Musiker Magazin 4/2019 – 1/2020

C 10973 F | N o 4/19 – 1/20 | 6,00 Euro 

Kulturzeitschrift für Rock & Pop Musiker 

www.musiker-online.tv 

38. Deutscher 

Rock & Pop Preis 

am 12. Dezember 2020 

in der Siegerlandhalle, Siegen 

Aus dem Burnout heraus 

laut geworden 

Burn Out Laut 

LeeZa Nail 

Wie kann ich 

Singen zum Beruf machen? 

Sven Garrecht 

Mit der Kleinkunst im Herzen 

The greatest 

Rock & Roll band 

in the world 

Voice Over Piano 

En ter tain ment 

auf höchs tem Ni veau

Angebot 

❶ Studiosendung 

Zur CD-Veröffentlichung oder einfach so – wir 

produzieren mit euch eine komplette Studiosendung 

wie in den goldenen Zeiten des Musik - 

fernsehens. Mit Auftritt zu Playback (unplugged 

und live auch möglich) und Interview. 

(30 – 40 Minuten Videoclip) 

➜ 500 Euro 

+ Eine Seite Interview und Foto 

im Musiker Magazin (Auflage 20 000 Exemplare) 

➜ 1 000 Euro 

+ Zwei Seiten Interview und Foto 


➜ 1 500 Euro 

Die Vorteile im Überblick: 

❷ CD-Hearing / 

Interview für 

Promozwecke in 

einem unserer 

Filmstudios 

Wir reden mit euch über euer Album, hören hinein 

und stellen es vor! 

Oder es geht einfach um euch als Band / Einzel - 

künstler und euer musikalisches Schaffen. 

(30 Minuten) 

+ Halbe Seite Interview und Foto 


➜ 500 Euro 

• voll ausgestattetes Filmstudio mit Live-Charakter 

• aufgezeichnet wird mit bis zu vier professionellen Kameras 

• ihr bestimmt die Inhalte, wir setzen sie in Szene 

• bei Bedarf inklusive Visagistin, die dafür sorgt, dass ihr gut ausseht 

• Interview mit professioneller Moderatorin (Angebot 1 + 2) 

• Konzertbühne (8 m x 4 m) mit Licht, PA und Backline vorhanden* 

• ein großer Bildschirm (2 m x 1 m) im Studio steht euch als eure persönliche Werbefläche zur Verfügung 

– hier können wir euer Logo, das Albumcover, Werbung von Firmen oder sonstige Grafiken einbauen 

• ein gut eingespieltes Team vor Ort kümmert sich um alle Belange 

• ihr bekommt eine geschnittene Sendung von RockTV inklusive Intro, animierten Bauchbinden und 

Abspann 

• auf Wunsch stellen wir das Video on-demand auf unserem YouTube-Kanal und sozialen Netzwerken 

zur Verfügung für noch mehr Reichweite 

❸ Aufzeichnung 

Live-Konzert 

Ihr braucht ein professionelles Live-Video, um 

euch für Konzerte zu bewerben? 

Kommt in unser Rock-TV-Studio! 

(30 Minuten Videoclip) 

➜ 1 000 Euro 

★ Unser 

Film-Team ist 

auch mobil! 

Ob Festivalmitschnitt oder Proberaumdreh, 

drinnen oder draußen. 

Wir kommen mit dem Ü-Wagen vorbei, um 

mit bis zu vier festen (!) Kameras aufzuzeichnen. 

Auf Anfrage machen wir euch gern ein 

individuelles Angebot. 

© Kzenon/Fotolia 

* Für einen perfekten und professionellen Sound empfehlen wir einen Auftritt mit Vollplayback (Liveund 

auch Unplugged-Auftritte sind aber möglich und der Ton kann gegen einen geringen Aufpreis 

nachträglich von uns abgemischt werden). 

Kulturelles Jugendbildungswerk e.V. – RockTV | Kolberger Str. 30 | 21339 Lüneburg 

Web. www.musiker-online.tv | Mail. info@musikermagazin.de | Fon. +49(0)4131-233030 | Fax. +49(0)4131-2330315

DEUTSCHER ROCK & POP MUSIKERVERBAND E.V. 

DEUTSCHE POPSTIFTUNG UND MUSIKER MAGAZIN 

PRÄSENTIEREN: 

MUSIKERVERBAND 

e.V. 

Bundeswettbewerb für Rock- und Popmusikgruppen und Sänger*innen 

aller musikstilistischen Bereiche 

Preisträger Hauptkategorien 

3Plus, 7 Mazes, A.G. Paul, Bird’s View, Chris Brandon, 

CUBE SIX, DARI, Dislike Silence, Freddie K., HUMAN, Johannes Kuchta, Kiara Huber, Omnitah, 

Oscar Pixner, Rocktail, Sascha Salvati, Saygili/Autschbach, Spy#Row, Steffi Neumann, 

STINGER, The Burning Ice Bears, Wattenläufer 

Preisträger Sonderkategorien 

7 Mazes, A father A son, A.G. PAUL, Achim Amme, Albert Böhne, Alexia Wied, ALWIN SMOKE, 

And he bought silver, Andrea Beth, Andreas A. Sutter, Anika Auweiler, Anita »Ite« Wüstner, Annette Meisl, 

ARREST, Barbara Zanetti, Barry Alexander King, Bella Marie, Bernd Tietzel, 

Bernd-Michael Land, Charlotte Giers, Chris & Jess, Chris Brandon, Christian Hüser, Claudia Hirschfeld, 

Colin B, Conny Conrad, Contrast 2, Corazon del Caribe, Corny Held, Coulord Rain, crossfader, 

Cyborg-Music-Orchestra, DARI, Denise, Denise Krammer, Die Wittighausen Band, 

different image project, Dominik Heinz, Don Tocabajo, Doppelbock, DORIAN BLACK, Dorothea Proschko, 

Drunken Swallows, Enna Miau, Erste Deutsche Schlager Partei, Exaltyca, Faryna, Felix – Bitterböös, 

Florian W. Huber, Fränk Hechler, FreiHerr, Ghosttown Company, Gunnar Nanuk, 

Günter Ermann, Gustl das Faulhorn (Nicole Kolb), herrH, Ingrid Hofer, Ive & T.Bo, Jamberry, Jasmin M. & Band, 

Jennifer Loosemore, Jim Flagranti feat. Mortal Talking, Johannes Kuchta, 

JØRG, Jörg Hecker, Jovis Reissner, Jugend-Musik-Werk Baden e.V., Kat the fox, KEV, KLANGFEDER, KOSMOS, 

Leif & Jovis, Leif Lunburg, LETZTE STATION, LEVEL-M, Living Tones, Madeleine, MAFFAYpur, 

Manfred Zarrelli, Marc Blue, Marco Rauland, Marie-Luise Cassar, Markus Kohl, 

Matea Lesic, Max Biundo, Michael Link, Michaela Kuti, Mrs. Kite, New Visions, Nichts für Ungut, 

No!Plush, Omnitah, Oscar Pixner, ÖTTE, PARADIES, Partyband DaCapo, Patricia, Peter Bayreuther, 

PIETRO PITTARI, Ralf Richards, Ricarda Jo Eidmann, Rita Belmond, Roberto Bates, Rock & Pop Schule, Rocktail, 

Sara Dähn/Voice Over Piano, Sascha Salvati, Saygili/Autschbach, Schirmbeck & Schott, 

Schné Ensemble, Sharon Rupa, Slick 50 feat. Oliver Schmidl, SLOWHAND, SOULBRIDGES, Spacemueller, 

STINGER, SUPERLIQUID, Susanne Heidrich, The Bluesanovas, The Burning Ice Bears, 

Thomas Duesmann, Thomas Mentsches & Band, Thorsten Schmidt/Franco Ferraro, Tim Turusov, 

Timo Brauwers, Tina Schüssler & Band, Udo Klopke Band, USED LOOK, 

VERMiN, Vonny & Clyde, VOYAGER IV, Wattenläufer, Windflüchter, Wolfgang Nicklaus, wortLAUT, zabeth 

Schirmherren 

Steffen Mues – Bürgermeister der Stadt Siegen und Prof. Martin Maria Krüger – Präsident des Deutschen Musikrates 

14. DEZEMBER 2019 • KONGRESSZENTRUM SIEGERLANDHALLE • SIEGEN 

Bisher publiziert und gesendet vom ZDF (Heute Journal, Aspekte, 3SAT), der ARD (BR, SWF, SR, WDR, NDR, HR) sowie VH-1 und SAT1. 

Jährlich publiziert von über 200 Tageszeitungen in Deutschland. 

Gefördert aus Mitteln der Deutschen Popstiftung, des Deutschen Rock & Pop Musikerverbandes e.V. und des Kulturellen Jugendbildungswerkes e.V.

10 FESTIVAL 

37. DEUTSCHER 

ROCK & POP PREIS 2019 

Zum 37. Mal fand 

am 14. Dezember 2019 

der Deutsche 

Rock & Pop Preis statt. 

Austragungsort war, 

wie in den letzten 

sechs Jahren auch, 

die Siegerlandhalle der 

Stadt Siegen. 

er Bürgermeister der Stadt Siegen und 

D Schirmherr dieser Veranstaltung, Steffen 

Mues, hielt gegen 13 Uhr zur Eröffnung eine Be - 

grüßungsrede, in der er seine Freude an der 

guten Zusammenarbeit zwischen der Deutschen 

Popstiftung/dem Deutschen Rock & Pop Preis 

und der Stadt Siegen erklärte. 

Wie jedes Jahr sollte es ein langer Tag werden: 

81 Bands und Interpreten standen auf der 

Bühne. Eine Band/ein Interpret – ein Song. 

Die Fachjury bestand aus zwei Teams von 

insgesamt 26 Musik-Experten. 

Nach der Eröffnung begann der Musik wett be - 

werb mit der Kategorie Pop, moderiert vom 

Neu zugang Alex Jeanne, die in den Vorjahren 

zuvor mit den Backstage-Interviews unterwegs 

war. 

Ungefähr 1000 Musikerinnen und Musiker 

strömten an diesem 14. Dezember 2019 in die 

Siegerlandhalle, um mit ihrer jeweiligen Band 

oder als Interpret aufzutreten oder eben einen 

Preis in den Sonderkategorien in Empfang zu 

nehmen. 

Die bundesweite Presseresonanz des letztjährigen 

36. Deutschen Rock & Pop Preises 2018 

war überwältigend: 

So wurden von der Deutschen Popstiftung 

alle Nachberichte von landesweiten Tages zei - 

tungen über den Deutschen Rock & Pop Preis 

2018 und dessen Teilnehmer über einen beauftragten 

Medien-Ausschnittdienst gesammelt und 

ausgewertet. Dabei stellte sich heraus, dass in 

2018/19 bundesweit über 668 Artikel über diesen 

Musikwettbewerb in 2018 veröffentlicht 

wurden. Das ist nahezu eine Verdopplung aller 

do ku mentierten Artikel zum Vorjahr. Die Aus - 

wer tung ergab weiter, dass mit diesem enormen 

Presseecho bundesweit ca 9,75 Millionen 

potenzielle Leser erreicht wurden (s. TV-Ein - 

schaltquoten und -Reichweiten).

11 

Damit ist der Deutsche Rock & Pop Preis nicht 

nur der älteste und erfolgreichste, sondern auch 

im Bereich der bundesweiten Printmedien- 

Resonanz der öffentlichkeitswirksamste Musik - 

wett bewerb im Bereich der Rock- & Popmusik 

in Deutschland. Bewerber der Hauptkate go rien, 

die zuvor von einer unabhängigen Jury ausgewählt 

und eingeladen wurden, traten an diesem 

Tag in der Siegerlandhalle auf – inklusive 

Linecheck, Aufbau und Darbietung hatte jede 

Band fünf Minuten Zeit, die Juroren musikalisch 

zu überzeugen. 

So unmöglich diese schnellen und knappen 

Auftrittsreihenfolgen mit 81 Bands und In ter - 

preten zunächst klingen mögen – der Deutsche 

Rock & Pop Preis beweist Jahr für Jahr das 

Gegenteil: Es funktioniert! Und zwar Jahr für 

Jahr besser. 

Die Hauptkategorien am 14. Dezember er fol g - 

ten in dieser Reihenfolge: Pop, Singer-Song - 

writer, Hard Rock, Alternative, Funk ’n’ Soul, 

Singer und Rock. Der Deutsche Rock & Pop Preis 

zeichnete zudem Musikerinnen und Mu siker, 

Produzenten, Songwriter, Instrumen ta listen, 

DIE HAUPTGEWINNER: 

BIRD’S VIEW 

BIRDSVIEW.EU 

DARI 

WWW.DARI-MUSIK.DE 

OMNITAH 

WWW.OMNITAH-MUSIC.COM 

SAYGILI / AUTSCHBACH 

WWW.AUTSCHBACH.DE 

STINGER 

WWW.STINGERROCKS.DE 

A.G. PAUL 

OSCAR PIXNER 

OSCAR-MEDIA.JIMDOFREE.COM 

SASCHA SALVATI 

FACEBOOK.COM/SASCHASALVATI 

WATTENLÄUFER 

WWW.WATTENLÄUFER.COM 

Sängerinnen und Sänger etc., insgesamt ca. 130 

Sparten der Sonderkategorien, aus. 

Unterdessen führten Johnny Silver und Alina 

Sebastian als Moderatoren die Zuschauer und 

Jury durch das Tagesprogramm der Haupt ka - 

te gorien. Während die jüngsten Teilnehmer 

dieses kulturellen Musikwettbewerbes gerade 

einmal 15 Jahre alt waren, gingen die Ältesten 

auf die 70 zu. Musik verbindet Menschen und 

Musik kennt keine altersbedingten Grenzen. 

Das zeigt der Deutsche Rock & Pop Preis seit 

37 Jahren in jedem Jahr erneut. In der Sieger - 

landhalle in Siegen treffen sich seit nunmehr 

sechs Jahren Musikerinnen und Musiker aller 

musikstilistischen Bereiche der Rock & Pop 

Musik. Dort feiern sie gemeinsam mit Be geis - 

terung ihre Nominierungen und Gewinne. 

Nachdem das große Musikprogramm der 

Hauptkategorien auf der Hauptbühne beendet 

war, war die Show aber noch lange nicht vorbei, 

denn jetzt kamen die Preisverleihungen der 

Sonderkategorien und folgend der Haupt kate - 

gorien. Die Siegerlandhalle war zu diesem Zeit - 

punkt prall gefüllt mit zahlreichen Musikerinnen 

8

12 FESTIVAL 

DANKSAGUNG 

und Musikern aus allen Teilen Deutschlands, die 

hofften, zu den Preisträgern zu gehören und aus - 

gezeichnet zu werden, sowie mit ihren per ge - 

charterten Bus mitgebrachten Fans, die für ihre 

Lieblingsband die Daumen drückten und wissen 

wollten, wer die Preisträger des Jahres 2019 werden 

würden. 

Feierlich wurden den Preisträgern ihre Ur - 

kunden und Rock-Pop-Oscars überreicht, es 

wurde begeistert gejubelt und gefeiert, und nach - 

dem die drei Moderatoren den letzten Preisträger 

des Abends bekannt gegeben hatten, war es 

Zeit für die Presse- und Künstlerfotografen, die 

mitgebrachten Familienmitglieder, Fans und 

Freunde, die Preisträger zu feiern und per 

Handy zu filmen. Wie jedes Jahr gab es sowohl 

ein Gruppenfoto mit den Preisträgern der Sonder - 

kategorien wie auch der Hauptkategorien. Ge - 

meinschaftlich sangen alle Preisträger auf der 

Hauptbühne die eingespielte Rock-Hymne von 

Queen „We are the Champions“... 

Damit ging der 37. Deutsche Rock & Pop Preis 

2019 nach zehn Stunden gegen 23 Uhr zu Ende. 

Der Deutsche Rock & Pop Musikerverband e.V. und die Deut sche Pop Stiftung 

möchten sich als Veranstalter des 37. Deutschen Rock & Pop Preises 2019 beim 

Bürger meister der Stadt Siegen und Schirmherren Herrn Steffen Mues, beim zweiten 

Schirm herren Prof. Martin Maria Krüger, Präsident des Deutschen Musikrates, 

beim gesamten Team der Sieger landhalle, bei Frau Christin Bartel und der Firma 

Nordlite, bei allen Helfern und Juroren, bei allen Technikern und Mode ra toren, bei 

den Musikgruppen und Sänger*innen für ihren ehrenamtlichen Einsatz an diesem 

Kultur festival sowie bei allen Spon soren und unterstützenden Firmen bedanken. 

Dieses Kulturfestival wurde wie in den Jahren zuvor durch die beteiligten Teil nehme - 

rinnen und Teilnehmer an diesem Festival sowie durch die Mitglieder des Deutschen 

Rock & Pop Musiker ver ban des und die Deutsche Popstiftung finanziert. Damit 

handelt es sich bei dieser großen Kulturveranstaltung im jugend kulturellen Bereich der 

Rock- und Pop musik um das einzige bundesweite Festi val, das von Musikern, Kompo - 

nisten, Tex tern für junge, kreative Nachwuchs musiker aus ideellen Gründen und ohne 

irgendeinen kommerziellen Hintergrund getragen und or ga nisiert wurde. 

JURY 

TEAM 1: Patrick Ackermann, Daniela Beier, Matthias Bielecke, Prof. Dr. Bernd Giezek, Dr. Nicole 

Hirschmann, Timo Hofmann, Peter Kalff, Lothar Krell, Johannes Nolden, Marcus Pengel, André 

Scherzer, Lutz Sommer, Mike van Summeren 

TEAM 2: Dr. Norbert Aping, Rogelio Azcarate Fernandez, Franziska Bub, Uwe Fischer, Joachim 

Griebe, Sylvia Heinz, Carsten Kaiser, Dr. Michael Lorenz, Julia Neigel, Karl Schauer, Thorsten 

Schmidt, Jonas Wagner 

MODERATION 

Alina Sebastian, Alex Jeanne 

und John Silver 

Und wer diesen von allen teilnehmenden 

Mu sikerinnen und Musikern und dem DRMV 

als Musikerorganisation gemeinschaftlich or - 

ganisierten, durchgeführten und finanzierten 

Musik wettbewerb einmal live erleben möchte, 

sollte sich mit seiner Band oder als Interpret für 

den 38. Deutschen Rock & Pop Preis 2020 am 

12. Dezember 2020 in der Siegerlandhalle in 

Siegen bewerben, um an diesem bundesweiten 

kulturellen Musikwettbewerb teilzunehmen. 

TECHNIK 

VIDEOAUFZEICHNUNG: Tobias Blank, 

Ahram Choi, Thomas Eggers, 

Marie Sophie Koop, Raik Lingner, 

Silvia Matschull, Ronja Rabe, Normann Seil 

LEINWANDPRODUKTION: Florian Eggers, Ana Seelenmeyer 

VERANSTALTUNGSTECHNIK: Nordlite – www.nordlite.de 

FOTOS: Ludwig Czapla – www.fotoknips.de 

BEWERBUNGEN 

SIND WIEDER MÖGLICH 

ab dem 01.03.2020 unter 

INFO@DRMV.DE oder 

WWW.MUSIKER-ONLINE.TV 

MITARBEITER UND HELFER 

Lea Albertsen, Mohamad Almasri, Manfred Augustin, Lynn Barthels, Konrad Beck, Jan Bockelmann, 

Nele-Sophie Breuer, Ludwig Czapla, Florian Eggers, Leonad Elze, Yogarajah Garthigeyan, 

Jasmin Just, Ole Langhein, Heike Müller, Niklas Opländer, Antonia Ott, Hendrik Pain, Katja Rake, 

Pia Rurup, Ole Seelenmeyer, Ana Seelenmeyer, Ulrike Strohmann, Philipp Strunk, Anandaraja 

Thanushanth, Hinrich Vogt, Mareike Wittorff u.v.a.

ANMELDUNG 

Hiermit melde ich mich/uns für den Deutschen Rock & Pop Preis 2020 an. 

FESTIVAL 13 

38. DEUTSCHER ROCK & POP PREIS 2020 

Band/Künstler/-in: ......................................................... 

Ansprechpartner/-in: ...................................................... 

Straße: .......................................................................... 

PLZ Ort: ........................................................................ 

Bundesland: .................................................................. 

Tel.: ............................................................................... 

Mobil: ............................................................................ 

Fax: .................................................................................... 

E-Mail: ................................................................................ 

Internet: .............................................................................. 

DRMV-Mitgl.-Nr.: ................................................................ 

GEMA-Mitglied?: q nein q ja: 

q angeschl. q außerord. q ordentlich 

Anmeldungen in mehreren Sparten sind möglich. 

Anmeldegebühr pro Musiksparte: 20,– Euro DRMV-Mitglieder /30,– Euro DRMV-Nichtmitglieder 

Die Anmeldegebühren in Höhe von Euro ............ q in bar beigelegt q als Scheck beigelegt q per Überweisung 

Bankverbindung: Deutsche Popstiftung, Postbank Hamburg, IBAN: DE08 2001 0020 0964 2792 08, BIC: PBNKDEFF 

Dieses Anmeldeformular, CD und Bewerbungsgebühr bitte spätestens bis 15. Juli 2020 an: 

Deutsche Popstiftung, Bewerbung 2020, Kolberger Str. 30, 21339 Lüneburg 

Teilnahmegebühr: 150,– Euro je Hauptkategorie und je erste Sonder ka te gorie (alle weiteren 100,-Euro) bei Auswahl 

durch die Bundesjury.(Kostenlos: 50 Festival-Eintrittskarten im Wert von 1.000,– Euro für eigene Gäste/Fans) 

38. DEuTSCHER RoCK & PoP PREiS 2020: HAuPTKATEgoRiEN 

Bitte gewünschte Musiksparte(n) ankreuzen und CD (pro Sparte eine CD!) beilegen! Der jeweils 1. Song wird gewertet! 

q 1 

q 2 

q 3 

q 4 

q 5 

q 6 

q 7 

q 8 

Deutscher Rock Preis (beste Rock-Band) 

Deutscher Pop Preis (beste Pop-Band) 

Deutscher Hard Rock Preis (beste Hard’n’Heavy-Band) 

Deutscher Funk & Soul Preis (beste Funk/Soul-Band) 

Deutscher Alternative Preis (beste Alternative-Band) 

Deutscher Singer-Songwriter Preis (beste(r) Solosänger(in) – Wertung: Eigenkomposition und Stimme) 

Deutscher Singer Preis (beste(r) Solosänger(in) – Wertung: Stimme) 

Deutscher Country Preis (beste Country-Band) 

Die durch die Jury ausgewählten Teilnehmer der Hauptkategorien präsentieren sich am 12. Dezember 2020 

im Finale auf der Hauptbühne der Siegerlandhalle in Siegen mit jeweils einem Song (maximale Länge: 4 Minuten). 

38. DEuTSCHER RoCK & PoP PREiS 2020: SoNDERKATEgoRiEN 

q 9 

Beste Filmmusik 

q 18 

Bestes Trancealbum 

q 26 

Beste A-Capella-Band 

q 10 Bestes Kinderlieder-Album 

q 11 Beste Experimentalband 

q 12 Beste Crossoverband 

q 13 Beste Hardcoreband 

q 14 Beste Industrialband 

q 15 Beste Progressiveband 

q 16 Beste Skaband 

q 19 

q 20 

q 21 

q 22 

q 23 

q 24 

Beste(r) Mundart-Interpret(in) 

Beste(r) Electronic-Interpret(in) 

Bestes Dancehall-Album 

Beste Elektropopband 

Bestes traditionelles Blues-Album 

Beste Rock’n’Roll/Rockabillyband 

q 27 

q 28 

q 29 

q 30 

q 31 

q 32 

Bestes Chanson-Album 

Beste Punkband 

Beste Gothic/Wave-Band 

Beste(r) Gospel-Interpret(in) 

Beste Gospelgruppe 

Bestes Weltmusikalbum 

q 17 

Beste Nu-Metal-Band 

q 25 

Beste Cover/Revivalband 

q 33 

Bestes Hip-Hop-Album 

EINSENDESCHLUSS: 15. JULI 2020

14 FESTIVAL 

Bitte gewünschte Musiksparte(n) ankreuzen und CD (pro Sparte eine CD!) beilegen! Der jeweils 1. Song wird gewertet! 

BEREICH RoCK: 

q 34 Beste Rocksängerin 

q 35 Bester Rocksänger 

q 36 Bester Rocksong 

q 37 Bestes Rockalbum 

BEREICH PoP: 

q 38 Beste Popsängerin 

q 39 Bester Popsänger 

q 40 Bester Popsong 

q 41 Bestes Popalbum 

BEREICH FuNK: 

q 42 Beste Funk-Sängerin 

q 43 Bester Funk-Sänger 

q 44 Bester Funk-Song 

q 45 Bestes Funk-Album 

BEREICH HARD RoCK: 

q 46 Beste Hard-Rock-Sängerin 

q 47 Bester Hard-Rock-Sänger 

q 48 Bester Hard-Rock-Song 

q 49 Bestes Hard-Rock-Album 

BEREICH METAl: 

q 50 Beste Metal-Sängerin 

q 51 Bester Metal-Sänger 

q 52 Beste Metal-Band 

q 53 Bester Metal-Song 

q 54 Bestes Metal-Album 

BEREICH FuSIoN-JAzz-RoCK: 

q 55 Beste Fusion-Jazz-Rock-Sängerin 

q 56 Bester Fusion-Jazz-Rock-Sänger 

q 57 Beste Fusion-Jazz-Rock-Band 

q 58 Bester Fusion-Jazz-Rock-Song 

q 59 Bestes Fusion-Jazz-Rock-Album 

BEREICH AlTERNATIvE: 

q 60 Beste Alternative-Sängerin 

q 61 Bester Alternative-Sänger 

q 62 Bester Alternative-Song 

q 63 Bestes Alternative-Album 

BEREICH NEW AGE: 

q 64 Beste New-Age-Band 

q 65 Bester New-Age-Song 

q 66 Bestes New-Age-Album 

BEREICH R’N’B/Soul: 

q 67 Beste R’n’B/Soul-Sängerin 

q 68 Bester R’n’B/Soul-Sänger 

q 69 Beste R’n’B/Soul-Band 

q 70 Bester R’n’B/Soul-Song 

q 71 Bestes R’n’B/Soul-Album 

BEREICH REGGAE: 

q 72 Beste Reggae-Sängerin 

q 73 Bester Reggae-Sänger 

q 74 Beste Reggae-Band 

q 75 Bestes Reggae-Album 

BEREICH lATIN-PoP: 

q 76 Beste Latin-Pop-Sängerin 

q 77 Bester Latin-Pop-Sänger 

q 78 Beste Latin-Pop-Band 

q 79 Bester Latin-Pop-Song 

q 80 Bestes Latin-Pop-Album 

BEREICH FolKRoCK: 

q 81 Beste Folkrocksängerin 

q 82 Bester Folkrocksänger 

q 83 Beste Folkrockband 

q 84 Bester Folkrocksong 

q 85 Bestes Folkrockalbum 

BEREICH CouNTRy: 

q 86 Beste Country-Sängerin 

q 87 Bester Country-Sänger 

q 88 Bester Country-Song 

q 89 Bestes Country-Album 

BEREICH SCHlAGER: 

q 90 Beste Schlager-Sängerin 

q 91 Bester Schlager-Sänger 

q 92 Beste Schlager-Band 

q 93 Bester Schlager-Song 

q 94 Bestes Schlager-Album 

BEREICH MuSICAl: 

q 95 Beste Musicalsängerin 

q 96 Bester Musicalsänger 

q 97 Bestes Musicalalbum 

Die durch die Jury nominierten Preisträger aller Sonderkategorien werden am 12. Dezember 2020 

auf der Hauptbühne der Siegerlandhalle in Siegen bekanntgegeben. 

Die Anmeldeformulare können auch unter www.musiker-online.tv heruntergeladen werden. 

MuSIKBuSINESS: 

q 98 Bestes Rock-/Pop-Tonstudio (Preis-Leistungs-Verhältnis) 

Bew.: CD, Studioausstattung, Mietpreis etc. 

q 99 Bestes kreatives Independent-label (Rock & Pop) 

Bew.: Produktionsübersicht (CD), Vertriebswege etc. 

q 100 Bester Independent Musikverlag (Rock & Pop) 

Bew.: Künstlerübersicht, Vermarktungsstrategie etc. 

q 101 Beste Booking-Agentur (Rock & Pop) 

Bew.: Künstler-, Konzert- und Tourneeübersicht 

q 102 Erfolgreicher Musikmanager (Rock & Pop) 

Bew.: Künstler- und Vermarktungsunterlagen 

q 103 Erfolgreicher Musikproduzent (Rock & Pop) 

Bew.: Künstler- und Produktionsangaben, CD 

q 104 Kulturpreis für die Förderung der Rock- & Popmusik 

in Deutschland 

Bew.: Auf Empfehlung – keine Gebühren fällig! 

