Edgar Degas - Artinside

Artinside Das 

Edgar Degas, Danseuses jupes jaunes, um 1896 

Museumsmagazin 

der Region Basel 

Ausgabe Herbst 2012 

Edgar Degas 

30.09.2012 – 27.01.2013 

Fondation Beyeler, Riehen 

Arte Povera 

Der grosse Aufbruch 

09.09.2012 – 03.02.2013 

Kunstmuseum Basel 

Tinguely@Tinguely 

Ein neuer Blick auf 

Jean Tinguelys Werk 

07.11.2012 – 30.09.2013 

Museum Tinguely 

Pamela Rosenkranz 

Feeding, Fleeing, Fighting, 

Reproduction 

23.09.2012 – 11.11.2012 

Kunsthalle Basel 

Pop Art Design 

13.10.2012 – 03.02.2013 

Vitra Design Museum/D 

Martin Disler 

Malerei, Grafik und Skulptur 

bis 28.10.2012 

Kloster Schönthal/BL 

Léger – Laurens 

Tête-à-Tête 

bis 04.11.2012 

Museum Frieder Burda/D 

Pilgern 

boomt 

14.09.2012 - 03.03.2013 

Museum der Kulturen Basel 

Philippe Pasqua 

16.09.2012 – 09.12.2012 

Fondation Fernet Branca/F 

Tchernobyl on tour 

. . . et s'en aller 

13.09.2012 – 11.11.2012 

La Kunsthalle Mulhouse/F

Kunstwerk 

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Bernhard Mendes Bürgi 

Bernhard 

Roland 

Mendes 

Sam Wetzel Keller 

Bürgi 

Liebe Kunstfreunde 

«Wofür kämpfen wir denn», entgegnete der legendäre britische Premierminister Winston Churchill, als im 

Zweiten Weltkrieg die staatlichen Ausgaben für Kunst und Kultur massiv gekürzt werden sollten. Churchill setzte 

damit ein mutiges und eindrückliches Zeichen, dass Kunst für unsere Zivilisation von essenzieller Bedeutung 

ist. Heute, wo die Schuldenkrise viele europäische Staaten zu einschneidenden Sparmassnahmen nötigt, werden 

Kulturbudgets in vielen Städten massiv gekürzt. Auch in von der Krise betroffenen Unternehmen und Stiftungen 

stehen weniger Sponsoren- und Fördergelder zur Verfügung. Gleichzeitig steigen die Kosten der Organisation von 

Ausstellungen stetig an, was viele Kunstinstitutionen zwingt, ihre Programme zu reduzieren. Geschieht Vergleichbares 

auch in unserer Region? Nichts dergleichen, ganz im Gegenteil: Wir sind eine Insel der Glückseligen! Wieder 

steht uns eine Ausstellungssaison bevor, die überaus vielfältig und reichhaltig ist. Auch wenn wir uns längst daran 

gewöhnt haben, lohnt es sich, dieses ganz und gar nicht selbstverständliche Angebot zu schätzen und zu geniessen. 

Seit über zwanzig Jahren gab es in der Schweiz und in Süddeutschland keine Ausstellung mehr von Edgar 

Degas zu sehen. Der berühmte französische Künstler war zusammen mit Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent van 

Gogh, Claude Monet und Auguste Rodin einer der grossen und einflussreichen Wegbereiter der modernen Kunst. 

Wie kein anderer seiner Generation befasste sich sein schöpferischer Erfindungsgeist mit allen Medien: Malerei, 

Zeichnung, Druckgrafik, Skulptur und Fotografie. Degas’ Serien und Variationen von Tänzerinnen, Badenden und 

Reitern zählen zu den Ikonen der modernen Kunst. Die grosse Degas-Ausstellung in der Fondation Beyeler präsentiert 

erstmals umfassend das reiche Spätwerk des Künstlers. 

In den 1960er-Jahren formierte sich in Italien eine neue künstlerische Bewegung, die Arte Povera. Charakteristisch 

für sie ist der Einsatz einfacher Mittel und ärmlicher Materialien wie Erde, Äste, Glas und Wachs, der im kritischen 

Gegensatz zu einer immer weiter technologisierten Welt steht. Auf sinnliche und poetische Weise streben 

ihre Bilder, Skulpturen, Installationen und Performances danach, zu natürlichen Prozessen zurückzufinden. Das 

Kunstmuseum Basel präsentiert rund hundert Arte-Povera-Werke aus der renommierten Sammlung Goetz aus 

München. Ausserdem ist das zeichnerische Werk des bekannten Schweizer Künstlers Markus Raetz zu sehen. Das 

Museum für Gegenwartskunst präsentiert die geheimnisvollen Werke von Robert Gober aus der Emanuel Hoffmann-Stiftung 

und der Öffentlichen Kunstsammlung Basel. 

Das Museum Tinguely hat in den letzten Jahren zahlreiche künstlerische Weggefährten des beliebten Schweizer 

Künstlers ausgestellt und damit geschickt neue Perspektiven auf das Werk des Künstlers aufgezeigt, dem es gewidmet 

ist. Nun steht Jean Tinguely wieder einmal selbst im Mittelpunkt einer Ausstellung. Tinguely@Tinguely bietet 

zwanzig Jahre nach seinem Tod einen Überblick über den Künstler, die Sammlung sowie ihre Dokumentation und 

wird die gesamten Museumsräume bespielen. 

Kulturelle Phänomene wie Starkult, Warenfetisch und mediale Reproduktion haben nachhaltigen Einfluss 

auch auf Kunst und Design. Dies zeigt eine Ausstellung des Vitra Design Museums, das Werke der Pop Art Designobjekten 

gegenüberstellt. Sie regt dazu an, zu entdecken, wie die Alltagskultur die Gestaltung von Objekten wie 

auch von Kunstwerken inspirierte und eine bis heute anhaltende Wechselwirkung initiierte. 

Einen spannenden Dialog zwischen einem Maler und einem Bildhauer, welche beide die klassische Moderne 

prägten, inszeniert das Museum Frieder Burda. Seine aktuelle Ausstellung ist dem Schaffen der französischen 

Künstler Fernand Léger und Henri Laurens gewidmet. 

Dass sich auch für die Kunst Ausflüge in die Region lohnen, beweist neben den Ausstellungen von Martin 

Disler im Kloster Schönthal und Philippe Pasqua in der Fondation Fernet Branca auch die diesjährige Regionale: 

Sechzehn Kunstinstitutionen schaffen gemeinsam eine trinationale Plattform für Künstlerinnen und Künstler 

im Dreiländereck. 

Worauf also warten Sie noch? Wir wünschen Ihnen anregende Kunsterlebnisse auf Ihrer Entdeckungsreise. 

Herzlich Sam Keller, Direktor Fondation Beyeler 

editorial 

Artinside

inhalt 06 Edgar Degas in der Fondation Beyeler 

Obwohl sich die Kunst von Edgar Degas (1834–1917) grosser Beliebtheit 

erfreut, beschränken sich Ausstellungen zu seinem Werk zumeist 

auf seine impressionistische Schaffensphase um 1870 bis 1885 oder 

auf Einzelaspekte seines Œuvres. Die über 150 Werke umfassende 

Ausstellung der Fondation Beyeler greift alle Themen und Motive auf, die 

prägend für Degas’ Spätwerk waren – faszinierende Darstellungen von 

Tänzerinnen und weibliche Akte, Bilder von Jockeys und Rennpferden 

sowie überraschende Landschaften und Porträts. Dabei werden alle 

Medien, deren sich Degas bediente, miteinbezogen: Malerei, Pastell, 

Zeichnung und Druckgrafik ebenso wie Skulptur und Fotografie. 

14 Pamela Rosenkranz in der Kunsthalle Basel 

Die Kunsthalle Basel zeigt mit der Ausstellung Feeding, Fleeing, Fighting, 

Reproduction das neuste Projekt der Schweizer Künstlerin Pamela 

Rosenkranz. 

15 Pilgern boomt – im Museum der Kulturen 

Vielfältig sind die Antworten, weshalb Pilgerfahrten unternommen 

werden, und das Motiv ist keineswegs immer religiös begründet. Die 

Ausstellung Pilgern thematisiert das Pilgern als eine wichtige kulturelle 

Dimension des europäischen Kontinents und leuchtet seinen 

früheren und heutigen Stellenwert aus. 

16 Arte Povera. Der grosse Aufbruch – im Kunstmuseum Basel 

In den 60er-Jahren formiert sich in Italien mit heute so berühmten 

Künstlern wie Alighiero Boetti, Jannis Kounellis, Mario Merz 

oder Michelangelo Pistoletto eine neue künstlerische Bewegung. 

Charakteristisch ist der Einsatz einfacher Mittel und ärmlicher 

Materialien wie Erde, Glas, Äste, Wachs, der im durchaus kritischen 

Gegensatz steht zur immer technologischer werdenden Umwelt. In 

stilistischer Anarchie streben Bilder, Objekte, Rauminstallationen und 

Performances danach, zu natürlichen Prozessen und Gesetzmässigkeiten 

zurückzufinden. Aber auch das kulturelle Erbe der Antike wird in diesen 

visualisierten Wahrnehmungsprozessen auf sinnliche und poetische 

Weise thematisiert. 

Die Sammlung Goetz ist eine der umfassendsten Sammlungen dieser 

überaus innovativen Kunstbewegung. Die grosse Sonderausstellung 

im Kunstmuseum Basel ermöglicht es mit rund 100 Werken, die grosse 

Aktualität der Arte Povera auch für die jüngste Künstlergeneration zu 

veranschaulichen. Zahlreiche Schlüsselwerke von 1959 bis in die frühen 

90er-Jahre sind versammelt, die Ingvild Goetz über viele Jahre gesammelt 

hat und die seit Langem nicht mehr öffentlich zu sehen waren. 

Ausserdem zeigen Fotografien und Dokumente die weitverzweigten 

Dimensionen dieses grossen künstlerischen Aufbruchs. 

24 Léger und Laurens und Jean-Michel Othoniel 

im Museum Frieder Burda 

Parallel zur grossen Sommerausstellung «Léger-Laurens. Tête-à-Tête» 

werden in einer Studioausstellung im Museum Frieder Burda neue 

Arbeiten des zeitgenössischen Künstlers Jean-Michel Othoniel gezeigt. 

26 Tinguely@Tinguely 

Ein neuer Blick auf Jean Tinguelys Werk 

Vor 16 Jahren, im Oktober 1996, wurde das Museum Tinguely eröffnet. 

Seither ist die grösste Sammlung von Arbeiten Jean Tinguelys weiter 

gewachsen. Dies ist der Grund, weshalb ein neuer Sammlungskatalog 

in drei Sprachen erscheint. Er liefert einen umfassenden Überblick über 

den Künstler, die Sammlung und ihre Dokumentation. Gleichzeitig 

werden seine Werke erstmals seit langer Zeit wieder die gesamte 

Ausstellungsfläche im Museum einnehmen. 20 Jahre nach dem Tod des 

Künstlers wird mit einer neuen Präsentation auch eine revidierte Sicht 

auf seine künstlerische Arbeit vorgestellt. Mit einem frischen Blick und 

einem erweiterten Vermittlungsangebot wird Tinguelys Œuvre für eine 

neue Generation greifbar. 

32 Martin Disler im Kloster Schönthal 

Disler war ein Autodidakt und ein rastloser Schaffer, der grosse Erfolge 

feiern konnte. Die Ausstellung im Kloster Schönthal zeigt monumentale 

Acrylbilder, Grafiken und Skulpturen. 

33 Pop Art Design im Vitra Design Museum 

Die Ausstellung im Vitra Design Museum zeichnet nach, wie sich Kunst 

und Design der Pop-Ära gegenseitig inspiriert haben und zu einer 

Bildsprache fanden, die die Welt der Medien und des Konsums bis heute 

prägt. 

35 Elena Costelian und Chourouk Hriech in 

La Kunsthalle Mulhouse. 

36 Philippe Pasqua in der Fondation Fernet Branca 

Ihre Einweihungsausstellung widmet die Fondation Fernet Branca 

einem der bedeutendsten französischen Künstler seiner Generation: 

Philippe Pasqua. 

38 Bedeutende Ausstellungen ausserhalb der Region 

22 Adressen, Öffnungszeiten 

Impressum. Artinside – Das Museumsmagazin der Region Basel 

Herausgeber: Matthias Geering 

Artdirection/Produktion: Sibylle Meier 

Lauftext Meier Geering, Oberwilerstrasse 69, CH-4054 Basel 

info@artinside.ch | www.artinside.ch 

Artinside 

Ausgabe Herbst 2012 | Erscheint drei Mal jährlich | Auflage 166 000 Exemplare 

Bildbearbeitung/Druck: Vogt-Schild Druck, Derendingen 

Ein Teil der Auflage ist der Basler Zeitung vom 5. September 2012 beigelegt 


Edgar Degas, Jockey blessé, um 1896/1898 | Pamela Rosenkranz, 

Loop Revolution, 2009 | Mario Merz, Impermeabile, 1966 

Jahresabo Schweiz: CHF 18.–, Jahresabo EU: Euro 18.– | ISSN 1660-7287 

Die nächste Ausgabe erscheint Ende Januar 2013 

Jean-Michel Othoniel, Blick in die Ausstellung, 2012 | Jean Tinguely, 

Study for an end of the world No. 2, Las Vegas, 1962 | Martin Disler, 

Häutung und Tanz, 1990/91 | Studio 65, Leonardo, Sofa, 1969 | 

Arnold Odermatt, Buochs, 1965 

inhalt

Edgar Degas, Devant le miroir, um 1889 

Edgar Degas

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Edgar Degas' aufregendes Spätwerk 

von Michiko Kono* 

Edgar Degas 

30.09.2012 – 27.01.2013 

Fondation Beyeler, Riehen 

www.fondationbeyeler.ch 

Das Pariser Opernhaus war um die Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert eine wichtige 

Attraktion der französischen Hauptstadt. Die Opéra Garnier, die nach fünfzehn Jahren 

Bauarbeiten im Januar 1875 eröffnet hatte, beherbergte schon damals eines der 

bedeutendsten Ballettensembles weltweit. Der Künstler Edgar Degas war ein passionierter 

Opernbesucher. Er wohnte nicht nur den Aufführungen bei, sondern gehörte auch zu den 

wenigen Privilegierten, denen es erlaubt war, sich hinter die Bühne zu begeben und dort 

die Balletttänzerinnen in ihrem Übungsraum oder kurz vor ihren Auftritten zu beobachten. 

