Pressespiegel 2015

Jo Fabian „Nietzsche oder die Diktatur der Kunst“, Mai 2015, Foto: Marcus Lieberenz
PRESSESPIEGEL 2015

DOCK 11 PRESSESPIEGEL 2015
Edison / Fabian Bleisch und Sibin Vassilev 22. - 25.01.2015 im DOCK 11
www.Zitty.de
Edison
Inhaltsangabe
Licht und Klang-Performance.
LICHT- UND KLANG-PERFORMANCE - Mit der Performance „Edison“ hat sich das post theater im
Dock 11 eingenistet. Unter der künstlerischen Leitung von Fabian Bleisch und Sibin Vassilev erinnert
die Gruppe an Thomas Alva Edison (1847-1931), den berühmten Erfinder und Marketing-Strategen,
dessen Glühbirne einst Prestige und Wohlstand repräsentierte. Eine Hommage an den historischen
Moment der Massenverbreitung des elektrischen Lichtes. Aufgrund limitierten Zugangs ist eine Reservierung
via ticket@dock11-berlin.de nötig (mit genauer Angabe der gewünschten Anfangszeit).
Eintritt 5 Euro.
https://bonck.wordpress.com/2014/03/09/kunst-mit-gluhbirnen-als-hommage-und-abschied/
9. März 2014
Kunst mit Glühbirnen als Hommage und Abschied
EDISON Kunstinstallation
Die Künstler Fabian Bleisch und Sibin Vassilev haben mit “EDISON” eine Licht- und Klanginstallation
geschaffen, die zugleich eine Hommage an und ein Abschied von der herkömmlichen Glühbirne ist.
Die Ablösung der Glühbirne durch Energiesparlampen wurde 2008 in Brüssel beschlossen und dann
in den folgenden Jahren schrittweise durchgeführt. Die neuen Lampen sind teuer, im Vergleich zu
Glühbirnen mit Vakuum und Draht ein Hightech-Produkt mit Chemie und Quecksilber, die aufwändig
produziert und entsorgt werden müssen, und liefern eine ganz andere Lichtqualität, die nicht jeder als
angenehm empfindet und für bestimmte Zwecke ungeeignet ist.
Fabian Bleisch ist Lichtgestalter an Berliner Theatern und schätzt das Lichtspektrum der Glühbirnen.
“Es ist am nächsten am Tageslicht dran”, erklärt er. Er bezweifelt außerdem, dass es bei der Entscheidung,
die Glühbirne abzuschaffen, ums Energiesparen ging und vermutet wirtschaftliche Interessen
dahinter. “Der Film ‘Bulb Fiction’ von Christoph Mayr hat mich inspiriert. Außerdem wollte ich ohnehin
mal mit Sibin zusammen Kunst machen.” Sibin Vassilev und Fabian Bleisch
Sibin Vassilev ist Klangdesigner an Berliner Theatern und stammt aus Bulgarien. Dort war die Installation
bisher zweimal zu sehen. Für drei Tage war sie nun in Berlin im Dock11 aufgebaut. “Es sind 48
Glühbirnen zu je 40 Watt, die Geräusche kommen aus einem 6.1-Surround-System”, erklärt er. “Die
Glühbirnen werden von Midisignalen und einer Lichtsteuersoftware getriggert.”
Man kann durch die Installation hindurchlaufen und die Lampen beobachten, wie sie heller und dunkler
werden, aufblitzen oder laufen, immer passend zur Geräuschkulisse. “Mit herkömmlichen Energiesparlampen
wäre das gar nicht möglich”, sagt Fabian. “Man kann sie nicht dimmen, sie brauchen zu
lange, bis sie ihre ganze Helligkeit entfalten. Außerdem ist das Licht nicht schön.”
EDISON Kunstinstallation
Die Geräusche bestehen aus Gesprochenem, in dem man über die gesundheitlichen Gefahren der

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Energiesparlampen und über den Entscheidungsprozess in Brüssel erfährt, dazu Melodien, Klangteppiche
und Geräusche wie zerberstende Glühbirnen. Tiefe elektronische Sequenzen in Verbindung mit
dem Wechsel aus hell und dunkel in den alten Gemäuern schaffen mitunter eine Atmosphäre, die
mich an das Computerspiel ‘Half Life’ erinnert. Die Installation läuft in einer zehnminütigen Schleife.
“In Bulgarien haben wir sie mehrere Tage von früh bis spät gezeigt. Und obwohl die Birnen durch das
An- und Ausschalten strapaziert werden, ist bisher keine kaputtgegangen”, sagt Fabian.
Wo die Installation als nächstes zu sehen sein wird, wissen die beiden noch nicht. “Wir würden sie
schon gerne auch in einer Galerie sehen”, erzählt Sibin. “Allerdings eignen sich die wenigsten Räume
dafür. Die Wände in den meisten Galerien hallen zu sehr.” Die Backsteinwände im Dock11 in der
Kastanienallee sind dafür wie geschaffen.
www.morgenpost.de 22.01.15
10 Tipps, was Sie am Freitag nicht verpassen sollten
+++ 17 Uhr +++ Performance: Das post theater mit „Edison“ im Dock 11
Das post theater erinnert mit „Edison“, einer Hommage aus Licht und Klang, an die massenhafte Verbreitung
des elektrischen Lichts.
www.globe-m.de 31.01.2015
Die Glühbirne als Machtinstrument
Susanne Gietl
„Die Hauptaufgabe der Zivilisation besteht darin, den Menschen das Denken zu lernen.“ Mit dem
Denken kommt das Streben nach Macht. Dies zeigt ein so einfacher Gegenstand wie die Energiesparlampe,
die ein typisches Beispiel für politische Propaganda ist.
Licht an, Licht aus!
Thomas Edison gilt als Erfinder der Glühfadenlampe, auch bekannt als Glühbirne. In der Kunstinstallation
„EDISON“ widmen sich Fabian Bleisch und Sibin Vassile kritisch der Bewegung von der Glühlampe
hin zur Energiesparlampe. Die Glühbirnen hängen an Kabeln von der kuppelförmigen Decke. Die
Birnen sind in drei Kreisen angeordnet. Je nach Aussage leuchten alle Birnen gleichzeitig oder nacheinander,
auch die Intensität reicht von schwachem Glühen bis hin zu tagheller Beleuchtung.
„Klimaschutz. Jeder konnte dabei sein – Durch das Einschrauben einer Energiesparlampe“ tönt es aus
dem Lautsprecher. Eine Glühlampe nach der anderen beginnt, zu leuchten. Es ist ein positives Bild,
das sich aus Licht und Sound zusammensetzt. Dann erzählt eine Stimme vom Quecksilber, das in der
Energiesparlampe enthalten ist und sich bei der Entsorgung freisetzt. Nach und nach beginnen an verschiedenen
Stellen Glühbirnen zu leuchten. Sie stehen für die Verbreitung des Leuchtstoffs. Europa,
Afrika, Asien, Südamerika. Es wirkt wie eine Weltkarte, die aus Glühbirnen besteht. Von Propaganda

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seitens der Regierung ist die Rede und von Instrumentalisierung durch die Politik. Dann wird es laut
und grell. Ein Glühbirnengewitter kommt auf. Der Lärm ist ein Surren, Brummen, Wummern. Dann
beginnt der Kreislauf wieder von vorn.
www.neues-deutschland.de 21.01.15
Provokantes Firmament
Licht-Klang-Performance »Edison« im Dock 11
Lustwandeln unterm Sternendom: Diesen Eindruck macht auf den ersten Blick das Foto. Lichter blitzen
auf, ändern nach festem Plan ihre Position im Raum. Doch romantisch ist nicht gemeint, was das po
(...)

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WE / Shai Faran 29.01. - 01.02.2015 im DOCK 11
1 WE ein Tanzstück von Shai Faran
Pressespiegel „WE“, ein Tanzstück von Shai Faran; DOCK 11 Berlin
- Premiere am 29. 5 2014 und weitere Aufführungen am 30. Und 31. 5. 2014
- Wiederaufnahme am 29., 30. und 31. 1 als auch 1.2. 2015
Vorankündigung Print
- Tagestipp Zitty 29.5.2014
- Tagestipp Berlin Poche 29.5.2014
- Tagestipp Zitty 29.1.2015
- Tagestipp Tip 29.1.2015
Vorankündigung Online
- Zitty, Tip, Berliner Poche, TanzRaum Berlin, Tanzforum, Tanznetz, Creative City Berlin,
visit berlin.de, Dance Germany, Kultur in Panko, Vimeo, funaroundyou, gonna do, where
event, Kultiversum, Berlin Diagonale
Kritik Online
- Philipp Mayer, Kulturblogger - Kritik zur Premiere 1.5.2014
- Jade Albasini, berlinpoche.de – Kritik und Interview mit Shai Faran zur
Wiederaufnahme 29. 1.2015

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2 WE ein Tanzstück von Shai Faran
„WE“ von Philipp Mayer, Kulturblogger
Kritik zur Premiere 1.5.2014
Zwei Frauen stehen in der Ecke und tuscheln, die Schultern ein wenig in Richtung Ohren
gezogen. Deutlich kann man hören, dass sie reden. Oder: man kann es sehen. Denn kein Wort,
nicht einmal die Sprache in der sie reden, ist zu identifizieren. Während im Zentrum der Bühne
drei weitere Frauen sich bewegen, explodiert eine Druckwelle aus der Ecke. Aus der Erinnerung:
Ein Schulhof, Kinder rennen, Lehrer stehen beruhigend dazwischen, eine Schlange bildet sich
vor dem Kiosk, an dem der Hausmeister farbige Milch verkauft. In der Ecke stehen zwei
Mädchen und tuscheln. Manchmal lachen sie, mit ihren Schultern – leicht nach oben und nach
vorne gezogen – bilden sie einen Kreis der Abwehr. Wie gern würde man in ihre Nähe treten,
um ihnen ihr Geheimnis zu entlo-cken oder auch nur ein einziges Wort zu verstehen.
„Man darf hier weiter ausgreifen und sich darauf besinnen, daß das Unterbrechen eines der
funda-mentalen Verfahren aller Formgebung ist. Es liegt, um nur eines herauszugreifen, dem
Zitat zugrun-de. Einen Text zitieren, schließt ein: seinen Zusammenhang unterbrechen. 'Gesten
zitierbar zu ma-chen' ist eine der wesentlichen Leistungen des epischen Theaters. Seine
Gebärden muß der Schau-spieler sperren können wie ein Setzer die Worte.“ Walter Benjamin.
In „WE“ von Shai Faran, Uraufgeführt am Donnerstag, 29. Mai im Dock 11, Berlin, werden Gesten
zitiert. Große Erzählungen finden Platz neben kleinen Momenten, immer wieder aufgerichtet, in
der Schwebe gehalten um dann Unterbrochen zu werden – das nächste Zitat.
Wo erzählt wird, Bilder von Liebe, Hass, Freundschaft, Wüste, Krieg und Gewalt, getragen von
großer Musik und sparsam eingesetzten Beleuchtung, wird es Kino. Unterhaltsames Kino.
Kitsch, das sind Gesten, die so oft und deutlich wiederholt werden, dass sie im Gedächtnis eine
Form an-nehmen. Eine Kunst, die nicht nur den intellektuellen Geschmack ansprechen will,
sondern – über die Erinnerung – den ganzen Körper, darf keine Angst vor Kitsch haben. Wie
macht man unterhalt-same zeitgenössische Kunst? Auf diese Frage findet „WE“ eine eine
Antwort, die sich körperlich in Glück verwandelt.
In seinem Hang zum erzählenden Bild, das sich furchtlos der Gefahr entgegenwirft, Bedeutung
zu generieren, bildet es ein sich panoramisch aufrichtendes, zerklüftetes, aus großen Gesten,
Licht und Schatten kompiliertes Gebirge.
Vor diese Hintergrund erst kann das Zaghafte seine Wirkung entfalten. Mit offenen Augen und
leicht geöffnetem Kiefer, steht eine der fünf in der vorderen Bühnenmitte. Während sie so, ein
we-nig hilflos auf die Zuschauer blickt, ziehen und zerren die übrigen Frauen an ihren Armen
und Bei-nen. Nicht nur die Entscheidungslose, auch das Publikum scheint – im Bann der hilflos
Blickenden
– die gleichen Bewegungen zu vollziehen, wie sie.
Diese Momente, es sind deren einige, sorgen dafür, dass zwischen Ende und Applaus, der
gängige Ablauf für einige Sekunden unterbrochen wird. Noch können die Zuschauerinnen sich
von ihrem Bann nicht lösen. Noch können sie das Band zwischen sich und der Bühne nicht
zerreißen. Noch sperren sich ihre Hände. Dann: Applaus.

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3 WE ein Tanzstück von Shai Faran
Parce que c’est NOUS
Publié le Jeudi 29 janvier 2015
dans: autre-article, Danse, Magazine
L’artiste israélienne Shai Faran et ses danseuses avivent à nouveau la scène du DOCK
11 avec WE, une pièce contemporaine où l’expressivité des corps règnent. Inspirée par
les sculptures de l’Antiquité, la jeune chorégraphe installée à Berlin a su créer son propre
vocabulaire de mouvements. Entre physicalité et délicatesse.
© Bart Grietens
La scène du DOCK 11 est réveillée par une musique baroque joyeuse, transportant en l’espace
de quelques notes le public dans une ambiance très « Louis XIV », symbole d’une époque où la
volupté était monnaie courante, avec son pendant, la mélancolie. À l’image des personnages
burlesques de l’attelane, ancêtres de la Commedia dell’arte, ou des gracieuses statues de la
Grèce Antique, les danseuses prennent la pose, un tour amusées, puis en colères, devenant de
véritables sculptures vivantes qui interagissent.
Elles jouent, dansent, se battent, légères comme des Mousquetaires, ou primitives comme des
animaux sauvages. Les variations se suivent, évoluant aux rythmes d’une musique hétéroclite
qui oscille entre thèmes classiques et mélodies sombres et modernes. Les tableaux se
succèdent, avec comme fil rouge ces marionnettes fluides et théâtrales qui bougent selon leurs
envies. Agiles et curieuses, elles dansent ensemble et renforcent l’image d’une « sororité
» puissante. Surtout à la fin, lorsqu’elles fixent l’audience, l’interpellant.

