Musiker Magazin 1/2018

C 10973 F | N o 1/2018 | 3,00 Euro
Kulturzeitschrift für Rock & Pop Musiker
www.musiker-online.tv
Miss Allie
Mut zur deutschen
Sprache
LEBENDIG
Ehrlicher, bodenständiger
Deutsch-Pop
Die Historie
der Rock- & Popmusik:
CREAM
Der zeitlose Klassiker
LEISE
IST DAS NEUE LAUT
36. Deutscher
Rock & Pop
Preis 2018
Am 8. Dezember
in der Siegerlandhalle,
Siegen
TOKUNBO

Angebot
❶ Studiosendung
Zur CD-Veröffentlichung oder einfach so – wir
produzieren mit euch eine komplette Studiosendung
wie in den goldenen Zeiten des Musik -
fernsehens. Mit Auftritt zu Playback (unplugged
und live auch möglich) und Interview.
(30 – 40 Minuten Videoclip)
➜ 500 Euro
+ Eine Seite Interview und Foto
im Musiker Magazin (Auflage 20 000 Exemplare)
➜ 1 000 Euro
+ Zwei Seiten Interview und Foto
im Musiker Magazin (Auflage 20 000 Exemplare)
➜ 1 500 Euro
Die Vorteile im Überblick:
❷ CD-Hearing /
Interview für
Promozwecke in
einem unserer
Filmstudios
Wir reden mit euch über euer Album, hören hinein
und stellen es vor!
Oder es geht einfach um euch als Band / Einzel -
künstler und euer musikalisches Schaffen.
(30 Minuten)
+ Halbe Seite Interview und Foto
im Musiker Magazin (Auflage 20 000 Exemplare)
➜ 500 Euro
• voll ausgestattetes Filmstudio mit Live-Charakter
• aufgezeichnet wird mit bis zu vier professionellen Kameras
• ihr bestimmt die Inhalte, wir setzen sie in Szene
• bei Bedarf inklusive Visagistin, die dafür sorgt, dass ihr gut ausseht
• Interview mit professioneller Moderatorin (Angebot 1 + 2)
• Konzertbühne (8 m x 4 m) mit Licht, PA und Backline vorhanden*
• ein großer Bildschirm (2 m x 1 m) im Studio steht euch als eure persönliche Werbefläche zur
Verfügung – hier können wir euer Logo, das Albumcover, Werbung von Firmen oder sonstige Grafiken
einbauen
• ein gut eingespieltes Team vor Ort kümmert sich um alle Belange
• ihr bekommt eine geschnittene Sendung von RockTV inklusive Intro, animierten Bauchbinden und
Abspann
• auf Wunsch stellen wir das Video on-demand auf unserem YouTube-Kanal und sozialen Netzwerken
zur Verfügung für noch mehr Reichweite
❸ Aufzeichnung
Live-Konzert
Ihr braucht ein professionelles Live-Video, um
euch für Konzerte zu bewerben?
Kommt in unser Rock-TV-Studio!
(30 Minuten Videoclip)
➜ 1 000 Euro
★ Unser
Film-Team ist
auch mobil!
Ob Festivalmitschnitt oder Proberaumdreh,
drinnen oder draußen.
Wir kommen mit dem Ü-Wagen vorbei, um
mit bis zu vier festen (!) Kameras aufzuzeichnen.
Auf Anfrage machen wir euch gern ein
© KZENON/FOTOLIA
* Für einen perfekten und professionellen Sound empfehlen wir einen Auftritt mit Vollplayback (Liveund
auch Unplugged-Auftritte sind aber möglich und der Ton kann gegen einen geringen Aufpreis
nachträglich von uns abgemischt werden).
Kulturelles Jugendbildungswerk e.V. – RockTV | Kolberger Str. 30 | 21339 Lüneburg
Web. www.musiker-online.tv | Mail. info@musikermagazin.de | Fon. +49(0)4131-233030 | Fax. +49(0)4131-2330315

EDITORIAL 03
ANGLEICHUNG DER MITGLIEDERBEITRÄGE UND
SONDERLEISTUNGSGEBÜHREN DES
DEUTSCHEN ROCK & POP MUSIKERVERBANDES E.V.
Außerordentliche Mitgliederversammlung des DRMV e. V.
am Montag, den 28. März 2018 um 14.00 Uhr in der Geschäftsstelle des DRMV
Liebe Mitglieder im Deutschen Rock & Pop Musikerverband e. V.
Seit nunmehr 18 Jahren, also seit dem Jahre 2000 bis heute 2018,
haben wir ständig und umfangreich unsere Leistungen für unsere
Mitglieder massiv erweitert. So haben wir ab 2009 einen täglichen abendlichen
Telefonberatungsdienst (Mailanmeldung) von 18:30 Uhr bis
21:30 Uhr eingerichtet, in dem wir umfangreiche Rechts- und Fachberatungen
für alle Themen wie GEMA, GVL, KSK, Public Relations, Selbst-Mana -
gement von Musikgruppen und Interpreten, Produzenten- und Studio -
arbeit, Mail-Marketing, Booking, Gründung und Aufbau eines Labels,
eines Musik verlages, einer Konzertdirektion und Konzertagentur, digitaler
Vertrieb von Musik, GEMA-Gesamtverträge, CD-Produktion,
Copyright-Bibliothek, Titel- und Namensschutz u. v. m. anbieten.
Diese umfangreichen Beratungsangebote durch einen Musiker ver -
band sind in Deutschland nicht nur einmalig, sondern im Vergleich zu
kommerziellen Angeboten auch äußerst preiswert.
In den 36 Jahren unseres Bestehens haben wir so gut es irgend ging sparsam
und schuldenfrei gewirtschaftet und unsere Mitarbeiter mit bescheidenen
Gehältern bezahlt. Die Mitgliedsbeiträge wurden seit 2000 bis heute in
2018 nicht erhöht, obwohl seitdem – bedingt durch die jährliche Inflations -
rate –der Verbraucherpreisindex bis heute um ca. 23 % gestiegen ist.
Das stellt in diesen 18 Jahren für uns einen enormen Wertverlust und eine
enorme Teuerungsrate dar, da sich seit 2000 fast sämtliche Kosten und
Aus gaben um bis zu 25 % erhöht haben.
Es geht bei dieser Anhebung der Beiträge also ausdrücklich nur um den
Ausgleich der Inflationsrate seit 2000. Diese Angleichungen, die wir sehr
genau berechnet haben, würden dann, wenn die Mitglieder des Deutschen
Rock & Pop Musikerverbandes e. V. mit Mehrheit diesem Antrag zustimmen,
zu folgenden angeglichenen Mitgliedsbeiträgen führen:
A: JAHRES-MITGLIEDSCHAFT:
➜
➜
➜
➜
➜
Einzelmitglieder: 100 Euro statt bisher 76 Euro
Komplette Musikgruppen: 130 Euro statt bisher 100 Euro
Vereine/Initiativen: 170 Euro statt bisher 130 Euro
Firmen (Labels, Musikverlage, Konzertagenturen etc.): 250 Euro statt
bisher 200 Euro
Fördernde Mitglieder: 70 Euro statt bisher 55 Euro
(keine Leistungen, nur Zusendung von allgemeinen Informationen und
des Musiker Magazins)
B: JAHRES-PREMIUM-MITGLIEDSCHAFT:
➜
➜
➜
➜
Premium-Mitgliedschaft Einzelmitglieder: 200 Euro statt 150 Euro
Premium-Mitgliedschaft Musikgruppe: 250 Euro statt 200 Euro
Premium-Mitgliedschaft Vereine/Initiativen: 300 Euro statt 250 Euro
Premium-Mitgliedschaft Firmen (Labels, Musikverlage, Konzert agenturen
etc.): 300 Euro
Um auch in Zukunft ohne Schulden und Überschuldung existieren zu
können, müssen wir eine außerordentliche Mitgliederversammlung
ein berufen mit dem Antrag, über eine Inflations-Angleichung (nicht Ver -
teue rung) unserer Mitgliedsbeiträge zu diskutierten und darüber abzustimmen.
Wie bisher in den 36 Jahren unserer Existenz können all die Mit -
glieder, die nicht nach Lüneburg zur angesetzten Mitgliederversammlung
kommen können, auf dem Wege einer Mitglieder-Urabstimmung auch
schriftlich abstimmen.
Auf Antrag mit Nachweisen können Hartz-IV-Empfänger auf die Bei -
träge einen Nachlass von 30 % beantragen.
Eine Übersicht der zukünftigen Mitgliederleistungen findet ihr online unter:
www.musiker-online.com/angleichung-der-mitgliederbeitraege-undsonderleistungsgebuehren-des-drmv
TEXT: OLE SEELENEMYER
1/2018 musiker MAGAZIN

10 FESTIVAL
35. DEUTSCHER
ROCK & POP PREIS 2017
Vor 35 Jahren begann alles mit einer kleinen Idee, kombiniert mit einem großen Traum:
Der Traum, Musiker aus ganz Deutschland für ihre wunderbare Musik zu ehren – wie
unterschiedlich sie auch sein mochte. Und zwar nicht, wie üblich, die Großen,
Berühmten, zu denen alle aufsehen und die mit Preisen und Anerkennung nur so überschüttet
werden. Nein – vielmehr diejenigen, die bloß aus purer Leidenschaft spielen –
denen nicht so viele zuhören – obwohl sie es ohne Frage mehr als verdient hätten …
Und so entwickelte sich der Deutsche Rock
& Pop Preis, der am 09.12.2017 in der Sieger -
landhalle in Siegen sein 35. Jubiläum feiern
durfte – und auch so einige Rekorde. Trotz des
tiefen Winters, der sich beinahe unerwartet über
Deutschland legte, schafften es über 1 000 zu -
meist Musikerinnen und Musiker aus allen Teilen
Deutschlands durch das Schneetreiben in die
Siegerlandhalle. Auch die 16 Juroren waren
mehr als bereit, endlich die insgesamt 90 Acts
und Solokünstler anzuhören.
Von diesen 90 schafften es immerhin 88, mehr
oder weniger pünktlich einzutreffen, um ihren
Auf tritt zu machen – und der ein oder andere
auch, um sich verschiedene Preise abzuholen.
Von ein bisschen Schnee ließen die Teilnehmer
sich diesen besonderen Tag also nicht so schnell
vermiesen.
Das große Festival wurde eröffnet durch den
Sprecher des Deutschen Rock & Pop Musiker -
verbandes e.V., Ole Seelenmeyer, der die Ver -
an staltung, bei der übrigens auch schon Künst ler
wie Pur, Juli, Luxuslärm und KLIMA ihre mu -
sikalische Karriere begannen, vor 35 Jahren ins
Leben gerufen hatte.
„Genau wie die große Grammyverleihung in
den USA – nur eben kleiner.“ – So sollte der
Deutsche Rock & Pop Preis sein und ist es
auch geworden.
Insgesamt werden Preise in über 125 Mu sik -
genres verliehen, wobei nicht nur Musik grup pen,
Musikerinnen und Musiker, Komponisten und
Texter, sondern auch Produzenten, CD-Cover -
gestalter, Instrumentalisten, Filmmusiker usw.
in die Preisverleihungen einbezogen werden.
Die Veranstaltung begann dieses Jahr schon
um 12:30 Uhr, nicht wie gewohnt um 14 Uhr, da
es, wie schon erwähnt, 90 Live-Acts gab, die in
den Hauptkategorien antraten, d. h. im Laufe des
Tages alle noch auf der Bühne stehen sollten.
Bürgermeister der Stadt Siegen, Herr Mues,
sprach vor Beginn der Kulturveranstaltung ein
Grußwort, mit dem er dieses Festival feierlich

11
eröffnete. Dabei teilte er den Künstlerinnen und
Künstlern mit, dass er diese Veranstaltung
deutsch landweit für einzigartig halte, da jedes
Jahr Hunderte Musikerinnen und Musiker aus
ganz Deutschland ins Siegerland reisten, um ihre
gemeinsame Leidenschaft zu teilen und sich den
ganzen Tag mit den unterschiedlichsten Mu sik -
stilen zu befassen. Die Siegerlandhalle der
Stadt Siegen ist nun übrigens in 2018 schon
zum 5. Mal Veranstaltungsort und Gastgeber des
Deutschen Rock & Pop Preises.
Nach der Eröffnung ging es gleich los mit der
ersten Kategorie: Pop.
Es ist immer noch schwer vorzustellen, dass
es tatsächlich funktioniert. Aber dank der top
organisierten Tontechniker von bst und natürlich
auch der Musiker selbst standen die Bands
und Künstler im 5-Minuten-Takt auf der Bühne.
Während der kurzen Umbauzeiten gab es immer
wieder ein paar interessante Infor ma tio nen über
den Act, der da gerade auf die Bühne kam,
durch die Festival-Moderatoren Steff Heinken,
John Silver und Alina Sebastian.
Dann konnte es losgehen. Die Künstler leben
und sterben auf der Bühne mit oft weiter Ent -
fer nung von ihrem Ruhepuls. Sie befinden sich
in einem Adrenalin-Rausch und wollen am
Lieb sten gar nicht mehr von der großen Bühne
herunter.
„Das ist es.“ Ein Satz, den man als Mo de rator
oft zu hören bekommt. Seine eigene Musik auf
einer riesigen Bühne präsentieren und ein großes
Publikum, dass alle Augen und Ohren nur
auf dich gerichtet hat. Wie unterschiedlich die
Musik und die Musiker auch sein mögen – in
diesem Punkt sind sich viele doch sehr ähnlich.
Wie große Künstler schon in ihren Hits
sangen, z. B. Lady Gaga: „I live of the applause“,
DIE HAUPTGEWINNER:
• DAREMO
FACEBOOK.COM/DAREMOMUSIC
• DI MARI
WWW.DIMARI-MUSIK.DE
• SCHRAUBENYETI
SCHRAUBENYETI.DE
• STEFANIE BLACK
WWW.STEFANIEBLACK.DE
• PASSWORD MONKEY
PASSWORDMONKEY.DE
• A SCAR FOR AMY
FACEBOOK.COM/A-SCAR-FOR-AMY
• DANNY WUENSCHEL
DANNYWUENSCHEL.COM
• JAYWALK
WWW.JAYWALK.DE
genau so ist es auch bei den „kleinen“ Künst lern,
von denen jeder einzelne in der Sieger landhalle
ganz groß ist.
Zwischen den insgesamt 7 Hauptka te gorien
gab es immer kurze Pausen, in denen auch die
Fachjury Zeit hatte, sich noch mal zu sortieren.
Und so klang die Musik aus der Halle von 13
bis fast 22 Uhr. Dann war es aber noch lange nicht
vorbei. Denn dann kam das große Finale! Alle
anwesenden Künstler wurden mit den unterschiedlichsten
Preisen ausgezeichnet. Die Preis -
ver leihung war ein besonderer und aufregender
Moment. Zunächst wurden alle ca. 250 Nominierten
der Neben- und Sonder kate gorien auf die
große Bühne gerufen. Von dort aus traten sie
nach vorne und holten sich feierlich ihre Ur kun -
den ab. Ein wirklich außergewöhnliches Bild.
Anschließend folgte die Preisverleihung für die
Hauptkategorien, also die Acts, die an diesem
Samstag auch auf der Bühne standen. Viele hatten
ihre Fans mitgebracht, die schon den ganzen
Tag die Daumen drückten, dass ihre Lieb lings -
band unter den ersten Dreien war. Und dann wurden
sie vergeben: die Urkunden und Rock -
Oscars für die großen Stars an diesem Abend.
Aber fest steht: Jeder ist hier ein Gewinner.
Die Liste aller Preisträger findet ihr online:
WWW.MUSIKER-ONLINE.COM/DEUTSCHER-
ROCK-POP-PREIS-2017-GEWINNER/

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Diese Kulturveranstaltung bietet den Men -
schen aus der Musikbranche die Möglichkeit,
sich auszutauschen, neue Erfahrungen zu ge -
winnen und sich inspirieren zu lassen. Der Er -
folg des Festivals und seine bundesweit große
Medienresonanz in den dortigen regionalen
Tages zeitungen ist immer wieder aufs Neue
über raschend. Die Auszeichnungen haben unter
den Musikern einen großen Stellenwert und
viele nehmen auch im Folgejahr teil.
Abschließend kann man sagen, dass der 35.
Deutsche Rock & Pop Preis 2017 außergewöhnlich
war. Es war eine Veranstaltung der
Superlative. Die Leidenschaft zur Musik lag den
ganzen Tag in der Luft und verlieh einen be -
sonderen Flair. Rückblickend beinahe perfekt.
DANKSAGUNG
Der Deutsche Rock & Pop Musikerverband e.V. und die Deut sche Popstiftung
möchten sich als Veranstalter des 35. Deutschen Rock & Pop Preises 2017 bei dem
Bürgermeister der Stadt Siegen, Herrn Steffen Mues, beim gesamten Team der Sieger -
landhalle, bei Herrn Matthias Becker und der Firma „bst – für Veranstaltungen“, bei allen
Helfern und Juroren, bei allen Technikern und Mode ra toren, bei den Musikgruppen und
Sänger/-innen für ihren ehrenamtlichen Einsatz an diesem Kultur festival sowie bei allen
Spon soren und unterstützenden Firmen bedanken.
Dieses Kulturfestival wurde wie in den Jahren zuvor durch die beteiligten Teil nehme -
rinnen und Teilnehmer an diesem Festival, durch die Mitglieder des Deutschen Rock &
Pop Musiker ver ban des und die Deutsche Popstiftung finanziert. Damit handelt es sich
bei dieser großen Kulturveranstaltung im jugend kulturellen Bereich der Rock- und Pop musik
um das einzige bundesweite Festi val, das von Musikern, Kompo nisten, Tex tern für junge,
kreative Nachwuchs musiker aus ideellen Gründen und ohne irgendeinen kommerziellen
Hintergrund getragen und or ga nisiert wurde.
JURY
Rogelio Azcarate Fernandez, Franziska Bub,
Prof. Dr. Bernd Giezek, Joachim Griebe,
Dr. Nicole Hirschmann, Linda Jäger, Carsten Kaiser,
Peter Kalff, Lothar Krell, Julia Neigel,
Johannes Nolden, André Scherzer, Thorsten Schmidt,
Lutz Sommer und Mike van Summeren
MODERATION
Steff Heinken, John Silver, Alina Sebastian und Alex Jeanne (Backstagemoderation)
Das Team des Deutschen Rock & Pop Preises
bedankt sich von ganzem Herzen bei allen, die
das Event so möglich gemacht haben !
Jetzt kann man sich übrigens wieder für den
nächsten 36. Deutschen Rock & Pop Preis
2018 bewerben.
ANMELDEFORMULARE: IM HEFT (S.13/14)
ONLINE: WWW.MUSIKER-ONLINE.TV
TEXT: ALINA SEBASTIAN
FOTOS: LUDWIG CZAPLA – FOTOKNIPS.DE
TECHNIK
VIDEOAUFZEICHNUNG: Ronja Rabe, Thomas Eggers, Philipp Netzlaff,
Victor Schlinke, Evita Fechner, Marie Sophie Koop, Sven König, Timo Ritter, Nico Rüter
LEINWANDPRODUKTION: Sandra „Joey“ Peters, Pascal Ritter
VERANSTALTUNGSTECHNIK: bst – für Veranstaltungen – bst.de
FOTOS: Ludwig Czapla – www.fotoknips.de
MITARBEITER UND HELFER
Katja Rake, Ronja Rabe, Hinrich Vogt, Ana Seelenmeyer, Jana Nawroth, Jan Bockelmann,
Yogarajah Garthigeyan, Thanushanth Anandarajah, Alex Bähnk, Niklas Bähnk,
Florian Eggers, Daniel Gebauer, Jan Kalus, Jesse Kalus, Michaela Kompalla, Nadja Mai-Reis,
Jana Moysich, Heike Müller, Till Münster, Hendrik Pain, Franziska Schulz, Kerstin Schulz,
Florian Stachowski, Erik Teichmann, Jana Wagner, Jonas Wilcken, Ole Seelenmeyer u.v.a.

ANMELDUNG
36. DEUTSCHER ROCK & POP PREIS 2018
Hiermit melde ich mich/uns für den Deutschen Rock & Pop Preis 2018 an.
FESTIVAL 13
Band/Künstler/-in: .........................................................
Ansprechpartner/-in: ......................................................
Straße: ..........................................................................
PLZ Ort: ........................................................................
Bundesland: ..................................................................
Tel.: ...............................................................................
Mobil: ............................................................................
Fax: ....................................................................................
E-Mail: ................................................................................
Internet: ..............................................................................
DRMV-Mitgl.-Nr.: ................................................................
GEMA-Mitglied?: ❑ nein ❑ ja:
❑ angeschl. ❑ außerord. ❑ ordentlich
Anmeldungen in mehreren Sparten sind möglich.
Anmeldegebühr pro Musiksparte: EUR 20,– DRMV-Mitglieder /EUR 30,– DRMV-Nichtmitglieder
Die Anmeldegebühren in Höhe von EUR ............ ❑ in bar beigelegt ❑ als Scheck beigelegt ❑ per Überweisung
Bankverbindung: Deutsche Popstiftung, Postbank Hamburg, IBAN: DE08 2001 0020 0964 2792 08, BIC: PBNKDEFF
Dieses Anmeldeformular, CD und Bewerbungsgebühr bitte spätestens bis 15. Juli 2018 an:
Deutsche Popstiftung, Bewerbung 2018, Kolberger Str. 30, 21339 Lüneburg
Teilnahmegebühr: EUR 150,– je Sparte bei Auswahl durch die Bundesjury.
(Kostenlos: 50 Festival-Eintrittskarten im Wert von EUR 1.000,– für eigene Gäste/Fans)
36. DEUTSCHER ROCK & POP PREIS 2018: HAUPTKATEGORIEN
Bitte gewünschte Musiksparte(n) ankreuzen und CD (pro Sparte eine CD!) beilegen! Der jeweils 1. Song wird gewertet!
❑ 1
❑ 2
❑ 3
❑ 4
❑ 5
❑ 6
❑ 7
❑ 8
Deutscher Rock Preis (beste Rock-Band)
Deutscher Pop Preis (beste Pop-Band)
Deutscher Hard Rock Preis (beste Hard’n’Heavy-Band)
Deutscher Funk & Soul Preis (beste Funk/Soul-Band)
Deutscher Alternative Preis (beste Alternative-Band)
Deutscher Singer-Songwriter Preis (beste(r) Solosänger(in) – Wertung: Eigenkomposition und Stimme)
Deutscher Singer Preis (beste(r) Solosänger(in) – Wertung: Stimme)
Deutscher Country Preis (beste Country-Band)
Die durch die Jury ausgewählten Teilnehmer der Hauptkategorien präsentieren sich am 8. Dezember 2018
im Finale auf der Hauptbühne der Siegerlandhalle in Siegen mit jeweils einem Song (maximale Länge: 4 Minuten).
36. DEUTSCHER ROCK & POP PREIS 2018: SONDERKATEGORIEN
❑ 9
Beste Filmmusik
❑ 18
Beste Tranceband
❑ 26
Beste A-Capella-Band
❑ 10 Bestes Kinderlieder-Album
❑ 11 Beste Experimentalband
❑ 12 Beste Fusionband
❑ 13 Beste Hardcoreband
❑ 14 Beste Industrialband
❑ 15 Beste Progressivband
❑ 16 Beste Skaband
❑ 19
❑ 20
❑ 21
❑ 22
❑ 23
❑ 24
Beste Electronic-Band
Bester Electronic-Interpret
Bestes Dancehall-Album
Beste Elektropopband
Bestes traditionelles Blues-Album
Beste Rock’n’Roll/Rockabillyband
❑ 27
❑ 28
❑ 29
❑ 30
❑ 31
❑ 32
Beste Fusion-Jazz-Rockband
Beste Punkband
Beste Gothic/Wave-Band
Beste Schlagersängerin
Bester Schlagersänger
Bestes Weltmusikalbum
❑ 17
Beste New-Metal-Band
❑ 25
Beste Cover/Revivalband
❑ 33
Bestes Hip-Hop-Album
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1/2018 musiker MAGAZIN

14 FESTIVAL
Bitte gewünschte Musiksparte(n) ankreuzen und CD (pro Sparte eine CD!) beilegen! Der jeweils 1. Song wird gewertet!
BEREICH ROCK:
❑ 34 Beste Rocksängerin
❑ 35 Bester Rocksänger
❑ 36 Bester Rocksong
❑ 37 Bestes Rockalbum
BEREICH POP:
❑ 38 Beste Popsängerin
❑ 39 Bester Popsänger
❑ 40 Bester Popsong
❑ 41 Bestes Popalbum
BEREICH FUNK & SOUL:
❑ 42 Beste Funk-&-Soul-Sängerin
❑ 43 Bester Funk-&-Soul-Sänger
❑ 44 Bester Funk-&-Soul-Song
❑ 45 Bestes Funk-&-Soul-Album
BEREICH HARD ROCK:
❑ 46 Beste Hard-Rock-Sängerin
❑ 47 Bester Hard-Rock-Sänger
❑ 48 Bester Hard-Rock-Song
❑ 49 Bestes Hard-Rock-Album
BEREICH METAL:
❑ 50 Beste Metal-Sängerin
❑ 51 Bester Metal-Sänger
❑ 52 Beste Metal-Band
❑ 53 Bester Metal-Song
❑ 54 Bestes Metal-Album
BEREICH JAZZ-ROCK:
❑ 55 Beste Jazz-Rock-Sängerin
❑ 56 Bester Jazz-Rock-Sänger
❑ 57 Beste Jazz-Rock-Band
❑ 58 Bester Jazz-Rock-Song
❑ 59 Bestes Jazz-Rock-Album
BEREICH ALTERNATIV:
❑ 60 Beste Alternativ-Sängerin
❑ 61 Bester Alternativ-Sänger
❑ 62 Bester Alternativ-Song
❑ 63 Bestes Alternativ-Album
BEREICH NEW AGE:
❑ 64 Beste New-Age-Band
❑ 65 Bester New-Age-Song
❑ 66 Bestes New-Age-Album
BEREICH RHYTHM & BLUES:
❑ 67 Beste Rhythm-&-Blues-Sängerin
❑ 68 Bester Rhythm-&-Blues-Sänger
❑ 69 Beste Rhythm-&-Blues-Band
❑ 70 Bester Rhythm-&-Blues-Song
❑ 71 Bestes Rhythm-&-Blues-Album
BEREICH REGGAE:
❑ 72 Beste Reggae-Sängerin
❑ 73 Bester Reggae-Sänger
❑ 74 Beste Reggae-Band
❑ 75 Bestes Reggae-Album
BEREICH LATIN-POP:
❑ 76 Beste Latin-Pop-Sängerin
❑ 77 Bester Latin-Pop-Sänger
❑ 78 Beste Latin-Pop-Band
❑ 79 Bester Latin-Pop-Song
❑ 80 Bestes Latin-Pop-Album
BEREICH FOLKROCK:
❑ 81 Beste Folkrocksängerin
❑ 82 Bester Folkrocksänger
❑ 83 Beste Folkrockband
❑ 84 Bester Folkrocksong
❑ 85 Bestes Folkrockalbum
BEREICH COUNTRY:
❑ 86 Beste Country-Sängerin
❑ 87 Bester Country-Sänger
❑ 88 Bester Country-Song
❑ 89 Bestes Country-Album
BEREICH GOSPEL:
❑ 90 Beste Gospel-Sängerin
❑ 91 Bester Gospel-Sänger
❑ 92 Beste Gospelgruppe
❑ 93 Bester Gospel-Song
❑ 94 Bestes Gospel-Album
BEREICH MUSICAL:
❑ 95 Beste Musicalsängerin
❑ 96 Bester Musicalsänger
❑ 97 Bestes Musicalalbum
Die durch die Jury nominierten Preisträger aller Sonderkategorien werden am 8. Dezember 2018
auf der Hauptbühne der Siegerlandhalle in Siegen bekanntgegeben.
Die Anmeldeformulare können auch unter www.musiker-online.tv heruntergeladen werden.
MUSIKBUSINESS:
❑ 98 Bestes Rock-/Pop-Tonstudio (Preis-Leistungs-Verhältnis)
Bew.: CD, Studioausstattung, Mietpreis etc.
❑ 99 Bestes kreatives Independent-Label (Rock & Pop)
Bew.: Produktionsübersicht (CD), Vertriebswege etc.
❑ 100 Bester Independent Musikverlag (Rock & Pop)
Bew.: Künstlerübersicht, Vermarktungsstrategie etc.
❑ 101 Beste Booking-Agentur (Rock & Pop)
Bew.: Künstler-, Konzert- und Tourneeübersicht
❑ 102 Erfolgreicher Musikmanager (Rock & Pop)
Bew.: Künstler- und Vermarktungsunterlagen
❑ 103 Erfolgreicher Musikproduzent (Rock & Pop)
Bew.: Künstler- und Produktionsangaben, CD
❑ 104 Kulturpreis für die Förderung der Rock- & Popmusik
in Deutschland
Bew.: Auf Empfehlung – keine Gebühren fällig!
MUSIKPRODUKTION:
❑ 105 Bester neuer Rock- und Popkünstler des Jahres
❑ 106 Bestes CD-Album des Jahres (deutschsprachig)
❑ 107
❑ 108
❑ 109
❑ 110
❑ 111
❑ 112
❑ 113
❑ 114
❑ 115
❑ 116
❑ 117
Bestes CD-Album des Jahres (englischsprachig)
Bester Song des Jahres (deutschsprachig)
Bester Song des Jahres (englischsprachig)
Beste Studioaufnahme des Jahres
Beste Single des Jahres
Bestes Musikvideo
Beste Komposition
Bester deutscher Text
Bestes Booklet und Inlaycard
Beste Instrumentalband
Bestes Instrumentalalbum
INSTRUMENTALISTEN:
Bester Instrumentalsolist
Bester Gitarrist
Bester Keyboarder
Bester Schlagzeuger
Bester Bassist
Bester Percussionist
Bestes Arrangement
Bestes Blasinstrument
❑ 118
❑ 119
❑ 120
❑ 121
❑ 122
❑ 123
❑ 124
❑ 125
musiker MAGAZIN 1/2018
EINSENDESCHLUSS: 15. JULI 2018
✁

