Meeting Chuck – Sex & Gewalt - Rosa Design

magazin für gegenwartskultur
magazin für
gegenwartskultur
no.24 1 winter 2007
www.goon-magazin.de
Chuck
Palahniuk
an den rändern ist die zukunft 1 s.42
Jeff Wall
that could be real 1 s.62
Dirty
Projectors
die historisierung des klangs 1 s.22

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editorial
no. vierundzwanzig 1 24
von sebastian hinz
Ein guter Anfang wäre: Die Welt könnte so schön sein. Das ist ein einfacher Gedanke, von
allen Gedanken aber vielleicht der wichtigste. Man könnte sagen, wenn auf dieser Welt
hier und da etwas leuchtet, habe es sein Licht von diesem Gedanken empfangen. Derart
gute Anfänge schreibe ich leider nicht, und dennoch muss manchmal – wenn auch nur
stellvertretend – an diesen Gedanken erinnert werden. Denn darin schlummert der Geistesblitz
von Produktivität, der Funke Kreativität. Mancher mag meinen, hier würde übertrieben.
Vielleicht. Aber man vergesse nicht die Worte des Philosophen Wolfgang Welsch:
Übertreibung ist ein Prinzip der Wirklichkeit selbst: Die morgige Wirklichkeit wird die
Übertreibung der heutigen sein – das ist es, was man ›Entwicklung‹ nennt.
Die Kunst, von der wir hier reden, ist durch eine unmittelbare Verbindung zur Welt
bestimmt, in Klammern: ohne dabei gleich Volkskunst sein zu müssen. Oder wie es bei
René Pollesch einmal zu hören war: Das ist jetzt kein Alltag hier, das ist Kunstkacke, aber
irgendwo muss es doch Widerstand geben. In welches Verhältnis sich Kunst dabei genau
zur Welt begibt, verändert sich dabei allerdings, einstens: von Zeit zu Zeit, und heutzutage:
von Werk zu Werk. Eine probate Strategie, sich zur Welt zu verhalten, im Prinzip seit
den altsteinzeitlichen Höhlenmalereien von Lascaux, war die Nachahmung. Die Wiederholung
des Gesehenen bestimmte Bildhauerei, Malerei als auch die Poesie in erheblichem
Maße. In Lessings Schrift »Laokoon oder Über die Grenzen der Malerei und Poesie«, im
Jahre 1766 erschienen, können folgende Sätze nachgeschlagen werden: Wenn es wahr ist,
dass die Malerei zu ihren Nachahmungen ganz andere Mittel oder Zeichen gebraucht als
die Poesie; jene nämlich Figuren und Farben in dem Raume, diese aber artikulierte Töne
in der Zeit. Und etwas später: Gegenstände, die nebeneinander oder deren Teile nebeneinander
existieren, heißen Körper. Folglich sind Körper mit ihren sichtbaren Eigenschaften,
die eigentlichen Gegenstände der Malerei. Gegenstände, die aufeinander, oder deren Teile
aufeinander folgen, heißen überhaupt Handlungen. Folglich sind Handlungen der eigentliche
Gegenstand der Poesie. Blättert man auf Seite 43 dieses Hefts, liest man dagegen
diese Worte des Schriftstellers Chuck Palahniuk: Bücher haben meistens eine intellektuelle
und eine emotionale Komponente, aber nur sehr selten eine physische. Körperliches wird
tendenziell als kulturell minderwertig betrachtet – Pornographie, Horror: alles low-art.
Um beim Leser Mitgefühl auszulösen, so richtig körperlich, von Kopf bis Fuß, muss man
Gewalt oder Sex nehmen, oder Krankheiten, manchmal Drogen. Damit kann man Leser
auf einem physischen Level einbinden, ihnen eine ganze Realität erschaffen.
Nun, die Zeiten haben sich halt geändert. Zwar gilt es noch immer eine ganze Realität
zu erschaffen, doch die letzten hundert Jahre samt ihrer rasanten technischen und
medialen Entwicklungen sind nicht ohne Folgen für die Künste geblieben. Die Unterscheidungen
zwischen den Gattungen zu negieren scheint dabei nur eine wichtige Aufgabe.
Dass das Prinzip der Nachahmung in diesem Zusammenhang wieder salonfähig
zu werden scheint, ist einigermaßen überraschend, aber anhand einiger Themen dieser
Ausgabe belegbar. Da legen die New Yorker Combo Dirty Projectors und ihr Vordenker
David Longstreth mit dem Album »Rise Above« eine Version von Black Flags Meilenstein
»Damaged« aus dem Jahre 1981 vor, das aus der bloßen Erinnerung entstanden, eine
Nachahmung ist, die sich komplett dem Signum Nachahmung entzieht (S.22). Oder: Der
kanadische Fotograf Jeff Wall nennt seine Lichtbilder »my near documentary-pictures«,
weil die so real erscheinen, mit der Idee der Dokumentation eng verwandt, aber eben nur
fast dokumentarisch sind (S.62). Andere Fotokünstler haben diese Arbeitsweise der Imitation,
Inszenierung oder Re-Inszenierung inzwischen übernommen, wie beispielsweise der
Franzose Éric Baudelaire für sein Diptychon »The Dreadful Details« aus dem letzten Jahr.
Auf dem Schreibtisch liegt aufgeklappt eine Ausgabe von Kultur & Gespenster, ein
Artikel von Gustav Mechlenburg. Folgende Zeilen stechen hervor: Kunstwerke gewinnen
über die künstlich erzeugten Unbestimmtheitsstellen ihren Wirklichkeitsbezug zurück,
den sie als autonome Werke vorsätzlich verspielen. Vielleicht, wusste schon Henry Miller,
muss man durch Ströme von Scheiße waten, um einen Keim Wirklichkeit zu finden.
editorial 1 3

ingredients no. 23
fetzen
6 Die Künstler der Ausgabe 24: Bruno Colajanni 1 Anna Rosa Stohldreier 8 CTM08: »Open Circuit«
10 Walter Moers 11 Neue Heimat: Berlin Contemporary 12 material: Let’s Ride
14 Régine Chopinot 1 Platten, die mich geformt, gebildet, gebessert haben: Marcus Schmickler
1 CKIN2U 16 Worauf man in diesem Winter nicht verzichten kann: A. J. Weigoni 1 Ecko Star Wars Edition
Europäischer Humor mit Efterklang s.20 Die Revolution der Kunst – Jonathan Meese im Interview s. 0
töne
20 Efterklang
22 Dirty Projectors
24 Michaela Melian
2 Feu Thérèse
26 A Whisper In The Noise
27 Kapital Band I
28 Zwiegespräch: Frank Bretschneider + Sun Electric
30 Musikszene Bristol
reviews
34 epiphany outlet
3 Louis Philippe
The Clientele
36 beep street
37 Luke Vibert
Phon°noir
38 Doom & Gloom
Vashti Bunyan
39 the relay
4 1 ingredients
worte
42 Chuck Palahniuk
46 Polarliteratur
48 Larissa Böhning
49 Mark M. Danielewski
0 Jonathan Meese
4 performativ
Adam Olschewski
Roman Simić
6 Virginie Despentes
Michael Lentz
7 Monika Maron
8 »Propaganda«
»Machiavelli«
9 das dispositiv
»Du kannst im Prinzip prima ein
ganzes Stück machen, das einfach nur
ein Ton ist, der sich verändert.«
sun electric im Gespräch
mit Frank bretschneider
Seite 30
bilder zeichen
»Die Hauptwaffe der Kulturbesitzenden
war Geschmack.«
anthony waine über Kitsch und Kunst
Seite 86
»Grey’s Anatomy« und Co. – Zur Poetik der TV-Serie s.66 Ecocriticism – zur ökologischen Ästhetik s.88
62 Jeff Wall
66 Zur Poetik der TV-Serie
68 Italo Western Collection
69 »The Darjeeling Limited« von Wes Anderson
70 Paul Hornschemeier
72 »Tim & Struppi« von Hergé
74 Jiro Taniguchi
7 Orange Box
76 »Super Paper Mario«
77 Hommage à Mega Man
78 white cubes
79 Gilbert & George 1 Peter Bialobrzeski
80 »Persepolis« 1 »Gefahr und Begierde« von Ang Lee
81 »Fullmetal Alchemist«
»The Saddest Music In The World« von Guy Maddin
82 »Die Simpsons – Das Spiel«
»Sinking Island« & »Ankh – Kampf der Götter«
83 schnittstellen
RLM
8 Einleitung
86 Anthony Waine
88 Ecocriticism
90 Paul Virilio
91 Sophie Tottie
»Das vermessene Paradies«
92 Simon Spiegel
»New Ghost Entertainment-Entitled«
93 genealogie der superhelden
Conan – Der Barbar
standards
6 Impressum
94 termine im Winter
98 kolumne
Miau.
ingredients 1

heft-verschönerung
anna rosa stohldreier
ludag
Der gebürtige Italiener aus Palermo nutzt seine Kunst
nicht, um die Realität zu verschönern. Bruno Colajanni
möchte die Realität zelebrieren, ohne an Realismus zu
denken und ist deshalb unter dem Namen Ludag auf der
Suche nach Emotionen im Detail. »Sentimental Graphic«
nennt der Wahlberliner schlicht seine Werke. »Seit meiner
Kindheit schaue ich mir gerne die Realitätselemente an, bei
denen ich mit der Vorstellungskraft herumspielen kann«,
erinnert sich der 28jährige. »Du kannst Dir dort kleine
Schnipsel der großen Vision von Realität herausschneiden
und dann hineinfokussieren. Plötzlich siehst Du eine
Pflanze lächeln oder eine Wolke spucken. Es ist eine Art
Macro-Welt«, die Bruno Colajanni in dieser Ausgabe in
den Rubrikenbildern entdecken lässt.
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6 1 fetzen
Anna Rosa Stohldreier von Rosadesign
beschäftigt sich neben dem
nie enden wollenden Kampf gegen
fleischfressende Würstchen auch
mit konzeptionellen Maßnahmen
zur Förderung sinnvoller Verkäufe.
Sie arbeitet in ihrem Studio am
Weichselplatz als Kommunikationsdesignerin
und Illustratorin für
diverse Zeitschriften, Agenturen,
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entstehen ironisch-polemische,
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das Menschliche am Menschen, das
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scheiternden Erklärungsversuchen
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herausgeber
goon ® media e.V.
Sebastian Hinz, Postfach 12 69 29, 10609 Berlin
sebastian@goon-magazin.de
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Dan Gorenstein, Astrid Hackel, Sebastian Hinz (ViSdP),
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schlussredaktion Mareike Wöhler
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Kmieciak, Anne Kraume, Patrick Küppers, Brock Landers, Caroline Lang,
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Saul, Julia Saul, Annika Schmidt, Nina Scholz, Alexander Schubert,
Markus von Schwerin, Eileen Seifert, Martin Silbermann, Lea Streisand,
Falko Teichmann, Robert Wenrich, Rebecca Pohl, Olivia Schofield, Judith
Taudien, Ronald Klein, Marcus Roloff, Agnieszka Mucha, Christoph Voy,
Thomas Ebke, Bernd Weintraub, Klaus Esterluß, Gabriela Radko, Don
Davis, Anna Rosa Stohldreier, Bruno Colajanni
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leserbriefe post@goon-magazin.de
goon ® wird bundesweit vertrieben mit freundlicher Unterstützung von:
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Erscheinungsweise: vierteljährlich
Das nächste Heft erscheint im März 2008
Für Freunde der
ägyptischen
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© 2007 published by XIDER Games. XIDER Games is a trademark of bhv Software GmbH & Co. KG. All other copyrights and trademarks are the property of their respective owners.
All rights reserved.

goon
präsentiert
fetzen
Composer inside
electronics
Unfälle, Nichtvorhersehbares, Fehler,
Ungeordnetes, kurz: das Geratewohl,
stehen im Mittelpunkt der club
transmediale.08. Und zu allem
Überfluss werden auch noch Maschinen
aufgeschraubt
text: sebastian hinz
fotos: pickled feet, matthias hell, xavier van wersch
Auf der Bühne stehen ein Schallplattenspieler, eine Vinylschneidemaschine
und elektronische Filter. Nachdem
die beiden Musiker Christian Marclay und Flo Kaufmann
ihren erhöhten Arbeitsbereich betreten haben, ist den
Teilnehmenden bewusst: Nicht nur die Instrumentenauswahl
ist hier ungewöhnlich. Die Performance beginnt mit
einer leeren Schallplatte. Christian Marclay, der seinen
Plattenspieler wie ein Musikinstrument benutzt, nimmt
diese schwarze Tonkonserve und erzeugt Klänge, die von
Flo Kaufmann aufgezeichnet und in einen Vinylrohling
geschnitten werden. Danach reicht er die so gefertigte
Schallplatte an Marclay, der sie wiederum als Material
für weitere Klangmanipulationen einsetzt, die erneut von
Kaufmann aufgezeichnet und in Polyvinylchlorid gekerbt
werden. So wissen beide Künstler zu keinem Zeitpunkt,
mit welchem Material sie als nächstes arbeiten werden.
»Tabula Rasa« nennen Marclay und Kaufmann ihre
Darbietung, die bei der club transmediale.08 – die in diesem
Jahr unter dem Motto »Unpredictable« (engl. unberechenbar,
unvorhersagbar) steht – erst zu ihrer fünften
Aufführung kommt. Doch an dieser Performance werden
zwei Prinzipien deutlich, die in der zeitgenössischen
Musik gerade eine Renaissance erleben: die Aufgabe
künstlerischer Kontrolle zugunsten von Zufall und das
musizierende Hantieren an offenen Systemen. Doch beide
Methoden sind der Modernen Musik nicht unbekannt.
Der Zufall
Hinter dem Experimentieren mit dem Unvorhergesehenen
und seiner bewussten Integration in den kreativen
Prozess verbirgt sich nicht selten die Suche nach lebendigem,
spontanem, authentischem Erleben. Daher ist
es oftmals verknüpft mit der utopischen Vorstellung des
untrennbaren Ineinanderfallens von Kunst und Leben.
Eine Idee, die sich insbesondere in der Improvisation
durchsetzte, dieser sowohl von der Hoch- als auch von
der Subkultur beargwöhnten »Kunst ohne Werk« (Derek
8 1 fetzen
Bailey). Doch dieser spontane Entwurf von Musikern, entstehend
in der Kommunikation mit Mitmusikern, hat sich
in unserer Kultur etabliert: im Free Jazz, in der Neuen Improvisationsmusik,
aber auch im Battle des HipHop oder
in der DJ-Culture. Und selbst wenn man so denkt wie der
Minimalist Steve Reich: »Wenn ein Typ sagt, ich improvisiere
darüber, wie ich mich fühle, dann ist meine Antwort:
Fuck you. Ich interessiere mich nicht dafür, wie du dich
fühlst«; auch abseits der Improvisation liegt der Zufall. Ob
nun Serielle Musik oder Musique concrète, ob Turntablism
oder Generative Musik: der Teufel steckt im System.
Linearität wird durch komplexe Kontingenz erweitert und
ersetzt. Aus den irregulären, chaotischen Umwelt- und
Naturgeräuschen entstehen ebenso Kompositionen, wie
aus mathematischen Algorithmen oder sogar kurzzeitigen
Falschaussagen in logischen Schaltungen, die man
allgemein glitch nennt. Eine Erweiterung musikalischer
Konzepte durch Momente des Zufalls ermöglicht, neue
Codes für die Kunst und das kulturelle Selbstverständnis
des modernen Menschen zu finden.
Das offene System
Auf Bastler und Erfinder war von Anbeginn insbesondere
die elektronische Musik angewiesen. Ihre Entwicklung
wird maßgeblich durch die experimentelle Entwicklung
neuer technischer Geräte und Instrumente vorangetrieben.
Aber auch in anderen Musikgattungen wird Eigenbau
wieder bedeutsam zur Generierung eines individuellen
Sounds. Rafael Toral, Wolf Eyes, Machinefabriek, Xavier
van Wersch: ganz verschieden in Herkunft und musikalischem
Stil, gewinnt für eine neue Generation von Musikern
und Elektrotechnikstudenten das selbstgebaute
Instrument oder der manipulierende Eingriff in bestehende
Schaltkreise, um Geräten neue Klänge und Geräusche
zu entlocken, an Bedeutung. Vorbild für diese Bewegung
des »Circuit Bending« ist David Tudor. Ihn den größten Pianisten
des letzten Jahrhunderts zu nennen, wäre wohl keine
Übertreibung, seine weit blickenden Arbeiten als Komponist
elektronischer Musik werden da manchmal vernachlässigt.
Tudor glaubte, dass den Geräten ein unbekanntes,
objekt-spezifisches Klangmaterial und neue musikalische
Formen innewohnen würden, die mit der allmählichen
Verfertigung eines neuen Instrumentes in Erscheinung treten.
»The object should teach you what it wants to hear.«
David Tudor war auch derjenige, der am 29. August
19 2 im Auditorium der New Yorker Harvard-Universität
am Flügel Platz nahm, den Klavierdeckel schloss, und exakt
4 Minuten und 33 Sekunden an seinem Instrument
ausharrte, um den Deckel dann wieder zu öffnen. Tudor
spielte – nichts. Oder »4’33«, die berühmteste Komposition
von John Cage. Die Zuhörer reagierten mit Irritation,
begannen zu tuscheln, verließen den Saal oder empörten
sich. Manche wussten nicht einmal, dass sie überhaupt
eine Komposition gehört hatten. Das war der entscheidende,
unvorhersehbare Teil der Darbietung.
SCOUT NIBLETT
„Schön anzuhörende Eigenwilligkeit, Musik als ausufernder
Spaziergang mit vielen Pausen, Ausfallschritten,
Reisespielchen.“ laut.de
Scout holte sich für ihr 4. Album Verstärkung – der große
Will Oldham (aka Bonnie “Prince” Billy) ist als Duettpartner
auf 4 Stücken zu hören!
Tabula rasa
„Mindestens Birthday Party und Joy Division
dürften iLIKETRAINS zu ihren...ungleich epischeren
Stücken...inspiriert haben: ...ausdrucksstark pocht das
Schlagzeug, willenlos und verloren...sirren die Gitarren.
I Love You But I‘ve Chosen Darkness hatten den besseren
Bandnamen, iLIKE TRAINS aber haben die Songs.“
Spiegel Online
www.beggarsgroup.de www.myspace.com/beggarsgermany
fetzen
Zurück zur oben angeführten Performance von Christian
Marclay und Flo Kaufmann: Jede der von Flo Kaufmann
geschnittenen Schallplatten trägt die vorigen Klanggenerationen
als Spuren und Schichten in sich. Die letzte Vinylscheibe
der Aufführung beinhaltet in gewisser Weise
die gesamte Aufführung und kann sie doch nicht wieder
erklingen lassen. Doch wann ist der Zeitpunkt für die letzte
Schallplatte gekommen? Dazu hat der britische Technopionier
Aphex Twin eine Idee: Ein Stück sei zu Ende, sagt
er, wenn die Maschinen abgeschaltet sind.
»club transmediale.08 – Festival for adventurous music and
related visual arts« findet vom 25. Januar bis 2. Februar 2008 in
verschiedenen Berliner Lokalitäten statt. Am Eröffnungsabend in
der Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz wird kein geringerer
als Pierre Henry auftreten. Neben dem Festival gibt es auch
eine Workshop-Reihe zu Hardware-Hacking, Circuit Bending
und Open Systems, konzipiert von Martin Howse und Derek
Holzer. Mehr Informationen: www.clubtransmediale.de
„Solo bow from singer one of the Delgados‘ co-leaders
and its creative engine. Needless to say, fans will fi nd
much to like!“
„The High Priestess of the scottish indie scene Emma
Pollock shows here that she can certainly cut it on her
own, and this record has been worth the wait“

fetzen
Walter moers
Echo, das sprechende Kätzchen (i.e. Krätzchen) ist kurz
vor dem Verhungern, als der gefürchtete Schrecksenmeister
von Sledwaya Eißpin ihm einen verhängnisvollen
Tausch anbietet. Er werde ihn bis zum nächsten
Schrecksenmond kulinarisch verwöhnen und dann sein
wertvolles Kratzenfett auskochen, um es für seine alchimistischenArbeiten
weiter
10 1 fetzen
zu verarbeiten. Mit »Der Schrecksenmeister« hat Hildegunst
von Mythenmetz das berühmte kulinarische Märchen
von Gofid Letterkerl über »Echo, das Krätzchen« neu
interpretiert. Die Übersetzung dieses Werkes liegt nun
von Walter Moers vor, der nach »Ensel und Krete« und
dem autobiografischen »Die Stadt der träumenden Bücher«
ein weiteres Hauptwerk zamonischer Literatur übersetzt
hat. Mythenmetz wollte mit diesem neuen Ansatz
das Werk von Letterkerl, dessen Stil er als »sperrig wie ein
Kleiderschrank und gewöhnungsbedürftig wie Trompaunenmusik«
bezeichnet, einem neuen Publikum und einer
neuen Generation von Lesern schmackhaft machen. Der
Stil ist wie gewohnt frisch und erheiternd. Mit einem fantastischen
Auge für die Kleinigkeiten des Lebens wird der
Stadt Sledwaya und dem Herrschaftssitz von Eißpin Leben
eingehaucht. Leider müssen jedoch die Leser
von Moers’ Übersetzung mit einer gekürzten Fassung
vorlieb nehmen: Moers hat die etwa 700 Seiten
Mythenmetz’scher Abschweifungen schlicht weggelassen,
so dass der Roman auf schlanke 380 Seiten
geschrumpft ist. Für den normalen Leser sicherlich
hilfreich, aber für die Literaten unter den Lesern eine
Schmach. sm
»Der Schrecksenmeister. Ein kulinarisches Märchen
aus Zamonien von Gofid Letterkerl. Neu erzählt
von Hildegunst von Mythenmetz« von Walter
Moers, Piper, München 2007, 384 S., € 22,90
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Karten 030.890023
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DAS
LETZTE BAND
von Samuel Beckett
Regie: B.K. Tragelehn
ab: 3. Dezember 2007
Eine Produktion der Stiftung
Schloss Neuhardenberg
BETRUNKEN
GENUG ZU
SAGEN ICH
LIEBE DICH?
von Caryl Churchill
Regie: Benedict Andrews
Deutschsprachige
Erstaufführung
ab: 5. Dezember 2007
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• Die 70er Jahre •
ab: 30. Januar 2008
BRICKLAND
von Constanza Macras
Regie und Choreographie:
Constanza Macras
Uraufführung
ab: 14. Dezember 2007
DEUTSCHLAND-
SAGA
Uraufführungsreihe im Studio
• Die 60er Jahre •
ab: 3. Januar 2008
PENTHESILEA
von
Heinrich von Kleist
Regie: Luk Perceval
ab: Februar 2008
neue heimat – berlin
contemporary
Legten nicht so viele Leute derart großen Wert auf
Kleinigkeiten wie einen geregelten Lebensunterhalt,
Berlin würde bei seiner Anziehungskraft auf Künstler
und gegenwartskulturelle Autoren bald aus allen
Nähten platzen. Sie fanden in Berlin eine »Neue Heimat«,
und dieser Umstand ist Anlass zu einer schönen
Ausstellung in den weiten Räumen der Berlinischen
Galerie. 29 in Berlin lebende Künstler nähern sich dem
Thema äußerst vielschichtig, wobei eine Behandlung
von Heimat als ›Heim‹ und ›Wohnen‹ dominiert. Trotz
des trauten Klangs von Felsgefügtheit erweist sich
›Wohnen‹ als ungewisse und temporäre Angelegenheit.
Tea Mäkipää zeigt in einer riesigen Konstruktion
ein ganzes Haus. Nur ist dieses Haus aller häuslichen
Dinge wie Dach, Wänden, Möbeln entblößt. Übrig
bleiben, in leichter Schräglage, mit dem Geflecht der
Wasser- und Stromleitungen nur Elemente, die von
der Abhängigkeit dieses angeblichen Schutzraumes
von äußeren Netzwerken zeugen. Mona Hatoum lässt
einen ganzen Hausrat an feinen Drähten hin und her
gleiten, Florian Slotawa schließlich errichtete eine
Skulptur aus Umzugskartons, Schutzfolie und Klebeband.
Das erinnert tatsächlich an Berlin, und vielleicht
ist es nicht zuletzt ihre transgressive Wohnkultur, welche
die Strahlkraft der Metropole ausmacht. Angeregt
streift man also durch die Exponate und spielt mit der
Frage, ob nicht der Umzugsunternehmer Hans Zapf,
der einst in Sachen Weltrevolution nach Berlin kam,
in einer tieferen Schicht der Wahrheit der prägendste
Performance-Künstler dieser Stadt ist. pk
»Neue Heimat – Berlin Contemporary« ist noch bis
zum 7.1.2008 in der Berlinischen Galerie zu sehen
Foto: 1:1 (2005), © Tea Mäkipää, Sound: Tony Ikonen
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Oranienburgerstr. 54-56a - Berlin
Fon: 030 - 280 96 123

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Winterzeit ist Snowboard-Zeit! Holt eure Bretter raus,
ob auf der Zugspitze oder im Volkspark. Und: Wer hat
denn bitte behauptet, dass man für Qualität auf Style
verzichten muss?
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material 1 13

fetzen
plattentektonik mit marcus schmickler
platten, die mich
geformt, gebessert
und gebildet haben
Ich könnte wirklich viele Platten aufzählen, die ich nicht
missen möchte (z.B. die gerade erstandene Doppel-CD
»Day is Done« von Mike Kelley). Doch hier geht es um eine
Platte, die mich vor langer Zeit schwer beeindruckt hat:
Jürg Wyttenbachs Einspielung von Giacinto Scelsis
»Quattro Pezzi per Orchestra«. Heute, ungefähr 16 Jahre
nach Entdeckung dieser Aufnahme, kommt mir Scelsis
Komposition vielleicht etwas eindimensional vor, doch sie
war, neben »Lontano« von György Ligeti, meine Initiation
in zeitgenössische Orchestermusik. Das Faszinierende
besteht für mich auch heute noch in der Übereinkunft
vieler Gegensätze: In der Musik von Giacinto Scelsi (190 -
1988) heben sich gleich mehrere Widersprüche auf, etwa
ihr vordergründiger Minimalismus, der sich ins Gegenteil
umkehrt. »Quatro Pezzi per Orchestra« generiert mit einfachen,
aber individuellen Mitteln eine enorme Effizienz.
Ich bewundere daran den Mut zum radikal Anderen sowie
die detaillierte Behandlung von Klang, die vielleicht eine
bestimmte Art des Microsounds in der Instrumentalmusik
re-popularisiert hat. Einzigartig ist auch der leichtfüßige
Umgang mit komplizierten Verhältnissen von Komposition
und Improvisation und Autorenschaft: Scelsi
improvisierte, meistens nachts, auf einer frühen Form von
Du zeigst im Dezember deine Soloperformance »Garage«
im Berliner Kunsthaus Tacheles. Was bedeutet »Garage«
für dich?
»Garage« ist eine künstlerische Reflexion und ein Laboratorium.
Anders als in der Zusammenarbeit mit meiner
Compagnie habe ich hier im Dialog mit der Musik und
dem Licht ein ganz anderes Potenzial: Ich versuche, zum
Einfachsten zurückzugehen und alle rationalen Erfahrungen
zu vergessen.
Welche Rolle spielen für dich Improvisation und Intuition?
»Garage« ist jenseits aller Improvisation: Sie dient oft der
Konstruktion, aber mein Vorgehen ist im Gegenteil eher
dekonstruktiv. Ich habe in den letzten 30 Jahren sehr viel
Know-how sammeln können, aber heute gibt es in der
Kunstszene zuviel davon: Meine Aufgabe ist, alles wieder
zu vergessen.
Du machst dich gegen Kommerzialisierung und
Institutionalisierung im Tanz stark.
Ob man innerhalb oder außerhalb der Institutionen
steht: Frei zu bleiben ist schwer.
Ich bin gut zwanzig Jahre oben geblieben, innerhalb der
Heimorgel, nahm dies auf Band auf und übergab die Bänder
an ›Kopisten‹, die aus diesen Tapes präzise Partituren
schufen. Giacinto Scelsi ist es gelungen, eine völlig individuelle
Sprache zu formen, wie es nur wenigen gelingt.
Solche Platten zu entdecken ist für mich immer wieder ein
Glück, und manchmal fürchte ich, es könnte schwieriger
werden, sie zu finden. Doch es hört niemals auf ...
Marcus Schmickler ist international bekannt für seine Arbeit in
zeitgenössischer und elektronischer Musik. In letzter Zeit entstanden
zahlreiche kammermusikalische Kompositionen, viele davon unter
Einbeziehung von elektronischer Musik. Darüber hinaus arbeitet er
auch an Theater-, Film- sowie außergewöhnlichen Popmusik und
Improvisations-Projekten. Er lebt und arbeitet in Köln. In den letzten
Jahren erhielt er zahlreiche Preise und Auszeichnungen und ist rund
um die Welt auf Bühnen und Festivals vertreten
Soeben erschienen von ihm gleich mehrere
neue Veröffentlichungen: »Altars Of Science«
bei Editions Mego, »R/S One«, eine Kooperation
mit Pita, bei Erstwhile Records, sowie
»TheMonstrousSurplus« unter seinem Pseudonym
Pluramon bei Karaoke Kalk. Dieses Jahr
erschien auch seine Zusammenarbeit mit dem
Saxophonisten Hayden Chisholm bei Häpna
die choreographin régine chopinot interview: astrid hackel
14 1 fetzen
Institutionen, gerade weil es so schwer ist, frei zu sein. Die
Schwierigkeit besteht darin, sich dennoch nicht von der
Welt abzukapseln, sich nicht einschläfern zu lassen. Ich
reise sehr viel und kenne die Schwierigkeiten unabhängiger
Compagnien gut. Für mich ist es an der Zeit,
jenseits des Komforts nach Alternativen zu suchen. Es
gibt schon sehr viele, die das Diktat der liberalen Gesellschaft,
die Dominanz des Geldes und des Entertainments,
nicht akzeptieren wollen. Die Poesie, das Fest, die Freude
am Denken, das sind Elemente, für die man kein Geld
braucht. Ich habe lange Zeit in Vietnam gearbeitet, wo die
Bedingungen sehr hart sind. Gleichzeitig handelt es sich
um eine künstlerisch reiche Kultur. Hier habe ich verstanden,
dass man aus sehr wenig sehr viel machen kann. aha
»Garage«, Solo von Régine Chopinot, 05. – 09., 12. – 16,
19–21.12., Kunsthaus Tacheles, Berlin
© Frederic Yovino
goon
verlost
fetzen
ck in2u – sWdyt (so
What do you think)?
Calvin Klein bewies zu Beginn der 1990er Jahre, erst mit
ihrer Unterwäschekampagne und dann mit der Unisex-
Imagewerbung der Düfte ck one und ck be, dass sie wie
kein anderes Label in der Lage sind, die Gefühlslage
der jungen Generation auszuloten. Damals ging es in
den Kulturwissenschaften wie auch in der Popkultur um
die Emanzipation von binären Geschlechterstereotypen
– symbolisch vertreten durch eng anliegende Boxershorts
für sie und ihn und ein Parfüm für beide. Die Zeiten
haben sich geändert, und wieder kommt aus dem Hause
Calvin Klein eine analytische Momentaufnahme der
Jugendkultur. Mit dem Duft ck IN2U (Text-Sprache für
»in to you«, also ein mehrdeutiges »interessiert an dir«)
spricht Calvin Klein eine Generation an, die sich über
ihren Kommunikations-Stil definiert, und benennt diese
auch: Die Generation der Technosexuellen. Nummern,
Buchstaben und Piktogramme, in Textnachrichten, auf
MySpace-Seiten, in Foren, Blogs und Chats – ck IN2U
richtet sich an eine Generation, die Kontakte via technischer
Hilfsmittel sucht. Zum ersten Mal ist dabei ein
ck-Duft nicht unisex – er wird also nicht geteilt: Es gibt
ck IN2U FOR HER und ck IN2U FOR HIM. Identitätsunterschiede
zählen wieder, und wenn auch nur, um zueinander
zu finden. Und so ergänzen sich ck IN2U FOR HER
und FOR HIM trotz ihrer olfaktorischen Gegensätzlichkeiten:
»spontan und verführerisch« trifft »charismatisch
und ungehemmt«. Aber auch der jeweilige Duft kann
sich bei jedem ganz anders entwickeln: Wir möchten
widererkennbar, aber auch unterscheidbar sein. Präzise
beobachtet, Mr. Klein.
Wir verlosen je 3 Flakons ck IN2U FOR HER und ck IN2U FOR HIM.
Email an tombola@goon-magazin.de. Stichwort: technosexuell.
fetzen 1 1
die
Ausgabe
Nr. 5
LA
MER
GELÉE
erscheint
im
Januar
2008
mit unveröffentlichten
Texten von
Elfriede Jelinek
Olivier Le Lay
Christian Prigent
Odile Kennel
Antoine Brea
Katja Roloff
Elke Erb
Alban Lefranc
Monika Rinck
François Athané
Rüdiger Fischer
mit Zeichnungen von
Arnika Müll
Jean-François Magre
www.lamergelee.com

fetzen
Worauf man in diesem Winter nicht verzichten kann
... erklärt a. j. Weigoni
Wenn es in Deutschland um die hiesige Sprache geht,
kommt man eigentlich gar nicht an A. J. Weigoni vorbei.
Der Wahl-Düsseldorfer (auf das Präfix besteht er) ist
Lyriker, Wortespieler, Gedankenakrobat und Schriftsteller.
Seine Hörbücher sind weniger gesprochenes Wort als
eine Reise in deren Innerstes – feingefühlig, experimentierfreudig
und bei alledem humorvoll. A. J. Weigoni
feiert im Januar seinen 0. Geburtstag und gibt auf einer
Doppel-CD Einblicke in seine kleinteilige Rekonstruktion
der deutschen Sprache.
Warum können wir in diesem Winter nicht auf die
deutsche Sprache verzichten?
Winter. Das Wort erinnert zuerst an eine schneebedeckte
Landschaft. Schon sind wir mitten im Kitsch. Und hereingefallen.
Wir brauchen also weniger Sprache als Poesie.
Poesie ist gemeingefährlich. Ohne sich durch Logik, Vernunft
oder Benimmregeln beeinflussen zu lassen, dringt
sie in das Gehirn und löst dort ohne Umwege heftige
Gefühle aus. Wie es der Zufall will, schreibe ich gerade an
16 1 fetzen
einem Zyklus, bei dem mich der kalte Blick auf den Alltag
interessiert. Mit kühlem Herzen habe ich Anteilnahme
und Emotionen unterdrückt, um sie auf diese Art und
Weise umso deutlicher zu machen und das Halluzinatorische
der Normalität hervorzukehren.
Wie kann Deine Sprache dem gefühlsleeren Alltag etwas
entgegensetzen?
Leben am Wundrand der globalisierten Gesellschaft, das
ist das Thema dieser Geschichten. Es sind Geschichten
eines Übergangs: vom Sozial- zum Individualstaat. Wir
lernen Untote kennen, die in der Liebe Erlösung suchen.
Diese Darsteller verkaufen sich oder lassen sich kaufen.
Was geschieht, bleibt Reflex auf den Alltag, der niemanden
mehr anspornt, weil dahinter kein Traum mehr
ist und eine Moral schon gar nicht. Diese Welt hat keinen
Notausgang. Deshalb kann ich dem als Schriftsteller nur
mit schwarzem Humor begegnen.
»Gedichte – HörBuch« von A. J. Weigoni ist über das Tonstudio
an der Ruhr erhältlich. Weitere Infos unter www.weigoni.de
street Wars
Marc Ecko feiert den 30. Geburtstag der
Weltraumsaga »Star Wars« mit einer
limitierten Kollektion, die nichts mehr
mit geeky Fan-Shirts und Stormtrooper-
Halloween-Kostümen zu tun hat. »Es ist
kein Geheimnis, dass ich ein absoluter Fan
von ›Star Wars‹ und George Lucas bin«,
sagt Marc Ecko. »Unsere Aufgabe war es,
in den Lucasfilm-Archiven zu graben und
die reiche Bildsprache, die ›Star Wars‹ zur
bekanntesten Fabel der letzten 100 Jahre
gemacht hat, mit der Populärkultur zu
vereinen.« In einer Kombination bekannter
»Star Wars«-Motive mit tragbarem
Streetwear-Style enthält die Linie unter
anderem solche Schmuckstücke wie den
Hoth-Parka, das Bounty Hunter-Jacket,
ein »Darth Vader is Dead« Graphic-Tee
und den »Fett for Real« Zip-Hoodie.
Streets of Coruscant, here I come.
Die »Star Wars« Modelinie von Marc Ecko wird
in dieser Holiday-Saison in internationalen
Special-Stores erhältlich sein.
Konzertagentur
Berthold Seliger

töne
Illustration:
bruno
colajanni,
ludaG.com
töne
»Das Visionäre am
Kunstwerk bleibt ein
historisches Zitat.
Man zitiert die Vision
von damals. Vielleicht
kann man sie noch
transportieren,
vielleicht sogar in die
Gegenwart übersetzen:
das was damals galt,
könnte, aha!, eben auch
noch jetzt gelten.«
Dave Longstreth über das neue
Album der dirty projectors
Seite 24
»Zwei Leute sind
schon Mal weniger
Minimal als einer«
Max Lodendauer von sun
electric im Gespräch
Seite 30
20 Efterklang
22 Dirty Projectors
24 Michaela Melian
2 Feu Thérèse
26 A Whisper In The Noise
27 Kapital Band I
28 Zwiegespräch: Frank
Bretschneider + Sun Electric
30 Musikszene Bristol
reviews
34 epiphany outlet
3 Louis Philippe
The Clientele
36 beep street
37 Luke Vibert
Phon°noir
38 Doom & Gloom
Vashti Bunyan
39 the relay

No Goalsi,No Records
efterklang aus Kopenhagen behaupten zwar, sie hätten weder Ziele noch eine neue
Platte im Gepäck, doch glaubt das fünfköpfige Kammer-Indie-Gespann immerhin an
die Existenz eines dezidiert europäischen Humors. Eine unscharfe Momentaufnahme
aus dem inzwischen verlassenen Studio der Band
text, interview: renko heuer foto: nan na hvass
»Wir sind keine Brasilianer, zumindest nicht in diesem
Ego-Sinne. Uns geht’s musikalisch wie buchstäblich
darum, den Ball möglichst lange in der Luft zu halten.«
rasmus stolberg
Von Aufbruchs- oder Untergangsstimmung keine Spur:
Efterklang, heute ausnahmsweise sogar siebenköpfig,
inklusive einem Ami-Gastmusiker (zu dessen bzw. deren
Humor wir später kommen), sitzen und stehen, z.T.
gar in Socken, in ihrem Noch-Proberaum im Süden Kopenhagens
und zelebrieren das, was sie generell viel zu
selten, derzeit aber tagtäglich von morgens bis abends
tun: Sie proben, spielen diejenigen Songs endlich auch
mal gemeinsam, die zuvor in unzähligen Sessions digital
zu solchen verkettet wurden. Rasmus Stolberg, neben
Songwriter Casper Clausen der schnurrbärtigere Kopf
der Band, lässt sich durch nichts aus der Ruhe bringen,
hat für alles sogar noch ein Extragrinsen in der Hinterhand:
Zwar müssen Efterklang nach über fünf Jahren
das mit apokryph-vergilbten Buchseiten und einem gut
versteckten Alphorn-Poster tapezierte Studio in Kürze
räumen, weil die Mieten auch am Rande der dänischen
Metropole explodiert sind, zwar stehen ab Ende des Monats
etliche Gigs in ganz Europa an, zwar soll zwei Tage
nach unserem Zusammentreffen ein überaus aufwendiges
Video inklusive »Feuerwehrauto, Pyrotechnik, Slo-Mo-Shots,
Kindern, einem Clown« (und dem Kameramann von Martin
de Turah) gedreht werden, zwar lebt Rasmus nach
wie vor von einem Studentendarlehen, das er sich nur
dadurch sichert, dass er sich selbst als Praktikant anheuert
–, aber das kreative Chaos, bestehend aus unzähligen
obskuren Instrumenten, einem Heer von Flöten, Kabeln
und Gestänge, einer heute auf Jungfernfilm befindlichen
3-Chip-Kamera, faltigen Saftpackungen, wieder und wieder
benutzten Wasserflaschen, um ihn und seine (offiziell)
vier Buddies, lässt gar keinen Raum für Hektik oder gar
Verzweiflung. Ein Song sitzt noch nicht ganz, doch warum
auch die Dinge überstürzen: Efterklang haben ihren eige-
nen Rhythmus. Marschmusik interessiert sie, soviel steht
fest, definitiv nur in klanglicher Hinsicht.
Malville, Fußball und Rumraket
Dass Rasmus und Casper, die sich schon seit ihrer Kindheit
kennen, auch mit Schlagzeuger/Trompeter Thomas
Kirirath Husmer (»Ich bin sonst Lehrer und doch der einzige,
der wirklich versucht, ein Musiker zu sein.«), Rune
Fonseca Mølgaard (Piano) und Mads Brauer (Produktion)
sehr eng befreundet sind, liegt auf der verkaterten Hand:
Konstant reden die fünf Bandmitglieder durch- und – vor
allem – füreinander. Der redselige Thomas, ein Mann der
Melville-Metapher (»Wir haben gemeinsam ein Schiff gebaut.«),
bezeichnet Rasmus als besten Fußballer der Band,
woraufhin Rasmus einwirft, dass Casper das nur ungern
hören wird, während der zeitgleich sein Statement abgibt
(»Ich sehe Fußball wie Kampfsport, Rasmus erkennt darin
eine Art abstrakten Balletttanz.«) und über das von Rasmus
geführte Rumraket-Label redet (dessen erste erfolgreiche
Schwarze-Zahlen-Rakete das Grizzly-Bear-Album aus
der Prä-Warp-Ära war), um gleich im Anschluss die Rolle
von Thomas verschmitzt als die des »Mannes für jegliche
Drecksarbeit« zu definieren. Der Vibe ist eher Zivi-Bude
als Studio-Headquarter, eher Atelier als Office.
Goal, Record, Boxparaden
Der konstante Dialog, der an diesem allzu bald verlassenen
Ort stattfindet, sei es über die einzelnen Songs (ein
Wort, das den weitschweifigen »Album-Versatzstücken«
von Efterklang kaum gerecht wird), über graphische Dinge
(Efterklang sind Handarbeiter wie Mugison), über Film
– »Bitte schreib in deinen Text, dass ich ›Lost In Translation‹
abgrundtief hasse.« (There you go, Rasmus!) –, über die
politics im Geschäft, oder über unterschiedliche Ziele und
Motivationen, läuft nie ohne einen touch von »vorläufiger
Definitivität« und zugleich nie ohne doppelten Bedeu-
»Insgesamt funktioniert unsere Musik
wohl eher wie Kino. Wie ein Film, der
sich an keiner Stelle wiederholt.«
tungsboden ab. Wie beispielsweise die Worte »goal« und
»record« hier gleich mehrfach verdreht werden – à la
»We don’t like goals« (auf ihr Fußballspiel bezogen) und
»there is no new record« (auf die Rekordzahl von 40 Ballkontakten
ohne Bodenberührung bezogen) bzw. deren
Gegensätze (auf Musik bezogen) –, ist auch ihr neues Album
»Parades«, der Nachfolger zu »Tripper« (2004), ein
bombastisch-ungewisser Trip in die kollektive Unschärfe:
Waren auf dem Vorgänger ganze 40 Albumgäste am Trip
beteiligt, sind es auch dieses Mal »gut 35« umtriebige
Dänen, mit deren Hilfe sie ihr »Schiff« (Thomas), »eine
riesige Skulptur« (Casper), in eine entlegene Umlaufbahn
befördert haben, in der sie derzeit ganz alleine sind. Nicht
ohne Grund gab es dieser Tage schon erste Vergleiche
mit Radiohead (wobei die niemals klanglicher Natur sein
könnten!), denn die unzähligen Instrumentalformationen,
Staccato-Bläser-, Electronica- und Glockenspiel-Einlagen,
Gast-Chöre und -Streicher, die über-, unter-, neben- und
nacheinander verschachtelten Avant-Bombastrock-Melodien,
voller Pomp und Prunk und Liebe zum eklektischelektronischen
Detail, die durch Untiefen und zugleich
über epische Bögen führenden Spitzen, machen sie ganz
klar zu den ultimativen Drama-Kings der Stunde. »Insgesamt
funktioniert unsere Musik wohl eher wie Kino. Wie ein
Film, der sich an keiner Stelle wiederholt. Was das genaue
Gegenteil eines Popsongs ist: Der nämlich basiert auf der
Wiederholung: Statt von A nach B nach C und zurück zu
gehen, legen wir die Strecke zwischen A und G zurück, ohne
dabei jemals zurück zu schauen. Und unterdessen haben
unzählige Melodien und Themen kurze Gastrollen.« So ist
ihr neuester Film auch treffend nach diesen Paraderollen
benannt: »Die Paraden, um die es im Titel geht, sind einerseits
die Melodien selbst, wie sie marschieren, andererseits
sind es die einzelnen Songs, die gemeinsam eine noch größere
Parade ergeben. Und dann ist es auch unser neuer Hang
zu Marschmusik. Im Dänischen steht der Titel zudem für
das Parieren beim Boxen, also eine Abwehr – doch ist das
eher eine zusätzliche Bedeutung, die genauso wenig geplant
war, wie die deutsche Gonorrhoe-Anspielung bei unserer ersten
LP«, erläutert Rasmus. Casper ergänzt: »Es geht immer
um Überraschungen, um neue Richtungen, wobei wir uns
nach und nach einem überdimensionalen Gesamtbild annähern.«
Von Anfang bis Ende
Während sich Casper, der auch schon einen Soundtrack
für einen Animationsfilm beigesteuert hat, wünscht, dass
man ihr Album »mindestens drei Mal von Anfang bis Ende
hört, um es zu verstehen«, zeichnet sich die Kommunikation
innerhalb der neunköpfigen Live-Band dann doch
zum Teil durch Missverständnisse aus: Auf die Frage, ob
die Tatsache, dass es insgesamt 11 Songs sind, ein weiterer
Fußball-Insider sei, kann selbst kollektives Gelächter den
anwesenden (und hier leider namenlosen) Gastmusiker
aus den USA nicht von der perplexen Zwischenfrage abhalten:
»Wirklich? Krass.« Rasmus’ Retourkutsche: »Schau,
das ist europäischer Humor, es gibt ihn doch!«
»Parades« von Efterklang ist bereits bei The
Leaf Label/Hausmusik/Indigo erschienen
20 1 töne
töne 1 21

