Kulturnotizen - Druckservice HP Nacke KG

DIE BESTE ZEIT 

Das Magazin für Lebensart 

Wuppertal und Bergisches Land Ausgabe 14, 2012 - 3,50 Euro 

Von der Heydt-Kunsthalle 

Ausstellung Cornelius Völker 

Das Leben wohnt im Herzen 

Momo im Kinder- und Jugendtheater 

Von der Heydt-Museum 

Stürmische Pferde 

Das Bauhaus Fischer 

Bauhaus-Architektur in Wuppertal 

Endstation Sehnsucht 

Wuppertaler Bühnen 

528 Werke für Kölner Museen 

Nachlass von Prof. Irene Ludwig 

Ich fi nde Wuppertal wunderbar 

Portrait Lutz-Werner Hesse 

Japan, Ginkgo, Goethe 

Portrait des Klaus Stiebeling 

Ménage à Trois 

in der Bundeskunsthalle Bonn 

Wuppertaler Literatur 

Literatur Biennale 2012 

Neue Bücher 

zu Geschichte und Kunst 

18695205 

Kulturnotizen 

Kulturveranstaltungen der Region ISSN 

1

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Impressum 

„Die beste Zeit“ erscheint in Wuppertal und im Bergischen Land 

Erscheinungsweise: 5 – 6 mal pro Jahr 

Verlag HP Nacke KG - Die beste Zeit 

Friedrich-Engels-Allee 122, 42285 Wuppertal 

Telefon 02 02 - 28 10 40 

E-Mail: verlag@hpnackekg.de 

V. i. S. d. P.: HansPeter Nacke 

Erfüllungsort und Gerichtsstand Wuppertal 

Bildnachweise/Textquellen sind unter den Beiträgen vermerkt. 

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Umschlagbild: 

„Improvisation 13“ 

Wassily Kandinsky, 1910, 

Staatliche Kunsthalle Karlsruhe 

© VG Bild-Kunst, Bonn, 2012 

Gastbeiträge durch Autoren spiegeln nicht immer die Meinung des 

Verlages und der Herausgeber wider. Für den Inhalt dieser Beiträge 

zeichnen die jeweiligen Autoren verantwortlich. 

Kürzungen bzw Textänderungen, sofern nicht sinnentstellend, liegen 

im Ermessen der Redaktion. Für unverlangt eingesandte Beiträge kann 

keine Gewähr übernommen werden. 

Nachdruck - auch auszugsweise - von Beiträgen innerhalb der gesetzlichen 

Schutzfrist nur mit der ausdrücklichen Genehmigung des Verlages. 

Trotz journalistischer Sorgfalt wird für Verzögerung, Irrtümer oder 

Unterlassungen keine Haftung übernommen.

Editorial 

Im Frühling der Literatur 

Bergische Leseratten wissen es längst – Wuppertal ist eine Literaturstadt. Nicht 

erst seit den Tagen von Else Laker-Schüler und Armin T. Wegener entstehen 

hier – „am schwärzesten Fluß der Welt“ – Romane und Gedichte, Erzählungen 

und Essays von Rang. In ungezählten, zumeist gut besuchten Veranstaltungen 

der überaus engagierten, lokalen Literaturvereine werden sie dem interessierten 

Publikum vorgestellt. Literatur in Wuppertal – das meint in der Geburtstadt 

Friedrich Engels nicht nur belletristische Unterhaltung, sondern mitunter auch 

politische Aufklärung, mittels künstlerisch gestalteter Sprache. 

In dieser Tradition startet am 6. Juni 2012 die erste Wuppertaler Literaturbiennale 

unter dem Motto „Freiheit“. In mehr als zwanzig hochkarätigen 

Veranstaltungen präsentieren sich an zehn Tagen internationale und regionale 

Autoren/innen. Die Reihe der Schriftsteller/innen reicht von der Literaturnobelpreisträgerin 

Herta Müller bis hin zu begeisterten Amateuren, die im 

Schreiben weit mehr als nur ein interessantes Hobby gefunden haben. 

Entwickelt wurde die Idee im städtischen Kulturbüro unter der Leitung von 

Monika Heigermoser. Doch hat man nicht einfach eine weitere Kulturveranstaltung 

„von oben“ dekretiert. Vielmehr versammelten die Initiatoren 

sämtliche Literaturvereine der Stadt, dazu Schriftsteller, Verleger, Theaterleute 

und Literaturwissenschaftler der Bergischen Universität um den sogenannten 

„Literaturtisch“. Hier wurden dann die konzeptionellen Weichen für das 

vielfältige Biennaleprogramm gestellt, das von einem fünfköpfi gen Beirat und 

den Mitarbeiter/innen des Kulturbüros organisiert wurde. 

Das gesamte Programm wird Mitte April offi ziell der Öffentlichkeit vorgestellt. 

An dieser Stelle sei zunächst nur auf zwei Veranstaltungen hingewiesen, die das 

Thema „Freiheit“ in besonderer Weise wiederspiegeln. 

Die Eröff nungsfeier am 6. Juni 2012 im Mendelssohn-Saal der Historischen 

Stadthalle am Johannisberg hat mit dem Ägypter Chalid-Al-Chamissi und der 

Syrerin Salmar Yazbek zwei prominente Autoren zu Gast, die sich zusammen 

mit zahlreichen anderen Schriftstellern und Intellektuellen am demokratischen 

Aufbruch in ihrer Heimat aktiv beteiligen – dem „Arabischen Frühling“. 

Im Gespräch mit der Journalistin Asli Sevindim und dem bekannten Orient- 

Experten Michael Lüders erörtern sie die Frage, welcher Stellenwert der Literatur 

innerhalb dieser Freiheitsbewegung zukommt. Das Schönberg-Orchester der 

Wuppertaler Musikhochschule, unter der Leitung von Werner Dickel, bringt 

noch unaufgeführte Werke zeitgenössischer, arabischer Komponisten zu Gehör. 

Was die jüngste Generation internationaler Theaterautoren unter Freiheit 

versteht, möchte die „Lesebühne“ zeigen. Am 10. und 11. Juni werden jeweils 

um 18.00 Uhr im Festsaal der Rudolf-Steiner-Schule von Schauspielschüler/ 

innen der Folkwang-Universität Essen/Bochum drei, von einer Jury ausgewählte, 

Stücke in szenischen Lesungen vorgestellt. Vor allem Schüler und Studenten 

sollten sich keinesfalls die Gelegenheit entgehen lassen, die starken Theatertexte 

ihrer eigenen Generation kennenzulernen. Der Eintritt ist frei. 

Die Veranstalter wie auch der „Literaturtisch“ freuen sich auf ein Publikum, 

das sich an diesen, hoffentlich sonnigen, Frühlingstagen der ersten Wuppertaler 

Literaturbiennale von den wunderbaren Texten inspirieren lässt, um hernach 

über die Freiheit, die Literatur und das eigene Leben vielleicht noch einmal ganz 

neu nachzudenken. 

Gerold Theobalt 

3

4 

Keine Angst vor Berührung 

Barbara Neusel-Munkenbeck und die Urne “moi“ 

seit 1813 

Alles hat seine Zeit. 

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Inhalt 

Ausgabe 14, 4. Jahrgang, April 2012 


Beobachtungen – 

Ausstellung Cornelius Völker 

von Frank Becker Seite 6 

… und das Leben wohnt im Herzen 

Aufführung des Stücks „Momo“ von 

M. Ende beim Kinder- und Jugendtheater 

von Martin Hagemeyer Seite 10 


Zur Ausstellung „Der Sturm – Zentrum der 

Avantgarde“ im Von der Heydt-Museum 

von Marlene Baum Seite 12 

Das Bauhaus Fischer 

Architektur im Bauhaus Stil in Wuppertal 

von Joachim Krug Seite 18 

Endstation 

Tennessee Williams’ Stück inszeniert 

von Claudia Bauer für die Wuppertaler 

Bühnen – von Frank Becker Seite 22 


Spektakuläre Schenkung aus dem 

Nachlass von Prof. Irene Ludwig 

an die Stadt Köln Seite 25 


Portrait Lutz-Werner Hesse 

von Marlene Baum Seite 31 

Wuppertaler Literatur Biennale 2012 

Vorschau auf die Literatur Biennale 

zum Thema „Freiheit“ im Juni 

von Ruth Eising Seite 34 

Tanztheater Wuppertal Pina Bausch 

Neueinstudierung der Aufführung „1980 – 

ein Stück von Pina Bausch“ 

MÉNAGE À TROIS 

Seite 36 

Ausstellung Warhol, Basquiat, Clemente 

in der Bundeskunsthalle Bonn Seite 37 

Geschichtsbücher, Buchgeschichten 

Geschichtsbücher – Buchgeschichten 

vorgestellt von Matthias Dohmen Seite 43 


Portrait des Weltreisenden und 

Japanfreundes Klaus Stiebeling 

von Matthias Dohmen Seite 44 

Neue Kunstbücher 

Über die Sparten hinweg… 

vorgestellt von Thomas Hirsch Seite 46 


Kulturveranstaltungen in der Region Seite 48 


Kulturveranstaltungen in der Region Seite 51 

Zwischen den Fronten 

Die Kriegstagebücher Gerhard Nebels, 

wiederentdeckt von Michael Zeller 

von Johannes Vesper Seite 50 

5


Wuppertal-Barmen 

noch bis zum 27. Mai 2012 

linke Seite: 

Abfl uss, 2008, Öl auf Leinwand, 

80 x 60 cm Privatsammlung 

© VG Bild-Kunst, Bonn 2012 

unten: 

Fenster, 2004, Öl auf Leinwand 

160 x 180 cm, Privatbesitz 


Beobachtungen 

Seit dem 26. Februar und noch bis zum 27. 

Mai 2012 ist in der Kunsthalle Barmen des 

Wuppertaler Von der Heydt-Museums eine 

Auswahl von Arbeiten des an der Akademie 

Münster lehrenden und in Düsseldorf und 

New York lebenden Malers Cornelius Völker 

(*1965) zu sehen. Die Präsentation der 

Werke aus den Jahren 1990-2010, die zuvor 

bereits in München (Villa Stuck), Ludwigshafen 

(Wilhelm-Hack-Museum) und Goslar 

(Mönchenhaus Museum) gezeigt wurde, 

erlaubt einen einzigartigen Einblick in die 

zeitgenössische gegenständliche Malerei - 

Cornelius Völker ist ein herausragender Vertreter 

des Genres, das sich scheinbar leichtfüßig 

zwischen Fotorealismus und Pop-Art, 

klassischem Stilleben und plakativer Malerei 

bewegt - seine Bilder eine Augenweide. 

Was in der Ausstellung eindrucksvoll gezeigt 

wird, belegt zum einen die genaue, nicht 

humorfreie Beobachtung, der Cornelius 

Völker seine Umgebung, die Welt unterzieht, 

zum anderen seinen hohen Rang als 

Maler des Augenblicks. Hat ein Thema Völkers 

Aufmerksamkeit auf sich gezogen, wird 

es von ihm - oft in konsequenter Serie - mit 

Ölfarben auf Leinwand ausgeleuchtet, analysiert, 

porträtiert, präsentiert - ob das Geschirrtücher, 

Meerschweinchen, Cocktails, 

Handfeuerwaffen, Schokoladen, Bücher, 

Pullover, Hände, Schwimmer, Frisuren, 

Männer, Hände, Himbeeren sind, eine 

Feuerzeugfl amme oder einfach nur Müll, 

der Inhalt von Völkers Abfalleimer. Völker 

entreißt das Gewöhnliche der Banalität, 

unterstreicht durch seine Art der Präsenta- 

7

Röhm Lady Star, 2009, Öl auf Leinwand, 100 x 105 cm, Privatsammlung 

oben: 

Meerschweinchen, 2003, Öl auf Leinwand, 40 x 50 cm, Privatsammlung 

linke Seite: 

Feinripp, 1998, Öl auf Leinwand, 260 x 180 cm, Privatsammlung, 

alle Abbildungen: © VG Bild-Kunst, Bonn 2012 

tion die im Alltag steckende gelegentliche 

Lächerlichkeit, aber auch die Schönheit des 

Details oder die Wucht der Gefahr. Letzteres 

zeigen die „Porträts“ der wie Ikonen ins Bild 

gesetzten Handfeuerwaffen (s.u.). Daß diese 

Waffen, in Einzelfällen erkennbar, nicht 

geladen sind, birgt keine Botschaft. Zufall, 

räumt Völker ein. 

Cornelius Völkers Bilder faszinieren 

durch ihre Eindringlichkeit. Natürlich 

hat ein jeder schon einen Bücherstapel 

am Boden liegen sehen, vielleicht manch 

einen bei sich zu Hause, Stapel, die keine 

Bewegung mehr erfahren. Völkers Bücherstapel 

(Wuppertal zeigt einen, der Katalog 

eine Reihe), obwohl anonym, machen 

neugierig. Zermatschte Himbeeren sind 

von den Mund wässernder Saftigkeit, und 

die Tristesse von zum Lüften ins Fenster 

gelegten Betten berührt zutiefst. Menschen 

bleiben meist gesichtslos, haben sie aber 

doch ein Gesicht, ist es jeder Persönlichkeit 

entkleidet. Sie dienen dem Transport eines 

Motivs, sind Studien einer Körperhaltung, 

eines Stimmungsausdrucks, eines Themas. 

Der zufällige Faltenfall eines Handtuchs wird 

unter Völkers Pinsel zum Dokument der 

Kunstgeschichte, mit starkem Bezug zur detailverliebten 

Malerei des 17. Jahrhunderts. 

Die Ausstellung in der Kunsthalle Barmen 

wurde am 26.2.2012, 11.30 mit einer 

Vernissage eröffnet, bei der Dr. Gerhard 

Finckh, Direktor des Von der Heydt- 

Museums Wuppertal und Prof. Dr. Stephan 

Berg, Intendant des Kunstmuseums Bonn 

sprachen. Die Ausstellung ist noch bis zum 

27. Mai 2012 zu sehen. Cornelius Völkers 

Bilder laden zum Verweilen ein. Ein Besuch 

ist ein Gewinn. 

Zur Ausstellungs-Serie ist ein opulenter 

zweisprachiger Katalog (deutsch/englisch) 

mit Texten von Stephan Berg, Michael 

Buhrs, Magdalena Kröner, Bettina Ruhrberg 

und Reinhard Spieler erschienen: 

Cornelius Völker – Malerei/Painting – 

Werke/Works 1990 – 2010 

© 2011 Verlag Schirmer/Mosel, 272 Seiten, 

gebunden, durchweg farbig illustriert, 

25,5 x 29,5 cm - ISBN 978-3-8296-0534-2 

49,80 Euro 

Frank Becker 

Weitere Informationen: 

www.schirmer-mosel.com und 

www.von-der-heydt-kunsthalle.de 

9

10 

Beim „Kinder- und Jugendtheater“ 

handelt Endes „Momo“ 

sehenswert von Nutzdenken 

Nach dem Roman von Michael Ende. 

Inszenierung: Lars Emrich 

Ausstattung: Laurentiu Tuturuga 

Musik: Andreas Grimm. 

Besetzung: 

Momo: Elvin Karakurt – 

Gigi Fremdenführer: Tom Raczko 

Beppo Straßenkehrer: Michael Karp 

Meister Hora: Udo Dülme 

Kassiopeia: Marie Speckmann 

Agent XYQ-384-b/ Polizist: Tim Neuhaus 

Friseur Fusi/ Grauer Agent 4: 

Patrick Wasserscheid 

Maurer Nicola/ Grauer Agent 2: 

Ralf Stallmann 

Gastwirt Nino/ Grauer Agent 3: 

Dino Capozza 

Ninos Frau Liliana/ Grauer Agent 1: 

Anna Rauhaus 

Ninos Tochter Maria/ Grauer Agent 6: 

Charlott Hoebel 

Bibigirl/ Managerin/ Grauer Agent 7: 

Miriam Wunder 

Kundin Friseursalon/ Grauer Agent 5: 

Claudia Wunder 

Franco: Clemens Redeker 

Paolo: Daniel Hasenmayer 

Giulia: Alyson Hille. 

… und das Leben wohnt im Herzen 

Das Kinder- und Jugendtheater bringt 

„Momo“ auf die Bühne, den Kinderbuchklassiker 

von Michael Ende zum 

Phänomen Zeit. Eine Schlüsselszene 

in Lars Emrichs schöner und sehenswerter 

Inszenierung ist vielleicht diese: 

Einer der grauen Agenten, die die 

Menschen zum Zeitsparen überreden, 

will von dem gefährlichen Mädchen 

schon sichtlich nervös wissen, was 

Bibigirl, der vollkommenen Puppe, 

denn jetzt noch fehlt. Und Momo, das 

Mädchen, das deswegen gefährlich ist, 

weil es sich viel mehr für Märchenspiele 

mit ihren Freunden interessiert als 

für Puppen mit „endlos“ viel Zubehör, 

gibt sofort zurück: „Ich glaub‘, man 

kann sie nicht liebhaben.“ Den grauen 

Agenten bringt das um den Verstand. 

Wichtig für diese Inszenierung der 

berühmten Geschichte um die Zeit 

ist das deshalb, weil es in dieser Szene 

ja gar nicht so sehr um Zeit geht. 

Sondern, grundsätzlicher: um ökonomisches 

Denken. Die Manie, alles 

nach Nutzwert zu berechnen, gegen 

den Wert menschlicher Qualitäten: 

Das ist das Thema des Abends, und die 

Ware Zeit eher nur ein Beispiel dafür. 

Hast gegen Bedächtigkeit, still stehende 

Zeit: Solche Aspekte des Romans 

könnte man auch spannend auf die 

Bühne bringen, doch der Regie geht 

es um anderes. So sind hier auch beim 

weisen Meister Hora (Udo Dülme) in 

seiner geheimen Zeit-Zentrale weniger 

tickende Uhren zu hören als pochende 

Herzen. (Die Szene, in der er Momo 

zu ihren leuchtenden Stunden-Blumen 

führt, ist dabei wohl einer der schönsten 

und spektakulärsten Momente des 

Abends.) 

Auch sind die grauen Agenten heute in 

erster Linie Geschäftsleute; Branche: 

zweitrangig – bis hin zu ihrer schneidigen 

Chefi n (von Anna Rauhaus stark 

gespielt). Dem armen Beppo Straßenkehrer 

(Michael Karp) wird weniger 

Zeitmangel zum Verhängnis als die 

Tatsache, daß er nichts Einträgliches 

zu bieten hat, und seinem eloquenten 

Freund Gigi Fremdenführer (Tom 

Raczko mit genau dem richtigen jungenhaften 

Elan) das Umgekehrte: eben 

daß er einträglich ist. Ökonomisierung 

hier wie dort. 

Last not least, im Gegenteil: Auch 

Elvin Karakurt in der Titelrolle ist in 

diesem Sinne eine sehr passende Besetzung. 

Sie gibt strahlend eine vitale 

Momo, der man auch lautes Lachen 

gern abnimmt, und hat wenig von dem 

scheuen Sonderling mit Kulleraugen, 

als den Radost Bokel aus der Achtziger-Verfi 

lmung die Figur in so manchem 

Kopf bis heute in Beschlag hält. 

Zur Stückidee „lebensvoll statt kalkulierend“ 

paßt das gut. Schwieriger wird 

es allerdings, wenn es um die besondere 

Fähigkeit geht, für die Momo allseits 

so geliebt und gebraucht wird: das 

Zuhören. Wenn zwei Streithähne wie 

Maurer Nicola und Wirt Nino (zwei 

tolle Charakterköpfe: Ralf Stallmann 

und Dino Capozza) sich allein dank 

Momos stiller Aufmerksamkeit versöhnen 

– und auch die hier so impulsive 

Momo zu diesem Zweck fast unvermittelt 

verstummen muß: Damit das 

so recht einleuchtet, bräuchte es wohl 

doch ein wenig Kulleraugen. 