Sorgfältig, fast obsessiv studierte er ihre Posen und Bewegungen, skizzierte ihre Aufmachungen 

ebenso wie die Kulissen und Probesäle. So entstanden zahlreiche Werke, für die 

Degas sehr bald berühmt wurde und die sich mit dem Thema des Balletts befassen – jenem 

Sujet, mit dem er künstlerisch auch heute noch assoziiert wird. Doch ist Degas weit mehr als 

nur ein Maler lieblicher Motive, für die sich junge Mädchen in ihren Träumereien, Ballerina 

zu werden, begeistern. Der späten Phase des künstlerisch äusserst produktiven Lebens Edgar 

Artinside Artinside 

Edgar Degas, Danseuses, um 1896 Edgar Degas, Danseuses (Pink and Green), um 1890 

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Degas’ widmet die Fondation Beyeler nun eine Ausstellung, in der nicht nur Tänzerinnen, sondern auch 

weitere bekannte Motive seines umfangreichen Œuvres zu sehen sind. Prägend für das Spätwerk Degas‘ 

sind Serien, in denen er einige wenige Themen wie Balletttänzerinnen, weibliche Akte, Jockeys 

und Rennpferde sowie Interieurs, Landschaften und Porträts facettenreich variierte. Mit mehr als 150 

Werken werden zum ersten Mal die Jahre um 1886 bis 1912 präsentiert, die den Höhepunkt von Degas’ 

Schaffen markieren. Gezeigt werden alle Techniken, in denen Degas gearbeitet hat: Malerei, Pastell, 

Zeichnung, Druckgrafik, Skulptur und Fotografie. Markant in dieser Vielfalt ist, dass sich bei Degas 

wie bei keinem anderen Künstler seiner Generation die verschiedenen Gattungen und Techniken gegenseitig 

stark beeinflussten. 

Auffällig in Degas’ Spätwerk ist seine grosse Experimentierfreude. Häufig schafft er Räume, die in 

verschiedene Sequenzen unterteilt zu sein scheinen, sowie asymmetrische Kompositionen mit ungewöhnlichen 

Blickwinkeln. Die Posen der Dargestellten sind unkonventionell. Sie befinden sich auf der 

vordersten Bildebene und beanspruchen so den Raum für sich, manchmal auch über den Bildrand hin- 

weg. Charakteristisch ist zudem die verführerische Leuchtkraft der Farben, die er vor allem durch die 

gekonnte Verwendung von Pastell (Farbkreide) erreichte – mit Pastell experimentierte Degas besonders 

gern. 

Mit zunehmendem Alter befasste Degas sich auch mit dem Modellieren von Wachsskulpturen, die 

er nicht zu Ausstellungszwecken schuf und welche erst nach seinem Tod 1917 in Bronze gegossen wurden. 

Sie dienten ihm als Studien, dank deren er Bewegungen dreidimensional festhalten konnte. Der 

Kunsthändler Ambroise Vollard, eine der einflussreichsten Figuren der Pariser Kunstszene dieser Epoche, 

trug seine Erinnerungen an Degas in einem Buch zusammen, das nach dem Ableben des Künstlers 

erschien. Im Zuge eines ihrer Gespräche soll Degas gesagt haben: «Ich werde der Maler der Tänzerinnen 

genannt, man versteht nicht, dass die Tänzerin für mich nur der Vorwand gewesen ist, um hübsche 

Stoffe zu malen und Körper in der Bewegung wiederzugeben …» Degas’ unermüdliche Obsession, Bewegung 

darzustellen, ist auch in anderen Werkgruppen erkennbar. Ob nun die Darstellung einer nackten 

Frau bei der Toilette, der eine Bedienstete Wasser über den Rücken fliessen lässt, einer Badenden, die 


Edgar Degas, Le Vésuve, 1892 Edgar Degas, Chevaux de courses, 1884 

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Edgar Degas, Femme au tub, um 1883 

sich ihren Nacken mit einem Tuch trocknet, oder eines Pferdes, das vorbeigaloppiert – die 

Figuren scheinen für einen Augenblick in ihrem Bewegungsablauf innezuhalten. Vor dem 

Hintergrund seines Spätwerks, das massgeblich von Tänzerinnen und Badenden bestimmt 

ist, bilden Degas’ Landschaftsbilder eine ungewöhnliche Werkgruppe. Bei seinen Landschaften 

handelt es sich nicht um repräsentative Ölbilder, wie dies bei den stimmungsvollen 

Darstellungen der Impressionisten, etwa bei Claude Monet, der Fall ist. Degas schuf 

vielmehr kleinformatige Pastelle oder auf Papierbogen gedruckte Monotypien (Drucke), die 

er grösstenteils mit Pastell überarbeitete. Die Darstellungen wurden zunehmend abstrakt, 

sodass die Landschaften teilweise kaum mehr als solche erkennbar sind. 

1886 stellte Degas zum letzten Mal zu Lebzeiten ein umfangreiches Ensemble seiner 

Werke aus. Mit fortschreitendem Alter litt er an einem sich verschlimmernden Augenleiden, 

das Gerüchte nährte, er sei erblindet und nicht mehr in der Lage zu malen. Tatsächlich 

liess Degas in seiner Produktivität und Experimentierfreude nicht nach. Er lebte spätestens 

ab den 1890er-Jahren sehr zurückgezogen, allein für und durch sein künstlerisches Schaffen. 

Dabei entstand eines der aussergewöhnlichsten, obsessivsten und berührendsten Spätwerke 

der europäischen Kunstgeschichte. 

*Michiko Kono ist Kuratorin der Ausstellung 

Edgar Degas. With Edgar Degas’ late work, the Fondation Beyeler will be holding Switzerland’s 

first exhibition in twenty years of one of France’s most famous late 19th century painters. It will also 

be the first exhibition exclusively devoted to Edgar Degas’ rich and complex late work ( from around 

1886 to 1912), the culmination of a highly productive career spanning more than six decades. Degas’ 

late work represents the ultimate artistic achievement of a bold precursor of modern art, which he 

significantly influenced together with younger friends and colleagues like Paul Gauguin, Pablo Picasso 

and Henri Matisse. Although Edgar Degas’ art enjoys great popularity, Degas exhibitions are generally 

limited to his Impressionist period (around 1870 to 1885) or to individual aspects of his work. This major 

exhibition, which will feature over 150 works, will include all the principal motifs and series that 

are characteristic of Degas’ late work: famous representations of dancers and female nudes, jockeys and 

racehorses, landscapes and portraits. It will encompass all the techniques with which Degas worked: 

painting, pastel, drawing, prints, sculpture and photography. No other artist of that period used a 

larger number of artistic media than Degas. In his late work, the fine, delicate painting of his Impressionist 

period gives way to a unique pleasure in experimentation and an obsessive creative desire. 

Edgar Degas, La sortie du bain, um 1895 

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Feeding, Fleeing, Fighting, Reproduction 

Pamela Rosenkranz in der Kunsthalle Basel 

Pamela Rosenkranz 

Feeding, Fleeing, Fighting, 

Reproduction 

23.09.2012 – 11.11.2012 


www.kunsthallebasel.ch 

von Fabian Schöneich* 

Schon seit vielen Jahrhunderten begeben 

sich Menschen auf Wanderschaft, 

um im Gehen zur inneren Ruhe, zur 

Einkehr und zur Wahrheit zu finden. Allen 

Pilgerreisen gemeinsam ist, dass sich der 

Pilger als Suchender auf den Weg macht und 

dass mancher Pilger nach dem Abschluss 

der Pilgerreise eine andere Einstellung zum 

Leben besitzt. Dennoch sind die Antworten 

nach dem Warum solcher strapaziösen Touren 

sehr vielfältig, und es ist kein Geheimnis, 

dass keineswegs immer religiöse Motive 

im Vordergrund stehen. 

Die Tatsache, dass das Pilgern in Europa 

eine Wiederbelebung erfahren hat, nach 

wie vor boomt und heute in aller Munde 

ist, fordert unser Museum geradezu heraus, 

sich in einer grossen Ausstellung der 

Wiederentdeckung des langsamen Reisens 

zu widmen. Sie leuchtet die kulturellen 

Dimensionen des Pilgerns aus und fragt 

nach dem Anlass zum Pilgern ebenso, wie 

sie unter anderem mit Wegmarken, Pilgerheiligen 

oder auch den Ritualen der Pilger 

unterwegs und am Ziel vertraut macht. 

Beim Thema «Pilgern» denkt man in unseren 

Breitengraden sofort an den «Jakobsweg». 

Doch Europa ist gleich einem Spinnennetz 

von Pilgerwegen überzogen, die in ihrer Gesamtheit 

ein grossartiges Kulturerbe darstellen. 

Unterwegs und an den jeweiligen Zielorten 

finden sich heilige Stätten, die alle einen 

ungebrochen grossen Zulauf haben. 

Weil aber die moderne Pilgerei nur sehr 

eingeschränkt besondere Objekte vorweisen 

kann, bietet die Ausstellung auch eine Begegnung 

mit dem Pilgern und Wallfahren in der 

Vergangenheit. Ohne ausser Acht zu lassen, 

dass das christliche Pilgerwesen eine über 

1500 Jahre lange Geschichte hat, liegt dabei 

Pilgern 

Über die Wiederentdeckung des 

langsamen Reisens – eine Ausstellung 

im Museum der Kulturen Basel 

der Schwerpunkt bei den Exponaten auf den 

letzten Jahrhunderten und entführt in eine 

Glaubenswelt, die uns heute weitgehend 

fremd erscheint und oft auch «apokryph» 

ist. Aus der reichen und sorgfältig zusammengetragenen 

Sammlung der Abteilung 

Europa werden darum auch geheimnisvolle 

Reiseamulette, Schluckbildchen und seidene 

Häubchen gegen Kleinkinderkrankheiten 

gezeigt. Neben Andachtsgegenständen, die 

aus berühmten Pilgerorten wie Jerusalem, 

Rom oder Einsiedeln zurückgebracht wurden, 

dürfen natürlich auch Votivgaben, eindrückliche 

«Bildgebete zum Himmel», nicht 

fehlen. 

Ein besonderes Augenmerk lenkt die Ausstellung 

auf die früher wie heute bestehende 

Verbindung von Frömmigkeit und wie auch 

immer gearteter Spiritualität mit Tourismus 

und Kommerz, Konsum und Kitsch. 

Artinside *Fabian Schöneich ist Assistenzkurator der Kunsthalle Basel 


Pamela Rosenkranz, Firm Being (Chocolate Milk), 2009 

Die Kunsthalle Basel zeigt mit der Ausstellung Feeding, Fleeing, 

Fighting, Reproduction das neuste Projekt der Schweizer 

Künstlerin Pamela Rosenkranz. Die vier Begriffe des Titels 

der Ausstellung stehen für Rosenkranz’ Interesse an evolutionären 

Mechanismen und Prozessen, die der Kultur, der Politik, der Religion 

und der Kunst zugrunde liegen. Indem sie sich auf Theorien und 

Erkenntnisse aus den zeitgenössischen Wissenschaften bezieht, hinterfragt 

sie mit ihren Arbeiten die Trennung von Körper und Geist 

wie auch die von Natur und Kultur. Dies gelingt ihr dadurch, dass sie 

sich wissenschaftlicher Erklärungen bedient, die unseren gängigen 

Konzeptionen vom Menschen widersprechen. 

So beschäftigt sich eine der neueren Arbeiten in der Ausstellung 

mit der Einflussnahme von Farben auf unsere Entscheidungsfindung. 

Eine scheinbar zufällige Folge riesiger Farbflächen wird in die Ausstellungsräume 

im Erdgeschoss der Kunsthalle projiziert. Die dabei 

beim Betrachter ausgelösten Emotionen verweisen auf die Zufälligkeit 

von Bedeutung. Unterstützend begleitet wird die Projektion von 

einer computergenerierten Stimme namens «Heather», die in gleichbleibender 

Klangfarbe die Wörter «Yes» und «No» – Zustimmung 

und Ablehnung – in allen möglichen verschiedenen Intonationen 

aus dem Bedeutungsspektrum des Sprachprogrammes wiederholt. 

Vergleichbare Strategien zur Beeinflussung von Sinneswahrnehmungen 

werden beispielsweise in Werbung und Marketing bewusst 

eingesetzt, um das Kaufverhalten von Verbrauchern zu beeinflussen 

und ökonomische Ziele durchzusetzen. Pamela Rosenkranz stellt 

mit ihrer Arbeit die Frage, inwieweit Entscheidungen überhaupt 

subjektiv getroffen werden können, und verweist auf die komplexen 

sozio-kulturellen und biologischen Mechanismen, die in unserer gegenwärtigen 

Kultur mit Farbwirkungen verbunden sind. Ausserdem 

bezieht sich diese Arbeit auf eine spezifische Verwendung von Farben 

in der Wissenschaft, das sogenannte «Brainbow»-Projekt. Dieser von 

Wissenschaftlern genutzte Farbkreis wurde bei einem Experiment 

an Mäusen entwickelt, deren Hirnaktivität durch die Einfärbung von 

Neuronen im Spektrum des RGB farblich differenziert sichtbar gemacht 

wurde. Rosenkranz beschäftigt sich bei diesem Projekt damit, 

auf welche Weise auch existenzielle, menschliche Emotionen farblich 

markiert und daher auf rein farbanaloge Art und Weise betrachtet 

und kategorisiert werden können. 

Feeding, Fleeing, Fighting, Reproduction von Pamela Rosenkranz untersucht 

den Konflikt zwischen objektiven wissenschaftlichen Beschreibungen 

und unseren subjektiven Erfahrungen. Dabei kritisiert 

sie ebenfalls eine Konzeption von Kunst, die die Subjektivität des 

Künstlers zentriert, indem die Aussagen und Erklärungen zeitgenössischer 

Wissenschaft mit den vorherrschenden Annahmen der Kunst 

konfrontiert werden, um dadurch Begriffe wie Erfahrung, Identität 

und Subjektivität radikal zu verändern. 

Plastikaltar mit elektrischer Beleuchtung, italienisches Fabrikat für Frankreich, um 1988. 

Pilgern 

boomt 

14.09.2012 – 03.03.2013 

Museum der Kulturen 

www.mkb.ch 

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Arte Povera. Der grosse Aufbruch 

Anselmo, Boetti, Calzolari, Fabro, Kounellis, Merz, Paolini, 

Pascali, Penone, Pistoletto, Prini, Zorio, aus der Sammlung Goetz 

In den 60er-Jahren formiert sich in Italien mit heute so berühmten 

Künstlern wie Alighiero Boetti, Jannis Kounellis, 

Mario Merz oder Michelangelo Pistoletto eine neue künstlerische 

Bewegung. Charakteristisch ist der Einsatz einfacher 

Mittel und ärmlicher Materialien wie Erde, Glas, Äste, Neonlicht 

oder Wachs. Er steht im durchaus kritischen Gegensatz 

zur immer technologischer werdenden Umwelt und zu den 

Produktionsmechanismen der Massenkultur. In stilistischer 

Anarchie streben Bilder, Objekte, Rauminstallationen und Performances 

danach, zu natürlichen Prozessen und Gesetzmässigkeiten 

zurückzufinden. Das Povere, Poröse bis Fliessende 

der Gestaltungsmittel soll die Wahrnehmung öffnen für «das 

allen Dingen zugrundeliegende Strömen von Energien» (Carolyn 

Christov-Bakargiev). So entstehen prozessorientierte Arbeiten 

im Spannungsfeld von Natur und Kultur, Anarchie und 

Ordnung. In diesen «visualisierten Wahrnehmungsprozessen» 

wird gleichzeitig das grosse kulturelle Erbe – von Antike und 

Renaissance – auf sinnliche und poetische Weise befragt. 

