CRESCENDO 2/19 April-Mai 2019

20 JAHRE 

AUSGABE 02/2019 APRIL – MAI 2019 

WWW.CRESCENDO.DE 7,90 EURO (D/A) 

mit CD im Heft 

SCHWERPUNKT 

Zensur in der Musik 

ANNA LUCIA 

RICHTER 

„Trauer kann glücklich machen“ 

BIRGIT MINICHMAYR 

SANTTU-MATIAS ROUVALI 

ALEXANDER KRICHEL 

PHILIPPE JAROUSSKY 

Christian 

Thielemann 

„Revolution? Ich habe lieber Bach gespielt.“ 

ZUM 60. GEBURTSTAG: DER DIRIGENT IM INTERVIEW 

B47837 Jahrgang 22 / 02_2019 

Mit Beihefter CLASS: aktuell 

und Themenspecial Reise & Kultur

WIR SPIELEN 

UNTER DIE HAUT. 

PARADISI GLORIA 

Werke von 

André Caplet und 

Heinrich Ignaz Franz Biber 

PERCUSSION 

TIME! 

Virtuose SchlagWERKE 

Fr. 5. April 2019 – Herz-Jesu-Kirche München 

MIT DEM BR-CHOR 

LEITUNG: HOWARD ARMAN 

Mi. 10. April 2019 – Prinzregententheater 

MIT SIMONE RUBINO – ARTIST IN RESIDENCE 

LEITUNG: ARIEL ZUCKERMANN 

Präsentiert von 

VOLKSLIED 

RELOADED 

mit Mulo Francel 

und Quadro Nuevo 

SPACE NIGHT 

IN CONCERT II 

Eine multimediale 

Reise ins All 

Mi. 8. Mai 2019 – Prinzregententheater 

LEITUNG: ELISABETH FUCHS 

Präsentiert von 

Fr. 2. Juli 2019 – Circus-Krone-Bau München 

MODERATION: ANDREAS BÖNTE 

LEITUNG: PATRICK HAHN 

Jetzt Tickets sichern! Kartentelefon: 0800 5900 594 • www.shop.br-ticket.de 

RUNDFUNKORCHESTER.DE

P R O L O G 

FREIHEIT ODER PFLICHT? 

Liebe/r Leser*In, 

unsere Weihnachtsfeier findet immer im Januar statt – dieser Auftakt fürs neue Jahr ist 

Tradition bei CRESCENDO. Ich mag diesen Abend: mit den Kollegen ratschen, auch 

über Themen, für die man sonst keine Zeit hat. Diesmal ging’s um „Gender-Sprache“ 

– geschlechtsneutrale Schreibweisen, also LeserIn oder Dirigent*in – und wie wir das bei 

CRESCENDO halten wollen. Die Meinungen in der Redaktion reichen von „hemmt nur 

den Lesefluss“ über „da stehen wir als moderne Frauen drüber“ bis zu „das ist wichtig, 

Gleichberechtigung fängt bei der Sprache an“. Wie sehen Sie das? Schreiben Sie mir doch 

Ihre Meinung: an wh@crescendo.de. 

WINFRIED HANUSCHIK 

Herausgeber 

Sie wollen auch zwischen zwei CRESCENDO Ausgaben auf dem Laufenden sein? Dann 

abonnieren Sie „BRÜGGEMANNS KLASSIK-WOCHE“, den wöchentlichen Newsletter 

kostenfrei unter www.crescendo.de/newsletteranmeldung. Unser Kolumnist Axel 

Brüggemann fasst pointiert Neuigkeiten aus der Musikwelt für Sie zusammen: „Was ist?“, 

„Was war?“ und „Was lohnt?“. In der Szene ging das hoch wie eine Bombe und verbreitete 

sich explosionsartig. Neugierig geworden? Melden Sie sich an – er macht richtig Spaß! 

Persönlich können Sie das CRESCENDO Team bei einer unserer nächsten Veranstaltungen 

in der Reihe CRESCENDO LIVE treffen: am 10. April beim Konzert von Simone 

Rubino und am 8. Mai bei Quadro Nuevo. Mit dem CRESCENDO VIP-Paket können Sie 

die Künstler auch persönlich kennenlernen. Mehr auf Seite 52. 

Recht nah kommen Sie in dieser Ausgabe auch CHRISTIAN THIELEMANN, der am 

1. April seinen 60. Geburtstag feiert. Außerdem trafen wir die Sopranistin ANNA 

LUCIA RICHTER, den Countertenor PHILIPPE JAROUSSKY, den Struwwelpeter- 

Hipster-Dirigenten SANTTU-MATIAS ROUVALI und als Newcomerin die Harfenistin 

ANAÏS GAUDEMARD. Den Pianisten ALEXANDER KRICHEL, gerade 30 geworden, 

traf CRESCENDO TV in Hamburg. Das Video gibt’s auf CRESCENDO.DE und das 

Interview auf Seite 24. 

Auch zum Schwerpunkt dieser Ausgabe, „ZENSUR!“, gab es angeregte Diskussionen in 

der Redaktion. Zunächst waren sich alle einig: Zensur gibt es nur bei wirren Autokraten 

wie Erdoğan, Orban etc. und in Staaten wie China, Russland oder Nordkorea, aber doch 

nicht bei uns, wo Presse- und Meinungsfreiheit sogar im Grundgesetz verankert ist. 

Schnell war klar: doch! Zensur gibt es auch bei uns: Die Verbreitung frauenfeindlicher, 

rassistischer, gewaltverherrlichender, pornografischer, volksverhetzender oder anderer 

Diskriminierung kann richterlich untersagt werden. Quasi Zensur im Namen des 

Kantschen kategorischen Imperativs: Die Freiheit des Einzelnen endet da, wo sie die 

Freiheit des Anderen beschneidet. Aber wo beginnt und wo endet Meinungsfreiheit? Und 

wer entscheidet darüber? 

Konkret diskutierten wir, welche Bilder wir Ihnen zumuten wollen. Das verstörende Foto 

des russischen Aktionskünstlers Pjotr Pawlenski, der sich den Mund zugenäht hat? Die 

Band Cannibal Corpse, die mit ihren grässlich blutrünstigen Album-Covern provozieren 

möchte? Muss man das zeigen? Soll man das zeigen? Oder eben gerade nicht? Ist das 

dann Zensur von unserer Seite? Wir haben uns dafür entschieden, die Bilder zumindest 

nicht großformatig zu zeigen. Und uns letzlich auf unser Gebiet fokussiert: die Zensur in 

der Musik – historisch eingeordnet und in der aktuellen Diskussion. 

FOTO TITEL: LOIS LAMMERHUBER 

Exklusiv für Käufer und Abonnenten: 

die CRESCENDO Premium-CD 

Viel Inhalt in besonders hochwertiger Ausstattung finden 

Sie in dieser Premium- Ausgabe: Reportagen, Porträts, 

Interviews, Aspekte und Hintergrundwissen aus der Welt 

der Klassik. Außerdem für alle Käufer und Abonnenten 

der Premium-Ausgabe: 

sechs Mal pro Jahr die CRESCENDO CD, 

ein exklusives Album mit Werken einiger in der 

aktuellen Ausgabe vorgestellter Künstler. 

In diesem Heft: die 77. CD der 

CRESCENDO Premium-Edition. 

Fehlt die CD? Dann rufen Sie uns an: 089/85 85 35 48. 

Doch wollten wir auch den Genuss nicht zu kurz kommen lassen: PAULA BOSCH hat 

wunderbar kräftige Weine aus Galicien mitgebracht, und CAMILLA TILLING hat für 

CRESCENDO Zimtschnecken gebacken, dass uns das Wasser im Mund zusammenlief. 

Und nun wünsche ich Ihnen viel Spaß beim Lesen, 

Ihr Winfried Hanuschik 

www.crescendo.de — April – Mai 2019 3

P R O G R A M M 

08 

STEFAN TEMMINGH 

Der Blockflötist und 

ECHO-Preisträger 

verrät uns seine 

Lieblingsaufnahmen 

18 

ANNA LUCIA 

RICHTER 

„Ich wollte immer die 

schönste Musik machen, 

ohne limitiert zu sein“ 

36 

HAUSCHKA 

Der Düsseldorfer Pianist 

beschäftigt sich in seinem neuen 

Album „A Different Forest“ mit 

dem Wald als Naturraum 

Der neue 

Newsletter von 

CRESCENDO: 

Jeden Montag 

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Brüggemanns 

Klassik-Woche 

kostenlos auf 

www.crescendo.de 

Der Klassik-Newsletter, 

mit dem Sie jede Woche 

über die aktuellen 

Themen informiert sind. 

STANDARDS 

03 PROLOG 

Der Herausgeber stellt 

die Ausgabe vor 

06 BLICKFANG 

„Marionettentheater“ – 

Mozarts Zauberflöte an 

der Berliner Staatsoper 

08 OUVERTÜRE 

Was hört … 

Stefan Temmingh? 

Neues & Notizen 

Ein Anruf bei … 

Rainer Karlitschek, 

Dramaturg an der 

Bayerischen Staatsoper 

Klassik in Zahlen 

33 IMPRESSUM 

42 RÄTSEL & 

REAKTIONEN 

82 HOPE TRIFFT 

Katja Schaefer, die 

Generalsekretärin der 

Bayerischen Akademie 

der Schönen Künste 

KÜNSTLER 

12 EIN KAFFEE MIT … 

Birgit Minichmayr 

14 CHRISTIAN 

THIELEMANN 

„Die Politisierung der 

Kunst hat mir nie gefallen.“ 

Großes Interview mit dem 

Dirigenten anlässlich 

seines 60. Geburtstags 

18 ANNA LUCIA 

RICHTER 

Die Sopranistin über 

Heimweh, Trauer und 

Geborgenheit 

22 PHILIPPE 

JAROUSSKY 

Musikalisches Maskenspiel 

des Countertenors 

24 ALEXANDER 

KRICHEL 

„Mein Ego musste 

gebrochen werden“ 

26 SANTTU-MATIAS 

ROUVALI 

Der junge Finne dirigiert 

Sibelius nach seiner 

persönlichen Mind Map 

30 ANAÏS 

GAUDEMARD 

„Ich liebe es, als Solistin auf 

großer Bühne zu sein“ 

HÖREN & SEHEN 

31 DIE WICHTIGSTEN 

EMPFEHLUNGEN DER 

REDAKTION 

32 ATTILAS AUSWAHL 

Leidenschaftliche 

junge Musiker 

35 FRIEDRICH 

KLEINHAPL 

Der Musiker mischt 

munter Genres und Stile 

jeglicher Couleur 

37 FELIX KLIESER 

Sein Kindheitstraum: 

Mozarts Hornkonzerte 

40 UNERHÖRTES & 

NEU ENTDECKTES 

Die Komponisten 

Arnold Rosner und Juan 

Crisóstomo de Arriaga 

4 w w w . c r e s c e n d o . d e — April – Mai 2019 

FOTOS: HARALD HOFFMANN; JULIA WESELY; GREGOR HOHENBERG

Limitiertes Angebot 

exklusiv für CRESCENDO Leser 

CRESCENDO LIVE – die nächsten 

Termine im Münchner 

Prinzregententheater: 

10.4.19: Percussion Time! 

mit Perkussionist Simone Rubino 

8.5.19: Volkslied Reloaded 

mit Quadro Nuevo 

50 

SCHOSTAKOWITSCH 

TAGE IN GOHRISCH 

Die kleine Gemeinde in der 

Sächsischen Schweiz ist 

Pilgerort für Liebhaber des 

Komponisten 

54 

ZENSUR IN DER MUSIK 

Nackte Nippel beim Vorspiel 

zu Tannhäuser. Facebook 

hat das Video zensiert. 

Hier (noch) das Original 

71 

REISE & KULTUR 

Deutschland, Österreich, 

Ukraine: die schönsten 

Festivals und Musik- 

Arrangements im Frühling 

und Sommer 

Freuen Sie sich im Anschluss 

an das Konzert auf den 

inspirierenden Nachklang 

mit Klassikliebhabern und 

den Künstlern in der 

CRESCENDO Lounge! 

FOTOS: OLIVER KILLIG; WILFRIED HOESL; DER KLOSTERHOF 

ERLEBEN 

44 DIE WICHTIGSTEN 

TERMINE UND 

VERANSTALTUNGEN 

50 EIN SYMBOL DER 

WAHRHEIT 

Die 10. Internationalen 

Schostakowitsch Tage in 

Gohrisch 

51 IOAN HOLENDER 

Reisende Bühnenbilder 

52 CRESCENDO LÄDT 

EIN ZUM KONZERT 

Exklusiv-Paket für Quadro 

Nuevo im Münchner 

Prinzregententheater 

EXKLUSIV 

FÜR ABONNENTEN 

Hören Sie die Musik zu 

unseren Texten auf der 

CRESCENDO Abo-CD – 

exklusiv für Abonnenten. 

Infos auf den Seiten 3 & 70 

SCHWERPUNKT 

56 MACHT UND 

KUNSTAUSLESE 

Kurze Geschichte 

der Musikzensur 

58 KOMMENTAR 

Kulturelle Freiheit beginnt 

bei den Menschen 

60 KUNST(UN)FREI- 

HEIT HEUTE 

Der Kampf der 

Organisation Freemuse 

61 DER FALL 

SEREBRENNIKOW 

Ein Regisseur inszeniert 

unter Hausarrest 

62 SATIRE KANN DICH 

TÖTEN 

Ein Gespräch über neue 

politische Umfelder 

64 WOHER KOMMT 

EIGENTLICH … 

die Zensur? 

LEBENSART 

66 PAULA BOSCHS 

WEINKOLUMNE 

Uralte Rebstöcke und 

Weine mit viel Charakter 

in Galicien 

68 LIEBLINGSESSEN 

Zimtschnecken aus 

Schweden von 

Camilla Tilling 

71 REISE & KULTUR 

Genuss für alle Sinne: 

Essen und Trinken, Kunst 

und Architektur, Musik 

und Muse: die schönsten 

Festivals und Reisepakete 

von Salzburg bis Odessa 

81 KUNST AM COVER 

Farb- und Materialkunst 

von Georg Steidinger 

5 

Wir haben Karten der 

besten Kategorie für Sie: 

für 45 Euro, inklusive Führung 

hinter die Kulissen 

und einem Glas Sekt – 

garantiert ohne Anstehen 

Tickets und Infos auf 

www.crescendo.de/live 

FOTO: MARCO BORGGREVE

O U V E R T Ü R E 

6 w w w . c r e s c e n d o . d e — April – Mai 2019

Marionettentheater 

Am Ende einigte man sich im Publikum offenbar 

auf unentschieden – zumindest kann man den 

Schlussbeifall so interpretieren, in dem Zuspruch 

und Ablehnung doch recht heftig aufeinandertrafen. 

Der amerikanische Regisseur Yuval Sharon inszenierte 

Mozarts Zauberflöte an der Berliner Staatsoper 

als buntes Marionettentheater. Pamina, Tamino und 

Co. hängen an gelben Seilen. Ein Schauspieler – Florian 

Teichtmeister – gibt den Papageno und muss 

einige Buhs einstecken. Untadelig sauber singt 

Julian Prégardien den Tamino, was ihn wiederum 

zu einem unerreichbaren Helden 

macht, dem auf dem Weg zur 

Macht alles recht ist. 

7 

FOTO: MONIKA RITTERSHAUS


Was hört ...? 

Stefan 

Temmingh 

Der ECHO-Preisträger verrät uns seine 

Lieblingsaufnahmen. 

Händel: 

Die Sonaten für 

Blockflöte, 

Stefan Temmingh 

und Wiebke 

Weidanz (Accent) 

1 

Brahms: Klavierkonzert Nr. 1, 

Claudio Arrau, Bernhard Haitink 

Als Kind habe ich diese Aufnahme rauf und runter 

gehört, daher kenne ich jede Note. Bis heute berührt 

mich diese Musik zutiefst. Den Anfang empfinde 

ich fast als musikalische Gewalt, aber das Klavier versucht 

mit seinem ersten Einsatz den gewaltsamen 

Ausbruch zu versöhnen. Vielleicht genau die richtige 

Musik, wenn die Eltern sich gerade scheiden lassen 

oder wenn man die Welt nicht mehr versteht. 

2 

Mendelssohn: Klavierkonzert in a-Moll, 

Kristian Bezuidenhout, Freiburger 

Barockorchester 

Manchmal möchte ich Musik hören und weiß nicht, 

was. Dann höre ich dieses Werk an und wenige Minuten 

später fühle ich mich frei und glücklich. 

3 

Mozart: Le Nozze di Figaro, 

Concerto Köln, René Jacobs 

Mozart muss sein. Wenn ich nur eine Aufnahme 

irgendwohin mitnehmen dürfte, dann wäre 

es diese. Diese Musik langweilt nie und jedes Mal 

entdecke ich etwas Neues. Die Ensembleszenen 

sind unfassbar genial – unbegreiflich, dass ein einzelner 

Mensch sich so etwas ausgedacht hat. 

4 

Miriam Makeba: 1960 

Ich hatte nie eine Pop-Phase. Klassik hat mich 

immer mehr interessiert. Aber nach 20 Jahren 

in Deutschland brauche ich etwas (außer der Küche 

meiner Heimat), das mich an Südafrika erinnert. So 

kam ich auf Miriam Makeba. Sie singt intensiv und fein. 

5 

Vivaldi: Concerti per fagotto, Sergio Azzolini, 

L’Aura soave Cremona 

Man kann nicht immer nach Italien fahren. Aber 

diese Musik bringt Sonne, gutes Essen, das Meer und 

die Architektur Venedigs ins Wohnzimmer! 

Track 8 auf der CRESCENDO Abo-CD: Alla Siciliana. 

Aus: Sonate F-Dur HWV 369 

Bach-Preis 

Ihr einzigartiges künstlerisches Schaffen 

und ihr herausragender Beitrag zur zeitgenössischen 

Musik sind der Grund 

dafür, dass die Komponistin Unsuk 

Chin den Hamburger Bach-Preis 2019 

erhält. Der wichtigste Musikpreis der 

Hansestadt ist mit 10.000 Euro dotiert 

und soll am 28. November 2019 im Rahmen 

eines Konzerts in der Elbphilharmonie 

übergeben werden. Der Bach- 

Preis wird seit 1950 alle vier Jahre vom 

Senat vergeben. Zu den bisherigen Preisträgern 

zählen unter anderem Paul 

Hindemith (1951), György Ligeti (1975), 

Sofia Gubaidulina (2007) und Pierre 

Boulez (2015). 

SingBach 

Am 28. Juni nachmittags beginnt das 

68. Musikfest ION mit einem Paukenschlag: 

Rund 250 Grundschüler aus 

Nürnberg bestreiten mit „SingBach“ ihr 

eigenes Konzert. Damit kommt die 

erfolgreiche Konzeption von Friedhilde 

Trüün erstmals nach Nürnberg. Unter 

dem Motto „Jeder kann singen“ studieren 

zahlreiche Schulklassen intensiv eine 

Woche lang Werke von Bach ein und 

präsentieren das Resultat im Konzert. 

Insgesamt verknüpft das Programm die 

Spurensuche des musikalischen Erbes 

mit ungewöhnlichen Herangehensweisen, 

neuen Ausdrucksformen und innovativen 

Veranstaltungsformaten. Eine 

Reihe festlicher Konzerte bildet zusammen 

mit spannenden neuen Entwicklungen 

ein lebendiges, generationenübergreifendes 

und weltoffenes Musikfest. 

Pavarotti im Kino 

Apollo 13, The Da Vinci Code oder 

Illuminati – für diese Blockbuster wurde 

der Regisseur Ron Howard nicht nur in 

Holly wood gefeiert. Jetzt bringt der 

US-amerikanische zweifache Oscar-Gewinner 

einen biografischen Film über 

Luciano Pavarotti in die Kinos. Der Film 

soll dem Publikum auf der ganzen Welt 

ab 7. Juni ein erstaunlich intimes Porträt 

des Opernsängers vermitteln. 

Konzerthaus 

Auf 288 Millionen Britische Pfund werden 

die Kosten für das neue Konzerthaus 

in London taxiert, das im Barbican Center 

entstehen soll. Die Architekten planen 

einen Konzertsaal mit 2000 Plätzen. 

Der aus Holz gestaltete Saal soll die 

Zuschauer in Gruppen auf der Bühne 

positionieren, wobei jede Gruppe nicht 

größer als das Orchester selbst ist. 

Zusätzliche Kosten werden von den 

Geschäftsräumen über der Haupthalle 

finanziert, die wiederum die Betriebskosten 

des Gebäudes stützen und keine 

öffentlichen Zuschüsse benötigen. 

Bach online 

Unter www.bachipedia.org ist die Website 

„Bachipedia“ nun online. Und mit 

ihr bis dato 120 von 220 Bachkantaten. 

Seit 2006 führt die Johann-Sebastian- 

Bach-Stiftung in St. Gallen monatlich 

Kantatenkonzerte durch – und stellt sie 

auf die Plattform. Darüber hinaus kann 

man das Libretto und das erklärende 

Beiwerk abrufen, genauso wie die ebenfalls 

in Ton und Bild aufgenommenen 

Einführungsworkshops des Dirigenten 

und die „Reflexionen“ zu den Kantaten. 

Die Bach-Stiftung stellt diese Dienstleistung 

kostenlos zur Verfügung und 

erhofft sich dadurch, ihrem Zweck, der 

Weitergabe von Bachs genialem Oeuvre 

an kommende Generationen und an eine 

möglichst große Öffentlichkeit, ein großes 

Stück nähergekommen zu sein. 

FOTOS: PRIVAT, SABINE VINAR, DILLER SCOFIDIO + RENFRO 


Exklusive Musikreisen 

mit der ZEIT 

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Freuen Sie sich mit ZEIT REISEN auf die musikalischen Höhepunkte 2019! 

Unsere Musikexperten begrüßen Sie herzlich und haben ein spannendes 

Rahmenprogramm und interessante Begegnungen für Sie ausgewählt. 

Musikalisches Pfingsten in Berlin 

Seien Sie dabei, wenn Daniel Barenboim mit dem Pianisten 

Radu Lupu sein 50-jähriges Jubiläum als Dirigent 

bei den Berliner Philharmonikern feiert. Erleben Sie Sir 

Simon Rattle beim Dirigat von Puccinis »Manon Lescaut« 

an der Deutschen Oper und in der Staatsoper eine Neuproduktion 

des »Rigoletto« in grandioser Besetzung. 

Termin: 7. – 10.6.2019 Preis: ab 1.690 € 

zeitreisen.zeit.de/berlin-pfingsten 

München im Mai 

Erleben Sie Elīna Garanča in einer Gala, Sir John Eliot 

Gardiner am Pult des Symphonieorchesters des BR 

sowie das Ballett »Spartacus«. Eine waschechte Münchnerin 

begleitet Sie durch »ihre« Stadt, Sie hören eine 

Probe des Münchner Rundfunkorchesters und genießen 

regionale Feinschmeckerküche. Genuss mit allen Sinnen. 


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Sommerkonzerte in Bad Kissingen 

Für Musikliebhaber ist der beschauliche Kurort ein 

höchst attraktives Ziel. Erleben Sie in den historischen 

Sälen drei Themenkonzerte, die Mozart, Schumann und 

Dvořák gewidmet sind. Interpreten sind Daniil Trifonov, 

Leif Ove Andsnes, Truls Mørk, Paavo Järvi und Weltklasseorchester. 

Unser Experte Gregor Lütje begleitet Sie. 


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Fotos: Holger Kettner, Paul Schirnhofer/Deutsche Grammophon, Dario Acosta 

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Rufen Sie uns an, wir beraten Sie gern! 

Ihre Ansprechpartnerin: Jana Salewski 

040/32 80-1193 

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Kultur ist per se niemals unpolitisch 

Anruf bei Rainer Karlitschek, Dramaturg der Bayerischen Staatsoper, die kürzlich bekanntgab, die 

bayerische Erklärung „Die Vielen“ unterschrieben zu haben. 

Herr Karlitschek, auch die Bayerische Staatsoper hat kürzlich 

die Initiative „Die Vielen“ unterzeichnet. Für oder gegen was 

tritt diese Initiative genau ein? 

Die Erklä rung „Die Vie len“ ist auf ge setzt wor den, weil sich vie le 

– auch kleinere – kulturelle Institutionen mit 

rechtspopulistischen Angriffen und Agitationen 

kon fron tiert sehen. Rechts po pu lis ten 

wollen den bundesrepublikanischen kulturellen 

Kon sens aufk ün di gen und sind demo kratie 

feind lich. Des halb bestand das Bedürf nis, 

dass die Kul tur in sti tu tio nen in die sem Punkt 

eine genaue re Hal tung her aus bil den und die se 

mit Pro fil in der Gesell schaft posi tio nie ren. 

Gibt es einen bestimmten Auslöser, der die 

Bayern nachziehen ließ? Die bundesweite 

Initiative gibt es ja seit November 2018. 

Als Bei spiel wer den oft die Vor gän ge beim 

Gost ner Hofthea ter in Nürn berg her an ge zogen. 

Im kon kre ten Fall kann man sehr gut 

nach voll zie hen, was es heißt, sich mit Rechtspo 

pu lis ten aus ein an der zu set zen. Sie woll ten 

Aktio nen des Thea ters tor pe die ren und es damit unter Druck 

set zen. Das ist aber nur ein Bei spiel. Es gibt meh re re Vor fäl le in 

Bay ern, die Anlass dafür gaben, sich klar zu posi tio nie ren. Wir 

wur den übri gens von den Kol le gen des Resi denz thea ters und der 

Kam mer spie le ange fragt und gebe ten, auch zu un ter zeich nen. 

Aber ist Kultur per se nicht eigentlich unpolitisch? 

Kul tur ist per se nie mals unpo li tisch, weil sie immer Teil der 

res publi ca, also Sache des Staa tes, und der Polis, also des Gemein - 

we sens, ist. Das ist wich tig, denn unse re gesam te Legi ti ma ti on 

resul tiert aus der Polis, die sich im Baye ri schen Land tag 

reprä sen tiert und der uns bud ge tär aus stat tet. Aber: Die 

Baye ri sche Staats oper ist nicht par tei po li tisch und ver tritt daher 

kei ne kon kre ten par tei- oder tages po li ti schen Anlie gen. Wir 

arbei ten auf Basis des demo kra ti schen Kon sen ses, dass es Orte 

für Kunst und Kul tur geben muss. Und in die sem Sin ne sind 

wir natür lich poli tisch! 

Und daraus resultiert die Pflicht, dass sich Kultur gegen 

Rainer Karlitschek 

Rechtspopulismus und dergleichen einsetzen muss? 

Rechts po pu lis mus agiert gegen den demo kra ti schen Kon sens und 

will die Demo kra tie in ihren Grund fes ten erschüt tern, indem er 

eine Min der hei ten mei nung für alle pro kla miert. Der berühm te 

Satz „Wir sind das Volk!“ wird ja heu te anders 

ver wen det als etwa 1989. Recht po pu lis ten 

glau ben, auto ri tär bestim men zu kön nen, was 

die Wahr heit oder – in die sem Fall – was das 

Volk ist, was es will und wer nicht dazu ge hört. 

Rechts po pu lis mus ist ein fun da men ta ler 

Angriff auf grundlegende freiheitliche Werte 

etwa der Aufk lä rung. Des halb müs sen wir uns 

dem ent ge gen stel len. Denn genau auf die sen 

Wer ten basiert unse re Kul tur ar beit. 

Hat München in der Hinsicht eine besondere 

Verantwortung? 

Ja, und das ist in der Erklä rung so ange deu tet. 

Es gibt eine his to ri sche Refe renz. Das ist aber 

für mich per sön lich nicht das Ent schei den de. 

Vielmehr ist es für mich die aku te Fra ge, die 

sich im Hier und Jetzt stellt. Aber auch ohne 

unse re Geschich te müss ten wir uns als staat li che Kul tur in sti tuti 

on dem The ma stel len. 

Eine Unterzeichnung ist zunächst einmal eine Absichtserklärung. 

Schlägt sich das im täglichen Leben nieder? Gar im 

Spielplan der Staatsoper? 

Zunächst haben wir die se Erklä rung unter zeich net und 

die se Unter zeich nung öffent lich gemacht. Und prompt: Wir 

bekom men Reak tio nen auch aus rechts po pu lis ti scher Ecke. Das 

sind zwar nicht vie le – aber es gibt sie. Damit füh len wir uns 

auch bestä tigt, dass wir uns mit die sem The ma beschäfti gen 

müs sen. In der Oper bil den wir die Gesell schaft im Gan zen ab 

und damit auch unter schied li che Mei nun gen. Die müs sen wir 

akzep tie ren, ihnen aber ent ge gen tre ten, wenn sie eine Linie 

über schrei ten und sich anti de mo kra tisch ent wi ckeln. Dass auf 

unse rem Spiel plan der zeit Ernst Kren eks Oper Karl V. steht, zeigt, 

wie aktu ell Oper sein kann und wie sie mit künst le ri schen 

Mit teln zu Fra gen der Gesell schaft steht. 

Klaus Härtel 

Ich habe noch so viel 

Musik im Kopf. Ich habe 

noch nichts gesagt. 

Ich habe noch alles zu sagen 

Maurice Ravel 

HÄTTEN SIE’S GEWUSST? 

Dass der Mensch vom Affen abstammt, gilt als einigermaßen 

gesichert. Ob auch die Sensibilität für 

strukturelle Abhängigkeiten bereits in gemeinsamen 

Vorfahren von Affen und Menschen existiert haben 

könnte, hat nun ein Team der Uni Wien untersucht. 

Die Forscher spielten Äffchen Sequenzen aus Pieptönen 

vor, die mit einem tiefen Ton begannen und 

endeten – dazwischen fand sich eine variable Anzahl 

von hohen Tönen. Nachdem sie Hunderte Sequenzen gehört hatten, wurden 

ihnen einzeln zwei neuartige Playback-Kategorien vorgespielt: Sequenzen 

mit dem gleichen Aufbau wie zuvor und Sequenzen, bei denen der 

erste oder der letzte tiefe Ton fehlte. Es stellte sich heraus: Die Äffchen 

unterschieden tatsächlich zwischen den Playbacks. Sie drehten sich häufiger 

zum Lautsprecher, wenn sie Sequenzen mit den Abhängigkeiten hörten. 

FOTOS: WILFRIED HÖSL; BIBLIOTHÈQUE NATIONALE DE FRANCE, 

IKIWANER - EIGENES WERK, CC BY-SA 3.0 


2 

Grammys waren dem „Wagner-Bariton“ 

Ekkehard Wlaschiha dereinst sogar verliehen 

worden, weil er die Partie des Alberich so unnachahmlich 

gab. Alberich sang er im Verlauf 

seiner Karriere so viele Male, dass er als 

„Alberich vom Dienst“ tituliert wurde. Nun ist 

Wlaschiha 80-jährig gestorben. 

KLASSIK 

IN ZAHLEN 

6 

350 

Jahre alt ist die Stradivari-Violine, die das Festival Strings 

Lucerne zur Verfügung gestellt bekommt. Bei dem Instrument 

handelt es sich um eine gut erhaltene Geige, die 

seit etwa 1979 nicht mehr öffentlich gespielt wurde. Das 

neue Instrument wird durch Daniel Dodds eingeweiht. 

Millionen Euro stellt der Bund für kulturelle 

Projekte und Veranstaltungen zum 250. Geburtstag 

des Komponisten Ludwig van Beethoven 

zur Verfügung. Das Fördervolumen 

für einzelne Aktivitäten reicht von 20.000 

bis 300.000 Euro. 

FOTO: FABRICE UMIGLIA 

500 

98,03 

Sitzplätze wird das Theater 

Pokrovsky in Moskau bekommen, 

das renoviert und bespielbar gemacht 

werden soll. Das Theater 

Prozent betrug die Platzauslastung der Wiener 

Staatsoper in der Spielzeit 2017/18. Mit 292 Vorstellungen 

auf der Hauptbühne blieb das Haus auf 

gehört zum Bolschoi-Theater 

und soll dessen Kammerbühne 

1.000.000 

dem Niveau der vorherigen Saison. Der Kartenverkauf 

hat 35,5 Millionen Euro eingebracht, 

werden. 

Schwedische Kronen erhält die Geigerin Anne-Sophie Mutter mit dem 

diesjährigen Polar-Musikpreis. Die Königlich Schwedische Musikakademie 

bezeichnete die Musikerin in ihrer Begründung als „Königin der Violine“. 

Eine Million Schwedische Kronen entsprechen fast 100.000 Euro. 

11

K Ü N S T L E R 

Auf einen Kaffee mit … 

BIRGIT MINICHMAYR 

VON WALTER WEIDRINGER 

FOTO: REINHARD WERNER 


Die öster rei chi sche Schau spie le rin Bir git Minich mayr (*1977) ist vor allem 

eines: inten siv und von unge heu rer Prä senz. Legen där ist sie in der Rol le 

im Weibsteufel am Münch ner Resi denz thea ter, und auch als Buhl schaft im 

Jeder mann bei den Salz bur ger Fest spie len über zeug te sie mit ihrer ein zig - 

ar ti gen Mischung aus Weib lich keit und Stär ke. 

CRESCENDO: Frau Minichmayr, Sie haben gerade eine warme 

Ingwerlimonade bestellt. Trinken Sie auch Kaffee oder Tee? 

Birgit Minichmayr: Ja, einen Fünfuhr tee mit Käse brot! Beim Tee 

geht alles bis auf Früch te und Kräu ter. Am Mor gen trin ke ich ger ne 

Kaffee – zu Crois sant, But ter und Erd beer mar me la de. Nicht das 

gesün des te, aber mein Lieb lings früh stück. Am Sonn tag darf ’s gern 

ein Brunch in grö ße rer Run de sein. 

Wie sehr haben sich solche Gewohnheiten durch Ihre Kinder 

umgekrempelt? 

Enorm! Ich bin ein tota ler Nacht mensch, was natür lich auch mit 

mei nem Beruf zu tun hat, ich arbei te nachts am bes ten. Also schlief 

ich frü her bis elf, der Tag begann zu Stu den ten zei ten mit Red Bull 

und Ziga ret te. Die se Zei ten sind Gott sei Dank vor bei. Jetzt ist 

schon acht para die sisch! Ich neh me mir die Zeit, mit mei ner 

Fami lie zu früh stü cken, aber bin immer 

noch dank bar, wenn mein Mann mich 

aus schla fen lässt und er die Früh schicht 

über nimmt. Sicher ist, dass die 

Mäd chen, zwei ei ige Zwil lin ge, das Bes te 

sind, was ich in mei nem Leben je 

hin ge kriegt habe. 

Singen Sie ihnen etwas vor? 

Ja, ab und zu, aber im Moment ist 

Musik hö ren und Tan zen das Größ te: 

Abends gibt es der zeit immer Jazz, Col tra ne oder Duke Elling ton. 

Für tagsüber habe ich an erträg li cher Kin der mu cke „Kli-Kla-Klawit 

ter“ gefun den: Das lie ben sie, da wird immer abge sha ked. Wenn 

ich sin ge, jault die eine immer mit! Manch mal lese ich ihnen vor, 

aber meist nur das, was ich gera de zu arbei ten habe. 

Ist das Textlernen schwieriger geworden? 

Es ver schiebt sich auf die Zeit, in der sie schla fen. Dann wird Büro 

gemacht, wer den E-Mails beant wor tet und Text gelernt. Vie le 

haben gesagt: Man merkt, dass du Mut ter bist, dei ne Mails 

kom men jetzt immer erst am spä ten Abend. Aber mich stört das 

schwar ze Ding, das heute jeder so ganz selbst ver ständ lich da 

lie gen hat, obwohl auch Kin der da sind, die se stän di ge Erreich barkeit 

per Han dy. 

Sie sind ja weder auf Instagram noch Facebook vertreten … 

Die ses gan ze Zeug ist mir fremd. Es ist schon schlimm genug, 

wenn man beim Zei tung le sen online zu weit nach unten rutscht 

und in den Kom men ta ren auf Mist und Unflä tig kei ten stößt. 

Anony mes Bashing im Inter net, Mob bing in Schu len, Gazet tenjour 

na lis mus, eine Poli ti ker r he to rik des Unge pfleg ten, Unge bil deten: 

Für mich hängt das alles zusam men. Über all fehlt es an 

Respekt. Aber man bleibt mit sei nen sozia len und poli ti schen 

Ansich ten all zu oft in sei ner eige nen Bla se gefan gen. 

Sie wurden in Internetforen schon dafür kritisiert, nicht mehr 

österreichisch zu klingen. 

Mir war immer wich tig, mein Arbeits feld so weit wie mög lich 

abste cken zu kön nen. Mit mei nem Kind heits dia lekt wäre das nicht 

gegan gen. In Wien sagt man, ich klän ge nach Nord deutsch land, 

dort heißt es, ich klän ge süd deutsch. Dabei nei ge ich ein fach zur 

Assi mi la ti on. Zuerst ganz jung in Ber lin, dann auch in der Schweiz: 

Im Nu hat te ich dort einen Schwei zer Sing sang drauf – do han i di 

gan ze Zeit so g’sproch’n. Ich tue das nicht, weil ich mei ne Her kunft 

MICH STÖRT DAS SCHWAR ZE 

DING, DIESE STÄN DI GE 

ERREICH BAR KEIT PER HAN DY 

ver leug nen wür de, son dern weil mein Beruf enorm viel mit 

Sprach klang zu tun hat. In mei nem Hei mat ort Pasching in 

Ober ös ter reich wur de ich auch schon mal ange motzt, wie ich den 

„Knedl“ (Knö del) mitt ler wei le aus spre che: Das „d“ dür fe man 

nicht hören! Irgend wie ist mir das aber alles ziem lich wurscht. 

(lacht) 

Sie haben mit Campino und den Toten Hosen gesungen, mit 

Wolfgang Mitterer das Album „Sopop“ gemacht, mit Stefan 

Pucher das Burgtheater mit Struwwelpeter gerockt: Wie kommt 

es, dass für Sie als Schauspielerin die Musik eine so große Rolle 

spielt? 

Ich bekam früh Kla vier un ter richt, hab im Chor gesun gen und 

woll te Bal lett tän ze rin wer den. Linz hat te schon damals eine tol le 

alter na ti ve Musik sze ne, min des tens die Hälfte der Jungs in der 

Klas se spiel te in einer Band. Musik war 

mir immer nah. Ich tre te der zeit mit 

„Doro thy Par ker in Con cert“ auf, einer 

Lesung mit Jazz auf zwei Flü geln, mit 

dem groß ar ti gen Duo Chris Hop kins 

und Bernd Lhotz ky. Das macht mir 

unglaub lich viel Spaß. Aber wenn es 

um sel ber Musik machen gin ge, dann 

ver lie re ich mich im Dschun gel der 

Mög lich kei ten, dann sie gen Scheu und 

Unsi cher heit. Wenn die Din ge auf mich zukom men, hat sich das 

immer als der bes se re Weg für mich erwie sen. 

Sie brauchen sich wohl schon lange nichts mehr gefallen lassen. 

Stichwort #MeToo: Haben Sie sich oft wehren müssen, immer 

wehren können? 

Ich kam Gott sei Dank nie in so miss li che Extrem si tua tio nen. 

Ich ken ne aber den klas si schen „Her ren witz“ und die schlüpf ri gen 

Stamm tisch be mer kun gen gegen über Frau en sehr gut. Ich fin de, 

es war hoch an der Zeit zu sagen: Wir bit ten um einen ande ren 

Umgang. Wenn eini ge jam mern, sie wüss ten jetzt nicht mehr, wie 

man flir ten soll, dann fra ge ich mich, ob die das je gewusst haben. 

Die Ein kom mens sche re zwi schen Män nern und Frau en ist immer 

noch gro tesk groß, dar auf muss auch der Gesetz ge ber reagieren. 

Es kann nicht sein, dass das Thea ter sich Fort schritt und Frei heit 

auf die Fah nen schreibt und zugleich viel fach immer noch so 

ver krus te te, hin ter wäld le ri sche Macht struk tu ren gel ten. Doch das 

bricht alles gera de auf, end lich – vom Black fa cing über den 

eth ni schen Hin ter grund bestimm ter Rol len ganz all ge mein bis 

zur Wahr neh mung etwa der LGBT+-Community. Offen bar 

brau chen wir vor über ge hen de Erzie hungs maß nah men. Quo ten 

zum Bei spiel. 