Erhaben über das Zerstörte
Mit der Black-Flag-Reminiszenz »Rise Above« gelingt David Lengstreth und seiner Band
dirty projectors ein neuer spiritueller Umgang mit einem historisierten Kunstwerk
und ein großartiges Assoziations-Album
Dave Longstreth wollte sehen, ob er das Black Flag-Album »Damaged« selbst
machen könne, nicht als Cover, sondern als »original creative act«.
text: fabian saul fotos: christoph voy
27. Juli 1984, Newport, Jockey Club. Betrete den großen
Raum. Bar links, auf der Rechten die Toiletten. Du
musst, aber nicht so nötig, noch nicht. Pretty good crowd.
Hmm. Get a Foster. Da ist Shorty. Der Sound ist gut. Jimmy
D schmeißt heute den Laden. Wer ist auf der Bühne?
Näher, noch ein Stück näher... Black Flag! Rise Above!
We’re born with a chance / Rise above, we’re gonna rise above
/ I am gonna have my chance / Rise above, we’re gonna rise
above / We are born with a chance / Rise above, we’re gonna
rise above / And I am gonna have my chance / Rise above,
we’re gonna rise above / We are tired of your abuse / Try to
stop us, it’s no use.
Punk ist Geschichte. Offensichtlich kann man den ganzen
großen Popgeschichts-Baum durchschauen, kann den einen
Ast auf den größeren, an dem er hängt, zurückführen.
Punk, das war der eine Ast dort. Da hängt Hardcore dran.
Der amerikanische Auswuchs. Und dort sind auch Black
Flag. Wisst ihr noch? 27. Juli. Jockey Club.
Jetzt, 23 Jahre später, kann man das erklären. Man
kann sehen und hat verfolgt, dass Hardcore, dass Black
Flag, weitere Triebe sprießen ließen. Da sind unzählige
neue dazugekommen. Und so ein Ast, der hat bekanntlich
Kurven, kaum sichtbare Abzweigungen, einiges, was
man nur mikroskopisch erblicken kann, unzählige Quer-
verbindungen. Aber, gewiss ist: Das ging immer weiter, da
war und ist ein Weg. Was damals, aus der Perspektive der
gewesenen Gegenwart, sich vielleicht als Vision abzeichnete
– try to stop us, it‘s no use – verkommt gar lächerlich
zur Passage zwischen einem A an einem und einem B am
anderen Ende. Das Kunstwerk selbst, das Album, der
Song, der Klang, wird entmystifiziert, während fleißig
historisiert wird. Die Größe der Äste bestimmt sich dabei
immer aus dem Blick und aus der Distanz, die man einnimmt.
Mit Blick und Distanz der westlichen (Pop-)Kultur
ist Punk in jedem Fall ein Ast beachtlichen Durchmessers.
Am Ende dieses Prozesses der Geschichtsschreibung hat
man feine, kleine, historisierte Kunstwerke vorliegen und
kann auf sie zugreifen: Black Flag, »Damaged«, 1981. So
wollte man das ja. Und das funktioniert. Nun kann man
fein säuberlich ein Ästlein brechen und ihm neues Leben
einhauchen.
Covern: Das Kleid des Anderen noch einmal aufpolieren,
noch einmal anziehen und dabei ein wenig vom eigenen
Schweiß in ihm hinterlassen. Die Platte, das Album, der
Song sind dabei geschlossene, fertige Kunstwerke, eine
recht inflexible Masse, die man zwar neu färben kann,
selten aber wirklich neu formen. Das Visionäre am Kunstwerk
bleibt ein historisches Zitat. Man zitiert die Vision
von damals. Vielleicht kann man sie noch transportieren,
vielleicht sogar in die Gegenwart übersetzen: Das was
damals galt, könnte, aha!, eben auch noch jetzt gelten.
Vielleicht. Vielleicht aber auch nicht. Vielleicht bleibt es
nur ein weiteres Stück im stets wieder zu belebenden Pop-
Museum. Ein Wachsfigurenkabinett! Sucht euch eine aus!
Anhauchen genügt! Ja, die funktionieren noch!
7. November 2007, Berlin, West Germany. Wer ist auf der
Bühne? Näher, noch ein Stück näher... Dirty Projectors.
Rise Above.
David Longstreth ist ein Getriebener. Ein schier endlos
dahinsprudelndes Fass unvergleichlicher Energie. Visionär.
Sein Studium in Yale abgebrochen, widmet er sich
seit 2002 mit ganzer Leidenschaft der Musik. Album, EP,
Live, Folk, Pop, Punk: Stets sich neu erfindend, Herausforderungen
suchend, und dennoch nie kurz gedacht, immer
intelligent, fordernd. Gast auf der neuen LP von Chris
Schlarb, zusammen mit Zach Condon von Beirut auf der
»Friend EP« von Grizzly Bear, mit seinem Kollektiv Dirty
Projectors auf David Shrigleys »Worried Noodles«. Und
nun die siebente eigene Veröffentlichung binnen fünf Jahren:
»Rise Above«. Der Titel der Platte ist dem Eröffnungssong
der Platte »Damaged« von Black Flag aus dem Jahre
1981 entliehen.
Das Kunstwerk selbst, das Album, der Song, der Klang, wird
entmystifiziert, während fleißig historisiert wird.
Und damit steht am Anfang die Proklamation: Die ist eine
Black-Flag-Reminiszenz. Dies ist dann auch schon das einzige
wirklich konzeptionelle, was Lengstreth macht. Dann
beschließt er, statt der eigentlichen Platte sein Gedächtnis
zu benutzen. Die Platte selbst hat er vor Jahren gehört.
Und so ist es nicht die »Damaged« von 1981, sondern
das, was Longstreth von ihr im Kopf hat, um das es geht.
Longstreth ist der Filter, durch den die Platte gegangen ist,
noch bevor sich das zu Hörbarem geformt hat. So kommt
das bei Coverversionen übliche Spiel mit den bestehenden
Themen und Arrangements, ihre teils wohl behutsame
Neuordnung, ihr teils absichtlich schludriges Übergehen,
bei dieser Platte nicht zum Tragen.
Die immer auch rhythmisch vielfältige Soundlandschaft
zehrt sich aus Holzbläsern, Violinen, Drums, Klavieren,
Gitarren, choralen Gesängen, teils arrangiert, teils
improvisiert; Themen werden aufgenommen, abstrahiert,
verworfen, Originaltexte mischen sich mit eigenem lyrischem
Material.
So gesehen handelt es sich um kein Konzeptalbum, sondern
um ein Assoziations-Album. Das Original ist dabei
ein Fundus von Ideen, Inspirationen, Themen, auf die
man frei zugreifen kann. Das ist weit entfernt von der
klassischen Coverversion. Vielmehr nähern sich die Dirty
Projectors dem Kern des Materials. Sie legen die in ihm
verborgene Rohmasse frei, formen sie neu, spüren dem
Geist nach. Longstreth ist mehr Spiritueller als Visionär,
geht mehr assoziativ denn konzeptionell vor. Das eröffnet
eine prinzipielle Dimension im Umgang mit bestehenden
Kunstwerken und zeigt an diesem gelungenen Beispiel
neue Möglichkeiten auf.
Er wollte sehen, ob er das Album selbst machen könne,
nicht als Cover, sondern als »original creative act«. Und
so wird zwar im Albumtitel der direkte (historische) Bezug
proklamiert, doch das, was tatsächlich passiert, ist etwas
Anderes: Die Dirty Projectors verändern den Zugriff, in
dem sie sich über das eigentliche historisierte Kunstwerk
erheben, auch über dessen eigenhändige Zerstörung, und
dem Extrakt nachspüren. David Longstreth hat ihn nicht
mehr vorliegen, den Ast. Er weiß gar nicht mehr so genau,
wie der aussah. Aber einmal, da hat er ihn gesehen. Und er
pflanzt dessen Geist fort, ohne dabei das Geschichtsbuch
zur Hilfe zu nehmen. Er will es nicht und er braucht es
nicht einmal. Weil das hier vorliegende Kunstwerk, »Damaged«
von Black Flag, plötzlich auch sein eigenes geworden
ist.
»Rise Above« von Dirty Projectors ist bereits bei Rough
Trade/Beggars Group/Rough Trade erschienen
»Worried Noodles« von David Shrigley und anderen
ist bereits bei Tomlab/Indigo erschienen
22 1 töne
töne 1 23

Rave hinter
geschlossenen Türen
Vom Schwarzwald an die amerikanische
Westküste: Die Musikerin und Künstlerin
michaela melian weiß, dass es
manchmal nur ein kleiner Schritt von
»Baden Baden« nach »Los Angeles« ist
text, interview: nina scholz
Los Angeles ist ein mythischer Ort. Vielleicht wie bei keiner
anderen Stadt, schießen einem sofort Bilder in den
Kopf: glitzernde Metropole, heiße Sonne, braungebrannte
Bikinimädchen, aber auch düstere Motels, alternde Filmstars,
Gangs. Um diese Klischees und Wahrheiten zu kennen,
muss man nicht dort gewesen sein. »Los Angeles«
heißt auch das zweite Album von Michaela Melian, und
das hat mit dem Vorgänger »Baden Baden« mehr gemein
als zwei Städte im Titel, deren offensichtlichste Bilder sich
um Glam und Trash drehen. »Los Angeles« ist kein raues,
hartes, lautes Album geworden. Zwar verhandelt es Orte,
die mit Schmerz, Wissen, Traurigkeit, Exzessen, Versprechungen
und Hoffnungen durchzogen sind, die Tracks
sind aber, selbst dort wo sie tanzbar sind, sanfte Einladungen
zum Zu- und Wiederhören. Das zentrale Stück
»Föhrenwald«, das genau wie alle Musikstücke Michaela
Melians zu ihren Ausstellungsstücken produziert wurde,
loopt ein Stück traditionelle, jüdische Musik, dass sie im
Archiv Föhrenwald bei ihren Recherchen gefunden hatte.
Am Anfang hätte sie gar nicht gewusst, dass »Föhrenwald«
so groß wird, erzählt sie im Gespräch. Aber dann sei ihr die
Monstrosität des Themas immer mehr bewusst geworden.
Föhrenwald, das nah an ihrem Wohnort Wolfratshausen
liegt, ist eine Ende der 1930er gebaute Siedlung, die erst
als Lager für Zwangsarbeiter, nach dem Krieg als exterritoriale
Siedlung für jüdische displaced persons, später
dann zur Unterbringung heimatvertriebener Familien
genutzt wurde. »Ich dachte, ich kenne mich mit Nachkriegsgeschichte
aus, vieles weiß man ja auch, aber da liegt auch
noch einiges vergraben.« Und so begann sie zu suchen,
zu recherchieren und Beteiligte in sensiblen Gesprächen
auf Tonbänder aufzunehmen. Es entstanden die Bilder,
bei denen sie Schemen der Gebäude erst nachzeichnete,
dann abnähte, um diese dann per Projektor an eine Wand
werfen zu lassen. Der gleichförmige Loop des jüdischen
Stückes mit dem ruhigen Basslauf, die beunruhigenden,
sich überlagernden Tonbandstimmen, das Klicken des Diaprojektors
ziehen den Betrachter an, lassen ihn nicht los,
verstören. Die Installation lädt ein, aber erklärt und tröstet
nicht. »›Föhrenwald‹ war das schwierigste Stück. Egal wen
ich gefragt habe – von den Holocaustüberlebenden bis hin zu
den Vertriebenen – alle haben schlimme Geschichten erlebt,
genauso wie die Leute, die dort gelebt haben. Die Tragweiten
kann man natürlich nicht vergleichen, deswegen habe ich die
jüdischen Personen absichtlich ins Zentrum gestellt.« Dass
der Track auf der Platte melancholisch und beruhigend
klingt, einer ihrer schönsten ist, stört sie nicht weiter: Ihre
Musikstücke lässt sie noch viel mehr los als ihre Kunstwerke
in Ausstellungen. Auf der einen Seite sind ihre Arbeiten
Produkte sehr genauer Recherche und Überlegungen, auf
der anderen Seite vertraut sie ihnen und den Freiräumen,
die sie lassen. »Ich finde das macht nichts. Man kann das
Stück ohne das Wissen hören. Vieles kann man trotzdem dadurch
erfahren und vielleicht macht es ja auch neugierig.«
Oft sind die Stücke für das Album von ihr noch einmal
umprogrammiert und neu gestaltet worden. Teilweise, um
die Effekte in den Ausstellungen, ohne deren Exponate die
Tracks auskommen müssen, deutlicher hervorzuheben,
teilweise aber auch einfach, weil sie sonst in dem Konzept
des Albums störend und nicht stimmig gewirkt hätten.
»Convention« war zuerst eine Installation im Hamburger
Club The Better Days Project, wurde dann nachgebaut
und in der Gender-Ausstellung »Das achte Feld« im Kölner
Museum Ludwig gezeigt. Hinter einer Tür hört man
Technomusik, der Pawlow’sche Rave-Effekt ist schon nach
wenigen Sekunden erreicht: Man möchte hinter diese Tür
gelangen und all die Versprechungen einlösen lassen, die
der Club impliziert. Der Track »Convention« erfüllt genau
dies, aber dafür musste er umgeschrieben und aus seiner
Monotonie erlöst werden: Was wie ein klassischer Einspieler
eines Filmsoundtracks beginnt, sich erstmal den
ruhigeren Stücken auf »Los Angeles« anschließt, zieht nach
und nach an, bis das Discoversprechen deutlich hervortritt
und ein Dancefloorstück ausbricht, man das erste und einzige
Mal zu wippen, ja zu tanzen beginnt. »Convention«
ist, genau wie das Nico-Cover »Manifesto«, welches das
Album beschließt, ein Bekenntnis zu Pop, Glam und Disco.
Michaela Melian ist sich der Schönheiten, Abgründe und
Komplexitäten bewusst. Sie verdeutlicht und beleuchtet
die Situation, um im nächsten Augenblick wieder den Vorhang
herunterzulassen. Um all das zu transportieren, muss
Michaela Melian keine schweren Geschütze auffahren. Die
Reduktion der Produktionsmittel reflektieren, kontrastieren
und verdeutlichen das sogar noch. Besonders klar wird
das bei »Stift«, das durch wenige Loops, die übereinander
gelegt wurden, den Hörer in eine positive Gefangenschaft
nimmt, nicht mehr loslässt, aber auch nie in eine Melodie,
einen Refrain entlässt. Die Spannung entsteht durch die
leisen Widersprüche in ihrer Musik, genau wie in ihrer
Kunst gestaltenden Arbeit. So wachsen kleine und große
Fragezeichen, die den Betrachter und Hörer binden. »Es
wird einem ja erstmal nicht viel geboten, es schreit ja keiner
rum, wie das sonst öfter der Fall ist. Aber natürlich soll es
neugierig machen, ohne einen einzulullen.« Das hat sie in
jeder Hinsicht erreicht: »Los Angeles« ist eine komplexes
und großartiges Popalbum.
»Los Angeles« von Michaela Melian ist
bereits bei Monika/Indigo erschienen
Zeit zum Erinnern
Manchmal ist das Paradox nicht weit:
feu thérèse erschaffen Neues aus
ihrer Erinnerung
text, interview: sebastian hinz
Längst ist es so, dass die zeitgenössische Musik in
ihren Grundzügen festgelegt ist: Folk, Rock, Pop,
HipHop, Techno, Jazz. Selbst eine Verfeinerung
dieser Musikstile bis in die kleinsten Differenzierungen
hat stattgefunden. Es gibt scheinbar
nichts mehr, was es nicht gibt. Und wo die Neuerfindung
so schwer fällt, setzt das (meist schlechte) Gedächtnis ein.
Zitat, Sample, Remix oder Coverversion sind wesentlicher
Teil der postmodernen Musikwelt. Doch so wichtig Montage,
Collage und Kopie als Techniken für die Popmusik
sind, ihnen obliegt es durch die kulturelle Revolution der
neuen elektronischen Medien externer Speicherung (also:
des künstlichen Gedächtnisses) stets etwas Vollendetes,
oder eben leicht – per Mausklick – Verfügbares. Allerdings
gibt es zunehmend Künstler, die dieses Zu-Ende-Gekommene
als Gegenstand der Erinnerung und kommentierender
Aufarbeitung weiterleben lassen; auch Feu Thérèse
gehörten dazu.
»To play with static sounds which are deconstructed by
sounds in motion.«
luc ferrari
Die kanadischen Musiker Jonathan Parant, Alexandre St-
Onge, Stephen Oliveira und Luc Paradis erinnerten sich
zunächst an den französischen Komponisten Luc Ferrari,
der am 22. August 200 , unmittelbar vor Beginn der Arbeit
an ihrem selbst betitelten Debütalbum »Feu Thérèse«,
im italienischen Arezzo gestorben ist. Luc Ferrari galt als
einer der wichtigsten Repräsentanten der Musique concrète,
einer Spielart der modernen Komposition, welche
die Manipulation von Geräuschen aus Natur, Umwelt und
Technologie in den Mittelpunkt stellt. Doch für das Quartett
aus Montréal war es weniger Konkretes, nicht das Verwenden
von Arbeitstechniken oder die Neuinterpretation
von Stücken, sondern der Geist der Musik von Luc Ferrari,
der sich dann auf dem Debüt nebst dem Eröffnungsstück
»Ferrari en Feu« wiederfinden ließ. »Für jeden einzelnen
von uns ist die Musik von Luc Ferrari sehr wichtig,
allerdings auf sehr unterschiedliche, individuelle Art
und Weise«, erklärt Schlagzeuger Luc Paradis. »So sehr uns
seine Arbeit auch beeinflusst hat, ist er eher dahingehend eine
Inspiration für uns, wie grenzenlos Musik sein kann.«
»One thing is certain: even if they don’t know where
they’re going they all go the same.«
alexandre st-onge
Aus neurowissenschaftlicher Sicht sei jede Erinnerung nur
Erfindung, sagte der Hirnforscher Wolf Singer einmal,
was auch als Charakterisierung der kreativen Prozesse
von Feu Thérèse gut passen würde. Die vier Musiker, die
auch bei Fly Pan Am, Et Sans oder Shalabi Effect spielen,
beweisen auch auf ihrem zweiten Album »Ça va cogner«
(engl: It’s gonna hit) eine stilistische Breite, die Krautrock
und französischen Chanson, Musique concrète und Vierviertelpop
umfasst. Es ist eine Erinnerung an einen Sound
und eine Zeit, als Pop noch Subkultur war. Doch nicht als
Nostalgie präsentiert, sondern als avancierter Vorschlag
für die Gegenwart. Luc Paradis: »Es gibt eine Menge Bands,
welche die Musik von den 1960er bis zu den 1980er Jahren
recyceln, ohne dieser etwas ihnen Eigenes zu verleihen. Sie
bevorzugen, diese zu imitieren. Feu Thérèse hingegen glauben
an die Kraft der Rockmusik, Hemmnisse und Grenzen
zu überwinden und machen daher Musik, welche bekannte
Klänge in neue Klänge übersetzt. We are not afraid of sound
and music!«
»Ça Va Cogner« von Feu Thérèse ist bereits
bei Constellation/Alive erschienen
24 1 töne
töne 1 2

Pure Bodies Of Truth
Mit dem kongenialen »Dry Land« beleben a Whisper in the noise
alte Wahrheiten und treffen dabei einen wunden Punkt unserer Zeit
text, interview: fabian saul
»As we were«. Dies sind die ersten Worte, die nach einer
halben Minute losbrechen, und es gehört zur Genialität
der soeben vorgelegten Platte von A Whisper In The Noise,
die zentrale Botschaft dem Gesamtwerk im ersten Satz
voranzustellen.
A Whisper In The Noise ist das Musikprojekt von
West Thordson aus Minnesota. Nach drei in Eigenregie
veröffentlichen Alben in den letzten vier Jahren, erscheint
– zunächst nur in Deutschland – ihr Debüt auf Exile On
Mainstream Records. Und das, was Thordson mit »Dry
Land« geschaffen hat, ist zunächst ein vollkommen unzeitgemäßes
Album. Denn gemäß unserer Zeit hat das Album
als Kunst-Format so gut wie ausgedient. Gemäß unserer
Zeit ist das Vertrauen in eine wie auch immer geartete Authentizität
gering. Gemäß unserer Zeit gilt es, Wahrheiten
entsprechend zu verschlüsseln, sollen sie einen Empfänger
erreichen. Diese Gefallen tun uns A Whisper In The
Noise nicht. Und genau das ist ihre Qualität.
Die klaren Impulse
»Dry Land« ist zunächst eine dichte, geschlossene Platte.
Stetig ist da Thordsons sanftes Piano. Wechselnd umgibt
sich dieses mit Violinen, Cello, Gitarren, Drums, Synthesizern.
Es ist erstaunlich, wie wenig Aufmerksamkeit und
Präsenz die einzelnen Klangelemente benötigen, wie sehr
die Gleichzeitigkeit der Elemente dennoch eine Nachdrücklichkeit
erzeugt. Sie werden nicht in ein Gefüge aufgenommen,
sondern bilden dieses erst selbst. Ein dicht
gewobener Teppich. Es passt gerade eine Melodie durch
die Maschen. Thordsons Stimme und die choralen Varianten
aus dem Background erheben sich dann leicht, nur
ganz leicht, eben deutlich, über diese Basis. Das erinnert
erstaunlich an die Beschaffenheit von »The Western Lands«,
der diesjährigen Veröffentlichung von Gravenhurst.
»Ich versuche immer eine Spannung zwischen harmonischen
Klängen und dunklen, mystischen Klängen zu
kreieren. Es schafft gewissermaßen eine Sehnsucht nach
meiner Heimat.« Stets scheinen die Klänge auf Bilder zu referieren.
Sei es das schroffe, wechselvolle Minnesota oder
eine andere Landschaft der Extreme: Filmisch-bildhafte
Assoziationen begleiten die Musik essenziell. Und das
funktioniert nur durch den großen Bogen, den A Whipser
In The Noise über die elf Songs der Platte spannen. »Dry
Land« passt eben nicht in das mp3-Zeitalter des ständigen
Zugriffs, der zufälligen Wiedergabe, der Ohrstöpsel in der
U-Bahn. »Dry Land« ist ein Album, und das braucht Zeit.
Das Werk muss sich entfalten können. In dieser Hinsicht
kann es hilfreich sein, auf die ganz kleinen Impulse, auf
das Flüstern im Rauschen zu achten. Es ist das kaum hörbare
Rauschen, das wir allzu oft komprimiert haben: Wir
hören es schlichtweg nicht mehr. Die Ästhetik dieser Platte
möchte einen zwingen, noch einmal die großen Boxen
sanft erklingen zu lassen.
»True love will find you in the end«
Für Thordson bleibt die entscheidende Operation die des
Verbindens. Wirkliche Verbindung schaffen in einer Zeit
der Gleichzeitigkeit von totaler Vernetzung und vollkommener
Entfremdung des Individuums von seiner Umgebung.
»Es ist einfach, die Verbindung zu verlieren in einer
Zeit, in der der größte Teil der Interaktion mit Musik durch
Computer passiert.« Es geht um Verbindung zur Musik,
zwischen den einzelnen Stücken, zwischen Konsument
und Künstler.
So ist nicht nur die Studioarbeit, sondern auch die
Live-Performance, die vielleicht rohste Form des Verbindens,
für Thordson von großer Bedeutung. Er ist es, der alle
Stücke komponiert, zumindest deren Idee, deren Kern.
»Meistens beginnt es mit einer Art Gefühl von einem Lied.
Und dann beginne ich der Idee einen Körper zu geben, der
mir pur und wahr erscheint.« Neben der Gesamtheit, die
»Dry Land« als Kunstwerk ausmacht, sind es eben diese
direkten und kaum verschlüsselten Wahrheiten, die diese
Platte genial unzeitgemäß und damit schon wieder treffend
machen. »True love will find you in the end.« Dass
man das vermeintlich Wahre so aussprechen kann, geht
nicht mehr, Hey, geht gar nicht. Doch. Thordson spricht
genau diese Wahrheiten, in Worten wie in Klängen, aus,
und wir blicken mit eben noch hart-kaltem und gleich
schon verheult-gequollenem Gesicht auf und bemerken:
Darf ich? »Dry Land« antwortet nicht »Ja«, sondern: Ihr
müsst! Und vielleicht haben wir nur auf jemanden gewartet,
der das so sagt. Altes, wiedergeboren in einer neuen
Zeit, wird wieder neu.
»Dry Land« von A Whisper In the Noise ist bereits
bei Exile On Mainstream Records erschienen
Umgestülpte Popmusik
Vom Knochenmark ins Außenrum und dann von oben wieder zurück.
kapital band 1 zählen sich durch ihre eigenen Mikrokosmen, »Playing by Numbers«
text: dan gorenstein
Noch bevor ein Ton erklingt, muss gezählt werden, muss
der gemeinsame Rhythmus aus der Polyrhythmik des
Universums gehoben werden, damit man sich einig wird
und Musik erklingt. Den Unterschied zwischen dem Stimmen
eines Instrumentes und dem Augenblick, in dem das
dann zu Musik wird, macht letztlich nur eine Zahlenfolge
aus, der Rhythmus, sei es nun Beat oder Off-Beat. Wenn
man so will, ist jeder Umgang mit Musik ein Ausmessen
des von ihr erzeugten Zeitstrahls, ein Abzählen der Baumringe
einer CD oder Platte, des Tapebandwurms, der eigenen
Gehörgänge.
Der rote Faden Zeit
Das neue Album der Berlin-Wien-Connection Kapital Band
1 ist, genau genommen, nichts weiter als eine Feier dieses
Umstandes. Fast schon eine Beweisführung. An der Grenze
zwischen der kalten Logik eines mathematischen Satzes
und dem warmen Klang eines Musikinstrumentes blüht diese
Platte, neben dem Grenzpfeiler. Bald neigt sie sich zur
einen Seite, bald zur anderen. Ein Triptychon des Marsches
durch die Sphären der gezählten Musik. Schon das Titelgebende
Stück »Playing by Numbers« skizziert den Beat, zwischen
On und Off, den roten Faden Zeit, auf dem wir die
nächste halbe Stunde balancieren werden. Aber wir werden
ihn nie in der Hand halten, wir wissen nur ungefähr, wo er
liegen sollte. Die Musik umspielt den Beat, trifft ihn aber
nicht, denn auf den Punkt kann er gar nicht getroffen werden.
Wir suchen ihn im kleinstmöglichen Intervall. Musikalisch
und auch vom Namen her ist Track eins die Pforte in
das Hauptstück der Platte: »Playing the Night in Vienna«.
Wo vorher noch ein Musikstück mit einem zumindest
ideellen Beat durchmessen werden konnte, ist nun nur
noch die Nacht. Kein Song, sondern Geräuschkulisse.
Doch auch die wird mit denselben Instrumenten durchzählt,
dem Musiksein unterworfen. Der Wind pfeift, Autos
brummen, man hört ein Murmeln, die Position des
Mikrofons wird zum Instrument, die Lautstärke wird zum
Instrument, es sind noch immer die Instrumente aus dem
ersten Stück zu hören, sie gliedern sich ein. Die Musik
stülpt sich nach außen, das Instrument wird zum Geräusch
und das Geräusch zum Instrument. Irgendwann hört man
Musik, verzerrt von den Straßenschluchten, durch Wände
gedämpft. Einen Augenblick lang ist da so eine Hoffnung,
sind da andere, die noch nicht alles zählen, doch auch das
verebbt im sphärischen Rauschen der Wiener Nacht.
Manifest des Zwangsverstärkers
Fast schon ironisch der Ausklang des Albums, das einzige
Stück mit Gesang: Manifest eines Zwangsgestörten, verdammt,
die Ewigkeit zu zählen, die Wellen, die Sterne, die
Stufen, die Tage. Einer, der gegen die Götter anzählt, dem
jede Ordnung zwischen den Fingern zu zerrinnen scheint
und der sie sich deshalb immer wieder erzählen muss. Aber
auch das ist Kalkül, denn jede gute Abhandlung bringt ihre
eigene Kritik schon im Appendix mit sich, und natürlich
muss jede Ordnung auch erzählt werden, ansonsten ist sie
nichts weiter als Wahn.
»Playing By Numbers« von Kapital Band 1 ist
bereits bei Mosz/Hausmusik erschienen
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zwiegespräch
immer diese
begrifflichkeiten
Gespräch mit frank bretschneider
und sun electric
text, interview: jens pacholsky fotos: tilman junge
Minimal ist nicht gleich Minimal und das Gegenteil auch
nicht – nun ja – Vangelis. Manchmal können gerade in der
elektronischen Musik, die letztlich auf Sound an sich basiert,
die vermeintlich leeren Räume voller Leben stecken.
Sun Electric, die als Erfinder des Ambient House und somit
als Vertreter der Fülle gelten, veröffentlichen mit »Lost
+ Found (1998-2001)« wiederentdeckte Stücke, die ganz
und gar nicht überbordend zwischen Jazz, Electronica
und Ambient grooven. Frank Bretschneider hat dagegen
als Minimalist ein komplexes Album geschaffen. Dabei liegen
sie recht nah beieinander im Gespräch über Minimal,
Gerüche, Zufälle und ihre Basis im Einzelklang.
Eure aktuellen Alben repräsentieren nicht gerade den Ruf,
der ihnen vorauseilt. Macht ihr Euch überhaupt Gedanken
um diese Differenzierung der Stile?
Frank bretschneider: Minimalismus war immer Bestandteil
der elektronischen Musik. Und es wird immer
die Pole geben, von der minimalen Musik aus Kalifornien
aus den 19 0er Jahren und dem Bombastischen wie Vangelis
zum Beispiel.
max lodenbauer: (lacht) War das jetzt eine Anspielung?
tom thiel: Nicht Minimal heißt ja nicht aufgebläht. Es
kann auch heißen, dass Brüche drin sind, die das Ganze in
eine andere Richtung bringen, neue Sounds reinkommen.
Ich denke, es ist auch ein Unterschied, ob man allein Musik
macht oder zu zweit.
ml: (lacht) Zwei Leute ist schon mal weniger Minimal, als
nur einer.
tt: Ich glaube, es ist auch unterhaltsamer, zu
zweit zu spielen. Wenn man allein spielt, hat
man eben alles unter Kontrolle.
Fb: Das ist wahrscheinlich auch so etwas.
Ich bin wirklich ein Control Freak. Was ich
mache, soll so sein, wie ich es mir vorstelle.
Da ist relativ wenig Raum für Improvisation
oder Zufälle.
ml: Aber Du hast doch sicher auch kleine Sachen,
die sich leicht verändern und wo durch
andere Kombinationen Anderes entsteht.
Fb: Ja, aber ich bin da in dem Sinne schon eher Komponist.
Das sind dann Sachen, wo ich ganz sorgfältig bestimmte
Breaks plane, baue und konstruiere. Natürlich kommen
Einzelteile auch durch Zufall.
ml: Zufall im Sinne von Terry Rileys »In C«? Da sind Änderungen
ja auch vorgegeben, aber trotzdem eben nicht
genau, wann.
Fb: Ich habe schon eine ganz genaue Vorstellung, wie
sich der Track entwickelt. Wenn der sich entwickelt, dann
entwickelt sich auch diese Vorstellung und kommt auf einen
bestimmten Punkt. Und den möchte ich ganz gezielt
erreichen. Wenn jetzt was reinkommen würde, das gut
passen, aber den Charakter des Tracks verändern würde,
würde ich das gnadenlos rausschmeißen, weil…
ml: …es gehört nicht zum Stück.
Frank, kannst Du Dich eigentlich mit dem Begriff Minimal
identifizieren?
Fb: Aber ohne jetzt auf diesem alten Minimal-Begriff zu
sitzen.
ml: Wegen des Vergleichs mit Terry Riley?
Fb: Ja, das verbinde ich eben mit Minimal. Aus welchem
Grunde Richie Hawtin unter Minimal läuft, weiß ich nicht.
Das hat sich so eingebürgert.
ml: Das ist die neue Form des Minimal, die hat nichts mit
den alten Jungs zu tun.
Fb: Das ist so wie bei R&B.
ml: Minimal waren ursprünglich Leute wie Philip Glass,
Terry Riley, Steve Reich. Diese repetitiven…
Fb: …Komponisten und Computer-Komponisten. Sehr
frühe elektronische Musik aus den 19 0er Jahren, die oftmals
nur auf einem Pattern beruhte.
ml: Repetitiv und auf den ersten Blick immer das Gleiche…
Fb: …mit minimalen Veränderungen…
ml: …wo man, wenn man genau hinhört, merkt, dass sich
da etwas tut.
Das passiert bei Richie Hawtin allerdings auch…
tt: Das ist ja eigentlich auch die Grundidee von Techno,
dass die eigentliche Geschichte auf die Basis draufmoduliert
ist.
Fb: Aber der Begriff kommt aus einem anderem Kontext.
Damals kam das aus der akademischen Musik. Und heute
ist es eine Funktionsmusik, die für einen ganz bestimmten
Zweck hergestellt ist – für den Dancefloor.
ml: Mit dem Ambient war es auch so. Im Ursprung war
Ambient, diese Erfindung von Brian Eno, reine Funktionshintergrundmusik.
Oder wie Erik Satie meinte: »Die
Musik soll sein wie ein Duft im Raum«.
Das ist dann viel ausschweifender geworden, wie bei The
Orb und Future Sound Of London.
ml: Ja ja, das ist Bombast.
Das sind keine kleinen Gerüche mehr…
ml: (lacht) Da stinkt es dann schon.
Die Begriffe ändern sich natürlich. Aber es ist auch eine
Frage des Ansatzes, z.B. aus wenig viel zu machen. Frank
Bretschneiders Album ist sehr minimal, nur Rhythmus und
perkussive Elemente, das aber unheimlich dicht klingt.
Fb: Das ist jetzt Deine Wahrnehmung. Das kann ich erstmal
gar nicht so nachvollziehen. Für mich ist es immer
noch relativ mager. Es gibt maximal vier bis fünf Spuren.
tt: Was mir an Deinen Sachen sehr gefällt, ist diese gewisse
funkiness.
Ich denke, dieser Funk-Aspekt macht das Album auch so voll.
Fb: (lacht) Dann habe ich scheinbar wirklich was erreicht,
was ich schon lange erreichen wollte.
Das liegt vielleicht auch am Ansatz elektronischer Musik,
die viel stärker als andere Stile vorrangig auf dem Sound
an sich basiert.
Fb: Ich arbeite auch immer gleichzeitig am Stück und am
Sound – sowohl des ganzen Stücks als auch der einzelnen
Bestandteile.
ml: Du kannst im Prinzip prima ein ganzes Stück machen,
das einfach nur ein Ton ist, der sich verändert.
»Aus welchem Grunde Richie Hawtin
unter Minimal läuft, weiß ich nicht.
Das hat sich so eingebürgert.«
frank bretschneider
Fb: Das gibt es aber bei anderen Musikarten auch. Denk
nur mal an Mönchsgesänge.
ml: Ja, aber man kann schon mit der Modulation viel machen,
z.B. wenn man den einen Ton rhythmisch moduliert
und dann nichts von all den Melodien spielt, dann ist das
tonal keine Komposition im herkömmlichen Sinn. Weil
das Stück nicht aus irgendwelchen Harmonien entsteht.
Obwohl die dann wieder in so einem Sound immanent
sind.
tt: Da gibt es aber auch eine Entwicklung. In der Mitte
der 1990er war es immer das Ziel, möglichst ausgefallene
Klänge zu finden. Das hatte sich irgendwann ausgereizt.
Du kannst heute damit niemanden mehr hinter dem
Ofen hervorlocken. Daniel Möller hat dazu mal etwas
sehr Gutes gesagt. Dass in den 1980er Jahren diese ganzen
elektronischen Geräte missbraucht wurden. Und heute
kauft man diese Sachen, und die ganzen Sounds, die darin
abgespeichert sind, sind bereits pre-abused. Heute kommt
es nicht mehr auf diesen besonderen Einzelsound an, der
alles schlägt, sondern auf das Gefüge.
Die elektronische Musik versucht auch seit einigen Jahren,
aus dem Repetitiven heraus zu kommen, gerade mit
Electronica. Max, Du gehst mit Deinem anderen Projekt
Chica & The Folder ja eher in Richtung Songs.
ml: Die Wellen gehen immer rauf und runter, genau wie
analog und digital.
Fb: Die andere Antwort wäre so etwas wie Jan Jelinek, der
mit »Tierbeobachtungen« ein ganz stark loopbasiertes Album
gemacht hat. Es gibt immer Leute, für die bestimmte
Dinge gerade zu Ende sind, und andere Leute greifen genau
das wieder auf.
ml: Und dann hörst Du den einen und denkst, »jetzt kann
ich den Loop aber nicht mehr hören…«
Fb: Genau.
ml: …dann kommt der andere doch mit einem Loopteil
und Du denkst: »Boah, ist aber doch schon geil.«
tt: An Jan Jelinek musste ich jetzt auch gerade denken.
Der würde jetzt nämlich sagen: »Für was anderes als geloopte
Musik taugt die ganze Elektronik eh nicht.«
»Lost + Found
(1998-2000)« von Sun
Electric ist bereits
bei Shitkatapult/MDM
erschienen
»Rhythm« von Frank
Bretschneider ist
bereits bei Raster-
Noton erschienen
»Under The Balcony«
von Chica & The
Folder ist bereits
bei Monika/Indigo
erschienen
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They are
rebuilding the
city
Musik aus Bristol
text: falko teichmann
fotos: liz eve | liz@fotohaus.co.uk
I
Vor fast drei Jahrzehnten schuf eine Gruppe junger Musiker
um den Sänger und Politdichter Mark Stewart unter
dem Namen The Pop Group (gemeinsam mit dem Dubproduzenten
Dennis Bovell) mit dem Album »Y« in Bristol
den Urtext für vieles, was über die Jahre aus der Stadt
an der Westküste Englands kommen sollte. Gleichzeitig
legten sie ein Arsenal aus Bezügen, Einflüssen und Haltungen
vor, das bis heute in sich stets wandelnder Form
der Anwendung die Quellen eint, aus denen sich Musik
in Bristol speist: Produktionsweise und Soundsystemkultur
von Dub und Reggae, Weltmusik, Krautrock, psychedelische
Experimente und nüchterne Anverwandlung,
Popkultur als Möglichkeit jenseits ihrer selbst, ästhetische
Unabhängigkeit und Hype-Resistenz. Und dabei ergibt
sich trotz aller Präsenz dieser Verweise und Haltungen
kein homogenes Klangbild, kein Sound of Bristol, der sich
eindeutig verorten ließe. Mit Ausnahme jener Laune des
Zeitgeists, die unter dem Namen Trip Hop für eine Zeit
eng mit dem Namen der Stadt verbunden war und langfristig
den offiziellen Blickwinkel der Berichterstattung
über in Bristol entstandene und entstehende Musik bestimmt
hat.
Gleich zu Beginn jenes Zeitlupenhypes zur Mitte der
letzten Dekade wurde damit der Blick abgelenkt von einer
anderen, sich bis in unsere Tage fortschreibenden Geschichte
musikalischen Schöpfergeistes in und um Bristol,
in der sich singuläre künstlerische Visionen, Do-It-Your-
self-Ethos, fein gewobene Verknüpfungen von Individuen
und Kollektiven und einige der brillantesten Veröffentlichungen
und Werkkörper der zurückliegenden Jahre zu
einer vielfach in sich verschlungenen Chronologie bündeln,
deren nun folgende Untersuchung den Bereich gesicherter
Fakten und historischer Genauigkeit gelegentlich
hinter sich lassen muss, um zwischen Fansein und Feldforschung
einen eigenen Weg durch die Echokammer der
Erinnerung zu finden.
II
Für »Loveless«-Junkies auf Entzug oder Hörer, denen
Slowdive zu wenig »psycho candy« waren, ersetzten Flying
Saucer Attack um 1993 herum »shoegazing« durch
»bliss«, und so weit sie dabei ausholten, so sehr blieben
Dave Pierce und seine Mitstreiter doch bei sich, in ihrem
Haus aus Melancholie und Feedback. Unzählige Singles
und ein halbes Dutzend Alben zeichnen den Weg nach,
auf dem sich verzerrter Garagenpop, das ambiente Ende
von Krautrock, pastorale Folkmelodien und furchtloses
Driften einen Weg zwischen Retro und Experiment
bahnten. Ein regelmäßiger Gast bei den psychedelischen
Seancen der ersten Jahre war ein junger Mann namens
Matt Elliott, der kurze Zeit später zu seinem eigenen Weltraumflug
durch weißen Krach, Bewusstseinserweiterung
und sakralen Drum’n’Bass aufbrechen sollte, um darüber
zu einer Schlüsselfigur für die Bristolszene der 1990er Jahre
zu werden.
Aus Matt Elliotts unerreichter Synthese von ma-
nischen Breakbeats, Indie, White Noise, orthodoxen
Chören und seelenvollem Industrial, die er unter dem Namen
The Third Eye Foundation entwickelte, entstanden
klassische Werke wie »Ghost«, »You Guys Kill Me« und »In
Version«, wobei letzteres wie ein Familienalbum die Protagonisten
der Mittneunziger-Bristol-Szene mit Elliots an
Dubtechniken geschulten Neubearbeitungen von Bands
wie Crescent, Amp und Hood (die zwar in Leeds lebten
und aufnahmen, aber personell und soundästhetisch dem
musikalischen Geschehen in Bristol immer nahestehen
sollten) versammelt, um am Ende der LP in einer letzten
atemberaubenden Zusammenarbeit mit Flying Saucer
Attack zu gipfeln, bei der die Erinnerung an den gemeinsamen
Aufbruch in nostalgische Elektroakustik zerfällt
und mit der Titelreferenz an David Bowman, Hauptfigur
in Kubricks »2001«, das ursprüngliche Selbstverständnis
als Klangkosmonauten im inneren Raum zu einer finalen
Überhöhung führt.
Sowohl Flying Saucer Attack als auch The Third Eye
Foundation sollten sich in Folge auf dem noch jungen Plattenlabel
Domino wieder finden, und mit den dort ebenfalls
veröffentlichenden Movietone in der zweiten Hälfte
der 1990er Jahre die kleine Bristolfraktion im Programm
dieser Stil prägenden Londoner Plattenfirma bilden.
Mit besagten Movietone, der Band von Kate Wright
und Rachel Brook, und dem Projekt Foehn von Debbie
Reynolds formulierten weibliche Stimmen dann die musikalischen
Bruchstellen weiter aus: Im Fall von Foehn in
Form fiebriger Fragmente aus Klangclustern, Minimalkrach
und Sehnsuchtsmelodien, während Movietone ihr
elliptisches Songwriting immer weiter aus dem Kontext
urbaner Geräusche in monochrome ländliche Szenarien
überführten – eine Entwicklung, die sich auch im Werk
von Crescent, einer der langlebigsten, und wandelbarsten
Bands Bristols, wiederfindet.
Wie sich die Band um den Sänger und Komponisten
Matt Jones dabei über einen Zeitraum von fünfzehn
Jahren immer näher auf den emotionalen Kern ihrer Vision
zubewegt hat, bis hin zum jüngst erschienen Album
»Little Waves«, erschließt sich wahrscheinlich am ehesten
indem man die Bandgeschichte über den Tonkopf der
Geschichte rollen lässt und bei den verzerrten Epen des
Frühwerks beginnt, auf denen Matt und sein Bruder Sam
Jones mit Unterstützung von u.a. Matt Elliott Factory-Gitarren
und Jazz aus einem Kellerloch zusammen denken
und sich im weiteren Verlauf über Dubabstraktionen, Noisereduzierung
und verschleppten Cineastenblues immer
klarer die Konturen eines großen Songwriting-Talents
herausstellten, das nach Jahren des Umherwanderns Ende
des letzten Jahrzehnts eine späte Heimat bei Fat Cat
Records fand. In den Jahren bis dahin sorgten zwei kleine,
für die Musikszene Bristols in den 1990er Jahren jedoch
maßgebliche, Labels für die Veröffentlichung zentraler
Werke Crescents.
Das Debüt mit dem lakonischen Titel »Now« erschien
1994 beim Label Planet Records, das für viele der bereits erwähnten
Künstler als wichtige Plattform fungierte. Mit ihrem
dritten Album »Collected Songs« platzierten sie sich
am Ende des Jahrzehnts in einem erweiterten Kontext von
Musikern aus Bristol und veröffentlichten auf dem
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von der lokalen Musiklegende Fat Paul betriebenen
Label Swarffinger, auf dem neben The Experimental
Popband, Spleen (dem Soloprojekt von PJ Harveys erstem
Schlagzeuger Rob Ellis) und Morning Star einige der
unfassbarsten Veröffentlichungen der späten Neunziger
von Bands wie Teenagers in Trouble, Voices of Kwahn und
Pregnant herauskamen. Die mit Swarffinger einsetzende
endgültige Atomisierung jeglicher ästhetischer Parameter
sowie die Auflösung von Trennlinien zwischen musikalischen
Gruppierungen markiert den endgültigen Beginn
dessen, was sich heute als Bristols Multiversum der Mikroszenen
darstellt.
III
Nach der Jahrhundertwende wurde es für eine Weile still
um die Musik aus Bristol. Es wollte sich nach der Implosion
der 1990er-Jahre-Szene, dem Verschwinden von Planet
Records und Swarffinger sowie einem eher spärlichen Fluss
an Veröffentlichungen, aus denen Alben von Crescent,
Movietone und Manyfingers hervorstachen, nicht mehr
jene Begeisterung einstellen, die über Jahre von Interessierten
mit dem Wort Bristol verbunden wurde. Selbst die
frühen Platten des jungen Nick Talbot, der als Gravenhurst
nach seinem sich zum Teil der Liebe zur Musik der Stadt
verdankenden Umzug nach Bristol seine ersten Songs auf
Warp veröffentlichte, stimmten eher nostalgisch, mit ihren
verfeinerten Variationen von in den zehn Jahren zuvor
Eine sorgfältige Auswahl
von 10 Alben aus Bristol
»Y« von The Pop
Group 1979
Politik, Punk
und Funk treffen
Satie, Lee Perry und
Amnesty International
unten auf dem
Schulhof. Agit Prop,
Tribalismus und die
zornigen Kinder
des Kalten Krieges.
Ein ideologischer
Veitstanz. Visonärer
Wahnsinn.
»Aftermath EP«
von Tricky 1994
Die dunkle Seite des
Sound Systems, er
selbst nannte es Hip
Hop Blues, Mark
Stewart hat koproduziert,
Japans
»Ghosts« und die
Tonspur von Blade
Runner driften
durch den Mix,
während Tricky und
Martina vom Ende
der Welt singen.
Looking for People.
»Flying Saucer
Attack« von Flying
Saucer Attack 1994
Breitwand-LoFi aus
dem Wohnzimmerstudio.
David Pearce
bricht zu seiner ekstatischen
Pilgerfahrt
auf, tiefer hinein
in den magischen
Sound aus Psychpop,
Ambientkraut
und Traumwaffen.
etablierten Versatzstücken jenes verschwindenden Klangs,
den eine kleine Szene von Bands aus Bristol über einige
Zeit in die Welt getragen hatte.
Dass sich natürlich trotzdem im Abseits medialer
Beachtung und jenseits offiziell zirkulierender Veröffentlichungen
immer noch einiges im Westen Englands tat, ließ
sich dann 2004 durch die von Matt Jones zusammengestellte
und als CD-R herausgegebene Compilation »Little
Waves« (nicht zu verwechseln mit dem bereits erwähnten
letzten Album von Crescent) erahnen. Neben einigen
vertrauten Namen fanden sich auf dieser Zusammenstellung
viele unbekannte Künstler, die selbst, wie sich später
herausstellen sollte, nur einen kleinen Ausschnitt eines
viel größeren, sich selbst knüpfenden Netzes aus neuen
Namen, Sounds und DIY-Veröffentlichungen darstellten.
Wo die Bristol-Bands der 1990er Jahre zum Teil bei mittelgroßen
Indielabels aufgehoben waren oder zumindest bei
den überregional beachteten lokalen Plattenfirmen unterkamen,
bewegten sich die meisten der neuen Bands und
Künstler dieser sich anbahnenden »Bristol Renaissance«
nicht mal mehr in der Nähe etablierter Veröffentlichungswege.
Die neuen Technologien zur Vernetzung, Vervielfältigung
und Verbreitung von Musik sehr wohl zu nutzen
wissend, verzichtete man von nun an fast gänzlich auf die
fadenscheinigen Verheißungen einer heißlaufenden Verwertungsmaschine,
und setzte dem Profitminimalismus
der Indie-Industrie ein Update erprobter DIY-Strategien
entgegen.
Aus den kleinen Wellen wurden Stromschnellen,
kreative Wirbel, Unterströmungen und schließlich ein
steter Fluss von Songs, Ideen, Konzepten und Konzerten,
für den der Stadtteil Stokescroft zum Delta werden sollte,
in dem sich in den letzten Jahren ein vielfältig schim-
»Ghost« von
The Third Eye
Foundation 1997
Die Platte, die ihr
Autor am liebsten
nicht gemacht hätte.
Eine Reise durch ein
brennendes Gehirn.
Darkstep Drum and
Bass, Kevin Shields
Choräle, Samplerschamanismus.
Musik für den Rave
unter dem schwarzen
Monolithen.
»vs. Fat Paul«
von Teenagers in
Trouble 1997
Postmodernes
Rabaukentum, ein
Bandname wie ein
T-Shirt-Slogan, der
Pate an den Reglern,
und die Kids feiern
auf dem Müllhaufen
der Geschichte:
Slacker Core,
Allman Brothers,
Dusty Springfield,
Break Beats, Free
Jazz, Grand Funk
Railroad, The Godz.
Weit draussen.
merndes Biotop außergewöhnlicher Musik entwickelt hat.
Das schlagende Herz jener urbanen Enklave ist das Cube
Microplex Cinema, ein in Konzept, Ökonomie und Architektur
außergewöhnlicher Ort. Eine sich stetig personell
erneuernde Gruppe von (unendgeldlich arbeitenden)
Enthusiasten erfüllt seit neun Jahren das kleine Auditorium
mit dem Erlebnis Underground, das weit über den
begrenzten Ereignishorizont von Medien und Marketing
hinaus die Legende über ein mit der Kunst versöhntes Leben
weiterspinnt. Und wie sich von diesem Vortex aus die
Musik Bristols in den letzten Jahren zu einem Kaleidoskop
von Stilen entwickelt hat, in dem jede Band, jeder Künstler
für ein ureigenes Genre zu stehen scheint, lässt die Ver-
»Operation Dismantled
Sun« von
Voices Of Kwahn
1998
Zart verglühende
post-industrielle
Landschaften.
Feldaufnahmen,
wie aus einem
Katastrophengebiet,
in dem ein Alien
Liebeslieder singt.
Elektrische Traumtraktate
und letzte
Rituale. Eine der
seltsamsten Platten
der 90er Jahre.
»Collected Songs«
von Crescent 1999
Ihr Opus Magnum.
Bristol Beatnik Noir.
Weisse Räume.
Sonnenaufgänge in
Schwarzweiss. Tape
Echos, Ölfässer,
Mikrophone, Schellackplatten.
Songs
wie Asche und Rost,
Poesie wie träger
Schnee. Als würde
Ian Curtis den Blues
singen mit den
Geistern des Dub.
»The Blossom
Filled Streets« von
Movietone 2000
Der Frühling nach
dem Winter von
»Collected Songs«,
somnambuler
Swing, Amateur
Bossa Nova, das
träge Fliessen von
Nachmittagen,
überbelichtete Urlaubsfotos,
Jazz Age
Lyrik, handkolorierteSonnenuntergänge,
Fußabdrücke
im Sand. Ein Juwel.
mutung zu, dass in unserer Zeit, nach dem endgültigen
Ende des Konsens zwischen Kritikern und Konsumenten,
die universale Sprache des Pop sich oft am deutlichsten in
ihren lokalen Dialekten artikuliert.
Um diesem babylonischen Dorf unabhängigen Sprechens
gerecht zu werden, setzt sich dieser Artikel im Digitalen
fort und ergänzt in Form eines Bristol Index aus
Namen, Veröffentlichungen, Beziehungen und Veranstaltungen
(angereichert durch Verlinkungen und knapp
gehaltene Kommentare), nebst einer Liste persönlicher
Lieblingsplatten, die Darstellung einer der faszinierendsten
und virilsten Musikszenen unserer Zeit.
»Manyfingers« von
Manyfingers 200
Die erste Soloarbeit
von Chris Cole,
kongenialer Drummer
bei Crescent,
Movietone und Matt
Elliott, auf der sich
multiinstrumentales
Flechtwerk, virtuoses
Looping, akkustischer
Ambient und
sonore Schwermut
zu einem postelektronischenMeisterwerk
versammeln.
»Wrong Faced Cat
Feed Collapse« von
SJ Esau 2007
Sam Wisternoff ist
Bristols Mann bei
Anticon. Exzentrisches
Songwriting,
sympathischer
Irrsinn, gesamplete
Hauskatzen, Hip-
Hop-Hybride und
experimenteller
Indie. Der Beginn
einer großen Underground
Karriere.
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epiphany outlet text: renko heuer
Eine spannende Ansicht von Rasmus Stolberg, seines
Zeichens Träger einer beeindruckenden Gesichtsbürste,
soll als Basis und Ausgangsthese der neuesten Epiphanienstudie
dienen. Der Efterklang-Mastermind Stolberg
argwöhnt, dass »das Album [...] eine tote Kunstform [ist].
Üblicherweise hat man doch so oder so nur drei Singles und
dann noch ca. sieben Songs, die im Idealfall nicht vollkommen
grottenschlecht sind. Doch sind die letztendlich auch
egal, denn die Hörer wollen nur die drei Superhits hören.
Insofern ist das Album leider Gottes schon längst tot, denn
warum sollte eine große Firma demnächst noch Geld für die
anderen sieben Songs ausgeben, wo es doch allen Beteiligten
eigentlich nur um die drei Verbleibenden geht?!« Nicht
schlecht, die Idee und besonders gewichtig, wenn man
bedenkt, dass der Mann derartige Dinge studiert (oder
zumindest so tut). Aber bewegen wir uns doch gemeinsam
in den delikaten Bereich der subjektiven Empirie (sic! und
somit zu slaraffenland, einem gleichfalls delikaten
Signing auf Stolbergs stets stilsicherem Label Rumraket.
Diese Herren aus dem »Milch- und Honigland«, ebenfalls
aus Kopenhagen, bewerkstelligen es mit »Private Cinema«
lockerleicht, ein vielschichtiges und doch in sich geschlossenes
Werk vorzulegen, das eben jener These einen
argen Hieb in den theoretischen Unterleib verpasst: Ob
es nun vereinzelte Noise-Anwandlungen, Indie-Exkurse
oder -zesse, Postrock-Stunts oder simple Klangpolaroids
sind – von Wegwerf-Singlebörse kann hier keine Rede sein.
Ebenfalls in der Nachbarschaft von Mr. Stolberg befinden
sich grizzly bear, die mit ihrer »Friend EP« (Warp
Records) endlich Tonträger-Nachschub abliefern. Und
siehe da: Zwar erscheint die Mischung aus Cover-Songs
und Daniel-Rossen-Solo-Bonustracks zunächst etwas beliebig,
aber es ist und bleibt der mächtigste Brooklyn-Bär
auf weiter Flur. 2:0 für die Contra-Seite. Weiter geht’s
mit unserem Lieblingsschweden josé gonzález. Der
Nachfolger (»In Our Nature«, Peacefrog) des einstigen Biochemie-Studenten
hat zwar mit »Teardrop« (von Massive
Attack), dem Cover-Nachfolger zu seiner »Heartbeats«-
Sony-Bildschirm-Gummiball-Erfolgsstory, eine ausdrückliche
Single im Kaffeesatz, mit der er Mann und Frau
gewiss in jedem Starbucks zu begeistern weiß, doch hält er
auch auf Albumlänge die Qualität des Erstlings. Auch sein
Singer/Songwriter-Bruder fink, mit »Distance & Time«
(Ninja Tune) ebenfalls in der zweiten Akustik-Runde, dazu
mit seinem für manche Ohren schon zu weich gespülten
Mastercard-Hit ähnlich singleverliebt (auf den ersten TV-
Blick), hält das Level, wenn er seine minimalistischen Folk-
Anekdoten weiterspinnt und zwischendurch dezent mit
den Zähnen knirscht. Zähneknirschen hat auch »Breaking
Kayfabe« (Big Dada) von cadence Weapon zunächst
ausgelöst: Doch nun, mit dem nötigen Abstand, ist auch
Rollie Pemberton, so die Tonfall-Waffe aus Edmonton
bürgerlich, als Komplett-Gewinner zu bezeichnen: Nicht
nur kombiniert er Aesop Rocks Kantigkeit mit Illogics
gefühlvollem Tiefgang, obendrein reanimiert er den
spacig-digitalen Bounce von APC und liefert ein nahtlos
berauschendes Future-Rap-Masterpiece. Im Zukunftsrap
bewandert ist bekanntlich auch Scott Herren, zumindest
immer dann, wenn er sich prefuse 73 schimpft (»Preparations«,
Warp Records). Während er alles in allem
erfreulicherweise an »One Word Extinguisher« und nicht
die späteren Dinge anknüpft, ist er doch der erste, der
Stolbergs These unterstreicht: »Let It Ring« und »Spaced
+ Dissonant« sind stellenweise einfach zu dick und deftig,
um sie nicht den anderen Tracks vorzuziehen. Doch soll es
bei diesem einen Punkt auch bleiben: Denn the bumblebeez
(»Prince Umberto and the Sister of Ill«, Modular)
rocken so krass zwischen ultraklassischen Referenzen
– Beasties, Beck, Biz Markie, Jon Spencer, Timbo, Neptunes,
Daft Punk etc. – und sinnbefreitem Ozzie-Wahnsinn, dass
auch hier auf Albumlänge kein Auge trocken bleibt. Kommen
wir zum Fazit: Herr Stolberg, so akkurat ihre These
den Mainstream-Markt der Katastrophen-Britneys und
Pelz-R-Kellys auch beschreiben mag, im Bereich der Epiphanien
wird immer noch mittelfristig, sprich: auf Albumlänge,
operiert. Der Bart muss also ab.
Walking On Air
Mit seinem neuen Studiowerk könnte
louis philippe ungeduldigen Final-
Fantasy-Fans Linderung verschaffen
text: markus von schwerin
Die Absicht, Owen Palletts beliebtes Ein-Mann-Orchester
als eyecatcher zu nützen ist offensichtlich – aber auch legitim.
Weisen doch die Alben, die der kanadische Violinist
unter jenem Namen veröffentlichte, eine frappierende
Ähnlichkeit mit der Arbeit des normannischen Wahl-Londoners
auf: Die ausgefeilten Streicherpartituren, der leidenschaftliche
Einsatz ihrer Falsettstimmen und nicht zuletzt
die Vorliebe für romantische Lyrismen (man vergleiche nur
Dreams of Leaving
Von gebrochenen Herzen, furchtlosem
Empfinden und der Fragilität des Realen:
»god save the clientele«
text: jochen werner foto: andy willsher
»Broken hearts are for assholes«, so sang 1977 Frank Zappa
und formulierte so, Ironie hin oder her, einen der dümmsten
Sätze aller Zeiten. Die vier Briten von The Clientele,
die bereits 200 mit »Strange Geometry« Melancholie in
vollendete Popmusik gegossen haben, wissen es natürlich
besser. Oft geht es in ihren Songs um das Gehen, durch
Parks oder durch die nächtliche Stadt, in der violet hour
am Rande der Nacht. Das ist kein Zufall, denn die Band
um Sänger Alasdair MacLean ist sich dessen sehr bewusst,
dass es eben um eines geht: jeden Weg ganz zu gehen, auch
wenn sein Verlauf nur allzu oft festzustehen scheint. Die
ätherische Schönheit der Musik von The Clientele ereignet
sich stets im ganz Konkreten, das aber seltsam entrückt
und so fragil erscheint, dass es bei der geringsten Berührung
zu zerstäuben droht. Zunächst findet sich MacLean
in einer Welt wieder, die der unseren ähnlich scheint und
die doch unendlich fremd wirkt. Stimmen von Freunden
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review
Palletts »The Sea« mit »Miss Lake« von Philippes aktuellem
Album) eint diese Ausnahmemusiker. Doch gut möglich,
dass Pallett seinen vermeintlichen Paten nie gehört
hat. Denn nur wenige der seit 1987 erschienenen Louis-
Philippe-LPs gelangten nach Nordamerika, und in Europa
wurden sie gleich mehrmals Opfer von Insolvenzen. Bei
den seit 2004 via Fan-Subskription ermöglichten CDs ist
die Verfügbarkeit aber vorerst gesichert. Und die Begeisterung
für Philippes art-by-demand-Einstand »The Wonder
Of It All« ist kaum verklungen, da legt er mit »An Unknown
Spring« bereits das nächste Beispiel seiner Kompositions-
und Arrangierkunst vor. Stets auf dem Klavier basierend,
werden die kunstliedartigen Stücke um Klangfarben ergänzt,
die nicht nur den »Pet Sounds« (mit dem Plektrum
gespielte Bässe, Schellenkranz, Kesselpauken etc.) entnommen
sind, sondern auch Bouzouki- und Melodica-Soli
mit einschließen. Faszinierend, wie in den Strophen von
»House Of Sleep« das Covent Garden String Quartet Louis
Philippes sanften Erzählton subtil untermalt, um dann im
Refrain einen dramatischen Tempowechsel zu vollziehen,
den der Sänger virtuos meistert. Überhaupt der Gesang:
Was hier Louis Philippe erneut als Chor-Arrangeur geleistet
hat, lässt nicht nur an Colin Blunstones legendäre
Zusammenarbeit mit den King’s Singers denken, sondern
zeigt auch, dass der in diesem Punkt oft gepriesene Sufjan
Stevens durchaus noch dazulernen kann.
»An Unknown Spring« von Louis Philippe ist
bereits bei Dandyland/Cargo erschienen
dringen in seinen Kopf und doch kaum zu ihm durch,
denn er sieht sich mit einer Schönheit konfrontiert, die
ihn gefangen nimmt, seinen Blick fesselt. In das Erleben
dieser Empfindung stürzt er sich ungebremst hinein, und
plötzlich scheint alles ganz einfach: »You got my name /
Pick up my number / Come on darling / Let’s be lovers!« Das
Ende freilich ist vorgezeichnet: »The leaving you will break
my heart«. Dann schweigen The Clientele, denken still bei
sich »Frank Zappa is for assholes« und lächeln ein wenig
schmerzvoll, denn sie wissen: Wer nicht imstande ist, sich
das Herz brechen zu lassen, der ist gar kein Mensch.
»God Save The Clientele« von The Clientele ist bereits
bei Pointy/Track & Field/Rough Trade erschienen

