Lernpaket Allen Jones - Völklinger Hütte

Lernpaket für Lehrer 

und Schüler

Weltkulturerbe Völklinger Hütte 

Europäisches Zentrum für Kunst und Industriekultur 

Generaldirektor Prof. Dr. Meinrad Maria Grewenig 

Allen Jones 

Off the Wall. Pop Art 1957 – 2009 

13. Oktober 2012 bis 16. Juni 2013, täglich ab 10 Uhr 

Lernpaket für Lehrer und Schüler 

Inhalt 

1. Ausstellungsdaten und Service für Schulen S.2 

2. Vorwort S.4 

3. Pop-Art S.6 

4. Allen Jones und die britische Pop-Art S.7 

5. Biografie Allen Jones S.9 

6. Werkphasen S.12 

7. Zeitleiste S.30 

8. Unterrichtsvorschläge S.38 

9. Quellentexte S.48 

10. Zitate S.77 

11. Pop-Art-ABC S.79 

12. Katalog zur Ausstellung S.83 

13. Literatur S.83 

14. Links S.92 

Impressum 



66302 Völklingen/Saar 

Redaktion: Peter Backes, Frank Krämer, Jeanette Wagner 

Tel. 06898/9 100 159, Fax 06898/9 100 111 

mail@voelklinger-huette.org Seite 1




1. Ausstellungsdaten und Service für Schulen 

Öffnungszeiten 

bis 16. Juni 2013 

Erzhalle, täglich von 10 bis 19 Uhr 

Preise 

Ermäßigt 10,00 € 

Normal 12,00 € 

Familien (2 Erwachsene mit Kindern 

und Jugendlichen bis 16 Jahre) 25,00 € 

Kinder und Jugendliche 3,00 € 

Kinder und Jugendliche im Klassenverband 3,00 € 

Gebuchte Führung 80,00 € (plus ermäßigten Eintritt) 

(max. 30 Personen, Dauer der Führung ca. 1,5 Stunden). 

Jahreskarten 

Jahreskarten Kinder/Schüler 6,00 € 

Erwachsene 25,00 € 

Familien 55,00 € 

Sonderkonditionen für Schulen 

Schulklassenführung im Bonuspaket zum Preis von 100 Euro inkl. Führung 

(max. 30 Personen einschließlich Lehrkraft) in der Zeit von Montag bis Freitag 

zwischen 10 und 14 Uhr. 

Bucht eine Schule zum gleichen Termin drei Führungen zahlt sie nur zwei! 

Kontakt/Besucherservice 

Telefon +49 (0)6898/9 100 100 

+49 (0)6898/9 100 106 

Fax +49 (0)6898/9 100 111 





Tel. 06898/9 100 159, Fax 06898/9 100 111 





Service zur Ausstellung 

Sonderpublikation zur Ausstellung, 

Allen Jones – Off the Wall. Pop Art 1957 – 2009, Edition Völklinger Hütte 

Ostfildern 2012, 236 Seiten, durchgehend vierfarbig, Sonderpreis 19,80 € 

Sheer Magic 

1967 

Öl auf Leinwand mit Holzvorsprung 

91,4 x 91,4 cm 

Privatsammlung 

© Allen Jones 





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2. Vorwort 

Allen Jones, Pop-Art und die Völklinger Hütte 

Sehr geehrte Frau Fachleiterin, sehr geehrter Herr Fachleiter, liebe Freunde 

des Weltkulturerbes Völklinger Hütte, 

die Popkultur hat unsere Gesellschaft und unser Leben seit den Sechzigerjahren des 

20. Jahrhunderts vollständig verändert. Dank der Pop-Art gibt es heute keine 

Trennung mehr zwischen Hochkultur und Alltagskultur. Die Wirklichkeit des 

Alltagslebens ist im 21. Jahrhundert – dank und wegen der Pop-Art – genauso 

kunstfähig wie die industrielle Massenproduktion mit ihrem seriellen Gepräge, wie 

weggeworfene und übrig gelassene Dinge des Lebens oder die Stereotypen der 

Werbung, wenn sie von Künstlerinnen und Künstlern in den Transformationsprozess 

ihrer Kunst einbezogen werden. Ohne die tiefgehende Bewusstseinsveränderung und 

Perspektivverlagerung der Pop-Art, die unseren Bewertungsmaßstab von Kultur 

vollständig neu definiert hat, wäre die 1986 stillgesetzte Völklinger Eisenhütte nie in 

den Rang eines UNESCO Weltkulturerbe gelangt. Als 1994 die Völklinger Hütte von 

der UNESCO zum Weltkulturerbe der Menschheit ernannt wurde, war das der erste 

Höhepunkt eines Prozesses, der wesentlich von der Pop-Art ausgelöst wurde. Der 

ehemals industrielle Produktionsort, mit seinen gigantischen Maschinen und 

Gebäuden, an dem in aktiver Zeit über 17 000 Menschen am Tag arbeiteten, wird 

Schritt für Schritt zu einem Kulturort umgewertet. Es gehört zum Programm eines 

solchen Prozesses, bedeutende Positionen der Pop-Art am Ort sichtbar zu machen. 

Es ist uns deshalb eine große Freude, dass wir nach den Ausstellungen Duane 

Hanson – Sculptures of the American Dream und Mel Ramos. 50 Jahre Pop-Art nun 

Allen Jones – Off the Wall als weitere bedeutende internationale Position der Pop- 

Art in der Völklinger Hütte zeigen können. 

Allen Jones schuf Kunstgattungen übergreifende, provokante Interpretationen 

gesellschaftlicher Klischees. Diese Kunstwerke sind gleichzeitig Bild, Skulptur und 

Environment. »Off the Wall« umfassen sie den gesamten Raum und provozieren. 





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Herzlicher Dank gilt all denen, die dieses spannende Projekt ermöglicht haben, Otto 

Letze für die Tournee, meinem Kollegen Manfred Baldauf in der Geschäftsführung 

unserer Gesellschaft und meinem Weltkulturerbeteam um Frank Krämer für die 

Einrichtung der Ausstellung Allen Jones – Off the Wall. 

Meinrad Maria Grewenig 

Generaldirektor und CEO des Weltkulturerbe Völklinger Hütte - 


A Figment in Pigment 

1969 

Öl auf Leinwand 

245 x 305 cm 

Sammlung Liliane Fawcett 






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3. Pop-Art 

Mitte der 1950er Jahre entwickelte sich unabhängig in New York und 

London das Phänomen Pop-Art. Künstler wie Peter Blake, Andy Warhol und 

Roy Lichtenstein entdeckten die Welt der Unterhaltungsindustrie und der 

Werbung als Quelle der Inspiration für ihre Kunst. 

Sie isolierten, vergrößerten und verfremdeten die Motive der Massenmedien 

in ihren Arbeiten. Andy Warhol erlangte mit der Darstellung einer 

Suppendose der Firma Campell 1968 weltweite Berühmtheit. 

Die Pop-Art entstand vor dem Hintergrund der damals vorherrschenden 

abstrakten Kunstströmungen. Indem die Künstler ihre Werke mit der 

Lebenswirklichkeit des Betrachters verbanden, verweigerten sie sich nicht 

länger ihrer realen Umwelt. Der britische Pop-Art Künstler Richard Hamilton 

forderte der Pop-Art ab „populär, vergänglich, verbrauchbar, billig, 

massenproduziert, jung, witzig, sexy, spielerisch, verführerisch, 

geschäftstüchtig“ zu sein. 

Andy Warhol Roy Lichtenstein 

Campbell's Soup Can I M-maybe 

1968 1965 

(Quelle: 

http://www.ludwigforum.de/sammlung 

/hauptwerke/warhol2.html) 

[22.Oktober 2012] 

(Quelle: 

http://www.museumludwig.de/) 

[22.Oktober 2012] 





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4. Allen Jones und die britische Pop-Art 

Allen Jones zählt zu den Mitbegründern und Hauptvertretern der britischen Pop- 

Art. Nach dem Zweiten Weltkrieg, versuchten Künstler sich wieder an einer mehr 

figurativen Malweise, als Kontrast zur vorherrschenden Abstraktion. Dabei waren 

die Sujets der Pop-Art in Großbritannien nicht im selben Maße der bunten 

Konsumwelt gewidmet, wie dies bei der amerikanischen Pop-Art der Fall gewesen 

ist. Die Arbeiten waren zudem eher weniger plakativ. 

Man kann die Entwicklung der englischen Pop-Art grob in zwei Phasen gliedern. 

Als Vorläufer der Pop-Art-Bewegung gilt die „Independent Group (IG)”, die sich um 

1952 in London gründete. Zu dieser kleinen Gruppe zählten Maler, Bildhauer, 

Architekten, Autoren und Kritiker. Bei ihren Treffen diskutierten sie die Folgen 

moderner kultureller Elemente wie Massenwerbung, Filme, Comics, Science Fiction 

und Technologie. Anlässlich ihres ersten Treffens im Winter 1952/1953 

präsentierte der Bildhauer Eduardo Paolozzi eine Serie von Collagen mit dem Titel 

„Bunk!“. Die Collagen setzten sich aus sogenannten „Objets trouvés“ zusammen, 

z.B. aus Werbung, Titelseiten von Magazinen und weiteren Grafiken, die oft die 

amerikanische Kultur zeigten. 

Auf einer dieser Collagen, „I was a Rich Man's Plaything" (dt.: Ich war eines reichen 

Mannes Spielzeug), war das Wort „Pop“ zu lesen, welches aus der Pulverwolke 

eines Revolvers erschien. Hier taucht das Wort „Pop“ erstmalig in der Kunst auf. 

Die „Independent Group“ beschäftigte sich vor allem mit der amerikanischen Pop- 

Kultur, speziell der Werbung in den Massenmedien. 

Ob das Wort „Pop-Art“ nun von John McHale, dem britischen Maler (1922–1978), 

geschaffen wurde oder von dem englischen Kunstkritiker Lawrence Alloway (1926– 

1990), die im Winter 1954/1955 im Rahmen eines Treffens der IG über Populärkultur 

diskutierten, ist strittig. Unstrittig ist jedoch, dass die Collage „Just what is it that 

makes today's homes so different, so appealing?" (dt.: Was macht eigentlich unser 

Zuhause heute so anders, so anziehend?) des Londoner Künstlers und 

Gründungmitgliedes der IG, Richard Hamilton (geb. 1922), aus dem Jahr 1956 eines 

der Schlüsselwerke der Pop-Art ist und zu einer Ikone avancierte. Dieses Werk ist 

noch der ersten Phase zuzuordnen. Eine wichtige Ausstellung dieser ersten 

Generation von PopArt-Künstlern trug den Titel „This Is Tomorrow“ (1956). 

Künstler wie Allen Jones, David Hockney (geb. 1937) und Ronald B. Kitaj (geb. 1932) 

bilden die zweite Generation. Alle drei kannten sich aus der gemeinsamen 

Studienzeit am Royal College of Art in London. 

Allen Jones prägte mit seinen unkonventionellen und provokativen Werken die 

moderne Kunst der 60er und 70er Jahre. Bekannt wurde er durch Skulpturen, die 

Frauenfiguren als Möbelstücke inszenieren. 





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© Simon Thompson 

(Quelle: http://www.telegraph.co.uk/culture/art/3668398/Allen-Jones-The-day-Iturned-down-Stanley-Kubrick.html) 

[22.Oktober 2012] 

In seiner über fünfzigjährigen Werkphase wird deutlich, dass Allen Jones vor 

allem ein Ziel verfolgt: „Off the Wall“ – Von der Leinwand wegzukommen und 

in der Dreidimensionalität zu arbeiten. Dies geschieht über unkonventionelle 

Bildformate („Shaped Canvases“) über Reliefs bis hin zu Skulpturen. Dabei 

nimmt Allen Jones kritisch und persiflierend den Lifestyle unserer modernen 

Gesellschaft ins Visier. 

Sein umfangreiches Oeuvre wurde bei wichtigen Pop-Art-Ausstellungen im 

Museum of Modern Art (MoMA), der Tate Gallery London, dem Centre 

Pompidou Paris oder der documenta in Kassel präsentiert. Die Werkschau 

„Allen Jones – Off the Wall. Pop-Art 1957 – 2009“ bietet einen 

repräsentativen Überblick zu dem Oeuvre von Allen Jones und entstand 

anlässlich des 75. Geburtstages des Künstlers. 





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5. Allen Jones – Biografie 

1937 

Geburt von Allen Jones am 1. September in Southampton, England 

1955–1959 

Studium der Malerei und Lithografie am Hornsey College of Art in London 

1959–1960 

Studium der Malerei am Royal College of Art in London 

Studienkollegen sind Ronald B. Kitaj, Peter Phillips und David Hockney 

1960–1961 

Ausbildung zum Zeichen- und Mallehrer am Hornsey College of Art in London 

1961 

Mit weiteren Pop-Art-Künstlern wie Derek Boshier, Patrick Caulfield, David Hockney, 

Ronald B. Kitaj und Peter Phillips Teilnahme an der Ausstellung „Young 

Contemporaries“ 

1961–1963 

Lehrtätigkeit am Croydon College of Art in London im Fach Lithografie 

1963 

Verleihung des Prix des jeunes artistes auf der III. Biennale de Paris 

1964 

Teilnahme an der documenta III 

1964–1966 

Aufenthalt in New York mit Ehefrau Janet und Kollege David Hockney 

1966 

Geburt der Zwillinge Sarah und Thea 

Erste dreidimensionale Werke 

1968 

Teilnahme an der documenta IV 





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1968–1970 

Gastdozent an der Hochschule für Bildende Künste in Hamburg 

1969 

Frauenfiguren aus Fiberglas 

1970 

entwirft für das Musical „Oh! Calcutta!“ in London Set und Kostüme 

1973 

Verleihung des Design and Art Direction Silver Award für den Pirelli-Kalender 

1977 

Gastprofessor an der University of California in Los Angeles im Fachbereich Malerei 

1978 

Scheidung von seiner ersten Frau 

Model Deirdre Morrow ist seine neue Lebensgefährtin 

1979 

Erste Retrospektive im National Museum Liverpool 

1986 

Vollmitglied der Royal Academy of Arts in London 

1989 

Verleihung des Art and Work Awards 

1990–1999 

Trustee am British Museum in London, Kurator in der ägyptischen Abteilung 

1994 

Heirat mit Deirdre Morrow 

1995 

Retrospektive in der Barbican Art Gallery in London 





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1996 

Retrospektive in der Kunsthalle Darmstadt 

2002 

Einzelausstellung in der Royal Academy of Arts in London 

2007 

Ernennung zum Ehrendoktor der Kunst durch die University of Southampton 

Ausstellung in der Tate Britain zum 70. Geburtstag 

Allen Jones lebt und arbeitet in London und Oxfordshire. 

Hot Wire 

1970 - 1971 


243,8 x 365,6 cm 

Sammlung Gil Weiss 






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6. Werkphasen 

1. Studium 

In seiner Studienzeit entsteht sein nach eigenen Aussagen erstes eigenständiges 

Werk – ein Selbstporträt, das ihn als schüchternen, verletzlich und verunsichert 

wirkenden Zwanzigjährigen zeigt. Dem detailreichen Gesicht steht der flächige 

Pullover und Hintergrund gegenüber. Er wendet sich schon hier einer 

abstrahierenden Vereinfachung zu. Es finden sich in Farbgebung und 

expressionistisch-flächiger Darstellung Anklänge an den britischen Expressionisten 

Mark Rothko (1903–1970) und in der klaren Zeichnung des Gesichts Parallelen zu 

Ben Shahn (1898–1969), ein Maler des amerikanischen naiven Realismus. 

Self-Portrait 

1957 

Öl auf Holz 

54,6 x 38,1 cm 

Sammlung Allen Jones 


© l 





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2. Fauvismus, Kubismus, Expressionismus 

Ende der 1950er Jahre reist er nach Frankreich und sieht die Bilder von Paul 

Cézanne, Fernand Léger und Robert Delaunay. In seinen Gemälden der 

beginnenden 60er Jahre zeigt sich deren, von kräftigen Farbflächen in Primär- 

und Sekundärfarben geprägte Stil. In der Auflösung der klassischen Ansichten 

sowie der Vernachlässigung von Perspektive werden Einflüsse von Fauvismus, 

Kubismus und Expressionismus deutlich. Das stark abstrahierte Motiv lässt 

sich gleichzeitig aus verschiedenen Blickwinkeln betrachten. Farbabstufungen 

werden durch kräftige Farbflächen, häufig in den Grundfarben, abgelöst. 

The Artist Thinks 

1960 


121 x 121 cm 







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3. Farbe und Bewegung 

Als Lehrer stützt er sich z.B. auf die Schriften des Bauhaus-Künstlers Paul Klee, wie 

dessen „Pädagogisches Skizzenbuch“. So entsteht während eines Kurses für Kinder, 

die sich mit der normannischen Eroberung Englands beschäftigen, das Bild „The 

Battle of Hastings“. Die Schlacht fand am 14. Oktober 1066 statt und stellt den 

ersten militärischen Erfolg der französischen Normannen bei der Eroberung 

Englands dar. Das normannische Heer unter Herzog Wilhelm dem Eroberer besiegte 

die Angelsachsen und deren König Harold II. 

Jones zeichnet als Verdeutlichung den Schlachtenverlauf mit Hilfe taktischer, 

militärischer Symbole an die Tafel. Bei wiederholter Betrachtung der Zeichnung 

erkennt er die Flugbahn eines Pfeils. Jones setzt die Skizze in einem Gemälde um. 

Im linken, oberen Bildteil ist eine abstrahierte Person zu erkennen, die den Pfeil 

abschießt. Leicht abfallend setzt sich die Flugbahn in einer Reihe kleinerer 

Farbfelder fort. Im unteren Teil des Bildes endet sie mit drei Feldern, die in 

zunehmend figurativer Darstellung den Tod Harolds durch einen Pfeil zeigen. 

Weiterhin wird diese Flugbahn von einem Linienbündel von oben nach unten 

durchbrochen, welches die Stoßrichtung der Normannen verdeutlichen soll. Die 

Linien münden schließlich in der Formation der Angelsachsen, die als ein 

feuerballähnlicher Kreis dargestellt werden. 

Auf Wassily Kandinsky und Paul Klee beruhend werden also hier Bewegung und 

Dynamik in kraftvollen, farbigen Flächen erzeugt. 

The Battle of Hastings 

1961 – 1962 


182,9 x 182,9 cm 

Tate Gallery 






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4. Shaped Canvases 

Schon zu Beginn seines Schaffens bricht er die Formen der Malerei auf, indem er die 

Leinwände an den Inhalt anpasst. Eine Technik, die u.a. auch sein Studienfreund 

David Hockney anwendet. Er nennt sie „Shaped Canvases“ (geformte Leinwände). 

Bei den „Busbildern“ erzeugen die teilweise schräg gestellten Seiten den Eindruck 

von Geschwindigkeit, „Räder“ werden als zusätzliche, kleine Leinwandstücke 

angesetzt. Andere Leinwände vermitteln z.B. den voyeuristischen Blick durch ein 

Schlüsselloch. Auf der III. Biennale de Paris erhält er u.a. für zwei seiner Busbilder 

den Prix des jeunes artistes. 

Large Bus 

1966 

Lithographien auf zwei Blättern 

72 x 108 cm/30 x 51,5 cm 







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5. Collage 

Auf anderen Bildern nutzt Allen Jones in klassischer Pop-Art-Manier Fotos aus 

Zeitschriften, die er farblich verändert und in seine Gemälde einpasst. Diese 

Technik, banale Ausschnitte und Fotos aus Zeitschriften zu benutzen, verwendete 

der Pionier der britischen Pop-Art, Richard Hamilton, 1956 für „Just What Is It that 

Makes Today‟s Homes So Different, So Appealing?”, das als eines der erstes Pop- 

Art-Bilder gilt. Die isolierten Versatzstücke werden meistens verfremdet und allein 

oder in größerer Zahl zu Collagen verarbeitet. 

Self-Portrait 

1963 

Lithographie mit Fotografie 

76,2 x 49,5 cm 







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6. Die Verschmelzung des Weiblichen und Männlichen 

In der Farbgebung seiner Gemälde zeigt sich der theoretische Einfluss der 

Expressionisten und des Bauhauses. Dabei sollen die Farben bestimmte 

Emotionen wecken. Das verbindet er mit F. Nietzsches und C.G. Jungs 

Theorien über das Weibliche und Männliche in beiden Geschlechtern, welches 

in der Vereinigung zur Perfektion führe. Der „männliche“ Intellekt und die 

„weibliche“ Emotion sind nach Nietzsche für den kreativen Akt 

gleichbedeutende Kräfte, die gemeinsam zur Vollkommenheit führen. Jones„ 

Bilder mit eng umschlungenen Paaren geben diese Symbolik des 

künstlerischen Schaffens wieder, nämlich das Männliche und Weibliche beim 

Malprozess zu vereinigen, um so Perfektion zu schaffen. So sind seine Figuren 

oft anonym und zeigen eine androgyn, hermaphroditische Weltsicht als 

Sinnbild für Ganzheitlichkeit und Kreativität. 

Man Woman 

1963 


214,6 x 188,6 cm 

Tate Gallery 






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7. New York 

Im Jahr 1964 zieht er für zwei Jahre nach New York um. Während des Aufenthalts 

bereist er die gesamten USA. Die Bilderflut von Werbeanzeigen, Katalogen, 

Hochglanzzeitschriften und Fetischmagazinen dient ihm als Materialsammlung, die 

er z.T. als Versatzstücke in seinen Bildern verarbeitet. Schon 1962 lässt er sich von 

dem Bild „Step-On Can with Leg“ des amerikanischen Pop-Art-Künstlers Roy 

Lichtenstein beeindrucken. Frauen oder nur deren Beine in hochhackigen Pumps, in 

Seidenstrümpfen oder Latex, zeigen jetzt eine bisher nur andeutungsweise in 

seinem Werk vorhandene Erotik sehr plastisch. 