Martin Hagemeyer 

Szenen aus einer Aufführung des 

Kinder- und Jugendtheater Wuppertal 

oben: 

Friseur Fusi erfährt seine „Zeit-Bilanz“ 

(v.l.: Patrick Wasserscheid, Tim Neuhaus) 

unten: 

Gigi fantasiert mit Momo 

(v.l.: Tom Raczko, Elvin Karakurt) 

Fotos: 

Karola Brüggemann

12 

„Gib Deiner Zeit Tiere, vor denen 

man noch lange steht. 

Die Hufschläge Deiner Pferde 

mögen hallen bis in die fernsten 

Jahrhunderte.“ 

August Macke an Franz Marc 1910 

Carlo D. Carrà 

Die rüttelnde Droschke, 1911 

The Museum of Modern Art, New 

York. Gift of Herbert and Nannette 

Rothschild, 1966 

Franz Marc und August Macke lernten 

sich 1910 kennen und schlossen sofort 

Freundschaft. Auch wenn Macke mit 

den Ideen des Blauen Reiter nicht immer 

einverstanden war, teilte er den Gedanken, 

das Tier als symbolischen Mittler zu sehen, 

durch den man mit künstlerischen Mitteln 

die verloren geglaubte Einheit zwischen 

Mensch und Natur zurückzufi nden suchte. 

Marcs berühmte Forderung, „Symbole zu 

schaffen, die auf die Altäre der kommenden 

geistigen Religionen gehören“, war das 

Ziel des Blauen Reiter. Wassily Kandinsky 

hatte den Sieg des Geistigen über den 

Materialismus postuliert: Der Mensch solle 

den Blick von Äußerlichkeiten ab- und sich 

selbst zuwenden. 

Mit Entdeckungen wie den Röntgenstrahlen, 

der Radioaktivität, der drahtlosen 

Kommunikation und des Unbewussten 

war seit der Jahrhundertwende das 

Weltbild ins Wanken geraten. Kandinsky 

schrieb: „Das Zerfallen des Atoms war 


in meiner Seele dem Zerfall der ganzen 

Welt gleich (...). Alles wurde unsicher, 

wackelig und weich (...).“ Diesem tiefen 

Gefühl der Verunsicherung angesichts von 

Erfi ndungen, die dem Verstehen entzogen 

waren, setzten Marc und Kandinsky das 

Programm des Blauen Reiter entgegen. 

Kandinsky erinnert sich 1930: „Beide 

liebten wir Blau, Marc Pferde – ich Reiter, 

so kam der Name wie von selbst.“ 

Seit Friedrich Nietzsche wurden für zahlreiche 

Künstler des Expressionismus, Dichter 

wie Bildende Künstler, zunehmend Tiere 

zu Bedeutungsträgern. Für die Literatur 

sei beispielhaft Franz Kafka genannt, der 

die Verwandlung eines Menschen in ein 

Tier schildert. Reinhard Piper schrieb 

1910 ein Buch „Das Tier in der Kunst“. 

Selbst die Wissenschaft interessierte sich 

für Tiere, in Berlin erregte ein Pferd, „Der 

Kluge Hans“, Aufsehen, weil es angeblich 

rechnen konnte.

im Von der Heydt-Museum 

Auch in der Ausstellung des Von der 

Heydt-Museums „Der Sturm“ sind zahlreiche 

Tiere zu sehen, doch besonders häufi g 

fi nden sich Pferdedarstellungen. Kämen 

die verschollenen Pferdebilder aus der Zeit 

hinzu, fi ele dies noch mehr auf. Woran 

liegt das? 

Dem Pferd ist eine überaus reiche Symbolik 

eigen, die bis heute in der Kunst 

lebendig ist. Schon die Bezeichnung „Der 

Sturm“, die sich wohl Else Lasker-Schüler 

verdankt, verweist auf die mythische 

Bedeutung des Pferdes als Wetterross. 

Seit alters her glaubte man, dieses rasend 

schnelle Tier bewege die Gestirne. So stellte 

man sich vor, der Sonnenwagen des Helios 

werde von den Sonnenpferden gezogen. 

Wie intensiv diese archaischen Bedeutungsebenen 

in Künstlern fortleben, zeigt 

eine Erinnerung von Kandinsky an ein 

weißes Pferd: „Es ist mir eine Freude, solch 

einen Schimmel in den Straßen Münchens 

zu sehen; er kommt jeden Sommer (...). Er 

weckt in mir die lebendige Sonne.“ 

In seiner kosmischen Bedeutung als Beweger 

der Gestirne wurde das Pferd, vor allem 

aber der Schimmel, vergöttlicht oder zum 

Attribut von Gottheiten. Diese Symbolik 

erhielt sich bis in christliche Zeit, da es das 

Privileg der Päpste war, den Schimmel als 

Lichtross zu reiten. In der Legende lebt 

es als Reittier des Heiligen Georg weiter, 

und eben dieses Motiv greift Kandinsky 

auf, um den Aufbruch des Geistigen zu 

visualisieren. 

Auch Else Lasker-Schüler und Franz Marc 

verstanden sich sofort über die kosmische 

Bedeutung des Pferdes. „Ich denke wie 

der Mond“, hatte sie 1912 dem Künstler 

auf seine erste Karte „Der blaue Reiter 

präsentiert seiner Hoheit sein blaues Pferd“ 

geantwortet. 1913 sandte ihr Franz Marc 

seine zweite Postkarte mit dem berühmten 

„Turm der Blauen Pferde“. Blau ist 

die kosmische Farbe, und die Pferde sind 

inmitten von Sternen und einer Mondsichel 

zu sehen. Die Dichterin bezeichnet 

sie einfühlsam als „wiehernde Erzengel“. 

Sie liebte Pferde seit ihrer Kindheit und 

schwärmte von dem schönen Reitpferd 

ihrer Mutter. Auch den „Klugen Hans“ 

kannte sie. Das berühmte denkende Pferd 

aus Berlin ging 1910 in den Besitz des 

Elberfelder Kaufmanns Karl Krall über, mit 

dessen Sohn sie eng befreundet war. 

Als Beweger galten die dahinjagenden 

Rosse als Verursacher von Wolken, Sturm, 

Donner und Blitz. Wotan, der Donnergott, 

ritt ein achtbeiniges Ross, und himmlische 

Rosse schüttelten die Blitze aus ihren Mähnen. 

Franz Marc hatte für das Deckblatt 

der Schrift des Verlegers Reinhard Piper 

„Das Tier in der Kunst“ ein Aquarell von 

Eugène Delacroix „Schimmel vom Blitz 

Wassily Kandinsky, Improvisation 13, 

1910, Staatliche Kunsthalle Karlsruhe 

© VG Bild-Kunst, Bonn, 2012 

erschreckt“ ausgewählt. Dieser Schimmel 

ist durch seine exaltierte bizarre Körperhaltung 

und die wehende Mähne die Verkörperung 

des Blitzes. 1928 nimmt William 

Wauer mit seiner kleinen Metallplastik 

„Der Blitzreiter“, die in der Ausstellung zu 

sehen ist, genau dieses Motiv auf. 

Zu der kosmisch-solaren Bedeutung des 

Pferdes treten Angst, Panik, Tod und 

Hölle als Gegenseiten. In diesem Sinne 

jagen dämonische Rosse durch Alfred 

Kubins Roman „Die andere Seite“ (1908). 

Marc Chagall malt 1913 „Die fl iegende 

Kutsche“, welche von einem geheimnisvoll 

grünen Pferdchen mit drei Beinen gezogen 

wird, wer weiß, wohin? Vielleicht wird 

daraus eine Höllenfahrt. 

Eine weitere Bedeutungsebene des Pferdes 

ist die der Verkörperung der vitalen Instinkte, 

der Libido, in die das Männliche 

ebenso eingeschlossen ist wie das Weibliche. 

Ernst Barlach bedient sich dieser 

Symbolik in seinem Theaterstück „Der tote 

Tag“ (1910, in welchem die Mutter das 

heißgeliebte Pferd des Sohnes tötet. 

Franz Kafka hat in seiner Schrift „Die Aeroplane 

von Brescia“ (1909) alle Verkehrsmittel 

seiner Zeit mit Pferden kontrastiert. 

Das Pferd als symbolischer Beweger von 

Gestirnen im Mythos und als lebendiger 

Beweger des Menschen samt seiner Habe 

13

oben: 

Franz Marc, Drei Pferde II, 1913 

Neue Nationalgalerie Berlin 

links: 

Franz Marc, Die Blauen Fohlen, 1913 

Kunsthalle Emden – Stiftung Henri und 

Eske Nannen und Schenkung 

Otto van de Loo 

über die Jahrtausende, ist zu Beginn des 

20. Jahrhunderts durch Entdeckungen 

und technische Erfi ndungen überfl üssig 

geworden. Dennoch durchjagen Pferde die 

Werke der Futuristen – gerade weil sich 

die Bewegungen eines vierbeinigen Tieres 

ungleich intensiver und rasanter darstellen 

lassen als die einer Maschine. So gerät 

„Die rüttelnde Droschke“ von Carlo Carrà 

(1910) durch die extreme Abstraktion und 

Aufsplitterung der Formen in der Fantasie 

des Betrachters gleichsam zu einer ratternden 

Maschine. Nur Räder und das schemenhafte 

helle Pferd sind als Gegenstände 

auszumachen. Doch gerade wenn die 

Futuristen Pferde mit der Geschwindigkeit 

der Technik und der Großstadt konfrontieren, 

kommt ein neuzeitlicher Aspekt der 

Pferdedarstellung zum Ausdruck: Seit das 

Pferd als Arbeitstier abgelöst ist durch die 

Technik, kann man es distanziert wahrnehmen. 

So wird dieses Tier zunehmend zum 

Sinnbild des Leidens. Besonders wenn es 

reiterlos ist, kann das Pferd symbolisch an 

die Stelle des Menschen treten. 

Fast alle Pferde von Franz Marc sind ohne 

Reiter. Auch auf seiner ersten Karte an Else 

Lasker-Schüler, in der er sich als blauer 

Reiter vorstellt, malt er sich neben einem 

Fohlen stehend so, dass beide Körper verschmelzen. 

Kandinskys Pferde tragen immer 

einen Reiter, und gerade darin offenbaren 

sich zwei Grundstömungen des Blauen 

Reiter innerhalb des Aufbruchs und der 

Suche nach dem „Geistigen in der Kunst“, 

wie Kandinsky es genannt hat: „Gegensätze 

und Widersprüche – das ist unsere Harmonie.“ 

Kandinsky sieht in Pferd und Reiter 

die stürmische Überwindung der Materie, 

während Marc zur Verinnerlichung zu 

gelangen sucht und gerade deshalb auf den 

Reiter verzichtet. Beiden Künstlern geht es 

darum, die verloren geglaubte Einheit von 

Mensch und Natur zurückzubeschwören. 

Vier in der Ausstellung gezeigte Werke von 

Franz Marc und Wassily Kandinsky mit 

Pferdemotiven aus dem Jahre 1913 möchte 

ich eingehender vorstellen. 

Kandinskys „Improvisation 13“ zeigt, wie 

das Motiv des Almanachs „Der Blaue Reiter“, 

den Heiligen Georg auf dem Schimmel. 

Doch nichts mehr von der Ruhe 

des Frontispiz des „Blauen Reiter“, hier 

15

16 

wird das Bildformat gesprengt von einem 

gewaltigen nach links sich bäumenden 

Schimmel mit wenigen dunklen Flecken. 

Der offensichtlich gerüstete Reiter ist aus 

der Senkrechten weit nach hinten geneigt, 

so dass er und das Pferd entgegengesetzte 

Diagonalen bilden. Lanze und Drache sind 

nicht gegeben, die Gestalt der Prinzessin 

ist nur zu erahnen. Wie bei „Lyrisches“ ist 

die Mähne des Pferdes zu einer Wellenlinie 

stilisiert. Die einzige ruhige Senkrechte 

ist der Unterschenkel des Reiters, der die 

Bildmitte markiert. Alle weiteren Formen 

des Bildes sind mit Vehemenz gestaltet und 

kaum gegenstandsbezogen. Die dominante 

Farbe ist das abgetönte Weiß des Pferdes, 

die ihm eine beinahe immaterielle Dynamik 

verleiht. Kraftvolle Linien unterstreichen 

die Bedeutung des Heiligen Georg 

als Retter. Fast alle weiteren Farben sind 

mit Weiß abgemischt und scheinen von 

Pferd und Reiter weg aus dem Bildformat 

hinauszudrängen. 

In „Über das Geistige in der Kunst“ sagt 

Kandinsky über seine Improvisationen: 

„(...) hauptsächlich unbewusste, größtenteils 

plötzlich entstandene Ausdrücke der 

Vorgänge inneren Charakters, also Eindrücke 

von der ‚inneren Natur’“. 

Franz Marc geht im selben Jahr in ähnlicher 

Absicht ganz anders vor. Drei Bilder in der 

Ausstellung verdeutlichen das. 

„Die Blauen Fohlen“ wirken auf den ersten 

Blick recht beschaulich. Wie fast alle Pferde 

von Franz Marc erinnern ihre runden Formen, 

die dunklen Mähnen und die Form 

der Augen an die Urpferdchen der Höhlenmalereien. 

Marc hat bewusst darauf verzichtet, 

bestimmte Pferderassen darzustellen. 

Auch versteht er sich nicht als Tiermaler im 

herkömmlichen Sinn, sondern seine Tiere 

weisen über sich hinaus. Deshalb wirken sie 

immer hermetisch, dem Betrachter bleibt 

emotionaler Kontakt verwehrt. Farblich 

und formal sind sie vollkommen eingebunden 

in die Natur, wobei auch diese zur 

Chiffre wird. Im Laufe von Marcs Schaffen 

werden die Tiere immer wieder zu Trägern 

von Formen und Farben, die Eigenwert 

erhalten und unter den Einfl üssen von 

Kubismus und Futurismus zur Abstraktion 

führen. Der frühe Tod des Künstlers hat 

diese Entwicklung unterbrochen. 

Dem Werk ist aus mehreren Gründen 

eine beunruhigende Spannung eigen, die 

aus ganz anderen künstlerischen Mitteln 

resultiert als Kandinskys „Improvisation 

13“. Beide Tiere scheinen aus dem Gleichgewicht, 

das Fohlen vorn ist in leichter 

Untersicht gegeben, während das hintere in 

Aufsicht zu sehen ist. Das Tier hinten wendet 

den Kopf nach rechts und stemmt die 

Vorderhufe gegen den Boden. Das Fohlen 

vorn ist aus der Achse nach links gekippt 

und wendet den hochgeworfenen Kopf mit 

weit aufgerissenem Auge gegen ein rotes 

Gestirn am oberen Bildrand. Beide Tiere 

werden vom Bildformat so eingeengt, dass 

ein Vorderhuf den Bildrand überschneidet. 

Links in der Ferne bäumt sich ein weiteres 

blaues Pferd, das wie erschreckt den Kopf 

abwendet. 

Der Hintergrund des Werkes ist kaum 

defi niert, er bildet eine stark abstrahierte 

karge Farblandschaft aus Rot-, Grün- und 

Gelbtönen, die in einen hellen Berg unter 

rotem Himmel am oberen Bildrand gipfelt. 

Von diesem abgeschnitten erscheint die 

rote Kreisform eines Gestirns, die in der 

Flanke des Fohlens wiederkehrt. Auch weite 

Teile des Bildgrundes sind rot. Zwischen 

den sich diagonal verschränkenden Beinen 

der Fohlen kreuzen sich dunkle Linien, die 

an abgestorbene Bäume erinnern und dem 

Werk eine zusätzliche Unruhe verleihen, 

zumal sie mit den runden Formen der 

Fohlenleiber kontrastieren. 

Das labile Gleichgewicht der Fohlen, die 

rote Farbe, der aufgeworfene Kopf des 

Tieres und das sich bäumende Pferd im 

Hintergrund verleihen dem kleinen Bild 

eine unheimliche Atmosphäre. 

Im selben Jahr malt Marc zwei Fassungen 

„Drei Pferde“ – eine gänzlich andere 

Konstellation als die „Blauen Fohlen“. Das 

ausgestellte Werk zeigt drei Pferde, die das 

Bildformat fast vollkommen ausfüllen. Am 

unteren Bildrand liegt ein schlummerndes 

rotes Pferd, optisch darüber steht ein 

gleichfalls ruhendes schwarzes Pferd, und 

links zeigt Marc als Rückenfi gur ein gelbes 

Pferd. Es schaut so aus dem Bild nach 

links, dass sich Kopf und Hals zwischen 

den beiden anderen Pferden befi nden und 

die Pferdeköpfe eine Diagonale ergeben. 

Die drei Pferdekörper bilden eine geschlossene 

Form, fast als wären sie eine Schicksalsgemeinschaft. 

Der Bildgrund vorn ist 

bis auf einige Grashalme stark abstrahiert 

und nimmt die Farben des roten und des 

gelben Pferdes auf. Nach oben/hinten 

werden die Formen kubischer und differenzierter 

und lassen einen Teich, Häuser 

und Berge erkennen. Marc schildert das für 

Pferde typische Verhalten: Während einige 

ruhen, hält ein anderes Wache. Dennoch 

wirken diese Tiere noch weniger beschaulich 

als die „Blauen Fohlen“, weil zwei von 

ihnen bis auf die Rippen abgemagert sind. 

Auch irritiert die dunkle Farbe des stehenden 

Pferdes, und man fühlt sich an das im 

selben Jahr entstandene Werk „Das arme 

Land Tirol“ erinnert. Auf diesem Gemälde 

und auf „Das lange gelbe Pferd“ sieht man 

nicht die für Marc üblichen runden, wohlbeleibten 

Tiere, sondern magere Geschöpfe 

mit gelängtem Körper, die in Verbindung 

mit weiteren Werken Marcs als Vorboten 

der Apokalypse gesehen werden können. 

Das dritte in der Ausstellung gezeigte 

Gemälde von 1913, „Stallungen“, ist 

stark vom Kubismus, Orphismus und 

Futurismus beeinfl usst. Die in Ständern 

aufgestallten Pferde ergeben eine rhythmische 

Gliederung, die jedoch zur linken 

Seite hin an Konsequenz verliert. Schrägen 

und eine hohe bogenförmige Form deuten 

eine Bedachung an. Rechts stehen mit der 

Hinterhand zum Betrachter zwei Pferde, 

deren gebogene Schweife und zur Seite

gewendeten Hälse Rundungen aufweisen, 

die in angedeuteten Heuraufen und 

in dem Bogen in der linken Bildhälfte 

wiederkehren. Dieser große Bogen scheint 

sich nach links zu öffnen. Darunter steht 

parallel zum Betrachter ein rotes Pferd mit 

zurückgewendetem Kopf. In Kruppe und 

Widerrist des Tieres wird die Bogenform 

aufgenommen. Im Hintergrund links ist 

ein weißes, entgegengesetzt stehendes Pferd 

zu sehen, dessen Kopf fast ganz hinter 

einem Balken verschwindet. 

Formal ist das Werk ein dichtes Gefüge 

von geometrischen Formen, teilweise 

spitzen Diagonalen, die ins Bildinnere 

eindringen, linearen Gebilden, eckigen 

Formen und solchen, die in der rechten 

Bildhälfte an Häuser erinnern, während sie 

in der linken Seite Chiffren für Natur sein 

könnten. Die Pferde durchbrechen und 

kontrastieren wegen ihrer Rundungen die 

strenge formale Gestaltung. Dazu tragen 

zahlreiche mondsichelartigen Formen bei, 

die Marc eingebracht hat. Auffällig sind die 

angedeuteten stark vergrößerten Glieder 

einer Kette unter der Heuraufe in der Bildmitte. 

Während die beiden Pferde rechts 

eingezwängt sind in enge Ständer scheinen 

sich die beiden Tiere links in Freiheit zu 

befi nden. „Stallungen“ ist Marcs einziges 

Werk, das Pferde teilweise in einer vom 

Menschen geschaffenen Umgebung zeigt. 

Auffallend ist auch die farbliche Gestaltung. 

