Aesthetic Politics in Fashion - Carmen Rüter

Programm
Freitag, 12.10.2012
10.00-10.15 Begrüßung und Einführung
Karin Riegler, Vizerektorin für Lehre und Nachwuchsförderung,
Akademie der Bildenden Künste Wien
Elke Gaugele
Professorin für Moden und Styles,
Akademie der Bildenden Künste Wien
10.15-12.30 Panel I: Aesthetic Economies
12.30-13.30 Mittagspause
13.30-14.15 Keynote
Mallarmés Täuschungsmanöver: Die Zeitschrift
La dernière mode als Spiegelbild zeitlicher, territorialer
und finanzwirtschaftlicher Ökonomien der Mode
Birke Sturm (Wien)
It’s all about the Image - Die Zusammenarbeit von
Modeindustrie und Celebrities seit den 1980er Jahren
Endora Comer-Arldt (Darmstadt/Wien)
Andys Erbe. Über das Verhältnis von Mode und Kunst am
Beispiel der Künstlerkollaborationen des Luxuslabels
Louis Vuitton
Monica Titton (Wien/London)
Chair and Response: Eva Flicker (Wien)
Gesellschaft im Konjunktiv: Die Unbotmäßigkeit der Mode
Michael R. Müller (Dortmund)

14.30-16.00 Panel II: Production of Space
16.00-16.15 Kaffeepause
Vermoden und Betrachten. Politiken der Auratisierung in
der Wiener Mode des 19. Jahrhunderts
Lisbeth Freiß (Wien)
Die Produktion von Modenschauräumen durch Rahmungen:
Michael Michalsky H/W 2009
Alicia Kühl (Potsdam)
Digital Antibodies?
Modepräsentationen im digitalen Zeitalter
Sabina Muriale (Wien)
Chair and Response: Carmen Rüter (Hamburg/Wien)
16.15-18.30 Panel III: Alternative Aesthetic Politics
»Jute statt Plastik!«
Alternative Produktkultur zwischen Umweltkrise und Mode
Martina Fineder (Wien)
Fashion&Honesty 2012.
Krise, Ko-modi-fizierung und die neue Ethik der Mode
Elke Gaugele (Wien)
Die Ausstattung des Tigers. Dekolonialisierung und
Stilrassismus in der südasiatischen Modeindustrie
Ruby Sircar (Wien)
Chair and Response: Doris Guth (Wien)

19.00-20.30 Podiumsdiskussion
10.00-13.30 Workshop
Aesthetic Politics in Fashion
Forschung&Vernetzung in den Textile&Fashion Studies
mit Marlene Agreiter (Wien), Eva-Maria Goetz (Wien), Elke Gaugele
(Wien), Silke Geppert (Salzburg), Daniel Kalt (Wien), Philipp Levar
(Wien), Gundula Wolter (Berlin)
Moderation: Anne Feldkamp (Wien)
Ort: Depot, Breite Gasse 3, 1070 Wien
Samstag, 13.10.2012
Forum für Vernetzung, Diskussion und Kooperation für
Dissertand_innen und Forscher_innen aus den Fashion&Textile
Studies mit Beiträgen von
Alicia Kühl (Potsdam): Rahmungsstrategien in Modenschauen
Birgit Hähnel (Darmstadt/Wien):
Weiße Umhüllungen – Weiße Verblendungen.
Zur textilen Konstruktion von whiteness seit Beginn des
20. Jahrhunderts
Moderation: Elke Gaugele (Wien)

Aesthetic
Politics
in Fashion
Positionen zwischen
Mode, Kunst und Design

Als Ausblick des »MQ Summer of Fashion« veranstaltet der
Fachbereich für Moden und Styles der Akademie der Bildenden Künste
Wien am 12. und 13. Oktober 2012 ein internationales Symposium
mit dem Titel »Aesthetic Politics in Fashion. Positionen zwischen Mode,
Kunst und Design«.
Im Zentrum steht die Auseinandersetzung mit Mode als kulturelles
Phänomen an der Schnittstelle unterschiedlicher künstlerischer,
gestalterischer, ökonomischer und alltagskultureller Praktiken. Die
Beiträge analysieren Grenzziehungen und Überschneidungen,
Hierarchisierungen und Positionierungen von Moden, Künsten und
Styles in ihren jeweiligen Kontexten, materiellen Konstitutionen und
symbolischen Verwirklichungen. Deren Ästhetiken, Ökonomien und
Politiken werden aus verschiedenen Disziplinen heraus beleuchtet:
Kunstgeschichte, Kulturwissenschaft, Soziologie, Design- und
Modeforschung
Am Freitag, den 12. Oktober 2012 reflektieren als Auftakt die
ersten beiden Panels die Rolle von Wirtschaft, Macht und Stadt im
künstlerischen Umfeld.
Das Panel »Aesthetic Economies« mit Birke Sturm, Endora Comer-Arldt,
Monica Titton und Eva Flicker untersucht die Zusammenarbeit von
Künstler_innen und Mode in der Praxis ihrer Vermarktung.
Das Panel »Production of Space« führt die Frage nach den
Machtbeziehungen, Blick- und Präsentationsregimen der Mode weiter.
Dazu hinterfragen Lisbeth Freiss, Alicia Kühl, Sabina Muriale und
Carmen Rüter die hierarchischen Strukturen zwischen etablierten
Modezentren und marginalisierten Modestädten sowie zwischen
Luxuslabels und unabhängigen Modedesigner_innen.

Das daran anschließende Panel »Alternative Aesthetic Politics«
widmet sich der Analyse alternativer und postkolonialer Ästhetiken.
Die Beiträge von Martina Fineder, Elke Gaugele, Ruby Sircar und
Doris Guth reflektieren die Entwicklung ästhetischer Praktiken in ihrer
Bedeutung für alternative Lebensstile und stellen dabei die modernen
Gattungshierarchien zwischen Kunst, Mode, Textil und Design mit Blick
auf die jeweiligen Gestaltungsstrategien in Frage.
Die beiden Keynote Speakers theoretisieren Prozesse der »Aesthetic
Politics in Fashion« aus unterschiedlichen Blickwinkeln. Während
Michael R. Müller (Dortmund) aus kultursoziologischer Perspektive vom
gesellschaftlichen Konjunktiv, bzw. der »Unbotmäßigkeit der Mode«
spricht, verortet Ilka Becker (Köln/Braunschweig) das Verhältnis von
Kunst, Mode und Empire aus kunsttheoretischer Perspektive in der
»Politik der Selbst-Aufgabe«.
Der erste Konferenztag endet mit einer gemeinsamen
Podiumsdiskussion als Abendveranstaltung im Depot, Breite Gasse
3, 1070 Wien. Hier diskutieren Marlene Agreiter, Eva-Maria Goetz,
Elke Gaugele, Silke Geppert, Daniel Kalt, Philipp Levar und Gundula
Wolter mit einer Moderation von Anne Feldkamp über Forschung und
Vernetzung in den Fashion&Textile Studies.
Zum Abschluss des Symposiums findet am Samstag, den 13.
Oktober 2012 von 10.00-12.30 Uhr ein Workshop statt. Dieser
beginnt mit einem Beitrag von Alicia Kühl zu »Rahmungsstrategien in
Modenschauen«, gefolgt von einem Projektbericht von Birgit Hähnel
(Darmstadt/Wien) zum »weißen Tuch«. Der Workshop bildet ein Forum
für weitere Vernetzungen und Kooperationen zwischen Dissertand_
innen und Forscher_innen.

