KUNSTINVESTOR-SPECIAL- "November-Auktionen in Wien"

SONDERAUSGABE - NOVEMBER 2016 

SPECIAL 

November-Auktionen in Wien

KUNST.INVESTOR - SPECIAL Editorial 

Liebe Leserinnen 

und Leser!.. 

Heute halten Sie die Sonderausgabe des e-Magazins 

„KUNSTINVESTOR SPECIAL“ in „Händen“. Innovativ, 

exklusiv und stets mit dem richtigen Riecher für aktuelle 

Entwicklungen informieren wir Sie rund um alle 

wichtigen Themen, die Wiener Auktionshäuser im 

November prägen- unfassbar schöne Kunstwerke und 

Objekte- so spannend und Turbulent mit ihren 

Auktionswochen. Kunst ist ein interessantes Portfolio 

und unbestritten die schönste Beimischung für Ihr 

Investment- inspirierend, nicht allein in ideeller Hinsicht. 

Und der Recherche mit den schönen Dingen mangelt 

es keineswegs an Härte, ganz im Gegenteil, auf der 

Suche nach neuen Sammelwerken und Objekten 

bedarf es Flexibilität und Wandlungsfähigkeit. Der 

österreichische Kunstmarkt mit seiner prosperierenden 

Kunstszene boomt und Österreichs Auktionshäuser 

legen an Internationalität kräftig zu. Die Wirtschaftskrise 

verunsichert den Geldmarkt, doch die Kunst behält 

ihren Wert, ist nicht vom Ölpreis und taumelnden 

Finanzmärkten abhängig. Dieser Boom ist noch lange 

nicht an seine Grenzen gestoßen. Bilder, Antiquitäten 

und andere Sammelobjekte nehmen im Rahmen der 

Veranstaltungen einen immer höheren Stellenwert ein. 

Dies bestätigen die hervorragenden Ergebnisse der 

Auktionshäuser. Weil es bei allen Dingen des Lebens 

immer auf den richtigen Mix ankommt, wollen wir Sie 

nicht nur mit fundierten Hintergrundberichten, präzise 

Topinformationen und wichtigen Nachrichten sondern 

auch mit aktuellen Angeboten der Auktionshäuser 

begeistern. Lesen Sie diese Sonderausgabe, wo Sie 

sich ein aktuelles Bild über den Kunstmarkt verschaffen 

können und profitieren Sie, indem Sie die Kunst und 

Gegenwart sinnvoll verknüpfen- eine wirklich gute 

Investition. 

Viel Spaß wünscht Ihnen 

Michael Ruben Minassian 

IMPRESSUM: Medieneigentümer, Chefredakteur & Herausgeber: Michael Ruben Minassian, 

Mail: office@kunstinvestor.at , Telefon: +43 1/ 236 53.1318 Verlagsadresse: MN Online & Content GmbH, 1110 

Wien, Brehmstrasse 10/4.OG, Geschäftsführung: Markus Bauer, ATU 65091955, FN 330453k, Tel: +43 1/ 91920-9045 

DW, Fax: + 43 1/29 81-298 DW, Website:www.kunstinvestor.at, Cover-Foto: © Auktionshaus Dorotheum, Mel Bochner, 

„Blah, Blah, Blah“, 2014, 235 x 195 cm, Schätzwert EUR 75.000 ,- bis 80.000 ,- - Auktion 22. November 2016

KUNST.INVESTOR - SPECIAL Dorotheum 

Marc Chagall (1887 - 1985) Fleurs, 1924, Öl/Leinwand, 72 x 57 cm 

Schätzwert € 750.000 - 1.000.000 Auktion 23. November 2016 

FARBENRAUSCH IM DOROTHEUM 

Auktionswoche mit moderner und zeitgenössischer Kunst, antikem Silber sowie 

Juwelen und Uhren – 21. bis 25. November 2016 

Die vierte und letzte internationale Auktionswoche des 

Dorotheum im Jahr 2016 steht im Zeichen der 

modernen und zeitgenössischen Kunst. Marc Chagalls 

Ölgemälde „Fleurs“ aus dem Jahr 1924, eher eine 

Hommage an die Natur als ein Stillleben, ist eines der 

Höhepunkte der Auktion Klassische Moderne am 23. 

November 2016 (Schätzwert € 750.000 – 1.000.000). 

Die geballte Kraft und Energie des Futurismus scheint 

wie verdichtet auf dem um 1929 entstandenen 

quadratischen Werk „Valori plastici“ von Giacomo Balla. 

Hochkarätig bestückt zeigt sich auch die Auktion mit 

Zeitgenössischer Kunst am 22. November 2016: Carla 

Accardi, Agostino Bonalumi, Paolo Scheggi oder 

Guiseppe Uncini sind unter den italienischen Offerten 

zu finden, darunter auch eine Arbeit von Tano Festa 

oder poetische Werke von Pier Paolo Calzolari. Herbert 

Zangs, Adolf Luther und Günter Uecker vertreten die 

deutsche Kunst des ZERO. Arnulf Rainer, dessen 

„Zentralgestaltung“ von 1951 wohl eines seiner frühen 

Meisterwerke ist, sowie Maria Lassnig und Franz West 

sind bei den österreichischen Künstlern 

erwähnenswert. Antikes Silber, Antiquitäten, Juwelen 

und Taschenuhren runden in der Dorotheum- 

Auktionswoche das Angebot ab.


Chuck Close (geb. 1940) Kate 1-1, 2014, farbiger Pigmentdruck auf Bütten 

Nr. 1 der Auflage 1, Einzelstück 219,8 x 166,6 cm Schätzwert € 100.000 - 150.000 

Zeitgenössische Kunst, Auktion 22. und 24. 

November 2016 (1. und 2. Teil): Beide Auktionen 

versammeln Arbeiten von klingenden Namen der 

jüngeren Kunstgeschichte. Robert Longo, Robert 

Rauschenberg. Andy Warhol und viele mehr. Ilya 

Kabakov mixt – neben fingierten Künstleridentitäten – 

diverse Malstile und Wirklichkeiten auf dem Gemälde 

„Landschaft mit Barke 1972 (2002): Die nahezu 

impressionistische Flusslandschaft, ein typisches 

Beispiel sowjetischer Genremalerei, verbindet sich 

dabei mit abstrakten Formen, einer Referenz zur 

radikalen Ästhetik des russischen Modernismus 

(Schätzwert € 160.000 – 240.000). Chuck Close 

sammelt Gesichter, die er wie Pixels oder Mosaiksteine 

malerisch zusammenstellt. Das zentrale Gesicht der 

1990er und darüber hinaus, Kate Moss, wirkt im 

wahrsten Sinne ungeschminkt imd ebenso statuarisch. 

Dieser großformatiger Pigmentdruck ist ein Einzelstück 

(€ 100.000 – 150.000). Stark wie immer im Dorotheum 

zeigen sich die Avantgarde-Werke Deutschlands und 

Italiens aus den 1960er Jahren. Poetische Arbeiten von 

Paolo Calzolari, einer Schlüsselfigur italienischer und 

internationaler Kunst, führen geradewegs Richtung Arte 

Povera und Konzeptkunst, ebenso zu amerikanischen 

Minimalismus und der Kunst von Joseph Beuys (€ 

120.000 – 160.000). Radikal gewinnt auch Giuseppe 

Uncini Zement und Eisen poetische Qualitäten ab 

(„Cementarmato“, 1959, € 150.000 – 200.000). 

Klassisches Tafelbild und Raumkonzept verbinden die 

Avantgardisten Enrico Castellani, Paolo Scheggi, 

Enrico Bonalumi oder Dadamaino – und natürlich die 

„Vaterfigur“ Lucio Fontana, in dieser Auktion mit seinem 

sprichwörtlichen Theatersaal „Concetto spaziale, 

Teatrino (€ 200.000 – 300.000). Die Künstler der 

Gruppe ZERO, Deutschlands künstlerischem 

Neubeginn nach dem Weltkrieg, setzen ebenfalls auf 

radikale Formensprache, Abstraktion und Kinetik. Licht 

wird mitunter zentrales Ausdrucksmittel.


Paolo Scheggi (1940 - 1971) Intersuperficie curva dall'azzurro, 1966, hellblaues Acryl auf 

überlagerten Leinwänden, 70 x 70 x 6,8 cm Schätzwert € 160.000 - 220.000 

Tano Festa (1938 - 1987) Rosso Nero, 1961, Email, Tempera, Holz, Papier 

auf Leinwand, 150,5 x 170 cm Schätzwert € 150.000 - 200.000


Arnulf Rainer (geb. 1929) Zentralgestaltung, 1951, Mischtechnik, Öl auf grau 

bemaltem Karton, 60 x 92 cm Schätzwert € 190.000 - 230.000 

Made in Austria: Sowohl bei den Auktionen zeitgenössischer 

Kunst als auch bei der Klassischen 

Moderne finden sich Spitzenwerke von österreichischen 

Künstlern, darunter Maria Lassnig, Franz West und 

Otto Muehl. Allen voran Arnulf Rainers 

„Zentralgestaltung“ von 1951 – der Zeit, als der vom 

Surrealismus beeinflusste junge Maler, Mitglied der so 

genannten „Hundsgruppe“ mit TRRR signierte. Auf der 

Suche nach einer neuen Bildsprache begann er „blind“ 

im Geiste zu zeichnen. Diese Zeichengesten stellten in 

Form von Kritzeln seismographisch Handbewegungen 

dar. Rainer dazu: „Die Kritzel wurden bald deutlicher. 

Ich erkannte ihre Figuren, es waren stets die gleichen 

zentralen oder vertikalen Linien, manchmal ausnahmsweise 

wellige, haarige, leichte Striche. Naiv meinte ich 

den Stein der Weisen, das Kürzel für die Kunst 

überhaupt gefunden zu haben. Immer öfter behielt ich 

jetzt die Augen offen, produzierte größere Formate, 

strebte die zentralen und vertikalen Gestalten bewußt 

an“ (€ 190.000 – 230.000). Das Licht einer Laterne im 

Vordergrund auf dem außergewöhnlichen Bild von 

Albin Egger-Lienz zeigt seine „Madonna“ von 1922 in 

starkem Hell-Dunkel-Kontrast (€ 100.000 – 160.000). 

Expressive Farbigkeit und Symbolsprache vereinen 

Bilder von Werner Berg, besonders bei „Austernstrauß 

auf Kärntnerdecke“ (€ 100.000 – 150.000).


Robert Longo (geb. 1953) Ohne Titel (Earth, for Zander), 2006, 

Kohle auf Papier, 183 x 213,5 cm Schätzwert € 200.000 - 250.000 

Chagall überreicht Blumen, Klassische Moderne, 

Auktion 23. November 2016: Motivischer Fixpunkt im 

Werk von Marc Chagall ist neben der Figur der 

Liebenden auch der Blumenstrauß, der oft im 

Mittelpunkt der unter dem Einfluss der russischen und 

französischen Malerei entstandenen Gemälde steht. 

Fleurs aus dem Jahr 1924 ist ein besonders attraktives 

Beispiel von Naturstudium und einer Abstraktion und 

Figuration verbindenden Malweise. Wenn er ein 

Bouquet male, sagte Chagall, dann sei es als würde er 

eine Landschaft malen. Das sei für ihn Frankreich, 

Neben Natur und Liebe war es auch das Religiöse 

zentrales Thema der Malerei. Das rote, prominent 

platzierte Buch in der unteren Bildhälfte wird als eine 

Bibelausgabe gedeutet (€ 750.000 – 1.000.000). 