Der Begriff Arte Povera taucht im September 1967 erstmals 

auf als Titel einer in Genua stattfindenden Ausstellung mit 

Künstlern aus Rom, Turin und Mailand, so Boetti, Fabro, Kounellis, 

Pascali, Paolini und Prini, nicht aber Pistoletto und Merz. 

Wortschöpfer ist der Kunstkritiker und Kurator der Genueser 

Ausstellung, Germano Celant. Diese künstlerische Bewegung 


Rainald Schumacher im Gespräch mit der 

Sammlerin Ingvild Goetz 

Rainald Schumacher: Über einhundert Werke der Künstler, die 

unter dem Begriff der Arte Povera Teil der Kunstgeschichte 

des 20. Jahrhunderts geworden sind, bilden einen wichtigen 

Bestandteil in Ihrer Sammlung zeitgenössischer und ganz 

aktueller Kunst. Wann haben Sie begonnen, sich für diese 

italienischen Künstler zu interessieren? 

Ingvild Goetz: Mein Interesse begann Anfang der 1970er- 

Jahre parallel zu den politischen Veränderungen in Deutschland, 

die mich sehr beschäftigten. Bei einer Reihe von Künstlern 

aus dieser Zeit passierte etwas Ähnliches. Sie wollten 

mit Traditionen brechen. Arte Povera läutete eine völlig neue 

Kunst-Ära ein. Sie brach mit der traditionellen Malerei und 

Bildhauerei und setzte sich gleichzeitig mit ihrem italienischen 

jedoch als Künstlergruppe im engeren Sinne zu bezeichnen, 

kann aber schnell irreführend sein. Bei aller Vergleichbarkeit 

der künstlerischen Strategien und des gesellschaftspolitischen 

Engagements herrschte bei den einzelnen Künstlern eine Vielgestaltigkeit 

der formalen Mittel und eine ausgeprägte Individualität 

vor, die sich im Verlauf der 70er-Jahre noch zuspitzte. 

Die Sammlung Goetz ist eine der umfassendsten Sammlungen 

dieser überaus innovativen und wirksamen Kunstbewegung. 

Die grosse Sonderausstellung im Kunstmuseum 

Basel ermöglicht es mit rund 100 Werken, die Aktualität der 

Arte Povera auch für die jüngste Künstlergeneration zu veranschaulichen. 

Zahlreiche Schlüsselwerke sind versammelt, 

die Ingvild Goetz über viele Jahre gesammelt hat und die seit 

Langem nicht mehr öffentlich zu sehen waren. Ausserdem hat 

die Sammlung Goetz ein wichtiges Archiv mit Fotografien und 

Dokumenten angelegt. Sie werden in der Basler Ausstellung als 

Auftakt gezeigt, um die weitverzweigte Dimension dieses grossen 

künstlerischen Aufbruchs erfahrbar zu machen. So wird 

eine Übersichtsschau möglich, die in den späten 50er-Jahren 

einsetzt und zu Beginn der frühen 90er-Jahre endet, wobei das 

Schwergewicht auf der künstlerisch entscheidenden Frühphase 

der Arte Povera liegt. 

Kulturerbe auseinander: Die Künstler interessierte die Kunst 

der Strasse. Sie brachten gefundene und fertige Materialien 

ein und kreierten damit Installationen und Skulpturen, die oft 

auch von Performances begleitet wurden. Das Tafelbild war 

weitgehend verpönt und hatte eher einen performativen oder 

installativen Hintergrund. 

Die frühen 1980er-Jahre waren geprägt von A New Spirit in 

Painting. Die expressiv gestische Malerei feierte eine Art Wiedergeburt. 

Die vermeintliche Kopflastigkeit von Minimal-Art 

oder Concept-Art sollte überwunden werden. Sie aber konzentrierten 

sich in dieser Zeit, die ja dann auch den Aufbruch in 

Ihre bis heute andauernde Tätigkeit als Sammlerin markierte, 

deutlich auf die Künstler der Arte Povera? 

Die Arte Povera entsprach mir mehr als die damals so hochgejubelte 

Malerei, auch mehr als zum Beispiel Minimal- oder 

Pop-Art. Sie musste zum Teil regelrecht entschlüsselt werden. 

Das ist etwas, was ich sehr mag. Sie nahm viel Bezug auf klas- 


Mario Merz, Igloo, 1984 

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Arte Povera 


09.09.2012 – 03.02.2013 


www.kunstmuseumbasel.ch 

sische Themen, auch auf die Tradition, um 

sich gleichzeitig von ihr zu lösen. Und sie gefiel 

mir optisch. Ich musste mich regelrecht 

in eine spezifische Ästhetik hineinarbeiten. 

Wie können wir uns das vorstellen, eine 

Kunstsammlung nimmt ihren Anfang, 

wie geschah das ganz praktisch? 

Nachdem mir aus der Galerietätigkeit 

wenige Arbeiten von Arte-Povera-Künstlern 

übrig geblieben waren – darunter allerdings 

die grossartigen Leinwände von Jannis Kounellis 

Senza titolo, 1959, und Senza titolo, 1961, 

beschloss ich, einen grössten Teil meiner unstrukturierten 

Sammlung zu verkaufen und 

die Arte-Povera-Sammlung zu komplettieren. 

In den Jahren 1991 und 1992 konnte man 

diese Werke noch preiswert erhalten. Wir 

besuchten Sammler, von denen die meisten 

auch bereit waren, Arbeiten herzugeben. Wir 

waren erstaunt, wie katastrophal die meisten 

Kunstwerke gelagert waren. Eine wichtige 

Arbeit von Giulio Paolini entdeckten wir in 

einem Keller, in dem das Wasser zwanzig 

Zentimeter hoch stand. Darin befanden sich 

die meisten Kunstwerke – verschimmelt und 

verrottet. Bei einem anderen Sammler, der 

Kettenraucher war, entdeckten wir einen frühen 

Pistoletto, der mit Tabakrückständen regelrecht 

zugekleistert war. 

Als ich Michelangelo Pistoletto fragte, wie 

ich denn diese Arbeit wieder in ihren Urzustand 

versetzen kann, meinte er, am besten 

mit einen Putzmittel wie Sidolin. Gott sei 

Dank hielt mich seine Frau davon ab, sofort 

nach der Flasche zu suchen. Eine Restauratorin 

hat später diese Arbeit fachmännisch 

zum Glänzen gebracht. 

Wie war die Situation in Italien bei den 

Galerien in den 1990er-Jahren? 

Die Galerien waren unglaublich lebendig 

und sehr aktiv. Allerdings gab es einen völlig 

anderen Umgang mit den Kunstwerken. 

Während wir mit weissen Handschuhen 

die Heiligtümer von hier nach dort trugen, 

wurden in vielen Galerien die Leinwände gerollt, 

Arbeiten zusammengefaltet und unverpackte 

Objekte verschickt. Ich erinnere mich 

noch an die erste Messe in Bologna von 1974, 

an der ich als Galeristin teilgenommen hatte. 

Es gab quasi keinen Besucher, so fingen wir 

Galeristen an, Kunstwerke zu tauschen, zu 

kaufen oder gegenseitig zu verleihen. Sodass 

auf diese Weise ein reger interner Handel begann. 

Ich kaufte mir eine grossartige Arbeit 

von Kounellis. 

Zu meinem Entsetzen brachte mir zwanzig 

Minuten später der italienische Galerist eine 

eng zusammengerollte Arbeit, die vorher 

noch als grosse Leinwand prächtig an der 

Wand hing. Er meinte, das Verfahren wäre 

doch sehr praktisch, so könne ich die Arbeit 

gleich im Flugzeug mitnehmen. Das Ergebnis 

ist, dass sich in den etwa vierzig Jahren so 

viele Craquelés gebildet haben, dass sie kaum 

noch ausgeliehen werden kann. 

Welche Werke waren regelrechte 

Entdeckungen? 

Zum Beispiel die bereits erwähnte Arbeit 

von Giulio Paolini aus dem Keller eines 

Sammlers. Ich habe lange danach gesucht. 

Paolini selbst war hocherfreut, diese Arbeit 

wiederzusehen. Für ihn war sie schon 

verschollen. Das Gleiche galt für Kounellis, 

als er nach vielen Jahren die Skulptur Senza 

titolo, 1976, wieder entdeckte, die ich einem 

Galeristen aus der Nase gezogen hatte. Der 

wollte diese wunderbare Skulptur erst gar 

nicht hergeben. Oder das kleine Portofolio 

von Paolini Ritratto dell’artista come modello, 

1980, das in einer Edition von 100 aufgelegt 

wurde, eine wunderbare Arbeit. 

Auf zwei Raritäten von Alighiero Boetti 

bin ich sehr stolz, das sind Ping Pong, 1966, 

und Buste a Luciano Pistoi, Lavoro postale, 

1975–1976. Ja, und dann noch von Mario Merz 

dieser faszinierende Mantel mit Wachs und 

Neon, Impermeabile, 1966. Das sind seltene 

Arbeiten, für die ich mich sehr einsetzen 

musste, um sie überhaupt kaufen zu können. 

weitere Ausstellung im 

Kunstmuseum Basel, 

Grafikkabinette 

Animalia 

Tierdarstellungen des Barock 

bis 06.01.2013 



Haben Sie etwas gelernt über die Welt, über sich selbst und über 

die Kunst durch das Kennenlernen und die intensive Auseinander- 

setzung mit den Werken und dieser ganz eigenen Ästhetik? 

Mich hatten hauptsächlich der Bruch und die Auseinandersetzung 

mit der Tradition interessiert, die mich persönlich ansprachen, auch 

weil ich, wie schon erwähnt, diese Parallelen zum politisch gesellschaftlichen 

Umbruch in Deutschland sah. 

Die Ästhetik war für mich eine Herausforderung, die ich gerne annahm: 

nämlich meine Sehgewohnheiten zu überprüfen und mich mit einer 

neuen Sichtweise auseinanderzusetzen. 

Arte Povera. In the 1960s, a new movement emerges in Italian art. Many of 

the artists associated with it, such as Alighiero Boetti, Jannis Kounellis, Mario 

Merz or Michelangelo Pistoletto, went on to become famous. Their works are 

distinguished by the use of simple means and poor materials such as soil, glass, 

branches, and wax, a strategy that is explicitly antagonistic to the rising tide 

of technology. In stylistic anarchy, pictures, objects, room installations, and 

performances strive to find a way back to natural processes and laws. Yet these 

visualized processes of perception also address the cultural heritage of antiquity 

in sensual and poetic fashion. 

The Goetz Collection holds one of the most extensive groups of works produced 

by this highly innovative artistic movement. The grand special exhibition at the 

Kunstmuseum Basel will present around one hundred works, also illustrating 

Arte Povera’s relevance to today’s youngest artists. The show will include 

numerous key works created between 1959 and the early 1990s, art Ingvild Goetz 

collected over the course of many years that has not been on public display for a 

long time. Photographs and documents will complement the exhibition to show 

the far-reaching ramifications of this great artistic awakening. 


Giuseppe Penone, Albero di 230 cm, 1977 oben: Luciano Fabro, L'Italia d'oro, 1971 

mitte: Jannis Kounellis, Senza titolo, 1959 

unten: Giovanni Anselmo, Piccola torsione, 1968 

19

20 

Markus Raetz – Zeichnungen 

Das Kupferstichkabinett des Kunstmuseums 

Basel widmet dem Berner 

Künstler Markus Raetz (*1941) ab dem 

20. Oktober eine retrospektive Zeichnungsausstellung. 

Über 200 Aquarelle, Zeichnungen 

und Polaroids sowie 60 Skizzenbücher 

und ein Trickfilm, die zwischen 1960 

und 2012 entstanden sind, zeugen von seiner 

vielfältigen, technisch versierten und oft 

humorvollen Auseinandersetzung mit der 

Wahrnehmung. 

Raetz ist der bedeutendste Schweizer Künstler 

seiner Generation. Seine künstlerische 

Laufbahn begann in der Aufbruchstimmung 

der 1960er-Jahre in Bern, als Harald Szee mann 

die Kunsthalle leitete. Die Konzeptkunst hielt 

Einzug in die Schweiz, und der künstlerische 

Schaffensprozess stand zunehmend im Zentrum, 

während das repräsen tative Einzelwerk 

an Bedeutung verlor. Nach längeren Aufenthalten 

in Amsterdam (1969–1973) und Carona 

(1973–1976) sowie ausgedehnten Reisen nach 

Italien, Ägypten und Tunesien liess sich Markus 

Raetz 1977 in Bern nieder. 

Seit seiner frühen Kindheit zeichnet er 

kontinuierlich und in den 1970er-Jahren phasenweise 

ausschliesslich. Raetz ist der geborene 

Zeichner, Flaneur in der Welt der Wahrnehmung, 

Meisterseher und Forscher auf einer 

lebenslangen Expedition in den Bereich des 

Sichtbaren. Er lässt sich treiben, reagiert mit 

grosser Sensibilität auf alltägliche Situationen 

und beobachtet aufmerksam seine Wahrnehmung. 

Zugleich geht er systematisch und 

konsequent vor, dokumentiert das eigene 

Schaffen mit sorgfältiger Genauigkeit. 

Im Zentrum steht immer die Frage, wie ein 

Bild entsteht, wie es das Sehen reflektiert. So 

Markus Raetz 

Zeichnungen 

20.10.2012 – 17.02.2013 



entstanden etwa Punkt- und Linienraster oder 

Anamorphosen, sogenannte Zerrbilder. Dass 

eine Zeichnung nicht nur auf Papier entstehen 

kann, zeigen die Körpersilhouetten im Sand 

oder Gesichtszüge aus dünnen Ästchen, die er 

fotografisch festhielt. 

Einzelne Modelle von Plastiken und Installationen 

sowie Skulpturen verdeutlichen in 

der Ausstellung, dass Raetz Wahrnehmungsprozesse 

auch im Raum erforscht. Im Zusammenhang 

mit diesen Projekten entstehen 

jeweils präzise und zuweilen spielerische Vorstudien. 

Es gelingt ihm, mit wenigen Linien auf 

einem Blatt Papier die Betrachter auf ihr Sehen 

aufmerksam zu machen, sie im Rahmen dieser 

intimen Begegnung mit einer Zeichnung 

zum Schmunzeln, Stutzen, Überlegen und 

aufmerksameren Sehen zu verführen. 