STORIES 15
MM: Dein Album heißt „Mein Herz und die
Toilette“. Verrate uns doch erst einmal die
Ge schichte hinter diesem ungewöhnlichen
Namen.
MISS ALLIE: Mein Herz entschied sich eines Tages,
mir den Mittelfinger zu zeigen und ins Klo zu sprin -
gen. Ich denke, es hatte meine dummen Gefühls -
verwirrungen im Bezug auf einfach nicht so nette
Männer satt. Ich sprang hinterher, um es wieder
herauszuholen, doch die Weiten der Kanalisation
sind sehr verwirrend. So irrte ich in dunklen
Schäch ten und durch stinkende Gegenden, bis
ein gelbes Pferd mit lila Punkten mich an seiner
Mähne aus Musik aus der Scheiße fischte. Seit -
dem reiten wir beide durch die Welt und erleben
Abenteuer. Das Herz sitzt derweil immer noch in
der Toilette und schmollt.
MUT ZUR DEUTSCHEN
SPRACHE
MM: Deine Songs sind sehr persönlich, gleich -
zeitig aber mit viel Witz gespickt. Ist das
Selbst schutz oder rein dem Unterhaltungs -
wert zuzuschreiben?
MISS ALLIE: Auf meinem ersten Album „This Is
Why!“ habe ich über sehr schwierige Themen,
wie häusliche Gewalt, Tod, Parentifizierung, Angst
und andere Dinge, die mich sehr beschäftigen
und be rühren, auf Englisch geschrieben. Die
Sprache half mir, diese Themen zu schönen
Songs zu verarbeiten, da sie nicht jeder hier in
Deutschland sofort und ganz versteht. Ich konnte
mir jedoch nicht vorstellen, diese Themen auf
Deutsch zu singen. Das wäre zu herzzerreißend,
leidend und direkt. Ich hätte mich irgendwie
schutzlos und nackt gefühlt. So entwickelte ich
meinen ganz eigenen Stil, die Themen, die mich
beschäftigen, in meiner Muttersprache zu singen,
und das geht oft einher mit einer ordentlichen
Portion Humor. Ich hatte schon sehr früh den
Hang – in meinen Tagebüchern zum Bei spiel –,
alles Schwierige und Ernste in meinem Kopf
umzudrehen und es aus einem selbstironischen
Blickwinkel zu betrachten.
MM: Auch Sexismus wird in einem Song zum
Thema. Auch wenn dein Song sich mit All -
tags situationen beschäftigt, fehlt eine Sexis -
mus-Debatte in der Musikindustrie?
MISS ALLIE: Fehlen ist das falsche Wort. Es gibt
eine Sexismus-Debatte, jedoch ist sie nicht sehr
laut. Aus meinem ganz persönlichen Gefühl heraus
gibt es ca. 90 % Männer und 10 % Frauen,
die aktiv in der Musikindustrie agieren. Wir Frauen
sind in jedem Fall deutlich in der Unterzahl.
MM: Hast du diskriminierende Erfahrungen
schon selbst erlebt?
Vor ein paar Jahren ist Miss Allie in australischen
Pubs mit Coversongs aufgetreten.
Heute singt sie vor allem auf Deutsch und nimmt
alltäglich Situationen mit viel Humor aufs Korn.
Warum sich manche Themen trotzdem
besser auf Englisch besingen lassen, hat sie uns
im Interview erzählt. Außerdem berichtet die
27-jährige Sängerin, wie es ist, sich als Frau den
Weg in die Musikbranche zu erarbeiten.
1/2018 musiker MAGAZIN

16 STORIES
»Die Sprache ist wie ein
Schutzschild, hinter dem
sich die sensiblen
Botschaften, Geschichten
und Gefühle verstecken.«
anknipsten als die Englischen. Und das Gefühl,
dass die Leute mir ihre volle Aufmerksamkeit
schenken, überrascht, belustigt und fröhlich sind,
war und ist einfach toll. So traute ich mich immer
öfter, die deutschen Songs zu singen. Und nun
ist also mein zweites Album ein deutsches Satire-
Pop-Album geworden und ich bin megahappy
mit dem Ergebnis.
MISS ALLIE: Ich habe eine gewisse Zeit ge braucht,
um so selbstbewusst und mit Stolz ge schwellter
Brust wie heute durch diese Männer domäne zu
wandern. Damals im Musikkurs meines Studiums
wurde ich häufig ausgelacht. Heute stehe ich
mit meiner Musik regelmäßig auf der Bühne, be -
geistere Menschen und verdiene damit Geld. Zu
mir wurden schon ziemlich unnötig dumme Dinge
gesagt. „Weißt du überhaupt, wo man das Kabel
reinsteckt?!“, „Videoschnitt, Musikproduktion, Kon -
zerte geben ... Mensch, du könntest auch ein
Junge sein!“, „Du kleine Süße! Und jetzt zeigt dir
Papa mal, wie das geht!“
Das Schlimme ist, dass Männer oft nicht merken,
was für einen sexistischen Scheiß sie von
sich geben. Ich hab oft ne große Klappe, kloppe
dumme Scheiß-Sprüche zurück und lasse das
heute nicht mehr so nah an mich ran. Das hilft
auf jeden Fall, um als Frau nicht durchzudrehen
und sich durchzusetzen in der Branche.
MM: Deine beiden Alben unterscheiden sich
nicht nur durch die Sprache, sondern auch
in Stil und Klang. Wie erklärst du diese ge -
waltige Entwicklung?
MISS ALLIE: Mit englischen Songs habe ich
angefangen. Ich fand den Klang der Sprache
schon immer unglaublich schön. Ich schreibe
heute immer noch englische Songs – hier kann
ich mich einfach anders ausdrücken als im Deut -
schen. Die Sprache ist wie ein Schutzschild, hinter
dem sich die sensiblen Botschaften, Geschichten
und Gefühle verstecken.
Auf Deutsch fiel es mir immer äußerst schwer,
mein Herz so sehr zu öffnen wie im Englischen.
Mir fällt es schwer, mich auf der Bühne den
oben genannten Themen, hinzugeben in meiner
Mutter sprache – der Sprache, die hier jeder direkt
versteht. Daher entwickelte ich über die Jahre
meine ganz eigene Art, Themen die mich be schäf -
tigten, niederzuschreiben und auf der Bühne zu
präsentieren. Da steckt in fast jedem Song eine
ordentliche Portion Humor drin, dadurch verändert
sich meine Bühnenpräsenz und mein Gitarren -
spiel.
Ich merkte mit der Zeit, dass diese Songs die
Aufmerksamkeit des deutschen Publikums mehr
MM: In Australien bist du regelmäßig in
einem Pub aufgetreten. Wie eignen sich an -
getrunkene Aussies als Publikum?
MISS ALLIE: Ich hatte 2012 meinen ersten be -
zahlten Auftritt in einem Tasmanischen Pub. Ich
konnte nur eine Hand voll Songs spielen zu dem
Zeitpunkt und war total nervös. Ich probte, bis
meine Finger bluteten, um dann vor grölenden
Australiern in einem überfüllten Pub zu spielen.
Schnell merkte ich, dass in diesem Umfeld eigene,
unbekannte Songs nicht funktionieren. Also
lernte ich in der Zeit über 70 Cover-Songs und
wurde mit jedem Auftritt sicherer. Irgendwann
hatte ich den Dreh raus und feuerte die Leute so
sehr an, dass sie oft vor lauter Ausgelassenheit
mir das Mikrofon klauten, um lauthals mitzusingen.
Ein feierwütiges Völkchen.
MM: Durch soziale Netzwerke und günstige
Software sind die Einstiegsbarrieren in die
Musikbranche deutlich gesunken. Dafür ist
die Konkurrenz enorm groß. Wie nimmst du
das wahr?
MISS ALLIE: Die Veränderungen der Musik bran -
che waren zum Teil Thema in meiner Master -
arbeit und ich finde diese Entwicklung gut. Es ist
schön, dass so viele Menschen Musik machen
und mit der Welt teilen können. Nur so konnte
auch ich in dieser Branche Fuß fassen. Im Gegen -
satz zu früher hat jeder heute eine faire Chance.
Ich finde nur den Ansatz „Musik wie Leitungs -
wasser“ sehr fragwürdig. Leider gibt es so viele
Streaming- und Downloadportale, die einen Scheiß
an die Musiker bezahlen. Das finde ich nicht sonderlich
fair.
Und das mit der Konkurrenz sehe ich etwas
anders. Klar gibt es mehr Angebot und mehr
Musiker da draußen, die ein Business aus ihrer
Musik machen – aber hey – das sind zumeist
sehr coole Menschen, die ganz ähnliche Dinge
wollen wie man selbst. Ich finde, man sollte sich
von diesem Konkurrenz-Gedanken lösen und
sich eher darauf konzentrieren, dass das, was
man tut, einen selbst glücklich macht und dass
andere, die das Ähnliche machen, einen eher
beflügeln und helfen können auf dem eigenen
Weg.
»Es ist schön, dass so
viele Menschen
Musik machen und
mit der Welt teilen
können.
Ich finde nur den
Ansatz „Musik
wie Leitungs wasser“
sehr fragwürdig.
Leider gibt es so viele
Streaming- und
Downloadportale, die
einen Scheiß an
die Musiker bezahlen.
Das finde ich
nicht sonderlich fair.«
MM: Nun ist dein Album gerade veröffentlicht
und du spielst fleißig Konzerte. Feilst
du schon an deinen nächsten Plänen?
MISS ALLIE: Oh ja! Es hat sich einiges getan! Ich
werde dieses Jahr das erste Mal im Fernsehen
zu sehen sein. Ich bin stolz wie Bolle! Der WDR
hat mich in die Ladies Night eingeladen nach Köln.
Im September findet das Ganze statt. Gleich zeitig
stehe ich in Kontakt mit der TV-Produktionsfirma
BRAINPOOL und habe bei der Nightwash-Reihe
einen Kurzauftritt am 26.02. in Köln – daraus kann
sich noch viel entwickeln, wenn ich mich nicht
total blöd anstelle.
musiker MAGAZIN 1/2018

STORIES 17
MISS ALLIE
„Mein Herz und die Toilette“
VÖ: 14.02.2018
Debütalbum – „This Is Why!“
VÖ: 22.12.2016
WWW.MISSALLIEMUSIC.COM
WWW.FACEBOOK.COM/MISSALLIEMUSIC
Ich werde dieses Jahr mal kein Album veröffentlichen
und die Zeit nutzen, um mein Pro -
gramm „Mein Herz und die Toilette“ noch weiter
auszubauen, neue Songs zu schreiben und mein
Auftrittsgebiet vom Norden in den Süden Deutsch -
lands auszuweiten. Ich werde auf vielen Theater-
und Kulturbühnen kleinerer Orte spielen und hoffe,
dass ich dort gut ankomme. Wenn ich dieses
Jahr hart arbeite und all die Auftritte (v.a. die im
Fern sehen) gut verlaufen, dann kann 2019 ein echt
krasses Jahr werden. Ich freu mich auf jeden Fall
sehr drauf.
Ich versuche, dieses Jahr ein Team zusammen -
zustellen, das mir auf meinem weiteren Weg hilft.
Unterstützung beim Booking und der GEMA-Ab -
rechnung habe ich momentan schon ein bisschen.
Es fehlt noch ein lieber und guter Manager,
der mir einfach mit Rat und Tat zur Seite steht.
Das wäre so so so toll. Aber wir werden sehen,
was passiert. Buddha bei die Fische.
WEB: WWW.MISSALLIEMUSIC.COM
WWW.FACEBOOK.COM/MISSALLIEMUSIC
INTERVIEW: JANA MOYSICH
FOTOS: © WERBUNG UND DRUCK;
© MATHIAS SCHNEIDER
1/2018 musiker MAGAZIN

18 STORIES
SO KLASSISCH WIE CADILLAC –
SO MODERN WIE BATMAN
KURZPROFIL
BAND THE CONTINENTALS
GEBURTSJAHR 1980
HEIMATSTADT MÜNCHEN
Sie sorgen dafür, dass der Rock ’n’ Roll nicht ausstirbt:
Seit den frühen 80er-Jahren spielen The Continentals
Songs im Rockabilly-Sound und streuen auch eine
Prise Surf- und Country-Rock hinein. Sie finden: Früher
war nicht alles besser. Aber sie selbst jünger.
MM: Ihr seid ja schon alte Hasen im Rock -
geschäft. Viele meckern darüber, dass sich
der Musikmarkt negativ verändert. Wie seht
ihr das? Welche Neuerungen waren positiv,
welche eher schwierig?
THE CONTINENTALS: Besonders in unserer
Home base München konnten wir im Laufe der
Jahre ein intensives Club-Sterben mit all seinen
Folgen für die Live-Musik beobachten. Dafür gibt
es heute viel mehr Festivals in unserem Genre.
Wir haben Segen und Fluch der Digitalisierung
erlebt. Der CD-Verkauf ist nahezu komplett weggebrochen
– durch Streaming- und Download -
dienste bleiben bei der Band nur noch Null -
komma null-Beträge hängen. Auf der anderen
Seite erreichen Bands durch digitale Medien den
internationalen Markt und können mit sozialen
Medien ihren Fankreis besser aufbauen und be -
treuen. Auch bei der Studio- und Aufnahme tech nik
hat sich viel getan. So haben wir die letzten drei
CDs mit eigenem Equipment in unserem Probe -
raum aufgenommen und konnten kräftig bei den
Produktionskosten sparen. In der Videoproduk -
tion sieht es ähnlich aus – sie bleibt aufgrund der
technischen Entwicklungen nicht mehr nur den
großen Top Acts vorbehalten. Unser Fazit: Früher
war nicht alles besser – wir waren nur jünger.
MUSIKSTIL ROCK ’N’ ROLL & ROCKABILLY
WITH A TOUCH OF COUNTRY
DISKOGRAFIE 11 ALBEN PLUS DIVERSE
SINGLES UND
SAMPLERAUSKOPPLUNGEN
AKT. ALBUM THE CONTINENTALS „35“
VÖ. MAI 2017
SHOWS WEIT MEHR ALS 1000 GIGS IN
10 EUROPÄISCHEN LÄNDERN
EINSATZGEBIETE PARTIES, FESTE, CLUBS,
HALLEN, ARENEN, FESTIVALS,
OPEN AIRS, CAR & BIKE
MEETINGS ETC.
BANDMITGLIEDER
MIKE ROTH GESANG
ROLF PRÖPPER GITARRE
CHRIS STEPKEN PIANO, ORGEL & AKKORDEON
ANTON CURTHS BASS
THE CONTINENTALS
„35“
VÖ: 2017
WWW.FACEBOOK.COM/
THECONTINENTALS1980
musiker MAGAZIN 1/2018

MM: Mit eurem Rockabilly-Rock’n’Roll-Ge -
misch seid ihr seit mehr als 35 Jahren erfolg -
reich. Warum begeistern solche Rhythmen
nach wie vor die Leute?
THE CONTINENTALS: Diese Art von Musik ist Vor -
läufer der heutigen Rockmusik. Für unser Cross -
over-Gebräu aus Rock ’n’ Roll, Rockabilly, Country
und anderen Einflüssen wird es immer ein Plätz -
chen geben. Wir präsentieren unsere Songs mit
Herz, Härte und Leidenschaft. Egal, ob das gerade
zum Mainstream passt. Die Leute respektieren
das und haben Spaß dabei.
MM: Ihr habt auch Songs neuerer Hits z. B.
von Billy Idol oder Depeche Mode im 50er-
Jahre-Stil gecovert. Wolltet ihr so jüngeres
Publikum erreichen?
THE CONTINENTALS: Nein, es ist eher so, dass
manche dieser Songs unsere Jugend begleitet
haben und wir sie immer noch gut finden. So
picken wir uns von Zeit zu Zeit den einen oder
anderen Hit heraus und präsentieren ihn im
„neuen“ Old School Rock ’n’ Roll oder Rockabilly
Style. Das haben wir schon lange vor Sasha alias
Dick Brave oder den Baseballs getan.
MM: Euer Motto lautet „So klassisch wie
Cadillac – so modern wie Batman“. Nun ist
Batman ja auch nicht unbedingt modern.
Oder wie meint ihr das?
STORIES 19
Band in der Nacht von seinem Hotelbalkon direkt
auf unsere darunterliegende Terrasse kotzte.
MM: Nach mehr als 1 000 Gigs: Gibt es ein
bestes (oder auch schlimmstes) Konzert?
Was war daran das Tolle/Katastrophale?
THE CONTINENTALS: Eine Katastrophe war, als
uns das Publikum während eines Open-Air-Kon -
zerts bei einem unserer ersten Auftritte im Münch -
ner Theatron mit aus der Erde gerissenen Gras -
büscheln bewarf und den Auftritt der folgenden
Hippie-Band Guru Guru forderte. Toll dagegen war
der einwöchige Aufenthalt in Moskau, als wir zwei -
mal beim Interchance Festival vor 20 000 Russen
auftraten und während des gesamten Aufenthalts
von freundlichen Escort-Damen betreut wurden.
Es gäbe Bände zu schreiben, aber die meisten
Erlebnisse verliefen positiv.
MM: Andere Bands bringen zu Jubiläen Best-
Of-Sampler heraus; ihr hingegen habt ein
Al bum mit 13 neuen Songs rausgehauen
(Titel: „35“). Wieso?
THE CONTINENTALS: Das Rock’n’Roll-Publikum
liebt eigentlich Songs, die es bereits kennt. Trotz -
dem hatten wir seit den Anfängen in den 80er-
Jahren auch eigene Songs geschrieben und veröffentlicht.
Mit dem Jubiläumsalbum wollten wir
den aktuellen Stand der Dinge abbilden und nicht
auf Archivmaterial zurückgreifen.
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BLUESGITARRE
Andi Saitenhieb zeigt, wie’s geht!
THE CONTINENTALS: Die ersten Batman-Filme
kamen 1943 heraus. Der aktuellste Auftritt des
„schwarzen Ritters“ war aber gerade erst 2017.
Wir sind also auf der Höhe der Zeit. Unser Motto
steht für Tradition, Spirit und Treue zu dem, was
wir uns auf die Fahnen geschrieben haben.
MM: Im Laufe der Jahre wart ihr mit allerlei
Musikgrößen unterwegs, u. a. mit Wanda
Jackson und Bill Haley’s Comets. Plaudert
mal aus dem Nähkästchen: Könnt ihr ein
oder zwei lustige/denkwürdige Begeben hei -
ten erzählen?
THE CONTINENTALS: Mit Wanda Jackson verband
uns eine enge Beziehung. Dazu gehörte,
dass wir ihr heimlich Zigaretten besorgten, was
ihr Ehemann und Manager Wendell nie erfahren
durfte. Johnny Grande, der Pianist von Bill Haley’s
Comets, schwärmte begeistert von der Ge -
schichte, dass er als Beifahrer mit uns auf der
deutschen Autobahn bei Tempo 220 ein Polizei -
auto überholt hatte – unvorstellbar in seinem
Heimatland USA. Unvergessen auch, als wir in
Forli (Italien) spielten und uns ein schwer angetrunkenes
Mitglied einer britischen Rockabilly-
MM: Wird nach so langer Zeit Songschreiben
einfacher oder schwieriger? Inwiefern?
THE CONTINENTALS: Viele unserer Songideen
entstehen durch zufällige Eingebungen unter der
Dusche, beim Autofahren oder wenn Sänger Mike
Roth zu Hause auf der Ukulele schrammelt. Da
wir keinen Druck haben, erarbeiten wir die endgültigen
Arrangements gemeinsam in aller Ruhe.
Die Ergebnisse testen wir live und nehmen sie
irgendwann auf. Unsere Songs handeln überwiegend
von Autos, Motorrädern, Pferden und
Tattoos. Und natürlich von Frauen – aber nur,
wenn sie ein Auto, Motorrad, Pferd oder Tattoo
haben. Von daher sind die Themen gesetzt.
MM: Was habt ihr für die nächsten 35 Jahre
geplant?
THE CONTINENTALS: Wir machen genauso weiter
– es gibt keinen Plan B.
WEB: THE-CONTINENTALS-GERMANY.COM
INTERVIEW: JANINA HEINEMANN
FOTO: ANDREAS GEBERT
HINTERGRUND: ©MARIUSZ BLACH/FOTOLIA
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20 STORIES
HARDROCK MIT EINEM
HAUCH BLUES, DER ÜBER ALLES
ERHABEN IST!
MM: Euer großes Vorbild ist AC/DC. Was liebt
ihr an den Hardrock-Legenden?
STINGER: AC/DC haben sehr geprägt, aber auch
Status Quo, Rose Tattoo und die Stones haben
beeinflusst. An Bands, die so grooven, kommt
man nicht vorbei. Bei AC/DC lieben wir den
Minimalismus: Jeder Musiker wusste, wann er zu
spielen hat und wann nicht. Sie waren eine Band,
die sich nie verbogen hat. AC/DC sind für uns ein
Lebens gefühl: minimalistisch, exakt, schnörkellos,
brutal, direkt.
MM: Nun sind AC/DC ja ein großer Vergleich.
Warum seht ihr euch dennoch in den Fuß -
stapfen von Angus Young und Co.?
STINGER: Wir wollen uns nicht verbiegen, gehen
unseren Weg ohne Rücksicht auf Modeerschei -
nun gen. Das verbindet uns mit AC/DC.
MM: Warum habt ihr sogar Instrumente und
Equipment aus den 70ern? Bzw. Was macht
den 70er-Jahre-Sound für euch aus?
STINGER: Wir sind da nicht festgelegt, aber
immer laut. Das Vintage-Equipment aus den
60ern, 70ern und 80ern hat seinen Reiz. Das
sind In stru mente, mit denen ein Konzert-Abend
wirklich anstrengend ist. Eine alte Gretsch ist ein
absolutes Arbeitstier – so muss man sie behandeln.
Es gibt keine Kompromisse, sie verzeiht keinen
Fehler.
Früher wurden Instrumente anders ge baut:
mit Leidenschaft, Liebe und Fehlern. Fehler, die
dafür sorgen, dass ein Instrument einmalig klingt.
Das hat Charme.
MM: Beim Deutschen Rock & Pop Preis habt
ihr den ersten Platz in der Kategorie Hard -
rock belegt. Was war das für ein Ge fühl?
»AC/DC sind für uns ein
Lebensgefühl:
minimalistisch, exakt,
schnörkellos, brutal,
direkt.«
STINGER: Super, einfach der Wahnsinn. Es zeigt,
dass wir viel richtig gemacht haben und hat uns
angespornt. Jeder Einzelne ist wichtig in unserer
Band. Der Sieg beim Deutschen Rock & Pop Preis
war der gerechte Lohn für uns verrückten Haufen
voller Leidenschaft und Rock ’n’ Roll.
MM: Angeblich kam der Vorsitzende der
Deut schen Popstiftung, Ole Seelenmeyer,
nach eurem Auftritt zu euch. Was hat er ge -
sagt?
musiker MAGAZIN 1/2018

STORIES 21
STINGER machen satten Hardrock
a la AC/DC. Dass sie sich so wie ihre
Vorbilder anhören, kommt nicht
von ungefähr. Denn bei ihrem
aktuellen Album haben einige „echte“
Musiker der australischen
Hardrock-Legenden mitgemischt.
11. – 14. 4. 2018
Frankfurt am Main
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bis zu 25 % sparen:
musikmesse.com
Let’s jam! Wenn Musik
den Augenblick zum
perfekten Moment macht.
STINGER: Er kam nach unserer Performance direkt zu uns und hat uns
gelobt. Ole ist vom alten Schlag, sagt, wenn etwas Mist war. „Ihr habt
ge spielt wie eine Maschine, ein wahnsinniger Drive war das.“ – Das ist
Balsam für die Seele, wenn das von einem Musiker kommt, der schon
lange im Geschäft ist und weiß, worauf es an kommt.
MM: Euer Album „Disadvantaged“ klingt, als hätten AC/DC es mit
euch zusammen auf genommen.
STINGER: Wir haben mit Simon Wright, Mark Evans und Tony Currenti
drei ehemalige AC/DC-Mitglieder für das Album gewinnen können. Es
haben noch andere super Künstler mitgemacht, etwa Dai Pritchard von
Rose Tattoo und Luca Priciotta von Doro, die unser Projekt mitgetragen
haben.
MM: Erzählt mal ein oder zwei Anekdoten, die beim Einspielen
des Albums geschehen sind.
+++ Internationale Top-Acts im Guitar & Drum Camp
+++ Piano Salon Europe mit Präsentations- und Vortragsbühne
+++ NEU: Audio, DJ & Recording- Plattform
in Halle 4.1 +++ Acoustic Stage: Live-Musik von Klassik
über Jazz bis Pop +++ Street Food Trucks & Festivalatmosphäre
+++ und vieles mehr +++
Vier Tage
Musikmesse Festival
ganz Frankfurt.
STINGER: Der Kontakt mit ehemaligen AC/DC-Mitgliedern führt zwangs -
läufig dazu, dass man lustige Geschichten aus vergangenen Tagen

22 STORIES
erfährt. Das waren für uns besondere Momente.
Nebenbei gab es rauchende Recording-PCs,
Fehl drucke beim Album-Cover, eine gelöschte
Recording-Festplatte. Also viele Sachen, die man
nicht braucht. Ein ganz besonderer Moment mit
Tony Currenti war, als wir uns mit Tränen in den
Augen am Flughafen in München wieder voneinander
verabschiedet haben.
MM: Den Erlös aus dem Verkauf des Albums
lasst ihr einem guten Zweck zukommen.
Warum habt ihr schon als junge Band ein
Charity-Projekt gestartet?
»Eine alte Gretsch ist ein absolutes Arbeitstier –
so muss man sie behandeln.
Es gibt keine Kompromisse, sie verzeiht keinen Fehler.
Früher wurden Instrumente anders ge baut:
mit Leidenschaft, Liebe und Fehlern.
Fehler, die dafür sorgen, dass ein Instrument einmalig
klingt. Das hat Charme.«
STINGER: Der Verlust meines Vaters 2016 hat zu
einem Umdenken geführt. Vieles wurde nichtig.
Ich dachte, wir sollten alle Kräfte bündeln, uns
coole Leute an die Hand nehmen und etwas
Gutes tun. Denn in einer Zeit, in der Neid, Hass,
Respektlosigkeit und Leid sich ausgeprägt an -
fühlen, ist es wichtig, voranzugehen. Es gibt viele
schwere Schicksale in unserem Land, z. B. kranke
Kinder, die in eine Lebenssituation kommen,
aus der sie sich nicht befreien können. Deshalb
spenden wir den kompletten Erlös an die Eltern -
initiative für krebskranke Kinder in Nürnberg. Die
Einrichtung beeindruckt mich: so viele Menschen,
die Gutes tun. Ehrenamtlich, selbstlos, mit Hin -
gabe.
STINGER
„Mosquito“ – EP
VÖ: 20.04.2017
„Disadvantaged“
VÖ: 19.07.2017
WWW.STINGERROCKS.COM
WWW.FACEBOOK.COM/STINGERROCKS.DE
MM: Wie soll es für STINGER weitergehen?
STINGER: Wir wollen nach oben. Gerade arbeiten
wir an unserem zweiten Studioalbum. Wir
sind Musiker aus Leidenschaft und wollen weiter
rocken.
WEB: WWW.STINGERROCKS.COM
BOOKING: BOOKING@STINGERROCKS.COM
+49(0) 163 7 78 78 70
INTERVIEW: JANINA HEINEMANN
FOTOQUELLE: STINGER
musiker MAGAZIN 1/2018