Was hören Sie selbst? 

Tags über den Radio sen der Ö1! Am Abend Jazz. Und wenn ich 

allein bin, ver su che ich, bei neu en Alben auf dem Lau fen den zu 

blei ben. Dann arbei te ich mei ne Shazam-Lis te ab! [Musi k er kennungs-App, 

Anm.] Metal und heftigs ten Hip-Hop brau che ich 

weni ger, ansons ten höre ich quer durch, wenn auch eher in die 

Alter na ti ve-Rich tung. Das ein oder ande re Lied von Beyon cé fin de 

ich aber trotz dem geil. 

■ 

Am 7. März lief im Kino „Kirsch blü ten & Dämo nen“ mit Bir git Minich mayr an. 

13


FOTOS: LOIS LAMMERHUBER 


EINER DER GRÖSSTEN DIRIGENTEN UNSERER ZEIT 

SUCHT NACH WAHRHAFTIGKEIT IN DER MUSIK 

„ICH BIN 

AVANTGARDE, 

MEIN LIEBER!“ 

Christian Thielemann wird am 1. April 60 Jahre alt. 

Hier spricht er über die frühen Fehler, 

die Vorteile des Alters und Dinge, die er 

nicht mehr nötig hat. 

DAS GESPRÄCH FÜHRTE 

AXEL BRÜGGEMANN 

Herr Thielemann, Sie werden am 1. April 60 Jahre. 

Hadern Sie mit dem Alter, oder ist es mit einem Dirigenten 

wie mit dem Wein: Er wird besser, je älter er wird? 

Ein Geburtstag ist immer schön! Klar, das Dirigieren entwickelt 

sich, und mit der Erfahrung wird man auch besser. Das Besserwerden 

lässt das Alter zu einer bedeutungslosen Zahl werden. 

Genauso klar ist, dass wir alle sterben. Ich will auch gar nicht 

mehr jünger sein, weil ich die alten Fehler nicht noch einmal 

machen will. 

Was waren das für Fehler? 

Als junger Mensch fehlt einem der Überblick. Heute habe ich 

eine andere Tempo-Regie und muss nicht mehr so viel gestikulieren. 

Im Privaten ist das aber doch auch so: Hier macht man 

Fehler menschlicher Art, sieht, was auf einen zukommt, und 

vermeidet diese Fehler für den Rest seines Lebens. 

Älter zu werden bedeutet also, Fehler zu vermeiden? 

15


Jemand, der die heiße Herdplatte mit 60 Jahren noch immer 

anfasst, ist vielleicht nicht ganz so intelligent. Wenn man sie 

allerdings als Kind nicht angefasst hat, ist das auch blöde. 

Hat sich die Rolle der Musik in Ihrem Leben verändert, seit Sie 

begonnen haben, Klavier und Bratsche zu spielen? 

Damals gab es schon dieses Feuer, und ich glaube, dass es noch 

größer geworden ist. Heute kann ich es gezielter einsetzen. Ich 

verbrenne mich nicht mehr gleich. Früher habe ich gern gezündelt, 

das lasse ich heute oft bewusst bleiben, weil ich so Energie 

verschwenden würde, auf die ich später angewiesen bin. Ich 

glaube, man musiziert bewusster, wenn man älter wird. Und 

vielleicht genießt man es auch mehr. 

Sie sind mit 19 Jahren als 

Korrepetitor an die Deutsche 

Oper in Berlin gegangen und 

wurden Assistent bei Herbert 

von Karajan. Wie haben Sie 

das erlebt? 

Bei Karajan war alles so 

entspannt. Ich habe mir das viel hektischer vorgestellt. Aber 

schon bei der ersten persönlichen Begegnung spürte ich diese 

Gelassenheit, mit der er alles aus einem Orchester herausholen 

konnte. Bereits damals war mir klar, dass das mit dem Alter zu 

tun haben muss und mit der Erfahrung – Karajan war damals ja 

schon über 70. Diese Souveränität war auch für die Musiker 

greifbar. Außerdem kannte Karajan die Musiker und die Sänger, 

mit denen er gearbeitet hat, sehr gut. Ich kann mich an keinen 

Streit, an keine erregte Situation bei einer Probe mit ihm 

erinnern. 

Auch Sie arbeiten heute mit wenigen Orchestern sehr intensiv 

zusammen ... 

Das ist vielleicht eine unterbewusste Entwicklung. Am Anfang 

habe ich alles gemacht, was möglich war: Ich bin durch die USA 

gedüst und habe die großen Orchester dirigiert: in San Francisco, 

an der Met, in Europa in Rom, Bologna, Venedig, London – überall. 

Aber schon durch meine ersten festen Jobs wurde meine 

Anwesenheit vor Ort wichtig. Es folgte die Zusammenarbeit mit 

den Berliner und den Wiener Philharmonikern, das Sommerloch 

wurde mit Bayreuth aufgefüllt. Und so hat sich von selbst ein 

Gerüst aufgebaut, in dem ich mich seither bewege. Heute würde 

ich allerdings gern wieder mehr Neues kennenlernen, zum 

Beispiel nach Israel fahren. Ich freue mich, dass ich nun auch 

wieder nach München zum Bayerischen Rundfunk und in das 

Concertgebouw zurückkehren werde. Aber ich bin eben auch ein 

Anhänger davon, mir das private Leben nicht vollkommen aus 

der Hand nehmen zu lassen. 

Was wahrscheinlich in einem Jetset-Job wie Ihrem schwer ist. 

Na ja, es muss ja keiner immer alles machen. Ich habe für mich 

festgestellt, dass ich allmählich geistig verkümmere. Es wäre 

arrogant zu sagen, dass Beethoven, Wagner oder Schönberg mich 

unterfordern, aber auf anderen Feldern fühle ich mich durchaus 

unterfordert und unzufrieden. Ich hatte ja keine Zeit mehr, gute 

Bücher zu lesen oder schöne Ausflüge zu machen. Und ich finde, 

dass ich das Recht habe, diese Sehnsucht zu stillen. Ich habe keine 

Lust mehr auf das Warten in Konzertzimmern, auf die Proben, 

auf die Veranstaltung, auf Flughäfen. Natürlich kann Reisen Spaß 

machen, wenn man in Japan in einem schönen Ryokan liegt oder 

in warmen Quellen, wenn man tollen Fisch isst ... Aber man 

braucht auch Zeit zwischen den einzelnen Abenden. Ich genieße 

es heute, auch mal zwei Wochen freizuhaben, spazierenzugehen, 

und wenn man dann am Abend eine halbe Flasche Wein trinkt, 

darf es auch ruhig ein guter Burgunder sein. Nur, wer sich auch 

jenseits der Musik auf Dinge einlässt, kann mit neuer Inspiration 

vor das Orchester treten. Denn all diese Eindrücke formen sich 

für mich wieder in Musik um. 

Düsseldorf, Nürnberg, Berlin – bei Ihren ersten drei Opernstationen 

hatte man den Eindruck, dass Sie, entgegen der 

öffentlichen Meinung, immer auch für das Traditionelle, das 

Pathos gekämpft haben ... 

Pathos heißt ja „erleben“ oder „erleiden“. Da geht es nicht, wie 

viele glauben, um Musik mit dicker Soße. So gesehen ging es mir 

tatsächlich um das Wahrhaftige und Echte in der Musik. Es gibt 

Stellen, die genau dieses Pathos verlangen, und genauso gibt es 

eben Stellen, die man auf keinen Fall mit falschem Zucker-Pathos 

übergießen darf! Aber ist das 

schon eine Ideologie? Nein! Ich 

WER KEINE TOLERANZ HAT, INTERESSIERT bin nun einmal so. Ich habe 

MICH NICHT, EGAL MIT WELCHER IDEOLOGIE Knappertsbusch, Karajan und 

Mengelberg gehört – und dieser 

amalgamierte Orchesterklang, 

der den Mut zum Wahren, 

Großen und Schönen hat, der Klang, der jede Gefühlswelt 

durchschreiten kann, gefällt mir. Wenn andere das anders 

empfinden: bitte schön! 

Zuweilen wurden Sie als „reaktionär“, „konservativ“ oder 

„ewig gestrig“ beschrieben. 

Ach, das sind doch alles Schlagworte. Fragen Sie die Leute, die 

diese Schlagworte verwenden, was sie bedeuten sollen. Eine Lehre 

des Älterwerdens ist, dass ich nicht mehr alles kommentieren 

muss. Die Politisierung der Musik hat mir nie gefallen. Ich bin in 

einem unpolitischen Haushalt aufgewachsen ... 

Ihr Vater war Apotheker ... 

Ja, und bei uns wurde Musik nie mit Politik in Verbindung 

gebracht. Natürlich weiß ich, dass Musik überall als gesellschaftliches, 

politisches oder kapitalistisches Mittel eingesetzt wird: 

vom Parteitag bis zur Kaufhausmusik. Aber letztlich hat eine 

Beethoven-Sinfonie für mich mit Politik nichts zu tun. Ich finde, 

dass ich gerade in politisch aufgeladenen Zeiten als Künstler auch 

die Aufgabe habe, die Kunst zu entpolitisieren und den Leuten zu 

sagen: „Eure politische Meinung ist mir egal, wir spielen euch 

jetzt einfach Schumann vor.“ Ich will am Pult keine politische 

Interpretation der C-Dur-Sinfonie, abgesehen davon, dass ich gar 

nicht wüsste, wie die aussehen sollte. Das wäre doch auch 

vermessen! 

Aber Sie haben sich immer wieder als Anti-68er positioniert. 

Das würde ich heute so nicht mehr tun. Auch, wenn ich noch 

dasselbe denke, würde ich es anders formulieren. Ich habe nie 

eine Partei öffentlich unterstützt. Mir ging es immer um das 

Grundthema der Toleranz. Und so würde ich das auch heute 

formulieren: Wer keine Toleranz hat, interessiert mich nicht, 

egal mit welcher Ideologie. Das Wesentliche ist, dass mich 

etwas überzeugt. Das ist wie beim Essen: egal, ob es aus 

Timbuktu kommt oder sonstwoher. Wenn es überzeugt, mag 

ich es. Nicht anders verhält es sich mit einem Lohengrin: Ich 

frage doch nicht, woher der Sänger kommt oder was er wählt. 

Wenn seine Stimme passt, freue ich mich! 

Aber Sie haben schon Politik gemacht, als Sie Berlin und 

München verlassen haben, weil Sie mit der Ausstattung der 

Orchester unzufrieden waren. 

Das ist für mich keine Politik, da ging es um Arbeitsbedingungen. 

In Berlin hatten wir es mit einer Ungleichberechtigung der 

Berliner Opernhäuser zu tun. Damals sind mir 16 Musiker 

davongelaufen, sie haben anderswo mehr verdient. Ich finde bis 

heute, dass die Deutsche Oper nicht jene Mittel bekommt, die sie 


Neuerscheinungen und Klassiker zum Geburtstag 

Von links nach rechts: 7. Symphonie von Anton Bruckner und Das Liebesmahl der Apostel von Richard Wagner; Messa da 

Requiem von Verdi; Werke von Ferruccio Busoni, Hans Pfitzner und Max Richter mit Tzimon Barto (Piano); die 

Romantische von Anton Bruckner; Symphonie Nr. 8 von Anton Bruckner; Konzert für Horn und Orchester von Richard Strauss 

(alle Alben mit der Staatskapelle Dresden und ggf. dem Sächsischen Staatsopernchor Dresden, erschienen bei Profil, 

Hänssler). Und das gibt’s ganz neu zum Geburtstag: eine umfangreiche und schön bebilderte Dokumentation unter dem Titel 

„Christian Thielemann, Dirigieren/Conducting“ (Edition Lammerhuber); wegweisende Aufnahmen für die Deutsche 

Grammophon in einer Box mit 21 CDs; Schumann Sinfonien mit der Staatskapelle Dresden (Sony) 

benötigen würde. Manchmal ist es aber auch so, dass vieles von 

ganz allein passiert. Wir hatten in München einen Termin, um 

wieder zusammenzukommen. Dann bin ich an der Staatskapelle 

in Dresden eingesprungen und konnte nicht ahnen, dass ich nach 

Bruckners Achter ein Angebot bekommen würde. Da musste ich 

nicht lange überlegen. Ich habe den Münchnern gesagt, dass ich 

keinen Termin mehr brauche, weil ich in Dresden wieder Opern 

dirigieren kann. 

Ihr Abgang von der Deutschen Oper scheint dennoch besonders 

zu schmerzen … 

Es tut mir heute noch weh, wenn ich an der Deutschen Oper 

vorbeifahre. Dann spüre ich einen Stich in meinem Herzen! Ich 

habe mich hier wohlgefühlt. Es ist ja das Haus, dem ich alles 

verdanke: Ich habe hier meine ersten Opern gehört, lernte 

Wagner kennen, wurde mit 19 Jahren Korrepetitor und dann 

Generalmusikdirektor. Das war vorher und wird auch so schnell 

nicht mehr passieren. Ich bin ein Berliner, habe da angefangen, 

und natürlich hänge ich an diesem Haus. Bis heute. 

Wenn Sie vor Ihrem inneren 

Ohr eine Beethoven-Sinfonie 

von Christian Thielemann vor 

30 Jahren hören und mit einer 

Aufführung von heute 

vergleichen – wie hat sich der 

Dirigent verändert? 

Das, was ich damals so ungeschliffen rausgehauen habe, was ich 

einfach gemacht habe, das habe ich inzwischen einer Sichtung 

unterzogen. Dabei bin ich zuweilen zu dem Ergebnis gekommen, 

dass einiges schon gar nicht so schlecht war. Anderes hingegen 

schon. Und so bediene ich mich auch heute noch manchmal 

eigener Versatzstücke. Und natürlich höre ich mir Kollegen an 

und stelle mitunter fest, dass es sich durchaus lohnen kann, 

anderen zuzuhören ... 

DIE POLITISIERUNG DER MUSIK 

HAT MIR NIE GEFALLEN 

Sie sagten einmal: „Lieber gut geklaut als schlecht erfunden.“ 

Das ist ja auch so! Jeder Schauspieler hört sich vor seinem ersten 

Hamlet die legendären Hamlet-Schauspieler an und orientiert 

sich an den Vorbildern … 

Um dann alles ganz neu und anders zu machen? 

Nein, so einer war ich ja nie! Ich habe diese Protestphase nicht 

gehabt. Bin ich deshalb reaktionär? Nein, ich bin in Wahrheit 

weder „re“ noch „aktionär“, vielleicht bin ich einfach nur 

langweilig. Aber ich glaube eben, dass man nicht auf Teufel 

komm raus gegen alle Traditionen ankämpfen muss. Vielleicht 

steht das ein bisschen für meine Generation, wir sind ja so etwas 

wie die „verlorene Generation“ – wir haben das Revolutionäre 

verloren. Wir wollten kein Haus besetzen … 

Aber Sie wollten ein Haus besitzen? 

In Berlin stand an irgendeinem Haus: „Ik will och ne Villa!“ Das 

ist doch ein legitimer Wunsch. Ich fand es jedenfalls immer 

sinnlos, meine Kraft für die Revolution zu verschwenden, ich 

habe dann lieber ein bisschen Bach gespielt. 

Fühlen Sie sich manchmal wie 

jemand, der aus der Zeit 

gefallen ist? 

Überhaupt nicht! Ich bin ein 

Rollenmodell, mein Lieber! Ich 

bin Avantgarde! Ich finde 

dieses ganze Gedöns und Gelabere auch furchtbar. Ich habe keine 

Internetseite, ich habe keine Agentur, ich bin eine Ich-AG. Man 

mag das nicht modern finden, aber ich bin so ziemlich zufrieden. 

Herr Thielemann, wie werden Sie Ihren 60. Geburtstag feiern? 

Ich werde bei sehr guten Freunden abtauchen und einen Ausflug 

in die Salzburger Bergwelt unternehmen. Am 2. April haben wir 

dann Meistersinger-Sitzproben. Das ist das schönste Geschenk, 

dass ich nach 2006 in Wien dieses Werk bei den Osterfestspielen 

nun endlich wieder machen kann. 

n 

17



ES IST DIE SACHE DER ANDE REN, 

IHR BILD VON MIR ZU ÄNDERN. ICH HABE GENUG 

MIT DEM SIN GEN ZU TUN 

19 

FOTO: JULIA WESELY


„ET KÜTT, 

WIE ET KÜTT“ 

Anna Lucia Richter 

stammt aus Köln und lebt 

jetzt in Wien. 

Die Sopranistin über 

die Lyrik von 

Schubert-Liedern, ihr 

persönliches Heim- und 

Hinausweh und die 

Spannung, in verschiedene 

Rollen zu schlüpfen. 

VON VERENA 

FISCHER-ZERNIN 

FOTO: JULIA WESELY 


C 

DIE SUCHE NACH GEBOR GEN HEIT IST EIN 

GRO SSER TEIL DES HEIM WEHS 

RESCENDO: Sie geben einen Liederabend lang den 

Engel mit der glockenreinen Stimme. Und dann kehren 

Sie zur Zugabe die Kölnerin heraus und singen das freche Och 

Moder isch will en Ding han aus den Brahms’schen Volksliedern. 

Wer ist denn nun die echte Anna Lucia Richter? 

Anna Lucia Rich ter: Ich glau be, von allem etwas. In zwi schenmensch 

li chen Bezie hun gen ver hal ten wir uns ja auch unterschied 

lich in Wech sel wir kung mit dem Gegen über: Je nach dem, 

was ich sin ge, belich te ich unter schied li che Tei le mei ner selbst. 

Fühlen Sie sich „kölsch“? 

Das Geer de te, Prag ma ti sche, das habe ich auf jeden Fall. Et kütt, 

wie et kütt. 

Sie leben mittlerweile in Wien. Spüren Sie denn selbst manchmal 

dieses Heimweh, dem Sie Ihr neues Album mit Schubert-Liedern 

gewidmet haben? 

Es gibt sol che Momen te. Freun de, Fami lie, die ich ver mis se. Und 

wenn ich mit dem Auto über den Rhein fah re und den Dom sehe, 

dann weiß ich, ich bin zu Hau se. Aber ich könn te nach vier 

Jah ren auch Heim weh nach Wien haben. 

Mit dem Begriff „Heimweh“ zielen Sie ins Herz der Romantik, 

das ist hart am Klischee. 

Das Wort eröff net Asso zia ti ons räu me. Im Heim weh schwingt die 

Sehn sucht nach der Kind heit mit. Die ses abso lu te Auf ge ho bensein 

kann man nie wie der erlan gen, es nimmt immer wei ter ab. 

Die Suche nach Gebor gen heit ist ein gro ßer Teil des Heim wehs. 

Aber wenn man dann daheim ist, setzt das Fern weh ein, das 

Hinausweh. 

Im Kern geht es in den Liedern um die eine oder andere Art 

von Getrenntsein … 

… und viel um Abschied. Der Hirt auf dem Fel sen, eins der 

letz ten Wer ke Schu berts, ist ein gro ßer Abschied, aber der letz te 

Satz ist schon fast schwe re los. Er erin nert mich an die Arie Ich 

freue mich auf mei nen Tod von Bach. Trau er kann glück lich 

machen. Die ser klei ne Schmerz kann sehr befrei end sein. 

Kann sich auf dem kleinen Platz, den ein Lied bietet, eigentlich 

eine Dramaturgie entfalten? 

Neh men Sie den Zwerg. Das Lied nimmt unglaub lich an Fahrt 

auf. Jeder Cha rak ter hat eine Far be. Der ers te Ver lust dage gen ist 

ein klei nes Gemäl de, die Atmo sphä re ändert sich inner halb des 

Stü ckes nicht. 

Schubert war längst nicht so wählerisch mit den Gedichten wie 

etwa Schumann. Wie finden Sie die Qualität der Lyrik? 

Er hat nicht aus schließ lich Goe the und die Gro ßen ver tont, 

trotz dem: gar nicht so schlecht. Das ist wahr schein lich das 

Stock holm-Syn drom, weil man sich so inten siv damit befasst. 

Aber ich habe es bis lang immer nach voll zie hen kön nen, war um 

Schu bert einen Text aus ge wählt hat. Natür lich sind da wel che 

dabei, die ohne die Ver to nung nie mand mehr ken nen wür de. 

Eine Liedvertonung ist ja selbst schon eine Interpretation. 

Mich inter es siert, wie Schu bert an die Ver to nung geht. Er nimmt 

ein fach den Affekt, manch mal schein bar ohne Ana ly se. Das 

Span nen de bei ihm ist, man baut eine per sön li che Bezie hung zu 

den Figu ren auf. 

Was lieben Sie überhaupt am Lied? 

Oh! (holt Luft) Dass man inner halb eines Lie der abends in so vie le 

ver schie de ne Rol len schlüpft. Die se Gegen sät ze: Ich bin ein 

Toten grä ber, ein zwölfj äh ri ges Mäd chen, eine jun ge Lie ben de. 

Was für eine Fall hö he! Dann das Kam mer mu si ka li sche. Wir 

kön nen selbst bestim men, wie lan ge wir pro ben, kön nen dis kutie 

ren. Das ist eine gro ße Frei heit. 

… also das Gegenteil einer Opernproduktion. Wie viel Oper 

singen Sie? 

So ein, zwei Pro duk tio nen pro Jahr. Es ist schön, mit den Kol le gen 

län ger zusam men zu ar bei ten. Sechs Wochen mal an einem Ort zu 

sein. Auf der Büh ne zu spie len, mit Mas ke, mit der Regie etwas zu 

ent wi ckeln. 

Ihr Stimmvolumen ist nicht riesig. Kommen Sie über den 

Graben? 

Ich wür de jetzt kei nen Wag ner oder Ver di sin gen. Aber in der 

letzten Zeit singe ich beispielsweise oft Mahlers Wunderhorn-Lieder, 

das geht wun der bar, sowohl mit Hai tink als auch Cur r ent zis. 

Meine Stimme ist glücklicherweise sehr obertonreich und trägt gut. 

Ich kom me aus der Mäd chen chor-Tra di ti on. Da habe ich gelernt, 

sehr gera de und sehr sau ber zu sin gen. Da muss man ler nen zu 

unter schei den, wie viel davon ist gemacht, und wie viel gehört 

wirk lich zu mei ner Stim me? Mei ne Stim me gewinnt momen tan an 

Tie fe, die wie der anders an die Höhe ange bun den ist. 

Wenn die Stimme sich lebenslang verändert, ändern sich auch 

die Partien. Was würden Sie denn gerne mal singen? 

Ich woll te immer die schöns te Musik machen, ohne limi tiert zu 

sein. Aber das war nie aufs Reper toire bezo gen. Wobei – Susan na! 

Susan na möch te ich gern sin gen. Oder Che ru bi no? Mit tel la ge und 

Tie fe machen viel Spaß. Das wäre neu es Ter rain. 

Da wechseln Sie ja munter die Fächer, wenn Sie beides machen. 

Die ses Schub la den den ken geht mir auf die Ner ven: „Du darfst 

kei nen Che ru bi no sin gen, sonst wirst du nie wie der für Pami na 

gefragt!“ Für man che Ver an stal ter ist das natür lich ein fa cher. 

Frü her war es durch aus üblich, an einem Abend Car men und am 

nächs ten Abend eine lyri sche Mozart-Sopran-Rol le zu sin gen. 

Sie müssen bestimmt immer wieder Überzeugungsarbeit 

leisten, Sie sind ja die Inkarnation des jugendlich-lyrischen 

Soprans. Stört Sie das Etikett „die junge Anna Lucia Richter“? 

Bes ser als „die alte …“! (lacht) Durch das Reper toire ergibt sich 

ein Image. Vie les hat man nicht in der Hand. Wenn Sie mei ne 

Fotos neh men: Eines ist zehn Jah re alt, das wird stän dig gedruckt, 

und da sehe ich halt äthe risch drauf aus. Ich mache das, was 

gera de zu mir passt. Es ist die Sache der ande ren, ihr Bild von mir 

zu ändern. Ich habe genug mit dem Sin gen zu tun. Die Zeit, auch 

noch bewusst mit Haar far be und Klei dern Images zu bas teln, 

habe ich nicht. 

Schon mal Stimmkrisen gehabt? 

Es gibt immer wie der Momen te. Aber mei ne Ams ter da mer 

Leh re rin Mar greet Honig kann oft sogar am Tele fon hel fen. 

Dann singen Sie ins Telefon? 

(lacht) Das nicht. Aber, wie mal eine Sopra nis tin im Inter view 

gesagt hat, stel len Sie sich vor, Sie sind Gei ger. Und Sie müs sen 

mit Ihrer Gei ge staub saugen und abspü len. Wir Sän ger müs sen 

mit unse rem Instru ment eben auch noch den All tag bewäl ti gen. 

Da muss man sich mal gön nen zu sagen, heu te geht es mir 

emo tio nal eben nicht so gut. Natür lich kann man sol che Del len 

mit Tech nik glät ten. Aber es ist wich tig, sie sich selbst ein zuge 

ste hen. Je mehr man mit sei ner Stim me schimpft, des to 

belei dig ter ist sie. 

n 

Schubert: „Heimweh“, Anna Lucia Richter, Gerold Huber, Matthias 

Schorn (Pentatone) 

Track 3 auf der CRESCENDO Abo-CD: Lied der Mignon. Heiß mich 

nicht reden D 877/2 

21

TKI ÜT NE LS ZT EL IE LRE 

MUSIKALISCHER 

MASKENSPIELER 

Der Countertenor Philippe Jaroussky widmet sich auf seinem neuen Album 

dem italienischen Frühbarock-Komponisten Francesco Cavalli. 

VON DOROTHEA WALCHSHÄUSL 

22 

2018_Bildunterschrift 

Philippe Jarousskys Spiel mit Parodie und 

Ironie in der venezianischen Oper 

BILD CREDIT 5PT

FOTO: PARLOPHONE RECORDS LTD 

Philippe Jaroussky hat sich mit seiner warmen Countertenor-Stimme 

ganz nach oben gesungen. Auf seinem neuen Album widmet sich 

der 41-jährige Künstler nun dem italienischen Frühbarock- 

Komponisten Francesco Cavalli und fasziniert mit einer aufregenden 

musikalischen Maskerade. Ein Gespräch über den kreativen 

Klangschöpfer, neue Formen der Männlichkeit und den Karneval 

in Venedig. 

CRESCENDO: Sie haben das Fach des Countertenors einmal 

als neue Form der Männlichkeit bezeichnet. Was meinen Sie 

damit? 

Phil ip pe Jarouss ky: Ich glau be tat säch lich, dass der Coun ter te nor 

für eine neue Form steht – oder bes ser gesagt für eine neue alte 

Form (lacht). Die Ein tei lung der Stim men in die weib li chen und 

die männ li chen Fächer ent springt 

ALS ICH BEGON NEN 

HABE ZU SIN GEN, HABE ICH MICH 

REGEL RECHT NACKT GEFÜHLT 

der roman ti schen Kate go ri sie rung. 

Die Kas tra ten stim me stach dabei 

immer als beson de re Art der Stim me 

her vor. Aller dings haben die 

Kas tra ten durch aus auch sehr star ke 

Cha rak te re inter pre tiert. Sie hat ten 

zwar hohe Stim men, aber das hat 

nicht bedeu tet, dass sie nicht auch männ li che Parts über nom men 

hät ten. Es ist sicher kein Zufall, dass nach Ende des Zwei ten 

Welt kriegs auf ein mal die Coun ter te nö re wie der eine Rol le 

spiel ten. Der Krieg war so furcht bar gewe sen, dass die Men schen 

die se star ren Rol len bil der des Man nes, der in den Krieg zieht, 

und der Frau, die sich zu Hau se um die Kin der küm mert, nicht 

mehr woll ten. Die Wie der ent de ckung des Coun ter te nors und 

über haupt der hohen Stim men in der Musik war ein Weg zu 

sagen: Auch Frau en kön nen stark sein und Män ner dür fen ihre 

sen si ble Sei te zei gen. Ein Mann kann wei nen und eine Frau kann 

kämpfen. 

Sie haben Ihre Stimme erst relativ spät als Ihr Instrument 

entdeckt. Wie hat sich das angefühlt? 

Als ich begon nen habe zu sin gen, habe ich auf ein mal eine gro ße 

Frei heit gespürt. Ich muss te viel weni ger kämp fen als an der 

Gei ge, aller dings habe ich mich am Anfang auch regel recht nackt 

gefühlt. Man kann sich schließ lich nicht hin ter sei nem Instrument 

ver ste cken. Aber ich habe hart dar an gear bei tet und eine 

gro ße Erfül lung im Gesang gefun den. Dabei woll te ich nie sein 

und sin gen wie eine Frau. Der Coun ter te nor ist ein fach die 

Stim me, in der ich mich zu Hau se füh le. 

Als Opernsänger taucht man immer wieder in neue Charaktere 

ein. Wie geht es Ihnen damit? 

Wir Opern sän ger sind manch mal fast ein biss chen zu sehr damit 

beschäftigt, ganz mit einer Rol le zu ver schmel zen. Für mich ist es 

das Wich tigs te, die Ver bin dung zur Musik zu bekom men. Die 

Musik soll te beein flus sen, wie ich sin ge, und nicht umge kehrt. 

Wenn ich eine neue Rol le ler ne, begin ne ich mit der Par ti tur und 

las se die Gefüh le, die die se Musik in mir aus löst, in mei ne 

Stim me über ge hen. Das ist ein sehr intui ti ver Pro zess und 

manch mal ent ste hen dabei span nen de neue Din ge: Dann 

bekommt eine eigent lich sehr schnel le Arie eine gewis se Süße 

oder eine lang sa me Arie bekommt etwas sehr Domi nan tes. 

Auf Ihrem neuen Album widmen Sie sich verschiedenen Arien 

und Duetten von Francesco Cavalli, außerdem sind reich 

instrumentierte Orchesterwerke zu hören. Wie sind Sie auf 

diesen Komponisten gestoßen? 

Mein ers ter Kon takt mit Barock mu sik in der Oper war Mon tever 

di. Kurz dar auf ent deck te ich Caval lis Musik und war von 

Beginn an fas zi niert von den viel fäl ti gen Klang far ben, Kon trasten 

und Stim mun gen. Dabei war auch die Zusam men ar beit mit 

Gabri el Gar ri do und René Jacobs ganz ent schei dend für mich. Bei 

ihnen habe ich unglaub lich viel gelernt und ent deckt, wie reich 

Caval lis Musik ist. Mit nur weni gen Noten schafft er wun der ba re 

Melo di en vol ler Charme. Die Opern von Caval li haben gro ßes 

dra ma ti sches Poten zi al, und mit gutem Grund wer den sie seit 

eini gen Jah ren an vie len Opern häu sern wie der inten siv gespielt. 

Die Opern von Cavalli standen vor allem zur Karnevalszeit auf 

den Spielplänen in Venedig. Haben Sie den venezianischen 

Karneval selbst schon einmal erlebt? 

Ich war oft in Vene dig, aber nie wäh rend des Kar ne vals. Und ich 

bin mir auch nicht sicher, ob er heu te noch wirk lich das repräsen 

tiert, was er ein mal war. Aber ich woll te auf dem Album die 

Kon tras te die ser Zeit zei gen. Der 

Kar ne val war einer seits ja ein 

Moment des Über flus ses und des 

Luxus, gleich zei tig gab es aber auch 

dunk le Sei ten: Schließ lich gab es 

damals viel Krank heit, auch hefti ge 

Epi de mi en wie die Pest. Umso mehr 

woll ten die Leu te das Leben im 

Moment genie ßen, weil sie nicht wuss ten, ob sie das nächs te Jahr 

erle ben wür den. Caval lis Musik spie gelt genau das wider. Bei de 

Sei ten, die hel le und die dunk le Mas ke, der Reich tum, die Armut 

und der Tod, fin den sich in sei nen Opern. Die ses Yin und Yang 

woll te ich auf dem Album haben. Der Kar ne val war jene Zeit im 

Jahr, in der die Men schen hin ter ihren Mas ken alle auf einer 

Ebe ne waren. Des we gen hat te er auch eine gro ße gesell schaft liche 

Bedeu tung. Die Rei chen konn ten uner kannt blei ben, die 

Armen waren ein biss chen weni ger arm und alle fei er ten 

zusam men. 

Cavalli war ein Schüler von Monteverdi. Wie eigenständig ist 

seine Musik? 

Erst ein mal kann man klar fest stel len: Mon te ver di hat einen Stil 

geschaffen. Caval li ändert die sen Stil nicht, son dern er bleibt der 

Schu le Mon te ver dis treu. Gleich zei tig hat unter Caval li aber eine 

ganz ent schei den de Ver än de rung statt ge fun den: Die ers ten 

öffent li chen Thea ter wur den auf ge macht! Bis lang war Oper nur 

etwas für die rei chen Leu te gewe sen. Caval li mach te sie nun für 

jeden zugäng lich, und das ist wohl auch der Grund, war um der 

Humor und die Komik in sei ner Musik eine so gro ße Rol le 

spie len. Caval li woll te nicht nur Köni ge und Fürs ten por trä tie ren, 

er woll te den All tag der Men schen zei gen und das Volk und 

des sen Leben reprä sen tie ren. In sei nen Opern kom men ver schiedens 

te Cha rak te re vor, und man kann die vene zia ni sche Gesellschaft 

förm lich spü ren. Inso fern hat Caval li den Stil von Mon tever 

di erst rich tig popu lär gemacht, und sei ne ein gän gi gen 

Melo di en könn ten manch mal fast die Pop mu sik von heu te sein. 

Wenn man Caval lis Opern hört, staunt man, wie frei und mutig 

die se Stoffe sind. Bei aller Tra gik sind sie immer auch vol ler 

Humor und übri gens auch sexu ell sehr frei zü gig – an einer Stel le 

in einem Lie bes du ett geht es unmiss ver ständ lich um Sex (lacht). 

Das heißt, die Musik ist fast 400 Jah re alt, aber manch mal 

herrscht da mehr Frei heit als in unse rer heu ti gen Zeit. Das ist 

unglaub lich span nend. Manch mal habe ich das Gefühl, wir 

wer den immer unfrei er. Eine Leh re von Caval li 

könn te sein: Wir soll ten viel frei er und muti ger 

sein, uns weni ger beschwe ren und bekla gen. n 

Francesco Cavalli: „Ombra mai fu“, Philippe Jaroussky (Erato) 

23


DER MAGISCHE 

MOMENT 

Der Pianist Alexander Krichel über die Schönheit seines Berufs 

und sein neues Album „An die ferne Geliebte“ nach dem gleichnamigen 

Liederzyklus von Ludwig van Beethoven. VON MARIO VOGT 

Der Hamburger Alexander Krichel gehört zu den 

beliebtesten Pianisten auf den deutschen Bühnen. Jetzt 

hat er ein Album veröffentlicht, das sich um die sehr selten gespielte 

Liszt’sche Klavierfassung von Beethovens Liederzyklus An die ferne 

Geliebte dreht. 

CRESCENDO: Alexander, Sie haben ja schon in jungen Jahren 

sehr viele verschiedene Dinge parallel gemacht, alle auf einem 

sehr hohen Niveau. Sie waren mit 15 Jungstudent an der 

Musikhochschule in Hannover, haben zur selben Zeit an der 

Universität Kurse in Mathematik belegt und auch einen Preis 

Liebt die Synergie mit dem 

Publikum: Alexander Krichel 

für Fremdsprachen gewonnen. Warum haben Sie sich letztlich 

für die Musik entschieden? 

Alex an der Kri chel: Das war eine Ent schei dung zwi schen Kopf 

und Herz. Alles, was Sie genannt haben, habe ich sehr inten siv 

betrieben, insbesondere die Mathematik. Allerdings hat mich 

– bis auf die Musik – nichts davon emo tio nal bewegt. Ich hat te 

einen Deal mit mei ner Fami lie: Ich woll te unbe dingt bei dem 

rus si schen Pro fes sor Vla di mir Krai nev in Han no ver stu die ren. 

Nimmt er mich also nicht in sei ne Klas se auf, dann stu die re ich 

Medi zin. Zum Glück hat er mich genom men. 

FOTO: OLIVER MARK 


Krainev gehört ja zu den großen 

russischen Pianisten und 

Pädagogen. Wie war denn der 

Unterricht bei ihm im Vergleich 

zum Unterricht bei Ihren 

vorherigen Lehrern? 

Meine allererste Lehrerin war 

Rus sin, auch mein aktu el ler 

Men tor, bei dem ich nach 

Krai nevs Tod 2011 ange fan gen 

habe, ist Rus se. Aller dings sind 

bezie hungs wei se waren das drei 

völ lig unter schied li che Men schen, 

und ich den ke, dass ich nicht nur als Pia nist, son dern auch als 

Mensch sehr viel von allen drei en gelernt habe. Bei Krai nev war 

das so, dass er mir zu Beginn – meta pho risch gespro chen – alle 

Kno chen gebro chen hat. Ich hat te ein sehr gesun des Ego, als ich 

in Han no ver mit dem Stu di um anfing. Im Nach hin ein muss ich 

zuge ben, dass die ses Ego gebro chen wer den muss te. Sei ne Absicht 

war, dass man aus der Asche wie der auf er steht. Das war genau 

das, was ich gebraucht habe. 

Ihr aktuelles Album heißt „An die ferne Geliebte“. Wie kamen 

Sie dazu, ein Klavieralbum mit diesem Titel aufzunehmen? 

Ich habe Beet ho vens gleich na mi gen Lie der zy klus in der Kla vierfas 

sung von Franz Liszt ent deckt, er wird so gut wie nie gespielt, 

obwohl er wun der schön ist. Ich woll te das Stück sehr ger ne 

auf neh men, und es pass te auch zu mei ner dama li gen Situa ti on, da 

in jener Zeit mei ne Groß mutter ver stor ben war. Mein Leben auf 

der Büh ne war sehr stark mit ihr ver bun den, da ich 20 Minu ten 

vor jedem Auftritt – wo auch immer in der Welt ich mich gera de 

befand – mit ihr gespro chen habe. Dadurch hat te ich über all das 

Das ganze Interview finden Sie live unter 

www.crescendo.de/kuenstler/crescendo-tv 

Gefühl, zu Hau se zu sein, weil ich 

wuss te, dass sie gera de an mich 

denkt. Auch bei Beet ho vens „fer ner 

Gelieb ten“ han delt es sich um eine 

Ver stor be ne, und zwar um die Frau 

sei nes Gön ners Joseph von 

Lob ko witz. Um die sen Zyklus 

her um habe ich das Album erstellt, 

auf dem ich Liszts Kla vier fas sung 

der Beet ho ven-Lie der mit sei ner 

Tran skrip ti on von Richard 

Wagners Isol dens Lie bes tod 

ver glei che. Das Haupt werk der CD 

sind jedoch sicher lich Schu manns Sym pho ni sche Etü den. 

Sehen Sie die Möglichkeit, mithilfe von Transkriptionen 

das gängige pianistische Repertoire zu erweitern? 

Ich den ke schon. Was ich aber vor allen Din gen an den Transkrip 

tio nen schön fin de, ist, dass der Flü gel dabei nicht so 

per kus siv klingt wie sonst nur all zu oft. In vie len Tran skrip tio nen 

sind wir Pia nis ten zugleich Sän ger und Beglei tung. 

Was ist für Sie das Schönste am Beruf des Konzertpianisten? 

Das ist natür lich der Moment auf der Büh ne, wegen der gro ßen 

Syn er gie, die ich mit dem Publi kum erle be. Wenn mir die Balan ce 

gelingt zwi schen mei nem Allein sein mit der Kunst auf der Büh ne 

und der Kom mu ni ka ti on mit dem Publi kum, dem ich etwas 

wei ter ge be, das ist ein wirk lich magi scher 

Moment – wenn ich das Gefühl habe, dass jetzt 

gera de in die sem Saal nichts ande res pas siert als 

das, was man dem Publi kum sagt. 

n 

„An die ferne Geliebte“, Alexander Krichel (Sony) 

D O P P L E R D I S C O V E R I E S 

ANDRÁS ADORJÁN & EMMANUEL PAHUD 

Unveröffentlichte Flötenkompositionen 

und Ersteinspielungen von Franz und Carl Doppler. 