MuSIKPRoDuKTIoN: 

q 105 Bester neuer Rock- und Popkünstler des Jahres 

q 106 Bestes CD-Album des Jahres (deutschsprachig) 

q 107 Bestes CD-Album des Jahres (englischsprachig) 

q 108 Bester Song des Jahres (deutschsprachig) 

q 109 Bester Song des Jahres (englischsprachig) 

q 110 Beste Studioaufnahme des Jahres 

q 111 Beste Single des Jahres 

q 112 Bestes Musikvideo 

q 113 Beste Komposition 

q 114 Bester deutscher Text 

q 115 Bestes Booklet und Inlaycard 

q 116 Beste Instrumentalband 

q 117 Bestes Instrumentalalbum 

q 118 Beste(r) Barpiano-Interpret(in) 

INSTRuMENTAlISTEN: 

q 119 Beste(r) Instrumentalsolist(in) 

q 120 Beste(r) Gitarrist(in) 

q 121 Beste(r) Keyboarder(in) 

q 122 Beste(r) Schlagzeuger(in) 

q 123 Beste(r) Bassist(in) 

q 124 Beste(r) Percussionist(in) 

q 125 Bestes Arrangement 

q 126 Bestes Blasinstrument 

EINSENDESCHLUSS: 15. JULI 2020

STORIES 15 

Singer-Songwriterin 

KIARA HUBER 

»Die Musik motiviert mich im Alltag 

ungemein – sie beflügelt, 

sie begleitet, sie lässt einen in eine 

bezaubernde Welt eintauchen. 

Musik fasziniert eben ...« 

MM: Bei einer Talentshow in der Schule konntest du mit 

deiner Stimme begeistern und seitdem ist einiges passiert. 

Wie hat das mit der Musik bei dir angefangen? 

KIARA HUBER: Schon mit 6 Jahren hatte ich Lust auf ein In - 

stru ment. Klavier hat mir da am besten gefallen, aber die Musik - 

schule riet mir damals eigentlich davon ab, da meine Hände 

noch zu klein dafür wären. Wir haben es trotzdem probiert. Die 

Lehrerin meinte dann, ich würde die kleinen Hände mit meinen 

flinken Fingern gut ausgleichen (Kiara lacht). Vor mich hergesungen 

habe ich eigentlich schon immer in allen möglichen 

Situationen, natürlich meistens daheim, dass es niemand 

Fremdes hört. Vor etwa drei Jahren war dann diese Talentshow 

in meiner Schule. Alleine traute ich mich noch nicht vor so vielen 

Leuten, weshalb ich zusammen mit einer Freundin „Love 

Yourself“ von Justin Bieber auf der Schulbühne gesungen hab. 

Irgendwie scheint es nicht so schlecht angekommen zu sein. 

Tja, und seitdem hat es mich quasi gepackt. Das Klavier - 

spielen kommt mir als Begleitung natürlich zugute. 

MM: Du spielst Klavier, zeichnest, hast Ballett getanzt und 

intensiv Handball gespielt. Wie bekommst du das mit der 

Schule unter einen Hut? 

KIARA: O ja, das ist wirklich nicht immer so einfach. Die Schule 

hat selbstverständlich Vorrang. Meine Eltern betonen das immer 

gerne (Kiara schmunzelt). Mit Üben, Auftritten, Proben und so ist 

eine gute Organisation wichtig. Da bin ich manchmal noch 

etwas verpeilt. Ich bin deshalb sehr dankbar, dass mich meine 

Eltern hierbei und auch bei den anderen Sachen super unterstützen, 

sonst wäre das kaum möglich. Wegen einer schweren 

Verletzung im Handball musste ich mit dem Leistungssport leider 

aufhören. Dadurch sind einige Trainingszeiten weggefallen 

und ich hatte etwas mehr Luft. 8 

4/19 – 1/20 musiker Magazin

16 STORIES 

Der Sport ist mir aber trotzdem wichtig, man sollte sich schließlich 

immer wieder mal ein bisschen bewegen (lacht). Spaß machen mir 

besonders das Fitnesstraining und Hip-Hop-Tanzen. Und wenn ich 

dann manchmal etwas Zeit und Lust habe, höre ich Musik und zeichne. 

MM: Nachdem deine erste Single veröffentlicht worden ist, steht 

deine zweite schon in den Startlöchern. Wie findest du die Themen 

für deine Songs? 

KIARA: Ich suche meistens gar nicht gezielt danach. Irgendwie kommt 

mir im Alltag manchmal was in den Sinn und ich schreibe mir dann ein 

paar Worte dazu auf. Ganz spontan ist so meine erste Single entstanden. 

Der Stress in der Schule war mal wieder etwas größer, und mir war 

danach, mal abzuschalten und irgendwo hinzugehen, um den Kopf freizubekommen, 

einfach nichts mehr tun zu müssen. Das ist dann auch 

die Botschaft im Song „Ich komm mit“ geworden. Nachdem ich ein 

paar Zeilen zusammen hatte, habe ich mich ans Klavier gesetzt und die 

Melodie dazu komponiert. Anders beim internationalen Songcontest in 

Berlin. Da war ein bestimmtes Thema für eine Eigenkomposition vorgegeben. 

Es sollte dabei zum Beispiel um Toleranz und die Vielfältigkeit 

auf der Welt gehen. Daraus ist mein allererster eigener Song 

„Menschen haus“ als Pianoversion entstanden. Und in meinem ganz 

neuen Lied möchte ich meine Gefühle ausdrücken, wie ich jemanden 

sehr vermisse. Ich hoffe, das kommt auch so rüber. 

MM: Welche Musikrichtung singst bzw. spielst du am liebsten? 

rockige Lieder drauf, mit verschiedenen Beats. Das erste Mal haben wir 

in einem Song das Pianospiel von mir eingebaut. Mal sehen, wie es 

ankommt. Bisher sind wir mit den Rückmeldungen echt zufrieden, das 

freut uns. Die Wochen zuvor im Studio waren an strengend, aber 

genauso interessant und haben wirklich sehr Spaß gemacht. Mit dem 

Toningenieur verstehen wir uns alle gut, das macht es bei den Auf nah - 

men leichter. Was meinen Gesang betrifft, bin ich im Studio voll kritisch. 

Da muss ein Vers oder Refrain immer wieder mal daran glauben, das 

zwanzigste Mal oder noch mehr eingesungen zu werden (Kiara lacht). 

Die Release-Party war jedenfalls richtig fett. 

MM: Am Anfang habt ihr überwiegend gecovert. Was macht für 

dich den Reiz an Cover-Songs aus? 

KIARA: Sowohl solo als auch in der Band sind immer wieder Cover- 

Songs angesagt. Einen bekannten Song, der mir gefällt, auf meine 

eigene Art und Weise zu interpretieren, finde ich echt spannend, und 

das fordert mich richtig heraus. Ich meine, anders, als das manchmal 

so geglaubt wird, ist das Covern deshalb gar nicht so einfach. Mit 

der Band versuchen wir auch, den Cover-Song jeweils in unserem Stil 

rüberzubringen. Ob wir bei einem Auftritt covern oder nicht, kommt 

natürlich auf den Anlass und das Publikum an. So eine Mischung 

aus eigenen und Cover-Songs finde ich ganz nice. 

MM: Du konntest schon einiges an Bühnenerfahrung sammeln. 

Was waren deine bisherigen Highlights? 

KIARA: Da bin ich eigentlich total offen. Mir gefallen reine Balladen 

genauso wie schnellere Songs aus dem Rock- und Pop-Genre bis hin 

zu Jazz, Soul und R&B. Ich finde, man muss vieles ausprobieren, um seinen 

Stil irgendwann zu finden. Bei Solo-Auftritten versuche ich meistens, 

möglichst von allem etwas abzudecken, auf Deutsch und Englisch. 

MM: Du bist auch begeisterte Frontfrau der Pop-/Rockband 

CUBE SIX. Wie habt ihr zusammengefunden und wie läuft es so? 

KIARA: Das war echt witzig. Nach der Talentshow hat mich jemand 

darauf angesprochen, dass eine Herrenberger Band eine Sängerin 

suchen würde. Ich wurde dann zu einem kleinen „Casting“ eingeladen 

und musste ein paar Songs vorsingen. Irgendwie hat es gleich super 

gepasst zwischen mir und den vier Jungs, haben einen ähnlichen 

Humor. Tja, und seitdem bin ich in der Band und es macht mir riesigen 

Spaß. Mit meinem Solo-Gesang kann ich mehr ruhigere Titel singen, 

mit CUBE SIX gehts oft etwas wilder zu. Wir haben regelmäßig geile 

Auftritte und auch den einen oder anderen Contest schon ge wonnen. 

Oft werden wir vor Gigs wegen unseres Alters etwas unterschätzt, das 

ändert sich dann aber zum Glück meistens, wenn wir anfangen. Eine 

Zeitung hat sogar mal geschrieben, dass wir so manche erwachsene 

Band locker an die Wand spielen (Kiara grinst). 

MM: Gerade habt ihr eure EP veröffentlicht. Wie war’s bei den 

Studioaufnahmen und was sind die Botschaften eurer Songs? 

KIARA: Mit der Band spielen wir hauptsächlich deutschen Pop und 

Rock. Unsere Songs handeln von Themen, die uns so in unserem 

Leben bewegen und eigentlich alle Menschen, ob jung oder alt, betreffen. 

Natürlich darf die Liebe nicht fehlen, es geht auch um Selbst - 

bewusstsein, Neugier und das Abschalten zum Beispiel bei Stress. Auf 

der EP sind neben einem etwas ruhigeren Song auch schnellere 

KIARA: Das EINE-Welt-Festival in Berlin war schon heftig. Die große 

Bühne, viele bekannte Leute aus der Musik, das Publikum und so – hier 

konnte ich sehr viel Erfahrung sammeln. Auch meine Auftritte beim 

Finale des Deutschen Rock & Pop Preises in Siegen haben mich total 

beindruckt und waren richtig krass. So viele klasse Musiker bei einer 

Veranstaltung, ich war völlig geflasht von allem. Mit der Band durften wir 

letzten Sommer beim Kesselfestival in Stuttgart auftreten. Das war zwar 

nur auf der kleineren Kulturbühne, aber die Stimmung war gigantisch. 

Und die berühmten Musiker hinter sich ganz nah auf der großen 

Bühne zu hören, ist schon mega. Der Hammer ist, dass wir bei dem 

New comer-Event uns gegen Erwachsenen-Bands durchgesetzt und 

gewonnen haben. Kaum zu glauben, aber wir dürfen nun in diesem 

Jahr auf der riesigen Hauptbühne als Opener beim Festival spielen. 

MM: Wie steht deine Familie zu deinen musikalischen Ambi tio - 

nen? Unterstützt sie dich? 

KIARA: Absolut. Ohne meine Eltern könnte ich das alles nicht so 

machen. Natürlich achten Sie darauf, dass die Schule nicht zu kurz 

kommt. Wenn es darum geht, alles rund um meine Musik zu organisieren 

und mir dabei soweit es geht zu helfen, stehen meine Mutter und mein 

Vater immer wie eine Eins parat. Sie sind neben meinen Geschwistern 

und meinem Opa dazu auch noch meine größten Fans. Richtig cool. 

MM: Wie entscheidest du, wer die richtige Unterstützung für deine 

musikalische Weiterentwicklung ist? Welche Anfragen seriös sind? 

KIARA: Ich bin froh, dass mich meine Familie dabei berät. Natürlich 

sind da irgendwann die Grenzen erreicht, wenn es zum Beispiel um 

die Pro duktion von Songs geht. Aber selbst dabei ist mir ein Feed - 

back meiner Family sehr wichtig, vor allem dann, wenn Leute anfragen, 

die musikalisch was mit mir machen wollen. Wenn man wie ich noch 

musiker Magazin 4/19 – 1/20

STORIES 17 

nicht so lange Musik macht, ist es auch nicht so leicht zu erkennen, 

wer einen in der Ent wick lung weiterbringen kann und möchte. Ich sehe 

das aber völlig gechillt. Ganz oben stehen der Spaß und die Lust am 

Musik machen. Was gibt es Schöneres. Und dann schauen wir mal, wie 

das alles noch so wird. 

MM: Wie wichtig ist dir die Präsenz in sozialen Medien? 

KIARA: Ich glaube, sich und seine Musik im Netz zu zeigen ist kaum wegzudenken, 

wenn man musikalisch vorankommen möchte. Bei An fragen 

für Auftritte oder wenn man sich für einen Contest bewerben will, wird 

immer nach den Kanälen und der Website gefragt. Ohne wird das eher 

schwierig, kann ich mir vorstellen. Deshalb ist es für mich natürlich wichtig, 

dass ich da das eine oder andere zu meiner Musik vorstellen kann. 

Aber das kostet auch Zeit und die fehlt mir dann woanders wieder. Meine 

Eltern können ein Lied davon singen (Kiara lacht). 

MM: Was sind deine weiteren musikalischen Ziele? 

KIARA: Meine zweite Solo-Single steht vor der Veröffentlichung. Ich 

habe in den letzten Wochen immer wieder daran gearbeitet, weil ich noch 

nicht ganz zufrieden war. Bei mir läuft das noch nicht so schnell, ich brauche 

da etwas länger. Zuletzt war es in der Schule stressig, weshalb ich 

weniger Zeit hatte. Jetzt gehe ich aber wieder verstärkt an das Kom po - 

nieren ran. Muss mal sehen, wie das dann mit möglichen weiteren Pro - 

duktionen in der Zukunft so läuft. Habe jedenfalls richtig Bock darauf. Mit 

meinem Gesangs- und Klavierlehrer möchte ich meine Klavierbegleitung 

auch noch weiter ausbauen. Das finde ich für Auftritte cool und es bringt 

mir Spaß. Und mit der Band versuchen wir, in nächster Zeit auch weitere 

Songs zu schreiben und unseren Stil zu erweitern. Aber klar, ich weiß: 

Erst die Schule (Kiara grinst). 

WeB: WWW.KIARAHUBER.DE | IntervIeW: RONJA RABE 

Fotos: SIMONE SIMONS; FRANK HUBER 


18 STORIES 

Sie schreibt alle Songs und 

Texte selbst und 

veröffentlichte im April 2018 

auf ihrem Label 

NASH*DASH Records. 

Und sie hat viel zu erzählen, 

denn Ann hat vor Kurzem 

ihr komplettes Leben auf 

links gedreht: 

Neue Liebe, neues Leben, 

neuer Job. 

Das Mädel vom Main 

wechselte an die Weser, 

tauschte die Frankfurter 

Skyline gegen die 

Bremer Stadtmusikanten. 

Ein solcher Wandel 

ist eine Herausforderung, 

die zwar neuen 

Raum schafft, aber auch 

Fragen aufwirft. 

MM: Wann hast du deine Liebe zum Country 

entdeckt? 

ANN DOKA: Mit 14 saß ich Sonntag mittags vor 

dem Radio und hörte zufällig den „American 

Country Countdown“ auf AFN (American Forces 

Network), als plötzlich der Song „I Swear“ in einer 

Countryversion von John Michael Montgomery 

gespielt wurde. Ich war zu dieser Zeit ein großer 

Fan der Band All4One, die den Song als Pop- 

Ballade in die Charts gebracht hatten. Was ich 

dann erst bemerkte: Den Originalsong hatte John 

Michael Montgomery geschrieben – und nicht 

etwa All4One. 

Mein Onkel schenkte mir dann die CD von 

John Michael Montgomery zu Weihnachten, und 

ich hörte mir die Akkorde der Songs mit meiner 

Gitarre raus, um sie mit den Texten aus dem 

Booklet zu singen. Das war der Beginn meiner 

Leidenschaft für Country-Pop-Musik. 

MM: Dein aktuelles Duett „Only If“ hast du 

mit dem Nashville Singer-Songwriter Brooks 

West geschrieben und im Frühjahr veröffentlicht. 

Wie kam es zu der Zusammenarbeit? 

ANN DOKA: Brooks und ich hatten uns vor ein 

paar Jahren in Nashville, TN (USA), kennengelernt. 

Ich fand seine Stimme unglaublich schön und 

fragte ihn dann im letzten Jahr, ob wir nicht mal 

ein Duett zusammen schreiben wollten. Er sagte 

gleich zu. Als ich dann im August 2018 nach einer 

privaten Trennung für eine längere Auszeit nach 

Nashville kam, setzten wir unser Vorhaben in die 

Tat um und schrieben in seiner Küche in East 

Nashville unser Duett „Only If“. In dem Song geht 

es um die Gedanken zweier Liebender, die sich 

voneinander entfernt haben und noch nicht sicher 

sind, ob diese Liebe noch eine Chance hat. 

Beide kommen in dem Song zu dem Schluss: 

„Only If“ (Nur wenn …) 

MM: Wie war es, im Studio in Nashville aufzunehmen? 

ANN DOKA: In Nashville zu produzieren ist immer 

eine beeindruckende Erfahrung. Man steht plötzlich 

neben Studiomusikern, die man schon 

selbst mit großen Künstlern auf der Bühne gesehen 

hat. So durfte ich unter anderem schon mit 

Chris Rodriguez (Gitarre – Kelly Clarkson & Keith 

Urban), Vail Johnson (Bass – Kenny G, Keb’ Mo’, 

Whitney Houston) und Bruce Bouton (Pedal Steel – 

Lady Antebellum) aufnehmen und jetzt jüngst „Only 

If“ mit dem Produzenten Jonathan Lawrence 

Jrade-Rice produzieren. 

Unglaublich finde ich, dass die Studiomusiker 

in die Demoaufnahmen der Songs meist gar nicht 

reinhören, bevor sie ins Studio kommen. Sie be - 

kommen vor Ort die im „Nashville Number System“ 

notierten Akkorde und spielen dann einfach, was 


STORIES 19 

ANN DOKA 

»LOST BUT FOUND« 

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ihnen dazu einfällt. Diese spontane Kreativität lässt 

einen einfach nur mit offenem Mund dasitzen. Nicht 

umsonst nennt man diese Profi-Studiomusiker „the 

hired guns“. 

auch in Deutschland gäbe – aber nicht in diesem 

Umfang. Auch erlebe ich die Amerikaner häufig 

offener in ihrer Art. 

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von Christoph Herder 

MM: Wie hat dir Nashville an sich gefallen? 

ANN DOKA: Nashville ist zu Recht als „Music 

City“ bekannt. Die Menge an Musik, die einem 

vor Ort begegnet, ist einfach unfassbar. Ob auf 

dem touristisch geprägten Broadway, wo sich Bar 

an Bar reiht – und in jeder Bar ab 10 Uhr morgens 

bis in die Nacht Livemusik zu hören ist –, 

oder in den unzähligen kleinen Live-Locations, 

Songwriting Sessions, Open States, Bluegrass 

Jams und natürlich auch privaten Jamsessions 

auf irgendeiner Veranda von Menschen, die man 

gerade erst kennengelernt hat. Einfach großartig. 

Dazu dann noch die Studioarbeit mit tollen Mu - 

sikern und Produzenten. Nicht, dass es das nicht 

MM: Nachdem du im Februar 2019 bereits im 

ZDF Morgenmagazin zu Gast warst, bist du 

im Juni im ZDF Fernsehgarten vor Millionen 

TV-Zuschauern aufgetreten. Wie war das für 

dich und wie kam es dazu? 

ANN DOKA: Vor so vielen Zuschauern live im Fern - 

sehen aufzutreten, ist natürlich eine große Ehre. 

Brooks kam extra aus Nashville eingeflogen, damit 

wir unseren gemeinsamen Song präsentieren 

konnten. Da fühlte man sich nicht ganz so nervös, 

weil man zu zweit auf der Bühne stand. 

Generell kann man sagen, dass solche Auf - 

tritte eher kein Zufall sind. Mein Promoter hat in 

den letzten Jahren mehrfach versucht, mich in 

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20 STORIES 

»Gerade meine 

Co-Writings in Nashville 

haben mein 

Songwriting sehr 

verändert. Ich lasse den 

Prozess mehr fließen – 

habe aber gleichzeitig 

seitdem immer 

die 3-Minuten-Regel in 

meinem Hinterkopf, 

damit man auch als 

Newcomer eine Chance 

hat, im Radio 

gespielt zu werden.« 

ANN DOKA & 

BROOKS WEST 

„Only If“ 

VÖ: 15. FEBRUAR 2019 

ANN DOKA & 

„Lost But Found“ 

VÖ: 13.APRIL 2018 

ANNDOKA.COM 

WWW.FACEBOOK.COM/ANNDOKA 

WWW.YOUTUBE.COM/ANNDOKA 

solchen Formaten zu platzieren. Mit „Only If“ und 

Brooks als Duett-Partner hat es nun endlich ge - 

klappt. 

Zerrissenheit, aber auch die Zuversicht und den 

Glauben an das noch unbekannte Neue. Irgendwie 

geht es ja doch immer weiter. 

MM: Wie gehst du beim Komponieren deiner 

Songs vor? 

ANN DOKA: Ich räume immer erst meine Woh - 

nung auf, bis ich mich zumindest wohlfühle. Auch 

muss ich das Gefühl haben, dass meine To-do- 

Liste einigermaßen überschaubar ist. Dann setze 

ich mich mit meiner Gitarre ins Wohnzimmer und 

schaue, welche Melodien mir so einfallen. 

Dazu singe ich einen beliebigen Text – und 

plötzlich passt ein Wort zur Melodie. Irgendwie 

habe ich das Gefühl, die Melodie findet schon die 

passenden Worte. In den letzten Jahren schrieb 

ich auch gern mit anderen Musikern zusammen, 

weil man mal wieder auf neue Ideen kommt und 

andere musikalische Einflüsse erfährt. 

Worte verwende, die den Singfluss stören oder 

sich zu deutsch anhören. Auch lasse ich immer 

noch mal einen Native Speaker über meine Texte 

schauen und mache Aussprachetraining, bevor 

ich die Songs im Studio einsinge. Inhaltlich ist mir 

wichtig, dass ich Geschichten erzähle, die nah 

am Menschen sind. 

Die Psychologie der Menschen ist daher oft 

ein Thema, das mich für Songs inspiriert. 

MM: Mit wem würdest du noch gern mal 

einen Song schreiben oder singen? 

ANN DOKA: Oh … das sind so viele! Aber ganz 

oben stehen mit Sicherheit Ilse de Lange, Tina 

Dico, Phil Vassar … und Bryan Adams. 

MM: Wie sehen deine musikalischen Pläne 

für 2020 aus? 

MM: Dein letztes Album heißt „Lost But 

Found“. Was hat es mit dem Titel auf sich? 

ANN DOKA: Verloren – aber trotzdem irgendwie 

aufgehoben … das war mein Gefühl, als ich das 

Album geschrieben habe. 

Ich war gerade von Frankfurt nach Bremen ge - 

zogen – hatte meinen Job, Freunde und meine 

Familie hinter mir gelassen. 

Auf dem Album konnte ich alles niederschreiben, 

was mich in dieser Zeit beschäftigte. Die 

Gerade meine Co-Writings in Nashville haben 

mein Songwriting sehr verändert. Ich lasse den 

Prozess mehr fließen – habe aber gleichzeitig 

seitdem immer die 3-Minuten-Regel in meinem 

Hinterkopf, damit man auch als Newcomer eine 

Chance hat, im Radio gespielt zu werden. 

MM: Was ist dir bei den Texten wichtig? 

ANN DOKA: Mir ist wichtig, dass die Texte auch 

für Englisch-Muttersprachler Sinn ergeben und 

sich rund anhören. Also dass ich z. B. keine 

ANN DOKA: Ich sehe Pläne eher als einen Weg, 

auf dem man seine Route immer wieder an passt. 

Mein Plan ist also: flexibel bleiben und Chancen 

nutzen, wenn sie sich ergeben. Aber insgeheim 

stehen da natürlich trotzdem noch ein großer 

Radio-Hit und ein Auftritt in der Festhalle Frankfurt 

auf meiner Liste. Ob das realistisch ist, wird sich 

zeigen :-). 

WEB: ANNDOKA.COM 

INTERVIEW: RONJA RABE 

FOTOqUELLE: NASH*DASH RECORDS 


STORIES 21 

The greatest Rock & Roll 

band in the world|TEIL 2 


22 STORIES 

Januar 1970 hoffte der britische Melody 

Im 

Maker, die Beatles und die Rolling Stones 

würden sich noch im selben Jahr auflösen: „Mal 

ehrlich: Sie hatten ihre Zeit und müssen selbst 

zugeben, dass ihr Konzept jetzt nur noch Lange - 

weile verbreitet.“ Kaum ein Blatt hat jemals so 

danebengelegen. Nur in einem Punkt behielt der 

Melody Maker recht: Im April 1970 trennten sich 

die Beatles endgültig. Aber ihre Musik hatte sich 

überhaupt nicht abgenutzt, und mit „Abbey 

Road“ hatten sie gerade erst im September 1969 

ein weiteres fantastisches Album vorgelegt, das 

anlässlich seiner Neuveröffentlichung im Jahr 

2019 wieder zum Verkaufsschlager wurde. Die 

Rolling Stones waren sogar lebendiger denn je. 

Ihre im Dezember 1969 veröffentlichte LP „Let 

It Bleed“ ist ein Hauptwerk der Rockmusik, und 

die Band steuert heute auf ihr 60-jähriges Be - 

stehen zu, ohne dass Langeweile aufkommt. 

1970 bedeutete eine Zäsur für die Band. Ihr 

Vertrag mit dem Label Decca lief aus, sie trennten 

sich auch von ihrem Manager Allen Klein und 

machten sich mit ihrem eigenen Label selbstständig. 

Dessen Markenzeichen ist die ausgestreckte 

rote Zunge, die wohl auch diejenigen 

kennen, die an der Musik der Rolling Stones 

nichts finden. Die schwierige Trennung von Klein 

und seiner Firma ABKCO im Juli 1970 ließ den 

Manager aber weiterhin kräftig an den bis dahin 

veröffentlichten Platten der Band verdienen, 

sodass die Rolling Stones für eine neue wirtschaftliche 

Basis sorgen mussten. Allerdings 

konnte Kleins Firma bis auf eine Ausnahme im 

CD-Zeitalter keine extended versions von Alben 

der Band veröffentlichen, wie es beim Werk so 

vieler berühmter Rockmusiker zur Selbst ver - 

ständlichkeit geworden ist. Da Vollmachten für 

die Veröffentlichung von bisher nicht erschienenem 

Material aus jener Zeit fehlten, musste 

auch die jüngste Wiederveröffentlichung von „Let 

It Bleed“ ohne bislang unbekannte Aufnahmen 

auskommen. 2009 kam allerdings die ABKCO- 

Box „Get Yer Ya-Yahs Out“ mit vier 1969 nicht 

erschienenen Songs und dem New Yorker Vor - 

programm heraus, das B. B. King sowie Ike & 

Tina Turner bestritten hatten. Vermutlich hatte 

Klein sich vor 50 Jahren die Rechte an den 

Konzertmitschnitten der Band jener Tournee ge - 

sichert. 

Musikalisch gedieh die Band zu Beginn ihrer 

zurückgewonnenen Freiheit prächtig. Sie landete 

im April 1971 einen musikalischen und finanziel - 

len Coup, der seinesgleichen sucht: zunächst 

mit der Single „Brown Sugar“ und wenige Tage 

darauf mit ihrem 13. Album „Sticky Fingers“. 

Erstmals prangte die rote Zunge auf dem gelben 

Untergrund der LP-Labels, und das Platten cover 

hatte der weltbekannte Pop-Art-Künstler Andy 

Warhol gestaltet. Die fotografierte Jeans mit 

einem echten Reißverschluss, der sich 

selbst verständlich aufziehen ließ, gehört zu 

den Ikonen der LP-Cover in der Rockmusik. 

Auch als das Album Anfang der 1990er-Jahre 

als CD veröffentlicht wurde, wurde immer noch 

ein echter Reißverschluss für das Cover eingearbeitet. 

