Musiker Magazin 04/2015 – 01/2016

C 10973 F | N o 4/15 – 1/16 | 3,00 Euro
Kulturzeitschrift für Rock & Pop Musiker
www.musiker-online.tv
Petti West
Singen für die Seele
Abi Wallenstein
Vater der Hamburger
Blues-Szene
Ms Singer’s
Swingers
Berlin’s 1st Swing-Fusion
Orchestra
Die Historie
der Rock- & Popmusik
Helden der Vergangenheit

DEUTSCHER ROCK & POP MUSIKERVERBAND E.V.
DEUTSCHE POPSTIFTUNG, MUSIKER MAGAZIN
MUSIKMARKT UND ERPAM
PRÄSENTIEREN:
MUSIKERVERBAND
e.V.
Preisträger der Hauptkategorien
Sparte Rock: 1. The Jukes, 2. EchtZe!t, 2. The Wake Woods; Sparte Pop: 1. DEXICO, 2. Pflaster, 3. Century Letters;
Sparte Singer Songwriter: 1. Robert Mietzner, 2. FALK, 3. Linda Schinkel; Sparte Singer: 1. So Izzy, 2. Ana Maria Nickel, 3. Linda Schinkel;
Sparte Hard Rock: 1. Magistarium, 2. King Leoric, 3. IntoVoid; Sparte Alternative: 1. Berlin Syndrome, 2. Fiete, 3. SOLO;
Sparte Country: 1. Voices of Sunrise; Sparte Funk & Soul: 1. Annina Struve & Hugoonion; Publikumspreis: So Izzy
Preisträger der Sonder-, Neben- und Sonderauszeichnungskategorien
Beste Filmmusik: 1. Prof. Dr. Bernd Giezek, 2. Vinicius, 3. Christoph Zirngibl;
Bestes Kinderlieder-Album: 1. Reinhard Horn, 2. SULI PUSCHBAN, 2. Heiner Rusche, 3. Christian Hüser; Beste Skaband: 1. Yellow Cap;
Beste Electronic Band: 1. So Izzy, 2. Katze Cookie; Beste Rock’n’Roll/Rockabillyband: 1. Colly and the Steamrollers;
Beste Cover/Revivalband: 1. Dylan’s Dream, 2. Soul Strings, 3. Robert Braun / The Jam Man; Beste Punkband: 1. Dirtsheets;
Beste Schlagersängerin: 1. Nadine Sieben, 2. Ines-Marie Jaeger, 3. Sabrina Klüber; Bester Schlagersänger: 1. Sechserpack;
Bestes traditionelles Weltmusikalbum: 1. Fleadh, 2. Ensemble Carte Blanche, 3. Reidar Jensen;
Bestes zeitgenössisches Weltmusikalbum: 1. Farhad Bazleh, 2. Stéphane Zamblé & PANAFRIKA MUSIK, 3. Fleadh;
Bester Rocksänger: 1. Magistarium, 2. Jimmy Cornett, 3. CHRIS KAY; Bester Rocksong: 1. Jimmy Cornett, 2. Marty And The Bad Punch, 3. Andy Ost;
Bestes Rockalbum: 1. Stone Diamond, 2. Marty And The Bad Punch, 3. Marie-Luise Cassar; Beste Popsängerin: 1. Kara, 2. Viola Tamm, 3. Reptile Expression;
Bester Popsänger: 1. Hörgerät, 1. Jim Flagranti, 2. Andy Ost, 3. Tim Taplick;
Bester Popsong: 1. Robert Mietzner, 1. Kara, 2. Sabho, 2. Wunderwerk, 3. FREAK IDEALS; Bestes Popalbum: 1. DEXICO, 2. Katze Cookie;
Bester Metal-Sänger: 1. King Leoric, 2. Magistarium; Beste Metal-Band: 1. King Leoric, 1. Magistarium, 2. Janus-Experiment;
Bester Metal-Song: 1. Collision Zero, 2. Magistarium, 2. Janus Experiment, 3. King Leoric;
Bestes Metal-Album: 1. King Leoric, 1. Magistarium, 1. Tip The Balance; Beste Jazz-Rock-Sängerin: 1. Sabho; Bester Jazz-Rock-Song: 1. Alwin Smoke;
Beste Alternativ-Sängerin: 1. NiMa Lindner; Bester Alternativ-Sänger: 1. Andy Ost, 2. Farhad Bazleh;
Bester Alternativ Song: 1. Robert Mietzner, 2. Andy Ost, 3. NiMa Lindner; Bester New-Age-Song: 1. Pietro Pittari, 2. Reptile Expression;
Bestes New-Age-Album: 1. Pietro Pittari; Bester Rhythm-&-Blues-Sänger: 1. Hörbie Schmidt Band;
Beste Rhythm-& Blues-Band: 1. Hörbie Schmidt Band; Bester Rhythm-&-Blues-Song: 1. Alwin Smoke, 2. Hörbie Schmidt Band;
Bestes Rhythm-& Blues-Album: 1. Hörbie Schmidt Band; Bester Latin-Pop-Song: 1. Vinicius, 2. Marie-Luise Cassar;
Beste Folkrocksängerin: 1. Carina May, 2. Julakim; Bester Folkrocksänger: 1. fleadh, 2. Reidar Jensen, 3. Robert Braun / The Jam Man;
Beste Folkrockband: 1. Janet M. Christel and Band, 2. fleadh, 3. Connemara Stone Company; Bester Folkrocksong: 1. Fleadh, 2. Reidar Jensen, 3. Julakim;
Bestes Folkrockalbum: 1. Connemara Stone Company, 2. Reidar Jensen; Bester Country-Sänger: 1. BCB, 2. Robert Braun / The Jam Man;
Bester Country-Song: 1. Carina May, 2. Voices of Sunrise, 3. Colly and the Steamrollers; Bestes Country-Album: 1. Carina May, 2. Becky Gaber;
Beste Musicalsängerin: 1. Lisa-Marie Drumm, 2. Eva-Christine Keller, 3. Sara Dähn; Bestes Rock-/Pop-Tonstudio: 1. cvmusic film/ton;
Erfolgreicher Musikmanager: 1. AgenturMMM-Artist-Management;
Kulturpreis für die Förderung der Rock- und Popmusik: 1. cvmusic film/ton, 2. Jim Flagranti, 3. AgenturMMM-Artist-Management;
Bester neuer Rock- und Popkünstler des Jahres: 1. DEXICO, 2. Andy Ost, 3. Hörbie Schmidt Band;
Bestes CD-Album des Jahres (deutschsprachig): 1. SUPERSTILL, 2. Ines-Marie Jaeger, 3. Hörbie Schmidt Band, 3. DEXICO;
Bestes CD-Album des Jahres (englischsprachig): 1. Carina May, 2. Hörbie Schmidt Band, 3. Marty And The Bad Punch, 3. Cora Lee;
Bester Song des Jahres (deutschsprachig): 1. Wunderwerk, 2. TYNA, 3. Hörgerät, 3. Michael Witte (+ Band);
Bester Song des Jahres (englischsprachig): 1. AnnDoka, 2. fleadh, 3. Marty And The Bad Punch;
Beste Studioaufnahme des Jahres: 1. DEXICO, 2. CHRIS KAY, 3. fleadh; Beste Single des Jahres: 1. AnnDoka, 2. CHRIS KAY;
Bestes Musikvideo: 1. Stone Diamond, 2. TYNA, 3. Hörgerät, 3. Ines-Marie Jaeger; Beste Komposition: 1. Hörbie Schmidt Band, 2. fleadh, 3. Jim Flagranti;
Bester deutscher Text: 1. Sechserpack, 2. The Dandys, 2. Corny Held, 3. Hörbie Schmidt Band, 3. HELIO;
Bestes Booklet und Inlaycard: 1. Claudia K., 2. Andy Ost, 3. Sechserpack, 3. fleadh; Beste Instrumentalband: 1. DEXICO, 2. Alwin Smoke, 3. Sassan Celtix;
Bestes Instrumentalalbum: 1. Sassan Celtix, 2. Marialy Pacheco, 3. Timo Brauwers;
Bester Instrumentalsolist: 1. Pietro Pittari, 2. Davids Panparadies, 3. Marcel Bach;
Bester Gitarrist: 1. Sebastian Dracu, 2. Timo Brauwers, 3. Hörbie Schmidt Band; Bester Schlagzeuger: 1. Quinju, 2. Jan-Patrick Wallentin;
Bester Bassist: 1. Jens Gebel’s pickpocket; Bester Percussionist: 1. Quinju, 2. Csok Andreas;
Bestes Arrangement: 1. fleadh, 2. Csok Andreas, 3. HEJOE Schenkelberg;
Bestes Blasinstrument: 1. Quinju, 1. fleadh
Das Branchenmagazin
Schirmherren
Steffen Mues – Bürgermeister der Stadt Siegen | Prof. Martin Maria Krüger – Präsident des Deutschen Musikrates
Gefördert aus Mitteln der Deutschen Popstiftung,
des Deutschen Rock & Pop Musikerverbandes e.V. und des Kulturellen Jugendbildungswerkes e.V.
Bisher publiziert und gesendet vom ZDF (Heute Journal, Aspekte, 3SAT), der ARD (BR, SWF, SR, WDR, NDR, HR) sowie VH-1 und SAT1.
Jährlich publiziert über dpa in über 2.000 Tageszeitungen und Musikzeitschriften.
KONGRESSZENTRUM SIEGERLANDHALLE – SIEGEN – 12. DEZEMBER 2015

10 FESTIVAL
33. DEUTSCHER
ROCK & POP PREIS 2015
Wenn rund 1000 Musiker aufeinandertreffen, ist Chaos eigentlich vorprogrammiert.
Doch der Deutsche Rock & Pop Preis (DRPP) 2015 lief erstaunlich geordnet ab.
Am 12. Dezember wurden zum 33. Mal Nachwuchskünstler ausgezeichnet. Und
zwar in 125 Kategorien. Knapp 75 Bands und Solisten traten beim Finale in der
Siegerlandhalle in Siegen auf. Sie begeisterten mit ihren Songs Jury und Publikum.
Doch was passiert eigentlich backstage?
Wer begleitet die Musiker zu ihren Räu -
men? Wer zeigt ihnen den Weg zur Bühne?
Wer ist für die Video-Übertragung zuständig?
Wer sorgt dafür, dass jede Band per Trailer an -
gekündigt wird? Wer versorgt das Team? Das
Musiker Magazin war in der Siegerlandhalle
überall, wo Künstler, Jury und Helferteam auch
waren. Ein paar Eindrücke:
„Hast du schon Berlin Syndrome gesehen?
Die sind bald dran.“ „Kannst du bitte gucken,
ob im Jury-Raum noch genügend Getränke
und Brötchen sind?“ „Weißt du, wo Ole ist?“
Diese und weitere Fragen schallen durch die
Flure im Backstage-Bereich. Rund 50 Helfer,
zumeist Jugendliche, sorgen dafür, dass die
Veranstaltung reibungslos abläuft. Eine von
ihnen ist Diane. Sie ist seit mehreren Jahren
Mitorganisatorin des DRPP. Dieses Mal kümmert
sie sich um die Juroren. Andere Helfer
sorgen dafür, dass die Bands rechtzeitig in
ihre Künstlerkabinen kommen. Dort haben die
Musiker etwa 20 Minuten Zeit, bis sie von „Yogi“
den Gang entlang zur Bühne gebracht werden.
Dort erleben sie den Auftritt der Musiker, die
vor ihnen auftreten, mit. Sobald der letzte Ton
verklungen ist, huschen Techniker auf die
Bühne, trennen Kabel von Effektgeräten,
schließen die Instrumente der nächsten Band
an. Währenddessen verlässt eine Band die
Bühne, die nächste positioniert sich, beantwortet
nebenbei ein paar Fragen der Mo de -
ratorin. Einer der Techniker gibt das Zeichen
„Daumen hoch“ – der nächste Act kann beginnen.
Im Hintergrund bezieht schon ein anderer
Künstler Stellung. In seine Künstlerkabine wird
gerade wieder eine Band gebracht. So geht
das die ganze Zeit: Eine Band ist auf der
Bühne, eine wartet dahinter, drei bereiten sich
in den Künstlerkabinen auf ihren Kurzauftritt
vor. Viele weitere sind im Foyer, stärken sich,
knüpfen Kontakte oder geben schon einmal
ihre Instrumente bei Florian an der Instru men -
ten garderobe ab.
Die Musiker loben die Atmosphäre. „Das Be -
sondere beim Festival ist das Flair. Man trifft
viele Kollegen aus unterschiedlichen Genres“,

11
sagt Torsten von der Band Sechserpack. „Das
ist das Schöne. Es ist so offen.“ Knapp 980
Künstler und Bands hatten sich für den DRPP
beworben. Das sind etwa 50 mehr als im
Vorjahr. Alle mussten angehört, bewertet und
die besten eingeladen werden. Beim ersten
Festival vor 33 Jahren – damals hieß es noch
„Bundesrockfestival“ – hatten sich rund 30
Bands beworben. Zehn schafften es seinerzeit
ins Finale. Seitdem kommen jährlich mehr
Musiker zusammen, um sich der Jury zu präsentieren
und gemeinsam sich und die Musik
zu feiern. Ole Seelenmeyer, Initiator des Fes ti -
vals: „Einmal pro Jahr kommen die Musiker im
besten olympischen Geist zusammen. Keiner
ist ausgeschlossen. Die Künstler stehen im
Mittel punkt.“ Dies sei der grundlegende Un ter -
schied zu allen anderen Musikwettbewerben.
Jeder Künstler hat fünf Minuten Zeit, sich zu
präsentieren. Inklusive An- und Abmoderation,
Bühnenumbau und Verkabelung. Dass da vor
allem die Techniker ins Schwitzen kommen, ist
klar. „Die größte Herausforderung ist, dass wir
im Zeitplan bleiben“, sagt Techniker Leon. Sein
Kollege Alex ergänzt: „Wir müssen Instrumente
aufbauen und umstellen, Drumsets wechseln.“
Kaputte Effektgeräte oder falsch angeschlossene
Kabel führen zu Verzögerungen. Diese
liegt am Ende des Festivals bei gut einer halben
Stunde. Für fast zehn Stunden Dauer auf -
tritt ist das eine beachtliche Leistung des Tech -
nik teams. Denn wie Ole Seelenmeyer es ausdrückt:
„Musiker sind schwierig. Die haben alle
ihren eigenen Kopf.“
Die Moderatoren wechseln sich ab. Auch die
Juroren haben zwei Teams gebildet. Denn keiner
kann zehn Stunden am Stück konzentriert
Musik hören und bewerten. Das Kamerateam
und die Techniker, aber auch die Küchenleute
haben hingegen keine richtige Pause. Ronja und
Benjamin sitzen die ganze Zeit am Bild schirm,
geben ihren Kameramännern und -frauen
DIE HAUPTGEWINNER:
• THE JUKES
FACEBOOK.COM/THEJUKESMUSIC/
• DEXICO
FACEBOOK.COM/DEXICO.OFFICIAL/
• ROBERT MIETZNER
WWW.MIRO-ENTERTAINMENT.DE
• SO IZZY
WWW.SOIZZY.DE
• MAGISTARIUM
WWW.MAGISTARIUM.ORG
• BERLIN SYNDROME
WWW.BERLINSYNDROME.COM
• VOICES OF SUNRISE
WWW.VOICES-OF-SUNRISE.DE
• ANNINA STRUVE & HUGOONION
WWW.HUGOONION.DE
Anweisungen, bestimmen, welches Videobild
gerade mitgeschnitten wird. „Ich mache das seit
drei Jahren“, sagt Ronja. „Das ist relativ entspannt.
Ich sitze ja nur. Die, die mit den Hand -
kameras unterwegs sind, haben einen anstrengenderen
Job.“ Julia und Manuela belegen
derweil in der Küche unentwegt Brötchen,
schneiden Gemüse, kochen Suppe, Tee und
Kaffee. Für jeden, der bei ihnen Pause macht,
haben sie ein paar nette Worte. Die Küche wird
so zum Treffpunkt aller. Seit acht Jahren ist
Julia für die Versorgung der Helfer auf dem
Festival verantwortlich. Sie weiß deshalb, was
gebraucht wird und woran sie denken muss.
„Ich muss aufpassen, dass alle zu essen und
zu trinken haben“, sagt sie. „Jury, Technikteam
und Moderatoren müssen immer etwas ge -
bracht bekommen, weil sie ihre Posten nicht
verlassen können.“
Ein Künstler nach dem anderen tritt auf, performt
einen Song und verlässt den Back -
stagebereich. Viele setzen sich dann in den
Saal, hören den anderen Bands zu. Alex Hirsch
sagt: „Es ist auffällig und erstaunlich, dass alle
Newcomer sind. Wir haben hier keinen be -
kann ten Namen gesehen.“ Ihm gefällt die
Atmosphäre. Da ist er nicht der einzige. „Die
Stimmung ist gut. Es ist sehr friedlich. Alle
kommen miteinander klar. Es ist alles perfekt“,
finden die Jungs von Unlimited. Herr Witte
sagt: „Das Festival ist sehr spannend, weil es

12
unheimlich abwechslungsreich ist. Das finde
ich toll. Es ist ein breites Spektrum.“ Auch die
Bandmembers von Berlin Syndrome heben die
Vielfalt hervor: „Es ist interessant. Es sind sehr
viele Bands zu hören, die man so nicht auf dem
Schirm hatte.“ Dem stimmt Jimmy Cornett zu:
„Es ist wirklich alles dabei. Wir wollen Spaß an
der Musik und eine gute Party haben.“ Der
Spaß an der Musik steht im Vordergrund. Er
verbindet alle Teilnehmer. Die Gewinnerband
So Izzy bringt es auf den Punkt: „Die Anzahl
der Teilnehmer und die Aufmachung des
Festivals sind einzigartig. Man sieht nur
Musiker.“ Ole Seelenmeyer ist diese tolerante
Atmosphäre besonders wichtig. Egal, ob
Schlagersänger, Rocker oder Countrysänger –
alle hören einander zu, respektieren sich und
gehen freundlich miteinander um. „So muss es
sein“, sagt Ole. „Rockmusik heißt Toleranz.“
Um möglichst viele Musikstile abdecken und
den Künstlern gerecht werden zu können, hat
er nach und nach die Kategorien erweitert. Von
anfänglich einer („Rock“) zu nun 125. „Keiner
soll ausgeschlossen werden“, sagt Ole. „Musik
ist ein Verbindungsmittel.“ Ihm ist das besonders
wichtig. „Das Festival strahlt mit allen
Macken, die es gibt, eine tiefe Menschlichkeit
aus. So entsteht etwas Großartiges“, schwärmt
der leidenschaftliche Beatles-Fan. „Musiker sind
nun einmal anders. Wenn so viele aufeinandertreffen,
entsteht eine Aura.“
»Das Festival strahlt
mit allen Macken, die es
gibt, eine tiefe
Menschlichkeit aus.
So entsteht
etwas Großartiges.«
Der bewusst rein künstlerische, nicht kommerzielle
Anspruch ist einzigartig in Deutsch -
land. Und so besteht das Helferteam aus
Menschen, die meist ebenfalls Musiker sind,
zumindest aber Freude an Musik haben. Sie
arbeiten gegen eine geringe Aufwands ent schä -
digung, sind Idealisten, die hinter der Idee des
Festivals stehen. Das ist backstage zu merken.
Es ist ein Miteinander: Alle ziehen an einem
Strang, arbeiten am gemeinsamen Ziel, ein
rundum gelungenes Musikfest zu feiern.
„Natürlich ist es anstrengend, aber es macht
Spaß“, sagt Diane. „Es ist wie eine Klassen -
fahrt.“
Als alle Künstler aufgetreten sind, ziehen sich
die Juroren zurück. Sie werten aus, wer in den
Hauptkategorien gewonnen hat. Während -
dessen werden im oberen Foyer die zahlreichen
Preisträger der Nebenkategorien geehrt.
Dann endlich hat das Warten ein Ende: Alle
Juroren werden von Ole auf die Bühne gebeten.
Sie sind ein buntes Potpourri aus allen
möglichen Bereichen und Genres der deutschen
Musikszene. Als Sieger der Haupt ka te -
gorien stehen fest: The Jukes (Rock), Dexico
(Pop), Magistarium (Hard Rock), So Izzy (Singer),
Voices of Sunrise (Country), Berlin Syndrome
(Alternative), Robert Mietzner (Singer/ Song -
writer), Annina Struve & Hugoonion (Funk &
Soul).
Während die Sieger auf der Bühne feiern und
für die Fotografen posieren, ist vielen Künst -
lern im Saal die Enttäuschung anzusehen. Sie
werden von ihren Bandkollegen und Freunden
aufgemuntert. Auch hier ist es wieder spürbar:
Die Menschlichkeit, das Miteinander, das Ver -
ständnis. In der Küche beginnt derweil der Ab -
bau. Leergut wird in den Keller getragen, Kisten
werden befüllt, Müllsäcke in den Keller getragen.
Als die Bühne leer ist, beginnen auch die
Techniker mit dem Abbau: Kabel zusammenrollen,
Scheinwerfer abmontieren, alles in Kisten
räumen. Im Foyer spricht Ole mit Musikern und
Juroren. Neben ihm reißt Berenike die Plakate
von den Fenstern und Wänden. An der Mu siker -
garderobe holen sich die Stars des Abends
ihre Instrumente ab. Dabei ist immer Zeit für
ein kurzes Gespräch. Während die Helfer herumwuseln,
alles abbauen und in den Bus laden,

13
schreiben Ana und Diane eine Presse mit tei lung,
in der die Preisträger genannt werden. Bis in
den frühen Sonntagmorgen dauert der Abbau.
Dennoch treffen sich viele Helfer auf ein Bier
im Aufenthaltsraum der Jugendherberge, um
das Festival Revue passieren zu lassen. „Hast
du den Auftritt von denen gesehen?“ „Wie hat
dir das gefallen?“ „Die waren voll nett.“ „Guck
mal, ich habe eine CD geschenkt bekommen.“
Jeder hat seine ganz persönlichen Höhe punkte,
die er den anderen unbedingt erzählen will.
Und weil keiner genug Schlaf bekommen hat,
wird das auf der langen Busrückfahrt nach
Lüneburg nachgeholt.
Vielen der Helfer ist klar: Sie sind beim nächsten
Mal wieder dabei und sorgen für einen reibungslosen
Ablauf, für Menschlichkeit und Spaß
an der Musik. Ole: „Ich bin heute ein glücklicher
Mensch, weil das Festival die Form angenommen
hat, von der ich immer geträumt habe.“
Er sieht es seit 1983 als seine Aufgabe an „als
Älterer jungen Musikerinnen und Musikern eine
künstlerisch-kulturelle Plattform“ mit bundesweiter
Ausstrahlung zu geben. Doch nach dem
Festival ist vor dem Festival. Bald schon werden
die ersten neuen Bewerbungen eingehen,
müssen angehört und bewertet werden. Schon
jetzt steht fest, dass der DRPP 2016 wieder in
Siegen vergeben wird. Ole: „Die Lage der Stadt
inmitten in Deutschland ist zentral gelegen und
damit das Festival für alle Künstler aus allen
Teilen Deutschlands gut zu erreichen. Die
Siegerlandhalle in Siegen mit ihrer Infra struktur,
Technik und ihrem hilfsbereiten und herzlichen
Personal ist eine für alle Konzert veran stalter in
Deutschland empfehlenswerte Kon zerthalle und
die Stadt Siegen mit ihrem Bürgermeister Herrn
Mues ein beispielhafter Gastgeber für die über
1 000 zumeist jugendlichen Künstlerinnen und
Künstler aus allen Teilen Deutschlands.“
DIE JURY
Achtzehn Personen umfasste diesmal die
Jury. Darunter die Musiker Franziska Bub,
Sara Dähn, Cordelia Loosen-Sarr, Peter
Kalff, Johannes Nolden, Anja Rogler, Nicky
Lüssem, Karl Schauer, Nicole Hirschmann,
Sylvia Heinz und Ludger Poggel. Außerdem
Geschäfts füh rer der Alfred Music Publishing
Thomas Petzold, André Scherzer aus dem
König-&-Meyer-Ma nagement, Tascam-Ver trieb -
ler Lutz Sommer und Daniel Martinez Miquel,
Head of Gibson Brand Lounge der Firma Gibson
Innovations. Des Weiteren der Produzent Mike
van Summeren, der Erfolgskomponist und
Grün der der Bremer Musical Company Thomas
Blaeschke und Prof. Dr. Bernd Giezek, der
unter anderem an der Inter national School of
Management in Frankfurt unterrichtet.
STÄDTE BEWERBEN SICH
UM AUSRICHTUNG
Präsentiert wird der Deutsche Rock & Pop
Preis traditionell vom Deutschen Rock & Pop
Musikerverband e.V., der Deutschen Pop stif -
tung, dem Musiker Magazin, dem Branchen -
magazin Musikmarkt und der Versicherungs -
gesellschaft „erpam“. Schirmherren sind
Musik rat-Präsident Martin Maria Krüger und
Steffen Mues, Bürgermeister der Stadt
Siegen. Zum zweiten Mal gastierte der Deut -
sche Rock & Pop Preis im Sauerland, nachdem
er mehrere Jahre im Rhein-Main-Neckar-Raum
stattfand. „Inzwischen bewerben sich die
Städte bei uns um die Aus rich tung“, sagt Ole
Seelenmeyer, Ini tia tor des Rock & Pop Preises
und Vor sitzen der des Deutschen Rock & Pop
Musikerver bands.
TEXT & JURY-FOTO: JANINA HEINEMANN
FOTOS: LUGWIG CZAPLA –
WWW.FOTOKNIPS.DE

14
BEWERBUNG FÜR 2016
DANKSAGUNG
Am 1. Februar 2016 startet die Bewerbungsphase für den 34.
Deutschen Rock & Pop Preis 2016.
Nachwuchskünstler können sich bis zum 15. Juli mit ihrer Eigen kom -
position bewerben. In der Kategorie Song sind auch Cover-Versionen
zugelassen. Die An melde gebühr beträgt 30 Euro, für DRMV-Mit glieder
20 Euro. Die Teilnahme am Finale kostet 150 Euro je Haupt kate gorie und
100 Euro je Sonder- und Nebenkategorie.
WWW.MUSIKER-ONLINE.COM/DEUTSCHER-ROCKPOP-PREIS
DAS ROCK-&-
POP-PREIS-TEAM
MODERATION
Steff Heinken und John Silver
MITARBEITER UND HELFER
Der Deutsche Rock & Pop Musikerverband e.V. und die Deut -
sche Popstiftung möchten sich als Veranstalter des 33. Deutschen
Rock & Pop Preises 2015 bei dem Bürgermeister der Stadt Siegen
Herrn Steffen Mues, beim gesamten Team der Sieger landhalle, bei
der Branchenzeitschrift „Musikmarkt“, bei der Versicherung
„erpam“, bei allen Helfern und Juroren, bei allen Technikern und
Mode ra toren, bei den Musikgruppen und Sänger/-innen für ihren
ehrenamtlichen Einsatz an diesem Kulturfestival sowie bei allen Spon -
soren und unterstützenden Firmen bedanken.
Dieses Kulturfestival wurde wie in den Jahren zuvor durch die
beteiligten Teilnehmerinnen und Teilnehmer an diesem Festival,
durch die Mitglieder des Deutschen Rock & Pop Musiker ver ban -
des, die Deutsche Popstiftung und „erpam“ finanziert. Damit handelt
es sich bei dieser großen Kulturveranstaltung im jugend kulturellen
Bereich der Rock- und Pop musik um das einzige bundesweite
Festi val, das von Musikern, Komponisten, Tex tern für junge, kreative
Nachwuchs musiker aus ideellen Gründen und ohne irgendeinen
kommerziellen Hintergrund getragen und or ga nisiert wurde.
TECHNIK
Ole Seelenmeyer, Diane Bödrich, Katja Rake, Hinrich Vogt, Nadja Mai-
Reis, Ana Seelenmeyer, Florian Blümke, Kai Danner, Melissa Dreher,
Yogarajah Garthigeyan, Paul von Gregory, Janina Heinemann, Alina
Hilmer, Julia Leinung, Manuela Leinung, Florian Lorenzen, Jana
Moysich, Heidi Neumann, Janis Pirschel, Christopher Roß, Pia Rurup,
Berenike Schütze, Florian Stachowski, Erik Teichmann, Anandaraja
Thanushanth, Merle Trautwein, Ferdinand Wiesemann u.v.a.
KAMERA/POSTPRODUKTION: Ronja Rabe, Benjamin Behre, Silvia Matschull,
Thomas Eggers, Brian Pöhl, Marit Bechtloff, Markus Friebe
MODERATION FESTIVAL TV: Hannah Thalhammer
LEINWANDPRODUKTION: Ana Seelenmeyer, Nadja Mai-Reis
VERANSTALTUNGSTECHNIK: bst – für Veranstaltungen – bst.de
FOTOS: Ludwig Czapla – www.fotoknips.de
BACKSTAGE-FOTOS: Janina Heinemann