Balla lässt es blitzen: 24 quadratische Leinwände 

bemalte Giacomo Balla und hängte sie in den Gang 

seiner neuen Wohnung in Rom. Eines davon, valori 

plastici wird nun im Dorotheum angeboten. Ein dem 

Geist des Futurismus entspringendes dynamisches 

Städteporträt, aus den Wolken blitzt es. Ein energetisches 

Werk, das den damaligen Glauben an die 

Zukunft, an die Geschwindigkeit und Dynamik auf den 

Punkt bringt (€ 150.000 – 180.000). 

Starke Moderne: Spitzenwerke des frühen 20. 

Jahrhunderts kommen diesmal von Max Ernst, Otto 

Mueller, Paul Klee, Giorgio de Chirico oder Francis 

Picabia. Karl Hofers neusachliches „Mädchen, sich 

kämmend“ verbindet mit einer eigenen Formensprache 

das klassische Ideal mit der Moderne. Ästhetische 

Perfektion war nicht das Ziel, sondern durch das 

„Beschreiben innewohnender Formen“ dem Wesen der 

Dinge auf den Grund gehen (€ 180.000 – 250.000). 

(Foto: © Dorotheum)


Giacomo Balla (1871 - 1958) Valori plastici, ca. 1929, Tempera 

auf Leinwand, 77 x 77 cm Schätzwert € 150.000 - 180.000


Hervorragende Auktion von zeitgenössischem 

Schmuck im Dorotheum Wien 

„Friedrich Becker – Gold, Edelstahl, Kinetik“ 

Das bewies am 4. November 2016 die höchst 

erfolgreiche Auktion im Wiener Dorotheum mit 130 

Arbeiten des deutschen Goldschmieds Friedrich 

Becker. Seine Schmuckstücke sind nicht einfach 

Schmuck, sondern vielmehr Kunstobjekte. Dorotheum- 

Juwelenexpertin Astrid Fialka-Herics über die 

Ergebnisse: „Es zeigte sich mit dieser Auktion, dass ein 

international arrivierter Künstler auch internationales 

Publikum anzieht und damit Spitzenpreise erzielt 

werden konnten. Insbesondere der kinetische Schmuck 

– also der sich durch das Tragen selbständig in 

Bewegung setzende –, als deren Erfinder Friedrich 

Becker gilt, erhielt Ansteigerungen von einem 

Vielfachen des oberen Schätzwertes“. So erreichte der 

kinetische Zweifingerbrillantring aus Weißgold 

ausgezeichnete 18.750 Euro, der um 1970 entstandene 

kinetische Turmalin Hämatitring 16.250 Euro oder die 

kinetischen Ohrgehänge aus Weißgold 11.250 Euro. 

Das Titellos des Kataloges (Kinetischer Zweifingerring, 

1987) war in dieser insgesamt hervorragenden Auktion 

mit 13.750 Euro erfolgreich. Foto: © Dorotheum


Friedrich Becker Kinetischer Zweifingerbrillantring 

Erzielter Preis 13.750,- Euro 

Friedrich Becker Kinetischer Zweifingerbrillantring 

Erzielter Preis 18.750,- Euro 

Friedrich BeckerTurmalinring1970 

Erzielter Preis 16.250,- Euro


Jacopo Tintoretto (1519-1594) Die Schlacht zwischen den Philistern und den Israeliten 

Öl auf Leinwand, 146 x 230,7 cm erzielter Preis € 907.500 

Mehr als 900.000 Euro für Tintoretto-Neuentdeckung 

Eine der besten Altmeister-Auktionen im Dorotheum 

Eine spektakuläre Neuentdeckung stand im Mittelpunkt 

der Auktion mit Gemälden Alten Meister am 18. 

Oktober 2016 und wurde als solche mit einem 

Spitzenpreis honoriert. Jacopo Tintorettos 

Schlachtenbild mit der Kampfszene Davids gegen 

Goliath, als Hauptwerk des venezianischen 

Manierismus-Meisters erstmals zuordenbar, erreichte 

907.500 Euro. Das Bild, dessen faszinierende 

Entstehung Röntgenanalysen offenbarten, überzeugt 

u. a. durch seinen hochmodernen Bildaufbau – Nicht 

umsonst gilt Tintoretto als einer der Begründer 

moderner Malerei. Im 500. Todesjahr von Hieronymus 

Bosch, dem Urvater der Surrealisten, offerierte das 

Dorotheum das Gemälde „Die Hölle“, angefertigt von 

einem Nachfolger des Malers. 527.600 Euro war das 

Motiv des rechten Altarflügels von „Garten der Lüste“ 

des Prado einem Sammler wert. Unter den weiteren 

Spitzenpreisen: 430.742 Euro für eine Hafenszene von 

Jan Brueghel I., 320.200 Euro für Giuseppe Bernardo 

Bisons Venedig-Vedute „Der Canal Grande und die 

Rialtobrücke“. Weit über den Schätzwerten wurden 

Jusepe Riberas „Heiliger Hieronymus“ sowie 

„Magdalena bei der Kommunion“ von Alessandro 

Turchi zugeschlagen (€ 308.000, € 234.800). Auf 

377.253 Euro, mehr als das Dreifache des 

Schätzwertes, kam das der Niederländischen Schule 

zuordenbare Bild „Die Heilige Familie mit Papagei“. 

(Foto: © Dorotheum)


Hieronymus Bosch Nachfolger, Die Hölle, Öl auf Holz, 124 x 97,5 cm 

erzielter Preis € 527.600


Leon Schulman Gaspard (Vitebsk 1882-1964 Taos) "La Fin de la Kermesse", Öl/Leinwand/Karton, 28 x 46,5 cm 

erzielter Preis € 173.800 

HERBST-AUKTIONSWOCHE DER SUPERLATIVE 

Weltrekorde und Spitzenpreise im Dorotheum 

Eine Woche der Superlativen im Dorotheum: Hohe 

Ansteigerungen und Weltrekorde kennzeichneten die 

Auktion von Gemälden des 19. Jahrhunderts am 20. 

Oktober 2016. Einen Spitzenpreis mit 173.800 Euro 

erzielte der Maler Leon Schulman Gaspard mit seinem 

Lieblingsmotiv, dem Kirchtag „La Fin de la Kermesse“. 

125.000 Euro, den höchsten Preis für ein Gemälde des 

in Rom tätigen Franzosen Henri Camille Danger erzielte 

das Auktionshaus mit dem dramatischen Großformat 

„Aimez-vous les uns les autres" oder „La transgression 

du commandement", einer Anklage gegen den Verstoß 

des Gebots „Liebe deinen Nächsten“. Weitere 

Weltrekorde gab es für einen Italiener in Paris, Ulisse 

Caputo („Die Klavierspielerin“, € 100.000) und für ein 

Raffael nachempfundenes Bild der „Maria im 

verschlossenen Garten“ von Johann Evangelist 

Scheffer von Leonhardshoff, auch „Raffaelino“ genannt. 

Mit 50.000 Euro war auch auch das Stillleben von 

Franz Xaver Gruber, dem so genannten „Distlgruber“, 

der bis dato höchste Auktionspreis für ein Bild des 

Künstlers. Diamanten, Farbsteine und internationale 

Namen stehen bei den Juwelen ganz oben in der Gunst 

der Sammler – dies bestätigte die Auktion am 20. 

Oktober. Ein 5,44 karätiger Diamantanhänger in bester 

Qualität wurde auf 210.400 Euro gesteigert, ein Bulgari- 

Ring mit einem „Fancy“-Diamant auf 87.500 Euro. Ein 

Paar Meissen-Pracht-Deckelvasen mit Vogelkäfig und 

Schneeballblüten markierten mit 247.700 Euro den 

Spitzenpreis bei der Auktion „Porzellan und Glas“ am 

19. Oktober 2016. Jacopo Tintorettos Schlachtenbild 

mit der Kampfszene Davids gegen Goliath, eine 

Neuentdeckung, stand am 18. Oktober 2016 mit 

hervorragenden 907.500 Euro im Mittelpunkt der 

Altmeister-Auktion, eine der besten des Hauses. 

Insgesamt war es die bis dato beste Dorotheum-Herbst- 

Auktionswoche mit Alten Meistern und Gemälden des 

19. Jahrhunderts. (Foto: © Dorotheum)


Henri Camille Danger (Paris 1857-1940 Fondettes) "Aimez-vous les unes les autres" ou "La transgression 

du commandement" Öl / Leinwand, 157 x 217 cm, erzielter Preis € 125.000 

Ulisse Caputo (Salerno 1857 - 1929 Venedig) Die Klavierspielerin 

Öl / Leinwand, 116 x 148 cm, erzielter Preis € 100.000 - Weltrekordpreis


Mercedes-Benz 300 SL Roadster BJ 1958 - erzielter Preis € 1.067.000 

TOP-PREIS FÜR OLDTIMER 

1.067.000 Euro für Mercedes-Benz 300 SL 

bei Dorotheum-Auktion „Klassische Fahrzeuge“ am 15. Oktober 2016 

Mit Superlativen konnte die Dorotheum-Auktion 

„Klassische Fahrzeuge“ auf der Classic Expo in 

Salzburg am 15. Oktober 2016 wahrlich nicht geizen. 

Allen voran eine Schönheit aus dem Hause Mercedes: 

Mit hervorragenden 1.067.000 Euro, dem bis dato 

besten Preis des Dorotheum für einen Oldtimer, setzte 

sich der rote Mercedes-Benz 300 SL Roadster aus dem 

Jahre 1958 an die Spitze der Verkäufe. Weitere Top- 

Preise gab es mit 652.600 Euro für den gelben 

Mercedes-Benz 300 S Cabriolet von 1953 und mit 

238.200 Euro für den 1971 Porsche 911 S Coupé. 

Insgesamt war es die bisher beste Oldtimer-Auktion 

des Dorotheum. (Foto: © Dorotheum)


1953 Mercedes-Benz 300 S Cabriolet erzielter Preis € 652.600 

1959 Cadillac Series 62 Deville Convertible erzielter Preis € 89.700 

1970 Maserati Indy 4200 Ex-Udo Proksch, Ex-Teddy Podgorski

KUNST.INVESTOR - SPECIAL Auktionshaus ‚im Kinsky‘ 

114. Kinsky-Kunstauktion 

Klassische Moderne, Jugendstil 

und Zeitgenössische Kunst 

29. bis 30. November 2016 

Alfons Walde, Oberndorf 1891 - 1958 Kitzbühel, Bauernsonntag, um 1930 

Öl auf Leinwand; 71,5 × 62,5 cm, Schätzwert 250.000 bis 500.000 Euro 

Klassische Moderne - 29. November 2016: 

Aquarelle und Gemälde von Egon Schiele, Albin Egger- 

Lienz, Rudolf Wacker, Franz Sedlacek, aber auch feine 

Exemplare aus den Oeuvres von Umberto Boccioni, 

Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner, Otto Mueller, 

Gabriele Münter und Anton Birkle bestimmen die 

kommende Herbstauktion der Klassischen Moderne im 

Kinsky. Expressive Graphik, wie der weibliche Akt von 

Schiele, das sitzende Mädchen von Heckel oder das 

seltene Motiv der fünf Akte von Mueller um 1910 stehen 

den spannungsgeladenen Stillleben von Rudolf Wacker 

und Franz Sedlacek oder dem von tiefer Wahrheit 

erfüllten Madonnenbildnis von Egger-Lienz bzw. von 

Josef Floch gegenüber. Aufmerksamkeit verdient auch 

ein besonderes Aquarell von Ernst Ludwig Kirchner, 

das in einer sehr verschlüsselten Ikonographie zwei 

weibliche Akte mit Katze zeigt. Es entstand in den 

1920er Jahren während seiner Jahre in Davos, in 

denen der Maler sich mit flächigen Kompositionen bei 

Beibehaltung kräftiger Farben auseinander setzte. Fast 

schon als Standardangebot bietet jede Klassische 

Moderne im Kinsky Gemälde von Alfons Walde an und 

immer wieder überzeugen seine Bilder durch die Kraft 

der Formen und das herrliche Weiß seines 

unvergleichlichen Schnees. Herausragend ist dieses 

Mal die wohl qualitätsvollste Variante des Bauernsonntags, 

dem zu Bild gewordenen Synonym von Kraft, 

Naturverbundenheit und ländlicher Kultur.