eep street text: jens pacholsky
Was passiert eigentlich, wenn so ein Protonenstrahldeflektor
explodiert und Musiker in den Wirkungsbereich
fallen? Ganz einfach: Es knallt, das Summen der Atome
verstummt »und die Erde steht still.« Behauptete zumindest
Philip K. Dick vor genau 0 Jahren. Heute spüren wir
es, doch keine Panik. anthony b & dejah haben einfach
ihre Freunde mitgerissen und nutzen den Stillstand,
um entspannt ein und denselben Titel aus allen Perspektiven
zu betrachten. Auf »More Power Remixes« (Metatronix)
wird der Dancehall-Banger dadurch zum Booty-Baby
(Nick Fury), Baile Funk Cyborg (DMX Krew) und Science
Fiction Dub (Eliot Lipp). Die Funcken-Brüder machen aus
ihm einen Minimal Panjabi Hallraum (als Quench) und
verfrickelte Lawinenmusik (als Funckarma), während The
Bug das Sirenen-Inferno entzündet und High Priest zum
Outta Space & Time Boogie aufruft. An einer Stelle hat
der Laserstrahl in der Scheidewand der Zeit einen Spalt
geöffnet, der tonikom die Jahre von 1992 bis 1996 zugleich
erkunden lässt, als man noch Breakbeats in sanfte
Ambientflächen tunken durfte, ohne für kitschig gehalten
zu werden. So muss sich die als Tonik bekannt gewordene
New Yorkerin auf »Epoch« (Hymen) genau deshalb hänseln
lassen, wenn sie mit einfachen Klängen riesige Räume
baut, die dem Kritiker zum pastellfarbenen Sonnenuntergang
passen, durch ihre Ernsthaftigkeit und Vehemenz
aber jedem IDM-Schüler ein Liebesflüstern entlocken. Der
hänselnde Mann auf der anderen Seite ist übrigens richie
haWtin, der zu diesem Zeitpunkt längst das Pompöse
hinter sich gelassen hat und nun im zeitlichen Stillstand
die spartanisch gesäten Einzelatome von der Wand pflückt,
die er anno 1996 zu einer Minimal-Techno-Blaupause in
Schwingungen versetzte. Remastered von Pole und bereits
vor elf Jahren von Thomas Brinkmann mittels Timestretching
und diverser String-Theorien variiert, wird das
Ganze nun als »Concept 1 / Variations« (Minus) auf Doppel-CD
(wieder)hörbar. Ein leichtes Brummen gibt es da,
puckernd und scheinbar stagnierend, das im quantenphysikalischen
Sinne aber immer wieder zu Verkrümmungen
führt, die heute noch ihren Einfluss beweisen. Direkt an
Richie vorbei raste auch der Kalifornier flying lotus,
der auf seinem Weg klammheimlich Atome von allen
Seiten klaute. Auf seiner EP (»Reset«, Warp) fusioniert er
diese zu verschiedenen Verbindungen des elektrifizierten
HipHop. Ganz zum versprochenen Neustart der Musikrezeption
reichen die Exkurse gen House, Hinkefußgroove
und hypnotische Electrotrips aber nicht. Alice Coltranes
Neffe kann sein Hehlerdasein nicht dementieren und variiert
zwischen den Stilen anderer. Push Button Objects, Dabrye
und A Tribe Called Quest nicken auf seinen Teilchen.
Auch Boxcutter, Scuba, Elemental und ihre hotflush
records Kumpel schnappten sich auf ihrer Flucht in die
Tiefe alle Nase lang Atome und verknüpfen diese nun zu
den längsten Frequenzen für zeitlosen Dubstep. An diese
koppeln sie auf »Space & Time« (Hotflush) Ambient, IDM
und Acid und halten mit Referenzen zu B12 und FSOL das
Kind Dubstep weiter spannend. Ganz in der Nähe hat sich
Napalm Deaths Mick Harris vor Jahren schon zum scorn
geschlagen und trommelt im »Stealth«-Modus (Ad Noiseam)
gnadenlos seinen Metal-Dub. Dieser versank bereits
vor Dubstep und Co. in endlosen Hallräumen und enorm
reduzierten Bass- und Drumpattern, verwirbelt sich auf
seinem elften Album aber stärker als je zuvor mit Kernspaltungssplittern,
die der Gravitation Scorns anheim gefallen
sind und nun bedächtig um seinen massiven Sound
Ellipsen drehen. Ach, und fast hätten wir ihn direkt neben
einem zerborstenen Stahlpfeiler vergessen: Mit großer
Beule und jämmerlich benommen sitzt da nach vielen
Geniestreichen μ-ziq. Alle die Jahre kompositorische Brillanz
ist dem einzig echten Aphex-Twin-Kollaborateur beim
Aufprall abhanden gekommen. Die Amnesie führt zu unmotivierter
Skizzenmusik, die auf der Stelle tritt und die
Komplexität und Rätselhaftigkeit des Titels »Duntisbourne
Abbots Soulmate Devastation Technique« (Planet μ) nie erreicht.
Holt ihn da mal bitte einer raus?
In Nomine Viberti
Unser liebster Eklektizist luke vibert
setzt der elektronischen Musik endlich
dort ein Denkmal, wo es hingehört: In
Cornwall
text: jens pacholsky foto: sebastian hinz
Von wegen Chicago, vergesst Detroit. Redruth is the place
to be. Idyllisch gelegen zwischen grünen Hainen, Sonntagsgottesdienst
und den dreißig Zigaretten danach, die
Luke Vibert als designierter Kettenraucher in seiner Heimatstadt
Cornwall zu genießen weiß. Ganz entspannt
inmitten analoger Klanggeneratoren und digitaler Scheinwelten
konstruiert der Tausendsassa nicht Musik, er spielt
mit ihr. »Chicago, Detroit, Redruth« ist daher wie alle seine
fünfzehn Alben: ein vor Freude strahlender Spaziergang,
der weniger urbane Coolness atmet, als vollkommen luftig
durch die Lande zu ziehen, wo sich auch zwischen Kühen
gut raven lässt. Die perfekte Gelegenheit für Luke Francis
Vibert, all seine Personae auf ein Familienfest einzuladen
und deren Facetten zu verschmelzen, die sein 13jähriges
Schaffen ausmachen. Da gibt es zuckersüße Schlaraffenlandmelodien
über Jazz-Breaks, Acid-Pumpen mit Disco-
Kitsch, oben drauf gefüllte Bassrollen und nicht zuletzt
die »cornish nonchalance«, die all seinen Alter Egos so gut
steht (Wagon Christ, The Ace Of Clubs, Kerrier District,
Plug etc.) Im Hintergrund spielt der Pater Orgel und feuert
den Knabenchor an. Die Dreifaltigkeit ist nichts dagegen.
Das durfte auch Elektronikpionier Jean Jacques Perrier
erfahren, dessen kunterbunte Moog Synthesizer-Klänge
Luke Vibert endlich ordentlich die psychedelischen Hüften
schwingen lässt. Seit der Ankündigung 2001 haben wir
darauf gewartet.
»Chicago, Detroit, Redruth« von Luke Vibert
ist bereits bei Planet µ/NTT erschienen
»Moog Acid« von Jean Jacques Perrier und Luke Vibert
ist bereits bei Lo Recordings/Groove Attack erschienen
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review
Auditives Suchspiel
Der Berliner Matthias Grübel alias
phon°noir schickt auf seinem zweiten
Album die Wahrnehmung auf die Suche
nach Geräuschen und Klängen
text: vera hölscher
Weniger ist manchmal mehr. Im Fall von Phon°noirs
zweitem Werk »The Objects Don’t Need Us« kann man zwar
nicht von wenig reden. Denn der Nachfolger vom minimalistischen
LoFi-Erstling »Putting Holes Into October Skies«
von 2006 ist insgesamt etwas komplexer ausgefallen, und
so finden sich in den halbelektronischen, meist melancholischen,
zwischen Experimental Pop und Postrock oszillierenden
Tracks diesmal mehr Brüche, mehr Rhythmen
und auch mehr Instrumente wieder, angetrieben durch in
die Melodien verwobene Alltagsgeräusche. Aber so wie bei
einem Film bestimmte Requisiten erst beim zweiten Mal
bewusst ins Auge fallen, lässt sich auch die Geräusch- und
Klangkulisse von Phon°noirs Musik erst nach und nach erfassen.
Unter sich wiederholende Loops mischen sich wie
kleine Morsezeichen zahlreiche Geräusche, mal knistert
oder knackt, mal gluckst und klackert es, oder man hört
Vogelgezwitscher und das Klingeln einer Kasse. Da wo Explosions
In The Sky mit ihren psychedelischen Gitarren in
einen Trancezustand versetzen, erreicht einen Phon°noir
mit seinen zaghaften Geräuschen und Klängen, die sich
übereinander schichten, miteinander verschmelzen und
ihre ganz eigene Wucht entwickeln. Genauso verhält es
sich mit dem Gesang. Für »The Objects Don’t Need Us«
hat sich Phon°noir Gäste ins Studio geholt. Aber ohne
dass man dessen im ersten Moment wirklich gewahr wird,
singt beispielsweise Marie-Sophie Kanske von der Dresdner
Formation Transatlanticism bei »Invisible at Last« leise
im Hintergrund, versteckt sich fast hinter Phon°noirs
flüsternder Stimme und bestimmt dennoch den Song entscheidend
mit. Nur einer der elf »quiet explosions«.
»The Objects Don’t Need Us« von Phon°noir
ist bereits bei Sub Rosa/Alive erschienen

eview
Von Katastrophen
und anderen
Kleinigkeiten
Da heißt es, früher sei alles besser
gewesen. Die Compilation doom &
gloom: early songs of angst and
disaster 1927 – 1945 erzählt das
Gegenteil
text: markus hablizel
Als ich einmal den Süden der USA durchstreifte, stolperte
ich hauptsächlich über zwei Dinge: Essen und das Böse.
Ersteres war gemeinhin frittiert, letzteres war etwas
einfallsreicher und kam in mannigfaltiger Gestalt daher:
Mord, Totschlag, Überschwemmung, Feuer, Ehebruch,
Politik, Liebe, Alkohol, Drogen, Waffen, Sklaverei, Satan,
Gott, Nachbarn, Frau, Mann, Hund. Alles eine Frage der
Perspektive. Mir waren die Erzählungen über all die Katastrophen
und Schicksale meist ein willkommener und Nackenhaar-aufstellender
Digestif nach allzu viel Frittiertem.
»Doom & Gloom: Early Songs Of Angst And Disaster 1927
– 1945«, dieses (wieder einmal) fantastisch kompilierte Trikont-Album,
will und kann aber selbstredend mehr. Zwar
Portrait of
the artist as a
young girl
vashti bunyan revidiert
mit einer Retrospektive der
Jahre 1964 – 67 ihr Folk-
Image
text: markus von schwerin
Zwei Jahre ist es her, dass Vashti Bunyans Rückkehr international
gefeiert wurde – außer in Deutschland, wo lediglich
die Geschichte von der fallengelassenen Entdeckung des
Stones-Managers aufgegriffen wurde, die 1968 mit einer
Kutsche zu den Hebriden aufbrach und die Selbstversorger-Idylle
auf ihrem lange verkannten Album-Debüt »Just
Another Diamond Day« stilisierte. Diesen Liedern, deren
melodischer Zauber erst zwei Generationen später entdeckt
wurde, verpasste damals Produzent Joe Boyd mittels
Banjos und Blockflöten ein Folk-Gewand, das gar nicht im
Sinne der Sängerin war. Die auf dem im Jahre 2000 wieder
erzählen Big Bill Broonzy, Charley Patton, die Carter Family,
Bessie Smith, Roy Acuff und all die anderen, weniger
bekannten Protagonisten US-amerikanischer roots music
ebenfalls Geschichten von Explosionen, Kriegen, Feuern
oder geborstenen Dämmen aus ihrer jeweils ganz eigenen
Perspektive, doch in der Gesamtschau ergibt sich deutlich
mehr als bloß ein Gruselkabinett von Natur- und anderen
Katastrophen. Die 24 Songs evozieren das Bild einer sich
zunehmend säkularisierenden (westlichen) Gesellschaft,
die immer wieder über die eigene Geschwindigkeit, den
ihr eigenen Willen zur Macht und ihre eigenen Heilsversprechen
stolpert und dann erstaunt feststellt, dass
Fortschritt und Technik nicht nur Gutes mit sich bringen.
Zeppeline gehen in Flammen auf, Kriege werden angezettelt,
Züge entgleisen, Atombomben vernichten, unsinkbare
Schiffe sinken und Dämme brechen. Was sich wie ein
feuchter Unterrichtsmaterial-Traum kulturpessimistischer
Zeigefinger-Pädagogen anhört, ist in Wahrheit aber eine
Sammlung unfassbar einnehmender Songs.
Die Compilation »Doom & Gloom: Early
Songs Of Angst And Disaster 1927 – 1945« ist
bereits bei Trikont/Indigo erschienen
aufgelegten Debütalbum (und nun auch auf der Compilation
»Some Things Just Stick In Your Mind«) enthaltenen Bonusstücke
von 1966/67 hatten da schon mehr mit Bunyans
Comeback-Album »Lookaftering« gemein. Nicht nur, was
die sparsame Begleitung betrifft, sondern auch inhaltlich:
Während »Just Another Diamond Day« von Flora- und Fauna-Beobachtungen
lebte, verarbeiteten Bunyans Texte davor
und danach hauptsächlich Emotionales – ohne dabei
auf Naturmetaphern zu verzichten. Welch poetische Kraft
ihrer Liebeslyrik immer schon innewohnte, dokumentiert
nun diese Sammlung an (größtenteils bis dato) unveröffentlichten
Frühwerken. Bunyans gehauchte Reflexionen
über die Kurzlebigkeit aller Glücks- und Sicherheitsgefühle
sollten einen dabei nicht über den Humor und die
dramaturgischen Kniffe ihrer Texte hinwegtäuschen. Dazu
wurden die eingängigen Melodien von der Autodidaktin
mit einer Selbstverständlichkeit auf der Akustischen umgesetzt,
wie man es erst Jahre später bei Joni Mitchell und
Leonard Cohen beobachten sollte. Songs, die auch Hits
für die Herman’s Hermits hätten abwerfen können und
Vashti Bunyans Selbstverständnis als »pop artist« (siehe
Linernotes) mehr als plausibel machen.
»Some Things Just Stick In Your Mind« von Vashti Bunyan ist
bereits bei Fat Cat/PIAS/Rough Trade erschienen
Angestoßen durch das neue Soloalbum (»Trees Outside The
Academy«, Ecstatic Peace) von thurston moore, Gitarrist
von Sonic Youth, ist es zu einem Nachdenken über das
Ergebnis des Musizierens in der Gruppe kontrastiert mit
dem einer Einzelperson gekommen. In aller Deutlichkeit
ist hier ja ein Gegensatz zu den Werken seiner Hauptband
hörbar, erkennbar vor allem durch die Abkehr vom elektronisch
verzerrten Klang. Zwar beginnen die Songs oft lärmend,
doch wird’s danach regelrecht freundlich: Thurston
wollte mal was mit Geigen machen! In Abgrenzung zu den
meisten anderen Songwriter-Platten, die monatlich im
Dutzend ihre Veröffentlichung erfahren, umweht einen
hier wenigstens noch transitorisch Flüchtiges und Unseriöses,
das also, was Pop-Musik einst so spannend machte,
von Leuten, die Captain Beefheart, Arto Lindsay, Iggy Pop,
Scott Walker, Lou Reed, John Cale hießen. Auch kompositorisch
ist das aufregender, um nur »Honest James«, das
exzellente Duett mit Christina Carter zu erwähnen, das
sich in den ersten zwei Dritteln auf eine David-Grubbsgleiche
Verknüpfung von Akustikgitarren konzentriert,
um dann den Fokus komplett auf das Zusammenwirken
zweier Stimmen zu verlagern. Die Stimmkunst Christina
Carters ist mehr als je zuvor auch der Kern der neuesten
Veröffentlichung (»Likeness«, Kranky) der charalambides,
ihrem gemeinsamen Projekt mit Tom Carter, bei
der sich die Selbstlaute über die bedingungslos langsam
vorgetragenen traditionals ziehen und dabei mal ins Flirren,
mal ins Schweben, mal ins Umkippen geraten, was
dieses Album quasi ununterscheidbar von Christina Carters
Solowerken macht. Polarisierend verhalten sich die
jüngsten Werke von oren ambarchi. In der Tradition
von Keith Rowe, dem Begründer des Improv-Ensembles
AMM, mit dem Ambarchi bereits mehrfach zusammenarbeitete,
und dem es nicht um die Flachheit der Oberfläche
geht, sondern um die Gestaltung von etwas, das sich auf
der Oberfläche abspielt, ist hier (»In The Pendulum’s Embrace«,
Touch) jede Note so gewählt und pointiert gesetzt,
dass ein einzelner Ton zum Erlebnis wird. Den Stücken
text: sebastian hinz the relay
Sun I’ll Be the Same
des 38jährigen Australiers wohnt ein Ertasten der Welt mit
skeptischer Vorsicht inne. Seine Kollaboration mit Chris
Townend ist da die genaue Antithese: Diese Formation
trägt völlig verdient den Namen sun. Die Musik auf ihrem
zweiten Tonträger (»I’ll Be The Same«, Staubgold) ist
eine chancenreiche Öffnung, eine der Welt zugewandte
Bejahung. Nicht »Fever, A Warm Poison«, sondern »Mosquito«,
»Right Now« oder »Smile« heißen die Stücke hier
frohlockend. Noch einmal anders verhält es sich beim norwegischen
Trompeter arve henriksen. Während seine
Soloarbeiten, wie das kürzlich erschienene »Strjon« (Rune
Grammofon) den Sound betreffende Fragen ins Zentrum
stellen, also wie es möglich ist, dass eine Trompete nur
selten nach Trompete klingt, sondern eher nach Flöte, verschnupfter
Lerche oder Plattenspieler ohne Nadel, geht es
bei supersilent (»8«, Rune Grammofon), dessen vierter
Teil Henriksen nunmehr seit zehn Jahren ist, um die Unmittelbarkeit
eines kollektiven Musizierens, was hier leider
zu oft in temperamentarme Synthesizerskizzen und hüftsteife
Arhythmik mündet. Supersilent ist die Kakophonie
für den Augenblick, Arve Henriksens Trompetenspiel das
ungläubige Kopfschütteln für die Ewigkeit. Ebenfalls einer
der Weltbesten an seinem Instrument ist der Schlagzeuger
Steve Reid, der ja bereits mit James Brown, Dionne Warwick,
Miles Davis, Archie Shepp oder im Sun Ra Arkestra
arbeitete. Seit einiger Zeit werkelt er nun mit Kieran Hebden
herum, dessen Produktionen als Four Tet auch diesen
zu einem der wichtigsten Protagonisten zeitgenössischer
Musik werden ließen. Beide zusammen sind die Köpfe
des steve reid ensembles, und man kommt beim
Hören dieser Musik (»Daxaar«, Domino) nicht umhin zu
glauben, dass diese Zusammenkunft genau jene aufgrund
von fehlendem Know-How entstandenen Leerstellen der
Solowerke zu komplettieren versucht. Musikalisch ist es
genau das Album geworden, das seit Jahren von Doug
Scharins Rasselbande Him erwartetet wird; daneben ist es
eine geniale Zusammenführung der Talente zweier hervorragender
Einzelmusiker.
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worte
Illustration:
bruno
colajanni,
ludaG.com
worte
»In der Antarktis
umzukommen, ist
ziemlich einfach.«
Die Schriftstellerin jean mcneil,
Polarromane
Seite 48
»Ein Kind zu sein, ist heute
wahnsinnig gefährlich.«
jonathan meese
Seite 2
»Ich möchte Sachen
dokumentieren, die von
der herrschenden Kultur
nicht anerkannt werden.«
chuck palahniuk über seine
Rolle als Schriftsteller
Seite 44
42 Chuck Palahniuk
46 Polarliteratur
48 Larissa Böhning
49 Mark M. Danielewski
0 Jonathan Meese
reviews
4 performativ
Adam Olschewski
Roman Simić
6 Virginie Despantes
Michael Lentz
7 Monika Maron
8 »Propaganda«
»Machiavelli«
9 das dispositiv