(Quelle: http://thinkmuseum.files.wordpress. 

com/2012/08/step-on-can-with-leg1.jpg) 

[22.Oktober 2012] 

Roy Lichtenstein 

Step-On Can with Leg 

1961 

First Step 

1966 


91,5 x 91,5 cm 







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8. Off the Wall 

Er geht nun in der Anpassung seiner Formate einen Schritt weiter und verformt 

nicht mehr nur wie bei seinen Busbildern die Leinwand, sondern sprengt sie, indem 

er den zweidimensionalen Bildern dreidimensionale plastische Elemente wie 

Treppenstufen oder Holzkrawatten anfügt. In den sogenannten „Step Paintings“ 

sollen die angesetzten Sockel den Betrachter in das Bild hineinführen. 

Sheer Magic 

1967 


91,4 x 91,4 cm 







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9. Die plastische Wirkung der Malerei 

Sein Malstil wird nun sehr linear und umreißt die Konturen der Figuren, um deren 

Körperlichkeit zu betonten. Der ausgearbeitete, sehr feine, manchmal nur lasierende 

Farbauftrag und die plastische Auffassung seiner Motive lassen seine Gemälde 

skulptural erscheinen. Das unterstreicht die scheinbare Schlichtheit und 

Unkompliziertheit seiner Komposition. 

A New Perspective on Floors 

1966 

5 Farblithographien aus einer Serie von 6 

76,5 x 56 cm 







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10. „What Do You Mean What Do I Mean?“ 

Auch andere Künstler und Kunstrichtungen beeinflussen ihn. In den sogenannten 

„Cadavre Exquis“-Gemälde der Surrealisten gestaltet jeder Künstler einen Teil eines 

Bildes, ohne zu wissen, wie die übrigen Stücke aussehen. Jones spiegelt diese 

Technik in „What Do You Mean What Do I Mean?“, indem er ein älteres seiner Bilder 

fotografisch reproduziert, in Pop-Art-Manier im Airbrush-Verfahren behandelt und 

an ein neues Gemälde anfügt. 

What Do you mean What Do I mean? 

1968 – 1974 

Öl auf Fotografie auf Hartfaserplatte 

335 x 91 cm 

Act Art Collection 






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11. Furniture Sculptures 

1969 entstehen seine berühmten Möbel-Skulpturen, inspiriert durch einen 

Glücksspielautomaten in einem Casino, der in den Torso einer Frau eingelassen 

ist. Die „Furniture Sculptures“ bilden eine Gruppe aus Hutständer, Tisch und 

Stuhl. Die Figuren tragen Fetischkleidung aus Leder, sind stark geschminkt und 

wirken unpersönlich und puppengleich. Nach eigener Aussage waren die 

Figuren gegen das gängige Kunstverständnis, wie eine Skulptur auszusehen 

habe, gerichtet. 

Diese provokativ sexuelle Darstellung von Frauen als Objekte führte trotz aller 

Freizügigkeit der „Swinging Sixties“ auch zu Protesten, gerade seitens der 

Frauenbewegung. Allen Jones wird auf einen Schlag berühmt. 

Hat Stand 

1969 

Mischtechnik 

191 x 108 x 40 cm 







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12. Neue künstlerische Felder in den 70er Jahren 

Eine Zusammenarbeit mit Stanley Kubrick für seinen Film „Clockwork Orange“ 

zerschlägt sich wegen dessen Absicht an Allen Jones kein Honorar zu zahlen. 

Die Ausstattung der „Korova Milchbar“ mit Möbeln, die seinen Skulpturen 

ähneln, werden schließlich von einem Set-Designer entworfen. Neben der 

Ausstattung für die WDR-Fernsehserie „Männer wir kommen!“ übernimmt er 

auch die Ausstattung des freizügigen Musicals „Oh! Calcutta!“ in London. 1976 

ist Jones für das Szenenbild und die Plakate des Films „Maîtresse“ mit Gérard 

Depardieu verantwortlich. Jones erhält Aufträge aus der Industrie. „Kneeling 

Woman“ entsteht als Tapetenmuster. Er entwirft ein Plakat für die 

Olympischen Spiele in München, gestaltet den Pirelli-Kalender von 1973 und 

Werbeplakate für die Strumpffirma Fogal. 

Maîtresse 

1976 


154 x 110 cm 







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13. Die Plastiken beginnend mit den 80er Jahren 

In den 80er Jahren beschäftigt er sich wieder mit Möbelskulpturen; die 

geschwungenen Holzplastiken sind jedoch weniger provokant als die 

Dreiergruppe von 1969, obwohl auch sie meist weibliche Züge aufweisen. Mit 

„Tango“ schafft er für das International Garden Festival in Liverpool 1984 

seine erste große Stahlplastik. Der scherenschnittartige Stil seiner 

großformatigen Plastiken findet sich auch in zahlreichen kleinformatigen 

Figurengruppen aus unterschiedlichen Materialien. Den Metall- und 

Holzskulpturen gehen Maquetten aus Papier, Karton oder Aluminium voraus, 

deren einzelne Elemente von Hand zugeschnitten sind. Diese werden 

zusammengesetzt, gedreht und gebogen. So schafft er es, seinen Figuren eine 

große Leichtigkeit zu schenken. 

Fascinating Rhythm 

1982 

bemaltes Holz 

205,7 x 193 x 98 cm 







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14. Table-Plastiken 

Schon in den 80er Jahren gestaltet er im bewussten Rückgriff auf seine 

realitätsnahen Plastiken wieder streng geformte Frauenfiguren, die in 

Hintergründe eingebunden sind oder auf kleinen Tischen bzw. Sockeln stehen. 

Die Frauen sind entweder nackt oder in hautenge Lederkleidung gezwängt. Sie 

sind kräftig bemalt, entsprechend der Farbgebung seiner Malerei. Teilweise 

erinnert die Strenge dieser Statuen an altägyptische Plastiken. So ist Jones 

dann auch zwischen 1990 und 1999 Trustee, das bedeutet Kurator, in der 

ägyptischen Abteilung des British Museum in London. 

Enchanteresse 

2006 

Fiberglas, Leder, rostfreier Stahl 

196 x 45 x 45 cm 







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15. Malerei beginnend in den 80er Jahren 

Wie bei der Skulptur bleibt er auch bei der Malerei seinem bevorzugten Thema, der 

Dynamik des Männlichen und Weiblichen, treu. Die Werke greifen verschiedene 

Themenbereiche auf. In einer Reihe von Motiven werden Mann und Frau in Form von 

Satzzeichen wiedergegeben. Besonders die Bereiche Musik, Tanz, Theater, Varieté 

oder Gesellschaften und Partys nehmen einen breiten Raum ein. In der Piano-Serie 

ist gut zu erkennen wie Pianospieler und Sängerin miteinander verschmelzen. 

A Question of Grammar 

1986 


152 x 152 cm 







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16. Diptychen und Triptychen 

Wie schon zu Beginn seiner Karriere schafft er Diptychen und Triptychen, 

wobei die nun häufig auftretenden, unterschiedlichen Formate der einzelnen 

Tafeln zur Erzeugung einer dreidimensionalen Tiefe benutzt werden und an die 

Abfolge von Comic-Strips erinnern. In der Malerei ist ein Diptychon ein 

zweiteiliges Gemälde, das zusammen eine Aussage bildet. Die Ausführung mit 

drei Tafeln/Bildteilen heißt Triptychon. Üblicherweise handelt es sich um 

Andachts- oder Altarbilder, die mit Scharnieren verbunden sind. 

Im Triptychon „Interval“ benutzt Allen Jones eine Bild im Bild Technik und 

setzt die Leinwände direkt aneinander. Das Werk zeigt das berühmte Bild von 

Pablo Picasso „Les demoiselles d'Avignon“. 

Interval 

2007 


183 x 183 cm / 138 x 138 cm / 92 x 102 cm 







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17. Ehefrau und Muse 

Seit 1994 ist er mit der Designerin Deirdre Morrow, mit der er seit der Scheidung 

von seiner ersten Frau Janet Brown im Jahr 1978 zusammenlebt, verheiratet. Als 

seine Muse ist sie in zahlreichen Werken wiederzuerkennen. 

Lady Mirror 

1989 

Bleistift auf Papier 

150 x 102 cm 

Act Art Collection 






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18. Serien 

An Allen Jones„ Oeuvre fällt auf, dass er Werkserien mit großem zeitlichem Abstand 

fortsetzt. So folgt seinem Werk „Maîtresse“ von 1976 „London Derrière“ von 2008. 

Seine Frauen in Möbelgestalt nimmt er angelehnt an den bereits erwähnten 

Glücksspielautomaten in „Refrigerator“ 2002 wieder auf. 1991 beschäftigt er sich 

darüber hinaus nochmals mit den „Bus-Bildern“. 

Refrigerator 

2002 

Mischtechnik 

188 x 84 x 37 cm 







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7. Zeitleiste historischer und politischer Entwicklungen 

von den 1950er Jahren bis zur Gegenwart 

Die 1950er Jahre 

1953 

Queen Elizabeth II. 

1957 

Römische Verträge 


1960 

Bürgerrechtsbewegung 

in den USA 

Am 2. Juni 1953 wird Elisabeth II. zur Königin gekrönt. 

Die Bundesrepublik Deutschland, Frankreich, Italien, 

Belgien, die Niederlande und Luxembourg schließen sich 

durch die Unterzeichnung der Römischen Verträge zur 

EWG zusammen. 

Seit Mitte der 1950er Jahre kämpfen große Teile der 

afroamerikanischen Bevölkerung und ihr Hauptvertreter 

Martin Luther King friedlich um die Aufhebung der 

Rassentrennung. 

Antibabypille In den USA kommt die Antibabypille auf den Markt und 

1961 

Bau der Berliner Mauer 

1962 

Kuba-Krise 

ebnet den Weg zur sexuellen Revolution. 

Vom 13. August 1961 bis zum 9. November 1989 trennt 

die Mauer West-Berlin vom Ostteil der Stadt. 

Ist eine äußerst ernste Konfrontation zwischen den 

Vereinigten Staaten und der Sowjetunion. Auslöser ist 

die Stationierung US-amerikanischer, nuklearer 

Mittelstreckenraketen in Italien und der Türkei im Jahre 

1959, gefolgt von der Stationierung sowjetischer 

Raketen auf Kuba im Jahre 1962. Niemals zuvor ist ein 

Atomkrieg so wahrscheinlich wie zu diesem Zeitpunkt. 





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Minirock Die britische Modeschöpferin Mary Quant entwirft den 

1963 

Ermordung John F. 

Kennedys 

Minirock, der bereits drei Jahre später ein 

Verkaufsschlager war. 

Am 22. November 1963 wird Präsident John F. Kennedy 

in Dallas/Texas mit mehreren Gewehrschüssen während 

einer Fahrt durch die Innenstadt im offenen Wagen 

ermordet. 

The Beatles Mit der Single „I Want to Hold Your Hand“ gelingt den 

1964 

Vietnamkrieg 

Beatles der internationale Durchbruch. 

Beginn der amerikanischen Beteiligung am zweiten 

Indochinakrieg. Die brutalen Kampfeinsätze der 

Amerikaner werden im Verlauf des Krieges von der 

eigenen Bevölkerung stark verurteilt. 

1965 Mehr als 17.000 Menschen arbeiten in der Völklinger 

Hütte. Es ist die höchste Beschäftigtenzahl in der 

1966 

Kulturrevolution in China 

1967 

Jungfernflug der Boeing 

737 

Geschichte der Völklinger Hütte. 

Mao Zedong initiiert eine politische Kampagne, um seine 

Macht gegenüber realen und vermeintlichen Gegnern in 

der kommunistischen Partei zu behaupten und die 

Volksrepublik China ganz nach seinen persönlichen 

Vorstellungen umzugestalten. Während ihrer 

dreijährigen Hochphase kam es zu Morden, 

Misshandlungen, Zerstörungen und Restriktionen. 

Im Dezember 1969 erfolgte die Auslieferung der ersten 

Boeing 737-100 an die Lufthansa. Die Boeing 737 ist 

heute eines der meistgebauten Flugzeugtypen; etwa alle 

sechs Sekunden startet eine Maschine. 





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Start Farbfernsehen in 

der BRD 

1968 

Höhepunkt der 

Studentenbewegung 

1969 

erste Mondlandung mit 

Apollo 11 

ARD und ZDF übertragen ab dem 25. August 1967 um 

14.30 Uhr in Farbe. Als gemeinsame Testsendung wurde 

der französische Film „Cartouche, der Bandit“ gezeigt. 

Zusammenschluss von Studenten in den USA und 

Deutschland, die gegen die politischen und 

gesellschaftlichen Verhältnisse (Vietnamkrieg, autoritäre 

Erziehung) und für die Gleichstellung von Minderheiten 

protestieren. 

Am 16. Juli 1969 starten Neil Armstrong, Michael Collins 

und Edwin Aldrin mit der Raumkapsel Apollo 11 in 

Richtung Mond. Vier Tage später betritt Armstrong als 

erster Mensch den Mond. 

Nordirland-Konflikt Die sozialen und wirtschaftlichen Ungleichheiten 


1972 

Geiselnahme von 

München bei den 

Olympischen Spielen 

zwischen den katholischen und protestantischen 

Bevölkerungsgruppen führen zunehmend zu 

gewaltsamen Auseinandersetzungen und 

Terroranschlägen, sodass sich die britische Armee zum 

Eingreifen gezwungen sieht. 

Am 5. September nehmen palästinensische Terroristen 

elf israelische Athleten als Geiseln. Bei einem 

gescheiterten und unzulänglichen Befreiungsversuch 

kommen alle Geiseln, ein deutscher Polizist und fünf 

Terroristen ums Leben. 

Erstes Videospiel Das von Atari entwickelte Spiel „Pong“ gilt als Urvater 

der Videospiele. Es ist ein virtuelles Tischtennisspiel. 





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1973 

Ölkrise 

EG-Beitritt 

Großbritanniens 

1974 

Watergate-Affäre 

1975 

Ende des Vietnamkrieges 

1977 

Deutscher Herbst 

Die erste und bisher folgenreichste Ölkrise beginnt im 

Herbst 1973, als die Organisation der 

erdölexportierenden Länder bewusst die Fördermengen 

drosseln, um den Preis für Erdöl zu erhöhen. Dieses 

Ereignis geht auch unter dem Namen "Ölembargo" in die 

Geschichte ein. Die angesprochene Drosselung der 

Fördermengen ist Kalkül und politisches Druckmittel der 

OPEC-Staaten, die mit der Politik einiger 

erdölimportierender Staaten nicht einverstanden sind. 

Am 1. Januar erfolgt unter Premierminister Edward 

Heath der Beitritt zur Europäischen Gemeinschaft. 

Gravierende Missbräuche von Regierungsvollmachten, 

während der Amtszeit des republikanischen US- 

Präsidenten Richard Nixon zwischen 1969 und 1974. 

Deren Offenlegung ab Juni 1972 führt zum 

Verfassungskonflikt, der mit dem Rücktritt Nixons endet. 

Trotz der amerikanischen Interventionen steht Indochina 

ab diesem Zeitpunkt unter kommunistischer Kontrolle. 

Die Zeit und die politische Atmosphäre in 

Westdeutschland im September und Oktober 1977 ist 

geprägt durch Anschläge der linksextremistischen 

Terrororganisation Rote Armee Fraktion. Die Entführung 

und Ermordung Hanns Martin Schleyers, die Entführung 

des Lufthansa-Flugzeugs "Landshut" und die 

Selbstmorde der inhaftierten führenden Mitglieder der 

ersten Generation der RAF stellen den Höhepunkt des 

deutschen Terrorismus dar. 





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1981 

der erste PC kommt auf 

den Markt 

Der erste Personal Computer des Unternehmens IBM 

kommt auf den Markt. Apple hatte bereits 1977 den 

ersten industriell gefertigten Computer vorgestellt. 

Aids Aids wird als Pandemie eingestuft. 

1986 

Stilllegung der Völklinger Hütte: Der letzte Hochofen 

wird abgestochen. 

1985 Patrick Süskinds Roman „Das Parfum“ erscheint. Bis 

heute wurde er in 46 Sprachen übersetzt und 2006 

1986 

Atomreaktor 

Katastrophe in 

Tschernobyl 

1989 

Fall der Berliner Mauer 


1990 

Wiedervereinigung 

Deutschlands 

verfilmt. 

Bedienungsfehler und Mängel der Konstruktion des 

Reaktors lösen einen so genannten Super-GAU aus, das 

heißt einen Unfall, der die Möglichkeiten der 

eingesetzten Sicherheitstechnik überfordert. Große 

Mengen an radioaktiver Materie werden in die Luft 

geschleudert und verteilten sich hauptsächlich über die 

Region nordöstlich von Tschernobyl, sowie über viele 

Regionen Europas. 

Nach mehr als 28 Jahren Bestand werden in der Nacht 

vom 9. auf den 10. November die Grenzen der DDR zur 

Bundesrepublik geöffnet. 

Am 3. Oktober vollzieht sich die offizielle Deutsche 

Einheit. 

Das Internet wird für kommerzielle Zwecke nutzbar 

gemacht. 





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1991 

Zweiter Golfkrieg 

1991–1995 

Zerfall Jugoslawiens 

1993 

Internet 

Der Irak überfällt Kuwait. Alliierte Kräfte unter der 

Führung der USA befreien den Golfstaat. 

Der Balkankonflikt, der durch 

Unabhängigkeitserklärungen der Teilrepubliken 

Slowenien, Kroatien, Mazedonien und Bosnien- 

Herzegowina und der damit verbundenen Problematik 

der ethnischen Vielfalt in den neu gebildeten 

Nationalstaaten entsteht, zieht eine Reihe von 

Bürgerkriegen nach sich. 

Nachdem bereits 1990 beschlossen worden war, das 

Internet für kommerzielle Zwecke freizugeben, setzt mit 

dem ersten, zudem kostenlosen grafikfähigen Browser 

„Mosaic“, eine rasende Entwicklung ein, da nun der 

Zugang zum Internet auch für Laien problemlos möglich 

ist. 

1994 Die UNESCO erklärt die Völklinger Hütte zum 

Weltkulturerbe. 

Völkermord in Ruanda Der Völkermord in Ruanda unter den Gruppen der Tutsi 

1996 

Schaf Dolly 

und der gemäßigten Hutu beginnt in der Nacht vom 6. 

April zum 7. April 1994 und kostet innerhalb von nur 100 

Tagen 500.000 bis 1 Million Menschenleben. Anlass ist 

der Konflikt zwischen der damaligen ruandischen 

Regierung und der Rebellenbewegung Ruandische 

Patriotische Front. 

Nach dem Ende der Apartheid wird Nelson Mandela zum 

ersten schwarzen Präsidenten Südafrikas gewählt. 

Dolly, das erste geklonte Säugetier, wird geboren. 

Der letzte von Frankreichs 210 Atombombentests wird 

auf dem Moruroa-Atoll durchgeführt. 





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1997 

Lady Diana stirbt 

1998 

Game Boy 

Am 31. August 1997 kommt Lady Di bei einem Autounfall 

in Paris ums Leben. Die Unfallursache bleibt ist bis heute 

ungeklärt. 

Die Sonde Pathfinder landet am 4. Juli mit dem 

Geländewagen Sojourner auf dem Mars. 

In Japan kommt „Game Boy“ auf den Markt. 

„Karfreitagsabkommen“ Am 30. April wird das Friedensabkommen für Nordirland 

1999 

Weltbevölkerung 

geschlossen, das „Karfreitagsabkommen“ (Good Friday 

Agreement). 

Die Anzahl der weltweit lebenden Menschen übersprang 

nach Berechnungen der UN erstmals die 6-Milliarden- 

Marke. 

Sonnenfinsternis Am 11. August 1999 findet in Europa eine totale 


2001 

9/11 

2002 

Euro 

2003 

Zweiter Irakkrieg 

Sonnenfinsternis statt. 

Fundamentalistische Terroristen unternehmen Flugzeug- 

Anschläge auf das World Trade Center in New York 

sowie das Pentagon und das Weiße Haus in Washington, 

wobei letzterer fehlschlägt. 

Am 1. Januar 2002 löst der Euro als Zahlungsmittel die 

nationalen Währungen von 17 Mitgliedsstaaten der EU 

ab. 

Als Reaktion auf die Terroranschläge vom 11. September 

2001 beginnt die sogenannte „Koalition der Willigen“ 

unter der Führung der USA und Großbritanniens den 

Zweiten Irakkrieg gegen Saddam Hussein. Die Truppen 

werden im Jahr 2011 wieder abgezogen. 





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2008 

Bankenkrise 

2009 

Barack Obama 


2011 

Arabischer Frühling 

Ungehemmte Spekulationen führen zu einer 

Bankenkrise, die zunächst die USA, dann auch die 

meisten europäischen Staaten in eine schwere 

Wirtschaftskrise stürzt. 

Barack Obama wird am 20. Januar 2009 als erster 

afroamerikanischer Präsident der USA vereidigt. 

Bereits im Dezember 2010 beginnt eine Serie von 

Protesten, Aufständen und Revolutionen gegen die 

autoritären Regime in der arabischen Welt. Im Jahr 2011 

führen diese Protestbewegungen zum Sturz einiger 

Staatsoberhäupter, z.B. in Ägypten Muhammad Husni 

Mubarak. 