STORIES 23
GHOSTTOWN COMPANY
Wer die Musik von GHOSTTOWN COMPANY
hört, bekommt Lust auf ein Bier.
Das kommt nicht von ungefähr, denn ihr
Folkrock klingt, als sei er in einem irischen Pub
entstanden.
MM: Ihr macht Folkrock mit reichlich irischen
Einflüssen, aber auch einer Prise American
Country à la Bob Dylan. Wie kam es zu dieser
Mischung?
GHOSTTOWN COMPANY: Von Anfang an haben
wir alle unsere Einflüsse zusammengeworfen und
geschaut, was dabei herauskommt. Unser Sänger
Christian hat schon vor Gründung der Band Songs
geschrieben. Deshalb sind viele unserer Stücke
von seinen Einflüssen gefärbt.
MM: Mit eurer Musik schlagt ihr eine Brücke
zwischen traditioneller Musik und modernerem
Rock. Warum dieser Brückenschlag?
GHOSTTOWN COMPANY: Das hatten wir schon
im Hinterkopf, als wir die Band gegründet haben.
Wir wollten keine x-beliebige Kopie von Bands
sein, die es schon gibt. Wir bewegen uns zwischen
den Stilen. Das scheint bei den Leuten gut
anzukommen. Wir sind weder eine traditionelle
Irish-Folk- noch eine Folkpunk-Band.
MM: Ihr spielt sowohl Cover von Klassikern
wie „Whiskey In The Jar“ als auch Eigen kom -
positionen. Was macht euch mehr Spaß? Be -
zieh ungsweise: Was macht jeweils den Reiz
aus?
GHOSTTOWN COMPANY: Wir würden es eher
Be arbeitungen als Cover nennen. Wir wollen keine
Coverband sein. Die traditionellen Stücke haben
aber alle schöne Geschichten zu erzählen und
stammen aus einer uralten Tradition. Die eigenen
Stücke machen unsere Identität als Band aus –
das ist uns wichtig. Denn diese Stücke erzählen
unsere Geschichte.
MM: Eure Songs klingen so, als seien sie in
einem Pub entstanden. Wie schafft ihr es
als Deutsche, so irisch zu klingen?
GHOSTTOWN COMPANY: Das ist wohl dem Um -
stand geschuldet, dass unser Sänger Christian
den Großteil der eigenen Stücke geschrieben hat.
Er hat viel Zeit in Irland verbracht und sich eingängig
mit der dortigen Musikszene und Kultur
des Landes beschäftigt. Diese Einflüsse haben ihn
geprägt.
MM: Was fasziniert euch an der „grünen
Insel“?
GHOSTTOWN COMPANY: Die Kultur und die tief
verwurzelte Geschichte dieses Landes. Irland
wurde in den letzten Jahrhunderten immer wieder
von Krisen erschüttert, seien es Hungerkrisen
1/2018 musiker MAGAZIN

24 STORIES
»Die eigenen Stücke
machen unsere Identität
als Band aus – das ist uns
wichtig. Denn diese
Stücke erzählen unsere
Geschichte.«
HINTERGRUND: © ALEXANDER RATHS/FOTOLIA.COM
oder Ausbeutung durch die britische Krone. Aber
die Iren haben sich nie unterkriegen lassen und
ihrem Land immer wieder zu neuer Blüte verholfen.
Sie sind ein ehrliches, bodenständiges Volk und
stolz. Sie wissen um ihre Geschichte. Nicht zuletzt
fasziniert die raue Landschaft. Wer sich dort länger
aufhält und alles bewusst auf sich wirken lässt,
wird davon geprägt.
MM: Könnt ihr ein oder zwei typisch irische
Geschichten/Begegnungen erzählen?
GHOSTTOWN COMPANY: Da gäbe es viel zu
er zählen. Aber Gastfreundlichkeit und Hilfsbereit -
schaft sind dort unglaublich. Iren haben immer
ein offenes Ohr. Sie sind interessiert an allem, was
man aus seinem Herkunftsland erzählen kann.
Musik ist ein präsentes Thema. Eine kleine Anek -
dote: Zu später Stunde wollte ich mit einer Freun -
din gerade einen Pub in Galway verlassen. Der
Pub war ziemlich voll und ich bin aus Ver sehen
einem Mann vor mir ziemlich unsanft auf die Ferse
getreten. Nun dachte ich, er dreht sich um und
will sich beschweren. Aber genau das Gegenteil
war der Fall: Er drehte sich um, lächelte und entschuldigte
sich mehrfach bei mir! Ich war überrascht,
aber so etwas passiert dort. Die Men schen
pflegen einen respektvollen Umgang miteinander.
MM: Musikalisch klingen eure Lieder nach
guter Laune. Macht ihr keine Musik, wenn ihr
mies gelaunt seid?
GHOSTTOWN COMPANY: Sicher sind wir nicht
vor jeder Probe oder jedem Auftritt gleich gut ge -
launt. Man muss aber im Hinterkopf haben, dass
die Leute für eine gute Show bezahlen. Wir sind
unseren Zuhörern schuldig, dass sie eine top
Leis tung bekommen. Die schlechte Laune tragen
wir lieber untereinander, in unseren Familien oder
zu Hause auf der Couch aus.
MM: Beim Deutschen Rock & Pop Preis habt
ihr im Dezember in fünf Kategorien Preise
bekommen. Was war das für ein Gefühl?
GHOSTTOWN COMPANY: Das war bzw. ist un -
glaublich schön. Wir haben zwei Jahre hart dafür
gearbeitet. Keiner von uns hat ernsthaft mit fünf
Auszeichnungen gerechnet, aber wir sind stolz
darauf.
MM: Was sind eure Ziele für 2018?
GHOSTTOWN COMPANY: Wir werden viel unterwegs
sein und zunächst unsere Platte live promoten.
Im Februar werden wir ins Studio gehen,
einen neuen Song aufnehmen und ein Video dazu
drehen. Ab Herbst werden wir vermehrt neue
Songs schreiben. Denn es soll zeitnah einen
Nachfolger zu unserer Platte „FolkRock“ geben.
WEB: WWW.GHOSTTOWN-COMPANY.DE
INTERVIEW: JANINA HEINEMANN
FOTOQUELLE: GHOSTTOWN COMPANY
GHOSTTOWN-COMPANY
„FolkRock“
VÖ: 20.04.2017
GHOSTTOWN-COMPANY.DE
WWW.FACEBOOK.COM/
GHOSTTOWNCOMPANY
musiker MAGAZIN 1/2018

STORIES 25
TANZ
DER KONTRASTE
Manila Muffin spielt
nicht nur mit
Kontrasten, sie lebt sie.
Ob in stetiger
Zerrissenheit zwischen
deutscher Heimat
und philippinischen
Wurzeln oder
der Balance zwischen
klassischer und
populärer Musik.
Unter ihrem
Künstlernamen Manila
Muffin nutzt sie diese
Gegensätze für sich, um
ein Gefühl von
Melancholie und
Aufbruch zu erzeugen.
Überzeugt hat sie
damit unter anderem die
Jury des Deutschen
Rock & Pop Preises 2017
und konnte sich
den zweiten Platz in
der Kategorie „Singer“
sichern.
MM: Wie hast du dich im Vorfeld auf deinen
Auftritt beim Deutschen Rock & Pop Preis
vor bereitet?
MANILA MUFFIN: In erster Linie bekam ich die
Gelegenheit, mich mit meinem Song „Sleeping
Beauty“ von einem neuen Standpunkt aus zu
nähern. Beim Üben probierte ich neue Melodien
aus, Zweitstimmen und Variationen, um ein neues
Gespür für den Song zu bekommen. Die größte
Herausforderung, die sich mir bei diesem Wett -
bewerb stellte, lag darin, in den fünf Minuten, die
jedem Teilnehmer zur Verfügung standen, mein
Gesamtkonzept, das aus meiner Musik, der äußeren
Erscheinung und der daraus resultierenden
At mosphäre besteht, zu präsentieren. In einer
Form, die das Publikum für einen Moment in
meine Welt hineinzieht.
MM: In deiner Musik und im Auftreten spielst
du mit Kontrasten. Woher kommt deine Be -
geisterung für Gegensätze?
MANILA MUFFIN: Kontraste finden sich in unserer
Gesellschaft, in der Natur, in Kulturen und in
uns selbst. Das Aufeinanderprallen der deutschen
und der philippinischen Kultur konfrontierte mich
schon sehr früh mit Gegensätzen und den Kon -
flikten, die daraus entstehen können.
Kontraste erschaffen einen Raum mit Ecken
und Kanten, mit Spannung und Reibungen, mit
Konfliktpotenzial und Authentizität. Aus der allgemeinen
Ordnung, dem „Schwarz-Weiß-Denken“
auszubrechen und die Vielfalt der Farben entdecken
zu können, Farben einer Persönlichkeit,
von Emotionen, Musik und Kunst – das ist es,
was mich fasziniert.
Kontraste zeichnen ein viel stärkeres Bild – sei
es beim Schreiben oder im musikalischen Kon text.
„Eine Blume, die im Schnee erblüht“ ist nicht einfach
die Zusammenführung der Worte Schnee
und Blume. Jeder hat zu dieser Formulierung ein
individuelles Bild im Kopf, was aber bei den meisten
wahrscheinlich mit einem Gefühl von Stärke,
Zartheit, Willensstärke und Schönheit einhergeht.
Eine Blume, die auf einer Wiese im Frühling aufgeht,
ist genauso schön – es würde aber wohl
kaum jemand an beispielsweise Stärke dabei denken.
Meine Musik lebt von Kontrasten – dunkle
1/2018 musiker MAGAZIN

26
Klänge, die mit einer hellen Stimmfarbe kombiniert
werden oder auch umgekehrt. Sie zeichnet ein Bild
von einer Einheit innerer Zerrissenheit – Kälte –
Wärme, Dunkelheit – Helligkeit. Meine Per sön lich -
keit und dadurch meine Musik sind stark von den
Jahreszeiten und den Lichtverhältnissen meiner
beiden Heimatländer geprägt. Sie lösen innere
Konflikte aus, die ich mit meiner Musik dar stelle
und zu lösen versuche. Was dabei das Dunkle,
was das Helle ist, ist jedem selbst überlassen.
MM: Wie beeinflussen deine philippinischen
Wurzeln deine Musik?
MANILA MUFFIN: Die Beeinflussung findet vor
allem unterbewusst statt. Es sind vorrangig die
Melodien, die sich an typisch philippinischen
Melodien orientieren. Für mich steckt in dieser
Musik immer ein Gefühl von Sehnsucht, Roman -
tik und Wehmut. Das ist etwas, was auf jeden
Fall in meinen Songs und in den Texten steckt.
Auch die Rhythmik hat traditionelle Anteile. Es sind
vor allem kleine Stücke von Harmonik, Rhyth mik,
Sounds und Melodien, die wie eine Erin ne rung
auf blitzen. Ich möchte aber auch traditionelle
In strumente verstärkt einsetzen und ein paar exotische
Blüten zwischen die dunklen Klänge säen.
MM: Musik begleitet dich schon seit deiner
Kindheit? Was waren deine ersten Schritte in
die Welt der Musik?
MANILA MUFFIN: Die ersten Schritte sind hier
wörtlich zu nehmen. Die Musikschule meines
Vaters war praktisch Teil meines Kinder zimmers.
Meine Schwester und ich spielten mit den Instru -
menten, sangen unsere gespielten Ge schichten
mit Puppen und Kuscheltieren und be wegten
uns frei und selbstverständlich in einem Garten
aus Klängen und Noten. Unsere Eltern sangen
und spielten mit uns von Anfang an sehr viel. Ich
lernte viel durch Zuhören, Nachspielen und Wieder -
holen – freies Spielen und Improvisieren. Ich weiß
noch, dass wir einmal die Beatles nachgestellt
haben. Da war ich gerade zwei oder drei Jahre
alt – übrigens natürlich auch mit stylischen Kla -
motten. Mein Unterricht begann dann traditionell
mit musikalischer Früherziehung – rhythmisches
Spielen, Singen und Klanggeschichten. Mit vier
Jahren begann ich mit dem Klavierspielen. Ab da
folgten dann andere Instrumente wie die Sopran -
blockflöte, Gitarre und so weiter und natürlich der
langersehnte Gesangsunterricht an meinem neunten
Geburtstag.
MM: Erinnerst du dich an die ersten Songs
und Musiker, die dich begeistert haben?
MANILA MUFFIN: Bei uns zu Hause wurde sehr,
sehr viel Musik gehört aus den unter schiedlichsten
Genres und Sparten. Es ist sehr schwierig, mich
für einige wenige zu entscheiden. Die Vier Jahres -
zeiten, vor allem der Sommer und der Frühling,
musiker MAGAZIN 1/2018

STORIES 27
von Vivaldi, sowie „Le Sacre du Printemps“ von
Stravinsky haben mich für die Weiten und die
Schönheit der klassischen Musik begeistert –
später kam hier noch der Liederzyklus „Die
Winterreise“ von Schubert hinzu, der mich durch
die Texte und die musikalische Um setzung regelrecht
gefangen nahm und immer noch nimmt.
Klassische Musik hat mich seit meiner Kindheit
auf einer tiefen, höchst emotionalen Ebene be -
rührt, verstört, getröstet und herausgefordert.
Im popular musikalischen Bereich gab es in
meiner Kindheit weniger konkrete Songs und
Mu siker. Songs aus Filmen gehörten dazu wie
zum Beispiel das Lied des kleinen Mädchens
aus der Siedlung in Disneys „The Junglebook“ –
wegen der traurigen Melodie, „If We Hold On
Together“ von Diana Ross aus dem Film „Ein
Land vor unserer Zeit“, „The Power Of Love“ von
Huey Lewis and the News. Beeindruckt und ge -
prägt haben mich aber auch Whitney Houston
»Kontraste erschaffen
einen Raum mit Ecken
und Kanten, mit Spannung
und Reibungen,
mit Konfliktpotenzial
und Authentizität.
Aus der allgemeinen
Ordnung, dem
„Schwarz-Weiß-Denken“
auszubrechen und die
Vielfalt der Farben
entdecken zu können,
Farben einer
Persönlichkeit,
von Emotionen, Musik
und Kunst – das ist es,
was mich fasziniert.«
und Mariah Carey – vor allem durch Karaoke –
Peter Gabriel (sowohl solo als auch mit Genesis),
Prince und David Bowie. Als ich ihn im Film „Das
Laby rinth“ gesehen hatte, war ich sehr fasziniert
von seiner Rolle, seiner Ausstrahlung und Stimme.
Und auch ein bisschen verliebt.
MM: Ursprünglich wolltest du Opern sän gerin
werden. Woran ist das gescheitert?
MANILA MUFFIN: Scheitern würde ich es nicht
nennen, eher umorientieren. Ich singe immer noch
sehr gerne klassische Stücke und Arien und trete
damit auch auf, aber je mehr sich mein Kopf mit
Texten und Melodien füllte, desto mehr wurde
mir klar, dass dieser Weg mich auf der kreativen
Ebene einschränkt. Ich wollte Rollen wie Líu aus
Turandot oder Pamina aus der Zauber flöte darstellen.
Solch eine Rolle zu bekommen – gerade
als Sopranistin – ist sehr unwahrscheinlich, weil
der Konkurrenzdruck unglaublich hoch ist. Und
meine Karriere dauerhaft auf einen Chor zu
beschränken, reichte mir nicht. Ich wollte und
musste – mit einer inneren Zwanghaftigkeit –
selbst aus mir heraus erschaffen. Meine Ge -
danken und Gefühle, meine Sicht der Dinge auf
die Welt, das, was ich teilen kann und möchte,
ließ sich nicht in einer Mappe voller Arien unterbringen.
Popularmusik bot und bietet mir die
Frei heit, die ich für meine Musikalität und Kreati -
vität brauche und einfordere.
MM: Auch nach deiner Jugend bist du in
einem kreativen Umfeld geblieben und hast
das Music College Hannover besucht. Auf
welche Fähigkeiten hast du dich dort konzentriert?
MANILA MUFFIN: Ich profitierte sehr stark von
der großen Bandbreite an Fächern, die am Music
College Hannover den Stundenplan formen. Die
Möglichkeit, in die verschiedenen popular-musikalischen
Sparten hineinzuschnuppern, bot mir
immer wieder eine Herausforderung. Da ich vor
der Ausbildung nur klassisch gesungen habe,
musste ich mich komplett neu orientieren und
habe gefühlt fast von vorne angefangen. Im
ersten Semester habe ich beim Abschluss kon -
zert den Song „I don’t Like The Drugs (But The
Drugs Like Me)“ von Marilyn Manson gesungen –
etwas, das vorher niemals möglich gewesen wäre.
MM: Deine Musik klingt teils sehr schwer und
melancholisch. Wie hat sich dieser Stil entwickelt?
MANILA MUFFIN: Die Geschichte, das Leben
zeigt einmal mehr, dass Tragödien die Menschen
schon immer mehr gefesselt und berührt haben
als Bilderbuchgeschichten. Jeder hat sein eigenes
kleines Drama, das des Nachbarn, vom Kind
aus der Schule, das der besten Freundin, des
Bruders oder Arbeitskollegen mitzutragen. Tra -
gö dien geschehen jeden Tag, vor und hinter
unserer Haustür. Das Gemisch an Gedanken
und Ge fühlen bietet einen unerschöpflichen, un -
vorhersehbaren Pool an Geschichten.
In meiner Musik bekommen die Protagonisten
solcher Geschichten ihre Bühne, ihren Moment,
sich zu zeigen. Der dunkle Teil der menschlichen
Seele präsentiert sich in so farbenfrohen Gewän -
dern, dass ich mich der Faszination noch nie ent -
ziehen konnte.
MM: Wie lauten deine Pläne für 2018?
MANILA MUFFIN: 2018 wird viel passieren. Jetzt
im Februar kommt der Song „Sleeping Beauty“
als Singleauskopplung heraus – das Video dazu
ist auch schon fertig und wird wenig später zu
sehen sein. Momentan arbeite ich noch an dem
letzten Feinschliff meines Albums, das ich im
Sommer/Herbst auf einer kleinen Tour vorstellen
werde. Außerdem möchte ich versuchen, auf dem
ein oder anderen Festival zu spielen.
WEB: WWW.FACEBOOK.COM/
MANILA-MUFFIN-661586330556646
INTERVIEW: JANA MOYSICH
FOTOS: JAN HOLDORF
1/2018 musiker MAGAZIN

28 STORIES
LEISE
IST DAS NEUE
LAUT
Nachdem Tokunbos erstes Album „Queendome Come“
von Kritikern und Fans geliebt und gelobt wurde,
steht sie drei Jahre später mit dem Nachfolger „The Swan“
wieder auf der Bühne.
Ihr unaufgeregter, atmosphärischer Sound
setzt sich hier fort und zelebriert Langsamkeit in einer Welt,
die in Chaos unterzugehen scheint.
MM: Gerade ist dein zweites Soloalbum „The
Swan“ erschienen. Wie hat sich dein Sound
seit dem Debüt weiterentwickelt?
TOKUNBO: „The Swan“ ist in vielerlei Hinsicht ein
konsequentes Weiterspinnen dessen, was mit
meinem Solo-Debüt „Queendom Come“ begonnen
hat. Nach wie vor sind filigrane Akustik gi tar -
ren parts ein tragendes Element des Sounds. Die
teils reduzierten Arrangements mit Vintage-
Sounds, die auf dem Vorgänger zu hören sind,
haben jedoch auf „The Swan“ einer feingliedrigen,
dichteren Gesamtklangwelt Platz gemacht. Wie
das Vorgänger-Album ist „The Swan“ geprägt
von einem handgemachten Sound, insgesamt
ist das Album jedoch graziler und schwebender.
Textlich hat im Songwriting auch eine Weiter ent -
wicklung stattgefunden: die Stimme der Geschich -
ten hat sich verändert. Ich habe eine assoziative
poetische Sprache gesucht, die eine neue Di men -
sion in die persönlichen Texte bringt, ohne das
Storytelling zu verlieren.
MM: In der heutigen Schnelllebigkeit wirkt
dein Album entschleunigend. Das findet sich
auch in deinem Video zu „White Noise“ wieder.
Sehnst du dich selbst nach mehr Lang -
sam keit?
TOKUNBO: Was für ein schönes Kompliment!
„Quiet Is The New Loud“, ein Album-Titel einer
meiner liebsten Singer-Songwriter-Bands, Kings of
Convenience, drückt sehr treffend aus, wonach
ich mich sowohl in der Musik als auch persönlich
sehne. Musikalisch waren es schon immer die
leisen Töne, die eine Anziehungskraft auf mich
ausgeübt haben. In Lagos, Nigerias ehemaliger
Haupt stadt, wo ich meine Kindheit verbracht habe,
war unser Haus in der Nähe einer Lagune eine
Oase der Stille im lauten Chaos der Stadt. Mein
Vater hat dort mit seinem Folk-Duo mit einer
Sän gerin aus den Niederlanden geprobt, eine
meiner ersten musikalischen Erinnerungen. Im
Plattenschrank meines Großvaters mütterlicherseits
entdeckte ich die Werke von Satie, Ravel
und Débussy. Das hat meine Vorliebe für melancholische
Klänge ge prägt. Später entdeckte ich
dann den Jazz mit seinen vielen Zwischentönen.
Und so haben wir schon mit Tok Tok Tok die
Kunst des Leisen zelebriert.
Mein neues Album ist unter dem Eindruck
eines neuen Lebensabschnitts entstanden: Mit
der Ge burt meines Kindes war gefühlt der Stecker
gezogen und ich habe mich voll und ganz einer
Zeit hingegeben mit langsamer tickenden Uhren.
In dieser Phase entstanden auch die Vision und
die ersten Songskizzen.
„White Noise“ vom neuen Album spricht genau
von der Sehnsucht nach einem Innehalten im allgegenwärtigen
Weißrauschen und nach einer
hoffnungsvollen Antwort auf die zum Teil verstörenden
politischen Geschehnisse unserer Zeit.
Über die Plattform Demotapes.org, die Songs
mit politischem Inhalt präsentiert und auf der groß -
artige Künstler wie BAP, Pohlmann und Christina
musiker MAGAZIN 1/2018

TOKUNBO

30 STORIES
Lux vertreten sind, haben wir die Produktions firma
HMG MOODMOOD kennengelernt, die diesen
Spirit in dem in Zeitlupe gehaltenen Video zum
Song eingefangen hat.
MM: Dein erstes Album „Queendome Come“
erschien vor rund drei Jahren. Mit dem gleichen
Team hast nun am Nachfolger gearbeitet.
Was ist für dich die Basis einer erfolgreichen
Zusammenarbeit?
TOKUNBO: Für mich erfüllt sich mit der erneuten
Zusammenarbeit in derselben Besetzung wie für
mein Solo-Debüt ein großer Traum. Meine beiden
Produzenten, der Gitarrist Ulrich Rode und
der Schlagzeuger Matthias „Maze“ Meusel,
haben neben ihrer langjährigen Freundschaft
eine lange Geschichte gemeinsamer Produktio -
nen. Zudem kennen wir uns seit dem Musik stu -
dium. Eine ebenso lange Geschichte verbindet
mich mit dem Bassisten Christian Flohr, der mich
schon mit Tok Tok Tok um die Welt begleitet hat.
Die Geigerin und Multiinstrumentalistin Anne de
Wolff lernte ich einige Jahre später kennen. Sie
betreibt mit Ulrich Rode gemeinsam das Blu -
House Studio in Hamburg, die beiden haben einige
der letzten BAP-Alben produziert.
Neben der Produktion meines Debüts haben
wir gemeinsam viele Konzerte gespielt, unter
anderem in Portugal und Frankreich. Durch die
tiefe Verbundenheit und Familiarität ist ein grundsätzliches
Verständnis für eine gemeinsame
musikalische Sprache da und als Künstlerin kann
ich mich vertrauensvoll in die Zusammenarbeit
hineinfallen lassen und fühle mich in meiner
künstlerischen Persönlichkeit erkannt und in meiner
Kreativität bestärkt.
Auch mit Marc Ebermann, der für Mix und Mas -
tering verantwortlich zeichnet, arbeite ich bereits
zum zweiten Mal zusammen. Mit viel Fein gefühl
und fast telepathisch hat er unsere Sound vor stel -
lung für das Album umgesetzt.
MM: Wie entwickelt ihr zusammen aus einer
Idee einen ausgereiften Song?
TOKUNBO: Der Schlüssel liegt für mich darin,
dass wir den Songs und dem Album Zeit gegeben
haben zu reifen. Am Anfang standen meine
Songskizzen, die ich im stillen Kämmerlein an der
Gitarre geschrieben habe – und bei diesem
Album hatte ich im Schreibprozess zum ersten
Mal überwiegend Textfragmente, die ich vertont
habe. Die Songskizzen habe ich dann mit ins
BluHouse Studio nach Hamburg mitgenommen,
wo ein Großteil der Produktion dann stattgefunden
hat. Dort setzte sich zum einen der Song -
writing-Prozess zunächst mit Ulrich Rode, dessen
Gabe für farbenreiche Arrangements, harmo -
nische Finessen und feine Klangtexturen ins Co-
Writing floss, und später mit Maze, seines Zei -
chens großer Liebhaber melodischer Schönheit,
fort. Mit den ersten Entwürfen für die musikalische
Rich tung der weiteren Produktion haben wir im
engen Dialog miteinander schließlich die klangliche
Vision des Albums ausgelotet.
Nach der intensiven Arbeit des Arrangierens
und Instrumentierens der Songs mit viel Liebe zum
Detail – sei es in den filigranen lyrischen Gitarren -
welten Ulrich Rodes, den melodiösen Posaunen -
chören und zauberhaften Streicherparts von
Anne de Wolff, in Christian Flohrs erdigem Bass
als Fundament sowie der fantasievollen Drumund
Percussion-Klangwelt Maze, bei der das
herkömmliche Drumset nur selten zu hören ist –
wurde schließlich im Mix und Mastering von Marc
Ebermann die gesamte Farbpalette der Songs
und die Soundwelt des Albums räumlich herausgearbeitet.
Über allem stand unsere Idee, ein
Album zu kreieren zwischen Jazzpop und Folk,
zwischen Kammermusik und weiten Sound land -
schaften.
TOKUNBO
„Rebecca“ – Single
VÖ: 02.02.2018
„The Swan“
VÖ: 16.02.2018
SWAN.TOKUNBO.DE
WWW.FACEBOOK.COM/TOKUNBOMUSIC
MM: Dein Album wurde durch die „Initiative
Musik“ unterstützt. Wie kamst du an diese
Förderung?
TOKUNBO: Zwei meiner Auslandstouren sind in
der Vergangenheit bereits von der Initiative Musik
mit einer Kurztourförderung unterstützt worden.
Darüber erfuhr ich von der Künstlerförderung, die
an größer und länger angelegte Projekte wie eine
Album-Produktion oder eine Tournee gekoppelt
ist. Ich habe mich schließlich mit meinem Vor -
haben für „The Swan“ beworben.
Ich bin sehr dankbar über die Unterstützung,
weil sie eine gewisse Größenordnung in der Pro -
duktion und die Zusammenarbeit mit meinem
absoluten Wunschteam im Musik-, Artwork-, und
PR-Bereich ermöglicht hat. Dazu der Luxus, uns
in der Produktion Zeit zu lassen ohne auferlegte
Deadlines.
MM: Zusätzlich hast du dieses Album – wie
auch dein Debüt – durch Crowdfunding fi -
nan ziert. Welche Erfahrungen hast du damit
gemacht?
musiker MAGAZIN 1/2018

STORIES 31
»„White Noise“ vom neuen Album
spricht genau von der Sehnsucht nach einem Innehalten
im allgegenwärtigen Weißrauschen und nach
einer hoffnungsvollen Antwort auf die zum Teil verstörenden
politischen Geschehnisse unserer Zeit.«
1/2018 musiker MAGAZIN

32 STORIES
BEVORSTEHENDE KONZERTE
13 APRIL 2018 • BERLIN
➜ A-TRANE
BLEIBTREUSTR. 1, 10625 BERLIN
14 APRIL 2018 • BERLIN
➜ A-TRANE
BLEIBTREUSTR.1, 10625 BERLIN
04 MAI 2018 • HANNOVER
➜ KULTURZENTRUM PAVILLON
LISTER MEILE 4, 30161 HANNOVER
11 MAI 2018 • KARLSRUHE
➜ TEMPEL – SCENARIO HALLE
HARDTSTR. 37A, 76185 KARLSRUHE
12 MAI 2018 • FREIBURG
➜ JAZZHAUS FREIBURG
SCHNEWLINSTR. 1, 79098 FREIBURG
19 MAI 2018 • STUTTGART
➜ BIX JAZZCLUB
LEONHARDSPLATZ 28, 70182 STUTTGART

WEITERE TERMINE ONLINE:
SWAN.TOKUNBO.DE
TOKUNBO: Ich war sehr gespannt, wie es laufen
würde, weil ich im Vorhinein nicht einschätzen
konnte, wie Crowdfunding inzwischen angenommen
wird. Über die große Resonanz war ich dann
natürlich hoch erfreut.
Toll war dabei insbesondere festzustellen, dass
Unterstützer, die schon mein letztes Album mitgefundet
hatten, wieder dabei waren, ebenso
Fans der allerersten Stunde aus Tok-Tok-Tok-
Zeiten, und sogar langjährige Medienpartner sind
mit eingestiegen. Dass die künstlerische Lauf -
bahn in dieser Form begleitet wird, ist sehr an -
rührend. Und natürlich ist es großartig, dass ein
immenses Interesse am physischen Tonträger
und an meiner Vinyl-Edition zu beobachten war.
Es ist jedoch eine zeitintensive und anstrengende
Arbeit, bei der es viel Kommunikation mit den
potenziellen Unterstützern bedarf, um das Pro -
jekt interessant zu halten. Nicht jeder Künstler
möchte oder kann das, aber ich denke, diese Art
der Musikproduktion und des Vertriebs, bei dem
das eigene Publikum stark eingebunden wird, wird
in Zukunft noch salonfähiger werden. Es liegt eine
großartige Möglichkeit darin, als Künstler unabhängig
von Vorgaben einer verängstigten Platten -
industrie zu arbeiten.
MM: Heute sind Musiker/-innen unabhängiger
von den großen Playern der Musikindustrie.
Gibt es trotzdem Momente, in denen du dir die
Manpower eines großen Labels wünschst?
musiker MAGAZIN 1/2018