ANMELDUNG
34. DEUTSCHER ROCK & POP PREIS 2016 2015
Hiermit melde ich mich/uns für den Deutschen Rock & Pop Preis 2016 an.
FESTIVAL 15
Band/Künstler/in: ...........................................................
Ansprechpartner/-in: ......................................................
Straße: ..........................................................................
PLZ Ort: ........................................................................
Bundesland: ..................................................................
Tel.: ...............................................................................
Mobil: ............................................................................
Fax: ....................................................................................
E-Mail: ................................................................................
Internet: ..............................................................................
DRMV-Mitgl.-Nr.: ................................................................
GEMA-Mitglied?: ❑ nein ❑ ja:
❑ angeschl. ❑ außerord. ❑ ordentlich
Anmeldungen in mehreren Sparten sind möglich.
Anmeldegebühr pro Musiksparte: EUR 20,– DRMV-Mitglieder /EUR 30,– DRMV-Nichtmitglieder
Die Anmeldegebühren in Höhe von EUR ............ ❑ in bar beigelegt ❑ als Scheck beigelegt ❑ per Überweisung
Bankverbindung: Deutsche Popstiftung, Postbank Hamburg, IBAN: DE08 2001 0020 0964 2792 08, BIC: PBNKDEFF
Dieses Anmeldeformular, CD und Bewerbungsgebühr bitte bis spätestens 15. Juli 2016 an:
Deutsche Popstiftung, Bewerbung 2016, Kolberger Str. 30, 21339 Lüneburg
Teilnahmegebühr: EUR 150,– je Sparte in der Hauptkategorie bei Auswahl durch die Bundesjury.
(Kostenlos: 50 Festival-Eintrittskarten im Wert von EUR 1.000,– für eigene Gäste/Fans)
Teilnahmegebühr: EUR 100,– je Sparte in den Sonder- oder Nebenkategorien bei Nominierung durch die Bundesjury.
(Kostenlos: 50 Festival-Eintrittskarten im Wert von EUR 1.000,– für eigene Gäste/Fans)
34. DEUTSCHER ROCK & POP PREIS 2016: HAUPTKATEGORIEN
Bitte gewünschte Musiksparte(n) ankreuzen und CD (pro Sparte eine CD!) beilegen! Der jeweils 1. Song wird gewertet!
❑ 1
❑ 2
❑ 3
❑ 4
❑ 5
❑ 6
❑ 7
❑ 8
Deutscher Rock Preis (beste Rock-Band)
Deutscher Pop Preis (beste Pop-Band)
Deutscher Hard Rock Preis (beste Hard’n’Heavy-Band)
Deutscher Funk & Soul Preis (beste Funk/Soul-Band)
Deutscher Alternative Preis (beste Alternative-Band)
Deutscher Singer/Songwriter Preis (beste(r) Solosänger(in) – Wertung: Eigenkomposition und Stimme)
Deutscher Singer Preis (beste(r) Solosänger(in) – Wertung: Stimme)
Deutscher Country Preis (beste Country-Band)
In 2016 können sich auch
professionelle Musikgruppen und Musiker/-innen
mit Labelvertrag bewerben!
34. DEUTSCHER ROCK & POP PREIS 2016: SONDERKATEGORIEN
❑ 9
Beste Filmmusik
❑ 18
Beste Tranceband
❑ 27
Beste Fusion-Jazz-Rockband
❑ 10
Bestes Kinderlieder-Album
❑ 19
Beste Electronic-Band
❑ 28
Beste Punkband
❑ 11
Beste Experimentalband
❑ 20
Bester Electronic-Interpret
❑ 29
Beste Gothic/Wave-Band
❑ 12
Beste Fusionband
❑ 21
Bestes Dancehall-Album
❑ 30
Beste Schlagersängerin
❑ 13
Beste Hardcoreband
❑ 22
Beste Elektropopband
❑ 31
Bester Schlagersänger
❑ 14 Beste Industrialband
❑ 23
Bestes traditionelles Blues-Album
❑ 32
Bestes traditionelles
❑ 15
Beste Progressivband
❑ 24
Beste Rock’n’Roll/Rockabillyband
Weltmusikalbum
❑ 16
Beste Skaband
❑ 25
Beste Cover/Revivalband
❑ 33
Bestes zeitgenössisches
❑ 17
Beste New-Metal-Band
❑ 26
Beste A-Capella-Band
Weltmusikalbum
✁
EINSENDESCHLUSS: 15. JULI 2016
4/15 | 1/16 musiker MAGAZIN

16 FESTIVAL
34. DEUTSCHER ROCK & POP PREIS 2016: NEBENKATEGORIEN
Bitte gewünschte Musiksparte(n) ankreuzen und CD (pro Sparte eine CD!) beilegen! Der jeweils 1. Song wird gewertet!
BEREICH ROCK:
❑ 34 Beste Rocksängerin
❑ 35 Bester Rocksänger
❑ 36 Bester Rocksong
❑ 37 Bestes Rockalbum
BEREICH POP:
❑ 38 Beste Popsängerin
❑ 39 Bester Popsänger
❑ 40 Bester Popsong
❑ 41 Bestes Popalbum
BEREICH FUNK & SOUL:
❑ 42 Beste Funk-&-Soul-Sängerin
❑ 43 Bester Funk-&-Soul-Sänger
❑ 44 Bester Funk-&-Soul-Song
❑ 45 Bestes Funk-&-Soul-Album
BEREICH HARD ROCK:
❑ 46 Beste Hard-Rock-Sängerin
❑ 47 Bester Hard-Rock-Sänger
❑ 48 Bester Hard-Rock-Song
❑ 49 Bestes Hard-Rock-Album
BEREICH METAL:
❑ 50 Beste Metal-Sängerin
❑ 51 Bester Metal-Sänger
❑ 52 Beste Metal-Band
❑ 53 Bester Metal-Song
❑ 54 Bestes Metal-Album
BEREICH JAZZ-ROCK:
❑ 55 Beste Jazz-Rock-Sängerin
❑ 56 Bester Jazz-Rock-Sänger
❑ 57 Beste Jazz-Rock-Band
❑ 58 Bester Jazz-Rock-Song
❑ 59 Bestes Jazz-Rock-Album
BEREICH ALTERNATIV:
❑ 60 Beste Alternativ-Sängerin
❑ 61 Bester Alternativ-Sänger
❑ 62 Bester Alternativ-Song
❑ 63 Bestes Alternativ-Album
BEREICH NEW AGE:
❑ 64 Beste New-Age-Band
❑ 65 Bester New-Age-Song
❑ 66 Bestes New-Age-Album
BEREICH RHYTHM & BLUES:
❑ 67 Beste Rhythm-&-Blues-Sängerin
❑ 68 Bester Rhythm-&-Blues-Sänger
❑ 69 Beste Rhythm-&-Blues-Band
❑ 70 Bester Rhythm-&-Blues-Song
❑ 71 Bestes Rhythm-&-Blues-Album
BEREICH REGGAE:
❑ 72 Beste Reggae-Sängerin
❑ 73 Bester Reggae-Sänger
❑ 74 Beste Reggae-Band
❑ 75 Bestes Reggae-Album
BEREICH LATIN-POP:
❑ 76 Beste Latin-Pop-Sängerin
❑ 77 Bester Latin-Pop-Sänger
❑ 78 Beste Latin-Pop-Band
❑ 79 Bester Latin-Pop-Song
❑ 80 Bestes Latin-Pop-Album
BEREICH FOLKROCK:
❑ 81 Beste Folkrocksängerin
❑ 82 Bester Folkrocksänger
❑ 83 Beste Folkrockband
❑ 84 Bester Folkrocksong
❑ 85 Bestes Folkrockalbum
BEREICH COUNTRY:
❑ 86 Beste Country-Sängerin
❑ 87 Bester Country-Sänger
❑ 88 Bester Country-Song
❑ 89 Bestes Country-Album
BEREICH GOSPEL:
❑ 90 Beste Gospel-Sängerin
❑ 91 Bester Gospel-Sänger
❑ 92 Beste Gospelgruppe
❑ 93 Bester Gospel-Song
❑ 94 Bestes Gospel-Album
BEREICH MUSICAL:
❑ 95 Beste Musicalsängerin
❑ 96 Bester Musicalsänger
❑ 97 Bestes Musicalalbum
(Pro Einzelsparte können bis zu 3 Preisträger ausgezeichnet werden!)
Die Anmeldeformulare können auch unter www.musiker-online.tv heruntergeladen werden.
34. DEUTSCHER ROCK & POP PREIS 2016: SONDERAUSZEICHNUNGSKATEGORIEN
MUSIKBUSINESS:
❑ 98 Bestes Rock-/Pop-Tonstudio (Preis-Leistungs-Verhältnis)
Bew.: CD, Studioausstattung, Mietpreis etc.
❑ 99 Bestes kreatives Independent-Label (Rock & Pop)
Bew.: Produktionsübersicht (CD), Vertriebswege etc.
❑ 100 Bester Independent Musikverlag (Rock & Pop)
Bew.: Künstlerübersicht, Vermarktungsstrategie etc.
❑ 101 Beste Booking-Agentur (Rock & Pop)
Bew.: Künstler-, Konzert- und Tourneeübersicht
❑ 102 Erfolgreicher Musikmanager (Rock & Pop)
Bew.: Künstler- und Vermarktungsunterlagen
❑ 103 Erfolgreicher Musikproduzent (Rock & Pop)
Bew.: Künstler- und Produktionsangaben, CD
❑ 104 Kulturpreis für die Förderung der Rock- & Popmusik
in Deutschland
Bew.: Auf Empfehlung – keine Gebühren fällig!
MUSIKPRODUKTION:
❑ 105 Bester neuer Rock- und Popkünstler des Jahres
❑ 106 Bestes CD-Album des Jahres (deutschsprachig)
❑ 107 Bestes CD-Album des Jahres (englischsprachig)
❑ 108 Bester Song des Jahres (deutschsprachig)
❑ 109 Bester Song des Jahres (englischsprachig)
❑ 110 Beste Studioaufnahme des Jahres
❑ 111 Beste Single des Jahres
❑ 112 Bestes Musikvideo
❑ 113 Beste Komposition
❑ 114 Bester deutscher Text
❑ 115 Bestes Booklet und Inlaycard
❑ 116 Beste Instrumentalband
❑ 117 Bestes Instrumentalalbum
INSTRUMENTALISTEN:
❑ 118 Bester Instrumentalsolist
❑ 119 Bester Gitarrist
❑ 120 Bester Keyboarder
❑ 121 Bester Schlagzeuger
❑ 122 Bester Bassist
❑ 123 Bester Percussionist
❑ 124 Bestes Arrangement
❑ 125 Bestes Blasinstrument
musiker MAGAZIN 4/15 | 1/16
EINSENDESCHLUSS: 15. JULI 2016
✁

STORIES 17
SO IZZY
Im Sommer rühren sie Brautpaare zu Tränen, im Winter tingeln sie durch Bars
und Clubs. Seit zwei Jahren erspielen sich SO IZZY eine treue Fangemeinde.
Beim Deutschen Rock & Pop Preis 2015 wurden sie
dafür mit dem Publikumspreis belohnt. Für die Performance gab es außerdem
den Hauptpreis in der Kategorie Singer.
Was in Zukunft ansteht, erzählt Sängerin Isabel Heck im Interview.
MM: Beim Deutschen Rock & Pop Preis 2015
habt ihr in der Kategorie „Singer“ ge wonnen.
Wie seid ihr auf den Wettbewerb aufmerksam
geworden?
ISABEL HECK: Tino und Ralph haben vor einigen
Jahren mit ihrer damaligen Band „Cheep
Thrills“ bereits an dem Wettbewerb teilgenom-
men und gut abgeschnitten. Deshalb dachten
wir uns, für SO IZZY kann das auch was sein.
MM: Wie würdest du jemandem, der euch
nicht kennt, eure Musik beschreiben?
ISABEL: Es ist für jeden etwas dabei, unsere Musik
ist abwechslungsreich und frisch.
MM: In eurer Band ist jeder für sich ein Mu -
siker mit viel Erfahrung. Profitiert die Zu sam -
men arbeit dadurch immer oder entstehen
dadurch auch Reibungspunkte?
ISABEL: Wir haben das große Glück, dass wir uns
untereinander alle super verstehen. Es war quasi
wie Liebe auf den ersten Blick. Wir kommen selten
4/15 | 1/16 musiker MAGAZIN

18 STORIES
»Die Teilnahme an Casting-Shows war eine Erfahrung,
die ich persönlich nicht vermissen möchte,
man lernt in kürzester Zeit viele verschiedene Menschen kennen und die
Erfahrungen und Ein drücke sind einmalig.«
zum Proben, da der Terminkalender jedes einzelnen
einfach zu voll ist. Aber durch die vielen Er -
fah rungen gelingt es uns, immer wieder neue
Songs in Kürze einzuproben.
MM: Ihr habt als Hochzeitsband angefangen,
jetzt spielt ihr in jeder Location. Wo soll es in
Zukunft hingehen?
ISABEL: Ich denke, wir wollen das Konzept so
weiter behalten. Von ca. März bis September ist
die große Hochzeitssaison und in den Winter mo -
naten spielen wir dann die Clubs und Bars durch.
Das ist eine gute Abwechslung.
MM: Spielt ihr nur Cover-Songs? Wenn ja,
warum?
ISABEL: Hauptsächlich ja, weil einfach die Zeit
fehlt zum Proben. Ralph und Robert schreiben
nebenbei noch eigene Songs. In Zukunft möchten
wir da aber mehr machen.
MM: Auf Hochzeiten oder Betriebsfeiern
muss man den Geschmack der Masse treffen,
ohne zu langweilen. Habt ihr Tricks oder
Dauerbrenner, mit denen euch das gelingt?
ISABEL: Wir gehen immer Individuell auf das Pu -
blikum ein. Das kann man vorher gar nicht sagen,
jeder hat einen anderen Geschmack. Im Laufe des
Abends wird schnell klar, wie die ticken. Ob die
eher auf Tanzmusik stehen oder doch eher ruhige
Musik zum gemütlichen Zusammensitzen.
MM: Neben dir gibt es noch eine zweite Sän -
gerin, Lorena Dereser, mit der du dich bei
Auftritten abwechselst. Wie entstand dieses
ungewöhnliche Arrangement?
ISABEL: Ich kenne Lorena schon lange, wir haben
die gleiche Musikausbildung gemacht. Da ich
noch in anderen Bands singe, ist es einfach nicht
möglich, jeden Auftritt anzunehmen. Da die Band
aber trotzdem spielen möchte, mussten wir eine
Lösung finden. Und der erste Gedanke war Lorena.
MM: Lorena und du habt beide eine musikalische
Ausbildung durchlaufen. Was ist der
beste Tipp aus dieser Zeit?
ISABEL: Offen für Neues sein, sich auszuprobieren.
MM: Außerdem habt ihr beide euer Glück
auch schon in Casting-Shows versucht.
Welche Erfahrungen hast du dabei ge macht?
ISABEL: Na ja, ich muss sagen, meine persönliche
Erfahrung ist, dass es weniger auf die Stimme
ankommt, sondern auf das Gesamtpaket. Gibt
es eine Story hinter deinem Gesicht, so gibt es
mehr über dich zu berichten, also hast du bessere
Chancen. Dennoch war es eine Erfahrung, die
ich persönlich nicht vermissen möchte, man lernt
in kürzester Zeit viele verschiedene Men schen
kennen und die Erfahrungen und Ein drücke sind
einmalig.
MM: Bei „Popstars“ und „Deutschland sucht
den Superstar“ warst du jeweils im Recall. Wie
beurteilst du aus deiner Sicht die musikalische
Qualität bei den Teilnehmern dieser Formate?
ISABEL: Es sind, keine Frage, unglaublich gute
Stimmen dabei. Das Traurige dabei ist nur, dass
es bei diesen Casting-Shows weniger um die
Stim me geht, sondern ums Drumherum.
MM: Was sind eure Pläne und Ziele für 2016?
ISABEL: Wir möchten auf jeden Fall an den Erfolg
der letzten zwei Jahre weiter anknüpfen. Und
gerne mehr eigene Songs einproben.
WEB: SOIZZY.DE
WWW.FACEBOOK.COM/SOIZZYMUSIC
INTERVIEW: JANA MOYSICH
FOTO: D-PICX FOTOGRAFIE
FOTOQUELLE: SO IZZY
musiker MAGAZIN 4/15 | 1/16

STORIES 19
THE
JUKES
Deutscher Rock-Preisträger 2015
The Jukes sind eine junge Band aus
Hessen. Die vier Musiker haben mit ihrem
Akustik-Rock die Jury beim Deutschen Rock &
Pop Preis 2015 überzeugt. Sie gewannen in
der Hauptkategorie „Rock“. Sänger und Gitar -
rist Julien redete mit dem Musiker Magazin
über Streaming, die Band und Zukunftspläne.
MM: Ihr seid alte Freunde, habt euch als
Band von 2012 bis 2014 nach und nach
gefunden. Wie kam das? Warum habt ihr
Freunde ins Boot geholt und nicht per
Ausschreibung nach anderen Musikern ge -
sucht?
THE JUKES: Wir wollten in erster Linie Spaß
an der Musik haben. Wie könnte man das besser
als mit den besten Freunden? Wer bei
THE JUKES in der Band mitspielt, ist nicht nur
ein Musiker, sondern Teil einer Familie. Hätten
wir per Ausschreibung nach anderen Musikern
ge sucht, wäre vielleicht nie die enge Ver bin -
dung entstanden, die wir jetzt haben. Außer -
dem gibt es keine passendere Besetzung für
diese Band.
MM: Im Herbst kam euer erstes Album heraus.
Es ist auch beim Streamingdienst
Spotify zu hören. Warum?
THE JUKES: Man muss mit der Zeit gehen. Es
ist es eine gute Möglichkeit, mit unserer Musik
viele Leute zu erreichen. Wir hätten zum Bei -
spiel nie gedacht, dass wir Hörer aus Mexiko
haben würden. Aber Spotify macht so etwas
möglich.
MM: Ist Streaming der Musikmarkt der Zu -
kunft? Warum bzw. warum nicht?
THE JUKES: Das Streaming ist in erster Linie
kein Musikmarkt, sondern vielmehr ein Medium
für den Konsum der User und in der heutigen
Zeit nicht mehr wegzudenken. In der Zukunft
4/15 | 1/16 musiker MAGAZIN

20 STORIES
wird es immer Leute geben, die lieber CDs oder
Platten kaufen, statt Musik zu streamen. Allein
schon wegen der Qualität. Allerdings bietet das
Musikstreaming eine große Auswahl schnell ab -
rufbarer Songs. Das ist von Vorteil, wenn man
nicht das ganze Album kaufen, sondern nur
einen Song hören möchte. Streaming kann für
den iPod-Hörer die Zukunft werden.
MM: Hört ihr selbst CDs oder MP3s oder
streamt ihr Musik hauptsächlich?
»Das Streaming ist in erster
Linie kein Musikmarkt,
sondern vielmehr ein
Medium für den Konsum
der User und in der
heutigen Zeit nicht mehr
wegzudenken.«
später als Rockband auf der Bühne stehen würden.
Wir wollten uns nie auf ein Genre festlegen
oder in eine Schublade gesteckt werden. Wir
versuchen, uns von Klischees und Vorurteilen
zu lösen, indem wir allein unseren Stil spielen,
der aus verschiedenen Stilrichtungen heraus
entstanden ist. Es ist wichtig, sich nicht selbst
mit der Wahl eines Genres zu limitieren. Mittler -
weile machen wir keinen Blues, Funk, Reggae
oder Akustik-Rock mehr. Wir machen … etwas
anderes.
MM: Was macht ihr, wenn ihr nicht gerade
im Proberaum oder in einem Club steht?
THE JUKES: Ich schreibe gerade meine Ba -
chelor arbeit in Sound and Music Production
und werde danach den Master anhängen,
Michael und Marvyn sind beide in der Ver -
anstaltungs-Branche tätig. Lukas ist Schreiner.
Da uns über die Band hinaus unsere Freund -
schaft verbindet, verbringen wir auch ohne
Musik zu machen viel Zeit miteinander. Lukas
hat sich zum Beispiel gerade ein Auto gekauft
und wir warten alle gespannt auf die erste
Spritztour.
MM: Wie lässt sich das mit der Band vereinbaren?
THE JUKES: Der Traum, mit unserer Musik den
Lebensunterhalt zu finanzieren, ist bei jedem
von uns gleichermaßen verankert. Deswegen
lässt sich der Alltag gut mit der Band vereinbaren.
Jeder von uns ist mit Herzblut bei der Sache
und gibt dauernd mehr als 100 Prozent, wenn es
um die Band geht. Es hat sich im letzten Jahr
durch die Aufnahme unseres ersten Albums viel
entwickelt. Wir haben eine gute Harmonie untereinander
gefunden. Ich bin mir sicher, dass das
noch lange so weitergehen wird.
MM: Welche weiteren Schritte habt ihr ge -
plant?
THE JUKES: Wir sind noch von der alten Schule
und hören Musik über einen Tonträger, meistens
CD. Jemand, der Musik wirklich hören und erleben
möchte, kommt an einer CD oder Schall -
platte nicht vorbei. Das ist auf der einen Seite
unser Anspruch an die Musik, auf der anderen
Seite der Respekt gegenüber den Interpreten.
MM: Ihr sagt, eure Musik sei eine Mischung
aus Blues, Funk, Reggae und Akustik-Rock.
Wieso diese Mischung?
THE JUKES: Man darf uns daran nicht festmachen.
Wir haben als Akustik-Duo angefangen
und hätten niemals gedacht, dass wir ein Jahr
MM: Ihr habt in der Kategorie Rock beim 33.
Deutschen Rock & Pop Preis 2015 in Siegen
gewonnen. Wie war das für euch? Was war
das Besondere bei dem Festival?
THE JUKES: Das war unglaublich! Als der
Mo derator ganz zum Schluss unsere Band
nannte, sind alle komplett ausgerastet. Wir
hätten damit nie gerechnet! Das Besondere
war der Umfang des Festivals. Es waren so
viele Bands und Künstler da auf der Bühne,
dass ich an manchen Stellen den Überblick
verlor. Wir freuen uns immer noch sehr über
die erfolgreiche Teilnahme und über den Sieg
in Siegen.
THE JUKES: Gigs, Gigs, Gigs! Wir wollen so
viele Konzerte spielen wie nur möglich und
haben bereits die ersten Termine festgemacht.
Außer dem planen wir, ein zweites Album aufzunehmen,
auf dem auch der Song aus Siegen
(„Sailors“) zu hören sein wird. Außerdem soll
es neue überraschende Stilrichtugen geben.
Das Album soll eben anders sein. Wir haben uns
bei einigen Plattenfirmen und Labels vorgestellt
und warten jetzt auf Antworten oder weitere
An fra gen.
Vielleicht starten wir im Sommer auch eine
kleine Tour, aber erst einmal muss der neue
Proberaum auf Vordermann gebracht werden.
Es wird Zeit, dass es wieder losgeht. Zu guter
Letzt: Juke it!
INTERVIEW: JANINA HEINEMANN
FOTOQUELLE: THE JUKES
THE JUKES
„My Lovely Mr. Singingclub“
VÖ: 19.09.2015
THE-JUKES.DE
WWW.FACEBOOK.COM/
THEJUKESMUSIC
musiker MAGAZIN 4/15 | 1/16

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Über den Autor
Lothar Scholz, Musik- und
Kommunikationswissenschaftler,
ist seit über zehn
Jahren Berlin-Korrespondent
des Branchenmagazins
“musikmarkt” mit den
Schwerpunktthemen
Urheberrecht und kollektive
Rechtewahrnehmung.
Popcamp — Know-How
Autor: Lothar Scholz
ISBN: 978-3-9813446-8-4
Preis: Euro 19,50
Herausgeber:
Deutscher Musikrat - gemeinnützige
Projektgesellschaft mbH
Verlag: musikmarkt GmbH & Co.KG
Bestellen Sie jetzt unter: www.musikmarkt.de
Das Branchenmagazin

22 STORIES
»Singen ist Teil meines
Lebens und begleitet
mich seit meiner Kind heit.
Es gibt mir Kraft
und bringt mich in meine
Mitte.«
PETTI WEST
Singen für die Seele
MM: Petti, du hast dich der heilsamen Wir -
kung der Stimme bzw. des Singens verschrie -
ben. Was steht hinter deiner Idee „Singen für
die Seele”?
PETTI WEST: Zum einen die pure Lust am Singen,
zum anderen das gemeinsame Chanten heilsamer
Lieder. Ich will Menschen fürs Singen begeistern
und ihnen die nachhaltige Wirkung für Kör -
per, Geist und Seele nahebringen. Im Vorder -
grund meiner Arbeit steht die Freude am Gesang
in entspannter und lockerer Atmosphäre. Singen
hat – mittlerweile wissenschaftlich bewiesen –
positive Wirkungen auf uns. Es befreit, stärkt das
Selbstvertrauen und kann heilsame Prozesse in
Gang setzen. Ich beschäftige mich seit vielen Jah -
ren mit der Wirkung von Gesang, Stimme und
Klang. Zu meinen Angeboten zählen Einzel -
training, Kurse, Workshops und Seminare sowie
ein Chor mit internationalen Kraftliedern.
MM: Du hast bereits als Kind entschieden,
Sängerin zu werden. Was begeistert dich am
Singen?
PETTI: Mit fünf Jahren sagte ich zu meiner Oma:
„Ich werde Sängerin.“ Ich habe den ganzen Tag
gesungen und getanzt, alles, was im Radio lief
und mir gefiel. Musik hat mich tief berührt, war
meine absolute Leidenschaft. In meinem Tage -
buch steht auf der ersten Seite: „My life belongs
to music.“ Ich bin sehr glücklich, dass ich meinen
Kindheitstraum leben kann. Neben dem Gesang
spiele ich Gitarre, Rhythmusinstrumente und
etwas Klavier. Was mich am Singen fasziniert, ist,
dass die Stimme unser „nächstes“ Instrument
ist. Da ist nichts dazwischen. Mit ihr und durch
sie klingen wir und werden selber zum Klang.
Jede Stimme ist einzigartig. Es ist spannend, am
eigenen Klang zu feilen und die gesamte Band -
breite der Stimme zu erforschen. Ich finde es
wichtig, das gesamte Spektrum der Stimme zu
nutzen, nicht nur die hohen oder tiefen Lagen
oder die Mitte. Da vernachlässigt man nicht nur
einen Teil seiner Stimme, sondern auch einen Teil
von sich selbst. So arbeite ich immer mit der ganzen
Range der Stimme.
musiker MAGAZIN 4/15 | 1/16

STORIES 23
MM: Du singst in mehreren Formationen. Was ist dir dabei wichtig,
was ist immer „du selbst”?
PETTI: Ich arbeite gern mit verschiedenen Mu sikern zusammen. Das ist
inspirierend und spannend, bringt neue Impulse. Mit jedem Musiker wird
ein Stück anders. Ich mache, was mich berührt, was ich authentisch
rüberbringen kann. Da ist nicht nur die Musik, sondern da sind auch die
Texte wichtig. Musik ist Kommunikation. Wenn es „funzt“, entsteht diese
unheimliche „magic“, wo alles schwingt und keine erklärenden Worte nötig
sind. Ich liebe es, wenn unterschiedliche Stile zusammenkommen. Zurzeit
spiele ich live mit meinem Trio mit Cello, Akustik gitarren und Percussion
eigene Songs und Kraftlieder zum Mit singen. Live-Auftritte sind mir wichtig,
die Leidenschaft, auf der Bühne zu stehen, lässt mich nicht los. In der Rock -
formation meines Lebens gefähr ten Harry Collin greife ich zur E-Gitarre und
bin als Backgroundsängerin dabei. Das ist toll, da kann ich meiner rockigen
Seite freien Lauf lassen.
Frankfurt am Main
7. – 10. 4. 2016
MM: Warum ist Singen heilsam? Hast du das selbst erlebt?
PETTI: Singen ist Teil meines Lebens und begleitet mich seit meiner Kind -
heit. Manchmal habe ich mir förmlich die Seele aus dem Leib gesungen,
Das war unglaublich befreiend. Singen gibt mir Kraft und bringt mich in
meine Mitte. Es ist eine gute Möglichkeit, Gefühle herauszulassen. In meiner
Kindheit war Singen ein Rettungsanker. Singen hat viele Wirkungen.
Es setzt Glückshormone frei, stärkt das Selbstvertrauen, aktiviert körperliche
Prozesse, lässt Zeit und Raum vergessen. Gemeinsames Singen
verbindet und fördert Emotionen wie Zugehörigkeitsgefühl, Miteinander,
Liebe. Zusammenfassend kann man sagen: Singen macht glücklicher,
gesünder und zufriedener.
MM: Du bist von Geburt an sehbehindert. Inwieweit beeinträchtigt
dich das? Was sind Chancen? Inwieweit hat dies Einfluss auf deinen
Gesang?
PETTI: Ich mag das Wort „behindert“ nicht. Ich fühle mich eher seheingeschränkt.
Da meine Seheinschränkung angeboren ist, habe ich mich damit
arrangiert. Bis auf die starke Lichtempfindlichkeit, die mich tagsüber draußen
dazu zwingt, eine Sonnenbrille tragen zu müssen. Das nervt, aber ich
finde, es gibt Schlimmeres. Dafür sind meine anderen Sinne gut ausgeprägt.
Ich nutze meine Stärken wie mein gutes Gedächtnis und mein feines
Gehör. Ich spiele und singe alle Lieder auswendig, da ich die Texte
eh nicht erkennen würde. Das hat den Vorteil, dass ich ganz frei beim
Singen bin und ein Riesenrepertoire in petto habe. Feine Nuancen oder
Zwischentöne beim Singen oder Sprechen nehme ich gut wahr. Unsere
Stimmung zeigt sich in der Stimme, die Ausdruck unserer Seele ist.
MM: Warum ist dir Spiritualität wichtig?
PETTI: Alles ist mit allem verwoben, jeder kann etwas bewirken. Es liegt mir
am Herzen, dass wir respektvoll mit der Natur und allen Mitgeschöpfen
umgehen. Ich wünsche mir, dass mein Tun und meine Musik dazu beitragen,
unsere Welt freud- und friedvoller zu machen.
MM: Warum vertonst du Mantras?
PETTI: Weil sie mir am Herzen liegen und die Melodien zu mir kommen.
Mantras sind Wortfolgen, die über längere Zeit wiederholt werden. Ur -
sprünglich stammen sie aus Indien und werden in Sanskrit, der ältesten
Sprache der Welt, rezitiert. Es ist eine Meditationsform. Ich will diesen
Vier Tage voller Musik!
Tauchen Sie ein in die Welt der Musik und freuen
Sie sich auf musikalische Themenwelten voller
Instru mente und Equipment, Konzerte, Events,
Workshops und Aussteller aus aller Welt. Vor allem
aber genießen Sie erstklassige Musikvielfalt!
2016 erwartet Sie erstmals das Musikmesse Festival:
Erleben Sie die Musik – Open-Air auf dem
Messe gelände und abends nach Messeschluss
bei zahl reichen Live-Acts und Events verteilt
über ganz Frankfurt.
musikmesse.com
It’s my tune.

