio niert hat.
Wie haben sie sich gegen sei tig den Raum
gelas sen, ihren Platz gefun den? Das gab es
vorher lange nicht.
Es ist ja auch eine Form gegenseitiger
Inspiration.
Unbe dingt. Es gibt ja eigent lich viel weniger
Gren zen in den Kul tur ka te go ri en, als
man denkt. Man kann rhe to ri sche Stil mittel
auf Fas sa den anwen den, kann ein Stück
Lite ra tur, ein Stück Musik und ein Stück
Archi tek tur mit den sel ben Augen und Mit teln lesen. Aber wir tun
es nicht. Dabei ist es so beglü ckend.
Es gibt ein Buch: „Please show me how to do Bauhaus“.
Ein wun der bar iro ni scher Titel. Aber hilf rei che Lek tü re für den
Bau herrn, der kommt und sagt, er hät te gern ein Haus in „so einer
Art Bauhausstil“.
Was meint er damit?
Meist nutzt er die sen Begriff als Trä ger für das ande re, das A-Kontextuelle.
Natürlich schweben ihm auch konkrete Stilmittel vor: die
Far be Weiß, gro ße Fens ter, glat te Fas sa de, ein Flach dach, kein Dachüber
stand. Aber eigent lich möch te er Des in te gra ti on. Sich abhe ben
von der Nach bar schaft. Das Beson de re in sei nem neu en Umfeld
sein. Ich sehe das zum Teil sehr kri tisch. Das ist nicht mei ne Auffassung
von Bauhaus.
Welche Antwort geben Sie ihm?
Dass er Glück hat! Weil er bei einem gelan det ist, der immer Bauhaus
macht, weil er am Bau haus war. Er kann von mir gar kein anderes
Stück Archi tek tur bekom men. Ob er will oder nicht! n
66 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019

LEBENSART
Von edler Eleganz: Diese Klassiker des Bauhauses möbeln unseren Alltag auf (Seite 72)
Die Schweiz hat mehr als Berge, Schnee und Schoki:
Weine zum Niederknien, vorgestellt von Paula Bosch (Seite 74)
Ein Spaziergang durch Dresden mit dem Schütz-Experten Hans-Christoph Rademann (Seite 78)
Ein Spiel mit Licht und Schatten:
Schlicht und pur will Bauhausarchitektur
sein, um mit der Natur
verschmelzen zu können, sie
zuzulassen, ihr Raum zu geben und
sie zu integrieren. Ein Treppenhaus
kann so viel mehr als ein
Treppenhaus sein – wahre Kunst.
FOTO: PIXABAY
67

L E B E N S A R T
Lieblingsessen!
HIER VERRATEN DIE STARS IHRE BESTEN REZEPTE.
UND MANCHMAL AUCH KLEINE GESCHICHTEN,
DIE DAZUGEHÖREN ...
„DAS AUS ZWEI FAST LEEREN KÜHLSCHRÄNKEN
ENTSTANDENE AMUSE-GUEULE IST LÄNGST EIN KLASSIKER AUF PARTYS“
REBEKKA HARTMANN
FOTO: PRIVAT
68 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019

REBEKKA HARTMANN VIOLINISTIN
„Vor wenigen Jahren saß ich mit meinem besten Freund beim Essen im Restaurant und wir
ärgerten uns: Für wenig Geschmack muss man einen Kredit aufnehmen! Wir beschlossen also, selbst
und gemeinsam zu kochen. Zähneknirschend muss ich hier zugeben, dass ich, außer ein paar Eier in die
Pfanne zu hauen, nicht wirklich kochen kann – Berufsmusiker haben wenig Zeit. Mein Freund bot sich
an, mir das Kochen beizubringen. Eines sonntags also warfen wir die eher spärlichen Inhalte unserer
Kühlschränke zusammen: eine Aubergine, ein Stück Mozzarella von mir, sein Vorrat bestand aus
Tomatenmark, Knoblauch, Sardellen und Zitronen. Daraus entstand die Idee, eine Praline aus der
Aubergine zu kreieren, die mich derart begeisterte, dass dieses Amuse-Gueule bei unseren Partys zum
beliebtesten Gericht wurde. Und immer, wenn uns jemand nach dem Rezept fragt, schmunzeln wir –
und erinnern uns an diesen denkwürdigen Tag!“
FOTO: ULRIKE VON LOEPER
Rebekka Hartmann hat nationale und internationale Auszeichnungen erhalten. Ihr Repertoire umfasst das
ganze Spektrum der Violinliteratur vom Frühbarock bis zur zeitgenössischen Musik und neuen Kompositionen,
von denen sie auch Erstaufnahmen und Uraufführungen wie Werke für Solovioline von Håkan Larsson und
Anders Eliasson aufführte. 2012 erhielt Rebekka Hartmann für ihre CD „Birth of the Violin“ (2011, Solo
Musica) den ECHO Klassik-Preis in der Kategorie „Beste solistische Einspielung des Jahres auf der Violine“.
•
PRALINE VON DER AUBERGINE
2 Auberginen, 1 Zitrone, Olivenöl, 2 Tuben Tomatenmark, 1 Glas Sardellen in Öl,
8 Knoblauchzehen, Salz, Pfeffer, 2 Mozzarella, 1 Bund Basilikum
•
1. Auberginen in 0,5 cm dicke Scheiben schneiden, mit Zitrone beträufeln und in reichlich heißem Olivenöl
anbraten, bis sie leicht gebräunt sind. Auf Küchenkrepp abtropfen lassen.
2. Für die Tomatenpaste das Tomatenmark in einen tiefen Teller drücken. Die Sardellenfilets aus
dem Glas nehmen und fein hacken. Restliches Öl aus dem Glas in die Tomatenpaste rühren.
Die Knoblauchzehen schälen, fein hacken und auf ein wenig Salz zerdrücken, ebenfalls in die Paste geben.
Zitronensaft nach Geschmack zugeben und alles mit Salz und Pfeffer abschmecken.
3. Backofen auf 220 Grad Umluft vorheizen. Die Auberginenscheiben auf ein mit Backpapier belegtes
Backblech legen, mit der Paste bestreichen.
4. Den Mozzarella in so viele Scheiben schneiden, wie Auberginenscheiben da sind, und
darauf verteilen. Im heißen Ofen etwa 10 Minuten backen. Mit Basilikumblättchen belegen.
Das aktuelle Album: „Out of the shadow“, Rebekka Hartmann,
Salzburg Chamber Soloists (Solo Musica)
69