D O P P L E R D I S C O V E R I E S 

ANDRÁS ADORJÁN & EMMANUEL PAHUD 

Jan Philip Schulze 

Arcis Hornquartett 

B 108104 

www.farao-classics.de 

CD im Fachhandel sowie als Download erhältlich. 

www.farao-classics.de 

Telefon 089 14330080 

„Spritzig, frech, farbenreich und mit viel Charme! … 

Ein kleines Juwel…“ 

BR 

„Beste Unterhaltung auf hohem Niveau…“ 

NDR 

„… Wenige Alben hört man so gerne durch wie dieses. 

Ein charmanter Gedanke jagt den nächsten…“ 

WDR

26 

K Ü N S T L E R

ICH MACHE, 

WAS ICH WILL! 

Der junge Finne Santtu-Matias Rouvali sieht aus wie ein Hipster. Dabei 

liebt er das Land und die Stille. Als Chefdirigent der Göteborger 

Symphoniker will er das komplette sinfonische Werk seines Landsmanns 

Sibelius aufnehmen. Mit der 1. Sinfonie ist ein Anfang gemacht. 

VON ANNA NOVÁK 

27 



W 

enn er einen Arti kel über sich selbst schrei ben müss te, 

dann wäre der ers te Satz: „Ich bin Jäger und Fischer.“ Erst 

danach käme der Beruf als Diri gent, sagt Sant tu-Mati as Rou va li. Er 

sitzt auf einem Leder so fa in einem Ham bur ger Hotel, dun kel ro ter 

Swea ter, schwar zes T-Shirt, läs si ge blon de Locken. Er ist wahr scheinlich 

der auf re gends te jun ge Diri gent Finn lands und wirkt dabei tiefenent 

spannt. Als hät te er mit dem Tru bel um sei ne Per son am aller wenigs 

ten zu tun. Er mag es unkom pli ziert. Kein Chi chi, kei ne Allü ren. 

Er phi lo so phiert nicht über 

Musik, benutzt kei ne Bil der, wird 

nicht zu emotional. 

Da wun dert es nicht, dass 

sich schon das ein oder ande re Orches 

ter frag te: „Was macht der 

Skate boar der denn da vor ne?“, wenn Rou va li mit der Par ti tur unterm 

Arm aufs Dirigentenpult zumarschierte. Auch als cooler australischer 

Surferboy könnte der 33-Jährige, der seine musikalische Karriere einst 

als Per kus sio nist begann, rein optisch locker durch ge hen – zumin dest, 

bis er den Stab hebt. Denn musi ka lisch ist mit Rou va li nicht zu spaßen. 

Musi ka lisch hat er eine ganz kla re Vor stel lung – er will, dass die 

Musi ker, so beschreibt er es selbst, sein „Mind Map“ eines Stücks verstehen. 

Sein Spezialgebiet: Jean Sibelius. 

„Alle sagen, Sibe li us sei ein Natur bur sche gewe sen – dabei war 

er ein Dan dy und, ehr lich gesagt, ein nicht sehr net ter Mensch. Er 

konn te ziem lich grob sein und hat te ein Pro blem mit dem Alko hol“, 

erklärt der Fin ne. „Manch mal gibt es in den Par ti tu ren Gene ral pausen 

über vier Tak te. Man mun kelt, über die sen Noten sei Sibe li us 

abends ein ge schla fen, nach dem er zu viel getrun ken hat te. Ihm ist der 

Kopf auf die Par ti tur gefal len und am nächs ten Mor gen hat er dann 

ausgeschlafen genau an der Stelle weiterkomponiert …“ 

Wenn nun schon Jean Sibe li us aber kein Natur bur sche war, dann 

ist es Sant tu-Mati as Rou va li umso mehr. Nicht weit von dem Ört chen, 

in dem der Kom po nist selbst leb te, wohnt Rou va li auf einer Farm. Die 

Fel der drum her um habe er an 

Bau ern ver pach tet, sagt er, aber 

ansons ten genieße er alle Vortei 

le des Land le bens. Vor allem 

die Stil le. Und den Platz. „Ehrlich 

gesagt, mag ich kei ne Städ te. Ich bin gern mal für einen Tag da, 

aber auch immer froh, wenn ich wie der gehen kann.“ Dass aber ein 

Musi ker wie er zu Hau se noch nicht mal Laut spre cher hat, mag man 

kaum glau ben. Doch Rou va li winkt ab: „Ich höre zu Hau se ein fach 

kei ne Musik. Die meis te Zeit ver brin ge ich in der Sau na. Das ist so 

eine Holz sau na, und das dau ert ziem lich lan ge, bis man sie auf ge heizt 

hat. Wäh rend des sen trin ke ich dann ein paar Bier. Sau nen ist ein 

Lifestyle.“ 

Viel leicht nimmt er sogar mal eine Par ti tur mit zum Auf guss? 

Neue Stü cke jeden falls lernt er aus schließ lich mit Kla vier und Noten. 

Er will sein eige nes Ding machen. Das ist das, was ihn am Musik machen 

reizt: Er will über ra schen. „Ich mache, was ich will. Ich sche re 

mich nicht um Tra di tio nen.“ Des we gen tüftelt er mit den Orches tern 

an Klang far ben und beson ders gern an den kom ple xen Rhyth men in 

Sibelius’ Werk. 

Seit 2017 ist Santtu-Matias Rouvali Chefdirigent der Göteborger 

Symphoniker. Eine spannende Kombination: der finnische Wirbelwind 

als Kopf eines ausgesprochen traditionsreichen Klangkörpers, 

der gerade in der Sibelius-Interpretation jahrzehntelange Erfahrung 

vor wei sen kann. „Es ist span nend, die se Musik gemein sam neu zu 

ICH HÖRE ZU HAU SE KEI NE MUSIK. DIE MEIS TE 

ZEIT VER BRIN GE ICH IN DER SAU NA 

ICH SCHE RE MICH NICHT UM TRADITIONEN 

ent de cken. Das ist gar nicht so ein fach, denn die Art, wie das Orchester 

Sibe li us spielt, ist tief ver wur zelt. Aber die Musi ker wol len mit ziehen: 

Das gro ße Schiff dreht sich lang sam, aber sicher in mei ne 

Geschmacksrichtung.“ Rouvali lobt die Göteborger Konzerthalle, einen 

Bau aus den 1930ern, der für eine aus ge spro chen gute Akus tik bekannt 

ist – und in dem auch Sibe li us selbst schon am Pult stand. Dass Rouvali 

seine Klangvorstellungen mit denen des Orchesters zusammenbrin 

gen kann und will, bewei sen er und die Göte bor ger jetzt in einer 

neuen Aufnahmereihe: In den 

kommenden Jahren wollen sie 

das komplette sinfonische Werk 

von Sibelius auf CD aufnehmen. 

Zu Beginn haben sie sich der 1. 

Sinfonie gewid met: einer Komposition 

voll politischer Zwischentöne, mit Naturmotiven und mit viel 

finnischem Kolorit. Auch unabhängig von der Verbindung zu seinem 

Heimatland ist die 1. Sinfonie für den fin ni schen Maes tro ein Her zensstück: 

„Ich mag die se Sin fo nie am liebs ten. Sibe li us war selbst noch 

ein jun ger Kerl, als er sie geschrie ben hat. Er hat in die sem Stück wahnsin 

nig viel aus pro biert – und natür lich hat nichts davon so rich tig 

funk tio niert. Und doch sieht man schon vie le The men, die einem in 

spä te ren Sin fo ni en begeg nen. Viel leicht hat te er das alles schon im 

Kopf.“ Dass die Skan di na vi er Sibe li us und sei nem Werk in der Interpretation 

instinktiv näherstünden, sei ganz natürlich. 

Genau deswegen findet Santtu-Matias Rouvali es spannend, Sibelius 

auf verschiedenen Konzertpodien in ganz Europa und auch in 

Ame ri ka oder Asi en zu spie len: So kann er den Zuhö rern und auch 

den Orchestern zeigen, wie Sibelius aus nordischer Perspektive klingen 

kann. Das ist wahr schein lich Rou va lis größ tes Dilem ma: Er liebt 

es, ver schie de ne Musi ker und Men schen mit die sen Klän gen zu konfron 

tie ren, aber er hasst das Rei sen. „Wenn ich unter wegs bin, mache 

ich nichts. Ich sit ze und den ke. Ich brau che kei nen Fern se her in den 

Hotels, ich schaue kei ne Fil me. Ich bin lang wei lig.“ Da muss man dem 

Finnen direkt widersprechen. 

Musi ka lisch ist er alles ande re als 

das, im Gegen teil. Kürz lich hat 

er bei den Münch ner Phil har moni 

kern debü tiert und beim Deutschen 

Sym pho nie-Orches ter Ber lin. Auf ihn war ten neben dem Sibelius-Zyklus 

mit den Göteborgern spannende Projekte mit dem Tampere 

Phil har mo nic Orches tra nahe sei ner Hei mat in Finn land, das er seit 

2013 als Chef lei tet. Und regel mä ßig ist er in Lon don zu erle ben, als 

Erster Gastdirigent des Philharmonia Orchestra. Eine Gemeinsamkeit 

zwi schen ihm und Jean Sibe li us, dem Kom po nis ten, der ihn so fas ziniert, 

ver rät Sant tu-Mati as Rou va li zum Schluss noch: „Wir ver schwinden 

bei de manch mal – und kei ner weiß, wo wir sind.“ In den sozia len 

Netz wer ken muss man den Diri gen ten jeden falls nicht suchen. „Ich 

weiß nicht, wie Face book funk tio niert, was soll ich da?“ Er sei eben 

der simp le Typ. Jemand, der sich nicht in die Zukunft träu me, son dern 

sehr dank bar und zufrie den im Hier und Jetzt sei. Mit unkom pli zierten 

Men schen um sich her um und am liebs ten mit bei den Bei nen fest 

auf dem Boden. Wahr schein lich also wird man Sant tu-Mati as Rou va li 

drau ßen fin den, auf sei nen Fel dern. Beim Jagen oder 

Fischen. Oder mit einem Bier in der Sau na. n 

Sibelius: „Symphony No. 1“, Gothenburg Symphonic Orchestra, 

Santtu-Matias Rouvali (Alpha); 

siehe auch „Empfehlungen von Attila Csampai“, Seite 32 


29 



Der Himmel voller Harfen 

Die französische Harfenistin Anaïs Gaudemard hat eine sehr innige 

und körperliche Beziehung zu ihrem Instrument. Und immer entfacht sie ein 

wahres Feuerwerk – egal, ob mit Alter und Neuer Musik. 

VON STEFAN SELL 

FOTO: NICOLAS MIGNANI 

Mit einem Gewicht von 39 Kilo, einer Höhe von 

1,85 Metern, 47 Saiten, 7 Pedalen und einer Zugkraft 

von bis zu 2 Tonnen ist die Harfe ein Schwergewicht. 

Obwohl sie ein biblisches Instrument ist – weiß 

Gott, sie ist älter als die Bibel selbst –, ist sie in ihrer heutigen Form 

eines der jüngsten Soloinstrumente im Konzertsaal. Mit Anaïs Gaudemard 

leuchtet ihr ein neuer Stern. Hatte die himmlische Harfe bisher 

Töne verborgen – Anaïs Gaudemard lockt sie hervor. Sie zählt 

jetzt schon zu den besten und gefragtesten Harfenistinnen der Welt. 

„Ich bin von der Harfe richtig begeistert!“, schwärmt die Französin. 

„Ich will ihr Klangspektrum erweitern wie auch ihr Repertoire. 

Ich spüre die Vibrationen, ihren Klang in meinem Körper. Dieser 

intime Kontakt ist der Grund, weshalb ich die Harfe gewählt habe.“ 

Gaudemard scheut keine Herausforderungen, sei es bezüglich des 

Schwierigkeitsgrads oder der Divergenz ihres Repertoires. „Wir müssen 

uns verschiedenen Stilen nähern, da wir keine markanten Schaffensperioden 

haben, auf die wir uns spezialisieren können.“ 

So arbeitet sie mit zeitgenössischen Komponisten wie Camille 

Pépin, Tristan Murail und Philippe Hersant zusammen, dessen Werk 

Bamyan als letzter Track auf ihrer Solo-CD eine Offenbarung ist. Die 

Harfe imaginiert hier ein verschwundenes Afghanistan: Klänge orientaler 

Ornamentik wie von Tambur, Tabla, Glockentönen, Klavier oder 

Gitarre – Gaudemard parliert bravourös in allen Farbnuancen. 

Mit acht Jahren begann sie, keltische Harfe zu spielen, die kleiner 

ist und weniger Saiten hat. Bereits mit elf zupfte sie die Doppelpedalharfe. 

Mit 20 erhielt die heute 27-Jährige den ersten Preis des 

„Internationalen Harfenwettbewerbs“ in Israel und ist für die aktuelle 

Saison 2018/19 als „ECHO Rising Star“ ausgelobt. Das bedeutet: Weltweit 

bieten ihr die großen Konzerthäuser und Orchester ein Podium. 

Auch Carl Philipp Emmanuel Bach steht auf ihrem Programm. „Ich 

liebe dieses Solo für die Harfe von Bach sehr! Es ist tatsächlich das 

einzige Stück der Bachfamilie für Soloharfe – ein wunderschönes 

Geschenk und wahrscheinlich das erste Werk für Soloharfe.“ 

Newcomer 

AnaÏs 

Gaudemard 

Eine ganz eigene Besonderheit hält Murray Schafers 

The Crown of Ariadne bereit: Neben der Harfe muss ein ganzes 

Schlagwerk bedient werden: „Ja, ich habe das Stück gespielt 

und damals in Israel neben dem anderen Preis 2012 den ‚Spezialpreis 

für die beste Interpretation‘ dafür bekommen. Ein sehr guter 

Freund hat mir geholfen, Percussion zu lernen. Man hat einen Tisch 

zur Rechten und einen zur Linken, eine Menge Schlaginstrumente 

und muss beides gleichzeitig spielen. Dieses Stück werde ich auf 

jeden Fall auch für CD einspielen.“ 

Und wie hat sich ihr Auftritt im Januar in der Elbphilharmonie 

angefühlt? „Einfach unglaublich! Es geht dort enorm professionell 

zu, das Publikum ist den Musikern gegenüber so respektvoll, so 

wertschätzend. Mich hat nicht nur die Klangqualität der beiden 

Konzertsäle begeistert – ich war beeindruckt vom ganzen Ablauf, 

dem Backstage-Bereich, den erstaunlich jungen, engagierten Mitarbeitern 

und dachte, die Deutschen verstehen einfach viel von 

klassischer Musik. Es hat etwas Natürliches, etwas Selbstverständliches, 

so wie in ein gutes Restaurant zu gehen. Das gefällt mir.“ 

Selbst eine Legende, die ebenso früh wie Gaudemard anfing 

Harfe zu spielen, ist Henriette Renié. Ihr Werk Légende pour harpe, 

nach einem Elfengedicht von Leconte de Lisle, eröffnet Gaudemards 

Soloalbum filmmusikreif. „Ladies first!“, lacht Gaudemard. „Sie ist 

eine absolute Größe des Harfenspiels – die beste Harfenistin, die 

beste Komponistin und beste Lehrerin in ihren Reihen. Doch durfte 

sie, weil sie eine Frau war, nicht am Konservatorium unterrichten. 

Das ist einfach beschämend.“ 

Ihre Wünsche für die Zukunft? „Eine Menge Aufträge, viele 

neue Alben und …“ – sie lacht – „… diese ‚ECHO- 

Rising-Star‘-Geschichte jedes Jahr fortsetzen zu 

können. Ich liebe es, als Solistin auf großer Bühne 

zu sein!“ 

■ 

Bach, Fauré u. a.: „Solo“, Anaïs Gaudemard (harmonia mundi) 


HÖREN & SEHEN 

Die besten CDs, DVDs & Vinylplatten des Monats von Oper über Jazz bis Tanz 

Attila Csampais Auswahl (Seite 32) 

CRESCENDO Empfehlungen lesen und direkt kostenlos dabei anhören? 

Kein Problem: Auf www.crescendo.de finden Sie unsere Rezensionen mit direktem Link zum Anhören! 

Andreas Ottensamer 

Wunderbare Schwerelosigkeit 

ORCHES- 

TER 

Das Cover von Andreas Ottensamers neu er CD ver rät nicht viel dar über, was sich dar auf ver birgt. Nur 

dass er groß ar ti ge Musi ker an sei ner Sei te hat: die Ber li ner Phil har mo ni ker unter Mariss Jan sons und die 

Pia nis tin Yuja Wang. „Blue Hour“, so ist es beti telt, und eben jene „blaue Stun de“, die beson de re Zeit 

zwi schen Son nen un ter gang und dem Ein bruch der nächt li chen Fins ter nis, inspi riert schon seit Ewig kei ten 

Sehn süch ti ge und Krea ti ve jeder Art. Die se Atmo sphä re scheint tat säch lich greif bar, der Titel offen sichtlich, 

wenn man Otten sa mers war men, gefühl voll gestal te ten Phra sen lauscht. Die Kla ri net te war Carl 

Maria von Webers Lieb lings in stru ment. Sei nem berühm ten Ers ten Kla ri net ten kon zert und dem Grand 

Duo con cer tant für Kla ri net te und Kla vier hat Otten sa mer teils von ihm selbst arran gier te Wer ke von 

Brahms und Men dels sohn zur Sei te gestellt. Mit wun der ba rer Schwe re lo sig keit und gro ßer Natür lich keit 

„gesun gen“ ist jedes ein zel ne Werk die ser Auf nah me ein Genuss. SK 

Weber, Brahms, Mendelssohn: „Blue Hour“, 

Andreas Ottensamer, Yuja Wang, Berliner 

Philharmoniker, Mariss Jansons (DG) 

FOTO: STEFAN HÖDERATH 

31

H Ö R E N & S E H E N 

Empfehlungen von Attila Csampai 

LEIDENSCHAFTLICHE JUNGE MUSIKER 

... sind für unseren Chefrezensenten die Vorboten des Frühlings. 

MOZART: KLAVIERSONATEN VOL.1, 

KV 332, 281, 331, 570 

Jean Muller (Hänssler) 

Track 2 auf der CRESCENDO Abo-CD: Allegro assai. 

Aus: Klaviersonate Nr. 12 F-Dur KV 332 

Der Luxemburger Pianist Jean Muller hat 

Mozarts Sonaten mehrfach öffentlich aufgeführt, 

bevor er seinen CD-Zyklus startete. Der 33-Jährige ist ein 

penibler, intelligenter Interpret, der zuletzt durch seine spannende 

Einspielung der Bachschen Goldberg-Variationen weltweit für Aufsehen 

sorgte. Mit ähnlicher Detailgenauigkeit und auflärerischer 

Klarheit durchleuchtet er auch Mozarts komplexe Sonatenwelt in 

zwei mittleren, einer frühen und einer späten Arbeit und stellt sie 

mit flotten Tempi und prägnanter Artikulation auf eine Stufe mit 

den Klavierkonzerten. Seine glasklare, lebendig pulsierende Stimmführung 

lässt zwar das hohe dramatische und gesangliche Potenzial 

von Mozarts diskontinuierlicher Kompositionstechnik durchscheinen, 

doch unterwirft er alle Theatralik einer klassizistischen, rationalen 

Kontrolle. Mullers Mozart ist hellwach, frisch und heiter, 

kennt keine Wehleidigkeit und keine falsche Gefühligkeit: So entfesselt 

er in der F-Dur-Sonate KV 332 Mozarts sprühenden Einfallsreichtum, 

während er in der berühmten A-Dur-Sonate KV 331 den 

einleitenden Variationensatz als Folge beseelter Charakterbilder 

ausweist. Lediglich die hochdramatische, bereits von dunklen 

Impulsen getrübte späte B-Dur-Sonate gerät ihm etwas zu neckisch. 

Trotzdem ist es ein äußerst profilierter, über weite Strecken fesselnder 

Einstieg in Mozarts Sonatenkosmos. 

MOZART, SAINT-SAENS, TSCHAIKOWSKY: 

WERKE FÜR 2 KLAVIERE 

Klavierduo Glemser (organo phon) 

Obwohl Mozart mit seinen Schülerinnen gern 

vierhändig und an zwei Flügeln spielte, komponierte 

er nur eine Sonate für zwei Klaviere KV 

448 und schuf damit ein Gipfelwerk der Gattung. 

Das 2010 in Würzburg gegründete Klavierduo Glemser hat 

sein Debütalbum mit dieser „Oper in der Glaskugel“ eingeleitet 

und damit eindringlich seine Sensibilität und Kompetenz für 

Mozarts theateraffine Kompositionstechnik unterstrichen. Das 

junge Ehepaar Franziska und Florian Glemser agiert auf zwei Steingräber-Flügeln 

wie ein quicklebendiges Wesen mit vier Händen. 

Selten klangen Mozarts orchestrale Strukturen so jugendlich frisch, 

drängend, impulsreich und präzis wie bei diesem traumwandlerisch 

harmonierenden Duo. Mit derselben rhythmischen Perfektion, 

Klarheit und virtuosen Brillanz meistern die beiden auch Saint- 

Saëns’ selten gespielte Variationen über ein Thema aus Beethovens 

Klaviersonate op. 31, 1. Und zum guten Ende gibt’s noch die märchenhaft-sensible 

Duo-Version von Tschaikowskys Nussknacker 

Suite in der Bearbeitung von Nicolas Economou. 

VIVALDI: LE QUATTRO STAGIONI OP. 8, 1–4 

I Solisti Aquilani, Daniele Orlando (muso) 

Von Vivaldis Konzertzyklus Die Vier Jahreszeiten 

gibt es unzählige gute Einspielungen, und 

doch gelingt es hochmotivierten jungen Ensembles 

immer wieder, neue Akzente zu setzen. Seit 

dem Siegeszug der historischen Aufführungspraxis 

geht es auch immer weniger um vordergründige Streichervirtuosität, 

sondern um das suggestive Umsetzen des einzigartigen 

Reichtums an neuen Ideen und Klangfarben in diesem fantastischen 

Bilderbogen. Das renommierte italienische Kammerensemble I 

Solisti Aquilani hat unter der Leitung seines jungen Konzertmeisters 

Daniele Orlando Vivaldis Naturspektakel in einer hochdramatischen, 

die wechselnden Stimmungen extrem ausreizenden Version 

wiederbelebt und dabei radikalhistorische Klarheit mit dem rhythmischen 

Drive des 21. Jahrhunderts zu einem aufregenden, zwischen 

Vulkanismus und spiritueller Schönheit wechselnden Hörfilm verdichtet. 

Da das 16-köpfige Solistenkollektiv den Zyklus als Naturschauspiel 

quasi im Zeitraffer durchmisst, hat der Produzent gleich 

zwei komplette Aufführungen des Viererpacks auf die CD gepackt, 

wobei der zweite Durchgang noch wilder und energischer gerät: ein 

referenzverdächtiger Doppelpack in audiophiler Transparenz. 

JEAN SIBELIUS: SYMPHONIE NO 1, EN SAGA 

Gothenburg Symphony, Santtu-Matias Rouvali 

(Alpha) 

Jean Sibelius wird bis heute unter Wert gehandelt. 

Das mag an Adornos abschätzigem Urteil 

liegen, aber gewiss auch seiner eigenwilligen 

Musiksprache, die sich der deutsch-österreichischen 

Tradition weitgehend verweigert. Ein Musterbeispiel für Sibelius’ 

„finnische“ Ästhetik bildet seine Erste Sinfonie, die trotz Einflüssen 

von Tschaikowsky und Borodin sein eigenes sinfonisches 

Profil energisch unterstreicht: Der junge finnische Dirigent Santtu- 

Matias Rouvali hat sie mit den traditionsreichen Göteborger Symphonikern, 

die er seit Kurzem als Chef leitet, in einer hochdrama- 

ZEICHNUNG: STEFAN STEITZ 


IMPRESSUM 

tischen, geradezu vulkanisch brodelnden Interpretation eingespielt 

und sich so mit Nachdruck als neuer Hoffnungsträger der finnischen 

Dirigentenschule positioniert. Obwohl Sibelius selbst in diesem 

bildmächtigen Werk jeglichen programmatischen Bezug abgewiesen 

hatte, entfesselt der 33-jährige Rouvali ein elektrisierendes Wechselspiel 

von Ruhe und emotionalen Schüben, die eine opernhafte, 

vor Energie berstende Szenerie ohne eigentliche Handlung evozieren, 

also ein genuin „sinfonisches“ Drama von archaisch-elementarer 

Kraft. Damit aber übertrifft er sogar die alten Referenzen wie 

Bernstein, Jansons oder Maazel an Intensität, Präzision und finnischem 

Lebensgefühl. Ähnlich detailgenau und spannungsgeladen 

dirigiert er auch die frühe sinfonische Dichtung En Saga, die ebenfalls 

aus alten finnischen Mythen schöpft. 

JACQUES OFFENBACH: COLORATURE 

Jodie Devos, Münchner Rundfunkorchester, 

Laurent Campellone (Alpha) 

Track 12 auf der CRESCENDO Abo-CD: Cachons l’ennui 

de mon ame. Aus: Fantasio 

Von über 100 Bühnenwerken Jacques Offenbachs, 

des Königs der französischen Operette, 

werden heute nur noch wenige gespielt. Allein seine späte Oper 

Hoffmanns Erzählungen konnte sich dauerhaft im Repertoire halten. 

Dieser missliche Umstand brachte die belgische Sopranistin Jodie 

Devos auf die Idee, mithilfe des akademischen Forums Palazzetto 

Bru Zane eine Auswahl von 15 Koloraturarien aus zwölf weitgehend 

vergessenen Operetten Offenbachs zu einem höchst unterhaltsamen 

und virtuosen Höhenflug zu bündeln und so den verführerischen 

Charme dieser Preziosen neu zu beleben. Mit ihrem glockenreinen, 

hellen und fein fokussierten Sopran hat der 30-jährige Rising Star 

die idealen Voraussetzungen für diesen stets leichtfüßigen, schwebenden, 

virtuos-luftigen Gesangsstil, der auch nach 150 Jahren 

nichts eingebüßt hat von seiner prickelnden Eleganz und seiner 

unwiderstehlichen Anziehungskraft. Den Höhepunkt des Albums 

bildet das weltberühmte Couplet der Puppe Olympia aus der unvollendeten 

Hoffmann-Oper, in dem Offenbach bereits den trügerischen 

Zauber dieser „mechanischen“ Kunstform spöttisch karikiert. Hier 

würzt die hinreißende Mme Devos die vorgegebenen Koloraturen 

noch mit eigenen Zutaten. Das Münchner Rundfunkorchester unter 

Laurent Campellone sekundiert grandios, trocken und spritzig. 

WESTERN MOODS 

Ensemble Esperanza (ARS) 

Das erst vor drei Jahren gegründete, in Liechtenstein 

ansässige Ensemble Esperanza erntete 

bereits mit seinen ersten beiden, dem Süden und 

dem Norden Europas gewidmeten Alben großen 

Zuspruch. Das international mit jungen Talenten 

besetzte Streicherensemble bestach auf Anhieb durch seine plastisch-warme, 

sinnliche Klangkultur und durch sein homogenes, 

stets ausdrucksstarkes Spiel. Unter der Leitung der französischen 

Topgeigerin Chouchane Siranossian hat es jetzt den Blick nach Westen, 

über den Atlantik, gerichtet und wieder ein extravagantes elfteiliges 

Programm mit Werken des 20. Jahrhunderts aufgelegt, die 

das heterogene Kulturklima der USA eher meditativ und nachdenklich 

verarbeiten, so etwa in Aaron Jay Kernis’ neoromantischer 

Musica Celestis, die das 18-köpfige Ensemble mit herzzerreißender 

Intensität beschwört, oder auch das wunderbar innige Adagio for 

Strings von Samuel Barber zum Schluss. Dazwischen aber lässt es 

seine elektrisierende Virtuosität in Rockklassikern wie Hendrix’ 

Purple Haze oder dem dämonischen Stones-Song Sympathy for the 

Devil aufblitzen, die der Schweizer Saxofonist Daniel Schnyder spektakulär 

für Streicher arrangiert und mit jazzigen Improvisationen 

angereichert hat. Da die Tonmeister wieder eine hautnahe und großformatige 

Klangbühne gezaubert haben, kann man sich dem geballten 

Klangfuror dieser Wundertruppe kaum entziehen. 

VERLAG 

Port Media GmbH, Rindermarkt 6, 80331 München 

Telefon: +49-(0)89-74 15 09-0, Fax: -11, info@crescendo.de, www.crescendo.de 

Port Media ist Mitglied im Verband Deutscher Zeitschriftenverleger 

und im AKS Arbeitskreis Kultursponsoring 

HERAUSGEBER 

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VERLAGSLEITUNG 

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LEITENDE REDAKTEURIN 

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RESSORT „SCHWERPUNKT“ 

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RESSORT „HÖREN & SEHEN“ UND „ERLEBEN“ 

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RESSORT „STANDARDS” 

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RESSORT „KÜNSTLER“ UND „LEBENSART“ 

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SCHLUSSREDAKTION 

Maike Zürcher 

KOLUMNISTEN 

Axel Brüggemann, Paula Bosch, Attila Csampai (AC), Ioan Holender, 

Daniel Hope, Christoph Schlüren (CS), Stefan Sell (SELL) 

MITARBEITER DIESER AUSGABE 

Florian Amort (FA), Roland H. Dippel (DIP), Alexander Fischerauer (AF), 

Verena Fischer-Zernin, Julia Hartel (JH), Klaus Kalchschmid (KLK), Sina Kleinedler (SK), 

Katherina Knees (KK), Corina Kolbe (CK), Guido Krawinkel (GK), Jens F. Laurson (JFL), 

Anna Novák, Teresa Pieschacón Raphael (TPR), Fabian Stallknecht (FS), 

Mario-Felix Vogt (MV), Dorothea Walchshäusl (DW), Walter Weidringer (WW) 

VERLAGSREPRÄSENTANTEN 

Tonträger: Petra Lettenmeier | lettenmeier@crescendo.de 

Kulturbetriebe: Dr. Cornelia Engelhard | engelhard@crescendo.de 

Touristik & Marke: Heinz Mannsdorff | mannsdorff@crescendo.de 

Verlage: Hanspeter Reiter | reiter@crescendo.de 

AUFTRAGSMANAGEMENT 

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Nr. 22 vom 09.09.2018 

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Verbreitete Auflage: 

69.680 (lt. IVW-Meldung 1V/2018) 

ISSN: 1436-5529 

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CLASS, Messe München, Bayerischer Rundfunk 

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ERSCHEINT AM 15. APRIL 2019. 

CRESCENDO 

unterstützt 

33


SOLO 

Fazil Say 

Alle Schattierungen 

des Klavierspiels 

Fazil Say, der auch als Bür ger recht ler aktiv ist und 

sich für Men schen rech te ein setzt, schenkt sei ner 

Musik the ma ti sche Hin ter grün de, aus denen sie dann 

her vorzupul sen scheint. Die Tro ja-Sona te, das Herzstück 

die ser CD, hat Say für die tür ki sche Pro vinz 

Çan ak ka le, in der Tro ja einst lag, im Rah men des 

„Tro ja ni schen Jah res“ geschrie ben. Sie zeigt in zehn 

Sät zen, einem Kalei do skop glei chend, die dra ma tische 

Legen de des Tro ja ni schen Krie ges als Pola ri sati 

on dop pel bre chen der Kris tal le. Say don nert, jagt, 

wir belt, rockt, als säße Keith Emer son am Flü gel, 

schwebt mit sanft zar ten Berüh run gen über die Tasten, 

ja, reißt den Him mel auf und lässt das ein fallen 

de Licht alle Far ben und Schat tie rungen des Klavier 

spiels offen ba ren: ein wah rer Meis ter sei nes 

Fachs, der eben so zu kom po nie ren weiß. Sein neu estes 

Werk ist mit rei ßend, auf wüh lend und bewegt 

zugleich ganz tief. SELL 

„Troy Sonata“, Fazil Say plays Say (Warner) 

FOTO: MARCO BORGGREVE 

Ratas del viejo Mundo 

Wunderliche Stimmen 

aus dem Mittelalter 

Die ori gi nal in stru men tier ten „Rat ten aus der Alten 

Welt“ huschen auf ihrem zwei ten Album „Osses so“ 

(Obses si on) durch eine Rei he von ita lie ni schen 

Motet ten und Volks mu sik der Renais sance. Der 

Ansatz der Grup pe um Flo ris de Rycker ist modern 

(Gesu al do wird im holp rig über setz ten Book let u. a. 

mit Sid Vicious von den Sex Pis tols gleich ge setzt) 

und das Resul tat dadurch para do xer wei se his to rischer 

bzw. wei ter von unse rer Welt ent fernt, als wir 

das von irgend wel chen bra ven Ori gi nal klan g-Ensembles 

gewöhnt sind. Die Instru men te – u. a. Psalte 

ri um, Kan klės und mit tel al ter li che Lau te – sind 

dem Ohr nicht so geläu fig, und die indi vi dua lis tischen, 

durch aus etwas eige nen Inter pre ta tio nen 

loten voka le und har mo ni sche Grenz be rei che aus. 

Gera de zu ara bisch und afri ka nisch kom men einem 

man che Pas sa gen zum Bei spiel fri au li scher Volks musik 

vor. Der hal li ge Klang in der goti schen Kir che des 

Ört chens Mon tréal-du-Gers, tief in den Wein ber gen 

des Arma gnac gele ge n, umschwelgt das Ohr atmosphä 

risch, als säße das Ensem ble auf dem Grund 

einer Zis ter ne. Aber das passt: So exo tisch hat man 

Orlan do di Las so, Vin cen zo Gali lei u. a. noch nie 

gehört. JFL 

ALTE 

MUSIK 

„Ossesso“, Ratas del viejo Mundo, 

Floris de Rycker (Ramée) 

Track 7 auf der CRESCENDO Abo-CD: 

Giunto alla tomba von Giaches 

de Wert 

Hans-Christoph Rademann 

Sinnesfreude 

Die se Hoch zeits mu si ken sind ein „Who is 

Who“ der Resi den zen zwi schen Els ter und 

Elbe. Feu da le Paa re wie Mag da le na Sibyl la von 

Sach sen und Fried rich Wil helm von Sach sen- 

Alten burg gehör ten zu den Adres sa ten wie 

auch Schütz’ Bru der Georg und des sen Braut 

Anna Gro ße in Leip zig. In Kür ze voll endet 

sich die auf 21 CDs pro jek tier te Edi ti on von 

Hein rich Schütz’ Gesamt werk, in der Hans- 

Chris toph Rade mann den Kom po nis ten an 

der Schwel le zum Barock von sei nem pompös- 

düs te ren Image befrei en will. Das gelingt 

ihm mit den glän zen den Inter pre ten, weil er 

die kur zen Stü cke und Madri ga le wie Ach, wie 

soll ich doch in Freu den leben mit Genau ig keit 

und dabei fle xi bler Trans pa renz zum Klin gen 

bringt. Zügig geat me te Bewe gung und wache 

Klar heit revi die ren das Bild von Hein rich 

Schütz tat säch lich: Aus den Wer ken spricht 

eine gegen die Kata stro phen des Drei ßig jähri 

gen Krie ges gerich te te Daseins- und Sin nenfreu 

de. DIP 


Saget den Gästen SWV 459 

Heinrich Schütz: „Madrigale 

& Hochzeitsmusiken“, 

Dorothee Mields, Isabel 

Schicketanz, David Erler 

u. a., Dresdner Kammerchor 

und Instrumentalisten, 

Hans-Christoph Rademann 

(Carus) 

ORCHES- 

TER 

Beethoven Orchester Bonn 

Kraft ohne Pathos 

Keine Hörspielkurzfassung, sondern eher 

eine neue, freier assoziierende Verbindung 

von Beethovens Schauspielmusik mit 

Goethes Freiheitsdrama „Egmont“ ist hier 

zu erleben – und trotz Studiobedingungen 

stellt sich so etwas wie Theateratmosphäre 

ein. Dirk Kaftan verschießt mit 

dem historisch informiert spielenden 

Beethoven Orchester Bonn nicht alles 

Pulver schon in der Ouvertüre, sondern 

spannt einen Bogen: in nie verschleppten 

Tempi, mit guter Klangbalance und lebendigen, 

dynamisch differenzierten Details. 

Olga Bezsmertna verleiht dem Klärchen 

kämpferischen Mut, und Matthias Brandt 

lässt das Heldenpathos hinter sich, das 

anno dazumal ein Klausjürgen Wussow 

(unter Szell) donnern ließ: Er bewegt 

stattdessen als intellektueller und zugleich 

menschlich nahbarer Egmont – wobei die 

kluge Textauswahl über dessen Partie hinausgeht: 

„Ein Volk wird nicht alt, nicht 

klug, ein Volk bleibt immer kindisch.“ WW 

Ludwig van Beethoven: „Egmont“, Matthias Brandt, 

Olga Bezsmertna, 

Beethoven Orchester 

Bonn, Dirk Kaftan (MDG) 

Track 4 & 5 auf der 

CRESCENDO Abo-CD: 

Egmont op. 84. Nr. 8 

Melodram & Ich hab 

geträumt! 


Emöke Baráth 

Ahnfrau aller Maestre 

Sie ist erstaun li cher wei se noch immer ein Geheim tipp: Die 1619 in 

Vene dig gebo re ne Bar ba ra Stroz zi hat te nicht nur eine bei na he hol lywoodkom 

pa ti ble Vita, sie war auch die ers te Berufs mu si ke rin der 

Geschich te, die Ahn frau also aller Maes t re, die seit dem kom po nie rend 

oder diri gie rend ins Ram pen licht getre ten sind. Ihre Musik ist vol ler 

Emo ti on, Aus druck und Far ben und trotz der hör ba ren Ein flüs se von 

Clau dio Mon te ver di und ihres Leh rers Fran ces co Caval li von star ker 

künst le ri scher Eigen stän dig keit geprägt. Die unga ri sche Sopra nis tin 

Emö ke Baráth wid met ihr und eini gen männ li chen Zeit ge nos sen die ses 

rund her um geglück te Debüt al bum. Der Titel „Voglio Cantar“ könn te 

kaum pas sen der gewählt sein. Die pure Lust am Sin gen über setzt sich in 

jedem Ton. Die sam tig-sinn li che Stimm far be, der 

kul ti vier te Vor trag und die leben di ge Text behand 

lung fes seln und begeis tern. FS 

Brabara Strozzi, Biagio Marini, Antonio Cesti u. a.: „Voglio 

Cantar“, Emöke Baráth, Il Pomo d’Oro, Francesco Corti 

(Erato) 

GESANG 

Ruth Willemse 

Natur als Spiegel der Seele 

Edward Elgars Sea Pic tures, Gus tav Mah lers Rück ert-Lie der und Richard 

Wag ners Wesen donck-Lie der – all die se gro ßen Lied wer ke ver bin det ein 

über ge ord ne tes Sujet: die Natur als Spie gel bild mensch li cher Emp findun 

gen. Angst und kal te Stür me, ein tosen des Meer, kar ge Land schaften, 

Son nen strah len als fer ne Hoff nungs schim mer. Mit die ser schier 

end lo sen Palet te von Gefüh len beschäf tigt sich die hol län di sche Mez zoso 

pra nis tin Ruth Wil lem se auf ihrem Album „Whe re Corals Lie“. Mit 

einem strah len den, aber kraft vol len Klang ver mag sie es, dem Hörer 

die Gefühl sach ter bahn der drei Kom po nis ten näher zu brin gen. Vital Stahie 

vitch, der seit 2005 ihr Duopart ner ist, zeigt sich als groß ar ti ger 

Lied be glei ter. Bei de ver mö gen gro ße Span nungs bö gen zu zeich nen und 

den indi vi du el len Eigen hei ten der doch sehr 

unter schied li chen Kom po nis ten gerecht zu werden. 

