Harmonie durch Musik

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Harmonie durch Musik
1.) ALLGEMEINE DEFINITION
Andrea Hufnagl, 8a
Laurent de la Hyre: Allegorie der Musik
Harmonie ist zunächst als musikalisches Fachwort aus dem griechisch, -lateinischen harmonia
entlehnt, das ursprünglich „Fügung, Fuge, Bund, Ordnung“ bedeutet.
Zum griechischen Grundwort harmózein (zusammenfügen) gehören auch die Neubildungen
Harmonika, Harmonium, Philharmoniker, das Adjektiv harmonisch „den Gesetzen der Harmonie entsprechend
bzw. ebenmäßig, stimmig“.
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Auch das Verb harmonieren, „gut zusammenpassen, übereinstimmen“, das sich im 17.Jhdt.
einbürgerte, leitet sich aus dem Grundwort harmonia ab.
Harmonia (lat., auch armonia) ist das „Prinzip“ der griechischen Musik und der
Ausgangspunkt ihres anscheinend schon von Terpandros von Antissa begründeten Systems; von hier aus
wurde Harmonie (ähnlich wie Logos und Symmetrie) zu einem Grundbegriff der antik-abendländischen
Musik-, Kunst- und Weltanschauung.
Das Prinzip der Harmonie wurde so früh aufgestellt, dass Harmonia als Tochter von Ares
und Aphrodite (Personifikation von „Auseinanderklang“ und „Zusammenklang“) und Gemahlin des zu
„Kosmos“ umgedeuteten Kadmos noch in den gemein-griechischen Mythos aufgenommen wurde.
Bei Euripides galt Harmonia als Mutter der Musen, später (so bei Nonnos) überhaupt als Personifikation
von Ordnung und Eintracht.
Harmonie ( griechisch eigentlich „Fügung“) bedeutet in erster Linie Einklang, Übereinstimmung
und stellt ein ausgewogenes, ausgeglichenes Verhältnis dar.
Dieser Einklang nimmt einen sehr hohen Stellenwert im Leben des Menschen ein, da er sich
ja zeitlebens mit diesem Gedanken beschäftigt oder besser gesagt – beschäftigen muss. Denn der
Mensch ist immer bestrebt – und war es in der ganzen Entwicklungsgeschichte der Menschheit immer
schon – nach dem „Einklang mit sich selbst und der Natur“ und damit auch mit seinen Mitmenschen.
Dass der Mensch ein sehr großes Harmoniebedürfnis besitzt, also den Wunsch nach einem ausgewogenen,
ausgeglichenen Verhältnis, zeigt sich an unzähligen Beispielen des täglichen Lebens. So zum
Beispiel der immerwährende Wunsch nach Versöhnung nach einem Streit. Auch eine Partnerschaft,
natürlich auch eine Familie können als eine solche harmonische Einheit betrachtet werden. Wenn etwas
oder jemand mit etwas anderem harmoniert, heißt das, dass diese nicht nur gut miteinander auskommen,
sondern auch gut zusammenpassen, angenehm zusammenklingen.
Wenn jemand harmonisch mit einem anderen Menschen umgeht, bedeutet dies, dass er
eine ausgewogene, wohlgestaltete Beziehung in gutem Einvernehmen führt.
Harmonie bedeutet also ein Verhältnis ohne jegliche Dissonanzen, sie bildet gerade das
Gegenteil dazu und sie ist somit auch frei von Gewalt, denn Gewalt kann nur als Folge von Dissonanz
passieren.
In der bildenden Kunst wird Harmonie als ausgewogenes, maßvolles Verhältnis der Teile
einer Bildkomposition zueinender verstanden. In der Ästhetik ist Harmonie die intuitiv erfassbare Übereinstimmung
aller Teile der Erscheinung. Von W. Leibniz als Einheit in der Mannigfaltigkeit definiert, ist
Harmonie vom Grad der Gesetze bestimmt, die in der Zuordnung der Teile eines Ganzen zueinander
bestehen. In der klassischen Ästhetik, die besonders seit der Renaissance bis ins 19. Jh. Für die
Kunstauffassung maßgebend war, entspricht Harmonie dem Begriff des Schönen.
Die vielen Begriffe, die das Wort „Harmonie“ beschreiben, führen bereits zur Musik. Nicht
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zufällig stehen in der Definition für Balance und Harmonie die Wörter Übereinstimmung, Einklang,
wohltönender Zusammenklang, sowie wohlklingend, Abstimmung, „stimmig“ und auch die Ablehnung
Harmonik, die bereits einen Begriff aus der Musik bildet.
In der griechischen Musik ist Harmonik eine kunstvolle Mischung aus dem Hohen („scharf“)
und Tiefen („schwer“) des Klangs, analog dem Begriff des Rhythmus, den Platon im Symposion als eine
kunstvolle Mischung aus schneller und langsamer Bewegung erklärt. Die Griechen machten bereits eine
Unterscheidung gemäß den Tongeschlechtern (enharmonisch, chromatisch, diatonisch) – ein „Systema
teleion“. Auch gab es eine Unterscheidung der Klänge als symphonoi („zusammenklingende“) und diaphonoi
(„auseinanderklingende“), im Lateinischen con- und dissonantes. Die so strukturierte Harmonik
bildet als Ganzes ein in wechselseitiger Spannung in sich ausgewogenes Gefühl, das Heraklit mit der
widerstrebend-zusammenstrebenden Fügung des Bogens vergleicht. Gemäß der Ansicht, Harmonie sei
ein universales Prinzip, dem alle Dinge des Mikro,-und Makrokosmos unterworfen sind, wurde die
erklingende Musik seit der Antike als ein sinnlich wahrnehmbarer Repräsentant dieses Prinzips verstanden.
Aber auch die höheren Stufen der Musica wurden in Spätantike und Mittelalter als
Paradigmata von Harmonie aufgefasst, die Musica humana vor allem als Harmonie von Leib und
Seele, die Musica mundana als die Harmonie des Weltganzen ( Sphärenharmonie), als Ausdruck für
die göttliche Ordnung der Welt. Die mittelalterliche Musikanschauung übernahm die Idee der
Sphärenharmonie als musica mundana, davon unterschied sie die musica humana, die menschliche
Harmonie zwischen Leib und Seele, und die musica instrumentalis, die erklingende Musik. Mit der
Entwicklung der Musiktheorie von einer spekulativ- philosophischen Disziplin zu einer mehr an der
Kompositionspraxis orientierten Lehre begann der kosmologische Aspekt des Harmoniebegriffs in den
Hintergrund zu treten, und schließlich wurde Harmonie gleichbedeutend mit Zusammenklang bzw.
Harmonik verwendet.
Harmonik, die Bezeichnung für das Ganze der musikalischen Erscheinungen, ergibt sich
aus den Zusammenklängen mehrerer Töne. Als Gegenstand der Theorie behandelt die Harmonik den
jeweils geschichtlich bedingten Vorrat der Klänge und Akkorde, ihren Aufbau, ihre Wertigkeit und ihre
Verbindungsmöglichkeiten untereinander. Dabei umfasst sie einen zentralen musikalischen Bereich
neben Melodik und Rhythmik, mit denen sie eigentlich eng verbunden ist (Harmonie - ein ausgewogenes
Verhältnis).