Free Spirit 

1999 

Bronze 

64 x 25 x 30 cm 







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8. Unterrichtsvorschläge 

Fächerübergreifende Unterrichtsvorschläge für Bildende 

Kunst und Politik (gymnasiale Oberstufe) 

Unterrichtsvorschlag für das Fach Kunst (Oberstufe) 

Thema: Pop-Art 

Im Unterricht 

Um die Arbeiten des Pop-Art Künstlers Allen Jones erfassen zu können, ist es 

wichtig zu klären, was man unter dieser Kunstrichtung versteht. Dazu können 

Vertreter der englischen Pop-Art-Bewegung mit den wichtigsten Vertretern 

Eduardo Paolozzi, Peter Blake, David Hockney, Allen Jones oder Ronald B. 

Kitaj besprochen werden. Zum Vergleich kann die amerikanische Pop-Art mit 

Künstlern wie Andy Warhol, Roy Lichtenstein oder Jasper Johns herangezogen 

werden. Begleitend zu dieser Unterrichtseinheit sind im Lernpaket 

Informationen zu einigen genannten Künstlern enthalten, sowie eine kurze 

Erläuterung zur Pop-Art und ein Pop-Art-ABC, in dem die wichtigsten Begriffe 

zum Thema aufgeführt sind. 

Die theoretische Behandlung der Kunstrichtung kann durch eine praktische 

Arbeit ergänzt werden. Vorschläge: 

Seriendrucke/Siebdruckverfahren 

Werbegrafiken 

Collagen 

In der Ausstellung 

Anhand der Exponate ist es möglich, die Merkmale der Pop-Art noch einmal 

nachzuvollziehen oder den Besuch als Vorbereitung für den theoretischen Teil 

zu nutzen. 





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Thema: Farbe 

Im Unterricht 

In der Farbgebung der Werke von Allen Jones zeigt sich der Einfluss der 

Expressionisten und des Bauhauses. Wie auch die Expressionisten benutzt der 

Künstler reine und intensive Farben und sagt: „Ich vermeide es nach 

Möglichkeit zu mischen, denn je mehr reine Farbe man direkt aus der Tube 

aufträgt, desto besser bewahrt sie ihre chromatische Intensität.“ 

Farbkreis nach Itten 

(Quelle: 

http://de.wikipedia.org/wiki/Jo 

hannesItten) 

[22.Oktober 2012] 

Sein Einsatz der Farben ist stark von der Theorie des zwölfteiligen Farbkreises 

des Bauhauskünstlers Johannes Itten beeinflusst. In seinen Werken spielt die 

Gegensätzlichkeit der Farben eine große Rolle. 

Die Verwendung von Ausdrucksfarbe soll beim Betrachter bestimmte 

Emotionen hervorrufen. Durch Friedrich Nietzsche und Carl Gustav Jung 

beeinflusst, spiegelt sich in seinen Werken auch ihre Theorie, nach welcher der 

Intellekt eine männliche und die Emotion eine weibliche Eigenschaft ist wider. 

Die häufig dargestellten, eng umschlungenen Paare sind eine Metapher für die 

Vereinigung der beiden Kräfte, die im kreativen Akt gemeinsam zu 

Vollkommenheit führen. 


The Artist Thinks 

1960 


121 x 121 cm 







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Wie wurde Farbe bei den Bildern/den Objekten eingesetzt? 

Wo besonders kontrastreich, besonders farbintensiv oder symbolisch? 

Wie wurde die Theorie des Farbkreises nach Itten umgesetzt? 

Thema: Werkvergleich 

Im Unterricht 

Innerhalb der Kunstgeschichte ist häufig zu beobachten, dass sich Künstler 

durch ihre Werke gegenseitig inspirieren. Auch Allen Jones adaptierte im 

Rahmen seiner Laufbahn Arbeiten von Künstlern wie Henri Matisse oder Joan 

Miró, beides Vertreter der Klassischen Moderne. Der 1869 geborene, 

französische Künstler Henri Matisse gilt als Begründer des Fauvismus und 

malte großflächig, mit intensiven Farben. Der spanische Künstler Joan Miró 

wurde 1893 in Barcelona geboren und durch seine fantasievolle Malerei, die oft 

an Kinderzeichnungen erinnert, bekannt. Auch er nutze kräftige Farben und 

vereinfachte Formen. 

Es bietet es sich an, das Original und die Adaption einander gegenüber zu 

stellen. Da ein Werkvergleich formalen Kriterien unterliegt, können diese zur 

Vorbereitung besprochen werden. 

Vorschläge für den Werkvergleich: 

siehe nächste Seite 





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Henri Matisse 

L´Etrange Farandole 

1938 

(Quelle: 

http://www.amolenuvolette.it/root/image/abrupt_cli 

o_team.folder/matisse%201931- 

1953.folder/010%5Bamolenuvolette.it%5D1938%20projet%20de%20rideau%20pour%20etrange%2 

0farandole.jpg) [22.Oktober 2012] 


Arabesque 

1997 

Holz und Stahl, bemalt 

53 x 70 x 35 cm 







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(Quelle: http://media.kunst-fueralle.de/img/15/m/15_egim512~joan-miro_blau-ii.jpg) 

[22.Oktober 2012] 

Joan Miró 

Bleu II 

1961 


Falling Figure 

1964 

273 x 244 cm 

Sammlung Museum Ludwig 






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Thema: „Shaped Canvases“ 

Im Unterricht 

In den sechziger Jahren malt Allen Jones seine Werke auf geformte 

Leinwände, sogenannte „Shaped Canvases“. Er gibt das traditionelle, 

rechtwinklige Bildformat auf und gestaltet die Leinwand nach dem Bildinhalt, 

der dadurch verstärkt wird. Die innere Struktur bestimmt den äußeren Rahmen 

und umgekehrt. 

2 nd Bus 

1962 


123 x 153 cm sowie zwei Leinwände mit 

31 x 31 cm 



(Quelle: http://www.bridgemanart.com/en- 

GB/news-and-features/collectionhighlights/2009/june/allen%20jones) 

[22.Oktober 2012] 

Beispiel: Das 

Werk „Falling Woman“ hat die Form eines Schlüssellochs. Man blickt unter den 

Rock einer fallenden Frau. Die schlüssellochartige Form und der Blick in den 

Intimbereich versetzen den Betrachter in eine voyeuristische Rolle. 

Beispiel: Bei der „Bus-Serie“, soll durch eine schräge Leinwand der Eindruck 

von Geschwindigkeit vermittelt werden. 

Wunderbare Landung 

1963 

122 x 75 cm 

Sammlung Ferens Art Gallery 


(Quelle: 

http://ichef.bbci.co.uk/arts/yourpaintin 

gs/images/paintings/fg/large/ery_fg_2 

005_5086_large.jpg) 

[22.Oktober 2012] 





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Beispiele für Thematiken im Unterricht: 

Wie wird Geschwindigkeit bei anderen Künstlern dargestellt (z.B. Futurismus)? 

Wo wird der voyeuristische Blick in der Kunst noch angewendet? 


Bilder der Bus-Serie betrachten und mit eigener Thematik im Unterricht 

verbinden. 

Thema: Skulpturen 

Im Unterricht 

Ab den 80er Jahren schafft Allen Jones scherenschnittartige Plastiken sowohl 

großformatig, für den öffentlichen Raum, als auch kleinformatig, für 

Innenräume. Den Skulpturen aus Holz oder Metall gehen verkleinerte Modelle 

aus Papier, Karton oder Aluminium voraus. Sie werden mit der Hand 

ausgeschnitten, zusammengesetzt, gedreht und gebogen. Den Plastiken 

gemein ist die große Leichtigkeit. 

Arbeitsvorschlag: 

Gestalten eines verkleinerten Modells nach Vorbild der Plastiken von Allen Jones. 

Acrobat 

1992 

Chelsea and Westminster 

Hospital 


(Quelle: 

http://www.digitimaging.com/wp 

-content/uploads/2011/01/Artin-the-City...London_009- 

200x300.jpg) [22.Oktober 2012] 





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Fascinating Rhythm 

1982 

bemaltes Holz 

205,7 x 193 x 98 



Two to Tango 

1997 

TaiKoo Place, Hong Kong 

© Armand Attard 

(Quelle: http://www.weheart.co.uk/uploadimages/swirehotelsart8.jpg) 

[22.Oktober 

2012] 





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Unterrichtsvorschlag für das Fach Politik (Oberstufe) 

Thema: Die gesellschaftliche Stellung der Frau 

Im Unterricht 

Allen Jones wirkte in den 60er Jahren in einer Zeit, in der die feministische 

Bewegung in Europa und den USA immer mehr an Raum gewinnt. Noch 1958 

konnte der Ehemann in Deutschland nach Belieben den Anstellungsvertrag 

seiner Frau kündigen und bereits gute zehn Jahre später bekennen 374 

Frauen, darunter Romy Schneider und Senta Berger: "Wir haben abgetrieben!“ 

Die Stellung der Frauen in der Gesellschaft durchlebt einen rasanten Wandel. 

Eines der durchgehend behandelten Themen bei Allen Jones ist die Frau. Oft 

werden sie in Lack- und Lederkleidung dargestellt. Das aufsehenerregendste 

Werk sind seine „Furniture Sculptures“, die bei ihrer Erstausstellung 1970 auf 

heftige Kritik seitens der Emanzipationsbewegung stoßen. In dem Werk 

verdinglicht er die spärlich in Lack gekleideten Frauenfiguren zu Möbelstücken. 

Die Empörung gipfelt in einem Säureattentat auf die Skulptur „Chair“. 


Bei diesem Thema ist es sinnvoll, sich die Werke vor Ort anzuschauen. 

Hat Stand 

1969 

Mischtechnik 

191 x 108 x 40 cm 

Sammlung Allen 

Jones 


Table 

1969 

Mischtechnik 

60,9 x 83,8 x 144,8 cm 

Sammlung Gunter Sachs 


Chair 

1969 

Mischtechnik 

77 x 100 cm 

Sammlung Gunter Sachs 






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Thema: Historische und gesellschaftliche Ereignisse von 1960–2007 

Im Unterricht 

Hier kann die im Lernpaket enthaltene Zeitleiste den Ausgangspunkt bilden, 

um Themen auszusuchen. 

Mögliche Themen: 

Bürgerrechtsbewegung in den USA 

Ölkrise 

Fall der Berliner Mauer 

Poster für die Olympischen Spiele 

in München 

1972 

Lithografie 

102 x 64 cm 

Sammlung Institut für 

Kulturaustausch, Tübingen 






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9. Quellentexte 

Allen Jones. Leben und Werk 

von Otto Letze 

»Er war jung, dynamisch und britisch – und der provokanteste Pop-Künstler jener Zeit. Nur 

Galerien wagten, seine lackbestiefelten, naturgetreuen Frauenfiguren zu zeigen.« 

Andy Warhol hat seine Marilyns, Roy Lichtenstein seine »comic book paintings«, Tom 

Wesselman seine Great American Nudes. Allen Jones hat seine »furniture sculptures«, die 

ihm einen Stern auf dem Walk of Fame der Pop-Art gesichert haben. Nur war es für Jones 

sicherlich am schwierigsten, seinen Stern zu erlangen. Heftige Kontroversen, Rauchbomben 

und sogar Säureattacken hinderten diese dreiteilige Möbelfigurengruppe lange Zeit daran, 

ihren wohlverdienten Platz am Firmament der Pop-Art-Meisterwerke einzunehmen. Besagte 

drei 1969 entstandene Frauenfiguren bilden zusammen ein elementares 

Wohnzimmermobiliar der ungewöhnlichsten Art: Eine der Frauenfiguren kniet auf allen 

Vieren – leicht bekleidet in Leder, lediglich mit Slip, Korsett, Handschuhen sowie 

hochhackigen Stiefeln. Ihr flacher Rücken dient als Untergestell einer Glastischplatte, die sie 

dank eines auf dem Boden vor ihren Augen liegenden Handspiegels wiederum betrachten 

kann. Die zweite Figur agiert in ähnlicher Aufmachung – mit nacktem Oberkörper, ebenso 

stark geschminkt – als Stuhl beziehungsweise Sessel: Sie liegt auf dem Rücken, ihre 

Oberschenkel berühren ihre Brüste und die Unterschenkel streckt sie in die Höhe, sodass 

diese als Rückenlehne dienen können. Das lebensgroße Trio wird durch eine stehende und 

ebenfalls leicht bekleidete weibliche Figur vervollständigt, die als Hutständer konzipiert ist. 

Eine Radikalisierung der Aussage dieser Möbelskulpturen ergibt sich aus ihren plakativen 

Titeln: Table, Chair und Hat Stand. Sie reduzieren die Frauenfiguren auf ihre Funktion; die 

weiblichen, ihrer Persönlichkeit beraubten Wesen mutieren zu Möbelstücken. Eine derartige 

voyeuristische Präsentationsform brachte dem damals 32-jährigen Künstler auf einen Schlag 

zum einen internationale Bekanntheit und immer vollere Auftragsbücher, zum anderen aber 

auch heftige Kritik der Emanzipationsbewegung ein, die sich bis zum heutigen Tag noch nicht 

ganz gelegt hat. Vermutlich sind die Verantwortlichen für den Vandalismus an seinen Werken 

in eben diesen Kreisen zu suchen. Aber all dies hat Allen Jones nicht daran gehindert, den 

Frauenkörper weiterhin in seinen Werken zu thematisieren. 

Geboren wurde Allen Jones am 1. September 1937 in Southampton als Sohn walisischer 

Eltern. Bereits kurz nach seiner Geburt siedelt die Familie nach London über. Dort erlebt er 

im jungen Alter von vier Jahren »The Blitz«, die Angriffe der deutschen Luftwaffe auf 

London; dieses einschneidende, schreckliche Ereignis gehört zu seinen frühesten 

Kindheitserinnerungen. 





Tel. 06898/9 100 159, Fax 06898/9 100 111 





Von 1955 bis 1959 studiert er Malerei und Lithografie am Hornsey College of Art in London. 

In dieser Zeit entsteht eines seiner frühesten Werke, Self-Portrait (1957). Es zeigt den 20- 

jährigen, sehr schüchtern und verunsichert wirkenden Künstler mit Hemd und dunklem 

Pullover vor einem neutralen rötlichen Hintergrund. Während das Gesicht noch detailliert 

ausgearbeitet ist, sind Pullover und Hintergrund sehr flächig gehalten und markieren damit 

schon eine Hinwendung zur abstrahierenden Vereinfachung. Die weiche, runde 

Pinselführung folgt der Form des Porträtierten, wodurch das Zusammenspiel von Fläche 

und Farbe an Bedeutung gewinnt. In diese frühe Schaffensphase fallen auch seine ersten 

grafischen Werke. 

Ende der 1950er-Jahre reist Allen Jones nach Frankreich, wo er in der Provence neben 

Arles auch das einstige Atelier von Paul Cézanne in Aix-en-Provence sowie das Musée 

national Fernand Léger in Biot besucht. In Paris sind es vor allem die Bilder des Malers 

Robert Delaunay im Musée d‟Art Moderne de la Ville, die ihn nachhaltig beeindrucken. Von 

1959 bis lediglich 1960 setzt Allen Jones sein Malereistudium am renommierten Royal 

College of Art in London fort, wo er zusammen mit dem amerikanischen Maler und 

Druckgrafiker Ronald B. Kitaj sowie mit den englischen Malern Peter Phillips, David 

Hockney und Derek Boshier in einer Klasse arbeitet. Sie alle waren Zeugen der Geburt der 

britischen Pop-Art-Bewegung, setzten sich kritisch damit auseinander und wurden bald – 

nach den Pionieren Richard Hamilton und Eduardo Paolozzi – zu den wichtigsten Vertretern 

der zweiten Generation der britischen Pop-Art. Bereits am Ende seines ersten 

Studienjahres am Royal College of Art musste Allen Jones wegen heftiger 

Auseinandersetzungen mit dem Lehrkörper das College verlassen. Das Lehrerkollegium 

hatte offensichtlich mit mehreren provokanten Künstlern aus seiner Klasse Probleme. Die 

Ausbildung am Royal College of Art zielte darauf hin, Kunstlehrer und nicht freie Künstler 

auszubilden. Freie Kunst und Interpretation stellte nur einen kleinen Anteil im 

Lehrprogramm dar und das enge Korsett des klassischen Kunstlehrekanons wurde von 

vielen Künstlern am College immer wieder gesprengt. Dass es ausgerechnet Allen Jones 

war, der des Colleges verwiesen wurde, war eine willkürliche Entscheidung. Es sollte ein 

Exempel statuiert werden, das ihn und seine Kommilitonen abschrecken sollte; es hätte 

auch jeden anderen treffen können. 

Während seiner Studienjahre interessiert Jones sich für formale Fragen der abstrakten 

Malerei, ohne die Figürlichkeit ganz aufzugeben. Er beginnt schon zu diesem frühen 

Zeitpunkt seiner Karriere, die formalen Konventionen der klassischen Malerei zu 

durchbrechen. In den 1960er-Jahren schafft er seine ersten sogenannten Shaped Canvases. 

Diese Leinwände überwinden die viereckige Form, um dadurch einerseits Inhalte zu 

verstärken, andererseits um die Expressivität der Werke zu akzentuieren. Ein Beispiel dafür 

ist Allen Jones‟ Bus-Serie, in der die schrägen Leinwände den Eindruck von Geschwindigkeit 

vermitteln. 





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Oder auch sein 1964 entstandenes Werk Falling Woman: Durch die schlüssellochförmige 

Leinwand erhascht der Betrachter einen Blick auf den Intimbereich einer fallenden Frau. Die 

ungewöhnliche Form versetzt den Betrachter in die physische Position des Voyeurs. Um die 

Illusion des Schlüssellochblicks zu komplettieren, bedient sich Jones der Farbabstufung und 

schafft somit den Anschein von Tiefe. Auch Marriage Medal, Wunderbare Landung und 

Cockpit (alle von 1963) sind Beispiele für Shaped Canvases. 

1961 kehrt Jones an das Hornsey College zurück, wo er eine Ausbildung zum Zeichen- und 

Mallehrer absolviert. Zwischen 1961 und 1963 unterrichtet er Lithografie am Croydon 

College of Art und 1964 Zeichnen an der Chelsea School of Art. Die Lithografie, sein 

bevorzugtes grafisches Verfahren, begleitet den Künstler bis heute. Ideen und Motive, die 

sich in seinen Gemälden kristallisieren, sind oft in seinen Lithografien und Zeichnungen 

bereits zuvor bearbeitet worden. Andere, in Gemälden entstandene Motive werden später 

häufig in Lithografien verarbeitet oder neu dargelegt. Die Interaktion und die 

Gleichwertigkeit dieser und weiterer Gattungen sind charakteristisch für Jones‟ Œuvre. 

Auch seine Lehrtätigkeit wird über die nächsten 40 Jahre ein fester Bestandteil seines 

Lebens bleiben. 

Angeregt durch die Lektüre Friedrich Nietzsches, Sigmund Freuds und Carl Gustav Jungs, 

auf die sich bereits vor Jones verschiedene Künstler bezogen haben, wie zum Beispiel René 

Magritte, Salvador Dalí und Willem de Kooning, ist Allen Jones‟ Werk Anfang der 1960er- 

Jahre inhaltlich stark psychologisch ausgerichtet. Nietzsche und Jung definierten den 

Künstler als jemanden, der über sich selbst hinaus schafft. Nach Nietzsche ist der Intellekt 

eine männliche und die Emotion eine weibliche Eigenschaft. Für den kreativen Akt sind beide 

gleichbedeutende Kräfte. Allen Jones folgt diesem kulturpsychologischen Ansatz, indem er 

seine Bilder als Versuch darstellt, beide Bestandteile der menschlichen Seele miteinander 

zu versöhnen. Seine eng umschlungenen Paare sind Metaphern des kreativen Akts und der 

ganzheitlichen Synthese zwischen gleichberechtigten männlichen und weiblichen Elementen 

im künstlerischen Schaffensprozess. Hieraus entwickelt sich das prägnanteste Bildmotiv, 

das heute noch Allen Jones‟ Werke bevölkert: Wo-Men! Frauen-Männer! So wie das 

englische Wort für »Frau« sich den Stamm mit jenem für »Mann« teilt, so entwickelte Jones 

eine androgyne, hermaphrodite Weltsicht, die er in seinen Bildern immer wieder zum 

Ausdruck bringt. 

Wenn man von einigen Auftragswerken oder auch der Tatsache, dass er gerne seine 

Ehefrauen als Modell nahm, absieht, bleiben die männlichen und weiblichen Figuren bei 

Jones stereotypisch anonym. Ihn interessiert ihre Kraft und Präsenz auf der Leinwand weit 

mehr als einzelne Menschen. Ein frühes Beispiel hierfür ist das Ölgemälde Hermaphrodite 

aus dem Jahr 1963 (Abb. 10), übrigens das erste Werk von Allen Jones, das von einem 

Museum angekauft wurde. 





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In seiner Dialektik zwischen Maskulinität und Femininität reflektiert dieses Werk Intellekt 

versus Emotion, Spiritualität versus Sensualität. 

