PH32-Feb-Juli-17

münchen 

2017 | Heft 32 

Deutsche Filme 2016 

Andrzej Wajda 

Universal Monsters 

Film und Psychoanalyse 

Bilder der Überwachung 

Cate Blanchett 

Architekturfilmtage 

Thomas Mauch 

Helmut Färber 

Kafka geht ins Kino 

Danielle Darrieux 

Georg Stefan Troller 

Kurt Eisner 

Sterling Hayden 

2. Juni 1967 und danach 

Miranda Pennell 

Jazz im Film

Eintrittspreise 

4 € (3 € für MFZ-Mitglieder). Ab 120 Minuten Filmlänge 

oder mit Gästen: 1 € Aufschlag. Ab 180 Minuten, 

mit Live-Musik oder bei 3D: 2 € Aufschlag. Die Kasse 

öffnet jeweils 60 Minuten vor und schließt 30 Minuten 

nach Beginn der Vorstellung. Bei allen öffentlichen 

Veranstaltungen verbleibt ein Kartenkontingent für den 

freien Verkauf an der Abendkasse. 

Kartenreservierung 

Kartenreservierungen sind bis zu vier Wochen im Voraus 

möglich und können unter der Telefonnummer 

089/23396450 auf Band gesprochen werden. Vorbestellte 

Karten müssen bis 20 Minuten vor Vorstellungsbeginn 

an der Kasse abgeholt worden sein, ansonsten 

verfällt die Reservierung. 

Kartenvorverkauf 

Karten können bis zu vier Wochen im Voraus gekauft 

werden. Bitte haben Sie Verständnis dafür, dass unmittelbar 

vor Vorstellungsbeginn bei starkem Besucherandrang 

kein Kartenvorverkauf erfolgt. Karten 

behalten ihre Gültigkeit nur bis Vorstellungsbeginn. An 

der Abendkasse können vorverkaufte Karten bis 20 Minuten 

vor Vorstellungsbeginn gegen Kostenerstattung 

wieder zurückgegeben werden. 

Programmabonnement 

Das Kinoprogrammheft und unseren Newsletter können 

Sie unter www.muenchner-stadtmuseum.de/film 

kostenlos abbonnieren. Das Programmheft wird an 

Mitglieder des MFZ auf Wunsch kostenlos versandt. 

Ansonsten bitten wir um die Zusendung eines adres- 

sierten und mit 1,45 € frankierten DIN A5-Briefumschlages 

an die Adresse des Filmmuseums. Den 

täglich aktualisierten Spielplan finden Sie auch auf 

Twitter: @filmmuseummuc. 

Mitgliedschaft 

Wer sich für die Arbeit des Filmmuseums interessiert, 

kann Mitglied im Verein der Freunde des Filmmuseums 

München, dem Münchner Filmzentrum e.V. (MFZ) werden. 

Mitgliedsanträge sind an der Kinokasse erhältlich. 

Der Jahresbeitrag beträgt 20 € und berechtigt zum 

ermäßigten Eintritt ins Filmmuseum sowie zur Teilnahme 

an den Mitgliederversammlungen des MFZ, in 

denen die Programmplanungen des Filmmuseums 

diskutiert und Projekte entwickelt werden. Weitere 

Informationen erhalten Sie unter Tel. 089 / 2713354 

und www.muenchner-filmzentrum.de. 

Rollstuhlfahrer / Hörgeschädigte 

Der Kinosaal im Untergeschoss ist über einen Aufzug 

für Rollstuhlfahrer zugänglich. Die Behindertentoilette 

befindet sich im Untergeschoss neben dem Kinoeingang. 

Das Kino ist mit einer Induktionsschleife für Hörgerätebesitzer 

ausgestattet. 

Saalmikrofon 

Das Kino verfügt über ein Saalmikrofon zur Kontrolle 

des Kinotons durch die Filmvorführer. 

Verkehrsverbindung 

Sie erreichen das Filmmuseum in 5 Gehminuten vom 

U/S-Bahnhof Marienplatz oder in 7 Gehminuten vom 

U-Bahnhof und der Trambahnhaltestelle Sendlinger Tor. 

Mitgliederversammlungen des Münchner Filmzentrums e. V. (MFZ) 

Die für alle Interessierten öffentlichen Mitgliederversammlungen des Fördervereins des Filmmuseums finden 

einmal im Monat montags um 19 Uhr im Gotischen Zimmer des Ignaz-Günther-Hauses (St.-Jakobs-Platz 20, 

80331 München, 1. Stock) statt. Termine: 13. März 2017, 10. April 2017, 15. Mai 2017, 12. Juni 2017 und 

10. Juli 2017. Informationen: kontakt@muenchner-filmzentrum.de. 

Open Scene am Donnerstag 

Die Termine am Donnerstag sind teilweise für aktuelle Veranstaltungen reserviert. Das Programm wird 

etwa acht Tage vorher festgelegt und in den Schaukästen an der Kinokasse, im E-Mail-Newsletter, unter 

www.muenchner-stadtmuseum.de/film/open-scene.html, auf Facebook, auf Twitter und durch Ankündigungen in 

der Tagespresse bekannt gegeben. 

Impressum 

Landeshauptstadt München. Filmmuseum im Münchner Stadtmuseum, St.-Jakobs-Platz 1, 80331 München, 

089/23320538, E-Mail: filmmuseum@muenchen.de · Redaktion: Stefan Drößler, Claudia Engelhardt, Christoph 

Michel, Klaus Volkmer · Gestaltung: KOSCH Werbeagentur, München · Druck: Weber Offset GmbH, München

Technikpreis, Wajda, Kafka & Zischler, Willi Johanns & Jazz 

Am 28. Oktober 2016 wurden Wolfgang Woehl und das Filmmuseum München 

auf dem 3D Korean International Film Festival in Seoul mit dem »Technical 

Contribution Award« für »cinematic excellence« ausgezeichnet. Tatsächlich 

hat Wolfgang Woehl, der im Filmmuseum die Digitaltechnik betreut, ein Untertitelprogramm 

für 3D-Filme entwickelt, das heute weltweit eingesetzt wird. 

Wir sind sehr stolz auf diese Anerkennung seiner Arbeit. Das Filmmuseum hat 

schon früh auch auf digitale Techniken zurückgegriffen. Der Umgang mit digitalen 

Daten, ihre Archivierung und die Digitalisierung der analogen Bestände 

sind komplexe Aufgaben. Wir sind froh, dass wir diesen Arbeitsbereich seit 

Januar mit unserer neuen Mitarbeiterin Larissa Homuth verstärken konnten. 

Am 8. Oktober 2016 ist Andrzej Wajda überraschend verstorben. Wie kein 

anderer Regisseur hat er über 60 Jahre lang die politische Entwicklung seines 

Landes begleitet, mit seinen Filmen polnische Geschichte aufgearbeitet, Diskussionen 

ausgelöst und ins politische Geschehen eingegriffen. Gleichzeitig 

hat er über die Jahrzehnte immer wieder neue ästhetische Formen und Wege 

gesucht, die in die Filmgeschichte eingegangen sind. Wir freuen uns, ihn mit 

der umfassendsten Retrospektive zu würdigen, die es bisher gegeben hat, 

und danken dem polnischen Generalkonsulat für die gute Zusammenarbeit. 

Wajdas letzter Film POWIDOKI (NACHBILDER) wird im Rahmen des Filmfests 

Münchens seine Deutsche Premiere erleben und im Filmmuseum die Retrospektive 

abschließen. 

Am 9. März 2017 erscheint im Verlag Galiani Berlin die erweiterte Neuausgabe 

des Buchs »Kafka geht ins Kino« von Hanns Zischler, der über 30 Jahre 

lang die Filme recherchiert hat, die Kafka in seinen Tagebüchern, Briefen und 

Schriften erwähnt. Alle erhaltenen Titel hat das Filmmuseum in Zusammenarbeit 

mit internationalen Filmarchiven nun restauriert und wird sie als Dreifach-DVD 

in der Edition Filmmuseum veröffentlichen. Ermöglicht wurde dieses 

sehr aufwändige Projekt durch eine finanzielle Förderung der Bundeskulturstiftung. 

Am 20. April wird Hanns Zischler im Filmmuseum zu Gast sein, in den 

darauf folgenden Tagen feiern die restaurierten Filme ihre Premieren auf der 

Kinoleinwand mit Live-Musikbegleitung. 

Am 2. Juli 2017 findet im Filmmuseum erstmals ein Konzert ohne Film statt 

(dem sich dann allerdings eine Filmvorführung anschließt). Wir freuen uns, 

dass Willi Johanns, einer der weltbesten Scat-Sänger und leidenschaftlicher 

Cineast, mit einer hochkarätig besetzten Band die Reihe »Jazz im Film« eröffnen 

wird. Die Auswahl der Filme hat er entscheidend mitbestimmt: Alte und 

neue Klassiker, selten gezeigte Raritäten und spannende Neuentdeckungen, in 

denen oder an denen die Größen des klassischen Jazz mitwirkten. Alle Filme 

laufen in originalen 35mm-Kopien oder neuen digitalen Restaurierungen, ein 

Fernsehfilm ist als 16mm-Kinescope-Filmkopie zu sehen. 

Das Filmmuseum ist der letzte verbliebene Ort in München, der analog und 

digital alle Film- und Tonformate vorführen kann. Nur so ist es möglich, vollständige 

Retrospektiven und Themenprogramme zu organisieren. Wir hoffen, 

dass Sie unser Angebot nutzen, und freuen uns, wenn wir Sie als Gast bei 

unseren Veranstaltungen begrüßen können! 

Ihr Filmmuseum 

2 Rückblick 

3 Deutsche Filme 2016 

8 Andrzej Wajda 

19 Universal Monsters 

26 Film und Psychoanalyse 

28 Bilder der Überwachung 

32 Cate Blanchett 

37 Architekturfilmtage 

42 Thomas Mauch 

45 Helmut Färber 

47 Kafka geht ins Kino 

52 Danielle Darrieux 

57 Georg Stefan Troller 

58 Kurt Eisner 

61 Sterling Hayden 

67 2. Juni 1967 und danach 

71 Zuschauerkino 

72 Miranda Pennell 

73 Jazz im Film 

83 Kalenderübersicht 

R = Regie · B = Drehbuch · K = Kamera 

· M = Musik · S = Schnitt · T = 

Ton · D = Darsteller · P = Produktion 

OF = Originalfassung · OmU = Originalfassung 

mit Untertiteln · OmeU 

= Originalfassung mit englischen 

Untertiteln · OmfU = Originalfassung 

mit französischen Unter titeln · OmÜ = 

Originalfassung mit deutscher Übersetzung 

· dtF = deutsche Synchronfassung 

· \ = Live-Musik begleitung 

2 = Einführung · = Zu Gast

Rückblick 

22. September 2016: Martina Müller diskutiert mit dem Direktor der 

Städtischen Galerie im Lenbachhaus und des Kunstbaus Dr. Matthias 

Mühling über ihren Film GELD MACHT KUNST. 

21. Oktober 2016: Hubert Sauper, Werner Herzog und Paul Simon 

Lokwang bei der Verleihung des ersten Werner-Herzog-Filmpreises für 

Saupers Film WE COME AS FRIENDS im Filmmuseum. 

7. November 2016: Oberbürgermeister Dieter Reiter überreicht Caroline 

Link die Urkunde zum Filmpreis der Landeshauptstadt München für 

ihr herausragendes Gesamtwerk. 

24. November 2016: Dragoș Bucur und Marcela Ursu stellen im 

Filmmuseum den Film CÂINI (HUNDE) von Bogdan Mirica vor, der das 

Rumänische Filmfestival 2016 eröffnet. 

11. Dezember 2016: Isolde Barth berichtet in der Reihe »Film und Psychoanalyse« 

von ihrer Zusammenarbeit mit Rainer Werner Fassbinder 

bei der Produktion von IN EINEM JAHR MIT 13 MONDEN. 

18. Januar 2017: Klaus Wyborny beantwortet Fragen aus dem Publikum 

zu seinem Film IM IMAGINÄREN MUSEUM – STUDIEN ZU MONET 

in der Filmreihe »Kino und Malerei«.


Toni Erdmann 


3 

Wir haben wieder drei Filmkritiker – Margret Köhler 

aus München sowie Bert Rebhandl und Ralf Schenk 

aus Berlin – gebeten, ihre persönlichen Bestenlisten 

der deutschen Filme des Jahres 2016 zu erstellen. Es 

fällt auf, dass in diesem Jahr Filme von Filmemacherinnen 

die Listen anführen: Maren Ades TONI ERDMANN, 

Nicolette Krebitz’ WILD und Anne Zohra Berracheds 

24 WOCHEN wurden drei Mal genannt, hinzu kommen 

mit zwei Nennungen Maria Schraders VOR DER 

MORGENRÖTE und je einmal Ulrike Ottingers CHAMIS- 

SOS SCHATTEN, Doris Dörries GRÜSSE AUS FUKU- 

SHIMA sowie Sung-Hyung Chos MEINE BRÜDER UND 

SCHWESTERN IM NORDEN. 

Bemerkenswerterweise waren die meistgenannten Titel 

nicht nur auf Filmfestivals erfolgreich, sondern konnten 

auch bei ihrem Kinoeinsatz ansehnliche Besucherzahlen 

erzielen und sich in den deutschen Top Ten zwischen 

den üblichen seichten Komödien wie WILLKOMMEN 

BEI DEN HARTMANNS, DER GEILSTE TAG oder ICH BIN 

DANN MAL WEG und Kinderfilmen wie BIBI UND TINA 3, 

CONNIE & CO oder HILFE, ICH HABE MEINE LEHRERIN 

GESCHRUMPFT durchaus behaupten. Dennoch ist die 

Aufführung im Filmmuseum in vielen Fällen auf absehbare 

Zeit die letzte Gelegenheit, die ausgewählten 

Filme (noch einmal) auf der großen Kinoleinwand zu 

sehen. Und damit auch des Deutschen nicht mächtige 

Zuschauer die Filme sehen können, laufen die meisten 

mit englischen Untertiteln. 

 

Stefan Drößler 

Margret Köhler 

Toni Erdmann (Maren Ade) 

Wild (Nicolette Krebitz) 

Nebel im August (Kai Wessel) 

Junges Licht (Adolf Winkelmann) 

Vor der Morgenröte (Maria Schrader) 

Grüße aus Fukushima (Doris Dörrie) 

24 Wochen (Anne Zohra Berrached) 

Tschick (Fatih Akin) 

Paula (Christian Schwochow) 

Die Hände meiner Mutter (Florian Eichinger) 

Bert Rebhandl 


Chamissos Schatten (Ulrike Ottinger) 

Austerlitz (Sergei Loznitsa) 

Dahlienfeuer (Stefan Hayn) 

Havarie (Philip Scheffner) 

And-Ek Ghes (Philip Schefner) 

Tschick (Fatih Akin) 

Landstück (Volker Koepp) 

24 Wochen (Anne Zohra Berrached) 


Ralf Schenk 

Vor der Morgenröte (Maria Schrader) 



24 Wochen (Anne Zohra Berrached)


4 

Landstück (Volker Koepp) 

Parchim International (Stefan Eberlein) 

Meine Brüder und Schwestern im Norden (Sung-Hyung Cho) 

Die Hände meiner Mutter (Florian Eichinger) 

Akt (Mario Schneider) 

Havarie (Philip Scheffner) 

Toni Erdmann | Deutschland 2016 | R+B: Maren Ade 

| K: Patrick Orth | D: Sandra Hüller, Peter Simonischek, 

Michael Wittenborn, Thomas Loibl, Trystan Pütter, Ingrid 

Bisu | 162 min | OmeU | Ines arbeitet für eine Consultingfirma 

in Rumänien. Sie möchte Karriere machen, 

und ordnet diesem Ziel vieles unter. Ein unerwarteter 

Besuch ihres Vaters bringt ihre Pläne durcheinander – 

er lässt sich nicht abwimmeln, sondern taucht als komische 

Figur »Toni Erdmann«, mit falschen Zähnen und 

Perücke, immer wieder in den unmöglichsten Momenten 

auf. Maren Ade verbindet auf höchst überzeugende 

Weise Strategien des sozialrealistischen Autorenfilms 

mit Elementen der populären Komödie. Peinlichkeiten 

erweisen sich als heilsam, in einem entscheidenden 

Moment steht Ines buchstäblich ohne die »neuen Kleider« 

der Beratungsbranche da. Sandra Hüller und Peter 

Simonischek in einer Sternstunde des deutschen Kinos. 

(Bert Rebhandl) 

Donnerstag, 23. Februar 2017, 19.00 Uhr Samstag, 

25. Februar 2017, 21.00 Uhr 

Junges Licht | Deutschland 2016 | R: Adolf Winkelmann 

| B: Nils & Till Beckmann, Adolf Winkelmann, 

nach dem Roman von Ralf Rothmann | K: David Slama 

| M: Tommy Finke | D: Charly Hübner, Oscar Brose, Lina 

Beckmann, Magdalena Matz, Peter Lohmeyer, Nina 

Petri | 122 min | Die 1960er Jahre in einer Bergarbeitersiedlung 

im Ruhrgebiet: Da malochen die Väter unter 

Tage, streiten mit ihren Frauen, trinken am Feierabend 

Bier und schauen Mädels hinterher. All das beobachtet 

der 12-jährige Julian durch seine Kamera. Immer 

wieder gerät er in die Bredouille, ob mit älteren Nachbarsjungen, 

seinem aggressiven Vater oder dem dubiosen 

Vermieter. Und das Kribbeln der ersten Verliebtheit 

macht ihm auch zu schaffen. Adolf Winkelmann bleibt 

dem »Pott« nach Filmen wie DIE ABFAHRER oder JEDE 

MENGE KOHLE treu und zeichnet nach Ralf Rothmanns 

Titel gebendem Roman aus der Perspektive eines sensiblen 

Heranwachsenden liebevoll-kritisch das Leben 

in der Wirtschaftswunder-Zeit. Das Milieu-Porträt überzeugt 

durch strengen Realismus und zarte Poesie. 

(Mar gret Köhler) 

Freitag, 24. Februar 2017, 21.00 Uhr 

Havarie | Deutschland 2016 | R: Philip Scheffner | B: 

Merle Kröger, Philip Scheffner | K: Terry Diamond, Bernd 

Meiners | 93 min | OmeU | Das Mittelmeer galt im Römischen 

Reich als »Mare Nostrum«, als »unser Meer«. 

Diese alte Bezeichnung hat in den letzten Jahren eine 

neue Bedeutung bekommen: Seit viele Menschen versuchen, 

auf dem Seeweg nach Europa zu kommen, ist 

das Mittelmeer zu einem Ort der Gegensätze geworden 

– zwischen Legalität und Illegalität, Innen und Außen, 

Leben und Tod. Philip Scheffner geht in HAVARIE von 

einem kurzen Videodokument aus. Der Passagier eines 

Kreuzfahrtschiffs filmt ein Schlauchboot, das im Wasser 

treibt. Diese Szene wird auf die Dauer des Films verlangsamt. 

Scheffner dringt förmlich in sie ein, während 

auf der Tonspur ein Hörspiel zu vernehmen ist, in dem 

sich das Geschehen auf viele Aspekte hin verzweigt. Ein 

komplexer, experimenteller Film über ein Jahrhundertthema. 


Sonntag, 26. Februar 2017, 21.00 Uhr

Chamissos Schatten | Deutschland 2016 | R+B+K: 

Ulrike Ottinger, unter Verwendung von Texten von Adelbert 

von Chamisso | Sprecher: Hanns Zischler, Burghart 

Klaußner, Thomas Thieme | 193 min (Alaska und 

die Aleutischen Inseln), 192 min (Tschukotka und die 

Wrangelinsel 1), 156 min (Tschukotka und die Wrangelinsel 

2), 177 min (Kamtschatka und die Beringinsel) 

| Ulrike Ottinger hat immer schon weite Reisen unternommen 

und davon lange Filme wie TAIGA oder CHINA 

– DIE KÜNSTE – DER ALLTAG zurückgebracht. Niemals 

aber hat sie sich weiter hinausgewagt als in CHAMIS- 

SOS SCHATTEN, einer Expedition an die Ränder von 

Sibirien und Amerika, mit der unbewohnten Wrangelinsel 

in der Tschuktschensee als dem abgelegensten 

Ziel, an dem man nur kurz bleiben kann, weil man 

sonst die Eisbären stören würde. Ottinger findet eine 

Naturlandschaft, in die sich gleichwohl die politische 

Geschichte eingeschrieben hat: Von der Sowjetunion 

sind vor allem Museen und Ruinen (und Giftmüll) zurückgeblieben, 

alte Kulturen versuchen, sich in einem 

extremen Klima zu behaupten. Ein großer Film über die 

Grenzen der Zivilisation. (Bert Rebhandl) 

1. März 2017, 19.00 Uhr (Alaska und die Aleutischen 

Inseln) 8. März 2017, 19.00 Uhr (Tschukotka und die 

Wrangelinsel 1) 15. März 2017, 19.00 Uhr (Tschukotka 

und die Wrangelinsel 2) 22. März 2017, 19.00 Uhr 

(Kamtschatka und die Beringinsel) 

Nebel im August | Deutschland 2016 | R: Kai Wessel 

| B: Holger Karsten Schmidt, nach dem Roman 

von Robert Domes | K: Hagen Bogdanski | M: Martin 

Todsharow | D: Ivo Pietzcker, Sebastian Koch, Thomas 

Schubert, Fritzi Haberlandt, Henriette Confurius, David 

Bennent | 126 min | Er wirkt sympathisch, dieser Dr. 

Veitshausen, wie er 1943 mit den Kindern in der »Heilanstalt« 

scherzt, ihnen Mut macht, eine Art Vaterersatz. 

Hinter der freundlichen Fassade versteckt sich ein harter 

Verfechter der Euthanasie. Ein 13-jähriger Junge 

und eine engagierte Krankenschwester ahnen bald, 

dass das Ende vieler Insassen durch »Lungenentzündung« 

nicht zufällig ist und der »süße« Tod auch durch 

Gift im Himbeersaft verursacht wird. Aber beide sind 

den Machenschaften des NS-Regimes ausgeliefert. 

Kai Wessels berührendes Drama beruht lose auf dem 

authentischen Fall des Ernst Lossa, zeigt am Schicksal 

eines Einzelnen die Perversität eines menschenverachtenden 

Systems und einer instrumentalisierten 

Wissenschaft. Gefühlvoll, aber nie gefühlig und mit 

Sebastian Koch wie dem jungen Ivo Pietzcker bestens 

besetzt. (Margret Köhler) 

Freitag, 3. März 2017, 21.00 Uhr 

Vor der Morgenröte | Deutschland 2016 | R: Maria 

Schrader | B: Maria Schrader, Jan Schomburg | K: 

Wolfgang Thaler | M: Tobias Wagner | D: Josef Hader, 

Barbara Sukowa, Aenne Schwarz, Matthias Brandt, 

Charly Hübner | 105 min | OmeU | 1936 bis 1942, 

sechs Episoden aus den Exiljahren des jüdischen Wiener 

Schriftstellers Stefan Zweig. Seine Unfähigkeit, auf 

einem PEN-Kongress Stellung gegen das NS-Regime 

zu beziehen. Die Bitte seiner geschiedenen ersten Ehefrau 

in New York, sich für Einreisepapiere von Freunden 

und Kollegen in die USA einzusetzen. Die Feier des 60. 

Geburtstags in Brasilien. Sehnsucht nach einem »geistig-seelischen 

Zuhause in einer kriegerischen Epoche« 

(Focus). Schließlich Abschiedsbrief und Selbstmord. Ein 

Kaleidoskop von Triumph und Verfall, Melancholie und 

Entwurzelung, versuchtem Neubeginn und schlussendlicher 

Verzweiflungstat. Kein Biopic im herkömmlichen 

Sinne, sondern ein feinsinniges Puzzle, das den Seelen- 


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zustand des Helden zu eindringlichen Bildmotiven verdichtet. 

(Ralf Schenk) 

Samstag, 4. März 2017, 21.00 Uhr Dienstag, 

7. März 2017, 18.30 Uhr 

Landstück | Deutschland 2016 | R: Volker Koepp | B: 

Barbara Frankenstein, Volker Koepp | K: Lotta Kilian | 

M: Ulrike Haage | 122 min | OmeU | Die Uckermark ist 

eine dünn besiedelte, wald- und wasserreiche Gegend 

nordöstlich von Berlin, ein Refugium für gestresste 

Stadtmenschen. Auch der Dokumentarist Volker Koepp 

hat hier eine Heimat gefunden und lässt in seinem Film 

die Veränderungen der letzten zwanzig Jahre Revue 

passieren: die Zerstörungswut der Moderne mit ihren 

Tiermastanlagen, Biogasanlagen, Windparks und 

staatlich geförderten Golfplätzen. Zugleich sucht Koepp 

nach Zeitgenossen, die sich mit Vernunft und Sachverstand 

bemühen, ein Stück Kulturlandschaft zu retten: 

Alteingesessene und Zugezogene, Umweltschützer und 

ökologische Landbauern. Ein polemischer Dokumentarfilm, 

gerichtet gegen Profitgier und den ihr innewohnenden 

Vertreibungs- und Vernichtungswahn. Kino, das 

trotz schöner Landschaftsmotive keine falsche Harmonie 

beschwört. (Ralf Schenk) 

Sonntag, 5. März 2017, 21.00 Uhr 

Die Hände meiner Mutter | Deutschland 2016 | 

R+B: Florian Eichinger | K: Timo Schwarz | M: André 

Feldhaus | D: Andreas Döhler, Jessica Schwarz, Katrin 

Pollitt, Heiko Pinkowski, Katharina Behrens | 106 min 

| OmeU | Nach BERGFEST (2008) und NORDSTRAND 

(2013) der dritte Teil einer Trilogie über Gewalt in der 

Familie, die psychologischen Untiefen einer scheinbar 

fest gefügten privaten Gemeinschaft. Das Thema: 

sexueller Missbrauch von Eltern an ihren Kindern, 

hier die Übergriffe einer Mutter auf ihren Sohn. Das 

Schweigen der Beteiligten über Jahrzehnte, die im Unterbewusstsein 

wütenden Traumata, die Folgen für das 

Verhalten der Opfer gegenüber ihren eigenen Familien, 

das Weiterwirken des schrecklichen Geschehens bis 

in die Gegenwart. Ein Film als Symphonie der Blicke, 

mit sparsamen Dialogen und klugen, ungewöhnlichen 

inszenatorischen Entscheidungen: Zum Beispiel spielt 

der Darsteller, der den erwachsenen, einst missbrauchten 

Sohn verkörpert, auch sich selbst als Kind. Dichtes, 

reifes Kino. (Ralf Schenk) 


24 Wochen | Deutschland 2016 | R: Anna Zohra Berrached 

| B: Carl Gerber, Anna Zohra Berrached | K: 

Friede Clausz | M: Jasmin Reuter | D: Julia Jentsch, 

Bjarne Mädel, Johanna Gastdorf, Emilia Pieske, Maria-Victoria 

Dragus | 103 min | OmeU | Der zweite 

Spielfilm der jungen Erfurter Regisseurin Anna Zohra 

Berrached. Wie schon ihr Debüt ZWEI MÜTTER (2013) 

ein ebenso spannender wie emotionaler Diskurs über 

weibliche Lebensentwürfe – und wie das Schicksal in 

biografische Planungen eingreift. Hauptfigur ist die Kabarettistin 

Astrid, erfolgreich auf Bühne und Bildschirm. 

Ihr zweites Kind ist unterwegs, doch es wird mit dem 

Down-Syndrom zur Welt kommen, und dazu noch mit 

einem schweren Herzfehler. Astrid und ihr Mann müssen 

sich entscheiden, ob das Kind geboren werden soll. 

Eine Achterbahnfahrt der Gefühle beginnt. Fiktion und 

Realität verschmelzen zu einer intensiven existentiellen 

Studie. Neben Schauspielern treten auch Ärzte und 

Psychologen auf, die zur Authentizität des Films beitragen. 

(Ralf Schenk) 

Samstag, 11. März 2017, 21.00 Uhr Dienstag, 

14. März 2017, 18.30 Uhr

Wild | Deutschland 2016 | R+B: Nicolette Krebitz | K: 

Reinhold Vorschneider | D: Lilith Stangenberg, Georg 

Friedrich, Silke Bodenbender, Saskia Rosendahl, Pit 

Bukowski | 93 min | Das Leben plätschert so dahin für 

die Computerfachfrau Ania (brillant: Lilith Stangenberg), 

die ihrem autoritären Chef ständig Kaffee kochen muss. 

Alles ändert sich, als sie zufällig am Park einem Wolf 

direkt in die Augen schaut. Beginn einer Beziehung 

zwischen Mensch und Tier, wie sie das deutsche Kino 

noch nicht gewagt hat. Irgendwann gelingt es ihr, den 

Wolf mit Fleisch zu locken und betäubt in die Plattenbauwohnung 

zu bringen, wo sie sich ihm langsam annähert 

und angleicht, ihre bisherige Existenz wie eine 

alte Haut abstreift. Ohne psychologische Explikationen 

führt Schauspielerin und Regisseurin Nicolette Krebitz 

in diesem verstörenden Fantasy-Märchen in die Welt 

weiblichen Begehrens und setzt sich über Konventionen 

und Tabus hinweg. Das Glück der Heldin liegt in 

einer ungewöhnlichen Befreiung von Zwang und Zivilisation. 

(Margret Köhler) 

Freitag, 17. März 2017, 21.00 Uhr Dienstag, 21. 

März 2017, 18.30 Uhr 

Tschick | Deutschland 2016 | R: Fatih Akin | B: Lars 

Hubrich, Hark Bohm, Fatik Akin, nach dem Roman von 

Wolfgang Herrndorf | K: Rainer Klausmann | M: Vince 

Pope | D: Tristan Göbel, Anand Batbileg, Mercedes 

Müller, Anja Schneider, Uwe Bohm, Udo Samel, Claudia 

Geisler | 93 min | OmeU | Zu Beginn der Sommerferien 

klaut Tschick, wie der junge Russe bei seinen 

Klassenkameraden heißt, einen Lada und überredet 

seinen Kumpel Maik, heimlich mit ihm los zu düsen, 

Liebeskummer und Familienärger hinter sich zu lassen. 

Ein paar Tage Freiheit und Abenteuer genießt das 

gegensätzliche Duo, der eine schüchtern, der andere 

draufgängerisch, in der Weite Brandenburgs. Eine 

Reise ins Nirgendwo, klare Sternennächte und dicke 

Freundschaft. Fatih Akin inszeniert nach Wolfgang 

Herrndorfs Bestseller ein spannendes und entspanntes 

Road-Movie ohne pädagogischen Impetus und ohne 

große Worte in atmosphärisch dichter Atmosphäre. Die 

beiden Hauptdarsteller Tristan Göbel und Anand Batbileg 

beeindrucken in ihrer Natürlichkeit. Coming of Age 

auf die lässige Tour. (Margret Köhler) 

Samstag, 18. März 2017, 21.00 Uhr 

Austerlitz | Deutschland 2016 | R+B: Sergei Loznitsa 

| K: Sergei Loznitsa, Jesse Mazuch | 94 min | »Arbeit 

macht frei« – diese zynische Parole stand am Eingang 

der Konzentrationslager des NS-Regimes. Und sie steht 

dort noch immer, am Eingang zu Gedenkstätten, in die 

heute Menschen gehen, um sich einen Eindruck von 

den Geschehnissen von damals zu verschaffen. Sergej 

Loznitsa hat diesen Geschichtstourismus auf eine für 

ihn typische Weise dokumentiert: mit einer Kamera, 

die nach Möglichkeit so tut, als wäre sie unsichtbar, 

und mit einem Mikrophon, das höchst empfindlich Töne 

registriert, die dann in der Mischung zu einem präzise 

akzentuierten Soundtrack werden. AUSTERLITZ handelt 

von den Bedingungen der Freiheit: Die Menschen, die 

im Tourismuslook die ehemaligen Lager besichtigen, 

treffen auf eine Negation, eine Abwesenheit. Wie lassen 

sie sich davon betreffen? (Bert Rebhandl) 



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Retrospektive Andrzej Wajda 

Andrzej Wajda 

8 

Andrzej Wajda und Krystyna Janda bei den Dreharbeiten zu DYRYGENT – DER DIRIGENT 

Als Martin Scorsese 2014 in den USA und in England 

das auf seine Initiative hin zustande gekommene Filmprogramm 

»Masterpieces of Polish Cinema« präsentierte, 

befanden sich unter den 24 Filmen der Jahre 

1957 bis 1978 allein vier Filme von Andrzej Wajda. 

Scorsese verwies auf den starken Eindruck, den die 

von ihm ausgesuchten Filme während seines Filmstudiums 

an der New York University in den 1960er Jahren 

hinterlassen hatten und hob Wajdas ASCHE UND 

DIAMANT besonders hervor: »When I first saw ASHES 

AND DIAMONDS, one of the many highlights in this 

series and arguably one of the greatest films ever made 

– Polish or otherwise – I was overwhelmed by the film: 

the masterful direction, the powerful story, the striking 

visual imagery, and the shocking performance by 

Zbigniew Cybulski, considered the Polish James Dean, 

for his electrifying presence. I was so struck by the film, 

it affected me so deeply, that I paid small homage by 

giving Charlie (Harvey Keitel) a pair of similar sunglasses 

in MEAN STREETS.« 

Es fällt auf, dass Scorsese die politische Dimension 

des Films nicht anspricht. Dabei hat sich Wajda 

immer als politscher Filmkünstler verstanden, dessen 

künstlerisches Selbstverständnis nicht von seinem 

Selbstverständnis als polnischer Patriot zu trennen ist. 

In unmissverständlichen Worten hat er das 2002 in der 

Dankesrede bei der Verleihung des Oscar für sein Lebenswerk 

zum Ausdruck gebracht: »Ich werde meine 

Rede auf Polnisch halten, da ich das sagen möchte, 

was ich denke, und ich denke immer auf Polnisch. 

Die Themen unserer Filme waren die Brutalität des 

Faschismus und das Unglück, welches der Kommunismus 

mit sich brachte ...« In Filmen wie EINE GENERA- 

TION, DER KANAL, ASCHE UND DIAMANT, LOTNA oder 

LANDSCHAFT NACH DER SCHLACHT spürt man die 

autobiografischen Erfahrungen des 1926 geborenen 

Wajda, der den deutschen Überfall auf Polen und die 

Jahre der Besatzung ebenso bewusst miterlebt hatte 

wie die »stalinistische Lähmung« der Nachkriegsjahre, 

die er in DER MANN AUS MARMOR zum ersten Mal 

ohne allegorische Verschlüsselungen ansprechen und 

im Solidarność-Film DER MANN AUS EISEN vertiefen 

konnte. Allem liegt ein Gefühl der Trauer über das historische 

Unglück der polnischen Geschichte zugrunde,

als Nation über Jahrhunderte hinweg, bis auf eine kurze 

Phase zwischen den Weltkriegen, nicht in einem eigenen 

Staat leben zu können: Immer war man fremden 

Mächten ausgeliefert, erst Preußen, Österreich und 

Russland, später dann dem nationalsozialistischen 

Deutschland und der Sowjetunion. 

Die Nachrufe zu Wajdas Tod im Oktober 2016 würdigten 

ihn als einen der »Großen des Weltkinos«, als 

»Regielegende« und »iconic film director« – um nur einige 

Überschriften der Nachrufe zu zitieren. Er gilt als einer 

der bekanntesten Künstler seines Landes überhaupt, 

als nationaler Chronist. Volker Schlöndorff schrieb in 

seinem sehr persönlichen Nachruf in der Süddeutschen 

Zeitung: »Arbeiter, Adelige, Offiziere, Revolutionäre und 

immer wieder starke Frauen aus allen Klassen decken 

das ganze Spektrum der polnischen Gesellschaft und 

Geschichte ab. Aus der Summe seiner Filme ergibt sich 

das vielleicht vollständigste, jedenfalls menschlichste 

Bild, das man sich von Polen machen kann.« Für den 

Film über DAS MASSAKER VON KATYN, der 2007 als 

herausgehobenes Ereignis nationaler Gedenkkultur 

eine prominente Rolle in der polnischen Öffentlichkeit 

spielte, kam kein anderer polnischer Regisseur als 

Wajda in Frage. 

Wajda betonte stets: »Polnische Kinematografie als 

die Kunst des Kinos wird in polnischer Sprache verfasst 

und spiegelt eine Wirklichkeit, die nur in dieser Sprache 

gezeigt werden kann. Das bedeutet, dass wir viele 

Filme auf Polnisch über polnische Themen brauchen.« 

Wajda verteidigte die Unabhängigkeit der Kunst und 

hielt an seinen Prinzipien fest. Dabei machte er sich 

durchaus angreifbar als streitbarer Demokrat, so zum 

Beispiel mit seiner durchaus nicht unumstrittenen Verehrung 

des Solidarność-Führers und späteren Staatspräsidenten 

Lech Wałęsa, dem er 2013 mit MANN AUS 

HOFFNUNG ein filmisches Denkmal setzte. Wajdas 

letzter Film NACHBILDER erzählt die erschütternde 

Lebensgeschichte des konstruktivistischen Künstlers 

Władysław Strzemiński, der an seiner Kompromisslosigkeit 

und seinem Andersdenken zugrunde ging. 

»Ich muss diese Realität zeigen, diese tragischen Ereignisse 

– einfach zum Gedenken, und um sagen zu 

können: So war es, passt auf, so war es. NACHBILDER 

machte ich eigentlich als Film über die Vergangenheit. 

Sollte er heute aktuell wirken, wäre das ein großer 

Schlag gegenüber unseren Hoffnungen.« 

Als Volker Schlöndorff 1958 in Paris ASCHE UND 

DIAMANT zum ersten Mal sah, war er tief beeindruckt: 

»Als junger Deutscher und Möchtegern-Regisseur war 

ich zerschmettert. So etwas würden wir nie schaffen. 

Wir standen einfach auf der falschen Seite der 

Geschichte. Wir würden nie so wahr sprechen können. 

So leise und doch mit solcher Wucht.« Wie in 

einem Brennglas spiegeln sich in ASCHE UND DIAMANT 

Wajdas stilistische und thematische Obsessionen, die 

sich wie ein roter Faden durch sein gesamtes filmisches 

Werk ziehen: Hier wird zum ersten Mal seine Vorliebe 

für bildstarke Symbole deutlich, wie der mehrmals 

gespensterhaft auftauchende Schimmel, dem Wajda 

dann mit LOTNA einen ganzen Film gewidmet hat. Oder 

die berühmte Trinkszene an der Theke einer Hotelbar 

mit brennenden Wodkagläsern, die wie Grablichter wirken, 

die der Toten des Warschauer Aufstands gedenken. 

Oder die Polonaise im Morgengrauen mit den sich 

in zeitlupenartiger Trance bewegenden Tänzern: Gespenster 

einer neuen Zeit, die nichts Gutes verheißt. In 

DIE HOCHZEIT, einem der rätselhaftesten Filme Wajdas, 

begegnen wir der Polonaise wieder: Diesmal entstammen 

die Gespenster einer polnischen Vergangenheit, 

die damals, 1973, keine Zukunft zu haben schien. Ganz 

Andrzej Wajda 

9 

KATYN – DAS MASSAKER VON KATYN

Andrzej Wajda 

10 

POKOLENIE – EINE GENERATION 

anders, viel optimistischer geht es dann 1999 in der 

opulenten Verfilmung des polnischen Nationalepos PAN 

TADEUSZ zu, wenn zum Schluss alles in eine glanzvolle 

Polonaise des polnisch-litauischen Landadels mündet. 

Die meisten Filme Wajdas zeichnet etwas Ruheloses, 

Rastloses aus, ihre Protagonisten sind oft Getriebene, 

so wie die Filmhochschulstudentin Agnieszka im 

MANN AUS MARMOR, der Krystyna Janda eine unvergessliche 

Präsenz verleiht, oder der Textilunternehmer 

Karol in DAS GELOBTE LAND, verkörpert von Wajdas 

langjährigem Hauptdarsteller Daniel Olbrychski, der 

in ALLES ZU VERKAUFEN noch einmal die Erinnerung 

an den charismatischen Zbigniew Cybulski aus ASCHE 

UND DIAMANT beschwört. Es gibt in Wajdas Werk aber 

auch Momente der Ruhe, der Ungezwungenheit jenseits 

der bedrängenden nationalen Schicksalsfragen wie in 

DIE UNSCHULDIGEN ZAUBERER und in DIE MÄDCHEN 

VON WILKO, einem Meisterwerk lyrisch gestimmter 

Melancholie. Und auch Komödiantisches wie DIE 

RACHE, die Verfilmung eines in Polen viel gespielten 

Theaterschwanks im Adelsmilieu von PAN TADEUSZ. 

Die Hauptrolle des Hofnarren spielt, mit sichtlichem 

Vergnügen, Roman Polański, der 1955 seine erste 

kleine Rolle in Wajdas erstem Film EINE GENERATION 

erhielt. 

Ernst Schreckenberg 

In Zusammenarbeit mit dem Generalkonsulat der Republik Polen in 

München, Cyfrowe Repozytorium Filmowe in Warschau, der Film o - 

t eka Narodowa in Warschau und der Szkoła Filmowa in Łódź. 

Zły chłopiec (Der böse Knabe) | Polen 1951 | R+B: 

Andrzej Wajda, nach der Novelle von Anton Čechov | K: 

Zdzisław Parylak | D: Jan Łomnicki | 6 min | OF – Ceramika 

iłżecka (Die Keramik aus Ilza) | Polen 1951 | 

R+B: Andrzej Wajda | K: Jerzy Lipman | 10 min | OmeU 

– Kiedy ty śpisz (Während du schläfst) | Polen 1953 

| R: Andrzej Wajda | B: Andrzej Wajda, Konrad Nałęcki, 

Jerzy Lipman, nach Gedichten von Tadeusz Kubiak | K: 

Jerzy Lipman | 11 min | OF – Erste Filmversuche an der 

Filmhochschule in Łódź. – Pokolenie (Eine Generation) 

| Polen 1955 | R: Andrzej Wajda | B: Bohdan Czeszko, 

nach seinem Roman | K: Jerzy Lipman | M: Andrzej 

Markowski | D: Tadeusz Łomnicki, Urszula Modrzyńska, 

Tadeusz Janczar, Roman Polański, Zbigniew Cybulski 

| 91 min | OmeU | Warschau 1942. Junge Leute im 

Widerstand gegen die deutschen Besatzer. »Wir wollten 

einen Film machen, der unsere Sprache spricht« 

(Wajda), die Sprache einer lost generation. 

Freitag, 24. Februar 2017, 18.30 Uhr 

Idę do słońca (Ich gehe zur Sonne) | Polen 1955 | 

R+B: Andrzej Wajda | K: Stefan Matyjaszkiewicz | M: 

Andrzej Markowski | Mit Xawery Dunikowski | 13 min 

| OmeU – Porträt des 80-jährigen Bildhauers Xawery 

Dunikowski. – Kanał (Der Kanal) | Polen 1957 | R: 

Andrzej Wajda | B: Jerzy Stefan Stawiński, nach seiner 

Erzählung | K: Jerzy Lipman | M: Jan Krenz | D: Tadeusz 

Janczar, Teresa Iżewska, Wieńczysław Gliński, Tadeusz 

Gwiazdowski, Stanisław Mikulski | 91 min | OmeU 

| Herbst 1944. Die SS hat den Warschauer Aufstand 

niedergeschlagen. Eine kleine Widerstandsgruppe versucht 

sich von einem Vorort ins Zentrum durchzuschlagen. 

Einziger Fluchtweg ist das Kanalisationssystem. Es 

geht nur noch ums Überleben, Heldentum oder Pathos 

sind nicht mehr gefragt. Im verordneten Geschichtsbild 

der stalinistischen Ära war bis dahin für den »bürgerlichen« 

Aufstand kein Platz. In Cannes machte Wajdas 

Film Furore. 

Samstag, 25. Februar 2017, 18.30 Uhr 

Popiół i diament (Asche und Diamant) | Polen 1958 

| R: Andrzej Wajda | B: Andrzej Wajda, Jerzy Andrzejewski, 

nach dem Roman von Jerzy Andrzejewski | K: Jerzy 

Wójcik | M: Filip Nowak | D: Zbigniew Cybulski, Ewa 

Krzyżewska, Wacław Zastrzeżyński, Adam Pawlikowski, 

Bogumił Kobiela | 97 min | OmeU | Es ist der 8. Mai 

1945. Der Krieg ist zu Ende, aber der Kampf um die 

Macht im Nachkriegspolen zwischen Kommunisten und 

Bürgerlichen hat schon begonnen. Der junge Maciek 

soll auftragsgemäß einen kommunistischen Funktionär 

liquidieren, doch ihm kommen Bedenken. Maciek ist 

der eindringlichste aller zerrissenen Helden im Werk 

von Wajda, vor allem dank der charismatischen schauspielerischen 

Performance von Zbigniew Cybulski, dem 

»polnischen James Dean«. Die visuelle Stilisierung und 

symbolische Aufladung verleiht dem Film auch heute 

noch eine ungebrochene Faszination. 

Sonntag, 26. Februar 2017, 18.30 Uhr

Andrzej Wajda 

11 

POPIÓŁ I DIAMENT – ASCHE UND DIAMANT 

Wajda – Une leçon de cinéma (Großes Kino aus 

Polen) | Frankreich 2016 | R+B: Andrzej Wolski | Mit 

Andrzej Wajda | 95 min | dtF | Kurz vor seinem 90. 

Geburtstag am 6. März 2016 – und einige Monate vor 

seinem Tod am 9. Oktober – sitzt Wajda in einem Studio 

vor einem Laptop. Zusammen mit dem Regisseur 

Andrzej Wolski hat er zehn Ausschnitte aus seinen Filmen 

ausgesucht, die auf die Wand hinter ihm projiziert 

werden. Er kommentiert die Ausschnitte, mal analytisch, 

mal anekdotisch. Es geht um die Art der Inszenierung 

und den historischen und politischen Kontext. 

Immer wieder kommt Wajda auf seine Kämpfe mit den 

Zensoren zu sprechen, dabei blitzt oft Schalk auf. Zum 

Schluss bleibt als Standfoto die berühmte Einstellung 

von der mit dem Kopf nach unten gehängten Christus-Figur 

am Kreuz aus ASCHE UND DIAMANT stehen. 

Freitag, 3. März 2017, 18.30 Uhr | Zu Gast: Andrzej 

Wolski 

Lotna | Polen 1959 | R: Andrzej Wajda | B: Andrzej 

Wajda, Wojciech Żukrowski, nach der Erzählung von 

Wojciech Żukrowski | K: Jerzy Lipman | M: Tadeusz 

Baird | D: Jerzy Pichelski, Adam Pawlikowski, Jerzy 

Moes, Mieczysław Łoza, Bożena Kurowska | 85 min | 

OmeU | Polen im September 1939. Ein Trupp polnischer 

Kavallerie reitet gegen anrollende deutsche Panzer. Ein 

fast surreales Bild, das die Stimmung eines Films setzt, 

der die Geschichte der Schimmelstute Lotna und ihrer 

wechselnden Besitzer als Abgesang auf eine untergegangene 

Welt erzählt, die Wajda als Sohn eines Kavallerieoffiziers 

noch in seiner Kindheit kennengelernt 

hat. Dieser »letzte Fiebertraum des polnischen Ulanen« 

(Dominik Graf) ist ein Film von morbider Faszination 

und wirkt wie aus der Zeit gefallen. Es ist Wajdas erster 

Farbfilm, von seinem langjährigen Kameramann Jerzy 

Lipman auf Agfacolor gedreht. 


Niewinni czarodzieje (Die unschuldigen Zauberer) | 

Polen 1960 | R: Andrzej Wajda | B: Jerzy Andrzejewski, 

Jerzy Skolimowski | K: Krzystof Winiewicz | M: Krzysztof 

Komeda | D: Tadeusz Łomnicki, Krystyna Stypułkowska, 

Zbigniew Cybulski, Roman Polański, Jerzy Skolimowski 

| 83 min | OmeU | Wajdas erster Gegenwartsfilm bringt 

einen neuen Ton ins polnische Kino. Es passiert nichts 

Spektakuläres: Arzt und Jazzfan trifft eigenwillige Studentin. 

Politik ist außen vor, dafür schwingt der Film im 

Rhythmus des Soundtracks von Jazzmusiker Komeda. –

Andrzej Wajda 

12 

Przekładaniec (Organitäten) | Polen 1968 | R: Andrzej 

Wajda | B: Stanisław Lem | K: Wiesław Zdort | M: Andrzej 

Markowski | D: Bogumił Kobiela, Ryszard Filipski, Anna 

Prucnal | 35 min | OmeU | Science-Fiction-Satire: Organtransplationen 

retten einem verunglückten Rennfahrer 

das Leben, verändern aber seine Identität. 


Samson | Polen 1961 | R: Andrzej Wajda | B: Andrzej 

Wajda, Kazimierz Brandys, nach dem Roman von Kazimierz 

Brandys | K: Jerzy Wójcik | M: Tadeusz Baird | 

D: Serge Merlin, Alina Janowska, Jan Ciecierski, Elżbieta 

Kępińska, Beata Tyszkiewicz | 117 min | OmeU | 

Jakub Gold bekommt es schon an der Universität von 

Krakau mit massivem Antisemitismus zu tun. Nach dem 

deutschen Einmarsch in Polen verschlägt es ihn ins 

Warschauer Ghetto und in wechselnde Verstecke in der 

Metropole, immer auf tätige Solidarität seiner polnischen 

Mitbürger angewiesen, von denen einige ihn auch verraten. 

Der Film schildert eine mit biblischen Anspielungen 

durchsetzte Odyssee. In den Zeiten des Kommunismus 

wagt sich Wajda an die Thematik des zwiespältigen 

Verhältnisses der Polen gegenüber ihren jüdischen Mitbürgern 

während des deutschen Vernichtungsfeldzugs. 


Sibirska ledi Magbet (Blut der Leidenschaft) | Jugoslawien 

1962 | R: Andrzej Wajda | B: Sveta Lukić, 

nach der Novelle »Lady Macbeth von Mzensk« von Nikolaj 

Leskov | K: Aleksandar Sekulović, Miomir Denić 

| M: Dušan Radić | D: Olivera Marković, Ljuba Tadić, 

Miodrag Lazarević, Bojan Stupica, Kapitalina Erić | 93 

min | OmeU | Lady Macbeth als russische Gutsherrin, 

die wegen einer Affäre mit ihrem Knecht zur Mörderin 

wird und während ihrer Deportation nach Sibirien 

ums Leben kommt. »Was dem Film Faszination verleiht 

und worin sich vor allem sein Thema artikuliert, das ist 

die optische Gewalt seiner Bilder. Wajda offenbart sich 

hier als ein Bildschöpfer, der mit der Kamera und dem 

CinemaScope-Format raffiniert zu komponieren weiß. 

Die furiose Bildsprache gibt dem Film ein opernhaftes 

Pathos.« (Ulrich Gregor) 

Freitag, 17. März 2017, 18.30 Uhr 

L’amour à 20 ans (Liebe mit 20) | Frankreich 1962 

| R: François Truffaut, Renzo Rossellini, Shintarô Ishihara, 

Marcel Ophüls, Andrzej Wajda | B: François Truffaut, 

Renzo Rossellini, Shintarô Ishihara, Marcel Ophüls, 

Jerzy Stefan Stawiński | K: Raoul Coutard, Mario Montuori, 

Shigeo Murata, Wolf Wirth, Jerzy Lipman | M: 

Georges Delerue, Tôru Takemitsu, Jerzy Matuszkiewicz 

| D: Jean-Pierre Léaud, Marie-France Pisier, Geronimo 

Maynier, Eleonora Rossi Drago, Nami Tamura, Kôji 

Furuhata, Barbara Frey, Christian Doermer, Zbigniew 

Cybulski, Barbara Kwiatkowska-Lass | 126 min | OmU | 

Fünf Episoden, die in Paris, Rom, Tokyo, München und 

Warschau spielen. Wajda zeigt in seinem Beitrag einen 

gealterten Zbigniew Cybulski, der sich auf einer Party 

mit jüngeren Leuten ziemlich verloren vorkommt. 


Popioły (Legionäre) | Polen 1965 | R: Andrzej Wajda 

| B: Aleksander Ścibor-Rylski, nach dem Roman von 

Stefan Żeromski | K: Jerzy Lipman | M: Andrzej Markowski 

| D: Daniel Olbrychski, Bogusław Kierc, Piotr 

Wysocki, Beata Tyszkiewicz, Władysław Hańcz | 226 

min | OmeU | Ein großes historisches Fresko als aufwändiges, 

fast dreistündiges Filmepos in CinemaScope 

voller Schlachtenszenen über die Schicksale dreier polnischer 

Adliger, die als Legionäre an der Seite Napo- 

POPIOŁY – LEGIONÄRE

leons um die polnische Unabhängigkeit kämpfen. Einer 

von ihnen kämpft dafür sogar auf spanischem Boden. 

Am Ende steht die Vergeblichkeit ihres Tuns, die sich 

in der eindrucks vollen Schluss-Szene des Films in der 

russischen Schneewüste manifestiert. Es war der Beginn 

einer lang andauernden Zusammenarbeit mit dem 

Schauspieler Daniel Olbrychski. 


