CRESCENDO 5/19 September-Oktober 2019

20 JAHRE
AUSGABE 05/2019 SEPTEMBER – OKTOBER 2019
WWW.CRESCENDO.DE 7,90 EURO (D/A)
mit CD im Heft
SCHWERPUNKT
Klavier: 88 Tasten Leidenschaft
CHRISTOPH
ESCHENBACH
„Aus der Macht der
Musik schafft man alles“
DANAE DÖRKEN
KATHARINA THALBACH
RAPHAËL PICHON
MARLIS PETERSEN
Anne-Sophie Mutter
Ein Gespräch über die inspirierende Zusammenarbeit
mit John Williams und die Guillotine der Gefälligkeit
B47837 Jahrgang 22 / 05_2019
Mit Beihefter CLASS: aktuell

DRAMATIK PUR
Der ältestes erhaltene
biblische Bilderzyklus
Erstpräsentation und feierliche Übergabe
der Faksimile-Edition am 25. September 2019
um 18:00 Uhr in der Österreichischen
Nationalbibliothek.
www.quaternio.ch/veranstaltungen
Lebendige Darstellung
der Sintflut aus der
Mitte des 6. Jahrhunderts
Die Wiener Genesis ist der älteste und umfangreichste
Bilder zyklus der christlichen Malerei.
Im 6. Jahrhundert haben die Künstler im syrisch-antiochenischen
Raum diese Handschrift geschaffen, die
an Pracht kaum zu über bieten war: purpur gefärbte
Blätter, reicher Bilderschmuck auf allen Seiten, durchgehend
mit Silbertinte geschrieben – kein Wunder ist
die Wiener Genesis heute eine der kostbarsten, aber
auch fragilsten Schätze in den Tresoren der Österreichischen
Nationalbibliothek.
Die Faksimile-Edition bringt Ihnen die unglaubliche
Bilderpracht aus dem 6. Jahrhundert
nach Hause. Die Leuchtkraft der Farben nach
über 1500 Jahren verblüfft, die von der Antike inspirierte
Natürlichkeit und Lebendigkeit der Darstellung
fas ziniert und die Authentizität der Faksimile-Edition
begeistert – ein ästhetisches Erlebnis, das seines-
gleichen sucht.
Die Faksimile-Edition der Wiener Genesis ist
weltweit auf 480 Exemplare limitiert. Originaltreue
ist dabei das höchste Gebot: das gilt für die Wiedergabe
der unterschied lichen Braun- und Purpurtöne
des Pergaments genauso wie für die leuchtenden Farben
und den zarten Schimmer der Goldpartien.
Die limitierte Faksimile-Edition
erscheint exklusiv im
In Zusammenarbeit
mit der Österreichischen
Nationalbibliothek
Quaternio Verlag Luzern
www.quaternio.ch • Quaternio Verlag Luzern • Obergrundstrasse 98 • 6005 Luzern • Schweiz • Telefon +41 (0)41 318 40 20 • Fax +41 (0)41 318 40 25 • info@quaternio.ch

P R O L O G
LIEBE LESER,
WINFRIED HANUSCHIK
Herausgeber
mit unserer neuen CRESCENDO Ausgabe melden wir uns zurück aus der Sommerpause.
Und hoffen, Sie hatten eine schöne, aufregende und inspirierende Festspielzeit. Vielleicht
waren Sie ja dabei bei einer der spektakulären Inszenierungen und Vorstellungen:
Rigoletto in Bregenz, Orphée in Salzburg, Agrippina in München, Tannhäuser in Bayreuth
mit der wunderbaren Lise Davidsen. Oder waren Sie an den kleineren Häusern unterwegs?
Mich hat beispielsweise die Turandot-Premiere in Gut Immling im oberbayerischen
Chiemgau begeistert. Spannend waren – wie in jedem Jahr – natürlich auch die
kontroversen Berichterstattungen darüber. Sehr unterhaltsam auch zu erfahren, was sich
so alles hinter den Kulissen und im Publikum abgespielt hat. Unser Kolumnist AXEL
BRÜGGEMANN hielt Sie und uns auf dem Laufenden mit unserem wöchentlichen
Newsletter, auf den wir immer viel Feedback bekommen. Auch wenn die Leser offensichtlich
nicht immer einer Meinung mit ihm sind – es ist uns eine Freude zu sehen, wie viel
Lust am Debattieren seine News jedes Mal wieder auslösen. Schließlich geht es auch in
der Kultur immer um die Kommunikation.
Apropos Kommunikation: Besuchen Sie uns doch in unserer Redaktion am Münchner
Marienplatz – der Künstler RAFAEL SCHÖLERMANN, der auch das Cover der
aktuellen Premium-CD gestaltet hat, stellt persönlich einige seiner Werke vor (s. S. 73).
Wenn Sie Lust haben, sich mit ihm über seine sensationellen Fotografien zu unterhalten
oder vielleicht auch nur sehen wollen, wo CRESCENDO gemacht wird, melden Sie sich
bitte unter www.crescendo.de/vernissage an.
Zu unseren Inhalten: Den Schwerpunkt dieser Ausgabe haben wir dem Klavier gewidmet.
Und naturgegeben den Menschen, die damit zu tun haben. Unter dem Arbeitstitel
„Treffen der Giganten“ haben wir die Marktführer Steinway, Bechstein und Bösendorfer
einander gegenübergestellt. Thematisch in die Hände gespielt hat uns dabei der regelrechte
Shitstorm, der um ANDRÁS SCHIFF und die Schubertiade losbrach. Lesen Sie
dazu den Beitrag unseres Kolumnisten Axel Brüggemann, der sich nicht einfach einreiht
in die Aufregung, sondern Für und Wider abwägt.
Dann lassen wir natürlich die Künstler selbst zu Wort kommen: Ist der Beruf des
Pianisten einsam? War früher alles einfacher? Neben SOPHIE PACINI und ihrer
Mentorin MARTHA ARGERICH haben wir dazu bei CÉDRIC TIBERGHIEN, IGOR
LEVIT, ANNA GOURARI, JOSEPH MOOG und anderen Pianisten nachgefragt.
Daneben wollten wir aber auch unbedingt einen Blick in die Zukunft richten und haben
uns die Frage gestellt, wie das Klavier den Sprung ins 21. Jahrhundert schafft. Dass hier
Technik ins Spiel kommt, versteht sich fast von selbst. Wer nun fürchtet, dass damit dem
Klavier Klang und Brillanz zugunsten kühler Sounds abhandenkommt, dem sei das
Interview mit RALF SCHMID ans Herz gelegt. Mit seinem Projekt „Pyanook“ liefert der
Professor und Jazzmusiker den Beweis, wie viel Poesie in der Digitalisierung liegen kann.
FOTOS TITEL: STEFAN HÖDERATH / DG
Exklusiv für Käufer und Abonnenten:
die CRESCENDO Premium-CD
Viel Inhalt in besonders hochwertiger Ausstattung finden
Sie in dieser Premium- Ausgabe: Reportagen, Porträts,
Interviews, Aspekte und Hintergrundwissen aus der Welt
der Klassik. Außerdem für alle Käufer und Abonnenten
der Premium-Ausgabe:
sechs Mal pro Jahr die CRESCENDO CD,
ein exklusives Album mit Werken einiger in der
aktuellen Ausgabe vorgestellter Künstler.
In diesem Heft: die 79. CD der
CRESCENDO Premium-Edition.
Fehlt die CD? Dann rufen Sie uns an: 089/85 85 35 48.
Worauf Sie sich noch freuen können? Wir haben CHRISTOPH ESCHENBACH, den
neuen Leiter des Konzerthausorchesters in Berlin, getroffen, haben ANNE-SOPHIE
MUTTER über ihr erstes Open-Air-Konzert befragt und MARLIS PETERSEN bei den
Aufnahmen zu ihrem neuen Album besucht. Schließlich leisten sich KATHARINA
THALBACH und das FEININGER TRIO einen kleinen Battle und lassen Berliner
Kartoffelpuffer gegen Schweizer Rösti antreten.
In diesem Sinne: Guten Appetit und viel Spaß beim Lesen, vielleicht sehen wir uns ja bei
der CRESCENDO Vernissage,
Ihr Winfried Hanuschik
w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Okktober 2019 3

P R O G R A M M
Wir.Leben.Klassik!
Top Neuheiten
150 JAHRE WIENER STAATSOPER
06
PIANO VERTIKAL
Der Schweizer Pianist
Alain Roche tourt mit
einem spektakulären Projekt
durch Europa
14
CHRISTOPH
ESCHENBACH
Der neue Leiter des
Konzerthausorchesters Berlin
in seiner ersten Saison
35
MADDALENA
DEL GOBBO
Die Musikerin verzaubert
mit dem Baryton
ihr Publikum
STANDARDS
KÜNSTLER
HÖREN & SEHEN
D E U T S C H E O P E R B E R L I N
KORNGOLD
Das Wunder der Heliane
1. Album SWR Symphonieorchester
HENZE Das Floß der Medusa
03 PROLOG
Der Herausgeber stellt
die Ausgabe vor
06 BLICKFANG
Sakrale Hängepartie
08 OUVERTÜRE
Klassik in Zahlen
Was hören ...
Manz und Studnitzky?
Ein Anruf bei ...
Otto Hott,
Banker, Geiger, Golfer
35 IMPRESSUM
64 KOMMENTAR
Axel Brüggemann über
András Schiff und den
„Flügel-Streit“
40 RÄTSEL
82 HOPE TRIFFT …
Lise de la Salle
12 EIN KAFFEE MIT …
Jürgen Tarrach
14 CHRISTOPH
ESCHENBACH
„Ich will keine graue Maus
als Orchester ...“
18 ANNE-SOPHIE
MUTTER
über ihre Freundschaft
mit John Williams
21 DANAE DÖRKEN
„Musik ist ein Ausdruck
von Philosophie“
22 MARLIS PETERSEN
über die Vollendung ihrer
„Dimensionen-Trilogie“
24 GÜLRU ENSARI &
HERBERT SCHUCH
Zwei Pianisten: Partner im
Leben und am Klavier
26 RAPHAËL PICHON
„... alles transformiert sich“
EXKLUSIV
FÜR ABONNENTEN
Hören Sie die Musik zu
unseren Texten auf der
CRESCENDO Abo-CD –
exklusiv für Abonnenten.
Infos auf den Seiten 3 & 70
29 DIE WICHTIGSTEN
EMPFEHLUNGEN DER
REDAKTION
30 MICHAEL FABIANO
Verdi und Donizetti:
eine Symbiose ihrer Arien
32 VLADIMIR
HOROWITZ
1965: großes Comeback
in der Carnegie Hall
33 WIENER STAATSOPER
24 Stunden Oper zwischen
Mozart und Schostakowitsch
36 CLAIRE MARTIN
Die Sängerin jongliert
einfühlsam und lässig
zwischen Jazz und Pop
39 UNERHÖRTES &
NEU ENTDECKTES
Christoph Schlüren
über unbekannte
sowjetische Meister
FOTOS: OLIVIER CARREL; MARCO BORGGREVE; NIKOLAJ LUND
www.naxos.de · www.naxos-direkt.de
Im Vertrieb der NAXOS DEUTSCHLAND GmbH
4 www.crescendo.de — September – Oktober 2019

48
TIROLER
FESTSPIELE ERL
Ein Fest zu Erntedank:
Hommage an Frédéric Chopin
– vier Konzerte an einem Tag
ERLEBEN
42 DIE WICHTIGSTEN
TERMINE UND
VERANSTALTUNGEN
25 JAHRE FESTIVAL
DER NATIONEN
„Russische Nacht“ mit
Nemanja Radulović
44 SCHIRN
KUNSTHALLE
Tapisserien von
Hannah Ryggen
46 KOMISCHE OPER
BERLIN
The Bassarids von
Hans Werner Henze
47 IOAN HOLENDER
Ticketseller und künstlerische
Gewissensbisse
48 TIROLER
FESTSPIELE ERL
Romantische Musik an
der Schwelle zur Moderne
52
KLAVIER
Piano oder Forte?
Gedanken und Geschichten
rund um das
Schwergewicht der Musik
SCHWERPUNKT
51 TABELLE
Ein Spiel mit 88 Tasten
52 PLAY ME,
I’M YOURS
Eine Erfolgsgeschichte
aus Birmingham
54 TREFFEN DER
GIGANTEN
Steinway, Bösendorfer
oder Bechstein?
56 FLÜGEL MIT
FANTASIE
Ungewöhnliche Wünsche
57 UNTER STROM
E-Pianos und Synthesizer
58 KLAVIER IN FILM,
LITERATUR, COMIC
60 ARGERICH & PACINI
Eine fruchtbare Verbindung
62 SAGEN SIE MAL ...
Bei Pianisten nachgefragt
78
BUDAPEST
Ein Spaziergang mit
der Pianistin
Mariam Batsashvili
durch ihre Stadt der Liebe
LEBENSART
73 KUNST AM COVER
„Waterworks“ von
Rafael Schölermann
74 LIEBLINGSESSEN
Katharina Thalbach und
das Feininger Trio:
Kartoffelpuffer vs. Rösti
76 PAULA BOSCHS
WEINKOLUMNE
Die neuen fabelhaften
Weine aus Österreich
78 BUDAPEST
Mariam Batsashvilis Tipps
für einen Besuch in der
ungarischen Hauptstadt
81 GLOBETROTTER
Termine an der
Ostküste der USA
Übernachten in der Galerie:
Hotel Blaue Gans, Salzburg
Mozart
PIANO CONCERTOS
NOS. 20 & 26
FRIEDRICH GULDA
Mozart
PIANO CONCERTOS
NOS. 20 & 26
FRIEDRICH GULDA
FOTOS: JOSEF FISCHNALLER; LUKE JERRAM
50 DEUTSCHE KAMMER-
AKADEMIE NEUSS
AM RHEIN
Die neue Saison
unter Chefdirigent
Christoph Koncz und
Isabelle van Keulen als
künstlerischer Leiterin
66 DIGITALE POESIE
Das Projekt „Pyanook“
69 WER OHREN HAT ...
Von der Kunst des
Klavierstimmens
71 DIE CARL BECH-
STEIN STIFTUNG
72 WOHER KOMMT
EIGENTLICH
... das Klavier?
Aus dem Archiv
des Orchesters –
jetzt als Album
erhältlich!
In Zusammenarbeit mit LOFT Music
5
mphil.de/label

O U V E R T Ü R E
Sakrale Hängepartie
Nach einem ersten erstaunten Luftholen stellen
sich die Assoziationen ein. Und irgendwann
vielleicht auch das eine oder andere
Wortspiel. Ein Pianist, der in den Seilen hängt.
Der Künstler mit hängenden Flügeln. Nun,
ganz von der Hand zu weisen ist das nicht.
Denn der Schweizer Komponist und Pianist
Alain Roche liebt verrückte Herausforderungen.
Seit 2013 geht er mit einem im wahrsten
Sinne des Wortes hängenden Flügel auf
Tournee. Der – extra für ihn vom Pianisten
Fernand Kummer umgebaut – ihm erlaubt,
im Freien und vertikal zu spielen. „Piano Vertical“
nennt er folgerichtig dieses aufwendige
Projekt, bei dem er am Baukran vor einem
Alpenpanorama oder in Kirchenschiffen eine
Hängepartie gibt – ein in jedem Fall unvergessliches
und spektakuläres Musikerlebnis!
www.pianovertical.com
6 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2019

7
FOTO: OLIVIER CARREL

O U V E R T Ü R E
Was hören …?
Manz und Studnitzky
Der Klarinettist und der Pianist
verraten uns ihre Lieblingsaufnahmen.
Film ab! (1)
Regisseur Ron Howard widmet sich einer weiteren Musikikone:
Luciano Pavarotti eroberte mit Stimme und Ausstrahlung die
Bühnen der Welt. Anhand nie veröffentlichter Aufnahmen zeichnet
Howard das intime Porträt eines faszinierenden Mannes und
unvergesslichen Ausnahmekünstlers. Ab 26. Dezember im Kino.
Sebastian Manz und
Sebastian Studnitzky widmen
sich dem großen Leonard
Bernstein: „A Bernstein Story“
ist ein Album zwischen Jazz und
Klassik (Berlin Classics)
Track 12 auf der CRESCENDO
Abo-CD: Prelude, Loops & Riffs.
IV. Jam Session
Film ab! (2)
Sebastian Manz
1
Parov Stelar Trio: Ménage à trois aus „The Invisible Girl“
Für mich unangefochten seit Langem schon einer meiner Top Tracks:
E-Swing at its best. Geile Mischung aus Electro Beats und echten Saxofonund
Brass-Lines. Super Mix vom E-Swing-Guru Parov Stelar. Habe schon öfters
auf Swing-Partys live dazu improvisiert.
2
Archive: Controlling Crowds aus dem gleichnamigen Album
Sehr archaischer Track, der zu Beginn fast schon ins Meditative geht und
dabei kompromisslos direkte Gefühle in mir hervorruft. Seit Langem
schon auf meiner All-time-Playlist.
3
Gabin: Doo Uap, Doo Uap, Doo Uap aus „The First Ten Years“
Ein weiterer Electro-Swing-Meilenstein für mich, bei dem der Saxofonist
Stefano di Battisti am Ende über den Remix improvisiert. Auf der Basis
von It don’t mean a thing, if it ain’t got that swing entsteht ein chillig- fließender
Beat, den ich gerne auch zur Entspannung zwischendurch höre.
4
AC/DC: Shoot to Thrill aus dem Album „Back In Black“
Über den Inhalt so mancher Songtexte dieser Band lässt sich sicher
streiten, aber die Musik hat für mich nie an Power verloren. Der Sound
von AC/DC ist bis heute einmalig, und die Songs sind musikalisch einfach toll
komponiert. Dieser Song ist für mich einer der Highlights des legendären
Albums „Back in Black“.
Sebastian Studnitzky
1
Miles
Davis: Shhh/Peaceful aus dem Album „In a silent way“
(Etwas lang, kann man aber gut ausblenden ...) Mein absolutes Lieblingsalbum.
Miles’ Trompetensound ist so fokussiert und rau gleichzeitig.
Die Art der Kollektivimprovisation ... Das Voodoohafte der Grooves. Unser
zweiter Remix im ersten Satz ist ein bisschen von diesem Vibe inspiriert.
2
Ahmad Jamal: The Awakening aus dem gleichnamigen Album
Ebenso ein All-time-Favourite. Das interaktive, kollektive Konzept des
Trios gefällt mir sehr. Der Bandsound und der Vibe stehen über der
solistischen Virtuosität. Außerdem mag ich Ahmad Jamals Klaviersound.
3
Arvo Pärt: Fratres
Ich bin ein großer Fan von Pärts emotionalem, vielschichtigem Minimalismus.
Schlicht und spirituell zugleich.
4
Christian Löffler: slowlight aus dem Album „A forest“
Tolle Kombination von urbanem Beat und emotionaler Weite.
Beruhend auf wahren Ereignissen erzählt Regisseur und Darsteller
Ralph Fiennes (Der englische Patient) in Nurejew – The White
Crow die Geschichte der sowjetischen Ballettlegende Rudolf Nurejew.
Gedreht auf 16 mm leben in atmosphärischen Bildern die
bewegten 60er-Jahre wieder auf. Die Rolle Nurejews interpretiert
eindrucksvoll der ukrainische Weltklasse-Balletttänzer Oleg
Ivenko. Im Kino läuft der Streifen ab 26. September.
Markante Klangfarbe
Für ihre „unfassbar markante Klangfarbe, berauschende, makellose
Technik und unglaubliche Natürlichkeit“, so der Intendant
Christian Kuhnt bei der Preisverleihung, erhielt die Mezzosopranistin
Emily D’Angelo den Leonard Bernstein Award des
Schleswig-Holstein Musik Festivals. Der mit 10.000 Euro dotierte
Preis wurde erstmals an ein Gesangstalent vergeben.
Oper preiswert
In keinem Land der Welt gibt es so viele Opernhäuser wie in
Deutschland. Höchste Zeit also für einen Preis, der ausschließlich
der Oper gewidmet ist. Am 21. September werden im Konzerthaus
Berlin die ersten OPER! AWARDS für die besten nationalen und
internationalen Akteure auf und hinter der Bühne verliehen. Die Jury
besteht aus acht prominenten Journalisten. www.oper-awards.com
FOTOS: ALAMODE FILM; DARIO ACOSTA
8 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2019

5,8
Millionen
KLASSIK
IN ZAHLEN
US-Dollar Schadenersatz wollte der Dirigent James Levine von
der Metropolitan Opera in New York bekommen. Nach Vorwürfen des
sexuellen Missbrauchs war der 76-Jährige entlassen worden. Nun hat man
sich außergerichtlich geeinigt.
83.674
Tickets für 80 Veranstaltungen hat
die Bayerische Staatsoper für die
Münchner Opernfestspiele verkauft.
Damit beschließen sie ihre elfte
Saison mit einer Auslastung von
97,77 Prozent.
FOTOS: AJAY SURESH FROM NEW YORK, NY, USA - MET OPERA, CC BY 2.0;
590
Anmeldungen aus 50 Ländern
und vier Kontinenten konnte
der 68. Musikwettbewerb der
ARD in den Kategorien
Klarinette, Cello, Fagott und
Schlagzeug verzeichnen.
Davon wurden 212 Musiker
nach München eingeladen.
An der Spitze der Herkunftsländer
steht Südkorea.
27.000
Menschen besuchten im Jahr des
20. Jubiläums das Berliner Festival
„Young Euro Classic“. Das bedeutet
einen Besucherrekord.
30
Dirigentinnen und Dirigenten waren
für Findungsverfahren zum künstle-
115 rischen Leiter und Chefdirigenten
des Südwestdeutschen Kammerorchesters Pforzheim
infrage gekommen. Das Rennen machte nun Douglas
Bostock, der zur Konzertsaison 2019/20 übernimmt.
Milliarden schwer ist geschätzt die Universal Music
Group, zu der seit 1998 auch die Deutsche Grammophon
gehört. Der chinesische Internetkonzern Tencent
hat sein Interesse an Anteilen des Konzerns bekundet.
Es gehe zunächst um einen zehnprozentigen Anteil.
9

O U V E R T Ü R E
„Gefühl beim Berühren der Taste“
Anruf bei Otto Hott, Banker, Geiger, Golfer – und stets dabei, die Firma Sauter, den ältesten
Klavierhersteller der Welt, unablässig zu nachhaltigem Erfolg zu führen.
Herr Hott, wobei störe ich Sie gerade?
Sie stören nicht, wir haben gerade den Erfolg unseres jüngsten
Coups teamintern besprochen und sind mit den ersten Reaktionen
von Seiten einiger Pianisten und von Teilen der Öffentlichkeit
zufrieden. Wir haben eine besondere Innovation herausgebracht,
die eigentlich auf einer sehr alten Tradition beruht.
Was kann man sich unter einer Innovation,
die auf einer alten Tradition beruht, im
Klavierbau vorstellen?
Eine der Traditionen bedeutet, dass der
Tastenbelag in früheren Jahrhunderten aus
Elfenbein bestand, was begreiflicherweise heute
verboten ist. Pianisten, die aber auf älteren
Instrumenten gespielt haben, schwärmen von
dem unvergleichlichen Spielgefühl des echten
Elfenbeins. Und hier hat unsere neueste
Innovation eingesetzt, von der wir uns viel
versprechen.
Und was für eine Innovation haben Sie jetzt
auf den Markt gebracht?
Otto Hott und die
Die Pianofortemanufaktur Sauter feiert Pianistin Annique Göttler
dieses Jahr ihr 200-jähriges Bestehen und
das Max-Planck-Institut für Festkörperphysik in Stuttgart sein
50-jähriges. Anlässlich eines Besuches einiger Wissenschaftler und
Professoren des Instituts in unserer Produktion in Spaichingen
wurde mir die überraschende Frage gestellt, ob ich Wünsche für die
Verbesserung beim Klavierbau habe. Und ohne zu überlegen habe
ich geant wortet: synthetisches Elfenbein.
Was ist denn der Unterschied zu den heutigen Kunststoffbelägen
auf den Tasten?
Alle Klavierhersteller dieser Welt, besonders im Premiumbereich,
haben an diesem Problem gearbeitet, denn der Kunststoffbelag
vermittelt ein anderes Gefühl beim Berühren und Drücken der
Taste. Der Kontakt mit Elfenbein ist ganz anders. Elfenbein ist etwas
weicher, etwas unebener und kann die natürliche Feuchtigkeit, die
sich auf unserer Haut bei Betätigung bildet, unauffällig aufsaugen.
Hier ist man mit Kunststoffbelägen weniger erfolgreich gewesen.
Das Max-Planck-Institut hat in mehrjähriger Entwicklung jetzt
synthetisches Elfenbein hergestellt: Es besteht aus einer Hightech-
Mischung aus Gelatine und Mineralien und fühlt sich an wie
Elfenbein. Es ist darüber hinaus auch bei der späteren Entsorgung
keine Belastung für die Umwelt. Die ersten Pianistinnen und
Pianisten, die unsere Instrumente jetzt gespielt haben, äußerten sich
positiv über die Spieleigenschaften dieses synthetischen Elfenbeins,
das wir als Patent angemeldet haben. Man
rutscht weniger.
Welche Erfindungen haben Sie denn noch in
Ihrer Firmengeschichte hervorgebracht, die
das Spielen auf einem Klavier angenehmer
oder ausdrucksvoller machen?
Da muss man ein paar geschichtliche
Fakten nennen. Der Gründer der
Firma Sauter hieß Grimm und der
lernte von 1813 bis 1819 bei einem der
damals führenden Instrumentenhersteller
in Wien, dem gebürtigen
Schwaben Andreas Streicher. Streicher,
der eine Tochter aus der Augsburger
Klavierbauerfamilie Stein, Nanette,
geheiratet hatte, stieg durch Fleiß und
Innovationskraft schnell zu einem der führenden Klavierbauer
seiner Zeit auf. So zählten zu seinen Kunden unter anderem
Beethoven, Goethe, Hummel. Dieser Tradition zur Modernität fühlt
man sich bei Sauter bis heute verpflichtet, ein Teil dieser Innovationen
wurden auch als Patente angemeldet.
Können Sie ein paar Beispiele nennen?
Sauter steht immer für einen großen Klang, vor allem unsere
Klaviere verfügen, gemessen an der Gehäusegröße, immer über eine
besonders große Resonanzbodenfläche. Bei den Spitzenklavieren
und -flügeln verwenden wir extrem abgelagertes Holz aus jener
Alpenregion, aus der der Geigenbauer Stradivari seine Hölzer bezog.
Außerdem werden die Resonanzböden über eine Druckpresse mit
präzise berechneten Verläufen in eine leicht sphärische Rundung
gepresst, sodass sie unter leichter Spannung auf den Rahmen
geschraubt werden, was zu einer leichteren Schwingungserregbarkeit
führt und sich positiv auf das Klangvolumen auswirkt.
■
Wie das Geige- und Klavierspielen
erfordert das Denken
eine tägliche Praxis.
Charlie Chaplin
HINTER DER BÜHNE
Als ausgebildeter Puppenspieler ist der Schweizer
Olivier Carrel Bildern und Inszenierungen gegenüber
sehr aufgeschlossen – so auch denen von Alain
Roche und seinem „Piano Vertical“ (siehe S. 6). Die
Fotografie sei auf „wilde, instinktive Weise“ in sein
Leben getreten, weil er das Bedürfnis verspürt habe,
auch außerhalb der Theater einen Raum für seine
Kreationen zu finden. Während er zu Beginn seiner
Fotografenkarriere vor allem Bilder von Shows
machte, versuchte er parallel dazu, Momente einzufangen: Geschichten,
Sensationen, Emotionen. Carrels Bilder halten tatsächlich die
Zeit an. Der Fotograf vergleicht seine Bilder mit „in Zucker eingelegten
Früchten, die man später genießen kann – und die dann immer
noch ihren Geschmack behalten“. www.photographyoliviercarrel.com
FOTOS: SAUTER PIANOS; P.D JANKENS - FRED CHESS, GEMEINFREI
10 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2019

NEUHEITEN
Herausragende
bei Sony Music
Jonas Kaufmann
Wiener Philharmoniker
Wien
Das neue Album mit den
Wiener Philharmonikern
ist eine Hommage an
die Traumstadt Wien mit
Musik von Johann Strauss,
Kálmán, Benatzky,
Weinberger, Stolz u.a.
Erhältlich ab 11.10.
www.jonaskaufmann.com
www.igor-levit.de
Igor Levit
Beethoven
Sämtliche Klaviersonaten
Igor Levits sensationelle
neue Gesamteinspielung
aller 32 Beethoven Sonaten.
Limitierte Deluxe Edition
mit persönlichen Texten zu
allen Sonaten und Faksimilie-Druck
einer Beethoven
Notenhandschrift.
Erhältlich ab 13.09.
Lucas Debargue
Scarlatti
52 Sonaten
„Authentisch, erfrischend
wie spannend“ (Piano News)
spielt Debargue diese
Scarlatti Sonaten auf einem
modernen Steinway.
4 CDs zum Sonderpreis,
erhältlich ab 04.10.
www.lucas-debargue.com
www.tal-groethuysen.de
Yaara Tal
Hommage an
Clara Schumann
Werke von Clara
Schumann und ihren
Weggefährten Theodor
Kirchner, Johannes
Brahms und Julie von
Webenau. Mit zwei
Weltersteinspielungen.
Capella de la Torre
Air Music
Nach den erfolgreichen Alben
zu „Wasser“ und „Feuer“
präsentiert die Capella de
la Torre unter Katharina
Bäuml reizvolle Werke mit
Bezug zum Thema „Luft“,
von Monteverdi, Ravenscroft,
Holborne, Praetorius u.a.
Erhältlich ab 13.9.
www.capella-de-la-torre.de
www.wavequartet.com
The Wave Quartet
Carmen
Das Wave Quartet lässt
Bekanntes völlig neu
und mitreißend erklingen:
Die Carmen-Suite mit
den Highlights aus Bizets
Oper, arrangiert für vier
Marimbas, aber auch Musik
von Sting, Suzanne Vega,
Avner Dorman u.a.
Erhältlich ab 13.9.
KLASSIK-NEWSLETTER
WWW.SONYCLASSICAL.DE
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auf www.sonyclassical.de und erhalten Sie exklusiv
aktuelle Nachrichten über unsere Künstler und Aufnahmen
sowie Interessantes aus der Klassikwelt.

K Ü N S T L E R
Auf einen Kaffee mit …
JÜRGEN TARRACH
VON SINA KLEINEDLER
FOTO: DOMINIK BECKMANN
12 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2019

Als Rechtsanwalt Eduardo Silva ermittelt Jürgen Tarrach in Lissabon für
seine Mandanten. Wie die Portugiesen selbst konnte sich der Schauspieler
dabei dem Zauber den traurig-sehnsuchtsvollen Melodien des Fado nicht
entziehen. Jetzt hat er sogar eine deutschsprachige Hommage an diese Musik
aufgenommen: das Album „Zum Glück traurig“.
CRESCENDO: Herr Tarrach, jetzt haben wir gerade leider
keine Musik hier. Welches Stück würden Sie gerne zum
Kaffeetrinken hören?
Jürgen Tarrach: La Javanaise, eigentlich von Serge Gainsbourg,
aber es gibt eine Version der Chansonnière Madeleine Peyroux, die
noch sehnsuchtsvoller und schöner ist. Die würde ich gern hören.
Welche Rolle spielt Musik in Ihrem Leben?
Sie ist eine kleine Flucht aus dem Alltag. Musizieren macht mir
unglaublich viel Spaß. Und da ich leider kein Instrument spiele,
singe ich. Hab ich mal schlechte Laune und geh zum Gesangsunterricht
gehe, komme ich immer
fröhlich wieder raus. Musikmachen
bewegt den ganzen Körper und
wahrscheinlich auch den Geist. Eine
kleine Katharsis, wenn man so will.
Woher kam diese Lust zum Singen?
Und wann?
Auf der Schauspielschule ist Singen ja
nichts Ungewöhnliches. Und damals
am Nürnberger Stadttheater inszenierte ein Gastregisseur Gogols
Revisor. Er war auch Musiker, und ich freundete mich schnell mit
ihm an. Eines Tages – er hatte während der Probenzeit Geburtstag
– kochte er groß auf für uns: Ente mit Rotkohl, Klößen und
viel Rotwein. Irgendwann hat er die Klampfe ausgepackt und
Musik gemacht. Ich habe gesungen. Dabei haben wir das „Lied
auf Zuruf“ erfunden, damals war es zum Beispiel Das Lied der
Kaffeetassen … (lacht)
Wie passend!
Ja! Oder Das Lied vom Wasser – immer in verschiedenen Stilrichtungen.
Mal als Udo Jürgens, mal als Brecht … Ein beschwipster
Jux, aber mir hat das Singen wahnsinnig Spaß gemacht.
Schauspiel und Gesang, das hat ja sowieso einige Parallelen …
Auf jeden Fall! Musikalität ist absolut notwendig für einen
Schauspieler. Dialoge haben eine eigene „Musik“. Jedes Stück,
jeder Film hat einen Rhythmus. Timing ist ganz wichtig.
Nutzen Sie Musik auch bewusst in der Rollenvorbereitung?
Nein, aber wenn ich Text lernen muss, mache ich manchmal Musik
an. Meine Frau ist immer ganz empört: „Da kannst du dich doch
gar nicht konzentrieren!“ Aber ich mag das, denn es ist ja zunächst
ein fremder Text. Es braucht eine Weile, bis der einem zu eigen
wird. Anfangs komme ich mir oft doof vor, aber um Text zu lernen,
muss man ihn laut sprechen. Da ist es manchmal ganz gut, wenn
man sich selbst nicht so genau hört. Also höre ich Musik.
Welche Art von Musik?
Lange Zeit war Tom Waits mein Favorit. Und eigentlich wäre es
ein schöner Gedanke, für verschiedene Rollen jeweils eine eigene
Musik zu haben. Es gibt auch Kollegen, die kaufen sich ein
Parfüm, von dem sie denken, es könnte zu ihrer Rolle passen.
Alles schöne Gedanken. Aber ich gehe da pragmatischer ran.
Jetzt drehen Sie den Spieß um: Der Anwalt aus dem Lissabon-
Krimi singt typisch portugiesische Musik: Fado.
Ja, das war eigentlich eine spontane Eingebung. Ingvo Clauder,
unser Komponist, Arrangeur und Produzent, und ich haben
zuletzt einen französischen Chansonabend gemacht. Was vor
JE ÄLTER ICH WERDE, UMSO MEHR
MERKE ICH: ALLES IST ENDLICH
allem deshalb lustig war, weil Ingvo gar kein Französisch kann.
Das lief dann in den Proben so: „Ähm, diese eine Stelle, wo du da
singst ‚cra …eh creu …‘“ (lacht) Wir sind damit sogar beim
Bundespräsidenten aufgetreten. Das französische Chanson ist
allerdings in Deutschland ein bisschen aus der Mode geraten,
deshalb war es ziemlich schwer, Auftritte zu bekommen. Also
wollte ich auf Deutsch singen.
Dafür ist portugiesischer Fado ja vielleicht nicht die erste
Eingebung …
Fado wollte ich machen, weil ich Melancholie ein tolles Thema für
Musik finde. Von den Themen und der
Sehnsucht her sind Fado und Chanson
sogar eng verwandt. Unseren Textdichter
Antek Krönung habe ich dann
zufällig in Köln auf der lit.Cologne
kennengelernt. Ich habe ihm auf dem
Handy etwas aus unserem Chanson-
Programm vorgespielt und ihm gesagt:
„Eigentlich würde ich gerne mal auf
Deutsch singen.“ Ich finde singbare deutsche Texte zu schreiben
generell nicht einfach – das könnte ich gar nicht. Als wir bei einem
Wein zusammensaßen, hab ich ihn einfach gefragt, was er denn
eigentlich von deutschem Fado halte – er wusste sofort, was ich
meine. „Okay“, sagte er, „nächste Woche bin ich in Berlin, da
bringe ich dir mal zwei, drei Texte mit.“
Die Lieder sind alle speziell für Sie geschrieben und von Ingvo
Clauder komponiert worden, quasi maßgeschneidert. Wie viel
Anteil hatten Sie selbst an den Stücken?
Ich bin wirklich nur Interpret. Als Antek mir seine Texte
geschickt hat, war es, als hätte ich sie selbst geschrieben – dabei
kann ich es ja gar nicht! Da sind Situationen, Themen und
Gefühlslagen drin, die genau zu mir passen.
Ihr Album heißt – ein bisschen widersprüchlich – „Zum Glück
traurig“. Was ist denn das Schöne am Traurigsein?
Ein Beispiel: Wenn man sich von den Kindern alte Fotos anguckt,
als sie noch klein waren, ist das einerseits eine schöne Sache.
Andererseits rührt es sehr an. Man weiß: Diese Zeit ist vorbei. Und
sie war wahnsinnig schön. Diesen bittersüßen Zustand wollten wir
ausdrücken: Mit einem Lächeln auf den Lippen könnte man
heulen. Sich da reinzubegeben ist Tradition in Portugal und
Frankreich. Weil man danach oft befreiter ist. Das ist sozusagen der
„therapeutische“ Sinn der Musik.
Fado widmet sich ja der „Saudade“, also dem Weltschmerz.
Kennen Sie das auch?
„Weltschmerz“ ist ja recht pauschal, ich würde sagen, es ist die
Vergänglichkeit. Je älter ich werde, umso mehr merke ich, dass
alles endlich ist. Das kann schon schmerzlich sein.
Was hilft gegen dagegen?
Singen, malen – das sind Dinge, die einen eine
Zeit lang von der Welt entheben. Es ist ungemein
schön und tröstlich, sich in so etwas
verlieren zu können.
„Zum Glück traurig“, Jürgen Tarrach (OKeh)
■
13

K Ü N S T L E R
EINE TRAUMATISCHE KINDHEIT LIESS CHRISTOPH ESCHENBACH
VERSTUMMEN. ERST MIT DER MUSIK FAND ER DIE SPRACHE WIEDER
„WIR MACHEN
SCHWARZE
PUNKTE
LEBENDIG“
Herbert von Karajan nannte ihn einen Orchester-Architekten unter
den Dirigenten. Jetzt übernimmt Christoph Eschenbach das
Konzerthausorchester in Berlin. Und baut dabei auf sein bewährtes
Fundament: eine gute Zusammenarbeit mit den Musikern.
VON VERENA FISCHER-ZERNIN
CRESCENDO: Herr Eschenbach, Sie sind in Breslau geboren. Jeder anständige
Berliner kommt aus Breslau, sagt Tucholsky ...
Christoph Eschenbach: ... ach! (lacht)
Kommen Sie also nach Hause, wenn Sie in der neuen Saison die Leitung des
Konzerthausorchesters Berlin übernehmen?
Das hat etwas. Die Breslauer sagen, Berlin sei ein Vorort von Breslau. Durch die
ganze Historie hat sich das alles sehr verändert, aber etwas daran gilt noch. Mein
Vater war Universitätsprofessor in Breslau und zugleich Dirigent. Er hat den
größten gesamtschlesischen Chor geleitet und viele, viele Konzerte gegeben. Er
starb 1945 in der letzten Schlacht um Berlin. Das ist mein persönlicher
Zusammenhang.
Sie sind in Norddeutschland aufgewachsen. Sie haben als Kind in Schleswig-Holstein
Orgeldienste versehen, haben in Hamburg bei Eliza Hansen studiert, das
Schleswig-Holstein Musik Festival mitgeprägt und waren Chefdirigent des
heutigen NDR Elbphilharmonie Orchesters. Und nun machen Sie in Ihrer ersten
14 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2019

Blick nach vorn:
Christoph
Eschenbach im
Parkett seiner neuen
Wirkungsstätte
FOTO: MARCO BORGGREVE
15