Egon Schiele (Tulln 1890 - 1918 Wien), Frauenakt, 1914, Bleistift auf Papier; 48 × 31,7 cm 

Schätzwert EUR 200.000-400.000


Ernst Ludwig Kirchner (1180-1938), Nackte Frau und Mädchen (wohl Anna Müller), um 1925, Aquarell und Kreide auf Papier 

Schätzwert EUR 100.000 bis 200.000


Josef Floch (Wien 1894 - 1977 New York) Mutter mit Kind, 1927/28, Öl auf Leinwand; 110,5 × 75 cm, Provenienz: Nachlass des Künstlers; 

Indianapolis Museum of Art, USA, 1983 bis 2001 (Geschenk von Hermine Floch, der Witwe des Künstlers an das Museum); Doyle New York, 

österreichischer Privatbesitz, Schätzwert EUR 150.000 bis 300.000


Kinsky-Auktion 

Jugendstil 

29. November 2016 

Josef Hoffmann (1870 – 1956), Anhänger mit Kette, Wiener Werkstätte, 1903 

Silber, verschiedene Schmucksteine, Schätzwert EUR 150.000 bis 300.000 

Der Schmuck der Wiener Werkstätte war und ist 

legendär, verband er doch in zeitloser Form kostbare 

und vor allem farbintensive Materialien mit subtil 

durchdachten architektonisch- konstruktiven bis 

ornamentalen Formen. Einmal mehr kann das Kinsky 

eines der besonders gefragten Schmuckstücke aus der 

Hand Josef Hoffmanns anbieten.Ottor Prutscher war 

wie Hoffmann Architekt, Designer und sensibler 

Kunsthandwerker. Von unnachahmlicher Eleganz sind 

vor allem seine Gläser, die hohen Sammlerwert 

besitzen. Im Herbst kommt gleich ein ganzes Set an 

Likörgläsern zum Ausruf. Eine uralte Kulturtechnik ist 

das Mosaik, das sich um 1900 im Zuge der Arts & 

Crafts Bewegung und der Wiener Werkstätte einer 

neuen Renaissance erfreute. Einer der bedeutendsten 

Künstler dieser Technik war Leopold Forstner, der 1906 

eine eigene Werkstätte in Wien eröffnete und zahllose 

Mosaiken für Kirchen, wie die Otto Wagner Kirche in 

Steinhof , für öffentliche Gebäude, wie dem Dianabad 

in Wien oder auch das Klimt-Fries im Palais Stoclet 

nach Entwürfen namhafter Künstler aber auch nach 

eigenen ausführte. Berühmt war seine Technik, 

Keramik und Glas im Mosaik zu verbinden und damit 

ganz neue Farb- und Glanzeffekte zu erzielen. In der 

kommenden Auktion können gleich mehrere Objekte 

aus dem Nachlass des Künstlers angeboten werden, 

die zweifellos eine reizvolle Ergänzung zum 

Gesamtkunstwerk der Kunst der Moderne bilden.


Kinsky-Auktion 

Zeitgenössische Kunst 

30. November 2016 

Maria Lassnig (1919 – 2014), Aus dem Rahmen drücken 

1983, Öl auf Leinwand, Schätzwert EUR 100.000 bis 200.000 

Einer der wichtigsten und einflussreichsten 

Persönlichkeiten im Kunstleben der Nachkriegszeit war 

Dieter Ronte, Direktor der Museen Moderner Kunst in 

Wien, Hannover und Bonn. Bereits als Student hatte er 

begonnen, eine eigene persönliche Sammlung 

aufzubauen und als prominenter Ausstellungsredner 

und Autor zahlreicher Publikationen blieb er immer am 

Puls der Zeit und in steten Kontakt mit Künstlern. Eine 

Auswahl dieser mit großer Kenntnis und persönlicher 

Handschrift zusammengetragenen Sammlung zeitgenössischer 

Kunst kommt nun im November im 

Auktionshaus ‚im Kinsky‘ in einer wie immer 

umfangreichen und vielfältigen Auktion zur 

Versteigerung! Haupt- und Meisterwerk dieser 

Kollektion bildet ein großformatiges Gemälde von Maria 

Lassnig aus dem Jahr 1983. „Aus dem Rahmen 

drücken“ nannte die Künstlerin das Bild, das bislang 

unpubliziert war und eine wichtige Ergänzung in ihrem 

bedeutenden Werk darstellt. Die Vielseitigkeit des 

Sammlers und seiner Interessen spiegelt sich weiters in 

den erworbenen Werken von Christo, Joseph Beuys, 

Günther Uecker und Markus Lüpertz und von den 

österreichischen Malern Max Weiler, Oswald 

Oberhuber oder den Künstlern aus Gugging wider. Für 

die Qual der Wahl bietet das Kinsky aber noch ein 

weiteres Gemälde von Maria Lassnig von 1994 an, eine 

dreiteilige, malerisch eloquente Sequenz Lassnigscher 

Formen. Weitere Blickfänge der Auktion bieten zwei 

Hauptwerke von Max Weiler, ergänzt durch Aquarelle 

und Entwürfe aus verschiedenen Schaffensperioden. 

Durchblick durch blaue Gegend aus dem Jahr 1975 

oder Blaue Bäume und Purpurhimmel von 1973, 

offerieren ganz besondere Meisterwerke, die Weilers 

geniales Farbenverständnis und seine Vision von 

Landschaft eindrucksvoll dokumentieren. Die internationale 

Bedeutung der österreichischen Bildhauerei 

wird mit Skulpturen von Fritz Wotruba und einer großen 

Sphinx seines Schülers Josef Pillhofer belegt. Von 

Jannis Kounellis und Mario Merz, zwei Hauptvertretern 

der italienischen Arte Povera, werden besonders 

gefragte Arbeiten aus der Serie des „Alphabets“ bzw. 

eine großformatige Leinwandarbeit aus den frühen 

1980er Jahren angeboten. Der österreichische 

Hauptvertreter der reduzierten Malerei und ZERO – 

Mitglied, Hans Bischoffshausen, präsentiert sich mit 

einer geradezu mystisch-dunklen„Materialschlacht“ und 

mehreren Papierarbeiten. Foto: © Auktionshaus ‚im 

Kinsky‘)


Hans Bischoffshausen. Materialschlacht I, 1957 

Öl, Lack, Asphalt, Asche auf Hartfaserplatte; 90 × 50 cm 



Max Weiler (1910 – 2001), Blaue Bäume und Purpurhimmel, 1973 

Eitempera auf Leinwand; gerahmt; 105 × 130,5 cm 



Martin Johann Schmidt, gen. Kremser Schmidt, erzielter Preis € 380.000 ( KP € 478.800) 

Gute Ernte – Erfolgs-Auktion im Kinsky 

Die Sammlung von Carl Anton Goess-Saurau und seiner Frau Marie geb. Mayr-Melnhof erzielte im Auktionshaus im 

Kinsky ein sensationelles Ergebnis! Die 350 Objekte bei den Antiquitäten und die 85 Gemälde und Graphiken brachten 

in Summe ein Ergebnis von rund € 1,4 Mio und damit eine vielfache Steigerung der sehr günstig angesetzten 

Schätzpreise! 

Die HIGHLIGHTS der Nachlass-Auktion 

GEMÄLDESAMMLUNG: Martin Johann Schmidt, gen. 

Kremser Schmidt, Familienbildnis: Dieses persönliche 

Dokument des österreichischen Barockgenies wurden 

nach intensivem Bieten für den sensationellen Preis 

von € 380.000 ( KP € 478.800) zugeschlagen! Ein 

absoluter Rekord für diesen bedeutenden Maler! Die 

ehemalige Dauerleihgabe an das Belvedere gelangt 

nun in die Fürstlichen Sammlungen des Lichtenstein 

Museum Wien! 

ANTIQUITÄTEN: Steinbockhorn-Sammlung: Ein Verkauf 

von 100% und Rekordpreise für die 80 exquisiten 

Kunstobjekte waren das sensationelle Ergebnis eines 

vollen Saales und ambitionierter Sammler aus 

Österreich und Deutschland. Insgesamt wurde für die 

Steinbockhorn-Sammlung ein Ergebnis von rund € 

325.000 / KP € 409.000 erzielt! Besonders erfreulich, 

dass bedeutende Stücke, wie die beiden „Höfischen 

Deckelpokale“ (je € 48.000/ KP € 60.480), in die 

Sammlung das Salzburger Dommuseum gelangen! Ein 

erfreulicher kulturpolitischer Zug, durch den diese 

einzigartige Kunstproduktion in Zukunft der 

Öffentlichkeit zur Verfügung stehen kann!


Paar großer Ingwer-Töpfe: € 35.000 (KP € 44.100) 

ANTIQUITÄTEN, 18. Oktober 2016: Highlights der 

Antiquitäten waren die drei bedeutenden Konvolute aus 

Schloss Hernstein in Niederösterreich: Jedes wurde bis 

aus € 32.000/ KP € 40.320 hinaufgesteigert, das komplett 

erhaltene Tafelbesteck konnte die Bundesmobilienverwaltung, 

also das Hofmobiliendepot in Wien erwerben, 

das Glas- und das Tafelservice gehen an österreichische 

Privatsammler. 

Hl. Sebastian, Tirol um 1520: € 50.000 (KP € 63.000) 

ANTIQUITÄTENBILDER 19. JAHRHUNDERT, 19. 

Oktober 2016: Bei den Bildern des 19. Jahrhunderts 

punktete Hans Makarts sinnliche Allegorie der Liebe mit 

einem Zuschlag von € 130.000 (KP € 163.800)! Olga 

Wisinger-Florians Gloxinien im Glashaus, das Ergebnis 

eines Regentages im ehemaligen Glashaus in Grafenegg, 

triumphierte mit einem Zuschlag von € 190.000 

(KP € 239.400)! Und das süße Mädchen von Anton 

Romako war dem neuen Bieter fraglos € 75.000/ KP € 

94.500 wert. In Summe wurde bei beiden Tagen ein 

Meistbot exkl. Aufgeld von € 3,9 Mio erzielt. (Foto: © 

Kinsky)


Olga Wisinger-Florians- erzielter Preis € 190.000 (KP € 239.400) 

Anton Romako, erzielter Preis € 75.000/ KP € 94.500


Hans Makart, erzielter Preis 130.000 (KP € 163.800)

KUNST.INVESTOR - SPECIAL Galerie Hassfurther 

„…….besonders schöne Auswahl“ 

Herbst-Auktion am 28. November 2016 

Der Galerist und Auktionator Wolfdietrich Hassfurther 

ist seit über 40 Jahren in der Wiener Galerieszene ein 

Inbegriff und mischt mit seiner berühmten Galerie im 

Herzen Wiens in der oberen Liga der Galeristen und 

Auktionshäuser mit. Begonnen hat Wolfdietrich 

Hassfurther als Antiquar und Autografenhändler, als der 

Markt in Europa jedoch von den Amerikanern leer 

gekauft war, entdeckte er die wunderbare Welt der 

bildenden Kunst und gründete seine eigene Galerie. 