Gates to Paradise (Die Pforten des Paradieses) | GB 

1968 | R: Andrzej Wajda | B: Donald Kravanth, Jerzy 

Andrzejewski, nach dem Roman von Jerzy Andrzejewski 

| K: Mieczyslaw Jahoda | M: Ward Swingle | D: 

John Fordyce, Lionel Stander, Mathieu Carrière, Pauline 

Challoner, Ferdy Mayne | 79 min | dtF | Wajdas erster 

in englischer Sprache gedrehter Film erzählt die Geschichte 

eines mittelalterlichen Kinderkreuzzugs nach 

Palästina. Ein Mönch, der die Kinder begleitet, versucht 

vergeblich, den Zug aufzuhalten, als er die wahren 

Motive der Teilnehmer erkennt. Mit opulenten Bildern 

beschwört Wajda eine düstere und unheilvolle Atmosphäre 

herauf und wendet sich gegen Fanatismus und 

blinden Glauben an falsche Ideale, dem die Stimme der 

Vernunft nicht beikommen kann. Nachdem der Film bei 

der Berlinale 1968 von der Kritik verrissen wurde, kam 

er nie in die Kinos. 


Wszystko na sprzedaż (Alles zu verkaufen) | Polen 

1968 | R+B: Andrzej Wajda | K: Witold Sobociński | 

M: Andrzej Korzyński | D: Andrzej Łapicki, Daniel Olbrychski, 

Witold Holtz, Małgorzata Potocka, Elżbieta 

Kępiński | 105 min | OmeU | Als Wajda wieder einen 

Film mit Zbigniew Cybulski machen will, kommt der kurz 

vor Drehbeginn unter die Räder eines Zuges. Stattdessen 

macht Wajda nun einen Film über die Suche nach 

einem verschwundenen Hauptdarsteller, der dann zum 

Schluss gefunden wird: Es ist Daniel Olbrychski. ALLES 

ZU VERKAUFEN ist ein Film über einen Regisseur in der 

Krise, durchaus vergleichbar mit Fellinis 8½. Ein souveränes 

Spiel mit Spiegelungen und Verschränkungen: 

Das Leben spielt in den Film hinein, der Film in das 

Leben aller am Dreh Beteiligten. Ein sehr persönlicher 

Film Wajdas. Der Darsteller des Regisseurs, Andrzej 

Lapicki, sieht Wajda verblüffend ähnlich. 


Polowanie na muchy (Fliegenjagd) | Polen 1969 | 

R: Andrzej Wajda | B: Janusz Glowacki, nach seiner 

Erzählung | K: Zygmunt Samosiuk | M: Andrzej Korzyński 

| D: Zygmunt Malanowicz, Małgorzata Braunek, 

Hanna Skarżanka, Ewa Skarżanka, Daniel Olbrychski 

| 108 min | OmeU | Eine Satire auf den Warschauer 

Kultur- und Literaturbetrieb. Die grotesk anmutende 

Geschichte eines Mannes, der permanent bevormundet 

wird, von seiner Frau, seiner Schwiegermutter, seiner 

kurzzeitigen Geliebten. Alle wollen sie aus ihm ein 

schriftstellerisches Genie machen, um die Privilegien 

des Schriftstellerverbandes genießen zu können. »Małgorzata 

Braunek war perfekt in ihrer Rolle. Ihr breites 

Grinsen und die erschreckenden Augen, die sich hinter 

überdimensionalen Brillengläsern weiteten, verliehen 

ihr das Aussehen einer fleischfressenden Fliegenjägerin, 

so wie es Glowackis Script vorsah.« (Wajda) 


Krajobraz po bitwie (Landschaft nach der Schlacht) 

| Polen 1970 | R: Andrzej Wajda | B: Andrzej Wajda, 

Andrzej Brzozowski, nach Erzählungen von Tadeusz Borowski 

| K: Zygmunt Samosiuk | M: Zygmunt Konieczny 

| D: Daniel Olbrychski, Stanisława Celińska, Jerzy Zelnik, 

Stefan Friedmann, Małgorzata Braunek | 108 min 

| OmeU | 1945 von den Amerikanern aus einem deutschen 

Konzentrationslager befreite Polen finden sich 

in einem neuen Lager, einem Flüchtlingslager, wieder. 

Dort klammern sich die meisten an das, was sie für ihre 

vaterländische Pflicht halten: Tägliche Gebete, sinnlose 

Militärparaden und feierliche patriotische Spektakel. 

Nur ein Schriftsteller verweigert sich dem fast zwanghaften 

kollektiven Mitmachen und wird damit zum Außenseiter. 

Wajda wurde damals vorgeworfen, er karikiere 

hier auf Kosten von traumatisierten Lagerinsassen 

einen für ihn überholten Begriff von Polentum. 


Brzeżina (Das Birkenwäldchen) | Polen 1970 | R: 

Andrzej Wajda | B: Jarosław Iwaszkiewicz, nach seiner 

Erzählung | K: Zygmunt Samosiuk | M: Andrzej Korzyński 

| D: Daniel Olbrychski, Emilia Krakowska, Olgierd Łukaszewicz, 

Marek Perepeczko, Jan Domański | 99 min | OmeU 

| Eine neue Seite bei Wajda: Ein Kammerspiel in freier 

Natur, dem titelgebenden Birkenwäldchen. Im Mittelpunkt 

zwei ungleiche Brüder (einer von ihnen Olbrychski) 

– der eine um den Tod seiner Frau trauernd, der andere 

todkrank, aber das Leben noch auskostend. Zwischen 

ihnen eine junge Frau, die Verkörperung des blühenden 

Lebens. Ein elegischer, schwermütiger Film, mit dem 

Birkenwald als emotionalem Resonanzboden. »Noch 

weniger als sonst bei Wajda ist in diesem Film die Thematik 

ablösbar von ihrer filmischen Erscheinungsform, 

ihrer Artikulation in Farben und Bildern.« (Ulrich Gregor) 

Freitag, 7. April 2017, 18.30 Uhr 

Andrzej Wajda 

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Andrzej Wajda 

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Pilatus und andere | BRD 1972 | R+B: Andrzej Wajda, 

nach Motiven des Romans »Der Meister und Margerita« 

von Michail Bulgakov | K: Igor Luther | D: Jan Kreczmar, 

Wojciech Pszoniak, Daniel Olbrychski, Andrzej Łapicki, 

Marek Perepeczko | 94 min | »Ein Film für Karfreitag« 

heißt es im Untertitel dieses Fernsehfilms, den Wajda 

in der Bundesrepublik für das ZDF drehte. Diese Neuerzählung 

der Passionsgeschichte im zeitgenössischen 

Setting, in der das Verhör von Jesus auf das Reichsparteitagsgelände 

in Nürnberg und die Kreuzigung 

auf Golgatha auf einen Schuttberg am Wiesbadener 

Autobahnkreuz verlegt wird, ist eine ziemlich wüste 

und drastische Collage. »Mich hat eine Bewegung, ein 

Trend unter westlichen Jugendlichen sehr interessiert: 

dass sie angefangen haben, sich wie Jesus zu kleiden, 

Zeichen des Christentums zu tragen und überall das 

Kreuz zu zeigen.« (Wajda) 


Wesele (Die Hochzeit) | Polen 1973 | R: Andrzej 

Wajda | B: Andrzej Kijowski, nach dem Stück von Stanisław 

Wyspiański | K: Witold Sobociński | M: Stanisław 

Radwan | D: Daniel Olbrychski, Ewa Ziętek, Andrzej 

Łapicki, Wojciech Pszoniak, Franciszek Pieczka | 110 

min | OmeU | Stanisław Wyspiańskis Drama von 1901 

ist ein Schlüsselwerk der polnischen Literatur, eine allegorisch 

und symbolisch verschlüsselte Parabel über 

die Traumata der polnischen Teilung. Aus der Vorlage 

des Versdramas über die Hochzeit eines Künstlers aus 

der Krakauer Bohème und einer Bauerntochter macht 

Wajda in suggestiven und rauschhaften Bildern einen 

atmosphärisch ungemein dichten Film, der auch ohne 

Kenntnis des historischen Anspielungshorizonts den 

Zuschauer mit seinen virtuosen Kamerabewegungen 

und Montagesequenzen wie in einem hypnotischen 

Wirbel in seinen Bann zieht. 

Samstag, 8. April 2017, 18.30 Uhr 

Ziema obiecana (Das gelobte Land) | Polen 1975 | 

R+B: Andrzej Wajda | K: Witold Sobociński | M: Wojciech 

Kilar | D: Daniel Olbrychski, Wojciech Pszoniak, Andrzej 

Seweryn, Anna Nehrebecka, Franciszek Pieczka | 170 

min | OmeU | Łódź um 1880, Zentrum der polnischen 

Textilindustrie. Was für die Unternehmer das gelobte 

Land ist, in dem riesige Vermögen angehäuft werden, 

ist für die Arbeiter die Hölle auf Erden. Mit großer inszenatorischer 

Geste und in fiebrigem Rhythmus entwirft 

Wajda ein apokalyptisches Bild. Zwischen protzig zur 

Schau gestelltem Reichtum und erbärmlichem Massenelend 

gibt es kaum Abstufungen. 2000 überarbeitete 

Wajda seinen Film, kürzte ganze Szenen, die seinerzeit 

nur in den Film gelangt waren, weil sie »unter großem 

Arbeitsaufwand gedreht wurden« (Wajda), und veränderte 

den Anfang des Films. Im Filmmuseum läuft die 

ungekürzte Originalfassung. 


The Shadow Line (Die Schattenlinie) | GB 1976 | R: 

Andrzej Wajda | B: Andrzej Wajda, Bogusław Sulik, nach 

der Erzählung von Joseph Conrad | K: Witold Sobociński 

| M: Wojciech Kilar, Lech Brański | D: Marek Kondrat, 

Graham Lines, Tom Wilkinson, Berhard Archard, Martin 

Wyldeck | 100 min | engl. OF | Die Erzählung des 

polnischstämmigen Autors Joseph Conrad schildert 

die durch Flaute und Krankheiten geprägte Fahrt eines 

Segelschiffs in südostasiatischen Gewässern. Meisterhaft 

beschreibt Conrad die Atmosphäre des Stillstands, 

der Lethargie an Bord. Wajda verzichtete darauf, eigene 

Ideen in den Film einzuarbeiten und Daniel Olbrychski 

für die Hauptrolle auszuwählen. Stattdessen drehte er 

mit englischen Schauspielern. »Ich bin dem Original 

treu geblieben. Es war unglaublich, das Material hat die 

filmischen Lösungen quasi selbst diktiert.« (Wajda) 

Sonntag, 9. April 2017, 18.30 Uhr 

Człowiek z marmuru (Der Mann aus Marmor) | Polen 

1976 | R: Andrzej Wajda | B: Aleksander Ścibor- 

Rylski | K: Edward Kłosiński | M: Andrzej Korzyński | D: 

Jerzy Radziwiłowicz, Krystyna Janda, Jacek Domański, 

Leonard Zajączkowski, Tadeusz Łomnicki | 161 min | 

OmeU | Mehr als zehn Jahre lang lag das Drehbuch 

auf Eis. Erst 1976 kann der Film in Produktion gehen 

und stößt auf überragende Resonanz beim polnischen 

Publi kum. Mit der Geschichte der jungen Filmemacherin 

Agnieszka, die das Schicksal des vergessenen 

Arbeiterhelden Birkut für ihren Film recherchiert und 

dafür durch ganz Polen reist, hat Wajda offensichtlich 

einen Nerv getroffen. Sein Film konfrontiert die stalinistische 

Aufbau-Ära mit der Gegenwart des Films, die

diese Zeit am liebsten verdrängen möchte. Krystyna 

Janda als ruhe- und rastlose Rechercheurin ist das 

emotionale Kraftzentrum des MANN AUS MARMOR. 


Bez znieczulenia (Ohne Betäubung) | Polen 1978 | 

R: Andrzej Wajda | B: Andrzej Wajda, Agnieszka Holland 

| K: Edward Kłosiński | M: Wojciech Młynarski | D: Zbigniew 

Zapasiewicz, Ewa Dałkowska, Andrzej Seweryn, 

Krystyna Janda, Emilia Krakowska | 125 min | OmeU | 

Ganz analytisch und sachlich erzählt Wajda vom beruflichen, 

sozialen und privaten Abstieg eines prominenten 

Auslandskorrespondenten, der im Warschau der 

1970er Jahre unter die Räder kommt. Wegen eines 

kritischen Fernsehkommentars fällt er in Ungnade, und 

Schritt für Schritt werden seine Privilegien von dem 

System abgebaut, das ihm seine berufliche Karriere 

erst ermöglicht hat. So offen systemkritisch kann sich 

Wajda erst äußern, seit er durch den internationalen Erfolg 

des MANN AUS MARMOR zu einer internationalen 

Größe geworden ist, der die politische Führung einen 

gewissen Spielraum zugestehen muss. 


Panny ze Wilka (Die Mädchen von Wilko) | Polen 

1979 | R: Andrzej Wajda | B: Zbigniew Kamiński, nach 

der Erzählung von Jarosław Iwaszkiewicz | K: Edward 

Kłosiński | M: Karol Szymanowski | D: Daniel Olbrychski, 

Anna Seniuk, Christine Pascal, Maja Komorowska, 

Stanisława Celińska | 116 min | OmeU | Wajda kehrt 

immer wieder in die polnische Vergangenheit zurück, 

dieses Mal auf ein Landgut im Polen der 1930er Jahre. 

Fünf Schwestern leben dort, die in ihrer Jugend alle 

in den Nachbarsjungen verliebt waren. Der kommt 

nach langen Jahren in der Fremde zu Besuch, und die 

Vergangenheit meldet sich zurück. Wie im BIRKEN- 

WÄLDCHEN liefert der von Wajda so geliebte Jarosław 

Iwaszkiewicz die literarische Vorlage: Wieder dieselbe 

elegische, melancholische Stimmung, von der Kamera 

Edward Kłosińskis meisterhaft in lichtdurchflutete Bilder 

gefasst. 


Dyrygent (Der Dirigent) | Polen 1979 | R: Andrzej 

Wajda | B: Andrzej Kijowski | K: Sławomir Idziak | M: 

Ludwig van Beethoven | D: John Gielgud, Krystyna Janda, 

Andrzej Seweryn, Jan Ciecierski, Tadeusz Czechowski 

| 102 min | OmeU | Beethovens 5. Symphonie und 

zwei Dirigenten: Der eine feiert mit ihr Triumphe in der 

Carnegie Hall in New York, der andere übt sie in einer 

polnischen Provinzstadt mehr schlecht als recht mit 

dem örtlichen Orchester ein. Hier in Polen hat der von 

John Gielgud gespielte Stardirigent Jan Lomicki seine 

Karriere begonnen, und für ein Gastkonzert kehrt er als 

gefeierter Sohn der Stadt zurück. Mit seiner Liebe zur 

Musik vermittelt er auch dem Orchester Begeisterung 

– sehr zum Missfallen des karrierefixierten, aber talentlosen 

heimischen Dirigenten. Wajdas Botschaft: Ohne 

wahre Liebe zur Kunst gibt es nur Kunstbetrieb. 

Freitag, 19. Mai 2017, 18.30 Uhr 

Człowiek z żelaza (Der Mann aus Eisen) | Polen 

1981 | R: Andrzej Wajda | B: Aleksander Ścibor-Rylski 

| K: Edward Kłosiński | M: Andrzej Korzyński | D: Jerzy 

Radziwiłowicz, Krystyna Janda, Marian Opania, Irena 

Byrska, Wiesława Kosmalska | 147 min | OmeU | Der 

erzählerische Faden aus DER MANN AUS MARMOR 

wird wieder aufgenommen: Birkuts Sohn bricht sein 

Studium ab und schließt sich der Gewerkschaft Solidarność 

an, genauso wie die Filmstudentin Agnieszka, 

die mit ihm nach Danzig geht. Sie werden ein Paar und 

engagieren sich im monatelang andauernden Streik auf 

der Lenin-Werft, der ganz Polen in Atem hält. Vor Ort 

von Wajda gedrehtes dokumentarisches Material und 

echte Personen spielen in den Film hinein, bis hin zu 

Lech Wałęsa als Trauzeuge der beiden. Das polnische 

Publikum strömt in die Kinos, und der Auslandsresonanz 

mit der Goldenen Palme in Cannes und einer 

Oscar-Nominierung können die Machthaber nur zähneknirschend 

zusehen. 

Montag, 17. April 2017, 19.00 Uhr 

Danton | Frankreich 1983 | R: Andrzej Wajda | B: 

Jean-Claude Carrière, Andrzej Wajda, Agnieszka Holland, 

Bolesław Michałek, Jacek Gąsiorowski | K: Igor 

Luther | M: Jean Prodromides | D: Gérard Depardieu, 

Wojciech Pszoniak, Patrice Chéreau, Angela Winkler, 

Bogusław Linda | 136 min | OmU | Wenige Tage vor 

Ausrufung des Kriegsrechts am 13. Dezember 1981 

Andrzej Wajda 

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Andrzej Wajda 

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führt Wajda den als Danton verpflichteten Darsteller 

Gérard Depardieu noch über die Leninwerft. Dann 

kommt die Filmproduktion in Polen zum Erliegen, so 

dass die Dreharbeiten komplett nach Paris verlegt 

werden. Zwei Schlüsselfiguren der Revolution werden 

gegenübergestellt: Depardieu als Danton, der den 

Blutrausch stoppen will, und Wojciech Pszoniak als Robespierre, 

Befürworter des anhaltenden Terrors durch 

die Guillotine. Unterschwellig steht Danton für Lech 

Wałęsa und Robespierre für General Jaruzelski. 

Samstag, 20. Mai 2017, 18.30 Uhr 

Eine Liebe in Deutschland | BRD 1983 | R: Andrzej 

Wajda | B: Andrzej Wajda, Agnieszka Holland, Boleslav 

Michalek, nach dem Roman von Rolf Hochhuth | K: Igor 

Luther | M: Michel Legrand | D: Hanna Schygulla, Marie-Christine 

Barrault, Armin Mueller-Stahl, Piotr Łysak, 

Daniel Olbrychski | 107 min | Ein Fremder kommt mit 

seinem Sohn in ein süddeutsches Dorf. Gegen den 

Widerstand der Dorfbewohner recherchiert er die verbotene 

Liebesgeschichte zwischen einer deutschen 

Gemüsehändlerin und einem polnischen Zwangsarbeiter, 

die denunziert werden. Wajdas Film wurde 

von der deutschen Kritik verrissen. »Ich war nicht in 

der Lage, das tatsächliche Leben während des Krieges 

in einer deutschen Kleinstadt zu rekonstruieren. Ich 

kannte die Wirklichkeit nicht, und musste auf Fiktionen 

zurückgreifen. Das deutsche Publikum fühlte diese fehlende 

Realität sofort, was ihm die Möglichkeit bot, die 

im Film angesprochenen Probleme erleichtert zurückweisen 

zu können.« (Wajda) 


Kronika wypadków miłosnych (Eine Chronik von 

Liebesunfällen) | Polen 1986 | R: Andrzej Wajda | B: 

Andrzej Wajda, Tadeusz Konwicki, nach dem Roman 

von Tadeusz Konwicki | K: Edward Kłosiński | M: Wojciech 

Kilar | D: Paulina Młynarska, Piotr Wawrzyńczak, 

Magdalena Wójcik, Dariusz Dobkowski, Bernadetta 

Machała-Krzemiński | 114 min | OmeU | Eine Geschichte 

aus dem Jahr 1939, als Litauens Hauptstadt 

Wilna noch zu Polen gehört. Witek lässt sich ziellos treiben, 

bis er sich Hals über Kopf in die schöne Alina aus 

besseren Kreisen verliebt. Er fällt zwar durchs Abitur, 

erlebt aber eine Liebesnacht in freier Natur mit ihr. Am 

nächsten Morgen kommen die ersten Nachrichten vom 

deutschen Einmarsch in Polen. Edward Kłosińskis Kamera 

zaubert betörend schöne Bilder, aber die Ahnung 

kommenden Unheils liegt wie ein Schatten über dem 

Geschehen des Films. 


Schuld und Sühne | BRD 1987 | R+B: Andrzej Wajda, 

nach dem Roman von Fëdor Dostoevskij | K: Kurt Oskar 

Herting, Martin Herden, Horst Thomas, Frank Tilk | M: 

Zygmunt Konieczny | D: Udo Samel, Jutta Lampe, Dirk 

Nawrocki, Stephan Bissmeier, Bernd Ludwig | 118 min 

| Dem leidenschaftlichen Theatermann Wajda, der in 

Warschau und Krakau die wichtigsten Theater-Klassiker 

auf die Bühne gebracht hat, ist das Kunststück gelungen, 

aus Dostoevskijs 800-Seiten-Wälzer »Schuld und Sühne« 

eine spielbare Bühnenfassung zu machen. Für Peter 

Stein hat er sie an der Berliner Schaubühne 1986 inszeniert 

und für das ZDF eine filmische Version hergestellt. 

In Wajdas Bühnenversion wird die Geschichte um den 

Doppelmörder Raskolnikov auch heute noch oft gespielt. 

Sonntag, 28. Mai 2017, 18.30 Uhr 

Les possédés (Die Dämonen) | Frankreich 1988 | R: 

Andrzej Wajda | B: Andrzej Wajda, Jean-Claude Carrière, 

nach dem Roman von Fëdor Dostoevskij | K: Witold 

Adamek | M: Zygmunt Konieczny | D: Isabelle Huppert, 

Jutta Lampe, Lambert Wilson, Jerzy Radziwiłowicz, 

Omar Sharif | 114 min | OmU | Noch einmal Dostoevskij. 

Es ist das letzte Mal, dass Wajda einen Film im Ausland 

drehen wird. DIE DÄMONEN ist eine rein französische 

Produktion. Als einziger Pole spielt Jerzy Radziwiłowicz, 

der Hauptdarsteller von DER MANN AUS MARMOR und 

DER MANN AUS EISEN, die Rolle des abtrünnigen Verschwörers 

Šatov, der einer abgefeimten Intrige seiner 

Mitverschwörer zum Opfer fällt. Sein Schicksal steht, 

anders als bei Dostoevskij, im Mittelpunkt: Wajda sieht 

ihn als Opfer totalitärer Denkstrukturen. 

Freitag, 2. Juni 2017, 18.30 Uhr 

Korczak | Polen 1990 | R: Andrzej Wajda | B: Agnieszka 

Holland | K: Robby Müller | M: Wojciech Kilar | D: 

Wojciech Pszoniak, Ewa Dałkowska, Teresa Budzisz- 

Krzyżanowska, Marzena Trybała, Piotr Kozłowski | 117 

min | OmU | Der angesehene Kinderarzt und Pädagoge 

Janusz Korczak, der 1942 das jüdische Kinderhaus im 

Warschauer Ghetto geleitet hatte, wurde 1942 zusammen 

mit 200 Kindern nach Treblinka deportiert und dort 

ermordet. Seine Person und auch seine Rolle im Ghetto 

waren von den kommunistischen Machthabern lange 

totgeschwiegen worden. Wajdas erste polnische Produktion 

nach der demokratischen Wende 1989, mit einem 

eindringlichen Wojciech Pszoniak in der Tite lrolle. 

Nach einer umjubelten Premiere in Cannes werfen 

allerdings große Teile der französischen Presse dem 

Film die Ausblendung des polnischen Antisemitismus 

vor. Wajda ist tief getroffen. 

Samstag, 3. Juni 2017, 18.30 Uhr

Wielki tydzień (Die Karwoche) | Polen 1995 | R+B: 

Andrzej Wajda | K: Wit Dąbal | D: Wojciech Malajkat, 

Magdalena Warzecha, Beata Fudalej, Cezary Pazura, 

Wojciech Pszoniak | 90 min | OmU | Fünf Jahre nach 

KORCZAK kommt Wajda wie schon in SAMSON noch 

einmal auf das Thema des polnischen Antisemitismus 

zurück. DIE KARWOCHE wirkt wie eine Antwort auf die 

erhobenen Vorwürfe gegen KORCZAK. Für Wajda ist 

der nicht zu leugnende Anti semitismus nur eine von 

mehreren Facetten im Verhalten der Polen gegenüber 

ihren jüdischen Mitbürgern gewesen. Deren sehr unterschiedliche 

Verhaltensweisen zeigt er am Beispiel einer 

polnischen Jüdin, die in der Karwoche 1943 während 

des jüdischen Aufstands im Ghetto von dort fliehen und 

sich in einem Warschauer Mietshaus bei Bekannten 

verstecken kann. 

Sonntag, 4. Juni 2017, 18.30 Uhr 

Panna Nikt (Fräulein Niemand) | Polen 1996 | R: 

Andrzej Wajda | B: Radosław Piwowarski, nach dem Roman 

von Tomasz Tryzna | K: Krzysztof Ptak | M: Andrzej 

Korzyński | D: Anna Wielgucka, Anna Mucha, Anna Powierza, 

Stanisława Celińska, Jan Janga-Tomaszewski 

| 98 min | OmU | Verfilmung eines Schlüsselromans 

über den Werteverlust der polnischen Gesellschaft im 

Konsumrausch. Im Mittelpunkt steht die 15-jährige 

Marysia, die beim Umzug in die Stadt nur ein wenig 

beachtetes »Fräulein Niemand« ist und durch vermeintliche 

Freundinnen die materiellen und physischen Freuden 

entdeckt. »Den Kindern von DIE UNSCHULDIGEN 

ZAUBERER scheint die verspielte intellektuelle Ironie 

der jungen Generation aus den 1960er Jahren im 

hektischen Lebensrhythmus der Gegenwart abhanden 

gekommen zu sein.« (Helmut Pflügl) 

Montag, 5. Juni 2017, 18.30 Uhr 

Pan Tadeusz | Polen 1999 | R: Andrzej Wajda | B: 

Andrzej Wajda, Jan Nowina Zarzycki, Piotr Wereśniak, 

nach dem Versepos von Adam Mickiewicz | K: Paweł 

Edelman | M: Wojciech Kilar, Grzegorz Turnau | D: 

Michał Żebrowski, Bogusław Linda, Daniel Olbrychski, 

Alicja Bachleda-Curuś, Grażyna Szapołowska | 125 

min | OmU | Das 1834 erschienene romantische Versepos 

von Adam Mickiewicz, das vor dem Hintergrund 

von Napoleons Russlandfeldzug von der Hoffnung auf 

die nationale Wiedergeburt Polens beseelt ist, gilt als 

polnisches Nationalheiligtum und zählt zur schulischen 

Pflichtlektüre. Zwei verfeindete Familien des 

polnisch-litauischen Landadels versöhnen sich bei der 

Hochzeit ihrer Kinder, die in einer glanzvollen Polonaise 

gipfelt, während polnische Truppen sich Napoleons 

Armee anschließen. Ein opulentes, farbenprächtiges 

Spektakel mit einer illustren Besetzung. Es läuft die 

Schnittfassung für den internationalen Markt, die Wajda 

im Jahr 2000 auf der Berlinale vorstellte. 


Zemsta (Die Rache) | Polen 2002 | R: Andrzej Wajda | 

B: Andrzej Wajda, Maciej Karpiński, Jan Prochyra, nach 

dem Stück von Aleksander Fredro | K: Paweł Edelman 

| M: Wojciech Kilar | D: Janusz Gajos, Andrzej Seweryn, 

Roman Polański, Agata Buzek, Cezary Żak, Daniel Olbrychski 

| 100 min | OmeU | Die Typen- und Charakterkomödie 

»Die Rache« von Alexander Fredro ist seit 

mehr als 170 Jahren ein Dauerbrenner auf polnischen 

Bühnen. Wie in »Pan Tadeusz« geht es um Stärken 

und Schwächen des polnischen Nationalcharakters, 

auch hier streiten sich zwei Adelsfamilien, gibt es eine 

Romeo-und-Julia-Geschichte. Die Attraktion von DIE 

RACHE ist sicherlich Roman Polański als alternder Höfling, 

der die Rolle eines Hofnarren kultiviert. Es ist seit 

Andrzej Wajda 

17 

ZEMSTA – DIE RACHE

Andrzej Wajda 

18 

EINE GENERATION von 1955 das fünfte Mal, dass der 

Weggefährte aus der Filmhochschule in Łódź eine Rolle 

bei Wajda übernommen hat. 

Samstag, 10. Juni 2017, 18.30 Uhr 

Katyń (Das Massaker von Katyn) | Polen 2007 | R: 

Andrzej Wajda | B: Andrzej Wajda, Przemysław Nowakowski, 

Władysław Pasikowski | K: Paweł Edelman | 

D: Andrzej Chyra, Artur Żmijewski, Maja Ostaszewska, 

Władysław Kowalski, Maja Komorowska | 122 min | 

OmU | Es hat eine zwingende Logik, dass Wajda, der 

filmische Chronist polnischer Geschichte, in hohem 

Alter eine noch offene Wunde zum Thema macht: das 

Massaker von Katyn, bei dem im Frühjahr 1940 mehr 

als 20.000 Angehörige der polnischen Intelligenz, 

darunter viele Offiziere, auf Stalins Befehl vom sowjetischen 

Geheimdienst liquidiert wurden. Darunter 

war auch Wajdas Vater. Mit großem Aufwand produziert, 

ist DAS MASSAKER VON KATYN wie ASCHE UND 

DIAMANT ein symbolisch hochgradig aufgeladener 

Film, ein filmisches Requiem: Das letzte Bild zeigt eine 

Hand mit Rosenkranz, die aus dem Massengrab ragt. 


Tatarak (Der Kalmus) | Polen 2009 | R+B: Andrzej 

Wajda, nach einer Erzählung von Jarosław Iwaszkiewicz 

| K: Paweł Edelman | M: Paweł Mykietyn | D: Krystyna 

Janda, Paweł Szajda, Jakub Mazurek, Jan Englert, 

Jadwiga Jankowska-Cieślak | 85 min | OmeU | DER 

KALMUS beginnt mit einem autobiografischen Mono log 

der Hauptdarstellerin Krystyna Janda, die das Sterben 

ihres Mannes, des Kameramanns Edward Kłosiński, 

betrauert. Dann springt der Film um in die fiktive Geschichte 

einer Frau, die sich leidenschaftlich in einen 

wesentlich jüngeren Mann verliebt. Als es zu einem Unglück 

kommt, kippt die Perspektive abermals. »Wenn 

schließlich die gespielte Erschütterung der Frauenfigur 

nahtlos zurückführt zu Jandas Trauer in der Realität, 

sind Leben und Kunst schlichtweg ein und dasselbe 

geworden.« (Daniel Kothenschulte) 


Wałęsa – Człowiek z nadziei (Wałęsa – Mann aus 

Hoffnung) | Polen 2013 | R: Andrzej Wajda | B: Janusz 

Głowacki | K: Paweł Edelman | D: Robert Więckiewicz, 

Agnieszka Grochowska, Iwona Bielska, Zbigniew Zamachowski, 

Mirosław Baka | 127 min | OmeU | Wajda hat 

aus seiner Bewunderung für Lech Wałęsa und die Solidarność 

nie einen Hehl gemacht. Dennoch ist sein Film 

keine Hagiografie geworden, sondern ein lebendiges 

Porträt, nicht zuletzt auch durch die brillante Verkörperung 

Wałęsas durch Robert Więckiewicz. Der Film endet 

1989 mit Wałęsas berühmter Rede vor dem amerikanischen 

Kongress. Seine bis heute umstrittene Zeit als 

polnischer Staatspräsident klammert Wajda aus. Ihm 

geht es um nationale Anerkennung: »Polen braucht diesen 

Film. Das Land ist so zerstritten. Dabei gibt es eine 

Geschichte, auf die alle Polen stolz sein können.« 

Samstag, 17. Juni 2017, 18.30 Uhr 

Powidoki (Nachbilder) | Polen 2016 | R: Andrzej 

Wajda | B: Andrzej Mularczyk | K: Paweł Edelman | M: 

Andrzej Panufnik | D: Bogusław Linda, Zofia Wichłacz, 

Bronisława Zamachowska, Andrzej Konopka, Krzysztof 

Pieczyński | 98 min | OmU | »In seinem letzten Film 

NACHBILDER erzählt Wajda von dem Maler und Kunsttheoretiker 

Władysław Strzemiński, der eine Theorie 

des Sehens schrieb, und den er in dem Moment zeigt, 

in dem eine riesige rote Stalin-Fahne sein Atelier verfinstert. 

Ein Mann, der in der Stunde der härtesten Vereinnahmung 

der Kunst durch eine totalitäre Ideologie 

mutig sein Wort erhebt, das ist nun das Vermächtnis 

von Andrzej Wajda. Unter den jungen Leuten, die in 

NACHBILDER an den Lippen von Strzemiński hängen 

und die dessen Vorlesungen mit der Schreibmaschine 

abtippen, um sie zu bewahren, kann man sich gut den 

angehenden Filmemacher Andrzej Wajda vorstellen.« 


Im Programm des Münchner Filmfests, 23. Juni bis 

1. Juli 2017



19 

THE BRIDE OF FRANKENSTEIN 

1931 brachten die Universal Studios mit DRACULA und 

FRANKENSTEIN zwei Filme heraus, die in einen zentralen 

Zyklus von Horrorfilmen mündeten und prägend für 

das amerikanische Horrorkino wurden. Ihre Monstergeschichten 

schockierten die Hüter der öffentlichen 

Moral und ergötzten das blutrünstige Publikum. 

Für den Kontext ist es wichtig sich zu vergegenwärtigen, 

inwiefern das ursprüngliche Kinopublikum die 

klassischen Monsterfilme der Universal Studios anders 

erlebte als das heutige. An erster Stelle steht hier die 

Vertrautheit. Wenige Filme sind in der Kultur so allgemein 

präsent wie diese. Nach 80 Jahren Hommagen 

und Parodien ist der Vampir im Abendanzug ein fast 

allgegenwärtiger Archetyp geworden, der uns von Kinofilmen 

über Fernsehwerbung bis in die Sesamstraße 

begegnet – doch stets aus demselben Ursprung: Bela 

Lugosi in Universals DRACULA. Ebenso die Silhouette 

mit dem flachen Schädeldach, die ganz selbstverständlich 

Frankensteins Monster kennzeichnet: Auch die 

wurde bei der Universal erdacht. Rasende Dörfler mit 

Fackeln und Heugabeln vor einer Spinnweben-verhangenen 

Burg: Die Ikonographie des Horrors kommt aus 

Universal City. Diese Vertrautheit hat freilich ihren Preis. 

Während zeitgenössische Zuschauer zu zitternden 

Nervenbündeln wurden, hat sich der Schockwert über 

die Jahre vermindert und die Filme wirken heutzutage 

ausgesprochen zahm. Im Kontext des Jahres 1931 dagegen 

boten sie nie Gesehenes – eine Kreatur, die der 

Todesruhe entrann, indem sie sich parasitisch vom Blut 

der Lebenden ernährte; ein Etwas, künstlich zum Leben 

erweckt, gefertigt aus Kadavern vom Friedhof und vom 

Galgen … Kein Wunder, dass das Publikum dafür neue 

Begriffe brauchte: Erst der doppelte Erfolg von DRACU- 

LA und FRANKENSTEIN brachte den Terminus »Horror« 

in den allgemeinen Sprachgebrauch. 

Um den Kontext zu begreifen, müssen wir weiter zurückgehen, 

noch vor die Entstehung dieser Filme. Die 

Universal Studios wurden 1912 gegründet. Bis Ende 

der 1920er Jahre standen sie unter der Leitung ihres 

Gründers, des vormaligen Kinobetreibers und Filmverleihers 

Carl Laemmle, der seit 1909 auch Filme 

produzierte. Er wurde allerseits »Uncle Carl« genannt, 

was nicht nur der liebenswürdigen Persönlichkeit des 

gebürtigen Schwaben Rechnung trug, sondern auch


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seinem Hang zum Nepotismus: Sein Unternehmen beschäftigte 

zahllose Verwandte. 

Der ganz überwiegende Teil der Produktion der Universal 

war standardisierte Kinoware – Western, Serials, 

Komödien. Gelegentlich brachte man Eigenwilligeres 

heraus. Bei der Universal wurde Lon Chaney ein Star 

dank masochistisch-grotesker Rollen in THE HUNCH- 

BACK OF NOTRE DAME (1923) und besonders THE 

PHANTOM OF THE OPERA (1925). Unter allen Studios 

bewies die Universal die größte Bereitschaft zu solchen 

Melodramen in der Tradition des Grand Guignol: Hier 

drehte der Regisseur Paul Leni beispielsweise die Gruselkomödie 

THE CAT AND THE CANARY (1927). Dass 

das Studio mit dem stärksten Hang zu grotesken und 

makaberen Schauergeschichten (wie THE MAN WHO 

LAUGHS, ein weiterer Paul-Leni-Film von 1928 mit 

Conrad Veidt als ein entstellter Held) letztlich das amerikanische 

Horrorkino entwickeln sollte, war dennoch 

alles andere als unausweichlich. 

1928, in der Zeit der Umwälzung der gesamten Filmindustrie 

durch den Tonfilm, übergab Uncle Carl die Leitung 

an seinen Sohn Julius, der sich »Carl Laemmle Jr.« 

nannte und in Hollywood kurz »Junior« hieß. Der Name 

Universal stand bis dahin nie für Glamour oder Prestige, 

nicht einmal für besondere Kassenerfolge. Junior wollte 

größere Filme drehen, er produzierte ALL QUIET ON 

THE WESTERN FRONT (1930) und verdiente sich damit 

einen der ersten Oscars. Er brachte auch DRACULA zur 

Universal, gegen den Widerstand seines Vaters: Uncle 

Carl fand den Stoff entsetzlich und ließ sich nur durch 

Juniors Begeisterung umstimmen. 

Zu den größten Stärken dieser Verfilmung zählt die 

gänzlich un-ironische Verbindung von Pracht und 

Verfall – das grandiose Production Design (welches 

düstere Gemäuer war je so spektakulär wie Draculas 

Schloss?) harmoniert wie von selbst mit den zahlreichen 

schaurigen Elementen. Besonders die erste Hälfte 

beschwört eine Atmosphäre, die so dicht ist wie im 

deutschen Kino der 1920er Jahre. Wohl kein Zufall, da 

der Kameramann Karl Freund war, der in Deutschland 

unter anderem DER GOLEM, WIE ER IN DIE WELT KAM 

(1920) und DER LETZTE MANN (1924) fotografiert hatte. 

Auch die trägere zweite Hälfte entwickelt Momente 

albtraumhafter Kraft, wenn um Minas Seele gerungen 

wird. 

Wie von Junior prophezeit, wurde der Film ein Hit. Dass 

das Publikum in der Weltwirtschaftskrise auf Horror nur 

gewartet hatte, bewies der noch größere Erfolg von 

James Whale und Ernest Thesiger

FRANKENSTEIN, den das Studio unverzüglich in Angriff 

nahm, als sich abzeichnete, dass man mit DRACULA 

einen Nerv getroffen hatte. Der Franzose Robert Florey, 

der das Filmprojekt entwickelte und ursprünglich inszenieren 

sollte, wurde durch den Briten James Whale 

abgelöst. Die unverwechselbare Gestaltung der Kreatur 

reklamierte der Make-up-Künstler Jack Pierce später 

ganz für sich, doch in Wahrheit war das Design in enger 

Zusammenarbeit mit James Whale entstanden und 

basierte auf Whales Skizzen von Boris Karloffs Physiognomie. 

James Whale hielt sich bei FRANKENSTEIN ein wenig 

zurück; seine Filme sind sonst zumeist deutlich subversiver. 

Doch sein charakteristischer visueller Einfallsreichtum 

ist ungebremst, angereichert mit pointierten 

kunsthistorischen Bezügen (so zu Johann Heinrich 

Füsslis Gemälde »Nachtmahr«) und direkten Verweisen 

auf deutsche Stummfilme. »Deutsch« waren auch die 

Sets des Dorfes, die aus ALL QUIET ON THE WESTERN 

FRONT stammten. 

Obwohl das Geschöpf am Ende des Filmes augenscheinlich 

umkam, dachte man angesichts des phänomenalen 

Einspiels von FRANKENSTEIN umgehend 

an eine Fortsetzung. Whale war aber nicht interessiert 

und verfolgte andere Projekte, darunter THE INVISIBLE 

MAN (1933), eine meisterliche, hellsichtige Studie in 

Terrorismus und Massenparanoia, an deren hintergründigem 

Humor ein ungenannter Autor Anteil hatte: Preston 

Sturges. Whale gab seinen Widerstand gegen THE 

BRIDE OF FRANKENSTEIN (1935) erst auf, als ihm das 

Studio außergewöhnliche Gestaltungsbefugnisse zugestand. 

Anstatt des vom Studio erhofften Schockers, der 

das Blut gefrieren ließ, lieferte Whale ›a hoot‹ (einen 

Heidenspaß), er konterkarierte die schaurigen Elemente 

mit schwarzem Humor. 

Das Monster ist die sympathischste Figur, es wird gehetzt 

und verfolgt, dabei sucht es nur Freundschaft. 

Das äußerlich Fremde, »Missgestaltete«, verweist auf 

ein bedeutendes Element im historischen Kontext: 

die entstellten Kriegsveteranen. In seinem Buch »The 

Monster Show« führt David J. Skal den Horrorfilm-Boom 

der 1930er Jahre darauf zurück, dass die physischen 

Verletzungen des Ersten Weltkriegs unleugbar im Alltag 

präsent waren. Auf der metaphorischen Ebene erkennt 

man darin einen entscheidenden Faktor für den anhaltenden 

Erfolg und die bleibende Relevanz der Monsterfilme 

der Universal: Die Monster sind Figuren am Rande 

der Gesellschaft, körperlich-seelisch Versehrte, Unvollkommene 

und Unfertige, ganz anders als die Sieger, die 

das US-Kino sonst gerne bevorzugt. Auch wenn sie am 

Ende sterben, sind die Monster wesentlich anziehender 

als die betont farblosen Helden, und sicher einprägsamer. 

Das Horrorgenre wurde so zum Zuhause für alle, 

die sich als Außenseiter empfinden. 

Oft kann man die Ausgrenzung spezifischer deuten, 

wenn die Filme schwule Subtexte anbieten. Whale 

selbst lebte offen schwul, besonders THE BRIDE OF 

FRANKENSTEIN wird gerne in diesem Licht betrachtet, 

mit dem einsamen, gejagten, ungeliebten Monster und 

Ernest Thesigers beispiellos aufgedreht-exaltiertem 

Spiel als Professor Praetorius, einem unerreichbaren 

Gipfel des camp. Auch in DRACULA’S DAUGHTER 

(1936) sind gleichgeschlechtliche Sehnsüchte ganz 

unverstellt und direkt präsent. Interessant ist, dass diese 

vermeintlichen Tabubrüche ausgerechnet unter der 

1934 verschärften Zensur geschahen, die die Anständigen 

vor der Verderbtheit Hollywoods schützen sollte. 

Auch wenn es manchen Filmemachern wie Whale gelang, 

die Sittenwächter auszumanövrieren, hatte der 

oberste Zensor Joseph Breen ein besonders scharfes 

Augenmerk auf Horrorfilme. Universal hatte darunter 

stark zu leiden, und als 1936 die Falschmeldung kursierte, 

Großbritannien habe Horrorfilme rundweg verboten, 

beschloss das Studio, dieses Genre fallenzulassen. 

Aber dann kamen DRACULA und FRANKENSTEIN 

1938 als Doppelprogramm zur Wiederaufführung in 

die Kinos – frisch gekürzt und nach aktuellen Vorgaben 

zensiert. Der Erfolg war sensationell und ein neues 

Anschlussprojekt wurde prompt in Angriff genommen: 

SON OF FRANKENSTEIN (1939) wurde der längste (99 

Minuten) und am großzügigsten ausgestattete Horrorfilm 

der Universal. Es war kein Laemmle mehr beteiligt 

(die Familie hatte das Studio 1936 verloren), ebensowenig 

James Whale (Rowland V. Lee inszenierte mit Stil 

und Biss), doch Karloff war ein letztes Mal in der Rolle 

des Monsters dabei. 

Der erneute Kassenerfolg löste eine zweite Horrorfilmwelle 

aus, die sich insofern deutlich von der ersten 

absetzte, als sie keine Prestigeproduktionen mehr 

umfasste, sondern B-Filme für Doppelprogramme 

– Qualität, aber günstig, und immer ein besonderes 

Vergnügen. Bevorzugte Hauptfigur der Filme der 

zweiten Welle war der Wolfsmensch Larry Talbot (Lon 

Chaney Jr.). Dieser tragische Held wurde in THE WOLF 

MAN (1941) eingeführt, an dessen Ende er starb, was 

aber kein Problem war: Durch Grabräuber versehentlich 

wiederbelebt, konnte er in weiteren Filmen seine 

Suche nach einem friedlichen Tod fortsetzen, wobei er 

einmal sogar auf Heilung hoffen durfte und unterwegs 

des öfteren auf andere Universal-Monster traf: Bei der 

Universal gab es ein shared universe Jahrzehnte vor 

Marvels Superheldenfilmen. 


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22 

Dieser zweite Boom hielt während des Zweiten Weltkrieges 

an und endete 1945 mit HOUSE OF DRACULA, 

ein zeitliches Zusammentreffen, das einen Zusammenhang 

zwischen filmischen Trends und Weltereignissen 

nahelegt. Das wäre zumindest eine mögliche Erklärung 

für die nächste Monsterfilmwelle unter den atomaren 

Bedrohungen der 1950er Jahre. Ein Beitrag der Universal 

war Jack Arnolds poetischer Schocker CREATURE 

FROM THE BLACK LAGOON (1954), dessen Kiemenmensch 

mittlerweile zum klassischen Monsterpersonal 

zählt. Er bildet auch das Bindeglied zu einer späteren 

Universal-Kreatur: Steven Spielberg klaute etliche Einstellungen 

von CREATURE FROM THE BLACK LAGOON, 

als er JAWS (DER WEISSE HAI, 1975) für die Universal 

drehte. 

Bei Universal weiß man, was man an seinen Monstern 

hat: Elf Filme dieser Reihe wurden mit großem Aufwand 

digital restauriert und liegen nun in brillanter Bild- und 

Tonqualität wieder komplett unzensiert vor. Das Studio 

bleibt weiter im Monstergeschäft, derzeit entsteht ein 

neuer Zyklus zusammenhängender Filme rund um 

die alten Monster. Alles im neuen Kontext, aktualisierte 

Blockbuster mit Lizenzgeschäft, die nicht allzu viel 

mit den Filmen von Junior & Co. gemein haben sollen. 

Immerhin belegt diese Wiederbelebung die anhaltende 

Beliebtheit dieser Figuren – sie weigern sich wieder 

mal, tot zu bleiben. 

James Oliver / Christoph Michel 

Universal Horror (Horror ohne Ende) | R: Kevin 

Brownlow | B: Patrick Stanbury | K: Gerald Saldo, John 

Ames | M: James Bernard | Mit Ray Bradbury, Carla 

Laemmle, Gloria Stuart, Fay Wray, David J. Skal | 95 

min | OmU | Wie entstand der Horror-Boom und was 

wurde daraus? Kevin Brownlows facettenreicher Überblick 

über das »Goldene Zeitalter« der Universal-Horrorfilme 

beginnt in der Stummfilmzeit und legt dar, wie 

die Gruselfilme das Studio über die Weltwirtschaftskrise 

retteten. Ungewöhnlich ist dabei, dass er auch die 

Filme anderer Studios ausführlich behandelt, wie DR. 

JEKYLL AND MR. HYDE (1931), MYSTERY OF THE WAX 

MUSEUM (1932) oder KING KONG (1933), und dass 

auch die Wechselwirkungen mit Filmen jenseits der 

Genregrenzen wie BEN-HUR (1925) beleuchtet werden. 

Einflüsse der bildenden Kunst erhalten ebenso Raum 

wie der Kult um die Universal-Klassiker. 

Dienstag, 7. März 2017, 21.00 Uhr 

Dracula | USA 1931 | R: Tod Browning | B: Garret Fort, 

Dudley Murphy, nach dem Roman von Bram Stoker und 

den Bühnenbearbeitungen von Hamilton Deane und 

John L. Balderston | K: Karl Freund | D: Bela Lugosi, 

Helen Chandler, David Manners, Dwight Frye, Edward 

Van Sloan | 75 min | OmU | Lon Chaney, ursprünglich 

für die Titelrolle vorgesehen, starb, und der Bühnenschauspieler 

Bela Lugosi stürzte sich mit einem Eifer 

in die Rolle, die an späteres method acting denken 

lässt. DRACULA war ein überwältigender Kassenerfolg 

und übt bis heute immensen Einfluss aus, nicht nur als 

Ideenlieferant zahlloser späterer Filme, sondern auch 

im vermeintlichen »Volksglauben« in Sachen Vampirismus. 

DRACULA verwendet Musik noch ausschließlich 

über den Anfangs- und Schlusstiteln. Da wir heute 

gruselige Szenen und gruselige Musik zwingend miteinander 

verbinden, wirkt dieser Verzicht auf Filmmusik 

sogar besonders unheimlich. 


Drácula | USA 1931 | R: George Melford, Enrique 

Tovar Ávalos | B: Baltasar Fernández Cué, nach dem 

Drehbuch der englischen Version von Garrett Fort und 

Dudley Murphy | K: George Robinson | D: Carlos Villarías, 

Lupita Tovar, Barry Norton, Pablo Álvarez Rubio, 

Eduardo Arozamena | 104 min | span. OmU | Ehe sich 

Nachvertonung und Untertitelung durchsetzten, drehten 

die Studios wichtige Filme in mehreren Sprachversionen 

mit unterschiedlicher Besetzung. Der spanischsprachige 

DRÁCULA wurde jeweils nachts in denselben 

Dekors gedreht. Da der Regisseur George Melford kein 

Wort Spanisch sprach, kam dem damals ungenannten 

Dialogregisseur Ávalos besondere Bedeutung zu. Der 

Vergleich zwischen den beiden sehr unterschiedlichen 

Filmen ist faszinierend, viele Filmhistoriker geben der 

spanischen Version in Rhythmus und Atmosphäre den 

Vorzug. Auch das erotische Element ist in der spanischen 

Version wesentlich expliziter. 


Frankenstein | USA 1931 | R: James Whale | B: Garrett 

Fort, Francis Edwards Faragoh, nach dem Bühnenstück 

von Peggy Webling auf der Grundlage von Mary Shelleys 

Roman | K: Arthur Edeson, Paul Ivano | M: Bernhard 

Kaun | D: Colin Clive, Mae Clarke, Boris Karloff, Edward 

Van Sloan, Dwight Frye | 71 min | OmU | Universals 

zweiter großer Monster-Hit des Jahres 1931 übergeht 

die metaphysischen Exkurse von Mary Shelleys Roman 

und verspricht zunächst Sensationalismus, steht aber 

letztlich ganz auf der Seite des Monsters. Ursprünglich 

sollte Bela Lugosi das Monster spielen, doch er lehnte 

die dialoglose Rolle unter schwerem Make-up ab. 

Carl Laemmle Junior erklärte, weshalb die Wahl auf 

Boris Karloff fiel: »His eyes mirrored the suffering we

need ed«. Karloff fand es nicht schlimm, für alle Zeit mit 

dem Monster identifiziert zu werden: »The monster was 

the best friend I ever had.« 


The Mummy (Die Mumie) | USA 1932 | R: Karl Freund 

| B: John L. Balderston | K: Charles Stumar | M: James 

Dietrich | D: Boris Karloff, Zita Johann, David Manners, 

Arthur Byron, Edward Van Sloan, Bramwell Fletcher | 

74 min | OmU | Universals Beitrag zur damaligen Faszination 

durch das alte Ägypten hatte einen ganz konkreten, 

handfesten Hintergrund: Der Drehbuchautor, 

einmal mehr John L. Balderston, war 1923 als Journalist 

bei der Öffnung des Grabs von Tutanchamun dabei 

ge wesen. Karl Freund inszeniert mit Stil und Virtuosität 

eine Geschichte vom Verlangen, das die Jahrtausende 

überdauert hat. Die Mumie selber ist kaum zu sehen, 

doch die Szene der »Auferstehung« jagt einem noch 

heute Schauer über den Rücken, obwohl sie ganz 

ohne schockierende Bilder auskommt. Dem Forscher, 

der eine Inschrift murmelte und dadurch die Mumie 

weckte, bleibt nur noch hysterisches Gelächter: »He … 

he went for a little walk!« 

Dienstag, 4. April 2017, 21.00 Uhr 

The Invisible Man (Der Unsichtbare) | USA 1933 | 

R: James Whale | B: R.C. Sheriff | K: Arthur Edeson | 

M: Heinz Roemheld | D: Claude Rains, Gloria Stuart, 

William Harrigan, Una O‘Connor, Henry Travers | 71 

min | OmU | John Fultons Effekteteam entwickelte ein 

ganzes Bündel unterschiedlicher optischer und realer 

Tricks mit Drähten, Orthesen, Wandermasken, schwarzem 

Samt und Animationselementen, um Claude Rains 

verschwinden zu lassen. Die technische Virtuosität tritt 

bald in den Hintergrund, und das Thema der Massenhysterie 

angesichts einer unsichtbaren Bedrohung 

aus der Mitte der Gesellschaft ist heute aktueller denn 

je. James Whales Inszenierung macht den zerrissenen 

Menschen im größenwahnsinnigen Wissenschaftler 

spürbar. Der britische Bühnenschauspieler Claude 

Rains ist in seiner ersten richtigen Filmrolle im Grunde 

in nur einer Szene wirklich zu sehen und verleiht seiner 

Figur nur mit seiner Stimme eine ungewöhnliche 

Präsenz. 