K Ü N S T L E R
FOTO: MARCO BORGGREVE
Saison beim Konzerthausorchester einen Brahms-
Schwerpunkt. Von Brahms heißt es ja oft, der hätte so was
norddeutsch Schweres.
Brahms kam aus Norddeutschland, aber er liebte Ungarn! Er hat in
Wien gelebt, hatte in seiner Wohnung aus Stroh gemachte ungarische
Puppen stehen, hat in seiner Jugend mit einem ungarischen
Geiger Ungarn bereist. Er war insgesamt sehr frei und offen. Auch
im Ersten Klavierkonzert gibt es ja nicht nur das Schwere. Es gibt
auch den ungarisch angehauchten letzten Satz und den unglaublich
lyrischen Mittelsatz, der das Landschaftliche übersteigt.
Kann eine Landschaft das musikalische Denken prägen?
Ich liebe die norddeutsche Landschaft – sie hat mein Denken in
der Kindheit geprägt. Was aber das Musikalische angeht, gab es
sicher andere Prägungen, die wichtiger waren. Dass es mich
dorthin verschlagen hat, wie man so schön oder so unzutreffend
sagt, das war einfach Schicksal. Meine Mutter ist bei meiner
Geburt gestorben. Ich bin nach dem Krieg bei einer Cousine
meiner Mutter aufgewachsen. Die beiden waren gut befreundet
gewesen, beide waren ausgebildete Pianistinnen.
Bei Kriegsende ist Ihre Großmutter mit Ihnen nach Mecklenburg
geflohen. Sie starb in einem Flüchtlingslager an Typhus.
Das gerade fünfjährige Kind, das Sie waren, blieb zurück,
ebenfalls todkrank.
Meine zweite Mutter hat mich wirklich gerettet.
Sie müssen durch die Ereignisse schwer traumatisiert gewesen
sein, jedenfalls haben Sie damals für Monate die Sprache
verloren. Wie haben Sie sie denn wiedergewonnen?
Durch die Musik. Ich hörte – krank wie ich war – meine zweite
Mutter jeden Abend stundenlang Klavier spielen. Die Musik hat
mir Kraft gegeben und mir Mut gemacht, mich auszudrücken. Und
als meine Mutter mich fragte, willst du auch Klavier spielen, sagte
ich: „Ja!“ Das war das erste Wort. (lacht, als wäre er selbst erstaunt)
Und dann konnten Sie plötzlich sprechen?
Es hat ein bisschen gedauert. Ich musste mir selber Worte formen.
Das war sehr schwierig. Aber der eigentliche Bruch war nicht in
der Sprache. Er war in der Seele.
Sie sind als Einzelkind aufgewachsen. Wie kamen Sie denn mit
anderen Kindern zurecht?
Erst war es nicht so einfach. Ich konnte nicht teilen, was ich
wusste. Ich wusste, dass es nicht verstanden würde. Es war ein
Tabu in mir, das ich behielt. Eigentlich sehr, sehr lange. Bis vor
wenigen Jahren. Natürlich habe ich im Lauf der Jahre einzelne
Geschichten erzählt, aber es war kein wirkliches Gesprächsthema,
das wollte ich nicht.
Wenn Sie proben, wie viel sprechen Sie da? Musiker wollen ja
lieber spielen, als Ansprachen zu lauschen.
Man sagt präzise Worte, wo man sie notwendig findet – nicht
mehr. Es gibt eine schöne Geschichte von dem Pianisten Edwin
Fischer. Es ging um das zweite Brahms-Konzert. Das fängt so
an ... (singt den Anfang), und Otto Klemperer dirigierte ... (singt
das Gleiche, ein wenig verwaschener). Fischer unterbricht und
sagt zu Klemperer: „Maestro, es muss so klingen wie im Wald.“
Und Klemperer erwidert (Eschenbach nuschelt, als hätte er eine
heiße Kartoffel im Mund): „Es muss so klingen wie im Wald.“
16 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2019

Sie proben weiter, Fischer unterbricht wieder: „Etwas Sonne ...“
und Klemperer (nuschelnd): „Etwas Sonne!“ Ging auch nicht gut.
Dann machen sie weiter, und Fischer ist glücklich. Und Klemperer
nuschelt nur: „Also im Tempo!“ (lacht)
So etwas will ein Orchester nicht.
Ein Orchester will präzise Angaben. Wenn junge Dirigenten mich
fragen, wie werde ich Dirigent, dann sage ich denen: Hör zu, wie
Dirigenten proben. Dann kannst du lernen, was schlecht ist –
wenn sie zu viel reden. Und was gut ist – wenn sie präzis sind.
Wie sie ein Resultat erreichen im Orchester. Einen Erfolg im
Klangempfinden. Oder nicht im Empfinden, sondern im Wissen.
Wie sehr glauben Sie an rein manuelle Dirigiertechniken, etwa
einen bestimmten Winkel des Handgelenks?
Man muss bestimmte Dirigiertechniken beherrschen. Das lernt
man aus seinem eigenen Körper. Es ist sehr wichtig, dass jeder
Dirigent früh sein eigenes Körpergefühl lernt, auslotet und dann
weitergeben kann.
Das ist etwas sehr Persönliches. Kann man das überhaupt
weitergeben?
Jedenfalls kann man es nicht kopieren. Ich habe sehr viel von
Karajan gelernt und von meinem großen Mentor George Szell.
Kopiert habe ich sie nie.
Wenn Sie ein Stück einstudieren, was ist Ihr oberstes Ziel?
Zuerst, wenn ich die Partitur lerne, lerne ich die Struktur des
Stückes kennen, die Farbgebung des Stückes, die Zusammenhänge
der einzelnen Teile und Details. Wenn ich es dann weitergebe,
muss ich das alles schon im Kopf haben. Und im Geist.
Gibt es Momente, in denen Sie über einer Partitur grübeln und
sich fragen, wie mach ich’s? Was hat der Komponist gewollt?
Es gibt sehr komplizierte Partituren, bei denen man nicht gleich
weiß, wie man’s macht. Aber es kommt schon. Nur wenn ich es
gar nicht zustande bekomme, dann lasse ich es lieber sein. Ich
habe nie ein Stück dirigiert, mit dem ich mich nicht hundertprozentig
identifizieren konnte. Wenn 99 Prozent schon da sind,
kann das eine Prozent noch kommen. Meist ist es aber so, dass
mich Stücke anspringen – und ich dann auf sie springe.
Das heißt, eigentlich wählt das Stück Sie.
So soll es doch sein. Wir sind die Lebendigmacher dieser schwarzen
Punkte auf weißem Papier.
Ich habe mal gelesen: „Ganz ohne Selbstinszenierung kommen
Dirigenten kaum aus.“
Das ist ein gefährliches Wort. Davon bin ich weit entfernt. Wir
sollen wir selbst sein. Aber uns dann noch zu inszenieren, das
finde ich ein bisschen viel. Wenn wir eine Persönlichkeit darstellen
– vor dem Orchester und vor dem Publikum –, ist das genug.
Wie viel hat Dirigieren mit Machtausübung zu tun?
Nichts. Die Macht ist die Musik. Nicht die Persönlichkeit
derjenigen, die sie ausführen. Aus der Macht der Musik schafft
man alles.
Kommt es vor, dass Sie sagen, so, wir gehen jetzt in diese
Richtung, und Sie dann merken, dass da vielleicht jemand nicht
unbedingt d’accord ist? 90 Leute müssen oder können ja nicht
immer alle einer Meinung sein.
Ich baue sehr auf Geben und Nehmen. Ich will die Meinung der
Musiker hören. Wenn ich in der Partitur arbeite und probe, ist
mein Horizont so weit, dass ich andere Auffassungen mit
aufnehmen kann. Wenn sie mir gefallen, nehme ich sie sehr gerne
auf. Meist ist es bei hervorragenden Orchestern so, dass es mir
gefällt. Ich will keine graue Maus als Orchester, sondern ich will
eine Versammlung von Persönlichkeiten, die etwas bieten
können. Und bei großartigen Orchestern ist das halt so. Das hat
mich auch beim Konzerthausorchester von Anfang an fasziniert.
Wie sind Dirigenten vom alten Schlag mit den Musikern
umgegangen? Wenn man mit Berliner Philharmonikern
spricht, die Karajan noch als junge Leute erlebt haben, das
klingt ganz schrecklich.
Eine schreckliche Geschichte kenne ich nicht von ihm. Er war
sehr für die Musiker da. Das einzige Mal, dass er in Diskrepanz
geriet mit dem Orchester, war das Engagement von Sabine Meyer.
Das Orchester wollte keine Frau! Das war’s!
Und George Szell?
Der Szell! (klingt amüsiert)
„SELBSTINSZENIERUNG IST EIN
GEFÄHRLICHES WORT.
PERSÖNLICHKEIT DARZUSTELLEN,
IST GENUG“
War der ein autoritärer Dirigent?
Ja! Bei all seiner Größe und seiner großartigen Musikalität und
all den Dingen, die er für mich getan hat – Szell war mit dem
Orchester ... streng.
Das mögen Orchester aber doch eigentlich ganz gern.
Diese Art von Strenge nicht. Wenn Sie jemandem am fünften Pult
der ersten Geige sagen: „Jetzt setzen Sie sich mal zehn Zentimeter
mehr in die Gruppe“, und der dann ein Gesicht zieht ... Und wenn
der Dirigent dann sagt: „Kommen Sie in der Pause mal bitte zu
mir ins Zimmer ...“
Hui. Hat der Geiger seine Stelle behalten?
Er hat sie dann doch behalten, weil er gut war. Aber es war ein
kritischer Moment. Oder wenn Sie an Toscanini denken, wie er
die Leute anbrüllte und seine Uhr hinschmiss und drauftrat. Ich
weiß nicht, ob die Geschichten alle stimmen. Aber so kann man
mit Leuten, mit denen man Musik machen will, nicht umgehen.
Auf den Aufnahmen von Toscanini hört man das auch, finde ich.
Manches ist so eckig, so strikt.
Was hat sich verändert?
Die Autorität eines Dirigenten ist natürlich. Sie brauchen
Autorität, wenn Sie vor 100 Leuten stehen und ihnen den Weg
weisen. Auf ihnen herumzuhacken, ist unmöglich.
Und früher war der Dirigent ...
... na ja, wie eine höhere Gewalt! (lacht unvermittelt laut los) Was
nicht gut ist.
Sie haben ja schon sehr viele Chefposten gehabt. Sie gehen
intensive künstlerische Beziehungen ein. Wie ist denn das,
wenn man nach langer Zeit zu einem Orchester zurückkommt?
Das ist schön, weil sich die Musiker an die Spezialitäten erinnern,
die man hat, die Nuancen, die man von ihnen möchte, und die
Farben, mit denen man malt.
Wenn Sie nach Jahren zurückkommen, hat sich sicherlich ein
Teil des Orchesters verändert, und trotzdem ist das noch im
kollektiven Gedächtnis?
Absolut. Die Jungen haben von den Älteren gelernt und sind Teil
eines unausgesprochenen Einverständnisses.
Gibt es ein Orchester, bei dem Sie noch nie waren und das Sie
gerne einmal dirigieren würden?
Ich war eigentlich bei allen. (lacht)
Würden Sie mehrere Chefposten gleichzeitig bekleiden?
Ich habe das mal gemacht, ich hatte sogar drei. Aber es ist einfach
zu viel. Nicht terminmäßig. Sondern um sich um die „Familie“ zu
kümmern. Wenn man drei Familien hat, ist das ein bisschen
schwierig. Ich hab jetzt eine. Und das genügt mir völlig. n
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K Ü N S T L E R
FOTO: STEFAN HÖDERATH / DG
18 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2019

RASTLOSE
LEIDENSCHAFT
Unter dem Motto „Across the Stars“ beschreitet
Anne-Sophie Mutter neues Terrain: Auf ihrem Album
interpretiert sie eigens für sie komponierte Arrangements
der bekanntesten Filmtitel von John Williams.
Am 14. September gibt sie mit diesem Repertoire
ihr erstes Open-Air-Konzert überhaupt.
Ein Gespräch über die Guillotine der Gefälligkeit,
den Charme des Breitwandgefühls
und das Gute im Menschen.
VON DOROTHEA WALCHSHÄUSL
CRESCENDO: Sie sind ein leidenschaftlicher Film-Fan. Wann
haben Sie zum ersten Mal den Zauber des Films erlebt?
Anne-Sophie Mutter: In meiner Kindheit hat das Fernsehen nur eine sehr
periphere Rolle gespielt. Deshalb war der cineastische Eindruck Ende der
70er-Jahre, als ich in diesem kleinen Kino im Schwarzwald Star Wars sah,
besonders eindrucksvoll. Dabei ist mir ganz besonders die Musik in Erinnerung
geblieben. Schon dieses erste große Thema, wenn der Film beginnt:
Das ist episch, das ist Wagner, das ist große Oper und große Musik.
Was macht die Musik von John Williams für Sie so besonders?
John Williams versteht wie kein anderer, in den Körper der Handlungsgeschichte
zu schlüpfen und sie in eine Emotionstiefe zu bringen, die das Auge
höchstwahrscheinlich so nicht erreicht. Tatsache ist, dass John Williams’
Musik für sich allein steht und ohne den Film sehr gut lebt. Das ist das
Faszinierende daran – ich brauche die Bilder nicht. Dabei besitzt Williams’
Musik derart viel Persönlichkeit und nimmt so viel Raum ein, dass sie den
Film nicht überschattet, aber ein Eigenleben hat, das gleichberechtigt neben
dem Filmepos steht. Es ist ja phänomenal, was man durch akustische Bilder
machen kann. Denken Sie an einen spannenden Thriller. Wenn ich die
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K Ü N S T L E R
Spannung gar nicht mehr aushalte,
stelle ich oft einfach die Musik aus.
Und dann? Ist alles ganz easy. (lacht)
Sie verbindet mittlerweile eine
langjährige Freundschaft mit
Williams. Wie haben Sie sich
kennengelernt?
Das ist witzigerweise auf André
Previn zurückzuführen, denn die
beiden waren fast gleich alt und
haben sich mit 18 oder 19 kennengelernt,
als sie begonnen haben, in
Hollywood zu arbeiten. So sind die
beiden engste und beste Freunde
geworden. Ich selbst habe John in
Tanglewood kennengelernt. Nach
einem Konzert bin ich ihm zum
ersten Mal begegnet, da war auch
mein Sohn Richard dabei, der ein
extremer John-Williams-Fan ist und
einfach alles über seine Musik weiß.
Damals hat sich dann ein Gespräch
entsponnen und bald darauf hat
Williams das großartige Stück Markings für mich komponiert.
Später kam dann die Idee auf, neue Arrangements seiner größten
Filmwerke für mich zu schreiben. Dann hatte ich eine Liste mit
Stücken, dann er … Und bis heute wächst und wächst das. (lacht)
Ich glaube nicht, dass dies das letzte Wort sein wird in dieser
Zusammenarbeit.
Wie haben Sie die gemeinsame Arbeit bisher erlebt?
Es ist schon auffallend, mit welch unglaublichem Wissen Williams
das Instrumentarium einsetzt. Man fühlt sich als Interpret
total verstanden. Seine Musik ist technisch teilweise extrem
anspruchsvoll, aber immer absolut machbar. Dabei geht er bis ins
akribischste Detail, zum Beispiel was die Bogenstriche anbelangt.
Ich habe wirklich Bauklötze gestaunt, was er alles weiß und wie
penibel er selbst um die Länge der Abschlussnoten gerungen hat.
Auch jetzt ist es noch so, dass er die Arrangements umschreibt. Es
arbeitet pausenlos in ihm. Am Anfang hat mich das etwas nervös
gemacht, denn gerade, wenn ich die Materie verinnerlicht hatte,
hieß es: Ach, übrigens, ich hab jetzt da noch eine Idee. (lacht)
Diesen work in progress zu erleben und zu merken, wie sehr er
um Details ringt, finde ich zutiefst inspirierend und aufregend
und eigentlich nie dagewesen in meinem Leben.
Ist John Williams ein Besessener?
Oh ja, ohne Frage. Das macht das Projekt für mich auch zu etwas
ganz Außergewöhnlichem, weil es mit so viel Leidenschaft und
Rastlosigkeit verbunden ist. Das sind zwei Komponenten in
meinem Leben, die mich immer fasziniert haben und die auch
mich selbst ausmachen. In der Musik gibt es ja dieses Vorurteil
gegenüber der Filmmusik im Gegensatz zur ernsten Musik. Diese
sogenannte ernste Musik ist manchmal aber auch totaler Bullshit.
Ich glaube alles, was irgendwo einem menschlichen ästhetischen
Empfinden folgt, fällt unter die Guillotine der Gefälligkeit.
Letztlich gibt es gute Musik und es gibt Musik, die ist halt nicht so
gelungen. John hat bei der Arbeit immer gesagt: „Let’s not forget
the t-word: taste.“ Ich würde das übersetzen mit Reinheit des
musikalischen Ausdrucks, und es war großartig zu sehen, mit
welcher Akribie und mit welch ungeheurem Respekt für die
WIE SEHR JOHN WILLIAMS UM
DETAILS RINGT, FINDE ICH ZUTIEFST
INSPIRIEREND UND AUFREGEND
FOTO: STEFAN HÖDERATH / DG
Interpreten diese Aufnahme ablief.
Das ist nicht so das business as usual,
wie es leider heutzutage oft gehandhabt
wird aus finanziellen Gründen.
Da war diese Aufnahme echt ein
Lichtblick. Zurück in die goldenen
Jahre mit Karajan. Da hat man die
Sachen aufgenommen, bis es saß, und
einen anderen Parameter gab es nicht.
Ist Karajan für Sie denn heute
noch präsent?
Absolut. Ich bin bis heute fasziniert
von der Leidenschaft, mit der er
musizierte, und der Ruhelosigkeit
und Rastlosigkeit, mit der er die Ziele
musikalisch immer wieder neu
definiert hat. Natürlich würde man
Mozart heute nicht mehr so interpretieren,
wie er das gemacht hat. Aber
die Summe seiner musikalischen
Visionen und diese Fähigkeit, uns
das Zuhören zu lehren und diese
großen musikalischen Gedankenbögen
zu verfolgen, statt eine schöne Note an die andere zu
reihen: Das war bei ihm einfach singulär.
Am 14. September treten Sie mit den Stücken von Williams
erstmals bei einem Open-Air-Konzert am Münchner Königsplatz
auf. Bislang hatten Sie das vermieden …
Ja, denn ich finde, das Repertoire muss sich eignen für diskrete
Unterstützung durch die Technik. Bei John Williams macht das
für mich absolut Sinn. Seine Musik wurde nicht für den Konzertsaal
komponiert, sondern für eine Surround-Sound-Anlage und
ist so dicht in der Orchestration, dass ich nicht weiß, ob sich
dieses Breitwandgefühl in einem Konzertsaal überhaupt einstellen
und die Geige als Soloinstrument überleben würde. Sehr
wahrscheinlich nicht, dazu ist sie einfach zu fragil. Bei Mozart
weiß ich nicht, ob das funktionieren würde. Aber: learning by
doing. (lacht)
Sie haben einmal E. T. A. Hoffmann zitiert und seinen Satz,
„Wo die Sprache aufhört, fängt die Musik an“. Erleben Sie diese
Kraft und Wirkung der Musik bei Ihren Auftritten?
Ja, durchaus. Man kann mit Musik natürlich keine Wunder
bewirken, aber man kann mit der Kraft eines Konzertes etwas
verändern. Kürzlich habe ich in der Elbphilharmonie für den
Jemen gespielt, für „Save the children“. Bevor wir am Ende des
Konzerts ein musikalisches Gebet gespielt haben für die 85.000
unter fünfjährigen Kinder, die gestorben sind in den letzten vier
Jahren, entweder dahingerafft von der Seuche oder von den
Bomben zerfetzt oder einfach nur verhungert, habe ich dem
Publikum gesagt: „Stellen sie sich vor, das ist 40-mal die vollbesetzte
Elphi! Wie wäre es, wenn jeder von uns jetzt zehn Euro
spendet?“ Und dann bekam ich ein paar Tage später eine E-Mail
von einem Ehepaar, das mir schrieb, sie hätten jetzt beschlossen,
dass sie 21.000 Euro überweisen. Da habe ich
fast geweint. Denn der Mensch ist im Grunde
genommen ja gut. Man muss ihn nur dran
erinnern.
John Williams: „Across the Stars“, Anne-Sophie Mutter (DG)
n
20 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2019

„VIELFALT IST STÄRKE“
Die Pianistin Danae Dörken hat eine so beflügelnde wie einfache Philosophie:
„Verbinden, was zusammengehört!“ VON STEFAN SELL
Sechs Jahre ist es nun her, sie war gerade mal 21, da stellte
CRESCENDO sie als Newcomerin vor. Sie war gerade von
einer großen Konzerttournee aus China zurück und hatte mit ihrem
bahnbrechenden Debüt, Leoš Janáčeks Pianoworks, für Furore
gesorgt. Die Frage, die sich heute stellt: Gibt es eine Steigerung des
Superlativs? Danae Dörken ist in ihrer erdverbundenen Souveränität
zur Spitzenpianistin avanciert. Sie schürt ihr Spielfeuer, dass selbst
der zartglimmendste Funken Glut nicht verlöscht. Virtuosität ist für
sie selbstverständlich, denn ihr geht es um die Musik und das, was
sie bewirkt. „Ich finde, wenn man schon eine Stimme hat und einem
eine Bühne gegeben wird, sollte man diese auch nutzen und seine
Message rüberbringen. Alles andere wäre für mich wie nicht wählen
zu gehen – da hat man seine Stimme einfach vergeudet.“
Dörkens Mutter ist Griechin, ihr Vater Deutscher. Dass sie zwei
so sehr unterschiedliche Kulturen in sich vereint, empfindet sie „als
Privileg: Vielfalt ist etwas, was uns näher zusammenbringt und
enorme Stärke gibt“. Klassische Musik ist für Dörken keine elitäre
Klangkapsel, die man wie eine Pille einfach schluckt, um der Sinnlosigkeit
des Alltags zu entfliehen. Die Emotionalität dieser Musik
soll die Herzen aller berühren können. Dafür spielt sie.
Als Mutter zweier Kinder wagt sie den Spagat zwischen Karriere
und Familie und weiß, dass auch das zusammengehört. Dabei orientiert
sie sich – zu Recht – an einer Größe wie Clara Schumann. „Ich
sehe zu, wie meine beiden Jungs die Welt entdecken. Alles ist so
abenteuerlich, auch dann, wenn etwas hundert Mal passiert. Lässt
man hundert Mal den Stift runterfallen, ist das für sie jedesmal etwas
ganz Tolles und Interessantes. Davon kann ich mir viel abschauen
und in die Musik einbringen. Alles ist frisch und immer eine große
Freude, ein großes Spiel.“ Ja, und genau so ist ihre Musik.
Ihr neues Soloalbum heißt „East and West“ und verbindet westliche
wie östliche Strömungen. Dörken näht zusammen, was zusammengehört.
„Der Kerngedanke dieser CD – und das sehe ich nicht
nur musikalisch – enthält eine Botschaft, die in der heutigen Zeit
wichtig ist: Wenn man die Einzigartigkeit von Lebensweise und
Lebensausdruck bewahrt und sich öffnet, kann man zu einer Verbindung
zwischen den Menschen und Völkern finden.“
Die Einspielung beginnt mit den 5 Preludes von Manolis Kalomiris
(1883–1962). Kalomiris wurde im damaligen Smyrna geboren
und gilt als Vater der modernen griechischen Musik, fühlte sich zu
Chopin und Liszt ebenso hingezogen wie zum griechischen Volkslied.
Hört man dann Dörkens Interpretation des dritten rumänischen
Volkstanzes von Bartók, glaubt man, plötzlich Rembetiko zu hören,
genauer das Lied Kegome (Καίγομαι/„ich verbrenne“) von Stavros
Xarhakos, das den brennenden Untergang der Stadt Smyrna, dem
heutigen Izmir, beklagt. Alles ist mit allem verbunden. „Bartók finde
ich ein super Beispiel dafür. Gerade die östlichen Melodien sind auf
irgendeine Weise alle miteinander verbunden. Ist es auch keine griechische,
sondern eine rumänisch-ungarische Melodie, fühle ich mich
dem Charakter, den Farben und allem, was da mit einfließt, sehr
nahe. Und das ist natürlich in der griechischen Rembetiko-Musik
verankert. Die leicht orientalischen Melodien, die Volkslieder, sie
sind prägend für das Land und die Kultur, gleichzeitig zeigen sie aber
auch die Verbindungen und Vernetzungen untereinander und dass
alles ein und denselben Ursprung hat.“
Das Verbindende in der Musikgeschichte gleicht einem Staffellauf,
wobei der Stab – ein musikalischer Einfall, eine Kompositionsidee
–, von Musiker zu Musiker weitergereicht, immer etwas Neues,
Einzigartiges erscheinen lässt. So sind auf „East and West“ Schubert,
Chopin, Grieg, de Falla, Bartók, Kalomiris und Poulenc als Stafette
zu hören, verbunden durch ihre Nähe zur Volksmusik: „Das finde
ich ein zutreffendes Bild. Was man in der Hand hält, bleibt – das ist die
Essenz. Alles andere ändert sich, auch im Verhältnis von Komponist
und Interpret. Ich als Interpretin verändere die Idee des Komponisten.
Musik ist letztlich ein Ausdruck von Philosophie.“ n
Chopin, Grieg, Kalomiris u. a.: „East and West“, Danae Dörken (Ars)
Track 11 auf der CRESCENDO Abo-CD: Polonaise op. 26 Nr. 1.
Allegro appassionato von Frédéric Chopin
FOTO: ERVIS ZIKA
21

K Ü N S T L E R
VOM GLÜCK IM
HIER UND JETZT
FOTO: CONSTANTIN MIRBACH
22 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2019

Mit ihrem Album „Innenwelt“ schließt die Sopranistin Marlis Petersen eine dreiteilige
musikalische Reise durch die Dimensionen des Menschseins ab. CRESCENDO hat sie am
Ende der Aufnahmesession im niederbayerischen Blaibach getroffen.
E
inst war Blaibach nichts weiter als ein kleines, ein wenig
verschlafenes Örtchen im Niederbayerischen. Seit dort aber
ein futuristisches Konzerthaus gebaut wurde, pocht die Musik im
Herzen des Ortes, umgeben von Stille, Natur und Bodenständigkeit
– der ideale Ort für einen geerdeten Weltstar wie Marlis Petersen. Die
Koloratursopranistin hat hier bereits die zwei ersten Alben ihrer dreiteiligen
„Dimensionen-Trilogie“ aufgenommen, in der sie singend
verschiedene Gefühls- und Erlebniswelten des Menschseins erkundet.
Erst widmete sie sich der „Welt“ im Hier und Jetzt, dann der „Anderswelt“,
jenem verwunschenen Reich der Feen, Elfen und Trolle. Nun
ist sie ein weiteres Mal vor Ort, um fernab des urbanen Trubels die
„Innenwelt“ zu erforschen. Mit dabei: Michael J. Müller, der die Produktion
mit der Kamera begleitet.
Marlis Petersen sitzt auf der Terrasse des Dorfrestaurants, legt
den Kopf in den Nacken und schließt kurz die Augen. „Ich kann gar
nicht genug Sonne bekommen“, lacht die Sängerin, die 1968 in Sindelfingen
zur Welt kam und im Kirchenchor ihre Stimme entdeckte.
Um die Eltern zu beruhigen, studierte sie neben Gesang auch Schulmusik,
außerdem absolvierte sie eine
Jazz- und Steptanzausbildung. Indes:
Vor der Klasse stand sie nie. Dafür auf
den großen Bühne: Mal als Lulu an der
Met, als Susanna bei den Salzburger
Festspielen oder als Manon an der Wiener
Staatsoper. Im Herbst wird sie die
Salome an der Bayerischen Staatsoper
in München geben, außerdem ist sie
Artist in Residence bei den Berliner
Philharmonikern. Eine beeindruckende
Karriere. Gleichwohl: Müsste man eine
Absage an das Diventum skizzieren, es
käme eine Künstlerin wie Marlis Petersen
heraus – unprätentiös, herzlich und
geerdet hat sie sich einen bodenständigen
Charme erhalten, einen Hauch
schwäbischen Dialekts obendrein.
Technisch überlegen und mit
einer ungemein wandlungsfähigen und
strahlend klaren Stimme ausgestattet,
hat sich Marlis Petersen nie auf nur ein
Fach beschränkt. „Bei mir ist immer
alles bunt, selbst die Haare“, sagt Petersen
und fährt sich lachend durch die farbigen Strähnen. „Es gibt so
einen Reichtum, eine solche Vielfalt an Musik. Ich würde wahnsinnig
werden, müsste ich als Koloratursopran immer nur die gleichen
vier Rollen singen.“
Die Dimensionen-Trilogie ist für die Sängerin ein „Herzensund
Lebensprojekt“. Umgeben von unzähligen Notenblättern, hat
sie sich zu Beginn des Projekts in ihrem Haus in Griechenland ans
Keyboard gesetzt und Lieder zusammengetragen, die die Dimensionen
des Menschseins assoziativ erfahrbar machen. Wie ein immer
weiter wachsendes Puzzle haben die einzelnen Stücke schließlich
VON DOROTHEA WALCHSHÄUSL
Sinn für Gin
„Das Schönste, was wir Menschen bekommen
haben, sind doch unsere Sinne“, findet Marlis Petersen.
Dieser Meinung ist auch Michael J. Müller, der
Petersens Trilogie als Filmemacher begleitet hat.
Seit Oktober widmet sich Müller nicht nur dem
Film, sondern auch dem Gin. Zusammen mit drei
Kollegen hat er unter Anleitung von Destiller
Sebastian Rauscher von Cosmic Spirits den
„Sleepy4Gin“ erschaffen, einen exquisiten London
Dry Gin aus Höhenrain, der im Direktvertrieb an
den Kunden geht. „Unser Gin sollte nach Heimat
schmecken“, sagt Müller. Kräftig und pur soll er
sein, mit einer satten Wacholder-Basis und einer
besonderen Note Fichtennadeln im Bouquet. Laut
Gin-Fan Marlis Petersen ist das gelungen. „Sleepy-
4Gin ist für mich Erdung pur, ein sinnliches Erlebnis
mit Urgeschmack“, sagt die Sängerin. Dabei sei es
wie immer im Leben: „Wenn man mit dem Herzen
etwas angeht, dann kommen die Dinge“ – ob in
der Musik oder beim Gin.
www.weckediejungfrau.de
ein farbenreiches Bild „mit musikalisch und geistig-seelischer Dramaturgie“
ergeben, wie Petersen sagt. Die daraus entstandenen Alben
gleichen aufregenden und berührenden Reisen durch existenzielle
Dimensionen und Gefühlszustände, die von der Künstlerin sinnlich
und ausgesprochen feinsinnig und intensiv ausgestaltet werden. In
Blaibach hat sie sich zusammen mit ihrem Pianisten Matthias Lademann
nun der menschlichen Innenwelt zugewandt und ist tief eingetaucht
in jenes Reich der Emotionen, Visionen und Träume, in
dem sich das Unterbewusstsein offenbart und tief Verborgenes zutage
tritt. Da findet sich etwa das Lied Seele von Karl Weigl, Après un rêve
von Gabriel Fauré, Die Nacht von Richard Strauss, Hohe Liebe von
Franz Liszt oder das Gebet von Hugo Wolf bis hin zu einer besonderen
Bearbeitung von Strauss’ Beim Schlafengehen von und mit dem
Jazzgeiger und Komponisten Gregor Hübner.
Das Lied ist für Marlis Petersen der musikalische Ursprung.
So sei schließlich alles losgegangen: mit einer Stimme, die anfängt,
zu singen. „Das Lied ist eine Essenz, ein Kleinod, eine Oper im
Inneren“, sagt Petersen. Um es richtig zu interpretieren, müsse man
die ganze Szene in sich tragen, und Text
und Musik würden dabei nicht 50 und
50 Prozent ausmachen, sondern jeweils
100 Prozent. „Beides muss vollständig
da sein, damit es funktioniert.“ Marlis
Petersen gibt gern 200 Prozent. „Wir
tanzen nicht, wir eskalieren“ prangt auf
ihrem Oberteil – humorvolles Statement
einer Vollblutmusikerin und
Lebenskünstlerin, die fahle Kompromisse
ebenso scheut wie das durchgetaktete
Businessleben. „In unserer verrückten
Welt hasten wir so oft an allem
vorbei und nehmen die Umwelt kaum
mehr wahr“, sagt Petersen und zeigt auf
die zarten Pflanzen, die zwischen den
Steinplatten am Boden emporwachsen.
„Dabei verbindet uns alle doch die
Sehnsucht danach, dass unser Leben
Sinn macht. Ich wollte uns Menschen
mit der Form des Lieds auffordern, das
Glück im Hier und Jetzt zu suchen.“
Marlis Petersen hat ihr Glück gefunden:
in Griechenland. Seit neun Jahren lebt
sie in Athen, seit zwei Jahren auf dem Peloponnes. Und wann immer
es ihr möglich ist, kehrt sie dorthin zurück. Dann produziert sie ihr
eigenes Olivenöl, tankt Sonne und erdet sich. „Meine Heimat ist die
Musik und Griechenland. Dort kann ich auch mal Fünfe grade sein
lassen und spüre die Elemente ganz stark. Wenn
ich in meinem Haus sitze und das Meer aufsaugen
kann, bin ich tief glücklich.“
n
„Innenwelt“, Marlis Petersen, Stephan Matthias Lademann
(Solo Musica)
23

K Ü N S T L E R
DER KICK
AM KLAVIER
Bei einem Konzert in der Düsseldorfer Tonhalle wurden sie kürzlich als
Clara und Robert Schumann bezeichnet. Gülru Ensari und Herbert Schuch
verbindet die Liebe füreinander – und für ihr Instrument.
VON KATHERINA KNEES
24 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2019

FOTO: MAGNUS CONTZEN
CRESCENDO: Kann man die persönliche
Beziehung als Paar auf der Bühne
überhaupt mal abschütteln?
Gülru Ensari: Nein, gar nicht, das Gefühl ist eigentlich immer da.
Aber es ist auch so, dass man sich auf den anderen auch ganz
anders verlassen kann als auf andere Kollegen, mit denen man
spielt. Ganz egal, wie viel man davor gestritten hat über diese
oder jede Stelle. (lacht)
Sind Sie gegenseitig Ihre schärfsten Kritiker?
Herbert Schuch: Das ist das Schwierige an dieser direkten
Arbeitsweise miteinander. Wir sind uns ja immer in jeder
Hinsicht sehr nah und man bekommt alles voneinander mit. Es
hilft dann vermutlich, einfach am eigenen Ego zu arbeiten. Ich
habe gelernt, dass es wichtig ist, Verschiedenheit auch als etwas
Schönes zu akzeptieren.
Gülru Ensari: Wenn ich Geigerin wäre und er Pianist, dann
hätten wir vielleicht auch musikalische Auseinandersetzungen,
aber man würde nicht über einzelne Fingersätze oder so etwas
reden. Dadurch, dass wir uns sogar ein Instrument teilen, wenn
wir vierhändig spielen, kommt man quasi automatisch immer in
die Sphäre des anderen. Und dann hat jeder auch noch eine
Vorstellung von dem Instrument, wie es klingen soll. Darum
mischt man sich immer viel ein, wie der andere spielen soll. Das
würde man mit unterschiedlichen Instrumenten sicherlich nicht
so stark machen.
Wie proben Sie denn im Alltag miteinander?
Gülru Ensari: Meistens lesen wir die Stücke zusammen, dann übt
jeder für sich selbst, und dann kommen wir wieder zusammen.
Ich empfinde es oft als großen Luxus, dass wir die Stücke
gemeinsam kennenlernen. Ansonsten ergibt es sich meist
irgendwie, wann wir hier zu Hause proben. Einer hängt noch die
Wäsche auf, und dann geht es los. Es gibt keinen festen Plan.
Ist Ihr Anspruch an das Ergebnis der gemeinsamen Arbeit
besonders hoch?
Herbert Schuch: Ja, vielleicht schon, aber wir sind mittlerweile
ein bisschen gelassener, weil wir merken, dass wir vor allem in
den Konzerten ganz genau herausfinden, was klappt und was
nicht. Die Konzerte sind sozusagen immer Zwischenergebnisse
von dem gemeinsamen künstlerischen Prozess, den wir durchlaufen
und niemals Endergebnisse. Auf der Bühne sieht man immer
nur eine Momentaufnahme.
Gülru Ensari: Das ist ja auch das Spannende. Dass wir uns
entwickeln können und von jedem Konzert etwas lernen und
dann weiterarbeiten. Sonst würde es auch gar keinen Spaß
machen. Wenn wir nach jedem Konzert fertig wären und ein für
immer gültiges Endergebnis hätten. Dann müssten wir in jedem
Konzert ein neues Repertoire spielen.
Auf der Bühne müssen Sie immer zwei Persönlichkeiten und
zwei Tagesformen unter einen Hut bekommen. Müssen Sie sich
manchmal gegenseitig etwas kicken?
Herbert Schuch: Du kickst gerne. (beide lachen) Ich bin nicht so
der Kicker. Ich werde eher gekickt. Aber du versuchst oft beim
Spielen Signale zu senden, wenn dir etwas nicht passt.
Gülru Ensari: Haha, aber meine Signale kommen ja nicht immer
an. (lacht) Aber es stimmt. Ich stupse ihn oft mit meinem Bein an,
weil wir ja so dicht nebeneinander sitzen. Aber er weiß dann
nicht, was das heißen soll. Ist das zu viel Pedal oder zu wenig
Pedal? Bin ich zu laut oder zu leise? Das stresst ihn eigentlich
mehr, als es hilft. (lacht)
MOZART IST EINFACH GENIAL,
WEIL ER DIE IDEE DES DIALOGS
PERFEKT AUSGELEBT HAT
Haben Sie ein ähnliches Klangideal?
Herbert Schuch: Ich glaube, dass wir
eigentlich ein unterschiedliches Klangideal haben, aber dass
unser tatsächlicher Klang sich ganz gut mischt. Es ist ja auch so,
dass man eine bestimmte Idee vom Klang im Kopf hat, die man
gar nicht realisieren kann, sondern man ist quasi nur auf dem
Weg dorthin, das darzustellen, wie es sein soll.
Gülru Ensari: Aber wenn wir spielen, ist das Empfinden meistens
gleich.
Wie entscheiden Sie denn, wer oben oder unten spielt?
Herbert Schuch: Demokratische Prinzipen. (lacht)
Gülru Ensari: Meist gucken wir uns das Programm für ein
Konzert in der Saison an, das uns wichtig ist, und schauen dann,
dass die Verteilung ungefähr halb, halb ist. Man kann auch gar
nicht sagen, dass es attraktiver ist, oben zu spielen. Ich bin zum
Beispiel total glücklich, dass ich die Bearbeitung vom Schumann
Klavierquintett unten spiele. Ich hätte zuerst gedacht, dass ich
vermutlich die Streicherstimmen spiele und Herbert den Klavierpart.
Aber es ist so toll verteilt. Ich finde meine untere Stimme
total spannend.
Herbert Schuch: Man lernt auch immer ein bisschen etwas über
Instrumente und ihre Rolle im Orchester. Wenn man unten sitzt,
ist man ja eher Kontrabass und Cello oder Fagott. Man kann sich
dann überlegen, wie man das klanglich gestalten kann.
Was macht eine Komposition für Klavier zu vier Händen zu
einem guten Stück?
Gülru Ensari: Ich finde, wenn der Gesamtklang zur Geltung
kommt, aber es trotzdem transparent bleibt. Wenn vier Hände
gleich viel zu spielen haben, funktioniert es natürlich nicht.
Herbert Schuch: Es gibt nur wenige Komponisten, die das
überhaupt gut konnten. Mozart ist einfach genial, weil er die Idee
des Dialogs perfekt ausgelebt hat. Bei Schubert ist es tatsächlich
so, dass man immer denkt, das müsste doch eigentlich von einem
Orchester gespielt werden. Hört man dann aber eine Orchesterversion,
merkt man, dass in der Fassung für Klavier vierhändig
gar nichts fehlt.
Gülru Ensari: Ja, Mozart und Schubert konnten diese musikalischen
Dialoge wirklich wahnsinnig toll in Töne fassen. Und das
macht dann auch sehr viel Spaß beim Spielen.
Was schätzen Sie an Ihrer Frau als Pianistin?
Herbert Schuch: Ich versuche immer, mich frühzeitig ganz
sorgfältig vorzubereiten, und bei ihr geht das alles immer
wahnsinnig schnell. Wenn ich schon denke „Um Gottes Willen“
und auf den Kalender schaue, weil das Konzert bald ist, hat sie da
eine ganz andere Lernkurve. Darauf bin ich dann manchmal auch
sehr neidisch, weil das bei ihr so schnell geht.
Und worum beneiden Sie Ihren Mann?
Herbert Schuch: Um meine Fingersätze … (beide lachen)
Gülru Ensari: Aber im Ernst: Ich beneide ihn vor allem für sein
riesiges Repertoire. Ja, wenn man mehr übt, hat das schon auch
Vorteile.
Herbert Schuch: Irgendeinen Vorteil muss es ja haben.
Gülru Ensari: Er hat ein tolles Repertoire, das auch wirklich gut
zu ihm passt. Es hätte ja auch sein können, dass er wahnsinnig
viele Stücke gelernt hat, doch dass sie gar nicht zu ihm passen.
Aber Beethoven und Schubert stehen ihm einfach gut. Und Bach.
Du spielst auch toll Bach!
Herbert Schuch: Spiele ich doch kaum.
Gülru Ensari: Das ist sehr schade, finde ich.
n
25

K Ü N S T L E R
26 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2019

EXPLOSION
IM KOPF
Geiger, Countertenor, Dirigent – und alles
buchstäblich mit links! Mit erst 34 Jahren hat
Raphaël Pichon bereits eine erstaunliche
musikalische Laufbahn hinter sich.
Ein Gespräch über sein neues Album,
Vorbilder, Freiheit und: die chemische Reaktion
von Polyfonie in der Kirche.
VON TERESA PIESCHACÓN RAPHAEL
27
FOTO: PIERRE GAB