Seither hat er sich auf Gemälde, Meisterzeichnungen, 

Skulpturen, Miniaturen, Aquarelle und Druckgrafiken 

spezialisiert. Bis zum heutigen Tage lässt er sich von 

der Liebe zu einer großartigen Kunst antreiben; 

inspirierend ist für ihn aber auch die Schönheit des 

Lebens, die der feinfühlige Galerist auch im Alltäglichen 

erkenne, "ich bin immer wieder von der Schönheit des 

Lebens hingerissen." Beständigkeit und Kampfgeist hat 

der Galerist bis zum heutigen Tage bewiesen, seine 

eigenwillige Persönlichkeit ist sein Markenzeichen und 

sein unbändiges Engagement brennt bis heute. 

Gemeistert hat er so die Krisenzeiten, die seit den 

1990er-Jahren nicht nur die Finanzmarkt schütteln, 

sondern auch den Kunstmarkt: "Wien ist eine Stadt der 

Halbseligen, und Halbselige meistern Krisen besser", 

glaubt Wolfdietrich Hassfurter, der zum Synonym für 

fairen Kunsthandel geworden ist. Er hat es auch nicht 

verabsäumt, seine Fühler auszustrecken in Richtung 

Mittlerer Osten und Orient, bis nach Indien, China und 

Russland gehen seine Kontakte. Der Galerist konnte 

sich so ein weltweites Netzwerk aufbauen und ist 

überzeugt: "In diesen Ländern wächst eine neue 

europäische Sammlergeneration heran, die ein großes 

Interesse an europäisch klassischer Moderne hat." Die 

Galerie Hassfurther hat sich so zu einem international 

agierenden Player entwickelt. Das Erfolgsrezept der 

One-Man-Galerie: Fachliche Kompetenz mit Schwerpunkt 

Klassische Moderne, Alte Meister und 

Biedermeier gepaart mit Aufrichtigkeit. Seine vielen 

Stammkunden schätzen seine Ehrlichkeit, sein Wissen 

und sein Talent besondere Meisterwerke aufzuspüren; 

sein berühmtester und treuerster Kunde war der 

Sammler Rudolf Leopold, der 1973 sein erstes Bild bei 

Hassfurther erstand und seither immer wieder kam. 

Bekannt wie beliebt ist Hassfurther weiters für seine 

kostenlose Beratung und Schätzungen von Kunst- 

Objekten. Vielbeachtet ist dabei sein unschätzbares 

Wissen in den Kunstepochen Alte Meister, Biedermeier 

sowie die Klassische Moderne. Wolfdietrichs Geheimrezept 

hat somit mehrere Ingredienzien: Zum Einen 

seine weltweiten Kontakte und zum Anderen seine 

Liebe für die Kunst und sein Geschick diese zu finden. 

Auf sein Alter angesprochen sagt er: "Es macht mir 

einfach Freude älter und weiser zu werden, wer will 

schon sterben……. außerdem so jung habe ich mich 

noch nie gefühlt“ [ Foto: © Kunstinvestor]

KUNST.INVESTOR – SPECIAL Galerie Hassfurther 

KUNSTINVESTOR(KI): Herr Hassfurther, seit vielen 

Jahren sind Sie nun erfolgreich im Auktionsgeschäft –wie 

fühlen Sie sich? 

WOLFDIETRICH HASSFURTHER(W.H.): Ich freue mich 

auf jeden Tag und meine neuen Projekte (Zeitgenossen, 

internationale Kunst). Ich fühle mich in Wien glücklicher 

denn je. 

KI: Sie gelten als starke und eigenwillige Persönlichkeit, 

die seiner passionierten Vorreiterrolle treu blieb. Sie 

spielen in der obersten Liga der Auktionshäuser mit. Was 

ist Ihr Erfolgsrezept? 

W.H.: Pflege der großen Kundenkartei und Suche nach 

neuen Kunden und Möglichkeiten. 

KI: Ursprünglich kommen Sie aus dem Buchhandel, 

haben als Antiquar und Autographenhändler gearbeitet. 

Wie kam der Wechsel zur Kunst? 

W.H.: Die Ressourcen aus dem reichen Fundus der 

Monarchie waren ausgeschöpft und führten mich zum 

Kunsthandel. 

KI: Ihre erfolgreichste Auktion? 

W.H.: Sie kommt erst! 

KI: Neue Kunden? 

W.H.: Jedes Jahr kommen 100 neue dazu. 

KI: Welche Schwerpunkte setzen Sie in der kommenden 

64. Herbst-Auktion am 28. November 2016? 

W.H.: Zwei Schwerpunkte: Bilder aus Tirol mit „Aufstieg“ 

und „Auracher Kirche“ von Alfons Walde sowie Wiener 

Künstler…….. ich bin sicher, es wird eine erfolgreiche 

Auktion werden.


Alfons Walde, Aufstieg der Skifahrer 1932, Schätzpreis € 120.000 – 150.000, 27.03.2003 Ergebnis € 512.000 

Alfons Walde, Bichlach, Schätzpreis € 130.00 -270.000, 2 5.11.2013 Ergebnis € 484.000 

Foto: © Hassfurther


Alfons Walde, Frühling in Tirol, 1932 Schätzpreis € 60.000 -120.000 30.11-2015 Ergebnis € 262.800 



Rudolf Wacker, Herbststrauß 1937, Schätzpreis€ 90.000-180.000 - 30.11.2015 Ergebnis € 244.000 



Oskar Mulley, Berghof 1933, Schätzpreis € 25.000 - 50.000, 30.11.2015 Ergebnis € 81.770 

Rudolf ALT, Die Eisenfabrik 1898 Aquarell, Schätzpreis € 130.000 – 170.000, 6.12. 2012 Ergebnis € 286.700 



Oskar Kokoschkla Amokläufe 1908/9, Schätzpreis € 250.000 – 350.000, 21.06.2010 Ergebnis € 768.000 



Albin Egger-Lienz, Totentanz 1916, Schätzpreis € 350,000 -500.000, 21.6.2010 Ergebnis € 650.000

KUNST.INVESTOR – SPECIAL (Auktionsvorschau) 

Maria Lassnig, Bügeleisen, Öl auf Leinwand 

65 x 75 cm, Rufpreis: 70.000 Euro 

Frauen in die Kunst! 

Künstlerinnen sind am Kunstmarkt stark unterrepräsentiert 

Ressler Kunst Auktionen veranstaltet am 20. Jänner 

2017 erstmals eine Auktion, in der ausschließlich die 

Werke von Künstlerinnen präsentiert werden. 

Angeboten werden mehr als hundert Kunstobjekte mit 

einem Gesamt-Ausrufpreis von € 800.000. Bei der 

Auktion können aber nicht nur Werke etablierter 

Künstlerinnen wie Maria Lassnig, Valie Export, Martha 

Jungwirth, Xenia Hausner, Eva Schlegel und Elke 

Krystufek ersteigert werden, sondern auch Werke von 

Malerinnen und Bildhauerinnen, die bisher nicht so sehr 

im Fokus der öffentlichen Aufmerksamkeit standen. 

Bis zum Ende des 19. Jahrhundert waren Frauen von 

jeder akademischen Ausbildung, auch der 

künstlerischen, ausgeschlossen. Noch weit hinein ins 

20. Jahrhundert durften Frauen an den Veranstaltungen 

der Kunstakademien zur Aktmalerei nicht teilnehmen – 

und waren damit von einer Voraussetzung für 

wesentliche Bereiche der Malerei ausgesperrt. Es ist 

kein Zufall, dass Künstlerinnen wie Tina Blau, Marie 

Egner und Olga Wiesinger-Florian Blumen und 

Landschaften malten, während ihren männlichen 

Kollegen alle Wege offen standen. Noch 1918 konnte 

man in einem Gutachten der Münchner Akademie 

lesen, dass „freie Komposition und monumentale 

Aufgaben der Veranlagung der Frau weniger 

entsprechen“. Und der berühmte Kunsthistoriker und 

Schiele-Biograf Arthur Roessler schrieb: „Von Frauen 

mit der Spachtel maurermäßig derb hingestrichene 

Bilder sind mir und den meisten Männern ein Gräuel.“ 

Selbst als sich die Gleichstellung der Frau auf allen 

Gebieten durchzusetzen begann, wurden Frauen noch 

immer auf „harmlose“ Gebiete der Malerei abgedrängt. 

Dann kamen die Nazis und mit ihnen ein Frauenbild, 

das eine ernsthafte Arbeit als bildende Künstlerin 

überhaupt ausschloss. Die geschlechtsspezifische 

Unterdrückung von Künstlerinnen ging nach 1945 

fröhlich weiter und lässt sich in unsäglichen 

Kommentaren von Kunstkritikern nachvollziehen.


Diese Einschränkung und Missachtung ist bis heute 

nicht völlig ausgeräumt. In den Galerien, den nationalen 

wie internationalen Rankings sind Künstlerinnen 

deshalb deutlich in der Minderheit – obwohl mittlerweile 

die Mehrzahl der Galerien von Frauen geleitet wird. Bei 

Artfacts, wo die Ausstellungsintensität von Künstlerinnen 

und Künstlern weltweit beobachtet und 

gemessen wird, sind unter den Top 100 nur 12 Frauen 

– darunter immerhin als Valie Export. Das Trend 

Kunstranking 2016 weist einen Frauenanteil von 30 % 

auf – die meisten auf den hinteren Rängen. Und beim 

GEWINN Kunstbarometer waren es gar nur 22 %. Es 

dauerte bis 1980, ehe die erste Professorin an eine 

Kunstuniversität (und zwar im gesamten deutschen 

Sprachraum) berufen wurde: Es war Maria Lassnig. 

Und bis dahin war die Bereitschaft der ausnahmslos 

männlichen Professoren, Frauen als Schüler 

aufzunehmen, enden wollend. Mittlerweile beginnt sich 

freilich die Überzeugung durchzusetzen, kann. Und da 

haben Künstlerinnen gute Karten. Die Bilder von Maria 

Lassnig etwa erzielten mittlerweile international die mit 

Abstand höchsten Preise unter den österreichischen 

Künstlern nach 1945. (Bei der Art Basel wurde eines 

ihrer Bilder um sagenhafte 1,2 Millionen verkauft.) Und 

Museen in aller Welt reißen sich um Ausstellungen mit 

ihren Werken. Die mit dem Goldenen Löwen von 

Venedig für ihr Lebenswerk ausgezeichnete Maria 

Lassnig war weltweit eine der ersten Künstlerinnen, die 

weibliche Positionen in der Kunstwelt und in der 

Gesellschaft reflektierten und den Einfluss des 

weiblichen Körpers auf Lebensentwurf und Biographie 

einer Künstlerin drastisch und offen darstellten. Ihre 

Körperbewusstseinsbilder, im Grunde Selbstporträts, 

erzeugen, angereichert mit surrealen Elementen, eine 

eigenartige und ganz spezifische Schwebe zwischen 

Nähe und Fremdheit. Valie Export wurde lange Zeit für 

ihre Radikalität kritisiert, mittlerweile gilt sie als Ikone 

des Feminismus und Pionierin im Bereich Medienkunst. 