L E B E N S A R T
Mein erstes Mal
Prunk, Pomp, Pathos – ein bisschen viel von allem, findet unser Kolumnist.
Um nach einem Opernbesuch schließlich festzustellen: Es ist nie zu spät.
VON LARS REICHARDT
Die Oper ist für Zuschauer
ein rauschendes Fest.
Und das bedeutet offenbar
auch Überfluss, Verschwendung.
Allein diese
Türen: riesige Flügeltüren auf der
Bühne, sicher sechs, sieben Meter hoch.
Wo gibt’s denn so was?
Dieser Pomp fällt einem Anfänger
als Erstes ins Auge. Der brennende
Kamin bei Familie Othello zu Hause, zu Beginn rechts auf der
Bühne, im dritten Akt dann links, so, als ob ein halbstarker Bühnenbildner
ins Publikum krakeelt: „Was kümmert mich eure Brandschutzordnung?
Ich kann überall.“ Der riesige Chor, die schwülstige
Sprache, in der es den Menschen noch dünkt und deucht. Und wie
theatralisch sich Desdemona im ersten Akt auf dem plüschigen Sofa
windet, als sie die Berichte von Othellos Seeschlacht verfolgt. Wirkt
so übertrieben, wie im schlechten Theater. Und die Musik? Singen
Anja Harteros und Jonas Kaufmann wirklich so gut, wie die Leute
raunen, die sich selbstbewusst als Kenner bezeichnen? Warum gilt
Kirill Petrenko als Stardirigent? Und wie hört man den Unterschied
zwischen einem Star und einem nur ganz passablen Sänger heraus?
Trifft der etwa die Töne nicht? Tut mir leid, mir fehlen einfach die
Vergleichsmöglichkeiten.
Wer sich nie ernsthaft mit klassischer Musik beschäftigt, wer
nie versucht hat, dem vielbeschworenen Zauber einer Oper nachzuspüren,
der braucht das auch im fortgeschrittenen Alter nicht mehr
probieren. Irgendwann ist es eben doch zu spät, dachte ich immer.
Habe ich nie bereut. Bis zu dieser Freundin, die sagt, nur Film könne
bei ihr eine ähnlich kathartische Wirkung haben, Bücher nicht,
auch kein Theaterstück. Dabei gehen wir gern ins Theater. Aber
gleich beim zweiten Stück redete sie von Kriegenburg. Ein Bühnenbild
erinnerte sie an den, ob ich denn seine letzte Operninszenierung
gesehen hätte? Nein? „Ach, wie schade.“
Musik und Geschichte einer Oper sollten bei jedem wirken
können, unabhängig von seinem Vorwissen. Die Wahl will gut
überlegt sein, wenn man einer Freundin zuliebe in die Oper geht.
Ein Bekannter, den ich um Rat bat, überlegte nicht lang: auf keinen
Fall Wagner. Die Soft-Oper für Anfänger heißt Othello. Die neue
Münchner Inszenierung mit Harteros und Kaufmann, Otello, ohne
h. „Das wird sie lieben, das verstehst du, und zwei Stunden hältst du
aus.“ Also gut, ich schlage Othello vor.
Volltreffer. „In Othello ist alles vorhanden, was das Leben ausmacht“,
sagt sie. Othellos rasende Eifersucht, die Gier nach Macht
von Jago, die bis in den Tod treue Liebe
Desdemonas. Freundschaft, Trunkenheit,
Verzweiflung, Verrat. Ein weißes
und ein schwarzes Zimmer auf der
Bühne spiegeln die Seelenzustände der
Figuren. Die deutschen und englischen
Untertitel, die inzwischen so gut wie
überall an der Decke mitlaufen, sind
ein Segen für mich. Wir haben tolle
Plätze. Reihe 16. Ein Herr vor mir, im
Goldknopfsakko, dreht sich dreimal mit strenger Miene um, weil
ich kurz mit meinem Schmierzettel geraschelt hatte. Ich vergaß: Wir
sind hier alle nicht zum Spaß.
Jago wirkt von Anfang an wie einer, der schon mal Theater
gemacht hat. Othello und Desdemona singen sich bald so zärtlich
an, dass man ihre Liebe zu spüren vermag. Schließlich die Szene, in
der sich Desdemona von ihrer Zofe verabschiedet. Anrührend, sagt
die Freundin. Ja, einverstanden. Auch ich bin plötzlich ergriffen.
Von der Musik, von Harteros’ Gesang – für einen Augenblick vergesse
ich, dass Desdemona ja nicht in Wirklichkeit sterben muss.
Die Handlung nach ihrem Tod zieht sich für meinen Geschmack.
Muss man denn wirklich noch sehen, dass Jagos Schindluder endlich
enttarnt wird?
Am Ende trampelt das Publikum mit den Füßen vor Begeisterung.
Übertrieben, schon wieder. Habe ich nie erlebt im Theater.
Nur früher in der Schule, wenn Schüler einen Applaus eher karikieren
wollten. Die Sänger springen auf die Bühne. Kaufmann und
Harteros glücklich Hand in Hand. Erlöst von der Anstrengung und
Anspannung. Keine arroganten Popstars. Jago bedankt sich für seinen
Applaus mit einer Hand auf dem Herzen und spielt den Bescheidenen.
Sechs, sieben Mal kommen sie alle auf die Bühne, niemand
im Parkett will gehen. Ich habe bei Othello wohl etwas Großem beigewohnt,
ohne es zur Gänze verstanden zu haben. Ganz untheatralisch
bescheiden huscht dann auch noch Kirill Petrenko auf die
Bühne. Mit kleinen Händen winkt er ins Publikum, als ob er sich
schon verabschiede. Was für ein sympathischer Mensch.
Der Vater meiner Freundin, ein ausgewiesener Musikliebhaber,
hatte mir frei nach Goethe auf den Weg gegeben: „Wenn es
nicht berührt, nützt es nichts.“ Ja, da hat wirklich was berührt. Ist
nur fraglich, was? Die Musik? Der Stoff? Oder doch nur die berührte
Freundin neben mir?
Eine Woche später sang Jonas Kaufmann bei der Weihnachtsfeier
nach dem letzten Bayernspiel im Fußballstadion. Ich habe ihn
tatsächlich an seiner Stimme erkannt. Ist nie zu spät für die Oper.■
FOTO: PRIVAT
70 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019