24 STORIES
uralten Klangschwingungen das Fremdartige nehmen,
sie auf meine Weise dem Westen näherbringen.
Vielfach besteht das Vorurteil, dass Mantras
langweilig oder anstrengend sind. Dabei können
sie Spaß machen und sogar zu Ohrwürmern werden.
Ihre guten „Nebenwirkungen“ stellen sich von
ganz allein ein.
MM: Wird in unserer Gesellschaft zu wenig
gesungen? Warum?
PETTI: Unsere Gesellschaft verkrampft, was Sin -
gen angeht. Gemeinsames Singen in der Familie,
in der Schule oder bei Festen ist in anderen Kul -
turen normal. Leider haben viele in unserer Ge -
sellschaft schlechte Erfahrungen gemacht, weil
sie zum Beispiel vor der Klasse allein etwas vorsingen
sollten, ihnen jedoch aus Angst die Stim -
me versagte. Das ist eine ganz natürliche Reak -
tion und hat nichts mit Nicht-Singen-Können zu
tun. Vielen Menschen wird gesagt, sie können
nicht singen. Das bleibt hängen und sie singen
nicht mehr. Das ist traurig. Ich bin überzeugt, jeder
kann singen. Man muss sich nur trauen. Bewe -
gung hilft, denn Körper und Stimme beeinflussen
sich gegenseitig. Eine freie Stimme schwingt nur
in einem lockeren Körper. Singen sollte in erster
Linie Spaß machen und unsere Lebensfreude för -
»Ich wünsche mir, dass
mein Tun und Musik
dazu beitragen, unsere
Welt freud- und
friedvoller zu machen.«
dern. Unserer Kultur fehlt es an Freude. Im Fokus
steht Leistung. Für unsere Gesellschaft ist Singen
wichtig. Es gibt Studien, die zeigen, dass Singen
intelligenter macht und soziales Verhalten verbessert.
MM: Welche Pläne hast du für die Zukunft?
Was ist das Ziel deiner Stimmarbeit?
PETTI: Neben meinen „Singen für die Seele“-
Angeboten arbeite ich zurzeit an einer CD mit Kraft -
liedern der Welt und von mir vertonten Mantras in
verschiedenen Sprachen. Ich plane, einige meiner
Chorarrangements mit Orchester aufzuführen.
Darauf freue ich mich. Zwei Träume sind eine
Reise nach Hawaii, um dort mein hawaiianisches
Mantra live zu spielen, und ein Gemeinschafts -
projekt mit neuseeländischen Ureinwohnern mit
deren traditionellen Liedern, die mich berühren.
Dem ozeanischen Raum fühle ich mich zutiefst
verbunden. Ich will Menschen mit der Kraft und
Freude des Singens anstecken.
WEB: WWW.SINGEN-FUER-DIE-SEELE.DE
WWW.HARRY-COLLIN-BAND.DE
INTERVIEW: JANINA HEINEMANN
FOTOS: HARALD JESKE; A. HAUSDORF
LIVE-FOTO: LUDWIG CZAPLA
musiker MAGAZIN 4/15 | 1/16

STORIES 25
ABI WALLENSTEIN
Man bezeichnet ihn als „Vater der Hamburger Blues-Szene“
und „lebende Legende des Blues“.
Charakteristisch für Abi Wallensteins Spiel ist sein Picking Style,
der in der Tradition des Piedmont Blues oder
texanischen Country Blues etwa eines Mance Lipscomb steht.
MM: Vor Kurzem hast du den Blues Louis –
eine Auszeichnung des Lahnsteiner Blues -
festivals – erhalten. Was bedeutet dir eine
solche Auszeichnung?
ABI WALLENSTEIN: Dieser Preis ist eine besondere
Auszeichnung. Wenn man sich anschaut,
wem dieser Preis verliehen wurde, fühlt man sich
geehrt, in diesem Kreis zu sein. Ganz irre ist, dass
der erste Blues, den ich bewusst hörte – das war
im Musikunterricht, da war ich etwa zwölf – der
Two-Ninwteen-Blues von Louis Armstrong war. Mit
der Auszeichnung mit dem Blues Louis schließt
sich ein Kreis.
MM: Du wurdest dort als derjenige bezeichnet,
„der mit dem Herzen singt“. Inwiefern
trifft diese Beschreibung auf dich zu?
ABI: So eine Frage können das Publikum oder
Musik kritiker, die mich so definieren, besser beant -
worten. Sie meinen wahrscheinlich, dass ich nicht
distanziert spiele, sondern versuche, meine Seele
mit den Seelen des Publikums zu verbinden.
Blues hat seine Wurzeln in der afrikanischen
Tradition. Dort gibt es keine Trennung zwischen
Musiker und Publikum. Ich bin von diesem inneren
Geist der Musik infiziert. Ich will die Trennung
zwischen Musiker und Publikum aufheben. Die
Menschen brauchen einen Raum, wo sie ihre
Gefühle herauslassen können. Sie können ihre
Emotionen in der Musik entdecken. Ich bin darauf
angewiesen, die Menschen im Konzert, ihre
4/15 | 1/16 musiker MAGAZIN

26 STORIES
ich jedes Mal dazu. Mir war es vergönnt, als
Support für Musiker wie Joe Cocker aufzutreten.
Gemeinsam zu spielen war nicht drin. Um mit richtig
„alten Meistern“ zu spielen, war ich damals noch
nicht so weit, dass ich mich das getraut hätte.
MM: Du wirst als „Blues-Legende“ und „Vater
der Hamburger Blues-Szene“ be zeich net,
giltst als solcher als erfolgreich. Was ist Er -
folg für dich?
ABI: Es gibt unterschiedliche Bereiche des Er folgs.
Mit einem Preis Anerkennung für ein Leben für
den Blues zu erhalten, ist ein Erfolg. Bei einem
Auftritt zu merken, wie das Publikum mitzuswingen,
mitzusingen und mitzutanzen beginnt, ist
ein anderer Erfolgsbereich. Zu erfahren, dass zwei
Menschen sich während eines Konzerts von mir
kennen und lieben gelernt, später geheiratet
haben, ist ein wunderschöner Erfolg und ist viermal
geschehen, so weit ich weiß. Dass drei Ge -
ne rationen, Großmutter, Mutter und Tochter, zu
meinem Konzert kommen, ist irre. Dass es mir
vergönnt ist, über Jahrzehnte mit dieser Nischen -
musik meinen Lebensunterhalt zu verdienen, sehe
ich als Erfolg an.
MM: Deine Auftritte sind einzigartig, jeder
wird zum Erlebnis. Du spielst nicht nur in großen
Sälen oder kleineren Kneipen, sondern
auch auf Stadtfesten und in Fuß gän ger zonen.
Warum? Was ist das besondere bei einem
Live-Auftritt?
»Blues ist nur eine Art Gerippe.
Das Fleisch kommt im Moment des
Live-Auftritts, aus dem, was
zwischen Musiker und Publikum
passiert, dazu.«
ABI: Blues ist Musik, die von der Struktur her die
meisten Möglichkeiten gibt, die eigene momentane
Befindlichkeit in das Musizieren einfließen zu
lassen. Blues ist nur eine Art Gerippe. Das Fleisch
kommt im Moment des Live-Auftritts, aus dem,
was zwischen Musiker und Publikum passiert,
dazu. Dann wird die Musik mit Fleisch, mit Leben
gefüllt. Das ist das Spannende, das jeden Abend
anders verläuft.
MM: Du stehst seit rund 50 Jahren auf der
Bühne und begeisterst deine Zuhörer. Im
Dezember feiertest du deinen 70. Geburtstag.
Welche Ziele hast du für die Zukunft?
Augen und ihre Bewegungen zu sehen, um einen
emotionalen Austausch herzustellen. Ich achte
darauf, dass die Bühnenscheinwerfer mich nicht
blenden.
MM: Die Laudatio hielt Inga Rumpf. Mit ihr
verbindet dich eine lange Freundschaft. Du
hast aber nicht nur mit ihr, sondern mit zahl -
reichen anderen Bluesgrößen zusammen ge -
rockt. Was ist das Besondere, wenn mehrere
großartige Musiker aufeinandertreffen und
gemeinsam musizieren?
ABI: Inga sagte Ende der 60er-Jahre zu mir: „Blues
ist dein Ding. Mach das weiter. Du bist auf dem
richtigen Weg.“ Wenn ich mit ihr musiziere, lerne
ABI: Ich arbeite gerade an einem neuen Album.
Da bin ich seit drei Jahren dabei. Ich will das bald
fertigstellen. Auf ihm ist die ganze Bandbreite der
Bluesinterpretation zu hören. Von Solo-Songs im
Country-Blues-Stil bis zu Stücken mit Bläsern,
Chor und Geigen ist alles dabei. Es wird grooviger
als die bisherigen. Ich habe mehr Wert auf
die Drumfarben gelegt. Die Drums sind nicht nur
Begleitung, sondern haben einen eigenen Wert
wie bei Tom Waits. Meine Ziele sind beim Ge sang
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STORIES 27
und Gitarrespielen weiterzukommen. Da sehe ich
eine ganze Menge, das ich verbessern kann. Beim
Gitarrenstil will ich die Ebene der Single-Tones weiter
ausbauen. Schade, dass ich da erst vor gut
einem Jahr drauf gekommen bin. Ich hätte jetzt so
viel besser sein können, wenn ich schon vor zehn
Jahren angefangen hätte. In meinen Ge sang will
ich mehr Ausdruck, Vielfalt und Far bigkeit einbringen.
In Konzerten will ich an Transparenz, Dichtig -
keit und daran, Überraschungsmomente herzustellen,
arbeiten. Span nung für das Publikum
entsteht, wenn Klang dichte da ist, ohne dass es in
einen Klang brei ausartet.
MM: Dein Stil ist einzigartig. Wenn du Gi tar re
spielst, klingt es, als würde eine ganze Band
spielen. Wie hast du dir die Mischung aus
Picking Style und Slide Guitar mit den groovenden
Beats beigebracht?
ABI: Zu Anfang war das eine Art Notlösung. Als
ich 1965 nach Hamburg kam, hatte ich nicht
gleich Musiker gefunden, mit denen ich – wie
zuvor in Nordrhein-Westfalen – in einer Band spielen
konnte. Also musste ich versuchen, Bass,
Rhythmusgitarre und Riff-Gitarre gleichzeitig zu
spielen. Ich hörte zu dieser Zeit viel Mance
Lipscomb, Big Joe Williams und John Lee
Hooker, die – jeder auf seine Art als Solist – das
Gleiche taten. Mit der Zeit verarbeitete ich die Art
und Weise zu einer eigenen Synthese – meiner
Art von Synthese von den Ansätzen meiner
Helden. Ich habe anfangs versucht, wie sie zu
spielen. Ich bin in Plattenläden gegangen, habe
ihre Musik gehört und zu Hause versucht, ihre
Stücke aus der Erinnerung nachzuspielen. Mit der
Zeit entwickelte sich mein eigener Stil.
MM: Du hast einmal gesagt, der Groove sei
beim Blues wichtiger als die Harmonien.
Warum ist das so?
ABI: „In the beginning there was the beat“ heißt
es auf einem Bluessampler. Das stimmt. Der Kern
des Blues ist afrikanischen Ursprungs. Der Kern
besteht darin, dass die Trennung zwischen Mu -
siker und Publikum weitgehend aufgehoben wird.
Es findet eine Verschmelzung statt. Die Musiker
werden von Publikumsenergien angetrieben wie
Surfer vom Wind. Das Publikum wiederum wird
von der Energie der Musiker angetrieben. Der
innere Puls dieses Vorgangs ist der Groove, der
Herzschlag in einer Konzertsituation. Ob jemand
in der Lage ist, diesen Puls in Gang zu bringen –
und das ist echt der Job des Musikers, diese
Initialzündung zu tätigen –, das hängt ab davon, ob
er grooven kann. Das hängt buchstäblich davon
ab, wie er den Rhythmus schlägt. Das wiederum
sind Bruchteile von Sekunden, die entscheiden, ob
jemand groovt, ob jemand weniger groovt oder ob
jemand gar nicht groovt. Das ist entscheidender
als Harmonien oder Har moniefolgen.
MM: Welchen Rat gibst du jungen Blues -
musikern?
ABI: Sie sollen versuchen, authentische Musik zu
machen. Sie sollen nicht Cover spielen, sondern
Bluesmusik machen, die etwas mit ihrer Per sön -
lichkeit zu tun hat. Das Publikum merkt, ob man
eine Kopie des Originals oder eine eigene Per -
sön lichkeit ist.
WEB: WWW.ABIWALLENSTEIN.DE
INTERVIEW: JANINA HEINEMANN
FOTOS: ELLEN COENDERS
RAHMEN: © KUZNETSOV_KONSTA/FOTOLIA
ABI WALLENSTEIN &
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FEATURING STEVE BAKER &
MARTIN RÖTTGER
„In Concert“
VÖ: 15.08.2014
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MUSIC IS OUR PASSION

30 STORIES
BERLIN
SYNDROME
Indie-Postrock mit einem
düsteren Hoffnungsschimmer
MM: Ihr habt BERLIN SYNDROME im März
2014 gegründet, seid also eine junge Band.
Den noch habt ihr es geschafft, den Deut -
schen Rock & Pop Preis 2015 in der Kate gorie
Alter native zu gewinnen. Wie ist eure Band
entstanden?
MATHIAS: Unser Sänger Graeme, der ursprünglich
aus Manchester kommt, ist nach Magdeburg
und zufällig in eine befreundete WG unseres Gitar -
risten Robert gezogen. Die beiden hatten ziemlich
schnell die Idee, eine Band zu gründen. Der Rest
der Band fand sich zusammen und so verbrachten
wir einige Abende, damals noch aus Ermangelung
eines Proberaums, in verschiedenen WG-Zimmern
und tüftelten an den ersten Songs.
MM: Wie würdet ihr eure Musik beschreiben?
MATHIAS: Atmosphärischer Indie mit einer Prise
Postrock. Oft düster und melancholisch, aber
immer mit einem Schimmer Hoffnung.
MM: BERLIN SYNDROME – wie kam es zu
dem Bandnamen?
ROBERT: Wir haben uns viele Gedanken um einen
möglichen Bandnamen gemacht. Immerhin ist es
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STORIES 31
Gerade erst gegründet
starten BERLIN SYNDROME
durch. Die bärtigen Männer
gehen mit ihrer Musik
progressiv vorwärts.
Ein weiterer Schritt war der
erste Platz im Bereich
„Alternative“ beim
Deutschen Rock & Pop Preis.
das, womit die Leute uns kennenlernen und im Gedächtnis behalten. Den
Namen später zu ändern, ist nicht so leicht und irgendwie blöd. Also saßen
wir in der Küche und haben uns überlegt, wie andere Bands heißen. Zwischen
Rumalbern und Wahnsinn blieben wir dann bei London Grammar hängen und
dachten uns, dass Großstädte schon eine Faszination inne haben. Dann gab
es mehrere Wortspiele reien. Eines machte auf Anhieb Sinn und hatte für jeden
von uns eine spannende Bedeutung: BERLIN SYNDROME. Zwar waren
anfangs nicht alle überzeugt, aber das hat sich schnell gegeben, je mehr jeder
Einzelne für sich darüber nachdachte, was das Berlin Syndrome eigentlich ist.
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Band
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32 STORIES
»Wir wollen den Menschen ein Stück von unserer
verschrobenen, großen, melancholischen Welt abgeben
und ihnen mit unserer Musik etwas Untermalung zum
Kaffeeklatsch mit den Groß eltern bieten.«
Genres und die schiere Masse an Auftritten und
dem damit verbundenen straffen Organisations -
zwang haben das Ganze recht angespannt wirken
lassen. Im Grunde war es eine Veranstaltung
mit Dauerfeuer. Da muss ich noch einmal den Hut
ziehen vor allen, die dort an der Technik standen,
mitgearbeitet haben oder Jurymitglieder waren
und aus so vielen Künstlern ihre Lieblinge wählen
mussten. Auch das Publikum brauchte viel Ge -
duld, bis die lang ersehnten Entscheidungen verkündet
wurden.
MM: Eine EP habt ihr bereits veröffentlicht.
Ist ein Album in Planung? Was erwartet uns
in Zukunft von euch?
MATHIAS: Wir schreiben weiterhin fleißig Songs
für ein Album und wollen dieses Jahr viele Fes ti -
vals spielen. Außerdem stehen ein neuer Video -
dreh und hoffentlich bald die Produktion des
Debüt albums an.
ROBERT: Der Wunsch der nächsten Platte ist
schon eine ganze Weile in den Köpfen. Aber da
kommen viele Faktoren zusammen. Angefangen
bei den Kosten bis hin zu Dingen wie Veröffent -
lichung und Promotion, die wir momentan noch
selbst in der Hand haben. Das ist zum einen gut,
macht es aber auch deutlich langwieriger und
schwerer.
BERLIN SYNDROME SIND:
MARVIN JIMÉNEZ – SCHLAGZEUG | ROBERT MEINEL – GITARRE
GRAEME SALT – GESANG | MARCEL BEHRENS – GITARRE
MATHIAS WAGNER – BASS
MM: Ihr tragt alle Bärte. Warum? Sind sie für Studio- oder Videoproduktionen zusammenzubekommen.
Das Gleiche gilt für Instrumente und
mehr als Mode oder Markenzeichen?
Equipment. Oft sind es aber auch kleine Dinge,
MATHIAS: Die Bärte hatten wir schon vor der die nerven. Zum Beispiel stellt sich uns oft die
Bandgründung. Das war eher Zufall. Aber mittlerweile
sind sie natürlich unser Markenzeichen ge - möglichst kostengünstig zum nächsten Gig be -
Frage, wie wir uns und unser ganzes Equip ment
worden.
fördern.
MM: Als junge Band steigt ihr in den Musik - MM: Was war beim DRPP in Siegen besonders?
Wie würdet ihr die Atmosphäre dort
markt ein. Was sind Hürden auf dem Weg
nach oben?
beschreiben?
MATHIAS: Hürden gibt es richtig viele, die oft aus MATHIAS: Besonders waren die Vielfältigkeit und
eigener Kraft nicht oder nur sehr mühselig zu be - die große Anzahl der auftretenden Künstler. Es
wältigen sind. Wir hatten bisher großes Glück, da passiert eher selten, dass sich Schlagersänger
wir von vielen Seiten Unterstützung erfahren hatten.
Es ist zum Beispiel schwierig, an gute Gigs
und Metalbands die Bühne teilen.
zu kommen, mit denen man viele Leute erreicht. ROBERT: Ich finde das Konzept insgesamt sehr
Dazu gehören Festivals. Es ist schwierig, an eine herausfordernd. Es geht irgendwie darum, unter
Bookingagentur oder ein Label zu kommen, da einer derart großen Anzahl an Künstlern mit nur
sich beides bedingt. Es ist schwierig, das Budget einem Song zu überzeugen. Die Vermischung der
MM: Welche Ziele habt ihr als Band?
ROBERT: Wir wollen den Menschen ein Stück von
unserer verschrobenen, großen, melancholischen
Welt abgeben und ihnen mit unserer Musik etwas
Untermalung zum Kaffeeklatsch mit den Groß -
eltern bieten. Aber liebend gern würde ich damit
meine Miete bezahlen können. Ich glaube, das ist
etwas, das jeder Musiker erreichen will. Tat sächlich
wäre es schön, wenn wir mit unseren Aufgaben
wachsen und mehr gesellschaftliche Verant wor -
tung als Band übernehmen, als wir das bislang im
Rahmen unserer Möglichkeiten konnten.
MATHIAS: Ich will von der Musik leben können.
WEB: WWW.BERLINSYNDROME.COM
INTERVIEW: JANINA HEINEMANN
FOTOS: © MATTHIAS SASSE;
© JENNY REICH
BERLIN SYNDROME
„All for the Good“
(EP)
VÖ: 17.09.2014
BERLINSYNDROME.COM
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BERLINSYNDROME
musiker MAGAZIN 4/15 | 1/16

STORIES 33
TEIL 4:
Kann man die Beatles übergehen, weil sie ja
jeder kennt und sie, laut John Lennon,
bekannter als Jesus sind? Nein, das kann man
nicht, denn sie sind Pioniere und Klassiker, die
viele Generationen überdauern werden. Ihre
Hamburger Starclub-Auftritte und die von ihrem
Manager Brian Epstein sorgsam platzierten BBC-
Radiokonzerte zeigen, dass sie den Kanon von
Rhythm and Blues und Rock ’n’ Roll beherrschten.
Der populären Musik haben sie aber weit
darüber hinaus innovativ eine ureigene Richtung
in viele andere Bereiche der Musik reichend ge -
geben und neue Standards gesetzt. Ihr Werk,
das im Verlauf nur weniger Jahre immer komplexer
wurde, gehört zum Grundstock moderner Musik
des 20. Jahrhunderts, das auch nach dem sound -
sovielten Anhören staunen lässt, weil sie ihrer
Zeit weit voraus waren. Die einzigartige Kombi -
na tion von Kreativität, Musikalität, Bandbreite
und technischer Vielfalt wird wahrscheinlich so
schnell nicht wieder erreicht werden. Denn Paul
McCartney, John Lennon, George Harrison und
Ringo Starr waren mehr als die Summe von vier
Künstlern, die sich gegenseitig inspiriert haben.
4/15 | 1/16 musiker MAGAZIN