Die häufi g mit Weiß abgemischten 

prismatischen Farben kontrastieren mit 

dem roten und dem weißen Pferd in der 

oberen Bildhälfte links. Immer wieder 

durchlichten helle Gelb- und Grüntöne 

das Werk und verleihen ihm im Zusammenspiel 

mit geometrischen Formen die 

Wirkung von Prismen oder Kristallen. 

Alle drei Werke aus diesem für Marcs 

künstlerisches Schaffen besonders reichen 

Jahr 1913 zeigen sehr verschiedene Pferde. 

Auf der Suche nach der verlorenen geglaubten 

Einheit mit der Natur durch die 

„Animalisierung der Kunst“, wie Marc es 

nannte, hatte er erkannt, dass er auf seine 

Tiere verzichten musste, um zur reinen 

Selbsterkenntnis zu gelangen: „Die Kunst 

überwindet die Natur, sie ist die Brücke ins 

Geisterreich.“ Davon könnte „Stallungen“ 

Zeugnis geben. Bedenkt man, dass auch 

das verschollene Werk „Turm der Blauen 

Pferde“ im selben Jahr entstanden ist, wird 

umso deutlicher, wie unterschiedlich Marc 

seine Pferde gestaltet hat. Sie sind nicht um 

ihrer selbst willen gemalt, sondern weisen 

über sich hinaus. Else Lasker-Schüler 

schreibt anlässlich des frühen Todes ihres 

Freundes: „Der Blaue Reiter ist gefallen, 

Franz Marc, Stallungen, 1913 

Solomon R. Guggenheim Museum, 

New York 

ein Großbiblischer (...). Er war der, welcher 

die Tiere noch reden hörte, und er verklärte 

ihre unverstandenen Seelen.“ 

Bemerkenswert ist, dass wir uns gegenwärtig, 

hundert Jahre nach dem Expressionismus, 

in einer Zeit vergleichbarer 

Erschütterungen befi nden. Wider greift die 

Kunst verstärkt auf Tiermotive zurück und 

bedient sich besonders des Pferdes. Den 

Anfang dazu hat nach dem Zweiten Weltkrieg 

Marino Marini gemacht mit seinen 

erschütternden, „Miracolo“ genannten, 

verzweifelt sich aufbäumenden Pferden, 

deren Reiter im Begriff sind zu stürzen. 

In der zeitgenössischen Kunst ist der Reiter 

abgestiegen, wie schon bei Franz Marc, 

aber die Pferde sind gebrochene Tiere, 

die stürzen oder am Boden liegen. Davon 

zeugen beispielsweise Werke von Norbert 

Tadeusz, Emil Schumacher oder Berlinde 

De Bruyckere. 

So ist der eingangs zitierte Wunsch von 

August Macke in Erfüllung gegangen, 

wenngleich das utopische Programm des 

Blauen Reiter gescheitert ist. Es bleibt 

spannend, in welcher Form das Pferd als 

Symbol fortleben wird. 

Marlene Baum 

17

Architektur in Wuppertal wird geprägt 

von großbürgerlichen Fabrikanten-Villen, 

bescheideneren bergischen Wohnhäusern 

mit ihren Schieferfassaden und natürlich 

vom Nachkriegsbaustil der 50er bis 70er 

Jahre, der dem Erfordernis geschuldet ist, 

der ausgebombten Bevölkerung preiswerte 

Wohnungen anzubieten. Nur eine kleine 

Gruppe von Wuppertalern kennt Gebäude, 

die in der Tradition der Bauhaus-Architektur 

geplant und erstellt wurden. 

Außenansichten des Hauses aus verschiedenen Perspektiven 

Das Bauhaus Fischer in Wuppertal 

Eines dieser Häuser ist das Gebäude, das 

1926 bis 1927 an der Oberen Lichtenplatzstraße 

von dem Architekten Hans 

Heinz Lüttgen entworfen und in die Tat 

umgesetzt wurde. Bauherr war damals 

der jüdische Rechtsanwalt Dr. Walter 

Fischer, der allerdings in seherischer Voraussicht 

bereits im Sommer 1933 mit der 

Machtübernahme der Nationalsozialisten 

Deutschland verließ und sich mit seiner 

Familie in Palästina – damals britisches 

Mandatsgebiet – niederließ. Er hat sein 

Haus, das 1939 von der Familie des Flugpioniers 

Gottlob Espenlaub(„Villa Espenlaub“) 

übernommen wurde, nie wieder 

gesehen. Espenlaub war im Dritten 

Reich ein Regime treuer Flugzeug- und 

Automobilfabrikant, der auf Grund seines 

technischen Wissens den Nationalsozialisten 

für den erhofften „Endsieg“ zuarbeitete. 

Noch heute ist die „Villa Espenlaub“ 

in den Köpfen der Menschen, nicht die 

„Villa Dr. Fischer“. 

Bis 1981, als das Gebäude von Dr. Hans 

Günther Golinski und Dr. Hans-Jürgen 

Schwalm erworben wurde, ist das Bauhaus 

Fischer - innen und außen – zum 

Teil bis zur Unkenntlichkeit verändert 

und „modernisiert“ worden. Vor dem 

Einzug der heutigen Eigner stand das 

Haus sieben Jahre lang zum Verkauf, was 

natürlich auch nicht zu seiner inneren 

und äußeren Attraktivität beigetragen 

hat. Es steht seit 1989 unter Denkmalschutz. 

Behutsam und unter Verwendung 

der wenigen vorhandenen Einbauelemente 

(Treppengeländer, Wandschränke, 

Fußböden) stellten Golinski und 

Schwalm den ursprünglichen Zustand 

wieder her, besonders was die Farbgebung 

innen und außen betrifft. Möbel 

aus der Zeit, als die Familie Dr. Fischer 

das Haus bewohnte, waren nicht mehr 

vorhanden. Das rosa Mauerwerk außen 

wurde rekonstruiert, ebenso das Blau 

der Fensterrahmen und - -kreuze. Im 

Inneren fanden die heutigen Besitzer nur 

19

Blick ins Treppenhaus Einrichtungsdetails 

linke Seite oben: 

das Esszimmer, 

unten 

Ansicht des Musikzimmers 

wenige Spuren vom Bauhaus Fischer 

aus dem Jahre 1927. In einem der 

Erdgeschossräume entdeckten sie die 

hebräische Inschrift in lateinischen Buchstaben 

„mene, mene Tekel ll – Pharsin“, 

was ungefähr „Gewogen, gewogen und 

zu leicht befunden“ bedeutet. Neben 

den menschlichen Dimensionen und 

der Vielfarbigkeit im Inneren präsentiert 

sich das Bauhaus Fischer heute in 

geschmackvoller Farbigkeit, gepaart mit 

einer dezenten und edlen, aber wohnlichen 

Möblierung einschließlich Bildern 

und Kunstgegenständen verschiedener 

Epochen und Kulturen. 

Der 1919 unter anderem von den Architekten 

Walter Gropius und Mies van 

der Rohe initiierte Bauhausstil wendete 

sich bewusst vom bis dahin in Deutschland 

„für die bessere Gesellschaft“ praktizierten 

Monumentalstil ab und verwirklicht 

ein Wohnen mit „menschlichem 

Antlitz“ . Der desaströse Ausgang des 

Ersten Weltkriegs (1914- 1918) hat wohl 

mit dazu beigetragen. Den Hauseingang 

sieht man nur, wenn man sich dem 

Gebäude nähert. Keine Säulen oder 

Stuckornamente zieren das Mauerwerk. 

Die Haustür ist eine `Tür`, kein Tor. 

Heute kann in Dessau der Bauhausstil 

wieder studiert werden Er kam in der 

Zeit , als die Villa Dr. Fischer gebaut 

wurde, bei der Bevölkerung gar nicht 

gut an. Das erhöht errichtete Gebäude 

in den Barmer Anlagen wurde mehr 

oder weniger als Schandfl eck angesehen. 

Noch zu sehr war die Villen-Architektur, 

die auch in der äußeren Gestaltung der 

Reihenbebauung aus der damaligen 

Zeit erkennbar ist, in den Köpfen der 

Menschen der 20er Jahre des vorigen 

Jahrhunderts. Die Räume der Bauhaus- 

Architektur haben eine „normale“ 

Höhe und sind von überschaubarem 

Ausmaß. Sie haben einen ausgeklügelten 

Lichteinfall, die Fenster sind aber nicht 

überdimensioniert, die Wärmeisolierung 

entspricht heutigem Standart. In ihrem 

wieder hergestellten „Urzustand“ sind 

alle Zimmer einer Etage, wie ursprünglich 

geplant, durch Türen mit einander 

verbunden, ohne dass ein jeweils separater 

Eingang vom Korridor her fehlt. Eine 

„Arme- Leute“- Aufteilung ist nicht 

erkennbar, was auch ein Lastenaufzug 

von der Küche in die oberen Etagen 

deutlich macht. Eine „gutbürgerliche“ 

Familie fi ndet reichlich Platz, ohne dass 

die Zimmer Dimensionen von Sälen 

annehmen. 

Durchblick 

Das Bauhaus Fischer ist in die Umgebung 

eingebettet. Man schaut in die 

Barmer Anlagen. Unmittelbar hinter 

dem Haus grenzt ein zum Grundstück 

gehörender veritabler Baumbestand auf 

über 2.000 qm Fläche an das Gebäude 

an., so dass ein Übergang zum „öffentlichen 

“ Wald kaum erkennbar ist. 

Joachim Krug 

Fotos:Torsten Krug 

21

Claudia Bauer 

richtet in Wuppertal 

Tennessee Williams´ 

„Endstation Sehnsucht“ 

zugrunde. 

Inszenierung: Claudia Bauer 

Bühne/Kostüme: 

Patricia Talacko, Bernd Schneider 

Musik: Smoking Joe 

Besetzung: Blanche DuBois (Sophie Basse) 

Stella Kowalski (Anne-Catherine Studer) 

Stanley Kowalski (Holger Kraft) 

Mitch (Lutz Wessel) 

Eunice (Amber Schoop) 

Steve (Marco Wohlwend) 

Pablo (Hendrik Vogt), 

sowie Götz Vogel von Vogelstein 

und Claudia Schulz 

linke Seite: 

Sophie Basse, Holger Kraft 

vorne Sophie Basse 

v.l.n.r.: Hendrik Vogt, Marco Wohlwend, 

Holger Kraft, Lutz Wessel 

hinten: Götz Vogel von Vogelstein 

Endstation 

Es ist ein wunderbares Theaterstück, voller 

Poesie einerseits, von brachialer Kraft 

und durchaus Brutalität zum anderen, 

berührend und den Zuschauer mitnehmend, 

wenn, ja wenn es von einer Inszenierung 

ernst genommen wird. Tennessee 

Williams hat mit „Endstation Sehnsucht“ 

(A streetcar named desire) eines der 

schönsten, dramatischsten Stücke der 

amerikanischen Theaterliteratur geschrieben, 

tief die Seelen seiner Figuren am 

unteren Rand der Gesellschaft ausgelotet 

– ein Meisterstück über Sehnsüchte und 

Verlierer. Von den Wuppertaler Bühnen 

wurde es zuletzt vor 12 Jahren mit der 

hervorragenden Eike Gercken als Blanche 

DuBois unter der zwiespältigen Regie 

von Paolo Magelli und vom TiC mit der 

grandiosen Petra Koßmann 1998 in einer 

mustergültigen Inszenierung von Thomas 

Spielmann aufgeführt. Nun dieser Deutungsversuch 

von Claudia Bauer, deren 

Wuppertaler „Macbeth“-Inszenierung 

noch vielen in Erinnerung sein wird. 

In das Klima der Perspektivlosigkeit, in 

dem Blanches Schwester Stella (facetten- 

reich: Anne-Catherine Studer) und deren 

brutaler Mann Stanley (wuchtig: Holger 

Kraft) in einem verkommenen Viertel 

von New Orleans leben, tritt die einst 

großbürgerliche Blanche DuBois (überzogen: 

Sophie Basse) als in die letzte Station 

auf der Flucht vor ihrem verpfuschten 

Leben ein: alkoholabhängig, nymphomanisch, 

verlogen, verbrannt. In der 

beklemmenden Enge und in der feuchten 

Hitze Louisianas prallen Haß, Habgier, 

Begehrlichkeiten und Gewalt aufeinander, 

keinem Gefühle – und werden brutal 

zertreten. So will es das Stück. Man ahnt 

zwar, daß Claudia Bauer nach einer modischen 

Übersetzung dafür gesucht hat – 

gefunden hat sie sie aber beileibe nicht. 

„Die Sanften müssen schimmern“, dieses 

Zitat der Blanche fi ndet in keinem Moment 

von Claudia Bauers Inszenierung 

seinen Niederschlag. Hingegen setzt sie 

auf en face zum Publikum gebrüllte Dialoge, 

Stroboskop-Effekte, gewollt schrille 

Gestalten (ZZ Top und Rockabilly 

lassen grüßen) auf Klamotte, überzogene 

Gewalt, ein paar nackte Männer-Ärsche 

und eine Bühnen-Ausstattung, die zwar 

23

24 

so ärmlich ist wie die Welt der Kowalskis 

und ihrer Nachbarn, aber diese Botschaft 

dennoch nicht vermittelt. 

Anne-Catherine Studer läßt als Stella das 

Wechselbad der Gefühlslagen einer Frau 

aufscheinen, die sich in fataler Abhängigkeit 

von ihrem brutalen Mann längst 

aufgegeben hat, Lutz Wessel gibt den 

aggressiv gehemmten Mitch bis hin zum 

Vergewaltigungsversuch einfühlsam und 

Holger Kraft, der Brutalo vom Dienst der 

Wuppertaler Bühnen, wird seiner Rollenzuweisung 

gerecht. Sophie Basse kann die 

gebrochene Blanche zwar vorführen, doch 

nicht überzeugend vermitteln. Sie leidet 

sie wie ausnahmslos alle anderen Rollen 

an einer regelrechten Inszenierungswut 

Bauers. Die wenigen leisen Momente, 

die diese Blanche dem Publikum öffnen 

könnten, gehen in unverständlichem 

Gefl üster unter. Allein ihre Schlußszene 

berührt. Aber da ist es für diese Inszenierung 

sowieso längst zu spät. 

Es ist ein Jammer um das vorzügliche 

Stück, das mehr Liebe und wirkliche, 

nicht plakatierte Leidenschaft verdient 

hätte. Hier konnte man am lebenden Beispiel 

sehen, wie eine Über-Inszenierung 

mit hochfl iegenden inszenatorischen Ambitionen 

(ich unterstelle, daß es die gab) 

ein solides Stück trotz - mit einigen Ausnahmen 

- guter Darsteller völlig zugrunde 

richten kann. Claudia Bauer hat das 

gründlich besorgt. Schade um ein Drama, 

einen Klassiker, der ohne Schnickschnack 

seine Wirkung am besten entfaltet. 

Es gibt übrigens in den knapp zwei 

Stunden keine Pause – das Theater wird 

wissen warum… 

Weitere Informationen: 

www.wuppertaler-buehnen.de 

Frank Becker 

Fotos: Uwe Stratmann 

oben v.l.n.r.: Amber Schoop, Sophie Basse 

Mitte: vorne: Sophie Basse, Holger Kraft 

hinten: Anne-Catherine Studer 

unten v.l.n.r. Hendrik Vogt, Marco Wohlwend, 

Holger Kraft, Lutz Wessel

Die Stadt Köln 

erhält spektakuläre Schenkung 

aus dem testamentarischen 

Nachlass von Prof. Irene Ludwig: 

„Von 1957 an hat es uns angespornt, in 

Museen durch unsere Erwerbungen Akzente 

zu setzen, und vollends nach 1968 wurde 

uns bewusst, was uns vorantrieb: Mit unseren 

Taten wollten wir Informationslücken 

schließen. Wir wollten in die Öffentlichkeit 

bringen, was Bewegung auslöste und den 

Blick erweiterte“, 

so beschrieb Peter Ludwig 

die Motivation des Ehepaars. 

Natalja Gontscharowa 

Porträt Michail Larionow 

1913, Öl auf Leinwand 

105 x 78 cm 

Museum Ludwig, Köln / 

Sammlung Ludwig 


Foto: 

Museum Ludwig Köln/RBA 


Nach dem unerwarteten Tod von Prof. 

Dr. h.c. mult. Irene Ludwig im November 

des vergangenen Jahres ist nun das 

Testament der bedeutenden Mäzenin eröffnet 

worden. Die Stadt Köln erhält aus 

ihrem Nachlass spektakuläre Schenkungen 

und Dauerleihgaben für das Museum 

Ludwig und das Museum Schnütgen. 

Insgesamt 528 Werke aus dem Besitz von 

Prof. Ludwig bereichern auf Dauer die 

Kölner Sammlungen. Oberbürgermeister 

Jürgen Roters, der heute im Historischen 

Rathaus die Schenkungen bekanntgab, 

zollte der Kölner Ehrenbürgerin Respekt 

und Dankbarkeit für diese Entscheidung. 

„Die Stadt Köln und alle heutigen und 

künftigen Kunstinteressierten dieser Stadt 

werden sich bei jedem Museumsbesuch mit 

großer Dankbarkeit an diese außerordentlich 

großzügige Schenkung von Prof. Irene 

Ludwig erinnern. Damit vollendet sich 

eine außergewöhnliche und vertrauensvolle 

Beziehung zwischen Köln und dem Stifterpaar 

Ludwig ganz im Sinne der Stifter. Ziel 

ihrer Liebe zur Kunst war es auch, andere 

Menschen am Erlebnis Kunst teilhaben zu 

lassen. Dank ihres Engagements gehört das 

Museum Ludwig zu den bedeutendsten 

internationalen Museen für moderne Kunst. 

Das Schnütgen-Museum konnte seine 

bedeutende Sammlung um wertvolle Stücke 

ergänzen. Wir werden dieses einmalige 

Geschenk in Ehren halten.“ 

Irene und Peter Ludwig verband stets eine 

intensive und enge Beziehung mit der 

Stadt Köln. Angeregt durch einen Besuch 

der Ausstellung der Sammlung Haubrich 

im Jahr 1946 in der alten, zum Teil zer- 

störten Universität, begann das Ehepaar 

Ludwig 1957, Werke für öffentliche 

Sammlungen zu erwerben. Erste Leihgaben 

aus diesen Ankäufen kamen dem 

Museum Schnütgen in Köln bereits 1963 

zugute. Über ein halbes Jahrhundert 

dauerte das außerordentliche Mäzenatentum 

dieses engagierten Sammlerpaares, 

innerhalb dessen es den Kölner Museen 

unzählige Werke von höchster Qualität 

zur Verfügung stellte. Einen Höhepunkt 

dieser unvergleichlichen Liebe zur Kunst 

bilden dabei sicher die Sammlungen des 

Museum Ludwig Köln. 

Mit der Schenkung von etwa 400 Werken 

gaben Irene und Peter Ludwig 1976 

den Anstoß zur Gründung des Museum 

Ludwig. Seit weiteren großzügigen 

Schenkungen insbesondere in den Jahren 

1994 und 2001 – mit dem Beginn der 

Amtszeit von Direktor Kasper König 

übereignete Irene Ludwig 774 Werke 

Pablo Picassos – kann das Museum Ludwig 

heute die bedeutendste Sammlung 

der Pop Art außerhalb der USA und die 

drittgrößte Sammlung Pablo Picassos sein 

Eigen nennen und zählt damit zu einem 

der wichtigsten Museen für moderne und 

zeitgenössische Kunst weltweit. Dieser 

besonderen Verbindung sowie ihrem engen 

und freundschaftlichen Kontakt zum 

Museum Schnütgen verlieh die Kölner 

Ehrenbürgerin Irene Ludwig auch in 

ihrem Testament größten Nachdruck und 

bedachte das Museum Ludwig Köln und 

das Museum Schnütgen mit spektakulären 

Schenkungen: 

Die Stadt Köln erhält das Eigentum an 

sämtlichen Werken der vor- und nachrevolutionären 

russischen bzw. sowjetischen 

Avantgarde, die zum Zeitpunkt 

des Todes von Irene Ludwig als Dauerleihgabe 

dem Museum Ludwig überlassen 

waren. Darunter befi nden sich Hauptwerke 

u.a. von Kasimir Malewitsch, 

Alexander Rodtschenko und Natalia 

Gontscharowa. Insgesamt handelt es sich 

um 473 Werke, darunter 130 Gemälde, 

Skulpturen und Objekte, 153 Grafi ken, 

190 Fotografi en von 84 Künstlern. 

25

26 

Kasimir Malewitsch 

Suprematistische Komposition 

1915, Öl auf Leinwand, 66,5 x 57 cm 



Foto: Museum Ludwig Köln/RBA 

Darüber hinaus erhält die Stadt Köln 26 

Werke aus der Ausstellung „Von Matisse 

bis Morimura“ aus dem Herbst 

2000 im Museum Ludwig, darunter 

Arbeiten der Klassischen Moderne 

und der Pop Art von Georges Braque, 

Edgar Degas, Paul Klee, Fernand Léger, 

Henri Matisse, Robert Rauschenberg, 

Kurt Schwitters und Jasper Johns. Diese 

Werke kamen im Rahmen der Ausstellung 

als Dauerleihgaben ins Haus und 

ergänzen unterschiedliche Schwerpunkte 

der Sammlung. 