Das Symposium richtet sich an alle Interessierten aus Praxis und
Forschung im Kontext von Mode, Kunst, Design, Kunst- sowie
Kulturwissenschaften und will aktuelle internationale Debatten aus
verschiedenen Forschungsbereichen in den Dialog bringen.
Weitere aktuelle Informationen zum Programm finden Sie unter:
https://ikl.akbild.ac.at/news/aktuelles

Abstracts
Panel I: Aesthetic
Economies

Birke Sturm
Mallarmés Täuschungsmanöver: Die Zeitschrift La dernière mode
als Spiegelbild zeitlicher, territorialer und finanzwirtschaftlicher
Ökonomien der Mode
Zwischen September und Dezember 1874 widmete sich der Dichtesr
und Literat Stéphane Mallarmé (1842-1892) der Herausgabe des
Modemagazins La dernière mode. Rein äußerlich ist die Zeitschrift
von anderen sich damals in Umlauf befindenden Magazinen kaum
zu unterscheiden und sie kann sowohl was Aufmachung als auch
Inhalt betrifft durchaus als exemplarisch angesehen werden. Die
verschiedenen Autor_innen beschreiben darin innovative, sich
verändernde und gegenseitig ablösende Kleidungsstile, um sich
gleichzeitig einem darüber hinausgehenden repräsentativen Lebensstil
zu widmen, der sich über Einrichtung, Mahlzeiten, öffentliche
Vergnügungen und Bildungsmöglichkeiten erstreckt.
Gerade hierin liegt nun jedoch Mallarmés großes Täuschungsmanöver:
Keineswegs nämlich war er nur Herausgeber der Zeitschrift –
vielmehr steckte seine Feder hinter beinahe der gesamten Vielzahl
an Darstellungen des modernen Lebens, ebenso wie den Namen der
Autor_innen, welche Pseudonyme für niemand geringeren als Mallarmé
selbst waren. Die Zeitschrift zeugt daher von intensivster Beschäftigung
mit dem breiten Strom an schnellen Eindrücken, der durch die Mode
geschaffen wurde. La dernière mode zeigt die Vorstellung des Künstlers
von Modernität, jedoch nicht auf theoretisierende Weise, wie man
dies z.B. von Baudelaire kennt. Vielmehr wird ein analysierendaffimierendes
Spiegelbild geschaffen von Mode im Rahmen moderner
Kultur, welches in Form der Zeitschrift als reflexives Medium wiederum
selbst Teil der modernen Kultur werden sollte.
Im Rahmen dessen nehmen Ökonomien der Mode einen großen
Stellenwert in Mallarmés Zeitschrift ein. Ziel meines Vortrages ist es
zu beleuchten, wie sich insbesondere zeitliche, territoriale sowie
finanzwirtschaftliche Ökonomien – damals bereits allesamt bedeutend
für die Modeindustrie – in Mallarmés Projekt deutlich manifestierten
und darin reflektiert werden.

Endora Samantha Comer-Arldt
It’s all about the Image - Die Zusammenarbeit von Modeindustrie
und Celebrities seit den 1980er Jahren
Am 14. Februar 2010 gab die New York Times im Rahmen der
New York Fashion Week mit dem Artikel »Muscling In on the Front
Row« bekannt, dass sich Designer keine Stars (Celebrities) für den
Besuch ihrer Modeschauen mehr leisten können. Bei den Fashion
Shows ging es schon längst nicht mehr um die aktuelle Mode,
sondern darum, welcher Designer welchen Celebrity präsentiert. Je
berühmter und bekannter das Gesicht eines Celebrities bei der Show,
desto aussagekräftiger und begehrenswerter erscheint das jeweilige
Modelabel. Celebrities bauen das Image der Modeindustrie mit auf.
Dieses Wissen hat sich in den letzten dreißig Jahren zu einem eigenen
Geschäftsbereich entwickelt. Systematisch begann die Modeindustrie
Celebrities als Marketing Tools zu nutzen. In meinem Vortrag werde
ich die Beziehung zwischen Modeindustrie und Celebrities untersuchen
und aufzeigen inwieweit sich die Beziehung zu einem gegenseitigen
Marketinginstrument entwickelt hat.
Ausgangspunkt ist hierbei, aufzuzeigen, dass es sich bei
Zusammenarbeit um einen bioökonomischen Produktionsprozess
in Form von immaterieller Arbeit handelt. Celebrities nutzen ihren
Körper, um Kapital aus ihrem »Sein« zu schöpfen, sie treten als
»unternehmerisches Selbst« innerhalb des Produktionsprozesses auf.
Die Modeindustrie wiederum nutzt diese Form der immateriellen Arbeit,
um ihr Image zu fördern, welches sich letztlich im Return of Investment
widerspiegelt.

Monica Titton
Andys Erbe. Über das Verhältnis von Mode und Kunst am Beispiel
der Künstlerkollaborationen des Luxuslabels Louis Vuitton
Gegenstand dieses Vortrags ist die Kooperation zwischen bildenden
Künstler_innen und Modeschöpfer_innen an einem gemeinsamen
Produkt, das an der Schnittstelle zwischen Kunst und Mode angesiedelt
werden kann. Ausgangspunkt für die kunstsoziologische Analyse ist
die fallspezifische Rekonstruktion der Zusammenarbeit des Luxuslabels
Louis Vuitton mit den Künstlern Takashi Murakami und Richard Prince,
die in den Jahren zwischen 2003 und 2008 gemeinsam mit Vuittons
Chefdesigner Marc Jacobs Handtaschenkollektionen in limitierter
Stückzahl gestalteten.
Zum einen werden diese Kooperationen als Ausdruck einer
unternehmerischen Strategie verstanden, die Profitsteigerung durch die
Übertragung von künstlerischem Prestige auf Mode erzielt.
Zum anderen wird der Zusammenhang zwischen den Kollaborationen
mit Vuitton und den künstlerischen Praktiken von Murakami und Prince,
sowie ihren Positionierungen zur Kommerzialisierung ihrer Arbeit und
ihrem Selbstverständnis als Künstler nachgezeichnet. Dieser wird vor
dem Hintergrund der Umstrukturierungen analysiert, die das Feld der
Kunst seit den 1960er Jahren durch die Pop Art erfahren hat.

