CRESCENDO 6/19 Oktober-November 2019

20 JAHRE 

AUSGABE 06/2019 OKTOBER – NOVEMBER 2019 

WWW.CRESCENDO.DE 

7,90 EURO (D/A) 

mit CD im Heft 

SCHWERPUNKT 

Der OPUS KLASSIK im zweiten Jahr 

GABRIELA MONTERO 

„Ich will keine Unsterblichkeit, 

aber Fingerabdrücke hinterlassen!“ 

KONSTANTIN KRIMMEL 

MARTINA GEDECK 

DANIEL LOZAKOVICH 

CÉLINE MOINET 

Emmanuel 

Pahud 

B47837 Jahrgang 22 / 06_2019 

Bekennender Kosmopolit, 

fasziniert von Träumen, 

hingerissen von Mozart

www.edition-peters.de 

Uraufführung 

Bernd Franke: ARKA 

3 Rituale für Pipa, Oboe, Streicher, Pauke und Schlagzeug 

27. Oktober 2019 

Sonntag, 18 Uhr 

im Zeughaus Neuss 

©Fabio Borquez 

Pipa: Ya Dong 

Oboe: Christian Wetzel 

Deutsche Kammerakademie 

Neuss am Rhein 

Leitung: Isabelle van Keulen 

Deutsche Kammerakademie 

Neuss am Rhein 

in Zusammenarbeit mit der Edition Peters 

gefördert durch die Kunststiftung NRW 

©Nikolaj Lund 

hörgenuss in sichtweite 

www.deutsche-kammerakademie.de

P R O L O G 

LIEBE LESER, 

WINFRIED HANUSCHIK 

Herausgeber 

es ist ziemlich genau fünf Jahre her, dass ich hier an dieser Stelle über „mein erstes Mal“ 

beim ECHO Klassik geschrieben habe: 21 Jahre vorher war das gewesen, und dass es sich 

angefühlt hatte wie ein Klassentreffen. Von einer Veranstaltung, die sich nach und nach 

etablierte und irgendwann gesetzt war für die Klassik – für die Künstler, für die Labels 

und für das Publikum. Aus dem ECHO wurde OPUS, und wir wollen den Wind darum, 

warum das so war, nicht noch einmal aufwehen lassen. Aber auch der OPUS, dem wir 

einfach aus gegebenem Anlass unseren Schwerpunkt widmen, geht nun in sein – ja, 

vorerst noch bescheidenes, aber immerhin – zweites Jahr, und wir freuen uns mit den 

Preisträgern: mit großen Namen wie MARISS JANSONS, der für sein Lebenswerk 

ausgezeichnet wird, mit SOL GABETTA, CHRISTIAN GERHAHER, ANDREAS 

OTTENSAMER, JOYCE DIDONATO. Aber natürlich auch mit denen, für die dieser 

Preis ein echtes Sprungbrett sein kann, sprich: mit den sogenannten Newcomern oder 

Musikern, die bislang noch keine Publikumsmagneten sind wie KINAN AZMEH, der 

Grenzgänger auf der Klarinette, oder KONSTANTIN REINFELD, der zusammen mit 

dem Pianisten Benyamin Nuss mit seiner Mundharmonika den Konzertsaal revolutioniert. 

Ihnen wünschen wir vor allem, dass sie ihren Weg gut, konsequent und im besten Sinne 

selbstbewusst machen. Denn mitunter erfordert es durchaus Mut, zu sich selbst zu stehen 

und einen Weg konsequent weiterzugehen. Ein gutes Beispiel dafür: KLAUS HEYMANN, 

Gründer von Naxos. Ich hatte das Vergnügen, ihn in München zu treffen und mich mit 

ihm über die Zukunft der Musikindustrie zu unterhalten. Das Gespräch, in dem er auch 

erzählt, wie er in Hongkong lebt, finden Sie auf Seite 72. 

Manchmal erfordert „Selbstbewusstsein“ im eigentlichen Sinn jedoch auch einen Kurswechsel 

– oder auch nur eine Kurskorrektur. Wie bei der Künstlerin BEATRICE VOHLER, 

die unsere aktuelle CD gestaltet hat. Sie hatte sich dem „schnellen Bild“, der Fotografie, 

verschrieben und war damit durchaus erfolgreich. Doch irgendetwas fehlte. Dem 

nachzuspüren und auch nachzugeben – auch das ist eine Kunst. Das Ergebnis können Sie 

gerne live und im wörtlichen Sinne in Farbe in unserer Redaktion erleben: auf unserer 

VERNISSAGE AM 28. NOVEMBER, sozusagen als Einstimmung auf den Advent. Wir 

würden uns freuen, wenn Sie uns da besuchen, wo wir unser Heft für Sie machen. Um sich 

auszutauschen: mit Menschen, die Kunst und Kultur genauso wertschätzen wie Sie. 

FOTOS TITEL: JOSEF FISCHNALLER; GREGOR HOHENBERG; GIORGIA BERTAZZI; MIKE MEYER 

Exklusiv für Käufer und Abonnenten: 

die CRESCENDO Premium-CD 

Viel Inhalt in besonders hochwertiger Ausstattung finden 

Sie in dieser Premium- Ausgabe: Reportagen, Porträts, 

Interviews, Aspekte und Hintergrundwissen aus der Welt 

der Klassik. Außerdem für alle Käufer und Abonnenten 

der Premium-Ausgabe: 

sechs Mal pro Jahr die CRESCENDO CD, 

ein exklusives Album mit Werken einiger in der 

aktuellen Ausgabe vorgestellter Künstler. 

In diesem Heft: die 80. CD der 

CRESCENDO Premium-Edition. 

Fehlt die CD? Dann rufen Sie uns an: 089/85 85 35 48. 

Was Sie sonst noch finden in unserer neuen Ausgabe? Nicht weniger als ein Wunderkind: 

DANIEL LOZAKOVICH, der bereits mit neun Jahren auf seiner Geige als Solist 

debütierte und nun, 18-jährig, ganz und gar nicht schwermütig über Melancholie, 

Einsamkeit und Isolation spricht. GABRIELA MONTERO, Meisterin der Interpretation, 

die auf Zuruf aus dem Publikum ihrer Fantasie und ihren Fingern auf dem Flügel 

freien Lauf lässt. EMMANUEL PAHUD, der auf seinem neuen Album die Querflöte 

gegen eine Schreibmaschine antreten lässt. Und nach vielen anderen, aber nicht zuletzt: 

KONSTANTIN KRIMMEL, ein Bariton, der vermutlich auf dem Weg nach ganz oben 

ist, weil er mit seiner Stimme wunderbare Geschichten erzählen kann. Und während 

LUCAS DEBARGUE für uns noch den Scarlatti-Code knackt, erzählt MARTINA 

GEDECK über ihre Begegnung mit Clara Schumann und welche Rolle Musik in ihrem 

Leben spielt. PAULA BOSCH bringt uns Weine aus Portugal mit, der Krimiautor 

MARTIN WALKER schickt Bruno, seinen Chef de Police, in den Garten, um danach 

entsprechende kulinarische Fälle zu lösen. Wir haben seine Tartelettes mit Walnüssen, 

Birne und Blauschimmelkäse getestet und können sie Ihnen nur ans Herz legen: mit 

einem Glas Rotwein an kühlen und kalten Abenden ein kulinarisches Fest! 

In diesem Sinne wünsche ich Ihnen einen herrlichen Herbst mit allem, was dazugehört, 

Ihr Winfried Hanuschik 

w w w . c r e s c e n d o . d e — Oktober – November 2019 3

P R O G R A M M 

DIE LÜFTE 

HEIMLICH KLINGEN 

06 

FLYING STEPS 

Musikalische Höhenflüge mit 

Bach kennt jeder. Die Show 

Flying Bach nimmt sich beim 

Wort und bringt ein Breakdance-Spektakel 

auf die Bühne 

26 

CÉLINE MOINET 

„Adrenalin-Stöße beflügeln 

mich“: Die Solo-Oboistin 

zeichnet sich aus durch 

Nachdenklichkeit und 

Leidenschaft 

34 

CORINNE WINTERS 

Großartiges Psychogramm: 

Die Sopranistin spielt und singt 

eine verletzliche und verletzte 

Mélisande, die subtil, aber gewaltig 

unter die Haut geht 

STANDARDS 

KÜNSTLER 

HÖREN & SEHEN 

Matthias Höfs hat eine Reihe Bach‘scher 

Solokonzerte für die moderne Piccolotrompete 

arrangiert. Mit der Deutschen 

Kammerphilharmonie Bremen bringt er die 

Konzerte zum Strahlen. 

Claudio Bohórquez und Péter Nagy widmen 

sich auf ihrem neuen Album dem Tondichter 

par excellence, Robert Schumann, und 

seinen Werken für Kammerduo. 

Das Pera Ensemble und Mehmet Cemal 

Yeşilçay werfen einen Blick auf die 

historische Zusammenkunft von Franz von 

Assisi und dem Sultan Al Malik Al Kalim. 

Sie zeigen, wie Musik die unterschiedlichsten 

Völker und Religionen schon damals 

vereint hat. 

www.berlin-classics-music.com 

03 PROLOG 

Der Herausgeber stellt 

die Ausgabe vor 

06 BLICKFANG 

Luftsprünge mit Bach 

08 OUVERTÜRE 

Was hört … 

Florian Uhlig? 

Klassik in Zahlen 

Ein Anruf bei … 

Douglas Bostock 

34 IMPRESSUM 

38 RÄTSEL UND 

LESERBRIEFE 

68 KOMMENTAR 

Axel Brüggemann über 

Orchester-Demokratie 

82 HOPE TRIFFT … 

Andreas Capello 

12 EIN KAFFEE MIT ... 

Martina Gedeck 

14 LUCAS DEBARGUE 

Der Pianist auf den Spuren 

des Barockkomponisten 

Domenico Scarlatti 

17 LARS VOGT 

Dirigieren macht Mut 

18 EMMANUEL PAHUD 

Träume auf der Flöte 

21 BAIBA SKRIDE 

„Clara Schumann gegen - 

über bin ich im Vorteil“ 

22 DANIEL 

LOZAKOVICH 

Das Wunderkind über 

Isolation, Einsamkeit und 

Melancholie 

24 GABRIELA 

MONTERO 

„Ich bin Interpretin, weil 

ich Kommunikatorin bin“ 

26 CÉLINE MOINET 

„Die Kategorie Anspruch 

steht vor der Freiheit“ 

28 KONSTANTIN 

KRIMMEL 

„In jedem Lied steckt eine 

Oper“: Der Bariton ist ein 

Geschichtenerzähler 

29 DIE WICHTIGSTEN 

EMPFEHLUNGEN 

DER REDAKTION 

30 DANIEL BEHLE 

Mozarts Figuren und ihre 

legendären Arien 

31 DANISH STRING 

QUARTET 

„Der späte Beethoven fühlt 

sich an wie Musik aus einem 

anderen Universum“ 

35 ANNELIEN 

VAN WAUWE 

Der Glanz vergangener 

Zeiten porträtiert von 

der Klarinette 

36 UNERHÖRTES & 

NEU ENTDECKTES 

Christoph Schlüren 

über Wilhelm Stenhammar 

37 LE POÊME 

HARMONIQUE 

Zu ihrem 20-jährigen 

Gründungsjubiläum legt das 

Alte-Musik-Ensemble 

spannende Neueinspielungen 

mythischer Kirchenmusik vor 

FOTOS: OLIVIER CARREL; GREGOR HOHENBERG; TONI SUTER T+T FOTOGRAFIE 

4 www.crescendo.de — Oktober – November 2019

Profil 

Edition 

Günter 

Hänssler 

Hörgenuss 

in Jubiläumsboxen 

Zum Jubiläumsjahr 2020 spielte 

Martino Tirimo sämtliche Klavierwerke 

Beethovens neu ein. 16 CDs HC19032 

48 

ESSENER 

PHILHARMONIKER 

Ein romantisches Feuerwerk: 

Generalmusikdirektor Tomáš 

Netopil setzt in der neuen 

Spielzeit auf große Emotionen 

49 

OPUS KLASSIK 2019 

And the winners are … 

Der Nachfolger des ECHO 

geht in sein zweites Jahr. Alles, 

was man rund um den 

Musikpreis wissen muss 

77 

REISE & KULTUR 

Salzburg bleibt auch nach den 

Festspielen spannend. Neben 

festlicher Stimmung im 

Advent lockt es mit großer 

Kunst und Kultur 

FOTOS: HAMZA SAAD; KRUGER MEDIA; TOURISMUS SALZBURG GMBH 

ERLEBEN 

39 DIE WICHTIGSTEN 

TERMINE UND 

VERANSTALTUNGEN 

40 ULTRABACH 

Neue Konzertformate 

in Lüneburg 

41 BAD HOMBURGER 

SCHLOSSKONZERTE 

20-jähriges Jubiläum als 

Auftakt zum Beethoven-Jahr 

42 AUGUST-EVERDING- 

MUSIKWETTBEWERB 

Finale mit Preisverleihung 

44 IOAN HOLENDER 

Oper als Konsumgut 

45 MULO FRANCEL 

Hommage an alte Mythen 

46 THE 12 TENORS 

… gehen im Dezember 

wieder auf Tournee 

48 ESSENER 

PHILHARMONIKER 

Romantische neue Spielzeit 

EXKLUSIV 

FÜR ABONNENTEN 

Hören Sie die Musik zu 

unseren Texten auf der 

CRESCENDO Abo-CD – 

exklusiv für Abonnenten. 

Infos auf den Seiten 3 & 70 

SCHWERPUNKT 

49 OPUS KLASSIK 

50 DIE GEWINNER 

auf einen Blick 

52 MARISS JANSONS 

Die Würdigung eines 

großen Lebenswerks 

55 PREISTRÄGER 

ENTDECKEN 

Andrè Schuen 

Markus Becker 

Adam Fischer 

Kinan Azmeh 

Midori Seiler 

Schumann Quartett 

Calmus Ensemble 

Amarcord 

Franz Welser-Möst 

Ben van Oosten 

Dogma Chamber Orchestra 

Evelinde Trenkner 

Sontraud Speidel 

Berolina Ensemble 

Konstantin Reinfeld 

Signum Quartett 

LEBENSART 

62 LIEBLINGSESSEN 

Martin Walker: 

Blauschimmelkäsetörtchen 

64 PAULA BOSCHS 

WEINKOLUMNE 

Portugal und die wunderbare 

Leichtigkeit des Weins 

66 THOMASTIK- 

INFELD 

100 Jahre Präzision, Liebe 

zum Produkt und zur 

Musik: die Wiener 

Saitenmanufaktur 

71 KUNST AM COVER 

„Dingen ein Zuhause 

malen“: die Künstlerin 

Beatrice Vohler 

72 KLAUS HEYMANN 

Der Naxos-Gründer über 

die neue Generation des 

Musikhörens 

72 WOHER KOMMT 

EIGENTLICH … 

der Smart Speaker? 

77 REISE&KULTUR 

78 SALZBURG 

… ist spannend: Moderne 

trifft Brauchtum 

80 BREMEN 

Die Hansestadt versteht 

sich aufs Feiern, aber auch 

auf die Kunst 

Wir gratulieren Evgeni Koroliov zum 

70. Geburtstag. Zurecht gilt er als ein 

außergewöhnliches Phänomen in der 

internationalen Klavierszene. 9 CDs HC18053 

Neuauflage zum 200. Geburtstag von 

Clara Schumann. 4 CDs PH19054 

Zum 120. Geburtstag von 

Hans Swarowsky veröffentlichen wir diese 

umfassende Sammlung an Aufnahmen – 

mit ihm als Dirigent. 11 CDs PH18061 

5 

Erhältlich im Fachhandel 

Profil Medien GmbH & Hänssler Classic · www.haensslerprofil.de 

Vertrieb: Haenssler Alliance Distribution

O U V E R T Ü R E 

6 w w w . c r e s c e n d o . d e — Oktober – November 2019

Bach und Breakdance 

Bach und Breakdance passen nicht zusammen? 

Das Gegenteil beweisen die vierfachen Breakdance-Weltmeister 

Flying Steps gemeinsam mit 

Opernregisseur Christoph Hagel in ihrer Show 

Flying Bach. 2010 gaben die Flying Steps mit ihrer 

weltweit erfolgreichsten Crossover-Show in 

der Neuen Nationalgalerie in Berlin ihr Debüt 

und sind seither fast nonstop auf dem gesamten 

Globus unterwegs. Anlässlich des zehnjährigen 

Jubiläums der Show kehren sie im Frühling 2020 

nach Europa zurück und gastieren für 15 Shows 

in Deutschland und Österreich! 

flyingsteps.com 

7 

FOTO: OLIVIER CARREL


Was hört …? 

Florian Uhlig 

Der in Düsseldorf geborene Pianist 

verrät uns seine Lieblingsaufnahmen. 

Auf 15 CDs ist die 

Gesamtaufnahme der 

zweihändigen Klavierwerke 

von Robert 

Schumann angelegt. 

Zwölf davon sind bereits 

erschienen. Nun kommt 

Nummer 13. 

Jetzt zwei Ausgaben EMOTION 

kostenlos testen unter 

www.emotion.de/crescendo 

1 

Hermann Prey und Leonard Hokanson, 

Franz Schubert: Schwanengesang 

(Deutsche Grammophon) 

Eine wunderbare Erinnerung an einen legendären Sänger, mit dem 

ich als 22-Jähriger meine ersten Schritte in Schuberts Liederwelt 

gehen durfte. Welch sagenhafter Stimmklang! Welch subtile agogische 

Nuancen! 

2 

Sergiu Celibidache, Münchner Philharmoniker, 

Robert Schumann: Symphonien (EMI Classics) 

Celibidaches Gespür für musikalische Spannung verleiht 

Schumanns sinfonischem Schaffen enormen Tiefgang. Die Auslotung 

der komplexen Polyfonie gelingt ungemein bezwingend. Und das 

Farbenspiel der Münchner Philharmoniker tut ein Übriges, um dem 

romantischen Geist vollen Ausdruck zu verleihen. 

3 

Anne-Sophie 

Mutter und John Williams: 

Across the Stars (Deutsche Grammophon) 

Ich bin – das muss ich gestehen – Filmmusik-Fan, und John 

Williams gehört zu den herausragenden Meistern seines Fachs. Seine 

Partituren sprühen vor melodischem Einfallsreichtum und Musizierlust. 

Ich hatte die große Freude, im April dieses Jahres einen Ausschnitt 

dieses Programms mit Anne-Sophie Mutter im Boulez Saal in 

Berlin zu spielen. 

4 

Thelonious 

Monk: Underground (Sony) 

Fabelhafter Groove, gechillte Pianistik und überbordendes Improvisationstemperament. 

Ich liebe diese Platte, besonders 

wenn ich unterwegs bin und Musik höre. Ein Garant für gute Laune! 

5 

Sabine Meyer, Wolfgang Amadeus Mozart: 

Klarinettenkonzert (EMI Classics) 

Sabine Meyer spielt mit entwaffnender musikalischer Aufrichtigkeit 

und noblem Sinn für Farben und Nuancen. Das ist traumhafter 

Mozart! Es ist mir eine große Ehre, ab Oktober dieses Jahres ihr Kollege 

an der Musikhochschule in Lübeck zu werden. 


KLASSIK 

IN ZAHLEN 

25 

Musiker erhielten kürzlich 

begehrte Streichinstrumente 

aus dem Deutschen Musikinstrumentenfonds. 

Neun 

Violinen, zwei Bratschen, zehn 

Violoncelli und vier Kontrabässe 

wurden an 25 Preisträger 

von „Jugend musiziert“ 

vergeben. Die Musiker im Alter 

von 9 bis 18 Jahren erhalten 

die Instrumente als Leihgabe 

für zunächst zwei Jahre mit 

einer wiederkehrenden Option 

auf Verlängerung bis zum 

30. Lebensjahr. 

halten die „Oper! Awards“ bereit, die 

kürzlich im Konzerthaus Berlin zum ersten Mal 

verliehen wurden. Joyce DiDonato wurde als beste 

Sängerin ausgezeichnet, Piotr Beczała als bester Sänger. 

20Kategorien 

31,5 

Millionen Euro hat die zweieinhalb Jahre 

dauernde Renovierung des Théâtre du Châtelet 

in Paris das gekostet. Über 5 Millionen Euro wurden von 

Mäzenen übernommen. Das Théâtre du Châtelet ist im Besitz 

der Stadt Paris, und die jetzt abgeschlossene Renovierung war 

die umfangreichste seit dem Bau des Theaters im Jahre 1862. 

FOTOS: SIMON PAULY; JEAN-MARIE HULLOT, CC BY-SA 2.0 

25 

Jahre alt wird die Berliner Musikholding 

ROC. Sie wird als Erfolgsgeschichte der 

deutschen Einheit gefeiert: Die Rundfunk 

Orchester und Chöre GmbH Berlin (ROC) bilden das 

Dach für vier Spitzenensembles: das Deutsche Symphonie-Orchester 

Berlin, das Rundfunk-Sinfonieorchester 

Berlin, den Rundfunkchor Berlin und den RIAS Kammerchor 

Berlin. In 200 Konzerten jährlich erreichen 

die ehemals im Osten und Westen der Stadt beheimateten 

Ensembles 200.000 Besucher. 

650 

Bewerbungen mussten die Verantwortlichen 

des neuen Opernstudios NRW 

sichten, bevor sie nun die Mitglieder 

auswählten. Für den ersten Jahrgang sind 

zehn junge Musiker dabei: drei Sängerinnen, 

fünf Sänger sowie eine Korrepetitorin 

und ein Korrepetitor. Mit dem 

Opernstudio NRW kooperieren vier 

Opernhäuser miteinander. 

9


„Es braucht kein anderes Design!“ 

Anruf bei Douglas Bostock, der gerade das Abschiedskonzert der Argovia Philharmonic hinter sich und 

das Antrittskonzert bei der Südwestdeutschen Kammerphilharmonie vor sich hat. 

CRESCENDO: Wobei störe ich Sie gerade? 

Douglas Bostock: Ich befinde mich gerade genau zwischen Konzertplanung 

und Partiturstudium. 

Auf Ihrer Agenda stehen kurz aufeinanderfolgende Projekte. Zunächst 

das Willkommenskonzert mit Ihrem neuen Orchester und 

vier Tage später gleich eine deutsche Uraufführung mit dem Sinfonischen 

Blasorchester Ulm. Zwei derart unterschiedliche Dinge 

so kurz hintereinander zu dirigieren – ist das kompliziert? 

Wenn es immer nur zwei wären! Nein, 

es ist völlig normal, dass sich die Vorbereitungszeiten 

und Probenphasen überlappen. 

In Pforzheim probe ich drei Tage, 

in Ulm dann auch kompakt an Probenwochenenden. 

Dass die Musiker 

ihren Teil können sollten, versteht sich 

von selbst. In der Zwischenzeit werde 

ich dann in Pforzheim weilen, um die 

Abläufe kennenzulernen, werde mit 

dem Förderverein sprechen und mit 

Geschäftsführer Andreas Herrmann. 

Sie kennen das Orchester schon – half 

diese Kenntnis auch dabei, sich unter 

115 Bewerbern durchzusetzen? 

Das möchte ich nicht überbewerten. 

Douglas Bostock 

Dass man mich kennt, hätte ja auch ein Nachteil sein können. (lacht) 

Vor allem sollte das nicht die Hauptrolle gespielt haben. Es ehrt 

mich, dass man sich für mich entschieden hat. 

Vorher waren Sie 18 Jahre lang Chef des Argovia Philharmonic im 

Aargau in der Schweiz. Wie schwer fiel Ihnen der Abschied dort? 

Die Antwort ist leicht: Der Abschied fiel mir sehr schwer! Allerdings 

hatte ich bereits im Januar 2017 erste Gespräche darüber geführt, 

aufhören zu wollen. Man wusste also zwei Jahre vorher Bescheid. 

Das Orchester ist gut aufgestellt, hat einen guten Nachfolger 

für mich gefunden und bekommt bald einen neuen Konzertsaal, für 

den ich mich lange eingesetzt habe. Schwer fiel mir der Abschied vor 

allem deshalb, weil ich mich im Aargau wirklich heimisch gefühlt 

habe. Der Abschied war also auch sehr emotional – aber tatsächlich 

im guten Sinne! 

Ungeachtet dessen, dass nun Ihr Nachfolger Rune Bergmann den 

neuen Saal einweihen wird? 

Im Englischen sagt man: Go while the going is good. Und so war es: 

Ich bin auf dem Höhepunkt gegangen. 

Wird das Willkommenskonzert Ihre Handschrift tragen? 

Die Saison ist ja schon lange geplant. Lediglich das 6. Abo-Konzert 

verfügt noch über eine „Carte Blanche“. Aber das Willkommenskonzert 

ist mit Grieg, Mozart und Strawinsky ein sehr repräsentatives 

Konzert. „Altes im neuen Glanz“ ist das 

Motto. Die nächste Saison wird dann 

wirklich meine Handschrift tragen. 

Denn Programmieren ist etwas, was ich 

liebe! Das kostet viel Zeit, die ich mir 

suchen muss. 

Sie waren 18 Jahre Dirigent der 

Argovia Philharmonic, 22 Jahre Erster 

Gastdirigent der Tschechischen Kammerphilharmonie 

und sind seit 1996 

Leiter des Sinfonischen Blasorchesters 

Ulm. Langfristig zu arbeiten, scheint 

Ihnen wichtig zu sein. 

Ich suche das nicht aktiv. Aber ich setze 

mich gerne mit dem Ensemble, der 

jeweiligen Stadt, der Region und dem 

Publikum auseinander – auch wenn es ja meistens nur meinen Rücken 

sieht. Ich finde es wichtig, dass man sich mit seiner Umgebung 

identifiziert. 

Seit Kurzem sind Sie deutscher Staatsbürger. Ist der Brexit schuld? 

Ich spiele gerne britische Musik – und die wird auch bleiben, was 

sie ist. In England aber hat man einen Drachen losgelassen, der das 

Land spaltet. Und ich muss es so deutlich sagen: Ich schäme mich 

für mein Land. Und ja, auch deshalb habe ich die deutsche Staatsangehörigkeit 

angenommen. Ich will nicht unbedingt sagen, dass ich 

mich als Deutscher fühle, aber man sagt mir viele deutsche Eigenschaften 

nach. Der Südwesten Deutschlands ist meine Heimat. Ich 

lebe nun seit 40 Jahren am Bodensee. Letztlich aber bin ich überall 

gern und fühle mich schnell heimisch. Ich finde, es braucht kein 

anderes Design auf dem Pass. 

■ 

Wettbewerbe 

sind für Pferde, 

nicht Künstler. 

Béla Bartók 

HINTER DER BÜHNE 

Die erste Kamera bekam Karel Kuehne von 

seinem Vater, als er elf Jahre alt war. Ein 

Fotolabor wurde alsbald eingerichtet, und 

Karel begann, Licht und Schatten zu erforschen. 

Das Resultat: Nicht nur die deutsche 

Schauspielerinnenelite wie Martina Gedeck 

(siehe „Auf einen Kaffee mit ...“ Seite 12), 

Karoline Herfurth und Nora Tschirner 

ließen sich von ihm fotografieren, auch 

Scarlett Johansson und Ewan McGregor 

standen vor seiner Kamera. 

Nach 15 erfolgreichen Jahren in Paris und New York lebt er in heute 

in Berlin und in der Uckermark.karelkuehne.com 

FOTOS: KAREL KUEHNE 


Auf einen Kaffee mit … 

MARTINA GEDECK 

VON STEFAN SELL 

FOTO: KAREL KUEHNE 


Poesie ohne Musik war in der Antike undenkbar, denn: Lyrik kommt von Lyra. Und die 

Lyra schenkte den Worten die Musik. Martina Gedeck besticht in dieser Tradition mit 

ihrem eigenen Ton. Sie ist eine der Großen ihres Fachs und gehört zu Deutschlands 

profiliertesten und beliebtesten Schauspielerinnen. Jetzt verkörpert sie die Fanny in der 

Hörbiografie „Fanny und Felix Mendelssohn – Zwei Leben für die Musik“. 

CRESCENDO: Sie lesen hier im Bayerischen Rundfunk in 

München gerade die Fanny in der Hörbiografie „Fanny und 

Felix Mendelssohn“. Verraten Sie uns ein bisschen? 

Martina Gedeck: Ja, ich habe aus ihren Briefen und Tagebüchern 

gelesen. Sie beschreibt die Beziehung zwischen den beiden 

Geschwistern und ihre Entwicklung als 

Künstler von Kindheit an. Sie, die sehr 

zu kämpfen hatte mit ihrem Dasein als 

Frau in der damaligen Zeit – das war 

nicht opportun. Felix wurde viel stärker 

unterstützt, ausgebildet und gefördert. 

Ihre Schaffenskraft aber hat sich immer 

wieder Bahn gebrochen. Sie war sehr 

aktiv, als Musikerin und auch als Komponistin. Ich habe ihr 

persönlich meine Stimme gegeben, ihre eigenen Texte gesprochen. 

Ich finde es gut, dass hier wirklich die Person zu Wort kommt. 

Was ich vorab hören konnte, hat mich sehr berührt. 

Ist das wahr? 

Ja, Sie haben aus musikalischer Sicht in all Ihrer Kunst ein 

unglaubliches Timing, etwas, was man „laid back“ nennt – wie 

ein Musiker, der sich nicht beeilt, vorschnell alle Noten zu 

spielen, und dennoch pünktlich ankommt. 

Sehr gut beobachtet. Ich beschäftige mich intensiv mit den Texten. 

Bei allem, was ich bisher gemacht habe, hat mich immer die 

Kunstform Schauspiel mehr interessiert als die Wirklichkeit eins zu 

eins abzubilden, so wie sie ist. Mein ursprüngliches Interesse an 

diesem Beruf war die Literatur, besser gesagt: die Poesie. Und da 

sind wir beim Zauber, dem inneren Zauber, der Parallele zwischen 

Musik und Poesie. Mich hat die Verbindung interessiert, wie ich 

der Sprachmusik körperlich Ausdruck verleihen kann. Im Gegensatz 

zum Theater ist die Filmsprache oft profaner, aber ich 

behandle diese Texte, als wären sie Dichtkunst, und lerne sie wie 

ein Musiker seine Partitur. Der Ausdruck beim Sprechen geht ja 

über den eigentlichen Inhalt hinaus. Mit der Stimme, mit der Art, 

wie ich den Satz spreche, gebe ich dem Menschen so etwas wie eine 

seelische Kontur. Ich muss den Text stark verinnerlichen, und im 

Lernprozess ergibt sich ein Rhythmus. Dadurch, dass ich das gut 

durchgearbeitet habe, habe ich eine gewisse Gelassenheit, was das 

Sprechen angeht. (lacht) 

Können Sie sich vorstellen, die Lieder der Fanny sprechend oder 

singend als eigenes Programm vorzutragen? 

Tatsächlich habe ich vor einigen Monaten angefangen, mich mit 

Gesang zu beschäftigen. Das ist ein riesiger Raum, der sich da 

auftut. Das Lied fordert das „Im-Körper-Sein“ noch viel stärker. 

Eigentlich bin ich unterwegs in diese Richtung, das könnte 

passieren. Es braucht noch einen kleinen Moment, aber ich bin 

sehr interessiert. Bei Fanny Mendelssohn liegt es nahe, so etwas zu 

machen. 

Könnte das ein Abend werden? Dürfen wir uns schon freuen? 

(lacht) Ja, das könnte ein Abend werden. Sie hat ja eine wahnsinnig 

interessante Biografie, und es ist schön, wenn das, was sie komponiert 

hat, auch aufgeführt wird. 

Fanny zeigt Witz in ihren Briefen: Da wird sich „wie ein 

Kaninchen amüsiert“ oder „der Magen wackelt zum Lachen“. 

„MIT DER STIMME GEBE ICH DEM 

MENSCHEN SO ETWAS 

WIE EINE SEELISCHE KONTUR“ 

Was sind Ihre Lieblingsstellen? 

Ja, sie hat einen bestimmten Humor. Was mir sehr gefallen hat, ist 

ihre Beschreibung, wie sie Italien das erste Mal hinter den Hügeln 

sieht. Das konnte ich mir gut vorstellen, ihre Liebe und ihre Begeisterung 

für das Land. Ganz poetisch wird sie da. Auch wenn sie sich 

verabschiedet von Italien, wenn sie den 

letzten Tag in Rom beschreibt, wie die 

Sonne untergeht … Sie drückt sich 

einfach sehr schön aus in ihren 

Briefen. Die ganze Italienpassage hat 

mir gut gefallen. 

Sie hatten ein besonderes Initiationserlebnis 

mit der Musik? 

Zunächst kannte ich ja nur das Radio, und in Landshut, wo ich 

herkomme, gab es einen Orff-Kurs. Ganz modern, man hat dort 

Rhythmus gelernt. Das fand ich damals ziemlich toll und bin dann 

mit neun, als wir nach Berlin gezogen sind, gleich wieder in eine 

moderne Musikgruppe gegangen … (lacht), die hieß MiniVox. 

Der Leiter war Heinz Lau, ein moderner Komponist. Da hat man 

zusammen Musik erfunden. Er hatte ein sogenanntes Lausophon 

gebaut, aus so Sachen wie Eierschneider, Messer … Mit denen 

konnte man Musik machen, die elektronisch verstärkt wurde. Das 

waren abgesehen vom Blockflötenunterricht meine Begegnungen 

mit der Musik. Schließlich gab es da die Platte mit einem Mozart- 

Klavierkonzert, das Monique de la Bruchollerie spielte, mein erstes 

Erlebnis eines Konzerts von A bis Z. Ich hab das immer wieder 

gehört, und meine Fantasie fing an zu arbeiten. Und plötzlich hatte 

ich eine Vorstellung davon, was die Musik mir erzählt. Sie erzählt 

eine Geschichte, die für mich mit jedem Hören konkreter wurde. 

Mir war klar, das hat Mozart so gemeint, das ist eine ganz deutliche 

Sprache, und genau das wird ausgedrückt. Klar, wenn man Kind ist 

und sich mit einer Platte sehr lange beschäftigt, dann fängt sie an 

lebendig zu werden. Das war meine erste Begegnung mit Musik. 

Man könnte sagen, Ihr Weg ging über Neue Musik zur Klassik? 

(lacht) Ich glaube, das hat alles parallel stattgefunden. Was mein 

eigenes Musizieren angeht, war es Neue Musik … 

Sie bleiben also experimentierfreudig? 

Ja, natürlich, und da bin ich auch froh drüber – diese Offenheit 

brauche ich in meinem Beruf. 

Sie haben mehrere Konzertprogramme, treten mit wunderbaren 

Musikern auf wie Sebastian Knauer, Xavier de Maistre, Avi 

Avital, dem Schumann Quartett … Was ist dabei das Schönste? 

Eins der schönsten Dinge für mich ist, dass ich dabei erstmals die 

Gelegenheit habe, das Publikum zu sehen. Die Musiker spielen, 

und ich kann dabei die Leute anschauen: Sie hören zu, und ich 

höre zu – wir hören gemeinsam zu. Und dieser Hördialog ist so 

wichtig und so schön. Auch, was sich auf den Gesichtern abspielt, 

wie die Menschen das empfangen, was sie da aufnehmen, das sieht 

man ja sonst nie, auch wenn man Theater spielt. 

Wie ein Spiegel sitz ich dann dem Publikum 

gegenüber. Das ist wahnsinnig schön. 

Fanny und Felix Mendelssohn: „Zwei Leben für die Musik“, 

Hörbiografie; Martina Gedeck, Udo Wachtveitl u. a. (BR-KLASSIK) 

■ 

13

K Ü N S T L E R 


EINE AUSWAHL DER SPANNENDSTEN 

SONATEN ALS LIEBESERKLÄRUNG 

DAS 

SCARLATTI- 

PROJEKT 

Es mag an Besessenheit grenzen, 

wie der Pianist Lucas Debargue 

dem Werk des Barockkomponisten 

Domenico Scarlatti auf der Spur ist. 

Nun legt er das Ergebnis 

mit einem erstaunlichen Album vor. 

VON PATRICK WILDERMANN 

Die Kellnerin hat kaum den Kaffee gebracht, das Aufnahmegerät ist noch nicht 

eingeschaltet, da sprudelt es schon aus Lucas Debargue heraus: „Nach vier Jahren 

in Konzerthallen ist dies mein erstes wirklich großes Projekt“, sagt er und deutet 

auf die Box mit vier CDs auf dem Tisch. „Scarlatti. 52 Sonatas.“ Das Album, fährt der 

Pianist fort, sei nicht weniger als „eine Liebeserklärung an den Komponisten“. Der 

hat zu Lebzeiten 555 Sonaten geschrieben, Debargue kennt sie alle, 37 Stunden Musik, 

fast sämtlich Meisterwerke, wie er findet. Seine Plattenfirma Sony dachte an ein Doppelalbum, 

aber das genügte ihm nicht, er wollte das gesamte Scarlatti-Universum 

auffächern, seinen vollen Klangreichtum. „Scarlatti“, schwärmt Debargue, „wiederholt 

sich nie. Da ist immer eine neue, unerwartete Idee!“ 

Der bald 29-jährige Franzose, der 2015 den vierten Platz beim Tschaikowsky-Wettbewerb 

in Moskau belegte und dabei publicitywirksam die Jury spaltete, hat 

schon Chopin, Liszt und Ravel aufgenommen, er hat für seine zweite CD mit Werken 

von Bach, Beethoven und Medtner einen ECHO KLASSIK als „Nachwuchskünstler 

FOTO: XIOMARA BENDER 

15


des Jahres“ gewonnen. Aber Giuseppe 

Domenico Scarlatti, daran lässt er keine 

Zweifel, spielt für ihn in einer ganz eigenen 

Liga. 

Über das Leben des Barockkomponisten 

aus Neapel ist nur wenig 

bekannt. Debargue hat ihm hinterherrecherchiert, 

so gründlich er konnte. 

Hat sich in das Standardwerk „Domenico 

Scarlatti. Leben und Werk“ des 

amerikanischen Cembalisten Ralph 

Kirkpatrick vergraben, das allerdings 

schon Anfang der 70er-Jahre erschienen 

ist und, wie Debargue findet, einige 

falsche Hypothesen aufstellt. Zum Beispiel 

liegen heute in Venedig und Parma 

die einzigen beiden Manuskripte, die 

von Scarlattis Sonaten existieren, allerdings 

nicht aus dessen eigener Hand 

stammen. Sie datieren aus den Jahren 

zwischen 1752 und 1756. Dass in nur vier Jahren aber 555 Sonaten 

entstanden sein sollen, hält der Pianist für absurd: „Es sind Kopien, 

die von älteren Sonaten angefertigt wurden.“ 

Er hat anhand stilistischer Elemente versucht herauszufinden, 

welche die frühesten sein könnten, welche Chronologie sich möglicherweise 

ergibt. Hat sich an Eckdaten entlanggehangelt, wie der 

Veröffentlichung von Scarlattis 30 Essercizi, 1738 anlässlich seiner 

Ernennung zum Ritter, oder dem Jahr 1752, als Padre Antonio Soler 

sein Schüler wurde. Er war es vermutlich, der die Kopien anfertigte. 

Damit sind Leben und Wirken freilich nicht durchdrungen, vieles 

bleibt im Dunkeln. Und genau das reizt Debargue: „Ein Mysterium 

gibt mir Raum. Im Gegensatz zu Werken, die ständig gespielt werden, 

von Chopin oder Rachmaninow, lassen Scarlattis Sonaten Luft 

zum Atmen.“ 

Aufgenommen hat er das Album in der Berliner Jesus- Christus- 

Kirche, an nur vier Tagen, in Sessions von 9 Uhr morgens bis 

23 Uhr abends, fast ohne Unterbrechung. Geschwindigkeit und 

Verausgabung sind die bestimmenden Themen im Leben dieses 

Musikers, der seit sieben Jahren „wie im Rausch“ lebt, der schnell 

denkt und spricht, der eine Zigarette aus der Packung fingert und 

gleich die nächste, ohne die erste angezündet zu haben. In nur vier 

Jahren hat sich Debargue die technischen Fertigkeiten für den 

Tschaikowsky-Wettbewerb draufgeschafft und sich gleich danach 

in den Strom des Konzertlebens gestürzt. „Ich will mich schnell 

entwickeln, schnell verbessern“, erklärt er, „aber auf keinen Fall die 

Tiefe verlieren.“ 

Die 52 Sonatas, mit staunenswertem Nuancenreichtum und 

mitreißenden Stimmungsumschwüngen auf vier CDs verteilt wie 

ein Zyklus der Jahreszeiten, beweisen, dass er sich diesbezüglich 

vorerst keine Sorgen machen muss. Er hat sich auch vorgenommen, 

bald einen Gang herunterzuschalten. „Aber jetzt noch nicht.“ 

Lucas Debargue war zehn Jahre alt, als ihm Scarlatti zum ersten 

Mal begegnete, in der französischen Zeitschrift Pianiste. Die 

Sonate K431 war darin abgedruckt, die kürzeste von allen, nur 16 

Takte, 50 Sekunden lang, aber „ich war fasziniert von der Fülle der 

„SCARLATTIS SONATEN LÖSEN 

UNSER BEWUSSTSEIN 

VON ZEIT UND RAUM AUF“ 

FOTO: XIOMARA BENDER 

Informationen in diesem kleinen 

Stück“. Viel später, 2017, kaufte sich 

Debargue die elfbändige Gesamtausgabe 

der Sonaten. Nahm sich eine 

Woche frei, um die Partituren zweimal, 

dreimal zu lesen, sie schließlich komplett 

zu spielen. „Danach fühlte ich 

mich wie in Trance“, sagt er. „Wie in 

einem luziden Traum, in dem man alles 

sieht und am liebsten jedes Detail notieren 

möchte.“ Die Brücke zwischen 

Traum und Realität, sagt er, sei jetzt die 

Scarlatti-Aufnahme. Aus der Vielzahl 

der Sonaten hat er zunächst 70 in die 

engere Wahl genommen, mit Assoziationen 

markiert, die er beim Spielen 

hatte: „Katze“, „wütend“, „gelb“. Für 

Debargue, das ist ihm wichtig, sind die 

Stücke keine „Miniaturen“. „Manche 

sind episch, manche wie Opern, wieder 

andere wie eine Toccata.“ Gemeinsam sei ihnen, „dass sie unser 

Bewusstsein von Zeit und Raum auflösen. Vielleicht dauert es fünf 

Minuten, eine Sonate zu spielen, aber es kann sich anfühlen wie 

Stunden“. 