Das Album wurde zum erfolgreichsten 

der Band-Karriere und lässt die Rolling Stones 

auf künstlerischer Höhe glänzen. Sowohl der 

ausgekoppelte wilde Song „Brown Sugar“ mit 

seinem zotigen Text als auch das mit hervorragenden 

Stücken gespickte Album insgesamt 

haben Musikgeschichte geschrieben. Nach 

„Goin’ Home“ von Aftermath zeigten die Rolling 

Stones mit „Can’t You Hear Me Knocking“ zum 

ersten Mal wieder, wie spannend sie improvisieren 

können. In späteren Jahren haben sie dieses 

Stück bei ihren gigantischen Rock shows 

wiederholt eingebaut. Von „Brown Sugar“ wurde 

eine weitere Version im Studio während Keith 

Richards’ Geburtstag mit Al Kooper am Key - 

board und Eric Clapton als Leadgitarrist aufgenommen 

und sollte ursprünglich als Single veröffentlicht 

werden. Ein solcher Leckerbissen 

fand natürlich seinen Weg auf Bootlegs. 2015 

kam er offiziell auf einer hervorragenden zweiten 

CD der extended version von „Sticky Fingers“ 

heraus, die Studio- und Live-Aufnah men enthält. 

Auch live blieb die Band ein Ereignis, wie 

zum Beispiel ihr Auftritt im Londoner Marquee 

Club von Anfang März 1971 demonstriert, 

2015 in der Serie „From the Vault“ erschienen. 

Gitarrist Mick Taylor bereicherte die Musik der 

Rolling Stones mit seinen exquisiten Soli, während 

Keith Richards Rhythmus-Gitarrist blieb – 

bis zu Taylors Ausscheiden. Mick Jaggers 

Bühnen show veranlasste Kritiker zu immer 

neuen Superlativen. Tina Turner zufolge soll er 

zwar 1966 in der Royal Albert Hall anlässlich des 

gemeinsamen Auftritts von ihr eine Reihe von 

Tanzschritten gelernt haben. Aber entschei dend 

ist, was Jagger für seine Per for mance daraus 

gemacht hat. Die Band wurde rasch vermögend. 

Um den hohen britischen Steuern zu entkommen, 

wurden die Rolling Stones zu Steuer flücht - 

lingen, die im Frühjahr 1971 ihren Wohnsitz nach 

Südfrankreich verlegten. Mick Jagger führte 

außerdem ein Leben im Jetset. Im Mai 1971 heiratete 

er in Frank reich die seinerzeit als glamouröses 

Partygirl gel tende Bianca Pérez-Mora 

Macias aus Nicaragua. Als die Ehe acht Jahre 

später ge schieden wurde, behielt Mrs. Jagger 

ihren klingenden Ehenamen. 

In Südfrankreich wurden die noch in London 

begonnenen Aufnahmen für das Doppelalbum 

»Gradlinig war die Karriere 

der Rolling Stones freilich 

nicht. Seit 1970 durchliefen 

sie Höhen und Tiefen, 

rauften sich wieder 

zusammen und wurden ab 

Ende der 1980er-Jahre 

zur Gelddruckmaschine 

des Rock-Business 

schlechthin, die auch nach 

einer erneuten 

Unterbrechung des 

Tournee-Betriebes ihre Fans 

rund um die Welt 

zu begeistern versteht.« 

„Exile On Main Street“ von 1972 eher schleppend 

zu Ende geführt, weil in Frankreich der 

Drogen kon sum innerhalb der Band und ihrer 

Entourage zunahm. Bill Wyman hielt sich zwar 

zurück, und Charlie Watts wandte sich erst viel 

später kurzfristig dem Heroin zu und entkam 

dem Suchtmittel erfolgreich. Mick Taylor fühlte 

sich von Jagger und Richards, die beide harte 

Drogen nahmen, unter Druck gesetzt und verfiel 

den Rauschmitteln immer mehr. Einen Ein - 

druck von der Situation der Band vermittelt 

Robert Franks’ Film „Cocksucker Blues“ über die 

US-Tourneen der Rolling Stones in den Jahren 

1972 und 1973. Unverblümt zeigt der Streifen 

das nicht nur von Musik, sondern auch exzessivem 

Sex und Drogen konsum bestimmte Tourne - 

eleben. Das drohte allerdings künftige Ein reisen 

in die USA als wichtigem Rock musik-Markt nicht 

zu ge fährden. Deswegen verhinderte die Band 

ge richtlich, dass der Film in die Kinos kam. 

Heute, über vier Jahrzehnte danach, kann man 

sich „Cocksucker Blues“ bei YouTube zu Gemüte 

führen, wenn man den Hinweis bestätigt hat, der 

Film könne Nutzern unangemessen erscheinen. 

Aus heutiger Sicht ist „Exile On Main Street“ 

ein weiterer Rolling-Stones-Klassiker und sogar 

eines der wichtigsten Werke der Rockmusik, 

aus dem die erfolgreiche Single „Tumbling Dice“ 

ausgekoppelt wurde. Die unter ungünstigen Be - 

dingungen zustande gekommene Produktion 

fanden damals aber längst nicht alle gut, da 

das Album irgendwie unfertig wirkte und ungeschliffen 

war. Die Ablehnung ist schon lange 

revidiert worden, sodass „Exile On Main Street“ 


STORIES 23 

Zwei für Paris geplante Konzerte wurden nach 

Brüssel verlegt, wohin französische Fans mit 

einem von RTL Radio angemieteten Sonde rzug 

anreisen konnten. Diese „Brussels Affair“ wurde 

bald als Bootlegs vertrieben. 

Weiterhin mit Taylor entstand das im Spät - 

sommer 1973 veröffentlichte, ebenso be liebte 

wie ausgezeichnete Album „Goats Head Soup“ 

mit dem Balladen-Renner „Angie“, der nicht nur 

Platz eins der Hitparaden belegte, sondern häufig 

zum Repertoire von Live-Auftritten der Band 

gehörte. Wie der Geschmack sich ändern kann: 

Damals geißelten manche den Song als „grausigen 

Fehler“ und als „Albtraum“. Im Vorfeld von 

„Goats Head Soup“ gab es wieder einmal Ärger. 

Jaggers Songtexte waren noch nie etwas für 

zartbesaitete Zeitgenossen. Aber der Titel 

„Starfucker“ war denn doch zu viel für Ahmet 

Ertegun, bei dessen Label Atlantic die Platten 

der Rolling Stones mittlerweile in den USA 

erschienen. Deshalb wurde der Titel in „Star 

Star“ geändert. Der unverändert eindeutige 

Songtext blieb jedoch ein Aufreger und berei- 

als eines der wenigen Alben der Rolling Stones 

wie „Sticky Fingers“ in den 2010er-Jahren in 

einer erweiterten Fassung mit zu sätzlichen 

Songs auf den Markt kam. 

Noch konnten die Rolling Stones Hit-Singles 

in den Hitparaden platzieren, und das gelang 

ihnen in immer größer werdenden Abständen 

immerhin bis 2016. Der Trend verlagerte sich 

indessen seit der ersten Hälfte der 1970er- 

Jahre zu den LP-Produktionen. Pink Floyd forcierte 

dies geradezu im März 1973 mit dem 

Konzeptalbum „Dark Side Of The Moon“. Als 

Live-Attraktion waren die Rolling Stones in den 

USA und in Europa gefragter denn je. Kein 

Geringerer als der berühmte Rock-Promoter Bill 

Graham nannte sie „die größte Attraktion seit 

Menschengedenken“. Die Attraktion setzte sich 

aus einer Reihe von Faktoren zusammen: der 

Musik der Rolling Stones mit Richards’ einprägsamen 

Riffs, dem Können der Band mit - 

glieder und ihrer Begleitmusiker, Mick Taylors 

Soli, die manchem Rezensenten „die Ohren 

übergehen“ ließen, und der vitalen Bühnenshow 

des geborenen Entertainers Mick Jagger. Die 

Konzerte fanden zunehmend in riesigen Arenen 

statt, wobei die Band nun erst recht von der 

Aura des ausschweifenden und verruchten 

Lebens umweht wurde. Zunehmend ließen 

sich die Musikernmit einem VIP-Catering im 

VIP-Stil versorgen, was heute schon lange zum 

Standard ihrer Konzerte gehört. 

Immer wieder bereitete Richards’ Drogen kon - 

sum den Rolling Stones Schwierigkeiten. Als 

man ihn erneut mit unerlaubten Substanzen 

erwischte, verweigerten französische Behörden 

den Rolling Stones die Einreise nach Frank - 

reich zu Live-Auftritten, die für Spätsommer/ 

Frühherbst 1973 während der Europa-Tournee 

der Band geplant waren. 

Dadurch endete nicht nur das freiwillige 

Frankreich-Exil, es machte auch das Gerücht 

die Runde, Jagger wolle Richards durch Ron 

Wood von den Faces ersetzen. Es wurde außer - 

dem gemunkelt, die Rolling Stones würden mit 

den Faces, aber ohne Rod Stewart fusionieren, 

der eine Solo-Karriere im Auge hatte. Im End - 

effekt wurde Wood schon bald anstelle von 

Mick Taylor neuer Gitarrist der Band. 

tete der Band Schwierigkeiten bei öffentlichen 

Auftritten. 

Alles schien wie gewohnt auf Hochtouren 

weiterzugehen: der exzessive Tournee-Betrieb 

und Richards’ Drogenkonsum, dessen Folgen 

in seinem Gesicht zunehmend sichtbar wurden. 

Als erstes Bandmitglied widmete sich 

Bassist Bill Wyman 1974 Solo-Projekten mit 

den Alben „Monkey Grip“ und „Smokin’ TNT“, 

mit Buddy Guy trat er außerdem gemeinsam 

auf dem Montreux Jazz Festival auf. Innerhalb 

der Band nahmen Spannungen zu, und Mick 

Taylor schied bei den Rolling Stones zum 

Bedauern seiner Mitstreiter aus. Seine Soli 

waren Leckerbissen. Davon konnte man sich 

zum Beispiel bei Bild- und Tonaufnahmen 

über zeugen, die ab den 1980er-Jahren bei verschiedenen 

Auftritten mit John Mayall aufgezeichnet 

wurden, durch dessen Album 

„Crusade“ die Rolling Stones auf Taylor aufmerksam 

geworden waren. 

Das noch mit Taylor entstandene, im Herbst 

1974 herausgekommene Album „It’s Only Rock 

‘N’ Roll“ wurde erstmals von den Glimmer 

Twins produziert. Das war ein Pseudonym für 

Jagger und Richards, die schon früh eine gegen - 

seitige Hassliebe verband, die beide nicht selten 

verleitete, öffentlich abschätzig übereinander 

zu reden. Derlei Spannungen hatten nun zugenommen, 

und das blieb nicht ohne Spuren für 

das Album. Vielleicht wirkt es deswegen trotz 

mancher guter Stücke heterogen. „It’s Only 

Rock ‘N’ Roll“ wurde jedoch auch so ein 

8 


24 STORIES 

Verkaufserfolg und der Titelsong ein beliebter 

Klassiker. Für Taylor musste nach der Fertig - 

stellung der neuen LP Ersatz gefunden werden. 

Im Januar 1975 jammten die Rolling Stones 

mit Rory Gallagher und Jeff Beck, danach wurden 

im Februar Aufnahmen mit dem Studio- 

Gitarristen Wayne Perkins, mit Ron Wood und 

Harvey Mandel (Ex-Canned-Heat) hergestellt. 

Im Gespräch waren aber außerdem auch Wilco 

Johnson von Dr. Feelgood, Shadow-Gitarrist 

Hank Marvin, Mott-the-Hoople-Gitarrist Mick 

Ronson und Bobby Tench. Das Rennen machte 

Wood, der sich bereits an dem Song „It’s Only 

Rock ‘N’ Roll“ beteiligt hatte. Richards und 

Wood harmonierten musikalisch bestens, allerdings 

auch in puncto Sucht, denn Wood war 

Alkoholiker. Beide wechselten sich einander 

künftig bei Soli und an der Rhyth musgitarre ab. 

Spätere Konzertmit schnitte auf DVD und Blu- 

Ray präsentieren auch Richards mit vielen herrlichen 

Gitarrensoli. 1976 erschien die musi kalisch 

und stilistisch abwechslungsreiche LP „Black 

and Blue“ mit Wood als Mitglied der Rolling 

Stones. Zu hören sind auch einige der getesteten 

Gitarristen. Als Erstveröffentlichung hätte 

das Innencover-Foto von „Black And Blue“ 

heute wohl keine Chance gehabt: eine gefesselte, 

malträtierte junge Frau in Unterwäsche 

über der Abbildung des Album-Außencovers. 

Eine Parodie ersetzte die Frau durch einen 

ge fesselten Mann, der Jagger ähnelt, ein T-Shirt 

mit der Rolling-Stones-Zunge trägt und von 

einer jungen Frau ausgelacht wird. 

Stressfreies Leben blieb für die Haupt akteure 

Jagger und Richards ein Fremdwort. Während 

die Presse Jaggers Privatleben, der ab 1977 

mit dem Fotomodell Jerry Hall zusammenlebte, 

mit Argusaugen verfolgte, hatte der Junkie 

Richards ständig Ärger mit der Strafjustiz. Er 

behauptete, stets chemisch reine Substanzen 

zu sich genommen und dadurch auf seine Ge - 

sundheit geachtet zu haben. Jahre später ersetzte 

Richards Rauschmittel durch Alkohol, den er 

nicht als Droge ansah. Doch auf diese Weise 

hatte er nur den Teufel mit dem Beelzebub aus - 

getrieben. Richards erlitt im Laufe der Jahre 

jedenfalls verschiedene Unfälle, die ihn hinderten, 

Konzerte zu geben. Erst seit 2018 soll er 

nun auch trocken sein. Jagger reagierte allerdings 

auf die Drogen-Eskapaden seines anderen 

Glimmer Twins, sagte sich in der zweiten Hälfte 

der 1970er-Jahre von den berauschenden Sub - 

stanzen los und ernährte sich fortan be wusster. 

Musikalisch erreichte die Band mit herausragenden 

Songs aus der Feder von Jagger und 

Richards 1978 und dem Spitzenalbum „Some 

Girls“ einen neuen Höhepunkt, das der treibende 

Song „Miss You“ im Disco-Sound einleitet, der 

ebenfalls zu einem Konzertklassiker wurde. 

„Some Girls“ ist das dritte Album aus der Post- 

Decca-Zeit, das später in einer erweiterten 

Fas sung wiederveröffentlicht wurde. Was Femi - 

nis tinnen damals und bei der Wiederveröffent - 

lichung wohl zu dem Albumcover mit Frauen- 

Perücken auf den Köpfen der Bandmitglieder 

und Werbung aus den 1950er-Jahren für Büsten - 

halter, die aus dem Metallwaren-Handel zu stammen 

scheinen, gesagt haben mögen? 

Auch die beiden nachfolgenden Alben 

„Emotional Rescue“ (1980), das gemeinhin als 

schwächer eingeschätzt wird, und „Tattoo You“ 

von 1981 wurden zu Kassenschlagern. „Start 

Me Up“ aus „Tattoo You“ ist einer der beliebtes - 

ten Songs der Band mit einem energischen 

Gitarrenriff von Richards. „Emotional Rescue“ 

offenbarte freilich Erosionserscheinungen, denn 

dieses Album wurde nur noch mit einem Rumpf 

der Band eingespielt, wohl ohne Wyman und 

ganz sicher ohne Richards, dem es egal war, 

ob die Rolling Stones einen weiteren Hit haben 

würden. Charlie Watts begann nun auch, Solo - 

projekte zu verfolgen. 

Dennoch ließ sich die Band-Maschine wieder 

auf Hochtouren bringen, und das nach fast 

20 Jahren Rolling Stones – eine für das Rock - 

geschäft fast schon unglaubliche Zeitspanne. 

Jagger orakelte zwar mittlerweile, dass er wohl 

nicht mehr lange so tun könne, als sei er noch 

18. Aber Live-LPs und Konzertmitschnitte auf 

Bildträgern kamen heraus, dabei Hal Ashbys 

Film „Let’s Spend The Night Together“. Die Band 

trat mit der Blues-Ikone Muddy Waters auf und 

schloss im Herbst 1983 mit CBS einen Vertrag 

über vier Alben, für den sie 28 Millionen Pfund 

kassierte. Und wieder stand Steuersparen im 

Fokus, weshalb der Vertrag nicht in Groß bri - 

tannien, sondern in Paris unterzeichnet wurde. 

1983 und 1985 erschienen die Alben „Under- 

cover“ und „Dirty Work“, die sich ebenfalls ausgezeichnet 

verkauften. Eigeninteressen befeuerten 

Jaggers und Richards’ Hassliebe aufs 

Neue. Jagger lehnte es ab, zur Verkaufs för de - 

rung beider Alben mit den Rolling Stones auf 

Tournee zu gehen. Das eher mittelmäßige Werk 

„Dirty Work“ mit dem Erfolgssong „Harlem 

Shuffle“ schien der Schwanengesang der Band 

zu sein. Ein Songtitel wie „Had It With You“ 

klingt geradezu symptomatisch und durch Ian 

Stewarts Herzinfarkt-Tod im Dezember 1985 

der unwiderrufliche Schlussstrich zu sein. Als 

Roadmanager, Keyboarder der Band und quasi 

sechster Rolling Stone war er seit Band-Grün - 

dung dabei gewesen und nach der Ein - 

schätzung von Bandmitgliedern „der Kitt, der 

alles zusammenhielt“. 

Richards’ Äußerung, er werde Jagger den 

Hals aufschlitzen, wenn dieser ohne die Rolling 

Stones auf Tour ginge, hielt Jagger genau davon 

nicht ab. Er legte 1985 und 1987 seine Solo - 

alben „She’s The Boss“ und „Primitive Cool“ 

vor und zog damit um die Welt, um zu allem 

Überfluss bei seinen Auftritten reichlich Songs 

der Rolling Stones zu spielen. Auch auf dem 

Live-Aid-Konzert trat er am 13. Juli 1985 nur 

solo und gemeinsam mit Tina Turner auf, während 

Richards Bob Dylan bei dessen Auftritt auf 

der Gitarre begleitete. Mit David Bowie hatte 

Jagger außerdem die Single „Dancing In The 

Street“ aufgenommen, die ebenfalls auf die- 


STORIES 25 

»Die Vitalität der Rolling Stones 

ist seither ungebrochen, und man darf sicher sein, 

dass die geschäftstüchtige Band ihre Fans auch 

künftig mit zahlreichen Veröffentlichungen aus dem 

Fundus von Konzert-Aufzeichnungen 

be denken wird, die die Portemonnaies öffnen. 

Für 2020 sind schon wieder Live-Auftritte 

angekündigt, und man darf gespannt sein, wie das 

60-jährige Bestehen der Ur ge steine der Rockmusik 

gefeiert werden wird.« 

sem denkwürdigen Konzert zu hören war. 

Womöglich als Retourkutsche auf diese Ak ti vi - 

täten und das drohende Ende der Rolling 

Stones spielte Richards 1988 sein Soloalbum 

„Talk Is Cheap“ ein und ging mit seiner Band 

X-Pensive Winos auf Tournee. 

Jaggers Pläne, auch solo zum Superstar zu 

werden, gingen jedoch nicht auf. Richards und 

er rauften sich danach im Januar 1989 bei einem 

Treffen auf Barbados wieder zusammen, schrieben 

Stücke für ein neues Album und unterbrachen 

im selben Monat ihre Arbeiten, um an den 

Feierlichkeiten zur Aufnahme der Rolling Stones 

in die Rock and Roll Hall of Fame teilzunehmen. 

Vor ihnen lag eine Zukunft finanziellen Erfolges, 

der alles Bisherige in den Schatten stellen sollte. 

Die Bühnenshows ihrer Welttourneen wuchsen 

ins Gigantische und waren vielleicht sogar Vor - 

bild für Roger Waters’ ebenso gigantische Live- 

Inszenierungen des Pink-Floyd-Albums „The 

Wall“ bis in die jüngste Vergangenheit. Mit ihrem 

im August 1989 veröffentlichten Album „Steel 

Wheels“ und dem Hit „Mixed Emotions“ knüpften 

die Rolling Stones musikalisch an ihre besten 

Zeiten an. Richards bürgte wie bisher für einzigartige 

Riffs als musikalisches Marken zeichen, die 

den Songs der Band den unverwechselbaren 

Gänsehaut-Reiz verliehen. Allein für ihre US- 

Tournee „Steel Wheels“ wurden der Band Ein - 

nahmen von 70 Millionen Dollar garantiert. Um 

die Bühne aus den USA zur Europa-Tour „Urban 

Jungle“ zu transportieren, waren allein zwei Flug - 

zeuge des Typs Boeing 747 nötig, und künftig 

mussten immer mehr Lkw-Züge eingesetzt werden, 

um den Tross von einem Veran stal tungs ort 

zum anderen zu bewegen. Riesige Kulissen, 

ebensolche aufblasbare Puppen, darunter passend 

zum Song „Honky Tonk Women“, sowie 

Video wände in größter Dimension und aufwendige 

Lichteffekte gehörten zur Ausstattung – und 

eine überwältigende Show. Die Shows sind häufig 

auch durch illustre Gäste wie Eric Clapton, Bo 

Diddley und Buddy Guy mit elektrisierenden 

Parts angereichert worden, um nur wenige zu 

nennen. 

Zum Glück erstickten die Rolling Stones ihre 

Musik nicht durch Gigantomanie. Sie ist bis in 

die heutigen Tage bei den zahlreichen Auf tritten 

der Band mitreißend geblieben. Mittlerweile gibt 

es zahlreiche Live-Mitschnitte auf CD, DVD 

und Blu-Ray aus der Zeit seit dem Neustart 1989, 

die trotz eines Repertoires mit vielen Wieder - 

ho lungen so erstaunlich frisch wirken. Die 

Rolling Stones sind zwar Rock-Krösusse, aber 

sie geben sich bei ihren Konzerten nicht nur kurz 

die Ehre, um wie eine durch Festhallen tingelnde 

Oldie-Band jahrzehntelang immer nur wieder 

denselben einen Hit herunterzuspielen. 

Die gigantischen Ausmaße des Rock-Un ter - 

nehmens bekamen 1991 mit 38,1 Millionen Dollar 

durch den neuen Plattenvertrag der Band mit 

Virgin Records einen saftigen Anschub. 1993 

stieg dann überraschend Bassist Bill Wyman 

aus und widmete sich fortan seinen Solo-Akti - 

vitäten. Er veröffentlichte zahlreiche Alben und 

mehrere Bücher über die Rolling Stones und 

die Geschichte des Blues. An Wymans Stelle 

spielt seit 1994 der Jazzmusiker Darryl Jones 

den Bass bei den Rolling Stones. Offizielles 

Mit glied der Band ist er aber auch nach nunmehr 

bald 26 Jahren nicht geworden. 

Der Erfolg der nächsten Alben „Voodoo 

Lounge“ (1994) und „Bridges To Babylon“ (1997) 

stellte sich wie selbstverständlich ein, und der 

Titel „Love Is Strong“ geriet zu einem neuen be - 

sonders einprägsamen Rolling Stones-Song. 

8 


26 STORIES 

Ihrer Exklusivität gewann die Band eine neue 

Facette ab, indem sie vor ihren Fans in kleinen 

Clubs auftrat, die gegenüber den Shows in den 

Arenen eine geradezu intime Atmosphäre hatten. 

Etwas davon hat die Live-CD „Stripped“ 

von 1995 eingefangen, die in solchen Clubs auf - 

genommen wurde. Gleichwohl schickten die 

Welttourneen der Rolling Stones sich an, noch 

größer zu werden als zuvor schon. 2019 er - 

schien unter dem Titel „Bridges To Bremen“ der 

Mitschnitt des Auftritts der Band im Bremer 

Weserstadion am 21. September 1998. Nach - 

dem die Band auf der riesigen und üppig ausgestatteten 

Bühne in voller Besetzung mit allen 

Begleitmusikern eine ganze Reihe von Songs 

gespielt hatte, wurde eine sehr lange Glieder - 

brücke über das Publikum ausgefahren, hin zu 

einer kleinen Bühne, zu der die Band über die 

Brücke ging und dort dem Publikum kräftig 

ein heizte. Sicherlich unvergessliche Momente. 

In den folgenden Jahren setzten die Rolling 

Stones ihre Konzerte rund um die Welt für ihre 

Anhänger fort, die ihnen willig folgten. Das bis 

dato letzte Album mit neuen Songs von Jagger 

und Richards war 2005 „A Bigger Bang“. In dem 

Jahr berichtete Ron Wood von einem Alkohol - 

entzug und seinem ersten nüchternen Auftritt 

überhaupt. Prompt titulierte Richards ihn als 

Schwächling. 

2007 rechnete die Presse der Band vor, in 

den vergangenen 20 Jahren 450 Millionen Dollar 

eingenommen und mit 7,2 Millionen Dollar nur 

1,5 % Steuern gezahlt zu haben. Damit erinnert 

die Band an den Club von Global Playern à la 

Amazon, Apple, Facebook und Google, die er - 

folg reich ihre Steuerverpflichtungen drücken. 

Im selben Jahr drehte der rockbegeisterte 

Meister regisseur Martin Scorcese den Konzert - 

film „Shine A Light“ von zwei Auftritten der 

Rolling Stones im New Yorker Beacon Theater, 

bei dem Mick Jagger durch einen exquisit ausgeleuchteten 

Seiteneingang zum Song „Sym pathy 

For The Devil“ direkt wie der Teufel aus dem 

Höllenfeuer auf die Bühne zu kommen scheint. 

Auf der Berlinale 2008 wurde der Film in An we - 

senheit von Scorcese und der Band vorgestellt. 

Insbesondere seit 2010 brachte das Mana - 

gement der Band verstärkt Live-Mitschnitte auf 

den Markt. Es erschienen unter anderem die 

Filme „Charlie Is My Darling“ über die Rolling 

Stones in Irland im Jahr 1965, mit Brian Jones, 

und „Some Girls – Live In Texas ’78“. Im Mittel - 

punkt steht wohl die CD/DVD-Serie „From the 

Vault“ mit Konzertmitschnitten aus den Jahren 

von 1971 bis 2015, die es mittlerweile auf acht 

Alben gebracht hat, wenn man die Neu ver - 

öffentlichung des immer noch unvollständigen 

Hyde-Park-Konzerts von 1969 dazurechnet. 

Dazu wurde ab November 2011 eine vielteilige 

offizielle Bootleg-Serie mit „The Brussels Affair“ 

1973 aufgelegt. Illegale Bootlegs von Konzerten 

der Band lassen sich kaum zählen. Ganz offiziell 

hingegen wurde 2015 die wunderbare Box 

„Totally Stripped“ mit noch mehr Live-Auf nah - 

men von Auftritten der Rolling Stones des 

Jahres 1995 in kleinen Clubs herausgegeben. 

Hin und wieder wurden Reibereien zwischen 

Jagger und Richards laut. Als Jagger im 

Dezember 2003 vom britischen Königshaus 

wegen seiner Verdienste um die Popmusik ge - 

adelt wurde und nun wie andere Musiker auch 

ein Sir war, bezeichnete Richards die Ehrung 

öffentlich als lächerlich. Seiner Auffassung nach 

stammte sie von dem Establishment, das früher 

alles daran gesetzt hatte, ihn und Jagger ins Ge - 

fängnis zu bringen. Jagger ging mit dieser Kritik 

souverän um: „Ich glaube, das Establishment, 

wie wir es kannten, gibt es nicht mehr.“ Weitere 

Angriffe gegen Jagger enthielt Richards’ 2010 

erschienene Autobiografie „Life“. Zunächst entschuldigte 

Richards sich etwas dafür, erklärte 

dann aber, er habe sich für nichts zu entschuldigen. 

Jagger habe er nur beschwichtigt, damit die 

Band weiter zusammen arbeiten kann. Wo die 

Wahrheit liegt, wissen wohl nur die Be teil i g ten. 

Nach dem Ende ihrer Europa-Tournee im 

August 2007 hatte die Band ihre Live-Auftritte 

ein gestellt. Gemeinsame Aktivitäten blieben bis 

auf Weiteres aus. Nur scheinbar fanden sich die 

Rolling Stones samt ihrer ehemaligen Mitglieder 

Bill Wyman und Mick Taylor zu den Aufnahmen 

der im April 2011 veröffentlichten CD „Boogie 

4 Stu – A Tribute To Ian Stewart“ des Pianisten 

Ben Waters zusammen. Alle spielten und san- 

gen jedoch nur getrennt voneinander im Studio, 

und die einzelnen Aufnahmen wurden zusammengemischt. 

