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münchen<br />
20<strong>17</strong> | Heft 32<br />
Deutsche Filme 2016<br />
Andrzej Wajda<br />
Universal Monsters<br />
Film und Psychoanalyse<br />
Bilder der Überwachung<br />
Cate Blanchett<br />
Architekturfilmtage<br />
Thomas Mauch<br />
Helmut Färber<br />
Kafka geht ins Kino<br />
Danielle Darrieux<br />
Georg Stefan Troller<br />
Kurt Eisner<br />
Sterling Hayden<br />
2. Juni 1967 und danach<br />
Miranda Pennell<br />
Jazz im Film
Eintrittspreise<br />
4 € (3 € für MFZ-Mitglieder). Ab 120 Minuten Filmlänge<br />
oder mit Gästen: 1 € Aufschlag. Ab 180 Minuten,<br />
mit Live-Musik oder bei 3D: 2 € Aufschlag. Die Kasse<br />
öffnet jeweils 60 Minuten vor und schließt 30 Minuten<br />
nach Beginn der Vorstellung. Bei allen öffentlichen<br />
Veranstaltungen verbleibt ein Kartenkontingent für den<br />
freien Verkauf an der Abendkasse.<br />
Kartenreservierung<br />
Kartenreservierungen sind bis zu vier Wochen im Voraus<br />
möglich und können unter der Telefonnummer<br />
089/23396450 auf Band gesprochen werden. Vorbestellte<br />
Karten müssen bis 20 Minuten vor Vorstellungsbeginn<br />
an der Kasse abgeholt worden sein, ansonsten<br />
verfällt die Reservierung.<br />
Kartenvorverkauf<br />
Karten können bis zu vier Wochen im Voraus gekauft<br />
werden. Bitte haben Sie Verständnis dafür, dass unmittelbar<br />
vor Vorstellungsbeginn bei starkem Besucherandrang<br />
kein Kartenvorverkauf erfolgt. Karten<br />
behalten ihre Gültigkeit nur bis Vorstellungsbeginn. An<br />
der Abendkasse können vorverkaufte Karten bis 20 Minuten<br />
vor Vorstellungsbeginn gegen Kostenerstattung<br />
wieder zurückgegeben werden.<br />
Programmabonnement<br />
Das Kinoprogrammheft und unseren Newsletter können<br />
Sie unter www.muenchner-stadtmuseum.de/film<br />
kostenlos abbonnieren. Das Programmheft wird an<br />
Mitglieder des MFZ auf Wunsch kostenlos versandt.<br />
Ansonsten bitten wir um die Zusendung eines adres-<br />
sierten und mit 1,45 € frankierten DIN A5-Briefumschlages<br />
an die Adresse des Filmmuseums. Den<br />
täglich aktualisierten Spielplan finden Sie auch auf<br />
Twitter: @filmmuseummuc.<br />
Mitgliedschaft<br />
Wer sich für die Arbeit des Filmmuseums interessiert,<br />
kann Mitglied im Verein der Freunde des Filmmuseums<br />
München, dem Münchner Filmzentrum e.V. (MFZ) werden.<br />
Mitgliedsanträge sind an der Kinokasse erhältlich.<br />
Der Jahresbeitrag beträgt 20 € und berechtigt zum<br />
ermäßigten Eintritt ins Filmmuseum sowie zur Teilnahme<br />
an den Mitgliederversammlungen des MFZ, in<br />
denen die Programmplanungen des Filmmuseums<br />
diskutiert und Projekte entwickelt werden. Weitere<br />
Informationen erhalten Sie unter Tel. 089 / 2713354<br />
und www.muenchner-filmzentrum.de.<br />
Rollstuhlfahrer / Hörgeschädigte<br />
Der Kinosaal im Untergeschoss ist über einen Aufzug<br />
für Rollstuhlfahrer zugänglich. Die Behindertentoilette<br />
befindet sich im Untergeschoss neben dem Kinoeingang.<br />
Das Kino ist mit einer Induktionsschleife für Hörgerätebesitzer<br />
ausgestattet.<br />
Saalmikrofon<br />
Das Kino verfügt über ein Saalmikrofon zur Kontrolle<br />
des Kinotons durch die Filmvorführer.<br />
Verkehrsverbindung<br />
Sie erreichen das Filmmuseum in 5 Gehminuten vom<br />
U/S-Bahnhof Marienplatz oder in 7 Gehminuten vom<br />
U-Bahnhof und der Trambahnhaltestelle Sendlinger Tor.<br />
Mitgliederversammlungen des Münchner Filmzentrums e. V. (MFZ)<br />
Die für alle Interessierten öffentlichen Mitgliederversammlungen des Fördervereins des Filmmuseums finden<br />
einmal im Monat montags um 19 Uhr im Gotischen Zimmer des Ignaz-Günther-Hauses (St.-Jakobs-Platz 20,<br />
80331 München, 1. Stock) statt. Termine: 13. März 20<strong>17</strong>, 10. April 20<strong>17</strong>, 15. Mai 20<strong>17</strong>, 12. Juni 20<strong>17</strong> und<br />
10. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong>. Informationen: kontakt@muenchner-filmzentrum.de.<br />
Open Scene am Donnerstag<br />
Die Termine am Donnerstag sind teilweise für aktuelle Veranstaltungen reserviert. Das Programm wird<br />
etwa acht Tage vorher festgelegt und in den Schaukästen an der Kinokasse, im E-Mail-Newsletter, unter<br />
www.muenchner-stadtmuseum.de/film/open-scene.html, auf Facebook, auf Twitter und durch Ankündigungen in<br />
der Tagespresse bekannt gegeben.<br />
Impressum<br />
Landeshauptstadt München. Filmmuseum im Münchner Stadtmuseum, St.-Jakobs-Platz 1, 80331 München,<br />
089/23320538, E-Mail: filmmuseum@muenchen.de · Redaktion: Stefan Drößler, Claudia Engelhardt, Christoph<br />
Michel, Klaus Volkmer · Gestaltung: KOSCH Werbeagentur, München · Druck: Weber Offset GmbH, München
Technikpreis, Wajda, Kafka & Zischler, Willi Johanns & Jazz<br />
Am 28. Oktober 2016 wurden Wolfgang Woehl und das Filmmuseum München<br />
auf dem 3D Korean International Film Festival in Seoul mit dem »Technical<br />
Contribution Award« für »cinematic excellence« ausgezeichnet. Tatsächlich<br />
hat Wolfgang Woehl, der im Filmmuseum die Digitaltechnik betreut, ein Untertitelprogramm<br />
für 3D-Filme entwickelt, das heute weltweit eingesetzt wird.<br />
Wir sind sehr stolz auf diese Anerkennung seiner Arbeit. Das Filmmuseum hat<br />
schon früh auch auf digitale Techniken zurückgegriffen. Der Umgang mit digitalen<br />
Daten, ihre Archivierung und die Digitalisierung der analogen Bestände<br />
sind komplexe Aufgaben. Wir sind froh, dass wir diesen Arbeitsbereich seit<br />
Januar mit unserer neuen Mitarbeiterin Larissa Homuth verstärken konnten.<br />
Am 8. Oktober 2016 ist Andrzej Wajda überraschend verstorben. Wie kein<br />
anderer Regisseur hat er über 60 Jahre lang die politische Entwicklung seines<br />
Landes begleitet, mit seinen Filmen polnische Geschichte aufgearbeitet, Diskussionen<br />
ausgelöst und ins politische Geschehen eingegriffen. Gleichzeitig<br />
hat er über die Jahrzehnte immer wieder neue ästhetische Formen und Wege<br />
gesucht, die in die Filmgeschichte eingegangen sind. Wir freuen uns, ihn mit<br />
der umfassendsten Retrospektive zu würdigen, die es bisher gegeben hat,<br />
und danken dem polnischen Generalkonsulat für die gute Zusammenarbeit.<br />
Wajdas letzter Film POWIDOKI (NACHBILDER) wird im Rahmen des Filmfests<br />
Münchens seine Deutsche Premiere erleben und im Filmmuseum die Retrospektive<br />
abschließen.<br />
Am 9. März 20<strong>17</strong> erscheint im Verlag Galiani Berlin die erweiterte Neuausgabe<br />
des Buchs »Kafka geht ins Kino« von Hanns Zischler, der über 30 Jahre<br />
lang die Filme recherchiert hat, die Kafka in seinen Tagebüchern, Briefen und<br />
Schriften erwähnt. Alle erhaltenen Titel hat das Filmmuseum in Zusammenarbeit<br />
mit internationalen Filmarchiven nun restauriert und wird sie als Dreifach-DVD<br />
in der Edition Filmmuseum veröffentlichen. Ermöglicht wurde dieses<br />
sehr aufwändige Projekt durch eine finanzielle Förderung der Bundeskulturstiftung.<br />
Am 20. April wird Hanns Zischler im Filmmuseum zu Gast sein, in den<br />
darauf folgenden Tagen feiern die restaurierten Filme ihre Premieren auf der<br />
Kinoleinwand mit Live-Musikbegleitung.<br />
Am 2. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong> findet im Filmmuseum erstmals ein Konzert ohne Film statt<br />
(dem sich dann allerdings eine Filmvorführung anschließt). Wir freuen uns,<br />
dass Willi Johanns, einer der weltbesten Scat-Sänger und leidenschaftlicher<br />
Cineast, mit einer hochkarätig besetzten Band die Reihe »Jazz im Film« eröffnen<br />
wird. Die Auswahl der Filme hat er entscheidend mitbestimmt: Alte und<br />
neue Klassiker, selten gezeigte Raritäten und spannende Neuentdeckungen, in<br />
denen oder an denen die Größen des klassischen Jazz mitwirkten. Alle Filme<br />
laufen in originalen 35mm-Kopien oder neuen digitalen Restaurierungen, ein<br />
Fernsehfilm ist als 16mm-Kinescope-Filmkopie zu sehen.<br />
Das Filmmuseum ist der letzte verbliebene Ort in München, der analog und<br />
digital alle Film- und Tonformate vorführen kann. Nur so ist es möglich, vollständige<br />
Retrospektiven und Themenprogramme zu organisieren. Wir hoffen,<br />
dass Sie unser Angebot nutzen, und freuen uns, wenn wir Sie als Gast bei<br />
unseren Veranstaltungen begrüßen können!<br />
Ihr Filmmuseum<br />
2 Rückblick<br />
3 Deutsche Filme 2016<br />
8 Andrzej Wajda<br />
19 Universal Monsters<br />
26 Film und Psychoanalyse<br />
28 Bilder der Überwachung<br />
32 Cate Blanchett<br />
37 Architekturfilmtage<br />
42 Thomas Mauch<br />
45 Helmut Färber<br />
47 Kafka geht ins Kino<br />
52 Danielle Darrieux<br />
57 Georg Stefan Troller<br />
58 Kurt Eisner<br />
61 Sterling Hayden<br />
67 2. Juni 1967 und danach<br />
71 Zuschauerkino<br />
72 Miranda Pennell<br />
73 Jazz im Film<br />
83 Kalenderübersicht<br />
R = Regie · B = Drehbuch · K = Kamera<br />
· M = Musik · S = Schnitt · T =<br />
Ton · D = Darsteller · P = Produktion<br />
OF = Originalfassung · OmU = Originalfassung<br />
mit Untertiteln · OmeU<br />
= Originalfassung mit englischen<br />
Untertiteln · OmfU = Originalfassung<br />
mit französischen Unter titeln · OmÜ =<br />
Originalfassung mit deutscher Übersetzung<br />
· dtF = deutsche Synchronfassung<br />
· \ = Live-Musik begleitung<br />
2 = Einführung · = Zu Gast
Rückblick<br />
22. September 2016: Martina Müller diskutiert mit dem Direktor der<br />
Städtischen Galerie im Lenbachhaus und des Kunstbaus Dr. Matthias<br />
Mühling über ihren Film GELD MACHT KUNST.<br />
21. Oktober 2016: Hubert Sauper, Werner Herzog und Paul Simon<br />
Lokwang bei der Verleihung des ersten Werner-Herzog-Filmpreises für<br />
Saupers Film WE COME AS FRIENDS im Filmmuseum.<br />
7. November 2016: Oberbürgermeister Dieter Reiter überreicht Caroline<br />
Link die Urkunde zum Filmpreis der Landeshauptstadt München für<br />
ihr herausragendes Gesamtwerk.<br />
24. November 2016: Dragoș Bucur und Marcela Ursu stellen im<br />
Filmmuseum den Film CÂINI (HUNDE) von Bogdan Mirica vor, der das<br />
Rumänische Filmfestival 2016 eröffnet.<br />
11. Dezember 2016: Isolde Barth berichtet in der Reihe »Film und Psychoanalyse«<br />
von ihrer Zusammenarbeit mit Rainer Werner Fassbinder<br />
bei der Produktion von IN EINEM JAHR MIT 13 MONDEN.<br />
18. Januar 20<strong>17</strong>: Klaus Wyborny beantwortet Fragen aus dem Publikum<br />
zu seinem Film IM IMAGINÄREN MUSEUM – STUDIEN ZU MONET<br />
in der Filmreihe »Kino und Malerei«.
Deutsche Filme 2016<br />
Toni Erdmann<br />
Deutsche Filme 2016<br />
3<br />
Wir haben wieder drei Filmkritiker – Margret Köhler<br />
aus München sowie Bert Rebhandl und Ralf Schenk<br />
aus Berlin – gebeten, ihre persönlichen Bestenlisten<br />
der deutschen Filme des Jahres 2016 zu erstellen. Es<br />
fällt auf, dass in diesem Jahr Filme von Filmemacherinnen<br />
die Listen anführen: Maren Ades TONI ERDMANN,<br />
Nicolette Krebitz’ WILD und Anne Zohra Berracheds<br />
24 WOCHEN wurden drei Mal genannt, hinzu kommen<br />
mit zwei Nennungen Maria Schraders VOR DER<br />
MORGENRÖTE und je einmal Ulrike Ottingers CHAMIS-<br />
SOS SCHATTEN, Doris Dörries GRÜSSE AUS FUKU-<br />
SHIMA sowie Sung-Hyung Chos MEINE BRÜDER UND<br />
SCHWESTERN IM NORDEN.<br />
Bemerkenswerterweise waren die meistgenannten Titel<br />
nicht nur auf Filmfestivals erfolgreich, sondern konnten<br />
auch bei ihrem Kinoeinsatz ansehnliche Besucherzahlen<br />
erzielen und sich in den deutschen Top Ten zwischen<br />
den üblichen seichten Komödien wie WILLKOMMEN<br />
BEI DEN HARTMANNS, DER GEILSTE TAG oder ICH BIN<br />
DANN MAL WEG und Kinderfilmen wie BIBI UND TINA 3,<br />
CONNIE & CO oder HILFE, ICH HABE MEINE LEHRERIN<br />
GESCHRUMPFT durchaus behaupten. Dennoch ist die<br />
Aufführung im Filmmuseum in vielen Fällen auf absehbare<br />
Zeit die letzte Gelegenheit, die ausgewählten<br />
Filme (noch einmal) auf der großen Kinoleinwand zu<br />
sehen. Und damit auch des Deutschen nicht mächtige<br />
Zuschauer die Filme sehen können, laufen die meisten<br />
mit englischen Untertiteln.<br />
<br />
Stefan Drößler<br />
Margret Köhler<br />
Toni Erdmann (Maren Ade)<br />
Wild (Nicolette Krebitz)<br />
Nebel im August (Kai Wessel)<br />
Junges Licht (Adolf Winkelmann)<br />
Vor der Morgenröte (Maria Schrader)<br />
Grüße aus Fukushima (Doris Dörrie)<br />
24 Wochen (Anne Zohra Berrached)<br />
Tschick (Fatih Akin)<br />
Paula (Christian Schwochow)<br />
Die Hände meiner Mutter (Florian Eichinger)<br />
Bert Rebhandl<br />
Toni Erdmann (Maren Ade)<br />
Chamissos Schatten (Ulrike Ottinger)<br />
Austerlitz (Sergei Loznitsa)<br />
Dahlienfeuer (Stefan Hayn)<br />
Havarie (Philip Scheffner)<br />
And-Ek Ghes (Philip Schefner)<br />
Tschick (Fatih Akin)<br />
Landstück (Volker Koepp)<br />
24 Wochen (Anne Zohra Berrached)<br />
Wild (Nicolette Krebitz)<br />
Ralf Schenk<br />
Vor der Morgenröte (Maria Schrader)<br />
Wild (Nicolette Krebitz)<br />
Toni Erdmann (Maren Ade)<br />
24 Wochen (Anne Zohra Berrached)
Deutsche Filme 2016<br />
4<br />
Landstück (Volker Koepp)<br />
Parchim International (Stefan Eberlein)<br />
Meine Brüder und Schwestern im Norden (Sung-Hyung Cho)<br />
Die Hände meiner Mutter (Florian Eichinger)<br />
Akt (Mario Schneider)<br />
Havarie (Philip Scheffner)<br />
Toni Erdmann | Deutschland 2016 | R+B: Maren Ade<br />
| K: Patrick Orth | D: Sandra Hüller, Peter Simonischek,<br />
Michael Wittenborn, Thomas Loibl, Trystan Pütter, Ingrid<br />
Bisu | 162 min | OmeU | Ines arbeitet für eine Consultingfirma<br />
in Rumänien. Sie möchte Karriere machen,<br />
und ordnet diesem Ziel vieles unter. Ein unerwarteter<br />
Besuch ihres Vaters bringt ihre Pläne durcheinander –<br />
er lässt sich nicht abwimmeln, sondern taucht als komische<br />
Figur »Toni Erdmann«, mit falschen Zähnen und<br />
Perücke, immer wieder in den unmöglichsten Momenten<br />
auf. Maren Ade verbindet auf höchst überzeugende<br />
Weise Strategien des sozialrealistischen Autorenfilms<br />
mit Elementen der populären Komödie. Peinlichkeiten<br />
erweisen sich als heilsam, in einem entscheidenden<br />
Moment steht Ines buchstäblich ohne die »neuen Kleider«<br />
der Beratungsbranche da. Sandra Hüller und Peter<br />
Simonischek in einer Sternstunde des deutschen Kinos.<br />
(Bert Rebhandl)<br />
Donnerstag, 23. <strong>Feb</strong>ruar 20<strong>17</strong>, 19.00 Uhr Samstag,<br />
25. <strong>Feb</strong>ruar 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Junges Licht | Deutschland 2016 | R: Adolf Winkelmann<br />
| B: Nils & Till Beckmann, Adolf Winkelmann,<br />
nach dem Roman von Ralf Rothmann | K: David Slama<br />
| M: Tommy Finke | D: Charly Hübner, Oscar Brose, Lina<br />
Beckmann, Magdalena Matz, Peter Lohmeyer, Nina<br />
Petri | 122 min | Die 1960er Jahre in einer Bergarbeitersiedlung<br />
im Ruhrgebiet: Da malochen die Väter unter<br />
Tage, streiten mit ihren Frauen, trinken am Feierabend<br />
Bier und schauen Mädels hinterher. All das beobachtet<br />
der 12-jährige <strong>Juli</strong>an durch seine Kamera. Immer<br />
wieder gerät er in die Bredouille, ob mit älteren Nachbarsjungen,<br />
seinem aggressiven Vater oder dem dubiosen<br />
Vermieter. Und das Kribbeln der ersten Verliebtheit<br />
macht ihm auch zu schaffen. Adolf Winkelmann bleibt<br />
dem »Pott« nach Filmen wie DIE ABFAHRER oder JEDE<br />
MENGE KOHLE treu und zeichnet nach Ralf Rothmanns<br />
Titel gebendem Roman aus der Perspektive eines sensiblen<br />
Heranwachsenden liebevoll-kritisch das Leben<br />
in der Wirtschaftswunder-Zeit. Das Milieu-Porträt überzeugt<br />
durch strengen Realismus und zarte Poesie.<br />
(Mar gret Köhler)<br />
Freitag, 24. <strong>Feb</strong>ruar 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Havarie | Deutschland 2016 | R: Philip Scheffner | B:<br />
Merle Kröger, Philip Scheffner | K: Terry Diamond, Bernd<br />
Meiners | 93 min | OmeU | Das Mittelmeer galt im Römischen<br />
Reich als »Mare Nostrum«, als »unser Meer«.<br />
Diese alte Bezeichnung hat in den letzten Jahren eine<br />
neue Bedeutung bekommen: Seit viele Menschen versuchen,<br />
auf dem Seeweg nach Europa zu kommen, ist<br />
das Mittelmeer zu einem Ort der Gegensätze geworden<br />
– zwischen Legalität und Illegalität, Innen und Außen,<br />
Leben und Tod. Philip Scheffner geht in HAVARIE von<br />
einem kurzen Videodokument aus. Der Passagier eines<br />
Kreuzfahrtschiffs filmt ein Schlauchboot, das im Wasser<br />
treibt. Diese Szene wird auf die Dauer des Films verlangsamt.<br />
Scheffner dringt förmlich in sie ein, während<br />
auf der Tonspur ein Hörspiel zu vernehmen ist, in dem<br />
sich das Geschehen auf viele Aspekte hin verzweigt. Ein<br />
komplexer, experimenteller Film über ein Jahrhundertthema.<br />
(Bert Rebhandl)<br />
Sonntag, 26. <strong>Feb</strong>ruar 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr
Chamissos Schatten | Deutschland 2016 | R+B+K:<br />
Ulrike Ottinger, unter Verwendung von Texten von Adelbert<br />
von Chamisso | Sprecher: Hanns Zischler, Burghart<br />
Klaußner, Thomas Thieme | 193 min (Alaska und<br />
die Aleutischen Inseln), 192 min (Tschukotka und die<br />
Wrangelinsel 1), 156 min (Tschukotka und die Wrangelinsel<br />
2), <strong>17</strong>7 min (Kamtschatka und die Beringinsel)<br />
| Ulrike Ottinger hat immer schon weite Reisen unternommen<br />
und davon lange Filme wie TAIGA oder CHINA<br />
– DIE KÜNSTE – DER ALLTAG zurückgebracht. Niemals<br />
aber hat sie sich weiter hinausgewagt als in CHAMIS-<br />
SOS SCHATTEN, einer Expedition an die Ränder von<br />
Sibirien und Amerika, mit der unbewohnten Wrangelinsel<br />
in der Tschuktschensee als dem abgelegensten<br />
Ziel, an dem man nur kurz bleiben kann, weil man<br />
sonst die Eisbären stören würde. Ottinger findet eine<br />
Naturlandschaft, in die sich gleichwohl die politische<br />
Geschichte eingeschrieben hat: Von der Sowjetunion<br />
sind vor allem Museen und Ruinen (und Giftmüll) zurückgeblieben,<br />
alte Kulturen versuchen, sich in einem<br />
extremen Klima zu behaupten. Ein großer Film über die<br />
Grenzen der Zivilisation. (Bert Rebhandl)<br />
1. März 20<strong>17</strong>, 19.00 Uhr (Alaska und die Aleutischen<br />
Inseln) 8. März 20<strong>17</strong>, 19.00 Uhr (Tschukotka und die<br />
Wrangelinsel 1) 15. März 20<strong>17</strong>, 19.00 Uhr (Tschukotka<br />
und die Wrangelinsel 2) 22. März 20<strong>17</strong>, 19.00 Uhr<br />
(Kamtschatka und die Beringinsel)<br />
Nebel im August | Deutschland 2016 | R: Kai Wessel<br />
| B: Holger Karsten Schmidt, nach dem Roman<br />
von Robert Domes | K: Hagen Bogdanski | M: Martin<br />
Todsharow | D: Ivo Pietzcker, Sebastian Koch, Thomas<br />
Schubert, Fritzi Haberlandt, Henriette Confurius, David<br />
Bennent | 126 min | Er wirkt sympathisch, dieser Dr.<br />
Veitshausen, wie er 1943 mit den Kindern in der »Heilanstalt«<br />
scherzt, ihnen Mut macht, eine Art Vaterersatz.<br />
Hinter der freundlichen Fassade versteckt sich ein harter<br />
Verfechter der Euthanasie. Ein 13-jähriger Junge<br />
und eine engagierte Krankenschwester ahnen bald,<br />
dass das Ende vieler Insassen durch »Lungenentzündung«<br />
nicht zufällig ist und der »süße« Tod auch durch<br />
Gift im Himbeersaft verursacht wird. Aber beide sind<br />
den Machenschaften des NS-Regimes ausgeliefert.<br />
Kai Wessels berührendes Drama beruht lose auf dem<br />
authentischen Fall des Ernst Lossa, zeigt am Schicksal<br />
eines Einzelnen die Perversität eines menschenverachtenden<br />
Systems und einer instrumentalisierten<br />
Wissenschaft. Gefühlvoll, aber nie gefühlig und mit<br />
Sebastian Koch wie dem jungen Ivo Pietzcker bestens<br />
besetzt. (Margret Köhler)<br />
Freitag, 3. März 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Vor der Morgenröte | Deutschland 2016 | R: Maria<br />
Schrader | B: Maria Schrader, Jan Schomburg | K:<br />
Wolfgang Thaler | M: Tobias Wagner | D: Josef Hader,<br />
Barbara Sukowa, Aenne Schwarz, Matthias Brandt,<br />
Charly Hübner | 105 min | OmeU | 1936 bis 1942,<br />
sechs Episoden aus den Exiljahren des jüdischen Wiener<br />
Schriftstellers Stefan Zweig. Seine Unfähigkeit, auf<br />
einem PEN-Kongress Stellung gegen das NS-Regime<br />
zu beziehen. Die Bitte seiner geschiedenen ersten Ehefrau<br />
in New York, sich für Einreisepapiere von Freunden<br />
und Kollegen in die USA einzusetzen. Die Feier des 60.<br />
Geburtstags in Brasilien. Sehnsucht nach einem »geistig-seelischen<br />
Zuhause in einer kriegerischen Epoche«<br />
(Focus). Schließlich Abschiedsbrief und Selbstmord. Ein<br />
Kaleidoskop von Triumph und Verfall, Melancholie und<br />
Entwurzelung, versuchtem Neubeginn und schlussendlicher<br />
Verzweiflungstat. Kein Biopic im herkömmlichen<br />
Sinne, sondern ein feinsinniges Puzzle, das den Seelen-<br />
Deutsche Filme 2016<br />
5
Deutsche Filme 2016<br />
6<br />
zustand des Helden zu eindringlichen Bildmotiven verdichtet.<br />
(Ralf Schenk)<br />
Samstag, 4. März 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr Dienstag,<br />
7. März 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Landstück | Deutschland 2016 | R: Volker Koepp | B:<br />
Barbara Frankenstein, Volker Koepp | K: Lotta Kilian |<br />
M: Ulrike Haage | 122 min | OmeU | Die Uckermark ist<br />
eine dünn besiedelte, wald- und wasserreiche Gegend<br />
nordöstlich von Berlin, ein Refugium für gestresste<br />
Stadtmenschen. Auch der Dokumentarist Volker Koepp<br />
hat hier eine Heimat gefunden und lässt in seinem Film<br />
die Veränderungen der letzten zwanzig Jahre Revue<br />
passieren: die Zerstörungswut der Moderne mit ihren<br />
Tiermastanlagen, Biogasanlagen, Windparks und<br />
staatlich geförderten Golfplätzen. Zugleich sucht Koepp<br />
nach Zeitgenossen, die sich mit Vernunft und Sachverstand<br />
bemühen, ein Stück Kulturlandschaft zu retten:<br />
Alteingesessene und Zugezogene, Umweltschützer und<br />
ökologische Landbauern. Ein polemischer Dokumentarfilm,<br />
gerichtet gegen Profitgier und den ihr innewohnenden<br />
Vertreibungs- und Vernichtungswahn. Kino, das<br />
trotz schöner Landschaftsmotive keine falsche Harmonie<br />
beschwört. (Ralf Schenk)<br />
Sonntag, 5. März 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Die Hände meiner Mutter | Deutschland 2016 |<br />
R+B: Florian Eichinger | K: Timo Schwarz | M: André<br />
Feldhaus | D: Andreas Döhler, Jessica Schwarz, Katrin<br />
Pollitt, Heiko Pinkowski, Katharina Behrens | 106 min<br />
| OmeU | Nach BERGFEST (2008) und NORDSTRAND<br />
(2013) der dritte Teil einer Trilogie über Gewalt in der<br />
Familie, die psychologischen Untiefen einer scheinbar<br />
fest gefügten privaten Gemeinschaft. Das Thema:<br />
sexueller Missbrauch von Eltern an ihren Kindern,<br />
hier die Übergriffe einer Mutter auf ihren Sohn. Das<br />
Schweigen der Beteiligten über Jahrzehnte, die im Unterbewusstsein<br />
wütenden Traumata, die Folgen für das<br />
Verhalten der Opfer gegenüber ihren eigenen Familien,<br />
das Weiterwirken des schrecklichen Geschehens bis<br />
in die Gegenwart. Ein Film als Symphonie der Blicke,<br />
mit sparsamen Dialogen und klugen, ungewöhnlichen<br />
inszenatorischen Entscheidungen: Zum Beispiel spielt<br />
der Darsteller, der den erwachsenen, einst missbrauchten<br />
Sohn verkörpert, auch sich selbst als Kind. Dichtes,<br />
reifes Kino. (Ralf Schenk)<br />
Freitag, 10. März 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
24 Wochen | Deutschland 2016 | R: Anna Zohra Berrached<br />
| B: Carl Gerber, Anna Zohra Berrached | K:<br />
Friede Clausz | M: Jasmin Reuter | D: <strong>Juli</strong>a Jentsch,<br />
Bjarne Mädel, Johanna Gastdorf, Emilia Pieske, Maria-Victoria<br />
Dragus | 103 min | OmeU | Der zweite<br />
Spielfilm der jungen Erfurter Regisseurin Anna Zohra<br />
Berrached. Wie schon ihr Debüt ZWEI MÜTTER (2013)<br />
ein ebenso spannender wie emotionaler Diskurs über<br />
weibliche Lebensentwürfe – und wie das Schicksal in<br />
biografische Planungen eingreift. Hauptfigur ist die Kabarettistin<br />
Astrid, erfolgreich auf Bühne und Bildschirm.<br />
Ihr zweites Kind ist unterwegs, doch es wird mit dem<br />
Down-Syndrom zur Welt kommen, und dazu noch mit<br />
einem schweren Herzfehler. Astrid und ihr Mann müssen<br />
sich entscheiden, ob das Kind geboren werden soll.<br />
Eine Achterbahnfahrt der Gefühle beginnt. Fiktion und<br />
Realität verschmelzen zu einer intensiven existentiellen<br />
Studie. Neben Schauspielern treten auch Ärzte und<br />
Psychologen auf, die zur Authentizität des Films beitragen.<br />
(Ralf Schenk)<br />
Samstag, 11. März 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr Dienstag,<br />
14. März 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr
Wild | Deutschland 2016 | R+B: Nicolette Krebitz | K:<br />
Reinhold Vorschneider | D: Lilith Stangenberg, Georg<br />
Friedrich, Silke Bodenbender, Saskia Rosendahl, Pit<br />
Bukowski | 93 min | Das Leben plätschert so dahin für<br />
die Computerfachfrau Ania (brillant: Lilith Stangenberg),<br />
die ihrem autoritären Chef ständig Kaffee kochen muss.<br />
Alles ändert sich, als sie zufällig am Park einem Wolf<br />
direkt in die Augen schaut. Beginn einer Beziehung<br />
zwischen Mensch und Tier, wie sie das deutsche Kino<br />
noch nicht gewagt hat. Irgendwann gelingt es ihr, den<br />
Wolf mit Fleisch zu locken und betäubt in die Plattenbauwohnung<br />
zu bringen, wo sie sich ihm langsam annähert<br />
und angleicht, ihre bisherige Existenz wie eine<br />
alte Haut abstreift. Ohne psychologische Explikationen<br />
führt Schauspielerin und Regisseurin Nicolette Krebitz<br />
in diesem verstörenden Fantasy-Märchen in die Welt<br />
weiblichen Begehrens und setzt sich über Konventionen<br />
und Tabus hinweg. Das Glück der Heldin liegt in<br />
einer ungewöhnlichen Befreiung von Zwang und Zivilisation.<br />
(Margret Köhler)<br />
Freitag, <strong>17</strong>. März 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr Dienstag, 21.<br />
März 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Tschick | Deutschland 2016 | R: Fatih Akin | B: Lars<br />
Hubrich, Hark Bohm, Fatik Akin, nach dem Roman von<br />
Wolfgang Herrndorf | K: Rainer Klausmann | M: Vince<br />
Pope | D: Tristan Göbel, Anand Batbileg, Mercedes<br />
Müller, Anja Schneider, Uwe Bohm, Udo Samel, Claudia<br />
Geisler | 93 min | OmeU | Zu Beginn der Sommerferien<br />
klaut Tschick, wie der junge Russe bei seinen<br />
Klassenkameraden heißt, einen Lada und überredet<br />
seinen Kumpel Maik, heimlich mit ihm los zu düsen,<br />
Liebeskummer und Familienärger hinter sich zu lassen.<br />
Ein paar Tage Freiheit und Abenteuer genießt das<br />
gegensätzliche Duo, der eine schüchtern, der andere<br />
draufgängerisch, in der Weite Brandenburgs. Eine<br />
Reise ins Nirgendwo, klare Sternennächte und dicke<br />
Freundschaft. Fatih Akin inszeniert nach Wolfgang<br />
Herrndorfs Bestseller ein spannendes und entspanntes<br />
Road-Movie ohne pädagogischen Impetus und ohne<br />
große Worte in atmosphärisch dichter Atmosphäre. Die<br />
beiden Hauptdarsteller Tristan Göbel und Anand Batbileg<br />
beeindrucken in ihrer Natürlichkeit. Coming of Age<br />
auf die lässige Tour. (Margret Köhler)<br />
Samstag, 18. März 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Austerlitz | Deutschland 2016 | R+B: Sergei Loznitsa<br />
| K: Sergei Loznitsa, Jesse Mazuch | 94 min | »Arbeit<br />
macht frei« – diese zynische Parole stand am Eingang<br />
der Konzentrationslager des NS-Regimes. Und sie steht<br />
dort noch immer, am Eingang zu Gedenkstätten, in die<br />
heute Menschen gehen, um sich einen Eindruck von<br />
den Geschehnissen von damals zu verschaffen. Sergej<br />
Loznitsa hat diesen Geschichtstourismus auf eine für<br />
ihn typische Weise dokumentiert: mit einer Kamera,<br />
die nach Möglichkeit so tut, als wäre sie unsichtbar,<br />
und mit einem Mikrophon, das höchst empfindlich Töne<br />
registriert, die dann in der Mischung zu einem präzise<br />
akzentuierten Soundtrack werden. AUSTERLITZ handelt<br />
von den Bedingungen der Freiheit: Die Menschen, die<br />
im Tourismuslook die ehemaligen Lager besichtigen,<br />
treffen auf eine Negation, eine Abwesenheit. Wie lassen<br />
sie sich davon betreffen? (Bert Rebhandl)<br />
Sonntag, 19. März 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Deutsche Filme 2016<br />
7
Retrospektive Andrzej Wajda<br />
Andrzej Wajda<br />
8<br />
Andrzej Wajda und Krystyna Janda bei den Dreharbeiten zu DYRYGENT – DER DIRIGENT<br />
Als Martin Scorsese 2014 in den USA und in England<br />
das auf seine Initiative hin zustande gekommene Filmprogramm<br />
»Masterpieces of Polish Cinema« präsentierte,<br />
befanden sich unter den 24 Filmen der Jahre<br />
1957 bis 1978 allein vier Filme von Andrzej Wajda.<br />
Scorsese verwies auf den starken Eindruck, den die<br />
von ihm ausgesuchten Filme während seines Filmstudiums<br />
an der New York University in den 1960er Jahren<br />
hinterlassen hatten und hob Wajdas ASCHE UND<br />
DIAMANT besonders hervor: »When I first saw ASHES<br />
AND DIAMONDS, one of the many highlights in this<br />
series and arguably one of the greatest films ever made<br />
– Polish or otherwise – I was overwhelmed by the film:<br />
the masterful direction, the powerful story, the striking<br />
visual imagery, and the shocking performance by<br />
Zbigniew Cybulski, considered the Polish James Dean,<br />
for his electrifying presence. I was so struck by the film,<br />
it affected me so deeply, that I paid small homage by<br />
giving Charlie (Harvey Keitel) a pair of similar sunglasses<br />
in MEAN STREETS.«<br />
Es fällt auf, dass Scorsese die politische Dimension<br />
des Films nicht anspricht. Dabei hat sich Wajda<br />
immer als politscher Filmkünstler verstanden, dessen<br />
künstlerisches Selbstverständnis nicht von seinem<br />
Selbstverständnis als polnischer Patriot zu trennen ist.<br />
In unmissverständlichen Worten hat er das 2002 in der<br />
Dankesrede bei der Verleihung des Oscar für sein Lebenswerk<br />
zum Ausdruck gebracht: »Ich werde meine<br />
Rede auf Polnisch halten, da ich das sagen möchte,<br />
was ich denke, und ich denke immer auf Polnisch.<br />
Die Themen unserer Filme waren die Brutalität des<br />
Faschismus und das Unglück, welches der Kommunismus<br />
mit sich brachte ...« In Filmen wie EINE GENERA-<br />
TION, DER KANAL, ASCHE UND DIAMANT, LOTNA oder<br />
LANDSCHAFT NACH DER SCHLACHT spürt man die<br />
autobiografischen Erfahrungen des 1926 geborenen<br />
Wajda, der den deutschen Überfall auf Polen und die<br />
Jahre der Besatzung ebenso bewusst miterlebt hatte<br />
wie die »stalinistische Lähmung« der Nachkriegsjahre,<br />
die er in DER MANN AUS MARMOR zum ersten Mal<br />
ohne allegorische Verschlüsselungen ansprechen und<br />
im Solidarność-Film DER MANN AUS EISEN vertiefen<br />
konnte. Allem liegt ein Gefühl der Trauer über das historische<br />
Unglück der polnischen Geschichte zugrunde,
als Nation über Jahrhunderte hinweg, bis auf eine kurze<br />
Phase zwischen den Weltkriegen, nicht in einem eigenen<br />
Staat leben zu können: Immer war man fremden<br />
Mächten ausgeliefert, erst Preußen, Österreich und<br />
Russland, später dann dem nationalsozialistischen<br />
Deutschland und der Sowjetunion.<br />
Die Nachrufe zu Wajdas Tod im Oktober 2016 würdigten<br />
ihn als einen der »Großen des Weltkinos«, als<br />
»Regielegende« und »iconic film director« – um nur einige<br />
Überschriften der Nachrufe zu zitieren. Er gilt als einer<br />
der bekanntesten Künstler seines Landes überhaupt,<br />
als nationaler Chronist. Volker Schlöndorff schrieb in<br />
seinem sehr persönlichen Nachruf in der Süddeutschen<br />
Zeitung: »Arbeiter, Adelige, Offiziere, Revolutionäre und<br />
immer wieder starke Frauen aus allen Klassen decken<br />
das ganze Spektrum der polnischen Gesellschaft und<br />
Geschichte ab. Aus der Summe seiner Filme ergibt sich<br />
das vielleicht vollständigste, jedenfalls menschlichste<br />
Bild, das man sich von Polen machen kann.« Für den<br />
Film über DAS MASSAKER VON KATYN, der 2007 als<br />
herausgehobenes Ereignis nationaler Gedenkkultur<br />
eine prominente Rolle in der polnischen Öffentlichkeit<br />
spielte, kam kein anderer polnischer Regisseur als<br />
Wajda in Frage.<br />
Wajda betonte stets: »Polnische Kinematografie als<br />
die Kunst des Kinos wird in polnischer Sprache verfasst<br />
und spiegelt eine Wirklichkeit, die nur in dieser Sprache<br />
gezeigt werden kann. Das bedeutet, dass wir viele<br />
Filme auf Polnisch über polnische Themen brauchen.«<br />
Wajda verteidigte die Unabhängigkeit der Kunst und<br />
hielt an seinen Prinzipien fest. Dabei machte er sich<br />
durchaus angreifbar als streitbarer Demokrat, so zum<br />
Beispiel mit seiner durchaus nicht unumstrittenen Verehrung<br />
des Solidarność-Führers und späteren Staatspräsidenten<br />
Lech Wałęsa, dem er 2013 mit MANN AUS<br />
HOFFNUNG ein filmisches Denkmal setzte. Wajdas<br />
letzter Film NACHBILDER erzählt die erschütternde<br />
Lebensgeschichte des konstruktivistischen Künstlers<br />
Władysław Strzemiński, der an seiner Kompromisslosigkeit<br />
und seinem Andersdenken zugrunde ging.<br />
»Ich muss diese Realität zeigen, diese tragischen Ereignisse<br />
– einfach zum Gedenken, und um sagen zu<br />
können: So war es, passt auf, so war es. NACHBILDER<br />
machte ich eigentlich als Film über die Vergangenheit.<br />
Sollte er heute aktuell wirken, wäre das ein großer<br />
Schlag gegenüber unseren Hoffnungen.«<br />
Als Volker Schlöndorff 1958 in Paris ASCHE UND<br />
DIAMANT zum ersten Mal sah, war er tief beeindruckt:<br />
»Als junger Deutscher und Möchtegern-Regisseur war<br />
ich zerschmettert. So etwas würden wir nie schaffen.<br />
Wir standen einfach auf der falschen Seite der<br />
Geschichte. Wir würden nie so wahr sprechen können.<br />
So leise und doch mit solcher Wucht.« Wie in<br />
einem Brennglas spiegeln sich in ASCHE UND DIAMANT<br />
Wajdas stilistische und thematische Obsessionen, die<br />
sich wie ein roter Faden durch sein gesamtes filmisches<br />
Werk ziehen: Hier wird zum ersten Mal seine Vorliebe<br />
für bildstarke Symbole deutlich, wie der mehrmals<br />
gespensterhaft auftauchende Schimmel, dem Wajda<br />
dann mit LOTNA einen ganzen Film gewidmet hat. Oder<br />
die berühmte Trinkszene an der Theke einer Hotelbar<br />
mit brennenden Wodkagläsern, die wie Grablichter wirken,<br />
die der Toten des Warschauer Aufstands gedenken.<br />
Oder die Polonaise im Morgengrauen mit den sich<br />
in zeitlupenartiger Trance bewegenden Tänzern: Gespenster<br />
einer neuen Zeit, die nichts Gutes verheißt. In<br />
DIE HOCHZEIT, einem der rätselhaftesten Filme Wajdas,<br />
begegnen wir der Polonaise wieder: Diesmal entstammen<br />
die Gespenster einer polnischen Vergangenheit,<br />
die damals, 1973, keine Zukunft zu haben schien. Ganz<br />
Andrzej Wajda<br />
9<br />
KATYN – DAS MASSAKER VON KATYN
Andrzej Wajda<br />
10<br />
POKOLENIE – EINE GENERATION<br />
anders, viel optimistischer geht es dann 1999 in der<br />
opulenten Verfilmung des polnischen Nationalepos PAN<br />
TADEUSZ zu, wenn zum Schluss alles in eine glanzvolle<br />
Polonaise des polnisch-litauischen Landadels mündet.<br />
Die meisten Filme Wajdas zeichnet etwas Ruheloses,<br />
Rastloses aus, ihre Protagonisten sind oft Getriebene,<br />
so wie die Filmhochschulstudentin Agnieszka im<br />
MANN AUS MARMOR, der Krystyna Janda eine unvergessliche<br />
Präsenz verleiht, oder der Textilunternehmer<br />
Karol in DAS GELOBTE LAND, verkörpert von Wajdas<br />
langjährigem Hauptdarsteller Daniel Olbrychski, der<br />
in ALLES ZU VERKAUFEN noch einmal die Erinnerung<br />
an den charismatischen Zbigniew Cybulski aus ASCHE<br />
UND DIAMANT beschwört. Es gibt in Wajdas Werk aber<br />
auch Momente der Ruhe, der Ungezwungenheit jenseits<br />
der bedrängenden nationalen Schicksalsfragen wie in<br />
DIE UNSCHULDIGEN ZAUBERER und in DIE MÄDCHEN<br />
VON WILKO, einem Meisterwerk lyrisch gestimmter<br />
Melancholie. Und auch Komödiantisches wie DIE<br />
RACHE, die Verfilmung eines in Polen viel gespielten<br />
Theaterschwanks im Adelsmilieu von PAN TADEUSZ.<br />
Die Hauptrolle des Hofnarren spielt, mit sichtlichem<br />
Vergnügen, Roman Polański, der 1955 seine erste<br />
kleine Rolle in Wajdas erstem Film EINE GENERATION<br />
erhielt.<br />
Ernst Schreckenberg<br />
In Zusammenarbeit mit dem Generalkonsulat der Republik Polen in<br />
München, Cyfrowe Repozytorium Filmowe in Warschau, der Film o -<br />
t eka Narodowa in Warschau und der Szkoła Filmowa in Łódź.<br />
Zły chłopiec (Der böse Knabe) | Polen 1951 | R+B:<br />
Andrzej Wajda, nach der Novelle von Anton Čechov | K:<br />
Zdzisław Parylak | D: Jan Łomnicki | 6 min | OF – Ceramika<br />
iłżecka (Die Keramik aus Ilza) | Polen 1951 |<br />
R+B: Andrzej Wajda | K: Jerzy Lipman | 10 min | OmeU<br />
– Kiedy ty śpisz (Während du schläfst) | Polen 1953<br />
| R: Andrzej Wajda | B: Andrzej Wajda, Konrad Nałęcki,<br />
Jerzy Lipman, nach Gedichten von Tadeusz Kubiak | K:<br />
Jerzy Lipman | 11 min | OF – Erste Filmversuche an der<br />
Filmhochschule in Łódź. – Pokolenie (Eine Generation)<br />
| Polen 1955 | R: Andrzej Wajda | B: Bohdan Czeszko,<br />
nach seinem Roman | K: Jerzy Lipman | M: Andrzej<br />
Markowski | D: Tadeusz Łomnicki, Urszula Modrzyńska,<br />
Tadeusz Janczar, Roman Polański, Zbigniew Cybulski<br />
| 91 min | OmeU | Warschau 1942. Junge Leute im<br />
Widerstand gegen die deutschen Besatzer. »Wir wollten<br />
einen Film machen, der unsere Sprache spricht«<br />
(Wajda), die Sprache einer lost generation.<br />
Freitag, 24. <strong>Feb</strong>ruar 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Idę do słońca (Ich gehe zur Sonne) | Polen 1955 |<br />
R+B: Andrzej Wajda | K: Stefan Matyjaszkiewicz | M:<br />
Andrzej Markowski | Mit Xawery Dunikowski | 13 min<br />
| OmeU – Porträt des 80-jährigen Bildhauers Xawery<br />
Dunikowski. – Kanał (Der Kanal) | Polen 1957 | R:<br />
Andrzej Wajda | B: Jerzy Stefan Stawiński, nach seiner<br />
Erzählung | K: Jerzy Lipman | M: Jan Krenz | D: Tadeusz<br />
Janczar, Teresa Iżewska, Wieńczysław Gliński, Tadeusz<br />
Gwiazdowski, Stanisław Mikulski | 91 min | OmeU<br />
| Herbst 1944. Die SS hat den Warschauer Aufstand<br />
niedergeschlagen. Eine kleine Widerstandsgruppe versucht<br />
sich von einem Vorort ins Zentrum durchzuschlagen.<br />
Einziger Fluchtweg ist das Kanalisationssystem. Es<br />
geht nur noch ums Überleben, Heldentum oder Pathos<br />
sind nicht mehr gefragt. Im verordneten Geschichtsbild<br />
der stalinistischen Ära war bis dahin für den »bürgerlichen«<br />
Aufstand kein Platz. In Cannes machte Wajdas<br />
Film Furore.<br />
Samstag, 25. <strong>Feb</strong>ruar 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Popiół i diament (Asche und Diamant) | Polen 1958<br />
| R: Andrzej Wajda | B: Andrzej Wajda, Jerzy Andrzejewski,<br />
nach dem Roman von Jerzy Andrzejewski | K: Jerzy<br />
Wójcik | M: Filip Nowak | D: Zbigniew Cybulski, Ewa<br />
Krzyżewska, Wacław Zastrzeżyński, Adam Pawlikowski,<br />
Bogumił Kobiela | 97 min | OmeU | Es ist der 8. Mai<br />
1945. Der Krieg ist zu Ende, aber der Kampf um die<br />
Macht im Nachkriegspolen zwischen Kommunisten und<br />
Bürgerlichen hat schon begonnen. Der junge Maciek<br />
soll auftragsgemäß einen kommunistischen Funktionär<br />
liquidieren, doch ihm kommen Bedenken. Maciek ist<br />
der eindringlichste aller zerrissenen Helden im Werk<br />
von Wajda, vor allem dank der charismatischen schauspielerischen<br />
Performance von Zbigniew Cybulski, dem<br />
»polnischen James Dean«. Die visuelle Stilisierung und<br />
symbolische Aufladung verleiht dem Film auch heute<br />
noch eine ungebrochene Faszination.<br />
Sonntag, 26. <strong>Feb</strong>ruar 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr
Andrzej Wajda<br />
11<br />
POPIÓŁ I DIAMENT – ASCHE UND DIAMANT<br />
Wajda – Une leçon de cinéma (Großes Kino aus<br />
Polen) | Frankreich 2016 | R+B: Andrzej Wolski | Mit<br />
Andrzej Wajda | 95 min | dtF | Kurz vor seinem 90.<br />
Geburtstag am 6. März 2016 – und einige Monate vor<br />
seinem Tod am 9. Oktober – sitzt Wajda in einem Studio<br />
vor einem Laptop. Zusammen mit dem Regisseur<br />
Andrzej Wolski hat er zehn Ausschnitte aus seinen Filmen<br />
ausgesucht, die auf die Wand hinter ihm projiziert<br />
werden. Er kommentiert die Ausschnitte, mal analytisch,<br />
mal anekdotisch. Es geht um die Art der Inszenierung<br />
und den historischen und politischen Kontext.<br />
Immer wieder kommt Wajda auf seine Kämpfe mit den<br />
Zensoren zu sprechen, dabei blitzt oft Schalk auf. Zum<br />
Schluss bleibt als Standfoto die berühmte Einstellung<br />
von der mit dem Kopf nach unten gehängten Christus-Figur<br />
am Kreuz aus ASCHE UND DIAMANT stehen.<br />
Freitag, 3. März 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr | Zu Gast: Andrzej<br />
Wolski<br />
Lotna | Polen 1959 | R: Andrzej Wajda | B: Andrzej<br />
Wajda, Wojciech Żukrowski, nach der Erzählung von<br />
Wojciech Żukrowski | K: Jerzy Lipman | M: Tadeusz<br />
Baird | D: Jerzy Pichelski, Adam Pawlikowski, Jerzy<br />
Moes, Mieczysław Łoza, Bożena Kurowska | 85 min |<br />
OmeU | Polen im September 1939. Ein Trupp polnischer<br />
Kavallerie reitet gegen anrollende deutsche Panzer. Ein<br />
fast surreales Bild, das die Stimmung eines Films setzt,<br />
der die Geschichte der Schimmelstute Lotna und ihrer<br />
wechselnden Besitzer als Abgesang auf eine untergegangene<br />
Welt erzählt, die Wajda als Sohn eines Kavallerieoffiziers<br />
noch in seiner Kindheit kennengelernt<br />
hat. Dieser »letzte Fiebertraum des polnischen Ulanen«<br />
(Dominik Graf) ist ein Film von morbider Faszination<br />
und wirkt wie aus der Zeit gefallen. Es ist Wajdas erster<br />
Farbfilm, von seinem langjährigen Kameramann Jerzy<br />
Lipman auf Agfacolor gedreht.<br />
Samstag, 4. März 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Niewinni czarodzieje (Die unschuldigen Zauberer) |<br />
Polen 1960 | R: Andrzej Wajda | B: Jerzy Andrzejewski,<br />
Jerzy Skolimowski | K: Krzystof Winiewicz | M: Krzysztof<br />
Komeda | D: Tadeusz Łomnicki, Krystyna Stypułkowska,<br />
Zbigniew Cybulski, Roman Polański, Jerzy Skolimowski<br />
| 83 min | OmeU | Wajdas erster Gegenwartsfilm bringt<br />
einen neuen Ton ins polnische Kino. Es passiert nichts<br />
Spektakuläres: Arzt und Jazzfan trifft eigenwillige Studentin.<br />
Politik ist außen vor, dafür schwingt der Film im<br />
Rhythmus des Soundtracks von Jazzmusiker Komeda. –
Andrzej Wajda<br />
12<br />
Przekładaniec (Organitäten) | Polen 1968 | R: Andrzej<br />
Wajda | B: Stanisław Lem | K: Wiesław Zdort | M: Andrzej<br />
Markowski | D: Bogumił Kobiela, Ryszard Filipski, Anna<br />
Prucnal | 35 min | OmeU | Science-Fiction-Satire: Organtransplationen<br />
retten einem verunglückten Rennfahrer<br />
das Leben, verändern aber seine Identität.<br />
Sonntag, 5. März 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Samson | Polen 1961 | R: Andrzej Wajda | B: Andrzej<br />
Wajda, Kazimierz Brandys, nach dem Roman von Kazimierz<br />
Brandys | K: Jerzy Wójcik | M: Tadeusz Baird |<br />
D: Serge Merlin, Alina Janowska, Jan Ciecierski, Elżbieta<br />
Kępińska, Beata Tyszkiewicz | 1<strong>17</strong> min | OmeU |<br />
Jakub Gold bekommt es schon an der Universität von<br />
Krakau mit massivem Antisemitismus zu tun. Nach dem<br />
deutschen Einmarsch in Polen verschlägt es ihn ins<br />
Warschauer Ghetto und in wechselnde Verstecke in der<br />
Metropole, immer auf tätige Solidarität seiner polnischen<br />
Mitbürger angewiesen, von denen einige ihn auch verraten.<br />
Der Film schildert eine mit biblischen Anspielungen<br />
durchsetzte Odyssee. In den Zeiten des Kommunismus<br />
wagt sich Wajda an die Thematik des zwiespältigen<br />
Verhältnisses der Polen gegenüber ihren jüdischen Mitbürgern<br />
während des deutschen Vernichtungsfeldzugs.<br />
Freitag, 10. März 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Sibirska ledi Magbet (Blut der Leidenschaft) | Jugoslawien<br />
1962 | R: Andrzej Wajda | B: Sveta Lukić,<br />
nach der Novelle »Lady Macbeth von Mzensk« von Nikolaj<br />
Leskov | K: Aleksandar Sekulović, Miomir Denić<br />
| M: Dušan Radić | D: Olivera Marković, Ljuba Tadić,<br />
Miodrag Lazarević, Bojan Stupica, Kapitalina Erić | 93<br />
min | OmeU | Lady Macbeth als russische Gutsherrin,<br />
die wegen einer Affäre mit ihrem Knecht zur Mörderin<br />
wird und während ihrer Deportation nach Sibirien<br />
ums Leben kommt. »Was dem Film Faszination verleiht<br />
und worin sich vor allem sein Thema artikuliert, das ist<br />
die optische Gewalt seiner Bilder. Wajda offenbart sich<br />
hier als ein Bildschöpfer, der mit der Kamera und dem<br />
CinemaScope-Format raffiniert zu komponieren weiß.<br />
Die furiose Bildsprache gibt dem Film ein opernhaftes<br />
Pathos.« (Ulrich Gregor)<br />
Freitag, <strong>17</strong>. März 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
L’amour à 20 ans (Liebe mit 20) | Frankreich 1962<br />
| R: François Truffaut, Renzo Rossellini, Shintarô Ishihara,<br />
Marcel Ophüls, Andrzej Wajda | B: François Truffaut,<br />
Renzo Rossellini, Shintarô Ishihara, Marcel Ophüls,<br />
Jerzy Stefan Stawiński | K: Raoul Coutard, Mario Montuori,<br />
Shigeo Murata, Wolf Wirth, Jerzy Lipman | M:<br />
Georges Delerue, Tôru Takemitsu, Jerzy Matuszkiewicz<br />
| D: Jean-Pierre Léaud, Marie-France Pisier, Geronimo<br />
Maynier, Eleonora Rossi Drago, Nami Tamura, Kôji<br />
Furuhata, Barbara Frey, Christian Doermer, Zbigniew<br />
Cybulski, Barbara Kwiatkowska-Lass | 126 min | OmU |<br />
Fünf Episoden, die in Paris, Rom, Tokyo, München und<br />
Warschau spielen. Wajda zeigt in seinem Beitrag einen<br />
gealterten Zbigniew Cybulski, der sich auf einer Party<br />
mit jüngeren Leuten ziemlich verloren vorkommt.<br />
Samstag, 11. März 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Popioły (Legionäre) | Polen 1965 | R: Andrzej Wajda<br />
| B: Aleksander Ścibor-Rylski, nach dem Roman von<br />
Stefan Żeromski | K: Jerzy Lipman | M: Andrzej Markowski<br />
| D: Daniel Olbrychski, Bogusław Kierc, Piotr<br />
Wysocki, Beata Tyszkiewicz, Władysław Hańcz | 226<br />
min | OmeU | Ein großes historisches Fresko als aufwändiges,<br />
fast dreistündiges Filmepos in CinemaScope<br />
voller Schlachtenszenen über die Schicksale dreier polnischer<br />
Adliger, die als Legionäre an der Seite Napo-<br />
POPIOŁY – LEGIONÄRE
leons um die polnische Unabhängigkeit kämpfen. Einer<br />
von ihnen kämpft dafür sogar auf spanischem Boden.<br />
Am Ende steht die Vergeblichkeit ihres Tuns, die sich<br />
in der eindrucks vollen Schluss-Szene des Films in der<br />
russischen Schneewüste manifestiert. Es war der Beginn<br />
einer lang andauernden Zusammenarbeit mit dem<br />
Schauspieler Daniel Olbrychski.<br />
Sonntag, 12. März 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Gates to Paradise (Die Pforten des Paradieses) | GB<br />
1968 | R: Andrzej Wajda | B: Donald Kravanth, Jerzy<br />
Andrzejewski, nach dem Roman von Jerzy Andrzejewski<br />
| K: Mieczyslaw Jahoda | M: Ward Swingle | D:<br />
John Fordyce, Lionel Stander, Mathieu Carrière, Pauline<br />
Challoner, Ferdy Mayne | 79 min | dtF | Wajdas erster<br />
in englischer Sprache gedrehter Film erzählt die Geschichte<br />
eines mittelalterlichen Kinderkreuzzugs nach<br />
Palästina. Ein Mönch, der die Kinder begleitet, versucht<br />
vergeblich, den Zug aufzuhalten, als er die wahren<br />
Motive der Teilnehmer erkennt. Mit opulenten Bildern<br />
beschwört Wajda eine düstere und unheilvolle Atmosphäre<br />
herauf und wendet sich gegen Fanatismus und<br />
blinden Glauben an falsche Ideale, dem die Stimme der<br />
Vernunft nicht beikommen kann. Nachdem der Film bei<br />
der Berlinale 1968 von der Kritik verrissen wurde, kam<br />
er nie in die Kinos.<br />
Samstag, 18. März 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Wszystko na sprzedaż (Alles zu verkaufen) | Polen<br />
1968 | R+B: Andrzej Wajda | K: Witold Sobociński |<br />
M: Andrzej Korzyński | D: Andrzej Łapicki, Daniel Olbrychski,<br />