Vor die 30 Essercizi hat der Komponist selbst die Warnung 

gesetzt: „Erwarte in diesen Werken keine Tiefgründigkeit, sondern 

eher geistreichen Spaß an der Kunst.“ Soll man Scarlatti da ernst 

nehmen? Debargue lacht. Der Mann, erklärt er, sei ein Spieler gewesen. 

Einer, der viel Geld beim Kartenspiel verpulverte, ständig Schulden 

hatte – aber eben auch wusste, wie man mit psychologischer 

Raffinesse zockt. „Der Satz meint eigentlich das Gegenteil“, ist 

Debargue überzeugt. „Es sagt uns: Da ist mehr. Warum sonst sollte 

er die angeblich fehlende Tiefe betonen?“ 

Geschrieben sind die Sonaten für das Cembalo. Was Debargue 

mit seinem präzisen Spiel vollständig vergessen macht. Und der 

trotzdem sagt: „Das Klavier als solches interessiert mich nicht.“ Was 

er meint: „Nicht das Instrument gibt die Befehle, sondern die 

Musik.“ Über Kompositionen, die nur darauf zielen, die Finger möglichst 

verrückt über die Tasten toben zu lassen, um Virtuosität zu 

demonstrieren, rümpft er verächtlich die Nase. Er habe kürzlich 

einen englischen Ausdruck gehört, der dazu passe: „dick 

swinging“. 

Debargue ist in den vielen Porträts seit dem Tschaikowsky- 

Wettbewerb gern als Außenseiter des Klassikbetriebs beschrieben 

worden, als genialischer Autodidakt und vormaliger Supermarktkassierer, 

als Freigeist einer Pariser Jazzformation oder arroganter 

Schnösel, der sich über die „vielen kleinen Affen“ im Konzertbetrieb 

mokierte. Was er zweifellos ist: ein leidenschaftlicher Musiker 

– und selbst Komponist –, der sich nicht nur für Domenico Scarlatti, 

den „Mystery Man“, sondern auch für die 

Kunstfertigkeit eines Peter Gabriel begeistern 

kann. „Es gibt nur gute oder schlechte Musik“, 

sagt Debargue. 

n 

Scarlatti: 52 Sonaten, Lucas Debargue (Sony) 


DIRIGIEREN 

MACHT MUT 

Der Pianist und Dirigent Lars Vogt über 

Social Media, das Älterwerden 

und die Rhetorik der Musik. 

VON TERESA PIESCHACON RAFAEL 

CRESCENDO: Herr Vogt, als wir 2008 sprachen, hatten Sie auf 

Myspace 296 Freunde. Wie viele haben Sie denn heute? 

Lars Vogt: (lacht laut) Nur ein paar wenige wirklich Vertraute. 

Follower scheinen immer mehr zur Währung zu werden. Wie 

halten Sie es mit den Social Media? 

Eher mittel bis weniger aktiv – wenn ich mich mit Kollegen vergleiche. 

Auf Facebook weise ich auf schöne Konzerte hin oder CDs. 

2.026 Follower habe ich auf Twitter gezählt. 

Ja, da bin ich aktiver, etwa wenn es um den Brexit geht. Ich habe 

in London gelebt, arbeite in Newcastle … 

… als Music Director des Royal Northern Sinfonia. Wie ist die 

Stimmung? 

Der Riss geht durch das ganze Land. Es ist ein Trauerspiel. 

In Zeiten, in denen Präsidenten Politik auf Twitter machen … 

wie nachhaltig sind Retweets im Musikbetrieb? 

Anders als manche Kollegen haue ich nicht ständig meine 

Meinung heraus. Natürlich sind wir Künstler Botschafter, doch 

weniger im plakativ wörtlichen Sinn. Das ist das Schöne an der 

Musik: dass sich die Botschaft subtil, vage, gewissermaßen ohne 

Worte vermittelt; dass sie unsagbar ist in jederlei Hinsicht. Und 

manchmal die Menschen wirklich vereinen kann. 

Einst gab es die „Deutsche Klavier-Schule“ um Artur Schnabel, 

Edwin Fischer, Wilhelm Backhaus, Walter Gieseking und 

Wilhelm Kempff. Wo sind derzeit die deutschen Pianisten, die 

eine solche Tradition wiederaufleben lassen könnten? 

Ich weiß es nicht. Die alte bildungsbürgerliche Zugewandtheit 

scheint ein bisschen verloren gegangen zu sein. In jedem Fall 

gibt es Talente. Ich habe allerdings beobachtet, dass man etwa in 

Norwegen – um nur ein Land zu nennen – beispielsweise mit 

Stipendien, aber auch mit Auftritten mit wichtigen Orchestern 

unterstützt wird. In Deutschland habe ich nicht das Gefühl, um 

es vorsichtig zu sagen, dass man hier als einheimisches Talent auf 

Händen getragen wird. 

Auch für die Agenturen scheint es interessanter zu sein, einen 

Künstler zu vermarkten, der von weit herkommt und eine 

vermeintliche „Story“ hat, als einen jungen Menschen, der in 

der deutschen stillen Provinz aufwächst. 

Das finde ich auch sehr bedauerlich. Auch ich bekam, nachdem 

wir für ein Projekt tolle Musik zusammengestellt hatten, zu 

hören: „Where is the story? You have to tell a story!“ Die Story ist 

doch die Musik selbst! Junge Künstler bekommen das wie eine 

zweite Haut heute mit, versuchen oft Plakatives nach außen zu 

tragen. Die musikalische Kernaussage tritt oft leider in den 

Hintergrund. 

Immer wichtiger wurde auch die Optik. 

Aber das wird zur Falle, wenn man sich stets an der eigenen oder 

der Jugend anderer misst. Wenn ich an Clara Haskil denke: in der 

Erscheinung eher ein graues Mäuschen – aber was hat die für 

Musik gemacht! Wie sprechen heute noch von ihr! 

In einem Interview sprechen Sie die Schwierigkeit des älter 

werdenden Künstlers an. 

Ich kann mich ja nicht beklagen. Ich konzertiere weltweit, bin 

Chefdirigent bei einem der wichtigsten Kammerorchester 

Europas, führe seit über 20 Jahren mein Festival „Spannungen“, 

unterrichte als Professor an der Hochschule in Hannover. Doch 

als ich älter wurde, warnte man mich. Zwischen 40 und 60 werde 

die Vermarktung schwieriger. Da sei man nicht mehr ein junges 

Talent, aber auch nicht der „old revered Master‘“ Und eben nur 

„old news“. Dabei werden die meisten Musiker in diesem Alter 

erst richtig gut! 

Kompliment für Ihre Aufrichtigkeit in einer Welt, in der jeder 

so tut, als sei er ewig jung! 

Auch ich musste dazulernen. Heute mit 49 stehe ich zum Beispiel 

offensiv dazu, dass ich fast nicht mehr auswendig spiele. Ich will 

mir den Stress nicht mehr antun, denn das lenkt vom wirklichen 

Musizieren ab. Ich bin zum iPad-Spieler geworden. 

Wie? 

Ich habe den iPad im Flügel liegen als Gedächtnisstütze. Mit 

einem Bluetooth-Pedal blättere ich mit dem linken Fuß um. 

Endlich kann ich mich nur auf die Musik freuen! Liszt hatte das 

Auswendigspielen ja eingeführt – auch wegen des zirzensischen 

Effekts. Den habe ich nicht mehr nötig. 

Im Interview des Booklets zu Ihrem Album mit vier Klaviersonaten 

Mozarts sagen Sie, dass Sie sich jetzt mehr trauen, zu 

Ihren Gedanken zu stehen. 

Früher hatte ich so eine Art Zensor in mir, der mir sagte, wie eine 

Bewegung zu sein hat. Jetzt habe ich oft Harnoncourts Bemerkung 

im Kopf, der bei der Aufnahme der Mozart-Konzerte mit 

Lang Lang sagte: „Ein Leben habe ich darum gekämpft, dass 

Achtel nicht ganz rhythmisch sein sollen!“ Genau das ist es, 

Musik als rhetorische Deutung, das hält die 

Musik lebendig! Vielleicht habe ich jetzt mehr 

Mut, weil ich dirigiere. 

n 

Brahms: Klavierkonzert Nr. 1, Vier Balladen, Lars Vogt, Royal 

Northern Sinfonia (Ondine) 

FOTO: GIORGIA BERTAZZI 

17


EIN MOZART-KONZERT HAT SEIN LEBEN 

GEPRÄGT UND VERÄNDERT 

DIE 

VERLOCKUNG 

DER TRÄUME 

Der Flötist Emmanuel Pahud über musikalische Visionen, 

den Dialog mit einer Schreibmaschine 

und den Vorteil kosmopolitischer Städte. 

VON CORINA KOLBE 

Klick, klack, klack – pling! Nicht alle Tage trifft Emmanuel Pahud auf eine so 

ungewöhnliche Kammermusikpartnerin. In Olga Neuwirths surreal anmutendem 

Werk Aello. Ballet mécanomorphe kommuniziert die Querflöte temperamentvoll 

mit einer mechanischen Schreibmaschine. Die Komponistin ließ sich von Bachs 

Brandenburgischen Konzerten und von Colette inspirieren. Denn die Pariser Schriftstellerin 

hat bei solchen Klängen an eine „göttliche Nähmaschine“ gedacht. „Es ist 

verrückter Barock, modern erlebt“, lacht Pahud, der das Stück kürzlich mit Stipendiaten 

der Karajan-Akademie der Berliner Philharmoniker aufführte. Am Pult stand 

die finnische Dirigentin und Neue Musik-Expertin Susanna Mälkki. Zu dem Ensemble 

aus Streichern und Bläsern gesellten sich ein Synthesizer-Cembalo in barocker Stimmung, 

eine Portiersglocke und ein Triangel mit elektrischem Milchaufschäumer. 

„Zeitgenössische Musik ist für mich sehr belebend“, meint der langjährige Soloflötist 

der Philharmoniker, der neben seinem Orchesterjob regelmäßig mit eigenen Projekten 

rund um den Globus unterwegs ist. 

Und so finden sich auch auf seinem neuen Album „Dreamtime“, das er mit dem 

Münchner Rundfunkorchester unter Leitung seines Chefs Ivan Repušić aufgenommen 

hat, Komponisten der Gegenwart. Der Titel erinnert an das gleichnamige Flötenkonzert, 

das der französische Komponist Philippe Hersant vor einigen Jahren für 

Pahud geschrieben hat. Dieses Stück, das teils albtraumhafte Züge trägt, ist zwar nicht 

auf der CD zu hören – dafür aber das Konzert für Flöte und Kammerorchester von 


Mann mit Durchblick: 

Vielfalt ist gut für das Leben 

und die Kunst 

FOTO: JOSEF FISCHNALLER


„ZEITGENÖSSISCHE MUSIK IST 

FÜR MICH SEHR BELEBEND“ 

FOTO: JOSEF FISCHNALLER 

Krzysztof Penderecki, der wie 

Hersant die Grauzonen des 

menschlichen Bewusstseins zwischen 

Schlafen und Wachen auslotet. 

„In Pendereckis Konzert 

hat man anfangs das Gefühl, aus 

einem schlechten Traum aufzuwachen. 

Alles um einen herum 

wirkt undeutlich, schattenhaft. 

Die Musik lebt von diesem Kontrast, 

von dem Kampf zwischen 

Schlafen-Wollen und Nicht- 

Schlafen-Können“, erklärt er. 

„Den Schluss hat Penderecki bei 

einer Mondfinsternis geschrieben, 

sein Werk endet in einer 

Atmosphäre von Ruhe und Verträumtheit. 

Er hat selbst angemerkt, 

dass er so den Weg zum 

Jenseits gefunden hat.“ Zehn 

Jahre nach der Uraufführung 1993 durch den legendären Flötisten 

Jean-Pierre Louis Rampal hat Pahud das Werk ebenfalls unter Leitung 

Pendereckis mit dem Orchestre de Chambre de Lausanne gespielt. 

Bei Tōru Takemitsus I Hear the Water Dreaming verrät bereits 

der Titel den Bezug zur Sphäre des Onirischen. Der japanische 

Komponist wurde hier von einem Gemälde inspiriert, das auf den 

Traumzeit-Mythos der australischen Aborigines Bezug nimmt. 

Pahud ist aber längst nicht nur auf Zeitgenössisches spezialisiert, er 

hat auch viel Barockmusik und Repertoire aus anderen Epochen 

aufgeführt. In der Romantik spielte die Flöte allerdings eine untergeordnete 

Rolle. „Damals wurden kaum Werke für dieses Instrument 

geschrieben. Man lebte in einer Umbruchzeit. Das änderte 

sich erst, als sich mit der Böhm-Flöte die moderne Querflöte durchsetzte.“ 

Einer der wenigen romantischen Komponisten, die sich für 

die Flöte starkmachten, war Carl Reinecke. „Er hat wunderschöne 

Musik geschrieben, Ohrwürmer, die jeder summen oder pfeifen 

kann. Sein spätes Flötenkonzert D-Dur entstand 1908, zwei Jahre 

vor seinem Tod. Die Faszination der Träumerei in der Musik zieht 

sich wie ein roter Faden durch das Album.“ 

Ferruccio Busonis Divertimento von 1920 ist für Pahud wiederum 

ein Bindeglied zwischen heutigen Komponisten und der 

Flötenmusik aus der Zeit Mozarts. Dessen Andante C-Dur KV 315 

hat er in all seinen subtilen Farbschattierungen bereits oft auf die 

Bühne gebracht. Ohnehin ist der berühmte Salzburger von Kindheit 

an einer seiner musikalischen Fixsterne. Als Pahud, der 1970 

in Genf geboren wurde, mit seinen Eltern vorübergehend in Rom 

lebte, hörte er im Alter von vier Jahren einen älteren Nachbarsjungen 

auf der Flöte musizieren. Sofort war er fasziniert von ihrem 

Klang. Vor allem Mozarts Konzert G-Dur ließ ihn nicht mehr los, 

sodass er zwei Jahre später selbst begann, die Querflöte zu lernen. 

Mit 15 spielte er genau dieses Werk, das ihn elf Jahre vorher inspiriert 

hatte, bei seinem ersten 

öffentlichen Auftritt als Solist mit 

dem belgischen Nationalorchester. 

Belgien war es auch, wo er 

bereits einen nationalen Wettbewerb 

gewonnen hatte. „Das 

Mozart-Konzert hat mein Leben 

geprägt und verändert“, erinnert 

er sich. Zehn Jahre später nahm 

er es mit den Berliner Philharmonikern 

unter ihrem damaligen 

Chef Claudio Abbado auf. 

Bereits mit Anfang 20 Soloflötist 

und jüngstes Mitglied eines 

der weltweit renommiertesten 

Orchester zu werden, verdankt 

Pahud nicht zuletzt seinem Lehrer 

Aurèle Nicolet, einem Studienfreund 

jenes Nachbarn in 

Rom, dessen Sohn seine Liebe 

zur Musik geweckt hatte. Als er den Schweizer Virtuosen bei Auftritten 

in Rom erlebte, hatte er den Eindruck, dieser bringe sein 

Instrument auf der Bühne zum Glühen: „Er verkörperte für mich 

das Ideal eines Flötensolisten.“ Als Pahud bereits mehrere Wettbewerbe 

gewonnen und erste Erfahrungen in Orchestern gesammelt 

hatte, wurde er einer der letzten Privatschüler Nicolets, der ihn 1992 

mit Erfolg auf den Concours International de Genève und das Probespiel 

bei den Berliner Philharmonikern vorbereitete. 

Als Orchestermusiker hat er nach der Ära Abbado auch die 

Zeit mit Simon Rattle erlebt. Der künftigen Zusammenarbeit mit 

Kirill Petrenko, seit August dieses Jahres neuer Chefdirigent des 

Orchesters, blickt er freudig entgegen: „Seine Wahl liegt inzwischen 

mehr als vier Jahre zurück. Die Lust, miteinander zu musizieren, 

hat seitdem immer weiter zugenommen. Mit großer Überzeugungskraft 

ergründet Petrenko die Vorstellungen eines Komponisten und 

lässt sie als eine Art musikalisches Hologramm im Konzert wiedererstehen. 

Daraus resultiert eine Magie, die deutlich zu spüren ist.“ 

Auch wenn Pahud als Solist und Kammermusiker mehrere 

Monate im Jahr auf Reisen ist, fühlt er sich vor allem im kosmopolitischen 

Berlin zu Hause. „Von meiner Herkunft her bin ich Franzose 

und Schweizer, ich besitze beide Pässe. Als Kind habe ich mit 

meinen Eltern in Bagdad, Paris, Madrid, Rom und Brüssel gelebt. 

Und seit 30 Jahren bin ich nun Berliner. Die Stadt, in der so viele 

Menschen aus unterschiedlichen Nationen zusammenkommen, ist 

für mich nach wie vor ein Ort, der einen dazu verlockt, eigene 

Träume zu verwirklichen. Im Idealfall entspricht dies auch dem 

Leben des Künstlers auf der Bühne.“ 

n 

Penderecki, Reinecke, Mozart u. a.: „Dreamtime“, Emmanuel Pahud, 

Ivan Repušić (Warner Classics) 


LIEBE ZUR ROMANTISCHEN 

TRADITION 

Anlässlich des 200. Geburtstags lud Andris Nelsons das Skride Piano Quartet ein, Clara Schumanns 

Romanzen für Violine und Klavier im Leipziger Gewandhaus zu spielen. Ein Gespräch mit Baiba Skride 

über die Vorteile und die Herausforderung, in der heutigen Zeit Künstlerin zu sein. 

VON ROLAND H. DIPPEL 

CRESCENDO: Sie sind eine viel 

reisende und verheiratete Musikerin 

und Mutter – wie Clara 

Schumann. Was ist für Sie heute 

anders als in der Mitte des 19. 

Jahrhunderts? 

Baiba Skride: Fast alles. Im 

Vergleich zu Clara Schumann habe 

ich fast nur Vorteile. Dafür bin ich 

meinem Mann sehr dankbar. Er hält 

in Bad Kreuznach unser Zuhause 

zusammen, versorgt die Kinder und 

hilft mir bei der Planung von allem. 

Das war zur Zeit Robert Schumanns 

für einen Familienvater nicht üblich. 

Allerdings sind unsere Kinder 

bereits sieben und elf Jahre alt. 

Meine Abwesenheit ist also eine 

verhältnismäßig geringe 

Schwierigkeit. 

Haben Sie noch offene Wünsche? 

Ein Auftritt mit den Wiener 

Philharmonikern hat sich bisher 

nicht verwirklicht. Das ist ein ganz 

großer Wunsch für den Fall, dass ich 

noch einige Jahre weitermachen 

kann wie bisher. Ich versuche realistisch zu sein: Die Konkurrenz 

ist groß. Also muss man mit den Gedanken immer voraus sein, 

immer an sich arbeiten, immer weiter üben und das Beste geben. 

Bedeutet „sich behaupten“ für Sie eher eine Einschränkung 

oder eine Entfaltungsmöglichkeit? 

Es ist immer eine große Herausforderung, mit herausragenden 

Kollegen und Kolleginnen zu arbeiten. Im Idealfall ergeben sich 

langjährige Partnerschaften. So war es bei unserem Klavierquartett. 

Mit meiner Schwester, deren Großherzigkeit ich immer 

bewundere, bin ich seit Beginn unserer Laufbahn auch musikalisch 

sehr vertraut. Aber es ist nicht selbstverständlich, in einem 

Ensemble wie unserem Klavierquartett Werke zu erarbeiten und 

immer tiefer zu verfeinern. Ich denke, die anstehende Australien- 

Tournee wird uns künstlerisch noch enger zusammenbringen. 

Vielleicht klappt es sogar mit einem Kompositionsauftrag. 

Sie merken: Es überwiegt die Entfaltungsfreiheit. 

Wie wichtig sind für Sie Aufnahmen? 

Als musikalisches Dokument halte ich Alben für sehr bedeutsam 

– nicht als Werbung. Einspielungen sind ein persönliches 

Vermächtnis und dokumentieren den Entwicklungsstand zu 

einem bestimmten Zeitpunkt. Die persönliche Entwicklung geht 

weiter, aber das Dokument – ob wertbeständig oder nicht – bleibt. 

Das gilt auch für meine anstehende Gesamteinspielung der fünf 

Violinkonzerte von Mozart. Ich will 

der Welt das hinterlassen, was ich 

empfinde. Ich stehe zu meinem 

romantischen Stil und gestehe, dass 

ich mit der historisch informierten 

Aufführungspraxis nicht so viel 

anzufangen weiß. Eine tiefe 

Stimmung auf 436 Hz ist für mich 

stellenweise sogar schmerzhaft, weil 

ich ein höhenorientiertes absolutes 

Gehör habe. 

Was waren besondere Signalpunkte 

in Ihrer künstlerischen 

Entwicklung? 

Ganz besonders wichtig war für 

mich Andris Nelsons, als ich in 

Lettland 2001 unter ihm zum ersten 

Mal das Beethoven Violinkonzert 

spielte. Ich bewundere ihn als 

Sinfoniker und bin glücklich, dass 

wir uns gefunden haben. Ein anderer 

Durchbruch waren zwei Tage 

Austausch mit dem Cellisten Boris 

Pergamenschikow. Sein unglaubliches 

Wissen, seine Hingabe und 

seine Liebe zur Musik wurden für 

mich essenziell. Nach 20 Jahren denke ich immer noch daran. 

Wo fühlen Sie sich in der Musik am wohlsten? 

Ich liebe alles ab der Wiener Klassik. Bei Barockmusik haben 

andere Künstler mehr zu sagen als ich. Meine Favoriten sind die 

Violinkonzerte von Dmitri Schostakowitsch und Béla Bartók. Ich 

will mich nicht festlegen. Hier im Gewandhaus denke ich: 

Schumann ist genial. Aber ich habe mich auch genauso gefreut 

auf die Uraufführung des Violinkonzerts A Portrait of a Lady 

by Swan Lake von Viktoria Borissova-Ollas mit dem Royal 

Stockholm Philharmonic Orchestra im Konserthuset Stockholm 

im September. 

Haben Sie enzyklopädische Ansprüche? 

Das kommt auf die Komponisten an, nicht auf Trends. Bei den 

zehn Beethoven-Sonaten zögere ich, obwohl es keinen besseren 

Zeitpunkt der Veröffentlichung gäbe als das Jubiläumsjahr 2020. 

Bei Mozart ist das anders. Die fünf Violinkonzerte mit dem 

Swedish Chamber Orchestra kommen gerade im richtigen 

Augenblick. 

n 

Béla Bartók: Violinkonzert Nr. 2 und Rhapsodien für Violine und Orchester, 

Baiba Skride, WDR Sinfonieorchester Köln, Eivind Aadland (Orfeo) 

Track 10 auf der CRESCENDO Abo-CD: Konzert für Violine und Orchester 

Nr. 2 BB 117 Sz 112. II. Andante tranquillo von Béla Bartók 

21


IN DER KUNST GIBT 

ES KEINEN BESTEN 

Er gilt als musikalisches Wunderkind. Bereits mit neun Jahren gab Daniel Lozakovich in 

Moskau sein Debüt als Solist. Jetzt hat sich der 18-jährige Geiger wieder Russland zum Thema 

gemacht: mit Tschaikowsky. Ein Gespräch über Einsamkeit, Isolation und Melancholie. 

VON PATRICK WILDERMANN 

FOTO: JOHAN SANDBERG 

Das Café „Klein und Kaiserlich“ 

ist im stilechten 

Wiener Plüsch gehalten, 

liegt aber nur einen Steinwurf 

von der Hamburger 

Elbphilharmonie entfernt. 

Am Abend hat der Violinist 

Daniel Lozakovich 

dort seinen Auftritt mit 

dem Moscow Chamber 

Orchestra. Nichts, was den 

gerade 18-jährigen Shootingstar 

aus der Ruhe bringen 

würde. Er nimmt sich 

viel Zeit, um über seine 

Tschaikowsky-Aufnahme 

„None but the lonely heart“ 

und die gemischte russische 

Seele zu sprechen. 

CRESCENDO: Sind 

Städte für Sie mit Musik 

verbunden? 

Daniel Lozakovich: Es kommt natürlich auf die Stadt an. Jede 

hat ihre eigene Kultur, die wiederum eine spezifische Musik 

atmet. Wenn es eine Komponistenstadt ist, wird die Inspiration 

natürlich größer. In Leipzig spüre ich den Einfluss von Bach, in 

Salzburg natürlich den Mozarts. Und in Moskau ist es 

Tschaikowsky. 

Stellen Sie sich einen Soundtrack zusammen, der Sie auf Reisen 

begleitet? 

Sobald ich aufwache, höre ich Musik. Heute Morgen war es 

Beethoven, die Rasumowsky-Quartette, 

Streichquartett 

Nr. 7. Es gibt 

natürlich auch Momente, 

in denen ich mich nach 

Stille sehne. Während 

eines Konzerts zum 

Beispiel (lacht). Da halte 

ich es mit Vladimir 

Horowitz, der gesagt hat, 

es gehe ihm nicht um 

Applaus, sondern um 

Stille. Natürlich freue ich 

mich über Beifall. Aber 

echte, konzentrierte Stille 

nach einem Stück kann 

atemberaubend sein. 

Erleben Sie den Hype, 

der um Sie tobt, manchmal 

wie Lärm? 

Nein, um ehrlich zu sein, 

denke ich darüber nicht viel nach. Ich bin fast ausschließlich von 

großartigen Musikern umgeben, die ich bewundere – und von 

Menschen, die mit Musik gar nichts zu tun haben. Das brauche 

ich als Ausgleich. Ich habe gerade die Schule abgeschlossen, Gott 

sei Dank, die war ein schwerer Rucksack auf meinen Schultern. 

Während des Übens kreisten meine Gedanken immer darum, 

welchen Unterrichtsstoff ich versäumt habe, welche Prüfungen 

anstehen. Jetzt kann ich mich ausschließlich meiner Kunst 

widmen, daneben gibt es nichts. 

Ihnen werden viele Label verpasst: „Wunderkind“, „Der neue 


Menuhin“ – können Sie das beiseiteschieben? 

Mit Yehudi Menuhin werde ich verglichen, seit ich zwölf war. 

Natürlich ist er einer meiner Lieblingsviolinisten, ich bewundere 

ihn grenzenlos, aber mein Spiel ist anders, weil ich eine andere 

Persönlichkeit habe, ganz einfach. Wobei es eine Ehre ist, mit ihm 

verglichen zu werden – besser als mit einem Stümper! (lacht) 

Haben Sie sich dieses Selbstbewusstsein erst aneignen müssen? 

Ich hatte immer dieses Vertrauen in mich. Ich weiß gar nicht, 

warum. Als ich zum ersten Mal eine Violine gesehen habe, 

wusste ich, das ist mein Instrument, ich werde Musiker. Und 

nicht bloß irgendeiner, sondern der beste. Damals war ich noch 

jung und wusste nicht, dass es den besten nicht gibt. Schon 

meinen Eltern zu eröffnen, dass ich Violinist werde, war ein 

Beweis von Selbstbewusstsein. Sie sind eben keine Musiker, 

meine Mutter war schockiert. Verständlich, wir wissen ja alle, wie 

eine Violine klingt, wenn man erst anfängt zu üben. Aber ich 

habe sie überzeugt. 

Wie ist Ihnen das gelungen? 

Meine Mutter wollte, dass ich Tennisspieler werde. Ich habe zu 

ihr gesagt, Tennisprofi kann ich nur sein, bis ich 30 bin. Die 

Violine kann ich mein Leben lang spielen. Ich bin dann um die 

halbe Welt gereist, um gute Lehrer zu finden, das war die größte 

Herausforderung. Als ich Josef Rissin in Deutschland getroffen 

habe habe, wusste ich sofort: Er ist der Richtige für mich. Bei ihm 

habe ich mit elf Jahren zu studieren begonnen, er hat den 

Violinisten aus mir gemacht, der ich jetzt bin. Später habe ich 

meinen zweiten Lehrer gefunden, der eher ein Coach war und 

mittlerweile wie ein zweiter Vater für mich ist, Eduard Wulfson. 

Wenn ich auf Tournee bin, ist er immer an meiner Seite. 

Im Sport gibt es Ranglisten. In Ihrem Metier ist es schwerer zu 

beurteilen, wann die Spitze erreicht ist. Woran merkt man es? 

Es nützt jedenfalls nichts, wenn man es nur selbst merkt und 

sonst keiner! (lacht) Manche widmen sich der Musik aus vollem 

Herzen, aber niemand fühlt mit ihnen, also genügt es nicht. 

Andere nähern sich ihr rein intellektuell, das kann sehr langweilig 

sein. Erst wenn sich beides verbindet, erreicht man die 

Menschen. Aber es gibt in der Kunst nicht den Besten. Wenn Sie 

vor einem Gemälde von Rembrandt oder Picasso stehen, stellen 

Sie doch auch keine Vergleiche an, oder? Man taucht ganz ein in 

deren Welt. Nichts anderes existiert in diesem Moment. 

Bringt eine Solokarriere wie Ihre Einsamkeit mit sich? 

Gerade vor Konzerten bin ich gern allein. Ich bin so daran 

gewöhnt, niemanden zu sehen, dass es zur Normalität geworden 

ist. Fast schon zur Sucht (lacht). Aber natürlich kenne ich 

Momente von Einsamkeit, in denen ich mich nach der Gesellschaft 

von anderen sehne. 

Was ist der Unterschied zwischen Einsamkeit und Isolation? 

Einsam ist in gewisser Weise doch jeder. Einsamkeit kann 

durchbrochen werden. Von jemandem, der sich einem zuwendet. 

Aber wenn man isoliert ist, lebt man in der Angst, überhaupt 

anderen zu begegnen, denke ich. 

Tschaikowsky war sehr isoliert in seiner Zeit. 

Einsam und isoliert, ja. Er trug eine so schwere Bürde. Sein 

Geheimnis, seine Homosexualität, konnte er niemandem 

anvertrauen, ohne schlimme Konsequenzen zu fürchten. 

Immerhin hatte er seinen Bruder, dem er sich anvertrauen 

konnte. 

Das genügte wohl nicht. Auch Vincent van Gogh hatte einen 

Bruder, dem er vertraute, aber sie waren sehr einsame Menschen. 

Tschaikowsky war in Russland verwurzelt, er trug seine Heimat 

immer mit sich, wie ein Kreuz um den Hals. Öffnen konnte er 

sich ausschließlich in der Musik. Und das hat er wie kein anderer 

Komponist getan. Sein Stil ist natürlich russisch, aber war auch 

geprägt von französischen und deutschen Einflüssen, von Mozart 

und Beethoven – nicht Brahms! (lacht) 

Wie wichtig ist es Ihnen, sich das Universum eines Komponisten 

zu erschließen, den Sie spielen? 

Ich versuche, über jeden Komponisten so viel wie möglich 

herauszufinden. Ich recherchiere, lasse mir Tipps geben, schaue 

mir die kompletten Partituren an – vielleicht hat das Werk mir 

etwa zu erzählen, das ich sonst nirgends erfahren kann. Wie hat 

der Komponist gelebt, wie gefühlt, was war seine Inspiration? Der 

Vorgang ist mit Schauspielerei vergleichbar. Große Schauspieler 

müssen mit den Figuren eins werden, die sie verkörpern. 

Und Sie verschmelzen mit 

dem Komponisten? 

„WER EIN GEHEIMNIS 

MIT SICH HERUM- 

SCHLEPPEN MUSS, 

KANN SICH 

TSCHAIKOWSKY 

ANVERTRAUEN“ 

Ich versuche es. Mein 

Violinspiel soll der Musik 

helfen. Nicht umgekehrt. 

Echte Virtuosität ist für 

mich nicht das Protzen mit 

technischen Fähigkeiten, 

sondern es bedeutet, eine 

Komposition bis ins Kleinste 

zu verstehen. Nur dann 

kann man mit ihr die 

Menschen mitreißen, 

schockieren, sie schwindeln lassen. Wenn das nicht gelingt, was 

vorkommen kann, wird es kein gutes Konzert. 

Sie haben Ihr Tschaikowsky-Album in Moskau aufgenommen, 

im Heimatland des Komponisten, in dem heute ein ziemlich 

homophobes Klima herrscht. War das ein Zwiespalt? 

Nein, so habe ich das nicht empfunden. Tschaikowsky ist der Star 

in Russland, die Leute verstehen seine Musik, sie berührt jeden. 

Wer ein Geheimnis mit sich herumschleppen muss, kann sich 

Tschaikowsky anvertrauen. Es war wichtig für mich, das Album in 

Russland aufzunehmen. Und vor allem: es mit Maestro Vladimir 

Spivakov einzuspielen, der mein erster Dirigent überhaupt war und 

der mein Lieblingsviolinist für Tschaikowsky ist. 

Eine Rückkehr zu den Wurzeln in jungen Jahren … 

Wir haben in derselben Halle gearbeitet, in der ich zum ersten 

Mal mit Orchester aufgetreten bin. Ich wollte an diese unvergessliche 

Erfahrung anknüpfen und sie neu erfinden, deswegen 

musste es auch eine Live-Aufnahme sein. 

Wie übersetzt man Gefühle in Musik? Tschaikowskys Méditation 

beschreiben Sie selbst als ein Stück von kaum in Worte zu 

fassender Melancholie. 

Ich gebe zu, das ist schwer. Um Melancholie hörbar zu machen, 

muss man sie in sich haben. Manchmal genügt es dafür schon, 

sich zurückzuziehen und allein zu sein. Melancholie bedeutet ja 

nicht einfach, traurig zu sein. Sie ist ein Schmerz, mit dem man 

sich versöhnen kann. Picassos Blaue Periode beschreibt Melancholie 

perfekt, Der alte Gitarrenspieler zum Beispiel. 

Braucht es so etwas wie die vielbeschworene russische Seele, um 

Tschaikowsky ganz durchdringen zu können? 

Schwer zu sagen. Ich habe eine Menge russischer Einflüsse in mir, 

aber auch viele andere, es ist also eine gemischte russische Seele … 

meine Eltern und Großeltern kommen aus Ländern, die mit der 

ehemaligen Sowjetunion verbunden waren, natürlich fühle ich 

eine Nähe zu Tschaikowsky. Aber das geht mir auch mit deutschen 

Komponisten so. 

Maestro Spivakov soll gesagt haben: „Jetzt sind Sie für die 

nächsten 50 Jahre dran mit diesem Concerto“ … 

Spivakovs Aufnahme des Concertos ist für mich und viele andere 

die beste aller Zeiten. Natürlich hat mich sein Satz sehr berührt. 

Und ich empfinde ihn auch als Verpflichtung. Ich habe mir die 

Violine ausgesucht, um sie bis ans Lebensende zu spielen, also 

werde ich immer mein Bestes geben. 

Béla Bartók: Violinkonzert Nr. 2 und Rhapsodien für Violine und 

Orchester, Baiba Skride, WDR Sinfonieorchester Köln, Eivind Aadland 

(Orfeo) 

n 

23


FOTO: ANDERS BROGAARD 

„ICH SUCHE 

KEINE 

UNSTERBLICHKEIT“ 

Gabriela Montero ist die Königin der Interpretation. Eine einfache Melodie genügt, 

und sie macht große Musik daraus. Nun legt sie ihr erstes Klavierkonzert vor: 

ein politisches Statement, das der Welt zeigen soll, wie Venezuela wirklich ist. 

VON JENS F. LAURSON 


D 

ie venezolanisch-internationale Pianistin Gabriela 

Montero ist auf dem Weg vom Barcelonaer Flughafen 

nach Hause, als mein vereinbarter Telefonanruf sie erreicht. Sie parkt 

kurzerhand am Straßenrand. 

CRESCENDO: Wir machen das so kurz und schmerzlos wie 

möglich, verspreche ich. 

Gabriela Montero: Och, Interviews sind eigentlich meist recht 

schmerzlos. Nur wenn ich über spezifische politische Aspekte 

befragt werde, kann es manchmal etwas schmerzlich werden. 

Weil die Situation – vor allem in Ihrem Heimatland – quälend ist? 

Ja, leider. Wir denken oft über Politik nach, als wäre es etwas, was 

uns nichts angeht und mit 

unserer globalen Gesellschaft 

gar nichts zu tun hat. Tatsache 

ist, dass Politik in alle Aspekte 

unseres Seins hineinspielt. Sie 

bestimmt, wie die Welt zusam - 

mengefügt ist. Und die Situation 

ist schmerzlich. Aber wir 

können auch nur über Musik reden. Das soll mir auch recht sein. 

Das wird gar nicht so leicht – Ihre Kompositionen sind persönlich-politische 

Bekenntnisse. Kommen wir doch gleich zu 

Ihrem Latin Concerto. Es ist gerade mit dem Ravel-Konzert 

herausgekommen und ist Ihr erstes Klavierkonzert, will man 

Ihr Opus 1, ExPatria, als etwas wie eine Rhapsodie für Klavier 

und Orchester betrachten. 

Ich würde ExPatria als Tondichtung bezeichnen … Ein gänzlich 

politisches Statement in musikalischer Form. Als ich über Jahre 

konzertierend um die Welt reiste, so viele verschiedene Zuhörer 

kennenlernte und gleichzeitig bemerkte, wie viel Unwissen über 

Venezuela existiert, wurde mir bewusst, dass ich einen Weg 

finden muss, um zu kommunizieren, was in Venezuela wirklich 

vor sich geht. Mit dem emotionalen Medium Musik konnte ich 

die intellektuelle Diskussion über Politik umgehen und direkt 

von dem menschlichen Aspekt und Leid sprechen. 

Wenn Sie komponieren, was überwiegt? Die Komponistin, die 

eine Aussage treffen will? Oder die Pianistin, die das komponiert, 

was sie später gerne selbst auf der Bühne spielt? 

In erster Linie sehe ich mich als Interpretin, weil ich Kommunikatorin 

bin. Und kommuniziert habe ich schon immer über 

meine vielen Improvisationen, aber auch über mein Spiel von 

Repertoirestücken. Wenn ich komponiere, dann immer, weil ich 

eine Geschichte erzählen möchte: Wer bin ich – als Frau, als 

Musikerin, als Venezolanerin –, und was denke ich über die 

aktuellen Ereignisse, die sich so sehr auf mein Leben und mein 

Land auswirken? Es geht mir dann also nicht so sehr um den 

Aspekt der Darbietung, sondern eher darum, Botschafterin zu 

sein und ein Dokument zu hinterlassen. Darüber, was die 

Venezolaner schon alles haben durchmachen und durchleiden 

müssen. Könnte ich Worte benutzen, die genauso wirksam sind, 

ich würde Worte wählen. Aber Musik ist so wirkungsvoll in der 

Kommunikation, weil sie direkt zum Herzen geht. 

So weit ExPatria. Was ich hingegen mit dem Latin Concerto 

kommunizieren will, ist das: Ja, Südamerika ist ein Kontinent, der 

bekannt ist für seine Rhythmen, seine Buntheit, seinen Geist. Für 

seinen Humor, die Sinnlichkeit seiner Länder und Leute. Auch für 

eine Einstellung, die es irgendwie immer schafft, allen Schwierigkeiten 

und Extremen zu trotzen. Das Konzert ist eine Reflexion 

über die Tatsache, dass das zwar alles irgendwie zutrifft, aber dass 

Land und Kontinent noch so viel mehr sind. Insbesondere auch, 

„ICH KOMPONIERE, WEIL ICH 

EINE GESCHICHTE ERZÄHLEN MÖCHTE“ 

dass es da eine ganz beachtliche dunkle Seite gibt. Klar kann man 

davon die Rhythmen und Melodien, die Spritzigkeit und Leuchtkraft 

mitnehmen. Aber es gibt zuhauf Schatten, die unsere 

Entwicklung und unser Wohlergehen gefährden. Diese Botschaften 

über die dunkleren Seiten unserer Natur sind mit eingebettet. 