Keynote

Michael R. Müller
Gesellschaft im Konjunktiv: Die Unbotmäßigkeit der Mode
Dass ästhetisches Handeln nicht nur eine bunt schillernde
Begleiterscheinung des gesellschaftlichen Lebens ist, haben unter
anderem Georg Simmel und Pierre Bourdieu in ihren »soziologischen
Ästhetiken« eindrucksvoll geschildert. Ob in Kunst oder Mode, ob
zu repräsentativen Anlässen oder im Alltag, ästhetisches Handeln
ist immer auch eine grundlegende Ausdrucks- und Vollzugsform
gesellschaftlichen Lebens und seiner Ordnung. Simmels und Bourdieus
Perspektive aufnehmend und variierend, widmet sich der Vortrag einer
besonderen Form ästhetischen Handelns: der gezielten Überschreitung
sozialer und sittlicher Grenzen in Mode und Kunst. Dem Verständnis
von Mode als textiler Manifestation gesellschaftlicher Ordnung wird die
Auffassung von Mode/Kunst als einem gesellschaftlich organisierten
Ort der symbolischen Verkehrung, Auflösung und Umformung der
bestehenden Ordnung entgegengesetzt. Dass sich die moderne
Mode in bisweilen markanter Distanz zum Alltagsleben bewegt, ist
also kein Hinweis auf ihr Entschwinden in mediale Scheinwelten,
sondern geradezu Bedingung dafür, das bis dato Undenkbare und
Unvorstellbare ästhetisch erfahrbar zu machen.

Panel II: Production of
Space

Alicia Kühl
Die Produktion von Modenschauräumen durch Rahmungen am
Beispiel der Show von Michael Michalsky H/W 2009 »Saints and
Sinners«
Für die Aufführung von Modenschauen ist die Wahl bestehender oder
die Konstruktion neuer Räume sowie ihre Gestaltung essentiell – dem
gegenüber steht der ephemere Charakter des Modenschauraums als
Ergebnis dieser monatelangen Vorbereitung.
In diesem Tagungsbeitrag soll ein Blick darauf geworfen werden, was
es bedeutet, Mode mit Raum zu umrahmen, welche Möglichkeiten
der Rahmungen und Grenzziehungen es bei einer Modenschau
geben kann und wie auf diese Weise für die Modenschau arteigene
Räume, sog. Modenschauräume, entstehen. Mit der Beantwortung
dieser Fragen soll die These überprüft werden, dass solche
»Rahmungsstrategien« für die Generierung von (modischer) Neuheit
ausschlaggebend sind. Beitragsleitend ist die Modenschau von Michael
Michalsky H/W 2009, die in der Zionskirche Berlin aufgeführt wurde.

Sabina Muriale
Digital Antibodies? Modepräsentationen im digitalen Zeitalter
Immer mehr Modefirmen nutzen die Möglichkeiten des Fashion Films
und integrieren digitale Videos gezielt als Kommunikationsstrategie in
ihren Präsentationen. Sei es begleitend zur traditionellen Modenschau
oder als Ersatz für diese. Doch warum das Medium Film?
Nick Night – Mitbegründer der Fashion Film Plattform SHOWstudio –
meint dazu, dass Mode und Film wie selbstverständlich
zusammenarbeiten, da die Kleidung von sich aus eine stark visuelle
Wirkkraft hat und noch dazu extra für Formgebung und Bewegung
designed wurde. Somit gleitet Kleidung auf sicheren Schienen, wenn
sie das bewegte Bild aka Film für sich als Kommunikationsmittel nutzt.
Die textile Vision der Modedesigner_innen überträgt sich wie von selbst
über den Film hin zum Publikum, bzw. zu den Konsument_innen, und
im Zeitalter der digitalen Kultur lässt sich ein Film über das Internet
zeitgleich sowie weltweit übertragen.
Ein blitzschnelles Marketing-Tool mit beträchtlicher Reichweite.
Der Londoner Gareth Pugh gehört zu den Designer_innen, der den
Fashion Film als neue Kommunikationsform konsequent in seine
Präsentationen einbaut und an dessen Beispiel ich meine Thesen zu
diesem Präsentationsmedium aufbauen möchte.
Inwieweit der Fashion Film wirklich das geeignete Medium ist, um
textile Beschaffenheit, menschliche Silhouette und das Image eines
Labels zu präsentieren, und ob das althergebrachte Format des
traditionellen Catwalks ausgedient hat, möchte ich nach meinem
Vortrag zur Diskussion stellen. Denn der Fashion Film als nicht mehr
ganz so neuestes, aber immer noch in der Entwicklung stehendes
Marketing-Tool, ist und bleibt in seiner Anwendung und Rezeption
(verführerisch) ambivalent.

Panel III: Alternative
Aesthetic Politics

Martina Fineder
»Jute statt Plastik!«
Alternative Produktkultur zwischen Umweltkrise und Mode
Dieser Beitrag beleuchtet die Suche nach einer alternativen Design-
und Konsumkultur zwischen gegenkultureller Produktion und Lifestyle-
Trends im Westdeutschland der 1970er Jahre. Als wesentlicher Motor
dieser Entwicklung gilt gemeinhin die wiedererwachte Liebe zur
Natur. Ausgehend von einem neuen systemischen Verständnis der
Mensch-Natur-Beziehung wird der blaue Planet zum »Raumschiff Erde«
(Richard Buckminster Fuller 1968) erklärt, um anschließend als »Boot«
begriffen zu werden, in dem alle zusammen vom Untergang bedroht
sind. Dieses Verständnis drückt sich in der Folge in konsumkritischen
Aktionen wie »Jute statt Plastik« aus, wobei die braune Jutetasche zum
Symbol anti-kapitalistischen und anti-imperialistischen Protests wird.
Hier manifestieren sich auch die Sorgen einer vorwiegend jüngeren
Generation, die vom zunehmenden Wissen um die Konsequenzen des
globalen Raubbaus an Mensch und Natur herrühren.
Die steigende Popularität der Umweltbewegung wird aber auch von
kritischen Stimmen begleitet, die wie Tomás Maldonado in Umwelt
und Revolte. Zur Dialektik des Entwerfens im Spätkapitalismus (1972)
befürchten, dass das neue Umweltbewusstsein zur Mode verkommen
und damit seine Wirkung verfehlen könnte.
Im Spannungsfeld von Design und Konsum, Konsumkritik, Anti-Design
und Lifestyle-Trends wird danach gefragt, wie sich das wachsende
Umweltbewusstsein in der Produktkultur äußert. Wie materialisieren
sich die neuen alternativen Wertvorstellungen? Wie wird die neue
Mensch-Natur-Beziehung in der Design- und Konsumpraxis verhandelt?
Diesen Fragen wird anhand von Beispielen wie der alternativen
Möbel- und Lampenproduktion der Offenbacher Gruppe DES-IN,
den Schaufenster-Dekorationen von Dorothee Beckers Schwabinger
Designboutique Utensilo, verschiedener Produktwerbungen in linken