Meeting
Chuck –
Sex & Gewalt
Dabei ist er doch nur eine Art Buchhalter: der Autor chuck palahniuk
text, interview: matthias penzel übersetzung: rebecca pohl
fotos: andreas chudowski
Chuck Palahniuk, studierter Journalist und gelernter Lkw-
Mechaniker schrieb seinen ersten Roman über Frauen
und was sie bewegt, also Vogue, Diät- und Beauty-Fetischismus,
Supermodels. Triefend vor schwarzem Humor,
wurde »Invisible Monsters« von allen Verlagen abgelehnt.
Zu krass. Palahniuk zog daraus seine Konsequenzen, begab
sich mit seinem nächsten Roman noch tiefer in die
Katakomben US-amerikanischer Unkultur, schrieb über
Männer und was die bewegt – wenn nichts mehr für
wahre Gefühle sorgt. »Fight Club« wurde – auch Dank
Finchers Verfilmung – zum Hit. Andere Alpträume der
Hinterhöfe kamen in »Flug 2039« (Suizidsekte), »Der Simulant«
(Sexmanie), »Lullaby« (killende Kinderliedchen),
»Das Protokoll« (Immobilien und Kunst), »Die Kolonie«
(Künstlerdorf) zum Ausdruck, dazwischen zwei hierzulande
unveröffentlichte Essaybände (über Sex und Gewalt
bzw. Portland und Marilyn Manson, dem Palahniuk die
Tarotkarten legte) und nun »Das Kainsmal«.
In »Invisible Monsters« rächen sich verstümmelte Models,
in »Fight Club« prügelt man sich aus Jux und Dollerei. In
»Das letzte Protokoll« werden Künstler im Namen der
Kunst verstümmelt, in »Die Kolonie« verrückt. Warum so
viel Gewalt?
Für mich geht es nicht so sehr um Gewalt als eher um das
Bedürfnis, sich lebendig zu fühlen und sich selbst sehr körperlich
wahrzunehmen. Bücher haben meistens eine intellektuelle
und eine emotionale Komponente, aber nur sehr
selten eine physische. Körperliches wird tendenziell als
kulturell minderwertig betrachtet – Pornographie, Horror:
alles low-art. Um beim Leser Mitgefühl auszulösen, so richtig
körperlich, von Kopf bis Fuß, muss man Gewalt oder
Sex nehmen, oder Krankheiten, manchmal Drogen. Damit
kann man Leser auf einem physischen Level einbinden, ihnen
eine ganze Realität erschaffen. Das ist mein Ziel.
Es sind bei mir aber immer auch Figuren, die mit einer
sehr körperlichen Sache beschäftigt sind, die sich dadurch
lebendig fühlen; die außerdem das zerstören, was
sie um sich herum vorfinden, weil sie etwas Besseres erreichen
wollen. Die Zerstörung des gegenwärtigen Wohlbefindens
zugunsten eines besseren Zustands ist so ein
wiederkehrendes Thema bei mir.
Auch dein Ziel? Sollen auch Leser aus ihrem Wohlbefinden
herausgerissen werden?
Ja. Ich glaube, dass sie wollen, dass das zerstört wird. Irgendwie
wollen sie durch die Erfahrung verändert werden.
Sie wollen am Ende des Buchs nicht derselbe Mensch sein,
der sie waren, als sie angefangen haben, das Buch zu lesen.
Burroughs und Bowie unterhielten sich in einem Interview
für den Rolling Stone einmal darüber, wie fantastisch es
wäre, wenn Musik töten könnte – was du in »Lullaby«
aufgegriffen hast. Besucher deiner Lesungen sind angeblich
ohnmächtig geworden – auch phantastisch oder nur ein
PR-Gag?
Nein. Ich habe aus »Die Kolonie« die ›Perlentaucher‹-Geschichte
vorgelesen, und dabei sind mittlerweile über 200
Leute in Ohnmacht gefallen. In Brighton habe ich vor 900
Leuten gelesen und 13 sind kollabiert. Die Leute vom St
John’s Hospital haben die Leute rausgetragen, und am Ende,
so erzählte man mir, sah die Lobby aus wie in einem
Krisengebiet: überall Menschen auf Bahren.
Alle vorher im Publikum vom Verlag platziert –
ein PR-Coup?
No no no. Gar nicht. Sogar in Italien, wo sie einen Schauspieler
engagiert hatten, um es auf Italienisch vorzulesen,
sind Leute ohnmächtig geworden – bis zu fünf pro Veranstaltung.
Die waren richtig wütend, weil sie das Gefühl
hatten, das Gesicht verloren zu haben. Das tut mir ein
bisschen leid, aber ich muss natürlich den Umstand lieben,
dass die Worte einer Geschichte – nur die Worte! – auf
Menschen so eine Wirkung haben können. Keine Musik,
keine Bilder, sondern nur Worte. Das liebe ich wirklich.
Destruktion und Kicks: In einem Essay in »Stranger
Than Fiction« variierst du das Thema: Da geht es darum,
Zugehörigkeiten zu zerstören, um Ziele zu erreichen. Hat
man die erreicht, gerät man wieder in Zugehörigkeiten,
also Abhängigkeiten. Das Muster: Isolation, gefolgt von
dem Bedürfnis nach Anerkennung und Zugehörigkeit,
gefolgt von Isolation ...
Es ist eine Formel, die man bei allen meinen Figuren
findet. Sie haben alle eine ideale Isolation erreicht – in
»Invisible Monsters« durch Schönheit, wo sie so attraktiv
sind, dass sie Menschen dominieren, so sehr, dass die ihnen
nicht zu nahe kommen; in »Das letzte Protokoll« geht
das über Bildung, wo alles erklärt und somit weggewischt
werden kann, sodass man jede Form von Macht mit Hilfe
seiner Bildung, seines Intellekts, zerstört. In »Fight Club«
ist einer mit seiner Karriere so erfolgreich, dass es ihn in
seinem Job isoliert. Sie alle haben es so gewollt, und doch
gehen sie hin und zerstören diese Isolation – auf sehr reale
Art und Weise, sodass es sie zurück in die Gemeinschaft
mit anderen Menschen zwingt. Ich schätze, das ist so ein
Muster aus meinem Leben, das ich in den Leben all meiner
Mitmenschen wiedererkenne.
»Um beim Leser Mitgefühl auszulösen,
so richtig körperlich, muss man
Gewalt oder Sex nehmen, oder
Krankheiten, manchmal Drogen.«
Ist die Formel auch auf deinen Schreibprozess übertragbar?
Auf jeden Fall. Jedes meiner Bücher ist für mich so eine Art
Ausrede, ein Problem, das ich nicht lösen, aber auch nicht
ertragen kann, intensiv auszuleuchten – um es so zu bewältigen.
Psychologen nennen das ›Durcharbeiten‹; meine
Arbeit, das Schreiben, ist so ein Durcharbeiten. Egal,
um was für ein Problem es sich handelt, ich versuche
42 1 worte
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dann, so tief wie nur möglich da einzutauchen, viele
Fälle zu untersuchen, mit anderen darüber zu sprechen
und mit Leuten zusammenzukommen, die sich darüber
irgendwie artikulieren. So bringe ich das zum Köcheln,
rühre dann etwas hinzu, und verwandle es – nach der ersten
oder zweiten Fassung – in etwas, wo sich mein ganzer
emotionaler Ärger über das Problem erschöpft. Wenn ich
mich über ein Problem nicht mehr ärgere, neigt es dazu,
vollständig zu verschwinden. Das ist fast wie Magie: Ich
begebe mich in das Schlimmste des Problems hinein, und
dann ist meine Angst weg und das Problem verschwindet;
so wird es durch die Arbeit irgendwie isoliert. Schreiben,
die Gedanken und Ängste organisieren – und am Ende
kommt ein Buch dabei raus, und ich begebe mich wieder
unter die Menschen.
Jedes Buch als Therapie für dich?
So wurde es mir beigebracht, vor Jahren, als ich mit dem
Schreiben anfing 1991 oder 1993: Das Schreiben selbst
muss nützlich sein, so unterhaltsam und so therapeutisch,
dass es egal ist, ob man sein Buch am Ende verkauft kriegt
oder nicht. Es muss eine Belohnung geben, sonst kann
man nicht schreiben. Also muss das Schreiben selbst eine
Belohnung sein. Sogar wenn man es gedruckt kriegt, besteht
die Möglichkeit, dass es sich nicht gut verkauft, dass
man schlechte Kritiken bekommt oder dass ein furchtbarer
Film daraus gemacht wird. Es gibt so viele Aspekte,
an denen man scheitern kann, dass das Schreiben selbst
ausreichend Belohnung sein muss.
In »Stranger Than Fiction« schreibst du: »Man bleibt in
seiner Erzählwelt, bis man sie zerstört.« Wer kontrolliert
hier wen, wie kommt es, dass die Erzählwelt nicht dich
zerstört? Wie versuchst du, sie zu haben, nicht von ihr – der
Erzählwelt – besessen zu werden?
Nein. Ich versuche nicht, wirklich nicht, sie zu besitzen.
Ein befreundeter Schriftsteller meint, ich sei die Art Tier,
die ihre Jungen auffrisst, und wenn ich am Ende eines
Buches angekommen bin, weiß ich meistens, was bis zum
Schluss des zweiten Akts im nächsten passieren wird. Darüber
hinaus muss es mich dann überraschen. Es ist nicht
fertig, bis es mich wirklich überrascht. Mein Vater – und
wenn er mir nichts anderes beigebracht hat, so doch diese
eine Sache – sagte: »Mach nie mit der einen Schluss, bevor
du nicht mit der nächsten gehst««
Ich weiß nicht, ob das gesund ist.
Wenn man schreibt schon. Es ist die einzige Sache, die das
letzte Buch löst – wenn man die nächste Idee kriegt und
die so aufregend und fesselnd ist, dass es okay wird, der
vorigen Idee einen Stoß zu geben. Das bestimmt den Zeitpunkt,
wann ein Buch wirklich fertig ist: Wenn es mich
überrascht und wenn ich die nächste Idee habe. Dadurch
wird es auch leicht, das vorige loszulassen, raus in die Welt,
mit der Idee eines anderen auf dem Umschlag und den
Interpretationen von allen anderen und der Wertung,
der Meinung von wieder anderen: alles nicht so schlimm,
denn ich muss es ja nicht besitzen, weil ich mich längst in
die nächste Sache verliebt habe.
Deshalb schreibe ich so, wie ich es tue. Aber das Schreiben
ermöglicht mir auch, mit Menschen zusammen zu
sein und ich habe sehr früh entschieden, dass Schreiben
meine anhaltende Entschuldigung sein würde, um mit
Menschen zusammen zu sein. Wenn ich jetzt auf Partys
gehe, erzähle ich den Leuten, woran ich gerade arbeite,
lade sie so ein, mir von ihrem Leben zu erzählen und von
den Erfahrungen, die sie mit den Motiven gemacht haben,
die ich erkunde. Ich erwähne vielleicht einen kleinen Aspekt
davon, woran ich arbeite, aber den Rest des Abends
verbringe ich nur damit, zuzuhören. So wird meine Arbeit
zu einer Spiegelung der Erfahrungen einer großen Anzahl
von Menschen statt nur meiner eigenen Vorstellung.
»Meine Figuren sind keine
heimlichen Kannibalen«
Deine Figuren sind eher Außenseiter als Exzentriker.
Warum?
Außen: Das ist es, wo die Zukunft ist. An den Rändern
konventioneller Gemeinschaften findet man soziale Erfahrungen,
man erfährt dort, wie sich Menschen selbst
sehen und wie sie sich in gesellschaftlichen Strukturen zueinander
in Beziehung setzen. Es findet also in der Randzone
statt, dass Menschen mit verschiedenen Formen von
Gemeinschaft experimentieren, auch mit verschiedenen
Formen von Identität – wenn sie eine Identität finden,
entweder eine Sichtweise oder eine Art, sich auszudrücken.
Dort entstehen neue Gemeinschaften, die – nenn es Underground
oder Randzone – dann zu Dominanten, zu Teilen
des Mainstreams werden. Das Neue entsteht dort. Die
Art, wie man sich die Schuhe bindet oder Klamotten trägt,
ist fesselnd und irgendwie wirklich attraktiv, und dann
wird sie zur vorherrschenden Mode oder zur prägenden
Kunstform oder Sichtweise. Zeitgeist. Doch solche Experimente,
die Ursprünge für das Neue können nur dort
wirklich stattfinden.
Aber die Außenseiter in deinen Büchern sind doch eher
krank als Trendsetter.
Tyler Durden oder Rant Casey – man braucht eine Figur,
die das Verhalten irgendwie vorlebt, die eine Seinsweise
vorlebt und diese irgendwie als Subkultur anstimmt. Eine
Figur, die das bezwingend und interessant vorlebt. Das tun
meine Figuren. Sie sind keine heimlichen Kannibalen. Sie
sind eher Werbeträger, sehr lautstarke, sehr präsente, manifeste
Menschen. Also sind sie nicht wie heimliche, eher
wie sehr öffentliche Sonderlinge. Sie sind wie Anführer.
Wie sonderlich bist du?
Ich bin nicht wirklich sonderlich. Ich bin ein ziemlich
langweiliger Mensch. Wie ein Buchhalter. Aber ich bin
einer dieser langweiligen Leute, denen andere ihre Geschichten
erzählen, weil ich die thematisch organisieren
und verknüpfen kann, zur Illustration größerer Anliegen.
Das ist eigentlich alles, was ich tue.
So eine Art unbeschriebenes Blatt?
Aber ein unbeschriebenes Blatt, das getrieben ist, Dinge
zu bewahren, die ich für wertvoll halte. Wenn Leute mir
Geschichten erzählen, die ich außergewöhnlich finde, bin
ich gezwungen, einen Weg zu finden, diese irgendwie zu
erhalten, als Teil von etwas Größerem, damit sie nicht verloren
gehen, denn ich kenne die herrschende Kultur.
»Jeder hat Viagra schon mal ausprobiert.«
Also Historiker?
Ja, die herrschende Kultur wird vieles nicht dokumentieren.
Ich möchte Sachen dokumentieren, die von der herrschenden
Kultur nicht anerkannt werden.
In »Das Kainsmal« geht es um Unsterblichkeit und
Autounfälle, Muschilecken und Ständer, Schlangen und
Spinnen, Silver Clouds und Lamborghinis – ist das ein
Jungsbuch?
Den Fehler, so zu denken, hatte ich bei »Fight Club« gemacht,
aber danach kamen so viele Frauen auf mich zu,
die sagten: »Mann! Gibt es in dieser Gegend einen Fight
Club? Vielleicht einen für Frauen?«, dass ich diese Unterscheidung
irgendwie aufgegeben habe. Männer und Frauen
haben die gleichen Impulse, und ich versuche Figuren
zu schaffen, die fast ohne Geschlecht sind. Ihre Namen
mögen geschlechtsspezifisch sein, sie haben vielleicht ein
physisches Geschlecht in Bezug auf ihren Körper, aber
mein Ziel ist es, keine wirklich gender- oder rassenbasierte
Geschichte zu haben.
Ein Abschnitt in »Kainsmal« konzentriert sich auf
angeschwollene Penisse.
Wo mein Workshop vor Lachen gebrüllt hat. Alle Frauen
in meinem Workshop haben den Teil geliebt, sie haben so
doll gelacht.
Stimmt es, dass Gift einen Ständer verursacht?
Ja.
Wie hast du das recherchiert? Hast du beispielsweise für
diesen Part Viagra ausprobiert?
Ja. Und ich habe mit Ärzten gesprochen, und ich habe mit
Toxikologen gesprochen. Sie haben bestätigt, dass Priapismus
eine Nebenwirkung von Spinnengift ist.
Und Viagra? Wir würden gern mehr darüber hören.
Jeder hat Viagra schon mal ausprobiert! Es ist ziemlich
grauenvoll. Als vor einigen Jahren mein Vater getötet
wurde und wir sein Haus ausgeräumt haben, haben wir
überall Rezepte für Viagra gefunden – in seinem Auto,
im Schlafzimmer und in der Küche. Wir waren so aufgebracht
und in Trauer, aber jedes Mal, wenn wir wieder eine
halbleere Viagraflasche fanden, haben wir angefangen zu
lachen. Weil es schien, dass mit seiner neuen Freundin
alles gut lief, und ich habe eines dieser halbleeren Fläsch-
chen mit nach Hause genommen, und aus Neugier habe
ich es ausprobiert. Es ist eben so ein Produkt unserer Zeit,
also musste ich es sehen.
In »Das Kainsmal« erfahren wir viel über die Hauptfigur
– Rant Casey — durch die Perspektiven anderer. Was willst
du mit diesem Verfahren erreichen?
Drei sehr gute Gründe für diese Technik. Erstens: Ich finde,
mündliche Berichte sind leicht verdaubar, sehr sehr
einfach zu konsumieren, so wie Snacks. Sie sind wie Kartoffelchips:
so klein, dass man sich ständig dabei erwischt,
wie man noch einen Chip legitimiert, andauernd, immer
und immer wieder. Zweitens: oral history ist keine Form
von Fiktion, und dadurch kann man so viel unglaublichere
Geschichten erzählen. So wie Orson Welles, der einem in
»Krieg der Welten« diese alberne Invasionsgeschichte von
Marsmenschen auftischt – aber in Form von Nachrichtensendungen
im Radio erzählt, wodurch das Ganze eine
Glaubwürdigkeit bekommt, nämlich weil die so erzeugte
Angst sehr real wird. Oder »Citizen Kane«, erzählt in Form
der Wochenschau. Wieder eine nicht-fiktionale Form, die
benutzt wird, um eine fiktionale Geschichte zu erzählen.
Oder »Blair Witch Project«: verloren gegangenes Material
eines Dokumentarfilms von Menschen, die von Hexen
umgebracht wurden? Man sieht, die Form trägt die
Geschichte, obwohl die Geschichte albern ist. Der dritte
Grund für diese Technik ist, dass sie es mir ermöglicht, die
Geschichte so zusammenzusetzen, wie es ein Cutter beim
Film tun würde. Denn wir können einen Film gucken, und
wir kennen jump cuts und intercutting, und wir kommen
damit klar, wenn zwei Aussagen sich widersprechen, weil
wir sie als Zuschauer in Beziehung zueinander setzen. Wir
schaffen den Zusammenhang zwischen den Informationsbruchteilen,
die uns in der fortwährenden Collage von Visualitäten
zur Verfügung gestellt werden. Deshalb erlaubt
es mir diese Technik, langatmige, wortreiche Übergänge
zwischen zwei Perspektiven oder Informationen wegzulassen.
Sie stellt sich vielmehr dar wie ein Film.
Dazu kommt, dass das Präsentieren einer Figur, die
nie wirklich selbst auftritt, diese Figur zu einem Symbol
macht, durch die andere sich selbst präsentieren. So wie
du die Welt beschreibst, lernen wir mehr über dich als
über die Welt.
Sind konventionelle Erzählweisen in der Welt von heute
obsolet?
Für manche vielleicht nicht. Aber Filme sind für ein derart
anspruchsvolles Publikum gemacht worden, dass ich
von neuen Büchern mehr erwarte als von früher geschriebenen.
Bücher sollten mit Narration so experimentieren
wie es im Film gemacht wird, bei Videos, ja, sogar im Fernsehen.
»Das Kainsmal« von Chuck Palahniuk, übersetzt von Werner
Schmitz, Manhattan HC, München 2007, 352 S., € 14,95
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Eis, Eis, Baby
Protagonist und Bühnenbild: Eislandschaften im Polarroman
text, interview: kirstin werner foto: torsten sachs /
alfred-wegener-institut für polar- und meeresforschung
»Das Eis knackt – mal mehr, mal weniger. Es schnalzt, als
würde jemand mit der Lederpeitsche peitschen. Und dabei
war die von mir für eine Gletscherspalte gehaltene Kluft ja
nur die Spur eines Heißwasserschlauchs.«
diana magens, wissenschaftlerin am alfred-wegener-institut
für polar- und meeresforschung und momentan für das
internationale bohrprogramm andrill in der antarktis
unterwegs
Literatur handelt von Menschen, nicht von Orten. Landschaften
bilden in Erzählungen oft nur die Kulisse für das
zwischenmenschliche Tun. Da haben es Geschichten, die
an Flecken spielen, an denen kaum jemand lebt, wohl eher
schwer. Denn, wie die Schriftstellerin Tina Uebel treffend
sagt: »Im Polarroman ist das Eis der Protagonist.«
Am 1. März 2007 startete das Internationale Polarjahr
(IPY). Mit dieser groß angelegten Kampagne machen
Wissenschaftler aus weltweit mehr als sechzig Nationen
auf die sensiblen Lebensräume in Arktis und Antarktis
aufmerksam. »Wie sich die Natur an den Polen entwickelt,
steht in unmittelbarem Zusammenhang zu den von Menschen
bewohnten Gebieten«, erläutern die Polarforscher ihre
gemeinsamen Projekte. Das Polarjahr dauert bis 1. März
2009 an: In zwei kompletten Nord- und Südsommern werden
die Gebiete jenseits der Polarkreise erkundet. Der so
genannte »Outreach« spielt dabei zunehmend eine Rolle.
Journalisten, Künstler und Lehrer sind eingeladen, der
Allgemeinheit, vor allem der nachwachsenden Generation,
ihre Eindrücke von der faszinierenden, den meisten
aber unbekannten Gegend kundzutun. Auch Literatur
kann einen Beitrag zu dieser Öffentlichkeitsarbeit leisten.
»Der Thematik mit Literatur zu begegnen, vereinfacht es,
eine Beziehung zum Eis und ein weitergehendes Interesse
für die wortwörtlich weißen Flecken auf der Landkarte zu
entwickeln«, meint Tina Uebel, Autorin des Polarromans
»Horror Vacui«.
Urlaub am Südpol
Im Roman hat Tina Uebel die Eindrücke ihrer Antarktisreise
auf einem russischen Eisbrecher partiell verwertet:
»Die Reise war zunächst schlicht die Erfüllung eines Lebenstraumes.
Erst ein halbes Jahr später wurde mir klar,
dass sich die Antarktis und spezifisch der in ›Horror Vacui‹
beschriebene Trip – den ich zwar nicht gemacht habe, der
aber ziemlich exakt so als ›Pauschalreise‹ buchbar ist – als
ideale Kulisse eignet«, erzählt die Hamburgerin. Vier Extremtouristen
machen sich auf den Weg zum Südpol. Von
zwei Guides geführt, quälen sie sich über das unwegsame
Eis. Der Spaziergang zum südlichsten Punkt der Erde
wird aus den Perspektiven der vier Urlauber geschildert.
»Die Protagonisten stehen unter dem Einfluss der extremen
Landschaft, deren Dimensionen gar nicht zu begreifen sind.
Insofern verhalten sie sich auch jenseits der ›Normalität‹«,
beschreibt die Autorin, Literaturveranstalterin und freie
Journalistin die kleine Reisegruppe. In den Köpfen der vier
macht sich im Verlauf der Wanderung auf unterschiedliche
Weise der ›Horror vacui‹, die Angst vor der totalen
Leere, breit. Dennoch ist die beeindruckende Schneelandschaft
ihr Antrieb weiterzugehen, ihre Motivation ist das
Eis. Zwischen Faszination und Lähmung wandeln die vier
physisch und psychisch Geschwächten über das gefrorene
Land: »Dass ich noch immer stehe, überrascht mich selbst.
Wenn die schützende Haut des Schlafsacks, des Zeltes, der
Gespräche, der Gegenwart anderer von mir abgezogen ist
wie die Pelle von einer Kartoffel, scheint es mir jedes Mal
verwunderlich, dass noch genug übrig bleibt, was sich auf
den Weg machen könnte. Auf den Weg über das Eis. Soviel
Eis, es tut fast weh.«
Das Eis – Protagonist und Bühnenbild
Mit dem IPY wird eine öffentliche Debatte über die Relevanz
der Polargebiete für das globale Klima losgetreten,
die auch in der Literatur geführt werden könnte: »Literatur
kann wissenschaftliche Ideen und Szenarien transportieren.
Es reicht schon aus, wenn Fragen wie der Klimawandel
oder der Verlust von Ökosystemen eine Person in einer Erzählung
direkt betreffen«, meint die britische Autorin Jean
McNeil. Denn über die Identifikation des Lesers mit den
Figuren gelingt der Roman. Die Herausforderung des
Polarromans ist somit eine Gratwanderung: Das Eis ist einerseits
Protagonist, andererseits nur das Bühnenbild, vor
dem sich die Handlung vollzieht. Während in Romanen
wie John Griesemers »Niemand denkt an Grönland« die
Arktis als befremdendes Niemandsland im Hintergrund
verschwimmt, dreht sich in Christoph Ransmayrs Roman
»Die Schrecken des Eises und der Finsternis«, in »Fräulein
Smillas Gespür für Schnee« von Peter Høeg oder in Tina
Uebels »Horror Vacui« alles um das Eis und dessen Wirken
auf die Romanfiguren.
Geschichten vom Pol
Science-Fiction-Romane versetzen ihre Handlung gern
in die oft außerirdisch anmutende Umgebung der Polargebiete.
»Das Zusammenspiel von klaustrophobischer
Enge auf Polarstationen mit der tödlichen Weite der Landschaft
begünstigt wahrscheinlich auch Krimis. Andere Geschichten«,
meint Tina Uebel, »gestalten sich naturgemäß
knifflig, sie setzen eine genaue Kenntnis der Umstände in
den dort marginalen menschlichen Lebenswelten voraus.«
Geschichten vom Pol sind auch deshalb so rar, weil die Re-
cherche schwierig ist und die persönliche physische Erfahrung
notwendig, wozu nur wenige Autoren Gelegenheit
haben. Vielleicht sind Polarromane aber auch so selten,
weil bisher kaum Nachfrage bestand. Geschrieben wurde
schon seit den ersten Entdeckungsreisen ins unbekannte
Land. Die Helden des heroischen Zeitalters wie Shackleton,
Amundsen oder Scott haben ihre Expeditionen gewissenhaft
in Tagebüchern festgehalten. »Vielleicht besteht
der Antrieb Tagebuch zu schreiben darin, der unmenschlichen
Landschaft etwas Menschliches einzuhauchen«, vermutet
die in Kanada geborene Jean McNeil. Heute löst das
Internet das Tagebuch zunehmend ab, in persönlichen
Rundmails lesen Familie, Freunde und Bekannte vom Leben
auf der Polarstation. E-Mails und Weblogs schützen
vor dem Vergessen. »Die Eindrücke sind so extrem wie die
Landschaft. Derart fremd und intensiv, nicht vergleichbar
mit dem, was man in seiner Normalexistenz erlebt. Eine
nachträgliche Beschreibung aus der Erinnerung müsste
verwässert klingen«, beschreibt Tina Uebel die Notwendigkeit,
das Erlebte noch vor Ort aufzuschreiben. »Viele der
Natureindrücke in »Horror Vacui« entstammen wortwörtlich
meinem Tagebuch.«
Antarktisches Drama
Anfang Februar 2008 wird die Schriftstellerin Jean McNeil
für mehrere Wochen mit der ›Polarstern‹, dem deutschen
Forschungseisbrecher des Alfred-Wegener-Instituts für
Polar- und Meeresforschung, in die Antarktis reisen. Ein
Künstler-Stipendium der für Antarktisforschung zustän-
digen Organisation Großbritanniens, der British Antarctic
Survey, ermöglichte der Autorin bereits vor einigen Jahren
einen Aufenthalt im Eis. Ihre Eindrücke fasste sie in
dem Genre übergreifenden Band »The Ice Diaries« zusammen.
Trotz der Bezauberung, sagt sie, besäße das Leben
dort etwas Beklemmendes: »Man ist mit vielen Leuten auf
engstem Raum zusammen gepfercht. Da kann man nicht
einfach weglaufen – in der Antarktis umzukommen, ist
ziemlich einfach. Aber genau das gibt dem Ganzen etwas
Dramatisches: Die Landschaft färbt das menschliche Miteinander
ein. Die Antarktis habe ich daher als einen sehr
inspirativen Ort zum Geschichtenerzählen empfunden.«
Weiterlesen
»Horror Vacui« von Tina Uebel, Kiepenheuer &
Witsch, Köln 2005, 272 S., € 17,90
»Die Schrecken des Eises und der Finsternis« von Christoph
Ransmayr, Fischer Taschenbuch Verlag, Frankfurt am
Main 1987 (Neuauflage 2005), 275 S., € 8,95
»Die Entdeckung der Langsamkeit« von Sten Nadolny, Piper,
München 1983 (Neuauflage 2007), 368 S., € 10,00
»Amundsen. Bezwinger beider Pole« von Tor Bomann-
Larsen, marebuchverlag, Hamburg 2007, 703 S., € 29,90
»Pole, Packeis, Pinguine« von Karoline Stürmer, Deutscher
Taschenbuch Verlag, München 2007, 304 S., € 14,95
tina uebel empfiehlt
»Die schlimmste Reise der Welt« von Apsley Cherry-
Garrard, Semele Verlag, Berlin 2006, 656 S., € 26,90
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Die Drehung
der Schraube
larissa boehnings
Roman-Debüt »Lichte Stoffe«
text, interview: susanne lederle
Evi geht in einem Pelzmantel in die Badenwanne und ihr
Mann rasiert einer streunenden Katze das verfilzte, kotverdreckte
Fell. Eine Beinahe-Affäre später liest Evi die
nackte Katze von der Straße auf und wärmt sie mit dem
ruinierten Pelzmantel. Dieser Pelzmantel ist das einzige,
was sie aus dem Besitz ihrer verstorbenen Mutter behalten
hat. Evi ist ein ›Besatzungskind‹, die Tochter eines
schwarzen GI und einer Berliner Hutmacherin. Diese
warnte bisweilen die Kundschaft im Geschäft vor ihrer
Tochter: »Die färbt ab!«
Erst nach dem Tod der Mutter erfährt Evi von einem
Degas-Gemälde, unterschlagener Beutekunst, das ihr Vater
einst der Mutter schenkte, dann bei seiner Rückkehr
in die USA aber doch mitnahm.
Versammelte Larissa Boehnings Debüt, ihr Erzählband
»Schwalbensommer«, noch Geschichten über die Befindlichkeiten
der ›Generation Golf‹, wächst ihr erster Roman
»Lichte Stoffe« weit über die Zustandsbeschreibungen
dieses So-Dahin-Lebens hinaus. Er erweitert es um die
Dimension der Eltern- und Großelterngeneration, um
die Frage, was Heimat sein und ob man eine brauchen
könnte, um eine scheinbar erbliche Zurückweisung durch
die Eltern und deren Kompensationsversuche. Diese Eltern-Kind-Störung
lässt sich auf das Verhältnis der Deutschen
zu den Amerikanern übertragen. Denn man »hasst
doch immer nur das, was einem zu ähnlich ist«.
Von Mimikry-Stoffen
Boehning studierte Kulturwissenschaft, Philosophie,
Kunstgeschichte und arbeitete ausschließlich als Graphikdesignerin,
als das Literarische Colloquium Berlin ihre
Texte zur Autorenwerkstatt Prosa annahm. Es folgten die
Teilnahme beim Open Mike und das Alfred-Döblin-Stipendium
der Akademie der Künste.
Boehning dreht in ihren Texten Merkwürdigkeiten,
die ihr als Graphik-Designerin begegnen, gern »ein
Schräubchen weiter«: Evis Tochter Nele lebt als Turnschuh-
Designerin in den USA. Ihre Diplomarbeit beschäftigt
sich mit einer Art ziviler Tarnkleidung aus »Mimikry-Stoffen«,
die ihren Träger hinter dem Stoff zurücktreten und
verschwinden lassen soll, »als trage jemand die zu ihm
passende Welt mit sich herum«. Als Nele an der Entwicklung
einer ›transparenten‹ Turnschuh-Marke mitwirken
soll, die über ihr scheinbares Nicht-Vorhandensein, »ihre
vollkommen unauffällige, nicht bewusst wahrnehmbare
Allgegenwart« ihren Weg an die Füße der Konsumenten
finden soll, macht sie Schluss mit dem »Leben ohne Ankommen«
und nimmt an Stelle ihrer Mutter die Suche
nach Großvater und Gemälde auf. Diese seien die eigentlich
»lichten Stoffe«, die Boehning als »Fäden, die schnell
reißen, aber eigentlich überall vorhanden sind zwischen
Menschen, innerhalb der Familie« beschreibt. Dort, wo sie
»eigentlich am stärksten sein sollten, sind sie am lichtesten,
am durchsichtigsten.«
Lügen oder getarnte Turnschuh-Marken werden zur
Wahrheit, »weil jemand sie glaubt«. Schließlich erfindet
auch Nele eine Lüge, die zur Wahrheit wird, weil ihre
Mutter sie glaubt. »Kunst kann mehr transportieren als
Menschen aussprechen«, sagt Boehning. So spricht der Roman
nicht mehr nur von Turnschuhen und totgeschwiegenen
Vätern, sondern von Kunst und Literatur: Lügen,
die die Wahrheit sprechen.
Die impressionistisch leichte und schwebende Erzählweise
erhellt in Vor- und Rückblenden immer genau
so viel, wie notwendig ist, um eine sirrende Spannung
aufrecht zu erhalten. Am Ende wundert man sich beinahe,
dass aus all den einzelnen, fragilen Lichtzipfeln seiltänzerisch
sicher und scheinbar mühelos ein vollständiges Bild
der Geschichte entstehen konnte, das tatsächlich einem
Degas-Gemälde gleicht: Eine Geschichte, die »sich auflöst,
um sich zugleich spüren zu können.«
»Lichte Stoffe« von Larissa Boehning,
Eichborn, Berlin 2007, 324 S., € 19,95
Fliehe den Pfad.
mark z. danieleWskis »Das
Haus. House of Leaves« ist ebenso
Anleitung zum nichtlinearen
Lesen wie virtuose Postmoderne-
Parodie
text: jochen werner
»Unerachtet der prosaischen Aufklärung musste ich doch
noch immer, vorübergehend, nach dem öden Hause hinschauen,
und noch immer gingen im leisen Frösteln, das
mir durch die Glieder bebte, allerlei seltsame Gebilde von
dem auf, was dort verschlossen.«
e. t. a. hoffmann
»In every dream home a heartache.«
roxy music
und so lässt Danielewski die Erzählung von »Das Haus. House of Leaves« in zahlreiche Nebenstränge mäandern,
die sich um sein enigmatisches Zentrum herum verknoten. Dieses Zentrum, daran besteht im Grunde
niemals ein Zweifel, ist leer. Muss leer sein. »Das Haus. House of Leaves« ist ein Roman über Architektur und
über das Nichts und wie sich die erstere über das zweitere legt und so den Anschein erweckt, aus dem Nichts
ein Etwas zu schaffen. Danielewski erzählt, wie sich die Leere, das absolute
Abhandensein, ihren Platz in den unsichtbaren Zwischenräumen
unserer Leben neu erobert; wie sie sich, wo ihre Existenz erst einmal
(an)erkannt wird, in ihrer eigenen Logik verzweigt und verästelt und
immer umfassender wird, werden kann, weil sie nicht mehr an den Rahmen
der Veräußerung gebunden ist. Die einzige Logik, der das Haus in Danielewskis Buch folgt, ist die des Regelwerks
seiner individuellen Kombinatorik. Überdies ist »Das Haus. House of Leaves« aber auch eine furiose
Parodie auf die Systematisierungsversuche des Nicht-Systematischen durch die Glätter und Schubladendenker
von academia. Jede Fußnote darin, so sie nicht wieder auf einen ganz eigenen Nebenpfad führt und so den
›Gegenstand‹ des Buches – gewandet in die Mimikry eines durch viele Hände gewanderten, von, keineswegs
vertrauenswürdigen Autoren, Redakteuren und Kopisten durchgearbeiteten und in der Textwelt noch einmal
verdoppelten Manuskriptes – für Dutzende von Seiten fast völlig im Stich lässt, verspottet jene Leser, Deuter
oder Sortierer, die ein Sinnzentrum, einen decodierbaren Kern eines Romans erwarten oder ihn dort zu erkennen
glauben, wo er per definitionem fehlen muss. Somit muss Danielewskis Buch auch so umfangreich
sein, wie er es geschrieben hat – müsste im Grunde noch viel länger sein, müsste sich ebenso wie die Flure des
Hauses in unendliche Weiten erstrecken, sich zusammenziehen und ausdehnen, erzählte Zeit wie Erzählzeit
gleichermaßen falten, und irgendwann den Leser – den Bewohner dieses Romans – einfach verschlucken. 172
Edgar Allan Poe, E. T. A. Hoffmann, Sigmund Freud,
Jacques Derrida, Daniel Myrick, Eduardo Sánchez,
Stephen King, Rainer Maria Rilke, Stanley Kubrick,
W. J. T. Mitchell, Roland Barthes, Jorge Luis Borges,
Und dabei müsste es rein gar nichts sagen, müsste nur Räume öffnen und schließen. Weil dies jedoch ein nicht
erfüllbares Ideal für einen Konzeptroman dieses Zuschnitts darstellt, kommt Danielewski um eine Erzählung
doch letzten Endes nicht ganz herum. Die minutiöse, dokumentarisch-protokollarische Nacherzählung des
an »The Blair Witch Project« gemahnenden, fiktiven Dokumentarfilms »The Navidson Record« ordnet »Das
Haus. House of Leaves«, das doch so gerne Antithese zur Erzählliteratur wäre, letztlich dann doch nur einem
Genre zu: dem Schauerroman. Stephen King für Literaturstudenten. Zwischen diesen beiden Polen seiner
Arbeit, in den unendlichen, schweigenden Zwischenräumen geht letztlich auch der Autor selbst verloren, was
nur zu einem Schluss führen kann: »Das Haus. House of Leaves« ist mehr Spielzeug als Literatur, und
172 Natürlich ist eines der grundlegenden Verfahren der Popliteratur – und wir wollen einmal davon ausgehen, dass es sich bei
Danielewski um einen Pop-Autoren handelt – das schlichte Vollschreiben von Seiten. Egal, womit. Alles ist gleich viel wert.
Nichts anderes verbirgt sich hinter der jüngst florierenden Listen-Literatur, und nichts anderes rechtfertigt das endlose Verzetteln
in Aufzählungen, Fußnoten, Quellenangaben, mittels derer Danielewski seine Geschichte buchstäblich in Stücke schießt. 173
173 Aber ebenso selbstverständlich verbirgt sich hinter dieser Methode eine schiere Finte eines
Autors, der so dem Zwang entgeht, etwas zu sagen zu haben. Immer ist da ein Wall von Ironie, der
zwischen Text und Gegenstand einerseits bzw. Text und Leser andererseits treten kann. Um zwischen
den Fußnoten und den Fußnoten zu den Fußnoten175 nicht verloren zu gehen wie die Protagonisten
in den endlos verzweigten Zwischenräumen ihrer eigenen vier Wände176 , bedarf es schon eines
überwältigenden schriftstellerischen Talentes, über das Danielewski eher nicht verfügt. 174
174 Dafür ist er ein furioser Handwerker und ein virtuoser Taschenspieler. Auf den immerhin über 800 Seiten von »Das Haus.
House of Leaves« verblüfft er immer wieder mit formalen Spielereien, die seinen Roman durchaus zu tragen vermögen.
175 Vgl. ebd.
176 Ist nicht aber das des Ziel des Romans? 177
177 Macht das wirklich einen Unterschied?
»Das Haus. House of Leaves« von Mark Z. Danielewski,
aus dem Amerikanischen von Christa Schuenke,
Klett-Cotta, Stuttgart 2007, 827 S., € 29,90
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»Wir müssen
uns nur
wieder
entschnüren«
jonathan meese ist mutter parsival – Performance an der Deutschen Stattsoper in Berlin am 16.3.2005
jonathan meese über ein Leben
im Spiel, die Diktatur der Kunst und
den revolutionären Druck der totalen
Veränderung
text, interview: kerstin roose
fotos: jan bauer / courtesy contemporary fine arts, berlin
Seit 2004 bist du immer wieder an der Volksbühne tätig.
Was bedeutet es für dich, gerade an diesem Haus zu
arbeiten?
Für mich ist das ein familiäres Energiezentrum. Da sind
Leute, die ich mag. Ich kenne die, ich finde die toll. Ich
habe da niemanden kennen gelernt, den ich nicht mag.
Niemanden! Das gibt es nicht, weil das ja Leute sind, die
an einer großen Sache arbeiten. Das ist auch in der Kunst
selten zu finden, weil es dort so vereinzelt ist. Ich habe
Glück gehabt, dass ich damals von solchen Leuten angesprochen
wurde. Und man muss weitermachen. Man hat
da angeheuert, wie auf einem Schiff und jetzt fährt man
durch die Meere. Ich finde es gut, wenn man bei seinen
Figuren bleibt.
Könntest du rückblickend deine Begegnung mit »De Frau«
beschreiben?
Das war für mich ein ultimatives Kunstgeschehen. »De
Frau« war die Diktatur der Kunst. Und für mich dieses
Jahr das ultimative Kunstwerk – und auch für alle Zeiten,
das ist nicht mehr weg zu diskutieren. Ich war auch nicht
wirklich ein Regisseur. Für mich war das wie so ein Tierbabyzoo.
Wie eine Insel, wo man sich getroffen hat, die
geheimnisvolle Insel des Dr. No, und dort waren acht Statuen,
die haben miteinander gespielt.
Du meinst im wahrsten Sinn des Wortes, im
ursprünglichen Sinn von ›spielen‹?
Absolut. Die Kritiker konnten damit gar nicht umgehen.
Das verstehen die gar nicht.
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jonathan rockford (don‘t call me back) – Solo show in the Appel Museum, Amsterdam, Netherlands, 2007
Im Feuilleton wurde der Inszenierung teilweise der
Stempel eines ›Kindergeburtstages‹ aufgedrückt. Wie
reagierst du auf solche Wertungen?
Ich finde es langweilig. Weil es das auch nicht ist. Das ist
die allererste Schicht im Bonbon. Die ist aber ganz dünn.
Wenn du die weglutschst, dann kommt sofort etwas ganz
anderes zum Vorschein. Und ich glaube, davor haben die
Leute Angst. Das dreht nämlich alles um, das ist ein Paradigmenwechsel.
Im Grunde genommen ist es gefährlich.
Ein Kind zu sein, heute, in dieser Zeit, ist wahnsinnig gefährlich.
Das merken die Leute und deshalb wollen die das
auch nicht. Die sind selber so versteinert und verknöchert,
die peilen auch nicht, dass man da einfach auf die Bühne
geht und loslegt. Die denken, das ist geplant, strukturiert,
das hat ein Ziel, einen Anfang, ein Ende, das ist Kindertheater,
Kasperletheater. Stimmt ja auch! Aber das ist doch
super. Was ist schöner als Kasperletheater oder Kindergeburtstag?
Das ist so ernst und so herrlich, wundervoll,
charmant und präzise. Da wird ein Jahr wieder neu eingeläutet:
neues Spiel, neues Glück. Man selbst setzt wieder
alle Hebel in Gang. Die Fahrt geht los, man nimmt Fahrt
auf und manche Leute peilen das nicht. Aber das ist ihr
Problem, es wird sie wegschwemmen, in ihre eigene Erstarrtheit.
Mit diesem Wagnis des freien Spielens riskiert man sehr viel.
Man macht sich damit auch sehr verletzbar.
Ja, das stimmt. Deshalb bin ich auch sehr erschöpft. Das
begreifen die Leute aber immer gar nicht. Ich bin wahnsinnig
erschöpft. Aber das gehört auch dazu, das muss
man sich gönnen.
Woher kommt dennoch diese hypnotisch wirkende Energie,
mit der du deine Arbeiten, die Performances betreibst?
Ich glaube an die Revolution der Kunst. Und da kann man
so frei aufspielen. Da kann man einfach Dinge machen,
die man sonst nicht machen kann, da kann ich alles machen.
Das wird nur nicht mehr erlaubt. Natürlich wird es
erlaubt, aber man muss es sich fast schon mit Waffengewalt
holen. Es ist so weit weg.
Aber wird dir nicht mittlerweile relativ viel erlaubt? Weil
du dich als Künstler oder auch als Jonathan Meese etwas
weniger im normativen Korsett des realen Alltags bewegst?
Ja, das stimmt. Ich find das auch super. Ich weiß auch nicht,
wie es dazu gekommen ist. Aber das ist auch sehr anstrengend.
Man soll immer in die Realität gezogen werden. Die
Leute wollen mich immer wieder so anketten oder mir
dann sagen, dass das alberner Scheiß ist. Natürlich ist das
alberner Scheiß, aber was soll es denn sonst sein? Das ganze
Leben ist ein alberner Dreck, so wie es gelebt wird heute.
Wie leben denn die Menschen? Das ist doch Wahnsinn:
totale Bevormundung, die Leute fühlen sich frei, sind aber
komplett unfrei. Das Gefühl wird den Leuten die ganze
Zeit vermittelt, keine Frage, aber wie dann letztendlich
gelebt wird, dass ist eine ganz andere Sache.
Ist es nicht auch nachvollziehbar, dass man sich aus
gewissen Ängsten heraus bestmöglich in seinem kleinen
realen Leben einrichtet?
Doch. Aber das kann man sagen. Man kann das mal auf
den Tisch bringen. Ich habe auch wahnsinnig viel Angst.
Gerade – kurz bevor ich dich getroffen habe – habe ich
gedacht, das Schlimmste ist die Angst. Uns wird so eine
wahnsinnige Angst gemacht. Aber Angst vor Spielen brauchen
wir nicht zu haben.
Dann bildet das Spiel, die Kunst für Dich auch so etwas wie
einen Schutzraum?
Absolut. Da können wir auch Angst haben, aber wir wissen,
dass diese Angst uns nichts anhaben kann. Das ist einfach
ein wunderbarer Sandkasten. Kunst ist eh Spielzeug.
Auch jemand wie Hitler ist in der Kunst ein Spielzeug. Alles
ist ein Spielzeug: Wasser, ein Lolli, Scheiße – und das
kannst du mischen und manschen, wie du willst. Du tust
damit auch niemandem weh. Niemandem! Wer sich dort
provoziert fühlt, hat selbst ein riesiges Problem. Denn die
Kunst ist doch gerade dieser Ort. Man muss es sich ja nicht
angucken.
Lässt sich die Realität derart von ihren bösen Geistern
reinigen?
Absolut. Die reinigt sich nur durch den Katalysator Kunst.
Und die Kunst ist mächtiger als die Realität. Und ich glaube,
sie wird sie auch irgendwann ersetzen, das ist dann die
Diktatur der Kunst. Wenn die Diktatur der Kunst herrscht,
wenn die Kunst größer ist, so groß, dass die Realität weggedrängt
wurde, dann wird eine neue Gesellschaftsordnung
existieren.
In welcher Gesellschaftsordnung würde man dann leben?
Im Spiel. Im Grunde genommen lebt man erst dann wirklich.
Wir sind noch in so einer Zwischen- oder Vorform.
Wir denken immer, wir leben. Aber wir vegetieren. Die
meisten. Ich auch. Wir vegetieren alle. Wir hängen alle
am Tropf der Realität, dieser einen einzigen, bitteren
Realität. Und es gibt so viele andere Möglichkeiten. Wir
müssen unsere Chance nutzen. Wir haben uns selbst so
abgeschnürt, alles. Wir müssen uns nur wieder entschnüren,
das ist nicht so schwierig. Da kann man helfen (lacht).
Man hat noch nichts verloren. Und die Kunst kann das
regeln. Wenn ich also meine zugeschnürte Hand in die
Kunst lege, dann wird sich das aufweichen, dann wird wieder
Blut fließen können, dann wird wieder Stoffwechsel
passieren. Das kann ich aber nicht in der Realität. Wenn
ich mich zu sehr in der Realität aufhalte und glaube, dass
das das Heilmittel ist, dann werde ich immer verkrampfter,
ich werde mich immer mehr zuschnüren. Weil diese
Realität wie ein Raum ist, der immer enger wird. Wie in
diesen Horrorfilmen. Und irgendwann mal, da wirst du
zu so einem kleinen Würfel zerdrückt. Dann bist du Würfelzucker.
Für irgendwelche miesen Typen. Und das muss
man nicht sein.
Kannst Du das noch genauer erklären, also wie man
sich die Ablösung vom Tropf der Realität durch die Kunst
vorstellen kann?
Im Grunde genommen ist das wie zwei Höhleneingänge.
Bislang sind die Menschen immer nur in die eine Höhle
gegangen und da ist alles zertrampelt, da ist überhaupt
kein Spielraum mehr. Komischerweise sind sie trotzdem
nie in die andere Höhle gegangen. Oder nur ein ganz
kleines bisschen. Oder nur ganz wenige. Und das ist nicht
schwierig, das ist auch nichts Besonderes. Du brauchst
keine Fähigkeiten, um da rein zu gehen. Du musst es nur
machen. Aber komischerweise gibt es diese eine Höhle,
wo noch fast niemand drin war. Da muss man einfach
reingehen. Das ist die Höhle namens Kunst. Und die ist
wahrscheinlich fünf Milliarden – Tausend – Trillionen mal
größer als diese eine Realität, die wir haben. Das ist aber
kein Paralleluniversum.
Kein Paralleluniversum, aber in welchem Verhältnis stehen
diese zwei Höhlen zueinander?
Die eine ist zertrampelt, überfüllt und so uncharmant,
problematisch und wichtig geworden. Das ist die, in der
wir uns gerade befinden. Da können wir nur noch ohnmächtig
werden, weil wir keine Luft mehr zum Atmen
haben. Das andere ist der revolutionäre Druck der totalen
Veränderung. Das ist die andere Höhle. Die sagt eigentlich
nur:»Es kann und es wird sich total verändern.« Das ist wie
eine Botschaft. Die kommt aber nicht von mir, die kommt
von der Höhle. Die Höhle sagt: »Ihr seid alle willkommen
und hier, in dieser Höhle, kann gespielt werden.« Aber
wir gehen auf dieses Angebot nicht ein, zumindest wenige
und zu wenige. Das ist schade. Ich kann das auch nicht
richtig erklären, weil ja noch niemand in der Höhle war.
Aber ich habe schon mal reingeguckt, das kann ich schon
zugeben. Und ich war auch schon ein paar Schritte drin.
Und bist Du umgekehrt? Oder wurdest Du wieder raus
gesogen?
Ich wurde raus gesogen, ja. Meine Befindlichkeit ist auch
noch zu groß. Da ist noch zuviel Ich. Aber das ist auch okay,
wir sind halt so: Menschen. Aber zum Beispiel jemand wie
Captain Ahab, also bestimmte Figuren aus bestimmten
Büchern, die sind in der Höhle drin.
Das klingt für mich doch eher nach einer Parallelwelt.
Ja, aber irgendwann wird diese Parallelwelt so stark, dann
wird sie die Gesetze für die reale Welt formulieren. Aber selber.
Das ist wie Risse in der Höhle, und dann wird ein Austausch
stattfinden. Die können wir aber nicht bauen, die
Risse. Die können wir nicht selber erzeugen. Wir können
nur spielen und hoffen, dass diese Risse sich selbst bilden.
Das komplette Interview unter www.goon-magazine.de
jonathan meese, 1970 in Tokio geboren, lebt und arbeitet in
Berlin und Hamburg. Neben zahlreichen Ausstellungen und
Performances weltweit ist er seit 2004 immer wieder auch an
der Berliner Volksbühne tätig. Dort hat er die Bühnenbilder zu
Frank Castorfs Inszenierungen »Kokain« und »Die Meistersinger«
entworfen und mit »De Frau« seine erste Regiearbeit
präsentiert. Im Februar 2008 wird er erneut als Bühnenbildner
an Frank Castorfs »Faust«-Inszenierung beteiligt sein.
2 1 worte
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performativ text: astrid hackel
Mit der Parole »Kampnagel besetzen!« hat Amelie Deuflhard,
die Ex-Chefin der Berliner Sophiensæle, nicht nur
die Weichen für die einstige Topadresse unter den Off-
Spielstätten, eine ehemalige Maschinenfabrik in Hamburg,
neu gestellt – sie macht mit der Anspielung auf die
lange Tradition der Hamburger Hausbesetzungen, wie die
der Roten Flora oder der Hafenstraße, auch auf die lokale
Verankerung einer international arbeitenden Institution
aufmerksam. Poppig, punkig und politisch ist die neue
Website, aber auch global, diskursiv und interdisziplinär.
Statt klassisch-konventioneller Buttons gibt es auf WWW.
kampnagel.de originell-verquere Foren wie »Bühne
und Beute«, »Treibstoff Wissen«, »Meins/Deins« und »Musicflash«.
Deuflhard und ihr Team setzen auf einen radikalfulminanten
Neubeginn und gleichzeitig auf Kontinuität:
Die erfolgreiche Zusammenarbeit mit freien Gruppen wie
She She Pop oder Showcase Beat le Mot soll fortgesetzt
werden; die wichtigste Aufgabe sieht Deuflhard jedoch
nach wie vor darin, neuen, talentierten KünstlerInnen
Räume zu eröffnen und Koproduzenten für ihre Arbeiten
zu finden. Der Berliner Regisseur David Marton ist so eine
Entdeckung. Seine vielgelobte, musikalische Adaption
»der feurige engel« nach einem Roman von Valeri
Brjussow steht Mitte Dezember auf dem Programm.
Marton konfrontiert eine im 16. Jahrhundert spielende
Geschichte über Hexen und Dämonen mit der Gegenwart
und fragt nach den Möglichkeiten, die unvorhersehbaren
Momente als Zufall oder Fügung ins Leben zu integrieren.
Es sind diese auf das antike Theater zurückverweisenden
Konflikte, die immer wieder neu theatralisiert und aktualisiert
werden, weil sie eine menschliche Grunderfahrung
widerspiegeln. Die Regisseurin Britta Schreiber nimmt
sich in Braunschweig gerade »us amok« vor, ein Stück
über den ›Unabomber‹ Theodore Kaczynski, dessen Briefbombenattentate
in den USA zwischen 1978 und ’9 für
Schlagzeilen sorgten. Dessen Autor, Marc Becker, interessierte
unter anderem genau dieses Moment: dass da ein
hochbegabter Mathematikprofessor seinen Dozentenjob
David Marton »Der feurige Engel«
© David Baltzer
aufgibt und seine Wohnung verlässt, um in den Tiefen
der Wälder von Montana ein sehr einfaches, quasi vorindustrielles
Leben zu führen. Bei Becker fungiert es als
eine Art Folie für die Identitätssuche von vier jungen, mit
der Gesellschaft irgendwie unzufriedenen Leuten, die am
Ende des Stücks kurz vor der Entscheidung stehen, eine
radikale Veränderung, eine Explosion herbeizuführen.
Nach Antworten auf die gesellschaftlichen Probleme
suchten auch die jungen Aktivisten der RAF. Diese stand
zu Beginn der Spielzeit, als sich der so genannte Deutsche
Herbst zum dreißigsten Mal jährte, nicht nur in Zeitungen
und Fernsehen, sondern auch auf den Bühnen im Mittelpunkt.
Ein Gros der Dramentexte fokussiert die Gesichter
der RAF, allen voran Ulrike Meinhofs. Auch sie verkörpert
eine radikale Wandlung – von der emanzipierten konkret-
Journalistin zur Untergrund-Terroristin. »der tod des
eichhörnchenmenschen« von Mal /gorzata Sikorska-Miszcuk
ist ein Stück über Ulrike Meinhof. Marcin
Liber brachte es zusammen mit dem Teatr ustausta/2xu
aus Polen zur Uraufführung. In dem rasanten »Bühnencomic«
(HAU) werden nicht nur Fragen nach Gut oder Böse
und der Legitimität von Gewalt gestellt, es geht auch um
die Machart von Nachrichten und wie durch sie Wirklichkeit
konstruiert wird. Liber setzt auf den Wechsel schneller
Spielszenen mit Foto- und Videomaterial aus den 1970er
Jahren und der Gegenwart. Im Zusammenspiel mit electronoise
und deutlicher Symbolik ergänzen Pop, Punk und
Politik Libers diskursiv-analytische Formsprache.
»Der feurige Engel«, Regie David Marton, 19., 20., 21.12.,
Kampnagel Hamburg
»US Amok« von Marc Becker, Regie: Britta Schreiber, 6.,
7., 12., 19. und 27.12., Staatstheater Braunschweig
»Der Tod des Eichhörnchenmenschen« von Malgorzata Sikorska-
Miszcuk, Regie: Marcin Liber, 14., 15.12., HAU 3, Berlin
Anleitung zur
deutsch-polnischen
Versöhnung
adam olscheWskis Debütroman
überzeichnet interkulturelle
Liebesbeziehungen
text: agnieszka mucha
Deutsche Männer sind attraktiv, arbeitsam, dröge. Polnische
Frauen gutaussehend, feierfreudig, arbeitsscheu,
unschlagbar: Obwohl wir wissen, dass alles nur konstruiert
ist, bestimmen vereinfachende Stereotype unsere
Wahrnehmung.
In seinem Debütroman »Ewa« bedient sich Adam
Olschewski dieser Vorurteile, um einen erschreckenden
»Kampf der Geschlechter und Kulturen« zu zeichnen.
Protagonisten sind die junge Polin Ewa und ihr Lebensgefährte,
der Deutsche Rainer. Die beiden lernen sich auf einer
Zugfahrt kennen, als Ewa einen Kellner zur Schnecke
macht, weil es im Bordrestaurant kein Aspirin mehr gibt.
Da hilft ihr Rainer, selbstlos wie er ist, mit einer Schmerztablette
aus. Statt sich einfach zu bedanken, fühlt sich
Ewa herausgefordert und nervt Rainer, bis er sich mit ihr
unterhält. Auf Seite 90 ist sie schon bei ihm eingezogen,
und während er arbeitet, fährt sie mit seinem Benz zum
Einkaufen oder liegt, eingelegte Gurken und Schokolade
essend, vor dem Fernseher. Alles könnte wunderbar sein,
bliebe da nicht langsam die Liebe auf der Strecke.
Blitzschnell, in rasanter Sprache erzählt der 1966 in
Polen geborene und in Deutschland lebende Journalist Olschewski
die Geschichte einer sich stetig intensivierenden
Hassliebe, die in Spott und Verachtung mündet. Virtuos
wechselt er die Personenrede: der Liebesroman wird zum
Thriller. Die furiose Ewa verwandelt sich in Barb Wire,
Inbegriff des Kitsch und der trashig-weiblichen Heldenperson.
Rainer ist nicht schuld, aber das ihm fehlende
Östrogen. »The Story of Us« in Hardcore-Version. Die Gegensätze
zwischen Polen und Deutschen sind nur eine der
die Realität regierenden Dichotomien, deren Ausgangspunkt
der scheinbar unüberbrückbare Gegensatz der
Geschlechter ist. Konstruierte Klischees finden in diesem
Roman auf allen Ebenen ihre Widerspiegelung.
»Ewa« von Adam Olschewski, Rogner &
Bernhard, Berlin 2007, 343 S., € 19,90
Drei Sommer später
Weil man nie ganz dahinter steigt:
roman simićs »In was wir uns verlieben«
text: astrid hackel foto: christian kortüm
Sie atmen schwere, nasse Erde und alte Häuser oder Parfüm
und Formalin, die Geschichten des kroatischen Autors
Roman Simić. Leise Geschichten über Menschen, die
ein Stück ihrer Bodenhaftung verloren haben und deren
Gedanken, paralysiert von fremd gewordenen Kindheitserinnerungen,
unablässig um ein leeres Zentrum kreisen,
aus dessen unergründlichen Tiefen ab und zu ein metaphysisches
Problem aufsteigt. »Ich stelle mir bisweilen vor,
dass wir jede Erinnerung wieder zurückholen können, so
wie eine Fotografie, die [...] erst drei Sommer später zur Entwicklung
gegeben wird.«
Simićs Erzählungen beziehen gerade aus der Langsamkeit,
den fehlenden Worten und der Tatsache heraus,
dass man nie ganz hinter die Handlung und ihre Protagonisten
– die Voraussetzungen, den Ist-Zustand, die Möglichkeit
einer Lösung – steigt, ein enormes Tempo. Ihm
gelingt es, Alltägliches als ein Konglomerat aus Absurdität
und Tragik, Nähe und ironischer Distanz zu schildern. Der
Leser wird zum unfreiwilligen Zeugen einer privaten Auseinandersetzung,
die keiner verbalen Äußerung bedarf
und sich wie zufällig vor seinen Augen abspielt, als säße
er als Anhalter bei Roko und seinem Vater oder bei den
jungen Liebenden mit im Auto, die sich gerade gegen ein
Kind entschieden haben, weil sie selbst kaum über die
Runden kommen. Doch man spürt aus jeder zähen Sekunde,
die verstreicht, wie schlecht es sich anfühlt und wie
wenig sie sich gegenseitig dabei helfen können, mit dem
Verlust fertig zu werden.
»In was wir uns verlieben« versammelt Liebesgeschichten
im weitesten Sinne, weil jede einzelne Geschichte
diese Frage impliziert und variiert, wodurch die Liebe zu
einer universellen Metapher für die Daseinsberechtigung
jedes Einzelnen wird.
»In was wir uns verlieben« von Roman Simić, aus dem
Kroatischen von Alida Bremer, Buch mit Audio-CD, Voland
& Quist, Dresden und Leipzig 2007, 224 S., € 18,90
4 1 worte
worte 1
ADAM OLSCHEWSKI
Ewa
Roman
ROGNER & BERNHARD
review