Im November 2011 ließ Jagger 

als Leadsänger des Albums „SuperHeavy“ unter 

anderem mit dem Ex-Eurhythmics-Gitarristen 

David Stewart von sich hören. 

Als das 50-jährige Bandjubiläum näherte, brachen 

die Rolling Stones nach einer Jam-Session 

im November 2011 zu einer neuen Tournee auf, 

und wieder klingelten die Kassen lauter denn je. 

Dazu wurden Bill Wyman und Mick Taylor verpflichtet, 

jedoch jeder nur für einige Titel, nicht 

aber ein gesamtes Konzert. Wyman zeigte sich 

über die Kürze seiner Auf tritte enttäuscht und 

stieg nach wenigen Ter minen aus. Taylor hingegen 

war begeistert, weil er sich nach eigenen 

Angaben im Kreise der Band wie zu Hause fühlte. 

So sehr können Erlebnisse und die Ein schät - 

zungen von ihnen auseinanderliegen. An der 

Tournee nahmen abermals namhafte Gäste teil, 

unter ihnen Jeff Beck, Eric Clapton, Lady Gaga 

und Bruce Springsteen. Die Rolling Stones spielten 

außerdem im Dezember 2012 ein Wohl tätig - 

keits kon zert zugunsten der Opfer der Hurrikans 

Sandy und wurden unter anderem deswegen 

2013 mit dem NME Award als beste Liveband 

des Jahres 2012 geehrt. Es entstand auch ein 

weiterer Dokumentarfilm über die Geschichte der 

Band: „Crossfire Hurricane – The Rise Of The 

Rolling Stones“ (2012). 2013 setzte die Band ihre 

Live-Konzerte fort, bei denen im Mai und Juni 

wieder Mick Taylor mit auf der Bühne stand und 

das Publikum mit seinen Soli begeisterte. 

Aus der Fülle der Konzerte ragt wohl der 

Auftritt vom 25. März 2016 in Havanna heraus, 

der im Anschluss an die Südamerika-Tournee 


STORIES 27 

»Zum Glück erstickten 

die Rolling Stones ihre Musik nicht 

durch Gigantomanie. 

Sie ist bis in die heutigen Tage bei 

den zahlreichen Auf tritten der Band 

mitreißend geblieben.« 

der Band stattfand, die Anfang Februar des Jahres in Santiago de 

Chile begonnen hatte. Es war das erste Rockkonzert auf Kuba überhaupt 

und dazu kostenfrei. Jagger sprach sein Publikum immer direkt 

an und tat dies in Havanna auf Spanisch. Festgehalten wurden die 

südamerikanischen und karibischen Er eignisse auf den Blu-Rays „Olé, 

Olé, Olé!: A Trip Across Latin America“ und „Havanna Moon“, und 

auch das lohnt sich anzusehen. Ende 2016 erschien das bislang letzte 

Studio album der Rolling Stones: „Blue & Lonesome“, eingespielt in 

kurzer Zeit mit Gästen wie Eric Clapton, Chuck Leavell und Jim Keltner. 

Die Band coverte dieses Mal ausschließlich alte Blues- und Rhythmand-Blues-Songs 

und begab sich damit auf eine Zeitreise an den 

Anfang der Bandkarriere. Das Album wurde ein enormer Erfolg, wohl 

aber eher wegen des Bandnamens. Ob weniger be kannte Musiker mit 

dem Re pertoire international Aufmerksamkeit hätten erregen können? 

Die Vitalität der Rolling Stones ist seither ungebrochen, und man 

darf sicher sein, dass die geschäftstüchtige Band ihre Fans auch künftig 

mit zahlreichen Veröffentlichungen aus dem Fundus von Konzert- 

Aufzeichnungen be denken wird, die die Portemonnaies öffnen. 2017 

begann in Europa die „No Filter Tour“, die die Band zu mehreren Auf - 

tritten nach Deutsch land führte. Im selben Jahr wurde bekannt, dass 

Gitarrist Ron Wood, jahrzehntelang ein schwerer Raucher und Trinker, 

mehrfach vergeblich versucht hatte, von der Sucht loszukommen, nun 

wegen Lungenkrebses einen Teil seiner Lunge hatte entfernen lassen. 

Die Tournee endete erst am 30. August 2019 mit Ver spätung in Miami, 

weil Jagger sich im Frühjahr eines Eingriffs am Herzen unterziehen 

musste. Davon hatte er sich allerdings außergewöhnlich schnell erholt 

und absolvierte seine Auftritte mit der ge wohnten Agilität, über die man 

bei einem 75-jährigen nur staunen kann. Für 2020 sind schon wieder 

Live-Auftritte in Florida angekündigt, und man darf gespannt sein, wie 

das 60-jährige Bestehen der Ur ge steine der Rockmusik im Jahr 2022 

gefeiert werden wird, die sich seit jeher auf ihren Ausnahme-Drummer 

Charlie Watts verlassen konnte. Trotz allen gesundheitlichen Raub - 

baus, den insbesondere Richards und Wood an ihrer Gesundheit ge - 

trieben haben, haben diese unverwüstlichen Musiker wohl die Energie, 

dies auch noch zu erleben. Long Live Rock ‘n’ Roll! 

Nächste FolGe: JEFF BECK – WHO ELSE? 

WeB: WWW.ROLLINGSTONES.COM 

text: NORBERT APING 

Fotoquelle: UNIVERSAL MUSIC GROUP; 

WIKIPEDIA 

DR. NORBERT APING 

Geboren 1952, Buchautor und Direktor des 

Amtsgerichts a. D. in Buxtehude 

THE 

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MARKET 

plaza’20 

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03./04.04.2020 

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musikmesse-plaza.com

28 STORIES 

Kompromisslos 

taktvolle Drumbeats, 

sensibel-energetische 

Gitarrensoli, 

ein fundamental 

verspielter Bass, 

gepaart 

mit bildhaften 

deutschsprachigen 

Texten in 

brachialzartem 

Stimmgewand 

ergeben 

Burn Out Laut. 

Therapeutischer Soulrock 

Aus dem Burnout 

heraus Laut geworden. 

MM: Die Musik ist für euch wahrscheinlich 

auch persönlich noch bedeutsamer als für 

manch andere Bands, Burn Out Laut nicht 

einfach nur ein gut klingender Bandname. 

Was steckt dahinter? 

SEaN WarWIcK (Gesang): Ich hatte einen Burn - 

out, konnte meinen Beruf als Kameramann überhaupt 

nicht mehr ausüben und entschied mich 

etwa sieben monate später, nur noch musik 

machen zu wollen. Ich verkaufte meine Eigen tums - 

woh nung, um dies tun zu können, und tat mich mit 

meinem Freund und Gitarristen Tom Plück zu - 

sammen. Wir begannen im mai 2017, Songs zu 

komponieren. So sind wir aus dem Burnout „laut“ 

geworden. Letztendlich stehen wir als Band und 

jeder einzelne für den Transformations pro zess, aus 

einer schweren Lebenskrise etwas Tolles zu gestalten. 

Dieses Thema findet sich in vielen Texten wieder, 

z.B. in „Nur ein Typ“, „mein Es“, „Gib mir 

Kraft“, „Vertrau“ und viele mehr. 

Tom PLücK (Gitarre): Der Burnout ist der auf - 

hänger für den Namen. Jeder von uns hat seine 

persönliche Krise erlebt. Die Depression von 

Sascha (Bass), die gesundheitlichen Probleme 

unseres Schlagzeugers und meine komplette Er - 

blindung, die Ende 2018 eingetreten ist. 

MM: Aus negativen Erlebnissen etwas Schö - 

nes gestalten. Was möchtet ihr mit eurer 

Musik erreichen? 

Tom: Wir wollen zeigen, dass es wichtig ist, achtsam 

miteinander umzugehen und sich nicht fertigzumachen, 

nur weil man anders aussieht, eine 

Behinderung oder sonstige macken hat. 

SEaN: Ich finde es toll, wenn wir eine Vor bild - 

funktion einnehmen können. Egal was einen 

umhaut, man kann wieder zu sich finden. mach 

das, was du liebst, umgib dich mit Leuten, die dir 

gut tun, und es geht wieder bergauf. D. h. für 

mich auch manchmal abschied nehmen, von 

menschen, die mir nicht gut getan haben. So habe 

ich mich nach meinem Burnout von drei meiner 

engsten Freunde distanziert, was ich immer noch 

als eine gute Entscheidung empfinde. 

MM: Was sind eure musikalischen Ein flüsse? 

Tom: Ich habe Soulmusik mit der muttermilch 

aufgenommen. Zu Hause wurden früher viel James 

Brown und Wilson Picket gehört. Später kamen 

dann die Blues-Klassiker hinzu. Und natürlich die 

großen Bands der 70er-Jahre, z.B. Jimi Hendrix, 

Led Zeppelin, Van Halen u.v.m. Ich mag aber 


STORIES 29 

BURN OUT LAUT 

„Sitzung Eins“ 

VÖ: 12. DEZEMBER 2019 

BURNOUTLAUT.DE 

WWW.FACEBOOK.COM/BURNOUTLAUT.DE 

BESETZUNG: 

SEAN WARWICK – GESaNG, orGEL | TOM PLÜCK – GITarrE 

SASCHA MANDELKOW – BaSS | MIRKO GRUSA – ScHLaGZEUG 

auch John coltrane, Zappa, genau so gerne auch 

mal moderne Sachen aus dem Bereich Hip-Hop 

wie z.B. N.E.r.D. 

SEaN: Da ich früher eine art Verbot gespürt habe, 

mich mit musik zu beschäftigen, habe ich mich 

mit anfang 20 viel eingesperrt und statt musik zu 

hören einfach Klavier gespielt und gesungen. Ich 

habe sehr gerne Jazz-Standards für mich ge - 

spielt. Wenn ich dann doch musik gehört habe, 

waren das immer Sänger, die sich die Seele aus 

dem Leib geschrien haben, wie Kurt cobain, Joe 

cocker, Janis Joplin und James Brown. Später 

habe ich dann gerne mal Soul-musik gehört. Ein 

schöner abend mit ner heißen Braut, rotwein 

und marvin Gaye. Herrlich. 

MM: Deutsche Texte, gesungen von einem 

halb englischen Belgier. Warum habt ihr euch 

für Songs in Deutsch entschieden? 

SEaN: Wir haben eine message und die soll 

ankommen. Wer hört denn bei englischen Texten 

schon genau hin? Darüber hinaus mag ich die 

deutsche Sprache sehr gerne. Sie ist sehr genau, 

eignet sich für mich sehr gut, um schöne Bilder 

und Emotionen zu erzeugen oder auch mal 

albernen Kram loszuwerden, wie z.B. im Song 

„Ich Krach Das“, wo dann einige Zeilen übrigens 

doch wieder tiefe Wahrheiten beinhalten. 

Tom: Ich würde es sogar noch deutlicher formulieren. 

Bei deutschen Texten ist man gezwungen 

den Text zu hören und zu verstehen. Da kann 

man gar nicht anders. Das nutzen wir, um unsere 

Botschaft zu übermitteln. 

8 


30 STORIES 

MM: Wie ist euer Verhältnis untereinander in 

der Band? 

SEaN: Voll die Zweckgemeinschaft! (Lacht) 

Tom: Wir sind sehr familiär unterwegs. Wir bereden 

alles mögliche und sind füreinander da. 

SEaN: Tom, Sascha und ich kennen uns schon 

seit vielen Jahren, da wir früher in einer anderen 

combo zusammen gecovert haben. Die Band - 

mitglieder sind meine engsten Freunde. auch 

mirko, der erst seit vier monaten dabei ist, zähle 

ich zu meinem engsten Freundeskreis. Unser Pro - 

jekt schweißt uns zusammen. 

MM: Ihr teilt die Leidenschaft für Musik und 

sagt, das Musikmachen hat für euch auch 

eine therapeutische Wirkung. Wie kann man 

sich das vorstellen? 

Tom: musik ist für mich wie die Luft zum atmen. 

ohne geht es nicht. Ich kann meine Gefühle, 

egal ob positiv oder negativ, auf der Gitarre rauslassen. 

Wenn ich dann mal die Sau rauslasse, 

fühle ich mich hinterher viel besser. Ich kann 

dann einen schwierigen Tag viel besser durchstehen 

oder mich von einem Scheiß-Tag besser 

erholen. 

SEaN: Bei mir sind es mehrere Sachen gleichzeitig. 

Erlebe ich etwas, was mich emotional um - 

haut, schreibe ich einen Song und mir geht es 

besser. Das Kack-Erlebnis hat mir zu einer neuen 

Blüte verholfen. Das tut mir gut. ansonsten heilt 

mich das musizieren jedes mal wieder. Ich muss 

nur einen Jazz-akkord auf dem Klavier anspielen 

und entspanne mich. mit den Jungs zusammen 

zu rocken, egal ob auf der Bühne oder im Probe - 

raum, hat jedes mal wieder etwas magisches. 

Unser Zusammenhalt wird spürbar. 

MM: Auf eurer Homepage bietet ihr mit eurer 

Musik einen „freundlichen Arschtritt zur per - 

sönlichen Weiterentwicklung“ an. Geht dieser 

„Arschtritt“ auch an euch? 

SEaN: Dieser arschtritt geht hauptsächlich erst 

mal an uns. Die musik, und für mich insbesondere 

die Texte, erinnern mich immer wieder daran, dass 

ich auf mich aufpassen will, dass ich so handle, 

wie es mir gut tut. 

Tom: Ja genau, es hat auch den Zweck, uns 

selbst zu bestärken. Wir machen uns mit unserer 

musik selbst neuen mut, dass wir uns trauen, 

neue Dinge auszuprobieren oder gestärkt in den 

neuen Tag gehen können. 

SEaN: Und wer will, kann es uns ja gleichtun! 

MM: Was kann man bei euren Auftritten er - 

warten? 

Tom: Eine positiv geladene, musikalisch unterhaltsame 

Show. Wir sind musikalisch nicht so 

festgelegt, dass wir nur rocknummern im Pro - 

gramm haben. Wir verarbeiten auch andere 

mu si kalische Einflüsse, die eher dem Blues, Soul 

und auch Funk zuzuordnen sind. Da mischen 


STORIES 31 

sich schnelle Num mern mit Balladen und anderem 

Kram. 

SEaN: mir ist unsere authentizität wichtig. Wir 

zeigen uns so, wie wir sind, und alle, die kommen, 

sind eingeladen, sich mit sich selbst und allem 

wohlzufühlen. Darüber hinaus finde ich, dass wir 

es gut hingekriegt haben, catchy melodien zu 

komponieren, die von vielen Leuten direkt mitgesungen 

werden. Und nein, wir machen keinen 

Schlager. 

MM: Organisiert ihr eure Auftritte selber? 

SEaN: Bis jetzt ja. Es werden zum Glück auch 

immer mehr. Den Job würden wir allerdings sehr 

gerne abgeben, und wir freuen uns, wenn Booker 

auf uns zukommen! 

MM: Wenn ihr die Möglichkeit dazu habt, mit 

welchem Künstler/mit welcher Band würdet 

ihr gerne mal zusammenarbeiten? 

SEaN: Bis ich so weit bin, mal ne Nummer mit 

Queen trällern zu dürfen, wäre es mir eine Ehre, 

mit Udo Lindenberg auf ner Bühne zu stehen. 

Tom: Ich könnte mir das mit Xavier Naidoo vorstellen. 

Der hat eine sehr prägnante, soulige 

Stimme und gute musiker am Start. 

MM: Was sind eure kurzfristigen und langfristigen 

Ziele für die Zukunft? 

»Bei deutschen Texten ist man gezwungen, den Text 

zu hören und zu verstehen. 

Da kann man gar nicht anders. Das nutzen wir, um 

unsere Botschaft zu übermitteln.« 

SEaN: Kurzfristig wollen wir davon leben können 

und langfristig sehr gut. mir ist klar, dass wir dafür 

viele Schritte gehen müssen, und die gehen wir. 

Wir haben ein musikvideo zu unserem Song 

„mein Es“ gedreht, am 12.12.2019 kam unsere 

erste EP raus, wir spielen wo es geht und knüpfen 

neue Kontakte. Unsere Website www.burnoutlaut.de 

sieht auch immer besser aus. Darüber 

hinaus ist mir wichtig, unsere Botschaft weiter zu 

transportieren. Ich möchte menschen helfen, aus 

ihrem Leben was Geiles zu machen. Das muss 

für mich nicht nur über die musik geschehen. Ich 

kann mir auch vorstellen, Seminare oder Videocoachings 

zum Thema Persönlichkeitsent wick - 

lung zu geben. Die musik ist in meinem Leben 

aber definitiv ein muss. 

Tom: Ne Finca mit Pool auf malle (Lacht). Es wäre 

schön, von der musik leben zu können, da es für 

mich das Wichtigste in meinem Leben ist! 

WEB: WWW.BURNOUTLAUT.DE 

INTErVIEW: RONJA RABE 

FoToQUELLE: BURN OUT LAUT 


32 STORIES 

MM: Bist du Musiker, Kabarettist oder beides? 

SVEN GARRECHT: Das überlasse ich gerne 

dem Publikum. Bisher habe ich sowohl auf Ka - 

barettbühnen als auch auf Musikfestivals spielen 

dürfen. 

Auf der Bühne spiele ich Lieder, erzähle Anek - 

doten und trage Gedichte vor. Es kommt vor, 

dass an Stellen gelacht wird, bei denen ich das 

auch so geplant habe. Aber es gibt auch erns - 

tere Lieder und Themen. 

Ich freue mich, wenn die Leute kommen, um 

Musik zu hören, und ich freue mich genauso, 

wenn sie kommen, um zu lachen. Ob sie dann 

hinterher sagen, sie waren bei einem Musiker 

oder bei einem Kabarettisten, ist mir eigentlich 

egal. Blöd wäre nur, wenn sie gar nicht erst 

kämen. 

MM: Dein neues Programm – wann, wie, was 

und wo? 

SVEN: Daran schreibe ich gerade. Die Premiere 

ist für dieses Jahr angesetzt. Wahrscheinlich 

wird es eine in der Schweiz geben und eine in 

meiner Heimatstadt Seligenstadt, davon einmal 

solo und einmal mit Band. Wann und wo 

genau ich dann sein muss, schau ich hoffentlich 

rechtzeitig auf meiner Homepage nach. 

Was genau im neuen Programm passiert, 

kann ich natürlich noch nicht verraten. Sagen 

kann ich Folgendes: Ich werde singen, Klavier 

spielen und eine Mütze tragen. 

MM: Trittst du lieber mit Band, im Duo oder 

alleine auf? 

SVEN: Alles sehr gerne. Wenn ich alleine spiele, 

habe ich natürlich die Möglichkeit, mehr mit dem 

Publikum zu interagieren oder einfach mal während 

eines Liedes eine kurze Ge schichte einzuschieben. 

Im Duo spiele ich mit einem Multiinstrumen - 

talisten. Da ist der Reiz natürlich das Wechseln 

der Instrumente. 

Und mit Band kann man die Lieder eben mu - 

sikalisch ausloten. Da gibt es dann mal ein Gi - 

tar rensolo oder einen mehrstimmigen Chorsatz 

– das ist alleine schwierig. 

MM: Was sind gute Lieder? Kann man jemals 

mit einem Lied zufrieden sein? 

Mit der Kleinkunst 

im Herzen 

schafft er eine 

Symbiose aus grooviger 

Popmusik und 

sinnigem Chanson 

SVEN: Man vielleicht, ich leider nicht. Ich habe 

noch nie ein Lied geschrieben und gesagt: 

Fertig – besser geht’s nicht. Deswegen muss 

ich mich jedes Mal dazu überwinden, an einem 

bestimmten Punkt zu sagen: Fertig – besser 

8 


STORIES 33 


34 STORIES 

kann ich’s nicht. Ab dann spiele ich das Lied 

zwar, höre aber nie auf zu überlegen, ob man 

nicht doch noch etwas daran ändern könnte. 

Es kam schon vor, dass ich eine Nummer jahrelang 

gespielt habe und dann plötzlich singe 

ich aus Versehen eine Zeile anders und es 

gefällt mir besser. Und dann lasse ich das erst 

einmal so, bis mir wieder was anderes einfällt. 

Es gibt Menschen, die müssen halbjährlich ihre 

Einrichtung in der Wohnung umstellen. Bei mir 

sind es die Lieder. 

Die Frage danach, was ein gutes Lied ist, 

lässt sich wahrscheinlich nicht mit objektiven 

Maßstäben beurteilen. Ich glaube ich kann 

Liedern nicht so viel abgewinnen, wenn ich das 

Gefühl habe, sie wollen sich anbiedern. Wenn 

jemand ein Lied schreibt, weil er das Bedürfnis 

hat, das zu tun, unabhängig von Erfolg oder Ge - 

fälligkeit, dann muss es nicht meinem persönlichen 

Geschmack entsprechen, aber es ist ein 

gutes Lied. Konstantin Wecker hat ein Stück 

mit dem Titel „Ich singe, weil ich ein Lied hab“. 

Das scheint mir der richtige Ansatz zu sein. 

SVEN GARRECHT 

„Kleinstadttiger“ – EP 

VÖ: NOVEMBER 2018 

WWW.SVENGARRECHT.DE 

WWW.FACEBOOK.COM/SVENGARRECHT 

MM: Was kannst du uns über das Geheim nis 

von Soleiern verraten? 

SVEN: Mir ist es wichtig, meinem Publikum mit - 

zuteilen, dass ich hervorragende Soleier mache, 

damit sie wissen: Gott sei Dank, er kann wenigs - 

tens irgendwas gut. Das Rezept habe ich von 

einem befreundeten Koch, aber natürlich muss 

ich das für mich behalten. So viel sei gesagt: Die 

Eier sollten vorher gekocht werden. 

MM: Dein aktuelles Programm heißt „Klein- 

stadt-Tiger“. Gibt es einen Bezug zu deiner 

Kindheit in Seligenstadt? 

SVEN: Ja, den gibt es. Ich erzähle ein paar Anek - 

doten aus meiner Kindheit und berichte von 

Phänomenen des Lebens in der Kleinstadt. Wobei 

mir mittlerweile klar geworden ist, dass es die 

überall gibt, egal ob Groß- oder Klein stadt. 

Zum Beispiel handelt das Lied „Auf der Lügen - 

bank“ von einem Ort in meiner Heimat, den man 

offiziell zum Knotenpunkt für Klatsch, Un sinn 

und Schwindeleien erklärt hat. Ich dachte immer, 

so was gäbe es nur bei uns, aber neulich kam 

nach dem Konzert ein Herr zu mir und sagte: „So 

was haben wir auch, heißt bei uns Rathaus.“ 

MM: Wie bist du zur Musik und deinem eigenen 

Projekt gekommen? 

SVEN: Ich hielt es eigentlich schon immer für 

die einzig richtige Idee, Musiker zu werden. Also 

habe ich zunächst Saxophon studiert und dann 

in einigen Bands gespielt. 


STORIES 35 

»Sven Garrecht hat begriffen, dass, wenn 

die Welt wirklich jeden Tag schlechter wird, 

gestern zwar alles noch nicht ganz 

so schlimm war, wie es im Moment ist, 

aber dann immerhin heute noch 

alles besser ist, als es morgen sein wird. 

Zum Raufen gehen ihm sowieso 

langsam die Haare aus und für Masochismus 

ist er einfach viel zu bequem. 

Was ihm allerdings scheinbar nie ausgeht, 

sind die Sprüche. 

Frisch, frech, charmant – 

und keiner davon ist auch nur halb so alt 

wie die Kappe, die er trägt.« 

Als ich dann angefangen habe, eigene Lieder 

und Texte zu schreiben, wurde mir klar, dass 

gleichzeitig singen und Saxophon spielen zwar 

überraschenderweise geht, aber ziemlich kacke 

klingt. Deshalb bin ich dann auf das Klavier ge - 

wechselt. Und so ist es geblieben. 

MM: Was ist für dich ein gutes Konzert? 

SVEN: Es war ein gutes Konzert, wenn das Pu - 

blikum mit mir gemeinsam einen schönen Abend 

hatte. Ob das jetzt war, weil sie gelacht haben, 

gerührt waren, ihnen die Musik gefallen hat 

oder sie zwischendurch eingenickt sind, spielt 

dabei keine Rolle. 

MM: Wie wichtig ist „Autentizität“ und 

schreibt man das nicht eigentlich mit „th“? 

SVEN: Richtig, es heißt eigentlich Autentizithät. 

Mir kommt es so vor, als würde das gerade 

zum neuen Trendbegriff werden – jeder sucht 

danach, jeder fragt danach. Ich glaube, wenn 

man etwas gerne tut, dann ist das per se au - 

thentisch. 

MM: Macht Musik nur Spaß oder auch Ar beit? 

SVEN: Musik macht nur Spaß. Arbeit macht die 

Zeit dazwischen. 

Web: WWW.SVENGARRECHT.DE 

IntervIeW: RONJA RABE 

Fotos: MATHIAS NEUBAUER; 

MORTEN ROESCH 


36 STORIES 


STORIES 37 

VOICE 

OVER 

PIANO 

En ter tain ment 

auf höchs tem Ni veau 

welt weit – haut nah 

Sängerin Sara Dähn und der Komponist 

Die 

und Entertainer Thomas Blaeschke treten seit 

2012 gemeinsam als Voice Over Piano mit Band und 

Orchester national und international auf. 

MM: Als Voice Over Piano seid ihr international 

unterwegs. Was waren die bisherigen High - 

lights? 

VOICE OVER PIANO: Highlights gibt es mittlerweile 

einige, da die Länder und Gegebenheiten unterschiedlicher 

nicht hätten sein können. 

Sicherlich zählen in den USA die Auftritte in New 

York City, Sacramento und San Francisco sowie in 

Palm Beach dazu. Dort gibt es unheimlich viele gute 

Kollegen, und man muss sich erst einmal vor einem 

Publikum behaupten, das Vielfalt und Qualität ge - 

wohnt ist. Beim ersten Mal hatten wir sehr großen 

Respekt vor diesem Umstand, merkten dann aber, 

dass wir ankommen, und haben unser Ding gemacht. 

Aufregend waren die Konzerte in Krisengebieten 

wie Afghanistan, im Kosovo, in Bosnien, im Irak oder 

aber auch in anderen Staaten mit anderer Kultur wie 

Usbekistan, Russland oder Korea. Doch das Publi - 

kum ist immer sehr dankbar und schnell vergisst man 

die außergewöhnlichen Umstände und spielt einfach 

nur für die Leute dort. 

Ansonsten waren sicherlich die Highlights auch 

die mehrfachen Auftritte im Bundeskanzleramt oder 

in Ministerien in Berlin. 

Am emotionalsten waren das offizielle Singen einmal 

der deutschen Nationalhymne bei einem Festakt im 

Bundesministerium der Verteidigung und erst jetzt 

2019 die Hymnen der USA und Deutschlands bei 

den Feierlichkeiten zum Independence Day 2019 im 

US-Generalkonsulat Hamburg. Da lastete großer 

Druck auf uns und es kam häufig der Hinweis „Ver- 

singt euch bloß nicht“ – puh, das war bereits im 

Vorfeld anstrengend. Aber bei YouTube findet man 

nun das Video dazu und wir sind sehr zufrieden. 

Die deutsche Nationalhymne und auch gleich die 

Kameruns auf Französisch und die Europahymne 

auf Deutsch und Französisch folgten dann übrigens 

schon gleich in Afrika zum zentralen Konzert zum 

„Tag der deutschen Einheit“ über das Auswärtige 

Amt und die Deutsche Botschaft in Yaoundé, der 

Hauptstadt Kameruns, Anfang Oktober 2019. Das 

war nochmals eine Schippe aufregender, weil 600 

Gäste aus verschiedenen Nationen kamen: internationale 

Gäste aus Politik und Wirtschaft, Medien ver - 

treter, insbesondere das Corps Diplomatique und 

kamerunische Regie rungsvertreter. Als die Hymnen 

durch waren, haben wir (erleichtert) zwei Stunden ge - 

rockt mit unserer Band, u. a. wegen des Mauer falls mit 

„Wind Of Change“ von den Scorpions. Danach waren 

die weiteren Aktivitäten, u. a. ein Konzert für das 

Goethe-Institut Kamerun, gefühlt einfach. 

8 


38 STORIES 

MM. Wie kreiert ihr eure Shows? Was ist das 

Besondere daran? 