Witold Holtz, Małgorzata Potocka, Elżbieta<br />
Kępiński | 105 min | OmeU | Als Wajda wieder einen<br />
Film mit Zbigniew Cybulski machen will, kommt der kurz<br />
vor Drehbeginn unter die Räder eines Zuges. Stattdessen<br />
macht Wajda nun einen Film über die Suche nach<br />
einem verschwundenen Hauptdarsteller, der dann zum<br />
Schluss gefunden wird: Es ist Daniel Olbrychski. ALLES<br />
ZU VERKAUFEN ist ein Film über einen Regisseur in der<br />
Krise, durchaus vergleichbar mit Fellinis 8½. Ein souveränes<br />
Spiel mit Spiegelungen und Verschränkungen:<br />
Das Leben spielt in den Film hinein, der Film in das<br />
Leben aller am Dreh Beteiligten. Ein sehr persönlicher<br />
Film Wajdas. Der Darsteller des Regisseurs, Andrzej<br />
Lapicki, sieht Wajda verblüffend ähnlich.<br />
Freitag, 24. März 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Polowanie na muchy (Fliegenjagd) | Polen 1969 |<br />
R: Andrzej Wajda | B: Janusz Glowacki, nach seiner<br />
Erzählung | K: Zygmunt Samosiuk | M: Andrzej Korzyński<br />
| D: Zygmunt Malanowicz, Małgorzata Braunek,<br />
Hanna Skarżanka, Ewa Skarżanka, Daniel Olbrychski<br />
| 108 min | OmeU | Eine Satire auf den Warschauer<br />
Kultur- und Literaturbetrieb. Die grotesk anmutende<br />
Geschichte eines Mannes, der permanent bevormundet<br />
wird, von seiner Frau, seiner Schwiegermutter, seiner<br />
kurzzeitigen Geliebten. Alle wollen sie aus ihm ein<br />
schriftstellerisches Genie machen, um die Privilegien<br />
des Schriftstellerverbandes genießen zu können. »Małgorzata<br />
Braunek war perfekt in ihrer Rolle. Ihr breites<br />
Grinsen und die erschreckenden Augen, die sich hinter<br />
überdimensionalen Brillengläsern weiteten, verliehen<br />
ihr das Aussehen einer fleischfressenden Fliegenjägerin,<br />
so wie es Glowackis Script vorsah.« (Wajda)<br />
Samstag, 25. März 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Krajobraz po bitwie (Landschaft nach der Schlacht)<br />
| Polen 1970 | R: Andrzej Wajda | B: Andrzej Wajda,<br />
Andrzej Brzozowski, nach Erzählungen von Tadeusz Borowski<br />
| K: Zygmunt Samosiuk | M: Zygmunt Konieczny<br />
| D: Daniel Olbrychski, Stanisława Celińska, Jerzy Zelnik,<br />
Stefan Friedmann, Małgorzata Braunek | 108 min<br />
| OmeU | 1945 von den Amerikanern aus einem deutschen<br />
Konzentrationslager befreite Polen finden sich<br />
in einem neuen Lager, einem Flüchtlingslager, wieder.<br />
Dort klammern sich die meisten an das, was sie für ihre<br />
vaterländische Pflicht halten: Tägliche Gebete, sinnlose<br />
Militärparaden und feierliche patriotische Spektakel.<br />
Nur ein Schriftsteller verweigert sich dem fast zwanghaften<br />
kollektiven Mitmachen und wird damit zum Außenseiter.<br />
Wajda wurde damals vorgeworfen, er karikiere<br />
hier auf Kosten von traumatisierten Lagerinsassen<br />
einen für ihn überholten Begriff von Polentum.<br />
Sonntag, 26. März 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Brzeżina (Das Birkenwäldchen) | Polen 1970 | R:<br />
Andrzej Wajda | B: Jarosław Iwaszkiewicz, nach seiner<br />
Erzählung | K: Zygmunt Samosiuk | M: Andrzej Korzyński<br />
| D: Daniel Olbrychski, Emilia Krakowska, Olgierd Łukaszewicz,<br />
Marek Perepeczko, Jan Domański | 99 min | OmeU<br />
| Eine neue Seite bei Wajda: Ein Kammerspiel in freier<br />
Natur, dem titelgebenden Birkenwäldchen. Im Mittelpunkt<br />
zwei ungleiche Brüder (einer von ihnen Olbrychski)<br />
– der eine um den Tod seiner Frau trauernd, der andere<br />
todkrank, aber das Leben noch auskostend. Zwischen<br />
ihnen eine junge Frau, die Verkörperung des blühenden<br />
Lebens. Ein elegischer, schwermütiger Film, mit dem<br />
Birkenwald als emotionalem Resonanzboden. »Noch<br />
weniger als sonst bei Wajda ist in diesem Film die Thematik<br />
ablösbar von ihrer filmischen Erscheinungsform,<br />
ihrer Artikulation in Farben und Bildern.« (Ulrich Gregor)<br />
Freitag, 7. April 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Andrzej Wajda<br />
13
Andrzej Wajda<br />
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Pilatus und andere | BRD 1972 | R+B: Andrzej Wajda,<br />
nach Motiven des Romans »Der Meister und Margerita«<br />
von Michail Bulgakov | K: Igor Luther | D: Jan Kreczmar,<br />
Wojciech Pszoniak, Daniel Olbrychski, Andrzej Łapicki,<br />
Marek Perepeczko | 94 min | »Ein Film für Karfreitag«<br />
heißt es im Untertitel dieses Fernsehfilms, den Wajda<br />
in der Bundesrepublik für das ZDF drehte. Diese Neuerzählung<br />
der Passionsgeschichte im zeitgenössischen<br />
Setting, in der das Verhör von Jesus auf das Reichsparteitagsgelände<br />
in Nürnberg und die Kreuzigung<br />
auf Golgatha auf einen Schuttberg am Wiesbadener<br />
Autobahnkreuz verlegt wird, ist eine ziemlich wüste<br />
und drastische Collage. »Mich hat eine Bewegung, ein<br />
Trend unter westlichen Jugendlichen sehr interessiert:<br />
dass sie angefangen haben, sich wie Jesus zu kleiden,<br />
Zeichen des Christentums zu tragen und überall das<br />
Kreuz zu zeigen.« (Wajda)<br />
Freitag, 14. April 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Wesele (Die Hochzeit) | Polen 1973 | R: Andrzej<br />
Wajda | B: Andrzej Kijowski, nach dem Stück von Stanisław<br />
Wyspiański | K: Witold Sobociński | M: Stanisław<br />
Radwan | D: Daniel Olbrychski, Ewa Ziętek, Andrzej<br />
Łapicki, Wojciech Pszoniak, Franciszek Pieczka | 110<br />
min | OmeU | Stanisław Wyspiańskis Drama von 1901<br />
ist ein Schlüsselwerk der polnischen Literatur, eine allegorisch<br />
und symbolisch verschlüsselte Parabel über<br />
die Traumata der polnischen Teilung. Aus der Vorlage<br />
des Versdramas über die Hochzeit eines Künstlers aus<br />
der Krakauer Bohème und einer Bauerntochter macht<br />
Wajda in suggestiven und rauschhaften Bildern einen<br />
atmosphärisch ungemein dichten Film, der auch ohne<br />
Kenntnis des historischen Anspielungshorizonts den<br />
Zuschauer mit seinen virtuosen Kamerabewegungen<br />
und Montagesequenzen wie in einem hypnotischen<br />
Wirbel in seinen Bann zieht.<br />
Samstag, 8. April 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Ziema obiecana (Das gelobte Land) | Polen 1975 |<br />
R+B: Andrzej Wajda | K: Witold Sobociński | M: Wojciech<br />
Kilar | D: Daniel Olbrychski, Wojciech Pszoniak, Andrzej<br />
Seweryn, Anna Nehrebecka, Franciszek Pieczka | <strong>17</strong>0<br />
min | OmeU | Łódź um 1880, Zentrum der polnischen<br />
Textilindustrie. Was für die Unternehmer das gelobte<br />
Land ist, in dem riesige Vermögen angehäuft werden,<br />
ist für die Arbeiter die Hölle auf Erden. Mit großer inszenatorischer<br />
Geste und in fiebrigem Rhythmus entwirft<br />
Wajda ein apokalyptisches Bild. Zwischen protzig zur<br />
Schau gestelltem Reichtum und erbärmlichem Massenelend<br />
gibt es kaum Abstufungen. 2000 überarbeitete<br />
Wajda seinen Film, kürzte ganze Szenen, die seinerzeit<br />
nur in den Film gelangt waren, weil sie »unter großem<br />
Arbeitsaufwand gedreht wurden« (Wajda), und veränderte<br />
den Anfang des Films. Im Filmmuseum läuft die<br />
ungekürzte Originalfassung.<br />
Samstag, 15. April 20<strong>17</strong>, 19.00 Uhr<br />
The Shadow Line (Die Schattenlinie) | GB 1976 | R:<br />
Andrzej Wajda | B: Andrzej Wajda, Bogusław Sulik, nach<br />
der Erzählung von Joseph Conrad | K: Witold Sobociński<br />
| M: Wojciech Kilar, Lech Brański | D: Marek Kondrat,<br />
Graham Lines, Tom Wilkinson, Berhard Archard, Martin<br />
Wyldeck | 100 min | engl. OF | Die Erzählung des<br />
polnischstämmigen Autors Joseph Conrad schildert<br />
die durch Flaute und Krankheiten geprägte Fahrt eines<br />
Segelschiffs in südostasiatischen Gewässern. Meisterhaft<br />
beschreibt Conrad die Atmosphäre des Stillstands,<br />
der Lethargie an Bord. Wajda verzichtete darauf, eigene<br />
Ideen in den Film einzuarbeiten und Daniel Olbrychski<br />
für die Hauptrolle auszuwählen. Stattdessen drehte er<br />
mit englischen Schauspielern. »Ich bin dem Original<br />
treu geblieben. Es war unglaublich, das Material hat die<br />
filmischen Lösungen quasi selbst diktiert.« (Wajda)<br />
Sonntag, 9. April 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Człowiek z marmuru (Der Mann aus Marmor) | Polen<br />
1976 | R: Andrzej Wajda | B: Aleksander Ścibor-<br />
Rylski | K: Edward Kłosiński | M: Andrzej Korzyński | D:<br />
Jerzy Radziwiłowicz, Krystyna Janda, Jacek Domański,<br />
Leonard Zajączkowski, Tadeusz Łomnicki | 161 min |<br />
OmeU | Mehr als zehn Jahre lang lag das Drehbuch<br />
auf Eis. Erst 1976 kann der Film in Produktion gehen<br />
und stößt auf überragende Resonanz beim polnischen<br />
Publi kum. Mit der Geschichte der jungen Filmemacherin<br />
Agnieszka, die das Schicksal des vergessenen<br />
Arbeiterhelden Birkut für ihren Film recherchiert und<br />
dafür durch ganz Polen reist, hat Wajda offensichtlich<br />
einen Nerv getroffen. Sein Film konfrontiert die stalinistische<br />
Aufbau-Ära mit der Gegenwart des Films, die
diese Zeit am liebsten verdrängen möchte. Krystyna<br />
Janda als ruhe- und rastlose Rechercheurin ist das<br />
emotionale Kraftzentrum des MANN AUS MARMOR.<br />
Sonntag, 16. April 20<strong>17</strong>, 19.00 Uhr<br />
Bez znieczulenia (Ohne Betäubung) | Polen 1978 |<br />
R: Andrzej Wajda | B: Andrzej Wajda, Agnieszka Holland<br />
| K: Edward Kłosiński | M: Wojciech Młynarski | D: Zbigniew<br />
Zapasiewicz, Ewa Dałkowska, Andrzej Seweryn,<br />
Krystyna Janda, Emilia Krakowska | 125 min | OmeU |<br />
Ganz analytisch und sachlich erzählt Wajda vom beruflichen,<br />
sozialen und privaten Abstieg eines prominenten<br />
Auslandskorrespondenten, der im Warschau der<br />
1970er Jahre unter die Räder kommt. Wegen eines<br />
kritischen Fernsehkommentars fällt er in Ungnade, und<br />
Schritt für Schritt werden seine Privilegien von dem<br />
System abgebaut, das ihm seine berufliche Karriere<br />
erst ermöglicht hat. So offen systemkritisch kann sich<br />
Wajda erst äußern, seit er durch den internationalen Erfolg<br />
des MANN AUS MARMOR zu einer internationalen<br />
Größe geworden ist, der die politische Führung einen<br />
gewissen Spielraum zugestehen muss.<br />
Freitag, 28. April 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Panny ze Wilka (Die Mädchen von Wilko) | Polen<br />
1979 | R: Andrzej Wajda | B: Zbigniew Kamiński, nach<br />
der Erzählung von Jarosław Iwaszkiewicz | K: Edward<br />
Kłosiński | M: Karol Szymanowski | D: Daniel Olbrychski,<br />
Anna Seniuk, Christine Pascal, Maja Komorowska,<br />
Stanisława Celińska | 116 min | OmeU | Wajda kehrt<br />
immer wieder in die polnische Vergangenheit zurück,<br />
dieses Mal auf ein Landgut im Polen der 1930er Jahre.<br />
Fünf Schwestern leben dort, die in ihrer Jugend alle<br />
in den Nachbarsjungen verliebt waren. Der kommt<br />
nach langen Jahren in der Fremde zu Besuch, und die<br />
Vergangenheit meldet sich zurück. Wie im BIRKEN-<br />
WÄLDCHEN liefert der von Wajda so geliebte Jarosław<br />
Iwaszkiewicz die literarische Vorlage: Wieder dieselbe<br />
elegische, melancholische Stimmung, von der Kamera<br />
Edward Kłosińskis meisterhaft in lichtdurchflutete Bilder<br />
gefasst.<br />
Samstag, 29. April 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Dyrygent (Der Dirigent) | Polen 1979 | R: Andrzej<br />
Wajda | B: Andrzej Kijowski | K: Sławomir Idziak | M:<br />
Ludwig van Beethoven | D: John Gielgud, Krystyna Janda,<br />
Andrzej Seweryn, Jan Ciecierski, Tadeusz Czechowski<br />
| 102 min | OmeU | Beethovens 5. Symphonie und<br />
zwei Dirigenten: Der eine feiert mit ihr Triumphe in der<br />
Carnegie Hall in New York, der andere übt sie in einer<br />
polnischen Provinzstadt mehr schlecht als recht mit<br />
dem örtlichen Orchester ein. Hier in Polen hat der von<br />
John Gielgud gespielte Stardirigent Jan Lomicki seine<br />
Karriere begonnen, und für ein Gastkonzert kehrt er als<br />
gefeierter Sohn der Stadt zurück. Mit seiner Liebe zur<br />
Musik vermittelt er auch dem Orchester Begeisterung<br />
– sehr zum Missfallen des karrierefixierten, aber talentlosen<br />
heimischen Dirigenten. Wajdas Botschaft: Ohne<br />
wahre Liebe zur Kunst gibt es nur Kunstbetrieb.<br />
Freitag, 19. Mai 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Człowiek z żelaza (Der Mann aus Eisen) | Polen<br />
1981 | R: Andrzej Wajda | B: Aleksander Ścibor-Rylski<br />
| K: Edward Kłosiński | M: Andrzej Korzyński | D: Jerzy<br />
Radziwiłowicz, Krystyna Janda, Marian Opania, Irena<br />
Byrska, Wiesława Kosmalska | 147 min | OmeU | Der<br />
erzählerische Faden aus DER MANN AUS MARMOR<br />
wird wieder aufgenommen: Birkuts Sohn bricht sein<br />
Studium ab und schließt sich der Gewerkschaft Solidarność<br />
an, genauso wie die Filmstudentin Agnieszka,<br />
die mit ihm nach Danzig geht. Sie werden ein Paar und<br />
engagieren sich im monatelang andauernden Streik auf<br />
der Lenin-Werft, der ganz Polen in Atem hält. Vor Ort<br />
von Wajda gedrehtes dokumentarisches Material und<br />
echte Personen spielen in den Film hinein, bis hin zu<br />
Lech Wałęsa als Trauzeuge der beiden. Das polnische<br />
Publikum strömt in die Kinos, und der Auslandsresonanz<br />
mit der Goldenen Palme in Cannes und einer<br />
Oscar-Nominierung können die Machthaber nur zähneknirschend<br />
zusehen.<br />
Montag, <strong>17</strong>. April 20<strong>17</strong>, 19.00 Uhr<br />
Danton | Frankreich 1983 | R: Andrzej Wajda | B:<br />
Jean-Claude Carrière, Andrzej Wajda, Agnieszka Holland,<br />
Bolesław Michałek, Jacek Gąsiorowski | K: Igor<br />
Luther | M: Jean Prodromides | D: Gérard Depardieu,<br />
Wojciech Pszoniak, Patrice Chéreau, Angela Winkler,<br />
Bogusław Linda | 136 min | OmU | Wenige Tage vor<br />
Ausrufung des Kriegsrechts am 13. Dezember 1981<br />
Andrzej Wajda<br />
15
Andrzej Wajda<br />
16<br />
führt Wajda den als Danton verpflichteten Darsteller<br />
Gérard Depardieu noch über die Leninwerft. Dann<br />
kommt die Filmproduktion in Polen zum Erliegen, so<br />
dass die Dreharbeiten komplett nach Paris verlegt<br />
werden. Zwei Schlüsselfiguren der Revolution werden<br />
gegenübergestellt: Depardieu als Danton, der den<br />
Blutrausch stoppen will, und Wojciech Pszoniak als Robespierre,<br />
Befürworter des anhaltenden Terrors durch<br />
die Guillotine. Unterschwellig steht Danton für Lech<br />
Wałęsa und Robespierre für General Jaruzelski.<br />
Samstag, 20. Mai 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Eine Liebe in Deutschland | BRD 1983 | R: Andrzej<br />
Wajda | B: Andrzej Wajda, Agnieszka Holland, Boleslav<br />
Michalek, nach dem Roman von Rolf Hochhuth | K: Igor<br />
Luther | M: Michel Legrand | D: Hanna Schygulla, Marie-Christine<br />
Barrault, Armin Mueller-Stahl, Piotr Łysak,<br />
Daniel Olbrychski | 107 min | Ein Fremder kommt mit<br />
seinem Sohn in ein süddeutsches Dorf. Gegen den<br />
Widerstand der Dorfbewohner recherchiert er die verbotene<br />
Liebesgeschichte zwischen einer deutschen<br />
Gemüsehändlerin und einem polnischen Zwangsarbeiter,<br />
die denunziert werden. Wajdas Film wurde<br />
von der deutschen Kritik verrissen. »Ich war nicht in<br />
der Lage, das tatsächliche Leben während des Krieges<br />
in einer deutschen Kleinstadt zu rekonstruieren. Ich<br />
kannte die Wirklichkeit nicht, und musste auf Fiktionen<br />
zurückgreifen. Das deutsche Publikum fühlte diese fehlende<br />
Realität sofort, was ihm die Möglichkeit bot, die<br />
im Film angesprochenen Probleme erleichtert zurückweisen<br />
zu können.« (Wajda)<br />
Freitag, 26. Mai 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Kronika wypadków miłosnych (Eine Chronik von<br />
Liebesunfällen) | Polen 1986 | R: Andrzej Wajda | B:<br />
Andrzej Wajda, Tadeusz Konwicki, nach dem Roman<br />
von Tadeusz Konwicki | K: Edward Kłosiński | M: Wojciech<br />
Kilar | D: Paulina Młynarska, Piotr Wawrzyńczak,<br />
Magdalena Wójcik, Dariusz Dobkowski, Bernadetta<br />
Machała-Krzemiński | 114 min | OmeU | Eine Geschichte<br />
aus dem Jahr 1939, als Litauens Hauptstadt<br />
Wilna noch zu Polen gehört. Witek lässt sich ziellos treiben,<br />
bis er sich Hals über Kopf in die schöne Alina aus<br />
besseren Kreisen verliebt. Er fällt zwar durchs Abitur,<br />
erlebt aber eine Liebesnacht in freier Natur mit ihr. Am<br />
nächsten Morgen kommen die ersten Nachrichten vom<br />
deutschen Einmarsch in Polen. Edward Kłosińskis Kamera<br />
zaubert betörend schöne Bilder, aber die Ahnung<br />
kommenden Unheils liegt wie ein Schatten über dem<br />
Geschehen des Films.<br />
Samstag, 27. Mai 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Schuld und Sühne | BRD 1987 | R+B: Andrzej Wajda,<br />
nach dem Roman von Fëdor Dostoevskij | K: Kurt Oskar<br />
Herting, Martin Herden, Horst Thomas, Frank Tilk | M:<br />
Zygmunt Konieczny | D: Udo Samel, Jutta Lampe, Dirk<br />
Nawrocki, Stephan Bissmeier, Bernd Ludwig | 118 min<br />
| Dem leidenschaftlichen Theatermann Wajda, der in<br />
Warschau und Krakau die wichtigsten Theater-Klassiker<br />
auf die Bühne gebracht hat, ist das Kunststück gelungen,<br />
aus Dostoevskijs 800-Seiten-Wälzer »Schuld und Sühne«<br />
eine spielbare Bühnenfassung zu machen. Für Peter<br />
Stein hat er sie an der Berliner Schaubühne 1986 inszeniert<br />
und für das ZDF eine filmische Version hergestellt.<br />
In Wajdas Bühnenversion wird die Geschichte um den<br />
Doppelmörder Raskolnikov auch heute noch oft gespielt.<br />
Sonntag, 28. Mai 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Les possédés (Die Dämonen) | Frankreich 1988 | R:<br />
Andrzej Wajda | B: Andrzej Wajda, Jean-Claude Carrière,<br />
nach dem Roman von Fëdor Dostoevskij | K: Witold<br />
Adamek | M: Zygmunt Konieczny | D: Isabelle Huppert,<br />
Jutta Lampe, Lambert Wilson, Jerzy Radziwiłowicz,<br />
Omar Sharif | 114 min | OmU | Noch einmal Dostoevskij.<br />
Es ist das letzte Mal, dass Wajda einen Film im Ausland<br />
drehen wird. DIE DÄMONEN ist eine rein französische<br />
Produktion. Als einziger Pole spielt Jerzy Radziwiłowicz,<br />
der Hauptdarsteller von DER MANN AUS MARMOR und<br />
DER MANN AUS EISEN, die Rolle des abtrünnigen Verschwörers<br />
Šatov, der einer abgefeimten Intrige seiner<br />
Mitverschwörer zum Opfer fällt. Sein Schicksal steht,<br />
anders als bei Dostoevskij, im Mittelpunkt: Wajda sieht<br />
ihn als Opfer totalitärer Denkstrukturen.<br />
Freitag, 2. Juni 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Korczak | Polen 1990 | R: Andrzej Wajda | B: Agnieszka<br />
Holland | K: Robby Müller | M: Wojciech Kilar | D:<br />
Wojciech Pszoniak, Ewa Dałkowska, Teresa Budzisz-<br />
Krzyżanowska, Marzena Trybała, Piotr Kozłowski | 1<strong>17</strong><br />
min | OmU | Der angesehene Kinderarzt und Pädagoge<br />
Janusz Korczak, der 1942 das jüdische Kinderhaus im<br />
Warschauer Ghetto geleitet hatte, wurde 1942 zusammen<br />
mit 200 Kindern nach Treblinka deportiert und dort<br />
ermordet. Seine Person und auch seine Rolle im Ghetto<br />
waren von den kommunistischen Machthabern lange<br />
totgeschwiegen worden. Wajdas erste polnische Produktion<br />
nach der demokratischen Wende 1989, mit einem<br />
eindringlichen Wojciech Pszoniak in der Tite lrolle.<br />
Nach einer umjubelten Premiere in Cannes werfen<br />
allerdings große Teile der französischen Presse dem<br />
Film die Ausblendung des polnischen Antisemitismus<br />
vor. Wajda ist tief getroffen.<br />
Samstag, 3. Juni 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr
Wielki tydzień (Die Karwoche) | Polen 1995 | R+B:<br />
Andrzej Wajda | K: Wit Dąbal | D: Wojciech Malajkat,<br />
Magdalena Warzecha, Beata Fudalej, Cezary Pazura,<br />
Wojciech Pszoniak | 90 min | OmU | Fünf Jahre nach<br />
KORCZAK kommt Wajda wie schon in SAMSON noch<br />
einmal auf das Thema des polnischen Antisemitismus<br />
zurück. DIE KARWOCHE wirkt wie eine Antwort auf die<br />
erhobenen Vorwürfe gegen KORCZAK. Für Wajda ist<br />
der nicht zu leugnende Anti semitismus nur eine von<br />
mehreren Facetten im Verhalten der Polen gegenüber<br />
ihren jüdischen Mitbürgern gewesen. Deren sehr unterschiedliche<br />
Verhaltensweisen zeigt er am Beispiel einer<br />
polnischen Jüdin, die in der Karwoche 1943 während<br />
des jüdischen Aufstands im Ghetto von dort fliehen und<br />
sich in einem Warschauer Mietshaus bei Bekannten<br />
verstecken kann.<br />
Sonntag, 4. Juni 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Panna Nikt (Fräulein Niemand) | Polen 1996 | R:<br />
Andrzej Wajda | B: Radosław Piwowarski, nach dem Roman<br />
von Tomasz Tryzna | K: Krzysztof Ptak | M: Andrzej<br />
Korzyński | D: Anna Wielgucka, Anna Mucha, Anna Powierza,<br />
Stanisława Celińska, Jan Janga-Tomaszewski<br />
| 98 min | OmU | Verfilmung eines Schlüsselromans<br />
über den Werteverlust der polnischen Gesellschaft im<br />
Konsumrausch. Im Mittelpunkt steht die 15-jährige<br />
Marysia, die beim Umzug in die Stadt nur ein wenig<br />
beachtetes »Fräulein Niemand« ist und durch vermeintliche<br />
Freundinnen die materiellen und physischen Freuden<br />
entdeckt. »Den Kindern von DIE UNSCHULDIGEN<br />
ZAUBERER scheint die verspielte intellektuelle Ironie<br />
der jungen Generation aus den 1960er Jahren im<br />
hektischen Lebensrhythmus der Gegenwart abhanden<br />
gekommen zu sein.« (Helmut Pflügl)<br />
Montag, 5. Juni 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Pan Tadeusz | Polen 1999 | R: Andrzej Wajda | B:<br />
Andrzej Wajda, Jan Nowina Zarzycki, Piotr Wereśniak,<br />
nach dem Versepos von Adam Mickiewicz | K: Paweł<br />
Edelman | M: Wojciech Kilar, Grzegorz Turnau | D:<br />
Michał Żebrowski, Bogusław Linda, Daniel Olbrychski,<br />
Alicja Bachleda-Curuś, Grażyna Szapołowska | 125<br />
min | OmU | Das 1834 erschienene romantische Versepos<br />
von Adam Mickiewicz, das vor dem Hintergrund<br />
von Napoleons Russlandfeldzug von der Hoffnung auf<br />
die nationale Wiedergeburt Polens beseelt ist, gilt als<br />
polnisches Nationalheiligtum und zählt zur schulischen<br />
Pflichtlektüre. Zwei verfeindete Familien des<br />
polnisch-litauischen Landadels versöhnen sich bei der<br />
Hochzeit ihrer Kinder, die in einer glanzvollen Polonaise<br />
gipfelt, während polnische Truppen sich Napoleons<br />
Armee anschließen. Ein opulentes, farbenprächtiges<br />
Spektakel mit einer illustren Besetzung. Es läuft die<br />
Schnittfassung für den internationalen Markt, die Wajda<br />
im Jahr 2000 auf der Berlinale vorstellte.<br />
Freitag, 9. Juni 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Zemsta (Die Rache) | Polen 2002 | R: Andrzej Wajda |<br />
B: Andrzej Wajda, Maciej Karpiński, Jan Prochyra, nach<br />
dem Stück von Aleksander Fredro | K: Paweł Edelman<br />
| M: Wojciech Kilar | D: Janusz Gajos, Andrzej Seweryn,<br />
Roman Polański, Agata Buzek, Cezary Żak, Daniel Olbrychski<br />
| 100 min | OmeU | Die Typen- und Charakterkomödie<br />
»Die Rache« von Alexander Fredro ist seit<br />
mehr als <strong>17</strong>0 Jahren ein Dauerbrenner auf polnischen<br />
Bühnen. Wie in »Pan Tadeusz« geht es um Stärken<br />
und Schwächen des polnischen Nationalcharakters,<br />
auch hier streiten sich zwei Adelsfamilien, gibt es eine<br />
Romeo-und-<strong>Juli</strong>a-Geschichte. Die Attraktion von DIE<br />
RACHE ist sicherlich Roman Polański als alternder Höfling,<br />
der die Rolle eines Hofnarren kultiviert. Es ist seit<br />
Andrzej Wajda<br />
<strong>17</strong><br />
ZEMSTA – DIE RACHE
Andrzej Wajda<br />
18<br />
EINE GENERATION von 1955 das fünfte Mal, dass der<br />
Weggefährte aus der Filmhochschule in Łódź eine Rolle<br />
bei Wajda übernommen hat.<br />
Samstag, 10. Juni 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Katyń (Das Massaker von Katyn) | Polen 2007 | R:<br />
Andrzej Wajda | B: Andrzej Wajda, Przemysław Nowakowski,<br />
Władysław Pasikowski | K: Paweł Edelman |<br />
D: Andrzej Chyra, Artur Żmijewski, Maja Ostaszewska,<br />
Władysław Kowalski, Maja Komorowska | 122 min |<br />
OmU | Es hat eine zwingende Logik, dass Wajda, der<br />
filmische Chronist polnischer Geschichte, in hohem<br />
Alter eine noch offene Wunde zum Thema macht: das<br />
Massaker von Katyn, bei dem im Frühjahr 1940 mehr<br />
als 20.000 Angehörige der polnischen Intelligenz,<br />
darunter viele Offiziere, auf Stalins Befehl vom sowjetischen<br />
Geheimdienst liquidiert wurden. Darunter<br />
war auch Wajdas Vater. Mit großem Aufwand produziert,<br />
ist DAS MASSAKER VON KATYN wie ASCHE UND<br />
DIAMANT ein symbolisch hochgradig aufgeladener<br />
Film, ein filmisches Requiem: Das letzte Bild zeigt eine<br />
Hand mit Rosenkranz, die aus dem Massengrab ragt.<br />
Sonntag, 11. Juni 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Tatarak (Der Kalmus) | Polen 2009 | R+B: Andrzej<br />
Wajda, nach einer Erzählung von Jarosław Iwaszkiewicz<br />
| K: Paweł Edelman | M: Paweł Mykietyn | D: Krystyna<br />
Janda, Paweł Szajda, Jakub Mazurek, Jan Englert,<br />
Jadwiga Jankowska-Cieślak | 85 min | OmeU | DER<br />
KALMUS beginnt mit einem autobiografischen Mono log<br />
der Hauptdarstellerin Krystyna Janda, die das Sterben<br />
ihres Mannes, des Kameramanns Edward Kłosiński,<br />
betrauert. Dann springt der Film um in die fiktive Geschichte<br />
einer Frau, die sich leidenschaftlich in einen<br />
wesentlich jüngeren Mann verliebt. Als es zu einem Unglück<br />
kommt, kippt die Perspektive abermals. »Wenn<br />
schließlich die gespielte Erschütterung der Frauenfigur<br />
nahtlos zurückführt zu Jandas Trauer in der Realität,<br />
sind Leben und Kunst schlichtweg ein und dasselbe<br />
geworden.« (Daniel Kothenschulte)<br />
Freitag, 16. Juni 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Wałęsa – Człowiek z nadziei (Wałęsa – Mann aus<br />
Hoffnung) | Polen 2013 | R: Andrzej Wajda | B: Janusz<br />
Głowacki | K: Paweł Edelman | D: Robert Więckiewicz,<br />
Agnieszka Grochowska, Iwona Bielska, Zbigniew Zamachowski,<br />
Mirosław Baka | 127 min | OmeU | Wajda hat<br />
aus seiner Bewunderung für Lech Wałęsa und die Solidarność<br />
nie einen Hehl gemacht. Dennoch ist sein Film<br />
keine Hagiografie geworden, sondern ein lebendiges<br />
Porträt, nicht zuletzt auch durch die brillante Verkörperung<br />
Wałęsas durch Robert Więckiewicz. Der Film endet<br />
1989 mit Wałęsas berühmter Rede vor dem amerikanischen<br />
Kongress. Seine bis heute umstrittene Zeit als<br />
polnischer Staatspräsident klammert Wajda aus. Ihm<br />
geht es um nationale Anerkennung: »Polen braucht diesen<br />
Film. Das Land ist so zerstritten. Dabei gibt es eine<br />
Geschichte, auf die alle Polen stolz sein können.«<br />
Samstag, <strong>17</strong>. Juni 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Powidoki (Nachbilder) | Polen 2016 | R: Andrzej<br />
Wajda | B: Andrzej Mularczyk | K: Paweł Edelman | M:<br />
Andrzej Panufnik | D: Bogusław Linda, Zofia Wichłacz,<br />
Bronisława Zamachowska, Andrzej Konopka, Krzysztof<br />
Pieczyński | 98 min | OmU | »In seinem letzten Film<br />
NACHBILDER erzählt Wajda von dem Maler und Kunsttheoretiker<br />
Władysław Strzemiński, der eine Theorie<br />
des Sehens schrieb, und den er in dem Moment zeigt,<br />
in dem eine riesige rote Stalin-Fahne sein Atelier verfinstert.<br />
Ein Mann, der in der Stunde der härtesten Vereinnahmung<br />
der Kunst durch eine totalitäre Ideologie<br />
mutig sein Wort erhebt, das ist nun das Vermächtnis<br />
von Andrzej Wajda. Unter den jungen Leuten, die in<br />
NACHBILDER an den Lippen von Strzemiński hängen<br />
und die dessen Vorlesungen mit der Schreibmaschine<br />
abtippen, um sie zu bewahren, kann man sich gut den<br />
angehenden Filmemacher Andrzej Wajda vorstellen.«<br />
(Bert Rebhandl)<br />
Im Programm des Münchner Filmfests, 23. Juni bis<br />
1. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong>
Universal Monsters<br />
Universal Monsters<br />
19<br />
THE BRIDE OF FRANKENSTEIN<br />
1931 brachten die Universal Studios mit DRACULA und<br />
FRANKENSTEIN zwei Filme heraus, die in einen zentralen<br />
Zyklus von Horrorfilmen mündeten und prägend für<br />
das amerikanische Horrorkino wurden. Ihre Monstergeschichten<br />
schockierten die Hüter der öffentlichen<br />
Moral und ergötzten das blutrünstige Publikum.<br />
Für den Kontext ist es wichtig sich zu vergegenwärtigen,<br />
inwiefern das ursprüngliche Kinopublikum die<br />
klassischen Monsterfilme der Universal Studios anders<br />
erlebte als das heutige. An erster Stelle steht hier die<br />
Vertrautheit. Wenige Filme sind in der Kultur so allgemein<br />
präsent wie diese. Nach 80 Jahren Hommagen<br />
und Parodien ist der Vampir im Abendanzug ein fast<br />
allgegenwärtiger Archetyp geworden, der uns von Kinofilmen<br />
über Fernsehwerbung bis in die Sesamstraße<br />
begegnet – doch stets aus demselben Ursprung: Bela<br />
Lugosi in Universals DRACULA. Ebenso die Silhouette<br />
mit dem flachen Schädeldach, die ganz selbstverständlich<br />
Frankensteins Monster kennzeichnet: Auch die<br />
wurde bei der Universal erdacht. Rasende Dörfler mit<br />
Fackeln und Heugabeln vor einer Spinnweben-verhangenen<br />
Burg: Die Ikonographie des Horrors kommt aus<br />
Universal City. Diese Vertrautheit hat freilich ihren Preis.<br />
Während zeitgenössische Zuschauer zu zitternden<br />
Nervenbündeln wurden, hat sich der Schockwert über<br />
die Jahre vermindert und die Filme wirken heutzutage<br />
ausgesprochen zahm. Im Kontext des Jahres 1931 dagegen<br />
boten sie nie Gesehenes – eine Kreatur, die der<br />
Todesruhe entrann, indem sie sich parasitisch vom Blut<br />
der Lebenden ernährte; ein Etwas, künstlich zum Leben<br />
erweckt, gefertigt aus Kadavern vom Friedhof und vom<br />
Galgen … Kein Wunder, dass das Publikum dafür neue<br />
Begriffe brauchte: Erst der doppelte Erfolg von DRACU-<br />
LA und FRANKENSTEIN brachte den Terminus »Horror«<br />
in den allgemeinen Sprachgebrauch.<br />
Um den Kontext zu begreifen, müssen wir weiter zurückgehen,<br />
noch vor die Entstehung dieser Filme. Die<br />
Universal Studios wurden 1912 gegründet. Bis Ende<br />
der 1920er Jahre standen sie unter der Leitung ihres<br />
Gründers, des vormaligen Kinobetreibers und Filmverleihers<br />
Carl Laemmle, der seit 1909 auch Filme<br />
produzierte. Er wurde allerseits »Uncle Carl« genannt,<br />
was nicht nur der liebenswürdigen Persönlichkeit des<br />
gebürtigen Schwaben Rechnung trug, sondern auch
Universal Monsters<br />
20<br />
seinem Hang zum Nepotismus: Sein Unternehmen beschäftigte<br />
zahllose Verwandte.<br />
Der ganz überwiegende Teil der Produktion der Universal<br />
war standardisierte Kinoware – Western, Serials,<br />
Komödien. Gelegentlich brachte man Eigenwilligeres<br />
heraus. Bei der Universal wurde Lon Chaney ein Star<br />
dank masochistisch-grotesker Rollen in THE HUNCH-<br />
BACK OF NOTRE DAME (1923) und besonders THE<br />
PHANTOM OF THE OPERA (1925). Unter allen Studios<br />
bewies die Universal die größte Bereitschaft zu solchen<br />
Melodramen in der Tradition des Grand Guignol: Hier<br />
drehte der Regisseur Paul Leni beispielsweise die Gruselkomödie<br />
THE CAT AND THE CANARY (1927). Dass<br />
das Studio mit dem stärksten Hang zu grotesken und<br />
makaberen Schauergeschichten (wie THE MAN WHO<br />
LAUGHS, ein weiterer Paul-Leni-Film von 1928 mit<br />
Conrad Veidt als ein entstellter Held) letztlich das amerikanische<br />
Horrorkino entwickeln sollte, war dennoch<br />
alles andere als unausweichlich.<br />
1928, in der Zeit der Umwälzung der gesamten Filmindustrie<br />
durch den Tonfilm, übergab Uncle Carl die Leitung<br />
an seinen Sohn <strong>Juli</strong>us, der sich »Carl Laemmle Jr.«<br />
nannte und in Hollywood kurz »Junior« hieß. Der Name<br />
Universal stand bis dahin nie für Glamour oder Prestige,<br />
nicht einmal für besondere Kassenerfolge. Junior wollte<br />
größere Filme drehen, er produzierte ALL QUIET ON<br />
THE WESTERN FRONT (1930) und verdiente sich damit<br />
einen der ersten Oscars. Er brachte auch DRACULA zur<br />
Universal, gegen den Widerstand seines Vaters: Uncle<br />
Carl fand den Stoff entsetzlich und ließ sich nur durch<br />
Juniors Begeisterung umstimmen.<br />
Zu den größten Stärken dieser Verfilmung zählt die<br />
gänzlich un-ironische Verbindung von Pracht und<br />
Verfall – das grandiose Production Design (welches<br />
düstere Gemäuer war je so spektakulär wie Draculas<br />
Schloss?) harmoniert wie von selbst mit den zahlreichen<br />
schaurigen Elementen. Besonders die erste Hälfte<br />
beschwört eine Atmosphäre, die so dicht ist wie im<br />
deutschen Kino der 1920er Jahre. Wohl kein Zufall, da<br />
der Kameramann Karl Freund war, der in Deutschland<br />
unter anderem DER GOLEM, WIE ER IN DIE WELT KAM<br />
(1920) und DER LETZTE MANN (1924) fotografiert hatte.<br />
Auch die trägere zweite Hälfte entwickelt Momente<br />
albtraumhafter Kraft, wenn um Minas Seele gerungen<br />
wird.<br />
Wie von Junior prophezeit, wurde der Film ein Hit. Dass<br />
das Publikum in der Weltwirtschaftskrise auf Horror nur<br />
gewartet hatte, bewies der noch größere Erfolg von<br />
James Whale und Ernest Thesiger
FRANKENSTEIN, den das Studio unverzüglich in Angriff<br />
nahm, als sich abzeichnete, dass man mit DRACULA<br />
einen Nerv getroffen hatte. Der Franzose Robert Florey,<br />
der das Filmprojekt entwickelte und ursprünglich inszenieren<br />
sollte, wurde durch den Briten James Whale<br />
abgelöst. Die unverwechselbare Gestaltung der Kreatur<br />
reklamierte der Make-up-Künstler Jack Pierce später<br />
ganz für sich, doch in Wahrheit war das Design in enger<br />
Zusammenarbeit mit James Whale entstanden und<br />
basierte auf Whales Skizzen von Boris Karloffs Physiognomie.<br />
James Whale hielt sich bei FRANKENSTEIN ein wenig<br />
zurück; seine Filme sind sonst zumeist deutlich subversiver.<br />
Doch sein charakteristischer visueller Einfallsreichtum<br />
ist ungebremst, angereichert mit pointierten<br />
kunsthistorischen Bezügen (so zu Johann Heinrich<br />
Füsslis Gemälde »Nachtmahr«) und direkten Verweisen<br />
auf deutsche Stummfilme. »Deutsch« waren auch die<br />
Sets des Dorfes, die aus ALL QUIET ON THE WESTERN<br />
FRONT stammten.<br />
Obwohl das Geschöpf am Ende des Filmes augenscheinlich<br />
umkam, dachte man angesichts des phänomenalen<br />
Einspiels von FRANKENSTEIN umgehend<br />
an eine Fortsetzung. Whale war aber nicht interessiert<br />
und verfolgte andere Projekte, darunter THE INVISIBLE<br />
MAN (1933), eine meisterliche, hellsichtige Studie in<br />
Terrorismus und Massenparanoia, an deren hintergründigem<br />
Humor ein ungenannter Autor Anteil hatte: Preston<br />
Sturges. Whale gab seinen Widerstand gegen THE<br />
BRIDE OF FRANKENSTEIN (1935) erst auf, als ihm das<br />
Studio außergewöhnliche Gestaltungsbefugnisse zugestand.<br />
Anstatt des vom Studio erhofften Schockers, der<br />
das Blut gefrieren ließ, lieferte Whale ›a hoot‹ (einen<br />
Heidenspaß), er konterkarierte die schaurigen Elemente<br />
mit schwarzem Humor.<br />
Das Monster ist die sympathischste Figur, es wird gehetzt<br />
und verfolgt, dabei sucht es nur Freundschaft.<br />
Das äußerlich Fremde, »Missgestaltete«, verweist auf<br />
ein bedeutendes Element im historischen Kontext:<br />
die entstellten Kriegsveteranen. In seinem Buch »The<br />
Monster Show« führt David J. Skal den Horrorfilm-Boom<br />
der 1930er Jahre darauf zurück, dass die physischen<br />
Verletzungen des Ersten Weltkriegs unleugbar im Alltag<br />
präsent waren. Auf der metaphorischen Ebene erkennt<br />
man darin einen entscheidenden Faktor für den anhaltenden<br />
Erfolg und die bleibende Relevanz der Monsterfilme<br />
der Universal: Die Monster sind Figuren am Rande<br />
der Gesellschaft, körperlich-seelisch Versehrte, Unvollkommene<br />
und Unfertige, ganz anders als die Sieger, die<br />
das US-Kino sonst gerne bevorzugt. Auch wenn sie am<br />
Ende sterben, sind die Monster wesentlich anziehender<br />
als die betont farblosen Helden, und sicher einprägsamer.<br />
Das Horrorgenre wurde so zum Zuhause für alle,<br />
die sich als Außenseiter empfinden.<br />
Oft kann man die Ausgrenzung spezifischer deuten,<br />
wenn die Filme schwule Subtexte anbieten. Whale<br />
selbst lebte offen schwul, besonders THE BRIDE OF<br />
FRANKENSTEIN wird gerne in diesem Licht betrachtet,<br />
mit dem einsamen, gejagten, ungeliebten Monster und<br />
Ernest Thesigers beispiellos aufgedreht-exaltiertem<br />
Spiel als Professor Praetorius, einem unerreichbaren<br />
Gipfel des camp. Auch in DRACULA’S DAUGHTER<br />
(1936) sind gleichgeschlechtliche Sehnsüchte ganz<br />
unverstellt und direkt präsent. Interessant ist, dass diese<br />
vermeintlichen Tabubrüche ausgerechnet unter der<br />
1934 verschärften Zensur geschahen, die die Anständigen<br />
vor der Verderbtheit Hollywoods schützen sollte.<br />
Auch wenn es manchen Filmemachern wie Whale gelang,<br />
die Sittenwächter auszumanövrieren, hatte der<br />
oberste Zensor Joseph Breen ein besonders scharfes<br />
Augenmerk auf Horrorfilme. Universal hatte darunter<br />
stark zu leiden, und als 1936 die Falschmeldung kursierte,<br />
Großbritannien habe Horrorfilme rundweg verboten,<br />
beschloss das Studio, dieses Genre fallenzulassen.<br />
Aber dann kamen DRACULA und FRANKENSTEIN<br />
1938 als Doppelprogramm zur Wiederaufführung in<br />
die Kinos – frisch gekürzt und nach aktuellen Vorgaben<br />
zensiert. Der Erfolg war sensationell und ein neues<br />
Anschlussprojekt wurde prompt in Angriff genommen:<br />
SON OF FRANKENSTEIN (1939) wurde der längste (99<br />
Minuten) und am großzügigsten ausgestattete Horrorfilm<br />
der Universal. Es war kein Laemmle mehr beteiligt<br />
(die Familie hatte das Studio 1936 verloren), ebensowenig<br />
James Whale (Rowland V. Lee inszenierte mit Stil<br />
und Biss), doch Karloff war ein letztes Mal in der Rolle<br />
des Monsters dabei.<br />
Der erneute Kassenerfolg löste eine zweite Horrorfilmwelle<br />
aus, die sich insofern deutlich von der ersten<br />
absetzte, als sie keine Prestigeproduktionen mehr<br />
umfasste, sondern B-Filme für Doppelprogramme<br />
– Qualität, aber günstig, und immer ein besonderes<br />
Vergnügen. Bevorzugte Hauptfigur der Filme der<br />
zweiten Welle war der Wolfsmensch Larry Talbot (Lon<br />
Chaney Jr.). Dieser tragische Held wurde in THE WOLF<br />
MAN (1941) eingeführt, an dessen Ende er starb, was<br />
aber kein Problem war: Durch Grabräuber versehentlich<br />
wiederbelebt, konnte er in weiteren Filmen seine<br />
Suche nach einem friedlichen Tod fortsetzen, wobei er<br />
einmal sogar auf Heilung hoffen durfte und unterwegs<br />
des öfteren auf andere Universal-Monster traf: Bei der<br />
Universal gab es ein shared universe Jahrzehnte vor<br />
Marvels Superheldenfilmen.<br />
Universal Monsters<br />
21
Universal Monsters<br />
22<br />
Dieser zweite Boom hielt während des Zweiten Weltkrieges<br />
an und endete 1945 mit HOUSE OF DRACULA,<br />
ein zeitliches Zusammentreffen, das einen Zusammenhang<br />
zwischen filmischen Trends und Weltereignissen<br />
nahelegt. Das wäre zumindest eine mögliche Erklärung<br />
für die nächste Monsterfilmwelle unter den atomaren<br />
Bedrohungen der 1950er Jahre. Ein Beitrag der Universal<br />
war Jack Arnolds poetischer Schocker CREATURE<br />
FROM THE BLACK LAGOON (1954), dessen Kiemenmensch<br />
mittlerweile zum klassischen Monsterpersonal<br />
zählt. Er bildet auch das Bindeglied zu einer späteren<br />
Universal-Kreatur: Steven Spielberg klaute etliche Einstellungen<br />
von CREATURE FROM THE BLACK LAGOON,<br />
als er JAWS (DER WEISSE HAI, 1975) für die Universal<br />
drehte.<br />
Bei Universal weiß man, was man an seinen Monstern<br />
hat: Elf Filme dieser Reihe wurden mit großem Aufwand<br />
digital restauriert und liegen nun in brillanter Bild- und<br />
Tonqualität wieder komplett unzensiert vor. Das Studio<br />
bleibt weiter im Monstergeschäft, derzeit entsteht ein<br />
neuer Zyklus zusammenhängender Filme rund um<br />
die alten Monster. Alles im neuen Kontext, aktualisierte<br />
Blockbuster mit Lizenzgeschäft, die nicht allzu viel<br />
mit den Filmen von Junior & Co. gemein haben sollen.<br />
Immerhin belegt diese Wiederbelebung die anhaltende<br />
Beliebtheit dieser Figuren – sie weigern sich wieder<br />
mal, tot zu bleiben.<br />
James Oliver / Christoph Michel<br />
Universal Horror (Horror ohne Ende) | R: Kevin<br />
Brownlow | B: Patrick Stanbury | K: Gerald Saldo, John<br />
Ames | M: James Bernard | Mit Ray Bradbury, Carla<br />
Laemmle, Gloria Stuart, Fay Wray, David J. Skal | 95<br />
min | OmU | Wie entstand der Horror-Boom und was<br />
wurde daraus? Kevin Brownlows facettenreicher Überblick<br />
über das »Goldene Zeitalter« der Universal-Horrorfilme<br />
beginnt in der Stummfilmzeit und legt dar, wie<br />
die Gruselfilme das Studio über die Weltwirtschaftskrise<br />
retteten. Ungewöhnlich ist dabei, dass er auch die<br />
Filme anderer Studios ausführlich behandelt, wie DR.<br />
JEKYLL AND MR. HYDE (1931), MYSTERY OF THE WAX<br />
MUSEUM (1932) oder KING KONG (1933), und dass<br />
auch die Wechselwirkungen mit Filmen jenseits der<br />
Genregrenzen wie BEN-HUR (1925) beleuchtet werden.<br />
Einflüsse der bildenden Kunst erhalten ebenso Raum<br />
wie der Kult um die Universal-Klassiker.<br />
Dienstag, 7. März 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Dracula | USA 1931 | R: Tod Browning | B: Garret Fort,<br />
Dudley Murphy, nach dem Roman von Bram Stoker und<br />
den Bühnenbearbeitungen von Hamilton Deane und<br />
John L. Balderston | K: Karl Freund | D: Bela Lugosi,<br />
Helen Chandler, David Manners, Dwight Frye, Edward<br />
Van Sloan | 75 min | OmU | Lon Chaney, ursprünglich<br />
für die Titelrolle vorgesehen, starb, und der Bühnenschauspieler<br />
Bela Lugosi stürzte sich mit einem Eifer<br />
in die Rolle, die an späteres method acting denken<br />
lässt. DRACULA war ein überwältigender Kassenerfolg<br />
und übt bis heute immensen Einfluss aus, nicht nur als<br />
Ideenlieferant zahlloser späterer Filme, sondern auch<br />
im vermeintlichen »Volksglauben« in Sachen Vampirismus.<br />
DRACULA verwendet Musik noch ausschließlich<br />
über den Anfangs- und Schlusstiteln. Da wir heute<br />
gruselige Szenen und gruselige Musik zwingend miteinander<br />
verbinden, wirkt dieser Verzicht auf Filmmusik<br />
sogar besonders unheimlich.<br />
Dienstag, 14. März 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Drácula | USA 1931 | R: George Melford, Enrique<br />
Tovar Ávalos | B: Baltasar Fernández Cué, nach dem<br />
Drehbuch der englischen Version von Garrett Fort und<br />
Dudley Murphy | K: George Robinson | D: Carlos Villarías,<br />
Lupita Tovar, Barry Norton, Pablo Álvarez Rubio,<br />
Eduardo Arozamena | 104 min | span. OmU | Ehe sich<br />
Nachvertonung und Untertitelung durchsetzten, drehten<br />
die Studios wichtige Filme in mehreren Sprachversionen<br />
mit unterschiedlicher Besetzung. Der spanischsprachige<br />
DRÁCULA wurde jeweils nachts in denselben<br />
Dekors gedreht. Da der Regisseur George Melford kein<br />
Wort Spanisch sprach, kam dem damals ungenannten<br />
Dialogregisseur Ávalos besondere Bedeutung zu. Der<br />
Vergleich zwischen den beiden sehr unterschiedlichen<br />
Filmen ist faszinierend, viele Filmhistoriker geben der<br />
spanischen Version in Rhythmus und Atmosphäre den<br />
Vorzug. Auch das erotische Element ist in der spanischen<br />
Version wesentlich expliziter.<br />
Dienstag, 21. März 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Frankenstein | USA 1931 | R: James Whale | B: Garrett<br />
Fort, Francis Edwards Faragoh, nach dem Bühnenstück<br />
von Peggy Webling auf der Grundlage von Mary Shelleys<br />
Roman | K: Arthur Edeson, Paul Ivano | M: Bernhard<br />
Kaun | D: Colin Clive, Mae Clarke, Boris Karloff, Edward<br />
Van Sloan, Dwight Frye | 71 min | OmU | Universals<br />
zweiter großer Monster-Hit des Jahres 1931 übergeht<br />
die metaphysischen Exkurse von Mary Shelleys Roman<br />
und verspricht zunächst Sensationalismus, steht aber<br />
letztlich ganz auf der Seite des Monsters. Ursprünglich<br />
sollte Bela Lugosi das Monster spielen, doch er lehnte<br />
die dialoglose Rolle unter schwerem Make-up ab.<br />
Carl Laemmle Junior erklärte, weshalb die Wahl auf<br />
Boris Karloff fiel: »His eyes mirrored the suffering we
need ed«. Karloff fand es nicht schlimm, für alle Zeit mit<br />
dem Monster identifiziert zu werden: »The monster was<br />
the best friend I ever had.«<br />
Dienstag, 28. März 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
The Mummy (Die Mumie) | USA 1932 | R: Karl Freund<br />
| B: John L. Balderston | K: Charles Stumar | M: James<br />
Dietrich | D: Boris Karloff, Zita Johann, David Manners,<br />
Arthur Byron, Edward Van Sloan, Bramwell Fletcher |<br />
74 min | OmU | Universals Beitrag zur damaligen Faszination<br />
durch das alte Ägypten hatte einen ganz konkreten,<br />
handfesten Hintergrund: Der Drehbuchautor,<br />
einmal mehr John L. Balderston, war 1923 als Journalist<br />
bei der Öffnung des Grabs von Tutanchamun dabei<br />
ge wesen. Karl Freund inszeniert mit Stil und Virtuosität<br />
eine Geschichte vom Verlangen, das die Jahrtausende<br />
überdauert hat. Die Mumie selber ist kaum zu sehen,<br />
doch die Szene der »Auferstehung« jagt einem noch<br />
heute Schauer über den Rücken, obwohl sie ganz<br />
ohne schockierende Bilder auskommt. Dem Forscher,<br />
der eine Inschrift murmelte und dadurch die Mumie<br />
weckte, bleibt nur noch hysterisches Gelächter: »He …<br />
he went for a little walk!«<br />
Dienstag, 4. April 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
The Invisible Man (Der Unsichtbare) | USA 1933 |<br />
R: James Whale | B: R.C. Sheriff | K: Arthur Edeson |<br />
M: Heinz Roemheld | D: Claude Rains, Gloria Stuart,<br />
William Harrigan, Una O‘Connor, Henry Travers | 71<br />
min | OmU | John Fultons Effekteteam entwickelte ein<br />
ganzes Bündel unterschiedlicher optischer und realer<br />
Tricks mit Drähten, Orthesen, Wandermasken, schwarzem<br />
Samt und Animationselementen, um Claude Rains<br />
verschwinden zu lassen. Die technische Virtuosität tritt<br />
bald in den Hintergrund, und das Thema der Massenhysterie<br />
angesichts einer unsichtbaren Bedrohung<br />
aus der Mitte der Gesellschaft ist heute aktueller denn<br />
je. James Whales Inszenierung macht den zerrissenen<br />
Menschen im größenwahnsinnigen Wissenschaftler<br />
spürbar. Der britische Bühnenschauspieler Claude<br />
Rains ist in seiner ersten richtigen Filmrolle im Grunde<br />
in nur einer Szene wirklich zu sehen und verleiht seiner<br />
Figur nur mit seiner Stimme eine ungewöhnliche<br />
Präsenz.<br />
Dienstag, 11. April 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
The Bride of Frankenstein (Frankensteins Braut)<br />
| USA 1935 | R: James Whale | B: William Hurlbut |<br />
K: John Mescall | M: Franz Waxman | D: Boris Karloff,<br />
Universal Monsters<br />
23<br />
THE BRIDE OF FRANKENSTEIN
Universal Monsters<br />
24<br />
Colin Clive, Valerie Hobson, Ernest Thesiger, Elsa<br />
Lanchester, O.P. Heggie | 75 min | OmU | Nach den<br />
Schocks im ersten FRANKENSTEIN trotzte James Whale<br />
dem Studio weitreichende Freiheiten ab, um eine Geschichte<br />
mit Augenzwinkern, sarkastischem Witz und<br />
etwas genüsslichem Grusel zu erzählen. Sie beginnt<br />
mit Mary Shelley, die von Lord Byron im literarischen<br />
Wettstreit zur Fortsetzung ihres ursprünglichen Plots<br />
herausgefordert wird, und geht flugs in einen doppelten<br />
Erzählstrang über, der einerseits die fortgesetzte Anstrengung<br />
Frankensteins schildert, Leben zu schaffen<br />
(Fortpflanzung ohne Frauen), andererseits die Sehnsucht<br />
des Monsters, das nun sprechen kann, nach Zuneigung<br />
und Liebe, dem jedoch überall Vorurteile und<br />
Ablehnung entgegenschlagen.<br />
Dienstag, 18. April 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Dracula’s Daughter (Draculas Tochter) | USA 1936 |<br />
R: Lambert Hillyer | B: Garret Fort | K: George Robinson<br />
| M: Heinz Roemheld | D: Gloria Holden, Otto Kruger,<br />
Marguerite Churchill, Edward Van Sloan, Nan Grey,<br />