eview
Ausbeutung von
Fremdbiographien?
In »Pazifik Exil« literarisiert michael
lentz Literaten
6 1 worte
text: annika schmidt
»Letzte Ausfahrt Heimat«
hieß es in Michael Lentz
erstem Roman »Liebeserklärung«
(2003) metaphorisch.
In seinem neuen,
zweiten Roman »Pazifik
Exil« wird diese Phrase variiert
zur wortwörtlichen
»letzten Ausfahrt, Amerika«.
Denn den Figuren
Bertolt Brecht, Franz
Werfel, Lion Feuchtwanger,
Arnold Schönberg,
Thomas und Heinrich
Mann bleibt angesichts
des NS-Regimes nur das
pazifische Exil. Lentz
interessiert sich dort
weniger für ihre faktische Lebens-, als vielmehr
ihre mögliche Gedankenwelt. Denn »Geschichte
ist Geschichte, und jeder hat seine eigene Version von ihr.«
Und die Variante des Lyrikers Lentz ist natürlich kein
Psychogramm, kein historischer Roman, kein politisches
Engagement, sondern sprachbesessene wie sprachkritische
Reflexion. In kühlem, verknapptem Duktus webt
er unzählige Leitmotive in den Text, wechselt ständig
die Erzählperspektive und umklammert den Roman mit
einer lyrisch-mythologischen Allegorie. Die zentralen
Themen Exil, Erzählen und Erinnern werden – ganz nach
Walter Benjamins Methode des konstellativen Denkens
– in immer anderen Zusammenhängen neu kombiniert,
strapaziert oder gar destruiert. Die Künstler, ihre Lebensumstände,
ihre Schriften bilden dafür lediglich den Hintergrund.
Sie sind nicht Motiv, nur Material. Respektlos?
»Ausbeutung von Fremdbiographien? Ja, was um Himmels
willen soll ein Roman denn anderes sein?«, so Lentz’ Werfel.
Vielleicht eine anständige chronologische Erzählung?
Aber etwas von vorn nach hinten glatt durch zu erzählen,
das ginge gar nicht, so Lentz’ Schönberg. Und Emotionalität
hält sein Brecht schon für emotionale Erpressung. Und
was Erzählen wissen soll, weiß sein Thomas Mann auch
nicht. Die Figuren von Lentz wollen bei empfindsamer Erinnerungs-Trümmer-Literatur
also einfach nicht mitspielen.
Und das ist literarisch und gut so.
»Pazifik Exil« von Michael Lentz, S. Fischer,
Frankfurt am Main 2007, 463 S, € 19,90
Kein Glück, aber ein
roter Hut in Mexiko
monika maron hat in »Ach Glück«
die Geschichte von Johanna mit
neuer Stringenz und gewohnter
Sprachschönheit fortgesetzt.
text: patrick küppers
Schlimmer als ein Feind ist es manchmal, keinen Feind
mehr zu haben. Monika Maron wurde bekannt mit Geschichten
von Frauen, die sich gegen das System der Enge
und Langeweile in der DDR auflehnen und doch darin
leben müssen. Die DDR verschwand. Die große Freiheit
hielt Einzug, und dennoch steht Johanna, in ihrer frischen,
schlagfertigen Intelligenz ganz eine Maron-Figur,
an einem völligen End- und Totpunkt ihrer Lebensbezüge
und weiß nicht, wie ihr geschah. Diesen ennui hat Maron
in dem verstörend richtungslosen Roman »Endmoränen«
von 2002 beschrieben. »Ach Glück« schließt an dieses
Buch an, und schon die kompositorische Stringenz macht
hier eine neue Dynamik in Johannas Geschichte deutlich.
Sie verlässt den allerkleinsten Kreis der Lebensgewohnheiten
und wagt den Sprung ins Ungewisse. Um einer
ihr persönlich unbekannten Frau auf einer vagen Suche
zu helfen, fliegt sie nach Mexiko. Während des gesamten
Buches sitzt Johanna im Flugzeug, liest Briefe und denkt
nach. Unterdessen streift ihr Mann Achim ebenso durch
Berlin wie durch seine Erinnerungen.
Die wendige Ironie, die spröde Schönheit in der
Schreibe Monika Marons lassen »Ach Glück« nie auch nur
in die Nähe von platter Glücksformelliteratur geraten. Da
ist einfach Johanna, die sich fragt, ob, wenn man versucht,
sich neu zu erfinden, das Alter nicht egal ist. Ihre neunzigjährige
unbekannte Freundin, die mit einem roten Hut in
Mexiko auf sie wartet, hat es ihr vorgelebt.
Und wir tun nichts lieber, als Johanna
auf dem Weg dahin und darüber hinaus
zu begleiten.
»Ach Glück« von Monika Maron,
S. Fischer Verlag, Frankfurt
a.M. 2007, 224 S., € 18,90
zensiert
Feministische Hure
virginie despentes übt Kritik am PorNo
text: annika schmidt
Die deutschsprachige Veröffentlichung von Virginie Despentes
pro-pornographischem Essay »King Kong Theorie«
erscheint gerade rechtzeitig. Denn die konservativ-feministischen
Zeitschrift »Emma« startet zum dritten Mal
– nach 1978 und 1988 – eine PorNo-Kampagne. Und
natürlich muss in den Artikeln – neben Film, Musik und
MySpace – die Mode mal wieder als Spiegel der angeblichen
Pornographisierung der Gesellschaft herhalten.
text: jochen werner foto: nici.cat – fotolia.com
zensiert
»sei unbesorgt ich werd wenn wir uns / wiedersehn an dir
vorübergehen dem / blinden der sich vor mir bückt eine /
liebe vor die füsse werfen« – um Verlust, Verlangen, Melancholie
geht es häufig in den Gedichten des Münchner
Lyrikers Albert Ostermaier. So scheint es dann auch nur
folgerichtig, dass der Suhrkamp Verlag nun unter dem
Titel »Für den Anfang der Nacht« eine Sammlung von Liebesgedichten
aus insgesamt sechs zwischen 199 und 2006
publizierten Lyrikbänden des Dichters (von »HerzVersSagen«
bis »Polar«) vorlegt. Das schmale Bändchen ist in vier
thematische Abschnitte gegliedert, umfasst insgesamt 83
Gedichte – darunter auch neun bisher unveröffentlichte
Texte – und bietet einen durchaus brauchbaren Einstieg
in das Werk Ostermaiers. Zwar sind nicht alle ausgewählten
Gedichte zu den größten Würfen des Dichters zu zählen,
auch leidet manch ein Text an der Herauslösung aus
dem konzeptuellen Kontext des Einzelbandes – und doch
scheint es immer wieder unmöglich, sich der Sprachgewalt
Ostermaiers zu entziehen. Dieser ordnet seine Zeilen in
mehr oder minder symmetrischen, langen und schmalen
So stört sich die Leiterin des Campus Verlags Annette C.
Anton am Schlüpfer-Monopol des String-Tangas, denn
ihr sei es wichtig, sich selbst auch in Unterwäsche »einen
halbwegs würdevollen Anblick« zu bieten und nicht »wie
eine Stripperin« auszusehen. Genau diese Verknüpfung
von Sexarbeit und Würdelosigkeit bemängelt die Autorin
des verfilmten Romans »Baise-moi« Despentes. Denn das
einzige moralische Problem an Prostitution und Pornofilmen
sei die gesellschaftliche Aggressivität, mit der die
working girls behandelt werden würden. Es gebe einerseits
die Nachfrage nach (Bildern von) willigen Frauen.
Andererseits und paradoxerweise würden die Darstellerinnen
unter dem Deckmantel des Schutzes der »Würde
der Frau« gerade für die Befriedigung dieser Erwartungshaltung
in einen Teufelskreis von Missbilligung, Schamgefühl
und Stigmatisierung gedrängt. Eine tatsächliche Hilfe
wäre nach Despentes weder das Verbot ihrer Tätigkeit
noch die Zensur bestimmter sexueller Darstellungs- und
Ausdrucksformen, sondern die Verbesserung ihrer Arbeitsbedingungen.
Virginie Despentes möchte also, dass
sich Sexarbeiterinnen von der »Einheitskategorie Opfer«
im Besonderen und Menschen von festgeschriebenen
Geschlechterrollen im Allgemeinen befreien. Sie erfindet
die Queer-Theorie oder die »feministische Hure« (Carol
Queen) nicht wirklich neu. Aber manches kann den Por-
Nolern einfach nicht oft genug erklärt werden.
»King Kong Theorie« von Virginie Despentes,
aus dem Französischen von Kerstin Krolak,
Berlin Verlag, Berlin 2007, 173 S, € 18,00
gegen den wind deinem herzschlag zu
review
albert ostermaiers Liebesgedichte lassen die Sprache taumeln, aber nicht fallen
Spalten an, durch die er seine Leser atemlos, ohne Punkt
und Komma und mit sich stetig steigerndem Tempo hindurchtreibt.
Hemmungslos emotionale Bilder auf der
schmalen Grenze zum Kitsch verwebt er in waghalsige
Reimschemata, die er immer dichter zuschnürt, bis die
Sprache selbst ins Taumeln (aber nicht ins Fallen) gerät.
Das macht ihn unter den Autoren der deutschen Gegenwartslyrik
zum vielleicht entschiedensten Poeten.
»Für den Anfang der Nacht. Liebesgedichte« von Albert
Ostermaier, Suhrkamp, Frankfurt a.M. 2007, 138 S., € 6,00
worte 1 7

eview
Der reine
Machiavelli
panajotis kondylis’ Frühschrift
zeigt den Renaissance-Denker als
Produkt seiner Zeit und verzichtet
auf die politische Nutzbarmachung
text: andreas huth
Zur großen Zahl von Machiavelli-Biographien
und
Interpretationen hat sich
ein neues, aber nichts desto
weniger interessantes
Buch gesellt. Es stammt
von dem Philosophen und
Historiker Panajotis Kondylis
und besticht durch
seine kühle Brillanz und
nüchterne Auseinandersetzung
mit dem Leben des florentinischen Beamten
und Gelehrten. Kondylis verfasste dieses Buch als
23jähriger und obwohl er sich hier noch ganz am
Anfang seiner Entwicklung befand, ist das Werk
von großer Reife. Es vermeidet die so häufige
Nutzung von Machiavellis Ideen für die aktuelle
politische Situation und damit alle über die Renaissance
hinausgehenden Interpretationen und
stellt knapp, aber aufschlussreich die zeithistorischen
Bedingungen dar, die das Werk Machiavellis
prägen.
Hier zeigt sich Kondylis, der 1948 in Griechenland
geboren wurde, dort in seiner Jugend
während der Diktatur wegen Mitgliedschaft in
der kommunistischen Partei einige Jahre auf einer
Gefängnisinsel zubringen musste und später zum
Studium nach Deutschland ging, als eigenständiger
Kopf, der anschaulich historische Fakten
mit der wirtschaftlichen, geistigen und sozialen
Entwicklung der Zeit verbindet. So ist beispielsweise
seine Herleitung des ›neuen Geistes‹ in
der Renaissance aus dem ab dem Anfang des 1 .
Jahrhunderts dominierenden kaufmännischen
Denken, aus dessen Umgang mit Zahlen, Mengen
und nicht selbst produzierten, also abstrakter
gewordenen Waren auch deshalb lesenswert, weil
sie die üblichen geistesgeschichtlichen Muster
ignoriert und die Ökonomie als wichtige Triebfeder
auch von kulturellen Entwicklungen zeigt.
»Machiavelli« von Panajotis Kondylis, aus dem
Griechischen von Gaby Wurster, Akademie Verlag,
Berlin 2007, 184 S. € 39, 80
Die Mechanik der
Manipulation
Das Pendant der Psychoanalyse:
edWard bernay’s »Propaganda«
text: matthias penzel
Original erschien »Propaganda«
1928 in Amerika. Verfasst
von einem Neffen Sigmund
Freuds – Edward Bernays
(1891 - 199 ) –, ist es mit seiner
systematischen Darstellung
von Öffentlichkeitsarbeit in
unseren Alltag eingedrungen
wie die Psychoanalyse. Sicht-
und unsichtbar. Bernays
trennt nicht groß zwischen Politik,
Konsum, Kunst oder Wissenschaft,
wenn er klarstellt,
wie und vor allem warum die
in diesen Bereichen Tätigen
– Minderheiten – sich des Instrumentariums der PR bedienen
müssen, um der Mehrheit zu vermitteln, warum sie sich für oder
gegen Ideen, Produkte usw. entscheiden soll. Fast prophetisch
stellt er fest: »Wir werden von Personen regiert, deren Namen wir
noch nie gehört haben« – im Supermarkt, beim Wählen von Politikern,
Hobbies, Seife. Zu den Methoden der »Public Relations« (wie
er sein Buch später umbenannte) gehört an erster Stelle der Wille,
zu vermitteln, den Zirkel der Elite / Minderheit zu verlassen, um
auf die Mehrheit Einfluss auszuüben, und zwar mit »neutralen Experten«,
Erläuterung von möglichen Synergien, Mehrwert, mehr
Lebensqualität für den Verbraucher. Wertungen interessieren
ihn bei diesem Mehrwert wenig – wenn er erfrischend, aber auch
kühl analytisch über das Image von Museen oder Politikern oder
Macy’s spricht. Daher überrascht es nicht, dass er für den Ersten
Weltkrieg warb, genauso wie für Zigaretten (als Symbol emanzipierter
Frauen), die Erfindungen Thomas Edisons und Henry
Fords. Manchem mag aufstoßen, wie sehr sich Bernays weigert zu
werten, zugleich kann man das in manchen Bereichen als bittere
Pille, die es in Demokratien zu schlucken gilt, sehen. Oder man
kann sich erinnern, dass der Fließband-Erfinder Ford tatsächlich
nicht nur auf Profitmaximierung aus war, dass die Zeiten wirklich
anders waren. In einigem ist die non-emotionale Sprache Bernays,
sein Predigen für die Begreifbarkeit, also eine Art Sinnlich-machen
von Ideen und Gütern, der Weltsicht von Werbe-Textern sehr
nahe. Auch dazu mag man stehen, wie man will – die Mechanik
der Manipulation ist ohnehin in Gang, und dieses übersichtlich
geschriebene Büchlein erinnert einen daran, dass das zwar nicht
immer so war, dass das aber auch nicht erst durch Saatchi & Fernsehen
so geworden ist.
»Propaganda« von Edward Bernays, aus dem Englischen, Orange-Press,
Freiburg 2007, 158 S., € 18,00
In Thomas Meineckes interessant-theoretischem Roman
musik, der nun auch als Taschenbuch vorliegt, kommt es
zu einem Dialog zwischen zwei Anhängern unterschiedlicher,
urbaner Musikstile: HipHop (Frage) und Jazz (Antwort):
»Frage: Was hat das mit dem Leben in der Großstadt
zu tun? Antwort: Wo kommst du her? Frage: Von der Straße.
Antwort: Du meinst, du lebst auf der Straße? Frage: Nein,
aber ich weiß, was auf der Straße los ist. Antwort: Wenn
du das weißt, weißt du auch, daß man genau das meiden
sollte. Frage: Mann, du bist nicht hip.« Eingebettet in die
paradoxe Situation, dass hier der Fragende die Antworten
gibt, während der Antwortende die Fragen stellt, wird ein
Diskurs über den Sound der Großstadt aufgemacht. Im
Vorbeigehen wird nach Authentizität, Eindeutigkeit, das
wahrheitsgemäße Abbilden einer Metropole durch die
Kunst, Geschlecht und Hautfarbe, also nach großstadtrelevanten
Unterscheidungsmerkmalen gefragt. Literatur
schafft, das zeigt sich hier, auf 2 Zeilen mehr zu sagen als
jede gescheite, wissenschaftliche Anthologie.
sound and the city heißt eine fingerdicke Abhandlung
zum gleichen Thema. Es geht ihr in erster Kontur
um zwei Dinge: Zum einen soll der Begriff ›Sound‹
akademisch nutzbar gemacht werden. Es gilt ihn vom Geräusch,
Klang und Laut abzugrenzen, also als etwas Hergestelltes,
Manipuliertes und Künstlerisches zu definieren.
Was in der leider oft zu umständlichen Schreibe so klingt:
»Der Sound der Stadt ist künstlich und daher Provokation
für Kunst, auch für Musik, die provozieren will, um im
Fortschritt urbanen Denkens mit fortschreiten zu können.«
Zum anderen soll die Stadt als Keimzelle der populären
Kultur festgeschrieben werden. An dieser Stelle wäre es
spannend gewesen, dem Übergeordneten des städtischen
Sounds weiter nachzugehen, beispielsweise zu thematisieren,
weshalb Musik, die stilistisch von Afroamerikanern
geprägt wurde (HipHop, Soul, R&B) unter der Einordnung
›Urban‹ rangiert oder überwiegend von Weißen
geprägte Genres wie Country oder Folk Assoziationen des
Ländlichen und Natursymboliken wachrufen. Ein Reader
dieses Namens ruft ja genau solche Unterscheidungen her-
text: sebastian hinz das dispositiv
vor. Doch leider verlieren sich die Beiträge überwiegend
im Spezifischen und hängen sich an ›Markenzeichen‹, wie
dem Sound gewisser Städte zu gewissen Zeiten (Bsp. Geoff
Stahl: »Musicmaking and the City. Making Sense of The
Montréal Scene«, oder: Christian Manfred Stadelmeier:
»Die Entwicklung der afroamerikanischen Blueskultur
im urbanen Kontext – das Beispiel Chicago in den 1940er
und 19 0er Jahren«): Was aus journalistischer Sicht eine
interessante Geschichte sein kann, ist als akademischer
Beitrag dann doch zu durchsichtig.
Eine Ausnahme bildet Malte Friedrichs Aufsatz »Lärm,
Montage und Rhythmus. Urbane Prinzipien populärer
Musik«. Er erinnert daran, dass nicht bloß der Sound der
Städte etwas Produziertes ist, auch die Stadt selbst wird
nur noch »in eine reine Simulationswelt transformiert«.
Friedrich fragt, wie diese auf den Sehsinn abzielende Umformung
der Städte damit umgeht, dass die Stadt auch
Ort des steten Musikkonsums geworden ist und appelliert
an eine Kulturtechnik des Hörens, die in den Cultural
Studies und Kulturwissenschaften aus Gründen des Aufwandes
und der Nicht-Kompatibilität mit vorhandenen
Theorien bislang ausgeklammert wurde: »Es kommt hinzu,
dass Musik, genauso wie andere kulturelle Artefakte, in bestimmten
sozialen Kontexten entsteht, in denen auch Codes
bereitgestellt werden, über die überhaupt erst die Bedeutung
des kulturellen Artefakts erzeugt werden kann. Diese Codes
vorausgesetzt, kommt es zur Entstehung von bestimmten
Bedeutungen einzelner Musikstücke, die sich auf die zu
hörenden Klänge oder ihre Verweisstruktur beziehen und
insofern bedeutungsgenerierend sind.« Wo wir wieder bei
Thomas Meinecke wären.
»Musik« von Thomas Meinecke, Suhrkamp,
Frankfurt am Main 2007, 370 S., € 10,00
»Sound and the City. Populäre Musik im urbanen Kontext«,
herausgegeben von Dietrich Helms und Thomas Phleps,
[transcript] Verlag, Bielefeld 2007, 166 S., € 16,80
8 1 worte
worte 1 9
© Wouter Buytaert

ilder
Illustration:
bruno
colajanni,
ludaG.com
bilder
TV-Serien werden zuhause
geguckt, die Protagonisten
ersetzen nicht selten
dem Zuschauer die
Familie. Deshalb ist
das große Thema der
TV-Serie die Heimat
oder Heimatlosigkeit.
Über die Poetik der tV-serie
Seite 68
Eltern verlassen ihre
Kinder mitunter, auch
wenn das nicht in die
Weltsicht der CDU passt.
Stillstehende Zeit, Bewegung
und Wandel bei paul
hornschemeier
Seite 72
62 Jeff Wall
66 Zur Poetik der TV-Serie
68 Italo Western Collection
69 »The Darjeeling Limited«
von Wes Anderson
70 Paul Hornschemeier
72 »Tim & Struppi« von Hergé
74 Jiro Taniguchi
7 Orange Box
76 »Super Paper Mario«
77 Hommage à Mega Man
reviews
78 white cubes
79 Gilbert & George
Peter Bialobrzeski
80 »Persepolis« 1 »Gefahr und
Begierde« von Ang Lee
81 »Fullmetal Alchemist«
»The Saddest Music In The World«
von Guy Maddin
82 »Die Simpsons – Das Spiel«
»Sinking Island« & »Ankh
– Kampf der Götter«
83 schnittstellen

That Could Be Real
overpass, 2001, Transparency in lightbox, 214 x 273,5 cm
jeff Walls Arbeiten bewegen sich
auf dem schmalen Pfad zwischen
Fotografie, Film und Malerei,
Stofflichkeit und Entmaterialisierung,
Inszenierung und Dokumentation
– Eine Bestandsaufnahme
text: eileen seifert fotos: jeff wall,
jack foster / deutsche guggenheim
Eine Straße. Irgendwo in Amerika. Zu sehen drei Figuren,
die nebeneinander laufen. Links ein Mann asiatischer
Herkunft. Rechts ein ›weißes‹ Pärchen. Der Mann, der
mit der Linken seine Freundin hält, macht mit der rechten
Hand eine unauffällige Geste: Er zieht, dem Asiaten leicht
zugeneigt, sein Auge in eine schlitzartige Form. Jeff Walls
Fotobild »Mimic« (1982) zeigt mit einer nachäffenden
Gebärde ganz unverhohlenen, öffentlichen Rassismus.
Durch den winzigen Fingerzeig werden die dargestellten
Menschen in ein Dreigestirn psychologischer Gewalt katapultiert.
Ein Augenblick nur, der Teil einer ganz alltäglichen
Situation auf der Straße sein könnte – irgendwo in
Amerika. Doch wirkt dieser Moment, trotz seiner Beiläufigkeit,
theatralisch, irgendwie filmisch. Der Konjunktiv ist
schließlich wörtlich zu nehmen, denn die ganze Situation
ist komplett inszeniert. Die Idee der Nachahmung, die Titel
und Inhalt dieses einen Bildes ist, kann als Synonym
für Jeff Walls gesamte Arbeitsweise gelten. Seit den 1970er
Jahren sind Imitationen, Inszenierungen oder Re-Inszenierungen
des Alltags substanzielles Kennzeichen für den
1946 in Vancouver, Kanada geborenen Künstler. »My near
documentary-pictures« nennt Wall selbst jene Trugbilder,
die so real erscheinen, mit der Idee der Dokumentation
eng verwandt, aber eben nur fast dokumentarisch sind.
Jeff Wall hat Kultur- und Kunstgeschichte studiert
und sich ausgiebig – sowohl theoretisch als auch praktisch
– mit Malerei und Film auseinandergesetzt, bevor er mit
der Fotografie begann. Besonders die alten Meister wie
Goya, Velázquez und Tizian beeindruckten ihn. Die
Was diese Künstlichkeit beschwört, ist
eine Art Hyperrealität: Situationen,
die eben einfach realer – und genau
deshalb ja synthetischer – wirken,
als die Realität selbst es je könnte.
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war game, 2007, Gelatin-silver print, 243.8 x 289.6 cm
Affinität zu den genannten Medien legte er dann auch
niemals ab, sondern kombinierte deren Strategien, Gesetzmäßigkeiten
und Bildtypologien als Organisationsformen
im fotografischen Bildraum: »I had the feeling that it
was possible to bring much of what I’d liked in the cinema
of the 1960’s and 1970’s together with what I’d always liked
about painting in a form of photography that […] would
not start out accepting the existing canon.« Eine Neuerung
in der Fotografie strebte er an – etwas, das sich zwischen
Malerei und Kino, zwischen der Dokumentation und den
konstruierten, filmisch-fiktiven Bildern befand.
Das magische Licht
Eine wichtige Rolle für die Herstellung dieses Zwischenzustands
spielt die Technik, mit der Wall fast alle seine Arbeiten
präsentiert: Großdias in riesigen Leuchtkästen (oft ca.
2 x 4 m), die so zuvor nur aus der Werbung bekannt waren.
Mit dieser Aneignung und Übertragung in den künstlerischen
Bereich wird Wall ein genialer Kunstgriff nachgesagt.
Nicht überraschend, denn die leuchtenden Kästen
sind heute sein Markenzeichen. Die darin ausgestellten
Fotos sind Bilder, die mit Präsenz strahlen und dabei die
vorteilhafte Eigenart besitzen, nie flach wie bloße Fotografien
zu wirken. Vielmehr ist ihnen die Verwandtschaft
zu den aus sich heraus leuchtenden Bildern aus Film und
Fernsehen immanent: nicht statisch, sondern changierend
zwischen Stofflichkeit und Entmaterialisierung. Sich
der ambivalenten Anziehungskraft dieser Technik durchaus
bewusst, meint Wall, dass die Faszination um seiner
Arbeiten von der verborgenen Stelle des Lichts herrührt
– eine Art Kontrollraum, eine Vorführkabine, die quasi das
Bild aussendet. Deshalb sind seine Arbeiten so einmalig
– abgesehen davon, dass sie Unikate sind –, weil sie nur als
Original auf diese Weise funktionieren. Walter Benjamins
Begriff der Aura kann hier in einer anderen Dimension gelesen
werden. Doch klar dürfte wohl sein, dass die Bilder
in ihrer Reproduktion, abgedruckt in einem Buch etwa,
etwas verlieren bzw. ›nur‹ noch Fotos sind.
Malerische Kompositionen
Von besagtem Licht wie die Motten angezogen, scharen
sich Besucher um Walls Werke, die aber entgegen ihrer
um Aufmerksamkeit heischenden Verpackung gar nichts
Auffälliges zeigen: nur »landscapes«, »lifescapes« und »interiours«,
wie Wall seine Motivgruppen nennt und damit
eben Landschaften (doch mit brisanten Einzelheiten:
»The Bridge«, 1980), nachgestellte Alltagsszenen (die sich
aus Walls eigener Erinnerung speisen: »The Storyteller«,
1986) und moderne fotografische Genredarstellungen
(»Rainfilled Suitcase«, 2001) meint. Zudem sind es vornehmlich
leere und bedrückende Räume, die Wall beschreibt.
– Suburbane Zonen, Niemandsland, Nicht-Orte,
die zeitlos scheinen und nur vereinzelt Figuren enthalten
(»Passerby«, 1996; »Flooded Grave«, 1998-2000).
Gleich einem Filmregisseur bereitet Wall das Setting vor,
wie ein Maler komponiert er die Bilder bis ins Detail. In
Castings werden Schauspieler und Kleidung ausgewählt,
der Ort / das Studio geschmückt, Szenen, Gemütszustände
gespielt, alte Stoffe transponiert. Manchmal setzt sich
Wall dabei selbst ins Bild, wie z.B. bei »Picture for Woman«
von 1979, welches der Künstler als ein zeitgenössisches
»Remake« von Manets berühmtem Gesellschaftsportrait
»Bar in den Folies-Bergères« bezeichnet.
»My near documentary-pictures«
nennt Wall selbst jene Trugbilder, die
so real erscheinen, mit der Idee der
Dokumentation eng verwandt, aber
eben nur fast dokumentarisch sind.
Kunstgeschichtliche Zitate tauchen auch in anderen
Bildern auf (»A Sudden Gust of Wind (after Hokusai)«,
1993) und reichen bis zur ausgereiften Inszenierung in
dramatischer Schlacht- oder Historienbildmanier. Bei
»The Vampire’s Picnic« (1991) wird dieser Bezug in einer
nächtlichen Horrorszene von äußerst bizarrem Humor
auf die Spitze getrieben: Das opulente Mahl – vampirische
Zeitgenossen verspeisen ihre Opfer – wirkt gleichzeitig
wie ein Historienbild und das Set einer Filmszene. Alles
ist wohl platziert, aufeinander abgestimmt und arrangiert.
Nachgeholfen wurde dabei mit der digitalen Bildbearbeitung,
einzelne Fotos wurden später am Computer zum
Bild komponiert. Solche Arbeiten brachten Wall auch
die Baudelaire’sche Bezeichnung »Maler des modernen
Lebens« ein – wäre dies kein Foto, dann mindestens ein
dicker Ölschinken.
»The violence you see in my pictures is social violence«
Auch wenn Wall die große Museumskunst zitiert und auf
traditionelle Bildstrategien zurückgreift, bewegt er sich
damit eher auf formaler Ebene. Inhaltlich dreht sich alles
um das Jetzt, die Gesellschaft und ihre sozialen Missstände.
Die Figuren, die in den Bildern auftauchen, würden
dabei repräsentative Rollen übernehmen, ohne – wie etwa
im Falle des Portraits – jemals sie selbst zu sein, so betont
Wall. Vielmehr sind sie Darsteller, die oft gesellschaftliche
Opfer und zwanghafte, kühle, fassadenartige Figuren verkörpern:
Der verschwitzte Mann unter dem Küchentisch
in »Insomnia« (1994) ist so eine pathologische Scheinexistenz,
die auch der Abwasch auf der Spüle nicht verschleiern
kann. Oder der allein lebende Angestellte in seinem
spärlichen Zimmer in »Polishing« (1998), der geschäftiges
Schuheputzen mimt und dabei bedrückend unfrei wirkt.
Der Charakter des Gespielten wirkt dann wie eine Momentaufnahme,
nur keine Zustandsbeschreibung. Häufig
scheint es, als seien die Bilder Teile von Geschichten, vor
denen schon etwas passiert ist und nach denen es auch
weitergehen muss. Warum überhaupt klar wird, dass Dargestelltes
arrangiert wurde, ist manchmal nur auf ein sub-
tiles Gefühl zurückzuführen. Zumal es schwieriger wird,
dies herauszufinden, wenn keine Menschen in vielleicht
doch verräterischen Posen anwesend sind.
»The Destroyed Room« (1978) ist so ein Bild. Ein komplett
verwüsteter Raum: menschenleer. Überall liegen
Sachen herum; das Bett ist umgeworfen; die Matratze
diagonal aufgeschlitzt. Auf den ersten Blick die Situation
nach einem Einbruch oder ähnlichem. Chaos. Doch so
sortiert, dass es unheimlich gewollt erscheint. Was diese
Künstlichkeit beschwört, ist eine Art Hyperrealität: Situationen,
die eben einfach realer – und genau deshalb ja
synthetischer – wirken, als die Realität selbst es je könnte.
Im Zeitalter der Simulation ist Wall mit einer solchen
Bildstrategie absolut aktuell. Anstatt auf den mythischen,
Bresson’schen Augenblick zu warten, imitiert er ihn lieber,
was ihn wohl ungleich mehr Aufwand kosten dürfte.
Schließlich wird beim inszenierten Zufall eben gar nichts
dem Zufall überlassen.
Reportage und Fiktion – ein Dialog
Jeff Walls Werk könnte durchaus als Absage an die klassischen
Formen der Fotografie verstanden werden – die
zufällige Momentaufnahme (»der perfekte Augenblick«)
und das vermeintlich Authentische (»So ist es gewesen«)
scheinen in seiner Arbeit eher unwichtig. Mit seinen neuen
Schwarzweiß-Bildern verneigt sich der Künstler jedoch
mit einem tiefen Knicks vor der Reportage-Fotografie, von
der er sich Jahrzehnte distanzierte – übrigens nicht, weil
er sie nicht schätzt, sondern weil, wie er sagt, Meistern
wie Walker Evans und Robert Frank kaum mehr etwas
hinzuzufügen war: »The classical or canonical mode of art
photography, defined form by Evans and Frank, had gotten
very static, very tired in the work of their followers and supporters.«
Die Deutsche Guggenheim Berlin zeigt jetzt eben
solche rein dokumentarischen Arbeiten Walls, die von
älteren Arbeiten flankiert werden. Im Dialog der Reportage
mit der Inszenierung stellt sich die Frage nach dem
fotografischen Realismus, und darüber hinaus werden, anschaulich
getrennt, zwei Dinge gezeigt, die Wall zufolge eigentlich
in jeder einzelnen Fotografie gleichzeitig präsent
sind: der Charakter des Dokumentarischen neben dem
Konstruierten, Vorgestellten und Künstlichen.
Was Wall nachstellt, sind nämlich oft Momente, die
sich so bestimmt schon einmal zugetragen haben. Nur
weil sie nicht eindeutige Situationen der Vergangenheit
darstellen oder sich gleich einem
re-enactment explizit darauf beziehen,
sind sie nicht weniger
›wahr‹ oder aussagekräftig. Die
künstlerische Fiktion, die die Realität
imitiert, mag in Momenten
gar die Realität verdichten. Zurück
bleibt der Betrachter, mit
der vagen Vermutung: That
could be real.
Die Ausstellung »Jeff Wall: Belichtung«
ist noch bis zum 20.1.2008 in der Deutschen
Guggenheim Berlin zu sehen
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Meredith Grey wird
nicht sterben
Amerikanische Psychopathologie:
Mit ausgereifteren Konzepten, höheren
Produktionskosten und vor allem einer
neuen Ernsthaftigkeit macht die TV-Serie
wieder von sich reden
text: dan gorenstein fotos: buena vista home entertainment
© 2006 american broadcasting companies, inc.
Kino und Literatur haben sich nie richtig angefreundet.
Zu aufwendig, überlaufen und zugleich kurzlebig die Produkte
des einen Mediums, zu behäbig, nahezu blutleer
die seines Gegenübers. Wo der Film zeigt und dazu seine
ganze Kraft aufwendet, da denkt die Literatur nach, verliert
sich in Abschweifungen und Randnotizen. Schon die
Rezeptionsdauer scheidet die beiden Kunstformen: Wo
der Film kaum zwei Stunden, allenfalls drei in Anspruch
nimmt, überdeckt so manches Buch ganze Jahreszeiten,
geradezu Lebensabschnitte, mit seiner Präsenz. Der Leser
hat stets den Vorteil, sich in seinem Kunstwerk einnisten
zu können, sich darin eine gemütliche Höhle Lebenszeit
zu schaufeln. Der Film weiß darauf keine Antwort zu geben,
seine kleine Schwester, die TV-Serie, sehr wohl.
Die Renaissance des Fernsehens
Im Grunde ist es seltsam, dass es so lange brauchte, bis
die TV-Serie ihr volles ästhetisches Potential ausschöpfen
durfte. Lange Zeit war es nur dem Film vergönnt, die bewegten
Bilder im kunst- und medientheoretischen Olymp
zu vertreten, der TV-Serie standen zwar die selben künstlerischen
und technischen Mittel zur Verfügung, nicht aber
das nötige Geld. Gleichzeitig haben aber gerade Serien
das öffentliche Bewusstsein und den Zeitgeist geprägt im
Land des Fernsehens. Trotzdem blieben sie bis auf wenige
Experimente wie etwa »Twin Peaks« ziemlich konservativ.
Mittlerweile gibt es aber so viele von diesen Experimenten,
diesen Serien von ungeahnt hoher Qualität, dass es Zeit
ist, sich die Möglichkeiten dieser Erzählform näher anzusehen.
Die Renaissance der TV-Serie wird gemeinhin dem
amerikanischen Pay-TV-Sender HBO zugerechnet, und
tatsächlich ist es so, dass die meisten aktuellen Eigenproduktionen
von HBO weit über dem ansonsten recht niedrigen
Niveau der gängigen amerikanischen TV-Serie, von
Sitcoms ganz zu schweigen, liegen. Die erstaunlich hohe
Qualität dieser Serien aber scheint die anderen Sender anzustecken,
und deshalb wird nun allerorts von dem neuen
Phänomen TV-Serie gesprochen. Dabei wird Qualität oft
mit Produktionskosten verwechselt und Hype mit Zeitgeist.
Wiedererkennung, Dauer, Kommentar
Die Serie hat dem Film zuallererst ihre Länge voraus. Was
früher die Erbsünde der Serie war, nämlich die Langsamkeit,
fast schon Unbeweglichkeit der Erzählung, wenn es
denn überhaupt eine gab, ist weitestgehend abgeschafft:
Die Handlung zieht sich nicht mehr zentimeterweise von
einer Folge zur nächsten, sondern umgekehrt passiert in
einer Episode so viel, dass es kaum möglich ist eine auszulassen,
ohne die Handlung aus den Augen zu verlieren.
Es gibt keine relevanten und irrelevanten Folgen mehr
wie bei »Akte X«, sondern reinen Inhalt, einen durchgängigen
Plot. Die Dauer der Serie wird zu ihrem Vorteil. Ihre
Spannweite ermöglicht es ihr, Plotstücke oder Randerzählungen
über Wochen zu dehnen, sie von einer Staffel
in die nächste mitzunehmen, verloren geglaubte Figuren
nach Jahren wiederzuerwecken. Und da die Erzählung
auf längere Distanz konzipiert ist, ist das eine gute Sache.
Zudem können Charaktere ganz anders eingeführt und
auch wieder abgeführt werden; mit zunehmendem Mut
der Produzenten können sogar Hauptfiguren unverhofft
oder langwierig sterben. Was nicht nur die lähmende
Vorhersehbarkeit aus den Serien vertreibt, sondern auch
Kunstproblem und Sparringspartner No. 1, den Tod, auf
den Plan ruft.
Gleichzeitig haben typischere Serien, die sich von Episode
zu Episode hangeln, ihre Flexibilität entdeckt. Einerseits
können sie kommentierend in öffentliche Debatten
eingreifen wie »South Park«, andererseits können sie sich
folgenweise aus dem vorgegebenen ästhetischen Korsett
lösen und zum Experiment übergehen, wie die viel gerühmte
»Buffy«-Musical-Folge.
Krankenhaus und Heimatstadt
Was aber allen neuen und alten, guten und schlechten TV-
Serien gemeinsam ist, das ist ein fester Ort, eine Umgebung,
in der sie stattfinden. Wahrscheinlich hat es damit
zu tun, dass diese genuin amerikanische Erzählform eben
diese emotionale Heimat, die sie ihren Zuschauern bietet,
in ihrer Struktur wiedergeben muss. TV-Serien werden zu
Hause geguckt, die Protagonisten ersetzen nicht selten
dem Zuschauer die Familie. Deshalb ist das große Thema
der TV-Serie die Heimat oder Heimatlosigkeit. Von dem
zutiefst amerikanischen Versuch, Religiosität, Nächstenliebe
und vor allem die Familie als sinnstiftende Werte zu
etablieren, wie es in »Eine himmlische Familie« versucht
wird, über die amerikanische Kleinstadt und deren allzu
normalen Wahnsinn in »Gilmore Girls« bis hin zur absoluten
Hoffnungslosigkeit der todesversessenen Krankenhausserien
wie »Emergency Room« oder »Grey’s Anatomy«
ist es stets die Frage nach Heim und Geborgenheit, die
sich in den Vordergrund drängt. Das wohl prominenteste
Beispiel ist die Serie »Lost«, die in wechselnder Perspektive
die Untiefen ihrer Protagonisten und der Insel, auf
der sie gestrandet sind, auslotet, aber auch ständig die
Feindseligkeit der verlorenen Gesellschaft evoziert und
mit dem naturzustandähnlichen Inselleben in Verbindung
bringt. Von den klassischen Serien jedoch ist nur die
Krankenhausserie wirklich dazu in der Lage, die transzendentale
Obdachlosigkeit des Zuschauers wie der Figuren
offen zu legen, sie darf getrost als Wegbereiter der neuen
Ernsthaftigkeit im Fernsehen betrachtet werden. Kein
Wunder, dass mit Lars von Triers »Geister« auch eine der
anerkannten großen Kunstserien in einem Krankenhaus
spielt.
Was HBO dem hinzufügen kann, das ist die Verschiebung
des Todes in die Familie und damit in die Gesellschaft
wie z.B. in »Six Feet Under«, die Entdeckung
des Todes als gesellschaftsbildender Mörtel wie in der
soziologisch-historischen Planskizze »Deadwood«, oder
die Entmystifizierung der Antike und deren Todeskulte
in »Rom«. Trotzdem können auch diese Serien ihren territorialen
Charakter nicht kaschieren, auch wenn sie die
Möglichkeit des Todes in greifbare Nähe rücken: Eine
gewisse Unsterblichkeit und Weichheit hängt auch ihren
Protagonisten an. Denn oberste Maxime der TV-Serie ist
und bleibt die Fortführung, und dazu muss sie in der Lage
sein, den Zuschauer in ihre Mitte zu nehmen und ihm ein
Zuhause zu geben.
aktuelle Veröffentlichungen
»Lost – 3. Staffel – Teil 1«, ab 6.12.2007 auf DVD
(Touchstone/Buena Vista Home Entertainment)
»Gilmore Girls – 7. Staffel – Teil 1«, ab 7.12.2007
auf DVD (Warner Bros. Home Entertainment)
»Grey’s Anatomy – 3. Staffel – Teil 2«,
ab 17.1.2008 auf DVD (Touchstone/Buena
Vista Home Entertainment)
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Verlosung
Wir verlosen eine DVD-Box »Lost – 3. Staffel Teil 1«
sowie drei Marienstatuen. Einfach Mail mit Betreff »La
Isla Bonita« an tombola@goon-magazin.de senden.
goon
verlost