Die bedeutendsten Museen der Welt haben 

Werkblöcke von VALIE EXPORT erworben, darunter 

das Centre Pompidou in Paris, das Museum of Modern 

Art in New York und die Tate Modern in London. Sie ist 

unbestritten eine der bedeutendsten Künstlerinnen der 

Welt. Martha Jungwirth wird gerade wiederentdeckt – 

endlich! Mit Franz Ringel, Peter Pongratz, Wolfgang 

Herzig, Robert Zeppel-Sperl und Kurt Kocherscheidt 

stellte sie 1968 ihre Bilder in der legendären, von Otto 

Breicha initiierten Secessions-Ausstellung mit dem Titel 

„Wirklichkeiten“ aus. Die Gruppe reklamierte gegenüber 

dem damals international dominierenden Informel eine 

gesellschaftsrelevantere, realistische Malerei. Elke 

Krystufek untersucht in ihren Zeichnungen und 

Malereien sowie in Installationen, Performances und in 

den visuellen Medien wie Video und Fotografie die 

Phänomene Macht, Verfügbarkeit, Kommunikation, 

Diskriminierung, Sex, Gewalt, Schönheit, Freizeit und 

Popkultur. Und Eva Schlegel steht – neben ihrer 

gesellschaftspolitischen Kritik – für die Auseinandersetzung 

mit der Materie und ihren Möglichkeiten. Die 

Künstlerin untersucht die körperliche Beschaffenheit 

der von ihr verwendeten Materialien ebenso wie deren 

immaterielle Seite, die sich in Deutungen oder 

Konnotationen verschlüsselt. Da trifft sie sich mit Xenia 

Hausner, die bei einem Interview im „Standard“ sagte: 

„Ich will hinter die Oberfläche sehen. Die ganze Palette 

der menschlichen Abgründe. Ich komme darauf, wie 

jemand ist, und je länger ich hinsehe, desto mehr 

Aspekte finde ich. Ich schaue mich zu Tode.“ Neben 

diesen „Stars“ der heimischen – und längst auch 

internationalen – Kunstszene bietet die Auktion Werke 

von Florentina Pakosta, Deborah Sengl, Zenita Komad, 

Adi Rosenblum, Barbara Mungenast, Seva Chkoutova, 

Bianca Regl, Johanna Kandl, Hildegard Joos und vielen 

anderen Künstlerinnen, die bereits weit über die 

Grenzen unseres Landes hinaus Aufmerksamkeit 

erregen und auf dem Sprung zum internationalen 

Durchbruch stehen. Und nicht zuletzt werden auch 

Werke von international etablierten Künstlerinnen 

offeriert, wie Louise Bourgeois und Rebecca Horn. 

Foto: © Ressler Kunst Auktionen


Elke Krystufek, tiger lily, Acryl und Glitter auf getupfter Leinwand 

170 x 129,5 cm 1998 Rufpreis: 15.000 Euro 

Deborah Sengl, Logo Heroes (USA), Acryl auf Leinwand 

150 x 120 cm 2007, Rufpreis: 7.000 Euro


Martha Jungwirth, Ohne Titel, Öl auf Leinwand 

100 x 70,5 cm 1993, Rufpreis: 8.000 Euro 

Maria Lassnig, Korkenziehermann (Tod) 

Öl auf Leinwand 205 x 134,5 cm 1986-1987, Rufpreis: 160.000 Euro

KUNST.INVESTOR – SPECIAL News 

Broncia Koller-Pinell Marietta, 1907 Öl auf Leinwand 107,5 x 148, 5 cm 

Sammlung Eisenberger, Wien © Vera Eisenberger KG, Wien 

Die bessere Hälfte – Jüdische Künstlerinnen bis 1938 

Wien um 1900 war auch eine Stadt der Frauen. Am 

Aufbruch in die Moderne waren viele Künstlerinnen 

beteiligt, die sich trotz der schlechten 

Rahmenbedingungen für Frauen im Kunstbetrieb 

durchsetzen konnten. Ein überdurchschnitt-licher Anteil 

dieser Künstlerinnen kam aus assimilierten jüdischen 

Familien. Malerinnen wie Tina Blau, Broncia Koller- 

Pinell, Marie-Louise von Motesiczky oder die 

Keramikerinnen Vally Wieselthier und Susi Singer 

haben heute ihren Platz in der Kunstgeschichte. Doch 

viele andere sind – zu Unrecht – in Vergessenheit 

geraten, wie die Bildhauerin Teresa Feodorowna Ries, 

die Malerinnen Grete Wolf-Krakauer und Helene 

Taussig oder die Malerin und Graphikerin Lili Réthi. Die 

Ausstellung „Die bessere Hälfte“ stellt 44 Künstlerinnen 

vor und zeichnet deren außergewöhnliche Ausbildungsund 

Karrierewege nach, die vom Kampf um 

Anerkennung in einer männlich dominierten 

Kunstszene erzählen, aber auch von vielversprechenden 

Karrieren, die durch Vertreibung und Exil 

unterbrochen oder in den Vernichtungslagern des 

Nationalsozialismus für immer beendet wurden. Eine 

Ausstellung mit vielen neuen Erkenntnissen und 

Wiederentdeckungen. Im vielbeschworenen Fin de 

Siècle, einer Hochblüte der Kunst und Kultur, war eine 

künstlerische Laufbahn für Frauen nahezu undenkbar. 

Als Salonièren oder Mäzeninnen waren – vor allem – 

Jüdinnen im ausgehenden 19. und beginnenden 20. 

Jahrhundert sehr präsent, von einer offiziellen 

künstlerischen Ausbildung waren sie – wie überhaupt 

aus dem akademischen Leben – allerdings 

ausgeschlossen. Ein Besuch der Kunstakademien war 

erst ab 1920 möglich, daher besuchten viele die eigens 

für Frauen errichteten Kunstschulen. Besonders in 

jüdischen Familien, in denen seit jeher die Bildung der 

Töchter ein Anliegen war, wurde Mädchen Gelegenheit 

zu einer künstlerischen Ausbildung geboten – manche 

erhielten sogar teuren Privatunterricht bei einem 

Künstler, und später ein eigenes Atelier eingerichtet.


Lilly Steiner Composition baroque, 1938 Öl auf Leinwand 

146 x 97 cm Belvedere, Wien, Inv.-Nr. 4156 

Helene Taussig The Dancer Harald Kreutzberg, 1930/4 

Oil on canvas 63 x 41 cm Privately owned


Da die Künstlervereinigungen zur Jahrhundertwende 

keine Künstlerinnen akzeptierten, gründeten die Frauen 

eigene, wie die seit 1910 bis heute bestehende 

Vereinigung bildender Künstlerinnen Österreichs 

(VBKÖ). Unterstützende Mitglieder fanden sich hierfür 

im Hochadel, aber auch unter den bekannten und 

einflussreichen jüdischen Familien Wiens (Bondi, 

Ephrussi, Gomperz, Gutmann, Rothschild, Schey, 

Wertheimstein u. a.). Alle diese Vereinigungen hatten 

zum Ziel, Standesvertretungen zu sein und durch die 

Organisation von Ausstellungen und anderen 

Veranstaltungen Ansehen und Einkommensmöglichkeiten 

ihrer Mitglieder zu verbessern. Tatsächlich 

stammte ein überproportionaler Teil der Wiener 

Künstlerinnen aus jüdischen Familien, darunter einige 

der bekanntesten und bedeutendsten Künstlerinnen der 

Epoche wie Tina Blau, Broncia Koller-Pinell oder Vally 

Wieselthier. Die meisten von ihnen kamen zwar mit 

einer vom galizischen Schtetl geprägten 

Familiengeschichte, aber aus einem bereits assimilierten 

Umfeld. Als eigenständige Künstlerinnen 

wurden selbst diese prominenten Vertreterinnen erst 

nach einiger Zeit wahrgenommen. Verallgemeinern 

lässt sich die breite Reihe an großartigen jüdischen 

Künstlerinnen jedenfalls definitiv nicht. Es ist eine sehr 

diverse Gruppe herausragender Frauen, deren 

künstlerische Ausdrucksform sich völlig unterschiedlich 

präsentiert und die Einzigartigkeit und Individualität der 

Persönlichkeiten hervorhebt. Tina Blau und Teresa 

Feodorowna Ries waren unter den ersten Frauen, die 

im Wien des späten 19. Jahrhunderts die Kunst zu 

ihrem Beruf erwählten. Die Landschaftsmalerin Tina 

Blau entwickelte in den 1860er- und frühen 1870er- 

Jahren als einzige Frau gemeinsam mit wenigen 

männlichen Kollegen die österreichische Variante der 

europaweit verbreiteten realistischen Stimmungslandschaft 

nach dem Vorbild der Schule von Barbizon– 

den Österreichischen Stimmungsimpressionismus. Die 

aus Russland stammende Bildhauerin Teresa 

Feodorowna Ries wiederum ließ sich durch die 

schlechten Rahmenbedingungen nicht entmutigen und 

schaffte es, sich einen Platz im zu dieser Zeit 

ausschließlich von Männern dominierten Feld der 

Bildhauerei zu erobern. In den Jahren vor dem ersten 

Weltkrieg spielten Künstlerinnen eine bedeutende Rolle 

in der 1903 von Josef Hoffmann und Kolo Moser mit 

der finanziellen Unterstützung des jüdischen 

Industriellen und Mäzens Fritz Wärndorfer gegründeten 

Wiener Werkstätte, in der sich angewandte und 

bildende Künste gleichberechtigt vereinen sollten. Die 

bedeutendsten Vertreterinnen wie Vally Wieselthier, 

Susi Singer-Schinnerl und Kitty Rix waren jüdischer 

Herkunft. Vally Wieselthier stellte 1928 ihre Keramiken 

sogar auf der International Exhibition of Ceramic Art 

des Metropolitan Museums aus; Susi Singer und Kitty 

Rix, gingen in ihren Arbeiten weit über die traditionelle 

Gebrauchskeramik hinaus und schufen 

außergewöhnliche Skulpturen. [Jüdisches Museum 

Wien, Ausstellungsdauer bis – Foto: © Jüdisches 

Museum Wien]


Sofie Korner Das Bett Öl auf Leinwand 57 x 62 cm Privatbesitz 

Grete Wolf-Krakauer Ohne Titel (Komposition II), 1917 Öl auf Leinwand 

90,5 x 81 cm JMW Inv. Nr. 21787 Foto: David Peters


Helene Taussig Weiblicher Akt auf blauem Stuhl, um 1930/35 

Öl auf Leinwand 61 x 46 cm Belvedere, Wien,


Friedl Dicker-Brandeis Doppelportrait Pavel und Maria Brandeis, 1936 

Pastell auf Papier 45 x 61 cm Jüdisches Museum Wien


Venedig, Canal Grande mit S.Simeone Piccolo, 1949 

Max Pfeiffer Watenpuhl 

Italien war von jeher das Maß aller Dinge für den 1896 

in Weferling bei Braunschweig geborenen Max Peiffer 

Watenphul. Nach seiner Promotion als Jurist wird er 

Schüler am Bauhaus in Weimar und hat bald erste 

Erfolge als Maler. Mit der Auszeichnung des Rom- 

Preises 1931, der mit einem neunmonatigen Aufenthalt 

in der Villa Massimo in Rom verbunden war, beginnt 

seine tiefgründige Verbundenheit mit Italien, die 

fortwährend anhalten sollte. Die in Italien entstandenen 

Gemälde stellen mit ihrer sublimen Poesie eine 

elementare Größe in seinem malerischen Werk dar, 

woraus Alois Wienerroither und Eberhard Kohlbacher 

einen markanten Auszug präsentieren. Watenphul 

schuf seine ersten Bilder zu Beginn der 20er Jahre in 

Weimar. Das frühe Werk ist in Komposition und 

Formgebung von archaischer Einfachheit und 

symbolistischer Rätselhaftigkeit, es reflektiert 

Tendenzen des Weimarer Bauhaus wie die 

Faszination der Malweise Henri Rousseaus.Schon 

damals entfremdet Watenphul das Gesehene seiner 

äußeren Erscheinung, vernachlässigt Regeln der 

Perspektive und Proportion und folgt einer eigenen 

Ordnung, die nur sich selbst verpflichtet ist. Aus den 

Gemälden spricht eine surreale Poetik, die nobilitierte 

und triviale Bildwelt gleichermaßen einschließt. Unter 

dem Einfluss der italienischen Landschaft und des 

südlichen Lichts erfahrt diese schon sehr 

charakteristische Disposition ihren emphatischen 

Wandel. Komposition, Bildausschnitt und Farbgebung 

werden entschiedener und prägnanter. Das Licht wird 

von substanzieller Bedeutung. Die menschenleeren 

Landschaften von Ischia sind von stiller Helligkeit erfüllt. 