Hinsichtlich dieses Aspekts versteht Jones ein Werk des amerikanischen Malers Jackson 

Pollock, Guardians of the Secret von 1943, als ein Schlüsselwerk. Der abstrakte 

Expressionist war in den 1940er-Jahren vom Surrealismus und von der Idee fasziniert, dass 

die Quelle der Kunst aus dem Unterbewusstsein kommt. i Im frühen Stadium seines 

Schaffens hatte Pollock, wie die Surrealisten und auch Allen Jones, einen engen Bezug zur 

Psychoanalyse. In diesem noch vor seiner »Dripping«-Technik entstandenen Werk setzt der 

amerikanische Künstler sich mit unterschiedlichen Einflüssen auseinander: amerikanischer 

naiver Malerei und Masken, Picasso sowie den Ideen Carl Gustav Jungs. Der Bildinhalt ist 

auf zwei konzentrische, rechteckige Bereiche verteilt: Links im Außenbereich steht eine 

weiblich anmutende Figur, zu der rechts symmetrisch das männliche Pendant wacht. Diese 

Wächter scheinen ein Geheimnis im inneren Bereich zu schützen, das wie auf einer Bühne 

präsentiert wird. Diese Präsentationsart zusammen mit der männlich-weiblichen Dualität 

sind Verknüpfungspunkte zu Jones‟Œuvre. Einige seiner Werke tragen sogar als Titel Zitate 

aus Nietzsches Werk Also sprach Zarathustra (1891). Dies unterstreicht die wesentliche 

Rolle, die der Philosoph und speziell dieses Werk für Jones‟ künstlerisches Schaffen spielt: 

»Ich habe es als Prüfstein verwendet. In Schaffenskrisen habe ich durch Zarathustra eine 

Erkenntnis gewonnen, wenn ich ›Kreativität‹ durch ›Superman‹ ersetzt habe.« 

Stilistisch ist sein Frühwerk – ähnlich wie das von David Hockney – geprägt von Rückgriffen 

auf die Kunst vor 1945: Während sein Grey Self-Portrait von 1960 mit seinen kühlen 

Grautönen noch sehr vom Einfluss der europäischen Kubisten zeugt, steht sein Selbstporträt 

The Artist Thinks aus demselben Jahr mit seinen leuchtenden und flächenbildenden Farben 

eher in der Tradition der Fauvisten wie Henri Matisse oder André Derain. Wie die Wegbereiter 

der Abstraktion, Wassily Kandinsky und Robert Delaunay, so malt auch Allen Jones bis heute 

abstrahierend von Gegenstand und Lokalkolorit, ohne dass sich sein Werk je völlig von der 

Präsenz der Figur löst. Als Maler und Sekretär beteiligt sich Allen Jones 1961 an der 

Ausstellung Young Contemporaries, die vor allem der zweiten Generation der britischen Pop- 

Art – das öffentliche Interesse an den Werken der Pioniere Richard Hamilton und Eduardo 

Paolozzi war Ende der 1950er-Jahre schon etwas abgeebbt – zum internationalen 

Durchbruch verhilft. Nicht zuletzt durch die Teilnahme an dieser Gruppenausstellung wurde 

Allen Jones anschließend von der Galerie Arthur Tooth & Sons in London unter Vertrag 

genommen und in den darauffolgenden Jahren regelmäßig in Einzelausstellungen 

präsentiert. 1963 erhält Allen Jones auf der Troisième Biennale de Paris: Manifestation 

biennale des jeunes artistes im Musée d‟Art Moderne de la Ville de Paris den Prix des jeunes 

artistes für seine Werke 3 rd Big Bus Red (1962), 10 th Bus Cornering (1962) sowie Parachutiste 

No. 2 (1963). 





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»1905 wollte man [als Künstler] nach Paris gehen. Und in den frühen 1960er-Jahren war für 

jedermann klar, dass New York der Ort war, an dem man sich messen wollte.« Kurz nach der 

Pariser Biennale zieht es Allen Jones wie seinen Studienkollegen David Hockney 1964 mit 

seiner damaligen Ehefrau Janet (geb. Bowen) nach New York. Zwei Jahre zuvor hatte er 

bereits seine erste Begegnung mit der amerikanischen Pop-Art, die ihn schwer beeindruckte. 

Speziell das Werk Step-On Can with Leg von Roy Lichtenstein faszinierte Jones und 

motivierte ihn, künstlerisch lieber seinen Träumen nachzugehen anstatt sich an die Regeln 

der formellen Kunsterziehung zu halten. ii Nachdem sich Jones zuerst in der berühmten 

Künstler- und Bohemienunterkunft, dem Chelsea Hotel in New York, eingemietet hatte, 

unternimmt er eine ausgedehnte Reise durch die USA. Eine besondere Begeisterung 

entwickelt er für Kalifornien; nach einem Aufenthalt in New Mexico hält er sich im Rahmen 

eines Stipendiums am Tamarind Lithography Workshop, Inc. in Los Angeles auf. iii Immer 

wieder wird Jones dorthin zurückkehren, um unter anderem auch an der University of 

California (in Los Angeles und Irvine) zu unterrichten. Er bleibt insgesamt zwei Jahre in den 

USA, bevor er nach England zurückkehrt. Kurze Zeit später werden seine Zwillingstöchter 

Sarah und Thea geboren. Während Hockney seine Aufmerksamkeit auf die Bildwelt des 

Massenkonsums lenkt, entdeckt Jones in den USA den reichen Bildervorrat erotischer, 

sexuell konnotierter Illustrationen und populärer Druckgrafik, wie sie unter anderem in 

Bestellkatalogen, Hochglanzzeitschriften, Werbeanzeigen und auf Merchandising-Produkten 

der 1940er- und 1950er-Jahre zu finden sind. Diese stereotypen, bislang nicht kunstwürdigen 

Darstellungen des weiblichen Körpers verwendet er, um eine neue, unkonventionelle und 

irritierende Bildsprache zu entwickeln. Versatzstücke aus Fetischcomics und 

Transvestitenkleidung sowie Nachtclubschönheiten werden zum Bildgegenstand erhoben: 

Frauen tragen oft Kleidung aus Leder oder Gummi. Diese Themen dienen Jones als Vorlage 

für künstlerisch ambitionierte, motivisch jeweils scharf umrissene Gemälde, die für sein 

weiteres Schaffen charakteristisch werden sollten. Von nun an konzentriert Jones sich 

darauf, die in seiner Arbeit bislang eher latent angelegte Erotik mit deutlich aggressiverer 

Geste herauszuarbeiten. 

Jones‟ Werke dieser Zeit sind teils noch zweidimensional, doch werden immer wieder auch 

dreidimensionale Elemente ins Bild eingebracht. Mit dem Einfügen realer Sockel oder 

Treppenstufen (First Step, 1966 und La Sheer, 1968), dem Montieren einer hölzernen 

Krawatte auf ein Porträt (Curious Man, 1964) oder einem mit Epoxidharz befüllten 

Plastikbusen (Curious Woman, 1964/65) bewegt sich Jones künstlerisch einen Schritt weiter 

in Richtung Skulptur, hinein in die Dreidimensionalität. Für den Betrachter potenziert sich so 

die Illusion der Nähe zum Geschehen im Bild. In den sogenannten Step Paintings dienen die 

Sockelkonstruktionen dazu, den Betrachter ins Bild hineinzuführen. 





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Für die Akteure auf der Leinwand wirken diese dreidimensionalen Elemente wie eine subtile 

Einladung, das Medium Leinwand zu verlassen und den realen Raum zu betreten. Der 

Prozess des konturierten Überzeichnens, des »Aufblasens« seiner erotischen 

Fetischbildinhalte, gipfelt vorerst 1969 in der Schaffung der eingangs erwähnten berühmt- 

berüchtigten Möbelskulpturen. Er lässt die Figurengruppe nach einem Besuch in einer 

Spielhalle in Reno, Nevada, anfertigen. Von dort hat er die Fotografie einer sogenannten 

»slot machine« mitgebracht, eines Spielautomaten in Form einer Frauenfigur, die auf 

sexistische Weise als Showgirl inszeniert wird. In Anlehnung daran sind Jones‟ surreal- 

masochistische Schaufensterpuppen-Möbel Frauenfiguren in engen Korsagen. 

Allen Jones‟ Malstil dieser Zeit entwickelt sich zu einem sehr linearen, der die Konturen klar 

umreißt, als Mittel, um die Körperlichkeit der dargestellten Figuren zu betonen, ja zu 

überbetonen. Aufgrund des feinen, elaborierten Duktus und der plastischen Auffassung 

seiner Motive erscheinen die gemalten Bilder durchaus skulptural. Ein Beispiel hierfür stellt 

Jones‟ Beitrag für die documenta 4 in Kassel 1968 dar, wo er zusammen mit Andy Warhol 

und anderen Künstlern einige seiner Werke als Repräsentant der nun etablierten Pop-Art- 

Bewegung vorstellte. Das ungewöhnliche Triptychon Perfect Match von 1966/67 besteht aus 

drei übereinander montierten Leinwänden, die durch scharfe schwarze Konturen sowie Licht- 

und Schattendarstellungen einen Frauenkörper wiedergeben. Weitere auf der documenta 4 

ausgestellte Werke waren A Matter of Fact (1967/68) sowie What Do You Mean What Do I 

Mean? (1968). Bei Letzterem handelt es sich um ein Diptychon in schmalem Hochformat. Der 

untere Teil des Gemäldes stellt ein älteres Werk des Künstlers, Wet Seal von 1966, dar. Diese 

Vorlage ist hier in Form einer mit Airbrush übermalten Fotografie auf Holz bearbeitet und 

zeigt ein Paar muskulöser Frauenbeine in eng anliegenden schwarzen Leggins mit hohen 

Absatzschuhen. Der obere Teil des Diptychons gibt eine vollbusige Frau mit wehenden 

Haaren, erschrockenem Gesichtsausdruck und tränenden Augen wieder. 

Im Jahr der documenta-Teilnahme produziert Jones sein erstes Künstlerbuch mit dem Titel 

Allen Jones Figures. Das Buch vereint einen umfangreichen Fundus an Material wie 

Zeitschriften und Werbung aus Jones‟ Beständen, das ihn zu zahlreichen seiner Kunstwerke 

inspiriert hat. Außerdem sind Skizzen und Studien sowie Fotografien zu einer Reihe von 

bedeutenden Werken darin enthalten, wie zum Beispiel von A Figment in Pigment (1969), 

Perfecto (1969) sowie Chair und Hat Stand (1969). Besonders interessant ist dabei Jones‟ 

Kategorisierung des Quellenmaterials in Themen wie etwa »Women in ecstasy«, »Women in 

synthetic garments«, »Women as rhythm«, »Women on benches«, »Water women« und 

»Women as men«. Die Frau erweist sich für den Kreativen Allen Jones als unerschöpflicher 

Fundus an Ideen und Motiven. Im Anschluss an die documenta 4 erhält Jones von 1968 bis 

1970 eine Gastdozentur an der Hochschule für Bildende Künste in Hamburg. 1969 lehrt er als 

Gastprofessor Malerei an der University of South Florida in Tampa. 





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Die 1970er-Jahre stehen im Zeichen der Auseinandersetzung mit weiteren künstlerischen 

Disziplinen: 1970 entwirft Allen Jones Ausstattung und Kostüme für die erotisch-freizügige 

Bühnenrevue 0h! Calcutta! in London, geschrieben vom britischen Theaterkritiker Kenneth 

Tynan. Wieder geht es um die Beziehungen von Mann und Frau und deren Wirrnisse. Die aus 

sechs Sketchen bestehende Show war zu jener Zeit sehr kontrovers, denn das Ensemble – 

sowohl seine männlichen als auch weiblichen Mitglieder – trat in mehreren Szenen nackt auf. 

Der Titel stellt eine Verballhornung aus dem Französischen dar: Oh quel cul t‟as (»Oh, was 

für einen Hintern Du hast«) ist abgeleitet aus dem Titel eines Kunstwerks des französischen 

Malers Clovis Trouille. In dieser Inszenierung experimentiert Jones mit dem Licht. Die 

Theaterbühne gestaltet er als »Lichtschachtel«, in die er anstatt farbiger Kulissen Darsteller 

als mobile Bildpunkte einsetzt und mit deren Schattenwurfeffekten überrascht. Die Kostüme 

der Schauspieler sind wie bei den Figuren seiner Gemälde und Skulpturen eng anliegend, 

knapp und äußerst freizügig. 

Für die Fernsehproduktion Männer wir kommen! des Westdeutschen Rundfunks mit Senta 

Berger in der Hauptrolle entwirft Allen Jones die Kostüme und das Set-Design. Sein 

Engagement für diesen 1970 unter der Leitung des holländischen Regisseurs Bob Rooyens 

entstandenen Film belegt erneut, dass die gegen ihn erhobenen Vorwürfe, er sei ein – 

wenngleich intellektuell zynischer – männlicher Chauvinist, nicht zutreffen. Die Sendung ist 

aus heutiger Sicht eine moderne, ironische Satire auf die Emanzipationsbewegung der Frau, 

umgesetzt in Form einer farbenfrohen, poppigen Show, bei der stark mit den damals neuen 

Möglichkeiten der elektronischen Bildbearbeitung experimentiert wurde. Unter anderem 

bewegen sich Frauen auf einem lebensgroßen Brettspiel und dürfen sich entsprechend ihrer 

Aktionen vor- und zurückbewegen: »Politikerin, ein Feld vor ... Hausfrau, vier Felder zurück, 

Sie haben Ihrem Mann die Schuhe geputzt ... Arbeiterin, 3 Felder vor, Sie haben eine andere 

Partei gewählt als Ihr Mann ...« 

Kurz nach seiner Kooperation mit dem WDR veröffentlicht Jones sein zweites Künstlerbuch, 

Allen Jones Projects (1971), in dem neben Männer wir kommen! einige andere seiner 

realisierten und auch nicht realisierten Projekte für Film, Fernsehen sowie Oper und Theater 

anhand von Aufschrieben, Entwürfen und Fotografien beziehungsweise Filmstills vorgestellt 

werden. Darunter befindet sich auch das nicht realisierte Filmprojekt A Clockwork Orange: 

Als Reaktion auf einen Ausstellungsbesuch und der Betrachtung seiner Möbelskulpturen 

erhält Jones im Februar 1970 eine Anfrage von Regisseur Stanley Kubrick, der die 

Figurengruppe in einer Szene seines neuen Films A Clockwork Orange einsetzen will. Der 

Versuch Kubricks, Allen Jones ohne jegliches Honorar für das komplette Set-Design und die 

Kostümgestaltung zu gewinnen, scheitert – vermutlich aufgrund der zu direkten, plumpen 

Art, mit der Kubrick dem intellektuellen Künstler begegnet. 





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So blieben in der Endfassung des Films nur Jones‟ Entwürfe der Kaffeetische und der 

Kostüme der Kellnerinnen als Inspirationsquelle für die Innenausstattung der Korova Milk 

Bar, einer der Hauptschauplätze des Films, wo Milch und Drogen serviert werden. 

In den 1970er-Jahren avanciert Allen Jones – auch ohne die Hilfe von Stanley Kubrick, von 

dem er später sagen wird, er habe ein größeres Ego als jeder andere Künstler, den er kenne iv 

– zu einem berühmten und gefragten Mann in der Kunstszene. Seine Preise steigen und für 

die meisten seiner Ölbilder sind damals schon mehr als 50 000 DM zu bezahlen. Die 

Auftragsarbeiten häufen sich und stehen teilweise im Gegensatz zu seinen künstlerischen 

Ambitionen. In Kooperation mit Allen Jones entwirft das Designerehepaar Ritva und Mike 

Ross 1971 einen Pullover, den sein berühmtes Gemälde Sheer Magic aus den 1960er-Jahren 

ziert und für den er hinterher mit seiner damaligen Ehefrau sogar Modell steht. Mit dem als 

Tapete konzipierten Multiple Kneeling Woman erregt Jones 1972 Aufsehen bei der Xart 

Walls-Schau im Rahmen der documenta 5. Die von der Marburger Tapetenfabrik hergestellte 

Tapetenserie Xart Walls, an der neben Jones unter anderem auch Jean Tinguely und Niki de 

Saint Phalle mitwirkten, zeigt in Jones‟ Abschnitt eine Comic-Heldin vor silberfarbigem 

Hintergrund: kniend, leicht bekleidet, mit hohen Stiefeln und mit üppigem Dekolleté, einen 

Reifen in ihrer linken Hand haltend. Parallel zur documenta 5 wurde in Kassel neben anderen 

Entwürfen Allen Jones‟ Plakatvorschlag für die Olympischen Sommerspiele 1972 in München 

gezeigt, wobei der Künstler sich hier ausnahmsweise für die Darstellung vier athletischer 

männlicher und nicht weiblicher Beine unter den fünf olympischen Ringen entschieden hat. 

1973 übernimmt er eine Gastdozentur an der University of California in Irvine und erhält den 

Auftrag, den Pirelli-Kalender, einen jährlich erscheinenden Pin-up-Kalender des italienischen 

Reifenherstellers, zu gestalten, der aufgrund seiner streng limitierten Auflage und der 

Berühmtheit seiner Gestalter – Fotografen und Künstler – sowie Modelle längst Kultstatus 

genießt. Für die Gestaltung des Kalenders erhält Jones den Design and Art Direction Silver 

Award. 

1976 zeichnet sich Allen Jones verantwortlich für das Set-Design sowie das Werbeplakat zu 

Barbet Schroeders französischem Liebesfilm Maîtresse mit Gérard Depardieu und Bulle 

Ogier, für den Karl Lagerfeld die Kostüme entwirft. Auf dem Plakat ist eine in Leder 

gekleidete Frau zu sehen, die zwischen zwei Farbflächen beziehungsweise Vorhängen steht. 

Das grelle gelbe Licht, das hinter den Vorhängen durchscheint, bildet zugleich den Boden in 

der unteren Partie des Plakats, auf dem der Filmtitel zu lesen ist. Dieser Effekt verleiht der 

Szene auf dem Plakat Tiefe. Programmatisch für Jones, handelt der Film von den Extremen 

in den Geschlechterrollen. Ariane (Bulle Ogier) betreibt in ihrem Haus, dem Ort ihrer 

bürgerlichen Existenz, ein Sadomaso-Studio und arbeitet als professionelle Domina. Oliver 

(Gérard Depardieu) ist gleichzeitig ihr Liebhaber und Gehilfe. Das Paar ist zwischen realem 

Alltag und der Welt des Sadomasochismus genauso hin- und hergerissen wie zwischen 

männlicher und weiblicher Dominanz. 





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1977 ist Allen Jones Gastdozent in der Abteilung für Malerei der University of California in 

Los Angeles, im Sommer Gaststudienleiter für Malerei und Zeichnen an der Banff Centre 

School of Fine Arts in Alberta, Kanada. 1978 lässt sich Jones von seiner ersten Frau Janet 

scheiden. Seit dieser Zeit lebt er zusammen mit Deirdre Morrow, einer Designerin, die er als 

sein »Modell und [seine] Muse« bezeichnet und deren Züge häufig in seinen Werken 

erkennbar sind. 1978 entwirft Jones eine überdimensionale Werbetafel für das Schweizer 

Strumpfwarenunternehmen Fogal, die damals temporär am Bahnhof in Basel zu sehen ist. 

Das zweiteilige Plakat war über 21 Meter hoch und stellte eine Frau dar, die einen sich von ihr 

entfernenden Mann zur Rückgabe ihrer Strümpfe auffordert. Einige Jahre später, 1981, setzt 

Jones diese Thematik in einem Folgeauftrag fort: Die Frau hat den nun liegenden Mann 

eingeholt und hält seinen Kopf zwischen ihren Knöcheln fest. Zu sehen sind von der 

weiblichen Gestalt nur die Unterschenkel in roten Strümpfen. Diese zweite Werbetafel wurde 

für den Bahnhof in Zürich entworfen. 

Im Jahr 1979 richten die National Museums Liverpool in der Walker Art Gallery Allen Jones‟ 

erste umfangreiche Retrospektive aus, die anschließend mit großem Erfolg auch in der 

Serpentine Gallery in London sowie der Kunsthalle in Baden-Baden und in Bielefeld gezeigt 

wird. In diesem Jahrzehnt entstehen trotz seiner intensiven Hinwendung zu anderen 

Disziplinen ebenfalls wichtige Gemälde und Skulpturen, die die explizite Aggressivität der 

Werke aus den 1960ern-Jahren allmählich hinter sich lassen: Ein Beispiel hierfür ist das 

Ölgemälde mit der Seiltänzerin, Hot Wire (1971), das Marco Livingstone in seinem Essay auf 

Seite 55 ausführlich beschreibt. 

In den 1980er-Jahren schafft Allen Jones eine Fülle von Werken, in denen er seine stets 

gehegte Liebe zum Dreidimensionalen, zur Skulptur, weiter ausleben kann. Er beginnt zum 

Beispiel mit der Arbeit an einem Typus Skulptur, der ihn bis heute beschäftigt und den er in 

unterschiedlichsten Varianten und Materialien produziert hat: Girl on Table oder Waiting on 

Table nennt Jones seine Skulpturen, die wesentlich schmaler und mit rund 150 Zentimetern 

auch kleiner sind als seine berühmten Möbelskulpturen. Die Girls on Table sind meist haarlos 

und gleichen eher Schaufenster- und Modepuppen als echten Menschen. Sie haben seltsame 

androgyne, roboterähnliche Züge und strahlen Verletzlichkeit und Fragilität aus. Dieser Typ 

Frau taucht in zahlreichen seiner Skulpturen auf, besonders in seinen Reliefs wie Stand Out 

(1990) und Stand In (1991/92) oder den aktuelleren wie Diva (2010) und Think Pink (2011). 

Ihre Körper sind – bis auf die Ledervarianten – selten bekleidet, sondern nur bemalt; die 

Körperformen werden dementsprechend sehr betont. Auch diese Werke bestätigen erneut 

Jones‟ Liebe zur seriellen Arbeit und unterstreichen auf beeindruckende Weise, wie sehr er 

Meister der Variation bestimmter Themen oder Motive ist. In den Jahren 1982 bis 1983 ist 

Jones Gastprofessor an der Hochschule der Künste in Berlin. 