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4 WE ein Tanzstück von Shai Faran
Nouveau langage dansé
Les mouvements dans cette pièce jouent principalement sur les différences de qualité. Même
s’il existe des règles et des textures précises dans cette création, le langage de chaque
interprète semble libéré de ces principes. « Nous dansons en suivant nos instincts respectifs
mais toujours en gardant en perspective que nous développons un nouveau langage corporel
structuré. L’aspect le plus essentiel était de ne montrer au public qu’un seul détail, aussi infime
soit-il, qui peut complètement modifier la vision d’un mouvement », précise la chorégraphe et
danseuse Shai Faran.
Et cette sensibilité pour la pluralité des gestes, l’artiste israélienne y a pensé lors d’une visite au
Louvres à Paris en découvrant la majestueuse Vénus de Milo amputée de ces deux bras. « Elle
représente la féminité mais reste énigmatique. Que fait-elle réellement avec ses membres ? Tout
les possibles se bousculent et chacun peut laisser libre cours à son imagination. » Le point de
départ de la première création de l’ancienne interprète de la Kibbutz Contemporary Dance
Company était donc tout trouvé.
Avec WE, soit NOUS en français, la physicalité retrouve enfin ses lettres de noblesse sur une
scène contemporaine parfois obnubilée par les interventions minimalistes. « Le public berlinois
est aussi friand de mouvements, de transpiration, de danse énergique, et pas uniquement
d’installations expérimentales. Peut-être l’avait-il oublié ces dernières années mais ce n’est plus
le cas », conclut la jeune chorégraphe.
- See more at: http://berlinpoche.de/magazine/magazine/parce-que-cest-nous/
Jade Albasini

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5 WE ein Tanzstück von Shai Faran
Vorankündigung Print
Mai 2014: Berlin Poche und Zitty

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6 WE ein Tanzstück von Shai Faran
Januar 2015: TIP Berlin und Zitty

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Traverse & Uphill / Company Shang-Chi Sun 05. - 08.02.2015 im DOCK 11
www.tanzforumberlin.de
Eine Produktion von Company Shang-Chi Sun in Auftrag vom National Chiang Kai-Shek Cultural Center,
Taiwan. Eine Koproduktion von fabrik Potsdam im Rahmen des Programms Artists-in-Residence.
Mit freundlicher Unterstützung von SOPHIENSÆLE. Gefördert aus Mitteln des Regierenden Bürgermeisters
von Berlin – Senatskanzlei – Kulturelle Angelegenheiten.
Uphill ist ein Versteckspiel. Der Raum ist nackt, lediglich drei Männer stehen im Mittelpunkt. Zusammen
mit der pulsierenden technoiden Musik bilden sie das Viereck eines Spielfeldes. Die Einfachheit
der Bühne hebt die Architektur der Körper und die unsichtbaren Spannungslinien hervor. Die Tänzer
stellen dabei sehr individuelle Körperlichkeiten dar und nutzen sie mit entwaffnender Klarheit in ihrer
Suche nach dem Anderen.
Daraus entsteht ein ungewöhnlich schönes Trio auf dem schmalen Grat zwischen Spiel, Provokation
und Vertrauen. Die Situationen und die Konstellationen wiederholen sich aber gleichen sich nie. Allein
die Sehnsucht nach dem Anderen bleibt immer gleich – nach dem Freund, dem Bruder, dem Fremden
und vielleicht sogar dem Feind.
Der in Taiwan geborene Tänzer und Choreograf SHANG-CHI SUN erhielt seine Tanzausbildung in Ballett
und zeitgenössischem Tanz an der National Academy of Arts in Taipeh und ist Absolvent der Ernst
Busch Schule (Berlin) mit einem Master of Arts in Choreografie. Er arbeitete mit zahlreichen Kompanien
wie Sasha Waltz & Guest, Nürnberg Dance Theatre, Cloud Gate Dance Theatre of Taiwan und
Balletto Teatro Di Turino. Seit 2007 kreierte er mit seiner Company mehrere Tanzaufführungen wie
u.a. Walk faster (2007), Dialogue II (2008), Nüwa (2009) und 4.48/Ohne Titel (2010). Seine Stücke
touren regelmäßig in Europa und Asien (Maison de la Danse – Lyon, Festival Tanz im August – Berlin,
Festival d‘Avignon, International Taipei Arts Festival, ...). Seit 2011 ist er Associated Artist der fabrik
Potsdam, es entstanden zahlreiche Produktionen für seine Company sowie Auftragsarbeiten wie Genus
für Cloud Gate Dance Theatre 2 (TW), Je.Sans.Paroles, Traverse, Ein Deutsches Requiem für den
St. Egidius-Chor in Nürnberg, Under trot für The Transitions Company - Laban in London und Breakfast.
2013 feiert seine neue Produktion Uphill in Taipeh und Berlin Premiere, als letzter Teil der Trilogie
mit Je.Sans.Paroles und Traverse. Gleichzeitig wurde am 2. Juni 2013 das Stück Incomplete Harmony
für die Dance Company des Theaters Osnabrück uraufgeführt.
AUSZEICHNUNGEN
2005 „Bayerischer Theater- und Literaturpreis“ der Kulturstiftung der IHK München 2008 „Erster Preis
für Choreografie“ des 12. Internationalen Tanzsolo Festival in Stuttgart
2009 + 2010 „Preisträger des LMF Dance Found“ aus Taiwan 2012 Traverse wurde für die Priority List
des europäischen Netzwerks Aerowaves ausgewählt.

Berliner Zeitung 07.02.15
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DOCK 11 PRESSESPIEGEL 2015
www.tanzpresse.de
FLUIDES SCHWEIFEN
Company Shang-Chi Sun mit „Traverse & Uphill“ im DOCK 11
( 10.02.15 )
Sechzehn Minuten ist das Solo „Traverse“ kurz. Doch am Ende fühlt man sich, als habe Shang-Chi
Sun einen auf eine Reise ins Zeitlose mitgenommen. Begriffe wie „Hinüberwechseln“ oder „Durchqueren“
assoziieren sich mit dem Titel und tatsächlich gleitet Sun durch einen permanenten Wechsel
von Tempi, Licht- und Soundstimmungen. Sein Körper duckt sich unter dem Dröhnen eines imaginären
Hubschraubers, seine Arme schaufeln rasant wie Rotorblätter. Einen Augenblick später schälen
sich aus seiner Silhouette an Tai Chi erinnernde Bewegungsformeln heraus, dann wieder versenkt
sich der Tanzpurist in einen kurzen Moment der Ruhe, nur um sich erneut in eine andere Dynamik
zu begeben. Es ist dieses fluide Schweifen durch den Raum, das immer wieder die Aufmerksamkeit
zu binden vermag. 2007 gründete der aus Taiwan stammende Tänzerchoreograf seine eigene
Kompanie und kultiviert seither den Spagat zwischen fernöstlichen und westlichen Tanztechniken.
In „Uphill“, dem zweiten Stück des Abends, setzt Shang-Chi Sun die Atmosphäre von „Traverse“
in einer Dreierchoreografie fort. Zusammen mit Sebastian Spahn und Ross Martinson erkundet er in
einem Spiel aus Annäherung und Abstoßung Zwischenmenschliches. Reizvoll auch hier der Wechsel
von Be- und Entschleunigung, der von einem technoiden Pochen (Klangcollage von Jörg Ritzenhoff)
vorangetrieben wird. Der alarmistische Dauerton sorgt für einen ganz eigentümlichen Effekt. Von der
ersten Sekunde an lädt er das Geschehen atmosphärisch auf, entwickelt sich zum hypnotisierenden
Sog, doch irgendwann wirkt der Tanz unwirklich, wie unter eine Vakuumglocke gesteckt. Schade,
dass im Dock 11 nur die Kurzversion zu sehen war, in der dieser Eindruck dominiert. In der einstündigen
Langfassung wird der musikalisch unterlegte Teil mit stillen Passagen kontrastiert, allein aus dem
Kontrast heraus gewinnt die tänzerische Interaktion nochmals an Kontur. Man darf gespannt sein auf
die nächsten Projekte, vor allem mit Blick auf musikalische Brückenschläge. So ist eine Zusammenarbeit
mit dem Kammerensemble Neue Musik Berlin für das Tanzstück „Spur“ geplant, das im Februar
2016 beim Festival Les Hivernales in Avignon Premiere haben wird. /// Annett Jaensch

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Press Reviews
„Mit bloßen Muskelkontraktionen vollführt der Tänzer Ross Martinson einen unwahrscheinlichen
Tanz, sein Körper wird zu einem sich in unterschiedliche Richtungen dehnenden und wölbenden,
eigenständigen Organismus. Es ist (...) bereits die zweite Etappe eines staunend machenden Abends
unter der Regie und Choreografie des Taiwanesen Shang-Chi Sun.“
Berliner Zeitung, 7. Februar 2015, Michaela Schlagenwerth
„Uphill von Shang-Chi Sun machte das Programm sehenswert - Das Männer-Trio Uphill des taiwanesischen
Choreografen Shang-Chi Sun, der in Deutschland lebt und arbeitet, hauchte dem Programm
frischen Atem ein. Es handelt sich hierbei um ein komplexes choreografisches Spiel zwischen drei
großartigen Darstellern, einer von ihnen der Choreograf selber. Ohrenbetäubende Musik, düstere Beleuchtung
und kontrastierende Bewegungen, mal sehr langsam, mal schnell, bilden ein Werk, in dem
kleinste Details wahrnehmbar sind und in dem der Mensch mit dem Tier verschmilzt.“
O GLOBO, 13. August 2014, Adriana Pavlova
„In der einstündigen Aufführung Uphill zeigt Shang-Chi Sun in einer kraftvollen Choreografie reine
Körper in hochrhythmischer Dynamik. Dabei behauptet er seine ästhetische Betrachtung des Tanzes
und seine Kenntnisse des Körpers in Bewegung. Er schafft eine vollständige Sprache.“
PA-REVIEW (Taiwan), 9. März 2013, Ping-Xiu Cheng
„Shang-Chi Sun dringt ein und spielt mit der Verbindung von westlichem und östlichem Verständnis
des Körpers - mithilfe von Gelenken und Sound. Dabei geht es nicht um eine gezwungene Collage.
Weit mehr als der Einsatz von Statik und Mustern wird hier die innere Kraft der Stille erweckt. Wie
eine Energie, die darauf wartet, die Zukunft aus der Körperpräsenz sichtbar zu machen. Es ist wie eine
virtuelle Wirklichkeit, ein Schwimmen im Organismus und nicht nur Ausführung.“
ART FORUM (Taiwan), 14. März 2013, Tai-So Cheng
„Uphill war ursprünglich ein einstündiger pas de trois und wurde diesmal zu einem halbstündigen pas

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Last Plays / Lucie Eidenbenz 13 - 15.02.2015 im DOCK 11
© D.ThéBERT-FiLLiGER
LAST DAyS
Les fans de grattes
rock’n’roll seront à coup
sûr séduits par cet étrange
mélange scénique proposé
par Lucie Eidenbenz, danseuse
suisse en résidence
à Berlin. Cette performance
entremêle avec
noirceur un chant grinçant
aux sons acérés d’une
guitare électrique. Le tout, avec des chorégraphies
contemporaines démentes rappelant les heures de
gloire et de débauche des grands « hard rockers ». Le
titre, Last Days, rend d’ailleurs hommage à l’indétrônable
Kurt Cobain, ressuscité dans un film du même
nom par Gus Van Sant. L’artiste, accompagnée par
d’autres interprètes et des musiciens, utilise ainsi
l’énergie du rock pour mouvoir son corps. Celui-ci
devient ainsi objet rythmique, à l’image de l’instrument
qui l’éveille. J.A. Dock 11 - 13, 14 et 15 février,
20h30 - 8-9€ - Dock11-berlin.de - Gagnez 1X2
places le 14 sur Spiel@berlinpoche.de

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GOAT OCEAN / ALLEN‘S LINE Julyen Hamilton Company 19. - 22.02.2015
im DOCK 11
www.paolocingolani.com
‘GOAT OCEAN’ premiered in Berlin in december 2013 and has subsequently in Paris, Bruxelles, Berlin.
It is the fifth piece made by Julyen Hamilton’s ALLEN’S LINE Company since 2009. ‘GOAT OCEAN’
is an overt, fractured opera-dance. A modern plainsong in movement. A density of dance pierced
through with threads of stillness. A theatre of intimate proportions. a moment’s silence, red flowers
fall a bell chimes at the end of the minute is this still a country or just a huge collection of places? Our
activities, recognised by only a few, yet are aimed with relevance to all men.
www.heyevent.de
GOAT OCEAN ist ein offenkundig gebrochener Operntanz
Ein moderner Choralgesang in Bewegung.
Eine tänzerische Dichte, die von Fäden der Stille durchlöchert ist.
Ein Theater intimer Proportionen.
Die Stille eines Augenblicks, rote Blumen fallen
Ein Glockenspiel am Ende einer Minute
Ist dies noch ein Land oder nur eine riesige Sammlung von Orten?
Unsere Handlungen werden nur von wenigen bemerkt und richten sich doch an alle Menschen.

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Never The Less / Zufit Simon 26.02. - 01.03.2015 im DOCK 11
www.tanzforumberlin.de
NEVER THE LESS ist eine Choreographie der Gefühlsausdrücke. Mimik, Gestik sowie Rhythmen des Lachens
und Weinens werden als reine Bewegungen angesehen und in Verbindung mit ihrer Stimmlichkeit
choreographiert. Die beiden Performerinnen experimentieren mit den Unterschieden von Gefühl
und Darstellung, den Distanzen zwischen ihnen, sowie ihren Spiegelungen bei den Zuschauern. Ihre
scheinbar isolierten, aber parallel verlaufenden Prozesse kreuzen sich immer wieder, wodurch sie emotionale
Bilder aufrufen und soziale Situationen andeuten und verdrehen.
Lachen und Weinen bewegen sich dabei stets auf der Kippe, vermischen sich zunehmend, ähneln sich
einander an und verschmelzen in einer Art „Weinen vor Lachen“ und „Lachen vor Weinen“. Welche
Zusammenhänge gibt es zwischen Mimik und Gefühl, zwischen Körpersprache und emotionalem
Empfinden, und wie können diese manipuliert werden?
www.wasgehtheuteab.de
NEVER THE LESS- BY ZUFIT SIMON
NEVER THE LESS ist eine Choreographie der Gefühlsausdrücke. Welche Zusammenhänge gibt es
zwischen Mimik und Gefühl, zwischen Körpersprache und emotionalem Empfinden und wie können
diese manipuliert werden?
www.kultur-in-pankow.de
Wiederaufnahme einer Tanzperformance von Zufit Simon im DOCK 11 Berlin.
NEVER THE LESS ist eine Choreographie für 2 Gesichter, 4 Augen und 2 Münder.
Mimik steht im Mittelpunkt dieses Stückes. Die Choreografin Zuft Simon und die Tänzerin Julieta
Figueroa gehen die Körperbahnen der Gefühle ab und ergründen so den Zusammenhalt zwischen
Körpersprache und emotionalem Empfinden. Sie nutzen die gesellschaftlich wie kulturell anerzogenen
Codes, die unseren mimischen Ausdruck steuern, und sie spielen mit der Manipulation dieser Codes.
Entsteht Schönheit nicht genau dort, wo ein Gefühlsausdruck unpassend wirkt? Wird es nicht lächerlich
erst dort, wo wir versuchen, ihn zu verbergen? Die Performer experimentieren mit den Unterschieden
von Gefühl und Darstellung, mit der Ähnlichkeit von Lachen und Weinen, mit den Spiegelungen
im Gesicht des Zuschauers.
www.creative-city-berlin.de
NEVER THE LESS
ist eine Choreographie der Gefühlsausdrücke. Welche Zusammenhänge gibt es zwischen Mimik und
Gefühl, zwischen Körpersprache und emotionalem Empfinden und wie können diese manipuliert
werden

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www.berlinlogs.com 07.03.15
‚‘Never The Less‘‘... More or Less That‘s All
Imagine all the laughing and crying you would do over the course of six months, distilled into fortyfive
minutes. Then imagine these expressions deconstructed, rearranged and performed back at you
by two puppet-like beings on a hyper-organized topography. That’s how I experienced “Never The
Less,” a piece that Israel-born creator Zufit Simon describes as “a choreography for two faces, four
eyes and two mouths.”
The performance begins with a simple lamp hanging upstage left. The two dancers (Simon is joined
by Julieta Figueroa) take turns standing underneath it, but can’t seem to keep a straight face. They
stifle giggles, as if privy to some joke the audience isn’t in on. Soon they make their way downstage
to sit plainly in front of us. In unison the two faces bounce between smiles, half-smiles, frowns and
silent screams. Isolations of the facial muscles show the gradations in between happiness and despair,
while the two performers remain detached - mimicry is the subject here, not genuine emotion. And
yet, as their faces move it’s hard not to twitch along in response; I was struck by how viscerally humans
can be connected, even in this strange theatrical context.
This stationary face-dance expands into a fuller exploration of body language. Simon and Figueroa
beat their thighs, shake their hands, whip their heads and convulse from their torsos. They move
around the space in rhythmic patterns, falling in and out of synch with each other but always staying
connected like two planets in orbit. Through all of this, one concept is abundantly clear: to a body,
laughing and crying are almost the same thing.
The piece continues in this manner, with fake emotional states pulling the dancers back and forth like
sinister tides. It gets exhausting to watch, and taxing to hear the relentless wails and maniacal laughter
accompanying their movement. More attention could have been paid to the subtler states in between
giddy happiness and total despair. I was also craving more contact between the two dancers, as
a few moments of jostling and clambering between them showed ample partnering skills. But maybe
that’s just the bias of a dancer wanting more “action.”
The beeps, crackles and buzzes of Alexander Sieber’s sound design crept in so subtly that one might
miss them, except for one climactic industrial whoooosh which had the dancers running in terror,
and audience members fidgeting in their seats. The lighting was also understated, presenting the two
women in a purely pedestrian way. This stripped-down aesthetic added to the piece’s confrontational
edge.
While the concept behind “Never The Less” is intriguing, and moments certainly make you think
about societal norms of human interaction, more than anything I felt tested by the dancers’ repetitive,
ritualistic mockery of emotional expression.
Dock 11 (Feb 26 - March 1, 2015)
By Jenn Edwards