Stadtmagazinen wie Blatt und PflasterStrand sowie der Verarbeitung
von Naturbildern im IKEA-Katalog nachgegangen.
Design und Konsum werden dabei als bedeutungsvolle
Auseinandersetzung mit der natürlichen und sozialen Umwelt gesehen
(Attfield 2000). Damit reiht sich dieser Beitrag nicht in die marxistisch
geprägte Design- und Konsumkritik der 1970er Jahre ein, sondern
bemüht sich, angeregt von der Diskussion um »The Poverty of Morality«
(Miller 2001, 2012), um ein dialektisches Verständnis von Design
und Konsum als Prozess, durch den Individuen, Gruppen und die
Gesellschaft auf die Bedingungen der Moderne reagieren.
Dieser Beitrag ist eine Adaption des 2011 in Barcelona präsentierten
Beitrages »Jute, not Plastic!« zur Konferenz Design History and
Social Change und Teil meines Dissertationsvorhabens mit dem Titel
»The Promise of the Alternative. Environmentally Critical Design and
Consumption in 1970s West Germany«.

Elke Gaugele
Fashion&Honesty 2012.
Krise, Ko-modi-fizierung und die neue Ethik der Mode
Als Beitrag zum Panel »Alternative Aesthetic Politics« analysiert
Fashion&Honesty 2012 den aktuellen Paradigmenwechsel der Mode
hin zur Ethical Fashion.
Den »Ethical turn« der Mode und deren aktivistischen Wandel hin
zur Social Fashion, Eco Fashion, Sweatshop-Free Fashion oder auch
Planet-friendly Fashion vollzogen nicht nur Designer_innen wie Vivienne
Westwood, Stella McCartney oder Bruno Pieters.
Gerade kleine und darunter auch viele österreichische Modelabels
starteten als Social Entrepreneurs mit alternativen Produktions-,
Handels- und Materialstrategien durch Upcycling, Cradle to Cradle,
Social Design, ökologischen Textilien, veganer Kleidung, D.I.Y. oder
Angeboten für Prosumer.
Während ökologische Kleidung noch in den 1970er und 80er Jahren
als »Anti-Mode« gegolten hatte, ist sie heute als »Green Glamour
Style« ins Zentrum einer mit »Greenomics« bezeichneten ökonomischen
Entwicklung gerückt. Diese beinhaltet nicht nur die Gründung neuer
Modemessen wie z.B. der »Ethical Fashion Show« (Berlin), sondern
gibt auch die Entwicklungslinien von Modemarken vor, die bis hin zum
»Greenwashing« von Jeanslabels oder der »Conscious Collection« bei
H&M reicht.
Damit ist das neue Paradigma der Mode umrissen: Die Mode wird
nicht nur zur Umweltaktivistin und Produzentin sozialer Gerechtigkeit
erklärt, sondern auch zur Trägerin von Emotionen wie Vertrauen oder
Tugenden wie der Ehrlichkeit. Sie alle sind Teil einer neuen Ko-modifizierung,
die ihren Ursprung in »der Krise« verortet.
Doch welche neuen Produktionsfelder sozialer und globaler
Unterschiede entstehen durch Green Fashion?

Welche Ordnungsdiskurse von Raum, Race, Class, Körper und
Geschlecht sind mit der Produktion einer neuen Kapitalsorte, dem
›ethischen Kapital‹ verbunden? Inwieweit ruft der Appell zum ethischen
Konsum nicht zuletzt auch neo-koloniale oder auch neo-feudale
Repräsentationsmodelle an?
Der Beitrag untersucht die »Aesthetic Politics in Fashion« anhand dieser
Fragen und eröffnet dadurch neue Perspektiven auf den »Ethical Turn«
in der Mode.

Ruby Sircar
Die Ausstattung des Tigers
Dekolonialisierung und Stilrassismus in der süd-asiatischen
Modeindustrie
Seit der frühen Moderne, diese kann mit der Hochzeit von
Dampfmaschine und Baumwolle 1750 und der somit eingeleiteten
Industrialisierung gesetzt werden, hat es nicht nur einen regen
Materialaustausch zwischen der britischen Kronkolonie Indien und
Europa gegeben, sondern auch eine intensive Kreolisierung der Stil-
und Formensprache der Textilien. Dies kann auf allen Verkaufsebenen
beobachtet werden. Angefangen von den 1990er Bollywoodstyles bei
Selfridges, den Nehrujackets der 1960er Jahre, Lady Mountbattens
Tutti-Frutti Set von Cartier aus den 1930er Jahren, bis hin zur
Formenfindung und Vermarktung durch Reebok und Swarovski von
Manish Arora (Phish Label seit den 1990er Jahren) oder den Khaki
getränkten Uniformen der Kolonialmächte. Was unterscheidet jedoch
diese verschiedenen Epochen? Und: was genau passiert heute? Wie
hat sich dieser Austausch in den letzten 20 Jahren verändert? Welche
Realpolitik steckt hinter der Veränderung der Formensprache bzw. wie
diese eingesetzt wird?
1992 beschloss die indische Zentralregierung die sozialistische
Marktwirtschaft zu beenden und durch eine kapitalistischere Form, die
insbesondere den Export unterstützte zu setzen.
In der Fashion Industrie bedeutete dies die Möglichkeit einen neuen
Markt zu erschließen: einerseits drangen Highendmarken (verstärkt
seit 1996) aus dem europäischen Ausland auf den indischen Markt
ein (siehe Sariproduktion von Hermes, 1999; Louis Vuitton Kampagne
und Reiseführer zu Mumbai, 2003; Swarovski Flagshipstore Mumbai
2001), andererseits begannen aber auch indische Designer für ein
globaleres Publikum zu produzieren. Die Formensprache die nun von
einem Manish Arora oder einer Marke wie Etro entwickelt wurde
sahen sich verblüffend ähnlich. Der Kund_innenkreis wie auch die
vermarktete Inhaltlichkeit unterscheiden sich jedoch grundlegend.