K Ü N S T L E R
CRESCENDO: „Libertà!“ haben Sie Ihre
neue CD mit Werken von Mozart und
Zeitgenossen genannt. Warum?
Raphaël Pichon: Ich wollte Mozarts
musikalischen Reifungsprozess zeigen in
seinen Werken zwischen 1782 und 1786
– eine Zeit, in der er sehr experimentierfreudig
war. Er hatte sich von der strengen
Kontrolle durch den Salzburger Erzbischof Colloredo und der
Bevormundung seines Vaters befreit und ist nach Wien umgezogen.
Mit Joseph II. hatte er einen liberalen Regenten, der die Oper
liebte, soziale Reformen anschob, die Folter fast abschaffte und
sogar politische Satire zuließ.
Was fördert die Kreativität im Künstler mehr: die Demokratie
oder die Diktatur?
Das ist eine wirklich sehr interessante Frage, die schwer zu
beantworten ist. In demokratischen Zeiten kann der Künstler all
seine Werke ohne Zensur aufführen.
Aber wirklich inspirierend für seine musikalische Fantasie
dürften doch wohl eher die subversiven Gedanken sein, die in
Zeiten der Unterdrückung aufkommen?
Ja, da gebe ich Ihnen recht. Das war ja in Mozarts Hochzeit des
Figaro so, wo sich die Kammerzofe in die Herrin verwandelt.
Andererseits sind gesellschaftlich politische Tabus an ihre Zeit
gebunden. Sie verlieren ihre Wirkung in freien Zeiten. Weshalb
bedeuten uns Mozarts Opern heute aber immer noch so viel?
Weil es ihm um Emotionen geht, um den Menschen schlechthin
mit all seinen Abgründen. Seine Musik wird uns immer berühren,
egal wie die politischen Zeitläufe sind.
Oskar Kokoschka nannte „die Freiheit“ einen Kaugummibegriff.
An jedem Schlagbaum verstünde man etwas anderes
darunter. Was bedeutet Freiheit für Sie persönlich?
Freiheit bedeutet für mich, das zu machen und durchzusetzen,
was mir wichtig ist.
Wie etwa als Kind, als Sie sich als Linkshänder weigerten, sich
umschulen zu lassen?
Ja. Es gab natürlich Lehrer, die mich zwingen wollten umzulernen.
Heute ist man da wesentlich toleranter.
Als Countertenor, der Sie mal waren, spielte das ja keine Rolle.
Aber vielleicht, als Sie mit der Geige anfingen.
Auch die habe ich sozusagen mit links gespielt. Als junger Student
in der Dirigierklasse am Konservatorium forderten mich die
Professoren auf, die Klasse zu verlassen, sollte ich nicht umlernen.
Stolz wie ich war, habe ich nicht darauf geachtet. Mehr noch:
Vielleicht habe ich auch deshalb 2006 mein Ensemble Pygmalion
gegründet.
Einem Dirigenten, der Linkshänder ist, begegnet man nicht
alle Tage. Gibt es Irritationen bei den Orchestermusikern?
Die Musiker in meinem Ensemble haben das von Anfang an
akzeptiert. Selbstverständlich gibt es Erwartungen, besonders
wenn ich andere Orchester dirigiere. Schritt für Schritt passen wir
uns an. Hinzu kommt, dass ich ohnehin nicht unbedingt in der
traditionellen Technik dirigiere. Ich versuche eher, ich selbst zu sein.
Sie wuchsen in Versailles auf, einem Ort, an dem man im
Schlosspark über Lautsprecher mit Musik aus der Zeit des
Sonnenkönigs Ludwigs XIV. beschallt wird: Lully, Rameau …
… mich aber interessierte zunächst nur die Musik von Johann
Sebastian Bach. Meine Eltern waren keine Musiker, aber mein
Vater spielte klassische Gitarre und liebte leidenschaftlich die
spanischen Komponisten. Meine Mutter war eine Amateurpianistin.
Wir hatten ein wunderbares Schulsystem. Morgens
„POLYFONIE IST EINE
TIEFGREIFENDE
TRANSZENDENTE
ERFAHRUNG. MAN WÄCHST
MIT DEM STÜCK, ALLES
TRANSFORMIERT SICH“
ging ich in die normale Schule, nachmittags
dann in eine Art Konservatorium, wo
wir in den Genuss einer fantastischen
Musikerziehung kamen.
Wie kam es zu Ihrer Leidenschaft für
den Thomaskantor aus der entfernten
deutschen Provinz?
Nach dem Geigenunterricht wurde ich
Mitglied der Maîtrise des Petits Chanteurs de Versailles, eines
Knabenchors. Ein Projekt war Bachs Johannes-Passion. Als ich sie
zum ersten Mal hörte, war das wie ein Schock, wie eine Explosion
in meinem Kopf. Terrific! Ich hatte nie vorher eine solche
emotionale Kraft erlebt! Die Polyfonie in der Kirchen-Akustik,
diese chemische Reaktion zwischen Klang und Stein, dieser
Nachhall! Ich war einfach überwältigt. Ich bin immer noch
fasziniert. Polyfonie ist eine tiefgreifende transzendente Erfahrung.
Man wächst mit dem Stück, alles transformiert sich. Man
ist ein anderer Mensch nach einer solchen Musik. Irgendwann
wollte ich selbst diese chemische Reaktion erreichen …
Indem Sie selbst Dirigent wurden …
Ja. Ich sah mich allerdings nie als Dirigent eines Sinfonieorchesters,
sondern eher als Leiter einer Gruppe. Mit 15 Jahren
fing ich an, bei den Proben zu dirigieren – vor allem die Chorpartien.
Der Chor gilt bei uns in Frankreich oft wenig. Wenn man
einen braucht, bestellt man sich zwei Dutzend Sänger, die sich
nicht kennen, und lässt sie singen. Es ist nicht wie in Deutschland,
Holland oder England, wo es eine Oratorium-Tradition gibt.
Ich saugte damals alles auf, was ich fand: alle Aufnahmen von
Nikolaus Harnoncourt, von Gustav Leonhardt, von Philippe
Herreweghe, Ton Koopman und anderen.
Können Sie Ihre Faszination beschreiben?
Ich war begeistert von Harnoncourt wegen der Art und Weise,
wie er die Musik mit Philosophie und dem Humanismus unserer
Tage verband. Er kämpfte für den wahren Ort der Musik in
unserem Leben. An Herreweghe liebte ich seine Klarheit und
Transparenz. Leonhardt war von dogmatischer Natur. Unter
seiner Führung hatte ich auch als Countertenor gesungen auf
einer seiner letzten Aufnahmen. Ich habe ihn sehr bewundert,
aber er war sehr streng. Besonders, wenn es um den Applaus ging.
Er gab uns genaue Anweisungen, damit keiner länger auf der
Bühne stand als nötig. Den großen Schlussapplaus verbat er sich
mit einem energischen Zeichen.
Die Reaktion eines strengen Protestanten.
Ja, in jedem Fall.
Mit Ihrem Instrumentalensemble kehrten Sie für einen
Moment zurück nach Versailles.
Ja, wir haben die Oper Dardanus von Jean-Philippe Rameau
eingespielt, der am Versailler Hof wirkte. Und sein Castor et
Pollux. Doch eigentlich spielen wir die Musik, die zu Bach
hinführt und die sich von ihm ableitet: Schütz, Mozart, Brahms,
Mendelssohn.
Zurück zur „Libertá!“. Sie steht ja oft im Widerspruch zu der
ökonomischen Sicherheit. Die Freiheit sei ein Luxus, den sich
nicht jedermann gestatten kann, sagte Otto von Bismarck.
Das stimmt und stimmt wiederum nicht. Man muss einfach an
das glauben, was man tut. Auch als Freelancer.
Und das tue ich.
n
„Liberta!“, Raphaël Pichon, Pygmalion (Harmonia mundi)
Track 1 auf der CRESCENDO Abo-CD:
Ouvertüre. Aus: Der Schauspieldirektor KV 486
28 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2019

HÖREN & SEHEN
Die besten CDs, DVDs & Vinylplatten des Monats von Oper über Jazz bis Tanz
Vladimir Horowitz ist zurück. Das Comeback des Pianisten in der Carnegie Hall auf 11 CDs (Seite 32)
CRESCENDO Empfehlungen lesen und direkt kostenlos dabei anhören?
Kein Problem: Auf www.crescendo.de finden Sie unsere Rezensionen mit direktem Link zum Anhören!
Asmik Grigorian
Sog & Sinnlichkeit
Was für eine streitbare, verrätselte und bildgewaltige Inszenierung,
die Romeo Castellucci für die Salzburger Festspiele
2018 in die Felsenreitschule gestellt hat! So verweigert er
seiner Salome effektvoll das Haupt des Jochanaan und den –
sonst oft zwischen Peinlichkeit und Voyeurismus changierenden
– Tanz der sieben Schleier. Doch wie Dirigent Franz
Welser-Möst und die Wiener Philharmoniker dessen musikalische
Raffinessen farbenreich auskosten, hat ohnehin
mehr Sinnlichkeit und Sogwirkung als jede Darstellung. Im
Zentrum leuchtet Asmik Grigorian als ideale Salome mit
überragender Gestaltungskraft, darstellerisch ebenso wie
stimmlich. Ihr warm flutender Sopran, ihre staunenswerte
Technik und die intensive Bühnenpräsenz berühren unmittelbar.
Ein sensationelles Rollendebüt und ein Mitschnitt,
der alle Zutaten einer Referenzaufnahme besitzt. AR
OPER
Richard Strauss: „Salome“,
Asmik Grigorian, John
Daszak, Anna Maria Chiuri
u. a., Wiener Philharmoniker,
Franz Welser-Möst,
Romeo Castellucci,
Salzburger Festspiele 2018
(DVD) (Cmajor)
FOTO: SALZBURGER FESTSPIELE / RUTH WALZ
29

H Ö R E N & S E H E N
Michael Fabiano
Mut zum Pathos
In unseren hochspezialisierten Zeiten ist es für einen
Tenor geradezu mutig, ein Rezital aus späten Arien
Donizettis und teils raren frühen bis mittleren von
Verdi zusammenzustellen. Oder sind es nur unsere
Hörgewohnheiten, die einen trennenden Taktstrich
zwischen den beiden Komponisten ziehen? Der
35-jährige US-Amerikaner Michael Fabiano will diesen
jedenfalls ausradieren: mit einer deutlichen Prise
Corelli und auch Shicoff, sowohl in der Diktion, als
auch im charaktervollen, heldischen Timbre, mit Mut
zum Pathos alter Schule sowie der Fähigkeit zum
Decrescendo am Phrasenende. Seine Höhe mag nicht
immer sofort frei strömen. Die – allerdings enorm
schwierige – Forza-Erstfassungsarie singt er transponiert.
Aber Fabianos Vortrag hakt sich im Ohr fest.
Musikalisch untadelig, philologisch allerdings etwas
sorglos (etwa mit kleinen Strichen nach Gutdünken),
assistiert Enrique Mazzola am Pult des London
Philharmonic Orchestra. WW
Giuseppe Verdi, Gaetano Donizetti: „Arien aus Opern“,
Michael Fabiano, London Voices, London Philharmonic
Orchestra, Enrique Mazzola (Pentatone)
Track 4 auf der CRESCENDO Abo-CD: Qual sangue
sparsi ... S’affronti la morte. Aus: La Forza del Destino
Adolfo Gutiérrez Arenas
Ungewohnt expressiv
„Ein Cello ist ein Instrument, das oben
kreischt und unten brummt“, soll Antonín
Dvořák einmal ganz uncharmant geurteilt
haben. Trotzdem hat er dem Instrument eines
der schönsten Solokonzerte überhaupt
geschenkt: sein Cellokonzert in h-Moll, op. 104.
Kreischen und brummen hört man zum Glück
nichts, wenn Adolfo Gutiérrez Arenas spielt.
Seine neue CD umfasst alle Werke, die Dvořák
seinem Instrument auf den Leib geschrieben
hat. Neben dem monumentalen Konzert auch
das berühmte Rondo und die wunderbar sentimentale
Waldesruh. Arenas und die Magdeburgische
Philharmonie unter der Leitung des taiwanesischen
Dirigenten Kimbo Ishii gehen sehr
individuell an diese Musik heran, den Kopfsatz
des Konzertes spielen sie relativ breit, manch
ein Lagenwechsel klingt ungewohnt expressiv.
Eine schöne „Zugabe“ der CD: Dvořáks Lied
Lasst mich allein in einem Arrangement für
Cello und Klavier. Dabei handelte es sich um
das Lieblingslied seiner verstorbenen Schwägerin,
für die er heimlich schwärmte. Es ist
sowohl im zweiten als auch im finalen dritten
Satz des Konzertes zu hören. SK
Antonín Dvořák: „Cello
Works“, Adolfo Gutiérrez
Arenas, Magdeburgische
Philharmonie, Kimbo Ishii (Ibs
Classical)
Track 5 auf der CRESCENDO
Abo-CD: Klid (‚Waldesruhe‘)
op. 68 Nr. 5 B 182
ORCHES-
TER
GESANG
Daniel Müller-Schott
Brillanz und
Schlagfertigkeit
Er spielt mit filigranem Strich, aber auch mit breitem
Pinsel: Der Cellist Daniel Müller-Schott
beherrscht beides meisterlich. Mit pastosem Brio
schwelgt er etwa im zarten Andante der Cellosonate
von Richard Strauss oder spürt zartesten
vokalen Verästelungen in zwei Liedtranskriptionen
des Meisters nach, überaus brillant und sorgsam
sekundiert von seinem musikalischen Partner,
dem Pianisten Herbert Schuch. Auch in seinen
Phantastischen Variationen über Don Quixote
bedenkt Strauss das Cello mit einer dankbaren
Aufgabe, die Müller-Schott mit der nötigen Brillanz
und Schlagfertigkeit absolviert. Das trifft
ebenso auf das Melbourne Symphony Orchestra
als Hauptakteur bei diesem Werk zu. Dirigent
Sir Andrew Davis entfaltet mit unerbittlicher
Präzision und klanglicher Virtuosität ein in jeder
Beziehung fantastisches Werk, das bis heute
nichts von seinem visionären Charakter eingebüßt
hat. GK
Richard Strauss: „Don Quixote“
u. a., Daniel Müller-Schott,
Herbert Schuch, Melbourne
Symphony Orchestra. Sir Andrew
Davis (Orfeo)
Track 3 auf der CRESCENDO
Abo-CD: Ich trage meine Minne
op. 32 Nr. 1 TrV 174
Michael Gielen
In memoriam
Über Jahrzehnte waren Michael Gielen und
das SWR Sinfonieorchester Baden-Baden
und Freiburg eng miteinander verbunden.
In Gedenken an ihn – Gielen starb im März
dieses Jahres – ist ein Stück Zeitgeschichte
auf CD erschienen: zweimal Gustav Mahlers
Sechste Sinfonie, aufgenommen von
Gielen und „seinem“ Orchester im
Abstand von rund vier Jahrzehnten. Die
Tragische war das Stück, mit dem sich
Gielen am häufigsten auseinandergesetzt
hatte. Und so liegt zwischen der ersten
Einspielung von 1971 und dem letzten Konzert
2013 nicht nur die Jahrtausendwende,
sondern ein ganzer Reifeprozess. Viel zu
schnell hätten er und seine Kollegen Mahler
früher dirigiert, meinte Gielen. Und
dabei handelt es sich nicht um spitzfindige
Nuancen, sondern um ganze 20 Minuten,
die Gielen dieser Sinfonie am Schluss mehr
Zeit lässt. Diese CD macht wunderbar
klar: Das Tempo ist weder richtig noch
falsch, aber entscheidend. UH
FOTO: DIEGO BENDEZU
Gustav Mahler:
„Sinfonie Nr. 6“,
SWR Sinfonieorchester
Baden-Baden und
Freiburg, Michael Gielen,
(SWR Classics)
30 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2019

Julian Steckel
Musikalität und
Ausdruckskraft
Zoltán Kodály war der Erste, der das Cellorepertoire rund 200
Jahre nach Johann Sebastian Bachs Suiten um ein Solowerk bereicherte
– und was für eines! Seine Solosonate verlangt neben vielen
technischen Herausforderungen eine Skordatur: Die beiden unteren
Saiten werden einen Halbton tiefer gestimmt. Julian Steckel widmet
diesem Werk seine neue CD. Ihm zur Seite stellt er die Sonatina für
Cello und Klavier und das Duo für Cello und Geige. Dabei hat Steckel
kongeniale Partner: Violinistin Antje Weithaas und Pianist Paul Rivinius.
Selbst urteilte der Komponist, der sich (hörbar) sehr für die
Volksmusik Ungarns einsetzte, über seine 1915 entstandene Solosonate:
„In 25 Jahren wird kein Cellist akzeptiert werden, der sie
nicht gespielt hat.“ Julian Steckel ist natürlich schon längst „akzeptiert“.
Aber er beweist hier einmal mehr seine wahnsinnige Musikalität
und Ausdruckskraft. Sein Spiel ist technisch versiert, aber alles
andere als glatt und langweilig. Er kann zupacken,
ungestüm werden, wenn es nötig ist,
vermag es aber genauso, sein Cello singen
und flüstern zu lassen. SK
Zoltán Kodály: „Sonatina für Cello und Piano“ u. a.,
Julian Steckel, Paul Rivinius, Antje Weithaas (Avi)
KAMMER-
MUSIK
Nicolas Altstaedt
Wiederentdeckt
Nicolas Altstaedt, Leiter des Kammermusikfestes Lockenhaus im
österreichischen Burgenland, ruft zwei sträflich vernachlässigte
Werke in Erinnerung. Mit seinem Streichtrio gelang Bartóks
musikethnologischem Mitarbeiter Sándor Veress im Schweizer
Exil 1950 eine spannende Synthese aus Zwölftonstrukturen, klassischer
Sonatensatzform und dem in der ungarischen Volksmusik
formbildenden Wechsel von einem langsamen Beginn in einen
beschwingten Schlussteil. Bartóks Pianoquintett von 1903/04, dessen
Autograf erst nach der Wiederentdeckung 1970 gedruckt
wurde, offenbart sich in dieser von rhapsodischer Beschwingtheit
getragenen Einspielung als vitales Frühwerk mit spätromantischen
Harmonien und einem prägnanten rhythmischen Eigenleben.
Wenige Jahre später wird Bartók mit seinen Forschungen
einen anderen musikalischen Weg einschlagen. Hier steht er
noch im hypnotischen Bann des langen 19. Jahrhunderts. DIP
Sándor Veress: „String Trio“, Béla Bartók: „Piano
Quintet“, Vilde Frang, Barnabás Kelemen, Katalin
Kokas, Lawrence Power, Nicolas Altstaedt, Alexander
Lonquich (Alpha)
Track 10 auf der CRESCENDO Abo-CD: Klavierquintett
C-Dur Sz 23. IV. Poco a poco più vivace von Béla Bartók
Vocal Concert Dresden
Sangesfreudige Freimaurer
Freimaurermusik ist das Motto der neuen Einspielung vom Vocal Concert Dresden unter der Leitung von Peter Kopp.
Was verbirgt sich dahinter? Keine geheime Musik, aber ein großer Fundus an Liedern von der Eröffnung bis zum Schluss
der Loge. Die Freimaurer waren musikbegeistert und sangesfreudig. 27 Kostproben haben die Sänger (und Instrumentalisten)
dokumentiert. Es ist Männerchorliteratur aus dem 18. Jahrhundert von überraschenderweise nicht ganz so unbekannten
Komponisten wie Carl Philipp Emanuel Bach oder Wolfgang Amadeus Mozart, am häufigsten ist Johann Gottlieb
Naumann vertreten. Die Musik erinnert an die Priesterchöre in der Zauberflöte, besitzt aber auch den Charme typischen
Männergesangs. Das nimmt der Darbietung Würde, soll aber diese nicht schmälern. Wissenschaftlich scheint die Freimaurermusik
reizvoller zu sein (ein ausführliches Booklet liegt bei) als musikalisch. UH
„Freimaurermusik“,
Vocal Concert
Dresden, Peter Kopp
(Berlin Classics)
Track 9 auf der
CRESCENDO Abo-CD:
Schlusslied von
Johann Gottlieb
Naumann
FOTO: FRANK HÖHLER
31

H Ö R E N & S E H E N
DAS COMEBACK
Vladimir Horowitz in der Carnegie Hall – Proben, Privatkonzert und
der Auftritt nach zwölf Jahren Konzertabstinenz.
VON KLAUS KALCHSCHMID
FOTO: DON HUNSTEIN / SONY MUSIC ENTERTAINMENT
Vladimir
Horowitz am
9. Mai 1965 in
der New Yorker
Carnegie Hall
Vor zwei Jahren hat Sony auf fünf CDs (+ Interview +
die fertige Einspielung auf CD + LP) alle Aufnahmesitzungen
für die 1955er-Einspielung Glenn Goulds der
Goldberg-Variationen Bachs veröffentlicht: ein spannendes,
erhellendes und vorzüglich durch üppiges
Material in Bild, Verschriftung und Notenform begleitetes Projekt.
Nun gibt es Ähnliches, etwas schlanker in der Ausstattung, auf elf
CDs (+ vier CDs mit den beiden Konzerten und anderthalb Stunden
Interview mit Abram Chasins), wieder mit zahlreichen Fotos für
Vladimir Horowitz’ Comeback in den Konzertsaal nach zwölf Jahren
Abstinenz. Der damals 61-Jährige hat es akribisch unter Live-Bedingungen
vorbereitet und für die Konzerte in der Carnegie Hall
vor Ort Probedurchläufe ohne Publikum absolviert. Sie wurden
technisch exzellent mitgeschnitten und klingen, brillant digital
restauriert, teilweise noch poetischer, intimer und bezaubernder
als die entsprechenden Werke im Live-Konzert vor großem Publikum.
Das betrifft vor allem Mozarts A-Dur-Sonate KV 331, die bei
der Probe am 5. April 1966 schlicht vollendet klingt in jeder Hinsicht,
oder feine Scarlatti-Mirakel. Mit Blick auf den großen Saal
und die Entfernung zum Hörer werden sie später klanglich und in
den dynamischen Kontrasten größer dimensioniert und verlieren
so den Zauber des Unmittelbaren und Privaten.
Domenico Scarlattis E-Dur-Sonate K 380 (L
23) etwa spielt Horowitz als mögliche Zugabe in
der Probe am 7. April 1965, Tage vor dem ersten,
und am 5. April 1966, Tage vor dem zweiten Konzert.
Beim ersten Mal kündigt er auf Englisch an:
„Okay, jetzt werde ich nur kleine Stücke spielen!“
und lässt dem überwältigend zarten Scarlatti
jeweils gut zweiminütigen Rachmaninow, Chopin,
Moszkowski und Liszt folgen; eine Petitesse
berückender als die andere, ohne Applaus dazwischen
wie sonst bei Zugaben. Skrjabins op. 70
klingt dagegen ein halbes Jahr nach einem privaten
beim öffentlichen Konzert 1966 im Pianissimo
oftmals noch luzider und filigraner, in den Ausbrüchen und den
wilden Triller-Ketten dagegen nervös flirrender, exzentrischer und
farbiger.
Man kann diese CDs mit ungemein plastischer, technisch wie
musikalisch ausgefeilt und inspiriert gespielter (Klavier-)Musik und
launigen, manchmal fast beschwipst klingenden Kommentaren von
Horowitz (sowie seiner Tontechniker und der grauen Eminenz im
Hintergrund, Gattin Wanda Toscanini Horowitz) chronologisch
hören; man kann aber auch einzelne Stücke direkt vergleichen. Zur
Auswahl stehen im Vorfeld der beiden Konzerte Bach/Busoni (Toccata,
Adagio und Fuge C-Dur BWV 564), Schumanns Fantasie op.
17, Beethoven (32 Variationen über ein eigenes Thema), Skrjabins
Neunte (Schwarze Messe) und Zehnte Sonate, aber auch Chopin (u. a.
Erstes Scherzo oder die Erste Ballade), besagter Mozart und diverse
Scarlatti-Sonaten oder andere kleine Stücke.
So minutiös der Blick hinter die Kulissen ist und etwa auch
virtuose Improvisationen zum Einspielen dokumentiert, so rätselhaft
bleibt anderes, etwa der Mitschnitt eines Privatkonzerts, bei
dem es plötzlich einen Stromausfall gab, der weite Teile Kanadas
und der USA umfasste, weshalb der Nachmittag des 9. November
1965 als „The Northeast Blackout Concert“ in die Geschichte einging.
Nach der hier nur einmal dokumentierten und bei keinem der
Konzerte 1965/66 gespielten, ungemein spannend
dargebotenen frühen Beethoven-Sonate (D-Dur
op. 10/3) und Skrjabins Zehnter Sonate sowie dem
darauf folgenden Applaus endet der Mitschnitt
ganz konventionell. Von der Chopin’schen Polonaise-fantaisie,
die Horowitz laut Zeitungsbericht
bravourös im Dunkeln beendete, aber ist keine
Spur auf den Bändern erhalten, offenbar wurde
das aus technischen Gründen unvermittelt abbrechende
Chopin-Fragment gelöscht.
n
„The Great Comeback. Horowitz at Carnegie Hall. The unreleased
private recitals preceding his return in 1965“ (Sony)
32 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2019

OPER
Wiener Staatsoper
Alte und neue Juwelen aus dem Archiv
Eine Jubiläums-Box mit neun teilweise erstmals veröffentlichten Live-Mitschnitten sowie
einer Doppel-CD mit Arien und Szenen: Das ergibt insgesamt knapp 24 Stunden Oper zwischen
Mozart und Schostakowitsch mit illustren Besetzungen und den Wiener Philharmonikern
in ihrem Hauptberuf als Mitglieder des Staatsopernorchesters. Etliches ist Sammlern
zwar vertraut, etwa der Wozzeck (1955) sowie, ebenfalls unter Böhm, die im besten Sinne
haarsträubende Elektra (1965). Gleichfalls schon offiziell zu haben war ein Karajan-Fidelio
(1962) mit dem expressiven Paar Ludwig/Vickers, neu hingegen ist sein Live-Figaro (1977),
der im Vergleich zur nahezu identisch besetzten, aber etwas anämischen Studioproduktion
eine quirlige Aufführung aus Fleisch und Blut darstellt. Wahrlich übersprudelnd vor Witz und
Spielfreude ist Abbados Viaggio a Reims mit All-Star-Cast (1988). Aus der Ära Meyer ist zu
hören, wie sich in Tristan und Isolde unter Welser-Möst Stemme am Beginn und Seiffert
gegen Ende ihrer jeweils besten Zeit eindrucksvoll treffen oder wie in Eugen Onegin Hvorostovsky
und Netrebko (in einer ihrer besten Partien) tragisch aneinander vorbeilieben (beides
2013). In Thielemanns schwelgerischer Ariadne entzückt inmitten eines starken Ensembles
die jugendlich schimmernde Isokoski in der Titelpartie (2014); neben Stoyanowas Perlmuttsopran
und erneut Hvorostovsky liefert Beczala in Un ballo in maschera eine
weiträumiger phrasierte Alternative zu seinem Rollendebüt in München kurz davor (2016).
Schade, dass das Booklet nur Inhaltsangaben anstatt Würdigungen der
Aufführungen enthält. WW
„150 Years Wiener Staatsoper – The Anniversary Edition“: „Wozzeck“ (Böhm), „Fidelio“
(Karajan), „Elektra“ (Böhm), „Le nozze di Figaro“ (Karajan), „Il viaggio a Reims“ (Abbado),
„Eugen Onegin“ (Nelsons), „Tristan und Isolde“ (Welser-Möst), „Ariadne auf Naxos“
(Thielemann), „Un ballo in maschera“ (López Cobos); „Legendary Voices of the Wiener
Staatsoper“ (Orfeo)
Deutsche Oper Berlin
Zweite Auferstehung
Schon einmal wurde Das Wunder der Heliane wiederentdeckt – und geriet doch wieder in Vergessenheit.
Dabei hielt Erich Wolfgang Korngold die opulente, 1927 in Hamburg uraufgeführte
Oper mit ihrem rauschhaften Pathos, den schillernden Orchesterfarben und ihrer hochexpressiven
Harmonik für seine beste Komposition. Mit der frenetisch umjubelten Neuproduktion
an der Deutschen Oper Berlin in einer Inszenierung von Christof Loy und unter der musikalischen
Leitung von Marc Albrecht feierte die Oper ihre zweite Auferstehung. Die in der
Kritikerumfrage der Zeitschrift Opernwelt als Wiederentdeckung des Jahres
2018 ausgezeichnete Produktion ist nun auf DVD und Blu-ray Disc
erschienen. Sara Jakubiak, Brian Jagde und Josef Wagner in den Hauptpartien
garantieren zusammen mit einem kinotauglichen Filmschnitt einen
packenden Opernabend zu Hause. FA
Erich Wolfgang Korngold: „Das Wunder der Heliane“, Deutsche Oper Berlin, Sara Jakubiak,
Brian Jagde, Josef Wagner, Orchester und Chor der Deutschen Oper Berlin, Marc Albrecht,
Christof Loy (Naxos)
HK Gruber
100. Geburtstag von Gottfried von Einem
In der letzten Spielzeit wurde erneut deutlich, welch starke Stücke von Einems Literaturopern
Dantons Tod und Der Besuch der alten Dame sind. Das gilt auch für den konzertanten Mitschnitt
von Der Prozess bei den Salzburger Festspielen 2018 – „neun Bilder in zwei Teilen“, wie sie
1953 unter Karl Böhm zur Uraufführung gelangten. Die Hommage dirigierte HK Gruber, der
in seinen eigenen Opern eine vergleichbare kompositorische Wendigkeit zeigt. Man hört in
dieser Kafka-Vertonung deutlich, wie von Einem Kurt Weills Patchwork von Stilen und musikalischen
Mustern sinnfällig weitertreibt. Die meist tonale Partitur macht den Weg des Herrn
K. von der Verhaftung bis zur drohenden Hinrichtung zu einem motorisch
aufheizenden statt düsteren Spiel. Von Einem griff hier Mittel der
Zeitopern vor 1933 kurzweilig auf. Die Neueinspielung glänzt mit
einem Ensemble auf hohem Niveau. DIP
Gottfried von Einem: „Der Prozess“, Michael Laurenz, Jochen Schmeckenbecher, Matthäus
Schmidlechner u. a., Radio-Symphonieorchester Wien, HK Gruber (Capriccio)
PTC 5186781
PTC 5186 764 PTC 5186737
Felix & Fanny
Mendelssohn
Johannes Moser, Alasdair Beatson
Ebenfalls erschienen:
www.pentatonemusic.com
Neues
Album
Neues
Album
Neues
Album
33
Im Vertrieb von NAXOS Deutschland

H Ö R E N & S E H E N
ALTE
MUSIK
Dominik Wörner
Kontemplativ und verinnerlicht
Bach ist der Größte, das steht für den Kirchenmusiker und Bassbariton
Dominik Wörner außer Frage. Davon zeugt auch sein neues
Album, für das Wörner mit dem Ensemble Zefiro unter Leitung des
Oboisten Alfredo Bernardini verschiedene Bass-Kantaten aufgenommen
hat. Mit Ich habe genug BWV 82, Der Friede sei mit dir BWV
158 und Ich will den Kreuzstab gerne tragen BWV 56 sind drei Meisterwerke
Bachs zu erleben, die von den Musikern gleich musikalischen
Gebeten interpretiert werden. Hoch konzentriert und getragen
im Vortrag, überzeugen die Musiker mit einem innigen, wenngleich
relativ gleichförmigen und sehr direkt aufgenommenen
Zusammenspiel. Demut, menschlicher Schmerz und gläubige Ergriffenheit
stehen im Zentrum der kunstvoll
vertonten Texte, die von Wörner hervorragend
artikuliert dargeboten werden. Ein insgesamt
zurückhaltendes Bach-Album, kontemplativ
und verinnerlicht. DW
GESANG
Johann Sebastian Bach: „Cantatas and Arias for Bass“,
Dominik Wörner, Zefiro, Alfredo Bernardini (Arcana)
Ildar Abdrazakov
Suggestive Gestaltung
Von „des Basses Grundgewalt“ ist bereits in Goethes Faust die Rede und
davon, dass diese das Gewölbe widerschallen lasse. Ein Phänomen, das
auch dem neuen Verdi-Rezital des russischen Bassisten Ildar Abdrazakov
innewohnt. Dieser gehört zu jenen Sängern, die ihre Karriere, stets ein
wenig unter dem massenmedialen Radar fliegend, verfolgten und doch
ohne Hype den Weg an die Weltspitze ihres Stimmfachs gefunden haben.
Warum, das beweist der Sänger in jedem Takt dieser gut 70 Minuten:
eine Bassstimme zum Schwärmen, herrlich dunkel und voll, aber immer
sauber auf Linie gesungen und nie wabernd, individuell und attraktiv im
Timbre und jeden der neun hier präsentierten Charaktere suggestiv
gestaltend; auch wenn für die Hassprediger wie Silva oder Fiesco vielleicht
noch das allerletzte Quäntchen kaltherziger
Härte fehlen mag. Befeuert und getragen wird er
vom Orchestre Métropolitain de Montréal unter
keinem Geringeren als Yannick Nézet-Séguin. FS
Ildar Abdrazakov: „Verdi“, Orchestre Métropolitain de
Montréal, Yannick Nézet-Séguin (DG)
FOTO: ILDAR ABDRAZAKOV
Wiener Symphoniker
Erregte Künstlerseele
Pünktlich zum 150. Geburtstag von Hector Berlioz legen Philippe Jordan
und die Wiener Symphoniker zwei Werke des notorischen Klangexzentrikers
und Orchesterzauberers vor, die zwar innerhalb kurzer Zeit geschrieben
wurden, stilistisch aber kaum unterschiedlicher hätten ausfallen können:
die allseits bekannte Symphonie Fantastique und der nahezu vergessene
Lélio. Die Kombination macht dramaturgisch und inhaltlich Sinn, in beiden
Stücken geht es um die psychisch erregte Seele des Künstlers mit ihren
bizarren Imaginationen und Selbstbespiegelungen, im Falle von Lélio auch
mit einem dezent esoterischen Touch versehen. Als knapp einstündiger
gesprochener Monolog mit einigen Lied- und Choreinschüben konzipiert,
setzt Lélio stilistisch einen klaren Kontrast zu den überbordenden Klangfluten
der Fantastique. Von den Solisten ist vor allem
der Bassbariton Jean-Philippe Lafont in der Rolle
des Erzählers hervorzuheben. FS
Hector Berlioz: „Symphonie fantastique op. 14“, „Lélio ou Le
retour à la vie“, Cyrille Dubois, Florian Sempey, Ingrid Marsoner
u. a., Wiener Symphoniker, Philippe Jordan (Wiener Symphoniker)
Ivo Pogorelich
Kompromisslos eigenwillig
Frische Höreindrücke von Ivo Pogorelich konnte man sich lange Zeit nur im
Konzertsaal verschaffen. Nach mehr als 20 Jahren Pause ist nun wieder eine CD
des Pianisten mit Sonaten von Beethoven und Rachmaninow herausgekommen.
Der kroatische Virtuose gilt als einer der eigenwilligsten Musiker und wird diesem
Ruf auch auf seinem neuen Studioalbum gerecht. Pogorelich nähert sich den
Werken mit unverkennbarer Kompromisslosigkeit. Sein Spiel klingt stellenweise
rau und kantig. Mit teils exzessiven Rubati setzt er Akzente, die manieriert wirken
können. Auffällig langsam, mit Effekt suchenden Verzögerungen beginnt er
beispielsweise das Allegro vivace in Beethovens Sonate Nr. 24 op. 78, die der
ungarischen Gräfin Therese von Brunsvik gewidmet ist. Authentisch wirkt
Pogorelich vor allem dann, wenn er perkussive Passagen angeht und einen kraftvollen,
ausladenden Klang zelebriert. Insofern kann man
Sergei Rachmaninows höchst anspruchsvolle Zweite
Klaviersonate in der überarbeiteten Fassung von 1931 als
Pogorelichs eigentliches Paradestück auf diesem Album
betrachten. CK
Ludwig van Beethoven, Sergej Rachmaninoff: „Piano Sonatas“,
Ivo Pogorelich (Sony)
Vanessa
Spiegelkabinett der Gefühle
ORCHES-
TER
Mit Samuel Barbers Oper Vanessa hat die Glyndebourne Festival Opera ein
Stück ins Programm genommen, das perfekt in das englische Landgut passt.
Die Protagonistin Vanessa sitzt mit ihrer Nichte und ihrer Mutter in einem
Geisterhaus und wartet seit 20 Jahren auf die Rückkehr ihres Geliebten
Anatol. Als überraschend dessen Sohn gleichen Namens auftaucht, zerfällt
die eingespielte Starrheit der Familie. Leere Liebesschwüre und tiefe Zweifel
entfalten in der graubraunen Kulisse ihre volle beklemmende Wirkung.
In Spiegeln und hinter Schirmen werden die Figuren mit der Vergangenheit
und sich selbst konfrontiert. Emma Bell brilliert in der Titelrolle und verkörpert
die an Wahnsinn grenzende Sehnsucht Vanessas gesanglich und
schauspielerisch intensiv. Auch die Nebenrollen sind hervorragend besetzt
und sorgen für eine dichte, ungebrochene Fiktion. Jakub Hrůša am Pult des
London Philharmonic Orchestra nutzt das Potenzial der
mal hochdramatischen, mal lyrisch verspielten Partitur
und schlägt das Publikum in den Bann dieser psychologischen
Achterbahnfahrt. LXR
SOLO
Samuel Barber: „Vanessa“, Glyndebourne, Emma Bell, Virginie Verrez,
Edgaras Montvidas u. a., The Glyndeborne Chorus, London Philharmonic
Orchestra, Jakub Hrůša, Keith Warner (Opus Arte)
OPER
34 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2019