16.03.–14.04.19
17.03.–21.04.18
internationales
musikfestival internationales
musikfestival
heidelberger frühling 18
Amsterdam Sinfonietta I Benjamin Appl I Avi Avital I Sven-Eric Bechtolf I Daniel Behle I Rafał Blechacz
Yefim Bronfman I Khatia Buniatishvili I Renaud Capuçon I Deutsche Radio Philharmonie Saarbrücken Kaiserslautern
Die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen I Leonard Elschenbroich I Alexej Gerassimez I Valery Gergiev
Thomas Hampson I Anja Harteros I Markus Hinterhäuser I Maximilian Hornung I Bomsori Kim I Sebastian Koch
Harriet Krijgh I Elisabeth Kulman I Igor Levit I Daniel Libeskind I Mahler Chamber Orchestra I Alexander Melnikov
Nils Mönkemeyer I Münchner Philharmoniker I Truls Mørk I Olga Pashchenko I Julian Prégardien I Thomas Quasthoff
Quatuor Ébène I Tatjana Ruhland I Valer Sabadus I Mitsuko Uchida I Tianwa Yang u.v.a.
Kostenloses Programmbuch Gründungspartner: & Tickets: 06221 - 584 00 44 I www.heidelberger-fruehling.de
Gründungspartner:
Alte

L E B E N S A R T
EINFACH SCHÖN!
Metall, Holz, Glas, Ton – nie vorher und nie nachher verwob eine Stilrichtung Design,
Handwerk und Material so eng miteinander wie das Bauhaus. Schlicht in der Form und funktional
in der Verwendung sind die Objekte längst zeitlose Klassiker von purer Eleganz.
Reingerutscht
Einer der spektakulärsten Bauhaus-
Entwürfe: „Wassily“ (eine Hommage
an Kandinsky) des Österreichers Marcel
Breuer. Stahlrohrkonstruktionen
waren das Markenzeichen des von
Walter Gropius berufenen Jungmeisters
und Leiters der Dessauer Möbelwerkstatt,
der hier zum ersten Mal
einen Sessel auf seine Grundform
reduziert. Breuer entwarf den Clubsessel
B3 1926 als Vorzeigeobjekt des
Neuen Wohnens, entprechend gehörte
er zum Mobiliar des 1926 eröffneten
Dessauer Bauhaus-Gebäudes.
www.vitra.com
Angeknipst
In Wilhelm Wagenfelds respektablem, über 600 Nummern
umfassendem Werkverzeichnis ist die Leuchte die
Nummer 1. Und wirklich hat nichts Wagenfelds Ruf so stark
geprägt wie diese frühe Studentenarbeit von 1924, der in
ihrem geometrischen Aufbau die Auffassung seines Lehrers
László Moholy-Nagy noch deutlich anzusehen ist. Längst ist
die Ikone des Bauhauses, die erst seit 1980 wieder auf dem
Markt ist, einer der Designklassiker des 20. Jahrhunderts.
www.prediger.de
Weichgekocht
Noch ein Wagenfeld, noch ein Kultobjekt: der Eierkoch, der
als Prototyp moderner Glasgestaltung Design-Geschichte
schrieb. Entstanden ist der Eierkoch 1933 im Rahmen der Entwürfe
für das berühmte Teeservice Edition Wagenfeld für die
Jenaer Glaswerke. Und hier das Grundrezept: 1 Ei in den Eierkoch
schlagen, mit Salz und Kräutern würzen. Deckel und
Spange aufsetzen, im heißen Wasserbad 4–6 Minuten kochen.
www.jenaerglas-shop.de
72 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019

Abgerundet
Die kluge und ausgewogene Kombination verschiedener
geometrischer Grundformen macht die Arbeiten von
Marianne Brandt so unverwechselbar: Das elegante
Tee-Extraktkännchen MT 49 entstand in ihrem ersten
Studienjahr 1924. Das reduzierte Design des Aschenbechers
legt eine serielle Fertigung nahe, ist aber ein in
aufwendiger Handarbeit hergestelltes Einzelstück.
Verschaukelt
Erst 20-jährig, entwarf der Bauhaus-Lehrling
Peter Keler 1922 diese Bauhaus-Wiege, die ganz
deutlich seinen Lehrmeister Wassily Kandinsky
verrät. Zum Klassiker wurde sie wegen ihrer
Grundfarben Gelb, Rot und Blau und der ihnen
von Kandinsky zugeordneten Formen Dreieck,
Quadrat und Kreis. Die Wiege wurde zur Ausstellung
1923 im „Haus am Horn“ präsentiert.
Pendelleuchte von
Alfred Schäfer,
Werkstattmeister im
Bauhaus Dessau
Rumgespielt
Eberhard Schrammen leitete die bauhauseigene
Drechslerei und entwarf um 1923
die bunt bemalten Handpuppen aus Holz –
Stabfiguren für ein Puppenspiel.
Ursprünglich gibt es drei Figurenpärchen,
je zwei in Weiß, Gelb und Grau, die sich
vor allem in ihrer Haltung unterscheiden.
Allerdings fehlt der weißen Figur heute ihr
Gegenstück.
Aufbewahrt
Die Vorratsgefäße für die Küchengarnitur des Weimarer
Modellhauses „Haus am Horn“ von Georg Muche stammen
von Theodor Bogler und waren das erste Referenzobjekt
der keramischen Werkstatt des Bauhauses.
Walter Gropius beauftragte die Steingutbetriebe von
Hermann Harkort in Velten-Vordamm bei Berlin, um
Prototypen für die serielle Produktion zu entwickeln.
73