Zeitgenössische indische Designer_innen finden hauptsächlich auf dem
asiatischen und arabischen Markt Absatz, hier wird ganz klar eine
neue Selbstsicherheit aufbauend auf der Marktstärke wiedergespiegelt,
mit Stilrassismen wird hier großzügig umgegangen, es gibt klare antiwestliche
und damit einhergehend -koloniale Aussagen.
Die Frage ist nun: wer wird hier repräsentiert und ausgestattet und
was passiert mit der Mode wenn sie einen Kund_innenkreis außerhalb
Asiens und erreicht? Vergleiche und Untersuchungen werden am
Besipiel Etro, Burberry, Hermes, Arora, Kumar und We the PPL. Letztere
beziehen sich u.a. auf die Aussage des Freiheitkämpfers Subhash
Chandra Bose, dem Tiger von Bengalen: »Gebt mir Blut. Ich gebe euch
Freiheit«. Gandhi ist tot.

Ilka Becker
Die Politik der Selbst-Aufgabe. Kunst, Mode und Empire bei
Bernadette Corporation
People want to be someones.
But the really exciting challenge is to become no one.
And where will you find no ones?
In nowhere. Where things are exploding.
Bernadette Corporation
Künstler_innengruppen treten von jeher mit dem Anspruch auf, näher
am Leben zu sein als der Rest der Kunst. Ihre Produktionsformen
bringen nicht nur eine Befragung oder Auflösung des Autorenbegriffs
mit sich, sie kommen auch zu Ergebnissen, die durch die
unterschiedliche Interessen und Praktiken ihrer Akteur_innen bedingt
sind. Insbesondere in der zeitgenössichen Kunst stehen dabei
zunehmend gesellschaftliche Formen der Subjektivierung im Mittelpunkt
des Interesses. Der Mode wird dabei häufig die Rolle zugeschrieben,
individuelle Subjektentwürfe hervorzubringen. Doch was, wenn es im
Zuge einer künstlerischen Aneignung von Mode gar nicht um Identität,
ums Selbst, sondern um eine radikale Politik der Entsubjektivierung
geht? Wenn ein Mode-Label oder das Format einer Fashion-Zeitschrift
der Zersetzung von Mode im Modus von Mode dient?
Das New Yorker Künstlerkollektiv Bernadette Corporation bearbeitet in
seinen Performances, Filmen, Fotoarbeiten, Magazinen, Romanen und
Installationen die Bezüge und Widersprüche zwischen Mode und Anti-
Mode, Kapital und Widerstand im Empire.
So ging es ihnen in ihrem Film Get rid of yourself (2002), in dem
Aussagen von Designer_innen auf die Sichtweisen von G8-Gegner_
innen treffen, um das »Potenzial einer auf die radikale Ablehnung
politischer Identität basierenden Gemeinschaft (...) und einen neuen
Horizont, an dem sich Ästhetik und Politik wiederfinden.«

Im kollektiv verfassten Roman Reena Spaulings (2005) wird eine
Museums-Wärterin zum Model und damit zum lebendigen Waren-
Körper. Bernadette Corporation untersuchen seit den frühen 90ern die
Kommunikationssysteme von Mode und Kunst, um darin Möglichkeiten
des Widerstandes gegen die Logik des »unternehmerischen Selbst«
(Ulrich Bröckling) zu erkunden.
Im Mittelpunkt meines Vortrags soll die Frage stehen, inwiefern
Bernadette Corporation in ihren Arbeiten ihren Anspruch des
Politischen jenseits der Identität einlösen können. Anders formuliert:
Explodiert die Image-Ware der Mode-Körper durch das Niemand-
Werden?

Birgit Haehnel
Weiße Umhüllungen – Weiße Verblendungen.
Zur textilen Konstruktion von whiteness seit Beginn des 20.
Jahrhunderts
Weiße Textilien können als Substitut des Körpers und seiner Oberfläche
verstanden werden. Ein wichtiges Forschungsfeld eröffnet sich, wenn
sie statt in ihrer Funktion als Bekleidung auch als visuelle Signale des
Weißseins und damit als rassifizierendes Definitionssymbol untersucht
werden. Latent produzieren sie das noch nicht Gesäuberte als das
problematische Andere mit. In Anthropologie und Medizin ist das
Weißwaschen der Welt eine besonders gefährliche Metapher mit alter
Tradition und fatalen Folgen. Das Forschungsprojekt untersucht kritisch
die Verwendung weißer Textilien in ihren verschiedenen metonymischen
Zuschnitten als Bild und (Kunst-)Objekte, um die kunsthistorische
Relevanz und darüber hinaus auch kulturpolitische Dimension zu
erfassen.

Referent_innen,
Chairs und Diskutierende

Marlene Agreiter, Mag. studierte Psychologie an der Universität
Wien und Modedesign an der Universität für angewandte Kunst Wien.
2007 postgraduale Ausbildung im Bereich Kulturmanagement. Seit
2008 freie Mitarbeit bei unterschiedlichen Projekten in den Bereichen
Mode und Design. Seit 2012 kulturwissenschaftlich angelegtes
Dissertationsprojekt zu alltagskulturellen, ästhetischen Praktiken des
Modehandelns.
Email: marlene.agreiter@gmail.com
Ilka Becker, Dr. studierte Kunstgeschichte, Germanistik und
Philosophie in Köln; 2006 Promotion über »Fotografische
Atmosphären«; Kunstkritik seit 1992, kuratorische Arbeit seit 1996;
1996/97 wiss. Aufarbeitung der Fotografischen Sammlungen im
Rheinischen Landesmuseum Bonn; 1998-2000 Redakteurin bei Texte
zur Kunst; 1998-2002 wiss. Mitarbeiterin und Lehraufträge Universität
zu Köln; 2003-2008 wiss. Mitarbeiterin am Forschungskolleg »Medien
und kulturelle Kommunikation«; 2003-2008 Lehre/Projektarbeit an
der Hochschule für Bildende Künste HBK Braunschweig und den
Universitäten Bonn und Köln; 2010 Schnittraum – Raum für Kunst und
Diskussion, Braunschweig (mit Corinna Schnitt und Studierenden der
HBK Braunschweig); arbeitet seit 2009 am Institut für Kunstwissenschaft
der HBK Braunschweig.
Publikationen (Auswahl): Just not in Time. Inframedialität und nonlineare
Zeitlichkeiten in Kunst, Film, Literatur und Philosophie,
München: Fink 2011 (Hg. mit Michael Cuntz und Michael Wetzel);
Fotografische Atmosphären. Rhetoriken des Unbestimmten in der
zeitgenössischen Kunst, München: Fink 2010; Unmenge – Wie verteilt
sich Handlungsmacht?, München: Fink 2009 (Hg. mit Michael Cuntz
und Astrid Kusser)
Email: ilka-becker@gmx.net