Robert Gober 

Werke aus der Emanuel Hoffmann-Stiftung und der Öffentlichen Kunstsammlung Basel 

In den Jahren 1994–1995 schuf Robert Gober (*1954, Wallingford, 

Connecticut) die eigens für den Erdgeschossraum des Museums 

für Gegenwartkunst (MGK) entwickelte Installation Split Wall 

with Drains. Nach der von Theodora Vischer kuratierten Einzelausstellung 

wurde das Werk 1995 für die Öffentliche Kunstsammlung 

Basel angekauft. Nicht zuletzt wegen der Komplexität der Installation 

bot sich jedoch seit Langem keine Möglichkeit, sie ein weiteres 

Mal einem Publikum zu präsentieren. Der lange Zeit gehegte 

Wunsch, die spektakuläre Installation erneut aufzubauen, konnte nun 

in enger Zusammenarbeit mit Robert Gober und seinem Studio umgesetzt 

werden. 

Split Wall with Drains bildet das Zentrum einer Schau, die sich 

insbesondere den umfangreichen Robert-Gober-Beständen der Emanuel 

Hoffmann-Stiftung widmet, aber auch der Öffentlichen Kunstsammlung 

Basel sowie einer Privatsammlung. An die grosse Überblicksausstellung 

2007 im Schaulager anknüpfend, werden Objekte, 

Installationen und Zeichnungen gezeigt. Es handelt sich dabei um 

Nachbildungen von Objekten aus dem häuslichen Bereich wie Waschbecken, 

Kaminen und Abflüssen oder einzelnen Körperfragmenten, 

denen psychische, politische und religiöse Konnotationen inne- 

wohnen. Hauptschauplatz dieses herausragenden Œuvres bildet wie 

schon in der ersten Gober-Ausstellung 1995–1996 der Erdgeschossraum, 

der von einer frei stehenden Wand diagonal durchschnitten 

wird. Zwei identische Türöffnungen sind zugleich Ein- und Ausgang, 

doch das Wandstück ist kaum mehr als eine zweidimensionale Fassade, 

wohinter sich nicht der suggerierte Raum auftut, sondern das 

lediglich Durchgänge schafft. Aus dem Grund von im Boden eingelassenen 

Kanalgittern beiderseits der Wand ist Wasser zu hören. Das 

Motiv des Abflusses, auf das Gober hier wieder zurückgreift, taucht 

bereits in frühen Arbeiten auf: Ab 1989 installierte Gober eine Reihe 

von einfachen, individuell konzipierten Abflüssen (Drains) direkt in 

die Wände von Ausstellungsräumen. Der Abfluss kennzeichnet die 

Grenzmarke zwischen Licht und Dunkelheit, Sichtbarem und Verborgenem, 

Innen und Aussen. 

Die Installation stellt aber nicht nur hinsichtlich seiner überwältigenden 

bildnerischen Qualität einen Höhepunkt in Gobers skulpturalem 

Werk dar, sondern hat auch einen einzigartigen Stellenwert, da 

sie für die einmalige Situation des Museums für Gegenwartskunst, 

unter dem selbst ein kleiner Fluss hindurchfliesst, konzipiert wurde 

und somit permanent mit dem Haus verwurzelt bleiben wird. 

Robert Gober 

Werke aus der Emanuel 

Hoffmann-Stiftung und der 

Öffentlichen Kunstsammlung Basel 

06.10.2012 –10.02.2013 

Museum für Gegenwartskunst 



Markus Raetz, Sandzeichnung, Ramatuelle, 10.10.1980 Robert Gober, Split Wall with Drains, 1995 

21

22 

Fondation Beyeler 

Baselstrasse 101, CH-4125 Riehen 

Tel +41 61 645 97 00 

Fax +41 61 645 97 19 

fondation@fondationbeyeler.ch 

www.fondationbeyeler.ch 

Öffnungszeiten. Mo–So 10–18 Uhr, 

Mi 10–20 Uhr 

Eintrittspreise. 

Erwachsene CHF 25.– 

IV/Gruppen ab 20 Pers. CHF 20.– 

Studenten bis 30 Jahre CHF 12.– 

Jugendliche 11–19 Jahre CHF 6.– 

Familienpass CHF 50.– 

Jeden Montag von 10 bis 18 Uhr 

und mittwochs von 17 bis 20 Uhr 

vergüns tigte Eintrittspreise. 

Führungen. Von Montag bis 

Sonntag öffentliche Überblicksführungen 

in deutscher Sprache. 

Sporadisch sonntags in französischer 

und englischer Sprache. 

Private Führungen 

Tel. +41 61 645 97 20. 

Art Club / Freunde. Für Mitglieder 

des «Art Clubs» und «Freunde» 

gelten Vorzugsbedingungen. 

Restaurant Berower Park. 

Täglich geöffnet 10–18 Uhr, 

Mittwoch abends geöffnet 

Tel +41 61 645 97 70 

restaurant@fondationbeyeler.ch 

Artshop. Tel. +41 61 645 97 56 

artshop@fondationbeyeler.ch 

Anreise. Mit Tram Nr. 6 (ab Innenstadt 

und Badischem Bahnhof ), 

Tram Nr. 2 (ab Bahnhof SBB) mit 

Umsteigen bei der Haltestelle 

«Messeplatz» auf Tram Nr. 6. 

Mit Bahn ab Basel SBB und Badischem 

Bahnhof nach Riehen 


St. Alban-Graben 16, CH-4010 Basel 

Tel +41 61 206 62 62 

Fax +41 61 206 62 52 


Öffnungszeiten. Di–So 10–18 Uhr, 

Mo geschlossen 


Ständige Sammlung KM CHF 15.– 

Arte Povera CHF 21.– 

(inkl. ständige Sammlung) 

MGK CHF 12.– 

Kombiticket KM&MGK CHF 25.– 

Führungen. Tel. +41 61 206 63 00 

tours@kunstmuseumbasel.ch 

Sonderveranstaltungen. 

Tel +41 61 206 62 56 

Kupferstichkabinett. 

St. Alban-Graben 16, Basel 

Tel +41 61 206 62 72 

Bibliothek. 


Tel +41 61 206 62 70 

Shop. Postkarten, Posters, T-Shirts, 

Gadgets etc. 

Buchhandlung. 


Tel +41 61 206 62 82 

www.shop.kunstmuseumbasel.ch 

Bistro Kunstmuseum. 


Tel +41 61 271 55 22 

Museum für 

Gegenwartskunst 

St. Alban-Rheinweg 60, Basel 

Tel +41 61 206 62 62 

Di–So 11–18 Uhr, Mo geschlossen. 


www.elaine-mgk.ch 


Paul Sacher-Anlage 1, CH-4002 Basel 

Tel +41 61 681 93 20 

Fax +41 61 681 93 21 

infos@tinguely.ch 

www.tinguely.ch 

Öffnungszeiten. Di–So 11–18 Uhr, 




Schüler, Studenten, 

Lehrlinge, AHV, IV CHF 10.– 

Gruppen ab 20 Personen CHF 10.– 

Kinder/Jugendliche bis 

16 Jahre in Begleitung 

eines Erwachsenen gratis 

Schulklassen. Schulklassen inkl. 

Begleitpersonen haben nach 

telefonischer Voranmeldung freien 

Eintritt: Tel +41 61 681 93 20 

Führungen/Kunstvermittlung. 

Öffentliche Führungen in deutscher 

Sprache So, 11.30 Uhr. Private 

Führungen: Tel +41 61 681 93 20. 

Workshops und Kinderclub: 

Tel +41 61 688 92 70 

Museumsbistro. Das Restaurant 

«Chez Jeannot» liegt direkt an der 

Rheinpromenade. 

Öffnungszeiten: Di–So 10,–18 Uhr 

Reservationen: Tel +41 61 688 94 58 

Privat- und Sonderanlässe auf 

Anfrage 

Museumsshop. Kataloge, Plakate 

und Geschenkartikel 

Onlineshop: www.tinguely.ch 

Anreise. Vom Bahnhof: Tram Nr. 2 

bis Wettsteinplatz; Bus Nr. 31 oder 

38 Richtung Habermatten. Vom 

Badischen Bahnhof: Bus Nr. 36. 

Autobahn: Ausfahrt Basel 

Wettstein, Parkplatz unter der 

Autobahnbrücke vorhanden 

Culture 

SCapeS 

Moskau 

17.10.– 02.12. 

2012 

Weitere Infos: 

culturescapes.ch 

Museum der Kulturen 

Münsterplatz 20, CH-4051 Basel 

Tel + 41 61 266 56 00 

info@mkb.ch 

www.mkb.ch 

Öffnungszeiten. Di–So: 10.00–17.00 

Jeden ersten Mittwoch im 

Monat: 10.00–20.00 



Jugendliche 13–19 J. CHF 5.– 

Personen in Ausbildung CHF 5.– 

IV und Gruppen (ab 10 Pers.) 

CHF 11.– 

Führungen. Jeden Sonntag 

11.00-12.00 Uhr. 

Sporadisch donnerstags 

Mittagsführungen 12.30–13.00 Uhr. 

Private Führungen 

T + 41 61 266 56 00 

Museumsshop. Der Museumsshop 

bietet Accessoires, Geschenkartikel 

und Handwerksartikel aus unterschiedlichen 

Ländern 

Museumsbistro. Gusto-Häppchen 

aus aller Welt im Herzen der Basler 

Altstadt. 

Münsterplatz 20, 4051 Basel 

Di, Mi, Sa, So 10.00–18.00 

Do, Fr 10.00–22.00 

Reservationen: T + 41 61 261 74 44 

Club. «Kulturkreis». Für Mitglieder 

gelten Sonderkonditionen. 

Anreise. Tram Nr. 2 bis Haltestelle 

Kunstmuseum 

Film, Fokus, 

Kunst, literatur, 

Musik, residenz, 

tanz, theater 

Basel, Bern, 

Chur, Zürich 

u.v. m. 


Steinenberg 7 

CH-4051 Basel 

Tel. +41 61 206 99 00 

info@kunsthallebasel.ch 

www.kunsthallebasel.ch 

Öffnungszeiten. 

Di/Mi/Fr 11–18 Uhr 

Do 11–20.30 Uhr 

Sa/So 11–17 Uhr 

Eintrittspreis. CHF 10.–/6.– 

inkl. SAM Schweizerisches 

Architekturmuseum 

Führungen. Jeden Sonntag 12 Uhr 

und jeden zweiten Donnerstag 

18.30 Uhr 

Fondation Fernet Branca, 

Saint-Louis/F 

2, rue du Ballon 

F-68300 Saint-Louis 

Tel. +33 38 969 10 77 

musee-fernet-branca@wanadoo.fr 

www.museefernetbranca.org 


Mi–Fr 12–19 Uhr. 

Mo–Di geschlossen 

Eintrittspreis. Euro 7.–/6.–, 

Kinder unter 12 Jahren gratis 

Führungen. Französisch und 

Deutsch auf Anfrage 

Kunsthaus Baselland 

St. Jakobs-Strasse 170 

CH-4132 Muttenz/Basel 

beim Fussballstadion St. Jakob 

Tel. +41 61 312 83 88 

Fax +41 61 312 83 89 

office@kunsthausbaselland.ch 

www.kunsthausbaselland.ch 


Di/Do–So 11–17 Uhr | Mi 14–20 Uhr 


Eintrittspreis. CHF 7.–/5.– 

Führungen. Auf Anfrage 

La Kunsthalle Mulhouse 

La Fonderie/F 

16, rue de la Fonderie, 

F-68100 Mulhouse 

Tel +33 03 69 77 66 47 

kunsthalle@mulhouse.fr 

www.kunsthallemulhouse.com 


Mi–Fr 12–18 Uhr 

Do bis 20 Uhr 

Sa und So 14–18 Uhr 

Eintrittspreis. Freier Eintritt 

Führungen. Kostenlose Führungen 

Sa und So 15 Uhr, Gruppen 

reservieren unter +33 3 69 77 66 47 

Kloster Schönthal, 

Langenbruck/CH 

CH-4438 Langenbruck 

Tel +41 61 706 76 76 

mail@schoenthal.ch 

www.schoenthal.ch 

Öffnungszeiten. Fr 14–17 Uhr, 

Sa/So 11–18 Uhr 



Studenten/Künstler CHF 8.– 

Familien CHF 20.– 

Gruppen ab 6 CHF 8.– 

Die private Stiftung unterhält das 

Baudenkmal und die Landschaft 

ohne Subventionen 

Vitra Design Museum, 

Weil am Rhein/D 

Charles-Eames-Str. 2, 

D-79576 Weil am Rhein 

Tel +49 76 21 702 32 00 

info@design-museum.de 

www.design-museum.de 

Öffnungszeiten. täglich 10–18 Uhr, 

Eintrittspreis. Euro 8.–/6.50 

Führungen. Führungen durch die 

Ausstellung: Sa/So um 11 Uhr. 

Architekturführungen täglich 

Deutsch: 11, 13 und 15 Uhr 

Englisch: 12 und 14 Uhr 

Anreise. Mit dem Bus Nr. 55 ab Basel 

Claraplatz oder Bad. Bahnhof bis 

Haltestelle Vitra 

Forum Würth 

Arlesheim 

Dornwydenweg 11 

CH-4144 Arlesheim 

Tel +41 61 705 95 95 

Fax +41 61 705 95 96 

forum@wuerth-ag.ch 

www.forum-wuerth.ch 

Öffnungszeiten. Mo bis So 11–17 Uhr 

Eintritt. frei 

Führungen. jeden Sonntag 

um 11.30 Uhr 

Begleitprogramm. siehe 

www.forum-wuerth.ch 

Museum Frieder Burda, 

Baden-Baden/D 

Lichtentaler Allee 8b 

D-76530 Baden-Baden 

Tel +49 07221/39898-0 

office@museum-frieder-burda.de 

www.museum-frieder-burda.de 

Öffnungszeiten. Di bis So 

10–18 Uhr, 

Montag geschlossen 

Eintrittspreis. Euro 10.– 

Führungen. Mi 16 Uhr | Sa, So und 

Feiertage 11 und 15 Uhr 

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Fernand Léger und Henri Laurens 

Zwei Ikonen der klassischen Moderne im Museum Frieder Burda in Baden-Baden 

Gemälde und Skulpturen der beiden Franzosen im Dialog 

Sechs Jahre lang arbeitete Fernand Léger an dem 

Mammutwerk Composition aux deux perroquets (Komposition 

mit zwei Papageien). Auf vier Metern Breite 

und fast fünf Metern Höhe erstreckt sich das imposante 

Ölgemälde, eine Hommage an die Welt der Akrobaten. 

Léger, 1881 in der Normandie geboren, war fasziniert von 

der neuen Technik, aber auch von den Akrobaten, die sich 

beweglich zu menschlichen Pyramiden türmten. Er malte 

sie beinahe skulptural, ohne Schatten, mit voluminösen 

Figuren. Mit runden Formen und Volumen beschäftigte 

sich auch der Bildhauer Henri Laurens, der zur selben Zeit 

wirkte und mit Léger befreundet war. 

