Programm Midas Collection Frühjahr 2019

programm 

FrühjaHR 2019 

Midas 

Collection

Das Postkartenset 

für Ihre Verkaufstheke 

4 Motive, je 25 Stück

Streifenplakat 

30 x 60 cm 

Das Aktionspaket zu Iris Apfel: 

Partie 12/10 Ex., Tischaufsteller, 

Plakat und Postkartenset 

Tischaufsteller 

30 x 60 cm

IRIS_APFEL_interior_mech_FINAL_v2.indd 20 

10/26/17 11:50 AM 


10/26/17 11:50 AM 


10/26/17 11:51 AM 


10/26/17 11:51 AM 

»Ihr Stil ist nicht nachzuahmen.« (Die WELT) 

»Sie ein Phänomen zu nennen wäre eine glatte Untertreibung.« (ELLE) 

»Stilikone Iris Apfel bekommt eine eigene Barbie!« (Vogue) 

IN 

IT 

I NEVER EXPECTED 

to draw a crowd... 

IS 

IS A 

BLACK-BELT 

BEGINNINGS 

I STARTED BUYING my own clothes when I 

was twelve. My mother—who always dressed 

beautifully and was extraordinary for her time 

in that she went to college and then law 

school but dropped out when she was pregnant 

with me—went back to work, opening a 

boutique during the Great Depression. 

In spring 1933, Easter was coming and I had 

no new finery suitable for walking down Fifth 

Avenue in the Easter Parade. My mother was 

too busy working to accompany me—she felt 

truly sorry about that. But she did give me the 

magnificent sum of twenty-five dollars to go 

out and assemble an outfit by myself. I spent 

my first five cents on the subway ride from 

Astoria to Manhattan’s S. Klein on the Square, 

probably the granddaddy of discount shopping 

and one of my mother’s regular shopping spots. 

I walked into the store and fell madly in love 

with a dress I saw on the first rack. I wanted to 

53 

Zitate von Iris Apfel: 

»Eine 18-Jährige hat einen tollen Körper, aber kein Geld. 

Eine 70-Jährige hat keinen tollen Körper mehr, aber Dollars.« 

»Nichts lässt eine Frau so sehr altern wie der verzweifelte Versuch, jung auszusehen.« 

»Ich kann den minimalistischen Look an mir nicht leiden. Ich mag viel Zeug, ich 

umgebe mich gern mit vielen Dingen, die ich gern anschaue.« 

»Ich wollte nie eine alte Schachtel sein; ich habe mich selbst zum ältesten Teenager 

der Welt erklärt, und das soll auch so bleiben.«

Alles über Mode, 

Stil und Lebenskunst! 

Die einzigartige 

Iris Apfel 

Iris Apfel 

Stil ist keine 

Frage des Alters 

Betrachtungen eines 

geriatrischen Starlets 

176 Seiten, Hardcover, 

edle Ausstattung, 16,5 x 26 cm, 

€ 25.00 (D) | € 25.70 (D) | sFr. 33.– 

ISBN: 978-3-03876-146-4 

WG 1585 | März 2019 

5 

Die heutige Mode ist auf junge Menschen zugeschnitten. 

»Einfach lächerlich«, befindet Iris Apfel, die als eine der 

originellsten internationalen Stil-Ikonen unserer Zeit gilt 

und – man höre und staune – 97 Jahre jung ist. In der 

Mode welt ist sie eine lebende Legende, die durch ihr 

extra vagantes Auftreten in der Öffentlichkeit zum Vorbild 

für Authentizität, Selbstbewusstsein und für Energie 

auch im höchsten Alter geworden ist. Sie nutzt Instagram 

als Plattform für ihre Alltagsmode und hat dort über eine 

Million Fans, sie designt Schmuck, Accessoires, Texti lien, 

Möbelstücke, ist als Model großer Mode marken gefragt 

und auch als Interior-Designerin erfolgreich. 

Allein schon die ebenso klugen wie humorvollen Essays 

zu Themen wie Mode, Design, Arbeit, Familie, Freundschaft, 

Alter, Geld und Liebe lohnen die Lektüre dieses 

außergewöhnlichen Buches. Dazu ist es auf jeder Seite 

hoch unterhaltsam, voller gedanklicher und visueller Anregungen 

und wundervoll gestaltet. Mit exklusiven Bildern 

und Anekdoten aus der Modewelt und den offenherzigen 

Lebensmaximen ist dieses Buch ein Gesamt-Kunstwerk. 

Iris Apfel wurde vor allem in den USA durch ihre Auftritte 

im Internet und im Fernsehen bekannt, porträtiert wurde 

sie in der für einen EMMY-nominierten Dokumentation 

»Iris« von Albert Maysles. Das Metropolitan Museum of 

Art in New York widmete ihr eine eigene Ausstellung – mit 

spektakulärem Erfolg. Höchste Zeit also, sich in Zeiten von 

Jugendwahn und falten freier Modeaufnahmen mit einer 

Frau zu beschäftigen, die nicht nur ein absolutes Original 

ist und wirklichen Stil verkörpert, sondern auch auf ein 

sensationelles Leben und einen umfangreichen Erfahrungsschatz 

zurückblicken kann – mit Witz, Lässigkeit 

und einer Eleganz, die man einfach lieben muss. 

»Iris Apfel macht deutlich, dass Kreativität und die Liebe 

zum eigenen Tun alterslos ist. Eine wunderbare Person 

mit großer Lebenserfahrung und geistiger Klarheit. Ein 

Vorbild für Jung und Alt.« (People Magazine) 

»Die Autobiografie von Iris Apfel zählt zu den besten Stil- 

Büchern, die ich je gelesen habe. So viel Weisheit, soviel 

Wissen.« (Jörg Oberwittler, style-statements.de) 

Eine wundervoll sprudelnde Quelle der Inspiration für alle, egal ob jung oder alt, die 

ihren eigenen Weg gehen und ihren individuellen Stil leben wollen.

MODE

Ricarda, Schöneberg (Akazienstraße) 

»Berlin ist wild, bunt, spannend, vertraut, ruppig, schön und 

abwechslungsreich. Ich liebe meine Heimat, genauso wie 

ich es liebe, mich lebensfroh zu kleiden, zu kombinieren, zu 

schneidern, mich inspirieren zu lassen und in Geschäften 

nach schöner Kleidung zu stöbern. Kleidung muss nicht immer 

auf Anhieb passen, sondern kann auch passend und aufregend 

gemacht werden.« 

presse-Schwerpunkt 

Mathilda, Kreuzberg (Graefekiez) 

»Berlin is a great place for shopping and getting inspired. I 

work as a photographer. My clothes has to be comfortable so 

I can move! I mostly wear clothes in a functional and classic 

design but with a funky stylish or playful twist!« 

Menschen ohne Firlefanz – Straßenmode pur! 

7 

Björn Akstinat ist der Fotograf der Berliner Straßenmode. Er fotografiert 

keine Marken und keine Models, sondern echte Berlinerinnen und 

Berliner in ihrer Alltagskleidung. Angefangen hat alles mit einer Idee 

in einem Straßencafé in Spanien. Akstinat sah dort schick gekleidete 

Damen an sich vorübergehen. Außer ihm bemerkte kaum einer, wieviel 

Mühe sie sich mit ihrem Äußeren gegeben hatten. Er beschloss daraufhin, 

interessant gekleideten Menschen mehr Aufmerksamkeit zu widmen 

und diese wandelnden Kurzzeit-Kunstwerke fotografisch festzuhalten – 

nicht in Spanien, sondern in seiner Heimatstadt Berlin. 

Zurück in der deutschen Hauptstadt startete er die Internetseite 

www.schickaa.com, auf der er seit einigen Jahren seine stilvollen 

Mode-Schnappschüsse veröffentlicht. Der Name »schickaa« ist einerseits 

eine Anspielung auf die deutschen Begriffe »schick« bzw. »schicker« 

und andererseits auf das spanische Wort »chica« (Mädchen). Das 

vorliegende Buch folgt diesem Konzept und man kann hier nicht nur 

Bilder modischer Berliner bewundern, sondern findet auch Kurzporträts 

der Fotografierten. Wie es sich für eine Stadt mit internationalem Flair 

gehört, natürlich auf Deutsch und Englisch. Damit kombiniert dieses 

Buch Inhalte, die sonst auf Einzelprojekte wie z. B. »The Sartorialist« oder 

»Humans of New York« verteilt sind. Björn Akstinats außergewöhnliche 

Bilder stoßen immer wieder auf großes internationales Medienecho. 

»Diese Fotos zeigen den wahren Stil Berlins.« (WELT) 

Björn Akstinat 

BERLIN STREET STyLE 

Mode und Menschen in Berlin 

240 Seiten, Hardcover, Fadenheftung, 100 Fotos 

15 x 22 cm, € 25.00 (D) | € 25.70 (A) | sFr. 33.– 

ISBN: 978-3-03876-129-7 | WG 1585 | Februar 2019 

Partie 

6/5 

12/10

2. aktualisierte und 

erweiterte Ausgabe 

2. Auflage 

Partie 

6/5 

Frank Berzbach 

Ästhetik des Alltags 

Betrachtungen zur Lebenskunst 

192 Seiten, edle Ausstattung, Prägecover 

Flexcover, € 20.– (D), € 20.70 (A), sFr. 25.– 

ISBN: 978-3-03876-128-0 | WG 1973 | Februar 19 

Mit Humor und Mitte durch den Alltag 

Dieses Buch verrät, wie man mit Nerven sägen umgeht, dem Blick von 

Schildkröten begegnet und sich Buddha mit dem Smartphone vorstellt. 

Frank Berzbach begleitet seine Leser offen, witzig, stilsicher und wohlwollend 

durch den Alltag und zeigt, wie man nicht den Kopf verliert, sondern 

seine Mitte behält. 

In seinen Kolumnen nimmt sich Frank Berzbach alle Themen wie Zutaten 

eines bunten großen Büffets und legt sie gleichberechtigt auf den Teller. 

Auf Augenhöhe und, wenn man so will, auch auf Herzhöhe zeigt er uns, 

wie man nicht den Kopf verliert, sondern seine Mitte behält. Inmitten von 

Neonationalismus, Intoleranz und Polarisierung beileibe keine leichte Aufgabe. 

Während viele in der Öffentlichkeit streiten und sich verbal fetzen, 

wagt Frank Berzbach dagegen die Mitte und das Maß. Religion und Spiritualität 

sind in seinen respektvollen, neugierigen Gedankenspaziergängen 

aber keine Bedingung, sondern Angebot und geistige Stütze. 

»Die besondere Kostbarkeit dieses Buches besteht darin, dass Sie die 

Texte mehrmals lesen können und dabei ein Phä no men erleben. Bei einer 

zweiten oder dritten Lektüre lösen die Texte tiefere gute Gefühle aus, weil 

sich darin Ihre eigene Sensibilisierung und Entwicklung zu spiegeln 

beginnen. Deshalb ist dieses Buch auch ein intelligentes Geschenk für 

Menschen, die Sie noch für eine sehr lange Zeit gernhaben wollen.« 

(Anton Ladner, Chefredaktor Doppelpunkt) 

Dr. Frank Berzbach, geboren 1971, unterrichtet 

Psychologie an der ecosign Akademie für 

Gestaltung und Kulturpädagogik in Köln. Er hat 

als Wissenschaftler, Journalist, Fahrradkurier, 

Technischer Zeichner, in der Psychiatrie und als 

Buchhändler gearbeitet. Seit vielen Jahren ist er 

Zen-Praktizierender, bleibt aber katholisch. Er 

arbeitet zu Fragen achtsamkeitsbasierter Psychologie, 

Arbeitspsychologie, Kreativität, Spiritualität, 

Mode, Popmusik und Popkultur. 

Lesungen des Autors: 

www.frankberzbach.com/lesungen

Die trendigen Stiltipps aus 

der Neuen Zürcher Zeitung 

Henriette Kuhrt 

Hat das Stil? 