Es gibt in der klassischen Musik einen Topos des „lateinamerikanischen 

Klangs“ – bei dem südamerikanische Lebendigkeit 

schnell kippt und man meint, Speedy Gonzalez höchstpersönlich 

wäre mit den Maracas davongelaufen. Das passiert in Ihrem 

Konzert nicht – weil Sie auch die dunkleren Seiten ansprechen? 

Ja, die Tendenz zu einer Karikatur des Lateinamerikanischen gibt 

es leider. Diese Idee, dass sich 

in Lateinamerika alles um 

Spaß, Sonne, Strand, Musik 

und Mojitos dreht … So ist es 

nicht. Die Realität ist weitaus 

komplexer und grausamer als 

das, worüber die Leute wirklich 

reden wollen. Mein Ziel ist es, 

unter die Oberfläche zu kommen, um wirklich herauszufinden, 

was in diesen Ländern los ist. Und natürlich hat Musik ihre 

Grenzen – sie kann sehr abstrakt sein. Deshalb halte ich den 

Begleittext zum Konzert für wichtig. Man mag den Pajarillo (ein 

typisch venzuelanischer Tanz, dem Joropo ähnlich) im dritten 

Satz hören und denken: „Oh, das ist wunderbar tanzbare Musik.“ 

Aber das ist sie nicht wirklich. Es ist vielmehr ein Versuch, ein 

Porträt meiner Kultur zu malen, mit allen Ecken und Kanten. Es 

ist wie ein vorgehaltener Spiegel, durch den ein langer Sprung 

geht. Man hört zwar den Mambo, aber man ahnt unterschwellig 

die Belastungen … Und das sogar ziemlich brutal. 

Denken Sie schon an den Moment, in dem Ihr Konzert von 

jemand anderem aufgeführt werden wird? 

Bisher habe nur ich meine Stücke gespielt. Aber es wird interessant 

werden, sollte es dazu kommen. Weil es doch irgendwie wie 

bei einem eigenen Kind ist: Man muss lernen loszulassen. Ich 

vermute, das wird am Anfang schwierig sein … Es ist ja auch ein 

bisschen so, wie ich das Leben sehe: Ich erschaffe etwas, ich 

entwerfe etwas – und dann gehe ich weiter. Ich suche keine 

Unsterblichkeit, ich habe kein Interesse daran, der Komponist mit 

dem größten Portfolio zu werden, ich habe kein Interesse daran, 

der größte Name in irgendetwas zu werden. Es geht mir darum, 

Fingerabdrücke zu hinterlassen: Wie ich gelebt habe, was ich 

gesehen habe, was ich für wichtig halte – und darüber zu sprechen. 

Gespräche anzustoßen, ja, zu provozieren. Und dann 

blättere ich um und mache weiter. 

Sie wohnen in Barcelona … 

Na ja, eher mehr „überall“. Aber meine Garderobe – zumindest 

ein Teil davon – ist in Barcelona, ja. (lacht) 

… und davor haben Sie in Kalifornien gelebt: Ist es wichtig, 

dass es, wo immer Sie leben, großartigen Wein gibt? 

Um ehrlich zu sein, habe ich darüber nie wirklich nachgedacht. 

Ich glaube, es sagt mir eigentlich mehr über Sie. (lacht) Aber ich 

mag Wasser – ich lebe auf jeden Fall gerne in der Nähe von 

Gewässern. Und guten Flughäfen. Und natürlich guten Freunden, 

das ist das Wichtigste! 

n 

Ravel: „Klavierkonzert G-Dur“; Montero: Klavierkonzert Nr. 1 „Latin 

Concerto“, Gabriela Montero (Orchid Classics) 

Track 7 auf der CRESCENDO Abo-CD: 

Klavierkonzert G-Dur. II. Adagio assai von Maurice Ravel


MEHR VERRÜCKTHEIT 

WAGEN 

Ein genialer Widerspruch: distinguierte Nachdenklichkeit und Passion. Céline Moinet, Solistin, 

Lehrerin und Solo-Oboistin der Sächsischen Staatskapelle, vereint sie aufs Schönste. 

VON ROLAND H. DIPPEL 

FOTO: FRANÇOIS SECHET 

CRESCENDO: Alte Musik ist für Sie Neuland. Jetzt haben Sie 

mit dem Orchester l’arte del mondo Werke von Bach und 

Marcello eingespielt. Wie kam es dazu? 

Céline Moinet: Die Arbeit an einem Album beginnt nie erst vor 

den Mikrofonen. Seit dem Beginn meiner Professur an der 

Hochschule 2013 erweitert sich mein Spektrum innerhalb der 

Alten Musik. Zum Beispiel spielen meine Studierenden regelmäßig 

im Kantaten-Projekt von Hans-Christoph Rademann. Die 

Oboe hat in Bachs Kantaten herausragende Bedeutung. Sie singt 

und kommentiert. Deshalb wollte ich mich selbst aktiv mit 

diesem Repertoire auseinandersetzen. Werner Ehrhardt war 

dafür der richtige Partner, weil er sich nie mit standardisierten 

Lösungen zufriedengibt. 

Derzeit ist das künstlerische Angebot bei Bach riesig. Wäre da 

nicht eine andere Werkauswahl naheliegender? 

Es geht um meinen Klang und meine Vorstellungen auf Basis der 

historisch informierten Aufführungspraxis. Es geht auch darum, 

mit Respekt mögliche Freiheiten auszukosten. Von dem Cembalisten 

Massimiliano Toni erhielt ich tolle Anregungen. Er hatte 

für das Adagio im d-moll-Konzert und den ersten Satz im 


Herausragende 

NEUHEITEN 

bei Sony Music 

F-Dur-Konzert verrückte Ideen, die ich mir davor nie gestattet 

hätte. Er ermutigte mich zu mehr Improvisationen und einem 

individuellen Umgang mit den Noten. Auf einmal wird es 

faszinierend, was man aus einer einfachen Melodie wie der im 

zweiten Satz von Marcellos d-moll-Konzert herausholen kann. 

Wir haben mit Originalinstrumenten gespielt, allerdings auf 

443 HZ. Im Alltag ist die moderne Oboe mein Instrument, 

Barockoboe spiele ich erst in zweiter Linie. 

Was ist denn der Unterschied zwischen alten und neuen Oboen? 

Barockoboen klingen natürlicher und lassen sich einfacher 

spielen. Der Anstoß bei neuen Instrumenten ist generell schwerer 

und auch der Druck, den man geben muss. Alte Instrumente sind 

flexibler. Ästhetische Vorstellungen spielen jetzt eine größere 

Rolle. Der Klang ist heute, fast sage ich leider, viel dunkler als 

noch in den 1970er- und 1980er-Jahren. Damit geht eine stärkere 

Unbeweglichkeit der Materialien der Instrumente einher. 

Wo haben Sie Freiheiten zwischen Erwartungshaltungen und 

Gestaltungswillen? 

Ich denke nicht in der Kategorie „Freiheit“, sondern „Anspruch“. 

Diesen kann ich bestimmen, aber nicht meinen Körper und nicht 

den Eigenklang. Sänger haben kaum Einfluss auf ihr Stimmmaterial, 

sondern auf den Umgang damit. Ich kann mich dem 

Stil verschiedener Ensembles oder Dirigenten nur annähern. Das 

solistische Spiel fördert meine eigene Neugier und meine 

Erfahrung, die ich den Studierenden weitergeben will. 

Wie sind Ihre Aufgaben zwischen den Positionen verteilt? 

Als Solo-Oboistin habe ich eine Vollzeitstelle, als Professorin eine 

halbe. Diese Zahlen sagen aber wenig, weil mir die Professur und 

ihre Aufgaben sehr am Herzen liegen. Mehr als zwei Soloauftritte 

im Monat sind bei guter Vorbereitung schwierig. Aber ich 

gewinne für Kammermusik oder Auftritte als Solistin vor allem 

der Solokonzerte von Mozart und Strauss eine ganz andere 

Ebene, weil ich die Erfahrung des Gleichgewichts mit dem 

Orchester einbringen kann. 

Die Sächsische Staatskapelle hat eine große eigene Tradition. 

Wie nehmen Sie diese wahr? 

Als ich im Jahr 2008 mit 23 Jahren in Dresden anfing, war ich 

erstaunt – und ich konnte das nach meiner für eine Solokarriere 

exzellenten Ausbildung am Conservatoire de Paris gar nicht 

wissen: Vor allem von älteren Kollegen habe ich Zurückhaltung 

gelernt. Extrovertierte Körperbewegungen beim Musizieren passen 

nicht zum Stil des Hauses. Wir präsentieren uns als homogenes 

Kollektiv. Jede Stimme ist wichtig. Der als typisch empfundene so 

weiche und runde Klang entsteht aus diesem Selbstverständnis. 

Was wäre, wenn Sie sich jetzt entscheiden müssten, wichtiger: 

die Solistenkarriere oder das Orchester? 

Als Solistin brauche ich das Gefühl des Loslassens. Vor zehn 

Jahren nahm ich bei der Staatskapelle ein Urlaubsjahr und hatte 

während dieser Zeit nur Kammer- und Soloauftritte. Danach 

wusste ich: Ich brauche das Orchester. Fehler sind auch bei 

geringer Risikobereitschaft nirgends auszuschließen. Stressresistenz 

bleibt also eine der wichtigsten Eigenschaften in unseren 

Berufen. Das ist für mich im Orchestergraben, wenn beim Solo in 

der Florestan-Arie aus Fidelio ein besonders langsames Tempo 

gewünscht wird, nicht anders als bei Robert Schumann oder im 

Solopart des Oboenkonzerts von Strauss. Solche Adrenalinstöße 

beflügeln mich immer. 

n 

Bach: Oboenkonzerte, Céline Moinet, L’arte del mondo, 

Werner Ehrhardt (Berlin Classics) 

Track 3 auf der CRESCENDO Abo-CD: Konzert A-Dur BWV 1055. 

II. Larghetto 

Martin Stadtfeld Händel 

Martin Stadtfeld präsentiert seine ganz persönlichen Lieblingsstücke 

von Händel, die er selbst für Klavier bearbeitet hat. 

Mit Ombra mai fù, Sarabande, Lascia ch’io pianga u. a. 

Ensemble 

des 

Jahres 

Erhältlich ab 8.11. 

www.martinstadtfeld.de 

Arcadi Volodos Schubert 

Die lang erwartete neue Einspielung von Arcadi Volodos. 

Mit Schuberts später Sonate D 959 und drei Menuetten 

D 334, D 335 und D 600. Erhältlich ab 1.11. 

www.volodos.com 

Opus Klassik 

2019 

Lautten Compagney Circle Line 

Die Lautten Compagney und Wolfgang Katschner verbinden 

600 Jahre Musikgeschichte mit Werken von Guillaume Dufay, 

Philip Glass, Steve Reich, John Cage u.a. 

www.lauttencompagney.de 

WWW.SONYCLASSICAL.DE 

27


BEGNADETER BARDE 

Der Bariton Konstantin Krimmel kann allein mit seiner Stimme Geschichten erzählen – 

und macht damit das Lied zur Oper. VON STEFAN SELL 

Da kommt eine wirklich aufregende, frische, neue 

Stimme auf uns zu. Sie weiß uns wundervolle Geschichten 

zu erzählen, völlig ungetrübt, klar und verständlich, im Timbre aber 

ein emotionales Spektrum von betrübt, besorgt, hässlich hassend bis 

ängstigend schreiend, wie auch heiter, froh, liebend, leicht und übermütig, 

ja versöhnend und betörend. Der deutsch-rumänische Bariton 

Konstantin Krimmel singt mit großer Hingabe zum Detail, folgt den 

Nuancen zwischen Wort und Ton bis in die kleinste Nische und ist 

dabei so reich an leidenschaftlicher Ausdruckskraft, dass der 26-Jährige 

2019 zum Gewinner und Publikumspreisträger des Deutschen 

Musikwettbewerbs avancierte, darüber hinaus beim Internationalen 

Gesangswettbewerb „Das Lied“ den zweiten Preis bekam und wieder 

Publikumspreisträger wurde. 

Das jetzt erschienene Debütalbum „Saga“ eröffnet mit Tom der 

Reimer von Carl Loewe. Als hätte er alle Zeit der Welt, singt Krimmel 

wundervoll unangestrengt und schwebt heiter durch die Zeilen, 

in der Stimmführung auch bei leisen Tönen stets kraftvoll und erdverbunden. 

Silbe für Silbe, Wort für Wort zieht er die Zuhörer in 

seinen Bann. Was war die Intention? 

„Unser Anliegen war es, unterschiedliche Komponisten zu 

mischen, eine Bandbreite an Farben in den verschiedenen Vertonungen 

und Erzählungen zu zeigen, durch die ein roter Faden fließt. 

Wir haben viel gesammelt und geschaut, was könnte dazu passen.“ 

Balladen sind es, die hier den roten Faden spinnen. Das wird im 

Booklet sehr schön beschrieben, worin auch die renommierte Liedexpertin 

Susan Youens ihr Wissen eingebracht hat. 

„Wir wollten die ganze Geschichte – die Saga – mit etwas Schönem 

beginnen, uns mit Tom der Reimer langsam vorarbeiten, um 

uns dann immer tiefer nach unten zu graben.“ Ein treffendes Bild, 

galt doch das Bergwerk, das Graben in die Welt unter Tage zur Zeit 

der Romantik als Vorstoß ins Unbewusste. Der Spannungsbogen 

ist gelungen. So heiter beschwingt der Reigen beginnt, er mündet 

mit Odins Meeresritt in Tod und Verderben. 

Krimmel offenbart eine große Vielfalt. In Schumanns Belsazar 

werden exaltierter Größenwahn und dessen fatale Folgen zum Greifen 

nah. „Wenn sich hier Belsazar völlig irre wie auch selbstbewusst 

gegen Gott stellt, dann darf das auch dementsprechend kräftig klingen, 

da muss man einfach zupacken und sich nicht hinter großer 

Liedtechnik verstecken. Für mich heißt das, einfach ein bisschen 

weitergehen, wenn es hässlich ist, dann darf man auch hässlich werden 

und hässlich singen. Das hilft der Geschichte, gibt ihr eine gute 

Basis.“ Genau das ist in Schuberts Zwerg zu hören, wenn Krimmel 

ganz in dessen Haut geschlüpft selbst zum verstoßenen Wesen wird, 

weil seine Geliebte, die Königin, ihn verlassen hat. In Jensens Waldgespräch 

wächst und wächst seine Stimme und kulminiert im Schrei. 

In Loewes Erlkönig ist er auf allen vier Ebenen präsent. Man spürt 

die intensive Auseinandersetzung mit der Rolle des Beobachters, 

den angstvollen Hilferufen des Kindes, den nichts ahnenden Beruhigungen 

des Vaters bis hin zum trügerisch verklärten wie verführerischen 

Ton des Erlkönigs. Krimmel ist jedem Charakter innig 

verwoben, gibt jeder Figur ihren eigenen Ton. Dabei klingt seine 

Stimme unglaublich gereift, was erstaunt, wenn man weiß, wie jung 

er noch ist. 

Ziehen ihn seine schauspielerischen Fähigkeiten letztendlich 

zur Oper? „Für mich haben alle drei Sparten, Lied, Konzert und 

Oper, einen sehr hohen Stellenwert. Dennoch bedeutet mir persönlich 

das Lied am meisten, denn Belsazar und Erlkönig sind eigentlich 

kleine Opern für sich, eine Oper erzählt in fünf bis sechs Minuten, 

da ist alles drin, was eine Oper hat. Da ist die Liebe, das Leid, der 

Tod, alle Facetten einer Oper finden sich hier in fantastische Musik 

gepackt. Meine Pianistin und ich, wir können hier gestalten und so 

erzählen, wie wir uns das vorstellen. Genau das finde ich eine fantastische 

Sache.“ 

Die kongeniale Partnerin an seiner Seite ist Doriana Tchakarova 

– sie haben sich gesucht und gefunden, in Ausdruck, Detailstärke 

und Raffinesse. Wie passgenau ihrer beider Kunst ineinandergreift, 

das macht ihr Spiel derzeit zu den aufregendsten und 

spannendsten Events der Liedkunst. Das heißt nichts anderes, als 

sich einfach hinzugeben und zuzuhören. 

n 

Schumann, Loewe, Jensen, Schubert: „Saga“, 

Konstantin Krimmel, Doriana Tchakarova (Alpha) 

Track 9 auf der CRESCENDO Abo-CD: Waldesgespräch von Adolf Jensen 

FOTO: DANIELA RESKE 


HÖREN & SEHEN 

Die besten CDs, DVDs & Vinylplatten des Monats von Oper über Jazz bis Tanz 

Das Erbe des schwedischen Komponisten Wilhelm Stenhammar in einer Box (Seite 36) 

CRESCENDO Empfehlungen lesen und direkt kostenlos dabei anhören? 

Kein Problem: Auf www.crescendo.de finden Sie unsere Rezensionen mit direktem Link zum Anhören! 

Steven McRae 

Virtuose Soli 

Seine Mutter war „Sisi“, sein Vater Kaiser Franz Joseph. Trotzdem war das Leben 

von Kronprinz Rudolf nicht märchenhaft. Die kühle Beziehung zu den Eltern, seine 

arrangierte Ehe und politische Intrigen setzten dem Habsburger so zu, dass er 

sich mit Alkohol, Morphium und Affären betäubte; mit 31 erschoss er seine 

Geliebte Mary und sich auf Schloss Mayerling. Mit dem gleichnamigen Handlungsballett 

hat Choreograf Kenneth MacMillan Rudolfs Schicksal 1978 im Londoner 

Royal Opera House auf die Bühne gebracht; bis heute steht es dort auf dem Spielplan. 

Bei der 2018 aufgezeichneten Aufführung brilliert Steven McRae als Rudolf in 

virtuosen Soli und intensiven Pas de Deux mit Partnerinnen wie Sarah Lamb und 

Laura Morera. Physisch und psychisch ist das so herausfordernd, dass dieser Part 

als „Mount Everest“ der männlichen Hauptrollen im Ballett gilt. Den arbeitsreichen 

Weg dorthin zeigen zwei Bonus-Tracks mit Einblicken in den Probensaal und 

McRaes Reha-Training, das ihn nach einer Verletzung wieder fit machte. ASK 

TANZ 

Kenneth MacMillan: „Mayerling“, Steven McRae, 

Sarah Lamb, Laura Morera u. a., The Royal Ballet 

(Opus Arte) 

FOTO: MARCO BORGGREVE 

29

H Ö R E N & S E H E N 

Daniel Behle 

Musikalische 

Charakterstudien 

GESANG 

Sie zählen zu den bekanntesten Figuren der Operngeschichte 

und haben mit ihrem Charme, ihren Gefühlsausbrüchen 

und Beziehungsturbulenzen schon verschiedenste 

Bühnen erobert. Ob Tamino oder Don Ottavio, ob Belmonte 

oder Idomeneo – sie alle verführen in ihren Partien 

mit Mozarts origineller und melodienreicher Tonsprache. 

Auf seinem Album „Zero to Hero“ versammelt der Tenor 

Daniel Behle nun all jene Figuren und überzeugt mit seiner 

schlanken und lebendigen Interpretation ihrer legendären 

Arien. Dabei vermag er es, jeden Einzelnen von Mozarts 

Operncharakteren hintergründig und stimmlich virtuos in 

Szene zu setzen und die jeweilige Persönlichkeit feinsinnig 

zu ergründen. Mit dem L’Orfeo Barockorchester steht dem 

Sänger dabei ein ungemein wendiger und ebenso transparent 

wie musikantisch aufspielender 

Klangkörper zur Seite, der ihn bei 

seinen musikalischen Charakterstudien 

kongenial begleitet. DW 

Wolfgang Amadeus Mozart: „Zero to Hero“, 

Daniel Behle, L’Orfeo Barockorchester, 

Michi Gaigg (Sony) 

FOTO: LUCIA HUNZIKER 

ALTE 

MUSIK 

Concerto Köln 

Demut und 

Draufgängertum 

Es zeugt von der überreichen Fülle der Musikliteratur, dass es immer 

noch neue Schätze und unbekanntere Komponisten zu entdecken 

gibt. Einer davon ist der Italiener Francesco Geminiani, der zu Lebzeiten 

in einem Atemzug mit Händel und Corelli genannt wurde. Das 

Orchester Concerto Köln sorgt mit seinem neuen Album dafür, dass 

dies auch heute wieder der Fall sein könnte. Die „Quintessenz“ seines 

Werks haben die Musiker ausgewählt, verschiedene Stücke, allesamt 

Concerti Grossi, die ihm besonders viel bedeuteten und seine 

Kunst eindrücklich wiedergeben. Das Ergebnis ist ein ausgesprochen 

kurzweiliges und tänzerisch anmutendes Porträt des barocken Meisters, 

wobei Concerto Köln die farbenreiche Musikwelt Geminianis 

mit großer Spielfreude, Feingespür für die dynamischen Nuancen und 

einer stimmigen Mischung aus Demut und Draufgängertum erkundet. 

Ein lohnender Griff in die musikalische Schatzkiste! 

DW 

Francesco Geminiani: „Quinta Essentia“, Concerto Köln 

(Berlin Classics) 

Track 4 auf der CRESCENDO Abo-CD: Concerto grosso op. 7 

Nr. 6 B-Dur. VI. Adagio – Allegro assai – Adagio 

KAMMER- 

MUSIK 

Jóhann Jóhannsson 

Große Ruhe 

„12 Conversations with Thilo Heinzmann“ hört man sich 

am besten auf Vinyl (gibt es!) an, in einem Loft in Berlin. 

Rauschebart, Hosenträger, dicke Hornbrille, Weste und 

„Kreissäge“ auf dem Kopf, optional, aber hilfreich. Das 

letzte Werk des isländischen Film- und Elektronikkomponisten 

(und Filmemachers) Jóhann Jóhannsson, bevor 

Kokain ihm 2018 den Lebensfaden abschnitt, war ein 

Streichquartett in 12 Sätzen eben dieses Namens. Entstanden 

ist es als eine Art Kollaboration mit dem Künstler des 

Titels, vor dessen Bild Ohne Titel, 2011 (viel weiß, mit feinen 

schwarzen Tuschesprenkeln) Jóhannsson lange saß und 

komponierte. Der postminimalistische Ton von Jóhannsson 

gibt sich wie der gemeinsame Nenner von Philip Glass, 

Max Richter und Brian Eno. Das belgische Streichquartett 

Echo Collective spielt das meditativ wirkende Werk mit 

großer Ruhe. Die Gespräche zwischen Auftraggeber, 

Maler und Komponist, die dem 

Werk ebenfalls – abstrakt – 

zugrunde liegen, fließen nur so 

dahin, 40 Minuten lang. JFL 

Jóhann Jóhannsson: „12 Conversations with 

Thilo Heinzmann“, Echo Collective (DG) 


Chor des Bayerischen Rundfunks 

Wehmutsvolle Atmosphäre 

„Wer Dvořáks Stabat mater, die Urfassung 

von 1876, im Blindtest verkosten 

müsste, würde auf eine harte Probe 

gestellt“ – so das Begleitheft zur 

stimmungsvollen Einspielung dieses 

GESANG 

ungewöhnlichen geistlichen Werkes. 

Wie unbegründet diese Sorge ist, zeigt 

der Chor des Bayerischen Rundfunks 

in den knapp 60 Minuten schauervoll-trauriger Klagemusik. 

Chor und Solisten beschwören von Anfang an eine 

Atmosphäre tieftrauriger, wehmutsvoller, aber auch 

hoffnungsvoller Affekte. Besonders hervorzuheben ist die 

schöne Homogenität des Chorklangs, die vom ersten Moment 

an überzeugt. Auch die Solistenensembles, wie etwa der 

Beginn des Quando corpus morietur, sind sehr gut musiziert: 

Artikulation, Intonation und Ausdruck lassen keine Wünsche 

offen und bei dieser wehmutsvollen Musik auch kaum ein Auge 

trocken. Einzig schade: Das distanzierte und dünne Klangbild 

der Aufnahme schafft eine gewisse emotionale Distanz zwischen 

Sängern und Text. AF 

Antonín Dvořák: „Stabat Mater“, Julia Kleiter, Gerhild Romberger u. a., 

Chor des Bayerischen Rundfunks, Howard Arman (BR Klassik) 

Track 5 auf der CRESCENDO Abo-CD: Eja, mater, fons amoris 

Carlos Cipa 

Ein großer Wurf 

Zwischen Improvisation und ausgeklügelter Kompositionsund 

Klangkunst pendelt der Münchner „Neo-Klassik-Pianist“, 

Multiinstrumentalist und Komponist Carlos Cipa auf seinem 

neuen Album „Retronyms“. Der Begriff steht für den 

kulturellen Wandel, durch den Altes einen neuen Namen 

bekommt. Alle gespielten Tasten-, Saiten- und Blasinstrumente 

behalten ihre Ursprünglichkeit und klingen doch – 

einem Vexierspiel gleich – wie in neuem Gewand. Das 

organische Spiel in geradezu chemischer Verbindung mit den 

synthetisch-elektronischen Klängen ist schlicht deliziös. Es 

geht Cipa bei allem Können nicht um vordergründige 

Virtuosität, sondern um den Ton an sich und sein Verknüpfungspotenzial 

im Klang. Ein großer 

Wurf, der die Raffinesse besitzt, sich 

jenseits aller Genres auf vielfältige 

Weise der Stille zu nähern. Das erinnert 

an die legendären Alben „Spirit 

of Eden“ und „Laughing Stock“ der 

Post-Avantgarde-Band Talk Talk. SELL 

Carlos Cipa: „Retronyms“ (Warner) 

SOLO 

KAMMER- 

MUSIK 

Danish String Quartet 

Reise über 

Epochen 

Wie ein Prisma einen Lichtstrahl aufspaltet, so sprengt Ludwig van Beethoven in seinen 

fünf späten Streichquartetten die musikalischen Ideen seines Idols Bach auf. Für das Danish 

String Quartet gab es bei der ersten Begegnung mit dem „späten Beethoven“ keinen intuitiven 

Zugang. „Es fühlte sich an, als wäre es aus dem Weltraum auf unsere Notenständer 

gefallen“, schreiben sie im Booklet ihrer CD. Um immer tiefer in diese Musik aus einem 

scheinbar anderen Universum einzutauchen, haben sie das Projekt „Prism“ ins Leben gerufen. 

Jedes Album ist eine Reise von einer Bach-Fuge aus dem Wohltemperierten Clavier über 

das davon geprägte späte Beethoven-Quartett bis hin zu einem modernen Werk, das wiederum 

von Beethovens Komposition inspiriert ist. Auf „Prism II“ bedeutet das: von Bachs 

h-Moll-Fuge einen Sprung zu Alfred Schnittkes Drittem Streichquartett vollziehen, um dann 

zurückzukehren zu Beethovens Streichquartett Nr. 13. Die wilde, spannende Reise mit den 

perfekt aufeinander – und auf alle Epochen – eingespielten Dänen endet im großen Finale: 

der Großen Fuge, die Beethovens Streichquartett beschließt. SK 

Ludwig van Beethoven, Alfred Schnittke, Johann Sebastian Bach: „Prism II“, Danish String Quartet (ECM) 

FOTO: CAROLINE BITTENCOURT 

31


Otto Klemperer 

Als dirigiere Beethoven selbst 

London im Sommer 1970: Vor der Royal Festival Hall kampieren die 

Menschen, um sich Eintrittskarten für die Generalprobe zu sichern. 

Doch der Star, auf den sie warten, ist nicht John Lennon oder Paul 

McCartney, sondern ein 85 Jahre alter knorriger Herr „mit düster 

brennenden Augen und bleichen Wangen“ (Lotte Lehmann): Otto 

Klemperer. Die letzte aller Sinfonien Beethovens steht auf dem Programm, 

und jeder im Publikum ahnt, dass mit dem alten Herrn auf der 

Bühne, der da unsentimental, präzise, mit durchdringendem Blick dirigiert, 

nicht nur eine Ära zu Ende geht, sondern ein Zeitzeuge allmählich 

verschwindet, der noch die Großen seines Jahrhunderts wie Mahler, 

Zemlinsky, Strawinsky, Hindemith, Schönberg oder Janáček 

kannte. Und so freut man sich ein halbes Jahrhundert später, dass 

Klemperer, der TV-live-Aufzeichnungen hasste, 

sie ausnahmsweise zuließ. „Es ist, als dirigiere 

uns Beethoven selbst“, brachte es ein Musiker 

auf den Punkt. TPR 

ORCHES- 

TER 

Ludwig van Beethoven: „Symphonies 1-9“, New Philharmonia 

Orchestra, Otto Klemperer (Zweitausendeins) 

Paulin Bündgen 

Abwechslungsreich 

So raumfüllend kann Alte Musik sein. Grandios, wie das französische 

Ensemble Céladon unter der Leitung des Countertenors Paulin Bündgen 

hier einen vergessenen Meister geistlicher Musik zum Leben 

erweckt. Natale Monferrato (1603–1685) war seinerzeit Maestro di 

cappella an der Basilica di San Marco, dem Markusdom in Venedig. Es 

sind Motetten für Solostimme aus dem Jahre 1666, die zwischen Rezitativ 

und Arie changieren, aus der Zeit, als die Oper gerade erst zum Leben 

erwacht war. Hat auch Monferrato ausschließlich geistliche Musik 

geschrieben, so hört man in den vorgestellten Werken durchaus eine 

Liebe zur Oper. Gleich zu Beginn klingt das Sic ergo Jesu so abwechslungsreich, 

als säße man in der Oper, und in allen Teilen so ausgewogen, 

als wollte die Musik dem Goldenen Schnitt entsprechen. Monferrato 

nannte sie „meine musikalischen Seufzer“. In 

dieser Weltersteinspielung füllen sie auch den 

Raum des Herzens! SELL 

Natale Monferrato: „Salve Regina“, Paulin Bündgen, 

Ensemble Céladon (Ricercar) 


Sic ergo Jesu de Sacramento 

ALTE 

MUSIK 

Thomas Ravenscroft u. a.: „Air Music. Tales of Flying Creatures and 

Heavenly Breezes“, Katharina Bäuml, Capella de la Torre (dhm) 

FOTO: ANDREAS GREINER-NAPP 

Katharina Bäuml 

Luftige Musik 

Luft liegt in der Musik des 15. und 16. Jahrhunderts. 

Das beweist die 20 Werke umfassende Einspielung der 

Capella de la Torre unter Katharina Bäuml. Sie ist das 

dritte Album des Ensembles, das sich nach Wasser und 

Feuer einem Element widmet. Das allen Stücken 

gemeinsame „Luftige“ präsentiert sich hier vorwiegend 

in flüssigen Tempi und beschwingten Charakteren. 

Dabei wird Luft in höchst unterschiedlichen Dimensionen 

bespielt und besungen: als Naturphänomen und 

Lebensraum (Westwind und Vögel), als göttliches und 

mystisches Element (Atem und Windsbraut) und in ihrer 

träumerischen und sorglosen Dimension (Luftschlösser 

und Luftikus). Die versammelten Themen sind oft naheliegend, 

zum Teil überraschend. Das umgekehrte Verhältnis 

aber bietet sich musikalisch auf dieser im Übrigen 

vorzüglich und so wunderbar lustvoll musizierten 

Aufnahme, die mit großen Komponisten und hübschen 

Entdeckungen aufwartet. UH 

ALTE 

MUSIK 

Antoine Tamestit und Masato Suzuki 

Warme Klangfarben 

Nicht mit der in der Originalausgabe dafür vorgesehenen Viola da Gamba, 

sondern mit seiner – teils mit Darmsaiten bezogenen – Viola interpretiert 

Bratscher Antoine Tamestit Bachs Gambensonaten (BWV 1027–1029) und 

die Arienbearbeitung Ergieße dich reichlich. Sein Instrument, die 

„Mahler“-Stradivari (1672), ist selbst ganze 13 Jahre älter als Bach. Ob das 

hörbar ist? In jedem Fall ist es ein spannender Gedanke. Mit großer Eleganz 

und Verve lassen Tamestit und Alte-Musik-Experte Masato Suzuki am 

Cembalo die Meisterwerke erklingen. Die warmen Klangfarben, die sie finden, 

scheinen ideal für diese Musik. Bach war womöglich selbst Bratscher. 

Sein Sohn Carl Philipp Emanuel schreibt 1774 in einem Brief über seinen 

Vater: „Als der größte Kenner und Beurtheiler der 

Harmonie spielte er am liebsten die Bratsche.“ Bach 

als passionierter Bratscher? Diese Idee gefiel 

Tamestit und verleitete ihn zu dieser brillanten 

Aufnahme. SK 

Johann Sebastian Bach: „Sonatas“, Antoine Tamestit, Masato Suzuki 

(Harmonia Mundi) 

Track 2 auf der CRESCENDO Abo-CD: Sonata BWV 1028. III. Andante 


GESANG 

Edith Mathis 

Silberglänzende Stimme 

Als lyrischer Sopran war Edith Mathis jahrzehntelang an bedeutenden 

Opernhäusern gefragt. In ihrer Geburtsstadt Luzern debütierte sie 

1957 als Zweiter Knabe in Mozarts Zauberflöte. Es folgten Engagements 

in Köln, Berlin, Hamburg, London, München, New York und Wien. 

Auch als Liedsängerin feierte sie große Erfolge. In der Reihe historischer 

Aufnahmen vom Lucerne Festival hat Audite einen Live-Mitschnitt 

ihres ersten Liederabends bei den Internationalen Musikfestwochen 

Luzern 1975 veröffentlicht. Begleitet von dem Pianisten Karl 

Engel, interpretiert sie mit silbriger Zartheit Werke von Mozart bis 

Strauss und Bartók. Der Musikkritiker Jürgen Kesting bescheinigt ihr in 

seinem Buch „Große Stimmen“ ein „Höchstmaß an Natürlichkeit und 

Eloquenz“. Ungekünstelt, farbenreich und ausdrucksvoll interpretiert 

sie hier folkloristische Dorfszenen von Bartók, Deutsche Volkslieder von 

Brahms, Schumanns als Hochzeitsgeschenk für 

seine Frau Clara geschriebene Myrthen-Lieder 

oder Strauss-Lieder wie Die Nacht aus dem frühen 

Opus 10. CK 

Wolfgang Amadé Mozart, Béla Bartók u. a.: „Selected Lieder“, 

Edith Mathis, Karl Engel (Audite) 

AKTUELLE 

HIGHLIGHTS 

GIUSEPPE VERDI: Rigoletto 

1 Blu-ray: 751704 

1 DVD: 751608 

Stephen Costello 

Vladimir Stoyanov 

Melissa Petit 

Miklos Sebestyen, 

Katrin Wundsam 

Prague Philharmonic Choir 

Wiener Symphoniker 

Enrique Mazzola 

Bregenzer Festspiele 2019 

Diese Neuproduktion von Verdis Rigoletto eröffnete die Bregenzer Festspiele 

2019. Der Regisseur und Bühnenbildner Philipp Stölzl erschuf ein Opernspektakel 

der ganz besonderen Art. Jetzt erhältlich auf DVD und Blu-ray. 

ALTE 

MUSIK 

Claude Starck 

Erhabene Eleganz 

„Vivaldi? Bei dem klingt doch immer alles gleich!“ Wer so denkt, wird 

sich auch für diese Doppel-CD nicht erwärmen. Es handelt sich um 

Aufnahmen von neun Cellosonaten des Komponisten, die der Schweizer 

Cellist Claude Starck bereits 1975 eingespielt hat. Drei davon hatte 

Starck damals neu entdeckt. Liebhaber der erhabenen Eleganz von 

Vivaldis Musik dürfen sich über das Album freuen: Starck spielt die 

Sonaten ausgezeichnet, legt besonders viel Ausdruck in die langsamen 

Sätze und spart nicht am Vibrato. Seine Kollegen Isolde Ahlgrimm 

(Cembalo) und Mischa Frey (Cello) begleiten ihn mit der gebührenden 

vornehmen Zurückhaltung. Das Klangbild der Aufnahmen ist zwar aufgrund 

ihres Alters nicht 100-prozentig klar, aber immer noch von 

erstaunlich hoher Qualität. Etwas lieblos im 

Hinblick auf die inhaltliche Gestaltung zeigt sich 

das Booklet. Für Vivaldi-Fans trotzdem sehr zu 

empfehlen! JH 

Antonio Vivaldi: „9 Cello Sonatas“, Claude Starck, 

Isolde Ahlgrimm, Mischa Frey (Tudor) 

Jürgen Bruns 

Eine Entdeckung 

ORCHES- 

TER 

Diese CD ist fast ein Muss, denn Hanns Eislers Filmmusiken und sinfonische 

Derivate daraus schlagen Brücken zwischen konträren Politsystemen, 

kulturellen Strömungen und musikalischen Klangsprachen des 

20. Jahrhunderts. Am Beginn steht Eislers als Fragment hinterlassene, 

später von Tilo Medek vollendete und in dieser Gestalt am 8. Oktober 

1998 im Gewandhaus uraufgeführte Leipziger Sinfonie. Eislers Musik 

schärfte sich an Arbeiten für den amerikanischen und den französischen 

Film nicht minder als im von ihm entscheidend beeinflussten Musikleben 

der DDR, mit der ihn eine an Widersprüchen reiche und spannungsgeladene 

Beziehung verband. Beide Klangkörper wollten das nicht nur 

brillant überflügeln: Unter Jürgen Bruns klingt Eisler so schroff und 

Prokofieff-nah wie selten. Anscheinend klar 

deutbare Klangpartikel umhüllen andere Sinnebenen 

wie ein Panzer. Eine durch strukturierte 

Wildheit beeindruckende Entdeckung. DIPP 

Salzburger Festspiele 2018 

GIOACHINO ROSSINI: 

Ricciardo e Zoraide 

1 Blu-ray: 752704 

2 DVDs: 752608 

Pretty Yende 

Juan Diego Flórez 

Sergey Romanovsky 

Victoria Yarovaya 

Nicola Ulivieri 

Coro del Teatro Ventidio Basso 

Orch. Sinf. Nazionale della RAI 

Giacomo Sagripanti 

GIOACHINO ROSSINI: 

L'Italiana in Algeri 

1 Blu-ray: 801904 

2 DVDs: 801808 

Cecilia Bartoli 

Ildar Abdrazakov 

Edgardo Rocha 

Alessandro Corbelli 

Jose Coca Loza 

Rebeca Olvera 

Philharmonia Chor Wien 

Ensemble Matheus 

Jean-Christophe Spinosi 

Cecilia Bartolis sängerisch und schauspielerisch mitreißender Auftritt als Isabella 

in Rossinis L'Italiana in Algeri bei den Salzburger Festspielen 2018 war ohne 

jeden Zweifel eine regelrechte Sternstunde des Rossini-Jahres 2018. 

Anlässlich des 200. Jahrestages der Premiere der Rossini-Rarität inszenierte das 

Rossini-Opernfestival in Pesaro Ricciardo e Zoraide mit einer nie dagewesenen All- 

Star-Besetzung: Juan Diego Flórez gibt sein Debüt als der Kreuzritter Ricciardo. 

Hanns Eisler: „Leipzig Symphony“ u. a., MDR-Sinfonieorchester 

Leipzig, Kammersymphonie Berlin, Jürgen Bruns (Capriccio) 

33 

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IMPRESSUM 

VERLAG 

Port Media GmbH, Rindermarkt 6, 80331 München 

Telefon: +49-(0)89-74 15 09-0, Fax: -11, info@crescendo.de, www.crescendo.de 

Port Media ist Mitglied im Verband Deutscher Zeitschriftenverleger 

und im AKS Arbeitskreis Kultursponsoring 

HERAUSGEBER 

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VERLAGSLEITUNG 

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ART DIRECTOR 

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LEITENDE REDAKTEURIN 

Barbara Schulz | schulz@crescendo.de 

RESSORTS „HÖREN & SEHEN“ UND „ERLEBEN“ 

Ruth Renée Reif | reif@crescendo.de 

RESSORT „STANDARDS” 

Klaus Härtel | haertel@crescendo.de 

RESSORTS „KÜNSTLER“ UND „LEBENSART“ 

Barbara Schulz | schulz@crescendo.de 

SCHLUSSREDAKTION 

Maike Zürcher 

KOLUMNISTEN 

Axel Brüggemann, Paula Bosch, Ioan Holender, 

Daniel Hope, Christoph Schlüren (CS), Stefan Sell (SELL) 

MITARBEITER DIESER AUSGABE 

Axel Brüggemann, Roland H. Dippel (DIP), Ute Hamm (UH), 

Klaus Kalchschmid (KLK), Sina Kleinedler (SK), Katherina Knees (KK), 

Corina Kolbe (CK), Guido Krawinkel (GK), Jens F. Laurson (JFL), Anna Mareis (AM), 

Teresa Pieschacón Raphael (TPR), Antoinette Schmelter-Kaiser (ASK), 

Fabian Stallknecht (FS), Dorothea Walchshäusl (DW), Patrick Wildermann. 