Verblüffende Parallelen ergeben sich daher in der grossen 

Doppelausstellung Léger – Laurens. Tête-à-Tête im Museum 

Frieder Burda, die vom 23. Juni bis 4. November 2012 zu 

sehen ist. Erstmals sind die Werke dieser beiden Künstler, 

die prägend für die Moderne waren, gleichzeitig zu sehen. 

Rund 80 Arbeiten werden präsentiert, darunter bedeutende 

Leihgaben aus dem Centre Pompidou in Paris und 

aus privaten Sammlungen. Kurator Jean-Louis Prat, ehemaliger 

Direktor der Fondation Maeght, hat thematische 

Parallelen herausgearbeitet, um zwei Ikonen der Klassischen 

Moderne in einem neuen Licht zu entdecken. 

Fernand Léger gehört zu den herausragenden Vertretern 

der Moderne des beginnenden 20. Jahrhunderts. Wie seine 

Freunde Pablo Picasso und Georges Braque setzt er sich 

mit seiner Zeit auseinander und erarbeitet in der kubistischen 

Phase seines Schaffens Bilder in kräftigen Farben, 

die «Formkontraste». Gleichzeitig mit Henri Laurens, den 

er 1910 kennenlernte, hatte er ein Atelier in der berühmten 

Pariser Künstlerkolonie La Ruche. Unter Einfluss der Kriegsmaschinerien 

begann seine période mécanique (mechanische Periode). Léger 

selbst wäre bei einem Einsatz im Ersten Weltkrieg beinahe ums Leben 

gekommen. Der Mensch wird fortan als anonymes Objekt dargestellt. 

Während des Zweiten Weltkriegs arbeitet Léger in New York und verwendet 

nun leuchtende, reine Farben, die sich schon bald von den 

Formen lösen. 

Henri Laurens erhält früh eine handwerkliche Ausbildung. Tagsüber 

lernt er auf Bauplätzen Steine zu behauen, abends besucht er 

Zeichenkurse. Als er mit dem Kubismus in Berührung kommt, entwickelt 

sich die Idee, in Plastiken, Reliefs und Collagen den analytischen 

Kubismus in die dritte Dimension zu übertragen. Auch Laurens 

war eng mit Georges Braque und Pablo Picasso befreundet. 1921 

löst sich Laurens vom Kubismus und wendet sich der menschlichen 

Figur und dem Volumen zu. Die Dreissigerjahre sind von massigen, 

dynamischen, häufig aus Bronze gefertigten Kompositionen geprägt. 

Dabei findet Laurens zu einem organischen, kurvigen Stil, in dem er 

abstrahierte, rhythmisch bewegte Figuren – meist weibliche Akte – 

von poetischer Kraft realisiert. 

Parallel dazu: 

Knotenskulpturen aus Glas von Jean-Michel Othoniel 

Parallel zur grossen Sommerausstellung Léger – Laurens. Tête-à-Tête 

werden vom 23. Juni bis 4. November 2012 in einer Studioausstellung 

im Museum Frieder Burda neue Arbeiten des zeitgenössischen Künstlers 

Jean-Michel Othoniel gezeigt. Anmutig verbinden sich Othoniels 

überdimensionale Perlenketten und Installationen aus Murano-Glas 

mit der Architektur im öffentlichen Raum. Mit seinen märchenhaften 

Glasskulpturen zieht der Künstler seit Ende der 1990er-Jahre 

international die Aufmerksamkeit auf sich und zählt derzeit zu Frankreichs 

gefragtesten Künstlern. 

In den Skulpturen und Aquarellen der neuen Werkgruppe umkreist 

Othoniel das Thema Nœud (Knoten). Überdimensionale Perlenstränge 

aus verspiegeltem farbigem Glas verschlingen sich zu abstrakten 

Bewegungsknäueln. 

Kommende Ausstellung: 

Ausgewählte Arbeiten aus der Sammlung Frieder Burda 

17. November 2012 bis 6. Januar 2013 

Die Sammlung Frieder Burda umfasst inzwischen rund 1000 

Kunstwerke des 20. und 21. Jahrhunderts – Skulpturen, Objekte, Arbeiten 

auf Papier und vor allem Gemälde. Die Ausstellung zeigt eine 

neue Auswahl dieser Arbeiten. 


Fernand Léger, Composition aux deux perroquets 

(Komposition mit zwei Papageien), 1935–1939, 

Weitere Ausstellung im 

Museum Frieder Burda 

Léger – Laurens 

Tête-à-Tête 

23.06.2012 – 04.11.2012 



Jean-Michel Othoniel 

23.06.2012 – 04.11.2012 



Jean-Michel Othoniel, Sans titre (Collier gris foncé), 2012 

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Jean Tinguely, Study for an end of the world No. 2, Las Vegas, 1962 

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Ein neuer Blick auf Jean Tinguelys Werk 

Sechzehn Jahre und schon über fünfzig Ausstellungen 

ist es her seit Eröffnung des Museum Tinguely 

im Oktober 1996. War die Erinnerung an Jean 

Tinguely als «unser Jeannot» und als öffentliche Person 

damals noch sehr präsent, so rückt mit der zeitlichen 

Distanz sein Œuvre wieder mehr in den Mittelpunkt. 

Tinguely kann heute als wichtiger Impulsgeber der 

internationalen Kunstszene um 1960 wiederentdeckt 

werden. Wir nehmen dies zum Anlass, um sein Werk in 

einer grossen Überblicksausstellung neu zu sichten und 

vorzustellen. 

Zusammen mit der Neupräsentation von Tinguely@Tinguely 

erscheint ein neuer, umfassender Sammlungskatalog, 

der die gewachsene Sammlung und die Arbeit des 

Museums seit 1996 vorstellt und sowohl als Standardwerk 

für die künftige Tinguely-Forschung als auch als 

Nachttischlektüre für Freunde seiner Kunst gedacht ist. 

Die Ausstellung zeigt einen umfassenden Überblick 

über Tinguelys Œuvre und stellt ihn als grossen Erneuerer 

und Erfinder der Kunst und insbesondere der kine- 

von Roland Wetzel* 

tischen Kunst nach der Mitte des 20. Jahrhunderts vor. In 

einem eigentlichen Schaffensrausch erfand er 1954–1955 

mit den Méta-Herbins, den Méta-Malevitchs, den Blanc sur 

blancs, den ersten Machines à dessiner und den Volumes 

virtuels in kurzer Zeit Werkgruppen, die den abstrakten 

Spielformen der europäischen Nachkriegskunst mit ihrer 

Bewegung, der Einbindung des Zufallsmoments und der 

Hinwendung zur Aktivierung der Sinne neue Wege eröffneten. 

Die Méta-Malevitch-Reliefs scheinen die Vorstellung 

Kasimir Malevitchs von der aeronautisch-bewegten 

Animation und Abstraktion der Landschaft mithilfe 

der Kinetik zu erfüllen. Die Méta-Matics, seine Zeichenmaschinen, 

liefern eine der witzigsten und gleichzeitig 

komplexesten Antworten zu Walter Benjamins Diktum 

des «Kunstwerks im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit». 

Tinguelys Schaffen ist von zahlreichen einschneidenden 

Wendungen geprägt. Sie zeigen die Offenheit, 

mit der er seine Kreativität lebte, am Kunstgeschehen 

teilnahm und dieses auch mitgestaltete. 


Iris Clert, Jean Tinguely und Marcel Duchamp in der Ausstellung «les Méta-Matics de Tinguely: les sculptures qui peignent», 1959 

1960 begann er, Aktionen und Happenings mit einer 

durch Objets trouvés bestückten radikalen Schrott-Ästhetik 

zu verbinden und die toten Abfallprodukte der Konsumgesellschaft 

zu neuem, eigensinnig-absurdem, aber 

oft nur kurzem Leben zu erwecken. 

Die sich selbst zerstörenden Kunstwerke und Aktionen, 

die in Paris, London, New York, Humlebæk, in der Wüste 

von Nevada und an weiteren Schauplätzen stattfanden, 

zeigten ihn inmitten einer jungen Generation neodadaistischer 

Aktionskünstler. Homage to New York von 1960 ist 

das erste sich selbst zerstörende Kunstwerk überhaupt. 

Es kommentiert auf dramatische und spektakuläre Weise 

das Potenzial der Zerstörung der Welt, das politisch und 

gesellschaftlich in der Luft des Kalten Krieges lag. Die 

auf ihre mediale Repräsentation angelegte Zerstörungsaktion 

Study for an end of the World No. 2 trug bereits das 

Potenzial der Inszenierung von Landschaft in sich, wie 

es Jahre später mit der Land Art erst richtig entwickelt 

wurde. Eine neue Dynamik ist den ab 1963 entstandenen 

schwarzen Skulpturen eigen. Die Erscheinung der Skulp- 

Jean Tinguely, Méta-Malevitch, 1954 

turen wurde kompakter und durch die mattschwarze Bemalung 

einheitlicher. Mit der für die Expo 1964 in Lausanne 

entstandenen Heureka war ein Höhepunkt in dieser 

Entwicklung erreicht. Die Skulpturen Eos, Bascule, Char, 

Santana und auch Hannibal waren weitere Spielformen in 

dieser Reihe von Werken. 

Für Tinguelys Schaffen waren die seit den 1960er-Jahren 

entstandenen Gemeinschaftsarbeiten von grosser Bedeutung. 

Le Cyclop, der zwischen 1971 und 1991 in Millyla-Fôret 

südlich von Paris entstand, trug die Idee eines 

Gesamtkunstwerks in sich. Es ist eine kollektive «Freundschaftsplastik» 

von über 22 Metern Höhe, die von befreundeten 

Künstlern wie Niki de Saint Phalle, Bernhard 

Luginbühl, Daniel Spoerri, Eva Aeppli und vielen weiteren 

mitgestaltet wurde. 

Mit dem Werkstoff Eisen hat sich Tinguely ein Material 

von grosser Dauerhaftigkeit und Stabilität ausgesucht, 

dennoch thematisiert er in seinen Skulpturen stets die 

Vergänglichkeit oder zumindest die Vergänglichkeit des 

Nutzens dieses Materials in produktiven Apparaten. Der 


Ein neuer Blick auf 

Jean Tinguelys Werk 

07.11.2012 – 30.09.2013 


www.tinguely.ch 

29

30 

Gegensatz zwischen stabilen und ephemeren 

Elementen tritt bei den Brunnenskulpturen 

auf besonders poetische Weise hervor. Beim 

Fasnachtsbrunnen von 1977 entwickelte Tinguely 

eine Meisterschaft darin, die Wasserspritzer 

und Fontänen für Momente der 

Schwerkraft zu entreissen und mit ihnen auf 

vielfältige Weise in die Luft zu zeichnen. Jede 

Wasserskulptur hat ihren eigenen Charakter, 

ihren eigenen Rhythmus und ihre eigene grafische 

Signatur. Zusammen führen sie eine 

theatral-parodistische Wassermusik auf, die 

im Winter zu grandiosen Eisskulpturen erstarrt. 

Tinguelys Skulpturen sprechen den Betrachter 

stets auf mehreren Ebenen an. Sie 

haben kinetische, optische, akustische, 

manchmal auch olfaktorische und haptische 

Ausstrahlung. Eine der vielseitigsten und 

monumentalsten Werkserien sind die vier 

Musikmaschinen, die zwischen 1978 und 

1985 entstanden. Zwei von diesen komplexen 

Grossskulpturen sind im Museum Tinguely 

zu sehen. Die Méta-Harmonie II von 1979 als 

Leihgabe der Emanuel Hoffmann-Stiftung, 

die Fatamorgana Méta-Harmonie IV von 1985 

ist Teil der Sammlung. 


Jean Tinguely, Klamauk, 1979, 

unter den Arkaden des Museum Tinguely 

Zu der Reihe von akustisch wirkenden 

Grossskulpturen kann auch die Grosse Méta- 

Maxi-Maxi-Utopia von 1987 gezählt werden. 

Sie ist als einzige dieser grossen Installationen 

begehbar. Der Mensch wird darin – wie 

bei Charlie Chaplins Modern Times – zum Teil 

oder Produkt der Maschine und verliert sich 

in einem mechanischen Labyrinth und Räderwerk. 

Die Grosse Méta-Maxi-Maxi-Utopia 

ist ein komplexes theatrales Werk, das Tinguelys 

Hang zum Performativen besonders 

zur Geltung bringt. 

Tinguely hatte viele Passionen, eine der 

grössten war seine Faszination für den Motorrennsport. 

Dessen Faszination und Schrecken, 

die hohe Perfektion in der Verbindung 

von Mensch und Maschine, aber auch die latente 

Gefahr von Unfall, Chaos und Tod faszinierten 

ihn ein Leben lang. Die Freundschaft 

mit dem Rennfahrer Jo Siffert eröffnete ihm 

den Blick hinter die Kulissen. Sein Terminkalender 

richtete sich viele Jahre nach den Daten 

der Formel-1-Rennen und führte ihn bis 

nach Japan oder Südafrika. Es liegt auf der 

Hand, dass er diese Eindrücke auch künstlerisch 

verarbeitete. Beim Klamauk von 1979 

konterkariert ein rauchendes, langsam vor- 

wärts kriechendes Rädergetriebe den dynamischen 

Rennwagen. 

Tinguely war einer der radikalsten und 

subversivsten Künstler des 20. Jahrhunderts. 

Viele Grundfragen unserer Existenz scheinen 

in seinen Werken auf: Das Verhältnis des 

Menschen zur Maschine, das Gemeinschaftswerk, 

Schönheit und Nutzlosigkeit der Bewegung, 

der Klang, das Geräusch und die Musik, 

das Schattenspiel, die Leichtigkeit und 

die Schwere, die Auflösung und die Leere, die 

Elemente und die Infragestellung der Rollen 

von Autor, Zuschauer und Kunstwerk. Dass 

Tinguelys künstlerische Errungenschaften 

mit Leichtfüssigkeit, Humor, Ironie und Parodie 

einhergehen, zählt zu den besonderen 

Qualitäten seines Œuvres. Es reicht von duchampschem 

Dadaismus über geometrische 

Abstraktion und kinetische Animation bis 

hin zu barocker Üppigkeit. 

*Roland Wetzel ist Direktor des Museum Tinguely 

und Kurator der Ausstellung 

Seite rechts: Museum Tinguely, Schwimmwasserskulptur von 

Jean Tinguely im Solitude Park 

Tinguely@Tinguely. A new look at Jean Tinguely’s work. When the Museum Tinguely was opened in October 

1996, it already possessed the world’s largest collection of Jean Tinguely’s artistic work. In the past sixteen years 

the collection has grown considerably, making an updated museum catalogue an urgent imperative. The new 

trilingual catalogue is to provide a comprehensive survey of the artist and his life, and of the museum’s collection and 

documentary archive. The publication will be accompanied by an exhibition of the Tinguely Collection, the first for a 

considerable time, spread over the entire display area. 20 years after Tinguely’s death, the new presentation will also 

reflect a revised view of his œuvre. This new perspective will be enriched with an extended educational programme, 

in order to present the Collection in a new light for the upcoming generation. 

