Edited by OLAF SALIÉ - Daab

Edited by OLAF SALIÉ

YESIM AKDENIZ GRAF, JAN ALBERS, ALJOSCHA, THOMAS ARNOLDS, TILMAN AUMÜL
LER, GILI AVISSAR, FLORIAN BAUDREXEL, NELLEKE BELTJENS, GIULIA BOWINKEL AND
FRIEDEMANN BANZ, LARS BREUER, ANDREAS BREUNIG, ELI CORTIÑAS, NICOLAI CRES
TIANINOV, FRAUKE DANNERT, JEFF DEPNER, MOTOKO DOBASHI, KAYE DONACHIE,
ROBERT ELFGEN, ANGELA FETTE, MITJA FICKO, LUKA FINEISEN, SHANNON FINLEY,
ANDREAS FISCHER, MAX FRINTROP, SVEN FRITZ, MARTIN GALLE, CHRISTINE DE LA
GARENNE, RABI GEORGES, MARKUS GOLZ, MANUEL GRAF, ANNA LENA GRAU, BENJA
MIN GREBER, TOBIAS GREWE, THEA GVETADZE, ANN-KRISTIN HAMM, WOLF HAMM,
NSCHOTSCHI SARAH HASLINGER, SIMON HEMMER, VANESSA HENN, TINA ISABELLA
HILD, JULIUS HOFMANN, FRANZISKA HOLSTEIN, BENJAMIN HOULIHAN, GREGOR HYL
LA, DAVID JABLONOWSKI, MONICA URSINA JÄGER, CATHY JARDON, JOHANNES JEN
SEN, SABRINA JUNG, ANNA K.E., HEIKE KABISCH, AGNIESZKA KALINOWSKA, BEHR
ANG KARIMI, RUPRECHT VON KAUFMANN, YURY KHARCHENKO, CHRISTOPH KNECHT,
SEB KOBERSTÄDT, GEREON KREBBER, MATTHIAS LAHME, ROMAN LANG, OLIVER LA
RIC, VERA LOSSAU, PAULINE M’BAREK, FABIAN MARTI, CHRISTOF MASCHER, FLORI
AN MEISENBERG, ALEXEJ MESCHTSCHANOW, PHILIPP MESSNER, ADRIANA MOLDER,
ULRIKE MÖSCHEL, DAVID OSTROWSKI, ULRICH PESTER, MARTIN PFEIFLE, CHLOE PIE
NE, CHRISTIAN PILZ, MICHAIL PIRGELIS, KAI RICHTER, NIKOLA RÖTHEMEYER, SE
BASTIAN RUG, YASAM SASMAZER, FRANZ SCHMIDT, KATHARINA SCHMITT, DENNIS
SCHOLL, JANA SCHRÖDER, PHILIP SEIBEL, NIELS SIEVERS, MICHAEL SISTIG, CHRIS
SUCCO, KEN’ICHIRO TANIGUCHI, ALEXANDER TOVBORG, ANGELIKA J. TROJNARSKI,
JANNIS VARELAS, CHRISTIAN VETTER, ANNA-SKROLLAN VIRNICH, MARCEL WALL
DORF, SVEN WEIGEL, SAM WINDETT, ALEXANDER WISSEL, DOMINIC WOOD, RENÉ ZEH

RISING
YOUNG ARTISTS TO KEEP AN EYE ON!
Edited by OLAF SALIÉ

© 2011 DAAB MEDIA GMBH
All rights reserved. No part of this publication may be reproduced
or transmitted in any form or by any means, electronic or mechanical,
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René Zeh, Tina Isabella Hild, Nikola Röthemeyer, Ann-Kristin Hamm
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CONCEPT
Ralf Daab and Olaf Salié
COVER AND LAYOUT
Meiré und Meiré
ADVISORY BOARD
Fritz Conzen, Gérard Goodrow, Mike Meiré,
Dr. Rupert Pfab, Thomas Rehbein,
Dr. Dr. Thomas Rusche, Alexandra Wendorf
MANAGING EDITOR
Christiane Blass
COPY EDITOR
Christiane Blass, Claudia Grönemeyer
TEXT
Gérard Goodrow (GG), Kay Heymer (KH),
Rebecca Maria Jäger (RMJ), Thomas W. Kuhn (TWK),
Clemens Rathe (CR), Julia Ritterskamp (JR),
Sabine Elsa Müller (SEM)
ENGLISH TRANSLATION
Celia Brown, Pauline Cumbers, Gérard Goodrow,
Karen Williams
COPY PROOFREADING
Helga Kronthaler, Michael Scuffil
PRINTED IN ITALY
www.graficheflaminia.com
ISBN 978-3-942597-03-6
INHALT
CONTENT
VORWORT/PREFACE
Prof. Dr. Harald Falckenberg 6
EINLEITUNG/INTRODUCTION
Olaf Salié 8
DIE KÜNSTLER/THE ARTISTS
Yesim Akdeniz Graf 12
Jan Albers 16
Aljoscha 20
Thomas Arnolds 24
Tilman Aumüller 28
Gili Avissar 32
Florian Baudrexel 36
Nelleke Beltjens 40
Giulia Bowinkel and
Friedemann Banz 44
Lars Breuer 48
Andreas Breunig 52
Eli Cortiñas 56
Nicolai Crestianinov 60
Frauke Dannert 64
Jeff Depner 68
Motoko Dobashi 72
Kaye Donachie 76
Robert Elfgen 80
Angela Fette 84
Mitja Ficko 88
Luka Fineisen 92
Shannon Finley 96
Andreas Fischer 100
Max Frintrop 104
Sven Fritz 108
Martin Galle 112
Christine de la Garenne 116
Rabi Georges 120
Markus Golz 124
Manuel Graf 128
Anna Lena Grau 132
Benjamin Greber 136
Tobias Grewe 140
Thea Gvetadze 144
Ann-Kristin Hamm 148
Wolf Hamm 152
Nschotschi Sarah Haslinger 156
Simon Hemmer 160
Vanessa Henn 164
Tina Isabella Hild 168
Julius Hofmann 172
Franziska Holstein 176
Benjamin Houlihan 180
Gregor Hylla 184
David Jablonowski 188
Monica Ursina Jäger 192
Cathy Jardon 196
Johannes Jensen 200
Sabrina Jung 204
Anna K.E. 208
Heike Kabisch 212
Agnieszka Kalinowska 216
Behrang Karimi 220
Ruprecht von Kaufmann 224
Yury Kharchenko 228
Christoph Knecht 232
Seb Koberstädt 236
Gereon Krebber 240
Matthias Lahme 244
Roman Lang 248
Oliver Laric 252
Vera Lossau 256
Pauline M’barek 260
Fabian Marti 264
Christof Mascher 268
Florian Meisenberg 272
Alexej Meschtschanow 276
Philipp Messner 280
Adriana Molder 284
Ulrike Möschel 288
David Ostrowski 292
Ulrich Pester 296
Martin Pfeifle 300
Chloe Piene 304
Christian Pilz 308
Michail Pirgelis 312
RISING – 4 INHALT/CONTENT – 5
Kai Richter 316
Nikola Röthemeyer 320
Sebastian Rug 324
Yasam Sasmazer 328
Franz Schmidt 332
Katharina Schmitt 336
Dennis Scholl 340
Jana Schröder 344
Philip Seibel 348
Niels Sievers 352
Michael Sistig 356
Chris Succo 360
Ken’ichiro Taniguchi 364
Alexander Tovborg 368
Angelika J. Trojnarski 372
Jannis Varelas 376
Christian Vetter 380
Anna-Skrollan Virnich 384
Marcel Walldorf 388
Sven Weigel 392
Sam Windett 396
Alexander Wissel 400
Dominic Wood 404
René Zeh 408
INDEX
Künstlerverzeichnis
Artists Affiliations 412
Die Autoren
The Authors 416
Danksagung
Acknowledgments 418
Fotonachweis
Photo Credits 420

VORWORT
PREFACE
RISING YOUNG ARTISTS
Gute Sammler bauen ihre Kollektion im Bereich der jungen Gegenwartskunst
auf. Arbeiten zeitgenössischer Künstler lassen sich noch zu
erschwinglichen Preisen erwerben. Vielleicht noch wichtiger ist, dass
der Sammler Neuentdeckungen machen kann. Immer steckt im Sammeln
ein Stück Abenteuer. Das alles hört sich leicht und locker an,
übersehen wird dabei aber, dass die Einschätzung und Bewertung
gerade junger Kunst zu den schwierigsten Aufgaben zählt. Über arrivierte
Kunst liegen in aller Regel abgerundete Urteile von Experten vor
und auch die Preise auf dem Kunstmarkt geben Aufschluss. Für junge
Kunst fehlen vielfach Maßstäbe. Die Lage wird dadurch noch erschwert,
dass sich in der Postmoderne seit Ende der 1970-er-Jahre
keine festen, wegweisenden Kunst- und Stilrichtungen mehr herausgebildet
haben, sondern das Prinzip des „anything goes“ herrscht.
Längst ist Kunst nicht mehr nur für die Eliten da, sondern ist zu einem
allgemeinen Kulturgut mit einem riesigen internationalen Netzwerk
von Galerien, Messen und Institutionen geworden. Hier sich zurechtzufinden,
fällt auch manchem Experten schwer. Der Laie, und dazu
dürfen sich getrost auch die Neuanfänger unter den Sammlern zählen,
braucht fachliche Unterstützung. Sonst wird es ihm unmöglich sein,
die Rising Stars unter den Künstlern zu finden. Es ist deshalb sehr verdienstvoll,
dass der Daab Verlag Vorschläge zu jungen Künstlern
unterbreitet, deren Werk man im Auge behalten sollte. Die Vorschläge
kommen von einem Kuratorium, das gleichermaßen durch großes
Fachwissen und lange Erfahrung besticht. Ich kann diesem wichtigen
Unterfangen zur Vermittlung junger Kunst nur viel Glück wünschen.
Eines ist sicher: Ich studiere die Publikation ganz genau.
Prof. Dr. Harald Falckenberg, Mai 2011
RISING – 6 VORWORT/PREFACE – 7
-

EINLEITUNG
INTRODUCTION
BÜHNE FREI
Zuweilen erscheint der Kunstbetrieb wie ein Rockkonzert. Auf der Bühne
präsentieren sich die Stars im Rampenlicht, und ab und zu sieht
man die Protagonisten des Erfolgs in den Kulissen stehen: Tour- und
Musikmanager oder eben Galeristen und Kuratoren, PR-Strategen,
Journalisten und Plattenbosse bzw. Kritiker und Sammler. Dann, auf
dem Höhepunkt der Stimmung, schwenkt so mancher Beleuchter einen
Scheinwerfer auf das Geschehen vor der Bühne. Und sofort wird allen
klar: Hier steigt die eigentliche Party. Denn im Parkett tanzen und feiern
die jungen Leute ausgelassen ihr eigenes Fest. Im Kunstbetrieb ist
das jene Generation, die sich bald aufmachen wird, selbst die Bühne
zu betreten. Bei diesem Setting fragt man sich unwillkürlich, wer
braucht hier eigentlich wen? Die Feiernden die große Bühne, auf der
die Musik spielt? Oder ist es vielleicht umgekehrt? Eines ist jedoch
sicher, die Stimmung im Saal braucht beide: die Stars auf der Bühne
und die, die davor tanzen.
RISING sieht sich in der Rolle des Beleuchters. Das Buch will den
Spot einmal vor der Bühne des Kunstbetriebs anknipsen und anhand
von 100 ausgewählten jungen Künstlern die überaus lebendige Szene
in den Blick rücken, die an eigenen, häufig überraschenden, aufregenden
und ernsthaften Positionen arbeitet. Es ist ein Blick vor die
Affirmation durch Galeristen, Kritiker, Kuratoren und Sammler. Ganz
bewusst wurde der Bogen dabei weit gespannt. Von Künstlern, die
schon als Studenten ganz am Anfang ihres Weges durch eigenständige
Arbeiten und eine interessante Persönlichkeit auf sich aufmerksam
machen, bis hin zu Künstlern, die gewissermaßen „auf der Rampe“
stehen und bereits das erste Interesse von Museen, Markt und Medien
gefunden haben.
Die Macher von RISING – Verleger, Herausgeber sowie ein überaus
engagiertes Kuratorium aus Galeristen, Sammlern und Journalisten
– haben sich die Auswahl der Künstler nicht leicht gemacht. Im
ersten Schritt wurden aus einem breiten, internationalen Netzwerk von
Kennern, Künstlern und Protagonisten des Kunstbetriebs Vorschläge
gesammelt und genauestens aufbereitet. So entstand gewissermaßen
als Nebenprodukt ein einzigartiges Archiv mit nahezu 800 Künstlern,
alle geboren nach 1970. Diese umfassende Sammlung mit Material
zu Lebenslauf, Ausstellungen, Preisen, Galeriebezügen und natürlich
zu vielen beispielhaften Arbeiten der Künstler war die Grundlage für
ein intensives Auswahlverfahren und Anlass für zahlreiche engagiert
geführte Diskussionen in Sitzungen und Einzelgesprächen, Besuchen
in Ateliers, Galerien und Ausstellungen, allesamt ebenso beglückend
wie inspirierend.
Betrachten wir nun das Ergebnis, so scheint gelungen, was von Anfang
an beabsichtigt war: eine Auswahl zu treffen, die beispielhaft
und repräsentativ für die funkelnde und vitale Boheme des künstlerischen
Nachwuchses steht, der gerade beginnt, sich in einer zuweilen
schwierigen Welt zu behaupten, und dem dieses Buch Öffentlichkeit
und Wahrnehmung verschaffen möchte. Es versteht sich dabei fast von
selbst, dass das Schlaglicht, das RISING werfen möchte, nur einen
kleinen Teil von etwas viel Größerem abbilden kann. Die Vielfalt und
die Exzellenz, die uns während der Arbeit an RISING begegnet sind,
passen nicht zwischen die Deckel eines einzigen Buches. Bei aller
Freude, die uns die Arbeit an diesem Projekt bereitet hat, die Auswahl
war auch ein bisweilen schmerzhafter Prozess angesichts der vielen
ernst zu nehmenden Positionen, die nicht berücksichtigt werden konnten.
Und auch wenn dieses Projekt auf der Erfahrung und Kennerschaft
vieler Beiträger basiert, die sich professionell seit Langem mit
der Kunstwelt aus ihrer jeweils individuellen Perspektive beschäftigen,
so war doch allen Beteiligten von Anfang an bewusst, dass das letztendliche
Ergebnis immer und unvermeidbar eine Art „kollektiver Subjektivität“
darstellen würde. Wer RISING aufmerksam betrachtet, wird
zweifellos die Koordinaten ausmachen, von denen wir bei unserer
Betrachtung aufgebrochen sind. Um im Bild zu bleiben: Der Spot steht
nicht zufällig gewissermaßen auf den Dächern der rheinischen Akademien
und Hochschulen, inmitten der deutschen Kunstszene. Denn wir
sind überzeugt davon, dass dies nicht die schlechteste Position für
einen weiten, freien Blick ist. Ohne Zweifel hoch genug, um beispielsweise
nach Berlin und London, nach Amsterdam, Brüssel und Zürich,
Istanbul, Thessaloniki und San Francisco zu blicken.
Diesem Buch ist eine lebendige, kritische Diskussion und Auseinandersetzung
über die Auswahl der Künstler und ihre einzelnen Positionen
ausdrücklich zu wünschen. Die Erkenntnis, dass sich umso trefflicher
streiten lässt, je weiter man sich von den abgesicherten Positionen
des klassischen Kunstbetriebs entfernt, hat die Grundidee dieses
Projektes beflügelt. Alle Beteiligten haben sich diesem Abenteuer mit
größter Leidenschaft und in der Absicht gestellt, einen inspirierenden
Überblick über die „rising young artists“ zu vermitteln. Es ist ein Blick
in eine Welt, in der es jungen Menschen nicht immer leicht gemacht
wird und die gleichwohl über eine ganz beeindruckende Energie und
Kreativität verfügt, der man noch mehr Aufmerksamkeit wünschen
möchte.
Olaf Salié
-
-
-
-
RISING – 8 EINLEITUNG/INTRODUCTION – 9