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Aurea / Emanuele Soavi & Susanne Linke 05.03. - 08.03.2015 im DOCK 11
tanz 3/15
kAlEnDER
köln________on tour_____
susanne linke, emanuele soavi «aurea»
Am Anfang war kein Wort. Alles noch
ungesagt. Ein Haufen zerknülltes Papier
auf der Bühne; darüber hängt
tief eine funzelige Brutlampe. Nichts
rührt sich, Stühle knarzen, Zuschauer
hüsteln. Draußen, um die Alte Feuerwache
in Köln herum, tobt das Leben,
Kinder rufen, Rockmusik wird aufund
zugedreht. Der Berg hier knistert
kaum hörbar. Ein Papier ragt heraus,
fällt; ein Arm streckt sich hervor, ein
gekrümmter Körper wird sichtbar,
schwarz wie Kohle. Wendet langsam,
raschelt, schweigt, baut sich auf
vier Beinen auf wie ein breiter Käfer.
Die Füße ziehen heran, bis die kahle
Schädeldecke mit den angewinkelten
Knien ein Dreieck aus Kugeln bildet.
Klar, man hat’s geahnt, dass unter
dem kohlschwarzen Papierhaufen der
Tänzer steckt, Emanuele Soavi. Doch
dieses erdenlangsame Gebären oder
Schlüpfen des lebendigen Wesens
aus dem Hügel von toter Materie ist
eine spannende Geschichte. So alt sie
auch sein mag.
Dass sie hier nicht allzu vorhersehbar
verläuft, liegt an der strengen
Choreografin Susanne Linke, die der
Kölner Tanzkünstler für sein neues Solo
engagiert hat. Was oder wer da geboren
wird, bleibt erst einmal rätselhaft.
Das Wesen in den schwarzen Klamotten
mit dem ölschwarzen Gesicht
hebt die beschmierte Hand zur Lampe,
die sich entzieht. Es kippt, hockt,
ruckt, rollt, rutscht, streckt dann einen
Arm weit nach vorn und ein Bein nach
hinten, scheint sich mit dieser maximalen
strichweisen Ausdehnung zu
ordnen. Auch die Musik hat sich nach
anfänglich unbestimmten einzelnen
Klaviertönen in ein paar Phrasen oder
Fetzen von etwas entwickelt. Später
Emanuele Soavi Foto: Joris-Jan Bos
werden daraus Fugen von J. S. Bach,
vom Pianisten Thomas Wansing im
Bühnenhintergrund so fein gespielt,
als lüfte er ein Geheimnis, einen besonderen
Plan. Währenddessen belebt
sich der Vierbeiner, beugt, hebt,
knickt seine Glieder in rechte Winkel,
im Stehen oder auf Knien, mühselig,
fast unwillig.
Laut Ankündigung hat «Aurea»
mit dem Goldenen Schnitt zu tun,
mit Ideen von Schönheit, die auf bestimmten
Proportionen beruhen. Deshalb
wohl ackert sich das Soavi-Linke-
Geschöpf durch lauter Linien, Winkel,
Bögen, Wellen. Aus dem Künstlichen
findet es immer mehr zu sich selber.
Es klatscht sich hörbar an die Brust,
tanzt durch klassische Ballettarabesken
und Passés, dann schieben seine
Hände ein Bein, greifen einen Fuß,
ziehen den Körper umher und zu
Boden. Mit einem hochgezogenen
Kreppkragen im Renaissance-Stil pendelt
der gewordene Mann vor einer
kleinen Leuchtwand, und während vier
Metronome knapp aneinander vorbeiticken,
wird er schneller, fließender,
swingender, scheint seine eigene Musik
zu hören, schaut schließlich seine
Glieder an, streicht sie, tänzelt locker,
glücklich. Am Ende verdichtet sich seine
Figur zu einem einzigen nimmermüden
Kreisel im selbstgesteckten
kleinen Quadrat. «Aurea» trägt etwas
schwer an Gewolltem, doch macht es
das Ringen zwischen Konstruktion und
Lebendigkeit, ein Urthema des Tanzes,
auf berührende Weise sichtbar.
Melanie Suchy
Wieder in Köln, Alte Feuerwache,
27., 28. Febr., 1. März; Berlin, Dock
11, 5.–8. März; emanuelesoavi.de
Dresden
Hellerau Europäisches Zentrum der
Künste Festival «Dance transit. Praha.Leipzig.
Dresden». Noch bis zum 6. März:
Die Spitfire Company aus Prag zeigt «One Step
Before The Fall», getanzt mit Livemusik in einem
Boxring. 1. März
«Boys Who Like to Play with Dolls», Tanztheaterstück
über den «kleinen Unterschied» von Tereza
Ondrová und Peter Šavel aus Prag. 1., 2. März
Mit «STRTCH» erweitert der Leipziger Choreograf
Hermann Heisig die mit seinem Solo «Slap/
Stick» begonnene Recherche nach dem komischen
Potenzial des Unvorhersehbaren. 3. März
Mit theatralischem Spiel, tänzerischen Momenten
und einem Klarinetten-Duo zeigt «Correction»
des tschechischen Ensembles VerTeDance,
dass das Erlangen von Freiheit oft mit deren
gleichzeitigem Verlust einhergeht. 3. März
Die Go-Plastic-Produktion «about:blank» von
Cindy Hammer befasst sich mit dem Genre
Thriller. 5., 6. März
Die LINIE 08-Choreografin Romy Schwarzer
gibt Einblicke in ihre neue Arbeit «repeat-looptransform»,
die im Sommer 2015 in Hellerau
Premiere haben wird. 5. März
In «Simulante Bande» befasst sich VerTeDance
mit Bewegung und Kooperation zwischen
Menschen mit unterschiedlichen Ausdrucksformen.
Die beiden Rollstuhlfahrerinnen Alena
Jancíková und Zuzana Pitterová benutzen ihre
individuellen Möglichkeiten und zeigen diese
im Zusammenspiel mit anderen Tänzern. Die
Musik wird live gespielt von der Frauenband
Dva. 6. März
In «Not Punk, Pololo» lässt das Duo Gintersdorfer/Klaßen
einen popkulturellen Kosmos
entstehen: Der Godfather of Hamburg-Punk Ted
Gaier von den Goldenen Zitronen weiht Franck
Edmond Yao alias Gadoukou La Star in die
Abgründe des Punk ein, während der ivorische
Coupé-Decalé Star Skelly über den bizarren
Hang der Deutschen zu deprimierender Musik
sinniert. 13., 14. März
Der kongolesische Rapper und Tänzer Michel
Kiyombo macht einen familiären Fluch zum
Ausgangspunkt seines Stücks «Masu Kaino».
14., 15. März
Premiere In den neuesten «Linie 08»-Produktionen
beschäftigen sich Choreografen aus Dresden
und Leipzig unter dem Thema «Am Fluss»
unter anderem mit der Kraft des Ewiggestrigen.
Ein dreiteiliger Abend, der Tanzstücke von José
Biondi/Annette Lopez Leal, Lars Reinschmidt
und Martina La Bonté präsentiert. 20., 21. März
«4. Lange Nacht der Dresdener Theater», Theater
und Ensembles der Stadt präsentieren an
30 Spielorten Kostproben, u. a. zeigt Derevo
Szenen aus alten und neuen Stücken. 21. März
hellerau.org
Sächsische Staatsoper Das Semperoper
Ballett tanzt «Schwanensee» in der Choreografie
von Aaron S. Watkin. 7.–9., 11., 13., 15.,
16. März, 26., 28. Juni
«Giselle» von David Dawson. 1., 3., 5., 8., 12.,
18. April; semperoper.de
Düsseldorf
Deutsche Oper am Rhein Premiere
Martin Schläpfers Uraufführung «Symphonie
g-Moll» zu Wolfgang Amadeus Mozarts «g-Moll-
Sinfonie KV 550» eröffnet das Programm «b.23»,
bevor Tänzer des Balletts am Rhein gemeinsam
mit Musikern und Tänzern der von der Schweizerin
Brigitta Luisa Merki 1984 gegründeten
Flamencos en route die Kreation «... adónde vas,
Siguiriya? – Capricho Flamenco» auf die Bühne
bringen. Den Abschluss des Abends bildet zu
Johannes Brahms‘ Violinkonzert die deutsche
Erstaufführung von Mats Eks «Rättika»
(«Rettich»), in dem der niederländische Choreograf
mit Humor und Extravaganz durchleuchtet,
was im Ballett auf eine Bühne gehört und was
nicht. 14., 15., 19., 21., 25., 28. März, 1., 5.,
12. April; operamrhein.de
FFT Düsseldorf Verena Billinger und
Sebastian Schulz versuchen sich in «Violent
Event x» an einer realistischen Gewaltdarstellung
im Theater. FFT Juta, 5.–7. März
Premiere «We Forgot»: In einer begehbaren
Video-Installation überblendet Sharon Paz
heutige und historische Muster der Ein- und
Auswanderungsbewegungen zwischen Israel
und Deutschland. Die in Israel aufgewachsene
und inzwischen in Berlin lebende Video- und
Performancekünstlerin interessiert sich dabei für
Machtstrukturen, geschichtliche Ereignisse und
individuelle Erfahrungen. FFT Juta, 12.–14. März
fft-duesseldorf.de
tanzhaus nrw Im Rahmen der Reihe «Kleine
Monster»: Premiere «An Un-Folding Process/
Kids»: Über und über mit Stoffbahnen beschäftigt,
lässt die Choreografin Isabelle Schad Faszinierendes
entstehen: Ist das eine Höhle, ein
Ball, dann doch etwa ein Kleid und der Mensch
darin eine Comicfigur? Ausgehend von ihrem
Solo «Der Bau» hat sie diese Version für Kinder
entwickelt. 1., 2. März
«Jüdische Kulturtage im Rheinland»:
Die Choreografen Emanuel Gat und David
Hernandez entwickelten für das Essener Folkwang
Tanzstudio (FTS) eigene Stücke: Der aus
Israel stammende Emanuel Gat, der zunächst
Musik studierte, stellt in «Mondschein» die
Erkundung kontrapunktischer Prinzipien in der
Musik und im Tanz in den Mittelpunkt. «Passage»
von David Hernandez handelt von einer Zeit
des Übergangs, dem Gefühl sich zwischen zwei
«Lebensstationen» zu befinden. 6., 7. März
In «Victor» von Theatermacher Peter Seynaeve
und Choreograf Jan Martens zeigen der 30-jährige
Steven Michel und der 15-jährige Viktor
Caudron ein intimes und intensives Duett: ein
Spiel von Muskeln, ein Kampf mit ungleichen
Waffen (tanz 10/14). 8.–10. März
Der Choreograf Sebastian Matthias beschäftigt
sich in seiner Performance-Serie «synekism/
groove space» mit urbanen Bewegungsmustern
in verschiedenen Städten. Eine Rauminstallation
von Eva Berendes sowie die Soundkulisse von
Tamer Fahri Özgönenc aus der Berliner Clubszene
rahmen die aktuelle Versuchsanordnung für
sieben Tänzer (tanz 11/14). 12.–14. März
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DOCK 11 PRESSESPIEGEL 2015
SAMSTAG, 13. DEZEMBER 2014
A NUMMER 290
SEITE 11
Irritierende
Schönheiten
Julia Garnatz zeigt Skulpturen
vonIlona Herreiner
VON HANNA STYRIE
• • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • •
Man nähert sich den hölzernen
Skulpturen von Ilona Herreiner
mit respektvoller Distanz.
Irritierende Störfaktoren
halten den Betrachter auf Abstand:
die Ratte in der Hand
der madonnenhaften Gestalt
mit Schleier und weißem
Kleid; das Kaninchen im Zylinder
des Mannes, der auf einem
Kochtopf hockt, oder die Blätter,
die aus einem Frauenkörper
sprießen.
Die 44-Jährige absolvierte
an der Fachschule in Berchtesgaden
eine Ausbildung zur
Holzbildhauerin und war in
Karlsruhe an der Akademie
der Bildenden Künste Meisterschülerin
bei John Bock. Ihre
Arbeiten demonstrieren ihr
Faible für Wesen, die zwischen
Mensch, Tier und Pflanze
changieren.
In ihrer mittlerweile vierten
Ausstellung in der Galerie Julia
Garnatz zeigt sie eine Reihe
von Skulpturen, die sich in einem
Stadium der Verwandlung
befinden. Die groben Bearbeitungsspuren,
die Kettensäge
und Meißel hinterlassen
haben, bleiben deutlich sichtbar.
Das Handwerkliche, der
Kraftaufwand, der nötig ist, um
die Figur aus dem Stamm der
Linde, Erle oder Pappel zu
schnitzen, ist immer präsent.
Herreiners zugänglich wirkende
Figuren eröffnen viele
Deutungsmöglichkeiten. Standen
Fabelwesen, Fantasy- oder
Märchengestalten Pate für das
Panoptikum? Weil sie nur selten
Titel vergibt, bleibt dem Betrachter
die Interpretation dieser
Figuren überlassen, die einem
Albtraum entstiegen sein
könnten.
Die Künstlerin arbeitet oft in
Gruppen; aus einer Einzelfigur
entwickelt sich häufig die Idee
für die nächste. In der Serie
von Wandarbeiten hat sie Eindrücke
einer Australienreise
verarbeitet, in denen auch ihr
schwarzer Humor aufscheint.
„Angler Luck“ ist die Darstellung
eines Anglers betitelt,
der mit einem Stück Käse, das
an der Schnur baumelt, Fische
locken will. Ein Klassiker im
Schaffen der Künstlerin ist das
sichtlich gealterte Dornröschen,
das nicht erlöst worden
ist. Aber nicht nur hier hat sich
Ilona Herreiner durch Mythen
und Geschichten anregen lassen.
Ihre eigentümlichen Zwitterwesen,
die sich nur noch
halb in der realen Welt befinden,
erzählen von dem fließenden
Übergang zwischen Diesseits
und Jenseits.
Bis 19. Dezember.Mibis Fr 14–18
Uhr,Sa12–16 Uhr.Schaafenstr.10.
Preisevon 2500 bis 6500 Euro.
Jahresringeund Wellen
Stadtmuseum präsentiertKabinettausstellung
zum95. Geburtstagvon Jupp Lückeroth
Jupp Lückeroth (1919-1993)
zählt zu den führenden Vertretern
des Informel im Rheinland.
Sein ganzes Leben hat er
in Köln verbracht. Der etwa 600
Arbeiten umfassende Nachlass
des kinderlosen Malers
ging an seine Lieblingsnichte
Anneliese Schlagloth, die das
Kölnische Stadtmuseum in
den vergangenen Jahren bereits
mit zwei großzügigen
Schenkungen bedacht hat.
Dank einer weiteren kürzlich
erfolgten Übergabe vervollständigen
jetzt grafische
Arbeiten das aus Ölgemälden,
Gouachen und Skriptographien
bestehende Konvolut, das
das Museum mit zwei Sonderausstellungen
2000 und 2009
gewürdigt hat.
Die Grafiken mit Unikat-
Charakter werden aus Anlass
von Lückeroths 95. Geburtstag
prominent in einer kleinen Kabinettausstellung
gezeigt. Ein
sechs Quadratmeter großer
goldfarbener Kubus fungiert
als Präsentationsfläche, in
dem sich die Drucke, die durch
ein Ölbild und ein Skizzenbuch
ergänzt werden, konzentriert
betrachten lassen.
Die aus den 60er Jahren
stammenden Arbeiten sind
erst spät und eher zufällig entdeckt
worden, „in einer Mappe,
die unter dem Bett in seiner
Ehrenfelder Wohnung lag“, wie
Albert Schlagloth berichtete,
der seine Frau beim Pressetermin
vertrat. Jupp Lückeroth
war häufig in der Natur unterwegs.
In Borken, Rinden, Blättern
und Holzmaserungen, die
er auf Papier abdruckte, fand
er die Vorlagen für seine Ölgemälde.
Die ausgestellten Drucke
zeigen feine Strukturen und
engmaschige Gewebe, in denen
das Auge sich verlieren
kann. Dem Maler bot sich hier
eine Fülle von Anregungen, die
er in anderen Techniken weiter
ausführte. In Jahresringen
und Wellen, die zu seinem
Hauptmotiv wurden, entdeckte
er eine Urform der Bewegung,
die er fortan vielfältig variierte.
(sty)
Bis 15. Januar.Di10–20 Uhr,Mibis
So 10–17 Uhr,ersterDoimMonat
10 bis 22 Uhr.Zeughausstr.1-3.
AlbertSchlagloth inmittender Werkeseine angeheirateten Onkels Jupp Lückeroth. (Foto: Meisenberg)
Ganze1,26
Meter istdiese
Figur vonIlona
Herreiner
hoch. Sie wurde
aus einem
Erlenstamm
geformtund
mit Ölfarbe
bemalt.Über
ihreBedeutung
lässt sich
bei der Arbeit
ohne Titelherrlich
spekulieren:
Warum
trägt die Braut
eine japanische
Kabuki-
Maske? Und
waswill sie mit
der (gehäuteten?)Ratte?
(Foto: Galerie)
Stolperfalle
vordem
Verständnis
Ausstellung in der
Temporary Gallery
Das erste Kunstwerk in der
neuen Ausstellung der Temporary
Gallery tritt man mit Füßen:
Mélanie Matranga hat
Teppichboden verlegt und darunter
lässt sie Kabel laufen,
die hier und da wieder auftauchen
–Stolperfallen und Vernetzung
der Arbeiten der
Gruppenausstellung „Cacophony
of Things“ gleichermaßen.
Und einer Kakophonie
kommen die höchst unterschiedlichen
Arbeiten von
Matranga, Shelly Nadashi, Sue
Thompkins, Jala Wahid und
Pawel Kruk gleich: Videos, Installation,
Zeichnungen,
Skulpturen grafische Arbeiten,
eine Bandbreite des Möglichen,
die Raum für Assoziationsspielchen,
aber keinen immanenten
Zugang bietet.
So kann man die
Pappmaché-Arbeiten, die
Shelly Nadashi an Hölzer gehängt
hat, für Blätter halten.
Kuratorin Regina Barunke
weiß aber, dass dies Masken
oder Schilde sind, die als Stellvertreter
für Personen stehen
und so dem roten Faden der
Schau, der zwischenmenschlichen
Kommunikation, folgen.
Begleitend finden immer
wieder Gespräche statt, zu der
die Künstler Kuratoren ihrer
Wahl eingeladen haben. (HLL)
Bis 15. März,geöffnet Do und Fr
14−18 Uhr,Saund So 13−17 Uhr.
Mauritiuswall 35. Termine unter
www.temporarygallery.com
KÖLNER KULTUR
Ausdem Staub
Susanne Linkeinszeniert
Emanuele Soavis neuesWerk
VON THOMAS LINDEN
• • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • •
Wüst und leer und vor allem
dunkel soll es vor aller Zeit gewesen
sein. In der Schwärze
von „Aurea“ sieht man einen
Haufen Blätter, darüber eine
Art Neonlicht. Solche Lampen
kennt man aus Laboren, wo mit
Licht und Wärme dem Leben
auf die Sprünge geholfen wird.
Aus den Blättern taucht denn
auch ein Mensch auf mit einer
schwarz und grau glänzenden
Haut. Eine Gestalt wie aus Grafit
oder Staub geboren. Emanuele
Soavi vollzieht eine erstaunliche
Verwandlung. Er ist
fast besser erkennbar in seinen
Bewegungen, den typischen
elegant ausholenden Schritten,
dem Strecken seiner Arme,
als in seiner äußeren Gestalt.
Mit jeder Bewegung erobert
sich diese dunkle Kreatur
ein Stück Leben. Keine
Wendung schleicht sich ein, die
auf eine Metapher oder ein erkennbares
Muster angelegt
wäre.
Mit Susanne Linke, der
Grande Dame des Deutschen
Tanzes, hat der Italiener, der
mit seiner Gruppe Moving
Theatre in früheren Jahren für
manche Highlights in Köln
sorgte und als bester Tänzer
der Freien Szene galt, sich eine
interessante Regisseurin gesucht.
Mit ihr präsentierte er
jetzt die Premiere dieses neuen
Stücks in der Alten Feuerwache.
Eine Zusammenarbeit
mit starkem Ergebnis. Denn offenbar
hat Susanne Linke die
Vorliebe Soavis für pathosgetränkte
Gesten gleich streng
an die Kandare genommen.
Umso offener präsentiert sich
das tänzerische Ergebnis.
Wir wohnen einer Menschwerdung
bei: Unter der Lampe
hat sich ein Wesen entwickelt,
das den Raum mit seiner Erscheinung
einzunehmen beginnt.
Der Ursprung ist das
Thema, daher kann das Repertoire
keine vorhandenen Bilder
zitieren. Alles löst sich in
eine Entdeckung der Bewegung
auf.
Angeklebtes
Ende
Dies zieht auch deshalb in
Bann, weil Thomas Wansinng
diesen Prozess am Flügel mit
Passagen aus Werken von Johann
Sebastian Bach begleitet.
Dass die Choreographie nicht
genau auf den Punkt inszeniert
ist, erklärt sich aus einer letzten,
wie angeklebt wirkenden
Passage, in der die klug zusammengesetzte
Gestalt als Person
agiert, konventioneller
wirkt und die Choreographie
deutlich an Originalität verliert.
75 Minuten (ohne Pause). Nächste
Vorstellungen heute, 20 Uhr, sowie
27., 28. 2. und 1. 3. 2015, Melchiorstr.3,Karten-Telefon
0221/
973 155 10.
Am Schicksalsort
der Odyssee
GunterGeltinger und Gerrit K. Shama:
Wiedersehen an der alten Hochschule
Immer auf der Suche nach
dem Absoluten. Gunter Geltinger
und Gerrit K. Shama –ein
Romancier und ein Komponist
machen sich gemeinsam auf
die Suche nach dem Gral. Zur
Ausrüstung gehören Mikrofone,
Kabel, Regler, Papier und
Bleistift. Nach zehn Jahren
präsentierten sich die beiden
GunterGeltinger (r.) und Gerrit K. Shama (Foto: Hanano)
Absolventen der KHM mit ihrer
Performance „Lapis exillis“
erstmals wieder in der Aula ihrer
alten Hochschule. Damals
schon steckten sie sich in der
Mensa gegenseitig die Entwürfe
ihrer aktuellen Arbeiten zu.
Aus diesen entstand auch das
Material zu einer Reise nach
Lampedusa, dem Schicksalort
der Flüchtlings-Odyssee.
Texte von Geltinger füllten
in von verschiedenen Stimmen
vorgetragenen Lesungen den
Raum. Die Klangvariationen
von Shama dringen zunächst
dezent, dann immer eigenständiger
in die Textpassagen
ein. Wort und Klang ergänzen
einander nicht und reagieren
doch aufeinander. So ergibt
sich ein prickelndes Beziehungsgeflecht,
das von Rissen
erzählt, Zerbrechen und Zerreißen
zitiert und durch seine
vielen Sprünge zwischen den
Textfragmenten die Aufmerksamkeit
der Publikums stets
fordert. Die Suche nach dem
Gral wird hier in Textwerkstatt
und Tonlabor zu einem virtuosen
Spiel der Medien. (TL)