VOICE OVER PIANO: Das Besondere an unseren 

Shows ist bereits der Fakt, dass Sara als Frau 

auch viele originäre Männerstücke singt. Mal mit 

Backing Vocals, mal nur solo, mal mit Piano- 

Begleitung oder mit unserer Band oder unserem 

Orchester. Dadurch ergibt sich eine große Band - 

breite eigener Inter pre tationen und Arrange ments, 

aber auch eigener Songs. 

MM: Woraus besteht euer Repertoire? 

VOICE OVER PIANO: Nun ja, das Publikum 

braucht keine Kopien großartiger Originale. Wenn 

man also etwas covert, sollte es in der Art so verändert 

sein, dass es quasi einen eigenen Stil darstellt. 

Ich sagte ja bereits: Sara als Frau singt die 

Titel, egal, ob sie im Original von Mann oder Frau 

sind, in unserer Interpretation und in unserem 

Stil. Wir passen die Arrangements an unsere 

Band, das Orchester an. Wir legen großen Wert 

auf Interpretation, denn man muss die Texte und 

deren Inhalte leben, um sie glaubhaft oder, wie 

vielfach immer wieder ge sagt wird, authentisch 

zum Publikum zu transportieren. 

über uns erfahren, und scheut auch nicht, auf 

Zwischenrufe oder Fragen zu reagieren. 

MM: Kooperiert ihr mit anderen Künstlern? 

VOICE OVER PIANO: Ja, wir suchen immer wieder 

Kooperationen, weil man dadurch einfach 

unglaublich tolle andere Dinge machen kann als 

immer nur das eigene. Man bekommt super An - 

regungen und Ideen. 

MM: Wie drückt ihr eure Visionen in der 

Musik, aber auch in den Videos aus? 

VOICE OVER PIANO: Nun, wir schreiben unsere 

eigenen Songs und bewegen uns dabei durch 

mehrere Genres. Und wir haben ein großes Re - 

pertoire mit Cover-Songs, die wir in unserem Stil 

darbieten. Darunter Songs von Queen, ABBA, 

Udo Jürgens, Frank Sinatra, Beyoncé, Gloria 

Gaynor, von Trude Herr, Georg Kreisler, Friedrich 

Holländer und Günter Neumann. Also Rock, Pop, 

Hot Country, Chanson und auch Musical titel, die es 

ja auch vielfach in die Charts schafften. 

MM: Wie habt ihr euren eigenen Stil gefunden? 

Im Übrigen versuchen wir, auch sprachlich in 

deutschsprachigen Gebieten die Masse auf 

Deutsch zu singen, weil die Texte dadurch auch 

wirklich verstanden werden (die mitschwingenden 

Konnotationen). In englischsprachigen Ländern 

machen wir das auf Englisch und wir haben auch 

mal französische Titel im Angebot. 

Eine zweite Stärke unseres Programms ist, dass 

Thomas nicht nur Bandleader und Pianist ist, 

sondern auch ein unglaublich guter Moderator 

und Entertainer. Er schafft es, dass die Zu schauer 

humorvoll Wissenswertes über die Songs oder 

VOICE OVER PIANO: Also Text und Musik müssen 

zueinander passen und sich gegenseitig tragen 

– Musik kann Text unglaublich unterstützen. 

Aber Texte müssen, auch wenn sie mal witzig 

sind, immer auch Inhalt haben und eine gewisse 

Eloquenz beinhalten. Wir lieben speziell diesen 

Weg, der nicht der einzig gangbare ist, denn es 

gib ja viele andere Macharten. Wobei wir nicht 

ein gesungenes Wort „Liebe“ durch ein Auflegen 

der Hand aufs eigene Herz unterstreichen. Das 

ist too much. Es ist doch aber genial, wenn man 

einen Satz so singen kann, dass das Gefühl gleich 

transportiert wird. 


STORIES 39 

VOICE OVER PIANO 

weltweit – hautnah 

VÖ: 30. JULI 2018 

WWW.VOICEOVERPIANO.COM 

FACEBOOK.COM/VOICEOVERPIANO 

MAIL@VOICEOVERPIANO.COM 

Sara weiß sich zu bewegen, denn sie hat ja nebst Gesang 

auch Tanz studiert. Sie hat eine unglaubliche Bühnen - 

präsenz. Das kommt immer wieder von den Zu schauern 

im Nachgang als Rückmeldung. 

MM: Ihr seid auch schon vor berühmten Persönlich - 

keiten aufgetreten. Ist man da besonders aufgeregt? 

Besonders weiche, 

instrumentenschonende 

 

VOICE OVER PIANO: Klar, selbst bei Wiederholungen wie 

bei Bundeskanzlerin Merkel oder Verteidigungsministerin 

von der Leyen waren wir aufgeregt, denn man will es auf 

diesem Niveau auch selbst unbeschreiblich gut machen. 

Oder es ist auch immer so, dass man Respekt davor hat, 

wenn Kollegen oder andere Fachleute im Publikum sitzen. 

Die hören und sehen ja alles. Diese Aufregung ist gut. 

Man muss diese Energie einfach nur für den Auftritt nutzen, 

dann ist das ein Gewinn für die Performance. 

MM: Ich habe gehört, für nächstes Jahr ist unter anderem 

ein Auftritt in der Elbphilharmonie geplant? 

VOICE OVER PIANO: Die Elbphilharmonie ist eines unserer 

großen Ziele, und wir stricken derzeit an dem Programm 

und der Besetzung, um ein rundes Konzept zu präsentieren, 

das eben uns ausmacht. Auch hier wollen wir natürlich 

nicht einfach nur ein Konzert geben, sondern dem ehrwürdigen 

Rahmen entsprechend ein niveauvolles Konzert 

geben, das positiv nachhaltig in Erinnerung bleibt. Man will 

ja wiederholt wiederkommen. Wir würden dort mit Band 

und Orchester auftreten. 

MM: Was sind eure weiteren musikalischen Ziele und 

Pläne? 

Besuch uns 

auf der Prolight+Sound: 

Halle 8.0 Stand A60 

VOICE OVER PIANO: Wir schreiben natürlich an weiteren 

eigenen Songs, die ja wichtiger Teil unserer Definition 

sind. Themen gibt es genug. Und dann wollen wir mittelfristig 

auch noch häufiger in die großen und ganz großen 

Hallen und auf Open Airs. Parallel arbeiten wir natürlich 

daran, dass wir über ein großes Label auch entsprechende 

Aufgaben bekommen, weitere CD-Produktionen durch zu - 

führen, Konzertprogramme zu kreieren und auch verstärkt in 

den Medien präsent zu sein mit Auftritten und Songs. 

Unsere Songs findet man bereits bei iTunes, Spotify, 

YouTube etc. Und es kommen in Kürze weitere hinzu. 

Sicher und platzsparend – 

Die »Guardian« Gitarrenständer 

· Schafft Platz im Studio oder Zuhause 

· Flexible Schutzbügel zwischen den Gitarren 

· In verschiedenen Ausführungen für 3, 4 oder 5 Gitarren 

erhältlich (E-Gitarren / Akustikgitarren) 

· Rollensatz (4 Lenkrollen) optional erhältlich 

· Transluzente Version zum Schutz vor Pigmentwanderungen 

bei Nitrolacken 

WEB: WWW.VOICEOVERPIANO.COM 

INTERVIEW: RONJA RABE 

FOTOS: CHRISTINE LUTZ 

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40 STORIES 

Hätte Tom Petty zusammen mit Johnny Cash eine Band gegründet, 

Bruce Springsteen und Neil Young dazu eingeladen, 

dann wäre das vermutlich die Revolution in der Geschichte 

der Rock-Musik gewesen. Unvorstellbar? 


STORIES 41 

MM: Warum Copper SMoke, zu Deutsch 

„kupfer rauch“? Was steckt hinter eurem 

Namen? 

COPPER SMOKE: COPPER SMOKE war ein typisches 

Ergebnis eines Brainstormings – der Name 

bleibt hängen und passt zur Musik. Interessant ist 

vielmehr, was Außenstehende hineininterpretieren, 

von der rauchenden Pistolenkugel bis hin zum 

kupfernen Whiskykessel der amerikanischen 

Moonshiner-Schwarzbrenner. 

MM: Copper SMoke existieren ja bereits einige 

Jahre – du, Frank, bist im raum Würzburg 

auch als Solokünstler bekannt. Wie und mit welchem 

Ziel habt ihr euch als Band zusammengefunden? 

COPPER SMOKE: Wir haben uns über die Musik 

kennengelernt – wie oftmals, durch Zufall. Ich habe 

in diversen Rockbands gespielt und durch mein 

Interesse zur Country-Musik bin ich vor über zehn 

Jahren in einer Country-Cover-Band gelandet. Dort 

habe ich den Keyboarder Jobst und den Drummer 

Christof kennengelernt. Wir haben uns gleich gut 

verstanden und hatten die gleichen musikalischen 

Vorlieben. Ab da war klar, dass wir etwas Eigenes 

mit eigenem Songmaterial machen wollten. Mit 

Dieter an der Sologitarre und Horst am Bass haben 

wir dann auch relativ schnell genau die erfahrenen 

Musiker und Menschen gefunden, die heute 

COPPER SMOKE ausmachen. Und das Wichtigste: 

es passt sowohl musikalisch als auch menschlich! 

MM: Americana oder auch einflüsse aus der 

Country- und Southern-rock-Szene sind bei 

euch nicht zu überhören. Was fasziniert euch 

am Übersee-Sound? 

COPPER SMOKE: Ich kann mich im Americana/ 

Alternative-Country und Folk am besten ausdrü - 

cken. Diese Musik ist einfach gemacht, um Ge - 

schichten zu erzählen. 

8 

Nicht ganz, denn die Würzburger Band steht genau 

für diesen Sound. 


42 STORIES 

Das hat ja auch eine lange Tradition mit Leuten 

wie Bob Dylan, Neil Young und vor allem 

Townes Van Zandt. Und ja klar, ein gewisser 

Hang zur Cowboy-Romantik ist zumindest bei 

mir nicht von der Hand zu weisen. 

MM: entstehen eure Songs mehr aus der 

Band arbeit oder legst du als Songwriter das 

Arran ge ment der von dir geschriebenen 

Songs alleine fest? 

COPPER SMOKE: Die Songideen und vor allem 

die Texte kommen fast ausschließlich von mir. 

Manchmal ist es nur eine Idee, manchmal ist 

bereits ein komplettes Arrangement im Kopf, 

jedoch basteln wir immer zusammen mit der 

ganzen Band an den Arrangements. Es ist immer 

wieder spannend wie sich Songs während des 

Arrangementprozesses entwickeln – manchmal 

steht ein Song schon nach ein bis zwei Pro - 

ben; wir hatten aber auch schon Songs, deren 

Entstehungsprozess sich über Monate hinzog. 

MM: Woher holst du deine Songideen? Die 

Texte haben ja doch oft einen nachdenklichen 

und melancholischen Unterton. Ist 

Musik generell ein Ventil, um solche Gefühle 

zu verarbeiten? 

COPPER SMOKE: Ein Ventil ist die Musik auf 

jeden Fall. Man kann persönliche Erlebnisse 

damit sehr gut verarbeiten und sich von der 

Seele schreiben. Das soll aber nicht heißen, dass 

ich nur negative Erlebnisse hatte (lacht). Aber 

oftmals lohnt es sich eben, schwierige oder 

traurige Themen anzugehen, da sie manchmal 

auch als Tabuthema gelten. Viele Men schen finden 

sich in solchen Texten selbst wieder, das 

kann dann auch eine positive Wirkung haben. 

Ein fröhlicher Text dagegen regt wenig zum 

Nachdenken an und verpufft meiner Meinung 

nach sehr schnell. Da fehlt mir einfach der Tief - 

gang. By the way, schön, dass du den Texten 

zugehört hast. Ist leider nicht immer selbstverständlich, 

was ich aber auch nachvollziehen 

kann. Viele haben nicht mehr die Zeit, sich einen 

Song intensiv anzuhören. Aber dennoch hab 

ich auch schon den ein oder anderen „Party- 

Song“ geschrieben, hier geht’s dann meistens 

etwas augenzwinkernd um die Folgen des über - 

mäßigen Alkoholgenusses. 

»Zusammen bringen die fünf Franken gute 100 Jahre Bühnenerfahrung mit 

und überzeugen durch Spielfreude 

und mit ihrem Markenzeichen, dem mehrstimmigen Gesang.« 


STORIES 43 

MM: könnt ihr uns schon etwas über eure 

neue CD verraten? 

COPPER SMOKE: Wie vorhin gesagt, ziehen 

sich ja manche Songarrangements ganz schön 

in die Länge, deshalb könnte der Titel der 

neuen CD gar nicht treffender sein: „It’s About 

Time“. Seit unserem letzten Longplayer „Second 

Chance“, für den wir mit einem 2. Preis beim 

Deutschen Rock und Pop Preis ausgezeichnet 

wurden, sind mittlerweile über vier Jahre vergangen. 

Wir haben alle Songs als komplette 

Band live im Studio aufgenommen und haben 

nur sehr wenig mit Overdubs bei den Key boards 

und der Leadgitarre gearbeitet. Unserer Mei - 

nung nach klingen die acht neuen Songs 

dadurch wesentlich authentischer, organischer 

und natürlicher. 

MM: Ihr habt die neue CD ganz altmodisch 

aus der eigenen Tasche finanziert. Wie ist 

eure Meinung zum Thema Crowdfunding, 

auf das ja heutzutage gerade junge Musiker 

verstärkt zurückgreifen? 

COPPER SMOKE: Crowdfunding ist eine super 

Sache. So was konnte man sich vor 10 bis 15 

Jahren kaum in der Form vorstellen. Wir haben 

unser Album aber – wie du sagst – altmodisch 

aus eigener Tasche bezahlt. Wir wollten diesmal 

einfach nichts dem Zufall überlassen und haben 

so ziemlich alles selbst in die Hand genommen. 

Die Leute da draußen, die Bock auf COPPER 

SMOKE haben, unterstützen uns sowieso da - 

durch, dass sie zu unseren Konzerten kommen 

oder Shirts und CDs kaufen. Ist ja auch eine Art 

Crowdfunding. Danke an dieser Stelle an unser 

Publikum, unsere Freunde, Fans usw.! 

MM: könntet ihr euch vorstellen, eure Ver - 

öffentlichungen in Zukunft vielleicht über 

ein Label „an den Mann“ zu bringen? Gerade 

in Sachen Marketing bietet ein Label ja 

häufig Vorteile ... 

COPPER SMOKE: Absolut! Ein Label oder ein 

Vertrieb ist für jeden Künstler interessant, da 

man dadurch eine größere Zielgruppe erreichen 

kann. Es ist zwar heutzutage nicht mehr 

zwingend nötig, sich an ein Label zu binden, 

aber Bandarbeit ist nicht nur Songs schreiben 

BESETZUNG: 

FRANK HALBIG – GesanG / Gitarre 

HORST METZ – Bass / GesanG 

JOBST BRAUN – Keys / Piano / GesanG 

DIETER ENGELHARDT – Gitarre / GesanG 

CHRISTOF AMANN – schlaGzeuG / GesanG 

und arrangieren, Platten aufnehmen oder live 

spielen. Die großen Zeitfresser sind und waren 

schon immer Marketing, Promotion und Boo king. 

Wir werden daher bei der neuen Ver öf fent lichung 

mit einem Musiklabel und Ver trieb zusam men - 

arbeiten, das uns in Sachen digitalen und physischen 

Vertrieb und beim Marke ting unterstützen 

wird. 

MM: Seht ihr euch selbst als Liveband oder 

ist es auf Dauer befriedigender, im stillen 

käm merlein Musik zu schreiben und irgend - 

wann zu veröffentlichen? 

COPPER SMOKE: Definitiv sind wir eine Live - 

band. Wir wollen raus zu den Leuten. Nur dann 

bekommen wir das zurück, wofür wir im „stillen 

Kämmerlein“ arbeiten. Aber ehrlich gesagt ist 

es manchmal schon leicht frustrierend. Man 

hat es als Liveband, die eigene Songs spielt, 

nicht immer leicht, Veranstalter davon zu überzeugen, 

vielleicht doch nicht die 25. Coveroder 

Tributeband zu engagieren, sondern offen 

für „Unbekanntes“ zu sein. Alle Locations, bei 

denen wir bisher spielen durften, haben uns 

durch die Bank immer für weitere Termine ge - 

bucht, weil das Publikum immer begeistert war 

und am Ende zufrieden nach Hause ging. 

Dennoch wollen wir natürlich auch zukünftig 

gute Studioarbeit abliefern. Vielleicht dauert es 

ja bis zur nächsten CD nicht wieder vier Jahre? ;) 

MM: Wo sehen sich Copper SMoke in fünf 

Jahren – was sind eure Ziele? 

COPPER SMOKE: Wo wir uns in fünf Jahren 

sehen? Keine Ahnung. Ich hoffe, wir bleiben ge - 

sund und können auch in fünf Jahren noch an 

großartigen Songs arbeiten. Das ist unser größtes 

Ziel. Gemeinsam Musik machen, die wir lieben. 

Wenn wir bis dahin noch fünfmal so viele 

Menschen dazugewinnen, denen unsere Musik 

genauso viel Spaß macht, haben wir alles richtig 

gemacht. Vielen Dank an das Musiker 

Magazin dafür, dass wir uns und unsere Musik 

hier vorstellen durften. 

WeB: COPPERSMOKE1.JIMDO.COM 

intervieW: RONJA RABE 

Fotoquelle: COPPER SMOKE 

COPPER SMOKE 

„It’s About Time“ 

VÖ: 15. NOVEMBER 2019 

COPPERSMOKE1.JIMDO.COM 

WWW.FACEBOOK.COM/COPPERSMOKE 


44 STORIES 

KÖNIG & MEYER 

Stands For Your Music 

seit 1949 

»Unsere Philosophie 

ist es, qualitativ 

hochwertige und 

langlebige Produkte 

umweltgerecht 

zu fertigen, damit sich 

Musiker weltweit 

auf das Wesentliche 

konzentrieren 

können – ihre Musik.« 

KÖNIG & MEYER 

AUF DER 

PROLIGHT+SOUND: 

Halle 8.0 Stand a60 

eit vielen Jahren unterstützt das Unternehmen König & Meyer die Kulturveranstaltungen für 

S die zahlreichen zumeist jungen Rock- & Pop-Musiker*innen aus den 16 Bundesländern 

„deutscher Rock & Pop Preis“, zuerst fünf Jahre lang im Wiesbadener Kongresszentrum und jetzt 

seit sechs Jahren in der Siegerlandhalle in Siegen. das Unternehmen unterstützt damit seit langer Zeit 

das kulturelle engagement der gemeinnützigen deutschen Pop Stiftung und des deutschen 

Rock & Pop Musikerverbandes e.V. unter der Schirmherrschaft des Präsidenten des deutschen 

Musikrates und des Bürgermeisters der Stadt Siegen als austragungsort. es handelt sich hier seit 

nunmehr 37 Jahren um eine Kulturveranstaltung, an der jährlich bis zu 1000 Musikerinnen und Musiker 

aus allen teilen deutschlands vor und hinter der Bühne zumeist ehrenamtlich mitwirken. 

MM: Spielt auch bei Ihnen die Förderung der 

kreativen, musikbegeisterten jungen Men - 

schen in Deutschland in ihren Zielset zun gen 

und Entscheidungen eine besondere Rolle? 

GaBRiela KöniG: Musik überwindet kulturelle 

Gren zen und bringt Menschen zusammen. deshalb 

spielt die Förderung von Musikern, Musikensembles 

und -institutionen generell eine wichtige Rolle. 

deshalb unterstützen wir verschiedene so wohl re - 

gionale als auch überregionale Projekte. dabei sind 

wir nicht auf ein Genre oder ein be stimmtes thema 

festgelegt. allerdings ist nach wuchs för de rung, wie 

auch die teilnahme an dem deutschen Rock & Pop 

Preis zeigt, ein Schwer punkt in der Förderung. 

Wenn bei jungen Men schen interesse und Spaß 

am Musizieren geweckt und aktiv gefördert werden, 

sorgt dies für den erhalt und eine weitere 

Verbrei tung von Musik. dies ist auch für uns lang - 

fristig von essenzieller Bedeutung. 

MM: Was verbinden Sie mit dem Thema 

Musik? Sind Sie selbst musikalisch? 

GaBRiela KöniG: Seit 70 Jahren steht die Marke 

König & Meyer in der Musikwelt für hochwertiges 

Musikzubehör mit unverwechselbaren designs und 

hoher Funktionalität. ein Schlüssel zum er folg 

des Unternehmens ist hierbei die hohe Ferti gungs - 

tiefe. Fast alle einzelteile der Produkte werden im 

eigenen Haus in deutschland hergestellt. Per ma - 

nent wird in moderne Produktionsprozesse investiert. 

Von der entwicklung über die Produktion 

bis hin zur Vermarktung gilt für uns die kompromisslose 

Orientierung am hohen Qualitäts an - 

spruch. 280 Mitarbeiter sorgen in Wertheim dafür, 

dass die gut 1 500 Produkte effizient gefertigt und 

fristgerecht mit bester Qualität und gutem Ser vice 

in 80 länder der Welt ausgeliefert werden. 

MM: 2019 war sehr durch die Bewegung 

„Fridays for Future“ geprägt. Dass Ihnen die 

Umwelt als Unternehmen am Herzen liegt, 

kann man an vielen Ihrer Maßnahmen er - 

kennen. Was ist Ihr persönlicher An spruch – 

und wie viel Spielraum hat ein Unter neh men, 

das wirtschaftlich denken muss? 

GaBRiela KöniG: dass Musik guttut, die Kreati - 

vität und das Sozialverhalten verbessert, ist ja 

hinreichend bekannt. ich persönlich höre sehr 

gerne Musik. Musik hebt die laune, lenkt ab und 

unterhält. ich besuche auch gern mal ein Kon zert 

von Klassik bis Rock. leider spiele ich selbst kein 

instrument, wobei dies immer noch auf meiner 

„to-do“- bzw. „Bucket“-liste steht. 

MM: Was für ein Unternehmen verbirgt sich 

hinter dem K&M-Signet? Was zeichnet das 

Unternehmen in Ihren Augen aus? 

GaBRiela KöniG: Wir übernehmen weit über 

den Rahmen gesetzlicher Vorgaben hinaus auch 

eine Verantwortung im Bereich Umweltschutz. Um 

eine nachhaltige und möglichst umweltschonende 

Pro duktion zu verwirklichen, wird bereits seit 

Jahren kontinuierlich daran gearbeitet, abfälle zu 

vermeiden, emissionen zu verringern, erneuerbare 

energiequellen zu nutzen und Ressourcen zu 

schonen. So konnten wir beispielsweise den 

Wasser verbrauch seit 1979 um 94 % senken. 

Ressourcenschonung spart am ende auch Kosten 

für das Unternehmen. König & Meyer ist nach

STORIES 45 

den normen iSO 14001 und eMaS ii zertifiziert 

und wurde für sein engagement im Umwelt schutz 

vom land Baden-Württemberg ausgezeichnet. 

Weitere Projekte im Hinblick auf eine CO 2 -neutrale 

Produktion und die weitere nutzung von erneuerbaren 

energien sind bereits in Planung. 

MM: Lassen Sie uns bei der jüngeren Gene - 

ration einhaken. Auch dieses Jahr kann das 

Unternehmen eine Ausbildungsquote von 

knapp 9 % realisieren. In Zeiten von Fach - 

kräfte mangel und der steigenden Akade mi - 

ker quote ist das nicht selbstverständlich. Wie 

wichtig ist es für Sie, auch als Ausbildungs - 

un ternehmen zu agieren? 

GaBRiela KöniG: Gerade durch unsere hohe 

Wert schöpfungskette und den hohen Qualitäts - 

an spruch sind wir auf gut qualifizierte Mitarbeiter 

angewiesen. deshalb setzen wir seit Jahrzehnten 

auf die ausbildung im eigenen Unternehmen 

sowohl in technischen als auch in kaufmännischen 

Berufen. So sichern wir uns die Fachkräfte 

von morgen. Viele ehemalige auszubildende arbeiten 

heute in verantwortungsvollen Führungs posi - 

tionen im Unternehmen. die betriebliche ausbil - 

dung fördert langfristig die Wettbewerbsfähigkeit, 

steigert die Produktivität und innovationskraft 

des Unternehmens. 

Problem. die Marktkonzentration schreitet immer 

schneller voran, in deren Folge ganze Regionen 

von einer musikalischen Grundversorgung vor 

Ort ausgeschlossen sein können. dazu kommt 

noch die katastrophale Situation des vielfach nicht 

mehr angebotenen Musikunterrichts an allgemein - 

bildenden Schulen. dies setzt einen ge fährlichen 

Kreislauf in Gang, in dessen weiteren Verlauf im 

schlimmsten Falle Musizieren nicht mehr stattfindet. 

dies ist für die gesamte Branche eine ernst zu 

nehmende Situation. 

MM: Mit dem Bau des neuen Logistik zen - 

trums 2017 in Wertheim hat König & Meyer 

erneut ein klares Bekenntnis zur Stand ort - 

wahl gemacht. Eine mutige Investition in 

Zeiten, in denen so manches Unternehmen 

Teile seiner Produktion ins Ausland verlagert. 

Welche Rolle spielt der Standort Deutschland/ 

Wertheim für Sie? 

GaBRiela KöniG: Wir sehen auf jeden Fall die 

klassischen Standortfaktoren wie den hohen 

Grad der Mitarbeiterqualifikation, die infrastrukturellen 

Verhältnisse und die hohen Qualitäts stan - 

dards in deutschland weiterhin als große Vorteile 

gegenüber der Produktion in anderen ländern. 

auch die politische Stabilität und die damit verbundene 

Planungssicherheit bieten gute Rahmen - 

bedingungen für unser Unternehmen in deutsch - 

land. Mit der eigenen Fertigung garantieren wir 

deutsche Umwelt- und arbeitsschutz bedingungen. 

Vor allem können wir schnell und flexibel auf 

nachfragespitzen und spezielle Kundenwünsche 

reagieren, außerdem neue Produkte und kleinere 

Serien kurzfristig umsetzen. Obwohl es die nach - 

teile wie höhere Stückkosten und arbeits kosten 

gibt, hat sich die Strategie der Produktion in 

deutschland bisher für uns immer bewährt. 

MM: Auf der Namm-Show 2020 haben Sie 

15 neue Produkte vorgestellt. Ist Innovation 

eher Kernkompetenz Ihres Unternehmens 

oder not wendiges Instrumentarium? Es gibt 

ja Marktbeobachter, die der Musik branche im 

Augenblick eher wenig Innovationskraft at - 

tes tieren. 

GaBRiela KöniG: Jedes Jahr stellen wir neue 

innovative Produkte auf den verschiedenen 

8 

MM: Welche Entwicklungen würden Sie im 

Be reich Kultur und Musik begrüßen? Und 

welche Entwicklungen bereiten Ihnen Sorge? 

GaBRiela KöniG: Für uns ist die Zahl der 

Schließungen im einzelhandel ein gravierendes 


46 STORIES 

»Gerade durch unsere hohe 

Wert schöpfungskette und den hohen 

Qualitäts an spruch sind wir auf 

gut qualifizierte Mitarbeiter angewiesen. 

Deshalb setzen wir seit Jahrzehnten 

auf die Ausbildung im eigenen 

Unternehmen sowohl in technischen als 

auch in kaufmännischen Berufen. 

So sichern wir uns 

die Fachkräfte von morgen.« 

Messen vor. als mittelständisches Unternehmen 

und Branchenführer für Premiumzubehör ist in no - 

vation eine wichtige Kernkompetenz. Viele ideen 

für neue Produkte kommen vom Markt, etwa von 

unseren Kunden, wie Händlern, endverbrauchern 

oder auch von unseren endorsement-Partnern, 

die unsere Produkte im einsatz haben. die ideen 

gehen in unsere hauseigene Konstruktions- und 

entwicklungsabteilung. Hier setzen sieben Mitar - 

beiter marktfähige ideen in Konzepte, Proto typen 

und serienreife Produkte um. Bevor das Produkt 

endgültig auf den Markt kommt, wird es auf Herz 

und nieren getestet. Bei innovativen erfindungen 

werden neue Produkte bzw. deren Funktionen und 

designs patentiert und geschützt. 