Tanja Bradaric, Mag. ist derzeit PhD Doktoratsstudentin an der
Akademie der Bildenden Künste Wien. Nach ihrem Studium in der
Modeklasse von Veronique Branquinho und Raf Simons ging sie nach
Paris, um bei Balenciaga und Chloé zu arbeiten. Ihr spezielles Interesse
als Forscherin gilt den Machtverhältnissen und den Produktionsweisen
in der Modeindustrie, sowie dem Wettbewerb und den Synergien
zwischen Modestädten. Als Resultat ihrer Erfahrungen und ihrer
empirischen Forschung gründete sie 2011 das Modelabel Bradaric
Ohmae.
Email: tanjabradaric@hotmail.com
Endora Comer-Arldt, M.A. hat 2006 an der Technischen
Universität in Darmstadt ihr Magisterstudium der Geschichte und
Pädagogik absolviert. Von 2003 bis 2007 war sie bei einem freien
Träger der Jugend- und Erwachsenenbildung als Projektleitung und
pädagogische Mitarbeiterin für den Aufbau einer Einrichtung für junge
Migrantinnen verantwortlich. Als Beraterin war sie 2007 bis 2012 bei
einer international agierenden Personal- und Unternehmensberatung
tätig. Seit 2010 arbeitet sie an ihrer Dissertation »Die Zusammenarbeit
von Modeindustrie und Celebritysystem als bio-ökonomischer
Produktionsprozess« an der Akademie der Bildenden Künste Wien.
Seit 2012 ist sie Lehrbeauftrage an der Wella Stiftungsprofessur der
Technischen Universität Darmstadt.
Email: endoracomer@gmx.net
Anne Feldkamp, studierte Kunstgeschichte und Germanistik in
Marburg, Trier und Wien; Assistenztätigkeiten im Kunstbereich
(NBK - Neuer Berliner Kunstverein, Kunsthalle Wien, documenta12),
Modekolleg Michelbeuern, seit 2008 Betreiberin des
deutschsprachigen Modeblogs »Blica«, seit 2009 freie Autorin für
Der Standard, Austrianfashion.Net, De:Bug, Circus Magazine, FAQ
Magazine, Flair Deutschland Online, Vogue Digital.
Email: blica@gmx.at

Martina Fineder, Mag. studierte Produkt- und Industriedesign
sowie Geschichte und Theorie des Design an der Universität für
angewandte Kunst Wien. Derzeit arbeitet sie als freie Kuratorin u.a.
für das Museum für angewandte und zeitgenössische Kunst Wien und
lehrt Produkttheorie an der Akademie der Bildenden Künste Wien, wo
sie im Fachbereich Moden und Styles an ihrer Dissertation schreibt.
Im Rahmen ihrer wissenschaftlichen Tätigkeit an der Universität für
angewandte Kunst brachte sie gemeinsam mit Thomas Geisler den
Nachlass Victor Papaneks aus den USA nach Wien, auf dessen Basis
2010 die Victor Papanek Foundation gegründet wurde. Sie ist u.a.
Mitherausgeberin der deutschen Ausgabe von Papaneks Schlüsselwerk
Design für die reale Welt (2009).
Email: m.fineder@ak-bild.ac.at
Eva Flicker, Dr., Ao.Univ.-Prof. arbeitet am Institut für
Soziologie der Universität Wien. Ihre Arbeitsschwerpunkte sind:
Film- und Mediensoziologie, Visuelle Soziologie, Gender Studies,
Organisationssoziologie und Gruppendynamik. 2008-2012
Studienprogrammleitung Gender Studies an der Universität Wien.
2010-2013 Faculty Mitglied des GIK – Gender Initiativkolleg der
Universität Wien.
Laufende Projekte: »Fashionable Queens – Mode – Power – Gender«,
internationales Symposium Dezember 2010 an der Universität Wien
gemeinsam mit Monika Seidl (Publikation in Vorbereitung); Alte/r/n
in den Medien; Armut und soziale Ungleichheit im österreichischen
Film; »Fashionable Power«– Bilder von Politikerinnen in internationalen
Medien.
Email: eva.flicker@univie.ac.at
Lisbeth Freiss, MMag., ist Senior Scientist an der Akademie
der Bildenden Künste Wien/Institut für das künstlerische Lehramt/
Fachbereich Moden&Styles. Diplomstudium Tapisserie, Diplomstudium
künstlerisches Lehramt, Doktoratsstudium. Thema der Dissertation: »Die
Semiologie der Strickjacke im deutschen Spielfilm der 1930er bis

1950er Jahre«. Arbeitsschwerpunkte: Mode und weiblicher Handarbeit
sowie deren medialer Verbreitung. Aktuelle Forschung zur Wiener
Mode und Regime der Verstofflichung. Sie ist Mitglied des Critical
Crafting Crafting Circles und lebt in Wien.
Publikationsbeiträge (Auswahl): »Die Handarbeitsanleitung als
Strategie zur weiblichen Produktion. Eine historische Studie
bürgerlicher Frauenjournale des 19. Jahrhundert.« In: Elke Gaugele,
Sonja Eismann et al. (ed.), Crafitsta! DIYAktivismus, Feminismus und
Neue Häuslichkeit. Mainz 2010; »Mythos und Mehrwert textiler
Techniken. Von *an wiederholen?« In: Christian Becker. Perspektiven
textiler Bildung. Hohengehren 2007; »Die Regentschaft nach der
Wiener Mode«. In: Haehnel, Birgit; Koos, Marianne, Stoffe weben
Geschichte(n). Textile Kunstmaterialien im transkulturellen Vergleich,
Marburg 2011.
Email: e.freiss@akbild.ac.at
Elke Gaugele, Dr., Univ.-Prof. ist Empirische
Kulturwissenschaftlerin, Autorin, Kuratorin und Professorin für »Moden
und Styles« an der Akademie der Bildenden Künste Wien und hier
auch Institutsvorständin des Instituts für das künstlerische Lehramt
(IKL). Zuvor war sie u.a. Hochschulassistentin am Institut für Kunst
und Kunsttheorie, Abt. Textil der Universität zu Köln, Research Fellow
am Department for Visual Arts Goldsmiths/University of London,
Lise-Meitner-Habilitationsstipendiatin sowie Maria-Goeppert-Mayer
Gastprofessorin des Landes Niedersachsen.
Publikationen (Auswahl): Craftista! Handarbeit als Aktivismus, Mainz:
Ventil 2011 (hgg. mit Sonja Eismann, Verena Kuni und Elke Zobl);
TechnoNaturen. Design&Styles, Schriftenreihe der Akademie der
Bildenden Künste Wien, Wien 2008 Schleebrügge.editor (hg.mit Petra
Eisele); Jugend, Mode und Geschlecht. Die Inszenierung des Körpers
in der Konsumkultur, Frankfurt am Main, New York, Campus 2005
(Hg. mit Kristina Reiss); Schurz und Schürze. Kleidung als Medium der
Geschlechterkonstruktion, Köln, Wien, Weimar: Böhlau 2002;
Email: e.gaugele@akbild.ac.at