DOCK 11 PRESSESPIEGEL 2015
20 MEDIEN/KULTUR Dienstag, 16. Dezember 2014 Kölner Stadt-Anzeiger
Mick Jagger und Keith Richards posieren für den Fotografen Hiro (und das Album „Black and Blue“) auf Sanibel Island in Florida (1976).
Die Kunst der Pose
FOTOGRAFIE FüreinenopulentenBildbandhabendieRollingStonesprivateArchivegeöffnet
VON MARTIN OEHLEN
Nein, die Anzüge mit dem Hahnentrittmuster
und dem Samtkragen,
in die die Rolling Stones zu
Beginn ihrer Karriere gesteckt
wurden, passten wirklich nicht zur
Band. Keith Richards hat das 40
Jahre später klargestellt: „Das war
nichts für uns. Charlie vergaß sein
Jackett in irgendeiner Garderobe,
und meins war ewig mit Whisky
oder Schokoladenpudding bekleckert.“
Die äußere Erscheinung hat für
die Band gleichwohl hohe Priorität.
Für den Erfolg war das Image
kaum weniger wichtig alsText und
Ton. Und dieses Image wurde fünf
Jahrzehnte lang wesentlich geprägt
durch die Fotografie. Guckten
Mick Jagger, Keith Richards,
Brian Jones, Charlie Watts und
Bill Wyman zu Beginn noch lieb
lächelnd und etwas verkrampft nebeneinanderstehend
in die Kamera,
wurde aus der Selbstdarstellung
schon bald ein eigenes Genre.
Und keiner beherrschte die Kunst
der Posen besser als Mick Jagger.
Diesen Reifungs-Prozess kann
man nun in einem außerordentlich
üppigen Bildband nachvollziehen.
„The Rolling Stones“ versammelt
viele Aufnahmen, darunter auch
solche, die kaum oder gar nicht bekannt
sind, allesamt in bester
Druckqualität arrangiert. Unter
den Fotografen sind David Bailey.
Peter Beard, Cecil Beaton, Anton
Corbijn, Annie Leibovitz, Helmut
Newton und Norman Parkinson.
Nicht zuletzt konnte für diesen
Band auch auf private Archive der
Stones zurückgegriffen werden –
zum ersten Mal, wie es heißt. Die
Bilderzeitleiste reicht von 1963 bis
zum Glastonbury Festival im Sommer
2013. Was dabei natürlich
auch einAbenteuer für sich ist: Die
Verwandlung glattwangiger Musiker
zu altersfrischen Dinosauriern.
„The Rolling Stones“, hrsg. von
Reuel Golden, Taschen, 520 Seiten,
99,99 Euro.
Stones als Beiwerk: Modefotograf Norman Parkinson fotografierte das
Model Nicole de Lamargé in einem Kleid von Mary Quant (1964).
Jean-Marie Périer: die Band im französischen Zugabteil (1966) Dominique Tarlé: Jagger und Richards in Südfrankreich (1971)
NOTIERT
• • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • •
Der „Hobbit“ ist zurück und hat
sich prompt an die Spitze der Kinocharts
gesetzt. Nach vorläufigen
Angaben hätten sich zwischen
Donnerstag und Sonntag rund 1,26
Millionen Zuschauer den dritten
und letzten Teil der Trilogie von Peter
Jackson angesehen, teilte GfK
Entertainment mit. „Der Hobbit 3:
Die Schlacht der fünf Heere“ habe
damit das beste Startergebnis des
Jahres hingelegt. Der bisherige Spitzenreiter
in dieser Kategorie – „Die
Tribute von Panem“ – rutschte auf
den dritten Platz ab. (dpa)
Ein Werk des Comic-Künstlers Der Regisseur Andreas Dresen
Hergé ist in Brüssel für mehr als eine
halbe Million Euro versteigert wir träumten“ im Wettbewerb der
startet mit seinem neuen Film „Als
worden. Es handelt sich um eine 65. Berlinale. Dresen („Halt auf freier
Strecke“) wird die Verfilmung
Zeichnung für das Deckblatt eines
Bandes der „Tim und Struppi“-Reihe,
die für 539 880 Euro verkauft Weltpremiere auf dem Festival zei-
des Romans von Clemens Meyer als
wurde. Ihr Wert war zuvor auf gen. Im Rennen um den Goldenen
350 000 bis 400 000 Euro geschätzt Bären sind außerdem Filme von Terrence
Malick, Peter Greenaway und
worden. Der Originalband war
demnach im Juli 1939 erschienen. Kenneth Branagh. Schauspieler wie
Der belgische Zeichner Hergé war Cate Blanchett, Natalie Portman,
vor allem mit seinem Reporter-Detektiv
Tim und seinem Hund Strupling
und Christian Bale werden er-
Stellan Skarsgard, Charlotte Ramppi
bekanntgeworden. (dpa) wartet. (dpa)
Die Franckeschen Stiftungen in
Halle haben auf ihrem Weg zum
Unesco-Welterbetitel einen weiteren
Schritt vollzogen. Dazu wurden
am Montag in Magdeburg die 400
Seiten starken Antragsunterlagen
an Sachsen-Anhalts Kultusminister
Stephan Dorgerloh (SPD) überreicht.
Die Bewerbung soll an die
Kultusministerkonferenz und von
dort an das Welterbezentrum in
Paris weitergeleitet werden. Den
Stiftungen komme auch weltweit
eine besondere Bedeutung zu, sagte
der Minister. (epd)
Verwaltungsrat stützt
Limbourgs Reformen
DEUTSCHE WELLE
Mitarbeiter
befürchtenKahlschlag
VON ANNE BURGMER
In der Debatte um die Neuausrichtung
der Deutschen Welle (DW)
unterstützt der Verwaltungsrat des
deutschen Auslandssenders die
Reformen des Intendanten. Das
Gremium stimmte am Montag in
Berlin demWirtschaftsplan für das
Jahr 2015 zu. Die sieben Mitglieder
des Verwaltungsrats hätten
„die strategische Neuausrichtung
und den Reformkurs des Intendanten
ausdrücklich unterstützt“, sagte
der Vorsitzende des Gremiums,
Peter Clever. Damit hätten Geschäftsleitung
und Mitarbeiter Planungssicherheit.
Zustimmung habe
auch die Aufgabenplanung
2014 bis 2017 erhalten.
Unterdessen haben die Mitarbeiter
der Deutschen Welle am
Montag in Berlin gegen die Pläne
von Intendant Peter Limbourg protestiert,
das deutsche, spanische
und arabische TV-Programm zu
schließen, falls die Bundesregierung
nicht deutlich mehr Geld für
den Auslandssender zur Verfügung
stellt. „Wir sagen Nein zu
derartigen Plänen!“, heißt es in einem
offenen Brief, den auch zahlreiche
Prominente wie Herta Müller,
Jutta Limbach, Volker Schlöndorff,
Herfried Münkler und Martin
Walser unterzeichnet haben.
„Die chronische Unterfinanzierung
der Deutschen Welle darf
nicht dazu führen, dass das Herz
des Programms zerstört wird“,
heißt es in dem Schreiben. Die
Bundesregierung hatte den Haus-
KURZKRITIK
KABARETT
Matthias Brodowy
„Ich denke, also spiele ich“, sagt
Matthias Brodowy in Abwandlung
eines berühmten philosophischen
Satzes von René Descartes.
Womit er das tut, was er
am besten kann: Wörtern das
Tanzen lehren, die Klaviertasten
zum Klingen und das Publikum
im Kölner Senftöpfchen-Theater
zum Lachen bringen. „In Begleitung“
der beiden sympathischen
Musiker Carsten Hormes
(Bass) und Wolfgang Stute
(Cajón und Gitarre) ist ein Programm
wie aus einem Guss entstanden.
Die meisten Lieder hat der aus
Hannover kommende Musik-
Kabarettist nicht nur komponiert,
er begleitet sich überdies
selbst am Klavier. In den eingängigen
Songs geht es um die
wirklich wesentlichen Dinge
des Lebens, die häufig ganz unscheinbar
daherkommen: Um
die Zahl Sieben und die Sinnlosigkeit,
um Ostfriesentee mit
Kluntjes und eine Stadt, die
rückwärts gelesen Revonnah
heißt.
Brodowy erzählt von Alpträumen,
in denen er zum Fiskalpakt
mutiert und sich in Sigmar
Gabriel verwandelt. Er besingt
die poetische Dimension eines
Hornhauthobels und verweist
auf Mark Zuckerbergs bedrohliche
Aussage, nach der die Privatsphäre
nicht mehr zeitgemäß
sei. Ein denkwürdiger
Abend mit musikalischem
Mehrwert. (kol)
halt des Auslandssenders zwar
jüngst erhöht.
Für den Zeitraum von 2014 bis
2017 erhält der Sender mit seinen
3000 Mitarbeitern einen jährlichen
Bundeszuschuss von rund
280 Millionen Euro – das sind
zehn Millionen mehr als im vergangenen
Jahr. Doch trotz der
jüngsten Zuwächse bleibe der
Auslandssender strukturell unterfinanziert.
Es droht laut Aufgabenplanung
eine Deckungslücke
bis 2017 von mindestens 23,9 Millionen
Euro. Von 2016 an müssten
daher die Projektmittel in eine
strukturelle Unterstützung umgewandelt
werden, sagte der Intendant
vor kurzem. Besonders seine
Ankündigung, dass das lineare
deutsche Fernsehangebot dann gefährdet
sei, hat bei den Mitarbeitern
zu Unverständnis und Wut geführt.
In ihrem offenen Brief gehen
sie deshalb besonders darauf
ein. Deutschlands Ansehen in der
Welt wachse ständig. Die Stimme
Deutschlands gewinne immer
mehr an Bedeutung.
Kulturrat ebenfalls in Sorge
Auch der Deutsche Kulturrat
pocht auf ein Festhalten am
deutschsprachigen Programm der
Deutschen Welle. „Die Deutsche
Welle ohne deutsches Programm
ist ebenso undenkbar wie die BBC
ohne englisches Programm“, sagte
der Präsident des Kulturrats,
Christian Höppner, Mitglied im
Rundfunkrat, am Montag in Berlin.
Das deutschsprachige Programm
um englischsprachige Programme
zu ergänzen sei sinnvoll,
„wenn der Deutsche Bundestag
hierfür dauerhaft zusätzliche Mittel
zur Verfügung stellt. Aber auch
nur dann!“ (mit dpa, kna)
TANZ
„Aurea“
Das Schattenwesen in der Alten
Feuerwache, pechschwarz gekleidet
und bemalt bis zur Glatzenspitze,
ist der Kölner Tänzer
und Choreograph Emanuele Soavi,
der für sein neues Solostück
„Aurea“ Susanne Linke als Choreographin
engagiert hat, eine
der letzten Mary-Wigman-Schülerinnen,
berühmt vor allem
wegen ihrer eigenen Solowerke.
Sie verlangt hier dem quirligen
Italiener Soavi eine Reduktion
ab, die als Kampf spürbar
bleibt. Während der Pianist Thomas
Wansing auf seinem Flügel
erst wenige helle Töne und Musikfetzen,
dann Teile aus unbekannteren
Kompositionen von
J. S. Bach spielt, fährt der Tänzer
am Boden angestrengt seine
Beine, Hände, Ellbogen aus, erreicht
allmählich die Senkrechte,
zieht weiter Linien und Winkel
mit den Körpergliedern.
Schließlich lässt er die Strenge,
die Ordnung hinter sich, sein
Tanz wird flüssiger und geschmeidiger.
„Aurea“, benannt nach „Sectio
Aurea“, dem Goldenen Schnitt,
bleibt erklärtermaßen im Rahmen,
in Ordnung. Ist nicht grandios,
aber hat menschliche Größe:
ein langer, konsequenter
Gang zur Freiheit, zum Bewusstsein.
(msu)
Noch einmal am 27. und 28. Februar
und 1. März 2015 in der Alten
Feuerwache.
www.tanzfaktur.eu