Das Ergeb nis ist ein wun der ba res Wech selbad 

der Gefüh le. SK 

Edward Elgar, Gustav Mahler, Richard Wagner: „Where Corals 

Lie“, Ruth Willemse, Vital Stahievitch (Etcetera) 

OPER 

Xavier Sabata 

Prunk 

und Sanftmut 

Alex an der der Gro ße war eine belieb te 

his to ri sche Figur der Barock oper: nicht 

nur als küh ner Feld herr, son dern auch in 

der Rol le des Lieb ha bers. Xavier Saba ta 

zeigt alle die se Facet ten – und wech selt 

aus Stimm la ge grün den auch mal zu einer 

ande ren Figur in die sem schö nen, anregen 

den Quer schnitt durch Alex an der- 

Opern von Hän del, Fran ces co Man ci ni, 

Leo nar do Vin ci, Leo nar do Leo u. a. Den 

legen dä ren gor di schen Kno ten wür de 

Saba ta gewiss nie mals mit schar fer 

Stimm klin ge zu durch schla gen ver suchen, 

son dern trotz sei ner vir tuo sen 

Kolo ra tur ge läu fig keit viel lie ber in Sanftmut 

und Wohl klang aufl ö sen wol len. 

Den außer or dent lich direkt auf ge nomme 

nen, aber den noch nicht künst lich 

ver grö ßert wir ken den Coun ter te nor 

des Kata la nen bet ten Dani Espa sa und 

sein Ensem ble Ves p res d’Arnadí hier auf 

forsch-fröh lich auf ge schüt tel te, dort hinge 

gen zärt lich glatt gestri che ne Kis sen 

und prun ken zuletzt in Nico la Por po ras 

Poro mit Saba ta 

um die Wet te. 

WW 

„L’Alessandro amanto“, 

Xavier Sabata, Vespres 

d’Arnadí, Dani Espasa 

(Aparte) 

Track 11 auf der CRESCENDO Abo-CD: Chiare faci al 

di cui lume. Aus: L’Euleo festeggiante von Giovanni 

Battista Bononcini 

KAMMER- 

MUSIK 

Friedrich Kleinhapl 

Großmeisterlicher Humor 

Es war ein kal ku lier ter Tabu bruch: das Kon zert für Vio lon cel lo und Blas or ches ter von Fried rich 

Gul da. Um Kon ven ti on und Tra di ti on scher te sich der Musi ker einen feuch ten Keh richt und 

ver meng te mun ter das, was nach Mei nung des Estab lish ments nicht zusam men ge hört: U- und 

E-Musik, Gen res und Sti le jeg li cher Cou leur. Her aus ge kom men ist dabei ein wun der sa mer Mix, 

ein höchst ver gnüg li cher oben drein. Der Cel list Fried rich Klein hapl spielt die se offen sicht li che 

Pro vo ka ti on mit größ ter Lust, der Wie ner Con cert-Ver ein sekun diert mit eben sol cher. Famos! 

Auch die für die Kom bi na ti on Blas or ches ter und Cel lo arran gier ten Stü cke aus diver sen Sui ten 

Dmi tri Schosta ko witschs machen unge mein Lau ne. Fabel haft! Der subver 

si ve Humor die ser Stü cke und die Revo luz zer at ti tü de Gul das – die se 

„Begeg nung zwei er Groß meis ter des musi ka li schen Humors“, so Kleinhapl, 

macht Lust auf mehr. Gran di os! GK 

Friedrich Gulda, Dmitri Schostakowitsch: „Gulda meets Shostakovitch“, Friedrich Kleinhapl, 

Wiener Concert-Verein, Rudolf Piehlmayer (Ars) 

FOTO: GABRIELE MOSER 

35


SOLO 

Hauschka 

Naturerkundungen 

„In ,A Diffe rent Forest‘ beschäf ti ge ich mich mit dem Wald als Natur raum und Kontrast 

zum städ ti schen All tag; zu mei nem Lebens raum“, erklärt der Düs sel dor fer Pianist 

Hausch ka den pro gram ma ti schen Hin ter grund sei nes aktu el len Albums. Erst mals 

hat der vor zwei Jah ren für den Oscar nomi nier te Künst ler bei die ser CD auf die Präpa 

ra ti on sei nes Flü gels ver zich tet und nutzt den natür li chen Kla vier klang für sei ne 

neo ro man ti schen Natur er kun dun gen; die klin gen mal nach Mini mal Music und mal 

nach den schwe ben den Klang ge bil den islän di scher Pop künst ler wie Björk oder Sigur 

Rós. „A Diffe rent Forest“ bie tet eine klang lich ver füh re ri sche Traum welt, um dem 

All tag zu ent flie hen, aller dings klin gen vie le Stü cke auf Dau er recht ähn lich. Ein bisschen 

mehr Sper rig keit und Wag nis hät te das Album durch aus ver tra gen kön nen. MV 

Hauschka: 

„A Different 

Forest“ 

(Sony) 

FOTO: GREGOR HOHENBERG 

Hermine Haselböck 

Vergessene 

Komponistinnen 

LIED 

Die Musik: Für ihn ein Beruf, für sie „stets nur Zierde, 

nie mals Grund bass“ ihres „Seins und Tuns“ – das 

bekam Fan ny Men dels sohn Bar thol dy vom Vater zu 

hören – viel leicht auch die hier gewür dig ten Kom ponis 

tin nen Val ly Weigl (1894–1982), Char lot te Schlesin 

ger (1909–1976), Vítězsla va Kaprál o vá (1915– 

1940) und Hen riët te Bos mans (1895–1952). „Ver bote 

ne Klän ge“, wie es im Titel des Book lets heißt, 

schu fen sie nicht, auch wenn ihr Leben von Exil und 

Flucht geprägt war. Ihr Lied- und Kam mer mu sikschaffen 

ist rück wärts ge wandt, mit Blick auf die 

Roman tik und die Jahr hun dert wen de. Nur Kaprálo 

vá, die von Bohus lav Mar tinů geför dert wur de, 

gelingt in ihrem kur zen Leben eine eige ne Ton sprache, 

die tsche chi sche und fran zö si sche Ein flüs se verschmilzt. 

Wäh rend Män ner sich der Durch set zung 

ihrer Wer ke gewid met hät ten, wand ten sich Schlesin 

ger und Weigl der Päd ago gik und Musik the ra pie zu; 

ein Grund wohl, wes halb kaum jemand ihre Werke 

kennt. TPR 

Henriëtte Bosmans, Vally Weigl u. a.: 

„Kammermusik & Lieder“, Hermine 

Haselböck, Franz Bartolomey, 

Clemens Zeilinger (Gramola) 

TANZ 

Wayne McGregor 

Literatur im Tanz 

Ein „Mons ter“ nennt Max Rich ter sei ne 

Bal lett mu sik Woolf Works, die auf den 

Roma nen „Mrs. Dal lo way“, „Orlan do“ und 

„The Waves“ von Vir gi nia Woolf basiert. 

Fast 700 Sei ten Lite ra tur: eine Rei se in die 

fik ti ven Wel ten und das Bewusst sein der 

manisch-depres si ven Autorin. In der Highspeed-Cho 

reo gra fie von Way ne McGre gor 

dre hen und ver ren ken sich die Tän zer in 

ihren eli sa be tha ni schen Kos tü men in irr witzi 

ger Geschwin dig keit – inmit ten eines 

monu men ta len Tri pty chon-Sets aus drei 

sich bewe gen den Holz rah men. Dazu Richters 

wuch ti ge und zar te Sounds: Mini mal 

Music, Ambi ent Pop, Tech no und ein – 

elek tro nisch ver frem de tes – spa ni sches 

Lied aus dem 16. Jahr hun dert, pas send zu 

Wool fs Klas si ker „Orlan do“, jenem androgy 

nen Ade li gen, des sen Leben im 16. Jahrhun 

dert beginnt und 1928 endet. Besonders 

berüh rend der Moment, als Gil li an 

Ander son aus dem Brief liest, den Vir gi nia 

kurz vor ihrem Sui zid an ihren Mann 

schrieb. TPR 

Max Richter: „Woolf 

Works“, The Royal Ballet, 

Wayne McGregor, 

Orchestra of The Royal 

Opera House, Koen Kessels 

(Opus Arte) 

KAMMER- 

MUSIK 

Maria Sournatcheva 

Früchte einer 

Dreiecksbeziehung 

Als jun ger Kla vier vir tuo se lern te Johan nes Brahms 

1853 Robert und Cla ra Schu mann ken nen. Aus 

der Begeg nung ent wi ckel te sich eine tie fe Künstler 

freund schaft mit lei den schaft li chen Unter tönen. 

Denn Brahms ver lieb te sich hef tig in Cla ra, 

deren Fami lie er nach dem psy chi schen Zusammen 

bruch Roberts auf op fernd unter stütz te. Welche 

musi ka li schen Früch te die se Drei ecks be ziehung 

her vor brach te, kann man auf dem Kam mermu 

si kal bum „Wid mung“ hören. In der Tra di ti on 

der roman ti schen Haus kon zer te bei den Schumanns 

spie len die Obo is tin Maria Sour nat che va 

und der Pia nist Alek san dr Shai kin inti me Minia turen 

der drei Kom po nis ten. Ein fühl sam inter pretiert 

das Duo etwa das Lied Wid mung aus dem 

Zyklus Myr t hen, den Robert Schu mann sei ner 

Braut wid me te. Cla ra schrieb spä ter die Drei 

Roman zen op. 22, bei denen die Oboe den 

ursprüng li chen Vio lin part über nimmt. Der Freund 

des Hau ses steu ert auf die ser CD berüh ren de 

Stü cke wie Regen lied op. 59,3, Von ewi ger Lie be und 

Ver za gen bei. CK 

Johannes Brahms, Clara und 

Robert Schumann: „Widmung“, 

Maria Sournatcheva, Aleksandr 

Shaikin (MDG) 

Track 6 auf der CRESCENDO 

Abo-CD: Stille Tränen op. 35, 10 

von Robert Schumann 

Eleni Karaindrou 

Liebe 

und Vergebung 

SOLO 

Die Musik beginnt betö rend sphä risch mit 

einem Kla ge ruf in eine unhör ba re Stil le aus 

lang atmen den Strei chern hin ein, ein zig aus 

dem Inter vall einer klei nen Sekun de bestehend, 

der über den bor dun ar ti gen Streicherklän 

gen, jen seitsver haf tet, in d-Moll 

schwebt, einem Kla ge ruf, dem nur sein Echo 

Ant wort zu geben scheint. Klas si sches Streicheren 

sem ble ver bün det sich mit tra di tio nell 

grie chisch-ori en ta li schem Instru men ta ri um. 

Die zen tra len The men der ursprüng lich für 

Büh ne und Film geschrie be nen Wer ke sind, 

wie die grie chi sche Kom po nis tin Ele ni 

Karaind rou sagt, „Lie be, Iden ti tät, Gren zen 

und die Dimen sio nen der Ver ge bung“. Als 

rei nes Hör erleb nis bedarf ihre Musik kei nes 

ande ren Podi ums als das der inne ren Bil der. 

Denn das ist die gro ße Kunst Karaind rous, 

Musik für Kon tex te zu schaffen, die die 

Eigen stän dig keit bekommt, in ein zig ar ti ger 

Klang spra che tief grün dig Wesen und Essenz 

der Gescheh nis se hör bar wer den zu las sen. 

Über alle Gren zen 

hin weg ist dies die 

Musik der Stun de. SELL 

Eleni Karaindrou: „Tous des 

oiseaux“ (ECM) 


KAMMER- 

MUSIK 

FOTO: JULIA WESELY 

Felix Klieser 

Geteiltes Glück 

Mit der Ein spie lung von Mozarts Hornkon 

zer ten hat sich Felix Klie ser einen Kindheits 

traum erfüllt. Ver schmitzt lächelnd, 

joggt er durchs Cover bild sei ner CD – 

pas send zum Esprit der Kom po si tio nen, um 

die sich man che Anek do te rankt: Mozart 

soll haar sträu ben de Spä ße mit sei nem Hornis 

ten Joseph Leut geb getrie ben haben. 

Schwer zu glau ben ist das nicht. Im Ron do 

des Es-Dur-Kon zerts KV 417 hört man die 

Gei gen den Solis ten „aus la chen“! Und dann 

sind da ande rer seits die se himm li schen, 

über zeit lich schö nen lang sa men Sät ze wie 

die Romance aus dem Es-Dur-Kon zert KV 

447. Klie ser, das spürt man, hat sich all diese 

Abstu fun gen des Aus drucks erschlos sen: 

die gute Lau ne, die Melan cho lie, den Witz, 

die Tie fe, die Trau er und die Freu de. 

Gemein sam mit der Came ra ta Salz burg als 

dem Ensem ble von Mozartex per ten stellt 

er sei ne eige ne Inter pre ta ti on der Wer ke 

vor – und teilt das Glück hier über mit seinen 

Hörern. JH 

Wolfgang Amadeus Mozart: „Konzerte für 

Horn und Orchester 1-4“, Felix Klieser, 

Camerata Salzburg (Berlin Classics) 


Allegro. Aus: Konzert für Horn und 

Orchester Es-Dur KV 447 

VINYL 

Vladimir Horowitz 

Abschied mit Mozart 

In sei ner lan gen, sechs Jahr zehn te wäh ren den Kar rie re ver wandel 

te sich der Jahr hun dert pia nist Vla di mir Horo witz vom auftrump 

fen den Vir tuo sen der frü hen Jah re zu einem Klang far ben magi 

er und Lyri ker. Im März 1987, dem Jahr sei nes Abschieds, ging er 

in Mai land ein letz tes Mal ins Stu dio, um dort mit dem Sca la- 

Orches ter und Car lo Maria Giu li ni das berühm te A-Dur-Konzert 

Mozarts (KV 488) für die Nach welt zu ver ewi gen. Die ses unge mein 

fri sche, jugend lich-leben di ge Mozart-Mani fest des 83-Jäh ri gen ist 

jetzt gemein sam mit der Linzer-Sonate KV 333 in einer digi tal 

restau rier ten LP-Ver si on wie der ver öffent licht wor den, und es 

unter streicht nach drück lich sein nicht nach las sen des emo tio na les 

Feu er, sei ne auf klä re ri sche Klar heit, sei nen berü cken den Far benreich 

tum. Am meis ten ver blüff te er durch sein unglaub lich beredtes, 

ges ten rei ches Spiel, das im Wech sel von Zärt lich keit und 

Prä gnanz die inne re Dra ma tik und die enor men Lebens en er gi en 

von Mozarts Kla vier mu sik frei leg te und jeden Anflug von fal scher 

Gefüh lig keit aus schloss. 

Horo witz’ See le war bis 

zuletzt jung geblie ben. 

AC 

TCHAIKOVSKY 

THE COMPLETE SYMPHONIES 

Philippe Jordan Pariser Opernorchester 

+ EXKLUSIV-INTERVIEW 

mit dem Dirigenten 

zu Tchaikovskys Oeuvre und 

54-seitigem Softcoverbuch 

„Horowitz plays Mozart“, 

Vladimir Horowitz, Orchestra 

del Teatro alla Scala, Carlo 

Maria Giulini (DG) 

ERHÄLTLICH BEI JPC 

UND IM 

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37


FOTO: GREGOR HOHENBERG / SONY 

OPER 

Simone Kermes 

Liebeserklärung 

an Händel 

Ein Koloraturen ausstoßender Vulkan beschenkt 

uns mit einer sehr persönlichen, intimen Hommage 

an Händel. Von Simone Kermes kommen 

ganz wunderbar weiche Töne, und mit einer sphärischen 

Wiedergabe des Largo erobert die Sopranistin 

das inzwischen fast gänzlich von hohen Männerstimmen 

okkupierte Stück den Sängerinnen 

zurück. In einer der Neun Deutschen Arien, Szenen 

aus Oratorien, Opern und dem in vielen ihrer 

Konzerte als Schlusspunkt gesetzten, betörenden 

Lascia ch’io pianga aus Rinaldo schreitet Simone 

Kermes ihre von Händel wie mit einem breiten 

roten Band von den Anfängen bis zu den Konzeptprogrammen 

durchzogenen künstlerischen Entwicklung 

nach. Die von ihr 2017 gegründeten 

Amici Veneziani geleiten sie mit edler Delikatesse. 

Dabei gelingen die Leiden der Langobarden-Königin 

Rodelinda und der 

Trennungsschmerz der Magierin Alcina 

weitaus bewegender als das vokale 

Dynamit Medeas aus Teseo. DIP 

Simone Kermes: „Mio Caro Händel“, Amici 

Veneziani, Boris Begelman (Sony) 

NEUE 

MUSIK 

Eldbjørg Hemsing 

Friedensvisionen 

und 

Kriegsbilder 

Tan Dun diri giert auf die ser CD sei ne eige nen 

Kom po si tio nen, ein Umstand, der die se Einspie 

lung zu einem Ereig nis macht. Eldbjørg 

Hem sing inter pre tiert die bei den Vio lin konzer 

te Rhaps o dy and Fan ta sia sowie Fire Ritu al 

mit allen ihr zur Ver fü gung ste hen den Mit teln: 

Ihr gelingt ein gran dio ser Brü cken schlag zwischen 

Öst li chem und West li chem, sanft-lyrischen 

Frie dens vi sio nen und schmerz haft-aufbrau 

sen den Kriegs bil dern. Uner schöpfl i cher 

Aus drucks wil le und höchs te tech ni sche Prä zisi 

on ver lei hen der Musik Tan Duns jenen 

typisch ritu al haf ten Cha rak ter, den man auch 

von vie len ande ren sei ner Kom po si tio nen 

kennt. In Fire Ritu al regen groß ange leg te 

Medi ta tio nen zum Nach den ken über den 

Zustand einer von krie ge ri schen Aus ein an derset 

zun gen gepräg ten Welt an. Mit die sem 

Werk setzt Tan Dun ein star kes Zei chen für 

all jene zahl lo sen Men schen, die Krieg und 

Zer stö rung als tra gische 

Lebens rea li tät 

erfah ren müs sen. AF 

Tan Dun: „Fire Ritual“, 

Eldbjørg Hemsing, Oslo 

Philharmonic Orchestra, 

Tan Dun (BIS) 

ALTE 

MUSIK 

Sonatori de la Gioiosa Marca 

Ausdrucksvolle 

Stimmen für 

ein sterbendes Herz 

Erst mals stell te das nord ita lie ni sche Ori gi nalklang-Ensem 

ble Sona to ri de la Gioio sa Mar ca 

den Kom po nis ten Gio van ni Legren zi im Jahr 

1996 durch die Gesamt auf nah me sei nes vor 

1675 geschrie be nen Ora to ri ums La mor te del 

cor peni ten te (Der Tod des büßen den Her zens) 

einem brei te ren Publi kum vor. Der Ver tre ter 

des vene zia ni schen Spät ba rocks hebt sich von 

sei nen Zeit ge nos sen ab, inte griert er die Bassstim 

me doch in die moti vi sche Ver ar bei tung, 

statt auf einen ein fa chen Stütz bass zurück zugrei 

fen. Selbst Bach ver wen det ein „The ma 

Legren zia num“ in sei ner Fuge BWV 574. In der 

mus ter gül ti gen wie klang schö nen Ein spie lung 

der Sona to ri wird Legren zis ra f inier te Harmo 

nik und expres si ve Melo dik deut lich. Sie 

legen damit den Grund stein einer bis heu te 

andau ern den, abseits des Main streams stattfin 

den den Wie der ent de ckung des Kom po nisten. 

Jetzt wur de die ver griffe ne Auf nah me neu 

auf ge legt. FA 

Giovanni Lorenzi: „La morte 

del cor penitente“, Sonatori 

de la Gioiosa Marca (Divox) 

Track 9 auf der CRESCENDO 

Abo-CD: Venite alme dolente. 

Aus: La morte del cor 

penitente 

Franz Liszt 

Spektakuläre 

Uraufführung 

Mit der Gat tung Oper wür de man Franz Liszt 

nicht unbe dingt in Ver bin dung brin gen. Dabei 

heg te der umtrie bi ge Kom po nist und Kla viervir 

tuo se durch aus Ambi tio nen in die se Richtung. 

Die meis ten Plä ne blie ben aber schon im 

Anfangs sta di um ste cken. In sei ner rei fen Schaffens 

zeit voll ende te er immer hin einen Akt seiner 

ita lie ni schen Oper Sar d a na pa lo nach einem 

Dra ma von Lord Byron. War um er die Arbeit 

1852 abbrach, ist nicht genau bekannt. Nach 

über 150 Jah ren ent deck te der Musik wis senschaft 

ler David Trip pett das ver ges se ne Manuskript, 

erst kürz lich wur de es orches triert und 

edi tiert. Liszts eige ne Hand schrift ist zu erkennen, 

eben so der Ein fluss Vin cen zo Bel li nis, Giaco 

mo Mey er beers und von Liszts Schwie gersohn, 

Richard Wag ner. 2018 brach ten Gesangsso 

lis ten und die Staats ka pel le Wei mar unter 

Kirill Kara bits Sar d a na pa lo zur Urauffüh rung. 

Jetzt ist der Mit schnitt als Ersteinspie lung 

beim Label Audi te erschie nen. Eine inter es sante 

Trou vail le, die dem Liszt-Bild eine neue 

Facet te hin zu fügt. CK 

Franz Liszt: „Sardanapalo, 

Mazeppa“, Joyce El-Khoury, 

Airam Hernández, Oleksandr 

Pushniak, Staatskapelle 

Weimar, Kirill Karabits 

(Audite) 

OPER 


Inga Fiolia 

Faszinierende Entdeckung 

SOLO 

Schon mal was von Sulk han Tsint s ad ze gehört? Nein? Dann ist man in 

guter Gesell schaft. Den geor gi schen Kom po nis ten dürf te hier zu lan de 

kaum jemand ken nen, doch wenn man sei ne 24 Pre ludes für Kla vier hört, 

muss man sich unwei ger lich fra gen: War um eigent lich? Die se fas zi nieren 

de Musik ist eine ech te Ent de ckung! Tsint s ad ze hat die reich hal ti ge 

Musik tra di ti on sei nes Hei mat lan des mit der Musik des 20. Jahr hun derts 

ver schmol zen: geor gi sche Tän ze etwa mit jaz zig ange hauch ter Har monik, 

die typi sche Melo dik sei nes Hei mat lan des mit kom ple xen moder nen 

Rhyth men. Her aus ge kom men ist ein viel fäl ti ger und elek tri sie ren der 

Stil. Die deutsch-geor gi sche Pia nis tin Inga Fio lia spielt die se fes seln de 

Musik mit Hin ga be und groß ar ti gem Eifer. Sie haut mit Wumms in die 

Tas ten, frie melt aber auch kleins te rhyth mi sche 

Zise lie run gen mit bemer kens wer ter Exakt heit 

aus ein an der. Das macht sie mit einer Mühe lo sigkeit, 

die ein fach ein neh mend ist. GK 

Sulkhan Tsintsadze: „24 Preludes for Piano“, Inga Fiolia 

(Grand Piano) 

Sarah McCoy 

Lebensbeichte einer 

Schlangenfrau 

Blood Siren nennt die ame ri ka ni sche Sän ge rin Sarah McCoy ihr ers tes in 

Euro pa pro du zier tes Album, in dem sie die dunk len Jah re ihres Vagabun 

den da seins auf den Stra ßen und in den klei nen Clubs von New 

Orleans scho nungs los und selbst kri tisch Revue pas sie ren lässt. Mit 

ihrer lei sen, rau chi gen Stim me und spär li cher Kla vier be glei tung gibt sie 

in zwölf eige nen blue si gen Songs authen ti sche Ein bli cke in die nächt liche 

Exis tenz einer Aus stei ge rin, die in der bro deln den Sub kul tur der 

Jazz-Metro po le zur Musik und zu sich selbst fand. Ende 2017 lock te sie 

Talent-Pro du cer Chil ly Gon za les nach Paris und unter leg te ihre schlichten, 

aber ergrei fend sug ges ti ven Bal la den mit dosier ten Syn thie-Sounds, 

die den inti men Zau ber ihrer ein sa men Mono lo ge noch ver dich ten. Als 

sän ge sie in einem lee ren, von den Gäs ten 

bereits ver las se nen Nacht club für sich selbst, 

ganz offen, schutz los, in alten Träu men und 

Gedan ken ver lo ren. Die se Schlan gen frau erzählt 

uns vom rich ti gen Leben. AC 

Aktuelle 

NEUHEITEN 

bei Sony Music 

www.khatiabuniatishvili.com 

Khatia Buniatishvili Schubert 

Khatia Buniatishvili spielt Musik von Franz Schubert. 

Mit den 4 Impromptus Op. 90 D 899 und der 

Klaviersonate Nr. 21 in B-Dur D 960. 

www.olgascheps.com 

Olga Scheps Melody 

Olga Scheps präsentiert auf ihrem neuen Album Werke von 

Brahms, Chopin, Mussorgsky, Marcello, Grieg u. a. 

Sarah McCoy: „Blood Siren“ (Blue Note) 

BartolomeyBittmann 

Vulkanische Kraft 

JAZZ 

Das öster rei chi sche Duo Mat thi as Bar to lo mey (Cel lo) und Kle mens 

Bitt mann (Vio li ne & Man da la) erschließt mit sei nen klas si schen Streichin 

stru men ten neue, auf re gen de Klang wel ten. Mit ent fes sel ter Musi zierlust 

und exzes si ver rhyth mi scher Power kre ieren die bei den Ber ser ker 

auf ihrem neu en Album „Dyna mo“ einen welt offe nen, hoch vir tuo sen 

Mix aus Kam mer mu sik, Rock und Jazz mit Anklän gen von Folk, Metal 

und Mini mal Music und drin gen in spi ri tu el le Sphä ren vor, die man einer 

sol chen inti men Duofor ma ti on nicht zuge traut hät te. In elf eige nen, mit 

rät sel haf ten lite ra ri schen Titeln ver se he nen Kom po si tio nen errich ten 

sie orches tra le Archi tek tu ren von einer vul ka ni schen Kraft und einer 

lyri schen Inten si tät, die über wäl ti gen, ver zau bern und die archai sche 

Natur kraft mit High tech-Kom ple xi tät zu grooven 

den Bewe gungs mus tern von magi scher Aura 

ver dich ten. Bar to lo mey Bitt mann sind ein von 

tie fer Lebens lust und altem Wis sen gespeis tes 

Kraft werk zwei er gleich ge stim mer See len. AC 

Matthias Bartolomey und Klemens Bittmann: „Dynamo“ (ACT) 

39 

www.dorotheeoberlinger.de 

Dorothee Oberlinger Night Music 

Eine faszinierende musikalische Reise durch die Nacht mit 

Dorothee Oberlinger und den Sonatori de la Gioiosa Marca. 

Mit Musik von Vivaldi, Hotteterre, Biber, u. a. und dem 

berühmten ‘Round Midnight. Erhältlich ab 5.4. 

WWW.SONYCLASSICAL.DE 

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Unerhörtes & neu Entdecktes 

von Christoph Schlüren 

HEILIGER ZORN UND 

VERLORENE UNSCHULD 

Die Komponisten Arnold Rosner und Juan Crisóstomo de Arriaga. 

Musikgeschichte ist eine hochkomplexe Angelegenheit, 

die für Schulbuchzwecke vereinfacht wird. Bewegungen 

erzeugen Gegenbewegungen, extreme Haltungen 

erzeugen extreme Gegenpositionen. Wir können uns 

heute schwer vorstellen, wie es für junge Komponisten 

in den 1960er- und 1970er-Jahren war, wenn sie ihr Innerstes 

ausdrücken wollten und auf das trockene Dogma des Serialismus 

ihrer Lehrer stießen wie ein Schiff, das auf eine Sandbank aufläuft. 

Die Generation der in den 1940er-Jahren Geborenen stellt sich 

mittlerweile als die kreativ ergiebigste eines ganzen Jahrhunderts 

heraus, obwohl gerade hier die großen Namen selten, kaum Ikonen 

der Moderne oder des Konservatismus zu finden sind. Doch Komponisten 

wie Anders Eliasson, Pehr Henrik Nordgren, Tristan 

Keuris, Yevgeni Stankovich oder Peter Lieberson erweisen sich als 

Entdeckungen mit einem Tiefgang, einer Originalität und Meisterschaft, 

die noch lange nicht überblickbar und nie einzuordnen 

sein werden. 

Auch der jüdische New Yorker Arnold Rosner (1945 –2013) 

fand sich als junger Mann im Irrsinn des Dogmas wieder und orientierte 

sich als vom Establishment Abgelehnter zunächst an der 

archaisierend reinen Schönheit der Musik seines armenischstämmigen 

Landsmanns Alan Hovhaness. Doch Rosners Ausdruckspotenzial 

erwies sich als weit vielschichtiger. Und man hört in seiner 

Musik bis in die letzten Jahre nicht nur die Suche nach der Schönheit 

und verlorenen Unschuld, sondern auch den heiligen Zorn eines 

Künstlers, der sich kompromisslos gegen den 

herrschenden Zeitgeist verwahrte. Rosner schuf 

Werke, in welchen sich Elemente mittelalterlichen 

Tonsatzes und von Renaissance-Polyfonie, archaisch-höfischer 

Tanzmusik, expressionistischer 

Explosivität in ostinaten Tanzrhythmen und kollidierender 

Dreiklangsgebilde, organische Entwicklungen 

und abrupte Umbrüche begegnen. 

Eigentlich müsste ein derartiges Kreuzfeuer unterschiedlichster 

stilistischer Ingredienzien chaotische 

Collagen erzeugen, doch bei Rosner ist all dies 

– kraft eines unbändigen Willens zur eigenen 

Formung – zu erstaunlich kongruenter Gestalt 

geformt. Der Hörer wird mitgenommen in eine 

abenteuerliche Welt, die zwar intensiv berührt, 

jedoch keinen Seelentrost spendet, sondern eher wie der Blick in 

ein kosmisches Drama anmutet. 

Bei Toccata Classics ist jetzt die dritte Folge seiner Orchesterwerke 

erschienen, mit einem wunderbar mysteriösen, schleierhaft 

farbenreichen Nocturne, der ritualhaft auf antike metrische Strukturen 

zurückgreifenden Ouvertüre Tempus perfectum und der zum 

Bersten gespannten, dreisätzigen Sechsten Sinfonie von 1976, die 

sozusagen das ganze Spektrum von Josquin des Prés bis zur lavaartig 

herausgeschleuderten Expressivität Allan Petterssons umspannt. 

Vielleicht den besten Einstieg in die gegensätzlichen Facetten von 

Rosners Welt bieten die Fünf Koans auf der Vorgänger-CD an, wo in 

fünf Sätzen erstaunlich einander ergänzende fremde Welten sich 

eröffnen und jeweils einen atemberaubend zusammenhängenden 

Bogen errichten. Großartig auch die späten Unraveling Dances und 

die multimetrische Metamusik in Gematria von 1991. Herrlich ist 

eine weitere Toccata-CD mit Kammermusik. Und auf Naxos sind 

seine Sinfonien Nummer fünf und sieben erhältlich, jeweils gekoppelt 

mit Sinfonien des italo-amerikanischen Originalgenies Nicolas Flagello. 

Das alles ist unbedingt die Hörerfahrung wert. 

Rosner mag in seinem unstillbaren Zorn nur phasenweise die 

verlorene Unschuld gefunden haben, die er so verzweifelt einsam 

ersehnte. Diese Unschuld findet in schönster Weise, wer Juanjo 

Menas Neuaufnahme von Juan Crisóstomo de Arriagas (1806–1826) 

herrlicher Sinfonie von 1824 mit dem BBC Philharmonic hört 

(Chandos). Arriaga, die einzige ganz große Hoffnung der spanischen 

Musik zwischen dem Renaissance-Zeitalter und dem Impressionismus, 

starb mit 19 Jahren. Cherubini liebte seine Musik, und heutige 

Streichquartette lieben seine drei wunderbaren Quartette. 

Doch die Sinfonie in d-Moll, die zwischen Schubert 

und Mendelssohn ihren Zauber entfaltet, ist wohl 

sein größtes Werk. Nun ist sie erstmals auf feinstem 

Niveau zu hören. 

n 

Arnold Rosner: „Orchestral Music“, Vol. 1, London Philharmonic Orchestra, 

David Amos, Vol. 2 und 3, London Philharmonic Orchestra, Nick Palmer 

(Toccata Classics); Arnold Rosner: „Chamber Music“, Curtis Macomber, 

Maxine Neuman, David Richmond, Margaret Kampmeier, Carson Cooman 

(Toccata Classics) 

Juan Crisóstomo de Arriaga: „Overture to ‚Los esclavos felices‘, Herminie, 

Symphony in D minor, Air from ‚Médée‘, Overture in D major“, Berit 

Nordbacken Solset, BBC Philharmonic, Zoë Beyers, Juanjo Mena (Chandos) 


Johann Jacob Bach 

Musiker in 

turbulenten Zeiten 

Die Bachs waren über Generationen eine Musikerfamilie. 

Johann Sebastian Bach, ihr heute bekanntester Spross, war 

bereits in der vierten Generation Musiker, und auch sein 

um drei Jahre älterer Bruder Johann Jacob begann nach dem 

Tod der Eltern bei Johann Heinrich Halle, dem Nachfolger 

seines Vaters als Stadtpfeifer, eine Musikerlehre. Doch hielt 

es ihn nicht in der Heimat. Als der schwedische König Karl 

XII. mit seinem Heer Sachsen eroberte, trat 

er als Regimentsmusiker in dessen Leibgarde 

und wurde mitgerissen in das Weltgeschehen 

und den Großen Nordischen Krieg. Olaf 

Schmidt forscht in seinem historischen 

Roman „Der Oboist des Königs“ dem 

Schicksal des Musikers nach. Er erzählt vom 

gemeinsamen Aufwachsen der verwaisten 

Brüder, der Wanderschaft Johann Jacobs, der 

als Musikant durch die Lande zog, Händel 

und Telemann traf und, nachdem das Kriegsglück 

Karls XII. sich gewendet hatte, bis nach 

Konstantinopel an den osmanischen Hof 

gelangte. Die historischen Figuren und Ereignisse 

sind recherchiert, die Lebendigkeit 

ihrer Darstellung verdankt sich der schriftstellerischen 

Fantasie. RRR 

Olaf Schmidt: „Der Oboist des Königs. Das abenteuerliche 

Leben des Johann Jacob Bach“ (Galiani) 

BUCH 

Sarah Baxter 

Auf den Spuren Leopold 

Blooms und anderer 

„Wer schreibt, schafft Orte“, befin det die bri ti sche Jour na lis tin 

Sarah Bax ter. 25 Roma ne, in denen Orte nicht allein der lite ra rischen 

Fan ta sie ent sprun gen sind und auch nicht 

nur eine pas si ve Kulis se bil den, hat sie aus gewählt 

und sich hin be ge ben. Mit Arund ha ti Roys 

Roman „Der Gott der klei nen Din ge“ über die 

Tra gik des uner bitt li chen Kas ten sys tems, der als 

lite ra ri sche Sen sa ti on des Jah res 1997 gefei ert 

wur de, reist sie zu den Reis fel dern ins süd in dische 

Kera la. Und mit Kha led Hoss ei nis „Drachen 

läu fer“ bricht sie auf zu den mäch ti gen Gipfeln 

des afgha ni schen Hin du kusch. Vic tor Hugos 

„Die Elen den“ lässt ihren Paris auf ent halt zur 

Zeit rei se wer den, wenn sie im Vier tel Marais 

noch etwas von den alten ver win kel ten Gässchen 

ent deckt. Ledig lich eine Tafel fin det sie 

dage gen im heu ti gen Sankt Peters burg von Raskol 

ni kows Her um zie hen durch Hin ter zim mer, 

Bor del le und dre cki ge Knei pen. Brei ten Raum 

wid met sie den Roma nen ihrer bri ti schen Heimat. 

Es fehlt aber auch nicht Alfred Döblins „Ber lin Alex an derplatz“, 

der bedeu tends te deut sche Groß stadt ro man des 20. Jahrhun 

derts. Illus triert hat den zum Wie der le sen inspi rie ren den kleinen 

Streif zug durch die Welt li te ra tur Amy Gri mes, deren 

far ben fro he, nai ve Bil der einen reiz vol len Gegen satz zu den tris ten 

Elends schil de run gen der Roma ne bil den. RRR 

Sarah Baxter: „Atlas der literarischen Orte. Entdeckungsreise zu den Schauplätzen der 

Weltliteratur“ (Brandstätter) 

Klavierkonzert Nr. 2 

Sinfonie Nr. 1 

Bezuidenhout 

Heras-Casado 

Freiburger Barockorchester 

HMM 902369 

Mendelssohns Sinfonie in c-Moll ist seine erste in 

großer Besetzung und bereitet damit den Weg für die 

bedeutenden sinfonischen Werke, die auf sie folgen 

sollten. Die Melusine-Ouvertüre und das von hellen 

Klängen geprägte Klavierkonzert Nr. 2 weisen eine 

Instrumentierung und eine Harmonik auf, die eine 

Interpretation auf historischen Instrumenten vorzüglich 

zur Geltung zu bringen vermag. In diesen Werken der 

Romantik gibt es nichts Morbides, im Gegenteil: Überall 

entlädt sich eine überschwängliche Lebensfreude, die 

so voller ungestümer und leidenschaftlicher Ungeduld 

ist wie die Jugend selbst. 

41 

Fotos © Fernando Sancho, © Annelies van der Vegt

R Ä T S E L 

& R E A K T I O N E N 

GEWINNSPIEL 

Wer verbirgt sich hinter diesem Text? 

HINTER 

DEN KULISSEN 

Aus der CRESCENDO Redaktion: 

„Brüggemanns Klassik-Woche“, 

der neue Newsletter 

„Bernstein hatte großen Einfluss auf meinen Kompositionsstil und gilt 

gleichzeitig als der beste Dirigent meiner Werke“ 

Ich wurde als jüngster Sohn einer eingewanderten konservativjüdischen 

Familie aus Litauen geboren. Mit meiner Schwester und 

Mutter, die selbst sangen, Klavier spielten und Musikunterricht 

für Kinder organisierten, tauchte ich schon als kleines Kind in 

zauberhafte musikalische Welten ein. Meine ersten Bühnenerfahrungen 

sammelte ich mit Auftritten auf jüdischen Festen und 

Hochzeiten und genoss schon bald die Lehre vieler hervorragender 

Musiker am Konservatorium. 

Meine expressionistischen Frühwerke standen unter dem Einfluss 

des Jazz und wurden von Publikum und Presse zunächst 

äußerst skeptisch aufgenommen. Über eine meiner Kompositionen 

wurde einmal gesagt: „Wer solch eine Musik schreibt, wird wohl 

später einen Mord begehen.“ Doch Jazz war zu dieser Zeit für mich 

die Form der amerikanischen Ausdrucksweise schlechthin. Mein 

Kompositionsstil entwickelte sich aber immer weiter, und so wurden 

auch meine Werke zugänglicher. Ich begann, Ballette, Filmmusiken 

und leichtere Orchesterwerke zu schreiben, die neben gesellschaftlichem 

Erfolg auch finanzielle Anerkennung einbrachten. 

Mit meiner Musik stand ich stolz für Amerika und galt als 

Komponist mit starkem patriotischen Bezug. Trotzdem ermittelte 

das FBI mehrere Jahrzehnte wegen vermeintlicher kommunistischer 

Beziehungen, die aber nie offiziell bestätigt wurden und meiner 

wachsenden Reputation nahezu nicht schadeten. 

Ich bin nicht nur Komponist, Dirigent, Pianist und Musikschriftsteller, 

sondern auch Namensgeber für ein Softwareprojekt, 

einen Berg in der Antarktis und einen Asteroiden und zähle zu den 

wichtigsten Musikerpersönlichkeiten des letzten Jahrhunderts. AM 

RÄTSEL LÖSEN 

UND EINE CD-BOX 

GEWINNEN! 

Wer ist hier gesucht? Wenn 

Sie die Antwort kennen, dann nehmen 

Sie an der Verlosung teil unter www.crescendo.de/mitmachen. 

Diese DVD-Box können Sie gewinnen: „Tchaikovsky. The Complete 

Symphonies“ (Arthaus). Einsendeschluss ist der 28.03.2019. Gewinner 

unseres letzten Gewinnspiels ist Willonah Akol aus Essen. 

Die Lösung war Giacinto Scelsi. 

FOTO: MARION S. TRIKOSKO 

CRESCENDO Autor und 

Kolumnist Axel Brüggemann 

fasst jeden Montag die Klassik-Woche 

zusammen. Wir 

haben Nachrichten, bevor sie 

woanders stehen, führen 

Debatten, die anderswo nicht 

geführt werden, und berichten 

über das, was ist, was war 

und was lohnt. 