The Bride of Frankenstein (Frankensteins Braut) 

| USA 1935 | R: James Whale | B: William Hurlbut | 

K: John Mescall | M: Franz Waxman | D: Boris Karloff, 


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THE BRIDE OF FRANKENSTEIN


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Colin Clive, Valerie Hobson, Ernest Thesiger, Elsa 

Lanchester, O.P. Heggie | 75 min | OmU | Nach den 

Schocks im ersten FRANKENSTEIN trotzte James Whale 

dem Studio weitreichende Freiheiten ab, um eine Geschichte 

mit Augenzwinkern, sarkastischem Witz und 

etwas genüsslichem Grusel zu erzählen. Sie beginnt 

mit Mary Shelley, die von Lord Byron im literarischen 

Wettstreit zur Fortsetzung ihres ursprünglichen Plots 

herausgefordert wird, und geht flugs in einen doppelten 

Erzählstrang über, der einerseits die fortgesetzte Anstrengung 

Frankensteins schildert, Leben zu schaffen 

(Fortpflanzung ohne Frauen), andererseits die Sehnsucht 

des Monsters, das nun sprechen kann, nach Zuneigung 

und Liebe, dem jedoch überall Vorurteile und 

Ablehnung entgegenschlagen. 


Dracula’s Daughter (Draculas Tochter) | USA 1936 | 

R: Lambert Hillyer | B: Garret Fort | K: George Robinson 

| M: Heinz Roemheld | D: Gloria Holden, Otto Kruger, 

Marguerite Churchill, Edward Van Sloan, Nan Grey, 

Irving Pichel | 71 min | OF | Als Vorlage für die Fortsetzung 

des ersten voll entwickelten Horrorfilms der Universal, 

oder vielmehr als ferne Inspiration, diente »Dracula’s 

Guest«, ein aus Stokers Romanmanuskript gestrichenes 

Kapitel, das dessen Witwe separat als Kurzgeschichte 

veröffentlichte. Draculas Tochter nennt sich Gräfin 

Zaleska und kommt nach London, um das Treiben ihres 

Vaters nicht fortzusetzen, sondern dem Vampirismus 

ein Ende zu bereiten. Sie stiehlt Draculas Leichnam 

und verbrennt ihn, und sucht professionelle Hilfe. 

DRACULA’S DAUGHTER ist einer der ersten Hollywoodfilme, 

die die Psychoanalyse thematisieren: Gräfin 

Zaleska begibt sich in Behandlung, um ihre schwierige 

Vaterbeziehung aufzuarbeiten. 


Son of Frankenstein (Frankensteins Sohn) | USA 

1939 | R: Rowland V. Lee | B: Willis Cooper | K: George 

Robinson | M: Frank Skinner | D: Basil Rathbone, Josephine 

Hutchinson, Boris Karloff, Bela Lugosi, Lionel 

Atwill | 99 min | OF | Die nominelle Hauptrolle mag 

Basil Rathbone innehaben, spielt er doch den titelgebenden 

Sohn, der eigentliche Star ist jedoch Bela Lugosi 

als Diener Ygor, der schon einmal am Galgen hing, 

aber überlebte und seither einige Rechnungen mit den 

Würdenträgern des Ortes offen hat. Er will den heimgekehrten 

Sohn dazu bewegen, die Arbeit des Vaters 

fortzusetzen. Unter allen Horrorfilmen der Universal hat 

SON OF FRANKENSTEIN eine Besetzungsliste, die fast 

nur aus Stars besteht und die extravagantesten Bauten 

mit beinahe abstrakt anmutenden Sets. Boris Karloff 

trägt ein letztes Mal das Monster-Make-up, nach ihm 

übernahmen wechselnde Darsteller die Figur. 

Dienstag, 2. Mai 2017, 21.00 Uhr 

The Invisible Man Returns (Der Unsichtbare kehrt 

zurück) | USA 1940 | R: Joe May | B: Lester Cole, 

Curt Siodmak | K: Milton Krasner | M: Hans J. Salter, 

Frank Skinner | D: Vincent Price, Sir Cedric Hardwicke, 

Nan Grey, John Sutton, Cecil Kellaway | 81 min | 

OmU | Die Filme um den Unsichtbaren motivierten ihre 

Filmemacher stets zu außerordentlichen Arbeiten. THE 

INVISIBLE MAN RETURNS ist ein Musterbeispiel für 

eine gelungene Fortsetzung, da er die Prämisse des 

ursprünglichen Films erweitert, anstatt sie nur wiederzukäuen. 

Ein zu Unrecht wegen Mordes Verurteilter 

flieht mithilfe des Unsichtbarkeitsserums; er weiß, dass 

die Droge wahnsinnig macht, aber er will den wahren 

Täter um jeden Preis entlarven. An der zweiten Horrorfilmwelle 

während des Zweiten Weltkrieges waren 

zahlreiche Emigranten beteiligt, die am eigenen Leibe 

Ausgrenzung und Verfolgung erlebt hatten. 


The Wolf Man (Der Wolfsmensch) | USA 1941 | R: 

George Waggner | B: Curt Siodmak | K: Joseph Valentine 

| M: Charles Previn, Hans J. Salter, Frank Skinner 

| D: Claude Rains, Lon Chaney Jr., Evelyn Ankers, 

Warren William, Bela Lugosi, Maria Ouspenskaya | 71

min | OmU | Larry Talbot (Lon Chaney Jr.) kehrt aus 

den USA heim nach England auf den Landsitz seiner 

Familie, wird von einem Werwolf gebissen und selber 

zum Werwolf, gegen seinen Willen und bei jedem Vollmond; 

einzig eine Silberkugel kann ihn töten. All diese 

angeblich uralte Folklore stammt weder aus europäischen 

Werwolfmythen, noch aus den totemistischen 

Legenden Nordamerikas. Es handelt sich gänzlich um 

Erfindungen des Autors Curt Siodmak. Die Verwandlung 

führte der Make-up-Künstler Jack Pierce mit Hilfe von 

John Fultons Tricks durch. Bela Lugosi hat eine schöne 

Rolle als der Wolfsmensch, der Larry »ansteckt«. 


Frankenstein Meets the Wolf Man (Frankenstein 

trifft den Wolfsmenschen) | USA 1943 | R: Roy William 

Neill | B: Curt Siodmak | K: George Robinson | M: 

Hans J. Salter | D: Bela Lugosi, Lon Chaney Jr., Ilona 

Massey, Lionel Atwill, Maria Ouspenskaya | 74 min | 

OF | FRANKENSTEIN MEETS THE WOLF MAN ist eine 

doppelte Fortsetzung. Larry Talbot wird aus dem Grab 

geholt, in dem er nach THE WOLF MAN zur ewigen 

Ruhe gebettet war. Aber auch THE GHOST OF FRAN- 

KENSTEIN wird fortgeschrieben, an dessen Ende das 

Gehirn Ygors (Bela Lugosi) in den Körper von Frankensteins 

Monster transplantiert worden war. Somit ist es 

im Grunde nur logisch, dass nun endlich Lugosi das 

Monster spielt. FRANKENSTEIN MEETS THE WOLF MAN 

brachte Elemente ein, die dem Monsterkino zuvor fehlten: 

packende, präzise Action, mitreißendes Tempo und 

einen geradezu apokalyptischen Schluss. 


Son of Dracula (Draculas Sohn) | USA 1943 | R: Robert 

Siodmak | B: Eric Taylor, nach einer Story von Curt 

Siodmak | K: George Robinson | M: Hans J. Salter | D: 

Lon Chaney Jr., Louise Albritton, Robert Paige, Evelyn 

Ankers, J. Edward Bromberg | 81 min | OF | Ein geheimnisvoller 

Graf Alucard aus Budapest besucht ein altes 

Anwesen auf einer Plantage in den Sümpfen Louisianas 

– die Besitzerin lud ihn ein, sie hat ein morbides Faible 

fürs Okkulte. Die bodenständigen Südstaatler glauben 

nicht an solchen Unfug wie Vampirismus. Die separate 

Fortsetzung von DRACULA (ohne Bezug zu DRACULA’S 

DAUGHTER) erweist sich beim näheren Hinsehen als 

eine kühne Paraphrase des ursprünglichen Romans 

mit hoch interessanten Aktualisierungen. Die Brüder Siodmak 

gaben dem Blutsauger eine Ideologie von »Blut 

und Boden«, die Bildgestaltung überwindet den »Gothic 

Look« vorheriger Universal-Horrorfilme. 

Dienstag, 6. Juni 2017, 21.00 Uhr 

Creature from the Black Lagoon (Der Schrecken 

vom Amazonas) | USA 1954 | R: Jack Arnold, unter 

Wasser: James C. Havens | B: Harry Essex, Arthur Ross 

| K: William E. Snyder | M: Henry Mancini, Hans J. Salter, 

Herman Stein | D: Richard Carlson, Julia Adams, 

Richard Denning, Nestor Paiva, Antonio Moreno | 79 

min | OF | 3D | Aus der Legende um einen Fischmenschen 

in Lateinamerika, die dem Produzenten zu Ohren 

gekommen war, entstand einer der gelungensten, 

spannendsten und zugleich romantischsten Monsterfilme 

der 1950er Jahre. Eine amerikanische Expedition 

entdeckt in einem entlegenen Zufluss des Amazonas 

ein Wesen aus einer verblüffenden Seitenlinie der Evolution. 

Jack Arnold bringt 3D in einen neuen Kontext: 

Der oft beklemmenden und bedrohlichen Dschungelatmosphäre 

setzen die Unterwassersequenzen eine 

weitere, traumhafte Dimension entgegen. 


Young Frankenstein (Frankenstein Junior) | USA 

1974 | R: Mel Brooks | B: Mel Brooks, Gene Wilder | 

K: Gerald Hirschfeld | M: John Morris | D: Gene Wilder, 

Peter Boyle, Marty Feldman, Madeline Kahn, Cloris 

Leachman | 106 min | OmU | Der Neurologe Frederick 

Frankenstein versucht, die Last seines Familiennamens 

abzuschütteln, doch eine schicksalhafte Erbschaft führt 

ihn zurück in das Labor seines Großvaters. YOUNG 

FRANKENSTEIN ist von so tiefer Liebe und Bewunderung 

für die Universal-Horrorfilme durchdrungen, dass 

der Film wirkt, als entstammte er selber jener Hochphase, 

obwohl er gar nicht bei der Universal entstand. Gene 

Wilder und Mel Brooks haben den Geist dieser Werke 

so weit destilliert, dass es nicht einmal nötig ist, die 

einzelnen Filme zu kennen, um die Gags zu genießen 

(und YOUNG FRANKENSTEIN ist einer der lustigsten 

amerikanischen Filme der 1970er Jahre). 



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Film und Psychoanalyse – »Räume« 


GRAVITY 

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In einem Alltagsverständnis haben auch wir Menschen 

des 21. Jahrhunderts eine naive, »absolute« Raumauffassung, 

d.h. der Raum ist für uns nur eine unhinterfragte 

Randbedingung des Inhaltes, den er umfasst. 

Doch schon die philosophische Phänomenologie analysiert 

Formen des Erlebens von »Raum«. 

Was macht dieses Thema für eine Filmbetrachtung interessant? 

Was zunächst banal erscheint, dass sich im 

Film meist Personen durch Räume bewegen, sich darin 

treffen, Umgebungen unterschiedlich erleben und auf 

sie reagieren, erweist sich in den Filmen dieser Reihe 

als in besonderer Weise mit Bedeutung aufgeladen. 

Der vorgeführte Raum ist hier eine Bedingung für die 

Entwicklungen der Filmfiguren, Ausdruck einer psychischen 

Verfassung oder Metapher für einen Seelenzustand. 

Räume können z.B. Geborgenheit vermitteln, 

versprechen, repräsentieren – oder für Verlorenheit, 

Vergeblichkeit und Bedrängnis stehen. 

Die enge Verbindung, das Abbildungsverhältnis und 

die wechselseitige Beeinflussung zwischen Räumen 

der Außenwelt, wie sie der Film konstituiert, und den 

seelischen Innenräumen der Protagonisten wollen wir 

in dieser Reihe näher untersuchen. 

 

Corinna Wernz 

Gravity | USA 2013 | R: Alfonso Cuarón | B: Alfonso 

Cuarón, Jonás Cuarón | K: Emmanuel Lubezki | M: Steven 

Price | D: Sandra Bullock, George Clooney | 90 min 

| OF | 3D | Wegen der Zerstörung einer Satellitenstation 

durch Weltraumschrott gerät eine Wissenschaftlerin in 

eine ausweglos erscheinende »Schiffbruchsituation« im 

All. Tatkräftig wie auch psychologisch unterstützt vom 

einzigen überlebenden Astronauten muss sie in diesem 

kosmischen Kammerspiel traumatische Erlebnisse 

überwinden lernen, die sie auf der wie zum Greifen 

nahen, doch nun so gut wie unerreichbaren Erde hatte 

zurücklassen wollen. Die mehrfach Oscar-prämierte 

visuelle Choreografie vermittelt etwa mit Hilfe raffinierter 

Kamerarotationen in allen Achsen den krisenhaften 

Orientierungsverlust der Protagonistin und 

veranschaulicht auch auf verhältnismäßig realistische 

Weise physikalische Bewegungsgesetze, was so nur in 

der 3D-Projektion erfahrbar wird. Die Verbindung einer 

zum Schluss doch konventionellen Heldengeschichte 

mit einer ungewöhnlich sinnreichen und spektakulären 

Montage macht nachvollziehbar, wie hier ein 

Arthouse-Avantgardefilm zum Blockbuster werden 

konnte. 

Sonntag, 19. März 2017, 17.30 Uhr | Einführung: Salek 

Kutschinski, Mathias Lohmer, Corinna Wernz 

Birdman or The Unexpected Virtue of Ignorance 

(Birdman oder Die unverhoffte Macht der Ahnungslosigkeit) 

| USA 2014 | R: Alejandro González Iñárritu 

| B: Alejandro González Iñárritu, Nicolás Giacobone, 

Alexander Dilenaris, Armando Bó, nach einem Stück 

von Raymond Carver | K: Emmanuel Lubezki | M: Antonio 

Sánchez | D: Michael Keaton, Emma Stone, Kenny 

Chin, Jamahl Garrison-Lowe, Zach Galifianakis, Edward 

Norton | 119 min | OmU | Riggan Thomson, Darsteller 

der Fantasyfigur »Birdman«, will mit einer Broadway- 

Theater inszenierung endlich als ernsthafter Schauspieler 

wahrgenommen werden und raus aus den Fesseln 

des Starruhms. Wir Zuschauer sehen ihn aber – im 

Wortsinne – meistens drinnen, er hastet durch die 

Katakomben des Theaters, im übertragenen Sinn auch

durch das Labyrinth seines kaum mehr zu ordnenden 

beruflichen und privaten Lebens. Die Kamera folgt ihm 

auf Schritt und Tritt, Schnitte sind durch raffinierte 

Digitaltechnik nicht wahrnehmbar. Die klaustrophobische 

Bildwelt der Innenräume wird verstörend aufgelockert 

durch von Riggan halluzinierte, ausbruchsartige 

Schwebe- und Flugvisionen, also durch Fragmente 

seiner Birdman-Rollenidentität. Virtuos kommentiert 

Iñárritu auf bildlicher Ebene psychische Dilemmata 

von Begrenztheit und Entgrenzung. 

Sonntag, 30. April 2017, 17.30 Uhr | Einführung: Eva 

Friedrich, Matthias Baumgart 

Ultimo tango a Parigi (Der letzte Tango in Paris) | 

Italien 1973 | R: Bernardo Bertolucci | B: Bernardo Bertolucci, 

Franco Arcalli | K: Vittorio Storaro | M: Gato Barbieri 

| D: Maria Schneider, Marlon Brando, Jean-Pierre 

Léaud, Massimo Girotti, Marie-Hélène Breillat, Catherine 

Breillat | 129 min | engl. OmU | Im Post-1968er-Klima, 

die Revolution ist passé, stoßen die junge Jeanne und 

der verbittert und verzweifelt durch Paris streunende 

Amerikaner Paul aufeinander. Er ist 45, sie 20. Paul ist 

gerade Witwer geworden, weil seine Frau Rosa sich die 

Pulsadern aufgeschnitten hat, Jeanne heiratet in zwei 

Wochen den avantgardistischen Filmregisseur Tom. 

Ohne auch nur nach ihren Namen zu fragen, beginnen 

sie einen amour fou in der magischen Zwischenwelt 

einer leerstehenden Pariser Art-Deco-Wohnung. Die 

Sexualität ist grob, stark und mit einer verzweifelten 

Intensität, als ob es um Leben und Tod ginge. Die Bildsprache 

des Films inszeniert den geschlossenen Raum 

der Wohnung als Bacon-Gemälde im warmen orangen 

Halblicht, als regressiven Innenraum. Das Publikum 

wird verführt zur Teilhabe an einer Flucht in Anonymität, 

die sich zur reinen Liebe stilisiert und schließlich 

scheitert. 

Sonntag, 21. Mai 2017, 17.30 Uhr | Einführung: 

Andreas Hamburger, Vivian Pramataroff-Hamburger 

The Age of Innocence (Zeit der Unschuld) | USA 

1993 | R: Martin Scorsese | B: Jay Cocks, Martin Scorsese, 

nach dem Roman von Edith Wharton | K: Michael 

Ballhaus | M: Elmer Bernstein | D: Daniel Day-Lewis, 

Michelle Pfeiffer, Winona Ryder, Richard E. Grant, Geraldine 

Chaplin, Norman Lloyd | 138 min | OmU | New 

York in den 1870er Jahren. Der aufstrebende junge 

Anwalt Newland Archer hat alle Voraussetzungen, ein 

erfolgreiches Leben zu führen, scheitert aber an den 

Konventionen seiner unnachgiebig »kultivierten« gesellschaftlichen 

Klasse, deren Grausamkeit von Scorsese 

demaskiert wird. Die Melancholie einer großen ungelebten 

Liebe durchzieht den Film. Fast ausschließlich 

Innenräume, »ein semiotisches Gefängnis« (Georg 

Seeßlen) voller Pomp und Plüsch, in denen die Menschen 

wie eingemauert in das Dekor wirken, reflektieren 

die Vorgänge im Inneren der Protagonisten. »Mein 

grausamster Film«: Dieses Zitat von Scorsese macht 

klar, dass er keinen grundlegenden Unterschied sieht, 

welchen Zwängen das Individuum ausgeliefert ist, sei 

es nun in einer Mafiaorganisation oder in der besseren 

Gesellschaft, am wehrlosesten allerdings durch deren 

Verinnerlichung. 

Sonntag, 18. Juni 2017, 17.30 Uhr | Einführung: Katharina 

Leube-Sonnleitner, Irmgard Nagel 


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ULTIMO TANGO A PARIGI – DER LETZTE TANGO IN PARIS

No secrets! – Bilder der Überwachung 


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Die im Münchner Stadtmuseum und in der ERES-Stiftung 

ab dem 24. März 2017 stattfindende Ausstellung 

»No secrets! – Bilder der Überwachung« nimmt sich 

eines emotional und kontrovers diskutierten und unseren 

Alltag zunehmend prägenden Themas an. Seien 

es die unter dem Mantra der »Sicherheit« Daten generierenden 

Geheimdienste, die KI-Algorithmen neuer 

»Big-Data«-Technologien oder die simple Datennutzung 

in unserem virtuellen Alltag – die Grenzenlosigkeit 

der Möglichkeiten scheint wie die Datenströme selbst 

kaum mehr fassbar. Gleichzeitig wird jedoch auch die 

zunehmende Grenzenlosigkeit möglichen Missbrauchs 

durch Überwachung immer deutlicher. Fokussiert die 

Ausstellung diese Problematik über zeitgenössische 

Arbeiten aus den Bereichen Fotografie, Video, Malerei, 

Plakat und Installation, bietet das Filmmuseum 

über eine die Ausstellung begleitende Filmreihe eine 

zusätzliche Option an, sich diesem brisanten Komplex 

anzunähern. Eine Option, die umso wichtiger ist, als 

die Beziehung zwischen dem Kino und der Thematik 

»Überwachung« so alt ist wie das Kino selbst und 

mit einem historischen Blick auch deutlich wird, dass 

unsere gegenwartszentrierten Ängste alles andere als 

originär sind. 

Von Beginn an war es das Ziel des Kinos Bewegung 

aufzuzeichnen, beliebig wiederholbar und damit 

analysierbar zu machen. Die Filme der Brüder Lumière 

sind dafür exemplarisch. Sie hielten das »Alltägliche« 

und »Gewöhnliche« fest; das bisher »Unbeachtete« erlangte 

plötzlich Bedeutung. In LA SORTIE DES USINES 

LUMIÈRE (1895) beobachtet Louis Lumière durch seine 

Kamera nicht nur als Filmemacher, sondern auch aus 

der Position des Fabrikbesitzers Arbeiter beim Verlassen 

seiner Fabrik. Sein Interesse, über seine Arbeitnehmer 

Bescheid zu wissen, scheint in unseren mediengeschulten 

Augen vielleicht banal und alltäglich, kann 

aber durchaus als frühes Beispiel für Überwachung am 

Arbeitsplatz interpretiert werden. 

Mit der Erweiterung narrativer Elemente im Film 

wird auch bezüglich der Überwachungs-Thematik immer 

deutlicher, dass Film, wie Alphons Silbermann es 

betont hat, immer auch »eine Art von Mikrokosmos« ist, 

in dem sich »das Bild einer Kultur wiederfinden lässt, 

und zwar derjenigen selbst, deren Produkt er ist.« In 

den ersten Mikrodramen der Überwachung setzen 

sich diese Bilder hauptsächlich aus Geschichten um 

unschuldig Verdächtigte (FALSELY ACCUSED, 1908) 

und unfreiwillige Enthüllungen von vertraulichen und 

peinlichen Momenten (THE EVIDENCE OF FILM, 1913) 

zusammen. Das Kino spielt hier mit der Angst, bei 

etwas nicht für die Öffentlichkeit Bestimmtem nicht 

nur entdeckt, sondern »abgebildet« worden zu sein. 

Eine durchaus reale Angst, denn die ersten kompakten 

»Geheimkameras« existierten tatsächlich bereits. 

Mit der zunehmenden Konfrontation zwischen Besitzenden 

und Besitzlosen und der legalen Politisierung 

des Alltags erhalten auch die visuellen Umsetzungen 

dieser Verhältnisse neue Nahrung. Der vielleicht erste 

LOW DEFINITION CONTROL – MALFUNCTIONS #0

Spielfilm, in dem visuelle Überwachung Thema ist, 

entsteht. Jakov Protasanovs AELITA (1924) erzählt von 

einer Apparatur, die Leben auf anderen Planeten ausspionieren 

soll. Dann geht es Schlag auf Schlag. Fritz 

Lang stellt in METROPOLIS (1926) ein visuelles Inter face 

vor, mit dem die Arbeiter kontrolliert werden können. 

Charlie Chaplin zitiert und erweitert diese Apparatur in 

MODERN TIMES (1936) noch einmal. Den dystopischen 

Charakter von Überwachung darzustellen erlaubt sich 

– zumindest anfänglich – sogar noch die Filmproduktion 

im »Dritten Reich«: In Harry Piels DIE WELT OHNE 

MASKE (1934) gelingt es gerade noch so, eine eben 

erfundene »Allsicht-Apparatur« auch wieder zu vernichten. 

Mit den 1950ern taucht erstmals der voyeuristische 

Blick der Überwachung im Film auf, der gleichzeitig 

zur Obsession wird. In Filmen wie Alfred Hitchcocks 

REAR WINDOW (1954) oder Michael Powells 

PEEPING TOM (1960) findet darüber hinaus jedoch 

auch eine Hinwendung zu komplexen Erzählstrukturen 

und ein verunsicherndes Reflektieren über das 

Medium und den Moment der Überwachung an sich 

statt. Diese »privatistische« Phase der Überwachung 

im Film wird jedoch schon bald von der zunehmenden 

Politisierung der Überwachung im öffentlichen Leben 

verdrängt. Versucht Karel Kachyňa in UCHO (1970) die 

Auswirkungen stalinistischen Überwachungsterrors bis 

ins intimste Privatleben zu verdeutlichen, reflektiert 

Francis Ford Coppola in THE CONVERSATION (1974) 

die staatlichen Abhörmaßnahmen und deren Missbrauch, 

die durch die Watergate-Affäre publik geworden 

sind. Coppola gelingt zudem ein echter Paradigmenwechsel 

– »Die Überwachung ist«, wie es Thomas 

Y. Levin 2004 formulierte, »zur Bedingung der Narration 

selbst geworden«; während etwa bei PEEPING TOM 

noch eindeutige Merkmale wie eingeblendete Sucherrahmen 

den »überwachenden Blick« innerhalb der 

Erzählung von der erzählenden Instanz trennen, findet 

bei Coppola »ein Übergang von einer ›thematischen‹ zu 

einer ›strukturellen‹ Indienstnahme der Überwachung 

statt«. Michael Klier führt diesen Ansatz in seinem völlig 

aus Videoaufnahmen von Überwachungskameras 

montierten Film DER RIESE (1983) ins theoretische 

Extrem. Dystopische und narrative Verortungen dieser 

neuen Realität folgen in den nächsten Jahrzehnten mit 

immer wieder erweiterten Arsenalen von technologischen 

Mitteln. Dezent eingebettet in Michael Radfords 

Orwell-Umsetzung von NINETEEN EIGHTY-FOUR (1984) 

oder Peter Weirs THE TRUMAN SHOW (1998), dann 

wieder aggressiv betont in den inzwischen fast schon 

ikonografisch für die Thematik geltenden Einstellungen 

des Action-, Thriller- und Spionage-Franchises THE 

BOURNE IDENTITY (2004-2016). 

Gleichzeitig und gewissermaßen auf die An fänge 

der symbiotischen Beziehung zwischen Kino und Überwachung 

rekurrierend nehmen Dokumentarfilme verstärkt 

Coppolas und Kliers Ansatz der strukturellen 

Überwachung an, ohne dabei die Bedeutung biografischer 

Elemente zu vergessen: Es werden Mikrokosmen 

der Überwachung wie Mailands Flughafen Malpensa (IL 

CASTELLO, 2011) gezeigt, die zunehmende Überwachung 

durch das Sammeln von Daten im öffentlichen 

Raum und in der Medizin verfolgt (LOW DEFINITION 

CONTROL – MALFUNCTIONS #0, 2011), aber auch 

Lebenslinien durchleuchtet – Blogger und Kryptologen 

(ALLES UNTER KONTROLLE, 2015), langjährige Geheimdienstmitarbeiter 

(THE GOOD AMERICAN, 2015) 

oder ein Whistleblower wie Edward Snowden (CITIZEN- 

FOUR, 2014). 

Axel Timo Purr 

Ucho (Das Ohr) | ČSSR 1970 | R: Karel Kachyňa | 

B: Jan Procházka, Karel Kachyňa | K: Josef Illík | M: 

Svatopluk Havelka | D: Jirina Bohdalová, Radoslav 

Brzobohaty, Gustav Opocensky, Miloslav Holub, Lubor 

Tokos | 94 min | OmeU | Prag 1952: Ein hoher Beamter 

und seine Frau haben den Verdacht, dass ihr 

Haus durchsucht worden ist und sie abgehört werden 

– vom staatlichen »Ohr«. Der Minister war in letzter 

Zeit scharfen Angriffen durch die Partei ausgesetzt und 

glaubt nun, dass seine Verhaftung bevorsteht. Die aufkommende 

Panik lässt auch die zwischen dem Ehepaar 

schwelenden Gegensätze losbrechen. Verbale Angriffe, 

versuchte Verletzungen und ausschweifender Alkoholkonsum 

erinnern an das Paar aus »Wer hat Angst vor 

Virginia Woolf?«, doch schwebt hier über allem noch 

eine diffuse Angst und Beklemmung. Der Film wurde 

im »Prager Frühling« begonnen und nach Fertigstellung 

verboten. 


Nineteen Eighty-Four (1984) | GB 1984 | R+B: Michael 

Radford, nach dem Roman von George Orwell | 

K: Roger Deakins | M: Dominic Muldowney | D: John 

Hurt, Suzanna Hamilton, Richard Burton, Cyril Cusack, 

Phyllis Logan | 108 min | OF | Werkgetreue Adaption 

des dystopischen Romans von George Orwell aus dem 

Jahr 1948. Im Land Ozeanien werden alle Bürger auf 

ihre Treue zum System überwacht, beherrscht wird 

das Reich von der »Partei«, geleitet vom »Big Brother«. 

Winston Smith, der für das »Ministerium für Wahrheit« 

arbeitet, begeht eines Tages ein Gedankenverbrechen, 


29


30 

als er beginnt am System zu zweifeln, was der Staat 

mit Gehirnwäsche zu bekämpfen weiß. Die Vision eines 

totalitären Überwachungsstaates zeigt sich in ausgebleichten 

Farben und grobkörnigen Bildern, die sich 

nur in der originalen 35mm-Kopie wiederfinden, die zur 

Vorführung gelangt. 


The Conversation (Der Dialog) | USA 1974 | R+B: 

Francis Ford Coppola | K: Bill Butler | M: David Shire | 

D: Gene Hackman, John Cazale, Allen Garfield, Frederic 

Forrest, Cindy Williams | 109 min | OmU | Ein erfahrener 

Abhörspezialist in San Francisco hört das Gespräch 

eines jungen Paares mit an und gerät mit seinem Gewissen 

in Konflikt. Die Geschichte ist allein aus der 

Sicht dieses Abhörtechnikers erzählt. »Da das Publikum 

aber nur weiß, was er weiß, erfährt es nie, was wirklich 

passiert ist. Man hat bloß Vermutungen. Und weil er 

ein Tontechniker ist, fängt das Publikum natürlich an, 

die Welt so zu hören, wie er sie hört. In dem Handwerk 

liegt so viel Genugtuung – das spürt man in der Szene, 

wo Harrys vier Kollegen nach der Konferenz zu elektronischer 

Überwachungstechnik über ihr Handwerk und 

über Harry als einen der großen Meister ihres Fachs 

reden. Es ist das Porträt eines Künstlerclans.« (Walter 

Murch) 


Alles unter Kontrolle | Österreich 2015 | R+B: Werner 

Boote | K: Dominik Spritzendorfer, Mario Hötschl | 

M: Marcus Nigsch | 93 min | Aus Taten werden Daten. 

Facebook, Amazon und Google liefern uns rund 

um die Uhr den Zugang zur bequemen digitalen Welt. 

Überwachungskameras auf der Straße sorgen für unsere 

Sicherheit. Aber wer sammelt eigentlich unsere 

Fingerprints, Iris-Scans, unsere Vorlieben beim Online-Shopping 

und was wir in den sozialen Netzwerken 

teilen? Was ist mit unserem Recht auf Privatsphäre? 

Der Filmemacher Werner Boote macht sich mit gespielter 

Naivität auf den Weg rund um den Globus, um die 

»schöne neue Welt« der totalen Kontrolle zu erkunden. 

»Wir haben die Entscheidungsmacht über unsere Daten 

abgegeben. Das sollte uns Sorgen machen«, sagt 

Internet-Aktivist Jacob Applebaum. Selbst Banken, 

Regierungen und ein iranisches Atomkraftwerk wurden 

schon gehackt. 


Der Riese | BRD 1983 | R+B+K: Michael Klier | 82 

min | »Ein unkonventionell montiertes Essayvideo über 

die Videoüberwachung im öffentlichen Raum. Das Video 

verwendet dokumentarisches Material aus ferngesteuerten 

Überwachungskameras von öffentlichen 

Straßen, Plätzen, Einkaufspassagen und Transiträumen 

wie Flughäfen und Bahnhöfen sowie Aufnahmen aus 

Banken, Kaufhäusern, Supermärkten und privaten 

Geländen und Gebäuden. Durch die Verknüpfung verschiedener 

Aufnahmen im realistischen Stil entsteht 

der Eindruck eines zentralen Überwachungsapparates 

als anonymes, mächtiges Subjekt, das allgegenwärtig 

alles sieht, aber selbst nicht gesehen werden kann.« 

(Reinhard Wolf) »Eine unheimliche Sinfonie der gegen- 

THE CONVERSATION

wärtigen Großstadt, überwacht vom unsichtbaren Auge 

einer allumfassenden Kontrollinstanz, die der Filmtitel 

suggerierte.« (Die Presse) 

Mittwoch, 29. März 2017, 18.30 Uhr 

Citizenfour | USA 2014 | R+B: Laura Poitras | K: Kirsten 

Johnson, Trevor Paglen, Laura Poitras, Katy Scoggin 

| 114 min | OmU | Im Juni 2013 treffen sich die Filmemacherin 

Laura Poitras und der Journalist Glenn Greenwald 

in Hongkong mit Edward Snowden, dem Whistleblower 

des US-Geheimdienstes, der ihnen Beweise 

für die Massenüberwachung und Massenausspähung 

normaler Bürger durch die NSA in Aussicht gestellt hat. 

Poitras dokumentierte die Treffen mit der Kamera. »Von 

pseudo-demokratischen Beteuerungen amerikanischer 

Politiker und den ersten Whistleblowern über die Panoramen 

riesiger Geheimdienstzentralen führt der Film 

in die klaustrophobische Enge des Hotelzimmers in 

Hongkong, wo Snowden auf den Moment der Enttarnung 

wartet. CITIZENFOUR macht geradezu physisch 

erfahrbar, was ein autoritärer Überwachungsstaat ist, 

und dass auch wir mittendrin sitzen.« (Grit Lemke) 


Low Definition Control – Malfunctions #0 | Österreich 

2011 | R+B+K: Michael Palm | 95 min | Überwachungskameras, 

medizinische Ultraschalldetektoren 

und Computertomographen produzieren Vorstellungen 

von konformem Verhalten und gesunden Körpern, aber 

auch von Abweichungen, Auffälligkeiten und verborgenen 

Risiken. Im Zeichen von Terrorangst, Risikoprävention 

und umfassenden Kontrollphantasmen lenken 

diese Bilder den Blick auf eine mögliche Zukunft. Man 

könnte LOW DEFINITION CONTROL auch einen dokumentarischen 

Science Fiction-Film nennen. In einer Gesellschaft, 

die Öffentlichkeit primär als Ort von Risiken 

denkt, hängt von der ständigen Beobachtung nahezu 

alles ab. Sind wir vom eugenischen, technisch abgespeicherten, 

verhaltensnormierten Menschen nur mehr 

einen Schritt entfernt? Sind wir auf dem Weg in einen 

Polizeistaat? 

Mittwoch, 5. April 2017, 18.30 Uhr 

A Good American | Österreich 2015 | R+B+K: Friedrich 

Moser | M: Christopher Slaski, Guy Farley | 104 min 

| OmU | Das mathematische Genie Bill Binney nimmt 

nach Ende des Kalten Krieges die Herausforderungen 

des digitalen Zeitalters an und entwickelt ein Überwachungstool, 

das jedes elektronische Signal auf der 

ganzen Welt erfassen, es nach Zielobjekten filtern, Ergebnisse 

in Echtzeit liefern kann und dabei auch noch 

die Privatsphäre der BürgerInnen schützt, wie von der 

US-Verfassung verlangt. Doch sein algorithmenbasiertes 

Observierungsprogramm ThinThread, das aus dem 

Wust selbst anonymisierter Daten Bewegungs- und Gefährdungsprofile 

von Terroristen zu extrahieren wusste, 

scheiterte an Eigeninteressen und Cliquenwirtschaft 

innerhalb der NSA. Die investigative Analyse fördert erstaunliche 

Fakten zutage, welche die NSA als ein von 

Korruption geleitetes Unternehmen zeigen. 


Il Castello (Die Festung) | Italien 2011 | R+B: Massimo 

D’Anolfi & Martina Parenti | 90 min | OmeU | Eine 

Langzeitbeobachtung auf dem Flughafen von Mailand. 

»Wir entschlossen uns, einen Film auf einem internationalen 

Flughafen zu drehen, weil sich heutzutage 

nirgendwo sonst unsere Besessenheit mit Sicherheit, 

unsere Furcht vor allem Fremdem und unser Wille nach 

totaler Kontrolle besser festmachen lässt. Zwei Personengruppen 

bewegen sich auf jedem Airport: Einerseits 

die Reisenden, die hin und her hasten, andererseits das 

Flughafenpersonal, das seine Arbeit versieht. Unsere 

Kamera blickt in Räume, die man sonst nicht zu sehen 

bekommt, registriert das ewige Wechselspiel zwischen 

Kontrolleuren und Kontrollierten, zwischen geplanten 

Aktionen und zufälligen Ereignissen. Wir haben die Sicherheitskräfte 

bei ihrer Arbeit beobachtet, nicht aber 

deren Blick zu unserem gemacht.« (D’Anolfi & Parenti) 



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Die Vieldeutige – Porträt Cate Blanchett 


32 

MANIFESTO © (Julian Rosefeldt) VG Bild-Kunst Bonn, 2017 

Am Ende war ihr Aufenthalt in Berlin also doch für etwas 

gut. Zwar spielt Cate Blanchett in MONUMENTS 

MEN eine der ganz wenigen undankbaren Rollen ihrer 

Karriere. Aber die Drehpausen nutzte sie fabelhaft: Sie 

nahm das Angebot des Berliner Künstlers Julian Rosefeldt 

an, in seiner Installation MANIFESTO mitzuwirken. 

Blanchett leiht darin ihre darstellerische Intensität an 

ein einzigartig ambitioniertes Projekt aus: Sie zitiert aus 

zentralen revolutionären künstlerischen Manifesten des 

20. Jahrhunderts. Zwölf unterschiedliche Rollen erweckt 

sie dabei zu filmischem Leben und zeigt ebenso 

viele Facetten ihrer Schauspielkunst. Blanchetts Gesicht 

ist keine Projektionsfläche, sondern ein Spielfeld 

von Aufruhr und Widerspruch. Nicht immer trägt sie ein 

weibliches Antlitz. Sie verkörpert eine Immobilienmaklerin, 

eine Managerin, eine russische Choreografin, 

auch einen Obdachlosen. 

Zweifellos hat sich Rosefeldt daran erinnert, wie bravourös 

sie sich bereits in Todd Haynes’ I’M NOT THERE 

in eine männliche Figur eingefühlt hat: Dort ist sie eine 

der sechs Inkarnationen von Bob Dylan. Die Installation 

profitiert nicht nur von der Wandlungsfähigkeit der 

australischen Schauspielerin, sondern auch von der 

Bereitschaft, sich von ihrer außerordentlichen, leuchtenden 

Schönheit nicht auf bestimmte Rollen festlegen 

zu lassen. Die Neugierde und Empfindsamkeit dieser 

Künstlerin, die ursprünglich Wirtschaft und Kunst studierte 

und zeitweilig gern Architektin geworden wäre, 

will sich nicht beschränken. Gemeinsam mit ihrem 

Mann nahm sie die Herausforderung an, in Sydney ein

Theater zu leiten, das weltweit gefeierte Gastspiele gibt. 

Cate Blanchett traut man den gleichen Mut zu, sich auf 

verwegene Abenteuer einzulassen, der auch ihre Figuren 

auszeichnet. 

Ein glaubwürdiger Anachronismus 

Das gilt bereits für ihre erste große Kinorolle in OSCAR 

AND LUCINDA, der Chronik einer sanften Liebesverrücktheit, 

einer wunderlichen Anziehung. In Gillian 

Armstrongs leichtfüßiger Romanadaption, die im 19. 

Jahrhundert spielt, bildet Blanchett das robuste Gegenbild 

zu Ralph Fiennes als englischem Pastorensohn 

Oscar, dem der religiöse Eifer des Vaters Schuldgefühle 

eingeflößt hat, an denen er sein Leben lang zu tragen 

hat. Ihr Körperspiel, entschlossener Gang und wacher 

Blick wirken ungemein modern: Lucinda ist eine Vorbotin 

weiblicher Selbstbestimmung. Durch den Tod ihrer 

Mutter erbt sie ein Vermögen. Ihre erste Liebe gilt dem 

Glasspielzeug, weshalb sie kurzerhand eine marode 

Glashütte in Sydney aufkauft und zu einer mutigen und 

geschäftstüchtigen Unternehmerin wird. Auch im Privatleben 

entwickelt sie sich zu einer Hasardeurin, die 

sich arglos über die moralischen Verschnürungen ihrer 

Zeit hinwegsetzt. Gemeinsam mit Oscar entdeckt sie 

die Begeisterung fürs Glücksspiel, was für eine Dame 

der Gesellschaft ein höchst anrüchiger Zeitvertreib ist. 

Blanchett deutet ihn nicht als selbstzerstörerische Passion, 

sondern als Spielfeld der Komplizenschaft. 

Auch Queen Elizabeth I. legt sie als eine Frau an, deren 

Eigensinn in ihrer Epoche Anstoß erregt. Die Thronfolgerin 

ist sprunghaft und launisch. Der Tanz ist ein Leitmotiv, 

das Shekhar Kapur in seinem Biopic regelmäßig 

anklingen lässt, um ihren spielerischen Zugriff aufs 

Leben vor Augen zu führen. Elizabeth fühlt sich nicht 

an die Moralvorstellungen ihrer Zeit gebunden, unterhält 

eine skandalöse Liebschaft zu einem verheirateten 

Adligen und schlägt jede Eheschließung aus, die ihrem 

Land dringend nötige Bündnispartner bescheren könnte. 

Blanchetts sinnliche Darstellung bricht mit dem Bild 

der jungfräulichen Königin, das im Kino zuvorderst Bette 

Davis und Jean Simmons prägten. Jedoch wird ihr die 

Zweideutigkeit ihres Körpers bewusst, der ihr nun nicht 

mehr allein, sondern dem Staat gehört. Das Geschäft 

des Regierens muss sie wie eine Rolle einstudieren, 

die Selbstbewusstsein und Souveränität verlangt. Blanchett 

spielt dies als eine Tragödie des Verlustes; nicht 

nur an Spontaneität und Freiheit. Ihre Figuren müssen 

stets einen Preis dafür zahlen, so zu sein, wie sie sind. 

Die Härte und Grausamkeit, mit der sie sich gegen ihre 

zahlreiche Widersacher zur Wehr setzen muss, lassen 

ihr Gesicht zu einer bleichen Maske versteinern. 

Noble Herausforderungen 

Blanchetts natürliche Anmutung von Adel kommt einer 

amerikanischen Sehnsucht nach Aristokratie entgegen. 

In THE AVIATOR verkörpert sie Katharine Hepburn, 

Hollywoods Inbegriff der höheren Tochter. Ihre Eigenständigkeit 

stellt eine verlockende Herausforderung für 

Howard Hughes dar, die Titelfigur von Scorseses Film. 

Sie ist die einzige ebenbürtige, ernsthafte Gefährtin, 

die der Industrielle während seiner Eskapade nach 

Hollywood findet. In THE CURIOUS CASE OF BENJAMIN 

BUTTON verleiht sie einer anderen amerikanischen 

Vorstellung von Adel Gestalt: Sie variiert die Figur der 

unerreichbaren Südstaaten-Prinzessin, die zumal das 

Frühwerk von F. Scott Fitzgerald heimsucht. In dessen 

Vorlage gibt es kein wirkliches Vorbild für Daisy, 

die indes im Film als archetypische Fitzgerald-Heldin 

gezeichnet ist: Sie lebt den Traum von dessen Ehefrau 

Zelda aus, eine gefeierte Balletttänzerin zu werden und 

trägt den Vornamen der verlorenen Liebe Jay Gatsbys 

aus dessen berühmtestem Roman. Dass Daisy für Benjamin 

durchaus erreichbar ist, entzaubert sie letztlich 

nicht. 

Die Protagonistin von Woody Allens Tragikomödie BLUE 

JASMINE wiederum muss eingangs ihre Träume von 

der Zugehörigkeit zur besseren Gesellschaft begraben. 

Nachdem die dubiosen Geschäfte ihres Ehemannes 

aufgeflogen sind und dieser in der Haft Selbstmord 

begangen hat, versucht die egozentrische, verwöhnte 

Jasmine an der Seite ihrer ungleichen Schwester einen 

Neuanfang. Es fällt ihr schwer, sich vom Luxusleben zu 

verabschieden; ihr ungebrochen mondänes Auftreten 

jedoch könnte ihr womöglich erneut Zutritt zur High 

Society verschaffen. Jasmine erscheint arglos, bis eine 

böse Schlusspointe dies entlarvt. 

Auch Sheba, die idealistische, überforderte Lehrerin 

in NOTES ON A SCANDAL, zeichnet Blanchett als eine 

Figur, die man auf den ersten Blick unterschätzt. Ihre 

ältere Kollegin Barbara, die ihr mit abschätzigem, begehrlichem 

Blick nachstellt, rätselt anfangs, ob sie nun 

eine Sphinx ist oder einfach nur dumm. Erneut wird 

eine innige Beziehung zum Spielfeld sozialer Gegensätze: 

Barbara stammt aus einfachen Verhältnissen, 

Sheba hingegen gehört der Mittelklasse an. Blanchett 

gelingt es, einer oberflächlichen Figur unerwartete Tiefe 

zu verleihen. Sheba verliebt sich in einen minderjährigen 

Schüler und wird dadurch erpressbar. Es fehlt ihr 

an Willensstärke, sie ist ihren Gefühlen hilflos ausgeliefert. 

Blanchett weckt eine Ahnung davon, wie unerfüllt 

ihre bürgerliche Existenz bis dahin war, spürt aber 

zugleich plausibel der Möglichkeit ihrer moralischen 

Genesung nach. 


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34 

Preis und Mehrwert 

Richard Eyre, der NOTES ON A SCANDAL inszeniert 

hat, rühmte ihre methodische Vorbereitung auf die Rolle, 

hob aber auch hervor, dass sie und ihre Regisseure 

sich unbedingt auf ihren Instinkt verlassen können. So 

bereichert sie ihre Rollen um ungekannte Nuancen. 

Beispielsweise bestand sie darauf, dass Sheba ihr 

Hobby, das Töpfern, mit großer Begabung ausübt. Sie 

bereichert ihre Rollen um kleine, kaum merkliche Details. 

Die Aufmerksamkeit, die sie Requisiten schenkt, 

ist enorm. Man achte nur einmal darauf, wie sie als 

TV-Produzentin Mary Mapes in TRUTH beim Telefonieren 

mit einem Baseball spielt oder in entscheidenden 

Momenten ihre Brille aufsetzt. In der ersten Szene 

überrascht sie einen Anwalt, der sie für eine reinrassige 

Feministin hält, damit, dass sie strickt. Blanchett befreit 

ihre Charaktere aus Kategorien, die ihnen in Hollywood 

traditionell zugeschrieben werden. Zwar muss sich 

Mary Mapes in TRUTH insgeheim dafür rechtfertigen, 

eine abwesende Mutter und Ehefrau zu sein. Aber 

dieser Vorbehalt schmälert nicht das gesellschaftliche 

Mandat, das sie hier als Enthüllungsjournalistin mit Professionalität 

und Überzeugungskraft ausübt. 

Blanchett ist auch neugierig auf Charaktere, die von den 

Filmen nicht in traditionelle romantische Verhältnisse 

verstrickt werden. Ihre Weiblichkeit ist vielschichtiger, 

als dass sie sich nur in Liebesbeziehungen erweisen 

müsste. In HEAVEN, den Tom Tykwer nach einem nachgelassenen 

Drehbuch Krzysztof Kiesłowskis gedreht 

hat, gelingt ihr ein erstaunlicher Spagat. Sie spielt die 

englische Lehrerin Philippa, die ein Attentat auf einen 

Geschäftsmann verüben will, der den Heroinhandel in 

Turin kontrolliert; weniger aus Rache für den Tod ihres 

Mannes, sondern vielmehr, um ihre Schüler zu schützen. 

Beim Verhör erfährt sie dann jedoch, dass die 

Bombe statt des Dealers vier Unschuldige getötet hat. 

Ein junger Carabiniere, der für sie dolmetscht, verliebt 

sich in die tugendhafte Mörderin, verhilft ihr zur Flucht. 

In Tykwers Film schiebt sich vor die ethischen Konflikte 

zwar langsam das Melodram eines ungleichen Paares, 

das sich gegen die Welt verschwören muss. Aber ihre 

Gefährtenschaft ist eine moralische, keine rein erotische. 

Gefühle will diese Schauspielerin stets in ihrer 

Mehrdeutigkeit kenntlich werden lassen. Sie weiß, dass 

sie es ihrer Kunst schuldig ist, so facettenreich und rätselhaft 

wie das Leben zu sein. 

Gerhard Midding 

Das Filmprogramm ist eine Kooperation mit dem Museum Villa 

Stuck und der Sammlung Goetz und begleitet die Ausstellung »Manifesto. 

Julian Rosefeldt«, die bis zum 21. Mai 2017 im Museum 

Villa Stuck zu sehen ist. 

Oscar and Lucinda (Oscar und Lucinda) | Australien 

1997 | R: Gillian Armstrong | B: Laura Jones, nach 

dem Roman von Peter Carey | K: Geoffrey Simpson | 

M: Thomas Newman | D: Cate Blanchett, Ralph Fiennes, 

Ciarán Hinds, Tom Wilkinson, Richard Roxburgh | 

132 min | OF | Mitte des 19. Jahrhunderts lässt sich 

der junge englische Theologiestudent Oscar Hopkins 

als Missionar nach Australien entsenden, um so seiner 

Leidenschaft fürs Glücksspiel zu entfliehen. Während 

der Überfahrt verliebt er sich in eine nicht minder 

passionierte Spielerin, was fatale Folgen für beide hat. 

Jahre später soll eine Wette um den Bau einer Kirche 

aus Glas mitten im australischen Urwald die Erlösung 

bringen. Das opulente epische Melodram bedeutete 

den internationalen Durchbruch für Cate Blanchett. 

Schon hier spielt sie eine Frau jenseits der Konventionen, 

die ihr Glück im Risiko sucht und das Schicksal in 

die eigene Hand nimmt. 

Mittwoch, 29. März 2017, 21.00 Uhr 

Elizabeth | GB 1998 | R: Shekhar Kapur | B: Michael 

Hirst | K: Remi Adefarasin | M: David Hirsch felder | D: 

Cate Blanchett, Geoffrey Rush, Christopher Eccle ston, 

Joseph Fiennes, Richard Attenborough, Fanny Ardant | 

124 min | OmU | Als Elizabeth I., die illegitime Tochter 

Heinrichs VIII., 1559 als junge Frau den englischen 

Königsthron besteigt, beendet sie die blutige »Rekatholisierung« 

ihrer Vorgängerin Mary I. und setzt die protestantische 

Konfession wieder ein. Einer immer wieder 

beschworenen Verheiratung entkommt sie, indem sie 

weiß geschminkt dem versammelten Hofstaat erklärt: 

»Ich bin mit England verheiratet.« Sie ist intelligent, entschieden, 

unnahbar – und faszinierend. Cate Blanchett 

definierte ihre Rolle als die Geschichte einer Frau, »die 

in Zeiten, als die Frauen nichts zählten, zwischen Liebe 

und Pflicht segeln musste, und die Heirat verweigerte, 

um niemandem verpflichtet zu sein und allein regieren 

zu können.« 


Heaven | Deutschland 2002 | R: Tom Tykwer | B: 

Krzysztof Kiesłowski, Krzysztof Piesiewicz | K: Frank 

Griebe | D: Cate Blanchett, Giovanni Ribisi, Remo 

Girone, Stefania Rocca, Alessandro Sperduti | 97 min | 

OmU | Der junge Carabiniere Filippo verliebt sich in eine 

Attentäterin, die den Boss des Turiner Drogensyndikats 

ermorden wollte und durch eine Verkettung unglücklicher 

Umstände vier unschuldige Menschen tötete. Er 

verhilft ihr zur Flucht. Tom Tykwer schafft aus der Vorlage 

ein eindringliches Drama über Schuld und Kraft 

der Liebe in einer für Kieslowski typischen Mischung

aus Thriller, Melodram und Psychogramm. »Blanchett 

bestätigt wieder einmal ihr Können. Sie sucht weder 

den Effekt noch hält sie sich zurück, sie spielt ganz 

direkt und überzeugend eine Frau, die durch Trauer 

und Wut unbesonnen handelt und dann mit den Konsequenzen 

leben muss.« (Roger Ebert) 


The Aviator | USA 2004 | R: Martin Scorsese | B: John 

Logan | K: Robert Richardson | M: Howard Shore | D: 

Leonardo DiCaprio, Cate Blanchett, Kate Beckin sale, 

John C. Reilly, Alec Baldwin, Alan Alda, Jude Law 

| 178 min | OmU | Das Leben des amerikanischen 

Tycoons Howard Hughes (1905–1976) als Monumentalfilm. 

»Man kann in den Massenszenen ›baden‹ 

und an der keimfreien Heroisierung des jungen Exzentrikers 

Howard Hughes das Staunen neu lernen. 

Doch den Gipfel seiner Kunst erklimmt Scorsese nur 

in einer Nebenhandlung, die Cate Blanchett als Katharine 

Hepburn einführt. Was als ironisch überdrehte 

Karikatur beginnt, mit der Gestus, Stimme und Diktion 

der eigenwilligen Komödiendarstellerin bereits 

zu einer wunderschönen Hommage zugefeilt werden, 

verdichtet sich alsbald zu einem intimen Drama, 

das die Dimension eines so opernhaften Films 

wie THE AVIATOR sprengt.« (Franz Everschor) Cate 

Blanchett gewann für ihre Darstellung von Katharine 

Hepburn 2005 den Oscar als beste Nebendarstellerin. 