Ein Ratgeber für das Leben von heute 

Partie 

6/5 

ca. 192 Seiten, edle Ausstattung 

€ 17.90 (D), € 18.50 (A), sFr. 25.– 

ISBN: 978-3-03876-147-1 | WG 1973 | April 2019 

Pointiert, unterhaltsam und lebensnah 

9 

Sind Bleistiftröcke Selbstsabotage? Wie kann ich den Alltag in High- 

Heels bewältigen? Ist der Verzehr großer Fleisch mengen maskulin? 

Wie umarmen sich befreundete Männer korrekt? Und muss ich 

Hunde grüßen? 

In ihrer NZZ-Kolumne »Hat das Stil?« entschärft Henriette Kuhrt jeden 

Sonntag die Konflikte des menschlichen Miteinanders. Präzise, wortgewandt 

und voller Witz findet sie Wahrheit im Alltäglichen und die Abgründe 

hinter der Normalität. Dafür wird sie von ihren Leserinnen und 

Lesern so geliebt, dass die Kolumne Kultstatus hat und zu den populärsten 

und meistgelesenen Rubriken der Zeitung gehört. 

Ihre Themen reichen von Mode bis zur Etikette, vom Kindergarten über 

den Straßenverkehr bis hin zu den Fallstricken der digitalen Kommunikation 

und dem weiten Feld des Schenkens. Egal ob es um die hohe Kunst 

des Normcore-Look geht, das Minenfeld der sozialen Netzwerke oder die 

Frage, ob man sich von seinen Freunden Geld wünschen darf – Henriette 

Kuhrt aktualisiert die Regeln des menschlichen Miteinander und bewahrt 

ihre Leserinnen und Leser vor den schlimmsten Fettnäpfen: Denn was 

gestern noch gutes Benehmen war, kann heute ein Affront sein. 

Henriette Kuhrt verbrachte ihre Kindheit in 

Blankenese, besuchte das humanistische Gymnasium 

in Hamburg und ging schließlich auf ein englisches 

Mädchen internat in Kent – schon früh lernte 

sie, was sich gehört. Allerdings dauerte es lange, 

bis sie das Wissen praktisch anwendete: Erst studierte 

sie Journalistik, Politik, Sozio logie und Wirtschaftsgeschichte 

und absolvierte ein Volontariat 

an der Deutschen Journalistenschule.Sie begann 

ihre journalistische Laufbahn als Redakteurin bei 

der »Bunten«, wechselte jedoch das Genre und 

schrieb für die »Süddeutsche Zeitung«, »Die Zeit« 

und den Gesellschaftsbund der »NZZ am Sonntag«. 

Sie berichtet über gesellschaftliche Phänomene, 

Prominente und Königshäuser und hält Vorträge 

über Mode und Lebensart. Seit 2013 sorgt sie als 

Stil- und Etiketteexpertin der NZZ am Sonntag für 

gute Manieren und noch bessere Laune.

Vom Amateur zum »Instagram-Hero« 

Sie haben ein Konto bei Instagram, posten fleißig Bilder, aber irgendwie 

passiert nichts? Keiner nimmt Notiz von Ihnen und es kommen keine 

neuen Abonnenten hinzu? Dann kann Ihnen dieser kleine, aber sehr 

wertvolle Ratgeber helfen, Ihren Feed nach vorne bringen. 

In diesem international erfolgreichen Kultbuch verraten 50 der weltweit 

erfolgreichsten Insta gram mer, wie man auf Instagram berühmt wird. 

Das vorgestellte Insiderwissen deckt die ganze Palette ab: von der 

Perfektionierung der fotografischen Fähigkeiten und der Entwicklung 

eines persönlichen Stils bis zum Umgang mit der Community und dem 

Anlocken von Marken. Wenn Sie diese wertvollen Tipps einsetzen, 

gehören vielleicht auch Sie schon bald zu den Instagram-Legenden. 

inspiration 

instaG raM 

inspiration 

instaG raM 

inspiration 

instaG raM 

Trendtitel 

Henry Carroll & Jess Angell 

Inspiration Instagram 

Das Insiderbuch für Kreative 

Partie 

6/5 

litaVirtual 

rtínez tudela 

ten: > 720k 

rende feeds: 

re_normal 

egirl 

illedworker 

128 Seiten, 2. aktualisierte Auflage, Format 17 x 17 cm, 

Edle Broschur mit Fadenheftung und Goldprägung, 

€ 17.90 (D), € 18.50 (A), sFr. 25.– 

ISBN: 978-3-03876-108-2 | WG 1415 | lieferbar 

111 

Sehen Sie das licht 

arbeiten Sie zusammen! 

Wenn wir das Licht ändern, eröffnen wir uns ganz andere 

Ein erfolgreiches Instagram-Konto anzulegen und zu 

Perspektiven auf vertraute Szenen. Ich habe oft das Gefühl, 

verwalten, kann harte Arbeit sein. Sie müssen das aber nicht 

in meiner Stadt schon alles fotografiert zu haben, und dennoch 

kann wechselnde Beleuchtung dem selben Ort ein völlig 

anderes Aussehen geben. Besuchen Sie eine Location deshalb 

nicht nur einmal. Gehen sie zu unterschiedlichen Zeiten 

und an unterschiedlichen Tagen während unterschiedlicher 

Jahreszeiten noch einmal dorthin zurück. Dann entstehen 

Aufnahmen, die die Menschen lieben. 

@thomaS_k 

thomas kakareko 

abonnenten: > 655k 

inspirierende feeds: 

@cirkeline 

@sionfullana 

@koci 

allein machen. Versuchen Sie, ein Konto zusammen mit 

gleichgesinnten Freunden zu starten. Das macht viel mehr 

Spaß! Wir drei haben den gleichen Enthusiasmus für unser 

Konto, aber manchmal braucht einer von uns auch eine 

Auszeit. In diesem Fall übernehmen die anderen beiden die 

»Arbeit«. Legen Sie eine WhatsApp-Gruppe an, damit Sie in 

Kontakt bleiben können. Uns ist es egal, wer als Nächstes etwas 

veröffentlicht. Wir schauen einfach, wann das letzte Posting 

@ihaVethiSthinG 

withfloorS 

edith, josha and Pien 



@ad_magazine 

@jean_jullien 

@mariestellamaris_official 

thomas’ Story 

Als ich Instagram im Jahre 2010 herunterlud, suchte ich nach 

erschienen ist, damit wir wissen, ob es Zeit für das nächste ist. 

Das läuft ganz natürlich. 

einer App, um ein paar witzige Schnappschüsse mit einem 

Freund zu teilen. Ich hätte mir niemals vorstellen können, wie 

sehr sich mein Leben aufgrund dieses Downloads ändern würde. 

Schnell entdeckte ich eine tiefe Leidenschaft für die Fotografie, 

die mittlerweile zu meinem Job geworden ist. Instagram hat 

außerdem völlig die Art und Weise geändert, wie ich reise. 

Egal, wo ich bin, es gibt immer jemanden, mit dem ich einen 

Kaffee trinken gehen kann oder der mir die Gegend zeigt. Das 

ist für mich der wertvollste Aspekt von allen. 

edith, josha und Piens Story 

Unser Konto startete im Juni 2014 in einer Bar in Amsterdam. 

Es gab dort einen schönen Fußboden und wir entdeckten, dass 

wir alle ein Faible für Fußböden hatten. Wir redeten darüber, 

unsere eigenen Fußbodenbilder auf unserem Konto zu teilen, 

beschlossen dann aber, daraus eine soziale Plattform für Leute 

auf der ganzen Welt zu machen. Die Zahl unserer Abonnenten 

wuchs unglaublich schnell und in letzter Zeit wurden wir von 

bekannten Bloggern, Zeitschriften und Prominenten wie Reese 

Witherspoon erwähnt. Es gab viele Höhepunkte, aber der größte 

war, als wir 15 Monate nach unserem Start 500.000 Abonnenten 

verzeichnen konnten. 

10 

68 

69 

trainieren Sie ihr auge 

techniScher eXkurS 

techniScher eXkurS 

@SerjioS 

Serge najjar 



@janske 

@joseluisbarcia 

@kristinenor 

Mein bester Rat lautet: Trainieren Sie Ihr Auge. Betrachten 

Sie mit einem frischen Blick zunächst einmal Ihre Gegend. 

Versuchen Sie, versteckte Details aufzuspüren und zu erkennen, 

das sich ändernde Licht einzufangen und auf Augenblicke 

zu achten, in denen Menschen in einem Raum an Bedeutung 

gewinnen. Ich verwende normalerweise kaum Hashtags. 

Konzentrieren Sie sich auf die Fotografie und vermeiden Sie 

alles, was lauter spricht als das Bild selbst (wie etwa zu viele 

Hashtags). Meine Bilder haben alle einen Titel, aber mehr füge 

ich auch nicht hinzu. 

Die komposition muss stimmen 

Wie @the.hat schon erwähnte, ist eine ordentliche Komposition wichtig. 

Stellen Sie es sich so vor. Hier sind zwei Sätze: »Die Komposition ist 

wichtig, weil sie den Betrachter durch das Bild führt.« Und: »Durch führt 

wichtig die Komposition ist weil den Betrachter das sie Bild.« Beide Sätze 

bestehen aus denselben Wörtern, aber der eine ist eindeutig und der 

andere ist völlig durcheinander. Wenn Sie ein Bild aufnehmen, ist es 

genauso. Wie ordnen Sie das an, was Sie sehen, damit ein kohärentes 

Bild entsteht? Hier sind einige grundlegende kompositorische 

Geheimnisse, die verhindern, dass Ihre Bilder im Hashtag-Meer 

der Möchtegern-Thumbnails versinken. 

halten Sie es sauber 

Der Bereich um Ihr Motiv herum 

sollte frei sein, damit es sich abhebt. 

Seien Sie nicht faul – bewegen Sie 

notfalls das Motiv oder sich selbst. 

@Daniel_ernSt 

einrahmen 

Lenken Sie das Augenmerk auf ein 

Motiv, indem Sie es im Vordergrund 

mit Details umgeben, etwa einem 

Durchgang oder Laub. 

@lilyroSe 

horizontales und Vertikales 

Horizontlinien oder senkrechte 

Linien müssen absolut gerade 

sein. Nutzen Sie Hilfslinien beim 

Freistellen des Bildes. 

@macenzo 

Serges Story 

Ich wurde in Beirut im Libanon geboren. Ich bin Anwalt und 

Doktor der Rechtswissenschaften. 2011 begann ich damit, 

meine Fotos bei Instagram zu veröffentlichen, und wurde schon 

bald von einigen Galerien kontaktiert (seit 2012 präsentiere 

ich meine Arbeiten durch die Galerie Tanit). Ich war Gewinner 

von Photomed Liban 2014 und meine Werke werden auf 

internationalen Messen wie der Paris Photo ausgestellt. Von 

linien 

Suchen Sie nach Linien, die den 

Betrachter in das Bild leiten. Das 

können Straßen, architektonische 

Strukturen oder Reihen gut 

platzierter Objekte sein. 

Der Vordergrund ist wichtig Drittelregel 

Um den Betrachter in das Bild 

Statt Motive in die Mitte zu setzen, 

zu führen, könnten Sie auch 

schaffen Sie ein Gleichgewicht, 

dafür sorgen, dass sich etwas im indem Sie diese ein Drittel in das 

unmittelbaren Vordergrund befindet. Bild hineinsetzen. Die Raster-Ansicht 

in »Ausrichtung« hilft dabei. 

Symmetrie 

Mit Symmetrie schaffen Sie 

grafisch ausdrucksvolle Bilder – 

damit gewinnen Sie immer! 

negativer raum 

Negativer Raum ist der »leere« 

Bereich, der Ihr Motiv umgibt. Er 

hilft, die Kanten Ihres Motivs zu 

definieren, und erzeugt selbst oft 

faszinierende abstrakte Formen. 

ungewöhnliche winkel 

Variieren Sie die Blickwinkel Ihrer 

Aufnahmen. Gehen Sie zu Boden 

oder in die Lüfte – zeigen Sie uns 

eine neue Sicht auf die Welt! 