DOCK 11 PRESSESPIEGEL 2015
Light in the dark – A dance project by Emanuele Soavi in collaboration with Susanne Linke
By Klaus Keil
Leonardo da Vinci in particular was the one who used the laws of proportion and harmony, the Golden
Section he found in nature, to also define principles of fine arts. Transferring this premise of
perfect beauty from a world of physical matter into dance as fine art is what dancer – choreographer
Emanuele Soavi is aiming at in his new solo performance AUREA. Sectio Aurea – or the Golden
Section, is where the title of this dance piece is derived from. So as to realize it Soavi relied on choreographic
support from Susanne Linke, the Grand Dame of contemporary expressive dance and
dance-theater. Based on an idea by Soavi both jointly developed an unusual dance project that seeks
to understand and balance the proportionality of structure and chaos, order and disorder, security and
insecurity on the dance stage.
Soavi begins in primordial times of human history, viewed by Christian Western civilization not only as
physical evolution but also always in connection with Christian tradition. “And the earth was waste
and without form; and it was dark on the face of the deep”, that is the beginning of Genesis, the first
book of Moses. For choreographer Emanuele Soavi who is also dancing this piece, these first biblical
lines were his “source of inspiration and starting point” for this solo performance proving once more
that he is one of the best and most expressive dancers of Cologne’s dance scene. AUREA is a strong
beginning for a long-term dance-research project entitled THE HABIT CYCLES.
The stage is captured in dark heaviness. Only a faint neon light illuminates an unspecific pile of leaves
that is placed on the side. It will turn out to be crumpled-up paper. Even the piano with Thomas
Wansing, who accompanies the performance with a sensitive composition based on motifs by Johan
Sebastian Bach, completely vanishes in the dark. His at first soft tunes suggest that even in the darkest
corners faint traces of humanity exist. Silence and darkness mark the beginning of the dance piece.
For several minutes nothing moves on stage. One is concentrated on searching for a movement, for
the dancer. Then, a faint crackling like breaking twigs. Slowly, infinitely slowly a human figure emerges
from the pile that seems to represent matter in its archaic form. At first it is barely noticeable.
Was that an arm, a foot, a head? Much later the movements of this black figure, of which only the
eyes are strikingly white, merge into human proportions. The human contorts himself, stretches his
extremities, ends up in a squatting position, and with the same slowness the light rises above pile and
human and now fully illuminates the stage. Maybe this reference of “Let there be light” is a bit too
much, though it quickly disappears in the light of dancer Soavi’s artistic strength. Through every movement
life flows into his body. He stretches and expands, thus creates figures that solidify for a brief
moment, before he again raises his arms into the air, like tentacles searching for new forms.
Due to their slowness these minimal movements gain an incredible intensity, binding the audience’s
gaze and attention in a remarkable way. In these moments of expressiveness in dance the collaboration
with choreographer Susanne Linke shows. In his dance Soavi constantly moves between two extremes,
he seeks support and structure in classical ballet positions representing preservation in dance,
only to instantly change into contemporary movements symbolizing break and change. An ongoing
change of unexpected movements defines Soavi’s solo performance. He enters the fifth position of
classical ballet for a moment only to chase through the pile of leaves on the floor in brilliant twists
of his body, driving the leaves across the stage. Then again, he calmly picks them up to organize the

DOCK 11 PRESSESPIEGEL 2015
chaos. Sometimes he gazes into the audience and far beyond as if searching for a major reason of his
action as well as the meaning of existence as such. With this choreography and its expressive dance
sequences the team Soavi / Linke vividly manages to open up the gaze for AUREA, the Golden Section
also in dance.
Westdeutsche Zeitung Krefeld - 12. November 2015 - 17:25 Uhr
Move!
Soavis Tanz durch die Evolution
Von Bettina Trouwborst
Die 71-jährige Choreografie-Ikone Susanne Linke und Tänzer Emanuele Soavi nehmen das Publikum
von „Aurea“ auf eine Reise durch Epochen und zu sich selbst mit.
Tänzer Emanuele Soavi macht bei „Aurea“ verschiedene Metamorphosen durch.
Krefeld. Am Anfang war . . . der Igel? Eine kleine Ewigkeit dauert es, bis sich unter dem schwarzen
Papierhaufen etwas regt und nach und nach ein Wesen zeigt. Schwarz gekleidet und bemalt, will es
Mensch werden. In der Tat, wüst, leer und finster ist es auf der Erde, dem Ort, den Susanne Linke in
Zusammenarbeit mit Emanuele Soavi als Ursprung des Lebens inszeniert hat.
Die 71-jährige Ikone des deutschen Tanztheaters bezieht sich in ihrem Solo „Aurea“ für den Italiener
auf das Alte Testament. Die Zuschauer des Gastspiels beim Tanzfestival „Move!“ erlebten ein beeindruckendes
Tanzstück, allerdings mit kleinen Längen, über Befreiung und Evolution.
Der Tänzer und Choreograf Soavi, in Köln beheimatet, wühlt sich elegant aus dem Papierwust. Wurm,
Käfer, Schlange, Vogel – verschiedenste Metamorphosen deuten sich an. Unter der Wärme-Leuchtröhre
greift die Kreatur immer wieder nach dem Licht. Sie richtet sich auf, stemmt sich hoch und steigt
endlich wie Phönix aus der Asche, um sich auf den Weg zu machen: zu sich selbst, der Zivilisation und
durch die Epochen.
Die große Choreografin hat mit ihrer ruhigen Hand Archaisches gestaltet. Der Pianist Thomas
Wansing, der etwas versteckt an der Seite am Klavier sitzt, begleitet die Entwicklung einfühlsam mit
einer Improvisation zu Johann Sebastian Bach. Erst perlen einzelne Töne, dann klingen Akkorde, irgendwann
eine Komposition.
Und alles richtet sich aus nach dem goldenen Schnitt
Mit klassischem Bewegungsmaterial, aber auch modernen Elementen ergreift der schwarze Mann
immer mehr Besitz vom Raum. Je weiter er sich entwickelt, desto konventioneller wird sein Tanz. Man
muss schon sehr konzentriert schauen, um wahrzunehmen, dass er sich durch geometrische Formen
arbeitet. Der Abend trägt nicht umsonst den Titel „Aurea“. Er bezieht sich auf den „sectio aurea“,
den goldenen Schnitt. Ein Idealmaß ästhetischer Proportionierung, nach der schon das Universalgenie
Leonardo Da Vinci strebte.
Der schwarze Mensch, der Soavi nun ist, sammelt alles Papier auf und wirft es dem Pianisten vor die
Füße. Vor einer Leuchtwand legt er einen elisabethanischen Kragen an und dreht sich in stolzen Posen
– ein schönes Schattenspiel der Selbstbespiegelung. Eitelkeit, Stolz und Machttrieb sind erwacht.
Er baut sich ein Quadrat aus Metronomen, die so eingestellt sind, dass sie einander zeitlich zu jagen
scheinen. Darin dreht sich das Menschlein immer schneller und schneller und schneller. Es ist in unserer
Zeit angekommen.

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Existence / Minako Seki und Willem Schulz
07.05. - 10.05.2015 im DOCK 11

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Named After / Margaux Marielle-Tréhouart, Elik Niv, Katharina Lüdin
16.05. - 17.05.2015 im DOCK 11
http://berlin-kicks.com/named-after/
Es ist dunkel, zwei Monitore flimmern. Vögel zwitschern, Verkehrslärm dringt herein. Langsam ist eine
Person zu erahnen, die sich aus der Dunkelheit schält. Eine Frau, die wirkt, als komme sie gerade zu
sich. Ganz langsam, unter Schmerzen, windet sie sich nur halb bekleidet und kommt langsam auf die
Beine. Im Hintergrund, vom Tisch gefallen, dort ist noch jemand. Ein Mann. Weit von ihr entfernt in
diesem riesigen, hohen Raum, auch er fast unbekleidet. Beide wirken zerstört, jeder für sich alleine
mit seiner Realität.
Sie finden zwar zueinander, sehen sich dabei jedoch kaum an. Wissen jeder für sich, was gestern war.
Doch es ist nicht klar, ob sie eine gemeinsame Erinnerung an diese letzte Nacht haben. Ausdrucksstark,
jede einzelne Bewegung konzentriert zelebrierend, kommen beide langsam in diesem neuen
Tag an. Jeder für sich, beide gemeinsam. In einem Raum, ab und zu sich miteinander bewegend. Oder
auch den Anderen als Verstärkung der eigenen Bewegung nutzend.
Der Tanz der Beiden wird schneller, bis hin zu absolut perfekt ablaufenden, synchronen Schritten.
Doch beide bleiben dennoch distanziert. Der Sound, aus klassischen Elementen, Soundschnipseln
und Elektronik aufgebaut, bringt diese intensive Stimmung auf den Punkt. Varianten und Rhythmuswechsel
ohne Ende, sowohl beim Tanz als auch in der Musik. Diese abrupten Übergänge bringen jede
gerade vertraut gewordene Variante sofort wieder zum Einsturz. Ob beim Frühstück, das fast zum
Slapstick verkommt, bei kurzen erotischen Andeutungen bis hin zu seinem Abschied. Denn es ist ihr
Ort, zu dem sich beide gestern geflüchtet hatten.
Margaux Marielle-Tréhouart und Elik Niv, der mit Constanza Macras und wie seine Partnerin auch mit
Sasha Waltz arbeitet, bringen in diesem dichten, intensiven und ungeheuer faszinierendem Stück die
Beweg- und Abgründe menschlichen Verlangens, Nicht-Verstehens und letztendlicher individueller
Isolation auf den Punkt. Das Stück ist noch bis zum 3. August jeweils um 20:30 im Dock 11 in der
Kastanienallee zu sehen.
Von und mit: Margaux Marielle-Trehouart, Elik Niv
Dramaturgie und Produktionsassistenz: Katharina Lüdin
Tickets: 10.- Euro / 8.- Euro erm.

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Nietzsche oder die Diktatur der Kunst / Jo Fabian Department und
DOCK 11 / EDEN***** 21.05. - 24.05.2015 im DOCK 11
Berliner Zeitung / Spielplan Mai 2015

tanz Okt 2015, Seite 64-67
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Berliner Morgenpost
PRINTAUSGABE + online http://www.morgenpost.de/berlin/article141313695/10-Tipps-was-Sieam-Freitag-nicht-verpassen-duerfen.html
21.05.2015, 18:18
Termine und Verkehr 10 Tipps, was Sie am
Freitag nicht verpassen dürfen
+++ 20.30 Uhr +++ Premiere: "Nietzsche oder die Diktatur der Kunst"
Die Produktion vom Jo Fabian Department konfrontiert fünf Ouvertüren Richard Wagners mit
Texten von Friedrich Nietzsche.
• Dock 11, Kastanienallee 79, Prenzlauer Berg, Tel. 35 12 03 12, Karten kosten 10–15 Euro
+++ 21 Uhr +++ Premiere: "Die Leere des Himmels" im Ballhaus Ost

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Der Tagesspiegel
PRINTAUSGABE + online http://www.tagesspiegel.de/kultur/kulturtipps-fuer-berlin-wohin-ampfingstwochenende/11818886.html
Kulturtipps für Berlin Wohin am
Pfingstwochenende?
24.05.2015 10:59 Uhr
Berlin feiert in Kreuzberg den Karneval der Kulturen. Was am Pfingstwochenende
sonst noch alles in der Stadt geboten ist? Wir haben die besten Kulturtipps
zusammengetragen.
Performance: Nietzsche oder die Diktatur der Kunst
Wagner, Nietzsche und vier Akkordeons – so lautet das ungewöhnliche Grundarrangement
der neuen Produktion von Jo Fabian. Er versenkt sich in Nietzsche-Texte und nimmt mit
ihnen Wagner-Ouvertüren auseinander, unterstützt vom Komponisten Tobias Schwencke.
20.30 Uhr, 15/10 Euro, Dock 11, Kastanienallee 79, Prenzlauer Berg

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TAGESTIPP ZITTY
PRINTAUSGABE + online http://www.zitty.de/nietzsche-oder-die-diktatur-der-kunst.html
Nietzsche oder die Diktatur der Kunst
Wagner, Nietzsche und vier Akkordeons - so lautet das ungewöhnliche Grundarrangement der
neuen Produktion des immer wieder überraschenden Jo Fabian. Fabian versenkt sich in
Nietzsche-Texte und nimmt mit ihnen Wagner-Ouvertüren auseinander. Vom Komponisten
Tobias Schwencke ließ er sich aufschreiben, wie man die Akkordeons zur weiteren
Dekonstruktion einsetzt. Vier Performer machen bei dieser mit Ironie angereicherten
Produktion auch noch mit.
Inhaltsangabe
Jo Fabian untersucht den Gebrauchswert und die Funktionalität der Illusionsmaswchine
Richard Wagner und konfrontiert fünf seiner Ouvertüren mit Texten von Friedrich Nietzsche.
•
Foto: Marcus Lieberenz
Nietzsche oder die Diktatur der Kunst

DOCK 11 PRESSESPIEGEL 2015
Der Nietzsche Abend von Jo Fabian, so war es für mich, Susanne Jansen
Der Theaterabend `Nietzsche` von Jo Fabian ist nicht schön. Er ist das, was man sich im Theater
erhofft: erschütternd. Und er trifft den Zuschauer mit Wucht. Dieser wächst durch das Gesehene über
sich hinaus, ohne Antworten zu erhalten. Man erlebt vier Darsteller mit beeindruckender Präzision
agierend, teils unfassbar komisch, bis an die Schmerzgrenze uneitel und
unendlich tragisch. Ein vierköpfiges Akkordeonorchester spielt Wagner- Ouvertüren auf dem Akkordeon.
Eine Videoebene sorgt dafür, dass sich eine beklemmende faschistoide Athmopsphäre herstelltohne
die üblichen Klischees. Der Abend arbeitet sich ab am Menschsein, am Menschseinwollen, die
Möglichkeit Mensch - das Grauen Mensch. Es stellt sich ein Ekelgefühl ein, eine Trauer darüber was
man selber ist. Dieser Theaterabend ist eine Zumutung -und ein grosser Wurf. An diesem Abend
schont sich Keiner und wird Niemand geschont. Ohne Belehrung, ohne Besserwisserei. Und das ist
ganz gross. Und das hat in seiner Radikalität ganz viel mit Nietzsche zu tun.