The Life Aquatic with Steve Zissou (Die Tiefseetaucher) 

| USA 2004 | R: Wes Anderson | B: Wes Anderson, 

Noah Baumbach | K: Robert D. Yeoman | M: 

Mark Mothersbaugh | D: Bill Murray, Owen Wilson, 

Cate Blanchett, Angelica Huston, Willem Dafoe, Jeff 

Goldblum | 119 min | OF | Eine artifizielle Abenteuerkomödie 

über den in die Jahre gekommenen Meeresforscher 

und Dokumentarfilmer Steve Zissou, der aus 

Rache einen Hai töten will, weil dieser seinen langjährigen 

Partner gefressen hat. So beginnt ein seltsames 

Meeresabenteuer an Deck eines uralten Forschungsschiffes, 

das von einigen sehr ungewöhnlichen und 

exzentrischen Charakteren bevölkert wird. Cate Blanchetts 

Rolle der hochschwangeren Reporterin Jane 

Winslett-Richardson, die ihrem ungeborenen Kind laut 

aus »Auf der Suche nach der verlorenen Zeit« von Marcel 

Proust vorliest, wurde der Primatenforscherin und 

Anthropologin Jane Goodall nachempfunden. 

Mittwoch, 3. Mai 2017, 21.00 Uhr 

Notes on a Scandal (Tagebuch eines Skandals) 

| GB 2006 | R: Richard Eyre | B: Patrick Marber | K: 

Chris Menges | M: Philip Glass | D: Judi Dench, Cate 

Blanchett, Bill Nighy, Andrew Simpson, Philip Davis | 92 

min | OmU | Die junge Lehrerin Sheba Hart lässt sich 

auf ein Verhältnis mit einem minderjährigen Schüler 

ein und wird erpressbar für die ältere Kollegin Barbara. 

»Diese ist die eigentliche Hauptfigur in Richard Eyres 

beklemmendem Psycho-Drama, die Agierende und Intrigierende, 

während sich die schöne, ätherische Sheba 

mit ihrer unbestimmten Traurigkeit und ihrem Lebenshunger 

zum Spielball fremder Sehnsüchte machen 

lässt. Es ist Barbara, deren Perspektive der Zuschauer 

teilt – durch die Kamera, die zärtlich Cate Blanchetts 

Körper und Gesicht abtastet und damit das lesbische, 

nie ausgesprochene Begehren Barbaras für die jüngere 

Kollegin vermittelt: Sheba erscheint als Lichtgestalt, die 

Farbe und Schönheit in eine triste Lebenswelt bringt.« 

(Felicitas Kleiner) 

Mittwoch, 17. Mai 2017, 21.00 Uhr 


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THE AVIATOR


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I’m Not There | USA 2007 | R: Todd Haynes | B: Todd 

Haynes, Oren Moverman | K: Ed Lachman | D: Christian 

Bale, Cate Blanchett, Marcus Carl Franklin, Richard 

Gere, Heath Ledger, Ben Whishaw | 130 min | OmU | 

Ohne dass dessen Name auch nur einmal fällt, kreiert 

Todd Haynes eine Art filmische Biografie des künstlerischen 

Multitalents Bob Dylan. Der Film nähert sich 

mit gleich sechs verschiedenen Darstellern dieser 

enigmatischen Persönlichkeit an – eine davon ist Cate 

Blanchett in der Rolle des Jude Quinn. »Der Film führt 

über biografische Sprünge und inszenatorische Klippen 

hinweg von einer Figur zur anderen, von Jack Rollins 

zu Cate Blanchetts elektrifiziertem Superstar, der mit 

der Maschinenpistole symbolisch auf das entsetzte 

Folk-Publikum anlegt und zur Strafe dafür von einem 

snobistischen BBC-Reporter mit Fragen zur gesellschaftlichen 

Verpflichtung des Künstlergenies verfolgt 

wird.« (Michael Kohler) 

Mittwoch, 26. April 2017, 21.00 Uhr | Zu Gast: Ed 

Lachman 

The Curious Case of Benjamin Button (Der seltsame 

Fall des Benjamin Button) | USA 2008 | R: David 

Fincher | B: Eric Roth, nach der Kurzgeschichte von F. 

Scott Fitzgerald | K: Claudio Miranda | M: Alexandre 

Desplat | D: Brad Pitt, Cate Blanchett, Taraji P. Henson, 

Julia Ormond, Jason Flemyng | 166 min | OmU 

| Ein Kind wird geboren, das alle Merkmale eines alten 

Mannes trägt und fortan immer jünger wird, während 

seine Umgebung langsam dem Tod entgegengeht. 

Ein melancholisch gefärbtes Epos über Sterblichkeit, 

Liebe und die Zufälligkeiten des Lebens, anekdotisch 

verknüpft mit wichtigen US-Ereignissen des 20. Jahrhunderts. 

Cate Blanchett spielt Daisy, die große Liebe 

des Protagonisten. Sie mimt eine knapp 20-Jährige 

und altert dann zur Sterbenden. Brad Pitt leiht seine 

Züge einem greisenhaften Gnom und verjüngt sich, bis 

seine Rolle in den letzten Minuten von Kinderdarstellern 

übernommen wird. 


Blue Jasmine | USA 2013 | R+B: Woody Allen | K: 

Javier Aguirresarobe | D: Cate Blanchett, Alec Baldwin, 

Sally Hawkins, Peter Sarsgaard, Louis C.K., Bobby Cannavale 

| 98 min | OmU | Nachdem ihr Mann wegen 

windiger Finanzgeschäfte verhaftet wurde und im Gefängnis 

Selbstmord beging, sucht Jasmine, eine Frau 

aus der New Yorker High Society, Zuflucht bei ihrer 

Schwester im Arbeitermilieu von San Francisco. Alte 

Konflikte um Werte und Ansprüche brechen wieder auf. 

Woody Allen zeichnet in seinem visuell eleganten und in 

Rückblenden erzählten Film nicht nur ein erbarmungsloses 

Porträt einer Frau, die der Finanzcrash weder von 

ihrer Oberflächlichkeit noch von übersteigerten Ansprüchen 

kurieren konnte, sondern offenbart eine Abrechnung 

mit einer ganzen Gesellschaftsschicht. Die Kunst 

von Cate Blanchetts Oscar-prämierter Darstellung lag 

darin, Jasmines Unfähigkeit zu zeigen, ihren tiefen Fall 

überhaupt zu begreifen. 


Truth (Der Moment der Wahrheit) | USA 2015 | R+B: 

James Vanderbilt, nach dem Buch »Truth and Duty« von 

Mary Mapes | K: Mandy Walker | M: Brian Tyler | D: Cate 

Blanchett, Robert Redford, Topher Grace, Dennis Quaid, 

Stacy Keach | 126 min | OmU | Ein Fernsehsender gerät 

unter Druck nach einer Enthüllungsgeschichte über 

George W. Bush. »Alles, was wir im Kino haben, ist die 

Evidenz eines Gesichts, einer Stimme, eines Körpers, 

eines Blicks, deren Spiel die Asche der Fakten zur 

Flamme erweckt. Und deshalb liegt die entscheidende 

Qualität des Films TRUTH nicht darin, dass er einen 

Fernsehskandal von 2004 mit der dramaturgischen 

Präzision und berechenbaren Mechanik einer mittleren 

Hollywoodproduktion nacherzählt, sondern dass er die 

Hauptrolle, die Rolle der Mary Mapes, mit Cate Blanchett 

besetzt hat. Dies ist Cate Blanchetts Film, und 

wenn es darin einen Moment der Wahrheit gibt, dann 

liegt er in ihrem Spiel.« (Andreas Kilb) 

Mittwoch, 7. Juni 2017, 21.00 Uhr 

Manifesto | Deutschland 2015 | R: Julian Rosefeldt | B: 

Julian Rosefeldt, Cate Blanchett, unter Verwendung von 

Texten von Filippo Tommaso Marinetti, Tristan Tzara, 

Kazimir Malevich, André Breton, Claes Oldenburg, 

Yvonne Rainer, Sturtevant, Adrian Piper, Sol LeWitt, Jim 

Jarmusch | K: Christoph Krauss | D: Cate Blanchett | 

90 min | OF | Julian Rosefeldts Installation »Manifesto« 

besteht aus 13 miteinander in Beziehung stehenden 

Einzelfilmen, in denen Cate Blanchett in verschiedenen 

Masken als Grundschullehrerin, Fernsehmoderatorin, 

Witwe, Mutter, Bänkerin, Choreografin, Fabrikarbeiterin, 

Kunsthistorikerin, Puppenspielerin, Wissenschaftlerin, 

Obdachloser und Punk kulturelle und politische Manifeste 

des 20. und 21. Jahrhunderts vorträgt. Die lineare 

Variante vereint die poetischen Monologe, die »voller 

Lebensfreude, Energie und absoluter Überzeugung (...) 

nicht nur die Kunst sondern die ganze Welt verändern« 

wollen. (Julian Rosefeldt) 

Mittwoch, 14. Juni 2017, 21.00 Uhr

17. Architekturfilmtage 

EERO SAARINEN – THE ARCHITECT WHO SAW THE FUTURE 

Let’s meet in St. Louis ... Lasst uns zusammenkommen 

am Mississippi, beim Gateway Arch, jener freischwingenden 

Stahlfigur, die ein Glücksmoment menschlichen 

Bauens und Konstruierens ist. Entworfen Ende der Vierziger 

vom genialen Eero Saarinen, 1961 war Baubeginn, 

1968 die Einweihung. 

Der Arch ist, wie auch die anderen Bauten von Saarinen, 

Inbegriff dessen, wie Architektur eine Vorstellung 

von Freiheit geben kann, in ihm ist ein weites, offenes, 

zukunftsorientiertes Amerika zu spüren, das der Fünfziger, 

zu dem in tristem Kontrast das Heute mit seiner 

Parole America first steht. Der Arch ist Pioniergeist pur, 

ein Impetus, der an der Küste nicht endete, sondern 

immer weiter zielte in die Welt und über die Welt hinaus. 

Er meint Aufbruch und Expansion und Eroberung 

des Raumes, aber ohne jeden Beiklang von Herrschaft 

und Unterdrückung. Der Parabelbogen schwingt sich 

empor und dann wieder zurück, er scheint in immerwährender 

Bewegung. Er steht für den Aufschwung der 

Postmoderne. 

Der Architekt Eero Saarinen, das ist finnische Lässigkeit, 

die mit amerikanischer Unternehmungslust zur 

Exaltation kommt. Seine Flughafenbauten sollen erlebbar 

machen, sagt Saarinen, was Fliegen, Schweben, 

Schwerelosigkeit ist. Dass Fliegen mehr als ein Transport- 

und Verkehrsmittel ist – ein American dream. 

Der Film EERO SAARINEN – THE ARCHITECT WHO 

SAW THE FUTURE erzählt vom Werden dieses Traums, 

dieses Werks. Es ist ein Architekturfilm, aber auch ein 

Liebesfilm – eine Liebe von Mann und Frau, Sohn und 

Vater, Architektur und Kino. Eric Saarinen, der Sohn des 

Architekten, hat die Bauten seines Vaters als Kameramann 

gefilmt, im Off hören wir Dialoge von Eero und 

Aline Saarinen. Es ist diese Liebe, die diesen Bauten 

ihre bescheidene Dynamik gibt, ihre Menschenfreundlichkeit. 

Der Architekt kennt das Chanson 

Stärker als in den vergangenen Jahren schauen die 

Architekturfilmtage diesmal auf seltsame Häuser und 

ihre Bewohner, auf die Menschen, für die konzipiert 

und konstruiert, gedacht und gebaut wird. Es geht um 

Wohnen, Leben, Existieren. Die performativen Momente 

überwiegen, die spielerischen. Manchmal spielt eine 

ganze Stadt mit. 

»Die Architektur«, sagt Mehdi Zannad, »ist eine Praxis, 

die Demut erfordert, gegenüber den Kunden, den Bewohnern, 

den Geldgebern, den Vorschriften, und vor allem 

der Natur.« Mehdi Zannad ist DER ARCHITEKT VON 

SAINT-GAUDENS im Film von Julie Desprairies & Serge 

Bozon, der die Plätze und Häuser aneinanderhängt, die 

er im Ort errichtet hat. Menschen spielen und singen 

vor und in diesen Bauten und bringen sie zum Schweben 

wie in den Filmen von Jacques Demy und Alain 

Resnais, und der Architekt Mehdi Zannad hat auch die 

Musik geschrieben. »Gewöhnlich ist es die Erzählung, 

die einem Film die Einheit gibt«, sagt der Filmemacher 

Serge Bozon. »Vielleicht gibt hier die Einfachheit, die 


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Nacktheit der mise en scène, dem Film eine Einheit ... 

Die süßesten Träume, sind das nicht, definitionsgemäß, 

die unspektakulärsten?« 

Allen Klischees zum Trotz ist auch die Postmoderne 

alles andere als spektkulär. Die einfachste Sache der 

Welt, in der Architektur zumal. Man muss nur mitspielen. 

Ende der Achtziger, ein paar Jahre vor der Wende, 

ist die Postmoderne sogar in der DDR angekommen. 

1987 wurde der Bowlingtreff in Leipzig eröffnet, ein 

stilistisch kühnes und kompaktes Sportcenter mit 14 

Bowlingbahnen, Billard, Fitnessstudio. Viel Glas und 

Marmor und Parkett, mehr Fitness als Leibesertüchtigung, 

ein bisschen Luxus und absolut mondän. Dieser 

Bau war nicht bilanziert, heißt es, ein Schwarzbau also. 

Ein Moment der Verführung – haben die Baumeister 

von Las Vegas gelernt? Denise Scott Brown, die große 

amerikanische Architektin der Postmoderne, äußert 

sich beeindruckt in dem Film von Thomas Beyer & 

Adrian Dorschner. 

Die mit der Liebe spielen 

Eine andere Liebe, fern von Amerika, in Italien, Monica 

Vitti und Michelangelo Antonioni. Vier Filme hatten der 

Filmemacher und sein Star in den Sechzigern gemacht, 

darunter L’AVVENTURA und L’ECLISSE. Und eine Liebe 

hatte sich gestaltet während der Dreharbeiten, eine 

geheime, die dann einen eigenen Bau bekam, an der 

Nordwestküste Sardiniens, eine kuppelige Betonschale, 

in die Erde hineingebaut. Eine sogenannte Binishell, 

patentiert vom Architekten Dante Bini. Ein Haus, in dem 

die verschiedenen Wohn- und Lebens- und Liebesbereiche 

ineinander übergingen, das roh und kultiviert zugleich 

wirkt. Volker Sattel stellt in dem Film LA CUPOLA 

den inzwischen heruntergekommenen Liebes-Bau vor; 

er widmet sich gern Bauten, die außer Funktion gesetzt 

sind – in UNTER KONTROLLE hatte er die Aura stillgelegter 

Atomkraftwerke dokumentiert. 

Der Architekturkritiker Niklas Maak hat die Cupola entdeckt 

und erzählt von einem Gespräch mit Bini, der sich 

an das Paar erinnert: »Sie sagten, sie wollten kein Haus, 

sondern einen Raum, sie wollten im Raum leben, nicht 

zwischen Wänden. Antonioni sagte mir, er hasse gerade 

Wände und glatte Böden, er wolle mitten im Stein leben. 

Architektur sei nicht nur Licht, Schatten, sondern 

auch Geruch. Sein Haus solle nach der Natur riechen, 

die es umgibt.« 

Das Kernstück ist eine gewundene grobe Treppe aus 

Felsplatten, Monica sollte sie vor Antonionis Augen 

immer wieder auf- und absteigen. Ein vertikaler Laufsteg, 

ein Defilée der Lust, bei dem die Architektur zum 

Schauplatz wird. In seinem Film interessiert sich Volker 

Sattel mehr als für die Formen und ihre möglichen Bedeutungen 

– für die Geschichte des Paares Vitti/Antonioni 

– für die Materie, das Material, im Zustand seiner 

Zersetzung. 

Noch eine Liebe, vielfach verschränkt, unerklärlich, DIE 

MUTTER, DER SOHN UND DER ARCHITEKT von Petra 

Noordkamp. Am Rande, aber direkt ins Zentrum weisend, 

eine Kirche, die Chiesa Madre in Gibellina auf 

Sizilien, gebaut von Ludovico Quaroni, deren freischwebende 

Formen den Glauben atmen lassen, in Gelassenheit 

und Transzendenz. Quaronis Sohn Emilio war 

einst der Geliebte der Filmemacherin und hat 2001 seine 

Mutter umgebracht. Diese verstörende Geschichte 

hat auch die Filmemacherin erschüttert, ihre Reaktion 

auf die und ihre Beziehung zu der Kirche verändert, sie 

zum Spiel mit der Identität verleitet: »In Rom zögerte 

ich nicht, mich zu verhalten wie eine Frau in Antonionis 

L’AVVENTURA, ich war ich selbst, aber ich war 

auch Claudia, ich war auch Anna. Ich konnte sein, wer 

ich wollte. Es war als sähe ich mich in verschiedenen 

Kameraperspektiven. Ich hatte nicht das Gefühl, dass 

ich mich verloren hätte, jemand anderes trat aus mir 

hervor.« 

Funktionalismus heute 

Wie wohnen Architekten? Haben sie etwas, das sie 

Heim nennen? Gibt es ein Haus, eine Wohnung, die 

ihnen entspricht? Die ihnen passt, ihr Wesen zum 

Ausdruck bringt? Haben sie diese Wohnungen selbst 

gebaut und eingerichtet? Haben die Wohnungen Stil? 

Und was ist ein Stil? 

Architekten arbeiten nicht in der Ich-, sondern in der 

Möglichkeitsform, auf der Suche nach neuen Formen, 

in der Schleife zwischen Sinn und Zweck. Ihre Arbeit 

ist mehr Adaption als freie Schöpfung. Sie kommen 

ohne Inhalt aus, darin ist die Architektur anders als die 

übrigen Künste. »In produktivem Raumgefühl«, merkt 

Adorno an, »wird in weitem Maß der Zweck, gegenüber 

den Formkonstituenten, die der Architekt aus dem 

Raum schöpft, die Rolle des Inhalts übernehmen.« Die 

Architektur, besonders die Neusachlichkeit, war ihm 

sehr recht in seinem Bemühen, der Kunst jeden Inhalt, 

jede Message auszutreiben. 

Der Film WHERE ARCHITECTS LIVE von Francesca Molteni 

zeigt acht Architekten in ihren Wohnungen, und er 

zeigt darin die Schwierigkeit, dieses Wohnen zu beschreiben 

und zu erklären. Da ist viel Selbstdarstellung 

im Spiel, und Prestige. 

Einen angenehmen Ton setzt gleich zu Beginn Shigeru 

Ban, der sich zeigt wie der Anti-Architekt: Ein einfaches 

Apartment, viel Weiß, helles Holz. Ein Handwerker. Ich

in ein Zimmermann, sagt er, ich liebe es, mit Holz zu 

arbeiten. Sein Haus ist zwischen und um Bäume herum 

gebaut. Marco Bellini hat sich die Wände mit Büchern 

zutapeziert. Marcio Kogan hat einen Flügel mitten im 

Raum stehen, der mit griffbereiten Erinnerungs- und 

Inspirationsstücken belegt ist. In kleinen, spielerischen 

Filmen hat er einige seiner Bauten zum Spielen und 

Erzählen gebracht. Und zum Erinnern, wie es auch in 

Elizabeth Lennards Film TALKING HOUSE passiert, in 

der legendären Villa E.1027 von Eileen Gray & Jean 

Badovici. Mit Bildern und Dialogen durchquert das Haus 

die Zeiten. »Ich glaube, ›zukunftssicher‹ gibt es nicht, 

sagt Marcio Kogan, »und es ist vielleicht nicht nötig für 

ein gutes Projekt. Wenn ich mir Filme anschaue, denke 

ich, alle enden damit, dass sie eine gewisse Zeit repräsentieren, 

und das gleiche passiert mit Mode, Kunst, 

Literatur und Architektur. Ich mag diese Identifikation 

mit einer Zeit. Wenn ich Brasilia besuche, fühle ich 

mich, als wäre ich zurück in den Sechzigern. Und ich 

liebe dieses Gefühl.« 

Eine feste Burg baut unser Herr 

Das Gegenstück zum eleganten, geschwungenen Gateway 

Arch ist BATUSHAS HAUS. Batushas Haus ist 

Bauen nach Bedarf. Es ist illegal, also ein Konglomerat. 

Kadri Batusha hat es zunächst für sich gebaut, in 

Priština im Kosovo, wo die Wohnungsnot extrem groß 

war, dann kamen Leute zu ihm, und Batusha hat für sie 

weitergebaut, so ist das Haus gewachsen, ist unübersehbar 

geworden und schaut nun aus wie der Turm von 

Babel auf den klassischen Gemälden oder wie Kafkas 

Schloss. Stein für Stein wurde zusammengetragen, es 

gab keine großen Baumaschinen, illegal wurden die 

Wohnungen ans städtische Wasser- und Elektrizitätsnetz 

angeschlossen. Wenn Leute vom Amt kamen, hat 

Batusha schon mal zu seiner Kalaschnikow gegriffen. 

Meine Burg, sagt er. Der Film ist auch eine kleine Studie 

in feudalem Bauen. 

Man kann dieses Projekt nicht unter einem einzigen 

Gesichtspunkt sehen. Das Haus ist ganz und gar bodenständig, 

es hat eine wilde Schönheit und eine unglaubliche 

Dynamik, die den Film von Tino Glimmann 

& Jan Gollob wunderbar inspiriert. »Die Stadt im Film 

ist nie Kulisse«, schreibt Frieda Grafe, »Reflex, Spiegelung 

und Bühne, das ist die Ästhetik des neunzehnten 

Jahrhunderts, und das ist nicht Kino. Die Multiplikation 

der Blickwinkel, die das Verständnis der Stadt herausfordern, 

ist überhaupt erst da, seitdem man mit der 

Kamera alle Seiten eines Objekts aufnimmt.« 

Was besonders stimulierend ist an Batushas Haus – 

dass in einer Zeit, da die avancierte Computertechnik 

mit ihrem Alleskönnertum totalitär Kino und Architektur 

beherrscht, das Handgreifliche im Häuserbau immer 

noch existiert. Da gäb’s dann doch einen Bezug zum 

luftig kühnen Saarinen – der all seine Entwürfe immer 

erst als Modelle fertigte. 

Jeder Bau ist in diesen Filmen auch Modell. Modell für 

ein Wohnen und Leben, einen Glauben an die Zukunft, 

in der man, peu à peu, sich zurechtfinden muss. Ein 

Gespenst geht um in der modernen Architektur, ein 

fröhliches: »Ich kann mich nicht freimachen«, sagt 

Marcio Kogan zu den Filmen über seine eigenen Bauten, 

»von dem Phantom von Jacques Tati – das erklärt 

alles.« 

Fritz Göttler 

Ein Programm der Bayerischen Architektenkammer in Zusammenarbeit 

mit dem Filmmuseum München. Konzeption: Stephanie 

Hausmann, Klaus Volkmer. 

Where Architects Live | Italien 2014 | R+B: Francesca 

Molteni | K: Mario Flandoli, Massimo Pozzoli, Alvise 

Tedesco, Nicola Tranquillino | 78 min | OmeU | Acht 

Interpretationen des Wohnraums »für sich« – Ein blicke 

in das persönliche Lebens- und Arbeitsumfeld von 

Shigeru Ban (Tokyo), Mario Bellini (Milano) David Chipperfield 

(Berlin), Massimiliano & Doriana Fuksas (Paris), 

Zaha Hadid (London), Marcio Kogan (São Paulo), Daniel 

Libeskind (New York) Bijoy Jain (Mumbai). Reflexionen 

über mannigfaltige Lebensformen: persönliche, intime 

Erzählungen, Geschichten von Räumen und Objekten, 

neuen Bildern und versteckten Schlüsseln. – Peep 

| Cat | Modern Living | Casa Cubo | This Was Not 

My Dream (Casa Redux) | Brasilien 2012-14 | R+B: 

Marcio Kogan u.a. | K: Cleisson Vidal | 20 min | engl. OF 

Eero Saarinen 


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| Marcio Kogan baut monumentale postmoderne Villen 

für die Superreichen. In diesen filmischen Miniaturen 

porträtiert er einige davon – mal monumental, mal liebe - 

voll-spöttisch und selbstironisch. 

Freitag, 31. März 2017, 18.30 Uhr | Einführung: 

Mathieu Wellner 

Atlas der seltsamen Häuser und ihrer Bewohner 

| Buchvorstellung und Einführungsvortrag von Niklas 

Maak | Plötzlich steht da ein Haus: Eine gigantische 

Burg aus weißem Holz, errichtet von einem New 

Yorker Kunstspekulanten. Eine Halbkugel aus Beton, 

die ein Filmregisseur für sich und seine Geliebte auf 

einer Steilküste in Sardinien aufgestellt hat. Eine Hütte 

in Mexiko, in die sich ein amerikanischer Ex-Banker 

zurückgezogen hat. Exzentrische Bauherren gönnen 

sich bisweilen eigentümliche Häuser, denen Niklas 

Maak, Architekturkritiker der FAZ, auf der Spur war. – 

La Cupola | Deutschland 2016 | B+R: Volker Sattel | 

K: Volker Sattel, Thilo Schmidt | 40 min | OmU | Porträt 

eines Hauses ohne tragende Wände. Eine kühne Kuppel 

aus Beton, ein Open Space – inmitten bizarrer Felsformationen 

einer schroffen Küste. Das Haus gehörte 

der Schauspielerin Monica Vitti und dem Regisseur 

Michelangelo Antonioni. Die Leere der Cupola und die 

Verlassenheit des Ortes werden zum Ausgangspunkt 

für Spekulationen. Über der Kuppel schwebt noch 

heute die Utopie eines alternativen Wohn- und Lebenskonzepts. 

Freitag, 31. März 2017, 21.00 Uhr | Zu Gast: Niklas 

Maak, Volker Sattel 

Für den Schwung sind Sie zuständig | Deutschland 

2003 | R+B: Margarete Fuchs | K: Andreas Faigle | 58 

min | Ulrich Müthers Häuser wirken, als kämen sie aus 

der Zukunft in unsere Gegenwart geflogen. In Wirklichkeit 

kommen sie aus der DDR. Der Ingenieur aus Binz/ 

Rügen zauberte Gebäude aus Beton, die sich zwischen 

den Einheitsplattenbauten ausnahmen wie Schmetterlinge. 

Sein Credo: »Der rechte Winkel ist böse«. 

– Bowlingtreff | Deutschland 2016 | R+B: Thomas 

Beyer & Adrian Dorschner | K: Simone Friedel, Anna 

Baranowski, Adrian Dorschner | 60 min | Leipzig Ende 

der 1980er Jahre. Die Altbauten der Innenstadt verfallen, 

die Plattenbausiedlungen am Stadtrand wachsen 

nicht schnell genug, um dringend benötigten Wohnraum 

zu schaffen. Kurz vor dem Ende der DDR gibt es 

für öffentliche Bauten keine Mittel mehr. Doch dann 

wird 1987 überraschend ein luxuriöses Bowling-Center 

eröffnet: der Bowlingtreff – ein außergewöhnliches 

Zeichen postmoderner Architektur, das mit der üblichen 

DDR-Formsprache nichts mehr zu tun hat. 

Samstag, 1. April 2017, 18.30 Uhr | Zu Gast: Margarete 

Fuchs, Thomas Beyer & Adrian Dorschner 

Mies van der Rohe | BRD 1968 | R+B: Georgia van 

der Rohe & Sam Ventura | K: Gus Papajohn | 40 min 

| Porträt Mies van der Rohes (1886–1969) von seiner 

Tochter, mit ausführlichen Interview-Passagen zur Theorie 

der Architektur und einem kursorischen Überblick 

über die Hauptwerke – vom Barcelona-Pavillon bis 

zur Neuen Nationalgalerie in Berlin. – Eero Saarinen 

– The Architect Who Saw the Future | USA 2016 | 

BATUSHAS HAUS

R+B: Peter Rosen | K: Eric Saarinen | 54 min | OF | Eero 

Saarinen (1910–1961) war einer der berühmtesten Architekten 

im Amerika der 1950er Jahre. Er orientierte 

sich zunächst stark an den streng kubischen Formen 

von Mies van der Rohe, ehe er im Lauf der Zeit zu einer 

ganz eigenen, expressiven Formsprache fand, zu einem 

»funktionalen Expressionismus«, der die Funktion eines 

Bauwerks durch seine Konstruktion zum Ausdruck 

bringen sollte. Saarinen modellierte seine Bauten wie 

Skulpturen. Saarinens Sohn, der Kameramann Eric 

Saarinen, porträtiert sie in atemberaubenden Bildern. 


Il Girasole - Una casa vicino a Verona (Ein Haus in 

der Nähe von Verona) | Schweiz 1995 | R+B: Christoph 

Schaub & Marcel Meili | K: Matthias Kälin | 15 

min | OmU | Ein Haus, das sich nach der Sonne richten 

kann: Die Villa Girasole, 1935 erbaut, kann sich mittels 

eines Motors 360 Grad um ihre eigene Achse drehen. 

Der Film evoziert die Zeit, in der dieser Bau entstanden 

ist. Man spürt die Faszination an der Technik und eine 

Verklärung der Neuen Welt, den Optimismus des späten 

italienischen Futurismus. – Batushas Haus | Schweiz 

2016 | R+B: Tino Glimmann & Jan Gollob | K: Royald 

Elezaj | 70 min | OmeU | Seit fünfzehn Jahren baut 

Kadri Batusha an einem wuchernden schlossartigen 

Haus in den Hügeln von Priština im Kosovo. Über 300 

Menschen leben in den bisher fertiggestellten Wohnungen. 

Mit all den Türmen, Treppen und Gängen bildet die 

ewige Baustelle die Komplexität des Zusammenlebens 

ab, aber auch Batushas Biografie – geprägt von Unabhängigkeitskampf, 

Gefängnis, Exil in der Schweiz und 

dem Krieg im Kosovo. 

Sonntag, 2. April 2017, 18.30 Uhr | Zu Gast: Tino Glimmann 

& Jan Gollob 

La madre, il figlio e l’architetto (Die Mutter, der 

Sohn und der Architekt | Niederlande 2012 | R+K: 

Petra Noordkamp | B: Maria Barnas | 16 min | engl. 

OF | Eine Untersuchung der Verbindungen zwischen 

metaphysischem Raum und der Alchemie einer Liebesbeziehung. 

– L’architecte de Saint-Gaudens (Der 

Architekt von Saint-Gaudens) | Frankreich 2015 | R: 

Julie Desprairies & Serge Bozon | B: Julie Desprairies | 

K: Céline Bozon | M+D: Mehdi Zannad | 28 min | OmeU 

| Ein Architektur-Musical. – A Man in Space No. 1 – 

Days of Zucco | Frankreich 2016 | R+B: Lucas Bacle, 

nach dem Stück »Roberto Zucco« von Bernard-Marie 

Koltès | K: Vincent Toujas | D: Thomas Barraud | 6 min 

| OmeU | Ein neuartiger Versuch der filmischen Visualisierung 

eines Gebäudes. Das Vertou Kulturzentrum, ein 

Beton-Massiv in einem dörflichen Vorort von Nantes. 

– Talking House | Frankreich 2016 | R+B: Elizabeth 

Lennard, nach dem Dialog »Maison en bord de mer« 

in »L’architecture vivante« von Eileen Gray & Jean 

Bado vici | K: Christophe Espenan | 42 min | engl. OF 

| Die Kamera führt uns durch die Villa E.1027, erbaut 

1926/29 an der Côte d’Azur von Eileen Gray & Jean 

Badovici. 



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A MAN IN SPACE NO. 1 – DAYS OF ZUCCO

Thomas Mauch zum 80. Geburtstag 

Thomas Mauch 

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Thomas Mauch, Edgar Reitz 

Ein Pferd und ein Pflug und ein weites Feld, Bauernhäuser 

mit alten Balken, Stühle, aufgeschichtet im 

Innenraum eines Klosters, Treppenhaus eines Klosters, 

darin ein verschüchterter alter Mann und eine Frau, 

die vor der Kamera in eine Ecke flüchten, während die 

Kamera sie gar nicht mehr beachtet, eine Stiege hinaufsteigt, 

weiter, dann der Innenraum eines barocken 

Gotteshauses, Prunk, gemalter Himmel, der sich öffnet, 

schließlich ein Flughafen, von dem gerade ein Jet aufsteigt, 

frontal in die Kamera hinein und über sie hinweg, 

und eine Rollbahn übrig lässt, von der man erfährt, 

dass auf ihr aufständische Bauern gestraft und getötet 

wurden, Untertanen des Klosters Roggenburg, vor 450 

Jahren. Was ich da beschreibe, ist aber nur die Hälfte 

der Bilder, die obere, denn die untere wird eingenommen 

von der Akte, die die Strafung und Tötung jener 

Bauern beschreibt, rechtfertigt, ihre Namen nennt, den 

ihrer Anführer, immer wieder darauf hinweist, dass sie 

Verbrecher waren, Aufrührerische, Kirchenschänder, 

Gotteslästerliche, schlechte Untertanen. 

STRAFPROTOKOLL ALLER UND JEDER UNTERTA- 

NEN DES ALLHIESIGEN REICHSGOTTESHAUSES ROG- 

GENBURG – der Titel ist noch länger, aber so habe ich 

ihn noch gerade behalten können – ist ein Film von 

10 Minuten Länge, den Thomas Mauch jetzt fertiggestellt 

hat. Schwarzweiß, 35mm. Thomas Mauch ist, wie 

manch einer weiß, der Kameramann von UNTER DEM 

PFLASTER IST DER STRAND und SHIRINS HOCHZEIT. 

Seit ich mit ihm zusammenarbeite, bin ich, sind meine 

Filme erfolgreicher. Der erste Spielfilm von Werner 

Herzog, LEBENSZEICHEN, ist von Thomas Mauch gedreht 

worden, und auch der erste große internationale 

Erfolg von Werner Herzog, AGUIRRE, DER ZORN GOT- 

TES, Kluges ARTISTEN IN DER ZIRKUSKUPPEL, seine 

GELEGENHEITSARBEIT und sein STARKER FERDINAND. 

Thomas Mauch ist, zumindest für Herzog, Kluge und 

mich, ein Kameramann, dem wir einen Teil unserer 

Identität als Filmmacher verdanken. Er macht so viele 

Filme für andere, und er macht sie mit so viel Einfühlung 

und Intensität, dass er gar nicht oder nur selten 

dazu kommt, selbst und sozusagen für sich einen Film 

zu machen. Und wenn er dann mal einen macht, hastig 

zwischen zwei Produktionen von Leuten, die mit Recht 

annehmen, dass sie ohne ihn nicht zurecht kommen, 

und man sieht dann als einer seiner Regisseure diesen 

Film eines Kameramannes, der jeden Film eines anderen 

mit gleicher Leidenschaftlichkeit, Sensibilität und 

mitunter auch Angst betreibt wie einen eigenen – dann

möchte man ihn eigentlich bitten, nicht mehr so viel 

für die andern und mehr für sich selbst zu arbeiten. 

(Den Film, den man selbst gerade demnächst vorhat, 

möchte man da natürlich ausschließen, den müsste er 

doch noch machen!) 

Denn Thomas Mauchs Film STRAFPROTOKOLL 

ALLER UND JEDER UNTERTANEN… ist, je öfter man 

ihn sieht, je länger man über ihn nachdenkt, ein Meisterwerk 

an Konzentration und Genauigkeit, und obendrein 

spielerisch. Was sich anfänglich ansieht wie 

ästhetisierende Effekthascherei, nämlich die Bilder von 

Landschaft, Höfen, Kloster mit der flatternden Akte im 

Vordergrund, erweist sich immer mehr als äußerste 

Verknappung dessen, was geschehen ist, an welchem 

Ort, unter welchen Bedingungen und mit welchen Folgen, 

mit einem gleichzeitigen Bezug auf die jetzige 

Situation des Ortes. Da sind keine Menschen außer 

diesen beiden flüchtenden Alten im Klostergang und 

der Silhouette des pflügenden Bauern auf dem weiten 

Feld zu Beginn, aber da sind Namen, die Namen des 

Strafprotokolls, und da ist der Ort des Geschehens, wie 

er heute da ist: also das, was uns von der Geschichte, 

deren Kinder wir sind, zurückbleibt. 

Gerade das Fehlen aber von Gesichtern zu den 

Namen lässt den Betrachter nach Gesichtern in seiner 

Phantasie suchen, während diese Namen verlesen 

werden: längst Gestorbene, die ersten Revolutionäre in 

Deutschland, Untertanen des Klosters Roggenburg, das 

dann von dem, was sie zahlen mussten an Geld und 

beweglichen Gütern und auch an Blut, sich satt fraß 

und ein schönes Gotteshaus davon baute. 

Da wird, in dieser äußerst kurzen Form, unendlich viel 

klar: ein Acker, der bebaut wird, und vor den eine Akte 

gehalten wird mit Namen derer, die diesen Acker bebaut 

haben, und dann das Kloster, dem sie sich widersetzten 

und das sie bestrafte und sich an ihrer Bestrafung 

bereicherte, und der Beton des Flughafens, der 

heute die Stelle überzieht, wo ihr Anführer getötet wurde, 

und immer davor die im Wind bewegte, sich entrollende 

Akte, Namen, Beschimpfungen der Aufrührer, 

Zeugnis der gefräßigen Verwaltung und Beherrschung 

von Menschen, die danach sich nie wieder aufgelehnt 

haben, die gerade hier, in der Gegend des Ulmer Horns, 

verdämmert sind bis heute, unfähig, einen zweiten Versuch 

der Gerechtigkeit zu machen. 

Einmal flattert Wäsche auf der Leine wie die Akte, die 

den ganzen Film über den Vordergrund des Bildes flatternd 

bedeckt: Spiel mit den Bildelementen, die so für 

Sekunden ihre Bedeutsamkeit aufheben, zu denen der 

Autor einen Augenblick lächelnde Distanz einnimmt und 

so den Vorwurf der Ästhetisierung ad absurdum führt. 

Thomas Mauch ist in dieser Gegend geboren. Und 

in dem Dialekt dieser Gegend, der auch die Sprache 

jenes vierhundertfünfzig Jahre alten Strafprotokolls ist, 

liest er selbst, zum Teil mit leidenschaftlicher Anteilnahme, 

dieses beständig ins Bild hineinragende Protokoll 

vor. Aber es ist zu spüren, dass seine Anteilnahme nicht 

den Anklagen des Klosters, sondern den Angeklagten 

gehört: Mitgefühl, Empörung, Aufsässigkeit bestimmen 

den Klang und den Rhythmus des Sprechens. Es ist aus 

diesem Film zu lernen, wie man in einer sehr kurzen 

Form ein großes Geschehnis darstellen kann, ohne eine 

seiner vielen Facetten außer Acht zu lassen. Es ist auch 

technisch etwas zu lernen: Vordergrund und Hintergrund 

haben die gleiche Schärfe, also sowohl die Akte 

als auch der Acker weit hinten, ein Verfahren, wie es 

sich Schüfftan, der große Kameramann der deutschen 

Stummfilmzeit, hätte ausgeknobelt haben können. 

Helma Sanders-Brahms (1976) 

Die Lebenszeit des Kameramannes und Filmemachers 

Thomas Mauch deckt zwei Drittel der Filmgeschichte 

ab: So jung ist der Film. Thomas Mauch war Kameramann 

von Werner Herzog, Edgar Reitz, Werner Schroeter 

und vielen anderen Regisseuren des Jungen Deutschen 

Films. Seine eigenen Arbeiten bilden ein unverwechselbares 

Werk. Kameramänner wie Michael Ballhaus und 

Thomas Mauch sind für die Filme ihrer Ära genauso 

wichtig wie die Regisseure, die üblicherweise in Zusammenhang 

mit berühmten Filmen genannt werden. Das 

Auge der Kamera ist unbestechlich und korrigiert immer 

wieder das menschliche Auge, das keine Brennweiten 

kennt und je nach Phantasie die Bilder, die es sieht, verändert. 

Noch unbestechlicher als die zahlreichen Optiken 

der elektronischen und der traditionellen Kameras ist 

aber das Auge jener Künstler, die die Kamera beherrschen. 

Wie Goya sagen sie: »Io lo vi«, »das habe ich gesehen«. 

Alexander Kluge (2017) 

Strafprotokoll aller und jeder Untertanen des allhiesigen 

Reichsgotteshauses Roggenburg | BRD 

1976 | R+B+K: Thomas Mauch | 11 min | Preisgekrönter 

Kurzfilm über die Geschichte eines Bauernaufstands, 

der 1525 von den Truppen des schwäbischen 

Bundes niedergeschlagen wurde. – Die Macht der Gefühle 

| BRD 1983 | R+B: Alexander Kluge | K: Thomas 

Mauch | D: Hannelore Hoger, Alexandra Kluge, Edgar M. 

Böhlke, Klaus Wennemann, Beate Holle, Paulus Manker, 

Barbara Auer | 115 min | »In DIE MACHT DER GEFÜHLE 

geht es um die subjektive Seite: den Antirealismus des 

Gefühls. Dies ist die Schatzkiste, aus der Menschen 

ihre Waffen holen, wenn sie sich wehren. Wenn eine 

Thomas Mauch 

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Thomas Mauch 

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Wirklichkeit mich als Menschen nicht achtet, wehre 

ich mich, indem ich sie leugne. Die Geschichten dieses 

Films, die ich besonders liebe, verbinden u.a. die Oper 

des 19. Jahrhunderts und das Kino, das man die Oper 

des 20. Jahrhunderts nennen kann.« (Alexander Kluge) 

Mit keinem anderen Filmemacher hat Thomas Mauch 

über die Jahrzehnte seines Schaffens als Kameramann 

so oft zusammengearbeitet wie mit Alexander Kluge, 

dessen Kino- und Kurzfilme er nahezu allesamt stilistisch 

entscheidend geprägt hat. 

Donnerstag, 6. April 2017, 19.00 Uhr | Zu Gast: Thomas 

Mauch, Alexander Kluge 

Nel regno di Napoli (Neapolitanische Geschwister) | 

BRD 1978 | R: Werner Schroeter | B: Werner Schroeter, 

Wolf Wondratschek | K: Thomas Mauch | M: Roberto 

Predagio | D: Romeo Giro, Tiziana Ambretti, Antonio 

Orlando, Maria Antonietta Riegel, Cristina Donaldio, 

Dino Melé, Renata Zamengo | 136 min | ital. OmU | 

»Über dreißig Jahre, von Kriegsende 1944 bis in die 

unmittelbare Gegenwart, verfolgt Schroeter in NEL 

REGNO DI NAPOLI die verschiedenen Schicksale einer 

Hausgemeinschaft aus dem Armenviertel Neapels. Wie 

selbstverständlich rundet sich da die Beschreibung dieser 

seltsamen, faszinierenden Stadt zu einem großen, 

sehr präzisen, ganz eigentümlichen und doch allgemeingültigen 

Lebensbogen. Ganz mühelos werden hier 

Geburt und Tod, Überlebenskampf und der Verlust von 

Liebe und Würde, Politik und Privatleben miteinander 

verknüpft zu einer Geschichte von großem Atem. Das 

Herrlichste aber an diesem Film, der sich gewiss nicht 

um die Schattenseiten herumdrückt, ist die ungeheuerliche, 

fast einmalige Zärtlichkeit der Bilder.« (Peter 

Buchka) Thomas Mauch erhielt für seine Kameraarbeit 

1979 den Bundesfilmpreis. 

Freitag, 7. April 2017, 21.00 Uhr | Zu Gast: Thomas 

Mauch 

Shirins Hochzeit | BRD 1976 | R+B: Helma Sanders-Brahms 

| K: Thomas Mauch | M: Zülfü Livaneli 

| D: Ayten Erten, Jürgen Prochnow, Aras Ören, Aliki 

Georgoulis, Jannis Kyriakidis | 120 min | Shirin, eine 

junge Türkin aus Anatolien, flieht vor einer Zwangsheirat 

ins unbekannte Deutschland, nach Köln. »Verbündete 

findet die Verlorene im gelobten, verlogenen 

Land nur bei ihresgleichen: Die Türkinnen im Heim erklären 

ihr Fließwasser und Lippenstift, eine schwangere 

Griechin streichelt sie, ihre einzige Vertraute ist Helma 

Sanders. Denn die Autorin spricht leitmotivisch durch 

den ganzen Film mit ihrer Heldin und spricht ihr zu – 

Berichterstatter, Seelsorger, Ankläger in einem. Der 

Film ist aggressiv. Seine geholperten Dialoge, keine 

glatten Wortwechsel, erzwingen Zeit zum Nachdenken; 

das originale Türkisch, in Untertiteln übersetzt, macht die 

Sprachbarrieren auch sichtbar. Der Film ist aber auch 

weich. In seinem altmodischen Schwarzweiß, das die 

Kontraste, erstaunlich genug, mehr mildert als schärft, 

in seiner kargen Kameraführung ohne die Mätzchen der 

Routiniers, mit seinen vielen in der Türkei aufgenommenen 

Standfotos beansprucht und erfüllt er die Schmucklosigkeit 

eines Dokumentarberichts.« (Klaus Umbach) 

Samstag, 8. April 2017, 21.00 Uhr | Zu Gast: Thomas 

Mauch 

Letzte Worte | BRD 1968 | R+B: Werner Herzog | K: 

Thomas Mauch | 13 min | griech. OmU | Zwei Polizeibeamte 

erzählen von einem alten Mann, der jahrelang 

auf einer einsamen griechischen Insel gelebt hat und 

schweigt: »Ich rede nicht, das ist mein letztes Wort!« 

– Die Achse | BRD 1985 | R+B+K: Thomas Mauch | 

D: Michael Weber | 32 min | Ein Erlass des Reichspro - 

pa gan daministeriums schreibt vor, deutsche Truppenbewegungen 

nur von links nach rechts zu filmen, damit 

eine Vorwärtsbewegung suggeriert wird. Thomas 

Mauchs Satire zeigt die Probleme eines PK-Kamera- 

manns, der in der endlosen russischen Landschaft 

vergeblich den richtigen Standpunkt für seine Kamera 

sucht, um einen Großangriff zu filmen. – Tod eines Vaters 

| BRD 1978 | R+B: Thomas Mauch | K: Wolfgang 

Knigge | D: Marianne Hoppe, Miguel Herz-Kestranek | 

47 min | An Heiligabend besucht der erwachsene Sohn, 

ein Fotograf, seine Mutter in ihrem großbürgerlichen 

Heim. Der kürzlich verstorbene Vater ist omnipräsent, 

es kommt zu Vorwürfen und gegenseitigen Verletzungen. 

Von dem beklemmenden, in Schwarzweiß gefilmten 

Mutter-Sohn-Kammerspiel hat nur eine Arbeitskopie 

überlebt, die für die Vorführung digitalisiert wird. 

Samstag, 9. April 2017, 21.00 Uhr | Zu Gast: Thomas 

Mauch

Carte blanche à Helmut Färber 

Aufmerksamkeit 

Es gibt heutzutage sicherlich keinen Autor bei uns, dem 

es wie Helmut Färber gelingt, beim Schreiben über Kino 

einen unverwechselbaren eigenen Blick und eine ebensolche 

Sprache zu kreieren. »Es ist eigentlich maßlos 

erstaunlich«, schrieb Färber im Jahre 1965, »dass die 

deutsche Filmkritik es noch immer für ihre wichtigste 

Aufgabe hält, die jeweils neuesten Filme zu beurteilen. 

Denn: sofern sie sich mehr zutraut und abverlangt, als 

den Betrieb mit einer wirren Folge von Seufzern und 

Juchzern zu begleiten, Sonderform der Reklame, die 

gegenwärtig noch beliebte kulturelle Note – sofern sie 

anderes sein will als ihre Parodie, ist dies Verfahren 

völlig ungenügend.« Und in der Tat hat Färber diesen 

seinen Einwand gegen die Aktualitätsfokussierung und 

deren Kurzatmigkeit stets berücksichtigt. Im Gegensatz 

dazu ist sein Filmschreiben immer auch Erinnerungsarbeit 

gewesen, Bewusstmachung des Gespräches, das 

Filme und Menschen über Zeiten hinweg miteinander 

führen. 

Einer größeren Öffentlichkeit dürfte Färber erstmals 

als Autor der Filmkritik aufgefallen sein. Diese Zeitschrift, 

Ende der 1950er Jahre von einem Kreis junger 

Intellektueller gegründet, war wichtig in jener Zeit, als 

Westdeutschland von der in jeglicher Hinsicht miefig 

provinziellen Kulturpolitik unter dem Bundeskanzler 

Konrad Adenauer und seinen Nachfolgern geprägt wurde. 

Dagegen schrieb die Filmkritik an, war widerständig, 

horizonterweiternd, Vorreiter bei der Vermittlung 

des internationalen Kinos der Autoren. So etwa stellte 

man sich früh und entschieden auf die Seite der damals 

noch heftig umstrittenen französischen Nouvelle vague 

– und setzte sich somit auch für ein Kino ein, das seine 

Geschichte und seine Mittel reflektierte. 

Sorgfalt 

Die Filmkritik musste ihr Erscheinen im Jahre 1984 

einstellen. Als geraume Zeit später ein Essay Färbers in 

der Frankfurter Rundschau erschien, hieß es in dem von 

einem ihrer Redakteure verfassten Vorspann, Färber 

lebe im Verborgenen und schwiege. Was ganz falsch 

war und ist, denn Färber hat bis heute stetig und vernehmlich 

weitergewirkt in Sachen Film. Zu seinen Gebieten 

gehören: Das Edieren von Büchern (wunderbar 

erhellend etwa der 1977 erschienene Band über den 

Zusammenhang zwischen der jahrhundertealten Baukunst 

und dem noch jungen Film – immer aufs neue 

unsere Kinowahrnehmung erweiternd seine Bücher 

über einzelne Werke – oder auch einzelne Sequenzen 

– von Regisseuren wie D.W. Griffith, Mizoguchi Kenji, 

Ozu Yasujirō). 

Unbedingt erwähnt werden muss Helmut Färbers zuletzt 

erschienenes Buch über Jean Renoirs UNE PARTIE 

DE CAMPAGNE (1937), worin sein schauendes Eindringen 

in das Herz von Filmen zur vollen Entfaltung kommt. 

Das beginnt damit, dass im ersten Kapitel Renoirs Film 

Einstellung für Einstellung, Dialogsatz für Dialogsatz 

nacherzählt wird (dazu sind zahlreiche Einstellungen 

abgebildet). So lässt Färber einen Film für sich selbst 

sprechen, und erzeugt beim Leser jene Aufmerksamkeit, 

die hilft, die Künste des Regisseurs, aber eben 

auch die der Schauspieler, des Kameramanns, des 

Drehbuchschreibers, ja sogar der Beleuchter, besser 

in den Blick zu bekommen. Ferner sind Färbers Sätze 

präzise, aber niemals pedantisch. Stets lässt er einen 

Frei- und Denkraum, wissend, dass selbst die allergrößte 

Wortkunst nicht vollends zu fassen vermag, was 

das Faszinierende eines visuellen Werkes ausmacht 

(bzw. sogar in Gefahr ist, das Eigene des Visuellen zuzuschütten). 

Oftmals vergehen zwischen den Erscheinungsdaten 

dieser Bücher etliche Jahre. Wesentlicher Grund dafür: 

Färber verwendet derart viel Sorgfalt sowohl auf textliche 

als auch gestalterische Details, dass die Verlage 

abwinken und der Filmforscher sie selbst zur Erscheinung 

bringen muss. 

Freundschaft 

Färbers zweites Gebiet: das Lehren an den Filmhochschulen 

von Berlin, München und Wien (in einem seiner 

Bücher dankt er explizit allen Teilnehmern seiner 

Seminare, mehr noch: Er macht das Buch als Resultat 

der Erfahrungen gemeinsamen Sehens, Entdeckens, 

Lebens mit den Filmen kenntlich). 

Und schließlich ist da die Literatur. Als man Färber 

1994 den Petrarca-Preis, eine literarische Auszeichnung, 

verlieh, bemerkte der Laudator Peter Handke: 

»Färbers Sprache handelt vor allem in Paris, in einer 

ganz neuartigen Gemeinsamkeit von Innen- und Außenräumen, 

Erde und Unterirdischem, Jetzt und den 

Jahrtausenden.« Was Handke mit diesen Worten lobte, 

sind Skizzen, die ab 1988 fortlaufend unter dem Titel 

»Das Grau und das Jetzt« in Akzente und anderen Zeitschriften 

erschienen waren. Darin hielt Färber, inspiriert 

wohl von schreibenden Flaneuren wie Walter Benjamin, 

Franz Hessel, Siegfried Kracauer, seine Erkundungen 

der Stadtlandschaften von Berlin, Paris, München oder 

Rom fest. Texte, die weit über das Gebiet des Films 


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TOUTE RÉVOLUTION EST UN COUP DE DÉS 

hinausdrängen, in denen dieser aber dennoch stets 

präsent ist. Einmal in der Art, wie Färber die Oberflächenerscheinungen 

der Dinge gleichsam wie mit einem 

Kameraauge ertastet. Zum anderen ist seine Sprache 

von Cuts durchsetzt, macht auf diese Weise beständig 

ungesehene, unvermutete Zusammenhänge sichtbar. 