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32 

Martin Disler 

im Kloster Schoenthal 

Martin Dislers Skulpturengruppe 

Häutung und Tanz 

erweitert seit diesem Frühjahr 

den Skulpturenpark des Klosters 

Schönthal um ein tief berührendes 

Werk. Der Titel gemahnt zum einen 

an eine Erneuerung, aber auch an die 

Haut als Schnittstelle zwischen den 

Individuen und zwischen Mensch und 

Welt, während andererseits das Thema 

des Tanzes die Figuren in ein und derselben 

dionysischen Ekstase miteinander 

und mit ihrem Schöpfer vereint. 

Disler hatte die damals 66-teilige 

Gruppe in einem für ihn typischen 

Arbeitsschub geschaffen und zuerst 

in der Whitechapel Art Gallery in London 

und danach im Duisburger Lehmbruck 

Museum ausgestellt. Danach 

ging die Reise in die Kunsthalle Basel. 

Das Werk Dislers, das im ersten Augenblick 

keine Glücksgefühle aufkommen 

lässt, sondern brutal und von unguten 

Gedanken getrieben anmuten mag, 

erschliesst sich einem am ehesten 

über die Persönlichkeit des Künstlers. 

Einem sanften, sensiblen Einzelgän- 

ger, der über seine Kunst in Bild – aber 

auch Wort – versuchte, das Unheil dieser 

Welt zu verarbeiten. 

Martin Disler (1949-1996), dessen 

letzte Werke nicht zuletzt vor dem 

Hintergrund des in unmittelbarer 

Nähe stattfindenden Kosovo-Krieges 

entstanden, sind auch eine Klage gegen 

die Unterdrückung religiöser oder 

politischer Gesellschaftsgruppen. Dislers 

Bronzefiguren sind Materialisationen 

seines Körperdenkens. Sie bilden 

Mahnzeichen, in denen der Mensch in 

seiner Zerrissenheit und Verwundbarkeit 

heraufbeschworen wird. Er zeigt 

den Menschen in seiner kreatürlichen 

Gebundenheit, sich windend unter der 

Last der Verzweiflung und namenloser 

Qualen, bestimmt von Sexualität, aber 

auch von Zärtlichkeit durchdrungen. 

Martin Disler 

Skulptur, Malerei und Grafik 

bis 28.10.2012 

Kloster Schönthal, Langenbruck 

www.schoenthal.de 


im Vitra Design Museum 

Die Pop-Art gilt als bedeutendste künstlerische Strömung seit 

1945. Sie nahm den von Starkult, Warenfetisch und medialer 

Reproduktion durchdrungenen Alltag der Nachkriegszeit in 

den Blick und prägt das kulturelle Selbstverständnis unserer Gesellschaft 

bis heute. Ihr zentrales Merkmal war der Dialog von Design 

und Kunst, dem das Vitra Design Museum mit der Ausstellung Pop 

Art Design nun erstmals eine umfassende Ausstellung widmet. Dabei 

werden Werke von Künstlern wie Andy Warhol, Claes Oldenburg, 

Roy Lichtenstein oder Judy Chicago Designobjekten von Charles 

Eames, George Nelson, Achille Castiglioni oder Ettore Sottsass gegenübergestellt. 

Ergänzt wird die Ausstellung um eine Vielzahl weiterer 

Exponate wie Plattencover, Magazine, Filme und Aufnahmen 

zeitgenössischer Interieurs. 

Mit ihrer pointierten Gegenüberstellung von Exponaten aus 

Kunst und Design bietet die Ausstellung nicht nur ein faszinierendes 

Panorama einer Epoche, sondern auch neue Erkenntnisse 

für beide Disziplinen. So zeigt sie, dass das Design für die Pop-Art 

ein wichtiger Impulsgeber und ebenbürtiger Dialogpartner war. 

Zugleich macht sie deutlich, dass Alltagsobjekte genauso wie das 

Radical Design der 1960er-Jahre entscheidende Facetten der Pop- 

Bewegung waren. Statt lediglich den Zeitgeist einer Epoche zu 

feiern, geht es der Ausstellung um einen detaillierteren Blick auf 

das Phänomen Pop: um die Migration von Motiven zwischen Kunst 

und Design, um das Verhältnis von Alltagsobjekt und Abbild, und 

nicht zuletzt darum, wie die Eroberung unseres Alltags durch die 

bis heute dominierende Popkultur begonnen hat. Dieser Blick ist 

deshalb zeitgemäss, weil er nicht zuletzt nach dem Verhältnis der 

Pop-Art zu unserer eigenen Lebenswelt und einer bis heute präsenten 

Konsumkultur fragt. Auch wenn viele Vertreter der Pop-Art 

ihre Haltung hierzu bewusst im Unklaren liessen, so gehört es zu 

ihren historischen Verdiensten, dass sie diese Fragen stets aufs 

Neue ins Bewusstsein rufen. 

Der aktuelle Bezug der Ausstellung wird durch eine Begleitausstellung 

in der Vitra Design Museum Gallery vertieft, die dem 

österreichischen Künstler Erwin Wurm gewidmet ist. Wurm steht 


13.10.2012 – 03.02.2013 

Vitra Design Museum 



mit seinem Werk exemplarisch für die vielen Künstler der Gegenwart, 

die sich in der Nachfolge der Pop-Art mit dem Grenzbereich 

von Kunst und Design, kommerziellen Klischees und Alltagskultur 

befassen. 

weitere Ausstellung in der 

Vitra Design Museum Gallery 

Erwin Wurm 

Home 

14.09.2012 –20.01.2013 

Vitra Design Museum Gallery 




Martin Disler, Skulpturengruppe «Häutung und Tanz», 1990-1991 Martin Disler, Unlöschbares Verlangen, 1991 

Studio 65, Leonardo, Sofa, 1969 James Rosenquist, I Love you with my Ford, 1961 

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SPIELPLAN 2012/2013 

2012 

13 KaTja KaBanoWa oper Leoš Janáček 

Enrico Delamboye Armin Petras 

21 ein TraumspieL sChauspieL august strindberg 

Tomas Schweigen // FADC 

21 Don KarLos sChauspieL Friedrich Schiller Simon Solberg 

23 sChau Lange in Den 

DunKLen himmeL 

szenisChes KonzerT Andreas Schett und Markus Kraler 

Andreas Schett Corinna von Rad 

28 am puLs Der zeiT BaLLeTT Richard Wherlock, Jiří Kylián, Blanca Li 

12 FYRIMMERJUNG juBiLäums - 

shoW 

Theater Basel und Basler Freizeitaktion 

Tom Ryser 

18 oTheLLo TragöDie nach William Shakespeare 

Béatrice Goetz, Patrick Gusset 

19 BIoGRAFIE. EIN SPIEL sChauspieL Max Frisch Amélie Niermeyer 

20 DER SANDMANN oper Andrea Lorenzo Scartazzini 

Tomáš Hanus Christof Loy 

21 LoST CIRCLES – 

IM BAU / ANA ANDRoMEDA 

musiKTheaTerprojeKT 

Michel Roth und Alfred Zimmerlin 

Georges Delnon, Marie-Thérèse Jossen 

08 Lo speziaLe Dramma gioCoso joseph haydn 

David Cowan Massimo Rocchi 

09 Der zauBerer von oz FAMILIENSTüCK Lyman Frank Baum Niklaus Helbling 

15 THE BLACK RIDER – The 

casting of the magic bullets 

01 Die LeiDen Des 

jungen WerTher 

13 moses 

Auszug aus Ägypten 

MUSICAL / 

sChauspieL 

Tom Waits, Robert Wilson, 

William S. Burroughs 

Corinna von Rad Rainer Süßmilch 

sChauspieL Johann Wolfgang von Goethe 

Thom Luz 

sChauspieL Altes Testament 

Simon Solberg 

15 un BaLLo in masChera oper giuseppe verdi 

Giuliano Betta Vera Nemirova 

2013 

10 angsT sChauspieL Robert Harris Volker Lösch 

12 eugen onegin BaLLeTT Richard Wherlock David Garforth 

19 Königinnen sChauspieL Joachim Schloemer und Fritz Hauser 

Joachim Schloemer und Fritz Hauser 

07 manon oper jules massenet 

Enrico Delamboye Elmar Goerden 

08 LiKe a roLLing sTone sChauspieL Tomas Schweigen // FADC 

Tomas Schweigen 

07/ 

08 

HoT BLooD – 

eDuCaTion-projeKT 

08 marThaLer 

LieDeraBenD (arbeitstitel) 

Tanz Richard Wherlock, Beatrice Goetz, 

Dr. Hans-Georg Hofmann 

LieDeraBenD Christoph marthaler 

Christoph Marthaler 

15 CinDereLLa BaLLeTT Stijn Celis Thomas Peuschel 

16 expaTs 

eidgenossen in shanghai 

sChauspieL Gesine Schmidt 

Antje Schupp 

21 anna Karenina sChauspieL Leo Tolstoi Bettina oberli 

12 iDomeneo Dramma per musiCa Wolfgang Amadeus Mozart 

Andrea Marcon David Bösch 

19 Der parK sChauspieL Gabriel Vetter Simon Solberg 

03 vauDeviLLe open air sChauspieL Tomas Schweigen // FADC 

Tomas Schweigen 

16 War requiem oraTorium Benjamin Britten 

Gabriel Feltz Calixto Bieito 

18 DanCeLaB 5 TanzLaBor Tänzerinnen und Tänzer des Ballett Basel 

choreographieren 

31 hänseL unD greTeL KinDeroper Engelbert Humperdinck 

Rolando Garza Ulrike Jühe 

12 ChoreographisChe 

oBjeKTe 

+41/(0)61–295 11 33 

www.theater-basel.ch 

KunsTprojeKT William Forsythe 

William Forsythe 

Uraufführung 

Musikalische Leitung 

Künstlerische Leitung 

Regie 

Choreographie 

Installation 

Design: Ludovic Balland 

Typography Cabinet, Basel 

Zwei Ausstellungen im Dialog 

Tchernobyl on tour von Elena Costelian 

und . . . et s'en aller von Chourouk 

Hriech sind zwei parallel laufende 

Ausstellungen, die sich gegenseitig befragen. 

Beide Ausstellungen begegnen der 

Geschichte – der kleinen und der grossen – 

verbinden diese mit dem zeitgenössischen 

Schaffen und finden in ihr ihre Gründe, ihre 

Komplizen. 

Elena Costelian arbeitet mit der neuen Geschichte; 

derjenigen, von der man noch nicht 

ganz weiss, was man denken soll, und bei der 

vieles auf dem Spiel steht, das weit über den 

individuellen Massstab hinaus-reicht. Ihre 

Installationen sind nach einem realistischen 

Modus konstruiert, haben eine starke Bühnenwirkung 

und lösen beim Betrachter einen 

Schock aus. Man geht nicht ungestraft durch 

das Werk der Künstlerin. Es verunsichert, 

verschiebt unsere Orientierungspunkte, 

sorgt für Befangenheit und Unbehagen beim 

Betrachten einer Welt, die nicht wie gewohnt 

in Erscheinung tritt. 

Im Jahre 2009 hat Elena Costelian einen 

Monat am Rande der «verbotenen Zone», im 

Dorf Volodarka, 40 Kilometer von Tschernobyl 

entfernt, verbracht. Dreiundzwanzig Jahre 

nach der Explosion des Reaktors Nummer 

4 des Lenin-Atomkraftwerks ist die Künstlerin 

auf ein Gebiet und dessen Einwohner 

getroffen, die ihren Erinnerungen und dem 

Tourismus überlassen wurden. Nach ihren 

eigenen Worten ist Tschernobyl zu einem 

Open-Air-Museum geworden. 2011 begann 

die Künstlerin ihr Werk Tchernobyl on tour mit 

Elena Costelian, La Veillée, 2012 

einer Serie von Fotografien, die zum einen 

die Banalität der Stätte enthüllt und gleichzeitig 

deren Ausbeutung aufzeigt. Sie hebt 

die extreme dort herrschende wirtschaftliche 

und politische Zweideutigkeit hervor. Eine 

dort angetroffene Szene hat ihre Aufmerksamkeit 

besonders erregt: Der Probenraum 

des Konservatoriums von Pripjat, der 1986 

evakuierten Stadt. In einem zertrümmerten 

Bühnenbild, einem Raum mit offenen Türen 

und Fenstern, thront ein umgekipptes 

Klavier. Was ist die Geschichte dieser Szene? 

Was löst dieses Bild bei den Leuten aus, die 

es betrachten? In La Veillée nimmt die Künstlerin, 

wie bei einem Bühnenbild, eine treue 

Rekonstruktion des Konservatoriumsraumes 

vor und bringt den Zuschauer dazu, einer zugleich 

grotesken und schmerzvollen Inszenierung 

beizuwohnen. 

Chourouk Hriech bewegt sich auf einem 

Territorium, das vom Auge bis zur Hand 

reicht. Die Distanz zwischen diesen beiden 

Orten überwindet die Künstlerin, indem sie 

einer komplexen Linie folgt, die sich sowohl 

mit ihren Beobachtungen als auch mit ihren 

Erinnerungen und Gefühlen bereichert. Ihre 

Zeichnungen, Wurzelstöcken gleich, entfalten 

sich an den Wänden und führen den 

Zuschauer in eine Welt aus tausendundeiner 

Realitäten, allesamt zum Spaziergang und 

zur Flucht einladend. 

Einfache Details und kleine Zufälle bewohnen 

auf grossem Massstab Chourouk 

Hriechs Werke. Alles bei ihr trägt zur Ausle- 

von Sandrine Wymann* 

gung einer Welt bei, die sich zwischen einem 

zerbrechlichen Horizont und einer stabilen 

Vertikale entfaltet. Zwischen diesen beiden 

Orientierungslinien zeichnet sich ein Kreis, 

Synonym des Zyklus und der Erneuerung. 

Chourouk Hriech befindet sich in diesem 

Raum. Sie bewohnt ihn, vereinigt sich mit 

ihm auf eine unmittelbare und vergängliche 

Weise; durch das Singen und das Tanzen. 

Aus dieser Übereinstimmung werden gezeichnete 

Werke geboren. Die Zeichnungen 

Chourouk Hriechs bilden die sichtbare Seite 

des gegangenen Weges, sie weisen auf eine 

intensive, körperliche und visuelle Navigation 

hin, die zur Beobachtung und zur Fantasie 

anregen. 