VERLAGSREPRÄSENTANTEN 

Tonträger: Petra Lettenmeier | lettenmeier@crescendo.de 

Kulturbetriebe: Dr. Cornelia Engelhard | engelhard@crescendo.de 

Touristik & Marke: Heinz Mannsdorff | mannsdorff@crescendo.de 

Verlage: Hanspeter Reiter | reiter@crescendo.de 

AUFTRAGSMANAGEMENT 

Michaela Bendomir | bendomir@portmedia.de 

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Nr. 23 vom 01.09.2019 

DRUCK 

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Verbreitete Auflage: 

75.034 (lt. IVW-Meldung 1I/2019) 

ISSN: 1436-5529 

(TEIL-)BEILAGEN / BEIHEFTER: 

Bayerischer Rundfunk, Tiroler Festspiele Erl 

DAS NÄCHSTE CRESCENDO 

ERSCHEINT AM 29. NOVEMBER 2019. 

CRESCENDO 

unterstützt 

Diyang Mei 

Bestechend schöner Ton 

Eine Chaconne (in etwas langsamerem Tempo Passacaglia genannt) 

beinhaltet Variationen über ein vier- bzw. achttaktiges Thema im Bass; 

und es ist durchaus ungewöhnlich, dieser neben der Fuge strengsten 

musikalischen Form eine ganze CD zu widmen. Doch Diyang Mei, der 

letztjährige erste Preisträger des ARD-Musikwettbewerbs, der diese 

CD-Aufnahme als Sonderpreis von Genuin „geschenkt“ bekam, ist ein 

Meister der Bratsche. Er spielt mit so reinem, schönem Ton und artikuliert 

so differenziert, hat dabei immer Form und Ausdruck gleichermaßen 

im Blick, dass die barocke Komplexität Bachs (Partita BWV 1004) 

und Franz Xaver Bibers ebenso klar wie spröder Hindemith klingt und 

Brittens wild gezackte Ciaccona aus seiner Zweiten 

Cellosuite genauso bestechend daherkommt 

wie abschließend die chromatische Studie 

György Ligetis aus seiner Bratschen-Sonate. KLK 

Johann Sebastian Bach, Benjamin Britten u. a.: „Transforming 

Viola“, Diyang Mei (Genuin) 

Ensemble BachWerkVokal 

Wunderbares Debüt 

SAKRALE 

MUSIK 

Mit den Zeilen Cantate Domino („Singet dem Herrn“) promulgierte 

Papst Eugen IV. auf dem Florentiner Konzil 1442, dass es Seelenheil nur 

für jene geben könne, die dieser Aufforderung folgten. Mag sein, dass 

viele mit dem seinerzeit autoritären Anspruch der (katholischen) Kirche 

heute nicht mehr viel anfangen können. Doch die Musik, die diesen 

Zeilen unterlegt wurde, bewegt immer noch, unabhängig davon, ob 

man gläubig ist oder nicht. Neben Bachs Kantate Singet dem Herrn ein 

neues Lied BWV 190 und der Motette BWV 225 spielt das junge Salzburger 

Ensemble BachWerkVokal Werke von Buxtehude, Händel und Telemann. 

Und: Mozarts meisterhaften neunstimmigen Rätselkanon Cantate 

Domino KV 73r, der Mozarts eigenwilliges Verhältnis zur Religion und 

Kirche ausdrückt. Ein „Schmankerl“, wie Dirigent 

Gordon Safari sagt. Doch seine Aufnahme 

ist mehr als das. Ein wunderbares Debüt! TPR 

Johann Sebastian Bach, Wolfgang Amadeus Mozart, Georg 

Philip Telemann u. a.: „Cantate Domino“, Ensemble BachWerk- 

Vokal, Gordon Safari (MDG) 

Corinne Winters 

Wunderbare Sängerdarsteller 

SOLO 

Zwei Halbbrüder, ein im Wald aufgegriffenes Mädchen, Mutter, Großvater, 

der Enkel, ein altes, düsteres Schloss und Debussys feine Seismografen-Musik: 

Maeterlincks Symbolismus-Drama Pelléas et Mélisande 

handelt von komplexen Beziehungen unter ungleichen Menschen. 

Regisseur Dmitri Tcherniakov setzt dieses Geflecht in einer schicken 

De signer-Dachwohnung mit Blick auf dichtes Blätterwerk dem Licht 

aus. Golaud (Kyle Ketelsen) ist Psychoanalytiker und Mélisande seine 

Patientin, später Frau: Corinne Winters bleibt im Kapuzenpulli zutiefst 

seelisch verletzt, zumal der Mann sie nach anfänglicher Behutsamkeit 

brutal unter Druck setzt. Viel wird imaginiert, auch Pelléas (Jacques 

Imbrailo) hypnotisiert Mélisande und versetzt sie an einen Brunnen 

oder in eine düstere Grotte. Das geht unter die 

Haut dank Tcherniakovs psychologisch genauer 

Personenführung (in den Zwischenspielen wird 

subtil weitererzählt), wunderbarer Sängerdarsteller 

und der Philharmonia Zürich, die unter Alain 

Altinoglu diffizile Leuchtkraft entfaltet. KLK 

Claude Debussy: „Pelléas et Mélisande“, Jacques Imbrailo, 

Corinne Winters, Kyle Ketelsen u. a., Philharmonia Zürich, 

Alain Altinoglu, Dmitri Tcherniakov, Oper Zürich (BelAir) 

OPER 



SOLO 

Annelien Van Wauwe 

Musik aus goldenen Zeiten 

Pure Schönheit zum Anhören – was könnte sich da besser 

eignen als Musik aus der sogenannten Belle Époque? Ihr 

hat die belgische Klarinettistin und ARD-Preisträgerin 

Annelien Van Wauwe mit dem Orchestre National de 

Lille unter der Leitung von Alexandre Bloch eine CD 

gewidmet. Darauf versammelt sind Stücke für Klarinette 

und Orchester aus dieser Zeit: von Debussy, Brahms, 

Gabriel Pierné und Charles-Marie Widor. Es sind Werke 

aus dem klarinettistischen Kernrepertoire mit kammermusikalischem 

Ursprung. Deren Klavierpart wurde (viel) 

später sinfonisch arrangiert und schlägt so zusammen mit 

einer zeitgenössischen Komposition von Manfred Trojahn 

eine Brücke zu heute. In dieser Besetzung scheint der 

Glanz vergangener Zeiten umso deutlicher hervorzutreten. 

Der ursprünglich intime Charakter muss keinem 

„Sologehabe“ weichen, und es gelingt ein einfühlsames 

Porträt der Klarinette als Instrument 

voll Raffinesse und Farbigkeit. UH 

„Belle époque“, Annelien Van Wauwe, Orchestre 

National de Lille, Alexandre Bloch (Pentatone) 


Canzonetta von Gabriel Pierné 

FOTO: MARCO BORGGREVE 

Brigitte Fassbaender 

Kein Blatt vor 

den Mund 

Zur Masse der Sänger-Memoiren verhält sich 

die Autobiografie von Brigitte Fassbaender 

wie der Grand Cru zum Landwein, sie spielt in 

einer ganz anderen Liga. Dass wir es mit einer 

der intelligentesten und reflektiertesten Sängerinnen 

der jüngeren Operngeschichte zu 

tun haben, übersetzt sich auf jeder Seite. Sie 

hat eine Menge zu sagen und nimmt kein Blatt 

vor den Mund, ohne sich als Letztinstanz zu 

gerieren. Anschaulich, lebendig, präzise und 

mit bemerkenswerter Offenheit, die auch die 

Krisen und Zweifel nicht ausspart, erzählt sie 

und lässt den Leser ihre große Karriere miterleben: 

von Kindheit und Jugend als Tochter 

des berühmten Sänger-Vaters über die 

Anfänge bis hin zu den Triumphen auf den 

bedeutendsten Bühnen der Welt. Die zweite 

Hälfte ist der zweiten Karriere als Regisseurin 

und Intendantin gewidmet, in einem Probentagebuch 

ihrer Inszenierung von Brittens 

Sommernachtstraum in Amsterdam gewährt sie 

einen faszinierenden 

Blick in die Werkstatt. 

Ein rundum großartiges 

Buch. FS 

Brigitte Fassbaender: 

„,Komm’ aus dem Staunen 

nicht heraus‘. Memoiren“ 

(C. H. Beck) 

BUCH 

Leopold Mozart 

Künstlerbiografie 

und Lokalgeschichte 

1998 erschien die bislang einzige Biografie über 

Leopold Mozart von Erich Valentin. Ihr gegenüber 

hat das Buch von Silke Leopold die bessere 

Lesbarkeit und Übersichtlichkeit voraus. Denn 

die Autorin (Monteverdi, Händels Opern) gliedert 

prägnant (Der Sohn des Buchbinders, Der Musiker, 

Der Komponist, Der Schriftsteller, Der Ratgeber, Der 

Großvater), bündelt Biografisches und würdigt 

den Künstler in eigenen Kapiteln. Man erfährt 

unter anderem, was eine Litanei für 40-stündige 

Osterfeierlichkeiten ausmacht, welche Besonderheiten 

Leopold Mozarts Missa solemnis prägen, 

wie er in anderen Gattungen komponierte 

und was seine „Violinschule“ berühmt werden 

ließ. Ein Viertel des Buchs widmet Silke Leopold 

unter Der Wegbereiter allzu ausgiebig den Reisen 

des Vaters mit seinem kleinen Wolfgang und 

dem „Nannerl“. Viele Kapitel aber binden Leopold 

Mozarts Denken, Wirken und Leben eng in 

die Lokalgeschichte und die Beschreibung des 

kulturellen Lebens in Augsburg und Salzburg ein, 

was diese Monografie zu 

einer Einführung in 

mehrfacher Hinsicht 

macht. KLK 

Silke Leopold: „,Ein Mann von 

vielen Wirtz und Klugheit‘. 

Leopold Mozart. Eine 

Biographie“ (Bärenreiter) 

BUCH 

Martin Klessinger 

Liebe zur Musik 

Für einen Autodidakten hat uns der emeritierte 

Chemieprofessor Martin Klessinger 

(geboren 1934) in seinem geschichtlichen 

Überblick Die Musik der Oper (einer 

Kompaktversion seines Hauptwerks 

O wie ängstlich, o wie feurig ... von 2009 im 

selben Verlag) eine Menge Interessantes 

mitzuteilen. Gängige Beurteilungen wechseln 

mit persönlichen Beobachtungen. 

Die schmale Auswahl der Werke ist 

bewusst subjektiv (keine Zauberflöte, kein 

Ring, kein Falstaff, keine Tosca, keine 

Salome), aber ich wundere mich doch 

über die Germanozentrik und das völlige 

Fehlen von Mussorgski und Janáček. Stattdessen 

final die Stahlbetonästhetik Aribert 

Reimanns, wo sich die Grenzen der 

analytischen Betrachtung offenbaren. Eine 

wertvolle Ergänzung zu gängigen Konzertführern 

mit ihrer Handlungsfixierung 

ist das Buch allemal mit seinem Fokus auf 

die Musik, zu welcher der Autor ein spürbares 

Liebesverhältnis hat. Zu bedauern 

ist das liederliche 

Lektorat. CS 

Martin Klessinger: 

„Die Musik der Oper 

und ihre Entwicklung 

von den Anfängen bis 

zur Gegenwart“ 

(agenda) 

35


Unerhörtes & neu Entdecktes 

von Christoph Schlüren 

AUTHENTISCHER 

STENHAMMAR 

Archivschätze erinnern an einen der bedeutendsten schwedischen Meister 

zu Beginn des 20. Jahrhunderts. 

Das schwedische Label Caprice hat eine Vier-CD-Box 

„The Heritage of Wilhelm Stenhammar“ veröffentlicht, 

auf der vor allem viel Wirbel um den Dirigenten 

Tor Mann (1894–1974) gemacht wird, der mit Aufnahmen 

von 1938 bis 1949 und Proben zur Zweiten 

Sinfonie von 1959 vertreten ist. Bookletautor Carl-Gunnar Ahlen 

feiert ihn denn auch (ausschließlich auf Schwedisch) exklusiv. Doch 

die eigentliche Sensation der Box entgeht ihm: CD vier stellt 

Aufnahmen der Göteborger Symphoniker unter Sixten Eckerberg 

(1909–1991) vor, die zwischen 1945 und 1948 gemacht wurden. Es 

sind diese Dokumente, die nunmehr das Maß bilden für künftige 

Aufführungen. 

Wilhelm Stenhammar (1871–1927) war nicht nur einer der 

großen schwedischen Komponisten – in einer Generation, die mit 

Alfvén, Rangström und Atterberg mindestens drei weitere international 

bedeutende Kaliber aufzuweisen hat –, sondern überhaupt 

einer der bedeutendsten Meister seiner Epoche. Da er aber nicht zu 

den expliziten Neuerern zählt, sondern in vollendeter Weise die 

große sinfonische Tradition weiterentwickelte, wird er von den 

Historikern gerne übersehen. Wie sein großer Dresdner Kollege 

Paul Büttner war Stenhammar ein phänomenaler Kontrapunktiker, 

vollendeter Harmoniker, Erfinder herrlicher Melodien, glanzvoller 

Orchestrator und Beherrscher der großen Form. Stenhammars 

Streichquartette zählen zum Großartigsten, was die Gattung nach 

Beethoven hervorbrachte. Als Dirigent wusste er um alle Wirkungen 

des Orchesters, und man kann in seiner Musik durchaus Spuren 

von Bach, Beethoven, Bruckner, Brahms oder Sibelius lokalisieren, 

ohne dass er ein Epigone wäre. 

Stenhammar war lange Jahre Musikdirektor 

der Göteborger Symphoniker, und die Aufnahme 

seiner Zweiten Sinfonie – des prachtvollsten Orchesterwerks 

aus seiner Feder – unter Eckerberg entstand 

zehn Jahre nach seinem Tod. Erstmals 

kann man hier hören, wie die Satzcharaktere 

und diffizilen Übergänge tatsächlich dem Willen 

des Komponisten entsprachen. Kein Wunder, 

denn im Orchester saßen noch viele Musiker, 

die unter Stenhammars Leitung gespielt 

hatten! Und Eckerberg, den heute fast niemand 

mehr kennt, erweist sich als äußerst versierter und feinnerviger 

Dirigent. Nie habe ich den Übergang zum zweiten Thema im Kopfsatz 

annähernd so plausibel gehört. Nie hat der – von ferne in der 

Fugencharakteristik an das Finale aus Beethovens Hammerklaviersonate 

erinnernde – Schlusssatz eine so entfesselt wilde und zugleich 

bezwingend zusammenhängende Wirkung entfaltet. Hätte es eines 

letzten Beweises bedurft, dass diese Sinfonie sich würdig in die 

Nachfolge von Bruckner und Brahms einreiht und ebenbürtig neben 

den berühmtesten Zeitgenossen bestehen kann, so ist er hier 

erbracht. Die weiteren Werke unter Eckerberg sind übrigens nicht 

weniger fesselnd vorgetragen, vor allem das Zweite Klavierkonzert 

mit dem unvergesslichen Hans Leygraf, den viele Pianisten noch 

als legendären Mentor aus Salzburg kennen. 

Neben diesen sensationellen Archivschätzen seien einige weitere 

wertvolle historische Einspielungen genannt: Hindemiths 

Kontrapunktmeisterwerk Ludus tonalis, 1965 von der Edwin- 

Fischer-Schülerin Käbi Laretei mit überlegenem Strukturverständnis 

und pianistischer Klasse dargeboten (Decca Eloquence); bei APR 

ein Querschnitt durch die frühen Aufnahmen des großen australischen 

Pianisten William Murdoch (1888–1942), der bei Beethoven 

schlagend beweist, wie fern in den 1920er-Jahren romantische 

Klischees sein konnten, bei de Falla mit vollendet spanischem Idiom 

besticht und überall Klavierspiel in höchster Vollendung, geleitet 

von einem untrüglich natürlichen Zugang zum Wesen der Musik, 

offenbart; und bei Nimbus eine zweite Folge von Aufnahmen des 

großen britischen Leschetitzky-Schülers und pazifistischen Helden 

Frank Merrick (er ging im Ersten Weltkrieg für seine Überzeugung 

ins Gefängnis), diesmal auf vier CDs mit dem unverkennbaren 

Geiger Henry Holst in Sonaten von Arnold Bax, 

Edmund Rubbra, Gunnar de Frumerie, Max Reger, 

Frederick Delius und Edward Isaacs, mit Bernard 

Stevens’ zeitloser Fantasia on a Theme of Dowland 

als innigem Höhepunkt – ein Muss für alle Neugierigen, 

die substanzielle Entdeckungen jenseits des 

Mainstreams für möglich halten. 

n 

„The Heritage of Wilhelm Stenhammar“ (Caprice); Paul Hindemith: 

„Ludus Tonalis“, Käbi Laretei (Decca Eloquence); „The complete Columbia 

solo electrical recordings“, William Murdoch (APR); Arnold Bax: „Legend, 

Ballad, Violin Sonatas“ u. a., Frank Merrick, Henry Holst (Nimbus) 


Vincent Dumestre 

Doppelbödige Kirchenmusik 

SAKRALE 

MUSIK 

Gregorio Allegris Miserere war lange von einem Mysterium umgeben. Um 1630 schrieb er seine A-cappella-Fassung des 

Bußpsalms 51, den auch Orlando di Lasso und Giovanni Pierluigi da Palestrina vertonten. Der Vatikan hielt das doppelchörige 

Werk, das nur in der Karwoche gesungen wurde, bis ins späte 18. Jahrhundert unter Verschluss. Zum 20. Gründungsjubiläum 

beschäftigt sich das französische Alte-Musik-Ensemble Le Poème Harmonique mit Verzierungen und Transpositionen, 

die im Lauf der Zeit hinzukamen. Auf dem Album „Anamorfosi“ widmen sich die Musiker unter Leitung von Vincent 

Dumestre außerdem Komponisten aus der Renaissance und dem Barock, die weltliche Melodien für die Verwendung in 

der Kirche umarbeiteten. 

Unter der Maske des Sakralen fanden amouröse Turbulenzen, Schlachtenlärm und theatralische Auseinandersetzungen 

Einlass in die Gotteshäuser. Im Pianto della Madonna übertrug Claudio Monteverdi sein Lamento d’Arianna, die Klage 

der von Theseus verlassenen Ariadne, auf die Jungfrau Maria. Virgilio Albanese machte aus Monteverdis von Liebesschmerz 

erfülltem Madrigal Si dolce è’l tormento ein Loblied auf das Märtyrertum: Si dolce è ’l martire. Auch Luigi Rossi, 

Marco Marazzoli und Domenico Mazzocchi schlugen Brücken zwischen der weltlichen und der geistlichen Sphäre. Bei 

Anamorphosen in der bildenden Kunst sind perspektivisch verzerrte Details nur mit einem Spiegel oder Prisma zu 

erkennen. Den Schlüssel zu den doppelbödigen Kompositionen liefert hier die Stückauswahl auf dem Album. 

Le Poème Harmonique hat außerdem eine hörenswerte Doppel-CD mit „Airs de cour“ herausgebracht – Kunstlieder, 

die am französischen Königshof bis zu den frühen Jahren Ludwig XIV. gesungen wurden. Eine Box mit 20 CDs, auf der 

ältere Aufnahmen zusammengestellt sind (siehe auch Rätsel S. 38), rundet das Jubiläumsangebot ab. CK 

„Anamorfosi“ und „Airs 

de cour“, Le Poème 

Harmonique, Vincent 

Dumestre (Alpha) 

Track 1 auf der 

CRESCENDO Abo-CD: 

Que feray-je? von 

Jean Boyer 

(auf „Airs de cour“) 

GESANG 

Andrè Schuen 

Wandlungsreiche Stimme 

Musikliebhaber kennen die leidenschaftliche erste Version der drei 

Petrarca-Sonette Franz Liszts aus den Jahren 1842 bis 1846. Dass 

er knapp 25 Jahre später diese Gedichte des italienischen Poeten 

des 14. Jahrhunderts, teils erheblich abweichend, teils auf die frühere 

Version zurückgreifend, noch einmal vertonte, ist weniger 

bekannt, auch dass dazwischen durchaus eigenständige Klavier- 

Fassungen innerhalb der Années de pèlerinage – Italie entstanden 

sind. Andrè Schuen und Daniel Heide haben diese drei Werkgruppen 

nun erstmals auf einer CD chronologisch vereint. Der 

Erkenntnisgewinn ist ebenso groß wie das sinnliche Erleben – dank 

der diffizilen, auch an dynamische Grenzen gehenden Gesangskunst 

des jungen Baritons mit seiner wandlungsreichen 

Stimme, die die Fähigkeit 

besitzt, den Text immer wieder neu zu 

durchdringen; aber auch, weil der Pianist 

den Wendungen präzise folgen kann. KLK 

Franz Liszt: „Tre Sonetti del Petrarca 47, 104, 123“, 

Andrè Schuen, Daniel Heide (CAvi-music) 

Peter Eötvös 

Aktueller denn je 

OPER 

Der Untergang der Fregatte Medusa vor 200 Jahren war ein Skandal. 

Inkompetenz und Standesdünkel führten geradewegs in die Katastrophe. 

Hans Werner Henze hat die Geschichte in seinem Dokumentar-Oratorium 

Das Floß der Medusa verarbeitet. Auch dessen Uraufführung im Dezember 

1968 war von einem handfesten Skandal überschattet. Revolutionärer 

Gestus und konservatives Beharrungsvermögen prallten in einem ohnehin 

schon aufgeheizten gesellschaftlichen Klima unversöhnlich aufeinander. 

Heutzutage ist das nur noch eine Anekdote. Die Musik und vor allem der 

Inhalt des Oratoriums scheinen aber aktueller denn je. Der SWR hat großes 

Geschütz aufgefahren: sein hauseigenes Orchester, immerhin drei 

Chöre und drei Solisten. Letztere gehen genauso ausgezeichnet und eindringlich 

wie alle anderen Beteiligten ans Werk, 

allen voran Dirigent Peter Eötvös als alter Hase der 

Neuen Musik. Ausgezeichnet! Eindringlich! GK 

Hans Werner Henze: „Das Floß der Medusa“, Camilla Nylund, 

Peter Schöne, Peter Stein, SWR Vokalensemble, WDR Rundfunkchor, 

Freiburger Domsingknaben, SWR Symphonieorchester, Peter Eötvös 

(SWRClassic) 

FOTO: FLORIAN LEGRAND 

37

R Ä T S E L 

& L E S E R B R I E F E 

GEWINNSPIEL 

Wer verbirgt sich hinter diesem Text? 

LESERBRIEFE 

Betr.: Brüggemanns Klassik-Woche 

„Singen und 

Musizieren war 

zwar kein 

Heilmittel, 

aber schenkte 

Erleichterung“ 

Ich war ein aufgewecktes Kind einer jüdischen Familie, voller 

Energie und Ideen. Nach dem plötzlichen Tod meines Vaters 

musste ich meiner Mutter, die ihre Gesangskarriere zugunsten der 

Familie aufgegeben hatte, in der gepachteten Gastwirtschaft helfen. 

Immer mehr flüchtete ich mich in Fantasiewelten und schrieb 

erste Gedichte, Märchengeschichten und kleine Theaterstücke. 

Diese wurden in deutschen, tschechischen, österreichischen und 

Schweizer Zeitungen und Zeitschriften veröffentlicht. 

Ich heiratete 1930 und brachte zwei Söhne auf die Welt. Die 

politischen Ereignisse aber bereiteten mir immer mehr Sorgen. 

Schweren Herzens schickten wir unseren ältesten Sohn zu meiner 

alten Brieffreundin nach England. Die alltägliche Gefahr und 

finanzielle Not zwang uns, nach Prag umzusiedeln. Voller Angst 

und Zweifel waren die Briefe für meinen Sohn das Einzige, was ich 

in dieser Zeit schreiben konnte. 

1942 wurde ich mit meiner Familie nach Theresienstadt 

deportiert und bei unserer Ankunft von ihr getrennt. Ich begann 

in der Kinderkrankenstube zu arbeiten und wieder Gedichte und 

Lieder zu schreiben. Singen und Musizieren war zwar kein Heilmittel, 

aber schenkte Erleichterung, Ablenkung und ein Lächeln 

auf den Gesichtern der Kinder. Ich verfasste lyrische Trostgesänge, 

sanfte Wiegenlieder für meine Schützlinge, zarte Naturschilderungen, 

jüdische Glaubensbekenntnisse, aber auch kämpferische 

Aufrufe und Schreie nach Vergeltung. Von meinen Texten und 

Volksliedern ging eine Heilkraft aus, die das Sammellager mit 

Trost und Hoffnung erfüllte. 

Kurz vor dem Osttransport gelang es meinem Mann, die Blätter 

mit den Liedtexten im Boden eines Geräteschuppens einzumauern. 

Er kehrte als Auschwitz-Überlebender zurück und grub mein 

lyrisches Werk aus. Er holte unser ältestes Kind wieder zu sich und 

gab lange die Hoffnung nicht auf, den Rest seiner Familie wiederzusehen. 

Doch ich hatte mich freiwillig gemeldet, als der Transport 

der Kinder bevorstand, und hatte sie zusammen mit meinem jüngsten 

Sohn nach Auschwitz begleitet. Ein letztes Mal hatte ich mit den 

Kindern gesungen: „Denn alles wird gut, denn alles wird gut, ertrag 

geduldig das Warten, vertraue der Zukunft, verlier nicht den Mut: 

Die Welt wird wieder zum Garten!“. 

AM 

RÄTSEL LÖSEN UND EINE 

CD-BOX GEWINNEN! 

Wer ist hier gesucht? Wenn Sie die Antwort kennen, 

dann nehmen Sie an der Verlosung teil unter 

www.crescendo.de/mitmachen. Diese CD-Box 

gibt es zu gewinnen: „Le Poème Harmonique“ (Alpha), Vincent Dumestre 

dirigiert. Einsendeschluss: 22.11.2019. Gewinner unseres letzten Gewinnspiels 

ist Marianne Kinmayer, Berlin. Die Lösung war Claude Debussy. 

„Willkommen in der neuen Klassik-Woche“ beginnt Axel 

Brüggemann jeden Montag seine Newsletter-Kolumne. Mit der er 

pointiert über aktuelle und angesagte Themen der Klassik berichtet. 

„Wir haben Nachrichten, bevor sie woanders stehen, und berichten 

über das, was ist, was war und was lohnt“, lautet die Devise. Und 

gelegentlich wird der Newsletter auch zitiert, ohne zitiert zu werden. 

Kürzlich berichtete die Mopo aus Dresden, dass sich das ZDF von 

Christian Thielemann und der Staatskapelle für das Silvesterkonzert 

trennen will. Axel Brüggemann: „In den Medien wurde berichtet – 

nein, liebe Mopo: Im CRESCENDO Newsletter wurde berichtet … 

nachgehakt und festgestellt … zitieren tut doch nicht weh :-). Sollte 

man abonnieren diese Brüggemanns Woche.“ 

Die folgenden Facebook-Kommentare wurden im Original und 

ohne Rechtschreibkorrektur übernommen. 

Friederike Rentzsch Stimmt. Und ich finde es unsagbar 

schade. Es gibt meines Erachtens gerade keinen Besseren als 

Thielemann, vor allem was Spätromantik z. B. angeht. Aber hey, 

was weiß ich schon, und es geht eh nur um Politik. 

Gefällt mir · Antworten · Nachricht senden 

Axel Brüggemann Ich glaube, es geht eher um Benehmen... 


Friederike Rentzsch Wenn ich mir anschaue, wie lange und 

mit was andere geduldet wurden und werden (ich sage nur 

Domingo), kann das nicht der Grund sein. Es gibt einen Unterschied 

zwischen „Mit dem würde ich mich gern mal herzhaft 

streiten“ und einem praktischen Berufsverbot. Als wären die anderen 

alle Säulenheilige. 


Bernhard Ernst Zech Vor Jahren wurde Thielemann bei den 

Münchner Philharmonikern abgewählt und der Vertrag nicht 

verlängert, was in München mit großem Brimborium und 

Medienecho vonstatten ging. Christian Thielemann hat seitdem 

die Münchner Philharmoniker nicht mehr und erst einmal im 

Gasteig sein jetziges Orchester, die Staatskapelle Dresden 

wieder dirigiert! 


Peter Schubert Jetzt nur noch Kiwis Gartenparty zu RTL... 

dann wird alles gut!!! 


Bernhard L Guettler Naja, mit ein bisschen Abstand könnte 

man es auch so sehen, dass sowohl in Salzburg als auch ZDF die 

(großartige, keine Frage) Staatskapelle immer nur als Karte 

gegen die Berliner Philharmoniker gespielt wurde (die in beiden 

Fällen um mehr Kohle gepokert hatten und jeweils verloren hatten.) 

Und jetzt mit Petrenko wird halt das Blatt neu verteilt. Das 

ist das Libretto im Kern. Der Rest ist Inszenierung. 



ERLEBEN 

Die wichtigsten Termine und Veranstaltungen von Oktober bis November im Überblick (ab Seite 42) 

Von alten Mythen und Träumen: Mulo Francel hat mit Chris Gall ein nachdenkliches Album eingespielt (Seite 45) 

Große romantische Sinfonik: die neue Spielzeit der Essener Philharmoniker unter Generalmusikdirektor Tomáš Netopil (Seite 48) 

5. Oktober bis 12. Januar, Dresden 

A. R. Penck in seinem Dresdner 

Atelier, Gostritzer Straße 92 

A. R. Penck – Bilder als Signale 

Die Ausstellung „Ich aber komme aus Dresden (check it out man, check it out)“ erinnert an einen herausragenden 

Künstler unserer Epoche. Als Ralf Winkler wurde er 1939 in Dresden geboren. Von der Kunstakademie abgelehnt, 

fand er in Rembrandt und Picasso seine Vorbilder. Den Namen Albrecht Ralf Penck nahm er von dem Geologen und 

Eiszeit-Spezialisten an, der 1945 starb. 1961, kurz nach dem Bau der Berliner Mauer, malte er sein erstes Weltbild. Es 

wurde zu einem Schlüsselwerk für Pencks neuen Begriff von Malerei. „Ich wollte Bilder malen, die als Signale funktionieren“, 

erläuterte er. Einen positiven Beitrag zum Sozialismus habe er leisten wollen. Was ihn beschäftigte, waren die 

Analyse menschlicher Realität sowie die Beweggründe strukturierten Verhaltens. So fand er den Weg zu seinem Standart-Programm. 

1967 erarbeitete er damit eine neue Sprache, die er schriftlich als Theorie festhielt. Ein Baukasten sollte 

es werden mit „klar formulierten abstrakten Zeichen“, die er wie ein Techniker zur Anwendung bringen wollte. Sinn 

dieser Zeichen war es, „eine zwischenmenschliche Beziehungslogik“ sichtbar zu machen. Als „Verbindung von Ich, Tun 

und Signal“ beschrieb Penck Standart. Das Ich sollte „eine abstrakt verdichtete Figur“ sein. Die Abstraktion führte 

allerdings zum Ausschluss aus dem Verband Bildender Künstler und 1980 zur Ausbürgerung aus der DDR. Gezeigt 

werden im Albertinum A. R. Pencks Arbeiten aus seiner Dresdner Zeit bis 1980. Dazu gehören auch Künstlerbücher, 

Filme und die Schallplatten, die Penck als Musiker mit wechselnden Formationen aufnahm. 

Dresden, Albertinum, albertinum.skd.museum/ausstellungen 

FOTO: ARCHIV STÄDTISCHE GALERIE DRESDEN – KUNSTSAMMLUNG, MUSEEN DER STADT DRESDEN, FOTOGRAF: ERHARD PESCHKE, REPRO: FRANZ ZADNICˇEK, © VG BILD-KUNST, BONN 2019 

39

E R L E B E N 

Oktober / November 2019 

DIE WICHTIGSTEN 

VERANSTALTUNGEN AUF 

EINEN BLICK 

Ihr persönlicher Navigator für Premieren, Konzerte und Festivals 

PREMIEREN 

18.10. BRAUNSCHWEIG STAATS- 

THEATER Faust / Charles Gounod 

18.10. DÜSSELDORF DEUTSCHE OPER 

AM RHEIN Samson et Dalila / Camille 

Saint-Saëns 

18.10. SCHWERIN STAATSTHEATER 

Rigoletto / Giuseppe Verdi 

19.10. BADEN STADTTHEATER 

Mozart / Die Entführung aus dem Serail 

19.10. COTTBUS STAATSTHEATER 

Effi Briest / Siegfried Matthus 

19.10. ERFURT THEATER 

Grimm! / Thomas Zaufke 

19.10. KARLSRUHE STAATSTHEATER 

Faust / Charles Gounod 

19.10. WEIMAR STAATSTHEATER 

Face Me – Le sacre du printemps / 

Ester Ambrosino 

20.10. BREMEN THEATER 

W. A. Mozart / Don Giovanni 

20.10. HANNOVER STAATSTHEATER 

Tosca / Giuseppe Puccini 

22.10. HAMBURG STAATSOPER 

Don Giovanni / W. A. Mozart 

23.10. LUDWIGSHAFEN THEATER IM 

PFALZBAU Vertikal / Mourad Merzouki 


Spektrum / Máté Mészáros 

25.10. BERLIN STAATSOPER 

Love, you son of a bitch / Letizia Renzini 

25.10. DESSAU THEATER 

Hoffmanns Erzählungen / J. Offenbach 

25.10. HOF THEATER 

Monty Pyton‘s Spamalot / John Du Prez 

26.10. AUGSBURG THEATER 

Giselle / Adolphe Adam 

26.10. DARMSTADT STAATS- 

THEATER Fidelio / L. v. Beethoven 

26.10. ERFURT THEATER 

Don Pasquale / Gaetano Donizetti 

26.10. HALLE OPER 

Cabaret / Joe Masteroff 

26.10. KAISERSLAUTERN PFALZ- 

THEATER Die Fledermaus / J. Strauß 

26.10. LINZ (A) LANDESTHEATER 

Le sacre du printemps / Mei Hong Lin 

26.10. MAINZ STAATSTHEATER 

Boris Godunov / Modest Mussorgski 

26.10. NÜRNBERG STAATSTHEATER 

West Side Story / Leonard Bernstein 

20. bis 27. Oktober, Lüneburg 

ultraBACH – 

ein neues Festival mit neuen 

Konzertformaten 

Bringen die Musik zu den 

Menschen: die Musiker 

vom Ensemble Reflektor 

Zu den Menschen gehen und mit ihnen gemeinsam musizieren – 

so könnte man das Konzept von UltraBACH beschreiben. Eine 

Herbstwoche lang halten sich die Musiker vom Ensemble Reflektor 

in Lüneburg auf, wo Bach 14-jährig seine Schulausbildung in 

der Partikularschule des Michaelsklosters fortsetzte. Sie suchen 

nach Begegnungen mit den Bewohnern, bringen ihnen Musik und 

konzertieren in deren Wohnungen. „Bach auf dem Meere“ nennen 

sie den Hausmusik-Parcours, zu dem auch Laienmusiker geladen 

sind. 2015 taten sich 40 Musiker zusammen, um gemeinsam 

klassische Konzerte zu geben. Entstanden ist daraus das Kammersinfonieorchester 

Ensemble Reflektor, das soeben mit dem 

Max-Brauer-Preis der Alfred Toepfer Stiftung ausgezeichnet wurde. 

Mit ultraBACH haben die Musiker ein neues Festival ins Leben 

gerufen. Ein „Tanz-Konzert“ geben sie mit dem Streichorchester 

strings! der Musikschule. Eine Clubnacht spürt in Bachs Goldberg- 

Variationen die Techno-Rhythmen auf. Für das „Mitsing-Konzert“ 

schreibt Benjamin Scheuer einen Choral, der mit dem Publikum 

geprobt und aufgeführt wird. Und zum Abschied lädt das Ensemble 

zu einem großen Konzert mit dem Orchester der Musikfreunde. 

„Bach to the Future“ widmet sich der Musik von Bach 

und seinen Nachfolgern im Geiste. 

Lüneburg, verschiedene Spielorte, www.ensemble-reflektor.de 

FOTO: HEIDE BENSER 

26.10. REGENSBURG THEATER 

La fida ninfa / Antonio Vivaldi 

27.10. AACHEN THEATER 

Werther / Jules Massenet 


THEATER The Telephone, Twice Through 

the Heart / Gian Carlo Menotti 

27.10. KREFELD THEATER 

Boris Godunow / Modest Mussorgski 

27.10. STUTTGART STAATSOPER 

Don Carlo / Giuseppe Verdi 


Il Primo Omicidio / Alessandro Scarlatti 

1.11. LEIPZIG OPER 

Der Vogelhändler / Carl Zeller 

2.11. DORTMUND THEATER 

Die göttliche Komödie II / Xin Peng Wang 

2.11. DRESDEN STAATSOPERETTE 

La Cage aux Folles / Stephen Sondheim 


Salome / Richard Strauss 

2.11. PLAUEN THEATER 

Don Giovanni / W. A. Mozart 

2.11. SALZBURG (A) LANDES- 

THEATER Lohengrin / Richard Wagner 

2.11. WIEN (A) STAAATSOPER 

Jewels / George Balanchine 

2.11. WUPPERTAL BÜHNEN 

La Bohème / Giacomo Puccini 

3.11. FRANKFURT AM MAIN OPER 

Lady Macbeth von Mzensk / 

Dmitri Schostakowitsch 

3.11. MANNHEIM NATIONAL- 

THEATER Peter Grimes / B. Britten 

3.11. ZÜRICH (CH) OPERNHAUS 

Belshazzar / Georg Friedrich Händel 

7.11. FRANKFURT AM MAIN OPER 

Tamerlano / Georg Friedrich Händel 

7.11. MAINZ STAATSTHEATER 

Zanaida / Johann Christian Bach 

8.11. BONN THEATER 

Cavalleria rusticana / Pietro Mascagni, 

Der Bajazzo / Ruggero Leoncavallo 

8.11. DUISBURG DEUTSCHE OPER AM 

RHEIN La Bohème / G. Puccini 

8.11. HEIDELBERG THEATER 

Exhausting Space / Iván Pérez 


Peer Gynt / Gregor Zöllig 

9.11. FREIBURG THEATER 

The Turn of the Screw / B. Britten 

9.11. HEIDELBERG THEATER 

Madame Butterfly / Giacomo Puccini 


FOTOS: DONAUESCHINGER MUSIKTAGE, STAATSOPER HAMBURG, JASPINDER KAUR, STEFFEN SCHINDLER, PRISKA KETTERER, ULRICH PETERS, ASTRID ACKERMANN, BRURIA HAMMER, DAVID REISLER; ALESSANDRO CAPPONE; ROBERT PERES; JONAS HOLTHAUS; BETTINA STOESS 

Die Jubiläumssaison der Bad Homburger 

Schlosskonzerte beginnt mit einer 

Vorschau auf das Beethoven-Jahr. Das 

Originalklangorchester Compagnia di 

Punto spielt die ersten beiden Sinfonien 

Beethovens. Karl-Werner Joerg, 

der Gründer und Intendant der 

Schlosskonzerte, hat den Musikern 

zwei Transkriptionen der Sinfonien 

aus dem 19. Jahrhundert aufs Pult gelegt. 

Solist in Mozarts Klavierkonzert 

KV 488 ist Tobias Koch. Im Jahr 2000 

begann mit einem Orchesterkonzert 

die erste Saison der Schlosskonzerte. 

Mehr als 170 Konzerte, vom Klavierabend über Orchesterkonzerte bis 

zu Opernaufführungen, fanden seither statt. Kontinuierlich erweiterte 

sich das Angebot. Hinzu kamen die Reihe Meisterpianisten, das neue 

Fes tival des Deutschen Musikwettbewerbs sowie die neue 

17. bis 20. Oktober 

DONAUESCHINGER MUSIKTAGE 

Bernhard Leitner ist ein Pionier der Tonraumkunst. 

Als ausgebildeter Architekt kam er 1968 

auf die Idee, den Klang als Material für Architektur 

und Skulptur zu verwenden. Während eines 

zweijährigen Aufenthalts in New York entwickel 

te er die Idee weiter und schuf ein neues 

Vokabular zwischen Raumsprache und Klangsprache. 

Er lotete die Wirkungen des Klangs auf den Menschen aus und 

erkannte, dass akustische Räume mit dem gesamten Körper wahrgenommen 

werden. Für die Musiktage, bei denen er bereits mehrmals zu Gast 

war, schafft er an den Donauhallen einen Tonspiegelraum. Das Klangpanorama 

aus Sprache, Naturlauten und elektronischen Klängen, für das 

Leitner auch mit den Reflexionen an den Gebäudefassaden arbeitet, soll 

dauerhaft das Klangbild der Stadt bereichern. 20 Uraufführungen stehen 

auf dem Programm der Musiktage, deren Anliegen es nach den Worten 

des künstlerischen Leiters Björn Gottstein ist, „eine möglichst große 

Bandbreite gegenwärtiger Stile und Ästhetiken vorzustellen“. Zur Eröffnung 

leitet Emilio Pomàrico (Foto) das SWR Symphonieorchester, das 

SWR Vokalensemble und die SWR Big Band bei der Aufführung von 

Simon Steen-Andersens neuem Werk TRIO. 