»Mein neues Album ist unter dem Eindruck eines neuen Lebensabschnitts
entstanden: Mit der Ge burt meines Kindes
war gefühlt der Stecker gezogen und ich habe mich voll und ganz
einer Zeit hingegeben mit langsamer tickenden Uhren.
In dieser Phase entstanden auch die Vision und die ersten Songskizzen.«
STORIES 33
TOKUNBO: Der Major-Deal, dem viele hinterherträumen, ist leider fast ein
Relikt aus einem goldenen Zeitalter. Natürlich ist es großartig, wenn dir ein
großes kompetentes Team mit einem fähigen und engagierten Produkt -
manager zur Seite steht, dir viele Entscheidungen abgenommen werden und
du Verantwortung abgeben kannst, aber leider bedeutet ein Major-Deal nicht
automatisch, dass effizient und vor allem im Sinne des Künst lers gearbeitet
wird. Das haben wir mit Tok Tok Tok selbst schmerzlich in der Zusammen -
arbeit mit einem Major-Label erfahren.
Nicht umsonst haben viele Künstler von Madonna über Janelle Monae
bis Grönemeyer ihre eigenen Labels gegründet und lizenzieren zum Teil zu
ihren Konditionen mit an gebrachten Gewinnmargen weiter, und Björk geht
ganz neue Wege, was den Vertrieb ihrer Musik angeht.
Wichtiger ist meines Erachtens ein Ma na ger, der über ein gutes Netz -
werk verfügt, in Kon zep tionsfragen kreativ ist und gute Stra tegien für den
Künstler entwickelt. Aber auch eine zu verlässige und selbstständig arbeitende
Assis tenz person, die mit relevanten Aufgaben betraut werden kann,
kann auch schon eine immense Entlas tung sein. Für mich ist das selbst -
bestimmte Arbeiten so essentiell, sowohl auf musikalischer Ebene als
auch, was die gesamte Künstlerkonzeption angeht, dass ich es genieße,
autark und mit einem inzwischen gar nicht mal so kleinen Team von ca. 25
Leuten hinter mir zu arbeiten. Angefangen mit meiner Band, den Engi -
neers im Studio und live, über das Foto-, Artwork-, Web-, Video- und
PR-Team bis hin zu Musik anwälten, Booking-Agentur und den Vertriebs -
partnern im In- und Ausland. DIY heißt nicht zwangsläufig „do it alone“.
MM: Das Album ist seit Februar draußen. Auf welches Highlight
freust du dich jetzt?
TOKUNBO: Von den ersten zarten Anfängen der Songs bis zur fertigen
Pro duktion des Albums haben wir einen so schönen intensiven Weg be -
schritten, und nun freue ich mich riesig auf unsere Tour, die uns durch ganz
Deutschland führen wird. Gerade liegt eine inspirierende Probenphase hinter
uns, in der wir die Live-Arrangements der Songs gemeinsam erarbeitet
haben und die Vorfreude wächst, das Programm mit der gesamten Band
auf der Bühne live dem Publikum zu präsentieren. Mit großem Instru men -
tarium (unter anderem mit Geige, Posaune, Akkordeon) und trotzdem
re duziert auf die Essenz der Songs möchten wir die Arrangements des
Albums aufleben lassen und mit dem Publikum unseren Live-Wohn zimmer-
Hi-Fi-Sound zelebrieren.
WEB: SWAN.TOKUNBO.DE | FACEBOOK.COM/TOKUNBOMUSIC
INTERVIEW: JANA MOYSICH | FOTOS: © ANNE DE WOLFF
Celebrating 30 Years!
MM: Bis 2013 warst du in der Jazzformation Tok Tok Tok als Sän gerin
aktiv. Wie betrachtest du heute den Schritt von der Band zur Solo -
künstlerin?
TOKUNBO: Nach dieser wunderschönen Karriere mit Tok Tok Tok mit so
großartigen Auszeichnungen wie dem German Jazz Award und dem französischen
Grand Prix SACEM, mit den Tourneen durch die ganze Welt und
Highlights wie dem Auftritt bei „Zimmer Frei“ im WDR – oder auch die Kon -
zerte mit der NDR Radio Philharmonie und dem Filmorchester Babels berg
war es natürlich ein großer Schritt und ein Wagnis, als Solokünstlerin noch
mal zu neuen Ufern aufzubrechen. Besonders in der heutigen Zeit, in der
die Musikindustrie sich im Wandel befindet und generell die Bereit schaft
abnimmt, Künstler organisch aufzubauen.
Dass mein Solo-Debüt „Queendom Come“ in der Presse dann so flächendeckend
lobend rezensiert wurde und in den Radiofeuilletons präsent war,
hat mich in der Situation überwältigt. Insbesondere da ich überhaupt nicht
einschätzen konnte, wie das Album aufgenommen werden würde und mit
der Reso nanz nicht gerechnet hatte. Das hat vieles erleichtert. Gleich zeitig
gab es aber auch immer wieder Begegnungen mit potenziellen Partnern,
die wenig Risikobereitschaft zeigen wollten und mich eher als Newcomerin
wahrgenommen haben.
OUT NOW!
WHO’S WHO IN A&R
IN GERMANY 2018
Order today!
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Ellie Weinert
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www.songswanted.com
1/2018 musiker MAGAZIN

34 STORIES
Fünf coole Typen,
die nicht nur richtig
gute Freunde sind,
sondern
auch zusammen
musizieren:
LEBENDIG machen
ehrlichen,
bodenständigen
Deutsch-Pop.
LEBENDIG
„Wir“
WWW.LEBENDIG-MUSIK.DE
WWW.FACEBOOK.COM/
LEBENDIGMUSIK
LEBENDIG
MM: Es heißt, dass euer Sänger Paddi keine
einzige Gesangsstunde hatte. Wieso ist er
trotzdem Sänger und Frontmann eurer Band
geworden?
LEBENDIG: Paddi ist ein Naturtalent. Live ist der
Kontakt zum Publikum ein wichtiger Bestandteil
unserer Show und das hat Paddi perfekt drauf.
Er ist der geborene Frontmann. Mit seiner markanten
Stimme ist das ein perfektes Paket.
MM: Du, Paddi, warst bei DSDS dabei, bist
aber irgendwann rausgeflogen. Wie war das
dort für dich? Was hat dir genützt, was eher
nicht?
LEBENDIG: Es war eine tolle Erfahrung, ich habe
Musiker kennengelernt, mit denen ich immer noch
Kontakt habe. Castingshows, insbesondere DSDS,
werden immer schlecht dargestellt (Knebel ver -
träge, Marionetten usw.). Man muss sich bewusst
sein, dass man bei einem Privatsender ist, der von
der Quote lebt. Es ist ein gutes Sprungbrett, um
kurzfristig in die Öffentlichkeit zu gelangen. Uns als
Band hat es viel gebracht, da wir in kurzer Zeit
viele Fans dazugewonnen haben. Aus ganz
Deutsch land kommen Leute zu unseren Kon -
zerten, weil sie mich im Fernsehen gesehen haben.
MM: Du hast gesagt, Menschlichkeit spiele
in der Show dort keine Rolle. Aber mal ehrlich
– hattest du das erwartet? Bzw. Was
hattest du erwartet?
LEBENDIG: Diese Aussage stimmt. Ich habe nicht
viel erwartet, weil ich noch nie bei so einem Format
mitgemacht habe. Vor Ort herrscht ein unglaublicher
Druck für jeden Kandidaten. Jeder will zeigen,
was er kann. Das Team von DSDS ist offen
und herzlich, kommunikativ.
Das Hauptproblem ist: Das, was am Ende ge -
zeigt wird, entspricht nicht immer der Wahrheit.
Klar weiß man so etwas, aber wenn man selbst
dabei ist und am Ende merkt, wie heftig das ist,
kommt eine gewisse Enttäuschung zustande.
musiker MAGAZIN 1/2018

35
Wer deutsche Musik liebt,
wird auch diese
coolen Jungs lieben
MM: Nun aber zu LEBENDIG: Gemeinsam habt ihr den Hessi schen
Rock & Pop Preis gewonnen sowie den dritten Platz beim DRPP
belegt. Wie war das (besonders auch in Abgrenzung zu DSDS)?
LEBENDIG: Die beiden Contests waren eine coole Erfahrung. Beim
Hessischen Rock & Pop Preis in Langen war eine coole Stimmung. Die
Bands hatten bessere Möglichkeiten, sich zu präsentieren, da sie immerhin
15 Minuten spielen durften. In Siegen beim Deutschen Rock & Pop
Preis war es nur auf einen Song beschränkt. Obwohl es eng getaktet
war, verlief alles gut. Mit dem dritten Platz sind wir voll zufrieden.
Der größte Gewinn sind unsere Fans, die uns unterstützen und mitgefahren
sind. Mit DSDS hat es nichts zu tun, auch wenn es ein Wett bewerb ist.
Der Deutsche Rock & Pop Preis ist kein Casting, sondern eine Plattform,
um sich zu präsentieren, Kontakte zu knüpfen und Spaß zu haben.

36 STORIES
FREI SEIN – TOUR 2018
01. MAI 2018 • MÜCKE – AQUARIOHM
MERLAUER STR. 38, 35325 MÜCKE
05. MAI 2018 • SCHOTTEN – INTEGRATIONSFEST
63679 SCHOTTEN
08. MAI 2018 • GIESSEN – GIESSENER FIRMENLAUF
KIRCHPLATZ GIESSEN, 35390 GIESSEN
03. JUNI 2018 • DARMSTADT – SCHLOSSGRABENFEST
ECHO-BÜHNE (17:30 UHR)
64289 DARMSTADT
22. JUNI 2018 • GIESSEN – LAHNUFERFEST
LAHNSTRASSE, 35398 GIESSEN
29. JULI 201 • POTSDAM – MITTSOMMER-FESTIVAL
14467 POTSDAM
07. JULI 2018 • HOMBERG/OHM – SCHLOSSFEST
AN DER SCHLOSSMAUER, 35315 HOMBERG (OHM)
21. JULI 2018 • NEU-ISENBURG – OPEN DOORS FESTIVAL,
FRAPORT BÜHNE (15:30 UHR)
FRIEDRICHSTRASSE, 63263 NEU-ISENBURG
WEITERE TERMINE ONLINE: WWW.LEBENDIG-MUSIK.DE
MM: Ihr habt ja noch ein Leben – Familie
und Beruf – neben der Band. Wie schafft ihr
es, trotz dem rund 40 Konzerte pro Jahr zu
ge ben?
LEBENDIG: Es ist wie mit jedem Hobby oder Job:
Sobald es zum Muss wird, wird es stressig und
macht keinen Spaß mehr. Wir sind in der glücklichen
Lage, die Musik mit Spaß zu machen. Man
darf nicht vergessen, dass Familie und Arbeit ge -
ber mitspielen müssen. Es bedarf einer gehörigen
Portion Organisationstalent, Überblick und Zeit -
management, um die Termine zu organisieren.
Bis jetzt klappt das noch ganz gut. Wir managen
uns selbst. Eine kurze Nachricht in die Gruppe
„… können wir am fünften spielen ...“ und jeder
checkt seine Termine und gibt ein kurzes Feed -
back. Mit einem externen Management sieht das
sicherlich anders aus.
»Wir machen lebendige
Musik für alle!
Und starten weiterhin
voll durch!«
MM: Warum singt ihr deutsche Lieder?
LEBENDIG: Wir waren fasziniert von Künstlern wie
Johannes Oerding, Gregor Meyle, Bendzko oder
Forster. Daher rührte der Wille, selbst solche Musik
zu schaffen. Sie trifft den Nerv der Zeit und macht
Spaß. Und um es mit unserem Running-Gag zu
sagen: Warum nur deutsche Musik ? – Wir können
kein Englisch. (lacht)
WEB: WWW.LEBENDIG-MUSIK.DE
INTERVIEW: JANINA HEINEMANN
FOTOS: MEDIENZAUBEREI
musiker MAGAZIN 1/2018

STORIES 37
Gerade erst gegründet spielten A SCAR FOR AMY ihr
zweites Konzert bereits auf großer Bühne beim
Deutschen Rock & Pop Preis – und gewannen gleich
in der Kategorie Alternative. Ihre Songs behandeln
ein ungewöhnliches Thema: Psychische Krankheiten.
WEB: WWW.FACEBOOK.COM/ASCARFORAMY | INTERVIEW: JANINA HEINEMANN
MM: Euer Bandname klingt etwas brutal.
Was hat es damit auf sich?
A SCAR FOR AMY: Unser Bandname bezieht
sich auf die fiktive Person Amy. Sie ist die Pro -
tagonistin unserer Songs. Die Texte handeln von
psychischen Erkrankungen, an denen Amy leidet.
Mit ihr kann sich jeder identifizieren, wenn
wir ihre Geschichte erzählen. Abgesehen von
den negativen Effekten der Krankheiten hat der
Name für uns etwas Positives an sich. Denn
Wunden können zu Narben verheilen.
MM: Ihr habt 2017 beim Deutschen Rock &
Pop Preis in der Ka te gorie Alternative den
Haupt preis be kommen. Beschreibt eure Ein -
drücke.
A SCAR FOR AMY: Es hat uns Spaß gemacht,
obwohl wir sehr aufgeregt waren. Es war
schließ lich erst unser zweiter Auftritt. Es ist ein
gutes Gefühl, auf einer großen Bühne zu spielen.
An den begeisterten Publikumsreaktionen
haben wir gemerkt, dass sich die Proben auszahlen.
Allerdings war der Auftritt etwas hektisch
weil wir unseren Song „Fucked Up Me“ stark
kürzen mussten, um den zeitlichen Rah men von
fünf Minuten einzuhalten. Deshalb haben wir
nicht damit gerechnet, dass wir den Alternative-
Preis gewinnen.
MM: Ihr seid in der „BlueBox“ entstanden.
Was ist das und wie habt ihr zueinander
gefunden?
A SCAR FOR AMY: Conor und Karo haben 2014
mit einem Duo-Projekt angefangen. Sie haben
schnell gemerkt, dass sie eine Band brauchen.
Wir lernten Ohli (Jannik) kennen und fingen an,
in der BlueBox zu proben. Die BlueBox ist ein
Siegener Jugendzentrum, das Jugendlichen und
jungen Erwachsenen unterschiedliche Freizeit -
aktivitäten anbietet, unter anderem eine Musik -
werkstatt und Proberäume. Dort trafen wir Robin,
der unser Schlagzeuger wurde.
MM: Wie kam es, dass ihr gleich beim DRPP
mitgemacht habt?
A SCAR FOR AMY: Wir hatten unser erstes Kon -
zert in der BlueBox auf einer Party. Und obwohl
wir aufgeregt waren, wurde unser Auf tritt po si tiv
aufgenommen. Der Leiter der Musik werk statt
schlug uns vor, beim DRPP mit zuspielen. Denn
die BlueBox hat die Mög lich keit, eine Band im
Namen der Stadt Siegen zum Finale des DRPP
zu schicken.
MM: Den Gesang von Karo bezeichnet ihr als
„Wunderwaffe“. Was findet ihr Jungs daran
so genial?
A SCAR FOR AMY: Karos Gesang ist vielseitig;
sie weiß, wie sie ihre Stimme einsetzen muss.
Sie beherrscht sowohl die Clean-Parts der
Songs als auch die extremen Scream- und
Shout-Parts, die man auf den ersten Blick von
ihr nicht erwarten würde. Dieses Phänomen
nennen wir den „ Karo-Effekt“.
MM: Was wollt ihr mit euren Songs erreichen?
Und wie?
A SCAR FOR AMY: Psychische Krankheiten
werden oft verschwiegen und verleumdet. Wir
wollen unseren Zuhörern zeigen, dass sie nicht
alleine sind und wir sie verstehen, wenn sie an
psychischen Krankheiten leiden.
MM: Warum ist euch dieses Thema wichtig?
A SCAR FOR AMY: Weil wir Menschen sind, die
alle Erfahrungen damit gemacht haben.
MM: Zurzeit nehmt ihr neue Songs auf. Was
erwartet uns?
A SCAR FOR AMY: Wir arbeiten an mehreren
Songs, die wir im Laufe des Jahres präsentieren
werden. Der Metal bleibt, etwas Punk
kommt hinzu, auf leise folgt laut. Wir bleiben
anders.
1/2018 musiker MAGAZIN

38 STORIES
KICK-ASS
HEAVY METAL
FROM
GERMANY!
Als eine der wenigen
Metalbands haben sie sich
zum Deutschen Rock &
Pop Preis getraut –
und gleich den dritten Platz
in der Kategorie Hard Rock
abgesahnt. Aber auch
sonst sind IRON HORSES
coole Rocker, die mit ihrem
„Kick-Ass-Rock-’n’-Roll“
ordentlich Stimmung
machen.
WEB: WWW.IRON-HORSES.COM | WWW. FACEBOOK.COM/IRONHORSESBAND | INTERVIEW: JANINA HEINEMANN | FOTO- & GRAFIKQUELLE: IRON HORSES
MM: Ihr macht richtig heftigen Heavy Metal,
der schön Old School klingt, habt das Beste
von Motörhead, Alice Cooper und ZZ Top
gemischt. Was begeistert euch an den alten
Rockgrößen?
IRON HORSES: Die Ehrlichkeit und Spielfreude!
Die Musik ist zeitlos. Wer sie hört, ist vor Eupho rie
gefesselt. Sie ist wie eine Droge, die einem per -
manent einen Kick gibt, der nie endet. Genera -
tio nen treffen sich, um zusammen abzuhängen
und abzurocken. Das verbindet und ist Lebens -
inhalt. Dieses Gefühl wollen wir nicht missen.
MM: Ist euer Bandname eine Hommage an
Motörhead, die einen Song namens „Iron
Horse“ geschrieben haben? Oder wofür steht
er für euch?
IRON HORSES: Unser Bandname ist keine Hom -
mage, auch wenn wir Motörhead sehr gerne
hören. Er ist vielmehr der Schrei nach Freiheit
und Zielstrebigkeit und steht für die alten eisernen
Pferde, die Dampfrösser im Wilden Westen,
die sich stetig und unbeirrbar ihren Weg bahnten.
Unser Bandname ist eine Lebensphilo so phie: Wir
lieben und leben unsere Musik. Wir genießen die
Freiheit, das zu tun, worauf wir Lust haben und
was uns glücklich macht.
MM: Euch gibt es seit knapp 18 Jahren. Wie
ist es, als Metalband am deutschen Musik -
markt zu bestehen?
IRON HORSES: Schwierig. Da wir aus einer länd -
lichen, strukturschwachen Region kommen, ist es
umso schwerer. Man trifft auf wenig Unter stüt zer
und Befürworter. Man muss als Band zusammenhalten
und mit dem zufrieden sein, was man hat. In
einer Großstadt sieht das wesentlich anders aus.
Dort ist die Szene vertreten und man kann sich vor
einer größeren Masse präsentieren. Außerdem gibt
es dort eine höhere Medien präsenz. Dennoch lassen
wir uns nicht beirren und spielen unseren ge -
liebten Kick-Ass-Rock-’n’-Roll.
MM: Was ist heutzutage für eine Band wich -
tiger: Regelmäßig Studioalben rauszuhauen
oder möglichst oft live zu spielen? Warum?
Was davon macht ihr lieber?
IRON HORSES: Studioalben sind enorm wichtig,
sonst versinkt man schnell im Nirgendwo. Den -
noch zählt für uns Klasse statt Masse. Ein eigenständig
gut produziertes Produkt hat höchste
musiker MAGAZIN 1/2018

»Unser Bandname ist
der Schrei nach Freiheit
und Zielstrebigkeit
und steht für die
alten eisernen Pferde,
die Dampfrösser
im Wilden Westen,
die sich stetig
und unbeirrbar ihren
Weg bahnten.«
Priorität. Aber zum Erfolg einer Band gehört auch,
viele gute Gigs zu spielen. Für uns ist es immer
ein Highlight, live zu spielen. Wenn wir mit den
Fans auf einer Wellenlänge sind, ist das eine
Bestätigung unserer harten Arbeit.
MM: Beim Deutschen Rock & Pop Preis seid
ihr Dritter in der Kategorie Hard Rock ge -
wor den. Wie war dieses Event für euch als
Metalband?
IRON HORSES: Der Deutsche Rock & Pop Preis
ist eine super Sache. Die Rahmen bedin gun gen
sind fantastisch und die Organisation perfekt.
Wir konnten uns einem breiten Publi kum präsentieren
und nette Leute kennenlernen. Das Beste
sind der zwischenmenschliche Austausch und
die tollen Momente.
MM: Wenn ihr mal groß träumt: Wo würdet
ihr gern mal auftreten oder als wessen Vor -
band? Warum?
IRON HORSES: Im europäischen Ausland waren
wir schon oft und sind dort immer gern. Ost -
europa ist top, aber auch Schweizer und Engländer
sind gute Rocker. Ein Traum wären für
uns Nord- und Südamerika. Die breite Masse in
diesen Ländern ist für Rock ’n’ Roll zu haben.
Wir wären gern Vorband bei Judas Priest, Air -
bourne, Alice Cooper – das wäre der Hammer!
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liefern einen erstklassigen Klang, intelligente Akkutechnologie
und sichere Drahtlosperformance, auch bei der Nutzung mit
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MM: Wann gibt es wieder etwas Neues von
euch? Arbeitet ihr schon an neuen Songs?
IRON HORSES: Derzeit sind wir im Studio und
nehmen unser neues Album auf. Die Aufnah -
men laufen gut, die Songs sind voller Energie und
der Spaßfaktor am Anschlag. Wenn alles gut
läuft, sind wir bis zum Sommer fertig und starten
dann voll durch.
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40 STORIES
»ICH
WUSSTE,
DASS ICH
GENAU
DAS WILL!«
Das erste Mal im
Tonstudio war Jennifer
Loosemore mit 14 Jahren.
Damals sang sie den
90er-Jahre-Hit „Nothing
Compares To You“.
Wenn sie heute auf der
Bühne steht, singt sie
ihre eigenen Lieder.
Zusätzlich coacht sie
Musiker in Gesang und
Performance.
Im Interview wirft sie
einen Blick auf ihre eigene
Karriere und gibt Tipps,
um am eigenen Auftreten
zu arbeiten.
MM: Du machst seit über 20 Jahren Musik.
Welche Stationen waren für dich in dieser
Zeit wegweisend?
JENNIFER LOOSEMORE: Ich denke, meine Fa -
milie in London war ausschlaggebend, die schon
immer getanzt und gesungen hat und wo der Jazz
in unserer Familie wirklich gelebt wurde. Außerdem
mein erstes Vorsingen in den 90ern in einem
Tonstudio, als ein Produzent meinte, ich hätte
Musi kalität und Talent. Ich weiß noch, dass ich
an diesem Tag zu meinen Eltern gesagt habe:
„Ich fahre jetzt zu einem Produzenten und nehme
ein Demo auf. Macht euch keine Sorgen, ich bin
bald wieder da.“ Mein erster Song war von Sinead
O`Connor „Nothing Compares To You“. Ich wusste,
dass ich genau das will.
Dann der Produzent Heribert Mündörfer mit
dem ich einige CDs produziert hatte und der
meine Texte brauchen konnte. Ich wusste immer,
ich will singen, tanzen und performen!
MM: Neben deiner eigenen Karriere als Sän -
gerin bist du auch Coach. Wie ist es dazu
gekommen?
JENNIFER: Ich wusste, ich wollte alleine mit Auf -
tritten kein Geld verdienen, da ich auch ein Sicher -
heitsmensch bin und kein Vagabunden-Gen in
mir habe. Also sagte mein damaliger Produzent:
„Jenny, unterrichte doch mal das, was du gelernt
has!t“ Also habe ich das versucht, und irgendwie
habe ich gemerkt, dass Coachen mir wohl auch
im Blut liegt. Dann kamen alle Ausbildungen, Stu -
dien gänge dazu. Mit der Zeit ist das wie ein
Fächer aufgegangen. Zum Gesang kamen Tan -
zen, Moderieren, Coachen, Fitnessdance – meiner
Meinung nach gehört das alles zusammen.
MM: Beim Coaching arbeitest du nicht nur
am Gesang, sondern auch an der Bühnen -
performance. Was ist wichtig für eine gute
Ausstrahlung?
musiker MAGAZIN 1/2018

JENNIFER: Keine Angst vor dem Publikum, eher
an Geben denken als Nehmen, einfach das tun,
was Spaß macht, und keine Angst vor Fehlern
haben. Das Publikum will einen Menschen sehen,
mit dem er sich identifizieren kann und keine Ma -
schine – das ist meine Erfahrung. Charisma kommt
durch Gelassenheit und inneres Strahlen über
das, was du tust.
Last but not least: Glaube, was du sagst, und
stell dich gerade hin und offen, mach die Augen
auf und den Mund beim Sprechen oder Singen.
MM: Hast du einen ultimativen Tipp für deine
Klienten?
JENNIFER: Relax, sei fleissig und der Rest steht
bereits in der Frage davor.
»Ich zeige mich, wie
ich bin, ob auf der Bühne
oder privat. Mit jedem
Plus und Minus meines
Charakters.«
MM: Zurück zu deiner Musik: Du wusstest
bereits seit deiner Kindheit, dass du mal Sän -
gerin werden möchtest. Gab es auch Mo -
mente, in denen du diesen Berufs wunsch
angezweifelt hast?
JENNIFER: Eigentlich nicht, nur manchmal war
ich unsicher, ob das gut genug ist, weil die Latte
in diesem Business sehr hoch ist, aber der Drang
zu schreiben und meine Stimme zu erheben
war dann immer stärker, deswegen hat das nie
lange gedauert. Maximal ein paar Stun den Zweifel,
das war’s dann. Das bin einfach ich.
MM: Musikalisch orientierst du dich an Mu -
sikern wie Jamie Cullum oder Adele. Was be -
geistert dich an britischer Popmusik?
JENNIFER: Ich denke, es ist diese britische Ge -
lassenheit, Tiefe und Kraft, die in dieser Musik liegt,
plus die Fähigkeit, sich selbst nicht so ernst zu neh -
men. Ich denke, wenn jemand sich nicht ernst
nimmt und über sich selber lachen kann, dann
bin ich das. Mein Vater kennt, was Humor angeht,
keinen Schmerz – wie sollte ich da anders sein.
MM: Den Text zu „New Day“ hast du in nur
wenigen Minuten geschrieben. Was reißt
dich in solchen Momenten mit?

42 STORIES
JENNIFER: Das kann man nicht beschreiben. Es
ist ein Gefühl, dass wenn ich das jetzt nicht aufschreibe,
dann platze ich, das muss dann raus,
und wenn diese Momente kommen, musst du
dich echt dransetzen, denn diese Stimmung ist
kostbar und sehr wertvoll, da kommen die besten
Sachen raus, das, was absolut authentisch ist.
Und das ist mein erklärtes Lebensziel, immer ich
zu sein. Ich war zwar immer ich selbst, kenne aber
auch diese „Verstellmechanismen“ aus meiner
frühen Jugend, wo ich dachte, mich reifer und
sicherer geben zu müssen, um in dieser Gesell -
schaft zu bestehen.
Das ist, Hallelujah, fast völlig weg. Ich zeige
mich, wie ich bin, ob auf der Bühne oder privat.
Mit jedem Plus und Minus meines Charakters.
»Wenn du für Musik unterwegs bist, dann siehst
du ganz anders und nimmst es viel bewusster
wahr. Geräusche, Menschen, Ge bäude, Wege –
alles einfach.«
MM: An deinem ersten Album mit Eigen kom -
positionen hast du insgesamt drei Jahre lang
gearbeitet. Was fiel dir in dieser Zeit leicht,
was war schwer?
JENNIFER: Ich denke, leicht war die Arbeit mit
Dennis Jenne, der das Album produziert hat, da
er eine große Begabung hat, Musik zu fühlen und
das umzusetzen, was ich in meinem Kopf gemeint
habe, als ich ihm den Hintergrund des Liedes
nahegebracht hatte. Das war perfekt!
Schwer war manchmal, meinem eigenen An -
spruch gerecht zu werden. Aber auch die Zeit gut
zu koordinieren. Meine Tochter war damals ein
Jahr alt und ich hatte viele schlaflose Nächte.
MM: Deine Texte sind autobiografisch und
aus deinem Leben gegriffen. Hast du keine
Angst, dich damit angreifbar zu machen?
JENNIFER: Ich habe nichts zu verstecken. Je älter
ich werde, desto besser kenne ich mich und gehe
offen mit mir um, was sollte mir Angst machen. Je
älter, umso cooler. Früher war ich wesentlich
ängstlicher und hatte Angst vor Ablehnung, aber
mit dem Alter wird das echt besser. Toll, oder?
MM: Für das Album warst du auch unterwegs
und hast auf Reisen Eindrücke sammeln können.
Was hat dich am meisten beeinflusst?
JENNIFER: Wie klein wir doch eigentlich sind und
wie schön die Welt ist, so naiv das klingen mag.
Mein Bewusstsein, ebenso wie nahe arm und
reich nebeneinander leben und wie unterschiedlich
die Nationalitäten sind, das ist für mich sehr
spannend.
Wenn du für Musik unterwegs bist, dann siehst
du ganz anders und nimmst es viel bewusster
wahr. Geräusche, Menschen, Ge bäude, Wege –
alles einfach.
Das ist so cool! Außerdem liebe ich es, Kaffee
zu testen. Ich liebe meinen Cappuccino, dann
kannst du fast alles von mir haben!
MM: Du trittst nicht nur in Deutschland, sondern
auch in vielen europäischen Städten auf.
Wie schaffst du es, individuell auf diese unter -
schiedlichen Publika einzugehen?
JENNIFER: Als ich vor elf Jahren damit anfing,
in ternational zu werden, habe ich mich das auch
gefragt. Ich bin zu dem Ergebnis gekommen, dass
eigentlich alle das Gleiche möchten. Sie möchten
eine gute Zeit haben, wenn du performst. Und du
musst ehrlich sein. Sie merken, ob du spielst oder
ihnen wirklich liebevoll begegnest.
Ich sehe den Leuten meist direkt ins Gesicht
und gehe auf sie zu. Ich gehe runter von der
Bühne, damit wir uns als Gemeinschaft fühlen.
Für mich ist wichtig, dass das keine Egoshow ist,
sondern eine gemeinsame.
Natürlich bin ich wie die meisten Künstler ein
Narzisst, aber letztendlich weiß ich für mich, was
zählt. Die Menschen wollen eine gute Zeit und
jemanden, der ihnen ein gutes Gefühl gibt, und
das versuche ich mit aller Entschiedenheit.
WEB: WWW.JENNIFER-LOOSEMORE.COM
WWW.SYNN-UND-ZWECK.DE
INTERVIEW: JANA MOYSICH
FOTO: THOMAS REBEL
musiker MAGAZIN 1/2018

Bühne frei!
Planen Sie den Sommer 2018 …
© Fotos 1 – 5: Markus Kohz, cross-effect, 6: SWR, Ben Pachalski
… mit der b-stage 120 HD. Lässt Künstler- und Veranstalterherzen höher schlagen.