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Seit den 1980er-Jahren beschäftigt sich Allen Jones zudem mit einer anderen Art von 

Möbelskulptur, die zwar weibliche Züge aufweist, doch sind diese weit weniger offensichtlich 

und kritikprovozierend als bei besagter Dreiergruppe von 1969. Die Skulpturen Odalisque 

(1983) und Sungoddess (1987) stellen abstrahierte Frauenoberkörper dar, können aber 

gleichzeitig als Sitzbänke fungieren. Auch die Skulptur Bathers (2000) mit ihren 

Treppenstufen ist als Sitzmöbel vorgesehen. 

Dank mehrerer Aufträge für Kunst im öffentlichen Raum schafft Allen Jones ab den 1980er- 

Jahren auch einige großformatige Skulpturen, unter anderem für das Liverpool International 

Garden Festival (1984), für das Cottons Atrium in der London Bridge City (1987), für das 

Hilton Hotel am Terminal 4 des Flughafens Heathrow (1990) und für das Chelsea and 

Westminster Hospital (1992). Acrobat, die Skulptur im Innenhof des Krankenhauses, ist ein 

beeindruckendes Beispiel für Jones‟ plastisches Schaffen. Beinahe 20 Meter hoch ragt die 

Figur eines Akrobaten, der auf nur eine Hand gestützt, die Beine in die Luft gestreckt, einen 

Ball balanciert. Sein Kopf ist auf ein zweidimensionales rautenförmiges Stahlstück gemalt 

und hängt nahe am Boden. Das Balancieren des Riesen auf einer Hand verleiht ihm Anmut 

und Leichtigkeit. Programmatisch für Jones‟ skulpturale Werke ist das Schaffen von Figuren 

aus geschnittenem Metall, so wie im Fall des Akrobaten. Bei seinen Werken für den 

öffentlichen Raum besteht Jones‟ Hauptinteresse darin zu beobachten, wie ein realer 

architektonischer Raum sich verändert, wenn ein Objekt, eine Skulptur, darin platziert wird. 

So schafft es die Skulptur Acrobat im Chelsea and Westminster Hospital, die bisher 

architektonisch streng separierten Etagen des Gebäudes miteinander zu verbinden und das 

Atrium als einen einheitlichen Raum erscheinen zu lassen. 

Thematisch bleibt sich Allen Jones treu: Die Dynamik des Männlichen und Weiblichen, die 

Gender-Frage, ist auch in seinen Gemälden der 1980er- und 1990er-Jahre präsent, 

wenngleich die Figuren freier werden und der Umgang mit der Farbe expressiver. Beim Werk 

A Question of Grammar (1986) reduziert Jones männliche und weibliche Formen gar zu 

semantischen Zeichen. Ein großes Fragezeichen verkörpert den Mann, ein überdimensionales 

Ausrufezeichen die Frau. Beide stehen sich wie in einem ungleichen Dialog gegenüber, sie 

leicht nach hinten gelehnt, während ihr männliches Pendant sich zu ihr nach vorne beugt. Im 

selben sowie in den darauffolgenden Jahren entstehen zahlreiche Variationen von Gemälden 

mit Verkörperungen von Mann und Frau in Form von Satzzeichen. In The Sitter (1986) taucht 

das Motiv schließlich als Bild im Bild auf. Parallel zu seinem künstlerischen Schaffen wird das 

inszenatorische Talent Allen Jones‟ zunehmend öffentlich wahrgenommen und gewürdigt. 

Jones wird 1986 zum ordentlichen Mitglied der Royal Academy of Arts in London v ernannt 

und hat daher Stimmrecht im Ausstellungsprogramm. Von 1990 bis 1999 ist er Kurator 

(Trustee) in der Abteilung Ägyptologie des British Museum in London und seit dem Jahr 

2000 emeritierter Kurator. 





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Allen Jones‟ Motivwahl und Bildsprache werden oft über die unterschiedlichen 

Kunstgattungen hinweg beibehalten. Hat er sich 1992/93 in seinen Gemälden Boogie Woogie 

und Let‟s Dance erneut mit dem Thema Musik und Tanz beschäftigt, so verwendet er dieses 

nun auch im Medium Lithografie. In den Jahren 1992/93 entsteht zum Thema Piano 

beziehungsweise den Akteuren rund um das Piano und deren sozialem Milieu eine Vielzahl an 

Zeichnungen, in denen Jones die Farben für die späteren Lithografien und Gemälde 

theoretisch festlegt. Erneut ist es die Beziehung zwischen Mann und Frau, zwischen Pianist 

und Barsängerin, die ihn fasziniert und antreibt. Er will die Verschmelzungen, Trennungen, 

Stimmungen, Aggressionen und Ermunterungen der beiden Geschlechter in diesem 

stimulierenden Milieu verarbeiten. Nach mehreren Bildern und Bildserien, die die obige 

Thematik am Beispiel größerer sozialer Zusammenkünfte wie Partys oder Festgesellschaften 

behandeln, wirken diese Zwei-Protagonisten-Werke aus dem Nachtleben in Bars viel intimer 

und persönlicher. Sein erfinderisches Wesen verleiht den immer wiederkehrenden Themen 

neue Dimensionen und Entfaltungsmöglichkeiten. Mehr als zehn Jahre lang befasst sich 

Jones immer wieder mit Variationen des Piano-Motivs. 

1993 beauftragt die National Portrait Gallery in London den Künstler mit einem Porträt der 

berühmten Balletttänzerin Darcey Bussell. Für Allen Jones erweist es sich als bedeutende 

Herausforderung, das Porträt eines lebenden Modells zu malen, denn er hat seit seiner 

Studienzeit nicht mehr auf diese Weise gearbeitet. Doch der Auftrag bietet ihm, als 

begeistertem Opern- und Ballettgänger, die Gelegenheit, hinter die Kulissen des 

faszinierenden Ballettbetriebs zu schauen. Zunächst beobachtet er Darcey Bussell während 

des Tanzens, fotografiert sie in typischen Posen und klassischen Figuren sowie bei 

Tanzschritten, um hinterher verschiedene Skizzen und Aquarelle und schließlich 1994 das 

Ölgemälde daraus zu fertigen. Am 28. Dezember desselben Jahres heiratet Jones seine 

Muse Deirdre Morrow, nachdem sie mehr als 15 Jahre zusammengelebt hatten. 

Ab den frühen 1990er-Jahren beginnt Allen Jones mehr und mehr, mit Galerien und 

Sammlern zu kooperieren und die Welt zu bereisen, um Kontakte zu knüpfen und zu pflegen. 

Durch diese Kooperationen erhält er wiederholt Aufträge für den öffentlichen Raum, auch 

aus dem Ausland. Zwischen 1997 und 2003 beauftragt Swire Properties, eine englische 

Immobilienentwicklungsfirma mit Sitz in Hongkong, den Künstler, mehrere Skulpturen auf 

ihrem Firmengelände zu realisieren. Es entstehen die überdimensional großen Werke Two to 

Tango (1997) sowie City Boy und City Girl (2003); wieder ist der Tanz sowie die 

Verschmelzung von weiblichen und männlichen Figuren das Thema. 2006 entwirft und 

fertigt Jones für eine chinesische Stiftung die dreiteilige Skulpturengruppe Banquet, die an 

einem See im Yuzi Paradise Sculpture Park in Guilin steht. Die drei sieben Meter hohen 

Figuren, an die chinesische Schrift angelehnt, stehen auf einem gewaltigen, fünf Meter hohen 

Granitsockel. 





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Ab 2001 realisiert Allen Jones eine Reihe von Gemälden mit altbekannten Motiven, denen er 

den Überbegriff Stage Paintings gibt. Die Themen dieser Werke sind die Bühne, 

Bühnenperformances, Zirkus, Zauberei und Magie, Tanz sowie die Modewelt. Dass sich Jones 

dazu entschließt, eine Serie mit Werken zu diesen immer wiederkehrenden Motiven zu 

schaffen, bekräftigt, wie wesentlich die Welt der performativen Künste für ihn seit jeher ist. 

Im ersten Jahrzehnt des neuen Jahrtausends entsteht darüber hinaus eine Reihe von 

kleinformatigen Kompositionen, die sich mit dem Motiv der Bühne, des Bühnenvorhangs und 

des Bildes im Bild befasst. Die Werke nehmen Bezug auf Jones‟ künstlerische Vorbilder, die 

zugleich Pioniere der klassischen Moderne sind: Matisse Curtain (2006), Picasso Curtain 

(2006), Delaunay Curtain (2009) und Mirror Miró (2009) sind einige Beispiele dieser 

Hommageserie. Dabei befinden sich im Vordergrund, am Rand der Bilder angedeutet, 

Frauenköpfe vor einer Säule und hinter ihnen Gemälde der jeweiligen im Titel genannten 

Künstler, denen gehuldigt wird. 

Seit Beginn seiner künstlerischen Laufbahn experimentiert Allen Jones immer wieder mit 

ungewöhnlichen, zum Teil überdimensional großen Formaten, zum Beispiel in Form von 

Diptychen und Triptychen. Mit Invitation Only (2006) hat er ein dreiteiliges Gemälde in ganz 

besonderem Format geschaffen. Die einzelnen Bildteile, die insgesamt einen langen Laufsteg 

mit weiblichen Models sowie einigen Fotografen zeigen, sind in ihrem Format unterschiedlich, 

von links nach rechts kleiner werdend. Dadurch wird dem Triptychon eine besondere Tiefe 

gegeben und seine erzählerische Komponente verstärkt. Die einzelnen Szenen sind durch 

pinke Säulen getrennt. Im rechten Bildteil ist am Ende des Laufstegs ein Vorhang zu sehen, 

hinter dem ein Model gerade zweideutig von einem knienden Mann auf ihren Auftritt 

vorbereitet wird. Das außergewöhnliche Format des Triptychons, wie es sich zum Beispiel 

auch in Interval (2007) findet, erlaubt es dem Künstler, den Aspekt der Bewegung sowie 

mehrere simultane Handlungen auf verschiedene Einzelbilder verteilt darzustellen. Er knüpft 

damit an filmische Sequenzen oder Comics an. 

Ebenso an Cartoons oder Comics erinnern Allen Jones‟ Zeichnungen, die er stets als 

Vorbereitung und zur Ideenentwicklung für viele seiner Werke anfertigt: Jahrzehntelang hat 

er die Angewohnheit, in Skizzenbüchern zu zeichnen. Später entwickelt er stattdessen 

großformatige Storyboards, Blätter mit mehreren Skizzen zu einem Thema. Farbe verwendet 

er dabei in der Regel erst, wenn die Produktion eines konkreten Gemäldes oder Aquarells 

beginnt. Auch bei seinen Skulpturen arbeitet er mit verschiedensten Stufen von Vorstudien 

wie etwa Zeichnungen, Maquetten und Modellen; die Letztgenannten werden oftmals in 

unterschiedlich großen Formaten, im ersten Schritt aus Papier oder Karton, später aus 

Weißblech, Aluminium oder auch in Bronze, gefertigt. 





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Allen Jones greift immer wieder dieselben Motive für Werke in unterschiedlichen Medien auf 

und setzt häufig Serien mit einem großen zeitlichen Abstand fort. So auch beispielsweise 

beim Werk Maîtresse von 1976, das ihn im Jahr 2008 in London Derrière wieder beschäftigt. 

Der Spielfilm ist vorbei: die Buchstaben des Titels liegen nun zerstört am Boden, die Dame – 

diesmal von hinten zu sehen – verlässt die Bühne durch den Vorhang, eine Peitsche in der 

Hand haltend. Auch im Bereich der Skulptur tauchen thematische Wiederholungen in seinem 

Werk auf: Hatte sich Jones im Jahre 1965 durch eine »slotmachine« in Reno, Nevada, sowie 

durch Anzeigen und Werbung der 1940- und 1950er-Jahre dazu inspirieren lassen, einige 

Jahre später seine berühmt gewordenen Möbelskulpturen zu kreieren, so entsteht 

wesentlich später, im Jahr 2002, Refrigerator, eine weibliche Skulptur ähnlicher Anmutung, 

die gleichzeitig die Funktion eines kleinen Kühlschranks hat. 

Das Leitmotiv, das sich beinahe ungebrochen bis heute durch Allen Jones‟ Werk verfolgen 

lässt, ist das der Figuren von Frauen und Männern. Seine sinnlichen Frauen- und 

Männergestalten – teils ausgearbeitet als hermaphrodite Zwitterwesen in einer modernen 

Gesellschaft ohne Tabus, teils vielleicht auch nur das Bild der Frauen in den Männerköpfen 

repräsentierend – geben heute noch ein hochaktuelles Statement des Künstlers zur 

Gesellschaft ab. Mittels Erotik und provokanter Aussagen zu den Geschlechterbeziehungen 

sowie deren Fetischreliquien erreicht Allen Jones mit seinem facettenreichen Œuvre ein 

breites Publikum. Die individuell rezipierbaren und rezipierten Aussagen seiner über alle 

Kunstgattungen hinausreichenden Werke verwandeln jeden Betrachter in einen 

Kunstkritiker. Es bedarf keiner übergreifenden wissenschaftlichen Erklärung durch die 

Kunstgeschichte. Die Pop-Art wollte die Kunst demokratisieren, sie durch die Schaffung von 

neuen Ebenen im Ausdruck und in den Bildmotiven für jedermann zugänglich machen. Allen 

Jones schafft diese Ebene mithilfe der Erotik, zu der jeder Betrachter unmittelbar aufgrund 

seiner persönlichen Erfahrungen eigene Vorstellungen beziehungsweise eine Meinung 

entwickeln kann. In über 50 Jahren künstlerischen Schaffens ist Jones diesem 

demokratischen Ansatz der Pop-Art treu geblieben. Im Jahr 2012 feiert Allen Jones nun 

seinen 75. Geburtstag; er lebt und arbeitet in London und Oxfordshire. 

Auszüge aus dem Katalogtext: Dr. Otto Letze: Allen Jones. Leben und Werk, in: 

Meinrad Maria Grewenig/Otto Letze (Hg.): Allen Jones–Off the Wall. Pop Art 1957– 

2009, Edition Völklinger Hütte, Ostfildern 2012 





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Allen Jones. Einige Gedanken 

von Sir Norman Rosenthal 

Das Erste, was an Allen Jones bemerkenswert ist, ist die Tatsache, dass er 1937 geboren 

wurde, also vor einer ganzen Weile. Dies ist umso bemerkenswerter, wenn man bedenkt, 

dass sein in den späten 1950er- und frühen 1960er-Jahren entstandenes Frühwerk, in dem 

er im Wesentlichen seine unverwechselbare Formensprache und Bildthematik entwickelte, 

nach wie vor jugendlich und modern wirkt, was selbstverständlich auch für seine neueren 

Arbeiten gilt, die paradoxerweise deutlicher in einem kulturellen Kontext verankert sind. 

Der Betrachter – und der Verfasser dieses Textes schließt sich mit ein – kann sich daran 

erfreuen, seinen Blick über ein ganzes Spektrum an Quellenmaterial aus gehobener und 

populärer Kultur, aus der Gegenwart, aber auch aus längst vergangenen Zeiten schweifen 

zu lassen. Bekannt geworden ist Jones aber natürlich vor allem durch sein legendäres 

Ensemble fetischistischer Möbelstücke, die inzwischen Kultstatus besitzen. Selbst wenn er 

mit Chair, Table und Hat Stand jene sonderbare Spielart der Perversität, die unter dem 

Namen Forniphilie bekannt ist, nicht gerade erfunden hat, sind seine Möbel doch ohne 

Zweifel die berühmtesten und für viele anrüchigsten Darstellungen dieses Phänomens. 

Gewiss, die Sexpuppe als Kulturobjekt hat eine lange Geschichte. Allem Anschein nach 

nahmen die Seeleute solche Puppen bereits im 17. Jahrhundert als Seelentrost mit auf 

lange Seereisen. Opernfreunde und Kenner der deutschen Literatur der Romantik werden 

an die Puppe Olimpia aus Jacques Offenbachs Hoffmanns Erzählungen denken, in die sich 

der Dichter und Titelheld E.T.A. Hoffmann unsterblich verliebt. Künstler einer jüngeren 

Generation, etwa Jeff Koons oder die Brüder Chapman – ganz zu schweigen von einigen 

eher erschreckenden Verkleidungen Cindy Shermans –, setzen die Puppe, die auch ein mehr 

oder weniger perverses Sexobjekt ist, für Überraschungseffekte ein. Erst kürzlich hat Jeff 

Koons eine Figur von Betty Page geschaffen, einem amerikanischen Model der 1950er- 

Jahre, das in seiner Ikonografie eine zentrale Rolle spielt. Mit ihren tiefschwarzen Haaren, 

den blauen Augen, dem dick aufgetragenen Make-up und nicht zuletzt mit ihrem 

Riesenbusen wurde sie zu einem neuen Rollenmodell der amerikanischen Sexualität, wie es 

sich heute noch in jeder »niederen« Vergnügung – vom Stripteaselokal bis hin zum Internet 

und natürlich dem Kino – manifestiert. 

Allen Jones war neben einer Handvoll amerikanischer und europäischer Künstler wie Mel 

Ramos, Tom Wesselmann und Martial Raysse, um nur einige zu nennen, ohne Zweifel einer 

der ersten seriösen Künstler, die bildliche Darstellungen von derart offensichtlicher 

Schamlosigkeit bereits in den frühen 1960er-Jahren bewusst verwendeten. Dabei ist nicht 

so sehr von Interesse, welcher dieser Künstler hier eine Vorreiterrolle spielte, sondern 

vielmehr die Frage nach dem Zeitgeist, der es möglich machte, derart unmissverständliche 

Bilder zu schaffen. 





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Und selbstverständlich beschränkt sich Allen Jones‟ Kunst bei Weitem nicht nur auf Sex 

und Sexualität, auch wenn die Erotik seit jeher eine Triebfeder jeder kulturellen 

Manifestation ist. Jones‟ Kritiker – und derer gab es viele, vor allem jene, die an die Kunst 

puritanische feministische Maßstäbe anlegten – gehen sogar so weit zu behaupten, sein 

gesamtes Œuvre sei, genau wie die berüchtigten Möbelskulpturen, eine einzige 

»Versachlichung der weiblichen Form«. 

Doch selbst dabei muss man irgendwie an das Wort »Sachlichkeit« denken, das in der Kunst 

eine ganz eigene Konnotation hat, die auf die deutsche Kunst der 1920er- und 1930er- 

Jahre zurückgeht. Und genau in diesem Sinn ist Allen Jones, sind der Künstler und sein 

Werk von einem Wissen geprägt, das seine Inspiration aus allen nur erdenklichen 

kulturellen Kontexten bezieht. 

Tatsächlich ist Allen Jones eine zentrale Gestalt jener internationalen Strömung, der man 

den Namen Pop-Art gab und deren beeindruckendste Vertreter ohne Zweifel zumeist aus 

Amerika, vor allem aus New York, kamen, der damals neuen Hauptstadt der Kunstwelt, die 

diese Rolle erst ein Jahrzehnt zuvor – um die Jahre 1950 bis 1955 – von Paris übernommen 

hatte. Interessanterweise kamen viele der damals bahnbrechenden Ideen, aus denen sich 

die Pop-Art entwickelte, jedoch aus London – Künstler wie Eduardo Paolozzi und Richard 

Hamilton suchten 1952 in Diskussionen und beim Herumspielen mit und Collagieren von 

erotischen Bildern und entsprechender Symbolik nach adäquaten Ausdrucksformen, um 

aufzuzeigen, in welche Richtung die moderne Gesellschaft sich ihrer Ansicht nach 

entwickelte. Nur ein Jahr zuvor hatte in London das Festival of Britain stattgefunden, 

dessen Symbol, der geschwungene Skylon, auf geradezu erotische Weise gen Himmel ragte 

– dieses Festival war zugleich der gesellschaftliche Versuch, die Bedrücktheit zu 

zerstreuen, die noch immer über dem Großbritannien der Nachkriegszeit hing, das mit 

Lebensmittel- und Konsumgüterknappheit und einer massiven Verschuldung zu kämpfen 

hatte. Damals sah es so aus, als habe der Sieg kaum Früchte getragen. Dies sollte sich 

Anfang der Sechzigerjahre mit dem Aufstieg der Beatles und anderer Popgruppen ändern, 

die die Welt eroberten, ganz zu schweigen von der Modewelt dieses Jahrzehnts, die 

samstags nachmittags auf der Londoner King‟s Road Parade lief – und selbstverständlich 

den jungen Kunststudenten, die seit 1959 das Londoner Royal College of Art besuchten: 

David Hockney, Ron Kitaj, Derek Boshier, Peter Phillips und natürlich Allen Jones. Peter 

Blake und Joe Tilson hatten ihr Studium bereits etwas früher aufgenommen. 

Es waren unbeschwerte Tage, in denen man als junger Kunststudent bilderstürmerisch 

daran mitwirken konnte, der verlogenen Selbstgefälligkeit und der vermeintlichen 

Ernsthaftigkeit ein Ende zu setzen, die damals an der Akademie, die nach wie vor unter 

dem Einfluss missverstandener cézannescher Orthodoxien stand, vorherrschte. 





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Zu diesen Studenten gehörte ohne Zweifel auch Allen Jones – sein farbenfrohes Frühwerk, 

inspiriert durch die Londoner Doppeldeckerbusse, wies starke Anklänge an den 

italienischen Futurismus auf. 

Bald darauf sollte Bewegung zu einem wesentlichen Element seiner Kunst werden, von der 

er sehr schnell und fast ausschließlich zum menschlichen Körper und zur menschlichen 

Gestalt überging. 