Das Bildgefüge ist fein kalibriert und ausbalanciert, die 

atmosphärischen Qualitäten sind sensibilisiert, und 

doch gewinnen die Landschaftsdarstellungen an 

räumlicher Dimension und bildinterner Dynamik. Ohne 

die Gegenständlichkeit zu verlassen, entfaltet sich in 

einer durch Licht und Farbe rhythmisierten Weite ein 

tiefsinniges Bekenntnis zu dieser idyllischen Natur.


Stilleben mit Mohn, 1937/1947 

Den extremen Querformaten dieser Ansichten von 

Ischia stehen die ungewöhnlich schmalen Hochformate 

der Venedig-Bilder gegenüber. Während seine Bilder in 

Deutschland als .,entartete Kunst" diffamiert wurden, 

lebte Max Peiffer Watenphul in Venedig. Trotz 

unzähliger bereits bestehender Venedig 

Interpretationen (wie etwa von Canaletto, Monet, 

Renoir oder Turner) findet er zu einer faszinierenden 

eigenen Formulierung in der viele Jahre 

überspannenden Werkgruppe. Watenphul malt zwei 

diametrale Facetten der Stadt, ein Theater der Sinne, 

das Festspiele im Sommer hält und im Winter in 

düstere Melancholie abtaucht. Die Architektur 

Venedigs wird bühnenhaftwie eine Kulisse arrangiert, 

durch Bildausschnitt in Fragmenten markant gesetzt 

und pointiert proportioniert. Das Bildgefüge ist 

gedrängt, der Farbauftrag ist dicht. Die Gegenstände 

werden zu Kürzeln, die Menschen gleich Staffage zu 

Strichmännchen reduziert. Wieder gelingt ihm eine 

subtile Licht-Malerei, einen auratischen Schleier über 

die Ansichten zu legen und die Farben weich 

schimmern zu lassen- was er nicht alleine durch 

Farbauftrag und Pinsel erzielt. Oft nutzt er die Struktur 

der ungrundierten Leinwand, belässt durch die dünne 

Farbschicht deren Körnung unbedeckt, sodass ein 

atmosphärisches Flirren des Gesamten entsteht. In den 

harmonischen Landschaftsbildern lassen sich im lichten 

Himmel fahrige Grafitkritzeleien wahrnehmen, als eine 

lineare Belebung der leeren Flächen, während 

Farbspritzer Luft und Himmel materialisieren. In manch 

dunklen Farbfeldern der venezianischen Palazzi ist die 

dick aufgetragene Farbschicht verletzt, Kratzer legen 

die darunterliegende Leinwand frei, doch weniger als 

ein Akt der Aggression als vielmehr der einer 

Harmonisierung. Sie rücken das feste Bildgefüge in 

eine Ungreifbarkeit. Aus heutiger Sicht zeigt sich in 

diesem Akt des methodischen Überkritzelnsund 

Zerkratzens nicht nur eine sehr unprätentiöse, sondern 

auch eine ausgesprochen progressive Haltung. 

Watenphul haucht damit dem Dargestellten eine 

Subjektivierung ein. Er beschwört so in seinen 

Malereien eine Distanzierung und Zeitlosigkeit herauf, 

zugleich eine Begehrlichkeit und deren 

Unerreichbarkeit. Es sind verinnerlichte Ansichten, in 

denen das Sehnsüchtige geweckt wird -als 

melancholisches oder paradiesisches Gespinst von 

irritierendem Zauber. [Wienerroither & Kohlbacher, 

Ausstellungsdauer bis 10. Jänner 2017 – Foto: © 

Wienerroither & Kohlbacher]


Oswald Tschirtner und Johann Hauser 

„... mit strich und farbe“ 

Oswald Tschirtner & Johann Hauser, zwei Gugging-Künstler, wie sie unterschiedlicher nicht sein konnten: der eine der 

ruhige Meister der einzelnen, dünnen Linie; der andere der Emotionale, der das Papier mit knalligen Farben füllte: 

Oswald Tschirtner und Johann Hauser. Zwei Freunde, die ein halbes Leben miteinander verbrachten und sich einander 

stilistisch in keiner Weise beeinflussten. Das Sprichwort „Gegensätze ziehen sich an" könnte hier zum Tragen kommen, 

denn sowohl im Leben wie auch in der Kunst ist bei Tschirtner und Hauser so etwas wie eine sich ergänzende 

Harmonie, die wohltuend anregend ist, spürbar. Die Werke von Johann Hauser und Oswald Tschirtner zählen zu den 

Klassikern der Art Brut und kaum eine Ausstellung und Sammlung, die sich umfassender der Art Brut widmet, kommt 

ohne ihre Werke aus. 

Oswald Tschirtner: wurde von Dr. Leo Navratil(*) zum 

Zeichnen ermuntert und konnte sein Talent zeigen. 

Navratil gab ihm Vorlagen, die als Inspirationen für 

Tschirtners frühe Werke dienten, welche der Künstler 

aber in seiner individuellen Zeichensprache übersetzte 

und zu Eigenem machte. Seine Kopffüßler wurden in 

den folgenden Jahrzehnten weltbekannt. Einfach, klar 

und geschlechtslos gezeichnet, mit Feder und Tusche, 

die er auch gegen den Strich verwendete, wobei die 

Feder laut quietschte. In den siebziger Jahren des 

vorigen Jahrhunderts ausschließlich auf kleinen 

Papieren arbeitend, bewies der Künstler in den 

achtziger Jahren, dass er von der Postkartengröße 

jederzeit bis zu haushohen Formaten oder auf großen 

Leinwänden zu schwarzen Edding-Stiften wechseln 

konnte. Neben den grandiosen Menschendarstellungen 

zeigte Oswald Tschirtner auch den Hang zur 

Konzentration der Bildthemen auf das absolut 

Wichtigste. Oft reichte ein einzelner Strich für das 

ganze Werk. 

Johann Hauser: arbeitete ganz anders als sein 

Kollege Oswald Tschirtner. Aus Bratislava nach 

Niederösterreich in Kriegszeiten zwangsumgesiedelt 

begann er 1959 in Gugging spontan zu zeichnen. Dr. 

Navratil ermunterte auch ihn und brachte ihm Vorlagen. 

Bereits in den ersten Künstlerjahren bis Mitte der 

Sechziger zeigte Hauser seine Themen, die er später 

noch weiterentwickelte. Seine absolute Vorliebe galt 

dem Abbild der Frau, das von anfänglich „keuschen“ 

bekleideten Damen zu wild-erotischen Darstellungen 

führte. Die vierzackigen Sterne wurden zum Symbol 

des Hauses der Künstler in Gugging, wo er gemeinsam 

mit Oswald Tschirtner seit den 80er Jahren lebte. 

Neben den für ihn typischen Motiven Stern, Schlange, 

Herz und Mond entwickelte er nach 1989 eine neue 

Farbigkeit in großen Formaten, wie er es vorher nie 

gemacht hatte. Die kräftigen Farben strahlen direkt vom 

Papier zum Betrachter. Auch das umfangreiche 

druckgrafischen Werk beider Künstler hat große 

Bedeutung erlangt. Die Radiernadel konnte den feinen 

Strich Tschirtners perfekt übersetzen und Hauser 

übertrug die emotionale Art des Blei- oder 

Farbstiftstrichs durch Druck und Intensität des Stichels 

auf die Kupferplatte. [Galerie Gugging, Vernissage: 

Mittwoch, 30. November 2016, 19:00 Uhr, 

Ausstellungsdauer: 1. Dezember 2016 bis 8. Februar 

2017 – Foto: Galerie Gugging 

(*)Leo Navratil (* 3. Juli 1921 in Türnitz; † 18. September 2006 in Wien) war ein österreichischer Psychiater. Seit 1946 war Leo 

Navratil an der Landesnervenheilanstalt Maria Gugging bei Klosterneuburg in Niederösterreich Psychiater und seit 1956 Primar am 

dortigen Klinikum.


Johann Hauser, 1994, Hubschrauber, Bleistift, Farbstifte, 44 x 62,5 cm, © Privatstiftung - Künstler aus Gugging 

Oswald Tschirtner, 1991, Menschen, Edding auf Leinwand, 200 x 160 cm, Courtesy Galerie Gugging


KURT HÜPFNER - Aus dem Verborgenen 

Mit der Ausstellung „Kurt Hüpfner – Aus dem 

Verborgenen“ würdigt das 21er Haus das 

Lebenswerk des österreichischen Künstlers Kurt 

Hüpfner (*1930, Wien) mit seiner ersten 

Einzelpräsentation in einem Museum. Die Ausstellung 

zeigt einen Querschnitt der zentralen 

Schaffensphasen des heute noch aktiven Künstlers – 

von seinen grafischen Anfängen, seinen Zeichnungen, 

den markanten Assemblagen der 1970er-Jahre bis 

hin zu den Kleinplastiken, die vor allem das Werk ab 

Mitte der 1980er-Jahre charakterisieren. Ein Großteil 

der gezeigten Arbeiten entstammt einer großzügigen 

Schenkung aus Privatbesitz an das Belvedere. Nach 

Anfängen als Gebrauchsgrafiker und Karikaturist 

entwickelt der Künstler ab den frühen 1960er-Jahren 

ein komplexes eigenständiges Werk. Nach dem 

prägenden Besuch der Ausstellung Pop etc. 1964 

im damaligen 20er Haus, entstehen Zeichnungen, 

Gemälde und Assemblagen, die sich formal an der 

Pop Art orientieren, inhaltlich jedoch Themen wie 

Politik, Krieg und Literatur aufgreifen. In den 

1970er-Jahren entwickelt Hüpfner einen gänzlich 

individuellen Stil. Seine kleinformatigen Gips- und 

Terrakottaplastiken, oftmals mit Ölfarbe bemalt, sind 

vielfältige „magische Geschöpfe“, von denen jedes 

eine eigene Geschichte zu erzählen vermag. Die 

Auseinandersetzung mit Kunstbewegungen der 

Moderne und dem zeitgenössischen Kunstgeschehen, 

wie Surrealismus, Dadaismus und Pop Art, sowie die 

Reflexion politischer Krisensituationen bilden die 

Parameter, in denen sich Hüpfners Kunstwerke 

entwickeln. Hüpfners künstlerisches Arbeiten blieb 

weitgehend unbemerkt von der Öffentlichkeit. Das 21er 

Haus widmet ihm nun seine erste museale 

Werkpräsentation und lässt ihn als Neuentdeckung 

innerhalb der österreichischen Kunstgeschichte in 

Erscheinung treten. [21er Haus Museum für 

zeitgenössische Kunst, Dauer der Ausstellung: 18. 