44 STORIES
TEIL 10:
Der zeitlose Klassiker – CREAM
CREAM waren die erste Supergroup der Rockgeschichte.
Ob dieses Phänomen ohne die bahnbrechenden phantastischen
Erfolge der Beatles denkbar gewesen wäre, mag dahinstehen.
Musikalisch liegen Welten zwischen den Bands, die beide bewiesen,
weitaus mehr als die Summe ihrer Mitglieder zu sein.
musiker MAGAZIN 1/2018

Im Sommer 1966 gegründet schienen CREAM
ein weiterer versierter Vertreter des britischen
Blues Booms zu sein. Rasch erweiterte die Band
ihr musikalisches Spektrum und revolutionierte
die Rockmusik durch musikalischen Er findungs -
reichtum und Virtuosität. Neben Blues rock und
Ausflügen in den Hard Rock gesellten sich Jazz -
elemente, psychedelisch gefärbtes Lyri sches bis
hin zu Klassik-Verwandtem dazu – alles miteinander
rhythmisch exquisit verbunden, was die Band -
mitglieder besonders mit ihren frenetisch gefeierten
filigranen und wuchtigen Impro visa tionen unter
Beweis stellte. Fremde Songs wurden höchst individuell
interpretiert, und eigene Songs wie „White
Room“, „Sunshine Of Your Love“ und „Politician“
wurden zu Klassikern der Rock musik und setzten
neue Standards. Diese Stücke konnten zudem
mit den Textdichtungen des 1940 geborenen
Pete Brown glänzen.
einen 45-Watt-Verstärker Marshall mit zwei je zwölf
Inch großen Lautsprechern anschloss, war das
Ergebnis eine Sensation: Claptons Phra sie rungen
und Vibrato auf der Gitarre kamen in einer bis
dahin nicht gehörten Kraft zur Geltung, besonders
eindrucksvoll bei den Stücken „All Your Love“,
„Hideaway“ und „Stepping Out“.
STORIES 45
Organisation. Die neue Band verband Jazz,
Rock und Rhythm and Blues miteinander. Einen
guten Einblick bieten die CD-Box „The Graham
Bond Organization: Wade In the Water –
Classics, Origins & Oddities“ von 2012 und die
Doppel-CD „Live at the BBC & Other Stories“
(2015).
Gitarrist dieser Supergroup war der 1945 ge -
borene Eric Clapton, der heute eine absolute
Größe des Musikbusiness ist und in Groß -
britannien schon vor CREAM Gitarren-Gott ge -
nannt wurde, weil seine Gitarrenkünste sich in
Riesen schritten entwickelt hatten. Er hatte im
Herbst 1962 seine ersten Schritte als Berufs -
musiker getan. Nach Stationen bei The Roosters
und Casey Jones & the Engineers im Herbst
1963 schloss er sich den erfolgreichen Yardbirds
an. Er verließ sie im Frühjahr 1965 und schloss
sich John Mayall, dem „Godfather of British Blues“,
an, um sich dem Blues zu widmen. Bei Mayall
entwickelte Clapton den Sound seiner Gitarre,
was ihm zentrale Bedeutung unter den Rock -
gitarristen sicherte. Blues-Aufnahmen aus der
ersten Hälfte der 1960er-Jahre klangen technisch
meistens flach. Claptons Aufnahmen mit Mayall
von 1965 und 1966 waren dagegen wie ein
Quanten sprung und übten eine enorme emotionale
Wirkung auf die Zuhörer aus. Erste An -
zeichen dafür bietet die Clapton-Mayall-Single
„Telephone Blues“ und „I’m Your Witchdoctor“. Auf
Mayalls sogenanntem Beano-Album „Blues-
breakers With Eric Clapton“ wurde Claptons spielerischer
und soundtechnischer Beitrag jedoch
offenbar. Das im April 1966 aufgenommene Album
ist ein musikalischer Meilenstein. Hatte Clapton
bei den Yardbirds eine rote Fender Tele caster
über einen Vox-Verstärker gespielt, deren Sound
der Produzent Mike Vernon als „pissy“ bezeichnete,
verwendete er nun eine Ende der 1950er-
Jahre gebaute Sunburst Gibson Les Paul
Standard, die er in London für kleines Geld erworben
hatte. Ihre Tonabnehmer konnten einen Ver -
stärker mit Verzerrungen und langanhaltender
Dauer eines angeschlagenen Tones an seine
Grenzen bringen und dadurch einen neuen Sound
erzeugen. Als Clapton im Studio diese Gitarre an
»Im Sommer 1966 gegründet schienen CREAM
ein weiterer versierter Vertreter des britischen Blues
Booms zu sein. Rasch erweiterte die Band
ihr musikalisches Spektrum und revolutionierte die
Rockmusik durch musikalischen
Erfindungsreichtum und Virtuosität.«
Initiator von CREAM aber war der 1939 geborene
Drummer Peter Edward Baker, der hoffte,
mit einer neuen Band rasch große Erfolge feiern
zu können. Wegen seiner rötlichen Haare Ginger
genannt, war er seit Mitte der 1950er-Jahre in
der britischen Musikszene heimisch geworden
und verstand sich grundsätzlich als Jazz-
Drum mer, der sich von afrikanischer Rhythmik
an gezogen fühlt und sich sein Schlagzeug
zunächst selbst baute. Nach Stationen unter
anderem bei Mr. Acker Bilk stieß er 1962 zu
Alexis Korner, in dessen Band er den künftigen
Rolling-Stones-Drummer Charlie Watts ersetzte.
Bei Korner spielten Baker, der 1943 geborene
schottische Bassist Jack Bruce, der Saxo pho -
nist Dick Heckstall-Smith, der vor allem durch
seine Mitgliedschaft in der Jazzrock-Formation
Colosseum eine prägende Größe in der britischen
Musikszene wurde, sowie der Keyboarder
und Saxophonist Graham Bond. Bond, Baker,
Bruce und Heckstall-Smith verließen bald
Korners Band und gründeten die Graham Bond
Jack Bruce schrieb hier seine ersten Stücke
bei der Graham Bond Organisation und wechselte
vom akustischen Bass zum elektrischen
Bass, den er wie eine Gitarre spielen wollte. Nach
dem Ausscheiden des zeitweiligen Gitarristen
John McLaughlin, der durch das Mahavishnu
Orchestra große Bekanntheit erlangte, wählte
Bruce den sechssaitigen Fender VI Bass (den er
1967 bei CREAM gegen den Gibson-Bass EB 3
austauschte). Baker und Bruce schätzten einander
als außergewöhnliche Musiker. Beide waren
allerdings eigenwillige Individualisten, die schon
zu dieser Zeit einander vorwarfen, zu laut zu spielen.
Ihre Hassliebe führte sie im Laufe der Jahr -
zehnte zusammen, wie sie sie auseinandertrieb.
Als Bruce bei der Graham Bond Organisation
ausschied und sich unter anderem John Mayalls
Bluesbreakers und Manfred Mann anschloss,
musste Baker überlegen, wie es für ihn musikalisch
weitergehen würde. Mitte Mai 1966 fragte
er Clapton, ob dieser sich an einer Dreier-Blues -
rock-Formation mit Gitarre, Bass und Schlag -
1/2018 musiker MAGAZIN

46 STORIES
spielte bei Robert Johnsons „Crossroads“ ein
energiegeladenes Solo, das er noch einmal An -
fang März 1968 übertraf.
»Hatten Baker, Bruce und Clapton zunächst
ihre Songs live ähnlich wie im Studio aufgenommen
gespielt, verlagerte die Band den Schwerpunkt
ihrer Konzerte auf jam-artige Improvisationen.
Mitunter war es keine Seltenheit, wenn CREAM in
einer Stunde nur drei Stücke spielten.«
zeug beteiligen würde. Sie übten dann gemeinsam
und nannten ihre neue Band klingend CREAM.
Bruce war der Auf fas sung, sie könnten sich selbst
managen. Jedoch setzte Baker sich mit seinem
Vorschlag durch, Robert Stigwood als Manager
zu engagieren. Im Endeffekt war das mit Verdruss
verbunden. Die Bandmitglieder beklagten nicht
nur, von Stigwood finanziell übervorteilt worden
zu sein; Bruce machte ihn auch dafür verantwortlich,
CREAM von Auftritt zu Auftritt gehetzt
und nicht die notwendigen längeren Entspan -
nungs phasen gegönnt zu haben, um in Ruhe
neue Songs schreiben zu können.
Ab Ende August tourte die Band in Groß -
britannien. Zunächst war die Band mit 45 britischen
Pfund pro Auftritt noch sehr preiswert zu
haben. Die A-Seite der ersten CREAM-Single
„Wrapping Paper“ hatte mit Bluesrock kaum etwas
gemein, dafür aber die B-Seite „Cat’s Squirrel“
mit Bakers Schlagzeugsolo. Rück blickend be -
zeich nete Baker „Wrapping Paper“ als den
„größten Mist“, an dem er beteiligt war. Auf ihrer
im Dezember 1966 in Groß britannien erschienenen
LP „Fresh Cream“ war die Blues rock-Aus rich -
tung jedoch eindeutig: sechs Cover von Blues -
stücken (darunter so ausgezeichnete Versionen
wie „I’m So Glad“, „Sleepy Time Time“ und
„Spoon ful“) und fünf überwiegend von Bruce
stammende Eigen kom po sitionen wie der mitreißende
Song „N.S.U.“. Das Album hat eine solche
Qualität, dass man Bruce-Stücke wie „Weird
of Hermiston“ und „Hey Now Prin cess“ ausklammern
konnte, die er Jahre später für Solo-Alben
neu einspielte. Auf der 1992 inoffiziell herausgebrachten
CD „Fresh Cream. The Alter native Album“
sind weitere bemerkenswerte Facetten der Band
enthalten.
Der Erfolg des nicht nur „frisch“ heißenden,
sondern auch ebenso klingenden Albums in
Großbritannien zog im Januar 1967 die US-Aus -
gabe der LP nach sich. Dabei wurde der Blues
„Spoonful“ gegen „I Feel Free“, die A-Seite der
zweiten CREAM-Single und der erste Hit der
Band, ausgetauscht. Bald waren CREAM damit
beim Bremer Beat-Club zu Gast, leider nur mit
einem Playback-Auftritt, was sich einige Monate
später auch mit dem Song „Strange Brew“ wiederholte.
Bereits im November 1966 waren
CREAM zweimal Gast in BBC-Radioprogrammen,
was auf der 2003 erschienenen CD „Cream.
BBC Sessions“ verewigt wurde. Bemerkenswert
ist dabei der zweite November-Auftritt. Clapton
Nach Gigs in Großbritannien spielten CREAM
unter anderem am 3. März 1967 im Stockholmer
Konzerthus. Dieser Auftritt wurde in einer Dauer
von etwa 25 Minuten mitgeschnitten und 2005
im DVD-Set „Cream. Their Fully Authorized Story“
als CD veröffentlicht. Er zeigt die bei den Stücken
„N.S.U.“, „Stepping Out“, „Traintime“, „Cat’s
Squirrel“ und „I’m So Glad“ präzise, frisch und
energiereich spielende Band in ihrer Phase vor
den langen Improvisationen. Um die LP „Fresh
Cream“ in den USA zu promoten, organisierte
Manager Stigwood dort Auftritte. Ab Ende März
konnte die da noch unbekannte Band in der TV-
Show von Murray the K nur wenige Songs spielen.
Bei den letzten Auftritten mussten CREAM
sich sogar auf nur ein Stück beschränken. Eine
US-Tour war dies also nicht.
Anfang Mai 1967 startete die Band in den
New Yorker Studios ihres US-Labels Atlantic die
Aufnahmen für ihr zweites Studio-Album, die für
einige Tage für Auftritte in Großbritannien unterbrochen
wurden. Die Schallplatten-Aufnahmen
wurden Ende Mai abgeschlossen. CREAMs Hoff -
nung, in Großbritannien als Die Supergroup punk -
ten zu können, zerschlugen sich allerdings. Denn
mittlerweile war Jimi Hendrix dort nach einem
kometenhaften Aufstieg zum Superstar ge worden,
der die Musikszene beherrschte. CREAMs einzigartige
Erfolgsgeschichte begann daher mit ihrer
ersten US-Tour, die Ende August 1967 in Bill
Grahams Fillmore-Auditorium in San Francisco
begann und den Ruhm der Band begründete.
Hatten Baker, Bruce und Clapton zunächst ihre
Songs live ähnlich wie im Studio aufgenommen
gespielt, verlagerte die Band den Schwerpunkt
ihrer Konzerte auf jam-artige Improvisationen.
Mitunter war es keine Seltenheit, wenn CREAM
in einer Stunde nur drei Stücke spielten. Als die
US-Tour am 15. Oktober 1967 im Detroiter Grande
Ballroom beendet wurde, waren sich alle einig,
dass die Band sich auf dem Höhepunkt ihrer
Kreativität befand und den Bluessong „Spoonful“
in all seinen Facetten ausgelotet hatte; dieser Auf -
tritt ist Anfang Februar 2018 als Radiomitschnitt
veröffentlicht worden. Manager Stigwood erhielt
freilich aus den USA die Nachricht, dass die
CREAM-Tour „außergewöhnlich unökonomisch“
gewesen sei.
Eine Ruhepause gab es für die Band nicht.
Denn bevor sie von der Torunee zu weiteren Kon -
zert- und Radio-Auftritten nach Großbritannien
auf brach, startete sie in New York die Aufnah men
für die dritte Studio-LP. Am 10. November 1967
musiker MAGAZIN 1/2018

STORIES 47
kam in Großbritannien endlich die langerwartete,
von Felix Papalardi produzierte zweite CREAM-LP
„Disraeli Gears“ mit den Highlights „Sunshine Of
Your Love“ und „Tales Of Brave Ulysses“ auf den
Markt. Sie ist in jeder Hinsicht ein musikalischer
Meilenstein, der außerdem auf den damaligen
Pfaden des Psychedelic-Rock sicher wandelte.
Der Londoner Melody Maker war überwältigt:
„Claptons Gitarre wirkt manchmal bedrohlich wie
ein Maschinengewehr, manchmal auch geradezu
unheimlich und überwältigend in ihrer Überzeugungskraft.
Schlangenartig erreicht sie eine
bislang unerreichte Tiefe in CREAMs variationsreichen
und hypnotischen musikalischen Reisen.“
So dekoriert brach die Band einen Tag später zu
einer Skandinavien-Tournee auf, wo sie bereits im
März aufgetreten war. Auch hier wurden CREAM
mit Lob überschüttet: „Sie sind gegenüber dem
vergangenen Frühjahr noch besser und pointierter
geworden. Claptons Fähigkeiten an der Gitarre
können einen beinahe schon erschrecken, wenn
er wie entfesselt seine 15-minütigen Soli abspult.“
Das hohe Lob hatte jedoch seinen Preis, den
CREAM durch ständige Präsenz in der Öffentlichkeit
zahlen mussten. Nach der Rückkehr aus
Skandinavien und vor der Fortsetzung von Studio -
aufnahmen für das dritte Album in New York vom
12. bis 15. Dezember 1967 mussten erneut Auf -
tritte in Großbritannien absolviert werden, dabei
wieder bei der BBC. Und nach dem Ende der
New Yorker Studio-Aufnahmen spielten CREAM
abermals Konzerte in den USA. Ende Dezember
kehrten die müden Krieger in die Heimat zurück.
Und wieder kehrte keine Ruhe ein, die die Band
zum Ausspannen und zur Entwicklung neuer
Songs benötigt hätte. Denn schon ab Jahres -
beginn 1968 waren Gigs in Großbritannien vereinbart
worden. Am 10. Januar wurde die Band
in ihrem zeittypisch wilden Outfit im Londoner
Revolution Club ohne Publikum für eine französische
TV-Sendung gefilmt – eines der überraschend
wenigen filmischen Dokumente aus CREAMS
damaligen Tagen. Trotz der sterilen Atmosphäre
spielte die Band gute Versionen von „Tales of
Brave Ulysses“, „Sunshine Of Your Love“ und
„Spoonful“. Erst 1993 war diese Aufzeichnung
auf der DVD „Fresh Live Cream“ erhältlich. Am
23. Februar 1968 startete CREAMs zweite US-
Tour, die vier Monate dauern sollte. Obwohl es
Idee + Foto: Christian Raith · Agentur: www.milk-and-honey.de
Jahre
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48 STORIES
vor allem in der frühen Phase der Tournee heraus -
ragende Improvisationen zu bewundern gab,
geriet das vertraglich vereinbarte Programm zu
CREAMs Sargnagel. Die nicht enden wollenden
Auftritte kosteten Kraft und Nerven der Musiker,
die zudem Drogen konsumierten. Bakers und
Bruces Streit über die Lautstärke ihrer In stru -
mente wurde immer unerquicklicher. Außerdem
hatten Bruce und Clapton ihre Verstärker-An -
lagen weiter aufgerüstet. Später beklagte Baker,
dass die Lautstärke von Bass und Gitarre bei
den Auftritten sein Gehör ruiniert habe. Clapton
hatte derlei Streitereien schließlich satt. Der desillusionierte
Clapton brachte es auf den Punkt:
„CREAM haben die Richtung verloren.“ Um Juni
des Jahres wünschten sich alle drei Bandmitglieder,
CREAM aufzulösen, was rasch publik wurde. Zum
Glück fanden CREAMS Auftritte in Grahams
Fillmore West (2 000 Plätze) am 7. März und seinem
5 000 Zuschauer fassenden Winterland
Auditorium vom 8. bis zum 10. März 1968 zum
Tournee-Beginn statt, als die Auflösung der Super -
group noch nicht beschlossene Sache war.
Sämtliche CREAM-Konzerte aus der Zeit vom 7.
bis zum 10. März wurden professionell aufgezeichnet.
Sie sind die hauptsächliche Quelle
CREAMs offiziell auf den Markt gebrachter Live-
Aufnahmen. Zwei Aufnahmen, die Produzent
Papalardi in das am 9. August 1968 in Groß -
britannien herausgekommene Doppel album
„Wheels Of Fire“ aufnahm, ragen neben den
musikalisch exquisiten und makellos produzierten
Studioaufnahmen heraus. „Crossroads“ glänzt
mit einem unerreichten Gitarrensolo von Clapton,
der bei diesem Auftritt eine geradezu magische
Eingebung gehabt zu haben schien, und die
spannungsgeladene 16-minütige Ver sion von
„Spoonful“, die keinen toten Moment hat, sucht
ihresgleichen – eine wahre Sternstunde der Rock -
musik! Für die BBC war Regisseur Tony Palmer
nach San Francisco angereist und filmte unter
anderem Interviews mit den Musikern, die dabei
unter Drogeneinfluss zu stehen schienen. Ein Film
über ein zusammenhängendes Set aus diesen
vier Tagen in Grahams Häusern scheint allerdings
nie geplant gewesen zu sein.
Während dieser Tournee wurde der Zusam men -
halt der Bandmitglieder aufgebraucht, CREAM
spielten aber immer wieder auch gute Konzerte,
so zum Beispiel am 15. Mai 1968 im Ak-Sar-Ben
Coliseum von Omaha. Herausragend soll die 20-
Minuten-Fassung des eher belang loseren Single-
Titels „Anyone For Tennis“ gewesen sein, die an -
geblich für Atlantic Records aufgezeichnet worden
sein soll, bis heute aber nicht auf Ton trägern
aufgetaucht ist. Im selben Monat gaben Baker,
Bruce und Clapton bekannt, CREAM auflösen zu
wollen. Man dachte darüber nach, entweder
Graham Bond oder Steve Winwood aufzunehmen
und mit einem anderen Konzept fortzufahren,
nach Bruces Vorstellungen vielleicht auch mit
Bläsern. Nichts davon wurde realisert. Nachdem
CREAM Mitte Juni in New York die Auf nahmen für
ihr drittes Album abgeschlossen hatten, gingen
die Bandmitglieder bis auf Weiteres eigene Wege.
Die Atmosphäre in den Atlantic Studios war nach
der Erinnerung des Tonige nieurs Tom Dowd
äußerst angespannt: „Manchmal schien es, dass
die Bandmitglieder aufeinander los gehen und
einander umbringen würden.“ Folgt man Bakers
Interview für die DVD „Cream. Their Fully Autho -
rized Story“, gab es außerdem wegen der
Autoren schaft an den Songs „Sunshine Of Your
Love“ und „White Room“ Streit. Baker rekla mierte,
dass seine rhythmischen Beiträge diese Stücke
erst zu Erfolgen gemacht hätten, ihm aber keinerlei
Autorenrechte und Tantiemen eingeräumt
worden seien.
Als Baker, Bruce und Clapton Anfang Oktober
1968 zur CREAM-Abschiedstour in die USA aufbrachen,
hatte zwischen ihnen seit Mitte Juni
mehr oder weniger Funkstille geherrscht. Finanziell
war die Tournee ein voller Erfolg. Denn nun erhielt
die Band pro Auftritt bis zu 60 000 US-Dollar. Der
Start in Oakland war noch vielversprechend und
wurde wie einige andere nachfolgende Auftritte
professionell mitgeschnitten. Der hörenswerte
Oak land-Auftritt erschien 1999 als Bootleg,
nachdem die Songs „White Room“, „Politician“
und „Deserted Cities Of The Hearts“ davor schon
1972 auf „Live Cream, Volume II“ veröffentlicht
worden waren. CREAM hatten aber ihren Zenith
überschritten. Davon zeugen Konzerte im Ingle -
wood-Forum von Los Angeles am 18. und 19.
Oktober, aus denen zwei Titel ebenfalls auf „Live
Cream, Volume II“ enthalten sind. Der 2008
erhältliche umfassendere CD-Mitschnitt von diesen
Auftritten offenbarte, dass der Band immer
wieder Präzision abhanden kam, denn nicht
immer stimmten die Einsätze. Die Band harmonierte
nur noch mehr schlecht als recht. Bis dahin
war in Großbritannien am 8. August 1968 das
Doppelalbum „Wheels Of Fire“ herausgekommen.
Es war das erste Doppelalbum, das aus einer
Studio- und einer Live-LP bestand. Das neue Werk
bekam überschwängliche Kritiken und erzielte
Platin-Status. Kurz nach der Veröffentlichung
in Deutschland wurde die Studio-LP komplett im
Samstagsabend-Programm des Club von NDR 2
vorgestellt.
Am 4. November 1968 endete zur Erleich te rung
der Bandmitglieder diese US-Abschieds(tor)tour.
US-Kritiker Christgau merkte später an, dass
Baker, Bruce und Clapton durch ihre Konzerte
bekannt geworden und zu Geld gekommen
seien, auf diesem Weg aber auch ihre Musik und
ihre Kameradschaft ruiniert hätten. Einen Tag
nach Tournee-Ende begannen CREAM in Los
Angeles mit den Studioaufnahmen für ihr letztes
vertraglich noch ausstehendes Album, die am
21. November des Jahres in London mit dem
Produzenten Felix Papalardi abgeschlossen wurden.
Heraus kamen drei Stücke, von jedem
Bandmitglied eines. Bakers „What A Bringdown“
und Bruces „Doing That Scrapyard Thing“ sind
schon vom Titel her bezeichnende Kommentare
zur Desintegration der Band. Besondere Be kannt -
heit hat „Badge“ erlangt , das Clapton ge mein sam
mit seinem Freund George Harrison schrieb und
einspielte; der Beatle wirkte unter dem Pseudo -
nym L’Angelo Misterioso mit. Die zweite Hälfte
des Albums, das Anfang Februar 1969 unter
dem Titel „Goodbye“ veröffentlicht wurde, füllte
Papalardi eigenständig mit drei Live-Aufnahmen
vom 19. Oktober 1968 aus dem Inglewood-
Forum in Los Angeles.
musiker MAGAZIN 1/2018

STORIES 49
»CREAM haben unter anderem mit hartem
Rock künftigen Top Acts wie Led Zeppelin den Weg
geebnet. Die Einnahmen aus den zahllosen
Auftritten und die Tantiemen
aus den enorm erfolgreichen Schallplatten der Band
hatten die Musiker reich gemacht.
Bis zum Ende des vorigen Jahrtausends waren
35 Millionen CREAM-Tonträger über die Ladentische
gegangen. Diese sind auch das jederzeit
abrufbare Vermächtnis der ersten Supergroup der
Rockgeschichte.«
CREAMs Abschied von der Konzertbühne stand
allerdings noch bevor. Die Band war für zwei
Abschiedskonzerte in der Londoner Royal Albert
Hall am 26. November 1968 gebucht worden.
Trotz der schlechten Vorzeichen gerieten CREAMs
letzten beiden öffentlichen Auftritte nicht zu einem
Fiasko. Die Band spielte solide, mehr aber auch
nicht. Die beiden Londoner Konzerte filmte Tony
Palmer. Zum Missfallen der Band schnitt er die
Auftritte zusammen, sodass nicht alles zusammenpasste.
Außerdem fügte er Interviews mit
Baker, Bruce und Clapton vom März des Jahres
in San Francisco ein. Diese Melange, die kein zu -
treffendes Bild von CREAMs außergewöhnlichem
Potential vermittelt, wurde von der BBC ausgestrahlt
und bis heute unter diversen Titeln auf den
Markt geworfen. Bedauerlich ist, dass es von
CREAM keine so umfassenden Aufzeichnungen
von Live-Auftritten gibt wie zum Beispiel von den
Beatles, den Doors und Jimi Hendrix.
CREAM wurden zur Legende, und Gerüchte,
die Band werde wieder zusammenfinden, verstummten
nicht. Unmittelbar nach den Konzer ten
in der Royal Albert Hall hieß es, CREAM würden
weitermachen. Da das Publikum die Band dabei
so frenetisch gefeiert hatte, waren Baker, Bruce
und Clapton so überwältigt, dass sie kurzzeitig
bereit waren, die Trennung zu überdenken. Erst
recht glaubte man an eine Reunion, als Baker und
Clapton mit Ric Grech und Steve Winwood die
neue Supergroup Blind Faith gründeten, die sich
als noch kurzlebiger erwies. CREAMs Labels
brachten 1970 und 1972 die LPs „Live Cream“
und „Live Cream, Volume II“ heraus, die Felix
Papalardi ohne Beteiligung der Bandmitglieder
aus US-Konzerten in San Francisco und Los
Angeles von Anfang März und Oktober 1968
zusammengestellt hatte. Überwiegend hinterlassen
diese Aufnahmen einen sehr guten Eindruck.
Besonders überzeugend wirkt die lange Impro -
visation über Bakers „Sweet Wine“ aus CREAMs
erster LP „Fresh Cream“.
Clapton sprach sich in den kommenden Jahren
wiederholt gegen eine Wiedervereinigung von
CREAM aus. Als die Band jedoch am 12. Januar
1993 in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen
wurde, spielten Baker, Bruce und Clapton
wie in besten Tagen zur allgemeinen Be gei -
sterung live die Stücke „Sunshine Of Your Love“,
„Born Under A Bad Sign“ und „Crossroads“, die
erst 2011 verstreut in der 9-DVD-Box „Rock and
Roll Hall of Fame Museum“ veröffentlicht wurden.
Die Bandmitglieder selbst waren mit ihrem
Auftritt nicht vollständig zufrieden, hatten aber die
Proben dafür als magische Momente angesehen,
was Clapton in seiner Dankesrede vor den
Gästen sagte. Die Tickets für die Veranstaltung
sollen bis zu 1 000 US-Dollar pro Person gekostet
haben. Durch dieses Ereignis wurden Hoff -
nun gen auf eine baldige CREAM-Tournee genährt.
Fast wären die drei Musiker im November 1993
tatsächlich gemeinsam bei den Rockpalast-Kon -
zerten zu Bruces 50. Geburtstag im Kölner E-
Werk aufgetreten. Angeblich soll Clapton Interesse
an einem gemeinsamen Auftritt bekundet haben
und lediglich durch andere Verpflich tun gen verhindert
gewesen sein. So spielten Baker, Bruce
und Gary Moore ein überzeugendes CREAM-Set.
Diese Kon zerte waren ein herausragendes musikalisches
Ereignis und sind nach Bruces Tod um -
fassend auf DVD und CD dokumentiert worden.
Als Baker und Bruce nicht mehr bei bester
Gesundheit waren, ließ Clapton sich schließlich
zu einer CREAM-Reunion an vier Tagen Anfang
Mai 2005 in der Londoner Royal Albert Hall bewegen.
Im Handumdrehen waren die Konzerte ausverkauft,
Schwarzmarktpreise erreichten fantastische
Höhen. Die herbei gepilgerten Besucher
müssen sich wie im siebenten Himmel gefühlt
haben, die alten Herren musikalisch wieder reibungslos
miteinander harmonierend zu erleben.
Das wurde natürlich auf DVD und CD festgehalten.
Der Erfolg dieser Londoner Konzerte veranlasste
die Band, Ende Oktober 2005 auch den
New Yorker Madison Square Garden für Auftritte
an drei Tagen zu mieten. Auch diese Auftritte
waren im Nu ausgebucht. Aber die alten Ani mo -
sitäten zwischen Baker und Bruce waren auch
nach rund dreißig Jahren nicht ausgeräumt und
bedeuteten unwiderruflich das Aus von CREAM.
CREAM haben unter anderem mit hartem Rock
künftigen Top Acts wie Led Zeppelin den Weg
geebnet. Wie vor ihnen die Beatles konnte die
Band 1968 Stadien füllen. Die Einnahmen aus
den zahllosen Auftritten und die Tantiemen aus
den enorm erfolgreichen Schallplatten der Band
hatten die Musiker reich gemacht. Bis zum Ende
des vorigen Jahrtausends waren 35 Millionen
CREAM-Tonträger über die Ladentische gegangen.
Diese sind auch das jederzeit abrufbare
Vermächtnis der ersten Supergroup der Rock -
geschichte, das mit zusätzlichen Aufnahmen ver -
sehen 1997 zur 4-CD-Box „Those Were the Days“
zusammengetragen wurde. Wie schon erwähnt,
sind nach der Auf lösung der Band weitere CDs
und DVDs erhältlich gewesen. Und natürlich
gab es auch in den 1960er-Jahren Boot legs mit
Aufnahmen aus dem Publikum heraus. Mit
denen tut man sich in aller Regel schon rein akustisch
keinen Gefallen. Nach der jüngsten Ver -
öffentlichung des Radiomitschnit tes vom 15.
Oktober 1967 ist nun für März 2018 die CREAM-
CD „The Winterland Concert“ von 1968 angekündigt.
Man darf gespannt sein, ob die Auf -
zeichnungen vom 8. bis 10. März 1968 in Bill
Grahams Auditorium noch Überraschungen parat
haben.
NÄCHSTE FOLGE:
RAY DAVIES UND DIE KINKS
TEXT: NORBERT APING
FOTO (S. 39): ZORAN VESELINOVIC
FOTO (S. 40): HEINRICH KLAFFS
FOTO (S. 41): MATT GIBBONS
FOTO (S. 42): GENERAL ARTISTS
CORPORATION / ATCO RECORDS
GRAFIK: © FOTOALI / FOTOLIA.COM
DR. NORBERT APING
Geboren 1952, Buchautor
und Leiter des Amtsgerichts
in Buxtehude.
1/2018 musiker MAGAZIN