Anfang an habe ich versucht, durch mein Instagram-Konto zu 

demonstrieren, wie schmal der Grat zwischen dem Normalen 

@BerlinStaGram 

@oVunno 

@Panyrek 

@SymmetryBreakfaSt 

@SerjioS 

@eDwarDkB 

und dem Außergewöhnlichen ist. Ich glaube, wenn wir die Dinge 

um uns herum mit einem schöpferischen Auge betrachten, 

schaffen wir es, aus dem Normalen Kunst zu machen. 

17 

36 

37

Heiß auf Fotos mit »WOW«-Effekt? 

Wenn Sie es leid sind, ihre Fotos mit Filtern aus einer App aufregender 

zu machen, naht hier Hilfe. Dieses Buch wendet sich an ein Publikum 

mit Affinität für soziale Medien, und inspiriert Sie, mehr mit Ihren 

Fotos anzustellen. Hier finden Sie 70 clevere Ideen für alle – einfach 

bis aufwendig, simpel bis anspruchsvoll. Techniken für Spezialeffekte 

wie die Fotografie einer Wunderkerze beim Eintauchen in Wasser 

oder den Aufbau einer Minilandschaft werden ebenso vorgestellt wie 

innovative Möglichkeiten, Ihre fertigen Fotos zu bearbeiten, sie in 

Mosaike zu verwandeln oder Bilder in der Dunkelkammer mit Wasser zu 

verzerren. Die Ideen und Techniken werden anhand großartiger Beispiele 

www.laurenceking.com £12.99 

verständlich dargelegt und machen das Buch zur idealen Lektüre für alle, 

die mehr mit ihren Fotos anstellen wollen. 

Kreative Ideen mit Fotografie 

#NOFILTER 

Kreative Ideen mit Fotografie 

Natalia Price-Cabrera 

Frances Berry, Lines We Live By 

Blattgold Scanography und »Abziehbilder« 

Dekorationen Use scanners mit and traditioneller apps to create Technik 

cameraless photography 

Mit »Abziehbildern« lassen sich gedruckte Bilder 

Finding herself increasingly disillusioned with the 

von einem Material auf ein anderes übertragen. In 

process of photography, Frances Berry took a radical 

seiner Serie Out of Eden hebt der Kunstfotograf 

step and sold all her cameras. She now uses a variety of 

Robert Pereira Hind diesen Prozess auf eine neue 

technologies to create her ‘cameraless’ photographs. 

Stufe, indem er seine »Abziehbilder« mit Blattgold 

Borrowing from the vast library of images she has 

kombiniert. 

built up, which form her source material, Frances 

creates digital collages by duplicating, pasting and 

1. Wählen Sie einen Untergrund aus Holz oder 

moving elements around. She will then print the collage 

Metall und schneiden Sie ihn auf die richtige 

out and either take a picture of it with her phone or 

Größe, bevor Sie ihn streichen und schleifen und 

scan it, before continuing to ‘push and pull’ the image 

alle Unebenheiten füllen. Legen Sie dann Blattgold 

between devices until she considers it finished. 

vorsichtig auf und beschichten Sie es mit Schellack. 

As she explains: ‘I might edit something in Photoshop, 

2. open Im it nächsten on my phone, Schritt run wird it das through Bild vom an imageprocessing 

app Foto such auf as Glitché, das Blattgold and then übertragen. put it back 

lasergedruckten 

Tragen into Photoshop, Sie Acrylharz or I in might dem print Bereich it out, auf, scan in dem it back sich in, 

das and Bild open befinden it up in soll. another Platzieren app.’ Keeping Sie Ihr Bild her dann original 

mit image der Bildseite moving between auf dem different Acrylharz. devices Streichen and Sie apps 

mit means einem her Lineal process alle is Blasen constantly heraus in und flux, lassen and prevents Sie es 

trocknen. her images from becoming repetitive or formulaic. 

3. Wenn das Harz getrocknet ist, rubbeln Sie das 

Papier mit Wasser und einem weichen Tuch ab. Das 

Do it your way 

Bild lässt sich jetzt mit Sprühkleber fixieren. Tragen Sie 

mehrere Play with Lackschichten your own photographs auf, um es until zu schützen. you are 

happy with the results by applying filters and 

tools from different apps, and printing and 

scanning or rephotographing the image to add 

the textures of the technologies you use, such 

as inkjet dot patterns or laser printer lines. 

Sie You brauchen: will need: 

Lasergedrucktes computer; image-editing Bild, 

software; Blattgold-Blätter smartphone (oder(and 

Blattmetall), apps); scanner; Acrylharz, printer 

Holzleim, organische 

Pigmente, Schellack, 

Ölglasur, Sprühkleber, 

Brett oder Holzstück 

79 79 

Trendtitel 

Natalia Price-Cabrera 

#NoFilter 

Schneiden, Kreative heften, Ideen kleben 

9 

mit Fotografie 

Machen Sie eine Fotocollage mit den 

Dingen Through aus dem Büroschrank the looking glass 

Use mirrors, glasses or binoculars to distort reality 

144 Seiten, vierfarbig, Format 17 x 17 cm 

Vielleicht mal ein Experiment mit farbigen Stiften und 

Deko-Klebeband, um ein vorhandenes Bild teilweise 

Throughout photography’s relatively short history, 

Sie brauchen: 

zu verfälschen? Genau das tut die italienische 

artists have searched for Edle ways to distort Broschur reality. One mit Fadenheftung Foto oder Postkarte, 

Künstlerin Naomi Vona. Mit fluoreszierenden Stiften, 

und Goldprägung 

option is to use a range of optical ‘tools’ to alter 

leuchtende Textmarker, 

Aufklebern, Washi Tape und Kleber teleportiert Naomi 

the image: hand mirrors are great for introducing 

Washi You Tape will oder need: anderes 

ihre Kollektion schwarzweißer Vintage-Fotos in eine 

Deko-Klebeband, Aufkleber, 

distortions, binoculars can shift perspective, and 

camera, binoculars, 

psychedelische Fantasiewelt, € 17.90 die den Betrachter (D), € 18.50 Acrylfarbe, 

assortment (A), Klebstoff 

of hand sFr. mirrors, 25.– 

sunglasses with coloured lenses can be used to change 

förmlich anspringt. Sie können Ihre eigenen Fotos 

sunglasses with coloured 

the colour of the world around you. Play around 

verwenden oder besorgen sich auf Flohmärkten oder 

lenses, imaging software 

with the angle of a mirror in front of your lens and 

in Antiquariaten alte Postkarten, 

photograph the reflection ISBN: die Sie 

on it or photograph 978-3-03876-142-6 dann einer 

your 

| WG 1415 | März 2019 

»Renovierung« unterziehen. 

scene through binoculars and/or a pair of sunglasses; 

Naomis Handschrift, eine typische Dekoration, 

experiment with different ways of interpreting the world. 

ist diese Augenmaske im Häkel-Look 

Brendan Pattengale is a photographer with a 

(wie gegenüber zu sehen). Die Künstlerin 

painter’s eye for colour and composition, who sees 

betrachtet sich selbst als Parasit in Foto- und 

the camera as a glorified paintbrush. As a frequent 

Videoarchiven – wenn auch als guten! »Ich 

traveller, he seeks out uniquely beautiful landscapes 

zeichne Portale auf alte Fotos, denn ich 

to suit his otherworldly aesthetic, cleverly achieved 

glaube, sie können mir irgendwie helfen, in 

using mirrors; red lakes in the middle of Bolivia and the 

Raum und Zeit zu reisen.« 

mountains in Iceland can equally appear as if someone 

daubed them with a giant paintbrush loaded with every 

colour imaginable. 

9 

Partie 

6/5 

11 

Brendan Pattengale, Your Love and Light 

• Kleine Partie 6/5 einzeln 

• Große Partie 12/10 (gemischt) 

• Postkarten und Sticker 

• lieferbar ab März 2019

art essentials 

Unser »ART ESSENTIALS«-Paket: 

• Partie 24/20 Ex. (je 6/5) 

• auf Wunsch: Display für 24 Ex. 

• Poster A3 oder Streifenplakat 

• lieferbar ab März 2019

Kunst-Plakat: 

64 x 100 cm 

Weitere Infos & Leseproben: 

www.artessentials.de 

Susan Woodford 

Kunst verstehen 

ART ESSENTIALS 

Lee Cheshire 

Wendepunkte 


Amy Dempsey 

Modern Art 


Amy Dempsey 

Surrealismus 


176 Seiten, Flexicover, € 14.90 

ISBN: 978-3-03876-130-3 

WG 1580 | 2. Auflage | Jan 19 


ISBN: 978-3-03876-131-0 

WG 1580 | lieferbar 


ISBN: 978-3-03876-132-7 

WG 1580 | lieferbar 


ISBN: 978-3-03876-133-4 

WG 1580 | März 2019

KUNST 

»Art Essentials ist eine grandiose 

Buchreihe. Sie bietet eine erstklassige 

Einführung in die grundlegenden Ideen der 

Kunst und stellt Künstler und ihre Werke vor, 

die unsere Sicht auf die Welt geprägt haben.« 

Will Gompertz, BBC Arts Editor 

Genial und vergnüglich – ein neuer Weg zur Kunst 

Kunst ist ein Zentrum menschlicher Erfahrungen, ein essenzieller 

Bestandteil der Kulturlandschaft engagierter Bürger im 21. Jahrhundert. 

Dennoch scheint sie für viele schier unerreichbar. Das muss nicht sein: 

Mit den ART ESSENTIALS stellen wir eine ebenso fundierte wie preiswerte 

Reihe vor, die Kunst für jeden erlebbar macht. 

Im ersten Titel der Reihe untersucht die renommierte Kunsthistorikerin 

Susan Woodford die Herkunft, das Design und die Themen hunderter 

Bilder aus verschiedenen Epochen und Teilen der Welt und erklärt, 

warum wir Bilder bewundern. Sie vergleicht künstlerische Ansätze, 

hinterfragt Hypothesen und stellt eine Vielzahl anregender Ideen vor. 

Ob bei der Betrachtung japanischer Holzschnitte, von Leonardos 

»Abendmahl« oder Picassos »Guernica«, »Kunst verstehen« entwickelt 

die Sicht auf die Kunst und den Mut zur Analyse. 

»Susan Woodford ist die ideale Begleiterin für jeden, der sich mit 

Kunstgeschichte befassen möchte. Sie schreibt mit viel Gefühl, 

Witz und fundiertem Wissen – weise und dennoch gut verständlich. 

Dieses Buch demonstriert, wie Lernen und Vergnügen eine Einheit 

bilden.« (Julian Bell) 

Susan Woodford 

Kunst verstehen 


2. Auflage 

176 Seiten, Flexicover, vierfarbig, Fadenheftung 

13,8 x 21,6 cm, € 14.90 (D) | € 15.40 (D) | sFr. 22.– 

ISBN: 978-3-03876-130-3 | WG 1580 | Januar 2019

s u r r e a l i s m u s 

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w e r wa r e n 

WER WAREN DIE SURREALISTEN? 

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Surrealismus gehört nicht einer Nation, 

sondern der Menschheit selbst. 

- 

Surrealistische Gruppe in England 

1936 

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d i e s u r r e a l is t e n? 