November 2016 bis 29. Januar 2017 – Foto: 21er Haus]


Kurt Hüpfner, Danae, 1968 - © Belvedere, Wien


„a piece of reality“ 

Dieter Bornemann zeigt skulpturale Fotografie 

Was macht einen Künstler aus? Ist es der Lebenslauf, 

die Ausbildung, die Liste seiner Ausstellungen? Oder ist 

es das Werk? Und kann man die Arbeit eines Künstlers 

unabhängig von seiner Person betrachten? Diese 

Diskussion habe ich mit Kurator Günther Oberhollenzer 

geführt. Ich habe nicht den klassischen Lebenslauf, den 

sich die Kunstwelt erwartet (und einfordert). Trotzdem 

habe ich in der Fotografie etwas völlig Neues 

geschaffen, dass es bisher noch nicht gegeben hat: die 

skulpturale Fotografie- Dieter Bornemann 

Der Fotograf und Journalist Dieter Bornemann zeigt 

von 16.11.2016 bis 14.1.2017 in der Ausstellung „a 

piece of reality“ seine aktuelle Arbeit. Da- bei sollen alte 

Sehgewohnheiten der Fotografie gebrochen werden. 

Die Ausstellung ist ein Spiel mit Proportionen und der 

gelernten Wahrnehmung von Bildern. Das Foto als ein 

Abbild der Realität, aber gleichzeitig nur eine Illusion 

von Wirklichkeit. Das führt zu Irrita- tion beim Betrachter 

und damit zur Auseinandersetzung mit der eigenen 

Wahrnehmung. Es bleibt die Frage: Wieviel „Wahrheit“ 

steckt in einem Foto? Die Ausstellung findet im 

Rahmen der „eyes on“ - Monat der Fotografie statt. Bei 

der Vernissage am 15.11. um 19 Uhr spricht Museums- 

Kurator und Buchautor Mag. Günther Oberhollenzer 

über moderne Fotografie. 13 Gegenstände des Alltages 

wurden für diese Ausstellung so fotografiert und in 

Szene gesetzt, dass die BetrachterInnen die Illusion 

haben, das echte Objekt vor sich zu haben. 

Perspektive, Größenverhältnis, Licht und die richtige 

Oberfläche - das alles muss stim- men, um ein 

möglichst realitätsnahes Abbild zu bekommen. Die 

neue Technik durchbricht die Grenzen zwischen 

klassischer Fotografie und Skulptur. Denn aus 

Fotografien werden skulpturale, dreidimensionale 

Objekte erschaffen.


Kaugummiautomat 

Fountain I 

Gegenstände wie etwa ein Kaugummi- automat aus 

den 80er-Jahren, ein rund 100 Jahre alter Klingelkasten 

aus einem Wiener Altbau oder ein aus Fotos 

nachgebautes Ikea-Regal werden durch die 

fotografische Ab- bildung zwar ihrer Funktionalität 

beraubt, gleichzeitig aber mit neuer Bedeutung aufgeladen. 

Die Objekte sind zwar oberflächlich 

beeindruckend, aber ohne Funktion und Inhalt - ähnlich 

der Scheinarchitektur der Renaissance-Baumeister. Die 

Ausstellung spielt mit der Wahrnehmung der 

BesucherInnen. Alle Objekte werden exakt in ihrer 

Originalgröße abgebildet und nachgebaut. So soll es 

vorkommen, dass Be- sucherInnen achtlos an einem 

Gegenstand der Ausstellung vorbei gehen, weil das 

Objekt für einen Teil des Raumes gehalten wird. Einen 

zusätzlichen Reiz bekommt die Ausstellung durch das 

Spiel mit den Größenverhält- nissen: Jedes Objekt gibt 

es zusätzlich in der halben Größe des Originals, aber 

auch auf- geblasen auf die doppelte Größe seiner 

ursprünglichen Form. Aus der Nähe zur Realität wird so 

plötzlich Skurrilität. Eine Hommage an den 

Mitbegründer der Konzept-Kunst, Marcel Duchamp, ist 

das Werk „Fountain II“: Allerdings wird hier - 100 Jahre 

nach dem von Duchamp ausgelösten Kunstskandal der 

umgekehrte Weg beschritten: Während Duchamp für 

sein „ready- made“-Kunstwerk ein Pissoir ins Museum 

stellt und einen realen Gegenstand des Alltags zum 

Kunstwerk erklärt, wird hier ein anderer Weg gegangen: 

Ein Pissoir wird so fotografiert, dass für den Betrachter 

auf den ersten Blick der Eindruck eines echten Urinals 

entsteht. Verblüffend auch der originalgetreue 

Nachbau eines Alibert-Badezimmerspiegels aus den 

70er Jahren: Der Betrachter steht zwar ganz 

offensichtlich vor einem Spiegel, sieht sich selbst aber 

nicht darin. „a piece of reality“ entwickelt das Medium 

Fotografie weiter und zeigt einen völlig neuen Ansatz 

der Fotografie. Der ausschließlich optischen 

Wahrnehmung wird ein haptisch er- fahrbarer 

Gegenstand hinzugefügt. (Foto: © Dieter Bornemann)

KUNST.INVESTOR – SPECIAL Genusskunst

KUNST.INVESTOR – SPECIAL Genusskunst 

Julius Meinl am Graben 

Genuss auf allen Ebenen - Speisen vom Feinsten 

bei Julius Meinl am Graben 

Genuss ist in erster Linie eine Lebenseinstellung, die 

vor allem die unabdingbare Bereitschaft dazu und 

natürlich auch die entsprechende Muße erfordert – dies 

verkörpert Julius Meinl am Graben wie wohl kaum ein 

anderes österreichisches Unternehmen als Österreichs 

erste Adresse für Gourmets und Genießer. Hier 

versteht man Genuss als eine Art Gesamtkunstwerk für 

alle Sinne, dazu gehören Gaumenfreuden ebenso wie 

eine stimmungsvolle Atmosphäre, die passende 

akustische Untermalung und angeregte Gespräche. 

In den gastronomischen Outlets werden Ihnen bei 

Julius Meinl am Graben hierzu mannigfaltige 

Möglichkeiten geboten. Überzeugen Sie sich in Meinl’s 

Restaurant von einer internationalen, höchst 

innovativen Luxusküche mit unvergleichlich schönem 

Blick auf Graben und Kohlmarkt! Begeben Sie sich 

unter der Führung unserer Sommeliers auf eine 

spannende Weinreise in Meinl’s Weinbar oder erleben 

Sie unvergleichlichen Kaffeegenuss in Form einer 

anregenden Melange im beliebten Meinl Café. „Wählen 

Sie aus“ – hier wird jeder Genusswunsch mit Kompetenz 

und kulinarischem Know-how ermöglicht! 

Meinls Restaurant: Von Anbeginn vermochte das 

Restaurant mit der schönsten Aussicht Wiens, 

Gourmets aus dem In- und Ausland mit seiner 

spannenden Küche, seinem unprätentiösen und 

charmanten Service und seiner wunderbaren Weinkarte 

zu begeistern. Hier werden von früh bis spät 

durchgehend kulinarische Köstlichkeiten und luxuriöse 

Gaumenfreuden in einer stilvollen und doch legeren 

Atmosphäre angeboten. Am Morgen bieten eine 

Vielzahl an Frühstücksvarianten den idealen Start in 

den Tag, mittags verwöhnen wir Sie mit einem 

exquisiten und doch raschen Business-Lunch, am 

Nachmittag verlocken Wiener Kaffee- und 

Teespezialitäten und die süßen Köstlichkeiten aus 

unserer hauseigenen Patisserie und am Abend findet 

der Tag bei einem leichten Dinner oder einem 

exzellenten Menü zu einem hervorragenden Glas Wein 

einen gelungenen Ausklang.

KUNST.INVESTOR – SPECIAL Genusskunst


Die Küche begeistert durch einen individuellen Stil, der 

mediterran geprägt ist und sich der Saisonalität und 

Hochwertigkeit der Grundprodukte verpflichtet. Das an 

Vielfalt und Frische unüberbietbare Sortiment von 

Julius Meinl am Graben tut sein Übriges, um zu einer 

internationalen Küche zu inspirieren, die von einer 

beispiellosen Authentizität und Leichtigkeit 

gekennzeichnet ist und getrost auf Firlefanz und Pomp 

verzichten kann. Als unabdingbar für die kulinarische 

Performance erweist sich das distinguierte, umsichtige 

Service, das auch den anspruchsvollsten Gast 

verwöhnt. Der außerordentliche Ruf des Restaurants 

liegt sicherlich auch in der Weinkarte begründet, die mit 

ihren über 750 Weinpositionen und einem Angebot an 

Bränden, das sich wie das „Who is Who“ der 

heimischen Top-Destillerie liest, für jeden Gang die 

perfekte Begleitung bereithält. 

Meinls Weinbar: Weinkenner und all jene, die es 

werden wollen, schätzen die stimmungsvolle 

Atmosphäre, das atemberaubende Sortiment und die 

exzellente Weinberatung von Seiten des Weinbar 

Teams. Die Umfangreiche Weinkarte umfasst nicht nur 

etwa 30 offene Weine aus Österreich und dem 

Ausland, sondern ebenso verschiedene Schaumweine, 

Süßweine und Portweine, die das Angebot abrunden. 

Außerdem können Sie noch aus ca. 2000 

verschiedenen Weinen aus aller Welt und etwa 20 

unterschiedlichen Champagner wählen und diese 

gegen einen 10%igen Bedienungsaufschlag 

(Mindestaufschlag € 3,00) flaschenweise genießen. 

Neben zahlreichen internationalen Raritäten, die bis ins 

Jahr 1961 zurückreichen, sind es vor allem die 

österreichischen Raritätenweine, welche Sie auf einer 

eigens kreierten Raritätenkarte finden, die Meinls 

Weinbar für Weinkenner einzigartig machen. Egal ob 

Sie einen gereiften Weißwein oder einen Rotwein aus 

den Spitzenjahrgängen wie 1999, 2000 oder 2003 

suchen. Hier werden Sie fündig. Auch der kleine 

Hunger lässt sich in Meinls Weinbar stillen: neben 

einem täglich wechselnden Mittagsmenü werden auf 

der Speisekarte auch klassische Spezialitäten wie 

Antipasti-Variationen, Beef Tartar, Roastbeef oder 

Räucherlachs angeboten. Wer den Weingenuss 

zuhause bevorzugt und seinen Einkauf nicht zu den 

Geschäftszeiten von Meinl am Graben erledigen kann, 

hat hier in Meinls Weinbar bis zur mitternächtlichen 

Sperrstunde die Gelegenheit, aus dem Top-Angebot 

unter fachkundiger Beratung auszuwählen und zu 

Handelspreisen einzukaufen. 

Meinls Café: Das "Meinls Cafe" mit angeschlossenem 

Gastgarten auf dem Kohlmarkt zählt mittlerweile zu den 

beliebtesten Innenstadttreffs, denn hier wird die 

Altwiener Kunst des Kaffeekochens zelebriert. Auf der 

Kaffeekarte finden sich an die 35 Rezepturen: von der 

klassischen Melange über Kapuziner, Einspänner und 

Kaffee verkehrt bis hin zum Mazagran. Das "Meinls 

Café"-Team begeistert seine Kunden kontinuierlich mit 

neuen Kreationen der braunen Bohne; Mandorlino (mit 

Mandelmilch verfeinerter kalter Espresso), Melange 

Orangina, die kongeniale Verbindung von Großem 

Braunen und Orangenlikör und Greco haben schon 

zahlreiche Anhänger gefunden. Die Mitarbeiter stehen 

vor Ort mit Rat und Tat bei der Auswahl des 

gewünschten Kaffees zur Seite und geben Einblick in 

die faszinierende Welt des beliebten Genussmittels. Ein 

einladendes Angebot an Kipferln & Croissants und 

Tartes aus der hauseigenen Patisserie verspricht zu 

jeder Kaffeespezialität die passende Begleitung. Somit 

garantiert ein Besuch im "Meinls Café" aufgrund der 

fachkundigen Beratung und exzellentem Service 

uneingeschränkten Kaffeegenuss in klassisch-stilvoller 

Atmosphäre!