Irving Pichel | 71 min | OF | Als Vorlage für die Fortsetzung<br />
des ersten voll entwickelten Horrorfilms der Universal,<br />
oder vielmehr als ferne Inspiration, diente »Dracula’s<br />
Guest«, ein aus Stokers Romanmanuskript gestrichenes<br />
Kapitel, das dessen Witwe separat als Kurzgeschichte<br />
veröffentlichte. Draculas Tochter nennt sich Gräfin<br />
Zaleska und kommt nach London, um das Treiben ihres<br />
Vaters nicht fortzusetzen, sondern dem Vampirismus<br />
ein Ende zu bereiten. Sie stiehlt Draculas Leichnam<br />
und verbrennt ihn, und sucht professionelle Hilfe.<br />
DRACULA’S DAUGHTER ist einer der ersten Hollywoodfilme,<br />
die die Psychoanalyse thematisieren: Gräfin<br />
Zaleska begibt sich in Behandlung, um ihre schwierige<br />
Vaterbeziehung aufzuarbeiten.<br />
Dienstag, 25. April 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Son of Frankenstein (Frankensteins Sohn) | USA<br />
1939 | R: Rowland V. Lee | B: Willis Cooper | K: George<br />
Robinson | M: Frank Skinner | D: Basil Rathbone, Josephine<br />
Hutchinson, Boris Karloff, Bela Lugosi, Lionel<br />
Atwill | 99 min | OF | Die nominelle Hauptrolle mag<br />
Basil Rathbone innehaben, spielt er doch den titelgebenden<br />
Sohn, der eigentliche Star ist jedoch Bela Lugosi<br />
als Diener Ygor, der schon einmal am Galgen hing,<br />
aber überlebte und seither einige Rechnungen mit den<br />
Würdenträgern des Ortes offen hat. Er will den heimgekehrten<br />
Sohn dazu bewegen, die Arbeit des Vaters<br />
fortzusetzen. Unter allen Horrorfilmen der Universal hat<br />
SON OF FRANKENSTEIN eine Besetzungsliste, die fast<br />
nur aus Stars besteht und die extravagantesten Bauten<br />
mit beinahe abstrakt anmutenden Sets. Boris Karloff<br />
trägt ein letztes Mal das Monster-Make-up, nach ihm<br />
übernahmen wechselnde Darsteller die Figur.<br />
Dienstag, 2. Mai 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
The Invisible Man Returns (Der Unsichtbare kehrt<br />
zurück) | USA 1940 | R: Joe May | B: Lester Cole,<br />
Curt Siodmak | K: Milton Krasner | M: Hans J. Salter,<br />
Frank Skinner | D: Vincent Price, Sir Cedric Hardwicke,<br />
Nan Grey, John Sutton, Cecil Kellaway | 81 min |<br />
OmU | Die Filme um den Unsichtbaren motivierten ihre<br />
Filmemacher stets zu außerordentlichen Arbeiten. THE<br />
INVISIBLE MAN RETURNS ist ein Musterbeispiel für<br />
eine gelungene Fortsetzung, da er die Prämisse des<br />
ursprünglichen Films erweitert, anstatt sie nur wiederzukäuen.<br />
Ein zu Unrecht wegen Mordes Verurteilter<br />
flieht mithilfe des Unsichtbarkeitsserums; er weiß, dass<br />
die Droge wahnsinnig macht, aber er will den wahren<br />
Täter um jeden Preis entlarven. An der zweiten Horrorfilmwelle<br />
während des Zweiten Weltkrieges waren<br />
zahlreiche Emigranten beteiligt, die am eigenen Leibe<br />
Ausgrenzung und Verfolgung erlebt hatten.<br />
Dienstag, 16. Mai 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
The Wolf Man (Der Wolfsmensch) | USA 1941 | R:<br />
George Waggner | B: Curt Siodmak | K: Joseph Valentine<br />
| M: Charles Previn, Hans J. Salter, Frank Skinner<br />
| D: Claude Rains, Lon Chaney Jr., Evelyn Ankers,<br />
Warren William, Bela Lugosi, Maria Ouspenskaya | 71
min | OmU | Larry Talbot (Lon Chaney Jr.) kehrt aus<br />
den USA heim nach England auf den Landsitz seiner<br />
Familie, wird von einem Werwolf gebissen und selber<br />
zum Werwolf, gegen seinen Willen und bei jedem Vollmond;<br />
einzig eine Silberkugel kann ihn töten. All diese<br />
angeblich uralte Folklore stammt weder aus europäischen<br />
Werwolfmythen, noch aus den totemistischen<br />
Legenden Nordamerikas. Es handelt sich gänzlich um<br />
Erfindungen des Autors Curt Siodmak. Die Verwandlung<br />
führte der Make-up-Künstler Jack Pierce mit Hilfe von<br />
John Fultons Tricks durch. Bela Lugosi hat eine schöne<br />
Rolle als der Wolfsmensch, der Larry »ansteckt«.<br />
Dienstag, 23. Mai 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Frankenstein Meets the Wolf Man (Frankenstein<br />
trifft den Wolfsmenschen) | USA 1943 | R: Roy William<br />
Neill | B: Curt Siodmak | K: George Robinson | M:<br />
Hans J. Salter | D: Bela Lugosi, Lon Chaney Jr., Ilona<br />
Massey, Lionel Atwill, Maria Ouspenskaya | 74 min |<br />
OF | FRANKENSTEIN MEETS THE WOLF MAN ist eine<br />
doppelte Fortsetzung. Larry Talbot wird aus dem Grab<br />
geholt, in dem er nach THE WOLF MAN zur ewigen<br />
Ruhe gebettet war. Aber auch THE GHOST OF FRAN-<br />
KENSTEIN wird fortgeschrieben, an dessen Ende das<br />
Gehirn Ygors (Bela Lugosi) in den Körper von Frankensteins<br />
Monster transplantiert worden war. Somit ist es<br />
im Grunde nur logisch, dass nun endlich Lugosi das<br />
Monster spielt. FRANKENSTEIN MEETS THE WOLF MAN<br />
brachte Elemente ein, die dem Monsterkino zuvor fehlten:<br />
packende, präzise Action, mitreißendes Tempo und<br />
einen geradezu apokalyptischen Schluss.<br />
Dienstag, 30. Mai 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Son of Dracula (Draculas Sohn) | USA 1943 | R: Robert<br />
Siodmak | B: Eric Taylor, nach einer Story von Curt<br />
Siodmak | K: George Robinson | M: Hans J. Salter | D:<br />
Lon Chaney Jr., Louise Albritton, Robert Paige, Evelyn<br />
Ankers, J. Edward Bromberg | 81 min | OF | Ein geheimnisvoller<br />
Graf Alucard aus Budapest besucht ein altes<br />
Anwesen auf einer Plantage in den Sümpfen Louisianas<br />
– die Besitzerin lud ihn ein, sie hat ein morbides Faible<br />
fürs Okkulte. Die bodenständigen Südstaatler glauben<br />
nicht an solchen Unfug wie Vampirismus. Die separate<br />
Fortsetzung von DRACULA (ohne Bezug zu DRACULA’S<br />
DAUGHTER) erweist sich beim näheren Hinsehen als<br />
eine kühne Paraphrase des ursprünglichen Romans<br />
mit hoch interessanten Aktualisierungen. Die Brüder Siodmak<br />
gaben dem Blutsauger eine Ideologie von »Blut<br />
und Boden«, die Bildgestaltung überwindet den »Gothic<br />
Look« vorheriger Universal-Horrorfilme.<br />
Dienstag, 6. Juni 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Creature from the Black Lagoon (Der Schrecken<br />
vom Amazonas) | USA 1954 | R: Jack Arnold, unter<br />
Wasser: James C. Havens | B: Harry Essex, Arthur Ross<br />
| K: William E. Snyder | M: Henry Mancini, Hans J. Salter,<br />
Herman Stein | D: Richard Carlson, <strong>Juli</strong>a Adams,<br />
Richard Denning, Nestor Paiva, Antonio Moreno | 79<br />
min | OF | 3D | Aus der Legende um einen Fischmenschen<br />
in Lateinamerika, die dem Produzenten zu Ohren<br />
gekommen war, entstand einer der gelungensten,<br />
spannendsten und zugleich romantischsten Monsterfilme<br />
der 1950er Jahre. Eine amerikanische Expedition<br />
entdeckt in einem entlegenen Zufluss des Amazonas<br />
ein Wesen aus einer verblüffenden Seitenlinie der Evolution.<br />
Jack Arnold bringt 3D in einen neuen Kontext:<br />
Der oft beklemmenden und bedrohlichen Dschungelatmosphäre<br />
setzen die Unterwassersequenzen eine<br />
weitere, traumhafte Dimension entgegen.<br />
Dienstag, 13. Juni 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Young Frankenstein (Frankenstein Junior) | USA<br />
1974 | R: Mel Brooks | B: Mel Brooks, Gene Wilder |<br />
K: Gerald Hirschfeld | M: John Morris | D: Gene Wilder,<br />
Peter Boyle, Marty Feldman, Madeline Kahn, Cloris<br />
Leachman | 106 min | OmU | Der Neurologe Frederick<br />
Frankenstein versucht, die Last seines Familiennamens<br />
abzuschütteln, doch eine schicksalhafte Erbschaft führt<br />
ihn zurück in das Labor seines Großvaters. YOUNG<br />
FRANKENSTEIN ist von so tiefer Liebe und Bewunderung<br />
für die Universal-Horrorfilme durchdrungen, dass<br />
der Film wirkt, als entstammte er selber jener Hochphase,<br />
obwohl er gar nicht bei der Universal entstand. Gene<br />
Wilder und Mel Brooks haben den Geist dieser Werke<br />
so weit destilliert, dass es nicht einmal nötig ist, die<br />
einzelnen Filme zu kennen, um die Gags zu genießen<br />
(und YOUNG FRANKENSTEIN ist einer der lustigsten<br />
amerikanischen Filme der 1970er Jahre).<br />
Dienstag, 20. Juni 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Universal Monsters<br />
25
Film und Psychoanalyse – »Räume«<br />
Film und Psychoanalyse<br />
GRAVITY<br />
26<br />
In einem Alltagsverständnis haben auch wir Menschen<br />
des 21. Jahrhunderts eine naive, »absolute« Raumauffassung,<br />
d.h. der Raum ist für uns nur eine unhinterfragte<br />
Randbedingung des Inhaltes, den er umfasst.<br />
Doch schon die philosophische Phänomenologie analysiert<br />
Formen des Erlebens von »Raum«.<br />
Was macht dieses Thema für eine Filmbetrachtung interessant?<br />
Was zunächst banal erscheint, dass sich im<br />
Film meist Personen durch Räume bewegen, sich darin<br />
treffen, Umgebungen unterschiedlich erleben und auf<br />
sie reagieren, erweist sich in den Filmen dieser Reihe<br />
als in besonderer Weise mit Bedeutung aufgeladen.<br />
Der vorgeführte Raum ist hier eine Bedingung für die<br />
Entwicklungen der Filmfiguren, Ausdruck einer psychischen<br />
Verfassung oder Metapher für einen Seelenzustand.<br />
Räume können z.B. Geborgenheit vermitteln,<br />
versprechen, repräsentieren – oder für Verlorenheit,<br />
Vergeblichkeit und Bedrängnis stehen.<br />
Die enge Verbindung, das Abbildungsverhältnis und<br />
die wechselseitige Beeinflussung zwischen Räumen<br />
der Außenwelt, wie sie der Film konstituiert, und den<br />
seelischen Innenräumen der Protagonisten wollen wir<br />
in dieser Reihe näher untersuchen. <br />
<br />
Corinna Wernz<br />
Gravity | USA 2013 | R: Alfonso Cuarón | B: Alfonso<br />
Cuarón, Jonás Cuarón | K: Emmanuel Lubezki | M: Steven<br />
Price | D: Sandra Bullock, George Clooney | 90 min<br />
| OF | 3D | Wegen der Zerstörung einer Satellitenstation<br />
durch Weltraumschrott gerät eine Wissenschaftlerin in<br />
eine ausweglos erscheinende »Schiffbruchsituation« im<br />
All. Tatkräftig wie auch psychologisch unterstützt vom<br />
einzigen überlebenden Astronauten muss sie in diesem<br />
kosmischen Kammerspiel traumatische Erlebnisse<br />
überwinden lernen, die sie auf der wie zum Greifen<br />
nahen, doch nun so gut wie unerreichbaren Erde hatte<br />
zurücklassen wollen. Die mehrfach Oscar-prämierte<br />
visuelle Choreografie vermittelt etwa mit Hilfe raffinierter<br />
Kamerarotationen in allen Achsen den krisenhaften<br />
Orientierungsverlust der Protagonistin und<br />
veranschaulicht auch auf verhältnismäßig realistische<br />
Weise physikalische Bewegungsgesetze, was so nur in<br />
der 3D-Projektion erfahrbar wird. Die Verbindung einer<br />
zum Schluss doch konventionellen Heldengeschichte<br />
mit einer ungewöhnlich sinnreichen und spektakulären<br />
Montage macht nachvollziehbar, wie hier ein<br />
Arthouse-Avantgardefilm zum Blockbuster werden<br />
konnte.<br />
Sonntag, 19. März 20<strong>17</strong>, <strong>17</strong>.30 Uhr | Einführung: Salek<br />
Kutschinski, Mathias Lohmer, Corinna Wernz<br />
Birdman or The Unexpected Virtue of Ignorance<br />
(Birdman oder Die unverhoffte Macht der Ahnungslosigkeit)<br />
| USA 2014 | R: Alejandro González Iñárritu<br />
| B: Alejandro González Iñárritu, Nicolás Giacobone,<br />
Alexander Dilenaris, Armando Bó, nach einem Stück<br />
von Raymond Carver | K: Emmanuel Lubezki | M: Antonio<br />
Sánchez | D: Michael Keaton, Emma Stone, Kenny<br />
Chin, Jamahl Garrison-Lowe, Zach Galifianakis, Edward<br />
Norton | 119 min | OmU | Riggan Thomson, Darsteller<br />
der Fantasyfigur »Birdman«, will mit einer Broadway-<br />
Theater inszenierung endlich als ernsthafter Schauspieler<br />
wahrgenommen werden und raus aus den Fesseln<br />
des Starruhms. Wir Zuschauer sehen ihn aber – im<br />
Wortsinne – meistens drinnen, er hastet durch die<br />
Katakomben des Theaters, im übertragenen Sinn auch
durch das Labyrinth seines kaum mehr zu ordnenden<br />
beruflichen und privaten Lebens. Die Kamera folgt ihm<br />
auf Schritt und Tritt, Schnitte sind durch raffinierte<br />
Digitaltechnik nicht wahrnehmbar. Die klaustrophobische<br />
Bildwelt der Innenräume wird verstörend aufgelockert<br />
durch von Riggan halluzinierte, ausbruchsartige<br />
Schwebe- und Flugvisionen, also durch Fragmente<br />
seiner Birdman-Rollenidentität. Virtuos kommentiert<br />
Iñárritu auf bildlicher Ebene psychische Dilemmata<br />
von Begrenztheit und Entgrenzung.<br />
Sonntag, 30. April 20<strong>17</strong>, <strong>17</strong>.30 Uhr | Einführung: Eva<br />
Friedrich, Matthias Baumgart<br />
Ultimo tango a Parigi (Der letzte Tango in Paris) |<br />
Italien 1973 | R: Bernardo Bertolucci | B: Bernardo Bertolucci,<br />
Franco Arcalli | K: Vittorio Storaro | M: Gato Barbieri<br />
| D: Maria Schneider, Marlon Brando, Jean-Pierre<br />
Léaud, Massimo Girotti, Marie-Hélène Breillat, Catherine<br />
Breillat | 129 min | engl. OmU | Im Post-1968er-Klima,<br />
die Revolution ist passé, stoßen die junge Jeanne und<br />
der verbittert und verzweifelt durch Paris streunende<br />
Amerikaner Paul aufeinander. Er ist 45, sie 20. Paul ist<br />
gerade Witwer geworden, weil seine Frau Rosa sich die<br />
Pulsadern aufgeschnitten hat, Jeanne heiratet in zwei<br />
Wochen den avantgardistischen Filmregisseur Tom.<br />
Ohne auch nur nach ihren Namen zu fragen, beginnen<br />
sie einen amour fou in der magischen Zwischenwelt<br />
einer leerstehenden Pariser Art-Deco-Wohnung. Die<br />
Sexualität ist grob, stark und mit einer verzweifelten<br />
Intensität, als ob es um Leben und Tod ginge. Die Bildsprache<br />
des Films inszeniert den geschlossenen Raum<br />
der Wohnung als Bacon-Gemälde im warmen orangen<br />
Halblicht, als regressiven Innenraum. Das Publikum<br />
wird verführt zur Teilhabe an einer Flucht in Anonymität,<br />
die sich zur reinen Liebe stilisiert und schließlich<br />
scheitert.<br />
Sonntag, 21. Mai 20<strong>17</strong>, <strong>17</strong>.30 Uhr | Einführung:<br />
Andreas Hamburger, Vivian Pramataroff-Hamburger<br />
The Age of Innocence (Zeit der Unschuld) | USA<br />
1993 | R: Martin Scorsese | B: Jay Cocks, Martin Scorsese,<br />
nach dem Roman von Edith Wharton | K: Michael<br />
Ballhaus | M: Elmer Bernstein | D: Daniel Day-Lewis,<br />
Michelle Pfeiffer, Winona Ryder, Richard E. Grant, Geraldine<br />
Chaplin, Norman Lloyd | 138 min | OmU | New<br />
York in den 1870er Jahren. Der aufstrebende junge<br />
Anwalt Newland Archer hat alle Voraussetzungen, ein<br />
erfolgreiches Leben zu führen, scheitert aber an den<br />
Konventionen seiner unnachgiebig »kultivierten« gesellschaftlichen<br />
Klasse, deren Grausamkeit von Scorsese<br />
demaskiert wird. Die Melancholie einer großen ungelebten<br />
Liebe durchzieht den Film. Fast ausschließlich<br />
Innenräume, »ein semiotisches Gefängnis« (Georg<br />
Seeßlen) voller Pomp und Plüsch, in denen die Menschen<br />
wie eingemauert in das Dekor wirken, reflektieren<br />
die Vorgänge im Inneren der Protagonisten. »Mein<br />
grausamster Film«: Dieses Zitat von Scorsese macht<br />
klar, dass er keinen grundlegenden Unterschied sieht,<br />
welchen Zwängen das Individuum ausgeliefert ist, sei<br />
es nun in einer Mafiaorganisation oder in der besseren<br />
Gesellschaft, am wehrlosesten allerdings durch deren<br />
Verinnerlichung.<br />
Sonntag, 18. Juni 20<strong>17</strong>, <strong>17</strong>.30 Uhr | Einführung: Katharina<br />
Leube-Sonnleitner, Irmgard Nagel<br />
Film und Psychoanalyse<br />
27<br />
ULTIMO TANGO A PARIGI – DER LETZTE TANGO IN PARIS
No secrets! – Bilder der Überwachung<br />
Bilder der Überwachung<br />
28<br />
Die im Münchner Stadtmuseum und in der ERES-Stiftung<br />
ab dem 24. März 20<strong>17</strong> stattfindende Ausstellung<br />
»No secrets! – Bilder der Überwachung« nimmt sich<br />
eines emotional und kontrovers diskutierten und unseren<br />
Alltag zunehmend prägenden Themas an. Seien<br />
es die unter dem Mantra der »Sicherheit« Daten generierenden<br />
Geheimdienste, die KI-Algorithmen neuer<br />
»Big-Data«-Technologien oder die simple Datennutzung<br />
in unserem virtuellen Alltag – die Grenzenlosigkeit<br />
der Möglichkeiten scheint wie die Datenströme selbst<br />
kaum mehr fassbar. Gleichzeitig wird jedoch auch die<br />
zunehmende Grenzenlosigkeit möglichen Missbrauchs<br />
durch Überwachung immer deutlicher. Fokussiert die<br />
Ausstellung diese Problematik über zeitgenössische<br />
Arbeiten aus den Bereichen Fotografie, Video, Malerei,<br />
Plakat und Installation, bietet das Filmmuseum<br />
über eine die Ausstellung begleitende Filmreihe eine<br />
zusätzliche Option an, sich diesem brisanten Komplex<br />
anzunähern. Eine Option, die umso wichtiger ist, als<br />
die Beziehung zwischen dem Kino und der Thematik<br />
»Überwachung« so alt ist wie das Kino selbst und<br />
mit einem historischen Blick auch deutlich wird, dass<br />
unsere gegenwartszentrierten Ängste alles andere als<br />
originär sind.<br />
Von Beginn an war es das Ziel des Kinos Bewegung<br />
aufzuzeichnen, beliebig wiederholbar und damit<br />
analysierbar zu machen. Die Filme der Brüder Lumière<br />
sind dafür exemplarisch. Sie hielten das »Alltägliche«<br />
und »Gewöhnliche« fest; das bisher »Unbeachtete« erlangte<br />
plötzlich Bedeutung. In LA SORTIE DES USINES<br />
LUMIÈRE (1895) beobachtet Louis Lumière durch seine<br />
Kamera nicht nur als Filmemacher, sondern auch aus<br />
der Position des Fabrikbesitzers Arbeiter beim Verlassen<br />
seiner Fabrik. Sein Interesse, über seine Arbeitnehmer<br />
Bescheid zu wissen, scheint in unseren mediengeschulten<br />
Augen vielleicht banal und alltäglich, kann<br />
aber durchaus als frühes Beispiel für Überwachung am<br />
Arbeitsplatz interpretiert werden.<br />
Mit der Erweiterung narrativer Elemente im Film<br />
wird auch bezüglich der Überwachungs-Thematik immer<br />
deutlicher, dass Film, wie Alphons Silbermann es<br />
betont hat, immer auch »eine Art von Mikrokosmos« ist,<br />
in dem sich »das Bild einer Kultur wiederfinden lässt,<br />
und zwar derjenigen selbst, deren Produkt er ist.« In<br />
den ersten Mikrodramen der Überwachung setzen<br />
sich diese Bilder hauptsächlich aus Geschichten um<br />
unschuldig Verdächtigte (FALSELY ACCUSED, 1908)<br />
und unfreiwillige Enthüllungen von vertraulichen und<br />
peinlichen Momenten (THE EVIDENCE OF FILM, 1913)<br />
zusammen. Das Kino spielt hier mit der Angst, bei<br />
etwas nicht für die Öffentlichkeit Bestimmtem nicht<br />
nur entdeckt, sondern »abgebildet« worden zu sein.<br />
Eine durchaus reale Angst, denn die ersten kompakten<br />
»Geheimkameras« existierten tatsächlich bereits.<br />
Mit der zunehmenden Konfrontation zwischen Besitzenden<br />
und Besitzlosen und der legalen Politisierung<br />
des Alltags erhalten auch die visuellen Umsetzungen<br />
dieser Verhältnisse neue Nahrung. Der vielleicht erste<br />
LOW DEFINITION CONTROL – MALFUNCTIONS #0
Spielfilm, in dem visuelle Überwachung Thema ist,<br />
entsteht. Jakov Protasanovs AELITA (1924) erzählt von<br />
einer Apparatur, die Leben auf anderen Planeten ausspionieren<br />
soll. Dann geht es Schlag auf Schlag. Fritz<br />
Lang stellt in METROPOLIS (1926) ein visuelles Inter face<br />
vor, mit dem die Arbeiter kontrolliert werden können.<br />
Charlie Chaplin zitiert und erweitert diese Apparatur in<br />
MODERN TIMES (1936) noch einmal. Den dystopischen<br />
Charakter von Überwachung darzustellen erlaubt sich<br />
– zumindest anfänglich – sogar noch die Filmproduktion<br />
im »Dritten Reich«: In Harry Piels DIE WELT OHNE<br />
MASKE (1934) gelingt es gerade noch so, eine eben<br />
erfundene »Allsicht-Apparatur« auch wieder zu vernichten.<br />
Mit den 1950ern taucht erstmals der voyeuristische<br />
Blick der Überwachung im Film auf, der gleichzeitig<br />
zur Obsession wird. In Filmen wie Alfred Hitchcocks<br />
REAR WINDOW (1954) oder Michael Powells<br />
PEEPING TOM (1960) findet darüber hinaus jedoch<br />
auch eine Hinwendung zu komplexen Erzählstrukturen<br />
und ein verunsicherndes Reflektieren über das<br />
Medium und den Moment der Überwachung an sich<br />
statt. Diese »privatistische« Phase der Überwachung<br />
im Film wird jedoch schon bald von der zunehmenden<br />
Politisierung der Überwachung im öffentlichen Leben<br />
verdrängt. Versucht Karel Kachyňa in UCHO (1970) die<br />
Auswirkungen stalinistischen Überwachungsterrors bis<br />
ins intimste Privatleben zu verdeutlichen, reflektiert<br />
Francis Ford Coppola in THE CONVERSATION (1974)<br />
die staatlichen Abhörmaßnahmen und deren Missbrauch,<br />
die durch die Watergate-Affäre publik geworden<br />
sind. Coppola gelingt zudem ein echter Paradigmenwechsel<br />
– »Die Überwachung ist«, wie es Thomas<br />
Y. Levin 2004 formulierte, »zur Bedingung der Narration<br />
selbst geworden«; während etwa bei PEEPING TOM<br />
noch eindeutige Merkmale wie eingeblendete Sucherrahmen<br />
den »überwachenden Blick« innerhalb der<br />
Erzählung von der erzählenden Instanz trennen, findet<br />
bei Coppola »ein Übergang von einer ›thematischen‹ zu<br />
einer ›strukturellen‹ Indienstnahme der Überwachung<br />
statt«. Michael Klier führt diesen Ansatz in seinem völlig<br />
aus Videoaufnahmen von Überwachungskameras<br />
montierten Film DER RIESE (1983) ins theoretische<br />
Extrem. Dystopische und narrative Verortungen dieser<br />
neuen Realität folgen in den nächsten Jahrzehnten mit<br />
immer wieder erweiterten Arsenalen von technologischen<br />
Mitteln. Dezent eingebettet in Michael Radfords<br />
Orwell-Umsetzung von NINETEEN EIGHTY-FOUR (1984)<br />
oder Peter Weirs THE TRUMAN SHOW (1998), dann<br />
wieder aggressiv betont in den inzwischen fast schon<br />
ikonografisch für die Thematik geltenden Einstellungen<br />
des Action-, Thriller- und Spionage-Franchises THE<br />
BOURNE IDENTITY (2004-2016).<br />
Gleichzeitig und gewissermaßen auf die An fänge<br />
der symbiotischen Beziehung zwischen Kino und Überwachung<br />
rekurrierend nehmen Dokumentarfilme verstärkt<br />
Coppolas und Kliers Ansatz der strukturellen<br />
Überwachung an, ohne dabei die Bedeutung biografischer<br />
Elemente zu vergessen: Es werden Mikrokosmen<br />
der Überwachung wie Mailands Flughafen Malpensa (IL<br />
CASTELLO, 2011) gezeigt, die zunehmende Überwachung<br />
durch das Sammeln von Daten im öffentlichen<br />
Raum und in der Medizin verfolgt (LOW DEFINITION<br />
CONTROL – MALFUNCTIONS #0, 2011), aber auch<br />
Lebenslinien durchleuchtet – Blogger und Kryptologen<br />
(ALLES UNTER KONTROLLE, 2015), langjährige Geheimdienstmitarbeiter<br />
(THE GOOD AMERICAN, 2015)<br />
oder ein Whistleblower wie Edward Snowden (CITIZEN-<br />
FOUR, 2014).<br />
Axel Timo Purr<br />
Ucho (Das Ohr) | ČSSR 1970 | R: Karel Kachyňa |<br />
B: Jan Procházka, Karel Kachyňa | K: Josef Illík | M:<br />
Svatopluk Havelka | D: Jirina Bohdalová, Radoslav<br />
Brzobohaty, Gustav Opocensky, Miloslav Holub, Lubor<br />
Tokos | 94 min | OmeU | Prag 1952: Ein hoher Beamter<br />
und seine Frau haben den Verdacht, dass ihr<br />
Haus durchsucht worden ist und sie abgehört werden<br />
– vom staatlichen »Ohr«. Der Minister war in letzter<br />
Zeit scharfen Angriffen durch die Partei ausgesetzt und<br />
glaubt nun, dass seine Verhaftung bevorsteht. Die aufkommende<br />
Panik lässt auch die zwischen dem Ehepaar<br />
schwelenden Gegensätze losbrechen. Verbale Angriffe,<br />
versuchte Verletzungen und ausschweifender Alkoholkonsum<br />
erinnern an das Paar aus »Wer hat Angst vor<br />
Virginia Woolf?«, doch schwebt hier über allem noch<br />
eine diffuse Angst und Beklemmung. Der Film wurde<br />
im »Prager Frühling« begonnen und nach Fertigstellung<br />
verboten.<br />
Freitag, 24. März 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Nineteen Eighty-Four (1984) | GB 1984 | R+B: Michael<br />
Radford, nach dem Roman von George Orwell |<br />
K: Roger Deakins | M: Dominic Muldowney | D: John<br />
Hurt, Suzanna Hamilton, Richard Burton, Cyril Cusack,<br />
Phyllis Logan | 108 min | OF | Werkgetreue Adaption<br />
des dystopischen Romans von George Orwell aus dem<br />
Jahr 1948. Im Land Ozeanien werden alle Bürger auf<br />
ihre Treue zum System überwacht, beherrscht wird<br />
das Reich von der »Partei«, geleitet vom »Big Brother«.<br />
Winston Smith, der für das »Ministerium für Wahrheit«<br />
arbeitet, begeht eines Tages ein Gedankenverbrechen,<br />
Bilder der Überwachung<br />
29
Bilder der Überwachung<br />
30<br />
als er beginnt am System zu zweifeln, was der Staat<br />
mit Gehirnwäsche zu bekämpfen weiß. Die Vision eines<br />
totalitären Überwachungsstaates zeigt sich in ausgebleichten<br />
Farben und grobkörnigen Bildern, die sich<br />
nur in der originalen 35mm-Kopie wiederfinden, die zur<br />
Vorführung gelangt.<br />
Samstag, 25. März 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
The Conversation (Der Dialog) | USA 1974 | R+B:<br />
Francis Ford Coppola | K: Bill Butler | M: David Shire |<br />
D: Gene Hackman, John Cazale, Allen Garfield, Frederic<br />
Forrest, Cindy Williams | 109 min | OmU | Ein erfahrener<br />
Abhörspezialist in San Francisco hört das Gespräch<br />
eines jungen Paares mit an und gerät mit seinem Gewissen<br />
in Konflikt. Die Geschichte ist allein aus der<br />
Sicht dieses Abhörtechnikers erzählt. »Da das Publikum<br />
aber nur weiß, was er weiß, erfährt es nie, was wirklich<br />
passiert ist. Man hat bloß Vermutungen. Und weil er<br />
ein Tontechniker ist, fängt das Publikum natürlich an,<br />
die Welt so zu hören, wie er sie hört. In dem Handwerk<br />
liegt so viel Genugtuung – das spürt man in der Szene,<br />
wo Harrys vier Kollegen nach der Konferenz zu elektronischer<br />
Überwachungstechnik über ihr Handwerk und<br />
über Harry als einen der großen Meister ihres Fachs<br />
reden. Es ist das Porträt eines Künstlerclans.« (Walter<br />
Murch)<br />
Sonntag, 26. März 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Alles unter Kontrolle | Österreich 2015 | R+B: Werner<br />
Boote | K: Dominik Spritzendorfer, Mario Hötschl |<br />
M: Marcus Nigsch | 93 min | Aus Taten werden Daten.<br />
Facebook, Amazon und Google liefern uns rund<br />
um die Uhr den Zugang zur bequemen digitalen Welt.<br />
Überwachungskameras auf der Straße sorgen für unsere<br />
Sicherheit. Aber wer sammelt eigentlich unsere<br />
Fingerprints, Iris-Scans, unsere Vorlieben beim Online-Shopping<br />
und was wir in den sozialen Netzwerken<br />
teilen? Was ist mit unserem Recht auf Privatsphäre?<br />
Der Filmemacher Werner Boote macht sich mit gespielter<br />
Naivität auf den Weg rund um den Globus, um die<br />
»schöne neue Welt« der totalen Kontrolle zu erkunden.<br />
»Wir haben die Entscheidungsmacht über unsere Daten<br />
abgegeben. Das sollte uns Sorgen machen«, sagt<br />
Internet-Aktivist Jacob Applebaum. Selbst Banken,<br />
Regierungen und ein iranisches Atomkraftwerk wurden<br />
schon gehackt.<br />
Dienstag, 28. März 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Der Riese | BRD 1983 | R+B+K: Michael Klier | 82<br />
min | »Ein unkonventionell montiertes Essayvideo über<br />
die Videoüberwachung im öffentlichen Raum. Das Video<br />
verwendet dokumentarisches Material aus ferngesteuerten<br />
Überwachungskameras von öffentlichen<br />
Straßen, Plätzen, Einkaufspassagen und Transiträumen<br />
wie Flughäfen und Bahnhöfen sowie Aufnahmen aus<br />
Banken, Kaufhäusern, Supermärkten und privaten<br />
Geländen und Gebäuden. Durch die Verknüpfung verschiedener<br />
Aufnahmen im realistischen Stil entsteht<br />
der Eindruck eines zentralen Überwachungsapparates<br />
als anonymes, mächtiges Subjekt, das allgegenwärtig<br />
alles sieht, aber selbst nicht gesehen werden kann.«<br />
(Reinhard Wolf) »Eine unheimliche Sinfonie der gegen-<br />
THE CONVERSATION
wärtigen Großstadt, überwacht vom unsichtbaren Auge<br />
einer allumfassenden Kontrollinstanz, die der Filmtitel<br />
suggerierte.« (Die Presse)<br />
Mittwoch, 29. März 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Citizenfour | USA 2014 | R+B: Laura Poitras | K: Kirsten<br />
Johnson, Trevor Paglen, Laura Poitras, Katy Scoggin<br />
| 114 min | OmU | Im Juni 2013 treffen sich die Filmemacherin<br />
Laura Poitras und der Journalist Glenn Greenwald<br />
in Hongkong mit Edward Snowden, dem Whistleblower<br />
des US-Geheimdienstes, der ihnen Beweise<br />
für die Massenüberwachung und Massenausspähung<br />
normaler Bürger durch die NSA in Aussicht gestellt hat.<br />
Poitras dokumentierte die Treffen mit der Kamera. »Von<br />
pseudo-demokratischen Beteuerungen amerikanischer<br />
Politiker und den ersten Whistleblowern über die Panoramen<br />
riesiger Geheimdienstzentralen führt der Film<br />
in die klaustrophobische Enge des Hotelzimmers in<br />
Hongkong, wo Snowden auf den Moment der Enttarnung<br />
wartet. CITIZENFOUR macht geradezu physisch<br />
erfahrbar, was ein autoritärer Überwachungsstaat ist,<br />
und dass auch wir mittendrin sitzen.« (Grit Lemke)<br />
Dienstag, 4. April 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Low Definition Control – Malfunctions #0 | Österreich<br />
2011 | R+B+K: Michael Palm | 95 min | Überwachungskameras,<br />
medizinische Ultraschalldetektoren<br />
und Computertomographen produzieren Vorstellungen<br />
von konformem Verhalten und gesunden Körpern, aber<br />
auch von Abweichungen, Auffälligkeiten und verborgenen<br />
Risiken. Im Zeichen von Terrorangst, Risikoprävention<br />
und umfassenden Kontrollphantasmen lenken<br />
diese Bilder den Blick auf eine mögliche Zukunft. Man<br />
könnte LOW DEFINITION CONTROL auch einen dokumentarischen<br />
Science Fiction-Film nennen. In einer Gesellschaft,<br />
die Öffentlichkeit primär als Ort von Risiken<br />
denkt, hängt von der ständigen Beobachtung nahezu<br />
alles ab. Sind wir vom eugenischen, technisch abgespeicherten,<br />
verhaltensnormierten Menschen nur mehr<br />
einen Schritt entfernt? Sind wir auf dem Weg in einen<br />
Polizeistaat?<br />
Mittwoch, 5. April 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
A Good American | Österreich 2015 | R+B+K: Friedrich<br />
Moser | M: Christopher Slaski, Guy Farley | 104 min<br />
| OmU | Das mathematische Genie Bill Binney nimmt<br />
nach Ende des Kalten Krieges die Herausforderungen<br />
des digitalen Zeitalters an und entwickelt ein Überwachungstool,<br />
das jedes elektronische Signal auf der<br />
ganzen Welt erfassen, es nach Zielobjekten filtern, Ergebnisse<br />
in Echtzeit liefern kann und dabei auch noch<br />
die Privatsphäre der BürgerInnen schützt, wie von der<br />
US-Verfassung verlangt. Doch sein algorithmenbasiertes<br />
Observierungsprogramm ThinThread, das aus dem<br />
Wust selbst anonymisierter Daten Bewegungs- und Gefährdungsprofile<br />
von Terroristen zu extrahieren wusste,<br />
scheiterte an Eigeninteressen und Cliquenwirtschaft<br />
innerhalb der NSA. Die investigative Analyse fördert erstaunliche<br />
Fakten zutage, welche die NSA als ein von<br />
Korruption geleitetes Unternehmen zeigen.<br />
Dienstag, 11. April 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Il Castello (Die Festung) | Italien 2011 | R+B: Massimo<br />
D’Anolfi & Martina Parenti | 90 min | OmeU | Eine<br />
Langzeitbeobachtung auf dem Flughafen von Mailand.<br />
»Wir entschlossen uns, einen Film auf einem internationalen<br />
Flughafen zu drehen, weil sich heutzutage<br />
nirgendwo sonst unsere Besessenheit mit Sicherheit,<br />
unsere Furcht vor allem Fremdem und unser Wille nach<br />
totaler Kontrolle besser festmachen lässt. Zwei Personengruppen<br />
bewegen sich auf jedem Airport: Einerseits<br />
die Reisenden, die hin und her hasten, andererseits das<br />
Flughafenpersonal, das seine Arbeit versieht. Unsere<br />
Kamera blickt in Räume, die man sonst nicht zu sehen<br />
bekommt, registriert das ewige Wechselspiel zwischen<br />
Kontrolleuren und Kontrollierten, zwischen geplanten<br />
Aktionen und zufälligen Ereignissen. Wir haben die Sicherheitskräfte<br />
bei ihrer Arbeit beobachtet, nicht aber<br />
deren Blick zu unserem gemacht.« (D’Anolfi & Parenti)<br />
Mittwoch, 12. April 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Bilder der Überwachung<br />
31
Die Vieldeutige – Porträt Cate Blanchett<br />
Cate Blanchett<br />
32<br />
MANIFESTO © (<strong>Juli</strong>an Rosefeldt) VG Bild-Kunst Bonn, 20<strong>17</strong><br />
Am Ende war ihr Aufenthalt in Berlin also doch für etwas<br />
gut. Zwar spielt Cate Blanchett in MONUMENTS<br />
MEN eine der ganz wenigen undankbaren Rollen ihrer<br />
Karriere. Aber die Drehpausen nutzte sie fabelhaft: Sie<br />
nahm das Angebot des Berliner Künstlers <strong>Juli</strong>an Rosefeldt<br />
an, in seiner Installation MANIFESTO mitzuwirken.<br />
Blanchett leiht darin ihre darstellerische Intensität an<br />
ein einzigartig ambitioniertes Projekt aus: Sie zitiert aus<br />
zentralen revolutionären künstlerischen Manifesten des<br />
20. Jahrhunderts. Zwölf unterschiedliche Rollen erweckt<br />
sie dabei zu filmischem Leben und zeigt ebenso<br />
viele Facetten ihrer Schauspielkunst. Blanchetts Gesicht<br />
ist keine Projektionsfläche, sondern ein Spielfeld<br />
von Aufruhr und Widerspruch. Nicht immer trägt sie ein<br />
weibliches Antlitz. Sie verkörpert eine Immobilienmaklerin,<br />
eine Managerin, eine russische Choreografin,<br />
auch einen Obdachlosen.<br />
Zweifellos hat sich Rosefeldt daran erinnert, wie bravourös<br />
sie sich bereits in Todd Haynes’ I’M NOT THERE<br />
in eine männliche Figur eingefühlt hat: Dort ist sie eine<br />
der sechs Inkarnationen von Bob Dylan. Die Installation<br />
profitiert nicht nur von der Wandlungsfähigkeit der<br />
australischen Schauspielerin, sondern auch von der<br />
Bereitschaft, sich von ihrer außerordentlichen, leuchtenden<br />
Schönheit nicht auf bestimmte Rollen festlegen<br />
zu lassen. Die Neugierde und Empfindsamkeit dieser<br />
Künstlerin, die ursprünglich Wirtschaft und Kunst studierte<br />
und zeitweilig gern Architektin geworden wäre,<br />
will sich nicht beschränken. Gemeinsam mit ihrem<br />
Mann nahm sie die Herausforderung an, in Sydney ein
Theater zu leiten, das weltweit gefeierte Gastspiele gibt.<br />
Cate Blanchett traut man den gleichen Mut zu, sich auf<br />
verwegene Abenteuer einzulassen, der auch ihre Figuren<br />
auszeichnet.<br />
Ein glaubwürdiger Anachronismus<br />
Das gilt bereits für ihre erste große Kinorolle in OSCAR<br />
AND LUCINDA, der Chronik einer sanften Liebesverrücktheit,<br />
einer wunderlichen Anziehung. In Gillian<br />
Armstrongs leichtfüßiger Romanadaption, die im 19.<br />
Jahrhundert spielt, bildet Blanchett das robuste Gegenbild<br />
zu Ralph Fiennes als englischem Pastorensohn<br />
Oscar, dem der religiöse Eifer des Vaters Schuldgefühle<br />
eingeflößt hat, an denen er sein Leben lang zu tragen<br />
hat. Ihr Körperspiel, entschlossener Gang und wacher<br />
Blick wirken ungemein modern: Lucinda ist eine Vorbotin<br />
weiblicher Selbstbestimmung. Durch den Tod ihrer<br />
Mutter erbt sie ein Vermögen. Ihre erste Liebe gilt dem<br />
Glasspielzeug, weshalb sie kurzerhand eine marode<br />
Glashütte in Sydney aufkauft und zu einer mutigen und<br />
geschäftstüchtigen Unternehmerin wird. Auch im Privatleben<br />
entwickelt sie sich zu einer Hasardeurin, die<br />
sich arglos über die moralischen Verschnürungen ihrer<br />
Zeit hinwegsetzt. Gemeinsam mit Oscar entdeckt sie<br />
die Begeisterung fürs Glücksspiel, was für eine Dame<br />
der Gesellschaft ein höchst anrüchiger Zeitvertreib ist.<br />
Blanchett deutet ihn nicht als selbstzerstörerische Passion,<br />
sondern als Spielfeld der Komplizenschaft.<br />
Auch Queen Elizabeth I. legt sie als eine Frau an, deren<br />
Eigensinn in ihrer Epoche Anstoß erregt. Die Thronfolgerin<br />
ist sprunghaft und launisch. Der Tanz ist ein Leitmotiv,<br />
das Shekhar Kapur in seinem Biopic regelmäßig<br />
anklingen lässt, um ihren spielerischen Zugriff aufs<br />
Leben vor Augen zu führen. Elizabeth fühlt sich nicht<br />
an die Moralvorstellungen ihrer Zeit gebunden, unterhält<br />
eine skandalöse Liebschaft zu einem verheirateten<br />
Adligen und schlägt jede Eheschließung aus, die ihrem<br />
Land dringend nötige Bündnispartner bescheren könnte.<br />
Blanchetts sinnliche Darstellung bricht mit dem Bild<br />
der jungfräulichen Königin, das im Kino zuvorderst Bette<br />
Davis und Jean Simmons prägten. Jedoch wird ihr die<br />
Zweideutigkeit ihres Körpers bewusst, der ihr nun nicht<br />
mehr allein, sondern dem Staat gehört. Das Geschäft<br />
des Regierens muss sie wie eine Rolle einstudieren,<br />
die Selbstbewusstsein und Souveränität verlangt. Blanchett<br />
spielt dies als eine Tragödie des Verlustes; nicht<br />
nur an Spontaneität und Freiheit. Ihre Figuren müssen<br />
stets einen Preis dafür zahlen, so zu sein, wie sie sind.<br />
Die Härte und Grausamkeit, mit der sie sich gegen ihre<br />
zahlreiche Widersacher zur Wehr setzen muss, lassen<br />
ihr Gesicht zu einer bleichen Maske versteinern.<br />
Noble Herausforderungen<br />
Blanchetts natürliche Anmutung von Adel kommt einer<br />
amerikanischen Sehnsucht nach Aristokratie entgegen.<br />
In THE AVIATOR verkörpert sie Katharine Hepburn,<br />
Hollywoods Inbegriff der höheren Tochter. Ihre Eigenständigkeit<br />
stellt eine verlockende Herausforderung für<br />
Howard Hughes dar, die Titelfigur von Scorseses Film.<br />
Sie ist die einzige ebenbürtige, ernsthafte Gefährtin,<br />
die der Industrielle während seiner Eskapade nach<br />
Hollywood findet. In THE CURIOUS CASE OF BENJAMIN<br />
BUTTON verleiht sie einer anderen amerikanischen<br />
Vorstellung von Adel Gestalt: Sie variiert die Figur der<br />
unerreichbaren Südstaaten-Prinzessin, die zumal das<br />
Frühwerk von F. Scott Fitzgerald heimsucht. In dessen<br />
Vorlage gibt es kein wirkliches Vorbild für Daisy,<br />
die indes im Film als archetypische Fitzgerald-Heldin<br />
gezeichnet ist: Sie lebt den Traum von dessen Ehefrau<br />
Zelda aus, eine gefeierte Balletttänzerin zu werden und<br />
trägt den Vornamen der verlorenen Liebe Jay Gatsbys<br />
aus dessen berühmtestem Roman. Dass Daisy für Benjamin<br />
durchaus erreichbar ist, entzaubert sie letztlich<br />
nicht.<br />
Die Protagonistin von Woody Allens Tragikomödie BLUE<br />
JASMINE wiederum muss eingangs ihre Träume von<br />
der Zugehörigkeit zur besseren Gesellschaft begraben.<br />
Nachdem die dubiosen Geschäfte ihres Ehemannes<br />
aufgeflogen sind und dieser in der Haft Selbstmord<br />
begangen hat, versucht die egozentrische, verwöhnte<br />
Jasmine an der Seite ihrer ungleichen Schwester einen<br />
Neuanfang. Es fällt ihr schwer, sich vom Luxusleben zu<br />
verabschieden; ihr ungebrochen mondänes Auftreten<br />
jedoch könnte ihr womöglich erneut Zutritt zur High<br />
Society verschaffen. Jasmine erscheint arglos, bis eine<br />
böse Schlusspointe dies entlarvt.<br />
Auch Sheba, die idealistische, überforderte Lehrerin<br />
in NOTES ON A SCANDAL, zeichnet Blanchett als eine<br />
Figur, die man auf den ersten Blick unterschätzt. Ihre<br />
ältere Kollegin Barbara, die ihr mit abschätzigem, begehrlichem<br />
Blick nachstellt, rätselt anfangs, ob sie nun<br />
eine Sphinx ist oder einfach nur dumm. Erneut wird<br />
eine innige Beziehung zum Spielfeld sozialer Gegensätze:<br />
Barbara stammt aus einfachen Verhältnissen,<br />
Sheba hingegen gehört der Mittelklasse an. Blanchett<br />
gelingt es, einer oberflächlichen Figur unerwartete Tiefe<br />
zu verleihen. Sheba verliebt sich in einen minderjährigen<br />
Schüler und wird dadurch erpressbar. Es fehlt ihr<br />
an Willensstärke, sie ist ihren Gefühlen hilflos ausgeliefert.<br />
Blanchett weckt eine Ahnung davon, wie unerfüllt<br />
ihre bürgerliche Existenz bis dahin war, spürt aber<br />
zugleich plausibel der Möglichkeit ihrer moralischen<br />
Genesung nach.<br />
Cate Blanchett<br />
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Cate Blanchett<br />
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Preis und Mehrwert<br />
Richard Eyre, der NOTES ON A SCANDAL inszeniert<br />
hat, rühmte ihre methodische Vorbereitung auf die Rolle,<br />
hob aber auch hervor, dass sie und ihre Regisseure<br />
sich unbedingt auf ihren Instinkt verlassen können. So<br />
bereichert sie ihre Rollen um ungekannte Nuancen.<br />
Beispielsweise bestand sie darauf, dass Sheba ihr<br />
Hobby, das Töpfern, mit großer Begabung ausübt. Sie<br />
bereichert ihre Rollen um kleine, kaum merkliche Details.<br />
Die Aufmerksamkeit, die sie Requisiten schenkt,<br />
ist enorm. Man achte nur einmal darauf, wie sie als<br />
TV-Produzentin Mary Mapes in TRUTH beim Telefonieren<br />
mit einem Baseball spielt oder in entscheidenden<br />
Momenten ihre Brille aufsetzt. In der ersten Szene<br />
überrascht sie einen Anwalt, der sie für eine reinrassige<br />
Feministin hält, damit, dass sie strickt. Blanchett befreit<br />
ihre Charaktere aus Kategorien, die ihnen in Hollywood<br />
traditionell zugeschrieben werden. Zwar muss sich<br />
Mary Mapes in TRUTH insgeheim dafür rechtfertigen,<br />
eine abwesende Mutter und Ehefrau zu sein. Aber<br />
dieser Vorbehalt schmälert nicht das gesellschaftliche<br />
Mandat, das sie hier als Enthüllungsjournalistin mit Professionalität<br />
und Überzeugungskraft ausübt.<br />
Blanchett ist auch neugierig auf Charaktere, die von den<br />
Filmen nicht in traditionelle romantische Verhältnisse<br />
verstrickt werden. Ihre Weiblichkeit ist vielschichtiger,<br />
als dass sie sich nur in Liebesbeziehungen erweisen<br />
müsste. In HEAVEN, den Tom Tykwer nach einem nachgelassenen<br />
Drehbuch Krzysztof Kiesłowskis gedreht<br />
hat, gelingt ihr ein erstaunlicher Spagat. Sie spielt die<br />
englische Lehrerin Philippa, die ein Attentat auf einen<br />
Geschäftsmann verüben will, der den Heroinhandel in<br />
Turin kontrolliert; weniger aus Rache für den Tod ihres<br />
Mannes, sondern vielmehr, um ihre Schüler zu schützen.<br />
Beim Verhör erfährt sie dann jedoch, dass die<br />
Bombe statt des Dealers vier Unschuldige getötet hat.<br />
Ein junger Carabiniere, der für sie dolmetscht, verliebt<br />
sich in die tugendhafte Mörderin, verhilft ihr zur Flucht.<br />
In Tykwers Film schiebt sich vor die ethischen Konflikte<br />
zwar langsam das Melodram eines ungleichen Paares,<br />
das sich gegen die Welt verschwören muss. Aber ihre<br />
Gefährtenschaft ist eine moralische, keine rein erotische.<br />
Gefühle will diese Schauspielerin stets in ihrer<br />
Mehrdeutigkeit kenntlich werden lassen. Sie weiß, dass<br />
sie es ihrer Kunst schuldig ist, so facettenreich und rätselhaft<br />
wie das Leben zu sein.<br />
Gerhard Midding<br />
Das Filmprogramm ist eine Kooperation mit dem Museum Villa<br />
Stuck und der Sammlung Goetz und begleitet die Ausstellung »Manifesto.<br />
<strong>Juli</strong>an Rosefeldt«, die bis zum 21. Mai 20<strong>17</strong> im Museum<br />
Villa Stuck zu sehen ist.<br />
Oscar and Lucinda (Oscar und Lucinda) | Australien<br />
1997 | R: Gillian Armstrong | B: Laura Jones, nach<br />
dem Roman von Peter Carey | K: Geoffrey Simpson |<br />
M: Thomas Newman | D: Cate Blanchett, Ralph Fiennes,<br />
Ciarán Hinds, Tom Wilkinson, Richard Roxburgh |<br />
132 min | OF | Mitte des 19. Jahrhunderts lässt sich<br />
der junge englische Theologiestudent Oscar Hopkins<br />
als Missionar nach Australien entsenden, um so seiner<br />
Leidenschaft fürs Glücksspiel zu entfliehen. Während<br />
der Überfahrt verliebt er sich in eine nicht minder<br />
passionierte Spielerin, was fatale Folgen für beide hat.<br />
Jahre später soll eine Wette um den Bau einer Kirche<br />
aus Glas mitten im australischen Urwald die Erlösung<br />
bringen. Das opulente epische Melodram bedeutete<br />
den internationalen Durchbruch für Cate Blanchett.<br />
Schon hier spielt sie eine Frau jenseits der Konventionen,<br />
die ihr Glück im Risiko sucht und das Schicksal in<br />
die eigene Hand nimmt.<br />
Mittwoch, 29. März 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Elizabeth | GB 1998 | R: Shekhar Kapur | B: Michael<br />
Hirst | K: Remi Adefarasin | M: David Hirsch felder | D:<br />
Cate Blanchett, Geoffrey Rush, Christopher Eccle ston,<br />
Joseph Fiennes, Richard Attenborough, Fanny Ardant |<br />
124 min | OmU | Als Elizabeth I., die illegitime Tochter<br />
Heinrichs VIII., 1559 als junge Frau den englischen<br />
Königsthron besteigt, beendet sie die blutige »Rekatholisierung«<br />
ihrer Vorgängerin Mary I. und setzt die protestantische<br />
Konfession wieder ein. Einer immer wieder<br />
beschworenen Verheiratung entkommt sie, indem sie<br />
weiß geschminkt dem versammelten Hofstaat erklärt:<br />
»Ich bin mit England verheiratet.« Sie ist intelligent, entschieden,<br />
unnahbar – und faszinierend. Cate Blanchett<br />
definierte ihre Rolle als die Geschichte einer Frau, »die<br />
in Zeiten, als die Frauen nichts zählten, zwischen Liebe<br />
und Pflicht segeln musste, und die Heirat verweigerte,<br />
um niemandem verpflichtet zu sein und allein regieren<br />
zu können.«<br />
Mittwoch, 5. April 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Heaven | Deutschland 2002 | R: Tom Tykwer | B:<br />
Krzysztof Kiesłowski, Krzysztof Piesiewicz | K: Frank<br />
Griebe | D: Cate Blanchett, Giovanni Ribisi, Remo<br />
Girone, Stefania Rocca, Alessandro Sperduti | 97 min |<br />
OmU | Der junge Carabiniere Filippo verliebt sich in eine<br />
Attentäterin, die den Boss des Turiner Drogensyndikats<br />
ermorden wollte und durch eine Verkettung unglücklicher<br />
Umstände vier unschuldige Menschen tötete. Er<br />
verhilft ihr zur Flucht. Tom Tykwer schafft aus der Vorlage<br />
ein eindringliches Drama über Schuld und Kraft<br />
der Liebe in einer für Kieslowski typischen Mischung
aus Thriller, Melodram und Psychogramm. »Blanchett<br />
bestätigt wieder einmal ihr Können. Sie sucht weder<br />
den Effekt noch hält sie sich zurück, sie spielt ganz<br />
direkt und überzeugend eine Frau, die durch Trauer<br />
und Wut unbesonnen handelt und dann mit den Konsequenzen<br />
leben muss.« (Roger Ebert)<br />
Mittwoch, 12. April 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
The Aviator | USA 2004 | R: Martin Scorsese | B: John<br />
Logan | K: Robert Richardson | M: Howard Shore | D:<br />
Leonardo DiCaprio, Cate Blanchett, Kate Beckin sale,<br />
John C. Reilly, Alec Baldwin, Alan Alda, Jude Law<br />
| <strong>17</strong>8 min | OmU | Das Leben des amerikanischen<br />
Tycoons Howard Hughes (1905–1976) als Monumentalfilm.<br />
»Man kann in den Massenszenen ›baden‹<br />
und an der keimfreien Heroisierung des jungen Exzentrikers<br />
Howard Hughes das Staunen neu lernen.<br />
Doch den Gipfel seiner Kunst erklimmt Scorsese nur<br />
in einer Nebenhandlung, die Cate Blanchett als Katharine<br />
Hepburn einführt. Was als ironisch überdrehte<br />
Karikatur beginnt, mit der Gestus, Stimme und Diktion<br />
der eigenwilligen Komödiendarstellerin bereits<br />
zu einer wunderschönen Hommage zugefeilt werden,<br />
verdichtet sich alsbald zu einem intimen Drama,<br />
das die Dimension eines so opernhaften Films<br />
wie THE AVIATOR sprengt.« (Franz Everschor) Cate<br />
Blanchett gewann für ihre Darstellung von Katharine<br />
Hepburn 2005 den Oscar als beste Nebendarstellerin.<br />
Mittwoch, 19. April 20<strong>17</strong>, 19.00 Uhr<br />
The Life Aquatic with Steve Zissou (Die Tiefseetaucher)<br />
| USA 2004 | R: Wes Anderson | B: Wes Anderson,<br />
Noah Baumbach | K: Robert D. Yeoman | M:<br />
Mark Mothersbaugh | D: Bill Murray, Owen Wilson,<br />
Cate Blanchett, Angelica Huston, Willem Dafoe, Jeff<br />
Goldblum | 119 min | OF | Eine artifizielle Abenteuerkomödie<br />
über den in die Jahre gekommenen Meeresforscher<br />
und Dokumentarfilmer Steve Zissou, der aus<br />
Rache einen Hai töten will, weil dieser seinen langjährigen<br />
Partner gefressen hat. So beginnt ein seltsames<br />
Meeresabenteuer an Deck eines uralten Forschungsschiffes,<br />
das von einigen sehr ungewöhnlichen und<br />
exzentrischen Charakteren bevölkert wird. Cate Blanchetts<br />
Rolle der hochschwangeren Reporterin Jane<br />
Winslett-Richardson, die ihrem ungeborenen Kind laut<br />
aus »Auf der Suche nach der verlorenen Zeit« von Marcel<br />