L E B E N S A R T
Die Paula-Bosch-Kolumne
DIE HELDEN
DER NATION
Zugegeben, es ist ein kleines Weinland, die schweizerische
Eidgenossenschaft. Aber wie es aussieht, gilt der von ihr selbst
gewählte Begriff der Willensnation für mehr als nur die staatliche
Einordnung. Denn einzigartige Rebsorten und Winzer
beweisen, dass Einsatz und Leidenschaft alles möglich machen.
Die Besonderheit des gebirgsreichsten Weinlandes in
Europa, der Schweiz, liegt nicht in der Größe seiner
Rebflächen oder der produzierten Mengen, sondern
in der Schönheit der alpinen Weinregionen. Allen
voran das Wallis im Herzen der Alpen mit seinen
halsbrecherischen Steillagen in bis zu 1.100 Höhenmetern, dann das
Waadland mit den unzähligen Kleinstterrassen am Ufer des Genfer
Sees. Im Süden beeindruckt das mediterran angehauchte Tessin,
und in der Deutschschweiz ist Graubünden ein Beispiel für die relevanten
Schönheiten der Schweizer Weinwelt. Weit mehr als drei
Viertel aller Weine des Landes werden hier produziert.
Für den guten Ruf der Schweizer Weine zeichnen etwa zwei
Dutzend Winzer verantwortlich, die weltweit anerkannte und mit
höchsten Preisen ausgezeichnete Weine produzieren. Sie liefern
regelmäßig überragende Qualitäten aus internationalen wie autochthonen
Rebsorten; daneben auch Raritäten, die nur noch in der
Schweiz angebaut werden.
Ermöglicht wird ihnen der partiell
extreme Weinbau durch das günstige sonnenreiche
und trockene Klima, die warmen
Föhnwinde, die steinreichen Höhenlagen
sowie die von Parzelle zu Parzelle
wechselnde Bodenbeschaffenheit.
Die Kleinstmengen der produzierten
Besonderheiten, die internationale Vergleiche
nicht scheuen, sind mit ein Grund
für die ambitionierte Preispolitik, die in
der Schweiz als angemessen betrachtet und
akzeptiert wird. Die besten Weingüter haben alle lange Wartelisten
für eventuelle Neukunden, die irgendwann ein paar der wenigen
Flaschen erwerben möchten. So gelten heute schon bestimmte
Weine als nationale Weinhelden, ähnlich wie Heidi, Wilhelm Tell,
die Uhrenbranche, Schweizer Käse oder Schokolade.
WINZER MIT BESONDEREN WEINEN
Ganz nach dem Motto „Ladies first“ kommt die Königin des Weinbaus
im Wallis, MARIE-THÉRÈSE CHAPPAZ, an erster Stelle. Wer das
Glück hat, mit ihr durch ihre steilen, gepflegten, seit 2003 biodynamisch
bewirtschafteten Kleinparzellen zu gehen, lernt, was es bedeutet, Freude
und Verantwortung gleichermaßen an einem Weinberg und dessen
Früchten zu haben. Alle Weine, aber ganz besonders ihre Preziosen, die
weiße Petite Arvine, Ermitage Blanc oder Humagne Rouge, versprühen
großzügig den Duft, die ganze Aromatik des Weingartens, in dem sie gewachsen
sind. Fazit: Die kraftvollen, harmonischen Urgesteine der Grande
Dame sind beeindruckend, und die Süßweine schmecken umwerfend gut.
Bezug: www.gute-weine.de
Die Kellerei CHANTON im Walliser Visp hat sich ganz und gar dem
Schutz alter, autochthoner Rebsorten, dem ampelografischen Schatz
des Schweizer Weinbaus verschrieben. Es lohnt ungemein, die seltenen
Sorten wie Gwäss, Himbertscha, Lafnetscha oder Rèze mit ganz eigenem
Charakter neben den Klassikern Chasselas, Savagnin, Gamay und Pinot
Noir zu verkosten – hier öffnet sich eine völlig neue Weindimension.
Bezug: www.schweizerweineonline.de
74 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019

Château d’Aigle, im Herzen der Weinberge
von Chablais, südlich des Genfer Sees
FOTO: JÖRG LEHMANN; SWISSWINE.CH
JEAN-RENÉ GERMANIER Gilles Besse, Mitinhaber und Önologe bei
Germanier in Vétroz, war früher ein Jazz-Saxofonist und ist es, so ganz
nebenbei, heute immer noch. Der Neffe von Jean-René Germanier, dem
ehemaligen Nationalrat, treibt das Weingut nicht nur in der Schweiz
voran. Ob New York, Singapur, Hongkong, Oslo, Paris, London oder Berlin
– Gilles kann in seiner Mission als Botschafter für die beeindruckenden
Weine von Germanier auf der ganzen Welt angetroffen werden. Cayas,
sein Paradewein aus Syrah, genießt auch im 20. Jahrgang 2015 – und das
mit vollem Recht – Kultstatus.
Bezug: www.linke-weine.de
MARTHA & DANIEL GANTENBEIN sind meine Helden der Präzision
und des Bündner Rheintals. Mit ihrem Chardonnay und Pinot Noir
haben sie Maßstäbe für Weine aus der Schweiz in der internationalen
Weinszene gesetzt. Sie kennen die Heimat dieser Traubensorten, das
Burgund, wie ihre Westentasche, sind in der ganzen Welt stets auf der
Suche nach dem Allerbesten und streben danach, es in ihrem mustergültigen,
auf jedes Detail des Produktionsprozesses eingerichteten
Weinkeller zu integrieren.
Bezug: www.moevenpick-wein.de
LOUIS-PHILIPPE BOVARD aus Cully am Genfer See ist nicht nur der
Grandseigneur des Dézaley, für mich ist er der Monsieur du Chasselas.
Trotz seines hohen Alters ist sein Einsatz für die Qualität
der Rebsorte, die auch massenweise angebaut wird, unermüdlich.
Immer noch reist er um die Welt, um für die
besten Chasselas von Dézaley, Aigle, Epesses, St. Saphorin
bis Yvorne eine Lanze zu brechen. Sein Dézaley Médinette
Réserve wird zu Recht als Grand Cru gefeiert.
Bezug: www.linke-weine.de
Die Familie DONATSCH betreibt in Malans, Graubünden,
ein Weingut mit Winzerstube wie aus dem Bilderbuch.
Chardonnay und Pinot Noir sind die Hauptakteure
im Programm, sie räumen Jahr für Jahr höchste Noten
in den Weingazetten ab, was ich doppelt unterstreichen
kann. Dabei benötigen beide viel Zeit zur Reife, nicht anders
als die größten Vorbilder des Burgund. Die uralte
weiße Malanserrebe Completer spielt dabei eine Nebenrolle
– aber was für eine. Unbedingt probieren!
Bezug: www.gute-weine.de
75

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zwei Wochen ohne Begründung bei Abo-Service CRESCENDO in Textform (z. B. per Mail oder Brief) oder durch Rücksendung der Zeitschrift widerrufen. Zur Fristwahrung genügt die rechtzeitige Absendung.
Abb.: Portmedia Verlag; Strezhnev Pavel / fotolia.com
76 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019