Donaueschingen, verschiedene Spielorte, www.donaueschinger-musiktage.de 

22. Oktober 

BERLIN ELLEN BØDTKER 

„Ich schloss die Augen und hörte den Klang des 

Nordlichts und der Landschaft in meiner Seele“, 

beschreibt die Komponistin und Harfenistin 

Ellen Bødtker ihre Inspiration. Die magischen 

Leuchterscheinungen, die in polaren Sommernächten 

über dem Horizont erscheinen, setzt 

Bødtker musikalisch um. Anlässlich der Frankfurter 

Buchmesse, deren Ehrengast in diesem Jahr Norwegen ist, kommt 

sie nach Deutschland. „Nordic light meets arctic sounds“ sind ihre Auftritte 

mit dem Dichter Jan Erik Vold überschrieben. Auf einer gemeinsamen 

Tournee durch Japan stellte sie fest, wie gut Volds Gedichte, die 

vom Meer, der Sonne und den Menschen erzählen, mit den Klangfarben 

der Harfe harmonieren. 

Berlin, Felleshus, 22.10.; Greifswald, Koeppenhaus-Literaturzentrum, 24.10., 

harpe.no 

25. Oktober bis 17. Mai, Bad Homburg 

20 Jahre Bad Homburger Schlosskonzerte 

Kammermusik reihe, bei der in dieser 

Saison u .a. das Ensemble Sixty1strings 

(Foto) in der Besetzung Harfe, Gitarre 

und Mandoline zu erleben ist. Zur 

Weihnachtszeit gastiert das Württembergische 

Kammerorchester mit dem 

Concerto da Chiesa von George Dyson 

in der Schlosskirche. Und Mairéad Hickey, 

die Mozarts Violinkonzert KV 216 

spielt, bringt ein Weihnachtslied aus ihrer 

irischen Heimat. Beethovens 

Viertem Klavierkonzert widmet sich das 

Folkwang Kammerorchester Essen mit 

der Pianis tin Nadezda Pisareva. Und 

zum Ausklang der Saison stellen sich die Preisträger und Stipendiaten 

des Deutschen Musikpreises sowie die Teilnehmer des 20. Bad Homburger 

Meisterkurses vor. 

Bad Homburg, Schlosskirche, www.badhomburger-schlosskonzerte.de 

23. November 

WEIMAR LANZELOT 

Zum 50. Jubiläum der Uraufführung von Paul 

Dessaus Oper Lanzelot setzt Peter Konwitschny 

(Bild) das gewaltige Werk wieder in Szene. Die 

Aufführung kommt einer Wiederentdeckung 

gleich. Seit 1972 wurde die Oper nicht mehr gespielt. 

Nach Brechts Tod 1956 fühlte sich Dessau 

von der Zusammenarbeit mit seiner Frau 

Ruth Berghaus zu neuen Möglichkeiten des Theaters angeregt. In Lanzelot 

bringt er zahlreiche Musizierformen vergangener Jahrhunderte sowie 

das gesamte Spektrum der Neuen Musik zur Anwendung. Das Libretto 

über den Ritter, der den Drachen besiegt und die Gesellschaft befreit, 

obwohl sie es gar nicht will, verfassten Heiner Müller und Ginka Tscholakowa 

nach Motiven von Hans Christian Andersen und der Märchenkomödie 

Der Drache von Jewgeni Schwarz. Es dirigiert Dominik Beykirch. 

Weimar, Nationaltheater, 23. (Premiere) und 29.11., 13. und 28.12. sowie 19.1., 

www.nationaltheater-weimar.de 


HAMBURG ICHUNDICH 

2010 wurde Else Lasker-Schülers im Jerusalemer 

Exil entstandenes Schauspiel IchundIch 

endlich vollständig veröffentlicht. Als „engagierte 

literarische Geste gegen die antisemitische 

Kriegs- und Vernichtungsnation Deutschland“ 

beschreibt der Herausgeber Kevin Vennemann 

das verschachtelte Werk. Es prangert die 

„odemlose, leblose gegenwärtige Zeit“ an. Lasker-Schüler imaginiert als 

Theater im Theater eine Althölle mit Faust und Mephisto und stellt sie 

gegen die NS-Schergen Hitler und Himmler, die in einem Lavastrom untergehen. 

Die verscheuchte Dichterin tritt auf im Gespräch mit einer 

Vogelscheuche, bis am Ende hinter einem Vorhang Gott erscheint. 

Johannes Harneit (Foto) nimmt das bittere, aus Fragmenten der vom NS- 

Regime zerstörten Literatur zusammengebaute Drama zur Vorlage für 

ein Musiktheaterstück. Chri s tian von Treskow setzt es in der Reihe 

„opera stabile“ in Szene, während Harneit selbst das Dirigat übernimmt. 

Gabriele Rossmanith verkörpert Else Lasker-Schüler. Faust ist Daniel 

Kluge. Und als Mephisto treten Martin Summer und Jóhan Kristinsson auf. 

Hamburg, Staatsoper, 3. (Premiere), 6., 8., 10. und 12.11., 

www.staatsoper-hamburg.de 

FOTO: SIXTY1STRINGS 

41

E R L E B E N 

FOTO: AUGUST EVERDING-MUSIKWETTBEWERB 

15. November, München 

Der August- 

Everding-Musikwettbewerb 

Der August-Everding-Wettbewerb für Instrumentalisten im Fach 

Geige ist ausgeschrieben. Um die Teilnahme bewerben können sich 

Geiger jeder Nationalität, die nicht älter als 28 Jahre sind. Die Jury 

besteht aus den Geigern Christian Altenburger, Francesca Dego, 

Florian Sonnleitner und Markus Wolf, dem Bratschisten Valentin 

Radutiu sowie den Journalisten Harald Eggebrecht und Peter Rieckhoff. 

Nach der ersten Runde, die per Tonträgerauswahl erfolgt, werden 

bis zu neun Geiger zum Semifinale nach München eingeladen. Im 

Semifinale müssen die Wettbewerbsteilnehmer auch ein Stück aus 

dem 20. oder 21. Jahrhundert spielen. Das Finale mit anschließender 

Preisverleihung in der Allerheiligen-Hofkirche der Münchner Residenz 

wird öffentlich ausgetragen. Vorgeschrieben ist dafür ein Violinkonzert 

von Mozart, wobei die Orchesterbegleitung das Bach Collegium 

übernimmt. Die Gewinner erhalten Preisgelder in einer Gesamthöhe 

von 16.000 Euro. Der Wettbewerb wurde 1996 von dem 

Kulturmanager Helmut Pauli und dem Regisseur August Everding ins 

Leben gerufen. Seit 2019 richtet der 2017 gegründete Münchener 

Konzertverein e. V. den Wettbewerb aus. Everdings Witwe übertrug 

ihm die exklusiven Namensrechte am Wettbewerb. Anliegen 

des Vereins ist die Hochbegabtenförderung. 

München, Allerheiligen-Hofkirche der Residenz, 

www.konzert-verein.de/august-everding-musikwettbewerb 


BERLIN JIM KNOPF 

Elina Kats-Chernin (Bild) hat einen bedeutsamen 

Kinderbuchklassiker veropert. Michael 

Endes Roman Jim Knopf und Lukas der Lokomotivführer 

ist eines der bekanntesten Kinderbücher 

der Nachkriegszeit. Dass es auch eine Gegengeschichte 

zur NS-Zeit und eine kritische Auseinandersetzung 

mit der nationalsozialistischen 

Rassentheorie ist, wurde erst später erkannt. Die Historikerin Julia Voss 

entschlüsselte die zahlreichen Anspielungen in Endes Fantasiewelt wie 

die Tanzrehe oder die riesigen Schmetterlinge als Hinweise auf Charles 

Darwins Evolutionstheorie, aus der die Nationalsozialisten für ihre Rassentheorie 

schöpften. So war Jemmy Button, ein von der Insel Feuerland 

nach England verschleppter Ureinwohner, der auch auf Darwins Forschungsschiff 

mitreiste, das Vorbild für den schwarzen Jim Knopf. Christian 

von Götz bringt die Oper mit Ivo Hentschel am Pult auf die Bühne. 

Jim Knopf wird von Georgina Melville gespielt, und Lukas ist Carsten 

Sabrowski. Kats-Chernin stammt aus Taschkent, erhielt ihre Ausbildung 

in Moskau und wanderte 1975 nach Australien aus, wo sie auch heute 

lebt. In der Spielzeit 2019/2020 kommen im deutschsprachigen Raum 

gleich drei Kinderopern von ihr zur Uraufführung. 

Berlin, Komische Oper, 3. (Premiere), 4., 9., 14., 17., 30.11. sowie 8., 9., 10., 11., 

13., 16. und 26.12., 10., 24. und 27.1. sowie 6. und 24.2., www.komischeoper.de 

20. Oktober, München 

Witz und Eleganz – 

Roland Petits Coppélia 


Georg Friedrich Händel / Alcina 

10.11. KÖLN OPER 

Carmen / Georges Bizet 

10.11. WIESBADEN STAATSTHEATER 

Rosenkavalier / Richard Strauss 

14.11. MÜNCHEN GÄRTNERPLATZ- 

THEATER Tosca / Giacomo Puccini 

15.11. BASEL (CH) THEATER 

Alexander Ekman / Cow 

15.11. BERLIN DEUTSCHE OPER 

Heart Chamber / Chaya Czernowin 

15.11. LINZ (A) LANDESTHEATER 

Die Entführung aus dem Serail / Mozart 

15.11. LÜBECK THEATER 

Rusalka / Antonín Dvořák 

15.11. LUDWIGSHAFEN THEATER IM 

PFALZBAU Omphalos / Damien Jalet 

15.11. MANNHEIM NATIONAL- 

THEATER Dorian / Felix Landerer 

15.11. SCHWERIN STAATSTHEATER 

Orfeo ed Euridice / Christoph W. Gluck 

16.11. DARMSTADT STAATS- 

THEATER Der Nussknacker / Tim Plegge 

16.11. FLENSBURG LANDESTHEATER 

Guys and Dolls / Frank Loesser 


Märchen im Grand-Hotel / Paul Abraham 

16.11. HILDESHEIM THEATER 

Tristan und Isolde / Richard Wagner 


Rigoletto / Giuseppe Verdi 

16.11. LÜNEBURG THEATER 

Doktor Schiwago / Lucy Simon 

16.11. PFORZHEIM THEATER 

Die verkaufte Braut / Bedřich Smetana 

16.11. WIEN (A) THEATER AN DER 

WIEN La vestale / Gaspari Spontini 

16.11. ZÜRICH (CH) OPERNHAUS 

Coraline / Mark-Anthony Turnage 

18.11. MÜNCHEN NATIONALTHEATER 

Die tote Stadt / Erich Wolfgang Korngold 

22.11. BERLIN DEUTSCHE OPER Die 

Schneekönigin / Samuel Penderbayne 


The Last Five Years / Jason Robert 

Brown 

22.11. HALLE OPER 

Alice im Wunderland / Michal Sedláček 

22.11. ZWICKAU THEATER 

Die Möwe Jonathan / Annett Göhre 

23.11. NÜRNBERG STAATSTHEATER 

La Calisto / Francesco Cavalli 

23.11. TRIER THEATER 

La Périchole / Jacques Offenbach 

23.11. WEIMAR STAATSTHEATER 

Lanzelot / Paul Dessau 

23.11. WIEN (A) VOLKSOPER 

König Karotte / Jacques Offenbach 


Samson et Dalila / Camille Saint-Saëns 


Let´s Stop Brexit! – Keep Calm and Drink 

Tea / Ulrich Proschka 

28.11. GERA THEATER 

Ein Maskenball / Giuseppe Verdi 

29.11. GIESSEN STADTTHEATER 

Jagen / Jörg Mannes, Tarek Assam 

29.11. MEININGEN STAATSTHEATER 

La rondine / Giacomo Puccini 


THEATER Chicago / John Kander 

30.11. CHEMNITZ THEATER 

Der Nussknacker / Sabrina Sadowska 

30.11. DORTMUND THEATER 

Lohengrin / Richard Wagner 

Coppélia, verlegt in eine Garnison Ende des 19. Jahrhunderts 

„Diese Coppélia ist ein bisschen wie eine Operette“, erläutert Luigi 

Bonini, der Ballettmeister des Bayerischen Staatsballetts. Coppélia 

ist eine Ballettpantomime. Arthur Saint-Léon choreografierte sie, 

und Léo Delibes schrieb die Musik dazu. Die Handlung basiert auf 

E.T.A. Hoffmanns Erzählung Der Sandmann. 1870 hatte das Ballett 

an der Pariser Oper Premiere und wurde zu einem Klassiker. Zahllos 

sind die Fassungen, die in der Folge entstanden. 1975 schuf 

Roland Petit eine für das Ballett von Marseille, deren künstlerischer 

Leiter er 1973 geworden war und das er zu internationalem Triumph 

führte. Petit strebte nach einer Verbindung von klassischem 

Ballett und modernem Ausdruckstanz. Er war selbst eine glamouröse 

Persönlichkeit, und er ließ seine Tänzer in ihren Bewegungen 

immer besonders gut aussehen. So zeichnen Witz und Eleganz, Humor 

und Raffinesse seine Ballette aus. Zudem war er als Choreograf 

ein begnadeter Geschichtenerzähler. Die Handlung von Coppélia 

verlegte er in eine Garnison Ende des 19. Jahrhunderts. Dr. Coppélius 

möchte seine Holzpuppe Coppélia zum Leben erwecken, woraufhin 

Franz, der eigentlich mit Swanilda verlobt ist, sich in die hölzerne 

Täuschung verliebt. 

München, Nationaltheater, 20. (Premiere), 22., 25. und 26.10., 8. und 17.4., 

27.5. und 6.7., www.staatsoper.de/staatsballett 

FOTO: ANNA KLYUSHKINA 




FRANKFURT ENSEMBLE MODERN 

Frank Zappa war ein begnadeter Komponist. 

„Ein Genie“, nannte ihn Kent Nagano, der mehrere 

Werke von ihm aufführte. Ein Jahr vor seinem 

Tod 1993 nahm das Ensemble Modern 

späte Werke mit ihm auf. Für Zappa war das 

Ensemble seine „letzte Band“. Ausschnitte aus 

den Alben „The Yellow Shark“ und „Gregory 

Peccary & Other Persuasions“, das Ali N. Askin aus Zappas Nachlass zusammenmontiert 

hatte, kommen nun abermals zur Aufführung. Musikalisch 

ineinandergreifend, bilden sie, der Aussage Zappas folgend, der alle 

seine Werke als eine Komposition verstand, ein Klangkontinuum. 

Frankfurt am Main, Alte Oper, www.alteoper.de 


BERLIN LGT YOUNG SOLOISTS 

Gemeinsam haben sie über 80 Preise bei Wettbewerben 

gewonnen. Die LGT Young Soloists 

sind ein Streicherensemble mit Musikern im Alter 

zwischen 14 und 23 Jahren. Das von dem 

Geiger Alexander Gilman und der Pianistin Marina 

Seltenreich 2013 ins Leben gerufene Projekt 

LGT Young Soloists ermöglicht Wettbewerbspreisträgern 

Auftritte als Solisten, Kammer- und Orchestermusiker. 

Mit „Italian Journey“ und „Russian Soul“ brachten die jungen Solisten 

bereits zwei Alben heraus. Für ihr Konzert haben sie ein 

melancholisches Programm zusammengestellt. Nach den gefühlvollen 

Melodien in Schumanns Konzert op. 129 folgen u. a. Paul Hindemiths 

Trauermusik und Valse triste von Jean Sibelius. 

Berlin, Kammermusiksaal der Philharmonie, www.lgtyoungsoloists.com 


CHEMNITZ BEI DER FEUERWEHR WIRD DER 

KAFFEE KALT 

Die Feuerwehr macht Pause. Aber da klingelt 

das Telefon. Bei Oma Eierschnecke brennt es. 

Endlich sind die Feuerwehrleute zurück und 

wollen sich an ihren Kaffeetisch setzen. Da läutet 

abermals das Telefon. Emil Zahnlücke ist im 

Schwanenteich eingebrochen. Immer wieder 

müssen Löschmeister Wasserhose und Oberfeuerwehrfrau 

Olivia Obenauf ausrücken. Vor 50 Jahren erschien das 

Kinderbuch „Bei der Feuerwehr wird der Kaffee kalt“ von Hannes Hüttner. 

Zum Jubiläum hat Oliver Ostermann eine gleichnamige Ki n der oper 

komponiert. Mit Matthias Winter als Löschmeister Wasserhose und mit 

Ostermeier am Pult setzt Alexander Kuchinka (Foto) sie in Szene. 

Chemnitz , Theater, 2. (Premiere) und 14.11., 6.12., 10., 18. und 26.1., 29. und 

30.3., 11. und 12.5. sowie 10.6. , www.theater-chemnitz.de 

22. und 23. November 

BERLIN LA DAMNATION DU FAUST 

Als ein „bemerkenswertes Ereignis“, das einen 

seltsamen und tiefen Eindruck hinterließ, beschrieb 

Hector Berlioz seine erste Lektüre von 

Goethes Faust in der Übersetzung von Gérard 

de Nerval. Das Werk faszinierte ihn sofort, und 

er „erlag der Versuchung“, es zu vertonen. Aus 

dem ersten Wurf von 1845 erarbeitete er während 

einer Postkutschenfahrt durch deutsche Lande die dramatische 

Legende La damnation du Faust. „Chauvinisten! Fetischisten! Kretins!“, 

beschimpfte er nach der Uraufführung die deutschen Kritiker, die ihm 

vorwarfen, er habe Goethes Text abgeändert. Robin Ticciati leitet das 

Deutsche Symphonie-Orchester Berlin und den Rundfunkchor Berlin 

(Foto) bei der Aufführung des Werks. 

Berlin, Philharmonie, www.dso-berlin.de 

www.kunstklang-feuchtwangen.de 

Kartentelefon 09852 904-44 

CONFISSERIE SPRÜNGLI PRÄSENTIERT 

17. November 2019 

Hommage à 

Clara Schumann 

Ausgewählte Lieder von 

Clara und Robert Schumann 

und Johannes Brahms 

Christiane Karg (Sopran) 

Malcolm Martineau (Klavier) 

14. Februar 2020 

An die ferne Geliebte 

Lieder von Ludwig van Beethoven 

und Benjamin Britten 

Andrè Schuen (Bariton) 

Boulanger Trio 

BASEL 10 –24 11 2019 

24.11. GROSSE SYNAGOGE BASEL 

«DIE WEISSAGUNG DES JESAJA» 

WDR RUNDFUNKCHOR 

KNABENKANTOREI BASEL, SOLISTEN 

20.11. DER WUNDERBARE 

FERNFLUG 

FAMILIENKONZERT, 

MUSEUM TINGUELY 

12.11. «GOETHE UND 

GHETTO» 

JÜDISCHES MUSEUM SCHWEIZ 

UND STADTKINO BASEL 

10.11. GIDON KREMER 

KREMERATA BALTICA 

OEKOLAMPAD 

17.11. TRIO À LA KODÁLY 

THE BIRD’S EYE JAZZ CLUB 

www.martinu.ch 

Vorverkauf: www.ticketino.ch sowie an allen bekannten 

Vorverkaufsstellen Info: www.martinu.ch T +41 (0)61 555 06 45 

Foto: Gisela Schenker 

43

E R L E B E N 

Ioan-Holender-Kolumne 

DIE OPER VERKOMMT 

ZUM KONSUMGUT 

Die Oper ist die szenische Erzählung der Komposition. 

Aber kann man das noch so erleben? Die konzertanten 

Aufführungen von Opernwerken verbreiten 

sich in den letzten Jahren wie eine Hydra mit immer größeren 

Armen. Die Unsitte der simplifizierten Wiedergabe 

dieser Un-Form begann mit der Renaissance der Barockopern, 

die derzeit weitgehend in konzertanter Weise aufgeführt 

werden, obwohl jedermann bekannt ist, dass 

Barockopern in der Blütezeit ihrer Entstehung von Cesti, 

Monteverdi bis Händel immer und überall in prachtvoller 

Ausstattung als Gesamtkunstwerk für Auge und Ohr aufgeführt 

wurden. Die mythologischen Vorlagen von Homer bis 

Ovid und bis zu den germanischen Heldensagen sind heute 

dem Publikum und auch den szenischen Gestaltern nicht 

mehr bekannt, und eine szenische Wiedergabe wird – ob 

in historischer Form oder im Versuch, die Handlung heutig 

zu erzählen – nicht intendiert. 

Nicht nur bei den Salzburger Festspielen greift die künstlerische 

Unsitte um sich, dass man unbedenklich Werke, in 

denen ein verkaufsträchtiger Mitwirkender besetzt werden 

kann, konzertant aufführt. Die dramaturgisch programmatische 

Rechtfertigung dazu sind die kurze Probenzeit, die 

Zweitrangigkeit des „begleitenden“ Orchesters, keinerlei 

Dekoration und natürlich der gute Verkauf zu denselben 

Bedingungen – sprich zu denselben Preisen – wie die teuren 

szenischen und lange geprobten Aufführungen. Also sind alle 

froh und zufrieden, der Veranstalter ebenso wie das Publikum, 

das sich nicht bemühen muss, eine szenische Gestaltung 

zu verstehen oder sich damit zu beschäftigen, und vor allem 

die zu schnellem Geld gelangten Sänger. 

Hinzu kommt die Garderobe der Solisten als bezahlte 

Modenschau. Werden sinfonische Werke aufgeführt, bei 

denen Sänger mitwirken, kleiden sich diese zumeist in 

Abendkleid und Frack. Bei konzertanten Operndarbietungen 

dagegen zeigen die Sänger und vor allem die Solistinnen 

wahrhaft schrille Modevorführungen, für die sie von Modeschöpfern 

auch noch bezahlt und beschenkt werden. Auf 

diese Weise wird die Oper immer mehr zum Konsumgut. 

„kulTOUR mit Holender“ auf 

ServusTV Deutschland: 

20.10. Krim – Kulturleben am Schwarzen Meer (Wh.) 

27.10. Philipp Hochmair – Ein Leben für die Kunst (Wh.) 

1. und 3.11. Savonlinna – Oper im hohen Norden 

8. und 10.11. Athen – Die ewige Kulturhauptstadt 

15. und 17.11. Amsterdam – Weltkulturhauptstadt? 

22. und 24.11. Modena 


ALZENAU BR-CHOR 

Bibel und Koran haben viel gemeinsam. Biblische 

Überlieferungen finden sich auch im Koran 

wie etwa die Schöpfungsgeschichte, Mose, Kain 

und Abel, Josef und seine Brüder, und an etwa 

25 Stellen wird Jesus erwähnt. Der Chor des 

Bayerischen Rundfunks widmet sich dem Licht 

als Symbol beider Religionen. Hassan Sadeghi 

rezitiert den Lichtvers (Sure 24, Vers 35), und der Chor singt György 

Ligetis sphärisches A-cappella-Stück Lux aeterna. Ligeti verglich die 

harmonischen Bewegungen des Stückes mit dem Kräuseln einer Wasseroberfläche, 

in der ständig neue Spiegelbilder erscheinen. Rupert 

Huber (Foto) bringt seine neue Komposition Das Licht der Öllampe zur 

Aufführung. 

Alzenau, Wallfahrtskirche Kälberau, 10.11.; München, Prinzregententheater, 

23.11., www.br-chor.de 


DRESDEN LE GRAND MACABRE 

„Charaktere und Bühnensituationen sollen direkt, 

knapp gehalten, unpsychologisch und verblüffend 

sein“, beschrieb György Ligeti seine 

Vision einer Oper. Er stellte sich ein überfarbiges, 

dramatisches Geschehen vor, das aus dem 

Inneren der Musik herauswächst. In Michel de 

Ghelderodes Ballade du Grand Macabre fand er 

das ideale Stück: „ein Weltuntergang, der dann gar nicht wirklich stattfindet, 

der Tod als Held, der aber vielleicht nur ein Gaukler ist, die kaputte 

und doch glücklich gedeihende, versoffene, verhurte Welt des imaginären 

‚Breughellandes‘“. Calixto Bieito setzt Ligetis Grand Macabre mit 

Omer Meir Wellber am Pult in Szene. Amanda ist Katerina von Bennigsen 

(Foto), und Amando ist Christina Bock. 

Dresden, Semperoper, 3. (Premiere), 7., 13., 26. und 28.11., www.semperoper.de 


KÖLN HAMLET 

Staub als Symbol der Vergänglichkeit zieht sich 

leitmotivisch durch Brett Deans (Foto) Oper 

Hamlet. Emphatisch kehrt das Wort immer wieder. 

2017 veroperte Dean die berühmte Shakespeare-Tragödie 

zu einer dichten poetischen 

Collage. Matthew Jocelyn, der auch das Libretto 

verfasste, inszeniert die deutsche Erstaufführung. 

Hamlet verkörpert David Butt Philip. Die musikalische Leitung liegt 

in den Händen von Duncan Ward. Das Werk hebt an mit einem perkussiven 

Raunen, während Sänger im Orchester durch Zischen und Wispern 

ein verzerrtes Gewirr von Stimmen erzeugen, wie es den Kopf eines 

Wahnsinnigen erfüllt. Dean setzt das Phänomen Wahnsinn als Metapher 

für die marode Gesellschaft und die von ihr deformierten Personen ein. 

Köln, Oper, 24. (Premiere), 27. und 30.11., 5., 8., und 11.12., www.oper.koeln/de 


MÜNSTER YOLIMBA 

Für den 2017 verstorbenen Komponisten Wilhelm 

Killmayer hatte Musik allein mit dem inneren 

Leben zu tun. Seine Werke durchziehen heitere 

und spielerische Elemente. 1965/1970 komponierte 

er die Posse Yolimba oder die Grenzen 

der Magie. Die Kunstfigur Yolimba wurde von 

Professor Möhringer, der die Liebe hasst, so 

programmiert, dass sie jeden tötet, der von „Liebe“ spricht. Generalintendant 

Ulrich Peters (Foto) setzt die absurd-groteske Handlung in Szene, 

und Thorsten Schmid-Kapfenburg leitet sie musikalisch. 

Münster, Theater, 26.10. (Premiere), 2., 8., 17. und 28.11., 2.12. sowie 8. und 

24.11., www.theater-muenster.com 



E R L E B E N 

SICH ENTFÜHREN LASSEN 

„Mythos“ ist ein nachdenkliches Album großer musikalischer Schönheit. Mulo Francel an 

Saxofonen und Klarinetten und Chris Gall am Klavier widmen sich in einem musikalischen 

Dialog den alten Mythen, die von Flucht, Schicksal und Hoffnungen erzählen. 

VON RUTH RENÉE REIF 

CRESCENDO: Herr Francel, 

Mythen sind Weisheitsquellen. 

Bangen Sie um die Welt? 

Mulo Francel: Wie viele Menschen, 

die mit wachen Augen auf 

unsere Welt schauen, bin ich 

besorgt. Aber es gibt durchaus auch 

Anlass zur Ermutigung. Auf einer 

Tournee in Freiburg im Breisgau 

gerieten wir zufällig in eine 

Fridays-for-Future-Veranstaltung 

Hunderter junger Menschen. Dass 

eine junge Generation aufsteht und 

Veränderungen verlangt, war eine 

emotional aufwühlende Erfahrung für uns. Vor diesem Hintergrund 

ist das Thema Mythos ein gedanklicher Leitfaden, dem wir mit unserem 

musikalischen Konzept folgen. 

Mit Palinuro über Aeneas und Dido’s Lament zieht sich auch das 

Thema Flucht durch Ihr Album … 

Da gibt es eine Parallele zu heute. Man muss nur einen Blick in 

Homers Epos Ilias werfen. Aeneas flieht mit anderen Trojanern aus 

dem brennenden Troja. Ungünstige Winde treiben sie an die Küste 

Nordafrikas. Dort bekommen sie Asyl. Königin Dido verliebt sich 

sogar in Aeneas. Wir sehen genau die umgekehrte Situation zu 

heute. Dieses uralte Epos erinnert uns daran: Es ist zuallererst ein 

Gebot der Menschlichkeit, Asyl zu gewähren. 

Ikarus’ Dream nennen Sie als auslösende Inspiration für das Album. 

Ikarus wollte seinem Schicksal entfliehen und stürzte ins Meer. Ist 

der große Menschheitstraum unerfüllbar? 

Das hängt davon ab, ob man an eine Vorbestimmung 

glauben will oder an die Freiheit, seinen 

Weg selbst zu bestimmen. Ich neige eher zu letzterer 

Sichtweise. Ikarus und sein Vater Dädalus 

schaffen es, aus dem Labyrinth des Minotaurus 

auszubrechen, mit List, aber auch mit Gedankenkraft 

und handwerklicher Fähigkeit. Dass die 

Flucht dennoch tragisch endet, lag an Ikarus’ 

Übermut. Der Anblick der sonnenbeschienenen 

Ägäis und die Vorstellung dieses Fluges und der 

Gedanken Ikarus’ beim Absturz waren für mich 

ein inspirierender Augenblick. Die starke Emotion, 

die er auslöste, setzte ich in Musik um. 

Das Album ist eine Duo-Aufnahme. Sie haben 

MULO FRANCEL & CHRIS GALL 

22.11. Burghausen, Ankersaal 

26.11. München, Allerheiligen-Hofkirche 

8.1. Bonn, Harmonie 

9.1. Berlin, A-trane 

31.3. Rosenheim, Apostelkirche 

Weitere Termine und Informationen: 

www.mulofrancel.de 

Mulo Francel, Chris Gall: „Mythos“ (GLM) 

FOTO: MIKE MEYER 

schon mehrere Duo-Alben veröffentlicht. 

Was ist das Besondere 

am Duo? 

Das Duo-Spiel ist ein Dialog, in 

dem man lebendig aufeinander 

eingehen kann. Chris’ hochvirtuoses 

Klavierspiel ist so rhythmisch 

und feingliedrig, dass man in 

kleinste Details gehen kann. Das 

entflammt mich. Es regt mich 

dazu an, über seine rhythmischen 

und harmonischen Strukturen 

weite Melodiebögen zu legen. 

Chris war häufig Mitglied bei 

Quadro Nuevo, wir zogen nächtelang gemeinsam durch Buenos Aires. 

Er spielt ein Stück jeden Abend anders und gibt einfallsreiche Impulse. 

Für mich als Musiker, der viel auf der Bühne steht, ist es wichtig, mich 

jeden Abend musikalisch herauszufordern. Chris ist dabei ein wunderbarer 

Partner. 

Die 7 Weisen haben Sie gemeinsam komponiert. Wie geht die 

Umsetzung einer Idee in Musik vor sich? 

Ich hatte eine Reise durch den Iran unternommen, mit Menschen 

gesprochen und mit einheimischen Musikern gespielt. Daraus entstand 

2018 das Hörbuch Goethes persische Reise. Goethe begeisterte 

sich in seinen späten Jahren für die persische Kultur. Während der 

Reise durch diese alte Hochkultur und diesen religiös gelenkten Staat 

stellte sich mir die Frage, was eine gute Regierungsform auszeichnet. 

Die Überlegungen verarbeitete ich in dem Stück Der Weise. Chris 

wiederum hatte ein Stück im Siebenviertel-Takt, 

das er In 7 nannte. Beide zusammen ergaben Die 

7 Weisen. Wir stellen uns vor: Sieben Weise – 

ältere Menschen mit viel Lebenserfahrung –, 

denen man vertraut, setzen sich zusammen, diskutieren 

gesellschaftliche Fragen und stimmen 

anschließend ab. 

Erwarten Sie vom Publikum, dass es sich auf 

die Themen einlässt? 

Ich erwarte die Bereitschaft, sich aus dem Alltag 

entführen zu lassen in eine Welt von Klängen. 

Die inhaltliche Inspiration muss man nicht mitnehmen. 

Aber man kann sich den Flug des Ikarus 

vorstellen, um sich selbst anders zu verhalten. 

Nicht zu tief zu fliegen und nicht zu hoch. ■ 

45

E R L E B E N 

Das Publikum mitzureißen mit ihrer Energie, ihrer Leidenschaft für Musik und emotionale Erlebnisse 

zu schaffen – das ist der Wunsch der 12 Tenöre 

LIEBE UND 

LEIDENSCHAFT 

Die 12 Tenöre begeben sich wieder auf Tournee. Mit einem Programm, das die ganze 

Vielfalt der Musik von den berühmten Arien der Opern- und Operettenliteratur über 

Melodien aus Musicals bis zu den Klassikern der Rock- und Popgeschichte umfasst, sind sie 

ab Dezember in zahlreichen deutschen Städten zu erleben. 


„Wir alle lieben es zu singen! Wir lieben die Musik! Wir lieben es 

zu tanzen“, betont Tenor Alexander Herzog in einem Interview. 

„Wir alle lieben es, unser Publikum zu begeistern!“ Seit 2010 ist 

Herzog mit der Show „The 12 Tenors“ auf Tournee und hat an mehr 

als 1.000 Auftritten mitgewirkt. Er absolvierte eine Musicalausbildung 

an der Stella-Musical Academy in Hamburg sowie ein klassisches 

Gesangsstudium an der Hochschule für Musik in Nürnberg 

und sammelte Erfahrungen bei Opernfestspielen, Fernsehshows 

und einer eigenen Musical-Gala. Über eine Musicalausbildung verfügen 

die meisten der 12 Tenöre. Tenor Jordan Ramroop studierte 

an der London School of Musical Theatre. Tenor Jamie Pritchard, 

der zudem als professioneller Trompeter in Orchestern tätig ist, trat 

nach seinem Studium am Royal Conservatoire of Scotland in Musicals 

wie Frederick Loewes Brigadoon oder John Kandlers Cabaret 

auf. Und Tenor Andy Conaghan, der die Western Australia Academy 

of Performing Arts besuchte, war nach Auftritten in Musicals 

wie Les Misérables von Claude-Michel Schönberg oder Richard 

Rodgers’ Oklahoma! und South Pacific Solist im Konzert „The Music 

of Andrew Lloyd Webber“. 

Kompositionen von Webber gehören zum Repertoire der 

Tenöre. Und in der Tat kommt Webber bei der Öffnung der musikalischen 

Grenzen eine wichtige Rolle zu. Denn mit seinen Werken 

hielt die Popmusik Einzug ins Musiktheater. Webber arbeitete mit 

Mikrofonen, Lautsprechern, Synthesizern und anderen technischen 

Raffinessen, um seine Lieder publikumswirksam zu gestalten. Die 

Mitwirkenden von „The 12 Tenors“ folgen diesem Weg. Tenor 

Daniele Alan Carter etwa gab nach seinem Studium an der Accademia 

nazionale d’arte drammatica Silvio D’Amico in Rom sein 

Debüt als Romeo in Riccardo Cocciantes Pop-Oper Giulietta e 

Romeo. Und Tenor Martin Turner Van Holtgreven, der seit 2017 an 

der Show „The 12 Tenors“ mitwirkt, ging nach einer Musicalausbildung 

an der Stage School in Hamburg und Auftritten in diversen 

Musicals als Backgroundsänger mit der Whitney-Houston-Tri bute- 

Show „One Moment in Time“ auf Tournee. 

In einem Streifzug durch die 1960er-, 1970er- und 1980er-Jahre 

erinnert „The 12 Tenors“ an die Klassiker der Rock- und Popgeschichte. 

Music, der Rock-Klassiker von John Mills, steht ebenso 

auf dem Programm wie Vince Clarkes Pop-Ballade Only You und 


FOTOS: MARIO MÜLLER 

Good Vibrations von der Band The Beach Boys. Mit dem Rocksong 

Bohemian Rhapsody aus dem Album „A Night at the Opera“ gedenken 

die 12 Tenöre Freddie Mercurys, des Mitbegründers der Band 

Queen, der 1991 im Alter von 45 Jahren seiner Aids-Erkrankung 

erlag. Natürlich darf Imagine, John Lennons Vision einer von Religion, 

Nationalismus und Besitz freien Gesellschaft aus dem Jahr 

1971, nicht fehlen. „The greatest composers since Mozart“ nannte 

Philip Glass The Beatles, von denen die 12 Tenöre Come Together, 

das Eröffnungslied des Albums „Abbey Road“ aus dem Jahr 1969, 

interpretieren. Michael Jackson setzte die Tradition der Songs und 

Balladen der Beatles fort und führte sie zu neuer Vollendung. In 

einem Medley mit Man in the Mirror sowie Songs aus dem Album 

„Thriller“ erinnern die 12 Tenöre an den genialen Künstler und seinen 

tragischen Tod vor zehn Jahren im Alter von 51 Jahren. 

Lieder, die Erinnerungen wecken, Gefühle auslösen und die 

Seele berühren, bestimmen das Programm, dem Opernarien wie 

Nessun dorma des unbekannten Prinzen Kalaf aus Giacomo Puccinis 

letzter Oper Turandot und Operettenmelodien wie Dein ist 

mein ganzes Herz aus Franz Lehárs Das Land des Lächelns angehören. 

Die Zuhörer mit ihrer Musik zu berühren, das ist der Wunsch 

der 12 Tenöre. Sie wollen das Publikum mitreißen mit ihrer Energie, 

ihrer Leidenschaft für Musik und emotionale Erlebnisse schaffen. 

Tenor Julian Dionne, der nach einem Gesangsstudium am Conservatorio 

Giuseppe Verdi in Mailand als Jesus in Webbers Musical 

Jesus Christ Superstar auftrat, spricht von dem großen Glücksgefühl, 

das er empfinde, wenn er Menschen mit seiner Stimme erfreuen 

und berühren könne. 

Die Mythen aller Erdteile wissen von der Magie des Gesangs 

zu erzählen. Vom Gilgamesch-Epos, dem ältesten überlieferten 

Mythos der Geschichte, über die Bhagavad Gita, der wichtigsten 

Schrift des Hinduismus, deren Titel übersetzt „Gesang des Erhabenen 

lautet“, und das Poopol Wuuj, das heilige Buch der Maya, bis 

zum antiken Orpheus-Mythos wird dem Gesang 

eine sinnstiftende Kraft zugeschrieben. Orpheus 

bezaubert mit seinem Gesang die wilden Tiere, 

entlockt den Felsen Tränen und vermag sogar die 

Zeit zurückzudrehen und Zugang zu Eurydike ins 

Totenreich zu erlangen. Den Tenor umgibt seit 

THE 12 TENORS 

Live on tour ab Dezember 

Informationen und Kartenservice: 

www.12-tenors.com 

www.highlight-concerts.com 

Beginn des 19. Jahrhunderts eine besondere Aura. Klangschönheit, 

Koloraturgewandtheit und stimmliche Dominanz verbinden sich 

bei ihm zu einem sinnlichen Erlebnis. Mit der Tenorpartie in Gioachino 

Rossinis Otello wurde 1816 der Tenorheld geboren. Auf die 

Frage, was ein Sänger brauche, nannte Rossini „nur drei Dinge: 

Stimme, Stimme und nochmals Stimme!“. Der Tenor ist ein Stimmfach 

von höchstem technischen Anspruch. Was ihn auszeichnet, ist 

die Ausführung des hohen Cs in der Bruststimme, die zu einem 

mythenstiftenden Phänomen wurde. Gilbert Duprez war der erste 

Tenor, der dies 1837 vermochte und damit einen Prüfstein für jeden 

Tenor schuf. Davor bedienten sich Sänger einer Mischung aus Kopfund 

Bruststimme. Die Faszination der hohen Männerstimmen blieb 

bis heute ungebrochen. Kraft, Brillanz und seelischer Ausdruck 

rufen Bewunderung und Begeisterung hervor und schlagen das 

Publikum in Bann. Manche sprechen gar von einem erotischen 

Klang, der die Sinne berauscht. 

Die 12 Tenöre greifen diesen Mythos vom Heldentenor auf und 

spielen mit ihm. Ironisch und humorvoll persiflieren und konterkarieren 

sie ihn. Damit knüpfen sie an jene Tradition an, als im 19. 

Jahrhundert William Schwenck Gilbert und Arthur Sullivan die 

britische Operette schufen, indem sie Operntechniken mit Unterhaltungsformen 

verbanden und Belcanto-Werke von Donizetti und 

Bellini persiflierten. Nicht nur Licht, Choreografie und Tanz bilden 

ein integrales Element der Show „The 12 Tenors“, auch der Darstellungskunst 

mit Mimik, Gestik und Körpersprache kommt Bedeutung 

zu. Eine Reihe der Mitwirkenden durchlief eine Schauspielausbildung. 

Tenor Matt Hayden, Tenor Michael Lynch, Tenor Aran 

Macrae und Tenor Julian Quijano besuchten die Guildford School 

of Acting, ehe sie ihre Laufbahn als Musicaldarsteller begannen. 