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Reaktionen auf die ersten Newsletter 

„Brüggemanns Klassik-Woche“ 

„Danke, dass Sie mich zum Lachen gebracht haben.“ 

(Franz Welser-Möst) 

„Ein großartiger Newsletter, sehr lesenswert.“ (Ioan Holender) 

„Wieder ein ausgesprochen hübscher und in jeder Hinsicht 

informativer, aber auch sehr unterhaltsamer Rückblick!“ 

(Dr. Ingrid Bodsch, Schumann Netzwerk) 

„Ich habe Ihren Newsletter und einige der Links gelesen und 

mich sowohl gut unterhalten als auch informiert und werde ihn 

gern weiterempfehlen.“ (Angelika Ruge, Tiroler Festspiele) 

„Endlich mal ein Newsletter, der Interesse weckt, weiterzulesen, 

zu entdecken und auch noch gute Laune macht!“ 

(Christiane Meininger) 

„Meinungsstark wie immer.“ (Daniela Majer) 

Zum Newsletter-Satz: „Wäre Anna Netrebko die 

Frau von Heino, würde der in der kommenden Saison 

an der Semperoper im Don Carlo singen.“ auf Twitter: 

„Dafür singt Hannelore an Ostern in Salzburg.“ (Manuel Brug) 

„Könnte schlimmer sein: Wäre Heino mit Garanča verheiratet, 

würde er Don Carlo dirigieren.“ (Capriccio) 

Zur Newsletter-Exklusivmeldung, dass der Wiener 

Musikverein mit Stephan Pauly verhandelt 

„Guter Riecher, Kompliment.“ (Dr. Andreas B.) 

Zum Newsletter-Gespräch über die Nichtverlängerung 

von Florian Lutz in Halle auf Facebook 

„Intrigen allüberall. Wie dumm kann man sein?“ (Brigitta H.) 

Zur Newsletter-Meldung über Gustavo Dudamels 

Indifferenz in der Venezuela-Frage auf Facebook 

„Ein Musiker muss nicht mutig sein oder einen starken Charakter 

haben und wer kennt schon seine Überzeugungen. Ein Mann 

jedoch, der weltweit tätig ist, vom freien System profitiert und 

reich wird, sollte für Freiheit eintreten können.“ (Wolfram H.) 


präsentiert: 

ERLEBEN 

Die wichtigsten Termine und Veranstaltungen von März bis Mai im Überblick (ab Seite 44) 

Komponist Moritz Eggert setzt Fritz Langs Kultfilm M musikalisch in einer Oper um (Seite 46) 

Die 10. Internationalen Schostakowitsch Tage in Gohrisch (Seite 50) 

10. April, München 

PERCUSSION TIME! 

CRESCENDO präsentiert in Kooperation mit dem Münchner 

Rundfunkorchester den Perkussionisten Simone Rubino in der Reihe 

„Mittwochs um halb acht“. CRESCENDO Leser erhalten exklusiv Karten 

in der besten Kategorie sowie eine Backstage-Führung vorab und 

sind zu Künstlergesprächen in der CRESCENDO Lounge im Gartensaal 

herzlich willkommen. „Ich finde es spannend, was Schlagzeug kann“, sagt 

Simone Rubino. Der vielseitige Schlagzeuger, der für eine Saison als Artist 

in Residence zum Münchner Rundfunkorchester berufen ist, spielt u. a. 

Marimba, Röhrenglocken, Trommeln und Gongs sowie Schellen und Becken. 

Als Schlagzeuger habe man kein so großes Repertoire, erläutert er. 

Darum liebe er zeitgenössische Musik. Sie ermögliche es, mit Komponisten 

an neuen Werken zu arbeiten. Für „Percussion Time!“ mit 

dem Münchner Rundfunkorchester, geleitet von Ariel Zuckermann, 

wählt er Werke von Tan Dun, der japanischen Komponistin 

Keiko Abe und Astor Piazzolla. 

München, Prinzregententheater, das CRESCENDO 

Exklusivpaket für 45 Euro nur unter: 

www.crescendo.de/live 

FOTO: MARCO BORGGREVE 

43

E R L E B E N 

April / Mai 2019 

DIE WICHTIGSTEN 

VERANSTALTUNGEN AUF 

EINEN BLICK 

Ihr persönlicher Navigator für Premieren, Konzerte und Festivals 

PREMIEREN 

16.2. FRANKFURT AM MAIN OPER 

Der ferne Klang / Franz Schreker 

16.3. BERLIN KOMISCHE OPER 

Poros / Georg Friedrich Händel 

16.3. FLENSBURG SCHLESWIG- 

HOLSTEINISCHES LANDESTHEATER 

Manon Lescaut / Giacomo Puccini 

16.3. MÜNCHEN NATIONALTHEATER 

La fanciulla del West / Giacomo Puccini 

16.3. WIEN (AT) THEATER A. D. WIEN 

Die Jungfrau v. Orleans / P. Tschaikowsky 

23.3. DARMSTADT STAATSTHEATER 

Rusalka / Antonín Dvořák 

23.3. ERFURT THEATER 

Dead Man Walking / Jake Heggie 

23.3. ESSEN AALTO-MUSIKTHEATER 

Medea / Aribert Reimann 

23.3. KARLSRUHE BADISCHES 

STAATSTHEATER 

Roberto Devereux / Gaetano Donizetti 

23.3. MÖNCHENGLADBACH THEATER 

Boris Godunow / M. Mussorgski 

23.3. MAINZ STAATSTHEATER 

Simon Boccanegra / Giuseppe Verdi 

23.3. NÜRNBERG STAATSTHEATER 

Madame Butterfly / Giacomo Puccini 

23.3. OSNABRÜCK THEATER 

The Producers / Mel Brook 

24.3. AUGSBURG THEATER 

JFK / David T. Little 

24.3. BERLIN DEUTSCHE OPER 

Der Zwerg / Alexander von Zemlinsky 

24.3. MANNHEIM NATIONAL- 

THEATER Francesca da Rimini / 

Sergej Rachmaninow 

28.3. MÜNCHEN GÄRTNERPLATZ- 

THEATER La Bohème / Giacomo Puccini 

29.3. HANNOVER STAATSOPER 

Iphis / Elena Kats-Chernin 

30.3. BASEL (CH) THEATER 

Madame Butterfly / Giacomo Puccini 

30.3 LEIPZIG OPER 

Der fliegende Holländer / R. Wagner 

31.3. AACHEN THEATER 

La Grande-Duchesse de Gérolstein / 

Jacques Offenbach 

31.3. GELSENKIRCHEN MUSIKTHEATER 

IM REVIER Ein Sommernachtstraum / 

Bridget Breiner 

31.3. KÖLN OPER 

La scuola de‘ gelosi / Antonio Salieri 

31.3. WIEN (AT) STAATSOPER 

Orest / Manfred Trojahn 

13. bis 22. April, Osterfestspiele Salzburg 

DAS DUMPFE WIRKEN DER 

LEIDENSCHAFTEN 

Die Sopranistin 

Marisol Montalvo ist 

eine der gefragtesten 

Protagonistinnen zeitgenössischer 

Musik 

Während im Großen Festspielhaus Wagners Meistersinger mit dem 

Künstlerischen Leiter Christian Thielemann am Pult über die Bühne 

gehen, gibt es in der Großen Universitätsaula die Uraufführung 

von Philipp Maintz’ Kammeroper Thérèse zu sehen. „Mich fasziniert 

Musiktheater“, wusste Maintz bereits, bevor bei der Münchener 

Biennale 2010 seine erste Oper Maldoror zur Aufführung 

kam. Otto Katzameier übernahm damals die Titelrolle. Diesmal 

verfasst er auch das Libretto nach dem Roman und Drama von 

Émile Zola, der seinen Text als wissenschaftliche Analyse verstand. 

Das „dumpfe Wirken der Leidenschaften, das Drängen des Naturtriebs“ 

habe er zu verfolgen versucht. Georges Delnon setzt das 

Werk mit Nicolas André am Pult in Szene. Die Partie von Laurent 

verkörpert Katzameier. Thérèse ist Marisol Montalvo (Foto). Als 

zweite Uraufführung steht das Orchesterwerk Der Zorn Gottes von 

Sofia Gubaidulina auf dem Programm. Tobias Moretti ist der Sprecher 

in der Ode an Napoleon Buonaparte, Schönbergs Auseinandersetzung 

mit der politischen Situation der 1940er-Jahre und seine 

Stellungnahme gegen die Tyrannei. Mit dem Herbert-von-Karajan- 

Preis 2019 wird Mariss Jansons geehrt, der als Gastdirigent mit der 

Sopranistin Regula Mühlemann die Vierte Sinfonie Mahlers zur Aufführung 

bringt. 

Salzburg, verschiedene Spielorte, www.osterfestspiele-salzburg.at 

FOTO: MARISOL MONTALVO 

5.4. DESSAU ANHALTISCHES 

THEATER Manon Lescaut / G. Puccini 

5.4. LUDWIGSHAFEN THEATER IM 

PFALZBAU Jenufa / Leoš Janáček 

6.4. BRAUNSCHWEIG STAATS- 

THEATER Die Passagierin / Mieczysław 

Weinberg 

6.4. DRESDEN SEMPEROPER 

Platée / Jean-Philippe Rameau 


Die Gezeichneten / Franz Schreker 

6.4. KAISERSLAUTERN PFALZ- 

THEATER Cabaret / John Kander 

6.4. MÜNSTER THEATER 

Die Liebe zu den drei Orangen / 

Sergej Prokofjew 

6.4. WIEN (AT) VOLKSOPER 

Meine Schwester und ich / R. Benatzky 

7.4. BONN THEATER 

Die Sache Makropulos / Leoš Janáček 

7.4. STUTTGART STAATSOPER 

Nixon in China / John Adams 

7.4. ZÜRICH (CH) OPERNHAUS 

Manon Lescaut / Jules Massenet 

10.4. HAMBURG STAATSOPER 

Lessons in Love and Violence / 

George Benjamin 

12.4. FREIBURG THEATER 

Don Giovanni / W. A. Mozart 

12.4. KREFELD THEATER 

Nabucco / Giuseppe Verdi 

12.4. MANNHEIM NATIONALTHEATER 

House of Usher / Claude Debussy 

13.4. BERLIN STAATSOPER 

Die Verlobung im Kloster / 

Sergej Prokofjew 

18.4. DORTMUND THEATER 

Quartett / Luca Francesconi 

20.4. HILDESHEIM THEATER 

Tod in Venedig / Benjamin Britten 


Ariadne auf Naxos / Richard Strauss 


THEATER On the Town / L. Bernstein 


Callas / Reinhild Hoffmann 


Aida / Giuseppe Verdi 


Oedipus Rex / Igor Strawinsky 

27.4. HOF THEATER 

Kiss Me, Kate! / Cole Porter 

27.4. KASSEL STAATSTHEATER 

Ares / Johannes Wieland 

27.4. KIEL THEATER 

Die Stumme von Portici / 

Daniel-François-Esprit Auber 


FOTOS: HANS JÖRG MICHEL; NINA KARMON; MONIKA RITTERSHAUS; GERT WEIGELT; THOMAS JAUCK; SONY MUSIC; MENG PHU; SHIRLEY SUAREZ; BLACKIE BOUFFANT; JÖRN KIPPING; GILBERT FRANÇOIS; PAAVO BLAFIELD 

NACH BAUBEGINN 1863 

25. Mai 

150 JAHRE HAUS AM RING 

Die Wiener Staatsoper feiert das 150-jährige 

Bestehen ihres Hauses am Ring. 1857 ordnete 

Kaiser Franz Joseph I. die Schleifung des Befestigungsgürtels 

an, um an seiner Stelle eine Ringstraße 

errichten zu lassen. Als erstes ofzielles 

Gebäude entstand die Hofoper nach Plänen der 

Architekten Eduard van der Nüll und August 

Sicard von Sicardsburg. Die Eröffnung am 25. Mai 1869 erlebten die beiden 

allerdings nicht. Die Oper wirke wie im Boden eingesunken, kritisierte 

der Kaiser, worauf van der Nüll sich umbrachte und von Sicardsburg 

aus Gram verstarb. Erster Intendant wurde Franz von Dingelstedt, 

der zwar nichts von Musik verstand und für den die Oper bloß ein „notwendiges 

Übel“ war, der aber durch langjährige Tätigkeit in München und 

Weimar Erfahrung hatte. Den Geburtstag ihres Hauses feiert die Staatsoper 

mit einer Matinee, einer Neuinszenierung der Oper Die Frau ohne 

Schatten von Richard Strauss, der von 1919 bis 1924 Opernintendant in 

Wien war, und einem „Fest für alle“. In einem gemeinsamen Jubiläumskonzert 

bespielen Ensemblesänger, Gäste, das Wiener Staatsballett, das 

Staats opernorchester, das Bühnenorchester und der Staatsopernchor 

den öffentlichen Raum rund um das Haus. 

Wien, Staatsoper, www.wiener-staatsoper.at 

10. bis 26. Mai 

HANNOVER 

KUNSTFESTSPIELE HERRENHAUSEN 

Frank Zappa (Foto) ging als Ikone des Undergrounds 

in die Geschichte der Rockmusik ein. 

Tatsächlich aber komponierte er seit seinem 

15. Lebensjahr auch für Sinfonieorchester. Er sah 

darin das „ultimative Instrument“ und interessierte 

sich leidenschaftlich für Neue Musik. 

1993, im Jahr seines frühen Todes, veröffentlichte 

er mit dem Ensemble Modern sein letztes Album „The Yellow Shark“. 

Im Rahmen der KunstFestSpiele Herrenhausen, die ihr zehntes Jubiläum 

feiern, bringt das Ensemble Modern unter der Leitung von Festspielintendant 

Ingo Metzmacher das Werk wieder zur Aufführung, zusammen 

mit Greggery Peccary & Other Persuasions. Die überbordenden Kompositionen 

aus Zappas Archiven wurden von seinen Mitarbeitern Todd Yvega 

und Ali N. Askin in orchestrale Sprache übertragen und 2000 als Album 

herausgebracht. Rund 90 genreübergreifende Veranstaltungen stehen auf 

dem Jubiläumsprogramm der Festspiele, darunter die deutsche Erstaufführung 

von Claude Viviers „Opéra-rituel du mort“ Kopernikus. 

Hannover, verschiedene Spielorte, www.kunstfestspiele.de 

26. bis 28. April 

BURG SCHAUBECK 

KAMMERMUSIK FESTIVAL 

„Vinum et musica laetificant cor“ (Wein und 

Musik erfreuen das Herz) ist der Leitgedanke 

des Kammermusik Festivals auf Burg Schaubeck, 

dem Sitz des Weinguts Graf Adelmann. Die Geigerin 

Nina Karmon (Foto) rief es ins Leben und 

lädt Kollegen zum gemeinsamen Musizieren auf 

die Burg. Zum Auftakt erklingt Mozarts Hornquintett 

KV 407, das durch die Besetzung mit zwei Bratschen die dunklen 

weichen Töne des Horns besonders schön hervorhebt. Hornist ist 

Szabolcs Zempléni. Nach einem Ausflug in mediterrane Klangwelten mit 

den italienischen Meistern Luigi Boccherini und Achille Simonetti sowie 

den Spaniern Gaspar Cassadó, Enrique Granados und Joaquin Turina entführt 

eine Matinee mit der Geigerin Elisabeth Kufferath, dem Bratschisten 

Diyang Mei, dem Cellisten Trey Lee und Oliver Triendl am Klavier ins 

französische Repertoire. Zum romantischen Ausklang gibt es Schumann, 

Brahms und Beethoven. 

Ludwigsburg, Burg Schaubeck, www.festival-schaubeck.de 

28. April 

BERLIN OCEANE 

„Der Tag ging, ein anderer kam, Oceane war 

fort.“ Mit knappen Worten lässt Theodor 

Fontane in Oceane von Parceval seine Titelfigur 

aus dem Leben verschwinden. Zum 200. Geburtstag 

des Dichters nimmt Detlev Glanert 

das Romanfragment zur Vorlage einer Oper. In 

der vergeblichen Sehnsucht des mythischen 

Naturwesens nach Nähe zu den Menschen sieht er eine psychologische 

Anlage der Figur. Mit Hans-Ulrich Treichel entwirft er ein Libretto, das 

die Leer- und Bruchstellen des Textes in Klang verwandelt. Ein Chor vertritt 

die Stimme des Meeres und die Gesellschaft. In der Inszenierung von 

Robert Carsen und mit Maria Bengtsson (Foto) als Oceane kommt das 

„Sommerstück für Musik“ unter Donald Runnicles zur Uraufführung. 

Berlin, Deutsche Oper, 28.4. (Premiere) sowie 3., 15., 17. und 24.5., 

www.deutscheoperberlin.de 


HANNOVER OSTER-TANZ-TAGE 

Internationale Gäste kommen zu den Tanz- 

Tagen nach Hannover. Shaun Parker und seine 

Kompanie aus Australien ergründen mit der farbenfrohen 

Tanzshow Happy as Larry die flüchtige 

Natur menschlichen Glücks. Der Choreograf 

Johan Inger und seine Kompanie Aterballetto 

aus Italien erinnern sich an die Golden Days, als 

Tom Waits, Patti Smith und Keith Jarrett den Freiheitsdrang einer Generation 

verkörperten. Die Grupo Corpo aus Brasilien blickt mit Dança 

Sinfônica zurück auf ihre 40-jährige Geschichte. Und das gastgebende Ballett 

der Staatsoper zeigt mit Inferno (Foto) eine Satire auf Politik und Kirche. 

Hannover, Staatsoper, www.staatstheater-hannover.de 


DRESDEN 4.48 PSYCHOSE 

Um 4:48 Uhr, wenn die Wirkung der Medikamente 

nachlässt, offenbart die klirrende Schlaflosigkeit 

den inneren Krieg. Im letzten Drama 

der britischen Schriftstellerin Sarah Kane, die 

sich 1999 das Leben nahm, werden Wahn, 

Erkenntnis und künstlerische Reflexion eins. 

Philip Venables hat das Drama veropert. Seine 

Partitur gibt die seelische Finsternis in hoher Tonlage wieder. Wilde 

Trommelwirbel mischen sich mit schmeichelndem Radioklang. Venables 

bringt Streicher, Saxofone, Akkordeon und Synthesizer zum Einsatz. Die 

Vokalstimme wechselt zwischen monotonem Gesang und schmerzvollem 

Kreischen. Unter der Leitung von Max Renne und mit Sarah Maria 

Sun (Foto) als Gwen setzt Tobias Heyder die Kammeroper in Szene. 

Dresden, Semperoper, 26. (Premiere) und 29.4. sowie 3., 4., 6., 8. und 10.5., 

www.semperoper.de 


ACHENKIRCH EVA LIND MUSIK AKADEMIE 

Die Ruhe und Abgeschiedenheit der Tiroler 

Bergwelt ermöglicht es, sich ganz der Musik hinzugeben. 

2015 gründete die Sopranistin Eva Lind 

in Achenkirch ihre Musik Akademie, um mit 

ihren Freunden aus der Musikwelt Wissen und 

Erfahrung weiterzugeben. Abendliche Konzerte 

und ein öffentliches Schlusskonzert bieten die 

Chance, Erlerntes zu erproben. Vor Ostern finden neue Meisterklassen 

mit Angelika Kirchschlager (Foto) im Fach Gesang, Mirjam Tschopp im 

Fach Geige und Bratsche, Julius Berger und Hyun-Jung Berger im Fach 

Cello, Enjott Schneider im Fach Komposition und Danièle Florence 

Perrin im Fach Schauspiel statt. Anmeldeschluss ist der 31. März. 

Achenkirch, Hotel Kronthaler, www.musikakademie.tirol 

45

E R L E B E N 

5. Mai, Berlin 

„VIELLEICHT AUCH EINE WARNUNG“ 

Der Komponist Moritz Eggert 

FOTO: KATHARINA DUBNO 

Fritz Langs Film „M“ aus dem Jahr 1931 bildet die Grundlage für Moritz 

Eggerts neues Musiktheaterprojekt „M – Eine Stadt sucht einen Mörder“. 

Lang, der den Stoff seines Films Polizeiberichten entnahm, warf darin 

eine soziale Problematik auf und löste eine Diskussion darüber aus, ob 

ein psychisch kranker Triebtäter zum Verbrecher erklärt werden dürfe. 

Wie der Filmhistoriker Jerzy Toeplitz anmerkte, habe Langs Film 

Jahre angekündigt, „in denen die Moral eine Krise erlebt“. Er sei ihr 

Vorbote und „vielleicht auch eine Warnung“ gewesen. Diesen Aspekt, 

wie angesichts einer alle Bevölkerungsschichten erfassenden Hetzjagd 

der Täter immer mehr zum Opfer wird, hebt Moritz Eggert (Foto) in 

seiner Umsetzung hervor. So verwenden Barrie Kosky und Ulrich Lenz 

für ihr Libretto das originale Drehbuch, erweitert um Kinderlieder 

und Gedichte des 1896 in Berlin geborenen deutsch-jüdischen Schriftstellers 

Walter Mehring. Kosky setzt das Werk mit Ainārs Rubiķis am 

Pult in Szene, wobei Moritz Eggert mit seiner Komposition die traditionelle 

Opernästhetik aufbricht, indem er alle Klänge, auch den Gesang 

und die Musik, elektronisch verstärken lässt, damit das Publikum 

davon umhüllt wird und in das Geschehen eintaucht. Eine besondere 

Herausforderung kommt auf den Kinderchor zu, der das ganze Werk 

über zu singen hat. M, den Mörder, verkörpert Scott Hendricks. 

Berlin, Komische Oper, 5. (Premiere), 11. und 25.5. sowie 9., 22. und 26.6., 

www.komische-oper-berlin.de 


BERLIN WORDS AND MUSIC 

Samuel Beckett und Morton Feldman verband 

eine lange Freundschaft. Als Beckett 1987 im 

Berliner Schillertheater die deutsche Erstaufführung 

von „Footfalls“ inszenierte, kam Feldman 

auf die Probe und bat ihn um einen Operntext. 

Beckett schrieb ihm Neither. Die gemeinsame 

Arbeit daran veranlasste Beckett dazu, 

Feldman um eine Musik zu dem Radiohörspiel „Words and Music“ zu bitten, 

das er 1961 für BBC Radio geschrieben hatte. Für Feldman war es 

„ein riesiger Spaß, etwas für Beckett zu machen, sozusagen ihm zu Ehren, 

der seit den 1950er-Jahren Teil meines Lebens war (...) es war gewissermaßen 

ein Liebesdienst, den ich ihm voller Freude leistete“. 1987, im Todesjahr 

Feldmans, erfolgte beim American Beckett Hörspielfestival die 

erste Aufführung. Beckett lässt die Worte und die Musik einander gegenübertreten. 

Beide versuchen, den alten, einsamen Croak zu trösten, indem 

sie auf dessen Stichworte „Liebe“, „Alter“ und „Das Gesicht“ reagieren. 

Der Dirigent Maxime Pascal (Foto) lässt sich auf Becketts und 

Feldmans Verständnis der Theatralik von Musik, Sprache und Raum ein 

und entwickelt mit zwei Sprechern und der Orchesterakademie der 

Staatskapelle Berlin aus Words and Music ein Live-Hörspiel. 

Berlin, Staatsoper Unter den Linden, 23. (Premiere), 24. und 27.4., 

www.staatsoper-berlin.de 

22. bis 31. März 

BERLIN MAERZMUSIK 

Als „Glücksfall“ bezeichnet die Komponistin 

Jennifer Walshe (Foto) ihre Zusammenarbeit 

mit dem Philosophen Timothy Morton. In ihrer 

multimedialen Performance „Time Time Time“ 

setzen sich die beiden mit den vielfältigen 

Zeitlichkeiten auseinander, die das Menschsein 

prägen. „Über das Leben zu sprechen, bedeutet, 

über Zeit zu sprechen“, erklärt Walshe. Das „Festival für Zeitfragen“ 

stellt ihre musikalische Reflexion über die multiplen Schichten von Zeit 

vor. Die Musik entwickelt Walshe mit Áine O’Dwyer, Lee Patterson, 

M. C. Schmidt, Streifenjunko und Vilde & Inga, die an akustischen sowie 

elektronischen Instrumenten auch die Ausführung übernehmen. Zehn 

Tage lang widmet sich das Festival „MaerzMusik“ dem Phänomen der 

Zeitlichkeit. Im Konzert „Clocks without Hands“ setzt sich Olga Neuwirth, 

ausgehend von ihrer Familiengeschichte, mit dem Wesen von Zeit 

und dem Verblassen von Erinnerung auseinander. Die Ausstellung „A 

Utopian Stage“, kuratiert von Vali Mahlouji, erinnert an das „Festival of 

Arts“, das zwischen 1967 und 1977 als Festival für Avantgarde-Kunst im 

Iran stattfand. Und zum Abschluss versammelt „The Long Now“ Konzerte, 

Performances und elektronische Live-Acts mit Klang- und Videoinstallationen 

zu einer 30-stündigen Komposition in Zeit und Raum. 

Berlin, verschiedene Spielorte, www.maerzmusik.de 



28.4. KÖLN OPER 

Street Scene / Kurt Weill 


THEATER L‘heure espagnole / M. Ravel 


Iphigénie en Tauride / Chr. W. Gluck 


Il turco in Italia / Gioachino Rossini 

3.5. BERN (CH) KONZERTTHEATER 

Paul Klee / Etienne Béchard 

3.5. GERA LANDESTHEATER ALTEN- 

BURG Forever Lennon / Silv. Schröder 


THEATER Winterreise / Gregor Zöllig 

4.5. COTTBUS STAATSTHEATER 

Der fliegende Holländer / R. Wagner 

4.5. FLENSBURG SCHLESWIG- 

HOLSTEINISCHES LANDESTHEATER 

Vanessa / Samuel Barber 

4.5. GERA LANDESTHEATER ALTENB. 

Der Kaiser von Atlantis / Viktor Ullmann 

4.5. GIESSEN STAATSTHEATER 

Alp Arslan / Richard van Schoor 

FOTO: NIL YALTER 

Bis 2. Juni, Köln 

4.5. KAISERSLAUTERN PFALZ- 

THEATER Rienzi / Richard Wagner 

4.5. OSNABRÜCK THEATER 

Orlando / Georg Friedrich Händel 

11.5. GELSENKIRCHEN MUSIK- 

THEATER IM REVIER 

Das Rheingold / Richard Wagner 

11.5. KOBLENZ THEATER 

Albert Herring / Benjamin Britten 

12.5. BREMEN THEATER 

Die tote Stadt / Erich Wolfgang Korngold 

12.5. FRANKFURT AM MAIN OPER 

Rodelinda / Georg Friedrich Händel 

12.5. KREFELD THEATER 

Der goldene Drache / Peter Eötvös 

12.5. NÜRNBERG STAATSTHEATER 

Lohengrin / Richard Wagner 

13.5. WIEN (AT) THEATER AN DER 

WIEN Oberon / Carl Maria von Weber 

15.5. LÜBECK THEATER 

Don Giovanni / W. A. Mozart 


Il barbiere di Siviglia / Gioachino Rossini 

EXIL IST HARTE ARBEIT 

Nil Yalter: „Exile Is a Hard Job / Walls“, 2018 

Acryl auf Offset-Druck im öffentlichen Raum 

Die Beziehung zwischen Menschen und Orten ist das große Thema 

von Nil Yalters künstlerischem Schaffen. Dabei schöpft sie auch aus 

ihrem eigenen Leben, das von Migration geprägt war. 1938 wurde sie 

als Tochter türkischer Eltern in Kairo geboren. Als sie vier Jahre alt 

war, zog die Familie nach Istanbul, wo Yalter ohne formale Ausbildung 

ihre künstlerische Arbeit begann. 1965 ging sie nach Paris und 

befasste sich mit dem Leben türkischer Migranten, ihren Wohnverhältnissen 

und ihren Arbeitsplätzen. Ihre orientalisch umrahmten 

Fotocollagen „Garment Workers“ zeigen Näherinnen in winzigen 

Wohnungen. „Anderer Leute Häuser werden zu Dächern der Sklaverei; 

die Mutigen werden zu Knechten“, setzt sie als Zitat der türkischen 

Schriftstellerin Hasan Hüseyin dazu. Im Museum Ludwig findet 

die erste große Überblicksausstellung der Künstlerin statt. Zudem 

führt Yalter ihre Posterserie „Exile Is a Hard Job / Walls“ (Foto) 

im Stadtraum von Köln fort. Zeichnungen und Fotos von türkischen 

Einwanderern aus ihrer Arbeit „Turkish Immigrants“ von 1977 werden 

ohne Autorisierung in verschiedenen Stadtvierteln aufgehängt. 

Den Slogan „Exil ist harte Arbeit“ schreiben die Künstlerin oder die 

Bewohner auf die Poster, und zwar in der Sprache, die im jeweiligen 

Viertel vorrangig gesprochen wird: Deutsch, Türkisch, Arabisch, 

Russisch, Polnisch. Die Arbeit ist von und für Migranten, deren Existenz 

gleichzeitig so offensichtlich und doch abwesend ist. 

Köln, Museum Ludwig, www.museum-ludwig.de 

31. MAI – 16. JUNI 2019 

IN HALLE (SAALE) 

an authentischen Orten in der Geburtsstadt 

von Georg Friedrich Händel 

ERLEBEN SIE 

OPERN 

Il Pastor fido (HWV 8a) 

Atalanta (HWV 35) 

ORATORIEN 

Messiah (HWV 56) // Susanna (HWV 66) 

FESTKONZERTE 

Karina Gauvin // Valer Sabadus // 

Carolyn Sampson // Vivica Genaux 

und Lawrence Zazzo 

u. v. a. m. 

JETZT DIE TICKETS SICHERN! 

www.haendelfestspiele-halle.de, 

+49 (0) 345 565 27 06 und 

bundesweit an allen 

CTS-Eventim- 

Vorverkaufsstellen 

Stiftung Händel-Haus 

Große Nikolaistr 5 // 06108 Halle (Saale) 

19. April bis 

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1. Mai 2019 

MIT 

Eröffnungskonzert, 

Matineen, Orgelkonzert, 

Jazz-Night, Festivalbrunch 

& Jubiläumskonzert 

WEITERE INFORMATIONEN UNTER 

www.osterfestival.de 

Tickets bei den örtlichen 

Vorverkaufsstellen und online 

unter www.eventim.de 

Freitag, 26. April, 20 Uhr 

Stadtkirche Bayreuth 

TROMPETENSCHALL 

& ORGENKLANG 

25. 

Mit dem Blechbläserensemble 

Bavarian Brass & 

Christoph Krückl, Orgel 

BAYREUTHER 

OSTERFESTIVAL 

BAYREUTHER 

OSTERFESTIVAL 

InternationaleGluckFestspiele 

Nürnberg Bayreuth Berching Erlangen Fürth Lauf Neumarkt 

Neue Klänge für Europa 27. Juni – 14. Juli 2019 

www.gluck-festspiele.de 

47

E R L E B E N 


Orlando / Georg Friedrich Händel 


The Fairy Queen / Henry Purcell 


Mayerling / Kenneth MacMillan 

19.5. ZÜRICH (CH) OPERNHAUS 

Hippolyte et Aricie / J.-Ph. Rameau 


THEATER Der junge Lord / H. W. Henze 

24.5. DORTMUND THEATER 

Echnaton / Philip Glass 

24.5. GERA LANDESTHEATER ALTEN- 

BURG Der Vogelhändler / Carl Zeller 

24.5. HEIDELBERG THEATER 

Katja Kabanowa / Leoš Janáček 

25.5. AUGSBURG THEATER 

Don Pasquale / Gaetano Donizetti 

25.5. BERN (CH) KONZERTTHEATER 

Tristan und Isolde / Richard Wagner 


Die sizilianische Vesper / Giuseppe Verdi 

Davide Cabassi 

12. bis 14. April, Erl 


THEATER L‘Invisible / Aribert Reimann 

25.5. CHEMNITZ DIE THEATER 

Fidelio / Ludwig van Beethoven 

25.5. DESSAU ANHALTISCHES 

THEATER 

Katja und der Teufel / Antonín Dvořák 

25.5. DRESDEN SEMPEROPER 

Nabucco / Giuseppe Verdi 

25.5. FREIBURG THEATER 

Pelléas et Mélisande / Claude Debussy 

25.5. KASSEL STAATSTHEATER 

Der Wildschütz / Albert Lortzing 

25.5. MANNHEIM NATIONAL- 

THEATER 

Pelléas et Mélisande / Claude Debussy 

26.5. MÜNCHEN NATIONALTHEATER 

Alceste / Christoph Willibald Gluck 


Figures of Speach / Alonzo King 

31.5. HALLE OPER 

Julius Cäsar in Ägypten / G. F. Händel 

NEUE UND ALTE 

KLAVIERMUSIK IM DIALOG 

Die Klaviertage in Tirol bringen selten gehörte zeitgenössische 

Klaviermusik in einen Dialog mit klassischen Werken. Im Eröffnungskonzert, 

dessen Programm der Pianist Davide Cabassi (Foto) zusammenstellt, 

kommen neben Kompositionen von Schostakowitsch 

und Rachmaninow auch zwei Stücke von Thomas Adès zur Aufführung. 

Zu Blanca Variations ließ Adès sich von den sehnsüchtigtraurigen 

Klängen eines Ladino-Volksliedes inspirieren, und für 

Darkness Visible nahm er John Dowlands Lautenlied In Darkness Let 

Me Dwell aus dem Jahr 1610 zur Vorlage, das er von innen her erleuchtet, 

indem er verborgene Klangmuster hervorholt und sie in 

neue Zusammenhänge bringt. Nachts gibt es dann noch ein „Piano 

Battle“, in dem Luca Buratto auf dem Klavier und Michele Benuzzi 

auf dem Cembalo Werke von Bach spielen. Der Pianist Alfonso 

Alberti stellt unter dem Motto „Beethoven-Kontraste“ die letzten 

Klaviersonaten des erblindeten Beethoven in Bezug zu den rafnierten 

Klavierkompositionen aufregender Pracht und Schönheit 

Gérard Pessons sowie Werken von Ivan Fidèle und Philip Glass. In 

der „Late Night“ widmet sich Mélodie Zhao den Klavierkompositionen 

Franz Liszts. Und zur abschließenden „Benefiz-Matinee“ 

dirigiert Friedrich Haider das Festspiel-Orchester bei Rossinis Petite 

Messe solonnelle und Beethovens Fünftem Klavierkonzert, womit er an 

die kuriose Begegnung der beiden Komponisten 1822 erinnert. 

Erl, Festspielhaus, www.tiroler-festspiele.at 

FOTO: DAVIDE CABASSI 


MÜNCHEN DANIEL BEHLE 

Die schöne Müllerin steht auf dem Programm von 

„Liederleben“. Die Pianistin und Liedbegleiterin 

Akemi Murakami (Foto), die die Reihe ins Leben 

rief und leitet, begleitet den lyrischen Tenor 

Daniel Behle bei Schuberts Vertonung von Wilhelm 

Müllers Versen. Der Zyklus über Liebe 

und Leid des jungen Müllergesellen gehört zu 

den Kernstücken des Liedrepertoires von Behle, der bekannt ist für seine 

überaus eindrucksvollen Liedinterpretationen. Weiter geht es mit 

„Liederleben“ am 2. Juni auf Schloss Nymphenburg, wenn Marie-Sophie 

Pollak in einem Konzert Schubert und Liszt einander gegenüberstellt. 

München, Max-Joseph-Saal der Residenz, www.lied-er-leben.com 

2. Mai 

HAMBURG DIE NACHT DER SEEIGEL 

Ein Mann auf der Flucht, eine schwangere Frau 

und ein alter Wissenschaftler – drei einsame 

Menschen, getrieben von der Sehnsucht nach 

„Verschmelzung“. Das ist das Szenario des Musiktheaterprojekts 

„Die Nacht der Seeigel“ der 

Komponisten Huihui Cheng, Diana Syrse und 

Mischa Tangian. Die Verschmelzung schaffen die 

Seeigel, über die der Wissenschaftler eine Theorie aufgestellt hat. Es 

wird Nacht, das Meer steigt und überflutet die Stadt. Die Seeigel bevölkern 

den Raum und verändern alles. Sie „vereinen, trennen, löschen, befruchten“. 

In der Reihe „opera stabile“ kommt das Projekt zur Uraufführung. 

Die drei Protagonisten verkörpern Hiroshi Amako (Mann), Na’ama 

Shulman (Frau) und Gabriele Rossmanith (Foto, Wissenschaftler). 

Hamburg, Staatsoper, 2. (Premiere), 4., 5., 7., 9. und 11.5., 

www.staatsoper-hamburg.de 

24. April bis 26. Mai 

INTERNATIONALE MUSIKFESTSPIELE SAAR 

„New Generation“ lautet das Motto der Musikfestspiele 

Saar. Die Festspiele feiern ihr 30-jähriges 

Jubiläum und haben sich unter ihrem 

künstlerischen Leiter, dem Organisten Bernhard 

Leonardy, zum Ziel gesetzt, junge Menschen 

für klassische Musik zu begeistern. Gast 

in der Jubiläumssaison, die vom European Youth 

Orchestra eröffnet wird, ist die Pianistin Valentina Lisitsa (Foto). Sie ist 

der erste Youtube-Star der klassischen Musik, dem es zudem gelang, den 

Interneterfolg in eine weltweite Konzertkarriere zu verwandeln. 2007 

stellte sie mit einer Rachmaninow-Etüde ihr erstes Video ins Netz. Im 

Jahr darauf spielte sie bereits in der Royal Albert Hall in London. An die 

Saar kommt sie mit Tschaikowsky. 

Saarbrücken, verschiedene Spielorte, www.musikfestspielesaar.de 

10. bis 25. Mai 

BERLIN CRESCENDO-FESTIVAL DER UDK 

Die Fakultät der Musik der Universität der 

Künste Berlin feiert ihr 150-jähriges Bestehen. 

Sie geht zurück auf die 1869 unter der Ägide des 

Geigers Joseph Joachim (Radierung von Gustav 

Eilers) gegründete Königliche Akademische 

Hochschule für Musik. Das crescendo-Festival 

der UdK feiert das Jubiläum mit einem vielfältigen 

Programm. Im Festkonzert dirigiert Stefan Sanderling das Symphonieorchester 

der UdK Berlin bei Werken von Joseph Joachim und Franz 

Schreker. Die UdK-Professoren finden sich zum Streichsextett zusammen, 

und die neuen Professoren, der Pianist Christian Petersen und der 

Cellist Danjulo Ishizaka, stellen sich in Soloabenden vor. Den Festivalausklang 

gestaltet Mirijam Contzen mit den Studierenden der Violinklassen. 

Berlin, UdK, www.udk-berlin.de/crescendo 



KÜNSTLER 

ANAÏS GAUDEMARD 

30.3. Dortmund, Konzerthaus 

6.4. Wien (AT), Konzerthaus 

6. und 7.5. Hamburg, Elbphilharmonie 

HAUSCHKA 

24.4. Berlin, Konzerthaus 

2.5. Köln, Gürzenich 

20.5. Frankfurt, Künstlerhaus 

Mousonturm 

29.5. Recklinghausen, Ruhrfestspielhaus 

FRIEDRICH KLEINHAPL 

18.3. Graz (AT), Musikverein 

21.4. Graz (AT), Landhaushof 

21.5. Fürstenfeld, Stadthalle 

FELIX KLIESER 

18.3. Hannover, Jugendkirche 

31.3. und 1.4. Saarbrücken, 

Congresshalle 

18.5. Hochstädt, Schloss 

25.5. Düsseldorf, Tonhalle 

ALEXANDER KRICHEL 

19.3. Zürich (CH), Kaufleuten 

20.3. Bern (CH), Le CAP 

30.3. Ulm, Stadthaus 

1.4. Wiesbaden, Kurhaus 

4.4. Nordenham, Aula Gymnasium 

7.4. Bad Mergentheim, Deutschordensmuseum 

ANDREAS OTTENSAMER 

17.3. München, Prinzregententheater 

6.4. Zug (CH), Theater Casino 

7.4. Düsseldorf, Museum Kunstpalast 

8.4. Berlin, Kammermusiksaal der 

Philharmonie 

10.4. Schweinfurt, Theater 

19.5. Wien (AT), Musikverein 

ANNA LUCIA RICHTER 

4.4. Frankfurt, Alte Oper 

10.4. Stuttgart, Liederhalle 

11.4. Berlin, Kammermusiksaal der 

Philharmonie 

12.4. Freiburg, Konzerthaus 

14.4. Duisburg, Mercatorhalle 

der Philharmonie 

16.4. Berlin, Konzerthaus 

4.5. Hohenems (AT), Markus- 

Sittikus-Saal 


FAZIL SAY 

19.3. Ludwigshafen, Feierabendhaus 

20.3. Düsseldorf, Tonhalle 

21.3. Ingelheim, Kongresshalle 

22.3. Zug (CH), Theater Casino 


25.4. Dresden, Kunstpalast 

4. und 5.5. Bern (CH), Konzert Theater 

28.5. Salzburg (AT), Mozarteum 

YUJA WANG 



15.5. Dortmund, Konzerthaus 

16.5. Stuttgart, Liederhalle 

17.5. Dresden, Kulturpalast 

19.5. Köln, Philharmonie 

25.5. Innsbruck (AT), Congress 

26.5. Zürich (CH), Tonhalle Maag 

27.5. Genf (CH), Migros 

28.5. München, Philharmonie 

„Wie wenn man durch die 

Straßen von Berlin läuft – 

wo alle Gebäude gleich aussehen, 

auch wenn sie es 

nicht sind“, beschrieb Morton 

Feldman seine Triadic 

Memories. Nach einer „musikalischen 

Midlife-Crisis“ 

entwickelte er in seinen 

späten Kompositionen 

Strategien, um die Zuhörer 

systematisch zu desorientieren. 