- 

Der Surrealismus übte einen starken Reiz auf Künstler aus. Viele der Vorherige Seite: Max 

ersten Surrealisten kamen vom Dada, wie Max Ernst, Man Ray und Ernst 

Das Rendezvous der 

Jean (Hans) Arp. Neue Mitglieder waren Antonin Artaud, André Freunde, 1922 

Masson, Yves Tanguy und Pierre Roy sowie Joan Miró. Später, in Öl auf Leinwand, 

den 1920ern und 30ern, traten der Bewegung weitere Künstler 130 x 193 cm 

Museum Ludwig, Köln 

bei, darunter Tristan Tzara und Victor Brauner, Wolfgang Paalen, 

Salvador Dalí, Luis Buñuel und Oscar Domínguez, Alberto Giacometti, 

Roberto Matta, Wilfredo Lam und Hans Bellmer und Richard mer 13, mit dem roten 

André Breton (Num- 

Umhang) – der »Surrealismus-Papst« 

– segnet 

Oelze. Andere bewegten sich am Rand des Surrealismus, wie René 

Magritte. Manche wurden für Surrealisten gehalten, ob es ihnen die Dichter und Künstler 

passte oder nicht, wie Georgio de Chirico, Pablo Picasso, Marc 

der entstehenden Bewegung, 

die sich vor einer 

Chagall, Paul Klee und Marcel Duchamp und Francis Picabia. 

seltsamen Berglandschaft 

versammelt haben. 

- 

Vordere Reihe von links 

nach rechts: René Crevel, 

Picasso witzelte, wenn ein Armreif mit Fell bedeckt werden Max Ernst (Nummer 4, 

könnte, dann vielleicht auch alles andere. 

auf Dostojewskis Knie 

- 

sitzend), Théodore 

Fraenkel, Jean Paulhan, 

Benjamin Péret, Johannes 

Theodor Baargeld, 

Trotz der Misogynie, die in der Philosophie und den Werken des 

Surrealismus mitschwingt, gab es auch Künstlerinnen, namentlich Robert Desnos. Hintere 

Reihe: Philippe Soupault, 

die Argentinierin Leonor Fini, die Britinnen Leonora Carrington Hans Arp, Max Morise, 

und Eileen Agar, die Französinnen Valentine Hugo, Jacqueline 

Raffaele Sanzio, Paul 

Lamba Breton, Dora Maar und Claude Cahun, die Amerikanerinnen Eluard, Louis Aragon 

(mit Lorbeerkranz um die 

Dorothea Tanning, Kay Sage und Lee Miller, die Spanierin Remedios Hüften), André Breton, 

Varo, die Tschechin Toyen und die Schweizerin Meret Oppenheim. Giorgio de Chirico und 

Oppenheim kam 1932 zum Surrealismus. 1936, mit 22, erwähnte Gala Éluard. 

sie die Idee eines fellbedeckten Armreifs gegenüber der in Paris 

tätigen italienischen Modeschöpferin Elsa Schiaparelli. Diese griff 

die Idee für ihre Winterkollektion auf. Oppenheim trug den Armreif 

eines Tages zum Mittagessen im Café de Flore mit Pablo Picasso 

und Dora Maar. Picasso witzelte, wenn ein Armreif mit Fell bedeckt 

werden könnte, dann vielleicht auch alles andere. Oppenheim 

darauf: »Selbst diese Tasse und Untertasse. Kellner, mehr Fell bitte!« 

Sie kaufte prompt eine Tasse, eine Untertasse und einen Löffel, 

umhüllte sie mit braunem Fell und nannte das Ganze Object. 

Dieses Geplänkel war der Auslöser für eines der berühmtesten 

surrealistischen Kunstwerke. Das Stück war eine Sensation auf 

der »Exposition surréaliste d’objets« in der Galerie Charles Ratton 

in Paris im Mai 1936. Anschließend schockte und erfreute es das 

Publikum in London auf der »International Surrealist Exhibition« und 

in New York auf der gefeierten Ausstellung »Fantastic Art, Dada, 

Surrealism« des MoMA. Die Unwahrscheinlichkeit eines pelzigen 

Teeservice und das schreckliche Gefühl im Mund, wenn man sich 

Meret Oppenheim 

Object (Das Frühstück im 

Pelz), 1936 

Tasse 10,9 cm im 

Durchmesser, Untertasse 

23,7 cm im Durchmesser, 

Löffel 20,2 cm lang, 

Gesamthöhe 7,3 cm 

Museum of Modern Art 

(MoMA), New York 

Oppenheims mit 

Fell bedeckte Tasse, 

Untertasse und Löffel 

gehören mittlerweile zu 

den bekanntesten surrealistischen 

Objekten. Es 

war das erste Kunstwerk 

einer Künstlerin, das 

1946 vom Museum of 

Modern Art in New York 

für seine Dauerausstellung 

erworben wurde. 

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Eine frische Sicht auf die Welt des Surrealismus 

15 

Der Surrealismus wurde 1924 von dem franzö si schen Dichter 

André Breton mit seinem »Manifest des Surrealismus« als literarische 

und künstlerische Bewegung ins Leben gerufen. Surrealistische Künstler 

vertieften sich in das Unterbewusstsein und schwelgten in bizarren 

Gegenüberstellungen von Objekten ohne offensichtlichen Zusammenhang. 

Sie verwendeten alle verfügbaren Medien, von Meret Oppenheims 

erstaunlicher Pelz-Tasse bis hin zu Edward James’ Fantasiegarten, 

Los Pozas, den er tief verborgen im mexikanischen Regenwald anlegte. 

Bis zu Bretons Tod im Jahre 1966 hatte der Surrealismus weltweit 

Verbreitung gefunden und gilt bis heute als eine der populärsten 

Kunstbewegungen des 20. Jahrhunderts. 

In diesem lebhaften Buch stellt Amy Dempsey die wichtigsten Akteure 

des Surrealismus vor und untersucht das Erbe der Bewegung. 

Im Anhang finden Sie ein umfangreiches Glossar und eine Timeline 

mit den wichtigsten Ereignissen rund um den Surrealismus. 

Novität 

»Eine bemerkenswerte Balance bekannter Gemälde und 

ungewöhnlicher Werke aus der ganzen Welt. Dieses kompetente 

Buch liefert eine wunderbare, frische Sicht auf die Kunst und öffnet 

neue Wege für die Forschung.« (Dawn Ades) 

Amy Dempsey 

Surrealismus 



13,8 x 21,6 cm, € 14.90 (D) | € 15.40 (D) | sFr. 22.– 

ISBN: 978-3-03876-133-4 | WG 1580 | März 2019

w e n d e p u n k t e 

i n der kunst 

w e n d e p u n k t e 

i n der kunst 

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d i e frühe 

mo d e r n e 

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19. j a h r h u n d e r t 

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KUNST 

DAS PATENT FÜR DIE FARBTUBE 

WIRD GEWÄHRT 

11. SEPTEMBER 1841, USA 

John Goffe Rand war Erfinder und Porträtmaler. Geboren in den 

USA, übersiedelte er in den 1830er Jahren nach England, wo er 

Adlige und Mitglieder des Königshauses porträtierte. 

Rands Platz in der Geschichte der Kunst ist jedoch nicht auf seine 

Gemälde, sondern auf seine Erfindungen zurückzuführen. Bis zu jener 

Zeit war es schwierig, Farben herzustellen, zu transportieren und zu 

verwenden. Die meisten Farben wurden als Pigmentpulver verkauft, 

und die Künstler mussten sie umständlich in verwendbare Pasten verwandeln. 

Das verbrauchte Zeit und Platz und beschränkte die meisten 

Maler auf ihr Atelier, wo sie meist mit Assistenten arbeiteten. 

Wenn ein Maler draußen arbeiten wollte – direkt in einer Landschaft 

zum Beispiel –, konnte die Farbe in schweren und zerbrech- 

John Goffe Rand 

US Patent 2.252: 

John Singer Sargent 

Claude Monet, am 

KÜNSTLER 

lichen Gläsern transportiert werden oder man benutzte Blasen aus 

Metal Rolls for Paint 

Waldrand malend, 1885 

Claude Monet (1840–1926), Frankreich 

Tierhaut, die jedoch einrissen und austrockneten. Rands Erfindung, 

die 1841 patentiert wurde, schlug vor, Farbe in dünnen Weichmetall- 

11. September 1841 

Hier sehen Sie Rands 

Öl auf Leinwand, 

53 x 65 cm 

Tate Britain, London 

Camille Pissarro (1830–1903), Frankreich 

Auguste Renoir (1841–1919), Frankreich 

röhren aus Blei oder Zinn zu transportieren. Durch Drücken oder 

Original-Patent für die 

Einrollen würde die Farbe herausgedrückt, die Röhren ließen sich zum 

Transport wiederverschließen. 

Farbtube. Abgesehen von 

kleinen Verbesserungen 

wird dieses System 

Sargent ahmt Monets 

charakteristischen Stil 

nach und zeigt, wie der 

KUNSTWERK 

Claude Monet, Impression, Sonnenaufgang, ca. 1872, Musée 

Der Zeitpunkt war für Rands Erfindung perfekt. Die Maler wollten 

noch heute für Farben, 

Künstler unter freiem 

Marmottan Monet, Paris, Frankreich 

endlich ihren Studios entfliehen und die Natur malen. Eine Welle von 

Erfindungen innerhalb der nächsten Jahrzehnte erleichterte dies sehr, 

Zahncreme und ähnliche 

Substanzen verwendet. 

Himmel mit einer Staffelei 

malte. 

EREIGNIS 

dazu gehörten transportable Staffeleien und weiß grundierte Lein- 

19. Februar 1990 – Das Computerprogramm Adobe Photoshop 

wände. Die Tube erweiterte außerdem den Farbbereich, den Maler 

kommt auf den Markt. Mit diesem Bildbearbeitungsprogramm 

nutzen konnten, denn die Farben mussten nicht mehr einzeln ge- 

und ähnlicher Software können Künstler Fotos wie Maler 

mischt werden, außerdem bekamen sie Zugang zu neuen leuchtenden 

bearbeiten. Zu den Künstlern, die ihre Bilder damit digital 

Farben, die Chemiker erfunden hatten – zum Beispiel Chromgelb. 

veränderten, gehören der deutsche Fotograf Andreas Gursky 

Die französischen Impressionisten nutzten die neue Technik 

und der britische Maler David Hockney. 

sehr enthusiastisch, denn sie unterstützte ihren Malstil. Auguste 

Renoir sagte: »Ohne Tubenfarben würde es keinen Cézanne, keinen 

Monet, keinen Pissarro und keinen Impressionismus geben.« 

80 

81 

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- 

DER LOUVRE ÖFFNET ALS MUSEUM 

10. AUGUST 1793, PARIS, FRANKREICH 

Hubert Robert 

Plan für die Ausgestaltung 

der Großen Galerie des 

Louvre, 1796 


115 x 145 cm 

Musée du Louvre, Paris 

Robert gehörte zu dem 

Komitee, das für die 

Eröffnung des Louvre 

verantwortlich war. Er 

malte viele Szenen, in 

denen er sich den künftigen 

Glanz des Museums 

vorstellte, aber auch 

mehrere, die den Louvre 

in Ruinen zeigten. 

- 

Der Louvre, einst als Festung erbaut und schrittweise in einen 

weitläufigen Palast verwandelt, verlor seine Aufgabe, als Ludwig XIV. 

am Ende des 17. Jahrhunderts mit seinem Hof nach Versailles zog. 

Im folgenden Jahrhundert belegten verschiedene Gesellschaften 

das Gebäude, darunter die Académie Royale de Peinture et de 

Sculpture, und einige bevorzugte Künstler durften sogar im Louvre 

leben. Es gab Ausstellungen der königlichen Kunstsammlung und 

es wurden Vorschläge unterbreitet, den Louvre in ein dauerhaftes 

Museum umzuwandeln – ähnlich wie das British Museum, das 1759 

in London eröffnet worden war. 

Die Gelegenheit bot sich, als die französische Revolution 

die Monarchie stürzte. Am 10. August 1792 wurde Ludwig XVI. 

verhaftet, und die königliche Sammlung im Louvre – die bereits 

Meisterwerke wie Leonardo da Vincis Mona Lisa enthielt – wurde 

zum Eigentum des Volkes. Ein Jahr später öffnete das Museum 

seine Türen für die Allgemeinheit und eine Bastion des Königtums 

verwandelte sich in eine demokratische Ressource für jedermann. 