Aux Gazelles – Savoir Vivre in Wien 

Le Restaurant, Le Club, Le Design 

Mit "mehr Funktion und weniger Folklore" ist das 

gemeinsam entwickelte Design-Konzept von Christine 

Ruckendorfer und Architekt Alberto Bach perfekt 

definiert. Bach zeichnet mit seinem Büro Albertoni für 

viele internationale Prestigebauten verantwortlich und 

hält Nichts von unnötigem Chi Chi, lauten Farben und 

orientalischen Klischees. Beide wollten dem Aux 

Gazelles mehr Spielraum und Bewegung geben. Das 

Licht wird durch die Neugestaltung tief in den Raum 

geholt. Auch die Séparées wurden neu interpretiert. 

"Ich wollte zwei unterschiedliche, elegante Welten 

kreieren, das Restaurant mit dem großzügigen 

Gastgarten ist eine helle frische Sommerwelt von 

großer Klarheit", erklärt Bach. "Verbindend dazu finden 

sich Designelemente, die klar und schwungvoll sind, mit 

klassisch marokkanischen Elementen." Eine 

Formsprache, die in Abwandlungen immer wieder zum 

Einsatz kommt. Ruckendorfer Für Ruckendorfer ist das 

Ergebnis "ein zeitgemäßes Lokal auf internationalem 

Niveau, ohne folkloristisch zu sein." Auf 2000 

Quadratmeter wird "Savoir Vivre in Wien" geboten: 

Essen, Trinken, Tanzen, Verwöhnen, Entspannen & 

Genießen. Neue Features, wie "Lunch Bazaar", 

"Signature Drinks", "After Work-Shower" und anderes 

mehr erwarten den Gast. "Orient Light" nennt sich das 

frische Food-Konzept, vielfältig, spannend und ideal für 

die heißen Sommermonate in der City. Im "Lunch 

Bazaar" werden mittags feine Variationen in Form von 

libanesischen Mezze-Gerichten und marokkanischen 

Vorspeisen das Aux in Form eines All You Can Eat- 

Buffets angeboten. Abends können diese auch à la 

Carte bestellt werden. Als Mittagsmenü gibt es 

Rindsbrochettes mit gratinierten Zucchini, Lammköfte 

im Tomaten-Zimtfonds mit Dijon Senf und gegrillte 

Calamari & Garnelen mit Spargel-Fenchel-Salat. 

Abends kommt regional-österreichisches zum Einsatz, 

wie bei der Tajine mit Mariazeller Saibling, knusprigem 

Rinderprosciutto und Granatapfel, einem zarten 

Kalbsgulasch, Couscous und Kichererbsen. Vegetarier 

werden mit Gemüse-Tajine oder gebackenen Kartoffeln 

mit Arganöl, Koriander mit Limetten-Sauerrahmdip 

verwöhnt.


Wüstentee on the Rocks meets Bloody Mary 

Eine schöne Bar braucht exzellente Drinks! Daher hat 

sich das Aux Gazelles-Team gleich mehrere feine 

Signature-Drinks überlegt. So wird der berühmte 

marokkanische Minztee, an dem bereits Winston 

Churchill im La Mamounia schlürfte, im Sommer "on the 

rocks" serviert. Zum Feierabend gibt es eine 

alkoholische Version des Traditionsgetränks aus der 

Sahara, gemixt mit Gin. Oder ein Gimlet, das berühmt, 

berüchtigte Getränk der Britischen Navy, favorisiert von 

Ernest Hemingway und bekannt aus den Philip 

Marlowe-Krimis. Apropos Hemingway: Zu Beginn einer 

heißen Bar-Nacht darf ein perfekter Bloody Mary nicht 

fehlen. Dieser Klassiker wird im Aux Gazelles nach 

einer klandestinen Rezeptur eines jamaikanischen 

Barmans gemixt. 

After Work-Shower 

Raus aus dem Job und rein in den Feierabend! Doch 

wo bitte, machen Mann und Frau sich nach einem 

anstrengenden Arbeitstag frisch und fein? Nicht jeder 

wohnt im City-Loft um die Ecke. Hammam und Salon 

de Beauté schaffen Abhilfe. Für 15,- Euro können sich 

Aux Gazelles-Gäste von 17 bis 20 Uhr duschen, 

entspannen und für den Abend zu Recht machen. Im 

Preis inkludiert sind: Handtuch, Erfrischungsgetränk 

(hausgemachte Limonaden und Eistees). 

Verwöhnprogramm für Body & Soul 

Eine alte Hammam-Tradition besagt: Politik, Geld und 

Sorgen bleiben draußen! Insofern sind Hammam & 

Salon de Beauté nicht gerade der geeignete Ort für das 

nächste Business Meeting, wohl aber um sich von Kopf 

bis Fuß verwöhnen zu lassen und zu entspannen. Auf 

500 Quadratmetern befinden sich ein klassisches 

Dampfbad, Behandlungs- und 

Entspannungsräumlichkeiten in bester Orient-Manier. 

Hammamcis verwöhnen mit Waschungen, Peelings, 

wohlriechenden Salben und einer Haarwäsche – falls 

gewünscht. Mehr Info unter www.auxgazelles.at

KUNST.INVESTOR – SPECIAL Buchtipp 

Adolf Krischanitz 

Das Inventar ist das 

Ergebnis der Inventur 

Basierend auf den Entwürfen für zahlreiche Gebäude aus den Bereichen Kultur, Wohnen, Gewerbe, Bildung etc. hat 

Adolf Krischanitz Innenausstattungen entworfen, die sich mit wenigen Ausnahmen jeweils aus den laufenden 

Bauaufgaben entwickelt haben. Die im Zuge der architektonischen Arbeit entstandenen Interieurs sind in der Regel 

nicht nur Sessel, Tisch, Liege und Lichtobjekte, sondern sind konstitutiver Teil des räumlichen Aufbaus und der Gestion 

des integralen architektonischen Raumes. Alles in allem liefert er durch sein Werk einen bemerkenswerten Beitrag zu 

einem wichtigen Aspekt der jüngeren österreichischen Architekturgeschichte. Die Entwicklung dieser Arbeiten ist 

anfänglich durch historisierende postmoderne Tendenzen gekennzeichnet, um schließlich in radikalere direkte 

Versuche zur Anknüpfung an die inzwischen fast verloren gegangene Entwurfstradition des regionalspezifischen 

Ausstattungshandwerks in Wien zu münden. Außerdem werden Kooperationen mit anderen Architekten (Otto 

Kapfinger, Hermann Czech), mit Künstlern (Oskar Putz, Gilbert Bretterbauer, Helmut Federle, Gerwald Rockenschaub) 

gesucht und zu spezifischen Entwurfsergebnissen gebracht, die sich jenseits aller modischen Tendenzen trotz oder 

gerade wegen ihrer zeithältigen Materialität heute wie zeitlos gerieren. 

Adolf Krischanitz, * 1946 in Schwarzach / Pongau gründete 1970, gegen Ende seines Studiums an der Technischen 

Universität Wien, zusammen mit Angela Hareiter und Otto Kapfinger die Architektengruppe Missing Link. 1979 zählte 

er zu den Begründern der Zeitschrift UmBau der Österreichischen Gesellschaft für Architektur und übernahm 1982 den 

Vorsitz dieser Gesellschaft. Als Mitglied und schließlich Präsident der Wiener Secession (1991–1995) verantwortete er 

die Gestaltung und Organisation zahlreicher Ausstellungen zeitgenössischerKunst. Als Gastprofessor war er 1989 an 

der Technischen Universität München sowie an den Sommerakademien in Karlsruhe (1990), Neapel (1994/95) und 

Wien (1996) tätig. 1992–2011 war er Professor für Stadterneuerung und Entwerfen an der Universität der Künste 

Berlin. Seit 1979 arbeitet Krischanitz als freischaffender Architekt mit Ateliers in Wien und Zürich. 

Herausgeber: Edelbert Köb 

Texte: Sebastian Hackenschmidt, Otto Kapfinger, Adolf Krischanitz und Marcel Meili 

ALBUM VERLAG, Wien 2016- Auflage: 1.000 Stück 

224 Seiten, 210 x 260 mm, Preis: 46,- Euro 

ISBN: 978-3-85164-196-7


Heinz Adamek 

„KUNSTAKKORDE – diagonal“ 

Essays zu Kunst, Architektur Literatur und 

Gesellschaft 

Heinz P. Adamek stellt mit diesem Essay-Band beispielhaft „Kunstschritte vom 19. ins 21. Jahrhundert“ vor: Er 

beleuchtet Persönlichkeiten aus bildender und angewandter Kunst, Architektur, Literatur, Theater und Film. Als 

vormaliger Universitätsdirektor der Universität für angewandte Kunst Wien gewährt er in Beiträgen über Hermann 

Heller, Anton Kenner, Bertold Löffler, Otto Niedermoser, Michael Powolny, Grete Rader-Soulek, Elli Rolf und Heinrich 

von Tessenow - durchwegs prägenden Gestalten der „Angewandten“ - profunde Einblicke in deren Schaffen, anderseits 

gilt sein Engagement als jahrelangem Initiator bzw. Kurator von Ausstellungen dem Oeuvre Giovanni Segantinis ebenso 

wie Arbeiten internationaler Künstler der Gegenwart zum Thema Rezeption des Werkes von Gustav Klimt. Sein 

Interesse für das Fin de Siècle und die frühe Moderne drückt sich auch in der Stückwahl für die Theateraufführungen 

des Wiener European Studies Program der Central University of Iowa aus, für die der Autor als Dramaturg und 

Regisseur eineinhalb Jahrzehnte verantwortlich zeichnete. Nicht zuletzt durchleuchtet der Arthur Schnitzler-Kenner 

Adamek in zwei Essays wenig bekannte Seiten des prominenten Dichters. 

Heinz Adamek 

„KUNSTAKKORDE – diagonal“ 

250 Seiten, 107 Abbildungen 

Hardcover, Schutzumschlag 

Preis 30,- Euro 

Verlag Böhlau Wien, Köln, Weimar 

ISBN 978-3-205-20250-9

Grand Piano 214VC 

Klängliche Brillanz in seiner elegantesten Form 

Basierend auf dem großen Erfolg des Bösendorfer Konzertflügels 280VC 

Vienna Concert , der für großes Aufsehen auf vielen namhaften Bühnen 

sorgte, präsentiert Bösendorfer nun auch die einzigartigen Qualitäten der 

VC Technologie auf 2.14 Metern Länge. Würde man ausschließlich dem 

hörbaren Klangeindruck folgen, so überrascht dieser Flügel so manchen 

größeren Konzertflügel mit Bösendorfer Strahlkraft. Atemberaubende Dynamik, 

schier unbegrenzte Klangfarben und strahlende Brillanz: der neue 214VC 

verkörpert das musikalische Erbe Bösendorfer in zeitgemäßer Perfektion. Ein 

Klangerlebnis purer Emotion.


Michael Schultz 

(Un)zensiert 

Edition Braus 

629 Seiten 

48,00 € 

ISBN 978-3-86228-155-8 

(Un)zensiert - die Bekenntnisse über Kunst, Künstler. Über Gott. Den Islam. Über Sex, Fußball und die Tragödien 

unserer Zeit. Zusammengestellt in Tagesbriefen, die als Daily News vier Jahre lang einen ausgewählten Kreis von 

Empfängern erreichte. Von montags bis freitags, Woche für Woche, Jahr für Jahr. Dazu gehörte viel Durchhaltevermögen, 

aber auch Verzicht. Auf Alkohol am Abend und Zärtlichkeit am Morgen. Immer on duty. Geschrieben von, 

erschienen in der Edition Braus.

KUNSTINVESTOR-SPECIAL- "November-Auktionen in Wien"

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