Eine Ausstellung 

seines langjährigen Freundes, 

des Künstlers Philip 

Guston, der plötzlich wieder 

gegenständliche Arbei- 

Pedja Muzijevic und Cesc Gelabert 

ten zeigte, schockierte ihn zwar zunächst, veranlasste ihn dann aber, 

seinem Weg zu folgen: „Er hat aufgehört, Fragen zu stellen“, erkannte 

er als Grund für Gustons Wandel. Und da wurde ihm deutlich, dass 

auch er keine Fragen mehr stellen wollte. „Ich wollte keine Fragen, von 

niemandem, mich selbst eingeschlossen. Ich wollte anfangen, ohne mich 

10. und 11. Mai, Leverkusen 

EIN MASKENBALL Oper 

GIUSEPPE VERDI 

12. Juli bis 22. August 

KISS ME, KATE Musical 

COLE PORTER (Musik) 

26. Juni bis 24. August 

Tickets: www.eutiner-festspiele.de 

oder per Telefon: 04521-8001-0 

WIEDERHOLUNG UND VERÄNDERUNG 

Natur erleben 

Kultur genießen 

OPER AUF DER SEEBÜHNE EUTIN 

ABU HASSAN KinderOper 

CARL MARIA VON WEBER 

03. Juli bis 17. Juli 

VIVA LA MUSICA Gala 

DOMINIQUE CARON (Director) 

31. August 

im Vorhinein schon festlegen 

zu müssen, wie ich 

vorgehe.“ Inspiriert von 

den anatolischen Knüpfteppichen 

und deren 

Symmetrien, variiert er 

die Klangmuster in einem 

feinen Wechselspiel aus 

Wiederholung und Veränderung, 

wobei die Wiederholungen 

niemals identisch 

ausfallen. Framing Time bindet 

das Werk ein in eine 

Performance. Während der 

Pianist Pedja Muzijevic sich 

der Musik zuwendet, lässt 

der Tänzer und Choreograf 

Cesc Gelabert, der als eine der einflussreichsten Figuren im modernen 

Tanz Spaniens gilt, die Klänge tänzerisch skulptural im Raum sichtbar 

werden. Der Lichtdesigner und Bühnenbildner Burke Brown unterzieht 

die Szene mit Licht und Farben fortwährenden Veränderungen. 

Leverkusen, Erholungshaus, www.kultur.bayer.de 

FOTO: RAMO´N EGUIGUREN / TEATRO PEDJA 

49

E R L E B E N 

Beliebte Gäste in Gohrisch: Marc Danel, Gilles Millet, Vlad Bogdanas und Yovan Markovitch vom Quatuor Danel 

FOTOS: OLIVER KILLIG 

EIN SYMBOL DER 

WAHRHEIT 

Die 10. Internationalen Schostakowitsch Tage in Gohrisch erschließen 

in ihrem Jubiläumsprogramm Schostakowitschs Bezug zu anderen russischen 

Komponisten des 20. und 21. Jahrhunderts. 

VON RUTH RENÉE REIF 

„Ich schrieb ein Quar tett, das für nie man den einen Nut zen hat und 

ein ide el ler Fehl schlag ist“, teil te Dmi tri Schosta ko witsch 1960 aus 

Gohrisch seinem Komponistenfreund Isaak Glikman mit. Dieses 

Achte Quartett, dem Schosta ko witsch sich in dem idyl li schen Kur ort 

zuwand te, ist sein per sön lichs tes Werk und das ein zi ge, das er außerhalb 

der Sowjetunion komponierte. Die unvermutete Ruhe des landschaft 

li chen Para die ses der Säch si schen Schweiz, in der er „schöp feri 

sche Arbeits be din gun gen“ fand, reg te ihn an, den Blick zurück auf 

INTER NA TIO NA LE SCHOSTA KO WITSCH 

TAGE GOH RISCH 

20. bis 23. Juni 

Informationen und Kartenservice: 

tickets@schostakowitsch-tage.de 

www.schostakowitsch-tage.de 

sein Leben zu rich ten und die Schre cken 

der Stalinzeit kompositorisch aufzuarbeiten. 

Beginnend mit seinem musikalischen 

Mono gramm D-Es-C-H, schuf er ein 

Werk voller biografischer Bezüge und Zitate 

und verfasste damit ein musikalisches 

Epi taph auf sich selbst. „Dem Kom po nisten 

die ses Werks zum Gedächt nis, so könn te man auf das Deck blatt 

schrei ben“, schlug er denn auch vor. 

50 Jahre später kam das Werk einzigartiger Ausdruckskraft bei 

den ers ten Schosta ko witsch Tagen genau an jenem Ort zur Aufführung, 

an dem es ent stand. Zehn Jah re spä ter erklingt es erneut, wenn 

das Fes ti val sein Jubi lä um fei ert. Das Qua tu or Danel, in des sen Repertoire 

russische Komponisten einen herausragenden Platz einnehmen, 

spielt es im Eröff nungs kon zert mit Wer ken der bei den ande ren gro ßen 

russischen Komponisten des 20. Jahrhunderts, 

Igor Stra win sky, den Schosta kowitsch 

hym nisch lob te, und Ser gei Pro kofjew, 

den er mit kri ti scher Iro nie betrachtete. 

2010 riefen der damalige Dramaturg 

der Sächsischen Staatskapelle Dresden, 

Tobias Niederschlag, und begeisterte Mit- 


Ioan-Holender-Kolumne 

REISENDE 

BÜHNENBILDER 

Gohrisch in der Sächsischen Schweiz: Anziehungsort für 

Schostakowitsch-Liebhaber aus aller Welt 

streiter aus Gohrisch und Dresden in einem landwirtschaftlichen 

Bergeraum, vor dessen Toren aufgeschichtete Heuballen ein Freiluft- 

Ves ti bül bil de ten, das Fes ti val ins Leben. Und schon nach der ers ten 

Ausgabe, bei der Schostakowitschs Freund, Biograf und Komponistenkollege 

Krzysztof Meyer einen bewegenden Vortrag hielt, stand 

der Ent schluss fest, dass es wei ter ge hen müs se. Schosta ko witsch verkör 

pert das Gewis sen der Genera ti on, die in der Höl le des Sta li nis mus 

leb te. In Zei ten, in denen die Men schen wür de mit Füßen getre ten 

wurde und die Kriegstragödie Russland überflutete, stellten seine 

Wer ke ein Sym bol der Wahr heit dar. Das Dra ma des schöp fe ri schen 

Genies im Zeitalter des Totalitarismus nicht in Vergessenheit geraten 

zu las sen und die gran dio se Musik, die dar in wur zelt, zu fei ern, ist das 

Verdienst dieses in Deutschland einmaligen Festivals. 

„Das Groß ar ti ge ist“, erklärt Nie der schlag, „dass die Musik von 

Schosta ko witsch für uns ein Kom pass gewor den ist, um auch ande re 

Wer ke und Kom po nis ten des 20. und 21. Jahr hun derts zu ord nen und 

zu hören.“ So gelan gen in einem Kam mer kon zert zwei kürz lich aufgetauchte 

Lieder ohne Worte für Vio li ne und Kla vier des pol ni schen 

Schostakowitsch-Freundes Mieczysław Weinberg zur Uraufführung, 

des sen durch die jüdi sche Folk lo re inspi rier te Musik erst seit weni gen 

Jah ren ent deckt wird. Und in der Kam mer ma ti nee gibt es das Grand 

Duet für Cel lo und Kla vier von Gali na Ust wol ska ja, der Schü le rin und 

rätselhaften Geliebten Schostakowitschs. Weltweite Anerkennung 

pro phe zei te er ihrer Musik, die sie aller dings erst nach dem Tod ihrer 

Schöp fe rin fand. Auch an die Kin der ist gedacht. Die Schau spie le rin 

Isabel Karajan erarbeitet mit der aus Mitgliedern der Sächsischen 

Staats ka pel le Dres den bestehen den Kapel le 21 und dem Raschèr Saxopho 

ne Quar tet, das in die sem Jahr sein 50. Jubi lä um fei ert, einen Aufführungsabend 

mit Prokofj ews sinfonischem Märchen Peter und der 

Wolf. Der internationale Schostakowitsch Preis Gohrisch geht im 

Jubiläumsjahr an den lettischen Dirigenten Andris Nelsons, der ein 

ambitioniertes Einspielungsprojekt aller 15 Schostakowitsch-Sinfoni 

en in Angriff genom men hat. 

■ 

Ende des 19. Jahr hun derts bis in die 1920er-Jah re wurden 

die Namen der Regis seu re zumeis t gar nicht 

genannt. Enri co Caru so schick te bei sei nem Debüt an 

der Wie ner Staats oper 1906 sei nen Sekre tär zur Büh nenpro 

be, der ihm nach her über das sze ni sche Gesche hen 

berich te te. Noch Her bert von Kara jan prob te bis zur Fertig 

stel lung des sze ni schen Arran ge ments mit Sta tis ten, 

wäh rend das Orches ter per Ton band ein ge spielt wur de. 

Erst bei Konstantin Stanislawski, Wladimir Nemirowitsch- 

Dant schen ko und spä ter bei Fran co Zeffirel li, Gior gio 

Strehler, Jean-Pierre Ponnelle u. a. wurde das Regiekonzept 

inten siv mit den sin gen den Inter pre ten erar bei tet. 

Heu te soll te der Regis seur – neben dem Diri gen ten 

und den Sän gern – ein gleich wer ti ger Bestand teil einer 

Opern pro duk ti on sein. Manch mal ist er jedoch der pri mus 

inter pares, was sich ungut aus wirkt. Das Übel der theaterfremden 

Koproduktionen macht sich immer breiter. 

Man erar bei tet eine Insze nie rung mit dem Regis seur, und 

nach her geht das Büh nen bild samt den Kos tü men auf Reisen 

in ande re Thea ter. In die sen wird das sze ni sche Geschehen 

mit ande ren Sän gern und Diri gen ten von einem Regieas 

sis ten ten, sel ten vom ursprüng li chen Regis seur ein studiert. 

Die Inter pre ten werden gezwun gen, genau so zu 

agie ren wie jene der ers ten Ein stu die rung. Die Ende März 

im Sul ta nat Oman ent ste hen de Insze nie rung von Léo De - 

libes’ Lak mé etwa geht anschlie ßend in Kopro duk ti on an 

die Los Ange les Ope ra, das Tea tro dell’Opera di Roma, die 

Fon da zio ne Are na di Vero na, das Tea tro Car lo Feli ce di 

Geno va, das Cai ro Ope ra House, die Asta na Ope ra in 

Kasach stan, das Natio nal Cent re for Per forming Arts of 

Bei jing und die Ope ra Aus tra lia, und zwar in jeweils anderen 

Besetzungen. Natürlich sparen solche Koproduktionen 

Geld. Künstlerisch gesehen beschränkt sich die Operation 

jedoch auf rei sen de Deko ra tio nen. 

„kulTOUR mit Holender“ auf 

ServusTV Deutschland: 

14. und 17.3. „Stutt gart – Inno va ti on hat Tra di ti on“ | 

24.3. „Alex an der Perei ras Wir ken an der Mai län der 

Sca la“ | 31.3. „Sot schi – Die rus si sche Rivie ra“ | 

7.4. „Inns bru cker Fest wo chen der Alten Musik“ | 

14.4. „Die Schmie de der Mai län der Sca la“ | 28.4. „Prag – 

Gol de ne Musik stadt“ | 5.5. „Brüs sel und Liège – Kul tur 

in der Mit te Euro pas“ | 12.5. „Chris ti an Ger ha her“ | 

19.5. „Vene dig – Opern stadt und Kunst stät te“ | 

26.5. „Böh mens Well ness für Köni ge und Künst ler“ 

Die wei te ren Don ners tag-Sen de ter mi ne stan den bei 

Redak ti ons schluss noch nicht fest. 

51

T I T E L Z E I L E 

8. Mai, München, Prinzregententheater 

Info und Service: www.crescendo.de/live 

CRESCENDO LÄDT 

ZUM KONZERT 

CRESCENDO bietet Exklusivleistungen für seine Leser: Karten in der besten Kategorie, 

eine Backstage-Führung vorab sowie Künstlergespräche in der CRESCENDO Lounge. 

Das Ensemble Quadro Nuevo 

und der Pianist Chris Gall 

FOTO: QUADRO NUEVO 

Gehen Sie mit uns ins Konzert! Gemeinsam mit dem Münchner Rundfunkorchester präsentiert CRESCENDO 

am 8. Mai „Volkslied Reloaded“. Das Ensemble Quadro Nuevo und der Pianist Chris Gall nehmen uns in der 

Reihe „Mittwochs um halb acht“ im Münchner Prinzregententheater mit auf eine musikalische Entdeckungsreise 

durch die faszinierende Welt der Volkslieder. Als CRESCENDO Leser erhalten Sie Karten der besten 

Kategorie und sind eingeladen, vorab an einer Führung durch den Backstage-Bereich teilzunehmen. Im 

Anschluss an das Konzert erwarten wir Sie zu entspannten Gesprächen mit den Mitgliedern von Quadro 

Nuevo in der CRESCENDO Lounge. Die Musiker stellen ihr neues Album vor, das sie gern für Sie signieren. 

Und wir freuen uns, Sie kennenzulernen. (Exklusivpaket für 45 Euro nur unter: www.crescendo.de/live) 

Volkslieder erzählen von Liebe und Tod, Sehnsucht, Freiheit und Fernweh. Das Ensemble Quadro 

Nuevo, dem der Saxofonist Mulo Francel, der Kontrabassist D. D. Lowka, der Akkordeonist Andreas Hinterseher 

und die Harfenistin Evelyn Huber angehören, und der Pianist Chris Gall bringen diesen Schatz an 

Melodien neu zum Klingen. Mit Melodien wie Sah ein Knab ein Röslein stehn und Kein schöner Land lassen 

sie Kindheitserinnerungen lebendig werden. Ihre einfühlsamen Arrangements loten die emotionale Tiefe 

der Volksweisen aus und geben der Lebensfreude ebenso Raum wie der melancholischen 

Rückschau in Liedern wie Am Brunnen vor dem Tore, Hoch auf dem gelben 

Wagen oder In einem kühlen Grunde. Seit 1996 tourt das mehrfach prämierte Ensemble, 

das 2018 mit der Goldenen Schallplatte ausgezeichnet wurde, um die Welt. 

Geprägt von vielfältigen musikkulturellen Einflüssen und einer Liebe zur nostalgisch-akustischen 

Musik, hat es seine eigene Tonpoesie entwickelt. Der Auftritt mit 

dem Münchner Rundfunkorchester steht unter der Leitung von Elisabeth Fuchs. 

Quadro Nuevo & Münchner Rundfunkorchester: „Volkslied Reloaded“ (Sony Classical) 

Als neuer Abonnent erhalten Sie diese CD als Begrüßungsgeschenk (siehe S. 70) 


SCHWERPUNKT 

ZENSUR 

Religion, Kunst, Politik: Wo Macht ist, ist auch Angst. Eine Geschichte der Musikzensur (Seite 56) 

Regie führen aus weiter Ferne: der Fall Serebrennikow (Seite 61) 

Das darf doch nicht (wahr) sein! 


Unglaublich Verfolgt Verboten 

Frauen 

Vor 100 Jahren war es Frauen 

verboten zu wählen. In diesem 

Jahr feiert Deutschland 100 Jahre 

Frauenwahlrecht. Bürgerinnen 

und Bürgern des Schweizer 

Kantons Appenzell Innerrhoden 

bleibt noch genügend Zeit für die 

Vorbereitung ihres Jubiläums – 

100 Jahre Frauenwahlrecht wird 

hier erst 2090 gefeiert. 

2011 rebellierte 

die russische 

Punkrock-Band 

Pussy Riot 

gegen Putin. Sie zelebrierte ihr 

„Punk-Gebet“ in einer Moskauer 

Kirche. Dokumentiert wurde ihre 

Aktion vom Filmkollektiv 

„Gogol’s Wives“. Ihre darauffolgende 

Verhaftung und Verurteilung zu 

zwei Jahren Haft löste weltweit eine 

Protestwelle aus. 

1939 nahm Lale Andersen 

„Lili Marleen“ auf. Erst zwei Jahre 

später machte das Lied Furore, 

sogar weltweit. Briefe an den von 

den Nazis entlassenen, in Zürich 

engagierten Theatermacher 

Kurt Hirschfeld wurden der Sängerin 

zum Verhängnis. Es hieß: 

„Ab sofort Auftrittsverbot!“ Sie 

wurde verhaftet. 

Männer 

Sie lebten zusammen in einer 

WG, waren befreundet und 

arbeiteten zusammen. 47 Texte 

hat Franz Schubert von Johann 

Mayrhofer vertont. Der Dichter 

Mayrhofer, der auch zwei Libretti 

für Schubert schrieb, war im 

Brotberuf beim „K. K. Bücher- 

Revisionsamt“ für die staatliche 

Zensur zuständig. 

Der Hochschullehrer und Dichter 

der deutschen Nationalhymne, 

Hoffmann von Fallersleben, 

wurde seinerzeit „als Feind der 

bestehenden Ruhe und Ordnung“ 

mit Berufsverbot belegt und 

steckbrieflich verfolgt. 

Seine Gedichtsammlung 

„Unpolitische Lieder“ 

war verboten. 

Seit der bayerische Liederrebell 

Hans Söllner wegen seines Liedes 

Politessen eine Strafandrohung 

von zunächst bis zu 500.000 DM 

per Gerichtsbeschluss erhielt, 

lässt er den betroffenen Refrain 

vom Publikum 

singen und konnte 

nach eigenen Angaben 

so schon viele 

Ordnungsgelder 

sparen. 

Bräuche & 

Gesetze 

Nachts nochmals auf die Toilette 

zu gehen, kann in der Schweiz 

teuer werden. Zwischen 22 und 

7 Uhr ist es verboten, in einer 

Etagenwohnung die Klospülung 

zu benutzen. Sollte zudem 

jemand dabei ein Paar hochhackige 

Schuhe 

tragen, ist ein 

weiteres Bußgeld 

fällig. 

1647 hatten in England die Puritaner 

das Sagen und stellten nicht 

zu Unrecht fest, dass Weihnachten 

eigentlich die Wintersonnenwende 

ist und auf heidnische 

Bräuche zurückgeht. Sie 

verhängten kurzerhand einen 

Erlass, der Weihnachten verbot. 

Keine Feier, keine Völlerei, nur 

Arbeit und offene Geschäfte. 

Ob gewählt oder nicht gewählt, 

wer das britische Parlament im 

Westminster Palace betritt, tut 

gut daran, vorher einen Gesundheitscheck 

zu machen, denn 

Sterben ist hier verboten. Das entsprechende 

Gesetz hierzu soll den 

Anspruch auf ein Staatsbegräbnis 

verhindern. 

FOTOS: DENIS BOCHKAREV; STEFAN BRENDING 

53

Z E N S U R 


55 

FOTO: WILFRIED HOESL

Z E N S U R 

TANNHÄUSER AN DER BAYERISCHEN STAATSOPER 

Ein Jahr lang war ein Video des Tannhäuser-Vorspiels aus der aktuellen Inszenierung 

von Romeo Castelucci an der Bayerischen Staatsoper online, da 

wurde es plötzlich von Facebook gelöscht und der Account für 24 Stunden 

gesperrt. Grund: Im Video sind nackte weibliche Brustwarzen zu sehen – ein 

Verstoß gegen die Gemeinschaftsstandards von Facebook. Dort ist das Video 

nun nur in der zensierten „Free-the-Nipples“-Edition zu finden – in der 

Mediathek der Bayerischen Staatsoper ist weiterhin das Original zu sehen. 

Ein Krokodil, 

das Köpfe abreißt 

Machthaber auf Kunstauslesekurs – eine kurze Geschichte der Musikzensur. 

VON TERESA PIESCHACÓN RAPHAEL 

Tonkunst, dich preis ich vor allen, Höchstes Los ist dir gefallen, 

Aus der Schwesterkünste drei, Du die freiste, einzig 

frei!“, dichtete Franz Grillparzer 1826. Und irrte. Denn 

seit jeher ließen sich die Mächtigen mit harmonischen 

Klängen huldigen und verbannten rigoros die Musik, deren Texte 

weniger huldvoll waren. Bereits Kaiser Wu (140–87 v. Chr.) ließ die 

Musiker in seinem Reich kontrollieren, ganz im Sinne von Konfuzius, 

der meinte, dass man an der Musik erkenne, ob ein Land „wohl 

regiert und gut gesittet sei“. Für Platon gab es gute und weniger gute 

Tonarten, solche die aus Männern Krieger machten, und solche, die 

sie „verweichlichten“. Saiteninstrumente hielt er für „staatspolitisch 

brauchbar“; Harfen, Zimbeln, „weiche“ Flöten nicht. Was er über den 

Dudelsack gesagt hätte, der im Dreißigjährigen Krieg als Waffe galt? 

Bei den alten Griechen ging es um Krieg, im aufommenden 

Christentum um Gottes Wort. Heiliges Ideal war der einstimmige 

gregorianische Gesang, dessen „Worte von jedermann klar verstanden 

werden“ sollten. Bereits Augustinus (354–430 n. Chr.) hatte vor 

„zu schöner“ Musik gewarnt, die von der Buße ablenke. Im Laufe 

der Jahrzehnte hatten sich weltliche Melodien, oft deftige Liebeslieder, 

deren Inhalt jedem Geistlichen bekannt (!) waren, ins liturgische 

Repertoire geschlichen. Dem „sündhaften Lärm“ und „üblen 

Durcheinander“ der Polyfonie, das die Textverständlichkeit behin- 


IN PARIS KONNTE EINE OPER 

ZENSIERT WERDEN, WENN DAS 

WORT FREIHEIT NICHT VORKAM 

dere und die pia gravitas verletze, sagte das katholische Konzil von 

Trient (1545–1563) den Kampf an. Mit einem Trick stimmte 

Giovanni Pierluigi da Palestrina, der bis zu seinem Tod 1594 am 

Petersdom wirkte, die Konzilsväter gnädig: Die dogmatischen Sätze 

seiner Missa Papae Marcelli (um 1562) setzte er homofon, die anderen 

polyfon. Sein Stil wurde schließlich zum Inbegriff der katholischen 

Kirchenmusik. 

1564 starb in Genf Johannes Calvin. Ein protestantischer Eiferer, 

der „anständige“ Lieder forderte und abgründige Gedanken 

hegte. Ja, jede schlechte Rede verderbe „die guten Sitten“. Doch eine 

Melodie dazu sei wie Wein, der „Gift und Verderben auf den Grund 

des Herzens“ bringe. Ganz anders war die Haltung von Calvins 

Lehrmeister Martin Luther. Der freute sich des Lebens und an der 

Musik. Sie verjage den Teufel, sei ein Mittel gegen „Zorn, Zank, 

Hass, Neid, Geiz, Sorge, Traurigkeit und Mord“, wie er in der Vorrede 

zu seinen Gesangbüchern schrieb. „Wittenbergische Nachtigall“ 

nannte man ihn, weil er gerne sang, die Laute spielte und 

komponierte. Ihm verdanken wir nicht nur das Lied Ein feste Burg 

ist unser Gott, das Heinrich Heine die „Marseillaise der Reformation“ 

nannte, sondern auch viele durch ihn inspirierte Werke von 

Heinrich Schütz und Johann Sebastian Bach. 

Letzterer wird 1706 in Arnstadt vom Superintendent Orearius 

zur Rede gestellt. „Halthen Ihm vor, dass er bisher in dem Choral 

viele wunderlichen variationes gemachet, viele fremde Thone mit 

eingemischet, dass die Gemeinde darüber confundiret worden“, 

heißt es in der Kirchenakte. Doch Bach verbittet sich jegliche 

Einmischung. 

Nur Frauen durfte auch er in seiner Kirchenmusik nicht einsetzen, 

galt zu seiner Zeit der von Apostel Paulus formulierte Grundsatz: 

„mulier tacet in ecclesia“ – „Die Frau schweige in der Kirche“. 

Für „WEIBER“ sei „hier kein Platz“ wird es das Provinzialkonzil 

der Erzdiözese Köln 1862 drastisch auf den Punkt bringen. Denn 

„alles, was im Kirchengesange an Weiblichkeit grenzt, der Heiligkeit 

des Ortes und der Majestät des Gottesdienstes widerspricht“. 

Auf den überirdischen „Angelus Klang“ wollte man im bis heute 

männlichen päpstlichen Chor der Sixtinischen Kapelle allerdings 

nicht verzichten. Und so übernahmen dies bis zu Beginn des 20. 

Jahrhunderts die Kastraten. 

Ungeachtet dessen gab es aber Frauen im Chor, wie etwa in der 

Berliner Singakademie. Gegründet wurde sie 1791, zwei Jahre nach 

der Französischen Revolution. Drei Jahre zuvor hatte Mozart noch 

mit seiner subversiven Hochzeit des Figaro, in der Diener rebellieren 

und den Herrn überlisten, seine Mühe gehabt. „Revolution in 

Aktion“ beschrieb sie Napoleon. 

Die Zensur trieb bunte Blüten, je nach politischer Situation. 

Im revolutionären Paris konnte eine Oper bereits zensiert werden, 

wenn das Wort Freiheit nicht vorkam. Im kaiserlichen Wien wiederum 

gängelte man Verdi, weil man den Gefangenenchor aus 

Nabucco (1842) als eine Art italienischer Revolte gegen die Donaumonarchie 

verstand. 

Neben Religion-Doktrinen und politischen Machtinteressen 

bestimmte auch der Geschmack des Herrschers, der oft auch Mäzen 

war, die Auftragslage der Komponisten. Monteverdi musste 1612 

Mantua verlassen, weil man nach dem Tod seines Dienstherrn die 

Oper nicht mehr schätzte. Im Frankreich des 17. und frühen 18. 

Jahrhundert musste laut Dekret (!) jede Oper ein Ballett haben, weil 

der König so gerne tanzte. Im sogenannten Buffonistenstreit von 

1752, einer Auseinandersetzung um die Vorherrschaft der französischen 

oder der italienischen Oper, ging es wieder um Politik. 

In Russland durfte ein Zar nicht auf der Bühne dargestellt 

werden – schon gar nicht als Dummkopf wie in Der goldene Hahn 

(1909) von Rimski-Korsakow. Opern wurden vom Zaren höchstpersönlich 

umbenannt, Libretti umgetextet, Szenen gestrichen. Fast 

schon harmlos gegenüber dem, was im 20. Jahrhundert auf Musiker 

zukommen sollte. 

„Ein Zensor ist ein menschgewordener Bleistift oder ein bleistiftgewordener 

Mensch ... ein Krokodil, das an den Ufern des Ideenstromes 

lagert und den darin schwimmenden Literaten die Köpf’ 

abbeißt“, witzelte Johann Nestroy. Wie wahr. Egal ob Nazi oder 

Kommunist: Beide lehnten die Atonalität und die Dodekafonie ab. 

Nach der Oktoberrevolution 1917 hatte Nadeshda Krupskaja, die 

Witwe Lenins, die Leitung des Volkskommissariats für Bildung 

übernommen. Anfangs eher liberal, änderte sich allmählich die 

Stimmung. Die Musikzensur wurde zur Musikdiktatur. Bestes Beispiel: 

Schostakowitschs Lady Macbeth von Mzensk. 1934 uraufgeführt, 

feierte sie große Erfolge bis zum 26. Januar 1936, als Stalin 

zu einer Aufführung kam. Am nächsten Tag sprach die „Prawda“ 

von „linker Monstrosität“, „formalistischer Perversion“ und „pathologischem 

Naturalismus und Erotizismus“. Schostakowitsch geriet 

in Panik. Er wusste um die Schauprozesse, die sich hinter der fröhlichen 

Fassade propagierter Lebensfreude abspielten. Wie Prokofew 

„bekannte“ er sich zu seinen „atonalen Sünden“ und gelobte, im 

Sinne des Zentralkomitees der KPdSU zu komponieren: Lieder für 

die Rote Armee, Festpoeme und Ergebenheitsadressen. 

Ein Parteifunktionär wird Schostakowitsch und Prokofew 

1948 erklären, wie man „melodische Musik“ komponiert. 1953 starb 

Stalin, am selben Tag übrigens auch Prokofew. Der stalinistische 

Personenkult verschwand, die staatliche Kunstregulierung blieb. 

308 Seiten umfasste das Handbuch mit erlaubtem Repertoire. Weder 

Jazz, der „spätimperialistische Giftanschlag der amerikanischen 

Gangster“ noch die „Monotonie des Je-Je-Je“, dieser „Dreck aus dem 

Westen“, wie Walter Ulbricht die Beatles nannte, gehörten dazu. 

IN RUSSLAND ZENSIERTE DER ZAR 

HÖCHSTPERSÖNLICH 

Daran änderte nichts, dass Nikita Chruschtschow 1962 den „Ideologen 

der imperialistischen Bourgeoisie“ Strawinsky empfing. 

Zensur, Berufsverbot, antisemitische Diffamierung. Analog 

zur Bücherverbrennung forderten die Nazis „einen Scheiterhaufen 

für Musik“ – so ein Aufsatz von 1933. Es waren Zeiten, in denen 

sogar der Thomaskantor – Karl Straube – ein NSDAP-Mitglied war. 

Die Liste der Verfemten war lang: von Mendelssohn Bartholdy, 

Hindemith, Weill bis hin zum „Brunnenvergifter der deutschen 

Musik“ Alban Berg. Auch der ambivalente Richard Strauss, von 

1933 bis 1935 Präsident der Reichsmusikkammer, hatte in jungen 

Jahren unter der Wilhelminischen Zensur in Berlin und der 

K.-u.-k.-Hofzensur in Wien schwer zu leiden. 

Ein Schelm übrigens, wer Böses dabei denkt, wenn er im Jahr 

1912 in Ariadne auf Naxos eine Figur die – übrigens später entfernten 

– Sätze sagen lässt: „Warum führt man solches Zeug auf? Wäre 

ich König, ich ließe von Polizei wegen jedes Musikstück verbieten, 

das ein Kanarienvogel nicht vom ersten Hören nachsingen kann. 

Und den Kerl, der es in die Welt geschafft hat, in Eisen legen, da 

wäre bald reiner Tisch.“ 

n 

57

Z E N S U R 

Der Axel-Brüggemann-Kommentar 

WER MENSCHLICHKEIT ZENSIERT, 

ZENSIERT DIE KUNST 

Kulturelle Freiheit beginnt nicht mit dem Spielplan, sondern mit den Menschen, 

die ihn auf die Bühne bringen, findet Axel Brüggemann. 

Nein, Zensur im klassischen Sinne gibt es nicht, wurde mir neulich 

in Abu Dhabi versichert, als ich das Gastspiel der Bayreuther Festspiele 

mit der Walküre begleitete. Aber natürlich würde die Kulturbehörde 

vorab schon mal schauen, was auf die Bühnen des Landes 

kommt und was in den Büchern und Zeitungen gedruckt wird – aber 

Zensur? Nein. 

Es ist für einen Westeuropäer 

leicht, bei derartigen Formulierungen 

den moralischen Zeigefinger zu heben. 

Und ja, das sollte man auch tun! Aber 

es gibt auch eine andere Perspektive. 

Hinter vorgehaltener Hand wird dem 

Kulturtouristen in Abu Dhabi auch 

erzählt, dass Musik an sich bereits ein Statement sei, im Kampf gegen 

den IS und jede Form des radikalen Islam, der Musik grundsätzlich 

verbietet. In den Emiraten steht man zwischen den Welten: zwischen 

dem Westen, aus dem die Touristenströme kommen, und Nachbarländern 

wie Saudi-Arabien, die wesentlich restriktiver sind, auch was 

Kultur und Zensur betrifft. 

Bei der konzertanten Aufführung der Walküre im prunkvollen 

Emirates Palace hat man sich entschieden, auf eine Übertitelung zu 

verzichten, die Wagners Libretto über Inzest, Ehebruch und einen in 

Verträgen verstrickten Herrscher detailreich übersetzt hätte. Stattdessen 

zeigte man einen unproblematischen, ästhetisch altbackenen Film, 

in dem die grobe Handlung umrissen wird. Ein Beispiel, das zeigt: 

Zensur, wie wir sie kennen, wird andernorts (gerade in Ländern, deren 

Geschichte nur etwas älter als 40 Jahre ist) anders definiert. 

Auch in Deutschland tobt derzeit ein Streit um die Bedeutung 

des Wortes Zensur. Parteien wie die AfD palavern von einer kulturellen 

Meinungsdiktatur in unserem Land, von einer linksideologisch 

gesteuerten Kulturszene. „Man wird doch wohl mal sagen dürfen …“ 

ist längst nicht mehr ein Satz an Stammtischen, sondern eine Floskel 

im kulturellen Diskurs der Neuen Rechten. Für sie ist das deutsche 

Bühnen- und Orchesterleben wahlweise „einseitig“, „linksversifft“ 

oder zu „antinational“. 

Man kann diesen Standpunkt (und möchte es am liebsten auch) 

einfach als Quatsch vom Tisch wischen. Aber wenn es ernsthaft 

darum geht, nach der Freiheit der Kunst und der Kultur in Deutschland 

zu fragen, muss man sich derartige Vorwürfe – wohl oder übel – 

zunächst einmal anhören. 

ER IST ZWAR EIN IDIOT, 

ABER ER IST LEIDER AUCH EINER 

DER BESTEN DIRIGENTEN 

Bevor wir uns um Antworten kümmern, ist es vielleicht hilfreich, 

das Thema der Zensur zunächst ein wenig einzukochen. Etwa 

auf die Frage: Wer hat eigentlich die Macht in unserer Kulturlandschaft? 

Die Neue Rechte tut gern so, als seien unsere kulturellen Institutionen 

politisch so besetzt, dass die Rechte und das Nationale 

keinen Platz hätten. Noch entscheidender 

aber scheint die Frage, ob die Strukturen 

unserer Kulturlandschaft ihre 

Vielfalt – in welche Richtung auch 

immer – sogar einschränken. 

Auch für diese Frage sei ein kleiner 

Umweg erlaubt: Letzten Monat haben 

wir eine aufgeregte Debatte um den 

Dirigenten Daniel Barenboim mitverfolgt. Das Van-Magazin hat ehemalige 

Weggefährten getroffen, die sich über den autoritäten Führungsstil, 

über verbale Ausfälle und die ungerechte Behandlung von 

Orchestermusikern durch den Dirigenten beschwert haben. Im Feuilleton 

begann ein Kampf um die Deutungshoheit: Barenboim-Befürworter 

wie die ehemalige FAZ-Kritikerin Eleonore Büning schlugen 

sich auf Seiten des Dirigenten, andere hielten das Verhalten, das ihm 

vorgeworfen wird, für unentschuldbar und riefen nach Rücktritt. 

Viel zentraler ist die Frage nach den Strukturen, die ein derartiges 

Verhalten, ob es nun im konkreten Fall stattgefunden hat oder 

nicht, zulassen. Strukturen, die wir nicht nur in der Kultur, sondern 

auch andernorts finden: Ich kenne mindestens zehn schreiende Chefredakteure, 

lese von wild gewordenen Managern, und selbst in Familien 

gibt es fürchterliche Tyrannen, die schalten und walten können, 

wie sie wollen, weil andere Familienmitglieder pure Angst haben. 

Aber warum kann sich ein Orchester aus oft über 80 erwachsenen 

Menschen nicht gegen Ausfälle eines Dirigenten wehren? Warum 

schreiten Kulturpolitiker nicht ein? Es ist auffällig, dass das Öffentlichwerden 

von Fehlverhalten in der Regel nur Künstler trifft, die den 

Zenit ihrer Karriere bereits überschritten haben, deren Machtkosmos 

so weit geschrumpft ist, dass Opfer keine Repressalien mehr fürchten 

müssen oder – noch schlimmer! – dass Opfer erst am Ende ihrer 

eigenen Karriere den Mut finden, Missstände zu benennen, da sie 

sich im aktiven Kulturleben alleingelassen fühlten. 

Fakt ist, dass gerade die Kulturlandschaft für fragwürdiges 

menschliches Verhalten anfällig zu sein scheint, das sich frei und 

ohne Konsequenzen entfalten kann. Egal, ob Dirigent oder Intendant, 



Starschauspieler oder Operndiva: Es sollte nicht möglich sein – schon 

gar nicht an staatlich subventionierten Einrichtungen–, dass wenige 

Despoten die Mehrheit der Künstler tyrannisieren können. 

Erfolgreiche Intendanten oder Dirigenten wirken über ihre 

jeweiligen Städte hinaus, sind für die lokale Politik oft Aushängeschilder. 

Sie verfügen über Netzwerke, mit denen sie den Karrieren 

Einzelner, aber auch ganzen Institutionen nachhaltig schaden können. 

Gleichzeitig umgibt die Politik sich gern mit Erfolgsmenschen. Sich 

von einem internationalen Klassikstar zu trennen oder ihn zu maßregeln, 

scheint der Kulturpolitik inzwischen mindestens so schwerzufallen 

wie dem FC Bayern, Franck Ribéry zur Rechenschaft zu 

ziehen, wenn er Fußballfans kollektiv beleidigt. 

Dabei verfügen Kollektive wie ein Orchester qua Masse über 

Macht (die sie auch mit jeder Probezeitvereinbarung ausspielen). Um 

so interessanter, wie innerhalb der Orchester zuweilen über die Verlängerung 

eines Dirigentenvertrags debattiert wird: „Er ist zwar ein 

Idiot, aber er ist leider auch einer der besten Dirigenten.“ Oder: 

„Wenn wir den gehen lassen, müssen wir wieder von vorne anfangen 

– und so schlimm sind seine Wutausbrüche auch nicht.“ Oder: „Für 

eine Mahler-Sinfonie mit ihm lasse ich mich auch gern beschimpfen.“ 

Ich habe viele dieser Entscheidungsfindungen miterlebt, und es ist 

schockierend, zu welchen moralischen Zugeständnissen manche 

Ensembles fähig sind, um einen Dirigenten zu halten, den sie eigentlich 

nicht ausstehen können. So ähnlich argumentiert ja auch Eleonore 

Büning in der Causa Barenboim: Für sie ist er „eines der letzten 

Genies“ – und ein Genie darf das eben! Das war immer so, und das 

wird auch immer so bleiben. Basta. 

Genau diese Argumentation ist verstörend – und vielleicht 

Anfang des strukturellen Übels. Was hat all das nun mit der Frage 

nach Zensur zu tun? Vielleicht dieses: Wenn wir über Macht – und 

Zensur ist nichts anderes als Ausdruck von Macht – reden, argumentieren 

wir, ohne es zu merken, ähnlich wie Abu Dhabi. Wir berufen 

uns auf eine kulturelle Tradition, die ungefähr so lautet: „Genies 

dürfen alles, und der künstlerische Erfolg steht über allen menschlichen 

Kategorien.“ 

Damit beschneiden wir uns aber: um ein modernes und aufgeklärtes 

Selbstverständnis, um das es in der Musik – von Bach bis 

Beethoven – eigentlich geht, um die Entwicklung der Menschlichkeit 

und der Mitmenschlichkeit. Nein, es ist nicht okay, dass wir ein System 

bestätigen, in dem viele Menschen nicht den Mut haben, Missstände 

anzuklagen, ein System, in dem Zensur unter anderem darin 

besteht, dass Übergriffe, tyrannisches und egoistisches Verhalten 

tabuisiert werden. Und nein, es ist auch nicht okay, dass wir all dem 

dann auch noch den Namen „Kulturlandschaft“ geben. 