IMPRESSUM
ALTE
MUSIK
Maddalena del Gobbo
Nobles für das Baryton
Kubistischer Korpus, sechs Darmsaiten und zupfbare Resonanzsaiten
aus Metall: Das Baryton (Viola di bardone) klingt ein wenig wie eine
Gambe, aber auch obertonreich, als würde eine Glasharmonika mitklingen.
Weil Fürst Nikolaus Esterházy das Instrument liebte, gibt es
123 Trios für Baryton, Bratsche und Cello von seinem Kapellmeister
Joseph Haydn. Maddalena del Gobbo spielt mit Robert Bauerstatter
und David Pennetzdorfer virtuos Nr. 27 und 113, aber auch eine originelle
Suite mit Fuge (Nr. 97), das Dritte Divertimento für die gleiche
Besetzung von An dreas Lidl und ein C-Dur-Trio von Tomasini, beide
Mitglieder der Esterházyschen Hofkapelle. Das jeweils eröffnende
Adagio bringt den eigentümlichen Klang des Instruments besonders
zur Geltung; einen spannenden Vergleich erlaubt Franz Xaver Hammers
musikantische A-Dur-Sonate für Gambe
und Cembalo. Jetzt fehlte eigentlich nur noch
ein Stück für Arpeggione! KLK
„Maddalena and the Prince“, Maddalena del Gobbo, Robert
Bauerstatter, David Pennetzdorfer, Ewald Donhoffer (DG)
Track 6 auf der CRESCENDO Abo-CD: Trio für Baryton, Viola und
Cello D-Dur Hob. XI:97. I. Adagio cantabile von Joseph Haydn
Stéphanie de Failly und Brice Sailly
Venezianische Barockmusik
Aus dem überraschend großen Repertoire für vier Violinen wählten
Jérôme Lejeune und das Ensemble Clematis 14 Stücke aus dem venezianischen
Barock. Die Besetzung würdigten Telemann und Vivaldi einige Jahre
später in ihren Konzerten. Doch bis dahin experimentierten die italienischen
Virtuosen in diversen Sammlungen mit den Möglichkeiten. Chorische
Sätze, sprachnahe Spielereien und polyfone Gebilde machen die
Auswahl dieser Aufnahme unterhaltsam und abwechslungsreich. Da gibt
es Salamone Rossis doppelchörige Sonata a quattro Violini e doi Chitarroni
mit ihren Frage-Antwort-Dialogen in Piano und Forte und einem gravitätischen
Finale. Um Echoeffekte ganz unterschiedlicher Art sind Biagio
Marinis lyrisch leichte Sonata in ecco con tre Violini und Dario Castellos introvertierte
Sonata decima settima in ecco gebaut. So vorsichtig und akademisch
wie das umfangreiche Booklet ist auch die Interpretation. Wenig
aufgeregt, dafür mit großer Klarheit und Präzision leiten Stéphanie de
Failly und Brice Sailly das Ensemble durch diese
Bereicherung für jede Barocksammlung. LXR
Gabrieli, Marini, Fontana u. a.: „Quattro Violini a Venezia“,
Clematis, Stéphane de Failly, Brice Sailly (Ricercar)
Track 8 auf der CRESCENDO Abo-CD: Sonata in ecco con tre
violini von Biagio Marini
FOTO: NIKOLAJ LUND
VERLAG
Port Media GmbH, Rindermarkt 6, 80331 München
Telefon: +49-(0)89-74 15 09-0, Fax: -11, info@crescendo.de, www.crescendo.de
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VERLAGSLEITUNG
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LEITENDE REDAKTEURIN
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RESSORTS „HÖREN & SEHEN“ UND „ERLEBEN“
Ruth Renée Reif | reif@crescendo.de
RESSORTS „STANDARDS” UND „SCHWERPUNKT“
Klaus Härtel | haertel@crescendo.de
RESSORTS „KÜNSTLER“ UND „LEBENSART“
Barbara Schulz | schulz@crescendo.de
SCHLUSSREDAKTION
Maike Zürcher
KOLUMNISTEN
Axel Brüggemann, Paula Bosch, Ioan Holender,
Daniel Hope, Christoph Schlüren (CS), Stefan Sell (SELL)
MITARBEITER DIESER AUSGABE
Florian Amort (FA), Roland H. Dippel (DIP), Verena Fischer-Zernin,
Ute Hamm (UH), Klaus Kalchschmid (KLK), Sina Kleinedler (SK), Katherina Knees (KK),
Corina Kolbe (CK), Guido Krawinkel (GK), Anna Mareis (AM),
Teresa Pieschacón Raphael (TPR), Angelika Rahm (AR), Alexander Rapp (LXR),
Antoinette Schmelter-Kaiser (ASK), Fabian Stallknecht (FS), Dorothea Walchshäusl (DW),
Walter Weidringer (WW),
VERLAGSREPRÄSENTANTEN
Tonträger: Petra Lettenmeier | lettenmeier@crescendo.de
Kulturbetriebe: Dr. Cornelia Engelhard | engelhard@crescendo.de
Touristik & Marke: Heinz Mannsdorff | mannsdorff@crescendo.de
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AUFTRAGSMANAGEMENT
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Nr. 23 vom 01.09.2019
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Verbreitete Auflage:
75.034 (lt. IVW-Meldung 1I/2019)
ISSN: 1436-5529
(TEIL-)BEILAGEN / BEIHEFTER:
CLASS, Bayerischer Rundfunk, C. Bechstein Pianofortefabrik, Quaternio Verlag Luzern
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H Ö R E N & S E H E N
JAZZ
19-jährig begann sie ihre Laufbahn als professionelle Sängerin.
Mit 21 ging ihr Traum mit einem Auftritt in Ronnie Scott’s
legendärem Londoner Jazz Club in Erfüllung. 1990 bekam sie
einen Vertrag beim Glasgower Label Linn Records. Seither
hat Claire Martin über 20 Alben veröffentlicht, zuletzt
Believin’ it: Zusammen mit Niklas Fernqvist am Bass, Daniel
Fredriksson an den Drums und dem Pianisten Martin Sjöstedt,
der zwölf der 13 Songs arrangiert hat, interpretiert sie
Claire Martin
Einfühlsam
Stücke quer durch die (Jazz-)Musikgeschichte genauso wie
solche befreundeter Musiker. Lässig intoniert Claire Martin
mit einfühlsamer, reifer Stimme P.S. I love You aus den
1930er-Jahren oder Eric Stewarts Popsong I’m Not In Love,
der 1975 entstand. Genauso gut lässt sie aber auch in Timeline
oder Believn’ it lebendig perlen. Unüberhörbar ist der harmonische
Klang des Quartetts, bei dem alle Mitglieder brillieren,
sich aber nie in den Vordergrund spielen. ASK
Claire Martin: „Believin’ it“,
Martin Sjöstedt, Niklas
Fernqvist, Daniel
Fredriksson (LINN)
FOTO: LISA WORMSLEY
Keith Jarrett
Bachs Denkprozess
Als man den berühmten Jazz-Pianisten Keith Jarrett einmal fragte,
ob er sich vorstellen könne, in einem Konzert Jazz und Klassik zu
kombinieren, sagte er: „Nein, ich glaube, das wäre Wahnsinn [...],
praktisch nicht machbar. [...] Dein System baut für beide Richtungen
auf unterschiedliche Schaltkreise.“ Trotzdem spielt der mittlerweile
74-Jährige gerne mit den Genres. Er jazzte auf einer Kirchenorgel
in Ottobeuren und am Clavichord. Für Johann Sebastian
Bachs Goldberg-Variationen und dessen Wohltemperiertes Clavier wiederum
nahm er das dafür vorgesehene Cembalo beziehungsweise
das Klavier. So auch auf dieser Aufnahme von 1987, ein Live-Konzert-Mitschnitt
aus New York. Jarretts Ehrfurcht vor dem Thomaskantor
ist groß, so groß, dass er kaum
wagt, seiner Interpretation eine eigene
Note zu geben. „Ich höre Bachs Denkprozess“,
sagt Jarrett. TPR
Abdullah Ibrahim
Innig nachspürend
Da ist er wieder, der Dollar-Band-Groove des legendären Titelstücks
African Marketplace vom gleichnamigen Album aus dem Jahre 1979.
40 Jahre ist das her, und der Meister firmiert längst unter dem Namen
Abdullah Ibrahim. Großartiger Cape Jazz, das ist mehr als Jazz, mehr als
„modern creative“ wie Ibrahims Spielstil genannt wurde. Es ist reinste
Musik aus langlebigen Sphären, die alles gibt in dem „Streben nach Perfektion“,
wie es im Covertext heißt. Damit ist kein Perfektionismus
gemeint, sondern ein „weniger ist mehr“. Sorgsam vorsichtig, innig
nachspürend, intuitiv, schlicht meisterhaft gereift ist Ibrahims Spiel, brillant
seine auserwählten Zutaten, ob im Bandarrangement exzellenter
Mitstreiter oder solo improvisiert, alles so, als wollte der inzwischen
85-jährige Pianist aus Kapstadt in weiser
Gelassenheit die Essenz seines außergewöhnlichen
Lebenswerkes noch einmal verewigen.
Ans Herz empfohlen! SELL
SOLO
Johann Sebastian Bach: „The Well-Tempered Clavier.
Book I“, Keith Jarrett (ECM)
Abdullah Ibrahim: „The Balance“, Aka Dollar Band
(Gearbox Records)
36 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2019

TANZ
GENIES IM
RAMPENLICHT
The Norwegian National Ballet
Abgründiges Familiendrama
Eine Woche Textstudium vor den ersten Proben im Ballettsaal: So begann die Arbeit an
Ibsens Stück Gespenster. Denn die Regisseurin Marit Moum Aune und die Choreografin
Cina Espejord wollten, dass alle Tänzer ihre Rollen durchdringen und eigene Ideen einbringen.
Resultat dieser Zusammenarbeit: ein Handlungsballett, das Ibsens abgründiges Familiendrama
in intensiven Bildern und Bewegungen auf die Bühne bringt und die klassisch
geschulte Technik mit modernem Tanz-Vokabular kombiniert. Ein Kunstgriff der Produktion
des Norwegian National Ballet ist, dass die Handlung nicht chronologisch
erzählt wird, sondern Vergangenheit und Gegenwart ineinander
verschränkt und Figuren gedoppelt werden. Dank virtuoser Solisten
und einem reduziert-eindringlichen Bühnenbild ist Ibsen’s Ghosts ein
optischer Genuss, den Jazz-Trompeter Nils Petter Molvaer – zum Teil
live – passgenau musikalisch untermalt. ASK
„Ibsen’s Ghosts“, Marit Moum Aune, Cina Espejord, Nils Petter Molvaer,
The Norwegian National Ballet (BelAir)
ALTE
MUSIK
Marin Marais
Wehmütige Schönheit
Wer erinnert sich nicht an jenen wunderbaren Kinofilm Tous les matins du monde von
Alain Corneau aus dem Jahre 1991, der das einsame Leben des Gambisten Monsieur de
Sainte Colombe darstellte? Gérard Depardieu hatte die Rolle des Komponisten und
Gambisten Marin Marais (1656–1728) übernommen, eines Schülers des Monsieur.
Obwohl Depardieu in Wirklichkeit nur recht laienhaft auf der Gambe zupfen konnte,
machte der Film die Gambenmusik damals populär. Heute braucht es eine Crowdfunding-Kampagne,
um diese Aufnahme mit vier Suiten von Marin Marais zu ermöglichen.
Aus den etwa 600 überlieferten Pièces de Viole, die seit 1685 in mehreren Musikbänden in
der schottischen Nationalbibliothek in Edinburgh aufbewahrt werden, wählte der Gambist
Robert Smith die Suite in fis-Moll aus Marais’ erstem Buch, die
A-Dur-Suite aus dem zweiten Buch, die g-Moll aus dem dritten und
e-Moll aus dem vierten: Klänge von wehmütiger und einmaliger
Schönheit, aus den Händen virtuoser Interpreten. TPR
Marin Marais: „La Gracieuse“, Pièces de Viole, Robert Smith, Israel Golani,
Joshua Cheatham, Olivier Fortin (resonus)
Berliner Barock Solisten
Spielfreude und brillante Technik
Georg Friedrich Händel war ein leidenschaftlicher Musikant und Lebenskünstler und
entsprechend unmittelbar ist auch die Kraft seiner Werke. Die Berliner Barock Solisten,
bestehend aus Solisten der Berliner Philharmoniker, haben sich unter Leitung von
Alte-Musik-Experte Reinhard Goebel mit den Concerti Grossi op. 3 von Händel beschäftigt,
ergänzt durch das Concerto F-Dur, bei dem unklar ist, ob Händel sein Urheber ist.
Die Konzerte sind dabei höchst unterschiedlich, sowohl was die jeweilige Besetzung als
auch den formalen Aufbau betrifft, und entsprechend kurzweilig und bunt ist die Sammlung.
Schlank und ohne unnötige Schlenker, wohltuend undogmatisch, dafür umso präsenter
und mit hörbarer Spielfreude und brillanter Technik legen die Musiker den tänzerischen
Grundcharakter der Stücke offen und setzen diesen, sensibel
eingespielt auf modernen Instrumenten, mit strahlendem
Gesamtklang um. DW
Georg Friedrich Händel: „Concerti Grossi op. 3.“ u. a., Berliner Barock Solisten,
Reinhard Goebel (Hänssler)
Track 7 auf der CRESCENDO Abo-CD:
Concerto Nr. 3 G-Dur HWV 314. I. Largo e staccato – Allegro
Zusammen mit dem Deutschen
Symphonie-Orchester Berlin vollenden Mari
Kodama und ihr Ehemann Kent Nagano die
Einspielung aller Klavierkonzerte
Beethovens. Der krönende Abschluss:
das Klavierkonzert Nr. 0.
Auf ihrem neuen Album wirft Céline Moinet
einen Blick auf Johann Sebastian Bach: Zusammen
mit l’arte del mondo kombiniert sie
in seinen Oboenkonzerten einen historisch
informierten Orchesterklang mit ihrem
modernen Instrument.
Concerto Köln verehrt den fast vergessenen
Komponisten Francesco Geminiani
als einen der ganz Großen und wählt aus
unterschiedlichen Teilen des Œuvres seine
persönlichen Lieblinge aus:
Geminianis Quintessenz.
www.berlin-classics-music.com
37

H Ö R E N & S E H E N
OPER
ALTE
MUSIK
Leo Nucci
Zwischen Pflicht und Liebe
Venezianische Intrigen: Zu seiner sechsten Oper I due Foscari (1844)
ließ sich Giuseppe Verdi von der tragischen Geschichte des letzten
Dogen inspirieren. Das gleichnamige Versdrama des englischen Dichters
Lord Byron über Francesco Foscari und seinen unschuldig wegen
Mordes verurteilten Sohn diente ihm als Vorlage. Für die Opernbühne
sei das Stück jedoch nicht wirkungsvoll genug, fand der junge Komponist.
Gleich im ersten Akt müsse es „krachen“ („un po’ di fracasso“).
Librettist Francesco Maria Piave straffte die Handlung, Verdi setzte
neue musikalische Akzente. Das Münchner Rundfunkorchester unter
seinem Chefdirigenten Ivan Repušić hat die Oper vorzüglich für das
Eigenlabel des Bayerischen Rundfunks eingespielt. Mit starkem Ausdruck
singt der sizilianische Tenor Ivan Magrì die Partie des verzweifelten
Jacopo Foscari, an seiner Seite überzeugt die chinesische Sopranistin
Guanqun Yu als Ehefrau Lucrezia Contarini. Den zwischen Amtspflichten
und der Liebe zur Familie zerrissenen Dogen verkörpert der
legendäre italienische Bariton Leo Nucci. CK
Giuseppe Verdi: „I due Foscari“, Leo Nucci, Guanqun Yu,
Ivan Magrì u. a., Chor des Bayerischen Rundfunks,
Münchner Rundfunkorchester, Ivan Repušić (BR Klassik)
Track 2 auf der CRESCENDO Abo-CD:
Eccomi solo alfine – O vecchio cor, che batti
Leo van Doeselaar und Erwin Wiersinga
Orgelgemäßes Licht auf Bach
Bach-Bearbeitungen gibt es wie Sand am Meer: unzählige. Und scheinbar
gibt es noch nicht genug. Jedenfalls haben sich die niederländischen Organisten
Leo van Doeselaar und Erwin Wiersinga noch mal an die Arbeit
gemacht und das getan, was unzählige Komponisten und auch Bach selbst
schon vor ihnen getan haben: Werke des Thomaskantors für Orgel eingerichtet.
Bach soll hier „aus einem neuen Blickwinkel“ präsentiert werden.
Das funktioniert verblüffend gut. Zum einen weil beide Interpreten die
historischen Instrumente der Groninger Martinikerk wunderbar vielseitig
ausnutzen und mit einer geradezu überwältigenden Spielfreude ans Werk
gehen. Zum anderen werfen auch die eigens angefertigten Bearbeitungen
ein neues, orgelgemäßes Licht auf Bach. So ist es
insgesamt nicht zu viel versprochen, dass man
Bach hier tatsächlich völlig neu hört – und erfrischend
wie am ersten Tag. GK
Johann Sebastian Bach: „A New Angle“, Leo van Doeselaar,
Erwin Wiersinga (MDG)
Ragna Schirmer
Seelenverwandt
Dass Ragna Schirmer sich nicht des großen Jubiläums wegen mit Clara
Schumann auseinandergesetzt hat, ist in jeder Note zu hören. Die tiefe
Verbundenheit zum Leben und Werk dieser außergewöhnlichen Musikerin
pflegt Schirmer seit ihrer Kindheit, und davon zeugt jeder Augenblick ihres
seelenverwandten Spiels. Ragna Schirmer ist die Expertin des Clara Schumann-Jahrs.
Ihre Interpretation pendelt zwischen einfühlsam erhabener
Behutsamkeit und kraftvoll treibender Präsenz, man glaubt, die 16-jährige
Clara säße wie bei der Uraufführung am Klavier und Mendelssohn leite das
Orchester. Bravourös spielt sie die pianistischen Höhenflüge im Dritten
Satz, als seien sie ihr geradezu in die Finger geschrieben. Das folgende Klaviertrio,
Claras einziges Kammermusikwerk, gilt es hier neu zu entdecken,
es ist atemberaubend schön, nicht „weibisch
sentimental”, wie die Komponistin in vorauseilender
Zurücknahme ins Tagebuch
schrieb. SELL
Clara Schumann: „Trio & Concerto“, Ragna
Schirmer, Staatskapelle Halle, Ariane Matiakh
(Berlin Classics)
Nelson Goerner
Eine Offenbarung
VINYL
SOLO
Der argentinische Pianist Nelson Goerner widmet sein Album zwei polnischen
Klavierlegenden: Ignacy Jan Paderewski (1860-1941) und Leopold
Godowski (1870-1938). Beide waren Virtuosen am Klavier in einer Zeit,
in der es durchaus üblich war, dass Künstler in ihren Konzerten auch
eigene, technisch anspruchsvolle Werke präsentierten. Dementsprechend
schwer sind diese Kompositionen. Paderewski schrieb selbst über seine
Variationen und Fuge über ein Originalthema op. 23: „Ich denke dieses Werk
ist meine beste Klavierkomposition. Es ist extrem schwer und vielleicht
zu lang, aber es enthält einige Dinge die in ihrem Charakter und ihrer
Neuartigkeit beinahe eine Offenbarung sind.“ Zu lang wird dieses Werk,
das das Herzstück der CD darstellt, in Goerners Händen keinesfalls. Er
spielt detailverliebt mit einer Eleganz und Feinheit, die man so nicht oft
hört. Sowohl in Paderewskis Variationen, als auch in Godowskis nicht
weniger komplexen Symphonischen Metamorphosen über Johann Strauß
Künstlerleben. Eine besondere Offenbarung ist
Paderewskis beinahe schmerzhaft schönes
Nocturne in B-Dur. SK
Ignacy Jan Paderewski: „Variations et fugue” und Leopold
Godowski: „Symphonische Metamorphosen”, Nelson Goerner
(Narodowy Institut Fryderyka Chopina)
Thomas Girst
Lob der Langsamkeit
Zunächst habe er für sich allein Halt gesucht. „Halt in einer Welt, in
der sich das Hässliche immer schneller auszubreiten und das Schöne
umso schützenswerter erscheint“, beginnt Thomas Girst sein Buch. Im
wirklichen Leben ist er Leiter des Kulturengagements der BMW Group.
Dafür wurde er 2016 als „Europäischer Kulturmanager des Jahres“ ausgezeichnet.
Nachts findet er Zeit für seine zweite große Leidenschaft:
das Schreiben. In einem Zeitalter, in dem alles schnell und
effizient sein muss, setzt er einen Kontrapunkt
und adelt die Langsamkeit in 28 Geschichten von
Künstlern und Wissenschaftlern mit langem Atem.
Natürlich darf auch das längste Musikstück der
Welt nicht fehlen: John Cages Orgelwerk As Slow
As Possible, das in Halberstadt aufgeführt wird –
und im September des Jahres 2639 endet. Girst
hat den Nerv der Zeit getroffen: Inzwischen geht
sein Buch in die dritte Auflage. BS
Thomas Girst: „Alle Zeit der Welt“ (Hanser Verlag)
BUCH
Erika Pluhar
Mut zum Widerspruch
„Die Gelassenheit braucht kein Trotzdem. Aber man braucht viel
Trotzdem, um gelassen zu werden.“ Immer wieder: das Trotzdem. Ein
Wort, das ihr „lebensnotwendig“ geworden ist: „Trotzdem kämpfen
wir. Trotzdem glauben wir. Trotzdem lieben wir ...“ Ja, sie kämpft, sie
glaubt, und sie liebt. Und sagt vielleicht gerade wegen dieses „Trotzdems“,
schön sei immer das, was stimmt. Erika Pluhar,
inzwischen 80-jährig, zeigt in ihren so klugen wie kurzweiligen
und kontroversen Schriften, Reden und Essays, dass
sie sowohl einen Sinn für das „Ja, aber ...“ im Leben hat, als
auch für ein Ja zum Hier und Jetzt. Sie nimmt Stellung zu
Themen wie Frau-Sein, Obdachlosigkeit, Rassismus,
Männerschnupfen, Gier und Zeitgeist; sie ehrt Menschen,
klagt an, verabschiedet sich. Pluhar schaut hin, hält nicht
still. Aber in jedem Gedanken, in jeder Zeile spürt man,
dass sie das Leben liebt. Und die Menschen. Trotzdem ... BS
Erika Pluhar: „Die Stimme erheben. Über Kultur, Politik und Leben“
(erscheint am 24.9. im Residenz Verlag)
38 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2019

Unerhörtes & neu Entdecktes
von Christoph Schlüren
SOWJETISCHE MEISTER UND
EINE GANZ GROSSE ENTDECKUNG
Historisches von Northern Flowers, Melodiya und Doremi.
Über all der Propaganda von allen Seiten, die Leitsymptom
des neuen Kalten Kriegs ist, wird leicht übersehen,
wie viel freier und demokratischer Russland heute ist
als zu Sowjetzeiten. Zugleich ist, wie überall, leider die
gegenwärtige Gegenläufigkeit zu beobachten, dass mit
zunehmend besserem Leben zunehmende kulturelle Dekadenz einhergeht.
Große Komponisten sind in West und Ost mehr denn je
Mangelware. So verwundert es nicht, wenn die beiden wichtigsten
Labels des heutigen Russland, die in Moskau beheimatete Melodiya
und die in Petersburg ansässigen Northern Flowers, ganz besonders
mit historischen Veröffentlichungen glänzen.
Northern Flowers hat nun erstmals sämtliche 13 Streichquartette
von Nikolai Miaskowsky in einer Fünf-CD-Box veröffentlicht,
die zudem mit sehr informativen Einführungen versehen ist. Das
Taneyev-Quartett spielt die vielseitig herausfordernden Werke technisch
brillant, doch waren insbesondere die akustischen Voraussetzungen
Mitte der 1980er-Jahre sehr trocken. Miaskowsky ist mit
27 Gattungsbeiträgen weltbekannt als einer der fruchtbarsten Sinfoniker,
wird jedoch fast nie außerhalb Russlands gespielt – was
teils sehr zu bedauern ist, denn einige seiner Sinfonien zählen zum
Wertvollsten im Sowjetbestand. Seine Quartette
bezeugen kein geringeres Niveau und bestechen mit
großartiger kontrapunktischer Verzahnung und
Finesse, kühner Auslotung der traditionellen Tonalität,
rhythmischer Mannigfaltigkeit, Eleganz und
Wucht und untrüglichem Sinn für die große
Form. Einige, wie etwa die Nummern 9 oder 11
bis 13, sind von zeitlosem Karat, und schon mit
den 1930 als Opus 31 zusammengefassten ersten
drei, die die seelischen Schrecken der Stalin-Ära
seismografisch ausagieren, eroberte Miaskowsky
das Königsgenre der Kammermusik im Sturm.
Herrlich die unendlichen Facetten, die er Walzercharakteren
abgewinnt, tiefe Abgründe tun sich in langsamen
Sätzen auf, auch die klangliche Palette ist
unerschöpflich.
Höchst empfehlenswert ist auch eine Serie
von Northern Flowers, die das sowjetische Petersburg
zelebriert: Leningrad Symphonies, Leningrad
Violin Concertos, Leningrad String Quartets. Jedes
Mal ist hier der noch lebende Sergey Slonimsky dabei, einer der
interessantesten Komponisten unserer Zeit, der in jedem Werk mit
unvorhersehbarer Originalität und absoluter Meisterschaft fesselt,
aber auch der Schostakowitsch-Schüler Venjamin Basner mit seinem
melancholischen Ersten Quartett, der bedeutende Sinfoniker
Orest Yevlakhov (Schüler von Schostakowitsch und Lehrer der
gesamten Leningrader Komponistenprominenz), Yuri Falik am
Scheideweg von Expressionismus und Dodekafonie (Sinfonien und
Quartette), Vladislav Uspensky mit dem fantasiereichen Violindoppelkonzert
Phantasmagoria oder German Okunev mit seinem
hochexpressiven Zweiten Quartett bieten grandiose Einblicke in die
vielschichtige Leningrader Szene, die hierzulande so gut wie unbekannt
ist.
Melodiya hat uns in letzter Zeit mit einem herrlichen Drei-
CD-Album von Mieczysław Weinberg beglückt, dessen 100.
Geburtstag am 8. Dezember ansteht. Schon jetzt kann man sagen,
dass seine Entdeckung seit ungefähr zehn Jahren ein voller Erfolg
ist. Hier ist er selbst als vortrefflicher Pianist mit Alla Vasilieva in
seinen zwei Cellosonaten zu hören, dazu kommen Violin- und
Bratschenwerke auf hohem Niveau, das Trompetenkonzert mit
Timofei Dokschitzer und vor allem das großartige Siebte Quartett
mit dem Borodin-Quartett.
Herausragend unter den russischen Dirigenten
war Alexander Gauk, der Liszts Faust-Sinfonie,
Dukas’ Zauberlehrling und Strauss’ Till Eulenspiegel
mit einer beherrschten Wildheit entstehen lässt, die
kaum ihresgleichen kennt (Melodiya). Er war einer
der ganz Großen, und man müsste viel mehr von
ihm kennen. Doch die größte Überraschung ist
die griechische Pianistin Vasso Devetzi (1927–
1987), engste Freundin Maria Callas’, die fast nur
in der Sowjetunion auftrat. Sie spielt auf einem
bei Doremi erschienenen Album sämtliche Konzerte
Johann Sebastian Bachs mit dem exzellenten
Moskauer Kammerorchester unter Rudolf Barschai.
Dass sie die meines Erachtens phänomenalste
Bach-Spielerin der ganzen Epoche war, hört man
am deutlichsten in der Chromatischen Fantasie und
Fuge, die ich noch nie so zusammenhängend und
fantasievoll gespielt vernommen habe. n
39

R Ä T S E L
„Ich wurde
unter anderem
von Gamelan-
Musik
beeinflusst“
GEWINNSPIEL
Wer verbirgt sich hinter diesem Text?
„Die Musik ist eine geheimnisvolle Mathematik, deren Elemente
am Unendlichen teilhaben“ – schon in jungen Jahren besuchte ich
das Konservatorium, auch wenn ich in bescheidenen Verhältnissen
aufgewachsen bin und nie eine Schule besucht habe. Ich wurde von
Musikern unterrichtet, die zwar nicht mit meinem jugendlichen
Ungestüm umgehen konnten, mit mir jedoch bald große Erfolge
am Klavier feierten. Als diese aber nicht lange andauerten, wechselte
ich in die Kompositionsklasse und nahm von meinem Virtuosen-Traum
Abstand. In meinem neuen Studium wurde meine
musikalische Begabung auf ganz andere Weise gefordert, als ich
mich nicht so recht an staubige harmonische Gesetze halten wollte
causales_Anzeigen_2019.qxp_crescendo_220x144+5mm 15.08.19 11:40 Seite 1
und so manche Lehrer behaupteten, dass ich von dem irren Wunsch
FOTO: BY GUNAWAN KARTAPRANATA - CC BY-SA 3.0
besessen sei, etwas Bizarres, Unverständliches und Unaufführbares
zu schaffen. Mein Kompositionsstil stach nämlich durch das Schaffen
einer neuen Tonsprache, die Überwindung traditioneller musikalischer
Formen heraus.
Begeistert von dem Exotismus, den ich auf der Pariser Weltausstellung
erlebte, wurde mein Stil von russischer, arabischer und
Gamelan-Musik beeinflusst. Meine Kompositionen sind voll von
zauberhaften Klangfarben, Ganztonleitern, Pentatonik, sphärischen
Akkordschichtungen und Ostinati. Zuerst konnte ich mich
nur mit kleinen Kompositionen über Wasser halten und genoss
einen launenhaften Lebensstil. Der änderte sich schlagartig, als
meine Partnerin begann, den Haushalt und mein Leben zu organisieren.
Leider endete diese Beziehung tragisch: Als sie einen Liebesbrief
von mir fand, der unglücklicherweise nicht an sie adressiert
war, richtete sie einen Revolver auf sich selbst. Dieses
schmerzliche Szenario wiederholte sich ein paar Jahre später, als
meine zweite Ehefrau eine meiner Affären aufdeckte und verzweifelt
versuchte, sich das Leben zu nehmen. Auch wenn mein Privatleben
nicht immer einfach war, führte ich doch die innigste
Bindung zur Musik und gelte heute als das Bindeglied zwischen
Romantik und Moderne.
AM
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ERLEBEN
Die wichtigsten Termine und Veranstaltungen von September bis Oktober im Überblick (ab Seite 42)
Erntedank in Tirol: Die Festspiele Erl präsentieren romantische Musik an der Schwelle zur Moderne (Seite 48)
Chefdirigent Christoph Koncz und Isabelle Keulen leiten die neue Saison der Deutschen Kammerakademie Neuss am Rhein (Seite 50)
8. bis 21. September, Hellerau
„APPIA STAGE RELOADED“
Hellerau steht als Modell einer Lebensreform zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Auf
Anregung des Bühnenausstatters Adolphe Appia erhielt das Festspielhaus in der
Gartenstadt keine Guckkastenbühne. Stattdessen wurde ein Raum geschaffen, in
dem Zuschauerbereich und Spielfläche ineinander übergingen. Appia stellte sich,
inspiriert von dem Choreografen Émile Jaques-Dalcroze, einen leeren Raum vor,
in dem die Darsteller durch Haltungen und Bewegungen die ersten Akzente setzen.
Der Bühnenbereich sollte mittels geometrischer Körper für jede Inszenierung
neu gestaltet werden. Die Musik gab den Rhythmus vor, der als einigendes
Band die Maßverhältnisse regelte. Den emotionalen Gehalt der Musik drückte das
Licht aus, dessen Gestaltung der Lichtkünstler Alexander von Salzmann übernahm.
Das Festival Appia Stage Reloaded zeigt Performances, Tanz, Musik sowie
Ausstellungen auf der 2017 rekonstruierten Bühne. Die Choreografen und Darsteller
Cindy Hammer, Joseph Hernandez, Johanna Raggan und Anna Till (Foto)
erkunden die Appia-Bühne als Ort utopischer Träume. Zur Uraufführung kommt
ein Werk der Bildhauerin Ursula Sax, dessen choreografische Umsetzung sich aus
Tanzskulpturen und performativen Objekten entwickelt. Und die Ausstellung
„Raum der Visionäre“ geht anhand von Briefen, Zeichnungen und Fotografien den
Einflüssen nach, die Appia, von Salzmann und Jaques-Dalcroze aufeinander hatten.
Hellerau, Festspielhaus, www.hellerau.org/appia
FOTO: IAN WHALEN
41

E R L E B E N
September / Oktober 2019
DIE WICHTIGSTEN
VERANSTALTUNGEN AUF
EINEN BLICK
Ihr persönlicher Navigator für Premieren, Konzerte und Festivals
PREMIEREN
7.9. HAMBURG STAATSOPER
Die Nase / Dmitri Schostakowitsch
8.9. BERLIN DEUTSCHE OPER
La forza del destino / Giuseppe Verdi
8.9. ERFURT THEATER
Im weißen Rössl / Ralph Benatzky
8.9. FRANKFURT AM MAIN OPER
Otello / Gioachino Rossini
8.9. WEIMAR STAATSTHEATER
Hoffmanns Erzählungen / J. Offenbach
13.9. PFORZHEIM THEATER
Rigoletto / Giuseppe Verdi
14.9. BERLIN DEUTSCHE OPER
Wolfsschlucht / Malte Giesen
14.9. BRAUNSCHWEIG STAATS­
THEATER Ekstase – Ein Fest des Tanzes
14.9. CHEMNITZ THEATER
Zarah 47 / Peter Lund
14.9. GIESSEN STADTTHEATER
Der Barbier von Sevilla / G. Rossini
14.9. HANNOVER STAATSOPER
La Juive / Jacques Halévy
14.9. KAISERSLAUTERN PFALZ­
THEATER La traviata / Giuseppe Verdi
14.9. KASSEL STAATSTHEATER
Siegfried / Richard Wagner
14.9. LEIPZIG OPER
Der Liebestrank / Gaetano Donizetti
14.9. MÜNSTER STAATSTHEATER
Un ballo in maschera / Giuseppe Verdi
14.9. REGENSBURG THEATER
Tosca / Giacomo Puccini
14.9. TRIER THEATER
La Bohème / Giacomo Puccini
14.9. WIEN (AT) VOLKSOPER
Das Gespenst von Canterville /
Marius Felix Lange
14.9. WIESBADEN LANDESTHEATER
Carmen / Georges Bizet
15.9. AACHEN THEATER
Hagen – Der Ring / Richard Wagner
15.9. DORTMUND THEATER
Madame Butterfly / Giacomo Puccini
15.9. DÜSSELDORF
DEUTSCHE OPER AM RHEIN
Roméo et Juliette / Charles Gounod
15.9. WUPPERTAL BÜHNEN
Oedipus Rex / Igor Strawinsky
19.9. WIEN (AT) THEATER AN DER
WIEN Rusalka / Antonín Dvořák
27. September bis 6. Oktober, Bad Wörishofen
25 JAHRE
FESTIVAL DER NATIONEN
Lädt mit dem Festivalorchester
zu einer
„Russischen Nacht“:
Nemanja Radulović
Mit einem Reigen großartiger Künstler feiert das Festival der Nationen
sein 25-jähriges Bestehen. Ins Leben gerufen mit der Idee,
eine Veranstaltung für Kinder aller Nationen zu sein, gewann es im
Laufe der Jahre zunehmend an Attraktivität. Zur Eröffnung des
Jubiläumsprogramms stellen die Pianistin Olga Scheps und die
Sopranistin Regula Mühlemann mit dem Kammerorchester Basel
unter Benedetti Michelangeli die elfjährige Junior-Preisträgerin im
Menuhin-Wettbewerb, Chloe Chua, vor. Der Geiger Nemanja
Radulović (Foto), der erstmals mit dem Festivalorchester auftritt,
lädt mit Tschaikowsky zu einer „Russischen Nacht“. Die Sopranistin
Diana Damrau und der Bass Nicolas Testé widmen sich mit
dem Münchner Rundfunkorchester unter Ivan Repušić den Arien
Verdis. Das Orchester begleitet auch den Tenor Klaus Florian Vogt
bei seiner Wagner-Gala. Die Bamberger Symphoniker geben mit
dem Geiger Frank Peter Zimmermann ihr Debüt in Bad Wörishofen
und wirken mit bei der Vorstellung des Projekts „Volkslied Reloaded“
des Ensembles Quadro Nuevo. Der Pianist Nikolai Tokarev,
der 2006 in Bad Wörishofen entdeckt wurde, gastiert mit der
Deutschen Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz unter Karel Mark
Chichon, die auch in der Abschlussgala zu hören ist, wenn Elīna
Garanča einen Arienabend gibt.
Bad Wörishofen, Kursaal, www.festivaldernationen.de
FOTO: LUKAS ROTTER / DG
20.9. BREMEN THEATER
Der Rosenkavalier / Richard Strauss
20.9. DARMSTADT STAATSTHEATER
Twice through the heart / Mark-Anthony
Turnage, Trouble in Tahiti / L. Bernstein
20.9. HILDESHEIM THEATER
FÜR NIEDERSACHSEN
Im weißen Rössl / Ralph Benatzky
20.9. HOF THEATER
Orpheus und Eurydike / C. W. Gluck
21.9. DARMSTADT STAATSTHEATER
Catch Me If You Can / Marc Shaiman
und Scott Wittman
21.9. HANNOVER STAATSOPER
Beginning / Andonis Foniadakis
21.9. HOF THEATER
In der Strafkolonie / Philip Glass
21.9. KÖLN OPER
Tristan und Isolde / Richard Wagner
21.9. LINZ (AT) LANDESTHEATER
The Rape of Lucretia / Benjamin Britten
21.9. LÜBECK THEATER
La Sylphide / August Bournonville
21.9. LÜNEBURG THEATER
Orpheus und Eurydike / C. W. Gluck
21.9. SALZBURG (AT) LANDES­
THEATER Oberon / C. M. von Weber
22.9. MÖNCHENGLADBACH
THEATER Salome / Richard Strauss
22.9. LINZ (AT) LANDESTHEATER
Le prophète / Giacomo Meyerbeer
22.9. ZÜRICH (CH) OPERNHAUS
Die Sache Makropulos / Leoš Janáček
26.9. BONN THEATER
Infinito Nero / Salvatore Sciarrino
26.9. ULM THEATER
Fidelio / Beethoven
28.9. CHEMNITZ THEATER
Die Weise von Liebe und Tod /
Malte Giesen, Fabian Gerhardt
28.9. DRESDEN SEMPEROPER
Il viaggio a Reims / Giacomo Rossini
28.9. FLENSBURG SCHLESWIG-
HOLSTEINISCHES LANDESTHEATER
Rigoletto / Giuseppe Verdi
28.9. FREIBURG THEATER
Falstaff / Giuseppe Verdi
28.9. GELSENKIRCHEN
MUSIK THEATER IM REVIER
Frankenstein / Jan Dvořák
28.9. HALLE OPER
Un ballo in maschera / Giuseppe Verdi
28.9. KAISERSLAUTERN
PFALZTHEATER Cabaret / John Kander
42 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2019

FOTOS: FLORIAN LIEDEL; MARCO BORGGREVE; RÜDIGER SCHESTAG; MET IM KINO; SIMON PAULY; LAURENT PHILIPPE; WALTER GLÜCK; MARCO BORGGREVE; LUIS ALBERTO RODRIGUEZ; KLANGFORUM WIEN; KIRAN WEST;
JUNGE KAMMERPHILHARMONIE BERLIN; LEONIE TREFFLINGER; JEANLOUIS FERNANDEZ
13. September
DESSAU VIOLETT
Als junger Student der Volkswirtschaft hörte
Wassily Kandinsky in Moskau Wagners
Lohengrin. „Ich konnte alle meine Farben sehen“,
beschrieb er den Eindruck. „Es wurde mir
bewusst, dass Malerei die gleiche Macht wie
Musik besitzt.“ So war das Theater für ihn die
höchste ästhetische Kunst, die idealerweise die
bildenden Künste, Musik, Tanz und Dichtung vereinte. Zwischen 1908
und 1914 schrieb er die Bühnenkompositionen Grüner Klang, Schwarz und
Weiß, Schwarze Figur, Gelber Klang sowie die Farboper Violett, von der
1927 ein Abschnitt in der Zeitschrift Bauhaus erschien. Assoziativ verband
er darin Bilderfolgen, wobei er das Wort stellenweise als reinen
Klangwert zum Einsatz brachte. Die Elemente Farbe und Form, Text,
Raum und Klang sowie Bewegung sollten gleichwertig zusammenwirken.
Wie er sich das vorstellte, erläuterte er zehn Jahre später in dem Aufsatz
Über die abstrakte Bühnensynthese. Im Rahmen des Festivals Bühne
TOTAL der Stiftung Bauhaus Dessau setzt die Regisseurin und Choreografin
Arila Siegert das Werk mit Kerstin Schweer und Jörg Thieme szenisch
um. Für die Musik von Ali N. Askin (Foto), die dabei zur Uraufführung
gelangt, steht Sebastian Kennerknecht am Pult.
Dessau, Anhaltisches Theater, 13. (Premiere), 14. und 15.9. sowie 19., 20. und
21.6.2020, www.anhaltisches-theater.de
Bis 19. September
MUSIKFEST BERLIN
„Das ganze Leben des Traums und der ganze
Sinn des Lebens sind bereit, in den empfindlichen
Filmstreifen einzugehen“ – Zitate,
Metaphern und Symbole durchziehen Abel
Gances Stummfilm La Roue aus dem Jahr 1923.
Gances Bestreben war eine Synthese philosophischer,
literarischer und malerischer Konzeptionen.
Zwei Jahre arbeitete er daran und belichtete 10.000 Meter Zelluloid.
Das Musikfest Berlin zeigt den melodramatischen Streifen in voller
Länge – neun Stunden lang. Dazu spielt das Rundfunk-Sinfonieorchester
Berlin Arthur Honeggers Filmmusik, aus der Honegger später das sinfonische
Gedicht Pacific 231 schuf. Der Film zeichnet sich durch einen
„beschleunigten Schnitt“ aus, für den Gance bekannt wurde. Scheiben,
Signale, Weichen wechseln einander mit Landschaften und Gesichtern
ab. Honegger schuf eine Musik, die „das ruhige Amen der stillstehenden
Maschine“ wiedergibt, „die Anstrengung beim Anfahren, die allmähliche
Steigerung der Geschwindigkeit“ bis „zum Gewaltig-Pathetischen eines
Eisenbahnzuges“, der durch die tiefe Nacht rast.
Berlin, verschiedene Spielorte, www.musikfest-berlin.de
6. bis 29. September
BONN BEETHOVENFEST
„Den Wein, den man mit Augen trinkt, / Gießt
der Mond in Wogen nieder“ – mit Arnold
Schönbergs Melodram Pierrot Lunaire auf
Gedichte Albert Girauds und dem gesungenen
Ballett Die sieben Todsünden von Bertolt Brecht
und Kurt Weill in der Bearbeitung von HK
Gruber gestaltet das Ensemble Modern seinen
Auftritt beim Beethovenfest. Die Rolle der Anna, die durch sieben
amerikanische Städte getrieben wird, bis sie wieder in Louisiana landet,
„wo die Wasser des Mississippi unterm Monde fließen“, übernimmt die
Sopranistin Sarah Maria Sun (Foto). „Mondschein“ lautet das Motto des
Fests in Anspielung an die romantische 14. Klaviersonate, die nach
Beethovens Tod diesen Titel erhielt. Sie dient dem Programm als
Inspiration und durchzieht es in unterschiedlichen Interpretationen.
Zum Auftakt erklingt sie als Sonate für Horn und Klavier. Ronald
Bräutigam spielt sie auf dem Hammerklavier. Und Pierre-Laurent Aimard
widmet sich ihr an seinem Soloabend.
Bonn, verschiedene Kinos, www.beethovenfest.de
Herbstliche Musiktage Bad Urach
STEGREIF.orchester Berlin:
#Beethoven#Eroica#Mozart#Don Giovanni
Elisabeth Kulman Show:
»Der ganz andere Opernabend«
THOMANERCHOR Leipzig:
Festkonzert jubelnder Knabenstimmen
u.v.m.
Internationales Orgelfestival
6. bis 20. Oktober 2019
Winfried Bönig, David Cassan, Kristin von der Goltz,
Frank Höndgen, Lena Neudauer, Daniel Zaretzky
und Peter Kofler
www.muenchner-orgelherbst.de
www.facebook.com/muenchner.orgelherbst
Jesuitenkirche St. Michael
Neuhauser Straße 6 | 80331 München
herbstliche-musiktage.de, Telefon 07125 156 571
43