Acto da Primavera (Der Leidensweg Jesu in 

Curalha) | Portugal 1963 | R+B: Manoel de Oliveira, 

nach dem Passionsstück »Auto da Paixão« von Francisco 

Vaz de Guimarães | K: Manoel de Oliveira | D: 

Nicolau Nunes da Silva, Ermelinda Pires, Maria Madalena, 

Amélia Chaves, Luís de Sousa | 94 min | OmeU | 

Jedes Jahr führen die Bauern aus dem Dorf Curalha in 

der Region Trás-os-Montes in der Karwoche den Leidensweg 

Jesu auf. Oliveira stellte die Aufführung der 

Passionsgeschichte für seinen Film nach und integrierte 

die Dreharbeiten, das Filmteam und Szenen aus dem 

dörflichen Alltag ins Spiel. »Die Passion ist hier unmittelbare 

Repräsentanz. Es ist eine Welt, in der Biblisches 

unverstellte Wirklichkeit ist. Der leidende Mensch ist 

tatsächlich Christus und das Brot, das gebrochen wird, 

sein Leib, denn er hat ihn aufgezehrt bei der Mühsal 

seiner Gewinnung. Der Film ist ein Lehrstück über Religion. 

Und auch ein ethnographischer Film, von dem 

alle etwas lernen können. Auch diese Armen-Passion 

zehrt vom Matthäus-Evangelium. Jahrhunderte der 

Elendserfahrung sind in die weltliche Seite der Passion 

eingeflossen. Vom Krieg ist gleich zu Anfang die Rede. 

Geld und die Ränke der Mächtigen, von weltlicher und 

geistlicher Macht, geben dieser Passion eine Sprengkraft, 

die Oliveira genau erfasst, wenn er den Film mit 

Guernica und Hiroshima enden lässt: Krieg und Zerstörung 

als ultima ratio der Macht.« (Thomas Brandlmeier) 

Freitag, 14. April 2017, 21.00 Uhr | Einführung: Thomas 

Brandlmeier 


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Für Helmut Färber gibt es eine kleine Riege Filmemacher, 

die in jeder Hinsicht unzweifelhaft sind, an 

die man sich halten kann. Ozu Yasujirō gehört dazu, 

Danièle Huillet & Jean-Marie Straub, Jean Renoir. Und 

auch die in der von ihm nun erstellten kleinen Reihe: 

Erich von Stroheim, Manoel de Oliveira und Gerhard 

Benedikt Friedl. Doch Färber findet kein Genügen darin, 

irgendwelche Meister, Stars oder gar Ruhm anzubeten. 

Worum es ihm geht, hat er einmal in die folgenden 

Worte gekleidet: mehrere Filme von Jean Renoir 

kurz hintereinander zu sehen, sei gleichbedeutend mit 

einem Besuch bei ihm und seinen Freunden; man sitze 

in einem weiten, hellen Raum zusammen, wo der Regisseur 

bei Rotwein, frischem Brot und Trauben erzähle. 

Filme als Freunde, die uns auf unserem Weg begleiten, 

uns im Miteinander beseelen, klüger machen, die Sinne 

erfreuen. Es mag noch viele andere Auffassungen der 

Wesenszüge des Kinos geben, eine schönere als bei 

Helmut Färber findet man indes nicht. 

 

Michael Girke 

Queen Kelly | USA 1928 | R+B: Erich von Stroheim, 

nach seiner Erzählung »The Swamp« | K: Gordon Pollock, 

Paul Ivano | M: Adolf Tandler | D: Gloria Swanson, 

Walter Byron, Seena Owen, Wilhelm von Brincken, 

Wildon Benge | 96 min | OF | »Ein geniales Fragment 

von 100 Minuten, ein Drittel des geplanten Ganzen. Auf 

Betreiben Gloria Swansons, des schockierten Stars, der 

den zweiten Teil des Films im afrikanischen Bordell als 

›widerwärtige, apokalyptische Vision der Hölle auf Erden‹ 

befindet, werden die Dreharbeiten abgebrochen. 

Was verbleibt, ist Akt eins. Der kranke Kosmos des 

europäischen Adels, dessen sexuelle Dekadenz und 

perversen Luxus Stroheim mit rücksichtslos kaltem 

Auge gleichsam durchs Vergrößerungsglas betrachtet: 

exakt, isoliert, grotesk und funkelnd im Glanz eines 

phantastischen Hyperrealismus.« (Harry Tomicek) – 

Hat Wolff von Amerongen Konkursdelikte begangen? 

| Deutschland 2004 | R+B+K: Gerhard Benedikt 

Friedl | 73 min | »Ein hypnotisches Vexierspiel an der 

Schnittstelle von Dokument, Essay und pulp fiction 

facts. Auf der Tonspur: eine in gnadenlos ›objektivem‹ 

Duktus vorgetragene Erzählung von den labyrinthischen 

Genea logien, verbrecherischen Verstrickungen 

und Gebrechen deutscher Wirtschaftsdynastien im 20. 

Jahrhundert. Im Bild: bestechend kadrierte Aufnahmen, 

meist Schwenks und Fahrten durch europäische 

Finanzzentren, Produktionsstätten und Landschaften. 

Manchmal kommen Bild und Ton zur Deckung, manchmal 

verfehlen sie sich knapp. Stets legen sie Zusammenhänge 

nahe.« (Christoph Huber) 

Donnerstag, 27. April 2017, 19.00 Uhr

Mit Kafka im Kino 


DEN HVIDE SLAVEHANDELS SIDSTE OFFER – DIE WEISSE SKLAVIN 

Über Geschichtsbilder und Bildergeschichten 

Es gibt viele Wege, sich Kafkas Welt zu nähern. Es ist 

die Welt eines niedergehenden Kaiserreichs und der 

Entstehung neuer Nationalstaaten in Mitteleuropa, die 

Welt folgenschwerer mechanischer und chemischer 

Ingenieursleistungen – produktiver wie destruktiver Art 

(Maschinenbau, Baukultur, Vernichtungswaffen) – und 

zahlloser Patente, die Welt der elektrischen Jahrzehnte 

und der mit ihnen verschwisterten Massenmedien 

(Telefonie, Telegrafie, Audiografie, Kinematografie), die 

Welt wachsender Unfallrisiken und neuer Unfalltypen im 

zivilen und von Massenvernichtungen im militärischen 

Bereich – in einem Ausmaß, dass der Grundgedanke 

gegenseitiger Hilfe, also von Versicherung und Rückversicherung 

zum ersten Mal prekär ins Wanken gerät. 

In dieser Welt zählte Franz Kafka zu den führenden Versicherungsjuristen 

seiner Zeit. Wer auf diese Welt unter 

dem Gesichtspunkt einer potentiellen Gefahrenquelle 

blickt, in der Menschen mit Menschen und zunehmend 

mit Maschinen kollidieren, wird das Kino, das traumwandlerisch 

aus dieser Sphäre nicht nur seine Stoffe 

holt, sondern selbst ein Spektakel von (mechanischen 

wie psychischen) Kollisionen ist, mit ganz anderen Augen 

sehen als ein weniger mit Versehrungen, Unfällen 

und irreparablen Schäden befasster Beobachter. 

Das Bild oder die Bilder aber, die uns diese gewesene 

Welt hereinspiegeln und nach denen unsere Phantasie 

geformt ist, verdanken wir neben amtlichen, literarischen, 

diaristischen und brieflichen Quellen vor allem 

der Fotografie und nicht zuletzt dem Film. Das Kino besitzt 

die schwer zu beschreibende, aber unabweisbare 

Macht eines Orakels. Meist erkennen wir die Tiefenwirkung 

seiner Bilder nur bruchstückhaft; wir überlassen 

uns ihnen, werden von ihnen, ganz individuell, mitgenommen 

und ergriffen: wie in Trance. Doch wenn man 

auf eine ganze Epoche, wie den frühen Stummfilm der 

späten Zehnerjahre zurückblickt – oder auf das, was 

wir davon noch mittel- oder unmittelbar davon besitzen 

–, taucht die Physiognomie eines Zeitalters auf, das 

sich hinter unserem Rücken zu einem Geschichtsbild 

geformt hat. 

»Filmlückengeschichte« 

Es kann nicht schaden, daran zu erinnern, wie wenig 

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vom historischen Filmbestand überliefert und erhalten 

ist, weil dessen Wahrung und Sicherung gerade 

in Deutschland ganz offenbar keine kulturpolitische 

Priorität besitzt – wie dies beispielsweise in Frankreich 

seit langem der Fall ist. Das Fehlen einer umfassenden 

und finanziell gesicherten Perspektive – das Zelluloid 

wartet nicht auf Rettung, es zerfällt einfach nach einer 

gewissen Zeit – ist umso paradoxer, als die technischen 

Möglichkeiten der digitalen Erfassung und Konservierung 

in den letzten Jahrzehnten sprunghaft angewachsen 

sind, während eine entsprechende Entschließung, 

die dringlich gebotene Rettung umfassend in Angriff zu 

nehmen, weit hinterher hinkt. Klaus Kreimeier bringt es 

auf den Punkt: »Über Werke der Literatur oder der bildenden 

Kunst lässt sich, wenn auch mit Verlusten, kontextfrei 

reden, über Filme nicht. Wie und warum Filme 

entstehen, warum sie bejubelt oder geschmäht werden 

– all dies ist subtil vernetzt mit dem gesellschaftlichen 

Nervensystem. Kommerz und Profitgier sind der Treibstoff, 

der die faszinierende Maschine in Gang hält, und 

nicht selten sind es Skandale, die das Selbstbild und 

die Verfassung des Kollektivs grell beleuchten... Es gibt 

nichts wegzuwerfen. Eine Selektion darf nicht stattfinden, 

von unserer frühen Filmgeschichte ist ohnehin nur 

ein kleiner Bruchteil erhalten.« 

Wenn Fritz Güttinger in den siebziger Jahren von einer 

»Filmlückengeschichte« gesprochen hat, so ist diese 

resignative Feststellung – vor allem im Hinblick auf den 

Stummfilm – heute mehr denn je als eine Aufforderung 

zu verstehen, diese Lücke nicht noch größer werden 

zu lassen, indem man beispielsweise aufgrund sehr 

zweifelhafter Bewertungen zwischen erhaltenswerten 

und weniger erhaltenswerten Filmen unterscheidet. Die 

›Schundfilms‹ von 1913 sind nicht minder aufschlussreich 

als vermeintlich höher zu bewertenden ›Kunstfilme‹. 

Und warum sollte man Peter Altenberg und Franz 

Kafka, deren Literatur bis heute geschätzt werden, auf 

einmal der Naivität zeihen, wenn es ums Kino geht? 

»Ich ruhe mich vor den Plakaten aus« 

Die alltägliche Wahrnehmung vordem vertrauter Räume 

veränderte sich vor allem in den Städten mit der Mechanisierung 

des Verkehrs rapide. Die Stadt verwandelt 

sich zum Resonanzkörper vielfältiger Synästhesien. 

»Die Pneumatiks rauschen auf dem nassen Asphalt 

wie der Apparat im Kinematographen«, notieren die 

Reisenden Franz Kafka und Max Brod. Der Wechsel von 

dem anthropologischen Medium des Gehens in das 

motorisch-mechanische des Transports (der ja auch 

einer vom Land in die Stadt ist) zeitigt eine ganz eigene, 

neue Form wahrnehmungsaktiver Passivität, für die 

es kein Vorbild gab. Mit der Mechanisierung ist auch 

die Typographie in den Stadtkörper eingedrungen, sie 

oszilliert zwischen Litfaßsäule, riesiger Plakatwand und 

Mauerinschrift und schiebt ihre lettristische Fläche wie 

eine Großprojektion vor die historischen Attraktionen. 

Franz Kafka, der für maschinengesteuerte Prozesse ein 

sehr aufmerksames Sensorium und über eine ungemein 

austarierte Sprache gebot, beschreibt – in einem Brief 

an seine Berliner Verlobte Felice Bauer – die Fahrt mit 

der Tram durch seine Stadt als einen Flug. Er blättert 

förmlich durch das Buch der an ihm vorübergleitenden 

Stadt: »Meine Zerstreutheit, mein Vergnügungsbedürfnis 

sättigt sich an den Plakaten von meinem gewöhnlichsten 

innerlichsten Unbehagen, von diesem ewigen Gefühl 

des Provisorischen ruhe ich mich vor den Plakaten aus, 

wenn ich von den Sommerfrischen, die ja schließlich 

doch unbefriedigend ausgegangen sind, in die Stadt 

zurückkam, hatte ich eine Gier nach Plakaten und von 

der Elektrischen, mit der ich nachhause fuhr, las ich im 

Fluge, bruchstückweise, angestrengt die Plakate ab, an 

denen wir vorüberfuhren.« Ein erstaunliches Stück unverhüllten 

Genusses (der auf die habituelle Enttäuschung 

des Wochenendurlaubs folgt!) wird hier entfaltet. Dieser 

im Zustand angestrengter Passivität erreichte Genuss 

ist doppelt, und diese Verdoppelung kann nur durch den 

»Flug« der Tram erreicht werden. Die Elektrische, wie 

sie genannt wurde, erfüllt die Funktion eines traveling

im Film: Wie eine Kamerafahrt auf Schienen mutet das 

Wiedereintauchen in die Stadt an. 

Diese Plakate sind potenzierte Schaufenster, sie senden 

ebenso triviale wie verheißungsvolle Signale aus, heißen 

sie nun DER ANDERE oder TREFF-BUBE oder SKLAVEN 

DES GOLDES oder KATASTROPHE IM DOCK. Sie sind 

plakative und extrem attraktive, zu Titeln komprimierte 

Verdichtungen von faits divers, – dem Stoff, aus dem das 

Kino gemacht ist und die von süchtigen »Zeitungsfressern« 

wie Kafka und Joyce besonders geschätzt werden. 

Diese Appelle aufzuschnappen, auswendig zu lernen und 

für sich weiter zu spinnen, entschädigt für die Enttäuschung 

der Sommerfrische. 

Es war nicht Kafka allein, der die Fahrt mit der Elektrischen 

oder mit dem nächtlichen Taxi in den besonderen 

Rang einer potenzierten Wahrnehmung erhoben hat. 

In seiner ersten erhaltenen Notiz zum Kino und zum 

Kinogehn – Kino hieß und heißt (?) immer Kinogehn, 

das sollte nicht vergessen werden –, einer Rohrpost-Karte 

an Max Brod vom Oktober 1908, ist diese 

rasante Fahrt gewissermaßen kinematografisch objektiviert. 

Er beschwört den Freund, dass wir lang und 

oft den Kinema, die Maschinenhalle und die Geishas 

zusammen ansehen müssen. Die Rede ist von der Prager 

Ausstellung für Gewerbe und Industrie anlässlich 

des 60-jährigen Jubiläums der Thronbesteigung von 

Kaiser Franz Joseph. Der tschechische Filmpionier Jan 

Kříženecký zeigte dort unter anderem in einem eigenen 

Messe-Palast die Fahrt einer Tram, die über die 

Czech-Brücke nach Prag hineinfährt. Und noch heute 

kann man sich der unmittelbar einsetzenden Trance, 

welche dieser kurze Film »im Fluge« auslöst, nicht entziehen. 

Man könnte von Kafkas brieflicher Erwähnung 

der »Elektrischen« (1913) auf eine fünf Jahre zurückliegende 

Erinnerung zu dem Film Kříženeckýs schließen 

– als sei er durch dessen unbeschwertes, gleitendes 

traveling zur Formulierung seiner eigenen Wahrnehmung 

inspiriert worden. 

Der erstarrte Zuschauer 

Vieles an Kafkas verstreuten Notizen zum Kino(gehn) 

ist ein heftiger Abdruck, ein Echo des meist unmittelbar 

Erlebten und Gesehenen. In ihrer elliptischen Knappheit 

sind sie Traumresten vergleichbar. Die einzige ausführlichere 

und zusammenhängende Betrachtung – ein 

Wort, das auch seinem ersten Prosaband vorangestellt 

ist – gilt weniger dem Kino als dem Kaiserpanorama. 

Kafka schätzt dieses schon aus der Mode gekommene 

Medium der plastischen Fotografie, weil hier die Bilder 

»lebendiger als im Kinematographen« seien, hingegen 

herrsche bei diesem »die Unruhe der Bewegung«; 

schließlich phantasiert er – wie schon vor ihm Peter 

Rosegger und auch aus rein kommerziellen Gründen 

der Erfinder des Kaiserpanoramas selbst – eine »Vereinigung 

von Kinema und Stereoskop«, mithin eine noch 

sehr viel weiter gehende Entrückung ins noktambule 

Abenteuer. 

Kafka registriert sehr genau die paradoxe Macht des 

Kinos: Ungeachtet des unbestreitbar trivialen Realismus, 

der leicht durchschaubaren Machart des Ganzen 

– Kafka spricht einmal von »alten Filmerfindungen« –, 

gelingt dem Kino mithilfe der überlebensgroßen Projektion 

im künstlich verdunkelten Raum eine bis dahin 

ungeahnte Überwältigung; diese ist so stark, dass sie, 

wie Kafka schreibt, die Zuschauer erstarren lässt. Die 

Ähnlichkeit mit Traumgesichten ist naheliegend und 

gleichzeitig irreführend, naheliegend weil das onirische 

Moment, der Tagtraum, sich ähnlich schwer resümieren 

und ›festhalten‹ lässt wie der Film, irreführend, weil 

der Tagtraum ein extrem individualisiertes, inneres Erlebnis 

ist, das ich mit anderen, im Gegensatz zum Film, 

nie werde teilen können. Ähnlich wie eine plötzlich hereinbrechende 

Naturerscheinung ist das Kino imstande, 

zu rühren, zu verwirren und zu überwältigen. Eine erste 

Demonstration dieser Überwältigungsmacht hat in Prag 

Rabbi Löw geliefert, als er Kaiser Rudolf II. und seinen 

Hof mit einer machtvollen Projektion der Laterna magica 

in Angst und Schrecken versetzte. 

Gegen diese flüchtigen Bilder, die ähnlich wie die Tageszeitungen 

eine rasch vergängliche Ware waren, 

mobilisiert Kafka den Depeschen- und des Telegrammstil, 

eine Rhetorik, die versierten Briefstellern im letzten 

Jahrhundert durchaus geläufig, ja gewissermaßen zur 

zweiten Sprachnatur geworden war. Mit stenografischer 

Ökonomie und mit einem untrüglichen Gespür für 

die Pointe – »Street full of water. Please Advise«, so das 

Telegramm von Robert Benchley bei seinem ersten Venedigbesuch 

– werden das flüchtige, das fliehende Bild 

und dessen unmittelbare affektive Wirkung »festgehalten«: 

»Im Kino gewesen. Geweint. Lolotte. Der gute 

Pfarrer. Das kleine Fahrrad. Die Versöhnung der Eltern. 

Maßlose Unterhaltung.« Das Wechselbad der Gefühle 

setzt sich sogleich fort: »Vorher trauriger Film DAS UN- 

GLÜCK IM DOCK, nachher lustiger ENDLICH ALLEIN.« 

Das Gelobte Land – aus der Ferne 

Doch der Film hört mit beendeter Projektion nicht auf 

und so wird auch noch das unfreiwillige und mitunter 

schmerzhafte Erwachen aus einem Tagtraum beim 

Verlassen des Kinos festgehalten: Bin ganz leer und 

sinnlos, die vorüberfahrende Elektrische hat mehr 

lebendigen Sinn. (Roland Barthes hat diesem langen 


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Augenblick der Trance ein schönes Denkbild gesetzt.) 

Was einmal dem enttäuschten Sommerfrischler »im 

Fluge« gelungen war, mit Hilfe der »Elektrischen« die 

Zeichen der Stadt wie eine Kamera (in sich) aufzunehmen 

und diese Fahrt als ein euphorisches Kino und 

einen spontan entstehenden und vergehenden Film 

zu erleben oder im bloßen Geräusch der Autoreifen zu 

halluzinieren, schlägt in tiefe Niedergeschlagenheit um. 

Kafka verharrt und resigniert vor der vorüberfahrenden 

Elektrischen – so wie Jahre zuvor die Zuschauer angesichts 

des vorbeifahrenden Zugs erstarrt sind. 

Oder er steigert diese Verknappung zu einem Dramolett, 

nicht unähnlich den Nachrichten zu drei Zeilen des 

Kunstkritikers und Journalisten Félix Fénéon. Kafka: 

»Heute abend mich vom Schreiben weggerissen. Kinematograf 

im Landestheater. Loge. Frl. Oplatka, welche 

einmal ein Geistlicher verfolgte. Sie kam ganz naß von 

Angstschweiß nachhause. Danzig. Körners Leben. Die 

Pferde. Das weiße Pferd. Der Pulverrauch. Lützows wilde 

Jagd.« Dicht gedrängt hasten die Nomina hintereinander 

her und werden allein durch die Interpunktion 

arretiert – und beschleunigt, ganz im Stil expressionistischen 

Staccatos. Kafka parodiert diese Rhetorik. 

Es liest sich wie ein Gedächtnisprotokoll von Zwischentiteln. 

Zu äußerster Knappheit verdichtet und ex negativo als 

Kommentar zu lesen, ist eine der letzten Erwähnungen 

eines Kinobesuchs: »Nachmittags Palästinafilm« 

schreibt er am 23. Oktober 1921. Bezeichnenderweise 

notiert er nicht den eigentlichen Titel dieses zionistischen 

Propagandafilms – SHIWAT ZION – der auf 

Betreiben der Zeitschrift Selbstwehr – aus berechtigter 

Angst vor antisemitischen Störern – nur in geschlossenen 

Vorführungen gezeigt wurde. Er blickt auf diesen 

Film wie Moses auf das Gelobte Land. Er wird es nicht 

betreten, sondern in ›sein‹ Jerusalem, nach Berlin zu 

seiner Verlobten Dora Diamant ziehen. Und von dort 

schreibt er an sein früheres Hausmädchen nach Prag, 

das zur Zeit einzige Sehenswerte in Berlin sei THE KID 

von Chaplin. 

Hanns Zischler 

In Zusammenarbeit mit dem Tschechischen Zentrum in München 

und dem Galiani-Verlag in Berlin. Ermöglicht durch die Unterstützung 

der Kulturstiftung des Bundes. 

Kafka | USA 1991 | R: Steven Soderbergh | B: Lem 

Dobbs | K: Walt Lloyd | M: Cliff Martinez | D: Jeremy 

Irons, Theresa Russell, Joel Grey, Ian Holm, Jeroen 

Krabbé, Armin Mueller-Stahl, Alec Guiness | 98 min | 

OmU | »Die expressionistische Ästhetik des Stummfilms 

wird Material, mit dessen Hilfe Soderbergh eine 

Geschichte erzählt, die Kafka hätte erfunden haben 

können. Denn Soderberghs Film ist zunächst ein ganz 

simpler Krimi. Menschen verschwinden und werden ermordet. 

Und Kafka, alles andere als ein Detektiv, findet 

in unschuldiger Anteilnahme ein Terrorsystem, dessen 

Herren im Schloss sitzen, im Hradschin, der sich wie 

ein ferner Gott über den Gassen erhebt. Soderberghs 

Collage aus Historie, Realfiktion und Kafkas Personal 

dient dazu, diesem Krimi eine Bühne zu verschaffen, 

wie sie artifizieller wohl kaum ein Krimi je gehabt 

hat. Alec Guinness als Abteilungsdirektor und Armin 

Mueller-Stahl als Inspektor: Selbst in den Nebenrollen 

ist Soderberghs Film perfekt.« (Ulrich Greiner) 

Dienstag, 18. April 2017, 18.30 Uhr Sonntag, 

23. April 2017, 21.00 Uhr 

Kafka geht ins Kino | 120 min | Hanns Zischler spricht 

anlässlich der erweiterten Neuauflage seines Buches 

»Kafka geht ins Kino« (Verlag Galiani Berlin, 2017) und 

der in Zusammenarbeit mit dem Filmmuseum München 

entwickelten DVD-Edition »Kafka geht ins Kino« 

(Edition Filmmuseum 95) über Franz Kafkas Beziehungen 

zum Medium Film und den Einfluss des Kinos 

auf sein Schreiben. Er liest Passagen aus den Texten 

von Kafka, Stefan Drößler zeigt und kommentiert dazu 

Filmausschnitte aus den neu restaurierten Filmen und 

Bilddokumente aus dem Buch. Ralph Eue schrieb über 

die Erstausgabe von Zischlers Buch: »So legt ›Kafka 

geht ins Kino‹ verschiedene Spuren frei, ›wildert‹ zwischen 

biografischer Forschung, Wahrnehmungspsychologie, 

Kulturgeschichtsschreibung, Filmarchäologie 

und Literaturwissenschaft. Angereichert ist das Buch 

mit wunderbaren Abbildungen, die den Text, gleichsam 

nach musikalischen Gesichtspunkten ausgewählt, wie 

Obertonfrequenzen umspielen.« 

Donnerstag, 20. April 2017, 19.00 Uhr | Zu Gast: Hanns 

Zischler 

Primo Circuito Aereo Internazionale di Aeroplane 

in Brescia (Erster Internationaler Wettbewerb für 

Luftschiffe und Flugmaschinen, Brescia) | Italien 

1909 | P: Adolfo Croce | 13 min | OmU | Kafka schrieb 

einen langen Artikel über genau den Tag der Flugschau, 

den der Film dokumentiert. – Nick Winter et le vol 

de la Joconde (Nick Winter und der Diebstahl der 

Mona Lisa) | Frankreich 1911 | R: Paul Garbagni | D: 

Paul Viner | 10 min | OmU | Detektivfilmkomödie, die 

Franz Kafka und Max Brod in einem Pariser Kino sahen. 

– Den hvide slavehandels sidste offer (Die weiße 

Sklavin) | Dänemark 1911 | R: August Blom | B: Peter 

Christensen | K: Axel Grattjær | D: Clara Wieth, Lauritz 

Olsen, Thora Meincke, Otto Langoni, Frederik Jacobsen

| 55 min | dtF | Ein Sensationsfilm, angeblich initiiert 

vom »Verein zur Bekämpfung des Menschenhandels«, 

auf den sich Kafka in seinen Briefen mehrfach bezieht. 

Freitag, 21. April 2017, 18.30 Uhr | Live-Musik: 

Richard Siedhoff | Einführung: Hanns Zischler 

Theodor Körner | Deutschland 1912 | R+B: Gerhard 

Dammann, Franz Porten | K: Werner Brandes | D: Friedrich 

Feher, Hermann Seldeneck, Thea Sandten | 41 min 

| Den »vaterländischen Großfilm« zum 100. Geburtstag 

des »Freiheitsdichters« Theodor Körner (1791–1813) 

sah Kafka in Prag zusammen mit Fräulein Oplatka, die 

sich von dem Film mitreißen ließ. – Peschiera / Lago 

Maggiore et Lago di Como / Liguria (Italienische 

Reisebilder) | IT 1907-1913 | Anonima Ambrosia, 

Cines | 12 min, viragiert | engl.Titel | Aufnahmen von 

Städten und Landschaften, durch die Kafka reiste. – La 

broyeuse de coeurs (Die Herzensbrecherin) | Frankreich 

1913 | R+B: Camille de Morlhon | D: Léontine 

Massart, Pierre Magnier, Camille Licenay, Jenne Brindeau 

| 47 min | OmU | Kafkas Schwester sah das zum 

Teil in Spanien aufgenommene, »herrlich kolorierte« 

Melodram und berichtete ihrem Bruder, der darüber an 

seine Freundin Felice schrieb. 

Freitag, 21. April 2017, 21.00 Uhr | Live-Musik: 

Richard Siedhoff | Einführung: Hanns Zischler 

Daddy-Long-Legs (Vater Langbein) | USA 1919 | R: 

Marshall Neilan | B: Agnes Johnson, nach dem Briefroman 

von Jean Webster | K: Charles Rosher | D: Mary 

Pickford, Milla Davenport, Percy Haswell, Fay Lemport, 

Marshall Neilan | 97 min | OF | Max Brod schreibt in 

seiner Autobiografie über Kafka: »Besonders entzückte 

ihn ein Film, der tschechisch TÁTA DLOUHÁN hieß, 

was wohl mit VATER LANGBEIN zu übersetzen wäre. 

Er schleppte seine Schwestern zu diesem Film, später 

mich, immer mit großer Begeisterung, und war stundenlang 

nicht dazu zu bringen, von etwas anderem 

zu reden als gerade nur von diesem herrlichen Film.« 

»DADDY-LONG-LEGS war der archetypische Mary- 

Pickford-Film, der alle Erwartungen des Publikums erfüllte: 

Ein ausgesetztes Baby wird gerettet, ein Waisenhaus 

wie eine Strafanstalt, komische und berührende 

Szenen, viel Pathos, und ein Liebhaber, der wartet, bis 

die Protagonistin erwachsen wird.« (Kevin Brownlow) 

Samstag, 22. April 2017, 18.30 Uhr | Live-Musik: 

Richard Siedhoff | Einführung: Stefan Drößler 

Prazdnovanie 300-letija Doma Romanovych (300 

Jahrfeier des Hauses Romanoff) | Russland 1913 | 

16 min | OmU | »Der Zar, die Prinzessinnen verdrießlich 

in der Sonne stehend, nur eine zart, ältlich, schlaff, 

auf den Sonnenschirm gestützt, blickt vor sich hin. Der 

Thronfolger auf dem Arm des ungeheueren barhäuptigen 

Kosaken.« (Kafka) – Der Andere | Deutschland 

1913 | R: Max Mack | B: Paul Lindau, nach seinem 

Theaterstück | K: Hermann Böttger | D: Albert Bassermann, 

Emmerich Hanus, Nelly Ridou, Hanni Weisse, 

Léon Resemann, Otto Collet | 75 min | Der erste deutsche 

»Künstlerfilm«, für den ein bekannter Schriftsteller 

eines seiner Werke selber adaptierte und in dem 

Theaterstar Albert Bassermann die Hauptrolle des 

Rechtsanwalts übernahm, der unbewusst ein Doppelleben 

führt. Kafka schrieb an Felice: »Von Bassermann 

könnte ich Dir sehr viel erzählen, so elend das Stück ist, 

und so sehr Bassermann darin mißbraucht wird und 

sich selbst mißbraucht.« 

Samstag, 22. April 2017, 21.00 Uhr | Live-Musik: 

Richard Siedhoff | Einführung: Stefan Drößler 

Jízda Prahou otevřenou tramvají (Straßenbahnfahrt 

durch Prag) | Tschechien 1908 | R+B+K: Jan Kříženecký 

| 2 min | Filmdokument, das im Kinematografentheater 

der großen Jubiläumsausstellung 1908 in Prag 

zu sehen war. Franz Kafka und Max Brod besuchten 

die Ausstellung und die Filmvorführungen gemeinsam. 

Kafka war von dem neuen Medium fasziniert. – Shiwat 

Zion (Rückkehr nach Zion) | Palästina 1921 | R+B+K: 

Ya’akov Ben-Dov | 74 min | OmU | Ein zionistischer Dokumentarfilm 

über den Aufbau eines »jüdischen Palästina«, 

der um Unterstützung warb und im Oktober 1921 

in Prag gezeigt wurde. Kafka räsonierte einige Wochen 

später in einem Brief an Robert Klopstock: »Hauptsächlich 

gilt es ja nur für die Durchschnittsmasse der 

Juristen, daß sie erst zu Staub zerrieben werden müssen, 

ehe sie nach Palästina dürfen, denn Erde braucht 

Palästina, aber Juristen nicht.« 

Sonntag, 23. April 2017, 18.30 Uhr | Live-Musik: 

Günter A. Buchwald | Einführung: Stewart Tryster 


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Danielle Darrieux zum 100. Geburtstag 


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Madame de ... Danielle Darrieux 

François Truffaut wusste, dass Film eine Frauen-, eine 

Schauspielerinnenkunst ist, die Kunst, hübsche Frauen 

hübsche Dinge machen zu lassen. Filme ohne Frauen 

sind unendlich langweilig. Paul Vecchiali, der Kriegsfilme 

hasst – es sei denn ein Soldat zieht das Foto einer 

Frau aus seiner Uniform –, war ein Kind, als er Danielle 

Darrieux zum ersten Mal sah: 1936 in einer Zeitschrift 

und dann im Kino. Der 6-jährige Vecchiali wollte sofort 

Filmregisseur werden, um ihr zu begegnen. Das hat geklappt, 

1961 bei seinem ersten Film. 

Paul Vecchiali, Jacques Demy, später François Ozon, 

sie bewundern die Grande Dame des französischen 

Kinos, die mit 14 loslegte und es mit 17 geschafft hatte. 

Entdeckt wurde sie von Wilhelm Thiele: Er brauchte eine 

Schauspielerin für die französische Fassung seines deutschen 

Films DER BALL. Das war 1931. Die 14-jährige 

Darrieux singt und sie tanzt, nicht nur so nebenbei. Singen 

und tanzen wird ihre Art des Spiels vor der Kamera. 

Auch wenn sie spricht, geht, sich bewegt. Ihr Sprechen 

ist Melodie, ihre Bewegungen sind eine unverwechselbare 

Choreografie. In acht Jahrzehnten in über 100 Filmen. 

Internationalen Erfolg hat sie 1936 mit dem Film 

MAYERLING von Anatole Litvak. Danielle Darrieux und 

Charles Boyer: Er ist österreichischer Thronfolger, sie 

seine verbotene Geliebte. Sie tanzen Walzer, dann gehen 

sie zusammen in den Tod. Der Film wird ein Kassenerfolg 

und für beide die Fahrkarte nach Hollywood. 

Das amerikanische Debüt der Darrieux: THE RAGE OF 

PARIS (DIE FLOTTE PARISERIN) von Henry Koster. Eine 

Französin in New York, die am Ende nur noch einen 

Wunsch hat: zurück nach Frankreich. 

1950. Max Ophüls und Danielle Darrieux. Beide 

sind seit den 1930er Jahren im Filmgeschäft, haben 

in Deutschland, in Frankreich, in den USA gearbeitet. 

Die Darrieux mit Billy Wilder, Henri Decoin, Robert 

Siodmak. Die erste Zusammenarbeit mit Ophüls: LA 

RONDE (DER REIGEN). Die gesamte Besetzung des 

Films: ein Starpaket. Lauter Nebenrollen, und die Darrieux 

ist mit das Teuerste, was das französische Kino zu 

bieten hat. Bei Ophüls’ nächstem Film macht sie wieder 

mit, wieder ist es ein Film ohne Hauptrolle: LE PLAISIR 

(PLÄSIER), drei Episoden nach Erzählungen von Maupassant. 

MADAME DE …

1953 MADAME DE ..., für Andrew Sarris »the greatest 

film of all time«, in der Hauptrolle die Darrieux. 

»Wegen ihr habe ich den Film gemacht. Nach REIGEN 

und PLÄSIER suchte ich für sie eine Rolle. Es war mir 

dabei klar, dass, wenn ich eine fände, es automatisch 

ein Thema für mich sein würde. Denn um die Darrieux 

herum liegen Leichtsinn und Glaube, Frivolität und 

Ernsthaftigkeit, Grazie und Grausamkeit, Lebensfreude 

und Tod. Alles das reflektiert aus ihr heraus in ihr Spiel, 

das zur Wahrheit wird, ehe man sich umdreht – und 

sicher, sobald man dreht.« 

Die Vorlage zu MADAME DE ..., eine Erzählung von 

Louise de Vilmorin, findet Ophüls »un peu maigre ... 

Madame de ... bien vide ... Die einzige Sache, die mich 

an diesem eigentlich schmalen Roman berührt, ist seine 

Konstruktion. Es ist immer die gleiche Achse: ein 

Paar Ohrringe. Aber dieses Detail der weiblichen Toilette 

vergrößert sich, erscheint in Großaufnahme, drängt 

sich auf, beherrscht das Schicksal der Helden des Buches 

und führt sie schließlich in die Tragödie. Wenn ich 

›Madame de ...‹ nicht für einen großen Roman halte, so 

sehe ich ihn doch als eine schöne literarische Verschlagenheit 

an. Und diese Verschlagenheit ist die Form.« 

Ophüls plant, den Film so zu drehen, dass die Schauspieler 

nie direkt zu sehen sind. Die Kamera soll die Figuren 

umkreisen, sie nur in Spiegeln oder eng begrenzten 

Ausschnitten zeigen. Mit dieser tollkühnen Idee beginnt 

MADAME DE ...: ein Schmuckkasten voller Juwelen und 

ruhelos suchende Hände. Wir hören nur die Stimme 

der Darrieux, ein trällernder Singsang, hingetupfte Worte: 

Je ne tirerai pas vingt mille francs de tous ça, ah, 

ah ... 20.000 Francs muss Madame auftreiben, um 

heimliche Schulden zu begleichen. Was könnte sie versetzen? 

Ihre Hand streift Spiegeltüren, öffnet Schränke, 

streichelt Kleider und Pelze – soll sie sich davon trennen? 

Auf keinen Fall. Nicht aus Sentimentalität, sondern aus 

Liebe zu den Dingen selbst. Ein einziges Objekt ist mit 

privaten Erinnerungen verbunden: ein Paar Ohrringe, 

herzförmige Diamanten, das Hochzeitsgeschenk ihres 

Mannes – davon kann sie sich trennen. Und jetzt sehen 

wir sie: Danielle Darrieux im kleinen Oval des pompös 

gerahmten Spiegels, ihr vanity table, wo Eitelkeit und Vergänglichkeit 

zusammenfinden. Die Darrieux als Baronin 

und Generalsgattin, Gefangene und Handelnde in einem 

überquellenden Boudoir. 

Sie ist die elegante Französin par excellence mit 

dem Talent, dann und wann mühelos leicht in Ohnmacht 

zu fallen. Wenn der Darrieux die Sinne schwinden, 

weiß niemand, wie ernst es ist, oder ob Madame 

nur ihren Wünschen ein wenig Nachdruck verleiht. 

Beim Verkauf der Ohrringe zögert der Juwelier ... die 

Darrieux hilft nach, mit einem kleinen Schwächeanfall. 

Allein Charles Boyer, in der Rolle ihres Gatten, lässt sich 

von ihren Unpässlichkeiten nicht beeindrucken und 

ermahnt sie, drei Minuten nicht zu überschreiten. 

Strenge, Sarkasmus, auch Hilflosigkeit eines Gatten, 

dessen Frau tatsächlich einen Anderen liebt. 

Je ne vous aime pas, je ne vous aime pas, flüstert 

die Darrieux zwischen Tür und Angel und weiß es 

besser. Beim ersten Walzer warnt sie lachend vor ihrer 

Koketterie. Immer wieder treffen sie sich, tanzen einen 

endlosen Walzer, die Leichtigkeit schwindet – von frivoler 

Konversation zum sprachlosen Ende. Sie, die 

Generalsgattin, flüchtet, weiß keinen Ausweg mehr und 

betrügt schließlich beide, den Liebhaber und den Ehemann, 

mit immer neuen Lügen, die sie seit dem Verkauf 

der Ohrringe begleiten. 

Sie habe die Ohrringe in der Oper verloren, lässt die 

Darrieux ihren Gatten wissen, der umgehend nach dem 

Hochzeitsgeschenk fahndet, um es dann beim Juwelier 

zu finden und erneut zu kaufen – ein Abschiedsgeschenk 

für seine Maitresse, die den Schmuck im Ausland 

zu Bargeld macht. Aus dem Ausland taucht er auf, 

Vittorio De Sica, Diplomat auf Reisen und im Gepäck 

die Ohrringe, die er als Liebesgabe der Darrieux reicht. 

Um sie öffentlich tragen zu können, erfindet sie neue 

Geschichten: eine für den geliebten Diplomaten, eine 

andere für ihren Gatten. Während De Sica an ihren Lügen 

verzweifelt, lässt sich Boyer nicht beirren. Er nimmt 

der Darrieux die Juwelen ab, gibt sie seinem Rivalen 

De Sica mit der Auflage zurück, sie zum Juwelier zu 

bringen, bei dem Boyer die Ohrringe zum dritten Mal 

kauft. Die Darrieux ergreift die Schmuckstücke wie eine 

Süchtige, küsst die Diamanten – nicht ihren Mann. Der 

zwingt sie nun, das von ihr so Begehrte einer verarmten 

Nichte zu schenken, die den Schmuck beim Juwelier 

versetzt, der diesmal nicht mit Boyer ins Geschäft 

kommt, aber mit Madame: Sie kauft die Ohrringe und 

stiftet sie der Kirche, als das Duell zwischen Gatte und 

Liebhaber bevorsteht. Ein von Geld und Lügen dirigierter 

Kreislauf endet in einem menschenleeren Kirchenraum, 

die Kamera gleitet über Säulen hin zum Altar 

und zu den unter Glas verschlossenen Juwelen der 

Madame de ... . Ophüls dachte an die Konstruktion des 

»Bolero« von Maurice Ravel: »Auch da dreht und entwickelt 

und kompliziert sich eine Aktion – oder genauer: 

das harmonische Material – ständig um eine winzige 

melodische Achse.« 

In LA RONDE dreht sich alles: das Karussell, die 

Musik, die Darsteller, die Dialoge – ein delirierender 

Kreislauf von Paarungen und Paarwechseln. Dirne, 

Soldat, Stubenmädchen, Dichter, Schauspielerin und 


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Graf, sie alle begegnen und trennen sich, das Ehepaar 

trennt sich nicht. Auf dem Kamin das Gleichmaß des 

Uhrpendels und im Schlafzimmer getrennte Betten. 

Die Darrieux liest Stendhal, ihr Gatte die Rechnungsbücher. 

Er vergnügt sich mit einem hübschen Mädel im 

Séparée, sie verführt einen Jungen: Daniel Gélin, der 

beim Liebesakt versagt. »Die Szene im Bett, in der ich 

etwas beschämt bin, mich entschuldige, haben Danielle 

und ich in ihrer Garderobe mit französischem Humor 

geprobt: ein bisschen Feydeau, ein bisschen Sacha 

Guitry mit der Absicht, lustig zu sein, und so haben wir 

es Ophüls vorgespielt. Aber diese Komik à la française 

wollte er überhaupt nicht, und ich erinnere mich noch, 

wie er mit seinem deutschen Akzent sagte: ›Zeigt die 

Melancholie der Impotenz‹.« (Gélin) 

Die einzige Großaufnahme des Films: das erstaunte 

Gesicht Simone Signorets, für einen Moment von den 

Schultern Gérard Philipes verdeckt, der in der Rolle des 

Grafen die Dirne zum Abschied auf die Augen küsst – in 

Erinnerung an eine andere. 

LE PLAISIR, 2. Episode: LA MAISON TELLIER. Hat je 

ein Film in einem Bordell gespielt, das die Kamera nicht 

betritt? Ophüls’ Kommentar: »Pardon, mais c’est une 

›maison close‹!« Wie ein Fassadenkletterer turnt die 

Kamera an Erkern, Mansarden und Fenstern entlang, 

beobachtet zwischen den Lamellen der Jalousie die 

Damen und die Gäste im Haus Tellier. 

Danielle Darrieux ist Rosa, zuständig für die Honoratioren 

der Stadt – den Reeder, den Fischhändler, den 

Holzhändler, den Handelsgerichtsrat. Wenn Rosa mal 

nicht trinkt oder singt, dann träumt sie, erzählt von ihrem 

Ehemann, dem Vicomte de ..., von den Kleidern, 

vom Schmuck, von den Blumen, die er ihr schenkt; sie 

schwärmt von Berührungen, von Champagner und all 

den Dingen, die der Vicomte ihr zuflüstert; langsam 

nähert sich die Kamera, verweilt in Großaufnahme auf 

dem Gesicht der Darrieux: ein Augenblick voller Lügen 

und wahrer Träume: merveilleuse, haucht Rosa. 

Jean Gabin, Madame Telliers Bruder und trunkener 

Schreiner, versteht seinen Versuch, sich gewaltsam 

und gratis bei Rosa zu bedienen als Familienangelegenheit. 

Er wolle sich ja nur bedanken. Das geht schief. 

Beschämt sitzt er neben der Darrieux auf der Wiese, sie 

pflückt Blumen und macht, was sie immer macht: Sie 

trällert vor sich hin: Combien je regrette mon bras si 

dodu, ma jambe bien faite et le temps perdu ... 


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LE PLAISIR

Wenn Danielle Darrieux gar nicht mehr spricht 

und alles, was sie zu sagen hat, einfach singt, dann 

ist das den Filmen von Jacques Demy zu verdanken. 

Da hört sie nur auf zu singen, wenn sie raucht oder 

trinkt, und sie trinkt und raucht, um weiter zu singen. 

Dafür brauchte Demy keine Synchronstimme: »Sie hat 

ein nahezu absolutes Gehör. Sie hatte das feinste Ohr 

des gesamten Teams, sie hört sogar Vierteltöne, das 

können die wenigsten.« 

Mit acht sah Jacques Demy die Darrieux auf der 

Leinwand, mit vierzehn malte er sie, mit fünfzehn hingen 

ihre Fotos in seinem Zimmer. 1963 sollte sein Idol, der 

Kino- und Theaterstar, die Rolle der Mutter in LES PA- 

RAPLUIES DE CHERBOURG (DIE REGENSCHIRME VON 

CHERBOURG) spielen und singen, aber ihr Marktwert 

und sein Produktionsbudget waren meilenweit voneinander 

entfernt. Drei Jahre später LES DEMOISELLES 

DE ROCHEFORT (DIE MÄDCHEN VON ROCHEFORT), ein 

Pop-Musical mit Gene Kelly, Catherine Deneuve und 

Françoise Dorléac. Sie singen, tanzen, träumen von der 

großen Liebe; ein Reigen voller Sehnsucht, Hoffnungen 

und Begegnungen. Alle Glückssuchenden kommen in 

das Bistro von Danielle Darrieux, sie ist die Anlaufstelle 

für gesungene Wünsche und Träume – die Paare selbst 

treffen sich nicht. Lauter verpasste Gelegenheiten, auch 

für die Darrieux. Sie weiß nicht, dass der Mann, den sie 

vor zehn Jahren abgewiesen hat, wieder in der Stadt 

ist: Michel Piccoli, der Musikalienhändler Simon Dame, 

musste auf seine große Liebe verzichten – Madame 

wollte einfach nicht Dame heißen. 

Vouloir le bonheur, c‘est déjà un peu le bonheur, heißt 

es in LOLA, Jacques Demys Debütfilm, dem er Pleure 

qui peut, rit qui veut vorangestellt hat und eine 

Wid mung: »à Max Ophüls«, dazu die Musik aus LE 

PLAISIR. 

In den 1950er Jahren schreibt Demy die Geschichte 

zu UNE CHAMBRE EN VILLE (EIN ZIMMER IN DER 

STADT), 1982 kann er den Film drehen, alle Dialoge 

werden gesungen – ein Film für die Darrieux. Dreißig 

Jahre nach MADAME DE ... ist sie Baronin ohne Besitz 

und Titel. J‘ai perdu ma particule et mes illusions en 

épousant le colonel Langlois. Der Gatte ist tot, das Geld 

reicht nicht, Madame Langlois hat einen Untermieter: 

Guilbaud, Werftarbeiter. Er knallt die Türen, trinkt nicht 

mal ein Glas mit ihr, streikt und demonstriert, stellt sich 

gegen die Polizei. Das geht zu weit – einen Anarchisten 

möchte sie nicht beherbergen. Guilbaud droht mit 

Auszug, die Darrieux bittet um eine Zigarette in seinem 

Zimmer, raucht auf seinem Bett sitzend. Sie traue sich 

nicht auf die Straße, der Menschenauflauf mache sie 

nervös. Voyez-vous, nous ne sommes pas du même 

monde, cela ne veut pas dire que nous ne puissions 

pas être amis ... Guilbaud wechselt das Hemd, und 

Madame genießt es, einen Mann im Haus zu haben. 

Die Schroffheit des selbstbewussten Arbeiters und die 

Darrieux in Rot und Schwarz, perfekt frisiert, Baronin einer 

untergegangenen Epoche, dem Weißwein sehr zugetan, 

gleichwohl Contenance bewahrend. Vor die Tür 

geht sie nie, beschwert sich über Einsamkeit und zieht 

alle in ihre Wohnung – die Lebenden und die Toten. 

Die Darrieux war ein Geschenk, erzählt Demy, 

sie habe mal etwas Wunderbares zu ihm gesagt: 

»Ich bin ein Instrument, man muss mit mir spielen 

können, man kann es oder man kann es nicht.« Die 

Darrieux eine Stradivari, bereit für alles und ein Wunder 

an Ausgeglichenheit, Gesundheit und guter Laune. 

À votre santé, Madame! 

Martina Müller 

Mayerling | Frankreich 1936 | R: Anatole Litvak | B: 

Irma von Cube, Joseph Kessel, nach dem Roman von 

Claude Anet | K: Jean Isnard, Armand Thirard | M: 

Arthur Honegger | D: Charles Boyer, Danielle Darrieux, 

Marthe Régnier, Yolande Laffon, Suzy Prim | 92 min | 

OmU | Die tragische Liebesgeschichte zwischen Rudolf 

von Österreich-Ungarn und der 17-jährigen Mary 

Vetsera im kaiserlichen Wien von 1888/1889 als 

großes Melodram, das seinerzeit in Amerika zum besten 

französischen Film aller Zeiten gewählt wurde. 


8 femmes (8 Frauen) | Frankreich 2002 | R: François 

Ozon | B: Marina de Van, François Ozon, nach dem 

Stück von Robert Thomas | K: Jeanne Lapoirie | M: 

Krishna Levy | D: Danielle Darrieux, Catherine Deneuve, 

Isabelle Huppert, Emmanuelle Béart, Fanny Ardant, Virginie 

Ledoyen, Ludivine Sagnier | 111 min | OmU | Originelle 

bonbonfarbene Kriminalkomödie mit Gesangseinlagen, 

die den Diven des französischen Kinos große 


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Auftritte bietet und zahlreiche Anspielungen auf die 

Filmgeschichte aufweist. 


La ronde (Der Reigen) | Frankreich 1950 | R: Max 

Ophüls | B: Max Ophüls, Jacques Natanson, nach dem 

Stück von Arthur Schnitzler | K: Christian Matras | M: 

Oscar Straus | D: Anton Walbrook, Simone Signoret, 

Serge Reggiani, Danielle Darrieux, Jean-Louis Barrault, 

Gérard Philipe | 109 min | OmU | Wie eine Nummernrevue, 

aber kunstvoll miteinander verknüpft, rollen die 

Liebesgeschichten und Affären im Wien der Jahrhundertwende 

ab, bei denen immer einer der jeweiligen 

Partner sozusagen »von Hand zu Hand« geht. 


Le plaisir (Pläsier) | Frankreich 1952 | R: Max Ophüls 

| B: Max Ophüls, Jacques Natanson, nach Geschichten 

von Guy de Maupassant | K: Christian Matras, Philippe 

Agostini | M: Joe Hayos | D: Danielle Darrieux, Pierre 

Brasseur, Jean Gabin, Claude Dauphin, Gaby Morlay, 

Daniel Gélin, Simone Simon | 97 min | OmeU | Drei 

Geschichten von Guy de Maupassant: »Französischer 

Impressionismus im Spiegel Wiens.« (Jean-Luc Godard). 

In der englisch untertitelten Version des Films 

spricht Peter Ustinov den Text von Maupassant. 


Madame de … | Frankreich 1953 | R: Max Ophüls 

| B: Max Ophüls, Marcel Archard, Annette Wademant, 

nach dem Roman von Louise de Vilmorin | K: Christian 

Matras | M: Oscar Straus, Georges Van Parys | 

D: Charles Boyer, Danielle Darrieux, Vittorio De Sica, 

Jean Debucourt, Jean Galland, Mireille Perrey | 99 min 

| OmU | Zwei Ohrringe bilden die Achse, um die sich 

Liebesbeziehungen, Komplikationen, Versteckspiele 

und Eifersucht drehen, in deren Mittelpunkt die Gattin 

eines unflexiblen, hartherzigen Offiziers steht. 


Les demoiselles de Rochefort (Die Mädchen von 

Rochefort) | Frankreich 1967 | R+B: Jacques Demy | 

K: Ghislain Cloquet | M: Michel Legrand | D: Catherine 

Deneuve, Françoise Dorléac, Georges Chakiris, Michel 

Piccoli, Danielle Darrieux, Gene Kelly | 122 min | OmeU 

| Bonbonfarbenes Musical über zwei Zwillingsschwestern, 

die bei der 300-Jahr-Feier der Hafenstadt Rochefort 

den Männern ihres Lebens begegnen. Mit Ausnahme 

von Danielle Darrieux wurden alle Darsteller in den 

Gesangsszenen synchronisiert. 


Une chambre en ville (Ein Zimmer in der Stadt) 

| Frankreich 1982 | R+B: Jacques Demy | K: Jean 

Penzer | M: Michel Colombier | D: Dominique Sanda, 

Danielle Darrieux, Richard Berry, Michel Piccoli, Fabienne 

Guyon, Jean-François Stévenin | 90 min | OmeU | 

Eine »musikalische Tragikomödie«: Während des Werftarbeiterstreik 

in Nantes 1955 verlieben sich ein junger 

Arbeiter und die verheiratete Tochter einer von Danielle 

Darrieux gespielten mittellosen Baronin ineinander. 