Chourouk Hriech geht oft von einer Winzigkeit 

aus und entrollt dann den Faden einer 

Geschichte, die gelesen und nochmals gelesen 

werden kann – so reich ist sie an Möglichkeiten 

und Details. Zwischen zwei Flügen, 

bei einem kurzen Aufenthalt am Marseiller 

Flughafen, hat sie einen chinesischen, pagodenförmigen 

Anhänger gefunden. Der 

Glücksbringer, der Fetisch, ist zum Ausgangspunkt 

der Ausstellung … und fortgehen 

geworden. 

*Sandrine Wymann ist Kuratorin 

der Ausstellung 

Tchernobyl on tour 

. . . et s'en aller 

13.09.2012 – 11.11.2012 

La Kunsthalle Mulhouse 

www.kunsthallemulhouse.com 

Chourouk Hriech, Natures, 2009 

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in der Fondation 

Fernet Branca 

Die Stiftung Fondation Fernet-Branca zeigt derzeit 

das faszinierende Werk von Philippe Pasqua, 

einem der bedeutendsten französischen Künstler 

der Gegenwart. Die Einweihungsausstellung der Stiftung 

ist zugleich auch die erste institutionelle Einzelausstellung 

des 1965 geborenen Künstlers. In der Fondation 

Fernet Branca hat er die Chance, seine Arbeit einem 

breiten Publikum zu präsentieren – ein massgebender 

Schritt für jeden Künstler. 

Mit rund fünfzig Werken aus der Schaffensperiode 

von 1997 bis 2011 ist diese Ausstellung auch eine Gelegenheit, 

den einzigartigen Werdegang Philippe Pasquas 

anhand einer chronologischen und thematischen Lesart 

nachzuvollziehen und ein Werk voll spürbarer Intensität 

zu erleben, in dem die Darstellung des menschlichen 

Körpers und insbesondere des Gesichts im Zentrum eines 

Schaffens stehen, das an Obsession grenzt. 

Die künstlerische Vorgehensweise von Pasqua baut 

auf den grundlegenden Konzepten von Leben und Tod, 

von Freiheit, von der Verletzlichkeit des Wesens auf und 

hinterfragt die Beziehung zur Wirklichkeit. Sein ausdrucksvolles 

und farbenfrohes Werk spiegelt die Welt mit 

romantischem Blick – ganz im künstlerischen Sinn des 

Wortes. Die Farbe ist bei Pasqua ein radikales Ausdrucksmittel. 

Sie verleiht den Gesichtern die existenzielle und 

vitale Präsenz; den Körpern die unglaubliche Leibhaftigkeit 

des Lebens. Die Arbeit von Pasqua steht im Zeichen 

einer Art Obsession des Lebendigen. 

Pasquas Werk bringt das Lebendige in allen erdenklichen 

Zuständen zum Ausdruck: im Taumel von Voodoo-Riten, 

im Operationssaal, unter Narkose, im Gebärvorgang. 

Aber auch Trisomie, Transsexuelle und Blinde 

sind vertreten. Doch auch das unsichtbare Leben, das 

aus uralten Mythen spricht, das Leben in den Augen des 

leidenden Lebewesens – all dies versucht Pasqua seit 15 

Jahren zu erfassen. 

Philippe Pasqua schafft Serien und studiert seine Modelle 

über mehrere Jahre. Ihn interessiert dabei auch die 

Metamorphose des Körpers und des Fleisches, das er mit 

kraftvollem Malstil, mit massivem Farbauftrag und mit 

imposanten Formaten verklärt und sublimiert. Bezeichnend 

für sein Werk ist der offensichtliche Drang, die 

Psyche zu ergründen und den subtilen Ausdruck einer 

gewissen Innerlichkeit und der dramatischen Gefühle 

festzuhalten. Doch dies soll uns nicht in die Irre führen. 

Denn um Pathos geht es in der Malerei von Pasqua nicht. 

Seine Malerei ist existenziell, effizient und vital. 

Als Autodidakt ist Pasqua ein darstellender Künstler 

mit eher klassischer Prägung. Der expressionistische 

Stil, wenn man ihn denn so bezeichnen darf, ist bei ihm 

eher das Zeichen einer körperlichen Performance bei der 

Ausübung seiner Kunst. In seinen monumentalen Gemälden 

misst er sich mit dem jahrtausendealten Kodex 

der bildenden Künste. Seine ästhetischen Vorlieben sind wirksam: grossformatige 

Gemälde; Nahaufnahmen von Gesichtern, von Körpern und Körperteilen 

voller Leben; all dies in einem ebenso massigen wie temperamentvollen Auftrag, 

mit diagonalen Kompositionen und schrillen Farben, mit denen er seine kritische 

malerische Lesart darlegt. 

Indem er aussergewöhnliche Lebewesen darstellt, die im Sinne des Wortes 

«die Norm sprengen», erforscht er Formen und Sujets, die eine wichtige kunsthistorische 

Rolle in der Malerei des Abendlandes gespielt haben. Er verfolgt dabei 

Überlegungsansätze der Gegenwart – wie die ästhetische Verklärung oder Stigmatisierung 

des menschlichen Körpers – aber auch der Kunst an sich. 

Natürlich sind auch britische Einflüsse erkennbar – Lucian Freud beispielsweise 

oder Francis Bacon – die der Künstler nicht abstreitet. Seine Werke werden zudem 

häufig mit den Gemälden von Jenny Saville in Verbindung gebracht, Vorreiterin 

der Young British Artists. Doch gleichwie offensichtlich die künstlerischen 

oder thematischen Verwandtschaften auch sein mögen, der Künstler behauptet 

sich mit einer eigenen, kraftvollen Bildsprache, welche mit der Einzigartigkeit 

und Schönheit des Andersseins spielt. 

Mittwoch bis Sonntag 14h bis 19h 

Das Zentrum für Kunst und Fotografie 

in Lectoure, der Partnerstadt von 

Saint-Louis, ist ein Ort der Reflexion, 

des Austauschs, des Experimentierens und 

der Produktion. Es fokussiert sich auf die 

Auswirkungen der Fotografie in der künstlerischen 

Schöpfung und auf den Platz, den 

das Bild in der heutigen Welt einnimmt. Im 

Rahmen eines kulturellen Austauschs und 

des Festivals l'été photographique in Lectoure, 

dem Leuchtturm-Event des Kunstzentrums, 

werden in der Fernet-Branca-Stiftung und 

im Rathaus von Saint-Louis fünf Fotoausstellungen 

mit internationalem Renommee 

gezeigt. 

Arnold Odermatt 

Einer der Höhepunkte wird sicherlich die 

Fotoausstellung Arnold Odermatt sein, mit 

gemischten Aufnahmen sowohl aus dem Privat- 

als auch dem Berufsleben des Schweizer 

Polizisten. Die Schau zeigt das fotografische 

Schaffen Odermatts in verschiedenen Facetten, 

seine Aufnahmen sind voller Witz und 

mit ausgeprägtem Sinn für die Inszenierung 

entstanden. Beim Betrachten des Werks von 

Arnold Odermatt drängt sich die Frage nach 

dem Stellenwert des Bildes besonders auf. 

Nicht von ungefähr bezeichnete ihn Harald 

Szeemann bildhaft einen «Augen-Menschen», 

als er ihn im Jahre 2001 auf der Biennale 

in Venedig ausstellte. 

Die fotografischen Lesungen von Ananias 

Léki Dago (Elfenbeinküste) offenbaren eine 

plastische Stärke und schaffen mit dieser 

fragmentierten Struktur eine Welt, in der das 

Lokale und das Globale, der internationale 

Standard und die besonderen Kulturbeschaffenheiten 

sich allgegenwärtig überlappen. 

Für Ananias Léki Dago bedeutet «die kreolische 

Sprache eine Redefreiheit; eine Spra- 

che wird dekonstruiert, um eine neue aufzubauen.» 

Und er fügt hinzu: «Mein Kreolisch 

ist die Fotografie.» 

Die Fotografin Adriana Lestido (Argentinien) 

bewegt sich nicht vorrangig auf einem 

künstlerischen Gebiet. Ihre Arbeiten sind vor 

allem dokumentarischer Natur, so dass sie zu 

der Gruppe der «mitfühlenden Fotografen« 

zählt, deren Initiator Eugene Smith war. Ihr 

Anliegen ist das Leiden gewisser Frauengruppen 

aufzudecken und anzuklagen. Ihre 

Fotografien enthalten aufgrund ihrer plastischen 

Kraft eine Aussagekraft, die ihren dokumentarischen 

Status hinter sich lässt und 

die Beziehung des Betrachters mit den fotografierten 

Personen bereichert. 

Die Arbeiten von Claudia Imbert (Frankreich) 

enthalten eine «oberflächliche Härte» 

mit einem unweigerlichen Verweis auf die figurative 

Tradition. Sie erinnern an «das Universum 

von Edward Hopper», der es meisterhaft 

beherrschte, in seinen Malereien 

die Monotonie des Alltagslebens der amerikanischen 

Mittelklassen darzustellen. Ihre 

makellosen, schlichten, nahezu klinischen 

Dekors, wie die Musterwohnungen, in denen 

sie ihre archetypischen Personenfiguren 

aufstellt, verstärken die Gefühle von Einsamkeit, 

Introspektion, Melancholie, welche sie 

zu durchdringen scheinen. 

Die künstlerische Herangehensweise von 

Nicola Costantino (Argentinien) ist sehr 

explizit; sie ist keine Fotografin, sondern 

Bildhauerin ihres eigenen Körpers, den sie in 

der Reihe der ausgestellten Fotos auf die Figuren 

der Meisterwerke der Kunstgeschichte 

überträgt. Mittels der Fotografie erstellt sie 

die Imitation eines Meisterwerkes, in das sie 

heimlich ihr Abbild einfügt. Dieser «transformistische» 

Ansatz ähnelt jenem von 

Künstlern wie Claude Cahun, Cindy Sherman 

oder Michel Journiac. 

Mittwoch bis Sonntag 14h bis 19h 


Ausstellungen 

Arnold Odermatt (Schweiz), Claudia Imbert (Frankreich), 

Adriana Lestido (Argentinien), Ananias Léki 

Maler und Bildhauer: 

Dago, (Elfenbeinküste) 

Ausgewählte Werke 

16.09.2012 – 09.12.2012 

Fondation Fernet Branca 

vom 29. September bis zum 9. Dezember 2012 - 

Fondation Fernet Branca Saint-Louis 

Nicola Costantino (Argentinien) 

vom 29. September bis zum 4. November 2012 – 

Artinside www.museefernetbranca.org 

Forum im Rathaus, Saint-Louis 


Philippe Pasqua, Aveugle n o 4, 2010 

Fotoausstellung 

in Saint-Louis 

Arnold Odermatt, Buochs, 1965 

Ausstellung von Fotografien 

aus dem Centre de 

Photographies de Lectoure 

05.10.2012 – 09.12.2012 

Fondation Fernet Branca 

www.museefernetbranca.org 

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Bedeutende Ausstellungen ausserhalb der Region Basel 

Aarau | Kunsthaus 

La jeunesse est un art – 

Jubiläum Manor Kunstpreis 2012 

Das Aargauer Kunsthaus präsentiert 

mit La jeunesse est un art eine 

grosse Überblicksausstellung zum 

zeitgenössischen Kunstschaffen in der 

Schweiz. Die Schau ist als fundierte 

Standortbestimmung der vielfältigen 

und dynamischen jungen Schweizer 

Kunstszene angelegt. Die in der 

Ausstellung vereinten und aus allen 

Landesregionen stammenden 49 

Künstlerinnen und Künstler sind unter 

40 Jahre alt und präsentieren eigens für 

Aarau neu realisierte Arbeiten. Anlass 

zur Ausstellung bietet das 30-jährige 

Jubiläum des Manor Kunstpreises, 

einem der wichtigsten Förderpreise des 

zeitgenössischen Kunstschaffens in 

unserem Land. 

bis 18.11.2012 

www.aargauerkunsthaus.ch 

Bern | Kunstmuseum 

Antonio Saura – 

die retrospektive 

Zusammen mit der Stiftung archives 

antonio saura in Meinier bei Genf, die 

den umfangreichen künstlerischen 

und schriftstellerischen Nachlass des 

Künstlers konserviert, wissenschaft- 

lich aufarbeitet und öffentlich zugänglich 

macht, zeigen das Kunstmuseum 

Bern und das Museum Wiesbaden eine 

über 190 Werke umfassende Retrospektive, 

die das Gesamtwerk des Künstlers 

in seiner ganzen Breite und Komplexität 

ausleuchtet. 

bis 11.11.2012 

www.kunstmuseumbern.ch 

Valentin Carron, Ciao N° 4 (nero), 2012 

Antonio Saura: Le chien de Goya n°2, 1985 

Bern | Zentrum Paul Klee 

Meister Klee! 

Lehrer am Bauhaus 

Neben seiner künstlerischen Arbeit 

unterrichtete Paul Klee von 1920 bis 

1931 über zehn Jahre am Bauhaus. Die 

Ausstellung orientiert sich an den 24 

Kapiteln von Klees Gestaltungslehre. Zu 

jedem Kapitel wird eine Auswahl der 

Notizen ausgestellt. Die Schau bildet 

den Abschluss eines vierjährigen Forschungsprojekts. 

Mit der Unterstützung 

des Schweizerischen Nationalfonds SNF 

und der Paul-Klee-Stiftung konnte Klees 

Bildnerische Gestaltungslehre aufgearbeitet 

und publiziert werden. 

bis 06.01.2013 

www.zpk.org 

Solothurn | Kunstmuseum 

Aldo Solari: Im Feld 

der Schwimmer 

Der in Basel lebende Künstler Aldo 

Solari wendet sich mit grosser Konsequenz 

dem Thema der menschlichen 

Figur zu. Nach seinem expressiven 

Frühwerk, das noch im Umkreis der 

Figuration der 1980er Jahre rezipiert 

wird, tritt bald die malerische und 

inhaltliche Recherche in den Vordergrund. 

Die Ausstellung ist weitgehend 

chronologisch aufgebaut. Mit dem 

punktuellen Einbezug von Werken 

anderer Schaffensphasen wird diese 

Chronologie jedoch in vielen Sälen aufgebrochen, 

um daran die inhaltlichen 

und formalen Verbindungen sichtbar 

zu machen. 

bis 11.11.2012 

www.kunstmuseum-so.ch 

St. Gallen | Kunstmuseum 

Over the Rainbow 

Über Glückseligkeit der Kunst 

bis 28.10.2012 

www.kunstmuseumsg.ch 

Thun | Kunstmuseum 

We proudly present... 

Sammlung Kunstmuseum Thun 

Die Sammlung bildet gleichzeitig die 

Seele und das Rückgrat des Kunstmuseum 

Thun. Mit Stolz werden jährlich 

Glanzstücke aus dem über 7000 Werke 

umfassenden Bestand ausgewählt und 

in einer eigenen Ausstellung unter 

einem spezifischen Thema präsentiert. 