E R L E B E N
26. September bis 12. Januar, Frankfurt am Main
HANNAH RYGGEN.
GEWEBTE MANIFESTE
„Das Leben zieht vorüber“, Tapisserie
von Hannah Ryggen aus dem Jahr 1939
Hannah Ryggens großformatige Tapisserien sind gewebte Geschichten
und Bekenntnisse. Zu Lebzeiten der Künstlerin wurden sie in
internationalen Ausstellungen gezeigt. Ryggen war eine hochgeschätzte
Künstlerin. 1964 vertrat sie Norwegen auf der Biennale
von Venedig. In Malmö geboren, zog sie 1924 nach einem akademischen
Malstudium mit ihrem Mann, dem Maler Hans Ryggen, auf
einen kleinen Bauernhof in Ørland an der norwegischen Westküste.
Hier fand sie im Webstuhl ihr malerisches Werkzeug. Aber nicht das
bäuerliche Leben interessierte sie. Vielmehr nahm sie regen Anteil
am politischen Geschehen ihrer Zeit. Wie ihre Biografin, die Kunsthistorikerin
Marit Paasche, betont, verstand Ryggen ihre Tapisserien
als politisches Statement. So gestaltete sie einen Hitlerteppich, auf
dem sie die Gräueltaten des NS-Regimes zeigte sowie die Verstrickung
der Kirche in den Nationalsozialismus, indem sie zwei enthauptete
Figuren vor einem schwebenden Kreuz abbildete. Als
Mussolinis Truppen 1935 in Abessinien, dem heutigen Äthiopien,
einmarschierten, webte sie aus Protest dagegen eine Arbeit mit
Mussolinis Kopf, durchbohrt von einem Speer. Sie wurde 1937 in
Paris gemeinsam mit Picassos Guernica gezeigt. Ähnliche erträumte
Angriffe auf Hitler und Franco hängte Ryggen während der deutschen
Besetzung Norwegens 1940 neben ihrem Haus auf. Nach dem
Krieg wandte sie sich sozialen Fragen, aber auch Themen wie Liebe
und Natur zu. Doch behielt sie das Zeitgeschehen stets kritisch im
Blick. 1966 protes tierte sie mit dem Teppich Blut im Gras gegen die
amerikanische Einmischung in den Vietnamkrieg. In den Jahrzehnten
nach ihrem Tod 1970 allerdings sei Ryggens Werk in die Ecke des
Primitiven und Ländlichen geschoben und in seiner künstlerischen
Bedeutung verkannt worden, erläutert Paasche. Die einst berühmte
Künstlerin geriet in Vergessenheit. Die Ausstellung Hannah Ryggen.
Gewebte Manifeste vermittelt mit 25 Tapisserien erstmals in
Deutschland Einblicke in ihr Werk. Begleitend dazu erscheint am
2. Oktober im Pres tel Verlag ein gleichnamiger Bildband, herausgegeben
von Marit Paasche und Esther Schlicht.
Frankfurt am Main, Schirn Kunsthalle, www.schirn.de
FOTO: © VG BILD-KUNST, BONN 2019, FOTO: JØRN HAGEN
12. Oktober
MET IM KINO
Franco Zeffirellis prachtvolle Inszenierung von
Puccinis Turandot aus dem Jahr 1987 gehört zu
den Prunkstücken des Repertoires der New
Yorker Metropolitan Opera. Zeffirelli zeigte
eine in bombastischen Zeremonien erstarrte
Welt der Dekadenz. Der golden funkelnde
Thronsaal, in dem die Rätselszene und das
Finale spielen, schafft mit den ausladenden Kostümen von Anna Anni und
Dada Saligeri eine überbordende Vision des sagenhaften chinesischen
Kaiserreichs. Im Todesjahr Zeffirellis, der am 15. Juni im Alter von 96 Jahren
starb, kommt die Inszenierung wieder auf den Spielplan, und die Veranstaltungsreihe
MET im Kino beginnt damit ihre Saison. In die Rolle der
Prinzessin Turandot schlüpft Christine Goerke. Der unbekannte Prinz
Kalaf ist Roberto Aronica. Und die musikalische Leitung übernimmt der
musikalische Direktor des Hauses Yannick Nézét-Séguin.
Deutschland und Österreich, verschiedene Spielorte, www.metimkino.de
21. September bis 12. Oktober
USEDOMER MUSIKFESTIVAL
Das Seebad Ahlbeck gehört zu den drei Kaiserbädern
der Ostseeinsel Usedom. Mit Volksliedern
aus aller Welt lädt das Calmus Ensemble
(Foto) zu einer „Liedertafel“ in die örtliche
Kirche. Nicht weit entfernt befindet sich das
polnische Seebad Świnoujście. Hier warten die
Sopranistin Dagmara Barna und das Ensemble Il
pomo d’oro des Cembalisten Francesco Corti mit Arien von Händel und
Hasse auf. Zur Eröffnung leitet Kristjan Järvi die vom Festival gegründete
Baltic Sea Philharmonic bei der deutschen Erstaufführung einer Komposition
von Steve Reich und bei Philip Glass’ Drittem Klavierkonzert. Am
Flügel sitzt Simone Dinnerstein.
Usedom, verschiedene Spielorte, www.usedomer-musikfestival.de
6. bis 20. Oktober
11. MÜNCHNER ORGELHERBST
Mit Bach-Chorälen eröffnet Peter Kofler an der
Rieger-Orgel in der Jesuitenkirche St. Michael
den Orgelherbst. Befasst mit einer Gesamteinspielung
der Orgelkompositionen Johann Sebastian
Bachs, deren erste Teile unter dem Titel
„OpusBach“ bereits vorliegen, ist er innig vertraut
mit dessen Orgelwerk. Bach ist der rote
Faden, der sich durch die Programme zieht. Darüber hinaus gibt es anderes
zu hören. Winfried Bönig gastiert mit Orgelkompositionen von
Louis Vierne. Daniel Zaretzky bringt aus Sankt Petersburg Werke der
russischen Komponisten Georgi Muschel und Christopher Kuschnarew.
Und mit Improvisationskunst lässt David Cassan das Fest ausklingen.
München, Jesuitenkirche St. Michael, www.muenchner-orgelherbst.de
Bis 29. September
NIEDERSÄCHSISCHE MUSIKTAGE
Mit Musik vom Meer gastiert das Ensemble
Quadriga Consort bei den Niedersächsischen
Musiktagen. Alte Seefahrerweisen und Shanties
aus England, Schottland und Irland hat der
Cembalist Nikolaus Newerkla zur Suite Hart am
Wind zusammengestellt. Er gehört zu den Gründungsmitgliedern
des Ensembles, zu dem sich
2001 vier Musiker zusammenfanden, um während ihres Studiums frühbarocke
Kammermusik zu interpretieren. Eigene Arrangements erweiterten
das Repertoire im Verlauf der Jahre, ebenso die Zahl der Mitglieder.
Sechs Instrumentalisten und eine Sängerin bringen die alten Weisen,
die von Abenteuerlust und Heimweh erzählen, wieder zum Klingen.
Niedersachsen, verschiedene Spielorte, www.musiktage.de
44 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2019

FOTOS: FLORIAN LIEDEL; MARCO BORGGREVE; RÜDIGER SCHESTAG; MET IM KINO; SIMON PAULY; LAURENT PHILIPPE; WALTER GLÜCK; MARCO BORGGREVE; LUIS ALBERTO RODRIGUEZ; KLANGFORUM WIEN; KIRAN WEST;
JUNGE KAMMERPHILHARMONIE BERLIN; LEONIE TREFFLINGER; JEANLOUIS FERNANDEZ
28.9. KIEL THEATER
Ein Amerikaner in Paris / G. Gershwin
28.9. MÖNCHENGLADBACH THEA­
TER Der goldene Drache / Peter Eötvös
28.9. MAINZ STAATSTHEATER
The Producers / Mel Brooks
28.9. OSNABRÜCK THEATER
Falstaff / Giuseppe Verdi
29.9. GIESSEN STADTTHEATER
Rebellen / Asun Noales u. a.
29.9. NÜRNBERG STAATSTHEATER
Don Carlos / Giuseppe Verdi
2.10. MÜNCHEN GÄRTNERPLATZ­
THEATER Die Kluge / Carl Orff
2.10. WIEN (AT) STAATSOPER
A Midsummer Night‘s Dream / B. Britten
3.10. MEININGEN STAATSTHEATER
Your First Memory / Bryan Arias
3.10. BERLIN STAATSOPER Die lustigen
Weiber von Windsor / Otto Nicolai
5.10. ERFURT THEATER
Zaren Saltan / Nikolai Rimski-Korsakow
5.10. LEIPZIG OPER
Tristan und Isolde / Richard Wagner
5.10. ROSTOCK VOLKSTHEATER
La traviata / Giuseppe Verdi
5.10. WIESBADEN HESSISCHES
LANDESTHEATER
Gräfin Mariza / Emmerich Kálmán
6.10. BONN THEATER
Der Rosenkavalier / Richard Strauss
27. September, München
6.10. FRANKFURT AM MAIN OPER
Manon Lescaut / Giacomo Puccini
10.10. MÜNCHEN GÄRTNERPLATZ­
THEATER Der Messias / G. F. Händel
11.10. MEININGEN STAATSTHEATER
Der Mann von La Mancha / Mitch Leigh
12.10. DORTMUND THEATER
Jekyll & Hyde / Frank Wildhorn
12.10. ESSEN AALTO THEATER
Pique Dame / Peter Tschaikowsky
12.10. KAISERSLAUTERN
PFALZTHEATER
Tell Me on a Sunday / A. L. Webber
12.10. KASSEL KOMISCHE OPER
Cavalleria rusticana / Pietro Mascagni,
Pagliacci / Ruggero Leoncavallo
12.10. KÖLN OPER
Barkouf ou un chien au pouvoir /
Jacques Offenbach
12.10. LEIPZIG OPER
Zorbas / Balkanfeuer / Mirko Mahr
12.10. LÜBECK THEATER
Christoph Colombe / Darius Milhaud
12.10. MÜNSTER STAATSTHEATER
Medea / Thomas Noone
13.10. BERN (CH) STADTTHEATER
Il barbiere di Siviglia / Gioachino Rossini
17.10. WIEN (AT) THEATER AN DER
WIEN La clemenza di Tito / W. A. Mozart
19.10. KARLSRUHE BADISCHES
STAATSTHEATER Faust / Ch. Gounod
TEUFLISCHE KLÄNGE
Mikhail Pochekin
Ein Traum inspirierte Giuseppe Tartini zu seiner Sonate Teufelstriller.
Im Bund mit dem Teufel spielte ihm dieser auf der Geige vor, und
zwar so wundervoll, wie Tartini es noch nie zuvor gehört hatte.
Nach dem Erwachen schrieb er die diabolische Musik nieder. Der
Geiger Mikhail Pochekin und der Pianist Dmitry Mayboroda steigern
die innigen Klänge, mit denen das Stück anhebt, bis zu den teuflischen
Trillern im dritten Satz. Pochekin, 1990 in Madrid als Sohn
einer Musikerfamilie geboren, ist Preisträger mehrerer Wettbewerbe.
Mit Johann Sebastian Bachs Zweiter Partita gibt er eine
Kostprobe seines jüngst erschienenen Debütalbums, auf dem er mit
seinem „klar konturierten Ton“ und seiner „frei von hörbaren
Mühen“ ausformulierten Interpretation der Bach’schen Meisterstücke
beeindruckt. Nach der Zweiten Solo-Etüde, in der Jörg Widmann
„eine Reise von einem dreistimmigen Choral bis zu wild
entfesselter Virtuosität“ unternimmt, widmet sich Pochekin mit
Mayboroda der Ersten Sonate von Robert Schumann. Mayboroda,
1993 als Sohn einer Geigerfamilie in Moskau geboren, ist ebenfalls
Preisträger zahlreicher Wettbewerbe. Der Auftritt der beiden
Musiker erfolgt im Rahmen der von Andreas Krause gegründeten
Reihe Winners & Masters. Sie bietet jungen Talenten, die gerade einen
Wettbewerb gewonnen haben, ein Podium.
München, Kleiner Konzertsaal im Gasteig, www.gasteig.de
FOTO: EVGENY EVTYUKHOV
CARMINA BURANA MEETS BEST OF 25
JUBILÄUMSKONZERTE »25 JAHRE BAYERISCHE PHILHARMONIE«
10. Orff-Tage der Bayerischen Philharmonie
3. Oktober 2019 | Bamberg, Konzerthalle
4. Oktober 2019 | München, Carl-Orff-Saal im Gasteig
5. Oktober 2019 | Füssen, Ludwigs Festspielhaus
Robeat, Martin Schmitt, Enkhjargal Dandarvaanchig u.v.m.
Mark Mast Dirigent und Gesamtleitung
www.bayerische-philharmonie.de
Tickets: info@bayerische-philharmonie.de | Bamberg: www.bvd-ticket.de, www.reservix.de
München: www.muenchenticket.de | Füssen: www.muenchenticket.de, www.eventim.de
21. Weidener Max-Reger-Tage
14. September bis 6. Oktober
Kammermusik- und Liederabende,
Chor- und Orgelkonzerte
u.a. mit Tanja Becker-Bender, Minguet
Quartett, Dietrich Henschel, Ensemble
BachWerkVokal und Humboldt Quartett
www.maxregertage.de
Telefon 0961 81-4122
45

E R L E B E N
KÜNSTLER
KIT ARMSTRONG
13.9. Putbus, Marstall
14.9. Ahrensburg, Eduard-Söring-Saal
29.9. Laupheim, Kulturhaus
29.9. Straubing, Herzogschloss
3.10. Trier, Abteikirche St. Maximin
9. und 10.10. Heidelberg, Neue Univ.
13.10. München, Prinzregententheater
CHRISTIAN GERHAHER
9. bis 14.9. Klais-Elmau, Schloss Elmau
20.9. Hohenems, Markus-Sittikus-Saal
23.9. Berlin, Pierre Boulez Saal
25.9. Bonn, Forum der Bundeskunsthalle
27.9. Dortmund, Konzerthaus
2.10. Wien (AT), Konzerthaus
HÉLÈNE GRIMAUD
8.10. München, Philharmonie Gasteig
THOMAS HENGELBROCK
27.9. Hamburg, Laeiszhalle
28.9. Bremen, Die Glocke
29.9. Neumarkt, Reitstadel
DANIEL HOPE
13.9. Berlin, Konzerthaus
14.9. und 5.10. Dresden, Frauenkirche
13.10. Münster, Theater
IGOR LEVIT
18. und 19.9. Hamburg, Elbphilharmonie
22.9. Osnabrück, Theater am Domhof
7.10. Köln, Philharmonie
9.10. Wien (AT), Musikverein
12.10. München, Prinzregententheater
11. September
BERLIN NOTTURNO
Die Notturno-Kammerkonzerte feiern ihr
zehntes Jubiläum. Dreimal pro Saison lädt das
Deutsche Symphonie-Orchester Berlin mit der
Stiftung Preußischer Kulturbesitz in die Berliner
Räume der Kunst und des Wissens. Nach einer
nächtlichen Führung durch die Sammlungen gibt
es Musik in unterschiedlichen Besetzungen. Das
Jubiläumskonzert findet auf der Museumsinsel im Neuen Museum statt,
dessen Exponate die Entwicklung frühzeitlicher Kulturen vom Vorderen
Orient bis zum Atlantik und von Nordafrika bis Skandinavien nachzeichnen.
Robin Ticciati (Foto) dirigiert Brett Deans Streicherstück Testament, in
dem dieser, angeregt von Beethovens nie abgeschicktem Brief an seine Brüder,
dessen Hörleiden klanglich darstellt. Der Schauspieler Mark Waschke
liest aus dem Heiligenstädter Testament, in dem Beethoven verzweifelt von
seiner Taubheit und seiner Angst vor dem Tod erzählt.
Berlin, Neues Museum, www.dso-berlin.de
27. September
KÖLN RICHARD SIEGAL
SHEKU KANNEH-MASON
9.10. Hamburg, Elbphilharmonie
10.10. Köln, Philharmonie
11.10. Baden-Baden, Festspielhaus
DANIEL MÜLLER-SCHOTT
6. und 7.10. Hohenems (AT),
Markus-Sittikus-Saal
9.10. Vevey (CH), Salle del Castillo
13.10. Frankfurt, MuseumsSalon
16.10. Heilbronn, Konzert- und
Kongresszentrum Harmonie
MARLIS PETERSEN
19.9. Berlin, Philharmonie
5., 9. und 13.10. München,
Nationaltheater
RAGNA SCHIRMER
13.9. Koblenz, Rhein-Mosel-Halle
14.9. Mainz, Kurfürstliches Schloss
21. und 22.9. Blankenburg,
Kloster Michaelstein
24.9. Heringsdorf, Steigenberger
29.9. Altenburg, Residenzschloss
4.10. Hamburg, Elbphilharmonie
11.10. Oberhausen, CongressCentrum
12.10. Kiel, Schloss
JULIAN STECKEL
8. und 9.9. Halle, Oper
15.9. Schöntal, Kloster
22.9. Vaterstetten, Seniorenwohnpark
29.9. Wiesloch, Palatin
3.10. Großschönau, Kirche
12.10. Icking, Rilke-Gymnasium
EMMANUEL TJEKNAVORIAN
12. und 13. 9. Göttingen, Univ.
14.9. Osterode, Stadthalle
Merce Cunningham war der einflussreichste Choreograf
des 20. Jahrhunderts. Seine Arbeiten veränderten
die Tanzlandschaft und wirken bis heute
fort. Mit seinem Lebenspartner John Cage schuf
er faszinierende Tanzereignisse, die Zeit- und
Raumvorstellungen aufbrachen. Anlässlich der
100. Wiederkehr von Cunninghams Geburtstag
bringt ihm Richard Siegal (Foto) mit seiner Kompanie Ballet of Difference
eine Hommage dar. New Ocean (the natch’l Blues) ist inspiriert von Ocean,
jener Arbeit, die Cage und Cunningham 1990 in Angriff nahmen und für das
sie eine Struktur konzentrischer Kreise entwarfen. Cunningham konzipierte
128 verschiedene Bewegungsphasen, durch die alle Tänzer in einer
Die Bakchen des Euripides in ein modernes Musikdrama zu verwandeln
und dieses nach dem Aischylos-Fragment aus dem Lykurgos-
Zyklus Bassarai (Fuchsfelljägerinnen) zu nennen – diese Idee sei von
W. H. Auden gekommen, berichtet Hans Werner Henze in seinen
Autobiographischen Mitteilungen. Er sei sofort begeistert gewesen von
der szenischen Situation, die der Librettovorschlag von Auden und
Chester Simon Kallman geboten habe. In seiner Partitur zu The
Bassarids habe er darzustellen versucht, „wie das Tonmaterial des
Gottes Dionysos langsam, lockend, listig und am Ende dann auch äußerst
gewalttätig die mönchisch-keusche Klangwelt des Pentheus
vernichtet“. Den beiden Gegenspielern Pentheus und Dionysos ordnet
Henze jeweils eine Zwölftonreihe zu. Die beiden Bereiche greifen
ineinander, bis das Dionysische die Oberhand gewinnt und das
Klangmaterial des Pentheus zum Verschwinden bringt. Vorangestellt
ist der Partitur ein Zitat Gottfried Benns: „Der Mythos log.“ Habe
das 18. Jahrhundert es als erwiesen erachtet, dass in einem Konflikt
zwischen Vernunft und Unvernunft die Verunft zu siegen habe, so
wisse man heute, dass ganze Gesellschaften vom „Dämon“ befallen
werden könnten. Barrie Kosky, der Intendant des Hauses, setzt das
Werk mit Vladimir Jurowski am Pult in Szene. Dionysos und Pentheus
verkörpern Sean Panikkar und Günter Papendell.
Berlin, Komische Oper, 13. (Premiere), 17. und 20.10., 2., 5. und 10.11. sowie
26.6., www.komische-oper-berlin.de
ständigen Kreisbewegung gehalten wurden. Cage stellte sich ein Orchester
vor, dessen 150 Musiker jeweils eine eigene Partitur spielen sollten. Für
seine Choreografie entwirft Siegal eine elektroakustische Komposition, die
mit Originalaufnahmen von Cages Musik arbeitet.
Köln, Schauspiel, 27. (Premiere), 28. und 29.9., www.schauspiel.koeln
Bis 29. September
RUHRTRIENNALE
13. Oktober, Berlin
„DER MYTHOS LOG“
Vladimir Jurowski
Mit Rosen aus dem Süden beschließt das Klangforum
Wien (Foto) sein dreitägiges Gastspiel
beim Festival Ruhrtriennale. Es erinnert damit
an Arnold Schönbergs Initiative, „Künstlern und
Kunstfreunden eine wirklich genaue Kenntnis
moderner Musik zu schaffen“. Um seinen Fonds
aufzufüllen, lud der Verein für musikalische
Privataufführungen 1921 zu einem Konzert mit vier Walzern von Johann
Strauß. Außerdem gab es eine „Lizitation“ der Arrangements. Das Klangforum
Wien unter der Leitung von Sylvain Cambreling spielt jene Walzer
in der Schönberg’schen Bearbeitung. Eingebettet in die süßen Melodien
erklingen Ebe und anders, das Pierluigi Billone dem Posaunisten Andreas
Eberle vom Klangforum gewidmet hat, D’après, in dem Clara Iannotta
den Nachhall von Klängen in der Erinnerung erforscht, Archeologia del
telefono, mit dem Salvatore Sciarrino die eigene Gegenwart in anderen
zeitlichen Zusammenhängen betrachtet, sowie die Uraufführung einer
neuen Komposition von Martino Traversa.
Essen u .a., verschiedene Spielorte, www.ruhrtriennale.de
FOTO: DREW KELLEY IMG ARTISTS
FOTOS: FLORIAN LIEDEL; MARCO BORGGREVE; RÜDIGER SCHESTAG; MET IM KINO; SIMON PAULY; LAURENT PHILIPPE; WALTER GLÜCK; MARCO BORGGREVE; LUIS ALBERTO RODRIGUEZ; KLANGFORUM WIEN; KIRAN WEST;
JUNGE KAMMERPHILHARMONIE BERLIN; LEONIE TREFFLINGER; JEANLOUIS FERNANDEZ
46 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2019

27. bis 29. September
BADEN-BADEN JOHN NEUMEIER
In John Neumeiers szenischer Interpretation
von Christoph Willibald Glucks Oper Orphée et
Eurydice tritt Orphée als Ballettchef auf. Wenn
der Vorhang sich öffnet, blickt das Publikum in
einen Ballettsaal. Fasziniert von Arnold Böcklins
Toteninsel will Orphée das Gemälde mit seiner
Frau, der Tänzerin Eurydice, choreografieren.
Bereits seit vielen Jahren begleitet Neumeier der mythologische
Stoff. Für seine Hamburger Inszenierung, die im Rahmen der Herbstfestspiele
in Baden-Baden zu sehen ist, entwarf er das Bühnenbild, die
Kostüme und das Lichtkonzept. Am Pult des Freiburger Barockorchesters
und des Vokalensembles Rastatt steht Alessandro De Marchi.
Orphée tanzen alternierend Dmitry Korchak und Maxim Mironov. Arianna
Vendittelli verkörpert Eurydice, und diese muss auch nicht in der
Unterwelt bleiben. Denn am Ende war bei Neumeier alles nur ein Traum.
Baden-Baden, Festspielhaus, www.festspielhaus.de
9. Oktober
BERLIN DIALOG DES UNTERSCHIEDLICHEN
Das Lied von der Erde brachte die Sängerin Sarah
van der Kemp auf eine musikalische Dialogidee.
Mahler komponierte den sinfonischen Zyklus
nach Gedichten aus Hans Bethges Sammlung
Die chinesische Flöte. Er schuf damit eine Verbindung
zwischen abendländischem Komponieren
und fernöstlicher Klangwelt. Van der Kemp begeisterte
die Junge Kammerphilharmonie Berlin (Foto) dafür, diesen
„Dialog des Unterschiedlichen“ fortzuführen. In dem von ihnen entworfenen
Projekt tritt Mahlers Werk in Dialog mit drei neuen Solokompositionen
von Nathan Currier, Peter Eötvös und Toshio Hosokawa. Das
Projekt begreift sich als offener Prozess, der sich mit verschiedenen Musikern
und Komponisten sowie an verschiedenen Orten fortsetzen soll.
Die einzige Konstante ist Das Lied von der Erde. Zu den Mitwirkenden
des Auftakts gehören die Altistin van der Kemp, der Tenor Yiwei Xu,
die Harfenistin Marie-Pierre Langlamet, die Geigerin Nurit Stark und
der Oboist Dominik Wollenweber. Am Pult steht Aurélien Bello.
Berlin, Philharmonie, 9.10., Wiesbaden, Kurhaus, 12.10., www.jkp.berlin
11. bis 30. September
DÜSSELDORF FESTIVAL!
Ein plötzlich auftauchendes Fragment des
Gilgamesch-Epos inspirierte Akram Khan zu
seinem Tanzstück Outwitting the Devil (Den
Teufel überlisten). Schmuggler boten 2011 dem
archäologischen Museum von Sulaimaniyya eine
Tontafel an, auf der Wissenschaftler 20 bislang
unbekannte Zeilen jener ältesten festgehaltenen
Dichtung der Menschheit fanden. Khan richtet in seiner Choreografie
den Blick von heute auf den Fund. Er zeigt Menschen, die zwischen
den Scherben ihrer Überlieferung leben, gefallenen Götterbildern
und zerbröckelnden Tontafeln, auf denen die alten Weisheiten nicht
mehr zu entziffern sind. Verzweifelt versuchen sie, die Lücke in ihrem
Gedächtnis zu schließen. Zeitgenössische Tanzformen verbindet Khan
mit dem nordindischen Kathak. Dieser Tanz, der stampfend in den
Boden hineingetanzt wird und sich durch ausgefeilte Fußarbeit auszeichnet,
ist eng mit dem Mythos verbunden. Er entwickelte sich ab dem
13. Jahrhundert in Zusammenhang mit der sogenannten Bhakti-Bewegung,
die Erlösung durch Liebe propagierte und das Ideal der Gewaltlosigkeit
im Hinduismus erneuerte. Khan zeigt sein Stück mit seiner
Compagnie beim düsseldorf festival!, das Künstlern eine Bühne bietet,
die Grenzlinien zwischen den Kunstformen erkunden. Zu den Gästen
gehören auch Mourad Merzouki und seine Compagnie Käfig mit Vertikal
(siehe S. 6).
Düsseldorf, verschiedene Spielorte, www.duesseldorf-festival.de
Ioan-Holender-Kolumne
DAS KÜNSTLERISCHE
GEWISSEN
Fragt man Direktoren der weltberühmtesten Opernhäuser,
wieso der eine oder andere Sänger für eine Rolle
engagiert wurde, bekommt man meistens die Antwort,
weil der Betreffende ein „Ticketseller“ oder „Kartenverkäufer“
sei. Ob gut, ob schlecht, ob für die entsprechende Rolle
geeignet oder nicht, ob das gespielte Werk von Relevanz ist
oder nicht, spielt keine Rolle. Der Engagierte ist beim breiten
Publikum bekannt, und dieses kauft Karten, um ihn zu hören.
Es ist irrelevant, ob es sich um einen – derzeit Baritonpartien
singenden – alten, früheren Tenor handelt oder um eine
kühle, schöne, oft abgebildete Mezzosopranistin oder aber
um eine neuerdings mit einem durchschnittlich singenden
Tenor vermählte hervorragende Sopranistin; diese Sänger
kennt man, daher engagiert „man“ sie.
Dieser alles dominierende Kartenverkaufsrausch, der
natürlich keinerlei künstlerische Qualitätsargumente kennt,
geht in seiner Vernichtung – vor allem was das künstlerische
Gewissen betrifft – aber noch weiter. Die wenigen „Ticketseller“
bestimmen auch die Werke, in denen sie bereit sind
aufzutreten, und es sollen nach Möglichkeit auch immer und
überall dieselben sein. Wenn ein schöner, romantisch aussehender
Tenor einmal eine dankbare Rolle in einer sogenannten
italienischen Schnulzenoper singen will, setzen
bedeutende Opernhäuser das Werk sofort auf den Spielplan,
und wenn der Bariton gewordene alte Tenor noch eine
entsprechende, ihm zumutbare Gesangspartie findet, wird
das Werk sogar bei den berühmtesten Festspielen weltweit,
natürlich konzertant, aufgeführt.
Konzertant, was man heute halbszenisch nennt, ist
überhaupt die beliebteste Darstellungsform von Bühnenwerken
geworden. Man spart damit viele Kosten, überbeansprucht
das Auditorium nicht mit Inszenierungen, und vor
allem – sehr wichtig – benötigen jene, um derentwillen man
das unwichtige Werk aufführt, keine lange Probenzeit. Während
die wenigen auserkorenen „Ticketseller“ immer höhere
und im Vergleich zu allen anderen und angesichts ihrer eigenen
Leistung unverschämte Honorare aus Steuergeldern
kassieren, die für Theaterbudgets vorgesehen sind, lässt die
gleiche Kulturpolitik, die diese Vorgangsweise akzeptiert, die
kleinen und mittleren Stadttheater, in welchen die zukünftigen
Sängergenerationen entstehen, aushungern.
„kulTOUR mit Holender“ auf
ServusTV Deutschland:
5. und 8.9. Momo oder Was ist Kinderoper?
13. und 15.9. Oman – Im Lande des Musik-Sultans
20. und 22.9. Tiflis – Kulturzentrum am Kaukasus
27. und 29.9. Tokio – Kultur in Fernost
47

E R L E B E N
Die Zugangstreppe ins asymmetrisch geformte Foyer des Festspielhauses,
dessen eigenwillige Geometrie aus der Landschaft entwickelt wurde
FOTOS: TIROLER FESTSPIELE ERL
EINE NEUE GENERATION
BEGNADETER MUSIKER
Mit romantischer Musik an der Schwelle zur Moderne feiern
die Tiroler Festspiele Erl Erntedank.
VON RUTH RENÉE REIF
Auf eine reiche künstlerische Ernte können die Tiroler Festspiele
Erl nach einem Festspielsommer mit anregenden Uraufführungen,
Wiederentdeckungen und Neuinszenierungen zurückblicken. Mit
einem Wochenende voller Musik feiern sie Erntedank. Das einstimmende
Programm des ersten Abends lässt freudige Dankbarkeit
und melancholische Stimmung über das Ende des Sommers
anklingen. Valentin Uryupin steht am Pult des Festspielorchesters.
Der aus Russland stammende Dirigent war zunächst weltweit als
gefeierter Klarinettist zu erleben, ehe er das Dirigentenpult für sich
entdeckte. 2017 gewann er den Dirigentenwettbewerb Sir Georg
Solti, und seither dirigiert er in aller Welt. Nach Erl kommt er mit
Anatoli Ljadows stimmungsvollem Märchenbild Der verzauberte
See und Jean Sibelius’ dunkel schwermütiger Erster Sinfonie. Die
glutvollen Melodien von Sibelius’ Violinkonzert bringt Timothy
Chooi, Preisträger des Joseph Joachim Violinwettbewerbs, aus
Kanada zum Klingen.
Mit vier Konzerten an einem Tag stellen die Festspiele ein
neues Format vor, in dessen Rahmen jährlich ein Komponist porträtiert
wird. In diesem Jahr ist es Frédéric Chopin. „Von Polen in
die Pariser Salons“ beleuchtet einen bedeutsamen Lebensabschnitt
des Komponisten, in dem dieser 20-jährig nach Paris aufbrach, um
seine Kompositionen zu verbreiten, und sich krank vor Heimweh
als Emigrant wiederfand. Chopins Instrument ist das Klavier, und
seine Kompositionen versprechen Sternstunden für jeden Pianisten.
Der Samstag bietet Gelegenheit, eine neue Generation begnadeter
Pianisten kennenzulernen. Mit seinen 12 Etüden op. 25, dem ehrgeizigsten
Werk seiner frühen Pariser Jahre, fand Chopin Eingang
in die Szene der Klavier-Titanen und eroberte die Pariser Salons.
48 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2019

Mariam Batsashvili
Claire Huangci
Anna Gabler
Valentin Uryupin
FOTOS: MILENA SCHLOESSER; JOSEF FISCHNALLER; EVGENY EVTYUKHOV; GREGOR HOHENBERG
„Ich bin in der besten Gesellschaft eingeführt, sitze zwischen Botschaftern,
Fürsten, Ministern“, schrieb er 1833 an seinen Jugendfreund.
Mariusz Kłubczuk, der an der Frédéric-Chopin-Musikuniversität
in Warschau studierte, als Solorepetitor an der Frankfurter
Oper tätig ist und als Solist, Liedbegleiter und Kammermusikpartner
durch Europa tourt, widmet sich Chopins Etüden-Zyklus.
Chopin brachte es in Paris zu Ruhm und Reichtum. Aber die
Sehnsucht nach der polnischen Heimat und die Tuberkulose vollzogen
ihr schmerzvolles Zerstörungswerk an ihm. Nach der Niederschlagung
des Warschauer Aufstands und der Russifizierung des
sogenannten Kongress-Polens unter Zar Nikolaus I. sah er sich vor
die Entscheidung gestellt, ob er sich als loyaler Untertan des Zaren
erweisen und in der Botschaft des Zaren eine Verlängerung seines
polnischen Passes beantragen solle. Sein Vater beschwor ihn, dies
zu tun. „Versäume das nicht, ich bitte dich“, schrieb er 1834 in einem
Brief. Er wünsche nicht, dass sein Sohn „zu der Zahl der Flüchtlinge“
gerechnet werde. Chopin aber hatte bereits anders entschieden.
Damit erhielt er den Status eines Emigranten, und der Rückweg
in die polnische Heimat war ihm verwehrt. Mariam Batsashvili aus
Georgien, die 2014 den Franz Liszt Klavierwettbewerb in Utrecht
gewann und seit 2017/18 BBC New Generation Artist ist, zeigt ihre
Meisterschaft mit der Grande Polonaise brillante op. 22. Ihre ausgedehnten,
rasenden Läufe und drängenden Tanzrhythmen ließen
diese Polonaise zu den anspruchsvollsten Klavierwerken Chopins
werden. Ebenfalls auf dem Programm hat Batsashvili Sechs polnische
Lieder op. 24, arrangiert von Franz Liszt, die
Chopin, inspiriert von volksliedhaften Motiven,
noch in Warschau komponierte.
1842 trat Chopin in eine neue Schaffensphase
ein, die gekennzeichnet war von einer besonderen
ästhetischen Aura und Ausdruckskraft. Mélodie
ERNTEDANK IN ERL
4. bis 6. Oktober
Informationen und Kartenservice:
karten@tiroler-festspiele.at
www.tiroler-festspiele.at/erntedank
Zhao aus der Schweiz, die bereits mit 13 Jahren ihr erstes Album
dem Werk Chopins widmete, wendet sich den Kompositionen dieses
stilistischen Übergangs zu. Sie spielt das Scherzo Nr. 2 op. 31 und
die Ballade Nr. 3 op. 47, die eine Vielfalt an glanzvollen Farben und
Gefühlen aufweisen, sowie die Ballade Nr. 4 op. 52 und die Sonate
Nr. 3 op. 58, die gekennzeichnet sind von jener neuen Tiefgründigkeit
und Erhabenheit. Musik zu spielen, an die man sich erinnere,
weil „sie so berührend war“, ist das Anliegen von Claire Huangci.
Die Pianistin aus den USA, die schon als Kind mit außergewöhnlicher
Virtuosität beeindruckte und 2011 als jüngste Teilnehmerin
den zweiten Preis beim ARD-Musikwettbewerb gewann, legte 2017
eine Einspielung mit Chopins Nocturnes vor. Neben den Drei
Nocturnes op. 9 bringt sie nach Erl auch die 24 Préludes op. 28, die
Chopin auf Mallorca komponierte. Verbunden durch ein Grundmotiv,
stellen sie mit ihrem breitgefächerten Spektrum an Gefühlen
und psychischen Zuständen musikalische Erkundungen der
menschlichen Seele dar.
Zum Ausklang des Erntedankfests singt in einer sonntäglichen
Matinee, begleitet vom Festspielorchester unter Lothar Koenigs, die
Sopranistin Anna Gabler Ausschnitte aus Richard Strauss’ letzter
Oper Capriccio. Über die weitgeschwungenen Melodien der Orchesterlieder
von Joseph Marx schlägt das Programm einen Bogen zu
Arnold Schönbergs Pelleas und Melisande. Richard Strauss hatte
Schönberg dazu angeregt, eine sinfonische Dichtung zu komponieren.
Schönberg verwendet das gewaltige Orchester der Spätromantik.
Er steht noch unter dem Einfluss Richard Wagners.
Doch kündigen sich in ihm bereits die
Moderne und der Weg in die Neue Musik des 20.
Jahrhunderts an, und der Kreislauf setzt sich fort.
Auf die Ernte folgt die Saat, die wiederum neue
Frucht hervorbringt.
■

E R L E B E N
INSPIRIERENDE
OFFENHEIT
Chefdirigent Christoph Koncz lenkt gemeinsam mit Isabelle van Keulen als künstlerischer
Leiterin die musikalischen Geschicke der Deutschen Kammerakademie Neuss
am Rhein. Orchestermanager Martin Jakubeit verspricht eine ereignisreiche Saison.
VON RUTH RENÉE REIF
Christoph Koncz
Deutsche Kammerakademie Neuss
Isabelle van Keulen
Mit einer besonderen Uraufführung eröffnet die Deutsche Kammerakademie
Neuss am Rhein ihre neue Saison. Der mehrfach preisgekrönte
Komponist Bernd Franke schreibt ARKA, drei Rituale für
Pipa, Oboe, Streicher, Pauke und Schlagzeug. Seit den 1990er-Jahren
unternimmt Franke ausgedehnte Reisen durch Südostasien und sammelt
Eindrücke alternativer Musizierstrukturen, die er in seinen
Werken zur Anwendung bringt. Die eigentümliche Klangfarbe der
chinesischen Laute Pipa, die über einen kräftigen, mitunter scharfen
Ton verfügt, vermittelt in Verbindung mit den Streichern ein außergewöhnliches
Klangerlebnis. Für solche sorgt desgleichen die Geigerin
Isabelle van Keulen, die vor zwei Jahren als Artist in Residence
die künstlerische Leitung der Kammerakademie übernahm und nach
der Bestätigung in ihrem Amt auch während der nächsten drei Jahre
zumeist die Streicherkonzerte leiten und jenen wunderbar transparenten
Streicherklang pflegen wird, dem das Orchester sein hervorragendes
Renommee verdankt und der es zu einer der führenden
Kammermusikformationen werden ließ. Umrahmt wird van Keulens
Eröffnungsabend vom Einleitungssextett zur Oper Capriccio und der
Streicherstudie Metamorphosen von Richard Strauss.
Durch die Deutsche Kammerakademie fördert die Stadt Neuss
junge hochbegabte Musiker, die kurz vor dem Abschluss ihres
Musikstudiums stehen. Sie musizieren gemeinsam mit erfahrenen
Kollegen, und dieses Zusammenwirken mit immer neu hinzukommenden
jungen Musikern bringt Anregungen, schafft inspirierende
Offenheit und Freimut sowie die Bereitschaft,
sich mit Begeisterung neuen Kompositionen
zuzuwenden. Im Laufe ihres über 40-jährigen
Bestehens hat die Kammerakademie eine Reihe
von vergessenen Werken wieder zum Klingen
gebracht sowie zahlreiche neue Kompositionen
DEUTSCHE KAMMERAKADEMIE
NEUSS AM RHEIN
Saison 2019/2020
Informationen und Kartenservice:
www.deutsche-kammerkadademie.de
uraufgeführt. Das breitgefächerte Repertoire erstreckt sich auf den
Podien der Welt und im Tonstudio vom Barock bis zur Avantgarde.
Ab dieser Saison hat das Orchester nun auch einen neuen Chefdirigenten.
Christoph Koncz, der Stimmführer der zweiten Geigen
bei den Wiener Philharmonikern, wurde mit diesen Aufgaben
betraut. Er übernimmt die großen sinfonischen Projekte, da runter
die sommerliche Klassiknacht im Rosengarten und das Neujahrskonzert,
das den Neusser Auftakt zum 250. Geburtstag von Ludwig
van Beethoven bildet.
Darüber hinaus sorgen international tätige Dirigenten für
musikalische Abwechslung. So kehrt Lavard Skou Larsen, der langjährige
Chefdirigent des Orchesters, an seine einstige Wirkungsstätte
zurück. Im Gepäck hat er Werke von Mozart, Chopin, Guillaume
Lekeu sowie den Zyklus Die Torten von Hukváldy, Diego
Contis Hommage an den Geburtsort von Leoš Janáček. Der Cellist
Marc Coppey leitet ein klassisch-romantisches Gipfeltreffen mit
Étienne-Nicolas Méhuls Ouvertüre zu seiner Oper Die Amazonen
oder die Gründung Thebens sowie Werken von Beethoven und Schumann.
Isabelle van Keulen huldigt mit der Pianistin Ulrike Payer,
dem Bandoneonspieler Christian Gerber und dem Kontrabassisten
Rüdiger Ludwig der Tango-Leidenschaft. Und zum Abschluss der
Saison gibt der Geiger, Dirigent und Komponist Henning Kraggerud
mit Musik aus dem Norden ein Gastspiel. Auf seinem Programm
stehen Werke von Kurt Atterberg, Johan Halvorsen und Edvard
Grieg sowie eine eigene Komposition. Mit ihr
erinnert er an den Dichter Zacharias Topelius
und setzt sich mit Ragnarök auseinander, jener
Sage aus der nordischen Mythologie, die vom
Untergang der alten Welt erzählt und vom Auferstehen
einer neuen kündet.
■
FOTO: DEUTSCHE KAMMERKAKADEMIE NEUSS; NIKOLAJ LUND; BENJAMIN MORRISON
50 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2019