DIE KÜNSTLER
THE ARTISTS

GILI AVISSAR
Born 1980 in Haifa,
lives and works in
Tel Aviv, ISR
Education
1999–2003 Bezalel
Academy of Art and
Design (BFA),
Jerusalem, ISR
2002–2003 Glasgow
School of Art,
Glasgow, GBR
2007–2009 Bezalel
Academy of Art and
Design (MFA),
Tel Aviv, ISR
Selected exhibitions
2009
ArtTLV_09, 2 nd Tel
Aviv-Yafo Biennial,
Tel Aviv, ISR
The World is a Tissue of
Lies, Kunsthalle,
Lucerne, CHE (group)
2010
Self-Portrait with a
Cat, The Artists
Studios, Tel Aviv, ISR
Shelf Life, Haifa Museum
of Art, Haifa, ISR
(group)
2011
Metakom, Raumordnung –
Gesellschaft für urbane
Kunst und Gestaltung,
Krefeld, DEU (group)
Parallel Lives,
Galerie Rupert Pfab,
Düsseldorf, DEU
Installationen, Objekte, Videos sowie Zeichnungen,
Malerei und Fotografie: Gili Avissars Kunstschaffen
stellt sich komplex und überaus beweglich dar. Der
israelische Künstler, der sich selbst als Maler bezeichnet,
sammelt. Die Materialien wie Stoffreste
und Holz liest er in seiner nächsten Nachbarschaft
auf, um sie zu archivieren, zu hüten, bis ihre Zeit
gekommen ist, aus dem Fundus herauszutreten und
mit anderen Materialien Teil eines von ihm erschaffenen
Kunstwerks zu werden.
Dabei spielt der Ort der Präsentation eine
wichtige Rolle für das Erscheinungsbild der Werke.
Größe und Ausdehnungsmöglichkeit sind meist variabel
angelegt, so dass sie sich dem Standort oder
der Ausstellungssituation anpassen können, wie
etwa in „It’s a Painter Sculpture“. Avissar fürchtet
die Veränderlichkeit seiner Werke ebenso wenig
wie deren Vergänglichkeit. Das Phänomen der Kurzlebigkeit
ist seinen Werkgedanken impliziert. Ein
Fundstück kann zunächst in einem Kunstwerk verarbeitet
und als dessen Teil dokumentiert werden,
um anschließend diesem Kontext entnommen zu
werden und seinen Platz in einem neuen Werk zu
finden. Die Antwort auf die Frage, wie lange ein
Kunstwerk seine Zeit überdauert oder überdauern
sollte, beantwortet der Künstler mit einem Bekenntnis
zu „short-time appearance art pieces“.
Das Verhältnis von Existenz, Vergänglichkeit
und Werden wird von Avissar positiv beleuchtet. Er
betrachtet Zerstörung wohlwollend als kreativen Prozess
und beschreibt damit eine ungewöhnliche
künstlerische Position in Bezug auf das eigene
Schaffen. In einer Videodokumentation mit dem einfachen
deskriptiven Titel „Burning Drawings“ verbrennt
Avissar seine eigenen Bilder, um in Form einer
dokumentierten Performance eine neue Arbeit
zu schaffen. Kunst offenbart sich hier als ständiger
kreativer Prozess, als ein kontinuierliches, buntes
Werden. RMJ
RISING – 32
-
-
-
It’s a painter’s sculpture
-
title Burning Drawings-
-
-
It’s a Painter’s Sculpture, 2008, mixed media, sculptures and video installation, dimensions variable
GILI AVISSAR – 33

Marionette Clown, 2010, satin stripes, tank top, carton and wood, dimensions variable
RISING – 34
MoonMask, 2009, mixed materials, 75 × 80 × 15 cm
Gizella, 2003–2010, hand-made puppets, dimensions variable,
installation view
GILI AVISSAR – 35

ELI CORTIÑAS
Born 1976 in Las Palmas
de Gran Canaria, ESP,
lives and works in
Cologne and Berlin, DEU
Education
2001–2002 European Film
College, Ebeltoft, DNK
2002–2008, Kunsthochschule
für Medien Köln
(Prof. Matthias Müller
and Prof. Marcel Odenbach),
Cologne, DEU
Selected exhibitions/
Screenings
2008
Documental:-Contemporary
Video Art from Europe,
Guggenheim Gallery, USA
2009
Moon Star Love, Marcelle
Alix, Paris, FRA (group)
2010
Hypercinema!, Les
Rencontres Internationales,
Centre Pompidou,
Paris, FRA
Gesehen & Geliebt # 4,
Museum Ludwig, Cologne,
DEU (group)
2011
Neues Rheinland. Die
postironische Generation,
Museum Morsbroich,
Leverkusen, DEU (group)
Eli Cortiñas spielt in ihren Arbeiten mit Realität und
Fiktion, indem sie Filmausschnitte, Töne, fotografische
und typografische Fundstücke aus ihrem ursprünglichen
Kontext herausschneidet und anschließend
in einen neuen Zusammenhang stellt. Durch
diesen Auswahlvorgang einzelner Szenen und Bilder
– teilweise kombiniert mit Material aus dem privaten
Bereich – entsteht jedoch keine neu angelegte
lineare Handlung, vielmehr betont Cortiñas auf geradezu
surrealistische Weise einzelne Details. Ihre
bevorzugten Quellen sind Magazine und Filme, insbesondere
aus den 1950er- bis 1970er-Jahren. Die
Künstlerin nimmt beispielsweise Arbeiten von Regisseuren
wie Truffaut oder Buñuel als Grundlage oder
auch Bilder aus Frauen- und Erotikmagazinen der
Zeit. Ihr Interesse gilt den Geschlechterstereotypen
und gesellschaftlichen Strukturen. Die Emanzipation
scheint auf den ersten Blick den Alltag von Frauen
tiefgreifend verändert zu haben. Doch Cortiñas hinterfragt
diese Entwicklung künstlerisch: Ist alles wirklich
so frei in einer Zeit, in der viele Frauen der jungen
Generation beim Thema „Gleichberechtigung“
nur müde lächeln, sich gleichzeitig jedoch verstärkt
unter dem Deckmantel des Aufrechterhaltens einer
vermeintlichen Tradition veralteten Rollenmustern unterordnen?
Nicht nüchtern kommentierend, eher mit
einer poetischen Bildästhetik und einer guten Portion
schwarzem Humor arbeitet Eli Cortiñas subtil mit
der Psyche des Betrachters. Sie regt dazu an, sich
der gesellschaftlichen Hybris im Alltäglichen zu stellen:
Da ersetzt der Teppichklopfer das Konterfei einer
erotisch tanzenden Schönheit, ein Pumps geht
über einen Teppich aus Brüsten oder es regnet rosafarbene
Blütenblätter aus der Pistole einer schwarz
gekleideten Rächerin.
Die Künstlerin verändert cinematografisches
Allgemeingut, bis es alles Vertraute verliert. Das
Spiel mit gewohnten visuellen Effekten weckt beim
Betrachter wiederum Erinnerungen an bekannte
Emotionen. „No Place Like Home“ skandiert Dorothy
aus „The Wizard of Oz“ in Eli Cortiñas’ Videoinstallation
in einer nicht enden wollenden Schleife.
Eine solche Beschwörung verbirgt immer auch die
Angst, und es zeigt sich wieder einmal, wie fragil
scheinbar sichere Wahrheiten sind. JR
-
-
-
-
The Wizard of Oz
Vogel, Kirsche, Geliebte, 2010, two-channel video, 8 min. loop, video still
RISING – 56 ELI CORTIÑAS – 57

Vogel, Kirsche, Geliebte, 2010, two-channel video, 8 min. loop, installation
view New Positions Art Cologne 2010
No Place Like Home, 2006, two-channel monitor installation,
02:16 min. loop, installation view: Regarding Düsseldorf,
Düsseldorf
No Place Like Home, video still
Cher J., je ne suis pas une femme domestique, 2010, collage, 20 × 23 cm
RISING – 58 ELI CORTIÑAS – 59

FRAUKE DANNERT
Born 1979 in Herdecke,
lives and works in
Düsseldorf, DEU, and
London, GBR
Education
2001–2004 Kunstakademie
Münster, Münster, DEU
2004–2010 Kunstakademie
Düsseldorf (Prof. Thomas
Grünfeld), Düsseldorf, DEU
2009–2010 Goldsmiths
College, University of
London, London, GBR
Selected exhibitions
2009
Opus caementitium,
Galerie Rupert Pfab,
Düsseldorf, DEU (group)
Rundblick 2009,
Temporary Gallery
Cologne, Cologne, DEU
(group)
2010
Break, Villa de Bank,
Enschede, NLD (group)
Composition/decomposition,
Konsortium,
Düsseldorf DEU
Sugary Photographs,
photography festival,
Antwerp, BEL (group)
Mit ihren faszinierenden und strukturell höchst komplexen
Collagen auf Papier, Messing, Aluminium,
MDF und Sperrholz erweckt Frauke Dannert das in
der Kunstgeschichte oft als Stiefkind behandelte Medium
zu neuem Leben. Eigene Fotografien von Architektur
aus ihrem direkten Umfeld sowie fremde
Bilder aus Zeitungen, Zeitschriften und dem Internet
werden in Graustufen fotokopiert, vervielfältigt, auseinandergeschnitten
und neu zusammengestellt, um
neue geometrische Kompositionen zu schaffen. Aus
einer Vielzahl einzelner Bildfragmente entstehen
neue Konstellationen aus abstrakten Formen, die
selten mit dem ursprünglichen Kontext der Quellenbilder
zu tun haben. Dabei bedient sich Dannert
einem ihr eigenen, rigorosen, aber dennoch fantasievollen
Ordnungsprinzip, das zwischen utopischer
Städteplanung, surrealistischer Architektur und verspieltem
Ornament oszilliert.
Dannerts Neubelebung der Collage macht
aber hier nicht halt. Denn auch die Farben, die
Oberflächenstruktur und die Materialität der verwendeten
Stoffe werden bewusst eingesetzt und verleihen
den Werken eine zusätzliche Bedeutungsebene.
Es handelt sich in allen Fällen um einfache,
fast minderwertige Werkstoffe aus dem Alltag, die
durch die Collagetechnik zu einer neuen Wertigkeit
ge langen. Nie ist Papier nur Papier, und sogar billige
Wechselrahmen ohne Passepartout oder grob
geschnittene Sperrholzplatten werden durch den
neuen Kontext der Gesamtkomposition aufgewertet
und veredelt.
In manchen Fällen, wie bei ihrer Abschlusspräsentation
2010 an der Kunstakademie in Düsseldorf,
werden die Papierfragmente direkt an die
Wand geklebt, um gigantische, raumgreifende
Wand-Collagen zu erschaffen. Die Perspektiven des
Raums werden hierdurch buchstäblich ver-rückt. Auf
ähnliche Art und Weise werden für ihre Bodenarbeiten
Teppichböden in verschiedenen Unifarben aufeinandergelegt
und so geschnitten und umgelegt,
dass farbige, monumentale geometrische Kompositionen
entstehen, die dreidimensional wirken und so
eine optische Verschiebung der Raumperspektiven
erzeugen. GG
RISING – 64
-
-
-
-
Untitled, 2010, mural collage, installation view Museum Baden, Solingen
FRAUKE DANNERT – 65

Untitled, 2010, paper collage, brass, 26.5 × 17 cm
RISING – 66
Collage City, 2011, carpet, overhead
projection, installation view RAUM,
Düsseldorf
Collagen, 2009, installation view Galerie Rupert Pfab, Düsseldorf
FRAUKE DANNERT – 67

MOTOKO DOBASHI
Born 1976 in Tokushima,
JPN, lives and works in
Munich and Berlin, DEU
Education
1995–1999 Musashino Art
University, Tokyo, JPN
2000–2007 Akademie der
Bildenden Künste München
(Prof. Markus Oehlen),
Munich, DEU
Masterclass student with
Prof. Markus Oehlen
Selected exhibitions
2008
nevertheless, Künstlerhaus
Bethanien,
Berlin, DEU (group)
Favoriten 08, Lenbachhaus,
Munich, DEU
(group)
2009
Tower of Straw, Dina4
Projekte, Munich, DEU
The Outfielder,
Lullin + Ferrari,
Zurich, CHE
Paradies,
Diözesanmuseum,
Freising, DEU (group)
Gewaltige Gebirgsformationen, Wolkenstrudel und
reißende Wassermassen – das ist die eine Seite von
Motoko Dobashi. Auf der anderen Seite berührt die
große Zartheit in den Details. Namentlich auf den
Papierarbeiten. Da gibt es Wassertropfen, die an
stilettdünnen Grashalmen herabperlen („Drops“),
filigranes, sich zum gotischen Gewölbe neigendes
Geäst („Arch #3“) oder Wolkenhimmel nach Art
fein ziselierter Kupferstiche („Winterlounge“).
Motoko Dobashi arbeitet sehr konzentriert an
einer ins Heute übersetzten Naturmystik. Zwar glauben
wir Europäer, schon seit den verinnerlichten
Landschaften der Romantik mit dem Thema zu
einem Höhe- und Endpunkt gekommen zu sein, aber
die modernen japanischen Animes sind heute noch
voll davon. „Prinzessin Mononoke“ und „Chihiro“
treffen auf Caspar David Friedrich. Motoko Dobashi
transformiert die computergenerierten Animes mit
ihren rasanten, die Sinne verwirrenden Raum- und
Zeitreisen in die gediegene Handwerklichkeit traditioneller
grafischer Oberflächen. Mit der Handzeichnung
kommt eine andere Art der Emotionalität
in das Bild. Nicht von ungefähr erinnert der Strich
an Dürer oder Hans Baldung Grien, Vertreter einer
tief religiös motivierten Kunst. Dabei wählt Dobashi
nicht nur für die Arbeit auf Papier, sondern auch in
den raumsprengenden Wandarbeiten die Monochromie
in Schwarz, Braun oder Blau, gemischt mit
Weiß. Die betont grafische Wiedergabe beschwört
die Fläche, um sich gleichzeitig mit der gesteigerten
Dynamik der Komposition darüber hinwegzusetzen.
Gegen den Irrwitz der extremen Perspektiven arbeitet
die manische Akribie, mit der Fels, Wasser,
Baum allmählich Gestalt gewinnen. Das hat etwas
von einem Bannzauber, der den Gegenstand davor
bewahrt, im dramatischen Geschehen unterzugehen.
Oder auch Schaden zu nehmen an den technoiden
Formen, die in dieses mystische Reich immer wieder
einbrechen und eine Verbindung zum konkreten
Raum der Gegenwart herstellen. SEM
RISING – 72
(Drops)
(Arch #3)
(Winterlounge)
-
-
Winterlounge, 2009, acrylic on paper, 30 × 24 cm
MOTOKO DOBASHI – 73