L E B E N S A R T
DIE KÜNSTLERIN YO FRANKLIN
GESTALTETE DAS COVER UNSERER PREMIUM-CD.
Der Dialog der Farben
Springtime Rock ’n’ Roll, 90 x 180 cm
FOTOS: PRIVAT
Seit sie einen Farbstift halten kann, malt Yo
Franklin. Es scheint, als habe sie ihr Leben
der Kunst verschrieben. Sie ist Knechtin
ihrer Kreativität und Vielseitigkeit. Vom
Figurativen zum Plakativen zum Abstrakten –
und wieder zurück. So könnte man den Schaffensweg
der Künstlerin beschreiben. Zunächst
autodidaktisch, dann an den Kunstakademien,
fand Yo Franklin ihren Weg zu Kunst und Farben,
die sie virtuos beherrscht.
Überhaupt bestimmt der Dialog der Farben Franklins Arbeiten.
Ihre Werke folgen keinem konsequenten, systematischen stilistischen
Muster, sondern entstehen aus der Spontaneität. Sie folgen
dem Prinzip der Formlosigkeit und Prozessen des Unbewussten. In
Franklins Arbeiten werden im Spannungsfeld von Formwerdung
und Formauflösung Lebensgeschichten erzählt, die Energie und
Dynamik ausstrahlen.
Die Künstlerin arbeitet bevorzugt in Serien oder Bildfolgen,
wobei die einzelnen Motive einer thematischen Folge stets in sich
geschlossene Arbeiten sind und sowohl allein als auch in beliebiger
Kombination wahrgenommen werden können.
Yo Franklins bisheriges Œuvre zeigt Dimensionen
auf, die jenseits der Sichtbarkeit einer fotogenerierten
und technologischen Bilderflut unseres
Alltagslebens liegen. Dabei ist ihr immer der
Moment wichtig, der Augenblick eines Bildes.
Durchaus experimentierfreudig zeigt sie sich im
Umgang mit Materialien. Marmormehl findet
sich in dem hier gezeigten Bild, im Mai letzten
Jahres hat sie in ihrer Ausstellung „Viscardi“ Pigmente
in Öl auf Stahl aufgetragen. Die Stahlplatte
wurde von ihr gebürstet und gelaugt, ehe sie das Gemälde in Öl mit
Pigmenten statt auf Leinwand auf den glatten Stahl gemalt hat.
Auch ihrer Liebe zu Wein verleiht die Künstlerin Ausdruck in
ihrer Arbeit: In den Bildern zur Ausstellung LOVE/LIVE mischt Yo
Franklin ihre eigenen Ölfarben mit Wein. Ein kräftiger Weißwein
mit etwa 13 Prozent Alkohol ist die Basis zum Anrühren der Pigmente,
ehe sie mit Leinöl zur gebrauchsfertigen Ölfarbe gemischt
werden. Beide Bilderfolgen sind übrigens Teil einer bisher neunteiligen
Serie „Münchener Augenblicke“, die im Mai 2018 erstmals als
Ganzes ausgestellt wurde.
n
Mehr über die Künstlerin auf www.yo-franklin.de
77

L E B E N S A R T
1 2
3
4
5
6 7
8 9
FOTOS: WWW.DRESDEN.DE; PIXABAY; WWW.KREUZCHOR.DE
1) Innenraum der barocken Frauenkirche 2) Weltbekannt: der Dresdner Kreuzchor 3) Der Goldene Reiter mit dem Turm der Frauenkirche
4) Augustusbrücke und Stadtansicht 5) Elbwiesen mit Canaletto-Blick 6) Hof der Elemente (Wasser) in der Kunsthofpassage 7) Echter Fürstenzug
und Fürstenzug-Fassade, weltgrößtes keramisches Wandbild 8) Luther-Denkmal mit Frauenkirche 9) Szeneviertel Äußere Neustadt
78 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019

DIE STADT AN DER ELBE PUNKTET MIT KULTUR
UND EINER VIELZAHL VON KIRCHEN,
DEREN AKUSTIK JEDEN MUSIKER BEGEISTERT.
Dresden
Mit Hans-Christoph Rademann, Heinrich-Schütz-Experte und Leiter der Internationalen
Bachakademie Stuttgart, auf Spuren der Alten Musik in Dresden.
VON ROLAND H. DIPPEL
FOTO: MARTIN FÖRSTER
Dieser Mann atmet mit der Musik
der Stadt, die ihn künstlerisch
prägte: Hans-Christoph Rademann
ist gebürtiger Dresdner, wuchs jedoch
im erzgebirgischen Schwarzenberg
auf wie der Countertenor und Regisseur
Axel Köhler, der neue Rektor der Hochschule für
Musik Carl Maria von Weber. Mit ihm könnte der
1965 geborene Rademann eine zu wenig erschlossene
Farbe im Profil der Musikstadt stärken: mehr Barock neben
der Spätromantik. Treffpunkt: Bahnhof Dresden-Neustadt. Sofort
empfiehlt Rademann, Leiter der Internationalen Bachakademie
Stuttgart, eine Strecke entlang seiner musikalischen Herzensangelegenheiten:
durch die innere Neustadt zur Dreikönigskirche, kurz
an das östliche Elbeufer zum „Canaletto-Blick“ auf die Brühlsche
Terrasse, Schloss und Zwinger, über die Augustusbrücke zur
Hochschule für Musik. Dort wird Rademann, Nachfolger Helmuth
Rillings an der Internationalen Bachakademie Stuttgart,
später seine erste Lehrstunde im Jahr 2019 halten.
An diesem Januarmorgen herrscht Aprilwetter. Schon beim
Karl-May-Ort Radebeul, wo Rademann mit seiner Frau, der Tänzerin
Friederike Rademann, lebt, wechseln Sonne und eisiger
Regen. In dieser milden Weinregion sehr selten, kommt es geradezu
der Aufforderung zu einem Perspektivenwechsel gleich.
Denn heute geht es um Abenteuerlicheres als die sächsische
Strauss- und Wagner-Stadt mit ihren berühmten Kunstschätzen.
Hans-Christoph
Rademann
„Dresden hat als Zentrum der Alten Musik leider
noch nicht die gebührende Ausstrahlungskraft“,
bedauert Rademann. Das ist nicht die Schwärmerei
eines Enthusiasten, sondern basiert auf seinem
in kritischer Auseinandersetzung gewachsenen
Repertoire und dem heutigen wissenschaftlichen
Kenntnisstand: Die Notenarchive der Sächsischen
Landesbibliothek Dresden sind eine unerschöpfliche
Schatztruhe des 17. und 18. Jahrhunderts.
Rademann legt ein beredtes Koordinatennetz von Fakten und
Anreizen über die Stadt. Wir sitzen im Schwarzmarkt-Café an der
Neustädter Markthalle. „Den Zwinger kennen alle. Aber das wahre
Dresden erlebt man nur in der Äußeren Neustadt zwischen Albertplatz
und Alaunpark.“ Die Stadt wirbt mit dem Lockwort „Szeneviertel“
für das pittoreske und siegreich der Gentrifizierung trotzende
Quartier: eine multikulturelle Insel für Hipster, Studierende,
Bohemiens und Kleinfamilien, die Rademann immer
wieder neu entdeckt. Daran zeigt sich, wie in der Musik auch, seine
Vorliebe für kleinere, unspezifische Formen. Rademanns Aufführungen
von Orffs Carmina burana mit der Singakademie Dresden
und dem Tanzforum Köln waren bei den sommerlichen Zwingerkonzerten
ein Highlight. Der persönlichen Berufung aber folgte er
mit dem von ihm 1985 gegründeten Dresdner Kammerchor, einem
Vokalensemble von stilistisch unbestechlichen Qualitäten. Eine
Pionierleistung dieses meisterhaften Chors, die CD-Edition des
Gesamtwerks von Heinrich Schütz, steht kurz vor der Vollendung.
79