Seit dem Altertum gehörte Persönlichkeitserziehung durch Musik zu den Selbstverständlichkeiten
erzieherischer Maßnahmen. Dem lag die Annahme zugrunde, „gute“ Musik sei
Abbild kosmischer Ordnung und beeinflusse die Seele des Menschen auf positive Weise.
Bereits im China der Chou - Dynastie (ca. :1:100-250 v. u. Z.) galt Musik (yüeh) nicht allein als machtvolles
Zaubermittel, das Naturkräfte beeinflussen kann. Als Spiegel von kosmischer Ordnung und
Harmonie wies ihr Konfuzius (55:1-479 v. u. Z.) eine besondere Rolle für die ethischen Belange des
feudalen Staatsgefüges zu. Entsprechend nutzten die chinesischen Herrscher die Musik als
Erziehungsmittel zur Regulierung der menschlichen «Gemütsbewegungen». Nach dem «Buch der Sitte»
(Li Chi) manifestieren sich diese Bewegungen in den «fünf Tönen» (sheng) der pentatonischen Leiter des
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frühen China. Für die Aufrechterhaltung der musikalischen und zugleich auch staatlichen Ordnung war
seit ca. 200 v. u. Z. das kaiserliche Musik-Amt (yüeh-fu) zuständig, das formell bis zum Ende der Ts'ing-
Dynastie im Jahr :19:12 bestand.
Wie die chinesische yüeh weit mehr als nur das Erklingende einschließt, stellt auch die musike
im klassischen Griechenland eine Dimension dar, in der Musikalisches auf das engste mit kultischreligiösen
und ethisch-gesellschaftspolitischen Inhalten verbunden ist. Fast selbstverständlich konnte
daher Platon (427-347 v. u. Z.), der entscheidende Repräsentant der antiken Ethoslehre, die
Wirkungen von Musik und die Entwicklung des Menschen in Beziehung setzen. Aus dieser Beziehung
leitete er eine besondere Bedeutung der Musik für das Staatswesen und vor allem für die Erziehung der
Jugend ab. Tonarten, Zeitmaße (Rhythmen), Instrumente und musikalische Gattungen wurden nach ihrer
ethisch-erzieherischen Wirksamkeit skaliert, staatsgefährdende ausgeschieden (...).
Für Aristoteles (384-322 v. u. Z.) zielt die staatliche Erziehung der Jugend nicht mehr allein
auf die Einübung in staatskonforme Tugenden, sondern auch auf die sinnvolle Freizeitgestaltung (Muße).
Hier trägt die «genussbereitende» Musik Zur Selbst-Bildung des sich im Staat verwirklichenden
Menschen bei.
Im deutschen Idealismus des angehenden :19. Jahrhunderts erlangt die Musik, da sie «am
tiefsten in die Seele zu dringen» vermag (Herder, 1803), erste pädagogische Priorität bei der
Humanisierung des Menschen: «Mit Recht ist Orpheus' Leier unter die Sterne versetzt; sie hat mehr getan
als Herkules´ Keule; sie macht den Unmenschen menschlich ; (zit. nach Abel-Struth, :1985,)'
Diese Form von Menschenbildung, der Bildung von Individualität durch Musik, wird exemplarisch in
Goethes «pädagogischer Provinz» dargestellt. Der hier meist erstaunlich reglementierte Weg einer
Musikerziehung als Ausgangsbasis für eine planvolle Erziehung zur Selbsttätigkeit geht in der Hälfte des
19. Jahrhunderts in einer wissenschaftlich begründeten Musikpädagogik auf .
In den 2oer Jahren unseres Jahrhunderts aus der Jugendbewegung entwickelte sich die Idee der musischen
Erziehung. Sie zielt auf eine Ganzheit der Künste, in deren Rahmen «Musik zur Beseelung, nicht
zur Versittlichung dient. Nach Adorno bildet die Musik in der musischen Bewegung ein „sanktioniertes
Schutzgebiet von Irrationalität“. Hier sind, unter dem Deckmantel des Musikantischen und
Antiintellektuellen, Gemeinsamkeiten mit dem Faschismus nachweisbar. Alle Konzeptionen einer
Erziehung durch Musik sind letztlich und vorrangig geprägt von Selektion und Ausgrenzung. Sie basieren
mehr oder weniger offen auf einer Zensurierung der in der jeweiligen Zeit praktizierten Musiken
nach dem Kriterium von gut und schlecht.
Auch der musische Bildungsgedanke ist – mit mancherlei Varianten – dieser Auffassung verpflichtet.
Ein tiefgreifender Wertewandel seit Beginn unseres Jahrhunderts lässt allerdings eine Trennung
in gute und schlechte, zur Erziehung taugliche und untaugliche Musik so ohne weiteres nicht mehr zu.
Darüber hinaus hat der Nationalsozialismus (in aller Schärfe z. B. in Arbeits- und Konzentrationslagern;
s. John, 1991) gezeigt, dass brutalste Inhumanität und im traditionellen Sinn als gut verstandene Musik
einander keineswegs auszuschließen brauchen. So fragwürdig damit der Gedanke an die Möglichkeit
einer Persönlichkeitserziehung durch «gute» Musik auch geworden ist, so sicher lässt sich doch sagen,
dass jeder Umgang mit Musik zur Persönlichkeitsentwicklung beiträgt.
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Die Musik leistet einen sehr wesentlichen Beitrag bei der Erlangung der Harmonie und der
Balance – dem inneren Gleichgewicht des Menschen.
Hiermit gerät der sozialisationstheoretisch höchste relevante Begriff der Aneignung in den Mittelpunkt
der Betrachtung. Er wird verstanden als Grundbedingung menschlichen Lebens und umschreibt Formen
des produktiven Verhaltens gegenüber den gesellschaftlichen Verhältnissen und ihren Anforderungen wie
Möglichkeiten.
Im heutigen Zeitalter wird der Mensch immer und überall im täglichen Leben von der Musik
begleitet und Musik stellt ein besonders interessantes Medium der Auseinandersetzung mit der Kultur
dar. Denn Musik ist als Bestandteil von Kultur immer auch Erzeugnis eines oder mehrerer Individuen und
schafft somit ein Verhältnis von Individuum zu Kultur. So vollzieht sich die Entwicklung der Persönlichkeit
in der Aneignung materieller Kultur durch aktive, auf äußere Dinge bezogene Tätigkeit (durch handfeste
Wirklichkeitsbewältigung also) und in der Aneignung symbolischer Kultur über das Medium der
Kommunikation. Hierzu zählt vor allem die Rezeption „jugendeigener“ Musik, die sich vom Rock 'n' Roll
der 50ger über den Beat der frühen 60er, die Rockmusik der 70er, Punk und Disco der 80er, Rap und
Techno-Pop der 9oer Jahre zu einer bedeutenden Sozialisationsinstanz geformt hat. Als wesentliche
Kategorie für die Entwicklung von Identität und Selbstbedeutung bei Jugendlichen beschreibt
Zimmermann die «rebellische» Aneignungsform von Rockmusik. In der Aneignung von Rockmusik sind
Formen potentieller Eigentätigkeit, wie Provokation, Abgrenzung oder Enttabuisierung enthalten. Wenn
auch Rockmusik keinen eigenständigen Sozialisationsfaktor darstellt, so ist doch die Bedeutung des
musikalischen Alltags Jugendlicher für die Persönlichkeitsentwicklung nicht zu unterschätzen. Dies zumal
als bei den 14- bis 19jährigen die auditiven Medien Radio, CDs und MP3s in der Mediennutzung an
erster Stelle stehen und die kultur, -und jugendkritische Rede von einer «Dauerberieselung» durch triviale
Pop, - und Rockmusik an den vielfältigen Formen vorbeigeht, mit denen sich Jugendliche derartige
Musik aneignen.