RISING – 74
Roots/Wurzeln, 2010, acrylic on wall,
exhibition view: Deep Dig Dug, Tokyo Wonder
Site, Tokyo, 320 × 550 × 1220 cm (room size)
Sculpture: Matthias Männer, Sound from
the Deep, 2010
Tower of Straw, 2009, adhesive foil on window, photocopy and acrylic on wood,
exhibition view: Tower of Straw, Dina4 Projekte, Munich, 350 × 350 × 280 cm
Garden/Garten, 2009, acrylic on wall, exhibition view: Paradies, Diözesanmuseum, Freising,
400 × 800 cm
MOTOKO DOBASHI – 75

ANGELA FETTE
Born 1970 in Hamburg,
lives and works in
Düsseldorf, DEU
Education
1994–1996 Hochschule
für Gestaltung,
Offenbach, DEU
1996–1999 Staatliche
Hochschule für Bildende
Künste – Städelschule,
Frankfurt/Main, DEU
2000–2003 Kunstakademie
Düsseldorf (Prof. Hubert
Kiecol and Prof. Gerhard
Merz), Düsseldorf, DEU
Selected exhibitions
2007
Sternstunde, Galerie
Kunsttransmitter,
Munich, DEU
Secondary structures,
KIT – Kunst im Tunnel,
Düsseldorf, DEU (group)
Labsetstudio, performance
and exhibition,
Reisholzer Werft,
Düsseldorf, DEU (group)
2009
Over and out, AKZM,
Herwarthstrasse 8,
Münster, DEU (group)
2010
Wrong, KIT – Kunst im
Tunnel, Düsseldorf, DEU
Was nun?, performance
at the Schmela Haus,
Kunstsammlung NRW,
Düsseldorf, DEU (group)
Die Verteidigung der Kunst als Refugium gegenüber
einer vom Nützlichkeitsdenken bestimmten Welt ist
zentrales Anliegen im vielfältigen Werk von Angela
Fette. Sie nutzt für diese Auseinandersetzung ein
breites Spektrum unterschiedlicher Ausdrucksmittel:
vom Einzelobjekt in Form eines Gemäldes bis hin
zur wandfüllenden Installation, von Performance-
Aktionen bis hin zu theoretischen Texten und Aphorismen.
In der Tradition des Gesamtkunstwerks
stehend, erschöpft sich ihr Ansatz nicht in einer romantischen
Utopie. Die Methodik von Angela Fette
ist subversiv und zeigt sich nicht zuletzt kritisch hinsichtlich
der Verwandlung des Kunstwerks in einen
Warenfetisch.
Ortsspezifische Arbeiten wie Wandmalereien
in temporären Ausstellungen entziehen sich ebenso
vollständig der Verfügbarkeit durch den Handel wie
ihre Aktionen. Ihre Bilder verweigern sich einer Reduktion
zum gefälligen Dekor, wo ihr malerischer
Duktus dem Klischee genialischer Expressivität und
mechanistischer Sterilität widerspricht. Diesem Verzicht
auf artistische Virtuosität und dieser gesuchten
Raffinesse entspricht Angela Fettes leicht sinnige
Verweigerung weltanschaulich abgesicherten Tiefsinns
zugunsten des Spielerischen.
Die subkutan injizierten Themen der Kunst Angela
Fettes tragen archaische Züge. Ihre Aktionen
spiegeln die Polarität von Ordnung und Chaos,
Apoll gegen Dionysos. Die Protagonisten sind wie
im antiken griechischen Schauspiel maskiert, relativieren
das Individuelle im Streben nach Allgemeinheit.
Die Abläufe selbst tragen rituellen Charakter.
Figuren der antiken Mythologie stiften ihren Bildern
Namen: Medusa, Pegasos, Phoenix. Gesichter,
Landschaften und Sternbilder zeigen stilisierte
Züge. Nicht weniger archetypisch wirken die sperrigen
Referenzen zur modernen Kunst: der Villa von
Curzio Malaparte auf Capri, dem Suprematismus
von Kasimir Malewitsch oder dem literarischen
Werk von Ezra Pound. Nicht zuletzt verweist Pound
als Namensgeber auf die kurzlebige futuro-dadaistische
Künstlergruppe der Vortizisten, mit denen Angela
Fette ein wesentliches Element ihrer Poetik teilt:
paradoxe Spiele mit Wort und Sinn. TWK
RISING – 84
-
-
-
-
Art Now, 2009, book, paraffin wax and chipboard, 40 × 30 × 18 cm, on table, 72 × 62 × 62 cm
ANGELA FETTE – 85

Shades, 2009, 3 paintings, acrylic and pencil
on canvas, each 100 × 150 cm, two masks, cardboard,
paint. Installation view: Over and Out,
AZKM, Herwarth strasse 8, Münster
Dragoner, 2008, 3 paintings, acrylic and pencil on canvas, each
150 × 90 cm, installation view Galerie Cosar HMT, Düsseldorf, 2011
RISING – 86
Was nun?, 2010, performance with Christian
Jendreiko and others, Schmela Haus, K21,
Düsseldorf, costume and text
Krüppel-X, 2009, 3 paintings, acrylic and pencil on canvas, each 90 × 90 cm,
installation view: Over and Out, AZKM, Herwarth strasse 8, Münster
Enthusiasmos, 2010, oil on canvas, 145 × 200 cm
ANGELA FETTE – 87

MAX FRINTROP
Born 1982 in Oberhausen,
lives and works in
Düsseldorf, DEU
Education
2003–2009 Kunstakademie
Düsseldorf (Prof. Albert
Oehlen), Düsseldorf, DEU
Masterclass student with
Prof. Albert Oehlen
Selected exhibitions
2010
Figurprobleme, Artleib,
Düsseldorf, DEU (group)
K22, Tanzschule
Projects, Munich, DEU
(group)
Space is the Place, Raum
für Kunst und Musik e.V.,
Cologne, DEU
Die Titel der jüngsten Ausstellungen von Max Frintrop
verraten viel über zwei zentrale Themen, die
sich wie ein roter Faden durch sein höchst konsequentes
Werk ziehen: „Figurprobleme“ und „Space
is the Place“. Mit seinen Bildern, Objekten und
raumgreifenden Installationen erforscht der Künstler,
der Malerei bei Albert Oehlen an der Kunstakademie
Düsseldorf studierte, unsere Wahrnehmung vom
Raum, die durch die geometrischen Formen, durch
ihre Positionierung im und ihre Interaktion mit dem
Raum beeinflusst wird. Sind doch die drei Dimensionen
eines Raumes – ob real oder suggeriert – nur
durch die ständige Veränderung der eigenen Position
in Relation zu allen anderen Formen und Objekten
überhaupt wahrnehmbar.
Frintrops Bilder und Objekte sind expressiv und
konstruktiv zugleich, wobei das kalte, fast minimalistische
Moment durch den warmen, gestisch-malerischen
Farbauftrag gebrochen wird. Ausdrucksstarke
geometrische Formen prägen seine Werke, die wiederum
abstrakte Strukturen bilden. Der den Arbeiten
innewohnende Rhythmus zeugt von einer erfrischenden
Spontaneität, einer tiefgründigen Konzentration
und von der spürbaren Freude des Künstlers während
des Schaffensprozesses. Der mit Leichtigkeit
vollführte Farbauftrag sowie die scheinbar mühelos
zusammengefügten Leisten verleihen seinen Werken
etwas Prozesshaftes, fast etwas Unvollendetes.
Auch wenn dreidimensionale Arbeiten sein
Hauptwerk ausmachen, so ist und bleibt Frintrop ein
Maler, für den das Zeichnen geometrischer Formen
und die Verwendung suggestiver Farben eine wichtige
Rolle spielen. Es entstehen lineare und flächige
Strukturen im Raum. Und die Bewegung der ineinander
verschachtelten Formen innerhalb klar definierter
Raumgebilde wird durch angedeutete Verschiebungen
visualisiert. Frintrop betreibt also eine
Malerei, die sich mit den zwei Dimensionen der
Fläche eines Bildträgers nicht zufrieden gibt und
sich deswegen immer mehr von der Leinwand löst,
um die dritte Dimension, das heißt den realen
Raum, zu erobern. GG
Figure
Problems and Space is the Place
-
-
-
-
-
Nucleus, installation in the rotunda at the Künstlerverein Malkasten, Düsseldorf, 2011, wood,
aluminium, metal, paint, c. 600 × 400 × 400 cm
RISING – 104 MAX FRINTROP – 105

Untitled (2G), 2010, side view: wood, metal, plastic, oil paint, 43 × 33 × 20 cm
RISING – 106
Untitled (2G), 2011, paint, acrylic, oil, wood, plastic, cardboard and
metal on canvas, 43 × 33 × 20 cm
MAX FRINTROP – 107
Untitled, 2010, graphite and oil pastel on paper, 30 × 40 cm

RABI GEORGES
Born 1981 in Moers,
lives and works in
Berlin, DEU, and
Damascus, SYR
Education
2002–2009 Universität
der Künste Berlin
(Costume Design with
Prof. Florence von
Gerkan), Berlin, DEU
2003–2009 Universität
der Künste Berlin (Fine
Arts with Prof. Rebecca
Horn), Berlin, DEU
2009 Masterclass student
with Prof. Rebecca Horn
Selected exhibitions
2009
Auge um Auge, Haus am
Lützowplatz, Berlin, DEU
believe unlimited,
Theatinerkirche,
Munich, DEU
2010
ich weiss was du nicht
siehst, Kunstraum Kreuzberg
Bethanien, Berlin,
DEU (group)
Urbi et Orbi, Paco des
Artes, São Paulo, BRA
Hinter dem Schleier
(with Maria Zervou),
St Luke’s Church,
Munich, DEU
2011
Kalte Gärten, Goethe
Institute, Damascus, SYR
Warme Gärten, Goethe
Institute, Shibani
School, Aleppo, SYR
In Form von Performances, Fotografien und Installationen
setzt sich Rabi Georges mit interkulturellen
und interreligiösen Themen auseinander. Die Spannbreite
reicht von sehr konkreten Bezügen zu Christentum
und Islam bis zu stärker verschlüsselten
mystisch-poetischen Motiven. Die Fotografie der
„Madonna mit Kind“ aus 2009 überlagert diese
Themen gleich mehrfach in einem Motiv. Sie ist
zugleich Muttergottes und verschleierte Muslima.
Allein ihre Brust, geformt aus rohem Fleisch und
Fett, liegt frei, und was niemand sieht: Unter dem
Schleier steckt der Künstler selbst. In der Münchner
Theatinerkirche wurde dieses Bild auch im Kontext
eines Altars präsentiert, was so gedeutet werden
kann, dass die kritische Auseinandersetzung mit Religion
und Enkulturation nicht in strikter Opposition
zu diesen, sondern aus einem konstruktiv orientierten
Dialog heraus stattfindet.
In neueren skulpturalen Arbeiten setzt der
Künstler die symbolischen und kulturellen Bezüge
allgemeiner, zeigt aber potenziell auch weiterhin
Verbindungen etwa zur religiösen Ikonografie wie
bei Lamm und Taube. Er überführt das Spirituelle
hier in die Grundbeziehung von Leben und Tod, entsprechend
lautet der Titel dieser Skulpturenreihe
„Life and Death series“. Tiere, in erster Linie Vögel,
die als Wesen zwischen Himmel und Erde an sich
schon aus Sicht des Menschen eine Zwischenwelt
bevölkern, sind von unterschiedlichen Mineralien
durchdrungen. Aus einer Taube bricht gleich einem
blutenden Herz roter Alaun hervor, auf dem Körper
siamesischer Zwillingslämmer wachsen Pyrit-Kristalle,
ein Ara und zwei Raben werden von Bergkristallen
durchbohrt. Während einerseits die Mineralien in
der mittelalterlichen Alchemie in Relation zu den
vitalen Prozessen des Körpers gebracht wurden,
repräsentieren sie als chemisch und physikalisch
bedingte, wachsende Substanzen andererseits eine
Art von anorganischem Leben. Rabi Georges transformiert
die Tiere derart, dass sie in eine Übergangszone
zwischen Leben und Tod verschoben
werden. Die Kristalle versinnbildlichen ihre energetische
Aura, ein inneres Strahlen. TWK
RISING – 120
-
Madonna mit Kind
-
-
Life
and Death series
-
-
Madonna mit Kind, 2009, photograph on Alu-Dibond, 176 × 126 cm
RABI GEORGES – 121

Dove, 2011, dove, salt, rock crystal, alum, acrylic, 18 × 27 × 12 cm Raven, 2011, ravens, rock crystal, acrylic, 67 × 126 × 77 cm
Ara, 2011, macaw, rock crystal, acrylic, 60 × 73 × 68 cm
RISING – 122
Lambs, 2010, Siamese-twin lamb, salt crystal, pyrite, needles, acrylic, 21 × 68 × 42 cm
RABI GEORGES – 123