Silke Otta Geppert, Mag. phil., Dr. phil. ist Kunst- und
Kostümhistorikerin. Studium in Wien (Mag.phil. 2002). Promotion im
Fach Kunstgeschichte an der Universität Wien (2011, Mode unter dem
Kreuz. Kleiderkommunikation im christlichen Kult). Lehrbeauftragte an
der Universität Mozarteum Salzburg (Europäische Kostümgeschichte),
Universität Salzburg und Graz sowie an der Universität für Gestaltung,
Pforzheim (Geschichte der Mode, Modetheorie). Wissenschaftliche
Mitarbeiterin am Dommuseum zu Salzburg. Mehrjährige Praxis
als Autorin, Verlagsbuchhändlerin und Museumskuratorin.
Forschungsschwerpunkte: kostümhistorische Modetheorie – am
Beispiel Burgund; vestimentäre Argumentation in der Kunstgeschichte.
Gründerin von Netzwerk Textil – Österreich (2012).
Email: silke.geppert@aon.at
Doris Guth, Mag. Dr., Ass. Prof. ist Assistenzprofessorin an
der Akademie der Bildenden Künste Wien (Institut für Kunst- und
Kulturwissenschaften), Kunsthistorikerin und Kulturwissenschafterin;
2001-2008 Vorsitzende des Arbeitskreises für
Gleichbehandlungsfragen, seit 2004 Mitglied des Universitätssenates
(UOG);
Arbeitsschwerpunkte: Zeitgenössische Kunstproduktion, Gender und
Queer Studies, Liebe und Feminismus, Politik der Ausstellungen, Liebe
in der bildenden Kunst der frühen Neuzeit, Geschlechterpolitik an
Universitäten.
Publikationen (Auswahl): »›Das Bildnis Gabrielle D’Estrees und ihre
Schwester.‹ Kunsthistorische Forschung zur Homoerotik zwischen
Frauen«, in: Doris Guth/Elisabeth Priedl (Hg.) Bilder der Liebe. Liebes-
und Geschlechterverhältnisse in der Kunst der frühen Neuzeit, transcript
2012,; »True Love. Liebe in Lifestyle-Zeitschriften«, in: Doris Guth/
Heide Hammer (Hg.): Love me or leave me: Liebeskonstrukte in der
Populärkultur, Campus 2009.
Email: d.guth@akbild.ac.at

Eva-Maria Götz, MinR. Dr. ist im bmwf durch ihre Beschäftigung
sowohl in der Hochschulsektion (Universitäten der Künste) als
auch in der Forschungssektion (Abteilung für Forschungspolitik von
Universitäten, Fachhochschulen und Privatuniversitäten) laufend
mit den Herausforderungen und der Weiterentwicklung der Künste
im universitären Umfeld konfrontiert. Studium der Geschichte und
Romanistik an der Universität Wien, Ausbildung zur Controllerin,
Mitarbeit in Stabsstellen des bmwf (Universitätsreform, Einrichtung von
Fachhochschulen), Mitwirkung an zahlreichen Projekten des bmwf zur
Studien- und Berufsinformation wie auch am Aufbau von Datenbanken.
Email: eva-maria.goetz@bmwf.gv.at
Birgit Haehnel, Dr. ist Kunsthistorikerin mit den
Forschungsschwerpunkten der Postcolonial- und Gender Studies
im Bereich Kunst und visuelle Kultur. Derzeit Projektleiterin des
DFG geförderten Forschungsprojekt »Weiße Umhüllungen – Weiße
Verblendungen. Zur Bedeutung des weißen Tuchs in der visuellen
Kultur seit dem 20. Jahrhundert« an der TU Darmstadt und am CePoG
(Centrum für Postcolonial und Gender Studies) Universität Trier.
Lehre, Vorträge und Publikationen zur Kunst im 17., 19. und 20.
Jhd., zur Semantik der Hautfarben (Rassismuskritik), Kunsttheorie,
Mobilitätskonzepte, Biopolitik und Traumaforschung. Neuere
Forschungen: Textilien, Migration und Critical Whiteness Studies.
Email: haehnel@bpaed.tu-darmstadt.de
Alicia Kühl M.A., studierte Kulturwissenschaften Hispanistik
und Psychologie an der Universität Leipzig. Seit September 2009
promoviert sie im Promotionsstudiengang Kulturwissenschaften am
Institut für Künste und Medien an der Universität Potsdam bei Prof. Dr.
Gertrud Lehnert. Im Wintersemester 2010/2011 war sie Lehrauftrage
an der Universität Potsdam/Institut für Künste und Medien und seit April
2011 ist sie Stipendiatin des DFG-Graduiertenkollegs »Sichtbarkeit und
Sichtbarmachung. Hybride Formen des Bildwissens«.
Publikationen (Auswahl): »Wie Kleidung zu Mode wird. Prozesse
der Verräumlichung in Modenschauen.« In: Gertrud Lehnert (Hg.):

Räume der Mode. Paderborn: Fink Wilhelm (2011) S. 57-74; »Die
Räume der Mode. Internationale Tagung der Universität Potsdam« In:
Komparatistik. Jahrbuch der Deutschen Gesellschaft für Allgemeine
und Vergleichende Literaturwissenschaft 2008/2009. Heidelberg:
Synchron (2010), S. 249-251 (mit Charlotte Silbermann); Die
Eisenbahnstraße Leipzig vom Arbeiterquartier zum Migrantenviertel.
Eine Analyse des soziokulturellen Wandels von der Gründerzeit bis
heute unter besonderer Berücksichtigung der DDR. Saarbrücken: VDM
Verlag Dr. Müller (2010).
Weitere Informationen unter http://www.uni-potsdam.de/visibility/
aliciakuehl.html. Email: alicia.kuehl@uni-potsdam.de
Daniel Kalt, Mag. studierte vergleichende Literaturwissenschaft
und Romanistik in Wien, Paris und Lissabon. Der Schwerpunkt
wissenschaftlicher Publikationen liegt im Bereich der portugiesischen
Literatur des 19. Jahrhunderts und der Translationistik sowie
Auseinandersetzungen mit Kunst im öffentlichen Raum und
Kriminalliteratur im urbanen Kontext. Er arbeitet als Redakteur für
Mode und Kreativwirtschaft bei der Tageszeitung Die Presse und ihrer
Freitagsbeilage, dem Presse Schaufenster. Zu seinem Privatvergnügen
bloggt er auf ParisVienne.com.
Email: daniel.kalt@diepresse.com
Philipp Levar, Mag. Studium der Philosophie/Anthropologie.
Arbeitet an der Schnittstelle von Philosophie, angewandter und
zeitgenössischer Kunst. 6 Jahre Tätigkeiten als Fashion-Model.
Dissertant und Vorsitzender der Stv. Doktorat an der Akademie der
bildenden Künste Wien. Seit 2008 Special Projects/MAK – Museum
für angewandte Kunst/Gegenwartskunst.
Email: philipp.levar@mak.at
Michael R. Müller, Dr., Jun. Prof. promovierte an der
Universität Konstanz und ist Juniorprofessor am Institut für Kunst
und Materielle Kultur der TU Dortmund sowie Senior Fellow am