34 STORIES
flug in „Across The Universe“. In „Re vo lution“
distanziert Lennon sich differenziert von Gewalt
(wie auch in seinen Solo-Songs und wie eindeutig
zugleich bei Lennons Solo-Songs „Give
Peace A Chance“ und „Imagine“). Damals stichelte
NDR-2-Moderator Henning Venske, das
Thema Re volution sei für Lennon doch „wohl
eine Nummer zu groß“. Wie auch immer: Kunst
kann jenseits von Vor stel lungen erzwungener
Veränderung so manches ohne Gewalt
zum Besseren wenden.
Wie John
Lennon persönlich
zu seinen
Aus sa gen gestanden
hat, hat ge rade
eine neue Buchver -
öffentlichung unter
die Lupe
Hätte es zum Beispiel die
vielen assoziativ wirkenden
John-Lennon-Texte wie
„Nor wegian Wood“, „Being For The
Benefit Of Mr. Kite!“, „A Day In The Life“,
„Strawberry Fields Forever“, „I’m A Walrus“, „Glass
Onion“ und „Come To get her“ ge geben, wenn er
seine drei Mitstreiter nie getroffen hätte? Aber
diese Frage muss man zum Glück gar nicht be -
antworten.
»Die Musik der Beatles ist revolutionär. Anders als
Elvis Presley und Chuck Berry haben sie
der jungen Generation ab Herbst 1962 auch ein neues
Lebensgefühl gegeben und sie aus dem Mief
der restaurativen Nachkriegszeit herausgeführt.«
Im Werk kreativer Schöpfer ähnelt sich wenig.
Natürlich bleibt ihre Handschrift sichtbar, aber aus -
getretene Pfade sind nicht ihre Sache. Dass die
Beatles auch immer wieder einfach rockten („Roll
Over Beethoven“, „Rock ‘N’ Roll Music“, „I’m
Down“, „Sergeant Pepper’s Lonley Hearts Club
Band“, „Hey Bulldog“, „Birthday“, „Why Don’t
We Do It In the Road“ und „One After 909“), ist
dabei schlicht erfrischend.
Die Musik der Beatles ist revolutionär. Anders
als Elvis Presley und Chuck Berry haben sie der
jungen Generation ab Herbst 1962 auch ein
neues Lebensgefühl gegeben und sie aus dem
Mief der restaurativen Nachkriegszeit herausgeführt.
Die orgiastischen Teenager-Reaktionen auf
die Live-Auftritte der Beatles sind legendär. Dabei
ist die Botschaft der Beatles grundsätzlich friedlich
(in „Maxwell’s Silver Hammer“ redet Paul
McCartney sicherlich nicht psychopathischen
Killern das Wort), ihr „All You Need Is Love“ ist
keine Phrase. Wie anrührend ist der Gedanken -
genommen und ein wenig vorteilhaftes Bild von
ihm gezeichnet. Seine Kunst und die der Beatles
schmälert das aber nicht. Werk und Persön lich -
keit lassen sich ohnehin nicht so gleichsetzen,
dass nur Edel men schen Kunst produzieren.
In der Bundesrepublik begann die Ver mark -
tung der Beatles-Musik allerdings hausbacken.
Die erste LP „Please Please Me“ erschien 1963
als Sonderanfertigung für die TV-Zeitschrift HÖR
ZU. Ein besserer Slogan als das müde „Die zentrale
Tanzschaffe“ fiel den Experten der Werbe -
abteilung nicht ein. Aber es brauchte ja noch
einige Zeit, bis sich durchsetzte, populärer Musik
auch zuzuhören. Wie wichtig übrigens in der frühen
Zeit der Beatles ihrem Label Odeon der
deutsche Schallplattenmarkt war, sieht man an
den beiden von ihnen noch einmal auf Deutsch
aufgenommenen Hits „Komm gib mir Deine Hand“
(„in Deinen Armen bin ich glucklich und fro-oh“)
und „Sie liebt Dich“. Nach vielen Nummer-1-Hits
hatten die Beatles sich aber bis zu ihrem Album
„Help“ zum gleichnamigen Richard-Lester-Film
von 1965 längst mit Siebenmeilenstiefeln weiterentwickelt.
Jedoch ab „We Can Work It Out“ und
dem Album „Rubber Soul“ wurde ihre Musik
immer ungewöhnlicher und überraschender. Kul -
minationspunkt ist das „White Album“, auch
wenn die Bandmitglieder begonnen hatten, sich
voneinander abzuwenden. Der Abwechsl ungs -
reich tum sucht seinesgleichen, Rockiges, Balla -
den, Hit-Verdächtiges, Vertracktes fügen sich zu
einem einzigartigen musikalischen Erlebnis zu -
sammen, bei dem sich die Fab Four auch solche
Titel wie „Wild Honey Pie“ und „Revolution 9“ leisten
konnten. McCartneys „Helter Skelter“ war
womöglich der erste Heavy-Metal-Song, als der
Begriff in der Musik noch nicht existierte. Es wird
deutlich, dass Harrison ein großes Talent zum
Komponieren hatte, und obendrein besticht sein
„While My Guitar Gently Weeps“ auch noch durch
eines von Eric Claptons frühen wegweisenden
Gitarren-Soli. Das Nachfolge-Album „Abbey Road“
ist das erstaunliche Beispiel, dass eine Band sich
trotz aller Zerfallserscheinungen ein letztes Mal
zusammenreißen konnte, um ein letztes gemeinsames
Meisterwerk voller sprühender Ideen vorzulegen
– nicht zuletzt ein Verdienst ihres Pro -
duzenten George Martin. Selbst das zuletzt veröffentlichte
Album „Let It Be“, eingespielt in der
Schaffenskrise vor „Abbey Road“, steckt voller
origineller Ideen, die Phil Spector allerdings zum
Teil überproduziert hat. Daher lohnt sich unbedingt
die davon entschlackte Album-Fassung
„Let It Be – Naked“, die vor einigen Jahren veröffentlicht
wurde. Beatles pur – das ist das Roof-
Top-Konzert mit all seinen Wiederholungen, im
Bild zum Teil im Film LET IT BE zu sehen, der
letzte gemeinsame Auftritt der berühmtesten Band
der Welt, dem damals die Londoner Polizei ein
Ende setzte, weil Bewohner aus der Umgebung
sich belästigt fühlten. Nach außen harmonierte
die Band mit Billy Preston an den Keyboards auch
da noch.
Der Einfluss der Beatles auf die moderne Musik
lässt sich wahrscheinlich nicht hoch genug einschätzen,
weil sie zahllose Musiker rund um den
musiker MAGAZIN 4/15 | 1/16

STORIES 35
Erdball inspiriert haben und zu den Katalysatoren
der musikalisch-kreativen Explosion in der zweiten
Hälfte der 1960er-Jahre zu zählen sind. Im
zeitgenössischen Radio, weit vom heutigen un -
säglichen musikalischen Einheitsbrei entfernt,
wurden spätestens ab „Rubber Soul“ die neuen
Alben der Beatles ausführlich vorgestellt, zuweilen
sogar im Morgenprogramm, bevor die Men -
schen zur Arbeit oder zur Schule gingen. Ganze
Schulklassen waren mit ihrer Musik so vertraut,
dass sie viele Songs samt Texten aus dem Steg -
reif intonieren konnten. Dabei musste man sich
schon bemühen, Ausdrücke aus der englischen
Umgangssprache zu verstehen. Ein Begriff wie
„hoedown“ in „Rocky Raccoon“ stand natürlich
nicht im Schulwörterbuch, und das Internet war
noch Science Fiction. Und als Anfang Juli 1966
ein Zusammenschnitt der beiden Beatles-Auf trit -
te im Münchner Circus-Krone-Bau während der
Bravo-Blitz-Tournee vom ZDF ausgestrahlt wurde,
haben unzählige junge Menschen buchstäblich
vor den Mattscheiben geklebt – ein denkwürdiges
Dokument, da die Beatles Ende August des
Jahres letztmalig live vor Publikum auftraten.
Die Beatles haben weit über ihre Musik und
die Hitparaden-Notierungen hinaus
nachhaltig ihre Spuren in der
Gesellschaft, im Lebensgefühl, in
der Mode, im Film und in der
Kultur überhaupt hin ter las sen.
Eine Kon tro verse ent -
brannte, als die
Queen
ihnen
E n d e
Oktober
1965 den Orden „Member
of the Order of the British
Empire“ verlieh. Ordens trä -
ger gaben naserümpfend
ihre Aus zeichnung zu -
rück, weil sie nicht mit
Pop-Musik auf eine Stufe
gestellt werden wollten, während
andere den Beatles vorwarfen, sie hätten
sich vom Establishment vereinnahmen lassen.
Auf jeden Fall waren die bisher schräg von der
Seite angeschauten „Langhaarigen“, die da noch
ihre recht kurze Pilzkopf-Frisur trugen und ihre
Haar tracht erst um die Zeit der Sessions zum
„White Album“ veränderten, in der Mitte der Ge -
sell schaft angekommen. Die Band gründete das
eigene Schallplatten-Label Apple, eröffnete im
„Swinging London“ in der Carnaby Street einen
Modeladen und drehte zu vielen ihrer Hit-Songs
kleine Filme, die Vorläufer der Videoclips. Diese
kleinen Filme, ganz besonders aber die Spielfilme
der Beatles, unterhalten auch nach 50 Jahren
bestens: der übermütige erste Streifen YEAH!
YEAH! YEAH!, der der Beatle-Mania huldigt, die
überdrehte große Komödie HELP, der verschroben-verspielte
Zeichentrickfilm YELLOW SUMA-
RINE um die Musik der Beatles (mit herrlich surrealen
Mono lo gen des Nowhere Man Jeremy),
der seinerzeit missverstandene experimentellhalluzinatorische
TV-Film MAGICAL MYSTERY
TOUR und der Oscar-prämierte Schwanen ge -
sang LET IT BE, der trotz allen Bemühens, vom
Zerfall der Band abzulenken, ein nicht zu unterschätzender
Bei trag zur Bandgeschichte ist –
alle gespickt mit zumeist eigens dafür komponierter
Musik der Fab Four, die während ihres
Bestehens und auch noch Jahrzehnte danach
mit Ehrungen und Prei sen überschüttet worden
sind. Kein Wunder, dass es weltweit bis heute
Beatles-Cover-Bands und Beatles-Fan-Clubs gibt.
Die Beatles, das ist der Griff in Fülle verbunden
mit der Erkenntnis, dass sich die Band in all ihren
Facetten kaum erfassen lässt. Zu denen zählen
auch Seiten wie Rauschmittel- und Alkohol kon -
sum und der Versuch der Musiker, in Indien der
Spiritualität mithilfe des zweifelhaften Maharishi
nahe zu kommen. Über seinen Guru schrieb der
enttäuschte Lennon für das „White Album“
den Song „Sexy Sadie“, bevor er mit
Yoko Ono an einer Urschrei-The ra pie
teilnahm.
Die Ver öffent li chun -
gen der Beatles bis
zu ihrer Auflösung
sind überschaubar.
Erst zö gernd und
dann immer mehr
Fahrt aufnehmend
kam
danach
eine
4/15 | 1/16 musiker MAGAZIN

36 STORIES
Beatles-Freunde unverzichtbar und ein Fest, mit
dem Song „Free As A Bird“ als Beinahe-Reunion
der Band, für die Lennons Witwe Yoko Ono die
Gesangsaufnahme ihres ermordeten Mannes
zur Verfügung stellte. Der lange gesuchte Titel
„What’s The New Mary Jane“, eingespielt während
der Sessions für das „White Album“, hatte allerdings
mehr Hoffnungen geweckt, als er erfüllen
Write und seine Zeichnungen zum Beispiel), sollte
man sich als ernsthafter Beatles-Freund aber
schon zulegen.
Welch tiefen musikalischen Eindruck die Beatles
hinterlassen haben, drücken nicht zuletzt die
zahllosen Cover ihrer Songs aus, die ein eigenes
Thema sind. Von klassischer Orchester-Musik
über Jazz, Rhythm and Blues, schlagerartigen
Bearbeitungen bis hin zur filigranen Sologitarre
ist ziemlich alles vertreten, was sich vorstellen
lässt. Große Schwankungen sind daher vorprogrammiert.
Vieles schmeckt schal oder kann den
Beatles nicht das Wasser reichen. Die Musik -
szene wäre zum Beispiel sicherlich ohne „Michelle“
von den Overlanders und „Ob-La-Di Ob-La-Da“
von The Marmelade ausgekommen. Elektri sie -
rend wird es jedoch, wenn Könner mit ihren
Interpretationen das Original in ein neues originelles
Licht tauchen. Davon zeugen fantastische
Versionen wie „I’m A Walrus“ von Spooky Tooth,
„Hey Jude“ von Wilson Pickett (mit Duane Allmans
Lead-Guitar!) und „Day Tripper“ sowie „Rain“ aus
der Hardrock-Phase des Spirit-Gitarren zau be -
rers Randy California. Die Band Phish mit ihrem
Ausnahme-Gitarristen Trey Anastasio hat gar als
Teil ihrer Live-Auftritte fast das komplette „White
Album“ am Stück gecovert (nur „Good Night“
fehlte). George Benson und Al Di Meola künstlerisch
gewichtige jazzige Interpretationen verdienen
ebenfalls Aufmerksamkeit.
Unzahl von Bootlegs und offiziellen Ver öf fent -
lichungen als LP, CD, VHS und DVD/Blu Ray auf
den Markt. So manches lohnt sich wirklich. Aber
gerade die Bootlegs zeigen, wie wohlüberlegt
die Auswahl der Songs und ihrer endgültigen
Fassungen für die Singles und Alben der Beatles
gewesen ist. Man muss also wohl nicht jeden
Ton besitzen, den die Beatles jemals aufgenommen
haben. Denn die Suche nach
unbekannt gebliebenen Beatles-
Klassikern ist vergeblich. Es gibt
solche nicht, weil alles veröffentlicht
ist, was nach der Einschätzung
der Band und ihres Produzenten wert war, veröffentlicht
zu werden. Die Beatles hätten auch nichts
von den Get-Back-Sessions in den Twicken ham-
Studios als LP herausgegeben, war dies doch
der Versuch, trotz aller Zerwürfnisse irgendwie für
ein neues Album zusammenzufinden, für das es
noch kein Konzept gab und wofür man sich erst
einmal warmspielen musste. Das vor einigen
Jahren er schienene Bootleg „The Black Album“
vermittelt ein recht treffendes Bild davon, und
deshalb wird man sich ihn vermutlich nur selten
anhören.
Einen wirklich guten Überblick über die Ent -
wicklung der Beatles bieten aber die drei in den
1990er-Jahren bei Apple erschienen Anthology-
Doppel-CDs, die von der gleichnamigen mehrstündigen
Video-Dokumentation begleitet wurden.
Sie enthalten in bestmöglicher Qualität bis
dahin unbekannte Live- und Studio-Aufnahmen,
darunter verschiedene Takes bekannter Songs
auf dem Weg zur endgültigen Fassung. Für
kann. Er ist kaum
mehr als ein Gimmick, das wohlweislich für
das harmonisch zusammengestellte Doppelalbum
weggelassen wurde. Auf DVDs ist außerdem
ein gutes Angebot von nach wie vor frisch wirkenden
Live-Auftritten und Interviews der Beatles
erhältlich. Bemerkenswert ist auch die Zu sam -
men stellung von Extrakten aus Beatles-Songs
für die US-Produktion Love des Cirque du soleil
in Las Vegas zu einem wunderbaren Cocktail –
schade, dass es die Bühnen show in absehbarer
Zeit nicht auf DVD geben wird. Dafür steht aber
mit 1+ die nächste Ver öffentlichung an, unter
anderem mit allen Videoclips der Beatles remastert
auf Blu Ray! Beatles-Bücher aller Schat -
tierungen können viele Regal meter füllen, denn
es reihen sich Biografisches, Globales, Lexika -
lisches, Sonderthemen, Fiktives, Songbooks,
Notenbände, Bildbände und vieles mehr aneinander,
alles was man braucht oder auch nicht.
Der Name Beatles zieht eben. Mark Lewisohns
The Complete Beatles Recording Sessions und
The Complete Beatles Chronicles und das, was
John Lennon zu Papier gebracht hat (In His Own
So ist es auch kein Wunder, dass in London
ein Beatles-Musical mit dem Titel „Let It Be“ aufgeführt
wird. Zu Hause kann man sich aber ohne
lange Anreise die DVD mit dem herrlichen Film
ACROSS THE UNIVERSE einlegen, der seine
Geschichte fein verwoben in treffender Bild -
sprache mit Songs der Beatles erzählt und Perlen
wie eine bizarre Version von „Being For The Benefit
Of Mr Kite!“ enthält (den missglückten Streifen
SERGEANT PEPPER’S LONELY HEARTS CLUB
BAND von 1978 lässt man besser weiter friedlich
schlummern). Und danach gleich wieder die
Originale der Fab Four anhören!
ES FOGT: UNVERGLEICHLICH: RORY
GALLAGHER
TEXT: DR. NORBERT APING
FOTOQUELLE: © APPLE CORPS LTD
DR. NORBERT APING
Geboren 1952, Buchautor
und Leiter des Amtsgerichts
in Buxtehude.
musiker MAGAZIN 4/15 | 1/16

Software
MagicEQ ermöglicht ein spektakuläres Mikrofon-Modeling
der Handmikrofone.
Es stehen 7 Presets basierend auf weltbekannten
Mikrofonen (e835®, beta58®, e935®, D5®,
SM57®, N/D767a®, SM58®)* und 2 benutzerdefinierbare
Presets für individuellen Mikrofonklang
zur Verfügung.
UR-260D
2-Kanal UHF System
Das UR-260D ist ein zweikanaliges True-Diversity-UHF-System mit einer Vielzahl an innovativen Features. Neben automatischer Frequenzsuche
für störungsfreie Übertragung steht auch ein intelligentes Feedback-Unterdrückungssystem zur Verfügung. Mit dem MagicEQ
können verschiedene Klangcharakteristiken bekannter Mikrofonkapseln simuliert oder auch selbst kreiert werden. Die Presets lassen sich
per Software vom Rechner aus verändern - sogar während des Live-Betriebs.
*Alle erwähnten Produktnamen sind Warenzeichen der betreffenden Hersteller, die in keiner Weise mit Relacart oder Steinigke Showtechnic verbunden sind. Diese Warenzeichen anderer Hersteller
werden nur als Hinweise auf Produkte verwendet, deren Klang und Verhalten für die Produkte von Relacart analysiert und imitiert wurden. Sennheiser, e835 und e935 sind eingetragene
Warenzeichen der Sennheiser Electronic GmbH Co. KG. Shure, SM57, SM58 und Beta 58 sind eingetragene Warenzeichen der Shure Incorporated. AKG und D5 sind eingetragene Warenzeichen
der AKG Acoustic GmbH. N/D767a und Electro-Voice sind eingetragene Warenzeichen der Bosch Communication Systems.
www.relacart.de
Real Sound Always

38 STORIES
FLUTEPOWER
CORDELIA LOOSEN-SARR
Living flutes with heart & soul
MM: Was willst du mit deiner Musik erreichen?
CORDELIA LOOSEN-SARR: Ich will mit meiner
Musik Menschen berühren. Durch mein Spiel soll
Resonanz in Körper und Seele entstehen. Brücken
zu schlagen ist mir wichtig. Als Kind lernte ich
Musik und Menschen verschiedener Kulturen
kennen. Dieser multikulturelle Einfluss bewog mich
zum Spiel mit Musikern aus aller Welt. Nach dem
Motto „Musik ist der kürzeste Weg von Herz zu
Herz“ sehe ich Musik als Kommunikationsform
zwischen Menschen aller Nationalitäten, Kul tu -
ren, Religionen und gesellschaftlichen Schichten.
Dabei spielt es keine Rolle, ob ich in Projekten
und Ensembles mit einem Scratcher, Rapper oder
jamaikanischen Rasta, mit afrikanischen, vietnamesischen
oder Jazzmusikern spiele. Ohne ein
Wort der Landessprache zu beherrschen, öffnen
sich durch mein Spiel die Herzen für mich. Das
ist gelebte Völkerverständigung. Ich liebe es, Ver -
bindungen zwischen verschiedenen Musik genres
und Kunstformen zu erschaffen. Durch die Ent -
wicklung dieser Ausdrucksformen kann die Flöte
in nicht klassischer Musik Platz finden. Hier will
ich sie etablieren.
MM: Wie bist du zur Musik gekommen?
CORDELIA: Ich bin in einer künstlerischen und
spirituellen Familie aufgewachsen. Meine Eltern
liebten Musik und Kunst. Meine Mutter tanzte mit
uns. Da mein Vater leidenschaftlicher Flöten samm -
ler war, probierte ich, auf einer seiner Flöten zu
spielen. So beschloss ich, Querflöte zu lernen.
Ich ging zur Musikschule, spielte in En sembles,
im Orchester und in einer Folklore gruppe. Mit elf
Jahren hatte ich meine ersten Auftritte. Mit 16
spielte ich in einer Band, wo ich Improvisieren
und Musikstile wie Blues, Afro, Latin und Jazz
kennenlernte. Ich machte die Erfahrung, dass ich
Menschen mit meinem Flötenspiel tief berühren
kann. Erlebnisse, wo mir Zuhörer weinend die
Hände küssten, sind Geschenke für mich. Das
waren Glücksmomente, die mich dazu be wogen,
Musik als meinen Beruf zu wählen.
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STORIES 39
»Nach dem Motto
„Musik ist der kürzeste
Weg von Herz zu Herz“
sehe ich Musik als
Kommunikationsform
zwischen Menschen
aller Kulturen, Religionen
und gesellschaftlichen
Schichten.«
MM: Was ist das Besondere an deiner Musik?
Welche Spieltechniken benutzt du gern und
warum?
CORDELIA: Ich spiele Instrumente aus der Querund
Blockflötenfamilie und Flöten aus Kultur -
kreisen rund um den Globus. In meinen Kompo -
sitionen und Improvisationen sind Einflüsse unterschiedlichster
Spieltechniken und Musik stile zu
entdecken: vom Jazz über orientalische, latein -
amerikanische, asiatische, spanische, afrikanische
und meditative Klänge bis hin zu Reggae und
Funk. Durch das Benutzen des Atems und meiner
Stimme habe ich die Ausdrucks möglich keiten des
Flötenspiels erweitert. So entstehen neuartige
Klänge. Ich zeige, was auf einer Flöte möglich ist:
vom klassischen Flötenton bis zum explosiven
Schrei. Qualität, Intensität und Authentizität der
Musik sind wichtig. Dass jemand mit Herz und
Seele dabei ist, ist genauso ausschlaggebend wie
Liebe zum Detail, Lebendigkeit, Flexibilität, Prä senz
und Improvisationsgabe. Ich spiele fast ausschließlich
eigene Kompositionen. Dadurch habe ich eine
innere Verbundenheit mit dem Konzertprogramm.

40 STORIES
MM: Was begeistert dich an Flöten?
CORDELIA: Die Flöte ist ein Urinstrument. Mit
einer Flöte lassen sich alle Gefühle bis in die letzten
Feinheiten ausdrücken. Es ist möglich, mit der
Flöte zu hauchen, zu zischen und zu schmatzen.
Sie ist ein Instrument, das mit seiner Klang charak -
teristik Herz und Seele anspricht. Ihre Zart heit
hat eine Verbindung zu den spirituellen Sphären.
Das Benutzen von Atem- und Blasgeräuschen
sowie der Stimme ermöglicht heftige, expressive
Gefühle. Die Flöte ist ein kleines, handliches In stru -
ment, das sich wie eine Verlängerung meines
Körpers anfühlt.
Garten arbeite, wirkt das wie Therapie. Es gleicht
mich aus, erdet mich, lässt mich Energie tanken,
regenerieren und macht mich fröhlich und gelassener.
Der Kontakt mit der Natur verbindet den
Menschen mit seiner ursprünglichen Wesensart.
Wenn ich die Schönheit der Natur genieße, mit
Dankbarkeit die Schöpfung Gottes erkenne, bringt
mich das zu mir selbst.
MM: Wie drückst du Authentizität mit deinem
Flötenspiel aus?
CORDELIA: Durch das Aufwachsen in einer alter -
nativen Yoga-Familie mit Bezug zu Natur heil kunde
und gesunder Ernährung entwickelte ich eine
authentische Persönlichkeit und ein bewusstes
Leben. Dies spiegelt sich in der Art und Weise,
MM: Warum hört man deiner Meinung nach
kaum Flötenklänge in populärer Musik?
CORDELIA: Die Flöte hat das Image des zarten
Instruments. Da in populärer Musik der Ausdruck
starker Gefühle gefragt ist, ist das Flötenspiel kaum
vertreten. Obwohl Ian Anderson mit Jethro Tull in
den Siebzigerjahren das Coming-Out der Flöte in
der Rockmusik mit Stücken wie „Locomotive
Breath“ gelang und auch Herbie Mann seit den
Sechzigern mit der Flöte in der Rock-, Latin- und
Jazzmusik bekannt wurde, hat sich die Emanzi -
pation der Flöte nicht fortgesetzt. In meinen Lieb -
lingsmusikstilen Funk, Reggae und Blues ist im
Radio keine Flöte zu hören. Ich musste oft zeigen,
dass ich mit einer Flöte und meiner Stimme zu
jeder Musik spielen und alle Gefühle genauso
kraftvoll und überzeugend rüberbringen kann wie
eine verzerrte Gitarre oder expressiver Gesang.
MM: Du sagst, du liebst Musik und Natur.
Warum und was genau liebst du daran?
CORDELIA: Gute Musik bringt mich in einen höheren
Bewusstseins- und Schwin gungs zustand, in
eine bessere Atmosphäre. Musik und Bewegung
sind eine Einheit. Wenn mir Musik gefällt, fängt
mein Körper an, sich zu bewegen. Deshalb tanze
ich bei meinen Konzerten auf der Bühne. Musik
zu hören und zu machen kann eine heilsame
Wirkung haben, was ich für mich und andere
nutze. Mit Schallwellen kann man Menschen und
Räume energetisch reinigen. Ich habe die Er fa h -
rung gemacht, dass sich die Liebe, die ich hineingebe,
auf die Zuhörer überträgt und zu mir
zurückkommt. Das Schönste ist, dass ich beim
Musikmachen in einen Zustand höchster Kreati -
vität und Verbundenheit mit mir, meinen Poten -
zialen und dem Göttlichen bin. Das ist ein Zu stand
von Jetzt-, Wach- und Klar-Sein, von Energie
und Weite. Ich liebe die Natur, da sie mich mit mir
und Gottes Schöpfung verbindet. Wenn ich
durch den Wald spaziere, mir das Glitzern der
Sonne auf einem Fluss ansehe oder in meinem
»Ich will mit meinem Spiel Menschen motivieren,
zum Kern ihrer selbst zu kommen, ihr volles
Potenzial und ihre wahren Aufgaben zu entdecken.
Das ist ein Schritt zu Zufriedenheit und einem
sinnerfüllten Leben.«
MM: Dir ist Authentizität wichtig. Warum ist
Authentizität heutzutage wichtig?
CORDELIA: Es ist wichtig, einen Gegenpol zu dem
medien- und kopfgesteuerten und der Natur entfremdeten
Leben zu setzen. Sein Innerstes wahrzunehmen,
es anzuschauen, seinem Herzen zu
folgen, zu seinem Verhalten zu stehen − das sind
Qualitäten, die für viele verloren gegangen sind.
Mit meiner Musik bin ich ein Beispiel dafür, dass
es möglich ist, Träume authentisch und kraftvoll zu
leben. Das Leben ist eine Chance zu persönlichem
Wachstum. Ich will mit meinem Spiel Men schen
motivieren, zum Kern ihrer selbst zu kommen, ihr
volles Potenzial und ihre wahren Aufgaben zu entdecken.
Das ist ein Schritt zu Zufriedenheit und
einem sinnerfüllten Leben.
wie ich Musik mache und mich auf der Bühne
verhalte, wider. Wenn ich zu meinen Gefühlen
stehe, meine Traurigkeit, Verzweiflung oder andere
Gefühle in meinem Spiel ausdrücke, habe ich
Erfolg. Je näher ich an meinem eigenen Sein und
dem So-Sein des Moments bin, desto besser
kann ich mich musikalisch ausdrücken.
WEB: WWW.FLUTEPOWER.COM
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INTERVIEW: JANINA HEINEMANN
FOTOS: LAURENCE CHATAIGNE –
WWW.LODECOLOGNE.COM
musiker MAGAZIN 4/15 | 1/16

STORIES 41
MICHAEL MELLENTHIN
Ein Leben voller Musik
Schülerin brachte Platten vom Kingston Trio und
Pete Seeger sowie Peter, Paul and Mary mit und
ich war sofort begeistert. Zunächst spielte ich alleine,
erst später gab es eine Folk-Formation. Wir
spielten dann im Duo THE CITY RAMBLERS, wo
wir gemeinsam mit Hannes Wader und Reinhard
Mey etc. in den Folk Clubs von Berlin das Pro -
gramm gestalteten.
Berlin Skiffle Group – 1961
Iron Maiden Gold für Radio- und TV-Promo
bei CMM Hannover – 1996
MM: Du kannst bereits auf eine lange Zeit als
Musiker zurückblicken. Erinnerst du dich
noch an deine Anfänge?
MICHAEL MELLENTHIN: Das erste Instrument war
eine Mundharmonika, die mein Großvater spielte
und mir zeigte. Dann kam das Klavier von der
Tante, wo ich zwei Jahre Unterricht hatte, was
mich aber nicht befriedigte, und schließlich die
sechssaitige Lautengitarre von der Tante, die
immer oben auf dem Schrank lag und tabu war.
Aber irgendwann nahm ich mir das Instrument und
brachte mir alles selber bei.
MM: In Berlin hast du sowohl Folk- als auch
Beat-Musik gemacht. Wie kam es zu diesem
Stilwechsel?
MICHAEL: Zuerst machte ich Skiffle-Musik mit
meinem Bruder und mit einem Waschbrett, an
dem der heu tige Schauspieler Joachim Luger
(Lindenstraße, Hans Beimer) saß. Da spielten wir
regelmäßig im Segelverein in Spandau.
1996 gab es dazu eine Reunion durch das
WDR-Fernsehen, wo eine Sendung über Joachim
Luger war, und wir mussten mit Reinhard Mey
zusammen zwei Titel „skiffeln“. Unser Idol war
Lonnie Donegan, den ich dann später in Braun -
schweig sehen konnte, zusammen mit der Vor -
gruppe LEINEMANN. Da spielte der Bruder von
Ole Seelenmeyer mit.
MM: Später hast du dich an der Roten-Punkt-
Aktion in Hannover beteiligt. Worum ging es
damals?
MICHAEL: Danach kam ich mit dem Folk aus den
USA in Berührung. Eine amerikanische Austausch-
Durch meinen Freund, der auch Gitarre spielte,
spielten wir zu zweit Stücke von den Shadows, er
Leadgitarre und ich Begleitgitarre. Nach einiger
Zeit kam man auf die Idee, eine Beatband zu
gründen, und es kamen zwei weitere Musiker
dazu (Bass und Schlagzeug). Am Schlagzeug saß
übrigens der Bruder von Ulli Lommel (Faßbinder-
Schauspieler), der später in den Neunzigern einen
Film mit Daniel Küblböck (DSDS) machte. 1970
ging ich beruflich nach Hannover und lernte dort
eine Gruppe Musiker kennen, die auch Folkmusik
machten, aber mehr politische Lieder spielten.
Das war neu für mich, gefiel mir aber gut, und wir
hatten einen Auftritt mit unserer Gruppe Arbeiter-
Musik Assoziation (AMA) auf den 1. Arbeiterfest -
spielen „Roter Punkt“ neben Dieter Süverkrüp,
Hanns Dieter Hüsch, Dietrich Kittner etc.
MM: Inwiefern hast du diese Aufruhr musikalisch
begleitet?
MICHAEL: Es war eigentlich die Zeit der Protest -
songs gegen alles Unrecht in der Welt. Mit dem
konnte ich mich identifizieren.
MM: Kurz darauf hattest du in einem Jugend -
zentrum Zugriff auf ein Tonstudio. Wie hast
du diese Möglichkeit genutzt?
MICHAEL: Im Jugendzentrum Kornstraße in
Hannover bauten mein Partner und ich ein kleines
Tonstudio auf. Das war leicht, denn mein
Partner arbeitete bei Telefunken in der Studio -
technik (ELA) und kannte sich gut aus, hatte eine
Revox A77 und ein Acht-Kanal-Mischpult mit
Mikro fonen etc. Wir machten Konzertmitschnitte
vor Ort. Unser Studio lag direkt neben der Bühne,
wo wir auch mal Ton Steine Scherben mitschnit -
ten. Leider durften wir den Mitschnitt nicht behalten.
Des Weiteren machten wir Musik un ter richt
mit den Kids im Jugendzentrum und produzierten
mit unserer AMA eine Maxisingle, die wir beim
TRIKONT Verlag in München über 2 000-mal
verkaufen konnten.
The Crew Beat Band – 1966
AMA Rote-Punkt-Aktion – 1970
MM: Bereits Ende der Siebziger hast du dein
eigenes Label „Lava Records“ gegründet. Wie
kam es zu diesem Entschluss?
MICHAEL: Inzwischen hatten wir unser Studio in
die Hildesheimer Straße in Hannover verlegt und
nannten uns TONCOOPERATIVE, wo wir mit vier
Leuten eine GmbH gegründet hatten und die ge -
samte Hannover-Szene aufnahmen und teilweise
4/15 | 1/16 musiker MAGAZIN