TINA ISABELLA HILD
Born 1977 in Marburg,
lives and works in
Berlin, DEU
Education
1998–2004 Kunstakademie
Münster (Prof. Reiner
Ruthenbeck and Prof.
Katharina Fritsch),
Münster, DEU
Masterclass student with
Prof. Katharina Fritsch
Selected exhibitions
2004
Freundschaftsspiel,
Dolmabahçe Sarayi,
Istanbul, TUR (group)
2007
Ein Überblick, Konrad-
Adenauer-Stiftung,
Berlin, DEU (group)
2008
believe me!,
KIT – Kunst im Tunnel,
Düsseldorf, DEU
(group)
2009
Chance Meeting on
a Drawing Table of a
Zebra and a Meteorite,
Acme Project Space,
London, GBR (group)
Unexhaustible Presence
– Excerpts 1–6,
Trübenbach Galerie,
Cologne, DEU
2010
Pebbles & Rock Stars,
Neues Problem,
Berlin, DEU (group)
„Unexhaustible Presence“ nennt Tina Isabella Hild
eine ihrer umfangreichen Werkgruppen. Mit „Unerschöpfliche
Gegenwart“ ließe sich der Titel leicht
ins Deutsche übersetzen. Dabei ginge aber eine
Färbung verloren, die im englischen „unexhaust ible“
steckt und etwas mit einer atemlosen Erschöpfung
zu tun hat. Hild rückt den Mechanismen des Alltags
mit den Mitteln der Pointierung und Überzeichnung
zu Leibe und stößt auf ein Labyrinth obsessiver Verstrickungen.
Unter den glatten Oberflächen verbirgt
sich eine hyperventilierende Präsenz, die jeden Moment
zur Explosion führen könnte. Da zerfasert sich
ein aus feinem Draht geflochtener „Zopf“ in ekstatischem
Tanz, und zwei brave Hündchen mutieren
dank eines nicht einsehbaren Holzkastens zum vielköpfigen
Zerberus. In „Trash 2“ imitieren leuchtfarbige,
hochglanzpolierte Glasscherben die Camouflage-Strategien
der Natur und lauern auf Opfer, die
der aufreizenden Verführungskraft erliegen und sich
an den messerscharfen Kanten empfindliche Verletzungen
einhandeln könnten. Unter den so sinnlichen
wie rigiden Oberflächen brodelt es ganz gewaltig.
Auch die Zeichnungsserie „What is it?“, die auf
Bildmaterial aus den sozialen Netzwerken des Internets
basiert, eröffnet eine Welt umgeleiteter Triebregungen.
Die Gegensätze liegen eng beieinander
– in jedem Dr. Jekyll steckt auch ein Mr. Hyde. In
einer anderen Werkserie, „safe, cosy & violent“
(„sicher, gemütlich und gewalttätig“) verbindet Hild
altbekannte Versatzstücke öder Stadtmöblierung mit
Sehnsuchtskitsch und häuslichem Dekor. Eine Straßenlaterne
wird wie ein Weihnachtsbaum mit Glitter
behängt; darunter auch ein Schlüssel. Insignien von
Heimeligkeit und Intimität untergraben die autoritären
und auf Konformität bedachten Strukturen der
Öffentlichkeit. Tina Isabella Hild entwickelt aus dem
Spannungsverhältnis zwischen dem Affektiven und
einer strengen Ordnungsstruktur unbequeme Bildmetaphern
über das „Unbehagen in der Kultur“. SEM
RISING – 168
Unexhaustible Presence
-
-
-
Plait
Trash 2
-
-
What is it?
safe, cosy & violent
-
-
Unexhaustible Presence – Excerpts (meteorite, erythrocytes, animal traces), 2010, exhibition view: Pebbles & Rock Stars,
Neues Problem, Berlin
TINA ISABELLA HILD – 169

From safe, cosy & violent; Public-Space-Decor, Luxuriöse Laterne (luxurious lantern); Hund und Fähnchen (dog and little
flag); Bahn (train) and Promo-Board, 2008, exhibition view: believe me!, KIT - Kunst im Tunnel, Düsseldorf
At the back works of Markus Zimmermann, Heiko Räpple, Janna Gratz
Unexhaustible Presence – Excerpt 4 (plait), 2008, wire,
varnish, steel, MDF, 120 × 120 × 40 cm
Unexhaustible Presence – Excerpt 6 (dogs), 2008,
silicone, leather, varnish, steel, MDF, 200 × 170 × 50 cm
RISING – 170 TINA ISABELLA HILD – 171
Unexhaustible Presence – Excerpt 2 (clouds), 2008,
plaster, polystyrene, pigment, polishing wax, varnish,
steel, MDF, 85 × 95 × 70 cm
Unexhaustible Presence – Excerpt 3 (Trash 2), 2008,
fragments of glass, varnish, steel, MDF, 40 × 100 × 60 cm

BENJAMIN HOULIHAN
Born 1975 in Olpe,
lives and works
in Düsseldorf, DEU
Education
2001 Kunstakademie
Düsseldorf (Prof. Georg
Herold and Peter Kleemann),
Düsseldorf, DEU
2007 Masterclass student
with Prof. Georg Herold
Selected exhibitions
2007
Young Artists
from Germany,
Aichi Prefectural
University Museum,
Nagakute, JPN
(group)
2008
Benjamin Houlihan,
Thomas Rehbein Galerie,
Cologne, DEU
2010
Der Westen leuchtet,
Kunstmuseum Bonn,
Bonn, DEU (group)
Neben den unbestreitbaren formalen Qualitäten der
bildhauerischen Erfindungen eines Benjamin Houlihan
besteht ein besonderer Reiz in deren subversivem
Potenzial. Ob es sich dabei um das Ergebnis
einer leichthändig-spielerischen Ironie oder eher um
eine hart erarbeitete Unabhängigkeit handelt –
Houlihans Umgang mit Bildhauerei hat etwas sehr
Befreiendes. Das beginnt bei den Themen, die sich
mit der Materialisation von etwas gänzlich Immateriellem,
zum Beispiel einem Lichteinfall, oder mit
dem Formwillen von kleinsten Plastikteilen beschäftigen.
Es setzt sich fort bei der Frage des Materials,
das zu seinem Gegenstand eher im Widerspruch zu
stehen scheint. Und macht auch vor den Titeln nicht
halt. Wer in „Apostel Thomas“ oder „Noah“ noch
eine verklausulierte Bezugnahme zur christlichen
Ikonografie vermutet, bleibt spätestens vor dem her rlichen
Titel „seine Frau weiter hinten“ eher ratlos.
Sicher ist nur, dass solche Eulenspiegeleien schier
endlose Frageketten auslösen. Bezieht sich „seine
Frau weiter hinten“ nun auf „Noah“ oder gar auf
„Johannes den Täufer“ oder handelt es sich um eine
eigenständige Skulptur? Soll diese riesige Vergrößerung
eines Plastikteilchens tatsächlich irgendwelche
weiblichen Konnotationen wecken? Der biomorphe
„Noah“ befriedigt da schon eher die Vorstellung
von einer menschlichen Figur – lässt es aber an dem
nötigen Ernst gegenüber dem biblischen Stoff empfindlich
mangeln. Auch das klapprige Holzböckchen,
das die kantigen Formen von „seine Frau weiter
hinten“ etwas auflockert, bietet keinen wirklichen
Halt, liefert aber zugegebenermaßen einen witzigen
Kommentar zum überstrapazierten Sockelthema.
Und überhaupt: wieso „weiter hinten“? Lässt sich
eine der meistbewunderten Errungenschaften der
Renaissance, die perspektivische Verkürzung, tatsächlich
aus der Fläche in den Raum rückübersetzen?
Letztendlich sind es sehr ernsthafte Fragen der
Beziehungen zwischen Körper und Raum, die hier
erstaunlich frisch verhandelt werden. SEM
RISING – 180
-
-
-
Apostle Thomas or Noah
seine Frau weiter
hinten
seine Frau weiter hinten related to
Noah Johannes der Täufer
Noah
seine Frau weiter
hinten
-
Exhibition view: Der Westen leuchtet, Kunstmuseum Bonn, 2010
BENJAMIN HOULIHAN – 181

Schaf, Lichteinfall, exhibition view Galerie Thomas Rehbein, Cologne, 2008
Noah, 2002/2010, polyurethane, iron,
235 × 221 × 233 cm
Apostel Thomas, 2002/2007, elastomer, iron,
styrodur, 257 × 86 × 97 cm
seine Frau weiter hinten, 2005, MDF,
polyester, iron, spray paint, trestle,
wood, 195 ×145 × 117 cm
Die Mensa, 2009, plywood, polyester, spray paint, 86 × 94 × 116 cm
RISING – 182 BENJAMIN HOULIHAN – 183

CHRISTOPH KNECHT
Born 1983 in Karlsruhe,
lives and works in
Düsseldorf, DEU
Education
2004–2010 Kunstakademie
Düsseldorf
(Prof. Peter Doig),
Düsseldorf, DEU
2009–2010 Chengdu Fine
Arts College of SCCM,
Chengdu, Sichuan, CHN
2010 Masterclass student
with Prof. Peter Doig
2011 Royal Academy,
London, GBR
Selected exhibitions
2007
61. Bergische Kunstausstellung,
Museum Baden,
Solingen, DEU (group)
2008
Inventur, zeitgenössische
Radierung in
Deutschland, Kunstverein
Reutlingen and Picasso
Museum Münster, DEU
(group)
Spiegelbild,
KIT – Kunst im Tunnel,
Düsseldorf, DEU (group)
Gerd und Uwe Tobias/
Christoph Knecht,
Artleib, Düsseldorf, DEU
Rundblick, Temporary
Gallery Cologne,
Cologne, DEU (group)
2010
Ken Ding, Künstlerverein
Malkasten, Düsseldorf,
DEU
Christoph Knecht fühlt dem deutschen Bürger auf
den Zahn und hinterfragt damit eine Gesellschaft,
als deren Teil er sich explizit versteht. Seine künstlerische
Auseinandersetzung mit dem sich wandelnden
Bild von Deutschland innerhalb eines multikulturellen
Europas reicht von verspielt pornografischmythologischen
Tierdarstellungen über Alltagsobjekte
in Form von Dönertaschen aus bemalter Bronze
oder einer zur Handgranate modifizierten Kartoffel
bis hin zu subversiven Aktionen wie einem pink angemalten
Hochsitz im Wald. Trotz Ironie und Humor
handelt es sich bei allen diesen Werken im Grunde
um eine gesellschaftspolitische Anamnese der eigenen
Kultur zu Beginn des globalen Zeitalters.
Knecht nutzt seine ironische Spitzfindigkeit, um
dem Betrachter neue Sichtweisen und Haltungen zu
eröffnen. Was im ersten Augenblick wie Spaß auf
Kosten anderer erscheint, beschreibt der Künstler
selbst als „Mittelstandsrealismus“. Dieser ist Ausdruck
seiner tiefgründigen Beschäftigung mit heiklen
Themen, die uns im Alltag berühren: deutsche Leitkultur,
Integration, soziale Ungerechtigkeit und so
weiter. Er beschreibt die ebenso komplexe wie positive
Beziehung zu seiner real existierenden Heimat,
die er irgendwo zwischen Döner, Toast Hawaii und
röhrendem Hirsch im deutschen Wald verortet.
Diese Kunst ist also mehr als provokativ; sie ist
im positiven Sinn respektlos, wagt es Christoph
Knecht doch, bestimmte Grenzen und Normen zu
überschreiten. Er hinterfragt sie offen und ohne falsche
Ehrfurcht. Und das gilt sowohl für den Inhalt
seiner unverblümten Bilder und Objekte als auch für
die verschiedenen Medien, die er einsetzt. So ist es
nur konsequent, dass er auch konventionelle Medien
wie Bronze oder Aquatinta und Kaltnadelradierungen
nutzt. Der Bruch entsteht, wenn die traditionellen
Drucktechniken nicht auf hochwertigem
Büttenpapier umgesetzt werden, sondern auf Tortenspitzen
oder Pappteller aus der multikulturellen
Imbiss- Kultur. Das Medium ist hier ein wesentlicher
Bestandteil der Botschaft. GG
RISING – 232
the global era.
-
-
aries
and norms, questioning them openly and
made paper, but rather on doilies or paper plates
Tagung, 2010, gouache on yak skull, fabric, ping-pong ball, wood,
pig’s trotters, string, oil on canvas, 120 × 120 × 200 cm
CHRISTOPH KNECHT – 233

Untitled, 2008, potato, original grenade parts, 7 × 13 × 5 cm
RISING – 234
From the series Ernte Dank: Untitled, 2008,
oil on canvas, Ø 30 cm
Blasen und geblasen werden, 2006, drypoint,
aquatint on paper plate, Ø 14 cm
From the series: Plant of Opportunities, 2010, oil on canvas, 194 × 129 cm
CHRISTOPH KNECHT – 235

OLIVER LARIC
Born 1981 in Innsbruck,
AUT, lives and works in
Berlin, DEU
Selected exhibitions
2008
Montage: Unmonumental
Online, New Museum
of Contemporary Art,
New York, USA
2009
A Secret Understanding,
Kunsthaus Graz,
Graz, CHE
2011
Kopienkritik, Skulpturhalle
Basel, Basle, CHE
Memery, Mass MoCA,
Massachusetts, USA
(group)
Based in Berlin,
Monbijou Park,
Berlin, DEU (group)
Die Reproduzierbarkeit des Kunstwerks im Zeitalter
des Internets ist das Thema von Oliver Laric. Als
Pionier einer im Entstehen begriffenen Internet-Kunst
sind für ihn die Unterscheidungen zwischen dem
Original und seinen Wiedergängern, den Kopien,
Remixes und Remakes, ebenso überholt wie die
zwischen Künstler, Betrachter und Kurator. Das Netz
konfiguriert sich seine eigene Realität. Durch die
schier unbegrenzten Möglichkeiten der Aneignung,
Bearbeitung und Verbreitung von digitalem Material
stehen zentrale künstlerische Begriffe wie Autorschaft
und Authentizität zur Disposition. 2006 gründete
er zusammen mit Aleksandra Domanovic,
Christoph Priglinger und Georg Schnitzer VVORK,
einen Bildblog, der bis zum heutigen Tag täglich
mehrere neue Werke postet. Die Reputation des
Blogs errechnet sich aus der über die Anzahl der
Klicks ablesbaren Aufmerksamkeit multipliziert mit
der Vielfalt der eingestellten Beiträge, unter denen
sich auffallend viele bekannte Namen finden.
15 000 Klicks täglich schaffen Zugang zum aktuellen
künstlerischen Diskurs. Auf seiner Homepage
verbindet Oliver Laric die Recherche mit eigenen
Bearbeitungen von Footage-Material, die ihrerseits
zur weiteren Modifikation freigestellt werden. Seine
„Versions“ – mit wissenschaftlicher Sachlichkeit operierende
Video-Essays – handeln von den verwirrenden,
komplexen Beziehungen zwischen Original
und Fälschung. In „Missile Variations“ führt ein von
iranischen Revolutionsgarden 2008 veröffentlichtes
Bild, dessen digitale Manipulation dem geübten
Blick nicht verborgen bleiben konnte, zu einer ganzen
Phalanx darauf reagierender anonymer Bildbearbeitungen.
Bei seiner neuesten Serie „Wu Tang
Guilloche Rodin“ verwendet Laric Hologramme, die
in der für ihre Kunstkopisten berühmten chinesischen
Region Shenzhen produziert werden. Sie dienen
dort als Echtheitszertifikate, also gleichsam als
Authentizitätsmerkmale für Produkte der Täuschung.
SEM
RISING – 252
-
Versions
leads in Missile Variations
series, Wu Tang Guilloche Rodin -
Icon (Utrecht), 2009, polyurethane, pigments, each 29.4 × 16.5 × 10.5 cm
OLIVER LARIC – 253

Missile Variations, 2010, airbrush on Dibond,
70 × 100 cm
RISING – 254
Maria Justitia, 2010, 3-D file, size variable
Wu Tang Guilloche Rodin, 2011, hologram sticker,
acrylic, clear varnish, 70 × 100 cm
Versions, 2010, HD Video, 1920 × 1080 px
Wu Tang Guilloche Rodin, 2011, hologram sticker,
73 × 103 cm
OLIVER LARIC – 255