Proust vorliest, wurde der Primatenforscherin und<br />
Anthropologin Jane Goodall nachempfunden.<br />
Mittwoch, 3. Mai 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Notes on a Scandal (Tagebuch eines Skandals)<br />
| GB 2006 | R: Richard Eyre | B: Patrick Marber | K:<br />
Chris Menges | M: Philip Glass | D: Judi Dench, Cate<br />
Blanchett, Bill Nighy, Andrew Simpson, Philip Davis | 92<br />
min | OmU | Die junge Lehrerin Sheba Hart lässt sich<br />
auf ein Verhältnis mit einem minderjährigen Schüler<br />
ein und wird erpressbar für die ältere Kollegin Barbara.<br />
»Diese ist die eigentliche Hauptfigur in Richard Eyres<br />
beklemmendem Psycho-Drama, die Agierende und Intrigierende,<br />
während sich die schöne, ätherische Sheba<br />
mit ihrer unbestimmten Traurigkeit und ihrem Lebenshunger<br />
zum Spielball fremder Sehnsüchte machen<br />
lässt. Es ist Barbara, deren Perspektive der Zuschauer<br />
teilt – durch die Kamera, die zärtlich Cate Blanchetts<br />
Körper und Gesicht abtastet und damit das lesbische,<br />
nie ausgesprochene Begehren Barbaras für die jüngere<br />
Kollegin vermittelt: Sheba erscheint als Lichtgestalt, die<br />
Farbe und Schönheit in eine triste Lebenswelt bringt.«<br />
(Felicitas Kleiner)<br />
Mittwoch, <strong>17</strong>. Mai 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Cate Blanchett<br />
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THE AVIATOR
Cate Blanchett<br />
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I’m Not There | USA 2007 | R: Todd Haynes | B: Todd<br />
Haynes, Oren Moverman | K: Ed Lachman | D: Christian<br />
Bale, Cate Blanchett, Marcus Carl Franklin, Richard<br />
Gere, Heath Ledger, Ben Whishaw | 130 min | OmU |<br />
Ohne dass dessen Name auch nur einmal fällt, kreiert<br />
Todd Haynes eine Art filmische Biografie des künstlerischen<br />
Multitalents Bob Dylan. Der Film nähert sich<br />
mit gleich sechs verschiedenen Darstellern dieser<br />
enigmatischen Persönlichkeit an – eine davon ist Cate<br />
Blanchett in der Rolle des Jude Quinn. »Der Film führt<br />
über biografische Sprünge und inszenatorische Klippen<br />
hinweg von einer Figur zur anderen, von Jack Rollins<br />
zu Cate Blanchetts elektrifiziertem Superstar, der mit<br />
der Maschinenpistole symbolisch auf das entsetzte<br />
Folk-Publikum anlegt und zur Strafe dafür von einem<br />
snobistischen BBC-Reporter mit Fragen zur gesellschaftlichen<br />
Verpflichtung des Künstlergenies verfolgt<br />
wird.« (Michael Kohler)<br />
Mittwoch, 26. April 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr | Zu Gast: Ed<br />
Lachman<br />
The Curious Case of Benjamin Button (Der seltsame<br />
Fall des Benjamin Button) | USA 2008 | R: David<br />
Fincher | B: Eric Roth, nach der Kurzgeschichte von F.<br />
Scott Fitzgerald | K: Claudio Miranda | M: Alexandre<br />
Desplat | D: Brad Pitt, Cate Blanchett, Taraji P. Henson,<br />
<strong>Juli</strong>a Ormond, Jason Flemyng | 166 min | OmU<br />
| Ein Kind wird geboren, das alle Merkmale eines alten<br />
Mannes trägt und fortan immer jünger wird, während<br />
seine Umgebung langsam dem Tod entgegengeht.<br />
Ein melancholisch gefärbtes Epos über Sterblichkeit,<br />
Liebe und die Zufälligkeiten des Lebens, anekdotisch<br />
verknüpft mit wichtigen US-Ereignissen des 20. Jahrhunderts.<br />
Cate Blanchett spielt Daisy, die große Liebe<br />
des Protagonisten. Sie mimt eine knapp 20-Jährige<br />
und altert dann zur Sterbenden. Brad Pitt leiht seine<br />
Züge einem greisenhaften Gnom und verjüngt sich, bis<br />
seine Rolle in den letzten Minuten von Kinderdarstellern<br />
übernommen wird.<br />
Mittwoch, 24. Mai 20<strong>17</strong>, 19.00 Uhr<br />
Blue Jasmine | USA 2013 | R+B: Woody Allen | K:<br />
Javier Aguirresarobe | D: Cate Blanchett, Alec Baldwin,<br />
Sally Hawkins, Peter Sarsgaard, Louis C.K., Bobby Cannavale<br />
| 98 min | OmU | Nachdem ihr Mann wegen<br />
windiger Finanzgeschäfte verhaftet wurde und im Gefängnis<br />
Selbstmord beging, sucht Jasmine, eine Frau<br />
aus der New Yorker High Society, Zuflucht bei ihrer<br />
Schwester im Arbeitermilieu von San Francisco. Alte<br />
Konflikte um Werte und Ansprüche brechen wieder auf.<br />
Woody Allen zeichnet in seinem visuell eleganten und in<br />
Rückblenden erzählten Film nicht nur ein erbarmungsloses<br />
Porträt einer Frau, die der Finanzcrash weder von<br />
ihrer Oberflächlichkeit noch von übersteigerten Ansprüchen<br />
kurieren konnte, sondern offenbart eine Abrechnung<br />
mit einer ganzen Gesellschaftsschicht. Die Kunst<br />
von Cate Blanchetts Oscar-prämierter Darstellung lag<br />
darin, Jasmines Unfähigkeit zu zeigen, ihren tiefen Fall<br />
überhaupt zu begreifen.<br />
Mittwoch, 31. Mai 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Truth (Der Moment der Wahrheit) | USA 2015 | R+B:<br />
James Vanderbilt, nach dem Buch »Truth and Duty« von<br />
Mary Mapes | K: Mandy Walker | M: Brian Tyler | D: Cate<br />
Blanchett, Robert Redford, Topher Grace, Dennis Quaid,<br />
Stacy Keach | 126 min | OmU | Ein Fernsehsender gerät<br />
unter Druck nach einer Enthüllungsgeschichte über<br />
George W. Bush. »Alles, was wir im Kino haben, ist die<br />
Evidenz eines Gesichts, einer Stimme, eines Körpers,<br />
eines Blicks, deren Spiel die Asche der Fakten zur<br />
Flamme erweckt. Und deshalb liegt die entscheidende<br />
Qualität des Films TRUTH nicht darin, dass er einen<br />
Fernsehskandal von 2004 mit der dramaturgischen<br />
Präzision und berechenbaren Mechanik einer mittleren<br />
Hollywoodproduktion nacherzählt, sondern dass er die<br />
Hauptrolle, die Rolle der Mary Mapes, mit Cate Blanchett<br />
besetzt hat. Dies ist Cate Blanchetts Film, und<br />
wenn es darin einen Moment der Wahrheit gibt, dann<br />
liegt er in ihrem Spiel.« (Andreas Kilb)<br />
Mittwoch, 7. Juni 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Manifesto | Deutschland 2015 | R: <strong>Juli</strong>an Rosefeldt | B:<br />
<strong>Juli</strong>an Rosefeldt, Cate Blanchett, unter Verwendung von<br />
Texten von Filippo Tommaso Marinetti, Tristan Tzara,<br />
Kazimir Malevich, André Breton, Claes Oldenburg,<br />
Yvonne Rainer, Sturtevant, Adrian Piper, Sol LeWitt, Jim<br />
Jarmusch | K: Christoph Krauss | D: Cate Blanchett |<br />
90 min | OF | <strong>Juli</strong>an Rosefeldts Installation »Manifesto«<br />
besteht aus 13 miteinander in Beziehung stehenden<br />
Einzelfilmen, in denen Cate Blanchett in verschiedenen<br />
Masken als Grundschullehrerin, Fernsehmoderatorin,<br />
Witwe, Mutter, Bänkerin, Choreografin, Fabrikarbeiterin,<br />
Kunsthistorikerin, Puppenspielerin, Wissenschaftlerin,<br />
Obdachloser und Punk kulturelle und politische Manifeste<br />
des 20. und 21. Jahrhunderts vorträgt. Die lineare<br />
Variante vereint die poetischen Monologe, die »voller<br />
Lebensfreude, Energie und absoluter Überzeugung (...)<br />
nicht nur die Kunst sondern die ganze Welt verändern«<br />
wollen. (<strong>Juli</strong>an Rosefeldt)<br />
Mittwoch, 14. Juni 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr
<strong>17</strong>. Architekturfilmtage<br />
EERO SAARINEN – THE ARCHITECT WHO SAW THE FUTURE<br />
Let’s meet in St. Louis ... Lasst uns zusammenkommen<br />
am Mississippi, beim Gateway Arch, jener freischwingenden<br />
Stahlfigur, die ein Glücksmoment menschlichen<br />
Bauens und Konstruierens ist. Entworfen Ende der Vierziger<br />
vom genialen Eero Saarinen, 1961 war Baubeginn,<br />
1968 die Einweihung.<br />
Der Arch ist, wie auch die anderen Bauten von Saarinen,<br />
Inbegriff dessen, wie Architektur eine Vorstellung<br />
von Freiheit geben kann, in ihm ist ein weites, offenes,<br />
zukunftsorientiertes Amerika zu spüren, das der Fünfziger,<br />
zu dem in tristem Kontrast das Heute mit seiner<br />
Parole America first steht. Der Arch ist Pioniergeist pur,<br />
ein Impetus, der an der Küste nicht endete, sondern<br />
immer weiter zielte in die Welt und über die Welt hinaus.<br />
Er meint Aufbruch und Expansion und Eroberung<br />
des Raumes, aber ohne jeden Beiklang von Herrschaft<br />
und Unterdrückung. Der Parabelbogen schwingt sich<br />
empor und dann wieder zurück, er scheint in immerwährender<br />
Bewegung. Er steht für den Aufschwung der<br />
Postmoderne.<br />
Der Architekt Eero Saarinen, das ist finnische Lässigkeit,<br />
die mit amerikanischer Unternehmungslust zur<br />
Exaltation kommt. Seine Flughafenbauten sollen erlebbar<br />
machen, sagt Saarinen, was Fliegen, Schweben,<br />
Schwerelosigkeit ist. Dass Fliegen mehr als ein Transport-<br />
und Verkehrsmittel ist – ein American dream.<br />
Der Film EERO SAARINEN – THE ARCHITECT WHO<br />
SAW THE FUTURE erzählt vom Werden dieses Traums,<br />
dieses Werks. Es ist ein Architekturfilm, aber auch ein<br />
Liebesfilm – eine Liebe von Mann und Frau, Sohn und<br />
Vater, Architektur und Kino. Eric Saarinen, der Sohn des<br />
Architekten, hat die Bauten seines Vaters als Kameramann<br />
gefilmt, im Off hören wir Dialoge von Eero und<br />
Aline Saarinen. Es ist diese Liebe, die diesen Bauten<br />
ihre bescheidene Dynamik gibt, ihre Menschenfreundlichkeit.<br />
Der Architekt kennt das Chanson<br />
Stärker als in den vergangenen Jahren schauen die<br />
Architekturfilmtage diesmal auf seltsame Häuser und<br />
ihre Bewohner, auf die Menschen, für die konzipiert<br />
und konstruiert, gedacht und gebaut wird. Es geht um<br />
Wohnen, Leben, Existieren. Die performativen Momente<br />
überwiegen, die spielerischen. Manchmal spielt eine<br />
ganze Stadt mit.<br />
»Die Architektur«, sagt Mehdi Zannad, »ist eine Praxis,<br />
die Demut erfordert, gegenüber den Kunden, den Bewohnern,<br />
den Geldgebern, den Vorschriften, und vor allem<br />
der Natur.« Mehdi Zannad ist DER ARCHITEKT VON<br />
SAINT-GAUDENS im Film von <strong>Juli</strong>e Desprairies & Serge<br />
Bozon, der die Plätze und Häuser aneinanderhängt, die<br />
er im Ort errichtet hat. Menschen spielen und singen<br />
vor und in diesen Bauten und bringen sie zum Schweben<br />
wie in den Filmen von Jacques Demy und Alain<br />
Resnais, und der Architekt Mehdi Zannad hat auch die<br />
Musik geschrieben. »Gewöhnlich ist es die Erzählung,<br />
die einem Film die Einheit gibt«, sagt der Filmemacher<br />
Serge Bozon. »Vielleicht gibt hier die Einfachheit, die<br />
Architekturfilmtage<br />
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Architekturfilmtage<br />
38<br />
Nacktheit der mise en scène, dem Film eine Einheit ...<br />
Die süßesten Träume, sind das nicht, definitionsgemäß,<br />
die unspektakulärsten?«<br />
Allen Klischees zum Trotz ist auch die Postmoderne<br />
alles andere als spektkulär. Die einfachste Sache der<br />
Welt, in der Architektur zumal. Man muss nur mitspielen.<br />
Ende der Achtziger, ein paar Jahre vor der Wende,<br />
ist die Postmoderne sogar in der DDR angekommen.<br />
1987 wurde der Bowlingtreff in Leipzig eröffnet, ein<br />
stilistisch kühnes und kompaktes Sportcenter mit 14<br />
Bowlingbahnen, Billard, Fitnessstudio. Viel Glas und<br />
Marmor und Parkett, mehr Fitness als Leibesertüchtigung,<br />
ein bisschen Luxus und absolut mondän. Dieser<br />
Bau war nicht bilanziert, heißt es, ein Schwarzbau also.<br />
Ein Moment der Verführung – haben die Baumeister<br />
von Las Vegas gelernt? Denise Scott Brown, die große<br />
amerikanische Architektin der Postmoderne, äußert<br />
sich beeindruckt in dem Film von Thomas Beyer &<br />
Adrian Dorschner.<br />
Die mit der Liebe spielen<br />
Eine andere Liebe, fern von Amerika, in Italien, Monica<br />
Vitti und Michelangelo Antonioni. Vier Filme hatten der<br />
Filmemacher und sein Star in den Sechzigern gemacht,<br />
darunter L’AVVENTURA und L’ECLISSE. Und eine Liebe<br />
hatte sich gestaltet während der Dreharbeiten, eine<br />
geheime, die dann einen eigenen Bau bekam, an der<br />
Nordwestküste Sardiniens, eine kuppelige Betonschale,<br />
in die Erde hineingebaut. Eine sogenannte Binishell,<br />
patentiert vom Architekten Dante Bini. Ein Haus, in dem<br />
die verschiedenen Wohn- und Lebens- und Liebesbereiche<br />
ineinander übergingen, das roh und kultiviert zugleich<br />
wirkt. Volker Sattel stellt in dem Film LA CUPOLA<br />
den inzwischen heruntergekommenen Liebes-Bau vor;<br />
er widmet sich gern Bauten, die außer Funktion gesetzt<br />
sind – in UNTER KONTROLLE hatte er die Aura stillgelegter<br />
Atomkraftwerke dokumentiert.<br />
Der Architekturkritiker Niklas Maak hat die Cupola entdeckt<br />
und erzählt von einem Gespräch mit Bini, der sich<br />
an das Paar erinnert: »Sie sagten, sie wollten kein Haus,<br />
sondern einen Raum, sie wollten im Raum leben, nicht<br />
zwischen Wänden. Antonioni sagte mir, er hasse gerade<br />
Wände und glatte Böden, er wolle mitten im Stein leben.<br />
Architektur sei nicht nur Licht, Schatten, sondern<br />
auch Geruch. Sein Haus solle nach der Natur riechen,<br />
die es umgibt.«<br />
Das Kernstück ist eine gewundene grobe Treppe aus<br />
Felsplatten, Monica sollte sie vor Antonionis Augen<br />
immer wieder auf- und absteigen. Ein vertikaler Laufsteg,<br />
ein Defilée der Lust, bei dem die Architektur zum<br />
Schauplatz wird. In seinem Film interessiert sich Volker<br />
Sattel mehr als für die Formen und ihre möglichen Bedeutungen<br />
– für die Geschichte des Paares Vitti/Antonioni<br />
– für die Materie, das Material, im Zustand seiner<br />
Zersetzung.<br />
Noch eine Liebe, vielfach verschränkt, unerklärlich, DIE<br />
MUTTER, DER SOHN UND DER ARCHITEKT von Petra<br />
Noordkamp. Am Rande, aber direkt ins Zentrum weisend,<br />
eine Kirche, die Chiesa Madre in Gibellina auf<br />
Sizilien, gebaut von Ludovico Quaroni, deren freischwebende<br />
Formen den Glauben atmen lassen, in Gelassenheit<br />
und Transzendenz. Quaronis Sohn Emilio war<br />
einst der Geliebte der Filmemacherin und hat 2001 seine<br />
Mutter umgebracht. Diese verstörende Geschichte<br />
hat auch die Filmemacherin erschüttert, ihre Reaktion<br />
auf die und ihre Beziehung zu der Kirche verändert, sie<br />
zum Spiel mit der Identität verleitet: »In Rom zögerte<br />
ich nicht, mich zu verhalten wie eine Frau in Antonionis<br />
L’AVVENTURA, ich war ich selbst, aber ich war<br />
auch Claudia, ich war auch Anna. Ich konnte sein, wer<br />
ich wollte. Es war als sähe ich mich in verschiedenen<br />
Kameraperspektiven. Ich hatte nicht das Gefühl, dass<br />
ich mich verloren hätte, jemand anderes trat aus mir<br />
hervor.«<br />
Funktionalismus heute<br />
Wie wohnen Architekten? Haben sie etwas, das sie<br />
Heim nennen? Gibt es ein Haus, eine Wohnung, die<br />
ihnen entspricht? Die ihnen passt, ihr Wesen zum<br />
Ausdruck bringt? Haben sie diese Wohnungen selbst<br />
gebaut und eingerichtet? Haben die Wohnungen Stil?<br />
Und was ist ein Stil?<br />
Architekten arbeiten nicht in der Ich-, sondern in der<br />
Möglichkeitsform, auf der Suche nach neuen Formen,<br />
in der Schleife zwischen Sinn und Zweck. Ihre Arbeit<br />
ist mehr Adaption als freie Schöpfung. Sie kommen<br />
ohne Inhalt aus, darin ist die Architektur anders als die<br />
übrigen Künste. »In produktivem Raumgefühl«, merkt<br />
Adorno an, »wird in weitem Maß der Zweck, gegenüber<br />
den Formkonstituenten, die der Architekt aus dem<br />
Raum schöpft, die Rolle des Inhalts übernehmen.« Die<br />
Architektur, besonders die Neusachlichkeit, war ihm<br />
sehr recht in seinem Bemühen, der Kunst jeden Inhalt,<br />
jede Message auszutreiben.<br />
Der Film WHERE ARCHITECTS LIVE von Francesca Molteni<br />
zeigt acht Architekten in ihren Wohnungen, und er<br />
zeigt darin die Schwierigkeit, dieses Wohnen zu beschreiben<br />
und zu erklären. Da ist viel Selbstdarstellung<br />
im Spiel, und Prestige.<br />
Einen angenehmen Ton setzt gleich zu Beginn Shigeru<br />
Ban, der sich zeigt wie der Anti-Architekt: Ein einfaches<br />
Apartment, viel Weiß, helles Holz. Ein Handwerker. Ich
in ein Zimmermann, sagt er, ich liebe es, mit Holz zu<br />
arbeiten. Sein Haus ist zwischen und um Bäume herum<br />
gebaut. Marco Bellini hat sich die Wände mit Büchern<br />
zutapeziert. Marcio Kogan hat einen Flügel mitten im<br />
Raum stehen, der mit griffbereiten Erinnerungs- und<br />
Inspirationsstücken belegt ist. In kleinen, spielerischen<br />
Filmen hat er einige seiner Bauten zum Spielen und<br />
Erzählen gebracht. Und zum Erinnern, wie es auch in<br />
Elizabeth Lennards Film TALKING HOUSE passiert, in<br />
der legendären Villa E.1027 von Eileen Gray & Jean<br />
Badovici. Mit Bildern und Dialogen durchquert das Haus<br />
die Zeiten. »Ich glaube, ›zukunftssicher‹ gibt es nicht,<br />
sagt Marcio Kogan, »und es ist vielleicht nicht nötig für<br />
ein gutes Projekt. Wenn ich mir Filme anschaue, denke<br />
ich, alle enden damit, dass sie eine gewisse Zeit repräsentieren,<br />
und das gleiche passiert mit Mode, Kunst,<br />
Literatur und Architektur. Ich mag diese Identifikation<br />
mit einer Zeit. Wenn ich Brasilia besuche, fühle ich<br />
mich, als wäre ich zurück in den Sechzigern. Und ich<br />
liebe dieses Gefühl.«<br />
Eine feste Burg baut unser Herr<br />
Das Gegenstück zum eleganten, geschwungenen Gateway<br />
Arch ist BATUSHAS HAUS. Batushas Haus ist<br />
Bauen nach Bedarf. Es ist illegal, also ein Konglomerat.<br />
Kadri Batusha hat es zunächst für sich gebaut, in<br />
Priština im Kosovo, wo die Wohnungsnot extrem groß<br />
war, dann kamen Leute zu ihm, und Batusha hat für sie<br />
weitergebaut, so ist das Haus gewachsen, ist unübersehbar<br />
geworden und schaut nun aus wie der Turm von<br />
Babel auf den klassischen Gemälden oder wie Kafkas<br />
Schloss. Stein für Stein wurde zusammengetragen, es<br />
gab keine großen Baumaschinen, illegal wurden die<br />
Wohnungen ans städtische Wasser- und Elektrizitätsnetz<br />
angeschlossen. Wenn Leute vom Amt kamen, hat<br />
Batusha schon mal zu seiner Kalaschnikow gegriffen.<br />
Meine Burg, sagt er. Der Film ist auch eine kleine Studie<br />
in feudalem Bauen.<br />
Man kann dieses Projekt nicht unter einem einzigen<br />
Gesichtspunkt sehen. Das Haus ist ganz und gar bodenständig,<br />
es hat eine wilde Schönheit und eine unglaubliche<br />
Dynamik, die den Film von Tino Glimmann<br />
& Jan Gollob wunderbar inspiriert. »Die Stadt im Film<br />
ist nie Kulisse«, schreibt Frieda Grafe, »Reflex, Spiegelung<br />
und Bühne, das ist die Ästhetik des neunzehnten<br />
Jahrhunderts, und das ist nicht Kino. Die Multiplikation<br />
der Blickwinkel, die das Verständnis der Stadt herausfordern,<br />
ist überhaupt erst da, seitdem man mit der<br />
Kamera alle Seiten eines Objekts aufnimmt.«<br />
Was besonders stimulierend ist an Batushas Haus –<br />
dass in einer Zeit, da die avancierte Computertechnik<br />
mit ihrem Alleskönnertum totalitär Kino und Architektur<br />
beherrscht, das Handgreifliche im Häuserbau immer<br />
noch existiert. Da gäb’s dann doch einen Bezug zum<br />
luftig kühnen Saarinen – der all seine Entwürfe immer<br />
erst als Modelle fertigte.<br />
Jeder Bau ist in diesen Filmen auch Modell. Modell für<br />
ein Wohnen und Leben, einen Glauben an die Zukunft,<br />
in der man, peu à peu, sich zurechtfinden muss. Ein<br />
Gespenst geht um in der modernen Architektur, ein<br />
fröhliches: »Ich kann mich nicht freimachen«, sagt<br />
Marcio Kogan zu den Filmen über seine eigenen Bauten,<br />
»von dem Phantom von Jacques Tati – das erklärt<br />
alles.«<br />
Fritz Göttler<br />
Ein Programm der Bayerischen Architektenkammer in Zusammenarbeit<br />
mit dem Filmmuseum München. Konzeption: Stephanie<br />
Hausmann, Klaus Volkmer.<br />
Where Architects Live | Italien 2014 | R+B: Francesca<br />
Molteni | K: Mario Flandoli, Massimo Pozzoli, Alvise<br />
Tedesco, Nicola Tranquillino | 78 min | OmeU | Acht<br />
Interpretationen des Wohnraums »für sich« – Ein blicke<br />
in das persönliche Lebens- und Arbeitsumfeld von<br />
Shigeru Ban (Tokyo), Mario Bellini (Milano) David Chipperfield<br />
(Berlin), Massimiliano & Doriana Fuksas (Paris),<br />
Zaha Hadid (London), Marcio Kogan (São Paulo), Daniel<br />
Libeskind (New York) Bijoy Jain (Mumbai). Reflexionen<br />
über mannigfaltige Lebensformen: persönliche, intime<br />
Erzählungen, Geschichten von Räumen und Objekten,<br />
neuen Bildern und versteckten Schlüsseln. – Peep<br />
| Cat | Modern Living | Casa Cubo | This Was Not<br />
My Dream (Casa Redux) | Brasilien 2012-14 | R+B:<br />
Marcio Kogan u.a. | K: Cleisson Vidal | 20 min | engl. OF<br />
Eero Saarinen<br />
Architekturfilmtage<br />
39
Architekturfilmtage<br />
40<br />
| Marcio Kogan baut monumentale postmoderne Villen<br />
für die Superreichen. In diesen filmischen Miniaturen<br />
porträtiert er einige davon – mal monumental, mal liebe -<br />
voll-spöttisch und selbstironisch.<br />
Freitag, 31. März 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr | Einführung:<br />
Mathieu Wellner<br />
Atlas der seltsamen Häuser und ihrer Bewohner<br />
| Buchvorstellung und Einführungsvortrag von Niklas<br />
Maak | Plötzlich steht da ein Haus: Eine gigantische<br />
Burg aus weißem Holz, errichtet von einem New<br />
Yorker Kunstspekulanten. Eine Halbkugel aus Beton,<br />
die ein Filmregisseur für sich und seine Geliebte auf<br />
einer Steilküste in Sardinien aufgestellt hat. Eine Hütte<br />
in Mexiko, in die sich ein amerikanischer Ex-Banker<br />
zurückgezogen hat. Exzentrische Bauherren gönnen<br />
sich bisweilen eigentümliche Häuser, denen Niklas<br />
Maak, Architekturkritiker der FAZ, auf der Spur war. –<br />
La Cupola | Deutschland 2016 | B+R: Volker Sattel |<br />
K: Volker Sattel, Thilo Schmidt | 40 min | OmU | Porträt<br />
eines Hauses ohne tragende Wände. Eine kühne Kuppel<br />
aus Beton, ein Open Space – inmitten bizarrer Felsformationen<br />
einer schroffen Küste. Das Haus gehörte<br />
der Schauspielerin Monica Vitti und dem Regisseur<br />
Michelangelo Antonioni. Die Leere der Cupola und die<br />
Verlassenheit des Ortes werden zum Ausgangspunkt<br />
für Spekulationen. Über der Kuppel schwebt noch<br />
heute die Utopie eines alternativen Wohn- und Lebenskonzepts.<br />
Freitag, 31. März 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr | Zu Gast: Niklas<br />
Maak, Volker Sattel<br />
Für den Schwung sind Sie zuständig | Deutschland<br />
2003 | R+B: Margarete Fuchs | K: Andreas Faigle | 58<br />
min | Ulrich Müthers Häuser wirken, als kämen sie aus<br />
der Zukunft in unsere Gegenwart geflogen. In Wirklichkeit<br />
kommen sie aus der DDR. Der Ingenieur aus Binz/<br />
Rügen zauberte Gebäude aus Beton, die sich zwischen<br />
den Einheitsplattenbauten ausnahmen wie Schmetterlinge.<br />
Sein Credo: »Der rechte Winkel ist böse«.<br />
– Bowlingtreff | Deutschland 2016 | R+B: Thomas<br />
Beyer & Adrian Dorschner | K: Simone Friedel, Anna<br />
Baranowski, Adrian Dorschner | 60 min | Leipzig Ende<br />
der 1980er Jahre. Die Altbauten der Innenstadt verfallen,<br />
die Plattenbausiedlungen am Stadtrand wachsen<br />
nicht schnell genug, um dringend benötigten Wohnraum<br />
zu schaffen. Kurz vor dem Ende der DDR gibt es<br />
für öffentliche Bauten keine Mittel mehr. Doch dann<br />
wird 1987 überraschend ein luxuriöses Bowling-Center<br />
eröffnet: der Bowlingtreff – ein außergewöhnliches<br />
Zeichen postmoderner Architektur, das mit der üblichen<br />
DDR-Formsprache nichts mehr zu tun hat.<br />
Samstag, 1. April 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr | Zu Gast: Margarete<br />
Fuchs, Thomas Beyer & Adrian Dorschner<br />
Mies van der Rohe | BRD 1968 | R+B: Georgia van<br />
der Rohe & Sam Ventura | K: Gus Papajohn | 40 min<br />
| Porträt Mies van der Rohes (1886–1969) von seiner<br />
Tochter, mit ausführlichen Interview-Passagen zur Theorie<br />
der Architektur und einem kursorischen Überblick<br />
über die Hauptwerke – vom Barcelona-Pavillon bis<br />
zur Neuen Nationalgalerie in Berlin. – Eero Saarinen<br />
– The Architect Who Saw the Future | USA 2016 |<br />
BATUSHAS HAUS
R+B: Peter Rosen | K: Eric Saarinen | 54 min | OF | Eero<br />
Saarinen (1910–1961) war einer der berühmtesten Architekten<br />
im Amerika der 1950er Jahre. Er orientierte<br />
sich zunächst stark an den streng kubischen Formen<br />
von Mies van der Rohe, ehe er im Lauf der Zeit zu einer<br />
ganz eigenen, expressiven Formsprache fand, zu einem<br />
»funktionalen Expressionismus«, der die Funktion eines<br />
Bauwerks durch seine Konstruktion zum Ausdruck<br />
bringen sollte. Saarinen modellierte seine Bauten wie<br />
Skulpturen. Saarinens Sohn, der Kameramann Eric<br />
Saarinen, porträtiert sie in atemberaubenden Bildern.<br />
Samstag, 1. April 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Il Girasole - Una casa vicino a Verona (Ein Haus in<br />
der Nähe von Verona) | Schweiz 1995 | R+B: Christoph<br />
Schaub & Marcel Meili | K: Matthias Kälin | 15<br />
min | OmU | Ein Haus, das sich nach der Sonne richten<br />
kann: Die Villa Girasole, 1935 erbaut, kann sich mittels<br />
eines Motors 360 Grad um ihre eigene Achse drehen.<br />
Der Film evoziert die Zeit, in der dieser Bau entstanden<br />
ist. Man spürt die Faszination an der Technik und eine<br />
Verklärung der Neuen Welt, den Optimismus des späten<br />
italienischen Futurismus. – Batushas Haus | Schweiz<br />
2016 | R+B: Tino Glimmann & Jan Gollob | K: Royald<br />
Elezaj | 70 min | OmeU | Seit fünfzehn Jahren baut<br />
Kadri Batusha an einem wuchernden schlossartigen<br />
Haus in den Hügeln von Priština im Kosovo. Über 300<br />
Menschen leben in den bisher fertiggestellten Wohnungen.<br />
Mit all den Türmen, Treppen und Gängen bildet die<br />
ewige Baustelle die Komplexität des Zusammenlebens<br />
ab, aber auch Batushas Biografie – geprägt von Unabhängigkeitskampf,<br />
Gefängnis, Exil in der Schweiz und<br />
dem Krieg im Kosovo.<br />
Sonntag, 2. April 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr | Zu Gast: Tino Glimmann<br />
& Jan Gollob<br />
La madre, il figlio e l’architetto (Die Mutter, der<br />
Sohn und der Architekt | Niederlande 2012 | R+K:<br />
Petra Noordkamp | B: Maria Barnas | 16 min | engl.<br />
OF | Eine Untersuchung der Verbindungen zwischen<br />
metaphysischem Raum und der Alchemie einer Liebesbeziehung.<br />
– L’architecte de Saint-Gaudens (Der<br />
Architekt von Saint-Gaudens) | Frankreich 2015 | R:<br />
<strong>Juli</strong>e Desprairies & Serge Bozon | B: <strong>Juli</strong>e Desprairies |<br />
K: Céline Bozon | M+D: Mehdi Zannad | 28 min | OmeU<br />
| Ein Architektur-Musical. – A Man in Space No. 1 –<br />
Days of Zucco | Frankreich 2016 | R+B: Lucas Bacle,<br />
nach dem Stück »Roberto Zucco« von Bernard-Marie<br />
Koltès | K: Vincent Toujas | D: Thomas Barraud | 6 min<br />
| OmeU | Ein neuartiger Versuch der filmischen Visualisierung<br />
eines Gebäudes. Das Vertou Kulturzentrum, ein<br />
Beton-Massiv in einem dörflichen Vorort von Nantes.<br />
– Talking House | Frankreich 2016 | R+B: Elizabeth<br />
Lennard, nach dem Dialog »Maison en bord de mer«<br />
in »L’architecture vivante« von Eileen Gray & Jean<br />
Bado vici | K: Christophe Espenan | 42 min | engl. OF<br />
| Die Kamera führt uns durch die Villa E.1027, erbaut<br />
1926/29 an der Côte d’Azur von Eileen Gray & Jean<br />
Badovici.<br />
Sonntag, 2. April 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Architekturfilmtage<br />
41<br />
A MAN IN SPACE NO. 1 – DAYS OF ZUCCO
Thomas Mauch zum 80. Geburtstag<br />
Thomas Mauch<br />
42<br />
Thomas Mauch, Edgar Reitz<br />
Ein Pferd und ein Pflug und ein weites Feld, Bauernhäuser<br />
mit alten Balken, Stühle, aufgeschichtet im<br />
Innenraum eines Klosters, Treppenhaus eines Klosters,<br />
darin ein verschüchterter alter Mann und eine Frau,<br />
die vor der Kamera in eine Ecke flüchten, während die<br />
Kamera sie gar nicht mehr beachtet, eine Stiege hinaufsteigt,<br />
weiter, dann der Innenraum eines barocken<br />
Gotteshauses, Prunk, gemalter Himmel, der sich öffnet,<br />
schließlich ein Flughafen, von dem gerade ein Jet aufsteigt,<br />
frontal in die Kamera hinein und über sie hinweg,<br />
und eine Rollbahn übrig lässt, von der man erfährt,<br />
dass auf ihr aufständische Bauern gestraft und getötet<br />
wurden, Untertanen des Klosters Roggenburg, vor 450<br />
Jahren. Was ich da beschreibe, ist aber nur die Hälfte<br />
der Bilder, die obere, denn die untere wird eingenommen<br />
von der Akte, die die Strafung und Tötung jener<br />
Bauern beschreibt, rechtfertigt, ihre Namen nennt, den<br />
ihrer Anführer, immer wieder darauf hinweist, dass sie<br />
Verbrecher waren, Aufrührerische, Kirchenschänder,<br />
Gotteslästerliche, schlechte Untertanen.<br />
STRAFPROTOKOLL ALLER UND JEDER UNTERTA-<br />
NEN DES ALLHIESIGEN REICHSGOTTESHAUSES ROG-<br />
GENBURG – der Titel ist noch länger, aber so habe ich<br />
ihn noch gerade behalten können – ist ein Film von<br />
10 Minuten Länge, den Thomas Mauch jetzt fertiggestellt<br />
hat. Schwarzweiß, 35mm. Thomas Mauch ist, wie<br />
manch einer weiß, der Kameramann von UNTER DEM<br />
PFLASTER IST DER STRAND und SHIRINS HOCHZEIT.<br />
Seit ich mit ihm zusammenarbeite, bin ich, sind meine<br />
Filme erfolgreicher. Der erste Spielfilm von Werner<br />
Herzog, LEBENSZEICHEN, ist von Thomas Mauch gedreht<br />
worden, und auch der erste große internationale<br />
Erfolg von Werner Herzog, AGUIRRE, DER ZORN GOT-<br />
TES, Kluges ARTISTEN IN DER ZIRKUSKUPPEL, seine<br />
GELEGENHEITSARBEIT und sein STARKER FERDINAND.<br />
Thomas Mauch ist, zumindest für Herzog, Kluge und<br />
mich, ein Kameramann, dem wir einen Teil unserer<br />
Identität als Filmmacher verdanken. Er macht so viele<br />
Filme für andere, und er macht sie mit so viel Einfühlung<br />
und Intensität, dass er gar nicht oder nur selten<br />
dazu kommt, selbst und sozusagen für sich einen Film<br />
zu machen. Und wenn er dann mal einen macht, hastig<br />
zwischen zwei Produktionen von Leuten, die mit Recht<br />
annehmen, dass sie ohne ihn nicht zurecht kommen,<br />
und man sieht dann als einer seiner Regisseure diesen<br />
Film eines Kameramannes, der jeden Film eines anderen<br />
mit gleicher Leidenschaftlichkeit, Sensibilität und<br />
mitunter auch Angst betreibt wie einen eigenen – dann
möchte man ihn eigentlich bitten, nicht mehr so viel<br />
für die andern und mehr für sich selbst zu arbeiten.<br />
(Den Film, den man selbst gerade demnächst vorhat,<br />
möchte man da natürlich ausschließen, den müsste er<br />
doch noch machen!)<br />
Denn Thomas Mauchs Film STRAFPROTOKOLL<br />
ALLER UND JEDER UNTERTANEN… ist, je öfter man<br />
ihn sieht, je länger man über ihn nachdenkt, ein Meisterwerk<br />
an Konzentration und Genauigkeit, und obendrein<br />
spielerisch. Was sich anfänglich ansieht wie<br />
ästhetisierende Effekthascherei, nämlich die Bilder von<br />
Landschaft, Höfen, Kloster mit der flatternden Akte im<br />
Vordergrund, erweist sich immer mehr als äußerste<br />
Verknappung dessen, was geschehen ist, an welchem<br />
Ort, unter welchen Bedingungen und mit welchen Folgen,<br />
mit einem gleichzeitigen Bezug auf die jetzige<br />
Situation des Ortes. Da sind keine Menschen außer<br />
diesen beiden flüchtenden Alten im Klostergang und<br />
der Silhouette des pflügenden Bauern auf dem weiten<br />
Feld zu Beginn, aber da sind Namen, die Namen des<br />
Strafprotokolls, und da ist der Ort des Geschehens, wie<br />
er heute da ist: also das, was uns von der Geschichte,<br />
deren Kinder wir sind, zurückbleibt.<br />
Gerade das Fehlen aber von Gesichtern zu den<br />
Namen lässt den Betrachter nach Gesichtern in seiner<br />
Phantasie suchen, während diese Namen verlesen<br />
werden: längst Gestorbene, die ersten Revolutionäre in<br />
Deutschland, Untertanen des Klosters Roggenburg, das<br />
dann von dem, was sie zahlen mussten an Geld und<br />
beweglichen Gütern und auch an Blut, sich satt fraß<br />
und ein schönes Gotteshaus davon baute.<br />
Da wird, in dieser äußerst kurzen Form, unendlich viel<br />
klar: ein Acker, der bebaut wird, und vor den eine Akte<br />
gehalten wird mit Namen derer, die diesen Acker bebaut<br />
haben, und dann das Kloster, dem sie sich widersetzten<br />
und das sie bestrafte und sich an ihrer Bestrafung<br />
bereicherte, und der Beton des Flughafens, der<br />
heute die Stelle überzieht, wo ihr Anführer getötet wurde,<br />
und immer davor die im Wind bewegte, sich entrollende<br />
Akte, Namen, Beschimpfungen der Aufrührer,<br />
Zeugnis der gefräßigen Verwaltung und Beherrschung<br />
von Menschen, die danach sich nie wieder aufgelehnt<br />
haben, die gerade hier, in der Gegend des Ulmer Horns,<br />
verdämmert sind bis heute, unfähig, einen zweiten Versuch<br />
der Gerechtigkeit zu machen.<br />
Einmal flattert Wäsche auf der Leine wie die Akte, die<br />
den ganzen Film über den Vordergrund des Bildes flatternd<br />
bedeckt: Spiel mit den Bildelementen, die so für<br />
Sekunden ihre Bedeutsamkeit aufheben, zu denen der<br />
Autor einen Augenblick lächelnde Distanz einnimmt und<br />
so den Vorwurf der Ästhetisierung ad absurdum führt.<br />
Thomas Mauch ist in dieser Gegend geboren. Und<br />
in dem Dialekt dieser Gegend, der auch die Sprache<br />
jenes vierhundertfünfzig Jahre alten Strafprotokolls ist,<br />
liest er selbst, zum Teil mit leidenschaftlicher Anteilnahme,<br />
dieses beständig ins Bild hineinragende Protokoll<br />
vor. Aber es ist zu spüren, dass seine Anteilnahme nicht<br />
den Anklagen des Klosters, sondern den Angeklagten<br />
gehört: Mitgefühl, Empörung, Aufsässigkeit bestimmen<br />
den Klang und den Rhythmus des Sprechens. Es ist aus<br />
diesem Film zu lernen, wie man in einer sehr kurzen<br />
Form ein großes Geschehnis darstellen kann, ohne eine<br />
seiner vielen Facetten außer Acht zu lassen. Es ist auch<br />
technisch etwas zu lernen: Vordergrund und Hintergrund<br />
haben die gleiche Schärfe, also sowohl die Akte<br />
als auch der Acker weit hinten, ein Verfahren, wie es<br />
sich Schüfftan, der große Kameramann der deutschen<br />
Stummfilmzeit, hätte ausgeknobelt haben können.<br />
Helma Sanders-Brahms (1976)<br />
Die Lebenszeit des Kameramannes und Filmemachers<br />
Thomas Mauch deckt zwei Drittel der Filmgeschichte<br />
ab: So jung ist der Film. Thomas Mauch war Kameramann<br />
von Werner Herzog, Edgar Reitz, Werner Schroeter<br />
und vielen anderen Regisseuren des Jungen Deutschen<br />
Films. Seine eigenen Arbeiten bilden ein unverwechselbares<br />
Werk. Kameramänner wie Michael Ballhaus und<br />
Thomas Mauch sind für die Filme ihrer Ära genauso<br />
wichtig wie die Regisseure, die üblicherweise in Zusammenhang<br />
mit berühmten Filmen genannt werden. Das<br />
Auge der Kamera ist unbestechlich und korrigiert immer<br />
wieder das menschliche Auge, das keine Brennweiten<br />
kennt und je nach Phantasie die Bilder, die es sieht, verändert.<br />
Noch unbestechlicher als die zahlreichen Optiken<br />
der elektronischen und der traditionellen Kameras ist<br />
aber das Auge jener Künstler, die die Kamera beherrschen.<br />
Wie Goya sagen sie: »Io lo vi«, »das habe ich gesehen«.<br />
Alexander Kluge (20<strong>17</strong>)<br />
Strafprotokoll aller und jeder Untertanen des allhiesigen<br />
Reichsgotteshauses Roggenburg | BRD<br />
1976 | R+B+K: Thomas Mauch | 11 min | Preisgekrönter<br />
Kurzfilm über die Geschichte eines Bauernaufstands,<br />
der 1525 von den Truppen des schwäbischen<br />
Bundes niedergeschlagen wurde. – Die Macht der Gefühle<br />
| BRD 1983 | R+B: Alexander Kluge | K: Thomas<br />
Mauch | D: Hannelore Hoger, Alexandra Kluge, Edgar M.<br />
Böhlke, Klaus Wennemann, Beate Holle, Paulus Manker,<br />
Barbara Auer | 115 min | »In DIE MACHT DER GEFÜHLE<br />
geht es um die subjektive Seite: den Antirealismus des<br />
Gefühls. Dies ist die Schatzkiste, aus der Menschen<br />
ihre Waffen holen, wenn sie sich wehren. Wenn eine<br />
Thomas Mauch<br />
43
Thomas Mauch<br />
44<br />
Wirklichkeit mich als Menschen nicht achtet, wehre<br />
ich mich, indem ich sie leugne. Die Geschichten dieses<br />
Films, die ich besonders liebe, verbinden u.a. die Oper<br />
des 19. Jahrhunderts und das Kino, das man die Oper<br />
des 20. Jahrhunderts nennen kann.« (Alexander Kluge)<br />
Mit keinem anderen Filmemacher hat Thomas Mauch<br />
über die Jahrzehnte seines Schaffens als Kameramann<br />
so oft zusammengearbeitet wie mit Alexander Kluge,<br />
dessen Kino- und Kurzfilme er nahezu allesamt stilistisch<br />
entscheidend geprägt hat.<br />
Donnerstag, 6. April 20<strong>17</strong>, 19.00 Uhr | Zu Gast: Thomas<br />
Mauch, Alexander Kluge<br />
Nel regno di Napoli (Neapolitanische Geschwister) |<br />
BRD 1978 | R: Werner Schroeter | B: Werner Schroeter,<br />
Wolf Wondratschek | K: Thomas Mauch | M: Roberto<br />
Predagio | D: Romeo Giro, Tiziana Ambretti, Antonio<br />
Orlando, Maria Antonietta Riegel, Cristina Donaldio,<br />
Dino Melé, Renata Zamengo | 136 min | ital. OmU |<br />
»Über dreißig Jahre, von Kriegsende 1944 bis in die<br />
unmittelbare Gegenwart, verfolgt Schroeter in NEL<br />
REGNO DI NAPOLI die verschiedenen Schicksale einer<br />
Hausgemeinschaft aus dem Armenviertel Neapels. Wie<br />
selbstverständlich rundet sich da die Beschreibung dieser<br />
seltsamen, faszinierenden Stadt zu einem großen,<br />
sehr präzisen, ganz eigentümlichen und doch allgemeingültigen<br />
Lebensbogen. Ganz mühelos werden hier<br />
Geburt und Tod, Überlebenskampf und der Verlust von<br />
Liebe und Würde, Politik und Privatleben miteinander<br />
verknüpft zu einer Geschichte von großem Atem. Das<br />
Herrlichste aber an diesem Film, der sich gewiss nicht<br />
um die Schattenseiten herumdrückt, ist die ungeheuerliche,<br />
fast einmalige Zärtlichkeit der Bilder.« (Peter<br />
Buchka) Thomas Mauch erhielt für seine Kameraarbeit<br />
1979 den Bundesfilmpreis.<br />
Freitag, 7. April 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr | Zu Gast: Thomas<br />
Mauch<br />
Shirins Hochzeit | BRD 1976 | R+B: Helma Sanders-Brahms<br />
| K: Thomas Mauch | M: Zülfü Livaneli<br />
| D: Ayten Erten, Jürgen Prochnow, Aras Ören, Aliki<br />
Georgoulis, Jannis Kyriakidis | 120 min | Shirin, eine<br />
junge Türkin aus Anatolien, flieht vor einer Zwangsheirat<br />
ins unbekannte Deutschland, nach Köln. »Verbündete<br />
findet die Verlorene im gelobten, verlogenen<br />
Land nur bei ihresgleichen: Die Türkinnen im Heim erklären<br />
ihr Fließwasser und Lippenstift, eine schwangere<br />
Griechin streichelt sie, ihre einzige Vertraute ist Helma<br />
Sanders. Denn die Autorin spricht leitmotivisch durch<br />
den ganzen Film mit ihrer Heldin und spricht ihr zu –<br />
Berichterstatter, Seelsorger, Ankläger in einem. Der<br />
Film ist aggressiv. Seine geholperten Dialoge, keine<br />
glatten Wortwechsel, erzwingen Zeit zum Nachdenken;<br />
das originale Türkisch, in Untertiteln übersetzt, macht die<br />
Sprachbarrieren auch sichtbar. Der Film ist aber auch<br />
weich. In seinem altmodischen Schwarzweiß, das die<br />
Kontraste, erstaunlich genug, mehr mildert als schärft,<br />
in seiner kargen Kameraführung ohne die Mätzchen der<br />
Routiniers, mit seinen vielen in der Türkei aufgenommenen<br />
Standfotos beansprucht und erfüllt er die Schmucklosigkeit<br />
eines Dokumentarberichts.« (Klaus Umbach)<br />
Samstag, 8. April 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr | Zu Gast: Thomas<br />
Mauch<br />
Letzte Worte | BRD 1968 | R+B: Werner Herzog | K:<br />
Thomas Mauch | 13 min | griech. OmU | Zwei Polizeibeamte<br />
erzählen von einem alten Mann, der jahrelang<br />
auf einer einsamen griechischen Insel gelebt hat und<br />
schweigt: »Ich rede nicht, das ist mein letztes Wort!«<br />
– Die Achse | BRD 1985 | R+B+K: Thomas Mauch |<br />
D: Michael Weber | 32 min | Ein Erlass des Reichspro -<br />
pa gan daministeriums schreibt vor, deutsche Truppenbewegungen<br />
nur von links nach rechts zu filmen, damit<br />
eine Vorwärtsbewegung suggeriert wird. Thomas<br />
Mauchs Satire zeigt die Probleme eines PK-Kamera-<br />
manns, der in der endlosen russischen Landschaft<br />
vergeblich den richtigen Standpunkt für seine Kamera<br />
sucht, um einen Großangriff zu filmen. – Tod eines Vaters<br />
| BRD 1978 | R+B: Thomas Mauch | K: Wolfgang<br />
Knigge | D: Marianne Hoppe, Miguel Herz-Kestranek |<br />
47 min | An Heiligabend besucht der erwachsene Sohn,<br />
ein Fotograf, seine Mutter in ihrem großbürgerlichen<br />
Heim. Der kürzlich verstorbene Vater ist omnipräsent,<br />
es kommt zu Vorwürfen und gegenseitigen Verletzungen.<br />
Von dem beklemmenden, in Schwarzweiß gefilmten<br />
Mutter-Sohn-Kammerspiel hat nur eine Arbeitskopie<br />
überlebt, die für die Vorführung digitalisiert wird.<br />
Samstag, 9. April 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr | Zu Gast: Thomas<br />
Mauch
Carte blanche à Helmut Färber<br />
Aufmerksamkeit<br />
Es gibt heutzutage sicherlich keinen Autor bei uns, dem<br />
es wie Helmut Färber gelingt, beim Schreiben über Kino<br />
einen unverwechselbaren eigenen Blick und eine ebensolche<br />
Sprache zu kreieren. »Es ist eigentlich maßlos<br />
erstaunlich«, schrieb Färber im Jahre 1965, »dass die<br />
deutsche Filmkritik es noch immer für ihre wichtigste<br />
Aufgabe hält, die jeweils neuesten Filme zu beurteilen.<br />
Denn: sofern sie sich mehr zutraut und abverlangt, als<br />
den Betrieb mit einer wirren Folge von Seufzern und<br />
Juchzern zu begleiten, Sonderform der Reklame, die<br />
gegenwärtig noch beliebte kulturelle Note – sofern sie<br />
anderes sein will als ihre Parodie, ist dies Verfahren<br />
völlig ungenügend.« Und in der Tat hat Färber diesen<br />
seinen Einwand gegen die Aktualitätsfokussierung und<br />
deren Kurzatmigkeit stets berücksichtigt. Im Gegensatz<br />
dazu ist sein Filmschreiben immer auch Erinnerungsarbeit<br />
gewesen, Bewusstmachung des Gespräches, das<br />
Filme und Menschen über Zeiten hinweg miteinander<br />
führen.<br />
Einer größeren Öffentlichkeit dürfte Färber erstmals<br />
als Autor der Filmkritik aufgefallen sein. Diese Zeitschrift,<br />
Ende der 1950er Jahre von einem Kreis junger<br />
Intellektueller gegründet, war wichtig in jener Zeit, als<br />
Westdeutschland von der in jeglicher Hinsicht miefig<br />
provinziellen Kulturpolitik unter dem Bundeskanzler<br />
Konrad Adenauer und seinen Nachfolgern geprägt wurde.<br />
Dagegen schrieb die Filmkritik an, war widerständig,<br />
horizonterweiternd, Vorreiter bei der Vermittlung<br />
des internationalen Kinos der Autoren. So etwa stellte<br />
man sich früh und entschieden auf die Seite der damals<br />
noch heftig umstrittenen französischen Nouvelle vague<br />
– und setzte sich somit auch für ein Kino ein, das seine<br />
Geschichte und seine Mittel reflektierte.<br />
Sorgfalt<br />
Die Filmkritik musste ihr Erscheinen im Jahre 1984<br />
einstellen. Als geraume Zeit später ein Essay Färbers in<br />
der Frankfurter Rundschau erschien, hieß es in dem von<br />
einem ihrer Redakteure verfassten Vorspann, Färber<br />
lebe im Verborgenen und schwiege. Was ganz falsch<br />
war und ist, denn Färber hat bis heute stetig und vernehmlich<br />
weitergewirkt in Sachen Film. Zu seinen Gebieten<br />
gehören: Das Edieren von Büchern (wunderbar<br />
erhellend etwa der 1977 erschienene Band über den<br />
Zusammenhang zwischen der jahrhundertealten Baukunst<br />
und dem noch jungen Film – immer aufs neue<br />
unsere Kinowahrnehmung erweiternd seine Bücher<br />
über einzelne Werke – oder auch einzelne Sequenzen<br />
– von Regisseuren wie D.W. Griffith, Mizoguchi Kenji,<br />
Ozu Yasujirō).<br />
Unbedingt erwähnt werden muss Helmut Färbers zuletzt<br />
erschienenes Buch über Jean Renoirs UNE PARTIE<br />
DE CAMPAGNE (1937), worin sein schauendes Eindringen<br />
in das Herz von Filmen zur vollen Entfaltung kommt.<br />
Das beginnt damit, dass im ersten Kapitel Renoirs Film<br />
Einstellung für Einstellung, Dialogsatz für Dialogsatz<br />
nacherzählt wird (dazu sind zahlreiche Einstellungen<br />
abgebildet). So lässt Färber einen Film für sich selbst<br />
sprechen, und erzeugt beim Leser jene Aufmerksamkeit,<br />
die hilft, die Künste des Regisseurs, aber eben<br />
auch die der Schauspieler, des Kameramanns, des<br />
Drehbuchschreibers, ja sogar der Beleuchter, besser<br />
in den Blick zu bekommen. Ferner sind Färbers Sätze<br />
präzise, aber niemals pedantisch. Stets lässt er einen<br />
Frei- und Denkraum, wissend, dass selbst die allergrößte<br />
Wortkunst nicht vollends zu fassen vermag, was<br />
das Faszinierende eines visuellen Werkes ausmacht<br />
(bzw. sogar in Gefahr ist, das Eigene des Visuellen zuzuschütten).<br />
Oftmals vergehen zwischen den Erscheinungsdaten<br />
dieser Bücher etliche Jahre. Wesentlicher Grund dafür:<br />
Färber verwendet derart viel Sorgfalt sowohl auf textliche<br />
als auch gestalterische Details, dass die Verlage<br />
abwinken und der Filmforscher sie selbst zur Erscheinung<br />
bringen muss.<br />
Freundschaft<br />
Färbers zweites Gebiet: das Lehren an den Filmhochschulen<br />
von Berlin, München und Wien (in einem seiner<br />
Bücher dankt er explizit allen Teilnehmern seiner<br />
Seminare, mehr noch: Er macht das Buch als Resultat<br />
der Erfahrungen gemeinsamen Sehens, Entdeckens,<br />
Lebens mit den Filmen kenntlich).<br />
Und schließlich ist da die Literatur. Als man Färber<br />
1994 den Petrarca-Preis, eine literarische Auszeichnung,<br />
verlieh, bemerkte der Laudator Peter Handke:<br />
»Färbers Sprache handelt vor allem in Paris, in einer<br />
ganz neuartigen Gemeinsamkeit von Innen- und Außenräumen,<br />
Erde und Unterirdischem, Jetzt und den<br />
Jahrtausenden.« Was Handke mit diesen Worten lobte,<br />
sind Skizzen, die ab 1988 fortlaufend unter dem Titel<br />
»Das Grau und das Jetzt« in Akzente und anderen Zeitschriften<br />
erschienen waren. Darin hielt Färber, inspiriert<br />
wohl von schreibenden Flaneuren wie Walter Benjamin,<br />
Franz Hessel, Siegfried Kracauer, seine Erkundungen<br />
der Stadtlandschaften von Berlin, Paris, München oder<br />
Rom fest. Texte, die weit über das Gebiet des Films<br />
Helmut Färber<br />
45
TOUTE RÉVOLUTION EST UN COUP DE DÉS<br />
hinausdrängen, in denen dieser aber dennoch stets<br />
präsent ist. Einmal in der Art, wie Färber die Oberflächenerscheinungen<br />
der Dinge gleichsam wie mit einem<br />
Kameraauge ertastet. Zum anderen ist seine Sprache<br />
von Cuts durchsetzt, macht auf diese Weise beständig<br />
ungesehene, unvermutete Zusammenhänge sichtbar.<br />
Acto da Primavera (Der Leidensweg Jesu in<br />
Curalha) | Portugal 1963 | R+B: Manoel de Oliveira,<br />
nach dem Passionsstück »Auto da Paixão« von Francisco<br />
Vaz de Guimarães | K: Manoel de Oliveira | D:<br />
Nicolau Nunes da Silva, Ermelinda Pires, Maria Madalena,<br />
Amélia Chaves, Luís de Sousa | 94 min | OmeU |<br />
Jedes Jahr führen die Bauern aus dem Dorf Curalha in<br />
der Region Trás-os-Montes in der Karwoche den Leidensweg<br />
Jesu auf. Oliveira stellte die Aufführung der<br />
Passionsgeschichte für seinen Film nach und integrierte<br />
die Dreharbeiten, das Filmteam und Szenen aus dem<br />
dörflichen Alltag ins Spiel. »Die Passion ist hier unmittelbare<br />
Repräsentanz. Es ist eine Welt, in der Biblisches<br />
unverstellte Wirklichkeit ist. Der leidende Mensch ist<br />
tatsächlich Christus und das Brot, das gebrochen wird,<br />
sein Leib, denn er hat ihn aufgezehrt bei der Mühsal<br />
seiner Gewinnung. Der Film ist ein Lehrstück über Religion.<br />
Und auch ein ethnographischer Film, von dem<br />
alle etwas lernen können. Auch diese Armen-Passion<br />
zehrt vom Matthäus-Evangelium. Jahrhunderte der<br />
Elendserfahrung sind in die weltliche Seite der Passion<br />
eingeflossen. Vom Krieg ist gleich zu Anfang die Rede.<br />
Geld und die Ränke der Mächtigen, von weltlicher und<br />
geistlicher Macht, geben dieser Passion eine Sprengkraft,<br />
die Oliveira genau erfasst, wenn er den Film mit<br />
Guernica und Hiroshima enden lässt: Krieg und Zerstörung<br />
als ultima ratio der Macht.« (Thomas Brandlmeier)<br />
Freitag, 14. April 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr | Einführung: Thomas<br />
Brandlmeier<br />