8 FEMMES

DOK.fest: Georg Stefan Troller 

© Norbert Schmidt, Gießen/Wettenberg 

Der Interviewer als Menschenfresser 

Erst spät richtet Georg Stefan Troller, der für das Fernsehen 

unzählige Menschen vor die Kamera holte, den 

Blick auf seine eigene – von ironischen Zufällen durchzogene 

– Geschichte. In Österreich als Kind jüdischer 

Eltern geboren, entgeht er mit 17 Jahren nur knapp der 

Deportation. Kurz vor Kriegsende kehrt er als Soldat aus 

Amerika zurück und erhält die erste Gelegenheit, seine 

Menschenkenntnis zu schulen – bei der Vernehmung 

deutscher Kriegsgefangener, die in ihm den Besatzer 

sehen. 

Ab den 1960er Jahren berichtet Troller im PARISER 

JOURNAL aus der »einzigen Metropole« und bringt 

im Anschluss für das ZDF über zwanzig Jahre lang 

die berühmten PERSONENBESCHREIBUNGEN heraus. 

Sein radikal subjektiver Interviewstil und ein Interesse 

an widersprüchlichen Charakteren sind erst umstritten, 

dann stilprägend für das junge Medium Fernsehen. Im 

Mittelpunkt der Porträts und Reportagen steht dabei bis 

zuletzt: das Individuum als Selbstdarsteller, Maskenträger, 

leidvoll Verstrickter und Glücksuchender. 

Mit messerscharfen Fragen seziert der Interviewer seine 

Protagonisten und schält Schicht um Schicht ihre 

Wahrheit heraus, ohne jemals das innerste Geheimnis 

der Person, ihre Würde, preiszugeben. Dabei ist dem 

Beobachter bewusst: Es ist das eigene Gesicht, das 

das Gegenüber vor der Kamera zurückspiegelt. In seinen 

besten Momenten verwandelt sich das Frage-Antwort-Spiel 

zum tiefempfundenen »Beichtgespräch« und 

zur »Selbsttherapie«. Als »Menschenfresser« hat sich 

Troller selbst einmal bezeichnet und damit doch immer 

auch den Liebenden gemeint. 

Unter seinen Protagonisten finden sich radikale Einzelkämpfer 

(MUHAMMAD ALI – DER LANGE WEG ZURÜCK), 

Menschen, die von der Gesellschaft zu Außen seitern gemacht 

wurden (RON KOVIC – WARUM VERSCHWINDEST 

DU NICHT?) oder solche, die sich selbst ins Abseits 

katapultiert haben (AMOK!). Der Hunger nach Geschichten 

führt den Journalisten auf die Straßen seiner Pariser 

Wahlheimat (TAGE UND NÄCHTE IN PARIS) und zu 

den Mördern und Schwererziehbaren ins Gefängnis 

(MORD AUS LIEBE, BEGEGNUNGEN IM KNAST). Erst im 

Jahr 2001 konfrontiert sich der knapp 80-Jährige in 

seinem Film SELBSTBESCHREIBUNG vor der Kamera 

mit der eigenen Vergangenheit, der Kindheit in Wien 

und dem Trauma der Migration. Troller legt dem Zuschauer 

das eigene Schicksal so offen, dass der vor 

dem Bildschirm nicht umhin kommt, auszurufen: »Das 

bin ja ich!« Anne Thomé / Daniel Sponsel 

www.dokfest-muenchen.de 

Donnerstag, 4. Mai bis Sonntag, 14. Mai 2017 | Zu 

Gast: Georg Stefan Troller 

Georg Stefan Troller 

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Kurt Eisner 

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Kurt-Eisner-Ausstellung im Stadtmuseum 

Revolutionär und Ministerpräsident 

Vor 150 Jahren, am 14. Mai 1867 in Berlin geboren, 

wächst Kurt Eisner in einer bürgerlich-jüdischen Familie 

auf. Sein Studium muss er aus finanziellen Gründen 

aufgeben und beginnt eine journalistische Laufbahn 

beim Depeschenbüro Herold in der Hauptstadt 

des Deutschen Kaiserreichs. Über Frankfurt gelangt 

er nach Marburg und wird Redakteur der Hessischen 

Landeszeitung. Als Verfasser von Zeitschriftenbeiträgen 

kommentiert er mit spitzer Feder die gesellschaftlichen 

und politischen Kämpfe unter dem »Neuen Kurs« der 

Regierung Kaiser Wilhelm II. Das bringt ihm einen Gefängnisaufenthalt 

in Plötzensee wegen Majestätsbeleidigung 

ein. Danach – zum 1. Dezember 1898 – tritt 

Eisner in die Sozialdemokratische Partei ein und geht 

nach Berlin in die Vorwärts-Redaktion. Der radikalliberale, 

an Kant geschulte »Gefühls-Sozialist« Eisner 

erarbeitet sich schrittweise eine sozialistische Weltanschauung, 

die sich sowohl von dem an Marx orientierten, 

als auch vom sogenannten revisionistischen 

Parteiflügel unterscheidet: Ersteren hält er ihre »Politik 

des demonstrativen Nichtstuns vor«, weil sie auf die 

Revolution warten, die ihrer Auffassung nach auf Grund 

der sich zuspitzenden Klassengegensätze zwangsläufig 

kommen wird; letzteren wirft er vor, nicht konsequent 

mit dem herrschenden System brechen zu wollen. 

Schon früh schrieb er: »Wir müssen uns zur Socialdemokratie 

flüchten, selbst wenn wir ihre wirtschaftlichen 

und taktischen Grundanschauungen nicht teilen. Sie 

ist die einzige Zuflucht aller Idealisten, um sie kreisen 

die Sympathien der Gesund-Gebliebenen...Und wenn 

sie selbst kein anderes Verdienst hätten, diese Socialdemokraten, 

als daß sie die Massen organisieren, sie 

zu bestimmten Gedanken erziehen und dergestalt aus 

dem dunklen Chaos mit seinen unberechenbaren Explosionen 

eine in gesetzlichen Bahnen sich bewegende 

geordnete Welt schaffen, deren Ideen man kennt und 

mit deren Handlungen daher die Cultur rechnen kann, 

wenn sie nichts besäßen als dieses Glück rücksichtsloser 

Ansprache und diesen opferwilligen Mut der Ueberzeugung, 

es genügte, mit ihnen zu sympathisieren, 

selbst wenn man ihre Grundanschauungen nicht teilte. 

Man wird nie das Bedürfnis haben, sie zu bekämpfen, 

höchsten sie zu reformieren.« 

1910 gelangt Kurt Eisner über ein zirka dreijähriges 

Engagement bei der Fränkischen Tagespost nach München 

an das dortige SPD-Blatt Münchner Post. Kurz vor 

Ausbruch des Krieges 1914 ändert der Internationalist 

Eisner seine Überzeugung: Bis zur Balkankrise hatte er 

unermüdlich die Expansionsgelüste und Kriegstreiberei 

des deutschen Kaiserreichs angeprangert, jetzt, Ende 

Juli 1914, warnt er eindringlich: »Der Zarismus muss 

gebändigt werden durch die Einmütigkeit der Kulturvölker 

Europas, dann ist der Frieden für immer gesichert.« 

Er hat offiziösen Informationen seiner Münchner 

SPD-Genossen vertraut, die bereits 1912 kolportieren, 

der Angriff des zaristischen Russland stünde bevor. 

Doch für Kurt Eisner dürfen und können die Kriegsziele 

der deutschen Reichsregierung nicht die der 

Sozialdemokratischen Partei sein. Die Parteiführung, 

die Mehrheit der Reichstagsabgeordneten in Berlin 

und der Landtagsabgeordneten in München, sehen 

das anders. Schon zum Ende des Jahres 1914 wird 

er zum erklärten Kriegsgegner und sucht Kontakt zur 

Antikriegsopposition innerhalb und außerhalb der SPD. 

Im April 1917 wird er Mitglied der neu gegründeten Unabhängigen 

Sozialdemokratischen Partei Deutschlands 

(USPD), die sich für den sofortigen Frieden ohne Annexionen 

einsetzt. 

In München wirkt er bereits seit 1916 als Integrationsfigur 

an die Seite junger Sozialisten und Sozialistinnen. 

Die jungen Arbeiterinnen und Arbeiter, darunter 

viele verwundete junge Kriegsheimkehrer, lehnen sich 

gegen die Bevormundung der sozialdemokratischen 

Mutter-Partei auf. Sie wollten diesen Krieg nicht. So

gewinnt Kurt Eisner diese keimende Jugendbewegung 

für eine wichtige Protestaktion auf dem Weg zur Revolution: 

den Januarstreik 1918. Der Hunger treibt die 

Leute auf die Straße, in Münchner Rüstungsbetrieben 

erwacht die Bereitschaft zum Widerstand. Eisner wird 

als einer der Streikführer verhaftet und kommt erst 

kurz vor Ausbruch der Revolution im Oktober 1918 als 

nominierter Spitzenkandidat der Münchner USPD aus 

der Untersuchungshaft. Die Tage vor der Bayerischen 

Revolution sind geprägt von Parteiversammlungen und 

öffentlichen Kundgebungen, auf denen der begnadete 

Redner Kurt Eisner für Frieden und Revolution spricht. 

Am 7. November folgen die auf der Theresienwiese versammelten 

Arbeiter und Soldaten der sich Bahn brechenden 

Bereitschaft zum Umsturz. Noch in der gleichen 

Nacht proklamiert Kurt Eisner die Gründung der 

bayerischen Republik. Er wird der erste Ministerpräsident 

des Volksstaates Bayern und regiert mit seinem 

Kabinett in Kooperation mit den in Selbstverwaltung 

tagenden Arbeiter-, Bauern- und Soldatenräte. 

Kurt Eisners unabhängige Sozialdemokraten sind im 

Kabinett zur Zusammenarbeit mit der Mehrheitssozialdemokratischen 

Partei (MSPD) gezwungen, die die politischen 

Ziele Eisners nur sehr bedingt toleriert und auf 

Neuwahlen zum bayerischen Landtag drängt. Gleichzeitig 

bringt Eisner mit seinen außen- und friedenspolitischen 

Vorstellungen und Aktivitäten bürgerlichkonservative 

und politisch stark rechts formierende 

Kreise gegen sich auf. Als sich Kurt Eisner am 21. Februar 

1919 auf den Weg zum Bayerischen Landtag begibt, 

um seinen Rücktritt zu erklären, wird er von Anton 

Graf von Arco auf Valley erschossen. Arco gehörte zum 

Umfeld der rechtsnationalistischen antisemitischen 

Thule-Gesellschaft. Vom 11. Mai bis 8. Oktober 2017 

präsentiert das Münchner Stadtmuseum die Ausstellung 

»Revolutionär und erster bayerischer Ministerpräsident 

– Kurt Eisner (1867–1919) zum 150. Geburtstag«. 

Sie will von ihrer Aufgabenstellung her endlich 

diesen homme de lettres, den politischen Journalisten, 

der konsequent seinen ganz eigenen Weg vom sozialdemokratischen 

zum sozialistischen Politiker vollzog, 

umfassend darstellen. Das begleitende Filmprogramm 

zeigt die sehr unterschiedliche Art von drei Fernsehsendern 

(ZDF, WDR und BR), sich in den Jahren 1969 

bis 1971 mit der Geschichte der Räterepublik auseinanderzusetzen. 

Ingrid Scherf 

Die Münchner Räterepublik | BRD 1971 | R: Helmuth 

Ashley | B: Hellmut Andics | K: Manfred Ensinger, Jürgen 

Schoenemann | D: Charles Regnier, Peter Pasetti, 

Carl Lange, Christoph Bantzer, Günther Ungeheuer, 

Werner Kreindl, Dieter Eppler | 90 min (1. Teil), 87 min 

(2. Teil) | »Die Anarchie, die abzuwehren die staatserhaltenden 

Figuren in Hellmut Andics’ Dokumentarspiel 

trachteten, ist, ins Apolitische und Theatermäßige 

gewendet, selber ein Ingredienz dieser Reihe, das jeden 

mal an die Rampe kommen lässt, wo er eine Bravournummer 

abliefern darf, das alles vorher Gezeigte desavouiert, 

und damit keinem recht gibt und allem. Politisches 

und Historisches ist diesem dramaturgischen 

Anarchismus schnuppe und höchstens als Vorwand für 

Schnauf- und Dröhn-Arien willkommen, wie man sie 

so burgtheaterhaft sonst nirgends mehr im Fernsehen 

Kurt Eisner 

59

Kurt Eisner 

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zu sehen kriegt.« (Melchior Schedler) »Wichtigstes fällt 

fort im Fernsehspiel; Belanglosigkeiten werden naturalistisch 

wiedergegeben; ganze Komplexe bleiben außer 

Betracht; phantasievolle Ergänzungen verfälschen den 

Duktus der Dokumente; Perspektiven und Tendenzen 

treten nicht zutag; alles Faktische ist dem Range nach 

gleich, rot gilt so viel wie weiß, das Mittel so viel wie 

das Ziel. Die Politik: ein schmutziges Geschäft. Die Geschichte: 

eine Mischung aus Genre-Szenen und unbegreifbarer 

Fatalität, im einzelnen scheinbar vertraut, im 

ganzen unerklärlich, irrational und von fremden Gesetzen 

bestimmt.« (Walter Jens) 

Dienstag, 16. Mai 2017, 18.30 Uhr (1. Teil: Kurt Eisner 

– Zwischen Demokratie und Diktatur) | Einführung: 

Ingrid Scherf Mittwoch, 17. Mai 2017, 18.30 Uhr 

(2. Teil: Ende mit Schrecken) 

Rotmord | BRD 1969 | R: Peter Zadek | B: Tankred 

Dorst, Wilfried Minks, Peter Zadek, nach dem Stück 

»Toller. Szenen aus einer deutschen Revolution« von 

Tankred Dorst | K: Bruno Hoffmann | D: Gert Baltus, Helmuth 

Hinzelmann, Werner Dahms, Siegfried Wischnewski, 

Wolfgang Neuss, Hans Schweikart, Gernot Duda, 

Rudolf Forster | 85 min | Experimenteller Fernsehfilm 

nach Tankred Dorsts Theaterrevue. »Peter Zadek hatte 

für seine Fernsehfassung Negativfilm und Positivfilm 

so gemischt, übereinander kopiert, dass der flimmernd-unscharf-scharfe 

Eindruck historischer Filmdokumente 

entstand. Diese ›Verfremdung‹ war nicht die 

einzige, die Zadek seinem Fernsehspiel zufügte, dabei 

mit Recht von der Überlegung ausgehend, die meisten 

Fernsehspiele nutzten das Medium nicht aus, sondern 

seien entweder Tagesschau oder abfotografiertes 

Theater. Zadek blendete immer wieder distanzierende 

Hinweise ein, etwa wer wen spielt, drehte die Aktionen 

aus ungewöhnlichen Perspektiven oder ließ Toller und 

Leviné durch das München von 1968 spazieren, während 

sie die Probleme von 1919 besprachen. Das war 

ein geschicktes Distanzierungsmittel: den Zuschauer 

nicht zum Schlüssellochgucker der Geschichte zu machen, 

sondern ihm gleichzeitig den Eindruck zu vermitteln, 

wie die Wirklichkeit die Episode Räterepublik 

auch in München hinter modernen Kaufhausfassaden 

scheinbar spurlos hinter sich gelassen hat.« (Hellmuth 

Karasek) 


Revoluzzer, Räte, Reaktionäre | BRD 1969 | R+B: 

Wolfgang Kahle, Georg Walschus | K: Manfred Feichtner, 

Dieter L’Arronge | Mit Helmut Neubauer, Friedrich 

Burschell, Joseph Breitenbach, Wilhelm Hoegner, Maurus 

Graf, Pilar von Bayern, Josef Müller, Erich Wollenberg, 

Karl Retzlaw, Heinrich Klüglein, Rosa Meyer- 

Leviné, Anton Wolf | 93 min | Spannende Dokumentation 

des Bayerischen Fernsehens über die Entwicklung 

des bayerischen Freistaats vom Beginn der revolutionären 

Demonstrationen am 7. November 1918 auf der 

Theresienwiese bis zur Eroberung Münchens durch 

Freikorps-Truppen. Neben Historikern kommen prominente 

Zeitzeugen zu Wort, deren Berichte von Fotos 

und Filmaufnahmen illustriert werden: der erste bayerischen 

Ministerpräsident nach dem Zweiten Weltkrieg, 

der Sozialdemokrat Wilhelm Högner, der Bruder von 

Oskar Maria Graf, Maurus Graf, der deutschstämmige 

amerikanische Porträtfotograf Josef Breitenbach, der 

Journalist Erich Wollenberg, der Verleger Karl Retzlaw 

und die Ehefrau von Eugen Leviné. – Es geht durch die 

Welt ein Geflüster. München 7.11.1918–2.5.1919 | 

Deutschland 1989 | R+B: Ulrike Bez | K: Petra Gerschner, 

Thomas Willke | 42 min | Menschen, die als junge 

Arbeiter und Arbeiterinnen auf der Seite der Revolution 

standen, erzählen in diesem Videofilm, was für sie die 

Revolution bedeutet und wie sie die blutige Niederschlagung 

durch die Freikorps miterlebt haben. 

Donnerstag, 25. Mai 2017, 19.00 Uhr | Zu Gast: Ulrike 

Bez | Einführung: Ingrid Scherf

Hommage à Sterling Hayden 

JOHNNY GUITAR 

Ein Mann im Kampf mit sich selbst 

Paul Thomas Anderson (INHERENT VICE, THE MASTER) 

würde nur zu gerne eine Zeitmaschine haben, um mit 

ihm drehen zu können. Stanley Kubrick holte ihn zweimal 

vor die Kamera. Auch John Huston, Henry Hathaway, 

Nicholas Ray, Robert Altman, Francis Ford Coppola 

und Bernardo Bertolucci haben mit ihm gearbeitet. 

Sterling Hayden (1916–1986) ist als Schauspieler ebenso 

hoch geachtet wie seltsam. Nicht in allen seiner 

über 60 Filme war er gefordert. Seltsam schlafwandlerisch 

geht er oft durch seine Filme, cooler noch und 

distanzierter als Robert Mitchum. Die Augen, ohnehin 

für einen Mann seiner Größe zu klein, sind oft in unerreichbare 

Ferne gerichtet. Eine tiefe Heimatlosigkeit 

zeichnet ihn, seine Körperlichkeit und Kraft stehen dazu 

in eigentümlichem Kontrast. Er ist präsent auf der Leinwand, 

keine Frage, und mit seinen 1,95 m oft der Größte 

am Set. »Das ist eine Menge Mann, die du in diesen 

Stiefeln herumträgst, Fremder« sagt John Carradine zu 

ihm in JOHNNY GUITAR. Und dennoch ist dieser Mann 

tief verletzlich und verwundbar. Kim Morgan hat Hayden 

einmal in Sight & Sound gar mit Jesus verglichen. 

Wenn Robert Mitchum eine Karriere daraus gemacht 

hat, sich um nichts zu scheren (»Baby, I don’t care«), 

gibt es bei Hayden nicht einmal das Nichts. Wenn er 

die Nase rümpft, dann tut er das auch über sich selbst. 

Wenn am Ende von Kubricks THE KILLING das geraubte 

Geld in alle Winde zerstiebt, dreht er sich weg. Kunst? 

Ambition? Größenwahn? Hayden steht stattdessen der 

Fatalismus im Gesicht. Er hat echte Schiffbrüche erlitten, 

er war auch im wahren Leben DER HAVARIST – wie 

der ihm gewidmete Brecht’sche Spielfilm heißt. 

Kinogänger kennen Sterling Hayden als JOHNNY 

GUITAR, den nur noch mit einer Gitarre bewehrten, des 

Kämpfens müden Cowboy zwischen zwei Frauen aus 

jenem TruColor-Western von Nicholas Ray, der von der 

Surrealistischen Bewegung inszeniert zu sein scheint. 

(Wen sonst als Hayden könnte man sich in dieser 

Rolle vorstellen?) Kennen ihn als General Jack D. Ripper, 

der in Stanley Kubricks DR. STRANGELOVE OR HOW I 

LEARNED TO STOP WORRYING AND LOVE THE BOMB 

den Dritten Weltkrieg anfängt, oder als den baumlangen 

Gangster Dix Handley, der in John Hustons THE ASPHALT 

JUNGLE auf einer Pferdeweide in Kentucky ins Gras 


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sinkt und stirbt. Vielleicht auch als Walfänger, der in 

einer Westernstadt mit der Harpune zum Duell schreitet 

(TERROR IN A TEXAS TOWN), als trunksüchtigen 

Schriftsteller in Altmans THE LONG GOODBYE oder 

als Landarbeiter-Patriarch in Bertoluccis NOVE CENTO. 

Nur auf wenige Rollen war Hayden stolz. Dix Handley 

gehört dazu. »Ich glaube nicht, dass es viele andere 

Beschäftigungen gibt, bei denen du so gutes Geld bekommst 

und nicht genau weißt, was du da eigentlich 

machst«, sagte er einmal. Die Schauspielerei blieb ihm 

recht fremd. Rüdiger Vogler muss man erlebt haben, 

wenn er, von bodenloser Nachdenklichkeit erfüllt, als 

einer der drei Hayden-Darsteller in Wolf-Eckart Bühlers 

DER HAVARIST sagt: »Aber was, wenn der Schauspieler 

den größten Teil seiner Schauspielerei gar nicht vor der 

Kamera verrichtet – wenn er vor der Kamera noch am 

allerwenigsten Schauspieler ist?« 

Arbeiten hatte Hayden auf die harte Art gelernt, als 

Schiffsjunge, beim Rudern in den Beifang-Dorys im 

sturmgepeitschten Nordatlantik, bei den Fischern von 

Neuengland, den Gloucestermen aus Massachusetts, 

die auf den Grand Banks mit den kanadischen Bluenoses 

um die besten Kabeljaufänge konkurrierten. Es 

galt, als erster mit dem Fang zurück am Pier zu sein. 

Hayden lernte so auch von Kapitalismus und Produktionsverhältnissen: 

Zwei Cent erhielt die Crew pro Pfund 

Fisch; bis mittags, wenn seine Mutter zum Einkauf kam, 

stieg der Preis auf elf. 

Zeitlebens liebte er es, in rauester See zu segeln, er 

war ein Windjammermann, ein Natural. Das Fieber der 

Schiffe ergriff ihn schon jung. Im Alter von 20 Jahren 

ging er als Erster Offizier mit dem Schoner »Yankee« 

auf eine Weltumsegelung. Im Jahr darauf gehörte er als 

Navigator zum Siegerteam des Fishermen’s Cup, des 


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Stanley Kubrick und Sterling Hayden bei den Dreharbeiten zu THE KILLING

»Rennens für wirkliche Seeleute«, bei dem nur Crews 

und Schoner aus dem tatsächlichen Fischeralltag teilnahmeberechtigt 

waren. »Sailor Like Movie Idol« stand 

unter dem Zeitungsfoto. Es wurde der Grundstein für 

Haydens Hollywoodkarriere. Zuvor aber segelte er noch 

einen Dreimaster nach Tahiti, ging erst nach Hollywood, 

als eine gerade erworbene frühere Kaiser-Yacht (die 

»Meteor III«) havarierte. Paramount Pictures nahm ihn 

als »den schönen blonden Wikinger-Gott« und »The 

Most Beautiful Man in Movies« unter Vertrag. In seinem 

ersten Film, dem Drama VIRGINIA, fand er sich neben 

Fred MacMurray und dem englischen Star Madeleine 

Carroll. Die Arbeit fand er lächerlich überbezahlt und 

belanglos, weil sie nicht zu spüren war und sich niemand 

richtig scherte. Aber sie brachte Geld für ein 

neues Schiff, und aus der Affäre mit Miss Carroll wurde 

eine Ehe (die erste von vieren). Beide unterbrachen 

wegen des Zweiten Weltkriegs ihre Karrieren. 

Er meldete sich zu den Marines, machte eine Geheimdienstkarriere, 

tat das, was er von der Pike auf gelernt 

hatte: nämlich mit Schiffen umzugehen. Als OSS-Agent 

dirigierte er von Bari aus eine Nachschubflotte von 400 

Booten für Titos jugoslawische Partisanen in der Adria, 

sprang auch hinter den Linien mit dem Fallschirm ab. 

Vom Kampfesgeist der Balkankämpfer und ihrem Glauben 

an eine Sache stark beeindruckt, wurde er, zurück 

in L.A., Mitglied der Kommunistischen Partei Amerikas 

– für ein halbes Jahr. Die Theoriediskussionen langweilten 

ihn schnell, aber er geriet dennoch zwischen die 

Fronten. Der hochdekorierte Marineoffizier, als einziger 

US-Soldat des Zweiten Weltkriegs von den USA wie von 

den Kommunisten (Tito) ausgezeichnet, ließ sich zu 

einer »patriotischen Aktion« überreden und sagte am 

10. April 1951 als freundlicher Zeuge vor dem Kongressausschuss 

zur Untersuchung unamerikanischer 

Umtriebe (HUAC) aus. Im Klima der Kommunistenhatz, 

in der die Hollywood-Kolumnistin Hedda Hopper »Konzentrationslager 

für die Roten« forderte, »ehe es zu spät 

ist«, fürchtete er, das Sorgerecht für seine Kinder zu 

verlieren. Also nannte er Namen. Ronald Reagan, damals 

(erst) Präsident der Schauspielergilde, schickte 

ihm ein Telegramm: »Sterling, ich bin stolz auf dich!« 

Über 2000 Presseausschnitte feierten ihn als Helden: 

»Hayden Strips Bare His Commie Past.« 

Hollywood belohnte ihn mit einer schnellen Folge von 

Filmen. Doch Hayden zerbrach fast an seinem Verrat. 

»Es kommt wohl selten vor, dass ein Mann mit Lobeshymnen 

überschüttet wird für etwas, wofür er sich zutiefst 

verachtet«, meinte er später. Verlorenheit lernte 

er nicht auf den Weltmeeren, sondern in Hollywood 

kennen. Zeit seines Lebens verachtete Hayden sich für 

seine bitter bereute Tat. »Shirley« nannte er sich in den 

Phasen der Selbstbezichtigung. 

Über viele Jahre lag er mit sich selbst im Krieg. 

Auch das steht in seinen Augen. Dreimal hat er die 

Welt umsegelt, 18 Schiffe hat er im Lauf seines Lebens 

besessen, vom Dreimastschoner bis zur Flussbarkasse, 

eines davon am Tag seines Eintritts in die KPUSA 

gekauft und »Quest« (Suche) getauft. »Nicht viele können 

von sich sagen, diese zwei Dinge an einem Tag 

gemacht zu haben«, kommentierte er das lakonisch. 

Seine 1964 erschienene Biografie »Wanderer« ist ein 

schonungsloses Buch der Abrechnung mit sich selbst, 

literarisch hochrangig, der Beat Generation ebenso 

zuzurechnen wie den großen Autoren der Ozeane. Bis 

heute hat sich dafür kein deutscher Verlag gefunden. 

Ebenso wenig wie für »Voyage. A Novel of 1896«, seine 

»great American novel« über zwei Schiffspassagen, die 

eine durch die Südsee nach Japan, die andere um Kap 

Hoorn, zugleich eine Klassengeschichte Amerikas und 

der Arbeiterbewegung. 700 gewaltige Seiten, das beste 

Seefahrerbuch seit »Moby Dick«. 

Hayden blieb ein Suchender, ein Nonkonformist. Marie 

Windsor, die mit ihm in THE KILLING spielte, sagt: »Ich 

habe Sterling Hayden ziemlich gut gekannt. Er war ein 

stiller Mann, der im Lauf der Jahre immer komplizierter 

und vielschichtiger wurde.« 

Seine Karriere hatte Brüche. Filme 1941 und 

1942, dann ab in den Krieg, 1949 Rückkehr im John- 

Wayne-Western EL PASO und dem Film noir MAN- 

HANDLED. 1950 John Hustons THE ASPHALT JUNGLE, 

dann die HUAC-Katastrophe mit dem Verrat an sich 

selbst, von Hollywood belohnt mit einem Rausch von 

Filmen, in vielen von ihnen neben sich stehend, seltsamerweise 

nur ein einziger Piratenfilm dabei (THE 

GOLDEN HAWK), 1956 in Kubricks THE KILLING, 1958 

Flucht auf die See und Bruch mit Hollywood, 1963 seine 

Autobiografie »Wanderer«, 1964 wieder Kubrick mit 

DR. STRANGELOVE, und ab da nur noch selten Filme. 

Die letzte Arbeit in der TV-Bürgerkriegsserie THE BLUE 

AND THE GRAY als der Revolutionär John Brown – 

»Raising Holy Hell«. 

Alf Mayer 

The Asphalt Jungle (Asphalt-Dschungel) | USA 1950 

| R: John Huston | B: Ben Maddow, John Huston, nach 

dem Roman von W.R. Burnett | K: Harold Rosson | M: 

Miklós Rózsa | D: Sterling Hayden, Jean Hagen, James 

Whitmore, Louis Calhern, Sam Jaffe, Marilyn Monroe | 

112 min | OF | Alles, was man sich nur wünschen kann, 

ein Edelstein. Hustons bester Film noir – und Haydens 

Lieblingsrolle. Ein Klassiker des Gangsterfilms nach einem 

Roman von W.R. Burnett, allen Moralins entkleidet. 


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Taffe Dialoge und harte Charaktere auf beiden Seiten 

des Gesetzes, eine junge Marilyn Monroe und Jean 

Hagen als Haydens Gegenüber, deren Filmname »Doll« 

nichts Lächerliches hat. Alles überschattet von der aufziehenden 

Kommunistenhatz in Hollywood, die Hauptdarsteller, 

Drehbuchautor und viele andere traf. Huston 

zog 1952 nach Irland, Hayden litt lebenslang. 


Denver & Rio Grande (Terror am Rio Grande) | USA 

1952 | R: Byron Haskin | B: Frank Gruber | K: Ray Rennahan 

| M: Paul Sawtell | D: Edmond O’Brien, Sterling 

Hayden, Dean Jagger, Lyle Bettger, ZaSu Pitts | 89 min | 

OF | Ein Eisenbahnfilm über zwei konkurrierende Eisenbahngesellschaften 

von einem Regisseur, der weiß, wie 

man Landschaft dreht. Ray Rennahan, einer der ganz 

großen Technicolor-Kameraleute, setzt die über 60 historischen 

Fahrzeuge aus dem 19. Jahrhundert ins Bild, 

die für diesen Film reaktiviert wurden, darunter sechs 

Dampflokomotiven. Mit einer schönen Schurkenrolle 

für Hayden und mit zwei Zügen, die (von fünf Kamerateams 

gefilmt) aufeinander krachen. Edmond O’Brien 

als Haydens Widersacher, baumstammdicke Klischees 

und tolle Nebendarsteller, nicht nur das Drehbuch von 

Pulpautor Frank Gruber lässt die Funken stieben. 


Prince Valiant (Prinz Eisenherz) | USA 1954 | R: Henry 

Hathaway | B: Dudley Nichols, nach dem Comic Strip 

von Hal Foster | K: Lucien Ballard | M: Franz Waxman 

| D: Robert Wagner, Janet Leigh, James Mason, Debra 

Paget, Sterling Hayden | 100 min | OmU | Ein Ritterfilm 

von hohen Graden, heute wohl camp pur. Robert 

J. Wagner, der sich in seiner Autobiografie immer noch 

über seine Perücke als Knappe von Haydens Sir Gawain 

geniert: »Dieser Film hat mir einige lebenslange 

Freunde eingebracht, Janet Leigh etwa und Lucien Ballard. 

Und ich lernte auch Sterling Hayden kennen, einen 

Mann, der – bis auf einige Ausnahmen – als Mensch 

sehr viel interessanter war als seine Rollen. Er war ein 

Purist mit interessanten politischen Ansichten, ziemlich 

weit links. Und er war ohne Frage einer der erfahrensten 

Seeleute, die ich je getroffen habe. Auf dem Schiff 

war er der Künstler, der er immer sein wollte.« 


Johnny Guitar (Wenn Frauen hassen) | USA 1954 | 

R: Nicholas Ray | B: Philip Yordan, Ben Maddow, Nicholas 

Ray, nach dem Roman von Roy Chanslor | K: Harry 

Stradling | M: Victor Young | D: Joan Crawford, Sterling 

Hayden, Mercedes McCambridge, Scott Brady, Ward 

Bond | 110 min | OF | Der seltsamste aller Western. Und 

einer der größten. »Ich habe bis heute keine Ahnung, 

worum es in diesem Film geht. Es war auch eine extrem 

schwere Zeit für mich. Am Abend lag ich mit meiner 

Frau im Krieg und tagsüber mit Joan Crawford. Joan 

machte allen das Leben zur Hölle. Und ich versuchte, 

Johnny Guitar zu spielen, aber ich kann weder Gitarre 

spielen, noch kann ich singen. In ganz Hollywood gäbe 

es nicht genug Geld, um mich je wieder in einen Film 

mit Joan zu locken. Und ich liebe Geld. An die Popularität 

des Films habe ich mich einigermaßen gewöhnt, in 

Frankreich ist es ein Kultfilm, in den USA hat niemand 

davon gehört.« (Sterling Hayden) 


Suddenly (Der Attentäter) | USA 1954 | R: Lewis Allen 

| B: Richard Sale | K: Charles G. Clarke | M: David Raksin 

| D: Frank Sinatra, Sterling Hayden, Nancy Gates, Kim 

Charney, James Gleason | 75 min | OF | Ein Film noir 

wie ein Uhrwerk mit einem jazzigen, kantigen, komplex 

rhythmischen Score von David Raksin. Eine Perle des 

B-Films, nach dem Kennedy-Attentat von Hauptdarsteller 

Frank Sinatra aus dem Verkehr gezogen. Hayden 

als Kleinstadt-Cop in einem Nervenkrieg mit dem 

Auftragskiller John Baron, der den US-Präsidenten bei 

einem Zwischenstopp in der Kleinstadt erschießen will. 

Hier treffen auch zwei Schauspielkonzepte aufeinander. 

Hayden, ganz und gar minimalistisch, gewinnt. Nebenbei 

erfahren wir, wozu ein kaputter Fernseher gut ist, 

und lernen, wie wichtig es sei, dass Knaben mit Waffen 

aufwachsen, damit sie nicht zu Weicheiern werden. 


The Killing (Die Rechnung ging nicht auf) | USA 

1956 | R: Stanley Kubrick | B: Stanley Kubrick, Jim 

Thompson, nach dem Roman »Clean Break« von Lionel 

White | K: Lucien Ballard | M: Gerald Fried | D: Sterling 

Hayden, Coleen Gray, Vince Edwards, Marie Windsor,

Elisha Cook Jr. | 85 min | OF | Voll gepackt mit Schauspielveteranen 

und dem Geist des Film noir, in nur 20 

Tagen gedreht – der Schnitt brauchte mehr – wird lange 

vor Tarantino nonlinear erzählt. »Schon in Kubricks 

erstem von ihm selbst ernst genommenen Film muss 

Sterling Hayden, nachdem der Millionenraub geklappt 

hat, ohnmächtig zusehen, wie der Geldkoffer auf dem 

Weg zum Flugzeug vom Transporter fällt und die Scheine 

im Propellersog über das Flughafengelände wirbeln. 

Man sieht daran, dass Kubrick sich von Anfang an für 

Geschichten interessierte, in denen das Leben allen Visionen 

von der Berechenbarkeit des Menschen einen 

Strich durch die Rechnung macht.« (Michael Althen) 


Crime of Passion (Das war Mord, Mr. Doyle) | USA 

1958 | R: Gerd Oswald | B: Jo Eisinger | K: Joseph La- 

Shelle | M: Paul Dunlap | D: Barbara Stanwyck, Sterling 

Hayden, Raymond Burr, Fay Wray, Virginia Grey | 84 

min | OF | Aus Spaß wird Ernst, eine schlagfertige Zeitungskolumnistin 

lernt einen harten Polizisten kennen. 

Natürlich ist es undenkbar, dass sie in der Ehe weiter 

arbeitet. Sie erträgt die Untätigkeit nicht und leidet darunter, 

dass ihr Mann keinerlei Ehrgeiz hat. Also nimmt 

sie seine Karriere in die Hand, befreundet sich mit der 

Frau seines Vorgesetzten und flirtet mit ihm. Stanwyck 

war 50 und Hayden 41, als sie hier aufeinander trafen 

und außer Kraft setzten, was sie eingangs so postulierte: 

»Ehe, das ist Propaganda – nicht für mich!« Ein Film 

auf dem Höhepunkt des Schaffens von Gerd Oswald, 

dem Sohn von Richard Oswald, angesiedelt an der 

Grenzlinie von Film noir und Screwball Comedy. 


Terror in a Texas Town (Sturm über Texas) | USA 1962 

| R: Joseph H. Lewis | B: Dalton Trumbo | K: Ray Rennahan 

| M: Gerald Fried | D: Sterling Hayden, Sebastian 

Cabot, Ned Young, Carol Kelly, Eugene Martin | 80 min | 

OF | Kameramann Ray Rennahan war schon für die Farbsequenzen 

in der 1923er Version der TEN COMMAND- 

MENTS verantwortlich gewesen, hatte Oscars für GONE 

WITH THE WIND und BLOOD AND SAND gewonnen. 

Hayden (mit schwedischem Akzent) kommt als Walfänger 

in seinen Heimatort zurück, wo sein Vater von einem raffgierigen 

Ölbaron ermordet worden ist. Zum finalen Duell 

kommt er mit einer Harpune. Der Soundtrack klingt wie 

aus einem Beatnik-Nachtclub. Das Drehbuch stammte 

vom blackgelisteten Dalton Trumbo, vor der Kamera traf 

Hayden auf Nedrick Young, der vor dem HUAC-Komitee 

die Aussage verweigert hatte. 


Leuchtturm des Chaos | BRD 1982 | R+B: Wolf-Eckart 

Bühler, Manfred Blank | K: Bernd Fiedler | mit 

Sterling Hayden | 118 min | engl. OmU | Die New York 

Times sah hier »documentary film making […] at its 

most laissez faire« am Werk. Tatsächlich entstand der 

Film spontan und aus der hohlen Hand, allerdings mit 

einem in der Sache höchst vorbereiteten Filmemacher. 

Wolf-Eckart Bühler hatte Hayden auf einer Barkasse 

in Frankreich ausfindig gemacht, um sich die Filmrechte 

für dessen Autobiografie »Wanderer« zu holen, 

hatte das darauf beruhende Drehbuch dabei, was den 

ehemaligen Holly woodstar dazu brachte, ihn zu einer 

schnellen Dokumentation einzuladen. So entstand ein 

schonungsloses Porträt, das sich meilenweit von anderen 

unterscheidet. Ein ziemlich einzigartiges, heftiges 

Dokument der Filmgeschichte. 

Sonntag, 4. Juni 2017, 21.00 Uhr | Zu Gast: Wolf- 

Eckart Bühler 

Dr. Strangelove, or How I Learned to Stop Worrying 

and Love the Bomb (Dr. Seltsam oder Wie ich lernte, 

die Bombe zu lieben) | USA 1964 | R: Stanley 

Kubrick | B: Stanley Kubrick, Terry Southern, Peter 

George, nach dem Roman »Red Alert« von Peter 

George | K: Gilbert Taylor | M: Laurie Johnson | D: 

Peter Sellers, George C. Scott, Sterling Hayden, Keenan 

Wynn, Peter Bull, James Earl Jones | 95 min | OmU | 

Hayden hatte einen schrecklichen ersten Tag vor der 

Kamera: 48 Takes mit einer Zigarre im Mund, jeder 

Dialogsatz schlimmer als der andere. Als er sich bei 

Kubrick entschuldigte, sagte der: »Gräm dich nicht. 

Der Terror in deinem Gesicht könnte uns gerade die 

Qualität geben, die wir brauchen.« Haydens Rolle in 

der – wieder äußerst aktuellen – pechschwarzen Weltuntergangskomödie 

ist dramatisch. Er löst den Dritten 

Weltkrieg aus und liefert dabei eines der akkuratesten 

Porträts von Militarismus. 

Montag, 5. Juni 2017, 21.00 Uhr 


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Der Havarist | BRD 1983 | R: Wolf-Eckart Bühler | B: 

Wolf-Eckart Bühler, nach der Autobiografie »Wanderer« 

von Sterling Hayden | K: Peter Gauhe | M: Konstantin 

Wecker | D: Burkhard Driest, Rüdiger Vogler, Hannes 

Wader, Nicolas Brieger, Hans Michael Rehberg | 100 

min | Die selbstkritische Autobiografie des Seefahrers, 

Partisanenkämpfers, Hollywood-Stars, Kommunisten 

und FBI-Kollaborateurs Sterling Hayden als Literaturverfilmung, 

Tiefenanalyse, politisches Lehrstück, Exkurs 

in den Film noir, im Geiste von Straub & Huillet, von 

Brecht, Peter Weiss und Kellers »Der grüne Heinrich«. 

Ein geradezu symphonisch gefügtes Werk, die Titelrolle 

auf drei Schauspieler aufgespalten, die Musik von Konstantin 

Wecker komponiert, das heftige Klavierstück zu 

Beginn eine Deklination des wilden Ritts, der die Zuschauer 

erwartet. Ein politischer Film – heute sogar 

mehr denn je. Anpassung und Selbstverrat sind überall. 

Freitag, 9. Juni 2017, 21.00 Uhr | Zu Gast: Wolf- 

Eckart Bühler 

The Godfather (Der Pate) | USA 1972 | R: Francis Ford 

Coppola | B: Mario Puzo, Francis Ford Coppola, nach 

dem Roman von Mario Puzo | K: Gordon Willis | M: Nino 

Rota | D: Marlon Brando, Al Pacino, James Caan, Robert 

Duvall, Sterling Hayden | 175 min | OmU | »Einer der 

amerikanischen Klassiker, die das Wiedersehen immer 

wieder lohnen« (David Thomson). Zum Beispiel für Al 

Pacinos vielleicht wichtigste Szene. Als er in Gefahr 

stand, vom Projekt gefeuert zu werden, wurde sie der 

Wendepunkt seiner ganzen Schauspielerkarriere. Hayden 

als Kollege gab ihm Schub und das Gegenüber für 

die Szene, in der Michael Corleone sich aufrafft, stählt 

und zum ersten Mal tötet, indem er mitten in einem Lokal 

den korrupten, eisenharten Polizei-Captain McCluskey 

(Sterling Hayden) und den Mafiaboss Sollozzo (Al 

Lettieri) erschießt. Dies war auch jenseits der Leinwand 

Pacinos Durchbruch zum badass, eine Befreiung. Ab da 

war ihm alles zuzutrauen. 


The Long Goodbye (Der Tod kennt keine Wiederkehr) 

| USA 1973 | R: Robert Altman | B: Leigh Brackett, 

nach dem Roman von Raymond Chandler | K: Vilmos 

Zsigmond | M: John Williams | D: Elliott Gould, Nina van 

Pallandt, Sterling Hayden, Mark Rydell, Henry Gibson, 

Arnold Schwarzenegger | 112 min | OF | Das Drehbuch 

dieser Chandler-Verfilmung stammt von Leigh Brackett, 

1946 schon bei THE BIG SLEEP von Howard Hawks 

mit Humphrey Bogart dabei. Elliott Gould ist ein cooler 

Philip Marlowe, Hayden als der manisch-depressive, 

ruhm- und trunksüchtige Schriftsteller Roger Wade 

wirkt eigentümlich peripher und bildet doch das Zentrum. 

Wenn er sagt, »Ich bin ein Mann, der es nicht aushält, 

eingesperrt zu sein«, sagt er das auch über sich 

selbst. Robert Altman: »Hayden spielte dieselbe Szene 

zwei Mal, einmal war er betrunken, einmal bekifft, beide 

Male war er großartig.« 


Novecento (1900) | Italien 1976 | R: Bernardo Bertolucci 

| B: Franco Arcalli, Giuseppe Bertolucci, Bernardo 

Bertolucci | K: Vittorio Storaro | M: Ennio Morricone | 

D: Robert de Niro, Gérard Depardieu, Dominique Sanda, 

Sterling Hayden, Stefania Sandrelli, Burt Lancaster, 

Donald Sutherland, Alida Valli | 162 min (Teil 1), 154 

min (Teil 2) | engl. OmU | Der epische Klassenkampf, 

gesehen durch die Augen zweier Kindheitsfreunde am 

Anfang des 20. Jahrhunderts in Italien. Auf Augen höhe 

sind hier auch Burt Lancaster und Sterling Hayden, dieser 

sogar viriler. Sie sind die Patriarchen. Hayden als 

bäuerlicher Großvater Leo Dalco in einer großen proletarischen 

Rolle: »Zuerst waren die Bauern in der Welt, 

erst dann kamen die Patrone.« Bertolucci traf Hayden 

in Beverly Hills und verpflichtete ihn als italienischen 

Bauern. »Warum mich?«, fragte ihn Hayden. Bertolucci 

antwortete: »Als ich jung war, hat mich THE ASPHALT 

JUNGLE auf immer beeindruckt. Deshalb.« 

Freitag, 16. Juni 2017, 21.00 Uhr (Teil 1: Gewalt, 

Macht, Leidenschaft) Samstag, 17. Juni 2017, 21.00 

Uhr (Teil 2: Kampf, Liebe, Hoffnung) 

The Outsider (Verrat in Belfast) | USA 1979 | R+B: 

Tony Luraschi, nach dem Roman von Colin Leinster | 

K: Ricardo Aronovich | M: Ken Thorne | D: Craig Wasson, 

Sterling Hayden, Patricia Quinn, Niall O‘Brien, T.P. 

McKenna | 122 min | OF | Einer der unbekanntesten 

und einer der besten Filme über die »Troubles« in Irland. 

Man kann Schlechteres über einen Film sagen, als dass 

er an Melvilles L’ARMÉE DES OMBRES anknüpft und 

dessen Direktheit hat. Luraschi war Regieassistent bei 

Stanley Kramer und Roger Vadim, versank nach diesem 

wenig erfolgreichen Erstling wieder in die Obskurität. 

Craig Wasson spielt einen amerikanischen Vietnam- 

Veteranen, der sich für seinen Großvater (Sterling Hayden) 

der IRA anschließt. Die eine Szene zwischen ihnen 

trägt den Film. Dass britische Offiziere folterten und 

sich beide Seiten des Konfliktes in zynischen Propagandaspielchen 

ergingen, weckte in den USA unliebsame 

Erinnerungen an Vietnam. 


2. Juni 1967 und danach 

LIEBE UND SO WEITER 

Was man ihnen, den Filmen und den Protagonisten 

damals, am allerwenigsten nachsagen könnte, wäre 

Gelassenheit. Kämpferisch, eifernd, sendungsbewusst 

und aufgebracht sieht man sie in den Dokumentarfilmen 

der späten 1960er und frühen 1970er Jahre; in 

den Spielfilmen spürt man die Aufregung und Unruhe 

kaum weniger. Die Bereitschaft zur Diskussion schien 

groß zu sein, aber sie diente zu oft nur der Darstellung 

des eigenen Standpunkts, und die linken Proteste 

unterschieden sich in ihrer Wut kaum von der 

rechten Gegenseite, wenngleich deren Sprache die 

Parolen der Demonstranten auf der Straße an geistigem 

Niveau noch unterbot. Franz-Josef Strauß neigte 

zu Vergleichen mit wilden Tieren; Franz-Xaver Unertl, 

ein CSU-MdB, der damals auch gerne die Todesstrafe 

wieder eingeführt hätte, nannte Rudi Dutschke 

»eine ungewaschene, verlauste, verdreckte Kreatur« 

– so überliefert es Helga Reidemeister in ihrem Rückblick 

AUFRECHT GEHEN. RUDI DUTSCHKE – SPUREN 

(1988). Der zeit liche Abstand zu den 1968er Jahren tut 

nicht nur diesem Film gut und bewahrt das Ergebnis, 

bei aller Sympathie, vor hagiographischen Momenten. 

Archivmaterial ist reichlich vorhanden und eher den 

kämpferischen Filmstudenten der DFFB in Berlin zu 

verdanken als irgendeiner bewussten Aufmerksamkeit 

der TV-Redakteure. Die Wochenschauen lieferten 

vorzugsweise die Dokumente der politischen Gegner; 

sie erscheinen heute eher noch hasserfüllter als die 

gewachsene Gewaltbereitschaft der Studenten auf der 

Straße. Wer heute das Vokabular von Pegida und AfD 

beklagt, wird sich wundern, wenn er an die Sprache 

und an das Gedankengut der damaligen Großen Koalition 

erinnert wird. 

Im Nachhinein überrascht auch die unendliche 

Diskrepanz zwischen den vielen voller Leidenschaft 

geführten Diskussionen und einer tragfähigen Diskussionsbereitschaft. 

Ideologische Selbstgewissheiten 

dominierten, damals waren, auch in den Filmen, erstaunlich 

viele Verkünder von Heilslehren unterwegs, 

wie Fassbinders Hirte Hans Böhm, der in DIE NIKLAS- 

HAUSER FART (1970) den Aufstand der Armen predigt 

oder Lemkes Studentin Anka in BRANDSTIFTER, 

die nicht länger diskutieren, sondern endlich bomben 

will. Aber auch Ikonen des Protests, wie Fritz Teufel 

und noch mehr Dieter Kunzelmann (in Georg Hafners 

MÜNCHEN 1970 und in AUFRECHT GEHEN) befremden 

aus heutiger Sicht durch ihre offenkundige Unfähigkeit, 

eigene Meinungen zu überdenken oder zur Diskussion 

zu stellen. Die Zeit der APO waren auch Jahre der 

apodiktischen Verkünder. Bei aller erkennbaren Radikalität 

erscheint allein Rudi Dutschke dazu bereit, auch 

einmal eingenommene Positionen zu überdenken oder 

Zweifel zuzulassen. Besonders dem suchenden Fassbinder 

– auch darin war er bis zu seinem Beitrag zu 

DEUTSCHLAND IM HERBST eine Ausnahme – bedeuten 

die gestellten Fragen weit mehr als die gegebenen Antworten. 

Merkwürdigerweise erweisen sich auch viele 

prominente Bildende Künstler von damals als etwas 

selbstverliebt, auch in die eigenen Parolen, manchmal 

bis zur Eifersucht, wie es zwischen Wolf Vostell und 

Joseph Beuys in Helmut Herbsts enzyklopädisch großer 

und leidenschaftlicher Bestandsaufnahme HAPPENING. 

KUNST UND PROTEST 1968 zu beobachten ist. 

Von der Ikone zur Heroisierung ist es nur ein kleiner 

Schritt. Die Sehnsucht der protestierenden Studenten 

nach Harmonie mit den Arbeitern war nicht nur vergeblich, 

sondern verkannte auch die Wirklichkeit. In den Filmen 

kommt das kaum noch vor, allein Dutschke schien 

den Widerspruch klar erkannt zu haben – im Gegensatz 

zu manchen Filmemachern. Ich erinnere mich an die 

Kurzfilmtage in Oberhausen, es war wohl 1969. Da lief 

eine ganze Reihe von Dokus über diskutierende Arbeiter, 

die allesamt wie von angehenden Filmemachern zur 

Meinungsäußerung genötigt erschienen. Das Peinliche 

daran war, dass man sie kaum verstehen konnte, weil 

einfach der Ton zu schlampig aufgenommen wurde 

2. Juni 1967 

67

2. Juni 1967 

68 

und die Kamera einen chancenlosen Kampf gegen Unschärfen 

und Wackler führen musste. Meine Fragen, ob 

man damit den Arbeitern einen Dienst erweisen würde, 

wenn sie weder im Focus zu sehen noch akustisch zu 

verstehen sind, wurden in den folgenden Diskussionen 

abgeschmettert: Sie seien Ausdruck einer »bürgerlichen 

Scheiß-Ästhetik«. Manches Opus hatte damals 

seine Aufnahme ins Festivalprogramm allein dem 

Umstand zu verdanken, dass darin, wie auch immer, 

Arbeiter vorkamen. 

Im Rückblick ist es erstaunlich und nur mit einem 

heute kaum noch vorstellbaren politischen Engagement 

von Filmemachern und Produzenten zu erklären, 

wie viele Dokumentarfilme damals entstanden, die 

schon wegen ihrer Länge so gut wie keine Chancen auf 

eine Aufführung im Kino hatten und deren Herstellung 

auf 16mm-Filmmaterial weit kostspieliger war als die 

heutige digitale Technik. Aber es gab weit mehr alternative 

Spielstätten als heute, und die TV-Redaktionen, 

vor allem in den dritten Programmen, waren in einem 

ganz anderen Ausmaß für Abweichungen zu gewinnen; 

die Länge der Filme war nicht so streng genormt, die 

Redakteure zeigten sich offener und mutiger, egal ob 

in ästhetischer oder politischer Hinsicht, oder auch nur 

in den Sendelängen einzelner Arbeiten. Unvorstellbar 

wäre heute, dass eine Spielfilmredaktion wie die des BR 

Filme des experimentierfreudigen, anarchischen Vlado 

Kristl (zum Beispiel seine SEKUNDENFILME) produzierte. 

Ebenso würde sich heute schwerlich ein Sender an 

dem durchaus riskanten ersten Kinofilm Peter Zadeks 

beteiligen, an ICH BIN EIN ELEFANT, MADAME!, bei dem 

der WDR 1968 als Koproduzent firmierte. Hier erreicht 

der Protest von Abiturienten seinen Höhepunkt, als der 

Schüler Rull ein Hakenkreuz auf die Fassade des Gymnasiums 

pinselt – eine Provokation, die heute sicher 

als Gegenteil des Beabsichtigten verstanden würde. 