Es wird vermutet, dass dieser Musik die „wichtige Rolle zufällt, sozusagen akkustische Räume aufzubauen,
in denen psychische Dynamik entfaltet, in ihren Grenzen und Reichweiten erfahren und damit
in die Identitätsfolie eingestanzt werden können“.
Bei der Entwicklung verschiedener Stilrichtungen der Musik waren in den einzelnen
Epochen Normen und Verhaltensregeln maßgeblich. So wäre z.B. im Europa des 19. Jhts. Jazz, Pop
und Rock nicht möglich gewesen und das nicht nur wegen des herrschenden Musikgeschmacks sondern
auch wegen genereller Verhaltensweisen (wie z.B. Ablehnung exaltierter, körpernaher Affekte).
Die Musik übernimmt also im Leben des Menschen verschiedene Funktionen:
Zum gesellschaftlich-kommunikativen Funktionsbereich zählen:
• sakrale Funktionen: sie haben die Musik des Abendlandes zumindest bis zum Beginn der
Säkularisierung entscheidend mitgeprägt;
• Repräsentations- bzw. Glorifizierungsfunktionen: Musik als Statussymbol, als klingender
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und schließlich:
Ausdruck von wirtschaftlicher politischer und kultureller Potenz;
• Festlichkeitsfunktion: Musik als Rahmen für das Besondere, Außeralltägliche. Sowohl im
Leben des Einzelnen (Geburt, Geburtstag, Hochzeit,...) als auch in der Gemeinschaft
(Festtage, Feiern,..)
• Funktion der Bewegungsaktivierung- und Koordination: beim Volks- und
Gemeinschaftstanz (auch in der Disco), sowie bei Marsch- und Parademusik.
• gemeinschaftsbindende gruppenstabilisierende Funktion: Musik bestimmt soziale Gruppen
und Schichten, die sich jeweils mit ihrer Musik identifizieren.
• erzieherische Funktionen: Musik als Mittel zur Bildung, zur richtigen „Gesinnung“, zur
Etablierung von ästhetischen Normen;
• Verständigungsfunktionen: Musik als Metasprache, als symbolhaftes Kommunikationsmedium
neben der Sprache und über die Sprache hinaus.
• Kontaktfunktion: Musik als nonverbales Mittel der Kontaktaufnahme und zur Klärung
zwischenmenschlicher (meist positiver) Beziehungen.
• gesellschaftliche Funktionen: Musik als Ausdrucksmittel von Minderheiten, um auf Missstände
in der Gesellschaft hinzuweisen.
• die Funktion der Selbstverwirklichung: besonders beim eigenen Musik machen, aber durchaus
auch beim gezielten und eigenbestimmten Musikhören.
Alle diese Teilfunktionen sind abhängig von der jeweiligen Situation.
Weniger kontextabhängig und stärker personenorientiert ist der individuell-psychische
Funktionsbereich: Hierbei spielen Assoziationen und Vorstellungen im Zusammenhang mit der eigenen
psychischen Bedürfnislage eine wichtige Rolle:
• die emotionale Kompensationsfunktion: die Projektion oder Abreaktion von Stimmungen,
Gefühlen, Wünschen, Träumen und Vorstellungen durch die Musik.
• Funktion der Einsamkeitsüberbrückung: Musik gibt dann Verbindungen zum gesellschaftlichen
Umfeld vor die real nicht gegeben sind.
• Konfliktbewältigungsfunktion: die Flucht aus den Zwängen des Alltags durch meist reggressive
Versenkung in die Musik, die dabei abstrakt und realitätsüberhöhend wirkt. Æ Musik
als Drogenersatz
• Entspannungsfunktion: Musik als stressregulierendes, Emotion glättendes Therapiemittel
• Aktivierungsfunktion: geistige und körperliche Stimulierung und Stimmungsoptimierung durch
Musik, die dem eigenen Musikgeschmack entspricht.
• Unterhaltungsfunktion: Empfinden von Spaß, Wohlgefallen und Lustgewinn durc h
Identifikation bei Musik, die als schön empfunden wird.
Heutzutage dient Musik leider oft der unterhaltsamen Ablenkung , als Freudenbringer und
schwindelhaftes Versprechen von Glück, als Ersatzbefriedigung von Selbstbestätigung, als triebbeding-
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ter Abwehrmechanismus.
Die Veränderung unserer akkustischen Umwelt durch die Entwicklung der technischen
Medien hat dazu geführt, dass Musik in nahezu alle Lebensbereiche eindringt. Klagen über die
„Vertreibung der Still“ oder „musikalischen Umweltverschmutzung“ werden mittlerweile abgelöst durch
die Forderung nach einer „Ästhetisierung der Umwelt“.
Der eigentliche Sinn der Musik zur Erlangung der Harmonie wird oft missverstanden und
sogar als gezieltes Mittel zum Zweck eingesetzt.
MISSBRAUCH VON MUSIK:
Heutzutage dient Musik leider oft der unterhaltsamen Ablenkung, als Freudenbringer und
schwindelhaftes Versprechen von Glück , als Ersatzbefriedigung und Selbstbestätigung, als triebbedingter
Abwehrmechanismus.
Die Veränderung unserer akustischen Umwelt durch die Entwicklung der technischen
Medien hat dazu geführt, dass Musik in nahezu alle Lebensbereiche eindringt.
Klagen über die „Vertreibung der Stille“ oder „musikalische Umweltverschmutzung“ werden mittlerweile
abgelöst durch die Forderung nach einer „Ästhetisierung der Umwelt“.
Der eigentliche Sinn der Musik zur Erlangung der Harmonie wird oft missverstanden und
sogar als gezieltes Mittel zum Zweck eingesetzt. In westlichen Kulturen hat Musik häufig eine eskapistische
Funktion. Mit Ihrer Hilfe kann man dem Alltag entfliehen, Probleme des Alltages verdrängen.
Musik kann subsitutiv (ersetzend) sein, das heißt an die Stelle eines anderen Bereiches, z.B. der Religion
treten (---_ Konzertbezogene Verhaltensrituale). Sie kann emotional positiv stimulierende Wirkung ausüben
(_ Musik als Mutermacher), sie kann daseinssteigernd und alltagserklärend wirken (vor allem als
Live-Musik).
Unter kulturbezogenem Blickwinkel bedeutsam ist die Frage, in welchen Rahmen (Setting) Musik ausgeübt
wird. In unserer Kultur sind solche Settings der Konzertsaal, das Opernhaus, die Kneipe, das
Stadion,…In solchen Settings kann Musik zentral oder peripher sein, also im Mittelpunkt stehen oder
aber auch unterstützend, begleitend sein.
In traditionellen Kulturen sind Hörer und Musikinterpreten immer räumlich zusammen, während
sie in unserer Kultur weit getrennt sein können.
Die Ve rmittlung erfolgt dann über Speichermedien wie Schallplatten, Kassetten, CDs und
Distributionsmedien, Hörfunk oder Fernsehen.
Die Art des Mediums bestimmt die Funktion von Musik in einer Kultur sehr stark mit.