50 MUSIKBUSINESS
Mitgliedschaft im
DEUTSCHEN ROCK UND POP
MUSIKERVERBAND E. V.
Warum lohnt es sich,
im Deutschen Rock & Pop Musikerverband
Mitglied zu werden?
Wer erfolgreich, berühmt oder bekannt werden will,
muss, wenn er keinen professionellen versierten Manager hat,
alles alleine und selbst managen und organisieren.
Dafür gibt es dann nur einen einzigen Weg:
Er muss auf allen Gebieten der Rock- und Popmusik
und des Musikbusiness, der Finanzen und des Bookings
enorm viel wissen.
musiker MAGAZIN 1/2018

MUSIKBUSINESS 51
❶ ERSTAUSWERTUNG:
Hierunter versteht man die Aufnahme einer
Dar bie tung auf Schallplatte, CD, Hörfunk-Übertragung
oder Fernsehsendung einer Live-Dar bie -
tung sowie die Mitwirkung an einer Video pro duk -
tion oder an einem Film.
❷ ZWEITAUSWERTUNG:
Diese setzt die erste Auswertung voraus und
bedeutet die Nutzung einer bereits fixierten oder
gesendeten Darbietung, also zum Beispiel die
Sen dung, öffentliche Wiedergabe oder private
Überspielung von Schallplatten, die öffentliche
Wiedergabe oder private Überspielung von Funkund
Fernsehsendungen.
Genau dieses umfangreiche Wissen wird allen
Mitgliedern des DRMV über persönliche
telefonische Beratungen durch diesen Ver band
ver mittelt, und zwar Schritt für Schritt differenziert
in allen Einzelheiten.
Hier in einem ersten Schritt
zwei bedeutende Urheberrechts-
Inkassogesellschaften:
GEMA
Die Gesellschaft für musikalische Aufführungsund
mechanische Vervielfältigungsrechte nimmt
nach Paragraph 2 ihrer Satzung die Rechte der
Urheber wahr. Es handelt sich um einen rechtsfähigen
Verein kraft staatlicher Verleihung gemäß
Paragraph 22 BGB. So verwaltet die GEMA treu -
händerisch die Rechte der Komponisten, Text -
dichter und Musikverleger. Hierzu schließt sie
Wahr nehmungsverträge bezüglich der kleinen
Rech te. Die sogenannten großen Rechte, d. h.
die Rechte für Aufführungen und Sendungen dra -
matisch musikalischer Werke (Musicals, Operetten
etc.), werden in der Regel durch den Urheber
selbst oder einen Verlag, d. h. also nicht kollektiv,
wahrgenommen.
Wie man mit der GEMA regelmäßig Geld verdienen
kann, wie man dafür sorgen kann, dass
die GEMA regelmäßig Tantiemen für die ihr ange-
schlossenen Urheber ausschüttet, wie man Musik -
folgebögen bei der GEMA einreicht, wie man seine
Songtitel bei der GEMA registrieren lässt, das
alles und noch viel mehr erfahrt ihr in den regelmäßigen
persönlichen Telefonberatungen durch
den Deutschen Rock & Pop Musikerverband dann,
wenn ihr in diesem Verband der Musi ker innen und
Musiker, der Komponisten und Texter Mit glied
werdet.
GVL
Diese von der Deutschen Orchester Vereini gung
und dem Verband der Tonträgerfirmen ge gründete
Verwertungsgesellschaft nimmt die Leistungs -
schutz rechte der ausübenden Künstler, Bild- und
Tonträgerhersteller sowie der Veran stalter wahr. Die
im Urheberrechtsgesetz anerkannten Leis tungs -
schutz rechte schützen nicht nur das Persönlich -
keits recht der ausübenden Künstler, sondern
ge ben auch die Möglichkeit, bestimmte Nutzun -
gen und Leistungen zu verbieten. So muss der
Nachschaffende (Interpret) gegen Entstellung seiner
Leistung geschützt sein, auch wenn ihm nicht
wie dem Schaffenden (Kom po nist, Texter) ein um -
fassendes Verbotsrecht gegen jegliche Än de rung
oder Bearbeitung zusteht.
Bei der Nutzung von Urheberrechten und verwandten
Schutzrechten unterscheidet man drei
Auswertungen:
❸ DRITTEAUSWERTUNG:
Dies sind die öffentliche Wiedergabe von gesendeten
Schallplatten oder gesendeten Filmen, die
private Vervielfältigung von gesendeten Schall -
plat ten oder Filmen, die Weitersendung gesendeter
Schallplatten oder Filme durch Kabel un ter -
nehmen.
Für die erste Auswertung ist die GEMA zu -
stän dig. Auf der Stufe der ersten Auswertung
stehen dem Musiker absolute Rechte zu. Er entscheidet
selbst, ob und unter welchen Bedin gun -
gen er Schall platten produziert oder in Funk und
Film mitwirkt. Die Vergütungen in diesem Bereich
werden durch Individualverträge geregelt. Für
den Bereich der zweiten und dritten Auswertung
stehen dem ausübenden Künstler keine Verbots -
rechte zu. Er hat lediglich einen Anspruch auf
angemessene Vergütung, also eine Ausschüttung
seiner Leis tungs rechts tan tiemen. Diese Vergü -
tungen werden von der Ver wertungsgesellschaft
GVL geltend gemacht.
Wer also mithilfe der GVL Geld verdienen möchte,
sollte genau wissen, wie man seine Meldun gen
im Internet vornimmt, was man meldet und wie
man eine Lizenz-Ausschüttung beantragt. Auch
das wird in den persönlichen Telefonberatungen
des Deutschen Rock & Pop Musikerverbandes
ge nauestens erklärt.
Sowohl die GEMA wie auch die GVL spielen
im Leben eines professionellen Rock- und Pop -
mu sikers eine außerordentlich bedeutende Rolle,
weil durch sie gewährleistet werden kann, dass
jährlich regelmäßige Einnahmen erwirtschaftet
werden können – wenn man alles richtig macht.
Allein schon aus diesen vielen Gründen ist eine
Mit gliedschaft im Deutschen Rock & Pop Mu -
si ker verband sinnvoll …
TEXT: OLE SEELENMEYER
FOTOS: © NEJRON PHOTO/FOTOLIA
1/2018 musiker MAGAZIN

52 MUSIK & RECHT
BGH legt Sampling dem EuGH vor
STREIT UM ZWEI SEKUNDEN GEHT IN
DIE NÄCHSTE RUNDE
Verletzt Sampling die
Rechte eines
Tonträgerherstellers?
Kraftwerk und
Moses Pelham streiten
seit 20 Jahren. Nun soll der
EuGH entscheiden.
Ein Schutz schon kleinster
Tonfetzen ist nicht
überzeugend, meint Sven
Schonhofen.
Sampling ist ein musikalisches Gestaltungs -
mittel. Die Musiker verarbeiten Klänge aus
unterschiedlichen Tonquellen in einem neuen
Musik stück. Durch den technischen Fortschritt
und den Einsatz von digitalen Samplern, die ein
kostengünstiges Sampeln ermöglichen, gewann
das Gestaltungsmittel, insbesondere in der Musik -
rich tung Hip-Hop, erheblich an Bedeutung. Die
Sampleverwender wollen dabei häufig gerade,
dass das Original erkennbar ist.
Die Zulässigkeit von Sampling ist in Deutschland
noch immer ungeklärt. Das ist auch deshalb
bemerkenswert, weil es in dem „Metall auf Metall“-
Rechtsstreit, über den der Bundesgerichtshof
(BGH) erneut entschied, mittlerweile schon sechs
gerichtliche Entscheidungen gibt. Es geht um den
gleichnamigen Song der Band Kraftwerk aus dem
Jahr 1977. Beklagte sind die Kom ponisten und
die Musikproduktionsgesellschaft des Hip-Hop-
Titels „Nur mir“, den die Sängerin Sabrina Setlur
im Jahr 1997 eingespielt hat. Zur Herstellung des
Titels entnahm Produzent Moses Pelham eine
zwei Sekunden lange Rhythmus sequenz aus
dem Song „Metall auf Metall“ und unterlegte den
Titel „Nur mir“ damit. Die Sequenz wird in einer um
5 Prozent verlangsamten Gesch windigkeit wiederholt
(„Loop“).
Kraftwerk sehen ihre Rechte als Tonträger her -
steller aus § 85 Abs. 1 Urheberrechtsgesetz (UrhG)
verletzt. Demnach steht Tonträgerherstellern das
ausschließliche Recht zu, den Tonträger zu vervielfältigen,
zu verbreiten und öffentlich zugänglich
zu machen. Das Leistungsschutzrecht der
Tonträgerhersteller schützt die im Tonträger verkörperte
technische und wirtschaftliche Her stel ler -
lei stung.
Zunächst sah es danach aus, als ob Kraftwerk
den Rechtsstreit gewinnen würden. Das Land -
gericht (LG) Hamburg (Urt. v. 8.10.2004, Az.308
O 90/99) und das Oberlandesgericht (OLG)
Hamburg (Urt. v. 07.06.2006, Az. 5 U 48/05)
gaben ihrer Klage statt.
Der BGH bestätigte dann in „Metall auf Metall
I“ (Urt. v. 20.11. 2008, Az. I ZR 112/06), dass ein
Eingriff in das Tonträgerherstellerrecht vorliege. Ein
solcher sei bereits dann gegeben, wenn einem
Ton träger kleinste Tonfetzen entnommen würden.
Der I. Zivilsenat verwies die Sache aber an
das OLG Hamburg zurück. Das Berufungs gericht
habe nicht geprüft, ob der Eingriff vorliegend durch
das Recht zur freien Benutzung nach § 24 Abs.
1 UrhG gerechtfertigt sei. Das OLG Hamburg
verneinte das (mit Urt. v. 17.08.2011, Az. 5 U
48/05) im wiedereröffneten Berufungsverfahren.
Pelham und Co. hätten die übernommene Se -
quenz vielmehr selbstständig in gleichwertiger
Weise einspielen können.
Der BGH wies die hiergegen eingelegte Re -
vision der Beklagten in „Metall auf Metall II“ (Urt.
v. 13.12.2012, Az. I ZR 182/11) zurück. Der Zweck
von § 24 Abs, 1 UrhG, eine Fortentwicklung des
Kulturschaffens zu ermöglichen, rechtfertige nicht
den Eingriff in die unternehmerische Leis tung des
Tonträgerherstellers. Aus der Kunstfreiheit lasse
sich kein Recht ableiten, die Tonaufnahme ohne
Einwilligung des Tonträgerherstellers zu nutzen.
Eine Kehrtwende in dem Verfahren gab es auf
die von den Beklagten hiergegen eingelegte Ver -
fassungsbeschwerde wegen Verletzung der Kunst -
freiheit. Das Bundesverfassungsgericht (BVerfG)
stärkte die Rechte der Sample ver wender. Karls -
ruhe bestätigte, dass die Entscheidungen in das
Grundrecht der Produzenten auf künstlerische
Betätigung eingriffen (BVerfG, Urt. v. 31.05.2016,
Az. 1 BvR 1585/13). Der Eingriff in die Kunst freiheit
(Art. 5 Abs. 3. S. 1 Grundgesetz ) sei auch nicht
gerechtfertigt. Die Hersteller bei der lizenzfreien
Übernahme kleinster Rhythmussequenzen erlitten
keine erheblichen wirtschaftlichen Nach teile,
in ihr grundrechtlich geschütztes Eigentum werde
nur geringfügig eingegriffen. Das BVerfG hat die
Sache an den BGH zurückverwiesen. Und deutete
bereits an, dass möglicherweise eine Vor -
lage an den EuGH notwendig sei.
Fragen an den EuGH:
freie Benutzung
und die Zuständigkeit des BVerfG
Die Beklagten verfolgten danach ihren Klage -
ab weisungsantrag vor dem BGH weiter. Der hat
nun das Verfahren ausgesetzt und dem EuGH
einen Fragenkatalog vorgelegt (Beschluss v.
01.06.2017, Az. I ZR 115/16, „Metall auf Metall
III“). Er fragt zunächst, ob ein Eingriff in das Ton -
musiker MAGAZIN 1/2018

MUSIK & RECHT 53
träger her stellerrecht zur Vervielfältigung (Art. 2 c)
Richtlinie 2011/29/EG) und Verbreitung (Art. 9 I b)
Richtlinie 2011/29/EG) vorliege, wenn seinem
Tonträger kleinste Tonfetzen entnommen und auf
einen anderen Tonträger übertragen werden.
Außerdem will der BGH wissen, ob eine Vor -
schrift wie § 24 Abs. 1 UrhG das Verviel fälti gungsund
Verbreitungsrecht in der Weise beschränken
kann, dass ein selbstständiges Werk in freier
Benutzung des Tonträgers ohne Zustimmung des
Herstellers verwertet werden darf. Zudem fragt der
BGH, ob der Eingriff möglicherweise durch das
Zitatrecht (Art. 5 Abs. 3 d) Richtlinie 2011/29/EG)
gerechtfertigt sei, auch wenn nicht erkennbar ist,
dass ein fremdes Werk genutzt wird. Der BGH
gibt hier aber schon eine klare Tendenz vor. Es
gebe keinerlei Anhaltspunkte dafür, dass ein Hörer
annehme, dass die Rhyth mussequenz, die dem
Song „Nur mir“ unterliegt, einem fremden Werk
oder Tonträger entnommen worden sei.
Daneben wirft der BGH die spannende Frage
auf, ob das BVerfG in dem Fall überhaupt etwas
zu sagen hatte. Innerstaatliche Rechtsvor schriften,
die eine EU-Richtlinie in deutsches Recht umsetzen,
seien grundsätzlich nicht am Maßstab des
Grundgesetzes, sondern allein am Unionsrecht
zu messen, wenn die Richtlinie den Mitglied -
staaten keinen Umsetzungsspielraum lasse. Daher
stelle sich die Frage, ob die europarechtlichen
Vorschriften zum Vervielfältigungsrecht und Ver -
breitungsrecht des Tonträgerherstellers Umset -
zungs spielräume im nationalen Recht zulassen.
In einem weiteren Schritt fragt der BGH, inwieweit
bei der Bestimmung des Schutzumfangs des
Vervielfältigungs- und Verbreitungsrechts des Ton -
trägerherstellers die Grundrechte der EU-Grund -
rechtecharta zu berücksichtigen sind. Der EuGH
könnte sich in diesem Verfahren somit zur spannenden
Grundsatzfrage des Verhältnisses zwischen
Kunstfreiheit und geistigem Eigentum
äußern.
Der nun schon über 13 Jahre andauernde
Rechtsstreit geht also in die Verlängerung. Es wird
noch zwei weitere Urteile, und zwar des EuGH
und des BGH, geben. Es bleibt abzuwarten, wie
weit der EuGH den Schutzbereich des Leis tungs -
schutzrechts der Tonträgerhersteller zieht. Überzeugend
wäre hier, dass er nicht schon kleinste
Tonfetzen umfassen kann. Dem Tonträger her -
steller sollte kein größerer Schutz zugesprochen
werden als einem Urheber. Urheberrechtlicher
Schutz ist nur gegeben, wenn der übernommene
Teil eine persönliche geistige Schöpfung darstellt.
Die Zulässigkeit des Samplings ist derzeit nicht
nur in Deutschland ungeklärt, sondern auch in
anderen Jurisdiktionen, z. B. in den USA. Hier
gab es im vergangenen Jahr eine Abkehr von dem
bisherigen Grundsatz des Court of Appeals for
the Sixth Circuit „Get a license or do not copy“
(Urt. v. 07.09.2004, Az. 383 F. 3d 390).
Der Court of Appeal for the Ninth Circuit (Urt.
v. 02.06.2016, Az. 14-55837) hatte über den
Song „Vogue“ von Madonna zu entscheiden. Dort
wurde eine 0,23 Sekunden lange Sequenz aus
einem Song namens „Love Break“ übernommen.
Die Übernahme sei zulässig gewesen. Der
durchschnittliche Hörer könne wegen der Kürze
des Samples nicht erkennen, dass die Sequenz
aus einem anderen Werk übernommen wurde.
Da es jetzt einen „Circuit Split“ gibt, wird das Pro -
blem des Samplings möglicherweise auch bald
das höchste Gericht der USA, den Supreme
Court, beschäftigen.
TEXT: SVEN SCHONHOFEN, LL.M
TEXTQUELLE: WWW.LTO.DE
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54 MUSIKBUSINESS
GRÜNDUNGSKOSTEN
EINER UNTERNEHMERGESELLSCHAFT
MIT BESCHRÄNKTER HAFTUNG
GRÜNDUNGSKOSTEN 3:
➲ ELEKTRONISCHER
BUNDESANZEIGER
Die Eintragung muss auch bekannt gemacht
werden. Das örtlich zuständige Amtsgericht entscheidet,
ob dies im elektronischen Bundes an zei -
ger oder bestimmten Tageszeitungen stattfindet.
Je nach Medium belaufen sich die Kosten auf
etwa 100 bis 250 Euro.
GRÜNDUNGSKOSTEN 1:
➲ DIE NOTARKOSTEN
Es fallen Notarkosten an. Diese bestehen
grund sätzlich aus:
➜
➜
➜
Sinvoll auch für die Gründung
einer Konzertagentur, eines Labels,
eines Musikverlages
oder einer Studioproduktionsfirma etc.
Beurkundung des Gesellschaftsvertrages
(auch Satzung genannt)
Beurkundung der
Gesellschafterversammlung
Entwurfsanfertigung sowie Beglaubigung
der Anmeldung zum Handelsregister
Verwendet man das Gründungs-Set und konkret
die Mustersatzung der Unternehmergesell -
schaft lassen sich dadurch die Kosten für den
Notar reduzieren. Denn dann schreibt die Kosten -
ordnung reduzierte Gebühren vor.
Dies sollte aber nicht dazu führen, am fundamentalen
Beratungs bedarf zu sparen. Wer hier
spart, spart am falschen Ende.
Die exakten Notarkosten hängen auch vom
Stammkapital ab, das bei der Unternehmer ge sell -
schaft bereits ab einem Euro beginnt.
Bei einer aktuellen Minimalgründung und damit
einer Mindesteinlage von 1 Euro betragen die
Kos ten für den Gesellschaftsvertrag bei einer Ein-
Personen-GmbH 84 Euro netto, ansonsten 168
Euro netto.
Die Beurkundung der Gesellschafter versamm -
lung kostet 168 Euro. Der Entwurf wie die be -
glaubigte Anmeldung ins Handelsregister kostet
42 Euro netto.
GRÜNDUNGSKOSTEN 2:
➲ DIE REGISTERKOSTEN
Die Eintragung in das Handelsregister kostet
aktuell 100 Euro. Achten Sie hier vor allem darauf,
ob die Rechnung wirklich vom offiziellen Re -
gistergericht kommt. Dubiose Adressbücher versuchen
die Hektik und Unerfahrenheit nach einer
solchen Gründung auszunutzen und stellen
unberechtigte Forderungen, deren Schreiben den
offiziellen Rechnungen ähnlich sehen.
ACHTUNG: Lassen Sie sich nicht von ähnlich
klingenden Verzeichnissen per offiziell aussehender
Rechnung abzocken. Achten Sie genau, wer
wofür Geld von Ihnen will. Denn diese Firmen
können das offizielle Register ebenfalls einsehen
und versenden ungerechtfertigte Rechnung an
die neueingetragenen Firmen.
STAATLICHE
GENEHMIGUNGSURKUNDE
Künftig ist zur Eintragung in das Handels re gister
keine verwaltungsrechtliche Geneh migungs ur -
kunde erforderlich. Damit wird auch eine Gleich -
stellung zu Einzelkaufleuten und Personen gesell -
schaften erreicht.
Bislang ist das problematisch, da diese Ge neh -
migung bei genehmigungspflichtigen Gegen stän -
den nur der Gesellschaft (als juristischer Per son)
erteilt werden können, diese Gesellschaft aber
mangels Eintragung noch nicht besteht. Mit Vor -
bescheiden versucht man dies zu lösen.
GRÜNDUNGSPAKETE
Professionelle Dienstleister bieten speziell zu -
sammengestellte Gründungspakete, welche eine
gut geführte Gründung mit günstigen Grün dungs -
kosten ermöglichen. Mehr zu den UG-Grün dungs -
paketen.
ZUSCHUSS ZU
DEN GRÜNDUNGSKOSTEN
Bei der Unternehmensgründung bestehen einige
Zuschuss-Möglichkeiten, die man vor Grün -
dung prüfen (lassen) sollte.
TEXTQUELLE: WWW.UG-LTD.DE
FOTO: © DENISISMAGILOV/FOTOLIA
musiker MAGAZIN 1/2018

PRODUKT-NEWS 55
Christoph Herder
GARANTIERT BASS LERNEN
Für Vier- und Fünfsaiter
Ganz ohne Vorkenntnisse können Anfänger mit „Garantiert
Bass lernen“ das E-Bass-Spiel erlernen. Von Grund auf werden
hier mit Hilfe von Noten, Tabulatur und Griffdia grammen
die Grundlagen für das Bassspiel gelegt. Für ein erfolgreiches
Lernen sind vor allem klare Strukturen und kleine, logisch
aufeinander aufbauende Lernschritte notwendig. Dies leistet
Autor Christoph Herder, der E-Bass und Komposition an
der Hochschule für Musik und darstellende Kunst in
Mannheim/Heidelberg studiert hat, vorzüglich.
Zunächst werden – neben Tipps zu Basskauf und Equip -
ment – die technischen Grundlagen des E-Bass-Spiels
(Haltung, Anschlag, Saitenwechsel, Greifen) gelegt. Später
behandelt Christoph auch die spezielleren Spieltechniken
wie Dead Notes, Hammer On, Pull Off und Slides. Auf der
rhythmischen Ebene geht es von Viertelnoten über Achtel
bis Sechzehntelnoten und später dann um Triolen, ternäre
Rhythmik und das Spiel in verschiedenen Taktarten.
Im Vordergrund steht aber vor allem der Erwerb eines
grund legenden, harmonischen Handlungswissens, das notwendig
ist, um eigene Basslinien zu bilden. Das reicht von
den reinen Grundtönen, über die Verwendung von Akkord -
tönen und Skalen bis hin zu diatonischen und chromatischen
Durchgängen.
Zu jedem Kapitel stellt Christoph mindestens ein Spielstück
und ein CD-Play-Along zum Mitspielen zur Verfügung, mit
dem der Lernende seine eigenen Ideen entwickeln kann.
Zusätzliche Groove-Analysen beleuchten das Zusammen spiel
von Bass und Schlagzeug. Stilistisch reichen die Spiel stücke
von Rock, Pop, Funk, Soul über Blues, Rhythm & Blues, Jazz
bis hin zu Hip-Hop, Ska, Reggae, Surf und Country.
Ein gelungener Einstieg in das Bassspiel, der den Ler nen -
den in die Lage versetzt, seine eigenen Basslinien zu entwickeln.
BUCH & CD | DIN A4 | 200 Seiten | 21,95 Euro
20198G | ISBN-13: 78-3-943638-29-5
www.alfredmusic.de
LET IT SHINE:
KÖNIG & MEYER PRÄSENTIERT NEUE LED-LEUCHTEN
König & Meyer präsentiert eine umfassende Serie an flexibel
einsetzbaren, energieeffizienten LED-Leuchten. Die neueste
LED-Technologie garantiert eine helle Lichtquelle bei langer
Lebensdauer (bis zu 100 000 Stunden) und minimalem
Energieverbrauch.
Der Lichtkegel der Leuchten ist dank der flexiblen Schwanen -
hälse variabel einstellbar. Alle Leuchten haben einen praktischen
Clip, der die Befestigung an Notenpulten, Tisch platten
etc. (bis 25 mm) ermöglicht. Im Lieferumfang aller Leuchten
sind 3 Batterien (1,5 V AAA) enthalten.
Die Notenpultleuchte 12241 »LED FlexLight« ist der Ein -
stieg in die neue Leuchtenserie. Sie ist ausgestattet mit
einer LED. Baugleich, jedoch mit zwei LEDs ausgestattet,
ist die 12242 »2 LED FlexLight«. Die 12243 »Double LED
FlexLight« besitzt zwei Leuchtköpfe, die jeweils mit einer
LED ausgestattet sind.
Ebenfalls mit zwei Leuchtköpfen, die aber mit jeweils 2
LEDs ausgestattet sind, punktet die 12244 »Double2 LED
FlexLight«. Auch die Notenpultleuchte 12246 »Double4 LED
FlexLight« besitzt zwei Leuchtköpfe. Sie bietet jedoch pro
Leuchtkopf 4 LEDs, die sich in zwei Helligkeitsstufen schalten
lassen.
Die 12245 »Double4 LED FlexLight« ist baugleich zur
12246, aber mit einem zusätzlichen Netzeil ausgestattet.
Das leistungsstarke »T-Model LED FlexLight«12247 bietet
8 nebeneinander liegende superhelle LEDs. Die Helligkeit
der 12247 ist in zwei Stufen schaltbar.
Weitere Informationen unter: www.k-m.de
1/2018 musiker MAGAZIN