Seit rund zehn Jahren besteht die Show „The 12 Tenors“ bereits, 

tourt um die Welt und erneuert sich immer wieder. Tenor Shane 

Barragan ist der jüngste Neuzugang. 2018 hat er sein Studium an 

der London School of Musical Theatre abgeschlossen 

und gibt nun sein Debüt in der Show. Einer 

schönen Tradition bleiben die 12 Tenöre allerdings 

treu: Sie nehmen stets einheimische Lieder des 

Gastgeberlandes in ihr Programm, und sie laden 

das Publikum zum Mitsingen ein. 

■ 

47

E R L E B E N 

ROMANTISCHER 

MELODIENREICHTUM 

Mit großartigen Künstlern und wunderbarer Musik warten die Essener Philharmoniker 

und ihr Generalmusikdirektor Tomáš Netopil in der Spielzeit 2019 / 2020 auf. 


Die Vermittlung von Musik ist ihm ein Anliegen: Generalmusikdirektor Tomáš Netopil 

FOTO: HAMZA SAAD 

Die große romantische Sinfonik mit ihren weit ausschwingenden 

Melodien und ihrem Reichtum an emotionalen Schattierungen 

bestimmt das Konzertprogramm der Essener Philharmoniker in 

der neuen Saison. Generalmusikdirektor Tomáš Netopil eröffnete 

sie mit seiner Lieblingssinfonie, Antonín Dvořáks Siebter. Ivor 

Bolton, Artist in Residence der Philharmonie Essen und aufregender 

Deuter von Bruckner-Sinfonien, reist an für die aus dem Geist 

der Naturromantik geschaffene Vierte Sinfonie, der Bruckner die 

Bezeichnung Romantische gab. Der junge Pianist Alexander Krichel 

ist Solist in jenem Klavierkonzert Nr. 23, mit dem Mozart einst sein 

Leben als freier Künstler begann. Netopil steht wieder am Pult, 

wenn Gustav Mahlers Dritte Sinfonie zur Aufführung kommt. „Das 

Unbekümmertste“, was er je geschrieben habe, sei diese Sinfonie, 

bekundete Mahler über das Werk, das mit bunten Farben das Aufleben 

der Natur schildert. Tschaikowsky dirigierte noch die Uraufführung 

seiner Sechsten Sinfonie. Danach verstarb er. So wurde die 

Sechste zu seinem Requiem und ein ergreifender Abschied vom 

Leben mit all seinen Geheimnissen. Netopil leitet ihre Aufführung 

mit Frank Peter Zimmermann als Solisten in Beethovens 

Vio linkonzert. 

Die riesigen Orchester der Romantik und ihre monumentale 

Klangentfaltung kulminieren in einem außergewöhnlichen Werk: 

Arnold Schönbergs Gurreliedern. Netopil dirigiert ihre Aufführung, 

die im Rahmen des Festivals für Neue Musik NOW! stattfindet. Der 

Liederzyklus auf Texte des dänischen Dichters Jens Peter Jacobsen 

ist für eine gigantische Besetzung komponiert. Schönberg schreibt 

acht Flöten, sieben Klarinetten und mindestens 40 Geigen vor. Drei 

Chöre wirken mit, der WDR Rundfunkchor, der Aalto Opernchor 

ESSENER PHILHARMONIKER 

Saison 2019 /2020 

Informationen und Kartenservice: 

www.essener-philharmoniker.de 

und der Philharmonische Chor Essen. Für die 

ergreifende, rätselhafte 15. Sinfonie Dmitri 

Schostakowitschs tritt Rory Macdonald ans 

Pult. Die 15. ist die letzte Sinfonie des genialen 

Komponisten. Mit dem Auftauchen des Schicksalsmotivs 

aus Wagners Walküre zu Beginn des Finales gemahnt 

sie an den Tod, ehe sie mit Klängen, die nicht mehr von dieser Welt 

zu sein scheinen, endet. Musik an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert 

stellt der Dirigent Tomáš Hanus vor. Das Cellokonzert von 

Edward Elgar umrahmt er mit Suiten Igor Strawinskys und der 

Sinfonischen Suite Scheherazade von Nikolai Rimski-Korsakow. 

Netopil ist die Vermittlung der Musik ein Anliegen. So gibt es für 

die Hälfte der insgesamt zwölf Sinfoniekonzerte eine Einführung 

mit dem Dirigenten und dem Orchester. Die „Kunst des Hörens“ 

nennt Netopil diese Initiative, die ergänzt wird von den Sonntagsmatineen 

„Mit Götz Alsmann ins Konzert“. 

Mit der Neunten Sinfonie im traditionellen Neujahrskonzert 

unter Netopils Leitung heben die Feiern zum 250. Jubiläum des 

Komponisten an. Beethovens Tripelkonzert widmet sich das Van 

Baerle Trio. Eine Rarität hat der Dirigent David Danzmayr auf dem 

Programm. Der von dem Beethoven-Biografen Barry Cooper aus 

Fragmenten und Skizzen ausgearbeitete erste Satz einer von Beethoven 

nie vollendeten Zehnten Sinfonie erklingt mit Franz Schuberts 

Großer C-Dur-Sinfonie und Carl Maria von Webers Erstem Klarinettenkonzert 

mit Andreas Ottensamer als Solisten. Rudolf Buchbinder, 

der große Beethoven-Interpret, kommt mit dem Fünften 

Klavierkonzert. Und zu einer Zeitreise lädt Reinhard Goebel, der mit 

„Beethovens Welt“ ein jahrelanges Forschungs- und Musikprojekt 

betreibt. Er leitet das Programm des Uraufführungskonzerts von Beethovens 

Dritter Sinfonie Eroica, das am Palmsonntag, den 7. April 1805 

in einer von dem Konzertmeister Franz Clement veranstalteten Akademie 

im Theater an der Wien stattfand. Solistin in Clements Erstem 

Klavierkonzert ist Miriam Contzen. An die Tradition der Akademien 

knüpften die Essener Philharmoniker in ihrem 

100. Jubiläumsjahr an, um jungen Musikern 

praktische Erfahrungen in einem Orchester zu 

ermöglichen. In diesem Jahr feiert die Akademie 

ihr 20-jähriges Bestehen. 

■ 


OPUS KLASSIK 

Mariss Jansons: Würdigung seines außergewöhnlichen Lebenswerks (Seite 52) 

OPUS KLASSIK 2019: Alle Preisträger im Überblick (Seite 50) 

Preisträger, die es zu entdecken gilt (Seite 55) 

OPUS KLASSIK 2019 

DER MUSIKPREIS IM ZWEITEN JAHR 

FOTO: MONIQUE WUESTENHAGEN / KRUGERMEDIA 

49

O P U S K L A S S I K 

FOTO: NINO HALM, PETER MEISEL/BR, SINGPAUSE DÜSSELDORF; ROBERT ASCROFT / SONY CLASSICAL; NINO HALM 

Die Gewinner 

Von der Würdigung des Lebenswerks bis zum Preis für Nachwuchsförderung: 

Hier sind alle Preisträger des diesjährigen OPUS KLASSIK auf einen Blick. 

Sängerin des Jahres 

Joyce DiDonato 

Songplay 

Erato (Warner Music) 

Sänger des Jahres 

Christian Gerhaher 

Schumann. Frage 

Sony Classical 

Instrumentalist des Jahres | Klavier 

Igor Levit 

Life 


Instrumentalistin des Jahres | Cello 

Sol Gabetta 

Schumann 


Instrumentalist des Jahres | Klarinette 

Andreas Ottensamer 

Blue Hour 

Deutsche Grammophon 

Dirigent des Jahres 

Paavo Järvi 

Sibelius Symphonies 1-7 

RCA (Sony Classical) 

50 w w w . c r e s c e n d o . d e — Verlags-Sonderveröffentlichung zum OPUS KLASSIK 2019


Komponist des Jahres 

Jörg Widmann 

Arche 

ECM (Universal Vertrieb) 

Lebenswerk 

Mariss Jansons 

S. 52 

Nachwuchskünstlerin Gesang 

Emőke Baráth 

Voglio Cantar 

Erato (Warner Classics) 

Nachwuchskünstlerin Gesang 

Nadine Sierra 

There’s A Place For Us 


Nachwuchskünstler Instrument | 

Marimba 

Christoph Sietzen 

Incantations 


Nachwuchskünstler Instrument | 

Mundharmonika 

Konstantin Reinfeld 

Debut Reinfeld Nuss 

ARS Produktion S. 59 

Ensemble / Orchester des Jahres 

Lautten Compagney 

War & Peace. 1618:1918 

dhm (Sony Classical) 

Solistische Einspielung Gesang 

(Oper) 

Jakub Józef Orliński 

Anima Sacra 

Erato (Warner Classical) 

Solistische Einspielung Gesang 

(Lied) 

Andrè Schuen 

Schubert. Wanderer 

CAvi-music S. 55 

SoIistische Einspielung | Flöte 

Emmanuel Pahud 

Solo 

Warner Classics 

Solistische Einspielung | Klavier 

Vikingur Olafsson 

Bach Reworks. Part 1 


Solistische Einspielung | Orgel 

Ben van Oosten 

César Franck. The Organ Works 

MDG S. 58 

Solistische Einspielung | Viola 

Kim Kashkashian 

J. S. Bach. Six Suites for Viola Solo. 

BWV 1007-1012 

ECM (Universal Vertrieb) 

Konzerteinspielung | Violine 

Midori Seiler 

Vivaldi. La Venezia Di Anna Maria 

Berlin Classics S. 56 

Konzerteinspielung | Flöte 

Lucie Horsch 

Baroque Journey 

Decca (Deutsche Grammophon) 

Konzerteinspielung | Klavier 

Markus Becker 

Max Reger. Piano Concerto. 

Live Recording 


Konzerteinspielung | Klarinette 

Kinan Azmeh 

Ueven Sky 

Dreyer Gaido S. 56 

Kammermusikeinspielung Duo 

Tillmann Höfs & Akiko Nikami 

Air 

Genuin Records 

Kammermusikeinspielung Trio 

Bin Huang, Yubo Zhou, 

Alexander Suleiman 

An-lun Huang. Piano Trios 1 & 2 

MDG S. 58 

Kammermusikeinspielung Quartett 

Signum Quartett 

Schubert. Aus der Ferne 

Pentatone S. 59 

Kammermusikeinspielung Quintett 

Schumann Quartett & 

Anna Maria Richter 

Intermezzo. 

Schumann Reimann Mendelssohn 

Berlin Classics S. 57 

Klassik ohne Grenzen 

Rolf Lislevand 

Nuove Invenzioni 



Anneleen Lenaerts 

Nino Rota. Works for Harp 

Warner Classics 


Bryn Terfel 

Dreams and Songs 


Sinfonische Einspielung | 

Musik bis inkl. 18. Jh. 

dogma chamber orchestra 

Mozart. Symphony KV 201. 

Schubert. Symphony No. 5 

MDG S. 58 


Musik 19 Jh. 

Adam Fischer & 

Düsseldorfer Symphoniker 

Mahler Symphony No. 3 



Musik 20. / 21. Jh. 

Franz Welser-Möst & 

Wiener Philharmoniker 

von Einem. Philadelphia Symphonie 

Orfeo S. 57 

Chorwerkeinspielung 

Calmus Ensemble & amarcord 

Leipziger Disputation 

Carus S. 57 

Operneinspielung bis 18. Jh. 

Huelgas Ensemble & 

Paul van Nevel 

Caccini. La liberazione di Ruggiero 

dall’isola d’Alcina 

dhm (Sony Classical) 

Operneinspielung bis 19. Jh. 

Sir Marc Elder & Orchestra 

of the Age of Enlightenment 

Rossini. Semiramide 

Opera Rara (Warner) 

Operneinspielung 20. / 21. Jh. 

John Adams & 

BBC Symphony Orchestra 

John Adams. Doctor Atomic 

Nonesuch (Warner) 

Weltersteinspielung des Jahres 

Evelinde Trenkner & 

Sontraud Speidel 

Mahler. Symphony No. 5. 

arr. for Piano Four Hands 

MDG S. 58 

Innovatives Konzert des Jahres 

Podium Esslingen 

Johannespassion. 

Benedikt Kristjánsson 

Audiovisuelle Musikproduktion 

Wagner. 

Die Meistersinger von Nürnberg. 


Videoclip des Jahres 

Lang Lang 

Editorische Leistung des Jahres 

Bach. Gulda. Clavichord. 

The Mono Tapes 

Berlin Classics 

Innovative Audio-Produktion 

des Jahres 

Waldemar von Bausznern 

Berolina Ensemble & Maria Bengtsson 

MDG S. 58 

Preis für Nachwuchsförderung 

SingPause Düsseldorf 

Bestseller des Jahres 

Jonas Kaufmann 

Eine italienische Nacht. 

Live aus der Waldbühne Berlin 


51


„INSTINKT, EINE PARTITUR ZU ORDNEN 

UND IM RICHTIGEN MOMENT RICHTIG ZU REAGIEREN. 

EIN ZEICHEN ZU GEBEN, EINE ENERGIE FREIZUSETZEN, 

DIE DAS ORCHESTER VERSTEHT. 

DIESER INSTINKT IST VIELLEICHT IM ALTER 

BESSER AUSGEPRÄGT“ 

FOTO: PETER MEISEL (BR) 



WÜRDIGUNG DES LEBENSWERKES 

Meister 

der Atmosphäre 

VON AXEL BRÜGGEMANN 

Mariss Jansons ist kein Mensch, der gern 

pathetisch wird – nicht einmal dann, 

wenn er auf sein 76-jähriges Leben zurückblickt. 

Er glaubt nicht daran, dass ein Mensch sich im Laufe 

seines Lebens maßgeblich wandelt. „Natürlich hat die 

Zeit einen Einfluss auf unsere Empfindsamkeit und 

unsere Art, die Dinge zu sehen“, sagt er, „aber ich 

bin davon überzeugt, dass ein Mensch seine Meinungen 

innerhalb eines Lebens nicht grundlegend 

ändert: Er entwickelt sich, er lernt, 

er mildert einiges ab, verschärft anderes 

– aber die äußeren Einflüsse sind 

nicht so groß, dass sie die innere 

Welt grundlegend verändern.“ 

Tatsächlich ist Mariss 

Jansons sich ein Leben 

lang treu geblieben: 

Als Musiker ist er 

in erster Linie 

Mensch, und 

auch seine 

S u c h e 

in nerhalb der Musik scheint stets dem gleichen Ziel zu 

dienen: vorzudringen zum Kern einer Komposition, 

die Zeitlosigkeit innerhalb der Kunst aufzustöbern, 

oder wie er es sagt, „hinabzutauchen, immer tiefer in 

eine Welt, in der unsere reale Welt immer kleiner wird 

– und das, was uns innerlich ausmacht, größer“. 

In keiner seiner Interpretationen, egal ob in seinen 

Mahler-Sinfonien, bei Beethoven oder bei Schostakowitsch, 

egal mit welchem Orchester, den Osloer Philharmonikern, 

mit Pittsburgh oder seinem Symphonieorchester 

des Bayerischen Rundfunks – Jansons sucht 

nie nach musikalischen Moden, sondern stets nach 

dem wahrhaftigen Sinn, nach dem, was er „die Seele“ 

nennt. „Diese musikalische Seele funktioniert wie eine 

Blume oder ein Baum“, erklärt er. „Wenn die Pflanzen 

jung sind, sind sie betörend schön, strotzen vor Kraft, 

sind grün und wild – aber spannend werden sie besonders 

im Herbst oder im Alter, wenn sie knorriger werden, 

wenn sie eine Geschichte zu erzählen haben.“ Und 

diese Geschichte erzählt Mariss Jansons jedes Mal neu, 

wenn er musiziert. Wenn er Klang aus Weisheit und 

Erfahrung produziert. 

Das Musizieren ist für ihn in erster Linie der „Instinkt, 

eine Partitur zu ordnen und im richtigen 

Moment richtig zu reagieren. Ein Zeichen zu 

geben, eine Energie freizusetzen, die das 

Orchester versteht. Dieser Instinkt ist vielleicht 

im Alter besser ausgeprägt“, gibt 

der Dirigent zu, „und er ist nötig, um 

am Ende eine Atmosphäre aus 

Musik zu schaffen.“ 

53


Tatsächlich beschreibt das Wort „Atmosphäre“ den 

Klang, den ein Dirigent wie Jansons kreiert, vielleicht am 

besten. Klang scheint für ihn eines der geeignetsten Mittel 

des Ausdrucks zu sein, die höchste Form der Kommunikation 

– ein Dialog, der in der Ernsthaftigkeit mit sich selber 

beginnt und erst aus dieser Tiefe heraus zum Gegenüber 

spricht. Oder wie er selbst formuliert: „Ich glaube, dass die 

Musik uns oft gar nicht auffordert, konkrete Antworten zu 

finden. Musik funktioniert nicht nach dem Prinzip der 

Sprache oder einer Matheaufgabe, an deren Ende ein 

unumstößliches Ergebnis steht. Wir kennen doch alle 

diese Gefühle, in denen wir meinen, die Welt oder die 

Liebe zu verstehen, oder in denen wir an beidem zweifeln. 

Aber wir können diesem Gefühl in dem Moment, in dem 

wir es spüren, oft keine konkreten Worte geben – was 

bleibt, ist eine unaussprechliche Atmosphäre.“ 

Und diese Atmosphäre entsteht selbst ohne Musik – 

in jeder Begegnung mit Mariss Jansons. Seine Orchester 

verehren seine stille Autorität – ein Maestro, der auch 

andere neben sich zulässt, ja, dessen Lebenswerk auch 

darin besteht, Nachfolger aufzubauen wie etwa seinen 

Schüler Andris Nelsons. Dabei braucht sein Wesen nicht 

viele Worte, er ist ein Mensch der Musik. „Meine Buchstaben 

sind die Noten“, sagt er selbst, „sie wachsen zu einem 

Motiv – und aus den Motiven entsteht ein Satz. Aber 

anders als der Satz in der Sprache ist der Satz in der Musik 

nicht unbedingt sofort zu verstehen. Er braucht eine Übersetzung. 

Und das ist, wofür wir Interpreten die Energie 

und die Intuition brauchen. Unsere Aufgabe ist es, bei 

unserer Interpretation des musikalischen Satzes so nahe 

am Komponisten wie möglich zu sein und gleichzeitig 

„MEINE 

BUCHSTABEN 

SIND DIE 

NOTEN“ 

müssen wir vom Orchester und vom Publikum verstanden 

werden. Es geht also immer darum, durch Energie eine 

Brücke vom Komponisten zum Publikum zu schlagen“. 

Die Stille, die Ausgewogenheit und die Ruhe, mit der 

Mariss Jansons für gewöhnlich kommuniziert, ist ebenfalls 

eine Konstante seines Lebens, ein Teil seiner unveränderlichen 

DNA. Jansons’ Mutter, eine erfolgreiche Mezzosopranistin, 

floh, nachdem ihr Vater und ihr Bruder im Ghetto 

von Riga umgekommen waren, in ein Versteck, um im 

Januar 1943 ihren Sohn Mariss zur Welt zu bringen. „Ich 

war als Jugendlicher sehr schüchtern, sehr still und fand 

einfach nicht die Worte, um meiner inneren Welt Ausdruck 

zu verleihen“, sagt der Dirigent, „ich war voller 

Komplexe, habe mich für alles geschämt, und es fiel mir 

sehr schwer, mein Herz zu öffnen.“ Mit der Musik fand 

sein stilles Ich dann eine Möglichkeit des anderen Ausdrucks, 

der Expression, die für ihn einen wesentlichen 

Bestandteil des Musizierens darstellt. „Es geht immer da - 

rum, dem Orchester und dem Publikum die nötige Energie 

bereitzustellen. Dafür ist ein gewisses Maß an Selbstbewusstsein 

einfach nötig.“ Und das hätte er sich angelernt, 

verrät der Dirigent – um Musik machen zu können. 

Als Mariss Jansons 2003 die Nachfolge von Lorin 

Maazel als Chef des BR-Symphonieorchesters antrat, ahnte 

niemand, was für eine Epoche da mit jenem Dirigenten 

anbrechen sollte, der einst am Leningrader Konservatorium 

studiert hatte, 1969 nach Österreich ging, um bei 

Hans Swarowsky und Herbert von Karajan in die Lehre zu 

gehen. Jansons und das Symphonieorchester des BR sind 

inzwischen Seelenverwandte, egal, ob durch den genialischen 

Beethoven- oder Mahler-Zyklus, durch die Sinfonien 

von Schostakowitsch, die großartige Aufnahme von 

Strauss’ Vier letzten Liedern mit Anja Harteros oder die 

letzte Rachmaninow-Aufnahme. Jansons entwickelte dieses 

Orchester zu einem der wichtigsten und spannendsten 

Klangkörper der Welt. Das Concertgebouw in Amsterdam 

verließ er 2015 nach elf Jahren wieder – den Münchnern 

aber blieb er treu. 

Eigentlich braucht jemand wie Jansons keine Preise 

mehr. Er hat den Bayerischen Verdienstorden, das Österreichische 

Ehrenkreuz für Wissenschaft und Kunst, den 

Ernst von Siemens Musikpreis, den Verdienstorden der 

Bundesrepublik, ist Ehrenmitglied der Berliner und der 

Wiener Philharmoniker. Vor zwei Jahren kritisierte der 

Sohn einer jüdischen Mutter den ECHO KLASSIK scharf, 

zeigte sich erschrocken über die antisemitischen Ausfälle. 

Dass Mariss Jansons nun den OPUS KLASSIK für sein Le - 

bens werk annimmt, ehrt den Preis mehr als den Preisträger. 

FOTO: PETER MEISEL (BR) 



1. SOLISTISCHE EINSPIELUNG | GESANG (LIED) 2. KONZERTEINSPIELUNG | KLAVIER 3. SINFONISCHE EINSPIELUNG | MUSIK 19. JH. 

FOTOS: AVI; IRÈNE ZANDEL; SUSANNE DIESNER 

1 2 3 

Schubert, Reger und Mahler – 

OPUS KLASSIK hoch drei für CAvi-music 

Gleich drei Alben von CAvi-music werden mit dem OPUS KLASSIK ausgezeichnet. 

Sie alle warten jeweils mit herausragenden Interpreten und Werken von großer Ausdrucks - 

tiefe und eindringlichem Gestus auf. Sie alle spüren der spannungsvollen Epoche 

der Romantik nach. Und stellen mit Franz Schubert, Gustav Mahler und Max Reger 

drei führende Vertreter dieser musikalischen Schöpfungszeit ins Zentrum. 

Auf ihrem Schubert-Album „Wanderer“, das 

den OPUS KLASSIK als „Solistische Einspielung 

Ge sang (Lied)“ erhält, widmen sich 

der Bariton Andrè Schuen (1) und der 

Pianist Daniel Heide einem romantischen 

Ur-Motiv, das in seinen verschiedenen Fa - 

cetten immer wieder neu von Künstlern der 

damaligen Zeit behandelt wurde. Im Ze n- 

trum steht dabei der Mensch auf seinem 

Weg durch das Leben, oft beschrieben durch 

die Metapher der Reise und eingebettet in 

die sinnliche Kraft der Natur. In Schuberts 

Liedschaffen nahm das Motiv des Wanderns 

einen großen Platz ein. Schuen und Heide 

vereinen auf dem Album ganz unterschiedliche 

Wanderer-Lieder Schuberts, darunter 

konkrete Vertonungen wie Der Wanderer, 

aber auch Stücke über die Sehnsucht nach 

der Geliebten (Auf der Bruck) oder die Reise 

ins Jenseits. Poetisch und ungemein intensiv 

und dicht in der Text- wie Tonsprache wird 

das Album so zum musikalischen Erlebnis 

innerer Seelenzustände des Menschen. 

Während Schubert mit seinen Liedern 

hoch konzentriert und mit fragiler Intimität 

in den Bann zieht, sucht Max Reger in seinen 

Großwerken den exzessiven und maximalen 

Ausdruck. Schnelle Registerwechsel 

und extreme Dynamik prägen deshalb auch 

Regers Klavierkonzert in f-Moll op. 114, das 

in einer Einspielung durch den Pianisten 

Markus Becker (2) und die NDR Radiophilharmonie 

unter der Leitung von 

Joshua Weilerstein beim OPUS KLASSIK 

als beste „Konzerteinspielung | Klavier“ ausgezeichnet 

wird. Markus Becker gilt als ausgewiesener 

Reger-Spezialist, der sich intensiv 

mit dem Werk des Komponisten beschäftigt 

hat. „Es ist kraftvolle, faszinierende, 

aber eben wi derspenstige Musik“, sagt 

Becker über das Klavierkonzert, und während 

die Musik immer etwas Extremes und 

Maßloses an sich habe, offenbare sie gleichzeitig 

eine große Sensibilität und Verletzlichkeit. 

Beide Seiten bringt er in seiner 

Interpretation des Konzerts feinsinnig ausbalanciert 

zusammen, ergänzt durch eine 

Aufnahme des melancholisch-sanglichen 

Solowerks Episoden. 

Das dritte preisgekrönte Album ist 

schließlich die Einspielung der 3. Sinfonie in 

d-Moll von Gustav Mahler durch die 

Düsseldorfer Symphoniker unter Leitung 

von Adam Fischer (3), das den 

OPUS KLASSIK für die „Sinfonische Einspielung 

Musik 19. Jahrhundert“ erhält. Für 

Adam Fischer ist die 3. Sinfonie eine der 

reichsten Sinfonien Mahlers, deren Sätze 

derart unter schiedlich seien, dass sie aus 

unterschiedlichen Zeiten Mahlers stammen 

könnten. „Sinfonie heißt mir eben: mit allen 

Mitteln der vorhandenen Technik eine Welt 

aufbauen“, hat Gustav Mahler einmal im 

Zusammenhang mit seiner 3. Sinfonie gesagt, 

und in der Tat eröffnet das in vielerlei 

Hinsicht Grenzen sprengende Werk eine 

völlig neue Welt. Besonders eindrucksvoll 

wird diese ab dem vierten Satz des insgesamt 

sechssätzigen Werkes erlebbar, wenn 

zur sinfonischen Dimension die Singstimme 

hinzukommt und der Komponist 

virtuos mit der Rhythmik spielt. „Es ist eine 

neue Art von Komposition: Die Takte fließen 

fast ineinander, Mahler befreit sich vom 

Metrum“, sagt Fischer. Auf dem Album 

macht der renommierte Dirigent dieses eindringliche 

Streben Mahlers nach innerer 

Freiheit und maximalem Ausdruck faszinierend 

er leb bar und markiert damit einen 

weiteren Mei lenstein im Mahler-Zyklus des 

Labels CAvi-music. 

55


KONZERTEINSPIELUNG | VIOLINE 

VENEDIG GLÄNZT 

UND FUNKELT 

Das Ensemble Concerto Köln und die Geigerin 

MIDORI SEILER auf Spurensuche. 

Sie war Virtuosin, Muse und Publikumsmagnet und enge 

Vertraute von Antonio Vivaldi: Anna Maria dal Violin, geboren 

1696, gestorben 1782 in Venedig. Auf ihrem Album „La 

Venezia di Anna Maria“, das beim OPUS KLASSIK als 

„Konzerteinspielung des Jahres für Violine“ ausgezeichnet 

wird, tauchen die Geigerin Midori Seiler und das Ensemble 

Concerto Köln tief ein in das bemerkenswerte Leben und 

Wirken dieser barocken Starkünstlerin und erweisen ihr 

musikalisch farbenreich und herausragend interpretiert die 

Ehre. Aufgewachsen im Waisenhaus, lebte Anna Maria 

schließlich ihr ganzes Leben lang im Ospedale della Pietà. 

Dort lernte sie Antonio Vivaldi kennen, der ihr Mentor und 

Lehrer wurde und ihr fast 30 Konzerte widmete. Vier davon 

finden sich auf dem Album, ergänzt durch jeweils ein Konzert 

der Vivaldi-Zeitgenossen Galuppi und Albinoni. Gefeiert 

wird dabei nicht nur Anna Maria, sondern auch die Stadt 

Venedig: So zeigt sich die florierende Kunstmetropole Venedig 

im Zenit ihres Musikbetriebs, und ihr Glanz spiegelt sich 

in den virtuosen und tänzerischen Kompositionen ihrer 

Tonschöpfer mitreißend wider. 

FOTO: JOANNA WIZMUR 

KONZERTEINSPIELUNG | KLARINETTE 

WAS IST HEIMAT? 

Der Klarinettist KINAN AZMEH 

als Grenzgänger zwischen den Welten. 

Als Junge war er der Klarinettist aus Damaskus. Später, als er anfing 

zu komponieren, wurde er der Musiker aus Damaskus. Mit Beginn 

seiner internationalen Karriere sprachen schließlich alle von dem 

„syrischen Musiker“. Was Kinan Azmeh selbst anstrebt, ist, einfach 

Musiker zu sein. „Das bedeutet nicht, dass ich meine Identität hinter 

mir lasse, im Gegenteil“, hat der gefeierte Klarinettist seinen Grenzgang 

zwischen den Welten mal in einem Interview beschrieben. 

Azmeh, den die New York Times einen „ungemein gefühlvollen Virtuosen“ 

nennt und der vom Magazin New Yorker als „bezaubernd und 

brillant“ geehrt wird, lebt schon lange in Manhattan, wo er an der 

Juilliard School studiert hat. Als Solist tritt er in Konzertsälen auf der 

ganzen Welt auf, in der Royal Albert Hall ebenso wie in der Elbphilharmonie, 

er spielt mit dem West-Eastern Divan Orchestra oder 

dem Syrischen Symphonie-Orchester, er teilt die Bühne mit Größen 

wie Yo-Yo Ma, Aynur Doğan, Jivan Gasparyan und vielen anderen. 

Aber natürlich hat der Krieg, der 2011 in seinem Land ausbrach, 

für Azmeh noch einmal ganz neu und dringlich die Frage aufgeworfen, 

was Heimat ist. Was Wurzeln bedeuten. Eben diese Suche durchzieht 

auch sein großartiges Album „Uneven Sky“. Sie formuliert sich 

etwa in dem Stück The Fence, the Rooftop and the Distant Sea, einer 

Komposition für Klarinette und Cello, das Azmeh für sich und Yo-Yo 

Ma geschrieben hat. Zaun, Hausdach, das entfernte Meer – das alles 

erblickte der Klarinettist aus dem Fenster in Beirut, wo er 2016 

komponierte. In der Nähe und zugleich unendlich fern von Damaskus. 

Wie lebendig das syrische Kunstschaffen trotz allem bleibt, das 

beweisen – auf der zweiten CD – die Werke für Klarinette und 

Orchester, die Azmehs Landsleute Kareem Roustom, Zaid Jabri und 

Dia Succari für ihn geschrieben haben. 

FOTO: ANNEMONE TAAKE 



KAMMERMUSIKEINSPIELUNG | QUINTETT 

INNIGES GLÜCK UND TIEFE TRAGIK: 

ROBERT SCHUMANN 

ALS SPIEGEL SEINER ZEIT 

Das SCHUMANN QUARTETT mit einer virtuosen Referenz an den Namensvetter. 

Die Musik gilt als Spiegel der Seele, und bei 

kaum einem Komponisten leuchtet dies derart 

ein wie bei Robert Schumann. Seine Musik spiegelt 

inniges Glück und tiefe Tragik zugleich und 

dokumentiert berührend seinen Lebensweg. 

Das Schumann Quartett hat ihm nun das feinsinnige 

Album „Intermezzo“ gewidmet, das seiner 

Persönlichkeit vielgestaltig nachspürt. 

Im Zentrum steht Schumanns Streichquartett 

Nr. 1 in a-Moll, das mit seiner melodienreichen 

Stimmführung betört. Perfekter musikalischer 

Begleiter zu diesem Kernstück ist 

Felix Mendelssohn Bartholdys Streichquartett 

FOTO: KAUPO KIKKAS 

Nr. 1 in Es-Dur, in dem der Zeitgenosse Schumanns 

Tonsprache klingend kommentierte. 

Der Bogen zur Gegenwart wird schließlich mit 

zwei eindrücklichen Werken Aribert Reimanns 

geschlagen, der sich viel mit Schumanns 

Geschichte beschäftigt hat. Sein Adagio zum 

Gedenken an Robert Schumann zeugt davon 

ebenso wie seine Bearbeitung der 6 Gesänge op. 

109 für Streichquartett und Gesang, auf dem 

Album virtuos ausgestaltet durch Anna Lucia 

Richter. Beim OPUS KLASSIK wird das Album 

als „Kammermusikeinspielung Quintett“ ausgezeichnet. 

CHORWERKEINSPIELUNG 

VIRTUOSE 

DISPUTATIONEN 

Das CALMUS ENSEMBLE und AMARCORD 

ausgezeichnet für ihre erste gemeinsame CD-Produktion. 

Ausgerechnet ein Streit in ihrer Heimatstadt hat die furiosen Vokal- 

Ensembles Calmus und Amarcord erstmals zusammengeführt: die „Leipziger 

Disputation“ von 1519. Denn damals redeten sich nicht nur Reformator 

Martin Luther und der romtreue Theologe Johannes Eck drei 

Wochen lang die Köpfe heiß über den päpstlichen Primat – es soll auch 

Antoine Brumels zwölfstimmiges Monumentalwerk Et ecce terrae motus 

zur Uraufführung in der Thomaskirche gelangt sein. Eben diese anforderungsreiche 

„Erdbeben-Messe“ entfaltet nun dank der vereinten Kunstfertigkeit 

der Chorkünstler eine höchst gegenwärtige Klangkraft. 

Die beiden weltweit tourenden Ensembles sind zwar unterschiedlich 

besetzt – Amarcord ist ein klassisches Männerquartett, Calmus besticht 

mit Sopran, Countertenor, Tenor, Bariton und Bass –, haben aber die 

bemerkenswerte Spanne ihres Spektrums gemeinsam: von Renaissance 

und Barock bis zu Crossover und Pop. Durch die Gast-Sopranistinnen 

Anna Kellnhofer und Isabel Schicketanz zum stimmlichen Dutzend komplettiert, 

beweisen die Leipziger Vokal-Virtuosen, wie viel Harmonie ein 

Disput zu stiften vermag. 

SOLISTISCHE EINSPIELUNG | MUSIK 20. / 21. JH. 

REICHE RAFFINESSE 

Eine interpretatorische Hommage 

der WIENER PHILHARMONIKER und 

FRANZ WELSER-MÖSTS an Gottfried von Einem 

zum Jubiläumsjahr. 

Der Schweizer Komponist Gottfried von Einem hatte zeitlebens Erfolg. 

Aber nie einen leichten Stand. Manch avantgardistischem Zeitgenossen 

waren seine nach dem Zweiten Weltkrieg entstandenen Werke zu tonal. 

Seine Komposition Philadelphia Sinfonie bespöttelte der Wiener Kritiker 

Karl Löbl seinerzeit gar als „Bückling vor dem Publikum“. Wie reich und 

raffiniert jedoch gerade diese C-Dur-Komposition von Einems ist, der 

seinen größten Zuspruch mit den Opern-Vertonungen literarischer Klassiker 

fand (Dantons Tod, Der Besuch der alten Dame), das beweist ihre 

Neueinspielung durch die Wiener Philharmoniker unter der Leitung von 

Franz Welser-Möst, vormals Chefdirigent des Philadelphia Orchestra. 

Die Aufnahme wurde im vergangenen Jahr zum 100. Geburtstag von 

Einems veröffentlicht und verbeugt sich vor einem Komponisten der 

„Darmstädter Schule“, der zu Recht in einem Atemzug mit Gustav Mahler 

oder Franz Schreker genannt wird. Neben der Philadelphia Sinfonie, die 

1964 uraufgeführt wurde, weitet dieses vorzügliche Album den Von- 

Einem-Kosmos mit der Geistlichen Sonate und dem Stundenlied. 

FOTO: ANNE HORNEMANN 

FOTO: JULIA WESELY 

57


1. SOLISTISCHE EINSPIELUNG | ORGEL 2. KAMMERMUSIKEINSPIELUNG TRIO 3. SINFONISCHE EINSPIELUNG | MUSIK BIS INKL. 18. JH. 

4. WELTERSTEINSPIELUNG DES JAHRES 5. INNOVATIVE AUDIO-PRODUKTION DES JAHRES 

Purismus siegt! 

Das Independent-Label MDG 

und seine Künstler werden in fünf Kategorien 

mit dem OPUS KLASSIK ausgezeichnet. 

FOTOS: MONIKA RITTERHAUS, MDG-ARCHIV 

„Lifehaftigkeit“ – das ist der Leitund 

Anspruch des Detmolder Independent-Labels 

Musikproduktion 

Dabringhaus & Grimm (MDG), das 

1978 gegründet wurde und bis heute 1 

für einen Klangrealismus steht, der 

seinesgleichen sucht. Die natürliche 

Akustik der Aufnahmen, die Platzierung 

der Mikrofone im Raum ist den 

Gründern Werner Dabringhaus und 

Reimund Grimm heilig, künstlicher 

Hall, Filter, Equalizer und andere 

technische Eingriffe sind in ihren 3 

Ohren nichts als „Verschlimmbesserer“. 

Mit dieser puristischen Philosophie 

hat MDG es weit gebracht und 

schon etliche Preise eingeheimst, 

darunter 2006 den ECHO für die 

„Beste Surround-Aufnahme des Jahres“. 

Und nun haben gleich fünf ihrer 

Künstlerinnen und Künstler einen 

OPUS KLASSIK gewonnen. 

Der niederländische Aus nahme-Organist 

Ben van Oosten (1) 

hat sich auf der Suche nach dem perfekten 

Sound einmal mehr in die 

Kathedrale St-Ouen in Rouen begeben, 

wo die legendäre L’Orgue à 

Michel-Ange bis heute im Originalklang 

erhalten ist. Auf diesem Wun- 

6 

derinstrument füllt van Oosten eine 

erstaunliche Leerstelle in seiner Diskografie 

französischer Orgelmusik: 

das Gesamtwerk von César Franck, 

dem Komponisten, der den schönen Satz hinterlassen hat: „Meine 

Orgel, sie ist ein Orchester!“. Was van Oosten auf gleich vier CDs 

beglaubigt. Die fulminante Gleichberechtigung der Stimmen in 

Francks Schaffen wird in dessen frühen kompositorischen Versuchen 

ebenso fein herausgearbeitet wie in den drei großen Meisterzyklen. 

Ein wahres Orgelfest. 

Die Werke des chinesisch-kanadischen Komponisten An-Lun 

Huang – als Zeitgenosse noch immer im Range einer Entdeckung 

– haben wiederum eine Reise in die Abtei des ostwestfälischen 

Marienmünsters angeregt. Drei Globetrotter aus Los Angeles, Xiamen 

und Schanghai sind hier zusammengekommen, um die beiden 

Klaviertrios Huangs einzuspielen. Violinistin Bin Huang (2), der 

Cellist Alexander Suleiman (3) und Yubo Zhou (4) am Klavier 

beweisen, wie nuancenreich An-Lun Huang in seiner Musik 

Ost und West verschmelzen lässt. Mit dessen Chinesischer Rhapsodie 

Nr. 2 hatte ja Wunderkind Lang Lang 

einst bei der Jugendausgabe des 

Tschaikowsky-Wettbewerbs groß aufgeschlagen. 

2 Apropos jung. Das Dogma 

Chamber Orchestra (5) ist 2004 

von Mikhail Gurewitsch gegründet 

worden, um junge Musikerinnen und 

Musiker zusammenzubringen, die 

schon internationale Erfahrungen 

aufweisen können. Wie frisch und 

pointiert dieses Erfolgsensemble aufspielt, 

zeigt die Aufnahme ihrer Inter- 

4 

pretation von Mozarts A-Dur Sinfonie 

KV 201 und Schuberts B-Dur Sinfonie 

Nr. 5 – zwei Frühwerke, die passenderweise 

von ju gendlicher Unbekümmertheit 

bei gleichzeitiger kompositorischer 

Meis terschaft durchdrungen 

sind – Mozart und Schubert 

5 waren beide noch keine 20 Jahre alt, 

als sie diese Reifezeugnisse vorlegten. 

Das Album ist als Liveaufnahme im 

Dortmunder Konzerthaus entstanden 

und setzt den Hörer auf die besten 

Plätze – live-haftig in diesem Fall. 

Einen recht schroffen Stimmungskontrast 

dazu bildet die Gustav-Mahler-Einspielung 

des Klavier- 

7 

duos Trenkner-Speidel, das sich die 

5. Sinfonie vorgenommen hat. Be - 

kanntlich beginnt die in der Orchesterfassung 

mit einem Trauermarsch 

für eine einzelne Trompete. Aber auch 

Otto Singers (von Mahler autorisierte) Bearbeitung für Klavier 

schafft mit wenigen Anschlägen eine Welt aus Wehmut. Die Version 

verlangt feinste Technik. Und die haben Evelinde Trenkner und 

Sontraud Speidel (6) zu bieten – auf einem Steinway aus der 

Entstehungszeit der Sinfonie. 