In den Jahren 1964 und 1965 lebte Allen Jones überwiegend in den USA, vor allem in New 

York, wo er mit den »Freuden« der amerikanischen Popkultur vertraut gemacht wurde, 

primär über Zeitungen und Zeitschriften. Jones war von jeher ein besessener Sammler von 

Druckerzeugnissen, wobei das Spektrum von den teuren, in den Fünfzigerjahren in Paris 

herausgegebenen Livres de luxe mit Bildern von Künstlern wie Matisse, Léger und Picasso 

bis hin zu den kurzlebigen amerikanischen Fetischmagazinen reichte, die man zerschneiden 

und für Collagen verwenden konnte oder die ganz allgemein als buntes Quellenmaterial 

dienten. Wie viele Künstler seiner Generation legte auch Jones größten Wert darauf, 

genauestens zwischen kommerziellen Werbezeichnungen und wirklicher Kunst zu 

unterscheiden. 

Man denke etwa an die »kommerziellen Arbeiten« von Henri de Toulouse-Lautrec auf der 

einen Seite und jene von Kurt Schwitters auf der anderen, um nur zwei bedeutende 

Beispiele aus der Vergangenheit zu nennen, die kaum gegensätzlicher sein konnten, ganz 

zu schweigen von den zahllosen Künstlern des vergangenen Jahrhunderts, die sich mit 

Begeisterung auf dem Gebiet der politischen Propaganda betätigten. Kunst wird nicht 

immer nur um der Kunst willen gemacht, doch Jones verwendet das kommerzielle 

Quellenmaterial auf eine sehr spezielle, für die Pop-Art-Künstler seiner Generation typische 

Art, um Kunst um ihrer selbst willen zu schaffen: Eine politische oder 

gesellschaftspolitische Intention findet sich hier nicht. 

Kunst um der Kunst willen ist eine Vorstellung, die eine ganze Reihe von Themen 

beinhaltet, die mit reiner Ästhetik und vor allem mit Fragen der Abstraktion zu tun haben, 

die ein elementares Leitmotiv der Malerei des 20. Jahrhunderts waren. Seit der 

Geburtsstunde des Kubismus 1907 in Paris und der des (auf der Farbentheorie 

aufbauenden) Expressionismus 1911, als Wassily Kandinsky sein berühmtes Manifest Über 

das Geistige in der Kunst veröffentlichte, waren diese beiden Lösungsansätze zentraler 

künstlerischer Fragen von besonderer Bedeutung für alle Künstler des 20. und auch 21. 

Jahrhunderts. Der Kubismus konzentrierte sich auf geometrische Formen und multiple 

Perspektiven als Mittel zur Darstellung der Realität. 

Die Farbsymbolik war das Kennzeichen des Expressionismus. Aus diesen beiden Positionen 

entwickelte sich ein Diskurs, der nicht nur für die Malerei, sondern auch für die verwandten 

Kunstgattungen der Bildhauerei und Grafik ein schier unerschöpfliches Potenzial an 

kompositorischen und fantasievollen Abbildungen der Welt zu eröffnen schien. 





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Als bildender Künstler, der eine eigene Vision und ein besonderes Gespür für Bildsprache 

besitzt, hat sich Allen Jones mehr als ein halbes Jahrhundert einerseits mit den abstrakten 

Themen Farbe, Oberfläche, Dynamik, ja sogar mit Kinetik beschäftigt und andererseits mit 

menschenbezogenen Themen wie Mann und Frau beziehungsweise ihren physischen und 

geistigen Beziehungen sowie mit Geschichte, Theater, Tanz und Musik. Natürlich 

überschneiden sich diese beiden Aspekte, doch als Betrachter sind wir ebenso in der Lage, 

sie in unseren Köpfen zu trennen. Was die formalen Eigenschaften der Arbeiten des 

Künstlers betrifft, so hat er mit seinen unverwechselbaren, aus Quadraten, Kuben, Ellipsen 

etc. zusammengesetzten Formen eindeutig seinen eigenen Weg gefunden. Auf einer Ebene 

kann man Jones‟ Werk als privaten und persönlichen Diskurs über Picassos legendäres 

poetisches Meisterwerk Les demoiselles d‟Avignon von 1907 interpretieren. Dies ist schon 

ein Gemälde an sich, mit all den formalen Innovationen, die sich hier, gepaart mit sexuellen 

Anspielungen, Bahn brechen. Darüber hinaus war Jones allem Anschein nach jedoch auch 

durchdrungen von dem, was Kandinsky in seinem berühmten Traktat von 1911 als »die 

innere Notwendigkeit der Farbe« bezeichnete, denn seine Arbeiten sind stets ganz bewusst 

in reine, charakteristische Farben von geradezu magischer Intensität getaucht. Wie rein 

und intensiv die Farben sind, die er verwendet – sei es nun Gelb, Blau, Rot, ja sogar Weiß 

oder Schwarz – erkennt man beim Betrachten seiner Werke. In Bildern wie Sheer Magic, 

einem Gemälde in quadratischem Format, das gleichermaßen an die amerikanische 

Ikonografie eines Kenneth Noland und Jasper Johns erinnert, sehen wir eine Spirale – 

aufgemalt auf einen breiten, sich über die gesamte Länge des Bildes erstreckenden gelben 

Streifen –, deren Farbspektrum einem Regenbogen ähnlich von einem intensiven Grün und 

Blau bis zu einem ebenso intensiven Rot und Orange reicht. 

Die Farbe wird überlagert von einem auf einem Brett stehenden weiblichen Bein in einem 

transparenten Seidenstrumpf beziehungsweise einem hochfetischistischen glänzenden 

schwarzen Stiletto. Auch wenn es sich hier streng genommen nicht um ein geistiges Thema 

im kandinskyschen Sinne handelt, so ist die Farbsymbolik ohne Zweifel der 

Hauptbezugspunkt des Gemäldes. Hohe und seicht-erotische Kunst treffen hier aufeinander 

– und dies setzt sich in zahllosen fantasievollen Variationen in Gemälden, Grafiken und 

Skulpturen fort. Denn 1967 hatte Jones seine Sprache bereits weitgehend gefunden und 

diese war eine Quelle, die in ihrer Vielfalt schier unerschöpflich war. Toulouse-Lautrec fand 

seine Sujets in den Pariser Varietés, wo er seine subtile impressionistische »Linie« 

entfalten konnte. Es gelang ihm, verschiedene Aspekte des Pariser Kaffeehausmilieus zu 

vermitteln und dieses reale Leben durch seine Kunst für alle Zeiten festzuhalten. 

Allen Jones ist in der Lage, die schäbige Kneipe und das Treiben auf der Tanzfläche für eine 

zukünftige Zeit zu dokumentieren, was dann schlimmstenfalls vielleicht etwas altmodisch 

wirkt und eines Tages vielleicht sogar ganz verschwindet. Dies ist eines der vielen Dinge, 

die Kunst so hervorragend kann. 





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Und deshalb hat es vermutlich auch seinen Grund, dass einige der erstaunlichen erotischen 

Skulpturen, die Jones in den vergangenen Jahren entworfen und geschaffen hat, den alten 

ägyptischen Skulpturen so verblüffend ähneln – vor allem jenen aus der glanzvollen 

Amarna-Zeit, die mit der Regentschaft des legendären revolutionären Pharaos Echnaton 

begann, der gegenständliche Skulpturen von außergewöhnlicher Ebenmäßigkeit, Strenge 

und Eleganz schuf, deren glänzende Oberflächen zu ihrer Zeit gewiss ebenso 

farbenprächtig waren wie etwa Jones‟ Girl on Table (1987) oder Enchanteresse (2006). 

Diese und andere Skulpturen aus jener Zeit strahlen eine durchdringende, ja geradezu 

furchteinflößende Autorität aus, die an den außergewöhnlichen Kopf jener Domina erinnert, 

die uns aus dem alten Ägypten erhalten geblieben ist. Sie ist eine Ikone der weiblichen 

Schönheit und residiert heute in Berlin. Und selbst nach vielen tausend Jahren durchdringt 

sie uns noch mit ihrem Blick. Ihr Name ist Nofretete. 

Auszüge aus dem Katalogtext: Sir Norman Rosenthal: Allen Jones. Einige Gedanken, 

in: Meinrad Maria Grewenig/Otto Letze (Hg.): Allen Jones–Off the Wall. Pop Art 1957– 

2009, Edition Völklinger Hütte, Ostfildern 2012 

La Sheer 

1968 


183 x 152 cm 

The Berardo Collection, Lissabon 






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Der Schwerkraft trotzen 

von Marco Livingstone 

Balanceakte, wie der der Seiltänzerin in Hot Wire einem gleichermaßen leichtfüßigen wie 

imposanten Gemälde von 1970/71, mit denen er sein Publikum in atemlose Begeisterung 

versetzen möchte, sind das zentrale Thema im Schaffen des englischen Malers Allen Jones. 

Man könnte in der hier dargestellten Hochseilartistin einfach nur eine Akrobatin sehen, 

tatsächlich handelt es sich jedoch wie so häufig bei den Figuren in den Gemälden des 

Künstlers um eine Metapher, das heißt, die Figur steht für den Maler, der den Betrachter in 

seinen Bann zu ziehen versucht. Dass Jones hier stellvertretend eine weibliche Figur wählte 

– es könnte sich allerdings genauso gut um ein androgynes männliches Wesen handeln –, ist 

an sich bereits ein symbolischer Akt, zeigt der Künstler damit doch, dass er dem weiblichen 

Prinzip eine zentrale Bedeutung im Schöpfungsakt zuerkennt. Die balancierende Figur, deren 

Gewicht wie bei einer Balletttänzerin auf den Zehenspitzen ruht und die dabei in der Luft zu 

schweben scheint, lenkt die Aufmerksamkeit des Betrachters auf die ebenso schön 

ausgearbeiteten kompositorischen und stilistischen Kräfte, die das Gemälde permanent in 

der Schwebe halten: hell gegen dunkel, volle Formen in einem leeren Raum von geringer 

Tiefe, Gefülltheit gegen Leere, Gegenständlichkeit und satte Farben versus Transparenz und 

Abstraktion. Die Kraftlinien, die auf den Drehpunkt – die Spitze des linken Fußes – zulaufen 

und zugleich in Form des Drahtseils und der gebogenen Stange in den Händen der Artistin 

dargestellt sind, setzen die Komposition und die gemalte Oberfläche mit der Metaphorik des 

Bildes und in der Folge auch mit dessen philosophischem und subjektiven Inhalt gleich. 

Artisten spielen eine zentrale Rolle im Schaffen des Malers, und sie stehen dabei stets 

stellvertretend für den Künstler selbst. Wie er nehmen Zauberer und Musikanten, Tänzer und 

Varietékünstler, Clowns und Zirkuskünstler für sich in Anspruch, Schöpfer von Illusionen und 

visuellen Fantasien zu sein. Und wie er versuchen auch sie, uns glauben zu machen, sie 

brächten ihre grandiosen Kunststücke mit einer Mühelosigkeit zuwege, die es zu einem noch 

größeren Vergnügen macht, ihnen bei ihrer Darbietung zuzusehen. Die Spannung, die sich 

einstellt, wenn man diesen Unterhaltungskünstlern zusieht, rührt zum Teil von dem damit 

verbundenen Nervenkitzel her, von der Tatsache, dass uns bewusst ist: Wenn etwas 

schiefgeht – wenn der Akrobat einen falschen Schritt macht, wenn der Zauberkünstler seiner 

hübschen Assistentin in der Kiste mit der Säge zu nahe kommt –, wäre dies nicht nur 

peinlich, sondern hätte geradezu katastrophale Folgen. Machte der Künstler jedoch zu viel 

Aufhebens um dieses Risiko, würde er seine Leistung dadurch schmälern, wirkte eine 

derartige Dramatisierung auf uns doch nicht sehr überzeugend, sondern vielmehr 

übertrieben theatralisch. 





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Deshalb kommt es auch hier auf eine geschickte Balance an, darauf, uns davon, wie schwierig 

das Unterfangen ist, nur gerade so viel erahnen zu lassen, um uns nach geglückter 

Ausführung zum Applaudieren zu animieren – eine Taktik, derer sich der Maler Jones 

bediente, indem er die Farben dünn oder gerne auch als durchsichtige Lasuren auftrug. Auf 

diese Weise unterstreicht er die scheinbare Schlichtheit und Unkompliziertheit der 

Komposition und gibt dabei gerade so viel von seinen Zweifeln und seinen ursprünglichen 

Ideen preis, dass wir die verschiedenen Phasen des Prozesses erkennen können, aus dem das 

scheinbar einfache Endergebnis hervorgegangen ist. Dabei arbeitet er, wie er William Feaver 

in Jake Auerbachs 2007 entstandenem Film Allen Jones. Women and Men erläuterte, seit 

Mitte der 1970er-Jahre nach folgender Faustregel: Malt er etwas, um eine Form darzustellen, 

so nimmt er dafür nur gerade so viel Farbe, um diese Illusion zu vermitteln. Ist jedoch ein Teil 

des Bildes von dieser Funktion befreit, so verwendet er dort so viel Farbe, wie er benötigt, 

um der Farbe als solcher ausreichendes Gewicht zu verleihen. 

Seit den frühen 1960er-Jahren zählte Jones zu den führenden Vertretern der britischen Pop- 

Art-Bewegung. Das lag zum Teil daran, dass er einer Gruppe von Studenten angehörte, die 

1959 ihr Studium am Royal College of Art in London aufgenommen hatte und die auf 

unterschiedliche Weise mit traditionellen bildlichen Darstellungen experimentierte, wobei sie 

bewusst in ein und demselben Bild extrem kontrastierende Stile und Bildsprachen mischte. 

Ihre Gemälde wollten sie ausdrücklich als materielle Objekte verstanden wissen, die mit 

Dingen der Alltagswelt und mit Inspirationsquellen verknüpft sind, die bislang in dem Ruf 

standen, mit der bildenden Kunst nicht vereinbar zu sein. Aus diesen Studienkollegen – dem 

fünf Jahre älteren Amerikaner R. B. Kitaj (der, obwohl er keinen Hehl aus seiner Abneigung 

gegen die Popkultur machte, einen gewissen Einfluss auf die anderen hatte), David Hockney, 

Derek Boshier und Peter Phillips – wurden schon bald Freunde, die eine verschworene 

Gemeinschaft bildeten. Die führenden Kräfte des Colleges empfanden den Nonkonformismus 

dieser ungestümen, fantasievollen jungen Maler allerdings als Bedrohung, und so wurde 

Jones als abschreckendes Beispiel für die anderen bereits nach einem Jahr exmatrikuliert. 

Bedenkt man, welche Ernsthaftigkeit und Zielstrebigkeit der Künstler bereits in diesen 

frühen studentischen Arbeiten an den Tag legte, erscheint es aus heutiger Sicht 

verwunderlich, dass man in ihm ein gefährliches Potenzial vermutete, das es zu eliminieren 

galt. Denn das radikale und wirklich verstörende Potenzial seiner Kunst kam erst nach seiner 

kurzen New Yorker Zeit 1964 zum Vorschein. Die sanfte Erotik, die die eng umschlungenen 

Figuren in den Werken der frühen Sechzigerjahre verkörpern – man denke etwa an das 

Gemälde Bikini Baby von 1962 oder die miteinander verschmelzenden männlich-weiblichen 

Paare, wie sie uns beispielsweise in Hermaphrodite von 1963 begegnen – wurde gesteigert zu 

einer weitaus stärker sexuell-fetischistisch geprägten Darstellungsweise, die nun tatsächlich 

als Bedrohung des bürgerlichen Sittenkodex empfunden werden konnte. 





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Durch die begeisterte Hinwendung zur subversiven, »seichten« Erotikdarstellung vollzog 

Jones zur gleichen Zeit auch den endgültigen Wandel zum Pop-Art-Künstler, der sich von der 

traditionellen Kunst losgelöst hatte. Als er Ende der 1960er-Jahre seine höchst 

außergewöhnlichen und umstrittenen Symbole fetischistischen Verlangens, die hyperrealen 

und dennoch stark stilisierten lebensgroßen Frauenfiguren in Bondage-Outfits als 

Möbelstücke präsentierte, machte er sich damit endgültig zum Geächteten. In gewisser 

Hinsicht wurde ihm dies zum Verhängnis, zumindest was das Echo der Kritik anbelangte und 

in Anbetracht der Empörung, die Chair, Table und Hat Stand bei den Feministinnen 

auslösten. Im Hinblick auf seine Identität als Künstler erwies sich diese Entwicklung hin zu 

einer eher provokativen Ästhetik dagegen als notwendig und überaus fruchtbar. 

Selbst wenn Jones, unter anderem mit seinen originellen Lithografien und seinen 

Möbelskulpturen, einen wichtigen Beitrag für diese Strömung geleistet hat, würde man ihm 

nicht gerecht, wollte man ihn lediglich als Popkünstler sehen, ließe man damit doch außer 

Acht, dass sich die moderne europäische Kunstgeschichte seit seiner Studienzeit bis heute 

wie ein roter Faden durch sein gesamtes Schaffen zieht. Zu den Strömungen, die seine 

studentischen Arbeiten prägten, zählten der Kubismus und der Orphismus, die uns etwa in 

der gebrochenen Struktur des kleinen Grey Self-Portrait von 1960 begegnen. Vor allem aber 

beeinflussten ihn die Werke von Robert Delaunay und der Fauves mit ihren kräftigen, direkt 

aus der Tube aufgetragenen Primär- und Sekundärfarben, wie Jones sie bereits in seinem 

ebenfalls 1960 entstandenen Gemälde The Artists Thinks bevorzugte. Die Vorliebe, in ein und 

demselben Werk eine ganze Palette satter Farben zu verwenden, an der er sein Leben lang 

festhielt, ist zum Teil aus der Bewunderung für die Werke Delaunays und Wassily Kandinskys 

entstanden – das eher monochromatische Arbeiten und die deutlich erkennbaren fließenden 

Übergänge waren stets, in seinen Augen, die bequemere Lösung. In einem Interview, das 

Irène Salas kürzlich für die undatierte Ausgabe Nr. 4 des Modemagazins Twill mit dem 

Künstler führte, erklärte Jones seine Haltung mit der für ihn typischen Offenheit: »Ich kaufe 

gerne viele verschiedene Versionen ein- und derselben Farbe [...] von verschiedenen 

Herstellern, um eine größere Auswahl an Farbtönen zur Verfügung zu haben. Denn obwohl 

man meinen könnte, es handle sich nur um winzige Nuancen, macht das auf der Leinwand 

einen großen Unterschied. Ich vermeide es nach Möglichkeit zu mischen, denn je mehr reine 

Farbe man direkt aus der Tube aufträgt, desto besser bewahrt sie ihre chromatische 

Intensität. « Inspiration fand Jones in den Werken und Schriften Paul Klees, insbesondere in 

seinem Pädagogischen Skizzenbuch von 1925. Er ging sogar so weit, die Übungsstücke, die 

Klee für seine Studenten entworfen hatte, als Ausgangspunkt für seine Gemälde zu 

verwenden. So ist etwa das Bild The Battle of Hastings (1961/62), das auf schematischen 

Darstellungen basiert, die Jones für seine Schüler angefertigt hatte, um den Flug des Pfeils 

zu demonstrieren, der König Harold tötete, eine spielerische Interpretation des kleeschen 

Gedankens der Linie, die einem Spaziergang gleicht. 





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Jones war fasziniert von diesem frühen Pionier der abstrakten Malerei, vor allem aber von 

dem historischen Augenblick, als begrifflich-abstrakte Sprache und darstellende Funktion 

noch nebeneinander bestanden. Sein besonderes Interesse galt den Werken, die Kandinsky 

vor seiner Bauhaus-Zeit geschaffen hatte, vor allem seinen Improvisationen aus den frühen 

1910er-Jahren – ein Einfluss, der sich sowohl in der Komposition von The Battle of Hastings 

als auch in den vieldeutigen Darstellungen der Figuren in Gemälden wie Here and There 

Faces (1961) widerspiegelt. 

Schon als Student – und dabei darf man nicht vergessen, dass Jones 1962, als er einen 

Zyklus mit neun herrlich geformten Gemälden mit Darstellungen der roten Londoner 

Doppeldeckerbusse schuf, gerade einmal 25 Jahre alt war – zeigte er bei seiner 

Neuinterpretation modernistischer Sujets und Themen eine erstaunliche Reife und 

außergewöhnliches Selbstvertrauen. Die Busse beispielsweise entstanden ebenfalls aus 

einem – diesmal futuristischen – Übungsstück, in dem es darum ging, mit den statischen 

Formen auf der Leinwand den Eindruck von Bewegung zu vermitteln. Jones‟ Lösung, bei der 

er von der futuristischen Methode, Bewegungsabläufe fortlaufend wie mehrfach belichtete 

Fotografien wiederzugeben, abwich, war ebenso einfach wie meisterhaft: Er nahm statt der 

konventionellen rechteckigen eine trapezförmige Leinwand. Der dadurch entstehende 

Eindruck der Neigung impliziert die Bewegung eines mit hoher Geschwindigkeit nach links 

fahrenden Fahrzeugs. Durch die ungewöhnliche, gestreckte Form der Leinwand hatte der 

Künstler die Freiheit, die Oberfläche nach Belieben zu »dekorieren« und konnte sich dabei 

dennoch sicher sein, dass das Gemälde das Bild eines fahrenden Busses vermittelte. Jones 

war nicht der Einzige, der um diese Zeit das Potenzial der geformten Leinwand auslotete. 