42 STORIES
produzierten oder den Plattenfirmen anboten.
Durch eine Zusammenarbeit zwischen der Stadt -
zei tung SPANNER, dem Live-Laden LEINE DOMI-
CIL und uns als TONCOOPERATIVE nahmen wir
drei LPs mit Livemusik auf und gründeten dazu
auch ein eigenes Label Lava Records, waren dabei
auch die Produzenten der ersten 1 000 Stück
von der Punkband HANSAPLAST.
MM: Das Label existiert bis heute und be -
schäftigt sich vor allem mit Musical pro duk -
tio nen. Was fasziniert dich an diesem Genre?
MICHAEL: Es war mehr oder weniger bei mir das
Bedürfnis, dem musikalischen Nachwuchs zu
helfen, eine Plattform zu finden. Dazu gaben wir
den Bands Tipps, zum Beispiel, wie man mit den
Plattenfirmen verhandelt etc.
MM: Du hattest aber auch schon Schwie rig -
keiten, zum Beispiel mit dem Opernhaus
Hannover. Worum ging es da?
MICHAEL: Wir hatten damals in Zusammenarbeit
mit dem Opernhaus Hannover ein Rockballett
produziert: WARLOCK, was auch bei uns verlegt
war. Es gab danach einen Rechtsstreit über das
Urheberrecht, denn dafür galt eigentlich nicht mehr
die Form U-Musik, sondern das sogenannte
Große Recht, eine dramaturgische Werkver bin -
dung, also wenn Musik in ein Musical oder
Theater stück einfließt. Danach durfte die GEMA
nicht mehr kassieren, das oblag dann dem Musik -
verlag bzw. dem Bühnenverlag. Die rechneten
direkt mit den Theatern ab und auch mit den
Urhebern. Dazu galt ein besonderer Tarif, der
zwischen dem Bühnenverein und den Theatern
ausgehandelt wurde. Das richtete sich immer
nach der Größe der Theater. Das waren damals in
Hannover im Opernhaus 2,50 DM pro Besucher
(in Berlin 4,50 DM). Und es richtete sich nach
dem Kulturaufkommen und den Subventionen,
die die Theater bekamen. Die Summe für unser
Rockballett lag damals bei 150 000 DM, die wir
zu bekommen hatten, als alle Vor stel lun gen und
Tourneen fertig waren. Davon hätten natürlich in
erster Hinsicht die Musiker profitiert, die auch in
der Regel die Komponisten waren. Das verweigerte
aber das Opernhaus und bezog sich auf
einen Arbeitsvertrag mit dem Band leader und
Hauptkomponsiten von WARLOCK, ein Engländer
– Jon Symon, bekannt als Rasputin One
Man Band in der Szene. Dieser angebliche Ver -
trag beinhaltete auch die Urhe ber rechte. Wir hatten
nach Vollendung und vor der ersten Auffüh rung
einen Bühnenverlagsvertrag mit der Band ge -
schlos sen und vorher waren die einzelnen Titel
auch bei uns schon lange in unserem Musik -
verlag verlegt und eine LP mit der Musik veröf-
Reinhold Heil bei uns im Studio für Demos
mit seiner Band BAkMAK für die Teldec,
bevor er zu Nina Hagen Band ging – 1972
Peter Röbke und ich Hildesheimerstr.
Hannover – 1974
Skiffle Group mit meinem Bruder und
Lindenstraßen-Beimer – WDR TV – 1996
fentlicht worden. Danach produzierten wir nochmals
die Musik in der Rockballett-Fassung. Unser
Bühnenverlagsvertrag konnte ja erst mit Vollen -
dung des Werkes abgeschlossen werden. Das
Opernhaus drehte aber den Spieß um und be -
hauptete, sie hätten mit Jon Symon eine Tag eher
einen Arbeitsvertrag abgeschlossen (für die Tä -
tig keit mit ihm und der Band, da sie ja live dazu
spielten), und hätten sich von Jon Symon versichern
lassen, dass er die Urheberrechte habe.
Damit meinte Jon nur, dass er die Werke allein
geschrieben habe und nicht mehr. Aber das
wurde vom Opernhaus als normale U-Musik mit
der GEMA abgerechnt, die dafür dann später
lediglich 6 000 DM auszahlte. Eine erhebliche
Differenz gegenüber dem Großen Recht. Man
muss dabei auch bedenken, dass die Sub ven tio -
nen des Staates für die Theater darin auch enthalten
waren, nämlich, dass die Urheber-Musiker
davon profitiert hätten, denn alle Konzerte waren
immer mit im Durchschnitt 1 000 Leuten und einmal
sogar in Berlin im ICC mit 5000 Leuten ausverkauft.
Dieses Geld konnte das Opernhaus
somit einbehalten. Da wir aber das Opernhaus,
nämlich die Stadt Hannover, verklagt hatten, lief
der Prozess für uns negativ aus. Wir gingen zwar
bis Karlsruhe, aber auch dort wurde uns kein Recht
zugesprochen. Der Skandal, so empfinde ich es
bis heute, war, dass das Urteil dort ohne Be grün -
dung erfolgte, lediglich mit dem Hinweis: keine
Aussicht auf Erfolg!
MM: Welche Erfahrungen hast du daraus
mitgenommen?
MICHAEL: Wir haben dann die Musiker der nachfolgenden
Opernhaus-Produktion LOVE OR WAR,
einer weiteren Hannover-Band, beraten und ihnen
mitgeteilt, dass sie vor Vertrags unter zeich nung
schnell das Gesamtwerk als Großes Recht bei
der GEMA anmelden sollten. Das hat auch ge -
klappt und sie bekamen den ihnen zu stehenden
Be trag. Allerdings war das Werk kein großer
Erfolg und wurde nach der Spielzeit nicht mehr
aufgeführt. Ich habe mich dann zum Ex perten
des Großen Rechts entwickelt und wir haben
selber noch einmal ein neues Werk mit dem polnischen
Staats ballett Lodz unter dem Titel
FAUST ROCKBALLETT erschaffen. Das Stück
wurde auch bei uns verlegt und wir rechneten
immer selber mit den Theatern und Musi kern ab
und nicht über die GEMA.
MM: Wie sieht dein Alltag heute aus?
MICHAEL: Ich betreue heute unser Label Lava
Records und bin dabei, all unsere Werke, soweit
wir dazu berechtigt sind, neu für den digitalen Ver -
trieb zu veröffentlichen und bin etwas im Jazz -
bereich der Hannover-Szene tätig.
MM: Welche Pläne hast du für die Zukunft?
MICHAEL: Na, ich hoffe, ich kann das alles noch
lange weitermachen und mein Wissen an die
Musiker weitergeben.
INTERVIEW: JANA MOYSICH
FOTOQUELLE: MICHAEL MELLENTHIN
musiker MAGAZIN 4/15 | 1/16

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44 STORIES
MS SINGER’S SWINGERS
Berlin’s 1st Swing-Fusion Orchestra
Binnen eines Jahres hat sich ein Ensemble unter Leitung einer Frau
zusammengefunden, um im dreimonatigen Inszenierungs-Akkord
selbstorganisiert sein erstes eineinhalbstündiges Show-Programm im
Ballhaus Berlin uraufzuführen.
Die Gründerin und Sängerin Ms Singer hat
zusammen mit dem Pianisten, Dirigenten
und Komponisten Benjamin Pontius das Genre
Swing-Fusion erfunden. Gemeinsam mit einem
Elektronik-Künstler und sechs weiteren Musikern
bieten sie glamouröses Entertainment nach USamerikanischer
Show-Tradition.
MM: Was versteht ihr unter Swing-Fusion?
MS SINGER: Swing-Fusion ist mehr als herkömm -
licher Electro-Swing. Es geht nicht darum, die
Elek tronik als Stilelement einzubeziehen, son-
dern darum, den Swing als solchen mit anderen
beliebten musikalischen Genres wie Pop, Rock,
Funk, Boogie Woogie und Latin zu einem aufregenden
Klangerlebnis zu vereinen. Was bei uns
als Besonderheit hinzukommt, ist, dass der elektronische
Sound von unserem Elektronic-
Künstler Ioka in Echtzeit auf seinem selbstgebauten
elektronischen Percussion-Instrument
gespielt wird, nicht wie bei Electro-Swing üblich
von einem DJ. Durch die Verbindung von Live-
Elektronik und akustischen Instrumenten verwandelt
sich der Klang einer Band zu dem eines
Orchesters.
MM: Was ist das Besondere an eurem Or -
chester und eurem Sound?
MS SINGER: Abgesehen von unserer ganz eigenen
musikalischen Handschrift steht Ms Singer’s
Swingers in erster Linie für glamouröses Show-
Entertainment im Vintage-Look der 1920er bis
1940er. Anders als beim bekannten Nummern -
programm, bei dem sich Song an Song zumeist
ohne Moderation aneinanderreiht, erzählen wir in
Form von inszenierten Shows in sich ge schlos -
sene Geschichten. Inspirieren lassen wir uns von
der US-amerikanischen Show-Tradition, in der lie-
musiker MAGAZIN 4/15 | 1/16

STORIES 45
bevolle Details wie die Auswahl von Licht, glanzvollen
Kostümen, Choreografie, Tanz und Show-
Einlagen eine elementare Rolle spielen. Der Unter -
haltungswert steht bei uns im Vordergrund. Dass
wir ein jugendliches Ensemble sind, kommt uns
dabei zugute, uns vom Big-Band-Mainstream
abzuheben. Das Genre wird oft von gestandenen
Old-Stars bedient. Unsere Musiker kommen
aus verschiedenen musikalischen Hintergründen
wie Jazz, Rock, Pop, Klassik, Elektronik und Kom -
position. Das macht unsere Formation besonders.
Darüber hinaus haben wir starke individuelle
Persönlichkeiten, was uns im Zusammen s piel auf
der Bühne bereichert.
»Swing ist eine
wunderbare
Liebeserklärung an das
Leben als solches.«
PROFI SOUND,
VON ANFANG AN.
MM: Ihr sagt, eure Mission sei, die goldene
Ära der Big Bands wieder auf die Bühne
beziehungsweise in den Tanzsaal zu bringen.
Wie macht ihr das?
MS SINGER: Uns geht es darum, das Lebens -
ge fühl einer sehr stilvollen und gut gekleideten
Epo che zu zelebrieren. Einer Epoche, die als
Gegen gewicht zu politischen und wirtschaftlichen
Krisen das Leben zu fröhlich-romantischer
Swing-Musik im Ballsaal rauschend mit allen
Sinnen gefeiert hat. Wir wollen keine Kopie er -
zeu gen. Statt dessen wollen wir mit unserer Swing-
Fusion-Handschrift die Nostalgie des Altbe währ -
ten ins Hier und Jetzt bringen. Um die Magie vergangener
Tage wieder aufleben zu lassen, setzen
wir auf den glamourösen Vintage-Look der 1920er
bis 1940er. Unser extravaganter Inszenierungsstil
mit funkelndem Showcharakter, der ab wechs -
lungs reichen Show einlagen präsentiert, rundet
dieses Konzept ab.
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46 STORIES
»Wir wollen mit unserer
Swing-Fusion-Handschrift die
Nostalgie des Altbewährten
ins Hier und Jetzt bringen. «
MM: Warum haben es euch diese goldene
Ära und die Musikrichtung Swing als solche
an getan?
MS SINGER: Ich liebe den Stil und die Klasse, vor
allem aber das Lebensgefühl dieser glanzvollen
Zeitepoche. Es ging zu dieser Zeit um Menschen,
die das Leben mit Werten wie Schönheit, Ge nuss,
Freude und Liebe durch den Swing gefeiert haben.
Swing ist eine wunderbare Liebeser klärung an
das Leben als solches. Wir sind fasziniert von
der treibenden Rhythmik und den interessanten
Harmonien der Musik und den Stim mun gen,
die sie vermitteln kann.
MM: Wie habt ihr euch als Orchester gefunden?
MS SINGER: Die beiden Köpfe des Orchesters
haben sich auf einer Networking-Veranstaltung in
Berlin kennengelernt. Zu diesem Zeitpunkt war
der Gedanke, Swing mit elektronischen Elementen
zu verbinden, bereits Bestandteil eines Konzeptes.
Durch Zufall kannte Ben aus seinem Studium
einen Komponisten, der sich mit Live-Elektronik
beschäftigt und damals sein eigenes Instrument
konstruiert hatte. Er war von der Idee angetan und
stieg nach kurzer Zeit mit ein. Zuvor hatten wir in
kleiner Besetzung mit Klavier, Drums, Bass und
Gitarre geprobt. Die Musiker haben wir größtenteils
über Bekanntschaften und Empfehlungen
von Kollegen kennengelernt und sie zum ge -
meinsamen Proben eingeladen. Die wichtigsten
Auswahlkriterien waren die Begeisterungs fähig keit
für das Genre und eine starke musikalische und
persönliche Präsenz. Wir haben nach Persönlich -
keiten gesucht, mit denen wir Spaß auf der Bühne
haben können. Die Essenz von Swing ist Spaß.
Das spürt und begeistert das Publikum.
MM: Wie probt ihr?
MS SINGER: Am Anfang steht immer die Defi ni -
tion eines neuen Programms. Welche Songs wollen
wir erarbeiten? Was für eine Story wollen wir
erzählen? Wir wählen die Songs nicht nur nach
musikalischen, sondern auch nach dramaturgischen
Gesichtspunkten aus. Nachdem die Aus -
wahl getroffen ist, werden die Songs maßgeschneidert
für unser Orchester arrangiert. Dann
werden sie an alle Musiker geschickt, damit sie
die Songs in Heimarbeit vorbereiten. Bei den Pro -
ben arbeiten wir am Zusammenspiel, am Sound
und an anderen Feinheiten. Unsere Arbeitsweise
entspricht der eines klassischen Orchesters.
MM: Welche Pläne und Ziele habt ihr für die
Zukunft?
MS SINGER: Mittel- bis langfristig wollen wir unsere
Bläserformation um Posaune, Klarinette und
eine zweite Trompete erweitern. Bevor wir diesen
Schritt gehen, wollen wir zeitgenössische Swing-
Komponisten für unser Ensemble gewinnen, die
Lust haben, Songs für uns zu schreiben. Zurzeit
spielen wir ausschließlich Cover-Songs aus dem
American Songbook, der Film- und Popmusik
und Cover zeitgenössischer Swing-Interpreten
wie Caro Emerald, Roger Cicero und Barbara
Schöneberger. Ansonsten wollen wir gerne auf
Electro-Swing-Partys, Swing-Tanzveranstal tun gen
und Festivals mit Swing-Bezug spielen – zum Bei -
spiel dem Elb-Jazzfestival oder dem Reeperbahn -
festival. Internationale Festivals, wie das Jazz-
Festival in Nizza oder Juan Les Pins in Süd frank -
reich wären auch attraktiv für uns. Es gibt auch
schon ein Konzept für das erste eigene Swing-
Fusion-Album.
MM: Denkt ihr, Swing hat eine Zukunft?
Wieso?
MS SINGER: Unbedingt! Swing ist ein glanzvoller
und zeitloser Klassiker, der die Menschen immer
wieder mit seiner Lebensfreude und Romantik be -
geistern wird. Auch im neuen Jahrtausend wollen
wir diese mitreißende Musik in guter alter „Rat-
Pack-Tradition“ mit allem, was dazugehört, zelebrieren.
Let there be Swing!
WEB: WWW.MS-SINGERS-SWINGERS.DE
FACEBOOK.COM/MSSINGERSSWINGERS
INTERVIEW: JANINA HEINEMANN
FOTOS: © MICHAEL CLEMENS;
© HAIK BÜCHSENSCHUSS
musiker MAGAZIN 4/15 | 1/16

SESSION PRO
STORIES 47
Die Techniker von session pro haben 2014 die
Veranstaltungstechnik beim Deutschen Rock & Pop Preis
übernommen. Alexander Schad berichtet von
den besonderen Herausforderungen und seiner Liebe
zu Veranstaltungstechnik.
MAKE
MUSIC
NEW DRUM BOOKS
Claus Hessler D. Russo Antunez
MM: Session gibt es seit 1979, zunächst als
eine Art Musikerwohnzimmer. 1988 kam eine
Veranstaltungstechnikabteilung hinzu.
Warum?
ALEXANDER SCHAD: Die Anforderungen unserer
Kunden, größtenteils Bands und Tanzmusiker,
sind im Bereich Beschallung und Beleuchtung ge -
wachsen. Immer mehr Bands mussten größere
Lokationen mit Technik ausstatten, die sie aber
zu selten im Einsatz hatten, als dass es lohnend
gewesen wäre, sie sich selbst zu kaufen. Wir be -
kamen die Anfrage, ob man nicht den passenden
Verstärker oder Lautsprecher ausleihen könnte.
Wir haben darauf reagiert und den ersten Verleih
in kleinstem Rahmen aufgebaut.
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BLUES–BAUSTEINE
für Gitarre von Andi Saitenhieb!
MM: Ihr habt 2013 und 2014 beim Deut schen
Rock & Pop Preis für guten Sound und optimales
Licht gesorgt. Was waren dort die größ -
ten Herausforderungen?
ALEXANDER: Der Rock & Pop Preis ist ein Fes -
tival, bei dem jede Band und jeder Künstler einen
Song darbietet. Der Umbau auf den nächsten
Künstler muss in wenigen Sekunden stattfinden.
Das bedeutet für die Crew, sich alle fünf Minuten
auf eine neue Situation einzustellen, sodass jedem
Künstler die optimale Möglichkeit seiner Dar stel -
lung geboten wird. Licht, Monitorsound und Be -
schallungston werden in wenigen Sekunden für
jeden Künstler individuell angepasst.
MM: Was war das Besondere?
ALEXANDER: Als Erstes muss man Ole Seelen -
meyer für sein Engagement und das Feuer, das
in ihm für diese Veranstaltung brennt, in den Vor -
dergrund stellen. Die Zusammenarbeit mit seinem
Team und die Art der Veranstaltung suchen ihres -
gleichen. Es ist beeindruckend, wie viele Künstler
aus allen Sparten der Musik und der Entertain -
ment-Branche an diesem Contest teilnehmen.
MM: Worauf muss man am meisten achten?
»Wir arbeiten in der
Entertainment-Branche
und sind dazu da, anderen
Menschen Emotionen
und Infor mationen zu
vermitteln. Wenn es
angekommen ist, haben
wir alles richtig gemacht.«
ist individuell. Wir haben explizit zwei Techniker
am Start, die die Künstler rechtzeitig vor ihrem Auf -
tritt nach dem benötigten Setup befragen, sodass
der Auftritt ohne Komplikationen stattfinden kann.
Schließlich geht es um einen Contest, der für alle
Beteiligten mit den gleichen Auftrittsbedingun gen
stattfinden soll. Wir passen das Setup für jeden
Künstler individuell an.
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ALEXANDER: Der Erfolg dieser Veranstaltung
steckt im Detail der Vorbereitung. Jeder Künstler
MM: Was ist das Geheimnis einer – aus tech -
nischer Sicht – gelungenen Veranstal tung?
alfredverlag.de | alfredmusic.de

48 STORIES
»Das Geheimnis einer gelungenen Veranstaltung ist
eigentlich ganz einfach: Man nimmt eine Crew,
die mit viel Motivation und En gagement ihren Job
macht, dazu das beste Material,
das man auf dem Markt für Geld be kommen kann,
und einen Projektleiter, der jedes Projekt
mit höchster Priorität durchführt und perfekt mit
dem Kunden zusammenspielt.«
ALEXANDER: Das Geheimnis einer gelungenen
Veranstaltung ist eigentlich ganz einfach: Man
nimmt eine Crew, die mit viel Motivation und En -
gagement ihren Job macht, dazu das beste
Material, das man auf dem Markt für Geld be -
kommen kann, und einen Projektleiter, der jedes
Projekt mit höchster Priorität durchführt und perfekt
mit dem Kunden zusammenspielt.
MM: Wie lange brauchtet ihr, um alles für
den Deutschen Rock & Pop Preis aufzubauen,
zu installieren, abzubauen?
ALEXANDER: Der Aufbau für den Deutschen Rock
& Pop Preis dauerte in der Regel etwa zwölf Stun -
den, inklusive der technischen Einrichtung. Der
Abbau erfolgte in vier Stunden nach Veran stal -
tungs ende.
MM: Ihr veranstaltet sowohl Firmen-Events
als auch Konzerte oder Großveranstaltungen
in Stadien. Was magst du am liebsten?
ALEXANDER: Diese Frage ist schwer zu beantworten.
Die Emotionen und Eindrücke, die man
bei einer Stadion-Show bekommt, sind gewaltig.
Ebenso aber auch die Eindrücke, die man bei
100 begeisterten Zuschauern mit standing ovations
bei einem kleinen Firmenevent erlebt. Nach
15 Jahren bei Live-Produktionen kann ich sagen,
dass am Ende des Tages die Anspannung bei
einem Event für 50 Personen genauso groß wie
bei einem Event für 50 000 Personen ist. Wenn
es nach dem Ende der Show heißt: „Vielen Dank,
wir hatten schöne Momente in den letzten Stun -
den“, ist mir egal, wie groß die Show war. Wir
arbeiten in der Entertainment-Branche und sind
dazu da, anderen Menschen Emotionen und Infor -
mationen zu vermitteln. Wenn es angekommen ist,
haben wir alles richtig gemacht.
MM: Was war deine bisher beste Veran stal -
tung? Warum?
ALEXANDER: Auch hierzu fallen mir viele Ver an -
staltungen ein, bei denen es mir schwerfällt, eine
Entscheidung zu treffen, welche die beste gewesen
ist. Die mit Sicherheit prägendste Veran stal -
tung für mich war Anfang 2000 mein erster Moni -
tor-Job für die Band „Tower of Power“. Als Neuling
am Monitorpult war ich von der Perfektion und
akribischen Spielweise der Band überwältigt.
Diese Show war für mich ein prägender Moment.
Ich habe gelernt, dass die Zusammenarbeit zwischen
Band und Techniker sich positiv auf die
Show auswirken und man dadurch schöne und
spannende Momente erleben kann. Dies hat sich
bei der Zusammenarbeit in den vergangenen 15
Jahren mit meinen von mir betreuten Künstlern
immer wieder bewahrheitet. Kommunikation und
das kleine bisschen Mehr sind der Schlüssel zum
Erfolg.
MM: Was ist das Wichtigste, um guten Sound
zu schaffen?
ALEXANDER: Dafür gibt es kein Patentrezept. Das
ist ein Zusammenspiel zwischen der Hallen akustik,
den eingesetzten Lautsprechern und der Bühnen -
lautstärke. Auch hier ist es wichtig, dass die Band
oder der Künstler mit der Technikcrew zusammen -
arbeitet, um für den Zuschauer das bestmögliche
Ergebnis zu produzieren.
MM: Wie bestimmt ihr, welches Licht oder
welche Lichteffekte gerade passend sind?
ALEXANDER: Dazu macht sich einer unserer
Licht designer im Vorfeld mit dem Programm vertraut
und setzt passend zum künstlerischen Vor -
trag die Lichtsets um. Hier gibt es auch keine
Standards. Jeder Designer ist individuell. Allerdings
gibt es ein paar Basics, die immer dazugehören.
MM: Ihr installiert auch Sound- und Licht -
anlagen fest. Was macht mehr Spaß – Events
oder Festinstallationen vorzunehmen?
ALEXANDER: Wir haben eine eigene Abteilung
mit Kollegen, die sich ausschließlich um die In -
stal lation kümmern. Das ist ein ganz anderes
Business. Ich selbst habe mein Herz in der Live-
Entertainment-Branche und kann mit Fest instal -
la tionen wenig anfangen. Unsere Kollegen aus
der Installation sehen das genau umgekehrt. Die
Schnittmenge zwischen beiden Sparten meistern
wir gemeinsam und tauschen uns über Er -
fahrungen aus beiden Bereichen aus. Somit sind
wir bei session pro immer auf dem aktuellsten
Stand, was der Markt gerade fordert.
MM: Was begeistert dich an Veranstaltungs -
technik?
ALEXANDER: Ich habe mein Hobby zum Beruf
gemacht und kann nach fast 20 Jahren sagen,
dass es eine richtige Entscheidung war. Man lernt
viele nette Menschen kennen, jeder Job ist anders
und jeder Künstler individuell. Genau das macht
es für mich aus, um für diesen Job zu brennen.
Meine Motivation ist heute noch die gleiche wie
am ersten Tag. Das ist dem individuellen Job, den
wir täglich erleben, zu verdanken.
WEB: WWW.SESSION-PRO.DE
INTERVIEW: JANINA HEINEMANN
FOTOQUELLE: SESSION PRO
musiker MAGAZIN 4/15 | 1/16