Mit den inhaltlichen Zensurvorwürfen, wie sie von der Neuen 

Rechten kommen, hat all das vielleicht wenig zu tun. Ich bin auch 

sicher, dass man in Deutschland so ziemlich alles sagen darf, was 

man sagen will, solange es sich an der Kategorie der Menschenwürde 

orientiert. Dass es irgendwo immer einen Ort für das Rechte und das 

Linke, das Gemäßigte und das Demokratische gibt. Und dennoch: 

Ein System, dem es nicht einmal gelingt, Strukturen zu schaffen, 

durch die ein grundsätzlich menschlicher Umgang miteinander 

garantiert ist, macht sich natürlich auch inhaltlich angreifbar. 

Immer dort, wo Wutausbrüche, Beleidigungen und Beschimpfungen 

tabuisiert werden, hat man kein gutes Gefühl, wenn es um 

inhaltliche Macht geht. Wer das Menschsein zensiert, ist auch in der 

Lage, die Kunst zu zensieren. Und deshalb ist es eine dringende Aufgabe 

der deutschen Kulturpolitik, das eigene System und die Möglichkeiten 

des Einzelnen, sich gegen Übergriffe anderer zur Wehr zu 

setzen, auf den Prüfstand zu stellen. Vorwürfe von Machtmissbrauch 

mit dem Verweis auf romantischen Geniekult abzutun, ist fahrlässig! 

Nur eine Kultur, die die Kultur des Mitmenschlichen pflegt, kann 

auch als Kultur, die das Mitmenschliche propagiert, glaubwürdig 

bleiben – und frei. 

n

Z E N S U R 

ZENSIERT, VERFOLGT, 

GETÖTET – 

KUNST(UN)FREIHEIT HEUTE 

Die Organisation Freemuse kämpft für die 

internationale Freiheit der Kunst. Ist ein Sieg möglich? 

VON MARIA GOETH 

Sie sind zwölf, bald sogar fünfzehn. Sie kommen aus Dänemark, 

sitzen inzwischen auch in Serbien, Marokko und Nigeria. 

Unterstützer und Kontaktpersonen haben sie auf der 

ganzen Welt. Und sie haben ein großes Ziel: Kunstfreiheit 

mit allen Mitteln zu verteidigen und Verstöße gegen sie zu dokumentieren 

und öffentlich zu machen. Das 

ist Freemuse, eine 1998 gegründete internationale 

Organisation. Geschäftsführer 

Srirak Plipat äußert sich zur gegenwärtigen 

Lage und beginnt mit einer düsteren 

Einschätzung: Weltweit habe sich in den 

vergangenen Jahren der Zustand der 

Kunstfreiheit verschlechtert. Es gebe eine 

regelrechte Kultur des Zum-Schweigen- 

Bringens, der globalen Intoleranz gegenüber 

Andersdenkenden. Grund dafür 

seien konkurrierende Wertesysteme, insbesondere 

rechtes Gedankengut, wie das 

von Präsident Trump in den USA. Statt mit 

Andersdenkenden zu diskutieren, würden 

diese scharf verurteilt. In Europa sei mit der Flüchtlingskrise die 

Immigrantenfeindlichkeit gewachsen: „Sobald Machthaber Menschen 

mit anderer Identität als ‚die anderen‘ diffamieren, Methoden der 

Ruhigstellung legitimieren und dies an die breite Gesellschaft, die 

Kulturinstitutionen und die unteren Verwaltungsebenen weitergeben, 

ist das extrem alarmierend.“ 

Wann immer die freie Meinungsäußerung 

beschnitten wird, trifft es auch die 

Musik. Den Untersuchungen von Freemuse 

zufolge waren Musiker in den vergangenen 

Jahren am stärksten von Zensur 

betroffen, gefolgt von Filmemachern und 

bildenden Künstlern. „Musik ist ein 

mächtiges Kommunikationswerkzeug. 

Und sie kommuniziert über die Gefühlsebene. 

Sie lässt den Hörer direkt teilhaben, 

während man zum Beispiel beim Film als 

Betrachter doch etwas außerhalb bleibt“, 

beobachtet Pripat. Deshalb gebe Musik so 

oft Anlass zur Verfolgung. 

Aktuelle Beispiele seien etwa der kurdische 

Musiker Ferhat Tunç, der immer 

wieder über sein Ideal einer demokratischen Gesellschaft singt. Er ist 

Mitglied der Partei DBP, die sich für die Interessen der kurdischen 

Minderheit einsetzt. Deshalb wurde er im September in Istanbul wegen 

„Terrorpropaganda“ zu einem Jahr und elf Monaten Freiheitsstrafe 

GRÜNDE FÜR MUSIKZENSUR 

WELTWEIT 

48 % POLITISCH 

23 % WEGEN 

„UNANSTÄNDIGKEIT“ 

14 % RELIGIÖS 

8 % HASSREDE 

TOP 5 DER LÄNDER 

MIT MUSIKZENSUR 2017 

(NACH ANZAHL DER FÄLLE) 

1. SPANIEN 

2. ÄGYPTEN 

3. CHINA 

4. MEXIKO 

5. IRAN UND USA 

verurteilt. „Das ist unvereinbar mit internationalen Menschenrechten!“, 

proklamiert Pripat. 

Dann wäre da noch der russische Rapper Husky – zu elf Tagen 

Haft verurteilt, weil seine Texte angeblich zu Kannibalismus aufrufen. 

[Im Rap insgesamt sieht Präsident Vladimir Putin einen 

bekämpfungswürdigen Mix aus „Sex, 

Drogen und Protest“, Anm. d. Red.]. Oder 

der ägyptische Künstler Ramy Essam, der 

aus seinem Heimatland fliehen musste 

und nun nicht zurückkann, weil er ein 

Gedicht für seine Liedtexte benutzte, das 

für eine offenere Gesellschaft plädiert. 

„Etwa 90 Prozent der Musik wird 

wegen ihres Textes zensiert“, analysiert 

Pripat. Manchmal reiche aber auch der 

reine Gebrauch einer bestimmten Sprache 

zur Zensur, so etwa die Verwendung der 

Sprache Ndebele in Zimbabwe wegen 

Stammeskonflikten, aber auch des Joik-Gesangs 

– einer Art Jodler der Samen – in 

Norwegen, weil er angeblich Unglück bringt. 

Neben diesen offenkundigen Formen von Zensur gibt es etliche 

Grauzonen, die Freemuse ebenfalls versucht zu erfassen. „Natürlich 

haben Politik und Institutionen das Recht, Kunstprojekte auszuwählen, 

die sie finanziell unterstützen wollen, solange nicht nachgewiesen 

werden kann, dass Entscheidungen nach Partei-, Rassenoder 

Religionszugehörigkeit getroffen 

werden“, erklärt Pripat. „In der Vergangenheit 

konnte Freemuse aber zum Beispiel 

in Osteuropa beobachten, wie Politiker 

ihren Einfluss nutzten, um Führungspersonal 

in Kulturinstitutionen zu 

kündigen und durch Personen auf ihrer 

politischen Linie zu ersetzen.“ 

Und natürlich könne man auch 

durch finanzielle Unterstützung beziehungsweise 

Nichtunterstützung politisch 

unerwünschte Projekte ausbooten – eine 

gefährliche Form der Zensur, weil sie 

schwer aufzuspüren ist. Auch in Deutschland 

herrscht nach Pripats Beobachtungen 

bei den Institutionen Zurückhaltung beispielsweise 

dabei, regierungskritische Kunst zu unterstützen. 

„In vielen Fällen hat Kunstzensur in Deutschland ja etwas mit 

Antisemitismus oder Antiisraelismus zu tun, was aufgrund der 

Geschichte durchaus nachvollziehbar ist“, erläutert Pripat. So wurde 


eispielsweise im letzten Jahr die schottische Erfolgsband Young 

Fathers bei der Ruhrtriennale ausgeladen, da diese sich nicht von 

der israelkritischen sogenannten BDS-Kampagne distanzieren 

wollte. „Musiker aufgrund ihrer politischen Haltung Auftrittsverbot 

zu erteilen, ist gegen internationale Menschenrechtsstandards“, 

betont Plipat. 

Aber was, wenn beispielsweise antisemitische oder rassistische 

Inhalte in der Kunst vermittelt werden? Gibt es tatsächlich auch 

positive Formen von Zensur? Plipat definiert die Grenze der Kunstfreiheit 

mit der sogenannten „Hassrede“, die drei Komponenten hat: 

1. Sie richtet ihren Hass gegen eine ganz bestimmte Gruppe (z. B. 

Religion, Rasse, sexuelle Orientierung oder sonstige Minderheit); 

2. Diese Gruppe muss gezielt diskriminiert werden; 3. Es wird meist 

direkt zu Gewalt ermutigt. „Wenn wir zum Beispiel einen schlechten 

Film anschauen und – auch mit wirklich starken Worten – sagen, 

wie grauenvoll er war, ist das noch keine Hassrede. Oft singen Menschen 

Texte, mit denen wir uneins sind. Aber wir müssen diese 

Menschen schützen, auch wenn wir deren Meinung nicht teilen“, so 

Plipats Überzeugung. 

In Europa, wo die Zensurlage insgesamt etwas besser sei, hapert 

es in Sachen Gender-Gleichheit. Plipat präzisiert: „Frauen wird der 

Weg zur künstlerischen Freiheit noch immer verwehrt! Sei es durch 

Chancenungleichheit oder sexuelle Belästigung. Selbst in der klassischen 

Musik: In der 150-jährigen Geschichte der Wiener Philharmoniker 

gab es gerade mal eine Dirigentin.“ 

Und Srirak Plipats Blick in die Zukunft? „Es wird noch schlechter 

werden, bevor es besser wird!“ In Nordamerika und in mindestens 

13 Ländern Europas sind rechte Gruppierungen im Aufstieg 

begriffen, während der Zustand in den traditionell repressiven Ländern 

wie Iran, China und Russland unverändert bleibt. In liberalen 

Ländern wie Frankreich oder Spanien hat sich die Situation in den 

letzten zwei Jahren massiv verschlechtert. Plipat bleibt dennoch 

optimistisch: „Wir werden noch viel härter arbeiten müssen, bevor 

es wieder besser wird!“ 

n 

Statistiken und Zahlen entstammen dem Bericht „The State of Artistic Freedom 2018“ von 

Freemuse. Der Bericht 2019 ist derzeit im Entstehen und erscheint voraussichtlich im April 

auf www.freemuse.org. 

Der Fall Serebrennikow 

Wie gehen deutsche Opernhäuser damit um, wenn ihr Regisseur zu Produktionsbeginn 

Tausende Kilometer entfernt unter Hausarrest steht? Von Klaus Kalchschmid 

Opernregisseur Kirill Serebrennikow 

Bis Ende April wird der nun schon 15 Monate dauernde Hausarrest 

des russischen Theater-, Film- und Opernregisseurs Kirill 

Serebrennikow auf jeden Fall noch dauern. Denn sein Prozess 

wegen angeblicher Veruntreuung 

staatlicher Fördermittel hat gerade 

erst begonnen. Es geht um 133 Millionen 

Rubel (etwa 1,7 Millionen 

Euro), die Serebrennikow und fünf 

Mitangeklagte in die eigene Tasche 

gewirtschaftet haben sollen, obwohl 

mit dem Geld 2011 „Platforma“ 

gegründet wurde, die ein großes 

Theaterzentrum, das Gogol-Center, 

ermöglichte und finanzierte – ausdrücklich 

gewünscht vom damaligen 

Präsidenten Medwedjew. 

Doch nun sind andere Zeiten angebrochen, 

und mit dem Kultusminister 

Wladimir Medinski hat Serebrennikow 

einen Gegner, dem der 

nicht zuletzt bei der Jugend als Theater- 

und Filmschaffender hoch 

Geschätzte, ja Verehrte als Freigeist, 

Buddhist und Homosexueller ein 

Dorn im Auge ist. 

Verdis Frühwerk Nabucco und seine 

Geschichte von Heimat, Gefangenschaft 

und Freiheit, das am 10. März 

in Hamburg herauskommen soll, 

wird Serebrennikow genauso inszenieren 

müssen, wie er das mit 

Mozarts Così fan tutte getan hat, die 

am 4. November 2018 in Zürich Premiere 

feierte. Wer hätte gedacht, dass ein detailliertes Regiebuch 

und das vermittelte Regieführen durch den wechselseitigen Austausch 

von (Proben-)Videos und entsprechenden Kommentaren 

via Regieassistent und Anwalt aus dem Hausarrest heraus – denn 

Serebrennikow darf nicht ins Internet – eine so brillante, detailgenaue 

Inszenierung hervorbringen würden. 

Serebrennikow treibt den zynischen Partnertausch auf die Spitze: 

Fiordiligi und Dorabella wird der Tod der Verlobten im Krieg 

suggeriert und sie bekommen deren 

Urnen in die Hand gedrückt. Statt 

verkleideter, sie überkreuz verführender 

Partner erscheinen nun wildfremde 

sexy Muskelmänner, die auf 

zweigeteilter Bühne oft unten die 

Frauen sexuell bedrängen, während 

Ferrando und Guglielmo in neutrales 

Schwarz gekleidetet meist oben 

singen und das Geschehen stumm 

kommentieren. Diese Brechung geht 

erstaunlich gut auf, zumal spielender 

Alphamann A und singender Poet B 

manchmal fast verschmelzen, sich 

dann wieder weit voneinander 

entfernen. 

Bei Hänsel und Gretel in Stuttgart ein 

Jahr zuvor, im Oktober 2017, hatte 

man sich noch entschieden, die fertigen 

Kostüme und das ebenfalls 

weit gediehene Bühnenbild einzulagern. 

Gezeigt wurde jedoch ein 

von Serebrennikow in Ruanda abgedrehter 

– und nun von Assistenten 

adaptierter – Film, der parallel zur 

Opernhandlung echten Hunger und 

exzessives Essen semidokumentarisch 

thematisiert. Er spielt sich hinter 

dem auf der Bühne sitzenden 

Orchester ab, während die auf Stühlen 

sitzenden Sänger mal ins Publikum agieren, mal zuschauen. 

Obwohl Serebrennikow der semikonzertanten Fassung ausdrücklich 

zugestimmt hatte, war das eine etwas halbherzige Angelegenheit. 

Sie wurde dem fantasievoll auch für das Kino immer wieder 

neue Welten erfindenden Regisseur nicht wirklich gerecht. n 

61 

FOTO: CIRA POLYARNAYA

Z E N S U R 

SATIRE KANN 

DICH TÖTEN! 

Der Komponist Moritz Eggert und der Journalist Axel Brüggemann 

im Gespräch über Zensur, ein neues politisches Umfeld und 

dessen Bedeutung für die Kunst. 

VON AXEL BRÜGGEMANN 

Axel Brüggemann: Moritz, warum wird das Thema Zensur 

derzeit zu einem Hauptthema der Neuen Rechten? 

Moritz Eggert: Das hat wohl viel mit der Randständigkeit der 

Bewegung zu tun. Wenn Leute nicht mehrheitsfähige Meinungen 

propagieren, etwa dass die Erde eine Scheibe ist, waren sie früher 

einsam. Heute finden sie zahlreiche Gleichgesinnte im Internet. 

Genau in diesem Moment beginnt der absurde Kreislauf der 

klassischen Verschwörungstheorie. Und irgendwann heißt es: „In 

was für einem Land leben wir, wenn wir nicht mal sagen können, 

dass die Erde eine Scheibe ist. Unsere Meinung wird unterdrückt! 

Es herrscht Zensur!“ 

Wirkt sich dieses Phänomen auch auf die Kultur aus? Tatsächlich 

gibt es ja viel weniger rechte Stücke und Regisseure auf 

deutschen Bühnen als linke, oder? 

Ich finde, dass unser Opern- und Theatersystem derartige 

Haltungen durchaus duldet. Wir zeigen ja nicht nur Frank 

Castorf. Im Gegenteil: Ein Großteil 

dessen, was in unseren Theatern gezeigt 

wird, ist eher konservativ. Es gibt Autoren 

wie Houellebecq oder Regisseure wie 

Jonathan Meese, die am rechten Rand 

wildern. Man könnte auch weitere Namen 

nennen, die sich mit rechtskonservativen 

Positionen auseinandersetzen (übrigens 

fast nur Männer eines bestimmten Alters). 

Gleichzeitig muss ich sagen, dass ich noch 

nie von einem Opernhaus gebeten wurde, in meinen Werken eine 

inhaltliche Richtung einzuhalten oder mich politisch zu 

positionieren. 

Das ist Teil einer Verschwörungstheorie, die auch uns Journalisten 

betrifft. Weder in der Welt am Sonntag oder der FAZ, 

noch in der ARD oder im ZDF hat mir jemals ein Redakteur 

gesagt, in welche Richtung ein Text oder ein Film gehen soll. 

Trotzdem hält sich das Gerücht, dass gerade der öffentlichrechtliche 

Rundfunk heimlich von Angela Merkel gelenkt wird. 

Es ist eine absurde Situation, es besser zu wissen und zu spüren, 

dass es Menschen gibt, die uns nicht glauben ... 

Die Antwort ist dann immer: „Natürlich, ihr dürft das ja auch 

nicht zugeben, weil ihr Teil des Systems seid!“ Und schon ist die 

Verschwörungsfalle zugeschnappt! 

Heute behaupten ganz unterschiedliche Gruppen – nicht nur 

Stammtischbrüder –, sie dürften ihre Meinung in Deutschland 

nicht mehr laut sagen. 

Das beobachte ich auch. Als ich frisch nach München kam, sah 

ich im Wirtshaus jemanden von der Toilette kommen, der seine 

Stammtischbrüder offen mit einem Hitlergruß begrüßte – einfach 

nur, um eine Grenze zu überschreiten. In Zeiten des Internets 

haben sich diese vereinzelten Verrückten plötzlich vernetzt und 

IN ZEITEN DES INTERNETS 

HABEN SICH VEREINZELTE 

VERRÜCKTE PLÖTZLICH 

VERNETZT 

bestätigen sich in ihrer eigenen Wahrheit. Es gibt wirklich gut 

gemachte Internetseiten, die behaupten, die Erde sei eine Scheibe. 

Und plötzlich finden sich Tausende in der ganzen Welt, die sich 

nur auf solchen Seiten bewegen und sich andauernd selbst 

bestätigen. Und mehr noch: Jeder, der behauptet, die Erde sei 

rund, wird mit Posts und Kommentaren in den sozialen Medien 

torpediert. 

Wie reagierst du auf derartige Kommentare? 

Ich beobachte, dass Menschen, die tolerant sind und die bestehenden 

Verhältnisse gar nicht so fürchterlich finden, allmählich von 

einer Panik befallen werden. Das sollten wir vermeiden! Wir 

dürfen nicht aufgrund der Lautstärke der anderen in Hysterie 

verfallen. Ich versuche, nicht über jedes Stöckchen zu springen 

und mich nicht in die Erregungsspirale, auf die sowohl die AfD 

als auch Leute wie Donald Trump setzen, ziehen zu lassen. 

Manchmal ist ignorieren die bessere Lösung. 

Aber als der Cellist Matthias Moosdorf 

vom Leipziger Streichquartett, der ein 

Anhänger der AfD ist, ein Konzert in 

München gab, haben du und einige 

deiner Freunde medienwirksam protestiert. 

Widerspricht sich das nicht? 

Wir haben lange überlegt, was wir 

machen. Unsere Aktion sollte das Konzert 

nicht stören, aber Moosdorf mit seiner 

Meinung durchaus lächerlich machen. 

Also haben wir auf das Mittel der Satire zurückgegriffen und 

nicht auf Buh-Rufe oder Parolen wie „Rechte raus!“. Wir wollten 

unter keinen Umständen ein Antifa-Programm fahren. 

Du meinst, man sollte die Rechte am besten weglachen? 

Eine der besten Aktionen für mich war, als bei einer AfD-Demo 

das Schlumpflied gesungen wurde. 

Letztlich habt ihr aber nur erreicht, dass ihr Moosdorf einen 

neuen Anlass gegeben habt, sich als Opfer darzustellen und 

euch als Unruhestifter und Kunstverhinderer. Am Ende bleiben 

alle Fronten dort, wo sie vorher schon waren. Nur noch 

verhärteter. 

Ich hatte schon den Eindruck, dass durch die Aktion viele 

Gespräche angeregt wurden, die durchaus um die Sache gingen. 

Und natürlich hat unsere Aktion eine Reaktion heraufbeschworen, 

die selber entlarvend war: Moosdorf hat Sachen gepostet, mit 

denen er die Lächerlichkeit, in die wir ihn gezogen haben, nur 

bestätigt hat. Uns wurde linke Zensur vorgeworfen. Aber Zensur 

war nie unser Ziel! Unser Mittel war die Affirmation als Karikatur. 

Das ist ein großer Unterschied. 

Der Karikaturist Til Mette hat mir einmal erzählt, dass er lange 

nur vor sich hingemalt hat. Erst mit „Charlie Hebdo“ wurde ihm 

klar, dass der Beruf des Künstlers wieder gefährlich ist ... 


Zensur verändert laufend ihr Gesicht. 1968 wurde das Cover von 

„Unfinished Music No. 1: Two Virgins“, dem ersten gemeinsamen 

Album von John Lennon und Yoko Ono, mit braunem Packpapier 

verhüllt – es zeigt die beiden nackt 

Geschmackszensur? Der Konzeptkünstler Pjotr 

Pawlenski nähte sich aus Protest gegen die 

Inhaftierung der Band Pussy Riot 2012 den Mund zu. 

Ein Bild davon sorgte in der CRESCENDO 

Redaktion für Kontroversen: abdrucken? Oder ist 

der Ekelfaktor doch zu groß? 

DAS FOTO RECHTS OBEN STAMMT AUS DEM MATERIAL ZUM FILM „PAWLENSKI – DER MENSCH UND DIE MACHT“ VON IRENE LANGENMANN 2017 (C) REUTERS 

Ich habe die ermordeten Zeichner von Charly Hebdo als Comic- 

Fan sehr geschätzt. Plötzlich war klar: Satire kann dich töten! Ich 

wuchs sehr antiautoritär im Umfeld der Neuen Frankfurter 

Schule auf und hatte immer das Gefühl, man kann alle Witze 

machen. So wie damals den Satz „Ich war eine Dose“ in Verbindung 

mit einem Blech-Jesus. Das würde sich das Satiremagazin 

Titanic heute über den Islam nicht mehr trauen. Was sich 

verändert hat, ist, dass wir heute gezwungen sind, Position zu 

beziehen. Man kann nicht mehr unpolitisch sein. Dabei stellen 

wir uns die Frage nach dem Risiko. Selbst bei so einer Aktion wie 

bei Moosdorf: „Riskiere ich, am Ende kritisiert zu werden, oder 

lasse ich es gleich bleiben?“ 

Beim Schreiben herrscht bei mir weniger die Angst, sondern 

der neue Wunsch, möglichst gerecht und fair zu bleiben – 

gegenüber allen Parteien. Das führt dazu, dass ich mich mehr 

mit den Gegenpositionen auseinandersetze und oft weniger 

Schärfe wähle. Die Welt, in der wir leben, verändert meinen 

Stil. Geht dir das auch so? 

Es gibt die Szene, die mir vorwirft, „linksversifft“ zu sein, weil ich 

in einer Kulturszene lebe und von ihr auch leben kann. Mir wird 

unterstellt, dass ich ein Agent der 

linken Agenda sei. Ich weiß, dass das 

nicht stimmt. Dass ich immer Sachen 

mache, für die ich brenne. Wie gehe 

ich mit so einem Vorwurf um? 

Ignoriere ich ihn? Reagiere ich? Auf 

der einen Seite wird mir Ignoranz 

vorgeworfen, auf der anderen Seite laufe ich Gefahr, dass es zu 

einer selbsterfüllenden Prophezeiung kommt. Das ist eine 

Zwickmühle, in der ich mich nicht immer wohlfühle. Die Kunst 

hat einen großen Teil ihrer Naivität verloren. Aber vielleicht ist 

das auch eine Chance, auf die wir positiv reagieren können. So 

wie du das machst, wenn du sagst, dass du dich intensiver mit der 

Gegenseite auseinandersetzt. 

Für mich ist der ganze Kampf, den wir heute führen, der 

Kampf um eine gesellschaftliche Freistelle, um die Rolle des 

Bürgertums. Früher war das Bürgertum zwar wertkonservativ, 

aber auch liberal. Derzeit scheint es dieses Bildungsbürgertum 

gar nicht mehr zu geben, und es wird von beiden Seiten neu 

definiert. Das wird besonders offensichtlich, wenn sich die 

AfD den Frust des Abo-Publikums auf das Regietheater zu 

eigen macht. 

DIE KUNST HAT EINEN GROSSEN 

TEIL IHRER NAIVITÄT VERLOREN 

Das Bürgertum wollte immer Ausgleich und hat eine Mittelposition 

eingenommen. Ich glaube, dass es diese alte Mitte durchaus 

noch gibt, aber sie kann sich auf kein gesellschaftliches Bild mehr 

verständigen. Damals hatten wir das Wort vom „Christlich-Sozialen“. 

Aber derartige Koordinaten scheinen für viele ausgedient 

zu haben. Dabei finde ich, dass Nächstenliebe ein Wert ist, auf 

den sich eine bürgerliche Mehrheit verständigen könnte. 

Müssen wir die Naivität zurückgewinnen? 

Ich glaube, dass derzeit eine gute Stunde für Leute wie Erich 

Kästner, Karl Kraus oder Kurt Tucholsky wäre. Wir bräuchten 

wieder starke Stimmen, die wichtige Werte kontrovers debattieren. 

Wir müssen letztlich aus der Harmlosigkeit heraustreten. 

Aber sind diese Künstler nicht schon in der Weimarer Republik 

gescheitert? 

Im konkreten historischen Moment vielleicht, aber ihre Werte 

haben uns geholfen, Europa nach der Katastrophe 

wiederaufzubauen. 

Wir befinden uns also nicht in einem Weimar 2.0? 

Dafür ist meine Hoffnung auf die junge Generation zu groß. Ich 

glaube, dass Freiheiten, die einmal erkämpft wurden, Toleranz 

gegenüber Minderheiten, Reisefreiheit 

in Europa – wenn all das erst einmal 

existiert, kann man es nur noch mit 

Waffengewalt unterdrücken. Und das 

sehe ich derzeit zum Glück nicht. 

Vielleicht ist die neue Mitte der Punk 

der Zukunft – als Reaktion auf 

reaktionäre und rückständige Politik alter weißer Männer. Diesen 

Glauben will ich nicht verlieren. 

Jene Jugendlichen, die in England das Brexit-Referendum 

verpennt haben? Und was ist mit Ländern wie Österreich, wo 

eine neue Regierung mit Beteiligung der Rechten längst in das 

System, in die Posten beim Fernsehen und im Staat eingegriffen 

hat und Nägel mit Köpfen macht? 

… und wenn wir erst nach Polen oder Ungarn schauen. Da 

werden Intendanten aus politischen Gründen ausgetauscht, und 

es wird Einfluss auf Spielpläne genommen. Veränderungen, die 

dazu führen, dass viele Menschen gar nicht mehr wissen, wie es 

anders sein könnte. Aber genau das macht für mich den Unterschied 

zu Deutschland aus. Ich hoffe, dass sich die Mehrheit der 

Bevölkerung bewusst über die kulturellen Werte ist und sie 

verteidigen würde. 

n 

63

Z E N S U R 

WOHER KOMMT 

EIGENTLICH ... 

... die Zensur ? 


Musik und Cover der Death-Metal- 

Band Cannibal Corpse werden häufig 

indiziert oder beschlagnahmt. Das 

Cover zu „Tomb of the Mutilated“, 

auf dem ein Zombie einen anderen oral 

befriedigt, musste für den deutschen 

Markt ausgetauscht werden 

Artikel 5 des Grundgesetzes besagt: 

„Eine Zensur findet nicht statt.“ In 

einer Verteidigungsrede mahnte 

Cicero: „Frei sind unsere Gedanken.“ 

Das beschwor im 12. Jahrhundert der 

Sänger Walther von der Vogelweide und 

bestätigte im 16. Jahrhundert Johannes Agricola 

mit seinen Sprichwörtern. So singen die 

Menschen bis heute: „Und sperrt man mich ein im finsteren Kerker, 

das alles sind rein vergebliche Werke; denn meine Gedanken zerreißen 

die Schranken und Mauern entzwei: die Gedanken sind frei.“ 

Konfuzius’ (551–479 v. Chr.) Behauptung „Wenn die Welt im 

Chaos versinkt, werden ihre Rituale und ihre Musik zügellos“ lässt 

den Umkehrschluss zu: Wenn Musik zügellos wird, wird auch die 

Welt chaotisch. Vielleicht ist das die Maxime hinter aller Musikzensur: 

die Angst, dass sich das Chaotische nicht mehr führen lässt. 

Und etwas Führungslosen kann man sich nicht bemächtigen. Ein 

Grund, warum Zensur besonders in autoritären Regimen gedeiht. 

100 Jahre nach Konfuzius präzisiert 

Plato in „Der Staat“: „Vor Neuerungen der 

Musik muss man sich in Acht nehmen, denn 

dadurch kommt alles in Gefahr.“ Alles Neue 

in der Musik fällt leicht unter den Verdacht, 

den herrschenden Verhältnissen gefährlich 

zu werden. Neu heißt manchmal einfach nur 

anders, den Erwartungen nicht entsprechend. 

Das Atonale, der Jazz, der Tango, aber 

auch die ursprünglich fremden Töne Bachs 

oder das einst Unerhörte Beethovens, selbst 

Intervalle, wie das aus drei Ganztönen bestehende 

Teufelsintervall „Tritonus“ oder das Fortschreiten in Quintwie 

Oktavparallelen, konnten Teil einer Verbotsliste sein. 

Es gab eine Zeit, in der das Kastrieren männlicher Jugend sinnvoller 

schien, als Frauen am öffentlichen Musikleben teilhaben zu 

lassen. Das wirft die Frage auf, ob Zensur nicht viel weitläufiger ist 

als das reine Verbot. Jemanden ausschließen, ignorieren, in den 

Medien totschweigen kann eine Form der Zensur sein. Ein Künstler, 

der nicht erwähnt wird, existiert nicht auf den Brettern, die die Welt 

bedeuten. Der Verriss in einer Konzertbesprechung oder Rezension 

ist der Versuch, das Voranstreben eines Künstlers zu hemmen. 

Lieber wird Musik toter Komponisten gespielt als die der 

Avantgarde. Was Tonträger und Aufführung der klassischen Musik 

ZENSUR IST EINE 

GRATWANDERUNG, 

UND WER MAG SCHON 

ENTSCHEIDEN, 

WANN SIE RICHTIG 

ODER FALSCH IST? 

betrifft, führen nach wie vor tote Komponisten 

die Playlisten an. Das AirPlay der populären 

Radiosender ist auch in Deutschland 

verdächtig einheitlich, zeigt in der renitenten 

Wiederholung immer gleicher Titel, Rotation 

genannt, dass – offen hörbar – alle anderen 

ausgeschlossen bleiben sollen. 

Selbst Förderungen, Stipendien, Wettbewerbe, 

adelnde Preisverleihungen werden letztendlich von einer 

tonangebenden Elite bestimmt. Wer nicht zu den Glücklichen zählt, 

weiß, dass professionelles Musikmachen eine ewige Durststrecke 

sein kann. Selbst Bewunderung und Verehrung haben etwas 

Ausgrenzendes. 

Oft sind es die Texte zur Musik, die Anlass zum Verbot geben. 

Doch was soll auf den Index? „Du hast ein Galgengesicht, das ist 

genug. Erst geköpft, dann gehangen, dann gespießt auf heiße Stangen, 

dann verbrannt, dann gebunden, und getaucht, zuletzt geschunden.“ 

Oder: „Mit jedem Schwung meines Hammers schlage ich 

deinen verdammten Kopf ein, bis Hirn durch 

die Risse sickert, Blut raustropft“. Ersteres 

stammt aus Mozarts Oper Die Entführung 

aus dem Serail und ist Teil einer Arie des 

Haremsaufsehers Osmin, Zweites steht auf 

dem Index und ist eine Textzeile aus Hammer 

Smashed Face der vielfach indizierten Heavy- 

Metal-Band Cannibal Corpse. Interessant 

noch zu erwähnen, dass diese Band auf ausdrücklichen 

Wunsch von Jim Carey in dessen 

Hollywood Blockbuster „Ace Ventura“ 

auftaucht. 

Umstritten auch die Performance der Rapper Kollegah und 

Farid Bang, die den an Verkaufszahlen orientierten ECHO-Preis zu 

Fall brachten. Ihre sexistischen und antisemitischen Parolen waren 

bekannt – und dennoch bekamen sie eine Bühne. Warum durfte 

statt ihrer nicht die Antilopen Gang mit Songs wie Beate Zschäpe 

hört U2 auftreten, die nicht nur explizit und kritisch Stellung zu 

dem Fall bezogen, sondern auch Texte gegen rechtsradikales Denken 

bieten können? Ist es nicht rechtens, dass die Bundesprüfstelle 

rechtsradikales Gedankengut indiziert? Sicherlich, denn dieser Art 

Texte sollte nicht einmal für ein Zitat Raum gegeben werden. 

Schließlich lautet Artikel 1 des Grundgesetz: Die Würde des Menschen 

ist unantastbar. 

n 

COVER: CANNIBAL CORPSE 


LEBENSART 

Proviant-Prozente für Pilger: Paula Bosch hat wunderbare Weine aus Galicien mitgebracht (Seite 66) 

Schnecken aus Schweden: Die Sopranistin Camilla Tilling backt für CRESCENDO (Seite 68) 

Nichts wie hin: Die schönsten Reiseziele in Deutschland, Österreich und der Ukraine für Kunst, Kultur und Kulinarik (Seite 71) 

Konkrete Utopie? Unbedingt, denn: Es geht um alle! Und im Sinne von Ernst Bloch wäre das visionäre Ziel der Kunst- und Kulturinstitutionen 

deutscher Städte: eine demokratische Gesellschaft. Die Bühnen organisieren sich für die Freiheit der Menschen, des Denkens und vor allem für die 

Freiheit der Kunst. Gegen Rassismus, Diskriminierung und Ausgrenzung, gegen rechtsnationale Tendenzen. Die Kunst war nie daran interessiert, 

auf dem rechten Weg zu sein. Für den 19. Mai 2019 rufen DIE VIELEN zu bundesweiten Demonstrationen in Berlin und weiteren Städten auf: 

für ein Europa der Vielen! Solidarität statt Privilegien! Die Kunst bleibt frei! 

65

L E B E N S A R T 

Die Paula-Bosch-Kolumne 

PILGERN MIT PROZENTEN 

Auf den Granit-, Fels- und Schieferböden im Nordwesten Spaniens stehen bis 

zu 350 Jahre alte Rebstöcke. Entsprechend viel Tiefe und Charakter steckt 

in den durchweg hervorragenden Weinen der Region Galicien. 

Es ist völlig egal, wo man die Weinreise entlang des 

Jakobsweges beginnt, im äußersten Nordwesten Spaniens 

in der Hafenstadt La Coruña oder in der Kapitale 

Madrid, es wird so oder so eine spannende Pilgerroute 

nach Santiago di Compostela. Eine Entdeckungsreise 

vorbei an abgeschiedenen Bergdörfern und Pässen, an vom Granitgestein 

geprägten Höhenlagen oder entlang zahlreicher Weingärten, 

Tausender kleiner Parzellen und Weinbergterrassen, hin zu vielen 

kleinen familiengeführten Winzerbetrieben, die ursprünglich 

Wein für den Eigenbedarf produzierten. Mit viel Glück entdeckt 

man hier uralte Rebstöcke – Methusalems, die die Reblausplage 

überstanden haben und heute noch Trauben tragen –, die uns erstklassige 

Weine bescheren. 

Die Weinlandschaft Galiciens 

umfasst rund 10.000 Hektar Reben, in 

erster Linie auf steinigen Granit-, Felsund 

Schieferverwitterungsböden. Fünf 

Regionen – Rias Baixas, Valdeorras, 

Ribeira Sacra, Ribeiro und Monterrei 

– bestimmen die unterschiedlichen 

weißen wie roten Weine. 

Bedeutsam ist das Weißweinparadies RIAS BAIXAS in der 

Provinz Pontevedra, südwestlich der atlantischen Küste bis hin zur 

portugiesischen Grenze. Das flächenmäßig größte Gebiet ist in fünf 

Subzonen gegliedert, von denen das Val do Salnés mit seinen zwei 

Drittel Rebgärten die bedeutendste Region darstellt. Die weiße 

Albariño dominiert mit 95 Prozent die Weingärten. Sie ist mit ihren 

frischen, spritzigen, saftigen, trocken ausgebauten Weinen der Star 

in der regenreichen, stets feuchten Rias Baixas, geprägt von schmalen, 

tief ins Land reichenden Meeresbuchten. Die hohe Reberziehung 

im weniger effizienten Pergolastil auf den allgegenwärtigen 

Granitstützpfeilern hat Tradition. Holz hätte in der vom Regen 

geprägten Landschaft keine dauerhafte Chance. 

Im Weingut Gerardo Méndez in Meaño konnte ich nicht nur 

die ältesten Rebstöcke in meinem Weinleben bewundern, nämlich 

EIN KLIMA, DAS TRAUBEN 

UND WEINEN KRAFT, FÜLLE 

UND POTENZ VERLEIHT 

Albariños mit 350 plus Jahren, sondern eine ganze Reihe dieser 

„Cepas Vellas“ gereifter Jahrgänge aus Magnumflaschen kosten. Ein 

unvergessliches Albariño-Erlebnis, auch wenn mich schon die 

Reihe der Basisweine begeisterte. 

Zu den Pionieren im Rias Baixas zählt in erster Linie, das 

Weingut Pazo de Señorans in Pontevedra, dessen Weine mich mit 

ihrer Dichte und Finesse überzeugen. 

Wer genug Zeit mitbringt, sollte sich in Vinotheken, Tapas- 

Bars wie dem Continental in Yayo Daporta oder im Restaurant 

Sabino in Sanxenxo, quasi am Strand, verwöhnen lassen. 

VALDEORRAS, die östlichste Weinprovinz Galiciens, hat mit 

der weißen Rebsorte Godello, die inzwischen wie die Albariño zu 

den besten Weißweinen Spaniens 

gezählt wird, ein weiteres Ass im 

Ärmel. Auch hier bestimmen die relativ 

hohen Niederschläge das Klima, 

dazu gesellen sich viele heiße Sommertage, 

die die Reifezeit verkürzen und 

den Trauben wie den Weinen Kraft, 

Fülle und Potenz verleihen. 

Im Rampenlicht der Region steht 

heute Rafael Palacios mit seinem Top-Wein As Sortes, der mit seinem 

perfekten Aromenspiel, finessenreicher Eleganz und schier 

endloser Mineralität die vielen anderen auch sehr gelungenen 

Godellos etwas ins Abseits stellt. Selbst der einfachere Zweitwein 

Louro kann mit seiner Brillanz im Duft und am Gaumen begeistern. 

RIBEIRA SACRA wurde erst 1996 als D. O.-Region geschützt. 

Die herrliche waldreiche Landschaft wird von drei Flüssen durchzogen, 

was den Namen „heiliges Ufer“ erklärt. Die Rebberge stehen 

auf sehr steilen, terrassierten Parzellen auf Granit und Schieferböden. 

Die rote Mencia hat auf den 1.200 Hektar Rebflächen die Oberhand. 

Bei den weißen Sorten kommt neben Albariño und Godello 

auch Loureiro mit ins Spiel. 