Anders als viele andere frühe Museen, bei denen Besucher den 

Zutritt beantragen mussten, stand der Louvre allen offen. Er wurde 

ein beliebter Ort kostenloser Unterhaltung. In einer Szene in Émile 

Außenansicht des Musée 

du Louvre, Paris 

Fotografie, 1890 

64 

65 

50 entscheidende Momente der Veränderung 

Die nette Abfolge künstlerischer Ereignisse, wie wir sie heute in Büchern 

vorfinden, war nie vorherbestimmt, sondern eine Abfolge von Ereignissen, 

die zum Teil sorgfältig geplant, zum weitaus größeren Teil aber rein 

zufällig waren: Glücksfälle oder einfach Unfälle. Dieses Buch stellt 

50 Tage der Kunstgeschichte vor, Tage, an denen etwas geschah, das die 

westliche Kunst nachhaltig beeinflusste: Wichtige Kunstwerke wie Michelangelos 

David oder Marcel Duchamps Fountain wurden vorgestellt; 

aus zufälligen Künstlerbegegnungen ergaben sich neue Stile wie der Impressionismus 

oder der Kubismus; legendäre Performances fanden statt, 

revolutionäre Ausstellungen wurden eröffnet. Wir betrachten Kämpfe, 

Gerichtsprozesse, Auktionen und Diebstähle – von der Zeit, als die Mona 

Lisa gestohlen wurde, bis zu dem Tag, an dem Vincent van Goghs Porträt 

von Dr. Gachet zum teuersten jemals verkauften Gemälde wurde. 

Alle diese Ereignisse haben eines gemeinsam: Sie veränderten unsere 

Wahrnehmung der Kunst. Natürlich ist kein Ereignis völlig isoliert und 

das Buch könnte genauso gut 500 oder gar 50.000 Tage betrachten. 

Aber die Wendepunkte in diesem Buch sind die denkwürdigsten und 

einflussreichsten in der Kunstgeschichte der westlichen Welt, und jeder 

ist repräsentativ für einen Künstler, eine Bewegung oder ein Thema. 

Zusammen ergeben sie einen Kunstführer voller Zeitsprünge zu den 

wichtigsten Orten und Künstlern. Und alle sind großartige Geschichten. 

»Dieses Buch führt Sie als Leser auf entwaffnend einfache aber ziemlich 

geniale Art und Weise duch die Welt der Kunst.« (Matthew Collings) 

Lee Cheshire 

Wendepunkte in der Kunst 



13,8 x 21,6 cm, € 14.90 (D) | € 15.40 (D) | sFr. 22.– 

ISBN: 978-3-03876-131-0 | WG 1580 | lieferbar

mo d e r n art 

mo d e r n art 

e i n e neue 

u n o r d n u n g 

e i n e neue 

u n o r d n u n g 

- 

- 

ABSTRAKTER EXPRESSIONISMUS 

ca. 1945–ca. 1960 

- 

ren, in denen monochrome Blöcke intensiver Farbe zu Meditation 

einluden. 

Viele dieser Arbeiten sind zwar abstrakt, doch die Künstler bestanden 

immer darauf, dass ihnen keinesfalls ein Motiv fehle. Genau 

wie die Expressionisten glaubten sie, das wahre Motiv der Kunst 

seien die Gefühle und der innere Aufruhr des Künstlers. Deshalb 

griffen sie auf die grundlegenden Aspekte des Malprozesses 

zurück – Geste, Farbe, Form und Textur –, um deren expressives 

und symbolisches Potenzial auszuschöpfen. Was die Künstler am 

Ende wollten, war subjektiv und emotional, es waren »grundlegende 

Jackson Pollock 

Autumn Rhythm, 1950 menschliche Emotionen« (Rothko), »nur ich, nicht die Natur« (Still), 

Öl auf Leinwand, »meine Gefühle auszudrücken, statt sie zu illustrieren« (Pollock), 

266,7 x 525,8 cm »eine Suche nach dem verborgenen Sinn des Lebens« (Newman), 

Metropolitan Museum of 

Art, New York 

»Ordnung in uns selbst zu bringen« (de Kooning), »uns mit dem 

Universum zu vermählen« (Motherwell). Mit ihren europäischen 

Pollocks Tropfbilder sind Zeitgenossen (siehe Existentielle und Informelle Kunst) gemein hatten 

sie die romantische Vision des Künstlers als entfremdet von der 

alles andere als schlampig 

– sie sind streng 

diszipliniert, zeigen einen normalen Gesellschaft, als Figur, die sich gedrängt fühlt, eine neue 

sicheren Sinn für Harmonie 

und Rhythmus und 

Art von Kunst zu erschaffen, die sich einer irrationalen, absurden 

erinnerten manche Kritiker 

an seine Ausbildung Der bekannteste Action-Maler ist Jackson Pollock. »Jack the 

Welt gegenüberstellt. 

unter Thomas Hart Benton. 

Pollocks Jungsche 

Dripper«, der 1949 für das Life-Magazin in Fotos und Film porträtiert 

wurde, war der typische neue Künstler. Er hatte die radikale 

Analyse ging ebenfalls 

in seine Gemälde ein, Idee, seine Leinwände auf den Boden zu legen und direkt aus der 

die häufig auf Aspekte Dose oder mit einem Stock oder einer Kelle die Farbe aufzubringen. 

von Mythen anspielten: 

Altäre, Priester, Totems Damit schuf er verschlungene Bilder, die er als »sichtbar gemachte 

und Schamanen. Energie und Bewegung« beschrieb. De Kooning ist bekannt für 

- 

Abstrakter Expressionismus bezeichnet die Gemälde einer Gruppe Mark Rothko 

US-amerikanischer Künstler in den 1940ern und 1950ern, wie No.27 (Light Band) 

[White Band], 1954 

Willem de Kooning, Franz Kline, Robert Motherwell, Barnett 


Newman, Jackson Pollock, Mark Rothko und Clyfford Still. Action 205,7 x 220 cm 

Painting und Farbfeldmalerei beschreiben ebenfalls bestimmte Aspekte 

dieser Bewegung. Beim Action Painting ging es vor allem um 

Privatsammlung 

Rothko bestand immer 

den körperlichen Akt des Malens, wie in Pollocks Tropfbildern, de darauf, dass seine Gemälde 

Koonings heftigem Pinseleinsatz und Klines kühnen, monumentalen nahe beeinander und in 

Schwarzweißformen. Es verdeutlichte das Bekenntnis des Künstlers Bodennähe aufgehängt 

würden, um den Betrachter 

so direkt wie möglich 

zum Akt der Schöpfung und zeigte damit, dass man immer eine 

Wahl hatte – in der Zeit nach dem Krieg war ein Gemälde nicht einzubeziehen. Er sagte: 

einfach nur ein Objekt, sondern ein Zeichen für den existentiellen »Ich bin kein abstrakter 

Künstler, ich bin nur daran 

Kampf um Freiheit, Verantwortung und Selbstdefinition. Farbfeldmalerei 

kennzeichnete Werke von Rothko, Still, Newman und ande- Emotionen 

interessiert, menschliche 

auszudrücken.« 

104 

105 

- 

- 

POP ART 

1956–ca. 1970 

Roy Lichtenstein 

In the Car, 1963 

Öl und Magna auf 

Leinwand, 

172,7 x 203,2 cm 

Privatsammlung 

Lichtenstein malte 

Comicbuch-Szenen und 

imitierte ihre billige 

Drucktechnik von Hand. 

Die Banalität des Bildes, 

das übergroß auf Leinwand 

wiedergegeben ist, 

lässt es als eine Allegorie 

von unfassbarer Monumentalität 

erscheinen. Es 

ist sowohl eine Parodie als 

auch eine Frage: Welche 

Art von Bildern nehmen 

wir ernst und warum? 

- 

Marilyn Monroe, Roy Lichtensteins Comic-artige Ölbilder, Claes 

Oldenburgs gigantische Vinyl-Burger und Eiswaffeln und Tom Wesselmanns 

Nackte in häuslichen Szenen mit echten Duschvorhängen, 

Telefonen und Badschränkchen. Die öffentliche Aufmerksamkeit 

gipfelte in einer großen internationalen Ausstellung in der Sidney Janis 

Gallery 1962 in New York. Werke von britischen, französischen, italienischen, 

schwedischen und amerikanischen Künstlern waren unter 

den Themen »alltägliches Objekt«, »Massenmedien« und »Wiederholung« 

oder »Akkumulation« massenproduzierter Objekte gruppiert. Es 

war ein besonderer Moment. Sidney Janis war der führende Händler 

für Spitzenwerke der europäischen Moderne sowie abstrakte Expressionisten, 

und seine Ausstellung zeichnete die Werke als die nächste 

große Kunstbewegung aus, die es zu diskutieren und erwerben gab. 

Pop Art verbreitete sich mittels zahlloser Ausstellungen in Galerien 

und Museen über die USA und Europa. Los Angeles war besonders 

empfänglich für die neue Kunst – es war weniger in künstlerischen 

Traditionen gefangen und ein junges, wohlhabendes Publikum gierte 

nach moderner Kunst. Pop-Motive (Comics, Verbrauchsgüter, Prominente, 

Werbung oder Pornografie) und Pop-Themen (die Erhebung 

der »niederen« Kunst, Americana, Suburbia und die Mythen und Rea- 

- 

Der Begriff »Pop« erschien das erste Mal 1958 in einem Artikel 

des englischen Kritikers Lawrence Alloway. Dabei interessierte sich 

schon die Independent Group in London Anfang der 1950er für die 

Populärkultur und versuchte, sie zu Kunst zu erheben. Richard Hamilton, 

Eduardo Paolozzi und andere diskutierten die entstehende 

Massenkultur aus Filmen, Werbung, Science Fiction, Konsumdenken, 

Medien, Produktdesign und neuen, aus Amerika stammenden 

Techniken, die sich jetzt im ganzen Westen ausbreiteten. Besonders 

fasziniert waren sie von Werbung und Grafik- sowie Produktdesign, 

und wollten Kunst und Architektur erschaffen, die ähnlich verführerisch 

waren. Hamiltons Collage Just What Is It That Makes Today’s 

Homes So Different, So Appealing? (1956), hergestellt aus Werbeanzeigen 

amerikanischer Zeitschriften, war die erste Ikone der Pop Art. 

Die nächste Generation von Studenten in London, darunter Patrick 

Caulfield und David Hockney, griff in ihren Collagen und Assemblages 

ebenfalls die Populärkultur auf und erreichte in der Zeit zwischen 

1959 und 1962 öffentliche Bekanntheit. 

In den frühen 1960ern sah das Publikum in Amerika zum ersten 

Mal die heute berühmten Arbeiten: Andy Warhols Siebdrucke von 

Richard Hamilton 

Just What Is It That 

Makes Today’s Homes So 

Different, So Appealing?, 

1956 

Collage, 26,7 x 17,6 cm 

Kunsthalle Tübingen 

Hamiltons Collage, 

mit dem prominenten 

Bodybuilder Charles 

und einem glamourösen 

Pinup-Girl als neues 

häusliches Pärchen, 

einem Comic und einer 

Dose Schinken anstelle 

eines Gemäldes und einer 

Skulptur scheint eine 

neue Ära einzuleiten. 

116 

117 

Alle Stile, Schulen und Bewegungen der Moderne 

17 

Die Begriffe, mit denen moderne Kunst beschrieben wird – vom 

Impressio nismus zur Installation, vom Symbolismus zum Hyperrealismus 

– verwenden eine eigene, oftmals einschüchternde Sprache. Stile, 

Schulen und Bewegungen sind selten in sich geschlossen oder genau 

definiert; zuweilen widersprechen sie einander, greifen ineinander über 

und immer sind sie kompliziert. Dieses Buch versteht sich als Einführung 

und Wegweiser in eine sehr dynamische und spannende Kunstperiode. 