MUSIKRECHT:
HÄTT’ ICH BLOSS NICHT GEFRAGT!
MUSIK & RECHT 49
Wer selbst gemachte Videos mit Musik unterlegen will,
braucht die Nutzungsrechte daran. So weit, so klar. Gregor Honsel hat versucht,
sie zu bekommen. Und plötzlich war gar nichts mehr einfach.
Gregor Honsel, Technology-Review-Redak -
teur, ist gerne bereit, für die Verwendung
von Musik zu bezahlen und sämtliche Rechte zu
berücksichtigen – wenn es denn mit vertretbarem
Aufwand möglich wäre.
Die ganze Geschichte fing damit an, dass ich
meine Urlaubsvideos mit Musik hinterlegen und
legal ins Netz stellen wollte. Das kann keine große
Sache sein, dachte ich. Welch ein Irrtum!
Bei YouTube klopft ein Türsteher-Algorithmus
meine Videos auf urheberrechtlich bedenkliche
Inhalte ab und sperrt die meisten. Immerhin listet
mir YouTube auf, welcher Song gegen wessen
Rechte verstößt. So erfahre ich unter anderem,
dass die Sperre nur in genau einem Land auf diesem
Planeten gilt. Aber leider ist das Deutsch land.
Hintergrund ist ein Streit mit der GEMA. Bestimmte
„werbeunterstützte“ Stücke darf ich hingegen ver -
wenden, darunter auch Songs von Katzenjammer.
Dann landen die Einnahmen bei den Rechtein -
habern. Als Alternative schlägt mir YouTube einige
GEMA-freie Stücke vor. Doch das ist für mich
keine Option. Ich habe ziemlich genaue Vorstel lun -
gen darüber, welche Songs ich haben möchte –
und würde auch dafür zahlen.
Die Gebühr dafür liegt laut GEMA-Vergü tungs -
satz „VR-OD 4“ bei 0,0011 Euro pro Abruf. Macht
bei etwa 1.000 Abrufen im Jahr also etwas mehr
als ein Euro. Prima, zahl ich gerne. Nur an wen?
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50 MUSIK & RECHT
Nach Rechtsauffassung der GEMA muss die Platt -
form und nicht der einzelne Nutzer die Gebühren
abführen.
Zum Glück haben einige Videoportale wie
MyVideo, Clipfish, Vevo, Tape.tv, Videoload und
Dailymotion Deals mit der GEMA abgeschlossen.
Ich entscheide mich für Dailymotion, auch wenn
ich hier ebenfalls die Kröte schlucken muss, dass
vor den Clips Werbung läuft. Die ersten vier Videos
laufen problemlos durch. Beim fünften aber meckert
der Türsteher-Algorithmus: „Einige Elemente
Ihres Videos verletzen die Rechte am geistigen
Eigentum Dritter. Sie wurden auf Wunsch der
Rechteinhaber entfernt.“
Regel gleich mit einbezogen. Doch ob das bei meinen
Dailymotion-Videos auch der Fall ist, konnte
mir niemand sagen.
Als sei das alles noch nicht verworren genug,
gibt es auch noch die Sync-Rechte, die es überhaupt
erst erlauben, Musik mit einem Video zu
verbinden. Sie werden wiederum von den Musik -
verlagen vertreten. Über eine GEMA-Datenbank
suche ich nach den Rechteinhabern für „A Bar in
Amsterdam“ von Katzenjammer. Die Datenbank
spuckt mir 15 Beteiligte aus. Ich maile die Sony/
ATV Music Publishing GmbH als „Subverleger“
an. Zwei Monate lang erhalte ich keine Antwort.
Kein Wunder. Die Mitarbeiter haben sicherlich
ihrer Musik geschieht – damit sie beispielsweise
nicht bei NPD-Werbespots benutzt wird. Meine
Urlaubsvideos sind aber in jeglicher Hinsicht harmlos.
Außerdem trage ich ja auch zum Umsatz der
Rechteinhaber bei, während ich selbst keinen
Cent bekomme. Und ich mache kostenlose
Werbung für meine Lieblingsband. Trotzdem lässt
sich der Verlag nicht einmal dazu herab, mir sein
Verbot zu begründen.
„So, wie es jetzt ist, ist es grotesk“, sagt Leonhard
Dobusch, Juniorprofessor an der FU Berlin. Die
Re gelung gehe davon aus, dass „Rech te nur
jemand klärt, der damit Geld verdienen will“. Für
alle anderen sei das System nicht ausgelegt. Ein
Vertreter der Musikindustrie, der nicht namentlich
genannt werden möchte, gibt zu: „Lebenssach-
verhalt und Rechtssachverhalt klaffen hier auseinander.“
Er versichert mir immerhin, dass noch
nie ein privater Nutzer wegen fehlender Leistungs -
schutz- oder Sync-Rechte abgemahnt worden sei.
Jetzt, wo ich den Verlag explizit auf meine
Videos aufmerksam gemacht habe, möchte ich
mich aber nicht darauf verlassen und nehme sie
grummelnd aus dem Netz. Damit endet mein Ex -
periment ziemlich unbefriedigend. Hätte ich nicht
nachgefragt, wären meine Videos wahrscheinlich
für alle Zeiten unbeanstandet geblieben. Wer sich
korrekt verhält, ist in diesem Fall also der Dumme.
Aber ich habe es ja nicht anders gewollt.
Wie jetzt? Eigentlich sollte die Lizenzfrage doch
geklärt sein. Der Support von Dailymotion hat
offen bar auch keine Ahnung, was genau die Algo -
rithmen so alles treiben. Er empfiehlt mir, den Clip
einfach um eine Sekunde zu kürzen und unter
einem anderen Dateinamen noch einmal hochzuladen.
Tatsächlich – so funktioniert’s.
Aber bin ich rechtlich damit wirklich aus dem
Schneider? Ich forsche nach, und jetzt beginnt
es, richtig kompliziert zu werden. Denn die GEMA
ist nur für die Rechte der Komponisten und Texter
zuständig, nicht aber für die „Leistungsschutz-
rechte“ der Interpreten und Plattenfirmen. Diese
werden entweder von der Gesellschaft für Leis -
tungsschutzrechte wahrgenommen oder von den
Plattenfirmen selbst. Gibt es einen Deal mit der
GEMA, werden die Leistungsschutzrechte in der
Besseres zu tun, als jedes einzelne Urlaubsvideo
abzunicken. Aber hey, Leute: Ich habe mir die
Regeln nicht ausgedacht.
Erst als ich mich als Journalist oute und etwas
drängle, bekomme ich ein zweiseitiges Formular
zugeschickt. Ich fülle es aus und erhalte postwendend
die Mitteilung, dass man mir „sämtliche
Musikwerke nicht genehmigen“ könne und ich sie
aus dem Netz nehmen möge. Das muss man erst
mal sacken lassen: Auf YouTube haben die Rechte -
inhaber Katzenjammer-Songs explizit zur Ver wen -
dung freigegeben, aber auf Nachfrage ent ziehen
sie das Recht wieder. Eine Begründung be komme
ich auch auf telefonische Nachfrage nicht.
Ich kann verstehen, dass Künstler sich das
letzte Wort darüber vorbehalten wollen, was mit
Mein Gegenvorschlag: Beim Download eines
MP3-Files kann der Nutzer anklicken, ob er etwa
Rechte für eine Videoverwertung gleich mit er -
werben möchte – dafür kostet die Datei dann
eben nicht mehr 99 Cent, sondern, sagen wir,
1,29 Euro. Für bereits vorhandene Dateien könnte
man über iTunes oder andere Plattformen die
Rechte nachkaufen. Dafür gäbe es dann ein digitales
Zertifikat – eine Art Gebührenmarke –, das
gemeinsam mit einem Video hochgeladen werden
kann. Das hätte auch Vorteile für die Künstler: Sie
könnten mit einem solchen Zertifikat bestimmte
eigene Songs zur allgemeinen Nutzung freigeben.
Derzeit haben sie nur die Wahl, sich komplett aus
der GEMA-Vermarktung zu verabschieden.
Apple hat mit iTunes gezeigt, dass Nutzer durch -
aus zahlungsbereit sind – wenn man es ihnen
einfach macht. Die Lage hierzulande ist aber das
Gegenteil davon.
TEXT: GREGOR HONSEL
TEXTQUELLE: WWW.HEISE.DE/TR/ARTIKEL/
MUSIKRECHTE-HAETT-ICH-BLOSS-NICHT-
GEFRAGT-2761389.HTML
GRAFIKEN: © FRESHIDEA/FOTOLIA.COM;
© GSTUDIO GROUP/FOTOLIA.COM
musiker MAGAZIN 4/15 | 1/16

PRODUKT-NEWS 51
KÖNIG & MEYER KEYBOARDTISCH „OMEGA“
jetzt in Rot erhältlich
VON 9 ZOLL TABLETS BIS IPAD PRO
ALLES IM GRIFF
Parallel zu den für die aktuellen iPad-Modelle
passend gefertigten Haltern bringt König &
Meyer eine neue Serie von universell einstellbaren
Tablet-PC-Haltern auf den Markt. Die
Arme der neuen Halter können auf die
Größe des Tablets eingestellt werden und
nehmen so Geräte mit einer Höhe von 220
bis 331 mm und einer Breite von 128 bis
232 mm auf. Die Tiefe der zu verwendenden
Tablets kann dabei zwischen 5 und 11 mm
variieren. Neben den klassischen iPads,
Der robuste Keyboardtisch „Omega“ von
König & Meyer ist seit Dezember auch in
der Farbe Rubinrot erhältlich, welche unter
anderem zu Keyboards, wie dem Nord Stage,
dem Nord Lead oder dem Korg SV1 passen
soll. Der Aufsatz 18813 für ein zweites Key -
board ist ebenfalls in Rot erhältlich.
Der „Omega“ hat eine Gesamt-Tragkraft von
80 kg und ist somit für schwere Stage-Pianos
oder Masterkeyboards mit Hammerme cha -
nik geeignet. Die Höhe des „Omega“ ist über
zwei Rast-Klemmschrauben von 600 bis
1.020 mm feinstufig einstellbar und ermöglicht
so das Spielen sowohl im Sitzen als
auch im Stehen. Zudem besticht das Stativ
durch ein flaches Packmaß. Die UVP der
rubinroten Version wird bei 152,90 Euro für
den „Omega“ 18810 und bei 88,90 Euro für
den Aufsatz 18813 liegen.
Weitere Informationen: www.k-m.de
dem iPad Air, einem Samsung Galaxy Tab
(ab 9,7“) und dem Microsoft Surface oder
Surface Pro passt unter anderem auch das
große iPad Pro in den Halter. Die Tablets
werden über einen Schnappverschluss in
die fertig eingestellte Halterung eingesetzt
und ebenso wieder entnommen. Angeboten
werden drei verschiedene Halterversionen.
Der Tablet-PC-Stativhalter 19791 wird per
3/8“ oder 5/8“ Innengewinde auf ein Mikro -
fonstativ aufgeschraubt. Das Modell 19790
kann alternativ dazu mit einem Klemm pris -
ma seitlich an jedes Rohr mit einem Durch -
messer von maximal 30 mm angeklemmt
werden. Das Tablet-PC-Tischstativ 19792 mit
seinem robusten Standfuß ist ideal für den
Studio- und Heimbereich geeignet. Alle Hal -
terungen können zwischen Hoch- und Quer -
format gedreht werden. Zudem werden auch
die Neigung und der Winkel der Halter einstellbar
sein.
UNVERBINDLICHE PREISEMPFEHLUNG DES
HERSTELLERS:
19790: 39,90 Euro
19791: 56,90 Euro
19792: 59,90 Euro
Weitere Informationen: www.k-m.de

52 PRODUKT-NEWS
FRANK BRUNS
PRACTICE PAD WORKBOOK
mit integriertem Practice Pad
SENNHEISER HD 25 – DAS PORTFOLIO DES KOPFHÖRER-
KLASSIKERS WIRD VERSCHLANKT
Umfangreiches Übungsmaterial für das Übungspad oder
die Snare zur Verbesserung der Spieltechnik, Kontrolle,
Aus dauer und Geschwindigkeit. Mit einem am Buch integrierten
Practice Pad. Die Übungen berücksichtigen die
Technik beider Hände gleichermaßen. Enthält die 40 PAS
International Drum Rudiments, Warm-up-Übungen, Workouts,
Noteninterpretationen, Trainingspläne, Übungen zur Ent wick -
lung von Single- und Doublestroke Rolls sowie zu allen weiteren
Rudiments.
Wie der Titel schon verrät, geht es in diesem Lehrwerk vor
allem um das technische Handwerk am Practice Pad.
Basie rend auf den 40 PAS International Drum Rudi ments
findest du in diesem Buch zahlreiche Übungen, mit denen
du deine Spieltechnik, Kontrolle, Geschwindigkeit und Aus -
dauer verbesserst.
Diese Kombinationen der Rudiments berücksichtigen dabei
beide Hände gleichermaßen. Du führst bei jeder Übung
sowohl mit der rechten als auch mit der linken Hand. Wenn
die vorgestellten Übungen einmal rollen, wirst du feststellen,
dass das Üben auf dem Practice Pad wirklich Spaß
macht. Ein netter Nebeneffekt ist, dass du mobil bist und
auch an Orten üben kannst, wo eine Snare Drum viel zu
laut wäre. Letztendlich lassen sich deine musikalischen
Ideen am Schlagzeug mit einer soliden Spieltechnik besser
umsetzen. Dieses Buch setzt sicherlich eine gewisse technische
Affinität und etwas Erfahrung im Notenlesen voraus,
es ist aber durchaus auch für den engagierten Einsteiger
geeignet.
Frank Bruns, Jahrgang 1971, studierte Schlagzeug am
Konservatorium Maastricht und am Drummers Collective in
New York. Als freischaffender Musiker und Instrumentalpädagoge
betreut er zahlreiche Projekte. Neben der Leitung
seiner eigenen Drumschool spielt er in verschiedenen
Bands aus dem Jazz- und Popbereich und nahm an TV-,
CD- und Rundfunkproduktionen in Deutschland und den
Niederlanden teil. 2012 erschien sein Grundlagen buch
Schlagzeug Lernen und 2014 die Duettsammlung 41 Drum
Duets, beide im Leu-Verlag.
Weitere Informationen: www.leu-verlag.de
ISBN 978-3-78775-157-6, 110 Seiten, Euro 24,80
Spiralbindung mit am Buch integrierten Practice Pad
Audiospezialist Sennheiser strafft sein HD-25-Portfolio, um
die Produktauswahl einfacher zu machen: „Bei sieben Varian -
ten haben uns die Kunden oft gefragt, welches Modell denn
nun der HD 25 ist“, erklärt Jannik Schentek, Portfolio-Ma -
nager Live Performance & Music. Ab März wird es darum
den klassischen HD 25 mit nur zwei Schwestermodellen
geben: den HD 25 LIGHT mit anderer Ausstattung und den
HD 25 PLUS, der baugleich mit dem HD 25 ist, ihn aber um
weiteres Zubehör ergänzt. Die neuen Versionen lassen sich
am kompakten Sennheiser-Logo auf den Ohrmuscheln er -
kennen, die Typenbezeichnung und die Impedanzangabe,
die dort bisher ihren Platz hatten, werden nun auf dem
Kopf bügel zu finden sein.
Der klassische HD 25 zeigt sich wie gewohnt mit seinem
charakteristischen Spreizkopfbügel, einem einseitig geführten,
1,5 m langen Anschlusskabel und schwenkbarer Ohr -
muschel für das Monitoring mit einem Ohr. Die Enden des
Kopfbügels sind verbessert worden, damit die Ohrmuscheln
sicher einrasten. Leichte Aluminiumspulen sorgen für eine
exzellente Impulswiedergabe. Mit einem Frequenzgang von
16 bis 22.000 Hz, einer Impedanz von 70 Ohm und einem
Grenzschalldruckpegel von 120 dB ist der HD 25 für alle
Monitoraufgaben bestens gerüstet, sei es in der Außen -
übertragung, im Live-Betrieb oder am DJ-Pult. Dem HD 25
liegt ein Klinkenadapter (3,5 mm auf 6,3 mm) für das glatte
Stahladerkabel bei.
Das Schwestermodell HD 25 LIGHT ist die Einstiegsversion
für anspruchsvolle Consumer und kostenbewusste Pro-
Nutzer, die einen guten Kopfhörer für Monitoring und Mixing
suchen. Der HD 25 LIGHT hat einen einfachen Kopfbügel
und andere Treiber, meistert aber dank seines definierten
Basses und den detaillierten Höhen jede Monitor aufgabe
mit Bravour. Der Kopfhörer hat eine Impedanz von 60 Ohm,
einen maximalen Schalldruckpegel von 114 dB und einen
Frequenzgang von 30 bis 16,000 Hz. Für das glatte, beidseitig
geführte Stahladerkabel (3 m) liegt ein Klinken adapter
von 3,5 auf 6,3 mm bei.
Der HD 25 PLUS ist baugleich mit dem HD 25, bietet seinem
Nutzer aber weiteres Zubehör und die Auswahl zwischen
zwei Stahladerkabeln, einem Wendelkabel (3 m/1 m)
und einem glatten Kabel (1,5 m). Außerdem liegen ein prak -
tischer Aufbewahrungsbeutel und ein zweites Paar Ohr polster
in weicher Velours-Ausführung bei.
„Der HD 25 ist ein echter Klassiker, der einen hervorragenden
Ruf bei so unterschiedlichen Anwendern wie Broad -
cast-Profis und DJs genießt”, sagt Jannik Schentek. „Das
neue Portfolio ist deutlich übersichtlicher, sodass sowohl
Profianwender als auch anspruchsvolle Consumer genau den
richtigen Kopfhörer für ihren jeweiligen Einsatzzweck be -
kommen.“
Weitere Informationen: www.sennheiser.com
musiker MAGAZIN 4/15 | 1/16

PRODUKT-NEWS 53
RELACART – EIN ECHTER GEHEIMTIPP!
STROM UND DMX VEREINT –
CORDIAL HYBRIDKABEL CPH
Günstiger als die Konkurrenz und mit Funktionen ausgestattet,
die sonst nur bei richtig hochpreisigen Systemen angeboten
werden. Mit diesen Worten empfiehlt Steinigke Show tech -
nic die neu ins Sortiment aufgenommene Marke Relacart.
Zwar hat Relacart noch nicht den großen Bekanntheits grad
in Europa – doch bei Steinigke ist man sich sicher, dass
sich das ändern wird: „Wer die Systeme ausprobiert, der
weiß, dass sie nicht mehr lange ein Geheimtipp bleiben werden“,
erklärt Michael Dill, Leiter der Unternehmens kom muni -
kation.
Zwei Systeme sind gerade für Musiker besonders interessant.
Zum einen das HR-31S, welches durch seine Funktions -
vielfalt überzeugt. So lassen sich über ein Interface die Sys -
teme via PC überwachen und auch das Frequenz ma na -
gement und andere Einstellungen vornehmen. Dabei ist für
mehrere Systeme nur ein Interface nötig.
Wer auf spekatkuläres Mikrofon-Modeling zurückgreifen
will, der sollte sich die Magic-EQ-Software des UR-260D-
Systems unbedingt ansehen. Es stehen 7 Presets basierend
auf weltbekannten Mikrofonen (e835®, beta58®, e935®,
D5®, SM57®, N/D767a®, SM58®) und 2 benutzerdefinierbare
Presets für individuellen Mikrofonklang zur Ver -
fügung.
Wer mehr über Relacart erfahren möchte:
www.steinigke.de/Relacart
Wertvolle Aufbauzeit sparen war die Vorgabe für die Kom -
position der neuen CPH-Hybridkabel des deutschen Kabel -
herstellers CORDIAL.
CPH-Kabel kombinieren eine Stromversorgung mit Neutrik
powerCON Power-In/Power-Out und ein DMX-Kabel mit, je
nach Ausführung, 3- oder 5-poligen Neutrik XLR Male/
Female-Steckverbindern. Die Wahl eines präzisen 110-Ohm-
Wellenwiderstands-Kabels prädestinieren die CPHs für eine
durchschleifende Verbindung z. B. von DMX-gesteuerten
Scheinwerfern, LED-Wänden und Dimmerpacks.
Lieferbare Längen: 1,5 / 3 / 5 und 10 Meter
3-pol. = CPH_DMX 1 PWR 1
5-pol. = CPH_DMX 1-5 PWR 1
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54 PRODUKT-NEWS
VON DOMENICO RUSSO ANTUNEZ
QUINTESSENCE
Das Grundlagenwerk
für Drummer zum Thema Quintolen
NEUE SHURE RECORDING-
MIKROFONSERIE MOTIV
AB SOFORT ERHÄLTLICH
Plug & Play Recording mit Apple iOS, Mac
Mit Schritt-für-Schritt-
Anleitung
zum Erlernen des
Quintolen-Feels
Buch & MP3-CD
ISBN-13:
ISBN 978-3-943638-97-4
DIN A4,156 Seiten,
21,95 Euro
alfredmusic.de
Quintolen-Grooves bzw. das Quintolen-Feel sind auf dem
Vormarsch. Immer mehr Drummer spielen quintolenbasierte
Grooves oder komponieren Songteile im Quintolen-Feel auch
im Pop- und Rock-Genre. Die Herausforderung ist, diese 5er-
Unterteilungen richtig zu spüren und sich nicht mit extrem
schnellen Tempi zu überfordern. Das klingt schnell aufgesetzt,
und das Quintolen-Feel hört man nicht wirklich raus.
Nach intensiver Recherche und genauer Analyse von vielen
Lehrmitteln auf dem Markt konnte Autor Domenico Russo
Antunez nichts finden, das sich vertieft mit dem Quintolen-
Feel auseinandersetzt. Diese Recherchen haben ihn dazu
inspiriert, QUINTESSENCE zu schreiben. Damit das Gelernte in
einem musikalischen Kontext geübt werden kann, wurden
auch gleich quintolenbasierte Songs – als Play Alongs – in
den Stilen Bossa Nova, 12/8-Blues, Funk und Pop komponiert.
Mit QUINTESSENCE liegt das geeignete Tool für Drum -
mer vor, mit dem Schlagzeuger das Quintolen-Feel entwickeln
und die Quintolen wirklich selbst spüren können. Es ist das
Grundlagenwerk für Drummer zum Thema QUINTOLEN und
eines der ersten Lehrmittel auf dem Markt, das sich vertieft
mit diesem Feel auseinandersetzt. Der Autor Domenico
Russo Antunez – selbst Drummer, Clinician, Teacher &
Instructor an der SwissDrumAcademy und Beirat von
Percussion Creativ – gibt damit Schlagzeugern ein Werk zeug
an die Hand, mit dem sie das Quintolen-Feel von Grund auf
lernen können. Schritt für Schritt erklärt er, wie man das
Quintolen-Feel lernt, übt und dann in sein Spiel integrieren
kann. Das Ziel: So selbstverständlich, wie Schlagzeuger das
binäre und das ternäre Feel verinnerlicht haben, sollen sie die
Quintolen-Grooves und -Fills spielen können und in ihre
Songbegleitung und ihr Solospiel einbauen können. Und das
ganz ohne zu denken: Achtung: Quintole!
STIMMEN ZU DOMENICOS NEUESTEM WERK:
Claus Hessler: „Von mir fünf von vier Sternen.“
Jost Nickel: „Nicht oberflächlich, sondern obergründlich!“
Gabor Dornyei: „A very thorough and excellent job on the
teaching concept of quintuplets.“
Dom Famularo: „This book offers what no other book shows...
creative ideas using 5 note groupings and inspires you to
open your mind to 21st century drumming!“
Die neue Shure-Mikrofonserie MOTIV ist ab sofort deutschlandweit
im autorisierten Fachhandel erhältlich. Mit MOTIV
kommt Shure allen Usern entgegen, die qualitativ hochwertige
24-bit-/48-kHz-Audioaufnahmen mit ihrem Mac, PC,
iOS- oder Android-Gerät realisieren möchten. Die Anwen -
dungs möglichkeiten erstrecken sich von Podcasts und
Online-Videos über mobile Aufnahmen bis hin zum Recor -
ding von Live-Auftritten.
MOTIV umfasst vier Kondensatormikrofone (MV5, MV88,
MVL und MV51) sowie ein digitales Audio-Interface MVi.
Alle MOTIV-Produkte lassen sich direkt an iOS Devices mit
Lightning oder USB-Stecker anschließen, eine kostenfreie
Recording App ermöglicht zahlreiche Einstellmöglichkeiten
und das unkomplizierte Teilen via E-Mail und SMS.
„MOTIV ist die perfekte Lösung, um jederzeit großartige
Aufnahmen zu machen, auch unterwegs“, so Wolfgang Bilz,
Senior Product Manager Shure Europe. „Dank moderner
Smartphones und Tablets ist einfaches Recording unterwegs
heutzutage kein Problem mehr, auch, wenn die Qualität der
integrierten Mikros meistens doch eher zu wünschen übrig
lässt. Mit unseren MOTIV-Produkten steht erstklassigem
Sound „on the go“ nun nichts mehr im Wege.“
DIE PRODUKTE DER MOTIV-SERIE IN DER ÜBERSICHT:
• MV5 Kondensatormikrofon
Das MV5 ist das optimale Mikrofon für Voice-over-IP-
Konferenzen oder auch, um Vocals und Instrumente abzunehmen.
Das MV5 ist in Grau und Schwarz erhältlich und
bietet drei DSP Presets. Ein integrierter Kopfhörerausgang
erlaubt das Monitoring in Echtzeit.
• MV51 Großmembran-Kondensatormikrofon
Das digitale MV51 lässt sich dank der mitgelieferten Micro-
B auf Lightning und USB-Kabel komfortabel mit jedem AppleiOS-Gerät,
Mac oder PC verbinden. Ein Touch Panel ermöglicht
die Auswahl zwischen fünf Presets und die Einstellung
von Gain (Mikrofonpegel), Mute und Lautstärke.
• MV88 iOS Stereo-Kondensatormikrofon
Nutzer von iPhone und iPad können mit dem Shure MV88
erstklassige Klangergebnisse mit ihrem Apple Device mit
Lightning-Anschluss erzielen. Das MV88 ist klapp- und dreh -
bar und eignet sich damit auch perfekt für Videoauf nah -
men. Die ShurePlus MOTIV Mobile Recording App bietet fünf
DSP Presets, die Möglichkeit zum Einstellen des Stereo auf -
nahmewinkels sowie weitere Features.
• MVL Ansteckmikrofon
Das MVL sorgt für klare und zuverlässige Klangüber tra gung;
ideal für Vorträge, Interviews, Lesungen, Voice-Overs und
andere Recording-Anwendungen. Der 3,5-mm-Klinken -
stecker ermöglicht die Nutzung mit dem Kopfhörerausgang
jedes aufnahmefähigen Mobiltelefons oder Tablets.
• MVi Digitales Audio-Interface
Das MVi verbindet Standard-XLR-Mikrofone oder auch
Instrumente mit Klinkenanschluss mit jedem iOS-Gerät,
Mac oder PC. Über das Touch Panel können User aus fünf
Presets wählen oder Gain, Phantomspannung, Mute und die
Lautstärke des Kopfhörers anpassen.
• ShurePlus MOTIV Mobile Recording App
Die MOTIV iOS App ist kostenfrei im App Store erhältlich
und bietet eine Reihe an Features für digitale, qualitativ
hochwertige Aufnahmen in einem intuitiven Interface. Die
App ist mit allen MOTIV-Mikrofonen kompatibel und gibt
Nutzern die Möglichkeit, Dateien per E-Mail oder SMS zu
teilen sowie die Einstellungen in Echtzeit zu verändern.
Shure MOTIV:
www.shure.de/produkte/mikrofone/mikrofon-serien/motiv
musiker MAGAZIN 4/15 | 1/16