Koch Media hebt die italo Western collection aus der Taufe – und präsentiert
einen eindrucksvollen Querschnitt durch ein Genre zwischen Psychedelik, Prügel und
Kapitalismuskritik
text: jochen werner fotos: koch media home entertainment
»Was versteht man unter ›Western‹? Das ist der Ort, an dem
die Sonne untergeht«, so lautet die recht offene Bilanz von
Regisseur Damiano Damiani. Dabei schien das Genre seit
den frühesten Tagen der Kinematographie untrennbar
mit dem amerikanischen Kino verbunden und diente den
USA als unbestechlicher Seismograph des politischen Klimas.
Von der heroischen Verklärung des Genozids an den
Indianern als Gründungsmythos bis zu den zynischen Abgesängen
der Spätwestern an Heldentum und Rechtmäßigkeit
des Mordens zeichnete er mal sensible, öfter grobe
Skizzen nordamerikanischer Befindlichkeit. Ein seltsamer
Gedanke also, einen italienischen Western zu inszenieren
– und die wenigen vorherigen Versuche waren auch allesamt
an fehlender kultureller Eigenständigkeit gescheitert,
bis Sergio Leone 1964 mit »Für eine Handvoll Dollar« die
erfolgreiche Blaupause für eine ganze Welle lieferte. Dieser
nämlich wusste, dass man im Grunde alles anders machen
müsste, um glaubwürdig zu wirken: Sein Film war dreckiger,
zynischer, finsterer als alles, was zuvor zu sehen war
und schuf so das Regelwerk für den Italo-Western. Schnell
traten weitere Filmemacher auf den Plan, die das kreative
oder kommerzielle Potenzial des Modegenres erkannten.
So entstand eine Strömung, deren ästhetischer Einfluss
bis heute sträflich unterschätzt wird. Lediglich der von
Film zu Film epischere Leone wurde in den Kanon des Cinéasmus
aufgenommen, die oft gar radikaleren Werke der
Filmemacher in seinem Schatten sind nicht selten dem
Vergessen anheim gefallen. Sie diesem zu entreißen, tritt
nun die neue »Italo Western Collection« von Koch Media
an – und bietet mit den ersten drei Veröffentlichungen
einen durchaus repräsentativen Überblick über das Spektrum
des Genres.
Viva la rivoluzione!
Das beginnt mit Damiano Damianis »Töte Amigo« (1966),
in dem die politischen Subtexte des Italo-Western offen
zutage treten. Vor dem Hintergrund der mexikanischen
Revolution wird der Gauner El Chuncho vom Erzkapita-
listen zum Kämpfer für die gute Sache bekehrt. Von Anbeginn
war die Welt der Italo-Western als zynisches Zerrbild
eines fehlgeleiteten Kapitalismus zu lesen, und mit seinem
einzigen Genrebeitrag legt Damiani einen politisch
bewussten wie temporeichen Höhepunkt im Subgenre
des Revolutionswestern vor. Eher ästhetisch interessant
präsentiert sich »Yankee« (1966) von Tinto Brass, der später
mit »Caligula« (1979) sein Hauptwerk vorlegte. Dieser
vermag vor allem durch einen verspielten, gelegentlich
ins Psychedelische verschwimmenden Stil zu überzeugen,
der zeitweise gar den Surrealismus von Alejandro Jodorowskys
»El Topo« (1970) vorweg zu nehmen scheint. Als
schwächster unter den Filmen der ersten Staffel muss Sergio
Martinos »Der Tod sagt Amen« (1970) gelten. Der oft
unterbewertete Filmemacher kurbelte seine erste Regiearbeit
noch als ambitionsloses Vehikel für B-Star Anthony
Steffen herunter, markierte aber doch – zufällig wohl eher
– eine entscheidende Wegmarke im Italo-Western. So folgt
»Der Tod sagt Amen« zwar narrativ einem bewährten Erfolgsschema
des Genres, dessen Reiz auch immer nicht
zuletzt in seinen grafischen Gewaltdarstellungen und
seiner zynischen Attitüde lag; doch durchtränken hier
bereits immer dominantere Einlagen kruder Komik den
rauen Grundton, die den letzten Höhenflug mit den Blödelfilmen
mit Bud Spencer und Terence Hill prägen. Im
Anschluss wurde der Italo-Western – von einer Handvoll
Schwanengesänge wie Martinos zweitem und letztem
Genrebeitrag »Mannaja« (1977) eskortiert – in einem anonymen
Wüstengrab verscharrt. Schön, dass sich mit Koch
Media nun eines der essenziellen deutschen Labels für B-
Movies und Filmkunst seiner vergessenen Meisterwerke
angenommen hat.
»Töte Amigo« von Damiano Damiani,
»Yankee« von Tinto Brass und »Der Tod
sagt Amen« von Sergio Martino, seit
19.10.2007 auf DVD (Koch Media)
Begleitend zur Italo Western Collection ist der
Dokumentarfilm »Denn sie kennen kein Erbarmen
– Der Italowestern« von Hans-Jürgen Panitz und Peter
Dollinger als DVD mit Soundtrack-CD erschienen
Poetik des Abschieds
Drei Brüder auf der Suche nach dem real life: »The Darjeeling Limited« von Wes anderson
text: dan gorenstein foto: 20th century fox
Der Zug hat schon längst die Barke als Transportmittel ins
Jenseits abgelöst. Als Emblem der frühen Moderne und
des alten Fortschrittglaubens hat er natürlich auch im Film
seine Spuren hinterlassen. Von der frenetisch gefeierten
»Ankunft eines Zuges« der Gebrüder Lumière bis zu den
Melancholietransportern in Wong Kar-Wais »2046« haben
Züge sich gerade wegen ihrer Abgenutztheit zu Symbolen
des Abschiedes und eben des Todes gewandelt.
The Businessman
Am Anfang von Wes Andersons fünftem Film »The Darjeeling
Limited« sieht man Bill Murray rücksichtslos einem
Zug hinterher jagen. Bepackt mit Koffern und vom Alter
gezeichnet wie Steve Zissou, scheint er sein Äußerstes
zu geben. Er wird den Zug nicht einholen. Statt dessen
wechselt der Film in Zeitlupe, und Adrien Brody zieht
mit einem viel größeren Koffer in der Hand geschmeidig
an Bill vorbei, springt auf den Zug und sieht dann, einen
Moment nur, den alten Mann auf dem Bahnsteig zurückbleiben.
Bill Murray wird in diesem Film keine Rolle mehr
spielen, er bleibt der abgehetzte businessman, seine Geschichte
wird hier nicht erzählt. Diese Szene ist Wes Andersons
Abschied von seinem großen Schauspieler: Nach
»The Life Aquatic With Steve Zissou« (»Die Tiefseetaucher«,
200 ) hatte Bill Murray verlauten lassen, er würde keinen
Film mehr mit Wes Anderson machen können, es sei ihm
zu anstrengend.
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Real Life
Im Zug angekommen, stellt sich heraus, dass Adrien Brody
einer der drei Whitmanbrüder ist, Peter Whitman. Er
und sein Bruder Jack (Jason Schwartzman) wurden von
dem ältesten Whitmanbruder, Francis (Owen Wilson),
nach Indien und auf besagte Zugfahrt eingeladen, um
wieder Brüder zu sein, ihrer einjährigen Entfremdung ein
Ende zu setzten. Denn vor einem Jahr war ihr Vater gestorben
und die offenbar reiche Familie hatte sich, wie zuvor
die »Royal Tenenbaums«, in alle Winde zerstreut. Tod, Entfremdung,
Abschied. Drei Brüder reisen durch das Land
des Todes und der Wiedergeburt, und dennoch braucht es
den halben Film, bis sie an sich vorbeikommen, in real life
und raus aus dem Zug. Nachdem sie wegen ihrer unzähligen
Streitereien, Marotten und Neurosen aus dem Zug
geschmissen werden, sitzen sie, hinter einer Phalanx aus
Louis-Vuitton-Koffern, am Lagerfeuer und beginnen zum
ersten Mal während der Reise, tatsächlich nachzudenken.
Und dann auf einmal, wie stets bei Wes Anderson, schiebt
sich der ganze Klamauk beiseite, beulen sich die ansonsten
seltsam flach wirkenden Charaktere aus, und Jack
bringt ihre Misere auf den Punkt: »I wonder if the three of
us would’ve been friends in real life. Not as brothers, but as
people.« Auch wenn die Filme von Wes Anderson ein wenig
am Leben vorbei erzählt scheinen, und selbst wenn
er sich in scheinbar unbedeutenden Nebenplots verliert,
unmögliche Figuren zeichnet, an der kleinsten Kleinigkeit
eines Filmsets herumtüftelt, bleibt er Chronist eben jenes
Lebensgefühls, das sich in der Kluft zwischen dem real life
und dem Anderen abspielt: dem Stunt, dem Flachen und
von der passenden Musik Umschmiegten und dem Scheitern
dahinter, dem Menschsein und der damit verbundenen,
nicht tot zu kriegenden Würde.
»The Darjeeling Limited« von Wes Anderson,
ab 3.1.2008 im Kino (20th Century Fox)

Erinnerung ist ein
Sandwich, keine
Schildkröte
Stillstehende Zeit, Bewegung und
Wandel in paul hornschemeiers
»Komm zurück, Mutter« und »The Three
Paradoxes«
text: mareike wöhler illustrationen: paul hornschemeier
»[...] I think what has always been the most interesting to
me is that there’s this exterior reality and then the interior
reality of what’s going on inside people’s houses and inside
their minds ...«
paul hornschemeier, interview in mome #1
Löwenhüter innerer Realitäten
Eltern verlassen ihre Kinder mitunter, auch wenn das
nicht in die Weltsicht der CDU passt. Die Mutter in Paul
Hornschemeiers Comic »Komm zurück, Mutter« bringt
sich aufgrund einer schweren Krankheit um und hinterlässt
ihren Sohn und einen Ehemann, der ob des Verlustes
depressiv wird und das Kind sowie seine Logikvorlesungen
zunehmend vernachlässigt. Bereits im deprimierenden
Epilog schwebt der entgleiste Vater ziellos durch eine desolate
Landschaft seiner Trauer, um seine Frau zu suchen.
Eine Zeit lang gelingt es dem siebenjährigen Thomas
– mit Hilfe einer von der Mutter geschenkten Löwenmaske,
die ihn stärker macht und seinen Schmerz vorm Leser
leidlich versteckt –, den Schein zu wahren: Er versorgt den
Vater und sich mit Sandwiches, versucht das im Haus zunehmende
Chaos zu beseitigen und das ›Reich‹ der Mutter
(Zimmer, Garten, Grab) zu hüten. Doch eines Tages
macht er am Telefon einen Fehler, der alles auffliegen lässt.
Die Geschichte, die Themen wie Verantwortung und das
Abschiednehmen verhandelt, wird als Erinnerung des
erwachsenen Thomas erzählt. Doch immer wieder übernimmt
das Kind in ihm die Erzählung. Dann ändert sich
der exakte, in trüben Farben gehaltene Zeichenstil des
mit seiner Katze Margo in Chicago lebenden 30-jährigen
Hornschemeier: In bunteren Strichzeichnungen agieren
Tiere statt Menschen, füllt krakelige Schrift die Sprechblasen
– eine kongeniale bildliche Umsetzung von Thomas’
Überforderung und Hilflosigkeit, die sich auch in seine
schweren, gleichnisreichen Träume tragen, während der
schlaflose Vater in der Dachkammer über ihm die tote
Mutter anfleht.
Diese Geschichte von Vater und Sohn ist, einem
beiden ähnelnden Foto im Anhang zum Trotz, nicht autobiografisch,
sondern als Buch im Buch hochgradig konstruiert.
In dieser konzeptorientierten Schreibweise lässt
Hornschemeier die inneren Lebensrealitäten seiner Figuren
begreifbar werden, indem er Erinnerung als Prozess
auffasst, über den Thomas’ Vater, selbst Autor des fiktiven
Sachbuchs »Evolution der Symbole«, vorlesen wird: »Menschen
schaffen sich kleine Erklärungssysteme. / Sachen, die
eigentlich gar nicht stimmen, aber die man leichter versteht
als die komplizierte Wirklichkeit.«
Autografische Mischpalette mit Erinnerung
Während »Komm zurück, Mutter« ursprünglich in drei
Heften im Rahmen der Anthologie Forlorn Funnies erschien,
ist Hornschemeiers jüngste, in zwei Jahren am
Stück gezeichnete Graphic Novel »The Three Paradoxes«
formal extremer, brüchiger und schlüssiger zugleich. Als
autobiografische Metaerzählung angelegt, geht es auch
hier um die Erinnerung eines Erwachsenen, um familiäre
Beziehungen sowie die Möglichkeit persönlichen Wandels:
Der Erzähler, der Comiczeichner Paul – Hornschemeiers
autografischer Avatar – besucht seine Eltern in deren
Haus in Ohio und arbeitet dort an dem Strip »Paul and
the Magic Pencil«. Als er mit der Arbeit nicht vorankommt,
begleitet er seinen Vater auf einem Spaziergang zu dessen
Büro und unterhält sich mit ihm. »›The Three Paradoxes‹
has become, for me, an almost smothering case of life imitating
art imitating life, etc., ad nauseam. For two years I
have been drawing and writing a book about myself drawing
and writing a book that I cannot finish, a book I cannot
seem to end, and I couldn’t end the book about the book with
no end. Though, maddeningly, in the book within the book, I
am suffering from a conceptual block – writer’s block of sorts
– while in reality it was closer to a LIVING block.«
Hornschemeier, der auch als Colorist für Marvel und
DC arbeitet, spielt seit langem die technischen Aspekte
der Comicherstellung (Cover, Layout, Farbe, Tinte, Druck
und Präsentation) durch. Sein Avatar, der auf ein Treffen
mit einer Frau aus Deutschland wartet, in deren E-Mails er
sich verliebt hat, fotografiert für sie während des Spaziergangs
Orte, an denen ihn Flashbacks aus seiner Kindheit
überfallen. Das Hin- und Herblenden zwischen fünf grafisch
sehr unterschiedlichen Stories, Realitäten und Zeiten
– Buntstiftskizzen in non-photo blue, Rasterpunktzeichnungen
mit wackeligem Panelrahmen oder vergilbten
Comicseiten aus erfundenen Heften mit ausgefransten
Rändern – ist dabei mehr als ein formales Experiment: Die
in sich schlüssigen Stories werden nicht nur mit-, sondern
auch ineinander verschränkt, so gebrochen und doch sehr
geschickt in die Gesamterzählung eingebettet.
Zwischen Vergangenheit und Zukunft: Stillstehende
Pfeile ins Herz der Comiczeit
Kern des Comics ist eine vorsokratische Superphilosophenstory,
in der die Negation der Realität von Bewegung
in der Zeit durch Zenon von Elea und seinen Lehrer
Parmenides verhandelt wird. Zenon formulierte neben
dem Paradox von Achilles und der Schildkröte auch das
vom fliegenden Pfeil, der sich scheinbar bewegt. In Wirklichkeit
ruht er jedoch, da er in jedem Augenblick in einem
bestimmten Raumteil ist, sich die Flugbahn aus unendlich
vielen solcher Augenblicke zusammensetzt und An-einem-
Ort-sein eben Ruhen heißt. Dies zeigt, dass die Idee der
Bewegung in der Zeit zu unmöglichen Konsequenzen
führt, egal, ob Zeit Kontinuität oder Diskretheit vorgibt.
Die strukturelle Praxis in Comics besteht nach Thomas
A. Bredehoft nun darin, Raum zu benutzen, um
Zeit zu repräsentieren. Nach Pascal Lefèvre sind Comics
notwendigerweise ein diskontinuierliches, elliptisches
Medium, da sie – anders als Filme – nur Fragmente von
Ereignissen repräsentieren können. Und Michael Hein
schlägt vor, »die Geschichte eines Comicstrips als ein Unternehmen
zu betrachten, welches nicht die Zeit gestaltet,
sondern Zeit verbringt im Ungewissen.« Mit dem Zenonexkurs
bringt Hornschemeier mit einem uralten philosophischen
Diskurs eine frische, treffende Zeitmetapher
in die Ästhetik des Comics ein, deren Forscher sich mit
Zeit, Bewegung sowie dem Zwischenraum zwischen den
Panels befassen. Die vorgetäuschte Textur der auf alt getrimmten
Comic-Materialien lässt dem Leser Vergangenheit
imaginär greifbar werden. Eine Lektüre unter dem
Gesichtspunkt der eingefrorenen Zeit und des negierten
Wandels führt zugleich zur Feststellung von Nichtzeit und
Diskontinuität im sich aus Einzelpanels zusammensetzenden
Comic. Kann Erinnerung Zeit auflösen? Protagoras
nimmt Zenon nach der Präsentation der Paradoxa zur
Seite: »Whatever freedom, whatever solace you are seeking ...
It is not in these thoughts.«
Während Paul auf der narrativen Ebene auf die
Schlussidee zum Comicstrip und das ersehnte Treffen
wartet, gibt es auch zeichnerisch fast keine explizite Bewegungsdarstellung.
Benachbarte Panels zeigen oft dieselbe
Topographie; die so erzeugte Langsamkeit und Kontinuität
wird erst durch die grafischen Wechsel der Erzählmodi
aufgebrochen. Auch das Fehlen von Seitenzahlen bremst
Linearität, Kausalität und den Fluss der Erzählzeit ab.
Die im Ausgelassenen, Ungewissen, Paradoxen verbrachte
Zeit ist wesentlicher Bestandteil von Hornschemeiers
Arbeiten, in denen man zugleich stillstehen und
spazierengehen kann, um sich über dieses schwierige
Leben Gedanken zu machen: »I would say that mainly a
lot of the gist of the book is looking for some kind of control or
certainty in life, debating whether or not that actually exists;
whether or not one can actually influence anything, whether
one can take control of various aspects of one’s life; whether
one can change from where one has been in the past.« Manche
Künstler, zumeist die besten, lassen diejenigen, die
sich mit ihren Arbeiten befassen, mit Fragen statt Antworten
zurück.
»Komm zurück, Mutter«
von Paul Hornschemeier,
Carlsen, Hamburg
2007, 128 S., € 16,00
www.forlornfunnies.com, www.fantagraphics.com
»The Three Paradoxes«
von Paul Hornschemeier,
Fantagraphics, Seattle
2007, 80 S., $ 14,95
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Der Held des
(kleinen)
20. Jahrhunderts
Zum 100. Geburtstag hergés ein kleiner
Rückblick und Ausblick auf »Tintin«,
seine berühmteste Schöpfung
text: patrick küppers
illustration: aus »auf den spuren von tim & struppi«
Die ersten Schritte führten Tintin, den unangefochtenen
Star unter den Helden des frankobelgischen Comics, 1929
in das »Reich der Sowjets«. Die Bilderfolgen erschienen in
der Jugendbeilage des erzkatholischen Blattes Le XXe Siècle,
genannt Le Petit Vingtième. Das kleine 20. Jahrhundert
also, wie es Hergé, der vor nun hundert Jahren als Georges
Rémi nahe Brüssel geboren wurde, in 23 »Tintin«-Alben,
hierzulande wohl bekannter unter dem deutschen Titel
»Tim & Struppi«, darstellte. In schöner, teilweise grandioser
Zeichnung, die zunehmend nicht nur als comicgeschichtliches,
sondern sogar als kunsthistorisches Ereignis
gesehen wird, entfaltet sich ein globales Panorama. Außer
Australien erschließt sich jeder Kontinent und sogar der
Mond als Handlungsraum für die Zentralfigur.
Verminte Geschichte. Vom Fassen einer Gegenmacht
Wenn am 20. Jahrhundert so einiges auszusetzen ist, so
gilt dies in geringerem Maße auch für dessen Kleinfassung
in den »Tintin«-Comics. Schon das ›Sowjetreich‹ war eine
antikommunistische Karikatur, wenngleich diese auch
vom 1937 tatsächlich losbrechenden Staatsterrorismus
in der UdSSR noch deutlich übertroffen wurde. Schwerer
wiegt die etwas sehr harmonische Darstellung des kolonialen
Kongo (»Tim im Kongo«) angesichts des abscheulichen
Völkermordes, den die belgische Krone hier seit
1890 betrieb. Weiter vermintes Gelände sind auch Ausrutscher
Hergés in die antisemitische Ikonographie. Da gibt
es nichts kleinzureden, aber doch muss man feststellen,
dass Hergés Karikatur, etwa bei dem Bankier Bohlwinkel
in »Der geheimnisvolle Stern«, eher einem amoralischen
Kapital galt, welches dem Profit alles unterordnet. Diesem
Kapital ein jüdisches Gesicht zu geben, war unter westlichen
Illustratoren bis 194 leider üblich. In arabischen
Ländern ist das noch immer so. Der Vorwurf eines tief
sitzenden Antisemitismus ist an solchen Bildern jedenfalls
kaum festzumachen, und anderenorts gab Hergé dem
kritisierten Kapital etwa in den Waffenhändlern Dawson
oder Basil Bazaroff auch neutralere, angelsächsische Gesichter.
Ständiges Movens der Albenhandlung ist eine dunkle
Gegenmacht, vor der Tintin seine Freunde und auch alle
anderen Verfolgten zu bewahren sucht. Das amoralische
Kapital bildet eine Seite dieser Gegenmacht. Sie findet
sich wiederholt symbolisiert in dicken Geldbündeln, die
Tintin zu korrumpieren suchen – freilich vergebens. Auf
der anderen Seite stehen autoritäre Polizeistaaten, wie
Tintin sie im Ostblockstaat »Bordurie« kennen lernt, oder
auch in den Operettendiktaturen, die das südamerikanische
»San Theodoros« heimsuchen. Auch Oberschurken
wie der Drogen- und Sklavenhändler Rastapopoulos
(zwischendurch ist er auch Filmproduzent) oder der Apparatschik
Sponsz sind nur Exponenten jeweils einer Seite
jener Gegenmacht.
Tintin als Superheld
Die Bezeichnung »Superheld« aber will auf Tintin nicht
recht passen. Er ist ein Hänfling mit Hund, der kaum
etwas mit den Muskellagerstätten US-amerikanischer Provenienz
gemein hat. Und dennoch sehen schon mehrere
Generationen von Kindern und Erwachsenen in aller Welt
in ihm ein Vorbild und eine Identifikationsfigur.
Tintin ist ein Kindmann. Von Alkohol, Tabak und
Frauen hält er sich fern, sein Auftreten ist höflich und bescheiden.
Ihn binden weder Wohnsitz noch Arbeit noch
Geldnöte, sein klares, offenes Gesicht kann nichts ver-
bergen. Wenn man nichts über seine Familie oder seine
Vergangenheit erfährt, so liegt das daran, dass diese nicht
existieren. Somit ist Tintins Bewegungsfreiheit im »kleinen
20. Jahrhundert« vollkommen, wozu sich seine Befähigung
trefflich fügt, jede Art von Vehikel (vom U-Boot über
den Panzer bis zur Mondrakete) zu bedienen. Schließlich
ist Tintin noch ein herausragender Faustkämpfer.
Er entspricht damit in etwa dem, was sich viele Kinder
vom Erwachsensein versprechen, und zeigt zudem in
seiner Ungebundenheit und Begeisterungsfähigkeit eher
kindliche Eigenschaften, deren Verlust Erwachsene oftmals
als schmerzlich empfinden. Züge von Nebenfiguren
entsprechen dieser Tendenz: Kinder wie der Chinese
Tschang oder der Indio Zorrino verfügen über erstaunliche
Reife und Mut, und bei Hauptfiguren wie den Detektiven
Dupond und Dupont, dem Professor Tournesol
sowie natürlich dem Kapitän Haddock und auch dem
Hund Milou, fällt unentwegt die Maske des Erwachsenen
zugunsten einer sympathischen Kindsköpfigkeit. Aus solchen
stets vollendet gezeichneten Kontrasteffekten gewinnen
die Comics eine unerschöpfliche Komik. Kontraste,
wie sie bei Tintin nicht auftreten. Sein hybrider Charakter
kennt keine Brüche und ist erstaunlich überzeugend.
Hergé evoziert durch diesen Charakter ein Drittes,
das sich den Polizeistaaten auf der einen und dem menschenverachtenden
Kapital auf der anderen Seite entzieht.
Ein Freiraum, in dem Menschlichkeit ohne ideologische
(auch: geldideologische) Beschränkung walten kann. In
Tintin legte Hergé den humanistischen Kern jener europäischer
»Jugendbewegungen« wieder frei, den die verschiedensten
Ideologien von ihrem Beginn um 1900 an
erfolgreich zu pervertieren suchten. Die bedingungslose
Freundschaft und Solidarität Tintins gegenüber Tschang,
Zorrino, dem Afrikaner Coco und auch dem ewig aufmüpfigen
Araber Abdallah ist dafür immer wiederkehrendes
Motiv und Symbol. Tintin ist ein Pfadfinder, wie Hergé
einer war. Nur hat sich Tintin völlig von dem Gedanken
der »Gruppe« gelöst. Diese ›Einsamkeit‹ Tintins ist sicherlich
zweischneidig. Hergé hatte aber erfahren, wie sich
Gewaltstaaten und Ideologien gerade dieses Gruppengedankens
bemächtigten und daraus einen Gruppenzwang
machten. Dagegen setzte er ein intelligentes Individuum,
das selbständig, spontan und mutig zu einem richtigen
und menschlichen Handeln findet.
In diesem Typus und der in ihm enthaltenen Botschaft
einer globalen Verständigung und Sympathie gerinnt in
den »Tintin«-Alben die Hoffnung des verunglückten (kleinen)
20. Jahrhunderts. In dieser Hoffnung besteht auch
die ungebrochene Aktualität von Hergés Helden Tintin
für das 21. Jahrhundert und darüber hinaus.
Alle 21 Bände von »Tim & Struppi« sind im Carlsen Verlag erhältlich
»Auf den Spuren von Tim & Struppi« von Michael
Marr, Carlsen, Hamburg, 208 S., € 35,00
Verlosung
Wir verlosen drei Pakete mit den Alben »Kohle an Bord«,
»Die Krabbe mit der goldenen Schere« und »Das Geheimnis
des Einhorn«. Einfach Mail mit Betreff »Ich möchte Teil einer
Jugendbewegung sein« an tombola@goon-magazin.de senden.
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goon
verlost

text: zuzanna jakubowski
illustration: jiro taniguchi (aus »vertraute fremde«)
Nicht nur von der Breite ihres Buchrückens her erinnern
Jiro Taniguchis durchaus schon einmal 400 Seiten
umfassende, abgeschlossene Manga-Romane an die seit
den 1990er Jahren den alternativen Comicmarkt dominierenden,
amerikanischen graphic novels und ihre europäischen
Nachempfindungen. Auch die wiederkehrenden
Themen und Motive des Aufwachsens und der Selbstfindung
in einer von Anonymität bestimmten Gesellschaft,
die autobiographischen Zwischentöne und die feinfühligen
Charakterportraits hat das umfassende Werk des
vielfach ausgezeichneten japanischen Mangaka mit dem
in der westlichen Welt zuletzt szenebestimmenden Genre
gemein. Schuf Taniguchi zu Beginn seiner Karriere noch
klassische Fortsetzungsgeschichten im Stil der üblichen
– vor speedlines und close-ups strotzenden – Krimi-, Samurai-
und Science-Fiction-Genres, entwickelte er schon in
den 1980ern seinen unverkennbaren, von den frankobelgischen
Comics beeinflussten Realismus abseits von Bambiaugen
und Stachelhaarfrisuren. Mit seiner fünfteiligen
Serie »Botchan no Jidai« über Schriftsteller der Meiji-Ära
(1867–1912) begründete er den literarischen Manga und
schuf die erste seiner zahlreichen, sensiblen Analysen einer
Kultur im Umbruch.
Im Angesicht der Natur
In der Tradition des in den 19 0er Jahren entstandenen
Independent Manga-Genres ›gekiga‹, das sich vor allem
– in Opposition zu den frühen Werken Osamu Tezukas
– für eine realistischere Darstellung in japanischen Comics
einsetzte, sind Taniguchis Geschichten geprägt von
sozialkritischen Tönen: »Die Stadt und das Mädchen«
thematisiert Kindesprostitution, allein erziehende Mütter
und das korrupte Großstadtleben, »Vertraute Fremde« ab-
Die Liebe zum
Hintergrund
jiro taniguchis poetische Autorenmangas
erfassen in kleinen Gesten individuelle und
gesellschaftliche Zusammenhänge
wesende Väter und Alkoholismus, aber auch das Trauma
des Zweiten Weltkriegs und das Wirtschaftswunder der
Nachkriegszeit. In der Geschichtensammlung »Der Wanderer
im Eis« steht das Individuum der gewaltigen Natur
gegenüber und muss lernen, mit ihr und nicht gegen sie
zu handeln: Die Helden sind Goldgräber und Walfänger,
Scheidungskinder und Bärenjäger. Nach und nach fügt
sich aus den einzelnen Erzählungen das feinfühlige Bild
eines individuellen und gesellschaftlichen Entwicklungs-
und Emanzipationsprozesses zusammen.
Raum zur Kontemplation
Ungewöhnlich für den üblicherweise durch Handlung
und Dialog vorangetriebenen Manga ist Taniguchis – den
bandes dessinées entnommene – Liebe zum Hintergrunddetail,
vor dem die Figuren beinahe verwechselbar werden.
Großstadtdschungel, Kleinstadtidylle und wilde Natur
werden auf dem Papier lebendig; klare Linien, ausladende
Tableaus und intime Perspektiven bestimmen die Panels.
Die wahre Kunst dabei besteht darin, den universaltypischen
Figuren – der schönen Frau mittleren Alters, dem
erschöpften Geschäftsmann, dem eigenbrötlerischen
Naturburschen, dem entfremdeten Jungen oder dem
kessen Schulmädchen – in kleinen Gesten Individualität
zu verleihen. Ein Kunststück, das Taniguchi meisterlich
beherrscht. Er lässt seinen Figuren viel Raum, zeigt sie
dem Leser gerade auch in handlungsfreien Momenten
der Kontemplation – im Wasser treibend, am Fuß eines
Berges stehend oder den Wolken nachschauend –, so dass
sie trotz idealtypischer Oberfläche an Tiefe gewinnen.
Von Jiro Taniguchi bisher in deutscher Übersetzung erschienen:
»Der Wanderer im
Eis«, Shodoku /
schreiber&leser, München
2006, 240 S., €14,95
»Die Stadt und das
Mädchen«, Shodoku /
schreiber&leser, München
2007, 336 S., €16,95
Demnächst erscheint:
»Die Sicht der Dinge«, Carlsen,
Hamburg 2008, 288 S., € 14,00
»Vertraute Fremde«,
Carlsen, Hamburg
2007, 409 S., € 19,90
»Gipfel der Götter
– Kamigami no
itadaki«, Shodoku
/ schreiber&leser,
München 2007, 320 S., € 16,95
Neues Töten
Die PC-Spielesammlung the orange box ist eine Kaufempfehlung für alle,
die einen Monat lang nichts anderes zu tun haben wollen
text: robert wenrich
Das Computerspiel »Half-Life 2« ist zwar betagt, aber
immer noch eine grandiose Hatz durch dystopisches
Gelände: Gordon Freemans Kampf gegen die extraterrestrische
Faschistenbande wäre samt seines ersten und
eines zweiten, brandneuen Add-ons für 40 Euro verkauft,
wenn nicht billig, so doch immerhin preiswert. Nur ist die
»Orange Box« mehr als eine branchenübliche ›Gold-Version‹
und entzieht sich, weil sie noch mit zwei weiteren, außergewöhnlichen
und heiß ersehnten Shootern aufwartet,
jeder Preisdiskussion.
Jenseits der Wurmlöcher: »Portal«
Im Gegensatz zu »Team Fortress 2« ist »Portal« ein Vergnügen
für den Herrn Einzelspieler. Als Versuchskaninchen
wird man darin von einer HAL-9000-Kopie – wie das Orginal
moralisch eher indifferent – durch 3D-Rätselkomplexe
gelotst; stets Kuchen in Aussicht stellend, sollte man nur
den nächsten Wachroboter überwinden. Die Levels sind
grau und weiß und von klinischer Strenge, das Rätselinventar
ist knapp. Es besteht aus Kisten, Knöpfen, Türmechaniken
und Zeitdruck. Alles eher unscheinbar, wenn das
Spiel nicht noch ein crazy feature zu bieten hätte: Denn bei
»Portal« ist der Spieler mit einer Portalkanone bewaffnet,
mittels derer er Wurmlöcher in Levelwände und -decken
bohren kann. Hat man beispielsweise einen Abgrund zu
überwinden, öffnet man diesseits wie jenseits ein Portal
und hat die Kluft überwunden. Liegt ein Schalter auf
einem entfernten Plateau, so zielt man auf die Decke darüber,
schießt sich danach den Boden unter den Füßen auf
und schon landet man wie gewünscht in luftiger Höhe.
Ähnlich beseitigt man die Roboter: Portal über sie, Portal
unter eine Kiste, und die Gravitation erledigt den Rest;
die iBiester verabschieden sich stilsicher mit »No hard
feelings«. So durch die Level laufend und durch Nutzung
der Fallbeschleunigung fliegend, wird »Portal« zu einem
großen gymnastischen Spaß – inklusive raumzeitlicher
Verstörungen – und lädt trotz kurzer Dauer zu mehrmaligem
Spielen ein.
Unermüdliches Killerkarussell: »Team Fortress 2«
Wirklich geadelt jedoch wird »The Orange Box« durch den
letzten Titel, der über annähend zehn Jahre (und wie man
heute sieht: erfolgreich) entwickelt wurde. »Team Fortress 2«
ist ein Online-Rollenshooter, in dem der Spieler in eine von
zehn Rollen schlüpft und mit seinem Team versucht – mitunter
durch Verursachung von Personenschäden –, die Gebiete
bzw. Dokumente des gegnerischen Teams zu erobern.
Das Spiel punktet dabei mit wunderbar geschlossenem Design
und, bei Computerspielen so oft und so schmerzlich
vermisst, mit viel Humor. Nächtelang erstürmt und verteidigt
man in saftiger, an die 1940er Jahre angelegter Grafik
verlassene Reservoirs, Güterbahnhöfe und Bergwerke. Als
Pyro in den Stollen die Arglosen abzufackeln, die feindliche
Unterstützung als getarnter Spion zu erdolchen oder
als Feldarzt den halbtoten Kameraden zu zweiter Luft zu
verhelfen – dank des guten Balancings ist jeder der zehn
Charaktere nützlich, spielbar und liebenswert; unermüdlich
dreht sich deswegen das Killerkarussell.
Das taktisch fordernde »Team Fortress 2« ist ästhetisch
wie dramaturgisch anspruchsvoll, im Ganzen ein bezauberndes
Stück Software, und liefert handfeste Beweise,
warum man Computerspiele zu den darstellenden Künsten
zählt.
»The Orange Box«ist für PC und X-Box 360
bereits erhältlich, die Version für PlayStation 3
erscheint am 17.1.2008 (Electronic Arts)
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Neues aus dem
Dahinterland
Schreiben, Falten, Wenden
– in seinem dritten Abenteuer
als Papierfigur dringt
mario bis in die Tiefen der
Selbstreflexivität vor
text: bernd weintraub
Im Jahr 2000, vier Jahre nachdem er den Weg in die dritte Dimension ebnete,
verlor Mario seinen Schatten. Sein zweidimensionales Alter Ego löste
sich von seinem Meister und begann, auf eigene Faust das Pilzkönigreich
zu erkunden, weniger aktiv, dafür jedoch gründlicher. Nun war aber der
Schritt in die dritte Dimension, in die materielle Welt, schon getan, es gab
kein Zurück mehr, und so wurde Marios alte Flachheit in ihr physisches
Pendant, in Papier, umgemünzt.
Mario und das epische Theater
Schon »Paper Mario« (2000) und »Paper Mario und das Äonentor« (2004)
kommentieren sich selbst und frühere Mario-Spiele. Beide Spiele problematisieren
ihren eigenen Stand zwischen ihrem Genre (dem behäbigen
japanischen Rollenspiel) und ihrer Hauptfigur (Mario, der Bewegung),
indem sie sich eines theatralischen Filters bedienen: des Übergangs vom
Papier zur Bewegung. Beide inszenieren sich als Erzählungen, die eigentlich
in einem Theater stattfinden, und selbst die Kämpfe werden auf einer
Theaterbühne (inklusive Publikum) ausgetragen. Wenngleich es eine
Brecht’sche Bühne ist, denn der Orchestergraben ist längst zugeschüttet
und die Menge bewirft die Protagonisten mit Dosen oder Items, springt auf
der Bühne herum, schlägt sich in die Kulissen.
Vom Theater zur Kulissenskizze
Mit »Super Paper Mario« wird dieser Ansatz weitestgehend aufgegeben, das
verlorene »Super« hält wieder Einzug in den Titel und damit auch ins Spiel.
Super Papier-Mario ist beweglicher, er löst seine Probleme auf direktem
Weg, durch Hüpfen. Dennoch ist die Handlung ebenso komplex und die
Charaktere so vielfältig, wie es sich für ein Rollenspiel gehört. Der Referenzrahmen
ist jedoch nun nicht mehr die Bühne, sondern die technische
Bauzeichnung: Neben unzähligen Schrifttypen und Akzenten, in denen
sich die Gemüter und Stimmungen der Protagonisten ausdrücken, sticht
vor allem die Umgebung ins Auge, die vor dem Betreten eines neuen Kapitels
in klaren, schwarzen, meist geraden Strichen auf den Bildschirm skizziert
wird, ehe sie eingefärbt wird und damit die typische Mario-Ästhetik
annimmt. Allein in diesem Verfahren offenbart die Welt von »Super Paper
Mario« bereits ihre Gemachtheit, die V-Effekte aber reißen nicht ab.
Was ist ›A‹?
Der Clou des Spiels besteht in einem neuen Trick, den Mario erlernt: dem
Flipping. Dadurch kann er die zweidimensionale Papierlandschaft um
90 Grad in eine dreidimensionale Polygonlandschaft drehen. Wo vorher
Striche waren, sind nun Flächen. Massive Berge entpuppen sich als papieren,
und was zuerst als wohlgeordnete Treppe erschien, zerfasert zu einem
Haufen Säulen. Die Figuren kommentieren die Steuermechanismen, ja
ihre Situation als Videospielfiguren, mit Aussagen wie: »Drücke einfach A,
um zwischen 2D- und 3D- Ansicht zu wechseln. Nun, was sagst du? Das zieht
einem die Schuhe aus, nicht wahr? Was A ist? Sollten wir von Bewohnern einer
anderen Dimension beobachtet werden … Diese Wesen würden es verstehen.
Dir fehlen Bartlänge und Verstand dazu.« Mit »Super Paper Mario« erfüllen
Nintendo und Intelligent Systems die obersten Kriterien moderner Kunst,
Selbstreflexivität und Kommentar. Die sprichwörtliche Geduld des Papiers
macht so etwas in der bewegten Welt der Videospiele möglich.
»Super Paper Mario«, für die Wii erhältlich (Nintendo)
Ein Hoch auf den blauen Bomber!
Der Videospiel-Held mega man wird Zwanzig. Gratulation und Resümee
text: dan gorenstein
Seine wildesten Partys hat er schon hinter
sich. Die großen Weltrettungsaktionen, die
Zeit der ungebrochenen Begeisterungsstürme.
Er gilt als das meistmissbrauchte Computerfirmenmaskottchen.
Hat versucht, es dem Klempner
nachzutun. Hat Fußball gespielt, sich mit dem Rest der
Capcom-Bagage geprügelt, er ist Rennen gefahren, ja, er
hat sich sogar den Kindern als neuer Yu-Gi-Oh! in seiner
»Battle Network«-Reihe angebiedert. In Ehre gealtert ist
der blaue Bomber Mega Man wahrlich nicht. Aber wann
immer er sich in seine alte Kampfrüstung schwingt, den
»Megabuster« lädt und gegen acht »Robot Master« in den
Kampf zieht, ist er so jung, als wäre es noch einmal 1987.
Dann gleitet er durch die Levels, als hätte er nie etwas
anderes getan, und wir glauben ihm sogar, dass es so ist,
drücken ein Auge zu.
Rocker, Revolutionär …
1987 nämlich war er ein Rocker so wie Mick
Jagger, ein Revoluzzer so wie Wladimir
Iljitsch Uljanow. Er mag zwar nicht
Konzerthäuser gefüllt oder gar die Jugend
emanzipiert haben, und auch
der Sozialismus hat sich ganz ohne
sein Zutun aus den Wirren der Geschichte
erhoben. Aber damals hat
er vielen Leuten gezeigt, wo die Reise
hingehen wird, hat Seite an Seite
mit seinem großen Vorbild Mario
für ein besseres gameplay gekämpft
und ist dabei an Orte vorgedrungen,
die selbst Nintendos Klempner erst Jahre
später entdecken sollte. Mario hat uns
damals zwar den Levelfluss gebracht, hat
uns aus den eng begrenzten Einzelbildschirmen
herausgeführt, Mega Man aber hat als erster die
Level als Ganzes verlassen. Jeder seiner Widersacher
brachte seinen eigenen, frei anwählbaren Level
mit sich. Der Spieler konnte die Reihenfolge, in der
er gegen die Kampfroboter antreten wollte, selbst
wählen; das mag heute banal klingen, aber ohne
diese Neuerung hätte es weder »Grand Theft Auto«
noch »Super Mario Bros. 3« gegeben.
… und Tänzer
Überhaupt sind es weniger die Levels,
die die »Mega Man«-Spiele
ausmachen als vielmehr die
Roboterbosse. Jeder hat seinen
eigenen Rhythmus, sei-
ne Stärken und Schwächen. Sie kündigen sich stets durch
eine Schleusentür an, dahinter die Schleuse; eine Aufforderung,
sich zu sammeln, den Level zu vergessen und sich
ganz auf den Kampf gegen den Boss zu konzentrieren.
Mega Man wird in Japan Rock Man genannt; den Namen
trägt er tatsächlich als Verweis auf den Musikstil, und vor
allem an den Endgegnern zeigt sich warum. Denn der
Kampf auf engstem Raum, auf einem Bildschirm, kann
nichts anderes sein als ein Tanz: Das akribische Einprägen
und flüssige Absolvieren klar definierter Schrittfolgen.
Tanz und Musik sind tatsächlich die beiden Momente,
welche die Spielreihe bestimmen. Die klassischen »Mega
Man«-Tracks gehören zum Besten, was eine 8-Bit-Konsole
je an Sound produziert hat, und auch heute noch tragen
die Melodien auf dem DS im neuesten Spiel »Mega Man
ZX« den Spieler wie selbstverständlich durch die nach
wie vor liebevoll gestalteten Levels. In seinen besten Momenten,
heute wie damals, ist Mega Man,
genauso wie sein alter Kampfgefährte
Mario, reine Bewegung, Flow; kein
Bomber, sondern ein Tänzer.
»Mega Man ZX« ist für den Nintendo DS erhältlich (Capcom)
76 1 bilder
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white cubes text: eileen seifert
Norbert Bisky: »Armageddon« (2007), Öl auf Leinwand, 280x400cm, Courtesy Galerie Crone, Berlin;
Leo Koenig Inc., New York, © VG-Bild Kunst Bonn 2007
»Kunst für alle« – so tönte es demokratisch im kunstolympischen
Jahr 2007. Das öffentliche Interesse an Veranstaltungen
wie documenta 12, Skulpturenprojekt Münster
oder der Biennale in Venedig war groß und reflektierte
ähnlich den Schlangen vor einschlägigen Schauen, dass
die einst elitäre Hochkultur endlich wieder im Volke angekommen
ist. Nachdem die Neue Nationalgalerie zuletzt
Platz für die »Schönsten Franzosen« geschaffen hatte,
wurden diese nun zurück zum Big Apple gesendet und
wurde die eigene Sammlung neu arrangiert. Dazu gibt es
eine Retrospektive des griechisch-italienischen Arte Povera-Begründers
Jannis Kounellis zu sehen, der bereits seit
den 1960er Jahren so genannte ›arme‹ Materialien in der
Kunst verwendet und damit in einer Liga mit ehemaligen
Kollegen wie Beuys spielt. Kounellis’ größter Coup war
die Ausstellung lebendiger Pferde in einer blütenweißen
Galerie – inklusive Stallgeruch. Ein durchaus ironisch-kritischer
Angriff auf die glatte Kunstwelt. Im labyrinth
– einem Irrgarten aus rund 160 Stahlelementen – zeigt
Kounellis jetzt etwa 20 Arbeiten aus insgesamt 0 Jahren.
Auf eine mindestens ebenso lange Zeit bezieht sich der
Titel der neuen Ausstellung in den Kunstwerken: history
Will repeat itself. Die künstlerische Variante
des populären re-enactments – der historisch korrekten
Inszenierung und Aufführung vergangener gesellschaftlicher
Ereignisse – ist durch die Befragung der Gegenwart
im Hinblick auf ihre Vergangenheit geprägt. Dabei setzen
sich internationale Künstler kritisch mit einer medial
präsentierten Geschichte auseinander, die wiederum
auf die Medienbasiertheit unseres kollektiven Gedächtnisses
verweist. Welch starke Bilder die Medien beim
Betrachter hinterlassen, ist auch die Frage, die Norbert
Bisky in seiner Malerei beleuchtet. Seine Gemälde voller
Blondschöpfe und Blauäugigkeit verlinken sich mit propagandistischen
Helden-Bildern deutscher Geschichte
und zeitgenössischer Werbe-Ästhetik. Nur manches Mal
wird ein strahlender Himmel von schwarzen Fliegern
verdunkelt, die goldschnittige Jungenhaftigkeit durch
Foto: Bernd Borchardt
abgetrennte Häupter getrübt – Abgründe, die unter der
kitschig-klischeehaften Oberfläche lauern. ich War’s
nicht lautet das unschuldige Statement, unter dem Biskys
aktuelle Bilder gemeinsam mit Arbeiten zu sehen sind,
auf die sie sich beziehen (u.a. von Georg Baselitz, Walter
Leistikow, Jim Dine). Mit der heutigen, schnelllebigen,
durch Mobilität und Migration geprägten Zeit, in der die
eigene Identität zum Zufluchtsort geworden ist, beschäftigt
sich hingegen die Ausstellung neue heimat in der
Berlinischen Galerie, eine interessante Zusammenschau
von 29 in Berlin lebenden deutschen und internationalen
Künstlern. Die Definitionen des Heimatbegriffs drehen
sich um Lebensräume, Behausungen, Erinnerungen. Im
Hamburger Bahnhof residiert – in Form seiner schier unerschöpflichen
Sammlung – ja immer wieder Herr Flick.
Diese Tage ist eine erste umfassende Ausstellung, zusammengestellt
aus seiner Sammlung und Leihgaben, zum
Künstler Roman Signer zu sehen. Signers Werke – Objekte,
Zeichnungen, Fotografien, Super-8-Filme, Videos und eine
Außenskulptur im Innenhof – geben Aufschluss über
sein Schaffen seit den 1970er Jahren. Doch auch besinnt
man sich des alten Museumsauftrags besonnen und zeigt
daneben die nicht unwichtigen Neuerwerbungen zeitgenössischer
Videokunst und Malerei. von bill viola bis
aernout mik reicht das von der Arbeit »Refraction« des
Niederländers Mik dominierte Spektrum. Zudem gibt es
Filme von Jack Goldstein und der Künstlergruppe Die
tödliche Doris sowie Gemälde von Dexter Dalwood, Eberhard
Havekost, Raoul de Keyser und Chris Newman zu
bestaunen.
»Janis Kounellis: Labyrinth«, Neue
Nationalgalerie, Berlin, bis 24.2.2008
»History Will Repeat Itself – Strategien des Reenactment in der
zeitgenössischen Kunst«, Kunstwerke, Berlin, bis 13.1.2008
»Norbert Bisky – Ich war’s nicht«,
Haus am Waldsee, Berlin, bis 13.1.2008
»Neue Heimat – Berlin Contemporary«,
Berlinische Galerie, bis 7.1.2008
Nimm 2
gilbert & george
haben für die Kunst
das Duo erschaffen. Ein
fruchtbarer Entwurf,
wie die diesjährige
Retrospektive im
Münchener Haus der
Kunst verriet
text: sebastian hinz
foto: »george the cunt and gilbert
the shit«, hatje & cantz, abb.6
Don Quijote y Sancho Panza. Terence Hill e Bud Spencer.
Paul Simon and Art Garfunkel. In Literatur, Film und
Musik ist es ein bewährtes Konzept, eine Doppelspitze in
die Welt zu schicken. Ungleiche Paare, zwei fremdelnde
Charaktere und doch zwei Seiten derselben Medaille. Für
die Bildende Kunst haben Gilbert Prousch und George
Passmore diese Idee nutzbar gemacht und sich selbst als
die Figuren Gilbert & George inszeniert, bis diese nicht
mehr von den Künstlern Prousch & Passmore zu unterscheiden
waren. Sie sind zu ›lebenden Skulpturen‹ geworden
und halten das nach eigenen Aussagen für ihre
Cyborgs der
Globalisierung
peter bialobrzeski zeigt in seinen
Fotografien urbane Totenräume und
verlorene Orte des Übergangs
text: jens pacholsky fotos: peter bialobrzeski
Anträge auf Bau- und Neustrukturierungsprojekte sind
wie kleine Utopien. Sie erzählen von der Zusammenführung
der Menschen, der Überbrückung architektonischer
Gegensätze, vom Fortschritt und der Spiegelung des Technologiezeitalters.
Modern möchten die Stadtverwalter ihre
Reviere erscheinen lassen, glänzend und einladend. Orte
des Lebens sollen sie sein, selbst wenn der tausendste Standardbau
eines Konsum- oder Bürotempels, der äußerlich
Individualität vortäuscht, in ein Neubaugebiet verpflanzt
wird. Peter Bialobrzeski hat sich mit seiner alten Kamera
in die Räume dieser Neuerschließungen begeben und gleichermaßen
beeindruckende wie desillusionierende Bilder
aus 28 Städten und 14 Ländern gefunden. Dabei ging es
dem Fotografen und Dozenten an der Hochschule für
Künste in Bremen weniger um die Architektur an sich.
Vielmehr ihre (fehlende) Verbindung zur Umwelt, die
größte Erfindung. Ob in knallbunten Pop-Art-Gebilden,
kaleidoskopischen Prismen, roten Fotografien oder Kohlezeichnungen,
seit ihrem ersten Zusammentreffen am 2 .
September 1967 in der Skulpturenklasse der Kunsthochschule
im englischen Oxford (»Es war Liebe auf den ersten
Blick«), zieren sie die Mehrzahl ihrer Werke gemeinsam. So
sind die Ausstellungsstücke nicht nur eine Beschäftigung
mit der Gegenwart, mit Politik, Gesellschaft, Kunst, sondern
ebenso eine Projektion der zwei beiden in der Zeit.
Die Kunst von Gilbert & George ist auch die Geschichte
von Gilbert & George.
»Gilbert & George. Die große Ausstellung« fand
Schaffung von globalen und globalisierten »Un-Orten«, ist
es, die sich in seinen breitformatigen Aufnahmen offenbart
– modernisierte Räume, die im Übergang verloren gingen.
Ein goldener Shoppingpalast steht da vor zerfallenden
Ziegelhütten, deren Wellblechdächer mit dem Debris der
Stadt am Boden gehalten werden. Einsame Inseln der Industrie
und des Kapitals, zuweilen mitten im Nichts, die
gerade im Zwielicht der Dämmerung, nach Feierabend,
zu entleerten Totenräumen transformieren und in den
simplen Perspektiven des 46-Jährigen zu unbezwingbaren
Cyborgs erstarren.
»Lost in Transition« von Peter Bialobrzeski,
Hatje Cantz, Ostfildern 2007, 128 S., € 39,80
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review