Auch andere britische Künstler wie David Hockney (in seinem Tea Painting in an Illusionistic 

Style von 1961) und Richard Smith (in seinen zunehmend skulpturalen Interpretationen 

überdimensionaler Zigarettenschachteln von 1962/63) sowie abstrakte amerikanische Maler 

wie Frank Stella und Ellsworth Kelly suchten nach Wegen, um die traditionelle Leinwandform 

aufzubrechen. Die Bus-Bilder, vor allem aber andere ungewöhnlich geformte Gemälde aus 

dieser Zeit wie zum Beispiel Wunderbare Landung von 1963 (der deutsche Titel ist eine 

Hommage an ein Gemälde von Paul Klee) sind die wohl heitersten und spielerischsten unter 

diesen Werken und nehmen – obwohl nach wie vor unterbewertet – eine herausragende 

Stellung innerhalb dieser Werkgruppe ein. 

Unter seinen Kollegen war Jones nicht der Einzige, der sich von den Wegbereitern der 

Moderne inspirieren ließ. Hockney etwa wurde, insbesondere was seine stilistischen 

Freiheiten anbelangt, stark durch die Begegnung mit den Arbeiten Picassos anlässlich einer 

großen Retrospektive, die die Tate Gallery 1960 veranstaltete, beeinflusst. 





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Patrick Caulfield, der einige Monate nach Jones‟ Exmatrikulation ein Aufbaustudium am 

Royal College of Art aufnahm, orientierte sich dagegen am Kubismus Juan Gris‟ und am 

Purismus Le Corbusiers und Amédée Ozenfants, während sich Kitaj, der in seinen Collagen 

sowohl ikonografisch als auch hinsichtlich seiner Darstellungsmethoden in reichem Maße aus 

der gesamten Kunstgeschichte schöpfte, als Kind des Surrealismus betrachtete. Einflüsse 

des Surrealismus finden sich aber auch in Jones‟ Kunst: Die Gewohnheit, seine 

Kompositionen anhand winziger Skizzen auszuarbeiten, ging auf die »automatischen« 

Zeichnungen der Surrealisten zurück, und die Gestaltung manch späterer Arbeiten, etwa die 

des Gemäldes What Do You Mean What Do I Mean? (1968), lässt den Einfluss der von den 

Surrealisten als Gemeinschaftswerke entwickelten »Cadavre Exquis«-Gemälde (jeder 

Künstler zeichnet einen Teil der Figur, ohne zu wissen, wie der angrenzende Bildteil gestaltet 

wurde) erkennen. 

Worin sich Jones bei seinen Adaptionen der Errungenschaften der ersten modernen Künstler 

unterscheidet, ist das Interesse und die Begeisterung für ihre vielen verschiedenen 

Ausprägungen, und dies schloss auch solche Experimente ein, die zu ihrer Zeit als umstritten 

galten. Wer außer ihm setzte sich damals mit den frühen Werken Marc Chagalls auseinander 

und fand in den skurrilen, schwerelosen Figuren des Russen Anregungen für die 

schwebenden Körper in seinen eigenen Bildern, etwa dem bereits erwähnten 

Hermaphrodite? Und wer verband diese Bezüge dann auch noch mit einer Reminiszenz an 

die beinahe abstrakten Improvisationen eines Joan Miró, woraus so kühne Kompositionen 

wie die Female and Male Composition (1964/65) entstanden? Der Schwerkraft trotzen, und 

dies nicht nur in der wörtlichen Bedeutung von »sich den physikalischen Kräften entziehen«, 

sondern auch im übertragenen Sinn des Strebens nach Leichtigkeit, sowohl des Geistes als 

auch der Pinselführung: Dieses Thema sollte zu einem Leitmotiv und einem 

charakteristischen Merkmal von Jones‟ Kunst werden, das sich immer wieder Bahn bricht: So 

findet es sich zum Beispiel in den humorvollen Einfällen, die uns in seinem Œuvre immer 

wieder begegnen, und auch als Metaphern in Gestalt der Akrobaten der späteren Werke. Des 

Weiteren wird das Thema evident in den Frauen, die auf dem Schoß oder den Schultern von 

Pianisten Pirouetten drehen, etwa in The Art of Allusion (1993), sowie auch in den wie von 

Zauberhand schwebenden Frauenfiguren in neueren Werken, etwa dem Gemälde Float aus 

dem Jahr 2003. In Gemälden, die Dirigenten und Tänzer oder Nachtschwärmer bei 

orgiastischen Festen zeigen, knüpfte Jones folglich an das an, was Kandinsky bereits 

hundert Jahre vor ihm getan hatte und was sich in der Begeisterung der französischen 

Symbolisten für die Synästhesie (der Begriff bezeichnet ein neurologisches Phänomen, das 

sich Dichter wie Arthur Rimbaud zunutze machten, um die durch einen Sinnesreiz ausgelöste 

gleichzeitige Wahrnehmung eines zweiten Reizes, etwa die Kopplung von Geschmack und 

Farbe oder von Farbe und Klang, zu beschreiben) niederschlug: die Verschmelzung von Musik 

und Malerei. 





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Obwohl der (häufig von der Norm abweichende) Sexualtrieb, der von Mitte der 1960er- bis 

Anfang der 1970er-Jahre eine zentrale Rolle im Schaffen des Künstlers spielte, ab seinem 

vierzigsten Lebensjahr an Radikalität abnahm, ist Jones‟ Kunst in ihrem Kern nach wie vor 

stark von Erotik und Sinnlichkeit geprägt. Partyszenen wie Encounter (1984/85) und Night 

Moves (1985), mit ihren Rollenspielfantasien, ihrem Exhibitionismus und ihrer Halbnacktheit, 

mit ihren leidenschaftlichen öffentlichen Geschlechtsakten und ihren Anspielungen auf 

Bondage und Partnertausch, haben auch heute noch ein beträchtliches provokatives 

Potenzial und können bei sensiblen Zeitgenossen Anstoß erregen. Die ungehemmte 

Darstellung der freien Liebe ist ohne Zweifel ein Relikt der sexuellen Befreiung der 

Sechzigerjahre, an dem der Künstler bis heute festhält, auch wenn er dadurch noch immer 

Gefahr läuft, von der Frauenbewegung kritisiert zu werden (und dies obwohl es in besagten 

Bildern häufig die Frauen zu sein scheinen, die die Oberhand haben). Allerdings hat sich die 

Bildsprache nun in eher matissesche Sphären und ganz allgemein hin zu einer 

Neuinterpretation der sinnesfrohen französischen Malerei des frühen 20. Jahrhunderts 

verlagert. Die Verschmelzung gegenständlicher Darstellungen zu vieldeutigen Abstraktionen, 

die Konzentration auf wohlgeformte Körper, das Nebeneinander von geschichteter 

räumlicher Komplexität und häufig abgeflachten Formen, vor allem aber die meisterhafte 

Komposition einer breiten Palette kräftiger reiner Farben – dies alles trägt dazu bei, die 

Atmosphäre dionysischer Hemmungslosigkeit zu verstärken. Vielleicht sind diese Bilder aber 

auch ganz anders zu interpretieren, vielleicht ist die narrative Bildsprache nicht als 

Selbstzweck zu verstehen, sondern vielmehr als Auslöseimpuls des sinnlichen Erlebnisses, 

das die Bildsprache ausschließlich mit den Mitteln der Malerei erzeugt. Das Gewirr von 

Formen, Farben, verführerischen Oberflächen und bruchstückhaften Begegnungen mit dem 

menschlichen Körper versetzen den Betrachter in eine Art Rausch. 

Obwohl die erotische Spannung bei Jones weit über die melancholisch-sehnsuchtsvolle 

Erotik hinausgeht, die man mit den matisseschen Odalisken verbindet, möchte auch Jones 

wie sein Vorbild mit seiner Kunst zur Erholung von den täglichen Pflichten beitragen, gerade 

so, wie es Matisse 1908 in seinen Notizen eines Malers beschrieben hat: »Ich träume von 

einer Kunst des Gleichgewichts, der Reinheit, der Ruhe, ohne beunruhigende und sich 

aufdrängende Gegenstände, von einer Kunst, die für jeden Geistesarbeiter, für den 

Geschäftsmann so gut wie für den Literaten ein Beruhigungsmittel ist, eine Erholung für das 

Gehirn, so etwas wie ein guter Lehnstuhl, in dem man sich von physischen Anstrengungen 

erholen kann.« Eher sittenstrenge Zeitgenossen mögen dies als Eskapismus bewerten, den 

sie ebenso ablehnen wie den sexuellen Eskapismus. Jones lädt den Betrachter ein, sich fallen 

zu lassen, der Versuchung nachzugeben und in Schönheit und reiner Körperlichkeit zu 

schwelgen. 





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Sein unapologetisches Oszillieren zwischen diesen beiden Arten intensiver Sinnesfreude, die 

beide, zumindest für kurze Zeit, jeden anderen Gedanken ausschalten können, lädt jeden 

Betrachter dazu ein, den Augenblick bewusst und in Gänze auszukosten, sich durch und 

durch lebendig zu fühlen. 

1978 schuf Jones ein großes und in gewisser Weise untypisches Gemälde. Es zeigt eine an 

einem Bambuszaun entlangschreitende Varietékünstlerin mit einer furchterregenden 

rituellen Maske, die ihren Rumpf und ihr Gesicht verdeckt. Dabei ließ er sich nicht nur von 

einem großen Gemälde eines unbekannten Künstlers inspirieren, das früher einmal als 

Dekoration in einer Bar gehangen hatte und das er in Los Angeles, wo er damals gerade 

lebte, erworben hatte, sondern er besaß auch noch die Unverfrorenheit, seiner Version exakt 

den gleichen französischen Titel zu geben, den ein zu Recht berühmtes fauvistisches 

Gemälde von Matisse aus dem Jahr 1904 trägt: Luxe, calme et volupté. Das in einer 

pointillistischen Technik gemalte matissesche Bild, das eine Gruppe von weiblichen 

Badenden zeigt, die sich an einem Mittelmeerstrand räkeln, war wiederum von Charles 

Baudelaires Gedicht »Einladung zur Reise« inspiriert, in dem der Dichter schreibt: »Dort wird 

nur Ordnung im Verein / Mit Schönheit, Frieden, Wonne sein.« 3 Matisse bleibt nahe an der 

Metaphorik des baudelaireschen Gedichts, einem der berühmtesten aus dem Gedichtband 

Die Blumen des Bösen, in dem die Schönheit der Frau, an die es gerichtet ist, mit der eines 

idyllischen Traumlandes gleichgesetzt wird, das für einen Zustand vollkommenen 

Wohlbehagens und inneren Friedens steht. Das exotische Flair, das Jones von seiner 

Barentdeckung übernommen hat, entführt den Betrachter in eine andere Welt, eine Welt, die 

an unbeschwerte Ferien an tropischen Stränden und an die romantischen, primitivistischen 

Anklänge in den Werken Paul Gauguins erinnert, die wiederum die matissesche Fantasie 

angeregt hatten. Für Jones werden die baudelaireschen Verse zu Passwörtern, die den 

Zugang in die Welt der Fantasie – insbesondere der sexuellen Fantasie – ermöglichen und uns 

in einen Zustand reiner Sinnesempfindung versetzen, der uns in Farben und visueller 

Sinnesfreude schwelgen lässt. So bringt uns Jones auch in diesem Gemälde, mit seinen 

räumlich wiedergegebenen Palmwedeln und Anspielungen auf den Südsee-Eskapismus, dazu, 

seine Kunst als Ort der Freude zu erleben, der frei von den Zwängen des Alltags ist. 

Der Maler und Aquarellist Jones hatte und brauchte in seinem Atelier nie einen Assistenten, 

war es für ihn doch stets ein Gebot, seine Arbeiten von Anfang bis Ende von eigener Hand 

auszuführen. Bei seinen Skulpturen und seinen zahlreichen editierten Lithografien, die in 

Zusammenarbeit mit verschiedenen Spezialdruckereien entstanden, arbeitete er jedoch 

sinnvollerweise mit Spezialisten zusammen, die in der Lage waren, seine Anweisungen 

hinsichtlich Gestaltung und Verarbeitung mit höchster Professionalität auszuführen. Dies 

galt bereits für die Möbelskulpturen von 1969, die Dick Beech unter Anleitung des Künstlers 

aus Ton modellierte und die anschließend in Fiberglas gegossen und von der Firma Atomage, 

einem Hersteller von Bondage-Outfits, mit hautengen Lederdessous bekleidet wurden. 





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Wie in seinen Gemälden soll dem Betrachter auch bei diesen Objekten suggeriert werden, die 

geschmeidigen Formen, die makellosen Oberflächen und die perfekte Konstruktion seien 

nicht das Ergebnis mühevoller Arbeit. 

Dennoch legt der Künstler Wert darauf, auch in diesen Arbeiten etwas von ihrem 

Entstehungsprozess zu vermitteln. Besonders augenfällig ist dies bei den ganz kleinen 

Plastiken, etwa der Bronzeskulptur Stretching Dancer von 1982 oder der bemalten 

Silberplastik Bathers von 1994, die den je nach Größe der Skulptur aus Papier, Karton oder 

Aluminium gefertigten Maquetten, die ihnen zugrunde liegen, sehr ähnlich sind. Die einzelnen 

Elemente wurden von Hand ausgeschnitten, zusammengesetzt und in die gewünschte 

Position gebogen oder gedreht. Das Vergnügen, das man beim Betrachten dieser Skulpturen 

empfindet, resultiert zu einem großen Teil daraus, dass sich die Verspieltheit, mit der sie 

entworfen und gestaltet wurden, auf den Betrachter überträgt, der sich so mit dem Künstler 

identifiziert und der – einfach indem er das Werk mit Interesse und Neugier betrachtet – 

selbst zum aktiven Partner dieses schöpferischen Akts wird. 

Jones‟ plastische Arbeiten nahmen ab Ende der 1960er-Jahre dieselbe Entwicklung wie seine 

Gemälde und druckgrafischen Werke: Die perfekte, realitätsgetreue Wiedergabe, die den 

fetischistisch-obsessiven Charakter der Figuren unterstrich, wich einer eher spielerischen, 

vereinfachten und abstrakten Darstellung (eine allgemeine Entwicklung, von der der Künstler 

jedoch auch hin und wieder abwich, denn spätere plastische Werke, etwa die 2006 

entstandene Skulptur Enchanteresse, lassen eine bewusste Rückkehr zu Sprache und 

Ausführung der Möbelskulpturen von 1969 erkennen). Was ursprünglich lediglich ein Exkurs 

von der Malerei war, hat in den letzten Jahren einen zentralen Platz in Jones‟ Kunst 

eingenommen, und das nicht nur in Gestalt von mitunter monumentalen öffentlichen 

Auftragsarbeiten, sondern auch in kleinen, geradezu handlichen »jeux d‟esprit«. Obwohl der 

Künstler seine eigenen dreidimensionalen Arbeiten stets als plastische Werke eines Malers 

bezeichnet hat, hat er sich inzwischen auch mit den Auftragsskulpturen, die er in den 

vergangenen beiden Jahrzehnten geschaffen hat, international einen Namen gemacht. Ein 

besonders gelungenes Beispiel ist in diesem Zusammenhang der 18 Meter hohe Acrobat, der 

den Innenhof des Londoner Chelsea and Westminster Hospital mit solch großer 

Selbstverständlichkeit einnimmt. Die überschäumende Lebensfreude, die sich in der 

dynamischen Haltung dieser abstrahierten Figur ausdrückt, und die klaren, farbenfrohen 

Formen strahlen eine lebensbejahende Vitalität aus, die in einer Umgebung, die sonst von 

Gedanken an Krankheit und Tod infiziert sein könnte, eine erfreulich ansteckende Wirkung 

hat. 

Die Geschichte der Kunst im öffentlichen Raum der Nachkriegszeit ist überreich an 

Beispielen ungeliebter, einer Umgebung willkürlich aufgezwungener Metallskulpturen. 





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Bei seinen Exkursionen in dieses ihm ursprünglich fremde Gebiet hat es sich Jones zur 

Aufgabe gemacht, mitunter gigantische Fantasiefiguren zu schaffen, die das Auge 

ansprechen und den Betrachter – nicht selten im wahrsten Sinne des Wortes – in einen 

heiteren Reigen hineinversetzen. In diesen Werken zeigt sich unübersehbar ein Faible für den 

ausgelassenen Modernismus Mirós und vor allem Calders. 

Stilelemente aus den unterschiedlichsten Epochen aufzugreifen, wie es die Künstler der 

Postmoderne zu tun pflegten, die auf diese Weise historische Stile wiederbelebten, die sie 

durch den distanzierenden Kunstgriff der Ironie gleichzeitig jedoch etwas ins Lächerliche 

zogen, war Jones‟ Sache nicht. Er zog es vielmehr vor, die Stilrichtungen, die eine starke 

Anziehung auf ihn ausübten, mit Leben zu erfüllen und nach Möglichkeiten zu suchen, sie zu 

erweitern und zu seinen eigenen zu machen. So diente ihm etwa als Ausgangspunkt für die 

aus bemaltem Stahl gefertigte Skulpturengruppe Le déjeuner sur l‟herbe, die 2008 im Park 

von Chatsworth House aufgestellt wurde, lediglich das einst umstrittene Gemälde von 

Édouard Manet aus dem Jahr 1863. Die Variationen, die Picasso dazu geschaffen hat, ließ er 

vollkommen außer Acht, und das aus dem einfachen Grund, dass er sie nicht kannte oder 

dass sie bei ihm in Vergessenheit geraten waren. Dennoch stehen Jones‟ Skulpturen nicht 

nur in der Tradition der zahlreichen Bilder, die Picasso zwischen 1954 und 1962 zu diesem 

Thema gemalt hat, sondern auch der monumentalen Skulpturen aus Gasbeton, die der 

Spanier am Ende dieser Periode geschaffen hat und die sich heute im Park des Moderna 

Museet in Stockholm befinden. Dass er diese außergewöhnlichen Neuinterpretationen 

Picassos von Manets Gemälde nicht vor Augen hatte, als er ein ähnliches Projekt für den 

Park eines großen englischen Landguts plante, erwies sich im Grunde genommen als Vorteil, 

denn so konnte er sich voll und ganz darauf konzentrieren, die nackte Frauenfigur und ihre 

bekleideten männlichen Begleiter auf seine individuelle Weise neu zu gestalten. 

Obwohl Jones‟ eigentliche Pop-Art-Periode nunmehr bereits fast vier Jahrzehnte 

zurückliegt, zieht sich ein Merkmal dieses Frühwerks bis heute unverändert durch sein 

Schaffen: ewige Jugendlichkeit und ungezügelte Libido. In vieldeutigen großformatigen, von 

zahlreichen Figuren bevölkerten Gemälden, die im ersten Jahrzehnt des 21. Jahrhunderts 

entstanden, darunter etwa The Dance Academy (2002) und Invitation Only (2006), 

zelebriert der Künstler, obwohl inzwischen im »Rentenalter«, noch immer plastisch die 

jugendliche weibliche Schönheit, Wollust und Erotik. Das letztgenannte Bild, eine 

ungewöhnliche Spielart des traditionellen Triptychons, zeigt eine Gruppe von Models vor und 

während ihres Auftritts auf dem Laufsteg. Durch die allmähliche Verkleinerung der drei 

Tafeln suggeriert der Künstler hier mit einfachen Mitteln einen nach hinten fliehenden Raum, 

wobei die einzelnen Figuren beziehungsweise Figurengruppen, wie häufig bei Jones, jeweils 

von einem nicht weit in die Tiefe reichenden Raum umrahmt werden. 





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Die graziös auf ihren Stilettos balancierenden langbeinigen, großbusigen Frauen gehören 

offensichtlich zur gleichen Gattung von Superfrauen, denen Jones seit Mitte der 1960er- 

Jahre immer wieder ein Denkmal gesetzt hat. Sie befinden sich nun jedoch in einer weitaus 

komplexeren räumlichen Umgebung, in der die Farbkompositionen des Künstlers erst richtig 

zur Geltung kommen, und sie zeigen eine Handlung, die sie mit der »realen« Welt außerhalb 

der Malerei verbindet und sie ins neue Jahrtausend versetzt. 

Wie sinnig, dass ein Künstler, dessen künstlerische Einfälle die Haute Couture beeinflusst 

haben, seit er in den frühen Sechzigerjahren den Minirock vorwegnahm, auf diese Weise zu 

seinem Ausgangspunkt zurückkehrt und dabei der Modewelt als einer anderen Sphäre Tribut 

zollt, in der Fantasie, Erotik und ein idealisiertes Bild weiblicher Schönheit ein Fenster zu 

einer anderen Welt öffnen. 

Die für diese Ausstellung – die erste große Jones-Retrospektive seit der von mir für 

Großbritannien und Deutschland kuratierten Wanderausstellung seiner Gemälde von 1979/80 

– zusammengestellten Arbeiten erstrecken sich über Jones‟ gesamtes 50-jähriges Schaffen 

und zeigen, dass er nicht nur ein Meister auf dem Gebiet der Malerei ist, sondern auch auf 

jenem des Aquarells, der Lithografie und der Bildhauerei. Die Vorführung eines 1970 für das 

deutsche Fernsehen produzierten Beitrags mit dem Titel Männer wir kommen! gibt außerdem 

einen kleinen Einblick in seine zahlreichen Ausflüge in Gebiete jenseits der bildenden Kunst. 