MM: Die Musikmesse und Prolight + Sound 

in Frankfurt hat mit nachlassender Rele vanz 

zu kämpfen, gemessen an der Ausstelleroder 

Besucherzahl. Was bedeutet diese Ent - 

wicklung für den Musikstandort Deutschland/ 

für Hersteller, Musiker, Handel und Kultur? 

GaBRiela KöniG: die Musikmesse / Prolight + 

Sound ist zwar nach wie vor die größte Messe 

europas für den Musikbereich, allerdings ist sie

STORIES 47 

»Ein Schlüssel zum Er folg 

des Unternehmens 

ist hierbei die hohe 

Fertigungstiefe. 

Fast alle Einzelteile der 

Produkte werden im 

eigenen Haus in 

Deutschland hergestellt. 

Von der Entwicklung 

über die Produktion bis hin 

zur Vermarktung gilt 

für uns die kompromisslose 

Orientierung am 

hohen Qualitätsanspruch.« 

in den letzten Jahren stark geschrumpft. tat - 

sächlich braucht die Musikbranche aber eine euro - 

päische Plattform, neben USa und asien. Jeder 

Marktteilnehmer sollte sich dessen be wusst sein. 

durch die Messe entsteht eine erhöhte aufmerk - 

samkeit für das thema Musik und Musik machen 

im allgemeinen. Messen ermöglichen per sönliche 

Kontakte, networking und Markt analysen. Sie sind 

zudem eine art Stimmungsbarometer für die Bran - 

che. auch in heutigen Zeiten der stark wachsenden 

digitalisierung sind internationale Branchen - 

treffen unersetzlich, gerade im B2B-Bereich. Wir 

unterstützen Frankfurt nach wie vor und stellen 

auch in diesem Jahr wieder aus. 

MM: Ihr Unternehmen bietet fünf Jahre Ga - 

ran tie auf K&M-Produkte. Damit sich diese 

Leis tung rechnet, müssen Sie fest davon 

überzeugt sein, dass sich Ihre Produkte qualitativ 

klar von den Produkten anderer Marken 

differenzieren. Was macht Sie da so sicher? 

GaBRiela KöniG: Wir bekommen oft Feedback 

von Kunden, die teilweise ihr K&M-Produkt seit 

30 Jahren oder länger im einsatz haben. die Re - 

kla mationsquote bei uns im Haus bewegt sich 

dementsprechend auf einem sehr niedrigen niveau. 

Produktionsprozesse werden bei uns ständig op - 

timiert und überwacht, dazu wird konsequent in 

den Maschinenpark reinvestiert. alles orientiert sich 

am Premiumanspruch, das be ginnt schon beim 

Roh material. Wir arbeiten mit einem zertifizierten 

Quali tätsmanagementsystem. Über allem steht für 

uns die absolute Kunden zufrieden heit, bei der die 

Fünf jahresgarantie einen wichtigen Baustein bildet. 

MM: Das Unternehmen feierte 2019 sein 70- 

jähriges Bestehen: Bitte nach 70 Jahren Rück - 

schau einen spontanen Satz für zu künftige 

innovative Entwicklungen … 

GaBRiela KöniG: die Zukunft des Unterneh mens 

sehen wir nach wie vor am Standort Wert heim. 

industrie 4.0 und die Robotik werden sicherlich 

unsere Produktionsprozesse weiter be einflussen 

und verändern. Maschinen und an la gen werden 

zudem immer energieeffizienter. So werden wir 

zukünftig ein breiter aufgestelltes Pro dukt pro - 

gramm rationeller und umweltschonender fertigen 

können. 

WeB: WWW.K-M.DE 

inteRVieW: MUSIKER MAGAZIN 

liVe-BildeR: LUDWIG CZAPLA 

FOtOQUelle: KÖNIG & MEYER

48 STORIES 

MM: Ihr habt drei Preise beim Deutschen Rock 

& Pop Preis 2018 mit nach Hause ge nom men. 

Wie ging es danach für euch weiter? 

MATThIAS: Die Preisverleihung in Siegen war ein 

großartiges Erlebnis. Ich finde es toll, welchen 

kul turellen und fördernden Beitrag die Leute 

beim DrMV und der Deutschen Popstiftung 

durch den Deutschen rock und Pop Preis für 

uns Musiker leisten. Man spürt, dass es hier 

noch um die Musik geht und nicht um hohe wirtschaftliche 

In teressen wie bei manch anderen 

Casting-Shows und Wettbewerben. Dass hierbei 

auch das Genre Latin-Musik vertreten ist, 

finde ich eine tolle Sache. 

Als wir von der Preisverleihung zurückkamen, 

wurden wir mit Glückwünschen, Interview- und 

Presseanfragen nur so überhäuft. Wir haben dann 

zahlreiche Interview-Termine im Dezember 2018 

und im Januar 2019 geführt. Und so langsam 

reali sierst du dann auch, dass du es nicht nur ge - 

träumt hast. 

Es ist natürlich auch eine tolle Motivation, um 

neue Sachen zu schreiben und vor allem weiter 

gute Musik zu machen. 

MM: Wie ist Corazón del Caribe entstanden? 

MArITZA: Ich stamme ja ursprünglich aus Kuba 

und bin mit der Musik dort groß geworden. In meiner 

Familie gibt es viele begabte Musiker und 

Tänzerinnen. Um als Musiker oder Artist auf Kuba 

aufzutreten oder vermittelt zu werden, muss man 

eine Prüfung beim staatlichen ICM (Kubanisches 

Musikinstitut) bestehen. 

Als ich diese Prüfung in Kuba abgelegt hatte, 

wurde ich von einer internationalen Konzertagentur 

engagiert und wir haben dann Jahr für Jahr 

Tourneen in Deutschland und Europa mit einer 

kubanischen Show-Band auf großen Bühnen 

gespielt. 2009 waren wir sogar in der ZDF-Show 

„Wetten dass …?“ auf Mallorca. 

2015 habe ich dann Matthias kennengelernt 

und er hat mir von seiner Idee für das Projekt 

„Corazón del Caribe“ erzählt. Ich war zunächst 


Corazón del Caribe 

Pures Karibik- & Kuba-Feeling 

STORIES 49 

Ob als Hochzeitsband, Party- und Dinner-Band 

oder für Sommerfeste – die Formation 

um die kubanische Sängerin „Maritza“ und 

den Flamenco-Gitarristen und 

Multi-Musiker Matthias steht für musikalisches 

Temperament und Leidenschaft und 

begeistert mit den Top-Hits aus der Karibik, 

Spanien und Lateinamerika 

überrascht, dass ein deutscher Musiker und Kom - 

ponist so viel Talent und Wissen für die Musik 

aus Kuba und der Karibik mitbringt. Und da war 

nach der ersten gemeinsamen Session für uns 

beide sofort klar, dass wir dieses Projekt gemeinsam 

machen werden. 

MM: Welchen Musikstil präsentiert ihr? 

MATThIAS: Die Musik aus der Karibik ist so bunt 

wie die Vielfalt der Kulturen dort. Ich habe viele 

Jahre vor „Corazón del Caribe“ bereits mit spanischen 

und kubanischen Musikern zusammengearbeitet 

und bin über den spanischen Flamenco 

zu dieser Musik gekommen. 

Die Musik auf Kuba ist natürlich geprägt von 

der Kultur, den rhythmen und den Menschen 

dort, speziell aus Spanien und Afrika. Daher auch 

der Name afro-kubanische Musik. 

Die Stilrichtung von „Corazón del Caribe“ ist 

bunt gemischt, wir spielen kubanischen Son, 

Salsa, Cumbia aus Kolumbien, Merengue aus 

der Dominikanischen republik, bis hin zu den 

aktuellen Charthits, speziell reggaeton, Flamencound 

Latin-Pop. 

MM: Was fasziniert euch an der Musik? 

MArITZA: Das Geheimnis unserer durch rhyth - 

mus geprägten Musik ist sicherlich das Lebens - 

gefühl, das dadurch vermittelt wird. 

Meer, bunte Cocktails, lebensfrohe Menschen 

und viel rhythmus, Tanz und Fiesta. Und wir 

nehmen unser begeistertes Publikum jedes Mal 

von Neuem mit auf diese exotische reise durch 

die Karibik. Das ist auch genau das, was wir in 

unseren Live-Konzerten erreichen wollen: einen 

Karibik-Kurzurlaub für unser Publikum. 

Maritza ist hierfür die perfekte Front-Frau, vermittelt 

sie doch durch ihre ansteckende Lebens - 

freude genau dieses Gefühl. hinzu kommt die 

jahrelange Erfahrung als Tänzerin. In unserer Show 

sind auch zwei kleine Karibik-Tanz-Crash kurse 

eingebaut, bei denen wir inmitten der Spiel sets 

kleine Choreografien mit dem Publikum gemeinsam 

gestalten, quasi als kleine Tanz unter richt- 

Einlage für Cumbia und Bachata – ein echtes 

highlight für unsere Gäste. 

MM: Organisation, Booking, Management – 

wer macht bei euch was? 

Musik in der Karibik ist die Animation zum Tan - 

zen, zur Bewegung des Körpers. Man kann einfach 

nicht still sitzen. Und diese Musik ist pures 

Lebensgefühl. Der Tanz bringt dich auf eine andere 

spirituelle Ebene. Man tanzt nicht, wenn man sich 

glücklich fühlt, sondern man tanzt, um sich glück - 

lich zu fühlen. Diese Musik versetzt dich sofort in 

eine positive Stimmung, macht dich glücklich 

MATThIAS: Im Prinzip machen wir das alles selbst 

und aus eigener hand. Für das Booking arbeiten 

wir zusätzlich mit diversen Agenturen zusammen. 

Das Programm und die Show richten wir auf die 

jeweils anstehende Show oder Veranstaltung aus. 

Das Management, Promotion, Internet und das 

gesamte Organisatorische im Background machen 

wir im Moment noch alles selbst. 

und gibt dir Energie. Du kannst all deinen Stress 

von dir abwerfen. 

MM: Wie funktioniert das Musik-Business 

in der Karibik oder speziell auf Kuba? 

MM: Was meint ihr, welche Bedeutung hat 

Latin Music in der heutigen Zeit in Deutsch - 

land? 

MArITZA: Kuba ist voll von guten Musikern und 

Talenten und der Staat tut viel für die Förderung 

von Kunst und Kultur, aber es wird auch streng 

MATThIAS: Speziell in Deutschland verbindet man kontrolliert. 

mit unserer Musik natürlich das Lebensgefühl der 

Karibik und die damit verbundenen Erinne run gen 

und Sehnsüchte wie Traumurlaub unter Palmen, 

Sonne, weißen Sandstränden, das türkisblaue 

Das Musik-Business ist auch dort ein hartes 

Geschäft. Zunächst benötigst du als Musiker 

eine staatliche Zulassung vom ICM (Ministerium 8 


50 STORIES 

für Kultur und Musik), um überhaupt öffentlich live 

zu spielen, zum Beispiel auf öffentlichen Veran - 

staltungen oder im Tourismus, z. B. in den großen 

hotels. 

Internet ist in Kuba noch wenig verbreitet, sehr 

teuer und erst so langsam im Kommen. Das macht 

es für die Künstler nicht einfach, sich selbst zu 

vermarkten, z. B. über YouTube oder Social Media. 

Und die Auftritte und Gagen sind auch von der 

Bezahlung her nicht vergleichbar mit Europa. 

Letztendlich kann man sagen, dass vieles vom 

Staat beeinflusst wird. Egal ob Texte, Auftritte oder 

auch politische Themen in der Musik. 

Im Dezember 2018 wurde von der neuen re - 

gierung ein sogenanntes Dekret 349 erlassen, das 

für sehr viel Zündstoff in der Musikszene gesorgt 

hat. Es besagt unter anderem, dass das Kultus - 

ministerium per Vertrag jeder Form von künstlerischer 

öffentlicher 

Darbietung zu stim men 

muss. Und die Mei nungen 

über Sinn und Un sinn sind 

sehr geteilt. 

MM: Habt ihr auch neue eigene Songs in 

Arbeit? Ist ein Album geplant? 

MATThIAS: Im Moment kann ich so viel verraten, 

dass wir eine Single mit dem Titel „El Color de tu 

alma (die Farbe deiner Seele)“ und zwei weitere 

Songs bereits soweit fertig produziert haben, die 

nun kurz vor der Veröffentlichung stehen und im 

Juli bei den Streaming-Diensten publiziert werden. 

Das letzte Album „Para toda la vida“ haben wir 

in 2017 produziert und Ende 2017 veröffentlicht. 

Theoretisch würde das neue Material auch für 

ein weiteres Album reichen. 

Aber wir wollen uns na - 

türlich mit einigen Sachen 

auch Zeit lassen. Wir sind 

gut gebucht, da wollen wir 

uns verstärkt auf die Live- 

Konzerte konzentrieren. 

MM: Wie entstehen eure Kompositionen? 

Was ist die Inspiration? 

MATThIAS: Maritza schreibt den Großteil der 

Texte und ich produziere die Musik dazu. Die 

Ideen kommen überall und zu jeder Tages- und 

Nachtzeit. Da heißt es nur, das handy griffbereit 

zu haben, um die Idee oder Textzeile schnell aufzuzeichnen. 

Die Inspiration ist das Leben, die Liebe, es 

sind Intuitionen des Moments. Manchmal hast 

du das Gefühl, dass dir eine Idee geschenkt wird 


STORIES 51 

und du musst sie nur greifen. Ich denke, das 

bleibt das große Geheimnis in der Musik. 

Manchmal hast du Eingebungen, bei denen 

du spürst, dass sie nicht von dir selbst kommen, 

sondern dass sie dir von irgendwoher 

geschenkt werden. 

MM: Wo nehmt ihr eure Songs auf? 

MArITZA: Den hauptteil der Arrangements 

sowie auch den Gesang und das Mastering 

produzieren wir im hauseigenen Studio hier 

bei uns in Deutschland. Manche Aufnahmen 

nehmen wir in einem befreundeten Studio in 

havanna, Kuba auf. 

MM: Welche Konzerte standen bei euch 

an? 

MATThIAS: Im Sommer ist bei uns hochsaison 

für die Live-Konzerte. Wir waren auf 

Kreta, haben dort insgesamt acht Konzerte 

und Veranstaltungen gespielt und auch ein 

Video gedreht. 

Die folgenden drei Monate haben wir hauptsächlich 

in Deutschland ge spielt, Sommerfeste, 

Karibik-Events, Beach-Abende in Freibädern, 

karibische Events auf Wein gütern und natürlich 

auch viele Firmen- und Privatver anstal tun - 

gen. Ende September waren wir dann zwei 

Wochen auf Kuba für Auf nahmen und einen 

Videodreh. 

MM: Was ist eure Vision für 2020? 

MArITZA: In jedem Fall wollen wir „Corazón 

del Caribe“ und unsere eigenen Songs weiter 

nach vorne bringen, viele Live-Konzerte spielen 

und weiter nette Menschen auf unseren 

Veranstaltungen kennenlernen. 

Und wer weiß, vielleicht klappt es mit dem 

radio-Sommerhit 2020 in Deutschland aus der 

Feder von „Corazón del Caribe“. Das wäre in 

jedem Fall eine tolle Vision. 

WEB: WWW.CARIBE-MUSIC.COM 

INTErVIEW: RONJA RABE 

FOTOqUELLE: CORAZÓN DEL CARIBE 

hINTErGrUNDFOTO: © IGOR /ADOBE 

STOCK 

GrAFIK: © ELENAMEDVEDEVA / ADOBE 

STOCK

52 MUSIKBUSINESS 

Leeza Nail 

WIE KANN ICH 

SINGEN ZUM BERUF 

MACHEN? 

Geht das überhaupt? Muss ich dazu 

berühmt sein? Wie kann man davon 

leben? Was ist neben dem Singen noch 

wichtig für den Beruf? Muss ich Noten 

lesen können oder geht es 

auch ohne? Und was ist mit Ansagen auf 

der Bühne? Kann ich das üben? 

MM: Wie wichtig sind die eigenen Erwar tun - 

gen ans Singen? 

LEEZA NAIL: Ich finde es wichtig, sich darüber klar 

zu werden, welche Erwartungen ich habe, wenn 

ich singen (lernen) will. 

Denn es ist ein Unterschied, ob jemand einfach 

„just for fun“ singen oder das Singen zu seinem 

Beruf machen möchte. Es ist ein Unterschied, 

ob jemand plant, nur für sich allein oder in einem 

Chor mit vielen anderen oder als Frontsängerin in 

einer Band zu singen. Und es ist ein Unterschied, 

ob man „nur“ singen lernen will oder auch an 

Grund lagen zu weiteren Bereichen wie z. B. der 

Rhythmik, der Melodik, Harmonik usw. interessiert 

ist. Jemand, der Singen zu seinem Beruf machen 

will, sollte am besten noch vor dem Studium in 

Erfahrung bringen, was denn noch alles – außer 

dem Handwerk Singen – zu dem Beruf ge hört. Das 

habe ich versucht, in meinem Buch zu verdeutlichen 

– selbstverständlich ohne einen Anspruch auf 

Vollständigkeit zu erheben. 

MM: Wie stellt sich ein*e Anfänger*in den 

Beruf des Sängers/der Sängerin vor? 

LEEZA NAIL: Wie ich aus eigener Erfahrung weiß, 

gibt es eine Menge Teilbereiche, mit denen sich 

ein*e zukünftige*r Berufssänger*in zusätzlich zu 

den musikalischen Grundlagen beschäftigen muss. 

Vielen ist das aber zu Beginn ihres Stu diums nicht 

klar. Man hat natürlich schon mal was von der 

Künstlersozialkasse gehört, und irgendwie weiß 

man auch, dass man ein Mikrofon und coole Kla - 

motten für den Auftritt braucht, aber da ist noch 

einiges mehr. Und was es dann letztlich wirklich 

bedeutet, als freiberufliche*r Sänger*in für Jobs, 

für effektives Üben, für Tricks gegen Lampen fieber, 

für eine vernünftige Absicherung und darüber 

hinaus für die Erhaltung der eigenen Gesundheit 

zu sorgen, wird oft erst klar, wenn man schon 

mittendrin steckt. Ich glaube jedoch, es ist gut, 

sich mit dem ein oder anderen dieser Themen 

schon im Vorfeld zu beschäftigen, um wenigstens 

ungefähr zu wissen, was auf einen zukommt. 

MM: Was sind die Ziele? 

LEEZA NAIL: Geld zu verdienen ist für Berufs sän - 

ger*innen nicht nur mit Auftritten möglich. Und 

vielleicht bin ich ja auch gar nicht der Typ für die 

große Bühne, aber dennoch leidenschaftliche*r 

Musiker*in, dann ist vielleicht eher die Studioarbeit 

was für mich. Ob ich damit meinen Lebens unter - 

halt bestreiten kann und will, muss ich natürlich 

herausfinden, oder nach weiteren Alternativen 

suchen. Zum Beispiel unterrichten. Ganz generell 

sollte ich mich fragen: Ist die Freiberuflichkeit, 

bei der ich größtmögliche Freiheit in der Arbeits - 

gestaltung, aber auch ein höheres Risiko habe, 

überhaupt etwas für mich? Oder bin ich vielleicht 

als fest angestellte Sängerin in einem Theater 

oder Gesangslehrerin in einer Musikschule, wo ich 

meine Absicherung habe und mein festes Gehalt 

beziehe, besser aufgehoben? Auch sich mit diesen 

Fragen zu befassen, dazu soll mein Buch anregen. 

MM: Es reicht doch, wenn ich gut singen 

kann, oder? 

LEEZA NAIL: Manchmal denken das Anfän - 

ger*innen. Vielleicht haben sie es so von anderen 

erzählt bekommen oder bisher nur Erfahrungen 

gemacht, die diese Annahme bestätigen. Doch 

wer Singen zum Beruf machen will, kann damit 

sehr schnell an seine Grenzen geraten. Darum 

kann ich auch in diesem Fall nur dazu ermuntern, 

sich bei Berufssänger*innen, die schon lange im 

Geschäft sind, zu informieren und zu überlegen, 

ob und wie man den eigenen Weg gestalten will. 

Gerade auch dafür habe ich die Interviews eingefügt, 

in denen vier Berufssänger*innen und ein 

Bandleader sehr detailreich von ihren Erfah run - 

gen berichten. 

MM: Muss ich unbedingt Noten lesen/schreiben 

können? 


MUSIKBUSINESS 53 

LEEZA NAIL 

The Singer’s Coach – Der Karriere-Ratgeber 

Alles, was ambitionierte Sänger*innen wissen sollten! 

ISBN13: 9783947998081; DIN A4, 160 SEITEN; 18,95 EURO 

WWW.ALFREDMUSIC.DE 

Versicherungen für 

alle Eventualitäten ® 

LEEZANAIL.DE | FACEBOOK.COM/LEEZA.NAIL.AUTORIN 

Diese und viele andere (brennende) 

Fragen werden in den insgesamt 

15 Kapiteln von The Singer’s Coach, 

dem Karriere-Ratgeber für 

ambitionierte Sängerinnen und Sänger, 

behandelt. Neben der Praxis 

des Singens und der Vermittlung 

handwerklicher Grundlagen 

behandelt sie alle die Themen, 

die sowohl für Hobbysänger als auch 

für eine professionelle 

Gesangskarriere relevant sind. 

LEEZA NAIL: Es ist ein kontroverses Thema, das mit den Noten. Natürlich 

gibt es zahlreiche Beispiele von fantastischen Musiker*innen, die niemals 

Notenlesen oder -schreiben gelernt haben. Sie machen – im besten Fall 

ein Leben lang – aus dem Bauch heraus ihre Musik und es funktioniert prima. 

Dennoch kann ich nur empfehlen, Notenkenntnisse zu erwerben – zumindest 

Grundkenntnisse. Sicher muss nicht jede*r Sänger*in perfekt vom 

Blatt singen können, man kommt vielleicht sogar gut ohne durch, aber es 

erleichtert die Sache sehr, wenn man Ahnung von der Materie hat, also 

auch, was die Themen Harmonielehre, Rhythmik, Gehörbildung usw. 

betrifft. Nicht zuletzt steigert es das eigene Selbstbewusstsein und lässt 

Kollegen/Kolleginnen Vorschläge, die man macht, eher respektieren. 

MM: Wie finde ich beim Singen meinen eigenen Stil? 

LEEZA NAIL: Auch das ist eine Frage, mit der sich viele umtreiben. Manch 

eine*r denkt vielleicht, man dürfe auf gar keinen Fall andere Sänger*innen 

kopieren. Aber das halte ich für falsch. Im Gegenteil: Ich rufe gerade zu 

Beginn der Gesangsausbildung dazu auf, so oft wie möglich die Lieblings - 

sänger*innen zu kopieren und dabei zu versuchen, genauso wie sie zu singen. 

Natürlich sollte sich das nicht auf nur ein einziges Vorbild beschränken. 

Und ob mit oder ohne Kopieren gilt: so oft wie möglich üben – denn 

je mehr ich mich generell mit dem Singen beschäftige, umso besser entwickelt 

sich meine eigene Stimme, mein eigener Stil. Der bildet sich dann 

ganz von allein, als eine Mischung aus meinen Vorbildern, der Musik, die 

ich liebe, und meinen eigenen physischen und psychischen Vorausset - 

zungen. 

Ganz gleich, gegen was Sie sich schützen möchten: 

Wir sind seit über 30 Jahren Ihr kompetenter Versicherungspartner 

rund um das Thema Entertainment 

und Events. Und sogar freundlicher Besuch 

aus dem All ist bei uns mitversichert. 

MM: Muss ich auch reden/moderieren können? 

8

54 MUSIKBUSINESS 

LEEZA NAIL: Wenn du live auftreten willst, ja. Wenn 

du dich als Sänger*in etablieren willst, an den/die 

sich die Leute um deiner selbst willen erinnern, ja. 

Als reine*r Studiosänger*in brauchst du das eher 

nicht, aber ansonsten … Nochmal: Ja. Ich habe es 

nur sehr selten erlebt, dass ein Bandleader einer 

Band die komplette Moderation alleine über nom - 

men hat. Die meisten Bandleader*innen sind froh 

um Un ter stützung oder erwarten sogar von vorneherein, 

dass der/die Sänger*in diesen Part selbstverständlich 

übernimmt. Und es ist ja auch eine 

prima Chance für dich, deinem Publikum näher - 

zukommen. Warum solltest du das nicht nutzen? 

MM: Was mache ich bei Lampenfieber? 

LEEZA NAIL: Lampenfieber ist sicher nicht das 

Erste, an das man denkt, wenn man singen will. 

Aber manchmal kommen selbst publikumsgewohnte 

Sänger*innen an einen Punkt, an dem sie 

plötzlich feststellen: „Ui, jetzt habe ich aber ganz 

schön Herzklopfen.“ Es kann nicht schaden, für 

diesen Fall ein paar Tricks zu kennen, mit denen 

man sich den Auftritt zumindest erleichtern kann. 

Auch ohne sich vorher was einzuwerfen oder 

durch übermäßigen Alkoholkonsum die Konzen - 

tration zu verlieren. 

MM: Sollte man Kompromisse eingehen zu - 

gunsten der Rentabilität? 

LEEZA NAIL: Eine Frage, die jeder nur für sich 

selbst beantworten kann. Manchmal tut man sich 

schwer, Kompromisse einzugehen, Musik zu 

machen, die einem so gar nicht zusagt, nur, um 

genügend Kohle zu verdienen. Und es kann ein 

schaler Geschmack zurückbleiben, wenn man 

an irgendeinem Punkt seiner Karriere das Gefühl 

hat, nur noch „Dienst nach Vorschrift“ zu machen, 

weil man das Geld braucht und weil die „Leute ja 

eh nicht wirklich zuhören“. Das kann frustrierend 

sein. Andererseits kann es ebenso frustrierend 

sein, wenn man aus diesem Grund mit der Musik 

ganz aufhört, obwohl sie einem doch eigentlich 

so am Herzen liegt. Für die meisten wird es – wie 

so oft – ein Kompromiss sein aus „Dienstleistung 

für den Kunden“ und der „Kunst des Singens“. 

Daran ist nichts Verwerfliches. Nur eines sollte 

dabei nie verloren gehen: der Spaß an der Musik. 

»Für die meisten wird es – wie so oft – 

ein Kompromiss sein aus 

„Dienstleistung für den Kunden“ und der 

„Kunst des Singens“. 

Daran ist nichts Verwerfliches. 

Nur eines sollte dabei nie verloren gehen: 

der Spaß an der Musik.« 

MM: Warum ist die Gesundheit so wichtig fürs 

Singen? 

LEEZA NAIL: Singen ist eine körperlich sehr an - 

strengende Leistung. Auch wenn es im besten 

Fall nach Leichtigkeit klingt und aussieht. Aber wer 

mehrere Abende hintereinander viele Stunden auf 

der Bühne steht und alles gibt, kann sich ganz 

schön auspowern. Natürlich trainiert jeder Gig 

Stim me und Körper, nur sollte man bei aller Eu - 

phorie (und allem Stress) aufmerksam bleiben, in 

seinen Körper hineinhören, um zu erkennen, wann 

es genug, wann Erholung angesagt ist. Und dann 

auch dafür sorgen, dass Körper und Psyche zu 

dieser Erholung kommen. Es ist viel besser und 

WEB: LEEZANAIL.DE 

FACEBOOK.COM/LEEZA.NAIL.AUTORIN 

erhöht nebenbei die Leistungs fähig keit, wenn man 

auf ausreichend Schlaf und Ent spannung, eine 

ge sunde Ernährung und Bewe gung und einen 

Ausgleich achtet. Das und so oft wie möglich zu 

lachen, kann ich jedem nur empfehlen. (Natürlich 

auch Nicht-Sänger*innen ;-)) 

INTERVIEW: OLE SEELENMEYER 

FOTOS: © CAROLA SCHMITT 


PRODUKT-NEWS 55 

ALESIS STRIKE PRO SPECIAL EDITION E-DRUM-SET 

Professionelles E-Drum-Set mit echter Bass-Drum. 