Komplettiert wird der fünffache OPUS-Sieg schließlich mit 

einem Album des Berolina Ensembles aus Berlin, das 2009 ins 

Leben gerufen wurde, um weitgehend unbekannte Kompositionen 

zu entdecken. Wie die Werke des ge bürtigen Siebenbürgeners Walter 

von Bausznern. Nach dessen Elegie und Serenade widmet sich 

das junge Berliner Kammerensemble nun, unterstützt von der 

So pranistin Maria Bengtsson (7), Bauszners Quintett, Streichtrio 

und Kammergesängen. Die entfalten eine so geistreiche Melodik, 

dass man sich wirklich wundert, weshalb sie nicht längst zum festen 

Konzertrepertoire zählen. 



NACHWUCHSKÜNSTLER INSTRUMENT | 

MUNDHARMONIKA 

SPANNENDE NEUE WEGE 

KONSTANTIN REINFELD und BENYAMIN NUSS: 

das Debüt eines außergewöhnlichen Duos. 

FOTO: STEPHAN PICK 

Wenn das Klavier auf die Mundharmonika trifft, sind aufregende Ergebnisse 

garantiert, zumal wenn sich zwei derart begabte und außergewöhnliche 

Musiker miteinander auf die musikalische Reise begeben wie Benyamin 

Nuss und Konstantin Reinfeld. Nuss gelingt es als Pianist, junges 

Publikum in die großen Konzertsäle zu locken, Reinfeld ist einer der 

renommiertesten Mundharmonikaspieler der Welt und wird nun 

als Nachwuchskünstler auf dem Instrument Mundharmonika mit 

dem OPUS KLASSIK ausgezeichnet. So zählen die beiden 

Künstler mit gutem Grund zu den Shootingstars der deutschen 

Musikszene und beschreiten zusammen spannende 

neue Wege. Ihr erstes gemeinsames Album heißt schlicht 

„debut“ und vereint all das, was Reinfeld und Nuss in ihrem 

Spiel virtuos und grenzüberschreitend zusammenbringen: So 

finden sich eigens arrangierte Transkriptionen von klassischen 

Werken, etwa von Bach-Sonaten oder den Rumänischen 

Volkstänzen von Bartók, ebenso darauf wie Werke 

der Genres Filmmusik, Weltmusik und Jazz, außerdem ist 

die Premiere der ersten Komposition für Mundharmonika 

und Klavier von Masashi Hamauzu zu erleben. 

KAMMERMUSIKEINSPIELUNG | QUARTETT 

AUS DER FERNE GANZ NAH 

Schuberts Streichquartette und Lieder in der Interpretation des SIGNUM QUARTETTS. 

Warum soll Mehrfachverwertung keine Kunst sein? Franz Schubert zu - 

mindest war ein Meister darin, die Melodien seiner Lieder in den Instrumentalkompositionen 

so gekonnt variiert wiederaufleben zu lassen, dass 

daraus ein musikalischer Dialog mit sich selbst wurde. Noch selten allerdings 

sind diese Verbindungslinien so erhellend herausgearbeitet worden 

wie nun vom langjährig erfolgreichen Signum Quartett mit dem Album 

„Aus der Ferne“, ihrem Debüt beim Label Pentatone. Die Kölner Formation 

– die den Abgang ihrer ersten Geigerin Kerstin Dill 2016 in Person 

des vorzüglichen Violinisten Florian Doderer bestens kompensieren 

konnte – lässt die Sehnsuchtsverwandtschaften zwischen den 

Schubert-Werken leuchten. Begonnen mit dem titelgebenden Lied Aus 

der Ferne, verlinken die Musiker hier die beiden wehmütigen, zart-fragilen 

Streichquartette Nr. 8 und Nr. 13 miteinander – und machen im Menuett 

des Rosamunde-Quartetts Motive aus dem Lied Die Götter Griechenlands 

hörbar, das zuvor zwischen Lachen und Weinen und Wandrers Nachtlied 

erklungen war. „Aus der Ferne“ bringt Schubert ganz nah. 

FOTO: IRENEZANDEL 

59

MET 

OPERA 

LIVE IM KINO 

2019/2020 


MANON 

Jules Massenet 

Mit Lisette Oropesa, Michael Fabiano, 

Carlo Bosi, Kwangchul Youn 

Dirigent: Maurizio Benini 


MADAMA BUTTERFLY 

Giacomo Puccini 

Mit Hui He, Elizabeth DeShong, 

Andrea Carè, Plácido Domingo 

Dirigent: Pier Giorgio Morandi 


AKHNATEN 

Philip Glass 

Mit Anthony Roth Costanzo, J‘Nai Bridges, 

Dísella Lárusdóttir, Aaron Blake 

Dirigent: Karen Kamensek 

11. Januar 

WOZZECK 

Alban Berg 

Mit Peter Mattei, Elza van den Heever, 

Christopher Ventris, Gerhard Siegel 

Dirigent: Yannick Nézet-Séguin 

PHOTO: KAREN ALMOND / METROPOLITAN OPERA 

Änderungen vorbehalten 

C L A S S I C 

www.metimkino.de /METimKino /METimKino

LEBENSART 

Schriftsteller Martin Walker verrät uns sein Lieblingsrezept – perfekt für kühle Herbstabende (Seite 62) 

Klaus Heymann, Gründer des Musiklabels Naxos, über die Entwicklung der Musikbranche 

in Zeiten des Streamings (Seite 72) 

Ab nach Salzburg! Oder doch nach Bremen? Im Extra Reise & Kultur steht, warum sich beides lohnt (Seite 78) 

SAITENWEISE 

SCHÖNE TÖNE 

Happy Birthday! Seit genau 100 Jahren 

versorgt die Manufaktur Thomastik- Infeld 

aus Wien Streicher mit den besten Saiten 

der Welt. Was hier aussieht, als hätte 

jemand zum Geburtstag einen Blumenkranz 

gewunden, sind Cellosaiten. 

FOTO: THOMASTIK-INFELD VIENNA 

61

L E B E N S A R T 

Lieblingsessen! 

HIER VERRATEN DIE STARS IHRE BESTEN REZEPTE. 

UND KLEINE GESCHICHTEN, DIE DAZUGEHÖREN ... 

FOTO: HENRY IDDON 

„GESCHMACKLICH WIE OPTISCH MAG ICH DIESE TARTELETTES MIT IHRER 

MISCHUNG AUS SÜSSEN UND PIKANTEN AROMEN BESONDERS GERN“ 

MARTIN WALKER 


MARTIN WALKER 

SCHRIFTSTELLER 

„Ich liebe Walnüsse – und ich koche gern mit ihnen. Und das Périgord ist der einzige Ort der Welt mit einer 

eigenen geschützten Herkunftsbezeichnung, einer „Appelation contrôlée“ für verschiedene Arten von Walnüssen. 

Der Geschmack und die Textur sind sehr unterschiedlich, sodass wir sie sowohl in Salaten als auch mit Honig und 

Ziegenkäse in großen Pilzen verwenden. Irgendwann mal planten meine Frau und ich ein Picknick. Die Birnen an 

unserem Baum waren reif, und so kam meine Frau auf die Idee, diese kleinen pikant-süßen Törtchen herzustellen. 

Zunächst war es ein Experiment, aber sie waren sehr schnell sehr beliebt bei unseren Freunden und den Kindern.“ 

FOTO: KLAUS EINWANGER / DIOGENES-VERLAG 

Martin Walker, Schotte mit 

Wohnsitz im französischen 

Périgord, hat seinen Lesern 

mit inzwischen elf Bruno- 

Krimis ausgeprochen 

amüsanten und packenden 

Lesestoff geliefert. 

Zusammen mit seiner Frau, 

Julia Watson, hat er jetzt 

seinem Chef de Police ein 

„Gartenkochbuch“ in den 

Mund gelegt – ausgesprochen 

schmackhaft und ebenfalls 

sehr spannend. Zwei Fälle 

für Bruno gibt’s als 

Schmankerl obendrein. 

• 

BLAUSCHIMMELKÄSETÖRTCHEN MIT WALNÜSSEN UND BIRNEN 

Für 4 Tarteletteförmchen 

Zutaten: 100 g Mehl + 2 EL zum Ausrollen, 50 g Butter, Salz, schwarzer Pfeffer, 2–3 EL kaltes Wasser, 300 g Blauschimmelkäse 

(Fourme d’Ambert, Bleu d’Auvergne oder andere), in große Würfel geschnitten, 2 gehäufte EL Walnüsse, grob 

gehackt, 4 Birnen, geschält, entkernt und in Spalten geschnitten, 1 mittelgroßes Ei, geschlagen, 6 EL Milch 

Backofen auf 200 Grad vorheizen. Aus Mehl, Butter, Salz, Pfeffer und kaltem Wasser einen festen, aber nicht klebrigen 

Teig rühren und mindestens 30 Min. kühl stellen. Vierteln, ausrollen und 4 gebutterte 

Tarteletteförmchen damit auskleiden. Mit Käse, Walnuss und Birnenstücken belegen. Ei und Milch verquirlen und 

würzen. Die Mischung über die Füllung gießen und 15–20 Min. goldbraun backen. Aus den Formen heben. 

Brunos Tipp: Auf Endivienblättern mit einer Senfvinaigrette servieren. 

Martin Walker und Julia Watson: 

„Brunos Gartenkochbuch“ (Diogenes) 

63


Die Paula-Bosch-Kolumne 

DIE PURE LEICHTIGKEIT 

DES WEINS 

Ja, Portwein kannte man. Vielleicht auch noch Mateus Rosé. Ersterer stand für Qualität 

auf hohem Niveau und langer Lebensdauer, der zweite war eher eine Touristenattraktion. 

Ansonsten waren vor 30 Jahren Weine aus Portugal – ob weiß oder rot – außerhalb der 

Landesgrenzen noch kein Thema. Das hat sich geändert. Und zwar vom Feinsten! 

Der Weinbranche Portugals ging es von den 60er- bis 

in die 90er-Jahre wirklich schlecht. Und das in erster 

Linie, weil die Portugiesen innerhalb Europas viel zu 

lange für sich und zurückgezogen, also ohne Teilnahme 

am Marktgeschehen, gelebt hatten. Nach 

dem Beitritt zur EU im Jahr 1986 kam die große Freiheit – die politischen 

Einmischungen waren endgültig vorbei. Und doch dauerte 

es weitere zehn Jahre, bis sich die enormen Investitionen der Fördergelder 

in den Topkellereien und ihren 

Weinbergen bemerkbar machten. 

Vom Vinho Verde im Norden bis 

an die Algarve wurde rasch klar, dass die 

mehr als 250 heimischen Rebsorten der 

echte und wahre Reichtum des Landes 

sind. Bei dieser Erkenntnis ist es zum 

Glück geblieben. Und nicht nur das: Die 

junge Generation setzte auf die traditionellen Sorten und produziert 

bis heute aus ihnen fantastische Weine, die im Rest der Weinwelt 

ihresgleichen suchen. 

Im Hinblick auf diese Entwicklung gibt es ein paar Menschen, 

die im Mittelpunkt des Geschehens stehen, allen voran sei der Autodidakt 

Dirk Niepoort aus Porto genannt. Er schreibt mit seinen 

umwerfenden Rot- und Weißweinen nicht nur im Douro-Tal Portugals 

Weingeschichte neu, sondern kreiert mit befreundeten Winzerkollegen 

neue Weine und gründet ein Weingut nach dem anderen: 

Nicht nur seine eigene 2007 fertiggestellte Kellerei, Quinta de Nápoles 

im Douro, auch im Dão, der Bairrada, im Vinho Verde und dann 

über Portugals Grenzen, in Spanien, Südafrika und nicht zuletzt – 

ERSTKLASSIGER PORTWEIN KANN 

EIN BESONDERES GEFÜHL VON 

WÄRME UND NÄHE VERMITTELN 

mit seinem Sohn Daniel – an der Mosel. In den letzten 25 Jahren 

kreierte er allein in Portugal so viele großartige Weine wie kein 

anderer Weinmacher in seinem ganzen Leben. Dirk ist Jahrgang 

1964, das war kein Jahr für einen Vintage-Port, aber ein guter Jahrgang 

für die nächste Generation Niepoort. 

WELTKULTURERBE DOURO 

Die Weinregion Douro ist das älteste Weinanbaugebiet der Welt, 

dessen Herkunft geschützt ist (1754). Die UNESCO hat die Region 

sogar als Weltkulturerbe anerkannt. Die 

Naturschönheit dieser Landschaft in 

wenige Worte fassen zu wollen, macht 

nur wenig Sinn – man muss sie gesehen 

haben. Ebenso wie man die Weine und 

Portweine mehr als einmal probiert 

haben muss, um sie angemessen zu verstehen. 

Am besten beginnt man gleich mit den Weinen der Winzerlegende 

Dirk Niepoort aus Porto. Wer glaubt, im Douro gäbe es nur 

rote Trauben, der irrt. Niepoorts RESERVA REDOMA BIANCO 

(Rabigato, Códega, Viosinho, Arinto und andere) hat mich von 

Anfang an mit ihrer Dichte, Aromenvielfalt, Kraft und Frische 

zugleich begeistert. Zum Teil im neuen Eichenfass ausgebaut, ist das 

seit Jahren ein zuverlässiger großer Weißwein im besten Preislimit. 

Sein roter Bruder, Redoma Tinto, steht ihm in nichts nach. Ein genialer 

Einsteigerwein für Rotweinfans ist ohne Zweifel das weltbekannte 

Meisterstück FABELHAFT. Ein Brot-und-Butter-Wein für 

jeden und alle Tage. Einfach: fabelhaft! Dazu gesellen sich BATUTA, 

als Spitzenwein nur in besten Jahrgängen hergestellt, und als Krö- 

FOTOS: OESTERREICH-WERBUNG / MARTIN STEINTHALER TINE FOTO; PRIVAT 


Gut sortiert: der Weinkeller der 

Winzerei von Dirk Niepoort 

nung in der Königsklasse der roten Douros: CHARME. Eine finessenreiche, 

delikate und sensitive Schöpfung, die, wie Dirk selbst einmal 

sagte, seiner Leidenschaft für die roten Burgunder in der Spitzenklasse 

am nächsten kommt. 

Als Portwein empfehle ich neben den zahlreichen Colheitas 

von Niepoort drei aktuelle VINTAGES: 2017, 2015 und 2009 zum 

Reifen – und manchmal auch zum Naschen. Die wirklich tiefsinnigen 

Prachtkerle zeigen alle sehr viel dunkelfruchtige Beerenaromatik, 

Würze und geballte Kraft im Gaumen, knallen laut im ersten 

Moment, um sich letztlich vereint in Harmonie zu verabschieden. 

Das Gefühl von Wärme und Nähe, das erstklassiger Portwein vermitteln 

kann, hat etwas ganz Besonderes, etwas Anziehendes. 

MILD UND MEDITERRAN: BAIRRADA 

Diese Region ist erst seit wenigen Jahren wieder in den Köpfen der 

Weinmacher und Konsumenten. Hier steht die Rotweintraube Baga 

ganz im Mittelpunkt. Nur wenige haben es geschafft, diese rustikale, 

tanninreiche Sorte zu bändigen. Hauptverdienst gebührt Luis Pato: 

Er hat die wilde Dame salonfähig gemacht. Und seine Tochter Filipa 

Pato folgte ihm, wenn auch mit ganz anderem 

Stil. Ihre Weine aus den autochthonen Sorten 

Arinto, Bical, Baga, Cercial oder Maria Gomes 

zählen eindeutig zu Portugals Spitze. Nach seinem 

ersten Engagement mit Filipa Pato und 

dem „Projectos Baga“ kaufte Niepoort die Quinta de Baixo. Hier 

produziert er, vom leichtfüßigen Baga-Typ den NAT’ COOL 

DRINK ME bis hin zum POEIRINHO mit nur 11 % Alkohol aus 

dem raffiniert strukturierten und feinmaschigen Baga. Eine pure 

Delikatesse, die viel Terroir und atlantischen Charakter präsentiert. 

Die neue Leichtigkeit des Weins! 

EDEL VERPFLICHTET: DAS DÃO 

Im Dão wächst auf steinharten Schiefer- und Granitböden die weiße 

Rebsorte Encruzado – als Fan finessenreicher, geschmackvoller 

Weißweine muss man sie einfach probiert haben, vor allem den weißen 

Primus Quinta da Pellada von Alvaro Castro. CONCISO 

BRANCO von Niepoort, das weiße Gegenstück zum Conciso Tinto, 

wird aus den Rebsorten Bical, Malvasia, Encruzado, alle aus einem 

Weinberg mit 60 bis 100 Jahre alten Rebstöcken, gewonnen. Ein vegetabiler, 

kräutriger Stil mit viel Frische, Gripp, Spannung, Druck und 

Zug. Viel Ähnlichkeit mit einem Riesling, dazu das gewisse Extra: eine 

mediterrane Note, die ihm in seiner Länge wirklich gut steht. 

Bezugsquellen: www.gute-weine.de, www.hawesko.de 

65


Der Stoff, aus dem 

die Töne sind 

Die Wiener Saitenmanufaktur Thomastik-Infeld feiert 100. Geburtstag. 

Das Familienunternehmen eroberte einst die Musikwelt und stellt mit modernsten 

Technologien bis heute die meist gespielten Saiten für Streichinstrumente her. 

VON KATHERINA KNEES 

Aufwendig, mit höchster Präzision und Hightech-Materialien werden die Thomastik-Infeld-Saiten 

teilweise noch in Handarbeit hergestellt 

Perfekte klangliche Brillanz ist die Voraussetzung, damit 

die spielerische Virtuosität eines Musikers exzellent in 

Szene gesetzt werden kann. Die Saiten, die die Wiener 

Firma Thomastik-Infeld seit 100 Jahren herstellt, statten 

Streicher in aller Welt mit einem warmen und ausgewogenen 

Klang aus. In den Saiten steckt neben der kontinuierlichen Leidenschaft 

eines mehrere Generationen alten Familienunternehmens 

eine große Portion technologisches Know-how, handwerkliches 

Können und der Mut, sich immer wieder neu zu erfinden. 

Die Unternehmensgeschichte liest sich wie ein spannender 

Roman: Firmengründer Dr. Franz Thomastik, promovierter Philosoph, 

Freigeist und passionierter Geigenbauer, wusste: Die Saite 

macht die Musik! Bereits vor Beginn des Ersten Weltkrieges beschäftigte 

er sich unermüdlich mit der Erforschung von Materialien, die 

für die Entwicklung von Saiten infrage kamen, und entwickelte ab 

1919 mit dem Ingenieur Otto Infeld die Vision, synthetisches Kernmaterial 

mit einer Bandumspinnung zu versehen – eine Idee, mit der 

das Unternehmen die Musikwelt revolutionierte: Er schuf eine Stahlsaite, 

die es durch ihre hohe Qualität in Sachen Klang, Präzision und 

Lebensdauer spielend mit der bis dahin obligatorischen, aber viel 

sensibleren Darmsaite aufnehmen konnte. Bereits 1926 hatten Dr. 

Franz Thomastik und Otto Infeld mit ungebremstem Erfindergeist 

für alle Streichinstrumente Saiten entwickelt, die durch ihre „Nerven 

aus Stahl“ von Wien aus die ganze Musikwelt eroberten. 

Die ausgeprägte Innovationskraft der beiden Männer ließ die 

kleine Geigenbauwerkstatt „Dr. Franz Thomastik und Mitarbeiter“ 

schnell weiter wachsen. Nebenbei meldete das kreative Tüftlergespann 

auch Patente für Konstruktionen wie eine drehbare Sonnenliege 

und Erfindungen im Bereich der Kinoakustik an. Als Dr. Franz 

Thomastik Ende 1951 starb, erwarb Otto Infeld das gesamte Unternehmen, 

das nach seinem Tod 1965 in die Hände seiner Frau Margaretha 

Infeld überging, die den Betrieb gemeinsam mit ihrem Sohn 

Peter Infeld weiterführte. Unter ihrer Leitung fand das Unternehmen 

nicht nur den heutigen Sitz hinter der roten Tür in der Diehlgasse 27 

in Wien, sondern wurde endgültig zum Weltmarktführer von Streicher-Saiten. 

Die sogenannte „Dominant“-Saite ist die weltweit meist 

gespielte Saite, das Herzstück der Wiener Innovationsschmiede. 

Nachdem Peter Infeld die Familientradition ab 1994 im Sinne 

seiner Mutter weiterführte, steckt seit zehn Jahren wieder viel Frauenpower 

im Unternehmen. Zdenka Infeld lebt seit seinem plötzlichen 

Tod im Jahr 2009 den Traum ihres verstorbenen Mannes Peter Infeld 

weiter und hält den innovativen Geist der Familie lebendig. Neben der 

handwerklichen Arbeit wird die Musikszene auch durch grenzübergreifende 

Aktivitäten bereichert wie die „Infeld Fundation zur Förderung 

junger bildender Künstler und Musiker in der Podravina“ und 

zur Errichtung eines Kulturzentrums auf der Insel Krk. 


Xzellente 

Aktivboxen. 

›Klang zum 

Niederknieen‹ 

Audio Video Foto Bild 6/19 

SIEGER 4/19 

2019 

3/19 

Nach wie vor setzt die Manufaktur neben digitaler Kontrolle auf analoge Materialprüfung. 

Darunter ein Schritt der Saitenproduktion und das beeindruckende Walzenraumlager 

FOTOS: THOMASTIK-INFELD VIENNA 

Auf den hochwertigen und in Handarbeit angefertigten Thomastik-Infeld-Saiten 

haben schon Anne-Sophie Mutter, Mstislav Rostropovich, Itzhak Perlman und Pinchas 

Zukerman musikalische Höhenflüge erlebt. Die Konzertmeister des New York Philharmonic 

Orchestra und der Wiener Philharmoniker geben sich im Hause Thomastik-Infeld 

regelmäßig die Klinke in die Hand, und auch Jazzer wie Ray Brown oder Herb Ellis gehören 

zu den treuen Fans der Wiener Saitenmanufaktur. 

Auch wenn in dem Unternehmen immer noch der traditionsreiche Charme der 

leidenschaftlichen Firmengründer steckt, gehen die begehrten Thomastik-Infeld-Saiten 

mit der Zeit und integrieren als echte Hightech-Produkte moderne Materialien aus der 

Weltraumtechnik oder biokompatible Werkstoffe wie Titan. Maschinen mit Hochpräzisionstechnik 

garantieren einen herausragenden Qualitätsstandard, an dem ein ganzes 

Team hoch spezialisierter Techniker im hauseigenen Entwicklungslabor unermüdlich 

weiterfeilt. 

Auf Wachstum setzt man hier nicht um jeden Preis, vielmehr sind es Prinzipien wie 

Nachhaltigkeit in den Bereichen Umwelt und Soziales, die fest in der Unternehmenskultur 

verankert sind. Auch hinsichtlich der Wertschätzung der Mitarbeiter: Für jeden von 

ihnen gibt es zum Geburtstag einen selbst gebackenen Kuchen. Ins Rezept für den 

100-jährigen Erfolg von Thomastik-Infeld gehören neben Erfindergeist und technologischer 

Kompetenz auch der schonende Umgang mit Ressourcen, die Einhaltung umwelttechnischer 

Standards und der kontinuierliche Dialog von Künstlern und Ingenieuren. 

Schließlich entscheidet über das Klangerlebnis letztendlich immer der Musiker selbst, 

sodass die Rückmeldungen für den Entwicklungsprozess der Saiten für Thomastik-Infeld 

von essenzieller Bedeutung sind. 

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Der Axel-Brüggemann-Kommentar 

DEMOKRATIE DER KÖNIGE? 

Natürlich finden Orchester es gut, wenn sie selbst über ihre Zukunft 

bestimmen können. Bleibt die Frage, ob das immer von Vorteil ist … 

Anlass dieser Kolumne ist der aktuelle Fall der Sächsischen Staatskapelle 

Dresden. Bereits letztes Jahr – das Orchester befand sich 

gerade auf einer China-Tour – debattierten die Musiker darüber, ob 

sie Christian Thielemann erneut das Vertrauen als Chef aussprechen 

wollen oder nicht. Die Stimmung im Orchester war damals gespalten. 

Die Vor- und Nachteile lagen auf der Hand: Das Abnutzen einer 

Beziehung, die Schwierigkeiten, das Repertoire zu erweitern, eventuell 

auch die nicht ganz einfachen 

Führungs- und Charaktereigenschaften 

des Chefdirigenten 

und der generelle Wunsch, innerhalb 

des Orchesters nach etwas 

Neuem, all das sprach gegen eine 

Vertragsverlängerung. Für ihn als 

Chefdirigenten wiederum sprach 

seine Reputation, sein unbestreitbares 

Können im romantischen 

Repertoire, der Umstand, dass die 

Kapelle mit ihm neue Aufmerksamkeit 

erhalten hatte, und vor allen Dingen, dass man durch 

Thielemanns Namen zum Residenzorchester der Osterfestspiele in 

Salzburg geworden war. Dass man aus demselben Grund auch das 

Silvesterkonzert des ZDF spielte und in Millionen deutscher Wohnzimmer 

zu sehen war. Natürlich mochte auch die allgemeine Angst 

vor einem Umbruch, dem ungewissen Neuen eine Rolle gespielt 

haben, dass das Orchester sich schließlich knapp für eine Vertragsverlängerung 

mit Thielemann ausgesprochen hat. 

EIN ORCHESTER WIE DIE 

SÄCHSISCHE STAATSKAPELLE HAT 

IN DEN LETZTEN JAHREN ZUNEHMEND 

AUF DIE STRAHLKRAFT 

IHRES DIRIGENTEN GESETZT 

Um so tragischer erscheint es heute, dass sich die Hauptgründe 

für Thielemanns Vertragsverlängerung in den letzten Wochen in 

Luft aufgelöst haben. Bei den Salzburger Osterfestspielen hat sich 

der designierte Intendant, Nikolaus Bachler, gegen die Kapelle und 

vor allen Dingen gegen Christian Thielemann durchgesetzt. Orchester 

und Chefdirigent müssen die Festspiele verlassen. Eine Situation, 

in der sich das Orchester noch einmal kurz gegen seinen Chefdirigenten 

aufgebäumt hatte. Doch 

als die Kapelle in einer Pressemitteilung 

wissen ließ, der eigene 

Vertrag sei nicht an jenen Thielemanns 

gekoppelt, wurde dieses 

Aufbegehren schnell niedergeschmettert, 

als der Rechtsanwalt 

des Dirigenten zum Orchester 

sprach und den Musikern klarmachte, 

dass man in Zukunft aufeinander 

angewiesen sei. Umso 

härter muss die Nachricht gewirkt 

haben, dass auch das ZDF sich im nächsten Jahr von der Sächsischen 

Staatskapelle und Christian Thielemann trennen will und stattdessen 

wieder auf die Berliner Philharmoniker und ihren neuen Dirigenten 

Kirill Petrenko setzt. 

Nun kann man all das unter dem Begriff „Pech“ zusammenfassen. 

Man kann die Entwicklung aber auch anders sehen. Ein Orchester 

wie die Sächsische Staatskapelle hat in den letzten Jahren zunehmend 

auf die Strahlkraft seines Dirigenten gesetzt und ist derzeit dabei, das 

ZEICHNUNG: STEFAN STEITZ 


eigene Image, welches es unter anderem durch Auftritte in den Kneipen 

von Dresden (die einem Dirigenten wie Thielemann weitgehend 

egal waren) oder durch Events wie „Klassik Picknickt“ aufgebaut hat, 

zu verspielen. Zudem hat das Orchester zugeschaut, wie das entscheidende 

Verwaltungspersonal vom Chefdramaturgen bis zum Orchesterdirektor 

aus Frust oder im Streit mit Thielemann abgewandert ist 

– also jenes Personal, das eigentlich den Erfolg des Ensembles und 

seine Vor-Ort-Verankerung ausgemacht hat. 

Das Verblüffende ist, dass die Musiker selbst sich für diesen 

Weg ausgesprochen haben. Ein Weg des geringeren Widerstandes, 

des Festhaltens am Bewährten, des kleineren Risikos. Ein Weg, an 

dessen gegenwärtigem Punkt eine eher ernüchternde Bestandsaufnahme 

steht: Durch den Verlust von Salzburg und ZDF rutscht die 

Staatskapelle zurück in die sächsische Provinz, muss sich neu ordnen. 

Man könnte auch sagen, dass die Selbstbestimmung eines 

Orchesters in diesem Fall nach hinten losgegangen ist und die 

Kapelle derzeit vor den Scherben ihrer eigenen, demokratischen 

Personalpolitik steht. 

Ein Phänomen, von dem auch die Berliner Philharmoniker ein 

Lied singen können. Nachdem sie Simon Rattle gewählt hatten, schienen 

sie in eine strahlende Zukunft zu 

gehen, bis sich herausstellte, dass der Brite 

unter Umständen nicht in jeder Nuance die 

beste Entscheidung für das Orchester war. 

Auch Rattles Vertragsverlängerung war 

eine knappe Entscheidung des Orchesters 

– und sorgte innerhalb des Ensembles für 

Grabenkämpfe. Erst als Rattle selbst seinen 

Abschied bekannt gegeben hatte und die 

Berliner erneut zusammenkamen, um über 

einen Nachfolger zu beratschlagen, schien 

die Orchester- Demokratie wieder zu funktionieren. 

Offene Debatten über das, was 

dem Orchester guttun würde, Entscheidungen 

gegen ein Zurück zu Karajan mit Christian Thielemann und 

gegen eine Interimslösung mit Daniel Barenboim. Stattdessen überraschte 

das Orchester mit seiner Entscheidung für Kirill Petrenko als 

neuen Chefdirigenten. Auf ihn musste man in Berlin zwei Jahre lang 

warten, aber nun, bei seinem Antrittsdirigat mit Beethovens Neunter, 

war zu hören, welcher Aufbruch in der Berliner Luft liegt. Musiker, 

die sich öffentlich äußern, beschwören den neuen Geist, den Anspruch 

Petrenkos an jeden Musiker, sein Bestes zu geben. Der musikalische 

Ausdruck steht in Berlin wieder über allem anderen, über dem Schein 

und der Show – Spaß an der Perfektion, Lust, an sich selbst zu arbeiten, 

sind zurückgekehrt. Und soweit man das heute beurteilen kann, 

haben die Berliner Philharmoniker mit ihrer Wahl für Petrenko die 

positive Seite der Selbstbestimmung vorgeführt. 

Tatsächlich ist es so, dass viele Orchester, auch wenn ihre Wahlen 

meist nicht bindend sind, in den Prozess ihrer eigenen Zukunftsplanung 

einbezogen werden. Ein Mechanismus, der auf der einen 

Seite zu Bequemlichkeit führen kann, der dafür sorgen kann, dass 

ein Orchester weniger Risiko eingeht als etwa ein Kulturpolitiker 

oder ein Intendant, der allein entscheiden kann. Gleichzeitig hat 

der Mechanismus der Mitbestimmung aber auch eine unglaubliche 

Kraft: Wenn ein Klangkörper debattiert und eine gemeinsame Position 

vertritt, wenn eine Entscheidung am Ende von allen getragen 

wird, wenn sie den eigenen Mut für die Zukunft trägt, dann ist die 

Selbstbestimmung eines Orchesters ein für den neuen Dirigenten 

unglaublich hilfreiches Energiezentrum. 

DEMOKRATISCHE 

MITBESTIMMUNG 

KANN SCHNELL ZUR 

SELBST GEWÄHLTEN 

ENTMÜNDIGUNG 

FÜHREN 

Die Wiener Philharmoniker, die sich bewusst gegen einen 

Chefdirigenten entschieden haben, nennen ihre Selbstbestimmung 

eine „Demokratie der Könige“. Und tatsächlich sind Orchester, die 

über ihre eigene Zukunft und über ihren eigenen Chef entscheiden 

können, privilegiert. Welcher Arbeitnehmer darf seinen Boss schon 

selbst wählen? Der Rewe-Angestellte? Der Schalterbeamte einer 

Bankfiliale? Und auch im öffentlichen Dienst (dazu gehören ja viele 

Orchester) ist es undenkbar, dass Lehrer ihren Schulleiter oder 

Finanzbeamte ihren Abteilungsleiter bestimmen. Gerade im öffentlichen 

Dienst geht es ja darum, dass politische Vorstellungen, die 

sich aus demokratischen Wahlen ergeben, umgesetzt werden und 

Behörden oder öffentlich geförderte Einrichtungen kein Eigenleben 

jenseits unserer Demokratie entwickeln. 

Tatsächlich scheinen all diese Kriterien bei Orchestern nicht 

oder nur selten zu greifen. Ein Beispiel dafür ist die Staatskapelle 

Berlin. Auch hier hat man sich intern einst für Daniel Barenboim 

entschieden. In den letzten Monaten wurde aber auch deutlich, dass 

quasi ein eigener, weitgehend unbeaufsichtigter Kosmos entstanden 

sein könnte, an dem nun zunehmend Kritik laut wird. Wie viel Königreich 

leistet sich Barenboim? Wie monarchisch ist das demokratische 

System geworden? Wie gut funktionieren 

Leitungs- und Kontrollmechanismen 

durch den Intendanten? Ihm wurde gerade 

von einer einstigen Mitarbeiterin vorgeworfen, 

er hätte ihre Kritik am Benehmen 

des Dirigenten nicht verfolgt. Wie ernst 

nimmt auch die Kulturpolitik ihre Aufgabe, 

demokratische und arbeitsrechtliche 

Grundanforderungen an einen öffentlichen, 

durch Steuergelder finanzierten 

Betrieb durchzusetzen? Sicher: Orchester 

funktionieren nicht wie eine Abteilung im 

Steueramt. Und doch ist es wichtig, dass 

– gerade wenn sie durch öffentliche Gelder 

gefördert werden – eine Art Überprüfbarkeit möglich ist. Die Beteiligung 

der Musiker an Personalentscheidungen kann dabei durchaus 

hilfreich sein. 

Wie auch immer man diese Frage beantwortet: Die demokratische 

Beteiligung der Orchestermusiker an der Entscheidung über 

ihre Chefdirigenten ist in der Regel von Erfolg gekrönt, wenn das 

Orchester sich, seine Geschichte und seine Zukunft an erste Stelle 

setzt. Das ist vielleicht eine der wichtigsten Lehren der aktuellen 

Situation der Staatskapelle in Dresden: Koppelt ein Orchester sein 

eigenes Schicksal an die Person eines Dirigenten, kann die demokratische 

Mitbestimmung schnell zu einer selbst gewählten Entmündigung 

führen. Das war auch der Fehler der Berliner Philharmoniker, 

als sie allein auf den Personenkult um Simon Rattle setzten. Das ist 

derzeit das Problem der Staatskapelle in Berlin. Und auch beim 

SWR-Orchester und seiner fast messianischen Anbetung von Teodor 

Currentzis, die – das muss man zugeben – sehr gut von der politisch 

gewollten Fusion des Orchesters ablenkt und die Zusammenlegung 

der Klangkörper derzeit noch als Erfolgsgeschichte erscheinen lässt. 

Die Mitbestimmung der Orchester bei der Wahl ihrer Chefdirigenten 

ist eine traditionell gewachsene Größe, die in der Regel für 

kreative Kraft sorgt und als Korrektiv des eigenen Weges dient. Problematisch 

wird diese Mitsprache dann, wenn ein Orchester seinen 

Stolz gegenüber einer Führungspersönlichkeit aufgibt, wenn es aus 

Faulheit oder dem Versprechen von Sicherheit das Risiko meidet oder 

die Zukunft durch ewige Vergangenheitssehnsucht verhindert. ■ 

69

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Abb.: Portmedia Verlag; Strezhnev Pavel / fotolia.com 

70 www.crescendo.de — Oktober – November 2019


DIE KÜNSTLERIN BEATRICE VOHLER 

GESTALTETE DAS COVER UNSERER PREMIUM-CD. 

Ein Zuhause in Bildern 

FOTO: PRIVAT 

Auch Kittel können Kunst erzählen: Beatrice Vohler freut sich über ein neues Werk 

Was meine Schwester kann, das kann ich auch!“ Ja, ein 

wenig Rebellion war es schon, die Beatrice Vohler 

vor etwa 20 Jahren aus der Reserve und an die Leinwand 

lockte, um die ersten großformatigen Bilder in 

Acryl zu fertigen. Dabei kommt sie eigentlich aus einer anderen 

Ecke der schönen Künste: Als Fotografin mit Meisterprüfung hatte 

sie sich ursprünglich dem schnellen Bild verschrieben – über Jahre 

ihr kreativer Schwerpunkt und Haupteinnahmequelle fürs tägliche 

Leben. Doch irgendwann entstand zwischen Leidenschaft und 

Broterwerb dann doch eine künstlerische Lücke. Die sie, zunächst 

initiiert von jenem schöpferischem Eigensinn – ein Hauch Trotz hat 

der Kunst noch nie geschadet –, bald zu füllen wusste: Sie begann, 

Farben in Formen zu malen und das Gegenständliche der Berufsfotografie 

in abstrakte, gegenstandslose Bilder auf der Leinwand zu 

verändern. Dabei spielte in den Anfängen die Farbe Rot eine besondere 

Rolle: Die Nuancen der einzelnen Farben verschmelzen in 

ihren Werken zu Farbflächen, kontrastierende Elemente geben den 

Bildern eine ganz besondere, subtile Spannung. Über die Jahre verändert 

sich ihre Malerei, es entstehen Collagen, und weltweit gesammelte 

Dinge – ihre Reiselust ist sowohl der Liebe zu fremden 

Kulturen als auch ihrem kreativen Jagdfieber geschuldet – finden 

ein endgültiges Zuhause auf ihren Bildern: verrostetes Blech aus der 

Mongolei etwa, antike Buchrücken oder Schriftfragmente alter Magazine, 

Partituren oder Bücher, ein 5.000-Reichsmarkschein, Altholzecken 

im spannenden Kontrast zu farbenfrohen Streifen. Bunt, 

lebensfroh, mitunter auch nostalgisch sind ihre Bilder, und immer 

ist jene Neugier spürbar, die sowohl die Groß- als auch die Kleinformate 

so vielseitig machen. Auf einen Stil festlegen lässt sich Beatrice 

Vohler dabei in aller Konsequenz nicht. 

Die Künstlerin lebt und arbeitet in München und stellt ihre 

Werke regelmäßig in diversen Ausstellungen vor. 

n 

Mehr über die Künstlerin auf www.vohler.com 

Vernissage in den Redaktionsräumen (Rindermarkt 6, München) am 

28. November 2019, Eintritt frei. Anmelden unter crescendo.de/vernissage 

71


„Letztlich sind wir 

heute viel profitabler“ 

In Zeiten von iTunes und Spotify hat sich das Geschäft der Plattenlabels verändert. 

Winfried Hanuschik und Naxos-Gründer Klaus Heymann 

über die Zukunft der Musikindustrie – ein Gespräch unter Verlegern 

FOTO: HNH 

Ein Pionier und Visionär inmitten seiner Erfolgsgeschichte: Klaus Heymann 

Klaus Heymann (82) ist ein Urgestein der Musikindustrie. 

Zum Verständnis ein kurzer Lebenslauf: Heymann 

studierte Romanistik und Anglistik in Frankfurt 

und London, an der Sorbonne in Paris und 

schließlich an der Universität in Lissabon, brach 

jedoch sein Studium ohne Abschluss ab. Nebenbei gesagt: Verdient 

hatte er es sich als Tennislehrer. Für eine amerikanische Wochenzeitung 

ging er schließlich im Jahr 1967 als Anzeigenverkäufer nach 

Hongkong, um deren Asien-Vertrieb zu organisieren. Nebenbei 

baute er ein eigenes Versandgeschäft für Uhren, Kameras und HiFi- 

Geräte auf. Nachdem er die japanische Violinistin Takako Nishizaki 

geheiratet hatte, gründete er für sie 1982 das Plattenlabel „Marco 

Polo“, für das seine junge Frau selten gespielte Werke aufnahm. 

1987, inzwischen 50-jährig, startete er noch mal durch: mit der 

Gründung des Start-up-Unternehmens Naxos. Und gilt damit als 

Erfinder des „Budget“-Segments in der Klassik: Bei Naxos kosteten 

CDs nur die Hälfte! 1999, als „online“ für die meisten Menschen 

noch Hokuspokus war, gründete er die weltweit erste Website für 

Besprechungen von Klassikalben, „Classics Today“, die er später 

verkaufte. Der Grund dafür: die Angst, die Nutzer würden den 

Rezensionen nicht glauben, wüssten sie, dass die Firma zu seiner 

Plattenfirma gehört. Es war das Jahr 1996, als er mit www.hnh.com 

klassische Musik erstmals per Streaming zugänglich machte. Daraus 

entwickelte er 2002 die „Naxos Music Library“ mit inzwischen über 

147.000 Titeln. Zum Vergleich: Die vermeintlichen Entrepreneure 

des Musikstreaming-Dienstes „Spotify“ gingen 2008 online, sechs 

Jahre nach Heymann. 

Seit über 50 Jahren lebt Klaus Heymann in Hongkong und 

Neuseeland. Und es gibt definitiv nur wenig Menschen, die im 

internationalen Musikmarkt – insbesondere in Asien – so gut vernetzt 

sind wie er und einen wirklich kosmopolitischen Blick auf die 

Welt der klassischen Musikwirtschaft haben. Ich habe großen Respekt 

vor seiner Lebensleistung: als Mensch und als Unternehmer. 