Helmut Färber<br />
46<br />
Für Helmut Färber gibt es eine kleine Riege Filmemacher,<br />
die in jeder Hinsicht unzweifelhaft sind, an<br />
die man sich halten kann. Ozu Yasujirō gehört dazu,<br />
Danièle Huillet & Jean-Marie Straub, Jean Renoir. Und<br />
auch die in der von ihm nun erstellten kleinen Reihe:<br />
Erich von Stroheim, Manoel de Oliveira und Gerhard<br />
Benedikt Friedl. Doch Färber findet kein Genügen darin,<br />
irgendwelche Meister, Stars oder gar Ruhm anzubeten.<br />
Worum es ihm geht, hat er einmal in die folgenden<br />
Worte gekleidet: mehrere Filme von Jean Renoir<br />
kurz hintereinander zu sehen, sei gleichbedeutend mit<br />
einem Besuch bei ihm und seinen Freunden; man sitze<br />
in einem weiten, hellen Raum zusammen, wo der Regisseur<br />
bei Rotwein, frischem Brot und Trauben erzähle.<br />
Filme als Freunde, die uns auf unserem Weg begleiten,<br />
uns im Miteinander beseelen, klüger machen, die Sinne<br />
erfreuen. Es mag noch viele andere Auffassungen der<br />
Wesenszüge des Kinos geben, eine schönere als bei<br />
Helmut Färber findet man indes nicht.<br />
<br />
Michael Girke<br />
Queen Kelly | USA 1928 | R+B: Erich von Stroheim,<br />
nach seiner Erzählung »The Swamp« | K: Gordon Pollock,<br />
Paul Ivano | M: Adolf Tandler | D: Gloria Swanson,<br />
Walter Byron, Seena Owen, Wilhelm von Brincken,<br />
Wildon Benge | 96 min | OF | »Ein geniales Fragment<br />
von 100 Minuten, ein Drittel des geplanten Ganzen. Auf<br />
Betreiben Gloria Swansons, des schockierten Stars, der<br />
den zweiten Teil des Films im afrikanischen Bordell als<br />
›widerwärtige, apokalyptische Vision der Hölle auf Erden‹<br />
befindet, werden die Dreharbeiten abgebrochen.<br />
Was verbleibt, ist Akt eins. Der kranke Kosmos des<br />
europäischen Adels, dessen sexuelle Dekadenz und<br />
perversen Luxus Stroheim mit rücksichtslos kaltem<br />
Auge gleichsam durchs Vergrößerungsglas betrachtet:<br />
exakt, isoliert, grotesk und funkelnd im Glanz eines<br />
phantastischen Hyperrealismus.« (Harry Tomicek) –<br />
Hat Wolff von Amerongen Konkursdelikte begangen?<br />
| Deutschland 2004 | R+B+K: Gerhard Benedikt<br />
Friedl | 73 min | »Ein hypnotisches Vexierspiel an der<br />
Schnittstelle von Dokument, Essay und pulp fiction<br />
facts. Auf der Tonspur: eine in gnadenlos ›objektivem‹<br />
Duktus vorgetragene Erzählung von den labyrinthischen<br />
Genea logien, verbrecherischen Verstrickungen<br />
und Gebrechen deutscher Wirtschaftsdynastien im 20.<br />
Jahrhundert. Im Bild: bestechend kadrierte Aufnahmen,<br />
meist Schwenks und Fahrten durch europäische<br />
Finanzzentren, Produktionsstätten und Landschaften.<br />
Manchmal kommen Bild und Ton zur Deckung, manchmal<br />
verfehlen sie sich knapp. Stets legen sie Zusammenhänge<br />
nahe.« (Christoph Huber)<br />
Donnerstag, 27. April 20<strong>17</strong>, 19.00 Uhr
Mit Kafka im Kino<br />
Kafka geht ins Kino<br />
DEN HVIDE SLAVEHANDELS SIDSTE OFFER – DIE WEISSE SKLAVIN<br />
Über Geschichtsbilder und Bildergeschichten<br />
Es gibt viele Wege, sich Kafkas Welt zu nähern. Es ist<br />
die Welt eines niedergehenden Kaiserreichs und der<br />
Entstehung neuer Nationalstaaten in Mitteleuropa, die<br />
Welt folgenschwerer mechanischer und chemischer<br />
Ingenieursleistungen – produktiver wie destruktiver Art<br />
(Maschinenbau, Baukultur, Vernichtungswaffen) – und<br />
zahlloser Patente, die Welt der elektrischen Jahrzehnte<br />
und der mit ihnen verschwisterten Massenmedien<br />
(Telefonie, Telegrafie, Audiografie, Kinematografie), die<br />
Welt wachsender Unfallrisiken und neuer Unfalltypen im<br />
zivilen und von Massenvernichtungen im militärischen<br />
Bereich – in einem Ausmaß, dass der Grundgedanke<br />
gegenseitiger Hilfe, also von Versicherung und Rückversicherung<br />
zum ersten Mal prekär ins Wanken gerät.<br />
In dieser Welt zählte Franz Kafka zu den führenden Versicherungsjuristen<br />
seiner Zeit. Wer auf diese Welt unter<br />
dem Gesichtspunkt einer potentiellen Gefahrenquelle<br />
blickt, in der Menschen mit Menschen und zunehmend<br />
mit Maschinen kollidieren, wird das Kino, das traumwandlerisch<br />
aus dieser Sphäre nicht nur seine Stoffe<br />
holt, sondern selbst ein Spektakel von (mechanischen<br />
wie psychischen) Kollisionen ist, mit ganz anderen Augen<br />
sehen als ein weniger mit Versehrungen, Unfällen<br />
und irreparablen Schäden befasster Beobachter.<br />
Das Bild oder die Bilder aber, die uns diese gewesene<br />
Welt hereinspiegeln und nach denen unsere Phantasie<br />
geformt ist, verdanken wir neben amtlichen, literarischen,<br />
diaristischen und brieflichen Quellen vor allem<br />
der Fotografie und nicht zuletzt dem Film. Das Kino besitzt<br />
die schwer zu beschreibende, aber unabweisbare<br />
Macht eines Orakels. Meist erkennen wir die Tiefenwirkung<br />
seiner Bilder nur bruchstückhaft; wir überlassen<br />
uns ihnen, werden von ihnen, ganz individuell, mitgenommen<br />
und ergriffen: wie in Trance. Doch wenn man<br />
auf eine ganze Epoche, wie den frühen Stummfilm der<br />
späten Zehnerjahre zurückblickt – oder auf das, was<br />
wir davon noch mittel- oder unmittelbar davon besitzen<br />
–, taucht die Physiognomie eines Zeitalters auf, das<br />
sich hinter unserem Rücken zu einem Geschichtsbild<br />
geformt hat.<br />
»Filmlückengeschichte«<br />
Es kann nicht schaden, daran zu erinnern, wie wenig<br />
47
Kafka geht ins Kino<br />
48<br />
vom historischen Filmbestand überliefert und erhalten<br />
ist, weil dessen Wahrung und Sicherung gerade<br />
in Deutschland ganz offenbar keine kulturpolitische<br />
Priorität besitzt – wie dies beispielsweise in Frankreich<br />
seit langem der Fall ist. Das Fehlen einer umfassenden<br />
und finanziell gesicherten Perspektive – das Zelluloid<br />
wartet nicht auf Rettung, es zerfällt einfach nach einer<br />
gewissen Zeit – ist umso paradoxer, als die technischen<br />
Möglichkeiten der digitalen Erfassung und Konservierung<br />
in den letzten Jahrzehnten sprunghaft angewachsen<br />
sind, während eine entsprechende Entschließung,<br />
die dringlich gebotene Rettung umfassend in Angriff zu<br />
nehmen, weit hinterher hinkt. Klaus Kreimeier bringt es<br />
auf den Punkt: Ȇber Werke der Literatur oder der bildenden<br />
Kunst lässt sich, wenn auch mit Verlusten, kontextfrei<br />
reden, über Filme nicht. Wie und warum Filme<br />
entstehen, warum sie bejubelt oder geschmäht werden<br />
– all dies ist subtil vernetzt mit dem gesellschaftlichen<br />
Nervensystem. Kommerz und Profitgier sind der Treibstoff,<br />
der die faszinierende Maschine in Gang hält, und<br />
nicht selten sind es Skandale, die das Selbstbild und<br />
die Verfassung des Kollektivs grell beleuchten... Es gibt<br />
nichts wegzuwerfen. Eine Selektion darf nicht stattfinden,<br />
von unserer frühen Filmgeschichte ist ohnehin nur<br />
ein kleiner Bruchteil erhalten.«<br />
Wenn Fritz Güttinger in den siebziger Jahren von einer<br />
»Filmlückengeschichte« gesprochen hat, so ist diese<br />
resignative Feststellung – vor allem im Hinblick auf den<br />
Stummfilm – heute mehr denn je als eine Aufforderung<br />
zu verstehen, diese Lücke nicht noch größer werden<br />
zu lassen, indem man beispielsweise aufgrund sehr<br />
zweifelhafter Bewertungen zwischen erhaltenswerten<br />
und weniger erhaltenswerten Filmen unterscheidet. Die<br />
›Schundfilms‹ von 1913 sind nicht minder aufschlussreich<br />
als vermeintlich höher zu bewertenden ›Kunstfilme‹.<br />
Und warum sollte man Peter Altenberg und Franz<br />
Kafka, deren Literatur bis heute geschätzt werden, auf<br />
einmal der Naivität zeihen, wenn es ums Kino geht?<br />
»Ich ruhe mich vor den Plakaten aus«<br />
Die alltägliche Wahrnehmung vordem vertrauter Räume<br />
veränderte sich vor allem in den Städten mit der Mechanisierung<br />
des Verkehrs rapide. Die Stadt verwandelt<br />
sich zum Resonanzkörper vielfältiger Synästhesien.<br />
»Die Pneumatiks rauschen auf dem nassen Asphalt<br />
wie der Apparat im Kinematographen«, notieren die<br />
Reisenden Franz Kafka und Max Brod. Der Wechsel von<br />
dem anthropologischen Medium des Gehens in das<br />
motorisch-mechanische des Transports (der ja auch<br />
einer vom Land in die Stadt ist) zeitigt eine ganz eigene,<br />
neue Form wahrnehmungsaktiver Passivität, für die<br />
es kein Vorbild gab. Mit der Mechanisierung ist auch<br />
die Typographie in den Stadtkörper eingedrungen, sie<br />
oszilliert zwischen Litfaßsäule, riesiger Plakatwand und<br />
Mauerinschrift und schiebt ihre lettristische Fläche wie<br />
eine Großprojektion vor die historischen Attraktionen.<br />
Franz Kafka, der für maschinengesteuerte Prozesse ein<br />
sehr aufmerksames Sensorium und über eine ungemein<br />
austarierte Sprache gebot, beschreibt – in einem Brief<br />
an seine Berliner Verlobte Felice Bauer – die Fahrt mit<br />
der Tram durch seine Stadt als einen Flug. Er blättert<br />
förmlich durch das Buch der an ihm vorübergleitenden<br />
Stadt: »Meine Zerstreutheit, mein Vergnügungsbedürfnis<br />
sättigt sich an den Plakaten von meinem gewöhnlichsten<br />
innerlichsten Unbehagen, von diesem ewigen Gefühl<br />
des Provisorischen ruhe ich mich vor den Plakaten aus,<br />
wenn ich von den Sommerfrischen, die ja schließlich<br />
doch unbefriedigend ausgegangen sind, in die Stadt<br />
zurückkam, hatte ich eine Gier nach Plakaten und von<br />
der Elektrischen, mit der ich nachhause fuhr, las ich im<br />
Fluge, bruchstückweise, angestrengt die Plakate ab, an<br />
denen wir vorüberfuhren.« Ein erstaunliches Stück unverhüllten<br />
Genusses (der auf die habituelle Enttäuschung<br />
des Wochenendurlaubs folgt!) wird hier entfaltet. Dieser<br />
im Zustand angestrengter Passivität erreichte Genuss<br />
ist doppelt, und diese Verdoppelung kann nur durch den<br />
»Flug« der Tram erreicht werden. Die Elektrische, wie<br />
sie genannt wurde, erfüllt die Funktion eines traveling
im Film: Wie eine Kamerafahrt auf Schienen mutet das<br />
Wiedereintauchen in die Stadt an.<br />
Diese Plakate sind potenzierte Schaufenster, sie senden<br />
ebenso triviale wie verheißungsvolle Signale aus, heißen<br />
sie nun DER ANDERE oder TREFF-BUBE oder SKLAVEN<br />
DES GOLDES oder KATASTROPHE IM DOCK. Sie sind<br />
plakative und extrem attraktive, zu Titeln komprimierte<br />
Verdichtungen von faits divers, – dem Stoff, aus dem das<br />
Kino gemacht ist und die von süchtigen »Zeitungsfressern«<br />
wie Kafka und Joyce besonders geschätzt werden.<br />
Diese Appelle aufzuschnappen, auswendig zu lernen und<br />
für sich weiter zu spinnen, entschädigt für die Enttäuschung<br />
der Sommerfrische.<br />
Es war nicht Kafka allein, der die Fahrt mit der Elektrischen<br />
oder mit dem nächtlichen Taxi in den besonderen<br />
Rang einer potenzierten Wahrnehmung erhoben hat.<br />
In seiner ersten erhaltenen Notiz zum Kino und zum<br />
Kinogehn – Kino hieß und heißt (?) immer Kinogehn,<br />
das sollte nicht vergessen werden –, einer Rohrpost-Karte<br />
an Max Brod vom Oktober 1908, ist diese<br />
rasante Fahrt gewissermaßen kinematografisch objektiviert.<br />
Er beschwört den Freund, dass wir lang und<br />
oft den Kinema, die Maschinenhalle und die Geishas<br />
zusammen ansehen müssen. Die Rede ist von der Prager<br />
Ausstellung für Gewerbe und Industrie anlässlich<br />
des 60-jährigen Jubiläums der Thronbesteigung von<br />
Kaiser Franz Joseph. Der tschechische Filmpionier Jan<br />
Kříženecký zeigte dort unter anderem in einem eigenen<br />
Messe-Palast die Fahrt einer Tram, die über die<br />
Czech-Brücke nach Prag hineinfährt. Und noch heute<br />
kann man sich der unmittelbar einsetzenden Trance,<br />
welche dieser kurze Film »im Fluge« auslöst, nicht entziehen.<br />
Man könnte von Kafkas brieflicher Erwähnung<br />
der »Elektrischen« (1913) auf eine fünf Jahre zurückliegende<br />
Erinnerung zu dem Film Kříženeckýs schließen<br />
– als sei er durch dessen unbeschwertes, gleitendes<br />
traveling zur Formulierung seiner eigenen Wahrnehmung<br />
inspiriert worden.<br />
Der erstarrte Zuschauer<br />
Vieles an Kafkas verstreuten Notizen zum Kino(gehn)<br />
ist ein heftiger Abdruck, ein Echo des meist unmittelbar<br />
Erlebten und Gesehenen. In ihrer elliptischen Knappheit<br />
sind sie Traumresten vergleichbar. Die einzige ausführlichere<br />
und zusammenhängende Betrachtung – ein<br />
Wort, das auch seinem ersten Prosaband vorangestellt<br />
ist – gilt weniger dem Kino als dem Kaiserpanorama.<br />
Kafka schätzt dieses schon aus der Mode gekommene<br />
Medium der plastischen Fotografie, weil hier die Bilder<br />
»lebendiger als im Kinematographen« seien, hingegen<br />
herrsche bei diesem »die Unruhe der Bewegung«;<br />
schließlich phantasiert er – wie schon vor ihm Peter<br />
Rosegger und auch aus rein kommerziellen Gründen<br />
der Erfinder des Kaiserpanoramas selbst – eine »Vereinigung<br />
von Kinema und Stereoskop«, mithin eine noch<br />
sehr viel weiter gehende Entrückung ins noktambule<br />
Abenteuer.<br />
Kafka registriert sehr genau die paradoxe Macht des<br />
Kinos: Ungeachtet des unbestreitbar trivialen Realismus,<br />
der leicht durchschaubaren Machart des Ganzen<br />
– Kafka spricht einmal von »alten Filmerfindungen« –,<br />
gelingt dem Kino mithilfe der überlebensgroßen Projektion<br />
im künstlich verdunkelten Raum eine bis dahin<br />
ungeahnte Überwältigung; diese ist so stark, dass sie,<br />
wie Kafka schreibt, die Zuschauer erstarren lässt. Die<br />
Ähnlichkeit mit Traumgesichten ist naheliegend und<br />
gleichzeitig irreführend, naheliegend weil das onirische<br />
Moment, der Tagtraum, sich ähnlich schwer resümieren<br />
und ›festhalten‹ lässt wie der Film, irreführend, weil<br />
der Tagtraum ein extrem individualisiertes, inneres Erlebnis<br />
ist, das ich mit anderen, im Gegensatz zum Film,<br />
nie werde teilen können. Ähnlich wie eine plötzlich hereinbrechende<br />
Naturerscheinung ist das Kino imstande,<br />
zu rühren, zu verwirren und zu überwältigen. Eine erste<br />
Demonstration dieser Überwältigungsmacht hat in Prag<br />
Rabbi Löw geliefert, als er Kaiser Rudolf II. und seinen<br />
Hof mit einer machtvollen Projektion der Laterna magica<br />
in Angst und Schrecken versetzte.<br />
Gegen diese flüchtigen Bilder, die ähnlich wie die Tageszeitungen<br />
eine rasch vergängliche Ware waren,<br />
mobilisiert Kafka den Depeschen- und des Telegrammstil,<br />
eine Rhetorik, die versierten Briefstellern im letzten<br />
Jahrhundert durchaus geläufig, ja gewissermaßen zur<br />
zweiten Sprachnatur geworden war. Mit stenografischer<br />
Ökonomie und mit einem untrüglichen Gespür für<br />
die Pointe – »Street full of water. Please Advise«, so das<br />
Telegramm von Robert Benchley bei seinem ersten Venedigbesuch<br />
– werden das flüchtige, das fliehende Bild<br />
und dessen unmittelbare affektive Wirkung »festgehalten«:<br />
»Im Kino gewesen. Geweint. Lolotte. Der gute<br />
Pfarrer. Das kleine Fahrrad. Die Versöhnung der Eltern.<br />
Maßlose Unterhaltung.« Das Wechselbad der Gefühle<br />
setzt sich sogleich fort: »Vorher trauriger Film DAS UN-<br />
GLÜCK IM DOCK, nachher lustiger ENDLICH ALLEIN.«<br />
Das Gelobte Land – aus der Ferne<br />
Doch der Film hört mit beendeter Projektion nicht auf<br />
und so wird auch noch das unfreiwillige und mitunter<br />
schmerzhafte Erwachen aus einem Tagtraum beim<br />
Verlassen des Kinos festgehalten: Bin ganz leer und<br />
sinnlos, die vorüberfahrende Elektrische hat mehr<br />
lebendigen Sinn. (Roland Barthes hat diesem langen<br />
Kafka geht ins Kino<br />
49
Kafka geht ins Kino<br />
50<br />
Augenblick der Trance ein schönes Denkbild gesetzt.)<br />
Was einmal dem enttäuschten Sommerfrischler »im<br />
Fluge« gelungen war, mit Hilfe der »Elektrischen« die<br />
Zeichen der Stadt wie eine Kamera (in sich) aufzunehmen<br />
und diese Fahrt als ein euphorisches Kino und<br />
einen spontan entstehenden und vergehenden Film<br />
zu erleben oder im bloßen Geräusch der Autoreifen zu<br />
halluzinieren, schlägt in tiefe Niedergeschlagenheit um.<br />
Kafka verharrt und resigniert vor der vorüberfahrenden<br />
Elektrischen – so wie Jahre zuvor die Zuschauer angesichts<br />
des vorbeifahrenden Zugs erstarrt sind.<br />
Oder er steigert diese Verknappung zu einem Dramolett,<br />
nicht unähnlich den Nachrichten zu drei Zeilen des<br />
Kunstkritikers und Journalisten Félix Fénéon. Kafka:<br />
»Heute abend mich vom Schreiben weggerissen. Kinematograf<br />
im Landestheater. Loge. Frl. Oplatka, welche<br />
einmal ein Geistlicher verfolgte. Sie kam ganz naß von<br />
Angstschweiß nachhause. Danzig. Körners Leben. Die<br />
Pferde. Das weiße Pferd. Der Pulverrauch. Lützows wilde<br />
Jagd.« Dicht gedrängt hasten die Nomina hintereinander<br />
her und werden allein durch die Interpunktion<br />
arretiert – und beschleunigt, ganz im Stil expressionistischen<br />
Staccatos. Kafka parodiert diese Rhetorik.<br />
Es liest sich wie ein Gedächtnisprotokoll von Zwischentiteln.<br />
Zu äußerster Knappheit verdichtet und ex negativo als<br />
Kommentar zu lesen, ist eine der letzten Erwähnungen<br />
eines Kinobesuchs: »Nachmittags Palästinafilm«<br />
schreibt er am 23. Oktober 1921. Bezeichnenderweise<br />
notiert er nicht den eigentlichen Titel dieses zionistischen<br />
Propagandafilms – SHIWAT ZION – der auf<br />
Betreiben der Zeitschrift Selbstwehr – aus berechtigter<br />
Angst vor antisemitischen Störern – nur in geschlossenen<br />
Vorführungen gezeigt wurde. Er blickt auf diesen<br />
Film wie Moses auf das Gelobte Land. Er wird es nicht<br />
betreten, sondern in ›sein‹ Jerusalem, nach Berlin zu<br />
seiner Verlobten Dora Diamant ziehen. Und von dort<br />
schreibt er an sein früheres Hausmädchen nach Prag,<br />
das zur Zeit einzige Sehenswerte in Berlin sei THE KID<br />
von Chaplin. <br />
Hanns Zischler<br />
In Zusammenarbeit mit dem Tschechischen Zentrum in München<br />
und dem Galiani-Verlag in Berlin. Ermöglicht durch die Unterstützung<br />
der Kulturstiftung des Bundes.<br />
Kafka | USA 1991 | R: Steven Soderbergh | B: Lem<br />
Dobbs | K: Walt Lloyd | M: Cliff Martinez | D: Jeremy<br />
Irons, Theresa Russell, Joel Grey, Ian Holm, Jeroen<br />
Krabbé, Armin Mueller-Stahl, Alec Guiness | 98 min |<br />
OmU | »Die expressionistische Ästhetik des Stummfilms<br />
wird Material, mit dessen Hilfe Soderbergh eine<br />
Geschichte erzählt, die Kafka hätte erfunden haben<br />
können. Denn Soderberghs Film ist zunächst ein ganz<br />
simpler Krimi. Menschen verschwinden und werden ermordet.<br />
Und Kafka, alles andere als ein Detektiv, findet<br />
in unschuldiger Anteilnahme ein Terrorsystem, dessen<br />
Herren im Schloss sitzen, im Hradschin, der sich wie<br />
ein ferner Gott über den Gassen erhebt. Soderberghs<br />
Collage aus Historie, Realfiktion und Kafkas Personal<br />
dient dazu, diesem Krimi eine Bühne zu verschaffen,<br />
wie sie artifizieller wohl kaum ein Krimi je gehabt<br />
hat. Alec Guinness als Abteilungsdirektor und Armin<br />
Mueller-Stahl als Inspektor: Selbst in den Nebenrollen<br />
ist Soderberghs Film perfekt.« (Ulrich Greiner)<br />
Dienstag, 18. April 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr Sonntag,<br />
23. April 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Kafka geht ins Kino | 120 min | Hanns Zischler spricht<br />
anlässlich der erweiterten Neuauflage seines Buches<br />
»Kafka geht ins Kino« (Verlag Galiani Berlin, 20<strong>17</strong>) und<br />
der in Zusammenarbeit mit dem Filmmuseum München<br />
entwickelten DVD-Edition »Kafka geht ins Kino«<br />
(Edition Filmmuseum 95) über Franz Kafkas Beziehungen<br />
zum Medium Film und den Einfluss des Kinos<br />
auf sein Schreiben. Er liest Passagen aus den Texten<br />
von Kafka, Stefan Drößler zeigt und kommentiert dazu<br />
Filmausschnitte aus den neu restaurierten Filmen und<br />
Bilddokumente aus dem Buch. Ralph Eue schrieb über<br />
die Erstausgabe von Zischlers Buch: »So legt ›Kafka<br />
geht ins Kino‹ verschiedene Spuren frei, ›wildert‹ zwischen<br />
biografischer Forschung, Wahrnehmungspsychologie,<br />
Kulturgeschichtsschreibung, Filmarchäologie<br />
und Literaturwissenschaft. Angereichert ist das Buch<br />
mit wunderbaren Abbildungen, die den Text, gleichsam<br />
nach musikalischen Gesichtspunkten ausgewählt, wie<br />
Obertonfrequenzen umspielen.«<br />
Donnerstag, 20. April 20<strong>17</strong>, 19.00 Uhr | Zu Gast: Hanns<br />
Zischler<br />
Primo Circuito Aereo Internazionale di Aeroplane<br />
in Brescia (Erster Internationaler Wettbewerb für<br />
Luftschiffe und Flugmaschinen, Brescia) | Italien<br />
1909 | P: Adolfo Croce | 13 min | OmU | Kafka schrieb<br />
einen langen Artikel über genau den Tag der Flugschau,<br />
den der Film dokumentiert. – Nick Winter et le vol<br />
de la Joconde (Nick Winter und der Diebstahl der<br />
Mona Lisa) | Frankreich 1911 | R: Paul Garbagni | D:<br />
Paul Viner | 10 min | OmU | Detektivfilmkomödie, die<br />
Franz Kafka und Max Brod in einem Pariser Kino sahen.<br />
– Den hvide slavehandels sidste offer (Die weiße<br />
Sklavin) | Dänemark 1911 | R: August Blom | B: Peter<br />
Christensen | K: Axel Grattjær | D: Clara Wieth, Lauritz<br />
Olsen, Thora Meincke, Otto Langoni, Frederik Jacobsen
| 55 min | dtF | Ein Sensationsfilm, angeblich initiiert<br />
vom »Verein zur Bekämpfung des Menschenhandels«,<br />
auf den sich Kafka in seinen Briefen mehrfach bezieht.<br />
Freitag, 21. April 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr | Live-Musik:<br />
Richard Siedhoff | Einführung: Hanns Zischler<br />
Theodor Körner | Deutschland 1912 | R+B: Gerhard<br />
Dammann, Franz Porten | K: Werner Brandes | D: Friedrich<br />
Feher, Hermann Seldeneck, Thea Sandten | 41 min<br />
| Den »vaterländischen Großfilm« zum 100. Geburtstag<br />
des »Freiheitsdichters« Theodor Körner (<strong>17</strong>91–1813)<br />
sah Kafka in Prag zusammen mit Fräulein Oplatka, die<br />
sich von dem Film mitreißen ließ. – Peschiera / Lago<br />
Maggiore et Lago di Como / Liguria (Italienische<br />
Reisebilder) | IT 1907-1913 | Anonima Ambrosia,<br />
Cines | 12 min, viragiert | engl.Titel | Aufnahmen von<br />
Städten und Landschaften, durch die Kafka reiste. – La<br />
broyeuse de coeurs (Die Herzensbrecherin) | Frankreich<br />
1913 | R+B: Camille de Morlhon | D: Léontine<br />
Massart, Pierre Magnier, Camille Licenay, Jenne Brindeau<br />
| 47 min | OmU | Kafkas Schwester sah das zum<br />
Teil in Spanien aufgenommene, »herrlich kolorierte«<br />
Melodram und berichtete ihrem Bruder, der darüber an<br />
seine Freundin Felice schrieb.<br />
Freitag, 21. April 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr | Live-Musik:<br />
Richard Siedhoff | Einführung: Hanns Zischler<br />
Daddy-Long-Legs (Vater Langbein) | USA 1919 | R:<br />
Marshall Neilan | B: Agnes Johnson, nach dem Briefroman<br />
von Jean Webster | K: Charles Rosher | D: Mary<br />
Pickford, Milla Davenport, Percy Haswell, Fay Lemport,<br />
Marshall Neilan | 97 min | OF | Max Brod schreibt in<br />
seiner Autobiografie über Kafka: »Besonders entzückte<br />
ihn ein Film, der tschechisch TÁTA DLOUHÁN hieß,<br />
was wohl mit VATER LANGBEIN zu übersetzen wäre.<br />
Er schleppte seine Schwestern zu diesem Film, später<br />
mich, immer mit großer Begeisterung, und war stundenlang<br />
nicht dazu zu bringen, von etwas anderem<br />
zu reden als gerade nur von diesem herrlichen Film.«<br />
»DADDY-LONG-LEGS war der archetypische Mary-<br />
Pickford-Film, der alle Erwartungen des Publikums erfüllte:<br />
Ein ausgesetztes Baby wird gerettet, ein Waisenhaus<br />
wie eine Strafanstalt, komische und berührende<br />
Szenen, viel Pathos, und ein Liebhaber, der wartet, bis<br />
die Protagonistin erwachsen wird.« (Kevin Brownlow)<br />
Samstag, 22. April 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr | Live-Musik:<br />
Richard Siedhoff | Einführung: Stefan Drößler<br />
Prazdnovanie 300-letija Doma Romanovych (300<br />
Jahrfeier des Hauses Romanoff) | Russland 1913 |<br />
16 min | OmU | »Der Zar, die Prinzessinnen verdrießlich<br />
in der Sonne stehend, nur eine zart, ältlich, schlaff,<br />
auf den Sonnenschirm gestützt, blickt vor sich hin. Der<br />
Thronfolger auf dem Arm des ungeheueren barhäuptigen<br />
Kosaken.« (Kafka) – Der Andere | Deutschland<br />
1913 | R: Max Mack | B: Paul Lindau, nach seinem<br />
Theaterstück | K: Hermann Böttger | D: Albert Bassermann,<br />
Emmerich Hanus, Nelly Ridou, Hanni Weisse,<br />
Léon Resemann, Otto Collet | 75 min | Der erste deutsche<br />
»Künstlerfilm«, für den ein bekannter Schriftsteller<br />
eines seiner Werke selber adaptierte und in dem<br />
Theaterstar Albert Bassermann die Hauptrolle des<br />
Rechtsanwalts übernahm, der unbewusst ein Doppelleben<br />
führt. Kafka schrieb an Felice: »Von Bassermann<br />
könnte ich Dir sehr viel erzählen, so elend das Stück ist,<br />
und so sehr Bassermann darin mißbraucht wird und<br />
sich selbst mißbraucht.«<br />
Samstag, 22. April 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr | Live-Musik:<br />
Richard Siedhoff | Einführung: Stefan Drößler<br />
Jízda Prahou otevřenou tramvají (Straßenbahnfahrt<br />
durch Prag) | Tschechien 1908 | R+B+K: Jan Kříženecký<br />
| 2 min | Filmdokument, das im Kinematografentheater<br />
der großen Jubiläumsausstellung 1908 in Prag<br />
zu sehen war. Franz Kafka und Max Brod besuchten<br />
die Ausstellung und die Filmvorführungen gemeinsam.<br />
Kafka war von dem neuen Medium fasziniert. – Shiwat<br />
Zion (Rückkehr nach Zion) | Palästina 1921 | R+B+K:<br />
Ya’akov Ben-Dov | 74 min | OmU | Ein zionistischer Dokumentarfilm<br />
über den Aufbau eines »jüdischen Palästina«,<br />
der um Unterstützung warb und im Oktober 1921<br />
in Prag gezeigt wurde. Kafka räsonierte einige Wochen<br />
später in einem Brief an Robert Klopstock: »Hauptsächlich<br />
gilt es ja nur für die Durchschnittsmasse der<br />
Juristen, daß sie erst zu Staub zerrieben werden müssen,<br />
ehe sie nach Palästina dürfen, denn Erde braucht<br />
Palästina, aber Juristen nicht.«<br />
Sonntag, 23. April 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr | Live-Musik:<br />
Günter A. Buchwald | Einführung: Stewart Tryster<br />
Kafka geht ins Kino<br />
51
Danielle Darrieux zum 100. Geburtstag<br />
Danielle Darrieux<br />
52<br />
Madame de ... Danielle Darrieux<br />
François Truffaut wusste, dass Film eine Frauen-, eine<br />
Schauspielerinnenkunst ist, die Kunst, hübsche Frauen<br />
hübsche Dinge machen zu lassen. Filme ohne Frauen<br />
sind unendlich langweilig. Paul Vecchiali, der Kriegsfilme<br />
hasst – es sei denn ein Soldat zieht das Foto einer<br />
Frau aus seiner Uniform –, war ein Kind, als er Danielle<br />
Darrieux zum ersten Mal sah: 1936 in einer Zeitschrift<br />
und dann im Kino. Der 6-jährige Vecchiali wollte sofort<br />
Filmregisseur werden, um ihr zu begegnen. Das hat geklappt,<br />
1961 bei seinem ersten Film.<br />
Paul Vecchiali, Jacques Demy, später François Ozon,<br />
sie bewundern die Grande Dame des französischen<br />
Kinos, die mit 14 loslegte und es mit <strong>17</strong> geschafft hatte.<br />
Entdeckt wurde sie von Wilhelm Thiele: Er brauchte eine<br />
Schauspielerin für die französische Fassung seines deutschen<br />
Films DER BALL. Das war 1931. Die 14-jährige<br />
Darrieux singt und sie tanzt, nicht nur so nebenbei. Singen<br />
und tanzen wird ihre Art des Spiels vor der Kamera.<br />
Auch wenn sie spricht, geht, sich bewegt. Ihr Sprechen<br />
ist Melodie, ihre Bewegungen sind eine unverwechselbare<br />
Choreografie. In acht Jahrzehnten in über 100 Filmen.<br />
Internationalen Erfolg hat sie 1936 mit dem Film<br />
MAYERLING von Anatole Litvak. Danielle Darrieux und<br />
Charles Boyer: Er ist österreichischer Thronfolger, sie<br />
seine verbotene Geliebte. Sie tanzen Walzer, dann gehen<br />
sie zusammen in den Tod. Der Film wird ein Kassenerfolg<br />
und für beide die Fahrkarte nach Hollywood.<br />
Das amerikanische Debüt der Darrieux: THE RAGE OF<br />
PARIS (DIE FLOTTE PARISERIN) von Henry Koster. Eine<br />
Französin in New York, die am Ende nur noch einen<br />
Wunsch hat: zurück nach Frankreich.<br />
1950. Max Ophüls und Danielle Darrieux. Beide<br />
sind seit den 1930er Jahren im Filmgeschäft, haben<br />
in Deutschland, in Frankreich, in den USA gearbeitet.<br />
Die Darrieux mit Billy Wilder, Henri Decoin, Robert<br />
Siodmak. Die erste Zusammenarbeit mit Ophüls: LA<br />
RONDE (DER REIGEN). Die gesamte Besetzung des<br />
Films: ein Starpaket. Lauter Nebenrollen, und die Darrieux<br />
ist mit das Teuerste, was das französische Kino zu<br />
bieten hat. Bei Ophüls’ nächstem Film macht sie wieder<br />
mit, wieder ist es ein Film ohne Hauptrolle: LE PLAISIR<br />
(PLÄSIER), drei Episoden nach Erzählungen von Maupassant.<br />
MADAME DE …
1953 MADAME DE ..., für Andrew Sarris »the greatest<br />
film of all time«, in der Hauptrolle die Darrieux.<br />
»Wegen ihr habe ich den Film gemacht. Nach REIGEN<br />
und PLÄSIER suchte ich für sie eine Rolle. Es war mir<br />
dabei klar, dass, wenn ich eine fände, es automatisch<br />
ein Thema für mich sein würde. Denn um die Darrieux<br />
herum liegen Leichtsinn und Glaube, Frivolität und<br />
Ernsthaftigkeit, Grazie und Grausamkeit, Lebensfreude<br />
und Tod. Alles das reflektiert aus ihr heraus in ihr Spiel,<br />
das zur Wahrheit wird, ehe man sich umdreht – und<br />
sicher, sobald man dreht.«<br />
Die Vorlage zu MADAME DE ..., eine Erzählung von<br />
Louise de Vilmorin, findet Ophüls »un peu maigre ...<br />
Madame de ... bien vide ... Die einzige Sache, die mich<br />
an diesem eigentlich schmalen Roman berührt, ist seine<br />
Konstruktion. Es ist immer die gleiche Achse: ein<br />
Paar Ohrringe. Aber dieses Detail der weiblichen Toilette<br />
vergrößert sich, erscheint in Großaufnahme, drängt<br />
sich auf, beherrscht das Schicksal der Helden des Buches<br />
und führt sie schließlich in die Tragödie. Wenn ich<br />
›Madame de ...‹ nicht für einen großen Roman halte, so<br />
sehe ich ihn doch als eine schöne literarische Verschlagenheit<br />
an. Und diese Verschlagenheit ist die Form.«<br />
Ophüls plant, den Film so zu drehen, dass die Schauspieler<br />
nie direkt zu sehen sind. Die Kamera soll die Figuren<br />
umkreisen, sie nur in Spiegeln oder eng begrenzten<br />
Ausschnitten zeigen. Mit dieser tollkühnen Idee beginnt<br />
MADAME DE ...: ein Schmuckkasten voller Juwelen und<br />
ruhelos suchende Hände. Wir hören nur die Stimme<br />
der Darrieux, ein trällernder Singsang, hingetupfte Worte:<br />
Je ne tirerai pas vingt mille francs de tous ça, ah,<br />
ah ... 20.000 Francs muss Madame auftreiben, um<br />
heimliche Schulden zu begleichen. Was könnte sie versetzen?<br />
Ihre Hand streift Spiegeltüren, öffnet Schränke,<br />
streichelt Kleider und Pelze – soll sie sich davon trennen?<br />
Auf keinen Fall. Nicht aus Sentimentalität, sondern aus<br />
Liebe zu den Dingen selbst. Ein einziges Objekt ist mit<br />
privaten Erinnerungen verbunden: ein Paar Ohrringe,<br />
herzförmige Diamanten, das Hochzeitsgeschenk ihres<br />
Mannes – davon kann sie sich trennen. Und jetzt sehen<br />
wir sie: Danielle Darrieux im kleinen Oval des pompös<br />
gerahmten Spiegels, ihr vanity table, wo Eitelkeit und Vergänglichkeit<br />
zusammenfinden. Die Darrieux als Baronin<br />
und Generalsgattin, Gefangene und Handelnde in einem<br />
überquellenden Boudoir.<br />
Sie ist die elegante Französin par excellence mit<br />
dem Talent, dann und wann mühelos leicht in Ohnmacht<br />
zu fallen. Wenn der Darrieux die Sinne schwinden,<br />
weiß niemand, wie ernst es ist, oder ob Madame<br />
nur ihren Wünschen ein wenig Nachdruck verleiht.<br />
Beim Verkauf der Ohrringe zögert der Juwelier ... die<br />
Darrieux hilft nach, mit einem kleinen Schwächeanfall.<br />
Allein Charles Boyer, in der Rolle ihres Gatten, lässt sich<br />
von ihren Unpässlichkeiten nicht beeindrucken und<br />
ermahnt sie, drei Minuten nicht zu überschreiten.<br />
Strenge, Sarkasmus, auch Hilflosigkeit eines Gatten,<br />
dessen Frau tatsächlich einen Anderen liebt.<br />
Je ne vous aime pas, je ne vous aime pas, flüstert<br />
die Darrieux zwischen Tür und Angel und weiß es<br />
besser. Beim ersten Walzer warnt sie lachend vor ihrer<br />
Koketterie. Immer wieder treffen sie sich, tanzen einen<br />
endlosen Walzer, die Leichtigkeit schwindet – von frivoler<br />
Konversation zum sprachlosen Ende. Sie, die<br />
Generalsgattin, flüchtet, weiß keinen Ausweg mehr und<br />
betrügt schließlich beide, den Liebhaber und den Ehemann,<br />
mit immer neuen Lügen, die sie seit dem Verkauf<br />
der Ohrringe begleiten.<br />
Sie habe die Ohrringe in der Oper verloren, lässt die<br />
Darrieux ihren Gatten wissen, der umgehend nach dem<br />
Hochzeitsgeschenk fahndet, um es dann beim Juwelier<br />
zu finden und erneut zu kaufen – ein Abschiedsgeschenk<br />
für seine Maitresse, die den Schmuck im Ausland<br />
zu Bargeld macht. Aus dem Ausland taucht er auf,<br />
Vittorio De Sica, Diplomat auf Reisen und im Gepäck<br />
die Ohrringe, die er als Liebesgabe der Darrieux reicht.<br />
Um sie öffentlich tragen zu können, erfindet sie neue<br />
Geschichten: eine für den geliebten Diplomaten, eine<br />
andere für ihren Gatten. Während De Sica an ihren Lügen<br />
verzweifelt, lässt sich Boyer nicht beirren. Er nimmt<br />
der Darrieux die Juwelen ab, gibt sie seinem Rivalen<br />
De Sica mit der Auflage zurück, sie zum Juwelier zu<br />
bringen, bei dem Boyer die Ohrringe zum dritten Mal<br />
kauft. Die Darrieux ergreift die Schmuckstücke wie eine<br />
Süchtige, küsst die Diamanten – nicht ihren Mann. Der<br />
zwingt sie nun, das von ihr so Begehrte einer verarmten<br />
Nichte zu schenken, die den Schmuck beim Juwelier<br />
versetzt, der diesmal nicht mit Boyer ins Geschäft<br />
kommt, aber mit Madame: Sie kauft die Ohrringe und<br />
stiftet sie der Kirche, als das Duell zwischen Gatte und<br />
Liebhaber bevorsteht. Ein von Geld und Lügen dirigierter<br />
Kreislauf endet in einem menschenleeren Kirchenraum,<br />
die Kamera gleitet über Säulen hin zum Altar<br />
und zu den unter Glas verschlossenen Juwelen der<br />
Madame de ... . Ophüls dachte an die Konstruktion des<br />
»Bolero« von Maurice Ravel: »Auch da dreht und entwickelt<br />
und kompliziert sich eine Aktion – oder genauer:<br />
das harmonische Material – ständig um eine winzige<br />
melodische Achse.«<br />
In LA RONDE dreht sich alles: das Karussell, die<br />
Musik, die Darsteller, die Dialoge – ein delirierender<br />
Kreislauf von Paarungen und Paarwechseln. Dirne,<br />
Soldat, Stubenmädchen, Dichter, Schauspielerin und<br />
Danielle Darrieux<br />
53
Graf, sie alle begegnen und trennen sich, das Ehepaar<br />
trennt sich nicht. Auf dem Kamin das Gleichmaß des<br />
Uhrpendels und im Schlafzimmer getrennte Betten.<br />
Die Darrieux liest Stendhal, ihr Gatte die Rechnungsbücher.<br />
Er vergnügt sich mit einem hübschen Mädel im<br />
Séparée, sie verführt einen Jungen: Daniel Gélin, der<br />
beim Liebesakt versagt. »Die Szene im Bett, in der ich<br />
etwas beschämt bin, mich entschuldige, haben Danielle<br />
und ich in ihrer Garderobe mit französischem Humor<br />
geprobt: ein bisschen Feydeau, ein bisschen Sacha<br />
Guitry mit der Absicht, lustig zu sein, und so haben wir<br />
es Ophüls vorgespielt. Aber diese Komik à la française<br />
wollte er überhaupt nicht, und ich erinnere mich noch,<br />
wie er mit seinem deutschen Akzent sagte: ›Zeigt die<br />
Melancholie der Impotenz‹.« (Gélin)<br />
Die einzige Großaufnahme des Films: das erstaunte<br />
Gesicht Simone Signorets, für einen Moment von den<br />
Schultern Gérard Philipes verdeckt, der in der Rolle des<br />
Grafen die Dirne zum Abschied auf die Augen küsst – in<br />
Erinnerung an eine andere.<br />
LE PLAISIR, 2. Episode: LA MAISON TELLIER. Hat je<br />
ein Film in einem Bordell gespielt, das die Kamera nicht<br />
betritt? Ophüls’ Kommentar: »Pardon, mais c’est une<br />
›maison close‹!« Wie ein Fassadenkletterer turnt die<br />
Kamera an Erkern, Mansarden und Fenstern entlang,<br />
beobachtet zwischen den Lamellen der Jalousie die<br />
Damen und die Gäste im Haus Tellier.<br />
Danielle Darrieux ist Rosa, zuständig für die Honoratioren<br />
der Stadt – den Reeder, den Fischhändler, den<br />
Holzhändler, den Handelsgerichtsrat. Wenn Rosa mal<br />
nicht trinkt oder singt, dann träumt sie, erzählt von ihrem<br />
Ehemann, dem Vicomte de ..., von den Kleidern,<br />
vom Schmuck, von den Blumen, die er ihr schenkt; sie<br />
schwärmt von Berührungen, von Champagner und all<br />
den Dingen, die der Vicomte ihr zuflüstert; langsam<br />
nähert sich die Kamera, verweilt in Großaufnahme auf<br />
dem Gesicht der Darrieux: ein Augenblick voller Lügen<br />
und wahrer Träume: merveilleuse, haucht Rosa.<br />
Jean Gabin, Madame Telliers Bruder und trunkener<br />
Schreiner, versteht seinen Versuch, sich gewaltsam<br />
und gratis bei Rosa zu bedienen als Familienangelegenheit.<br />
Er wolle sich ja nur bedanken. Das geht schief.<br />
Beschämt sitzt er neben der Darrieux auf der Wiese, sie<br />
pflückt Blumen und macht, was sie immer macht: Sie<br />
trällert vor sich hin: Combien je regrette mon bras si<br />
dodu, ma jambe bien faite et le temps perdu ...<br />
Danielle Darrieux<br />
54<br />
LE PLAISIR
Wenn Danielle Darrieux gar nicht mehr spricht<br />
und alles, was sie zu sagen hat, einfach singt, dann<br />
ist das den Filmen von Jacques Demy zu verdanken.<br />
Da hört sie nur auf zu singen, wenn sie raucht oder<br />
trinkt, und sie trinkt und raucht, um weiter zu singen.<br />
Dafür brauchte Demy keine Synchronstimme: »Sie hat<br />
ein nahezu absolutes Gehör. Sie hatte das feinste Ohr<br />
des gesamten Teams, sie hört sogar Vierteltöne, das<br />
können die wenigsten.«<br />
Mit acht sah Jacques Demy die Darrieux auf der<br />
Leinwand, mit vierzehn malte er sie, mit fünfzehn hingen<br />
ihre Fotos in seinem Zimmer. 1963 sollte sein Idol, der<br />
Kino- und Theaterstar, die Rolle der Mutter in LES PA-<br />
RAPLUIES DE CHERBOURG (DIE REGENSCHIRME VON<br />
CHERBOURG) spielen und singen, aber ihr Marktwert<br />
und sein Produktionsbudget waren meilenweit voneinander<br />
entfernt. Drei Jahre später LES DEMOISELLES<br />
DE ROCHEFORT (DIE MÄDCHEN VON ROCHEFORT), ein<br />
Pop-Musical mit Gene Kelly, Catherine Deneuve und<br />
Françoise Dorléac. Sie singen, tanzen, träumen von der<br />
großen Liebe; ein Reigen voller Sehnsucht, Hoffnungen<br />
und Begegnungen. Alle Glückssuchenden kommen in<br />
das Bistro von Danielle Darrieux, sie ist die Anlaufstelle<br />
für gesungene Wünsche und Träume – die Paare selbst<br />
treffen sich nicht. Lauter verpasste Gelegenheiten, auch<br />
für die Darrieux. Sie weiß nicht, dass der Mann, den sie<br />
vor zehn Jahren abgewiesen hat, wieder in der Stadt<br />
ist: Michel Piccoli, der Musikalienhändler Simon Dame,<br />
musste auf seine große Liebe verzichten – Madame<br />
wollte einfach nicht Dame heißen.<br />
Vouloir le bonheur, c‘est déjà un peu le bonheur, heißt<br />
es in LOLA, Jacques Demys Debütfilm, dem er Pleure<br />
qui peut, rit qui veut vorangestellt hat und eine<br />
Wid mung: »à Max Ophüls«, dazu die Musik aus LE<br />
PLAISIR.<br />
In den 1950er Jahren schreibt Demy die Geschichte<br />
zu UNE CHAMBRE EN VILLE (EIN ZIMMER IN DER<br />
STADT), 1982 kann er den Film drehen, alle Dialoge<br />
werden gesungen – ein Film für die Darrieux. Dreißig<br />
Jahre nach MADAME DE ... ist sie Baronin ohne Besitz<br />
und Titel. J‘ai perdu ma particule et mes illusions en<br />
épousant le colonel Langlois. Der Gatte ist tot, das Geld<br />
reicht nicht, Madame Langlois hat einen Untermieter:<br />
Guilbaud, Werftarbeiter. Er knallt die Türen, trinkt nicht<br />
mal ein Glas mit ihr, streikt und demonstriert, stellt sich<br />
gegen die Polizei. Das geht zu weit – einen Anarchisten<br />
möchte sie nicht beherbergen. Guilbaud droht mit<br />
Auszug, die Darrieux bittet um eine Zigarette in seinem<br />
Zimmer, raucht auf seinem Bett sitzend. Sie traue sich<br />
nicht auf die Straße, der Menschenauflauf mache sie<br />
nervös. Voyez-vous, nous ne sommes pas du même<br />
monde, cela ne veut pas dire que nous ne puissions<br />
pas être amis ... Guilbaud wechselt das Hemd, und<br />
Madame genießt es, einen Mann im Haus zu haben.<br />
Die Schroffheit des selbstbewussten Arbeiters und die<br />
Darrieux in Rot und Schwarz, perfekt frisiert, Baronin einer<br />
untergegangenen Epoche, dem Weißwein sehr zugetan,<br />
gleichwohl Contenance bewahrend. Vor die Tür<br />
geht sie nie, beschwert sich über Einsamkeit und zieht<br />
alle in ihre Wohnung – die Lebenden und die Toten.<br />
Die Darrieux war ein Geschenk, erzählt Demy,<br />
sie habe mal etwas Wunderbares zu ihm gesagt:<br />
»Ich bin ein Instrument, man muss mit mir spielen<br />
können, man kann es oder man kann es nicht.« Die<br />
Darrieux eine Stradivari, bereit für alles und ein Wunder<br />
an Ausgeglichenheit, Gesundheit und guter Laune.<br />
À votre santé, Madame!<br />
Martina Müller<br />
Mayerling | Frankreich 1936 | R: Anatole Litvak | B:<br />
Irma von Cube, Joseph Kessel, nach dem Roman von<br />
Claude Anet | K: Jean Isnard, Armand Thirard | M:<br />
Arthur Honegger | D: Charles Boyer, Danielle Darrieux,<br />
Marthe Régnier, Yolande Laffon, Suzy Prim | 92 min |<br />
OmU | Die tragische Liebesgeschichte zwischen Rudolf<br />
von Österreich-Ungarn und der <strong>17</strong>-jährigen Mary<br />
Vetsera im kaiserlichen Wien von 1888/1889 als<br />
großes Melodram, das seinerzeit in Amerika zum besten<br />
französischen Film aller Zeiten gewählt wurde.<br />
Dienstag, 25. April 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
8 femmes (8 Frauen) | Frankreich 2002 | R: François<br />
Ozon | B: Marina de Van, François Ozon, nach dem<br />
Stück von Robert Thomas | K: Jeanne Lapoirie | M:<br />
Krishna Levy | D: Danielle Darrieux, Catherine Deneuve,<br />
Isabelle Huppert, Emmanuelle Béart, Fanny Ardant, Virginie<br />
Ledoyen, Ludivine Sagnier | 111 min | OmU | Originelle<br />
bonbonfarbene Kriminalkomödie mit Gesangseinlagen,<br />
die den Diven des französischen Kinos große<br />
Danielle Darrieux<br />
55
Danielle Darrieux<br />
56<br />
Auftritte bietet und zahlreiche Anspielungen auf die<br />
Filmgeschichte aufweist.<br />
Mittwoch, 26. April 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
La ronde (Der Reigen) | Frankreich 1950 | R: Max<br />
Ophüls | B: Max Ophüls, Jacques Natanson, nach dem<br />
Stück von Arthur Schnitzler | K: Christian Matras | M:<br />
Oscar Straus | D: Anton Walbrook, Simone Signoret,<br />
Serge Reggiani, Danielle Darrieux, Jean-Louis Barrault,<br />
Gérard Philipe | 109 min | OmU | Wie eine Nummernrevue,<br />
aber kunstvoll miteinander verknüpft, rollen die<br />
Liebesgeschichten und Affären im Wien der Jahrhundertwende<br />
ab, bei denen immer einer der jeweiligen<br />
Partner sozusagen »von Hand zu Hand« geht.<br />
Freitag, 28. April 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Le plaisir (Pläsier) | Frankreich 1952 | R: Max Ophüls<br />
| B: Max Ophüls, Jacques Natanson, nach Geschichten<br />
von Guy de Maupassant | K: Christian Matras, Philippe<br />
Agostini | M: Joe Hayos | D: Danielle Darrieux, Pierre<br />
Brasseur, Jean Gabin, Claude Dauphin, Gaby Morlay,<br />
Daniel Gélin, Simone Simon | 97 min | OmeU | Drei<br />
Geschichten von Guy de Maupassant: »Französischer<br />
Impressionismus im Spiegel Wiens.« (Jean-Luc Godard).<br />
In der englisch untertitelten Version des Films<br />
spricht Peter Ustinov den Text von Maupassant.<br />
Samstag, 29. April 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Madame de … | Frankreich 1953 | R: Max Ophüls<br />
| B: Max Ophüls, Marcel Archard, Annette Wademant,<br />
nach dem Roman von Louise de Vilmorin | K: Christian<br />
Matras | M: Oscar Straus, Georges Van Parys |<br />
D: Charles Boyer, Danielle Darrieux, Vittorio De Sica,<br />
Jean Debucourt, Jean Galland, Mireille Perrey | 99 min<br />
| OmU | Zwei Ohrringe bilden die Achse, um die sich<br />
Liebesbeziehungen, Komplikationen, Versteckspiele<br />
und Eifersucht drehen, in deren Mittelpunkt die Gattin<br />
eines unflexiblen, hartherzigen Offiziers steht.<br />
Sonntag, 30. April 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Les demoiselles de Rochefort (Die Mädchen von<br />
Rochefort) | Frankreich 1967 | R+B: Jacques Demy |<br />
K: Ghislain Cloquet | M: Michel Legrand | D: Catherine<br />
Deneuve, Françoise Dorléac, Georges Chakiris, Michel<br />
Piccoli, Danielle Darrieux, Gene Kelly | 122 min | OmeU<br />
| Bonbonfarbenes Musical über zwei Zwillingsschwestern,<br />
die bei der 300-Jahr-Feier der Hafenstadt Rochefort<br />
den Männern ihres Lebens begegnen. Mit Ausnahme<br />
von Danielle Darrieux wurden alle Darsteller in den<br />
Gesangsszenen synchronisiert.<br />
Dienstag, 2. Mai 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Une chambre en ville (Ein Zimmer in der Stadt)<br />
| Frankreich 1982 | R+B: Jacques Demy | K: Jean<br />
Penzer | M: Michel Colombier | D: Dominique Sanda,<br />
Danielle Darrieux, Richard Berry, Michel Piccoli, Fabienne<br />
Guyon, Jean-François Stévenin | 90 min | OmeU |<br />
Eine »musikalische Tragikomödie«: Während des Werftarbeiterstreik<br />
in Nantes 1955 verlieben sich ein junger<br />
Arbeiter und die verheiratete Tochter einer von Danielle<br />
Darrieux gespielten mittellosen Baronin ineinander.<br />
Mittwoch, 3. Mai 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
8 FEMMES
DOK.fest: Georg Stefan Troller<br />
© Norbert Schmidt, Gießen/Wettenberg<br />
Der Interviewer als Menschenfresser<br />
Erst spät richtet Georg Stefan Troller, der für das Fernsehen<br />
unzählige Menschen vor die Kamera holte, den<br />
Blick auf seine eigene – von ironischen Zufällen durchzogene<br />
– Geschichte. In Österreich als Kind jüdischer<br />
Eltern geboren, entgeht er mit <strong>17</strong> Jahren nur knapp der<br />
Deportation. Kurz vor Kriegsende kehrt er als Soldat aus<br />
Amerika zurück und erhält die erste Gelegenheit, seine<br />
Menschenkenntnis zu schulen – bei der Vernehmung<br />
deutscher Kriegsgefangener, die in ihm den Besatzer<br />
sehen.<br />
Ab den 1960er Jahren berichtet Troller im PARISER<br />
JOURNAL aus der »einzigen Metropole« und bringt<br />
im Anschluss für das ZDF über zwanzig Jahre lang<br />
die berühmten PERSONENBESCHREIBUNGEN heraus.<br />
Sein radikal subjektiver Interviewstil und ein Interesse<br />
an widersprüchlichen Charakteren sind erst umstritten,<br />
dann stilprägend für das junge Medium Fernsehen. Im<br />
Mittelpunkt der Porträts und Reportagen steht dabei bis<br />
zuletzt: das Individuum als Selbstdarsteller, Maskenträger,<br />
leidvoll Verstrickter und Glücksuchender.<br />
Mit messerscharfen Fragen seziert der Interviewer seine<br />
Protagonisten und schält Schicht um Schicht ihre<br />
Wahrheit heraus, ohne jemals das innerste Geheimnis<br />
der Person, ihre Würde, preiszugeben. Dabei ist dem<br />
Beobachter bewusst: Es ist das eigene Gesicht, das<br />
das Gegenüber vor der Kamera zurückspiegelt. In seinen<br />
besten Momenten verwandelt sich das Frage-Antwort-Spiel<br />
zum tiefempfundenen »Beichtgespräch« und<br />
zur »Selbsttherapie«. Als »Menschenfresser« hat sich<br />
Troller selbst einmal bezeichnet und damit doch immer<br />
auch den Liebenden gemeint.<br />
Unter seinen Protagonisten finden sich radikale Einzelkämpfer<br />
(MUHAMMAD ALI – DER LANGE WEG ZURÜCK),<br />
Menschen, die von der Gesellschaft zu Außen seitern gemacht<br />
wurden (RON KOVIC – WARUM VERSCHWINDEST<br />
DU NICHT?) oder solche, die sich selbst ins Abseits<br />
katapultiert haben (AMOK!). Der Hunger nach Geschichten<br />
führt den Journalisten auf die Straßen seiner Pariser<br />
Wahlheimat (TAGE UND NÄCHTE IN PARIS) und zu<br />
den Mördern und Schwererziehbaren ins Gefängnis<br />
(MORD AUS LIEBE, BEGEGNUNGEN IM KNAST). Erst im<br />
Jahr 2001 konfrontiert sich der knapp 80-Jährige in<br />
seinem Film SELBSTBESCHREIBUNG vor der Kamera<br />