Nicht zuletzt erhält das Museum Ludwig 

als Dauerleihgabe acht Gemälde 

und eine Zeichnung aus dem Privatbesitz 

von Irene Ludwig. Darunter 

befi ndet sich der erste Ankauf des 

Ehepaars Ludwig im Bereich der Klassischen 

Moderne: ein Frühwerk von Karl 

Hofer, „Nach dem Bade“, aus dem Jahr 

1912. Außerdem Werke von August 

Macke, Fernand Léger, Henri Matisse, 

Lyonel Feininger, Alexej von Jawlensky, 

Roy Lichtenstein, Jasper Johns und 

Jackson Pollock. 

Die Stadt Köln erhält außerdem das 

Eigentum an 20 Dauerleihgaben, die 

zum Zeitpunkt des Todes von Irene 

Ludwig dem Museum Schnütgen überlassen 

sind, dazu zählen u.a. ein Ottonisches 

Reliquienkästchen aus Niedersachsen 

um 1000-1050, ein Memento Mori 

aus der Westschweiz um 1520 sowie die 

jüngst übergebenen sechs Glasmalereien 

aus dem ehemaligen Kreuzgang des 

Klosters Altenberg, Köln 1505-1520.

oben: 

Roy Lichtenstein 

Cup and Saucer I (Tasse und Untertasse) 

1977, Bronzeguß 1/3, bemalt 1/3 

75 x 46 x 17,5 cm 



: 

Das Museum Ludwig besitzt nun dank 

dieser Schenkung zahlreicher zentraler 

Werke der Russischen Avantgarde 

eine der bedeutendsten Sammlungen 

außerhalb Russlands. Isabel Pfeiffer- 

Poensgen, Vorsitzende des Kuratoriums 

der Peter und Irene Ludwig Stiftung, 

betont noch einmal die enge Verbindung 

des Ehepaars Ludwig zur Stadt 

Köln und mahnt gleichzeitig die damit 

verbundene Verantwortung an: „Vor 35 

Jahren haben Peter und Irene Ludwig 

ihre erste große Schenkung an die Stadt 

Köln an die Bedingung der Gründung 

eines Museums für moderne und zeitgenössische 

Kunst geknüpft. Mit der 

testamentarischen Verfügung und der 

damit verbundenen Schenkung dieser 

unvergleichlichen Sammlung zeigt sich 

erneut die tiefe Verbundenheit Irene 

Ludwigs mit der Stadt Köln sowie ihr 

dieser Stadt entgegengebrachtes Vertrauen. 

Das bedeutet gleichzeitig eine 

unten: 

Jasper Johns 

Zero to Nine (Null-Neun) 

1959, Enkaustik und Collage auf Leinwand, 

53,8 x 88,9 cm 



Verpfl ichtung, das Museum Ludwig mit 

allen notwendigen Mitteln für eine dauerhafte 

wissenschaftliche Aufarbeitung, 

Pfl ege und Präsentation der Sammlung 

auszustatten. Das Museum Ludwig 

zählt dank der Schenkungen von Peter 

und Irene Ludwig international zu den 

bedeutendsten Museen für moderne 

und zeitgenössische Kunst, das in einem 

Atemzug mit dem Museum of Modern 

Art in New York oder dem Centre 

Pompidou in Paris genannt werden 

kann. Dieses enorme kulturelle Kapital 

sollte genauso wie die damit verbundene 

Verantwortung fest im öffentlichen 

Bewusstsein verankert sein.“ 

Kulturdezernent Prof. Georg Quander 

hebt noch einmal die Bedeutung Irene 

Ludwigs für die Stadt Köln hervor: 

„Irene Ludwig war im Hinblick auf ihre 

mäzenatische Großzügigkeit eine Ausnahmeerscheinung. 

Nicht nur, dass sie 

sich zusammen mit ihrem Mann Peter 

sowohl für alte wie auch für moderne 

Kunst begeisterte, sie verstand es gleichsam 

als ihren kulturellen Bildungsauftrag, 

diese Kunst durch Schenkungen 

und Dauerleihgaben an die Kölner Museen 

einem breiten Publikum zugänglich 

zu machen. Irene Ludwig 

27

28 

links: 

Warwara Stepanowa 

Collage aus „Gaust Tschaba“, 1919, 

Futuristisches Buchobjekt, Gouache auf 

Zeitungspapier, 17,5 x 27,5 cm 

Museum Ludwig, Köln, Sammlung Ludwig 



unten: 

Georges Braque 

Le table de Bar Stout (Der Tisch in der 

Bar Stout), 1912-13, Öl auf Leinwand, 

35,7 x 28,6 cm 



gebührt unsere größte Hochachtung 

und unser tiefster Dank für diese einzigartige 

Schenkung aus ihrem testamentarischen 

Nachlass. Ihr Name wird stets 

mit dem kulturellen Reichtum dieser 

Stadt verbunden sein, ihr Wirken und 

ihre Großzügigkeit fi nden im Museum 

Ludwig und dem Museum Schnütgen 

eine lebendige Fortführung.“ 

Prof. Kasper König, Direktor des 

Museum Ludwig, ist hocherfreut über 

die Schenkung und weiß um die damit 

verbundene Herausforderung: „Die 

Sammlung russischer Avantgarde ist 

in jeder Hinsicht von unschätzbarem 

Wert. Sie beinhaltet absolute Meisterwerke 

von Künstlern wie Malewitsch 

oder Gontscharowa, die ganze folgende 

Künstlergenerationen geprägt und 

inspiriert haben. Diese großzügige 

Schenkung aus dem Legat von Irene 

Ludwig hat unsere Hoffnungen bei 

weitem übertroffen. Wir verstehen sie 

als herausragende Zuwendung genauso 

wie als große Aufgabe, diese einzigartige 

Sammlung zu pfl egen, zu bewahren und 

dem Publikum zugänglich zu machen.“ 

Dr. Dagmar Täube, kommissarische 

Direktorin des Museum Schnütgen: „Es 

ist ein großes Glück für das Museum 

Schnütgen, dass Frau Prof. Ludwig 

dafür gesorgt hat, dass die dem Museum 

bisher als Dauerleihgabe zur Verfügung 

gestellten Stücke auch nach ihrem Tode 

nun für immer mit dem Haus verbun-

links: 

Alexandra Exter 

Synthetische Darstellung von Dieppe 

1912 – 13, Öl auf Leinwand 

129 x 200 cm 



© Archives Exter-Lissim, Nakov, Paris 

Foto: Museum Ludwig/RBA 

unten: 

Paul Klee 

Ein centrifugales Gedenkblatt 

1923, Gouache auf kreidegrundiertem Zeitungspapier 

auf weißem Karton kaschiert, 

54,7 x 41,7 cm 


29

30 

den bleiben und ihm auch zukünftig besonderen 

Glanz geben werden. Zusammen 

mit dem Harrach-Diptychon aus 

dem 8. Jahrhundert, das dem Museum 

Schnütgen als Dauerleihgabe erhalten 

bleibt, werden diese Stücke stets an ihre 

großzügigen Stifter erinnern und wir 

werden ihnen ein ehrendes Andenken 

bewahren.“ 

Zur Sammlung der Russischen 

Avantgarde 

Innerhalb von 20 Jahren hat das 

Ehepaar Ludwig eine der weltweit 

bedeutendsten und umfangreichsten 

Sammlungen im Bereich der Russischen 

Avantgarde aufgebaut. Diese 

beinhaltet über 450 Werke, die gezielt 

für das Museum Ludwig erworben und 

als Dauerleihgaben in die Sammlung 

integriert wurden. Diese außergewöhnliche 

Sammlung ermöglicht einen tiefen 

Einblick in die verschiedenen avantgardistischen 

Bewegungen zwischen 1905 

und den 1930er Jahren, darunter die 

Petersburger Organische Schule, der 

Neoprimitivismus, der Kubofuturismus, 

der Rayonismus, der Suprematismus 

und der Konstruktivismus. Über 

70 Künstler dieser Zeit sind in der 

Sammlung häufi g mit Spitzenwerken 

vertreten. Dazu zählen Künstler wie 

Alexandra Exter, Natalia Gontscharowa, 

Alexej von Jawlensky, Wassily Kandinsky, 

Michail Larionow, El Lissitzky, Iwan 

Puni, Alexander Rodtschenko, Warwara 

Stepanowa, Nikolai Suetin. Es wurden 

aber auch ganze Werkkonvolute erworben, 

wie bei Kasimir Malewitsch (über 

60 Werke) und Alexander Rodtschenko 

(135 Werke). Die Sammlung spiegelt 

damit eine große Vielfalt an Fragestellungen 

wider und zeigt auch, wie viele 

künstlerische Positionen sich mit allen 

Facetten des Lebens auseinandersetzten. 

So reicht dieses Konvolut von der 

bildenden bis zur angewandten Kunst 

und enthält wichtige Beiträge aus den 

Unsere Kulturförderung 

ist gut für die Sinne. 

Bereichen Malerei, Skulptur, Graphik, 

Fotografi e, sowie Projekte und Entwürfe 

zu Architektur und Raum, Theater und 

Tanz, Möbeln und Alltagsobjekten, 

Künstlerbüchern und Plakaten. 

Die umfangreiche Sammlung der 

russischen Avantgarde wurde erstmals in 

zwei Ausstellung in der Josef-Haubrich- 

Kunsthalle Köln 1986 und 1993 gezeigt 

und wird derzeit in der Projektreihe 

„Russische Avantgarde“ neu aufgearbeitet. 

Bisher entstanden in der Reihe zwei 

Kataloge, „Der Kubofuturismus und der 

Aufbruch der Moderne in Russland“ 

sowie „Kasimir Malewitsch und der Suprematismus 

in der Sammlung Ludwig“, 

und weitere werden folgen. 

www.museum-ludwig.de 

Sparkassen-Finanzgruppe 

Kunst und Kultur prägen die gesellschaftliche Entwicklung. Die Sparkassen-Finanzgruppe ist der größte nicht-staatliche Kulturförderer 

Deutschlands. Auch die Stadtsparkasse Wuppertal ist ein wichtiger Partner für Kunst und Kultur in unserer Stadt. Das ist gut für 

die Kultur und gut für Wuppertal. www.sparkasse-wuppertal.de 

Sparkasse. Gut für Wuppertal. 

S

„Ich fi nde Wuppertal wunderbar,“ 

sagt Prof. Dr. Lutz-Werner Hesse 

ganz ungefragt, „und wenn einem 

etwas fehlen sollte, braucht man 

nur eine halbe Stunde zu fahren – 

was will man mehr!“ 


Kaum jemand ist in musikalischen Angelegenheiten 

so vielseitig und so viel erfahren 

wie Lutz-Werner Hesse. Seit 2009 ist er 

geschäftsführender Direktor des Standorts 

Wuppertal der Hochschule für Musik 

und Tanz Köln, er ist im Vorstand des 

Vereins der Freunde und Förderer dieses 

Standortes, Vorsitzender der Konzertgesellschaft 

Wuppertal, Mitgestalter der Reihe 

Kunsthochdrei, einer Kooperation des Von 

der Heydt-Museums, des Literaturhauses 

und der Musikhochschule, er leitet (noch) 

die Bergische Biennale Neue Musik, hält 

regelmäßig Einführungen zu den Sinfoniekonzerten 

in der Stadthalle, die sich großer 

Beliebtheit erfreuen, ist leidenschaftlicher 

Dozent für Musikwissenschaften und 

Tonsatz – und ganz nebenbei ist er doch 

eigentlich Komponist. 

Da wegen dieser zahlreichen Verpfl ichtungen 

das Komponieren zu kurz kommt, 

wird Hesse im Sommer die Leitung der 

Bergischen Gesellschaft für Neue Musik 

abgeben: „Ich stelle mir die Frage, ob eine 

solche überhaupt noch notwendig ist, ob 

die ‚Neue Musik’ nicht längst ihren Weg in 

den Konzertbetrieb genommen hat?“ 

Lutz-Werner Hesse ist Rheinländer. Er ist 

geboren in Bad Godesberg, in Mönchengladbach 

aufgewachsen und hat in Köln 

studiert. Deshalb liebt er das rheinische 

Temperament samt Karneval. 

Sein musikalisches Schlüsselerlebnis war 

eine Sinfonie von Gustav Mahler, die er 

als Schüler im Konzert gehört hat. Danach 

begann der Dreizehnjährige Unterricht 

im Instrument Waldhorn zu nehmen und 

„wüste, unrealistische Partituren zu schrei- 

31

32 

ben“, wobei ihm „meist nach fünf Minuten 

die Puste ausging.“ Ein hilfreicher Musiklehrer 

brachte ihn wieder auf den Boden 

der musikalischen Tatsachen zurück, was 

immerhin einige Stücke für das Schulorchester 

zur Folge hatte sowie die Genehmigung 

der Eltern, Schulmusik, Komposition 

und Latein zu studieren. Sein Lehrer für 

Komposition in Köln war Jürg Baur, der 

– Ironie des Schicksals - besonderen Wert 

auf Kammermusik legte. Doch seit dem 

Studium ist für Hesse die Orchestermusik 

wieder der eigentliche Schwerpunkt. 

1986 gewann er den GEMA-Wettbewerb, 

dessen Preis darin bestand, dass das Stück 

gedruckt und aufgeführt wurde – ein 

eindrückliches Erfolgserlebnis für einen 

jungen Komponisten! 

Bereits während der Referendarzeit war 

klar, dass Hesse nicht in den Schuldienst 

gehen würde, so kam er 1984 nach der 

Promotion als Dozent für Musikwis- 

senschaften und Musiktheorie an die 

Musikhochschule Wuppertal. 2002 folgte 

die Ernennung zum Professor. 2008 zog 

der Standort Wuppertal um in das neue 

Domizil in der Sedanstraße 15, das heutige 

„Günter Wand-Haus“. 

Hesse ist passionierter Dozent. Auch als 

geschäftsführender Direktor möchte er 

den Kontakt mit den Studierenden nicht 

missen: „Sie konfrontieren uns häufi g 

mit Dingen, die außerhalb des eigenen 

Blickfeldes liegen, und das ist oft sehr 

anregend. Die Glücksmomente entstehen 

im Umgang mit den Studenten.“ Diese 

Wertschätzung beruht offensichtlich auf 

Gegenseitigkeit: Einmal übernahm Hesse 

einen Kurs mit jungen Sängerinnen, die 

wohl nicht immer ganz einfach sind. Sie 

haben bei ‚studiVZ’ eine „Gruppe der 

Hesse-Fans“ gegründet und Äußerungen 

ihres Dozenten publik gemacht: „Da war 

Wolf Erlbruch, Günther Weißenborn und Lutz-Werner Hesse während einer Probe 

ich überrascht, was ich alles gesagt haben 

soll“, sagt Hesse. So habe er offenbar 

in einer kontroversen Diskussion um 

verschiedene Komponisten geäußert: 

„Den idealen Komponisten können wir 

uns nicht backen. Wir müssen mit denen 

Vorlieb nehmen, die wir haben.“ Oder in 

einer (etwas trägen) Gehörbildungsstunde: 

„Ich meine den Ton ‚des’, Frau X., ‚des’ 

wie Desinteresse“. Lutz-Werner Hesse 

bezeichnet sich selbst als Sprachfetischisten 

und legt großen Wert auf angemessene 

Formulierungen. 

Es kommt vor, dass Studenten, die sich 

musikalisch bereits vor der Aufnahmeprüfung 

qualifi ziert haben müssen, in 

Spezialgebieten Hervorragendes leisten. 

„Das stellt für den Dozenten eine große 

Herausforderung dar. Das ist auch gut so, 

denn im Idealfall werden die Studierenden 

besser als ihre Dozenten.“ Darum begegnet 

man sich in der Musikhochschule,

anders als in einer Universität, in gewisser 

Weise auf Augenhöhe. 

Da das neue Haus ideale Räumlichkeiten 

bietet, reisen sogar Studierende eigens aus 

Köln an, um hier zu üben – vielleicht aber 

auch, weil sie den „Wuppertaler Geist“ 

schnuppern möchten, von dem man in 

Köln vernommen hat. Dieser Wuppertaler 

Geist dürfte zum einen mit der überschaubaren 

Größe des Hauses zusammenhängen, 

denn jeder kennt jeden, so dass Sprechstunden 

kaum nötig sind, weil man sich ohnehin 

sieht. Sicher resultiert dieser besondere 

Geist aber auch aus der guten Zusammenarbeit 

zwischen den Dozenten und der 

Hochschulleitung. Sie alle sind als Künstler 

sehr besondere Persönlichkeiten, und jeder 

trägt zu dem hohen Niveau des doch recht 

kleinen Hauses bei: „Dafür, dass wir so 

klein sind, machen wir hier verfl ixt viel.“ So 

viel, dass beim letzten Hochschulkonzert 

im Mendelssohn-Saal in der Stadthalle 150 

Besucher nach Hause geschickt werden 

mussten, weil der Saal bereits übervoll war. 

Was Lutz-Werner Hesse besonders 

auszeichnet, ist seine Ruhe und Zugewandtheit, 

sein rheinischer Humor, seine 

ganz und gar integre, der Sache dienliche 

authentische Einstellung, weshalb er in 

so mancherlei Konfl ikten zu vermitteln vermag. 

So liegt ihm besonders die Konzertgesellschaft 

am Herzen wegen der Erhaltung 

des Wuppertaler Sinfonieorchesters in der 

jetzt bestehenden Form, ohne Fusion. Die 

Konzertgesellschaft ist gerade 150 Jahre alt 

geworden. Bis 2004 war sie Veranstalter 

für die Konzerte des Sinfonieorchesters, 

während sie heute „nur“ noch Mitgliederkonzerte 

veranstaltet und das Orchester 

vor allem fi nanziell unterstützt. Sie vertritt 

in Wuppertal gegenüber der Politik die 

öffentliche Meinung und ist ein wichtiger 

Vermittler zwischen dem Orchester, seinen 

Förderern und der Stadt Wuppertal. 

Dem Komponisten Lutz-Werner Hesse 

bleibt bei diesen anspruchsvollen Tätigkeiten 

für seine eigentliche Profession leider 

viel zu wenig Freiraum. 

Das letzte Werk für großes Orchester waren 

2006 die „Variationen ohne Thema“. So 

besonderes dieser Titel für ein Musikstück 

ist, so ungewöhnlich sind auch häufi g 

die Besetzungen von Hesses Arbeiten. 

Zum Beispiel hat er ein rasantes Stück für 

das traditionelle chinesische Instrument 

GuZheng und Orchester geschrieben. Sein 

erfolgreichstes Werk, die Komposition 

„Vita di San Francesco – elf Stationen aus 

dem Leben des Heiligen Franziskus von 

Assisi“ für Orgel und 13 Gongs, hatte 

bereits über 40 Aufführungen. Hesses 

Werke entstehen häufi g als Aufträge, durch 

Anregungen oder für bestimmte Musiker. 