VERA LOSSAU
Born 1976 in Haan,
lives and works in
Düsseldorf, DEU
Education
1996–1997 Wirral
Metropolitan College,
Wallasey, GBR
1997–2006 Kunstakademie
Düsseldorf
(Prof. Konrad Klapheck,
Prof. Magdalena Jetelová
and Prof. Rita McBride),
Düsseldorf, DEU
2003–2004 Chelsea
College of Art & Design,
London, GBR
Selected exhibitions
2008
Pokerface,
Stadtmuseum Hattingen,
Hattingen, DEU
2009
Künstlerinnenpreis
Nordrhein-Westfalen,
Ludwig Forum für
Internationale Kunst,
Aachen, DEU
Organ Mix, Total Museum
of Contemporary Art
(TMCA), Seoul, KOR
(group)
2010
Neues Rheinland,
Museum Morsbroich,
Leverkusen, DEU (group)
Falling Into Place
(with Maren Mauer),
Kunstverein Konstanz,
Constance, DEU
Erinnerungen sind vielseitig. Ein Gegenstand oder
Bild kann reale Ereignisse und Gefühle hervorrufen,
die vergangen sind, aber auch solche, die sich nie
ereignet haben und allein in der Vorstellung real geworden
sind. Die Dinge der Welt können diese Erinnerungen
verkörpern, auch Eindrücke, in denen sich
Erlebtes mit Imaginiertem mischt.
Die skulpturalen Objekte von Vera Lossau können
viele Erinnerungen wecken und sind zugleich
Speicher für die Erinnerung an ihre eigene ideelle
Herkunft, ihre Formgebung und Realisation. Als Ersatz
für einen Verlust stehen Abgüsse zerstörter Bilder
oder ein am Boden liegender Hund, der auf die
Gipsgüsse in Pompeji verweist, wo die Vulkanasche
nach dem Ausbruch des Vesuvs im Jahr 79 n. Chr.
die körperliche Form von Tieren und Menschen als
Hohlräume konservierte. Die Gusstechnik der verlorenen
Form hat so für Vera Lossau eine existenzielle
Dimension.
In anderen Formen erinnert sich Vera Lossau
selbst an bestimmte Objekte, wie figurierte Konsolensteine
an Balkonen oder eine ornamentale Applikation
aus Spanien mit Totenköpfen, die sie in ihrer
Nachschöpfung farblich und materiell verfremdet.
Auch die Figuren trauernder Mönche stehen für das
Prinzip der Erinnerung. Nach dem Vorbild gotischer
Pleurants hat Vera Lossau dunkel gefasste Wesen
geformt, die trotz ihrer geringen Höhe nach außen
hin eine Art innerer Monumentalität verkörpern. Bei
diesem Vorgang der Nachschöpfung geht es der
Bildhauerin aber nicht um eine konzeptuelle Aneignung
im Sinne der Appropriation Art. Vielmehr bedient
sie sich dieser Dinge, die auch reale Objekte
umfassen können, um sehr persönlichen Gefühlen
haptisch Ausdruck zu verleihen.
Die künstlerischen Arbeiten können in einer
Ausstellung in immer wieder anderen Konstellationen
sichtbar werden, da sich Vera Lossau auf einen
spezifischen intuitiven Dialog mit den Räumen einlässt.
Anschaulich zeigt sich diese Variabilität werk-
immanent bei quadratischen Platten, die von nachgebildetem
Efeu überzogen sind und in völlig unterschiedlichen
Ausmaßen an der Wand angebracht
sein können, nur ein Zeichen organischen Wucherns
im Raum. TWK
RISING – 256
-
-
Shelterbelt (detail), 2010, plaster, Acrystal, paint, Origin Center, Philara Collection, Düsseldorf
VERA LOSSAU – 257

Con artist (mourners), 2010, Acrystal, mirror, soot, mixed media, installation view Raum Oberkassel,
Düsseldorf
Untitled (Pinturas Negras), 2009, series of 20 casts of
cut and sewed canvases made of Acrystal, plaster, paint,
each 30 × 40 cm Untitled (Hund aus Pompeji), 2009, plaster, paint,
pigment, epoxy resin, 50 ×50 × 32 cm
Shelterbelt (Efeuplatten), 2010, plaster, Acrystal, paint, dimensions variable,
Origin Center, Philara Collection, Düsseldorf
RISING – 258 VERA LOSSAU – 259

FABIAN MARTI
Born 1979 in Fribourg,
lives and works in
Zurich, CHE
Education
2000–2006 University
of Applied Science and
Arts, Department of
Photography, Zurich, CHE
2008 Mountain School of
Arts, Los Angeles, USA
Selected exhibitions
2008
Âpre Mont, Centre
culturel suisse,
Paris, FRA (group)
2009
Ruins, Regrets and
Visible Effects,
Istituto Svizzero
di Roma, Rom, ITA
2010
End Egoic Mind, Galerie
Peter Kilchmann,
Zurich, CHE
2011
Time for the monkeys
to move into hyperspace,
Kunstmuseum Winterthur,
Winterthur, CHE
Secret Society, Schirn
Kunsthalle Frankfurt,
Frankfurt/Main, DEU
(group)
ILLUMInations, 54 th
International Art
Exhibition, Venice,
ITA (group)
Der Schweizer Künstler Fabian Marti ist vor allem
für seine rätselhafte, symbolträchtige Analogfotografie
bekannt, die er am Negativ händisch bearbeitet
und/oder durch die kontrolliert nachlässige
Nutzung eines Scanners digital transformiert. Teilweise
werden Objekte direkt auf den Scanner
gelegt, wie im Fall eines Bildes von einem Totenkopf
mit einer Scheibe Toastbrot. Staub, Kratzer und
andere Spuren des Arbeitsprozesses bleiben übrig
und verleihen den Bildern – zusammen mit der
schwarzen, atmosphärischen Tiefe im Hintergrund –
eine Art mystisch-surrealistische Aura. Neu hinzugekommen
ist ein Video mit dem Titel „Sun Oh!“, das
er mit seinem iPhone-4 gedreht hat und das sich auf
den Beatnik-Künstler Brion Gysin bezieht. Weitere
Quellen der Inspiration für Martis vielseitige Kunstwerke
sind Völkerkunde, Schamanismus, christliche
Ikonografie, Esoterik, Popmusik, „pulp fiction“, wissenschaftliche
Debatten oder auch Symbole aus der
Underground-Szene.
Von Masken über Vanitas-Motive bis hin zu
kuriosen Hightech-Gebilden, die wie Requisiten
aus einem Science-Fiction-Film aussehen, von hoher
Kunst über (Pseudo-)Wissenschaft bis hin zur Popkultur
und zurück – Marti beherrscht die ganze
Klaviatur des postmodernen Bilderzeugungssystems.
Er spielt mit den Sehgewohnheiten des
Betrachters und führt ihn gerne in die Irre. Zu diesem
Zweck hat er sogar ein zweites Ich erfunden,
den Künstler Martin Biafa, mit dem er auch
2005/06 zusammen ausgestellt hat. Seine Werke
weisen stets mehrere Bedeutungsebenen auf. So
erinnern abstrakt-geometrische Masken aus dem
Internet zum Beispiel sowohl an archetypische
Stammeskunst aus Afrika und Pablo Picasso’s „Les
Demoiselles d’Avignon“ als auch an Roboter oder
Androiden aus den „Krieg der Sterne“-Filmen. Per
Hand bearbeitete Negative werden auf dem
Scanner um ein Vielfaches vergrößert, so dass
man glauben mag, geheimnisvolle Mikrostrukturen
wahrzunehmen. Die Grenzen zwischen Traum
und Wirklichkeit, Kunst und Wissenschaft, Tradition
und Zukunft werden verwischt, die Karten immer
wieder neu gemischt. GG
-
-
his repertoire is a video, Sun Oh!
-
-
Les Demoiselles d’Avignon, but also
Star Wars
The Doubt, 2008, inkjet print on paper, ed. 1/5 + 2 AP, framed, 216 × 145 × 5 cm
RISING – 260 FABIAN MARTI – 261

Morning Glory, 2010, paint, resin, plaster, unique
32 × 19.5 × 9.9 cm
White Cube (Color Change), 2011, glaze, fired clay, unique,
50 × 50 × 50 cm
Ayahuasca, 2010, paint, resin, plaster,
unique, 31.5 × 20 × 10.5 cm
RISING – 262 FABIAN MARTI – 263

FLORIAN MEISENBERG
Born 1980 in Berlin,
DEU, lives and works in
New York, USA
Education
2004–2010 Kunstakademie
Düsseldorf (Prof. Peter
Doig), Düsseldorf, DEU
2010 Weltmeisterschueler
with Prof. Peter Doig
Selected exhibitions
2008
turn your bedroom life
into a volcano of pleasure,
Ludwig Forum für
Internationale Kunst,
Aachen, DEU
2009
the artist as a model of
change, the artist as a
young clown, Tanja Pol
Galerie, Munich, DEU
2010
Finally! scientists
found out that art is
just another hobby!
Tanzschule Projects,
Munich, DEU (group)
2011
www.youtube.com/
watch?v=90RM07vHQiw,
Kate McGarry, London, GBR
Writing shit about new
snow for the rich is not
art! Wilhelm Hack
Museum, Ludwigshafen, DEU
Despite Ourselves, Art
Since the Summer of ‘69,
New York City, USA
2012
NRW Förderpreisträgerausstellung,Kornelimünster,
Aachen, DEU
Am Anfang war die Malerei. Florian Meisenberg
findet durch das Medium der Malerei zu einer höheren
Inspirationsquelle. Sie bildet auch die Basis für
seine Arbeiten in anderen Kunstformen, welche allesamt
ebenfalls malerische Qualitäten besitzen. Man
kann je nach eigener Stimmungslage schon neidisch
werden angesichts der Werke, die ein auf den
ersten Blick so fröhliches, sonniges Leben zeigen.
Alles wird mit dem positiven Blick der universellen
Liebe gesehen – selbst der Kreuzweg Jesu Christi
scheint einem Spaziergang in Richtung einer strahlenden
Zukunft zu gleichen. Doch genau hier verbirgt
sich Meisenbergs gesellschaftskritischer Ansatz:
Er hinterfragt eben dieses Neidische, Erstarrte,
Gewinnorientierte und damit die Beschneidung originär
kindlicher Eigenschaften. Selbstverständlich
auf spielerische Art, den streng erhobenen Zeigefinger
sucht man vergebens. Passend, dass Florian
Meisenberg die Angst vor unbemalter Leinwand,
welche viele seiner Kollegen quält, fremd ist. Er
traut sich, Leerstellen zuzulassen – Freiräume, die
für Kunst und Leben so wichtig sind.
Seit einiger Zeit treten in seinem Werk Schrift
und Sprache auf. Die gemalten Worte sind allgemein
verständlich, doch im Zusammenhang ergeben
sie ein großes Rätsel. Sie regen mehr zum
Nachdenken an, als dass sie einfache Lösungen an
die Hand geben. Und sie zeigen die Begrenztheit
der Sprache an sich auf. Da ist das Medium Malerei
klar überlegen: Es kommuniziert auf eine unbewusste,
ursprüngliche Art mit dem Betrachter und
kann in einem einzigen Bild einen ganzen Roman
erzählen.
Will man eine stilistische Einordnung wagen,
könnte es der Begriff eines neuen Symbolismus treffen,
nicht düster wie im ausgehenden 19. Jahrhundert,
eher anknüpfend an die „transavanguardia“
und darüber hinausgehend durch die Postulation
neuer Gesellschaftsideen: Sogar phallische Formen
und pornografische Szenen haben in der Kunst von
Florian Meisenberg nichts Inszeniertes und Brutales,
erscheinen sie doch eher als eine völlig natürliche
Ausdrucksform des Homo ludens. Die Abschaffung
althergebrachter Polarisierungen zugunsten einer
Kooperation leuchtet so am Horizont auf – the
vision of tomorrow, today. JR
RISING – 272
-
-
-
-
-
-
-
Transavanguardia and going beyond it by pos-
-
-
From the series: Untold Truths of Mankind (potatoes are the better bananas), 2011, oil on canvas, 60 × 50 cm
FLORIAN MEISENBERG – 273

From the series: The Vision of Tomorrow, Today, 2011, oil on canvas, 245 × 200 cm
RISING – 274
From the series: Some Little Artistic Attitude, Even After All, 2011, installation view Kate McGarry, London
From the series: It was more then it was,
2011, oil on canvas, 50 × 40 cm
From the series: You want reality unmasked?
Then choose death!, 2009, chlorine on fabric,
300 × 280 cm
FLORIAN MEISENBERG – 275

DAVID OSTROWSKI
Born 1981 in Cologne,
lives and works in
Cologne, DEU
Education
2004–2009 Kunstakademie
Düsseldorf (Prof. Albert
Oehlen), Düsseldorf, DEU
2009 Masterclass student
with Prof. Albert Oehlen
Selected exhibitions
2005
Das Goldene Scheiß, Raum
für Kunst und Musik,
Cologne, DEU
2007
How to Look at Homegrown
Terror, Fette’s Gallery,
Los Angeles, USA
2010
1981, Parkhaus im
Malkasten, Düsseldorf, DEU
A Thing is a Thing in
a Whole which it’s Not,
Temporary Gallery
Cologne, Cologne, DEU
(group)
We Redefine When We Come
of Age (1976–1987),
Toldkammeret, Helsingør,
DNK (group)
The rest is history,
Mike Potter Projects,
Berlin, DEU (group)
David Ostrowskis Verständnis von Malerei lebt von
der Veränderung. Verwendete Bildmaterialien und
Farben fügt er kontinuierlich hinzu oder entfernt sie.
Hierbei kann es sich um gefundene Bilder oder
Fotos handeln, die Ostrowski über Jahre hinweg
gesammelt und am Computer partiell mit eigenen
Zeichnungen überlagert hat, wie etwa bei seinen
Prints. Im Mittelpunkt des Interesses steht dabei
immer das Bild als collagiertes Wesen, das sich
mehrschichtig und mitunter autodestruktiv verhält.
In seinen Werkserien „F“ und „Auch die
schönste Frau ist an den Füßen zu Ende“ sind Versatzstücke
von Leinwand zu sehen, die zunächst entfernt
wurden, um dann – wieder eingefügt – genau
die Lücke zu schließen, die sie zuvor entstehen
ließen. Ostrowski sammelt Formen und addiert sie
im malerischen Gestus, aufgetragen auf Schichten
von Farben, zu einem Bild. Diese „Fehler-Formen“,
die in ihrem Entstehungsprozess an eine Art bewusst
eingesetzte „écriture automatique“ erinnern, sind
Elemente aus Sprüh- und Malfehlern, die für einen
Moment das Streben nach Perfektion vergessen
lassen. Sie entstehen aus der Absicht heraus, das
Ungeplante geschehen zu lassen und die Schnelligkeit
der Hand vor die des Geistes zu setzen. Dem
Betrachter zeigt sich ein „Konzeptmaler ohne Plan“.
Im Namen der Schönheit und unter Einsatz
wohl bedachter Malprozesse wird das bereits existierende
Fehlerhafte und Unperfekte genutzt, um der
ewigen Suche nach dem endgültigen Bild ein Stückchen
näher zu kommen. Das intentional im Entstehungsprozess
des Bildes angelegte Scheitern einerseits
und der tägliche, pathologische Kampf des
Künstlers mit der Leinwand andererseits ergeben,
ins rechte Licht gerückt, ein immer neues, vorläufiges
Ganzes. Dieser Prozess ist kompensatorisch,
stellt aber zugleich offensiv Wunden und Fehler aus.
Letztlich wird nicht ein homogenes Bild gezeigt;
Narben und Randstellen dürfen bewundert werden.
RMJ
tive
manner.
and Auch die schönste F Frau
ist an den Füßen zu Ende
-
-
-
-
-
-
F (2012), 2010, oil, lacquer, wood and cotton on canvas, 200 × 150 cm
RISING – 292 DAVID OSTROWSKI – 293