L E B E N S A R T
Soeben erschien die 19. Folge, „Madrigale
und Hochzeitsmusiken“. In der Dreikönigskirche
nahe dem Albertplatz liegen die
Wurzeln des sich über fast 15 Jahre erstreckenden
Projekts: „Über ihr arbeitete mein
Schwiegervater im Kirchlichen Kunstdienst
Sachsen. Das ist, neben vielen Konzerten,
ein weiterer Grund für meine Verbundenheit
zu ihr. Dort dirigierte ich zum
ersten Mal Schütz’ Schwanengesang und
wagte erstmals ein Konzert nur mit Schütz-
Werken. Beim Wiederaufbau in der DDR
wurde das Kirchenschiff verkürzt – sicher
nicht zum Vorteil der Kirchenakustik.“
Mit dem Dresdner Kammerchor und dessen umfangreicher
Diskografie setzt sich Rademann für Werke aller Epochen und
Uraufführungen ein. Besonders intensiv für den „Kirchen-Compositeur“
Jan Dismas Zelenka und Johann David Heinichen. Er
kennt aus eigener Konzerterfahrung weitaus mehr Dresdner Kirchen
und Säle als die Dirigenten und Musiker der Staatskapelle
und der Dresdner Philharmonie. Eine eigene Konzertreihe veranstaltet
Rademann zum Beispiel mit Studierenden im barocken
Festsaal des Marcolini-Palais auf dem Gelände des Städtischen
Klinikums. Ein Ort, der mit maximal 140 Plätzen ein absoluter
Geheimtipp für Kulturreisende ist!
Leider mischt sich während dieses Kulturspaziergangs eine
weitere Koordinate ins Gespräch: die Zeit. Inzwischen versucht
Hans-Christoph Rademann, den Zugang zur Schlosskapelle zwischen
Schlosskirche und Fürstenzug für uns zu erfragen. Leider
vergeblich – die Bausanierung ist gerade in der entscheidenden
Phase. „Sie ist deshalb so interessant, weil die Dresdner Hofkapelle
neben der von Versailles die wichtigste hinsichtlich europäischer
Besetzungen und weltoffener Interaktionen war“, merkt er an.
Bleibt aber, bevor die Wege sich wieder trennen, noch eine
entscheidende Frage, nämlich welche der Dresdner Kirchen denn
Stadtfest vor der kirchenreichen
Silhouette Dresdens
FOTO: WWW.DRESDEN.DE
die beste Akustik hat? Die Frauenkirche?
Natürlich lässt sie sich nicht mit einem Satz
beantworten. „Sie eignet sich mehr für
Neue Musik und Werke mit Raumwirkungen,
weniger für strukturelle Musik wie die
von Bach.“ Und was ist mit der Kreuzkirche?
„Barocke Werke in großer Besetzung
und romantische Oratorien passen ideal in
das große Kuppelschiff mit 3.000 Plätzen.
Die allerbeste Akustik für Barockmusik
aber hat die Annenkirche“, gerät Rademann
ins Schwärmen. Wir verzichten also
auf den Gang zum Kulturpalast und schlagen
einen kleinen Bogen zu der klassizistisch umgestalteten
Renaissancekirche zwischen Fußgängerzone und dem Kraftwerk
Mitte mit den Spielstätten Staatsoperette und Theater der jungen
Generation. „Der Klang der Annenkirche ist von sagenhafter Rundung
und Transparenz. Das schätzen nicht nur wir, sondern zum
Beispiel auch das tschechische Collegium 1704.“
Der Spaziergang muss hier leider schon enden – bald beginnt
der Unterricht. Zwei Stunden waren zu kurz, Hans-Christoph
Rademann würde gern noch zu den musikalischen Orten jenseits
der Stadtgrenze aufbrechen: Hinter Radebeul, wo die Landesbühnen
Sachsen einen anspruchsvollen Spielplan kultivieren, liegen
das Sächsische Staatsweingut Schloss Wackerbarth, die Villa
Teresa in Coswig, Schloss Moritzburg. Allesamt Orte der Musik.
Schließlich geht es noch einmal um die wichtigste Säule im musikalischen
Kosmos Rademanns: „Ich bin überzeugt, dass Schütz in
seiner Motette ‚Ich bin ein rechter Weinstock‘ die Terrassenstrukturen
der Radebeuler Weinberge musikalisch abgebildet hat.“
Insofern ist nicht nur Richard Wagner, der seine Inspirationsquellen
um Schloss Pillnitz wortreich dokumentierte, ein Maler für die
Ohren, sondern auch Heinrich Schütz, der im nordwestlich von
Dresden gelegenen Renaissance-Juwel Torgau die erste, leider nicht
erhaltene deutsche Oper Dafne komponierte.
■
Musik & Kunst
Dresdner Musikfestspiele 2019 „Visionen“
vom 16. Mai bis 10. Juni 2019: www.musikfestspiele.com
| Konzerte im Marcolini-Palais
(Geheimtipp, hier logierten Napoleon
und Wagner): www.klinikum-dresden.de |
Dresdner Kammerchor: www.dresdnerkammerchor.de
| Landesbühnen Sachsen
mit der legendären Felsenbühne Rathen:
www.landesbuehnen-sachsen.de |
Tipps, Infos & Adressen
Reiseinformationen rund um Ihren Besuch in Dresden.
Essen & Trinken
Sächsische Spezialitäten, unverwechselbare regionale
Weine und Sekt in der Idylle des Elbtals:
www.schloss-wackerbarth.de | Traditionswirtschaft
im Stadtteil Weißer Hirsch mit 140
Jahren Tradition: www.hubertusgarten.de |
Schwarzmarkt-Café an der Neustädter Markthalle
gegenüber der Dreikönigskirche mit
Kuchen- und Torten-Spezialitäten:
www.cafe-eisold.de/schwarzmarkt-cafe.html
Übernachten
Dresden bietet in verschiedenen Preiskategorien
Übernachtungen in historischen
Schmuckstücken, z. B. Hotel Schloss Eckberg
mit Park auf dem Höhenzug der Elbschlösser:
www.schloss-eckberg.de |
Das Taschenbergpalais direkt neben dem
Schloss, vis-à-vis von Zwinger und Semperoper:
www.kempinski.com/de/
dresden/hotel-taschenbergpalais
FOTOS: ALEXANDRA WELLENSIEK; WWW.SCHLOSS-WACKERBARTH.DE; WWW.SCHLOSS-ECKBERG.DE
80 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019