SCHWERPUNKT
KLAVIER!
Nicht nur eine Frage des Geschmacks: die Giganten Steinway, Bösendorfer und Bechstein (Seite 54)
Martha Argerich und Sophie Pacini sind mehr als nur Kolleginnen (Seite 60)
Jazzpianist Ralf Schmid und sein ungewöhnliches Projekt zwischen zwei Flügeln: „Pyanook“ (Seite 66)
Die 88-Tasten-Tabelle
VON STEFAN SELL
Rohe Kräfte Rekordverdächtig Kurios
Klavier
Zerhacken, verbrennen, in Milch
tränken, „es gibt viele verschiedene
Arten ein Klavier zu
zerstören“, sagt die Künstlerin
Andrea Büttner mit ihrer Videoinstallation
Piano Destructions
und hinterfragt Geschlechterrollen.
Man sieht simultan Männer,
die Klaviere kaputt machen, und
Frauen, die Klaviere spielen.
Der Sphinx-Flügel
aus dem
Hause Bechstein
gilt mit einem
derzeitigen Kaufpreis
von einer
Million Euro als der wohl teuerste
Flügel der Welt. Sphinxleuchter
aus 24-karätigem Gold
flankieren die Tasten des teuren
Klangkastens aus europäischem
Tonholz im Mahagonikleid.
Der „Quattrochord-Super-
Flügel“ aus der Werkstatt
des Klavierbauers August
Förster hat die Besonderheit,
mit einer Taste statt drei, vier
Saiten anschlagen zu können.
Kurios, dass die Nazis in ihrem
Größenwahn dachten, mit
diesem 700 Kilogramm schweren
Instrument Steinway ausstechen
zu können.
Klavierspiel
Clara Wieck erlebte in Wien 1838
Liszt im Konzert. Drei Flügel
hat der Virtuose verschlissen:
„Alle drei zerschlagen. Aber alles
genial.“ Heine: „... daß Franz Liszt
kein stiller Klavierspieler für
ruhige Staatsbürger und gemüthliche
Schlafmützen seyn kann,
das versteht sich von selbst.“
Ist der Ungar Peter Bence mit
765 Anschlägen pro Minute
der schnellste? Oder der Kroate
Maksim Mrvica mit 16 Tönen pro
Sekunde, also 960 Anschlägen pro
Minute? Oder der ukrainische
Jazzpianist Lubomir Melnik, der
19,5 Töne pro Sekunde spielt? Das
wären, wenn er nicht schummelt
1.150 Anschläge pro Minute.
Extravagant und
luxuriös – der schrillste
Klavierspieler war
Liberace aka „GlitterMan“.
Die Hände
voller Ringe und unter
Chinchilla-Pelz diamantglitzernd
gekleidet, tobte er in Las
Vegas über die Tasten. Seine
Geschichte kam 2013 unter dem
deutschen Titel „Zu viel des Guten
ist wundervoll“ in die Kinos.
Klavierbau
Was waren das für Kräfte, als am
30. Dezember 2010 im polnischen
Szymbark ein Flügel auf die
Bühne gewuchtet wurde, der fast
zwei Tonnen wog. Der polnische
Klavierbauer Daniel Czapiewski
hat mit dem Stolëmowi Klawér
das schwerste Klavier der Welt
gebaut. Ob ihm noch Kraft blieb,
als es fertig war?
Die größten Klaviere der Welt
baut David Klavins. War sein
Modell 370 mit 3,70 Meter schon
hoch, hat er das mit seinem
Modell 450i nochmals um 2,30
Meter in die Höhe getrieben.
Zu hören und sehen ist es in
Lettland, im Konzerthaus
von Ventspils. Um es spielen
zu können, muss man auf
eine Treppe steigen.
Kurios ist, wenn ein Flügel aus Eis
gebaut ist. Wie spielt man den? Mit
Handschuhen wie Glenn Gould?
Was macht man, wenn er unter
schmachtenden Klängen einfach
so dahinschmilzt? In der chinesischen
Stadt Harbin in
der Provinz Heilongjiang
war er bei -40
Grad 2004 auf dem
Eisskulpturenfestival
zu sehen.
FOTOS: ALLAN WARREN; BECHSTEIN; AGENTUR
51

K L A V I E R
52 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2019

MIT 15 PIANOS STARTETE
„PLAY ME, I’M YOURS“
2007 IN BIRMINGHAM.
BIS HEUTE SIND ES SCHON
1.900 STRASSENKLAVIERE
IN 40 LÄNDERN.
53
FOTO: LUKE JERRAM

K L A V I E R
Besinnung auf
Individualität
B
Klavierhersteller bieten wieder breitere Klangvielfalt.
Steinway gilt nicht mehr als alleiniger Maßstab.
C. Bechstein und Bösendorfer arbeiten
an der Umsetzung eines eigenen Klangbildes.
etritt man den neuen Showroom von
Steinway & Sons am Maximiliansplatz in
München, sticht einem sofort ein roter Flügel ins Auge. Legen die
Klaviere allmählich das Ehrfurcht gebietende Schwarz ab, das seit
den 1960er-Jahren ihr Aussehen bestimmt? Keineswegs, es handelt
sich um einen Ferrari-Flügel. Er trägt das Rot des italienischen
Sportwagenherstellers.
Steinway verstand es von Anfang an, ein offensives Marketing
zu betreiben, der Marke ein luxuriöses, fortschrittliches Image zu
verleihen und sie zu einem Mythos werden zu lassen. William Steinway,
der Sohn des Firmengründers, legte den Grundstein dafür.
1872 finanzierte er eine Konzertreise
des russischen Pianisten Anton
Rubinstein und zahlte ihm für 215
Auftritte 80.000 Dollar. Die Tournee
erregte ungeheures Aufsehen, und
Steinway wurde dabei im gleichen
Atemzug wie Anton Rubinstein
genannt.
Heute ist Lang Lang, dem sogar
ein Flügel gewidmet ist, der große Steinway-Künstler, gefolgt von
Yuja Wang. Und dank des digitalen Systems Spirio kann man Lang
Lang nicht nur im Konzertsaal erleben, sondern auch ins häusliche
Wohnzimmer holen. Man sieht ihn zwar nicht auf der Klavierbank
sitzen. Aber man kann beobachten, wie die Tasten von seinen
unsichtbaren Händen angeschlagen werden, und man hört und
fühlt sein großartiges Spiel.
Spirio sei die Innovation seit 70 Jahren, unterstreicht man in
der Marketingabteilung von Steinway in Hamburg. Fünf Jahre habe
ein technisches Team in New York an der Entwicklung des Systems
gearbeitet. Die Markteinführung sei sodann in den USA, Singapur
und Großbritannien getestet worden. 2016 kam es in Deutschland
auf den Markt. Vom Erfolg sei man überwältigt gewesen. Jeder vierte
VON RUTH RENÉE REIF
DER KLARE, BRILLANTE KLANG
MIT DEM GLOCKIGEN DISKANT
WURDE ZUM MASSSTAB
verkaufte Flügel sei bereits ein Spirio, und die Pianisten stünden
Schlange, um sich aufnehmen zu lassen. Über 3.500 Titel umfasse
die Bibliothek bereits, darunter auch historische Aufnahmen. Selbst
Vladimir Horowitz könne man sich ins Wohnzimmer holen. Im
Kaufpreis eines Spirio-Flügels inbegriffen ist ein monatliches Update
auf dem mitgelieferten Apple iPad, von dem aus das System mittels
einer App gesteuert wird, über die gesamte Lebensdauer des Instruments
hinweg. Mittlerweile steht die nächste Generation vor der
Markteinführung. Spirio | r soll im Herbst 2020 auf den deutschen
Markt kommen. Damit wird es möglich, auch das eigene Spiel aufzunehmen,
zu bearbeiten und wiederzugeben.
Steinway & Sons war nicht der
erste Klavierhersteller, der einen Flügel
mit Selbstspielmechanik herausbrachte.
Aber es gelang dem Unternehmen,
damit den Markt zu öffnen
und neue Käuferschichten zu gewinnen.
Im Blick hatte es vor allem
China, dessen Oberschicht sich gerne
mit westlichen Prestigeobjekten
umgibt. Zu spüren aber war der Schub auch auf dem heimischen
Markt, und er kam den Mitbewerbern ebenfalls zugute.
Der Markt für Klaviere schrumpft. Davon wissen alle Händler
zu berichten. In den 1960er-Jahren hätte man mehr Klaviere verkaufen
können, als es gegeben habe. Ende der 1980er-Jahre erfolgte
der Einbruch. Nicht wenige Hersteller blieben auf der Strecke, manche
hielten sich mit Notverkäufen über Wasser oder wurden selbst
verkauft. Auch Steinway & Sons ging durch mehrere Hände. Aber
es behauptete seine nach dem Zweiten Weltkrieg eroberte Marktführerschaft
im Premiumbereich und seine Dominanz auf den
Podien. Der klare, brillante Klang mit dem glockigen Diskant, der
einen Steinway-Flügel auszeichnet, wurde als zeitgemäß empfunden
und zum Maßstab.
54 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2019

Seit der Wende zum 21. Jahrhundert
taucht jedoch wieder mehr
Vielfalt auf. Die Zeiten, da alle so
klingen wollten wie ein Steinway,
scheinen vorüber. Die Marken haben
sich emanzipiert und besinnen sich
auf ihre Individualität und jenes
Klangbild, auf dem ihr Ansehen
gründet. C. Bechstein und Bösendorfer,
die mit Steinway einst die großen
Drei bildeten, streben danach, diese
Stellung zurückzuerobern.
Gearbeitet wird am Klang, seinen
Farben und seinem Volumen.
Die Probleme, mit denen sich Sänger
herumschlagen, weil die Orchester
immer lauter und brillanter klingen
wollen, treffen auch die Pianisten.
Insbesondere beim romantischen
Repertoire, das die Programme mehr
denn je dominiert, brauchen sie
einen Flügel, dessen Klang sich
gegenüber dem Orchester behaupten
und von den übrigen Instrumenten
abheben kann. Einiges tut sich daher
im Klavierbau. Die Fertigungstiefe
wird gesteigert. Produktionsteile, die
bisher zugekauft wurden, stellt man
wieder selbst her. C. Bechstein fertigt seit 2015 eigene Hammerköpfe,
um seine Vorstellung eines transparenten Klangs mit großem Farbenreichtum
vom feinsten Pianissimo bis zum stärksten Fortissimo
verwirklichen zu können.
Auf die Frage, wer einen Bechstein kaufe, kommt bei Piano
Fischer, dem C. Bechstein Centrum München, eine eindeutige Antwort:
wertkonservative Familien, die das europäische Klangbild
schätzten. Musikliebhaber, die selbst spielen, wissen den warmen,
obertonreichen, singenden Klang und die leicht gängige Klaviatur
zu würdigen. Sie sind die Zielgruppe des Unternehmens, das 1853
zur Zeit der Industrialisierung und des aufstrebenden Bürgertums
in Berlin gegründet wurde und der größte europäische Klavierhersteller
ist. „Unsere Kunden spielen selbst“, betont man nicht ohne
Stolz. Gleichzeitig habe sich der Verkauf von Instrumenten an Hochschulen
und Konzerthäuser gesteigert, wie der Pressevertreter des
Unternehmens hervorhebt. Im Mozarteum, dem Royal College of
Music London, dem Brucknerhaus in Linz, dem Konzerthaus Berlin
und vielen anderen wichtigen Institutionen stünden heute wieder
Bechstein-Flügel. Auch Pianisten wie Kit Armstrong, Saleem Ashkar
oder Abdel Rahman El Bacha konzertierten regelmäßig auf
C.-Bechstein-Konzertflügeln.
Die allmählich einziehende Abwechslung an Marken in Musikhochschulen
begrüßt man auch bei Klavier Hirsch, dem Fachgeschäft
für Bösendorfer in München. Es sei wichtig für die Zukunft,
den Studierenden unterschiedliche Klangerfahrungen zu vermitteln.
Für den Sprung auf die internationalen Podien konstruierte Bösendorfer
sogar einen neuen Konzertflügel. Gewiss werde das Flaggschiff
der Marke, der legendäre Imperial mit seiner Klaviatur von
acht vollen Oktaven, weiterhin gebaut. Doch Bösendorfer musste
SELBST VLADIMIR HOROWITZ
KÖNNTE MAN SICH
INS WOHNZIMMER HOLEN
sich ebenfalls der Forderung nach
größerem Volumen stellen.
Nachdem der 1828 gegründete
und damit am längsten bestehende
Klavierhersteller im Verlauf der zweiten
Hälfte des 20. Jahrhunderts in
wirtschaftliche Schwierigkeiten geraten
und mehrmals verkauft worden
war, hatte ihn 2007 der japanische
Instrumentenhersteller Yamaha
übernommen. 2015, als Bösendorfer
im niederösterreichischen Wiener
Neustadt erstmals wieder Gewinne
vermelden konnte, stellte er den Konzertflügel
280VC vor. Die Buchstaben
„VC“ stehen für „Vienna Concert“
und verweisen auf den warmen, weichen
Bösendorfer-Klang, der sich an
den Streichern der Wiener Philharmoniker
orientiert und dem der Flügel,
ungeachtet seiner technischen
Neuerungen und der zusätzlichen
klanglichen Brillanz, treu bleiben
sollte.
Der Flügel VC ist das Ergebnis
einer Symbiose alter Handwerkskunst
und computergestützter Konstruktions-
und Fertigungstechnik.
Weiterentwickelt wurde die komplette akustische Anlage, wozu bei
Bösendorfer auch das Gehäuse gehört. Die gesamte Kastenwand
sowie die sogenannte Raste, die unten im Flügelgehäuse als Auflage
für den Resonanzboden und den Gussrahmen dient, wird bei Bösendorfer
aus Klangholz, das heißt Fichte, gefertigt. Die Seitenwände
können daher nicht in scharfer Rundung gebogen werden, sondern
weisen nach alter Bauart eine Ecke auf. Das Hauptaugenmerk des
Konstrukteurs lag auf dem Resonanzboden, seinen Rippen und vor
allem seiner Krone, jener kleinen Kuppel an der Oberseite, die sich
sanft in Richtung der Seiten wölbt.
András Schiff präsentierte den Flügel 280VC am 3. Juni 2018
im Wiener Konzerthaus. Er bekam eine Sonderanfertigung in Pyramidenmahagoni.
Sein Wunsch war eine eigene Konzeption, die an
einen alten Hammerflügel des 18. Jahrhunderts erinnert, mit deutlich
unterschiedenen Registern: Bass, Mitte und Diskant. So habe
die Wiener Klassik geklungen, erläutert er in einem Video. Haydn,
Mozart und Beethoven hätten in diesem Sinne komponiert.
Auf dem Flügel VC kann man sich zu Hause sogar ein Konzert
von Rachmaninow oder Rubinstein geben lassen. Denn der Flügel
ist mit der Reproduktionstechnik Disklavier Enspire ausgestattet.
Bösendorfer begann bereits in den 1980er-Jahren, mit Sensortechnikern
zu experimentieren, um das Spiel anschlagsgetreu aufnehmen
und wiedergeben zu können. 2005 stellte er das System CEUS
vor. Nach der Übernahme durch Yamaha erhielt er Zugang zu dessen
Reproduktionssystem Disklavier Enspire und damit einer ausgereiften
Technik. 2017 kam die erste Bösendorfer Disklavier Enspire
Edition heraus. Sie ermöglicht auch die Aufnahme und Wiedergabe
des eigenen Spiels. Damit werde „Ihr Spiel so unsterblich wie die
Kompositionen großer Meister“, verspricht Bösendorfer. n
55

K L A V I E R
AUFWENDIG UND
MASSGEFLÜGELT
Geht nicht, gibt’s nicht: ungewöhnliche Kundenwünsche und
Sondereditionen im Hause Steinway
VON SINA KLEINEDLER
Ganz rockig ist der „Sunburst“,
in derselben Lackierung der
Gitarren von Jimi Hendrix
oder Bob Dylan
Steinway & Sons ist
ein Unternehmen
mit über 160
Jahren Tradition.
1853 gründete
Henry E. Steinway mit
seinen Söhnen die
erste Manufaktur in
New York. Ihr Grundsatz? „To
build the best piano possible.“
Über 120 Patente meldete Steinway
nach und nach an und revolutionierte
so den modernen
Klavierbau.
Heute finden sich Flügel
von Steinway & Sons auf fast
allen bedeutenden Bühnen der
Welt. Mit einem zweiten Blick kann
man sogar die Herkunft des Flügels erkennen: Sind die Backenklötze
(die Seitenteile der Klaviatur) eckig, so kommt er aus New
York, sind sie abgerundet, ist es ein Hamburger Steinway. Aber
was macht einen „klassischen“ Steinway eigentlich aus? Sabine
Höpermann, Leiterin der PR-Abteilung, fasst es so zusammen:
„Von der Konstruktion her war der Steinway schon in den 1930ern
perfekt. Uns ist wichtig, Traditionen und Werte zu pflegen. Wir
legen zum Beispiel hohen Wert auf den Einsatz qualitativ hochwertiger
Materialien und setzen auf die Leidenschaft und Erfahrung
unserer Fachleute.“
Leidenschaft und Erfahrung sind auch gefragt, wenn Kunden
kommen, für die es nicht der klassische lackschwarze Konzertflügel
sein soll. Manche haben spezielle Farb- oder Holzwünsche,
manche wollen aufwendige Intarsienarbeiten. Solche Flügel
werden, wenn sie den Ansprüchen der Manufaktur gerecht werden,
extra produziert. Laut Sabine Höpermann kommt das gar
nicht mal so selten vor: „Ungewöhnliche Kundenwünsche gibt es
immer wieder. Wir können alles umsetzen, wenn es die Konstruktion
des Instrumentes nicht verändert. Von einem verschnörkelten
Flügel in Pink mit goldenen Intarsien über Flügel in den
Farben des Lieblings-Fußballclubs
oder einen weißen
Flügel mit rosa Deckel,
rosafarbenen statt schwarzen
Tasten und Schmetterlingsintarsien
in Perlmutt
war schon Einiges dabei …“
Manche Kundenwünsche waren
so aufwendig, dass das Endergebnis
einem Kunstwerk glich. Aber nicht
nur die Kunden haben ungewöhnliche
Ideen. Steinway selbst bringt
immer wieder Sondereditionen heraus.
Zum Beispiel den „Elbphilharmonie“-Flügel
mit berühmten Paten
wie Igor Levit, Mitsuko Uchida und
Daniil Trifonov. Ganz neu: der „Black
Diamond“, in Kooperation mit Starpianist Lang
Lang und (Möbel-)Designer Dakota Jackson, der schon häufiger
an den Spezialdesigns mitgewirkt hat. Dabei wurden Diamantstrukturen
und Akzente aus Metall ins Design eingearbeitet und
passend zur Zahl der Klaviertasten nur 88 Stück produziert.
Zum 150. Geburtstag der Firma entwarf Karl Lagerfeld einen
exzentrischen Flügel, den „THE S.L.ED“ im Schlittendesign mit
rotem Japanlack. Zum 165. Jubiläum wurde dann der „ONE SIX
FIVE“ entwickelt, in einem ganz klassischen Design mit Mahagoni.
Ganz rockig ist der „Sunburst“, in derselben Lackierung
der Gitarren von Jimi Hendrix oder Bob Dylan. Passend zum
Woodstock-Jahr gibt es von diesem spektakulär lackierten Flügel
weltweit nur 69 Stück. Das sind nur wenige Beispiele.
Wenn man Sabine Höpermann nach ihrem liebsten Design
fragt, kommt die Antwort prompt: „Der ,Imagine‘-Flügel, den
wir zu Ehren des 70. Geburtstags von John Lennon im Jahre 2010
aufgelegt haben. Der hat mich emotional sehr berührt.“ Der weiße
Flügel trägt eine kleine John-Lennon-Zeichnung auf dem Notenpult
und die ersten Takte des Songs Imagine auf der Gussplatte.
Und wie könnte der Steinway der Zukunft aussehen? Für Höpermann:
„Nicht anders als der heutige.“
n
56 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2019

LETZTE
GRENZE
ZEIT
Wie die Elektrizität ins
Klavier einzog
und eine neue
Klangwelt eröffnete.
VON RUTH RENÉE REIF
Drei Streicher, drei Bläser, Marimba
und Elektropiano – das war die
originale Besetzung von Terry
Rileys In C. Uraufgeführt 1964 in
San Francisco, wurde das Werk zur Initialzündung
des musikalischen Minimalismus.
Musiker wie Jon Gibson, Pauline Oliveros,
Morton Subotnick und Steve Reich wirkten
an der Aufführung mit. Riley hatte 53
Klangmodule in C-Dur komponiert, die von
den Musikern nacheinander gespielt werden
sollten. Der Zeitpunkt, wann ein Spieler von
einem zum nächsten Modul wechselte, blieb
freigestellt. Eine immer wieder angeschlagene
Klaviertaste zog sich als Puls durch die
gesamte Aufführung und diente den Spielern
als metrische Orientierung. Riley schuf
damit ein neues meditatives Musikverständnis.
Und E-Piano, Keyboard und Synthesizer
gaben der musikalischen Strömung
ihre Farbe.
Was wäre Koyaanisqatsi ohne die der
Orgel nachempfundenen, obertonreichen,
stetig vorwärtstreibenden Keyboard-
Klänge? Philip Glass komponierte 1982 den
Soundtrack zu Godfrey Reggios großartigem
Filmkunstwerk und spielte ihn mit seinem
Ensemble ein. Zum Instrumentarium
der 1968 ins Leben gerufenen Formation
gehörten von Anfang an mehrere Keyboards,
gespielt u.a. von Michael Riesman,
dem Leiter des Ensembles, und Philip Glass.
Die entscheidende Inspiration für seine
musikalische Entwicklung hatte Glass
Anfang der 1960er-Jahre durch die Begegnung
mit dem Sitar-Spieler Ravi Shankar in
Paris erhalten. Aus der Beschäftigung mit
der klassischen indischen Musik lernte er,
musikalische Strukturen aus rhythmischen
Zyklen zu gewinnen und erfuhr die meditative
Versenkung in den Klang. Mit Two
Pages for Keyboards erprobte er 1968 einen
Ablauf mit der Wiederholung einzelner
Tonfolgen, denen Töne hinzugefügt oder
abgezogen wurden. Im Jahr darauf entstand
Music in Contrary Motion, bestehend aus
zwei fließenden Gegenbewegungen und
geschrieben für das mit Keyboards besetzte
Philip Glass Ensemble. Wie Glass in einem
Interview betonte, sei es ihm beim Einsatz
von Keyboards und später auch Synthesizern
nicht darum gegangen, das akustische
Klavier zu ersetzen, sondern um die Schaffung
eines besonderen Klangs. So wie das
Klavier nicht das Cembalo ersetzt habe, so
ersetze auch der Synthesizer nicht das Klavier.
Es seien einfach verschiedene Instrumente,
die die Wahlmöglichkeiten der
Komponisten erweiterten.
Eine Besonderheit an sich stellt der
Komponist Conlon Nancarrow dar. In seinem
mexikanischen Exil, in das ihn der
McCarthyismus getrieben hatte, komponierte
er 40 Jahre lang ausschließlich für
Elektrisches Klavier. Er war überzeugt, dass
die Zeit die letzte Grenze der Musik sei und
dass er seine Vorstellungen von schnellen
Tempi, vielschichtigen Metren, Tonhäufungen,
Trillern, weiten Sprüngen und Glissandi
durch einen menschlichen Spieler
nicht verwirklichen könne. Also stanzte er
Papierrollen. Mit seiner neuartigen Polyphonie
verschiedener simultaner Tempi
gelang es ihm, in seinen rund 50 Studies for
Player Piano das Tempo als strukturbildendes
Element einzusetzen. John Cage entdeckte
1960 seine Musik. György Ligeti
pries ihn 1981 als „die größte Entdeckung
seit Webern und Ives“. 1997, im Jahr seines
Todes, erfolgte im Rahmen der MusikTriennale
Köln erstmals die Aufführung seines
Gesamtwerks für Player Piano.
Langfristig etablieren konnte sich
allerdings erst der Synthesizer. Tristan
Murail etwa, dessen Ziel es war, die elektronischen
und die instrumentalen Klänge
miteinander zu verflechten, experimentierte
neben den Ondes Martenot, jenem
elektronischen Tasteninstrument, das
bereits sein Lehrer Olivier Messiaen verwendet
hatte, auch mit Keyboards. Ende
der 1970er-Jahre aber konzentrierte er sich
auf den Yamaha DX7-Synthesizer. So verschwanden
E-Piano und Keyboard aus dem
klassischen Konzertbetrieb. Nur vereinzelt
tauchen sie auf, wenn es darum geht, einen
überraschenden Klang zu kreieren. Moritz
Eggert zum Beispiel, der von seinem Lehrer
Wilhelm Killmayer eine Vorliebe für das
Bizarre übernahm, bringt das Keyboard in
seinen Kompositionen zum Einsatz. So findet
es sich in seinem Fußballoratorium Die
Tiefe des Raumes und ebenso in seinem
Vokalwerk Mein Traum ist länger als die
Nacht.
n
57

K L A V I E R
Mit Charles Aznavour in
der Hauptrolle: der
französische Filmklassiker
der Nouvelle Vague aus
dem Jahre 1960
SCHIESSEN SIE
AUF DEN PIANISTEN!
Das Klavier in Film, Literatur und Comic. VON STEFAN SELL
Das Klavier! Die Vielfalt des magischen Tastenkastens hat
alle Künste inspiriert. Als Metapher, Symbol und Ausdrucksform.
Im Film werden Pianisten ermahnt, sie sollen
sich nicht in kriminelle Machenschaften hineinziehen
lassen, denn ehe sie sich versehen, geraten sie in die Schusslinie ihrer
Kontrahenten. Charles Aznavour macht das in Truffauts Klassiker
Schießen Sie auf den Pianisten! augenfällig.
In Ein Tag beim Rennen dient Harpo Marx das Klavier auf
offener Bühne als Schutzwall, müssen doch seine Verfolger verzweifelt
hinter dem Bühnenvorhang zusehen, wie er „Wreckmaninoff“
spielend Taste für Taste, Bauteil für Bauteil durch die Luft wirbelt
und den ganzen Konzertflügel in Grund und Boden spielt, nur um
am Ende im entstandenen Chaos erneut die Flucht anzutreten. Das
Klavier als Zuflucht. Doch Vorsicht! Schießen Sie nicht auf den Pianisten,
denn er könnte zurückschießen. Die Musik George Antheils
war im Paris der 20er-Jahre so unerhört, dass sein öffentliches Klavierspielen
stets von Tumulten, Aufruhr und Skandalen begleitet
war. Antheil soll stets eine Pistole bei sich getragen haben, um sich
zur Not den Fluchtweg freizuschießen. Auch von Franz Liszt erzählt
man, dass er mithilfe einer Pistole das scharenweise aufgeregte Publikum
in Schach hielt, um sich Gehör zu verschaffen.
Stan und Ollie transportieren im Oscar-prämierten Kurzfilm
The Music Box als Umzugsfirma Laurel & Hardy Transfer Co. ein
elektrisches Klavier. Als Geburtstagsgeschenk gedacht, überlebt das
Klavier wie ein Wunder den Transport über endlose Stufen, tausenderlei
Stürze und Brunnenbäder, nur, um endlich angekommen,
vom vermeintlich Beschenkten mit einer Axt kurz und klein geschlagen
zu werden.
Das Piano der neuseeländischen Regisseurin Jane Campion
erzählt die Geschichte eines Klaviers, das sich mit einem tragischen
Frauenschicksal verbindet. Ada, eine junge, verstummte Frau (Holly
Hunter), legt ihren ganzen Ausdruck ins Klavierspiel. Von Schottland
aus wird sie nach Neuseeland zwangsverheiratet. Das Klavier
begleitet sie bis zur Ankunft, strandet von Wellen gekost und bleibt
im Sande stehen. Ihr Zukünftiger sieht dafür keine Verwendung.
Durch einen Gegenspieler kommt das Klavier zunächst in ihre
Hände, doch letztlich wird es als Metapher für ein selbstbestimmtes
Leben und die Schönheit eines eigenständigen Ausdrucks qualvoll,
aber malerisch inszeniert auf den Meeresgrund sinken. Im männlich
dominierter Liebesbalz löst Ada zwischen Verweigerung und
Hingabe eine Klaviertaste aus und verwandelt sie in einen
Liebesbrief.
Ein jüdischer Musiker überlebt den Holocaust. In Erinnerung
an die eigene Kindheit erzählt Roman Polanski eine wahre
Geschichte: Der Pianist. „Musiker eignen sich einfach nicht zum
Verschwörer. Sie sind zu musikalisch“, scherzt ein Freund des Pianisten.
Tatsächlich besitzt Władysław Szpilman (Adrien Brody)
weder das Talent zum Widerstandskämpfer noch zum Mitläufer.
58 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2019

Das Piano der neuseeländischen Regisseurin Jane Campion
erzählt die Geschichte eines Klaviers, das sich mit einem
tragischen Frauenschicksal verbindet (links). Der Pianist (oben)
kann nur Klavier spielen – und das rettet ihm das Leben
„Das Leben ist wie das
Klavier eines Menschen,
der in den neunten Stock
umzieht – schwer, aber
tragbar“ – das Klavier in
der Literatur
FOTO: 2002 STUDIOCANAL - HERITAGE FILMS - STUDIO BABELSBERG - RUNTEAM LTD; PRIVAT
Er kann nur Klavier spielen, und das rettet
ihm das Leben.
In der Literatur erfahren wir vom
29-jährigen Autor Beka Adamaschwili aus
Georgien: „Das Leben ist wie das Klavier eines
Menschen, der in den neunten Stock umzieht
– schwer, aber tragbar.“ Das meint zumindest
seine Figur Pierre, ein erfolgloser Schriftsteller,
in dem Roman Bestseller.
Das Klavier selbst ist Protagonist im
autobiografischen Roman von Avner und Hannah
Carmi, Das unsterbliche Klavier. Wie der
Untertitel verrät, ist es „die abenteuerliche und wahrhaftige
Geschichte von dem verschollenen und wiedergefundenen Siena-
Klavier“, das „manchmal wie eine Harfe und manchmal wie ein
Spinett und dann wie ein ganzes Orchester klingt“. Avner Carmi
war über seinen Großvater zum Klavierbau gekommen und entwickelte
später als Klavierstimmer eine eigene Art und Weise, die
Saiten in Stimmung zu bringen. Das Siena-Piano wurde aufgrund
seines einzigartigen Klangs die „Harfe Davids“ genannt und soll
aus den Holzsäulen eines Tempels von König Salomon gebaut worden
sein. Es hat eine so zauberhaft barocke Auskleidung, dass man
es fast für eine Skulptur halten könnte. 1867 spielte darauf Camille
Saint-Säens im italienischen Pavillon der Weltausstellung in Paris,
und ein Jahr später in Rom ließ Liszt, vielleicht wieder bewaffnet,
auf dem Siena-Klavier seine Campanella erklingen.
In Tolstois Erzählung Kreutzersonate wird das Klavier zum
Objekt der Eifersucht. Vermeintlicher Held der Geschichte ist Posdnyschew,
der in rasender Eifersucht seine Frau ermordet. „Sie
beschäftigte sich wieder angeregt mit dem Klavier, das sie vorher
völlig gelassen hatte. Und damit fing alles an.“ Als sie den Geiger
Truchatschewski kennenlernt, mit ihm regelmäßig musizierend
gemeinsam Beethovens Kreutzersonate spielt, ist das Grund genug
für Posdnyschew, zum Mörder zu werden.
Lotte Kinskofer berichtet in zwei wundervollen Kinderbüchern
von einem Klavierling. Ein kleines Wesen namens Crescendo lebt
als Klavierling in einem Klavier. Crescendo isst ausschließlich
Töne und kann falsche Töne aussortieren.
Je mehr auf einem Klavier gespielt wird, desto besser
geht’s dem Klavierling.
Am 7. Februar fand sich Mein blaues Klavier
von Else Lasker-Schüler in der „Neuen Zürcher Zeitung“,
die ersten vier Zeilen lauten: Ich habe zu
Hause ein blaues Klavier / Und kenne doch
keine Note. / Es steht im Dunkel der Kellertür,
/ Seitdem die Welt verrohte. Else Lasker-
Schüler lebte in Zürich im Exil. Sie hatte
Deutschland als Jüdin verlassen, weil die Nationalsozialisten
dabei waren, die Welt zu verrohen. Das Klavier als
Bild ihres Leids. Aus einem Tagebucheintrag geht hervor, dass sie
als Kind ein blaues Klavier hatte: „Ich besitze alle meine Spielsachen
von früher noch, auch mein blaues Puppenklavier.“
Wilhelm Busch war dagegen der Meinung, das Klavier selbst
habe viel zu leiden: „Ein gutes Tier / Ist das Klavier, / Still, friedlich
und bescheiden, / Und muß dabei / Doch vielerlei / Erdulden und
erleiden.“
Zu den bekanntesten amerikanischen Comics zählen die Peanuts.
Unter ihnen gibt es einen einzigartigen Pianisten, der nichts
mehr liebt als Beethoven. Auch wenn er nur ein Kinderklavier mit
aufgemalten schwarzen Tasten hat – Schroeder gibt alles, und vor
lauter Hingabe bekommt er vom ständigen Liebeswerben Lucys gar
nichts mit. Es vergeht kein Jahr, an dem er nicht den 16. Dezember
würdigt, Beethovens Geburtstag. Als er ihn dann doch einmal vergisst,
ist er am Ende.
Eine wundervolle Klaviergeschichte vermählt Orient und
Okzident. Zeichnend erzählt wird sie von der aus Beirut stammenden
Künstlerin Zeina Abirached in ihrer Graphic Novel Piano Oriental.
Sie setzt darin ihrem Urgroßvater ein Denkmal. Abdallah
Kamanja erfand ein zweisprachiges Klavier, das mittels eines Pedals
auch Vierteltöne spielt und so in sich zweierlei Kulturen vereinigt.
Bei all der Schießerei zu Beginn ist dies vielleicht die schönste
Zukunftsvision, die ein Klavier auslösen kann.
n
59

K L A V I E R
MUT ZUM
VOLLEN RISIKO
Martha Argerich und Sophie Pacini: Die beiden Pianistinnen
verbindet mehr als nur eine Freundschaft.
VON KLAUS HÄRTEL
Sophie Pacini und
Martha Argerich
FOTO: SEBASTIAN HATTOP
„ALLEIN AUF DER BÜHNE
FÜHLE ICH MICH
WIE EIN INSEKT UNTER
EINEM BRENNGLAS“
MARTHA ARGERICH
Clara Schumann ist nicht begeistert.
Gelinde ausgedrückt. „Die
Sachen sind schaurig! Brahms
spielte sie mir, ich wurde aber
ganz elend. (...) Das ist nur noch blinder
Lärm – kein gesunder Gedanke mehr, alles
verwirrt, eine klare Harmoniefolge ist da
nicht mehr herauszufinden“, schreibt sie
1854 voller Verzweiflung in ihr Tagebuch.
„Es ist wirklich schrecklich.“ Die Rede ist
von Franz Liszts h-Moll Sonate.
Die gewaltigen Ausbrüche und harmonischen Härten mögen
für Pianisten und Hörer in der Mitte des 19. Jahrhunderts schwer
hinnehmbar gewesen sein – heute wird das Werk als einer der
Gipfelpunkte der Klaviermusik betrachtet. Die Klaviersonate h-Moll
gilt als eines der bedeutendsten, technisch anspruchsvollsten Klavierwerke
der Romantik und durchaus auch als einer der Höhepunkte
im Œuvre des Komponisten.
Dabei nahmen und nehmen Pianisten die technische und
gestalterische Herausforderung unterschiedlich an. Vladimir Horowitz’
Interpretation muss dem Publikum
durch die derart nervöse Beweglichkeit,
stahlharte Kraft und teilweise atemberaubende
Geschwindigkeit damals als etwas
Ungeheures erschienen sein. Der Pole Krystian
Zimerman besticht durch die scheinbare
Mühelosigkeit in der Zusammenführung
von brachialer Gewalt und sanfter
Lyrik, während eine Interpretation der
h-Moll Sonate selten so improvisiert klingt
wie die des Kroaten Ivo Pogorelich: zerbrechlich
und ins Sphärische entrückt auf der einen Seite, bedrohlich,
skurril und naturkatastrophenhaft auf der anderen.
Bei der Grande Dame des Klaviers Martha Argerich überschlägt
man sich beinahe mit Adjektiven. Martha Argerichs Interpretation
wirkt gequält, wütend, leidenschaftlich, verrückt, aber
auch dantesk, göttlich, mystisch. Die Argerich wirkt wie ein freigelassenes
wildes Tier, voller Feuer, Leidenschaft und: Poesie. Sie ist
bereit, Risiken einzugehen – und das zahlt sich aus.
Franz Liszts h-Moll Sonate ist all das. Aber sie ist auch starkes
60 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2019

Bindeglied der Freundschaft zwischen Martha Argerich und der
jungen deutsch-italienischen Pianistin Sophie Pacini. Die nämlich
legt bisweilen auch einen eigenen Zugang zur Musik an den Tag,
der „jenseits einer Spieltradition liegt“, wie sie selbst formuliert.
Eine ihrer ersten starken pianistischen Prägungen sei von Martha
Argerich ausgegangen, die sie im Radio gehört habe – mit eben
jener h-Moll Sonate von Franz Liszt. „Ich hatte die Sonate vorher
schon einmal gehört und fand sie total unansprechend und, ehrlich
gesagt, auch ein bisschen langweilig. Ich habe mich nicht zurechtgefunden
in dem Stück. Mir war klar: Ein Stück, das ich nicht spielen
will, ist die h-Moll Sonate von Franz Liszt.“ In Argerichs Radioversion
jedoch habe sie das Werk nicht wiedererkannt. „Es war
phänomenal, passend, und es hat mir eine Geschichte erzählt.“
„Es gab Traditionen, wie man Werke zu spielen hat“, erzählt
die 27-jährige Pacini. Bereits mit zehn Jahren war sie durch die harte
„Handwerksschule“ Karl-Heinz Kämmerlings
gegangen und hatte bereits da hinterfragt,
warum was wie gespielt wird. „Warum
darf man das nicht anders interpretieren?
Ich muss doch dahinterstehen und das zu
Gehör bringen, was mein innerster Herzenswunsch
ist.“ Viel gelernt hat sie dann
auch von Pavel Gililov, zu dem sie quasi als
rebellierender Teenager gewechselt war.
„Das erste Werk, bei dem ich wirklich
gespürt habe, dass es von Tradition überlagert
wird, war wieder: die h-Moll Sonate
von Franz Liszt. Mir fehlte der intermusikalische
Austausch ...“
Es muss um Weihnachten herum
gewesen sein, Sophie Pacini war gerade 17 geworden und übte wie
wild für einen Wettbewerb in Gstaad. „Mir fehlte etwas. Es gab da
eine Stelle, die noch viel diabolischer klingen musste. Ich habe angefangen,
Dinge drastischer zu zeichnen.“ Sie traute sich, das Werk
anders zu interpretieren, als es die traditionelle Interpretationsschule
vorgab. „Ich liebe Liszt! Das Virtuose, aber auch dieses Diabolische,
diese dramatische Komponente und das Spielen mit der Grenze.“
Sie wollte es eben genau so, wie das Martha Argerich auch anging.
Ihr Lehrer indes war wenig begeistert. „Viel zu emotional!“,
habe der gesagt. Man müsse eine gewisse Distanz wahren zum Werk.
„Er sagte zu mir: ‚Du weißt doch gar nicht, wie die Wahrheit ist!‘
Das hat mich überrascht, und ich habe zurückgefragt, ob er das
denn wisse.“ Erstmals habe sie ihren Lehrer infrage gestellt. „Sophie,
in Gstaad wirst du so nicht gewinnen ...“, lautete die lapidare Aussage
damals. Eigentlich überflüssig zu erwähnen, dass Sophie Pacini
dann genau das tat. Dmitri Baschkirow, der in der Jury saß, war
jedenfalls beeindruckt. Pacini habe das Werk anders gespielt, als er
es kenne. „Mutig, persönlich, aber überzeugend.“
Die enge, innige Freundschaft zwischen Martha Argerich und
Sophie Pacini basiert also sozusagen auf Liszts h-Moll Sonate – und
einer ersten persönlichen Begegnung in der Toskana. Im gleichen
Ort nämlich, in dem Sophie Pacini mit ihren Eltern Urlaub machte,
eröffnete Martha Argerich ein Festival. Die Grande Dame des Pianos
wollte zunächst nichts von dem kleinen klavierspielenden Mädchen
wissen. Sophie aber blieb hartnäckig und wartete. Die Argerich
kam zurück, sagte: „Nun, dir ist ja offenbar nicht zu helfen. Dann
spiel.“ Und weiter: „Was für eine Persönlichkeit! Du erinnerst mich
„ES IST SEHR SCHWER, SICH
SELBST TREU ZU BLEIBEN
IN EINER ZEIT, IN DER MAN
VON SEHR VIELEN LEUTEN
ALLE MÖGLICHEN
RATSCHLÄGE BEKOMMT“
SOPHIE PACINI
an mich selbst. Ich merke, dass du einen eigenen Kopf hast.“
Seit dieser Zeit kreuzen sich die Wege der beiden Pianistinnen
regelmäßig. Auch bei der Einspielung von Solowerken Chopins, die
mit dem ECHO Klassik ausgezeichnet wurde, vertraute Pacini auf
die Expertise Martha Argerichs. Ihr nämlich spielte sie die „eigene“
Version von Chopins Fantaisie-Impromptu mit weniger akzentuiertem
Daumenanschlag vor. Die Antwort Argerichs: „Ja, das hört sich
logischer an.“
Es bliebt dabei: Die „Ikone“ Martha Argerich und die „Newcomerin“
Sophie Pacini reden viel miteinander. Über die Karriereplanung,
über Alltägliches, über den Gossip der Szene. „Über Musikalisches
reden wir spielenderweise ...“
Zum Beispiel über die Frage: War früher alles besser? Die Antwort
wird nie ja oder nein sein können. Martha Argerich aber findet:
„Wenn ich heute Karriere machen müsste, würde mir das sehr
schwerfallen.“ Heute werden Musiker bisweilen
nicht präsentiert, wenn sie nicht
gewillt sind, dem schreienden Marketing
stattzugeben. Die Disbalance sei heute stärker
geworden als früher. Eine Karriere sei
viel schwieriger. Und Sophie Pacini weiß,
dass es natürlich heute – nach einer „goldenen
Generation“ von Pianisten – kein
Selbstläufer ist, sich zu positionieren.
„Letztlich gibt es ja alles schon“, seufzt sie.
„Es gibt viele Einspielungen großer Werke
und großer Pianisten.“ Man braucht daher
das Selbstbewusstsein und den Mut, den
eigenen Weg zu verfolgen. Martha Argerich
gab der jungen Pianistin mit auf den Weg:
„Sei du selbst! Bleib authentisch und so, wie du bist! Lass dich nicht
verbiegen!“ Damals habe sie schlicht „Ja, klar!“ gesagt, doch heute:
„Spüre ich immer deutlicher, was sie damit meinte. Es ist sehr
schwer, sich selbst treu zu bleiben in einer Zeit, in der man von sehr
vielen Leuten alle möglichen Ratschläge bekommt.“
Alles, was man heute tut, bekommt eine Gewichtung. Je sichtbarer
man als Künstler wird, umso mehr. Es gibt heute einen Starkult,
den es früher nicht gab. In der Hinsicht hat sich das Marketing
geändert. „Das Bild eines klassischen Musikers hat sich verändert“,
findet Sophie Pacini. Der Klassiker erscheine immer häufiger in
einem „Popgewand“. Dabei brauche Klassik eigentlich die innere
Ruhe, was in der heutigen schnelllebigen Zeit nicht leicht sei.
Kürzlich fand in Hamburg das Martha Argerich Festival statt.
Motto: Musizieren unter Freunden. An nur einem Abend waren
mehrere unterschiedliche Instrumentenkombinationen zu erleben.
Schließlich standen gar vier Flügel auf der Bühne. Mit von der Partie
war Sophie Pacini. Es war auch hier nicht zu übersehen, dass Martha
Argerich das Zusammenspiel mit alten Freunden und neuen jungen
Talenten, auf die sie aufmerksam geworden ist, mag, vielleicht sogar
genießt. Martha Argerich „wirkt nach außen hin extrem entschlossen
und selbstsicher“, erklärt Pacini. Privat sei das nicht immer so.
Seit Jahrzehnten hat die Argentinierin Lampenfieber, seit 1981 tritt
sie nicht mehr solo auf. Allein auf der Bühne fühle sie sich wie „ein
Insekt unter einem Brennglas“, hat sie einmal gesagt. Mit Partnern
liegt der Fokus nicht allein auf ihr, das entlastet. Jüngst lud die
„Grande Dame“ – ein Titel übrigens, auf den sie keinen Wert legt
– die junge Kollegin ein, mit ihr Beethoven im Duo zu spielen. n
61