So komponierte er in Zusammenarbeit 

mit Ursula und Günther Weißenborn die 

Musik zu dem Buch „Die Werkstatt der 

Schmetterlinge“ von Wolf Erlbruch. 

Beruf und Privatleben sind bei einer 

Tätigkeit, die Leidenschaft und Profession 

verbindet, nicht von einander zu trennen, 

„manche Konzerten besuche ich aus persönlichen 

Gründen, andere wiederum aus 

berufl ichen.“ Lutz-Werner Hesse ist nicht 

nur Ohren- sondern auch Augenmensch. 

Textilmarkt Schloss Lüntenbeck 

17. – 20. Mai 2012, 11–18 Uhr 

Modenschau täglich 12 Uhr 

Tageskarte: 3 € | Dauerkarte: 5 € | Kinder bis 12 Jahre frei 

Schloss Lüntenbeck | 42327 Wuppertal | www.schloss-luentenbeck.de 

So ist es eine glückliche Fügung, dass seine 

Frau, Ines Pröve-Hesse, Künstlerin ist, 

und ihre Werke einen visuellen Kontrast 

zur Musik darstellen: „Ich lebe inmitten 

der bildenden Kunst, denn die Arbeiten 

meiner Frau umgeben mich zu Hause und 

in der Hochschule.“ Und: „Ich kann mir 

keinen schöneren Beruf und kein reicheres 

Leben vorstellen, als das, was ich habe. Damit 

meine ich nicht materiellen Reichtum, 

sondern den Reichtum, den die Familie, 

die Freunde, die Menschen, die mit mir 

sind, und natürlich die Musik bieten!“ 

Marlene Baum 

Fotos Uwe Schinkel 

33

34 


Herta Müller, © Fotograf Paul Esser Christoph Ransmayr, © Ch. Ransmayr Chalid al Chamissi, © Markus Kirchgessner 

Im Juni 2012 ist Wuppertal Literaturstadt. 

Vom 6. bis 16. Juni 2012 fi ndet erstmalig 

die Wuppertaler Literatur Biennale statt. 

Mit diesem neu geschaffenen Literaturereignis 

begegnet Literatur einem 

gesellschaftlich relevanten Aspekt in seiner 

Vieldeutigkeit und Vielschichtigkeit: 

Im Jahr nach dem „Arabischen Frühling“ 

ist es „Freiheit“. 

Internationale und nationale Autoren 

werden in Wuppertal lesen und diskutieren, 

u. a. Herta Müller, Christoph Ransmayr 

(Österreich), Chalid al Chamissi (Ägypten), 

Samar Yazbek (Syrien), Michael Kleeberg, 

Abbas Khider (Irak), Margriet de Moor 

(Niederlande), Artur Becker und Dariusz 

Muszer (Polen), Hermann Schulz, Michael 

Zeller und John von Düffel. 

Die Eröffnung der ersten Wuppertaler 

Literatur Biennale, am 6. Juni 2012 

(19:30 Uhr, Mendelsohnsaal der Stadthalle 

Wuppertal) steht im Zeichen der arabischen 

Demokratiebewegung, der zur Zeit 

wohl eindrucksvollsten Verkörperung einer 

Sehnsucht nach Selbstbestimmung und 

politischer Freiheit. Eingeladen wurden 

die syrische Autorin Samar Yazbek und der 

ägyptischen Autor Chalid al Chamissi. Sie 

lesen kurze Texte, vor allem werden sie aber 

erzählen und über die Ereignisse in ihren 

Ländern diskutieren. Junge MusikerInnen 

der Musikhochschule Wuppertal präsentieren 

Stücke von aktuellen Komponisten aus 

dem arabischen Raum. 

Es wird gelesen, geslamt, zitiert und 

diskutiert 

So vielschichtig das Thema „Freiheit“ 

ist, so facettenreich wird das Programm der 

ersten Biennale sein: Die junge wie auch die 

etablierte Autorenszene Nordrhein-Westfalens 

wurde zu einem literarischen Dialog 

eingeladen, der mit ganz unterschiedlichen 

Veranstaltungen öffentlich wird. Im „Generation 

Slam“ treten Karl Otto Mühl, Christiane 

Gibiec und Hermann Schulz gegen 

die junge Generation mit André Wiesler, 

David Grasshoff und Jörg Degenkolb- 

Degerli an. In der der „Langen Nacht der 

kurzen Texte“ wird eine Auswahl zahlreicher 

Autoren der Region Bergisches Land 

unter Federführung von Friederike Zelesko 

die neue Literaturzeitschrift Karussell vor. 

„Vom Stehen über den Dingen“ lautet der 

literarische Spaziergang, zu dem Ulrich 

Land Kollegen eingeladen haben und dem 

das Publikum zahlreich folgen soll. Und in 

der „Nacht der Poeten: Die Freiheit, die ich 

meine“ lesen AutorInnen aus ganz NRW 

anlässlich der Jahrestagung des Verbands 

deutscher Schriftsteller in Wuppertal. Eine 

literarische Begegnung der polnischen und 

deutschen Autoren Dariusz Muszer, Artur 

Becker und Michael Zeller fi ndet zur „Freiheit 

des Dichtens“ statt. 

Die richtungweisenden Wuppertaler 

Autoren und Vordenker Friedrich Engels, 

Else Lasker-Schüler und Armin T. Wegner 

und deren Texte zum Thema Freiheit werden 

in einer Lesung durch den Schauspieler 

Rolf Becker vorgestellt. Über „Kirchen und 

Freiheit“ diskutieren der Künstler Johannes 

Stüttgen und der Autor Michael Kleeberg 

mit den Wissenschaftlern Prof. Helmut 

Zschoch

Thema: Freiheit 

Samar Yazbek Margriet de Moor, ©J ohn Foley/Hanser-Verlag 

Prof. Jürgen Baurmann. „Die Freiheit 

des Worte, die Freiheit des Verlegens“ ist 

das Thema der Verlegerrunde, die mit 

Christoph Links (Ch. Links Verlag), Lucien 

Leitess (Unions Verlag), und Lutz Kliche 

(Herausgeber/Lektor) und den AutorInnen 

Katja Behrens und Hermann Schulz 

zusammentritt. 

Endstation Freiheit 

Eine weitere herausragende Veranstaltung 

ist die international besetzte „Lesebühne 

für junge Dramati k“: Endstation Freiheit, 

unter dieser Überschrift präsentiert die „Lesebühne 

für Junge Dramatik“ im Rahmen 

der Wuppertaler Literatur Biennale drei bislang 

noch nicht aufgeführte, aktuelle Stücke 

junger Theaterautoren: Michel Decar 

(Deutschland), Miranda Huba (Kanada) 

und Thomas Paulmann (Deutschland).Ausgewählt 

wurden deren Beiträge von einer 

Jury, der Prof. Dr. John von Düffel (Universität 

der Künste, Berlin), der Wuppertaler 

Schauspielintendant Christian von Treskow 

und der Dramatiker Gerold Theobalt 

(Folkwang Universität der Künste, Essen/ 

Bochum) angehörten. 

„Die Lesebühne der Jungen Dramatik“ geht 

auf eine Idee von Gerold Theobalt zurück. 

Für deren Realisierung kooperieren die Wuppertaler 

Bühnen, die Folkwang Universität 

der Künste, die Bergische Universität Wuppertal, 

die Universität der Künste (Berlin). 

Alle Literaturinstitutionen der Stadt 

Die Wuppertaler Literatur Biennale 

wurde von allen Literaturinstitutionen 

Wuppertals gemeinsam geschaffen, was die 

Initiatoren durchaus mit Stolz erfüllen darf. 

Beteiligt daran sind das Literaturhaus Wuppertal 

e.V., die Goethe Gesellschaft/Wuppertal, 

die Else-Lasker-Schüler-Gesellschaft, 

die Armin T. Wegner Gesellschaft, der 

Verband Deutscher Schriftsteller/Bergisches 

Land und NRW, die GEDOK Bergisches 

Land, die Universität Wuppertal/Fachbereich 

Germanistik und das Kulturbüro der 

Stadt Wuppertal. 

„Der Literatur Gehör verschaffen und Lesen 

als zeitgemäß, lustvoll und bereichernd 

erleben“ sind deren Ziele. Darüber hinaus 

soll die Biennale eine Begegnungsplattform 

für Literatur- und Buchinteressierte, für 

AutorInnen und Verlage sein. 

Ab 17. April 2012 wird das gesamte 

Programm veröffentlicht, auch über www. 

wuppertaler-literatur-biennale.de. Dann 

können Eintrittskarten zu allen Veranstaltungen 

über www.wuppertal-live.de 

gebucht werden. Die Eintrittspreise liegen 

zwischen 3 Euro und 12 Euro. Es gibt auch 

gebührenfreie Veranstaltungen. 

Ruth Eising 

NEU 

zur Wuppertaler 

Literatur Biennale 

2012 

KA 

RUS 

SELL 

Bergische 

Zeitschrift für 

Literatur 

Ausgabe 1/2012 

9,00 Euro 


Prosa | Lyrik | Essay 

von Marlene Baum, Eugen Egner, 

Christiane Gibiec, Arnim Juhre, 

Karl-Otto Mühl, Karla Schneider, 

Hermann Schulz, Andreas Steffens, 

Michael Zeller u. v. a. 

Karussell 

Bergische Zeitung für Literatur 

Nr. 1/2012 ab Juni im Buchhandel 

Herausgeber: 

Verband Deutscher Schriftsteller (VS), 

Region Bergisch Land und die 

Autorengemeinschaft Literatur im Tal 

Mit freundlicher Unterstützung durch 

Kulturbüro der Stadt Wuppertal 

ISBN 978 - 3 - 942043 - 85 - 4 

Verlag HP Nacke Wuppertal 

115 Seiten, 9.– Euro 

1 

35

36 

Tanztheater Wuppertal Pina Bausch 

32 Jahre nach der Uraufführung in 

Wuppertal und rund ein Jahrzehnt 

nach dem letzten Gastspiel in Athen 

am Herodes Atticus studiert das Tanztheater 

Wuppertal „1980 - Ein Stück 

von Pina Bausch“ neu ein 

Nach gefeierten Neueinstudierungen 

von „Two Cigarettes in the Dark“ 

vergangene Spielzeit und „Der Fensterputzer“ 

im November 2011 arbeitet 

die Kompanie derzeit an der Neueinstudierung 

von „1980- Ein Stück von 

Pina Bausch“, uraufgeführt am 18. Mai 

1980 am Schauspielhaus Wuppertal. 

Es folgten zahlreiche Gastspielreisen 

ins In- und Ausland ua. in die DDR, 

nach Amerika, Japan und Hong Kong. 

Zuletzt gespielt wurde das Stück 2001 

in Athen im Herodes Atticus und im 

selben Jahr in Wuppertal. 

Nach dem Tod von Rolf Borzik, dem 

langjährigen Bühnen- und Kostümbildner 

von Pina Bausch, war 1980 das erste 

Stück, bei dem Peter Pabst als Bühnen- 

bildner mitwirkte. Und Marion Cito, 

die bereits mit Rolf Borzik zusammengearbeitet 

hatte, übernimmt 1980 die 

Arbeit an den Kostümen und entwickelt 

seine ästhetische Linie weiter. 

Zur Besetzung der Uraufführung zählten 

damals ua. Lutz Förster, Mechthild 

Großmann, Nazareth Panadero und 

Jean-Laurent Sasportes. Sie gehören 

heute noch, teils als Gäste, zur Kompanie 

und werden auf der Bühne zu sehen 

sein. Auch jüngere Tänzer des Tanztheaters 

lernen derzeit einzelne Rollen 

aus „1980“. Die Probenleitung für die 

Neueinstudierung haben Dominique 

Mercy und Lutz Förster übernommen, 

assistiert von Bénédicte Billiet, die 

früher selbst viele Jahre in dem Stück 

tanzte. 

Nach der Aufführungsserie in Wuppertal 

wird „1980 - Ein Stück von Pina 

Bausch“ mit 19 Tänzern, einem Zauberer, 

einem Geiger und einem Barrenturner 

mit 12 Vorstellungen im April/Mai 

in Paris am Théâtre de la Ville gespielt. 

Opernhaus Wuppertal 

„1980-Ein Stück von Pina Bausch“ 

Donnerstag 5. und Samstag 7. April 

2012, 19:30 Uhr 

Sonntag 8. April und Montag 9. April 

(Ostern) 18:00 Uhr 

Karten 15 / 30 / 40 / 50 Euro 

Tickets: www.pina-bausch.de 

Reservierungsstelefon: 0202 569 44 44 

Der Vorverkauf beginnt am 9. 2. 2012 

1980- Ein Stück von Pina Bausch 

Inszenierung und Choreographie 

Pina Bausch 

Bühne Peter Pabst 

Kostüme Marion Cito 

Dramaturgie Raimund Hoghe 

Mitarbeit Hans Pop Dauer 3h 35min 

Probenleitung: Lutz Förster, Dominique 

Mercy 

Musikalische Mitarbeit Neueinstudierung: 

Matthias Burkert 

copyright Foto: Ulli Weiss

Ausstellung 

Warhol, Basquiat, Clemente 

in der Bundeskunsthalle Bonn 

noch bis 20. Mai 

Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat 

und Francesco Clemente, 

New York, 1984, © Beth Philipps, 

Courtesy Galerie Bruno Bischofberger, Zürich 


Die New Yorker Kunstszene der 1980er 

Jahre ist legendär. Sie ist vital, kreativ 

und medial offener denn je, sie bietet 

gerade jungen Talenten eine Spielfl äche 

voller Möglichkeiten. Traditionen werden 

hinterfragt auf der Suche nach Innovation, 

und so bringen die Künstler mit Graffi tis 

die Kunst auf die Straße und lassen in den 

Ateliers Alltägliches in ihre Kunst Einzug 

fi nden, die Malerei steht im Vordergrund. 

Drei der einfl ussreichsten Künstler dieser 

Zeit, Andy Warhol (1928–1987), Jean-Michel 

Basquiat (1960–1988) und Francesco 

Clemente (geb. 1952), werden in dieser 

Ausstellung vorgestellt – mit Einzelwerken, 

die das unterschiedliche künstlerische 

Temperament belegen und einen Einblick 

in die individuelle Haltung geben, und vor 

allem mit den legendären Collaborations 

als Zeugnisse der Unterschiedlichkeit, aber 

auch der gegenseitigen Wertschätzung, 

entstanden in einer intensiven Arbeitsphase 

zwischen 1983 und 1985. Während 

Andy Warhol, wichtiger Vertreter der 

Pop-Art, das Grafi sche und Serielle in der 

Kunst in einem klaren, oft kühl wirkenden 

Stil ausführt, wirkt das Werk des jungen 

Jean-Michel Basquiat mit seiner wütendausdrucksvollen 

Geste, einer Mischung aus 

Symbolen, Piktogrammen und Buchstaben, 

die aus den Graffi tis kommen, wie ein 

temperamentvoller Gegenpol zu Warhols 

Arbeiten. 

Die Gemälde Francesco Clementes, ein 

Vertreter der Transavanguardia, wirken 

wiederum traumhaft, mystisch und fast 

surreal. 

Warhol ist 1983 bereits 55 Jahre alt und 

blickt auf eine erfolgreiche Karriere zurück 

u.a. mit der Factory, dem Interview-Magazin, 

The Velvet Underground, Studio 54 ...) 

und sein Werk ist malerisch klar defi niert, 

er nutzt das kollektive Bildgedächtnis, 

Ikonen der Kunstgeschichte und Medien. 

Basquiat, damals 23 Jahre alt, steht am 

Anfang seiner dynamischen Malerei, nachdem 

er sich bis 1979 als SAMO durch 

seine Graffi tis (gemeinsam mit Al Diaz) 

einen Namen gemacht hatte. Er überträgt, 

samplet direkt und ungefi ltert Bestehendes 

seiner Generation in eine neue Ästhetik. 

Clemente, damals 31-jährig, kommt aus 

37

linke Seite: 

Andy Warhol, Big Campbell's Soup Can, 

19c (Beef Noodle), 1962, Kaseinfarbe und 

Bleistift auf Leinen, 178 x 137 cm 

Daros Collection, Schweiz 

© The Andy Warhol Foundation for the 

Visual Arts, Inc. 

oben: 

Jean-Michel Basquiat 

Brown Spots (Portrait of Andy Warhol as 

a Banana), 1984, Acryl und Ölkreide auf 

Leinwand, 193 x 213 cm 

Sammlung Bischofberger, Schweiz 

© The Estate of Jean-Michel Basquiat / 

ADAGP, Paris, 2011 

unten: 

Andy Warhol 

Mao, 1973, Acryl und Siebdruck auf 

Leinwand, 67 x 56 cm, Privatsammlung, 

Courtesy Galerie Andrea Caratsch, Zürich 

© The Andy Warhol Foundation for the 

Visual Arts, Inc. 

einer anderen Tradition. Er zieht erst 1981 

nach New York und hat unter anderem 

während seiner längeren Indienaufenthalte 

gemeinschaftliches Arbeiten als Verschmelzung 

geistiger Haltungen für sich entdeckt. 

Seine Themen sind Fragen nach dem Innen 

und Außen, dem Selbst und den Anderen, 

dem Körperlichen und Psychischen. 

Auch die Zusammenarbeit mit zeitgenössischen 

Schriftstellern, von der in der 

Ausstellung zwei Werke zu sehen sind, zeigt 

ein anderes Verständnis der Kollaboration. 

So zeichnet sich die Zusammenarbeit 

von Warhol, Basquiat und Clemente – laut 

Keith Haring 1988 eine Art „körperliche 

Konversationen“ – dadurch aus, dass sich 

drei sehr unterschiedliche Künstler mit 

bereits klar ausgeprägten Profi len, Interessen 

und Themenkreisen begegnen. Jeder 

der drei begann mit vier Gemälden und 

einer Zeichnung, die in der Folge zu einem 

der beiden anderen Künstler transportiert 

wurden, wodurch jeder auf das bereits 

Gezeichnete, Gemalte oder Gedruckte 

reagieren konnte. Die Zusammenarbeit war 

intensiv und äußerst produktiv. Aufgrund 

der außerordentlich differierenden künstlerischen 

Handschriften können die jeweiligen 

künstlerischen Beiträge deutlich unterschieden 

werden: Warhols Siebdrucke, Basquiats 

Ölkreidezeichnungen und Xerokopien und 

39

40 

Ausstellungsansicht – Foto: David Ertl, © Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland

42 

Clementes malerische Visionen. Für alle 

drei spielt Sprache und Schrift eine große 

Rolle. 

Der gegenseitige Einfl uss – vor 

allem bei Warhol und Basquiat – prägte 

aber auch die individuellen Werke, und 

so beginnt Warhol nach mehr als 20 

Jahren wieder mit der Hand zu malen 

und Basquiat in der Folge mit der Siebdrucktechnik 

zu arbeiten. 

Die Gemeinschaftsbilder zeigen 

deutlich, wie sensibel die drei Künstler 

auf den Beitrag der anderen reagierten 

und das Bestehende respektierten, 

modifi zierten oder wenig übermalten; 

der respektvolle Umgang der Künstlern 

untereinander, die Wertschätzung und 

selbstverständliche gegenseitige Akzeptanz 

ist in den Werken ablesbar. 

Das Künstlerische impliziert 

Einmaligkeit und vor allem Individualität 

– die eigene Handschrift. Die 

Gemeinschaftswerke der drei Künstler 

brechen spielerisch mit dem Begriff der 

Individualität, ohne die Autorenschaft 

zu leugnen, und beziehen ihre Span- 

Francesco Clemente 

Portrait of Andy Warhol 

1982-1987 

Aquarell auf Papier 

36,2 x 50,8 cm 

Sammlung Alba und Francesco Clemente 

© Francesco Clemente 

nung aus den konträren malerischen 

Gesten. In ihrem Facettenreichtum 

spiegeln die Collaborations die Zeit, 

die (Pop-)Starrolle, den Ruhm und das 

neue Selbstverständnis der Künstler, die 

(kunsthistorische) Vorbilder, Alltägliches 

und Zeitgenössisches mit einer 

frischen, neuen Selbstverständlichkeit 

‚benutzen‘; sie spiegeln ihre Wertvorstellungen, 

ihre Traditionen, ihre 

unterschiedlichen Weltsichten und ihre 

gegenseitige Faszination. 