DOCK 11 PRESSESPIEGEL 2015
Gedanken nachdem ich die Aufführung: Nietzsche oder die Diktatur der Kunst von Jo Fabian mit
seiner besonderen Schauspielerwahl erleben durfte
Unmöglich aus Jo Fabians Klang und Bilderwelt nicht aufgestört ins natürliche Licht zurückzukehren.
Nietzsches Frage nach der Heiterkeit drängt sich auf: „Seines Todes ist man gewiss, warum soll man
nicht heiter sein?“
Wir wissen, dass Er sie nicht gefunden hat -die Heiterkeit-und trotzdem beschwingt das Sehnen nach
ihr. Der Krähe Angst etwas entgegenzusetzen, inspiriert in diesem zerbrechlichen Leben. Indem wir
der Vergeblichkeit unser tiefempfundenes Dennoch in die zynische Fresse schleudern, erhalten wir
uns im Atmen, sind ins Jetzt gezwungen, -trotz Blessuren, trotz der Peitschenschläge, trotz des ewigen
Blutens und immer auch wieder Ausblutenlassens uns anvertrauter Kreaturen.
Wir jonglieren uns durch das Sein in der Suche nach Heiterkeit.
Am Ende werden wir leicht sein, das ist gewiss.
Die Zeit ist eine Kugel
Zeit ist eine Kugel
in der die Erde sich dreht
Welten zerbrechen
Gedanken stoßen in Endlichkeiten
Irgendwo ich
Irgendwo du
Für ewig in Kreisen
Ich lasse tropfen den Hahn
Das Wasser rinnt
Versickert im Humus
Morgen saugst du den Saft aus der Kirsche
Spuckst den Kern auf den Maulwurfhügel
Irgendwann wird es noch mehr Kirschen geben
Oder die Blätter verbrennen
im Zuviel an Sonnenstrahlen
gleich der Worte
die ich für Dich schrieb
Nele Heyse

DOCK 11 PRESSESPIEGEL 2015
DUET / H2DANCE
05.06. - 06.06.2015 im DOCK 11
h2dance presents Duet, which explores the longstanding working relationship between Hanna Gillgren
and Heidi Rustgaard. They tell us about their venture into couples therapy (we are being ironic
here), revealing the fissures in their partnership (Hanna lives in a blissful self centered bubble, Heid
does all the hard work). As they talk, they also perform a series of simple reiterated moves to a varied
sounscore. The choreography doesn’t really mount to much, but their charm comes from the women’s
personalities, their autobiographical honesty and dry sense of humour. On Monday night h2dance
picked up the audience award and the £1000 cheque that goes with it.
The Times
http://www.guardian.co.uk/stage/2013/apr/23/the-place-prize-review
Hanna Gillgren and Heidi Rustgaard are a stage partnership in crisis: while the surface of Duet goes
through the motions of a drolly efficient dance routine, the women simultaneously conduct a barbed
conversation about each other‘s flaws. The disconnect is funny, sometimes brutal, and always entertaining.
Yet with some fiercer digging, some more extreme shaping of the material, Duet might have
been a more interesting journey.
The Guardian
http://www.standard.co.uk/goingout/theatre/the-place-prize-the-place--dance-review-8582327.html
The big crowd-pleaser is h2dance’s Duet, a slickly crafted, comic double act based on choreographers
Hanna Gillgren and Heidi Rustgaard going into couples therapy, which punctures silliness with knifein-the-stomach
reality.
The Evening Standard
http://londonist.com/2013/04/help-award-25k-to-the-winner-of-the-place-prize-for-dance.php
And finally, leaving the best for last, according to this particular night’s audience, is the quirky Scandinavian
team Hanna Gillgren and Heidi Rustgaard. From the bright sequined costumes to the often hilarious
dialogue, this couple relay their disgruntled thoughts about each other through silly movement
sequences and an almost Abbott and Costello kind of comedic banter. It may not be the best in terms
of choreography, but it certainly brings originality to the table.
Londonist
http://www.telegraph.co.uk/culture/theatre/dance/10003017/The-Place-Prize-2013-does-the-danceworld-only-care-about-itself.html
A funny piece about dance and dancers, winningly performed.
The Telegraph/Sarah Crompton

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http://metro.co.uk/2013/04/19/place-prize-2013-final-was-best-of-contemporary-dance-3640643/
Oddly though, the most accessible piece is also, in my view, the best. The simply titled Duet finds
long-time collaborators Hanna Gillgren and Heidi Rustgaard, aka h2dance, using text and movement
to dissect a tricky relationship.
A sharp piece of comedy couples counselling, done with wit and neat timing, it touched some raw
nerves in the audience but did it with a smile on its face.
Metro
http://www.thestage.co.uk/reviews/review.php/38461/the-place-prize-for-dance-finals-2013
Hanna Gillgren and Heidi Rustgaard of H2Dance bagged the nightly prize of £1,000 for the fourth
piece of the evening, titled Duet, probably because it was fundamentally the most enjoyable work. It
is funny, engaging and entertaining, not overtly out there or alienatingly conceptual. Warm in tone, it
is an analysis of the professional and personal relationship of this dance company of two. Wearing hot
pink spandex and silver sequins, their jaunty jazz steps are accompanied by a clipped duologue about
what happened during couples therapy. They are a comedy dance duo with exceptional chemistry and
striking performance techniques that allow them to express clearly, through both movement and spoken
communication, the point of their show. It strikes a chord of sadness and empathy, rings true to
the reality behind personal (and dance) politics, successfully explores and portrays issues of friendship,
femininity and motherhood and leaves you wanting more than a 15 minute piece.
The Stage
http://londondance.com/articles/reviews/the-place-prize-finals-2013/
Last on the bill are the audience votewinners Hanna Gillgren and Heidi Rustgaard, who perform
together as H2dance. Duet is the story of the duo’s experiments in couples therapy; after year over a
decade together, the pair apparently decided it was time to subject their personal and performing relationship
to therapeutic scrutiny. Dressed in eye-catching but unglamorous sequinned costumes, the
pair relate their experiences in therapy as they repeat looping phrases of jazzy movement – brushes,
ball-changes and hitchkicks with occasional added heads and hips. Gillgren learned that she wasn’t a
very good friend, abandoning Rustgaard to the soul-destroying company admin while she enjoyed a
world of cuddles and coffee with her “yummy mummy” friends.
Duet wraps a gentle humour around a difficult subject – how do two people, especially two such different
souls as the gregarious Gillgren and the more reserved Rustgaard, manage to keep a relationship
healthy and sane over time? The answer is left deliberately hanging. Rustgaard’s litany of admin
tasks (“…access, diversity, engagement, outputs!”) shouted over a series of brutal Callanetic exercises
cannot fail to garner sympathy from anyone who has ever completed an Activity Report Form; we
understand that the endless Excel worksheets led to some kind of breakdown, during which Gillgren
(now standing on Rustgaard’s prone body) was not available to help. And, on a rather melancholy
note, there the piece ends; a final “shall we end it there?” may refer to the duet, or the relationship,
or both.

DOCK 11 PRESSESPIEGEL 2015
Londondance
http://dancetabs.com/wp-content/uploads/2013/04/fc-duet-hanna-gillgren-heidi-rustgaard-back-standing_1000.jpg
And then, to round out the evening’s eclecticism, H2Dance arrive in full nineteen-eighties panoply,
all flouro pink and blinding sequins. Hanna Gillgren and Heidi Rustgaard announce they will dance
together, and start in synchronicity, before confiding in us their recent discovery of ‘couple therapy’.
The wry transparency of form in Duet is something of a joy, as dance and speech reveal the fruitful
friction of this ‘couple’ before our eyes. Very quickly, they announce developments in their baseline
routine of rhythmic swings. – ‘Let’s add in more arms’, they say – then follow legs, and a ‘provocative’
pelvic focus that triggers an orgasmic meltdown, for Hannah at least. Her toilet humour is calmly contained
by Heidi, the more stoic of the two.
As the characters and conflicts of the pair emerge, so too does the ironic harmony of their rapport.
Both do solos, supported by the other with props and prompts to the technicians. Hannah’s selfish
hedonism blooms beside Heidi’s terse forbearance, visual gags abound, and the truth is revealed with
just the right tone of resignation. ‘We’re like salt and pepper, aren’t we Heidi? Like Tom and Jerry?’
The two settle, knowingly, back into synch. Their straight-faced, comic portrait of a couple is insightful
and skillfully shaped but, as with much of the night, a surprisingly trite quality of movement prevails.
http://onestoparts.com/review-the-place-prize-finals-2013
http://www.bachtrack.com/review-the-place-prize-finals-2013
http://didyousayfromage.wordpress.com/2013/04/18/the-place-prize-2013/
http://www.timeout.com/london/dance/the-place-prize-six-things-you-need-to-know?intcid=leader

DOCK 11 PRESSESPIEGEL 2015
Strange / Stella Zannou und Smack Dance Company
18.06. - 21.06.2015 im DOCK 11
https://fromstagetopage.wordpress.com/2015/11/25/stella-zannou-interview-byfrom-stage-to-page/
Could you briefly introduce yourself?
I am Stella Zannou. I am a choreographer, a performer and a dance teacher. I live in Berlin it has been
6 years now, but I have lived and worked in Greece over many years in the past.
What do you want to question with your current project?
The last piece I made “Strange”, was presented in Berlin in June, and I plan to re-stage it this winter.
Ten people got gradually involved in this production, which originally started off as a trio. As the rehearsal
process continued, more performers joined the piece. “Strange” is a bit like a farce and deals
with the creation process. It is the most sincere piece I have done so far. Everything that what was
going through my mind while making this piece became the piece itself. There is text and talking. It is
honest and I make fun of myself, of the people involved in the project, of contemporary dance and of
contemporary art. I find this show quite funny, I laugh a lot, possibly because what its about, is actually
true. It deals with the anxiety one goes through in order to create a ‘serious’ dance piece and how
futile this really is. All artists have these thoughts, even if they don’t admit to it. I am never bored of
this piece, I can watch it every day- it puts me in a good mood.
Do you consider yourself funny?
Yes, I think I am, but I think that most people don’t know I am funny. This last production with its
sense of humour was a surprise for most of the spectators. Some would ask me whether I have really
choreographed this work! Some said they had no idea that this is how I think. There is a funny side in
me, for sure.

DOCK 11 PRESSESPIEGEL 2015
Trunkintail & SimulacrumX & Caos / Ruben Reniers und Sonia Rodriquez
03.07. - 05.07.2015 im DOCK 11
Pressespiegel & Critics
SimulacrumX
1. Event:
Tanzfestival SoloDuo NRW + Friends 2014
Price: ‚Best solo - newcomer Förderpreis’ and ‚Audience Award’
SimulacrumX von Ruben Reniers
Jury: This solo shows a clear composition with space for performative quality. Ruben convinced by
using simple means to visually complement the choreography.
3. Event:
Euro-scene Leipzig - »Das beste deutsche Tanzsolo«
http://www.euro-scene.de/v2/de/festivals/2015/pressespiegel/extras/151110--LVZ-I.php
Finale erreicht:
Reaktion von Dimo Rieß (Leipziger Volkszeitung)
Tänzerisch überzeugende Auftritt von Ruben Reniers….

DOCK 11 PRESSESPIEGEL 2015
AUF WIEDERSEHN & Asteria / Tomer Zirkilevich und Christine Bonansea
13.08. - 16.08.2015 im DOCK 11
http://issuu.com/siegessaeule/docs/sis_09-14/7, Siegessäule Sept 14, Seite 7

DOCK 11 PRESSESPIEGEL 2015
Dance
Milestones in the Life of Michal Hirsch An evening with Michal Hirsch combines a personal story with
the fine art of dance
Ruth Eshel
27.02.2014 00:22
The evening’s solo performance “Auf Wiedersehen” (German for “see you again”) is based on the
autobiography of Michal Hirsch, in particular, the identity of an Israeli girl who grew up in England,
served in the Israel Defense Force, with a grandmother on kibbutz, who always dreamed to be a
dancer, travelled to Germany to audition for the Pina Bausch dance company, lost her way and ended
up in Berlin, gained second place in a Charleston dance competition in Mannheim, stayed on to marry
a German husband. Michal felt at home wherever she found herself and always took her leave with
“auf wiedersehen.” Finally, she returned to her home port, Israel.
Hirsch is a superb performer, either acting or dancing, with a powerful stage presence. She captivates
her audience without their tiring. She opens her program dressed in an elegant brown coat with a fur
collar and high heels… a European look. Her impeccable English dialog is laced with sentences in Hebrew
and German. She delivers her words like the fine actress she is. Hirsch elicits associative memories
through speech and dance. At times we hear familiar German songs and other times she dances
to the accompaniment of her prerecorded anecdotes.
Michal Hirsch is an accomplished dancer with an expressive style, hand movement full of meaning,
flexible torso, rolling over and over again on the bare stage. In the final moments of her performance,
after shedding her brown, fur-collared coat and dress, she appears before her audience in a red petticoat,
her long hair flowing in her wake, looking like a dancer from the Pina Bausch Company and
moving in the style of the high priestess herself in a scene from the Rite of Spring. They told her that
she looked English, or German, so who are you? Where do you belong? She hesitates, waiting in silence
for an answer. Out of the silence comes a poem about a small boy in the Holocaust. She invites
the audience to join her in a song. Everyone knows the melody but have forgotten the words. “No
matter, just hum along with me while I sing.” The captive audience responds to Michal’s request.
Michal Hirsch’s performance is a finely tuned combination of dancer and actress telling a very personal
story that resonates with many young Israelis.
AUF WIEDERSEHEN Director & Choreographer: Tomer Zirkilevich, Co-creator & Dancer: Michal Hirsch,
Light Design: Tamar Orr

DOCK 11 PRESSESPIEGEL 2015
The Forerunner / Julyen Hamilton 23.07. - 26.07.2015 im DOCK 11

DOCK 11 PRESSESPIEGEL 2015
xchange Festival / berlin arts united 29.07. - 09.08.2015 im DOCK 11