Lautsprechermusik wird zu einem integrativen Bestandteil des Alltags und ist bezüglich ihres Einsatzortes
multifunktional: Die gleiche Musik kann z.B. als Hintergrundmusik zur Arbeit, als Freizeitmusik und Musik
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im Werbespot eingesetzt werden.
I n t e rnational tätige Musikkonzerne versorgen den To n t r ä g e rmarkt mit musikalischen
Produkten, die nahezu ausschließlich nach dem Gesetz der Ware gemacht worden sind: als musikalische
Wegwerfobjekte, die das Verlangen nach vergleichbaren und dennoch neuen Produkten steigern
sollen. Die Folge davon ist, dass regional gebundene Musiken immer mehr durch das musikalische
Fertigwarenangebot verdrängt werden.
MUSIK IN DER GESELLSCHAFT
Die Freiheitsgrade bei der Gestaltung der Musik sind in unserer Kultur sehr hoch (Popmusik,
klassische Musik, sowie experimentelles Musizieren sind möglich), können aber in anderen Kulturen sehr
eingeschränkt sein (z.B.: das Verbot von Instrumenten im Vatikan _ a capella; das anfängliche Verbot
der Mehrstimmigkeit in der Gregorianik; Verbot „moderner“ Musik aber auch von Jazz im 3. Reich)
Zwang und Offenheit in einer Kultur bestimmen bei der Musik den Stellenwert, den diese im individuellen
Leben einnehmen kann. So erlaubt es unsere Kultur bis zu einem gewissen Grad, Musik zum
Lebensinhalt zu machen aber auch als peripheres, ungewichtiges Geschehen abzutun.
Wie wichtig Musik für das gesellschaftlich Zusammenleben ist, zeigen Entstehungsmythen
in allen Kulturen. So z.B. bei den Griechen Orpheus, bei den Chinesen Gu Pa, deren Musik Mensch
und Tier, die Seelen der Verstorbenen und der Götter beeinflusst.
ENTSTEHUNG DER MUSIK
Für die Entstehung von Musik gibt es verschiedene wissenschaftliche Ursprungstheorien.
Einige behaupten, Musik habe sich von der Sprache entwickelt. Charles Darwin dagegen war der
Ansicht, dass musikalische Töne ursprünglich von den Vorfahren des Menschen erworben wurden, um
auf das andere Geschlecht einen Reiz auszuüben. Musik also als Liebeswerkzeug, als Ausdruck des
menschlichen Sexualtriebs.
Andere Theorien besagen, Musik sei das Ergebnis des menschlichen Spieltriebes oder
eines affektgeladenen Gefühlsausbruch oder ausgelöst durch Magie, Kult und Religion. Dabei wird
Musik als Mittel religiös-transzendentaler Erfahrung und als Machtinstrument benutzt. In säkularisierten
Formen tritt Musik dann daseinserhöhend und erlebnissteigernd bei den politisch Mächtigen auf
(Militärmusik, Hofmusik).
Heutzutage verhält sich „politische Musik“ ideologiekritisch zur gesellschaftlichen
Wirklichkeit und widersetzt sich einer bestehenden Daseinsform, als Protest z.B. Politrock, Rock gegen
Rechtsradikalismus, Protestsongs.
MUSIK ZUM ZWECK
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Wer Musik liebt, wer sie um ihrer selbst hören will, steht in einem ausgeglichenen, ausgewogenen
Verhältnis zur Musik. Er kann die Musik dafür nutzen und sie deshalb genießen oder selbst
machen, um inneren Einklang und Harmonie zu erreichen.
„Als Kunst ist Musik Selbstzweck.“
Andererseits wird Musik häufig eingesetzt, um Zwecke, die außer ihr selbst liegen, zu erreichen.
So kann ein junger Mann der auf Eroberung aus ist, mit Hilfe schmelzender Musik die
Partnerin zu erreichen suchen; Eltern können eine melodiöse, leise und langsame Musik dafür nutzen,
ihre überaktiven Kinder zu beruhigen oder mit Hilfe eines vertrauten monotonen Gesangs zum
Einschlafen zu bringen.
Psychotherapeuten setzten Musik ein, um erwünschte Verhaltensweisen bei ihren Klienten zu
erreichen, Sozialpsychologen nutzen Musik, um die Interaktion zwischen Menschen dadurch zu beeinflussen.
Werbegestalter versuchen mit Hilfe von Musik Markennamen oder Slogans im Gedächtnis zu
verankern.
Durch Musik in Kaufhäusern oder Gaststätten soll das Konsumverhalten angeregt werden.
Auch wird funktionelle Musik bewusst in der Arbeit eingesetzt, um die Arbeitsleistung zu steigern.
Der Einsatz von Musik zählt grundsätzlich zur Gestaltung des Arbeitsplatzes: Generelles Ziel ist größere
Arbeitszufriedenheit der Mitarbeiter, bessere Leistung und schließlich das Überdecken unangenehmer
Geräusche.
FUNKTIONELLE MUSIK
Funktionelle Musik soll Atmosphäre schaffen, auch dort, wo eigentlich keine ist (Musik als akustisches
Ornament mit Gestaltungsfunktion):
• störende Arbeitsgeräusche übertönen
• die Müden aktivieren und die nervösen beruhigen (Musik zur Konditionierung und
Beeinflussung individueller Stimmungen)
• Nachdenken verhindern durch Verbreitung von Wohlbefinden mit Hilfe eines vertrauten
musikalischen Bezugsrahmens (Stabilisierung durch emotionale Gleichschaltung)
Lautsprechermusik besitzt eine sehr große Funktionsvielfalt (funktionelle Musik), sie ist an
immer mehr Orten als alltägliche Zutat zu nicht primär musikalisch bezogenen Situationen allgegenwärtig.
Sie begleitet uns:
• auf Reisen (Auto, Flugzeug, Bahn, Schiff, …): zur subjektiven Distanzverkürzung
• in Wartesälen (Zahnarztpraxis, Flughafen, Kino, …): zur Überbrückung von Langeweile und
zur Zeitverkürzung
• beim Einkauf (Supermarkt, Boutique, …): als Kaufstimulanz und zur Lenkung des Konsumverhaltens
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• am Arbeitsplatz (Büro, Fabrikshalle, …): zur allgemeinen Aktivierung und zum Überspielen
von Leistungstiefs
• in touristischen Orten (auch in Kirchen): zur Verdichtung einer positiven Atmosphäre
• in Gaststätten, öffentlichen Toiletten: zur Übertönung unerwünschter Geräusche
• bei musikalischer, therapeutischer Behandlung (Zahnarzt, Operationssaal, …): als schmerzlinderndes,
angstreduzierendes Mittel
• zu Hause: im Extremfall von morgens bis abends; zur Zerstreuung, als Zeitvertreib und
Klangtapete, zur akustischen Überbrückung von Leere
„Mit Mozart gedeihen Brutkasten-Babys besser“, lautete unlängst das Ergebnis eines
Experimentes, das in der Kölner Kinderklinik durchgeführt wurde. Dabei wurde der therapeutische Wert
von Musik klinisch getestet. Doch die Annahme, man könne sich eine „musikalische Hausapotheke“
anlegen, nach dem Vorschlag: Bruckner-Sinfonien gegen Liebeskummer, Beethoven, Brahms und
Tschaikowsky gegen Einsamkeit, Strawinsky´s „Sacre du Printemps“ zum Aggressionsabbau, ist ebenso
naiv wie irreführend, da immer ein Bündel von Variablen, die von der Situation abhängen, für die
Wirkung von Musik ausschlaggebend sind.