Zadek lässt in einem genialen Moment des Films die 

Wirklichkeit einbrechen, er verlässt die Fiktion, schickt 

den populären TV-Moderator Guido Baumann mit einem 

Kamerateam auf die Straße und dokumentiert die 

wütenden realen Reaktionen der Bürger. Als Zuschauer 

hat man das Gefühl, dass es gewiss nicht die Linken 

sind, die sich gegen die Darstellung des NS-Symbols 

ereifern – eher ist das Gegenteil zu spüren. 

Wenn das Wiedersehen nicht eine radikale Neueinschätzung 

gerade der Spielfilme von damals erzwingt, 

dann war in ihnen häufig schon die Kompromissbereitschaft 

angelegt, der einige Regisseure wenig später 

zum Opfer fielen. Wie zum Beispiel George Moorse, der 

in LIEBE UND SO WEITER (1968) neue Lebensentwürfe 

und Utopien zu karikieren, zu parodieren und damit 

auch zu entschärfen beginnt. Was ihn aber mit vielen 

anderen Arbeiten des einstigen Neuen Deutschen 

Films verbindet, ist die Auflösung einer traditionellen 

Dramaturgie zu Gunsten erzählerischer Collagen; das 

mag manchmal anarchisch aussehen, dient aber oft 

nur als Hilfsmittel beim Versuch, Geschichten voranzubringen. 

Notfalls durchbricht man einfach das Erzählte 

und weicht aus auf dokumentarisches Material, das 

dramaturgisch kaum mehr als die Funktion von Zwischenschnitten 

erfüllt. 

So sehr haben sich die Zeiten geändert: Wer aus 

der nächsten und übernächsten Generation würde 

heute noch die Abkürzung »APO« verstehen? Für die 

Jungen sei sie entschlüsselt: »Außerparlamentarische 

Opposition«. So gut wie nichts ist davon geblieben, und 

die Filme von oder über damals evozieren heute meist 

das Gefühl einer unendlichen Ferne – eben auch in Zeiten, 

in denen die militanteren Proteste auf den Straßen 

und Plätzen der deutschen Städte von rechts kommen. 

Pegida als außerparlamentarische Opposition? Was für 

eine traurige Entwicklung! 

»Geh doch nach drüben!« Nicht nur in Zadeks 

Schulklasse, sondern auch auf den Straßen, vor allem 

in Westberlin, wird damit Kritik runtergebügelt. Leider 

sind auch die Filme von drüben mit den Protesten im 

Westen nicht so umgegangen, als hätte man vielleicht 

lieber »drüben« gelebt. Ein ebenso perfides wie lächerliches 

Stück Propaganda war Harry Hornigs OSTERN 

68: heute eher ein Kuriosum, damals auch deshalb 

ärgerlich, weil man die Tonart dieses vom DEFA-Studio 

für Wochenschau produzierten Dokumentarfilms (vielleicht 

sollte man hier für den Begriff besser Anführungszeichen 

verwenden!) sonst eher von den Pamphleten 

des Armeefilm-Studios der DDR zu erwarten hatte. 

Zu den ersten Studentendemos gegen Axel Springer 

lässt Hornig anmerken: »Die Einheitsfront gegen den 

geplanten Staatsstreich beginnt sich zu formieren!« 

Mit »Staatsstreich« sind die umstrittenen deutschen 

LIEBE UND SO WEITER

Notstandsgesetze (1968) gemeint. »Die Koalition ist 

sich einig«, behauptet der Film, »gegen Demokraten 

helfen nur Soldaten!« Als hätte jemals Militär in die militanten 

Auseinandersetzungen auf den Straßen eingegriffen 

– und als hätte die Bundesrepublik in Westberlin 

Soldaten stationiert. Auch von Mordkommandos ist 

die Rede – viele Jahre bevor der Polizist, der den Studenten 

Benno Ohnesorg erschoss, als Mitarbeiter des 

MfS (Ministerium für Staatssicherheit) enttarnt wurde. 

Der Attentäter, der auf Rudi Dutschke schoss, wird als 

»regierungstreuer Faschist« bezeichnet. Weil der Film 

den Terminus »Deutschland« vermeiden will, heißt zum 

Beispiel die SPD hier nur »SP«; wenn es um Demonstranten 

geht, dann sind es hier vor allem die wackeren 

Genossen von der KP – sichtbar vor allem in den 

gezeigten Transparenten und Plakaten. Vielleicht aber 

hat kein anderer Film den ideologischen Irrsinn beider 

Seiten – wenngleich eher unfreiwillig – treffender und 

gleichzeitig unwahrhaftiger abgebildet als OSTERN 68. 

Besonders ärgerlich ist dabei, dass der DEFA-Regisseur 

auch noch versucht, die Bürger seines eigenen 

Landes für dumm zu verkaufen. 

Erstaunlich wenig ist – in fast allen Filmen der Zeit – 

von den Einflüssen der Proteste in Frankreich die Rede; 

schon früh ist der Blick beschränkt auf die eigene nationale 

Auseinandersetzung. Allenfalls übernahmen die 

Spielfilmregisseure neue Formen, wie sie vor allem von 

Jean-Luc Godard entwickelt wurden. Mit Anspielungen 

auf und Anleihen bei Godard schienen sich viele 

deutsche Filmemacher gleichsam selbst zu adeln und 

legitimieren zu wollen. 

Vielleicht ist es am Ende ausgerechnet ein Franzose, 

Jean-Gabriel Périot, dem die genaueste und umfassendste 

Beobachtung der 1968er Generation gelungen 

ist. In UNE JEUNESSE ALLEMANDE, realisiert allerdings 

erst 2014/15, blickt er kritisch und analytisch zurück 

auf die Bundesrepublik der sechziger und siebziger 

Jahre und auf die Entwicklung der RAF und ihre pervertierte 

Spätphase, in der Ulrike Meinhof erklärt hatte, 

Polizisten seien keine Menschen, sondern Schweine. 

Und auf sie könne geschossen werden. Der Kompilationsfilm, 

mit Ausschnitten aus Arbeiten von Hellmuth 

Costard, Thomas Mitscherlich, Holger Meins, Helke 

Sander, Rainer Werner Fassbinder und anderen, auch 

mit zeitgeschichtlichen TV-Dokumenten und Zitaten 

aus Talkshows und Politmagazinen, protokolliert er mit 

den filmischen Entwicklungslinien die einflussreiche 

Geschichte der Berliner Film- und Fernsehakademie; 

ebenso genau berichtet er von einem Schlüsselereignis 

der APO, vom Besuch des Schahs und seiner begleitenden 

Agenten, die auf protestierende Demonstranten 

eindreschen durften, ohne dass die Polizei eingegriffen 

hätte. Im Gegenteil: Die Polizei stellte sich mit Wasserwerfern 

und Knüppeln auf die Seite der Schläger aus 

Persien. So hatte ein Staatsbesuch, der trotz aller Proteste 

hätte marginal bleiben können, kaum absehbare 

Folgen. Von ihnen erzählt auch Georg M. Hafner in 

MÜNCHEN 1970 – ALS DER TERROR ZU UNS KAM. Die 

Bundesregierung hatte nichts gegen den Rechtsbruch 

der Schah-Agenten unternommen, hatte gekuscht, wie 

1972 nach den Terror-Anschlägen der PLO und anderen 

Gelegenheiten, als die Täter einfach nur abgeschoben 

wurden, aus Angst vor weiteren, möglicherweise 

noch brutaleren Anschlägen. Geholfen hat das, wie 

man heute weiß: nichts. Die zentrale Frage, wie man 

Gewalt begegnen oder bewerten, begründen oder bekämpfen 

soll, bleibt in all diesen Filmen ungelöst. Am 

beeindruckendsten stellen sie Helmut Gollwitzer und 

Karola Bloch in AUFRECHT GEHEN. Karola Bloch, die 

streitbare alte Dame, gesteht zunächst ihre Freude 

über Tomaten, die auf reaktionäre Professoren geworfen 

werden. Wenig später plädiert sie für Gewalt gegen 

»Menschen, die dem Fortschritt schaden«! Ohne zu 

erläutern, was Fortschritt denn sei. Heute würde man 

fragen, ob zum Beispiel Gentechnik ein Fortschritt sei. 

Damals hielt ihr Gollwitzer, der Theologe, der sich auch 

für das Engagement von Christen in revolutionären Bewegungen 

engagierte, entgegen: »Es hat keinen Sinn, 

auch nur einen Stein zu werfen! Gewalt ist Selbstbefriedigung!« 

Sinn, so Gollwitzer, macht allein Aufklärung. 

Auch deshalb lohnt sich der Blick auf diese Filme. 

 

Hans Günther Pflaum 

Une jeunesse allemande (Eine deutsche Jugend) | 

Frankreich 2015 | R+B: Jean-Gabriel Périot | M: Alan 

Mumenthaler | 93 min | OmU | Ein Kompilationsfilm, der 

mit Bildern und Szenen aus Nachrichten, Filmen und 

Fernsehsendungen eine Geschichte der Studentenrevolte 

von Mitte der 1960er Jahre und der Radikalisierung 

einiger ihrer Protagonisten entwickelt, die 1978 

mit den Selbstmorden in Stammheim endet. Erstaunlich 

ist die Fülle wenig bekannter Filmaufnahmen aus 

den Archiven von Fernsehsendern und der Deutschen 

Film- und Fernsehakademie in Berlin. 


Ich bin ein Elefant, Madame! | BRD 1969 | R: Peter 

Zadek | B: Wolfgang Menge, Robert Muller, Peter Zadek, 

frei nach dem Roman »Die Unberatenen« von Thomas 

Valentin | K: Gérard Vandenberg | D: Wolfgang Schneider, 

Heinz Baumann, Margot Trooger, Günther Lüders, 

Tankred Dorst, Peter Palitzsch | 100 min | Bremen im 

2. Juni 1967 

69

2. Juni 1967 

70 

Jahr 1968: Der Schüler Rull revoltiert gegen Eltern 

und Lehrer. Zadek nutzt alle Stilmittel und Formen des 

Kinos, der hämmernde Sound von The Velvet Underground 

trifft auf Freddy Quinns Skandal-Lied »Wir« und 

Martin Böttchers Winnetou-Melodie. 


1968: Kunst, Protest, Happening | BRD 1981 (2010) 

| R: Helmut Herbst | B: Helmut Herbst, Friedrich Heubach 

| K: Helmut Herbst, Irina Hoppe | Mit Wolf Vostell, 

Allan Kaprow, Jean-Jacques Lebel, Al Hansen, Joseph 

Beuys, Nam June Paik, Ben Vautier, Peter O. Chotjewitz 

| 76 min | Ein spannender Dokumentarfilm über 

die Happening-Kunstszene Ende der 1960er Jahre und 

die Aktionen der Studentenrevolte, die ihre eigene Form 

des Happening entwickelten. Wolf Vostell zeigt sich 

enttäuscht, dass die Künstler »von den gesellschaftsverändernden 

Kräften« nicht in Anspruch genommen 

wurden. 

Dienstag, 6. Juni 2017, 18.30 Uhr | Zu Gast: Helmut 

Herbst 

Polizeifilm | BRD 1969 | R+ K: Wim Wenders | B: Albrecht 

Göschel, Wim Wenders | D: Jimmy Vogler, Kasimir 

Esser, Peter Frötschel | 12 min – Brandstifter | BRD 

1969 | R+B: Klaus Lemke | K: Robert van Ackeren | D: 

Margarethe von Trotta, Iris Berben, Veith von Fürstenberg, 

Christian Friedel, Dieter Noss, Marquard Bohm | 

65 min | Die in der außerparlamentarischen Opposition 

aktive Studentin Anka hat von folgenlosen Diskussionen 

die Nase voll. Da sie mit Worten allein die Welt nicht 

verändern kann, plant sie eine militante Aktion und deponiert 

in einem Kölner Kaufhaus eine Bombe. 


Ostern 68 | DDR 1968 | R+B: Harry Hornig | K: Werner 

Heydn, Artur Kilius | 14 min | Polemischer Blick auf die 

Studentenunruhen in West-Berlin. – Aufrecht gehen. 

Rudi Dutschke – Spuren | BRD 1988 | R+B: Helga 

Reidemeister | K: Lars Barthel, Judith Kaufmann, Hartmut 

Lange, Fritz Poppenberg | Mit Erich Fried, Karola 

Bloch, Helmut Gollwitzer, Alfred Dutschke, Hosea-Ché 

Dutschke, Bernd Rabehl, Dieter Kunzelmann, Klaus 

Wagenbach | 92 min | Dutschkes Lebensgeschichte 

als Ausgangspunkt für Fragen über gesellschaftliche 

Fragen, Widersprüche, Konflikte und Entwicklungen. 


Liebe und so weiter | BRD 1968 | R: George Moorse | 

B: George Moorse, Klaus Lea | K: Gérard Vandenberg | 

M: David Llewellyn | D: Vera Tschechowa, Vadim Glowna, 

Claudia Bremer, Rolf Zacher, David Llewellyn, Willy 

Semmelrogge, Wim Wenders | 84 min | Alltageleben 

und Liebesbeziehungen in einer Münchner Wohngemeinschaft 

als Pop-Collage mit Zwischentiteln, Leuchtschriften 

und bunt gefärbten Wochenschauaufnahmen 

von prügelnden Polizisten. Moorse stellt Hochkultur 

neben Subkultur, Konzertsaal neben Maoisten-Café, 

Jugendstilreminiszenzen neben Pissoir-Parolen. 


München 1970. Als der Terror zu uns kam | 

Deutschland 2012 | R+B: Georg M. Hafner | K: Svea 

Anderson, Detlev Dinges, Virginie Jolivet, Colin Rosen | 

90 min | Georg M. Hafner schaut zurück auf seine Zeit 

als Student in München, als er mit der Studentenbewegung 

sympathisierte. Als unmittelbarer und unbeteiligter 

Zeuge erlebt er antisemitische Terroranschläge, die 

er in seinem preisgekrönten Film nach mehr als vierzig 

Jahren mit Hilfe von Experten und Familienangehörigen 

der Opfer, mit Archivmaterial und aufgrund eigener Recherchen 

rekonstruiert – und bewertet. 

Dienstag, 20. Juni 2017, 18.30 Uhr | Zu Gast: Georg 

M. Hafner 

Die Niklashauser Fart | BRD 1970 | R+B: Rainer Werner 

Fassbinder, Michael Fengler | K: Dietrich Lohmann 

| M: Peer Raben | D: Michael König, Hanna Schygulla, 

Rainer Werner Fassbinder, Margit Carstensen, Günther 

Kaufmann, Walter Sedlmayr, Kurt Raab | 86 min | »In 

einer zeitlosen Epoche, deren äußere Merkmale meist 

dem heutigen Europa, zum Teil aber auch der Dritten 

Welt sowie dem europäischen Mittelalter und Rokoko 

zugehören, tritt ein Hirte als Laienprediger auf und erhebt 

in seinen Ansprachen sozialrevolutionäre Forderungen.« 

(Wilhelm Roth) 


Zuschauerkino – Kurzfilmabend des MFZ 

? 

Beim Kurzfilmabend des Münchner Filmzentrums e.V. 

(MFZ) können Amateure, Enthusiasten und Profis zweimal 

im Jahr ihre Filme auf der Leinwand des Filmmuseums 

einem interessierten Publikum präsentieren 

und sich mit anderen Filmemachern vernetzen. 

Vor jedem Film erzählen Beteiligte von Hintergründen, 

Entstehungsgeschichte oder Besonderheiten ihres 

Werks. Im Anschluss an die Vorführung bietet das MFZ 

eine Begegnungsmöglichkeit, damit alle Anwesenden 

miteinander ins Gespräch kommen und sich austauschen 

können (für Erfrischungen ist gesorgt). 

Filme einreichen können alle, die einen Kurzfilm gedreht 

haben, unabhängig von Inhalt oder Format des 

Films, ob Spielfilm oder Dokumentation, Real-, Kunstoder 

Animationsfilm. Das MFZ wählt unter den eingereichten 

Filmen aus und stellt ein etwa anderthalbstündiges 

Programm zusammen. 

Die Filme müssen bis Donnerstag, den 18. Mai 2017 

im Filmmuseum vorliegen. Möglich sind die Formate 

35mm, 16mm, DigiBeta, BetaSP, DVD-Video, Blu-ray 

und DCP. Dateien wie mov, mp4 etc. müssen auf USB- 

Stick oder Festplatte eingereicht werden. Zugelassen 

sind nur Filme bis zu 12 Minuten Länge. Alle Einreichenden, 

deren Filme im Programm gezeigt werden, 

können an der Kasse bis zu fünf Freikarten für den 

Zuschauer kino-Filmabend erhalten. Darüber hinaus 

bestehen keine weiteren Verpflichtungen des Filmmuseums. 

Es wird vorausgesetzt, dass die Teilnehmer und 

Teilnehmerinnen über die Rechte an ihren Filmen verfügen 

und diese am Abend vor der Projektion kurz vorstellen. 

Kontakt: Filmmuseum München, St.-Jakobs-Platz 1, 

80331 München, zuschauerkino@yahoo.de, Telefon: 

089/23327718. 

Donnerstag, 1. Juni 2017, 19.00 Uhr | Die Filmemacher 

und Filmemacherinnen sind anwesend. 

MM & BB: Matthias Mondon, Brigitte Bruns 

Zuschauerkino 

71

Underdox-Halbzeit: Miranda Pennell 


THE HOST 

72 

Die britische Künstlerin Miranda Pennell (*1961 in London) 

studierte zeitgenössischen Tanz in New York und 

Amsterdam und später visuelle Anthropologie in London. 

Beide Seiten, Körper und Theorie, vereinen sich 

in ihren Filmen und lassen die Wirklichkeit in rituellen 

Phänomenen gesellschaftlicher Gewohnheiten erkennbar 

werden. So das winterliche Schlittschuhlaufen einer 

Gruppe von Mädchen auf einem zugefrorenen See inmitten 

einer finnischen Stadt, das Gitarrenspiel heranwachsender 

Jungs in ihrem Jugendzimmer (MAGNETIC 

NORTH, 2003), der Faustkampf zwischen (gecasteten) 

Hooligans in einem Londoner Pub (FISTICUFFS, 2004) 

oder die Muster alltäglicher Bewegungen, die Pennell 

durch die Eingriffe des kinematografischen Dispositivs 

rhythmisiert, be- und entschleunigt (LOUNGE, 1995). 

Rituale der militärischen Welt und der größeren geopolitischen 

Zusammenhänge finden bereits 2001 in 

TATTOO die Aufmerksamkeit der Künstlerin, wenn sie 

die Exerzitien eines Regiments inmitten der unberührten 

Natur als absurden militärischen Drill zeigt, dessen 

einzige Zeugen die Vögel und Bäume sind. 

In ihren beiden jüngsten Arbeiten wendet sich Pennell 

von inszenierten Choreografien der Präsenz ab. Ihr Interesse 

gilt nun dem Nachwirken der britischen Kolonialzeit, 

und sie taucht als Forscherin in die Archive der eigenen 

Familie und der offiziellen Geschichtsschreibung ein. 

Historische Fotografien, die sie wie Körper einsetzt, werden 

rhythmisiert und in neue Konfigurationen gebracht 

– eine choreografierte Vergangenheit, die neue Bezüge 

offenbart. WHY COLONEL BUNNY WAS KILLED (2010) 

basiert auf den Tagebüchern eines ihrer Urväter während 

einer medizinischen Mission im afghanischen Grenzgebiet 

und seziert die britische Selbstdarstellung an der 

nordwestlichen Grenze von Indien. THE HOST (2015) ist 

Pennells erster Langfilm und Bestandteil ihrer Doktorarbeit 

»Film as an archive for colonial photographs« am 

Arts Council England. Der Film über die British Petroleum 

Company liest sich wie eine kinematografische Forensik. 

Die geopolitische Historie, dokumentiert in den Archiven 

der Ölgesellschaft, verwebt sie mit den psychoanalytischen 

Schichten des Familienalbums. Ein detektivisches 

Essay, das ins Zentrum der eigenen Familie führt. 

 

Dunja Bialas 

Underdox zeigt zur Halbzeit 

eine Auswahl der filmischen 

Arbeiten von Miranda Pennell 

seit 1995 sowie ihre beiden 

jüngsten Werke. Miranda 

Pennell präsentiert ihre Arbeiten 

in einer Film Lecture. 

www.underdox-festival.de 

Donnerstag, 8. Juni 2017, 19.00 Uhr | Zu Gast: Miranda 

Pennell

Jazz im Film 

»Jazz ist für mich eine Geistes- oder Lebenshaltung und 

nicht so sehr eine bestimmte Musikrichtung. Ebenso wie 

eine Filmvorführung im Kinosaal kann der Jazz eine Form 

des Sich-Lösens und des Sich-Entfernens vom Alltäglichen 

sein. Wenn ich ein bekanntes Stück wie z.B. ›Summertime‹ 

von Gershwin zum wiederholten Male höre und dennoch immer 

wieder von der Interpretation berührt werde oder nicht 

mehr über die Grundmelodie nachdenke, dann ist das für 

mich Jazz. Dieses Erlebnis kann ich sowohl auf die Musik als 

auch auf den Film übertragen.« Julian Benedikt 

»Im Gegensatz zu anderen Kunstformen ist der Film nie 

das Werk eines Einzelnen. Er basiert auf einem Kollektiv, 

fast wie eine Jam-Session im Jazz. Der Bassist hat 

zum Beispiel seinen eigenen Verantwortungsbereich, er 

liefert das rhythmische Rückgrat. Der Schlagzeuger vervollständigt 

das zusammen mit dem Pianisten – das harmonisch-rhythmische 

Rückgrat. Diese Dinge lassen sich 

auch auf den Film übertragen. Er ist eine Ganzheit. Der 

Regisseur ist das Gehirn, der Kameramann das Auge, der 

Cutter die DNA, der Produzent die Lunge und der Komponist 

das Ohr.« 

Lalo Schifrin 

Mit dem Aufkommen des Tonfilms ab 1927 kam es 

zu ersten Annäherungsversuchen der beiden Medien 

Jazz und Film. Doch die meisten Spielfilme dieser Zeit 

vermarkteten das Modewort »Jazz« nur als Schlagwort 

für die ausgelassenen Roaring Twenties. Die Darstellung 

der afroamerikanischen Gesellschaft im Umfeld 

des Jazz ist von rassistischen Untertönen geprägt. 

Schwarze Musiker erscheinen in den Spielfilmen nur 

als Randfiguren, in Kurzfilmen, die hauptsächlich Songs 

illustrieren, müssen sie in klischeehaften Spielszenen 

agieren, die diese Songs miteinander verbinden. Dennoch 

sind Filme wie ST. LOUIS BLUES (1929), A RHAP- 

SODY IN BLACK AND BLUE (1932) heute einzigartige 

Dokumente, in manchen Fällen die einzigen erhaltenen 

filmischen Aufnahmen legendärer Jazzgrößen, die die 

ihnen auferlegten mitunter absurden Szenarien einfach 

überstrahlen. Am besten gelingt die Symbiose von Jazz 

und Film in einigen frühen Zeichentricktonfilmen: Insbesondere 

Dave Fleischer konnte Exzentriker wie Cab 

Calloway und Louis Armstrong mit ihrer Musik mühelos 

in das anarchistische Universum seines Zeichentrickfilmvamps 

Betty Boop integrieren, MINNIE THE MOO- 

CHER (1932), I’LL BE GLAD WHEN YOU’RE DEAD, YOU 

RASCAL YOU (1932) und SNOW-WHITE (1933) gehören 

zu den schönsten Beispielen origineller Jazz-Filme 

– bevor der Production Code die Serie zähmte und ihr 

Ende einläutete. 

In den 1930er Jahren greifen Musicals und Revuefilme 

zunehmend Jazzelemente auf, es entstehen erste 

Biopics und Filme über die Anfänge und Entwicklung 

des Jazz. Durch das Radio bekannt gewordene Stars 

wie Louis Armstrong, Duke Ellington und Benny Goodman 

werden in Spielfilme wie SYNCOPATION (1942), 

NEW ORLEANS (1947), oder A SONG IS BORN (1948) 

Jazz im Film 

73 

PARIS BLUES

Jazz im Film 

74 

THE SOUND OF JAZZ 

integriert. Doch die Rollenverteilung entspricht dem 

damaligen Zeitgeist: Im Mittelpunkt stehen weiße Musiker, 

die den Jazz in verruchtem Halbweltmilieu entdecken 

und ihn zur Kunst entwickeln. Afroamerikaner 

spielen Nebenfiguren wie Hausmädchen, Diener oder 

Kleinkriminelle oder dürfen im Hintergrund oder als 

Staffage für heiße Musiknummern agieren. Es sind 

dann vornehmlich französische Filmemacher, die den 

Jazz und die farbigen Musiker ernst nehmen. In den 

1950er Jahren wird Jazz als Filmmusik insbesondere 

in Kriminalfilmen eingesetzt, und Musiker wie John 

Lewis (SAIT-ON JAMAIS, 1957), Miles Davis (ASCEN- 

SEUR POUR L’ÉCHAFAUD, 1958), Art Blakey (LES LI- 

AISONS DANGEREUSES, 1959), Martial Solal (À BOUT 

DE SOUFFLE, 1960) schaffen stilprägende Filmscores. 

Langsam öffnet sich auch Hollywood den Jazzmusikern 

und engagiert sie als Filmkomponisten: Duke Ellington, 

John Lewis, Quincy Jones, Henry Mancini schrieben 

berühmte Scores für Filme wie ODDS AGAINST TO- 

MORROW (1959), ANATOMY OF A MURDER (1959) 

oder PARIS BLUES (1961). 

Der amerikanische Fotograf Gjon Mili, der vor allem 

für das Life-Magazin arbeitete, gelingt 1944 mit 

JAMMIN’ THE BLUES, ein Konzert mit Lester Young 

kongenial zu visualisieren. Richard Leacock und Roger 

Tilton schaffen 1954 mit JAZZ DANCE einen Klassiker 

des Direct Cinema: Mit mehreren Kameras wird eine 

Jazz-Session in der New Yorker Central Plaza Dance 

Hall gefilmt und zu einer furiosen Montage zusammengefügt, 

die die entfesselte Stimmung der Tanzenden 

wiedergibt. Der für das amerikanische Fernsehen produzierte 

THE SOUND OF JAZZ (1957) zeigt ein einzigartiges 

Zusammentreffen berühmter Jazzlegenden wie 

Lester Young, Billie Holiday, Count Basie und Thelonious 

Monk und konzentriert sich darauf, die Interaktion der 

Musiker und ihre Reaktionen aufeinander zu zeigen. 

Der Film JAZZ ON A SUMMER’S DAY (1960) dokumentiert 

das Newport Jazz Festival im Juli 1958 und versucht 

die Atmosphäre des Ereignisses zu fassen, indem 

er Impressionen der Musiker mit Aufnahmen der Stadt, 

einer dort gleichzeitig stattfindenden Segelregatta und 

der Konzertbesucher verknüpft. Erst in den 1980er entstehen 

weitere Dokumentarfilme über Jazz, die Marksteine 

setzen. Sie untersuchen nun verstärkt soziologische 

Zusammenhänge und loten auch ästhetisch neue 

Möglichkeiten aus. So beschreibt Julian Benedikt seine 

Arbeitsweise: »In BLUE NOTE – A STORY OF MODERN 

JAZZ (1997) habe ich versucht, den Geist des Jazz, 

das, was für mich den Jazz ausmacht, auf die Leinwand 

zu übertragen; an den Film heranzugehen, wie bei einem 

Stück Musik, mit dem Willen zur Improvisation.« 

Martin Scorseses NEW YORK, NEW YORK (1977) 

belebte das Thema Jazz in einem aufwändigen Hollywoodfilm 

wieder. Die Geschichte um einen Saxofonisten 

und eine Sängerin im New York zum Ende des 

Zweiten Weltkriegs beschreibt den Übergang vom 

Swing zum Bebop, die Geschichte der Protagonisten 

wird zum weiten gesellschaftlichen Panorama erweitert. 

Es folgen in den 1980er und 1990er Jahren weitere 

an reale Biografien und Ereignisse angelehnte große 

Meisterwerke des Jazzfilms von Filmemachern, die als 

ausgewiesene Fans des Jazz gelten und Jazzmusik 

auch in ihren anderen Filmen gern einsetzen: ROUND 

MIDNIGHT (1986) von Bertrand Tavernier, BIRD (1988) 

von Clint Eastwood, KANSAS CITY (1996) von Robert 

Altman und SWEET AND LOWDOWN (1999) von Woody 

Allen. In diesen Filmen sind die Protagonisten »in eine 

Szene von Musikern integriert, die ihre musikalischen 

und arbeitsrechtliche Entwicklung begleiten, kommentieren 

und regulieren. Die Arbeitgeber der Musiker sind 

für die Handlung so wichtig wie die Musiker selbst, und 

die Musik liefert (...) nicht nur den atmosphärischen, 

sondern auch den soziokulturellen Hintergrund der 

filmischen Diegesen.« (Willem Strank / Claus Tieber) 

Diese Filme brechen mit den eingefahrenen Hollywood-

klischees der frühen Jazz-Filme, sind keine verklärende 

Porträts erfolgreicher weißer Musiker oder gescheiterter 

Existenzen, sondern realistische Annäherungen an 

Künstler, den musikalischen Schaffensprozess und das 

gesellschaftliche Umfeld. 

Im Vorwort zur Neuauflage seines Buches »Jazz in 

the Movies« zieht David Meeker 1981 Bilanz: »Es ist 

traurig, dass von vielen Größen des Jazz, insbesondere von 

denen, die in der Frühzeit der Filmgeschichte aktiv waren 

und inzwischen verstorben sind, keine Aufnahmen 

existieren. Wenn es doch welche gibt, wie die legendären 

verschollenen Tonzylinder-Aufnahmen von Buddy 

Bolden, müssen sie noch entdeckt werden. Es wäre 

für den Jazz ein großer Gewinn, wenn wir Auftritte von 

Scott Joplin, King Oliver, Bix Beiderbecke, ›Jelly Roll‹ 

Morton u.a. auf Film sehen könnten. Aber wir müssen 

dankbar sein für das, was wir haben und für alles, was 

in Zukunft noch kommen wird.« Das jüngste Beispiel 

der Jazzfilmreihe des Filmmuseums ist der Spielfilm 

MILES AHEAD (2015), der auf zahlreiche Filmfestivals 

eingeladen und hoch gelobt wurde: »Es ist nicht nur 

der Darsteller Cheadle, der sein Verständnis von Miles 

Davis erstaunlich authentisch zum Leben erweckt, 

sondern es ist der Regisseur Cheadle, der in waghalsig 

montierten Rückblenden, Parallelmontagen und 

Traumsequenzen die Musik von Miles Davis deutet. Aus 

diesem wirren Konglomerat aus Krimi, Melodram, Biopic 

und absurder Komödie, in der kompletten Dekonstruktion 

einer linearen Lebensgeschichte, kommt der 

Film dem Jazz auf die Spur, der den giftigen, lebenshungrigen 

und selbstzerstörerischen Menschen Miles 

Davis ausmacht.« (Jörg Gerle) Der afroamerikanische 

Schauspieler Don Cheadle, der in zahlreichen Blockbustern 

in Nebenrollen mitwirkt, hat MILES AHEAD 

selbst produziert. Und es ist leider bezeichnend für die 

gegenwärtige Kinosituation, dass der Film in Deutschland 

nur auf DVD herausgebracht wurde. 

Klaus Huckert / Stefan Drößler 

Willi-Johanns-Jazzquartett: »Bebop Spoken Here« 

| Konzert mit Willi Johanns (vocal), Tizian Jost (piano), 

Andreas Kurz (bass), Michael Keul (drums). Willi 

Johanns (*1934) kam 1957 nach München und trat 

als Scat-Sänger in US-Clubs und auf Festivals auf. Er 

wurde mehrfach als bester deutscher Jazzsänger ausgezeichnet. 

Tizian Jost (*1966) ist Dozent für Jazzklavier 

am Richard-Strauss-Konservatorium in München 

und spielte in verschiedenen Bands und mit 

namhaften Musikern zusammen. Michael Keul (*1961) 

studierte an der Swiss Jazz School in Bern bei Billy 

Brooks und gehört als einer der meistbeschäftigten 

Drummer zur Münchner Jazzszene. Andreas Kurz 

(*1979) war Mitglied des Bundesjugendjazzorchesters 

und studierte Kontrabass an der Hochschule für Musik 

und Theater sowie am Richard-Strauss-Konservatorium. 

– Paris Blues | USA 1961 | R: Martin Ritt | B: 

Jack Sher, Irene Kamp, Walter Bernstein, nach dem 

Roman von Harold Flender | K: Christian Matras | M: 

Duke Ellington | D: Paul Newman, Joanne Woodward, 

Sidney Poitier, Diahann Carroll, Louis Armstrong, Serge 

Reggiani | 98 min | OF | Paris als die Stadt der Liebe 

und des Jazz. Filmklassiker über zwei amerikanische 

Jazzmusiker im Exil, die in Kellern und Clubs auftreten. 

Sie bandeln mit zwei Amerikanerinnen an, die sie in die 

Staaten zurückholen wollen. 

Sonntag, 2. Juli 2017, 19.00 Uhr 

Young Man With a Horn (Der Jazztrompeter) | USA 

1950 | R: Michael Curtiz | B: Carl Foreman, Edmund 

H. North, nach dem Roman von Dorothy Baker | K: Ted 

D. McCord | M: Ray Heindorf | D: Kirk Douglas, Lauren 

Bacall, Doris Day, Hoagy Carmichael, Juano Hernandez 

| 112 min | OF | YOUNG MAN WITH A HORN ist 

lose an das Leben des Jazzkornettisten Bix Beiderbecke 

(1903-1931) angelehnt, der mit 28 Jahren an den 

Folgen seines hohen Alkoholkonsums starb. Grund lage 

Jazz im Film 

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Jazz im Film 

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war die Novelle von Dorothy Baker über den Jazzmusiker. 

Rick Martin, ein kleiner, mutterloser Straßenjunge, 

entwickelt sich zu einem hervorragenden Trompeter. 

Hoagy Carmichael, Gelegenheitsschauspieler, Musiker 

und Komponist von z.B. »Georgia on my mind« oder 

»Stardust«, überzeugt als Pianist/Erzähler und Freund 

von Rick Martin. Das Trompetenspiel von Kirk Douglas 

ist durch den Hoch-Trompeter Harry James geghostet. 

»Mit Harry James zu arbeiten war sagenhaft. Ich lernte 

sogar ein paar Stücke auf der Trompete, ein verflucht 

schwieriges Instrument.« (Kirk Douglas) 

Dienstag, 4. Juli 2017, 20.00 Uhr Freitag, 7. Juli 

2017, 21.00 Uhr 

Kansas City | USA 1996 | R: Robert Altman | B: Robert 

Altman, Frank Barhydt | K: Oliver Stapleton | M: Hal 

Willner | D: Jennifer Jason Leigh, Miranda Richardson, 

Harry Belafonte, Michael Murphy, Dermot Mulroney, 

Steve Buscemi | 114 min | OmU | Der Film spielt 1934 

im Milieu des organisierten Verbrechens in Kansas City, 

das zu dieser Zeit eine der Jazzmetropolen war. Eine 

eigene Stilrichtung, der Kansas City Jazz, hatte sich 

dort etabliert. Die Geschichte um eine Ganovenbraut, 

die die Ehefrau eines einflussreichen Senators entführt, 

damit dieser ihr hilft, ihren Mann aus der Gewalt des 

Hey-Hey-Club-Besitzers zu befreien. Wichtiger als die 

Handlung ist die Musik, die in fast jeder Szene präsent 

ist. Robert Altman hatte einundzwanzig der besten 

Jazzmusiker eingeladen, die Musik von Duke Ellington, 

Count Basie, Marie Lou Williams, und Bennie und 

Buster Moten in einer dreiwöchigen Jam-Session im 

Hey-Hey-Club einzuspielen. Höhepunkt ist ein nachgespieltes 

Konzert mit Soli von Coleman Hawkins (Craig 

Handy), Lester Young (Joshua Redman) und Ben Webster 

(James Carter). 

Mittwoch, 5. Juli 2017, 20.00 Uhr Samstag, 

8. Juli 2017, 21.00 Uhr 

The Gene Krupa Story (Jazz-Ekstase) | USA 1959 

| R: Don Weis | B: Orin Jannings, Charles Lawton | M: 

Leith Stevens | D: Sal Mineo, Susan Kohner, James Darren, 

Susan Oliver, Yvonne Craig, Red Nichols | 101 min 

| OF | Gene Krupa (1909–1973) zählt zu den bedeutendsten 

Musikern der Dixieland- und Swing-Ära. Sein 

Spiel auf dem Schlagzeug war energiegeladen und 

zur damaligen Zeit äußerst innovativ. So setzte er als 

einer der ersten Drummer afrikanische Percussions-Instrumente 

und entsprechende Rhythmen ein. Für THE 

GENE KRUPA STORY spielte er den kompletten Schlagzeugpart 

ein. Trotz der üblichen Hollywoodklischees 

bezüglich Jazz (Alkohol, Rauschgift, Rotlichtmilieu, 

verführerische Frauen, überbordendes Ego gegen die 

Werte der Familie, eine hilfreiche und treue Freundin, 

die helfende Mutter, Happy-End) und kleinerer historischer 

Unkorrektheiten einer der besten Jazzfilme, der 

vor allem durch die überzeugende Darstellung von Sal 

Mineo (REBEL WITHOUT A CAUSE) fasziniert, der Gene 

Krupas Schlagzeugspiel faszinierend imitiert. 

Donnerstag, 6. Juli 2017, 20.00 Uhr Sonntag, 


Syncopation | USA 1942 | R: William Dieterle | B: Philip 

Yordan, Frank Cavett, nach der Erzählung »The Band 

Played On« von Valentine F. Davies | K: J. Roy Hunt | 

M: Leith Stevens | D: Jackie Cooper, Bonita Granville, 

Adolphe Menjou, George Bancroft, Robert Benchley, 

Rex Stewart | 89 min | OF | Anhand einer Liebesgeschichte 

zwischen einem Bandleader und einer Sängerin 

erzählt der Film »the story of a nation from Ragtime 

to Boogie-Woogie« und umspannt die Zeit von 1906 

bis zu Beginn des Zweiten Weltkriegs. Im furiosen 

Finale treten dann sieben berühmte Bandleader (Benny 

Goodman, Harry James, Charlie Barnet, Joe Venuti, 

Gene Krupa, Jack Jenney, Alvino Rey) in einer legendären 

Blues-Jam-Session gemeinsam auf. Afroamerikanische 

Musiker sind nicht dabei, obwohl ihre Rolle 

in der Entwicklung des Jazz durchaus gewürdigt wird. 

»Einerseits den Schwarzen Gerechtigkeit widerfahren 

zu lassen, andererseits aber keinen Film über sie zu 

machen, dürfte den Drehbuchautoren einiges an Akrobatik 

abverlangt haben.« (Manny Farber) 

Freitag, 7. Juli 2017, 18.30 Uhr 

St. Louis Blues | USA 1929 | R+B: Dudley Murphy | 

K: Walter Strenge | D: Bessie Smith, Jimmy Mordecai, 

Isabel Washington, Hall Johnson Choir | 16 min | OF – 

A Rhapsody in Black and Blue | USA 1932 | R: 

Aubrey Scotto | B: Phil Cohan | D: Louis Armstrong, 

Fanny Belle DeKnight, Sidney Easton | 9 min | OF – 

I’ll Be Glad When You’re Dead, You Rascal You | USA 

1932 | R+B: Dave Fleischer | D: Louis Armstrong | 7 

min | OF – Cab Calloway’s Hi-De-Ho | USA 1934 | 

R: Fred Waller | B: Milton Hocky, Fred Rath | K: William 

O. Steiner | D: Cab Calloway, Fredi Washington, Sidney 

Easton | 10 min – Minnie the Moocher | USA 1932 | 

R+B: Dave Fleischer | D: Cab Calloway | 8 min | OF – 

Snow-White | USA 1933 | R+B: Dave Fleischer | 7 min 

| OF – Symphony in Black | USA 1935 | R: Fred Waller 

| B: Milton Hocky, Fred Rath | K: William O. Steiner | D: 

Duke Ellington, Barney Bigard, Billie Holiday, Joe ›Tricky 

Sam‹ Nanton, Earl ›Snake Hips‹ Tucker | 9 min | OF – 

Date with Duke | USA 1947 | R: George Pal | B: Jack

Miller | K: William E. Snyder | D: Duke Ellington | 7 min 

| OF – Jazz Dance | USA 1954 | R+B: Roger Tilton | K: 

Richard Leacock, Robert Campbell | D: Jimmy McPartland, 

Pee Wee Russell, Willie ›The Lion‹ Smith, Jimmie 

Archey, George Wettling, Leon James, Al Minns | 22 

min | OF – Einzigartige Trick-, Kurz- und Dokumentarfilme 

aus der Frühzeit des Tonfilms und ein Klassiker 

des Direct cinema, in dem der Lindy hop zelebriert wird. 

Samstag, 8. Juli 2017, 18.30 Uhr 

New Orleans | USA 1947 | R: Artur Lubin | B: Elliot 

Paul, Dick Irving Hyland | K: Lucien N. Andriot | M: Nat 

W. Finston, Woody Herman | D: Arturo de Córdova, 

Dorothy Patrick, Marjorie Lord, Irene Rich, Louis Armstrong, 

Billie Holiday, Woody Herman | 89 min | OmU | 

Eine weiße, klassisch ausgebildete Sängerin erliegt der 

Faszination des Jazz im Rotlichtbezirk Storyville in New 

Orleans. Bei mehreren Jam-Sessions in einem verruchten 

Spielcasino mit Billie Holiday und Louis Armstrong 

wird sie zu einer überzeugten Anhängerin dieser Musik. 

Durch eine Intrige ihrer einflussreichen Mutter, die 

sie auf den rechten Weg zurückführen will, wird das 

verrufene Storyville geschlossen. In Wirklichkeit fand 

dies 1917 auf Anordnung der amerikanischen Bundesbehörden 

gegen den Widerstand der Stadtverwaltung 

statt. Die Maßnahme wurde damit begründet, dass 

Prostitution in der Nähe von Marinestützpunkten zu 

verbieten sei. Der Film lebt von der mitreißenden Musik 

von Billie Holiday und Louis Armstrong mit seiner Band. 


New York, New York | USA 1977 | R: Martin Scorsese 

| B: Earl Mac Rauch, Mardik Martin | K: László Kovács 

| M: Ralph Burns | D: Liza Minnelli, Robert De Niro, 

Lionel Stander, Barry Primus, Mary Kay Place, Georgie 

Auld, Clarence Clemons, Diahnne Abbott, Steven Prince 

| 163 min | OmU | Im August 1945 wird in New York 

das Kriegsende gefeiert. Jimmy Doyle, ein Saxofonist, 

lernt bei der Siegesfeier in einem Club zu der Musik 

von Tommy Dorsey die junge, erfolglose Sängerin Francine 

Evans kennen. Beide treten bald als Jazz-Duo 

auf, verlieben sich und heiraten. Doch damit beginnen 

die Verwicklungen, da Jimmy ganz Künstler sein will, 

während Francine eine Karriere auf den Showbühnen 

anstrebt. Ein modernes Hollywood-Musical über die 

Big-Band-Ära der 1950er Jahre. Die Musik für den Film 

(Swing und Bebop) ist mitreißend. Georgie Auld, Saxofonist 

und Bandleader des Swing und Bebop, hat einen 

Jazz im Film 

77 

NEW ORLEANS

Cameo-Auftritt. Kameramann László Kovács vollbrachte 

das Kunststück, den klassischen Technicolor-Look 

wiederauferstehen zu lassen. 

Dienstag, 11. Juli 2017, 20.00 Uhr Freitag, 14. 

Juli 2017, 21.00 Uhr 

Jazz »Hot« | GB 1939 | Mit Django Reinhardt, Stéphane 

Grappelli | 6 min | OF | Extrem rare Filmaufnahmen 

mit Django Reinhardt, in denen er mit seinem Quintet 

du Hot Club de France »J’attendrai« spielt. – Sweet 

and Lowdown | USA 1999 | R+B: Woody Allen | K: 

Zhao Fei | M: Dick Hyman | D: Sean Penn, Samantha 

Morton, Uma Thurman, Tony Darrow, Anthony LaPaglia, 

John Waters | 95 min | OmU | In einer fiktiven Künstlerbiografie 

lässt Woody Allen die goldene Swing-Ära 

aufleben und verbeugt sich vor dem legendären Gitarristen 

Django Reinhardt. Der Jazzmusiker Emmet Ray 

gilt als der zweitbeste Gitarrist der Welt nach Django 

Reinhardt, hält sich mit Engagements in Nachtclubs 

über Wasser und bessert seine Gagen ab und zu als 

Teilzeit-Zuhälter auf. Wie sein berühmter Kollege ist 

er unzuverlässig, liebt schnelle Autos, spielt und stellt 

schönen Frauen nach. Doch dann trifft er die stumme 

Wäscherin Hattie, die seinem unsteten Leben Ruhe 

verleiht. Kein anderer Film im Schaffen Woody Allens 

strahlt eine ähnliche Heiterkeit und Gelassenheit aus. 



Whiplash | USA 2014 | R+B: Damien Chazelle | K: 

Sharone Meir | M: Justin Hurwitz | D: Miles Teller, J. K. 

Simmons, Paul Reiser, Melissa Benoist, Austin Stowell 

| 107 min | OmU | WHIPLASH erzählt vom Kampf um 

Perfektion im Jazz, von Kunst, Obsessionen, Machthunger, 

Verzweiflung und Gewalt. Der 19-jährige Andrew 

Neiman ist Jazz-Schlagzeuger. Er studiert in New York 

am renommiertesten Konservatorium des Landes und 

träumt von einer großen Karriere. Er trifft dort den gefürchteten 

Bandleader Terence Fletcher, der ständig 

auf der Suche nach Talenten ist, die in seiner Big-Band 

spielen können. Mit Macho-Gehabe, sexistischen Sprüchen, 

Lügen und vermeintlicher Einfühlsamkeit versucht 

er seine Band zu Höchstleistungen zu bringen. 

»Damien Chazelle macht in seinem zweiten Spielfilm 

aus einem Lehrer-Schüler-Drama einen mitreißenden, 

ja wahrlich schweißtreibenden Actionfilm über den 

schmalen Grat zwischen Ansporn und Missbrauch, 

Motivation und Schinderei auf der Suche nach dem 

perfekten Takt.« (Anke Sterneborg) 



A Song is Born (Die tollkühne Rettung der Gangsterbraut 

Honey Swanson) | USA 1948 | R: Howard 

Hawks | B: Harry Tugend, nach der Geschichte »From 

A to Z« von Billy Wilder und Thomas Monroe | K: Gregg 

Toland | M: Hugo Friedhofer, Emil Newman | D: Danny 

Kaye, Virginia Mayo, Benny Goodman, Tommy Dorsey, 

Louis Armstrong, Lionel Hampton, Charlie Barnet, Mel 

Powell, Felix Bressart, Ludwig Stössel | 113 min | OmU 

| Sieben Musik-Professoren haben sich zurückgezogen, 

um eine Enzyklopädie der Musikgeschichte zu schrei- 

Jazz im Film 

78 

SWEET AND LOWDOWN

en. Durch zwei Fensterputzer erfahren sie von Jazz, 

Swing, Boogie Woogie und Bebop. Um tiefer in die Thematik 

einsteigen zu können, werden Jazzmusiker eingeladen, 

darunter Tommy Dorsey, Louis Armstrong und 

Charlie Barnet. Da taucht plötzlich die Gangsterbraut 

Honey Swanson auf, die sich vor der Polizei ver stecken 

muss, und sorgt für Aufregung. Wie eine Jukebox funktioniert 

dieses Danny-Kaye-Vehikel in knallbuntem 

Technicolor: Auf Stichwort spielen die Giants of Jazz 

hier ihre großen Hits auf. 


Artie Shaw’s Class in Swing | USA 1939 | R+B: Leslie 

Roush | K: George Webber | D: Artie Shaw, Helen Forrest 

| 10 min | OF – Jammin’ the Blues | USA 1944 | 

R+B: Gjon Mili | K: Robert Burks | Mit Lester Young, Red 

Callender, Harry Edison, Marlowe Morris, Sidney Catlett, 

Barney Kessel, Mary Bryant | 10 min | OF – Begone 

Dull Care (Jazz in Farben) | Kanada 1949 | R+B+K: 

Norman McLaren, Evelyn Lambart | M: Oscar Petersen, 

Auston Roberts, Clarence Jones | 9 min | OF – Charlie 

Parker & Dizzy Gillespie | USA 1952 | R: Bill Seaman 

| Mit Earl Wilson, Charlie Parker, Dizzy Gillespie | 5 min | 

OF – The Sound of Jazz | USA 1957 | R: Jack Smight 

| B: John McGiffert | K: Hal Warner | Mit John Crosby, 

Red Allen, Thelonious Monk, Count Basie, Billie Holiday, 

Lester Young, Jimmy Guiffre, Vic Dickenson, Coleman 

Hawkins, Jo Jones, Ben Webster, Pee Wee Russell, 

Rex Stewart, Nat Pierce | 56 min | OF – Nach einem 

Lehrfilm über den Swing folgen legendäre Konzertfilme 

mit bekannten Jazzgrößen, unterbrochen von einem 

klassischen Animationsfilm von Norman McLaren, der 

Jazzmusik in Farben und bewegte abstrakte Grafiken 

umsetzt. 


Swing Kids | USA 1993 | R: Thomas Carter | B: Jonathan 

Marc Feldman | K: Jerzy Zieliński | M: James 

Horner | D: Robert Sean Leonard, Christian Bale, 

Frank Whaley, Barbara Hershey, Kenneth Branagh 

| 112 min | OF | Hamburg 1939. Seit sechs Jahren 

sind die Nationalsozialisten an der Macht. In einigen 

Tanzsälen in der Hansestadt wird immer noch dem 

Swing und dem Swing-Tanz Lindy hop von Jugendlichen 

gehuldigt. Drei der sogenannten »Swing Kids« 

– Thomas, Peter und Arvid – sind miteinander befreundet 

und begeisterte Anhänger dieser Musik. Sie 

hören die Musik von Benny Goodman, Cab Calloway, 

Duke Ellington und Django Reinhardt. Konflikte mit den 

Nazi-Machthabern sind vorprogrammiert. »Mischung 

aus Musikfilm und dramatischer Entwicklungsgeschichte; 

zwar bleibt der historische Hintergrund stereotyp, 

doch dank hervorragender Darsteller gelingt ein 

ebenso lebendiges wie differenziertes Bild jener Loyalitätskonflikte, 

die sich durch Freundschaften und Familien 

ziehen und sie letztlich zerstören.« (Horst Peter Koll) 


Round Midnight (Um Mitternacht) | Frankreich 1986 

| R: Bertrand Tavernier | B: David Rayfiel, Bertrand 

Tavernier | K: Bruno de Keyzer | M: Herbie Hancock | 

D: Dexter Gordon, François Cluzet, Gebrielle Haker, 

Sandra Reaves-Phillips, Herbie Hancock, Martin Scorsese, 

Philippe Noiret | 133 min | engl. OmU | Ein melancholischer 

Jazzfilm, der dem Pianisten Bud Powell 

und dem Saxofonisten Lester Young gewidmet ist. Der 

Jazz-Saxofonist Dexter Gordon überzeugt in seiner 

Rolle mit seiner bewegenden Darstellung des alkoholkranken 

Tenorsaxofonisten Dale Turner, der nach langer 

Zeit des Nichtstuns in New York 1959 in Paris endlich 

wieder auftreten kann. Dort trifft er einen französischen 

Fan und Bewunderer, der ihm durch seine Freundschaft 

Halt und Lebensfreude zu vermitteln versucht. 

ROUND MIDNIGHT gilt mit SWEET AND LOWDOWN 

als einer der besten Jazzfilme. Herbie Hancock erhielt 

einen Oscar für die beste Filmmusik, Dexter Gordon 

eine Oscar-Nominierung als bester Schauspieler(!). 

Dienstag, 18. Juli 2017, 20.00 Uhr Freitag, 


Bird | USA 1988 | R: Clint Eastwood | B: Joel Oliansky | 

K: Jack N. Green | M: Lennie Niehaus | D: Forest Whitaker, 

Diane Venora, Michael Zelniker, Samuel E. Wright, 

Keith David | 161 min | OF | In Rückblenden wird das 

Leben des legendären Jazzmusikers Charlie (»Bird«) 

Parker erzählt. Die künstlerische Laufbahn Parkers 

wurde durch seinen Drogenkonsum beeinflusst, der zu 

familiären und beruflichen Problemen und schließlich 

zu seinem frühen Tode führte. »In BIRD dominiert die 

Musik. Sie durchzieht den Bilderbogen total. Zu hören 

sind Parker-Kompositionen, Soli in ungekürzter Form. 

In welchen Filmen mit Musik ist das sonst der Fall? 

Bemerkenswert auch die technische Feinheit, mit der 

hier gearbeitet wurde. Der frühere Saxofonist bei Stan 

Kenton, Lennie Niehaus, hat den Soundtrack kompositorisch 

und technisch begleitet. Originalbänder wurden 

derart präpariert, dass Musiker von heute die Begleitstimmen 

beisteuern konnten, mit dabei sind Größen 

wie Barry Harris, Walter Davis jr. oder Monty Alexander.« 

(Michael Lang) 

Mittwoch, 19. Juli 2017, 20.00 Uhr Samstag, 22. 