DOCK 11 PRESSESPIEGEL 2015
SLAP / STICK / Hermann Heisig 21.08. - 23.08.2015 im DOCK 11
http://www.zitty.de/portrat-hermann-heisig/
zitty, 20.08.2015
DER KOMISCHE TÄNZER
Hermann Heisig
Dieser Lulatsch ist eine Ausnahmeerscheinung in der Berliner Tanzszene. Hermann Heisig nutzt die
Körper sprache von Komikern wie Jacques Tati oder Helge Schneider für überraschende Einsichten
Text: Annett Jaensch
Er balanciert gewissenhaft auf einem Bein, streckt sich zum Ausrufezeichen, fixiert hochkonzentriert
einen Punkt im Raum, setzt zum Sprung an und landet in nichts weiter als einem kindlich-übermütigen
Schlenkergang, dazu perlt dezent ein Bossa Nova, als läge Brasilien gleich um die Ecke. Hermann
Heisigs Tanzsolo „Slap/Stick“ steckt voll solcher Momente sich sachte anschleichender Komik. 50
Minuten lang den leeren Raum adressieren und dabei verlässlich Lacher einsammeln: Das muss man
erst mal schaffen.
Heisig kann es. Der 33-Jährige ist eine Ausnahmeerscheinung in der Berliner Tanzszene. Obwohl oder
gerade weil seine Statur für Tänzer ziemlich ungewöhnlich ist. Hermann Heisig bringt schlaksig aufragende
1,95 Meter mit auf die Bühne. Wenn er tanzt, rückt mehr als sonst ins Bild, dass ein Tänzerkörper
immer auch Spielball von physikalischen Kräften ist. Fliehkraft, Drehmoment, das alles scheint ihm
auf besondere Art und Weise in die langen Glieder zu fahren.
In Vorbereitung auf „Slap/Stick“ vertiefte er sich in eine längere Bewegungsrecherche. „Die Körpersprache
von Komikern hat mich schon immer interessiert“, erinnert er sich, „Leute wie Jacques Tati
oder Helge Schneider.“ Der Essay „Das Lachen – über die Bedeutung des Komischen“ des französischen
Philosophen Henri Bergson habe ihn mit weiteren Inspirationen gefüttert. Aber wie spielt man
nun geschickt mit Überspannung, Lockerheit und Wiederholung, sodass sich beim Gegenüber das
Zwerchfell regt? In „Slap/Stick“ verdichtet Heisig die Antworten, die er gefunden hat, zu charmantem
Nonsens und – das ist die Kunst – er wirkt dabei nie klaumaukig.
Fühlt er sich als Mann fürs Komische? „Ich möchte keine Comedy herstellen im Sinne von: Der kann
ja lustig tanzen“, betont er. „Mich interessiert vielmehr, wie Komik ein Mittel sein kann, andere Themen
anzusprechen.“ Dass er Talent fürs Performen hat, entdeckte Heisig bereits als Jugend licher.
1981 wurde er in Leipzig geboren, die Affinität zur Kunst lag in der Familie: Sein Großvater, der Maler
Bernhard Heisig, war Mitbegründer der „Leipziger Schule“. 1997 gewann der junge Heisig beim
euro-scene-Wettbewerb „Das beste Tanzsolo“ prompt den Publikumspreis. „Das war die Initialzündung“,
resümiert er heute. Nach einer umtriebigen Zeit in der Leipziger Subkultur wehte es ihn 2000
nach Berlin, wo er eine Tanzausbildung an der „Etage“ absolvierte, später folgte ein Choreografieprogramm
am CCN Montpellier.
Beim Finden der eigenen Handschrift ist ihm beides wichtig, die Arbeit als Tänzer und als Choreograf.
Ein gutes Dutzend Stücke hat er bisher vorgelegt, Soloarbeiten genauso wie Kollaborationen.
Jetzt kurz vor der Wiederaufnahme von „Slap/Stick“ im Dock 11 widmet sich Heisig im dänischen

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Aarhus noch einem ganz anderen Interesse: Choreografie im urbanen Raum. In „Næste stoppested“,
übersetzt „Nächster Halt“, bewegen sich die Teilnehmer nach einem Zufalls score mit Bussen durch
die Stadt. Dieses Treibenlassen ohne festes Ziel soll ungewohnte Perspektiven auf bekanntes Terrain
eröffnen.
Heisig hat das Konzept ent wickelt und moderiert die Touren, er will mit den Aarhusern über ihre Stadt
ins Gespräch kommen. Spannend sei die soziale Dynamik, die bei dieser Art von Austausch entstehe,
erzählt Heisig. „Ich will das herauskitzeln.“ Ein kollektives Driften im urbanen Raum: Das scheint auf
den ersten Blick weit entfernt von der Theaterbühne, schließt aber doch da ran an. „Zufall und Unfreiwilligkeit
reizen mich als Motor für Entdeckungen“, sagt er, „diese Faktoren spielen auch bei der
Impro visation im Tanz eine große Rolle.“
Wenn er über seine Arbeit spricht, spürt man den Drang, den Dingen auf den Grund gehen zu wollen.
Zuletzt kreuzte er in „Strtch“ (2014) Tanz mit dadaesken Akustikexperimenten. Diese Durchlässigkeit
liebt Heisig an der zeitgenössischen Sparte. „Konkret habe ich nie mit anderen Kunstformen geflirtet.
Tanz ist das beste Mittel, unterschied liche Interessen zusammenzubringen.“ Man darf gespannt
sein auf die nächsten Projekte. Mit oder ohne Komik.
„Slap/Stick“, 21., 22. + 23.8., 20.30 Uhr, Dock 11, Kasta nienallee 79, Prenzlauer Berg. Eintritt 14,
erm. 10 €

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Hermann Heisig - akt. Die Kölner Theaterzeitung
31.05.13 12:14
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Kritisiert › Kritisiert 13 › Hermann Heisig
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KOMISCHER KÖRPER
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Die Tanz-Reihe "Wie Leben geht" von
Silke Z. hat sich ein Stück Berlin ins
Studio 11 geholt. Hermann Heisig
gastiert mit seiner Solo-Performance
"SLAP/ STICK". Komisch ist, wer sich
auf dem Stolperpfad des Ungeschicks
bewegt. Er erzählt davon, ohne in
Lächerlichkeit abzudriften.
„STOP watching“ von Silke Z./resistdance, © MEYER
ORIGINALS
Tanz. Die Wirbelsäule ist bis unter die Decke
gestreckt. Anmutig wechseln sich filigrane
Pirouetten mit leichtfüßigen Sprüngen ab. So
ähnlich muss es sich abspielen im Kopf von
Hermann Heisig. Dass seine Realität anders
aussehen wird, verrät schon der Titel seiner
Performance. "SLAP / STICK" will gar nicht Hermann Heisig, © Diego Agulló SLAP STICK floor 2
schön sein und konterkariert das gewohnte Bild
von Tanz mit Slapstick-Elementen. Türpolternd tritt Heisig auf die Bühne, schlaksig und steif
blickt er ins Publikum. Dann beginnt er seinen Streifzug durch den Raum, tastet die Wände ab,
stakst langbeinig diagonal hindurch, springt in einer Nische mit gehobenen Armen an die Decke,
an die der Riese fast ohne Sprung reicht. Unbeholfen sieht das aus, aber genau darin liegt die
Komik. Aus den Zuschauerreihen giggelt es schon jetzt. Spätestens nach der fünften Wiederholung
der Runde, wo Heisig immer wilder seine Punkte im Raum abarbeitet, wird laut gelacht. Die Tanz-
Reihe der Kölner Choreografin Silke Z. "Wie Leben geht" beschäftigt sich mit den Gegensätzen des
Lebens, zwischen ernüchternder Schwerkraft und luftigen Visionen. Ihr Gast Heisig erzählt, dass
schon eine hakende Tür alles ins Stocken bringen kann. Die Idee, erzählt er im Publikumsgespräch,
kam ihm bei der Lektüre von Henri Bergsons Text "Das Lachen - Essay über die Bedeutung des
Komischen". Komisch werde es, wenn sich dem Fluss des Lebens etwas Starres entgegenstelle. "Vor
allem hat mich Bewegungskomik interessiert. Mir kam es darauf an, die Grenze zwischen geistigem
und physischem Denken zu überwinden". Doch wie übersetzt man Komik in Körperlichkeit? Heisig
inszeniert sie fernab von pointenhascherischer Clowns-Comedy im Alltäglichen, in den leisen, fast
unbeobachteten Momenten der Körperentgleisungen. Er kreuzt die Beine, will zu einer Pirouette
ansetzen, endet aber schon nach einer simplen Halbdrehung, der Kopf guckt stets störrisch in die
falsche Richtung. Er kreiert eine Komik, die unfreiwillig wirkt und im Verhältnis zwischen ihm, den
Objekten und dem Publikum entsteht. Etwa wenn er sich als menschliche Säule neben wackelig
gestapelte Styroporrollen stellt und sich langsam zu Seite biegt. Wenn er im Purzelbaum von der
Bühne poltert. Wenn er minutenlang nicht auf der Bühne ist und dann via Sound (Tian Rotteveel)
eine Eisenbahn gefolgt von einer Horde Pferde durchjagt. Das Unerwartete bricht über das Gängige
herein, das Schräge trotzt dem Gradlinigen, das Absurde stiftet Sinn. Schlau experimentiert der
31jährige mit der Spannung zwischen Körper und Raum, dokumentiert liebevoll, wie "normal" zu
"komisch" wird. Am Ende steht er lächelnd da wie ein Kind nach der Spielstunde. Dass beim Toben
sämtliches Inventar zu Bruch gegangen ist, kann man förmlich vor sich sehen.
ROMY WEIMANN
TERMINE IM JUNI: SILKE Z.S REIHE "WIE LEBEN GEHT", STUDIO 11, I'LL HAVE WHAT HE'S
HAVING VON ANDREW MORRISH & ANGUS BALBERNIE, 28., 29.
http://www.theaterzeitung-koeln.de/kritisiert/kritisiert-13/hermann-heisig/
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Places & Traces der MS Schrittmacher Oktober 2015 verschiedene Orte
Exberliner, September 2015, Seite 35

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Tiefsee / Clébio Oliveira 09.10. - 18.10.2015 im DOCK 11
http://www.zitty.de/clebio-oliveiras-tiefsee/
TANZ DEN DEFEKT
Clébio Oliveiras „Tiefsee”
Der brasilianische Choreograf und Tänzer Clébio Oliveira nimmt sich in seinem neuem Stück „Tiefsee”
emotionale Abhängigkeiten zur Brust
Text: Friedhelm Teicke
Wenn man Clébio Oliveira erlebt, käme man nie auf die Idee, dass diesen charmant-freundlichen,
schalkhaft-fröhlichen Mann in seiner Kunst nur eines umtreibt: das Beschädigte, Gestörte und Kranke.
„Unsichtbare Themen“ nennt der seit einigen Jahren in Berlin lebende brasilianische Choreograf
das Spek trum, aus dem er seine Stücke schöpft. Oliveira interessiert die Wirkung von Defekten auf
den Körper.
So untersuchte er Phänomene wie Dysmorphophobie, eine Störung der Körperwahrnehmung
(„Ugly“), erforschte die Erfahrungswelt von Blinden („Milchstraße“) und Analphabeten („XXX – ein
Versteckspiel“) oder erkundete den Seelenschmerz verlassener Liebender („Abyssal Zone“). Und nun
bringt er mit einem fünfköpfigen Ensemble eine weitere ungesunde Gefühlssucht zum Tanzen: emotionale
Abhängigkeit.
„Es gibt vier Stationen, die diese Gefühlsverwirrung durchlaufen können: völlige Anpassung an den
Partner, obsessive Verrücktheit, Selbstmord, Mord”, sagt Oliveira. „In meiner Heimat Brasilien ist dieses
romantische Ideal der symbiotischen Beziehung weit verbreitet, die aber eigentlich ungesund ist.
Partner sollten besser ihre Eigenständigkeit bewahren, denn emotionale Abhängigkeit ist Sucht.”
Seit 2008 lebt Oliveira in Berlin. Er tanzte im Ensemble der Compagnie von Toula Limnaios, choreografierte
für das Ballett Kiel, das Grips-Thea ter, die Chicagoer Hubbard Street Dance Company und
die São Paulo Companhia de Dança. Dazu inszeniert er regelmäßig eigene Duo- und Trio-Abende
und taucht nun mit „Tiefsee” als Ensemble-Produktion in die Untiefen der Beziehungssucht. Gleichzeitig
feiert Oliveira damit sein 15-jähriges Bühnenjubiläum als durchaus sichtbarer Choreograf des
Unsichtbaren.
16.-18.10., 20 Uhr, Dock11, Kastanienallee 79, Prenzlauer Berg. Choreografie: Clebio Oliveira; mit
Valentina Migliorati, Michela Rossi, Marie Theres Zechiel, Clébio Oliveira, Sergio Verano. Eintritt 14,
erm. 10 €

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http://tanzpresse.de/kritiken/detail/verdorrte-gefuehle/
VERDORRTE GEFÜHLE
Clébio Oliveira mit „Tiefsee“ im DOCK 11
( 29.10.15 )
Es ist nicht einfach, sich eine Sucht einzugestehen. Noch komplizierter aber ist, emotionale Abhängigkeiten
zu identifizieren. Diese lauern, so der brasilianische Choreograf Clébio Oliveira, in der Tiefsee
des Unterbewussten, an einem Ort, wo beängstigende Wesen unsere Gefühle – Angst, Liebe, Abneigung
– verkörpern. Dieser Ort wird auf der Bühne zu einem Haus bzw. Zimmer transformiert, ein
sehr geglücktes Bühnenbild hat hier Caroline Forisch erdacht. Das Haus hat Fenster, Tische, Stühle,
Schränke und Kommoden und ganz wichtig – auch Pflanzen. Dürre, halbverwelkte Exemplare, stachelig
wirkend, sind auf drei großen Tischen im Zentrum des Zimmers platziert. Dieses Gestrüpp mag
Sinnbild sein für den Irrgarten der inneren Gefühle. Meistens sind es solche, die für uns kontraproduktiv
wirken und die wir leider nicht über Bord werfen können, also nicht loslassen wollen. An diesen
Gefühlen halten sich auch die vier Tänzer Sergio Verano, Valentina Migliorati, Marie Theres Zechiel
und Clébio Oliveira fest. Sie fesseln sich nackt an Stühle, erzählen Eifersuchts- bzw. Besitzgeschichten,
werden aus starker Liebe zur Last für den anderen, üben Abhängigkeitsdressur aus, manipulieren die
anderen und merken dabei aber nicht, dass sie auch von anderen manipuliert werden.
So entstehen starke, energiegeladene Bilder, welche Oliveira wie ein Dokumentarfilmer vor Augen
führt. Es ist spannend zuzusehen, wie sich die Körper verkrampfen, in sich schrumpfen und ständig zu
Boden stürmen – ja, klare Merkmale eines seelischen Missbrauchs signalisieren, welche vom Verstand
jedoch komplett ignoriert werden. Ein paar schwache Momente tauchen auf, wenn die Eifersuchtsgeschichten,
erzählt von Zechiel, zu lange und zu geradlinig wirken, oder wenn die meisten Szenen in
der klassischen Mann-Frau-Beziehung (eher ungewollt) landen. Die Szenen wirbeln und werden gebremst,
unterstützt vom Soundteppich des Komponisten Matresanch, bis zum finalen Akt. Da gelingt
es Migliorati, die Wurzeln emotionaler Abhängigkeiten zu erreichen und so die gespenstigen Pflanzen
zusammen mit der Pflanzerde als Nährmittel wegzutreten. Die Botschaft von Oliveira wird fassbar –
alle Abhängigkeiten kommen von der Kindheit her, aber sobald man diese bekämpft hat, sollte man
die Tür des inneren Hauses ganz fest zumachen. Ein schwieriges Thema, düstere Bilder und starke
Erlebnisse – eine Tiefsee der Berührung! /// Ingrida Gerbutaviciute

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JEWROPE / Yoshiko Waki und Rolf Baumgart
23.10. - 24.10.2015 im DOCK 11
https://www.choices.de/die-gute-und-die-boese-milch
Die gute und die böse Milch
29. Oktober 2014
bodytalk zeigt eine fulminante Auseinandersetzung mit dem Holocaust – Tanz in NRW 10/14
Wo Tabus existieren, regiert auch die Berührungsangst. Der Holocaust stellt immer noch den mächtigsten
dunklen Fleck in der Bewusstseinslandschaft unserer Gesellschaft dar. Wie verhält man sich
zu diesem Thema, das zwischen kollektiver und individueller Schuld flottiert? Die von Yoshiko Waki
und Rolf Baumgart geführte Künstlergruppe bodytalk aus Bonn und Köln hält sich nicht mit Betroffenheitsfragen
auf, sondern geht sogleich auf die Unsicherheit zu, mit der der Völkermord die Wirklichkeit
unserer Gegenwart untergräbt. „Würden Sie zwei Panda-Bären erschießen, um einen Juden
zu retten?“, fragen die Darsteller einzelne Besucher auf den Rängen der TanzFaktur in Poll. Prompt
antworten die Befragten mit „Ja“.
Die Szene zeigt, es gibt noch allerhand zu tun, bis sich ein reflektierter Umgang mit dem Holocaust
etabliert hat. bodytalk hält nicht auf halber Strecke inne, die Tänzer und Musiker gehen stets an die
Grenzen und gerne noch ein Stückchen weiter. Die neue Produktion „Jewrope“, die in Zusammenarbeit
mit dem Teatr Tańca aus Posen entstand, stellt da keine Ausnahme dar. Die beiden Pandas werden
trotz ihres Flehens erschossen. Das Thema Gewalt taucht immer wieder auf und auch hier geht man
verführerisch zur Sache. Erst kommt die Frage, ob die Welt nicht besser ohne Wladimir Putin dran
wäre, dann folgt die Überlegung, ob man ihn nicht ermorden müsste. Dazu wird ein Buch herumgereicht,
in das jeder die Person eintragen kann, von der er meint, dass sie getötet werden sollte. „Du
darfst“ heißt es in den neuen Kriegszeiten. bodytalk gelingt hier eine Lehrstunde in Sachen Ideologie,
die uns mit einer verkürzten Logik in Argumentationsketten lockt, aus denen es dann kein Entrinnen
mehr gibt.
Körperliche Gewalt besitzt stets eine sexuelle Komponente, das spüren die neun Akteure sofort aus
ihrem Thema heraus. Einzelne Männer werden von den Frauen und dem Rest der Truppe nackt verprügelt,
die Meute fällt mit geiler Lust über das Individuum her. Schon ist man wieder beim Thema der
Verfolgung und zugleich mitten in der Gegenwart. Warum sind Menschen so? Diese Frage stellt Margot
Friedländer, eine Überlebende von Theresienstadt, in einem Video. Die Medien wechseln im Fluge
und die Szenenfolge wird so eilig verschränkt, dass immer irgendwo ein überraschendes Spektakel
vom Zaun gebrochen werden kann. Es wird so laut und wild getanzt, dass man als Betrachter Angst
haben muss, die Tänzer könnten sich Arme oder Beine brechen. In der Aktion erklingt die Musik des
Musicals „Anatevka“, die der Progrom-Stimmung die sarkastische Würze verleiht. Vom Milchmann ist
es dann nicht weit zu Paul Celans „Todesfuge“, in der sich die Milch in eine Metapher des Verderbens
verwandelt.