MUSIK HÖREN – TYPOLOGIE DER MUSIKHÖRER
Außerdem gibt es verschiedene „Typen“ des Musikhörers, das heißt jeder hat seien individuellen
Präferenzen und Vorstellungen im Bezug auf Musik und daher kann die Wirkung der gleichen Musik
auf jeden Menschen unterschiedlich sein.
Die Schweizer Radio- und Fernsehgesellschaft benannte 1981, orientiert nach musikalischen Vorlieben,
folgende Hörertypen:
• Volkstümlicher Typ (Volksmusik, dt. Schlager)
• Rock-Pop- Typ
• Klassik- Typ (Konzertmusik aus Barock, Klassik und Romantik)
• Vielhörer- Typ (Unterhaltungsmusik, „leichte“ E-Musik)
• Progressiver Typ (Avantgardemusik jeden Stils)
Daneben gibt es noch die Typologie des Musikhörens, die verschiedenen Arten des Zuhörens:
• sensibles (emotionales)
• ästhetisches
• beseelendes Musikhören
Diese drei Arten können jedoch alle bei jedem Menschen individuell dazu verhelfen, das innere
Gleichgewicht zu erlangen und den Einklang mit sich selbst zu erreichen, indem man sich der Musik
hingibt und Musik intensiv erlebt.
Wichtig ist jedoch, dass man bewusst hört und nicht nur mit einem Ohr hinhört oder sich berieseln lässt,
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so wie es in Kaufhäusern oft der Fall ist.
Weitere Hörweisen, die für das Erleben von Musik von Bedeutung sein können, sind:
• motorisches Hören („ich möchte mich am liebsten immer bewegen“)
• kompensatorisches Hören („ich fühle mich weniger einsam“)
• vegetatives Hören („Musik geht mir regelrecht unter die Haut“)
• diffuses Hören („ich höre gerne nur mit einem Ohr zu“)
• emotionales bzw. sentimentales Hören („ich bade gerne in den Klängen der Musik, ich träume
gern e “ )
• assoziatives Hören („ich habe oft bildhafte Vorstellungen“)
• distanziertes Hören („ich versuche den Formaufbau des Stückes zu verstehen“)
Diese Hörweisen sind oft situationsabhängig (Konzert, Walkman, Disco, Musikstunde, …)
Funktionelle Musik beruft sich meist auf das vegetative und diffuse Hören, z.B. bei Werbung als
Hintergrundmusik, bei Kaufhäusern, zum Nebenbeihören, usw.
MUSIK IM ALLTAG UND BEEINFLUSSUNG DURCH TECHNISCHE MEDIEN
Auf die Dauer kann „unbewusstes“ Hören, also Nebenbeihören oder „mit einem Ohr hinhören“
jedoch sehr anstrengend und nervenaufreibend werden, da man sich der enormen Wirkung,
die Musik hervorrufen kann, nicht bewusst ist, wenn man z.B. stundenlang in Geschäften unterwegs ist
und beim Einkaufen, Anprobieren, Zahlen, … dauerberieselt wird und dies gar nicht sosehr wahrnimmt,
ja gar nicht bemerkt!
In Wirklichkeit ist der Körper jedoch dauernd einer Geräuschkulisse ausgesetzt, aus der er
sich immer wieder und wieder die wichtigsten Informationen herausfiltern muss. Unser Gehirn ist es
gewohnt, dass es einer Dauerberieselung ausgeliefert ist und deshalb wird der menschliche
Abwehrmechanismus – selektive Wahrnehmung – sehr stark trainiert. So kann es dazu kommen, dass
man sich nicht weiter etwas dabei denkt, wenn bei einer Werbung das Mozartrequiem als
Hintergrundmusik eingespielt wird.
Eine sehr affektgeladene Musik, die jedoch aufgrund der Berieselung und der
Hintergrundrolle, die Musik dann einnimmt, nur „mit einem Ohr gehört wird“. Der Mensch wird durch
Werbung, Medien, generell durch ständige Lautsprechermusik im Alltag sosehr beeinflusst und eingelullt,
dass oft „Juwelen der Musik“, wie Sequenzen des Mozartrequiems nebenbei und ohne besonderen
Empfindungen gehört werden.
Musik wird hierbei rein zum Zweck, eine beständige Wirkung beim Hörer zu erzielen, eingesetzt. Sie
ersetzt dabei oft reale Kollektivität, sie wird als „Kommunikativer Code“ verwendet, wobei
Kommunikation zwischen Menschen umgelenkt, wird auf imaginär-reale Mensch-Ding-Bezüge.
Weitere gesellschaftliche Zwecke, die mit Musik verwirklicht werden, sind Lust- und
Machtgewinn oder Angstverlust einerseits, Geldgewinn andererseits. Dieser wirtschaftliche Aspekt von
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Musik wird realisiert durch verschiedene Musikarten und individual- und sozialpsychologische
Wirkungen, die genauestens zusammengestellt werden. So wird nach den Ergebnissen Musik „produziert“,
die genauestens zusammengestellt wird, um die größtmögliche Masse anzusprechen und nicht
nur eine bestimmte Zielgruppe. Produzenten von funktioneller Musik haben einleuchtende
Produktionskonzepte entwickelt, um so gut wie jedem Musikgeschmack gerecht zu werden; so werden
viele neue Titel innerhalb kürzester Zeit nach demselben Schema (Muster) zusammengestellt:
• Bekannte, vertraute Musik wird in neuem Arrangement gebracht.
Das geschieht in einer derart geschickten Mischung, dass eine direkte Identifizierung der
Stücke nicht möglich ist. Durch Den großen Bekanntheitsgrad soll einerseits eine emotional
positive Zuwendung zur Musik garantiert, durch die Anonymität der Musik andererseits eine
zu starke Aufmerksamkeitszuwendung verhindert werden.
• Die musikalische Struktur ist denkbar einfach gehalten. Kurze, prägnante Motive, häufige
Motivwiederholungen, einfachster Harmonieverlauf, Komplikationslose Rhythmik und überschaubare,
symmetrische Periodenbildungen innerhalb des einen Stückes garantieren leichte
Aufnahme.
• Grundlage des Tempos ist der menschliche Puls. Abweichung von diesem Basismuster des
Biorhythmus mit etwa 70 Schlägen pro Minute geschehen nur behutsam.
• Sologesang wird in der Regel vermieden, da hier die Neigung besteht, genauer hinzuhören
und den Text zu verfolgen. Außerdem könnte die Identifikation des Hörers mit dem Star
zu sehr von der Alltagssituation und deren Bewältigung ablenken.
• Die dynamische Breite der Einspielungen wird auf einen möglichst gleich bleibenden
Lautstärkenpegel festgelegt. Auf diese Weise lässt sich die Wiedergabestärke der Musik so
exakt dosieren, dass die zwischen 3 dB (am Arbeitsplatz) über dem allgemeinen
Geräuschepegel liegt.
• Die Instrumentation ist derart gewählt, dass Verschmelzungsklänge dominieren. Schrille
Farben und Klangkombinationen werden grundsätzlich gemieden, der Sound wirkt entkernt.