Katalog 


Warhol, Basquiat, Clemente 

Format: 24,5 x 28 cm 

256 Seiten mit zahlreichen Abbildungen, 

Hardcover gebunden 

Museumsausgabe: 29 Euro 

Buchhandelsausgabe (englisch und 

deutsch): 45 Euro 

Kerber Verlag, Bielefeld 

ISBN 978-3-86678-627-1 

www.bundeskunsthalle.de

Geschichtsbücher, Buchgeschichten 

Vorgestellt von Matthias Dohmen 

Nichts dazugelernt: Er war „Karriere-Diplomat 

der alten Schule“ (S. 621), Wipert 

von Blücher, deutscher Gesandter in Finnland 

von 1935 bis 1944, dem es 1918/19 

darum ging, „möglichst viel von der alten 

Ordnung in die ungewollte Republik“ 

hinüberzuretten (S. 49 f.). 

Blücher, von der Führung in Helsinki sehr 

geachtet – immerhin war Finnland das 

letzte Land, „das sich aus einer wie auch 

immer gearteten militärischen Bündnisverpfl 

ichtung mit dem Deutschen Reich löste“ 

(S. 12) -, brachte kein Verständnis für fi nnische 

Eigenständigkeiten auf. Der Judenvernichtung 

stand er nicht in Opposition 

gegenüber, auch wenn Augstein 1987 das 

Gegenteil beschwor und der in die USA 

gefl ohene Ernst Herzfeld nach dem Krieg 

eine Ehrenerklärung für den Diplomaten 

abgab (S. 375-390). Wer einen typischen 

Vertreter des preußisch-deutschen Adels 

studieren und spannende Jahre intensiver 

deutsch-fi nnischer Beziehungen vor Augen 

geführt bekommen möchte, demjenigen 

sei die dicke Schwarte von Michael Jonas 

dringendst ans Herz gelegt. 

Michael Jonas, NS-Diplomatie und Bündnispolitik 

1935-1944. Wipert von Blücher, 

das Dritte Reich und Finnland, Paderborn/ 

München/Wien/Zürich: Ferdinand 

Schöningh 2011 (= Sammlung Schöningh 

zur Geschichte und Gegenwart). 687 S., 

74,00 Euro 

Finnland ein Zufall: 1809 wird Suomi ein 

autonomes Großfürstentum im Rahmen 

des russischen Reiches, und zwar als eines 

der Ergebnisse der Napoleonischen Kriege. 

Seine heutige Gestalt als unabhängiger 

Staat verdanken die Finnen dem Ersten 

Weltkrieg und der russischen Revolution 

1917. Sie könnten, wären die Dinge 

ein wenig anders gelaufen, „zufriedene 

Schweden“ oder Russen sein. 

So beschreibt es der renommierte Historiker 

Matti Klinge in dem von Jan Hecker- 

Stampehl, Bernd Henningsen, Anna-Maija 

Mertens und Stephan Michael Schröder 

herausgegebenen Sammelband „1809 

und die Folgen“. 

Die deutsch-fi nnischen literarischen 

Beziehungen der letzten 200 Jahre 

untersucht der an der Universität Vaasa 

lehrende Christoph Parry. Überzeugend 

und mit vielen Details arbeitet er die 

Bedeutung der Literatur für die Bildung 

der fi nnischen wie der deutschen Nation 

heraus. Er macht auch um die unverhohlenen 

Sympathien, die Nazi-Deutschland 

bei Entscheidungsträgern wie Intellektuellen 

in Helsinki besaß, keinen Bogen. 

Jan Hecker-Stampehl et al. (Hrsg.), 

1809 und die Folgen. Finnland zwischen 

Schweden, Russland und Deutschland, 

Berlin: Berliner Wissenschafts-Verlag 2011 

(= Schriftenreihe des Finnland-Instituts in 

Deutschland, 12). 311 S., 29,00 Euro 

Keine Heimat: Eine erschütternde Bilanz 

seiner Leidenszeit in Stalins UdSSR, zu 

DDR-Zeiten euphemistisch „Teilnahme 

am sozialistischen Aufbau in der UdSSR“ 

geheißen, hat der renommierte, 2006 

verstorbene Wolfgang Ruge in seinen 

ironisch-sarkastisch „Gelobtes Land“ 

genannten Erinnerungen gezogen. Wer 

jemals im heutigen Russland das Vaterland 

aller Werktätigen gesehen hat, wird diese 

Autobiographie mit Beklemmung lesen. 

Das nachmalige Mitglied der Akademie 

der Wissenschaften wird 1917 in ein 

kommunistisches Elternhaus hineingeboren, 

emigriert 1933 nach Moskau, 

wo er sehr schnell mit der „tschistka“, 

der ersten Stalinschen Parteisäuberung, 

Bekanntschaft schließt. Im Waggon Nr. 

14 wird er mit anderen Deutschen und 

mit unliebsamen Sowjetbürgern weit 

nach Osten transportiert. Am 26. April 

1956 kehrt er mit Frau und Kind nach 

Deutschland zurück, sieht auf dem Weg 

in die DDR-Hauptstadt „angespannt aus 

dem Fenster“ und versucht, „Anzeichen 

eines sozialistischen Wandels zu entdecken“ 

(S. 440). Vergeblich. Heimat wird 

die DDR dennoch für den couragierten 

„Faust“-Liebhaber. 

Wolfgang Ruge, Gelobtes Land. Meine Jahre 

in Stalins Sowjetunion, Reinbek: Rowohlt 

2012. 489 S., 24,95 Euro 

43

44 

Annäherungen an ein Porträt 

von Klaus Stiebeling 

links: 

Hierhin kehrt er immer wieder gern 

zurück: Klaus Stiebeling in seiner Stammkneipe 

im Tokioter Stadtteil Asagaya. 

Foto: privat 

rechts: 

Unser Japanenthusiast vor einem 

buddhistischen Tempel in Onomichi, 

wo der Streifen „Die Reise nach Tokio“ 

des Regisseurs Yasujiro Ozu entstanden ist, 

den Wim Wenders den „besten Film aller 

Zeiten“ genannt hat. 

Foto: Tsutae Ikuno 

ganz rechts: 

Sammlers Glück: 

Stiebeling beim Betrachten einer 

Woensam-Grafi k über die 

Schulter geschaut. 

Foto: Dohmen 


Ein Weltreisender von früh an, der in 

Europa wie in Ostasien zu Hause ist: Klaus 

Stiebeling, der zahlreiche in Japan wie in 

Deutschland entstandene Exlibris sein eigen 

nennt, die 1998 in der Stadtbibliothek 

ausgestellt waren, eine Reihe wertvoller 

„Ginkgonalia“ gesammelt hat, die in einem 

Langenberger Antiquariat zu bewundern 

sind, und der derzeit nach weiteren Zeugnissen 

der Woensam-Gruppe Ausschau hält, 

die man sich 2014 in der Stadtbibliothek 

wird anschauen können, erblickte am 1. Januar 

1939 in Wuppertal das Licht der Welt. 

Kindheit und Jugend verbringt er auf dem 

elterlichen Bauernhof, den der Vater 1955 

verkauft, als sich herausstellt, dass Sohn 

Klaus in die weite Welt strebt und mit der 

heimischen Scholle wenig anzufangen weiß. 

Nach der Volksschule macht er die Mittlere 

Reife. Ihr schließt sich die erste der beiden 

Berufsausbildungen an, die er beim Wuppertaler 

Verlag W. Girardet absolviert. Jetzt 

darf er sich Verlagskaufmann nennen. Erste 

Reisen führen ihn nach Skandinavien. In 

Finnland schließt er Freundschaft mit dem 

Schriftsteller Robert Crottet, dessen Bücher 

man heute noch bei Amazon bestellen kann. 

Die Titel heißen etwa „Verzauberte Wälder. 

Geschichten und Legenden aus Lappland“ 

oder „Negri. Tagebuch einer Katze“. 

Es folgt 1961 die Berufsausbildung Nummer 

zwei. In der Buchhandlung Nettes- 

heim, deren Hauptgeschäft in Elberfeld vor 

ein paar Jahren dem Druck der Filialketten 

nicht mehr standhielt, lernt er, wie man 

Bücher verkauft. Auch dicke Schwarten 

mit bunten Abbildungen der Werke 

großer Meister, die später eher in sein Fach 

schlagen. 

Wieder lockt die weite Welt: 1963 und 

1964 unternimmt er mit gerade Mitte 

20 seine erste Weltreise, während der er 

sich neun Monate in den USA aufhält 

und 36 US-amerikanische Bundesstaaten 

kennenlernt. Drei Monate verbringt er auf 

dem Stückgutfrachter Dragor Maersk, der 

zwischen den USA, Japan und Südamerika 

pendelt. Und dann das Land der aufgehenden 

Sonne selbst: Ein halbes Jahr hält sich 

Klaus Stiebeling in Japan auf. Plötzlich weiß 

er: Hierhin kehre ich noch einmal zurück. 

Für zwei Jahre arbeitet er Anfang der 

1960er-Jahre in der Buchhandlung Nettesheim, 

bevor es ihn wieder nach Übersee 

zieht. Wieder nach „Nippon“, aber diesmal 

auf dem Landweg. Vier Monate dauert die 

Reise über den Vorderen Orient, Indien, 

Nepal und Thailand. Per Schiff geht es von 

Bangkok nach Yokohama. 

Von 1967 bis 1973 arbeitet er im Sanshusha-Verlag, 

der sich auf Deutschsprachiges 

spezialisiert hat: Lesetexte, deutsche Gram

matiken, Wörterbücher. Deutsch kann Stiebeling 

ja, das Japanische lernt er schnell. 

Den umtriebigen Wuppertaler drängt es 

dann selbst ins Geschäft: Er gründet die 

Europe Art GmbH, mit der er sich einen 

Namen beim Import von Kunstbüchern 

und Druckgrafi k aus Deutschland, Österreich 

und der Schweiz macht. Daneben 

organisiert er Ausstellungen europäischer 

Grafi kkünstler. 

Als er mit Unterbrechungen 30 Jahre in 

Japan verbracht hat, kehrte er mit seinem 

Sohn, der mittlerweile studiert, in seine 

Vaterstadt zurück. Dem Fernen Osten hält 

er die Treue und gründet Mitte der 1990er- 

Jahre den Deutsch-Japanischen Freundeskreis 

Wuppertal. Er wohnt im Katernberg, 

und wer ihn bei Abwesenheit anruft, hört 

auf dem Anrufbeantworter eine Ansage in 

Deutsch und auf Japanisch. 

Die Katze lässt das Mausen nicht. Stiebeling 

hat sein Lebtag gesammelt – zum 

Beispiel Exlibris und Dinge, die ein Licht 

auf den japanischen Ginkgo-Baum und den 

deutschen Klassiker Johann Wolfgang von 

Goethe werfen. Und auszustellen, war ihm 

nie fremd. Seit wenigen Jahren fi ndet man 

im zweiten Stock des Velbert-Langenberger 

Antiquariats „Im Honnes“, Hellerstraße 

12, zwei ineinander übergehende Räume, 

in denen man Devotionalien aller Art rund 

um den Dichterfürsten, Teller und Tassen, 

Vasen und Fingerhüte, Kerzenleuchter 

und Aschenbecher sowie – hier beginnt 

Stiebelings Reich – Literatur, darunter 

„Goethe und der Ginkgo: Ein Baum und 

ein Gedicht“ von Siegfried Unseld, das man 

heute ebenfalls noch bei Amazon bekommt, 

kunstgewerbliche Artikel und Gebrauchsgegenstände 

mit dem Ginkgomotiv bestaunen 

kann: Gebäcktabletts im Jugendstil 

und Tassen, Gläser und Spiegel, Bilder und 

Grafi ken sowie – hervorstechend – die 

Utensilien für eine Teezeremonie. 

In den „Musenblättern“ 

(www.musenblaetter.de) hat der Vielleser 

beschrieben, wie er persönlich auf den 

Ginkgo kam: „Irgendwann stößt man 

unweigerlich auf Goethes Gedichte und 

auf den West-östlichen Divan. Dort fi ndet 

man Ginkgo biloba, und wenn man etwas 

mehr über die Entstehung des Gedichtes 

erfahren möchte, liest man die Geschichte 

der wunderbaren Liebe zwischen Goethe 

und Marianne von Willemer.“ 

Ein Baum und die Beziehungen zwischen 

Japan und Deutschland: Die ungewöhnliche 

Buchstabenfolge kg im Namen des 

sagenumwobenen Baums stammt wohl, hat 

Stiebeling herausgefunden, aus der Zeit des 

ausgehenden 17. Jahrhunderts, als der deutsche 

Arzt und Forscher Engelbert Kaempfer 

sich die japanische Bezeichnung transkribieren 

ließ, die in lateinischen Buchstaben aber 

eigentlich „Ginkyo“ geschrieben werden 

müsste. Durch ein Missverständnis oder einen 

Übertragungsfehler sei daraus wohl die 

Schreibweise entstanden, die wir heute kennen. 

Goethe war sich übrigens unschlüssig, 

wie das Wort korrekt auszusprechen sei: 

Ginko (richtig) oder Gingo (falsch). 

Mit der Woensam-Gruppe machte Stiebeling 

erst vor rund einem Jahr Bekanntschaft, 

als ihm der befreundete Künstler Jordan 

Boehm von der „Woensam-Presse“ erzählte, 

einem Kreis von Grafi kern, der seine besten 

Jahre in Wuppertal hatte. Das ließ ihn nicht 

los, zumal er einige Monate später beim 

Studium eines Pforzheimer Auktionskataloges 

erneut auf diese Gruppe stieß und 

daraufhin einige Bücher und Grafi ksammlungen 

dieser Künstlervereinigung erwarb. 

Zu der nach einem berühmten Grafi ker des 

16. Jahrhunderts und Dürer-Zeitgenossen 

benannten Gruppe gehörten so bedeutende 

Köpfe wie Conrad Felixmüller sowie aus 

dem Bergischen der seinerzeitige Leiter der 

Werkkunstschule, Wilhelm Geißler, Walter 

Wohlfeld und Willi Dirx. 2014 wird es in 

der Stadtbibliothek die Retrospektive einer 

fast dem Vergessen anheimgefallenen und 

doch für die Kulturgeschichte der Stadt so 

wichtigen Gruppe geben. 

Matthias Dohmen 

45

46 

Neue Kunstbücher 

Über die Sparten hinweg... 

Vorgestellt von Thomas Hirsch 

… was gemeinhin eher abwertend für 

mangelnde Entscheidungsfreude steht, 

meint hier wertneutral ein Phänomen der 

zeitgenössischen Kunst. Es gibt natürlich 

nach wie vor die reinen Maler, die 

spezialisierten, entsprechend ausgebildeten 

Fotografen und die ganz in ihre Tätigkeit 

vertieften Bildhauer, doch auch dann sind 

diese Medien klar zuordbar. Mittlerweile 

aber ist die Verfügbarkeit und Kreuzung 

aller Sparten selbstverständlich. Die 

Handschrift legitimiert den Zugriff auf 

die Sparten, und der Künstler reagiert mit 

Offenheit... Eine der wichtigen medialen 

Grenzgängerinnen im deutschsprachigen 

Raum ist die Österreicherin Eva Schlegel, 

deren Kunst indes äußerst puristisch ist. 

Anlässlich ihrer letztjährigen Ausstellung 

im MAK Wien ist beim Verlag für moderne 

Kunst eine Monographie erschienen, 

welche über die Dokumentation hinaus 

frühere Arbeiten einbezieht und so das 

Werk weiter kontextualisiert. Eva Schlegel, 

die Tafelbilder, Objekte, Videos und 

Rauminstallation realisiert, wurde 1960 in 

Tirol geboren, etwa um 1990 wird sie mit 

ihren Werken und Ausstellungen weiter 

bekannt, 1995 vertritt sie Österreich auf 

der Biennale Venedig, gemeinsam mit 

den dekonstruktivistischen Architekten 

Eva Schlegel, in between, 200 S. mit ca. 150 

Farbabb., Broschur mit Folienumschlag, 

32 x 24 cm, Verlag für moderne Kunst, 

39,- Euro 

von Coop Himmelblau. Das ist schon ein 

Hinweis auf das Wechselverhältnis von 

Repräsentanz und Entzug in ihrer Kunst 

und auf eine Fragilität der Verhältnisse, 

die ihre Kunst bis heute kennzeichnet. 

Sie hält Dinge fest, die vergänglich sind, 

und zwar so, dass sie stabil bleiben. So 

printet sie Wolkenhimmel-Fotografi en auf 

Bleifl ächen. Und sie entzieht kollektivem 

Wissen die Erkenntnis. Sie setzt Schrift 

auf Trennscheiben, aber die Schrift ist 

unleserlich, wirkt wie verfl ossene Tinte. 

Zu einem Kunst am Bau-Projekt hat sie 

komplexe Spiegelsituationen entworfen, 

die den Raum erweitern und unseren 

Standpunkt relativieren. Weiterhin hebt 

sie in ihren Fotos und fi lmischen Sequenzen, 

die Menschen zeigen, die mit 

ausgebreiteten Armen fl iegen und stürzen, 

alle Anmutungen von Schwerkraft auf. In 

einem Ausstellungsraum des Wiener MAK 

ragten große weiße Ballons in dichter 

Masse von der Decke und versperrten 

einen Durchgang, so dass der Betrachter 

wie in eine Höhle, gar einen Körper eintrat. 

Mehrere Werkgruppen thematisieren 

die weibliche Perspektive – alles vereint 

aber ein Zustand, in dem das Gewusste 

nicht mehr gewiss ist. Vorgetragen ist 

dies in einem Grundton, der sich durch 

dieses Werk in seinen unterschiedlichen 

Ausformungen zieht und den der Katalog 

sehr klar vermittelt, dabei auch einigen 

eleganten Aufwand unternimmt, etwa mit 

dem Folienumschlag und den unterschiedlichen 

Papiersorten. 

Der Schweizer Christian Waldvogel lässt 

in seiner konzeptuell angelegten Kunst 

den Menschen mit seiner Befi ndlichkeit 

erst einmal beiseite; er widmet sich der 

Erde und dem Universum. Seine Arbeit 

bewegt sich im Grenzbereich von Kunst 

und Wissenschaft, mithin ließe sich eher 

von Projekten reden. Neun seiner „Gedankenexperimente“ 

seit 2004 sind jetzt in 

einer umfangreichen Monographie zusammengefasst, 

die, vor zwei Jahren erschienen, 

immer noch aktuell ist, aufgrund der 

langwierig angelegten Arbeitsweise des 

Künstlers, der darin verhandelten Überlegungen, 

die sich etwa mit der Erdrotation, 

dem Blick des Universums auf das Universum 

und der Entstehung der Erde beschäftigen, 

und weil wir eben sonst kaum 

etwas über Waldvogel wussten. Christian 

Christian Waldvogel, Earth Extremes, 494 

S. mit ca. 250 Abb., Hardcover, 31,5 x 21 

cm, Scheidegger & Spiess, 69,- Euro 

Waldvogel ist ein wissenschaftsorientierter, 

in den Lüften und unter der Erdoberfl äche 

umher schweifender Landart-Künstler. 

Er wurde 1971 in Austin geboren. Er hat 

in Rhodes Island und Zürich studiert, 

wo er heute als Architekt, Musiker und 

Künstler lebt. International trat er auf der 

Architekturbiennale Venedig 2004 in Erscheinung. 

Die künstlerische Umsetzung 

seiner Recherchen fi ndet überwiegend in 

Form von Fotos, die in unterschiedlicher 

Materialität gedruckt sind, und Videoprojektionen 

statt – und nun auch als Buch. 