ELFTEILIGES PROFI E-DRUM KIT 

MIT 20” BASS DRUM UND ÜBER 

1800 SOUNDS 

Das Alesis Strike Pro Special Edition E-Drum- 

Set ist ein High-End E-Drum-Set mit Bass 

Drum in Originalgröße und leistungsfähigem 

E-Drum-Modul. Neben einer 14“ großen 

Dual Zone Snare gibt es vier Tom-Pads, drei 

Crash-Cymbals sowie Ride und Hi-Hat . Alle 

Trommelkessel des Alesis Strike Pro Special 

Edition E-Drum-Set haben realistische Größen 

und bestehen aus Holz. Meshheads der neuesten 

Generation und vollgummierte Becken - 

pads in gehämmerter Optik sorgen für realistisches 

Spielgefühl. Das Herzstück des 

Alesis Strike Pro Special Edition E-Drum-Set 

ist das Performance-Modul: 1800 vorgespeicherte 

Sounds in 136 Kits sowie 16 GB 

externer Speicherplatz machen das Modul 

zum Allrounder für jeden Musikstil. Auch 

Backingtracks können auf diesem E-Drum 

abgespielt werden. Das farbige LED-Display 

in 4,3“ mit Hintergrundbeleuchtung verspricht 

intuitive und einfache Bedienung. Die acht 

direkten Ausgänge bieten professionelles 

Hand ling im Live-Einsatz, so kann jedes Pad 

oder ein Playback einzeln in den Mix gesendet 

werden. Das robuste Stahl rack mit vier 

Beinen sorgt für ein stabiles Alesis Strike 

Pro Special Edition E-Drum-Set in jeder 

Situation. 

HOLZKESSEL IN REALISTISCHEN 

GRÖSSEN: STRIKE PRO 

SPECIAL EDITION MIT 20“ BASS DRUM 

Die Hybridholz-Kessel der Snare und der 

Toms haben die Standardgrößen akustischer 

Schlagzeuge (8“, 10“, 12“, 14“) , somit erhält 

man ein realistisches Spielgefühl. Dieses wird 

durch die innovativen Mesh heads und das 

Enhanced Articulation System verstärkt. Die 

gummierten Cymbal-Pads haben eine ge - 

hämmerte Oberfläche und verfügen natürlich 

über eine Choke-Funktion. Mit drei Crash- 

Cymbals, einem Ride und einer Hi-Hat in 

Stan dardgröße bieten sich dem Drummer 

viele Möglichkeiten, das eigene Spiel perfekt 

umzusetzen. Das Highlight bildet die 20“ 

große Bass Drum, die perfekten Rebound 

und perfektioniertes Gefühl bietet. Auch das 

optische Bild wird dadurch erheblich aufgewertet, 

wenn es beispielsweise um das Büh - 

nen bild geht. 

VIELSEITIGER SOUND FÜR PROFIS: 

ALESIS-STRIKE-PERFORMANCE-MODUL 

Über 1800 vorgespeicherte Sounds (bestehend 

aus 45 000 Einzelsamples) in 136 Kits 

stehen von Beginn an auf dem Modul zur 

Verfügung. Zusätzlich ist eine 16-GB-SD-Card 

mit dabei, mit der sich beliebige WAV-Dateien 

sampeln lassen. Es stehen USB/MIDI-An - 

schlüsse für die Nutzung mit Musik produk - 

tions software und dem neuen Strike- 

Software Editor zur Verfügung. Mit diesem 

Editor können Drummer ihre eigenen Samples 

in In strumente mit mehrfachen Anschlag - 

stärken schichten und einbauen, sich so 

ein individuelles Drum Kit zusammenstellen, 

welches dann per USB auf das Modul 

übertragen wird. Dank des farbigen 4,3“- 

LED-Displays bietet das Alesis Strike eine 

intuitive Be dienstruktur und verbesserte 

Übersicht. 

www.musicstore.de 

RODE NT-USB-MINI 

Die moderne Komplettlösung für Streaming & Heimstudio 

Das Rode NT-USB-mini ist ein kompaktes, modernes USB- 

Mikro fon in stabiler, schwerer Ausführung mit hervorragenden 

klanglichen Eigenschaften. Vollkommen neuartig ist der magnetische 

Tischfuß, auf den das NT-USB-mini einfach aufgesteckt 

und ohne Schrauben oder Drehen ausgerichtet werden kann, 

möchte man es nicht an einem Schwenkarm oder Stativ befestigen. 

Das Mikrofon ist außerdem mit einem latenzfreien Kopf - 

hörerausgang mit Lautstärkeregler und exzellenten Digital wandlern 

ausgestattet. 

Es eignet sich somit vorzüglich für alle Anwender, die eine un - 

komplizierte Komplettlösung mit tollem Klang suchen, z. B. Streamer, 

YouTuber oder Podcaster, kann aber auch für die Aufnahme von 

Gesang oder akustischen Instrumenten verwendet werden. Das 

NT-USB-mini ist Class Compliant, kann also ohne zusätzliche 

Treiber installation verwendet werden und wird von Ihrem 

Computer automatisch erkannt. 

Weitere Informationen: www.musicstore.de 

RODE NT-USB-MINI ÜBERSICHT: 

• hochwertige Kondensatorkapsel 

• Richtcharakteristik: Niere 

• integrierter Popschutz 

• Grenzschalldruckpegel: 121 dBA-bewertet (@ 1% THD) 

• Frequenzgang: 20 Hz – 20 kHz 

• eingebautes 24bit/48kHz-Audio-Interface mit USB-C-An - 

schluss 

• Class Compliant – wird sofort vom Rechner erkannt 

• Kopfhörerausgang: 3,5-mm-Stereoklinke mit Lautstärke regler 

• schaltbares Direkt-Monitoring für latenzfreies Mikrofon signal 

• Systemvoraussetzung: Windows 10/Mac OS 10.12 

• Stromversorgung über USB 

• schwenkbares Stahlgehäuse mit mattschwarzer Be - 

schichtung 

• dank Gabelhalterung perfekt positionierbar 

• bequem abnehmbarer magnetischer Tischsockel 

• Maße (BxTxH): 54,5 x 43,9 x 108,1 mm 

• Maße Tischsockel (Durchmesser x Höhe): 89,3 mm x 32,4 mm 

• Gewicht: 585 g 

• inkl. USB-C- auf USB-A-Kabel 


56 PRODUKT-NEWS 

JOST NICKEL 

SNARE BOOK 

In Jost Nickels neuestem Werk SNARE BOOK 

dreht sich alles um die kleine Trommel. Auf 

124 Seiten bietet er dem Leser eine Fülle ver - 

schiedener, variantenreicher Snare-Übun gen 

zur Verbesserung der Spieltechnik und des 

generellen Rhythmus-Verständnisses. „Ich 

übe gerne, mag aber keine Übungen, bei 

denen ich ständig das Gleiche spielen soll“, 

sagt Jost. „Dann schweife ich gedanklich 

ab und kann mich aufgrund der mangelnden 

Variationen kaum dazu motivieren, weiter zu 

üben. Natur lich ist Üben Wiederholung, aber 

ich will mich auch nicht langweilen.“ 

In gewohnt strukturierter Form präsentiert 

Jost Übungskonzepte in verschiedenen Takt - 

arten und Subdivisions zur systematischen 

Verbesserung rhythmischer Flexibilität und 

motorischer Unab hängigkeit sowie besserer 

Spielkontrolle über Tempowechsel, die den 

rhythmischen Über blick stärken und dazu 

beitragen, dass die Übungen in diesem Buch 

spannend und ab wechslungsreich bleiben. 

„Mein SNARE BOOK ist definitiv KEIN typisches 

Rudiments-Buch“, fügt Jost hinzu. 

„Ich bin mir sicher, dass der Varianten reich - 

tum der Übungen in diesem Buch dazu beiträgt, 

dass du dich gut konzentrieren kannst 

und so Spaß beim Üben hast. Das macht es 

leichter, Übungen so oft zu spielen, wie es 

für das Weiter kommen erforderlich ist.“ Ge - 

genstand des ersten Kapitels ist eine Viel - 

zahl verschiedener Warm-up-Übungen, bei 

denen beispielsweise be kannte Hand sätze 

mit für diese Handsätze ungewöhnlichen 

Akzentuie rungen, Subdivisions und Takt arten 

kombiniert werden. 

Zusätzlich findet man Ostinato-Übungen, die 

die Unabhängigkeit verbessern, und Inter - 

locking-Übungen für eine bessere Koordina - 

tion. Klare Konzepte prägen den zweiten Teil 

des Buches, in dem Jost Schritt für Schritt 

durch Übungen zu Double-Stroke Rolls, 

Flams, Multiple Strokes, Ruffs, Inverted 

Double-Stroke Rolls, Paradiddles u. a. führt. 

Sie versetzen den Nutzer in die Lage, sich 

seine eigenen Übungen auszudenken, indem 

er die Herangehensweise beibehält, aber 

den Inhalt ändert. 

Jost Nickels SNARE BOOK ist auch ideal 

zum Üben unterwegs auf dem Drum Pad. 

Die 12-seitige Beilage mit Lesetexten macht 

das Paket komplett. Spannend! 

Weitere Informationen: 

www.alfredmusic.de 

Buch & Lesetexte (Beilage) | ISBN-13: 978-3-947998-11-1 | 21,95 Euro | DIN A4, 124 Seiten | 20279G 

Auch als englische Ausgabe erhältlich: book & reading texts | ISBN-13: 978-3-947998-12-8 | 21,95 Euro | DIN A4, 124 Seiten | 20279US 

A STAR IS BORN 

Music from the Original Motion Picture Soundtrack 

A STAR IS BORN 

ORIGINAL SONGBOOK FOR PIANO / VOCAL / GUITAR 

„A Star is Born“ ist eine Neuverfilmung des 

gleichnamigen Film klassikers aus dem Jahr 

1937 (A Star is Born – Ein Stern geht auf). 

Der Musikfilm aus dem Jahr 2018 von 

Bradley Cooper erzählt die Geschichte um 

den Country-Star Jackson Maine (Bradley 

Cooper) und die talentierte junge Frau Ally 

(Lady Gaga), die mit Jacksons Hilfe zum Star 

wird. 

Die Geschichte ist nicht nur einfühlsam und 

intim erzählt und durch die beiden Haupt - 

dar steller be eindruckend und überzeugend 

gespielt; der Film besticht insbesondere durch 

seinen vielseitigen, einzigartigen und teilweise 

sehr emotionalen Sound track, der von 

Lady Gaga und Bradley Cooper live eingesungen 

wurde. 

Die Piano/Vocal/Guitar-Noten zur Hit-Single 

„Shallow“ und zum gesamten Soundtrack 

sind nun bei Alfred Music erhältlich. 

Das Piano/Vocal/Guitar-Songbook zu dem erfolgreichen Musikfilm 

mit Lady Gaga und Bradley Cooper aus dem Jahr 2018. Beinhaltet 

die bewegenden und vielseiteigen Songs aus der dritten 

Neuverfilmung des Films inkl. der Hit-Single „Shallow“. Inkl. 

Originalfotos und Film-Artwork. 

Titles: Black Eyes * La Vie en Rose * Maybe It’s Time * Alibi * 

Shallow * Music To My Eyes * Diggin’ My Grave * Always 

Remember Us This Way * Look What I Found * Heal Me * I Don’t 

Know What Love Is * Is That Alright? * Why Did You Do That? * Hair 

Body Face * Before I Cry * Too Far Gone * I’ll Never Love Again. 

Songbook; 47776; ISBN 13: 9781470641535; 29,95 € 

SHALLOW 

ORIGINAL SHEET MUSIC FOR 

PIANO / VOCAL / GUITAR 

Sheet Music; 47825; 

ISBN 13: 9781470641528; 5,95 € 

Weitere Informationen: 

www.alfredmusic.de 



DANTE-AUDIOWANDLER 

VON TASCAM 

UNTERSTÜTZEN JETZT 

DEN SMPTE-STANDARD ST 2110 

STARK VERBESSERTER WINDOWS-TREIBER 

FÜR EINE REIHE VON TASCAM-AUDIOINTERFACES 

Tascam hat neue Windows-Treiber der Version 4.0 für sechs 

seiner USB-Audiointerfaces entwickelt, die es Benutzern 

er möglichen, die Rechenleistung eines modernen Com puters 

voll auszunutzen und Musikproduktions umge bungen mit 

extrem kurzer Latenzzeit zu realisieren. Mit den neuen 

Treibern lässt sich die Audiopuffergröße eines US-20x20, 

US-16x08, US-4x4, US-2x2, US-1x2 und iXR jetzt bereits 

auf einen Wert ab vier Samples einstellen (64 Samples in 

früheren Versionen). Entsprechende Rechenpower vorausgesetzt, 

ist die resultierende Latenz eines solchen Systems 

praktisch nicht mehr wahrnehmbar und ideal beispielsweise 

für präzise synchronisierte Overdubs. 

Als weitere Verbesserungen nennt Tascam eine höhere Ge - 

samt stabilität, eine optimierte Darstellung des Software- 

Fensters je nach Bildschirmauflösung und eine neue Ein - 

stel lung für US-4x4, US-2x2 und US-1x2, durch die der 

Computer das Interface immer automatisch als Standard - 

gerät für die Audioeingabe und -ausgabe verwendet. 

Weitere Informationen: www.tascam.de 

Passend zur Installations-Messe ISE erweitert Tascam drei 

bestehende Produkte per Firmware-Update um den SMPTE- 

Standard ST 2110, der das separate Kodieren und Übertragen 

von Medienströmen über ein IP-Netzwerk ermöglicht. Die 

Dante-Audiowandler ML-16D, ML-32D und die Erweite rungs - 

karte IF-DA64 für den 64-Spur-Recorder DA-6400 sollen 

damit in der Lage sein, lineare PCM-Audiosignale entsprechend 

ST 2110-30 in den IP-Datenstrom einzubinden. 

Tascam weist darauf hin, dass die neue Funktionalität nur 

in Verbindung mit einem aktuellen Dante Domain Manager 

(Version 1.1 oder höher) nutzbar ist. 

ST 2110 wurde entwickelt, um die Rechen- und Netz werk - 

auslastung der Geräte zu verringern und Nutzern die Mög - 

lich keit zu geben, dem Stream nur den für sie relevanten 

Teil der Paketdaten zu entnehmen. Darüber hinaus ist der 

Standard AES67-verträglich und ermöglicht die hochpräzise 

Synchronisierung der einzelnen Medienströme per Precision 

Time Protocol. 


INTEGRIERTE PRODUKTIONSUMGEBUNG FÜR MUSIK- UND 

MULTIMEDIADESIGNER 

Tascam Model 12 ist ein kompaktes Komplettpaket für Ton - 

mischung, Aufnahme und Produktion speziell für Musiker, 

Multimedia-Schaffende, Songwriter und Solokünstler. Es 

besteht aus einem Mischer mit zehn Eingängen, 12-Spur- 

Audiorecorder, USB-Audio-Interface, MIDI-Schnittstelle, DAW- 

Steuerfunktionen und einzigartigen Podcasting-Funktionen 

wie Mix-Minus und Smartphone-Eingang. 

Das platzsparende und erschwingliche Model 12 vereint 

das Gefühl einer analogen Oberfläche mit dem effizienten 

Workflow und der makellosen Qualität digitaler Aufnahmeund 

Produktionssysteme und unterstützt Ihren kreativen 

Prozess von Anfang bis Ende. 




TOM SCHÄFER 

DRUM GROOVES DER POPKULTUR – 138 GROOVES – 110 DRUMMER 

Die DNA des modernen Schlagzeugspiels seit Erfindung des Backbeats. 

Eine Zeitreise durch die Groove-Jahrzehnte von den 50ern bis heute. Von Afro-Beat bis Swag. 

„Drum Grooves der Popkultur“ ist eine Hommage an die 

wunderbare Welt des Schlagzeugspiels, die mit den Drum- 

Monstern der 1940er-Jahre Fahrt aufnahm und durch die 

inspirative Popkultur kreative Höchstleistungen entwickelte. 

Schlagzeuger brennen für Grooves, denen eine besondere 

Magie innewohnt. Dabei kann Magie auf vielfältige Weise 

entstehen. Sei es durch spielerische Komplexität, durch ein 

bewundernswertes Feel, durch Ideenreichtum, durch spannende 

rhythmische Architekturen oder eine bestimmte 

Ästhetik. Wie unterschiedlich die Faszination eines Drum - 

grooves auch ausgeprägt sein mag – jeder Groove geht 

immer auf seine kreative Kernidee zurück. Es ist die eigentliche 

Urzelle – die DNA. Und diese kommt häufig in nur 

wenigen Takten als essentieller Baustein zum Ausdruck. 

Auch wenn eine Notation niemals das Feel des Augenblicks 

einfangen kann, so bietet sie dennoch Zugang zu jenen 

berauschenden Errungenschaften, die als Drumgrooves der 

Popkultur in diesem Buch zu einem Gipfeltreffen zusammenfinden. 

Der kreative Drang des Schlagzeugspiels nährt sich aus der 

Inspiration und teilt damit das Kapital der Vergangenheit. 

Insofern richtet das Buch den Blick genauso auf die heutige 

Groove-Kultur wie auf die Zeit der Pioniere, die in den 30erund 

40er-Jahren den Grundstein des modernen Schlag - 

zeugspiels legten. Ohne den Jazz und ohne Drum-Monster 

wie Buddy Rich, Gene Krupa oder Louie Bellson wäre die 

Entwicklung womöglich komplett anders verlaufen. 

Vielleicht hätte Heavy Metal nie stattgefunden. Denn Metal 

ist komplett das Gegenteil von Jazz. Und ohne Referenz 

lässt sich kein Gegenteil entwickeln. 

Die Auswahl der Grooves im Buch basiert auf jenen in der 

„Drummers World“ häufig zitierten Schlagzeugern und ihren 

einflussreichen Spielarten. Auch Drum-historische Re cher - 

chen haben Einfluss auf die Auswahl genommen und die 

Bedeutung eines Schlagzeug-Grooves im Kontext der Zeit 

hat eine Rolle gespielt. Insofern findet der intelligente Mini - 

ma lismus hier genauso statt wie das komplett ausgehexte 

Double-Bassdrum-Play. Anders gesagt: „Da Da Da“ ist im 

Kontext der Schlagzeug-Pop-Historie genauso bedeutsam 

wie „Sound Of Muzak“, „Radar Love“, „Bleed“ oder „In The 

Air Tonight“. 

Hier begegnen sich Grooves, die sich unabhängig von jeglichen 

Styles und Genres im kreativen Raum bewegen und 

doch eines gemeinsam haben: Es sind Zeitdokumente, die auf 

ihre ureigene Weise die Strömungen der Popkultur spiegeln 

und als „Alltime Classics“ eine prägende Rolle einnehmen. 

Eine vollständige Liste an Iconic-Grooves kann es natürlich 

nicht geben. Denn jeder wird seine eigenen bedeutenden 

Favourites haben, die zu den Groovetracks des Lebens zählen. 

Diese facettenreiche Werkschau ermöglicht inspirative Ent - 

deckungen genauso wie das Aufstöbern längst vergessener 

Grooves sowie die Begegnung mit überraschend Neuem 

oder ein Wiedersehen mit alten Bekannten. 

Die Liste der Drumgrooves folgt einer chronologischen Time - 

line. Insofern sind die Grooves entsprechend dem Zeit punkt 

ihrer Entstehung bzw. Veröffentlichung sortiert. Auf diese 

Weise lassen sich Strömungen und Entwicklungen erkennen, 

die in der Pionierzeit noch von relativ linearer Gestalt waren, 

aber spätestens seit den 1970er-Jahren eine sich exponentiell 

ausbreitende Mehrdimensionalität erreichten. 

Zudem lassen sich zwischen den Zeilen auch manche in - 

spirative Quellen entdecken, derer sich Drummer immer 

schon gerne bedient haben und die Entstehung mancher 

Drumgrooves erklärbar machen. 

Das Buch versteht sich als Werkschau in einer zeitchronologischen 

Dramaturgie, die für eine praxisbezogene An - 

wendung (z. B. im Unterricht) aber nicht bindend sein muss. 

Denn die Alltime Classic Drumgrooves sind einzelne und in 

sich geschlossene Kapitel, denen man sich je nach Inte - 

ressen s lage und Wissensdurst widmen kann. Anders gesagt: 

Man schlägt zufällig eine Seite auf und wird (hoffentlich) 

immer auf einen Goldfund stoßen. 

Die abgebildeten Grooves beziehen sich auf die Kernideen 

der Drumtracks, die in ein-, zwei- oder viertaktigen Noten - 

darstellungen erfasst sind. Jene Groove-Pattern können als 

„geloopte“ Sequenzen gespielt werden und dienen als 

Inspirationsquelle für das eigene Repertoire. 

Einige Grooves zeigen verknüpfte Drum-Fills, die entweder 

ein Bestandteil des Patterns sind oder als wichtiger Indi - 

kator die schöpferische Idee mitprägen. In diesem Fall sei 

jedem die Freiheit gegönnt, das Fill zu isolieren und separat 

zu spielen oder es im Kontext des gesamten Patterns zu 

belassen. 

Über die jeweiligen QR-Codes können Video- bzw. Audio - 

tracks angewählt werden, um die Hördimension als weitere 

Kraftquelle hinzuzuziehen. 

Auch die Notationen – wenn nicht anders erklärt – beziehen 

sich auf die Audio/Video-Links. 

Viel Groove also bei dieser Reise durch 60 Jahre Drum - 

grooves der Popkultur und damit eine tolle Ergänzung zum 

Unterricht. 

Tom Schäfer arbeitet freiberuflich 

als Autor, Fotograf 

und Musiker mit Schwer - 

punkt Percussion & Schlag - 

zeug. In den 1980er- und 

1990er-Jahren tourte er mit 

Pop-, Electronic- und World - 

music-Projekten durch Euro - 

pa. Als Mitbegründer und 

kreativer Kopf des Percus - 

sion-Performance-Projekts 

„Om Buschman“ spielte er 

Hun derte von Shows im In- und Ausland. In vielen Episoden 

begleitete er das Ambient-Music-Bandkollektiv Papalagi 

und war Teil des Projekts Deep Blue, mit dem er die Live- 

Musik für den Dokumentarfilm auf kino-event-reisen entwickelte. 

Als Live- und Studio-Drummer der Band Farfarello ist er 

u. a. auf den CDs „Live It“, „Traumzeit“ sowie auf dem von 

Eroc produzierten Album „Movements“ zu hören. 

Neben zahlreichen Percussiontracks für Studiopro duk tionen 

hat Tom Schäfer in seiner Laufbahn über 1000 Konzerte 

gespielt – neben den oben erwähnten Künstlern u. a. auch 

mit Ray Wilson, Fidibus sowie dem internationalen 

Percussion-Star Nippy Noya. Er ist Autor des Fachbuchs 

„Hand- & Effect-Percussion“ und Produzent der DVD „Die 

Welt der Small Percussion“. 

Weiterhin ist er verantwortlich für die Percussion-Sounds 

der „Real Mega Drums“ Sample-Library. Zudem gastiert er 

regelmäßig als Workshop-Dozent bei Drum- und Percussion- 

Events. Zu seinen weiteren Arbeitsfeldern gehören die Foto - 

grafie und die Entwicklung von Percussion-In stru menten 

für internationale Hersteller. 

Seit 1988 ist Tom Schäfer Redakteur des Schlagzeug- 

Magazins „Sticks“. mit seiner über 30-jährigen Erfahrung 

als Autor und Fotograf portraitierte er die Größen der internationalen 

Drummer-Szene. Durch viele persönliche Kon - 

takte zu den Stars hatte er das Privileg investigativer Ge - 

spräche zum Thema Groove- und Popkultur des Schlag - 

zeugspiels. 

ISBN 978-3-89775-181-1; 29,80 Euro 

192 Farbseiten, 138 Grooves, 110 Drummer, 242 Fotos, 

148 Notenbeispiele 

Weitere Informationen: www.leu-verlag.de 



40 JAHRE MUSIKMESSE: PFLICHTTERMIN FÜR ALLE MUSIKER! 

Bereits seit 1980 ist die Musikmesse in Frankfurt am Main 

ein wichtiger Partner der internationalen Musikwirtschaft. 

Zum 40. Geburtstag (1. bis 4. April) präsentiert die Ver - 

anstaltung die Neuheiten hunderter Aussteller – sowie ein 

randvolles Eventprogramm voller Business, Emotion und 

Inspiration. Während an den ersten beiden Tagen der professionelle 

Austausch zwischen Unternehmen, Händlern, 

Lehrer*innen und Berufsmusikern im Vordergrund steht, 

öffnet sich die Musikmesse am Freitag und Samstag verstärkt 

der breiten Musikszene. 

Unzählige hochkarätige Künstler geben in Workshops und 

Masterclasses ihr Wissen am Instrument weiter: darunter 

Gitarrenhelden wie Richie Faulkner (Judas Priest), Gus G. 

(Ozzy Osbourne) und Jennifer Batten (u.a. Michael Jackson), 

Top-Drummer wie Ash Soan (u.a. Adèle, Cher, Seal), Brian 

Tichy (Whitesnake) und John Riley (u.a. Miles Davis, Woody 

Herman) sowie Deep-Purple-Keyboarder Don Airey. 

Während der Publikumstage am Freitag und Samstag geht 

zusätzlich der Pop-up-Erlebnismarkt „Musikmesse Plaza“ 

in seine zweite Runde. Hier kann jedermann Instrumente 

sowie Lifestyle-Produkte antesten und sogar direkt kaufen. 

In diesem Rahmen feiert zudem das neue Community Event 

„Home of Drums“ seine Premiere. Die Veranstaltung vereint 

Produktpräsentation bekannter Marken wie DW, Gretsch, 

Natal, Pearl, Roland und Zildjan mit Wissensvermittlung und 

Live-Performances. 

Abends bebt ganz Frankfurt bei den Konzerten des „Musik- 

messe Festival“. Direkt auf dem Messegelände performen 

unter anderem Top-Artists wie Freya Ridings, Max Herre und 

Moop Mama. 

Infos zu Tickets und Programm unter 

www.musikmesse.com; www.musikmesse-plaza.com; 

www.musikmesse-festival.com 

4-FACH-GITARRENSTÄNDER »GUARDIAN 3+1« 

17534-016-00 – schwarz mit transluzenten Elementen 

Hochwertiger Mehrfachgitarrenständer für eine Akustik- und 

3 E-Gitarren. Der Guardian hält die verschiedensten Gitar - 

ren sicher, platzsparend und übersichtlich für den Mu siker 

bereit. Speziell abgestimmte und dämpfende Auflagen sorgen 

für einen sicheren und instrumentenschonenden Halt 

der Gitarren. Die flexiblen Schutzbügel verhindern ein Ver - 

drehen der Gitarre und schützen sie beim Abstellen oder 

Herausnehmen vor einem unbeabsichtigten Anschlagen. 

Die weichen Auflagepads aus hochwertigem thermoplastischen 

Elastomers haben dämpfende Eigenschaften. Dadurch 

nehmen sie das Eigengewicht der Gitarre schonend auf 

und verhindern Beschädigungen am Instrument. Für den 

Transport kann der Guardian dank eines innovativen Klapp - 

mechanismus angenehm getragen und sogar aufrecht ab - 

gestellt werden. Hochflexible Anlagearme mit integrierten 

Plektren-Haltern ermöglichen das schonende Einstellen 

der Gi tar ren und gewährleisten zudem „freiliegende“ Saiten. 

Durch seine schlanke Bauweise kann der Guardian auch 

sehr platzsparend direkt vor einer Wand positioniert werden. 

Die transluzenten Elemente verhindern zudem Ver fär - 

bungen vom Ständer zu Gitarren mit Nitrolack-Lackierung. 

Aufstellmaß: 626 x 335 mm 

Größe zusammengelegt: 626 x 670 x 173 mm 

Höhe: 700 mm | Gewicht: 3,7 kg 

EAN: 4016842829552 

Weitere Informationen: www.k-m.de 



SHURE STARTET KAMPAGNE 

MIT ADAM LEVINE ZUR EINFÜHRUNG 

DER NEUEN AONIC-SERIE 

MIT KABELLOSEN KOPFHÖRERN 

MIT NOISE CANCELLING 

UND TRUE-WIRELESS-OHRHÖRERN 

Shure, ein weltweit führender Hersteller von Audio equipment, 

der die Branche seit über 90 Jahren maßgeblich prägt, gab 

auf der CES bekannt, dass Adam Levine das Gesicht der 

Kampagne zur Einführung einer neuen Serie von kabellosen 

Kopfhörern mit Noise Cancelling und True-Wireless-Ohrhörern 

wird. Levine kooperiert bereits seit über zehn Jah ren mit Shure 

und wird nun Teil der Werbekampagne des Unternehmens zur 

Einführung neuer Produkte im Frühling 2020. 

Die neuen kabellosen Kopfhörer mit Noise Cancelling und 

die True-Wireless-Ohrhörer ergänzen das bisherige Shure- 

Portfolio hochwertiger Ohr- und Kopfhörer für den Con sumer- 

Bereich. 