Juli 2017, 21.00 Uhr 

Jazz im Film 

79

CHICO & RITA 

Jazz im Film 

80 

Chico & Rita | Spanien 2010 | R: Fernando Trueba, 

Javier Mariscal, Tono Errando | B: Fernando Trueba, 

Ignacio Martínez de Pisón | M: Bebo Valdés | 94 min | 

OmU | Havanna 2008. Chico, ein alter Schuhputzer und 

ehemaliger Jazz-Pianist in Havanna, erinnert sich an 

das Leben in Kuba vor dem Castro-Regime, an Swing, 

Bebop und Latin Jazz und seine bittersüße Liebesgeschichte 

mit der Sängerin Rita. »CHICO & RITA ist ein 

Animationsfilm. Doch die flächige Zeichenästhetik hat 

mit Comic und mit japanischen Mangas wenig und mit 

den dreidimensionalen Plastikpuppen aus Hollywoods 

3D-Labors gar nichts zu tun. Es ist ein erwachsener 

Film, der sich zugleich dazu bekennt, unterhalten zu 

wollen. Überaus liebevoll setzt Trueba dem Latin Jazz 

und Größen wie Dizzy Gillespie, Charlie Parker oder 

Chano Pozo ein Denkmal. CHICO & RITA ist zuallererst 

ein Film über die herrliche kubanische Musik, die alle 

politischen Wirren überdauert und die die ideologischen 

Lager verbindet.« (Rüdiger Suchsland) 



Jazz on a Summer’s Day (Jazz an einem Sommerabend) 

| USA 1960 | R: Bert Stern, Aram Avakian | B: 

Albert D’Annibale, Arnold Perl | K: Courtney Hesfela, 

Raymond Phelan, Bert Stern | Mit Louis Armstrong, 

Gerry Mulligan, Buck Clayton, Thelonious Monk, Jack 

Teagarden, Dinah Washington, Sonny Stitt, Jo Jones, 

Chico Hamilton, Jim Hall, Jimmy Giuffre, Bob Brookmeyer, 

Terry Gibbs, Urbie Green, Max Roach, Art Farmer, 

George Shearing, Chuck Berry | 86 min | OF | 

Der Film des Mode- und Werbefotografen Bert Stern 

beginnt mit Aufnahmen zum Admirals-Cup-Segelrennen, 

das parallel 1958 zum Jazzfestival in Newport 

stattfand. Natürlich war aber die Musik der Hauptgrund 

für Newport und diesen Film. Stern präsentiert die besten 

Jazz-, R&B- und Boogie-Woogie-Künstler der 1950er 

Jahre. Als Spike Lee 2004 gebeten wurde, zum 50. 

Jubiläum des Newport Jazz Festivals einen Dokumentarfilm 

zu drehen, lehnte er den Auftrag ab mit dem 

Verweis auf Sterns Klassiker: »Einen besseren Film zu 

diesem Festival kann es nicht mehr geben«. 


Thelonious Monk – Straight, No Chaser | USA 1988 

| R+B: Charlotte Zwerin | K: Christian Blackwood | 

M: Dick Hyman | Mit Thelonious Monk, John Coltrane, 

Nica de Koenigswarter, Tommy Flanagan, Johnny Griffin 

| 90 min | OF | Thelonious Monk (1917–1982) war 

un bestritten mit Charlie Parker, Dizzy Gillespie und 

Kenny Clarke einer der Wegbereiter des Bebop. 1967 

erhielten die Dokumentarfilmer Michael und Christian 

Blackwood vom Deutschen Fernsehen die Aufgabe, ein 

Feature über den Pianisten Monk zu produzieren. 

Dieses Material nutzten später der Produzent Bruce 

Ricker und Charlotte Zwerin als Basis für STRAIGHT, NO 

CHASER. Zusätzlich gedrehte Aufnahmen von Monks 

Beerdigung und Interviews mit Familienangehörigen, 

Musikern und Freunden geben Auskunft über das Leben 

des Pianisten. Die dokumentarischen Aufnahmen 

zeigen Monk beim Klavierspiel, wie er in die Tasten des 

Pianos greift und seine Musik zu erklären versucht.

»STRAIGHT, NO CHASER sets the standard for jazz 

documentaries.« (Scott Yanow) 


Blue Note – A Story of Modern Jazz | Deutschland 

1997 | R: Julian Benedikt, Andreas Morell | B: Julian 

Benedikt | K: William Rexer, Georg Steinweh | Mit Freddie 

Hubbard, Gil Melle, Herbie Hancock, Horace Silver, 

Bertrand Tavernier, Ron Carter, Max Roach, Joachim E. 

Behrendt | 91 min | engl. OmU | Die Geschichte des von 

den Emigranten Alfred Lion und Francis Wolff gegründeten 

Jazz-Plattenlabels Blue Note Records beschreibt 

die Erfüllung des amerikanischen Traums: Der Weg 

einer Firma, die es aus dem Nichts bis zur Welt geltung 

brachte. Eine Collage aus Interviews, grafischen Elementen, 

Konzert- und Archivaufnahmen. Herausgekommen 

ist dabei einer der erfolgreichsten deutschen 

Dokumentar-Jazzfilme der neueren Zeit. Durch die 

Kameraeinstellungen und Bildausschnitte ist man den 

Musikern, Freunden, Begleitern und Fans der legendären 

Blue-Note-Aufnahmen sehr nahe. Man könnte die 

Erzählfreude im Film auch im »deutschen Englisch« von 

Alfred Lion beschreiben: »It must schwing«. 


Ascenseur pour l’échafaud (Fahrstuhl zum Schafott) 

| Frankreich 1958 | R: Louis Malle | B: Roger 

Nimier, Louis Malle, nach einem Roman von Noël Calef 

| K: Henri Decaë | M: Miles Davis | D: Jeanne Moreau, 

Maurice Ronet, Lino Ventura, Georges Poujouly, Ivan 

Petrovich | 91 min | OmU | »Wenige Soundtracks haben 

die Verwendung des Jazz im Film so definitiv geprägt 

wie die Musik, die ein Quintett um Miles Davis in der 

Nacht vom 4. zum 5. September 1957 in den Poste- 

Parisien-Studios einspielte. Und wenige Filme haben 

so definitiv dazu beigetragen, dem Jazz die Semantik 

von Urbanität, Ausweglosigkeit, Verbrechen aufzuprägen. 

Der Vermittlung Marcel Romanos, der mit dem 

französischen Regisseur zusammenarbeitete, ist es 

zu verdanken, dass es zur Begegnung von Malle und 

Davis kam. Davis hatte, so Romano, den Film bereits 

kurz nach seiner Ankunft in Paris zu sehen bekommen, 

hatte sich eingehend nach der Handlung und den Charakteren 

erkundigt und in den kommenden zwei Wochen 

bis zur Aufnahme in seinem Hotelzimmer Skizzen 

ausgearbeitet.« (Peter Niklas Wilson) 

Dienstag, 25. Juli 2017, 20.00 Uhr Freitag, 


The Fabulous Baker Boys (Die fabelhaften Baker 

Boys) | USA 1989 | R+B: Steve Kloves | K: Michael 

Ballhaus | M: Dave Grusin | D: Jeff Bridges, Michelle 

Pfeiffer, Beau Bridges, Ellie Raab, Xander Berkeley | 

114 min | OmU | Zwei Brüder, die als Barpianisten in 

Seattle spielen, und Michelle Pfeiffer als Sängerin, um 

die die Kamera von Michael Ballhaus herumkreist, während 

sie – auf dem Flügel liegend – »Makin’ Whoopee« 

interpretiert. »Dies ist kein Film wie das Leben, weil er 

von einem Leben erzählt, das es nur im Kino gibt. Das 

bedeutet, dass er einen Großteil seiner schmerzhaften 

Jazz im Film 

81 

THE FABULOUS BAKER BOYS

Jazz im Film 

82 

Schönheit aus der Einsicht bezieht, dass im wirklichen 

Leben weit und breit kein Jazz zu hören ist, wenn man 

nach einer miesen Nacht frühmorgens nach Hause 

kommt. Wer sich eine Vorstellung machen möchte 

von den FABULOUS BAKER BOYS, der muß eine Platte 

von Duke Ellington auflegen und dem Klang von 

Worten wie ›Hotel Bar‹ oder ›Cocktail Lounge‹ nachschmecken. 

Dazu sollte er versuchen, sich eine Komödie 

der 1940er Jahre im heutigen Amerika auszumalen.« 

(Michael Althen) 



Miles Ahead | USA 2015 | R: Don Cheadle | B: 

Steven Baigelman, Don Cheadle | K: Roberto Schaefer 

| M: Robert Glasper | D: Don Cheadle, Ewan McGregor, 

Emayatzy Corinealdi, Lakeith Lee Stanfield, Michael 

Stuhlbarg | 100 min | OmU | New York 1980. Miles 

Davis lebt seit mehreren Jahren wie ein Einsiedler 

in seiner Wohnung, Kokain, Alkohol und Depressionen 

sind ständige Begleiter. Lange Zeit hat er keine 

Plattenaufnahmen mehr eingespielt. Doch es geht das 

Gerücht, dass bald eine neue Veröffentlichung ansteht. 

Ein Reporter des Rolling Stone erfährt davon und will 

eine Story daraus machen. Widerstrebend erzählt Miles 

dem Journalisten aus seinem Leben. »Cheadle vollbringt 

das Wunder, aus diesem Krisenmoment heraus 

Türen zum Ganzen dieses Lebens zu öffnen. Zwischen 

erzählerischer Freiheit und Faktentreue hält er mustergültig 

die Balance. Was rein technisch Rückblicke sind, 

explodiert in einem impressionistischen Feuerwerk, in 

dem Gegenwart und Vergangenheit einander durchdringen.« 

(Gregor Dotzauer) 



Odds Against Tomorrow (Wenig Chancen für 

morgen) | USA 1959 | R: Robert Wise | B: Abraham 

Polonsky, Nelson Gidding, nach dem Roman von 

William P. McGivern | K: Joseph C. Brun | M: John 

Lewis | D: Harry Belafonte, Robert Ryan, Shelley Winters, 

Ed Begley, Gloria Grahame, Kim Hamilton | 96 min | 

OF | Um seinen Ruhestand angemessen finanzieren zu 

können, plant der unehrenhaft aus dem Dienst entlassene 

New Yorker Polizist Dave Burke einen Bankraub in einem 

nahegelegenen Provinzstädtchen. Da er seinen Plan allein 

nicht umsetzen kann, versucht er, zwei Komplizen dafür 

zu gewinnen: den rassistischen Ex-Sträfling Earl Slater, 

der wegen Totschlags im Gefängnis war, und den jungen 

puerto-ricanischen Jazzmusiker Johnny Ingram, 

der sich bei Pferdewetten hoch verschuldet hat. Der 

exzellente Jazzscore von John Lewis unterstreicht die 

düstere Stimmung dieses Nachzüglers des Film noir. 

»Skating in Central Park« wurde zum Hit des Modern 

Jazz Quartet und ein fester Bestandteil ihres Repertoires. 


À bout de souffle (Außer Atem) | Frankreich 1960 | 

R+B: Jean-Luc Godard | K: Raoul Coutard | M: Martial 

Solal | D: Jean Seberg, Jean-Paul Belmondo, Daniel 

Boulanger, Henri-Jacques Huet, Jean-Pierre Mel ville 

| 90 min | OmU | »Schon nach den ersten Szenen 

sind alle außer Atem, die Schauspieler, die Zuschauer, 

die Bilder, und als Belmondo dann mit einer Kugel 

im Rücken auf dem Pflaster zusammenbricht, bläst er 

noch eine Rauchwolke aus, wie eine Pistole nach dem 

Schuss. Unsterblich werden und dann sterben, das 

dauert neunzig Minuten, und am Ende ist Belmondo ein 

Star, Godard ein Genie und der Film ein Klassiker. Die 

revolutionären Schnitte, die unverschämten Ellipsen, 

mit denen Godard die Illusionshülle des Kinos zerbricht, 

sie sind vervielfachte Liebesblicke; die legendären 

Kamerafahrten und Schwenks nur der zerstreute Ausdruck 

eines Gefühls, das in der Außenwelt keine Entsprechung 

mehr findet.« (Andreas Kilb) Untrennbar mit 

den Bildern verbunden ist die am Cool Jazz orientierte 

Filmmusik des Jazzpianisten Martial Solal. 


Let’s Get Lost | USA 1988 | R+B: Bruce Weber | K: Jeff 

Preiss | M: Chet Baker | Mit Chet Baker, Carol Baker, 

Vera Baker, William Claxton | 120 min | OF | Chet Baker 

(1929–1988) war einer der wenigen Jazzmusiker, die 

man sofort am ersten Ton erkannte. Sein Spiel mit der 

Trompete und dem Flügelhorn war geprägt von einem 

weichen, lyrischen, ruhigen und depressiven Ton, der 

die Zuhörer sofort in seinen Bann schlug. Der Dokumentarfilm 

präsentiert Einspielungen aus den 1950er 

Jahren, als Baker den West Coast Jazz mitbegründete. 

Berühmte Bilder des Jazzfotografen William Claxton 

zeigen ihn als »James Dean des Jazz«. Einen Kontrast 

bilden dagegen Aufnahmen des Musikers aus dem 

Jahr 1987/1988. Sein Gesicht ist durch seine Drogensucht 

zerstört, er steht während der Dreharbeiten sichtlich 

unter Heroineinfluss. Weiterhin gibt es Interviews 

mit seiner Mutter, Ex-Frauen, Kindern und Mitmusikern. 

Etwa ein halbes Jahr nach den Dreharbeiten starb Chet 

Baker durch einen Fenstersturz aus seinem Hotelzimmer 

in Amsterdam. 

Sonntag, 30. Juli 2017, 18.30 Uhr

Donnerstag, 23. Februar 2017 

19.00 Deutsche Filme 2016 Toni Erdmann Seite 4 

DE 2016 | Maren Ade | 162 min | OmeU 

Freitag, 24. Februar 2017 

18.30 Andrzej Wajda Zły chłopiec (Der böse Knabe) | Ceramika iłzecka (Die Keramik aus Ilza) Seite 10 

Kiedy ty śpisz (Während du schläfst) | Pokolenie (Eine Generation) 

PL 1951–1955 | Andrzej Wajda | 118 min | OmeU 

21.00 Deutsche Filme 2016 Junges Licht Seite 4 

DE 2016 | Adolf Winkelmann | 122 min 

Samstag, 25. Februar 2017 

18.30 Andrzej Wajda Idę do słońca (Ich gehe zur Sonne) Seite 10 

PL 1955 | Andrzej Wajda | 13 min | OmeU 

Kanał (Der Kanal) 


21.00 Deutsche Filme 2016 Toni Erdmann Seite 4 

DE 2016 | Maren Ade | 162 min | OmeU 

Sonntag, 26. Februar 2017 

18.30 Andrzej Wajda Popiół i diament (Asche und Diamant) Seite 10 


21.00 Deutsche Filme 2016 Havarie Seite 4 

DE 2016 | Philip Scheffner | 93 min | OmeU 

Mittwoch, 1. März 2017 

19.00 Deutsche Filme 2016 Chamissos Schatten: Alaska und die Aleutischen Inseln Seite 5 

DE 2016 | Ulrike Ottinger | 193 min 

Donnerstag, 2. März 2017 

19.00 Open Scene 

Freitag, 3. März 2017 

18.30 Andrzej Wajda Wajda – Une leçon de cinéma (Großes Kino aus Polen) Seite 10 

FR 2016 | Andrzej Wolski | 95 min | dtF | Andrzej Wolski 

21.00 Deutsche Filme 2016 Nebel im August Seite 5 

DE 2016 | Kai Wessel | 126 min 

Samstag, 4. März 2017 

18.30 Andrzej Wajda Lotna Seite 11 


21.30 Deutsche Filme 2016 Vor der Morgenröte Seite 5 

DE 2016 | Maria Schrader | 105 min | OmeU 

Sonntag, 5. März 2017 

18.30 Andrzej Wajda Niewinni czarodzieje (Die unschuldigen Zauberer) Seite 11 


Przekładaniec (Organitäten) 


21.00 Deutsche Filme 2016 Landstück Seite 6 

DE 2016 | Volker Koepp | 122 min | OmeU 

Kalenderübersicht 

83


84 

Dienstag, 7. März 2017 

18.30 Deutsche Filme 2016 Vor der Morgenröte Seite 5 

DE 2016 | Maria Schrader | 105 min | OmeU 

21.00 Universal Monsters Universal Horror (Horror ohne Ende) Seite 22 

USA 1995 | Kevin Brownlow | 95 min | OmU 


19.00 Deutsche Filme 2016 Chamissos Schatten: Tschukotka und die Wrangelinsel 1 Seite 5 





18.30 Andrzej Wajda Samson Seite 12 

PL 1961 | Andrzej Wajda | 117 min | OmeU 

21.00 Deutsche Filme 2016 Die Hände meiner Mutter Seite 6 

DE 2016 | Florian Eichinger | 106 min | OmeU 


18.30 Andrzej Wajda L’amour à 20 ans (Liebe mit 20) Seite 12 

FR 1962 | F. Truffaut, R. Rossellini, S. Ishihara, M. Ophüls, A. Wajda | 126 min | OmU 

21.00 Deutsche Filme 2016 24 Wochen Seite 6 

DE 2016 | Anne Zohra Berrached | 103 min | OmeU 


18.30 Andrzej Wajda Popioły (Legionäre) Seite 12 



18.30 Deutsche Filme 2016 24 Wochen Seite 6 

DE 2016 | Anne Zohra Berrached | 103 min | OmeU 

21.00 Universal Monsters Dracula Seite 22 

USA 1931 | Tod Browning | 75 min | OmU 


19.00 Deutsche Filme 2016 Chamissos Schatten: Tschukotka und die Wrangelinsel 2 Seite 5 




Freitag, 17. März 2017 

18.30 Andrzej Wajda Sibirska Ledi Magbet (Blut der Leidenschaft) Seite 12 

YU 1962 | Andrzej Wajda | 92 min | OmeU 

21.00 Deutsche Filme 2016 Wild Seite 7 

DE 2016 | Nicolette Krebitz | 93 min 


18.30 Andrzej Wajda Gates to Paradise (Die Pforten des Paradieses) Seite 13 

GB 1967 | Andrzej Wajda | 79 min | dtF 

Filmmuseum im Münchner Stadtmuseum · St.-Jakobs-Platz 1 · 80331 München · Tel 089/233 96450


21.00 Deutsche Filme 2016 Tschick Seite 7 

DE 2016 | Fatih Akin | 93 min | OmeU 


17.30 Film und 

Psychoanalyse 

Gravity Seite 26 

USA 2013 | Alfonso Cuarón | 90 min | OF | 3D | 2 Salek Kutschinski 

21.00 Deutsche Filme 2016 Austerlitz Seite 7 

DE 2016 | Sergei Loznitsa | 94 min 


18.30 Deutsche Filme 2016 Wild Seite 7 

DE 2016 | Nicolette Krebitz | 93 min 

21.00 Universal Monsters Drácula Seite 22 

USA 1931 | George Melford | 104 min | span.OmU 


19.00 Deutsche Filme 2016 Chamissos Schatten: Kamtschatka und die Beringinsel Seite 5 

DE 2016 | Ulrike Ottinger | 177 min 


19.00 Open Scene Haymatloz – Exil in der Türkei 

DE 2016 | Even Öusöz | 95 min | türk. OmU 

Hasnain Kazim, Jutta Prediger, Christiane Schlötzer 


18.30 Andrzej Wajda Wszystko na sprzedaż (Alles zu verkaufen) Seite 13 


21.00 Bilder der 

Überwachung 


Ucho (Das Ohr) Seite 29 

CS 1970 | Karel Kachyňa | 94 min | OmeU 

18.30 Andrzej Wajda Polowanie na muchy (Fliegenjagd) Seite 13 



Überwachung 


Nineteen Eighty-Four (1984) Seite 29 

GB 1984 | Michael Radford | 108 min | OF 

18.30 Andrzej Wajda Krajobraz po bitwie (Landschaft nach der Schlacht) Seite 13 



Überwachung 



Überwachung 

The Conversation (Der Dialog) Seite 30 

USA 1974 | Francis Ford Coppola | 109 min | OmU 

Alles unter Kontrolle Seite 30 

AT 2015 | Werner Boote | 93 min 

21.00 Universal Monsters Frankenstein Seite 22 

USA 1931 | James Whale | 71 min | OmU 


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Überwachung 

Der Riese Seite 30 

BRD 1983 | Michael Klier | 82 min 

21.00 Cate Blanchett Oscar and Lucinda (Oscar und Lucinda) Seite 34 

AU 1997 | Gillian Armstrong | 132 min | OF 


19.00 Open Scene La teta asustada (Eine Perle Ewigkeit) 

ES 2009 | Claudia Llosa | 100 min | OmU | Claudia Llosa 


18.30 Architekturfilmtage Where Architects Live Seite 39 

IT 2014 | Francesca Molteni | 78 min | OmeU 

Peep | Cat | Modern Living | Casa Cubo | This Was Not My Dream (Casa Redux) 

BR 2012-14 | Marcio Kogan | 20 min | engl.OF | 2 Mathieu Wellner 

21.00 Architekturfilmtage Atlas der seltsamen Häuser und ihrer Bewohner Seite 40 

Buchvorstellung und Einführungsvortrag von Niklas Maak 

La Cupola 

DE 2016 | Volker Sattel | 40 min | OmU | Volker Sattel 

Samstag, 1. April 2017 

18.30 Architekturfilmtage Für den Schwung sind Sie zuständig Seite 40 

DE 2003 | Margarete Fuchs | 58 min | Margarete Fuchs 

Bowlingtreff 

DE 2016 | Thomas Beyer & Adrian Dorschner | 60 min | Thomas Beyer & Adrian Dorschner 

21.00 Architekturfilmtage Mies van der Rohe Seite 40 

BRD 1968 | Georgia van der Rohe & Sam Ventura | 40 min 

Eero Saarinen – The Architect Who Saw the Future 

USA 2016 | Peter Rosen | 54 min | OF 

Sonntag, 2. April 2017 

18.30 Architekturfilmtage Il Girasole – Una casa vicino a Verona (Ein Haus in der Nähe von Verona) Seite 41 

CH 1995 | Christoph Schaub & Marcel Meili | 15 min | OmU 

Batushas Haus 

CH 2016 | Tino Glimmann & Jan Gollob | 70 min | OmU | Tino Glimmann & Jan Gollob 

21.00 Architekturfilmtage La madre, il figlio e l’architetto (Die Mutter, der Sohn und der Architekt) Seite 41 

NL 2012 | Petra Noordkamp | 16 min | engl.OF 

L’architecte de Saint-Gaudens (Der Architekt von Saint-Gaudens) 

FR 2015 | Julie Desprairies & Serge Bozon | 28 min | OmeU 

A Man in Space No. 1 – Days of Zucco 

FR 2016 | Lucas Bacle | 6 min | OmeU 

Talking House 

FR 2016 | Elizabeth Lennard | 42 min | engl.OF 

Dienstag, 4. April 2017 


Überwachung 

Citizenfour Seite 31 

USA 2014 | Laura Poitras | 114 min | OmU 

21.00 Universal Monsters The Mummy (Die Mumie) Seite 23 

USA 1932 | Karl Freund | 74 min | OmU 


Mittwoch, 5. April 2017 


Überwachung 

Low Definition Control – Malfunctions #0 Seite 31 

AT 2011 | Michael Palm | 95 min 

21.00 Cate Blanchett Elizabeth Seite 34 

GB 1998 | Shekhar Kapur | 124 min | OmU 

Donnerstag, 6. April 2017 

19.00 Thomas Mauch Strafprotokoll aller und jeder Untertanen des allhiesigen Seite 43 

Reichsgotteshauses Roggenburg 

BRD 1976 | Thomas Mauch | 11 min 

Die Macht der Gefühle 

BRD 1983 | Alexander Kluge | 115 min 

Thomas Mauch, Alexander Kluge 

Freitag, 7. April 2017 

18.30 Andrzej Wajda Brzeżina (Das Birkenwäldchen) Seite 13 


21.00 Thomas Mauch Nel regno di Napoli (Neapolitanische Geschwister) Seite 44 

BRD 1978 | Werner Schroeter | 136 min | ital.OmU | Thomas Mauch 


18.30 Andrzej Wajda Wesele (Die Hochzeit) Seite 14 


21.00 Thomas Mauch Shirins Hochzeit Seite 44 

BRD 1976 | Helma Sanders-Brahms | 120 min | Thomas Mauch 


18.30 Andrzej Wajda The Shadow Line (Die Schattenlinie) Seite 14 

GB 1976 | Andrzej Wajda | 100 min | OF 

21.00 Thomas Mauch Letzte Worte Seite 44 

BRD 1968 | Werner Herzog | 13 min 

Die Achse 

BRD 1985 | Thomas Mauch | 32 min 

Tod eines Vaters 

BRD 1978 | Thomas Mauch | 47 min | Thomas Mauch 



Überwachung 

A Good American Seite 31 

AT 2015 | Friedrich Moser | 104 min | OmU 

21.00 Universal Monsters The Invisible Man (Der Unsichtbare) Seite 23 




Überwachung 

Il Castello (Die Festung) Seite 31 

IT 2011 | Massimo D‘Anolfi & Martina Parenti | 90 min | OmeU 

21.00 Cate Blanchett Heaven Seite 34 

DE 2002 | Tom Tykwer | 97 min | OmU 




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18.30 Andrzej Wajda Pilatus und andere – Ein Film für Karfreitag Seite 14 

BRD 1972 | Andrzej Wajda | 94 min 

21.00 Helmut Färber Acto da Primavera (Der Leidensweg Jesu in Curalha) Seite 46 

PT 1963 | Manoel de Oliveira | 94 min | OmeU | 2 Thomas Brandlmeier 


19.00 Andrzej Wajda Ziemia obiecana (Das gelobte Land) Seite 14 

PL 1975 | Andrzej Wajda | 170 min | OmeU 


19.00 Andrzej Wajda Człowiek z marmuru (Der Mann aus Marmor) Seite 14 


Montag, 17. April 2017 

19.00 Andrzej Wajda Człowiek z żelaza (Der Mann aus Eisen) Seite 15 



18.30 Kafka geht ins Kino Kafka Seite 50 

USA 1991 | Steven Soderbergh | 98 min | OmU 

21.00 Universal Monsters The Bride of Frankenstein (Frankensteins Braut) Seite 23 



19.00 Cate Blanchett The Aviator Seite 35 

USA 2004 | Martin Scorsese | 178 min | OmU 


19.00 Kafka geht ins Kino Kafka geht ins Kino Seite 50 

Lesung mit Filmausschnitten | Hanns Zischler 


18.30 Kafka geht ins Kino Primo Circuito Aereo Internazionale di Aeroplane in Brescia Seite 50 

IT 1909 | Adolfo Croce | 13 min | OmU 

Nick Winter et le vol de la Joconde (Nick Winter und der Diebstahl der Mona Lisa) 

FR 1911 | Paul Gabigni | 10 min | OmU 

Den hvide slavehandels sidste offer (Die weiße Sklavin) 

DK 1911 | August Blom | 55 min | dtF | \ Richard Siedhoff | 2 Hanns Zischler 

21.00 Kafka geht ins Kino Theodor Körner Seite 51 

DE 1912 | Gerhard Dammann, Franz Porten | 41 min 

La broyeuse de cœurs (Die Herzensbrecherin) 

FR 1913 | Camille de Morlhon | 47 min | OmU | \ Richard Siedhoff | 2 Hanns Zischler 


18.30 Kafka geht ins Kino Daddy-Long-Legs (Vater Langbein) Seite 51 

USA 1919 | Marshall Neilan | 97 min | OF | \ Richard Siedhoff | 2 Stefan Drößler 

21.00 Kafka geht ins Kino Prazdnovanie 300-letija Doma Romanovych (300 Jahrfeier des Hauses Romanoff) 

RU 1913 | 16 min | OmU Seite 51 

Der Andere 

DE 1913 | Max Mack | 75 min | \ Richard Siedhoff | 2 Stefan Drößler 



18.30 Kafka geht ins Kino Jízda Prahou otevřenou tramvají (Straßenbahnfahrt durch Prag) Seite 51 

CZ 1908 | Jan Kříženecký | 2 min 

Shiwat Zion (Heimkehr nach Zion) 

Palästina 1921 | Ya'acov Ben-Dov | 74 min | OmU | \ Günter A. Buchwald | 2 Stewart Tryster 

21.00 Kafka geht ins Kino Kafka Seite 50 

USA 1991 | Steven Soderbergh | 98 min | OmU 


18.30 Danielle Darrieux Mayerling Seite 55 

FR 1996 | Anatole Litvak | 92 min | OmU 

21.00 Universal Monsters Dracula’s Daughter (Draculas Tochter) Seite 24 

USA 1936 | Lambert Hillyer | 71 min | OF 


18.30 Danielle Darrieux 8 femmes (8 Frauen) Seite 55 

FR 2002 | François Ozon | 111 min | OmU 

21.00 Cate Blanchett I’m Not There Seite 36 

USA 2007 | Todd Haynes | 130 min | OmU | Ed Lachman 


19.00 Helmut Färber Queen Kelly Seite 46 

USA 1929 | Erich von Stroheim | 96 min | OF 

Hat Wolff von Amerongen Konkursdelikte begangen? 

AT 2004 | Gerhard Benedikt Friedl | 72 min 


18.30 Andrzej Wajda Bez znieczulenia (Ohne Betäubung) Seite 15 


21.00 Danielle Darrieux La ronde (Der Reigen) Seite 56 

FR 1950 | Max Ophüls | 109 min | OmU 


18.30 Andrzej Wajda Panny z Wilka (Die Mädchen von Wilko) Seite 15 


21.00 Danielle Darrieux Le plaisir (Pläsier) Seite 56 

FR 1951 | Max Ophüls | 97 min | OmeU 



Psychoanalyse 

Birdman or The Unexpected Virtue of Ignorance Seite 26 

(Birdman oder Die unverhoffte Macht der Ahnungslosigkeit) 

USA 2014 | Alejandro G. Iñárritu | 119 min | OmU | 2 Matthias Baumgart, Eva Friedrich 

21.00 Danielle Darrieux Madame de … Seite 56 

FR 1953 | Max Ophüls | 99 min | OmU 

Dienstag, 2. Mai 2017 

18.30 Danielle Darrieux Les demoiselles de Rochefort (Die Mädchen von Rochefort) Seite 56 

FR 1967 | Jacques Demy | 122 min | OmeU 

21.00 Universal Monsters Son of Frankenstein (Frankensteins Sohn) Seite 24 

USA 1939 | Rowland V. Lee | 99 min | OF 


89 


filmmuseummünchen 

Mittwoch, 3. Mai 2017 

18.30 Danielle Darrieux Une chambre en ville (Ein Zimmer in der Stadt) Seite 56 

FR 1982 | Jacques Demy | 90 min | OmeU 

21.00 Cate Blanchett The Life Aquatic with Steve Zissou (Die Tiefseetaucher) Seite 35 

USA 2004 | Wes Anderson | 119 min | OF 

Donnerstag, 4. Mai bis Sonntag, 14. Mai 2017 

Dok.Fest: Retrospektive Georg Stefan Troller Seite 57 


18.30 Kurt Eisner Die Münchner Räterepublik I: Seite 59 

Kurt Eisner – Zwischen Demokratie und Diktatur 

BRD 1971 | Helmuth Ashley | 90 min | 2 Ingrid Scherf 

21.00 Universal Monsters The Invisible Man Returns (Der Unsichtbare kehrt zurück) Seite 24 

USA 1940 | Joe May | 81 min | OmU 

Mittwoch, 17. Mai 2017 

18.30 Kurt Eisner Die Münchner Räterepublik II: Ende mit Schrecken Seite 59 

BRD 1971 | Helmuth Ashley | 87 min 

21.00 Cate Blanchett Notes on a Scandal (Tagebuch eines Skandals) Seite 35 

GB 2006 | Richard Eyre | 92 min | OmU 

Donnerstag, 18. Mai 2017 


Freitag, 19. Mai 2017 

18.30 Andrzej Wajda Dyrygent (Der Dirigent) Seite 15 


21.00 Sterling Hayden The Asphalt Jungle (Asphalt-Dschungel) Seite 63 

USA 1950 | John Huston | 112 min | OF 

Samstag, 20. Mai 2017 

18.30 Andrzej Wajda Danton Seite 15 

FR 1983 | Andrzej Wajda | 136 min | OmU 

21.00 Sterling Hayden Denver & Rio Grande (Terror am Rio Grande) Seite 64 

USA 1952 | Byron Haskin | 89 min | OF 

Sonntag, 21. Mai 2017 


90 


Psychoanalyse 

Ultimo Tango a Parigi (Der letzte Tango in Paris) Seite 27 

IT 1972 | Bernardo Bertolucci | 129 min | engl.OmU 

2 Andreas Hamburger, Vivian Pramataroff-Hamburger 

21.00 Sterling Hayden Prince Valiant (Prinz Eisenherz) Seite 64 

USA 1954 | Henry Hathaway | 100 min | OmU 


18.30 Kurt Eisner Rotmord Seite 60 

BRD 1968 | Peter Zadek | 85 min 

21.00 Universal Monsters The Wolf Man (Der Wolfsmensch) Seite 24 

USA 1941 | George Waggner | 70 min | OmU 




19.00 Cate Blanchett The Curious Case of Benjamin Button (Der seltsame Fall des Seite 36 

Benjamin Button) 

USA 2008 | David Fincher | 166 min | OmU 

Donnerstag, 25. Mai 2017 

19.00 Kurt Eisner Revoluzzer, Räte, Reaktionäre Seite 60 

BRD 1969 | Wolfgang Kahle & Georg Walschus | 93 min 

Es geht durch die Welt ein Geflüster. München 7.11.1918 – 2.5.1919 

BRD 1989 | Uli Bez | 42 min | Uli Bez | 2 Ingrid Scherf 

Freitag, 26. Mai 2017 

18.30 Andrzej Wajda Eine Liebe in Deutschland Seite 16 


21.00 Sterling Hayden Johnny Guitar (Wenn Frauen hassen) Seite 64 

USA 1954 | Nicholas Ray | 110 min | OF 

Samstag, 27. Mai 2017 

18.30 Andrzej Wajda Kronika wypadków miłosnych (Eine Chronik von Liebesunfällen) Seite 16 


21.00 Sterling Hayden Suddenly (Der Attentäter) Seite 64 

USA 1954 | Lewis Allen | 75 min | OF 

Sonntag, 28. Mai 2017 

18.30 Andrzej Wajda Schuld und Sühne Seite 16 


21.00 Sterling Hayden The Killing (Die Rechnung ging nicht auf) Seite 64 

USA 1956 | Stanley Kubrick | 85 min | OF 


18.30 2. Juni 1967 

und die Folgen 

Une jeunesse allemande (Eine deutsche Jugend) Seite 69 

FR 2015 | Jean-Gabriel Périot | 93 min | OmU 

21.00 Universal Monsters Frankenstein Meets the Wolf Man (Frankenstein trifft den Wolfsmenschen) Seite 25 

USA 1943 | Roy William Neill | 74 min | OF 


18.30 2. Juni 1967 


Ich bin ein Elefant, Madame! Seite 69 

BRD 1969 | Peter Zadek | 100 min 

21.00 Cate Blanchett Blue Jasmine Seite 36 

USA 2013 | Woody Allen | 98 min | OmU 

Donnerstag, 1. Juni 2017 

19.00 Zuschauerkino Kurzfilmabend des Münchner Filmzentrums e.V. (MFZ) Seite 71 

Freitag, 2. Juni 2017 

18.30 Andrzej Wajda Les possédés (Die Dämonen) Seite 16 

FR 1988 | Andrzej Wajda | 114 min | OmU 

21.00 Sterling Hayden Crime of Passion (Das war Mord, Mr. Doyle) Seite 65 

USA 1957 | Gerd Oswald | 86 min | OF 


91 



Samstag, 3. Juni 2017 

18.30 Andrzej Wajda Korczak Seite 16 

PL 1990 | Andrzej Wajda | 117 min | OmeU 

21.00 Sterling Hayden Terror in a Texas Town (Sturm über Texas) Seite 65 

USA 1958 | Joseph H. Lewis | 80 min | OF 

Sonntag, 4. Juni 2017 

18.30 Andrzej Wajda Wielki tydzień (Die Karwoche) Seite 17 

PL 1995 | Andrzej Wajda | 90 min | OmU 

21.00 Sterling Hayden Leuchtturm des Chaos Seite 65 

BRD 1983 | Wolf-Eckart Bühler | 119 min | OmU | Wolf-Eckart Bühler 


92 

Montag, 5. Juni 2017 

18.30 Andrzej Wajda Panna Nikt (Fräulein Niemand) Seite 17 


21.00 Sterling Hayden Dr. Strangelove, or How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb Seite 65 

(Dr. Seltsam oder Wie ich lernte, die Bombe zu lieben) 

USA 1964 | Stanley Kubrick | 93 min | OmU 

Dienstag, 6. Juni 2017 

18.30 2. Juni 1967 


1968: Kunst, Protest, Happening Seite 70 

BRD 1981 (2010) | Helmut Herbst | 76 min | Helmut Herbst 

21.00 Universal Monsters Son of Dracula (Draculas Sohn) Seite 25 

USA 1943 | Robert Siodmak | 80 min | OF 

Mittwoch, 7. Juni 2017 

18.30 2. Juni 1967 


Polizeifilm Seite 70 

BRD 1969 | Wim Wenders | 12 min 

Brandstifter 

BRD 1969 | Klaus Lemke | 65 min 

21.00 Cate Blanchett Truth (Der Moment der Wahrheit) Seite 36 

USA 2015 | James Vanderbilt | 126 min | OmU 


19.00 Underdox-Halbzeit Filme von Miranda Pennell Seite 72 



18.30 Andrzej Wajda Pan Tadeusz Seite 17 


21.00 Sterling Hayden Der Havarist Seite 66 

BRD 1984 | Wolf-Eckart Bühler | 100 min | Wolf-Eckart Bühler 

Samstag, 10. Juni 2017 

18.30 Andrzej Wajda Zemsta (Die Rache) Seite 17 


21.00 Sterling Hayden The Godfather (Der Pate) Seite 66 

USA 1972 | Francis Ford Coppola | 175 min | OmU 




18.30 Andrzej Wajda Katyń (Das Massaker von Katyn) Seite 18 


21.00 Sterling Hayden The Long Goodbye (Der Tod kennt keine Wiederkehr) Seite 66 

USA 1973 | Robert Altman | 113 min | OF 


18.30 2. Juni 1967 


Ostern 68 Seite 70 

DDR 1968 | Harry Hornig | 14 min 

Aufrecht gehen. Rudi Dutschke – Spuren 

BRD 1988 | Helga Reidemeister | 92 min 

21.00 Universal Monsters Creature from the Black Lagoon (Der Schrecken vom Amazonas) Seite 25 

USA 1954 | Jack Arnold | 79 min | OF | 3D 


18.30 2. Juni 1967 


Liebe und so weiter Seite 70 

BRD 1968 | George Moorse | 84 min 

21.00 Cate Blanchett Manifesto Seite 36 

DE 2015 | Julian Rosefeldt | 90 min | OF 




18.30 Andrzej Wajda Tatarak (Der Kalmus) Seite 18 


21.00 Sterling Hayden Novecento I (1900 – 1.Teil: Gewalt, Macht, Leidenschaft) Seite 66 

IT 1976 | Bernardo Bertolucci | 162 min | OmU 

Samstag, 17. Juni 2017 

18.30 Andrzej Wajda Wałęsa - Człowiek z nadziei (Wałęsa – Mann aus Hoffnung) Seite 18 


21.00 Sterling Hayden Novecento II (1900 – 2.Teil: Kampf, Liebe, Hoffnung) Seite 66 

IT 1976 | Bernardo Bertolucci | 154 min | OmU 



Psychoanalyse 


18.30 2. Juni 1967 


The Age of Innocence (Zeit der Unschuld) Seite 27 

USA 1993 | Martin Scorsese | 138 min | OmU | 2 Katharina Leube, Irmgard Nagel 

München 1970. Als der Terror zu uns kam Seite 70 

DE 2012 | Georg M. Hafner | 90 min | Georg M. Hafner 

21.00 Universal Monsters Young Frankenstein (Frankenstein Junior) Seite 25 

USA 1974 | Mel Brooks | 106 min | OmU 


18.30 2. Juni 1967 


Die Niklashauser Fart Seite 70 

BRD 1970 | Rainer Werner Fassbinder, Michael Fengler | 86 min 

21.00 Sterling Hayden The Outsider (Verrat in Belfast) Seite 66 

USA 1979 | Tony Luraschi | 122 min | OF 


93 




94 



Freitag, 23. Juni – Samstag, 14. Juli 2017 

Filmfest München 

Sonntag, 2. Juli 2017 

19.00 Jazz im Film Willi-Johanns-Jazzquartett: »Bebop Spoken Here« Seite 75 

Willi Johanns (vocal), Tizian Jost (piano), Andreas Kurz (bass), Michael Keul (drums) 

Paris Blues 

USA 1961 | Martin Ritt | 98 min | OF 

Dienstag, 4. Juli 2017 

20.00 Jazz im Film Young Man with a Horn (Der Jazztrompeter) Seite 75 

USA 1950 | Michael Curtiz | 112 min | OF 

Mittwoch, 5. Juli 2017 

20.00 Jazz im Film Kansas City Seite 76 

USA 1996 | Robert Altman | 114 min | OmU 

Donnerstag, 6. Juli 2017 

20.00 Jazz im Film The Gene Krupa Story (Jazz-Ekstase) Seite 76 

USA 1959 | Don Weis | 101 min | OF 

Freitag, 7. Juli 2017 

18.30 Jazz im Film Syncopation Seite 76 

USA 1942 | William Dieterle | 89 min | OF 

21.00 Jazz im Film Young Man with a Horn (Der Jazztrompeter) Seite 75 

USA 1950 | Michael Curtiz | 112 min | OF 

Samstag, 8. Juli 2017 

18.30 Jazz im Film Jazz-Kurzfilme und Zeichentrickfilme Seite 76 

USA 1929–1954 | Dudley Murphy, Aubrey Scotto, Dave Fleischer, 

Fred Waller, George Pal, Roger Tilton | 95 min | OF 

21.00 Jazz im Film Kansas City Seite 76 

USA 1996 | Robert Altman | 116 min | OmU 


18.30 Jazz im Film New Orleans Seite 77 

USA 1947 | Arthur Lubin | 90 min | OmU 

21.00 Jazz im Film The Gene Krupa Story (Jazz-Ekstase) Seite 76 

USA 1959 | Don Weis | 101 min | OF 


20.00 Jazz im Film New York, New York Seite 77 

USA 1977 | Martin Scorsese | 163 min | OmU 


20.00 Jazz im Film Jazz »Hot« Seite 78 

GB 1939 | 4 min | OF 

Sweet and Lowdown Seite 78 





20.00 Jazz im Film Whiplash Seite 78 

USA 2014 | Damien Chazelle | 107 min | OmU 


18.30 Jazz im Film A Song Is Born (Die tollkühne Rettung der Gangsterbraut Seite 78 

Honey Swanson) 

USA 1948 | Howard Hawks | 113 min | OmU 

21.00 Jazz im Film New York, New York Seite 77 

USA 1977 | Martin Scorsese | 163 min | OmU 


18.30 Jazz im Film Artie Shaw’s Class in Swing Seite 79 

USA 1939 | Leslie Roush | 10 min | OF 

Jammin’ the Blues 

USA 1944 | Gjon Mili | 10 min | OF 

Begone Dull Care (Jazz in Farben) 

CA 1949 | Norman McLaren | 9 min | OF 

Charlie Parker & Dizzy Gillespie 

USA 1952 | Bill Seaman | 5 min | OF 

The Sound of Jazz 

USA 1957 | Jack Smight | 56 min | OF 

21.00 Jazz im Film Jazz »Hot« Seite 78 

GB 1939 | 4 min | OF 

Sweet and Lowdown 



18.30 Jazz im Film Swing Kids Seite 79 

USA 1993 | Thomas Carter | 112 min | OF 

21.00 Jazz im Fillm Whiplash Seite 78 

USA 2014 | Damien Chazelle | 107 min | OmU 


20.00 Jazz im Film Round Midnight (Um Mitternacht) Seite 79 

FR 1986 | Bertrand Tavernier | 133 min | engl.OmU 


20.00 Jazz im Film Bird Seite 79 

USA 1988 | Clint Eastwood | 161 min | OF 


20.00 Jazz im Film Chico & Rita Seite 80 

ES 2010 | Fernando Trueba, Tono Errando, Javier Mariscal | 94 min | OmU 


18.30 Jazz im Film Jazz on a Summer’s Day (Jazz an einem Sommerabend) Seite 80 

USA 1960 | Bert Stern, Aram Avakian | 86 min | OF 

21.00 Jazz im Fillm Round Midnight (Um Mitternacht) Seite 79 

FR 1986 | Bertrand Tavernier | 133 min | OmU 


95 




96 


18.30 Jazz im Film Thelonious Monk – Straight, No Chaser Seite 80 

USA 1988 | Charlotte Zwerin | 90 min | OF 

21.00 Jazz im Film Bird Seite 79 

USA 1988 | Clint Eastwood | 161 min | OF 


18.30 Jazz im Film Blue Note – A Story of Modern Jazz Seite 81 

DE 1997 | Julian Benedikt, Andreas Morell | 91 min | engl.OmU 

21.00 Jazz im Film Chico & Rita Seite 80 

ES 2010 | Fernando Trueba, Tono Errando, Javier Mariscal | 94 min | OmU 


20.00 Jazz im Film Ascenseur pour l’échafaud (Fahrstuhl zum Schafott) Seite 81 

FR 1958 | Louis Malle | 91 min | OmU 


20.00 Jazz im Film The Fabulous Baker Boys (Die fabelhaften Baker Boys) Seite 81 

USA 1989 | Steve Kloves | 114 min | OmU 


20.00 Jazz im Film Miles Ahead Seite 82 

USA 2015 | Don Cheadle | 100 min | OmU 


18.30 Jazz im Film Odds Against Tomorrow (Wenig Chancen für morgen) Seite 82 

USA 1959 | Robert Wise | 96 min | OF 

21.00 Jazz im Film Ascenseur pour l’échafaud (Fahrstuhl zum Schafott) Seite 81 

FR 1958 | Louis Malle | 91 min | OmU 


18.30 Jazz im Film À bout de souffle (Außer Atem) Seite 82 

FR 1960 | Jean-Luc Godard | 90 min | OmU 

21.00 Jazz im Film The Fabulous Baker Boys (Die fabelhaften Baker Boys) Seite 81 

USA 1989 | Steve Kloves | 114 min | OmU 


18.30 Jazz im Film Let’s Get Lost Seite 82 

USA 1988 | Bruce Weber | 120 min | OF 

21.00 Jazz im Film Miles Ahead Seite 82 

USA 2015 | Don Cheadle | 100 min | OmU 

Sommerpause: Das Filmmuseum ist vom 31. Juli bis zum 30. August 2017 geschlossen. 


Für Unterstützung und Kooperation bei der Realisierung unseres Programms danken wir: 

Andrzej Wajda · Arte, Mainz (Nina Goslar) · Arte, Strasbourg 

(Marie-Laure Rodier) · Avala Film Way, Belgrad (Marina 

Ivanović) · Cinémathèque française, Paris (Emilie Cauquy, 

Matthieu Grimault) · Cinémathèque Suisse, Lausanne 

(André Schäublin) · Filmoteka Narodowa, Warschau (Kamila 

Bilman, Elżbieta Wysocka) · Cyfrowe Repozytorium Filmowe, 

Warschau (Martyna Korablewska-Szpetmánska, Stanisław 

Bardadin) · Generalkonsulat der Republik Polen, München 

(Andrzej Osiak, Marcin Król) · Jugoslovenska Kinoteka, Belgrad 

(Aleksandr Erdeljanovic) · Szkoła Filmowa, Łodz (Mariusz 

Grzegorzk, Krzysztof Brzezowski) 

Film und Psychoanalyse · Akademie für Psychoanalyse und 

Psychotherapie, München (Matthias Baumgart, Eva Friedrich, 

Andreas Hamburger, Vivian Pramataroff-Hamburger, Salek 

Kutschinski, Mathias Lohmer, Katharina Leube-Sonnleitner, 

Corinna Wernz) 

Bilder der Überwachung · Cinémathèque de la ville de 

Luxembourg (Claude Bertemes, Georges Bildgen) · Národní 

Filmový Archiv, Prag (Kateřina Fojtová) · Tschechisches Zentrum, 

München (Anett Browarzik, Ondřej Černý) · Münchner 

Stadtmuseum (Rudolf Scheutle) 

Cate Blanchett · Kino der Kunst, München (Heinz Peter 

Schwerfel, Isabel Kienemann) · National Film and Sound Archive, 

Canberra (Michael Loebenstein, Steph Carter) · Svenska 

Filminstitutet, Stockholm (Jon Wengström, Johan Ericsson) 

· Museum Villa Stuck, München (Verena Hein) · Sammlung 

Goetz, München (Cornelia Gockel) 

Architekturfilmtage · Arte, Mainz (Nina Goslar) · Bayerische 

Architektenkammer, München (Präsidentin Christine Degenhart, 

Sabine Picklapp) · Brumm, Bordeaux (Lucas Bacle) · Les 

Films de la Liberté, Paris (Vladimir Léon) · Studio MK27, São 

Paulo (Carlos Costa, Laura Guedes) · Thirteen / American Masters, 

New York (Junko Tsunashima) · Fritz Göttler, München · 

Elizabeth Lennard, Paris · Niklas Maak, Berlin · Volker Sattel, 

Berlin · Mathieu Wellner, München 

Thomas Mauch · Deutsche Kinemathek, Berlin (Anke Hahn) 

· Bärbel Freund, Berlin · Alexander Kluge, München · Thomas 

Mauch, Berlin 

Helmut Färber · Cinemateca Portuguesa, Lissabon (Sara Moreira) 

· Öste rreichisches Filmmuseum, Wien (Regina Schlagnitweit) 

· Michael Girke, Herford · Markus Nechleba, Berlin 

Franz Kafka · Alpha Omega Digital, München (Thomas Bakels, 

Marie Bendl) · Bundesarchiv, Berlin (Doris Hackbarth, Karl 

Griep) · Cinémathèque Suisse, Lausanne (André Schäublin) 

· Det Danske Filminstitut, Kopenhagen (Thomas Christensen) 

· Deutsche Kinemathek, Berlin (Martin Koerber, David Meiller) 

· Friedrich-Wilhelm-Murnau-Stiftung, Wiesbaden (Ernst Szebedits) 

· Kulturstiftung des Bundes, Halle (Alexander Farenholtz) 

· La cineteca del Friuli, Gemona (Livio Jacob) · La cineteca di 

Bologna (Andrea Meneghelli, Gian Luca Farinelli) · Library of 

Congress, Washington D.C. (Mike Mashon) · Národní Filmový 

Archiv, Prag (Matej Strnad, Michal Bregant) · Tschechisches 

Zentrum, München (Anett Browarzik, Ondřej Černý) · Verlag 

Galiani Berlin (Wolfgang Hörner, Florian Ringswald) · Christian 

Ketels, Großdingharting · Arndt Pawelczik, Köln · Stewart Tryster, 

Berlin · Hanns Zischler, Berlin 

Danielle Darrieux · Deutsches Institut für Filmkunde, Frankfurt/Wiesbaden 

(Markus Wessolowski) 

Sterling Hayden · Cinémathèque française, Paris (Emilie 

Cauquy, Matthieu Grimault) · Wolf-Eckart Bühler, München 

Kurt Eisner · Münchner Stadtmuseum (Manfred Wegner) · 

Telepool, München (Annemarie Rösing) · ZDF, Mainz (Christiane 

Mayer, Janine Göllner) · Ingrid Scherf, München 

Berlin, 2. Juni 1967 · Hessischer Rundfunk, Wiesbaden 

(Michael Hofmann) · City 46, Bremen (Karl-Heinz Schmid) · 

Westdeutscher Rundfunk, Köln (Birol Teke) · Georg M. Hafner, 

Frankfurt 

Jazz im Film · British Film Institute, London (Hannah Prouse) · 

Cinémathèque Suisse, Lausanne (André Schäublin) · Film Archiv 

Austria, Wien (Nikolaus Wostry, Anna Dobringer) · Library of 

Congress, Washington (Lynanne Schweighofer) · Anna-Maria 

Babin, München · Klaus Huckert, Riegelsberg · Willi Johanns, 

München 

Das Kino ist mit einer Induktionsschleife 

für Hörgerätebesitzer ausgestattet 

Fotos · Arsenal Distribution, Berlin (Annette Lingg) · Cinémathèque Suisse, Lausanne (Carina Carballo) · Deutsches Filminstitut, 

Wiesbaden (André Mieles) · Dynweb Net Services, München (Heiner Gassen) · Filmmuseum München (Gerhard Ullmann, Michael 

Kuch, Christoph Michel, Stefan Drößler, Claudia Engelhardt) · Sammlung Goetz, München (Cornelia Gockel)

Das Kino der Stadt 

Filmmuseum im Münchner Stadtmuseum · St.-Jakobs-Platz 1 · 80331 München 

Tel 089/233 96450 · Fax 089/233 23931 · www.muenchner-stadtmuseum.de/film

PH32-Feb-Juli-17

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