56 PRODUKT-NEWS
ten Nachfahren aufbewahrt. Es hat eine äquidistante Stim -
mung mit 7 Tönen pro Oktave. Diese ist ähnlich der westlichen
Diatonik und klingt herrlich schwebend. Die Me -
lodien sind auch 1 : 1 auf C- oder F-Balafone übertragbar,
ohne sie zu vergewaltigen. So können sie mit der Kora oder
mit westlichen Instrumenten gespielt werden. Sie sind ebenso
kurz und repetitiv wie die Koramelodien, dazu kommen
wunderschöne Gesänge und komplexe Impro visationen.
Pentatonische Balafone wurden vom Ur-Balafon abgeleitet
und sind in anderen Regionen zu finden.
DIE MUSIK IN WESTAFRIKA
Die Musik in Afrika hat so ein breites Spektrum, dass kaum ein Merkmal auf alle Traditionen
des riesigen Kontinents zutrifft. Eins ist jedoch das Repetitive: Die Rhythmen und Melodien sind
meist kurze Phrasen, die wiederholt werden. Sie bilden den rhythmischen/harmonischen
Teppich. Darüber wird gesungen und meist polyrhythmisch improvisiert.
Je nach Region herrschen verschiedene Tonsysteme vor.
• DIE DJEMBÉ
Bei vielen Volksgruppen wird die Oktave in vier, fünf oder
Die Malinké ließen sich
sechs Schritte unterteilt. Diese haben aber nicht einen
vom rhythmischen Hirse-
Abstand von Halb- und Ganztonschritten wie in der Diatonik,
Stampfen inspirieren und
sondern gleiche Abstände (sie sind äquidistant). So ist z. B.
entwickelten im 11. / 12.
eine äquidistante Pentatonik mit unserem System nicht zur
Jh. aus dem Mörser die
Deckung zu bringen. Mit der Folge, dass diese Musik für
Djembé. Sie wird mit den
unsere Ohren schief klingt.
Händen gespielt und diente
zunächst dem Versammeln
Die Popmusik vieler Regionen basiert auf traditionellen
der Leute („versammeln“
Melo dien und Instrumenten, wurde aber meist diatonisch = „Djela beng“). Durch das Schlagen des Fells wird die Luft -
„umgebogen“, damit sie auf westlichen Instrumenten spielbar
ist und für Weiße gut klingt. Hört sich jemand, der von nung wird die Luft geballt unten herausgepresst, was den
säule im Kelch nach unten bewegt. Durch die kleine Öff-
Kindheit an auf das diatonische System geprägt ist, traditionelle
Musik quer durch Afrika an – vom Jodelgesang der abgestoppte Schlagweise ist der Klang obertonreich, lässt
druckvollen Klang verursacht. Durch die offene, nicht
Pygmäen über Trompeten im Tschad, Fiedeln der Tuareg sich aber gut in diversen Musikstilen einsetzen, zumal Ton
bis zum Kehlkopf gesang der Xhosa in Südafrika –, fährt es und Slap differenzierter sind als z. B. beim Cajon. Die Handto-Hand-Spielweise
liefert einen angenehm durchlaufenden
ihm durch Mark und Bein.
Teppich.
Doch kommt man im westlichen Westafrika an, mag man
seinen Ohren kaum trauen: zarte Harfenklänge, perlende
Xylophonlinien und wunderschöner Gesang!
• DIE KORA
Die Manding entwickelten im 18. Jh. in Kabou (heute
Gambia/Südsenegal) aus 4- bis 6-saitigen Jäger-Harfen
der Malinké die komplexere Kora. Diese hat 21 Saiten. Die
Stimmung ist F-Dur, in manchen Regionen auch F lydisch.
Links befinden sich 4 Basssaiten (F, C, D, E), dann geht es
abwechselnd weiter mit der normalen F-Dur-Tonleiter. Die
zwei Daumen spielen Bass-Figuren, die zwei Zeigefinger
Melodie-Linien. Die Stücke sind kurz und repetitiv. Die Ge -
sänge sind länger und ziehen sich quer über die Melodie-
Linie.
Kora- und Balafonspieler schöpfen aus dem gleichen musikalischen
Fundus, weil sie gemeinsame Wurzeln haben.
In Westafrika sind die Gesellschaften noch teilweise am
Kasten system orientiert. Traditionelle Melodie-Instrumente
werden daher nur von Angehörigen der Kaste der Musiker
und Geschichtenerzähler gespielt (Griots/Griottes). Auch die
Lieder sind ihnen vorbehalten (von wenigen Ausnahmen
abgesehen wie Salif Kéita). Das Trommeln ist frei und nicht
mehr an die Kaste der Schmiede gebunden.
Kombiniert man Kora oder Balafon mit modernen Instru -
menten, lässt man in aller Regel Kora bzw. Balafon beginnen,
denn sie sind ja durch ihre eine Skala in C- oder F-Dur
eingeschränkt. Gitarre oder Keyboard können dann Har -
monien darunterlegen (leitereigene Akkorde von C bzw. F).
Ursula Branscheid-Kouyaté, geb. 1968 in Köln, seit 1987 in
Tübingen, 1996 – 2000 Jazz-Studium in Bern und in
München. Instrumente: Schlagzeug, Djembé, Kora, Balafon,
Gesang.
Was ist hier passiert?
Vermutlich legten schon die alten Ägypter den Grundstein
für unser Tonsystem. Sie kolonisierten das antike Griechen -
land und brachten ihre Musik ein. Die Griechen führten die
Bezeichnungen „ionisch, dorisch“ etc. für die Skalen des
diatonischen Systems ein, die wir bis heute verwenden. Über
das antike Rom kam die Musik dann nach Mitteleuropa.
Auf einem anderen Weg kam die ägyptische Musik nach
Westafrika: Der Pharaonensohn Dinga gründete am Niger
das Reich Gana, aus dem später Mali hervorging. Die Musik-
Tradition dieser Mande-Völker gilt als die komplexeste
Afrikas. Und sie hat erstaunliche Ähnlichkeit zu westlicher
Musik. Deren wichtigste Instrumente:
• DAS BALAFON
1205 bekam der im Mande-Land herrschende Soumaoro
Kanté von Waldgeistern ein riesiges Balafon. Als er vom
rechtmäßigen Thronerben Soundjata Kéita gestürzt wurde,
ging das Instrument an dessen Hofmusiker Balla Fasséké
Kouyaté. Das Ur-Balafon wird bis heute von seinen direk-
Autorin von 4 Djembé-Lehrbüchern (über 30 000 verk.
Exemplare), 2 DVDs (Leu-Verlag).
Über 30 Afrika-Reisen mit Djembé-Unterricht bei Famoudou
Konaté, Mamady Kéita und div. Trommlern der National -
balletts, Kora- und Balafonspielern und Tänzern in Mali,
Guinea, Senegal.
Seit 1996 Dozentin an div. Volkshochschulen. Seit 2005
Schlagzeug-Lehrerin in den Musikschulen Bempflingen bzw.
Neckartenzlingen, musikalische Früherziehung.
Fotos: Ursula Branscheid-Kouyaté
Weitere Informationen: www.leu-verlag.de
musiker MAGAZIN 1/2018

PRODUKT-NEWS 57
NORD ELECTRO 6
EIN RAFFINIERTER MODERNER KLASSIKER
IBANEZ PRESTIGE AZ2402-ICM
ICE BLUE METALLIC
Das Clavia Nord Electro 6 HP Stage key -
board kombiniert die Emulationen von klassischen
elektromechanischen und akustischen
Instrumenten in einem ultra-portablen
Gehäuse. Mit 3 unabhängigen Sound-
Sektionen, einer optimierten Benutzer ober -
fläche und der Ergänzung durch Seamless
Transitions präsentiert der schwedische Her -
steller ein leistungsstarkes und flexibles
Instrument. Das Nord Electro 6 HP verwendet
eine Tastatur mit 73 Tasten mit einer ge -
wichteten Hammermechanik, die sich perfekt
für elektronische und akustische Klavier -
klänge, aber auch hervorragend für Orgel -
spiel eignet. Ausgestattet ist das Nord Electro
6HP mit 3 unabhängigen Klanger zeugungs -
sektionen.
ORGAN SECTION
Das Clavia Nord Electro 6HP enthält die
Nord C2D Orgelsimulation von B3 Tone weel,
B3 Bass und Vintage Transistor Orgel sowie
zwei Pipe Organ Sounds. Ein Dual-Orgel-
Modus bietet schnellen Zugriff auf zwei
manuelle Setups und eine hervorragende
Übersicht und Kontrolle über die drawbar
settings sowohl für das untere als auch für
das obere Manual. Das Nord Electro 6HP 73
verfügt über digitale Zugriegel, die eine hervorragende
Übersicht über die ak tuellen
Einstellungen bieten.
VINTAGE ROTARY SPEAKER
Das Nord Electro 6HP Stagekeyboard verfügt
über die neueste Generation der Vintage
122 Rotary Speaker-Simulation, die einen
wesentlichen Charakter für eine Live-Organ-
Performance liefert und über Slow-, Fastund
Stop-Modus sowie eine Drive-Steue -
rung verfügt.
SAMPLE SYNTH SECTION
Die Sample Synth Section enthält eine große
Auswahl an hochwertigen Sounds aus der
Nord Sample Library 3.0, einschließlich
der exklusiv lizenzierten Sounds des legendären
Mellotron und Chamberlin. Der Synth
ist mit wesentlichen Reglern für Attack,
Decay/Release und Dynamik ausgestattet.
PIANO SECTION
Die Piano Section bietet eine große Aus wahl
an akustischen, elektrischen und digitalen
Pianos aus der Nord Piano Library, erweiterte
Stimmenpolyphonie und kreative Piano-Filter.
Zusätzlich findet man die Ka tegorie „Layer“
mit reichhaltigen dynamischen Patches.
AUSTAUSCHBARE SOUNDS
Mit dem Nord Sound Manager können Sie
ganz einfach neue Sounds hinzufügen oder
ersetzen. Dabei wird die Piano Library ständig
erweitert mit neuen exklusiven Sounds
und ist immer kostenlos.
EFFECT SECTION
Die leistungsstarke Effekt-Sektion des Clavia
Nord Electro 6HP bietet eine große Auswahl
an sofort anpassbaren, hochwertigen Effek -
ten, die den klassichen Stomp-Boxen nachempfunden
sind. Alle Effekte sind stereo
und können frei den Bereichen Orgel, Piano
oder Synth zugeordnet werden.
Erhältlich unter www.musicstore.de
Die Ibanez Prestige AZ2402-ICM Ice Blue
Metallic ist das perfekte Werkzeug für den
modernen Gitarristen, der auf der Suche nach
einer erstklassigen E-Gitarre für die Um set -
zung virtuosester Spieltechniken im Rock-,
Fusion- oder Jazz-Kontext ist. Hierbei bieten
der ergonomisch gestaltete Erle-Korpus
mit eleganter Riegelahorn-Decke und der
geschraubte S-Tech-Wood-Hals eine ungehinderte
Bespielbarkeit, während speziell ent -
wickelte Seymour Duncan Hyperion Pick ups
mit dyna-MIX10-Schaltung für vielseitige
Sounds mit lebendiger Artikulation sorgen.
Außerdem verfügt die Ibanez AZ2402 über
ein hochwertiges Gotoh-T1802-Tremolo mit
Saitenreitern aus Titan sowie Gotoh-H.A.P.-
Locking-Mechaniken.
ERSTKLASSIGE HÖLZER UND
UNGEHINDERTER SPIELKOMFORT
Für den ergonomisch geschwungenen Kor -
pus der Ibanez AZ2402 wählt Ibanez das
klassische Erlenholz aus, wobei weit ge -
schnit tene Cutaways und der „Super All
Access Neck Joint“ auch die höchsten Lagen
problemlos erreichbar machen. Absolutes
Highlight der Ibanez AZ2402 ist jedoch
zweifelsohne der geschraubte Hals aus S-
Tech Wood Roasted Maple. Dieses Ahorn-
Holz wird in einer reinen Stickstoff-At mos -
phäre thermisch behandelt, wodurch es un -
empfindlich gegen Klimaänderungen wird
und eine ausgezeichnete Resonanz ge winnt.
Das mittelkräftige „AZ Oval C“-Profil liegt
bequem in der Hand, sodass zwischen den
24 Edelstahlbünden im Jumbo-Format jeder
noch so komplexe Song bequem aus den
Fingern geht. Hierbei gestatten fluoreszierende
Side Dots auch auf den dunkelsten
Bühnen eine optimale Orientierung.
SEYMOUR DUNCAN HYPERION PICKUPS
MIT DYNA-MIX10 SCHALTUNG
Für eine optimale Tonwandlung steuert niemand
Geringeres als Seymour Duncan die
Pickups der Ibanez AZ2402 bei. Hierbei über -
zeugen die in Hals- und Mittelposition verbauten
Seymour Duncan Hyperion Hum -
bucker mit einem moderat er höh ten Output
und einer ausgewogenen Wieder gabe aller
Frequenzen, sodass in Verbindung mit der
lebendigen Dynamik ausdrucksstarkes E-
Gitarre-Spielen bestens unterstützt wird.
Ausgewählt werden die Spulen der Tonabnehmer
unterschiedlichen Kombinationen mithilfe
des 5-Wege-Klingenschalters, wobei dank
dyna-MIX10-Schaltung zusätzliche Optionen
abgerufen werden können. So wird nach Be -
tätigung des „Alter“-Switches jeweils eine
Spule jedes Humbuckers mit verminderter
Wicklungszahl „angezapft“, sodass ausgedünnte,
fein aufgelöste Klangfarben zur Ver -
fügung stehen.
HOCHWERTIGE HARDWARE VON GOTOH
Nicht zuletzt überzeugt die Ibanez Prestige
AZ2402-ICM Ice Blue Metallic mit einer erst -
klassigen Hardware-Ausstattung. Als Brücke
kommt das speziell für die Ibanez AZ-Serie
entwickelte Gotoh-T1802-Tremolo zum Ein -
satz, das mit Saitenreitern aus Titan und
einem massiven Stahlblock klangfördernd
ausgestattet ist. Mit Saitenabständen von
10,5 mm unterstützt es außerdem die optimale
An schlagstechnik. An der Kopfplatte
werden die Saiten außerdem über einen
Knochen sattel zu den Gotoh-Magnum-Lock-
H.A.P.-Mechaniken geführt, deren höhenverstellbare
Wickelachsen einen optimalen
Saitendruck garantieren.
Auch erhältlich in anderen Farben unter
www.musicstore.de
1/2018 musiker MAGAZIN

58 PRODUKT-NEWS
CD-P1260MKII – PREISWERTER, LEISTUNGSSTARKER CD-PLAYER MIT MP3/WMA-WIEDERGABE
Der CD-P1260MKII ist ein kostengünstiger und dennoch
leistungsstarker CD-Player für Festinstallation und Tournee -
betrieb. Neben Standard-Audio-CDs kann er MP3- und
WMA-kodierte Audiodateien wiedergeben und erlaubt
dadurch stundenlange Musikeinspielungen – ideal für die
Hinter grund beschallung in Bars, Restaurants, Geschäften und
Freizeitparks.
Das neu entwickelte CD-Laufwerk befindet sich in der Mitte
des Geräts. Dadurch ist sein Gewicht gleichmäßig verteilt
und Vibrationen und Resonanzen während der Wiedergabe
werden minimiert. Das Laufwerk ist in der Lage, Daten mit
deutlich höherer Geschwindigkeit zu lesen als herkömmliche
CD-Laufwerke mit elektronischem Schutz vor Stößen,
und ein D/A-Wandler von Wolfson beherrscht 8-faches
Over sampling und sorgt damit für ein farbenreiches Klan g -
bild.
Mit den Tasten auf der Gerätefront lassen sich auch Unter -
ordner einfach ansteuern, um die gewünschte Musik zu
finden. Zudem ist eine Infrarot-Fernbedienung mit großem
Funktionsumfang im Lieferumfang enthalten. Für hervorragend
klingende, zuverlässige und dennoch erschwingliche
CD-Wiedergabe ist der Tascam CD-P1260MKII die erste
Wahl.
AUSSTATTUNGSMERKMALE:
• Erschwinglicher und dennoch leistungsstarker
CD-Player
• Unterstützte Medien: CD, CD-R und CD-RW
• Wiedergabe von Audio-CDs sowie Daten-CDs
mit MP3- und WMA-Dateien
• Wahl eines bestimmten Ordners auf einer
MP3- oder WMA-CD
• Neu entwickeltes CD-Laufwerk unterstützt
das Einlesen von Daten mit hoher Geschwindigkeit
• Mittig montiertes Laufwerk zur Minimierung
von Vibrationen und Resonanzen
• Digitalfilter mit 8-fachem Oversampling sorgt für
farbenreiches Klangbild
• Wiederholte Wiedergabe
(ein Titel, alle Titel, Programm, A–B)
• Programmierte Wiedergabe (bis zu 64 Titel)
• Zufallswiedergabe
• Intro-Check-Funktion (die ersten 10 Sekunden eines
jeden Titels werden wiedergegeben)
• Anzeige von Künstler-, Album- und Titelnamen
bei MP3- und WMA-Wiedergabe
(nur alphanumerische Zeichen sind darstellbar)
• Großes, gut ablesbares LC-Display
• Kopfhörerausgang mit eigenem Pegelregler
(6,3-mm-Klinkenbuchse)
• Infrarot-Fernbedienung im Lieferumfang enthalten
• 19-Zoll-Einbaugehäuse mit 2 Höheneinheiten
Weitere Informationen unter: www.tascam.eu/de
GESANGS- UND INSTRUMENTENAUFNAHMEN
IN HERAUSRAGENDER QUALITÄT
USB-AUDIO-INTERFACE
Das US-1x2 ist das ideale USB-Audiointerface für Ein stei -
ger. Es ist klein, preiswert, aber dennoch mit hochwertigen
Komponenten ausgestattet und hat einen Mikrofon- und
einen Line-/Instrumenteneingang sowie einen unsymmetrischen
Stereo-Analogeingang über Cinchbuchsen sowie einen
ebensolchen Ausgang. Damit können Sie Gesang und ein
einzelnes Instrument oder eine Stereoquelle aufnehmen oder
ins Internet streamen, oder Ihre Kassettensammlung archivieren
– mit bis zu 96 kHz / 24 Bit über eine der gängigen
DAW-Anwendungen oder Aufnahme-Apps unter Windows,
macOS oder iOS.
Das US-1x2 enthält einen von Tascam selbst entwickelten
Ultra-HDDA-Mikrofonvorverstärker, der sich durch sehr ge -
ringes Rauschen auszeichnet und über einen großen Ver -
stärkungsbereich von 57 dB für dynamische Mikrofone sowie
Phantomspeisung für Kondensatormikrofone verfügt. Die
weiteren Merkmale umfassen eine latenzfreie Direkt ab hör -
funktion, einen Kopfhörerausgang mit Pegel regler, die Mög -
lich keit, das Eingangssignal in Mono oder Stereo abzuhören,
und die wahlweise Stummschaltung über das Soft ware-
Einstellungsfeld.
Eine Lizenz für Cubase LE einschließlich Cubasis LE ist ebenfalls
enthalten.
Und nicht zuletzt kann man das Interface beispielsweise für
Proben auch eigenständig ohne Computer nutzen, sofern
es mit einem optionalen Netzadapter betrieben wird.
Eine Aufnahmeumgebung mit geringem Rauschen und guter
Verarbeitungsleistung ist eine wichtige Voraus setzung für die
Aufnahme von Gesang und, ganz besonders, Blas in stru -
men ten. Das US-1x2 verfügt über einen Ultra-HDDA-Mikro -
fon vorverstärker mit einem EIN-Wert (Äquivalentes Ein -
gangs rauschen) von –127 dBu. Dank dieses sehr niedrigen
Rausch pegels eignet sich das Interface besonders für die
Aufnahme mit Kondensatormikrofonen. Über den Line-/
Instrumenteneingang können Sie auch eine E-Gitarre oder
einen Bass direkt anschließen und mit Plugin-Effekten Ihrer
Computer-Recordingsoftware bearbeiten und verfeinern.
Oder schließen Sie den Line-Ausgang eines Instrumenten -
verstärkers an den Line-Eingang des US-1x2 an.
Das US-1x2 ist auch ein super Werkzeug, um unterwegs zu
komponieren. Kombiniert mit einem iPad können Sie Ihre
Ideen in hoher Qualität aufzeichnen, wo immer Sie gerade
sind. Selbst wenn Sie sich mit Aufnahmegeräten nicht so
gut auskennen – der benutzerfreundliche Charakter des
US-1x2 hilft Ihnen dabei, sich sofort zurechtzufinden.
Weitere Informationen unter: www.tascam.eu/de
musiker MAGAZIN 1/2018

PRODUKT-NEWS 59
SHURE PRÄSENTIERT ERWEITERTES OHRHÖRER-PORTFOLIO
FÜR CONSUMER UND MUSIKER AUF DER CES 2018
SE Sound IsolatingTM Ohrhörer jetzt mit umfangreicher Auswahl an Anschlussoptionen in
überarbeitetem Produktportfolio
NEUE PODCAST-SERIE
„SHURE SIGNAL PATH“
Führender Audio-Hersteller spricht mit
Toningenieuren, Künstlern und Musik-Profis
weltweit über seine Praxiserfahrungen
Auf der diesjahrigen CES in Las Vegas stellt Shure ein er -
weitertes drahtloses Ohrhörer-Portfolio vor, das sich über
die gesamte SE-Sound-Isolating-Ohrhörer-Serie erstreckt.
Die neuen Modelle bieten dabei dedizierte Android- und
Apple-iOS-Funktionalität zu verschiedensten Preispunkten.
Die kompakten Modelle verfügen über drahtlose Kommuni -
kations-Features fur Audio-Enthusiasten sowie Monitoring-
Versionen für professionelle Anwender. Ob auf der Bühne
oder unterwegs – das neue Portfolio ermöglicht allen Usern
ein einzigartiges Sounderlebnis und Ohrhörer-Designs mit
mehreren Treibern und abnehmbaren Kabeln in Shure-typischer
Qualität.
„Seit Jahrzehnten steht Shure für die Entwicklung von Audio -
lösungen, die sowohl die Live-Sound-Industrie als auch die
Musikperformance geprägt haben. Gleichzeitig haben wir
uns schon immer darauf konzentriert, auch Musikl ieb habern
sowie den echten Audiophilen entsprechende Lösungen zu
bieten“, so Matt Engstrom, Senior Category Director bei
Shure. „Nach der erfolgreichen Einführung unserer ersten
Bluetooth-Ohrhörer im Herbst haben wir diese Lösung mit
einer größeren Auswahl an Anschlüssen in die komplette
SE-Serie integriert. Damit ist Wireless nun eine Option bei
allen Preispunkten. Aber natürlich können Anwender, die
doch eher Ohrhörer mit einem Standard-Audiokabel bevorzugen,
diese Versionen nach wie vor bei den Modellen SE112
bis SE535 finden.“
RMCE-USB
RMCE-UNI
Die neue Ohrhörer-Linie basiert auf dem einzigartigen Shure-
Sound-Isolating-Design, das störende Umgebungsge räu sche
um bis zu 37 dB ausblendet und damit ein beeindruckendes,
immersives Klangerlebnis ermöglicht. Die SE-Ohr hörer
sind ergonomisch designt und beinhalten eine um fang -
reiche Auswahl an verschiedenen Ohrpassstücken für die
individuelle Anpassung. Die Consumer-Linie ist mit unterschiedlichen
abnehmbaren Kabeloptionen für den einfachen
Anschluss an modernste mobile Endgeräte ausgestattet. Das
neue universelle 3,5-mm-Ohrhörer-Kommunikationskabel
(RMCE-UNI) verfügt dabei über ein integriertes Mikrofon
sowie eine Drei-Tasten-Fernbedienung, mit der User jederzeit
Anrufe entgegennehmen, ihre Musik steuern, Sprach -
befehle aktivieren und bequem zwischen Apple iOS oder
Android/USB wechseln können. Ein weiteres Kabel, das in
Kürze separat für Android-Nutzer verfügbar sein wird, ist das
USB-C-Ohrhörer-Kommunikationskabel (RMCE-USB). Dieses
Kabel mit integriertem DAC, Mikrofon und Kontroll funk tio -
nen ist mit allen Shure-SE-Sound-Isolating-Ohrhörern mit
abnehmbaren Kabeln kompatibel. Es erlaubt den direkten
Anschluss an die neuesten Android-Geräte für qualitativ
hochwertigen Sound (24 bit/96 kHz) sowie die komfortable
Steuerung der Kommunikation. Alle SE-Varianten, un ab -
hängig vom Preis, bieten großartigen Klang und Sound-
Isolation in einem robusten, langlebigen Design, das ur -
sprüng lich für die Bühne konzipiert wurde.
Der SE846 ist in vier Farboptionen erhältlich (Transparent,
Bronze, Schwarz, Blau) und bietet mit vier Treibern überragende
Audiowiedergabe. Anwender bekommen nun gleich
zwei Anschlussoptionen – ein Bluetooth-Kabel für kabellosen
Hörgenuss sowie das universelle Kommunikations kabel
(kom patibel mit Apple und Android).
Die Modelle SE425 (Dual MicroDriver) und SE535 (Triple
MicroDriver) beinhalten jetzt ebenfalls diese abnehmbaren
Kabellösungen und liefern damit mehr Anschluss- und Kom -
munikations-Features.
Die neuen Bluetooth-Optionen sind voraussichtlich im Früh -
jahr 2018 erhaltlich.
Weitere Informationen gibt es unter www.shure.de.
Shure ging ab Mitte Februar mit der neuen Podcast-Serie
„Shure Signal Path“ auf Sendung. In diesem neuen Podcast-
Format sind in zweiwöchentlichem Rhythmus Musik-Ex -
perten, vom Tontechniker hinter den Kulissen bis hin zu be -
rühmten Künstlern, dazu eingeladen, von ihren ganz eigenen
Erfahrungen zu berichten und die Zuhörer vielleicht sogar
in das eine oder andere Geheimnis der Live-Musik einzuweihen.
In der ersten Folge, die zum Download bereitsteht,
behandelt die britische Künstlerin Lianne Le Havas im Inter -
view so ziemlich alles: vom Essen, Songwriting und Jammen
bis hin zu der Frage, was eine vielbeschäftigte Künstlerin
an einem arbeitsfreien Tag so anstellt.
„Wir bei Shure sind in ständigem Kontakt mit so vielen faszinierenden
Persönlichkeiten der Musik- und Audiowelt,
von Künstlern und Produzenten bis hin zu Tontechnikern
und Studiobetreibern, dass es beinahe sträflich wäre, diese
Geschichten nicht mit der Welt zu teilen“, sagt Paul Crognale,
Manager of Global Marketing, Musician and Consumer Audio
bei Shure Incorporated. „Der Podcast zielt weniger darauf
ab, allzu tiefschürfend in die Technologie hinter der Musik
einzusteigen – obwohl es mit Sicherheit an mancher Stelle
auch technisch ordentlich zur Sache gehen wird –, vielmehr
soll der unglaublich vielschichtige Kosmos beleuchtet
werden, den die Akteure der Musikindustrie tagtäglich mitgestalten.“
Neben der Erstausgabe mit Lianne Le Havas stehen Shure
zahlreiche Branchenprofis Rede und Antwort, darunter die
Tontechnik-Legende Roger Lindsay sowie Bryan Grone und
William Garrett von den Spotify Studios, der vielfach ausgezeichnete
Mastering-Engineer Matt Colton, die aus Chicago
stammende Band Poster Children, Chris Jojo von Code -
master Games und viele andere.
Direkt in die aktuelle Folge reinhören und „Shure Signal
Path“ abonnieren können die Hörer auf ihren bevorzugten
Podcast-Plattformen wie z. B. iTunes, Stitcher und Google
Play. Eine neue Podcast-Folge erscheint an jedem zweiten
Dienstag um 8 Uhr CST, also 15 Uhr MEZ.
Weitere Informationen unter: www.shure.de
1/2018 musiker MAGAZIN