mit der eigenen Vergangenheit, der Kindheit in Wien<br />
und dem Trauma der Migration. Troller legt dem Zuschauer<br />
das eigene Schicksal so offen, dass der vor<br />
dem Bildschirm nicht umhin kommt, auszurufen: »Das<br />
bin ja ich!« Anne Thomé / Daniel Sponsel<br />
www.dokfest-muenchen.de<br />
Donnerstag, 4. Mai bis Sonntag, 14. Mai 20<strong>17</strong> | Zu<br />
Gast: Georg Stefan Troller<br />
Georg Stefan Troller<br />
57
Kurt Eisner<br />
58<br />
Kurt-Eisner-Ausstellung im Stadtmuseum<br />
Revolutionär und Ministerpräsident<br />
Vor 150 Jahren, am 14. Mai 1867 in Berlin geboren,<br />
wächst Kurt Eisner in einer bürgerlich-jüdischen Familie<br />
auf. Sein Studium muss er aus finanziellen Gründen<br />
aufgeben und beginnt eine journalistische Laufbahn<br />
beim Depeschenbüro Herold in der Hauptstadt<br />
des Deutschen Kaiserreichs. Über Frankfurt gelangt<br />
er nach Marburg und wird Redakteur der Hessischen<br />
Landeszeitung. Als Verfasser von Zeitschriftenbeiträgen<br />
kommentiert er mit spitzer Feder die gesellschaftlichen<br />
und politischen Kämpfe unter dem »Neuen Kurs« der<br />
Regierung Kaiser Wilhelm II. Das bringt ihm einen Gefängnisaufenthalt<br />
in Plötzensee wegen Majestätsbeleidigung<br />
ein. Danach – zum 1. Dezember 1898 – tritt<br />
Eisner in die Sozialdemokratische Partei ein und geht<br />
nach Berlin in die Vorwärts-Redaktion. Der radikalliberale,<br />
an Kant geschulte »Gefühls-Sozialist« Eisner<br />
erarbeitet sich schrittweise eine sozialistische Weltanschauung,<br />
die sich sowohl von dem an Marx orientierten,<br />
als auch vom sogenannten revisionistischen<br />
Parteiflügel unterscheidet: Ersteren hält er ihre »Politik<br />
des demonstrativen Nichtstuns vor«, weil sie auf die<br />
Revolution warten, die ihrer Auffassung nach auf Grund<br />
der sich zuspitzenden Klassengegensätze zwangsläufig<br />
kommen wird; letzteren wirft er vor, nicht konsequent<br />
mit dem herrschenden System brechen zu wollen.<br />
Schon früh schrieb er: »Wir müssen uns zur Socialdemokratie<br />
flüchten, selbst wenn wir ihre wirtschaftlichen<br />
und taktischen Grundanschauungen nicht teilen. Sie<br />
ist die einzige Zuflucht aller Idealisten, um sie kreisen<br />
die Sympathien der Gesund-Gebliebenen...Und wenn<br />
sie selbst kein anderes Verdienst hätten, diese Socialdemokraten,<br />
als daß sie die Massen organisieren, sie<br />
zu bestimmten Gedanken erziehen und dergestalt aus<br />
dem dunklen Chaos mit seinen unberechenbaren Explosionen<br />
eine in gesetzlichen Bahnen sich bewegende<br />
geordnete Welt schaffen, deren Ideen man kennt und<br />
mit deren Handlungen daher die Cultur rechnen kann,<br />
wenn sie nichts besäßen als dieses Glück rücksichtsloser<br />
Ansprache und diesen opferwilligen Mut der Ueberzeugung,<br />
es genügte, mit ihnen zu sympathisieren,<br />
selbst wenn man ihre Grundanschauungen nicht teilte.<br />
Man wird nie das Bedürfnis haben, sie zu bekämpfen,<br />
höchsten sie zu reformieren.«<br />
1910 gelangt Kurt Eisner über ein zirka dreijähriges<br />
Engagement bei der Fränkischen Tagespost nach München<br />
an das dortige SPD-Blatt Münchner Post. Kurz vor<br />
Ausbruch des Krieges 1914 ändert der Internationalist<br />
Eisner seine Überzeugung: Bis zur Balkankrise hatte er<br />
unermüdlich die Expansionsgelüste und Kriegstreiberei<br />
des deutschen Kaiserreichs angeprangert, jetzt, Ende<br />
<strong>Juli</strong> 1914, warnt er eindringlich: »Der Zarismus muss<br />
gebändigt werden durch die Einmütigkeit der Kulturvölker<br />
Europas, dann ist der Frieden für immer gesichert.«<br />
Er hat offiziösen Informationen seiner Münchner<br />
SPD-Genossen vertraut, die bereits 1912 kolportieren,<br />
der Angriff des zaristischen Russland stünde bevor.<br />
Doch für Kurt Eisner dürfen und können die Kriegsziele<br />
der deutschen Reichsregierung nicht die der<br />
Sozialdemokratischen Partei sein. Die Parteiführung,<br />
die Mehrheit der Reichstagsabgeordneten in Berlin<br />
und der Landtagsabgeordneten in München, sehen<br />
das anders. Schon zum Ende des Jahres 1914 wird<br />
er zum erklärten Kriegsgegner und sucht Kontakt zur<br />
Antikriegsopposition innerhalb und außerhalb der SPD.<br />
Im April 19<strong>17</strong> wird er Mitglied der neu gegründeten Unabhängigen<br />
Sozialdemokratischen Partei Deutschlands<br />
(USPD), die sich für den sofortigen Frieden ohne Annexionen<br />
einsetzt.<br />
In München wirkt er bereits seit 1916 als Integrationsfigur<br />
an die Seite junger Sozialisten und Sozialistinnen.<br />
Die jungen Arbeiterinnen und Arbeiter, darunter<br />
viele verwundete junge Kriegsheimkehrer, lehnen sich<br />
gegen die Bevormundung der sozialdemokratischen<br />
Mutter-Partei auf. Sie wollten diesen Krieg nicht. So
gewinnt Kurt Eisner diese keimende Jugendbewegung<br />
für eine wichtige Protestaktion auf dem Weg zur Revolution:<br />
den Januarstreik 1918. Der Hunger treibt die<br />
Leute auf die Straße, in Münchner Rüstungsbetrieben<br />
erwacht die Bereitschaft zum Widerstand. Eisner wird<br />
als einer der Streikführer verhaftet und kommt erst<br />
kurz vor Ausbruch der Revolution im Oktober 1918 als<br />
nominierter Spitzenkandidat der Münchner USPD aus<br />
der Untersuchungshaft. Die Tage vor der Bayerischen<br />
Revolution sind geprägt von Parteiversammlungen und<br />
öffentlichen Kundgebungen, auf denen der begnadete<br />
Redner Kurt Eisner für Frieden und Revolution spricht.<br />
Am 7. November folgen die auf der Theresienwiese versammelten<br />
Arbeiter und Soldaten der sich Bahn brechenden<br />
Bereitschaft zum Umsturz. Noch in der gleichen<br />
Nacht proklamiert Kurt Eisner die Gründung der<br />
bayerischen Republik. Er wird der erste Ministerpräsident<br />
des Volksstaates Bayern und regiert mit seinem<br />
Kabinett in Kooperation mit den in Selbstverwaltung<br />
tagenden Arbeiter-, Bauern- und Soldatenräte.<br />
Kurt Eisners unabhängige Sozialdemokraten sind im<br />
Kabinett zur Zusammenarbeit mit der Mehrheitssozialdemokratischen<br />
Partei (MSPD) gezwungen, die die politischen<br />
Ziele Eisners nur sehr bedingt toleriert und auf<br />
Neuwahlen zum bayerischen Landtag drängt. Gleichzeitig<br />
bringt Eisner mit seinen außen- und friedenspolitischen<br />
Vorstellungen und Aktivitäten bürgerlichkonservative<br />
und politisch stark rechts formierende<br />
Kreise gegen sich auf. Als sich Kurt Eisner am 21. <strong>Feb</strong>ruar<br />
1919 auf den Weg zum Bayerischen Landtag begibt,<br />
um seinen Rücktritt zu erklären, wird er von Anton<br />
Graf von Arco auf Valley erschossen. Arco gehörte zum<br />
Umfeld der rechtsnationalistischen antisemitischen<br />
Thule-Gesellschaft. Vom 11. Mai bis 8. Oktober 20<strong>17</strong><br />
präsentiert das Münchner Stadtmuseum die Ausstellung<br />
»Revolutionär und erster bayerischer Ministerpräsident<br />
– Kurt Eisner (1867–1919) zum 150. Geburtstag«.<br />
Sie will von ihrer Aufgabenstellung her endlich<br />
diesen homme de lettres, den politischen Journalisten,<br />
der konsequent seinen ganz eigenen Weg vom sozialdemokratischen<br />
zum sozialistischen Politiker vollzog,<br />
umfassend darstellen. Das begleitende Filmprogramm<br />
zeigt die sehr unterschiedliche Art von drei Fernsehsendern<br />
(ZDF, WDR und BR), sich in den Jahren 1969<br />
bis 1971 mit der Geschichte der Räterepublik auseinanderzusetzen.<br />
Ingrid Scherf<br />
Die Münchner Räterepublik | BRD 1971 | R: Helmuth<br />
Ashley | B: Hellmut Andics | K: Manfred Ensinger, Jürgen<br />
Schoenemann | D: Charles Regnier, Peter Pasetti,<br />
Carl Lange, Christoph Bantzer, Günther Ungeheuer,<br />
Werner Kreindl, Dieter Eppler | 90 min (1. Teil), 87 min<br />
(2. Teil) | »Die Anarchie, die abzuwehren die staatserhaltenden<br />
Figuren in Hellmut Andics’ Dokumentarspiel<br />
trachteten, ist, ins Apolitische und Theatermäßige<br />
gewendet, selber ein Ingredienz dieser Reihe, das jeden<br />
mal an die Rampe kommen lässt, wo er eine Bravournummer<br />
abliefern darf, das alles vorher Gezeigte desavouiert,<br />
und damit keinem recht gibt und allem. Politisches<br />
und Historisches ist diesem dramaturgischen<br />
Anarchismus schnuppe und höchstens als Vorwand für<br />
Schnauf- und Dröhn-Arien willkommen, wie man sie<br />
so burgtheaterhaft sonst nirgends mehr im Fernsehen<br />
Kurt Eisner<br />
59
Kurt Eisner<br />
60<br />
zu sehen kriegt.« (Melchior Schedler) »Wichtigstes fällt<br />
fort im Fernsehspiel; Belanglosigkeiten werden naturalistisch<br />
wiedergegeben; ganze Komplexe bleiben außer<br />
Betracht; phantasievolle Ergänzungen verfälschen den<br />
Duktus der Dokumente; Perspektiven und Tendenzen<br />
treten nicht zutag; alles Faktische ist dem Range nach<br />
gleich, rot gilt so viel wie weiß, das Mittel so viel wie<br />
das Ziel. Die Politik: ein schmutziges Geschäft. Die Geschichte:<br />
eine Mischung aus Genre-Szenen und unbegreifbarer<br />
Fatalität, im einzelnen scheinbar vertraut, im<br />
ganzen unerklärlich, irrational und von fremden Gesetzen<br />
bestimmt.« (Walter Jens)<br />
Dienstag, 16. Mai 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr (1. Teil: Kurt Eisner<br />
– Zwischen Demokratie und Diktatur) | Einführung:<br />
Ingrid Scherf Mittwoch, <strong>17</strong>. Mai 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
(2. Teil: Ende mit Schrecken)<br />
Rotmord | BRD 1969 | R: Peter Zadek | B: Tankred<br />
Dorst, Wilfried Minks, Peter Zadek, nach dem Stück<br />
»Toller. Szenen aus einer deutschen Revolution« von<br />
Tankred Dorst | K: Bruno Hoffmann | D: Gert Baltus, Helmuth<br />
Hinzelmann, Werner Dahms, Siegfried Wischnewski,<br />
Wolfgang Neuss, Hans Schweikart, Gernot Duda,<br />
Rudolf Forster | 85 min | Experimenteller Fernsehfilm<br />
nach Tankred Dorsts Theaterrevue. »Peter Zadek hatte<br />
für seine Fernsehfassung Negativfilm und Positivfilm<br />
so gemischt, übereinander kopiert, dass der flimmernd-unscharf-scharfe<br />
Eindruck historischer Filmdokumente<br />
entstand. Diese ›Verfremdung‹ war nicht die<br />
einzige, die Zadek seinem Fernsehspiel zufügte, dabei<br />
mit Recht von der Überlegung ausgehend, die meisten<br />
Fernsehspiele nutzten das Medium nicht aus, sondern<br />
seien entweder Tagesschau oder abfotografiertes<br />
Theater. Zadek blendete immer wieder distanzierende<br />
Hinweise ein, etwa wer wen spielt, drehte die Aktionen<br />
aus ungewöhnlichen Perspektiven oder ließ Toller und<br />
Leviné durch das München von 1968 spazieren, während<br />
sie die Probleme von 1919 besprachen. Das war<br />
ein geschicktes Distanzierungsmittel: den Zuschauer<br />
nicht zum Schlüssellochgucker der Geschichte zu machen,<br />
sondern ihm gleichzeitig den Eindruck zu vermitteln,<br />
wie die Wirklichkeit die Episode Räterepublik<br />
auch in München hinter modernen Kaufhausfassaden<br />
scheinbar spurlos hinter sich gelassen hat.« (Hellmuth<br />
Karasek)<br />
Dienstag, 23. Mai 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Revoluzzer, Räte, Reaktionäre | BRD 1969 | R+B:<br />
Wolfgang Kahle, Georg Walschus | K: Manfred Feichtner,<br />
Dieter L’Arronge | Mit Helmut Neubauer, Friedrich<br />
Burschell, Joseph Breitenbach, Wilhelm Hoegner, Maurus<br />
Graf, Pilar von Bayern, Josef Müller, Erich Wollenberg,<br />
Karl Retzlaw, Heinrich Klüglein, Rosa Meyer-<br />
Leviné, Anton Wolf | 93 min | Spannende Dokumentation<br />
des Bayerischen Fernsehens über die Entwicklung<br />
des bayerischen Freistaats vom Beginn der revolutionären<br />
Demonstrationen am 7. November 1918 auf der<br />
Theresienwiese bis zur Eroberung Münchens durch<br />
Freikorps-Truppen. Neben Historikern kommen prominente<br />
Zeitzeugen zu Wort, deren Berichte von Fotos<br />
und Filmaufnahmen illustriert werden: der erste bayerischen<br />
Ministerpräsident nach dem Zweiten Weltkrieg,<br />
der Sozialdemokrat Wilhelm Högner, der Bruder von<br />
Oskar Maria Graf, Maurus Graf, der deutschstämmige<br />
amerikanische Porträtfotograf Josef Breitenbach, der<br />
Journalist Erich Wollenberg, der Verleger Karl Retzlaw<br />
und die Ehefrau von Eugen Leviné. – Es geht durch die<br />
Welt ein Geflüster. München 7.11.1918–2.5.1919 |<br />
Deutschland 1989 | R+B: Ulrike Bez | K: Petra Gerschner,<br />
Thomas Willke | 42 min | Menschen, die als junge<br />
Arbeiter und Arbeiterinnen auf der Seite der Revolution<br />
standen, erzählen in diesem Videofilm, was für sie die<br />
Revolution bedeutet und wie sie die blutige Niederschlagung<br />
durch die Freikorps miterlebt haben.<br />
Donnerstag, 25. Mai 20<strong>17</strong>, 19.00 Uhr | Zu Gast: Ulrike<br />
Bez | Einführung: Ingrid Scherf
Hommage à Sterling Hayden<br />
JOHNNY GUITAR<br />
Ein Mann im Kampf mit sich selbst<br />
Paul Thomas Anderson (INHERENT VICE, THE MASTER)<br />
würde nur zu gerne eine Zeitmaschine haben, um mit<br />
ihm drehen zu können. Stanley Kubrick holte ihn zweimal<br />
vor die Kamera. Auch John Huston, Henry Hathaway,<br />
Nicholas Ray, Robert Altman, Francis Ford Coppola<br />
und Bernardo Bertolucci haben mit ihm gearbeitet.<br />
Sterling Hayden (1916–1986) ist als Schauspieler ebenso<br />
hoch geachtet wie seltsam. Nicht in allen seiner<br />
über 60 Filme war er gefordert. Seltsam schlafwandlerisch<br />
geht er oft durch seine Filme, cooler noch und<br />
distanzierter als Robert Mitchum. Die Augen, ohnehin<br />
für einen Mann seiner Größe zu klein, sind oft in unerreichbare<br />
Ferne gerichtet. Eine tiefe Heimatlosigkeit<br />
zeichnet ihn, seine Körperlichkeit und Kraft stehen dazu<br />
in eigentümlichem Kontrast. Er ist präsent auf der Leinwand,<br />
keine Frage, und mit seinen 1,95 m oft der Größte<br />
am Set. »Das ist eine Menge Mann, die du in diesen<br />
Stiefeln herumträgst, Fremder« sagt John Carradine zu<br />
ihm in JOHNNY GUITAR. Und dennoch ist dieser Mann<br />
tief verletzlich und verwundbar. Kim Morgan hat Hayden<br />
einmal in Sight & Sound gar mit Jesus verglichen.<br />
Wenn Robert Mitchum eine Karriere daraus gemacht<br />
hat, sich um nichts zu scheren (»Baby, I don’t care«),<br />
gibt es bei Hayden nicht einmal das Nichts. Wenn er<br />
die Nase rümpft, dann tut er das auch über sich selbst.<br />
Wenn am Ende von Kubricks THE KILLING das geraubte<br />
Geld in alle Winde zerstiebt, dreht er sich weg. Kunst?<br />
Ambition? Größenwahn? Hayden steht stattdessen der<br />
Fatalismus im Gesicht. Er hat echte Schiffbrüche erlitten,<br />
er war auch im wahren Leben DER HAVARIST – wie<br />
der ihm gewidmete Brecht’sche Spielfilm heißt.<br />
Kinogänger kennen Sterling Hayden als JOHNNY<br />
GUITAR, den nur noch mit einer Gitarre bewehrten, des<br />
Kämpfens müden Cowboy zwischen zwei Frauen aus<br />
jenem TruColor-Western von Nicholas Ray, der von der<br />
Surrealistischen Bewegung inszeniert zu sein scheint.<br />
(Wen sonst als Hayden könnte man sich in dieser<br />
Rolle vorstellen?) Kennen ihn als General Jack D. Ripper,<br />
der in Stanley Kubricks DR. STRANGELOVE OR HOW I<br />
LEARNED TO STOP WORRYING AND LOVE THE BOMB<br />
den Dritten Weltkrieg anfängt, oder als den baumlangen<br />
Gangster Dix Handley, der in John Hustons THE ASPHALT<br />
JUNGLE auf einer Pferdeweide in Kentucky ins Gras<br />
Sterling Hayden<br />
61
sinkt und stirbt. Vielleicht auch als Walfänger, der in<br />
einer Westernstadt mit der Harpune zum Duell schreitet<br />
(TERROR IN A TEXAS TOWN), als trunksüchtigen<br />
Schriftsteller in Altmans THE LONG GOODBYE oder<br />
als Landarbeiter-Patriarch in Bertoluccis NOVE CENTO.<br />
Nur auf wenige Rollen war Hayden stolz. Dix Handley<br />
gehört dazu. »Ich glaube nicht, dass es viele andere<br />
Beschäftigungen gibt, bei denen du so gutes Geld bekommst<br />
und nicht genau weißt, was du da eigentlich<br />
machst«, sagte er einmal. Die Schauspielerei blieb ihm<br />
recht fremd. Rüdiger Vogler muss man erlebt haben,<br />
wenn er, von bodenloser Nachdenklichkeit erfüllt, als<br />
einer der drei Hayden-Darsteller in Wolf-Eckart Bühlers<br />
DER HAVARIST sagt: »Aber was, wenn der Schauspieler<br />
den größten Teil seiner Schauspielerei gar nicht vor der<br />
Kamera verrichtet – wenn er vor der Kamera noch am<br />
allerwenigsten Schauspieler ist?«<br />
Arbeiten hatte Hayden auf die harte Art gelernt, als<br />
Schiffsjunge, beim Rudern in den Beifang-Dorys im<br />
sturmgepeitschten Nordatlantik, bei den Fischern von<br />
Neuengland, den Gloucestermen aus Massachusetts,<br />
die auf den Grand Banks mit den kanadischen Bluenoses<br />
um die besten Kabeljaufänge konkurrierten. Es<br />
galt, als erster mit dem Fang zurück am Pier zu sein.<br />
Hayden lernte so auch von Kapitalismus und Produktionsverhältnissen:<br />
Zwei Cent erhielt die Crew pro Pfund<br />
Fisch; bis mittags, wenn seine Mutter zum Einkauf kam,<br />
stieg der Preis auf elf.<br />
Zeitlebens liebte er es, in rauester See zu segeln, er<br />
war ein Windjammermann, ein Natural. Das Fieber der<br />
Schiffe ergriff ihn schon jung. Im Alter von 20 Jahren<br />
ging er als Erster Offizier mit dem Schoner »Yankee«<br />
auf eine Weltumsegelung. Im Jahr darauf gehörte er als<br />
Navigator zum Siegerteam des Fishermen’s Cup, des<br />
Sterling Hayden<br />
62<br />
Stanley Kubrick und Sterling Hayden bei den Dreharbeiten zu THE KILLING
»Rennens für wirkliche Seeleute«, bei dem nur Crews<br />
und Schoner aus dem tatsächlichen Fischeralltag teilnahmeberechtigt<br />
waren. »Sailor Like Movie Idol« stand<br />
unter dem Zeitungsfoto. Es wurde der Grundstein für<br />
Haydens Hollywoodkarriere. Zuvor aber segelte er noch<br />
einen Dreimaster nach Tahiti, ging erst nach Hollywood,<br />
als eine gerade erworbene frühere Kaiser-Yacht (die<br />
»Meteor III«) havarierte. Paramount Pictures nahm ihn<br />
als »den schönen blonden Wikinger-Gott« und »The<br />
Most Beautiful Man in Movies« unter Vertrag. In seinem<br />
ersten Film, dem Drama VIRGINIA, fand er sich neben<br />
Fred MacMurray und dem englischen Star Madeleine<br />
Carroll. Die Arbeit fand er lächerlich überbezahlt und<br />
belanglos, weil sie nicht zu spüren war und sich niemand<br />
richtig scherte. Aber sie brachte Geld für ein<br />
neues Schiff, und aus der Affäre mit Miss Carroll wurde<br />
eine Ehe (die erste von vieren). Beide unterbrachen<br />
wegen des Zweiten Weltkriegs ihre Karrieren.<br />
Er meldete sich zu den Marines, machte eine Geheimdienstkarriere,<br />
tat das, was er von der Pike auf gelernt<br />
hatte: nämlich mit Schiffen umzugehen. Als OSS-Agent<br />
dirigierte er von Bari aus eine Nachschubflotte von 400<br />
Booten für Titos jugoslawische Partisanen in der Adria,<br />
sprang auch hinter den Linien mit dem Fallschirm ab.<br />
Vom Kampfesgeist der Balkankämpfer und ihrem Glauben<br />
an eine Sache stark beeindruckt, wurde er, zurück<br />
in L.A., Mitglied der Kommunistischen Partei Amerikas<br />
– für ein halbes Jahr. Die Theoriediskussionen langweilten<br />
ihn schnell, aber er geriet dennoch zwischen die<br />
Fronten. Der hochdekorierte Marineoffizier, als einziger<br />
US-Soldat des Zweiten Weltkriegs von den USA wie von<br />
den Kommunisten (Tito) ausgezeichnet, ließ sich zu<br />
einer »patriotischen Aktion« überreden und sagte am<br />
10. April 1951 als freundlicher Zeuge vor dem Kongressausschuss<br />
zur Untersuchung unamerikanischer<br />
Umtriebe (HUAC) aus. Im Klima der Kommunistenhatz,<br />
in der die Hollywood-Kolumnistin Hedda Hopper »Konzentrationslager<br />
für die Roten« forderte, »ehe es zu spät<br />
ist«, fürchtete er, das Sorgerecht für seine Kinder zu<br />
verlieren. Also nannte er Namen. Ronald Reagan, damals<br />
(erst) Präsident der Schauspielergilde, schickte<br />
ihm ein Telegramm: »Sterling, ich bin stolz auf dich!«<br />
Über 2000 Presseausschnitte feierten ihn als Helden:<br />
»Hayden Strips Bare His Commie Past.«<br />
Hollywood belohnte ihn mit einer schnellen Folge von<br />
Filmen. Doch Hayden zerbrach fast an seinem Verrat.<br />
»Es kommt wohl selten vor, dass ein Mann mit Lobeshymnen<br />
überschüttet wird für etwas, wofür er sich zutiefst<br />
verachtet«, meinte er später. Verlorenheit lernte<br />
er nicht auf den Weltmeeren, sondern in Hollywood<br />
kennen. Zeit seines Lebens verachtete Hayden sich für<br />
seine bitter bereute Tat. »Shirley« nannte er sich in den<br />
Phasen der Selbstbezichtigung.<br />
Über viele Jahre lag er mit sich selbst im Krieg.<br />
Auch das steht in seinen Augen. Dreimal hat er die<br />
Welt umsegelt, 18 Schiffe hat er im Lauf seines Lebens<br />
besessen, vom Dreimastschoner bis zur Flussbarkasse,<br />
eines davon am Tag seines Eintritts in die KPUSA<br />
gekauft und »Quest« (Suche) getauft. »Nicht viele können<br />
von sich sagen, diese zwei Dinge an einem Tag<br />
gemacht zu haben«, kommentierte er das lakonisch.<br />
Seine 1964 erschienene Biografie »Wanderer« ist ein<br />
schonungsloses Buch der Abrechnung mit sich selbst,<br />
literarisch hochrangig, der Beat Generation ebenso<br />
zuzurechnen wie den großen Autoren der Ozeane. Bis<br />
heute hat sich dafür kein deutscher Verlag gefunden.<br />
Ebenso wenig wie für »Voyage. A Novel of 1896«, seine<br />
»great American novel« über zwei Schiffspassagen, die<br />
eine durch die Südsee nach Japan, die andere um Kap<br />
Hoorn, zugleich eine Klassengeschichte Amerikas und<br />
der Arbeiterbewegung. 700 gewaltige Seiten, das beste<br />
Seefahrerbuch seit »Moby Dick«.<br />
Hayden blieb ein Suchender, ein Nonkonformist. Marie<br />
Windsor, die mit ihm in THE KILLING spielte, sagt: »Ich<br />
habe Sterling Hayden ziemlich gut gekannt. Er war ein<br />
stiller Mann, der im Lauf der Jahre immer komplizierter<br />
und vielschichtiger wurde.«<br />
Seine Karriere hatte Brüche. Filme 1941 und<br />
1942, dann ab in den Krieg, 1949 Rückkehr im John-<br />
Wayne-Western EL PASO und dem Film noir MAN-<br />
HANDLED. 1950 John Hustons THE ASPHALT JUNGLE,<br />
dann die HUAC-Katastrophe mit dem Verrat an sich<br />
selbst, von Hollywood belohnt mit einem Rausch von<br />
Filmen, in vielen von ihnen neben sich stehend, seltsamerweise<br />
nur ein einziger Piratenfilm dabei (THE<br />
GOLDEN HAWK), 1956 in Kubricks THE KILLING, 1958<br />
Flucht auf die See und Bruch mit Hollywood, 1963 seine<br />
Autobiografie »Wanderer«, 1964 wieder Kubrick mit<br />
DR. STRANGELOVE, und ab da nur noch selten Filme.<br />
Die letzte Arbeit in der TV-Bürgerkriegsserie THE BLUE<br />
AND THE GRAY als der Revolutionär John Brown –<br />
»Raising Holy Hell«.<br />
Alf Mayer<br />
The Asphalt Jungle (Asphalt-Dschungel) | USA 1950<br />
| R: John Huston | B: Ben Maddow, John Huston, nach<br />
dem Roman von W.R. Burnett | K: Harold Rosson | M:<br />
Miklós Rózsa | D: Sterling Hayden, Jean Hagen, James<br />
Whitmore, Louis Calhern, Sam Jaffe, Marilyn Monroe |<br />
112 min | OF | Alles, was man sich nur wünschen kann,<br />
ein Edelstein. Hustons bester Film noir – und Haydens<br />
Lieblingsrolle. Ein Klassiker des Gangsterfilms nach einem<br />
Roman von W.R. Burnett, allen Moralins entkleidet.<br />
Sterling Hayden<br />
63
Sterling Hayden<br />
64<br />
Taffe Dialoge und harte Charaktere auf beiden Seiten<br />
des Gesetzes, eine junge Marilyn Monroe und Jean<br />
Hagen als Haydens Gegenüber, deren Filmname »Doll«<br />
nichts Lächerliches hat. Alles überschattet von der aufziehenden<br />
Kommunistenhatz in Hollywood, die Hauptdarsteller,<br />
Drehbuchautor und viele andere traf. Huston<br />
zog 1952 nach Irland, Hayden litt lebenslang.<br />
Freitag, 19. Mai 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Denver & Rio Grande (Terror am Rio Grande) | USA<br />
1952 | R: Byron Haskin | B: Frank Gruber | K: Ray Rennahan<br />
| M: Paul Sawtell | D: Edmond O’Brien, Sterling<br />
Hayden, Dean Jagger, Lyle Bettger, ZaSu Pitts | 89 min |<br />
OF | Ein Eisenbahnfilm über zwei konkurrierende Eisenbahngesellschaften<br />
von einem Regisseur, der weiß, wie<br />
man Landschaft dreht. Ray Rennahan, einer der ganz<br />
großen Technicolor-Kameraleute, setzt die über 60 historischen<br />
Fahrzeuge aus dem 19. Jahrhundert ins Bild,<br />
die für diesen Film reaktiviert wurden, darunter sechs<br />
Dampflokomotiven. Mit einer schönen Schurkenrolle<br />
für Hayden und mit zwei Zügen, die (von fünf Kamerateams<br />
gefilmt) aufeinander krachen. Edmond O’Brien<br />
als Haydens Widersacher, baumstammdicke Klischees<br />
und tolle Nebendarsteller, nicht nur das Drehbuch von<br />
Pulpautor Frank Gruber lässt die Funken stieben.<br />
Samstag, 20. Mai 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Prince Valiant (Prinz Eisenherz) | USA 1954 | R: Henry<br />
Hathaway | B: Dudley Nichols, nach dem Comic Strip<br />
von Hal Foster | K: Lucien Ballard | M: Franz Waxman<br />
| D: Robert Wagner, Janet Leigh, James Mason, Debra<br />
Paget, Sterling Hayden | 100 min | OmU | Ein Ritterfilm<br />
von hohen Graden, heute wohl camp pur. Robert<br />
J. Wagner, der sich in seiner Autobiografie immer noch<br />
über seine Perücke als Knappe von Haydens Sir Gawain<br />
geniert: »Dieser Film hat mir einige lebenslange<br />
Freunde eingebracht, Janet Leigh etwa und Lucien Ballard.<br />
Und ich lernte auch Sterling Hayden kennen, einen<br />
Mann, der – bis auf einige Ausnahmen – als Mensch<br />
sehr viel interessanter war als seine Rollen. Er war ein<br />
Purist mit interessanten politischen Ansichten, ziemlich<br />
weit links. Und er war ohne Frage einer der erfahrensten<br />
Seeleute, die ich je getroffen habe. Auf dem Schiff<br />
war er der Künstler, der er immer sein wollte.«<br />
Sonntag, 21. Mai 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Johnny Guitar (Wenn Frauen hassen) | USA 1954 |<br />
R: Nicholas Ray | B: Philip Yordan, Ben Maddow, Nicholas<br />
Ray, nach dem Roman von Roy Chanslor | K: Harry<br />
Stradling | M: Victor Young | D: Joan Crawford, Sterling<br />
Hayden, Mercedes McCambridge, Scott Brady, Ward<br />
Bond | 110 min | OF | Der seltsamste aller Western. Und<br />
einer der größten. »Ich habe bis heute keine Ahnung,<br />
worum es in diesem Film geht. Es war auch eine extrem<br />
schwere Zeit für mich. Am Abend lag ich mit meiner<br />
Frau im Krieg und tagsüber mit Joan Crawford. Joan<br />
machte allen das Leben zur Hölle. Und ich versuchte,<br />
Johnny Guitar zu spielen, aber ich kann weder Gitarre<br />
spielen, noch kann ich singen. In ganz Hollywood gäbe<br />
es nicht genug Geld, um mich je wieder in einen Film<br />
mit Joan zu locken. Und ich liebe Geld. An die Popularität<br />
des Films habe ich mich einigermaßen gewöhnt, in<br />
Frankreich ist es ein Kultfilm, in den USA hat niemand<br />
davon gehört.« (Sterling Hayden)<br />
Freitag, 26. Mai 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Suddenly (Der Attentäter) | USA 1954 | R: Lewis Allen<br />
| B: Richard Sale | K: Charles G. Clarke | M: David Raksin<br />
| D: Frank Sinatra, Sterling Hayden, Nancy Gates, Kim<br />
Charney, James Gleason | 75 min | OF | Ein Film noir<br />
wie ein Uhrwerk mit einem jazzigen, kantigen, komplex<br />
rhythmischen Score von David Raksin. Eine Perle des<br />
B-Films, nach dem Kennedy-Attentat von Hauptdarsteller<br />
Frank Sinatra aus dem Verkehr gezogen. Hayden<br />
als Kleinstadt-Cop in einem Nervenkrieg mit dem<br />
Auftragskiller John Baron, der den US-Präsidenten bei<br />
einem Zwischenstopp in der Kleinstadt erschießen will.<br />
Hier treffen auch zwei Schauspielkonzepte aufeinander.<br />
Hayden, ganz und gar minimalistisch, gewinnt. Nebenbei<br />
erfahren wir, wozu ein kaputter Fernseher gut ist,<br />
und lernen, wie wichtig es sei, dass Knaben mit Waffen<br />
aufwachsen, damit sie nicht zu Weicheiern werden.<br />
Samstag, 27. Mai 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
The Killing (Die Rechnung ging nicht auf) | USA<br />
1956 | R: Stanley Kubrick | B: Stanley Kubrick, Jim<br />
Thompson, nach dem Roman »Clean Break« von Lionel<br />
White | K: Lucien Ballard | M: Gerald Fried | D: Sterling<br />
Hayden, Coleen Gray, Vince Edwards, Marie Windsor,
Elisha Cook Jr. | 85 min | OF | Voll gepackt mit Schauspielveteranen<br />
und dem Geist des Film noir, in nur 20<br />
Tagen gedreht – der Schnitt brauchte mehr – wird lange<br />
vor Tarantino nonlinear erzählt. »Schon in Kubricks<br />
erstem von ihm selbst ernst genommenen Film muss<br />
Sterling Hayden, nachdem der Millionenraub geklappt<br />
hat, ohnmächtig zusehen, wie der Geldkoffer auf dem<br />
Weg zum Flugzeug vom Transporter fällt und die Scheine<br />
im Propellersog über das Flughafengelände wirbeln.<br />
Man sieht daran, dass Kubrick sich von Anfang an für<br />
Geschichten interessierte, in denen das Leben allen Visionen<br />
von der Berechenbarkeit des Menschen einen<br />
Strich durch die Rechnung macht.« (Michael Althen)<br />
Sonntag, 28. Mai 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Crime of Passion (Das war Mord, Mr. Doyle) | USA<br />
1958 | R: Gerd Oswald | B: Jo Eisinger | K: Joseph La-<br />
Shelle | M: Paul Dunlap | D: Barbara Stanwyck, Sterling<br />
Hayden, Raymond Burr, Fay Wray, Virginia Grey | 84<br />
min | OF | Aus Spaß wird Ernst, eine schlagfertige Zeitungskolumnistin<br />
lernt einen harten Polizisten kennen.<br />
Natürlich ist es undenkbar, dass sie in der Ehe weiter<br />
arbeitet. Sie erträgt die Untätigkeit nicht und leidet darunter,<br />
dass ihr Mann keinerlei Ehrgeiz hat. Also nimmt<br />
sie seine Karriere in die Hand, befreundet sich mit der<br />
Frau seines Vorgesetzten und flirtet mit ihm. Stanwyck<br />
war 50 und Hayden 41, als sie hier aufeinander trafen<br />
und außer Kraft setzten, was sie eingangs so postulierte:<br />
»Ehe, das ist Propaganda – nicht für mich!« Ein Film<br />
auf dem Höhepunkt des Schaffens von Gerd Oswald,<br />
dem Sohn von Richard Oswald, angesiedelt an der<br />
Grenzlinie von Film noir und Screwball Comedy.<br />
Freitag, 2. Juni 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Terror in a Texas Town (Sturm über Texas) | USA 1962<br />
| R: Joseph H. Lewis | B: Dalton Trumbo | K: Ray Rennahan<br />
| M: Gerald Fried | D: Sterling Hayden, Sebastian<br />
Cabot, Ned Young, Carol Kelly, Eugene Martin | 80 min |<br />
OF | Kameramann Ray Rennahan war schon für die Farbsequenzen<br />
in der 1923er Version der TEN COMMAND-<br />
MENTS verantwortlich gewesen, hatte Oscars für GONE<br />
WITH THE WIND und BLOOD AND SAND gewonnen.<br />
Hayden (mit schwedischem Akzent) kommt als Walfänger<br />
in seinen Heimatort zurück, wo sein Vater von einem raffgierigen<br />
Ölbaron ermordet worden ist. Zum finalen Duell<br />
kommt er mit einer Harpune. Der Soundtrack klingt wie<br />
aus einem Beatnik-Nachtclub. Das Drehbuch stammte<br />
vom blackgelisteten Dalton Trumbo, vor der Kamera traf<br />
Hayden auf Nedrick Young, der vor dem HUAC-Komitee<br />
die Aussage verweigert hatte.<br />
Samstag, 3. Juni 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Leuchtturm des Chaos | BRD 1982 | R+B: Wolf-Eckart<br />
Bühler, Manfred Blank | K: Bernd Fiedler | mit<br />
Sterling Hayden | 118 min | engl. OmU | Die New York<br />
Times sah hier »documentary film making […] at its<br />
most laissez faire« am Werk. Tatsächlich entstand der<br />
Film spontan und aus der hohlen Hand, allerdings mit<br />
einem in der Sache höchst vorbereiteten Filmemacher.<br />
Wolf-Eckart Bühler hatte Hayden auf einer Barkasse<br />
in Frankreich ausfindig gemacht, um sich die Filmrechte<br />
für dessen Autobiografie »Wanderer« zu holen,<br />
hatte das darauf beruhende Drehbuch dabei, was den<br />
ehemaligen Holly woodstar dazu brachte, ihn zu einer<br />
schnellen Dokumentation einzuladen. So entstand ein<br />
schonungsloses Porträt, das sich meilenweit von anderen<br />
unterscheidet. Ein ziemlich einzigartiges, heftiges<br />
Dokument der Filmgeschichte.<br />
Sonntag, 4. Juni 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr | Zu Gast: Wolf-<br />
Eckart Bühler<br />
Dr. Strangelove, or How I Learned to Stop Worrying<br />
and Love the Bomb (Dr. Seltsam oder Wie ich lernte,<br />
die Bombe zu lieben) | USA 1964 | R: Stanley<br />
Kubrick | B: Stanley Kubrick, Terry Southern, Peter<br />
George, nach dem Roman »Red Alert« von Peter<br />
George | K: Gilbert Taylor | M: Laurie Johnson | D:<br />
Peter Sellers, George C. Scott, Sterling Hayden, Keenan<br />
Wynn, Peter Bull, James Earl Jones | 95 min | OmU |<br />
Hayden hatte einen schrecklichen ersten Tag vor der<br />
Kamera: 48 Takes mit einer Zigarre im Mund, jeder<br />
Dialogsatz schlimmer als der andere. Als er sich bei<br />
Kubrick entschuldigte, sagte der: »Gräm dich nicht.<br />
Der Terror in deinem Gesicht könnte uns gerade die<br />
Qualität geben, die wir brauchen.« Haydens Rolle in<br />
der – wieder äußerst aktuellen – pechschwarzen Weltuntergangskomödie<br />
ist dramatisch. Er löst den Dritten<br />
Weltkrieg aus und liefert dabei eines der akkuratesten<br />
Porträts von Militarismus.<br />
Montag, 5. Juni 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Sterling Hayden<br />
65
Sterling Hayden<br />
66<br />
Der Havarist | BRD 1983 | R: Wolf-Eckart Bühler | B:<br />
Wolf-Eckart Bühler, nach der Autobiografie »Wanderer«<br />
von Sterling Hayden | K: Peter Gauhe | M: Konstantin<br />
Wecker | D: Burkhard Driest, Rüdiger Vogler, Hannes<br />
Wader, Nicolas Brieger, Hans Michael Rehberg | 100<br />
min | Die selbstkritische Autobiografie des Seefahrers,<br />
Partisanenkämpfers, Hollywood-Stars, Kommunisten<br />
und FBI-Kollaborateurs Sterling Hayden als Literaturverfilmung,<br />
Tiefenanalyse, politisches Lehrstück, Exkurs<br />
in den Film noir, im Geiste von Straub & Huillet, von<br />
Brecht, Peter Weiss und Kellers »Der grüne Heinrich«.<br />
Ein geradezu symphonisch gefügtes Werk, die Titelrolle<br />
auf drei Schauspieler aufgespalten, die Musik von Konstantin<br />
Wecker komponiert, das heftige Klavierstück zu<br />
Beginn eine Deklination des wilden Ritts, der die Zuschauer<br />
erwartet. Ein politischer Film – heute sogar<br />
mehr denn je. Anpassung und Selbstverrat sind überall.<br />
Freitag, 9. Juni 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr | Zu Gast: Wolf-<br />
Eckart Bühler<br />
The Godfather (Der Pate) | USA 1972 | R: Francis Ford<br />
Coppola | B: Mario Puzo, Francis Ford Coppola, nach<br />
dem Roman von Mario Puzo | K: Gordon Willis | M: Nino<br />
Rota | D: Marlon Brando, Al Pacino, James Caan, Robert<br />
Duvall, Sterling Hayden | <strong>17</strong>5 min | OmU | »Einer der<br />
amerikanischen Klassiker, die das Wiedersehen immer<br />
wieder lohnen« (David Thomson). Zum Beispiel für Al<br />
Pacinos vielleicht wichtigste Szene. Als er in Gefahr<br />
stand, vom Projekt gefeuert zu werden, wurde sie der<br />
Wendepunkt seiner ganzen Schauspielerkarriere. Hayden<br />
als Kollege gab ihm Schub und das Gegenüber für<br />
die Szene, in der Michael Corleone sich aufrafft, stählt<br />
und zum ersten Mal tötet, indem er mitten in einem Lokal<br />
den korrupten, eisenharten Polizei-Captain McCluskey<br />
(Sterling Hayden) und den Mafiaboss Sollozzo (Al<br />
Lettieri) erschießt. Dies war auch jenseits der Leinwand<br />
Pacinos Durchbruch zum badass, eine Befreiung. Ab da<br />
war ihm alles zuzutrauen.<br />
Samstag, 10. Juni 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
The Long Goodbye (Der Tod kennt keine Wiederkehr)<br />
| USA 1973 | R: Robert Altman | B: Leigh Brackett,<br />
nach dem Roman von Raymond Chandler | K: Vilmos<br />
Zsigmond | M: John Williams | D: Elliott Gould, Nina van<br />
Pallandt, Sterling Hayden, Mark Rydell, Henry Gibson,<br />
Arnold Schwarzenegger | 112 min | OF | Das Drehbuch<br />
dieser Chandler-Verfilmung stammt von Leigh Brackett,<br />
1946 schon bei THE BIG SLEEP von Howard Hawks<br />
mit Humphrey Bogart dabei. Elliott Gould ist ein cooler<br />
Philip Marlowe, Hayden als der manisch-depressive,<br />
ruhm- und trunksüchtige Schriftsteller Roger Wade<br />
wirkt eigentümlich peripher und bildet doch das Zentrum.<br />
Wenn er sagt, »Ich bin ein Mann, der es nicht aushält,<br />
eingesperrt zu sein«, sagt er das auch über sich<br />
selbst. Robert Altman: »Hayden spielte dieselbe Szene<br />
zwei Mal, einmal war er betrunken, einmal bekifft, beide<br />
Male war er großartig.«<br />
Sonntag, 11. Juni 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Novecento (1900) | Italien 1976 | R: Bernardo Bertolucci<br />
| B: Franco Arcalli, Giuseppe Bertolucci, Bernardo<br />
Bertolucci | K: Vittorio Storaro | M: Ennio Morricone |<br />
D: Robert de Niro, Gérard Depardieu, Dominique Sanda,<br />
Sterling Hayden, Stefania Sandrelli, Burt Lancaster,<br />
Donald Sutherland, Alida Valli | 162 min (Teil 1), 154<br />
min (Teil 2) | engl. OmU | Der epische Klassenkampf,<br />
gesehen durch die Augen zweier Kindheitsfreunde am<br />
Anfang des 20. Jahrhunderts in Italien. Auf Augen höhe<br />
sind hier auch Burt Lancaster und Sterling Hayden, dieser<br />
sogar viriler. Sie sind die Patriarchen. Hayden als<br />
bäuerlicher Großvater Leo Dalco in einer großen proletarischen<br />
Rolle: »Zuerst waren die Bauern in der Welt,<br />
erst dann kamen die Patrone.« Bertolucci traf Hayden<br />
in Beverly Hills und verpflichtete ihn als italienischen<br />
Bauern. »Warum mich?«, fragte ihn Hayden. Bertolucci<br />
antwortete: »Als ich jung war, hat mich THE ASPHALT<br />
JUNGLE auf immer beeindruckt. Deshalb.«<br />
Freitag, 16. Juni 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr (Teil 1: Gewalt,<br />
Macht, Leidenschaft) Samstag, <strong>17</strong>. Juni 20<strong>17</strong>, 21.00<br />
Uhr (Teil 2: Kampf, Liebe, Hoffnung)<br />
The Outsider (Verrat in Belfast) | USA 1979 | R+B:<br />
Tony Luraschi, nach dem Roman von Colin Leinster |<br />
K: Ricardo Aronovich | M: Ken Thorne | D: Craig Wasson,<br />
Sterling Hayden, Patricia Quinn, Niall O‘Brien, T.P.<br />
McKenna | 122 min | OF | Einer der unbekanntesten<br />
und einer der besten Filme über die »Troubles« in Irland.<br />
Man kann Schlechteres über einen Film sagen, als dass<br />
er an Melvilles L’ARMÉE DES OMBRES anknüpft und<br />
dessen Direktheit hat. Luraschi war Regieassistent bei<br />
Stanley Kramer und Roger Vadim, versank nach diesem<br />
wenig erfolgreichen Erstling wieder in die Obskurität.<br />
Craig Wasson spielt einen amerikanischen Vietnam-<br />
Veteranen, der sich für seinen Großvater (Sterling Hayden)<br />
der IRA anschließt. Die eine Szene zwischen ihnen<br />
trägt den Film. Dass britische Offiziere folterten und<br />
sich beide Seiten des Konfliktes in zynischen Propagandaspielchen<br />
ergingen, weckte in den USA unliebsame<br />
Erinnerungen an Vietnam.<br />
Mittwoch, 21. Juni 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr
2. Juni 1967 und danach<br />
LIEBE UND SO WEITER<br />
Was man ihnen, den Filmen und den Protagonisten<br />
damals, am allerwenigsten nachsagen könnte, wäre<br />
Gelassenheit. Kämpferisch, eifernd, sendungsbewusst<br />
und aufgebracht sieht man sie in den Dokumentarfilmen<br />
der späten 1960er und frühen 1970er Jahre; in<br />
den Spielfilmen spürt man die Aufregung und Unruhe<br />
kaum weniger. Die Bereitschaft zur Diskussion schien<br />
groß zu sein, aber sie diente zu oft nur der Darstellung<br />
des eigenen Standpunkts, und die linken Proteste<br />
unterschieden sich in ihrer Wut kaum von der<br />
rechten Gegenseite, wenngleich deren Sprache die<br />
Parolen der Demonstranten auf der Straße an geistigem<br />
Niveau noch unterbot. Franz-Josef Strauß neigte<br />
zu Vergleichen mit wilden Tieren; Franz-Xaver Unertl,<br />
ein CSU-MdB, der damals auch gerne die Todesstrafe<br />
wieder eingeführt hätte, nannte Rudi Dutschke<br />
»eine ungewaschene, verlauste, verdreckte Kreatur«<br />
– so überliefert es Helga Reidemeister in ihrem Rückblick<br />
AUFRECHT GEHEN. RUDI DUTSCHKE – SPUREN<br />
(1988). Der zeit liche Abstand zu den 1968er Jahren tut<br />
nicht nur diesem Film gut und bewahrt das Ergebnis,<br />
bei aller Sympathie, vor hagiographischen Momenten.<br />
Archivmaterial ist reichlich vorhanden und eher den<br />
kämpferischen Filmstudenten der DFFB in Berlin zu<br />
verdanken als irgendeiner bewussten Aufmerksamkeit<br />
der TV-Redakteure. Die Wochenschauen lieferten<br />
vorzugsweise die Dokumente der politischen Gegner;<br />
sie erscheinen heute eher noch hasserfüllter als die<br />
gewachsene Gewaltbereitschaft der Studenten auf der<br />
Straße. Wer heute das Vokabular von Pegida und AfD<br />
beklagt, wird sich wundern, wenn er an die Sprache<br />
und an das Gedankengut der damaligen Großen Koalition<br />
erinnert wird.<br />
Im Nachhinein überrascht auch die unendliche<br />
Diskrepanz zwischen den vielen voller Leidenschaft<br />
geführten Diskussionen und einer tragfähigen Diskussionsbereitschaft.<br />
Ideologische Selbstgewissheiten<br />
dominierten, damals waren, auch in den Filmen, erstaunlich<br />
viele Verkünder von Heilslehren unterwegs,<br />
wie Fassbinders Hirte Hans Böhm, der in DIE NIKLAS-<br />
HAUSER FART (1970) den Aufstand der Armen predigt<br />
oder Lemkes Studentin Anka in BRANDSTIFTER,<br />
die nicht länger diskutieren, sondern endlich bomben<br />
will. Aber auch Ikonen des Protests, wie Fritz Teufel<br />
und noch mehr Dieter Kunzelmann (in Georg Hafners<br />
MÜNCHEN 1970 und in AUFRECHT GEHEN) befremden<br />
aus heutiger Sicht durch ihre offenkundige Unfähigkeit,<br />
eigene Meinungen zu überdenken oder zur Diskussion<br />
zu stellen. Die Zeit der APO waren auch Jahre der<br />
apodiktischen Verkünder. Bei aller erkennbaren Radikalität<br />
erscheint allein Rudi Dutschke dazu bereit, auch<br />
einmal eingenommene Positionen zu überdenken oder<br />
Zweifel zuzulassen. Besonders dem suchenden Fassbinder<br />
– auch darin war er bis zu seinem Beitrag zu<br />
DEUTSCHLAND IM HERBST eine Ausnahme – bedeuten<br />
die gestellten Fragen weit mehr als die gegebenen Antworten.<br />
Merkwürdigerweise erweisen sich auch viele<br />
prominente Bildende Künstler von damals als etwas<br />
selbstverliebt, auch in die eigenen Parolen, manchmal<br />
bis zur Eifersucht, wie es zwischen Wolf Vostell und<br />
Joseph Beuys in Helmut Herbsts enzyklopädisch großer<br />
und leidenschaftlicher Bestandsaufnahme HAPPENING.<br />
KUNST UND PROTEST 1968 zu beobachten ist.<br />
Von der Ikone zur Heroisierung ist es nur ein kleiner<br />
Schritt. Die Sehnsucht der protestierenden Studenten<br />
nach Harmonie mit den Arbeitern war nicht nur vergeblich,<br />
sondern verkannte auch die Wirklichkeit. In den Filmen<br />
kommt das kaum noch vor, allein Dutschke schien<br />
den Widerspruch klar erkannt zu haben – im Gegensatz<br />
zu manchen Filmemachern. Ich erinnere mich an die<br />
Kurzfilmtage in Oberhausen, es war wohl 1969. Da lief<br />
eine ganze Reihe von Dokus über diskutierende Arbeiter,<br />
die allesamt wie von angehenden Filmemachern zur<br />
Meinungsäußerung genötigt erschienen. Das Peinliche<br />
daran war, dass man sie kaum verstehen konnte, weil<br />
einfach der Ton zu schlampig aufgenommen wurde<br />
2. Juni 1967<br />
67
2. Juni 1967<br />
68<br />
und die Kamera einen chancenlosen Kampf gegen Unschärfen<br />
und Wackler führen musste. Meine Fragen, ob<br />
man damit den Arbeitern einen Dienst erweisen würde,<br />
wenn sie weder im Focus zu sehen noch akustisch zu<br />
verstehen sind, wurden in den folgenden Diskussionen<br />
abgeschmettert: Sie seien Ausdruck einer »bürgerlichen<br />
Scheiß-Ästhetik«. Manches Opus hatte damals<br />
seine Aufnahme ins Festivalprogramm allein dem<br />
Umstand zu verdanken, dass darin, wie auch immer,<br />
Arbeiter vorkamen.<br />
Im Rückblick ist es erstaunlich und nur mit einem<br />
heute kaum noch vorstellbaren politischen Engagement<br />
von Filmemachern und Produzenten zu erklären,<br />
wie viele Dokumentarfilme damals entstanden, die<br />
schon wegen ihrer Länge so gut wie keine Chancen auf<br />
eine Aufführung im Kino hatten und deren Herstellung<br />
auf 16mm-Filmmaterial weit kostspieliger war als die<br />
heutige digitale Technik. Aber es gab weit mehr alternative<br />
Spielstätten als heute, und die TV-Redaktionen,<br />
vor allem in den dritten Programmen, waren in einem<br />
ganz anderen Ausmaß für Abweichungen zu gewinnen;<br />
die Länge der Filme war nicht so streng genormt, die<br />
Redakteure zeigten sich offener und mutiger, egal ob<br />
in ästhetischer oder politischer Hinsicht, oder auch nur<br />
in den Sendelängen einzelner Arbeiten. Unvorstellbar<br />
wäre heute, dass eine Spielfilmredaktion wie die des BR<br />
Filme des experimentierfreudigen, anarchischen Vlado<br />
Kristl (zum Beispiel seine SEKUNDENFILME) produzierte.<br />
Ebenso würde sich heute schwerlich ein Sender an<br />
dem durchaus riskanten ersten Kinofilm Peter Zadeks<br />
beteiligen, an ICH BIN EIN ELEFANT, MADAME!, bei dem<br />
der WDR 1968 als Koproduzent firmierte. Hier erreicht<br />
der Protest von Abiturienten seinen Höhepunkt, als der<br />
Schüler Rull ein Hakenkreuz auf die Fassade des Gymnasiums<br />
pinselt – eine Provokation, die heute sicher<br />
als Gegenteil des Beabsichtigten verstanden würde.<br />
Zadek lässt in einem genialen Moment des Films die<br />
Wirklichkeit einbrechen, er verlässt die Fiktion, schickt<br />
den populären TV-Moderator Guido Baumann mit einem<br />
Kamerateam auf die Straße und dokumentiert die<br />
wütenden realen Reaktionen der Bürger. Als Zuschauer<br />
hat man das Gefühl, dass es gewiss nicht die Linken<br />
sind, die sich gegen die Darstellung des NS-Symbols<br />
ereifern – eher ist das Gegenteil zu spüren.<br />
Wenn das Wiedersehen nicht eine radikale Neueinschätzung<br />
gerade der Spielfilme von damals erzwingt,<br />
dann war in ihnen häufig schon die Kompromissbereitschaft<br />
angelegt, der einige Regisseure wenig später<br />
zum Opfer fielen. Wie zum Beispiel George Moorse, der<br />
in LIEBE UND SO WEITER (1968) neue Lebensentwürfe<br />
und Utopien zu karikieren, zu parodieren und damit<br />
auch zu entschärfen beginnt. Was ihn aber mit vielen<br />
anderen Arbeiten des einstigen Neuen Deutschen<br />
Films verbindet, ist die Auflösung einer traditionellen<br />
Dramaturgie zu Gunsten erzählerischer Collagen; das<br />
mag manchmal anarchisch aussehen, dient aber oft<br />
nur als Hilfsmittel beim Versuch, Geschichten voranzubringen.<br />
Notfalls durchbricht man einfach das Erzählte<br />
und weicht aus auf dokumentarisches Material, das<br />
dramaturgisch kaum mehr als die Funktion von Zwischenschnitten<br />
erfüllt.<br />
So sehr haben sich die Zeiten geändert: Wer aus<br />
der nächsten und übernächsten Generation würde<br />
heute noch die Abkürzung »APO« verstehen? Für die<br />
Jungen sei sie entschlüsselt: »Außerparlamentarische<br />
Opposition«. So gut wie nichts ist davon geblieben, und<br />
die Filme von oder über damals evozieren heute meist<br />
das Gefühl einer unendlichen Ferne – eben auch in Zeiten,<br />
in denen die militanteren Proteste auf den Straßen<br />
und Plätzen der deutschen Städte von rechts kommen.<br />
Pegida als außerparlamentarische Opposition? Was für<br />
eine traurige Entwicklung!<br />
»Geh doch nach drüben!« Nicht nur in Zadeks<br />
Schulklasse, sondern auch auf den Straßen, vor allem<br />
in Westberlin, wird damit Kritik runtergebügelt. Leider<br />
sind auch die Filme von drüben mit den Protesten im<br />
Westen nicht so umgegangen, als hätte man vielleicht<br />
lieber »drüben« gelebt. Ein ebenso perfides wie lächerliches<br />
Stück Propaganda war Harry Hornigs OSTERN<br />
68: heute eher ein Kuriosum, damals auch deshalb<br />
ärgerlich, weil man die Tonart dieses vom DEFA-Studio<br />
für Wochenschau produzierten Dokumentarfilms (vielleicht<br />
sollte man hier für den Begriff besser Anführungszeichen<br />
verwenden!) sonst eher von den Pamphleten<br />
des Armeefilm-Studios der DDR zu erwarten hatte.<br />
Zu den ersten Studentendemos gegen Axel Springer<br />
lässt Hornig anmerken: »Die Einheitsfront gegen den<br />
geplanten Staatsstreich beginnt sich zu formieren!«<br />
Mit »Staatsstreich« sind die umstrittenen deutschen<br />
LIEBE UND SO WEITER
Notstandsgesetze (1968) gemeint. »Die Koalition ist<br />
sich einig«, behauptet der Film, »gegen Demokraten<br />