K L A V I E R
ZWISCHEN FREIHEIT
UND TRADITION
Ist der Pianist ein Einzelgänger? War früher tatsächlich alles besser?
Wie hat sich das Klavierspiel verändert? Was unternimmt der
Pianist eigentlich, um sich von den zahlreichen Konkurrenten und Kollegen
abzuheben? Wir haben uns umgehört ...
D e j a nL a z i ć
Dass früher alles besser war, hat viel mit Nostalgie zu
tun. Das haben meine Eltern und auch meine Großeltern
schon gesagt. Aber: Früher hatte man mehr Zeit
zu träumen! Der Sprung von der analogen zur digitalen
Welt war schon riesengroß. Natürlich gibt es mit den
modernen Medien wie YouTube die Möglichkeit, ein
Werk kennenzulernen. Allerdings beeinflusst uns das ja
auch, sodass wir am Ende klingen wie „jemand“. Ich
brauche Zeit, um „etwas“ zu erreichen. In meiner Vorstellung
spiele ich jedes Werk – auch wenn ich es schon
kenne – immer zum ersten Mal.
Cédric Tiberghien
Wenn ich mir legendäre Aufnahmen anhöre, finde ich sie absolut zeitgemäß.
Jede Technik ist persönlich. Natürlich hat sich der stilistische
Ansatz weiterentwickelt, aber das bedeutet nicht, dass er besser oder
schlechter ist. Einfach anders! Ich verbringe weniger Zeit damit, zu entscheiden,
was ich tun soll, und gebe spontanen Ideen mehr Raum.
62 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2019

William Youn
Die Pianisten heute achten mehr auf die
Sicherheit, auf die Zuverlässigkeit der
Technik. Wenn man Aufnahmen von
Cortot oder Sofronitsky hört, dann
merkt man, mit wie viel mehr Risiko und
Freiheit sie spielten. Dass dann einige
Töne danebengegangen sind, war für sie
nicht wichtig. Auch hat sich das Instrument
verändert. Die Mechanik wird
schwerer, die Tasten sind breiter und
tiefer, damit sie einen größeren Klang
für die heutigen Säle erzeugen können.
FOTOS: IRÈNE ZANDEL; T. MARDO; FELIX BROEDE; BOURIGES; LUCA D‘AGOSTINO / ECM RECORDS; HANS BUTTERMILCH; C. TIBERGHIEN;
Igor Levit
Sicherlich hat sich das Klavierspiel verändert
– aber alles hat sich verändert.
Die Welt hat sich innerhalb der letzten
15 Jahre komplett verändert. Ob sich
dadurch auch meine Herangehensweise
an das Repertoire geändert hat? Das
weiß ich nicht. Meine Haupttriebfeder
war schon immer meine Neugierde,
und das wird auch so bleiben. Ein Pianist
sollte sehr, sehr viel Humor haben.
Denn Liebe und Humor sind eh die zwei
schönsten Momente im Leben, oder?
Amir Katz
Joseph Moog
Für mich als Notensammler
war die Repertoirewahl
immer ein kreativer Prozess
und daher mit persönlicher
Freiheit verbunden, weshalb
ich schon zu Studienzeiten
gerne eigene Wege ging. Das
führte immer wieder zu
Konflikten mit meinen
Lehrern. Ich habe auch nie
daran gedacht, mich abheben
zu müssen, sondern bin
meinen Instinkten und Ausdrucksbedürfnissen
gefolgt.
Ich habe enormen Respekt für die gute alte musikalische Tradition und
habe mich sehr intensiv damit beschäftigt. Die Welt ändert sich ständig
und wir uns mit ihr. Optimal wäre es, zwischen Alt und Neu zu kombinieren.
Musikalische Interpretation ist für mich eine Lebenssuche nach
einer Wahrheit, die immer unerreichbar bleibt.
Anna Gourari
Manchmal fühle ich mich wirklich ziemlich
allein. Der einzige Mit- und manchmal auch
der Gegenstreiter ist dann das Instrument.
Dennoch möchte ich nicht sagen, dass Einsamkeit
nicht auch schön sein kann!
63

K L A V I E R
Der Axel-Brüggemann-Kommentar
WIE KLANG
GESCHICHTE SCHREIBT
Der Pianist András Schiff hat sich mit der Schubertiade verkracht.
Anlass war die Marke eines Flügels – tatsächlich aber geht es um viel mehr.
DER ANLASS FÜR SCHIFFS WUT: DIE
ANDEREN KÜNSTLER SPIELTEN AUF
STEINWAY-FLÜGELN UND LOBTEN
AUCH NOCH DESSEN KLANG
Für viele war der Streit, der in den letzten Wochen auf ausgesuchten
Seiten des deutschen Feuilletons tobte, so etwas wie eine Freakshow
der Klassik oder „ein abgefahrenes Paralleluniversum“, wie ein Leser
der „Frankfurter Allgemeinen Zeitung“ die Debatten in einem Kommentar
beschrieb. Es ging um Folgendes: Der Pianist András Schiff
hatte sich mit den Machern der
Schubertiade in Vorarlberg überworfen:
mit ihrem Intendanten
Gerd Nachbauer, zahlreichen
Musikerkollegen und nicht zuletzt
mit dem Publikum. Schiff holte
zu einem wütenden Rundumschlag
aus, der Intendant Nachbauer
wiederum veranlasste, Stellung
zu beziehen: Der Pianist
hätte „die Beurteilungskompetenz des Schubertiade-Publikums
infrage“ gestellt, erklärte Nachbauer, und „sich abschließend noch
sehr negativ über eine ganze Gruppe von bei uns regelmäßig auftretenden
Künstlern“ geäußert. Der Anlass für Schiffs Wut: Die
anderen Künstler spielten auf Steinway-Flügeln und lobten auch
noch dessen Klang. Schiff hingegen führt seit Jahren einen erbitterten
Feldzug gegen Steinway und wirbt offensiv für die Konkurrenz:
das Haus Bösendorfer in Wien. Nur bei Bösendorfer sei seiner Meinung
nach der wahre Geist der Wiener Hammerflügel aus der Zeit
Beethovens und Schuberts zu hören. Andere Meinungen lässt er
nicht zu. Basta.
Nun mag es Außenstehenden merkwürdig vorkommen, dass
über derartige Details ein handfester Streit eskaliert, an dessen Ende
eine jahrelange, sehr fruchtbare
musikalische Zusammenarbeit
zerbricht. Tatsächlich aber geht es
bei diesem „Flügel-Streit“ um viel
mehr, wie „FAZ“-Kritiker Jan
Brachmann neulich in einem
Kommentar darlegte, in dem er
Schiff kurzerhand zum Schuldigen
erklärte. „Immer deutlicher
wird nun“, schrieb der Feuilletonist,
„dass András Schiff sich mit alternativen Fakten in einen Wahn
von der Reinheit der österreichisch-ungarischen Kultur des Klavierspiels
hineinsteigert, der nichts mit der geschichtlichen Wirklichkeit
zu tun hat. Auch seine Behauptungen über den Klavierbau werden
durch großartige Pianisten täglich widerlegt. Die Schubertiade tut
gut daran, einem derart ressentimentbesessenen Künstler keine
Träne nachzuweinen.“
Vielleicht ist es sinnvoll, an dieser Stelle zunächst einmal fest-
ZEICHNUNG: STEFAN STEITZ
64 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2019

DER FLÜGEL-KRACH
IST IN WAHRHEIT
EINE DEBATTE
ÜBER WELTBILDER
zustellen, dass ich András Schiff mag – als Musiker und als Mensch.
Ich schätze seinen Humor und seine Ernsthaftigkeit, vor allen Dingen
aber seine unglaubliche Unerschrockenheit und Offenheit, die
von seinen Kritikern zuweilen mit Arroganz verwechselt wird. Schiff
sagt, was er denkt – ohne Rücksicht auf Verluste. Er hat kein Problem
damit, zu erklären, dass er Martin Stadtfeld für einen fürchterlichen
Pianisten und Evgeny Kissin auf keinen Fall für ein Genie
hält („Wie würden Sie denn dann Mozart nennen?“). Und es lohnt
auch sonst, die aktuelle Debatte ein wenig aufzudröseln, um zu
erkennen, dass der Flügel-Krach in Wahrheit eine Debatte über
Weltbilder ist, die sich hier lediglich in einem Streit um eine Klavierfirma
manifestieren.
Tatsächlich hatte Schiff bereits in einem Interview 2007 erklärt,
die „ursprüngliche Kultur Ungarns“ wurzele in der „Wiener Tradition“
und komme aus der Habsburger-Welt, die russische Schule
dagegen spiele seiner Meinung nach so gut wie gar keine Rolle im
alten Ungarn. So sei hier kein Ton Rachmaninow gespielt worden.
Das ist so sicherlich nicht richtig, denn die russische Schule hatte
– wie auch Jan Brachmann zeigt – durchaus Protagonisten
in Schiffs Heimat. Das aber hielt Schiff
nicht davon ab, sein Steinway-Bashing zu wiederholen,
wie er es auch im Booklet zu seinen Diabelli-Variationen
betrieb, in denen er die Theorie
des typisch österreichischen Klangideals, das
allein Bösendorfer abbilde, bereits episch
ausbreitete.
Doch man muss Schiffs Argumentation vielleicht
auch aus anderen Perspektiven heraus verstehen.
Dazu ist ein Verständnis seiner Biografie
nicht ganz unwesentlich. Schiff wurde 1953 in
Budapest als Sohn eines musikbegeisterten jüdischen
Gynäkologen geboren und begann sein
Musikstudium bereits mit 14 Jahren an der Franz-Liszt-Musikakademie
in Budapest. Er erlebte die politischen Repressionen Russlands,
fühlte sich später besonders in England zu Hause und erhielt
2001 schließlich die österreichische Staatsbürgerschaft – 2014 wurde
er sogar in den englischen Ritterstand erhoben. Immer wieder
äußerte Schiff politischen Protest, unter anderem, als er der Schubertiade
im Jahre 2000 schon einmal den Rücken gekehrt hatte, um
gegen die Politik der regierenden Rechtspartei FPÖ unter ihrem
damaligen Chef Jörg Haider zu protestieren. Auch verzichtete Schiff
auf Auftritte in Ungarn, um seinem Protest gegen die Politik Viktor
Orbáns Ausdruck zu verleihen.
„Natürlich bin ich als jüdischer Musiker in diesem Punkt ganz
besonders sensibel und nicht objektiv“, erklärte Schiff bereits im
Jahre 2007 der österreichischen Zeitschrift „profil“. Es sei ihm wichtig,
dass Musiker die gespenstische Haltung Wilhelm Furtwänglers
gegenüber den Nazis kennen und diskutieren. „Furtwängler hat
viele Leben gerettet, aber sein affirmatives Verhalten gegenüber den
Nationalsozialisten war nicht richtig“, sagte Schiff. Ihn hätte schon
in der ersten Rechts-rechts-Regierung in Österreich verwundert,
dass damals aus der Pop- und Theaterszene sehr mutige Stimmen
gegen Jörg Haider zu hören waren, dass sogar Arnold Schwarzenegger
gegen ihn protestiert hätte. Und er hätte sich damals gefragt:
„Wenn der das kann: warum nicht auch klassische Musiker?“ Schiff
erklärte das Schweigen im politischen Klassik-Wald damit, dass
„viele glauben, die Klassik würde einem gewissen Teil der Gesellschaft
gehören, die man nicht unnötig provozieren möchte. Aber
Musik gehört nicht nur dem Bürgertum. Ich betrachte mich ja auch
als Linken.“
Was das alles nun mit der aktuellen Flügel-Debatte der Schubertiade
zu tun hat? Natürlich ist Schiffs Kampf gegen Steinway
verbohrt (was übrigens nicht immer so war, denn ausgewählte Beethoven-Sonaten
spielte er einst durchaus an einem Flügel dieser
Firma). Aber sein Plädoyer für Bösendorfer hat unterschiedliche,
emotional nachvollziehbare Gründe: Zum einen will Schiff dem
Mainstream Paroli bieten. Er selber besitzt zehn oder zwölf Flügel
aus der Beethoven-Zeit in Wien. „Es gab damals allein in Wien über
100 Baumeister“, erklärt Schiff gern, „deren Instrumente sehr unterschiedlich
waren. Die Einförmigkeit war damals noch keine Tugend.“
Dann stellt er seine Standardfrage: „Warum müssen heute alle Instrumente
schwarz sein und aussehen wie Särge?“ In der alten Zeit
seien die Klaviere doch auch aus wunderschönem Rosenholz gefertigt
gewesen. Es geht Schiff also um eine Stimme der Vielfalt gegen
das, was er musikalische Globalisierung nennt.
Noch wesentlicher aber scheint ihm die Verteidigung
einer historischen Hoffnung seiner Heimat
Ungarn zu sein, die sich für ihn ausgerechnet
im differenzierten, eigenwilligen und individuellen
Klang der Bösendorfer-Instrumente widerspiegelt.
Es geht um sein – ja, wohl etwas verklärtes
– Weltbild der aufgeklärten Wiener Gesellschaft
zur Zeit der k. u. k Monarchie, der sowohl
der Freigeist Mozart als auch der Querkopf Beethoven
entsprungen war. Aus diesem Kosmos heraus
würde Schiff so gern die eigentliche Kultur
Ungarns ableiten, die „ursprüngliche“ Kultur seiner
Heimat, wie er es selber formuliert, die sich
einst aus eben dieser „Wiener Tradition“ speiste.
Das ist gerade in Zeiten des wachsenden Orbán-Nationalismus und
mit Blick auf die einstige russische Besetzung Ungarns ein verständlicher
Wunsch – gerade, was auch die Abgrenzung von der russischen
Schule betrifft. Schiffs Geschichtsbild ist nach den kommunistischen
Repressionen und unter der neuen nationalistischen
Rechtsregierung mit ihrem latenten Antisemitismus allzu verständlich.
Er sehnt sich danach, den von Viktor Orbán besetzten Mythos
der Nation zu einem Mythos der Menschlichkeit und Vielfalt umzuschreiben.
Der Klang seines Flügels ist dabei die akustische Flagge,
mit der er in den Kampf ziehen will. Man mag, so wie Jan Brachmann,
András Schiff „Ressentimentbesessenheit“ vorwerfen – dann
wäre es aber nur fair zu sagen, dass seine Ressentiments ihre Wurzeln
in der Kultur des Humanismus suchen.
Dass Schiffs zutiefst persönlicher und emotionaler Blick auf
die Geschichte sich mit einem radikalen, ja, meinetwegen auch verbohrten
Blick auf einen Instrumentenhersteller verbindet, ist problematisch.
Wirklich spannend an dieser Debatte aber ist, dass der
Klang in ihr mehr darstellt als lediglich einen akustischen Ausdruck.
Der Klang, den Schiff beschreibt, ist ein Klang, der für ihn die Ordnung
der Dinge – vor allen Dingen aber die Umschreibung der
Geschichte – beinhaltet. Der Streit über den Klang – das ist, was wir
hier lernen – bedeutet immer auch, das Ohr auf die Tradition zu
legen und ihr ein Bewusstsein über die Definition des Vergangenen
abzulauschen. Allein für diese Bewusstwerdung lohnt sich die
Flügel- Debatte um András Schiff.
■
65

K L A V I E R
AUF DER SUCHE
NACH NEUEN
KLÄNGEN
Ralf Schmid komponiert seine Musik an der Schnittstelle
von klassischem und elektronisch gestaltetem
Klavierklang. Mit seinem Projekt PYANOOK führt er das
Klavier ins 21. Jahrhundert.
VON RUTH RENÉE REIF
66 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2019

67
FOTO: NEUMEISTER

K L A V I E R
Ralf Schmid arbeitet
mit Datenhandschuhen
FOTO: NEUMEISTER
CRESCENDO: Herr Professor
Schmid, was fasziniert Sie
am Klavier?
Ralf Schmid: Das Klavier ist
seit Kindertagen mein
Instrument. Ich habe mit fünf Jahren
angefangen, es zu spielen, und seither hat
es mich durch mein Leben begleitet. Ihm
gilt meine Faszination. Es ist ein besonderes
Instrument vieler musikalischer
Sphären. Auch wenn ich als Komponist,
Dirigent, Arrangeur oder Produzent tätig
bin, bleibt meine Basis bei allem immer
das Klavier.
Das 20. Jahrhundert arbeitete sich am
pianistischen Erbe ab. Piano Activities von Philip Corner wurde
1962 in Form der mehrtägigen Zerlegung eines Flügels aufgeführt,
dessen Teile an das Publikum versteigert wurden.
Brachten solche Aktionen wie diese Fluxus-Performance die
erhoffte Befreiung?
Eine Befreiung erfolgte nur in bestimmten Szenen, im Mainstream
ist sie kaum zu spüren. An Musikhochschulen konzentriert sich die
pianistische Ausbildung nach wie vor auf ein Spektum von Bach
bis Bartók, mit Fokus auf dem 19. Jahrhundert. Und wir bilden hier
die nächste Generation von Musikern aus, die demnächst ins
Konzertleben tritt oder wieder unterrichtet.
Empfinden Sie das pianistische Erbe als Bürde oder als
Herausforderung?
Eine Bürde ist es, wenn man die Epoche nicht verlässt. Das 19. Jahrhundert
war eine Blüte für das Klavier, für die Komponisten, die
dafür schrieben, und für die Interpreten, die virtuos darauf
spielten. Liszt, Chopin und all die Koryphäen von damals komponierten
und improvisierten mit den Mitteln ihrer Zeit großartige
Musik. Wir können so viel von ihnen lernen. Gegenwärtig aber
findet die Pflege ihrer Werke oft verkürzt statt. Wir interpretieren
diese gut 100 Jahre alten Kompositionen – ließe man sich darüber
hinaus auf den freien improvisatorischen Geist dieser Meister ein,
könnte das Erbe eine weitaus größere Inspiration sein.
Ein Komponist, der sich immer wieder mit dem Erbe
herumschlug und sich intensiv mit dem Klavier auseinandersetzte,
war John Cage …
Cage ist eine der größten Inspirationsquellen für mein Projekt
PYANOOK. Seine Schriften las ich bereits Jahre davor, und mit
seiner Musik begann ich meine Klangreise. Ich suchte im Flügel
nach neuen Klangfarben, und diese Suche setzte damit ein, dass ich
Cage kopierte und ausprobierte – wie es klingt, wenn man
Nylonschrauben und Gummis an die Saiten heftet. Allerdings ging
ich in der Folge zu zeitgenössischen elektronischen Techniken über
und jagte die John-Cage-Klänge durch Effektschleifen.
Karlheinz Stockhausen betrachtete den Synthesizer als Weiterführung
des Klaviers. Wie beurteilen Sie seine Einschätzung?
In vielen Bereichen der Musik gab es diese Anfangsbegeisterung
für den Synthesizer sowie elektronische und später auch digitale
Varianten von Klavier. Ich möchte das Klavier erhalten. Mit seiner
Aura empfinde ich es als ideale Basis für ein elektronisches Projekt
wie PYANOOK, das die Gegenwart aufnimmt und zugleich in die
Zukunft denkt. Ich liebe das Holz und die Klangästhetik, die mit
elektronischen Mitteln nicht nachzuahmen ist. Die Elektronik hat
andere Stärken.
Sie arbeiten mit den Datenhandschuhen, die die Londoner
Gruppe mi.mu. entwickelte, um den Klang des Flügels zu
verändern. Ist das für Sie der Weg, die
Pianistik ins 21. Jahrhundert zu bringen?
Es ist ein Weg – mein Weg, im 21. Jahrhundert
neue Klänge zu finden, neue
Strukturen zu generieren und neue Musik
zu komponieren, zu improvisieren und mit
Einbeziehung der elektronischen Ebene
eine Art digitale Poesie zu kreieren.
Entgrenzung ist für mich ein wichtiges
Thema. Ich überwinde Grenzen und suche
nach Schnittstellen zwischen der analogen
und digitalen Performance, zwischen der
analogen und digitalen Klangwelt und
zwischen stilistischen Sphären.
Wie bringen Sie diese Datenhandschuhe
in PYANOOK zum Einsatz?
Ich spiele auf zwei Flügeln, die ich mikrofoniere. Den Klang des
einen belasse ich unverändert. Die Saiten des anderen präpariere ich
à la Cage oder verändere dessen Klänge elektronisch. Die Handschuhe
ermöglichen es mir, die Klänge in Echtzeit mit Effekten
auszustatten. Das können Hallräume sein, Echos, Modulationen
oder digitale Filter, mit denen sich Höhen oder Bässe dazusetzen
lassen. Während ich spiele, vermag ich durch Arm- oder Fingerbewegungen
die Klänge meines Flügels durch Effektschleifen zu
schicken und diese live zu steuern. Ich kann mit meinem Flügelklang
Kathedralen öffnen und wieder schließen oder durch das
Ballen einer Faust den Klang in eine Verzerrung schicken.
Durch die Armbewegungen beziehen Sie auch den Raum in Ihre
Musik ein. Der Komponist Marco Stroppa nannte den Raum das
größte Rätsel der Musik …
Die Hände im Raum zu bewegen und damit einen Klang zu
formen, ist unglaublich faszinierend. Es eröffnet eine andere
Dimension und lässt etwas mitschwingen. Für mich war es ein
logischer Schritt, von der Klavierbank aufzustehen. Wenn sich
mein Klang in einem langen Kathedralenhall befindet, kann
ich den im Raum stehenden Klavierakkord formen. Damit ergibt
sich eine neue Ästhetik.
Wie kam es zur Zusammenarbeit mit dem Lichtkünstler Pietro
Cardarelli?
Als der Raum in meine Musik einbezogen war, wollte ich ihn auch
künstlerisch gestalten und die Szenerie nicht dem Zufall überlassen.
Pietro Cardarelli ist in vielen Bereichen der digitalen Kunst
und der Videokunst tätig und arbeitet als Bühnenbildner am
Theater. Er entwarf für die Aufführungen von PYANOOK eine
Szenerie und eine visuelle Umsetzung. Derzeit arbeiten wir daran,
dass meine Bewegungen, mit denen ich die Klänge verändere, auch
seine visuellen Projektionen verändern.
Der meditative Charakter Ihres Projekts lässt erneut an John
Cage denken. Ist Ihnen das Meditative ein Anliegen?
Das Meditative und das Versenken in den Klang sind für mich ein
wichtiger Aspekt. Ich möchte mit meiner Musik Menschen
erreichen und ihnen etwas mitgeben. Wir leben in einer immer
schneller werdenden Welt. Die Musik kann diese rasende Zeit
aufheben und in meditative Momente überführen.
Am 8. November erscheint auch ein Album von PYANOOK …
Das Label Neue Meister trat an mich heran und schlug die
Produktion eines Albums vor. Die Aufnahmen erfolgten im
restaurierten Operntheater der italienischen Stadt Ascoli Piceno.
Cardarelli stammt daher, und er organisierte, dass wir in diesem
traumhaften Setting eine Woche lang aufnehmen und konzertieren
konnten.
■
68 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2019

DER
KLAVIERVERSTEHER
„Wer ausschließlich mit dem Gerät stimmt, verlässt sich auf seine Augen, nicht auf seine
Ohren“, sagt Klavierstimmer Stefan Knüpfer. Als solcher hat er einiges erlebt.
VON TERESA PIESCHACÓN RAPHAEL
Sänger, vorwiegend Primadonnen, haben seit jeher die Schriftsteller
zu Romanen inspiriert. Aber ein Klavierstimmer? In
Pascal Merciers Der Klavierstimmer jedenfalls erschießt ein
stadtbekannter Klavierstimmer und Meister seines Fachs,
der bereits in Karajans Diensten stand, einen berühmten italienischen
Tenor. Als Stefan Knüpfer die Story hört, lacht er laut und
kontert: „Eigentlich müsste es doch heißen, wann bringe ich mich
um?!“ Schließlich habe er als
Cheftechniker von Steinway
in Wien einiges erlebt im
Umgang mit weltberühmten
Klienten. Etwa wenn der von
Lampenfieber und Versagensängsten
gepeinigte Konzertpianist
kurz vor dem Auftritt
meint, dass der Ton „nicht
atme“, obwohl Knüpfer tagelang
am Instrument getüftelt,
gewerkelt und alle Schrauben
und Keile justiert hatte.
Da gilt es, Nerven und
Ruhe zu behalten. Denn nur
zufriedene Pianisten seien
eben auch gute Pianisten,
weiß Knüpfer. „Was ist physikalisch
das Problem, und wie
kann man es physikalisch
lösen?“ Das sind die Fragen,
die er sich dann stellt, um, wie
ein Techniker der Formel 1,
das oft auch nur vermeintliche
Problem anzugehen. Dabei
scheut er nicht vor unkonventionellen
Methoden zurück,
wie die Geschichte mit einem
Tennisball zeigt. „Wir hatten
da ein Instrument, das war
lange nicht gespielt worden.
Das stand da wie ein Oldtimer,
der lange nicht gefahren worden
war. Hätte man da einen
Rennfahrer hineingesetzt,
wäre das Auto dahingewesen.
So kam ich auf die Idee, mithilfe eines Tennisballs den Flügel schön
weich zu klopfen. Und: Er klang wieder!“
Zu Knüpfers Klientel zählt die erste Garde der Konzertpianisten.
Und dennoch könnten nur wenige ihre Klangvorstellung
beschreiben, sagt er. „Es geht ja nicht um die ganz einfachen dynamischen
Kategorien wie laut und leise, hart oder weich. Es geht um
das Dazwischen, um Emotionen. Einige sagen mir: ‚Der Ton soll
reich sein.‘ Aber was bedeutet denn ein reicher Ton? Ein Ton hat
Hand angelegt: Stefan Knüpfer bei der Arbeit
FOTO: STEFAN OLAH
doch kein Konto.“ Alfred Brendel etwa wollte einen in allen Lagen
ebenmäßigen Ton, Pierre-Laurent Aimard wiederum wünschte sich
für jede Bach-Fuge die ganze Klangpalette, aufgefächert wie ein
Regenbogen. Pflegeleicht hingegen war Lang Lang, der einen „Instinkt
für Töne“ hatte, egal auf welchem Instrument. „Der brauchte
eher einen stabilen Stuhl, der seinem Temperament standhält.“
Knüpfer könnte es sich leichter machen und mit einem Stroboskop
oder anderen Geräten die
Tonfrequenzen messen, um
quasi auf Knopfdruck den
richtigen Ton zu erreichen. Er
lehnt das ab. Er begreift den
Ton wie eine Farbe, innerhalb
derer allerlei Schattierungen
und Abstufungen und Nuancen
möglich sind. „Wer ausschließlich
mit dem Gerät
stimmt, verlässt sich auf seine
Augen, nicht auf seine Ohren“,
sagt er. Einen Großteil seiner
Arbeit habe er deshalb unterhalb
des Instruments verbracht
und den Pianisten unter
die Finger geschaut: um zu
sehen „mit welchem Impuls,
mit welcher Geschwindigkeit,
welchem Gewicht er auf die
Tasten drückt“.
Eine zwar nicht devote,
aber doch demütige Haltung
für einen Mann, der einst
selbst Pianist werden wollte.
1967 in Hamburg geboren,
weiß er heute selbst nicht
mehr so genau, wie er auf die
Idee kam, Klavierstimmer zu
werden. Nur: Er war 15 Jahre
alt, und es war an einem
Samstag. „Ich hatte mal wieder
eine Matheklausur verpatzt.
Da dachte ich mir: Jetzt
habe ich genug. Ich werde Klavierstimmer.
Dann habe ich
mich bei Steinway beworben.“ Das Handwerk wollte er in jedem
Fall dort erlernen. „Immer, wenn ich im Schaufenster die Instrumente
sah, war das für mich wie pure Magie. Allein schon die Klappe
mit dem Emblem darauf. Diese Welt übte einen unglaublichen Sog
auf mich aus. Bis heute.“
Ein Roman wurde noch nicht über ihn geschrieben, dafür aber
mit Pianomania (2009) von Robert Cibis und Lilian Frank ein wunderbarer
Film gedreht.
■
69

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BILD CREDIT 5PT
Abb.: Portmedia Verlag; Strezhnev Pavel / fotolia.com
70 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2019

KINDER FÜR DAS
KLAVIERSPIELEN
BEGEISTERN
Gregor Willmes, seit 2017 Vorstandsmitglied der Carl Bechstein Stiftung,
wirkte bereits als Projektmanager an ihrem Aufbau mit.
Im Gespräch erläutert er die Förderprojekte und Ziele der Stiftung.
VON RUTH RENÉE REIF
FOTO: CARL BECHSTEIN STIFTUNG
CRESCENDO: Herr Willmes, 2012
wurde die Carl Bechstein Stiftung ins
Leben gerufen, benannt nach dem
Gründer der Berliner Pianoforte-Fabrik.
Was war der Anlass der Gründung?
Gregor Willmes: Wir trugen uns schon
länger mit Überlegungen, wie wir das
Klavierspielen fördern könnten. Dabei
dachten wir vor allem an Kinder und Jugendliche. Wir fühlen uns
der Tradition des Klavierspielens seit Franz Liszt verbunden, und
unser Wunsch ist es, auch künftige Generationen dafür zu
gewinnen. Auf diese Weise kam ein Prozess in Gang, der
schließlich zur Gründung dieser Stiftung führte.
Warum wendet sich die Stiftung an Schulen und nicht etwa an
Freizeiteinrichtungen?
Wir haben das Projekt „Klavier für Grundschulen“ initiiert, weil
wir vor allem Kinder für das Klavierspielen begeistern wollen.
Untersuchungen belegen die positiven Auswirkungen des
Musizierens und insbesondere des Klavierspielens auf die
Entwicklung junger Menschen. Es ist gut, wenn Kinder möglichst
früh mit dem Spielen anfangen. Das ideale Einstiegsalter liegt bei
fünf bis sechs Jahren. Kinder dieses Alters erreichen wir am
besten über die Grundschulen. Es gibt immer mehr Ganztagsschulen,
wodurch die Kinder keine Gelegenheit mehr haben,
nachmittags eine Musikschule zu besuchen. Da hatten wir die
Idee, den Klavierunterricht in die Schulen zu verlegen.
Das Klavierspielen und die Marke C. Bechstein sind ja eng
verbunden mit dem Image einer traditionellen bürgerlichen
Erziehung. Ist das auch das Ideal, dem sich die Stiftung
verpflichtet fühlt?
Das klingt wie „von gestern“. Wir wollen die jungen Menschen
heute erreichen. Klavierspielen macht Spaß. Und diesen Spaß
wollen wir möglichst vielen Kindern und Jugendlichen
ermöglichen. Wir möchten nicht nur Kinder aus Bildungsbürgertumfamilien
ansprechen, sondern gerade auch Kindern
einen Zugang zum Spielen eröffnen, die nicht mit diesen
traditionellen Musikkulturen aufwachsen.
Wie sieht die praktische Durchführung eines Förderprojekts
aus? Gehen Sie zuvor in die Schulen
und sprechen mit den Kindern, ob sie
Lust auf Klavierspielen haben?
Unser Projekt hat sich mittlerweile so
weit herumgesprochen, dass die Schulen
sich bei uns bewerben. Da sie von der
öffentlichen Hand nicht mehr genügend
Geld bekommen, um sich selbst ein
Klavier zu kaufen, wenden sie sich an uns. Wir besuchen dann die
Schulen, sprechen mit den Lehrern, schauen, ob sie engagierte
Musikpädagogen haben, und erkunden die Möglichkeiten eines
Klavierunterrichts. Die Instrumente, die wir zur Verfügung
stellen, können im Regelunterricht zum Einsatz kommen, sollen
aber auch zum Klavierunterricht genutzt werden. Daher sind
gerade Ganztagsschulen an unserer Stiftung interessiert.
Die Stiftung fördert auch besonders begabte Kinder, die eine
pianistische Laufbahn anstreben. Welche Initiativen gibt es da?
Zum einen veranstalten wir einmal im Jahr in Berlin den
Carl Bechstein Wettbewerb, zu dessen Teilnahme wir Jugendliche
bis zur Vollendung des 17. Lebensjahres einladen. Zum anderen
kooperieren wir mit dem Bundesjugendwettbewerb „Jugend
musiziert“. Wir vergeben alle drei Jahre vier Stipendien an
höchstplatzierte Pianisten in der Altersgruppe von 13 bis 14
Jahren. Diese erhalten von uns drei Jahre lang eine Förderung in
Form finanzieller Unterstützung, der Einladung zu Konzerten
und – wenn nötig – sogar der Vermittlung von Lehrern. Darüber
hinaus vergibt die Stiftung zahlreiche Sonderpreise bei Wettbewerben.
So sind wir seit Jahren beim Internationalen
Klavier wettbewerb Jugend in Essen tätig. In diesem Jahr haben
wir uns erstmals beim neuen Internationalen Carl Maria von
Weber Wettbewerb für junge Pianisten des Sächsischen
Landes gymnasiums für Musik in Dresden engagiert. Und
beim Deutschen Musikwettbewerb vergaben wir einen großen
Sonderpreis.
Und welche Planungen gibt es für die Zukunft?
Unser Wunsch ist es, ein Haus in Berlin zu haben. In dem wir
Workshops, Meisterkurse, Wettbewerbe und Konzerte mit jungen
Pianisten veranstalten können. www.carl-bechstein-stiftung.de
71

K L A V I E R
WOHER KOMMT
EIGENTLICH …
… das Klavier ?
VON STEFAN SELL
Bartolomeo
Cristofori: Porträt
eines unbekannten
Malers
Ein ovaler Rokokosaal in den Farben
Weiß und Gold, überall runde Stehtische
mit weißen Hussen, von eleganten
Herren mit Sektflöten und
Lachshäppchen umkreist. 120 Gäste haben
sich eingefunden, die die Vorsitzende der
Internationalen Slagharpa Liga, Frau Prof.
Dr. Tastenspiel, mit erhobenem Sektglas
begrüßt:
„Meine sehr verehrten Herren, wir
widmen uns heute der Frage: Woher kommt
eigentlich das Klavier? Wer hat es erfunden?
(Unruhe kommt auf) ... ich weiß, ich weiß,
Sie alle ... Lassen Sie uns anstoßen auf die,
die uns mit ihrer Ausdauer, ihrer Erfindungsfreude, ihrem unermüdlichen
Pioniergeist ermöglicht haben, Klavier zu spielen. Skål!
Ein Hoch auf leise und laute Töne. Sie alle hier hatten es sich zur
Aufgabe gemacht, ein Klavier zu bauen, das sowohl Piano als auch
Forte spielen kann. Sie werden sich erinnern, einst wurden die Saiten
mit einem Federkiel angerissen, bis 1694 Signore Cristofori die
Idee mit dem Hammer kam. Ich darf einen Zeitzeugen zitieren: ‚Es
ist jedem Kenner bewußt, dass in der Musik das Schwache und das
Starke gleich wie Licht und Schatten in der Mahlerey, die vornehmste
Quelle sei, woraus die Kunsterfahrenen das Geheimnis gezogen,
ihre Zuhörer ganz besonders zu ergötzen. So ist in Florenz von Herrn
Bartolomeo Cristofori, einem bey dem Großherzog in Diensten stehenden
Clavir-Macher, aus Padua gebürtig, diese so kühne Erfindung
nicht weniger glücklich ausgedacht als mit Ruhm ins Werk
gesetzt worden.’ 1697 haben Sie das erste Hammerklavier gebaut,
ein Prototyp der heutigen Klaviere. Herzlich willkommen, Signore
Cristofori!“ (Applaus). Ein kleiner zierlicher Mann, von bleichem
Teint erhebt sein Glas freundlich nickend in die Runde und führt
es an seine schmalen Lippen.
„Dann kamen Sie ins Spiel, Herr Gottfried Silbermann“, fährt
die Vorsitzende fort, „ohne Sie wäre wohl die Erfindung Cristoforis
in Vergessenheit geraten.“ Cristofori verzieht die dünnen Lippen
und wiegt zweifelnd den Kopf. „Herr Silbermann, Sie sind uns
bekannt als jemand, der alle Register ziehen kann, Sie waren es, der
die Mechanik verbessert hat.“ Der Sachse Silbermann reagiert
prompt: „Ja, Cristoforis Idee war einfach der Hammer!“ (Der zierliche
Cristofori blüht wieder auf.) „Der Hammer machte den
Anschlag lauter. Ich habe allerdings die Spielfähigkeit alltagstauglich
gemacht, der alte Bach war ganz verrückt danach.“
Da meldet sich der aus Stuttgart angereiste
Dichter und Musiker Christian Daniel
Schubart: „Stein in Augsburg hat dem Fortepiano
eine Stärke, Schönheit und Wirkung
gegeben.“ „Habt ihr vergessen, als der
Saitenzug zunahm, baute ich aus einem
Guss den Rahmen!“, ruft aufgebracht
Alpheus Babcock aus Boston dazwischen.
„Ohne unsere Repetitionsmechanik hätte
aber niemand so schnell hintereinander
anschlagen können“, wetteifert der Klavierbauer
Sébastien Érard aus Paris. „Und die
läuft nur wegen meiner ‚Herzfeder‘ so glatt“,
drängt sich Henri Herz nach vorn.
„Moment, ich habe aus den Lederkappen, die den Hammerkopf
polsterten, Filzhüte gemacht“, wettert Henri Pape los.
„Aber meine Herren“, beruhigt die Vorsitzende, „Sie alle haben
Ihren Beitrag geleistet“, (Broadwood, Pleyel, Bösendorfer und Steinway
schütteln verächtlich den Kopf), „auch viele, die heute Abend
gar nicht anwesend sind. Ihnen allen herzlichen Dank! Aber Sie
haben nicht nur Freude damit bereitet – lassen wir den Musikpapst
Eduard Hanslick zu Wort kommen“: „Sie wünschen meine Ansicht
über jene unbarmherzige moderne Stadtplage zu hören, die es heute
glücklich bis zu der ehrenvollen Bezeichnung ‚Clavierseuche‘
gebracht hat. Ich glaube allen Ernstes, daß unter den hunderterlei
Geräuschen und Mißklängen, welche tagüber das Ohr des Großstädters
zermartern und vorzeitig abstumpfen, diese musikalische
Folter die aufreibendste ist.“
Da platzt Heine in den Saal: „Diese ewige Klavierspielerei ist
nicht mehr zu ertragen! Diese grellen Klimpertöne ohne natürliches
Verhallen, diese herzlosen Schwirrklänge, dieses erzprosaische
Schollern und Pickern, dieses Fortepiano tötet all unser Denken
und Fühlen, und wir werden dumm, abgestumpft, blödsinnig.“
(Rundherum Schweigen)
„Meine Herren, sorgen Sie sich nicht, all Ihre haarsträubenden
Argumente sind im Laufe der Zeit hinfällig geworden. Überzeugen
Sie sich selbst, ich präsentiere Ihnen das Silent Piano, das über ein
Pedal stummgeschaltet wird, der Hammerkopf wird gestoppt, bevor
er die Saite auch nur berühren kann, ob Piano oder Forte, jeder
Klang, jeder Ton kommt jetzt digital heraus. Wer spielt, kann seine
Musik über Kopfhörer hören, aber niemand muss mehr mithören,
geschweige denn zuhören. Ich bedanke mich bei Ihnen und beende
hiermit unseren Festakt in aller Stille.“
n
72 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2019