Ein kleiner Teil dieser Projekte ist in einem 1971 unter dem Titel Allen Jones Projects 

erschienenen Buch dokumentiert; darunter finden sich neben gemeinsamen Arbeiten mit 

Fotografen (allen voran Brian Duffy, mit dem er den Pirelli-Kalender von 1973 realisierte) und 

Filmemachern (Stanley Kubrick adaptierte Jones‟ Möbelskulpturen von 1969 für die Szenen 

in der Korova Milk Bar in seinem Film A Clockwork Orange) auch Theaterarbeiten (zwei 

Szenen für die Londoner Inszenierung von Oh! Calcutta! und Kostümentwürfe (1987) für die 

Inszenierung von Richard Alstons Ballett Cinema, aufgeführt durch die Rambert Dance 

Company). Darüber hinaus schuf er grandiose Dekorationsgemälde für verschiedene 

Londoner Spitzenrestaurants, unter anderem für das Ivy und für eine Brasserie von Terence 

Conran in Soho (Mezzo, 1995), sowie Postervorlagen (Maîtresse, 1976) und Vorlagen für 

Großwerbeflächen (Fogal Mural, 1978). 

Jones‟ Betätigungsfeld reicht weit über die Welt der Kunst hinaus, am stärksten war er dabei 

vermutlich auf den Gebieten der Mode, der Musik und des Grafikdesigns vertreten: Das 

Airbrush-Foto, das die Innenseite von David Bowies 1973 erschienenem Album Aladdin Sane 

ziert, hätte sich beispielsweise ebenso gut im Pirelli-Kalender desselben Jahres finden 

können, zweifellos auch als Hommage an Letzteren gedacht. Dass Jones jedes dieser Genres 

so nachhaltig beeinflusst hat, ist nicht verwunderlich, zählten zu seinen Bewunderern, 

Freunden und Sammlern doch unter anderem Modeschöpfer wie Zandra Rhodes, Fotografen 

wie Helmut Newton und Mick Rock und Popstars wie Adam Ant. 





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Doch so groß die Spuren, die er mit seinen Gemälden, die in den Sammlungen von Museen in 

aller Welt zu finden sind, und die er auch als langjähriges Mitglied der Royal Academy of Arts 

in der Kunstwelt hinterlassen hat, auch sein mögen – am stärksten wird der allgegenwärtige 

Einfluss seiner originellen, unverwechselbaren Visionen auch in Zukunft in diesem weiteren 

kulturellen Kontext spürbar sein. 

Auszüge aus dem Katalogtext: Marco Livingstone: Der Schwerkraft trotzen, in: Meinrad 

Maria Grewenig/Otto Letze (Hg.): Allen Jones–Off the Wall. Pop Art 1957–2009, Edition 

Völklinger Hütte, Ostfildern 2012 

A New Perspective on Floors 

1966 

Serie von 6 Farblithografien 

77 x 56 cm 








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10. Zitate 

Mein Leben könnte viel leichter sein, wenn ich Quadrate malen würde - aber ich bin 

nun mal von Frauen besessen. 


Ich sehe die Skulpturen nach wie vor als gutes Bildnis und Zeitzeugnis für die 

Feministenbewegung. 


Man kann immer nur sein eigenes Umfeld verarbeiten, sich von befreundeten 

Künstlern, seiner Zeit und Umgebung, den politischen Umständen inspirieren lassen. 


Und vergesst mir ja die Beine nicht. 


Ich weiß nicht, woher Inspiration kommt oder welche Gestalt sie annehmen kann, 

deshalb halte ich die Augen weit geöffnet, damit ich ja nichts verpasse. 


Mir ist es wichtig, solche Dinge zu benutzen, die in der Gesellschaft bereits zu 

Klischees geworden sind und die jeder sofort erkennt. 

Mel Ramos 

Alles wird Kunst sein, und nichts wird Kunst sein, weil alles, wie ich glaube, schön ist. 

Andy Warhol 

Warenhäuser werden zu Museen, Museen werden zu Warenhäusern. 

Andy Warhol 

[…] Du kannst Fernsehwerbung für Coca Cola sehen und du weißt, daß der Präsident 

Coke trinkt, daß Liz Taylor Coke trinkt und, denk‟ nur – auch du kannst Coke trinken. 

Coke ist Coke, und keine Summe Geld kann dir ein besseres Coke verschaffen als 

das, das der Penner an der Ecke trinkt. Jedes Coke ist gut. Liz Taylor weiß es, der 

Präsident weiß es und du weißt es. 

Andy Warhol 





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Ich möchte eine Maschine sein. 

Andy Warhol 

Pop-Art ist gewiss eines der Dinge, von denen ich glaube, dass sie zu den frechsten 

und erschreckendsten Charakteristika unserer Kultur gehören, Dinge, die wir 

hassen, die aber doch einen starken Einfluss auf uns haben. 


Die Welt ist draußen, Pop-Art schaut hinaus in die Welt. 


Kunst soll etwas anderes tun als im Museum auf dem Hintern zu sitzen. 

Claes Oldenburg 

Ich bin für die Kunst verlorener oder weggeworfener Dinge… Ich bin für Kunst, die 

man raucht wie eine Zigarette… Ich bin für Kunst, die wie eine Fahne flattert. 

Claes Oldenburg 

In der PopArt wird Kitsch erlöst und in einen neuen Zustand ästhetischer 

Erhabenheit versetzt. 

Umberto Eco 

Neither Forget Your Legs 

1965 


127 x 102 cm 







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11. Pop-Art-ABC 

Androgynität Die Vereinigung weiblicher und männlicher Merkmale. 

Peter Blake 

(geb. 1932) 

Allen Jones versucht in seinen Werken Frau und Mann 

miteinander verschmelzen zu lassen. 

Das bekannteste Werk des britischen Pop-Art-Künstlers 

Peter Blake ist das Design des Schallplattencovers des 

Beatles-Albums „Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band“ 

von 1967. 

Collage Ein Bild, das aus verschiedenen aufgeklebten und 

gemalten Teilen besteht. 

Dose Dosen werden häufig in Zusammenhang mit der Kunst von 

Andy Warhol gebracht, der 1968 Suppendosen der Firma 

Campell als Kunstwerk inszenierte. 

Expressionismus Insbesondere die Fauves (siehe Buchstabe „F“) können 

dieser Stilrichtung der Kunst zugeordnet werden, die sich 

u.a. durch eine starke Farbgebung und der Tendenz zur 

Vereinfachung auszeichnet. 

Fauves Die Fauves waren eine Vereinigung von Malern von ca. 

1905 bis 1907. Ihr Credo war, dass die Farbe Vorrang vor 

dem Motiv hat. Sie lehnten Perspektive und Tiefenwirkung 

ab, stattdessen standen Farbe, Fläche, Kontur im 

Vordergrund. Vertreter waren: Henri Matisse, André 

Derain und Maurice de Vlaminck. 

Gegenstand Der Gegenstand in der Pop-Art ist meist von trivialer 

Natur, dem Alltag, Comics oder der Werbung entnommen. 

Happening Als Happening bezeichnet man avantgardistische 

provokative Kunstveranstaltungen ab Ende der 1950er 

Jahre in Fortführung dadaistischer und surrealistischer 

Inszenierungen. Das Publikum ist Teil der vom Künstler 

erdachten Aktion. 





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Independant Group 1952 wurde die Gruppe um den Kunstkritiker Lawrence 

Jasper Johns 

(geb. 1930) 

Alloway in Großbritannien gegründet, die durch die 

Einbeziehung von Alltagsgegenständen in ihre Kunstwerke 

bahnbrechend war für die Durchsetzung der Pop-Art. 

Er ist zusammen mit Robert Rauschenberg einer der 

Wegbereiter der amerikanischen Pop-Art. Bekannt wurde 

Johns durch seine Serien von amerikanischen Flaggen und 

Zielscheiben. 

Konsum Die Welt des Konsums lieferte den Pop-Art Künstlern ihre 


(1923–1997) 

Bildmotive. Gegenstände wie Colaflaschen, Suppendosen 

und Hamburger wurden zu Kunstobjekten deklariert. 

Er ist einer der wichtigsten Vertreter der Pop-Art. 

Lichtenstein griff für seine Arbeiten vor allem auf 

Zeitungsannoncen und Comic Hefte zurück. Er übertrug 

die Vorlagen in einer Rasterstruktur auf große Formate. 

Kurze, oft ironisierende Texte in Sprechblasen begleiten 

die Darstellungen. 

Medien Sie bilden eine entscheidende Inspirationsquelle für alle 

Pop-Art Künstler. Egal ob Zeitungsbericht, Werbeplakat 

oder Comic Heft. Die Künstler übernahmen die Motive und 

entwickelten sie in ihren Arbeiten weiter. 

Maquette Darunter versteht man ein kleinformatiges 

Bildhauermodell. 

Nouveaux Réalistes Die französische Künstlergruppe wurde 1960 gegründet. 

Mitglieder waren u.a. Pierre Restany (1930–2003), Yves 

Klein (1928–1962) oder Niki de Saint Phalle (1930–2002). 

Charakteristisch für die Werke dieser Gruppe ist die 

Verwendung sog. „Objets trouvés“ (s. Buchstabe „O“). 





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Objet trouvé Ein Objet trouvé (dt.: gefundener Gegenstand) kann ein 

Kunstwerk oder Teil eines Kunstwerks sein, welches aus 

gefundenen Alltagsgegenständen oder Abfällen gefertigt 

wird. 

Jackson Pollock 

(1912–1956) 

Der US-amerikanische Maler inspirierte Allen Jones, z.B. 

sein Werk „Guardian of the Secret“ von 1943. 

Quellen Paul Klees „Pädagogisches Skizzenbuch“, Henri Matisse, 

oder auch Wassily Kandinsky waren Inspirationsquellen 

für Allen Jones. 

Relief Als Relief werden sich plastisch erhebende Darstellungen 

aus einer Fläche bezeichnet. Man kann zwischen Hoch-, 

Halb- und Flachrelief unterscheiden. 

Shaped Canvas Allen Jones arbeitet gerne mit speziellen Leinwänden, 

deren Form an das Bildmotiv angepasst wird, so z.B. bei 

den Bus-Bildern. 

Triptychon Ein Triptychon ist ein dreiteiliges Gemälde oder Relief. 

Unterhaltungskultur Die Pop-Art lässt die Grenzen zwischen der E-Kultur, der 

ernsthaften Kultur, und der U-Kultur verschwimmen. 

Variation Eines von Allen Jones„ Hauptthemen ist die Beziehung 

Andy Warhol 

(1928–1987) 

zwischen Frau und Mann, die er in den unterschiedlichsten 

Ausführungen in seinem Oeuvre behandelt. 

Andy Warhol ist wohl der bekannteste Vertreter der Pop- 

Art. Für seine Werke vergrößerte er Details aus der 

Werbung und anderen Medien, reproduzierte sie in 

Variationen und reihte sie nebeneinander. Seit 1962 

entstanden die meisten seiner Werke in der „Factory“, 

seiner Wohn- und Arbeitsstätte, durch eine Vielzahl von 

Assistenten. 





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Xart Walls Mit dieser Tapetenserie nahm Allen Jones an der 

documenta 5 teil. 

Zarathustra „Also sprach Zarathustra. Ein Buch für Alle und Keinen“, 

(1883–1885) wird von vielen als das Hauptwerk des 

deutschen Philosophen Friedrich Nietzsche angesehen. 

Zarathustra war ein persischer Religionsstifter aus dem 1. 

oder 2. Jahrtausend v.Chr. 

The Sitter 

1986 


152 x 152 cm 







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12. Katalog zur Ausstellung 

Meinrad Maria Grewenig/Otto Letze (Hg.) 

Allen Jones–Off the Wall. Pop Art 1957–2009 

Edition Völklinger Hütte, Ostfildern 2012 

236 Seiten, durchgehend vierfarbig, Sonderpreis 19,80 € 

13. Literatur 

Literatur zur Pop-Art 

Martina Angelotti 

Pop Art 

Vercelli 2011 

Stefanie Mallon 

Die wichtigsten Vertreter der britischen Pop-Art 

Eduardo Paolozzi, Richard Hamilton, David Hockney, Peter Blake und Peter Phillips 

München 2010 

Hajo Düchting 

Wie erkenne ich? Die Kunst der Pop Art 

Stuttgart 2009 

Tobia Bezzola/Franziska Lentzsch (Hg.) 

Europop 

Köln 2008 

Karl Ruhrberg u.a. (Hg.) 

Kunst des 20. Jahrhunderts, Band I und II 

Köln 2005 

Mark Francis 

Pop 

London 2005 





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Walter Grasskamp (Hg.) 

Was ist Pop? Zehn Versuche 

Frankfurt am Main 2004 

Uta Grosenick (Hg.) 

Pop Art 

Köln 2004 

Clare Oliver 

1960–80. Experiments an new Direction. From Op and Pop Art to Super-Realism, 

Minimalism and Conceptual Art 

Milwaukee 2001 

David McCarthy 

Kunst Basics. Pop Art 

Ostfildern 2001 

Thomas Crow 

Die Kunst der Sechziger Jahre 


Tilman Osterwold 

Pop Art 

Köln 1999 

Marco Livingstone (Hg.) 

Pop Art 

München 1992 

Jürgen Jacob 

Die Entwicklung der Pop Art in England 

Von ihren Anfängen bis 1957 

Frankfurt am Main 1986 

José Pierre 

DuMont‟s kleines Lexikon der Pop Art 

Köln 1978 





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Literatur zu Allen Jones 

Meinrad Maria Grewenig (Hg.) 

Allen Jones. Off the Wall. Pop Art 1957–2009 

Völklingen 2012 

Showtime 

Katalog zur Ausstellung in der Galerie LEVY 

Hamburg 2009 

Allen Jones. Magic. Works from 1999–2005 


Hamburg 2007 

Allen Jones. The City 

Katalog zur Ausstellung in der Galeria António Prates 

Lissabon 2007 

Andrew Lambirth 

Allen Jones. Between the Sheets – Paintings, Watercolours, Prints 1999-2007 

Katalog zur Ausstellung in der Alan Cristea Gallery 

London 2007 

Andrew Lambirth 

Allen Jones. Works 

London 2005 

Enrico Mascelloni 

Allen Jones. Believe It or Not 

Katalog zur Ausstellung in der Galleria d‟Arte Maggiore 

Bologna 2002 


Katalog zur Ausstellung in der Galleria d‟Arte Maggiore 

Bologna 1999 

Allen Jones. Photo Files 

Little Sungoddess 

1989 

Bronze 

14 x 43 x 19 cm 







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Hamburg 1999 

Allen Jones. Catwalk 

Katalog zur Ausstellung in der Fondazione Nicola Trussardi 

Mailand 1998 

Allen Jones. Obras recientes 


Hamburg und Madrid 1995 

Marco Livingstone/Richard Llod 

Allen Jones. Prints 

Katalog zur Ausstellung in der Barbican Art Gallery 

London u.a. 1995 

Nicola Hodges (Hg.) 

Allen Jones. Art & Design Monographs 

London/Berlin 1993 

Allen Jones 1976–1992 

Katalog zur Ausstellung in der Galerie Frank Pages 

Baden-Baden 1992 

Allen Jones. Bilder, Aquarell, Skulpturen und Lithographien 


Hamburg 1992 

Allen Lambirth 

Allen Jones. Sculpture 

Katalog zur Ausstellung in der Vivian Art Gallery 

Swansea 1992 


Katalog zur Ausstellung in der Wetterling Gallery 

Stockholm 1989 

Allen Jones. New Sculpture 





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Katalog zur Ausstellung in den Waddington Galleries 

London 1988 

Allen Jones. Skulpturen – Zeichnungen 

Katalog zur Ausstellung in der Galerie Bogislav von Wentzel 

Köln 1984 

Allen Jones. An Exhibition of Recent Works 

Katalog zur Ausstellung in den Waddington Galleries 

London 1983 

Allen Jones. Stages: Lithographs 1981/82 

Katalog zur Ausstellung in den Waddingtion and Tooth Galleries 

London 1982 

Marco Livingstone 

Allen Jones. Sheer Magic 

London 1979 

Hans Albert Peters 

Allen Jones. Retrospective of Paintings 1957-1978 

Katalog anlässlich der Ausstellung in der Walker Art Gallery/Serpentine Gallery/ 

Staatlichen Kunsthalle 

Liverpool/London/Baden-Baden 1979 

Allen Jones. Works on Paper 

Katalog zur Ausstellung in den Waddingtion and Tooth Graphics Galleries 

London 1976 


Allen Jones Projects 

London 1971 

Allen Jones. Il Fauno 

Katalog zur Ausstellung in der Galleria d‟Arte 

Turin 1971 






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Katalog zur Ausstellung im Museum Boijmans Van Beuningen 

Rotterdam 1969 

Allen Jones. Recent Paintings 

Katalog zur Ausstellung in der Galerie Arthur Tooth & Sons 

London 1963 

Literatur zu weiteren Künstlern 

Derek Boshier 

Carolin Piontek 

Pop Art. R.B. Kitaj, Peter Phillips und Derek Boshier unter den Kriterien der Pop Art – 

Ikonographie 

München 2011 

Paul Cézanne 

Roberta Bernabei 

Cézanne 

München 2012 

Götz Adriani 

Paul Cézanne. Leben und Werk 

München 2006 

Robert Delaunay 

Gustav Vriesen 

Robert Delaunay. Licht und Farbe des Orphismus 

Köln 1992 

Michel Hoog 

Robert Delaunay 

München 1983 

David Hockney 





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David Hockney. A Bigger Picture 

Katalog zur Ausstellung in der Royal Academy of Arts 

London 2012 

Paul Melia/Ulrich Luckhardt 

David Hockney. Paintings 

München 2000 

Wassily Kandinsky 

Ulrike Becks-Malorny 

Kandinsky 

Köln 2008 

Hajo Düchting 

Wassily Kandinsky 1866-1944. Revolution der Malerei 

14. Aufl., Köln 2008 

Paul Klee 

Boris Friedewald 

Paul Klee. Sein Leben – Seine Kunst 

München 2011 

Fernand Léger 

Moma Artist Series 

Fernand Léger 

New York 2010 

Fondation Beyeler (Hg.) 

Fernand Léger. Paris – New York 







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Gianni Mercurio 

Roy Lichtenstein. Kunst als Motiv 

Köln 2012 

Roy Lichtenstein/Janis Hendrickson 

Lichtenstein 

Köln 2010 

Henri Matisse 

Volkmar Essers 

Matisse 

Köln 2006 

Jean Selz 

Matisse 

München 1990 


Leonard Emmerling 

Pollock. An der Grenze der Malerei 

Köln 2009 



Heidelberg 1999 

Andy Warhol 

Mark Francis (Hg.) 

Andy Warhol: Photographs, films, videos, books, interviews 

München 2004 

Mirror Miró 

2009 






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Heiner Bastian (Hg.) 

Andy Warhol: Retrospektive in der Neuen Nationalgalerie Berlin 

Berlin 2001 

Kunstgattungen 

Fauves 

Marcel Giry 

Der Fauvismus 

Ludwigsburg 1981 

Bernard Denvir 

Fauvismus und Expressionismus 

München/Zürich 1976 

Philosophen 

Carl Gustav Jung 

Tilman Evers 

Mythos und Emanzipation. Eine kritische Annäherung an C.G. Jung 

Hamburg 1987 

Carl Gustav Jung 

Gesammelte Werke 

Zürich/Olten 1958-1981 

Friedrich Nietzsche 

Günter Figal 

Nietzsche. Eine philosophische Einführung 

Stuttgart 1999 





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Giorgio Coli/Mazzino Montinari 

Friedrich Nietzsche. Sämtliche Werke. Kritische Gesamtausgabe 

Berlin/New York 1967 

14. Links 

Links zur Pop-Art 

Überblick 

http://www.pop-art-kunst.de/ 

Centre Pompidou, Artikel zur PopArt auf Englisch 

http://www.centrepompidou.fr/education/ressources/ENS-Object-EN/ENS- 

objet-EN.htm 

Links zu Allen Jones 

Biografie 

http://www.whoswho.de/templ/te_bio.php?PID=1640&RID=1 

Werke 

http://www.popartheaven.com/perl/search.pl?ARTISTL=Jones 

Dokumentation 

http://kunstschau.netsamurai.de/2012/06/25/allen-jones-off-the- 

wall/?utm_source=feedburner&utm_medium=feed&utm_campaign=Feed%3A+ 

KunstPresseSchau+%28Kunst+%7C+Presseschau%29&utm_content=FeedBu 

rner+user+view 

Links zu Andy Warhol 

Das Andy Warhol Museum Pittsburgh 

http://www.warhol.org/ 

Burda Museum Baden Baden, Kurzbiographie 

http://www.bad-bad.de/burda-museum/warhol.htm 





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Links zu Roy Lichtenstein 

Die Roy Lichtenstein Foundation 

http://www.lichtensteinfoundation.org/ 

Biographie 

http://www.roy-lichtenstein.de/ 

Links zu den 1960er Jahren 

Planet Schule 

http://www.planet-schule.de/wissenspool/die-wilden-60er-jahre/inhalt.html 

Luxe, calme et volupté 

1978 


183 x 274 cm 







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Impressum 

Herausgegeben von 

Meinrad Maria Grewenig 



© Weltkulturerbe Völklinger Hütte 


66302 Völklingen 

Tel +49 (0) 6898/9 100 100 

Fax +49 (0) 6898/9 100 111 

f.kraemer@voelklinger-huette.org 

www.voelklinger-huette.org 

Konzept und Redaktion 

Peter Backes, Frank Krämer, Jeanette Wagner 

Recherche 

Jeanette Wagner 

Aufsätze 

Otto Letze: Allen Jones. Leben und Werk 

Sir Norman Rosenthal: Allen Jones. Einige Gedanken 

Marco Livingstone: Der Schwerkraft trotzen 

Stand 

Oktober 2012 





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