Die 68 hier versammelten Stile, Schulen und Bewegungen fassen die 

wichtigsten Entwicklungen in der westlichen Modernen Kunst zusammen. 

Die Richtungen werden grob chronologisch aufgeführt, vom 

Impressionismus im 19. bis zur Destination Art im 21. Jahrhundert. 

Jeder Eintrag enthält eine Definition und eine Erläuterung, ein 

typisches Werk und eine Liste wichtiger Künstler, Eigenschaften der 

Kunstrichtung und Sammlungen, wo diese Kunstwerke zu finden sind. 

Im Anhang findet der Leser ein Glossar wichtiger Grundbegriffe der 

modernen Kunst sowie einen Künstlerindex. Dieses Buch möchte die 

Leser in die wunderbare Welt der modernen Kunst einführen und mit 

dem nötigen Grundwissen ausstatten, um diese Kunst aktiv zu erleben 

und eigene Schlüsse ziehen zu können. 

»Amy Dempsey entwirrt den Fachjargon und erklärt auf eine bestechend 

klare und präzise Weise alle Stile, Schulen und Bewegungen, die uns 

dabei helfen, die Moderne Kunst in Europa und Amerika zu verstehen.« 

(Caroline Douglas, Contemporary Art Society) 

Amy Dempsey 

Modern Art 



13,8 x 21,6 cm, € 14.90 (D) | € 15.40 (A ) | sFr. 22.– 


DESIGN 

Wie Toblerone, Swatch, Maggi & Co. die Welt erobert haben 

»Ein Brand ist nicht mehr als eine Story, die über ein Produkt oder einen 

Service erzählt wird. Und der Grund, weshalb, warum wir uns für ganz 

bestimmte Brands entscheiden, ist, dass sie die besten Storys erzählen«, 

meinte Richard Cordiner von der Werbeagentur Leo Burnett. 

Aber wie hat es die Maggi-Flasche geschafft, zur Ikone zu werden, 

vergleichbar nur mit der Coke Bottle? Wieso wurde das urschweizerische 

Toblerone-Dreieck zum Superstar der Anime-Serie »neo Yokio«? Warum 

ist es zwei Zürcher Grafikern gelungen, aus Abfall ein angesagtes Fashion 

Label zu kreieren, dessen Name – Freitag – alle Welt kennt? Dieses Buch 

geht diesen spannenden Fragen nach und erzählt die Antworten in Form 

interessanter Storys, die mit ausgewählten Bildern und z.T. noch nicht 

veröffentlichtem Material aus Firmenarchiven illustriert sind. 

Vorgestellte Schweizer Marken: Appenzeller | Bally | Caran d’Ache 

Freitag | Globi | Kambly | Lindt | Logitech | Maggi | Ovomaltine 

Ricola | Rolex | Swatch | Toblerone | Victorinox u.v.a. 

»Über die großen Marken der Schweiz kann man viele Geschichten 

hören, schon allein, weil sie eine haben. Swiss Brands erzählt die 

Geschichte hinter den Geschichten. Detailliert, kenntnisreich, 

manchmal respektlos, aber immer mit viel Empathie für die Marke.« 

(Alexander Luckow, Head of the School of Creative Arts, 

Hochschule Macromedia, Stuttgart) 

Roland Müller / Gregory Zäch (Hrsg.) 

SWISS BRANDS 

Wie Toblerone, Swatch, Maggi & Co. 

die Welt erobert haben 

ca. 160 Seiten, edle Broschur, Fadenheftung 

18 x 24 cm, ca. € 22.– (D) | € 23.50 (A) | sFr. 29.– 

ISBN: 978-3-03876-127-3 | WG 1585 | März 2019

Braun 

The mystery of the phallic A 

The eponymous German manufacturing company began 

in Frankfurt am Main in 1921 as a small engineering shop founded 

by Max Braun, a mechanical engineer. In 1923 he began producing 

components for radio sets and five years later, taking advantage of 

new discoveries in plastics, the company had moved to a factory in 

the same city. It was there that Braun began to manufacture entire 

radio sets and became one of Germany’s leading radio manufacturers. 

The raised ‘A’ goes back to the design of the Art Deco-style 

radio housing of the ‘Cosmophon’ from 1932–3 and links the name with 

The logo design idea book 

Illustrate with wit and humour 

Will Münch, 1934 

(revised by Wolfgang 

Schmittel,1952) 

the radios. In 1934 the ‘Braun’ trademark was launched and the original 

iteration of its simple, geometric, modern wordmark – with the raised, 

curved middle letter ‘A’ – was designed by Will Münch. 

During World War II the Braun factories were destroyed in 

Allied bombings. After the war, the rebuilt Braun continued to produce 

state-of-the-art radios and audio equipment, and soon became well known 

for its high-fidelity record players and straight-tray (as opposed to roundtray) 

models. Braun’s stellar reputation owed much to the product designer 

Dieter Rams, and the company capitalized on this aesthetic appeal to 

consumers when the S50 electric shaver was released in 1950. 

The logo has remained fairly consistent throughout its history, with 

few refinements. In 1952 Wolfgang Schmittel revised the logo by giving 

it a reduced, constructively comprehensible form. In 1955 the typeface 

Akzidenz-Grotesk, introduced by Otl Aicher, was the only font to be used 

for print communication. After Rams retired in 1995 the original logo was 

redesigned by Peter Schneider (used from 1995 to 2005). 

Today, the logo is the embodiment of the values of a corporation 

that has grown and changed hands. According to American logo designer 

Tom Geismar: ‘The Braun logo has been around for so long, and it is always 

associated with sleekly designed products, on which it is always discreetly 

placed. So in a way it represents smart modern product design.’ 

12 ______________________________________________________________________________________________________________________ 

_____________________________________________________________________________________________________________________ 13 

Campari 

Bottle as indelible identity 

Give personality to letters 

There are many memorable two-dimensional printed marks 

and logos that are remembered as much for the objects on which 

they appear if not more than the type or image itself. The Victorianera 

Coca-Cola script is unmistakable and has been so for well over 

100 years. But the shape of the original bottle still announces the 

brand even if the print logo is absent. The same can be said about 

various other iconic products past and present, like Heinz Tomato 

Ketchup, the Rolls-Royce RR, and more. 

When Italian Futurist designer Fortunato Depero designed the 

The logo design idea book 

original cone bottle for Campari Soda he not only made a novel shape, 

he also laid the seeds for one of the most unique brand identities in the 

world. Depero’s creation was a masterpiece of psychological manipulation 

that remains relevant in the twenty-first century. Despite the frequent 

refinements made to Campari’s typographic logo, which even under 

Depero’s tutelage was altered in major and minor ways to signal that the 

popular beverage responded to the changing times, the individual-sized 

bottle has remained consistent to this day. 

The cone shape is not the only identifying component of this 

physical logo, the other is the bright red herb-infused alcoholic beverage 

that illuminates the otherwise clear glass. Campari Soda’s distinctive shape 

and its characteristic coloured liquid combined with a distinguishing name 

in slightly differing typographic styles give the product its personality and 

heritage. It is a lesson for the designers of today, who rely on more than a 

simple mark to make an indelible mark. 

Fortunato Depero, 1932 

Make a mnemonic 

Frank Olinsky, 1981 

78 ______________________________________________________________________________________________________________________ 

_____________________________________________________________________________________________________________________ 79 

_____________________________________________________________________________________________________________________ 91 

Was macht ein wirklich gutes Logo aus? 

19 

Logos sind die allgegenwärtigen, essenziellen Instrumente des Grafikdesigns, 

sie repräsentieren Ideen, Meinungen und natürlich Dinge. In erster 

Linie schaffen sie jedoch einen Wiedererkennungswert für Produkte, 

Unternehmen und Institutionen. Sie werden aber auch – hoffentlich positiv 

– mit den Werten oder der Philosophie dieser Einrichtungen in Verbindung 

gebracht. Die 50 Logos in diesem Buch sind Beispiele exzellenter 

Ideen im Dienste der Repräsentation, Reputation und Identifikation. 

In diesem fundierten, aber leicht lesbaren Buch untersuchen die beiden 

Autoren 50 bekannte und weniger bekannte Logos und analysieren die 

Gestaltungsparameter, die Wirkung und die Entstehungsweise des 

jeweiligen Logos. Eine spannende Lektüre nicht bloß für Designer, 

sondern für alle, die sich für Zeichen und ihre Bedeutung interessieren. 

Vorgestellte Logos: AEG | Braun | IBM | AC/DC | Leica | BP 

eBay | Volvo | NASA | LEGO | MTV | Amazon | FedEx u.v.a. 

Steven Heller ist Co-Chair des Design-Programms an der School of 

Visual Arts in New York. Er ist Autor und Co-Autor von über hundert 

Büchern zum Thema Design und Popkultur und wurde 2011 mit dem 

Smithsonian National Design Award ausgezeichnet. Gail Anderson ist 

Designerin, Autorin und Dozentin. Sie ist eine gefragte Beraterin 

und Referentin und hält weltweit Vorträge zum Thema Design in 

Unternehmen und an Konferenzen. 

Steven Heller / Gail Anderson 

LOGO DESIGN 

Was macht ein gutes Logo aus? 

144 Seiten, Broschur, Fadenheftung 

16 x 22 cm, ca. € 22.– (D) | € 23.50 (A) | sFr. 29.– 

ISBN: 978-3-03876-145-7 | WG 1585 | April 2019

MODE

Der Klassiker in neuer Aufmachung 

21 

Von nahezu jedem Stück der modernen Männergarderobe gibt es ein 

ultimatives Vorbild, oft entwickelt von einem einzelnen Unternehmen 

oder einer Marke für spezifische Anwendungszwecke. 

Neuauflage 

Dies gilt für die Jeans, die Paul Newman in seinen Western trug, genau so, 

wie für die Smokings, die Sean Connery als James Bond kultivierte. Stilexperte 

Josh Sims, der für renommierte Magazine wie GQ, Esquire oder 

Wallpaper schreibt, zeigt in diesem Buch, wie solche Vorbilder für genau 

einen Zweck entwickelt wurden und dann die Welt eroberten. »Männer 

mit Stil« untersucht Stück für Stück die wichtigsten und berühmtesten 

dieser Produkte – ihre Herkunft und Historie, die Geschichten hinter 

dem Design, die Marke oder das Unternehmen, das damit angefangen hat 

– sowie die Frage, welchen Einfluss das Kleidungsstück darauf hat, 

wie Männer sich heute anziehen. 

Dieser »reich illustrierte Spaziergang durch die Welt der Herrenmode« 

(Neue Zürcher Zeitung) untersucht die wichtigsten und berühmtesten 

Kleidungsstücke und lüftet die spannenden Geheimnisse ihrer Herkunft, 

Marken und Designs. 

Mit 264 Illustrationen, davon 173 in Farbe. 

Leseprobe unter: www.maennermitstil.com 

Aktualisierte und überarbeitete Neuauflage 2019 

Josh Sims 

Männer mit Stil 

Stilikonen der Herrenmode 

192 Seiten, Hardcover, Fadenheftung, Prägecover 

20 x 28 cm, € 34.90 (D) | € 35.70 (A), sFr. 44.– 

ISBN: 978-3-03876-140-2 | WG 1585 | März 19

MODE 

»Mode verschwindet. Nur Stil bleibt erhalten.« Coco Chanel 

Vom Bleistiftrock zum Bikini, vom Hosenanzug zu den Hotpants oder 

vom Stiletto zum Cowboy-Stiefel. Fast immer gibt es ein »erstes Mal«, 

also den Zeitpunkt, zu dem ein Kleidungsstück seinen Einstand gab. 