2006 wurde das Weingut Dominio do Bibei, mit den großartigen 

Önologen Sahra Pérez und René Barbier, gegründet. Schon die 

FOTOS: JÖRG LEHMANN; PRIVAT 


Ja, diese Charakterwurzeln tragen noch Reben. Und was für welche! 

Weine aus dem ersten Jahrgang haben mich mit ihrem Qualitäts- 

Leistungs-Verhältnis mehr als überzeugen können, und der sortenreine 

Mencia Lacima ist meiner Meinung nach besser denn je. Eindrucksvolle 

rotbeerige Fruchtaromatik, mediterrane Würze, ein 

Kraftwerk im Mund mit nachhaltiger, beeindruckender Länge. Ein 

Paradebeispiel für Ribeira Sacra. 

RIBEIRO Das Aushängeschild der nur knapp 50 Kilometer 

vom Meer entfernten Region ist die spätreifende weiße Treixadura. 

Sie trotzt sämtlichen Wetterkapriolen und der enorm hohen Luftfeuchtigkeit, 

die den Pilzbefall fördert. Auch im Dreiklang mit ihren 

heimischen Schwestern, Loureiro und Albariño, bringt sie allerfeinste 

Ergebnisse. Am eindrucksvollsten und ebenso rar wie teuer 

präsentiert sich das Emilio Rojo mit seinen Weinen, die ohne Zweifel 

zu den feinsten und besten des Landes gezählt werden dürfen. 

Entsprechend genießt Emilio Rojo mit seinem Betrieb eine Sonderstellung. 

Mit den Weinen aus dem Weingut El Paraguas, das erst 2011 

gegründet wurde, kann der erste Durst stets mit dem köstlichen 

Atlántico überbrückt werden, und das sicher nicht nur als Lückenbüßer. 

Die kleinste Region, MONTERREI, hatte es in all den letzten 

Jahren schwer, mit ihren etwas weniger gefälligen Weinen den 

Geschmack der Weinfreunde zu treffen. Die Anbauflächen sind 

rückläufig, versprechen daher mit den noch verbliebenen 650 Hektar 

weniger Zukunft. 

Das landschaftlich reizvolle und immergrüne Galicien bleibt 

nicht nur für die von der Sonne verwöhnten Spanier ein willkommenes 

Reiseziel. Auch die zahllosen Pilger auf dem Jakobsweg, die 

Kunstfreunde der Burgen, Klöster und Kirchen und nicht zuletzt die 

vielen Genussmenschen, die sich für die Esskultur, für die Fischund 

Muschelspezialitäten aus dem nahen Atlantik interessieren, 

kommen auf ihre Kosten. 

n 

Bezug: www.bodeboca.de | www.hispavinus.de | www.vinos.de | www.garibaldi.de 

67


Lieblingsessen! 

HIER VERRATEN DIE STARS IHRE BESTEN REZEPTE. 

UND MANCHMAL AUCH KLEINE GESCHICHTEN, 

DIE DAZUGEHÖREN ... 

„MIT DEM ZIMTSCHNECKEN-TRICK LASSEN SICH 

SOGAR WOHNUNGEN VERKAUFEN!“ 

CAMILLA TILLING 

FOTO: PRIVAT 


CAMILLA TILLING 

SOPRANISTIN 

„Schweden hat unendlich viele Cafés – und alle servieren 

Zimtschnecken. Falls Sie Ihre Wohnung verkaufen wollen: 

Backen Sie Zimtschnecken! Der Duft der frisch 

gebackenen Hefeteilchen verbreitet pures Wohlgefühl! 

Ich selbst lebe in einem kleinen Dorf in der Schweiz, 

und meine Kinder laden Freunde gerne zu „Fika“ ein, 

dem traditionellen schwedischen Kaffeekränzchen, 

wenn wir gebacken haben. 

Als ich klein war, durfte ich meiner Mutter, die gern 

gebacken hat, immer helfen. Ich bekam ein wenig Teig 

zum Selberbacken und durfte experimentieren, während 

meine Mutter das Körbchen nach und nach mit den 

kleinen Schnecken füllte. Irgendwann übergab sie die 

Verantwortung, die Schnecken zu backen, an mich. Eine 

Aufgabe, die etwa zwei Stunden dauert und viel Geduld 

und Gespür erfordert. Und es kam der Tag, als mein Vater 

feststellte: ‚Millas Brötchen sind besser als die von Mama!!!‘ 

Tatsächlich aber sind diese Zimtschnecken ein gutes 

Sinnbild: Ich liebe diese Schnecken. Und ich liebe es zu 

singen. Meine Mutter wusste, wie man backt, und war 

bereit, mich darin zu unterrichten. Das zeigt: Wissen zu 

teilen führt letztlich zu etwas Besserem – das Neue 

verdoppelt in diesem Fall das Gute. Der Mensch verschmilzt 

in seiner Persönlichkeit mit den alten Erfahrungen. 

Und da schließt sich der Kreis: Ich lehre heute meine 

Kinder, feine Zimtbrötchen herzustellen. Und genau so 

möchte ich meine Erfahrungen als Sängerin teilen – 

damit die Sänger immer besser werden.“ 

Die schwedische Sopranistin Camilla Tilling ist 

bereits seit mehr als zwei Jahrzehnten erfolgreich 

auf allen großen Bühnen der Welt zu Hause. Zu 

den Höhepunkten ihrer Konzerte zählen Haydns 

Nelsonmesse, Peter Sellars Inszenierung von Bachs 

Johannes-Passion unter Sir Simon Rattle, Brahms’ 

Ein Deutsches Requiem und Beethovens Sinfonie Nr. 9. 

Zu den jüngsten Konzert-Highlights zählen 

Dutilleux’ Correspondances, Mahlers Sinfonie Nr. 4, 

Schumanns Faustszenen und Bachs Messe in h-Moll. 

FOTO: MARIA OSTLIN 

• 

SCHWEDISCHE ZIMTSCHNECKEN 

50 g Hefe, 500 ml Milch, 200 g Butter, ca. 125 g Zucker, ½ Teelöffel Salz, ca. 900 g Mehl, 

nach Belieben 1 EL Kardamom, 2 TL Zimt, 1 Ei, nach Belieben Hagelzucker 

• 

1. Hefe in etwas Milch auflösen. 150 g Butter zerlassen und zur Milch geben. Zucker, Salz, Mehl und nach 

Belieben Kardamom hinzufügen und den Teig 10 –15 Minuten durchkneten. Teig zugedeckt 30 Minuten bei 

Zimmertemperatur gehen lassen. 

2. Etwa 3 mm dick auf eine Breite von ca. 30 cm ausrollen. Mit der restlichen zimmerwarmen Butter bestreichen. 

Zimt über den Teig streuen. Zu einer langen Rolle aufrollen, in etwa 45 Scheiben schneiden. Scheiben 

mit der Schnittfläche nach oben auf einem mit Backpapier belegten Backblech zugedeckt ca. 60 Minuten oder 

bis zur doppelten Größe gehen lassen. 

3. Ei mit 2 EL Wasser vermischen, die Schnecken vorsichtig damit bepinseln und nach Belieben mit 

Hagelzucker bestreuen. Bei 250 Grad im Ofen ca. 5 bis 8 Minuten backen, abkühlen lassen. 

Gluck- und Mozart-Arien: „loves me ... loves me not ...“, 

Camilla Tilling, Philipp von Steinaecker (BIS) 

69

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Abb.: Portmedia Verlag; Strezhnev Pavel / fotolia.com 


REISE & KULTUR 

themenspecial 10. Jahrgang | Frühjahr & Sommer 2019 

JETZT 

GEHT’S 

RUND 

MUSIK, KUNST UND 

KULTUR AN DEN 

SCHÖNSTEN 

ORTEN DER WELT 

SALZBURG 

Vom Klosterhof in 

Bayerisch Gmain zu 

den Festspielen 

RHEINGAU 

Kulturelle Delikatessen 

ODESSA 

Große Namen vor 

malerischer Kulisse 

FOTO: DER KLOSTERHOF 

Sonderveröffentlichung/Anzeigen/Präsentationen 71

R E I S E & K U L T U R 

Schloss Vollrads Schloss Johannisberg Kloster Eberbach 

HARMONISCHER 

DREIKLANG 

Landschaft, Musik und Kultur: Im Rheingau lässt sich das Leben bei Wanderungen in den 

Weinbergen, während Konzerten und in Kulturdenkmälern genießen. 

FOTOS: WOODY T. HERNER WOODWORKS; ROBBIE LAWRENCE, ANSGAR KLOSTERMANN 

Ob Musikgenuss oder Wandererlebnis, ob beeindruckende 

Architektur oder Weinverkostung: 

Im zauberhaften Rheingau lässt sich das Leben 

mit allen Sinnen genießen. Mit seinen malerischen Weinbergen 

und historischen Baudenkmälern ist der Rheingau 

eine ungemein vielfältige Kulturlandschaft, die sich von 

Flörsheim über Wiesbaden bis nach Lorch erstreckt. Für 

Naturfreunde und Sportler präsentiert sich ein attraktives 

Angebot, das vom Klettern, Radfahren und Rudern 

bis hin zum Stand-up-Paddeln reicht. Ausgesprochen reizvoll 

sind auch die ausgezeichneten Wanderwege durch 

die Region, darunter der Rheinsteig, der Rheingauer 

Rieslingspfad oder der Rheingauer Klostersteig, der auf 

30 Kilometern sechs Klöster miteinander verbindet. 

Auch kulturell bietet der Rheingau beglückenden Hochgenuss 

zu jeder Jahreszeit. 

Neben vielen charmanten Weinfesten und anderen 

Veranstaltungen ist der alljährliche kulturelle Höhepunkt 

das Rheingau Musik Festival, das bereits seit über 30 Jahren 

veranstaltet wird. Über 150 Konzerte ziehen zwischen 

Juni und September Musikbegeisterte aus aller Welt an. 

Dabei reicht das breite Spektrum von großen Sinfoniekonzerten 

über intime Kammermusikabende bis hin zu 

Jazz- und Kabarettveranstaltungen. Das diesjährige Festivalprogramm 

durchzieht der Leitgedanke „Courage“. Der 

Pianist Daniil Trifonov, die Sopranistin Christiane Karg 

und der Saxofonist und Sänger Curtis Stigers stehen als 

Fokus-Künstler im Zentrum des Festivalgeschehens. 

Eine der schönsten Spielstätten ist das geschichtsträchtige 

Kloster Eberbach, das sich spätestens 

seit dem Film „Der Name der Rose“ international großer 

Bekanntheit erfreut. Die ehemalige Zisterzienserabtei gehört 

mit ihren romanischen und frühgotischen Bauten zu 

den großartigsten Denkmälern der Klosterbaukunst und 

gilt zugleich als die am besten erhaltene mittelalterliche 

Klosteranlage Europas. Jenseits der Konzerte und Kulturveranstaltungen 

lässt sich das Kloster über vielfältige 

Führungen entdecken – auch kombiniert mit hochkarätigen 

Weinverköstigungen. Die fast 900 Jahre alte Anlage 

ist darüber hinaus edler Weinkeller und stilvolles Hotel 

und damit der ideale Ausgangspunkt für genuss- und kulturreiche 

Tage im Rheingau. 

RHEINGAU MUSIK FESTIVAL 

+49-(0)6723-60 21 70 | info@rheingau-musik-festival.de | www.rheingau-musik-festival.de 

RHEINGAU-TAUNUS KULTUR UND TOURISMUS GMBH 

+49-(0)6723-60 27 20 | info@rheingau.com | www.rheingau.com 

KLOSTER EBERBACH 

+49-(0)6723-917 81 00 | info@kloster-eberbach.de | www.kloster-eberbach.de 


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FRÜHLING IN SALZBURG 

Wenn das erste zarte Grün des Mönchsbergs mit den kupfernen Dächern und Kuppeln der Häuser 

und Kirchen wetteifert, erwacht die Stadt an der Salzach zu aufregendem kulturellen Leben. 

Im Frühling zeigt sich Salzburg in seinen schönsten Facetten. 

An jeder Ecke der romantischen Altstadt gibt 

es kulturelle Glanzlichter zu bestaunen. Weit über Europa 

hinaus strahlen die Osterfestspiele mit Opernaufführungen 

im Großen Festspielhaus. Intendant Christian 

Thielemann steht am Pult der Sächsischen Staatskapelle 

Dresden, wenn Georg Zeppenfeld sein Rollendebüt als 

Hans Sachs in Richard Wagners Mittelalter-Oper 

Die Meistersinger von Nürnberg gibt. Jens-Daniel Herzog 

fragt mit seiner Inszenierung nach der Rolle der Kunst 

und wie traditionsverhaftet sie sein müsse. Ihre eigene 

Antwort darauf finden die von der Choreografin Helene 

Weinzierl ins Leben gerufenen und geleiteten Ostertanztage. 

Immer wieder neu suchen sie nach Bewegungsmustern, 

erproben Verbindungen von Tanz und Schauspiel 

und setzen sich mit außereuropäischen Tanzkulturen auseinander. 

Parallel dazu laden die Performance Tage 

per.form>d

FESTLICHES 

FULDA 

Zum Stadtjubiläum erstrahlt Fulda in mittelalterlichen 

Traditionen und barockem Glanz. 

Der Mirabellgarten mit Blick auf die Salzburger 

Altstadt und Festung Hohensalzburg 

grafischen und künstlerischen Verbindungen von Alfred 

Kubin zu Salzburg, während im Museum der Moderne 

Salzburg – Rupertinum unter dem Titel Der fotografierte 

Mensch Neuerwerbungen der Fotosammlung des Bundes 

zu sehen sind. 

Im Juni erinnert Cecilia Bartoli, die Künstlerische 

Leiterin der Pfingstfestspiele, mit Voci celesti – Himmlische 

Stimmen an die Kastraten und die außergewöhnlichen 

künstlerischen Erlebnisse, die diese bescherten, aber auch 

an die Opfer, die daraus erwuchsen. Als Alcina in Georg 

Friedrich Händels gleichnamiger Oper steht ihr der 

Countertenor Philippe Jaroussky in der Rolle des Ruggiero 

zur Seite, die Händel einst für den Star-Kastraten Giovanni 

Carestini schrieb. Mit Händel verbindet Bartoli 

eine besondere Liebe. Er schaffe es, so betont sie, seine 

„Zuhörer in eine andere, magische Welt zu führen“. 

Fulda kann 2019 auf ein 1275-jähriges Bestehen zurückblicken 

und nimmt das Jubiläum zum Anlass, 

mit einer Fülle von kulturellen Events das Dasein 

als osthessische Residenzstadt zu zelebrieren. Höhepunkte 

sind der Musical Sommer Fulda, die Open-Air-Vorstellungen 

von Bonifatius auf dem Fuldaer Domplatz, als größte 

Musical-Inszenierung Deutschlands in diesem Jahr, das 

Stadt- und Bürgerfest, das Genussfestival und Lichterfest 

und das neue Wintervarieté. 

Das Stadt- und Bürgerfest lädt vom 28. bis 30. Juni 

gleich auf zwei Zeitreisen ein. Wer ins Mittelalter eintauchen 

möchte, der kann sich mit Backen, Tanzen, Musizieren, 

Färben, Handeln, Kochen, Malen, Nähen, Schmieden, 

Schnitzen und vielem mehr unzählige Eindrücke 

von diesem Lebensgefühl verschaffen. 

Im pittoresken Schlossgarten kann man sich zeitgleich 

mit dem Barockfestival in die prachtvolle Atmosphäre 

des 17. und 18. Jahrhunderts flüchten und wird 

von einem charmanten Zeremonienmeister nach allen 

Regeln der Kunst mit barocker Musik, faszinierenden 

Illuminationen, historischem Tanz und allerlei fürstlichem 

Amüsement verwöhnt, sodass man sich nach Versailles 

versetzt fühlt. 

FOTO: SATISUNDFY AG / MAGISTRAT DER STADT FULDA; LOGO: MAGISTRAT DER STADT FULDA 

FESTSPIELE SALZBURG 

Osterfestspiele Salzburg 

13. bis 22. April 2019 

Salzburger Festspiele Pfingsten 

7. bis 10. Juni 2019 

Salzburger Festspiele Sommer 

20. Juli bis 31. August 2019 

INORMATIONEN 

Tourismus und Kongressmanagement Fulda 

+49-(0)661-102 18 12 

tourismus@fulda.de 

www.tourismus-fulda.de 

www.stadtjubiläum-fulda.de 



FESTSPIELE 

FÜR 

DIE SINNE 

Der Klosterhof in Bayerisch Gmain 

bietet als ****Superior Hotel 

im Berchtesgadener Land 

Genuss für Auge, Ohr und Gaumen. 

FOTO: DER KLOSTERHOF 

Der Blick ist atemberaubend, das kulinarische 

Angebot exquisit und das 

Spa eine Oase: Der Klosterhof in Bayerisch 

Gmain geizt nicht mit seinen Reizen 

und verbindet ein einzigartiges Bergerlebnis 

mit stilvollem Luxus. Doch das Hotel im 

Berchtesgadener Land ist weit mehr als Entspannungsort 

und kulinarischer Genusspunkt. 

Es ist darüber hinaus ein hervorragender 

Wohlfühlort für alle Kulturliebhaber und 

legt als Design-Hotel einen ganz besonderen 

Wert auf die stilvolle Ästhetik und kreative 

Ausgestaltung seiner Räumlichkeiten. So sind 

im gesamten Hotel exklusive moderne Kunstwerke 

verteilt und laden Inspirationsplätze dazu ein, die 

Seele baumeln zu lassen und das besondere Flair dieses 

Ortes zu genießen. Ob im Ohrensessel vor dem Kamin in 

der hauseigenen Bibliothek oder auf einer Couch direkt 

vor den übergroßen Panoramafenstern mit Blick auf die 

„Schlafende Hexe“ – verschiedene Rückzugsorte versprechen 

Ruhe und Erholung. 

Wer nach dem Genuss des preisgekrönten Spa-Bereichs 

Lust auf einen geistigen Impuls hat, der stößt auf 

ein hochkarätiges Kulturprogramm im Hotel. Dabei finden 

im stimmungsvollen Ambiente des Hauses regelmäßig 

Konzerte, Vorträge und Lesungen statt, worunter die 

intimen Vollmondkonzerte in exklusiver Salonatmosphäre 

ein ganz besonderes Highlight darstellen. 

Auch wenn es um den Besuch der Salzburger Festspiele 

geht, ist das kulturaffine Haus der perfekte Ausgangspunkt. 

Als Festspielhotel im Grünen bietet das Hotel 

seinen Gästen einen ganz besonderen Service und stellt 

für sie ausgewählte Rundum-sorglos-Pakete zusammen. 

Die Karten für die Festspiele, der Shuttleservice nach Salzburg, 

ein zeitlich perfekt abgestimmtes Festspielmenü 

vom Klosterhof-Küchenteam rund um Spitzenkoch Harald 

Derfuß sowie ausgewählte Vorträge im Festspielsalon 

garantieren Kulturgenuss pur. Selbstverständlich gehört 

die persönliche Betreuung der Festspielgäste zum Credo 

des Hauses und so gibt es nach Besuch der Festspiele 

reichlich Gelegenheit, um in der herrlich ruhigen Idylle 

das Erlebte zu reflektieren oder aber an der Bar mit anderen 

Gästen darüber ins Gespräch zu kommen. 

„Begeisterung Leben“ lautet das inspirierte Motto 

dieses außergewöhnlichen Hotels, das seine Inhaber Henrike 

Färber und Dr. Andreas Färber seit 2016 mit viel Liebe 

zum Detail umsetzen. Vielfältige Kunst, reichhaltige 

Kultur und der anspruchsvoll geführte Klosterhof finden 

so zu einem wohlklingenden Dreiklang zusammen und 

begeistern auch 2019. 

INFORMATION 

Klosterhof 

Premium Hotel & Health Resort 

Steilhofweg 19 | 83457 Bayerisch Gmain 

+49-(0)8651-982 50 

info@klosterhof.de 

www.klosterhof.de 

DIE WOHLFÜHL-PAUSCHALEN 

Alles für einen perfekten Urlaub 

Ob eine Romantikauszeit, ein Wellness-Wochenende 

für Freundinnen in 

Bayern oder der beliebte Babymoon – 

hier finden Sie Rundum-sorglos-Pakete 

zu besten Preisen. 


National 

Academic 

Opera 

KLINGENDE 

STADT 

AM WASSER 

Das belgische Brügge lockt auch 2019 mit spannenden 

Konzertprogrammen und reichlich Flair. 

OH, ODESSA! 

Das Odessa Classics Music Festival lockt mit 

großen Namen und einem spannenden Programm. 

Wem der Sinn nach einer exquisiten Musikauswahl 

steht, der sollte Anfang Juni über einen 

Ausflug in die Ukraine nachdenken. Vom 1. bis 

9. Juni 2019 tummeln sich auf den Altstadt-Boulevards von 

Odessa am Schwarzen Meer internationale Künstler, um 

dem ambitionierten Festival Odessa Classics zum fünften 

Mal an verschiedenen Orten der Stadt Leben einzuhauchen. 

Ob im Opernhaus, in der Philharmonie oder unter 

freiem Himmel auf der pompösen Potemkinschen Treppe: 

Odessa strotzt vor Schönheit und Kultur. Die Hotels Bristol 

und Il Decameron bieten den Besuchern nicht nur eine 

luxuriöse Unterkunft, sondern sind als Sponsoren auch 

unmittelbar mit dem Festival verbunden. Igor Shavruk eröffnet 

das Festival am Pult des Opernorchesters gemeinsam 

mit dem Pianisten Cyprien Katsaris und Klavierkonzerten 

von Mozart und Beethoven. Zwei Abende später rückt er 

mit dem Odessa Philharmonic Chamber Orchestra das 

Schaffen des georgischen Komponisten Giya Kancheli in 

den Fokus. Ein Trioabend mit Mischa Maisky, ein Besuch 

des Zürcher Kammerorchesters mit Daniel Hope, dem Artist 

in Residence, sowie das Tango-Sensationsprojekt von 

Michael Guttman versprechen, Highlights der diesjährigen 

Festivalausgabe zu werden. 

FOTO: ODESSA CLASSICS 

Bruges? Sounds Great!“ – „Brügge? Klingt großartig!“ 

lautet auch in diesem Jahr das Motto der pulsierenden 

Kulturstadt und es verspricht wahrlich 

nicht zu viel. So bietet die Stadt der Grachten ein faszinierend 

reiches Angebot auf engstem Raum und lässt die 

Herzen all jener höherschlagen, die Spitzenkultur vor malerischer 

Kulisse schätzen. Das idyllische Brügge ist immer 

eine Reise wert und präsentiert das ganze Jahr über 

eine bunte Vielfalt an hochkarätigen Konzerten und Veranstaltungen. 

Seit 2003 ist Brügge Sitz des international 

renommierten Ensembles Anima Eterna Brugge, das unter 

der Leitung von Jos van Immerseel auf historischen 

Instrumenten immer wieder zu neuen Gipfelstürmen ansetzt. 

2019 ergründet der Klangkörper in seinen spannenden 

Konzertprogrammen unter anderem Schuberts 

Unvoll endete, die Ballett-Suite Nr. 2 von Sergei Prokofjew 

und Beethovens Chorfantasie. Als architektonisches Herzstück 

begeistert seit 2002 das spektakuläre Concertgebouw, 

in dem unter anderem die Bach-Akademie stattfindet, 

die einen erfrischend anderen Blick auf den barocken 

Meister wirft. Ebenfalls im Concertgebouw beheimatet, 

lockt zudem das MAfestival (2. bis 11. August), das 

attraktive Alte-Musik-Programme vereint. So lohnt sich 

auch 2019 der Besuch im klingenden Brügge. 

FOTO: JAN D‘HONDT 

INFORMATIONEN 

Odessa Classics International 

Music Festival | 1. bis 9. Juni 2019 

+38-(0)48-704 07 33 

odessaclassics@gmail.com 

en.odessaclassics.com 

INFORMATIONEN 

www.visitbruges.be 

www.concertgebouw.be 

www.animaeterna.be 

www.mafestival.be 



STADT 

DES GUTEN LEBENS 

In Baden-Baden trifft moderner Lifestyle auf exklusive Hochkultur 

und altbewährte Traditionen. 

Schon vor über 2.000 Jahren war Baden-Baden ein Ort, an dem man 

Leib und Seele verwöhnen lassen konnte. Als kleinster Stadtkreis 

Baden-Württembergs hat das schmucke Örtchen sich längst nicht 

nur als Kurstadt, sondern auch als internationale Medien-, Kunst- und 

Festspielstadt etabliert – und so hält auch das Jahr 2019 viele freudige 

Ereignisse für Kulturfreunde und Genießer bereit. Zwischen den Prachtbauten 

der Belle Époque lustwandeln längst nicht mehr nur Architekturliebhaber, 

sondern Baden-Baden lockt mit seinem vielseitigen Veranstaltungskalender 

mittlerweile auch ein hippes, junges Publikum an, das 

den zeitlosen Reiz von Galopprennen, Oldtimertreffen und großen klassischen 

Konzerten für sich entdeckt hat. 

Wenn im Rahmen des SWR3 New Pop Festivals internationale Stars 

auftreten, die besten Orchester der Welt im Festspielhaus spielen 

oder sich eine Schuhmacherwerkstatt in eine Pop-up-Galerie 

verwandelt, dann präsentiert Baden-Baden sich in jeder Hinsicht 

als exklusive Weltstadt, die es auch mit den Ansprüchen 

von Gästen aus Berlin oder New York aufnehmen kann. 

Konkret sieht das so aus: Vom 13. bis 22. April 2019 

erfüllen die Berliner Philharmoniker während der Osterfestspiele 

das Festspielhaus sowie die ganze Stadt mit 

Musik und haben die Weltstars der klassischen Musik zu 

Gast. Am 28. und 29. Juni 2019 bringen die Philharmonischen 

Schlosskonzerte den Innenhof von Schloss Neuweier 

zum Leuchten. 

Mit dem „Frühjahrsmeeting“, das vom 30. Mai 

bis 2. Juni 2019 stattfindet, bis hin zum Ausklang der 

Rennsaison am 18. und 20. Oktober 2019 mit dem 

„Sales & Racing Festival“ sorgt die Galopprennbahn 

mit vielen sportlichen und gesellschaftlichen 

Ereignissen für eine prickelnde Atmosphäre und 

aufregenden Nervenkitzel. Darüber hinaus kann 

man vom 12. bis 14. Juli 2019 beim Internationalen 

Oldtimer-Meeting im Kurgarten Fahrzeugklassiker 

aller Marken bewundern und dabei in die faszinierende 

Automobilgeschichte eintauchen. 

Entsprechend exklusiv klingt das Jahr in Baden- Baden schließlich 

aus. Vom 28. November 2019 bis 6. Januar 2020 verbreitet der Baden-Badener 

Christkindelsmarkt eine märchenhafte Atmosphäre im Stadtzentrum, 

und am letzten Tag im Jahr lässt ein festlicher Silvester Dinner Ball 

kulinarisch und musikalisch im Kurhaus noch einmal die Funken fliegen. 

BADEN-BADEN 

The good-good life. 

INFORMATION 

Baden-Baden 

Kur & Tourismus GmbH 

+49-(0)7221-27 52 00 

info@baden-baden.com 

www.baden-baden.com 

VERANSTALTUNGEN (AUSWAHL) 

Osterfestspiele 

13. bis 22. April 2019 

Int. Galopprennen „Große Woche“ 

24. August bis 1. September 2019 

Christkindelsmarkt 

28. November 2019 bis 06. Januar 2020 


KLANGVOLLE REISEN 

FÜR MUSIKLIEBHABER 

Die „Reisen für Musikfreunde“ des ADAC bringen die Gäste zu erstklassigen 

Opern, Konzert- und Ballettaufführungen an die schönsten Orte der Welt. 

Anna Netrebko ist in Andrea Chenier im Rahmen einer Wien- 

Reise vom 18. bis 21. Mai 2019 an der Staatsoper zu erleben 

Eine Reise nach Valencia vom 20. bis 23. Juni 2019 führt in das 

Opernhaus Palau de les Arts Reina Sofia 

Wenn einer eine Reise macht, dann kann er was 

erzählen – erst recht, wenn der Höhepunkt 

dieser Reise ein musikalischer Genuss der 

Spitzenklasse ist! Unter dem Motto „Reisen für Musikfreunde“ 

präsentiert der ADAC seit über 35 Jahren auch 

für Nichtmitglieder jedes Vierteljahr ein vielseitiges Programm, 

das die Herzen der Klassikliebhaber höherschlagen 

lässt. Mit Leidenschaft zusammengestellt, bietet sich 

dem Kunden eine reiche Auswahl an erstkarätigen Aufführungen 

an den schönsten Orten der Welt, eingebunden 

in perfekt geplante Reisen, bei denen Muße und Genuss 

an erster Stelle stehen. So erleben die Gäste nicht nur 

begeisternde Opern- und Ballettaufführungen, sondern 

kommen darüber hinaus in den Genuss von Spitzengastronomie, 

übernachten in ausgesuchten Luxus hotels und 

werden von versierten ADAC-Reiseleitern begleitet. 

Nur das Beste ist gut genug bei der Zusammenstellung 

der zahlreichen musikalischen Highlights: Da ist 

zum Beispiel eine Darbietung von Pergolesis Stabat Mater, 

aufgeführt zum Osterfest von dem Ensemble Le Poème 

Harmonique unter der Leitung von Vincent Dumestre in 

der Königlichen Kapelle von Schloss Versailles. Dann ist 

da Verdis imposante Oper Aida mit Roberta Mantegna 

und Francesco Meli unter der Leitung von Riccardo Frizza 

im Teatro La Fenice in Venedig. Oder aber der Weg 

führt nach Salzburg, wo bei den Pfingstfestspielen unter 

dem Motto „Voci celesti – Himmlische Stimmen“ herausragende 

Countertenöre wie Christophe Dumaux und 

Philippe Jaroussky auftreten werden. 

Ein ganz besonderes Erlebnis sind darüber hinaus 

die Musikkreuzfahrten auf den schönsten Flüssen Europas 

oder im Mittelmeer. Erstklassige Konzerte in den an 

den Strecken liegenden Theatern, ausgewählte Sonderkonzerte, 

spannende Rundgänge und kulinarische Genüsse 

garantieren hier eine ebenso eindrucks- wie klangvolle 

Reise. Aktuell wird eine Musikkreuzfahrt auf der 

Amadeus Diamond von Paris in die Normandie angeboten. 

Wandeln Sie auf den Spuren von Van Gogh, Cézanne 

und Monet entlang der Seine bis nach Le Havre an der 

Atlantikküste und kehren Sie zurück nach Paris, ins Zentrum 

der französischen Kunst. 

Ganz gleich ob man die Gesellschaft schätzt und 

gerne in der Gruppe reist oder lieber individuell unterwegs 

ist – die „Reisen für Musikfreunde“ bieten Angebote 

für jeden Geschmack und werden sowohl als Individual- 

wie auch als geführte Gruppenreisen angeboten, bei 

denen Musik, Kunst und Kultur eine vollendete Symbiose 

eingehen. 

FOTOS: DARIO ACOSTA; DAVID ILIFF; PIXABAY 

INORMATIONEN 

Beratung & Buchung 

+49-(0)69-66 07 83 04 

info@adac-musikreisen.de 

www.adac-musikreisen.de 

REISEANGEBOTE 

Neben Gruppenreisen, die eine 

Betreuung durch versierte Reiseleiter 

beinhalten, werden Individualreisen, 

die Hotel und Eintrittskarten 

beinhalten, angeboten. 


VOR UNS DIE WELT 

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Mehr über unsere Luxus- und 

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DER KÜNSTLER GEORG STEIDINGER 

GESTALTETE DAS COVER UNSERER PREMIUM-CD 

Das erlebte Material 

FOTOS: PRIVAT 

Der Künstler Georg Steidinger bei seiner Ausstellung „Fake Your Self“ 

Der 1963 geborene Georg Steidinger startete ursprünglich 

eine ganz andere Karriere, nämlich als Musiker 

und Radio-DJ. Erst in den späten 90er-Jahren machte 

er sich auf den Weg zur bildenden Kunst: „Mein Start 

in die Kunstwelt waren großformatige, abstrakte Bilder in Acryl. 

Viel Farbe auf möglichst großen Leinwänden. Alles war riesig, großformatig, 

einfach viel Farbe und Symbolik auf der Leinwand. Ich 

war stolz, so etwas großes als Autodidakt geschaffen zu haben.“ 

Die ersten gestischen Malaktionen wurden schnell erweitert 

durch Pigmente, Öl, Erde und Sand auf Leinwand, Papier, Pappe 

oder Metall. Der Tradition des abstrakten Expressionismus folgend, 

legt Georg Steidinger die Impulse des Unbewussten offen. In seinen 

Bildern werden Bildgrund und Farbe so zum erlebten Material und 

vereinigen sich zum eigentlichen Ausdruck. Oft ergänzt durch Textfragmente 

oder spontane Wortassoziationen. 

„4 letter words“ ist sowohl Malerei als auch Installation. Aus 

Symbolen wurden Typografien und Worte. Mit seiner „4letterart“ gibt 

der Künstler mit Bildinhalten und Worten Impulse und Inspirationen 

zu den Themen unserer Zeit. Gerade die englischen „4 letter words“ 

sind kompakt und reduziert – aber die eigentliche Geschichte entsteht 

ja im Kopf des Betrachters: individuell und immer wieder anders. Ob 

als Collage, in verschiedenen Drucktechniken oder in Videosequenzen 

– Georg Steidinger variiert Themen, Materialien und Techniken und 

rückt so Dinge in einen neuen Kontext. Zuletzt mit übermalten Plattencovern, 

aus denen Indie-Songs der frühen 80er-Jahre mit Songtiteln 

auf schwarzer Ölfarbe zu neuem Leben erweckt wurden (hang the DJ, 

2018). Er mixt Models mit Song- und Filmzitaten („FAKE YOUR 

SELF“, 2017, „HELL YEAH“, 2017, siehe Bild oben) oder Insignien des 

Kalten Krieges („American Sector“, 2019) mit Collagen aus Fashion- 

Magazinen. Mehr über den Künstler auf www.steidinger.net 

81

HTOI PT E LTZREIIFLFET 

Daniel-Hope-Kolumne 

„KEINE ZUKUNFT OHNE GESCHICHTE“ 

Der Kampf gegen das Vergessen darf nicht enden. Das richtige Instrument dafür ist nicht 

Selbstanklage, sondern Verantwortung. Daniel Hope im Gespräch mit Katja Schaefer, 

Generalsekretärin der Bayerischen Akademie der Schönen Künste. 

Daniel Hope: Katja, begegnet sind wir 

uns bei „Lied und Lyrik“, deinem Festival 

in Oberfranken. In Coburg habe ich mit 

Anne Sofie von Otter unser Theresienstadt-Projekt 

aufgeführt. Wie wichtig ist 

dir die Bewahrung der Geschichte? 

Kat ja Schae fer: Auf einen Satz gebracht: 

Es gibt kei ne Zukunft ohne Geschich te! 

Dass die Aus ein an der set zung mit der 

Geschich te, ganz beson ders auch mit der 

deut schen Geschich te, wich tig ist, zeigt 

die Tat sa che, dass die Rechts po pu lis ten 

über all auf dem Vor marsch sind. Ich bin 

dabei durch aus der Mei nung, dass man 

die Schuld unse rer Vor fah ren nicht zur 

Schuld ihrer Nach kom men dekla rie ren 

darf, aber: Die Ver ant wor tung eines „Nie 

wie der!“ – die bleibt. Über all! Die ser 

Appell ist Anne Sofie und dir wun der bar 

gelungen. Eure Moderationen waren 

ein dring li che Beschrei bun gen der 

Künst ler aus The re si en stadt – sie fei er ten 

die Krea ti vi tät und die Stär ke die ser 

Men schen. Die Kom bi na ti on aus außer gewöhn 

li cher Kunst und ihrer sub ti len, aber 

so ein dring li chen Ver mitt lung hat mich 

sehr beein druckt. Daher war ja auch mei ne 

ganz spon ta ne Reak ti on: „Dar aus müsst 

Ihr einen Film machen“! Als Ihr erzählt 

habt, wie schwie rig es sei, einen Pro du zenten 

zu fin den, haben wir uns – etwas 

wag hal sig – auf die ses Aben teu er ein ge lassen. 

Aber es hat ja wun der bar geklappt! 

In dem Film hatten wir das Glück, zwei 

überlebende Musiker zu befragen, Alice 

Herz-Sommer und Coco Schumann – 

beide inzwischen verstorben. Laut einer 

Umfrage von CNN 2018 wissen 40 Prozent 

der deutschen Erwachsenen zwischen 18 

und 34 Jahren wenig bis nichts über den 

Katja Schaefer mit Daniel Hope 

Holocaust. Beunruhigt dich das? 

Die Mög lich keit, die se bei den Zeit zeu gen 

ken nen zu ler nen, war ein gro ßes Glück, 

für unse re Pro duk ti on und für das eige ne 

Leben. So viel Lebens mut, Weis heit, Lie be 

zu den Men schen, trotz allem, was sie 

durch ge macht haben: Als Vor bil der sind 

sie unsterblich. Natürlich beunruhigt mich 

das Umfra ge er geb nis von CNN, auch wenn 

ich es anzweifle. Denn noch ist die Nazi zeit 

ver pflich ten der Teil des Geschichts un terrichts 

an deut schen Schu len, und laut einer 

aktu el len Umfra ge anläss lich des dies jähri 

gen Holo caust-Gedenk ta ges, haben alle 

KZ-Gedenk stät ten in Deutsch land gestei 

ger ten Zulauf. Kei nes falls aber soll ten 

wir uns auf ver meint lich guten Zah len 

aus ru hen. Den Kampf gegen das Ver gessen 

müs sen wir wei ter füh ren, nicht mit 

Selbst an kla ge, aber: mit Ver ant wor tung! 

Dank der Unterstützung der Bayerischen 

Akademie der Schönen Künste kam der 

Film überhaupt zustande. Welche Rolle 

spielt die Akademie in der Förderung 

der Kultur derzeit in Deutschland? 

Die Mit glie der sind in vie len Gre mi en und 

Jurys. Sie ent schei den über Prei se, Sti pen - 

di en und Unter stüt zun gen von Kunst projek 

ten. Auch ich tumm le mich in etli chen 

nationalen und internationalen Ehrenämtern. 

Dane ben machen wir jähr lich an die 

85 Ver an stal tun gen bei frei em Ein tritt mit 

Pro gram men jen seits des Markt üb li chen. 

Unse re Tere zin-DVD ist von der deut schen 

Kul tus mi nis ter kon fe renz in die Emp fehlungs 

lis te für den Geschichts- und Musikun 

ter richt an allen deut schen Schu len 

aufgenommen worden. Das ist wahrscheinlich 

wichtiger als die vielen internationalen 

Prei se, die die Produk ti on gewon nen hat. 

Was fasziniert dich an „Verbotener 

Musik”? 

Mich beein druckt vor allem der Mut, der 

dahin ter steck te, der Witz, die Iro nie, der 

man oft begeg net. Tex te, die kein Blatt vor 

den Mund neh men, Kom po si tio nen, die 

Trost spen de ten und Angst lin der ten, im 

Fal le von Ilse Weber sogar bis fast zur 

letz ten Minu te in der Gas kam mer. Das 

alles sind bered te Zeug nis se abso lut außerge 

wöhn li cher Men schen. Wir soll ten Coco 

Schu manns Wunsch fol gen, sie nicht nur 

als Opfer zu betrau ern, son dern auch ihrer 

kreativen und menschlichen Größe höchsten 

Respekt zu zol len. Welch ein Tri umph, 

dass die se Wer ke die je ni gen, die sie ver - 

nichten sollten, auf ewig überleben werden! 

Neulich wurde unser Film in Hollywood 

bei der Academy of Motion Pictures 

gezeigt. Danach gab es ein Q &A mit über 

500 Studenten. Ich glaube, vor allem die 

Jugend von heute muss davon erfahren. 

Hier schließt sich der Kreis: kei ne Zukunft 

ohne Geschich te! Die Jugend von heu te 

muss die Geschich te wei ter tra gen, auf 

allen fünf Kon ti nen ten; nur so besteht die 

Chan ce, aus ihr zu ler nen. 

n 


FOTO: DANIEL HOPE, PRIVAT 


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CRESCENDO 2/19 April-Mai 2019

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