PRODUKT-NEWS 55
ERSTE DETAILS ZUM NEUEN RECORDER SD-20M VON TASCAM
Tascam kündigt den Solid-State-Recorder SD-20M an, ein nahme für mehrere Stunden mithilfe von AA-Batterien fortgesetzt
werden. Die Aufnahme- und Wiedergabefunktionen
besonders bedienungsfreundliches Modell zu einem un -
schlag baren Preis. Der Recorder benötigt im Rack nur eine lassen sich bequem per drahtgebundener Fernbedienung
Höheneinheit und ist mit zwei Mikrofonvorverstärkern inklusive
Phantomspeisung ausgestattet, die die Direktauf nahme die Wiedergabegeschwindigkeit ohne Beeinflussung der Ton -
oder per Fußschalter steuern. Zudem wird es möglich sein,
mit Mikrofonen ermöglichen. Dabei kann die Aufnahme im höhe zu ändern.
Vierkanalbetrieb gleichzeitig über die beiden Mikrofon- und
die Lineeingänge erfolgen. Im Dualaufnahmemodus lässt sich Speziell entwickelt für Festinstallationen in Schulen, Kirchen,
parallel eine zweite Aufnahme mit niedrigerem Pegel erstellen,
um gegen etwaige Übersteuerungen gewappnet zu sein. sich der Tascam SD-20M als flexible, preisgünstige Lösung
Konferenzräumen oder ähnlichen Einrichtungen empfiehlt
Der SD-20M ist mit einer Reserve-Batteriestromquelle ausgerüstet
– im Falle eines Stromausfalls kann damit die Auf - Weitere Informationen: www.tascam.de
für Langzeitaufnahmen.
TASCAM PRÄSENTIERT BLU-RAY-PLAYER FÜR INSTALLATIONEN
Tascam stellt seinen Blu-ray-Player BD-01U vor, ein für Fest -
installationen konzipiertes Videoabspielgerät mit einem Platz -
bedarf von einer Höheneinheit. Der hochauflösende Player
basiert auf dem erfolgreichen DV-D01U, der in Instal lationen
bereits zum Standard geworden ist, und bietet Fern steue -
rung über LAN, RS-232C oder die mitgelieferte drahtlose
Fern bedienung. Neben Blu-ray-Discs unterstützt er auch
die Wiedergabeformate DVD, WAV, MP3 sowie DTS und
Dolby. Bei Bedarf kann die Wiedergabegeschwindigkeit auf
bis zu 130 % erhöht werden.
Zusätzlich zum HDMI-Audio-/Videoausgang stehen auf der
Rückseite ein symmetrisches Ausgangspaar im Format XLR
sowie unsymmetrische Cinchbuchsen zur Verfügung. Der
Pegel an den Analogausgängen lässt sich um bis zu -12 dB
absenken. Zusätzlich wartet das Gerät mit einem optischen
und einem koaxialen Digitalausgang auf. Zu den weiteren
Ausstattungsmerkmalen zählen eine abschaltbare Anzeige
von Informationen auf dem angeschlossenen Bildschirm,
automatische Kapitelwiederholung und eine Diashow-
Funktion für die Anzeige von Fotos.
Basierend auf der langjährigen Praxiserfahrung, die im DV-
D01U steckt, konstruierte Tascam mit dem BD-01U das
perfekte Abspielgerät für Unterricht, Kirchen, Konferenzen
und andere anspruchsvolle Einsatzgebiete. Für alle Instal -
lationen, in denen es auf absolut zuverlässige Videowieder -
gabe ankommt, ist der BD-01U somit die erste Wahl.
AUSZUG AUSSTATTUNGSMERKMALE:
• Blu-ray- und DVD-Player mit einer HE Platzbedarf
• Optischer und koaxialer Audio-Digitalausgang
• Wiedergabe mit bis zu 1,3-facher Geschwindigkeit
• Automatischer Wiedergabestart bei Stromzufuhr möglich
• Sperrfunktion (Bedienelemente, Lade oder Fernbedienung)
• Abschaltbare Anzeige von Informationen auf dem angeschlossenen
Bildschirm, dimmbares Display
Weitere Informationen: www.tascam.de
TASCAMS AKTIVE ZWEIWEG-
ABHÖRLAUTSPRECHER
nun mit Bluetooth erhältlich
TASCAM VL-S3 – Der preisgünstigste Studio-Kompakt -
monitor von Tascam ist als VL-S3BT nun auch in einer
Version mit Bluetooth-Empfänger erhältlich. Zum Preis eines
Kopf hörers bietet der aktive Zweiwegmonitor einen 3-Zoll-
Basslaut sprecher und eine Bassreflex-Abstimmung, die für
erstaunlichen Druck in den Tiefen sorgt. Über Cinch buchsen
kann jede Linequelle angeschlossen werden; zusätzlich ist
ein Klinke-Cinch-Adapterkabel enthalten.
Die neue Bluetooth-Funktion erlaubt die Audiowiedergabe
direkt von Ihrem Smartphone oder Tablet – kabellos und
von überall im Raum. Für optimale Audioqualität sorgen die
beiden Audiocodecs aptX und AAC; die Verbindung wird
ganz einfach per Tastendruck hergestellt. Zum Anschluss
von MP3-Playern und ähnlichen Geräten ist zusätzlich eine
Stereo-Miniklinkenbuchse vorhanden.
Angetrieben werden die beiden Monitore von einem effizienten
Stereo-Leistungsverstärker mit 14 Watt je Kanal.
Die kompakten Gehäuse finden praktisch überall Platz. Ob
im Homestudio, am Videoschnittplatz oder als Ergänzung
fürs Portastudio – der VL-S3BT ist die erschwingliche Lö -
sung für gelungene Mischungen.
• Kompaktes Gehäuse findet praktisch überall einen Platz
• Weiter Frequenzbereich von 80 Hz bis 22 kHz
• Eingebauter Stereo-Leistungsverstärker mit 14 Watt je
Kanal
• Eingänge über Cinchbuchsen und Stereo-Miniklinke
• Bluetooth ® playback (VL-S3BT only)
Weitere Informationen: www.tascam.de
4/15 | 1/16 musiker MAGAZIN

56 PRODUKT-NEWS
Peter Lorson, Cajon & Rhythm Basics
CAJON SPIELEN LERNEN, ERST
MAL OHNE NOTEN.
HELAU UND ALAAF!
GUT VERSICHERT IN DER FÜNFTEN JAHRESZEIT!
Foto: © InPixKommunikation/Fotolia.com
Pragmatisch und umfassend vermittelt Peter Lorson den
einfachen Zugang zur Cajon mit viel Groove und Spaß. Die
trockene Theorie nicht ganz so trocken zu vermitteln und sich
auf das zu beschränken, was man als guter Cajon spieler im
Gepäck haben muss, ist sein Ziel. Um Rhythmen zu lesen,
selbst zu notieren und sogar selbst kreative Grooves zu ent -
wickeln, bedarf es mit dieser Methodik keiner einzigen Note.
Ein Buch, das einen schlüssigen Zugang zur Musik vermittelt
und vom Kauf der Cajon über den Überaum bis zur Bühne
lückenlos begleitet und sogar in die Werkstatt führt, zum eigenen
Cajonbau, günstig und mit genauer Bauanleitung.
Ob solo, im Cajonduett oder mit einer Band: Hier findest du
für dich selbst oder deinen Unterricht viele tolle Anre gun -
gen, um dein Leben mit der Kiste bunter und leichter zu
gestalten. Nie wieder Schweißperlen auf der Stirn, wenn beim
Überraschungsbesuch jemand sagt: „Oh, du hast ja eine
Cajon, spiel mal was.“ Zukünftig lautet die Antwort: „Klar,
gerne.“
Grundlagen, Haltung, Grundschläge, Ausholbewegung,
Schlagtechnik, Rhythmus-Intensivkurs, Rock- und Pop bau -
kasten, Fill-in-Baukasten, Ethnobeats, Claves, Soli und
Duette, Songs begleiten. CD mit 74 MP3-Tracks + E-Book
mit Übungsvorlagen.
Peter Lorson ist 1976 in Saarbrücken geboren und spielt
seit über zwanzig Jahren Percussion-Instrumente. Er ist Mit -
gründer der saarländischen Musikschule Groovegarage und
baut und erfindet eigene Instrumente, die mittlerweile europaweit
erhältlich sind. Seine Kenntnisse im Bereich der
Percussion hat er seit fünfzehn Jahren deutschlandweit auf
Ausbildungen und Workshops gesammelt. Dieses Buch ist
eine eigens entwickelte Lernmethode aus zehn Jahren
Unterrichtserfahrung als Cajonlehrer. Die Mischung seiner
Kenntnisse als leidenschaftlicher Musiker, Lehrer und
Instrumentenbauer machen ihn als Workshopleiter und
Autor zum Unikat.
Weitere Informationen: www.leu-verlag.de
ISBN 978-3-89775-156-9, 156 Farbseiten mit Audio-CD
incl. E-Book Euro 24,80
https://www.youtube.com/watch?v=jbobo2rxDPM
Cajon Solo von Peter Lorson aus „Cajon and Rhythm
Basics“ auf einer Pur Vision SP Cajon
In den nächsten Monaten geht es wieder hoch her, denn
jetzt haben die Närrinnen und Narren wieder das Sagen in
den Faschingshochburgen. Egal ob Karneval, Fastnacht,
Fasching – ausgelassene Faschingsveranstaltungen werden
im ganzen Land als fünfte Jahreszeit gefeiert.
Aber bei aller Ausgelassenheit und Spaß können einige
versteckte Risiken hinter all der Freude lauern. Ge rade
bei großen Veranstaltungen sind Unfälle keine Selten heit.
Die Veranstalter sind immer die erste Adresse bei jeglichen
Ansprüchen. Zum Beispiel auch, wenn durch „Wurf ge -
schosse“ was „ins Auge geht“. Oder was passiert, wenn ein
Faschingswagen in die Besuchermenge rauscht oder die
Bühne bei der ausgelassenen Faschingsparty zusammenkracht?
Manchmal kann ein Anspruch eines vermeintlich Ge schä -
digten auch unbegründet sein.
Auch hierfür steht die Veranstalterhaftpflicht ein. Sie klärt
die Ansprüche und weist sie aufgrund der eingeschlossenen
passiven Rechtsschutzfunktion zurück oder springt bei
berechtigtem Anspruch für den Schaden ein.
SUCHEN MASSENHAFT ANSCHLUSS –
CORDIAL DSUB-KABEL CCFD INTRO LINE
Mehrkanalige AD/DA-Wandler neuerer Generation mit nur
1 HE Baugröße verwenden aus Platzgründen bis zu 8 DSUB-
Steckverbinder für den Anschluss analoger Ein- und Aus -
gänge. Da im Studiobetrieb oder bei der Innenverdrahtung
von Wandler-Racks bei geringer mechanischer Belastung
nur wenige Male ein- oder umgesteckt wird, werden in diesen
Fällen preisoptimierte Kabel bevorzugt. Die neuen
CCFD-DSUB-Breakout-Kabel aus der „Intro“-Serie des deut-
Die speziell für Faschingsveranstaltungen konzipierte kurzfristige
VeranstaIterhaftpflichtversicherung von erpam hilft
Ihnen, sich zumindest gegen die materiellen Folgen entsprechend
zu schützen, wenn Sie für einen Schadenfall in
Anspruch genommen werden. Gehen Sie auf Nummer sicher
und können so die fünfte Jahreszeit unbeschwert feiern.
Und das Beste ist: Die Veranstalterhaftpflicht für lhre
Faschingsveranstaltung können Sie ganz einfach und un -
kom pliziert online über den Webshop abschließen. Es
besteht sofortiger Versicherungsschutz!
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Online Abschluss finden Sie unter www.erpam.com
schen Kabelherstellers CORDIAL tragen diesem Trend Rech -
nung und bieten eine kostengünstige Alternative für jeweils
8 Ein- oder Ausgänge mittels XLR-Male- oder Female-Steck -
verbindern.
Lieferbare Längen: 1,5 / 3 / 5 Meter
Empfohlener VK inkl. MwSt.: z.B. CCFD 3 DFT und DMT,
3 Meter-Varianten, 99 Euro
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musiker MAGAZIN 4/15 | 1/16

PRODUKT-NEWS 57
ONLINE-HANDELS-AWARD 2016 FÜR THOMANN
Das Musikhaus Thomann sichert sich bereits zum fünften
Mal in Folge den deutschen Online-Handels-Award in der
Kategorie „Sport & Freizeit“. Der Musikalienhändler setzt sich
damit gegen Konkurrenten wie Intersport und den Global
Player Nike durch.
Dr. Kai Hudetz (IFH Köln) bezeichnet den Online-Handels-
Award als den wichtigsten Preis für deutsche Online-Shops,
weil er von den Kunden selbst vergeben wird. Die aus
Kunden sicht besten Online-Shops in sieben verschiedenen
Branchen erhalten die Auszeichnung. Thomann überzeugte
laut der zugrundeliegenden Studie Erfolgsfaktoren im E-
Commerce hinsichtlich der wichtigsten Kriterien im Online-
Handel, unter anderem in den Bereichen Website & Usa bility,
Service, Preis-Leistung, Versand & Lieferung und Kunden -
zufriedenheit.
Das ECC Köln, Management Forum und der Handels ver -
band Deutschland (HDE) haben in Düsselsdorf den fünften
deutschen Online-Handels-Award verliehen. Die Auszeich -
nung basiert auf der Studie Erfolgsfaktoren im E-Com -
merce – Deutschlands Top-Online-Shops Vol. 5. Knapp
8 000 Online-Shopper bewerteten insgesamt 77 Online-
Shops in sieben Kategorien anhand 55 Einzelkriterien je
Shop.
Weitere Informationen unter: www.thomann.de
DIE NEUE STEVE STEVENS SSC VON KNAGGS GUITARS
US-Edelgitarrenschmiede Knaggs Guitars kündigt das brand - Shop erhältlich sein. Instrumente von Knaggs Guitars gibt
neue Sinature-Modell Steve Stevens SSC an. Pünktlich zur es in Europa exklusiv bei Thomann (www.thomann.de).
NAMM Show 2016 werden Knaggs Guitars und Steve Steve Stevens über die SSC: „Nachdem wir in Sachen Luxus
Stevens ihr neues Modell präsentieren, das in enger und und Flash-Design an die Grenzen gegangen sind, hatten wir
jahrelanger Zusammenarbeit mit dem preisgekrönten Aus - Lust, innerhalb der SS-Serie eine weitere Gitarre auf den
nahmegitarristen Stevens entwickelt wurde.
Markt zu bringen. Aber wohin sollte die Reise gehen? „Back
Nach den auf jeweils 100 Stück limitierten Signature- to the roots“ war die naheliegende Antwort. Knaggs Guitars
Modellen SS1 und SS2 wird die SSC einen festen Platz im sind für ihre aufsehenerregenden Ahorndecken und ihre
Knaggs-Sortiment erhalten. Die ersten neuen Steve Stevens Qualität bekannt. Diesen Aspekt wollten wir mit warmen Old-
SSC werden voraussichtlich noch Ende Februar im Thomann- School-Elementen und einem Vintage-Vibe verbinden.“
RPJAM
Rock Pop Jazz Akademie
Mittelhessen
Studium zum
- Instrumentalmusiker
- Instrumentalpädagogen
- Producer / Programmer
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BAföG
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www.rpjam.de
4/15 | 1/16 musiker MAGAZIN

58 PRODUKT-NEWS
PHILIPPE MARGOTIN / JEAN-MICHEL GUESDON
„BOB DYLAN – ALLE SONGS“
DIE GESCHICHTEN HINTER DEN TRACKS
FROMMER REBELL
NEUTRIK VERBINDET DIE METROPOLITAN OPERA
Das Metropolitan Opera House führt derzeit
ein umfangreiches Upgrade der bestehenden
Infrastruktur durch, bei dem von einer
analogen auf eine digitale Steuerungs um -
ge bung umgestellt wird.
Sämtliche Automation-Racks verfügen über
eingebaute Panels mit mindestens sechzehn
Neutrik-NE8FDP-B RJ45-Durchfüh -
run gen. Zudem wurden noch jeweils zwei
Neutrik-opticalCON-QUAD-Einbaubuchsen
für die Switch-to-Switch-Kommunikation
eingebaut. Diese mobilen Racks sind die
Ar beits pferde der Produktionsautoma tisie -
rung und werden im ganzen Gebäude mal
hier, mal dort eingesetzt. Manchmal werden
sie sogar mit in die Szenerie einer Pro -
duktion eingebaut. Bei einem Projekt dieser
Größenordnung und Komplexität ist ein guter
Kundensupport von entscheidender Be deu -
tung. In dieser Hin sicht gibt Cameron
Whitehorne, Auto mation Control Supervisor
der Metropolitan Opera, Neutrik ein begeistertes
„Daumen nach oben“: „Im Laufe
dieses Projektes waren wir in ständigem
Kontakt mit Neutrik USA und sie waren sehr
entgegenkommend“, sagte er. „Aber die
Quintessenz ist, dass es schlichtweg keine
Probleme mit den Neutrik-Produkten gab.
Das Unter neh men baut un zerstörbare An -
schlüsse. Wir setzen hun derte etherCONund
viele opticalCON-Steck verbinder ein und
patchen diese mehrmals täglich um. Immer,
wenn es ein Problem gibt, wissen wir, dass
wir den Fehler nie bei einem Neutrik-Stecker
suchen müssen.“
Weitere Informationen: www.neutrik.de
WAY HUGE OVERRATED SPECIAL
JOE BONAMASSA OVERDRIVE – JETZT IM MUSIC
Wer ist Robert Zimmermann? Sänger, Gi -
tar rist, Pianist, Organist, Mundhar monika -
akrobat, Maler, bekennender Pazifist, praktizierender
Christ. Folklegende, Rock ve te -
ran, seit 55 Jahren auf der Bühne. 36 Studio -
alben. Bald wird er 75. Die Welt kennt ihn
als Bob Dylan.
„Bob Dylan“. So heißt das 700-Seiten-Buch
im Großformat aus dem Delius Klasing
Verlag, das komplett versammelt, was zu
diesem Musiker, Lyriker und auch Maler zu
sagen ist, der zu den einflussreichsten
Künstlern der Gegenwart gehört. Die Dylan-
Spezialisten Philippe Margotin und Jean-
Michel Guesdon haben sämtliche Songs
dieser Ausnahmeerscheinung zusammengetragen.
Sämtliche Songs seit 1959. Ja
doch, da nahm der damals 18-Jährige per
Tonband seine allerersten Lieder auf. Ver -
öffentlicht wurden sie vor wenigen Wo chen ...
Sämtliche Songs: Es sind 492 bis zum heutigen
Tag. Zu jedem einzelnen enthüllt das
Buch die Geschichten hinter den Tracks.
Erwähnt die Textdichter und Komponisten
(meist Dylan selbst, aber nicht immer, wie
nicht zuletzt sein jüngstes Album zeigt).
Zählt die Outtakes auf, die Bootlegs und die
Coverversionen. Gibt für „DylanoIogen“
unerwartete oder gar unbekannte Details
preis (Tschechow, T. Williams, Dante und
Ovid als Inspirationsquellen).
Dylans Metamorphose vom Folkrebellen zum
Rockmythos, der rätselhafte Rückzug, das
Comeback als Christ: The times they are a-
changing... Zugleich mit den Songs gerät
die wechselvolle Lebensgeschichte von Bob
Dylan in den Fokus und damit ein bedeutendes
Stück Kulturgeschichte des letzten
halben Jahrhunderts, dokumentiert durch
zahlreiche Fotos des Stars und seiner nicht
minder berühmten Weggefährten, etwa den
Beatles, den Stones, The Who, Jimi Hendrix.
Und den Weggefährtinnen, den Frauen hinter
den Songs, die Dylan inspiriert haben,
politisch (Joan Baez) oder erotisch (Suze
Rotolo). Ein einzigartiges Werk über einen
einzigartigen Künstler, trefflich recherchiert
und treffsicher erschlossen durch ein
Riesenregister. All over you.
ZU BESTELLEN:
Philippe Margotin / Jean-Michel Guesdon
„BOB DYLAN — ALLE SONGS“
DIE GESCHICHTEN HINTER DEN TRACKS
704 Seiten, 166 Farbfotos, 266 S/W-Fotos,
6 farbige Abbildungen, 2 S/W Abbildungen,
Format 21 x 27 cm, gebunden mit Schutz -
umschlag, (D) 59,90 Euro / (A) 61,60 Euro
(ISBN 978-3-667-10286-7)
Delius Klasing Verlag „Edition Delius“,
Bielefeld
Erhältlich im Buchhandel oder unter der Hot -
line (0521) 559 955
Delius Klasing Verlag, Siekerwall 21, 33602
Bielefeld, www.delius-klasing.de
Mit dem WAY HUGE Overrated Special ist
die Geheimwaffe aus Joe Bonamassas Live-
Rig jetzt in streng limitierter Auflage erhältlich!
Ursprünglich wurde dieses Pedal nur dreimal
von Jeorge Tripps exklusiv für Smokin‘
Joe gefertigt und ließ das Publikum weltweit
mit seinem einzigartigen, charakterstarken
Sound aufhorchen. Wie Joes Original be -
sitzt auch das Way Huge Overrated Special
neben den Drive und Tone einen Regler für
den Frequenzbereich um 500 Hertz, mit
dem sich der Sound maßgeblich beeinflussen
lässt.
Weitere Informationen: www.musicstore.de
musiker MAGAZIN 4/15 | 1/16

PRODUKT-NEWS 59
ENTWURF ZUM VGG
DISKRIMINIERT
GENOSSENSCHAFTEN
Der Kabinettsentwurf zum neuen Verwertungs gesell schaften -
gesetz (VGG) ist mit dem geltenden Genossenschaftsrecht
nicht vereinbar. Zu diesem Schluss kommen die Juristen
der Cultural Commons Collecting Society (C3S) nach einer
ersten Analyse des am 11.11.2015 von Bundes justiz minister
Heiko Maas vorgestellten Entwurfes. In letzter Konsequenz
bedeutet dies, dass eine Zulassung der GEMA-Alternative
C3S, die als Europäische Genossenschaft (SCE) gegründet
wurde, behindert werden würde, wenn das Gesetz in dieser
Form verabschiedet wird.
Dabei hatte der Minister bereits im August auch eine erbetene
Stellungnahme der C3S zum Referentenentwurf erhalten,
in der die Unvereinbarkeit des VGG-Entwurfes mit dem
GenG deutlich als Problem herausgearbeitet wurde, und in
der auch Vorschläge unterbreitet wurden, wie sich dieses
Problem beheben ließe. Ein Vergleich von Referenten- und
Regierungsentwurf des Gesetzes lässt jedoch erkennen,
dass bisher keiner der vorgebrachten Punkte Berück sich -
tigung fand.
Konkret angesprochen sind die §§19 und 20, die die
Mitbestimmung durch Mitglieder und wahrnehmungsberechtigte
Nichtmitglieder regeln. In einer Genossenschaft
schließen sich Menschen zusammen, die ein gemeinsames
wirtschaftliches Ziel verfolgen und die notwendigen Inves -
titionen gemeinsam schultern. Alle Genossen leisten ihren
Beitrag und genießen dafür gleiche Rechte. Das GenG schließt
aus guten Gründen aus, dass Außenstehende, die diesen
Beitrag nicht geleistet haben, die Genossenschaft nach
ihren Interessen beeinflussen können. Wer mitentscheiden
möchte, muss nachweisen, dass er die Interessen der Ge -
no ssenschaft teilt, und ihr durch das Zeichnen eines
Genossenschaftsanteils beitreten. Der VGG-Entwurf verlangt
jedoch von einer Verwertungsgesellschaft (VG), dass
sie auch Nichtmitgliedern gestatten muss, mit ihr einen Wahr -
nehmungsvertrag abzuschließen und in der Mitglieder ver -
sammlung über ein Delegationssystem indirekt Stim m recht
zu erhalten. Diese Vorgabe schließt kategorisch aus, dass
jemals eine Genossenschaft als VG zugelassen werden kann.
„Wenn man sich den eigentlichen Sinn und die kollektive
Natur von Verwertungsgesellschaften vor Augen führt, liegt
auf der Hand, dass eine Genossenschaft dies viel besser
umsetzen kann als ein Verein oder eine GmbH. Es wirkt
sehr befremdlich, wenn nun ausgerechnet die Wahl dieser
Rechtsform unmöglich gemacht werden sollte,“ meint
Rechtsanwalt Michael Weller.
Der Anwalt und Landesverfassungsrichter Meinhard
Starostik ergänzt: „Die Satzung, die sich unsere Mitglieder
gegeben haben, hat das VGG in vielen Punkten vorweggenommen,
während alle bestehenden Verwertungs ge sell -
schaften erst noch zahlreiche Änderungen umsetzen müssen.
Wir sind so kompatibel zu den inhaltlichen Vorgaben
des VGG wie wohl keine andere VG. Darüber hinaus ist die
für unsere Rechtsform der SCE geltende Verordnung (EG)
NR. 1435/2003 zwingendes europäisches Recht. Nach Ar -
tikel 14 der Verordnung bestimmen wir als Genossenschaft
satzungsautonom, wer Mitglied bei uns werden kann. Dem
widersprechen die Vorschriften des Regierungsentwurfes,
insbesondere §13. Wir hoffen darauf, dass der Minister
diese Widersprüche beseitigt.“
Der VGG-Entwurf ignoriert zudem die Besonderheit von Ge -
nossenschaften, rein investierende Mitgliedschaften vorzusehen.
Er räumt diesen Mitgliedern, die die Dienste der Ver -
wertungsgesellschaft gar nicht als Urheber nutzen können,
volles Mitentscheidungsrecht ein, auch über die Auf stellung
von Tarifen oder Verteilungsplänen für die eingenommenen
Gelder. Dies ist nicht nur inhaltlich absurd, sondern steht klar
im Widerspruch zur gesetzlichen Be schrän kung der
Befugnisse von investierenden Mitgliedern (§8 (2) GenG). Die
C3S SCE besteht zur Hälfte aus investierenden Mitgliedern,
die in der Generalversammlung kein Stimm recht haben.
„Im Bundestag antwortete Maas auf die Frage, ob der
Entwurf die Zulassung von Genossenschaften gestatten
würde, nur ausweichend, dass dies der Markt selbst regeln
müsse. Wenn sein Gesetz eine naheliegende Rechtsform
für Verwertungsgesellschaften diskriminiert, ist dies allerdings
im Gegenteil ein massiver Markteingriff, da er echte
Alternativen zu den bestehenden Monopolen gesetzlich
unterbindet,“ weist Meik Michalke, geschäftsführender
Direktor der C3S, die Äußerungen des Ministers zurück.
Im Bundestag erklärte Maas ebenfalls, dass sich ausländische
Verwertungsgesellschaften, die in Deutschland tätig
sind, an die Gesetze halten müssten, die in ihrem Sitzland
gelten. Sollte der Justizminister das innovative Potenzial der
C3S weiter verkennen, werden die Mitglieder der Euro -
päischen Genossenschaft womöglich über einen Wechsel
des Sitzlandes entscheiden müssen, um die staatlich ge -
schützte Monopolstellung der etablierten Verwertungs ge -
sellschaften brechen zu können.
Weiterführende Informationen:
www.c3s.cc/pressemitteilung-entwurf-zumverwertungsgesellschaftengesetz-diskriminiertgenossenschaften/
FISCHER AMPS ®
FA IN-EAR-HÖRER
In den Fischer Amps In-Ear-Hörern werden hochwertige und
optimal aufeinander abgestimmte Komponenten eingesetzt,
die ein sehr sauberes audiophiles Klangbild erzeugen. Der
Wirkungsgrad der Systeme ist hoch, daher kann die Laut -
stärke Ihrer Klangquelle etwas niedriger als vorher eingestellt
werden. Diese Hörersysteme entwickeln auch bei
niedrigen Abhörlautstärken ein beeindruckendes Klangbild.
Schonen Sie Ihr Gehör, hören Sie nicht in übermäßig hohen
Lautstärken ab und gönnen Sie Ihren Ohren Ruhephasen.
Achten Sie bei der Wahl Ihrer Audioquelle und dem verwendeten
Musikmaterial auf eine hohe Qualität, da nur dann ein
perfektes Hörerlebnis möglich ist. Die Fischer Amps Hö -
rersysteme sind mit allen auf dem Markt erhältlichen
Audio quellen kompatibel, die für Kopfhörer mit niedrigen
Im pedanzen geeignet sind und eine Klinkenausgangs -
buchse 3,5 mm Stereo besitzen.
FA-3 XB
geeignet für Otoplastiken
[Art. 012108]
FA-3 E XB
blaugrau-transparent
[Art. 012109]
FA-3 E XB
grau-transparent
[Art. 012110]
SOUNDCHARAKTERISTIKEN:
FA-1 (ein Treiber): Druckvolles, ausgewogenes Klangbild mit
leichter Bassanhebung und dezenter Mittenabsenkung.
Hervorragendes Preis-Leistungs-Verhältnis. Perfekt für In-Ear-
Einsteiger auf der Bühne sowie für den portablen Musik -
genuss.
FA-2 / FA-2 E (zwei Treiber in Zwei-Wege-Technik): Druck -
voller Klang mit leichter Bassanhebung, dezenter Mitten -
absenkung und präziser Höhenwiedergabe. Perfekt für
Semi profi- und Profianwendungen auf der Bühne sowie den
portablen Musikgenuss, bei dem der Hörer einen druckvollen,
leicht bassbetonten Klang wünscht.
FA-3 / FA-3 E (drei Treiber: 2 x Bass, 1 x Mittel-/Hochton):
Audiophiler und durchsetzungsfähig abgestimmter Klang
mit leichter Bassanhebung. Perfekt für In Ear Monitoring
auf der Bühne mit hohen Ansprüchen oder den audiophilen
Musikgenuss zu Hause und unterwegs.
FA-3 XB / FA-3 E XB (drei Treiber in Zwei-Wege-Technik,
2 x back vented Bass, 1 x Mittel-/Hochton): Audiophiler und
durchsetzungsfähig abgestimmter Klang mit leichter Bass -
anhebung. Perfekt für In Ear Monitoring auf der Bühne mit
hohen Ansprüchen oder den audiophilen Musikgenuss zu
Hause und unterwegs.
Weitere Informationen: fischer-amps.de
4/15 | 1/16 musiker MAGAZIN