Termine
FÜR GLOBETROTTER
Spanien
FOTOS: MERCE RIAL; ANTONI BOFILL; PIXABAY
Barcelona
Die Sopranistin Nuria Rial entführt
ins 16. Jahrhundert. Nach ihrer Ausbildung
in Barcelona und an der Musikhochschule
Basel spezialisierte sie
sich auf Barockmusik. Ihr Auftritt in
Barcelona bietet Gelegenheit, sie in ihrer
spanischen Heimat mit spanischer
Musik zu erleben. Mit dem Ensemble Accademia del Piacere, geleitet
von dem Gambisten Fahmi Alqhai, stellt sie den Komponisten Sebastián
Durón vor und singt Arien und Kantaten aus wiederentdeckten und rekonstruierten
Kompositionen von ihm. Durón kam 1660 in der zentralspanischen
Provinz Guadalajara zur Welt. Seine Bühnenstücke, die er neben
geistlichen Werken als Mitglied der Capilla Real in Madrid schuf,
markieren jene zeitliche Schwelle, ab der spanische Komponisten sich
dem italienischen Opernstil öffneten. Duróns Zarzuellas, typische spanische
Stücke im Stil einer Operette, die vom unerschöpflichen Thema der
Liebe erzählen, zeigen in ihrer Musiksprache bereits die Einflüsse italienischer
Barockmeister.
Barcelona, 7.2., L’Auditori, www.auditori.cat
Madrid
Raquel García-Tomás ist eine der bekanntesten
Komponistinnen Spaniens.
In Madrid kommt ihre neue Opera
buffa zur Uraufführung: Je suis narcissiste,
ein Stück von schwarzem Humor,
dessen Libretto Helena Tornero
verfasste. Im Mittelpunkt steht eine
Eventmanagerin aus dem Kulturbetrieb, für die jeder Tag zu einem Hindernislauf
zwischen ihr und ihrem Glück wird. Die Events überfluten
sie, bis all die Künstler und Bosse, die auf sie einstürmen und die lieber
reden als zuhören, sie in einem Gefühl großer Einsamkeit zurücklassen.
Als sie schließlich den kompletten emotionalen Zusammenbruch
erleidet, landet sie in der Praxis eines Psychiaters, der ihr alle möglichen
Theorien, so skurril wie er selbst, unterbreitet. In Szene gesetzt wird die
Oper von Marta Pazos. Die musikalische Leitung hat Vinicius Kattah.
Zu den Mitwirkenden gehören Elena Copons, Toni Marsol, Maria Hinojosa
und Joan Ribalta. Das Teatro Real gastiert mit der Inszenierung im
Teatro Español.
Madrid, Teatro Español, 7. bis 10.3., www.teatro-real.com
Barcelona
Die Werke des spanischen Komponisten
Benet Casablancas Domingo werden
auf der ganzen Welt gespielt. Nach
seinem Studium bei Friedrich Cerha
in Wien fand er zu einer Musiksprache,
die sich durch radikale ästhetische Unabhängigkeit
auszeichnet. Im prachtvollen
Gran Teatre del Liceu von Barcelona, das dieses Jahr den zehnten
Jahrestag seines Wiederaufbaus feiern kann, findet die Weltpremiere seiner
ersten Opernkomposition statt. L’enigma di Lea (Leas Geheimnis),
zu der der Schriftsteller und Dichter Rafael Argullol Murgadas das Libretto
schreibt, setzt sich mit der letzten romantischen Utopie auseinander:
der Berührung des Absoluten. Lea, verkörpert von Allison Cook, ein
Geschöpf göttlicher Lust in einem Raum ohne Zeit, darf ihr Geheimnis
nicht lüften. Als Trägerin der Unsterblichkeit steht sie unter der Bewachung
zweier monströser Wesen, die Moral statt individueller Freiheit
gewähren. Regie führt Carme Portaceli, und die musikalische Leitung
übernimmt Josep Pons.
Barcelona, Gran Teatre del Liceu, 9. (Premiere), 10., 12. und 13.2.,
www.liceubarcelona.cat
81
81