„Die größten Legenden der Musikgeschichte – Elvis, die 

Beatles, Jimi Hendrix, Aretha Franklin und viele weitere – 

haben im Studio und auf den bedeutendsten Bühnen dieser 

Welt auf Mikrofone und Equipment von Shure vertraut“, 

sagte Eduardo Valdes, Senior Director of Global Marketing 

for Musician and Consumer Audio bei Shure. „Jetzt können 

Musikliebhaber auf der ganzen Welt diese herausragende 

Audioqualität erleben – jederzeit und überall.” 

Zu den neuen Produkten gehören unter anderem die kabellosen 

AONIC 50 Kopfhörer mit Noise Cancelling, die in jeder 

Hinsicht besonderen Komfort bieten. Das Shure-Portfolio 

umfasst Kopfhörer für die Musikindustrie, die von Audio- 

Profis den ganzen Tag getragen werden – die Entwicklung 

komfortabler, hochwertiger Kopfhörer mit 20 Stunden Akku - 

laufzeit ist also sozusagen Teil der DNA des Unternehmens. 

Zur neuen Serie gehören zudem die AONIC 215 True 

Wireless Sound Isolating Ohrhörer, die mit der gleichen 

Technologie ausgestattet sind, die Shure für das In-Ear- 

Monitoring auf der Bühne einsetzt. Diese Ohrhörer bieten 

bei bis zu acht Stunden Akkulaufzeit und drei zusätzlichen 

Vollladungen über die Ladebox eine herausragende Klang - 

qualität sowie einmaligen Komfort mit sicherem Halt für ein 

ungestörtes, erstklassiges Hörerlebnis. 

Die AONIC-Serie basiert auf jahrzehntelanger Studio er - 

fahrung und überzeugt mit ihrer hochwertigen Ausführung 

und professionellen Features selbst die anspruchsvollsten 

Hörer. Shure AONIC Ohr- und Kopfhörer garantieren Musik - 

liebhabern und Musikern ein erstklassiges Hörerlebnis – ob 

im Zug, im Fitnessstudio oder zu Hause. 

Um mit der AONIC-Serie die gewohnte Shure-Audioqualität 

zu erzielen, legten die Entwickler besonderen Wert auf eine 

präzise Unterdrückung der Umgebungsgeräusche ohne Be - 

einträchtigung der Klangeigenschaften. Die neuesten Blue - 

tooth®-Technologien und -Codecs sorgen dafür, dass die 

Hörer die legendäre Shure-Klangqualität auch kabellos er - 

leben können. 

Mit ihrem herausragenden Tragekomfort und der erstklassigen, 

robusten Konstruktion mit Liebe zum Detail setzt die 

AONIC-Serie neue Maßstäbe für kabellose Ohr- und Kopf - 

hörer. Hervorragender Klang und einmalige Features garantieren 

das perfekte Hörerlebnis: 

• Akkulaufzeit – Mit nur einer Ladung rund um den 

Globus fliegen 

• Anpassbares Noise Cancelling – Für ungestörten 

Hörgenuss 

• Environment Mode – Mit der speziell entwickelten, 

kostenlosen ShurePlus PLAY App für iOS und Android 

lässt sich der Anteil der Umgebungs geräusche beliebig 

anpassen 

CES-Besucher können die neuen Ohr- und Kopfhörer in einer 

realistischen Umgebung am Shure-Messestand (#20200) 

vorab live erleben. Für jede AONIC-Demo auf der Messe 

spendet Shure einen Betrag an Save The Music, eine gemein - 

nützige Organisation, die Kindern, Schulen und Gemein den 

hilft, durch Musizieren ihr volles Potenzial zu entwickeln. 

Alle Besucher, die an einer Produktpräsentation teilnehmen, 

haben die Chance, ein Paar Kopfhörer, Ohr hörer oder 

VIP-Tickets für das Lollapalooza 2020 in der Shure-Heimat - 

stadt Chicago zu gewinnen. Um über die Kampagne mit 

Adam Levine und die neuen Produkte auf dem Laufenden 

zu bleiben, können sich Fans auf www.shure.com/AONIC 

registrieren. 

Weitere Informationen: www.shure.de 



AKAI MPC ONE 

Sampling Workstation 

Die Akai MPC One ist eine professionelle Standalone Sampling Workstation mit einem 7- 

Zoll-Vollfarb-Multi-Touch-Display und läuft ohne Computeranbindung. Sie besitzt den 

bekannten Workflow der MPC-Reihe und gibt sich mit ihren Funktionen und Features 

betont ergebnisorientiert. Mit ihren richtungsweisenden Performance-Möglichkeiten 

zusammen mit der nahtlos integrierten MPC-Software wird sie dadurch zum bisher zentralen 

Tool auf der Bühne und im Studio. 

KONTROLLE IN HOCHAUFLÖSUNG 

Aus dem Herzen der Akai MPC One strahlt ein 7-Zoll- 

Vollfarb-Multi-Touch-Display. Die Editierung von MIDI- 

Events, das Hinzufügen von Effekten, Editieren von Step- 

Sequenzen, Arrangieren, Sampeln und vieles mehr gelingt 

so auf intuitive Weise. 

MPC ONE & MODULARSYSTEME 

Acht frei konfigurierbare CV/Gate-Ausgänge ermöglichen 

die Verbindung zwischen der Akai MPC One und einem 

Modularsystem. Auch andere Synthesizer, die über CV/ - 

Gate-Ausgänge verfügen, können auf diese Weise von der 

MPC One gesteuert werden. 

PLUGIN-SYNTHESIZER 

Die Akai MPC One beinhaltet die drei leistungsstarken PlugIn- 

Synthesizer TUBESYNTH, BASSLINE und ELECTRIC, die als 

vollwertige Instrumente ohne eine notwendige Com puter - 

anbindung genutzt werden können: 

TUBESYNTH 

TubeSynth emuliert den Sound klassischer analoger 

Polysynths, kombiniert mit 5 integrierten AIR-Effekten. Der 

Synthesizer enthält alle wichtigen Parameter sehr detailreich 

in einer speziellen grafischen Benutzeroberfläche auf 

den Touch-Displays der MPC Live und MPC X. Tube Synth 

wurde von AIR Music Tech entwickelt und basiert auf der 

gleichen Analog-Modeling-Technologie, die schon im be - 

kannten Plugin-Synthesizer Vacuum Pro zu finden ist. Das 

Layout wurde so angepasst, dass eine bequeme Steuerung 

über die MPC-Q-Links gewährleistet ist. 

Tube synth ist ausgestattet mit einer umfangreichen Samm - 

lung an Preset-Sounds inklusive breit schwebenden Pad- 

Sounds, harten Plucks, vibrierenden Bässen und ausdrucksstarken 

Lead-Sounds. 

BASSLINE 

AIR Bassline emuliert den Sound von klassischen Vintage- 

Mono-Synthesizern. 

Zudem sind 4 AIR-Effekte und 2 Distortion-Algorithmen 

enthalten. 

ELECTRIC 

AIR Electric emuliert den Sound klassischer E-Pianos. 

BELEUCHTETE PADS 

Über die anschlagdynamischen Pads werden die Noten in 

den Sequenzer der Akai MPC One eingespielt und die 

Sounds getriggert. Für eine noch bessere Übersicht sind 

die Pads in RGB-Farben hintergrundbeleuchtet. 

SPEICHERUMFANG DER AKAI MPC ONE 

Die Akai MPC One bietet eine interne Speicherkapazität 

von 2 GB; es sind bereits 2 GB Sample Content enthalten! 

Die Größe des Arbeitsspeichers beträgt 2GB RAM. Weitere 

Samples können auf einer SD-Karte abgelegt werden 

(Medium nicht im Lieferumfang enthalten). Als weitere 

Schnittstellen sind zwei USB-2.0-Slots für externe Fest - 

platten oder die Verbindung mit MIDI-Controllern vorhanden. 

AKAI MPC ONE IM ÜBERBLICK: 

• Standalone MPC – funktioniert ohne Compute ran bin - 

dung 

• Hochauflösendes 7-Zoll-Multi-Touch-Display 

• 16 anschlagdynamische Pads 

• Stereo Line Ein- und Ausgänge 

• Acht frei konfigurierbare CV/Gate-Ausgänge (via vier 

TRS-Buchsen) 

• vier Q-Link-Regler, vierfach umschaltbar 

• 2 GB interner Speicher (2 GB Sound Content inklusive) 

• 2 GB RAM 

• SD Karten Slot 

• zwei USB-2.0-Anschlüsse für externe Festplatten 

oder für die Verbindung mit MIDI-Controllern 

Artikel: SYN0007366-000 

Weitere Informationen: www.musicstore.de 


62 REZENSIONEN 

GHOSTHER 

»Through Fire« 

Gut fünf Jahre nach Bandgründung treten die vier Nordrhein- 

Westfalen von GHOSTHER mit ihrem ersten Langspieler 

„Through Fire“ auf die Bildfläche der deutschen Metal-Szene. 

Optisch und haptisch macht das über Rough Trade und 

Noizegate erschienene Album bereits einiges her: Ein aufwendig 

und liebevoll gestaltetes Artwork trifft auf ein hochwertig 

produziertes Digipak – das wünscht man sich häufiger 

von Undergroundbands – erster Pluspunkt an dieser Stelle für 

die Band. Doch können GHOSTHER auch musikalisch überzeugen? 

Klare Antwort: Ja, sie können. Reihenweise tanzbare 

Alternative-Metal-Songs im oberen Midtempo-Bereich werden 

hier geliefert, die man sich sogleich auf den Dancefloors der 

hiesigen Rock-Clubs vorstellen kann. Kraftvolle Riffs treffen 

hier auf simples, aber effektives Drumming, das die Melo die - 

bögen perfekt unterstützt. Vergoldet wird das alles von 

Sängerin Jennys Stimme, die die Songs je nach Gesangs stil 

mal in melancholische, freudige oder wütende Rich tun gen 

lenkt. Musikalisch sind die zehn Songs vor allem Fans von 

offensichtlichen Vergleichsbands wie Paramore oder 

Halestorm zu empfehlen. Allerdings hört der aufmerksame 

Hörer stellenweise starke Anleihen an die Architects, frühe 

Nickelback oder Alter Bridge heraus. Generell atmet „Through 

Fire“ eher den Geist der späten 90er und frühen 2000er, 

moderne Sound-Elemente bringen die Musik aber immer 

wieder ins Hier und Jetzt zurück. Empfehlenswert. 

www.ghosther.com 

P.S. 

ALL OUR FRIENDS ARE DEAD 

»See You Soon« 

„Musik aus der Zeit, als man noch Haare trug“ ist das Motto 

der sieben Mitglieder von ALL OUR FRIENDS ARE DEAD. 

Klingt erst einmal komisch – und das ist es tatsächlich auch, 

abgesehen davon, dass wie so oft mindestens ein Quänt - 

chen Wahrheit drinsteckt. Denn einerseits hat sich die Band 

auf das Neuinterpretieren von wahren Klassikern der Popund 

Rockgeschichte spezialisiert, andererseits tut sie dies 

mit einer Leichtigkeit und Fröhlichkeit, die eine dauerhafte 

gute Laune während des Hörvorgangs entstehen lässt. Wie 

die Band ihre aufwendigen Arrangements so bekannter 

Songs wie „How Sweet It Is“ (Marvin Gaye), „I’m Not In Love“ 

(10cc) oder „Here Comes The Sun“ (Beatles) umsetzt und 

präsentiert, zeigt einmal mehr die der Musik ganz eigene 

und spezielle innewohnende Art von Humoristik. Verspielte 

Klaviere und Gitarren treffen auf fröhlichen Gesang, leichte 

Schlagzeug-Rhythmen und süffisante Background-Chöre. 

Zehn Cover-Versionen werden präsentiert, die einerseits darauf 

schließen lassen, was für eine hervorragende und ein - 

gespielte Band hier zusammen agiert, und andererseits die 

Neugierde darauf wecken, wie die Band wohl mit Eigen - 

kompositionen klingen mag. Für weitstirnige Kenner der 

Pophistorie ist „Sell Your Soul“ in jedem Fall ein Leckerbissen. 

allourfriendsaredead.de 

P.S. 

LUCA VASTA 

»Stella« 

Mit „Stella“ hat Luca Vasta ein Popjuwel erschaffen, das 

alle Facetten des Genres schimmernd aufgreift und widerspiegelt. 

Träumerische Melodien geben dynamischen Beats 

die Hand, unbändige Lebensfreude wechselt sich mit bittersüßer 

Melancholie ab. Luca Vastas weiches Italienisch 

schmiegt sich in die Akkorde, wird immer wieder von englischen 

Phrasen aufgebrochen und hebelt somit jegliche 

sprachlichen Grenzen aus: Die in Remscheid geborene 

Deutsche mit italienischen Wurzeln scheint durch und durch 

Weltbürgerin zu sein. Die Grenzen der Popmusik lotet sie 

charmant und selbstbewusst aus: Folkloristisch angehauchte 

Melodien zeigen sich im Song „Rosa“. Auf „Time“ finden 

elektronische Klänge Platz, während „American Dreams“ 

mit Streichern und einem fast schon hymnischen Chor auffährt. 

Dass bei der Produktion des Albums ein Profi am 

Werk war (Philipp Steinke arbeitet u. a. mit Mark Forster 

und Revolverheld zusammen), hört man jedem einzelnen 

Song an. Der musikalischen Vielfalt des 2019 erschienen 

Albums einen roten Faden zu verpassen, ist genial gelungen: 

„Stella“ ist durchweg hörenswert und zeigt den Facetten - 

reichtum, mit dem Luca Vasta ihre Liebe zur Popmusik feiert. 

www.lucavasta.com 

L.K. 

FRIENDS OF MUSIC 

»Ghostrider« 

Die FRIENDS OF MUSIC machen es einem wahrlich nicht 

leicht, etwas über sie herauszufinden. Das Booklet ihres 

Albums „Ghostrider“ von 2019 gibt keine Webadressen preis, 

das Label teilt online auch keine Informationen und auch 

längere Google-Recherche bleibt erfolglos. Zur Band historie 

kann daher wenig gesagt werden, die Musik der drei 

Musikfreunde lässt sich jedoch eindeutig beschreiben und 

zuordnen. Zehn Stücke sind auf „Ghostrider“ enthalten, die 

alle den Geist von klassischem, rockgeprägtem Südstaaten- 

Country atmen. Stücke wie „I’m Coming Home“ oder „Driving 

Home To Alice“ sind wunderbar vorstellbar beim sommerlichen 

Barbecue, einer Spritztour über die Landstraßen der Republik 

oder beim Bikertreffen. Auch die für die Szene obligatorische 

Cover-Version eines Songs von Country-Über vater Johnny 

Cash hat es auf die Platte geschafft: „Ghost Riders In The Sky“ 

wird in gleich drei unterschiedlichen Varianten präsentiert. 

Daneben sind auch das eingangs erwähnte „I’m Coming 

Home“ sowie der getragene Song „Confusion“ neben einer 

Radio-Version auch in einer tanzbaren Club-Version enthalten. 

So summieren sich die sechs Lieder inklusive ihrer band - 

eigenen-Coverversionen auf eine kurzweilige Dreivierte l stunde, 

die nicht nur deutlich macht, was der Country-Underground in 

Deutschland kann, sondern die auch noch Zeit bietet, über den 

stilistischen Tellerrand hinauszublicken. 

P.S. 

THE MAZE 

»From Small Things« 

Es müssen nicht immer die ganz großen Geschichten sein – 

das stellt die Band theMaze auf ihrem Album „From Small 

Things“ unter Beweis. Der Bandname ist bei näherer Betrach - 

tung der langen Bandgeschichte bezeichnend: Bereits vor über 

25 Jahren fanden sich Frank Senftleben und Heiner Lehmann 

mit ihrem Kollegen Enrico Thoms zusammen, um sich zwischenzeitlich 

wieder zu trennen, eigene Wege zu gehen und 

das Bandprojekt schließlich zu zweit aufleben zu lassen. Frank 

Senftleben und Heiner Lehmann kreieren auf „From Small 

Things“ eine solide Mischung aus Pop, Rock und Blues und 

verstehen es, den typischen Bandklang wenn nötig aufzupeppen, 

sei es durch Einsatz eines Glocken spiels in „The Sound 

Of Her Words“ oder einer Querflöte in „Worst Case Scenario“. 

Nummern wie „Get The Beat Back“ gehen ordentlich voran, 

während eben genanntes „Worst Case Scenario“ oder „Never 

Wanna Go Again“ durch entspannten Groove überzeugen. Die 

kleinen Dinge des Lebens stehen in der Tat im Mittelpunkt des 

Albums. In „If We Kiss“ fragt sich Sänger Frank Senftleben, ob 

aus einer Freundschaft vielleicht doch Liebe entstehen kann. 

„Eye To Eye“ erzählt vom Freiheitsdrang und der Versuchung, 

auszubrechen und den Alltag einfach hinter sich zu lassen. 

Das Album, dem ein paar mehr musikalische Ecken und 

Kanten sicherlich nicht geschadet hätten, endet mit dem 

Aufruf, die kleinen Dinge im Blick zu behalten und sie zum 

Positiven zu wenden; sind sie es doch, die unser Leben am 

Ende so richtig lebenswert machen. 

www.themaze.de 

L.K. 


REZENSIONEN 63 

WATTENLÄUFER 

»Wi bruuk keen Kalifornien!« 

Wozu nach Kalifornien ziehen, wenn man auch an der Nordsee 

wohnen kann? Das fragen sich die WATTENLÄUFER auf ihrer 

neuesten Platte und bringen die Antwort gleich mit: „Wi bruuk 

keen Kalifornien!“ Da kann man schließlich keinen „Gröönkohl 

op‘n Disch“ essen! Gleich der erste titelgebende Song macht 

ordentlich Stimmung und bringt eine Fröhlichkeit und 

Lebenszugewandtheit mit, die sich trotz besungenen typisch 

norddeutschen „Schietwetter“ durchs Album zieht. Klassiker 

wie der „Jung mit‘n Tüdel band“ oder das „Shanty Party-Rock- 

Potpourri“ werden sym pathisch aufgegriffen und mit einem 

eigenen musikalischen Touch versehen, die Herkunft und der 

Dialekt mit Humor genommen. Aus dem bekannten „Im 

Wagen vor mir“ wird so zum Beispiel „In dr Boot för mi“. Die 

sechsköpfige Platt rock-Band ist mit hörbarem Spaß und 

Leiden schaft bei der Sache und kombiniert eingängige 

Melodien voller Leich tig keit mit ihrem Dialekt. Auch die gefühlvollen 

Stücke „Ik bliev bei dir“ und „Fresenhof“ können überzeugen. 

Fazit: „Wi bruuk keen Kalifornien!“ sollte mit seinen 

bodenständigen und humorvollen Songs definitiv auch Fans 

außerhalb Nord deutsch lands begeistern. 

www.wattenläufer.com 

L.K. 

VIVID CURLS 

»… nicht müde werden!« 

Sozialkritische Texte, Gänsehaut erzeugender Harmonie ge - 

sang, ein Mix aus Rockröhre und lyrischem Mezzosopran: Die 

VIVID CURLS wagen die Kombination von Anspruch und Inhalt 

mit dramatischer, eingängiger Melodik, abwechslungsreichen 

Rhythmen und fein herausgearbeiteten Songstrukturen. 

Hier trifft klassisches deutsches Liedermachertum àla 

Konstantin Wecker oder Reinhard Mey auf modernes Song - 

writing nach Art vieler bekannter neuer „Deutschpop- 

Poeten“. Inka Kuchler und Irene Schindler widmen sich 

inhaltlich dabei den brandaktuellen Themen unserer Zeit: 

die Zerrissenheit in der Gesellschaft, der Kampf um eine 

bessere Zukunft, das Streben der Jugend nach einer Politik, 

die Umwelt und zukünftige Generationen in den Fokus nimmt. 

Dazu werden sie unterstützt von einer hochqualitativen Band: 

perkussives Gitarrenspiel oder verträumtes Fingerpicking 

treffen auf Mundharmonika-Einspieler und Percussion - 

elemente. 

VIVID CURLS brauchen nicht viel, um ihren allseits gepriesenen 

und mit diversen Preisen ausgezeichneten Gesang 

zu unterstützen, und doch bespielen sie auf “... nicht müde 

werden!” die gesamte Bandbreite der ihnen zur Verfügung 

stehenden Mittel der musikalischen Arrangements. Diese 

Band breite und Aktualität ist es denn auch, die den VIVID 

CURLS in der Vergangenheit diverse Auszeichnungen wie den 

Förder preis für junge Liedermacher der Hanns-Seidel- 

Stiftung eingebracht hat. Wenn das Duo so weitermacht, 

dürften noch einige weitere Preise dazukommen – sei es für 

die tolle Musik oder ihre zum Nachdenken anregenden Texte. 

www.vivid-curls.de 

P.S. 

THOMAS MENTSCHES & BAND 

»The Lierfeld Tapes« 

Seit vielen Jahren ist Thomas Mentsches bereits als Singer 

und Songwriter in klassischer angloamerikanischer Tradition 

aktiv und auf den Bühnen der Republik sowie auf Platte 

unterwegs. Bereits seit zehn Jahren wird er dabei von seinen 

beiden Weggefährten Volker Arndt und Ali Ottmann 

begleitet, die Mentsches’ Sound mit ihrer großen musikalischen 

Erfahrung aus Klassik, Jazz und Reggae bereichern. 

Verfeinert durch die spezielle Stimme von Thomas Mentsches 

entsteht ein eigenständiger und unabhängiger Sound, der 

in dieser Form in Deutschland nicht häufig zu hören ist. 

Sein neuestes Werk „The Lierfeld Tapes“ spiegelt diese 

Eigen ständigkeit zum wiederholten Male eindrucksvoll 

wider. Regelmäßig holt sich Mentsches in den legendären 

Bars und Pubs der britischen Insel historische und musikalische 

Inspiration für seine neuen Werke und auch diese 

regelmäßigen Stippvisiten an den Wiegen der Singer- 

Songwriter-Szene hört man dem Album eindrucksvoll an. 

Auch dieses Album ist inhaltlich geprägt von den für Thomas 

Mentsches typischen Geschichten über Freude und Nöte 

des sprichwörtlichen „kleinen Mannes“. Diese auf vielen 

Reisen gemachten und gesammelten Erfahrungen und Er - 

zählungen verarbeitet der Sänger gemeinsam mit seinen 

beiden Mitstreitern zu einer wundervollen Platte, die den 

Geist der britischen Inseln atmet und zeitgleich doch einen 

eigenen Touch durchscheinen lässt. 

www.facebook.com/Thomas.Mentsches.Band P.S. 

FRANK MARTIAN 

»Where Ends Meet« 

2019 erschien mit „Where Ends Meet“ nach langer Warte - 

zeit das neue Album von Frank Schulz alias Frank Martian. 

Das Album weckt musikalisch und stimmlich viele Erinne - 

rungen an die progressiven Pop- und Rockbands aus Groß - 

britannien in den 80er-, 90er- und frühen 2000er-Jahren. 

Elektronische Ele mente werden hier mit progressiven Ge - 

sangs strukturen und Rockriffs miteinander verbunden. Trotz 

der überwiegend düsteren Grundstimmung ist „Where 

Ends Meet“ eine positive, doch nicht übermäßig nostalgische 

oder verklärte Aus einandersetzung mit der gesellschaftlichen 

und der eigenen Vergangenheit. Für Frank 

Martian stellt das Album „ein ehrliches Statement und eine 

packende, faszinierende und oft auch tanzbare Abbildung 

der Vielschichtigkeit unseres modernen Lebens“ dar – ein 

Statement, welches das Album treffend und passend 

zusammenfasst. Mit der Unterstützung exzellenter Musiker 

wird hier über elf zeitgemäß produzierte Songs die für 

Martian typische große stilistische Bandbreite an Ge schichten 

von Trennung, Tod, Begierden und Liebe präsentiert. Mal 

zynisch, mal erschreckend deutlich und mal mit einem 

Augen zwinkern – musikalisch immer eigenwillig, auf Eigen - 

ständigkeit bedacht und keinem einengenden musikalischen 

Korsett folgend. Ein sehr ambitioniertes Werk. 

www.protonmusic.de 

CAPELLASTREET 

»Dicht an dicht« 

Stark vom Zeitgeist geprägt präsentieren sich CAPELLA- 

STREET mit ihrer neuen Single „Dicht an dicht“. Zusammen 

mit einem Video widmen sie sich in ihrem Song der aktuellen 

Klimadebatte und beziehen auch gleich eindeutig Stel - 

lung: Das Stück ist einerseits vom Aufruf zu mehr Umwelt - 

bewusstsein geprägt und andererseits ein Aufruf, sich den 

aktuellen Protesten für eine umweltfreundlichere Zukunft 

anzuschließen. Dabei geben sich CAPELLASTREET auch 

bewusst überhaupt keine Mühe, subtil zu klingen: Offen 

wollen sie dazu motivieren, sich „Dicht an dicht“ in der 

Fridays-for-Future-Bewegung zu sammeln und den Protest 

so auf der Straße zu unterstützen. Begleitet von elektronischen 

Beats und garniert mit poppigen und rockigen Ele - 

menten entsteht so ein Protestsong, der die Hörer aufrütteln 

und zur Aktion motivieren soll. 

facebook.com/CAPELLASTREET-267568193278873 P.S. 

Rezensenten: 

L.K. – LINDA KNAUER 

P.S. – PHILIPP STRUNK 


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CAPELLASTREET 

„Dicht an dicht“ 


facebook.com/CAPELLASTREET- 

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JÖRG KUHFUSS 

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JOGALO 

„Jogalo and 

the Funkey Fellas“ 


WATTENLÄUFER 

„We bruuk keen Kalifornien“ 


joerg-kuhfuß@t-online.de 

jojobamusic@gmx.de 

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BOOMTOWN SHAKEDOWN 

„Heimat“ 


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CAPELLASTREET 

„Close to close“ 


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CIRCUS GENARD 

„Southie Kids“ 


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DORIAN BLACK 

„Winter“ 


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MOW 

„Kasper“ 

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JAMBERRY 

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22.11.2019 

jamberry-music.de 

THE NEW TEAM PROJECT 

„New Trinity“ 


www.the-new-team-project.de 

DORIAN BLACK 

„This Will Make You 

Love Again“ 



EINGEHÄNGT 

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VÖ: 24.08.2018 

frank.proft@web.de 

DIE ROCKMEDIZINER 

„… auf Krankenschein“ 


ALEX FRIDL 

„Weida gezz“ 


DORIAN BLACK 

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13.07.2018 

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Jenna Akua Hoff 

„Happy Holidays“ 


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HARALD JOST 

„Tiefgefrorenes“ 


DORIAN BLACK 

„Time Runs Backwards“ 



AETERNOM 

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VÖ: 29.06.2018 

joerg.klein@guitar-ondemand.de 

FRANK PROFT 

„Stück zurück“ 


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DOMINION FORCE 

„Dominion Force“ 


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PETER PANDURANGA 

„Das Leben ist leicht“ 

FRANK PROFT 

„Sehnsucht“ 

BARBARA ZANETTI 

„Dein Leben“ 


„Mutter Erde“ 


www.peterbayreuther.com 

22.06.2018 

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„Schizohilia“ 



CASSROLL 

„Atom Roulette“ 

15.06.2018 

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FRANK PROFT 

„Schon im Himmel gesehen“ 


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KARMA BITCH 

„Breathe your last“ 


musiker MagazIN 4/19 – 1/20

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Suche Drummer, Bassist und 

einen Sänger, um vor allem Stücke 

aus meinem aktuellen Album „The 

World Anthem“, aber auch ältere 

Stücke meiner Solo-CDs und meiner 

damaligen englischen Band 

„Dark Ocean“ unter dem Namen 

„Conny Conrad and friends“ auf die 

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Verantwortl. Redakteur (V.i.S.d.P.): 

Ole Seelenmeyer, os@musiker-online.com 

Freie Mitarbeiter und Gastautoren: 

Norbert Aping, Nele-Sophie Breuer, 

Linda Knauer, Ronja Rabe, Katja Rake, 

Philipp Strunk 

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Zurzeit ist die Anzeigenpreisliste Nr. 35 

vom 1. Januar 2020 gültig. 

Layout: 

Ana Seelenmeyer 

Lektorat: 

Heike Funke 

Druck: 

L.N. Schaffrath GmbH & Co. KG 

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