eview
Chronik einer
doppelten
Vertreibung
persepolis ist eine außergewöhnlich
gelungene Verfilmung des gleichnamigen
Comics von Marjane Satrapi
text: patrick küppers illustration: prokino
Ein Kind träumt eine Welt, die dem Traum eines Verrückten
gleicht. Während ihr Onkel Anouche der achtjährigen
Marjane die Geschichte seines Exils erzählt, sieht sie sein
scharfes Profil durch in betörende Arabesken erstarrte
Landschaften wandern. Die Reisen des Onkels sind der
epische Weg eines Prinzen aus tausendundeiner Nacht.
Er hat aber zur Enttäuschung Marjanes keine Prinzessin
mitgebracht, und seine Hoffnungen nach dem Sturz des
Schahs zerschlagen sich schnell. Auch die neuen, religiösen
Machthaber sperren ihn ein, richten ihn sogar hin.
Für die Zeichnerin Marjane Satrapi bedeutet »Persepolis«
das Glück der Kindheit und ein großes, reiches Land, in
Fehler im System
ang lees »Gefahr und Begierde« stellt auf eindringliche Weise
die Unberechenbarkeit des anarchischen Herzens dar
text: vera hölscher foto: tobis film
Kontrolle und Macht sind zwei der Dinge, nach denen der Mensch strebt. Doch selbst
in Zeiten des elektronischen Fingerabdrucks und Google Earth bleibt ihm die Kontrolle
über ein vitales Element verwehrt: das Herz. Der Unberechenbarkeit des Herzens
widmet Regisseur Ang Lee sich auch in seinem neuen Film »Gefahr und Begierde« und
legt den Schauplatz dieses leise agierenden Dramas in das von Japan besetzte China der
1940er Jahre. Ebenso unfreiwillig wie die junge Studentin Wang Jiazhi (Tang Wei) in den
Widerstand geraten ist, kann sie sich ihrer Gefühle für den Geheimdienstler Mr. Yi (Tony
Leung Chiu Wai), welcher durch ihre Hilfe ermordet werden soll, nicht erwehren.
Während beide nach und nach in einen Sog aus körperlicher Obsession, Leidenschaft,
Liebe und Hass geraten, muss Jiazhi den inneren Konflikt zwischen auszuführendem
Auftrag und Gefühlen austragen.
Zur Darstellung der emotionalen Beziehung zwischen Wang Jiazhi und Mr. Yee bedient
sich Lee weniger an Worten, es sind vielmehr kleine Gesten und Blicke, unter deren
zurückhaltender, ruhiger Oberfläche sich die unterdrückte Leidenschaft, die innere
Zerrissenheit und die Ambivalenz zwischen gegenseitigem Miss- und Vertrauen umso
heftiger regen und in explosiven, atemberaubend intensiven und ehrlichen Sexszenen
zum Ausbruch kommen. Verstärkt wird der Ausdruck widersprüchlicher Empfindungen
noch durch die wunderschöne, ebenso wie die Charakterzeichnung dezente und unaufdringliche
Szenerie des damaligen, von einer gespaltenen Gesellschaft geprägten China
und die klassische, schwermütige Musik, und am Ende scheint einmal mehr klar, dass
der Gedanke des freien Willens eine einzige Illusion ist.
80 1 bilder
»Gefahr und Begierde« von Ang Lee, seit 18.10.2007 im Kino (Tobis)
dem sie aufwuchs. Beides versank vor den großen Augen
der kleinen Marjane in einem Strudel von Blut, Gewalt
und Terror, und aus beidem wurde sie vertrieben. In zwei
erfolgreichen Comicbänden hat Satrapi, die heute in Paris
lebt, ihre Geschichte in eine Art phantastisch-expressionistischen
Realismus gefasst. Gerafft und mit einer überarbeiteten
Linienführung, liegt davon nun eine gelungene
Filmfassung vor. Der Film, für den Satrapi mit Vincent
Paronnaud zusammenarbeitete, entwickelt den unverkennbaren
Stil der Comics zu einer eigenen Sprache weiter
und bringt zugleich die Comicbilder zur vollen Entfaltung;
einige Passagen zu Beginn des Films werden dadurch zu
großen Momenten des Zeichentrick überhaupt. Es bleibt
also am Ende der Triumph der Phantasie. Der unbedingte
Widerstand dagegen, sein Träumen aufzugeben, ist die ästhetische
Kraft des Comics und nun auch des Films.
»Persepolis« von Marjane Satrapi & Vincent
Paronnaud, seit 22.11.2007 im Kino (Prokino/Fox)
Teile, verbinde,
herrsche!
Der Anime fullmetal alchemist
beschreibt die aufgeteilte Welt als einen
traurigen Ort voller unerlöster Figuren
text: dan gorenstein illustration: panini video
In einem Land, in dem es scheinbar nur zwei gesicherte
Wissenschaften gibt – die Alchimie und die Kunst des Prothesenbaus
– sind die Brüder Edward und Alphonse Eldric
Staatsalchimisten: »Hunde des Militärs«, wie sie sich selbst
nennen. Beide sind nach einem Experiment verkrüppelt:
Edward hat eine Arm- und eine Beinprothese, Alphonse
ist gar völlig körperlos, sein Bewusstsein alchimistisch an
eine leere Ritterrüstung gebunden. Gemeinsam suchen
diese seltsamen Existenzen ihre Tragödie rückgängig zu
machen, das Kernproblem der Alchimie zu überwinden:
das Gesetz des äquivalenten Tausches. Denn Alchimie
betreiben heißt in erster Linie Opfer bringen. Um etwas
zu bekommen, muss man etwas anderes aufgeben. Die
einzige Möglichkeit, dieses Prinzip zu umgehen, ist der
sagenumwobene Stein der Weisen. Und wie sich im Verlauf
der Anime-Serie »Fullmetal Alchemist« herausstellt,
ist auch der nur durch erhebliche (Menschen-)Opfer zu
erlangen.
Jedes Element der Serie lässt sich durch das Gesetz
des äquivalenten Tausches beschreiben: Ed opfert seine
Freiheit, um Zugang zu den vom Militär verwalteten Bibliotheken
zu erhalten. Dennoch bleibt der Eindruck bestehen,
dass jeder Tausch auch Verlust in sich trägt. Der
Prozess fordert seinen Tribut; es wird eben nicht nahtlos
das Eine in das Andere übersetzt, sondern es gibt Abnutzungserscheinungen.
Die meisten Figuren, denen die Brüder
begegnen, haben diese Einsicht schon längst hinter
sich, sind allesamt seelisch und körperlich verstümmelt,
jagten einst hehren Zielen nach, die längst zur Pragmatik
oder Menschenverachtung verkommen sind. Die Teile
sind eben doch weniger als ihre Summe.
»Fullmetal Alchemist« erscheint fortlaufend
auf 12 DVDs bei Panini Video
A Crown of
Frozen Tears
Eine sensationelle Edition von
»The Saddest Music in the World«
würdigt das Werk des kanadischen
Filmemachers guy maddin
text: jochen werner foto: cinema surreal
review
Wie müsste sie wohl klingen, die traurigste Musik der
Welt? Diese Frage nimmt die kanadische Brauereimogulin
Lady Port-Huntly (»If you’re sad and like beer, I’m
your lady!«) zum Anlass, einen Wettbewerb in Winnipeg,
Kanada – der »Welthauptstadt der Sorgen« – auszurufen,
der klären soll, welche Nation über das traurigste Liedgut
verfügt. Vor diesem skurrilen Hintergrund kleidet Guy
Maddin ein familiäres Fünfecksmelodram in die Mimikry
eines Länderkampfes zwischen Kanada (»Red Maple Leaves«),
den USA (Broadway!) und – Serbien. Der leidgeprüfte
›Gavrilo The Great‹ nämlich tritt an, um das Leid der
neun Millionen Gefallenen des auf serbischem Boden begonnenen
Ersten Weltkriegs zu besingen ... Guy Maddin
gehört seit 20 Jahren zu jenen bedeutenden Regisseuren
des Weltkinos, deren Werk in Deutschland nahezu vollständig
ignoriert wird. Mit einer ganz individuellen Handschrift
versehen und mit Techniken und Stilmitteln des
frühen (Stumm-)Films inszeniert, bersten seine Filme nur
so vor visueller und narrativer Imaginationskraft – und
lassen doch nie vergessen, dass sie im Grunde auf bizarre
Weise autobiografische Tragödien sind, verschüttet unter
dicken Schichten von Ironie und Selbstreferentialität. Mit
»The Saddest Music in the World« erscheint nun die erste
deutsche DVD eines Maddin-Films in einer sensationellen
Edition, die zusätzlich vier Kurzfilme sowie mit »Cowards
Bend the Knee« einen weiteren Langfilm des Regisseurs
enthält. Eine kleine Werkschau und vielleicht die wichtigste
DVD des Jahres.
»The Saddest Music in the World« von Guy Maddin, seit
2.11.2007 auf DVD (Cinema Surreal/b-ware!media)
bilder 1 81

eview
Das Buch zum Buch
zum Spiel
Mit einem Parforceritt durch die
Philosophie des Gnothi Seauton
verschaffen sich die gelben Springfielder
nach Jahren der Verwurstung endlich
Zutritt zum Olymp der erwähnenswerten
Videospiele: die simpsons – das spiel
text: dan gorenstein
Jedes Zeitalter findet seine eigene Metaphorik, um die
Welt zu beschreiben. Mal ist sie ein Buch, dann wieder ein
Uhrwerk, und schließlich: ein Videospiel. Und trotzdem
lässt es sich nicht wegdiskutieren: Das Buch prägt noch bis
heute unsere Sicht auf die Welt, gliedert sie in Seiten, Abschnitte
und Kapitel. So auch für Bart, der in seinem Spiel
eben jenes, nämlich die Anleitung zum Simpsons-Game,
aus dem Himmel vor die Füße geworfen bekommt. In den
Epistemologien seiner Zeit geschult, schlägt er darin natürlich
sofort seine Videospiel-Kräfte nach, an eine Einleitung
scheint er nicht zu denken.
Nach und nach erfahren alle Simpsons von ihren neuen
Kräften und toben sich sofort in der ihnen zu Füßen liegenden
Welt aus, bis sie mit einer neuen Kraft konfrontiert
werden: dem Plot. Die Aliens Kang und Kodos besetzen
Springfield, und weil mit großer Videospiel-Power große
Verantwortung kommt, versuchen sich die Simpsons als
Weltretter. Nur leider sind ihre Kräfte nicht stark genug,
und also müssen sie ins Herz der Videospiele reisen, um
den Cheating-Guide zu finden. Natürlich wirft dies Fragen
auf, und so wird aus der Suche nach neuen Kräften
die Suche nach demjenigen, der ihnen das angetan hat:
dem Schöpfer, Matt Groening. Der aber denkt nicht daran,
Rede und Antwort zu stehen; nein, er bombardiert die
Simpsons mit Anwälten und »Futurama«-Charakteren.
Und während Kang und Kodos weiterhin munter die Welt
zerstören, bleibt den Simpsons keine andere Wahl, als sich
mit dem Schöpfer Groenings kurzzuschließen: dem Weltenautor,
-uhrmacher und -spieler, mit Gott.
»Die Simpsons – Das Spiel«, für Nintendo DS,
Nintendo Wii, PlayStation 2, PlayStation 3, Sony
PSP und XBOX 360 erhältlich (Electronic Arts)
Das Artefakt
und die Spur
Daedalic Entertainment treibt mit
zwei neuen Veröffentlichungen die
Renaissance des point-and-clickadventures
voran
text: bernd weintraub
Der Blick, den wir auf die Welt werfen, bestimmt, was
wir sehen. Bei Computerspielen ist es tatsächlich so, dass
nur dieser Blick uns die virtuelle Welt sehen lässt. Denn
ohne ihn, ohne das, was wir auf Monitoren oder Fernsehern
zu sehen bekommen, findet die virtuelle Welt nicht
statt. Momentan dominiert der immersive Blick, der Blick
durch die Windschutzscheibe des Schädels, der gefälschte
Blickausschnitt des Egoshooters. Ohne weitere Hilfsmittel
kann sich die Spielwelt wohl kaum enger um den Spieler
schließen. Es gibt aber auch noch eine andere Möglichkeit,
den Spieler an seine virtuelle Umgebung zu fesseln: das
Detail. Während Egoshooter davon leben, Raumveränderung
und Bewegung in eins zu setzen, macht das Pointand-Click-Adventure
das exakte Gegenteil; es etabliert
einen unveränderlichen Raum, der zur Aufgabe wird und
dadurch in das Bewusstsein des Spielers eindringt. Dieser
wird zum Forensiker in einer Welt, die weniger dynamisch
als vielmehr pittoresk ist. Die Spuren und Gegenstände
werden aus ihrer Umgebung herausgelesen, in neue Umgebungen
imaginiert, zweckentfremdet und vor allem
kommentiert wie in »Ankh – Kampf der Götter«, denn das
Point-and-Click-Adventure war schon immer selbstrefentiell
und auf eigene Kosten komisch. Mit »Sinking Island
– Mord im Paradies« erreicht dieses ein wenig in die Jahre
gekommene Genre jedoch eine Ernsthaftigkeit und Spannung,
die sowohl in der Intensität als auch inhaltlich mit
den großen Egoshootern mithalten kann, und auf seine
Art ist auch »Sinking Island« selbstreferentiell, denn es
legt den Grundmechanismus seines Genres offen: die Polizeiarbeit.
»Ankh – Kampf der
Götter«, für PC erhältlich
(Daedalic/Xider/Deck 13)
»Sinking Island – Mord im
Paradies«, für PC erhältlich
(Daedalic/Xider/White Birds)
Bislang galten Videospiele als Zeitverschwendung. Ein lukratives
Geschäft für Händler und Hersteller, denn es gab
ja den Markt und die entsprechenden Abnehmer, aber
eine Nullnummer für den Endverbraucher. Die Spiele wurden
gespielt, vom Standpunkt der Produktivität jedoch hat
man dabei nur verloren. Deshalb waren Videospiele bis
jetzt eher Kinderkram; sobald das Individuum sich vollständig
in die Gesellschaft eingegliedert hatte, war fürs Spielen
keine Zeit mehr. Gleichzeitig brachte die Heimcomputerrevolution
der 1980er Jahre eine Reihe von Erkenntnissen
mit sich, die von den Herstellern als Repräsentanten der
produktivitätsorientierten Gesellschaft fruchtbar gemacht
werden konnten: Inhalte werden schneller und exklusiver
aufgenommen, wenn sie über einen Bildschirm vermittelt
werden (das wusste man schon von der Einführung des Kinos
bzw. des Fernsehens), und durch die Interaktion des
Konsumenten mit den Inhalten wird die Verbindung gar
noch weiter intensiviert. Je intuitiver das Interface, desto
größer die Bereitschaft, sich mit den Inhalten auseinander
zu setzen. Die Unzufriedenheit mit der unproduktiven
Nutzung von Computerspielen und den Möglichkeiten,
die sie auf der anderen Seite boten, mündete zunächst
in einen Haufen Lernsoftware für Kinder. Wenn Kinder
schon Computerspiele spielen mussten, dann konnten sie
doch wenigstens etwas dabei lernen, so die Idee. Das wahre
Potential aber lag im Umkehrschluss: Wenn man schon etwas
lernen muss, warum es nicht spielerisch tun? Nintendo
hat 200 diese Idee konsequent mit dr. kaWashimas
gehirn-jogging – Wie fit ist ihr gehirn? marktfähig
gemacht. Ende 2004 bereits ist der Nintendo DS in
Japan erschienen, die erste groß angelegte Konsole mit
einem Touchscreen; und ohne dieses Eingabeschema, diese
Schnittstelle, wäre »Gehirn-Jogging« niemals zu einem
derart großen Erfolg geworden. Das Konzept ist einfach
perfekt: vom promovierten Wissenschaftler im Titel, der
für die nötige Seriosität sorgt, über den an Intelligenztests
erinnernden sparsamen Umgang mit Farben bis zum
Versprechen, das Training nehme nur ca. zehn Minuten
in Anspruch, fördere aber bei regelmäßigem Absolvieren
text: dan gorenstein schnittstellen
die geistige Flexibilität. Es stimmt einfach alles: Einfache
Kopfrechenaufgaben, Leseübungen und natürlich Sudoku.
Die einfachen logikorientierten Zahlenrätsel sind nicht
zufällig nahezu zeitgleich von Japan nach Europa herübergeschwappt.
Mit dem Erfolg kamen die Nachahmer
und Nachfolger. So das jüngst erschienene big brain
academy für die Wii. Das prominenteste Feature dieser
wesentlich verspielteren Reihe, die ihr Debüt ebenfalls
auf dem DS gab, ist ein als »Gehirn-Sprint« bezeichneter
Modus. Hier treten die Spieler nicht mehr gegen die Zeit,
also gegen sich selbst, sondern gegen bis zu drei andere
Spieler an, was das Ganze näher an Party-Games heranrückt.
Für den DS ist nun auch ein zweiter Teil zum Originalspiel,
dr. kaWashima: mehr gehirn-jogging,
erschienen: andere Trainingsaufgaben, optimierte Handschriftabfrage,
neue Sudoku. Der notwendige Nachfolger
für all diejenigen, die seit fast zwei Jahren täglich mit ihrem
Gehirn um den Block laufen. Eindeutiger im Hinblick auf
die Ergebnisse sind das Programm english training
– spielend englisch lernen sowie der Nachfolger
practise english! meistern sie typische alltagssituationen.
Mit den für »Gehirn-Jogging« entwickelten
Methoden werden spielend Aussprache und
Vokabelfülle verbessert. Dieses Programm ist nun eindeutig
an ein erwachsenes Publikum gerichtet, denn man lernt
die Sprache nicht neu, man entrostet sie. Jüngster Zuwachs
in der von Nintendo als »Touch! Generations« bezeichneten
Spielefamilie ist augen-training – trainieren und
entspannen sie ihre augen. Wie der Name sagt,
handelt es sich hierbei um ein Programm zur Schulung der
visuellen Auffassungsgabe – ein extrem wichtiges Training
für professionelle Computerspieler.
»Augen-Training – Trainieren und entspannen
Sie ihre Augen« (Nintendo DS)
»Big Brain Academy« (Nintendo DS, Nintendo Wii)
»Dr. Kawashimas Gehirn-Jogging – Wie fit ist Ihr Gehirn?« (Nintendo DS)
»Dr. Kawashima: Mehr Gehirn-Jogging« (Nintendo DS)
»English Training – Spielend Englisch lernen« (Nintendo DS)
»Practise English! Meistern Sie typische Alltagssituationen« (Nintendo DS)
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das goon® abo + prämie*
Sun Electric
Lost + Found:
1998 – 2000
cd | shitkatapult
A Whisper
In The Noise
Dry Land
cd | exile on
mainstream
Frank
Bretschneider
Rhythm
cd | raster noton
Richie Hawtin
Concept 1 /
Variations
2cd | minus
V.A.
Space &
Time
cd | hotflush
ADAM OLSCHEWSKI
Ewa
Roman
ROGNER & BERNHARD
Bernd M. Scherer
und Detlef Diederichsen
(hrsg.)
Das vermessene
Paradies. Positionen
zu New York
sachbuch | verlag
theater der zeit
Adam
Olschweski
Ewa
roman | rogner &
bernhard
Roman Simić
In was wir uns
verlieben
erzählungen + cd |
voland & quist
Chuck Palahniuk
Das Kainsmal
roman | manhattan
verlag / randomhouse
Niclas Östlind,
Louise Fogelström
(hrsg.)
Fiction Is No
Joke
bildband | hatje cantz
zuzahlung €
Jiro Taniguchi
Gipfel der
Götter 1 – Kamigami
no
itadaki
comic | shodoku /
schreiber & leser
zuzahlung €
Guy Maddin
The Saddest
Music In The
World
dvd (amaray-version)
| cinema surreal
/ b-ware!media
Tinto Brass
Yankee
dvd | koch media
home entertainment
magazin für kulturtheorie
no.2 1 winter 2007
text: zuzanna jakubowski illustrationen: anna rosa stohldreier (www.rosadesign.de)
»The best that has been thought and
tellektuelles Interesse an der vermeintlichen
said in the world.« So stellte Mathew
low culture. Nicht zufällig eröffnet ein Inter-
Arnold –Verteidiger der binären
view mit dem britischen Germanisten An-
high culture/low culture Opposithony
Waine anlässlich seiner aktuellen
Die goon® kommt zu Dir nach
Hause in deinen Briefkasten. Nur für
Dich allein. Niemand kann sie Dir
wegnehmen, und dazu gibt’s auch
noch eine fantastische Prämie.
Standardabo
4 Ausgaben + Prämie für 1 ,-€
(Deutschland),
2 € (Österreich / Schweiz)
Auch als Geschenkabo zu haben!
Standardabo-I/O
4 Ausgaben des goon® Magazins + 1
Ausgabe des I/O Magazins + Prämie*,
für 20 € (Deutschland),
32 € (Österreich/Schweiz)
Auch als Geschenkabo zu haben!
tion des vorletzten Jahrhunderts
– die haftende Definition von
Kultur auf. Der Titel seines Werks
»Culture and Anarchy« bringt seine
kanonisierte Position auf den
Punkt: Anarchie, das ist die Popu-
Veröffentlichung zu Literatur und Pop in
Deutschland diese zweite Ausgabe »Zeichen«
und verortet die historischen und
aktuellen Geschmackskriege um high
und low, Kitsch und Kunst auch auf dem
Kontinent. Jenseits von Feuilleton und
Förderabo
lärkultur. Raymond Williams for-
Fanzine besteht erneut das Unterfangen,
4 Ausgaben + Prämie +
goon® T-Shirt** für 0 €
Im Falle eines Geschenkabos benötigen
wir natürlich noch Namen und
mulierte daraufhin im Gegenzug
sein »culture is also ordinary«:
konsumunabhängig und hinterfragend,
dennoch involviert – quasi von innen
Adresse des Geschenkempfängers!
Die Cultural Studies waren
heraus – kritisch über Popkultur nach-
geboren, und mit
zudenken.
Sende einfach eine email mit Abo- und Prämienwunsch,
Namen und Adresse an abo@goon-magazine.de und wir
machen 84 1 bilder dich glücklich!
*Die Prämien gibt es, solange der Vorrat reicht. Der Zahlungseingang
entscheidet über die Vergabe.
**Die T-Shirts gibt es in schwarz, rot und blau jeweils mit dem goon-Schriftzug
auf der Vorderseite in allen gängigen Größen (auch als Girlie-Shirts).
ihnen ein in-
zeichen 1 8