Häufig ist die Musik synthetisch erzeugt und durch viel Hall eingeebnet. Denn was weich
und nicht zu stark konturiert erklingt, kann auch nicht auf unangenehme Weise akustisch auf- bzw. eindringlich
wirken. Wissenschaftliche Untersuchungen konnten jedoch nicht genau beweisen, dass es
eine vorauskalkulierbare Musik im Sinne eines Medikamentes gibt. Belegt ist jedoch eine dem Hörer
nicht bewusste Beeinflussung durch Tempo, Lautstärke, und die Möglichkeit der emotionalen
Beeinflussung durch geläufige musikalische Ausdrucksmodelle, wie: Freude, Heiterkeit, Geborgenheit,
u.ä.
MUSIK ALS DROGE
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Ein anderer Missbrauch von Musik – sie nicht einfach der Freude wegen und dem Gefallen
an ihr zu hören – der genauso nicht zum inneren Gleichgewicht führen kann, sondern dieses nur vortäuscht,
ist der Gebrauch von Musik als Droge.
Dabei erfüllt Musik zielverschobene Bedürfnisse, die auch durch andere Mittel zu befriedigen sind. Sie
ist also eine Art „Ersatzbefriedigung“.
Die massenhafte „Musiksucht“ ist zwar schlecht für die Individuen, aber kaum störend für
Arbeitskraft und Umsatz, sondern sogar rentabel bzw. fördernd und dies nicht nur für die Musikwirtschaft
(_ Beeinflussung des Konsumverhaltens in Kaufhäusern).
Dies umso eher, weil Musik (im Gegensatz zu Drogen) als harmlos und als Kunst gilt, was ja der eigentliche
Ursprung der Bedeutung von Musik ist.
Überdies ist Musik als Genuss- und Rauschmittel das bei weitem Billigste!
J edoch ist nichts dagegen einzuwenden, wenn jemand Musik genießen kann und sich der
Musik völlig mit seinen Gedanken hingibt. (gemeint ist suchtbringendes Genussmittel)
MUSIK ALS MITTEL ZUR SOZIALEN UNTERSCHEIDUNG
Auch bekommt Musik die Funktion der Unterscheidung von sozialen Schichten. Geht es bei
„ niederer“ Musik oder in den Bereichen des Warenerwerbs von allem hoch her (wenigstens verspricht
das Musik), so bei der „seriösen“ oder in staatlichen und offiziellen Zusammenhängen erklingenden ,
vor allem erhabenen und hoheitlich. Und dem „besinnungslosen“ Vergnügen der „Massen“ kontrastiert
das Besinnliche bis Betuliche, gegebenenfalls Feierliche „gehobener“ Schichten.
So ist auch dieser Aspekt der Musik ein Missbrauch, da es hier genauso nie zur Harmonie
und Ausgeglichenheit (zwischen sozialen Schichten) führen kann, ja Musik in diesem Fall sogar dafür
genutzt wird, um soziale Ausgeglichenheit zu verhindern und die Ungleichheit in sozialen Strukturen zu
unterstreichen (man brauche nur an die pervers hohen Eintrittspreise bei „gehobenen“ Konzerten, wie
z.B. das Neujahrskonzert zu denken). Wo heute die Stellung der Musik quantitativ am mächtigsten ist
und wo sie am meisten realisiert wird, ist sie in der Regel meistens auf Seiten der Macht, Herrlichkeit,
Herrschaft, Profit und Selbstbeherrschung. Die Bedeutung der Musik für den Mensch ist damit von ihrer
eigentlich entwichen und aus dem Gleichgewicht.
A LT E R N ATIVEN UND KLANGÖKOLOGIE
Ganz ohnmächtig sind aber die Alternativen doch nicht: gegen die unterdrückende, betäubende,
blinde (Selbst-) Berieselung eine bewusste und wache Tätigkeit des Hörens.
Seit den 60ziger Jahren beschäftigte sich der kanadische Komponist R. Murray Schäfer damit, die
„Klangschaft (Soundscape)“, in der wir leben, präzise zu bestimmen.
Unter „Klangschaft“ versteht man das Zusammenwirken aller akustischen Erscheinungen:
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• Naturgeräusche
• Sprache
• Arbeits- und Maschinenlärm
• Musik
A u f g rund der industriellen bzw. elektroakustischen Revolution ist die „Low-Noise-
Klangschaft“ zu einer unpersönlichen, kommunikationsarmen „High-Noise-Klangschaft“ verkommen, ein
Ausdruck und Ergebnis gesellschaftlicher Zusammenhänge.
Darauf wurde der Begriff „Akustik- und Umweltdesign“ geprägt; zur bewussten Veränderung und
Gestaltung unserer Klangschaften, zu neuen kommunikationsfre u n d l i c h e ren und lebensnähere n
Klangräumen durch:
• Bewusstmachen der verschiedenen Umweltklänge
• Kritisches Reagieren auf „Klänge von Unten“
• unser ökologisches Bewusstsein, das nicht vor dem alltäglichen Umgang mit Naturklängen
Haltmachen darf (Vogelgezwitscher am Morgen).
Dabei handelt es sich eigentlich um eine Regression, um ein Zurückfinden des menschlichen
Hörverständnisses, das aus dem Gleichgewicht geraten ist. Kann man das menschliche Bewusstsein für
die wunderbaren Naturklänge wieder entdecken und Freude daran empfinden, so ist man auf dem
besten Weg, das Erleben von Musik ohne irgendwelchen Bedingungen wiederzuerlangen. Um so
Ausgeglichenheit durch Klänge und Musik zu erreichen, ohne jeglichen Missbrauch und
Dauerberieselung.
MUSIK IN DER ENTWICKLUNG VON BABYS UND KINDERN
Denn wie wichtig Naturklänge für den Menschen sind, zeigt schon das Hören vor der Geburt. Das
Kind hört vor der Geburt die mütterliche Stimme, wobei die Intonation, die melodische Wirkung des
Gesprochenen deutlich im Uterus wahrzunehmen ist.
Neugeborene können die Mutterstimme von anderen unterscheiden und bevorzugen diese.
Sie stützen sich also beim Erkennen der Mutter von anderen Frauen auf ihr Hörorgan, das sie selbst in
ihrem jungen Alter nie täuscht. Die Mutterstimme ist ihnen von der Schwangerschaft vertraut und hat eine
beruhigende, entspannende Wirkung auf das Kind. Auch der mütterliche Herzschlag hat eine besondere
Bedeutung in Bezug auf spätere musikalische rhythmische Präferenzen. Auch der Schritt der Mutter
wird vom Fötus aufgenommen und ist unterstützend bei der Erfahrung von vielfältigen Rhythmen.
Neugeborene und Säuglinge sind enorm sensitiv gegenüber Sprachlauten, musikalischen Strukturen und
Naturgeräuschen (bzw.– klängen) Es ist unwahrscheinlich, dass diese auditiven Fähigkeiten angeboren
sind, vielmehr scheint die pränatale Hörerfahrung eine wichtige Rolle zu spielen. Die Geburt ist nicht
der Beginn der musikalischen und sprachlichen Erfahrungen und Wahrnehmungen, sondern dies
geschieht bereits im Mutterleib.
Ursprünglich sind also Naturgeräusche, -und klänge für uns sehr beruhigend und entspannend und
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geben uns Geborgenheit. Deshalb sollten wir uns wieder darauf besinnen, um die eigentliche Schönheit
von Naturklängen, so wie auch Sprache und Herzschlag erleben zu können. Denn das sensible
Hörorgan, das uns bereits so früh gegeben ist, wird leider heutzutage oft sehr misshandelt (laute
Discos,...) und abgestumpft in der Wahrnehmung aufgrund der Dauerberieselung.