Dieses gibt aber nie den Charakter des 

dokumentierenden Werkzeugs auf und 

hält doch in der Typographie und mittels 

reiner Fotostrecken ausgesprochen sinnliche 

Erfahrungen bereit, vergleichbar zum 

Katalog zu Eva Schlegel. In der Kunstbuch-Produktion 

sind eben derzeit einige 

Standards und Maßnahmen gefragt, die 

Luxus und Großzügigkeit kennzeichnen. 

Oder sind bestimmte technische Verfahren 

heute leichter, billiger umzusetzen? 

Ein weiterer Typus im aktuellen Kunstbuchmarkt 

– weg vom „klassischen“ 

Katalog – hängt gewiss mit den veränderten 

Produktionsweisen der Kunst selbst 

zusammen. Das betrifft die aktuellen 

Bücher von Simon Wachsmuth und Klara 

Liden im Kerber Verlag, der zu recht 

einen guten Ruf für die gegenwärtige

Szene besitzt. Beide Künstler arbeiten, bei 

bestimmten medialen Präferenzen, mit einem 

hohen Maß an Vorüberlegungen und 

Beobachtungen zu unserer Gesellschaft 

in einer reduzierten Formensprache, die 

sich nun auch in den Büchern widerspiegelt. 

Simon Wachsmuth, der 1964 

in Hamburg geboren wurde, in Wien 

studiert hat und heute in Berlin lebt, ist 

vor allem durch seine Teilnahme an der 

documenta 2007 bekannt. Ebenso wie 

Klara Liden, die 1979 geborene, auch in 

Berlin lebende Schwedin, ist er primär mit 

Beteiligungen an thematischen Ausstellungen 

im internationalen Kunstgeschehen 

präsent. Wachsmuths Arbeiten artikulieren 

sich als Film, Fotografi e, Malerei und 

Objektkunst; sie thematisieren kritische 

Verlust-Stellen von Kultur- und Zeitgeschichte. 

Bezug und Anlass können ein 

Gemälde aus der Kunstgeschichte ebenso 

wie eine Pressemeldung sein, welche er 

etwa als Zeitungsausschnitt in ein abstraktes 

Gemälde montiert hat. Wie aber 

vermittelt ein Buch dieses Werk in seiner 

vordergründigen Nüchternheit, relativen 

„Farblosigkeit“ und dem Hingebungsvollen 

der künstlerischen Umsetzung? Im 

vorliegenden Band, der zur Ausstellung 

in der Galerie im Taxispalais in Innsbruck 

erschienen ist, gelingt das durch eine Folge 

fotografi scher Bilder, Detailaufnahmen 

und Überblicksansichten: Das Buch leistet 

grundsolide Vermittlungsarbeit. 

Simon Wachsmuth, Aporia/Europa, 104 S. 

mit 39 Farbabb., Hardcover, 23,5 x 16,5 

cm, Kerber, 24,80 Euro 

Klara Liden, 200 S. mit 11 Farb- und 89 

s/w-Abb., Hardcover in Leinen, 25 x 17 

cm, Kerber, 29,80 Euro 

Bei Klara Liden ist die Darstellung als 

Buch komplizierter und dafür freilich 

ausgesprochen konsequent, sichtlich 

hat sie selbst mitgearbeitet. Klara Liden 

wurde mit semi-exhibitionistischen Performances 

bekannt, sie hinterfragt festgefügte 

Strukturen und Verhaltensmuster 

unserer Zivilisation und entwickelt 

dazu ortsbezogene Installationen sowie 

Videos und grobkörnige Diaprojektionen. 

Mit ihren genauen Beobachtungen 

im Reservoir tagtäglicher Fußnoten 

zählt sie seit einiger Zeit zu den angesagten 

jungen Künstlern. 2011 war sie für 

den Preis der Neuen Nationalgalerie in 

Berlin nominiert, kurz zuvor hat sie den 

Kunstpreis der Volksbanken Raiffeisenbanken 

gewonnen, und zur begleitenden 

Ausstellung im Bonner Kunstverein 

ist auch das Katalogbuch bei Kerber 

erschienen. Auch hier setzt Liden ihre 

Strategie des fokussierenden Ausschnitts 

und latenten Mysteriums fort: Sie zeigt 

die einzelnen lichtdurchfl uteten Fotografi 

en ihrer Projektionen, die Strecken 

der Annäherung und vermeintlichen 

Abschweifung sind, unterbrochen von 

ihrer Sammlung von Abfalleimern, die 

im neutralen Showroom zu Objekten 

werden. Ein Buch also, das nichts anderes 

zeigt als eine Ausstellung in Form 

eines Buches – ein gelungenes Künstlerbuch 

zu einem etwas überschätzten 

künstlerischen Werk. 

Peter Krämer 

WP/StB 

Andreas Niemeyer 

WP/StB 

Thomas Pintzke 

StB 

Katrin Schoenian 

WP/StB 

Dr. Jörg Steckhan 

RA/WP/StB 

Peter Temmert 

WP/StB 

Anke Jagau 

RA/StB 

Susanne Schäfer 

StB 

Stephan Schmacks 

StB 

Matthias Aprath 

WP/StB 

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48 


Dieseltag im Industriemuseum 

14. April 2012, 11:00 Uhr LVR-Industriemuseum, 

Schauplatz Solingen - 

Gesenkschmiede Hendrichs / Solingen 

Dieselmaschine 

Während des gesamten Tages wird 

wieder der historische 200 PS starke 

Herford-Dieselmotor in Betrieb genommen. 

Er treibt einen 635-kg-Fallhammer 

an, auf dem schwere Scheren geschmiedet 

werden. Von 11 - 12 und 14 - 16 Uhr 

ist der Fallhammer in Betrieb und Sie 

können dem Schmied über die Schulter 

schauen. 

Um 15 Uhr gibt es eine Sonderführung 

(im Eintritt enthalten) unter dem Motto 

"Diesel und Dampf - Antriebssysteme 

in der Gesenkschmiede Hendrichs". Der 

Rundgang veranschaulicht die Bedeutung 

und Funktionsweise des zentralen Kraftantriebs 

durch die Dampfmaschine bzw. 

den Dieselmotor. Anschließend wird der 

stufenweise Wandel hin zum elektrischen 

Einzelantrieb an konkreten Beispielen 

aufgezeigt. Die an vielen Stellen noch 

vorhandenen Spuren und Relikte vergangener 

Antriebsarten werden im Hinblick 

auf die Gesenkschmiede und die Solinger 

Schneidwarenindustrie erläutert. 

Weitere Termine: 

20.10.2012 Uhr | LVR-Industriemuseum, 

Schauplatz Solingen - Gesenkschmiede 

Hendrichs / Solingen 

Komödie: 

Willkommen in Deinem Leben 

15. April 2012, 15:00 Uhr 

TalTonTHEATER / Wuppertal 

Die Diagnose trifft ihn unvorbereitet: 

Als Charlie erfährt, dass er an amyotrophischer 

Lateralsklerose erkrankt ist 

und wahrscheinlich nur noch achtzehn 

Monate zu leben hat, rast er ziellos mit 

dem Auto davon. Er hadert mit dem 

„Willkommen In Deinem Leben“ 

(Kiki; die Liebe!) 

Schicksal und stellt fest, dass er noch gar 

nicht richtig gelebt hat. Statt selbst zu 

schreiben, ist er ein mittelmäßiger Lektor 

geworden, und auf die große Liebe seines 

Lebens wartet er noch immer. Konfus 

und desorientiert, wie er ist, nimmt er 

ganz gegen seine Gewohnheiten in der 

Wüste von Arizona einen Anhalter mit: 

Wally, einen reichlich schrägen Typen! 

Wally hat hier schon auf Charlie 

gewartet - denn er ist sein Tod. 

Sein persönlicher Tod. 

Das erklärt er dem verstörten Charlie, 

als die beiden nach einer Panne zu Fuß 

durchs Niemandsland gehen. Mitten in 

der Wüste fi nden sie ein trostloses Motel, 

in dem die Herzensgute Nell seit dem Tod 

ihres Mannes den kranken, alten Schwiegervater 

pfl egt. Gäste verirren sich selten 

hierher, nur Mechaniker Travis kommt 

hin und wieder mit seinem Abschleppwagen 

vorbei, um nach dem Rechten zu 

sehen. Die Abgeschiedenheit dieses Ortes 

scheint Charlie ideal, um vor seinem Tod 

noch den Roman seines Lebens zu schreiben, 

und so bleibt er auch, als der Wagen 

schon längst repariert ist. Dass es für sein 

Verweilen noch einen anderen Grund 

gibt, wird klar, als plötzlich die blinde 

Kiki auftaucht: die Liebe 

Unsichtbar und unhörbar für alle außer 

Charlie, liefern sich sein ungeduldiger, sarkastischer 

Tod und Kiki, die Verkörperung 

seiner ersten großen Liebe zu Nell, von 

nun an ein ebenso witziges wie anrührendes 

und philosophisches Duell. Mit unglaublicher 

Leichtigkeit macht McKeever 

aus einem ernsten, ja existenziellen Thema 

eine Komödie über Lebensfreude und 

den Mut zur Liebe. Mehr als originell in 

der Anlage, meisterhaft geschrieben und 

traumhaft zu spielen. 

Klangart 2012 

>MANDINKA< 

Ablaye Cissoko & Volker Goetze 

Am Freitag, 11. Mai 2012, 19 Uhr 

fi ndet das 1. Konzert der diesjährigen 

KLANGART-Reihe im Skulpturenpark 

Waldfrieden statt. 

Ein Stegharfenspieler aus dem Senegal 

und ein Trompeter aus dem Bergischen 

Land bilden ein außergewöhnliches 

Duo. Im Senegal traten Ablaye Cissoko 

und 

Volker Goetze 2001 gemeinsam als 

Vorgruppe für Youssou N’Dour auf. Trotz aller 

kultureller Unterschiede entdeckten sie 

manche musikalische und persönliche 

Gemeinsamkeiten. 

Ablaye Cissoko 

ist Virtuose auf der Kora, 

einer 21-saitigen Stegharfe und lebt in 

der Tradition des Griot, eines singenden 

Geschichtenerzählens. Der in New York

Ablaye Cissoko und Volker Goetze 

©Cissoko/Goetze 

lebende Jazz-Trompeter Volker Goetze 

interessiert sich seit Jahren für westafrikanische 

Musik und reagiert mit seinen 

Improvisationen auf Cissokos Erzählungen. 

Aus der Zusammenarbeit wuchs 

eine Freundschaft, die zum gemeinsamen 

kulturellen und sozialen Engagement 

und auch zur 

Produktion eines Films führte, der die 

Legende eines Griots zum Inhalt hat. 

Für Cissoko und Goetze sind Respekt 

für den kulturellen Hintergrund des Anderen 

und ein Aufeinander-Hören beste 

Voraussetzungen für einen fesselnden 

Dialog, den der senegalesische Künstler 

so ausdrückt: „Aus unserer Verschiedenheit 

wächst eine Kraft“. 

KlangArt: Bedeutende Jazz- und 

Weltmusiker folgen auch 2012 der 

Einladung in den Skulpturenpark 

Waldfrieden. Im vierten Jahr hat sich 

KlangArt als Folge von herausragenden 

Konzertereignissen etabliert, die von 

Kunst- und Musikfreunden mit Begeisterung 

wahrgenommen werden. Im 

Herzen Wuppertals, umgeben von seiner 

reizvollen Wald- und Wiesenlandschaft, 

strahlt der Skulpturenpark Waldfrieden 

eine zauberhafte Atmosphäre aus. Ab Mai 

bis August 2012 präsentiert KlangArt ein 

internationales Musikprogramm, das sich 

jenseits des Mainstreams bewegt. Der 

Spannungsbogen reicht vom zeitgenössischen 

Jazz bis hin zur Neuen Musik und 

Weltmusik. 

Für alle KlangArt Konzerte sind noch 

Tickets an der Abendkasse erhältlich, 

alternativ bei www.nrw-ticket.de , Ticket-Hotline 

0180-5001812 und im Skulpturenpark 

Waldfrieden. 

Adresse: Skulpturenpark Waldfrieden, 

Hirschstraße 12, 42285 Wuppertal, Tel. 

0202/4789812-0 oder info@skulpturenpark-waldfrieden.de 

Ausstellung 

Skulpturen und Masken aus 

Nigeria 

14. April bis 15. Juli 2012 

Die Völker Nigerias sind berühmt 

für ihre künstlerische Schaffenskraft. 

Eine Auswahl von Skulpturen, die in den 

letzten beiden Jahrhunderten entstanden 

und die zum Großteil erstmals in einer 

Ausstellung zu sehen sein werden, zeigt 

der Skulpturenpark Waldfrieden mit 

„Skulpturen und Masken aus Nigeria“ 

vom 14. April bis 15. Juli 2012. 

Der erhebliche Einfl uss afrikanischer 

Skulpturen auf die Entwicklung der 

Kunst des 20. Jahrhunderts gründet sich 

auf eine Paradoxie. Während die Künstler 

Maske Igbo, Nigeria, Holz, teils farbig 

gefasst, H. 18 cm. 

©Skulpturenpark Waldfrieden 

Maske Ogoni, Nigeria, Holz, H. 15 cm. 

©Skulpturenpark Waldfrieden 

der westlichen Moderne ihre formalen 

Erfi ndungen als Instrumente der Selbstfi 

ndung und -behauptung in einer Gesellschaft 

einsetzen mussten, der sie sich 

nicht mehr als zugehörig empfanden, ist 

der Erfi ndungsreichtum in der afrikanischen 

Kunst gerade an ihr erfolgreiches 

Funktionieren innerhalb der Gesellschaft 

gebunden. Afrikanische Objekte sind 

fest verknüpft mit sozialen, spirituellen 

und religiösen Funktionen, deren Ablauf 

sie kontrollieren, regeln und bestimmen. 

Für diese systemstabilisierende Aufgabe 

haben afrikanische Künstler immer wieder 

neue, klar identifi zierbare, eindrucksvolle, 

überwältigende und bisweilen 

einschüchternd eindringliche Formen 

erfunden. 

In der Ausstellung im Skulpturenpark 

Waldfrieden werden 35 Objekte aus 

dem Südosten Nigerias befreit von ihrem 

Ursprungskontext als überzeugende 

Skulpturen präsentiert. Die Kuratoren 

Anthony Cragg und Dierk Dierking 

haben sich zu dieser klaren Präsentationsform 

entschieden, um die formale 

Qualität der Skulpturen deutlich zu 

machen und ihr kulturübergreifendes 

Potenzial freizusetzen. 

Skulpturenpark Waldfrieden, Hirschstraße 

12, 42285 Wuppertal 

Der Park ist von März bis November 

Dienstag bis Sonntag von 10 bis 18 Uhr 

geöffnet. 

Im Anschluss an den Besuch des 

Parks sollte man eine Pause im Café 

Podest einplanen, ein schöner Platz unter 

Bäumen, genauso wie der Park fernab 

vom Lärm der Großstadt. 

Maske Igbo, Nigeria, Holz, farbig gefasst/Metall, 

H. 40 cm ©Skulpturenpark Waldfrieden 

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Termine Literaturhaus 

Wuppertal e.V. 

17.04.2012 - 19:30 Uhr 

Drei Preisträger lesen aus ihren 

Werken 

An diesem Abend sind Marion Poschmann 

(Ernst-Meister-Lyrikpreisträgerin 

2011), Daniela Seel (Thalia-Förderpreis 

2011) und Jan Skudlarek (Westfälischer 

Förderpreis 2011) im Literaturhaus Wuppertal 

zu Gast und gestalten gemeinsam 

eine Lesung. 

24.04.2012 - 19:30 Uhr 

Karla Schneider: 

Die Schreibmaschine 

Karla Schneider wurde in Dresden geboren 

und lebt seit 1979 in Wuppertal. Seit 

1989 schreibt sie erfolgreich Romane und 

Kinderbücher. Die Autorin stellt ihren angefangenen 

Roman „Die Schreibmaschine“ vor. 

Karla Schneider [Quelle: Boje-Verlag] 

25.04.2012 - 18:30 Uhr 

„Kunsthochdrei“: Karl Röhrig 

Zur Ausstellung des Bildhauers 

Karl Röhrig im Von der Heydt-Museum 

spricht Museumsdirektor Dr. 

Gerhard Finckh. Die Schauspielerin 

Barbara Nüsse liest „El Greco malt den 

Großinquisitor“ von Stefan Andres. 

Dazu erklingt Musik von Paul Hindemith. 

08.05.2012 - 19:30 Uhr 

Prominente Wuppertaler lesen: 

Andreas Bialas 

In der beliebten Reihe des Literaturhauses 

ist diesmal zu Gast: Andreas Bialas, 

Landtagsabgeordneter und Kulturpolitischer 

Sprecher der SPD-Landtagsfraktion. 

Er präsentiert an diesem Abend Texte 

„passend zum Datum“. 

22.05.2012 - 19:30 Uhr 

Lesung mit Dorothea Müller und 

Wolf von Wedel 

Die Autorin Dorothea Müller liest Prosa 

und fragt: „Erfi ndet ein Schreiber Geschichten, 

oder kommen sie zu ihm, damit er 

sie festhält und ihnen Gestalt gibt?“ Wolf 

von Wedel zeigt in „Deutschlandhymnus“ 

wie sich Privates im Politischen spiegelt, 

Familiengeschichte in der Geschichte einer 

Nation. 

30.05.2012 - 19:30 Uhr 

Bangemachen gilt nicht - auf der 

Suche nach der Roten Ruhr-Armee 

Der Roman von Jürgen Link spielt 

zwischen den 1960er Jahren und dem 

Beginn des 21. Jahrhunderts. Er entwirft 

eine Art von kollektiven Lebensbericht 

einer Gruppe von Achtundsechzigern aus 

dem Ruhrgebiet. 

10.06.2012 - 11:30 Uhr 

„Freiheit“ im Spiegel der 

polnisch/deutschen Literatur 

Die Autoren Michael Zeller (Wuppertal), 

Artur Becker und Darius Muszer (Polen) 

lesen eigene Texte und diskutieren über 

den Begriff der "Freiheit" im Angesicht der 

politischen Ereignisse vor und nach dem 

Zusammenbruch des Kommunismus. 

27.06.2012 - 18:30 Uhr 

„Kunsthochdrei“: Bella Italia – 

Malerei und Fotografi e 

Zur Ausstellung im Von der Heydt- 

Museum spricht Dr. Beate Eickhoff. Die 

Schauspielerin Ingeborg Wolff liest Texte 

zur Fotografi e in der Literatur. Sopranistin 

Anja Kiel singt italienische Lieder und 

Arien. Sie wird begleitet von Eri Uchino 

am Klavier. 

29.06.2012 - 19:30 Uhr 

Mechthild Großmann liest: 

Hagel auf Zamfara 

Der Anlass ist eine Ausstellung afrikanischer 

Kunst aus Nigeria im Skulpturenpark 

Waldfrieden: Die Schauspielerin 

Mechthild Großmann liest Erzählungen 

der nigerianischen Autorin Sefi Atta, die 

zu den originellsten und außergewöhnlich 

talentierten Autoren Afrikas zählt. 

Friedrich-Engels-Allee 83, 42285 Wuppertal, 

www.literaturhaus-wuppertal.de 

Kultur, Information und Unterhaltung im Internet 

Täglich neu – mit großem Archiv 

Literatur – Musik – Bühne – Film – Feuilleton – Museen – Comic – Fotografi e – Reise 

Unabhängig, werbefrei und ohne Maulkorb 

www.musenblaetter.de

Günter Wand-Tage 2012 

Vom 8. bis zum 10. Mai 2012 fi nden 

in der Musikhochschule die „Günter 

Wand-Tag“ statt. Der große Dirigent 

wurde im Jahr 1912, also vor einhundert 

Jahren in Elberfeld geboren und starb vor 

10 Jahren. Seit 2010 trägt das Gebäude 

der Musikhochschule den Namen „Günter 

Wand-Haus“. Das ist Anlass genug, 

um an das Schaffen des großen und erst 

spät international berühmt Gewordenen 

zu erinnern. 