helfen nur Soldaten!« Als hätte jemals Militär in die militanten<br />
Auseinandersetzungen auf den Straßen eingegriffen<br />
– und als hätte die Bundesrepublik in Westberlin<br />
Soldaten stationiert. Auch von Mordkommandos ist<br />
die Rede – viele Jahre bevor der Polizist, der den Studenten<br />
Benno Ohnesorg erschoss, als Mitarbeiter des<br />
MfS (Ministerium für Staatssicherheit) enttarnt wurde.<br />
Der Attentäter, der auf Rudi Dutschke schoss, wird als<br />
»regierungstreuer Faschist« bezeichnet. Weil der Film<br />
den Terminus »Deutschland« vermeiden will, heißt zum<br />
Beispiel die SPD hier nur »SP«; wenn es um Demonstranten<br />
geht, dann sind es hier vor allem die wackeren<br />
Genossen von der KP – sichtbar vor allem in den<br />
gezeigten Transparenten und Plakaten. Vielleicht aber<br />
hat kein anderer Film den ideologischen Irrsinn beider<br />
Seiten – wenngleich eher unfreiwillig – treffender und<br />
gleichzeitig unwahrhaftiger abgebildet als OSTERN 68.<br />
Besonders ärgerlich ist dabei, dass der DEFA-Regisseur<br />
auch noch versucht, die Bürger seines eigenen<br />
Landes für dumm zu verkaufen.<br />
Erstaunlich wenig ist – in fast allen Filmen der Zeit –<br />
von den Einflüssen der Proteste in Frankreich die Rede;<br />
schon früh ist der Blick beschränkt auf die eigene nationale<br />
Auseinandersetzung. Allenfalls übernahmen die<br />
Spielfilmregisseure neue Formen, wie sie vor allem von<br />
Jean-Luc Godard entwickelt wurden. Mit Anspielungen<br />
auf und Anleihen bei Godard schienen sich viele<br />
deutsche Filmemacher gleichsam selbst zu adeln und<br />
legitimieren zu wollen.<br />
Vielleicht ist es am Ende ausgerechnet ein Franzose,<br />
Jean-Gabriel Périot, dem die genaueste und umfassendste<br />
Beobachtung der 1968er Generation gelungen<br />
ist. In UNE JEUNESSE ALLEMANDE, realisiert allerdings<br />
erst 2014/15, blickt er kritisch und analytisch zurück<br />
auf die Bundesrepublik der sechziger und siebziger<br />
Jahre und auf die Entwicklung der RAF und ihre pervertierte<br />
Spätphase, in der Ulrike Meinhof erklärt hatte,<br />
Polizisten seien keine Menschen, sondern Schweine.<br />
Und auf sie könne geschossen werden. Der Kompilationsfilm,<br />
mit Ausschnitten aus Arbeiten von Hellmuth<br />
Costard, Thomas Mitscherlich, Holger Meins, Helke<br />
Sander, Rainer Werner Fassbinder und anderen, auch<br />
mit zeitgeschichtlichen TV-Dokumenten und Zitaten<br />
aus Talkshows und Politmagazinen, protokolliert er mit<br />
den filmischen Entwicklungslinien die einflussreiche<br />
Geschichte der Berliner Film- und Fernsehakademie;<br />
ebenso genau berichtet er von einem Schlüsselereignis<br />
der APO, vom Besuch des Schahs und seiner begleitenden<br />
Agenten, die auf protestierende Demonstranten<br />
eindreschen durften, ohne dass die Polizei eingegriffen<br />
hätte. Im Gegenteil: Die Polizei stellte sich mit Wasserwerfern<br />
und Knüppeln auf die Seite der Schläger aus<br />
Persien. So hatte ein Staatsbesuch, der trotz aller Proteste<br />
hätte marginal bleiben können, kaum absehbare<br />
Folgen. Von ihnen erzählt auch Georg M. Hafner in<br />
MÜNCHEN 1970 – ALS DER TERROR ZU UNS KAM. Die<br />
Bundesregierung hatte nichts gegen den Rechtsbruch<br />
der Schah-Agenten unternommen, hatte gekuscht, wie<br />
1972 nach den Terror-Anschlägen der PLO und anderen<br />
Gelegenheiten, als die Täter einfach nur abgeschoben<br />
wurden, aus Angst vor weiteren, möglicherweise<br />
noch brutaleren Anschlägen. Geholfen hat das, wie<br />
man heute weiß: nichts. Die zentrale Frage, wie man<br />
Gewalt begegnen oder bewerten, begründen oder bekämpfen<br />
soll, bleibt in all diesen Filmen ungelöst. Am<br />
beeindruckendsten stellen sie Helmut Gollwitzer und<br />
Karola Bloch in AUFRECHT GEHEN. Karola Bloch, die<br />
streitbare alte Dame, gesteht zunächst ihre Freude<br />
über Tomaten, die auf reaktionäre Professoren geworfen<br />
werden. Wenig später plädiert sie für Gewalt gegen<br />
»Menschen, die dem Fortschritt schaden«! Ohne zu<br />
erläutern, was Fortschritt denn sei. Heute würde man<br />
fragen, ob zum Beispiel Gentechnik ein Fortschritt sei.<br />
Damals hielt ihr Gollwitzer, der Theologe, der sich auch<br />
für das Engagement von Christen in revolutionären Bewegungen<br />
engagierte, entgegen: »Es hat keinen Sinn,<br />
auch nur einen Stein zu werfen! Gewalt ist Selbstbefriedigung!«<br />
Sinn, so Gollwitzer, macht allein Aufklärung.<br />
Auch deshalb lohnt sich der Blick auf diese Filme.<br />
<br />
Hans Günther Pflaum<br />
Une jeunesse allemande (Eine deutsche Jugend) |<br />
Frankreich 2015 | R+B: Jean-Gabriel Périot | M: Alan<br />
Mumenthaler | 93 min | OmU | Ein Kompilationsfilm, der<br />
mit Bildern und Szenen aus Nachrichten, Filmen und<br />
Fernsehsendungen eine Geschichte der Studentenrevolte<br />
von Mitte der 1960er Jahre und der Radikalisierung<br />
einiger ihrer Protagonisten entwickelt, die 1978<br />
mit den Selbstmorden in Stammheim endet. Erstaunlich<br />
ist die Fülle wenig bekannter Filmaufnahmen aus<br />
den Archiven von Fernsehsendern und der Deutschen<br />
Film- und Fernsehakademie in Berlin.<br />
Dienstag, 30. Mai 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Ich bin ein Elefant, Madame! | BRD 1969 | R: Peter<br />
Zadek | B: Wolfgang Menge, Robert Muller, Peter Zadek,<br />
frei nach dem Roman »Die Unberatenen« von Thomas<br />
Valentin | K: Gérard Vandenberg | D: Wolfgang Schneider,<br />
Heinz Baumann, Margot Trooger, Günther Lüders,<br />
Tankred Dorst, Peter Palitzsch | 100 min | Bremen im<br />
2. Juni 1967<br />
69
2. Juni 1967<br />
70<br />
Jahr 1968: Der Schüler Rull revoltiert gegen Eltern<br />
und Lehrer. Zadek nutzt alle Stilmittel und Formen des<br />
Kinos, der hämmernde Sound von The Velvet Underground<br />
trifft auf Freddy Quinns Skandal-Lied »Wir« und<br />
Martin Böttchers Winnetou-Melodie.<br />
Mittwoch, 31. Mai 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
1968: Kunst, Protest, Happening | BRD 1981 (2010)<br />
| R: Helmut Herbst | B: Helmut Herbst, Friedrich Heubach<br />
| K: Helmut Herbst, Irina Hoppe | Mit Wolf Vostell,<br />
Allan Kaprow, Jean-Jacques Lebel, Al Hansen, Joseph<br />
Beuys, Nam June Paik, Ben Vautier, Peter O. Chotjewitz<br />
| 76 min | Ein spannender Dokumentarfilm über<br />
die Happening-Kunstszene Ende der 1960er Jahre und<br />
die Aktionen der Studentenrevolte, die ihre eigene Form<br />
des Happening entwickelten. Wolf Vostell zeigt sich<br />
enttäuscht, dass die Künstler »von den gesellschaftsverändernden<br />
Kräften« nicht in Anspruch genommen<br />
wurden.<br />
Dienstag, 6. Juni 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr | Zu Gast: Helmut<br />
Herbst<br />
Polizeifilm | BRD 1969 | R+ K: Wim Wenders | B: Albrecht<br />
Göschel, Wim Wenders | D: Jimmy Vogler, Kasimir<br />
Esser, Peter Frötschel | 12 min – Brandstifter | BRD<br />
1969 | R+B: Klaus Lemke | K: Robert van Ackeren | D:<br />
Margarethe von Trotta, Iris Berben, Veith von Fürstenberg,<br />
Christian Friedel, Dieter Noss, Marquard Bohm |<br />
65 min | Die in der außerparlamentarischen Opposition<br />
aktive Studentin Anka hat von folgenlosen Diskussionen<br />
die Nase voll. Da sie mit Worten allein die Welt nicht<br />
verändern kann, plant sie eine militante Aktion und deponiert<br />
in einem Kölner Kaufhaus eine Bombe.<br />
Mittwoch, 7. Juni 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Ostern 68 | DDR 1968 | R+B: Harry Hornig | K: Werner<br />
Heydn, Artur Kilius | 14 min | Polemischer Blick auf die<br />
Studentenunruhen in West-Berlin. – Aufrecht gehen.<br />
Rudi Dutschke – Spuren | BRD 1988 | R+B: Helga<br />
Reidemeister | K: Lars Barthel, Judith Kaufmann, Hartmut<br />
Lange, Fritz Poppenberg | Mit Erich Fried, Karola<br />
Bloch, Helmut Gollwitzer, Alfred Dutschke, Hosea-Ché<br />
Dutschke, Bernd Rabehl, Dieter Kunzelmann, Klaus<br />
Wagenbach | 92 min | Dutschkes Lebensgeschichte<br />
als Ausgangspunkt für Fragen über gesellschaftliche<br />
Fragen, Widersprüche, Konflikte und Entwicklungen.<br />
Dienstag, 13. Juni 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Liebe und so weiter | BRD 1968 | R: George Moorse |<br />
B: George Moorse, Klaus Lea | K: Gérard Vandenberg |<br />
M: David Llewellyn | D: Vera Tschechowa, Vadim Glowna,<br />
Claudia Bremer, Rolf Zacher, David Llewellyn, Willy<br />
Semmelrogge, Wim Wenders | 84 min | Alltageleben<br />
und Liebesbeziehungen in einer Münchner Wohngemeinschaft<br />
als Pop-Collage mit Zwischentiteln, Leuchtschriften<br />
und bunt gefärbten Wochenschauaufnahmen<br />
von prügelnden Polizisten. Moorse stellt Hochkultur<br />
neben Subkultur, Konzertsaal neben Maoisten-Café,<br />
Jugendstilreminiszenzen neben Pissoir-Parolen.<br />
Mittwoch, 14. Juni 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
München 1970. Als der Terror zu uns kam |<br />
Deutschland 2012 | R+B: Georg M. Hafner | K: Svea<br />
Anderson, Detlev Dinges, Virginie Jolivet, Colin Rosen |<br />
90 min | Georg M. Hafner schaut zurück auf seine Zeit<br />
als Student in München, als er mit der Studentenbewegung<br />
sympathisierte. Als unmittelbarer und unbeteiligter<br />
Zeuge erlebt er antisemitische Terroranschläge, die<br />
er in seinem preisgekrönten Film nach mehr als vierzig<br />
Jahren mit Hilfe von Experten und Familienangehörigen<br />
der Opfer, mit Archivmaterial und aufgrund eigener Recherchen<br />
rekonstruiert – und bewertet.<br />
Dienstag, 20. Juni 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr | Zu Gast: Georg<br />
M. Hafner<br />
Die Niklashauser Fart | BRD 1970 | R+B: Rainer Werner<br />
Fassbinder, Michael Fengler | K: Dietrich Lohmann<br />
| M: Peer Raben | D: Michael König, Hanna Schygulla,<br />
Rainer Werner Fassbinder, Margit Carstensen, Günther<br />
Kaufmann, Walter Sedlmayr, Kurt Raab | 86 min | »In<br />
einer zeitlosen Epoche, deren äußere Merkmale meist<br />
dem heutigen Europa, zum Teil aber auch der Dritten<br />
Welt sowie dem europäischen Mittelalter und Rokoko<br />
zugehören, tritt ein Hirte als Laienprediger auf und erhebt<br />
in seinen Ansprachen sozialrevolutionäre Forderungen.«<br />
(Wilhelm Roth)<br />
Mittwoch, 21. Juni 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr
Zuschauerkino – Kurzfilmabend des MFZ<br />
?<br />
Beim Kurzfilmabend des Münchner Filmzentrums e.V.<br />
(MFZ) können Amateure, Enthusiasten und Profis zweimal<br />
im Jahr ihre Filme auf der Leinwand des Filmmuseums<br />
einem interessierten Publikum präsentieren<br />
und sich mit anderen Filmemachern vernetzen.<br />
Vor jedem Film erzählen Beteiligte von Hintergründen,<br />
Entstehungsgeschichte oder Besonderheiten ihres<br />
Werks. Im Anschluss an die Vorführung bietet das MFZ<br />
eine Begegnungsmöglichkeit, damit alle Anwesenden<br />
miteinander ins Gespräch kommen und sich austauschen<br />
können (für Erfrischungen ist gesorgt).<br />
Filme einreichen können alle, die einen Kurzfilm gedreht<br />
haben, unabhängig von Inhalt oder Format des<br />
Films, ob Spielfilm oder Dokumentation, Real-, Kunstoder<br />
Animationsfilm. Das MFZ wählt unter den eingereichten<br />
Filmen aus und stellt ein etwa anderthalbstündiges<br />
Programm zusammen.<br />
Die Filme müssen bis Donnerstag, den 18. Mai 20<strong>17</strong><br />
im Filmmuseum vorliegen. Möglich sind die Formate<br />
35mm, 16mm, DigiBeta, BetaSP, DVD-Video, Blu-ray<br />
und DCP. Dateien wie mov, mp4 etc. müssen auf USB-<br />
Stick oder Festplatte eingereicht werden. Zugelassen<br />
sind nur Filme bis zu 12 Minuten Länge. Alle Einreichenden,<br />
deren Filme im Programm gezeigt werden,<br />
können an der Kasse bis zu fünf Freikarten für den<br />
Zuschauer kino-Filmabend erhalten. Darüber hinaus<br />
bestehen keine weiteren Verpflichtungen des Filmmuseums.<br />
Es wird vorausgesetzt, dass die Teilnehmer und<br />
Teilnehmerinnen über die Rechte an ihren Filmen verfügen<br />
und diese am Abend vor der Projektion kurz vorstellen.<br />
Kontakt: Filmmuseum München, St.-Jakobs-Platz 1,<br />
80331 München, zuschauerkino@yahoo.de, Telefon:<br />
089/23327718.<br />
Donnerstag, 1. Juni 20<strong>17</strong>, 19.00 Uhr | Die Filmemacher<br />
und Filmemacherinnen sind anwesend.<br />
MM & BB: Matthias Mondon, Brigitte Bruns<br />
Zuschauerkino<br />
71
Underdox-Halbzeit: Miranda Pennell<br />
Miranda Pennell<br />
THE HOST<br />
72<br />
Die britische Künstlerin Miranda Pennell (*1961 in London)<br />
studierte zeitgenössischen Tanz in New York und<br />
Amsterdam und später visuelle Anthropologie in London.<br />
Beide Seiten, Körper und Theorie, vereinen sich<br />
in ihren Filmen und lassen die Wirklichkeit in rituellen<br />
Phänomenen gesellschaftlicher Gewohnheiten erkennbar<br />
werden. So das winterliche Schlittschuhlaufen einer<br />
Gruppe von Mädchen auf einem zugefrorenen See inmitten<br />
einer finnischen Stadt, das Gitarrenspiel heranwachsender<br />
Jungs in ihrem Jugendzimmer (MAGNETIC<br />
NORTH, 2003), der Faustkampf zwischen (gecasteten)<br />
Hooligans in einem Londoner Pub (FISTICUFFS, 2004)<br />
oder die Muster alltäglicher Bewegungen, die Pennell<br />
durch die Eingriffe des kinematografischen Dispositivs<br />
rhythmisiert, be- und entschleunigt (LOUNGE, 1995).<br />
Rituale der militärischen Welt und der größeren geopolitischen<br />
Zusammenhänge finden bereits 2001 in<br />
TATTOO die Aufmerksamkeit der Künstlerin, wenn sie<br />
die Exerzitien eines Regiments inmitten der unberührten<br />
Natur als absurden militärischen Drill zeigt, dessen<br />
einzige Zeugen die Vögel und Bäume sind.<br />
In ihren beiden jüngsten Arbeiten wendet sich Pennell<br />
von inszenierten Choreografien der Präsenz ab. Ihr Interesse<br />
gilt nun dem Nachwirken der britischen Kolonialzeit,<br />
und sie taucht als Forscherin in die Archive der eigenen<br />
Familie und der offiziellen Geschichtsschreibung ein.<br />
Historische Fotografien, die sie wie Körper einsetzt, werden<br />
rhythmisiert und in neue Konfigurationen gebracht<br />
– eine choreografierte Vergangenheit, die neue Bezüge<br />
offenbart. WHY COLONEL BUNNY WAS KILLED (2010)<br />
basiert auf den Tagebüchern eines ihrer Urväter während<br />
einer medizinischen Mission im afghanischen Grenzgebiet<br />
und seziert die britische Selbstdarstellung an der<br />
nordwestlichen Grenze von Indien. THE HOST (2015) ist<br />
Pennells erster Langfilm und Bestandteil ihrer Doktorarbeit<br />
»Film as an archive for colonial photographs« am<br />
Arts Council England. Der Film über die British Petroleum<br />
Company liest sich wie eine kinematografische Forensik.<br />
Die geopolitische Historie, dokumentiert in den Archiven<br />
der Ölgesellschaft, verwebt sie mit den psychoanalytischen<br />
Schichten des Familienalbums. Ein detektivisches<br />
Essay, das ins Zentrum der eigenen Familie führt.<br />
<br />
Dunja Bialas<br />
Underdox zeigt zur Halbzeit<br />
eine Auswahl der filmischen<br />
Arbeiten von Miranda Pennell<br />
seit 1995 sowie ihre beiden<br />
jüngsten Werke. Miranda<br />
Pennell präsentiert ihre Arbeiten<br />
in einer Film Lecture.<br />
www.underdox-festival.de<br />
Donnerstag, 8. Juni 20<strong>17</strong>, 19.00 Uhr | Zu Gast: Miranda<br />
Pennell
Jazz im Film<br />
»Jazz ist für mich eine Geistes- oder Lebenshaltung und<br />
nicht so sehr eine bestimmte Musikrichtung. Ebenso wie<br />
eine Filmvorführung im Kinosaal kann der Jazz eine Form<br />
des Sich-Lösens und des Sich-Entfernens vom Alltäglichen<br />
sein. Wenn ich ein bekanntes Stück wie z.B. ›Summertime‹<br />
von Gershwin zum wiederholten Male höre und dennoch immer<br />
wieder von der Interpretation berührt werde oder nicht<br />
mehr über die Grundmelodie nachdenke, dann ist das für<br />
mich Jazz. Dieses Erlebnis kann ich sowohl auf die Musik als<br />
auch auf den Film übertragen.« <strong>Juli</strong>an Benedikt<br />
»Im Gegensatz zu anderen Kunstformen ist der Film nie<br />
das Werk eines Einzelnen. Er basiert auf einem Kollektiv,<br />
fast wie eine Jam-Session im Jazz. Der Bassist hat<br />
zum Beispiel seinen eigenen Verantwortungsbereich, er<br />
liefert das rhythmische Rückgrat. Der Schlagzeuger vervollständigt<br />
das zusammen mit dem Pianisten – das harmonisch-rhythmische<br />
Rückgrat. Diese Dinge lassen sich<br />
auch auf den Film übertragen. Er ist eine Ganzheit. Der<br />
Regisseur ist das Gehirn, der Kameramann das Auge, der<br />
Cutter die DNA, der Produzent die Lunge und der Komponist<br />
das Ohr.« <br />
Lalo Schifrin<br />
Mit dem Aufkommen des Tonfilms ab 1927 kam es<br />
zu ersten Annäherungsversuchen der beiden Medien<br />
Jazz und Film. Doch die meisten Spielfilme dieser Zeit<br />
vermarkteten das Modewort »Jazz« nur als Schlagwort<br />
für die ausgelassenen Roaring Twenties. Die Darstellung<br />
der afroamerikanischen Gesellschaft im Umfeld<br />
des Jazz ist von rassistischen Untertönen geprägt.<br />
Schwarze Musiker erscheinen in den Spielfilmen nur<br />
als Randfiguren, in Kurzfilmen, die hauptsächlich Songs<br />
illustrieren, müssen sie in klischeehaften Spielszenen<br />
agieren, die diese Songs miteinander verbinden. Dennoch<br />
sind Filme wie ST. LOUIS BLUES (1929), A RHAP-<br />
SODY IN BLACK AND BLUE (1932) heute einzigartige<br />
Dokumente, in manchen Fällen die einzigen erhaltenen<br />
filmischen Aufnahmen legendärer Jazzgrößen, die die<br />
ihnen auferlegten mitunter absurden Szenarien einfach<br />
überstrahlen. Am besten gelingt die Symbiose von Jazz<br />
und Film in einigen frühen Zeichentricktonfilmen: Insbesondere<br />
Dave Fleischer konnte Exzentriker wie Cab<br />
Calloway und Louis Armstrong mit ihrer Musik mühelos<br />
in das anarchistische Universum seines Zeichentrickfilmvamps<br />
Betty Boop integrieren, MINNIE THE MOO-<br />
CHER (1932), I’LL BE GLAD WHEN YOU’RE DEAD, YOU<br />
RASCAL YOU (1932) und SNOW-WHITE (1933) gehören<br />
zu den schönsten Beispielen origineller Jazz-Filme<br />
– bevor der Production Code die Serie zähmte und ihr<br />
Ende einläutete.<br />
In den 1930er Jahren greifen Musicals und Revuefilme<br />
zunehmend Jazzelemente auf, es entstehen erste<br />
Biopics und Filme über die Anfänge und Entwicklung<br />
des Jazz. Durch das Radio bekannt gewordene Stars<br />
wie Louis Armstrong, Duke Ellington und Benny Goodman<br />
werden in Spielfilme wie SYNCOPATION (1942),<br />
NEW ORLEANS (1947), oder A SONG IS BORN (1948)<br />
Jazz im Film<br />
73<br />
PARIS BLUES
Jazz im Film<br />
74<br />
THE SOUND OF JAZZ<br />
integriert. Doch die Rollenverteilung entspricht dem<br />
damaligen Zeitgeist: Im Mittelpunkt stehen weiße Musiker,<br />
die den Jazz in verruchtem Halbweltmilieu entdecken<br />
und ihn zur Kunst entwickeln. Afroamerikaner<br />
spielen Nebenfiguren wie Hausmädchen, Diener oder<br />
Kleinkriminelle oder dürfen im Hintergrund oder als<br />
Staffage für heiße Musiknummern agieren. Es sind<br />
dann vornehmlich französische Filmemacher, die den<br />
Jazz und die farbigen Musiker ernst nehmen. In den<br />
1950er Jahren wird Jazz als Filmmusik insbesondere<br />
in Kriminalfilmen eingesetzt, und Musiker wie John<br />
Lewis (SAIT-ON JAMAIS, 1957), Miles Davis (ASCEN-<br />
SEUR POUR L’ÉCHAFAUD, 1958), Art Blakey (LES LI-<br />
AISONS DANGEREUSES, 1959), Martial Solal (À BOUT<br />
DE SOUFFLE, 1960) schaffen stilprägende Filmscores.<br />
Langsam öffnet sich auch Hollywood den Jazzmusikern<br />
und engagiert sie als Filmkomponisten: Duke Ellington,<br />
John Lewis, Quincy Jones, Henry Mancini schrieben<br />
berühmte Scores für Filme wie ODDS AGAINST TO-<br />
MORROW (1959), ANATOMY OF A MURDER (1959)<br />
oder PARIS BLUES (1961).<br />
Der amerikanische Fotograf Gjon Mili, der vor allem<br />
für das Life-Magazin arbeitete, gelingt 1944 mit<br />
JAMMIN’ THE BLUES, ein Konzert mit Lester Young<br />
kongenial zu visualisieren. Richard Leacock und Roger<br />
Tilton schaffen 1954 mit JAZZ DANCE einen Klassiker<br />
des Direct Cinema: Mit mehreren Kameras wird eine<br />
Jazz-Session in der New Yorker Central Plaza Dance<br />
Hall gefilmt und zu einer furiosen Montage zusammengefügt,<br />
die die entfesselte Stimmung der Tanzenden<br />
wiedergibt. Der für das amerikanische Fernsehen produzierte<br />
THE SOUND OF JAZZ (1957) zeigt ein einzigartiges<br />
Zusammentreffen berühmter Jazzlegenden wie<br />
Lester Young, Billie Holiday, Count Basie und Thelonious<br />
Monk und konzentriert sich darauf, die Interaktion der<br />
Musiker und ihre Reaktionen aufeinander zu zeigen.<br />
Der Film JAZZ ON A SUMMER’S DAY (1960) dokumentiert<br />
das Newport Jazz Festival im <strong>Juli</strong> 1958 und versucht<br />
die Atmosphäre des Ereignisses zu fassen, indem<br />
er Impressionen der Musiker mit Aufnahmen der Stadt,<br />
einer dort gleichzeitig stattfindenden Segelregatta und<br />
der Konzertbesucher verknüpft. Erst in den 1980er entstehen<br />
weitere Dokumentarfilme über Jazz, die Marksteine<br />
setzen. Sie untersuchen nun verstärkt soziologische<br />
Zusammenhänge und loten auch ästhetisch neue<br />
Möglichkeiten aus. So beschreibt <strong>Juli</strong>an Benedikt seine<br />
Arbeitsweise: »In BLUE NOTE – A STORY OF MODERN<br />
JAZZ (1997) habe ich versucht, den Geist des Jazz,<br />
das, was für mich den Jazz ausmacht, auf die Leinwand<br />
zu übertragen; an den Film heranzugehen, wie bei einem<br />
Stück Musik, mit dem Willen zur Improvisation.«<br />
Martin Scorseses NEW YORK, NEW YORK (1977)<br />
belebte das Thema Jazz in einem aufwändigen Hollywoodfilm<br />
wieder. Die Geschichte um einen Saxofonisten<br />
und eine Sängerin im New York zum Ende des<br />
Zweiten Weltkriegs beschreibt den Übergang vom<br />
Swing zum Bebop, die Geschichte der Protagonisten<br />
wird zum weiten gesellschaftlichen Panorama erweitert.<br />
Es folgen in den 1980er und 1990er Jahren weitere<br />
an reale Biografien und Ereignisse angelehnte große<br />
Meisterwerke des Jazzfilms von Filmemachern, die als<br />
ausgewiesene Fans des Jazz gelten und Jazzmusik<br />
auch in ihren anderen Filmen gern einsetzen: ROUND<br />
MIDNIGHT (1986) von Bertrand Tavernier, BIRD (1988)<br />
von Clint Eastwood, KANSAS CITY (1996) von Robert<br />
Altman und SWEET AND LOWDOWN (1999) von Woody<br />
Allen. In diesen Filmen sind die Protagonisten »in eine<br />
Szene von Musikern integriert, die ihre musikalischen<br />
und arbeitsrechtliche Entwicklung begleiten, kommentieren<br />
und regulieren. Die Arbeitgeber der Musiker sind<br />
für die Handlung so wichtig wie die Musiker selbst, und<br />
die Musik liefert (...) nicht nur den atmosphärischen,<br />
sondern auch den soziokulturellen Hintergrund der<br />
filmischen Diegesen.« (Willem Strank / Claus Tieber)<br />
Diese Filme brechen mit den eingefahrenen Hollywood-
klischees der frühen Jazz-Filme, sind keine verklärende<br />
Porträts erfolgreicher weißer Musiker oder gescheiterter<br />
Existenzen, sondern realistische Annäherungen an<br />
Künstler, den musikalischen Schaffensprozess und das<br />
gesellschaftliche Umfeld.<br />
Im Vorwort zur Neuauflage seines Buches »Jazz in<br />
the Movies« zieht David Meeker 1981 Bilanz: »Es ist<br />
traurig, dass von vielen Größen des Jazz, insbesondere von<br />
denen, die in der Frühzeit der Filmgeschichte aktiv waren<br />
und inzwischen verstorben sind, keine Aufnahmen<br />
existieren. Wenn es doch welche gibt, wie die legendären<br />
verschollenen Tonzylinder-Aufnahmen von Buddy<br />
Bolden, müssen sie noch entdeckt werden. Es wäre<br />
für den Jazz ein großer Gewinn, wenn wir Auftritte von<br />
Scott Joplin, King Oliver, Bix Beiderbecke, ›Jelly Roll‹<br />
Morton u.a. auf Film sehen könnten. Aber wir müssen<br />
dankbar sein für das, was wir haben und für alles, was<br />
in Zukunft noch kommen wird.« Das jüngste Beispiel<br />
der Jazzfilmreihe des Filmmuseums ist der Spielfilm<br />
MILES AHEAD (2015), der auf zahlreiche Filmfestivals<br />
eingeladen und hoch gelobt wurde: »Es ist nicht nur<br />
der Darsteller Cheadle, der sein Verständnis von Miles<br />
Davis erstaunlich authentisch zum Leben erweckt,<br />
sondern es ist der Regisseur Cheadle, der in waghalsig<br />
montierten Rückblenden, Parallelmontagen und<br />
Traumsequenzen die Musik von Miles Davis deutet. Aus<br />
diesem wirren Konglomerat aus Krimi, Melodram, Biopic<br />
und absurder Komödie, in der kompletten Dekonstruktion<br />
einer linearen Lebensgeschichte, kommt der<br />
Film dem Jazz auf die Spur, der den giftigen, lebenshungrigen<br />
und selbstzerstörerischen Menschen Miles<br />
Davis ausmacht.« (Jörg Gerle) Der afroamerikanische<br />
Schauspieler Don Cheadle, der in zahlreichen Blockbustern<br />
in Nebenrollen mitwirkt, hat MILES AHEAD<br />
selbst produziert. Und es ist leider bezeichnend für die<br />
gegenwärtige Kinosituation, dass der Film in Deutschland<br />
nur auf DVD herausgebracht wurde.<br />
Klaus Huckert / Stefan Drößler<br />
Willi-Johanns-Jazzquartett: »Bebop Spoken Here«<br />
| Konzert mit Willi Johanns (vocal), Tizian Jost (piano),<br />
Andreas Kurz (bass), Michael Keul (drums). Willi<br />
Johanns (*1934) kam 1957 nach München und trat<br />
als Scat-Sänger in US-Clubs und auf Festivals auf. Er<br />
wurde mehrfach als bester deutscher Jazzsänger ausgezeichnet.<br />
Tizian Jost (*1966) ist Dozent für Jazzklavier<br />
am Richard-Strauss-Konservatorium in München<br />
und spielte in verschiedenen Bands und mit<br />
namhaften Musikern zusammen. Michael Keul (*1961)<br />
studierte an der Swiss Jazz School in Bern bei Billy<br />
Brooks und gehört als einer der meistbeschäftigten<br />
Drummer zur Münchner Jazzszene. Andreas Kurz<br />
(*1979) war Mitglied des Bundesjugendjazzorchesters<br />
und studierte Kontrabass an der Hochschule für Musik<br />
und Theater sowie am Richard-Strauss-Konservatorium.<br />
– Paris Blues | USA 1961 | R: Martin Ritt | B:<br />
Jack Sher, Irene Kamp, Walter Bernstein, nach dem<br />
Roman von Harold Flender | K: Christian Matras | M:<br />
Duke Ellington | D: Paul Newman, Joanne Woodward,<br />
Sidney Poitier, Diahann Carroll, Louis Armstrong, Serge<br />
Reggiani | 98 min | OF | Paris als die Stadt der Liebe<br />
und des Jazz. Filmklassiker über zwei amerikanische<br />
Jazzmusiker im Exil, die in Kellern und Clubs auftreten.<br />
Sie bandeln mit zwei Amerikanerinnen an, die sie in die<br />
Staaten zurückholen wollen.<br />
Sonntag, 2. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong>, 19.00 Uhr<br />
Young Man With a Horn (Der Jazztrompeter) | USA<br />
1950 | R: Michael Curtiz | B: Carl Foreman, Edmund<br />
H. North, nach dem Roman von Dorothy Baker | K: Ted<br />
D. McCord | M: Ray Heindorf | D: Kirk Douglas, Lauren<br />
Bacall, Doris Day, Hoagy Carmichael, Juano Hernandez<br />
| 112 min | OF | YOUNG MAN WITH A HORN ist<br />
lose an das Leben des Jazzkornettisten Bix Beiderbecke<br />
(1903-1931) angelehnt, der mit 28 Jahren an den<br />
Folgen seines hohen Alkoholkonsums starb. Grund lage<br />
Jazz im Film<br />
75
Jazz im Film<br />
76<br />
war die Novelle von Dorothy Baker über den Jazzmusiker.<br />
Rick Martin, ein kleiner, mutterloser Straßenjunge,<br />
entwickelt sich zu einem hervorragenden Trompeter.<br />
Hoagy Carmichael, Gelegenheitsschauspieler, Musiker<br />
und Komponist von z.B. »Georgia on my mind« oder<br />
»Stardust«, überzeugt als Pianist/Erzähler und Freund<br />
von Rick Martin. Das Trompetenspiel von Kirk Douglas<br />
ist durch den Hoch-Trompeter Harry James geghostet.<br />
»Mit Harry James zu arbeiten war sagenhaft. Ich lernte<br />
sogar ein paar Stücke auf der Trompete, ein verflucht<br />
schwieriges Instrument.« (Kirk Douglas)<br />
Dienstag, 4. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong>, 20.00 Uhr Freitag, 7. <strong>Juli</strong><br />
20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Kansas City | USA 1996 | R: Robert Altman | B: Robert<br />
Altman, Frank Barhydt | K: Oliver Stapleton | M: Hal<br />
Willner | D: Jennifer Jason Leigh, Miranda Richardson,<br />
Harry Belafonte, Michael Murphy, Dermot Mulroney,<br />
Steve Buscemi | 114 min | OmU | Der Film spielt 1934<br />
im Milieu des organisierten Verbrechens in Kansas City,<br />
das zu dieser Zeit eine der Jazzmetropolen war. Eine<br />
eigene Stilrichtung, der Kansas City Jazz, hatte sich<br />
dort etabliert. Die Geschichte um eine Ganovenbraut,<br />
die die Ehefrau eines einflussreichen Senators entführt,<br />
damit dieser ihr hilft, ihren Mann aus der Gewalt des<br />
Hey-Hey-Club-Besitzers zu befreien. Wichtiger als die<br />
Handlung ist die Musik, die in fast jeder Szene präsent<br />
ist. Robert Altman hatte einundzwanzig der besten<br />
Jazzmusiker eingeladen, die Musik von Duke Ellington,<br />
Count Basie, Marie Lou Williams, und Bennie und<br />
Buster Moten in einer dreiwöchigen Jam-Session im<br />
Hey-Hey-Club einzuspielen. Höhepunkt ist ein nachgespieltes<br />
Konzert mit Soli von Coleman Hawkins (Craig<br />
Handy), Lester Young (Joshua Redman) und Ben Webster<br />
(James Carter).<br />
Mittwoch, 5. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong>, 20.00 Uhr Samstag,<br />
8. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
The Gene Krupa Story (Jazz-Ekstase) | USA 1959<br />
| R: Don Weis | B: Orin Jannings, Charles Lawton | M:<br />
Leith Stevens | D: Sal Mineo, Susan Kohner, James Darren,<br />
Susan Oliver, Yvonne Craig, Red Nichols | 101 min<br />
| OF | Gene Krupa (1909–1973) zählt zu den bedeutendsten<br />
Musikern der Dixieland- und Swing-Ära. Sein<br />
Spiel auf dem Schlagzeug war energiegeladen und<br />
zur damaligen Zeit äußerst innovativ. So setzte er als<br />
einer der ersten Drummer afrikanische Percussions-Instrumente<br />
und entsprechende Rhythmen ein. Für THE<br />
GENE KRUPA STORY spielte er den kompletten Schlagzeugpart<br />
ein. Trotz der üblichen Hollywoodklischees<br />
bezüglich Jazz (Alkohol, Rauschgift, Rotlichtmilieu,<br />
verführerische Frauen, überbordendes Ego gegen die<br />
Werte der Familie, eine hilfreiche und treue Freundin,<br />
die helfende Mutter, Happy-End) und kleinerer historischer<br />
Unkorrektheiten einer der besten Jazzfilme, der<br />
vor allem durch die überzeugende Darstellung von Sal<br />
Mineo (REBEL WITHOUT A CAUSE) fasziniert, der Gene<br />
Krupas Schlagzeugspiel faszinierend imitiert.<br />
Donnerstag, 6. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong>, 20.00 Uhr Sonntag,<br />
9. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Syncopation | USA 1942 | R: William Dieterle | B: Philip<br />
Yordan, Frank Cavett, nach der Erzählung »The Band<br />
Played On« von Valentine F. Davies | K: J. Roy Hunt |<br />
M: Leith Stevens | D: Jackie Cooper, Bonita Granville,<br />
Adolphe Menjou, George Bancroft, Robert Benchley,<br />
Rex Stewart | 89 min | OF | Anhand einer Liebesgeschichte<br />
zwischen einem Bandleader und einer Sängerin<br />
erzählt der Film »the story of a nation from Ragtime<br />
to Boogie-Woogie« und umspannt die Zeit von 1906<br />
bis zu Beginn des Zweiten Weltkriegs. Im furiosen<br />
Finale treten dann sieben berühmte Bandleader (Benny<br />
Goodman, Harry James, Charlie Barnet, Joe Venuti,<br />
Gene Krupa, Jack Jenney, Alvino Rey) in einer legendären<br />
Blues-Jam-Session gemeinsam auf. Afroamerikanische<br />
Musiker sind nicht dabei, obwohl ihre Rolle<br />
in der Entwicklung des Jazz durchaus gewürdigt wird.<br />
»Einerseits den Schwarzen Gerechtigkeit widerfahren<br />
zu lassen, andererseits aber keinen Film über sie zu<br />
machen, dürfte den Drehbuchautoren einiges an Akrobatik<br />
abverlangt haben.« (Manny Farber)<br />
Freitag, 7. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
St. Louis Blues | USA 1929 | R+B: Dudley Murphy |<br />
K: Walter Strenge | D: Bessie Smith, Jimmy Mordecai,<br />
Isabel Washington, Hall Johnson Choir | 16 min | OF –<br />
A Rhapsody in Black and Blue | USA 1932 | R:<br />
Aubrey Scotto | B: Phil Cohan | D: Louis Armstrong,<br />
Fanny Belle DeKnight, Sidney Easton | 9 min | OF –<br />
I’ll Be Glad When You’re Dead, You Rascal You | USA<br />
1932 | R+B: Dave Fleischer | D: Louis Armstrong | 7<br />
min | OF – Cab Calloway’s Hi-De-Ho | USA 1934 |<br />
R: Fred Waller | B: Milton Hocky, Fred Rath | K: William<br />
O. Steiner | D: Cab Calloway, Fredi Washington, Sidney<br />
Easton | 10 min – Minnie the Moocher | USA 1932 |<br />
R+B: Dave Fleischer | D: Cab Calloway | 8 min | OF –<br />
Snow-White | USA 1933 | R+B: Dave Fleischer | 7 min<br />
| OF – Symphony in Black | USA 1935 | R: Fred Waller<br />
| B: Milton Hocky, Fred Rath | K: William O. Steiner | D:<br />
Duke Ellington, Barney Bigard, Billie Holiday, Joe ›Tricky<br />
Sam‹ Nanton, Earl ›Snake Hips‹ Tucker | 9 min | OF –<br />
Date with Duke | USA 1947 | R: George Pal | B: Jack
Miller | K: William E. Snyder | D: Duke Ellington | 7 min<br />
| OF – Jazz Dance | USA 1954 | R+B: Roger Tilton | K:<br />
Richard Leacock, Robert Campbell | D: Jimmy McPartland,<br />
Pee Wee Russell, Willie ›The Lion‹ Smith, Jimmie<br />
Archey, George Wettling, Leon James, Al Minns | 22<br />
min | OF – Einzigartige Trick-, Kurz- und Dokumentarfilme<br />
aus der Frühzeit des Tonfilms und ein Klassiker<br />
des Direct cinema, in dem der Lindy hop zelebriert wird.<br />
Samstag, 8. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
New Orleans | USA 1947 | R: Artur Lubin | B: Elliot<br />
Paul, Dick Irving Hyland | K: Lucien N. Andriot | M: Nat<br />
W. Finston, Woody Herman | D: Arturo de Córdova,<br />
Dorothy Patrick, Marjorie Lord, Irene Rich, Louis Armstrong,<br />
Billie Holiday, Woody Herman | 89 min | OmU |<br />
Eine weiße, klassisch ausgebildete Sängerin erliegt der<br />
Faszination des Jazz im Rotlichtbezirk Storyville in New<br />
Orleans. Bei mehreren Jam-Sessions in einem verruchten<br />
Spielcasino mit Billie Holiday und Louis Armstrong<br />
wird sie zu einer überzeugten Anhängerin dieser Musik.<br />
Durch eine Intrige ihrer einflussreichen Mutter, die<br />
sie auf den rechten Weg zurückführen will, wird das<br />
verrufene Storyville geschlossen. In Wirklichkeit fand<br />
dies 19<strong>17</strong> auf Anordnung der amerikanischen Bundesbehörden<br />
gegen den Widerstand der Stadtverwaltung<br />
statt. Die Maßnahme wurde damit begründet, dass<br />
Prostitution in der Nähe von Marinestützpunkten zu<br />
verbieten sei. Der Film lebt von der mitreißenden Musik<br />
von Billie Holiday und Louis Armstrong mit seiner Band.<br />
Sonntag, 9. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
New York, New York | USA 1977 | R: Martin Scorsese<br />
| B: Earl Mac Rauch, Mardik Martin | K: László Kovács<br />
| M: Ralph Burns | D: Liza Minnelli, Robert De Niro,<br />
Lionel Stander, Barry Primus, Mary Kay Place, Georgie<br />
Auld, Clarence Clemons, Diahnne Abbott, Steven Prince<br />
| 163 min | OmU | Im August 1945 wird in New York<br />
das Kriegsende gefeiert. Jimmy Doyle, ein Saxofonist,<br />
lernt bei der Siegesfeier in einem Club zu der Musik<br />
von Tommy Dorsey die junge, erfolglose Sängerin Francine<br />
Evans kennen. Beide treten bald als Jazz-Duo<br />
auf, verlieben sich und heiraten. Doch damit beginnen<br />
die Verwicklungen, da Jimmy ganz Künstler sein will,<br />
während Francine eine Karriere auf den Showbühnen<br />
anstrebt. Ein modernes Hollywood-Musical über die<br />
Big-Band-Ära der 1950er Jahre. Die Musik für den Film<br />
(Swing und Bebop) ist mitreißend. Georgie Auld, Saxofonist<br />
und Bandleader des Swing und Bebop, hat einen<br />
Jazz im Film<br />
77<br />
NEW ORLEANS
Cameo-Auftritt. Kameramann László Kovács vollbrachte<br />
das Kunststück, den klassischen Technicolor-Look<br />
wiederauferstehen zu lassen.<br />
Dienstag, 11. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong>, 20.00 Uhr Freitag, 14.<br />
<strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Jazz »Hot« | GB 1939 | Mit Django Reinhardt, Stéphane<br />
Grappelli | 6 min | OF | Extrem rare Filmaufnahmen<br />
mit Django Reinhardt, in denen er mit seinem Quintet<br />
du Hot Club de France »J’attendrai« spielt. – Sweet<br />
and Lowdown | USA 1999 | R+B: Woody Allen | K:<br />
Zhao Fei | M: Dick Hyman | D: Sean Penn, Samantha<br />
Morton, Uma Thurman, Tony Darrow, Anthony LaPaglia,<br />
John Waters | 95 min | OmU | In einer fiktiven Künstlerbiografie<br />
lässt Woody Allen die goldene Swing-Ära<br />
aufleben und verbeugt sich vor dem legendären Gitarristen<br />
Django Reinhardt. Der Jazzmusiker Emmet Ray<br />
gilt als der zweitbeste Gitarrist der Welt nach Django<br />
Reinhardt, hält sich mit Engagements in Nachtclubs<br />
über Wasser und bessert seine Gagen ab und zu als<br />
Teilzeit-Zuhälter auf. Wie sein berühmter Kollege ist<br />
er unzuverlässig, liebt schnelle Autos, spielt und stellt<br />
schönen Frauen nach. Doch dann trifft er die stumme<br />
Wäscherin Hattie, die seinem unsteten Leben Ruhe<br />
verleiht. Kein anderer Film im Schaffen Woody Allens<br />
strahlt eine ähnliche Heiterkeit und Gelassenheit aus.<br />
Mittwoch, 12. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong>, 20.00 Uhr Samstag,<br />
15. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Whiplash | USA 2014 | R+B: Damien Chazelle | K:<br />
Sharone Meir | M: Justin Hurwitz | D: Miles Teller, J. K.<br />
Simmons, Paul Reiser, Melissa Benoist, Austin Stowell<br />
| 107 min | OmU | WHIPLASH erzählt vom Kampf um<br />
Perfektion im Jazz, von Kunst, Obsessionen, Machthunger,<br />
Verzweiflung und Gewalt. Der 19-jährige Andrew<br />
Neiman ist Jazz-Schlagzeuger. Er studiert in New York<br />
am renommiertesten Konservatorium des Landes und<br />
träumt von einer großen Karriere. Er trifft dort den gefürchteten<br />
Bandleader Terence Fletcher, der ständig<br />
auf der Suche nach Talenten ist, die in seiner Big-Band<br />
spielen können. Mit Macho-Gehabe, sexistischen Sprüchen,<br />
Lügen und vermeintlicher Einfühlsamkeit versucht<br />
er seine Band zu Höchstleistungen zu bringen.<br />
»Damien Chazelle macht in seinem zweiten Spielfilm<br />
aus einem Lehrer-Schüler-Drama einen mitreißenden,<br />
ja wahrlich schweißtreibenden Actionfilm über den<br />
schmalen Grat zwischen Ansporn und Missbrauch,<br />
Motivation und Schinderei auf der Suche nach dem<br />
perfekten Takt.« (Anke Sterneborg)<br />
Donnerstag, 13. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong>, 20.00 Uhr Sonntag,<br />
16. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
A Song is Born (Die tollkühne Rettung der Gangsterbraut<br />
Honey Swanson) | USA 1948 | R: Howard<br />
Hawks | B: Harry Tugend, nach der Geschichte »From<br />
A to Z« von Billy Wilder und Thomas Monroe | K: Gregg<br />
Toland | M: Hugo Friedhofer, Emil Newman | D: Danny<br />
Kaye, Virginia Mayo, Benny Goodman, Tommy Dorsey,<br />
Louis Armstrong, Lionel Hampton, Charlie Barnet, Mel<br />
Powell, Felix Bressart, Ludwig Stössel | 113 min | OmU<br />
| Sieben Musik-Professoren haben sich zurückgezogen,<br />
um eine Enzyklopädie der Musikgeschichte zu schrei-<br />
Jazz im Film<br />
78<br />
SWEET AND LOWDOWN
en. Durch zwei Fensterputzer erfahren sie von Jazz,<br />
Swing, Boogie Woogie und Bebop. Um tiefer in die Thematik<br />
einsteigen zu können, werden Jazzmusiker eingeladen,<br />
darunter Tommy Dorsey, Louis Armstrong und<br />
Charlie Barnet. Da taucht plötzlich die Gangsterbraut<br />
Honey Swanson auf, die sich vor der Polizei ver stecken<br />
muss, und sorgt für Aufregung. Wie eine Jukebox funktioniert<br />
dieses Danny-Kaye-Vehikel in knallbuntem<br />
Technicolor: Auf Stichwort spielen die Giants of Jazz<br />
hier ihre großen Hits auf.<br />
Freitag, 14. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Artie Shaw’s Class in Swing | USA 1939 | R+B: Leslie<br />
Roush | K: George Webber | D: Artie Shaw, Helen Forrest<br />
| 10 min | OF – Jammin’ the Blues | USA 1944 |<br />
R+B: Gjon Mili | K: Robert Burks | Mit Lester Young, Red<br />
Callender, Harry Edison, Marlowe Morris, Sidney Catlett,<br />
Barney Kessel, Mary Bryant | 10 min | OF – Begone<br />
Dull Care (Jazz in Farben) | Kanada 1949 | R+B+K:<br />
Norman McLaren, Evelyn Lambart | M: Oscar Petersen,<br />
Auston Roberts, Clarence Jones | 9 min | OF – Charlie<br />
Parker & Dizzy Gillespie | USA 1952 | R: Bill Seaman<br />
| Mit Earl Wilson, Charlie Parker, Dizzy Gillespie | 5 min |<br />
OF – The Sound of Jazz | USA 1957 | R: Jack Smight<br />
| B: John McGiffert | K: Hal Warner | Mit John Crosby,<br />
Red Allen, Thelonious Monk, Count Basie, Billie Holiday,<br />
Lester Young, Jimmy Guiffre, Vic Dickenson, Coleman<br />
Hawkins, Jo Jones, Ben Webster, Pee Wee Russell,<br />
Rex Stewart, Nat Pierce | 56 min | OF – Nach einem<br />
Lehrfilm über den Swing folgen legendäre Konzertfilme<br />
mit bekannten Jazzgrößen, unterbrochen von einem<br />
klassischen Animationsfilm von Norman McLaren, der<br />
Jazzmusik in Farben und bewegte abstrakte Grafiken<br />
umsetzt.<br />
Samstag, 15. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Swing Kids | USA 1993 | R: Thomas Carter | B: Jonathan<br />
Marc Feldman | K: Jerzy Zieliński | M: James<br />
Horner | D: Robert Sean Leonard, Christian Bale,<br />
Frank Whaley, Barbara Hershey, Kenneth Branagh<br />
| 112 min | OF | Hamburg 1939. Seit sechs Jahren<br />
sind die Nationalsozialisten an der Macht. In einigen<br />
Tanzsälen in der Hansestadt wird immer noch dem<br />
Swing und dem Swing-Tanz Lindy hop von Jugendlichen<br />
gehuldigt. Drei der sogenannten »Swing Kids«<br />
– Thomas, Peter und Arvid – sind miteinander befreundet<br />
und begeisterte Anhänger dieser Musik. Sie<br />
hören die Musik von Benny Goodman, Cab Calloway,<br />
Duke Ellington und Django Reinhardt. Konflikte mit den<br />
Nazi-Machthabern sind vorprogrammiert. »Mischung<br />
aus Musikfilm und dramatischer Entwicklungsgeschichte;<br />
zwar bleibt der historische Hintergrund stereotyp,<br />
doch dank hervorragender Darsteller gelingt ein<br />
ebenso lebendiges wie differenziertes Bild jener Loyalitätskonflikte,<br />
die sich durch Freundschaften und Familien<br />
ziehen und sie letztlich zerstören.« (Horst Peter Koll)<br />
Sonntag, 16. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Round Midnight (Um Mitternacht) | Frankreich 1986<br />
| R: Bertrand Tavernier | B: David Rayfiel, Bertrand<br />
Tavernier | K: Bruno de Keyzer | M: Herbie Hancock |<br />
D: Dexter Gordon, François Cluzet, Gebrielle Haker,<br />
Sandra Reaves-Phillips, Herbie Hancock, Martin Scorsese,<br />
Philippe Noiret | 133 min | engl. OmU | Ein melancholischer<br />
Jazzfilm, der dem Pianisten Bud Powell<br />
und dem Saxofonisten Lester Young gewidmet ist. Der<br />
Jazz-Saxofonist Dexter Gordon überzeugt in seiner<br />
Rolle mit seiner bewegenden Darstellung des alkoholkranken<br />
Tenorsaxofonisten Dale Turner, der nach langer<br />
Zeit des Nichtstuns in New York 1959 in Paris endlich<br />
wieder auftreten kann. Dort trifft er einen französischen<br />
Fan und Bewunderer, der ihm durch seine Freundschaft<br />
Halt und Lebensfreude zu vermitteln versucht.<br />
ROUND MIDNIGHT gilt mit SWEET AND LOWDOWN<br />
als einer der besten Jazzfilme. Herbie Hancock erhielt<br />
einen Oscar für die beste Filmmusik, Dexter Gordon<br />
eine Oscar-Nominierung als bester Schauspieler(!).<br />
Dienstag, 18. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong>, 20.00 Uhr Freitag,<br />
21. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Bird | USA 1988 | R: Clint Eastwood | B: Joel Oliansky |<br />
K: Jack N. Green | M: Lennie Niehaus | D: Forest Whitaker,<br />
Diane Venora, Michael Zelniker, Samuel E. Wright,<br />
Keith David | 161 min | OF | In Rückblenden wird das<br />
Leben des legendären Jazzmusikers Charlie (»Bird«)<br />
Parker erzählt. Die künstlerische Laufbahn Parkers<br />
wurde durch seinen Drogenkonsum beeinflusst, der zu<br />
familiären und beruflichen Problemen und schließlich<br />
zu seinem frühen Tode führte. »In BIRD dominiert die<br />
Musik. Sie durchzieht den Bilderbogen total. Zu hören<br />
sind Parker-Kompositionen, Soli in ungekürzter Form.<br />
In welchen Filmen mit Musik ist das sonst der Fall?<br />
Bemerkenswert auch die technische Feinheit, mit der<br />
hier gearbeitet wurde. Der frühere Saxofonist bei Stan<br />
Kenton, Lennie Niehaus, hat den Soundtrack kompositorisch<br />
und technisch begleitet. Originalbänder wurden<br />
derart präpariert, dass Musiker von heute die Begleitstimmen<br />
beisteuern konnten, mit dabei sind Größen<br />
wie Barry Harris, Walter Davis jr. oder Monty Alexander.«<br />
(Michael Lang)<br />
Mittwoch, 19. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong>, 20.00 Uhr Samstag, 22.<br />
<strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Jazz im Film<br />
79
CHICO & RITA<br />
Jazz im Film<br />
80<br />
Chico & Rita | Spanien 2010 | R: Fernando Trueba,<br />
Javier Mariscal, Tono Errando | B: Fernando Trueba,<br />
Ignacio Martínez de Pisón | M: Bebo Valdés | 94 min |<br />
OmU | Havanna 2008. Chico, ein alter Schuhputzer und<br />
ehemaliger Jazz-Pianist in Havanna, erinnert sich an<br />
das Leben in Kuba vor dem Castro-Regime, an Swing,<br />
Bebop und Latin Jazz und seine bittersüße Liebesgeschichte<br />
mit der Sängerin Rita. »CHICO & RITA ist ein<br />
Animationsfilm. Doch die flächige Zeichenästhetik hat<br />
mit Comic und mit japanischen Mangas wenig und mit<br />
den dreidimensionalen Plastikpuppen aus Hollywoods<br />
3D-Labors gar nichts zu tun. Es ist ein erwachsener<br />
Film, der sich zugleich dazu bekennt, unterhalten zu<br />
wollen. Überaus liebevoll setzt Trueba dem Latin Jazz<br />
und Größen wie Dizzy Gillespie, Charlie Parker oder<br />
Chano Pozo ein Denkmal. CHICO & RITA ist zuallererst<br />
ein Film über die herrliche kubanische Musik, die alle<br />
politischen Wirren überdauert und die die ideologischen<br />
Lager verbindet.« (Rüdiger Suchsland)<br />
Donnerstag, 20. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong>, 20.00 Uhr Sonntag,<br />
23. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Jazz on a Summer’s Day (Jazz an einem Sommerabend)<br />
| USA 1960 | R: Bert Stern, Aram Avakian | B:<br />
Albert D’Annibale, Arnold Perl | K: Courtney Hesfela,<br />
Raymond Phelan, Bert Stern | Mit Louis Armstrong,<br />
Gerry Mulligan, Buck Clayton, Thelonious Monk, Jack<br />
Teagarden, Dinah Washington, Sonny Stitt, Jo Jones,<br />
Chico Hamilton, Jim Hall, Jimmy Giuffre, Bob Brookmeyer,<br />
Terry Gibbs, Urbie Green, Max Roach, Art Farmer,<br />
George Shearing, Chuck Berry | 86 min | OF |<br />
Der Film des Mode- und Werbefotografen Bert Stern<br />
beginnt mit Aufnahmen zum Admirals-Cup-Segelrennen,<br />
das parallel 1958 zum Jazzfestival in Newport<br />
stattfand. Natürlich war aber die Musik der Hauptgrund<br />
für Newport und diesen Film. Stern präsentiert die besten<br />
Jazz-, R&B- und Boogie-Woogie-Künstler der 1950er<br />
Jahre. Als Spike Lee 2004 gebeten wurde, zum 50.<br />
Jubiläum des Newport Jazz Festivals einen Dokumentarfilm<br />
zu drehen, lehnte er den Auftrag ab mit dem<br />
Verweis auf Sterns Klassiker: »Einen besseren Film zu<br />
diesem Festival kann es nicht mehr geben«.<br />
Freitag, 21. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Thelonious Monk – Straight, No Chaser | USA 1988<br />
| R+B: Charlotte Zwerin | K: Christian Blackwood |<br />
M: Dick Hyman | Mit Thelonious Monk, John Coltrane,<br />
Nica de Koenigswarter, Tommy Flanagan, Johnny Griffin<br />
| 90 min | OF | Thelonious Monk (19<strong>17</strong>–1982) war<br />
un bestritten mit Charlie Parker, Dizzy Gillespie und<br />
Kenny Clarke einer der Wegbereiter des Bebop. 1967<br />
erhielten die Dokumentarfilmer Michael und Christian<br />
Blackwood vom Deutschen Fernsehen die Aufgabe, ein<br />
Feature über den Pianisten Monk zu produzieren.<br />
Dieses Material nutzten später der Produzent Bruce<br />
Ricker und Charlotte Zwerin als Basis für STRAIGHT, NO<br />
CHASER. Zusätzlich gedrehte Aufnahmen von Monks<br />
Beerdigung und Interviews mit Familienangehörigen,<br />
Musikern und Freunden geben Auskunft über das Leben<br />
des Pianisten. Die dokumentarischen Aufnahmen<br />
zeigen Monk beim Klavierspiel, wie er in die Tasten des<br />
Pianos greift und seine Musik zu erklären versucht.