Während Designer-Garderobe nicht selten Kultstatus erreichte, wurden 

viele Mode-Ikonen immer wieder neu erfunden. So wurde zum Beispiel 

das »kleine Schwarze« von Coco Chanel bereits 1926 erstmals in der 

amerikanischen »Vogue« vorgestellt, entwickelte sich aber erst im Laufe 

der Jahrzehnte zu einer zeitlosen Uniform für Damen mit Geschmack. 

In den 20er Jahren getragen von Künstlerinnen wie Josephine Baker 

und königlichen Hoheiten wie Wallis Simpson, in den 40ern von Hollywood-Stars 

wie Vivienne Leigh oder Rita Hayworth, feierte das kleine 

Schwarze seinen größten Triumph in 1961, als Audrey Hepburn es als 

Holly Golightly in »Frühstück bei Tiffanys« trug oder Jacqueline Kennedy 

Onassis es mit ihrer Liebe zu Accessoires kombinierte. 

2. Auflage 

»Frauen mit Stil« stellt die legendärsten und einflussreichsten Kleidungsstücke 

und Accessoires der Damengarderobe vor, geht ihrer Herkunft 

und Geschichte nach und erzählt spannende Anekdoten über ihr Design 

sowie die Personen, die ihnen zu Weltruhm verhalfen. 

Mit 245 Illustrationen, davon 175 in Farbe. 

Leseprobe unter: www.frauenmitstil.com 

Josh Sims 

FRAUEN MIT STIL 

Stilikonen der Frauenmode 

208 Seiten, edle Broschur, Fadenheftung 

20 x 28 cm, € 34.90 (D) | € 35.70 (A) | sFr. 44.– 


Paco Rabanne (metal)working in 1968. The couturier used 

anything but typical fabrics 

— 

p152 Rabanne was part of a team that created Jane 

Fonda’s costumes for Barbarella. His aesthetic is clearly 

visible in this PVC one-piece with thigh-high boots 

Karl Lagerfeld at a drawing board in Germany in 1984. 

Lagerfeld essentially made the Fendi brand by launching 

its first ready-to-wear label 

— 

p70 Michelle Pfeiffer In The Age of Innocence. Fur has 

long been used in cinema as a means of portraying wealth 

and status 

153 

71 

PACO RABANNE 

TWO FOR THE ROAD (1967) 

BARBARELLA (1968) 

panish-born designer Paco Rabanne is an 

innovator to the highest degree, his garments 

Stending more towards mobile art installations 

than clothes people can wear. His debut show, ‘12 

Unwearable Dresses’, in 1966 was a look into the future, 

a calling card for a man who thought nothing of bending 

pieces of metal around his models on a workbench 

and calling it a dress. 

Director Stanley Donan wanted a very different 

look for Audrey Hepburn in his comedy drama Two for 

the Road (1967; see also pages 17, 155). The film, a story 

of a young couple’s difficult marriage, was a departure 

for Hepburn because she was, in essence, playing a real 

person. In movies such as Donan’s own Charade (1963) 

and How to Steal a Million (1966; see pages 111, 112), she 

exists more as an aspirational poster image. In Two For 

the Road, Hepburn plays Joanna, one half of a bumpy 

partnership with husband Mark (Albert Finney). Donan 

was well aware of his leading lady’s connection to couturier 

Hubert de Givenchy, and in fact was good friends 

with the designer, but for this picture Hepburn needed 

to be shopped for; she had to wear clothes that any 

woman, albeit a well-heeled one, could purchase off the 

rack. Casting Givenchy aside was difficult for Hepburn, 

although wardrobe supervisor Clare Rendlesham 

ensured she never appeared in anything less than 

FENDI 

CONVERSATION PIECE (1974) 

THE AGE OF INNOCENCE (1993) 

BEDAZZLED (2000) 

THE ROYAL TENENBAUMS (2001) 

endi is intrinsically linked to cinema. The house 

is keen to emphasize the collaborative nature of 

Ftheir contributions to film, which at present number 

over 30 features. They are not costume designers; 

they work with costume designers. They understand 

what a Fendi garment means on screen, and are happy 

to embrace all connotations, from a delectable mink 

coat worn by Madonna in Evita (1996) to a garish red fur 

jacket with patent leather trim, and red leather boots, 

on Elizabeth Hurley in Bedazzled (2000). Even outside of 

cinema, Fendi’s clothes are as much about costume as 

fashion. They delineate a certain type of person: sometimes 

exquisite, sometimes kitsch, but always rich. 

Fendi began life in 1918 when Adele 

Casagrande set up a leather and fur workshop in Rome. 

In 1925 Adele married Edoardo Fendi and they opened 

a boutique next door selling their own goods during the 

post-war recovery period. In 1946 Adele and Edoardo’s 

five daughters joined the family business. Yet most 

significant to the Fendi story was the appointment of 

Karl Lagerfeld as creative director in 1965. Lagerfeld 

moulded Fendi into what it is today: a luxury fashion 

conglomerate. His belief in ‘fur as material’ – using the 

fabric beyond mere accessory to construct entire garments, 

namely divine fur coats – made Fendi famous. 

In 1977 Lagerfeld launched Fendi’s first ready-to-wear 

Vom Catwalk auf die Leinwand – Designermode im Kino 

23 

Bereits seit den ersten Tages des Films spielten Modedesigner eine 

wichtige Rolle im Kino. Dieses Buch fasst die einflussreichsten und 

legendärsten Designs aus der Historie des Films zusammen, von 

Ralph Laurens Trendsetter, dem maskulinen Stil für Diane Keaton als 

Annie Hall in »Der Stadtneurotiker« bis hin zu Audrey Hepburns kleinem 

Schwarzen von Hubert de Givenchy in »Frühstück bei Tiffany«. 

»Fashion & Film« feiert den Beitrag der Modedesigner zu großen Filmen, 

stellt die wichtigsten Materialien vor, untersucht ihre Bedeutung im 

Umfeld des Filmstoffs und erläutert, warum sie für die Ewigkeit gemacht 

sind. Illustriert mit wunderschönen Standbildern aus über 100 Filmen, 

Modefotos sowie Arbeitsskizzen ist dieses Buch eine Augenweide für 

alle Liebhaber von Film und Mode. 

Mit 50 Portfolios von: Agnès B., Azzedine Alaia, Bill Blass, 

Brooks Brothers, Calvin Klein, Christian Dior, Fendi, Gucci, 

Karl Lagerfeld, Manolo Blahnik, Marc Jacobs, Prada, Ralph Lauren, 

Tom Ford, Versace, Vivienne Westwood, Yves Saint Laurent u.v.a. 

Christopher Laverty ist ein renommierter Kostüm- und Modejournalist, 

der auch als Berater tätig ist. Als Herausgeber und Redakteur der preisgekrönten 

Website »Clothes on Film« erscheint er regelmäßig bei BBC 

und HBO und schreibt für verschiedene Zeitschriften. Eine seiner letzten 

Publikationen war ein Buch über den Film »Grand Budapest Hotel«. 

Christopher Laverty 

Fashion & Film 

Designermode im Kino 

224 Seiten, Hardcover, Fadenheftung 

Format 22,5 x 30 cm, € 34.90 | sFr. 44.– 


Schöne B 

von Kopf 

MODE 

Die berühmtesten Designer der Welt standen Schlange, um 

Hepburns Glamour, ihre neu erfundene Schönheit einkleiden 

zu dürfen. Von Givenchy, Mr. John, Dior, Cecil Beaton 

bis hin zu Balenciaga – sie inspirierten Hepburn, setzten 

Trends und zementierten letztlich ihren Ruf – denn wer einen 

Hut für Hepburn entworfen hatte, dem war ein fester 

Platz in der Modegeschichte sicher. Dieses exquisite Buch 

versammelt atemberaubende Fotos von Audrey Hepburn, 

aufgenommen von berühmten Fotografen wie Dennis Stock, 

Howell Conant, Terry O’Neill, Bud Fraker etc. und liefert in 

den Begleittexten tiefe Einblicke in die Welt der Mode. 

CHAPEAU! Audrey Hepburns Hüte 

June Marsh, 128 Seiten, 23,5 x 28 cm, € 29.90 (D) | € 30.50 (A) | sFr. 37.– 


acts to frame, as well as give an air of mystery to 

hat brim wide a elegant, Timelessly 

in Sing Sing in Breakfast at Tiffany’s, which remains one 

Tomato 

Sally boss mafia to visits regular Golightly’s Holly 

Photograph by Bud Fraker 

films. 

memorable most Hepburn’s of 

42 

ücher 

bis Fuß 

DETAILS stellt die Klassiker der Männer mode vor und 

erzählt spannende Geschichten über die Marken, Unternehmen 

und Persönlichkeiten, die den jeweiligen Mode- 

Details zum Durchbruch ver halfen. Von klassischen 

Taucheruhren bis zum einfachen Einstecktuch: Dieses 

reichhaltig illustrierte und gründlich recherchierte Buch 

untersucht die wichtigsten Accessoires der Männermode 

und bietet dem Mann mit Stil zahlreiche Tipps zur angemessenen 

Bekleidung. Wer dieses Buch liest, wird sich und 

seinen eigenen Stil mit völlig anderen Augen sehen. 

25 

DETAILS Worauf es beim Mann ankommt 

Josh Sims, 176 Seiten, edle Broschur, Format 20 x 28 cm 

€ 34.90 | sFr. 44.–, ISBN: 978-3-907100-55-4, WG 1585, lieferbar 

Schuhe tragen uns durchs Leben und sind ein wichtiger 

Teil unserer Kleidung. Wie bei der Kleidung generell steht 

der Aspekt des Nutzens aber meist nicht im Vordergrund. 

In diesem eleganten Buch geht es um Schuhe, die Kultstatus 

erreicht haben und auf eine Epoche, eine politische 

Richtung, auf Musikstile oder Filmcharaktere anspielen. 

Hier geht es um die Sprache der Schuhe, um die Lebensphilosophie, 

die hinter den Modellen liegt. 

Die Sprache der Schuhe 

Text: Frank Berzbach, Illustrationen: Saskia Wragge 

128 Seiten, Leinen, € 17.90 (D) | sFr. 25.–, ISBN: 978-3-03876-118-1

Unser »BIG SHOTS«-Paket: 

• Partie 24/20 Ex. (je 6/5) 

• Streifenplakat und Postkarten 

• lieferbar ab Januar 2019 

BESTSELLER 

10. Auflage 

Henry Carroll 

BIG SHOTS! People 

Die Geheimnisse der Portraitfotografie 

128 Seiten, Broschur, Fadenheftung, € 22.90 

ISBN: 978-3-03876-109-9 | 4. Auflage | lieferbar 

Henry Carroll 

BIG SHOTS! 

Die Geheimnisse der weltbesten Fotografen 


ISBN: 978-3-03876-107-5 | 10. Auflage | lieferbar

Über 

50.000 

verkaufte 

Exemplare! 

Henry Carroll 

BIG SHOTS! Places 

Die Geheimnisse der Location-Fotografie 


ISBN: 978-3-03876-106-8 | 2. Auflage | lieferbar 

Henry Carroll 

BIG SHOTS! 

Fotografen über Fotografie 


ISBN: 978-3-03876-141-9 | Novität | lieferbar

FOTOGRAFIE 

Orte mit Bedeutung finden 

Der Autor der Bestseller-Reihe BIG SHOTS! verrät in diesem 

Buch, wie Sie Locations am besten fotografieren – Landschaften, 

Stadtbilder, Architektur und Räume. Das alles wie gewohnt verständlich 

und ohne überflüssige Fachsimpelei. 

Mit 50 Werken von Meisterfotografen: Alec Soth, Martin 

Parr, Rut Blees Luxemburg, Julius Shulman, Rinko Kawauchi, 

Thomas Ruff, Tim Hetherington, Joel Sternfeld u.v.a. 