Günter Wand, Foto: Chargesheimer 

An den drei Abenden wird Dr. 

Wolfgang Seifert, der Wand in den letzten 

Lebensjahren sehr nahe stand und Verfasser 

einer großen Biographie ist und ein 

umfangreiches Filmportrait gedreht hat 

Einblicke in das Leben und das Wirken 

Günter Wands geben. Der erste Abend ist 

dem Leben Wands gewidmet. Hier wird 

u.a. ein Ausschnitt aus dem letzten Interview 

gezeigt. Der zweite und dritte Abend 

beschäftigen sich mit dem künstlerischen 

Schaffen. Es wird umfangreiche Ausschnitte 

aus Filmaufzeichnungen von Konzerten das 

„Schleswig-Holstein-Musikfestivals“ mit 

Musik von Ludwig van Beethoven, Franz 

Schubert, Johannes Brahms und Anton 

Bruckner geben, den Komponisten also, auf 

die sich der Dirigent Günter Wand in den 

letzten zehn Lebensjahren konzentriert hat. 

Prof. Dr. Lutz-Werner Hesse wird in die 

jeweiligen Werke kurz einführen. 

Die Veranstaltungen fi nden im Konzertsaal 

der Musikhochschule (Sedanstr. 15) statt 

und beginnen jeweils um 19.30 Uhr. 

Im Sommersemester beginnt in der 

Musikhochschule eine neue Reihe, innerhalb 

derer Unterricht von Professoren mit 

Studenten öffentlich stattfi ndet. Mu- 

sikinteressierte haben also die Möglichkeit 

hinter die Kulissen der Musikhochschule 

zu schauen. Die „open lectures“ beginnen 

immer um 17 Uhr und dauern bis 18.30 

Uhr. Sie fi nden im Kammermusiksaal der 

Musikhochschule (Sedanstr. 15) statt. Die 

Termine sind die folgenden: 

Dienstag, 17. April, Thilo Dahlmann, 

Gesang 

Dienstag, 8. Mai, Prof. Gerhard Reichenbach, 

Gitarre 

Dienstag, 22. Mai, Prof. Manfredo Zimmermann, 

Blockfl öte/ Traversfl öte 

Dienstag, 5. Juni, Prof. Dr. Florence 

Millet, Klavier 

Mittwoch, 20. Juni, Prof. Susanne 

Müller-Hornbach, Violoncello 

Dienstag, 3. Juli, Willfried Roth- 

Schmidt, Klarinette 

Art and Design for All 

The Victoria and Albert Museum 

noch bis 15. April 2012 

Das Victoria and Albert Museum 

(V&A) in London ist das größte Museum 

der Welt für Kunst und Design. Sein 

Bestand von über zwei Millionen Werken 

zeugt von Reichtum und Vielseitigkeit. Die 

Erfolgsgeschichte des Victoria and Albert 

Museums begann 1857 mit der Gründung 

des Vorgängerbaus, des South Kensington 

Museum. Mit zahlreichen Objekten wird 

die Entstehungsgeschichte rekonstruiert und 

Gaslampe, Birmigham, 1848, Messing, 

vergoldet, Glas, © Victoria and Albert 

Museum, London 

die Vision des V&A, das mit seiner Präsentation 

zum Vorbild für viele kunstgewerbliche 

Museen wurde. Eine Ausstellung der 

Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik 

Deutschland in Zusammenarbeit mit 

dem Victoria and Albert Museum, London. 

www.bundeskunsthalle.de 

Romy Schneider 

6. April bis 24. Juni 2012 

Romy Schneider gehört zu den bedeutendsten 

deutschsprachigen Schauspielerinnen. 

Ihr Bild hat einen festen Platz im 

kollektiven Gedächtnis. Nicht nur als „Sissi“, 

deren Image sie vor allem in Deutschland 

nie ganz abstreifen konnte, sondern 

ab den 1970er Jahren vor allem als Star des 

französischen Kinos. Die Hommage in der 

Bundeskunsthalle nähert sich Romy Schneider 

als Star und Privatperson und zeichnet 

ihren Lebensweg nach: die frühen Rollen, 

ihre mutige und konsequente berufl iche 

Emanzipation, ihre private Tragödie, die mit 

ihrem frühen Tod endete. Bilder aus Film, 

Presse und Privatleben werden mit Filmausschnitten 

kombiniert. Medieninstallationen 

zeigen das Wechselspiel zwischen Projektion 

und aktiver Selbstinszenierung. Zudem präsentiert 

die Ausstellung zahlreiche Plakate, 

Kostüme, Briefe, Fanartikel und Fotos von 

Romy Schneider, ihren Filmpartnern und 

ihrer Familie. 


Romy Schneider, 1972; 

© Eva Sereny / Camerapress / Gamma- 

Rapho 

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Anselm Kiefer aus dem Privatbesitz 

Grothe 

19. Juni bis 16. September 2012 

Anselm Kiefer ist einer der bedeutendsten 

internationalen Künstler unserer 

Zeit. Seine epischen Werke faszinieren 

nicht zuletzt durch ihre ungewöhnliche 

Materialwahl, die die inhaltliche Aussage 

unterstützt: Dick aufgetragene Farbschich- 

Anselm Kiefer, Shebirat Ha Kalim, 1990 

Blei, Glas, Kleid, Asche und Frauenhaar 

auf Holz, 380 x 250 x 35 cm, Privatbesitz 

Familie Grothe, © Anselm Kiefer, 2011, 

courtesy Stiftung für Kunst u. Kultur e.V. 

The art of tool making 

ten, Erde, Blei, Lack, Pfl anzen, Kleidung 

oder Haare lassen die Arbeiten über den 

zweidimensionalen Bildraum hinausgreifen. 

Parallel zur Documenta13 in Kassel 

präsentiert die Bundeskunsthalle in Bonn 

auf über 2000 m[ wichtige Werke des 1945 

geborenen Künstlers aus dem Privatbesitz 

Familie Grothe. Von den Arbeiten Anselm 

Kiefers hat sich Hans Grothe 2005 beim 

Verkauf seiner umfangreichen Sammlung 

nicht getrennt, da die Faszination des 

Sammlers für die einzigartige künstlerische 

Haltung Kiefers ungebrochen über die 

Jahrzehnte anhielt. Erstmalig wird in der 

Bundeskunsthalle dieses größte Werkkonvolut 

aus einer privaten Sammlung fast 

vollständig präsentiert. 

Eine Auswahl der wichtigsten Werke aus 

drei Jahrzehnten wurde mit dem Schwerpunkt 

auf der 2000er-Dekade getroffen – 

hier belegen Bildensembles aus den Jahren 

2010 und 2011 Kiefers großes Interesse 

am Thema des Panoramas. Es dominieren 

christlich-jüdische und mythologische Themen 

im Gegensatz zu den frühen Bildern 

und Ensembles vor der Übersiedlung des 

Künstlers nach Frankreich vor 20 Jahren, 

die sich mit der deutschen Vergangenheit 

und Mythologie befassen. Das oft beschriebene 

Pathos in Kiefers Werken erscheint in 

diesen neuen Arbeiten eigentümlich gebrochen, 

zurückgenommen und neutralisiert. 


Briller Viertel, Am Buschhäuschen 

Arm & Reich 

11:00 Uhr Wuppertal Touristik / 

Wuppertal 

Beschreibung: Hochherrschaftliche 

Villen der Kaiserzeit in einem Stadtviertel, 

enge, volle Mietshäuser im anderen – und 

dazwischen liegt nur eine Straße. Der Spaziergang 

durch das Briller Viertel und über 

den Ölberg sagt viel über das Leben im alten 

Elberfeld, über wohlhabende Textilfabrikanten 

und arme Weber, über die Geschichte 

und Folgen der frühen Industrialisierung. 

Zugabe bei diesem Rundgang: die Besichtigung 

der Villa Schmits an der Luisenstraße 

(heute Private Herder-Schule). 

Treffpunkt: 11.00 Uhr (15.04.) bzw. 

14.00 Uhr (13.10.) Bushaltestelle Otto- 

Hausmann-Ring, Linien 601, 613 | Ende: 

ca. 13.30 Uhr nach der Besichtigung der 

Villa Schmits | Führung: Jürgen Holzhauer | 

Preis: 9,50 Euro

Ölberg, Wuppertal 

Info & Reservierung: Wuppertal 

Touristik, Pavillon Döppersberg, 42103 

Wuppertal, Telefon: 02 02 /1 94 33 oder 

02 02/5 63-22 70 und -21 80, Telefax: 02 

02/5 63-80 52, E-Mail: wuppertal 

touristik@wuppertal-marketing.de 

Internet: www.wuppertal.de/tourismusfreizeit 

Kleines Schauspielhaus / Wuppertal 

Mann, Bühnenwerk von 

Lothar Schreyer 

Die bekanntesten Künstler des frühen 

20. Jahrhunderts präsentierten sich im 

Sturm, der Galerie und der Zeitschrift 

Herwarth Waldens, des Ehemanns von 

Else Lasker-Schüler: Kokoschka, Kandinsky, 

Macke, Marc, Delaunay, Chagall, 

sowie Schlemmer, Baumeister, Moholy- 

Nagy, die Dichter Alfred Döblin, Theodor 

Däubler und August Stramm und die 

Komponisten Schönberg, Schreyer und 

Walden selbst. Zeitschrift und Galerie 

waren nicht nur das geistige Zentrum 

Berlins, sie waren für rund 20 Jahre die 

künstlerische Mitte Europas. Im Rahmen 

der Ausstellung Der Sturm - Zentrum der 

Avantgarde im von-der-Heydt-Museum 

ab 13.3.2012 zeigen die Wuppertaler 

Bühnen im Kleinen Schauspielhaus ein 

Bühnenwerk von Lothar Schreyer (1886 

– 1966). Schreyer war Maler, Schriftsteller 

und Dramaturg, von 1916-1928 Mitarbeiter 

bei Herwarth Waldens Zeitschrift 

"Der Sturm" und 1917 Begründer der 

"Sturmbühne". Er leitete am Bauhaus in 

Weimar die Bühnenklasse und die Kunstschule 

"Der Weg" in Berlin und Dresden. 

Seine frühen Werke sind Ausdruck eines 

kultisch religiösen Expressionismus. Das 

aufgeführte Werk („Mann“) ist in der rekonstruierten 

Fassung unter der Leitung 

des Komponisten und Dirigenten Juan 

Allende-Blin zu sehen, der Schreyer noch 

persönlich kannte. Es ist ein Werk für 

zwei große Maskenfi guren, einem Sänger, 

einer Sängerin und einem Schlagzeuger. 

Termine: 

15.04.2012, 22.04.2012, 26.04.2012 

Uhr jeweils 18 Uhr 

Kleines Schauspielhaus / Wuppertal 

www.wuppertaler-bühnen.de 

August Macke unterwegs – 

Die Reisen des Künstlers 

Noch bis 28. Mai 2012 

Aus Anlass des 125. Geburtstages von 

August Macke (1887 – 1914) widmet 

sich das August Macke Haus erstmals 

den zahlreichen Reisen des Künstlers. Seit 

Jahrhunderten treiben die Faszination des 

Unbekannten und die Suche nach neuen 

Impulsen für das eigene Œuvre die Künstler 

in die Ferne. Auch August Macke spürte 

die Sehnsucht nach landschaftlich und 

kulturell reizvollen Regionen und Städten. 

Obwohl er nur 27 Jahre alt wurde, hat er in 

seinem kurzen Leben dennoch viele Länder 

gesehen, denn seit 1904 unternahm er fast 

jedes Jahr eine oder mehrere Reisen. 

Erste „Kunstreisen“ führten den jungen 

Studenten an den Rhein und in die Eifel. 

Zwei Mal brach er nach Italien auf - das 

klassische Ziel europäischer Bildungsreisender 

– und setzte sich in mehreren 

oberitalienischen Städten mit hochrangigen 

Kunstwerken vergangener Epochen auseinander: 

1905 zusammen mit seinem Freund 

und späteren Schwager Walter Gerhardt 

und 1908 in Begleitung seiner Freundin 

Elisabeth und ihres Onkels Bernhard 

Koehler. Mehrfach fuhr er nach Holland 

und Belgien, einerseits um sich hier an 

August Macke, Venedig, 1905, Öl auf 

Leinwand, 38,0 x 51,0 cm, LWL - Landesmuseum 

für Kunst und Kulturgeschichte 

Münster 

der See zu erholen, andererseits aber vor 

allem der Kunst wegen. 

Zudem bereiste er die damals wichtigsten 

Metropolen in Europa - London 

und Paris. Auch hier standen Museen und 

Galerien an erster Stelle des Programms. 

Doch faszinierten ihn auch großstädtisches 

Flair und Treiben, das er auf sich 

wirken ließ und künstlerisch verarbeitete. 

Besonders Paris als führendes Zentrum 

der avantgardistischen Kunstströmungen 

zu Beginn des 20. Jahrhunderts bot dem 

aufstrebenden Künstler bei insgesamt vier 

Besuchen in den Jahren 1907, 1908, 1909 

und 1912 immer wieder neue Inspirationen 

für sein eigenes Werk und die 

Gelegenheit, Kontakte zu gleich gesinnten 

Künstlern wie Robert Delaunay sowie 

Sammlern und Galeristen zu knüpfen. 

Berühmt geworden ist August Mackes 

letzte Fahrt, die Tunisreise, die der orientbegeisterte 

Künstler im April 1914 – nur 

wenige Monate vor seinem Kriegstod – 

zusammen mit den Schweizer Malern Paul 

Klee und Louis Moilliet unternahm. Erstmals 

verließ er Europa und tauchte in eine 

ihm völlig fremde Kultur und Landschaft 

ein, die er gänzlich neue visuelle Eindrücke 

von Licht und Farbigkeit abgewann. 

Ein wichtiger Aspekt fast aller Reisen 

Mackes ist auch das Vergnügen, einen Urlaub 

in ausgelassener Gesellschaft von guten 

Freunden und Familienangehörigen zu 

erleben und sich mit seinen Reisegefährten 

intellektuell auszutauschen. Seine Touren 

gingen dabei nicht zwingend auf eigene 

Initiative zurück. Häufi g wurden sie durch 

glückliche familiäre sowie freundschaftliche 

Umstände und Kontakte begünstigt 

oder erst durch Mäzene aus dem privaten 

August Macke, Landschaft mit Feuerspeiendem 

Vesuv, Postkarte aus Dillingen, 14. Juli 

1899, Aquarell, Tusche/Pinsel und Feder, 

LWL-Landesmuseum für Kunst und Kulturgeschichte 

Münster, Macke-Archiv 

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August Macke, Märchenerzähler, 1912, Öl 

auf Holz auf Karton, 38,5 x 42 cm, Museum 

Frieder Burda, Baden-Baden 

Umfeld des Künstlers ermöglicht. 

Die Ausstellung präsentiert zahlreiche 

Werke von August Macke, die im Kontext 

seiner Reisen entstanden, vorrangig Zeichnungen 

und Aquarelle, die er während 

seiner Touren anlegte, sowie einige Gemälde. 

Sie refl ektieren, welche Landschaften, 

Motive und künstlerischen Vorbilder ihn 

besonders fesselten und inspirierten. Ergänzt 

werden sie von Dokumenten, Briefen 

und Ansichtskarten, die August Macke 

und seine Begleiter während der Reisen an 

Familie und Freunde schrieben, sowie von 

historischen Postkarten und Reiseführern, 

die die Reiseziele des Künstlers veranschaulichen 

und die Reiseverläufe nachvollziehbar 

machen. 

Leihgeber u. a.: Museum Frieder Burda, 

Baden-Baden, Kunstmuseum Bonn, 

Kunsthalle Bremen – Kupferstichkabinett 

– Der Kunstverein in Bremen, Leopold- 

Hoesch-Museum Düren, Erbengemeinschaft 

Richard W. Koehler, LWL – Landesmuseum 

für Kunst und Kulturgeschichte 

Westfälisches Landesmuseum, Münster. 

Katalogbuch zur Ausstellung - 20.- Euro 

Öffnungszeiten Di – Fr 14.30 – 18 Uhr, 

Sa, So, Feiertage 11 – 17 Uhr 

Kostenlose Führung sonntags 11.30 Uhr 

August Macke Haus Bonn 

Bornheimer Straße 96, D - 53119 Bonn 

Internet www.august-macke-haus.de 

100 Tage Kunstreise 

ein Projekt von Nicole Bardohl und 

Bodo Berheide 

Hintergrund 

18 Jahre lang war die Skulptur Figura 

Magica des Wuppertaler Bildhauers Bodo 

Berheide auf Weltreise. Jeweils 2 Jahre 

war die 5m lange und 6 Tonnen schwere 

Skulptur in 10 Ländern zu Gast, bereiste 

Irland, Kanada, USA, Nicaragua, Chile, 

Australien, Japan, Sri Lanka, Togo und 

Deutschland und ist in dieser Zeit mit 

vielen Menschen in Berührung gekommen 

– im wahrsten Sinne des Wortes. 

Seit 2009 steht die Figura Magica auf 

dem Vorplatz des Wuppertaler Schauspielhauses 

und nachdem sie so lange auf 

Weltreise war, soll die Welt im Jahr 2012 

nun für 100 Tage zu ihr kommen. 

Die Figura Magica vor dem Wuppertaler Schauspielhaus – Foto: Jörg Lange 

Um die Idee des künstlerischen 

Austausches rund um die Figura Magica 

wieder aufl eben zu lassen und zu 

verjüngen, werden die 10 „Weltkünstler“ 

aus den jeweiligen Ländern auf junge 

Künstler treffen. 

Idee: 10 Länder x 10 Tage 

Ein Künstler aus jedem Land, das 

die Figura Magica bereiste, wird ab dem 

20. April 2012 für eine Ausstellung in 

die Wuppertaler Galerie Kunstkomplex 

kommen und dort auf einen jungen 

Künstler aus dem jeweiligen Land treffen, 

sodass Nachwuchskünstler mit den meist 

schon recht etablierten „Weltkünstlern“ für 

10x10 Tage vereint werden. Im Rahmen 

der jeweils 10-tägigen Ausstellungen wird es 

unterschiedliche kulturelle Veranstaltungen 

zu dem jeweiligen Land geben, um so einen 

künstlerischen Austausch ermöglichen zu 

können. Geplant sind Tanzperformances, 

Filmabende, Literaturveranstaltungen und 

Konzerte. 

Dies ist eine einzigartige Möglichkeit, 

junge Kunstschaffende an fremde Kulturen 

heranzuführen. Wir wünschen uns, dass 

der „Weltkünstler“ für seine 10 Tage die 

Themen aus seiner eigenen künstlerischen 

Arbeit, und/oder kulturellen Erfahrung 

vorgibt. 

Bodo Berheide wird an jedem der 

100 Tage um 18:00 Uhr seinen Diavortrag 

„Die Reise der Figura Magica und 

der erweiterte Kunstbegriff“ halten.

TANZ ANZ TRÄUME 

TRÄUM 

JUGENDLICHE TANZEN 

KONTAKTHOF 

VON 

PINA BAUSCH 

DAS BUCH ZUM FILM 

VON ANNE LINSEL UND ULLI WEISS 

Verlag HP Nacke Wuppertal, 2011 

120 Seiten, 23 x 17 cm, Softcover 

ISBN 978-3942043-81-6, 19,80 Euro 

Verlag HP Nacke KG - Friedrich-Engels-Allee 122 

42285 Wuppertal - Telefon 0202 - 28 10 40 

verlag@hpnackekg.de 

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Der Tipp für alle 

ab 60 

Mit dem BärenTicket sind Sie im ganzen 

VRR-Gebiet unterwegs, rund um die Uhr und 

in der 1. Klasse. 

Weitere Infos im MobiCenter 

Tel.: 0202 569-5200 

www.wsw-online.de 

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Kulturnotizen - Druckservice HP Nacke KG

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