H O P E T R I F F T
Daniel-Hope-Kolumne
DIE POLITIK DER MUSIK
Sie verbindet, sie vermittelt, sie versöhnt: Musik, die die Menschen erreicht, kann, darf und soll
politisch sein. Daniel Hope spricht mit Sebastian Feydt, Pfarrer an der Dresdner Frauenkirche.
Daniel Hope: Pfarrer Feydt, 2007 wurden
Sie an die Dresdner Frauenkirche berufen.
Als einer der beiden Pfarrer des Gotteshauses
zählen neben dem regelmäßigen
Predigtdienst, der Ausgestaltung verschiedener
geistlicher Formate auch Amtshandlungen
wie Trauungen und Taufen
sowie die Koordination des vielfältigen
geistlichen Lebens der Frauenkirche.
Welche Rolle spielt die Musik für Sie?
Sebastian Feydt: Die Frauenkirche ist ohne
Musik nicht denkbar. Als Pfarrer in dieser
Kirche werde ich jeden Tag mit wunderbarer
Musik beschenkt. In jeder der beiden
tägli chen Andachten erklingt die Orgel: Ganz
groß wird es, wenn die Stiftung Frauenkirche
Dresden von Ostern bis Neujahr immer
samstags zu herausgehobenen Konzerten
mit Spitzenmusikern aus aller Welt einlädt.
Noch nie in meinem Berufsleben habe ich
so viel Kraft aus der Musik, insbesondere
der sakralen, schöpfen können. Die Musik
wurde mir zu einer Quelle der Inspiration.
Über die „Peace Academy“ der Frauenkirche
sagten Sie: „Begeisterte Jugendliche
geben ein Friedenszeichen aus Dresden.
Ihr Engagement für Verständigung,
Versöhnung und Frieden macht die Welt
wertvoller.“ Wie zuversichtlich sind Sie,
dass dieses Jahrhundert friedlich verläuft?
Leider gestaltet sich das 21. Jahrhundert
nicht friedlich. Aber das hindert uns nicht
daran, selbst zu Friedensstiftern zu werden.
Zusammen mit jungen Menschen fragen
wir: „Was können wir heute dafür tun, dass
unsere Welt in zehn Jahren friedvoller ist?“
Unter dieser Leitfrage steht auch die jährliche
Einladung an Friedensnobelpreisträger,
in die Dresdner Frauenkirche zu kommen
und ihre Vorstellung einer demokratischen
und die Menschenrechte achtenden Welt
mit uns zu teilen. Insbesondere junge Men-
Pfarrer Sebastian Feydt mit Daniel Hope
schen zeigen uns, wie groß ihr Engagement
für eine friedvolle, nachhaltig und gerecht
gestaltete Zukunft ist.
Wie gehen Sie mit dem aktuellen negativen
Image Sachsens in den Medien um?
Ich versuche, positive Akzente zu setzen,
den Trend umzukehren: berührende Bilder
des weltoffenen und engagierten Dresden in
die Welt zu senden, wie mit der weihnachtlichen
Vesper vor der Frauenkirche am Tag
vor Heiligabend. Jährlich kommen da ca.
20.000 Menschen zusammen und offenbaren
ihre Sehnsucht: nicht nur vom „Frieden
auf Erden“ zu hören, sondern selbst dafür
einzustehen. Auch die aus der Kirche
übertragenen Gottesdienste und Konzerte
schaffen ein positives Bild unserer Stadt.
Seit Anfang des Jahres bin ich künstlerischer
Leiter der Frauenkirche Dresden.
War die Frauenkirche immer auch als
Konzertort vorgesehen?
Die Frauenkirche ist ein sakraler Raum.
Und unter der Kuppel der Kirche gilt, was
Sie, Daniel Hope, immer mit Blick nach
oben sagen: Wir haben noch einen anderen
„Chef “. In der Kirche erklingt Musik zur
Ehre Gottes. Und um Menschen Kraft- und
Inspirationsquelle zu sein. Mit diesem Ziel
ist das Gotteshaus im 18. Jahrhundert
gebaut und später wiederaufgebaut worden:
Um Wort und Musik zusammen klingen zu
lassen. Und um viele Menschen einen
Resonanzraum für ganz eigene, spirituelle
Erfahrungen entdecken zu lassen.
2017 sorgte ein Kunstwerk des syrischdeutschen
Künstlers Manaf Halbouni auf
dem Dresdner Neumarkt unweit der
Frauenkirche teilweise für Irritationen.
Wie politisch darf Kunst heutzutage sein?
Wo Kunst Menschen anspricht, vermag sie
politische Kraft zu entfalten. Geschieht sie
nur um ihrer selbst willen, entzieht sie sich
ihre eigentliche Kraft. Kunst in der wiedererrichteten
Frauenkirche ist immer
politisch. Das bringt der Ort mit sich. Der
Wiederaufbau der Frauenkirche erfolgte mit
dem ausdrücklichen Ziel, einen Ort der
Verständigung zu schaffen, der als Wahrzeichen
zu Toleranz und Frieden mahnt.
Ali al-Abdali gilt als einer der besten
Oud-Bauer Arabiens (Anm.: Oud ist eine
Kurzhalslaute aus dem Vorderen Orient).
Im Interview sagte er: „Im Irak darf man
eine Rakete tragen, aber keine Oud. (...)
Die Religion hat die irakische Straße fest
im Griff. Für sie ist die Oud tabu – eine
Sünde, die dich vom Beten ablenkt.“ Kann
und darf Musik vermitteln?
Viele Konflikte und politische Krisen
weltweit werden mit Religionen in Verbindung
gebracht. Musik ist eine starke Sprache
der Verständigung und kann eine Brücke
zwischen Religionen und Konfessionen
schlagen. Mit ihrer versöhnenden Kraft ist
sie unabdingbar für das Miteinander von
Menschen unterschiedlicher Glaubens- und
Lebenshaltungen. Sei es Beethovens Neunte
Sinfonie, Brittens War Requiem, Schostakowitschs
Leningrader Sinfonie oder eben die
Musik der Oud-Spieler – wenn Musik
Versöhnung und Völkerverständigung
voranbringt, kommt sie ihrer wahren
Bestimmung nach. Wann laden wir diesen
Oud-Spieler denn ein?
n
ZEICHNUNG: STEFAN STEITZ
FOTO: THOMAS SCHLORKE
82 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2019

2019
01.11.19
München
02.11.19
Stuttgart
06.11.19
Frankfurt
22.11.19
Hamburg
29.11.19
Hannover
06.12.19
Augsburg
13.12.19
Berlin
18.12.19
Nürnberg
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LIVE FROM THE FORBIDDEN NC
CITY
ORFF
CARMINA BURANA
RACHMANINOV · RICHTER
AIDA GARIFULLINA · TOBY SPENCE · LUDOVIC TÉZIER
DANIIL TRIFONOV · MARI SAMUELSEN
SHANGHAI SYMPHONY ORCHESTRA
WIENER SINGAKADEMIE
LONG YU