LEBENSART
Kartoffelpuffer oder Rösti? Die Berlinerin Katharina Thalbach und das Feininger Trio aus der Schweiz am Herd (Seite 74)
Paula Bosch war in Österreich. Und hat wunderbare Weine mitgebracht (Seite 76)
Und überall ist Liszt: Die Pianistin Mariam Batsashvili zeigt uns ihre Stadt der Liebe: Budapest (Seite 78)
präsentiert
am 17. Oktober
WASSERSPIEGELUNGEN
Rafael Schölermann stammt aus der kanadischen Künstlerfamilie
de Grandmaison, sein Großvater Nicholas war ein bekannter
Porträtmaler. Schölermann studierte zunächst Musik
und arbeitete als freischaffender Musiker und Komponist.
In seiner Serie Waterworks zeigt Rafael Schölermann Fotografien,
bei denen die Realität der Auslöser für die Bildfindung ist. Indem er
mit der traditionellen Erwartung an Fotografie, der Abbildtreue,
bricht, öffnen sich Freiräume für eine malerische Auffassung. Weder
arrangiert noch überarbeitet Rafael Schölermann seine Fotografien,
frei nach der Devise „die Natur erschafft das beste Bild
selbst“. Durch Ausschneiden und Fokussieren wird die Realität
verfremdet, ohne dass er sie manipulieren müsste. So schafft er
abstrakte impressionistische Kompositionen mit großer Wirkung.
Die Fülle von Farbtönen und -nuancen entsteht durch Spiegelungen
von Wolken, Häusern, Bäumen, Schiffsmasten etc. auf der
Wasseroberfläche. Rafael Schölermanns Fotos, die zu verschiedenen
Tageszeiten und bei unterschiedlichstem Wetter entstehen,
sind nicht dokumentarisch, sie sind ein Schatten der uns umgebenden
Welt und strahlen Ruhe und große Schönheit aus.
www.waterworks.photos
Vernissage in den Redaktionsräumen (Rindermarkt 6, München) am
17. Oktober 2019 – Eintritt frei. Anmelden unter crescendo.de/vernissage
FOTO: RAFAEL SCHÖLERMANN
73

L E B E N S A R T
Lieblingsessen!
HIER VERRATEN DIE STARS IHRE BESTEN REZEPTE.
UND KLEINE GESCHICHTEN, DIE DAZUGEHÖREN ...
FOTO: BEATRICE VOHLER, WWW.VOHLER.COM
„KANN MAN TEILEN.
MUSS MAN ABER NICHT!“
KATHARINA THALBACH
74 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2019

KATHARINA THALBACH
SCHAUSPIELERIN
Mein Lieblingsessen? Kartoffelpuffer! Seit ich klein bin. Früher hat sie mir meine Mama immer gemacht. Heute mach
ich sie mir selbst. Und meist wandern sie direkt aus der Pfanne in den Mund. Klar könnte man teilen, muss man aber
nicht. Fünf große reichen knapp. Pur, ohne alles. Kein Mensch braucht Apfelmus dazu.
FEININGER TRIO
Unsere Zusammenarbeit mit Katharina für „… sink hernieder, Nacht der Liebe“ begann mit einer kleinen Katastrophe:
Die Sprecherin sagte kurz vor der Veranstaltung ab. Wir fragten mutig DIE Ikone unserer Vorstellung, einer Absage gewärtig:
Katharina Thalbach, die mit ihrer Stimme für diese Aufgabe geradezu prädestiniert ist. Und sie sagte einfach zu,
ohne Wenn und Aber. Dass wir als Schweizer Trio mit Katharina unverhofft eine vierte Eidgenossin in unserem Kreis
hatten – ihr Vater ist der Schweizer Regisseur Benno Besson –, fühlte sich besonders an. Allerdings würden wir Kathis
Lieblingsgericht sehr gerne unsere Rösti gegenüberstellen, denn wir finden: Rösti macht immer eine gute Falle!
Als hätten sie sich
schon ewig gekannt:
Katharina Thalbach mit
dem Feininger Trio
FOTO: IRÈNE ZANDEL
•
KARTOFFELPUFFER À LA THALBACH
5 faustgroße festkochende Kartoffeln, 1 große Zwiebel, 2 Eier, 50 g Mehl, Salz, Pfeffer, Muskat, Rapsöl
Kartoffeln und Zwiebel schälen, waschen und fein reiben. Eier, Mehl, 1 TL Salz und Pfeffer unter die Kartoffelmischung
rühren. In einer großen Pfanne ausreichend Öl erhitzen, pro Kartoffelpuffer etwa 2 EL Kartoffelmasse hineingeben, flach
streichen. Sobald die Puffer nach etwa 4 Min. an den Rändern braun werden, wenden und in etwa 4 Min. fertig braten.
•
BIRNEN-SPECK-RÖSTI À LA FEININGER TRIO
Für die Rösti Gschwellti (Pellkartoffeln) schälen und an der Röstiraffel in eine Schüssel raffeln. Birnen und Speck fein
würfeln, zugeben, würzen. Alles sorgfältig mischen.
Bratbutter (Butterschmalz) in einer beschichteten Bratpfanne erhitzen. Kartoffel-Birnen-Speck-Mischung zugeben.
Bei mittlerer Hitze 10 bis 15 Min. braten, ab und zu wenden. Gehackte Dörrbirnen daruntermischen. Kartoffel mischung
auf Pfannengröße flach streichen, 5 bis 10 Min. weiterbraten, bis sich eine braune Kruste gebildet hat. Rösti auf eine
flache Platte oder einen Teller stürzen und in die Pfanne zurückgleiten lassen. Zweite Seite fertig braten.
Rösti auf der vorgewärmten Platte oder dem Teller anrichten.
Passt gut zu Käseplatte, Soßenfleisch, Wildgerichten oder Gemüse.
Schubert: „… o sink hernieder, Nacht der Liebe“,
Katharina Thalbach, Feininger Trio (Cavi)
75

L E B E N S A R T
Die Paula-Bosch-Kolumne
FELIX AUSTRIA 2.0
Glückliches Österreich, diesen Ruf hatte sich das Land im Hinblick auf seine Weine
einst gründlich verspielt. Doch hat es seine Krise hinter sich gelassen.
Dank einer Generation, die nach dem Glykol-Skandal mit globaler Offenheit die
regionalen Weine in die Spitzengastronomie führt.
Nein, die österreichischen Weine sind in den letzten
drei Jahrzehnten nicht Jahr für Jahr besser geworden,
weil der Weinskandal des Jahres 1985, jene
Verfälschung der Weine mit Diethylenglykol, die
Winzer zum Handeln gezwungen hätte. Die Weinqualitäten
sind in erster Linie besser und besser geworden, weil –
wie in vielen anderen europäischen Weinregionen in dieser Zeit –
eine neue, bestens ausgebildete, teils durch die ganze Welt gejettete,
junge Winzergeneration herangewachsen
ist, die einfach Mut zum Risiko, die
nötige Energie, den Willen und auch das
Zeug zu einem Neustart in sich trug.
In dieser Zeit, 1986, wurde auch
die ÖWM (Österreich Wein Marketing
GmbH) zur Image- und Absatzförderung
gegründet. Sie hat an der positiven Entwicklung
des Weinmarktes einen großen Anteil, nicht zuletzt wegen
der weltweiten Engagements und Einladungen mit österreichischen
Premiumwinzern und deren Weinen.
In diesem Jahr war ich nun in Österreich zum Weingipfel-Treffen
eingeladen, das unter dem Motto „Weingeschichte mit Terroir-
Schnittstellen im Herzen Europas“ stand. Die Reise führte in die
Weinanbaugebiete zu den angrenzenden Ländern Tschechien, Slowakei,
Ungarn, Slowenien und Südsteiermark.
Klimatisch betrachtet befinden sich Österreichs bedeutendste
Weinregionen vorwiegend im Osten. Flächenmäßig ist Niederösterreich
mit 50 Prozent das größte und auch bedeutendste Anbaugebiet.
Es grenzt an die Tschechien und Slowakei, während das Burgenland
in ganzer Länge an Ungarn, die Steiermark und ganz im
Süden an Slowenien stößt.
Neben viel Geschichte und Weinhistorie, die uns dort präsentiert
wurden, konnten wir wunderbare Weine probieren, viele von
Weingütern, die mir schon vor Jahren aufgefallen sind und deren
Weine immer noch besser werden.
DER WEIN MUSS SCHMECKEN UND
KLAR WIE EIN GEBIRGSBACH
DURCH DIE KEHLE RINNEN
2018 WIENER GEMISCHTER SATZ, Wieninger, Wien.
Was wäre Wien ohne seine Sehenswürdigkeiten wie das Riesenrad,
Schloss Schönbrunn oder die Hofburg? Nicht auszudenken! Das gilt
auch für den „Wiener Gemischten Satz“.
Das ist ein Wein aus verschiedenen weißen Rebsorten, die früher
in einem Weinberg zusammengepflanzt wurden, um so größere
Ernteausfälle auszugleichen. Heute ist es die Spezialität der Stadt,
wie das Wiener Schnitzel selbst. Ein facettenreiches Aroma von Birnen-,
Mango,- Honigmelonen- und
Mirabellennoten. Ganz zarte Säurestruktur,
wohlproportionierter Körper,
sehr frisch, leicht, fetzig im Gaumen.
Feiner Trinkfluss, reizvoller Abgang.
Macht Lust auf ein zweites Glas. Ein idealer
Alleskönner zu Vorspeisen mit Salaten
oder Gemüse, Fisch oder Frischkäse
oder auch zum Wiener Schnitzel mit Erdäpfelsalat.
2018 GRÜNER VELTLINER 30 JAHRE „FASS 4“, Bernhard
Ott, Wagram, Niederösterreich. Mit den Weinen des neuen
Jahrgangs 2018 feiert das Weingut Bernhard Ott den 30. Jahrgang
seines legendären Grünen Veltliner FASS 4, der sich längst als „die
Marke“ unter den Veltlinern etabliert hat. Quasi von Anfang an mit
dabei, habe ich die Entwicklung des Ott’schen Universums unter der
Führung von Junior Bernhard mitverfolgt. Seine letzte und wichtigste
Veränderung war die totale Umstellung auf Biodynamie, die
er aus Respekt vor der Natur mit dem letzten Jahrgang abschließen
konnte. Die Einzellagenweine, Spiegel, Stein und Rosenberg, sind
letztlich die Krönung der Kollektion. Doch das FASS 4 – es ist kein
Grand Cru, kein Premier Cru, keine Reserve und keine Einzellage
– aber im Ott’schen Sinn, von Anfang an, ein Prototyp unter den
Grünen Veltlinern und für mich die Nummer eins. Ott steht auf
Klarheit, Brillanz, Feinheit, Frische, Finesse, eindeutige Aromatik
und feinen Charakter. Der Wein muss schmecken und klar wie ein
Gebirgsbach durch die Kehle rinnen.
FOTOS: OESTERREICH-WERBUNG / MARTIN STEINTHALER TINE FOTO; PRIVAT
76 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2019

Feinste Lagen in Niederösterreich:
Blick auf Weißenkirchen in der Wachau
2016 BELA REX, ALBERT GESSELLMANN, Mittelburgenland.
In jeder der vier Regionen des Burgenlands herrscht ein
eigenes Mikroklima, gibt es völlig andere Böden. Allein der Neusiedlersee
hat mehr als 60 Winzer. Beispiele auf Weltklasseniveau,
ob Bella Rex oder der „G“ von Albert Gesellmann sind immer dabei.
Zweifelsohne wird das Weingut insbesondere mit seinen Rotweinen
seit Jahren als die Premiumklasse des Landes gehandelt. Bela Rex
hat für mich immer wieder die Rasse, den Esprit und Körper eines
ganz edlen Geschöpfes, vorausgesetzt man gibt ihm die nötige Zeit
zur Reife. In der Jugend, wie sich 2016 derzeit präsentiert, strotzt er
vor feinsten Zedernholznoten, saftiger roter Frucht und Blaubeeren,
geröstete Haselnuss und feinster Gerbstoff im Rückaroma.
2015 BLAUFRÄNKISCH EISENBERG „ALTE REBEN“,
Wachter-Wiesler, Neusiedlersee, Burgenland. Im Burgenland, der
Rotweinecke Österreichs, findet man allerbeste Qualitäten. Allein
die Sorte Blaufränkisch stieg wie Phönix aus der Asche auf. Bei
Wachter-Wiesler hat Christoph Wachter die Zügel fest im Griff.
Seine Philosophien wirken auf die Qualitäten durchschlagend. Der
„Eisenberg“ wird aus den besten Lagen der Region cuvéetiert, was
zur Folge hat, dass die spezifischen Terroirnoten ex trem ausgeprägt
sind. Mein spontaner Eindruck in der Nase war Syrah Côte Rotie
mit klassischer Würze wie Wacholder, grüner Pfeffer, Lorbeer, kalter
Kaminrauch. Frische Provencekräuter, Kirschsaft. Das jugendliche
Tannin steppt im Gaumen, fordert zum Tanz.
2017 CHARDONNAY „GLORIA“, Kollwentz, Leithaberg,
Burgenland. Das Weingut Kollwentz ist ohne Zweifel eines der Top-
Five-Weingüter in Österreich. In mehrfacher Hinsicht gilt Anton
Kollwentz als Pionier im Qualitätsweinbau des Landes. Er war es,
der den Ausbau trockener Weißweine in der Region vorantrieb, und
das jahrelang allein auf weiter Flur. Heute zählen die im neuen
Holzfass ausgebauten Chardonnays zur Welt spitze – à la Burgund.
Dafür sorgt Junior Andi ebenso selbstverständlich wie für die großartigen
Roten. Und das seit 30 Jahren. Die Weingärten sind gepflegt
wie die Parkanlagen von Schönbrunn. Der 2017 Chardonnay „Gloria“
aus der höchsten Lage am Leithaberg mit Kalkgestein, benötigt
noch ein bis zwei Jahre Geduld, will man ihn zum besten Zeitpunkt
trinken, naschen ist erlaubt; fruchtige Exotik pur, Kokosnuss, saftige
frische Säure im reichen Gaumen, die garantiert, dass auch ein Jahrzehnt
mehr nicht schaden kann.
2017 SAUVIGNON BLANC „KLAUSEN“, Neumeister
Vulkanland, Steiermark. Sauvignon Blanc in all seinen unterschiedlichen
Ausbauarten zählt zu meinen bevorzugten Weinen, ich kann
von diesem Duftspektrum gar nicht genug bekommen, verstehe
aber auch, dass nicht jeder mit den opulenten, vegetalen oder fruchtigen
Noten glücklich ist. In der Steiermark, an der Loire und in
Neuseeland ist die Rebsorte am stärksten vertreten. Auch bei Neumeisters
ist die nächste Generation sehr erfolgreich unterwegs. Mir
gefällt die frische Stilistik mit ausgeprägter Finesse, Mineralität und
doch zurückhaltender Frucht besonders gut. „Noblesse oblige“ ist
bei dieser Sorte nicht einfach. Der dezente Hauch von Exotik
beginnt bei Ananas und endet mit Zitrone. Was sich dazwischen
abspielt, müssen Sie probieren. So viel sei gesagt: Der Wein ist köstlich.
n
Bezug: Furore RotWeissRot, München; www.weinfurore.de
77

L E B E N S A R T
1
2
3
4
6
7
8
5
9
1) Ein Wahrzeichen: Statue der kleinen Prinzessin von László Marton 2) Die größte Kirche Budapests, die St.-Stephans-Basilika in Pest
3) Straßenbahn 4) Budapest bei Nacht mit Kettenbrücke und ungarischem Parlament 5) Kuppel der St.-Stephans-Basilika 6) Statue von Franz Liszt
am gleichnamigen Flughafen 7) Bar 8) Die berühmte Dobos-Torte, Biskuit mit Schoko und Karamell 9) Morgennebel auf der Kettenbrücke
FOTOS: PIXABAY
78 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2019

ZUGEGEBEN: DER BLICK AUF UNGARN SOLLTE
DERZEIT KRITISCH SEIN. DOCH IRGENDWIE WIRKT
SEINE HAUPTSTADT WIE DAS BERÜHMTE KLEINE
GALLISCHE DORF – EINFACH ANDERS …
Budapest
Was Paris kann, kann Budapest schon lange: die Liebe. Ihretwegen lebt die Pianistin Mariam
Batsashvili in Budapest. Eine zweifache Liebe: die zu ihrem Freund, aber auch die zu dem
Komponisten Franz Liszt, der ihr die Stadt an der Donau zur zweiten Heimat gemacht hat.
VON ANTOINETTE SCHMELTER-KAISER
FOTO: ANTOINETTE SCHMELTER-KAISER
Mariam Batsashvili auf der
Terrasse des Aria Hotels
Es gibt viele Gründe, Budapest zu besuchen.
Eigentlich aber ist es nur einer:
Budapest ist ganz großes Kino! Und
zwar in jeglicher Hinsicht: Kunst, Kultur,
Architektur. Die Bäder, die Parks,
die Traditionen. Essen, Trinken und ein Hauch von
Piazza-Flair. Für die georgische Pianistin Mariam
Batsashvili gibt es noch einen: die Liebe. Hier wohnt
und arbeitet ihr ungarischer Freund, den sie an der
Hochschule für Musik in Weimar kennengelernt hat. Doch auch die
Tatsache, dass die Hauptstadt Ungarns eine wichtige Lebensstation
des Komponisten Franz Liszt war, machte ihr die Entscheidung
dazubleiben leicht. Denn ihn verehrt diese junge, lebhafte Frau wie
keinen anderen. Womit sie nicht allein ist: Der Flughafen, von dem
aus die 26-Jährige viele ihrer Konzertreisen antritt, ist ebenso nach
ihm benannt wie die Musikakademie und der parkähnliche Platz
davor zwischen Villen aus der Habsburger Zeit, lebendig, jung, fast
mediterran und deshalb: gern überfüllt. Statuen und Büsten mit seinem
Konterfei finden sich überall in der Donau-Metropole – überall
Zeugnisse wahrer Lisztomania, die Stationen unseres Spaziergangs
auf seinen Spuren sind.
Und so hängt auch im historischen Künstlercafé Müvész Kavéház
an der Prachtstraße Andrássy út ein Porträt von ihm an der mit
gelbem Stoff bespannten Wand. An einem Marmortischchen direkt
darunter verrät mir Mariam Batsashvili bei Espresso und einer Portion
pikanter Bundás Kenyér (Armer Ritter), was sie an Liszt fasziniert.
„Er hat so viele verschiedene Facetten, vereinte
Technik und Emotion“, schwärmt sie. Aus diesem
Grund hat sie fünf seiner Stücke für ihr neues
Album ausgewählt und sie mit drei Etüden von
Frédéric Chopin kombiniert – beide Künstler waren
zeitweilig eng miteinander befreundet; nach Chopins
Tod veröffentliche Liszt zu dessen Gedenken seine
Consolations, die Mariam Batsashvili auf ihrem
Album interpretiert. Technisch brilliert sie dabei
auf höchstem Niveau. Wichtiger sind ihr aber gefühlvoller Tiefgang
und intensives Eintauchen in eine andere musikalische Welt.
Im Liszt Ferenc Memorial Museum, einen kurzen Spaziergang
entfernt, ist ihr das auf besondere Weise möglich: Drei hohe Altbauzimmer
erinnern mit Möbeln, Instrumenten, Noten, Büchern und
Gegenständen aus dem Besitz des Komponisten an die Jahre, die er
von 1881 bis 1886 hier verbrachte. Fast ehrfürchtig führt Mariam
Batsashvili vorbei an Vitrinen mit Devotionalien, von der Reisetasche
bis zu einer weißen Haarsträhne, nostalgischen Chickering-
Klavieren und einem Komponier-Schreibtisch mit ausziehbarer
Klaviatur. Überhaupt hat sie ein Faible für Ambiente von anno
dazumal: „In New York könnte ich nicht leben. Hier in Budapest
spricht die Architektur zu mir – so wie in Weimar, wo ich seit 2011
bei Grigory Gruzman studiere und jetzt meinen Master mache“,
erklärt sie draußen auf dem Andrássy út, an dem auch ihre Wohnung
liegt. Mit opulenten Jahrhundertwendebauten, in deren Erdgeschoss
sich schicke Geschäfte und Lokale eingemietet haben, gehört
79

L E B E N S A R T
der 2,5 Kilometer lange Boulevard zum
UNESCO-Weltkulturerbe. Am monumentalsten
wirken die achteckige Kreuzung
Oktogon und der weite Heldenplatz,
den Kunsthalle, Museum der Bildenden
Künste und Kolonnaden flankieren.
Hinter ihnen führt eine Brücke
über einen künstlichen See in die von
zahlreichen Wegen durchzogene Parkanlage
Városliget. „Ich mag das Märchenschloss
Vajdahunyad mit seinem Stil -
mix von Mittelalter bis Barock“, erzählt
Mariam Batsashvili. Doch weil es tagsüber
– wie die meisten Sehenswürdigkeiten in Budapest –Touristen
en masse anzieht, komme sie gerne abends. Und das samt Teleskop:
für einen Blick in den Nachthimmel, das netterweise ihr Freund
trägt. Lieblingsorte wie diese steuert Mariam Batsashvili gezielt an,
anstatt sich in der Stadt treiben zu lassen. „Oft ist es mir da zu voll
und zu laut. Außerdem reise ich viel, habe wenig Zeit und genieße
als Kontrastprogramm unser Zuhause im VI. Bezirk“, erklärt sie.
Rund sechs Stunden täglich übt sie dort auf ihrem GC1-Flügel von
Yamaha. Zweimal pro Woche unterstützt sie dabei via Skype bis
heute ihre Lehrerin Natalia Natsvlishvili, bei der sie in ihrer Heimatstadt
Tiflis im Alter zwischen fünf und 18 ihr Klavierspiel perfektionierte.
Außerdem kocht sie gerne selbst und liest viel, bevorzugt
zum Thema Psychologie, das sie sehr „neugierig“ macht.
„Ich könnte mir auch vorstellen, als Therapeutin zu arbeiten“,
erstaunt mich Mariam Batsashvili auf der Fahrt Richtung Zentrum
mit der Linie 1. Seit 1896 verkehrt die Millenniumi Földalatti Vasút
knapp unter der Andrássy út als liebevoll gepflegtes U-Bahn-Relikt.
Weiter geht es mit der modernen Tram. In der St.-Stephans-Basilika
sorgt Mariam Batsashvili für eine weitere Überraschung. „Bei meinem
ersten Besuch war ich allein hier und habe deutlich gespürt,
dass ich wiederkommen werde“, erinnert sie sich unter der 96 Meter
hohen Kuppel, die ein Mosaik mit himmlischen Motiven schmückt.
An der schönen blauen Donau:
Blick auf das ungarische Parlament
„8.500 Menschen haben hier Platz. Trotz
der Größe fühle ich mich zu Hause.“ Die
größte Kirche Budapests wirkt selbst mit
Abstand noch imposant: Von der High
Note Sky Bar auf dem Dach des Fünf-
Sterne-Hotels Aria fällt bei einem Cocktail
der Blick auf ihre geschwungenen
Dächer und spitzen Türme. In der entgegengesetzten
Richtung ragt das Parlament
am Ufer der Donau empor.
Rund um das riesige Regierungsgebäude
wirkt Budapest besonders aufpoliert,
während weiter entfernt vom Zentrum
das sozialistische Erbe vor sich hin verwittert. Zwei Gardesoldaten
paradieren im Kreis auf dem Platz vor dem Wahrzeichen
der Stadt, dessen Vorbild der Londoner Palace of Westminster war.
Vor der neogotischen Fassade zum Fluss hin ankern Ausflugsschiffe.
Oberhalb von ihnen führt die berühmte Kettenbrücke hinüber zum
hügeligeren Stadtteil Buda. „Wenn man am Hang unterhalb der
Burg spazieren geht, hat man einen tollen Blick auf Pest“, weiß
Mariam Batsashvili. Doch dafür bleibt heute keine Zeit mehr, sie
muss weiter. Auf dem Weg zurück zum zentralen Platz Deák Ferenc
tér schauen wir kurz in ihrem Lieblingsladen vorbei. Er verkauft
Vintage-Mode, die Mariam Batsashvili für ihre kleine, zarte Figur
selbst umschneidert.
Dann hat sie es eilig, wieder an ihr Instrument zu kommen.
Denn auf Konzerte bereitet sie sich akribisch vor; bis Januar steht
die nächste Serie an, die von England über Belgien und Österreich
bis nach Deutschland führt. Angebote bekommt sie seit ihrem ersten
Platz bei Liszt-Wettbewerben in Weimar und Utrecht mehr als
genug. Für ihre Auftritte wählt Mariam Batsashvili bewusst strenge
Anzüge, spielt hochkonzentriert und ohne große Geste. „Ich bin
nicht wichtig. Was zählt, ist die Musik“, macht sie bar jeder Eitelkeit
klar. „Als Pianistin habe ich das Gefühl, Medium zu sein für eine
Energie, die aus anderen Quellen kommt.“
■
Tipps, Infos & Adressen
Reiseinformationen rund um Ihren Besuch in Budapest.
Musik & Kunst
Derzeit wird die Staatsoper an der Andrássy
út renoviert. Daher gibt es nur verkürzte
Touren durch das prachtvolle Gebäude, Aufführungen
finden andernorts statt. Kostproben
junger Könner in historischen Sälen gibt
es an der Liszt Academy. Kulturzentrum für
alle Genres von Ballett bis Musik ist seit 2005
das Müpa im IX. Bezirk. Wegen der Thermalwasservorkommen
hat Heilbaden in Budapest
Tradition. Mariam Batsashvili entspannt
am liebsten im eleganten Széchenyi Fürdö.
Essen & Trinken
Stilvolle Lokale mit dem Flair vergangener Epochen:
Müvész Kavéház und Café Parisi, beide
auf der Andrássy út mit köstlichen Kuchen und
Torten. Wie ein Pariser Bistro: das Két Szerecsen
nahe der Oper. Morgens Frühstück, mittags
und abends moderne Multikulti-Küche. Mariam
Batsashvili bestellt gerne Tapas. Experimentierfreudig
mit lokalen Produkten kocht Ákos
Sárközi, der auch Küchenchef des Sterne-
Restaurants Borkonyha gegenüber ist, im
Textúra in der Nähe der St.-Stephans-Basilika.
Übernachten
Das luxuriöse Aria Hotel neben der
St.-Stephans-Basilika. Vier Gebäudeteile
sind je einer Richtung gewidmet: Klassik,
Oper, Moderne, Jazz – Nachmittagskonzerte
auf einem futuristischen Flügel. Vis-àvis
vom Parlament: das Four Seasons
Gresham Palace – ein aufwendig restauriertes
Jugendstil-Juwel. Vintage-Fans fühlen
sich im Brody House wohl: einer
privaten Villa von 1896, 2009 verwandelt
in ein Boutiquehotel mit elf Zimmern.
FOTOS: ANTOINETTE SCHMELTER-KAISER, SZÉCHENYI FÜRDÖ
80 w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2019

Termine
Tanzgeschichten
FÜR GLOBETROTTER
Der Indian Summer lockt an die Ostküste Nordamerikas.
Vier Uraufführungen stehen auf dem Programm
des Fall for Dance Festivals. Myste Copeland stellt
eine neue Choreografie von Kyle Abraham vor.
Kim Brandstrup, der, angeregt von seinen filmischen
Erfahrungen, mit seinen Choreografien
emotional berührende Geschichten erzählt, bringt
eine neue Tanzgeschichte. Sonya Tayeh zeigt mit
dem Sänger Moses Sumney Unveiling. Und Caleb
Teicher setzt sein Projekt Bzzz fort und erkundet
mit seiner Kompanie das Zusammenspiel von
Aufbau und Zerstörung von Mustern.
Zur Eröffnung zeigt die Kompanie Hubbard
Street Dance Chicago die Choreografie A Picture
of You Falling von Crystal Pite, eine getanzte Erzählung
über Liebe und Verlust. Darüber hinaus
gibt es Künstler aus Argentinien, Kanada, Südafrika,
Russland und Europa zu sehen. Den Abschluss
bildet die Martha Graham Dance Company mit
der Choreografie Chronicle. Martha Graham, die
Ikone des Modern Dance, reagierte damit 1936 auf
den Faschismus in Europa.
New York City Center, 1. bis 13.10.,
www.nycitycenter.org
Heimatsuche
Die Heimat verlassen. Vom Außenstehenden zum
Mitglied einer Gesellschaft werden. Der umgekehrte
Prozess in Bezug auf die ursprüngliche Heimat.
Komponist Jorge Sosa und Librettistin Cerise
Lim Jacobs stellen sich dem Thema in ihrer neuen
Oper I Am A Dreamer Who No Longer Dreams.
Beide sind selbst in die USA immigriert, Sosa aus
Mexiko, Jacobs aus Singapur.
Der Titel ihrer Oper bezieht sich auf Trumps
Beendigung von DACA (Deferred Action for Childhood
Arrivals). Die von Obama erlassene Regelung
schützte die sogenannten Dreamer, illegale
Einwanderer, die bereits als Kinder in die USA
gekommen waren, vor Abschiebung. Elena Araoz
ins zeniert. Protagonistin Rosa, die das mexikanische
Erbe und die neue Kultur in sich trägt, verkörpert
die Mezzosopranistin Carla López-Speziale.
Sosas traumhafte und mitunter auch alptraumhafte
Musik dirigiert Maria Sensi Sellner.
Boston, Robert J. Orchard Stage im
Emerson Paramount Center, 20. bis 22.9.,
emersontheatres.org
Empfindungslosigkeit
Das Festival O19 eröffnet mit der neuen Kammeroper
Denis & Katya, die auf einer realen Begebenheit
basiert. 2016 schossen zwei 15-Jährige im westrussischen
Pskow aus einer Datscha auf Polizisten
und übertrugen dies live in den sozialen Medien.
Die Polizei fand später die Leichen der beiden
Jugendlichen – vermutlich Selbstmord. Der Fall
regte Philip Venables und Ted Huffman zu den
Überlegungen an, wie empfindungslos man durch
das Ansehen eines solchen in Echtzeit ablaufenden
Dramas werde. Man sehe einfach zu, anstatt
zu helfen. In ihrer Oper verweben sie originale
Textpassagen und Videospuren mit Botschaften
aus den sozialen Medien und stellen die Frage, was
diese über uns aussagen. Die beiden Protagonisten
verkörpern der Bariton Theo Hoffman und die
Mezzosopranistin Siena Licht Miller. Regie führt
Ksenia Ravvina, und die musikalische Leitung
übernimmt Emily Senturia
Philadelphia, Opera, 18. bis 29.9.,
www.operaphila.org
FOTO: XIN YING
VIEL SCHICKER ALS „NACHTS IM MUSEUM“ IST „ÜBERNACHTEN IN DER GALERIE“
Blaue Gans in Salzburg
FOTO: PRIVAT
Seit über 660 Jahren speisen die
Salzburger und ihre Gäste in
der „Blauen Gans“ – ganz zentral
in der Getreidegasse in der Salzburger
Altstadt, nur ein paar Schritte
vom Festspielhaus entfernt. Dabei
sollte das Haus ursprünglich eigentlich
„Zum Fasan“ heißen – ein
damals sehr exotisches Tier, das die
meisten Menschen noch nie zuvor
gesehen hatten. Anscheinend noch
nicht einmal der Kunsthandwerker
selbst, der das berühmte Nasenschild
gestaltet hat: Sein Fasan sieht jedenfalls
tatsächlich aus wie eine blaue
Gans. Schnell hatte das Haus seinen
neuen Spitznamen – bis heute.
Seit über 100 Jahren ist das älteste Gasthaus der Stadt nun im
Besitz der Familie Gfrerer. Der heutige Eigentümer, Andreas Gfrerer,
hat das Haus behutsam, aber aufwendig renoviert. Was er noch mehr
liebt, als Hotelier zu sein, ist die Kunst: An den Wänden hängen ausschließlich
Originale – sozusagen eine „Galerie mit Übernachtungsmöglichkeit“.
Viele renommierte Künstler kennt er persönlich und
hat zu jedem Werk in seinem Haus eine Geschichte auf Lager. Darum
nennt er sein Haus auch treffend „arthotel“. Das historische Gebäude,
in dem es keine rechten Winkel und geraden Mauern gibt, birgt
modern und edel eingerichtete
Zimmer. Absolutes Highlight sind
die zwei neuen 80 Quadratmeter
großen City Flats: Mit wertvollen
barocken Türen, Stuckdecken und
Holz- und Marmorböden vermitteln
beide Appartements ein einzigartiges
Wohngefühl. In der voll eingerichteten
Küche kann man sogar
selbst den Kochlöffel schwingen –
der Salzburger Grünmarkt mit heimischem
Obst und Gemüse befindet
sich nur wenige Schritte entfernt.
Im historischen Restaurantgewölbe
oder im lauschigen Gastgarten
lässt es sich ganztägig gut speisen:
Küchenchef Martin Bauernfeind verwöhnt unter anderem mit
viel Selbstgemachtem aus der hauseigenen Speisenmanufaktur wie
Nudeln und Tascherl. Heimische Fische finden sich ebenso auf der
Karte wie Küchenklassiker, so zum Beispiel Wiener Schnitzel, Backhendl,
Beef Tatar, Apfelstrudel oder hausgemachtes Eis.
■
TIPP: Natürlich ist Salzburg immer eine Reise wert, Anlässe gibt es genug.
Wer einen sucht, der noch nicht in aller Munde ist: Vom 16. bis 20. Oktober
findet in der Altstadt das Festival Jazz&TheCity statt: 5 Tage. 30 Bühnen. 70
Konzerte. Freier Eintritt! Preis pro Person im DZ: ab 71 EUR; arthotel Blaue
Gans, Getreidegasse 41-43, 5020 Salzburg, Tel: +43-(0)662-84 24 91
81

HTOI PT E LTZREIIFLFET
Daniel-Hope-Kolumne
„DIE MÖGLICHKEITEN SIND ENDLOS“
Die französische Pianistin Lise de la Salle wirft mit Daniel Hope einen Blick auf die Zukunft
des Klaviers. Und freut sich auf die Herausforderung eines Perspektivenwechsels.
Daniel Hope: Lise, wolltest du eigentlich
schon immer Pianistin werden?
Lise de la Salle: Ich hatte keine Wahl. Wir
hatten ein Klavier zu Hause. Meine
Mutter war Sängerin, keine professionelle
zwar, aber sie liebte es zu singen. Und
meine Großmutter war Klavierlehrerin!
Ich wuchs also in einer sehr musikalischen
Umgebung auf. Mein erstes Erlebnis
mit dem Instrument hatte ich mit drei
oder vier Jahren. Und seitdem habe ich nie
wieder aufgehört zu spielen. Ich kann
mich nicht an ein Leben ohne Klavier
erinnern – es war einfach immer da.
Was ist denn eigentlich so faszinierend
am Klavier? Vor allem auf Kinder
wirken die Tasten einladend.
Einerseits ist das Klavier ein sehr kraftvolles
Instrument. Es ist schön, es ist nobel,
es ist elegant, es ist groß. Vor allem auf
Kinder wirkt es wirklich riesig! Auch ich
war als Kind sehr beeindruckt vom
Klavier. Andererseits ist es – im Vergleich
zur Geige etwa – relativ einfach zu spielen.
Wenn man sich ans Klavier setzt, muss
man nicht einmal wissen, wie es geht.
Man kann etwas produzieren – und dabei
etwas fühlen. Es ist reizvoll, weil man
schnell etwas zustande bringt, was
halbwegs anständig klingt.
Später ist man dann fasziniert, was man
alles mit einem Klavier anstellen kann. Es
klingt sehr einfach, was ich sage: Wir
haben zehn Finger. Und allein mit diesen
zehn Fingern erzeugt man Klänge. Und
manchmal sieht das so irreal aus, wenn
man einen Pianisten beobachtet. Auch ich
staune immer noch Bauklötze, wenn ich
meine Kollegen spielen sehe, und denke
„wow!“. Das ist unglaublich, denn man
kann wirklich sehen, was passiert. Das ist
anders als bei anderen Instrumenten ...
Lise de la Salle mit Daniel Hope
Du spielst überall auf der Welt und bist
bekannt für dein großes Repertoire.
Und du machst Dinge, die ziemlich
außergewöhnlich sind, spielst etwa alle
Rachmaninow-Konzerte in einem
Zyklus. Das ist phänomenal. Du benutzt
das Klavier, um dich selbst in neue
Sphären zu pushen. An Bach arbeitest
du zum Beispiel mit einem Jazzpianisten
zusammen. Wie siehst du die Flexibilität
des Klaviers in der Zukunft? Meinst du,
dass das Instrument die Möglichkeit hat,
verschiedene Felder zu beackern?
Ja! Absolut! Gerade heutzutage brauchen
wir Projekte, die andere Dinge zutage
fördern und dem Publikum mehr bieten.
Ich liebe es, mich neuen Herausforderungen
zu stellen. Manchmal spielt man
wunderbare Programme, hat aber nur
zehn Zuhörer. Du wirst keine Säle nur mit
Beethoven-Sonaten füllen! Ich wünschte,
es wäre so – aber die Realität sieht anders
aus! Wir sind gezwungen, über einen
anderen Filter zu denken! Das verändert
die Perspektive! Wir müssen darüber
nachdenken, welche neuen Geschichten
wir mit unserem Publikum teilen wollen.
Das ist faszinierend. Und ja, es macht die
Sache auch schwerer, denn es zwingt uns,
über den Tellerrand hinauszuschauen. Es
ist eine große Herausforderung – doch mit
dem Klavier kann man so viele Klänge
produzieren und hat so viele Möglichkeiten
der Zusammenarbeit! Grundsätzlich
ist man zwar allein – doch jenseits dieser
Tatsache sind die Möglichkeiten endlos.
Das reicht vom Duo bis hin zu einer
Zusammenarbeit mit 70 Leuten! Am
wichtigsten ist, dass ich meine Geschichte
mit dem Publikum teilen möchte, dass ich
Gefühle preisgebe.
Als Pianist kann man sein Klavier nicht
mitnehmen – da haben wir Geiger es
schon leichter. Du bist dem ausgeliefert,
was für ein Instrument in einem Saal
steht. Ist das eine Sache, die bei der
Vorbereitung eine Rolle spielt?
Früher habe ich das gehasst! Heute habe
ich gelernt, auch diesen Teil zu genießen.
Ich bin natürlich heute in der glücklichen
Lage, in Sälen zu spielen, in denen
meistens sehr gute Instrumente stehen.
Die Frage „Welche Entdeckung werde ich
machen?“ finde ich sehr spannend!
Manchmal hast du eine sofortige Verbindung
zum Instrument. Es läuft, es ist
schön, es ist perfekt. Und manchmal spielt
man auf Instrumenten, bei denen die
Verbindung nicht ganz so einfach ist.
Dann musst du versuchen zu verstehen,
wie dieses spezielle Klavier tickt und
welche Verbindung du schaffen musst.
Wie viel Energie muss ich hineinstecken,
um meinen spezifischen Klang zu
erreichen? Einige Klaviere erfordern dies
und andere verlangen etwas völlig
anderes. Es ist niemals der gleiche Weg.
Eine Herausforderung, ja, aber es bringt
meist viel Freude – weil manchmal die
Chemie einfach perfekt stimmt. n
ZEICHNUNG: STEFAN STEITZ
FOTO: FRANK STEWART
82
w w w . c r e s c e n d o . d e — September – Oktober 2019

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34 CD + DVD / STREAM / DOWNLOAD
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