60 CD-REZENSIONEN
CD DES MONATS
KAT FRANKIE
»Bad Behaviour«
Dass Popmusik kein 08/15-Einheitsbrei sein muss, ist
für aufmerksame Hörer, deren Radius sich über die
großen Radio stationen hinaus bewegt, längst kein
Geheimnis mehr. Und dass diese oft als oberflächlich
und banal geschmähte Stilrichtung viel Tiefgang und An -
spruch entfalten kann, ist ebenso bekannt.
KAT FRANKIE liefert mit „Bad Behaviour“ den aktuellen
Be weis für diese Thesen. Die in Berlin beheimatete Aus -
tra lierin hat sich von ihren Singer-Songwriter-Wurzeln
entfernt und in Eigenregie ein vielschichtiges Album
geschaffen, das vor der Geschichte der Popmusik entlehnten
Zitaten nur so strotzt. Im Titelsong gibt es mo -
derne, eingängige und vielseitige Gesangsar range ments,
die musikalisch von Indie- und The Police-Anleihen getragen
werden. Sehr schöner Song. „Swallow You Hole“
legt an Verspieltheit und Kom plexität ein Stück zu und
braucht daher ein paar Anläufe, um voll zu zünden –
dann aber mit Nachhaltigkeit. „Home“ agiert nach dem
Motto „Wie viele scheinbar konträre Stile können wir in
einem Song verweben?“ Die Antwort lautet: mindestens
drei – hier trifft Wave auf Funk auf Surf Rock.
„Forgive ness“ nimmt erst einmal Luft raus und weckt ge -
lungene Assoziationen an aktuelle Veröffent lichun gen aus
dem Bereich des Sad Pop. In eine ähnliche Kerbe schlägt
„Versailles“. Dieser Song könnte mit seinem atmosphärischen
Ar rangement für Gänsehautmomente auf und vor
der Bühne sorgen. Das Tempo nimmt „Headed For The
Reaper“ wieder auf. „Back To Life“ ergänzt die abgedeckte
Stilpalette um modernen R ’n’ B, bevor „Spill“
den Hörer mit abermals ruhigen und sphärischen, im
Albumkontext aber stimmigen Ein drücken entlässt.
Was ist nun also das Fazit? Um „Bad Behaviour” wirklich
beurteilen zu können, wird es wohl noch einiger
Anläufe brauchen – zu verschachtelt und vielschichtig
sind die Kompositionen von KAT FRANKIE. Dass Pop kein
Einheitsbrei sein muss, beweist sie hier eindrucksvoll.
Um das Album als Werk abzurunden, wäre allerdings
ein deutlicherer roter Faden wünschenswert, der die
Stücke verbindet. So scheint es erst mal wie eine An -
sammlung sehr guter, aber in sich abgeschlossener
Stücke. Wobei gerade das konsequente Weglassen eines
einheitlichen Motivs ja auch schon wieder der rote
Faden sein kann …
www.katfrankie.com
P.S.
TOKUNBO
»The Swan«
Sängerin Tokunbo zaubert auf ihrem nunmehr zweiten Solo-
Album „The Swan“ feine Klangwelten. Mit einer warmen,
souligen Stimme und subtiler Bildsprache beschwört sie
Emotionen herauf und verleiht ihren Gedanken einen poetischen
Anstrich. Negative Themen scheut die ehemalige
Sängerin von Tok Tok Tok nicht, jedoch schimmert ihre
positive Grundeinstellung immer durch: Songs wie „Somer-
sault“, „Rebecca“ oder „New June“ vermitteln eine mitreißende
Leichtigkeit und Gelassenheit. Ausgewogen und ge -
konnt instrumentiert, verschmelzen Musik und Text zu
einem homogenen Ganzen. Tokunbo hat ihren eigenen Stil
gefunden, in dem sie brilliert und überzeugt, und präsentiert
mit „The Swan“ ein facettenreiches Gesamtkunstwerk.
swan.tokunbo.de
L.K.
BRAINGATE
»Standing Tall«
Mit ihrem Album „Standing Tall“ haben die Rocker von
BRAINGATE eine richtig gute Mischung aus Old-School- und
Hard-Rock veröffentlicht. „The Biker“ hätte in den 70ern
entstehen können, nimmt die Zuhörer auf eine Motorrad -
tour und macht mit seinem geradlinigen Rhythmus und der
leichten Melodie, die nach Freiheit klingt, Lust, in den Westen
zu cruisen. Der Titeltrack hingegen weist Pop-Elemente auf,
ist insgesamt ruhiger, erinnert an so manche Hymne der
Scorpions. Bei allen Titeln wird die Spielfreude der Musiker
deutlich. So wechseln sich eingängige Riffs mit Melodie -
läufen ab, die sofort im Kopf bleiben. „Love Hot“ ist mit seinem
treibenden Rhythmus eine richtige Gute-Laune-Nummer
– obwohl der Text etwas anderes erzählt. Manche Tracks
wie „Please“ und „Silence Is Killing Me” weisen Hard-Rock-
Elemente auf, sodass das Album insgesamt ziemlich rockt.
Fans der härteren Musik werden ihre Freude haben.
www.braingate-rock.com
J.H.
HERTZSCHLAG
»Reaktion«
Aus Hannover kommen HERTZSCHLAG mit ihrem dritten
Release „Reaktion“, das im vergangenen Jahr veröffentlicht
wurde. Der Bandname verspricht bereits deutschsprachigen
Rock – und den bekommt der geneigte Hörer dann auch.
Der Fünfer, der auch schon seit 1994 dabei ist, beschreibt
seinen Sound entsprechend als „Neue Deutsche Härte“.
Und so geht die Band ihre zwölf Stücke denn auch größtenteils
munter groovend mit rhythmischen Gitarren, Drums im
Midtempo und schönen Hammondorgel-Einlagen an. Die
Arrangements sind grundsolide, das Augenmerk wird auf
klassisch-poppige, eingängige Strukturen von drei bis vier
Minuten gelegt. Die Vocals sind kraftvoll, die Texte befassen
sich mit individuell und gesellschaftlich relevanten Themen.
Gute Ohrwürmer sind insbesondere die Songs „Halte mich“
oder „Nie im Leben“.
Ein insgesamt durchaus unterhaltsames, deutschsprachiges
Rock-Album! Fans der Stilistik sollten ein Ohr riskieren.
www.band-hertzschlag.de
P.S.
GOLDSMITH
»Fire!«
Eine amtliche Vita hat Michael Goldschmidt – seines Zeichens
Bandleader, Frontmann und Mastermind von GOLDSMITH
– vorzuweisen. Jugend und musikalische Geschichte sind
durchtränkt von Blues, Rock und Heavy Metal klassischer
amerikanischer Prägung. Um das zu bemerken, muss man
nicht mal die Musik hören: Das Cover und das Wortspiel
beim Bandnamen deuten an, wo die Reise auf Album Num -
mer drei stilistisch hingeht.
Die ersten Assoziationen bestätigen sich – und das durchaus
im positiven Sinne. „59 Seconds To Midnight“ eröffnet
das Album ganz im Stile der großen 70er-Jahre, aber mit
modern-verspielter Schlagseite. Bass und Schlagzeug grooven
um die Wette, vielseitige Gitarrenarbeit erstickt Lange -
weile im Keim, die Vocals überzeugen durch Leidenschaft, die
Hammond-Orgel wabert locker vor sich hin und ein wirklich
gekonntes Solo setzt den Höhepunkt. Damit ist dann nicht nur
der Song erläutert, sondern eigentlich auch schon fast das
gesamte Album, das mehr oder weniger auf diesem Rezept
aufgebaut ist.
Interessanterweise hat „Fire!“ seine stärksten Momente
jedoch in den langsamen, hymnischen Songs wie „No Way
Outta Here“ (Black Sabbath, anyone?). Hier entfernt sich
Goldschmidt von seinem Standardrezept der 4/4tel-Hüft -
wackler-Grooves und lässt Atmosphäre entstehen, die sowohl
musiker MAGAZIN 1/2018

CD-REZENSIONEN 61
seinen Gesang als auch die wirklich guten Soli sehr schön
zur Geltung kommen lässt. Gleiches gilt für die beiden weiteren
Highlights „I See ‘Em Coming“ und den epischen
Rausschmeißer „What Is Our Victory?“.
Alles in allem ist „Fire!“ ein gutes, unterhaltsames Rock-’n’-
Roll-Album, an dem insbesondere Freunde der guten, alten
Rockmusik ihre Freude haben dürften. Die Instrumen talisten
agieren über jeden Zweifel erhaben, beim nächsten Mal
gerne noch ein bisschen mehr Mut und Tiefgang – dann
gibt’s nicht nur ein Album, das Spaß macht, sondern eines,
das auch durch Langlebigkeit überzeugt.
goldsmithrocks.de
P.S.
HENRIK FREISCHLADER
»Night Train To Budapest«
Mit „Night Train To Budapest“ hat Henrik Freischlader ein
weiteres Solo-Album veröffentlicht, das sein musikalisches
Können unter Beweis stellt. Der Multi-Instrumentalist hat nicht
nur Gitarre, Bass und Schlagzeug eingespielt, sondern alle
elf Stücke in Eigenregie produziert und über sein Label Cable
Car Records herausgebracht. Musikalische Unterstützung
erhält das Allroundtalent lediglich von Moritz Fuhrhop an
Hammond-Orgel und Keyboards.
Das Album versammelt sowohl energische Rocksongs als
auch leichtgängigere Stücke, die schnell ins Ohr gehen. Mit
„Caroline“, „Thinking About You“ und „My Woman“ schlägt
Freischlader sanftere Töne an, während „Point Of View“,
„Gimme All You Got“ oder „A Better Man“ frech und kraftvoll
daherkommen. Durchgehend hervorzuheben sind
Freischladers Gitarrenriffs und -soli, die die Gesangsparts
perfekt ergänzen und technische Virtuosität sowie musikalisches
Einfühlungsvermögen erkennen lassen. So wird „Night
Train To Budapest“ trotz einiger ruhiger Balladen zu einem
groovigen Blues- und Rock-Album.
www.henrikfreischlader.de
L.K.
CAPELLASTREET
»In My House«
Ein Pop-Album, das nach den Discos der 90er klingt:
CAPELLA STREET unterlegen auf ihrem aktuellen Album „In
My House“ Synthesizer-Klänge mit tanzbaren Rhythmen.
„Goodnight, Doreen!” und „Orange Day” sind poppig, schnell,
während „Fields” nachdenklicher klingt, einer trägeren Me -
lo die folgt. Der Titeltrack erinnert an 80er-Pop. Leider sticht
kein Song wirklich hervor, das Album hat zu wenig Abwechs -
lung, langweilt dadurch schnell. Wer aber mal eine Sound -
reise in die Elektro-Zeit des vergangenen Jahr tausends
machen will, wird in der Scheibe einen guten Begleiter finden.
www.capellastreet.com
J.H.
RAINER MARKUS WIMMER
»Ihm ging es um die Kunst«
Schriftsteller Michael Ende steht im Mittelpunkt von Rainer
Markus Wimmers CD „Ihm ging es um die Kunst“. Der Lieder -
macher hat Texte und Geschichte von und über Michael
Ende zusammengetragen und einfühlsam vertont. Endes
Texte zeichnen sich durch Wortwitz und fantasievolle Ge -
danken aus. Die Musik dazu ist von schönen Melodien
durchdrungen und doch unaufdringlich gestaltet, wodurch
die Ge schichten genug Raum zur Entfaltung erhalten. Mal
begleiten allein Gitarrenklänge den klaren Gesang Wimmers,
mal kommen Bass, Percussion und Schlagzeug hinzu,
gelegentlich unterstützt von Klarinette und Saxophon. Als
be sonders wirkungsvoll erweist sich die Klangnote der
Königslyra, eines individuell gefertigten Instruments für den
Spieler Klaus Wuckelt.
wimmerx.de
L.K.
JAMES KRÜSS / RAINER BAY
»tierisch menschlich«
Den Schriftsteller James Krüss kennen die meisten vermutlich
als Autor des Kinderbuch-Klassikers Timm Thaler. Dass
er literarisch noch weit mehr geschaffen hat und sich seine
Gedichte und Reimgeschichten auch fantastisch vertonen
lassen, zeigt Komponist und Lehrer Reinold Bay auf seiner
CD „tierisch menschlich“. Interpretiert werden die siebzehn
Lieder, die fast alle von tierischen Protagonisten er zählen,
von vier Nachwuchstalenten und den bereits erfahrenen
Sängern Charlotte Dellion und Horst Friedrich. Mit ihren frischen
und unverbrauchten Stimmen setzen die jungen
Talente die mal lustigen, mal besinnlichen Texte ge konnt in
Szene, während die Stimmen Friedrichs und Dellions ganz im
Stile James Krüss‘ eine tolle Atmosphäre des Ge schich ten -
erzählens schaffen.
www.bay-music.de
L.K.
ADDI M.
»Luther Reloaded«
2017 war Luther-Jahr, denn 500 Jahre vorher schlug er
seine 95 Thesen gegen Ablasshandel an die Kirchentür der
Schlosskirche in Wittenberg. Dies inspirierte Musiker Addi
M. dazu, sein Album „Luther Reloaded“ zu produzieren. Ziel:
Luthers Sola-Lehre sola gratia (allein aus Gnade), sola fide
(allein durch Glauben), sola scriptura (allein die Bibel), solus
Christus (allein Christus) ins Heute übersetzen. „Allein aus
Gnade“ ist ein richtig schöner Pop-Song mit Aussage, war
offizieller Reformationssong der Evangelischen Kirche in
Bayern. „Countless The Years“ ist da schon ruhiger, aber mit
ebenso schöner Aussage: „You Still Love Your Child“. Wer
Luthers Lehre mal näher kennenlernen und sie musikalisch
tief im Innern verstehen will, sollte sich das Album in Ruhe
anhören und die Texte im Booklet lesen.
www.addi-m.de
J.H.
C. G. KORN
»Family Style«
Das Album „Family Style” vom Skiffle-König Claus-Günther
Korn ist genau das: ein erweitertes Familienprojekt. Zu seinem
70. Geburtstag schenkten seine Zwillinge dem Musiker
eine CD-Produktion – mit ihnen und vielen anderen musikalischen
Weggefährten ihres Vaters. Herausgekommen ist
eine geniale Skiffle-Platte, die Laune macht. Mit Banjo,
Pedal Steel, Mandoline, Saxofon und Mundharmonika be -
kommen Alltime-Favourites wie „Call Me The Breeze“ von
John W. Cale, „It’s All Over Now, Baby Blue“ von Bob Dylan
und „Route 66” von Bobby Troup ein neues Soundgewand.
Besonders schön: „Me And Bobby McGee“ als minimalistischer
Country-Skiffle und „Good Night Irene“ als Boogie.
Wer handgemachte Musik mag, sollte sich „Family Style“
auf jeden Fall ins Plattenregal stellen.
www.78twins.com
J.H.
ANJA LERCH
»Hommage«
„Willkommen im Leben – ja, es ist schön“ – mit diesem po -
sitiven Statement beginnt Anja Lerch ihr Doppelalbum „Hom-
mage“. Perfekt swingt ihre schöne Soul-Stimme dazu, drückt
1/2018 musiker MAGAZIN

62 CD-REZENSIONEN
Lebensfreude aus. Wenn man ihren Erzählungen glaubt,
konnte sie singen, bevor sie sprechen konnte. Ob das stimmt,
weiß man nicht. Vorstellbar ist es aber, so sehr steigert sie
sich in ihre Songs hinein. Musik ist ihr Ausdruck, ihre Spra -
che. Obwohl es ein Studioalbum ist, fühlt man sich beim
Hören, als sei man live dabei. „Heat Up“ groovt richtig schön,
mit „Like You Love” folgt eine sehr ruhige Träum nummer.
Egal ob „Just Say No” oder „Fun With Myself” – Anja Lerch
überzeugt mit ihrer rockigen Stimme und den bluesigen
Rhythmen. Wer unkonventionellen Blues und Soul mag, wird
auch bei „Hommage“ mitgrooven.
www.anjalerch.de
J.H.
SUSEMIHL
»Elevation«
In seiner langen Karriere hat sich Sänger und Gitarrist Andy
Susemihl die Bühne bereits mit Rock-Größen wie Guns ’n’
Roses, Deep Purple und Ozzy Osbourne geteilt. Das im
Februar 2018 frisch veröffentlichte Album „Elevation“ zeigt,
wie berechtigt sie musikalischen Adelsschläge sind. In den
zwölf Songs fokussiert sich Susemihl voll auf seine Stärken
– und baut diese sogar noch aus. So trifft melodische Rock -
musik mit Pop- und Blues-Einschlägen auf Lyrics, die die
Lebenserfahrung und Gedankenwelt des Musikers widerspiegeln.
Dass alle Bandmitglieder ihr Handwerk auf höchstem
Niveau beherrschen, versteht sich von selbst: ist die
Gruppe doch international besetzt und vereint erfahrene
Musiker aus den USA und Deutschland.
www.andysusemihl.com
L.K.
REIDAR JENSEN
»Life Songs«
Intime Einblicke in seine Gefühls- und Gedankenwelt gibt
Folk-Sänger Reidar Jensen auf seiner EP „Life Songs“. In
den ersten zwei Stücken zelebriert er die Beziehung zu sei-
ner Frau, verarbeitet aber auch Schmerz und Trauer über
ihren Verlust. „What You Are“ ist eine herzerwärmende Liebes -
erklärung („you will always be / my friend, my love, my wife /
my destiny, my life“), untermalt von stimmungsvollen Gi -
tarren akkorden. In „Cold Separation“ singt Jensen über die
Leere, die seine Frau hinterlassen hat, fasst jedoch auch
Hoffnung, dass die beiden letztendlich wieder vereint sein
werden.
„Ways To Lighten Up“ und „Pick Up My Hat“ greifen philosophische
Gedanken über die individuelle Lebensgestaltung
auf und transportieren diese in einem charmant-poetischen
Gewand. Mit einer stimmig eingesetzten Gitarrenbegleitung
und den intimen, durchdachten Texten bietet „Life Songs“
einen spannenden Einblick in das Schaffen Reidar Jensens.
www.reidarjensen.com
L.K.
BANKERT & KAFRUSE
»BK«
Solider Bluesrock mit deutschen Texten – Dirk Beiersdörfer
und Alexander Günther alias Bankert & Kafruse experimentieren,
wie gut man Bluesrock mit Pop und Psychedelic
mischen kann. Die Antwort: erstaunlich gut. „Er hat es ge -
sehen“ ist eine schnieke Groove-Nummer mit Blues-Riffs
und Reibeisenstimme; „Das Auge“ und „Sehnsucht“ kommen
dagegen deutlich poppiger daher, aber trotzdem mit
bluesig-groovenden Beats. „Freischwinger“ und „Das Boot“
leben von satten Riffs, langsamem Goove und Gitarrensoli.
So ist das Kurzalbum, obwohl es nur fünf Titel aufweist, ab -
wechslungsreich und eine kleine Entdeckungsreise, wie cool
deutschsprachiger Blues klingen kann.
www.facebook.com/Bankert-Kafruse-931103080305455
MANUELA SIEBER
»Unauffällig schön«
J.H.
„Die wirklich schönen Dinge sind unauffällig schön“, sagt
Sängerin Manuela Sieber. „Genauso wie die Geschichten,
die das Leben schreibt.“ Und so ist ihre EP „Unauffällig
schön“ eine kleine Sammlung hübscher Songs mit sanften
Melodien und Situationen, die direkt aus dem Alltag kommen.
So nennt Sieber „1000 Gründe“, etwas zu tun, und hat
einen guten Draht zum „Elektriker“, denn der ist ja be kannt -
lich kein Hektiker. Jeder Song hat einen eigenen Charakter.
Ihre EP ist deshalb wie ein ganz normaler Tag: abwechslungsreich.
Wer anspruchsvolleren Deutsch-Pop mit Wort -
witz mag, dem wird „Unauffällig schön“ gefallen.
www.manuela-sieber.de
J.H.
NIEDECKEN
»Das Familienalbum –
Reinrassije Strooßekööter«
Der BAP-Frontmann und Kölsch-Rock-Gott hat ein neues
Solo-Album am Start: „Reinrassije Strooßekööter“ nennt
Wolfgang Niedecken sein „Familienalbum“. Darin geht der
Sänger zurück zu seinen Wurzeln, die Songs gleichen verblichenen
Fotos, die seine Familiengeschichte erzählen. Der
Titeltrack ist dementsprechend nachdenklich und auch in
„Weisste noch“ denkt Niedecken schwermütig an allerlei
Situationen und Menschen zurück. Natürlich alles in perfektem
Kölsch. Opa im Sonntagsanzug, Eva im Kom munions -
kleid und ein Chippendale-Tisch – wer auf die Texte achtet,
sieht Niedeckens Familie und seine Kindheit vor sich. Das
Album ist eine schöne Zeitreise und macht wegen der ge -
tragenen Melodien melancholisch. Nicht nur was für Leute,
die Kölsch verstehen.
J.H.
www.bap.de
ACHIM AMME
»Streng vertraulich! (Kellerlieder)«
Wenn ein Autor und Joachim-Ringelnatz-Preisträger Lieder
schreibt, lohnt es sich, auf die Texte zu achten. So wimmeln
die Texte von Achim Amme auf seinem Album „Streng vertraulich!
(Kellerlieder)“ von Wortbildern. Und weil sie auf
Deutsch sind und eingängige Melodien haben, entpuppen
sich manche als regelrechte Ohrwürmer – zum Beispiel
„Zeit für Veränderung“, das ein beschwingtes Stück nach
bester Liedermacher-Manier ist. „Nichts und niemand“ mischt
mit seinen Sounds und dem tiefen, abgehackten Sprech -
gesang Elemente der Neuen Deutsche Welle mit Singer-
Songwritertum. Wer auf Musik von Liedermachern wie Götz
Widmann, Reinhard Mey oder Manfred Maurenbrecher steht
und gern nicht nur gute, seichte Musik, sondern auch Ge -
schichtchen hören will, macht mit Achim Ammes Album
keinen Fehler.
www.achim-amme.de
J.H.
musiker MAGAZIN 1/2018

CD-REZENSIONEN 63
BLOCK
»Hitparade«
COLONEL FROZEN
»Eye Contact«
JAYWALK
»The Journey«
Mit bissigen Texten zu aktuellen Themen gepaart mit fetten
Riffs haben BLOCK ein beachtenswertes Debütalbum produziert.
„Salon-Punk“ nennen sie ihren Mix aus Punk, Rock und
Pop, wobei „Niemandsland“ eine richtig schöne Ska-Punk-
Nummer ist. Die Erkenntnis, dass wir mit all den Lügen, falschen
Tönen und Vertrauensbrüchen auf „Dünnem Eis“ stehen,
verpacken die fünf Rocker in eine Mitsing-Hymne, die ins
Ohr geht. Bei Songs wie „Stahlblauer Panzer“ und „Alleine“
scheinen BLOCK ihren Frust wegzuschreien, „Lust oder Last“
bietet da eine ruhige Verschnaufpause. Mit „Danke“ endet
das Album mit einem wunderschönen Punk-Liebeslied, das
auch von den späten Toten Hosen hätte sein können.
www.block-band.de
J.H.
Mit dem Emblem „Handmade Music since 1963“ wirbt
Colonel Frozen auf seiner Webseite für sich und seine
Musik. Die langjährige Erfahrung macht sich bemerkbar:
Die 15 Songs auf „Eye Contact“ überschreiten gekonnt
Genre grenzen und klingen dabei immer souverän. So wird
die rockige Grundessenz mit Blues, Reggae und Pop angereichert
und mit authentischen Singer-Songwriter-Ge -
schich ten koloriert. Colonel „Col“ Frozens Stimme wechselt
dabei je nach Song-Atmosphäre mühelos zwischen hell
und un beschwert sowie rau und kraftvoll. Freunde handgemachter
Musik kommen bei „Eye Contact“ voll auf ihre
Kosten.
www.colonelfrozen.com
L.K.
Auf ihrer EP „The Journey“ unternehmen JAYWALK eine kleine
Reise mit positivem, schnellem Indie-Rock. Die Berchtes -
gadener waren bereits Vorband von Liquido und J.B.O.,
dementsprechend haben sie Erfahrung, wissen, wie man
eingängige Songs schreibt. So gehen denn auch „The
Journey“ und „It’s You“ direkt ins Ohr, klingen nach Auf bruch,
Sommer und guter Laune. So, als würde man mit einem
Cabrio eine Küstenstraße entlangfahren. „Sugarchair“ und
„Talk To You“ sind deutlich rockiger angelegt. Als Vor bilder
nennen die Musiker unter anderem Jimmy Eat World. Auch
wenn „The Journey“ nicht ganz so rockig ist, werden Fans
ebenjener Band auch die Musik von JAYWALK mögen.
www.jaywalk.de
J.H.
REZENSENTEN: J.H. – JANINA HEINEMANN | L.K. – LINDA KNAUER | P.S. – PHILIPP STRUNK
BEMUSTERUNG: MUSIKER MAGAZIN „CD-REZENSION“ | KOLBERGER STR. 30 | 21339 LÜNEBURG | INFO@MUSIKERMAGAZIN.DE

64 TITELSCHUTZANZEIGEN
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zugesandt weden.
Sie können nur noch gegen Bargeld
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20,– € für Mitglieder
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BERGVAGABUNDEN
„Sonnenjodler“
VÖ: 10.03.2017
www.wiesenmueller.de
KARIN DEVAKI & PETER
PANDURA BAYREUTHER
„Paradies auf Erden“
VÖ: 19.08.2016
www.peterbayreuther.com
ALBERT NERINI
„Heute wird gefeiert“
VÖ: 02.03.2018
www.walter-strom.com
PURZEL PI!IPER
Olaf Maureschat | Birkenweg 42 | 22885 Barsbüttel
olafmaureschat@aol.com | 040-6 70 03 08
SANESCERE
„Sanescere“
VÖ: 10.02.2017
www.svenhamerskomponist.com
PETER PANDURA
BAYREUTHER
„Healing Nurturing Loving“
VÖ: 19.08.2016
www.peterbayreuther.com
MANUELA SIEBER & BAND
„Unauffällig schön“
VÖ: 05.01.2018
www.manuela-sieber.de
Hiermit beanspruche ich den Titelschutz gemäß § 5 Abs. 3 Markengesetz
für die drei Namen
BURNOUT LAUT | BURNOUT SOLO | BURNOUT COMEDY
in allen Schreibweisen, Schriftarten, Abkürzungen, Variationen,
und Darstellungsformen für öffentlich dargebotene Musik, Bühnen- oder sonstige
Werke sowie Musikprojekt, Band-, Künstler-, Label-, Verlags- und Produktnamen
in allen in- und ausländischen Print-, Bild-, Ton-, Daten- und Video und
Nachfolgemedien jeglicher Art, sowie in Software und Multimedia-Produktionen,
Fernsehen, Film, Rundfunk, Bühnen, Off- und Onlinediensten,
Merchandising und sonstigen vergleichbaren Werken.
Sean Warwick, Hitzelerstraße 53, 50968 Köln
AUBAAH
„Urnenwahl“
(Live)
VÖ: 10.02.2017
aubaah2005@email.de
LIONCEAU
„Noble Earth“
VÖ: 19.08.2016
www.lionceau.de
ANJA LERCH
„Hommage“
VÖ: 01.12.2017
www.anja.lerch.de
AUBAAH
„Das Korn Januar 2014“
(Live)
VÖ: 10.02.2017
aubaah2005@email.de
MICK ZIMMER
„Ich bleibe nicht stehen“
VÖ: 05.08.2016
www.mick-zimmer.com
BRAINGATE
„Standing Tall“
VÖ: 10.11.2017
www.braingate-rock.com
SOMEONE
„Das Musikprojekt“
VÖ: 23.12.2016
info@die-songschmiede.de
FARYNA
„Musik, die Kinder in
Bewegung bringt“
VÖ: 22.07.2016
www.faryna-musik.de
CAPELLASTREET
„In My House“
VÖ: 30.10.2017
thiboe@gmx.de
THE TRAFFIC JAMS
„New York City Lights“
VÖ: 16.12.2016
stefan.lauterbach@arcor.de
REIDAR JENSEN FEAT.
DETLEF BLANKE
„Covered by shame“
VÖ: 15.07.2016
www.reidarjensen.com
DANNY JUNE SMITH
„Phoenix“
VÖ: 23.10.2017
www.danny-june-smith.de
CD-Veröffentlichungen in den weltweiten
digitalen Downloadportalen
über
– MUSIKER ONLINE –
Infos: info@musikermagazin.de
LINDA LOUIS
„Heute hier, morgen dort“
VÖ: 16.12.2016
www.lindalouis.de
REINHARD MARKOWSKY
„Wie der Wind“
VÖ: 08.07.2016
bilgin.oktay@t-online.de
DAYAMI GRASSO
„The taste of Havana“
VÖ: 26.05.2017
www.dayami.de
DIE BALLERMÄNNER
„Blau wie Sau“
09.03.2018
PARTYMASCHINE XXL
„VfB – Jetzt erst recht“
VÖ: 25.11.2016
www.partymaschine-xxl.de
JÖRG KUHFUSS
„Analog Sound“
VÖ: 09.03.2018
CASSROLL
„Lady Biene“
VÖ: 12.05.2017
okyo2004@t-online.de
DORIAN BLACK
„Lady Violet“
DIE PLANK
„Wildes Herz“
Aubaah
„Urnenwahl live 01.11.2017“
CIRCUS GENARD
„A circus world“
24.03.2017
dorian-black.de
21.10.2016
www.julia-plank.de
VÖ: 09.03.2018
www.facebook.com/Aubaah
VÖ: 28.04.2017
www.circus-genard.de
DORIAN BLACK
„Harmony“
24.03.2017
dorian-black.de
NIMA LINDNER
„Colours passing by“
VÖ: 21.10.2016
www.nima-lindner.de
ANDURIL
„Atlanterra“
VÖ: 05.03.2018
www.anduril-rock.de
CASSROLL
„Hexe“
VÖ: 21.04.2017
okyo2004@t-online.de
DORIAN BLACK
„Blau und Gelb“
24.03.2017
dorian-black.de
CASSROLL
„Alkohol“
– Video –
14.10.2016
bilgin.oktay@t-online.de
ROBERT OBERBECK
„Soul Bullet“
VÖ: 02.03.2018
www.robertoberbeck.de
HAGGEFUGG
„Metgefühl“
VÖ: 07.04.2017
www.haggefugg.de
BERGVAGABUNDEN
„Lehn di an mi“
VÖ: 10.03.2017
www.wiesenmueller.de
FÄHRHAUS
„Wir können auch anders“
VÖ: 30.09.2016
www.faehrhaus-musik.de
DORIAN BLACK
„Share My Desire“
VÖ: 02.03.2018
www.dorian-black.de
EDGAR WEILER
„Ich ge’ gradaus“
VÖ: 07.04.2017
www.edgarweiler.de
musiker MAGAZIN 1/2018

KLEINANZEIGEN 65
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Beatles-Cover-Band sucht Paul
McCartney:
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Gesucht wird ein professionell
arbeitender Musiker (25-45 Jahre)
mit optischen Ähnlichkeiten zum
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Gesang: Solo und Chor
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können gestellt werden.
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Ole Seelenmeyer, os@musiker-online.com
Freie Mitarbeiter und Gastautoren:
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Zurzeit ist die Anzeigenpreisliste Nr. 32
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Lektorat:
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Musiker Magazin erscheint 4 x jährlich
Copyright und Copyrightnachweis für alle
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ISSN 1618-386X
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musiker MAGAZIN 1/2018