F (Auch die schönste Frau ist an den Füßen zu Ende), 2010, oil and lacquer on canvas, 161 × 121 cm
F (WALL-E), 2010, oil, lacquer and cardboard on canvas,
160 × 120 cm
RISING – 294 DAVID OSTROWSKI – 295
F (H), 2010, oil and lacquer on canvas, 100 × 80 cm

MICHAIL PIRGELIS
Born 1976 in Essen,
lives and works in
Cologne, DEU
Education
2003–2009 Kunstakademie
Düsseldorf,
Düsseldorf, DEU
2009 Masterclass student
with Prof. Rosemarie
Trockel
Selected exhibitions
2009
Giganten, Mike Potter
Projects, Cologne, DEU
(group)
2010
Der Westen leuchtet,
Kunstmuseum Bonn,
Bonn, DEU (group)
Neues Rheinland. Die
postironische Generation,
Museum Morsbroich,
Leverkusen, DEU (group)
Akropolis,
Sprüth Magers Berlin
London, Berlin, DEU
2011
Los Angeles, Sprüth
Magers Berlin London,
London, GBR
Michail Pirgelis, der 2010 auf der Art Cologne mit
dem renommierten „Audi Art Award for New
Positions“ ausgezeichnet wurde, überzeugt durch
minimalistische Installationen und Objekte aus ausrangierten
Flugzeugfragmenten. Pirgelis arrangiert
ausgemusterte aeronautische Bauteile neu, schneidet
und poliert sie, isoliert oder dupliziert sie, und
schafft so assoziationsreiche Raumgebilde, die den
Betrachter auf gänzlich neue Ebenen transportieren.
Der Bildhauer überzeugt mit großformatigen,
raumbezogenen Installationen wie in seiner Ausstellung
in der Kölner artothek. Für „Aeromaritime“ hat er
ein weitläufiges, auf Pontons gestütztes und für den
Betrachter begehbares Giebeldach konstruiert. Durch
die Dachluke gelangt man ins Innere der Installation,
in einen bedingt durch die Dachschrägen engen
Raum. Der Blick von der Empore des Ausstellungsraums
schafft eine Irritation, denn plötzlich scheint das
Dach zu kippen, gleichsam in einen Schwebezustand
überzugehen. Pirgelis reicht dem Betrachter Puzzlestücke,
die erst in der eigenen Gedankenwelt zu
einem Ganzen zusammengesetzt werden. Er macht
Unsichtbares sichtbar, indem er Schichten freilegt oder
Segmente aus größeren Zusammenhängen heraustrennt
und neu kombiniert. Die Flächen und Formen,
die er aus ausgedienten Passagiermaschinen schneidet,
werden zur autonomen Form. Gepäckablagen
werden aufrecht positioniert und mit integrierten
Lautsprechern ausgestattet, so bei „Akropolis“ (2010).
Pirgelis bewegt sich an der Grenze zwischen konkretem
Objekt und Abstraktion. Dabei stellt der
Künstler die den Originalteilen innewohnende Ästhetik
in den Mittelpunkt, in ihrer ursprünglichen
Materialität bleiben sie meistens unverändert, ihre
Herkunft ist nach wie vor erkennbar.
Häufig ist das Hightech-Material nur ge liehen
und muss später wieder an die Flugzeugverwerter und
Airlines zurückgegeben werden, wie auch bei „Notrutsche“
(2007) oder „Seitenruder“ (2009). Der Künstler
sucht sich gezielt Teile aus, die anschließend wieder
im Flugverkehr in ihrer ursprünglichen Funktion zum
Einsatz kommen. Diese temporäre Überführung von
Ersatzteilen in den Kunstkontext ist ein wichtiger Aspekt
für Pirgelis’ Arbeiten. Seine Objekte und Installationen
verkörpern den urmenschlichen Traum vom Fliegen,
deuten jedoch gleichzeitig auf die latenten Gefahren
des modernen technischen Fortschritts hin. GG
RISING – 312
-
-
For Akropolis
Notrutsche
Seitenruder
-
Mainframe, 2010, original aircraft part (door frame), titanium, aluminium, polished,
230 × 153 × 25 cm
MICHAIL PIRGELIS – 313

Notrutsche, 2007, exhibition in the Villa Romana, original aircraft part,
compressor, 1400 × 220 × 190 cm
Untitled (from the air saddles #7), 2011, original
aircraft part (window frame), rubber, aluminium,
polished, 152 × 26 × 23 cm
Die ganze Zeit stark sein, 2007, original aircraft parts
(exterior walls), aluminium, 233 × 295 × 263 cm The Score, 2010, original aircraft part (exterior wall), aluminium,
269 × 56 × 370 cm
RISING – 314 MICHAIL PIRGELIS – 315
Argonaut, 2010, original aircraft part (window
frame), plastic, insulating material, aluminium,
polished, 96 × 55 × 22 cm

PHILIP SEIBEL
Born 1980 in Hagen,
lives and works in
Düsseldorf, DEU
Education
2000–2003 Trained as
a luthier
2003–2011 Kunstakademie
Düsseldorf (Prof. Siegfried
Anzinger and
Prof. Peter Doig),
Düsseldorf, DEU
2011 Masterclass student
with Prof. Peter Doig
Auf den großen Leinwänden Philip Seibels leiten
wolkige Farbräume den Blick in ein Zentrum, aus
dessen malerischen Untiefen gespenstische Materialisationen
hervorquellen. Der in ihren Bann gezogene
Betrachter entziffert erst allmählich einzelne
Details. Dann kann der Blick auf ein herausstarrendes
Augenpaar treffen, das ihn förmlich zurückschrecken
lässt. Andererseits läuft die angedeutete
Narration über Doppelungen, emblematische Signets
und Spiegelungen ins Leere.
Dieses Wechselspiel zwischen fließender Struktur
und konkreter Figuration, Schärfen und Unschärfen,
Nah- und Fernsicht betreibt Seibel auch in den
beiden anderen Werkgruppen. Bei den gerahmten
Zeichnungen werden die in den Leinwandbildern
verbundenen Bereiche des Malerischen und Grafischen
strikt getrennt. Zunächst fallen die mächtigen
Rahmen ins Auge, die im größten Gegensatz zur
Zartheit der Zeichnungen stehen. Der fetischhafte
Objektcharakter verbindet sich beim Nähertreten
mit der ganz anderen Sensation einer feinmotorischen
Differenzierung.
Die mit hartem Bleistift ausgeführten, widerständigen
Zeichnungen sensibilisieren die Aufmerksamkeit
und ziehen den Betrachter nah an das pulsierende
Geäder der Rahmenoberflächen heran. Ihre
Herstellung vollzieht sich nach allen Regeln einer
Lackkunst, die dem Künstler aus einer früheren Ausbildung
als Gitarrenbauer zur Verfügung stehen.
Mithilfe von Edelholzfurnieren oder auch durch
aufkaschierte Fotografien von Wasser, Flammen,
Wolken und anderen strukturellen Wuchsformen erhalten
die Holzrahmen ihre materielle Präsenz. Wie
hier sorgen auch bei der Gruppe der skulpturalen
Objekte bis zu zehn Klarlackschichten für einen
sinnlichen Glanz, der den Gegenstand mit einer
Aura des Kostbaren umhüllt und ihm eine von Lichtreflexen
abgeschottete, unauslotbare Tiefe verleiht.
Der optische Effekt löst die Kontur auf. Mit lakonischer
Ironie wird das Wesen der Erscheinung an
ihrem Verschwinden festgemacht. SEM
RISING – 348
Untitled, 2011, acrylic and ink on canvas, 200 × 155 cm
PHILIP SEIBEL – 349

Untitled, 2010, pencil on paper, wood frame, pigmentprint, lacquer, 36 × 45 × 2.5 cm
Schädel, 2011, various plastics, veneer,
lacquer, 34 × 15 × 18 cm
RISING – 350 PHILIP SEIBEL – 351
Untitled, 2010, pencil on paper, wood frame, veneer,
lacquer, 36 × 45 × 2.5 cm

MARCEL WALLDORF
Born 1983 in Friedberg,
lives and works in
Dresden and Frankfurt/
Main, DEU
Education
Since 2004 Hochschule
für Gestaltung Offenbach
(creative drawing and
figure drawing with Prof.
Manfred Stumpf, sculpture
with Prof. Wolfgang
Luy), Offenbach, DEU
2007 Intermediate
diploma with Prof.
Manfred Stumpf
Since 2008 Hochschule
für Bildende Künste
Dresden (sculpture with
Prof. Eberhard Bosslet),
Dresden, DEU
Selected exhibitions
2009
zu Gast bei Elly,
Galerie Elly Brose-
Eiermann, Dresden,
DEU (group)
2010
magicclub, Galerie
Potemka, Leipzig, DEU
(group)
2011
Coop 7, Diamantenbörse,
Frankfurt/Main, DEU
(group)
2011
Everybody’s Darling,
Temporärer Kunstraum,
Die Skulpturen, Objekte und Installationen von Marcel
Walldorf verfolgen nie direkt eine politische Absicht,
wenngleich eine pointierte Gesellschaftskritik
und ein gewisser ziviler Ungehorsamkeit häufig im
Spiel sind. Bewusst wählt der Künstler Alltagsgegenstände
und kombiniert diese neu, um unbehagliche
Situationen zu inszenieren, die den Betrachter zum
Nachdenken über seine eigenen Unzulänglichkeiten
anregen. Dabei ist ein Augenzwinkern des Künst lers
nicht zu übersehen. „Nobody’s perfect“ – ein ausgestopfter
Pferdekopf, den eine auf die Stirn aufgesteckte
Möhre in ein Einhorn verwandelt – weist
darauf hin, dass nicht nur Menschen mit einer reinen
Seele ein Einhorn sehen können, sondern dass
jeder Mensch in der Lage ist, das Wahre und das
Schöne überall und in allem zu entdecken, auch
wenn es nicht so perfekt daherkommt.
Gesellschaftsnormen spielen bei Walldorf eine
entscheidende Rolle. Was treibt der moderne
Mensch eigentlich so? Woher kommt die Gewalt,
mit der wir nicht nur in den Großstädten Tag für Tag
konfrontiert sind? Es überrascht nicht zu erfahren,
dass Walldorf aus der Straßenkunstszene kommt,
denn seine Werke sind direkt und unmittelbar, ohne
jegliche Schönfärberei. Auch aus diesem Grund erlangte
in Dresden Anfang 2011 die lebensgroße,
hyperrealistische Plastik „Petra“, die eine hockende,
urinierende Polizistin in Kampfschutzmontur darstellt,
große Aufmerksamkeit. Die öffentliche Empörung
war groß und sogar die Deutsche Polizeigewerkschaft
wetterte gegen den Künstler, da die
Arbeit für den Berufsstand der Polizei beleidigend
sei. Später folgte dann eine Entschuldigung des
Vorsitzenden der Polizeigewerkschaft, und die
Situation für weibliche Polizisten wurde als unmittelbares
Ergebnis sogar erheblich verbessert. Der ehemalige
Street Artist stellte daraufhin mit einem
gewissen Stolz fest: „Durch Kunst lassen sich anscheinend
doch Missstände beheben!“ Dennoch,
was den Skandal anfangs hervorrief, war bei der
Konzipierung der Arbeit lediglich eine harmlose
Fragestellung: Was passiert, wenn wir Machtsymbole
– in diesem Fall eine Ordnungshüterin – als
normale Menschen mit allzu menschlichen Bedürfnissen
betrachten? Die Antworten gehen weit auseinander.
GG
RISING – 388
-
-
Nobody’s Perfect
-
Petra
-
-
sharply.
Berlin, DEU Nobody’s Perfect, 2011, stuffed animal, silicone, 95 × 35 × 85 cm
MARCEL WALLDORF – 389

6 PS, 2009, adhesive tape, steel, PU foam, paint, 215 × 250 × 90 cm
All for One, 2011, mixed media, dead bees,
115 × 105 × 60 cm
RISING – 390
Treudoof, 2011, concrete, stuffed dog’s muzzle, sound and
motor systems, 110 × 130 × 55 cm
Petra, 2010, mixed media, 100 × 80 × 70 cm
MARCEL WALLDORF – 391
Das Ende vom Lied, 2009, 4 animal pelts, 4 × 160 × 240 cm