Mit welcher Kamera Sie auch unterwegs sind und was immer 

Sie fotografieren wollen – dieses kleine, intelligente Handbuch 

führt Sie kompetent in die grundlegenden Fototechniken 

ein und zeigt auf eindrückliche Weise, wie die Arbeiten 

weltberühmter Fotografen entstanden sind. Randvoll mit 

praktischen Tipps und illustriert mit legendären Bildern 

finden Sie in diesem Buch das nötige Know-How, das es 

Ihnen ermöglicht, bedeutsame Fotos von den Orten 

aufzunehmen, die Ihnen am Herzen liegen. 

Henry Carroll 

BIG SHOTS! Places 

Die Geheimnisse der Location-Fotografie 

2. Auflage 

128 Seiten, Broschur, Fadenheftung 

14,5 x 20 cm, € 22.90 (D) | € 23.50 (D) sFr. 33.– 


Menschen ins Bild setzen 

Keine Klischees und kein Fotoclub-Jargon. Ebenso kompakt 

und anregend wie in seinem Bestseller BIG SHOTS! zeigt 

Autor Henry Carroll hier, wie sich gute Portrait fotografien 

konzipieren und inszenieren lassen. 

Das Buch ist unterteilt in zwölf Themenbereiche wie 

»Ausdruck«, »Farbkomposition«, »Raumaufteilung« oder 

»Selbstportraits« und bietet sowohl Einsteigern als auch 

Fortgeschrittenen technische Tipps und vor allem visuelle 

Inspirationen für die eigene Arbeit. Anhand einer großen 

Bandbreite von 50 histo rischen und zeitgenössischen Fotografien 

werden unterschiedlichste Konzepte und Techniken 

verständlich erklärt, damit sie für die eigene Arbeit aufgenommen 

und umgesetzt werden können. 

4. Auflage 

Mit Meisterportraits von: Richard Avedon, William Klein, 

Cindy Sherman, Gary Winogrand, Sebastião Salgado, 

Henri Cartier-Bresson, August Sander u.v.a. 

»Das Wesen des Menschen bei der Aufnahme sichtbar 

»zu machen, ist die höchste Kunst der Fotografie.« 

(Friedrich Dürrenmatt) 

Henry Carroll 

BIG SHOTS! People 

Die Geheimnisse der Portraitfotografie 

4. Auflage, 128 Seiten, Broschur, Fadenheftung 

14,5 x 20 cm, € 22.90 (D) | € 23.50 (A) | sFr. 33.– 


Nachdenken über Fotografie 

Dieses Buch versteht sich als Erweiterung der erfolg reichen BIG SHOTS!- 

Reihe. Während dort vor allem die technischen Grundlagen vorgestellt 

werden, ist der Ansatz hier etwas philosophischer. Mit sorgfältig ausgewählten 

Zitaten, Bildern und Interviews legt dieses Buch 

offen, was den Meistern des Fachs wirklich wichtig ist. Hier entdecken 

Sie, wie die Giganten des Genres ihren einzigartigen Stil entwickelt 

haben und welche Überlegungen ihrer Arbeitsweise zugrunde liegen. 

Mit 50 Meisterwerken von: Man Ray, Maisie Cousins, Tacita Dean, 

Lisette Model, Viviane Sassen, Irving Penn, Harley Weir, Richard 

Avedon, Broomberg & Chanarin, Garry Winogrand u.v.a. 

Aus dem Vorwort: »In diesem Buch kommen Visionäre, Vordenker, 

Wegbereiter und Neulandbetreter zu Wort – diese einflussreichen 

Menschen aus Vergangenheit und Gegenwart, die die Fotografie 

nach vorn gebracht haben und es heute noch tun. Wie sind sie an ihr 

Handwerk herangegangen, was war ihnen wichtig? Und was ist es 

bis heute? Nehmen Sie das Buch zur Hand, um sich zu inspirieren, oder 

blättern Sie um und tauchen Sie ein in diese zauberhafte Kunst.« 

Henry Carroll 

BIG SHOTS! 

Fotografen über Fotografie 

128 Seiten, Broschur, Fadenheftung, 14,5 x 20 cm, 

€ 22.90 (D) | € 23.50 (A) | sFr. 33.– 


Die Schule des Sehens 

29 

»BIG SHOTS!« führt Sie durch die Grundlagen von Kompo sition, Belichtung, 

Licht, Objektiven und Bildgestaltung, ohne mit Technikgefasel zu 

langweilen. Als Schule des Sehens richtet sich dieses Buch an Einsteiger 

und Profis. Randvoll mit praktischen Tipps und Techniken, die sich sofort 

in Ihren Fotos zeigen. Mit einer Auswahl der besten Aufnahmen von 

50 renommierten Fotografen von Weltrang, die dazu inspirieren, selbst 

zur Kamera zu greifen. 

Mit 50 Meisterwerken von: 

Henri Cartier-Bresson, Dorothea Lange, Bill Brandt, René Burri, 

Ansel Adams, Elaine Constantine, Guy Bourdin, Martin Parr u.v.a. 

Aus dem Vorwort: »Dies ist kein Lehrbuch, und ich werde 

keinen Insider-Jargon verwenden, um Ihnen die Grundlagen der 

Fotografie zu erläutern. Das brauchen Sie erst einmal nicht zu 

wissen. Vielmehr steht Ihnen das alles anfangs nur im Weg und hält 

Sie davon ab, wirklich kreativ zu sein. (...) Sie werden feststellen, dass 

es bei genialen Fotos weniger um technisches Know-How und vielmehr 

darum geht, Ihr wertvollstes Instrument zu bedienen – Ihre Augen.« 

»Eines der besten Fotobücher, das ich in den letzten 

»20 Jahren gesehen habe.« (Urs Tillmanns in fotointern) 

Henry Carroll 

BIG SHOTS! 

BESTSELLER 

Die Geheimnisse der weltbesten Fotografen 

10. Auflage 

10. Auflage, 128 Seiten, Broschur, Fadenheftung 

14,5 x 20 cm, € 22.90 (D) | € 23.50 (A) | sFr. 33.– 


FOTOGRAFIE 

2019 – 60 Jahre kubanische Revolution 

Silvester 1958, 22 Uhr: Der Magnum-Fotograf Burt Glinn, dem Anlass 

angemessen im schwarzen Smoking, erfährt bei einer Party in New 

York von der Flucht des Diktators Batista aus Kuba. Bereits um 7 Uhr 

am nächsten Morgen fliegt er auf die Insel und fordert von seinem 

Taxifahrer in Havanna: »Bringen Sie mich zur Revolution!« 

Seiner unvergleichlichen Leidenschaft als Fotoreporter verdankt es 

Glinn, dass er die Revolution auf Kuba dort dokumentieren konnte, wo 

sie sich tatsächlich abspielte – er war mittendrin. Glinn sagte später: »Ich 

konnte so nahe rangehen, wie ich wollte.« Seine atemberaubenden Fotos 

dokumentieren den Idealismus, das Chaos, die Verletzungen und die 

Begeisterung für diesen historischen Augenblick. Dieses Buch ent hält 

Glinns ikonenhafte Kuba-Fotos und einige unveröffentlichte Aufnahmen 

in Schwarzweiß und in Farbe. Wir sehen Schießereien, Chaos auf den 

Straßen, wie Batistas Geheimpolizei zusammen getrieben wird; 

wir sind dabei, wenn sich Menschen spontan umarmen, wenn 

Revo lutionäre zu ihren Müttern nach Hause zurückkehren und 

erleben Fidel Castros triumphalen Einmarsch in Havanna. 

Burt Glinn war einer der besten Magnum-Fotografen, mit einer unglaublichen 

Karriere von über 50 Jahren. Viele seiner Porträts haben inzwischen 

Kult-Status erlangt. Vielseitig und technisch brillant arbeitete er 

sowohl in Schwarzweiß als auch in Farbe. In einem seiner berühmtesten 

Zitate äußerte Glinn: »Sie müssen vor allem die ganze Wahrheit einer 

Situation erfassen – und sich selbst eine Meinung dazu bilden.« 

Burt Glinn 

KUBA 1959 

Szenen einer Revolution 

192 Seiten, Hardcover mit SU, Fadenheftung 

Format 24,5 x 30,4 cm, € 59.– | sFr. 59.– 


»Eine Hommage an die Fotografie des 20. Jahrhunderts« (New York Times) 

31 

Dieser Klassiker zeigt seltene Aufnahmen der großen Fotografen des 

20. Jahrhunderts in einer Bildqualität, die ihresgleichen sucht. Von Henri 

Cartier-Bresson und Weegee zu David Bailey und Richard Avedon, über 

die Pressefotografen von Life und Picture Post ebenso wie die anonymen 

Journalisten, die alle bei der Arbeit an der Kamera zu sehen sind. Gezeigt 

werden nicht bloß Foto-Legenden mit ihren berühmten Models, sondern 

auch alle klassischen Kameras, wie sie von der Presse, Fotoreportern und 

Modefotografen verwendet wurden: Leica, Nikon, Pentax, Rolleiflex und 

Speed Graphic u.a. sind in diesem Buch vertreten. Ein Abschnitt über 

Kriegsfotografie zeigt auch Kameras für Luftaufnahmen in der Praxis. 

9 7 8 3 9 0 7 1 0 0 5 9 2 

Zu den Fotografen in diesem Buch gehören: Antony Armstrong-Jones, 

Richard Avedon, David Bailey, Cecil Beaton, Margaret Bourke-White, 

Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, Terence Donovan, Philippe 

Halsman, Bert Hardy, Annie Leibovitz, Tony Ray-Jones und Weegee. 

Unter den fotografierten Stars sind Sean Connery, Sammy Davis Jr., 

David Hemmings, Audrey Hepburn, Jayne Mansfield, Marilyn Monroe, 

Peter Sellers, Terence Stamp, James Stewart, Robert Vaughn und John 

Wayne, ebenso wie die Beatles, Christine Keeler und John F. Kennedy. 

Eine umfassende Einführung von Foto-Experte Michael Pritchard setzt 

die Fotografen und ihre Kameras in den Kontext des wachsenden Bedarfs 

an Star-Fotos im Zusammenhang mit dem Aufstieg der Filmbranche. In 

enger Kooperation mit Getty Images wurden alle Bilder auf Basis der dort 

vorliegenden Originale in höchster Bildqualität reproduziert. 

Michael Pritchard / Tony Nourmand 

FotograFEN 

Legenden und ihre Kameras 

288 Seiten, Hardcover, Fadenheftung 

24,5 x 28 cm, € 59.00 (D) | € 62.00 (A) | sFr. 65.– 


AUSLIEFERUNGEN 

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Deutschland 

Deutschland 

Schweiz 

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Prolit Verlagsauslieferung 

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D 35463 Fernwald 

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A 2700 Wiener Neustadt 

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Fax +43 (0) 1 253 303 376 62 

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Fax +41 (0) 44 242 61 05 

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Baden-Württemberg 

Nicole Grabert 

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Huebergasse 1, D 97070 Würzburg 

Tel +49 (0) 931 17 405 

Fax +49 (0) 931 17 410 

Mail: nicolegrabert@ 

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Nordrhein-Westfalen, Hessen 

Rheinland-Pfalz, Saarland 

Michael Schikowski 

Eckernförder Str. 16 

D 51065 Köln 

Tel +49 (0) 221 6 087 038 

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Vertreter Fachhandel 

Michael Klein 

c/o Vertreterbüro Würzburg 

Huebergasse 1, D 97070 Würzburg 

Tel +49 (0) 931 17 405 

Fax +49 (0)931 17 410 

klein@vertreterbuero-wuerzburg.de 

Berlin, Brandenburg 

Mecklenburg-Vorpommern, 

Sachsen, Thüringen 

Peter Jastrow, Jan Reuter, 

Bettina Seifert 

c/o Jastrow+Seifert+Reuter 

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Mail: service@buchart.org 

Hamburg, Schleswig-Holstein 

Bremen, Niedersachsen, 

Bettina Seifert, Peter Jastrow 

c/o Jastrow+Seifert+Reuter 

Adresse siehe oben 

Gebiet West 

Thomas Rittig 

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