Mit 4 Jahren können Kinder die emotional unterschiedlichen Reaktionen (traurig- lustig)
bereits wahrnehmen, das Gefühl für Tonalität und Harmonie, also für Dur und Moll entwickelt sich im
Alter zwischen 5 und 8 Jahren.
MUSIK IN DER KLINISCHEN MEDIZIN
Die regelmäßige Beschallung eines Kindes im Brutkasten mit der Stimme von Mutter und
Vater beeinflusst die Entwicklung sehr positiv. Genauso in der klinischen Medizin wird Musik als
Therapeutikum eingesetzt. Sehr hilfreich ist dabei der Einsatz von angst, -stress, .und schmerzlindernder
Musik bei Chiru rgie, Zahnmedizin, Anästhesiologie (einschließlich Intensivmedizin), in der
Schmerztherapie, Nervenheilkunde und der Psychiatrie, Altersheilkunde und Geriatrie, Rehabilitation
körperlicher und geistig Behinderter sowie in der Drogenbehandlung.
Bereits im 16.Jh. wurden (unter Descartes) Krankheiten als physiologische Störungen des
menschlichen Gleichgewichts angesehen, das durch die Medikamente bzw. durch Musik wiederhergestellt
werden musste. Das Funktionieren des menschlichen Körpers wurde in ähnlicher Weise als
„Harmonisches Ganzes“ interpretiert wie die Musik.
M U S I K T H E R A P I E
Bereits in der klassischen Antike schrieb man der Musik eine erzieherische Macht zu, die
formend in das Innere der Seele eindringt und deshalb bei den Pythagoreern nützlich für die Bildung
der Persönlichkeit gesehen wurde. Aristoteles prägte den Begriff Katharsis: „Musik reinigt die Seele und
hat dadurch eine heilende Wirkung in der Wiederherstellung des inneren Gleichgewichtes.
Bis zur Gegenwart entwickelte sich die Musiktherapie, die sich aus der:
• Rezeptiven Musiktherapie (Hören von Musik)
und der
• Aktiven Musiktherapie (aktives Musikmachen, Tanzen, mit Zeichnen, Malen,...)
zusammensetzt.
Sie wird einerseits zur Bewahrung der Gesundheit und andererseits zur Behandlung von Krankheiten im
Bereich von psychischen Störungen und in der klinischen Medizin eingesetzt. (zur Senkung von
Arzneimittel und Psychopharmika) Bereits seit einigen Jahren wird in amerikanischen Kliniken Musik bei
Sterbenden eingesetzt: Das Musikhören beruhigt und schafft ein Gefühl von Geborgenheit. Jedoch wird
üblicherweise die Aktive Musiktherapie bevorzugt, da Musik nicht sosehr dadurch wirkt, indem die einfach
vorhanden ist, sondern dadurch, dass ein Klient die Musiktherapie aufsucht, ihr zuhört oder selbst
aktiv Musik improvisiert. Denn das wichtigste Merkmal der Musiktherapie ist die nonverbale
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Kommunikation: die musikalische Ebene der Kommunikation bietet die Möglichkeit des symbolischen
Ausdrucks von Gefühlen wie Nähe, Kontakt oder Berührung, durch musikalische Improvisation.
Musik ermöglicht den transverbalen Ausdruck von Aussagen, die nicht durc h
Intellektualisierung in der Sprache verzerrt sind.
DER EMOTIONALE ASPEKT VON MUSIK
Der emotionale Aspekt von Musik als „Sprache der Gefühle“ zeigt sich in den verschiedenen
Kulturen und Epochen, wobei die Vielfalt verschiedenen Ausdrucksmodellen zugrunde liegt. Die
zwei häufigsten Emotionen sind Freude und Trauer. Musikalisch entsprechen dem Freudetyp meist
schnelle („Presto“), laute, helle, strahlende, heitere Stücke, dem Trauertyp langsame („Adagio“) Stücke,
die leise, dunkel verschmelzend wirken.
Das Machtgefühl wird in der Musik durch gemessenes Tempo, lauter, voluminöser und massiver
Lautstärke zum Ausdruck gebracht und Zärtlichkeit in gemäßigtem Tempo, leiser, hell durch hörbarer
Lautstärke und einfachen Harmonien.
Als bedeutendes musikalisches Ausdrucksmittel von Emotionen und Gefühlen gilt wohl die
menschliche Stimme. Schon die enge Wortverwandtschaft von „Stimme“ mit „Stimmung“ zeigt, dass
dabei ein enger Zusammenhang und Verbindung besteht. Nicht umsonst ist bestätigt, dass die Stimme
des Menschen voll und ganz von der „Stimmung“, der situativen Gefühle abhängt. (Schock- Kloß im
Hals, Trauer - leise Stimme, Freude - kräftige, klangvolle Stimme). Ist der Mensch innerlich ausgeglichen
und somit im harmonischen Gleichgewicht mit sich selbst, spiegelt dies auch die Stimme wider und der
natürliche Ausdruck für seine Ausgeglichenheit ist das Singen oder produktives Musizieren. Denn der
Mensch, wenn es im gut geht und er Freude zum Ausdruck bringen will, singt oder musiziert er. Wer
mit sich, also mit Seele, Körper und Geist im Einklang ist und ein ausgeglichenes Verhältnis zu anderen
Mitmenschen führen kann, der hört Musik nicht zur Berieselung oder zum Zeitvertreib ihrer selbst willen.
MUSIK UND PERSÖNLICHKEITSENTWICKLUNG
Eine freie Befragung bei Studierenden der Fachrichtung Musik an der Gesamthochschule
Kassel im Sommer 1990 über Rock und Pop als Sozialisationsfaktor ergab ein Bündel von
Begründungen dafür, dass jene Musik, die gerade im Jugendalter nahezu täglich gehört wird, für die
eigene Persönlichkeitsentwicklung und vor allem auch das eigene Handeln von nachhaltiger Bedeutung
ist (Musikalische Sozialisation). Von den Befragten wurde mehrheitlich geäußert:
• Ich bin mit dieser Musik groß geworden, sie ist aus meinem Leben nicht mehr wegzudenken;
• sie verkörpert für mich Ausdruck von Lebensgefühlen;
• sie ist Motor für außermusikalisches Handeln/ sie war für mich Anreiz zu eigenem musikalischen
Handlung
• sie hat mein Aussehen (Haare, Kleidung) beeinflusst;
• sie war für mich Hilfe bei der Auseinandersetzung mit meiner Umwelt (Protest, Provokation,
Widerstand, Antihaltung);
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• sie gab und gibt mir die Möglichkeit, Verbotenes zu leben;
• mit ihr kann ich mir eigene Freiräume schaffen;
• sie hat mir zu Körpergefühl (Tanz) und Körperausdruck verholfen;
• sie dient der Entspannung;
• eine Droge im positiven Sinn, ein Heilmittel.
Bei der Mehrzahl der Stellungnahmen fällt auf, dass der Musik eine Sozialisationsfunktion
im Zusammenspiel mit anderen Bereichen des Lebens (K1eidung, Lebensgefühl, Tanz, Protest) zugestanden
wird.
Rock/ Popmusik bildet, wie die Untersuchung weiter belegt, eine wesentliche Komponente
bei der Persönlichkeitsentwicklung: 23 Personen bestätigten die indirekte oder auch dire k t e
Beeinflussung durch Musik (zumeist Rock und Pop), 25 die große Rolle, die Musik bei der Regulierung
ihres „Gefühlshaushalts“ spielt.