»STRAIGHT, NO CHASER sets the standard for jazz<br />
documentaries.« (Scott Yanow)<br />
Samstag, 22. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Blue Note – A Story of Modern Jazz | Deutschland<br />
1997 | R: <strong>Juli</strong>an Benedikt, Andreas Morell | B: <strong>Juli</strong>an<br />
Benedikt | K: William Rexer, Georg Steinweh | Mit Freddie<br />
Hubbard, Gil Melle, Herbie Hancock, Horace Silver,<br />
Bertrand Tavernier, Ron Carter, Max Roach, Joachim E.<br />
Behrendt | 91 min | engl. OmU | Die Geschichte des von<br />
den Emigranten Alfred Lion und Francis Wolff gegründeten<br />
Jazz-Plattenlabels Blue Note Records beschreibt<br />
die Erfüllung des amerikanischen Traums: Der Weg<br />
einer Firma, die es aus dem Nichts bis zur Welt geltung<br />
brachte. Eine Collage aus Interviews, grafischen Elementen,<br />
Konzert- und Archivaufnahmen. Herausgekommen<br />
ist dabei einer der erfolgreichsten deutschen<br />
Dokumentar-Jazzfilme der neueren Zeit. Durch die<br />
Kameraeinstellungen und Bildausschnitte ist man den<br />
Musikern, Freunden, Begleitern und Fans der legendären<br />
Blue-Note-Aufnahmen sehr nahe. Man könnte die<br />
Erzählfreude im Film auch im »deutschen Englisch« von<br />
Alfred Lion beschreiben: »It must schwing«.<br />
Sonntag, 23. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Ascenseur pour l’échafaud (Fahrstuhl zum Schafott)<br />
| Frankreich 1958 | R: Louis Malle | B: Roger<br />
Nimier, Louis Malle, nach einem Roman von Noël Calef<br />
| K: Henri Decaë | M: Miles Davis | D: Jeanne Moreau,<br />
Maurice Ronet, Lino Ventura, Georges Poujouly, Ivan<br />
Petrovich | 91 min | OmU | »Wenige Soundtracks haben<br />
die Verwendung des Jazz im Film so definitiv geprägt<br />
wie die Musik, die ein Quintett um Miles Davis in der<br />
Nacht vom 4. zum 5. September 1957 in den Poste-<br />
Parisien-Studios einspielte. Und wenige Filme haben<br />
so definitiv dazu beigetragen, dem Jazz die Semantik<br />
von Urbanität, Ausweglosigkeit, Verbrechen aufzuprägen.<br />
Der Vermittlung Marcel Romanos, der mit dem<br />
französischen Regisseur zusammenarbeitete, ist es<br />
zu verdanken, dass es zur Begegnung von Malle und<br />
Davis kam. Davis hatte, so Romano, den Film bereits<br />
kurz nach seiner Ankunft in Paris zu sehen bekommen,<br />
hatte sich eingehend nach der Handlung und den Charakteren<br />
erkundigt und in den kommenden zwei Wochen<br />
bis zur Aufnahme in seinem Hotelzimmer Skizzen<br />
ausgearbeitet.« (Peter Niklas Wilson)<br />
Dienstag, 25. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong>, 20.00 Uhr Freitag,<br />
28. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
The Fabulous Baker Boys (Die fabelhaften Baker<br />
Boys) | USA 1989 | R+B: Steve Kloves | K: Michael<br />
Ballhaus | M: Dave Grusin | D: Jeff Bridges, Michelle<br />
Pfeiffer, Beau Bridges, Ellie Raab, Xander Berkeley |<br />
114 min | OmU | Zwei Brüder, die als Barpianisten in<br />
Seattle spielen, und Michelle Pfeiffer als Sängerin, um<br />
die die Kamera von Michael Ballhaus herumkreist, während<br />
sie – auf dem Flügel liegend – »Makin’ Whoopee«<br />
interpretiert. »Dies ist kein Film wie das Leben, weil er<br />
von einem Leben erzählt, das es nur im Kino gibt. Das<br />
bedeutet, dass er einen Großteil seiner schmerzhaften<br />
Jazz im Film<br />
81<br />
THE FABULOUS BAKER BOYS
Jazz im Film<br />
82<br />
Schönheit aus der Einsicht bezieht, dass im wirklichen<br />
Leben weit und breit kein Jazz zu hören ist, wenn man<br />
nach einer miesen Nacht frühmorgens nach Hause<br />
kommt. Wer sich eine Vorstellung machen möchte<br />
von den FABULOUS BAKER BOYS, der muß eine Platte<br />
von Duke Ellington auflegen und dem Klang von<br />
Worten wie ›Hotel Bar‹ oder ›Cocktail Lounge‹ nachschmecken.<br />
Dazu sollte er versuchen, sich eine Komödie<br />
der 1940er Jahre im heutigen Amerika auszumalen.«<br />
(Michael Althen)<br />
Mittwoch, 26. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong>, 20.00 Uhr Samstag,<br />
29. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Miles Ahead | USA 2015 | R: Don Cheadle | B:<br />
Steven Baigelman, Don Cheadle | K: Roberto Schaefer<br />
| M: Robert Glasper | D: Don Cheadle, Ewan McGregor,<br />
Emayatzy Corinealdi, Lakeith Lee Stanfield, Michael<br />
Stuhlbarg | 100 min | OmU | New York 1980. Miles<br />
Davis lebt seit mehreren Jahren wie ein Einsiedler<br />
in seiner Wohnung, Kokain, Alkohol und Depressionen<br />
sind ständige Begleiter. Lange Zeit hat er keine<br />
Plattenaufnahmen mehr eingespielt. Doch es geht das<br />
Gerücht, dass bald eine neue Veröffentlichung ansteht.<br />
Ein Reporter des Rolling Stone erfährt davon und will<br />
eine Story daraus machen. Widerstrebend erzählt Miles<br />
dem Journalisten aus seinem Leben. »Cheadle vollbringt<br />
das Wunder, aus diesem Krisenmoment heraus<br />
Türen zum Ganzen dieses Lebens zu öffnen. Zwischen<br />
erzählerischer Freiheit und Faktentreue hält er mustergültig<br />
die Balance. Was rein technisch Rückblicke sind,<br />
explodiert in einem impressionistischen Feuerwerk, in<br />
dem Gegenwart und Vergangenheit einander durchdringen.«<br />
(Gregor Dotzauer)<br />
Donnerstag, 27. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong>, 20.00 Uhr Sonntag,<br />
30. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong>, 21.00 Uhr<br />
Odds Against Tomorrow (Wenig Chancen für<br />
morgen) | USA 1959 | R: Robert Wise | B: Abraham<br />
Polonsky, Nelson Gidding, nach dem Roman von<br />
William P. McGivern | K: Joseph C. Brun | M: John<br />
Lewis | D: Harry Belafonte, Robert Ryan, Shelley Winters,<br />
Ed Begley, Gloria Grahame, Kim Hamilton | 96 min |<br />
OF | Um seinen Ruhestand angemessen finanzieren zu<br />
können, plant der unehrenhaft aus dem Dienst entlassene<br />
New Yorker Polizist Dave Burke einen Bankraub in einem<br />
nahegelegenen Provinzstädtchen. Da er seinen Plan allein<br />
nicht umsetzen kann, versucht er, zwei Komplizen dafür<br />
zu gewinnen: den rassistischen Ex-Sträfling Earl Slater,<br />
der wegen Totschlags im Gefängnis war, und den jungen<br />
puerto-ricanischen Jazzmusiker Johnny Ingram,<br />
der sich bei Pferdewetten hoch verschuldet hat. Der<br />
exzellente Jazzscore von John Lewis unterstreicht die<br />
düstere Stimmung dieses Nachzüglers des Film noir.<br />
»Skating in Central Park« wurde zum Hit des Modern<br />
Jazz Quartet und ein fester Bestandteil ihres Repertoires.<br />
Freitag, 28. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
À bout de souffle (Außer Atem) | Frankreich 1960 |<br />
R+B: Jean-Luc Godard | K: Raoul Coutard | M: Martial<br />
Solal | D: Jean Seberg, Jean-Paul Belmondo, Daniel<br />
Boulanger, Henri-Jacques Huet, Jean-Pierre Mel ville<br />
| 90 min | OmU | »Schon nach den ersten Szenen<br />
sind alle außer Atem, die Schauspieler, die Zuschauer,<br />
die Bilder, und als Belmondo dann mit einer Kugel<br />
im Rücken auf dem Pflaster zusammenbricht, bläst er<br />
noch eine Rauchwolke aus, wie eine Pistole nach dem<br />
Schuss. Unsterblich werden und dann sterben, das<br />
dauert neunzig Minuten, und am Ende ist Belmondo ein<br />
Star, Godard ein Genie und der Film ein Klassiker. Die<br />
revolutionären Schnitte, die unverschämten Ellipsen,<br />
mit denen Godard die Illusionshülle des Kinos zerbricht,<br />
sie sind vervielfachte Liebesblicke; die legendären<br />
Kamerafahrten und Schwenks nur der zerstreute Ausdruck<br />
eines Gefühls, das in der Außenwelt keine Entsprechung<br />
mehr findet.« (Andreas Kilb) Untrennbar mit<br />
den Bildern verbunden ist die am Cool Jazz orientierte<br />
Filmmusik des Jazzpianisten Martial Solal.<br />
Samstag, 29. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr<br />
Let’s Get Lost | USA 1988 | R+B: Bruce Weber | K: Jeff<br />
Preiss | M: Chet Baker | Mit Chet Baker, Carol Baker,<br />
Vera Baker, William Claxton | 120 min | OF | Chet Baker<br />
(1929–1988) war einer der wenigen Jazzmusiker, die<br />
man sofort am ersten Ton erkannte. Sein Spiel mit der<br />
Trompete und dem Flügelhorn war geprägt von einem<br />
weichen, lyrischen, ruhigen und depressiven Ton, der<br />
die Zuhörer sofort in seinen Bann schlug. Der Dokumentarfilm<br />
präsentiert Einspielungen aus den 1950er<br />
Jahren, als Baker den West Coast Jazz mitbegründete.<br />
Berühmte Bilder des Jazzfotografen William Claxton<br />
zeigen ihn als »James Dean des Jazz«. Einen Kontrast<br />
bilden dagegen Aufnahmen des Musikers aus dem<br />
Jahr 1987/1988. Sein Gesicht ist durch seine Drogensucht<br />
zerstört, er steht während der Dreharbeiten sichtlich<br />
unter Heroineinfluss. Weiterhin gibt es Interviews<br />
mit seiner Mutter, Ex-Frauen, Kindern und Mitmusikern.<br />
Etwa ein halbes Jahr nach den Dreharbeiten starb Chet<br />
Baker durch einen Fenstersturz aus seinem Hotelzimmer<br />
in Amsterdam.<br />
Sonntag, 30. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong>, 18.30 Uhr
Donnerstag, 23. <strong>Feb</strong>ruar 20<strong>17</strong><br />
19.00 Deutsche Filme 2016 Toni Erdmann Seite 4<br />
DE 2016 | Maren Ade | 162 min | OmeU<br />
Freitag, 24. <strong>Feb</strong>ruar 20<strong>17</strong><br />
18.30 Andrzej Wajda Zły chłopiec (Der böse Knabe) | Ceramika iłzecka (Die Keramik aus Ilza) Seite 10<br />
Kiedy ty śpisz (Während du schläfst) | Pokolenie (Eine Generation)<br />
PL 1951–1955 | Andrzej Wajda | 118 min | OmeU<br />
21.00 Deutsche Filme 2016 Junges Licht Seite 4<br />
DE 2016 | Adolf Winkelmann | 122 min<br />
Samstag, 25. <strong>Feb</strong>ruar 20<strong>17</strong><br />
18.30 Andrzej Wajda Idę do słońca (Ich gehe zur Sonne) Seite 10<br />
PL 1955 | Andrzej Wajda | 13 min | OmeU<br />
Kanał (Der Kanal)<br />
PL 1957 | Andrzej Wajda | 91 min | OmeU<br />
21.00 Deutsche Filme 2016 Toni Erdmann Seite 4<br />
DE 2016 | Maren Ade | 162 min | OmeU<br />
Sonntag, 26. <strong>Feb</strong>ruar 20<strong>17</strong><br />
18.30 Andrzej Wajda Popiół i diament (Asche und Diamant) Seite 10<br />
PL 1958 | Andrzej Wajda | 97 min | OmeU<br />
21.00 Deutsche Filme 2016 Havarie Seite 4<br />
DE 2016 | Philip Scheffner | 93 min | OmeU<br />
Mittwoch, 1. März 20<strong>17</strong><br />
19.00 Deutsche Filme 2016 Chamissos Schatten: Alaska und die Aleutischen Inseln Seite 5<br />
DE 2016 | Ulrike Ottinger | 193 min<br />
Donnerstag, 2. März 20<strong>17</strong><br />
19.00 Open Scene<br />
Freitag, 3. März 20<strong>17</strong><br />
18.30 Andrzej Wajda Wajda – Une leçon de cinéma (Großes Kino aus Polen) Seite 10<br />
FR 2016 | Andrzej Wolski | 95 min | dtF | Andrzej Wolski<br />
21.00 Deutsche Filme 2016 Nebel im August Seite 5<br />
DE 2016 | Kai Wessel | 126 min<br />
Samstag, 4. März 20<strong>17</strong><br />
18.30 Andrzej Wajda Lotna Seite 11<br />
PL 1959 | Andrzej Wajda | 85 min | OmeU<br />
21.30 Deutsche Filme 2016 Vor der Morgenröte Seite 5<br />
DE 2016 | Maria Schrader | 105 min | OmeU<br />
Sonntag, 5. März 20<strong>17</strong><br />
18.30 Andrzej Wajda Niewinni czarodzieje (Die unschuldigen Zauberer) Seite 11<br />
PL 1960 | Andrzej Wajda | 83 min | OmeU<br />
Przekładaniec (Organitäten)<br />
PL 1968 | Andrzej Wajda | 35 min | OmeU<br />
21.00 Deutsche Filme 2016 Landstück Seite 6<br />
DE 2016 | Volker Koepp | 122 min | OmeU<br />
Kalenderübersicht<br />
83
Kalenderübersicht<br />
84<br />
Dienstag, 7. März 20<strong>17</strong><br />
18.30 Deutsche Filme 2016 Vor der Morgenröte Seite 5<br />
DE 2016 | Maria Schrader | 105 min | OmeU<br />
21.00 Universal Monsters Universal Horror (Horror ohne Ende) Seite 22<br />
USA 1995 | Kevin Brownlow | 95 min | OmU<br />
Mittwoch, 8. März 20<strong>17</strong><br />
19.00 Deutsche Filme 2016 Chamissos Schatten: Tschukotka und die Wrangelinsel 1 Seite 5<br />
DE 2016 | Ulrike Ottinger | 192 min<br />
Donnerstag, 9. März 20<strong>17</strong><br />
18.30 Open Scene<br />
Freitag, 10. März 20<strong>17</strong><br />
18.30 Andrzej Wajda Samson Seite 12<br />
PL 1961 | Andrzej Wajda | 1<strong>17</strong> min | OmeU<br />
21.00 Deutsche Filme 2016 Die Hände meiner Mutter Seite 6<br />
DE 2016 | Florian Eichinger | 106 min | OmeU<br />
Samstag, 11. März 20<strong>17</strong><br />
18.30 Andrzej Wajda L’amour à 20 ans (Liebe mit 20) Seite 12<br />
FR 1962 | F. Truffaut, R. Rossellini, S. Ishihara, M. Ophüls, A. Wajda | 126 min | OmU<br />
21.00 Deutsche Filme 2016 24 Wochen Seite 6<br />
DE 2016 | Anne Zohra Berrached | 103 min | OmeU<br />
Sonntag, 12. März 20<strong>17</strong><br />
18.30 Andrzej Wajda Popioły (Legionäre) Seite 12<br />
PL 1965 | Andrzej Wajda | 226 min | OmeU<br />
Dienstag, 14. März 20<strong>17</strong><br />
18.30 Deutsche Filme 2016 24 Wochen Seite 6<br />
DE 2016 | Anne Zohra Berrached | 103 min | OmeU<br />
21.00 Universal Monsters Dracula Seite 22<br />
USA 1931 | Tod Browning | 75 min | OmU<br />
Mittwoch, 15. März 20<strong>17</strong><br />
19.00 Deutsche Filme 2016 Chamissos Schatten: Tschukotka und die Wrangelinsel 2 Seite 5<br />
DE 2016 | Ulrike Ottinger | 156 min<br />
Donnerstag, 16. März 20<strong>17</strong><br />
19.00 Open Scene<br />
Freitag, <strong>17</strong>. März 20<strong>17</strong><br />
18.30 Andrzej Wajda Sibirska Ledi Magbet (Blut der Leidenschaft) Seite 12<br />
YU 1962 | Andrzej Wajda | 92 min | OmeU<br />
21.00 Deutsche Filme 2016 Wild Seite 7<br />
DE 2016 | Nicolette Krebitz | 93 min<br />
Samstag, 18. März 20<strong>17</strong><br />
18.30 Andrzej Wajda Gates to Paradise (Die Pforten des Paradieses) Seite 13<br />
GB 1967 | Andrzej Wajda | 79 min | dtF<br />
Filmmuseum im Münchner Stadtmuseum · St.-Jakobs-Platz 1 · 80331 München · Tel 089/233 96450
Samstag, 18. März 20<strong>17</strong><br />
21.00 Deutsche Filme 2016 Tschick Seite 7<br />
DE 2016 | Fatih Akin | 93 min | OmeU<br />
Sonntag, 19. März 20<strong>17</strong><br />
<strong>17</strong>.30 Film und<br />
Psychoanalyse<br />
Gravity Seite 26<br />
USA 2013 | Alfonso Cuarón | 90 min | OF | 3D | 2 Salek Kutschinski<br />
21.00 Deutsche Filme 2016 Austerlitz Seite 7<br />
DE 2016 | Sergei Loznitsa | 94 min<br />
Dienstag, 21. März 20<strong>17</strong><br />
18.30 Deutsche Filme 2016 Wild Seite 7<br />
DE 2016 | Nicolette Krebitz | 93 min<br />
21.00 Universal Monsters Drácula Seite 22<br />
USA 1931 | George Melford | 104 min | span.OmU<br />
Mittwoch, 22. März 20<strong>17</strong><br />
19.00 Deutsche Filme 2016 Chamissos Schatten: Kamtschatka und die Beringinsel Seite 5<br />
DE 2016 | Ulrike Ottinger | <strong>17</strong>7 min<br />
Donnerstag, 23. März 20<strong>17</strong><br />
19.00 Open Scene Haymatloz – Exil in der Türkei<br />
DE 2016 | Even Öusöz | 95 min | türk. OmU<br />
Hasnain Kazim, Jutta Prediger, Christiane Schlötzer<br />
Freitag, 24. März 20<strong>17</strong><br />
18.30 Andrzej Wajda Wszystko na sprzedaż (Alles zu verkaufen) Seite 13<br />
PL 1968 | Andrzej Wajda | 105 min | OmeU<br />
21.00 Bilder der<br />
Überwachung<br />
Samstag, 25. März 20<strong>17</strong><br />
Ucho (Das Ohr) Seite 29<br />
CS 1970 | Karel Kachyňa | 94 min | OmeU<br />
18.30 Andrzej Wajda Polowanie na muchy (Fliegenjagd) Seite 13<br />
PL 1969 | Andrzej Wajda | 108 min | OmeU<br />
21.00 Bilder der<br />
Überwachung<br />
Sonntag, 26. März 20<strong>17</strong><br />
Nineteen Eighty-Four (1984) Seite 29<br />
GB 1984 | Michael Radford | 108 min | OF<br />
18.30 Andrzej Wajda Krajobraz po bitwie (Landschaft nach der Schlacht) Seite 13<br />
PL 1970 | Andrzej Wajda | 108 min | OmeU<br />
21.00 Bilder der<br />
Überwachung<br />
Dienstag, 28. März 20<strong>17</strong><br />
18.30 Bilder der<br />
Überwachung<br />
The Conversation (Der Dialog) Seite 30<br />
USA 1974 | Francis Ford Coppola | 109 min | OmU<br />
Alles unter Kontrolle Seite 30<br />
AT 2015 | Werner Boote | 93 min<br />
21.00 Universal Monsters Frankenstein Seite 22<br />
USA 1931 | James Whale | 71 min | OmU<br />
Kalenderübersicht<br />
85<br />
Filmmuseum im Münchner Stadtmuseum · St.-Jakobs-Platz 1 · 80331 München · Tel 089/233 96450
Kalenderübersicht<br />
86<br />
Mittwoch, 29. März 20<strong>17</strong><br />
18.30 Bilder der<br />
Überwachung<br />
Der Riese Seite 30<br />
BRD 1983 | Michael Klier | 82 min<br />
21.00 Cate Blanchett Oscar and Lucinda (Oscar und Lucinda) Seite 34<br />
AU 1997 | Gillian Armstrong | 132 min | OF<br />
Donnerstag, 30. März 20<strong>17</strong><br />
19.00 Open Scene La teta asustada (Eine Perle Ewigkeit)<br />
ES 2009 | Claudia Llosa | 100 min | OmU | Claudia Llosa<br />
Freitag, 31. März 20<strong>17</strong><br />
18.30 Architekturfilmtage Where Architects Live Seite 39<br />
IT 2014 | Francesca Molteni | 78 min | OmeU<br />
Peep | Cat | Modern Living | Casa Cubo | This Was Not My Dream (Casa Redux)<br />
BR 2012-14 | Marcio Kogan | 20 min | engl.OF | 2 Mathieu Wellner<br />
21.00 Architekturfilmtage Atlas der seltsamen Häuser und ihrer Bewohner Seite 40<br />
Buchvorstellung und Einführungsvortrag von Niklas Maak<br />
La Cupola<br />
DE 2016 | Volker Sattel | 40 min | OmU | Volker Sattel<br />
Samstag, 1. April 20<strong>17</strong><br />
18.30 Architekturfilmtage Für den Schwung sind Sie zuständig Seite 40<br />
DE 2003 | Margarete Fuchs | 58 min | Margarete Fuchs<br />
Bowlingtreff<br />
DE 2016 | Thomas Beyer & Adrian Dorschner | 60 min | Thomas Beyer & Adrian Dorschner<br />
21.00 Architekturfilmtage Mies van der Rohe Seite 40<br />
BRD 1968 | Georgia van der Rohe & Sam Ventura | 40 min<br />
Eero Saarinen – The Architect Who Saw the Future<br />
USA 2016 | Peter Rosen | 54 min | OF<br />
Sonntag, 2. April 20<strong>17</strong><br />
18.30 Architekturfilmtage Il Girasole – Una casa vicino a Verona (Ein Haus in der Nähe von Verona) Seite 41<br />
CH 1995 | Christoph Schaub & Marcel Meili | 15 min | OmU<br />
Batushas Haus<br />
CH 2016 | Tino Glimmann & Jan Gollob | 70 min | OmU | Tino Glimmann & Jan Gollob<br />
21.00 Architekturfilmtage La madre, il figlio e l’architetto (Die Mutter, der Sohn und der Architekt) Seite 41<br />
NL 2012 | Petra Noordkamp | 16 min | engl.OF<br />
L’architecte de Saint-Gaudens (Der Architekt von Saint-Gaudens)<br />
FR 2015 | <strong>Juli</strong>e Desprairies & Serge Bozon | 28 min | OmeU<br />
A Man in Space No. 1 – Days of Zucco<br />
FR 2016 | Lucas Bacle | 6 min | OmeU<br />
Talking House<br />
FR 2016 | Elizabeth Lennard | 42 min | engl.OF<br />
Dienstag, 4. April 20<strong>17</strong><br />
18.30 Bilder der<br />
Überwachung<br />
Citizenfour Seite 31<br />
USA 2014 | Laura Poitras | 114 min | OmU<br />
21.00 Universal Monsters The Mummy (Die Mumie) Seite 23<br />
USA 1932 | Karl Freund | 74 min | OmU<br />
Filmmuseum im Münchner Stadtmuseum · St.-Jakobs-Platz 1 · 80331 München · Tel 089/233 96450
Mittwoch, 5. April 20<strong>17</strong><br />
18.30 Bilder der<br />
Überwachung<br />
Low Definition Control – Malfunctions #0 Seite 31<br />
AT 2011 | Michael Palm | 95 min<br />
21.00 Cate Blanchett Elizabeth Seite 34<br />
GB 1998 | Shekhar Kapur | 124 min | OmU<br />
Donnerstag, 6. April 20<strong>17</strong><br />
19.00 Thomas Mauch Strafprotokoll aller und jeder Untertanen des allhiesigen Seite 43<br />
Reichsgotteshauses Roggenburg<br />
BRD 1976 | Thomas Mauch | 11 min<br />
Die Macht der Gefühle<br />
BRD 1983 | Alexander Kluge | 115 min<br />
Thomas Mauch, Alexander Kluge<br />
Freitag, 7. April 20<strong>17</strong><br />
18.30 Andrzej Wajda Brzeżina (Das Birkenwäldchen) Seite 13<br />
PL 1970 | Andrzej Wajda | 99 min | OmeU<br />
21.00 Thomas Mauch Nel regno di Napoli (Neapolitanische Geschwister) Seite 44<br />
BRD 1978 | Werner Schroeter | 136 min | ital.OmU | Thomas Mauch<br />
Samstag, 8. April 20<strong>17</strong><br />
18.30 Andrzej Wajda Wesele (Die Hochzeit) Seite 14<br />
PL 1973 | Andrzej Wajda | 110 min | OmeU<br />
21.00 Thomas Mauch Shirins Hochzeit Seite 44<br />
BRD 1976 | Helma Sanders-Brahms | 120 min | Thomas Mauch<br />
Sonntag, 9. April 20<strong>17</strong><br />
18.30 Andrzej Wajda The Shadow Line (Die Schattenlinie) Seite 14<br />
GB 1976 | Andrzej Wajda | 100 min | OF<br />
21.00 Thomas Mauch Letzte Worte Seite 44<br />
BRD 1968 | Werner Herzog | 13 min<br />
Die Achse<br />
BRD 1985 | Thomas Mauch | 32 min<br />
Tod eines Vaters<br />
BRD 1978 | Thomas Mauch | 47 min | Thomas Mauch<br />
Dienstag, 11. April 20<strong>17</strong><br />
18.30 Bilder der<br />
Überwachung<br />
A Good American Seite 31<br />
AT 2015 | Friedrich Moser | 104 min | OmU<br />
21.00 Universal Monsters The Invisible Man (Der Unsichtbare) Seite 23<br />
USA 1933 | James Whale | 71 min | OmU<br />
Mittwoch, 12. April 20<strong>17</strong><br />
18.30 Bilder der<br />
Überwachung<br />
Il Castello (Die Festung) Seite 31<br />
IT 2011 | Massimo D‘Anolfi & Martina Parenti | 90 min | OmeU<br />
21.00 Cate Blanchett Heaven Seite 34<br />
DE 2002 | Tom Tykwer | 97 min | OmU<br />
Donnerstag, 13. April 20<strong>17</strong><br />
19.00 Open Scene<br />
Kalenderübersicht<br />
87<br />
Filmmuseum im Münchner Stadtmuseum · St.-Jakobs-Platz 1 · 80331 München · Tel 089/233 96450
Kalenderübersicht<br />
88<br />
Freitag, 14. April 20<strong>17</strong><br />
18.30 Andrzej Wajda Pilatus und andere – Ein Film für Karfreitag Seite 14<br />
BRD 1972 | Andrzej Wajda | 94 min<br />
21.00 Helmut Färber Acto da Primavera (Der Leidensweg Jesu in Curalha) Seite 46<br />
PT 1963 | Manoel de Oliveira | 94 min | OmeU | 2 Thomas Brandlmeier<br />
Samstag, 15. April 20<strong>17</strong><br />
19.00 Andrzej Wajda Ziemia obiecana (Das gelobte Land) Seite 14<br />
PL 1975 | Andrzej Wajda | <strong>17</strong>0 min | OmeU<br />
Sonntag, 16. April 20<strong>17</strong><br />
19.00 Andrzej Wajda Człowiek z marmuru (Der Mann aus Marmor) Seite 14<br />
PL 1977 | Andrzej Wajda | 161 min | OmeU<br />
Montag, <strong>17</strong>. April 20<strong>17</strong><br />
19.00 Andrzej Wajda Człowiek z żelaza (Der Mann aus Eisen) Seite 15<br />
PL 1981 | Andrzej Wajda | 147 min | OmeU<br />
Dienstag, 18. April 20<strong>17</strong><br />
18.30 Kafka geht ins Kino Kafka Seite 50<br />
USA 1991 | Steven Soderbergh | 98 min | OmU<br />
21.00 Universal Monsters The Bride of Frankenstein (Frankensteins Braut) Seite 23<br />
USA 1935 | James Whale | 75 min | OmU<br />
Mittwoch, 19. April 20<strong>17</strong><br />
19.00 Cate Blanchett The Aviator Seite 35<br />
USA 2004 | Martin Scorsese | <strong>17</strong>8 min | OmU<br />
Donnerstag, 20. April 20<strong>17</strong><br />
19.00 Kafka geht ins Kino Kafka geht ins Kino Seite 50<br />
Lesung mit Filmausschnitten | Hanns Zischler<br />
Freitag, 21. April 20<strong>17</strong><br />
18.30 Kafka geht ins Kino Primo Circuito Aereo Internazionale di Aeroplane in Brescia Seite 50<br />
IT 1909 | Adolfo Croce | 13 min | OmU<br />
Nick Winter et le vol de la Joconde (Nick Winter und der Diebstahl der Mona Lisa)<br />
FR 1911 | Paul Gabigni | 10 min | OmU<br />
Den hvide slavehandels sidste offer (Die weiße Sklavin)<br />
DK 1911 | August Blom | 55 min | dtF | \ Richard Siedhoff | 2 Hanns Zischler<br />
21.00 Kafka geht ins Kino Theodor Körner Seite 51<br />
DE 1912 | Gerhard Dammann, Franz Porten | 41 min<br />
La broyeuse de cœurs (Die Herzensbrecherin)<br />
FR 1913 | Camille de Morlhon | 47 min | OmU | \ Richard Siedhoff | 2 Hanns Zischler<br />
Samstag, 22. April 20<strong>17</strong><br />
18.30 Kafka geht ins Kino Daddy-Long-Legs (Vater Langbein) Seite 51<br />
USA 1919 | Marshall Neilan | 97 min | OF | \ Richard Siedhoff | 2 Stefan Drößler<br />
21.00 Kafka geht ins Kino Prazdnovanie 300-letija Doma Romanovych (300 Jahrfeier des Hauses Romanoff)<br />
RU 1913 | 16 min | OmU Seite 51<br />
Der Andere<br />
DE 1913 | Max Mack | 75 min | \ Richard Siedhoff | 2 Stefan Drößler<br />
Filmmuseum im Münchner Stadtmuseum · St.-Jakobs-Platz 1 · 80331 München · Tel 089/233 96450
Sonntag, 23. April 20<strong>17</strong><br />
18.30 Kafka geht ins Kino Jízda Prahou otevřenou tramvají (Straßenbahnfahrt durch Prag) Seite 51<br />
CZ 1908 | Jan Kříženecký | 2 min<br />
Shiwat Zion (Heimkehr nach Zion)<br />
Palästina 1921 | Ya'acov Ben-Dov | 74 min | OmU | \ Günter A. Buchwald | 2 Stewart Tryster<br />
21.00 Kafka geht ins Kino Kafka Seite 50<br />
USA 1991 | Steven Soderbergh | 98 min | OmU<br />
Dienstag, 25. April 20<strong>17</strong><br />
18.30 Danielle Darrieux Mayerling Seite 55<br />
FR 1996 | Anatole Litvak | 92 min | OmU<br />
21.00 Universal Monsters Dracula’s Daughter (Draculas Tochter) Seite 24<br />
USA 1936 | Lambert Hillyer | 71 min | OF<br />
Mittwoch, 26. April 20<strong>17</strong><br />
18.30 Danielle Darrieux 8 femmes (8 Frauen) Seite 55<br />
FR 2002 | François Ozon | 111 min | OmU<br />
21.00 Cate Blanchett I’m Not There Seite 36<br />
USA 2007 | Todd Haynes | 130 min | OmU | Ed Lachman<br />
Donnerstag, 27. April 20<strong>17</strong><br />
19.00 Helmut Färber Queen Kelly Seite 46<br />
USA 1929 | Erich von Stroheim | 96 min | OF<br />
Hat Wolff von Amerongen Konkursdelikte begangen?<br />
AT 2004 | Gerhard Benedikt Friedl | 72 min<br />
Freitag, 28. April 20<strong>17</strong><br />
18.30 Andrzej Wajda Bez znieczulenia (Ohne Betäubung) Seite 15<br />
PL 1978 | Andrzej Wajda | 125 min | OmeU<br />
21.00 Danielle Darrieux La ronde (Der Reigen) Seite 56<br />
FR 1950 | Max Ophüls | 109 min | OmU<br />
Samstag, 29. April 20<strong>17</strong><br />
18.30 Andrzej Wajda Panny z Wilka (Die Mädchen von Wilko) Seite 15<br />
PL 1979 | Andrzej Wajda | 116 min | OmeU<br />
21.00 Danielle Darrieux Le plaisir (Pläsier) Seite 56<br />
FR 1951 | Max Ophüls | 97 min | OmeU<br />
Sonntag, 30. April 20<strong>17</strong><br />
<strong>17</strong>.30 Film und<br />
Psychoanalyse<br />
Birdman or The Unexpected Virtue of Ignorance Seite 26<br />
(Birdman oder Die unverhoffte Macht der Ahnungslosigkeit)<br />
USA 2014 | Alejandro G. Iñárritu | 119 min | OmU | 2 Matthias Baumgart, Eva Friedrich<br />
21.00 Danielle Darrieux Madame de … Seite 56<br />
FR 1953 | Max Ophüls | 99 min | OmU<br />
Dienstag, 2. Mai 20<strong>17</strong><br />
18.30 Danielle Darrieux Les demoiselles de Rochefort (Die Mädchen von Rochefort) Seite 56<br />
FR 1967 | Jacques Demy | 122 min | OmeU<br />
21.00 Universal Monsters Son of Frankenstein (Frankensteins Sohn) Seite 24<br />
USA 1939 | Rowland V. Lee | 99 min | OF<br />
Kalenderübersicht<br />
89<br />
Filmmuseum im Münchner Stadtmuseum · St.-Jakobs-Platz 1 · 80331 München · Tel 089/233 96450
filmmuseummünchen<br />
Mittwoch, 3. Mai 20<strong>17</strong><br />
18.30 Danielle Darrieux Une chambre en ville (Ein Zimmer in der Stadt) Seite 56<br />
FR 1982 | Jacques Demy | 90 min | OmeU<br />
21.00 Cate Blanchett The Life Aquatic with Steve Zissou (Die Tiefseetaucher) Seite 35<br />
USA 2004 | Wes Anderson | 119 min | OF<br />
Donnerstag, 4. Mai bis Sonntag, 14. Mai 20<strong>17</strong><br />
Dok.Fest: Retrospektive Georg Stefan Troller Seite 57<br />
Dienstag, 16. Mai 20<strong>17</strong><br />
18.30 Kurt Eisner Die Münchner Räterepublik I: Seite 59<br />
Kurt Eisner – Zwischen Demokratie und Diktatur<br />
BRD 1971 | Helmuth Ashley | 90 min | 2 Ingrid Scherf<br />
21.00 Universal Monsters The Invisible Man Returns (Der Unsichtbare kehrt zurück) Seite 24<br />
USA 1940 | Joe May | 81 min | OmU<br />
Mittwoch, <strong>17</strong>. Mai 20<strong>17</strong><br />
18.30 Kurt Eisner Die Münchner Räterepublik II: Ende mit Schrecken Seite 59<br />
BRD 1971 | Helmuth Ashley | 87 min<br />
21.00 Cate Blanchett Notes on a Scandal (Tagebuch eines Skandals) Seite 35<br />
GB 2006 | Richard Eyre | 92 min | OmU<br />
Donnerstag, 18. Mai 20<strong>17</strong><br />
19.00 Open Scene<br />
Freitag, 19. Mai 20<strong>17</strong><br />
18.30 Andrzej Wajda Dyrygent (Der Dirigent) Seite 15<br />
PL 1980 | Andrzej Wajda | 102 min | OmeU<br />
21.00 Sterling Hayden The Asphalt Jungle (Asphalt-Dschungel) Seite 63<br />
USA 1950 | John Huston | 112 min | OF<br />
Samstag, 20. Mai 20<strong>17</strong><br />
18.30 Andrzej Wajda Danton Seite 15<br />
FR 1983 | Andrzej Wajda | 136 min | OmU<br />
21.00 Sterling Hayden Denver & Rio Grande (Terror am Rio Grande) Seite 64<br />
USA 1952 | Byron Haskin | 89 min | OF<br />
Sonntag, 21. Mai 20<strong>17</strong><br />
Kalenderübersicht<br />
90<br />
<strong>17</strong>.30 Film und<br />
Psychoanalyse<br />
Ultimo Tango a Parigi (Der letzte Tango in Paris) Seite 27<br />
IT 1972 | Bernardo Bertolucci | 129 min | engl.OmU<br />
2 Andreas Hamburger, Vivian Pramataroff-Hamburger<br />
21.00 Sterling Hayden Prince Valiant (Prinz Eisenherz) Seite 64<br />
USA 1954 | Henry Hathaway | 100 min | OmU<br />
Dienstag, 23. Mai 20<strong>17</strong><br />
18.30 Kurt Eisner Rotmord Seite 60<br />
BRD 1968 | Peter Zadek | 85 min<br />
21.00 Universal Monsters The Wolf Man (Der Wolfsmensch) Seite 24<br />
USA 1941 | George Waggner | 70 min | OmU<br />
Filmmuseum im Münchner Stadtmuseum · St.-Jakobs-Platz 1 · 80331 München · Tel 089/233 96450
filmmuseummünchen<br />
Mittwoch, 24. Mai 20<strong>17</strong><br />
19.00 Cate Blanchett The Curious Case of Benjamin Button (Der seltsame Fall des Seite 36<br />
Benjamin Button)<br />
USA 2008 | David Fincher | 166 min | OmU<br />
Donnerstag, 25. Mai 20<strong>17</strong><br />
19.00 Kurt Eisner Revoluzzer, Räte, Reaktionäre Seite 60<br />
BRD 1969 | Wolfgang Kahle & Georg Walschus | 93 min<br />
Es geht durch die Welt ein Geflüster. München 7.11.1918 – 2.5.1919<br />
BRD 1989 | Uli Bez | 42 min | Uli Bez | 2 Ingrid Scherf<br />
Freitag, 26. Mai 20<strong>17</strong><br />
18.30 Andrzej Wajda Eine Liebe in Deutschland Seite 16<br />
BRD 1983 | Andrzej Wajda | 107 min<br />
21.00 Sterling Hayden Johnny Guitar (Wenn Frauen hassen) Seite 64<br />
USA 1954 | Nicholas Ray | 110 min | OF<br />
Samstag, 27. Mai 20<strong>17</strong><br />
18.30 Andrzej Wajda Kronika wypadków miłosnych (Eine Chronik von Liebesunfällen) Seite 16<br />
PL 1986 | Andrzej Wajda | 114 min | OmeU<br />
21.00 Sterling Hayden Suddenly (Der Attentäter) Seite 64<br />
USA 1954 | Lewis Allen | 75 min | OF<br />
Sonntag, 28. Mai 20<strong>17</strong><br />
18.30 Andrzej Wajda Schuld und Sühne Seite 16<br />
BRD 1987 | Andrzej Wajda | 118 min<br />
21.00 Sterling Hayden The Killing (Die Rechnung ging nicht auf) Seite 64<br />
USA 1956 | Stanley Kubrick | 85 min | OF<br />
Dienstag, 30. Mai 20<strong>17</strong><br />
18.30 2. Juni 1967<br />
und die Folgen<br />
Une jeunesse allemande (Eine deutsche Jugend) Seite 69<br />
FR 2015 | Jean-Gabriel Périot | 93 min | OmU<br />
21.00 Universal Monsters Frankenstein Meets the Wolf Man (Frankenstein trifft den Wolfsmenschen) Seite 25<br />
USA 1943 | Roy William Neill | 74 min | OF<br />
Mittwoch, 31. Mai 20<strong>17</strong><br />
18.30 2. Juni 1967<br />
und die Folgen<br />
Ich bin ein Elefant, Madame! Seite 69<br />
BRD 1969 | Peter Zadek | 100 min<br />
21.00 Cate Blanchett Blue Jasmine Seite 36<br />
USA 2013 | Woody Allen | 98 min | OmU<br />
Donnerstag, 1. Juni 20<strong>17</strong><br />
19.00 Zuschauerkino Kurzfilmabend des Münchner Filmzentrums e.V. (MFZ) Seite 71<br />
Freitag, 2. Juni 20<strong>17</strong><br />
18.30 Andrzej Wajda Les possédés (Die Dämonen) Seite 16<br />
FR 1988 | Andrzej Wajda | 114 min | OmU<br />
21.00 Sterling Hayden Crime of Passion (Das war Mord, Mr. Doyle) Seite 65<br />
USA 1957 | Gerd Oswald | 86 min | OF<br />
Kalenderübersicht<br />
91<br />
Filmmuseum im Münchner Stadtmuseum · St.-Jakobs-Platz 1 · 80331 München · Tel 089/233 96450
filmmuseummünchen<br />
Samstag, 3. Juni 20<strong>17</strong><br />
18.30 Andrzej Wajda Korczak Seite 16<br />
PL 1990 | Andrzej Wajda | 1<strong>17</strong> min | OmeU<br />
21.00 Sterling Hayden Terror in a Texas Town (Sturm über Texas) Seite 65<br />
USA 1958 | Joseph H. Lewis | 80 min | OF<br />
Sonntag, 4. Juni 20<strong>17</strong><br />
18.30 Andrzej Wajda Wielki tydzień (Die Karwoche) Seite <strong>17</strong><br />
PL 1995 | Andrzej Wajda | 90 min | OmU<br />
21.00 Sterling Hayden Leuchtturm des Chaos Seite 65<br />
BRD 1983 | Wolf-Eckart Bühler | 119 min | OmU | Wolf-Eckart Bühler<br />
Kalenderübersicht<br />
92<br />
Montag, 5. Juni 20<strong>17</strong><br />
18.30 Andrzej Wajda Panna Nikt (Fräulein Niemand) Seite <strong>17</strong><br />
PL 1996 | Andrzej Wajda | 98 min | OmU<br />
21.00 Sterling Hayden Dr. Strangelove, or How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb Seite 65<br />
(Dr. Seltsam oder Wie ich lernte, die Bombe zu lieben)<br />
USA 1964 | Stanley Kubrick | 93 min | OmU<br />
Dienstag, 6. Juni 20<strong>17</strong><br />
18.30 2. Juni 1967<br />
und die Folgen<br />
1968: Kunst, Protest, Happening Seite 70<br />
BRD 1981 (2010) | Helmut Herbst | 76 min | Helmut Herbst<br />
21.00 Universal Monsters Son of Dracula (Draculas Sohn) Seite 25<br />
USA 1943 | Robert Siodmak | 80 min | OF<br />
Mittwoch, 7. Juni 20<strong>17</strong><br />
18.30 2. Juni 1967<br />
und die Folgen<br />
Polizeifilm Seite 70<br />
BRD 1969 | Wim Wenders | 12 min<br />
Brandstifter<br />
BRD 1969 | Klaus Lemke | 65 min<br />
21.00 Cate Blanchett Truth (Der Moment der Wahrheit) Seite 36<br />
USA 2015 | James Vanderbilt | 126 min | OmU<br />
Donnerstag, 8. Juni 20<strong>17</strong><br />
19.00 Underdox-Halbzeit Filme von Miranda Pennell Seite 72<br />
Miranda Pennell<br />
Freitag, 9. Juni 20<strong>17</strong><br />
18.30 Andrzej Wajda Pan Tadeusz Seite <strong>17</strong><br />
PL 1999 | Andrzej Wajda | 125 min | OmU<br />
21.00 Sterling Hayden Der Havarist Seite 66<br />
BRD 1984 | Wolf-Eckart Bühler | 100 min | Wolf-Eckart Bühler<br />
Samstag, 10. Juni 20<strong>17</strong><br />
18.30 Andrzej Wajda Zemsta (Die Rache) Seite <strong>17</strong><br />
PL 2002 | Andrzej Wajda | 100 min | OmeU<br />
21.00 Sterling Hayden The Godfather (Der Pate) Seite 66<br />
USA 1972 | Francis Ford Coppola | <strong>17</strong>5 min | OmU<br />
Filmmuseum im Münchner Stadtmuseum · St.-Jakobs-Platz 1 · 80331 München · Tel 089/233 96450
filmmuseummünchen<br />
Sonntag, 11. Juni 20<strong>17</strong><br />
18.30 Andrzej Wajda Katyń (Das Massaker von Katyn) Seite 18<br />
PL 2007 | Andrzej Wajda | 122 min | OmU<br />
21.00 Sterling Hayden The Long Goodbye (Der Tod kennt keine Wiederkehr) Seite 66<br />
USA 1973 | Robert Altman | 113 min | OF<br />
Dienstag, 13. Juni 20<strong>17</strong><br />
18.30 2. Juni 1967<br />
und die Folgen<br />
Ostern 68 Seite 70<br />
DDR 1968 | Harry Hornig | 14 min<br />
Aufrecht gehen. Rudi Dutschke – Spuren<br />
BRD 1988 | Helga Reidemeister | 92 min<br />
21.00 Universal Monsters Creature from the Black Lagoon (Der Schrecken vom Amazonas) Seite 25<br />
USA 1954 | Jack Arnold | 79 min | OF | 3D<br />
Mittwoch, 14. Juni 20<strong>17</strong><br />
18.30 2. Juni 1967<br />
und die Folgen<br />
Liebe und so weiter Seite 70<br />
BRD 1968 | George Moorse | 84 min<br />
21.00 Cate Blanchett Manifesto Seite 36<br />
DE 2015 | <strong>Juli</strong>an Rosefeldt | 90 min | OF<br />
Donnerstag, 15. Juni 20<strong>17</strong><br />
19.00 Open Scene<br />
Freitag, 16. Juni 20<strong>17</strong><br />
18.30 Andrzej Wajda Tatarak (Der Kalmus) Seite 18<br />
PL 2009 | Andrzej Wajda | 85 min | OmeU<br />
21.00 Sterling Hayden Novecento I (1900 – 1.Teil: Gewalt, Macht, Leidenschaft) Seite 66<br />
IT 1976 | Bernardo Bertolucci | 162 min | OmU<br />
Samstag, <strong>17</strong>. Juni 20<strong>17</strong><br />
18.30 Andrzej Wajda Wałęsa - Człowiek z nadziei (Wałęsa – Mann aus Hoffnung) Seite 18<br />
PL 2013 | Andrzej Wajda | 127 min | OmeU<br />
21.00 Sterling Hayden Novecento II (1900 – 2.Teil: Kampf, Liebe, Hoffnung) Seite 66<br />
IT 1976 | Bernardo Bertolucci | 154 min | OmU<br />
Sonntag, 18. Juni 20<strong>17</strong><br />
<strong>17</strong>.30 Film und<br />
Psychoanalyse<br />
Dienstag, 20. Juni 20<strong>17</strong><br />
18.30 2. Juni 1967<br />
und die Folgen<br />
The Age of Innocence (Zeit der Unschuld) Seite 27<br />
USA 1993 | Martin Scorsese | 138 min | OmU | 2 Katharina Leube, Irmgard Nagel<br />
München 1970. Als der Terror zu uns kam Seite 70<br />
DE 2012 | Georg M. Hafner | 90 min | Georg M. Hafner<br />
21.00 Universal Monsters Young Frankenstein (Frankenstein Junior) Seite 25<br />
USA 1974 | Mel Brooks | 106 min | OmU<br />
Mittwoch, 21. Juni 20<strong>17</strong><br />
18.30 2. Juni 1967<br />
und die Folgen<br />
Die Niklashauser Fart Seite 70<br />
BRD 1970 | Rainer Werner Fassbinder, Michael Fengler | 86 min<br />
21.00 Sterling Hayden The Outsider (Verrat in Belfast) Seite 66<br />
USA 1979 | Tony Luraschi | 122 min | OF<br />
Kalenderübersicht<br />
93<br />
Filmmuseum im Münchner Stadtmuseum · St.-Jakobs-Platz 1 · 80331 München · Tel 089/233 96450
filmmuseummünchen<br />
Kalenderübersicht<br />
94<br />
Donnerstag, 22. Juni 20<strong>17</strong><br />
19.00 Open Scene<br />
Freitag, 23. Juni – Samstag, 14. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong><br />
Filmfest München<br />
Sonntag, 2. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong><br />
19.00 Jazz im Film Willi-Johanns-Jazzquartett: »Bebop Spoken Here« Seite 75<br />
Willi Johanns (vocal), Tizian Jost (piano), Andreas Kurz (bass), Michael Keul (drums)<br />
Paris Blues<br />
USA 1961 | Martin Ritt | 98 min | OF<br />
Dienstag, 4. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong><br />
20.00 Jazz im Film Young Man with a Horn (Der Jazztrompeter) Seite 75<br />
USA 1950 | Michael Curtiz | 112 min | OF<br />
Mittwoch, 5. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong><br />
20.00 Jazz im Film Kansas City Seite 76<br />
USA 1996 | Robert Altman | 114 min | OmU<br />
Donnerstag, 6. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong><br />
20.00 Jazz im Film The Gene Krupa Story (Jazz-Ekstase) Seite 76<br />
USA 1959 | Don Weis | 101 min | OF<br />
Freitag, 7. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong><br />
18.30 Jazz im Film Syncopation Seite 76<br />
USA 1942 | William Dieterle | 89 min | OF<br />
21.00 Jazz im Film Young Man with a Horn (Der Jazztrompeter) Seite 75<br />
USA 1950 | Michael Curtiz | 112 min | OF<br />
Samstag, 8. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong><br />
18.30 Jazz im Film Jazz-Kurzfilme und Zeichentrickfilme Seite 76<br />
USA 1929–1954 | Dudley Murphy, Aubrey Scotto, Dave Fleischer,<br />
Fred Waller, George Pal, Roger Tilton | 95 min | OF<br />
21.00 Jazz im Film Kansas City Seite 76<br />
USA 1996 | Robert Altman | 116 min | OmU<br />
Sonntag, 9. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong><br />
18.30 Jazz im Film New Orleans Seite 77<br />
USA 1947 | Arthur Lubin | 90 min | OmU<br />
21.00 Jazz im Film The Gene Krupa Story (Jazz-Ekstase) Seite 76<br />
USA 1959 | Don Weis | 101 min | OF<br />
Dienstag, 11. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong><br />
20.00 Jazz im Film New York, New York Seite 77<br />
USA 1977 | Martin Scorsese | 163 min | OmU<br />
Mittwoch, 12. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong><br />
20.00 Jazz im Film Jazz »Hot« Seite 78<br />
GB 1939 | 4 min | OF<br />
Sweet and Lowdown Seite 78<br />
USA 1999 | Woody Allen | 95 min | OmU<br />
Filmmuseum im Münchner Stadtmuseum · St.-Jakobs-Platz 1 · 80331 München · Tel 089/233 96450
filmmuseummünchen<br />
Donnerstag, 13. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong><br />
20.00 Jazz im Film Whiplash Seite 78<br />
USA 2014 | Damien Chazelle | 107 min | OmU<br />
Freitag, 14. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong><br />
18.30 Jazz im Film A Song Is Born (Die tollkühne Rettung der Gangsterbraut Seite 78<br />
Honey Swanson)<br />
USA 1948 | Howard Hawks | 113 min | OmU<br />
21.00 Jazz im Film New York, New York Seite 77<br />
USA 1977 | Martin Scorsese | 163 min | OmU<br />
Samstag, 15. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong><br />
18.30 Jazz im Film Artie Shaw’s Class in Swing Seite 79<br />
USA 1939 | Leslie Roush | 10 min | OF<br />
Jammin’ the Blues<br />
USA 1944 | Gjon Mili | 10 min | OF<br />
Begone Dull Care (Jazz in Farben)<br />
CA 1949 | Norman McLaren | 9 min | OF<br />
Charlie Parker & Dizzy Gillespie<br />
USA 1952 | Bill Seaman | 5 min | OF<br />
The Sound of Jazz<br />
USA 1957 | Jack Smight | 56 min | OF<br />
21.00 Jazz im Film Jazz »Hot« Seite 78<br />
GB 1939 | 4 min | OF<br />
Sweet and Lowdown<br />
USA 1999 | Woody Allen | 95 min | OmU<br />
Sonntag, 16. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong><br />
18.30 Jazz im Film Swing Kids Seite 79<br />
USA 1993 | Thomas Carter | 112 min | OF<br />
21.00 Jazz im Fillm Whiplash Seite 78<br />
USA 2014 | Damien Chazelle | 107 min | OmU<br />
Dienstag, 18. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong><br />
20.00 Jazz im Film Round Midnight (Um Mitternacht) Seite 79<br />
FR 1986 | Bertrand Tavernier | 133 min | engl.OmU<br />
Mittwoch, 19. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong><br />
20.00 Jazz im Film Bird Seite 79<br />
USA 1988 | Clint Eastwood | 161 min | OF<br />
Donnerstag, 20. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong><br />
20.00 Jazz im Film Chico & Rita Seite 80<br />
ES 2010 | Fernando Trueba, Tono Errando, Javier Mariscal | 94 min | OmU<br />
Freitag, 21. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong><br />
18.30 Jazz im Film Jazz on a Summer’s Day (Jazz an einem Sommerabend) Seite 80<br />
USA 1960 | Bert Stern, Aram Avakian | 86 min | OF<br />
21.00 Jazz im Fillm Round Midnight (Um Mitternacht) Seite 79<br />
FR 1986 | Bertrand Tavernier | 133 min | OmU<br />
Kalenderübersicht<br />
95<br />
Filmmuseum im Münchner Stadtmuseum · St.-Jakobs-Platz 1 · 80331 München · Tel 089/233 96450
filmmuseummünchen<br />
Kalenderübersicht<br />
96<br />
Samstag, 22. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong><br />
18.30 Jazz im Film Thelonious Monk – Straight, No Chaser Seite 80<br />
USA 1988 | Charlotte Zwerin | 90 min | OF<br />
21.00 Jazz im Film Bird Seite 79<br />
USA 1988 | Clint Eastwood | 161 min | OF<br />
Sonntag, 23. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong><br />
18.30 Jazz im Film Blue Note – A Story of Modern Jazz Seite 81<br />
DE 1997 | <strong>Juli</strong>an Benedikt, Andreas Morell | 91 min | engl.OmU<br />
21.00 Jazz im Film Chico & Rita Seite 80<br />
ES 2010 | Fernando Trueba, Tono Errando, Javier Mariscal | 94 min | OmU<br />
Dienstag, 25. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong><br />
20.00 Jazz im Film Ascenseur pour l’échafaud (Fahrstuhl zum Schafott) Seite 81<br />
FR 1958 | Louis Malle | 91 min | OmU<br />
Mittwoch, 26. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong><br />
20.00 Jazz im Film The Fabulous Baker Boys (Die fabelhaften Baker Boys) Seite 81<br />
USA 1989 | Steve Kloves | 114 min | OmU<br />
Donnerstag, 27. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong><br />
20.00 Jazz im Film Miles Ahead Seite 82<br />
USA 2015 | Don Cheadle | 100 min | OmU<br />
Freitag, 28. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong><br />
18.30 Jazz im Film Odds Against Tomorrow (Wenig Chancen für morgen) Seite 82<br />
USA 1959 | Robert Wise | 96 min | OF<br />
21.00 Jazz im Film Ascenseur pour l’échafaud (Fahrstuhl zum Schafott) Seite 81<br />
FR 1958 | Louis Malle | 91 min | OmU<br />
Samstag, 29. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong><br />
18.30 Jazz im Film À bout de souffle (Außer Atem) Seite 82<br />
FR 1960 | Jean-Luc Godard | 90 min | OmU<br />
21.00 Jazz im Film The Fabulous Baker Boys (Die fabelhaften Baker Boys) Seite 81<br />
USA 1989 | Steve Kloves | 114 min | OmU<br />
Sonntag, 30. <strong>Juli</strong> 20<strong>17</strong><br />
18.30 Jazz im Film Let’s Get Lost Seite 82<br />
USA 1988 | Bruce Weber | 120 min | OF<br />
21.00 Jazz im Film Miles Ahead Seite 82<br />
USA 2015 | Don Cheadle | 100 min | OmU<br />
Sommerpause: Das Filmmuseum ist vom 31. <strong>Juli</strong> bis zum 30. August 20<strong>17</strong> geschlossen.<br />
Filmmuseum im Münchner Stadtmuseum · St.-Jakobs-Platz 1 · 80331 München · Tel 089/233 96450
Für Unterstützung und Kooperation bei der Realisierung unseres Programms danken wir:<br />
Andrzej Wajda · Arte, Mainz (Nina Goslar) · Arte, Strasbourg<br />
(Marie-Laure Rodier) · Avala Film Way, Belgrad (Marina<br />
Ivanović) · Cinémathèque française, Paris (Emilie Cauquy,<br />
Matthieu Grimault) · Cinémathèque Suisse, Lausanne<br />
(André Schäublin) · Filmoteka Narodowa, Warschau (Kamila<br />
Bilman, Elżbieta Wysocka) · Cyfrowe Repozytorium Filmowe,<br />
Warschau (Martyna Korablewska-Szpetmánska, Stanisław<br />
Bardadin) · Generalkonsulat der Republik Polen, München<br />
(Andrzej Osiak, Marcin Król) · Jugoslovenska Kinoteka, Belgrad<br />
(Aleksandr Erdeljanovic) · Szkoła Filmowa, Łodz (Mariusz<br />
Grzegorzk, Krzysztof Brzezowski)<br />
Film und Psychoanalyse · Akademie für Psychoanalyse und<br />
Psychotherapie, München (Matthias Baumgart, Eva Friedrich,<br />
Andreas Hamburger, Vivian Pramataroff-Hamburger, Salek<br />
Kutschinski, Mathias Lohmer, Katharina Leube-Sonnleitner,<br />
Corinna Wernz)<br />
Bilder der Überwachung · Cinémathèque de la ville de<br />
Luxembourg (Claude Bertemes, Georges Bildgen) · Národní<br />
Filmový Archiv, Prag (Kateřina Fojtová) · Tschechisches Zentrum,<br />
München (Anett Browarzik, Ondřej Černý) · Münchner<br />
Stadtmuseum (Rudolf Scheutle)<br />
Cate Blanchett · Kino der Kunst, München (Heinz Peter<br />
Schwerfel, Isabel Kienemann) · National Film and Sound Archive,<br />
Canberra (Michael Loebenstein, Steph Carter) · Svenska<br />
Filminstitutet, Stockholm (Jon Wengström, Johan Ericsson)<br />
· Museum Villa Stuck, München (Verena Hein) · Sammlung<br />
Goetz, München (Cornelia Gockel)<br />
Architekturfilmtage · Arte, Mainz (Nina Goslar) · Bayerische<br />
Architektenkammer, München (Präsidentin Christine Degenhart,<br />
Sabine Picklapp) · Brumm, Bordeaux (Lucas Bacle) · Les<br />
Films de la Liberté, Paris (Vladimir Léon) · Studio MK27, São<br />
Paulo (Carlos Costa, Laura Guedes) · Thirteen / American Masters,<br />
New York (Junko Tsunashima) · Fritz Göttler, München ·<br />
Elizabeth Lennard, Paris · Niklas Maak, Berlin · Volker Sattel,<br />
Berlin · Mathieu Wellner, München<br />
Thomas Mauch · Deutsche Kinemathek, Berlin (Anke Hahn)<br />
· Bärbel Freund, Berlin · Alexander Kluge, München · Thomas<br />
Mauch, Berlin<br />
Helmut Färber · Cinemateca Portuguesa, Lissabon (Sara Moreira)<br />
· Öste rreichisches Filmmuseum, Wien (Regina Schlagnitweit)<br />
· Michael Girke, Herford · Markus Nechleba, Berlin<br />
Franz Kafka · Alpha Omega Digital, München (Thomas Bakels,<br />
Marie Bendl) · Bundesarchiv, Berlin (Doris Hackbarth, Karl<br />
Griep) · Cinémathèque Suisse, Lausanne (André Schäublin)<br />
· Det Danske Filminstitut, Kopenhagen (Thomas Christensen)<br />
· Deutsche Kinemathek, Berlin (Martin Koerber, David Meiller)<br />
· Friedrich-Wilhelm-Murnau-Stiftung, Wiesbaden (Ernst Szebedits)<br />
· Kulturstiftung des Bundes, Halle (Alexander Farenholtz)<br />
· La cineteca del Friuli, Gemona (Livio Jacob) · La cineteca di<br />
Bologna (Andrea Meneghelli, Gian Luca Farinelli) · Library of<br />
Congress, Washington D.C. (Mike Mashon) · Národní Filmový<br />
Archiv, Prag (Matej Strnad, Michal Bregant) · Tschechisches<br />
Zentrum, München (Anett Browarzik, Ondřej Černý) · Verlag<br />
Galiani Berlin (Wolfgang Hörner, Florian Ringswald) · Christian<br />
Ketels, Großdingharting · Arndt Pawelczik, Köln · Stewart Tryster,<br />
Berlin · Hanns Zischler, Berlin<br />
Danielle Darrieux · Deutsches Institut für Filmkunde, Frankfurt/Wiesbaden<br />
(Markus Wessolowski)<br />
Sterling Hayden · Cinémathèque française, Paris (Emilie<br />
Cauquy, Matthieu Grimault) · Wolf-Eckart Bühler, München<br />
Kurt Eisner · Münchner Stadtmuseum (Manfred Wegner) ·<br />
Telepool, München (Annemarie Rösing) · ZDF, Mainz (Christiane<br />
Mayer, Janine Göllner) · Ingrid Scherf, München<br />
Berlin, 2. Juni 1967 · Hessischer Rundfunk, Wiesbaden<br />
(Michael Hofmann) · City 46, Bremen (Karl-Heinz Schmid) ·<br />
Westdeutscher Rundfunk, Köln (Birol Teke) · Georg M. Hafner,<br />
Frankfurt<br />
Jazz im Film · British Film Institute, London (Hannah Prouse) ·<br />
Cinémathèque Suisse, Lausanne (André Schäublin) · Film Archiv<br />
Austria, Wien (Nikolaus Wostry, Anna Dobringer) · Library of<br />
Congress, Washington (Lynanne Schweighofer) · Anna-Maria<br />
Babin, München · Klaus Huckert, Riegelsberg · Willi Johanns,<br />
München<br />
Das Kino ist mit einer Induktionsschleife<br />
für Hörgerätebesitzer ausgestattet<br />
Fotos · Arsenal Distribution, Berlin (Annette Lingg) · Cinémathèque Suisse, Lausanne (Carina Carballo) · Deutsches Filminstitut,<br />
Wiesbaden (André Mieles) · Dynweb Net Services, München (Heiner Gassen) · Filmmuseum München (Gerhard Ullmann, Michael<br />
Kuch, Christoph Michel, Stefan Drößler, Claudia Engelhardt) · Sammlung Goetz, München (Cornelia Gockel)
Das Kino der Stadt<br />
Filmmuseum im Münchner Stadtmuseum · St.-Jakobs-Platz 1 · 80331 München<br />
Tel 089/233 96450 · Fax 089/233 23931 · www.muenchner-stadtmuseum.de/film