From Gutter to Kitsch. Von Alltag und Pop
Ein Interview mit dem britischen Germanisten anthony Waine anlässlich seiner
aktuellen Veröffentlichung zu Literatur und Pop in Deutschland
text, interview: mathias penzel
»Theorien der Populärkultur«, »Populäre Kultur«, ja, sogar
»Kulturschutt« ist nun auch auf den Schreibtischen
hiesiger Wissenschaftler angekommen, wie Sebastian
Hinz in der letzten Ausgabe des goon Magazins festgestellt
hat – und sich sodann wunderte, wie konfus Gegenstand
und Termini verhandelt werden. Wie Pop hierzulande das
Licht der Welt erblickte – beginnend mit ersten Befruchtungen
bis hin zu den Komplikationen der Geburt – erläutert
nun das Werk eines Engländers. Anthony Waines
»Changing Cultural Tastes« zeigt auf, weshalb hierzulande
Intelligenzija und ›der kleine Mann‹ immer wieder aneinander
gerieten. Es geht um das Bildungsbürgertum auf
der einen Seite, auf der anderen um Volk, Kitsch und Pop.
Es geht um Kultur und Ideologie, um Eliten und Demimonde,
um Josef von Sternberg und Jelinek, Brecht und
Brinkmann, Erwin Piscator und Hans Fallada. Zu seinem
äußerst beeindruckenden Buch stand Anthony Waine Rede
und Antwort.
Es ist ja noch nachvollziehbar, wenn sich ein Germanist der
Lancaster University mit Martin Walser, Bertolt Brecht und
Anna Seghers beschäftigt – wie kommt er aber dazu, auf
240 Seiten darauf zu pochen, die Deutschen hätten ihren
eigenen Weg ins Pop-Zeitalter gefunden?
Zur Entstehung des Buches und zum persönlichen Ansatz:
Ich stamme aus der englischen East Midlands-Arbeiterklasse.
Als Kind, d.h. in den Nachkriegsjahren bis in die
frühen 60er Jahre hinein, haben mich meine Eltern in eine
bunte, bodenständige und vor allem solidarische und
Wärme stiftende Fabrikarbeiterkultur eingeführt, und ich
nahm mit Freude daran teil. Hinzu kommt die Tatsache,
dass meine Mutter in den Bergwerkerdörfern der nordostenglischen
Grafschaft Durham aufgewachsen ist, und
wir fuhren in den Schulferien zu dieser zweiten Heimat
im Norden, die ebenfalls eine sehr stark integrierende,
kommunale Populärkultur für die Freizeitgestaltung der
Bergwerkerfamilien angeboten hat. Hier habe ich wieder
eine ganz andere Lebensweise einer weiteren Schicht der
Arbeiterklasse kennen und schätzen gelernt. Diese konkreten
Erlebnisse haben meine Vorstellung von the people
und deren culture, d.h. way of life, für immer mitgeprägt.
Was bedeutet das für Dein Schreiben?
Für das Buch bedeutet das: Ich gehe nicht von Theorien
aus. Sie interessieren mich kaum. Ich bleibe so pragmatisch
wie möglich. Doch mein ursprüngliches Interesse
an Deutschland bezog sich nicht gleich auf deren ›popular
culture‹. Es begann mit dem Studium der klassischen
deutschen Literatur – 1964 in Newcastle. Während ich
Goethe, Eichendorff und Hebbel las, konnte ich – selbst-
verständlich – miterleben, wie die englische Pop-Musik
entstand. Die britische Pop-Revolution lief ja schon auf
vollen Touren. Einer meiner Kommilitonen war beispielsweise
der damalige Fine Art-Student Bryan Ferry,
der später mit Roxy Music, dann solo wichtige Akzente
setzte. 1966 kam ich dann für ein Jahr nach Deutschland
ins schläfrige Ammerland zwischen Oldenburg und Leer.
Hier erlebte ich so eine Art Pop-Kolonialisierung des
norddeutschen Jugendbewusstseins. Dieses Phänomen
verfolgte ich noch intensiver als Lektor an der Universität
Hamburg von 1968 bis 1970. Hier verwebte sich populäre
Kultur, versinnbildlicht durch die Beatles und den Star
Club, mit der Politisierung der die Welt auf den Kopf stellenden
Studentenbewegung.
Aus all diesen sozialen, politischen und persönlichen
Erfahrungen schöpft mein Buch. Es ist der in meinem
Kopf permanent ablaufende Dialog zwischen Großbritannien
und Deutschland, auch zwischen dem intellektuell
Erlernten und dem sinnlich Reizbaren, der mich mit der
Masse der gewöhnlichen Menschen verbindet, zu der ich
gehöre.
Der erste Teil des Titels Deines neuen Buches »Changing
Cultural Tastes« kann auf zweierlei Weise verstanden
werden: ›Changing‹ als Gerundium, als substantiviertes
Verb, das den bzw. die Wechsel kultureller Geschmäcker
betrifft, aber auch als Aktionswort.
Genau. Das soll auf zweierlei Weise verstanden werden.
Ein bisschen hochtrabend ausgedrückt, will ich auf die Dialektik
des Kulturprozesses hinweisen. Schriftsteller, Theaterproduzenten,
Künstler, Filmemacher spiegeln nicht
nur die gesellschaftliche Wirklichkeit wider, sondern sie
produzieren neue Realität und helfen dem Individuum, an
dem Wandel der Geschmäcker mitzuarbeiten. Noch lieber
als ›Wechsel‹ würde ich das Wort ›Wandel‹ verwenden, es
klingt durchdringender und auch evolutionärer.
»Changing Cultural Tastes« dokumentiert die
Grabenkämpfe zwischen ernster, anspruchsvoller
Leitkultur und dem als trivial bezeichneten Gossenkind,
dem Populären.
Mir gefällt dein Ausdruck ›Grabenkämpfe‹, denn erst als
das Manuskript fertig war, ist mir klar geworden, wie über
Jahrhunderte hinweg regelrechte Schlachten in der Arena
der Kultur ausgetragen wurden, und die Hauptwaffe der
Kulturbesitzenden war Geschmack. Man könnte fast von
Geschmackskriegen in den europäischen Gesellschaften
seit dem Mittelalter sprechen. In meinem Land sprach
ein Matthew Arnold von dem Kampf der culture gegen
die anarchy. In Deutschland wurde diese Schlacht seit der
Mitte des 18. Jahrhunderts besonders bitter und aggressiv
geführt, insbesondere von dem aufsteigenden Bürgertum.
Eigentlich aus politischer Ohnmacht heraus hat sich das
Bürgertum gegenüber dem dekadenten Adel ganz oben
und dem geschmacklosen Pöbel ganz unten zu behaupten
versucht. Seinen einmaligen Status festigte es durch Sprache,
Bildung und Geschmack.
Gerade bei standesbewussten Gesellschaften – wie der
französischen oder auch der englischen – erwartet man
solche Trennlinien.
Stimmt. Es ist, um einen englischen Ausdruck zu gebrauchen,
purer Snobismus. Aber in welch anderem Land, in
welch anderer Sprache außer Deutsch, gibt es die so tolle
und totalitäre Demarkation wie in dem meines Erachtens
bewusst alliterativen Wortpaar ›Kunst‹ und ›Kitsch‹?
Kitsch ist so einmalig als ein Stück Kriegspropaganda gedacht,
dass es in jede andere Sprache der Welt vollkommen
unverändert eingeführt worden ist.
Das klingt fast so, als wären diese Reinheitsgebote für
Kultur eine Grundlage für die Ideen von reinrassigen
Menschen, entarteter Kunst ...
Ganz so ideologisch anti-deutsch würde ich das nicht
sehen. Es hat vielmehr mit Klasse, Status und Diskriminierung
zu tun. Durch meine philologischen
Recherchen für das Buch entdeckte ich, dass das
Schlüsselwort ›Geschmack‹ bis ins 18. Jahrhundert
auf zweierlei Weise verwendet wurde: für den über
den Mund und den, der über die Nase wahrnehmbar
war. In gewissen süddeutschen Dialekten
ist dieser zweite Sinn von ›schmecken‹ noch gebräuchlich.
Häufig wurde das nasale Schmecken
für etwas Unangenehmes verwendet.
Die von dir so bezeichneten Reinheitsgebote
für Kultur lassen sich nun sehr schön an
dem Wort ›Kitsch‹ illustrieren. Kein Mensch
weiß, was der eigentliche Ursprung von
›Kitsch‹ ist. Da es in einigen Dialekten das Wort
›Kitsche‹ gegeben hat, als Bezeichnung für einen
Stock, mit dem man zum Beispiel Kot von
der Straße entfernt, vermute ich, dass die Prägung
von ›Kitsch‹ um 1880 auf übel riechenden
Straßendreck anspielen sollte. Kitsch ›schmeckt‹
schlecht. Kunst entspricht dem Reinheitsgebot, während
Kitsch ... na ja ... Scheiße ist. Übrigens haben 40
Jahre später die guten Dadaisten (Mathew Arnolds
Anarchisten!) den Spieß umgedreht. Einer ihrer Slogans
hieß lapidar: Kunst ist Scheiße.
In der Rubrik Das Dispositiv hat Sebastian Hinz
in einer der letzten goon Ausgaben die Verwirrung
beschrieben, die aufgrund der Begriffsvielfalt im
deutschen Diskurs entsteht, wenn es um die Übersetzung
des englischen Konzepts von »popular culture« geht. Was ist
Deine Position zu dieser Problematik?
Das ganze erste Kapitel meines Buches setzt sich mit der
Geschichte der Kultursprache in Deutschland gewissermaßen
›von außen betrachtet‹ auseinander. Es geht von
dem Begriff ›Volk‹ aus, über ›Kitsch‹ bis hin zu ›Pop‹. Das
Buch endet mit dem Versuch, zwischen dem volkskund-
lichen Begriff ›Alltagskultur‹ und dem englischen ›Popular
Culture‹ zu unterscheiden – ohne für oder gegen das Eine
oder Andere zu argumentieren. Deutschlands Weg in die
moderne Kultur ist anders verlaufen als unser anglo-amerikanischer
Weg, und das schöne anglo-amerikanische
Modell, so sehr ich es persönlich mag, darf für mich nicht
als Maßstab gelten. Zumal die Begriffsvielfalt in Deutschland,
wie ich in meinem Buch zeige, sehr stark historisch
begründet ist, so dass sie auch in Zukunft weiterhin Probleme
aufwerfen wird.
In diesem Zusammenhang möchte ich aber betonen,
dass mein Buch sich nicht auf das Phänomen ›Pop‹ konzentriert.
Pop culture ist zwar ein Teil von popular culture
und wird als solches auch erwähnt; das Buch untersucht
jedoch das Gesamtbild von popular culture, die sich in
einem fortlaufenden Entwicklungsprozess seit dem Beginn
der Menschheit befindet. Insofern betrachtet mein
Buch popular culture von einem anthropologischen wie
auch von einem sozialhistorischen Blickwinkel aus.
»Changing Cultural Tastes. Writers and the Popular in
Modern Germany« von Anthony Waine, Berghahn
Books, New York, 2007, 240 S., $ 80,00 / £47,00
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Mensch essen Seele auf
Die Antwort von Anime und Wissenschaft
auf das Zeitalter globaler selbstzerstörung
text: sabine lenore müller
»Im Gegensatz zum buddhistischen Kulturkreis ist Tierethik
heute d e r blinde Fleck in der abendländischen Theologie-
und Philosophiegeschichte.«
franz alt
Anima, die Seele, die Kraft, die die leblose Materie bewegt.
Der winzige Funken Pneuma, auf den wir so stolz sind,
den wir in diverse Jenseitsszenarien zu retten bestrebt
oder den wir wenigstens näher kennen zu lernen gewillt
sind. Anima, nach C. G. Jung die innere Persönlichkeit,
der »Archetyp des Lebens […] von Urzeiten herkommende
und dem lebenden System eingegrabene Erbmasse«. Schon
Aristoteles sieht ›Seele‹ als Ursache des Lebens und der
Wahrnehmung, als treibendes Prinzip aller Lebewesen
– Pflanzen, Tiere, Menschen. Allerdings unternimmt er
Klassifizierungen und beschreibt unterschiedliche Anteile
an »Seelenvermögen«. Demzufolge besitzen Pflanzen
nur ein vegetatives Vermögen, Tiere darüber hinaus die
Fähigkeit zu Wahrnehmung und Emotion, der Mensch
allein aber Vernunft, basierend auf phantasia, der Kraft
zur Durchdringung der Wahrnehmungseindrücke, der
Fähigkeit zu kreativer Vorstellung, und orexis, dem Strebevermögen.
Diese idealistische Vorstellung geht leider
nicht auf: Das Strebevermögen hat dermaßen überhand
genommen, dass die Vorstellungskraft darüber auf der
Strecke geblieben ist. Die Zerstörung der natürlichen
Ressourcen des Planeten, das Anheizen des Klimas durch
exzessiven Kohlendioxidausstoß ist nicht vernünftig! Der
Verlust der aktiven Vorstellungskraft hat zu einem Verlust
der Vernunft und des Mitgefühls geführt. Es ist der Verstand,
der sich von der Erkenntnis seiner Eingebundenheit
und Verbrüderung mit allen Lebensformen entfernt
hat, der so zur Superwaffe wird, die in der Lage ist, alles
was lebt und auch sich selbst auszulöschen. Diesen Verstand
zu re-integrieren, die Bombe zu entschärfen und
Ideen für ein alternatives Weiterleben zu entwickeln, ist
Ziel der relativ jungen geisteswissenschaftlichen Schule
des Ecocriticism, die nicht nur den Zusammenhang
zwischen »Kunstwerken und der Umwelt« (Glotfelty) in
Augenschein zu nehmen bestrebt ist, sondern diesen Zusammenhang
auch auf seine »ökologische Vernünftigkeit«
(Buell) befragen und letzten Endes einen »Wandel in der
Wahrnehmung und im menschlichen Handeln« (Etok) bewirken
will. Essentiell dabei ist, dass die Position des Wissenschaftlers
auch neu bestimmt wird und nicht mehr als
eine dem betrachteten Gegenstand überlegene, sondern
eine spezifisch mit der Materie verwobene gedacht wird.
Auch in der deutschen Wissenschaft sind diese Gedanken
angekommen.
Ökologische Ästhetik
So will zum Beispiel Lars Hannings »Ökologische Ästhetik.
Theoretische Kunstbetrachtung aus materialistisch-konstruktivistischer
Sicht« einen »integrativen Naturalismus«
entwerfen, der es ermöglicht, dass derjenige, welcher
sich mit Naturwissenschaft, Natur und Kunst beschäftigt,
nicht mit dem betrachteten Gegenstand jedes Mal die
»Kosmologie oder die Wissenschaftstheorie wechseln muss«.
Dass jede Perspektive konstruiert und damit arbiträr ist,
allerdings der in die Welt eingebundenen Wahrnehmung
als objektiv erscheint, führt Hanning zu der Überlegung,
dass, wenn der Mensch sich über die komplexen Perspektiven
und »kulturell-ästhetischen Situationen« ein Bild
machen will, er am Besten damit beginnt, sich auf seine
Eingebundenheit in das »Supersystem Natur zu besinnen«.
Die Wiederentdeckung der Seele im Sinne der Anima, als
treibende Lebenskraft, die Menschen, Tiere, Pflanzen glei-
Sie sind immer in Feierlaune, etwas
dümmlich, aber im Rudel sehr
mutig – kurz: sehr menschlich.
chermaßen bewegt und in dieser Bewegung verbindet, ist
ein tief verwurzeltes menschliches Begehren. Der Schmerz
über die imaginäre Entfremdung und Isolation kann gerade
im urbanen und medialen Kontext fortschreitender
Globalisierung oft nur über den Konsum von ›Natur‹ in
Form von Parks, Filmen, Zoos und dem Einverleiben von
Fleisch überwunden werden. Darin aber vertieft sich die
Kluft: Der Verlust von Seele kann überhaupt nur dann
überwunden werden, wenn die Position der Überlegenheit
in Frage gestellt wird. Randy Malamud, der sich mit
Zoos und der Kontemplation von Tieren befasst, fragt sich
daher, ob unsere Erlösung nicht vielleicht in der Unwissenheit
liegt, denn es sei denkbar, dass eine Verbindung
besteht zwischen der Unwissenheit im Sinne Francis Bacons
und der Animalität. Wenn sich Kunst kontemplativ
mit Tieren befasst, so werde immer das betrachtet, »was
der Mensch nicht ist« – daher könnte die Beschäftigung
mit Tieren und ihren Repräsentationen uns Wege aus der
intellektuellen Entfremdung zeigen, die die globale ökologische
Krise verursacht.
»Marderhunde, Marderhunde, wollt ihr etwas spielen?«
Als ein gutes Beispiel dafür erweist sich ein auf einer Erzählung
von Kenji Miyazawa basierender Anime. Die Idee
zu diesem Film hatte Hayao Miyazaki, der durch seine
Filme immer wieder daran erinnert, dass sich Anime von
animare herleitet – zum Leben erwecken! Und die Filme
des Studio Ghibli erwecken zuerst die phantasia, die
Vorstellungskraft für die großen Zusammenhänge des
Schuldigwerdens an der Natur und die Notwendigkeit
der demütigen Abbitte des Menschen, die niemals eine
qualvolle Bußübung, sondern ein glückliches Eintauchen
in den harmonischen Urzustand ist. Die Protagonisten
von Isao Takahatas »Pom Poko« (1994) sehen aus wie
eine Kreuzung aus Waschbär und Schakal, heißen Marderhunde
und sind das Neozoon in deutschen Wäldern
schlechthin. Seit ein gieriger Pelzhändler versuchte, sie
in der Ukraine anzusiedeln, hat sich ihr Lebensraum bis
nach Finnland und nunmehr auch bis westlich der Elbe
ausgebreitet. Sie fressen alles, sehen aus wie Muffs auf vier
Beinen, knurren und haben Ganovengesichter, soweit das
westliche Wissen über unsere neuen Mitbewohner. In Japan
allerdings weiß man aus vielen Jahrhunderten intensiven,
weil räumlich gedrängten Zusammenlebens einiges
mehr: Tanuki sind fähig, sich in jede denkbare Form zu
verwandeln und gehen nur dann auf vier Beinen, wenn
Menschen in der Nähe sind. Sie sind immer in Feierlaune,
etwas dümmlich, aber im Rudel sehr mutig – kurz: sehr
menschlich. Zur Handlung: In den späten 1960er Jahren
rotten sich Marderhundkampfgruppen zusammen, um
den Bau der Vorortsiedlung Tama New Town bei Tokyo
zu verhindern. In der Erkenntnis, dass der Mensch ihr
eigentlicher Feind ist, überwinden die Anführer der verschiedenen
Gruppen ihre Zwistigkeiten und beschließen
den ganz großen Kampf: Dazu muss zunächst die vergessene
Kunst der Verwandlung wiedererlernt werden. Als
Menschen getarnt, mischen sich die Tanuki unter die
Bevölkerung und sorgen für Unruhen und Störung der
Baumaßnahmen. Mit Hilfe der Marderhundoberpriester
fokussieren sie ihre magischen Kräfte so weit, dass sie eine
Geisterparade zuwege bringen, die allerdings als Werbegag
eines Vergnügungsparks von den Medien entschärft wird.
Aller Widerstand schlägt fehl und die Marderhunde teilen
sich in zwei Gruppen: Die einen leben als Menschen weiter,
die anderen, die sich nicht verwandeln können oder wollen,
bleiben Marderhund. Am Ende des Films stößt der als
Mensch lebende Karriere-Tanuki Shokichi zufällig auf eine
Gruppe alter pelziger Freunde, die sich auf einer Lichtung
zum Feiern treffen. Schnell sind Aktenkoffer und Schlips
fortgeworfen und ein Freudenfest wird gefeiert.
Vielleicht war die Menschwerdung letztendlich keine
gute Idee? Zurück in den Wald, mal wieder ausgelassen
feiern? Wer ähnliche Fragen und Symptome an sich entdeckt,
sollte »Pom Poko« sehen, damit die Antwort auf
obige Frage nicht lautet: »Wir können nicht, wir können
nicht, wir lernen noch!«
»Ökologische Ästhetik« von
Lars Hanning, Königshausen
& Neumann, Würzburg
2007, 422 S., € 49,80
»Pom Poko« von Isao
Takahata, seit 11.06. auf DVD
erhältlich (ufa/Universum)
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Blind und haltlos
In »Panische Stadt« verliert der Raum-Forscher
paul virilio die Bodenhaftung
text: annika schmidt
»Worauf werden wir warten, wenn wir nicht mehr warten müssen um anzukommen«,
fragte sich 197 der Geschwindigkeits-Theoretiker und Verschwindens-Ästhetiker
Paul Virilio. Die panischen Auswirkungen des Verschwindens der (Warte-)Zeit,
der Räumlichkeit und letztendlich sogar der Endlichkeit durch die Unmittelbarkeit
audiovisueller und virtueller Welten untersucht der französische Architekt
und Städteplaner in seinem jetzt erschienenen Essayband »Panische Stadt«.
Politik der Psychose
So verschwinde beispielsweise die Wirklichkeit im »INFOWAR«. Denn das Recht
des Stärkeren liege heutzutage auf Seiten des wirklichkeitsauslöschenden »Gewaltstreichs,
des Medienputsches, in dem die Geschwindigkeit die rohe Gewalt, die
materiale Kraft in den Schatten stellt. Und diese Geschwindigkeit ist die des Lichts
elektromagnetischer Wellen, ohne das die Globalisierung der Macht wie eine Luftspiegelung
verschwände.« Die »Hyperterroristen« bedienen sich laut Virilio der
manipulativen Massenkommunikationsmittel. Aber die durch Schockästhetik generierte
»Psychose [sei auch] ein terroristisches Regierungsmittel, dessen wir uns seit
dem 20. Jahrhundert auf das schändlichste bedienen.« Denn wir befänden uns jetzt
in einer Phase der »ekstatischen Kommunikation« und ihrer »hysterischen Umschaltung«.
Die Bilder sind kriegsentscheidend. Das »ikonoklastische Delirium« löse
die öffentliche Meinung zugunsten einer »globalisierten kollektiven Erregung«
– einer »Gefühlsdemokratie« – auf, die zu einer politischen Trance führe, wie sie
auch die Massenpropagandaveranstaltungen des NS-Regimes auslösten.
Poetik der Paranoia
Virilios Verständnis der wirklichkeits- und sinntorpedierenden Struktur des Terrorismus
und der meinungszersetzenden Panik-Mache der staatlichen Kriegsführung
ist nur allzu sinnvoll, jedoch beschrieb Jean Baudrillard dies schon vor dreißig
Jahren in seiner Simulationstheorie, und das begrifflich schärfer. Auch die Ausführungen
Virilios hier zu der »Ortsdämmerung« oder der gentechnischen »Wüste
der Serie« sind weniger erhellende Begriffs- und Theoriebildungen, als vielmehr
nebulöse Wortspielereien. Wenn er der Popkultur jegliche Subversivität abspricht
und der Gleichgültigkeit des Expressionismus und des Surrealismus die Begünstigung
Auschwitz, zuschreibt, verfällt er der eigenen polemischen Panik-Poesie.
Und letztendlich verliert er jeglichen Lebensweltbezug und kippt vom poetischprophetischen
vollends ins paranoid-psychotische Universum: »Schließlich wird
der Tag verklingen und das Dämmerlicht eines verlassenen Planeten in der Nacht
verlöschen, in der dunklen Nacht einer elektromagnetischen Leere, wo die ZAHL den
NAMEN, alle Namen ablöst und das Wahrscheinliche mit all seiner Rechenkraft das
Erscheinende unterwirft. [...] Heißt das, wir sind am Ende? Nein, denn jetzt – blind
und haltlos unterwegs – ist auch ein Ende nicht mehr abzusehen.«
»Panische Stadt« von Paul Virilio, aus dem Französischen von
Maximilian Probst, Passagen Verlag, Wien 2007,147 S., € 19,90
Fiktion ist kein Witz
Die Künstlerin sophie tottie etabliert
das Bild als eine selbständige Sprache
text: zuzanna jakubowski foto: sophie tottie
Als junge Kunststudentin hat die zwischen Berlin, Stockholm
und Malmö lebende Sophie Tottie die Wände ihres
Universitätsateliers gelb bemalt, um ein Bild des Raumes
selbst zu schaffen. Nun zeugt ein präzise gestalteter und
unter Mitwirkung der Künstlerin entstandener Katalog zu
ihrer diesjährigen Ausstellung »Fiction Is No Joke« davon,
dass ihre auf keine greifbare Bedeutung reduzierbaren Installationen
weiterhin immer auch um die Dimensionen
Die Polyphonie der Großstadt
Ein Ausstellungs-Reader spürt den
beWegungen neW yorks nach
text: zuzanna jakubowski
»Betrachten wir noch einmal die Stadt. Sie ist mehr als nur ein Geflecht von Beziehungen
und eine Ansammlung von Gebäuden, sogar mehr als ein geopolitischer
Schauplatz – sie ist eine Folge sich vollziehender historischer Prozesse.« Bis zum 4.
November war im Berliner Haus der Kulturen der Welt die interdisziplinäre Ausstellung
»New York« mit Filmprogramm, Musik, Konferenzen, Lesungen, Performances
und natürlich auch ausgestellter Kunst zu Gast. » Das vermessene Paradies.
Positionen zu New York«, so der vollständige Titel des Begleit-Readers zur Ausstellung,
verlängert nun die Faszination für den Big Apple. Neben Aufsätzen aus den
unterschiedlichsten Disziplinen beinhaltet der innovative Band auch Gedichte,
Anekdoten, Kurzgeschichten, Comics, Fotos (Gregg LeFevres wunderbare Körperstadt/Stadtkörper!),
Straßenkarten und Interviews mit Künstlern, DJs, New
Yorkern. Performativität zwischen geschmackvollen Buchdeckeln; im Kleinen wird
vollzogen, was im Großen veranschaulicht wird: Das Paradies wir vermessen, die
Stadt aus allen Richtungen eingekreist, ihre Spuren bis ins 19. Jahrhundert verfolgt.
Immer wieder sind die Boroughs, die Kieze New Yorks von Bedeutung, eine
Struktur die den Berliner an seinen eigenen dezentralisierten Lebensraum erinnert.
Zwischen Gentrifizierung (»Latte macchiato in Harlem«) und der sich wandelnden
Clubszene in New York (»Wie es war und wie es ist«) wird im Sinne der Urban
Studies hier ein Portrait der Großstadt entworfen, das gelungen zwischen persönlichem
und sozialwissenschaftlichem changiert.
»Das vermessene Paradies. Positionen zu New York«, herausgegeben von Bernd M.
Scherer und Detlef Diederichsen, Verlag Theater der Zeit, Berlin 2007, 280 S., € 15,00
review
und Zeichen der Ausstellungsorte ergänzt werden. Der
Katalog selbst nimmt dabei in seiner Abbildung und Interpretation
der Arbeiten aus u.a Berlin, Helsinki, Malmö
und Bagdad eine Multiperspektivität ein, die nur im Sinne
der Künstlerin sein kann. Totties Arbeiten, die mit suggestiven
Titeln wie »Hegel’s House«, »Einstein RGB« und
»Ktitic Voyager« auf eine tiefer liegende Bedeutung zielen,
sind Rätsel, die nicht gelöst werden wollen. Die Künstlerin
selbst attestiert in einem dem Band beigefügten Interview
dem kunstinteressierten Publikum eine auf Konsum ausgerichtete
Wahrnehmung: »Diese Haltung stößt auf Probleme
in einer Zeit, die danach giert, rasch zu verstehen,
›worum es geht‹, um das Bild damit abhaken und weitergehen
zu können«. Interpretationsversuche forciert Tottie
daher durch eine Vielzahl von Zeichen und Symbolen, nur
um den Betrachter durch ihre Unschlüssigkeit wieder auf
die Oberfläche zurückwerfen. Der geglückte Katalog ist in
seiner Komplexität selbst mehr Durchführung als Einstieg
in das Netzwerk Sophie Totties.
»Fiction Is No Joke« herausgegeben von Niclas Östlind,
Louise Fogelström, Vorwort von Bo Nilson, Texte von
Stefan Jonson, Jessica Morgan, Niclas Östlind, Margaretha
Rossholm Lagerlöf, Sophie Tottie, detsch/englisch,
Hatje Cantz, Stuttgart, 2007, 184 S., € 35,00
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eview
Auf der Suche nach dem
Realitätsinkompatibilitätsklassifikator
simon spiegel obduziert den Science-Fiction-Film und führt die Organe seiner
Wirkung ans Licht
text: stefan murawski illustration: don davis
In seinem streng analytischen und grundlagenbildenden
Werk zum Science-Fiction-Film distanziert sich Simon
Spiegel vom gängigen Verständnis der Science Fiction als
Genre; vielmehr als ein Modus sei sie zu begreifen. Aufbauend
auf dieser These untersucht er anschließend anhand
Embleme des
Ungesicherten
Von metaphorisierten geistern zu
geisterhaften Metaphern findet der
Reader »New Ghost Entertainment-
Entitled« nahezu alles, was in der Welt der
Essayistik zu dem Thema gedacht werden
könnte
92 1 zeichen
text: dan gorenstein
illustration: michanolimit
Dieser knappe Reader entstand aus
einer Kooperation zwischen dem
Kunsthaus Dresden und der Or Gallery
Vancouver. Im Rahmen einer
Kunstausstellung mit Filmprogramm
haben sich die Autoren
dem Thema Geister gewidmet.
Wie sich herausstellt ein fruchtbares
Thema. Denn das Halbvorhandene,
das abwesend Anwesende sind zentrale
eines großen Kanons ausgewählter Filme deren Poetik
und erläutert ihre Wirkung auf den Zuschauer anhand
der Analyse von Bildern, Effekten, Themen, Konzepten
und Strukturen, welche er mit bekannten Beispielen belegt.
Ein weiterer zentraler Punkt ist die Klassifikation der
Science Fiction, die seiner These nach stets ein Novum
biete und dadurch nicht kompatibel mit der realen Welt
sei. Über den rein filmischen Aspekt hinaus bietet Spiegels
Buch einen interessanten historischen Überblick über ihre
Ursprünge in der Literatur und den daraus resultierenden
Boom der Science-Fiction-Filme. Auf der beigelegten
DVD befinden sich, als Ergänzung zum Text, sechzehn
Ausschnitte aus im Buch besprochenen Filmen, die jedoch
leider recht willkürlich gewählt erscheinen, sodass nicht
zu jedem Kapitel ein passender Clip existiert. Die meisten
Ausschnitte werden jedoch dem Science-Fiction-Kundigen
ohnehin bekannt sein. Alle anderen dürften zweifellos einen
schweren Zugang zu dieser rein akademischen Arbeit
finden.
»Die Konstitution des Wunderbaren. Zu einer Poetik
des Science-Fiction-Films« (Buch & DVD) von Simon
Spiegel, Schüren, Marburg 2007, 385 S., € 24,90
Kategorien und Denkmuster moderner Kulturwissenschaft.
Ihren prominentesten Paten haben die Gespenster
im jüngst verstorbenen Jacques Derrida und dessen Marxbuch
gefunden, welches hier auch reichlich zitiert wird.
Vom Mystizismus gereinigt und zur Denkfigur umgearbeitet,
entwickelt das Phänomen Gespenst oder
auch Geist eine ungeheure Spannkraft, die von der Beschreibung
japanischer Horrorfilme, über Winkelzüge
amerikanischer Außenpolitik, bis hin zu W. G. Sebalds
phantomhafte Schmetterlingsjäger reichlich Gedankenspiele
zulässt. Zwischen den Aufsätzen finden sich
Fotografien, Ausstellungstücke, Gedankenfetzen zu einzelnen
Kunstprojekten und Filmstills, die vor allem die
ästhetische Tiefe der Metapher zur Geltung bringen. Auch
wenn es an manchen Stellen knarrt und knackt, bietet der
Reader einen guten Einstieg in wie auch Überblick über
das komplexe Problem des Geisterhaften, evoziert mögliche
Arbeitsweisen und stellt nicht zuletzt unter Beweis,
dass eine schön gewählte Metapher ein weites Feld kultureller
Phänomene nicht nur rezipierbar, sondern sogar
interessant macht. Eine Bibliografie zum Weiterlesen wäre
schön gewesen.
»New Ghost Entertainment-Entitled« herausgegeben von
Karin Pesch, Verbrecher Verlag, Berlin 2007, 96 S., € 8,00
Social Networking mit der Axt
conan der barbar, texanische Zivilisationskritik, ist wieder da
text: robert wenrich illustration: cary nord
Drei Tage vor dem Tod seiner komatösen Mutter, der er die
letzten Jahre gewidmet hatte, nimmt sich Ron E. Howard
dreißigjährig das Leben. Zu diesem Zeitpunkt existieren
etwa zwei Dutzend Geschichten um den Barbaren Conan,
von denen er zeitlebens 17 in der Zeitschrift Weird Tales
veröffentlichen kann. Dadurch lernt er Lovecraft kennen
und schätzen, wenngleich er nie zu dessen Horror-Posse
gehörte. Dieser Lovecraft, selbst nie frohgemut, stirbt ein
Jahr nach Howards Tod, zuletzt bei seiner Tante lebend, an
Krebs; beide Eskapisten.
Das Versagen des Überbaus
Doch während Lovecrafts Metier stets die Beschreibung
kosmischen Übergrauens in Providence, RI bleibt,
träumelt sich Howard aus Versatzstücken halbseidener
Rassentheorie und europäischer Frühgeschichte seinen
Gegenentwurf zu einem Leben zusammen, das er nie
wirklich akzeptieren konnte. Conans Welt ist vorantik,
gerade erst beginnt sich die Zivilisation herauszubilden,
Staaten sind nicht mehr als Reichsflecken um eine Hauptstadt,
und das vormals geerdete Dasein bekommt nun
Höhe und Hierarchie. Allerdings sieht der von den Wirren
des Ölbooms und der Prohibition geprägte Howard darin
das Übel. Staatliche Willkür, Übergriffe, Rechtsunfreiheit
und -ungleichheit und die enorme Korruption seiner Zeit:
Wenn die Institutionen die Diskurshoheiten stellen, ist die
eigentliche Barbarei zwischen den Menschen eingerichtet.
In Conans Epoche jedoch gibt es noch kein zementiertes
staatliches Gewaltmonopol. Die Moral entsteht zwischen,
thront aber nie über den Menschen, und die Selbstjustiz
steht noch in Konkurrenz mit der des Reiches. Gerechtigkeit
kann noch installiert werden, indem man kriminellen
Hierophanten die Schädel einschlägt.
Das Herz eines Boxers
Nur der einzelne Mann aber und sein Handschlag zählen,
wenn die Institutionen versagen. Conan geht keine Verträge
ein, sondern Schwüre. Howard, selbst Amateurboxer,
inszeniert so gut wie alles als Kampf. Etwas naiv vielleicht,
genealogie der superhelden
aber wirksam. Seine absolute Freiheitsphantasie gondelt
seit mittlerweile siebzig Jahren durch die amerikanische
Kultur, brachte neben vielen Spin-Offs auch die indiskutablen
Conan-Filme der 1980er Jahre hervor und begründete
das heute so beliebte Fantasy-Genre mit: Dass »Der
Herr der Ringe« ohne Howards Conan nicht möglich gewesen
wäre, ist sicher keine gewagte These.
Nun erscheint bei Dark Horse seit 2003 eine neue
Conan-Serie. Autor ist der berühmte Kurt »Astro City«
Busiek, Illustrator der Kanadier Cary Nord – könnte es
denn einen Geeigneteren geben? Die beiden inszenieren
Howards Abenteuer mit einer überzeugenden Werktreue.
Besonders der Wechsel zwischen der menschenleeren
Wildnis und den Städten, die aus wenig mehr bestehen als
Schenken, Schatzkammern und Karzern, gelingt ihnen.
Nords dynamisches Zeichnen verdient dabei ein großes
Lob. Direktkoloriert ergeben sich vor allem bei den Kämpfen
bemerkenswerte Panels, und das große Leben, das sich
der bange Muttersohn Howard ausmalte, wird zwischen
Schlangengeistern und Eisfesten – am Fluchtpunkt aller
Jugendträume – Ereignis.
»Conan« von Kurt Busiek und Cary Nord ist in vier
Sammelbänden bei Panini erschienen
Der fünfte Band »Conan: Die Juwelen von Gwahlur und Die
Töchter von Midora« von P. Craig Russell, Jimmy Palmiotti
und Mark Texeira ist soeben bei Panini erschienen
Howards Geschichten können beim australischen
Gutenberg-Projekt als Hypertext gelesen werden
Die Genealogie der Superhelden wird im nächsten Heft fortgesetzt.
zeichen 1 93

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enon
10.12. München, Orangehouse
11.12. Köln, Tsunami
12.12. Leipzig, UT Connewitz
13.12. Dresden, Starclub
ewan Pearson
21.12. Berlin, Watergate
FooD For anImals
6.12. Düdingen | CH, Fr Katz Festival Bad
Bonn
10.12. Konstanz, Kantine
11.12. Berlin, M12
12.12. Hamburg, MS Stubnitz
14.12. Den Haag | NL, State X Festival
Iron & wIne
16.1. Wien | A, Szene
17.1. Dachau, St. Jacob-Kirche
18.1. Brüssel | B, Ancienne Belgique
20.1. Hamburg, Fabrik
21.1. Aarhus | DK, Voxhall
25.1. Kopenhagen | DK, Vega
26.1. Köln, Kulturkirche
27.1. Amsterdam | NL, Paradiso
28.1. Frankfurt, Mousonturm
29.1. Bielefeld, Forum
30.1. Berlin, Passionskirche
JamIe lIDell
22.12. Saarbrücken, Electricity Festival
kIlll
6.12. Linz | A, Qujochoe
7.12. Düdingen | CH,
Fr Katz Festival Bad Bonn
11.12. Hamburg, Kampnagel
12.12. Berlin, Lido
13.12. Brüssel | B, Recyclart
14.12. Den Haag | NL, State X
luke VIBerT
11.1. Berlin, Icon
lullaBYe orchesTra
9.12. Leipzig, UT Connewitz
olaFur arnalDs
14.12. Den Haag | NL, State X New Forms
15.12. Münster, Gleis 22
16.12. Leipzig, Café Panam
18.12. Marburg, Kfz
19.12. Jena, Rosenkeller
21.12. Karlsruhe, Lutherkirche
PaPIer TIgre
8.12. Lille | F, Le CCL
9.12. Kopenhagen | DK, Lades
10.12. Hamburg, Fundbüro
11.12. Opava | CZ, Jam
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12.12. Dresden, AZ Conni
13.12. Berlin, Schokoladen
goon Magazin Release-Party
14.12. Prag | CZ, Klub 007
15.12. Halle, Objekt 5
17.12. Wien | A, Fluc
18.12. Rosenheim, Asta Kneipe
19.12. Innsbruck | A, tba.
20.12. Nürtingen, Klub Provisorium
ParTY & laBor
3.12. Leipzig, tba
4.12. Würzburg, Café Cairo
5.12. Esslingen, Komma
ParTY arTY Vol. 24 – a nIghT oF
VIBes From DIFFerenT TrIBes
15.12. Berlin, 103 Club
rockY VoTolaTo
11.2. Berlin, Bassy
12.2. Köln, Metropolis Kino
13.2. Münster, Gleis 22
14.2. Bremen, TBA
15.2. Erlangen, E-Werk
16.2. München, Feierwerk
17.2. Wien | A, B72
18.2. Zürich | CH, Hafenkneipe
19.2. Karlsruhe, Cafe Nun
22.2. Giessen, MuK
23.2. Braunschweig, Nexus
scouT nIBleTT
1.12. München, Bavarian Open
@ BR Funkhaus
3.12. Wien | A, Chelsea
4.12. Leipzig, UT Connewitz
5.12. Berlin, Lido
10.12. Hamburg, Uebel&Gefaehrlich
12.12. Köln, Gebäude 9
sTars oF The lID
16.12. Dresden, Scheune
The heaVY
5.12. Berlin, Cassiopeia
The herBalIser
28.12. Berlin, Icon
Volcano The Bear
6.12. Genf | CH, L’écurie
7.12. St. Gallen | CH, Palace
8.12. Düdingen | CH, Fr Katz Festival Bad
Bonn
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food for animals
Vergesst Public Enemy, vergesst Dälek. Hiergegen
sind die einen gebrochene Rentner, die anderen
mittlerweile gelangweilte Poeten. Vulture
V und Ricky Rabbit haben uns ja wirklich lange
warten lassen, mit der »Scavenger EP« im Eigenvertrieb und einer raren 7 Inch
auf dem entschlafenen Bomb Mitte Label immer nur angefüttert. Nun wird
mit Rapper Hy als Verstärkung und dem Debütalbum »Belly« endlich die volle
Ladung Noise-Hop in den Rachen geprügelt. Zerbrochene Beats, Krachgewitter
und soziopolitische Manifeste heißt das bei Food For Animals, HipHop aus
purer Energie. Und live haben die Jungs aus Maryland, Georgia bisher noch
jeden Laden zum kopfnickenden Moschen gebracht.
goon
präsentiert
Food For Animals vom 6. – 14.12 in Deutschland und angrenzenden Staaten
papier tigre
Musik aus Frankreich, das bedeutet für die ältere
Generation vor allem Serge Gainsbourg, Jacques
Brel und Edith Piaf, die Jüngeren denken da
schon eher an Elektro-Bands wie Daft Punk, Air
oder das momentan hoch gehandelte Duo Justice.
Dass es jedoch mal wieder Zeit ist für guten französischen Rock á la Noir Désir,
beweist die dreiköpfige Combo Papier Tigre aus Nantes. Während Bands wie die
Britpopper Keane die Gitarre aus ihrer Musik verbannt haben, verzichten Papier
Tigre lieber auf einen Bass und legen auf die aussagekräftigen sechs Saiten der
Gitarre besonderen Wert. So schmeißen sie einem auf ihrem im Frühjahr bei
Collectif Effervescence erschienenen selbstbetitelten Debütalbum ihre frickeligen,
dröhnenden Gitarren, kombiniert mit exaltiertem Gesang und gejagt vom
donnernden Schlagzeug, um die Ohren. Und wenn die Jungs am 13. Dezember
auf der Releaseparty der Goon 24 im Schokoladen richtig loslegen, wird es auch
am nächtlichen Berliner Himmel garantiert »No Stars Or Clouds« geben.
goon
präsentiert
Papier Tigre zur Releaseparty der 24. Ausgabe am 13.12. im Schokoladen
enon
Stillstand ist Rückschritt, dieses Motto hat sich
CM
die Indierock-Band Enon aus dem US-amerikanischen
Osten offenbar ganz besonders zu Herzen
MY
genommen. Das gilt zwar zum Einen selbstver-
CY
ständlich für die Musik. Enon versuchen mit jedem
neuen Album, sich weiter und vor allem auch immer einen etwas anderen
CMY
Sound zu entwickeln, dabei aber natürlich trotzdem ihrem Easy Listening-Rock
K
und ihre stets mit einem Augenzwinkern versehenen gesellschaftskritischen
Texte beizubehalten. Doch die musikalische Komponente allein macht das
Weiter in der Entwicklung von Enon nicht aus. Ebenso hat sich bei dem Trio in
seiner bisherigen Bandgeschichte nach zwei der bisher drei Alben die Besetzung
geändert, so dass von der Anfangsbesetzung seit dem Album »High Society« aus
dem Jahre 2002 nur noch John Schmersal dabei ist. Nun aber veröffentlichen
Enon, zu denen neben Schmersal seit einigen Jahren also auch Toko Yasuda und
Matt Schulz gehören, im Oktober hierzulande ihr viertes Studioalbum »Grass
Geysers…Carbon Clouds«, das wie all die vorigen Alben in ungewohnter Kontinuität
bei Touch & Go erscheinen wird. Und wir wollen hoffen, dass Enon
auf ihrer Deutschlandtour im November und Dezember in hoffentlich gleich
gebliebener Zusammensetzung ein paar ihrer neuen Songs spielen werden.
Enon vom 27.11. bis 13.12. unterwegs in Deutschland
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aufführungen
Betrunken genug zu sagen
ich lieBe dich
von Caryl Churchill
Regie: Benedict Andrews
5.12. Berlin, Schaubühne
Breaking news –
ein tagesschauspiel
Regie: Helgard Haug / Daniel Wetzel
(Rimini Protokoll)
5. – 10.1. Berlin, HAU 2
cinema Fury: the imitation
Regie: Caden Manson, Big Art Group,
NYC
25. – 27.1., Berlin, HAU 1
das leBen ein traum
Musiktheater nach Pedro Calderon de la
Barca, Regie: Johan Simons, NT Gent
4. – 6.1. Berlin, HAU 1
das letzte Feuer
von Dea Loher
Regie: Andreas Kriegenburg
26.1. Hamburg, Thalia Theater
der Feurige engel
von David Marton
19. / 20. / 21.12. Hamburg, Kampnagel
der tod des
eichhörnchenmenschen
von M. Sikorska-Miszcuk
Regie: Marcin Liber
14./15.12. Berlin, HAU 3
deutschlandsaga –
die 50er Jahre
Drei Uraufführungen:
Fräuleinwunder, Backfischtod in Bad
Nauheim und Rialto
1./2.12. Berlin, Schaubühne
gertrud nach Einar Schleef,
Regie: Armin Petras
21.12. Frankfurt/M., Schauspiel Frankfurt
goB squad‘s kitchen
(You‘ve never had it so good)
13.12. Berlin, Volksbühne
little dance garage
Tanz-Solo von Régine Chopinot
5. – 9. / 12. – 16. / 19. – 21.12., Berlin,
Kunsthaus Tacheles
mamma medea
von Tom Lanoye, Regie: Stephan Kimmig
8.12. München, Kammerspiele
us amok
von Marc Becker, Regie: Britta Schreiber
6. / 7. / 12. / 19. / 27.12., Braunschweig,
Staatstheater
ausstellungen
christine hill
Volksboutique Official Template
Interaktives Ausstellungswerk
2.11. – 27.1., Berlin, ifa-Gallerie
JeFF wall
noch bis 20.1., Berlin,
Deutsche Guggenheim
mawil Ausstellung zur Eröffnung des 2.
Comicfestival Hamburg, Vernissage:
6.12. Hamburg, Kunstverein Linda
reza aBedini Wenn Schrift Bild wird
Zeitgenössisches Grafikdesign
30.11. – 27.1., Stuttgart, ifa-Gallerie
textBild Werke von Jürgen Palmtag
und Oliver Grajewski
Comic Ausstellung
4.11. – 20.1., Albstadt, Galerie Albstadt
walter Bortolossi
It isn’t only Pop (but I like it)
Malerei
24.11. – 26.1., Berlin, Egbert Baqué Contemporary
Art
festivals
58. internationale
FilmFestspiele Berlin
7. – 17.2. Berlin
ÄpFel, nüsse, Fink und star
2. Comicfestival Hamburg
7. – 9.12., Hamburg, Kulturhaus 73
around the world in 14 Films
30.11. – 8.12. Berlin, Babylon Mitte
cinema! italia!
Neues italienisches Kino
29.11. – 5.12. Heidelberg, Karlstorkino
1. – 7.12. Frankfurt/M., Deutsches Filmmuseum
6. – 12.12. Freiburg, Kino Friedrichsbau
6. – 12.12. Tübingen, Kino Museum
13. – 19.12. Berlin, Babylon Mitte & Filmkunst
66 Fantasy Filmfest
Focus asia nights
Filmprogramm: »13 Beloved«, »A Battle of
Wits«, »Alone«, »Flash Point«, »Highlander:
The Search for Vengeance«, »Protégé«,
»Soo«, »XX«
1./2.12. Berlin, CinemaxX Potsdamer Platz
1./2.12. Hamburg, CinemaxX Dammtor
Festival des gescheiterten
Films
22. – 31.12. München, Maxim
11. – 13.1. Wien | A, BSL
17. – 20.1. Frankfurt/M., Orfeos Erben
23. – 29.1. Berlin, Babylon Mitte
21.2. Bremen, Schauburg
22. – 24.2. Köln, Filmhaus
lesungen
Finn-ole heinrich
liest aus »Räuberhände«
7.12. Cuxhaven, Café Ringelnatz
18.1. Hannover, enercity expo café
poezone 5: Bella triste – Junge Texte
und neue Autoren mit Sina Ness, Christian
Schloyer und Thomas von Steinaecker,
moderiert von Martin Kordic
1.12. Heidelberg, Deutsch-Amerikanisches
Institut
lyriktreFFen – ein tunnel
üBer der spree
mit Nora Bossong, Ulrike Draesner, Daniel
Falb, Matthias Göritz,
Hendrik Jackson, Monika Rinck, Hendrik
Rost, Christian Schloyer,
Kathrin Schmidt, Volker Sielaff und Jan
Wagner
4.12. Berlin, Literarisches Colloquium
roman simić
liest aus »In was wir uns verlieben«
12.12. Berlin, südost Europa Kultur e.V.
14.12. Leipzig, Horns Erben
15.12. Dresden, Büchers Best
17.12. Hildesheim, Kulturfabrik
verstransFer: soFia – Berlin
Mit Ekaterina Yossifova, Uljana Wolf,
Georgi Gospodinov und Uwe Kolbe,
moderiert von Alexander Gumz
18.12. Berlin, Literaturwerkstatt
96 1 termine
termine 1 97
töne 1 97
goon
präsentiert
termine
gob squad’s kitchen
(you‘ve never had it so good)
Ausgehend von Andy Warhols Film »Kitchen« aus
dem Jahre 196 begibt sich Gob Squad, unterwegs
in Hamburg, Nottingham und Berlin, auf eine
Zeitreise durch Video-, Performance-, Tanz- und
Soziokultur, hinein in die New Yorker Kunst- und Underground-Szene der
1960er Jahre. Jeden Abend rekonstruieren sie aufs Neue diese Ära des Auf-,
Ab- und Umbruchs. »Kitchen« zeigt Menschen, die in einer Küche abhängen,
viel mehr passiert nicht. Dennoch bringt es die hedonistische experimentelle
Energie der aufkommenden Popkultur auf den Punkt.
»If tomorrow I find somebody who is pretty much like me and I put her here to
sing, she can be Nico while I go and do something else.« (Nico)
goon
präsentiert
13.12. Berlin, Volksbühne
äpfel, nüsse,
fink und star
Die junge deutsche Comicszene hat in Hamburg ihre
Hochburg, jetzt hat sie dort auch ein kleines aber feines
Comicfestival: Zum zweiten Mal findet dieses Jahr Ȁpfel,
Nüsse, Fink & Star« statt. Neben einer kleinen Comicmesse
im Kulturhaus 73 mit Verlagen und Zeichnern aus Deutschland, der
Schweiz, Italien und Russland wird es eine Werkschau des Berliner Comiczeichners
Mawil in der Galerie Linda e.V., eine Ausstellung in der Galerie
Hinterconti mit Beteiligung bekannter Grössen der Hamburger Off-Szene
wie Moki oder Nina Braun und auch eine Ausstellung des aus Bologna stammenden
Comickollektivs Canicola in den Räumen des Vorwerkstift geben.
Vernissage am 6. Dezember, es folgt ein ganzes Wochenende mit verschiedenen
Eröffnungen, Partys und jeder Menge Comics.
goon
präsentiert
6. – 9. Dezember: Hamburg, Comicfestival »Äpfel, Nüsse, Fink und Star«
asian hot shots
berlin
Das asiatische Kino ist ja im Verlauf der letzten
Jahre nach einem langen Schattendasein in den
Nischen des Obskurantismus endlich nach und nach in das Bewusstsein der
deutschen Kino- bzw. Videothekengänger eingesickert. Dem sich zwangsläufig
aufdrängenden Übersättigungseffekt durch das mit den High- und Lowlights
einher kommende, zahlreiche Mittelmaß tritt nun mit den Asian Hot
Shots Berlin erstmals ein ambitioniertes Filmfestival entgegen, das es sich zur
Aufgabe gemacht hat, aufregende und (noch) unbekannte Produktionen aus
Independent-, Arthouse-, Mainstream- wie Experimentalfilm auf die große
Leinwand des Berliner Kinos Babylon Mitte zu bringen. Zusätzlich zu den
sechs Sektionen des Filmprogramms bieten die Asian Hot Shots ein umfangreiches
Rahmenprogramm mit Podiumsdiskussionen, Vorträgen, Workshops
bis hin zu Konzerten und Partys, so dass für den asiaphilen Kulturjunkie eigentlich
keine Wünsche offen bleiben.
Asian Hot Shots Berlin, vom 16. – 22.1.2008 im Babylon Mitte, Berlin

kolumne text: lea streisand foto: brock landers
Wahnsinn in Gesellschaft
»Man sagt uns, dass eine Zahl Gefangener simillini feminis
mores stuprati et constupratores« (Das ist nicht sein
Ernst?!), »dass sie ex hoc obscaeno sacrario cooperti stupri
suis alienisque zurückkämen«, wütend schlage ich das Buch
zu: »Der Typ hat ja wohl’n Rad ab!« Franzi nimmt erstaunt
einen zerkauten Bleistift aus dem Mund. Ein Pfeilhagel
von Blicken prasselt auf mich nieder. Bibliotheken sind
sakrale Orte. Hier wird gedacht. Niedere Tätigkeiten wie
Essen, Trinken, Rauchen, Reden sind verboten. In diesen
Tempeln des Wissens geben wir uns der Illusion hin, der
Mensch sei tatsächlich eine geistreiche Kreatur. Hier tun
wir so, als ob die Aufklärung doch irgendwas gebracht
hätte. Und genau hier überfallen uns unsere körperlichen
Gelüste und Gebrechen mit umso größerer Gewalt. Zuerst
kommt der Hunger: »Toblerone«, schießt es mir durch
den Sinn, »Oder einfach nur ne Stulle.« Zehn Minuten
und einen Schokoriegel später lese ich: »Die Correction, die
der Ort der schwersten Strafe in der Anstalt ist, enthielt ...«
da rutscht mein Ellenbogen vom Tisch. Das ist Phase zwei:
Müdigkeit! Kaffeegestärkt sitze ich wieder und beneide
meine Freundin um die Leidenschaft, mit der sie in ihrem
Pschyrembel blättert. Mediziner beschäftigen sich mit
realen Problemen, nicht mit den kruden Hirngespinsten
irgendwelcher Franzosen. Ihr Bruder macht irgendwas
mit Kommunikation, auch was Anständiges mit Zukunft,
nicht so sinnlos Künstler und Geisteswissenschaftler wie
unsereiner. Er hat ihr ein neues Telefon besorgt mit integriertem
Diktiergerät. Zurück zu Foucault: »Stets herrscht
(...) diese schockierende Mischung von jungen, leichten
Mädchen mit alten Frauen, die ihnen nur die zügelloseste
Kunst der Verderbnis zeigen können.« Mein Kopfkino
spielt plötzlich dreckige kleine Samstagabendfilme:
Schulmädchenreport 1 bis 3 und so. Ich schaue mich um
und bemerke diesen Jungen: Eine seidig schimmernde
Haarsträhne fällt ihm ins Gesicht, wenn er sich über den
Brockhaus beugt. Gedankenverloren wandert seine Hand
98 1 kolumne
in den Nacken und bleibt dort liegen. Die Hände! Groß
und kräftig und – zurück zur Lektüre: »Diese Visionen
werden lange Zeit mit Nachdruck die späten Abende des 18.
Jahrhunderts beleben.« Ja, das kann ich mir vorstellen! Ich
gucke hoch, was Adonis macht: Oh mein Gott, er streckt
sich, reibt sich die Schläfen, streicht mit den Fingern über
die geschlossenen Lider. Lass mich das machen! Da öffnet
er die Augen, guckt ... und ich falle tot um. Wer glaubt,
die Atmosphäre in Diskotheken sei hormongeschwängert,
der soll einmal eine Bibliothek besuchen. Es ist jedes Mal
dasselbe: Erst kommt der Hunger, dann die Müdigkeit
und zum Schluß die Geilheit. Adonis sieht mit einem Mal
so hinreißend verschlafen aus, dass es meiner kompletten
Willenskraft bedarf, nicht eine Seite aus meinem Foucault
heraus zu reißen und zu notieren: »Willst du mit mir schlafen?
Kreuz an: Bei mir, bei dir, oder gleich hier.« Hab ich
ein Glück, dass Gedanken frei und unleserlich sind! Ich
wäre schon längst eingesperrt worden. Apropos: »Für
einen Augenblick werden sie durch das unerbittliche Licht
des Werkes von de Sade herausgeschnitten ...« Ein Geräusch
zerschneidet die Stille. Es ist die aufgezeichnete Stimme
eines Mobiltelefons, erst leise, dann immer lauter: »Nimm
ihn in den Mund. – Nein. – Du nimmst ihn sofort in den
Mund! – Nein!.« Alle im Raum sind jetzt wach. »Unverschämtheit«,
grunzt jemand. Ich gucke zu Franzi: Schulterzucken.
Sie schaut Adonis an, der zu mir, ich schüttele den
Kopf. Unsere Blicke wandern zu der Tasche neben Franzi.
»Nimm ihn in den Mund«, sagt die Tasche, »Nein«. Meine
Freundin ist kreideweiß. Wir beide wissen, dass die Tasche
nicht mir gehört. Franzi zittert. »Mach es aus«, flüstere
ich. »Nein«, ruft die Tasche. Und dann ist es vorbei.
Zornesbleich murmelt Franzi: »Ich bring ihn um«, und
meint wohl ihren Bruder. Adonis grinst und beugt sich
nach vorn. »Zigarette danach?« fragt er mit abgrundtiefer
Stimme. Heirate mich, denke ich.
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