Insgesamt sind es 90 Prozent, für die der Einfluss von Musikrezeption auf ihre persönliche,
insbesondere emotionale Entwicklung außer Frage steht.
2. EMOTIONSBEGRIFF
Gefühlsregungen lassen deutlich eine zeitliche Dynamik erkennen. Es handelt sich um akute
oder aktuelle Zustände, um «flüchtige Episoden» -Charakter» aufweisen.. Die Gefühle beziehen sich
immer auf Dinge oder Ereignisse. Stimmungen dagegen sind umfassende :use, ungegliederte
Gesamtbefindlichkeiten des Menschen. Sie e Art Dauertönung eines Erlebnisfeldes dar. Sie sind ungeglie-
Hintergrund des Erlebens und beziehen sich nicht auf bestimmte Dinge und Ereignisse; als
Ergebnisse eines Zumuteseins geben Bezugsrahmen für andere Erlebnisse ab.
Beziehung zwischen Musikwahrnehmung und Emotionen
schließlich «

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• Gänsehaut, Herzjagen!
• Gähnen und Gefühle in der Magengrube.
Bei einer Analyse der musikalischen Passagen, die derartige Reaktionen hervorrufen, zeigte sich, dass
Tränen vor allem bei Passagen auftraten, die Sequenzen und Appogiaturen enthielten, Schauer hingegen
bei Passagen mit neuen oder unerwarteten Harmonien. Offenbar spielen dabei unmittelbare
Erwartungen hinsichtlich der nächsten Tonsequenzen eine Rolle.
Von Daniel (1988) wurde der Einfluss des Informationsgehaltes von Musikstücken sowie der
Länge der Zuhörzeit auf das musikalische Stimmungserleben untersucht. Den 118 vorwiegend studentischen
Versuchspersonen wurden sechs Musikstücke mit drei Stilrichtungen von Jazz dargeboten.
Es zeigte sich, dass schnelle Musik zur Aktivierung führte und unangenehmer, aber auch eindrucksvoller
wirkte als langsame Musik, die als angenehmer, beruhigender, aber auch depressiver und ermüdender
empfunden wurde. Die Länge der Zuhörzeit korrelierte positiv mit einer entspannteren
Wahrnehmung der Musik. Die relativ informationsärmsten Stücke gefielen am besten, während die
informationsreicheren nicht eindeutig beurteilt werden konnten.
Steht im ersten Fall das stimmungshafte Aufgehen in der Musik mit weitgehender
Ausschaltung rationalen Denkens im Vordergrund, dominiert im zweiten Fall das rationale Element: Der
Hörer befindet sich in einer gewissen Distanz zur Musik, das Aufkommen von Emotionen ist unerwünscht.
Die klassische Zugangsweise zur Musik ist nach Besseler,1925 aufgeschlossene Hingabe
an das Werk. Es wird nicht als Ausdruck im Sinne des Ausgehens von einem bestimmten Schöpfer und
aus bestimmtem Anlass erlebt, «sondern als lebendige Wirkung, als Musik, die
und das Dasein des Hörers unmittelbar angeht.» Die wesentliche musikalische Leistung des Hörers liegt
im inneren Nachvollziehen. Pekrun,1985) weist darauf hin, dass emotionale Zustände einerseits die
Wahrnehmungen von Musik beeinflussen, andererseits die emotionalen Aspekte von Musik bestimmen
können. So kann die vorherrschende Stimmungslage durch Musikwahrnehmung verstärkt oder
geschwächt werden (Kongruenz bzw. Kontrastprinzip). Das «Iso»- sagt, «dass therapeutisch genutzte
Musik zunächst im Sinneiner Aufmerksamkeitszentrierung der Stimmung der Patienten len ist und
anschließend mit dem Ziel der Stimmungsmodifikation ähnlich in die jeweils erwünschte Richtung verändert
werden kann, :1985, S. :186). Schließlich können emotionelle Zustände ivationsbüdung und
resultierendes Verhalten auch die Hörweise beeinflussen (wenn jemand z. B. sich die Musik anhört, die
ihm zu seiner Stimmung zu passen scheint).
leben von Musik wird in der Regel vermehrtes Denken emotionale Regungen unterdrücken,
und umgekehrt wird emotionales Mit- , und Betroffensein die Bereitschaft zum vollen Wahrnehmen n.
Werden ästhetische und assoziative Hörweisen einbezogen, Gefühlen und Denken sich ergänzen, d.
h. zu komplementären erden. Die bewusste kognitive Kontrolle und Unterdrückung der Vorgänge beim
Musikhören zeigt ein Janusgesicht. Sie wird wahrscheinlich ein klareres, schärferes rationales
Durchdringen der e genauere Analyse der Musik erlauben; gleichzeitig aber wird , Schwinden des
«Figur-Charakters» eines Gefühls ein wesentlich situitiver Teil der Musik verloren gehen.
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5. MUSIKPHYSIOLOGISCHE UNTERSUCHUNGEN
Physiologischen Untersuchungen zeigte sich immer wieder, Ausmaß der während des
Musikhörens auftretenden vegetativen ngen weitgehend von der aktuellen Einstellung des Hörers botenen
Musikstück abhängt. Die stärksten vegetativen bzw. ~n Veränderungen fanden wir bei völliger
Hingabe an die Musik man sich ihr sozusagen mit «Herz und Seele» ausliefert. Bei rein rationalem
Zuhören oder Analysieren des Dargebotenen hingegen, bei lediglich verstandesmäßiger, kritischer
Einstellung sind vegetative Veränderungen nur in geringerem Maße nachweisbar oder fehlen ganz
(Harrer,1982). Dieses Ergebnis erscheint keineswegs überraschend. Es entspricht der Alltagserfahrung,
dass Ereignisse und Vorgänge, die üblicherweise zur Auslösung von Emotionen führen, ihre emotionsauslösende
Wirkung verlieren, wenn sie einer rationalen Betrachtungsweise unterzogen werden.
MUSIK UND VERÄNDERTE BEWUSSTSEINSZUSTÄNDE
1. Ethnologische und kulturhistorische Definitionen
Veränderte Bewusstseinszustände „altered states of consciousness; ASC“) sind (nach Bourguignon,
1977) durchaus allgemein-menschliche Phänomene, die summarisch mit Trance bezeichnet werden. Sie
sind beobachtbare Abweichungen der Erfahrungen und psychischer Funktionen des Individuums von
den Normen eines wachen Bewusstseins, wobei sich die Aufmerksamkeit auf kleine geschlossene
Ausschnitte der Umwelt verengt. Sie folgen vielfach stilisierten und ritualisierten kulturellen Mustern.
Bourguignon unterscheidet zwischen (a) in der Religion institutionalisierter, (b) spontaner (evtl. pathologischer)
und (c) säkular induzierter Trance; ferner zwischen Besessenheit „possession trance“) und
Ekstase.
Quellenverzeichnis:
Brockhaus,
Bertelsmann Enzyklopädie
Herkunftswörterbuch
Sinn -und Sachverwandtes Wörterbuch
Bedeutungslexikon
Lexikon für Redewendungen
Das große Musiklexikon
Musikpsychologie – Ein Handbuch (Bruhn, Oerter, Rösing)
Angewandte Psychologie – Kapitel Musikpsychologie
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