DOCK 11 PRESSESPIEGEL 2015
Die inhaltlichen Sprünge sind kühn in dieser Produktion, aber sie verfehlen nicht ihr Ziel. Sylvana Seddig
schnallt sich zum Finale die Milchtüten vor die Brust und es ist nicht zu entscheiden, wann sie die
Milch lebensspendend vergießt und wann sie ihr zum Folterinstrument wird. Dass dieses ebenso intelligente
wie obszöne Spektakel letztlich in einer fröhlichen Orgie der nackten, milchbesudelten Leiber
endet, ist nur konsequent, wenn man gesehen hat, wie die Körper schließlich zu einem Haufen übereinander
geschichtet sind. Auch diese Aktion endet in einem Bild, das makabre Assoziationen auslöst.
Wer getraut sich an solche Themen, und das mit solcher Wucht? Dazu gehört starke inhaltliche Arbeit
und künstlerischer Mut, den besitzt bodytalk wie kaum eine andere Gruppe in NRWs Tanzlandschaft.

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POST- Ausdruckstanz in Israel, Deutschland und im Butoh / Gaby Aldor,
Maya M. Carroll, Johanna Lemke, Yuko Kaseki, Brit Rodemund, Efrat
Stempler, Martin Stiefermann, Albrecht Ziepert, Roy Carroll
04.11. - 15.11.2015 im DOCK 11
zitty 33/2015, Seite 36

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AFTERCARE / Ruairí Donovan und Hana Lee Erdman
26.11. - 29.11.2015 im DOCK 11
http://tanzraumberlin.de/editor/magazin/upload/tanzraum-2015-11-12-screen.pdf
Tage der Fürsorge
Das Projekt AfterCare am Dock11
Das Anthropozän als allenthalben ausgerufenes Zeitalter steht im Fokus von vier Tagen mit Workshops,
Laboratorien und Performances am Dock11 und EDEN*****, kombiniert mit einem Nachdenken
über die Konzepte von Pflege und Fürsorge. Wie können wir füreinander und für die Umwelt
sorgen in einer Zeit, in der soziale und körperliche Erfahrungen zunehmend zur Ware werden? Wie
tra- gen Tanz und Performance zu dieser Entwicklung bei und welche Verantwortung haben KünstlerIn-
nen, der zunehmenden Produktorientierung auch in den Künsten gegenzusteuern? Das fragten
sich die Kuratorinnen von AfterCare, Ruairí Donovan und Hana Lee Erdman, nachdem ihnen aufgefallen
war, dass Praktiken der ‚Fürsorge‘ in zeitgenössischem Tanz und Performance allgegenwärtig sind:
künstle- rische Heilrituale, Medizinpflanzen wie Ayahuasca, magisch-esoterische Praktiken wie Tarot
oder Rei- ki. Nach künstlerischen Formaten, Positionen und Ästhetiken, „die die Verhandelbarkeit von
Formen der Aufmerksamkeit und Verbindung anregen sol- len“, suchen Donovan und Erdman Ende
Novem- ber gemeinsam mit internationalen und lokalen KünstlerInnen, darunter Tänzer-ChoreografInnen
des Hochschulübergreifenden Zentrums Tanz Berlin und diesjährige danceWEB-StipendiatInnen.
Auch Strategien gegen die Mini-Burn-Outs nach inten- siven Proben- und Aufführungsphasen, welche
die einzelnen TänzerInnen und PerformerInnen regel mäßig temporär ins Nichts schleudern, wollen
die Kuratorinnen mit den künstlerischen LaborantInnen erkunden; etliche von ihnen wirken vorab an
Keith Hennessys Produktion „Turbulence (a dance about the economy)“ am HAU mit und haben im
Anschluss bei AfterCare noch etwas Zeit miteinander. Nicht nur zu den Performances, auch zum die
Woche abschließenden Open Studio am 27. November im EDEN***** ist die interessierte Öffentlichkeit
ein- geladen, um Gedanken und Entwicklungen der Mit- wirkenden zu Vor-, Für- und Nachsorge
zu teilen.

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SHOOT JEEZ MY GOSH / Yuko Kaseki 03.12. - 06.12.2015 im DOCK 11
http://teatrdlawas.pl/artykuly/742-w-pustce
IN THE VOID by Monika Siara
An empty stage with a body which makes you feel pain only because you have to look at it. That
body falls under fire, under airstrike, that body keeps trying to stay alive.
The spectator is helpless, he cannot help and step in/enter the stage to stop his own pain; he must
wait till the end.
Shoot Jeez My Gosh is a Buto‘s dance performance that happens on a metaphorical level somewhere
between life and death. It‘s bewildering not only because of its technique, but also because of its
minimalism. The empty stage creates an illusion of a body spinning in the void.
Yuko Kaseki’s performance, which takes less than one hour, is based on a book by American author
Henry Darger. Its plot is about the pointlessness of a war, about innocence, pain, fear and violence.
With her body, the dancer shows emotions of a person who feels fear, of a child who does not expect
anything, who does not know when to run away, who does not even know what is happening.
The body is in opposition to sounds of real wars, found in the Internet by the dancer.
You can hear sounds of soldiers killing/torturing people, shots, aircrafts. The sound of death is confronted
with a body that seems to be barely alive, helpless, soft.
Dancer‘s moves are precise, carefully/well considered. The body, so beautiful and somehow even
erotic at the beginning, slowly turns into a human wreck which experiences violence and terror of a
war. The body becomes more and more naked, fades into oblivion.
At the end of the show we can see an actress who is so thin that we are not even sure whether she
is a women or a man. She gets rid of her dress, which was her feminine atribute.
This (human) wreck is touching and frightening at the same time. It enables us to experience feelings
we cannot experience while watching documentaries about war. The fragility of the body is what
could cause pain just by looking at it.
Shot Jeez my Gosh is one of the most interesting shows at Krakowskie Reminiscencje Teatralne (an
event‘s name) this year. It‘s both moving and stunning, and thanks to its minmalism, it becomes
universal. It is the kind of performance which affects you even stronger when you watch it in a dark
room. It gets stuck in your head and does not come out of it.
http://www.teatralia.com.pl/widok-cudzego-cierpienia-shoot-jeez-gosh/
SEEING SOMEONE ELSE’S SUFFERING (SHOOT JEEZ MY GOSH) by Katarzyna Oczkowska
A body mystifying and unmasking an image of reality which has been disturbed by a war‘s syndrome.
An an injured body, and – at the same time – a monument-body.
Common cliches and indifferent images are confronted with a living body, which is no longer separated
from us by a glass screen. The spectacle of power and degradation is happening just in front of
us.

DOCK 11 PRESSESPIEGEL 2015
In her dance performance Shoot Jeez My Gosh, the Japanese artist Yuko Kaseki puts us in a completely
new situation on the one hand, but on the other one, she confronts us with things we come across
everyday. We are confronted with a collection, with a display of gestures of power. The artist nourishes
them with perverse tenderness just to throw them in our faces. After hearing ideological gibberish/nonsense,
we have to face suffering, cruelty and death agony of a body trembling on a stage, a
body torn by pain. In the end, the body becomes a caricature of itself, it becomes a creepy wreck, a
trunk (a body with no legs and arms) which hits the floor.
That confrontation of propaganda of hatred and its consequences is something we know very well.
Though our ability to notice this is weakened by mass media. Kaseki makes us see, not only look.
Generally, the point is that she changes our schematic way of thinking and perceiving pictures shaped
by mass media. The picture which is cramped between sports news and weather forcast; or on the
internet: it is somewhere between a schnitzel recipe and porno film.
Authentic sounds of war – found by the dancer on the internet – intensify the power of the performance.
The performance was inspired by a novel written by an American author Henry Dager. It is its translation
to a body language. This translation of power and suffering, control and degradation is so material,
so close to us that we feel like watchers and victims at the same time
Whatever happens on the stage, we penetrate it with our voyeuristic sight (eyes), and we are so satisfied
with our safe, comfortable position. Nevertheless, all pathetic illusions of our (equally pathetic)
bourgeois mentality are shattered when the artist starts to aim a riffle (made of her arms) at us. And
the audience becomes slowly aware that we are all involved. All of us.
Kaseki puts the viewer in a dead-end situation. What is normally softened by a TV screen and commercial
breaks, involves us directly this time.
The strongest, the most frightening moment is when the artist runs around the stage with her arms
stretched forward. It reminds of a famous photo by Nick Ut showing a girl burnt by napalm during
the war in Vietnam. The problem of how mass media take advantage of wars‘ cruelty was emphasised
by a ceaseless sound of a camera which belonged to a photographer sitting right behind me documentating
the performance.

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II. Hungarian Contemporary Dance Festival in Berlin / Bakelit Multi Art
Center 07.12. - 12.12.2015 im DOCK 11
http://www.tanznetz.de/blog/27317/politkommentare-und-zwillingsrituale
POLITKOMMENTARE UND ZWILLINGSRITUALE
Ungarns zeitgenössische Tanzszene gastiert im Dock 11
Veranstaltet wird es vom Bakelit Multi Art Center Budapest, dem größten unabhängigen Produktionsort Ungarns.
Hatte im Vorjahr Pál Frenák mit einer Produktion Maßstäbe gesetzt, ging es beim diesjährigen Eröffnungsstück
entschieden knalliger zu.
Die Erstausgabe war erstaunlich. Kaum hätte man geglaubt, über wieviele kreative Talente für zeitgenössischen
Tanz das kleine Ungarn verfügt. Zwar arbeitet Pál Frenák schon seit längerem in Paris, steht aber
dennoch für seine magyarische Heimat und war 2014 die große Überraschung im Dock 11. Auch 2015 ist im
Weihnachtsmonat die Spielstätte an der Kastanienallee wieder Standort der Zweitausgabe des Festivals für
zeitgenössischen Tanz aus Ungarn. Veranstaltet wird es erneut vom Bakelit Multi Art Center Budapest, dem
größten unabhängigen Produktionsort des Landes. Hatte im Vorjahr Pál Frenák mit einer Produktion, die
Struktur und Form besaß, Maßstäbe gesetzt, ging es beim diesjährigen Eröffnungsstück entschieden knalliger
zu.
Adrienn Hód lässt ihre zwei Tänzerinnen, zwei Tänzer sich auf offener Szene umdrapieren: Was anfangs
noch wie Trainingsdress wirkt, wird durch Hochkrempeln, Zerreißen, Zusammenzurren und Entblößen
Vorspiel eines wilden Spektakels, das sinfonische Musik von Franz Liszt pompös-dramatisch untermalt.
Die Tänzer reagieren darauf schreiend mit tobendem Taumel, Schleudern und selbst beim Zusehen schmerzenden
Stürzen. Lawrence von Arabien trifft dabei auf Comicfiguren, die sich gegenseitig den Tanga vom
Leibe ziehen. Je lauter das Blech in der Musik schmettert, umso greller der röchelnde, gurgelnde Tumult als
Gegenwarts-Dada im Theater. Bis zur Erschöpfung knäulen sich die Leiber, küsst man Lippen, Anus, Genital.
Im zweiten Teil streifen sich alle Spitzenschuhe über, zelebrieren Soli mit klassischen oder folkloristischen
Elementen, überdreht, zerhackt, durch all die Nacktheit genitalisiert. Zu dumpfen Paukenschlägen im
Finale geht auch der Exzess der Tänzer in Sitzruhe über, als staunten sie nun selbst über ihren verstummten
Veitstanz.
Diesen befremdlichen, dabei hochvirtuosen Tanzanfall, der zwar Stuktur hat, nicht jedoch genügend Form,
nur abzulehnen, wäre sicher zu einfach. Was aber könnte dahinterstecken? In einem Land mit konservativer
Regierung und den von ihr proklamierten Idealen mag „Conditions of being a mortal“ lautstarker Protest
sein: gegen weihevolle Hinwendung zur Tradition, wofür Liszts Musik stehen mag - eine heilige Kuh, die
hier eine Stunde lang gründlich geschlachtet wird. Wohl auch gegen das, was Orbán und seine Gesinnungsfreunde
von einem Tanzabend zu klassischer Musik erwarten dürften. Träfe das zu, wäre der Gruppe Hodworks
mit ihrer Explosion von vier ausgeflippten Ballerinen auch ein politisch motivierter Aufschrei gelungen.
Dass zwei geplante Gastspiele kurzfristig abgesagt wurden, so auch eine Produktion von Ádám Fejes über
die politische Lage im Ungarn der normierten Meinungen und der „Überbevölkerung“, ist bedauerlich.

DOCK 11 PRESSESPIEGEL 2015
Dafür erhalten mit Virág Arany und Júlia Hadi zwei unter bodylotion co-dance firmierende Choreografinnen
der jungen Generation zweimal die Chance, ihr Duo „StepinTime“ zu zeigen. Um die Wahrnehmung in
einem Prozess konstanten Wandels geht es über mehrere Kurzgeschichten, die von der Fashionshow zum
Ball, von der Spartakiade zur Parade führen. In Richtung Performance tendiert Vadas-Vass mit dem Duett
„Eins für dich, eins für mich“. Tamara Zsófia Vadas und Imre Vass untersuchen darin Verhaltensmuster aus
der Kindheit und die Beziehungen zwischen Geschwistern. „Das große Heft“ des Tanztheaters Forte Company
sei berührend, hört man im Vorfeld. Mittelpunkt dieser preisgekrönten Romanadaption sind Zwillinge,
die während des Krieges bei einer gefühlskalten Großmutter aufwachsen, eigene Moralvorstellungen entwickeln,
durch starke Körper und stumpfe Herzen überleben. Ihre Eindrücke notieren sie in einem großen
Heft. Csaba Horváth ist Regisseur der seit 2005 bestehenden Gruppe. „Tao Te“ von Ferenc Fehér schließlich
bezieht sich auf die chinesische Schriftensammlung Tao Te Ching, die fordert, tugendsam zu leben. Mit seinem
Duettpartner Ákos Dózsa forscht Fehér nach, ob sich Kampfkunst, Breakdance, zeitgenössischer Tanz
eignen, die gewünschte Harmonie zu erreichen. Tanzfilme sowie ein Urban Dance Workshop ergänzen das
Festivalangebot.
Bis 12.12., Dock 11, Kastanienallee 79, Prenzlauer Berg, Telefon 351 203 12, www.dock11-berlin.de
Veröffentlicht am 09.12.2015, von Volkmar Draeger in Homepage, Kritiken 2015/2016