KÜNSTLERVERZEICHNIS
ARTISTS AFFILIATIONS
Yesim Akdeniz Graf: Dirimart, Istanbul; Galerie Fons Welters, Amsterdam; Produzentengalerie Hamburg;
SCHAU ORT. Christiane Büntgen, Zurich
Jan Albers: VAN HORN, Düsseldorf
Aljoscha: Beck & Eggeling new quarters, Düsseldorf; Donopoulos International Fine Arts, Thessaloniki;
Bernhard Knaus Fine Art, Frankfurt/Main
Thomas Arnolds: Galerie Hammelehle und Ahrens, Cologne
Tilman Aumüller: tilman.aumueller@googlemail.com
Gili Avissar: Galerie Rupert Pfab, Düsseldorf
Florian Baudrexel: Linn Lühn, Düsseldorf; Lullin + Ferrari, Zurich; Galerie Bernd Kugler, Innsbruck
Nelleke Beltjens: Hosfelt Gallery, San Francisco/New York; Galerie Christian Lethert, Cologne
Giulia Bowinkel and Friedemann Banz: www.ginger-fred.de
Lars Breuer: www.larsbreuer.de
Andreas Breunig: Galerie Warhus Rittershaus, Cologne
Eli Cortiñas: Galerie Michael Wiesehöfer, Cologne; Galerie Waldburger, Brussels
Nicolai Crestianinov: nic.crt@googlemail.com
Frauke Dannert: Galerie Rupert Pfab, Düsseldorf; www.frauke-dannert.de
Jeff Depner: Parts Gallery, Toronto; www.jeffdepner.com
Motoko Dobashi: Dina4 Projekte, Munich/Berlin; Galerie Laurent Müller, Paris; Lullin + Ferrari, Zurich
Kaye Donachie: Maureen Paley, London
Robert Elfgen: Sprüth Magers Berlin/London; Tanja Pol Galerie, Munich; Marianne Boesky Gallery, New York
Angela Fette: SCHNAKY WHITE GALLERY, Düsseldorf; www.angelafette.de
Mitja Ficko: Equrna Gallery, Ljubljana; Private View, Berlin
Luka Fineisen: Galerie Rupert Pfab, Düsseldorf
Shannon Finley: Galerie Christian Ehrentraut, Berlin; Silverman Gallery, San Francisco
Andreas Fischer: Vera Gliem, Cologne
Max Frintrop: www.max-frintrop.de
Sven Fritz: Sebastian Brandl, Cologne
Martin Galle: ASPN, Leipzig
Christine de la Garenne: Galerie Junig . UniqueGallery, Cologne; www.christinedelagarenne.de
Rabi Georges: °CLAIR, Munich; www.rabigeorges.com; rabi@rabigeorges.com
Markus Golz: Galerie Warhus Rittershaus, Cologne
Manuel Graf: Johann König, Berlin; VAN HORN, Düsseldorf; Gaudel de Stampa, Paris
Anna Lena Grau: Thomas Rehbein Galerie, Cologne; www.annalenagrau.com
Benjamin Greber: www.benjamingreber.com
Tobias Grewe: Galerie Klaus Benden, Cologne; Donopoulos International Fine Arts, Thessaloniki
Thea Gvetadze: Galerie Rupert Pfab, Düsseldorf
Ann-Kristin Hamm: Galerie Krinzinger, Vienna; Galerie Rupert Pfab, Düsseldorf; Galleri S.E, Bergen
Wolf Hamm: Beck & Eggeling new quarters, Düsseldorf; Donopoulos International Fine Arts, Thessaloniki;
epelde & mardaras, Bilbao
Nschotschi Sarah Haslinger: rahncontemporary, Zurich
Simon Hemmer: Aschenbach & Hofland Galleries, Amsterdam; Luis Campaña, Berlin/Cologne;
Galerie Warhus Rittershaus, Cologne
Vanessa Henn: Bartha Contemporary, London; Galerie Hubert Schwarz, Greifswald;
Galerie Michael Sturm, Stuttgart
Tina Isabella Hild: www.tinaisabellahild.de
Julius Hofmann: galerieKleindienst, Leipzig; Ornis A. Gallery, Utrecht; UNC Gallery, Seoul
Franziska Holstein: Galerie Christian Ehrentraut, Berlin
Benjamin Houlihan: Thomas Rehbein Galerie, Cologne
Gregor Hylla: Tanya Leighton Gallery, Berlin
David Jablonowski: Galerie Fons Welters, Amsterdam; Lüttgenmeijer, Berlin
Monica Ursina Jäger: Christinger de Mayo, Zurich; Galerie Rupert Pfab, Düsseldorf
Cathy Jardon: www.cathyjardon.eu
Johannes Jensen: www.johannes-jensen.de; pun@gmx.de
Sabrina Jung: www.sabrina-jung.de
Anna K.E.: Gallery Figge von Rosen, Cologne; anna_k_e@yahoo.de
Heike Kabisch: Chert, Berlin
Agnieszka Kalinowska: Gallery nächst St. Stephan Rosemarie Schwarzwälder, Vienna;
Gallery BWA Warszawa, Warsaw
Behrang Karimi: bkarimi1980@googlemail.com
Ruprecht von Kaufmann: Galerie Christian Ehrentraut, Berlin; Galerie Rupert Pfab, Düsseldorf
Yury Kharchenko: www.yury-kharchenko.com; yury.kn@googlemail.com
Christoph Knecht: www.christophknecht.de
Seb Koberstädt: Luis Campaña, Berlin/Cologne
Gereon Krebber: Galerie Christian Lethert, Cologne; LEVY, Berlin; numberthirtyfive, New York; www.gereonkrebber.com
Matthias Lahme: JB JURVE, Los Angeles; SCHNAKY WHITE GALLERY, Düsseldorf; www.matthiaslahme.com
Roman Lang: www.roman-lang.com
RISING – 412 KÜNSTLERVERZEICHNIS/ARTISTS AFFILIATIONS – 413

Oliver Laric: Seventeen, London
Vera Lossau: Galerie Rupert Pfab, Düsseldorf
Pauline M’barek: Thomas Rehbein Galerie, Cologne
Fabian Marti: Galerie Peter Kilchmann, Zurich
Christof Mascher: Galerie Michael Janssen, Berlin; Josh Lilley Gallery, London; rahncontemporary, Zurich;
VOUS ETES ICI, Amsterdam
Florian Meisenberg: Kate MacGarry, London; Tanja Pol Galerie, Munich
Alexej Meschtschanow: KLEMM’S, Berlin
Philipp Messner: Steinle Contemporary, Munich
Adriana Molder: Beck & Eggeling new quarters, Düsseldorf; Art Plural Gallery, Singapore; Galeria Presença, Porto
Ulrike Möschel: Galerie Rupert Pfab, Düsseldorf
David Ostrowski: www.david-ostrowski.com
Ulrich Pester: Thomas Rehbein Galerie, Cologne
Martin Pfeifle: www.pfeifle.de
Chloe Piene: Alon Segev Gallery, Tel Aviv; Galerie Barbara Thumm, Berlin; Galerie Nathalie Obadia, Paris;
Susanne Vielmetter Projects, Los Angeles; www.chloepiene.com
Christian Pilz: mikropolis@googlemail.com
Michail Pirgelis: Sprüth Magers Berlin/London;
Kai Richter: Galerie Christian Lethert, Cologne; Sebastian Fath | Contemporary, Mannheim
Nikola Röthemeyer: Kuckei + Kuckei, Berlin
Sebastian Rug: EMMANUEL POST, Leipzig; Galerie Hübner & Hübner, Frankfurt/Main; Gallery Joe, Philadelphia; Galerie
Werner Klein, Cologne
Yasam Sasmazer: Galerie Berlin Art Projects, Berlin; Cagla Cabaoglu Gallery, Istanbul
Franz Schmidt: Eva Bracke, New York; Galleria Nicoletta Rusconi, Milano
Katharina Schmitt: kathschmitt@googlemail.com
Dennis Scholl: ARNDT, Berlin
Jana Schröder: www.janaschroeder.com
Philip Seibel: www.philip-seibel.de
Niels Sievers: Galerie Löhrl, Mönchengladbach; www.nielssievers.de
Michael Sistig: E105, Berlin/Bonn; Oechsner Galerie, Nuremberg
Chris Succo: DUVE Berlin, Berlin
Ken’ichiro Taniguchi: Sebastian Fath | Contemporary, Mannheim; Mikiko Sato Gallery, Hamburg
Alexander Tovborg: Galleri Nicolai Wallner, Copenhaven
^
^
Angelika J. Trojnarski: Galerie Tanja Wagner, Berlin
Jannis Varelas: The Breeder, Athens; Galerie Krinzinger, Vienna
Christian Vetter: Yvon Lambert, Paris
Anna-Skrollan Virnich: DREI Raum für Gegenwartskunst, Cologne
Marcel Walldorf: www.marcel-walldorf.de
Sven Weigel: not reported
Sam Windett: Marc Foxx, Los Angeles; Sies + Höke, Düsseldorf; The approach, London
Alexander Wissel: a.wissel@gmx.de
Dominic Wood: Galerie Seiler, Munich; power galerie, Hamburg
René Zeh: www.renezeh.de
RISING – 414 KÜNSTLERVERZEICHNIS/ARTISTS AFFILIATIONS – 415

DIE AUTOREN/THE AUTHORS
GERARD A. GOODROW
Gérard A. Goodrow (geb. 1964 in New Jersey/USA) studierte Kunstgeschichte
an der Rutgers University, New Jersey, der City University
of New York und der Universität zu Köln. Zu den wichtigsten Stationen
seiner Laufbahn gehören das Museum Ludwig in Köln (1992–1996),
die Ursula Blickle Stiftung in Kraichtal (1994–2001), das Auktionshaus
Christie’s in London (1996–2003), die Kunstmessen Art Cologne
und Cologne Fine Art (2003–2008) und CIAM – Zentrum für internationales
Kunstmanagement in Köln und Düsseldorf (seit 2007). Er hat
über 50 Ausstellungen organisiert und ist Autor von zahlreichen Beiträgen
über Gegenwartskunst und den internationalen Kunstmarkt im
In- und Ausland. Seit März 2010 ist er Direktor der Galerie Beck &
Eggeling new quarters, Düsseldorf.
REBECCA MARIA JÄGER
Rebecca Maria Jäger (geb. 1977 in Brilon) studierte von 2005–2011
Kunstgeschichte und Neuere deutsche Literaturwissenschaften an der
Rheinischen Friedrich-Wilhelms-Universität Bonn. Zeitgleich zum Studienbeginn
bekam sie eine reizende Tochter und arbeitet seit 2006
für den Kölner Kunstraum „Raum für Kunst und Musik e.V.“. Dort organisiert,
begleitet und kuratiert sie seit fünf Jahren Ausstellungen und
schreibt Texte für Ausstellungskataloge und Galerien. Rebecca Jäger
lebt und arbeitet zur Zeit in Köln.
THOMAS W. KUHN
Thomas W. Kuhn (geb. 1969 in Rheydt) studierte Medieninformatik an
der FH Furtwangen und anschließend Kunstgeschichte, Medienwissenschaften
und Modernes Japan an der Heinrich-Heine-Universität Düsseldorf.
Von 2002–2003 war er Volontär am ZKM Zentrum für Kunst
und Medientechnologie in Karlsruhe. Seitdem arbeitet er als freier
Journalist unter anderem für das Kunstforum International, die F.A.Z.,
den Tagesspiegel und ARTnews. Darüber hinaus verfasst Thomas W.
Kuhn Katalogtexte, hält Eröffnungsreden und übernahm verschiedene
Lehraufträge, unter anderem an der Heinrich-Heine-Universität, der
Kunstakademie sowie der Akademie für Mode und Design in Düsseldorf.
Thomas W. Kuhn realisiert außerdem eigene Kunstausstellungsprojekte
und lebt zurzeit im Rheinland.
SABINE ELSA MÜLLER
Sabine Elsa Müller (geb. 1958 in Stuttgart/Germany) studierte Kunst-
geschichte, Germanistik und Völkerkunde in Stuttgart und Köln. Tätig-
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keit für verschiedene Kunstvereine (1991–1994 Kölnischer Kunstver-
ein, 2000–2009 Frechener Kunstverein, seit 2010 Temporary Gallery
Cologne. Sie ist Kuratorin
internationaler Einzel- und Gruppenausstel-
lungen, Autorin zahlreicher Katalogtexte, Aufsätze und Vorträge zur
zeitgenössischen Kunst. Sabine Elsa Müller arbeitet als freie Kunst-
kritikerin unter anderem für Kölner Stadt-Anzeiger, Kölner StadtRevue,
Artblog Cologne, neue bildende kunst, Texte zur Kunst, Kunstzeitung,
Kunstbulletin und Kunstforum und lebt in Köln.
JULIA RITTERSKAMP
Julia Ritterskamp (geb.1973 in Solingen) studierte nach einer kauf-
männischen Ausbildung Kunstgeschichte, Mittelalterliche Geschichte
und Romanische Philologie an der Heinrich-Heine-Universität Düssel-
dorf. Von 2000–2005 und von 2006–2007 war Julia Ritterskamp
bei der Galerie Karsten Greve Köln angestellt, zuletzt als Managing
Director. Von 2005–2006 war sie für Achenbach Art Consulting
Düsseldorf tätig. Seit 2007 ist sie selbstständig (Art Service Julia
Ritterskamp) und arbeitet als freie Kuratorin und Autorin sowie in den
Bereichen Sammlungsmanagement, Kunstberatung, Ausstellungs- und
Messeorganisation, Coaching von Galeriepersonal. Ihr Schwerpunkt
liegt auf zeitgenössischer Kunst und klassischer Moderne. Sie lebt und
arbeitet in Düsseldorf.
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RISING – 416 DIE AUTOREN/THE AUTHORS – 417