Und ich freue mich immer, wenn ich ihn treffe: von Mensch zu 

Mensch und von Unternehmer zu Unternehmer. 

Winfried Hanuschik: Warum spielen die großen Plattenfirmen 

im Musikvertrieb heute keine Rolle mehr, sondern „Quereinsteiger“ 

wie Apple, Amazon und Spotify? 

Klaus Heymann: In der Frühzeit des Downloads haben die großen 

Plattenfirmen, die „Majors“, irgendwie versucht, ihre eigenen 

Plattformen aufzubauen. Das hat alles nicht funktioniert, bis auf 

einmal Apple mit iTunes kam – da konnte man auf einmal alles 


finden. Die Hörer wissen ja meist gar nicht, bei welchem Label ein 

Künstler ist. Die suchten etwa nach „ABBA“, wurden zum Beispiel 

bei Warner nicht fündig und gingen darum nicht mehr auf deren 

Seite. Bei iTunes aber konnte man auf einmal nahezu jeden Song 

oder jedes Stück finden. Darum wurde es so ein Erfolg. Letztlich ist 

das ja auch der große Vorteil unserer Naxos Music Library: Mittlerweile 

haben wir auch fast alles im Bereich der klassischen Musik. 

Wie geht es mit der klassischen CD weiter? 

Die CD wird es auch in zehn Jahren noch geben, weil viele Hörer, 

Künstler, Orchester und auch viele Kritiker das physische 

Produkt haben wollen. Die Kritiker, vor allem die älteren, 

nehmen immer noch keinen Download an, noch nicht einmal in 

„High Resolution“. Sie wollen immer 

noch eine CD in der Hand haben. Auch 

Konzertverkäufe, Geschenke – all das 

wird weiterlaufen. Aber ich schätze, 

dass wir in drei Jahren nur noch zehn 

Prozent aller Alben im Presswerk 

herstellen. Alles andere wird dann 

„manufacturing on demand“, sozusagen 

ein digitales Lager mit 50.000, 

100.000 Titeln auf einem Server. 

Kommt dann ein Auftrag, drückt man auf einen Knopf, und die 

CD wird in Einzelanfertigung hergestellt, inklusive Print, Cover, 

Booklet, Inlay Card. Wir haben das jetzt in den USA und werden 

uns auch in Deutschland und Japan die Maschinen anschaffen. 

Das rechnet sich, weil die kostenintensive Pressung und Bevorratung 

von Millionen CDs und der Versand vom Zentrallager in 

München in die ganze Welt entfällt. 

Machen Streaming-Angebote die CD kaputt? 

Ich habe mit vielen Label-Chefs gesprochen, die alle sagen: „Ich 

investiere so viel in diese Aufnahme, und dann steht sie im 

Internet – das zerstört meine physischen Verkäufe.“ Darum hatten 

wir ursprünglich eine „Quarantäne“: Brachten wir eine CD neu 

heraus, haben wir sie erst drei Monate später im Internet zur 

Verfügung gestellt. Wir haben das alles ja getestet. Im Ergebnis 

machte es bei den Verkäufen kaum einen Unterschied. Anscheinend 

sind das unterschiedliche Kunden: Der CD-Käufer ist ein 

anderer Kunde als der Streamer, der sich Playlists anhört. Die 

Neugierigen, die nur mal eben reinhören wollen, die verliert man, 

die können ihre Neugierde jetzt auf Spotify oder Apple Music 

befriedigen. Aber die anderen kaufen trotzdem, weil ihnen der 

Besitz, die Soundqualität und das haptische Erlebnis einer CD 

wichtig sind. Im Bereich der klassischen Musik spielt das 

Streaming mit ca. 20 Prozent in Deutschland aktuell noch eine 

untergeordnete Rolle, aber im Pop-Bereich sind die Einnahmen 

aus Streaming inzwischen höher als die aus CD-Verkäufen. 

Streaming ist für den Kunden letztlich ja nur ein anderer 

Zugangsweg zur Musik. Komfortabel und bequem, sogar auf 

dem Handy, überall und jederzeit mit einem Fingertipp 

verfügbar – wenn die Internetverbindung schnell genug ist. Bei 

manchen Anbietern inzwischen auch in hoher Wiedergabequalität. 

Welche Rolle spielen die verschiedenen Streaming-Portale? 

Für die unabhängigen Labels ist die Music Library immer noch 

die größte Einnahmequelle. Dann folgen Spotify, Apple Music 

mit iTunes und Amazon Prime. Bei den Internet-Radios sind 

Pandora und iHeartRadio unsere größten Kunden. Und von den 

kleineren Anbietern läuft Qobuz noch ganz gut. 

Was bekommen Label und Künstler von den Streaming-Portalen? 

Statt ca. 10 Euro pro verkaufter CD bekommen wir von Spotify 

etwa 0,4 Cent und bei Apple Music 0,7 Cent pro Track. Die Naxos 

Music Library zahlt besser, etwa 6 Cent pro Track. Das kommt 

daher, dass die anderen Anbieter sowohl Pop als auch Klassik 

anbieten, während bei der Naxos Music Library (NML) die Klassik 

„DER CD-KÄUFER IST 

EIN ANDERER KUNDE ALS 

DER STREAMER, DER SICH 

PLAYLISTS ANHÖRT“ 

unter sich bleibt. Da Klassikhörer gezielter hören und die Musik 

meistens nicht den ganzen Tag nebenbei laufen lassen, bleibt mehr 

Erlös pro Track. 

Das heißt also, jemand müsste ein Album, je nachdem wie man 

rechnet, etwa 500-mal von vorn bis hinten durchhören, bis das 

einem einzigen CD-Verkauf entspricht. Bei aller Liebe, aber das 

ist doch eher die Ausnahme ... Wie soll man da als Künstler und 

Plattenfirma von den Streaming-Einnahmen überhaupt noch 

eine Aufnahme finanzieren? 

Weil viel mehr Geld reinkommt aus Ländern, von denen wir nie 

Geld gesehen haben, weil es dort gar keinen Plattenhandel in dem 

Stil gab, wie wir das in Deutschland für normal halten: aus 

Brasilien, aus Argentinien, aus Chile, 

vom Mittleren Osten, aus Südostasien. 

Wir verdienen damit so viel mehr, dass 

wir neulich sogar darüber gesprochen 

haben, dass wir auch mit den Berliner 

Philharmonikern aufnehmen sollten, 

denn jetzt können wir’s uns endlich 

leisten. Glauben Sie mir: Davon träume 

ich seit Langem! (lacht) Aber man 

braucht halt auch einen Riesenkatalog, 

dass man wirklich alle Hörerwünsche befriedigen kann, also 

Playlists, die auch immer etwas Passendes anbieten. Das ist harte 

Arbeit. Wir haben Leute, die zum Beispiel Spotify Playlists und 

Musik vorschlagen. Wir haben sogar einen, der vorher bei Spotify 

angestellt war, angeworben. Der ist jetzt bei unserer schwedischen 

Niederlassung und hat das ganze Playlist-Fachliche bei denen 

angeleiert. Aber letztlich sind wir heute viel, viel profitabler als zu 

Hochzeiten von Naxos, als wir von einem Album 500.000 Stück 

verkaufen konnten. 

Und was ist mit den traditionellen Klassik-Tonträgermärkten? 

Also die USA sind immer noch die Größten, gefolgt von England, 

Japan, Frankreich, Deutschland, Skandinavien, glaube ich. Das 

Haupteinkommen generiert sich immer noch aus den großen 

Märkten. Aber es kommen jetzt viele kleinere Beträge dazu. 

Brasilien liegt jetzt bei drei Prozent. Da hat man früher null 

CDs verkauft. 

Okay, von null auf drei Prozent, das ist eine ordentliche Menge. 

Und ganz ordentliches Geld. Das kommt von den Playlists. Wenn 

man einen Track in eine Playlist von Spotify, Apple oder Amazon 

heben kann, lohnt sich das. 

Es kommt also nicht auf die Verfügbarkeit in Streaming- 

Diensten an, sondern es zählt, was in eine Playlist kommt? 

Genau. Wir haben auch eigene Playlists, teilweise mit 500.000 oder 

einer Million Follower. Naxos hat eine Playlist, die heißt „Piano de 

Fundo“, die verdient ein enormes Geld. Das ist Hintergrund- 

Klaviermusik. 

Das ist kaufmännisch sicherlich erfreulich, mit Klassik in seiner 

Vielfalt und Qualität hat das aber nicht viel zu tun. Neue 

Aufnahmen kann man sich da eigentlich sparen und statt dessen 

um Playlist-Plätze ringen? 

Nein, also ich mache das nicht so. Wir haben ja immer noch 200 

neue Aufnahmen im Jahr allein bei Naxos. Zusammen sind es mit 

unseren anderen Labels vielleicht 350 Neuvertonungen im Jahr. 

Aber warum eigentlich? Wenn sich das schlecht verkauft oder es 

jeder schon in einer anderen Einspielung hat? 

Aber deswegen bin ich ja im Geschäft: neues Repertoire zu 

entdecken, neue Künstler zu entdecken ... Sonst macht das ja 

keinen Spaß mehr. Mit dem immer gleichen Standardrepertoire 

wird’s tatsächlich schwierig, auch für Top-Künstler. 

Playlists verändern die Kunst. Wir hören kein Werk mehr, wir 

hören nur noch Tracks? 

Natürlich ist da immer auch ein Link zum jeweiligen Album, 

73


obwohl die meisten Leute das tatsächlich kaum nutzen. Außer es 

sind spannende Projekte und Reihen. Wir machen zum Beispiel 

alle 24 Versionen aller Bruckner-Sinfonien in den nächsten drei, 

vier Jahren für das Bruckner-Jubiläum. Wir können uns solche 

Projekte heute leisten, weil das Geld übers Streaming reinkommt. 

Viele renommierte Labels wurden in den letzten Jahren verkauft 

und produzieren nur noch eine Handvoll neuer Aufnahmen. 

Die haben alle geschlafen. Sie meinten, es geht immer so weiter: 

teuer produzieren und zum Hochpreis verkaufen – das geht heute 

einfach nicht mehr. 

Aber bei Spotify, Amazon und Apple gehen doch so ambitionierte 

Produktionen trotzdem völlig unter? 

Darum ist ja die Naxos Music Library für die Klassik so wichtig. 

Na gut, wir arbeiten auch schon seit 16 Jahre daran. Aber sagen wir 

mal so: Die Music Library selbst trägt sich ja eigentlich auch nicht. 

Es ist enorm teuer, so eine Plattform zu betreiben. Wir zahlen 

allein drei Millionen Dollar im Jahr an ein Content Distribution 

Network, das die Musik via Internet an die Hörer ausliefert. Dazu 

kommen etwa 100 Leute für die Datenpflege, Kundenservice, 

Entwickler und Computerspezialisten – das kostet ein Heidengeld. 

Aber es hilft natürlich in all den anderen Bereichen, die wir 

machen. Wir können uns das hauptsächlich leisten, weil wir auch 

sehr viele eigene Aufnahmen auf der NML draufhaben. 

Sie waren ja schon sehr früh in China tätig – für die meisten 

Europäer war Asien damals noch am Ende der Welt. Welche 

Rolle spielt klassische Musik in China? 

Zum Beispiel die Provinz Sichuan, beziehungsweise die Stadt 

Chengdu, möchte gern eine Zentrale für Musik sein. „Chengdu can 

do“ läuft da im Fernsehen. Ich kenne den Dirigenten. Das ist einer 

unserer Hausdirigenten, der das Orchester dort aufbaut. Der will 

richtig investieren. Es gibt auch immer wieder Stimmen innerhalb 

der Politik, die diese Hinwendung und diese Investments in die 

Kultur als Verwestlichung kritisieren. Man muss immer vorsichtig 

sein, dass nicht doch mal wieder ein Rückschlag kommt. 

Oder Long Yu, der Initiator des Bejing Music Festivals ... 

Den kenne ich, seit er zwölf Jahre alt war. Sein Großvater ist Ding 

Shande, der berühmte chinesische Komponist der Langer-Marsch- 

Sinfonie. Die Rechte dafür hatte ich erworben, da war Long zwölf 

Jahre alt. Und sein Bruder, der inzwischen mein Geschäftspartner 

in China ist, war acht Jahre alt. So lange bin ich da schon. (lacht) 

Man kann Yu Long wirklich als den Begründer der klassischen 

Musikkultur in China sehen. Die Familie ist enorm gut politisch 

vernetzt. Seine Mutter war mal Direktorin einer meiner Firmen. 

Eine gute Pianistin, sie hat auch für uns aufgenommen. Und die 

Tante ist Geigenlehrerin am Konservatorium in Schanghai. 

Gibt’s inzwischen auch ein Publikum? 

Ja, aber selten ein zahlendes Publikum. Zahlendes gibt es nur für 

bekannte chinesische Künstler, zum Beispiel beim Bejing Music 

Festival, aber was in den Provinzen stattfindet, da wird noch viel 

investiert. Es gibt inzwischen einen Klassik-Videokanal und 

mittlerweile 80 Orchester. 1982 gab’s nur zwei: eins in Peking und 

eins in Schanghai. So hat sich das entwickelt. 

Welche Künstler verkaufen sich in China? Sind das die europäischen 

Stars oder chinesische Künstler? 

Bei den Violinisten sind es Siqing Lu, Tianwa Yang, Ning Feng und 

der Cellist Liwei Qin. Bei den Pianisten natürlich Lang Lang, aber 

auch Yuja Wang. Also die chinesischen verkaufen sich wirklich 

sehr gut – die Chinesen sind da recht patriotisch. 

n 

Klaus Heymann privat 

Wie halten Sie sich fit? 

Japanische Frau, veganes Essen mit Fisch und 

ohne Öl und viel Sport. 

Wie lange essen Sie schon vegan? 

Seit vier Jahren. Ich wollte einfach keine Pillen 

schlucken. Der Kardiologe hatte mir damals gesagt, 

ich solle jetzt dies gegen hohen Blutdruck 

und jenes gegen Cholesterin nehmen. Ich hatte 

aber gerade ein Buch gelesen und meinte: „Ach 

was, ich mach jetzt mal vegan!“ Nach einem 

Monat waren alle Werte unter denen, die er mir 

empfohlen hatte. Was ich erwähnen sollte: Wir 

haben eine Haushälterin, die kocht fantastisch 

vegan. Unsere Gäste wissen oft gar nicht, dass es 

sich um vegane Gerichte handelt. Und es ist erstaunlich: 

Man kann so viel essen, wie man will, 

und ist eigentlich immer satt. Sie macht Hamburger 

aus Pilzen, dazu eine wunderbare Portwein- 

Soße. Es wird sehr viel mit Wein gekocht, anstatt 

Salatöl nehmen wir einen herrlich klebrigen Süßwein 

– es schmeckt einfach toll. Im Hotel haben 

wir eine Suite mit einer kleinen Küche, und unsere 

Haushälterin ist oft mit dabei und kocht, was 

meine Frau auf dem Markt eingekauft hat. 

Das ist natürlich auch eine Lösung. 

Vor allem das Frühstück! Morgens gibt es sehr 

viel frisches Obst, eine fettfreie Gemüsesuppe, 

da wird dann Reispulver reingerührt, und das ist 

dann mein Frühstück. 

Manchmal gibt’s anschließend noch einen Kaffee 

Klaus Heymann und seine Frau, die 

Geigerin Takako Nishizaki 

mit Mandel- oder Sojamilch. Zum Mittagessen 

einen Salat mit fettfreiem Dressing und wieder 

eine fettfreie Gemüsesuppe. Fisch kommt ebenfalls 

fettfrei auf den Tisch. Wir bauen auch unser 

eigenes Gemüse an in Hongkong – wir haben einen 

Schrebergarten außerhalb der Stadt gemietet. 

Also essen wir eigentlich nur unser eigenes 

Gemüse, das organisch angebaut wird. Und Fisch, 

den meine Frau in Neuseeland gefangen hat. 

Ihre Frau fischt? 

Ja, wir haben einen zweiten Wohnsitz in Neuseeland, 

wo wir jedes Jahr vier bis fünf Monate verbringen. 

Wir chartern ein Fishing Boat, laden 

Freunde ein und gehen dann fischen. Anfang Mai 

sind wir mit 60 Kilo Fisch zurückgekommen, jetzt 

sind immer noch 40 Kilo im Gefrierschrank. 

Wie sieht ein Tag bei Heymanns aus? 

Ich stehe morgens immer um 6.30 Uhr auf und 

gehe für eine Stunde an meinen Laptop. Um acht 

Uhr kommt meine Frau runter, dann wird erst 

mal gefrühstückt, Kaffee getrunken, ein bisschen 

Smalltalk gemacht. Dann zurück an meinen Laptop, 

bis zum Mittagessen, das um zwölf Uhr auf 

dem Tisch steht. Danach eine Stunde Mittagsschlaf, 

mindestens, und zurück zum Laptop. 

Schließlich gehe ich meine fünf Kilometer laufen, 

und wenn ich nach Hause komme, gibt’s ein Glas 

Wein. Abendessen, noch ein Glas Wein, Laptop, 

noch ein Glas Wein vorm Schlafengehen so gegen 

23.30 Uhr. Ist ein langer Tag, aber relaxed. In 

Hongkong spiele ich einmal die Woche Golf, in 

Neuseeland dreimal die Woche. Also ich bin 

heute gesünder als vor 30 Jahren. 

Und wie lange wollen Sie das noch machen? 

Wie geht das weiter mit Naxos, wenn Sie keine 

Lust mehr haben? 

Ich habe eine sehr gute Mitarbeiterin, Astrid 

Angvik, eine Norwegerin, die in Hongkong lebt. 

Sie hat Musik studiert, einen MBA und arbeitet 

seit Jahren im Naxos-Führungskreis. Dazu gehören 

in jedem Land gute Leute wie Matthias 

Lutzweiler in Deutschland. Nicht anders in England 

und in den USA. In Japan macht’s mein Neffe, 

und Mohamed El Wakil verantwortet die globale 

Logistik. Wenn da irgend etwas passiert, kann ich 

jederzeit einspringen, sozusagen als Nothilfe. n 


WOHER KOMMT 

EIGENTLICH … 

… der Smart Speaker ? 

VON STEFAN SELL 

Am Anfang war Siri. Und Siri kam von 

Apple. Ein intelligenter Assistent, den 

man mittels Spracheingabe alles fragen 

kann, was einen interessiert. Wie wird 

das Wetter? Von wem ist Die Kleine Nachtmusik? 

Wie heißt die Hauptstadt von Italien? Diese Fragen 

spricht man einfach ins Handy und – klick! – da kommt 

die Antwort. Das Prinzip stammt aus der Märchenwelt. 

Schon der Spiegel der Königin in Schneewittchen ließ sich in 

Sachen Schönheit befragen. Fragt man heute Siri: „Spieglein, Spieglein 

an der Wand, sag, wer ist der/die Schönste im ganzen Land?“, 

antwortet Siri: „Schneewittchen? Bist du das?“ – „Nein!“ Zweiter 

Versuch: „Siri, ich frage dich noch mal, sag, wer ist der Schönste im 

ganzen Land?“ Darauf Siri: „Du bist am schönsten hier, aber (!) … 

Quatsch, du bist eindeutig am schönsten!“ Sowohl Siri als auch der 

Spiegel aus Schneewittchen sind Informationsmedien, die der 

Recherche dienen. 

Der wahre Smart Speaker von heute kann nicht nur Informationen 

beschaffen, sondern auch Dienste erfüllen. Dazu stellt man, 

clever & smart, in seinem Haus einen intelligenten Lautsprecher 

auf, der einerseits sendet, sodass man hören kann, andererseits alles 

empfängt, was man spricht, egal, wo man sich gerade im Raum 

befindet. So lassen sich Befehle erteilen und Wünsche äußern, die 

via Smart Speaker erfüllt werden. 

Folgt man der Bibel, ist das „nichts Neues unter der Sonne“. 

Man denke an den Besen des alten Hexenmeisters aus Goethes Zauberlehrling 

oder an das Märchen Vom süßen Brei. Hier reichte ein 

Wort, und der Topf begann zu kochen. Leider ließ in beiden Fällen 

Missbrauch das Ganze im Chaos enden. Heute ist der beliebteste 

Smart Speaker Alexa von Amazon, für dessen Namen die einstige 

Bibliothek von Alexandria Pate stand. Sie war der frühe Traum einer 

universellen Bibliothek. Gerüchten zufolge legte jedoch Cäsar im 

Hafen der Stadt unachtsam Feuer. Das Feuer sprang über, und die 

Bibliothek brannte bis auf die Grundmauern nieder. Eine andere 

Version erzählt, die Araber hätten sie in Schutt und Asche gelegt. 

Viel profaner klingt diese Variante vom Ende der Bibliothek: Den 

Statthaltern fehlte schlicht und ergreifend das Geld, die Bibliothek 

dauerhaft in Schuss zu halten. 

Alexa verschafft nicht nur Zugang zu Büchern, Informationen 

und Wissen aller Art, sondern eröffnet ungeahnte Möglichkeiten 

im Bereich des Musikhörens. So lassen sich bekannte Streamingdienste 

wie Spotify, Deezer oder – speziell für 

klassische Musik – Idagio mit den sogenannten 

„Skills“ von Alexa ansteuern. Da heißt es dann: 

„Alexa, frage Idagio, um mir Beethovens Wut 

über den verlorenen Groschen zu spielen.“ Gleich 

darauf landet die erwünschte Wut im Wohnzimmer. 

Man muss nicht mal wissen, dass Beethoven selbst 

dieses Rondo Alla ingharese quasi un Capriccio betitelte. 

Wenn einem Beethoven gefällt, könnte ja auch Mozart von Interesse 

sein. Nach und nach schwingt sich das Allwissen des Smart 

Speakers auf die individuellen Bedürfnisse seines Besitzers ein und 

macht eigene Vorschläge, die von Mal zu Mal präziser und stetig 

treffsicherer werden. 

Bittet man Alexa, sie möge das Portal zu „Lang Langs Musical 

Journey“ öffnen, begrüßt der weltberühmte Pianist persönlich: „Hi 

everyone, this is Lang Lang and welcome to my Alexa Skill.“ Er 

fragt, ob man ältere Episoden hören möchte oder die aktuelle von 

dieser Woche. Entscheidet man sich für die aktuelle, berichtet er 

freudig von seiner Neuerscheinung. Auf Wunsch spielt er Für Elise 

und erklärt, welches Mysterium sich hinter der Widmung dieses 

Werkes verbirgt. 

Besitzen auch Google Home, der Apple HomePod und andere 

die Fähigkeit, mit Streamingdiensten zu verbinden, Reminder für 

den Alltag zu schaffen, das Auto, wo immer es auch steht, abzusperren, 

die Heizung anzuwerfen oder das Licht einzuschalten, steckten 

doch all diese Skills bereits in Aladins Wunderlampe. Diese im 

Standby-Modus schlummernde Öllampe wurde durch Reibung in 

den Aktiv-Modus versetzt und war bereit, auf Ansage Wünsche 

aller Art zu erfüllen. Selbst einen Palast zu bauen, war für den Geist 

der Wunderlampe kein Problem. Denkbar wäre bei ausreichend 

gedeckter Kreditkarte, dass der Smart Speaker einen Skill hat, der 

nicht nur den Eierkocher anstellt oder Musik aus der Wüste Gobi 

erklingen lässt, sondern mittels eines 3-D-Druckers in Nullkommanix 

den Wunsch nach einem Eigenheim erfüllt. 

Übrigens: In der Version der Brüder Grimm ist es keine Wunderlampe, 

sondern Das blaue Licht. Was natürlich zu Alexa viel 

besser passt, bedeutet doch der sich hellblau drehende Lichtkreis: 

„Ich starte!“, das konstante Hellblau in Richtung des Wünschenden: 

„Ich arbeite gerade an deiner Anfrage!“ und der Wechsel zwischen 

hell- und dunkelblauem Licht: „Ich reagiere!“ Worauf auch 

immer. 

n 

75

Exklusive Musikreisen 

mit der ZEIT 

JETZT 

BUCHEN! 

Freuen Sie sich mit ZEIT REISEN auf die musikalischen Höhepunkte 2019/2020! 

Unsere Musikexperten begrüßen Sie herzlich und haben ein spannendes 

Rahmenprogramm und interessante Begegnungen für Sie ausgewählt. 

Hamburg – Ballett, Oper und Genuss 

Zum Jahreswechsel zeigt die Hamburgische Staatsoper 

Wagners »Lohengrin« mit Klaus Florian Vogt 

und Tschaikowskys Ballett »Der Nussknacker« in einer 

Choreografie von John Neumeier. Besichtigen Sie das 

Orgelwerk von St. Michaelis, und genießen Sie ein besonderes 

Silvesterdinner in Ihrem Hotel Grand Elysée. 

Termin: 28.12.2019 – 1.1.2020 Preis: ab 2.150 € 

zeitreisen.zeit.de/hamburg-jahreswechsel 

Breslau – Nationales Musikforum 

Erleben Sie zum Jahreswechsel Kultur und Musik im 

wunderschönen Breslau mit seinen Museen, dem 

gotischen Dom, der prachtvollen barocken Universität 

und der schönen historischen Altstadt. Besuchen Sie 

im Musikforum die Händel-Oper »Acis und Galatea« 

unter der Leitung von Jaroslaw Thiel mit Ian Bostridge 

und die Silvestergala in der Breslauer Oper. 


zeitreisen.zeit.de/silvester-breslau 

Berlin – Feuerwerk der Musik 

Die großen Orchester der Stadt überbieten sich mit 

bekannten Namen und ausgesuchten Programmen. 

Unter Chefdirigent Kirill Petrenko und mit Starsopranistin 

Diana Damrau führen die Berliner Philharmoniker 

den Reigen der Silvesterkonzerte an, gefolgt vom 

Staatsballett Berlin mit Tschaikowskys »Nussknacker«. 


zeitreisen.zeit.de/berlin-jahreswechsel 

Fotos: M. Grotowski, Felix Broede, Bettina Stöß | Anbieter: Zeitverlag Gerd Bucerius GmbH & Co. KG, Buceriusstraße, Hamburg 

Rufen Sie uns an, wir beraten Sie gern! 

Ihre Ansprechpartnerin: Solveig Goldbaum 

040/32 80-3725 

Bestellen Sie jetzt den 

Musikreisen-Katalog 2020! 

www.zeit.de/musikreisen

REISE & KULTUR 

themenspecial 10. Jahrgang | Herbst & Winter 2019 

DEM 

HIMMEL 

SO NAH 

MUSIK, KUNST UND 

KULTUR AN DEN 

SCHÖNSTEN 

ORTEN DER WELT 

SALZBURG 

Brauchtum triff Moderne: 

Die Stadt an der Salzach 

gibt der Welt eine Bühne 

BREMEN 

Kultur, Natur und gute Laune: 

Advent in zauberhafter 

Seefahrerkulisse 

ÖSTERREICH 

Ein Weinland ist zurück 

FOTO: TOURISMUS SALZBURG GMBH 

Sonderveröffentlichung/Anzeigen/Präsentationen 77

R E I S E & K U L T U R 

BRAUCHTUM 

UND MODERNE 

Alpenländische Bräuche, ungewöhnliche Ausstellungen und aufregende Musikfestivals 

locken in der Vorweihnachtszeit nach Salzburg. 

FOTOS: TOURISMUS SALZBURG GMBH; NEUMAYR 


Konzert im Großen Saal des Mozarteums 

Die Adventszeit lässt die barocke Stadt an der 

Salzach in stimmungsvollem Glanz erstrahlen. 

Die Weihnachtsmärkte auf dem Domplatz und 

an anderen Orten der Stadt verbreiten Vorfreude auf das 

Fest. Und das Salzburger Adventsingen im Großen Festspielhaus 

schenkt Besinnung bei alpenländischen Weisen 

und dem Spiel vom Sterngucker. Auf fruchtbare Weise 

mischt sich nostalgisches Brauchtum mit zeitgenössischen 

Künsten. Während Krampus- und Perchtenläufe 

in den Raunächten den Winter austreiben, zeigen Compagnien 

der internationalen Zirkus-Szene beim „Winterfest“ 

im Volksgarten neue Zirkuskunst. 

Prachtvolle Bauwerke, kostbare Kunstschätze und 

eine lebendige Museumslandschaft laden zu Entdeckungen 

ein. Das Salzburger Museum der Neuen Residenz 

zeigt Porträts von Barbara Krafft, die 1819 posthum das 

bekannteste Porträt Mozarts malte. Das Museum der 

Moderne Salzburg in spektakulärer Lage auf dem 

Mönchsberg setzt sich unter dem Titel „Die Spitze des 

Eisbergs“ mit der Anordnung von Bildern im Ausstellungsraum 

auseinander. Herausgefordert von den Essays 

des Dichters und Künstlers Brian O’Dohesty über den 

neutralen Galerieraum, präsentiert es seine heterogene 

Sammlung unter maximaler Ausnutzung der Wandfläche. 

Und im Rupertinum in der Altstadt zeigt es „A Mind 

of Winter“ von Walter Martin und Paloma Muñoz. Das 

Künstlerpaar, das seit 1994 zusammenarbeitet, bildet die 

Abgründe menschlicher Verhältnisse in Form von 

Schneekugeln ab, in denen Reisende in ausweglosen Situationen 

gestrandet sind. 

Festspiele gibt es in Salzburg praktisch immer. Das 

Musikfestival Dialoge spaziert in die Stadt hinaus. Unter 

dem Motto „Ortswechsel“ verlassen die Musiker den 

Konzertsaal und spielen in den Cafés, Hotels und auf öffentlichen 

Plätzen. Im Mozartjahr 2006 in der Besinnung 

auf Mozart als zeitgenössischen Komponisten seiner Zeit 

entstanden, schafft es heutigen Komponisten ein Podium. 

Und für die Mozartwoche im Januar kündigt Intendant 

Rolando Villazón ein Ereignis an: Robert Wilson 

inszeniert Mozarts Bearbeitung von Händels Messias-Oratorium. 

Das Festival bildet den Auftakt zu einem besonderen 

Jubiläum: Am 22. August 1920 verwirklichte Max 

Reinhardt zum ersten Mal seinen Traum vom Zusammenklang 

barocker Architektur, Musik und Theater, als 

die Posaunen des Jüngsten Gerichts über den Domplatz 

schallten und die Rufe von den Türmen den sterbenden 

Jedermann zur Buße mahnten. „Großes Welttheater – 

100 Jahre Salzburger Festspiele“ ist der Titel einer 

Landesausstellung, die Einblicke in die Geschichte und 

Bedeutung der Festspiele eröffnet. 

INFORMATIONEN 

Tourismus Salzburg 

+43-(0)662-88 98 70 

www.salzburg.info 

www.mozarteum.at 

www.museumdermoderne.at 

www.salzburgeradventsingen.at 

SALZBURGER PACKAGES 

Pauschalangebote für eine Reise nach 

Salzburg im Advent, an Weihnachten 

oder Silvester mit kulturellen und 

kulinarischen Extras. 

Mehr Infos dazu unter: 

www.salzburg.info/pauschalen 

Sonderveröffentlichung/Anzeigen/Präsentationen 79

R E I S E & K U L T U R 

crescendo Sonderveröffentlichung | 80 

LEBENDIGE TRADITION 

Die Hansestadt Bremen lockt das ganze Jahr über mit Kunst, Kultur und Genuss. 

FOTOS: WFB WIRTSCHAFTSFÖRDERUNG BREMEN GMBH / VINCENT VAN GOGH, SELBSTPORTRAIT MIT GRAUEM FILZHUT, 1887, 

ÖL AUF LEINWAND, VAN GOGH MUSEUM, AMSTERDAM (VINCENT VAN GOGH FOUNDATION) 

Sie ist die Heimat der weltberühmten 

tierischen Stadtmusikanten 

und geprägt von 1.200 Jahren reicher 

Tradition: Bremen, die märchenhafte 

Hansestadt an der Weser. Ob auf 

dem historischen Marktplatz, auf dem 

die ehrwürdige Figur des Roland thront 

und der Blick auf das prachtvolle Rathaus 

und den imposanten Dom fällt, ob 

in Bremens ältestem Stadtviertel, der Schnoor, oder an 

der Uferpromenade Schlachte – an unzähligen Plätzen in 

der Bremer Innenstadt lässt sich der Reiz und die besondere 

Aura dieser Stadt erspüren. Dabei besticht das Stadtbild 

nicht nur durch eindrucksvolle Bauten, sondern auch 

durch reichlich Natur. So finden sich zauberhafte Gartenanlagen, 

idyllische Parks und üppige Grünflächen und ist 

auch das Seefahrer-Flair der Stadt durch die Nähe zum 

Fluss bis heute erhalten. 

Jenseits der Tradition ist Bremen aber weit mehr. So 

beheimatet die geschichtsträchtige Stadt das europäische 

Zentrum für Luft und Raumfahrt, ist sie eine pulsierende 

Universitätsstadt und darüber hinaus Standort der Überseestadt, 

eines der größten europäischen Städtebauprojekte, 

das den ehemaligen Hafenrevieren neues Leben 

einhaucht. Einzigartig ist auch das Museumsangebot, so 

präsentiert die Bremer Kunsthalle ab 

19. Oktober die spektakuläre Sonderausstellung 

„Ikonen“ und spürt darin 

anhand von ausgewählten Kunstwerken 

aus zehn Jahrzehnten dem Phänomen 

der kultischen Verehrung nach, wobei 

die Spanne von Vincent van Gogh bis 

hin zu Jeff Koons reicht. Im Universum 

Bremen wiederum ist unter dem Motto 

„Der mobile Mensch – Deine Wege. Deine Entscheidungen. 

Deine Zukunft“ eine spannende Sonderausstellung 

zur Mobilität der Zukunft zu erleben. Außerdem laden 

das Überseemuseum und das Science Center botanika zu 

erfahrungsreichen Rundgängen ein. 

Man muss die Feste feiern, wie sie fallen – entsprechend 

gibt es das ganze Jahr über Anlass für farbenfrohe 

und genussvolle Feierstunden. So ist hier Deutschlands 

ältestes Volksfest, der Freimarkt, zu Hause und finden 

zahlreiche weitere Festivals statt, darunter das Musikfest 

Bremen und das Festival Maritim. Besonders stimmungsvoll 

wird es im Advent, wenn die Schiffe am Kai in blaues 

Licht getaucht werden. Ein atmosphärischer Weihnachtsmarkt 

direkt vorm UNESCO-Welterbe Rathaus und ein 

Mittelaltermarkt direkt an der Weserpromenade runden 

das urige Ambiente eindrucksvoll ab. 

INFORMATIONEN 

Hotels, Tickets, Reiseangebote 

und mehr: 

+49-(0)421-308 00 10 

oder info@bremen-tourism.de 

www.bremen.de/tourismus 

REISEANGEBOTE 

Historisch, innovativ, maritim oder 

lebendig? Bremen bietet attraktive 

Städtereisen und Pauschalangebote 

zu vielseitigen Themen an. 

www.bremen-tourismus.de/ 

bremen/package 


HTOI PT E LTZREIIFLFET 

Daniel-Hope-Kolumne 

„ES GEHT AUCH UM BEZIEHUNGEN“ 

Einst war Andreas Capello Geschäftsführer eines Seilbahnunternehmens. Seit 34 Jahren ist er 

Intendant des Südtirol Festivals in Meran. Sein Geheimnis: Beständigkeit und Qualität. 

Daniel Hope: Andreas, du bist einer der 

am längsten amtierenden Intendanten 

der Welt – ist das richtig? 

Andreas Capello: Das kann gut sein. Ich 

bin jetzt 56 und hatte das Glück, vor 34 

Jahren im Rahmen des Jubiläums „150 

Jahre Kurstadt Meran“ das Südtirol 

Festival gründen zu können. Da ich 

qualitativ hervorragende Leute einladen 

konnte, ist es schnell zu einem bedeutenden 

Festival gewachsen. 

Der Blick auf das Line-up zeigt eine 

Weltklasseaufstellung! War das von dir 

so geplant, oder war das eher ein Traum? 

Ich hatte von Anbeginn den Wunsch, 

große Interpreten nach Meran zu holen, 

weil über die Interpretation beim Publikum 

Kommunikation und Verständnis 

aufgebaut wird. Wenn Musik undeutlich 

gespielt wird, dann bleibt sie eine unverstandene 

Sprache. Ein guter Interpret wird 

die Musik so spielen, dass der Funke sofort 

überspringt. Das Publikum will von einem 

Konzert etwas mit nach Hause nehmen. 

Und ich bemühe mich eben, Programme 

zu gestalten, die Zufriedenheit und 

Glücksgefühle hervorrufen. 

Das Festival-Team ist immer noch das 

gleiche wie vor über 30 Jahren. Ist das 

eines deiner Geheimnisse des Erfolgs? 

Es ist wirklich eine einzigartige Situation, 

dass das Team seit der Gründung unverändert 

geblieben ist: Hermann Schnitzer 

als Präsident, ich als künstlerischer Leiter, 

Ursula Schnitzer als Grafikerin. Auch bei 

Buchhaltung und Vertragswesen hat sich 

nichts geändert. Das ist in Europa wohl 

einzigartig. Jeder von uns weiß, was seine 

Aufgabe ist. Ich muss auch nichts delegieren 

– es ist schon alles delegiert. Das ist 

viel Zeitersparnis und Erleichterung in der 

Kommunikation. 

Ich durfte in diesem Jahr vier Konzerte 

hier spielen, drei mit dem Zürcher 

Kammerorchester – logistisch perfekt! 

Du bist ja ein Stammgast unseres 

Festivals, bist jedes Mal mit mehreren 

Konzerten dabei, sozusagen ein „nicht 

deklarierter Artist in Residence“. Viele 

Veranstalter haben vielleicht nicht den 

Mut, Künstler über Jahre zu einem 

Festival einzuladen. Aber damit baut man 

Bindung zum Publikum auf. Das ist ganz 

wichtig. Im Zeitalter der Medien denkt 

man ja, das sei nicht notwendig, da man 

ja alles in kürzester Zeit bewerben kann. 

Doch ist damit noch keine emotionale 

Beziehung entstanden. Kommt aber ein 

Künstler jedes Jahr wieder, schafft man 

eine starke Identifikation zwischen 

Publikum und Künstler. Das sollte man 

wieder mehr pflegen, anstatt nur das 

kurzlebige Produkt im Auge behalten. Es 

geht auch um Beziehungen. 

Für die wenigen Menschen, die Meran 

vielleicht noch nicht kennen: Was 

würdest du ihnen sagen? 

Meran ist eine Stadt mit sehr hoher 

Lebensqualität. Das haben die Touristen 

bereits vor 180 Jahren entdeckt. Deshalb 

ist Meran, obwohl klein, immer schon 

international gewesen. Sehr viele Künstler 

im musikalischen und literarischen 

Bereich sind Stammgäste geworden. Der 

europäische Hochadel hat sich eingefunden. 

Gleichzeitig – und das ist der große 

Gewinn – brachten sie einen großen 

intellektuellen Hintergrund mit. Meran 

war immer schon ein Schmelztiegel 

kultureller Schichten aus ganz Europa. 

Deshalb ist es auch eine sehr tolerante, 

weltoffene Stadt. Die liberale Haltung und 

die Neugier auf das intellektuelle Weltgeschehen 

zeichnen Meran aus. 

Was machst du eigentlich neben deinem 

Job hier als künstlerischer Leiter? 

Inzwischen leiste ich mir den Luxus, dass 

ich fast nur noch künstlerischer Leiter 

bin. Ich unterrichte noch am Musikgymnasium 

in Meran. In der Vergangenheit 

aber habe ich ganz unterschiedliche Dinge 

gemacht, die mit Musik gar nichts zu tun 

hatten. Ich war 22 Jahre lang Geschäftsführer 

eines Seilbahnunternehmens und 

22 Jahre Präsident vom Kurhaus und vom 

Stadttheater in Meran, zwölf Jahre von 

der Therme Meran, einer der schönsten 

Europas. Ich war politisch an vorderster 

Front tätig. Jetzt widme ich mich ganz der 

Musik. Das Festival steckt immer noch in 

einer Entwicklungsphase. Und wir haben 

für die Zukunft sehr viele Ideen. 

Du hast einen eigenen Festival-Wein 

eingeführt – sein Name: „Crescendo“! 

Genau. Der Wein brauchte einen musikalischen 

Namen – unser Präsident hat ganz 

spontan „Crescendo“ gesagt. Das passte! 

Als eifriger Leser ist mir natürlich die 

Namensgleichheit aufgefallen. Ich finde 

das sehr sympathisch, denn auch 

CRESCENDO ist ein wunderbares Medium 

mit einer wunderbaren Redaktion. n 

ZEICHNUNG: STEFAN STEITZ 

FOTO: PRIVAT 

82 

w w w . c r e s c e n d o . d e — Oktober – November 2019

DIE NACHT DER 

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CRESCENDO 6/19 Oktober-November 2019

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