60 CD-REZENSIONEN
genussbetonten Menschen bestens empfehlen, vielleicht zu
einem Chai Latte und Freiburger Bobbele.
www.ensemble-carte-blanche.com
C.S.
CLUESO
»Stadtrandlichter Live«
FALK
»Smogsehnsucht«
Die Aufnahmen des Live-Albums entstanden beim grandiosen
Finale von CLUESOs Tour. Rund 15 000 Menschen feierten
den Sänger in seiner Heimatstadt Erfurt. Von Hip-Hop-
Songs bis Singe-/Songwriter-Nummern, von Reggae bis Rock
ist alles dabei, was der CLUESO-Kosmos zu bieten hat.
Manche Songs wie „Zu schnell vorbei“ haben Hymnen -
charakter. Wenn alle Fans mitsingen und der Hallensound
CLUESOs Stimme trägt, bekommt man Gänsehaut. Das
Lied ist in der Tat zu schnell vorbei. Zum Glück folgen noch
19 weitere Songs, bei denen man mitgehen und mitsingen
kann. Der charmante und sympathische Sänger überzeugt
live mit seiner natürlichen Ausstrahlung und seiner Stimme,
die trägt. Von Track zu Track steigert sich die Stimmung, die
sich selbst beim CD-Hören überträgt. Der Sound ist perfekt
gemischt. Dieses Live-Album darf in keiner Platten samm -
lung fehlen.
www.clueso.de
J.H.
KARIBOW
»Addicted«
„Addicted“ ist ein weiteres kunstvolles Album der deutschen
Prog-Rocker von KARIBOW. Songwriter und Kom -
ponist Oliver Rüsing hat ein Händchen für Songs. Spannende
Themen wechseln bei der fünfköpfigen Band zwischen
Tasten instrumenten und E-Gitarren-Passagen. „Change“
er öffnet flott rockend, erinnert an U2 oder Stranglers dabei.
Der Song steht im Mittelpunkt, und ja, er darf über acht
Minuten andauern, ohne in ein Spannungsloch zu fallen,
wie in „Primeval“. Es folgen Songperlen im Neo-Prog-Stil.
Mal mit elektronischen Soundschnipseln, mal gitarrenlastiger.
Die Songs sind emotional und immer melodiös. Trotz
ihrer Vielschichtigkeit sind die Stücke auch eingängig, wie
in „Violent Plains“. Ihrer Qualitäten wegen wurden KARI-
BOW schon als beste Prog-Rock-Band beim Deutschen
Rock & Pop Preis ausgezeichnet. Auf diesem Album gesellte
sich zum Talent der Genius und wurde zum kunstvollen
Hörgenuss!
www.karibow.com
C.S.
Mit ironischen Texten nimmt der Liedermacher Falk in seinem
neuen Album „Smogsehnsucht“ Alltägliches aufs Korn.
Dabei geht er durchaus selbstironisch vor, gibt zu, dass er
einfach nicht die „Klappe halten“ kann, und macht blöde
Witze. Dieser Songtext beschreibt, was das ganze Album
ausmacht. Falk hält nicht die Klappe, erzählt, mal nachdenklich,
mal rotzfrech aus seinem Leben. In bester Lieder macher -
manier textet er gossen-lyrisch und begleitet sich auf der
Klampfe. Er kann sich nahtlos in die Sammlung großer deut -
scher Liedermacher wie Hannes Wader und Bodo Wartke einreihen.
Man sollte auf die Texte achten, die immer wieder für
eine Pointe gut sind. Wer gern bei überraschenden Lyrics
schmunzelt, den Alltag mit einem Augen zwinkern betrachtet
und Gute-Laune-Gitarrenmusik mag, wird mit „Smogsehn-
sucht“ seine Freude haben.
www.liedermacherfalk.de
J.H.
ENSEMBLE CARTE BLANCHE
AXEL’S AXIOM
»Anecdotal Evidence«
Die Freiburger Formation CARTE BLANCHE lädt ein zu einer
swingenden Zeitreise durch Musikepochen: In die Zeiten Al
Capones, den swingenden Twenties, in einen kleinen Zirkus,
durch alte Filmmelodien, Sinti- und Roma-Swing, oder auch
Cigány-Jazz bis hin zu klassisch getünchtem Tango. Das
Quartett präsentiert seine Kompositionen mit Gitarre, Akkor -
deon, Klarinette und Kontrabass. Jens Gebel, Thomas Rampp,
Veronica Reiff und Winfried Holzenkamp luden dazu die
Gäste Murat Coskun und Max Grosch ein, die die Instrumente
Gatam, Darbuka und Violine beisteuerten. Die instrumentelle
Vielfalt setzten die Musiker so gekonnt ein, dass der akustische
Genuss durchwegs Niveau hat. Immer wieder nehmen
die Songs swingend Schwung auf, wie in „Tango-
mambo“, das mit seiner exzellenten Percussion-Einlage
heraussticht. „Tango Tedesco“ lässt erahnen, wie man sich
auf dem Balkon des Café Kranzler 1926 in Berlin gefühlt
haben mag. Das Album des ENSEMBLE CARTE BLANCHE
bietet noch eine Besonderheit: Es gibt einen konzeptionellen
zweiten Teil auf dem Album. Ab Titel 11, „Entrée“, über
die „Elefanten“ bis zum „Grande Finale“ wird der Hörer zum
Zirkusbesucher. Die tönende Platte des Quartetts lässt sich
nicht nur musikalischen Traditionalisten, bestimmt aber
REPTILE EXPRESSION
»Anthology No. 1«
Die Anthologie von REPTILE EXPRESSION umfasst fünf Lieder.
Sie stammen vom gleichnamigen „Künstler-Kollektiv“. Dieses
Kollektiv ist auch mit Theatervorführungen und Wohn -
zimmer konzerten sowie Songwriter-Workshops aktiv. Der
DRMV half auch hier bei solch einer Veröffentlichung mit
seinem Label Rockwerk Records. Zum Album: Es gibt melan -
cholische Songs, die von Gitarren dominiert sind und mit
rockiger Liedermacherpoesie glänzen. Ally und Chris intonieren
mit Unisono-Gesangslinien den „Schizophrenic Love
Song“. Ausdrucksstark und schmachtend klingt „Ich weiß
es geht nicht“. „Right Now“ überrascht dann endlich mit
richtiger Bandbesetzung, will heißen mit Drums, Bass, Gitar -
ren und dem weiblichen Gesang von Marble Dice. Das An -
liegen von REPTILE EXPRESSION, Interesse, Unter stüt zung,
Ideen und Anregungen zu erhalten, wird somit sicher erfüllt.
www.reptile-expression.com
C.S.
Hinter dem Projektnamen AXEL’S AXIOM verbirgt sich das
Jazzprojekt des Pianisten Axel Schwintzer. Das mit „Anecdotal
Evidence“ betitelte Album birgt einen groovigen Mix, eine
heiße Soße würziger Einflüsse, eingelegt in neun Songs.
Produziert in einem Studio in Brooklyn, New York, transportiert
das Quintett um das Piano von Schwintzer mit Sax,
Gitarre, akustischem Bass und Schlagwerk die schwarzweißen
Klänge traumwandlerisch und schwelgend. Häufig
funky arrangiert, wie der Opener „Virtuous Cycle“, im Up -
tempo-Modus oder bluesig erinnert man immer wieder
Vince Guaraldi, den Schöpfer des Peanuts-Soundtracks.
Bei so viel Qualität ist es nicht verwunderlich, dass Axel mit
seiner Combo hohe Platzierungen in den CMJ Jazz Charts
mit einem Platz 2 verbuchen und überdies zweimal den
ersten Platz in den Kategorien Jazz und Instrumental bei
der International Songwriting Competition (ISC) 2012 einstreichen
konnte. Schwintzer steht zwar immer wieder im
Zentrum mit seinen Soli, dennoch nicht dauernd im
Vordergrund, wodurch die hervorragend aufgelegte Band
ihr Können ebenfalls unter Beweis stellen kann; so geschehen
mit herrlichem Gitarrensolo von Aki Ishiguro in „Alter
Ego“, das in einen Reggae und direkt in das Saxophonsolo
musiker MAGAZIN 4/15 | 1/16

CD-REZENSIONEN 61
von Aaron Henry übergeht. Der letzte Titel könnte auch Motto
dieser Jazzscheibe sein: „Unexpectedly“ spielt mit Bossa-
Rhythmen, überrascht mit einer spanischen Gitarre, swingenden
und schmeichelnden Melodien. Eine Platte, die nie
langweilig wird und der Jazz geneigten Hörerschaft Glücks -
höhepunkte verschafft.
www.axelsaxiom.net
C.S.
Jazz swingen, streicheln die Seele. Die CD ist perfekt für triste
Wintertage. Zum Einkuscheln und Zur-Ruhe-Kommen. Die
Stücke sind nicht eintönig, fügen sich aber dennoch ineinander,
sodass ein großes Ganzes entsteht. Wieder einmal
beweist Höricht, manchem bestimmt bekannt vom Schné
Ensemble, wie wunderschön Instrumentalmusik sein kann.
www.ingo-hoericht.de
J.H.
schrägen und schrillen Melodien entlang. Die Songs haben
ruppige Ecken und Kanten. „As Days Become Years“ eröffnet
als Industrial infiziert klingendes Etwas. „Wintersleep“
erinnert an die junge Blondie. Schließlich ist „Losing The
Key“ das interessanteste und schönste Lied der Platte, weil
eigenständig, irgendwie eingängig und sehr catchy. „One
Second To Stay“ schließlich klingt auf nette Weise nach
Patti Smith. Der Sound der Platte hat vor allem aber die
Vibes von Berlin, so wie es Anfang der 80er klang. Dort, wo
KATZE COOKIE geboren wurden.
www.funkotronicrecords.com
C.S.
INGO HÖRICHT
»todavia«
KATZE COOKIE
»Wüstenbrand«
Der Komponist und Produzent Ingo Höricht hat mit „todavia“
die Fortsetzung von „ventana al verano“ herausgebracht. Er
bezeichnet die neun Stücke als „musikalische Zwiege -
spräche“ zwischen Klavier und Kontrabass sowie Klavier
und Klarinette. Die Musiker Marialy Pacheco (Piano), David
Jehn (Kontrabass) und Bernd Schlott (Klarinette) interpretieren
die Werke aus der Feder Hörichts gefühlvoll und ausdrucksstark.
Klassische Instrumente, die im eingängigen
Sascha Littek hat gemeinsam mit der chinesischen Sän -
gerin Sandra Her 2012 das Projekt KATZE COOKIE zur Welt
gebracht. Der Produzent, Songwriter und Gitarrist präsentiert
die neue EP „Wüstenbrand“ im schweren Vinyl. Der
Sound dreht sich auf dem Plattenteller rund um Funk
beeinflusste, rhythmische und treibende Wave- und Post-
Punk-Stücke. Angetrieben von elektronischen Drum Beats
und der funkigen E-Gitarre hangelt sich Sandra Her an
EB DAVIS AND THE SUPERBAND
»Live At A-Trane Berlin«
Mit coolem Swing und Oldschool-Sound startet Eb Davis
mit seiner SUPERBAND. Das Album ist ein Live-Mitschnitt von
einem Auftritt im September 2014 in Berlin. Davis wurde
1945 in Arkansas geboren, zog aber mit 14 Jahren zu

62 CD-REZENSIONEN
Verwandten nach Memphis. Nachts mogelte er sich in Blues-
Clubs. Von der Musik begeistert, folgte er einem Angebot
eines New Yorker Clubbesitzers und arbeitete dort. Wenn
der Müll rausgebracht war, sorgte Davis mit seiner souligen
Stimme für Blues-Feeling. Noch heute steht er für den alten,
echten Blues. Die Aufnahme könnte auch einige Jahrzehnte
vorher entstanden sein. Selbst auf der CD hört, nein, spürt
man Davis’ Blues. Mittlerweile lebt er in Deutschland, swingt
und gilt als der beste R’n’B-Sänger auf Bundesgebiet. Wer
das Album hört, kann nicht anders als mitzuswingen, mit
dem Fuß zu wippen, zu schnipsen und mit geschlossenen
Augen den Bluessound zu genießen.
www.ebdavis.com
J.H.
der teilweise unregelmäßigen Metrik in den Gedicht vor lagen
ergeben sich interessante Brüche in den Melodien. So unter -
schiedlich wie die Gedichte sind dementsprechend die Lieder.
„Goût De Sel“ ist ein Mitschnitt eines Tonstudio-Konzerts im
Dezember 2014. Die ruhige und intime Atmosphä re kommt
gut rüber. Schließt man die Augen, sieht man die Band vor
sich auf der Bühne stehen. Wer den Texten lauscht, versteht
deren tiefere Bedeutung auf einer anderen Ebene.
www.schne-ensemble.de
J.H.
und ihrer Klampfe, auf den Musikmarkt. „Sunshine“ zeigt dem
Hörer Meg Pfeiffer pur. Dabei zeigt die charmante Sängerin,
wie abwechslungsreich ihre Stimme einsetzbar ist. Die Mi -
schung aus eigenen Songs und Pop-Covern ist ihr gelungen.
Meg Pfeiffers raue Stimme gibt einen guten Kontrast zu den
eher sanften Gitarrenakkorden. Eindeutig steht ihre Stimme
im Vordergrund. Fast könnte man meinen, in ihrem Wohn -
zimmer zu sitzen, während sie ihre Songs vor sich hin spielt.
www.megpfeiffer.com
J.H.
UNRAT
»Eisenwelt«
WE ARE WOLF
»Oklahoma«
Passionierten, zeitgemäßen Metal kann man auf dem neuen
Album von WE ARE WOLF hören. Titel: „Oklahoma“. War der
Erstling der fünf Köln-Bonner noch der Stilrichtung Melodic
Death Metal verschrieben, war diesmal die pure Leiden -
schaft ohne jegliche Schublade die Maxime. René ist für
den Gesang zuständig, Lorenz ergänzt ihn mit den clean
Vocals und spielt die Gitarre, Jan – Drums, Nico – Bass und
Backing Vocals und Felix ist an der Gitarre. Die Saiten in stru -
mente sind genretypisch heruntergestimmt und demonstrieren
vom ersten Song an, dass mit harter Gangart vorgetragen
wird. Growls, Doublebass-Attacken und versierte
Gitarrenläufe. Die Melodien der Refrains gehen ins Ohr.
Anders als bei den Genre-Verwandten Linkin Park findet
man bei WE ARE WOLF definitiv mehr Härte. Sie verbinden
dabei ihre verschiedenen musikalischen Einflüsse mit hartem
Riffing und melancholisch anmutenden Refrains, die
jäh im nächsten Break unbarmherzig bersten. Das Album
„Oklahoma“ birgt auch komplexe Strukturen, ohne Ober fläch -
lichkeiten und progressive Ausflüge, wie im Anspiel tipp
„Voice Of The Undead“. WE ARE WOLF sind weiter im Death
Metal verwurzelt, bringen aber andere Stile wie eine Blut -
transfusion ein. „Oklahoma“ sei übrigens das Codewort für
„Es reicht!“, das die Musiker untereinander kommunizieren.
facebook.com/WeAreWolf
C.S.
SCHNÉ ENSEMBLE
»Goût De Sel Live«
Zum SCHNÉ ENSEMBLE gehören Sängerin Schné, Akkor -
deonistin Mariska Nijhof, Streicher Ingo Höricht, Bläser
Matthias Schinkopf, Kontrabassist David Jehn und Pianist
Michael Berger. Die Band vertont in erster Linie deutschsprachige
Lyrik, folgt den Texten mit ihrer Musik, gibt den
Worten mittels der Musik eine eigene Bedeutung. Wegen
SCHNÉ ENSEMBLE
»Goût De Sel Live (DVD)«
Sängerin Schné steht im Kleidchen lächelnd auf der Bühne,
ihr Ensemble umrahmt sie – sowohl musikalisch als auch
visuell. Auf der Live-DVD sieht man den Musikern ihre Leiden -
schaft und den Spaß an. Mit viel Gefühl interpretieren Schné
und ihre Bandkollegen Gedichte. Dabei geben sie den Texten
mit ihren Arrangements eigene Bedeutungen. Es lohnt sich,
die Musiker auf der Bühne zu sehen. Alle scheinen die Lieder
zu (er-)leben. Der Auftritt im Dezember 2014 gleicht einem
Wohnzimmerkonzert. Wer die Band sehen will, sollte sich die
DVD kaufen. Wer aber Interaktion mit dem Publikum erwartet,
wird enttäuscht. Die Musiker haben zwar sichtlich Freude beim
Musizieren, sind jedoch in erster Linie mit sich selbst be -
schäftigt.
J.H.
www.schne-ensemble.de
MEG PFEIFFER
»Sunshine«
Auf ihrem neuen Album „Sunshine“ singt Meg Pfeiffer sowohl
eigene Songs als auch Popcover mit ihrer Rockröhren -
stimme. Mit dem Vorgänger-Album „Bullrider“ machte sie
vor allem mit ihren Country-Coversongs von Radiohits von
Madonna, Taylor Swift und Katy Perry auf sich aufmerksam.
Nun wagt sie sich komplett akustisch, nur mit ihrer Stimme
Der gelernte Bassist Stefan Frankenberg ist Mastermind,
Texter, Arrangeur und der einzige Musiker des Projekts
UNRAT. Mit „Eisenwelt“ legt der Multiinstrumentalist ein
rockiges, progressives Album vor. Von 1986 bis 1995 stand
Frankenberg bei diversen Bands im Spektrum Rock, progressiver
Metal und Deutschrock auf der Bühne. Nach
einer Schaffenspause bis Ende 2009 begann er, Songs zu
schreiben. Er griff zu Gitarre und Keyboard und programmierte
Drums, um mit „Eisenwelt“ sein erstes Album zu
veröffentlichen. Die Produktion und der Vertrieb entstanden
mit Unterstützung des DRMV, was ihm ermöglichte, sein
Werk weltweit anzubieten. Das dreiteilige Titelstück eröffnet
einen Reigen teutonischer Power-Rock-Songs, mal progressiv,
mal näher an der neuen deutschen Härte. Dabei
senden die Lyrics durchaus poetische Botschaften aus. So
wie das im Arrangement Kraftwerk-anmutende „Regen-
bogen sinfonie“. Wie ein Till Lindemann droht er in „Malus“,
blutig und brutal. „Nord-Nord-West“ schließlich klingt vollends
nach Rammstein. Abwechslung kommt bei „Evelyn“
auf, einer Uptempo-Nummer im Power-Metal-Stil, die richtig
nach vorne geht. „Leben auf dem Mond“ ist schließlich
eine stimmungsvolle Ballade, mit schönem Rock-Guitar-Solo.
„Eisenwelt“ ist eine bemerkenswert ambitionierte Scheibe
voller toller Klänge. Und Frankenberg ist ein außerordentliches
Multitalent.
www.unrat-rocks.com
C.S.
RECURSION
»SEQUENCES OF SCENES«
Was da aus der Kunstuniversität Graz emporkommt, ist
schon aller Ehren wert und vor allem hörenswert. RECUR-
SION sind das Musikprojekt der multitalentierten Österreicherin
Ursula Reicher mit Kommiliton(inn)en. Sie komponierte
und schrieb die Songs ihrer CD-Veröffentlichung
„Sequences Of Scenes“. Die singende Gitarristin und Pianistin
Reicher scharte nicht minder begabte Mitmusiker um sich.
Mit echter Studiobesetzung wurden Schlagzeug, Gitarren,
musiker MAGAZIN 4/15 | 1/16

CD-REZENSIONEN 63
Piano, Synthies und Posaune eingespielt, um den Songs
mit ihren warmen Vocals Gestalt zu verleihen. Inhaltlich
drehen sich die Lieder um Erlebtes, Fragen nach dem Ur -
sprung, dem Wohin, um schmerzhafte Erfahrungen und gute
Wendungen des Lebens. „You said that I should try“ heißt
es im Titelsong und lässt resümieren: Gut, dass du es versuchst!
Die poetischen Sequenzen dieser musischen Szenen
haben Liedermachercharme, berühren Stilistiken aus Jazz,
Electronica und Pop. Getragene Atmosphäre kommt auch
im einzigen Coverstück auf dem Album voll zur Geltung:
Joni Mitchells „Both Sides Now“. Ursula ist darüber hinaus
noch in ihren Projekten MASSIVE BEATS CREW und dem
GRAZ COMPOSERS ORCHESTRA zu hören. Sanft haucht
sie in „Tree“: „Would you miss me?“ „Yes!“, erwidert und
sehnt sich schon mein CD-Player nach ihrer Stimme.
www.recursion.at
C.S.
beginnt 1990 bei einer Band namens Pink Project, reicht
unter anderem über „Wallflower“ und „Cold Sweat“ bis zur
„Ultimate Smoke On The Water Show“. Schließlich, 2014
im Atlantis Studio in Reutlingen, landete Vockrodt den
Volltreffer mit seinem aktuellen Album. Es handelt sich um
ein Instrumentalalbum, auf dem – wie sollte man es ihm
ver denken – das E-Gitarren-Spiel im Fokus steht. Hinzu kommen
programmierte Sounds, Drums und die Bassisten Stefan
Müller sowie Roland Hrastinski in „Pocketful Of Jazz“. Die
Songs bewegen sich im Dunstkreis von Rock bis Heavy Rock
der eher klassischen Sorte. Hier wandelt er auf den Pfaden
von Steve Vai, wenn er virtuos „Sergeant Tapper’s Amazing
Box Of Lullabies“ mittels Hammering vorgeigt. Klassik und
Jazz treffen sich zu einer Liaison in „The Foggy Waltz“. Als
Wermutstropfen bleibt einzig das Programming des Schlag -
zeugs, das doch so viele Neuerscheinungen aktuell begleitet.
Musikalisch ist „Adventures From Foggyland“ eine
Offenbarung des gitarrenorientierten Rock. Und die Gitarre
ist und bleibt die beste Waffe!
www.andreasvockrodt.de
C.S.
MARIAN MEYER
»Ich möchte heim«
Das Debütalbum von Marian Meyer kommt nachdenklich und
ruhig daher. In bester Liedermachermanier gibt er seine
Gedanken und Erlebnisse zu gezupften Gitarren klängen weiter.
Mit sanfter Stimme summt der 25-Jährige melancholisch.
Er ist kein rebellischer Liedermacher, sagt selbst, der „kämpferische
Liedermacher-Pfad“ sei „abgegrast“. Seine Musik
passt zu einer lauen Sommernacht, zu Lagerfeuer, Zelten und
Urlaub. Seine Texte handeln von Heimweh, von Demenz, von
betrogener Liebe – kurz: vom Leben. Von Alltags situationen.
Meyers Melodien sind eingängig, aber nicht eintönig.
Dennoch bleibt die Abwechslung auf der Strecke, viele Lieder
klingen ähnlich. Fans der Lieder macher szene finden in
Marian Meyer einen talentierten Nach wuchs künstler.
www.facebook.com/ahuga.marian
J.H.
KASSIOPEIA
»Cyclone«
Die Band KASSIOPEIA um Sängerin und Pianistin Lina Farah
gibt es eigentlich schon seit 2008. Dennoch dauerte es bis
Oktober dieses Jahres, bis das Debütalbum fertiggestellt
war. Lina kommt aus Ägypten, vereint in ihrer Stimme alle
Gefühle. Mal singt sie leise und ängstlich, dann wütend und
kämpferisch. Insgesamt ist die Atmosphäre auf der CD eher
düster. Gitarrist Sebastian Roettger beherrscht sowohl rotzige
Riffs als auch präzise gespielte Soli. In ihren Arrange -
ments schlagen die Musiker eine Brücke zwischen Okzident
und Orient, Soul liegt Arm in Arm mit progressivem Rock.
Die Lieder erscheinen zeitlos, schweben. Beim Hören verblassen
Zeit und Raum. Dennoch schaffen es die Musiker
nicht, etwas wirklich Herausragendes zu kreieren, die Ab -
setzung vom Mainstream ist nur in Ansätzen zu erkennen.
www.kassiopeia-music.de
J.H.
ANDREAS VOCKRODT
»Adventures From Foggyland«
Den Hut ins Gesicht gezogen, ähnlich Ted Nugent, dem
Bogenjäger und Waffennarr, posiert Andreas Vockrodt auf
dem Cover seines Werkes „Adventures From Foggyland“.
Seine Waffe ist die E-Gitarre. Davon hat er sicher ein ganzes
Arsenal im Waffenschrank. Die Discographie des Jägers
VERY WELL
»Very Well«
„Sehr gut gemacht!“, könnte man hinter dem Bandnamen
ausmachen. Was VERY WELL auf dem gleichnamigen
Album wirklich gut gemacht haben, ist beispielsweise der
tolle Refrain mit dem friedenssehnsüchtigen „… bring the
boys back home …“. In Zeiten wie diesen in fast vorauseilendem
Weitblick. Heimeliger Folk-Pop wird so zur echten
Message an die, die von zu Hause weit weg sind oder von
zu Hause weg mussten. Domenique Michl klingt wundersam
unschuldig und eindringlich. Man erinnert sich an
Songs der Flower-Power-Ära, wenn „Star“ erklingt. Middle
Of The Road sind nicht weit in „Lucky One“. Sollen die Songs
mal Schwung aufnehmen, klingen sie leicht nach Main -
stream Country. Selbst in Titeln wie „There Will Be Blood“
kommt kein Schaudern auf. Die Arrangements von Pro -
duzent Bonifaz Prexl geben den Songs noch den richtigen
Kick, wenn die Gitarre allzu pfadfinderisch klingt. Ein schönes
Solo von Klavier und Geigen erklingt in „Market Of
Loneliness“. Die fünf Musiker aus Bayern machen melodiöse
Heile-Welt-Musik auf ihrem Konzeptalbum und das ist
gut so. Solche Songs braucht die Welt!
www.verywell-music.com
C.S.
PLACENTA
»Greatest Hits XV«
„Was klingt hier nach Honic Melonic Death Metal?“ So lautet
die Hausaufgabe für den Hörer dieses Albums, das ihm, eingepackt
im edlen weißen Schuber, zunächst nichts zu dieser
Frage verrät. PLACENTA selbst umschrieben ihren Sound
einst so untertreibend süßlich. Nun beschenken sie ihre Fans
mit einer Best-of-Compilation, die das Schaffen der letzten 15
Jahre seit Gründung ihres Death-Core-Biests widerspiegelt.
Begonnen hat das Berliner Metal-Projekt 2000 mit Tobias
Stein, Jens Fischer und Matthias Engst, damals noch als
Punk- und Alternative-Kapelle. Shouter Sven Berlin und Gitar -
rist Michael Hoge prägten mitunter den Wandel zum mehr
Death orientierten Sound der Band. Zwischenzeitlich stieß
Bassist Axel Goldmann für Florin Kerber zur Besetzung.
„Greatest Hits XV“ zeigt einen bunten Death-Metal-Reigen
der Schaffensperioden von PLACENTA. Schnelle Speed-
Drums und Growls aus der untersten und obersten Schublade
des Operationsbesteckwagens, aber auch melodiöse Aus -
flüge charakterisieren das musikalische Portfolio. Das Gi -
tarren-Riffing ist rhythmusbetont. Unserer Aus gangsfrage folgend,
stoßen wir auf „Bella Fruit Verona“, das mit einem schönen
(!) Refrain überrascht. Anspieltipp wegen Selbst ironie, oder
auch Symbiose aus Härte und Harmonie, ist der zweite aktuelle
Song, betitelt mit „Schön“. Definitiv ge lun gen!
www.noizgate.net/artists/placenta
C.S.
4/15 | 1/16 musiker MAGAZIN

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Ana Seelenmeyer
Lektorat:
Heike Funke
Druck:
L.N. Schaffrath GmbH & Co. KG
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Musiker Magazin erscheint 4 x jährlich
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ISSN 1618-386X
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musiker MAGAZIN 4/15 | 1/16

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