DANKSAGUNG/ACKNOWLEDGMENTS
RISING ist das Ergebnis zahlreicher Gespräche und teilweise leidenschaftlich
geführter Diskussionen mit Menschen, die im Kunstbetrieb
jeweils ihre ganz eigene Perspektive einnehmen und äußerst konstruktiv
in dieses Projekt eingebracht haben. Verleger und Herausgeber
wollen gemeinsam all jenen danken, die diese Veröffentlichung möglich
gemacht haben. Allen voran den vielen jungen Künstlern, die uns
überhaupt erst auf die Idee zu diesem Buch gebracht haben. Einem
unter ihnen, dessen Namen wir nicht nennen sollen, gilt unser ganz
besonderer Dank für sein unermüdliches Engagement, seinen unerlässlichen
Rat und seine Vermittlung zu hervorragenden Künstlern, die
selbst den Experten mit dem weitesten Blick auf die junge Kunstwelt
nicht bekannt, aber eine große Bereicherung waren.
Namentlich und aufrichtig danken Verleger und Herausgeber den
Galeristen, Sammlern und Publizisten, die uns als Kuratoren von
RISING von Anfang an im Projektbeirat zur Seite gestanden haben:
Alexandra Wendorf, Fritz Conzen, Gérard Goodrow, Mike Meiré,
Dr. Rupert Pfab, Thomas Rehbein sowie Dr. Dr. Thomas Rusche. Ohne
die Expertise, den Kennerblick und die ausgewiesene Erfahrung
dieser so engagierten Beiträger hätte RISING nicht entstehen können.
Die grafische Umsetzung verdanken wir Mike Meiré und seinem
Team, namentlich Moritz Wilsberg und Tim Giesen, die sich einfühlsam
auf die Kunst und die individuellen Künstlerwünsche eingestellt
haben und auf diese Weise ein wundervolles Gesamtkunstwerk geschaffen
haben. Unser herzlicher Dank an die Agentur Meiré und Meiré.
Dass ein Buch, an dessen Entstehen letztendlich auch 100 junge
Künstler mit ihren jeweils eigenen Vorstellungen von Layout, Deadlines
und Interpretierbarkeit redaktioneller Vorgaben beteiligt waren, überhaupt
in den Druck gehen konnte, setzt eine ganz besondere Produktionsleitung
voraus, die sich nicht nur durch Professionalität, sondern
vor allem durch Nervenstärke, einen unendlich guten Willen und
Einsatz auszeichnet. Last but not least danken Verleger und Herausgeber
deshalb von ganzem Herzen Christiane Blass, die dieses Buch
mit ihrem Team grandios bis zum Druck begleitet hat.
FOTONACHWEIS/PHOTO CREDITS
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Page 13 and p. 15 top: courtesy Galerie Fons Welters, Amsterdam; pp. 17–19: courtesy the artist and VAN HORN, Düsseldorf; p. 25: courtesy Galerie Hammelehle und Ahrens,
Cologne – photo Tamara Lorenz; p. 26–27: courtesy Galerie Hammelehle und Ahrens, Cologne – photo Sabrina Biegel; pp. 33–35: photo Elad Sarig; p. 37: photo Wolfgang
Günzel, Frankfurt; p. 38 and p. 39 top: courtesy Linn Lühn, Cologne; pp. 41–43: courtesy Nelleke Beltjens and Galerie Christian Lethert, Cologne – photo Galerie Christian Lethert,
Cologne; p. 45: photo Giulia Bowinkel, Friedemann Banz; p. 46: photo Anne Pöhlmann; p. 47: photo Giulia Bowinkel, Friedemann Banz; p. 48: photo Kent Johnson, Sydney;
p. 49: photo Lars Breuer, Cologne; p. 50 top: copyright Rheinisches Bildarchiv Köln, Thomas Möbius (RBA d027897 11); p. 50 bottom: photo Sebastian Freytag, Düsseldorf; p. 51
top: photo Alistair Overbruck, Cologne; p. 51 bottom: copyright Rheinisches Bildarchiv Köln, Thomas Möbius (RBA d027897 05), p. 53–55: copyright and courtesy Andreas
Breunig and Galerie Warhus Rittershaus, Cologne; p.56: photo Damian Zimmermann; pp.57, 58 top and bottom right; 59: courtesy Eli Cortiñas and Galerie Michael Wiesehöfer,
Cologne; p. 58 bottom left: courtesy Eli Cortiñas and Galerie Michael Wiesehöfer, Cologne – photo Achim Kukulies, Düsseldorf; pp. 65, 66, 67 bottom: photo Frauke Dannert;
p. 67 top: courtesy Galerie Rupert Pfab, Düsseldorf – photo Sebatian Freytag; p. 72: photo Coletta Ehrmann; p. 73: courtesy Lullin + Ferrari, Zurich; pp. 77–79: courtesy Maureen
Paley, London; pp. 81–83: courtesy Robert Elfgen and Sprüth Magers Berlin London; p. 85: photo Sebastian Freytag; p. 86 left: photo Angela Fette; p. 86 top: photo Phillip Schulze;
pp. 89–91: photo Brane Tuma; p. 93: photo Luka Fineisen; p. 94 top: photo Martina Buchholz; p. 94 bottom: photo Anne Pöhlmann; p. 95: photo Ivo Faber; p. 96: photo Shannon
Finley; p. 97: courtesy Galerie Christian Ehrentraut, Berlin – photo Adrian Sauer; p. 98 and p. 99 top: courtesy Silverman Gallery, San Francisco – photo Parker Tilgham; p. 99
bottom: courtesy Galerie Christian Ehrentraut, Berlin – photo Adrian Sauer; p. 101: photo Martina Sauter, Cologne; p. 102: photo Alistair Overbruck, Cologne; p. 103: courtesy
Vera Gliem, Cologne – photo Alfred Jansen; p. 109–111: photo Axel Schneider; p. 114 top: photo Patrick Zier, Düsseldorf; p. 120: photo Frank Burkhard; p. 121: photo Rabi
Georges; pp. 122–123: photo Henning Moser; pp. 125–127: courtesy and copyright Markus Golz and Galerie Warhus Rittershaus, Cologne; p. 128: photo Merlin Bauer;
pp. 129–131: photo Manuel Graf; p. 133 and p. 134 top: photo Jann Wilken; p. 134 bottom: photo ALG; p. 135 top: photo Pauline M’barek; p. 135 bottom:photo ALG; p. 140:
photo Michael Gueth; p. 145–147: courtesy Galerie Rupert Pfab, Düsseldorf – photo Ivo Faber, Düsseldorf; p. 149: courtesy Galerie Rupert Pfab, Düsseldorf – photo Achim
Kukulies; p. 150 top: courtesy Galerie Krinzinger, Vienna – photo Jens Ullrich; p. 150 bottom: courtesy Galerie Rupert Pfab, Düsseldorf – photo Jens Ullrich; p. 151: photo Jens
Ullrich; pp. 153–155: photo Frank Scheffka, Bremen; pp. 161–163: copyright and courtesy Galerie Luis Campaña, Berlin; pp. 164–167: copyright Vanessa Henn and B. L. Henn;
p. 169: photo Yuki Jungesblut; p. 170: photo Ivo Faber; p. 171: photo Friedrich Rosenstiel, Cologne; p. 176: photo Thomas Xaver Dachs, Leipzig; pp. 177–178: courtesy Galerie
Christian Ehrentraut, Berlin – photo Thomas Xaver Dachs, Leipzig; p. 179: courtesy Galerie Christian Ehrentraut, Berlin – photo Stefan Fischer; pp. 181–183: photos Wolfgang
Morell, Sankt Augustin; p. 189: courtesy Galerie Fons Welters, Amsterdam and Lüttgenmeijer, Berlin – photo Gert-Jan van Rooij, Amsterdam; p. 190 top: courtesy Galerie Fons
Welters, Amsterdam, and Lüttgenmeijer, Berlin – photo Stefan Altenburger Photography, Zurich; p. 190 bottom: courtesy Galerie Fons Welters, Amsterdam – photo Gert-Jan van
Rooijk, Amsterdam; p. 191 top left: courtesy Galerie Fons Welters, Amsterdam, and Lüttgenmeijer, Berlin – photo Gert-Jan van Rooij, Amsterdam; p. 191 top right, bottom: courtesy
Galerie Fons Welters, Amsterdam, and Lüttgenmeijer, Berlin, commissioned for COMMA at Bloomberg SPACE by Bloomberg – photo Peter Abraham, LP, 2010; pp. 193–195:
copyright Monica Ursina Jäger; pp. 201–203: copyright Johannes Jensen; p. 213: photo Alexis Zavialoff; p. 214 top: photo Stefan Löffelhardt; p. 214 bottom: photo Ivo Faber;
p. 215 top: photo Alexis Zavialoff; p. 217: courtesy Galerie nächst St. Stephan Rosemarie Schwarzwälder, Vienna – photo Rafal Lipski; p. 218 top: courtesy Galerie nächst St.
Stephan Rosemarie Schwarzwälder, Vienna – photo Jan Nyka; p. 218 bottom: courtesy Galerie nächst St. Stephan Rosemarie Schwarzwälder, Vienna – photo Markus Wörgötter;
p. 219: courtesy Galerie nächst St. Stephan Rosemarie Schwarzwälder, Vienna – photo Lisa Rastl; pp. 221–223: courtesy Behrang Karimi – photo copyright Behrang Karimi and
Galerie Warhus Rittershaus; p. 229: photo Yury Kharchenko; p. 230 and p. 231 top: photo Stefan Sturm; p. 231 bottom: photo Jürgen Spiler; p. 237 and 238 bottom: photo
Federico Baronello; p. 238 top and p. 239: photo Achim Kukulies, Düsseldorf; p. 240: photo Eugene Langan, Dublin; pp. 241–243: courtesy Gereon Krebber and Galerie
Christian Lethert, Cologne – photos Gereon Krebber; p. 247 top left: photo Jörg Koopmann; p. 247 top right: photo nanoscribe; p. 256: photo Avschalom Levi, Tel Aviv; p. 264:
photo Lukas Wassmann; p. 265–266: courtesy rahncontemporary, Zurich – photo Thorsten Jankowski; p. 267 top: courtesy Galerie Michael Janssen, Berlin – photo Lepkowski
Studios, Berlin; p. 267 bottom: courtesy Galerie Michael Janssen, Berlin – photo Alistair Overbruck; pp. 274: photo Andy Stagg; p. 275 top: courtesy Kate MacGarry,
London – photo Andy Stagg; p. 276: photo Jan Stradtmann; p. 281: courtesy Galerie Bernd Kugler, Innsbruck – photo Georg Hofer; p. 282 bottom: courtesy ar/ge kunst, Bolzano
– photo Jürgen Eheim; p. 283 bottom: courtesy Kunstraum Niederösterreich, Vienna – photo Doris Krüger; p. 285: photo Achim Kleuker; p. 286 top: photo Adriana Molder; p. 286
bottom: photo Michael Danner; p. 287 top: photo Adriana Molder; p. 287 bottom: photo Hans-Georg Gaul; p. 289: photo Katrin Ahlt, Düsseldorf; p. 290 top and p. 291: photo
Ulrike Möschel, Düsseldorf; p. 290 bottom: photo Ivo Faber, Düsseldorf; p. 297: photo Lucie Jürgens; p. 298 bottom right: photo Lucie Jürgens; p. 298 top left: courtesy Galerie
Thomas Rehbein, Cologne – photo Ulli Becker; pp. 298 top right, bottom left and p. 299: photo Ulli Becker; pp. 301–303: photo Christoph Westermeier; p. 313: photo Max
Frintrop; p. 314 top: photo Elisabeth Giers; p. 314 bottom: photo Achim Kukulies; p. 315 top left and bottom: photo Mareike Tocha; p. 315 top right: photo Jochen Arentzen;
p. 317: photo Kai Richter; p. 318: photo Thomas May; p. 319: photo Kai Richter; p. 320: photo fotostudio charlottenburg; pp. 321–323: courtesy Kuckei + Kuckei, Berlin;
pp. 325–327: courtesy Galerie Werner Klein, Cologne; p. 329: courtesy Yasam Sasmazer and Courtesy Berlin Art Projects, Berlin – photo: Bernd Borchardt; p. 330 and p. 331 top
and bottom right: courtesy Yasam Sasmazer and Courtesy Berlin Art Projects, Berlin; p. 331 bottom left: courtesy Yasam Sasmazer and Courtesy Berlin Art Projects, Berlin – photo:
Bernd Borchardt; p. 333 and p. 334 mid: photo Stephanie Gudra; p. 334 right and p. 335 bottom: Foto Luigi Acerra; p. 335 top left: Foto Ivo Faber; pp. 341–343: courtesy Burger
Collection, Switzerland and Hongkong – photo Bernd Borchardt; pp. 345–347: photo Ben Dörries; pp. 353 – 355: photo and copyright Niels Sievers; pp. 356–359: courtesy
Galerie E105, Berlin – photo Bernd Zöllner; p. 361: courtesy private collection – photo Achim Kukulies, Düsseldorf; p. 362 and p. 363 bottom: courtesy DUVE, Berlin – photo Achim
Kukulies, Düsseldorf; p. 363 top: courtesy private collection – photo Robert Eikelpoth; pp. 369–371: courtesy Galleri Nicolai Wallner, Copenhagen – photo Anders Sune Berg;
pp. 373–375: courtesy Galerie Tanja Wagner, Berlin; photos Ben Dörries; p. 376: photo Personaproductions.com / Alexandre & Emilie; pp. 377–379: courtesy The Breeders,
Athens; p. 392 and p. 394 bottom: photo Olaf Bergmann; p. 396: photo Dom G.; p. 397: courtesy The approach, London, Sies + Höke, Düsseldorf, Marc Foxx Gallery, Los
Angeles – photo Robert Wedemeyer; pp. 398–399: courtesy The approach, London, Sies + Höke, Düsseldorf, Marc Foxx Gallery, Los Angeles – photo Photographer FXP Photography;
p. 404: photo Sanja Pahoki; pp. 409 – 411: copyright VG Bild–Kunst, Bonn 2011
RISING – 418 FOTONACHWEIS/PHOTO CREDITS – 419

YESIM AKDENIZ GRAF, JAN ALBERS, ALJOSCHA, THOMAS ARNOLDS, TILMAN AUMÜL
LER, GILI AVISSAR, FLORIAN BAUDREXEL, NELLEKE BELTJENS, GIULIA BOWINKEL AND
FRIEDEMANN BANZ, LARS BREUER, ANDREAS BREUNIG, ELI CORTIÑAS, NICOLAI CRES
TIANINOV, FRAUKE DANNERT, JEFF DEPNER, MOTOKO DOBASHI, KAYE DONACHIE,
ROBERT ELFGEN, ANGELA FETTE, MITJA FICKO, LUKA FINEISEN, SHANNON FINLEY,
ANDREAS FISCHER, MAX FRINTROP, SVEN FRITZ, MARTIN GALLE, CHRISTINE DE LA
GARENNE, RABI GEORGES, MARKUS GOLZ, MANUEL GRAF, ANNA LENA GRAU, BENJA
MIN GREBER, TOBIAS GREWE, THEA GVETADZE, ANN-KRISTIN HAMM, WOLF HAMM,
NSCHOTSCHI SARAH HASLINGER, SIMON HEMMER, VANESSA HENN, TINA ISABELLA
HILD, JULIUS HOFMANN, FRANZISKA HOLSTEIN, BENJAMIN HOULIHAN, GREGOR HYL
LA, DAVID JABLONOWSKI, MONICA URSINA JÄGER, CATHY JARDON, JOHANNES JEN
SEN, SABRINA JUNG, ANNA K.E., HEIKE KABISCH, AGNIESZKA KALINOWSKA, BEHR
ANG KARIMI, RUPRECHT VON KAUFMANN, YURY KHARCHENKO, CHRISTOPH KNECHT,
SEB KOBERSTÄDT, GEREON KREBBER, MATTHIAS LAHME, ROMAN LANG, OLIVER LA
RIC, VERA LOSSAU, PAULINE M’BAREK, FABIAN MARTI, CHRISTOF MASCHER, FLORI
AN MEISENBERG, ALEXEJ MESCHTSCHANOW, PHILIPP MESSNER, ADRIANA MOLDER,
ULRIKE MÖSCHEL, DAVID OSTROWSKI, ULRICH PESTER, MARTIN PFEIFLE, CHLOE PIE
NE, CHRISTIAN PILZ, MICHAIL PIRGELIS, KAI RICHTER, NIKOLA RÖTHEMEYER, SE
BASTIAN RUG, YASAM SASMAZER, FRANZ SCHMIDT, KATHARINA SCHMITT, DENNIS
SCHOLL, JANA SCHRÖDER, PHILIP SEIBEL, NIELS SIEVERS, MICHAEL SISTIG, CHRIS
SUCCO, KEN’ICHIRO TANIGUCHI, ALEXANDER TOVBORG, ANGELIKA J. TROJNARSKI,
JANNIS VARELAS, CHRISTIAN VETTER, ANNA-SKROLLAN VIRNICH, MARCEL WALL
DORF, SVEN WEIGEL, SAM WINDETT, ALEXANDER WISSEL, DOMINIC WOOD, RENÉ ZEH

Diese Publikation ist eine Watchlist, unverzichtbar für Kunstinteressierte, Sammler, Galeristen und Kuratoren.
RISING schlägt unbeeinflusst von jeglichem Hype eine Schneise in die nahezu unüberschaubare, lebendige
und faszinierende Welt junger Kunst am Rande der etablierten Szene.
hype, RISING blazes a trail through the lively, fascinating, and virtually impenetrable world of young artists on
the fringe of the established art scene.
RISING
Text in Deutsch / English
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