Kulturwissenschaftlichen Institut Essen. Seine Forschungsschwerpunkte
sind: Figurative Hermeneutik, Soziologische Ästhetik,
Kulturanthropologie der Mode und des Textilen, Wissens-, Medien- und
Körpersoziologie, Politische Kulturforschung.
Publikationen (Auswahl): »›Apartheid‹ der Mode. Eine
symboltheoretische Revision der formalen Modesoziologie«, in: G.
M. König/G. Mentges/M. R. Müller (Hrsg.), Mode als Moderne:
Konjunkturen wissenschaftlicher Aufmerksamkeit, Bielefeld 2012;
»Figurative Hermeneutik. Zur methodologischen Konzeption einer
Wissenssoziologie des Bildes«, in: Sozialer Sinn. Zeitschrift für
hermeneutische Sozialforschung, H. 1, 2012; Körper Haben. Die
symbolische Formung der Person, Weilerswist 2011 (als Hrsg. mit H.-
G. Soeffner u. A. Sonnenmoser); Stil und Individualität. Die Ästhetik
gesellschaftlicher Selbstbehauptung, München 2009.
Email: michaelrudolf.mueller@tu-dortmund.de
Sabina Muriale, Mag. ist Kulturanthropologin, Kuratorin, Lehrende
an der Akademie der Bildenden Künste Wien im Fachbereich Moden
und Styles und darüber hinaus auch Mitarbeiterin des Modelabels
Edwina Hörl, Tokyo. In ihrer Doktorarbeit untersucht sie die
Präsentationsformen zeitgenössischer Mode im digitalen Zeitalter.
Ihre Forschungschwerpunkte sind: Präsentationsformen zeitgenössischer
Mode in Museen und bei Fashionshows, Interaktionen zwischen Kunst
und Mode sowie Technoculture und Modeindustrie.
Email: s.muriale@akbild.ac.at
Carmen Rüter, Mag. ist Stadtforscherin und Journalistin. Ihr
besonderes Interesse gilt urbanen und metroplitanen Prozessen -
Arbeitsschwerpunkte sind die raumbezogene Gesellschaftsanalyse,
Raumtheorien sowie die Geschlechterforschung. Das Zusammenspiel
von Analyse, Dokumentation, und Reflexion von Raum manifestiert
sich in ihrer Arbeit als freie Journalistin für internationale Print- und
Onlinemedien. Carmen Rüter lebt und arbeitet in Wien und Hamburg.
Email: carmenrueter@ymail.com

Ruby Sircar, Dr. unterrichtet derzeit als Universitätsassistentin an
der Akademie der Bildenden Künste Wien. Davor war sie Research
Koordinatorin der Initiative Minderheiten, lehrte an der TU Graz und
forschte als Research Fellow an der Jan van Eyck Academie Maastricht.
Sie erhielt ein Doktorat in Post-Colonial Studies und Zeitgenössischen
Kunstwissenschaften von der Akademie der Bildenden Künste Wien.
Ihre Arbeit setzt sich mit kultureller und migrativer Übersetzung sowie
Wissensproduktion auseinander.
Email: r.sircar@akbild.ac.at
Birke Sturm, Mag. studierte Bildnerische Erziehung und Englisch
an den Universitäten Regensburg, Aberdeen und Wien sowie
der Akademie der Bildenden Künste Wien, wo sie 2008 das
Lehramtsstudium in den Fächern mit Auszeichnung abschloss. Für ihre
Diplomarbeit erhielt sie den Anerkennungspreis der Akademie der
Bildenden Künste Wien. 2008 bis 2012 war sie Studienassistentin
und anschließend Studienberaterin in der Abteilung für Moden und
Styles der Akademie der Bildenden Künste Wien. 2008 begann
sie außerdem mit ihrer Dissertation zu Schönheitsvorstellungen in
Bezug auf Weiblichkeit zwischen Künstlichkeit und Natürlichkeit
in der Moderne. Seit 2009 unterrichtet sie Englisch am
Oberstufenrealgymnasium des Lauder Chabad Campus Wien.
E-Mail: birkesturm@gmx.net
Monica Titton, Mag. ist Soziologin und promoviert derzeit an der
Universität Wien, wo sie in den letzten vier Jahren als Assistentin am
Institut für Soziologie tätig war. In ihrer Dissertation beschäftigt sie sich
mit den Auswirkungen der Digitalisierung der Modemedien und deren
Bedeutung für die Mode. Zu ihren weiteren Interessen in der Forschung
zählen das Verhältnis zwischen Mode und zeitgenössischer Kunst sowie
die Transformationen des Subjekts in Zeiten digitaler Selbstdarstellung.
Ihre Schwerpunkte in der universitären Lehre liegen im Bereich der
soziologischen Modetheorie und Kunstsoziologie. Regelmäßige
publizistische Tätigkeiten und Vorträge.
Email: monica.titton@univie.ac.at

Gundula Wolter, Dr. phil. ist freiberufliche Modehistorikerin,
Modetheoretikerin und Autorin. 1993 Promotion am Kunsthistorischen
Institut der FU Berlin. 1998-2008 Gastprofessorin an der Universität
der Künste Berlin im Team von Vivienne Westwood und an der
Kunsthochschule Berlin Weißensee. Sie ist Gründungsmitglied und
Vorstandsvorsitzende von netzwerk mode textil, Interessenvertretung
der kulturwissenschaftlichen Textil-, Kleider- und Modeforschung e.V.
Publikationen (Auswahl): Die Verpackung des männlichen Geschlechts.
Eine illustrierte Kulturgeschichte der Hose, Marburg 1988 (1. Aufl.);
Hosen, weiblich. Kulturgeschichte der Frauenhose, Marburg 1994;
Teufelshörner und Lustäpfel. Modekritik in Wort und Bild 1150–1620,
Marburg 2002; Ridikül! Mode in der Karikatur 1600–1900 (mit
A. Rasche), Berlin/Köln 2003; Hrsg. von Reclams Mode- und
Kostümlexikon, Stuttgart 2011.
Email: g.wolter@netzwerk-mode-textil.de