Das Kunstmuseum Thun nutzt die 

diesjährige Sammlungsausstellung, 

um über die eigene Sammlung nachzudenken. 

Ausgangspunkt bildet dabei 

ein kritisches Überprüfen der eigenen 

Bestände. 

bis 30.09.2012 

www.kunstmuseumthun.ch 

Winterthur | Kunstmuseum 

Félix Vallatton – Zeichnungen 

Erstmals widmet sich nun eine 

Ausstellung seinem zeichnerischen 

Schaffen, das Vallotton durchaus als eigenständige 

Ausdrucksform verstand. 

Anhand von 130 Blättern, von denen 

viele noch unpubliziert sind, werden 

alle Schaffensphasen Vallottons ebenso 

wie die verschiedenen von ihm gepflegten 

Gattungen präsentiert. 

15.09.2012 bis 26.11.2012 

www.kmw.ch 

Winterthur | Museum Oskar 

Reinhart am Stadtgarten 

Schwarz auf Weiss 

Oskar Reinhart (1885–1965) war ein 

ambitionierter und leidenschaftlicher 

Kunstsammler, der seine ersten Erwerbungen 

auf dem Gebiet der Druckgraphik 

tätigte. Das Winterthurer 

Museum zeigt Druckgrafik von Dürer 

bis Picasso aus seiner Sammlung, der 

am Ende seines Lebens rund 7000 

Grafiken aus der Zeit vom 15. bis zum 

frühen 20. Jahrhundert hinterliess. 

bis 30.09.2012 

www.museumoskarreinhart.ch 

Zürich | Kunsthaus 

Paul Gaugin – 

das druckgrafische Werk 

Paul Gauguin (1848 – 1903) ist weltberühmt 

als einer der Gründerväter 

der modernen Malerei. Zu wenig ist 

aber bis heute bekannt, dass Gauguin 

auch ein zwar relativ schmales, aber 

vielfältiges und innovatives grafisches 

Werk hinterlassen hat. Hauptsächlich 

handelt es sich dabei um Holzschnitte. 

Gauguin fand im Holzschnitt das 

ideale Ausdrucksmittel für seinen flächenbetonten, 

nicht illusionistischen 

Stil. Doch während in den Gemälden 

vorab die heitere und unbekümmerte 

Seite der Welt der Südsee zur Geltung 

kommt, zeigt uns das Holzschnittwerk 

auch die abgründige, die nächtliche 

und dämonische Seite des Tropenparadieses. 

Die Ausstellung wird das grafische 

Werk Gauguins beinahe vollständig 

in ca. 60 Blättern der allerhöchsten 

Qualität und Seltenheit präsentieren. 

28.09.2012 bis 20.01.2013 

www.kunsthaus.ch 

Zürich | Landesmuseum 

Postmodernism. Style and Subversion 

1970 – 1990 

Das Victoria and Albert Museum London 

(V&A) ist das weltweit führende 

Museum für Kunst und Design. Mit der 

einzigartigen Ausstellung «Postmodernism. 

Style and Subversion 1970–1990» 

kommt das V&A ins Landesmuseum 

Zürich. Zum ersten Mal wird diese 

Epoche in einer umfassenden Präsentation 

anhand von internationalen Objekten 

aus den Bereichen Architektur, 

Design, Musik und Grafik gewürdigt. 

bis 28.10.2012 

www.slmnet.ch 

Aldo Solari, Ohne Titel (Taucher), 2005 Alfred Glaus: Walalp, 1944 Paul Gauguin, Noa Noa, 1893 / 94 

Amsterdam | Hermitage 

Impressionismus – Highlights 

der Hermitage 

Die Aussenstelle der St. Petersburger 

Hermitage zeigt die schönsten Werke 

des Impressionismus', darunter Arbeiten 

von Claude Monet, Pierre-Auguste 

Renoir und Camille Pissarro. 

bis 13.01.2013 

www.hermitage.nl 

Berlin | Deutsche Guggenheim 

Gabriel Orozco: Asterisms 

Asterisms, das achtzehnte Projekt in 

der Reihe von Auftragsarbeiten des 

Deutsche Guggenheim, ist eine zweiteilige, 

aus Objekten und Fotografien 

bestehende Installation von Gabriel 

Orozco. Für dies Werk hat der Künstler 

Tausende von Gegenständen gesammelt, 

die an zwei Orten weggeworfen 

wurden: auf einem Sportplatz nahe 

seiner Wohnung in New York und in 

Baja California Sur. 

bis 21.10.2012 

www.deutsche-guggenheim.de 

Berlin | Martin-Gropius-Bau 

Mythos Olympia – Kult und 

Spiele. 

Die grosse Ausstellung widmet sich 

dem antiken Heiligtum von Olympia, 

dem dortigen Kult und den dabei 

veranstalteten Wettkämpfen, die alle 

vier Jahre auch hinter den modernen 

olympischen Spielen aufleuchten. 

Über 500 wertvolle Leihgaben aus 

Griechenland sind zu sehen. Wichtige 

Leihgaben aus dem Vatikan, aus Paris, 

Rom, Dresden und München ergänzen 

das große Panorama. 

30.04. bis 09.08.2010 

www.berlinerfestspiele.de 

Berlin | Kunst-Werke 

Wael Shawky – 

Al Araba Al Madfuna 

Der ägyptische Künstler Wael Shawky 

ist ein Geschichtenerzähler: Historiographische 

und literarische Quellen 

bilden den Ausgangspunkt seiner 

dichten filmischen Erzählungen, in 

denen er Mythen, Fakten und Fiktion 

miteinander verwebt. Seine poetischen 

Inszenierungen historischer Ereignisse 

lassen verborgene Hintergründe 

aktuellen Denkens und Agierens 

hervortreten und uns Vergangenheit 

wie Gegenwart neu denken. 

bis 21.10.2012 

www.kw-berlin.de 

Berlin | Hamburger Bahnhof 

Cy Twombly & the School of 

Fontainebleau 

Cy Twombly gehört zu einer ausgesuchten 

Gruppe von Künstlern, die 

mit umfassenden Werkkomplexen in 

der Sammlung Marx vertreten sind. Im 

Aufbau seiner Sammlung konzentrierte 

sich Erich Marx zunächst auf 

Joseph Beuys, Anselm Kiefer, Robert 

Rauschenberg, Cy Twombly und Andy 

Warhol. In der Kleihueshalle werden 

Hauptwerke dieser Künstler permanent 

präsentiert. Darüber hinaus 

ermöglichen es thematische Umhängungen, 

einzelne Werkgruppen in neue 

Kontexte zu bringen und so die Auseinandersetzung 

mit ihnen zu vertiefen. 

bis 07.10.2012 

www.hamburgerbahnhof.de 

Köln | Museum Ludwig 

David Hockney: A bigger Picture 

Die Ausstellung basiert in veränderter 

Form auf der von Marco Livingstone 

und Edith Devaney kuratierten Ausstellung 

A Bigger Picture des britischen 

Künstlers David Hockney in der Royal 

Academy London. 

27.10.2012 bis 03.02.2013 

www.www.museenkoeln.de 

Camille Pissarro, Place du Théâtre Français in Paris, 1898 | Marmor; ca 510 v.Chr | Cy Twombly: School of 

Fontainebleau, 1960 | Ernst Ferdinand Oehme, Prozession im Nebel, 1828 | Mark Manders, Silent Factory, 2000 

Frankfurt | Städel 

Schwarze Romantik von Goya 

bis Ernst 

Erstmals in Deutschland widmet sich 

damit eine Ausstellung der dunklen 

Seite der romantischen Strömung und 

ihrer Fortführung im Symbolismus 

und im Surrealismus. 

26.09.2012 bis 20.01.2013 

www.staedelmuseum.de 

OSKA Freiburg 

Gerberau 40 

79098 Freiburg 

T +49 761 28 52 03 90 

Mo bis Fr 10.30 – 19.00 Uhr 

Samstag 10.30 – 18.00 Uhr 

www.oska-freiburg.de 

OSKA Konstanz 

Salmannsweilergasse 8 

78462 Konstanz 

T +49 7531 284 5555 

Mo bis Fr 10.30 – 19.00 Uhr 

Samstag 10.30 – 18.00 Uhr 

www.oska-konstanz.de 

München | Pinakothek der 

Moderne 

Im Raum des Betrachters – 

Skulptur der 

Gegenwart 

Werke vieler 

internationaler 

Künstler belegen 

das breite Spektrumzeitgenössischer 

Skulptur von 

Wandreliefs und 

Assemblagen bis hin zu Licht- und 

Filminstallationen. 

bis 09.10.2012 

www.pinakothek-der-moderne.de 

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Galerien in der Region Basel 

Gerhard von Graevenitz 

Christian Andersson, Study for Fife Fingers (Match), 2012 

Flavio Paolucci (1934), 104 K, Dal ruscello, 2010 

Holz, Papier, Farbe, Glas, Bronze, 108 x 112 cm 

VON BARTHA COLLECTION 

Schertlingasse 16, Basel 

+41.61.271 63 84 

www.vonbartha.com 

GERHARD VON GRAEVENITZ 

bis 20.10.2012 

VON BARTHA GARAGE 

Kannenfeldplatz 6, Basel 

+41.61.322 10 00 

www.vonbartha.com 

THE GREAT AND SECRET SHOW 

BY CHRISTIAN ANDERSSON 

bis 10.11.2012 

CARZANIGA 

Gemsberg 8, Basel 

+41.61.264 30 30 

www.carzaniga.ch 

FLAVIO PAOLUCCI, SERGE 

BRIGNONI, LENZ KLOTZ 

25.08. – 13.10.2012 

First Choice - 

From Private Collections V 

20.10. – 24.11.2012 

Vernissage: 20.10.2012, 11 – 15 h 

Nicoletta Stalder: Streichholzbaum 2012. 

Mixed Media, ca 140x140 cm, Foto: Mark Niedermann 

Paolo Serra, Ohne Titel, 2011, Stahl rostpatiniert 

66,6 x 33,3 x 33,3 cm, 2-teilig 

Thomas Pistol, Strassenszene, 2010 

Acryl auf Leinwand, 80 x 140 cm 

GRAF & SCHELBLE 

Spalenvorstadt 14, Basel 

+41.61.261 09 11 

www.grafschelble.ch 

NICOLETTA STALDER: SECOND LIFE. 

Bilder, Fotografien, Objekte 

bis 13.10.2012 

EINSICHTEN & ANSICHTEN. 

Druckgrafik aus 110 Jahren 

16.11. – 22. 12.2012 

HENZE & KETTERER & TRIEBOLD 

Wettsteinstr. 4, 4125 Riehen 

+41.61.641 77 77 

www.henze-ketterer-triebold.ch 

PAOLO SERRA 

Variationen über ein Thema 

bis 17.11.2012 

Henze & Ketterer & Triebold an der 

FIAC Paris: 18.10. – 21.10.2012 

HILT 

Freie Strasse 88, Basel 

+41.61.272 09 22 

www.galeriehilt.ch 

KARL MOOR (1904 – 1991) 

Ölgemälde, 31.08.12 – 13.10.12 

THOMAS PISTOL 

Stadtgeschichten, 20.10.12 – 01.12.12 

ALEX ZÜRCHER 

Fische! 18.12.12 – 19.01.13 

Wiedereröffnet: 

Galerie HILT – Espace Africain 

St. Alban-Vorstadt 52, Basel 

Genviève Duley, © by the Artist 

John Zinsser, Totem Rising 2012 

Oil and Enamel on Canvas 14x10 inch 

KATHARINA KROHN 

Grenzacherstr. 5, Basel 

+41.61.693 44 05 

www.galerie-katharina-krohn.ch 

GENEVIEVE DULEY 

TAMI KOMAI 

Arbeiten auf und mit Papier 

CHRISTIANE SCHLOSSER 

19.10. – 24.11.2012 

ALLE JAHRE WIEDER 

Künstler der Galerie 

ab 07.12.2012 

MITART 

Reichensteinerstrasse 29, Basel 

+41.61.692 90 20 

www.mitart-gallery.com 

JOHN ZINSSER . KATRIN HOTZ 

feelings of knowing . 

malerei . fotografie 

07.11. – 08.12.2012 

Vernissage: 07.11.2012, 18 – 20 h 

Artist Talk: 21.11.2012, 18.30 h 

upcoming 

MIGTH BE LOVE 

Weihnachtssausstellung 

19.12. – 17.02.2012 

Vernissage 19.12.2012: 18 – 20 h 

Valentina Stieger, Installation Empty Season, 2011 

Daniela Keiser, Fotoserie Botanik, 2012 

Walter Ropélé, Im hohen Licht. San Bernardino, 2012, 

Acryl auf Leinwand, 100 x 120 cm, signiert und datiert 

STAMPA 

Spalenberg 2, Basel 

+41.61.261 79 10 

www.stampa-galerie.ch 

VALENTINA STIEGER 

Good Figures 

31.08.2012 – 27.10.2012 

DANIELA KEISER 

Fotografische Werke 2000-2012 

31.08.2012 – 27.10.2012 

DANIEL BLAISE THORENS 

Aeschenvorstadt 15, Basel 

+41. 61. 271 72 11 

www.thorens-gallery.com 

WALTER ROPéLé 

Bildnachweis | Titelseite: Edgar Degas, Danseuses jupes jaunes (Deux Danseuses en jaune) um 1896, Privatsammlung, Foto: © Christies Images Limited 1012, Bridgeman | S.3 Sam Keller in der Fondation Beyeler, Foto: Nik Hunger | 

S.4 v.o.n.u. Edgar Degas, Jockey blessé, um 1896/98, Kunstmuseum Basel, Foto: Kunstmuseum Basel, Martin P. Bühler | Pamela Rosenkranz, Firm Being (Serie/series) 2009, Courtesy the artist und / and Karma International, Zürich / Zurich, 

Installationsansicht Our Sun, Istituto Svizzero, Venedig / Venice, 2009, Installationsansicht, Foto: Gunnar Meier | Mario Merz, Impermeabile, 1966, Courtesy Sammlung Goetz, Foto: Wilfried Petzi, München © ProLitteris, Zürich | S.5 v.o.n.u. 

Jean-Michel Othoniel, © Museum Frieder Burda, Baden-Baden | Jean Tinguely, Study for an End of the World, No. 2, Las Vegas, 1962 | Martin Disler, Skulpturengruppe, Häutung und Tanz, 1990/91 © Kloster Schönthal, Langenbruck/BL | Studio 

65, Leonardo, Sofa, 1969, Collection Vitra Design Museum © Vitra Design Museum | Arnold Odermatt, Buochs, 1965, © Urs Odermatt, Windisch, CH, Courtesy Springer & Winckler Galerie, Berlin and Galerie GP&N Vallois, Paris | S.6-7 

Edgar Degas, Devant le miroir, um 1889, Hamburger Kunsthalle © Hamburger Kunsthalle/bpk, Foto: Elke Walford | S.8 Edgar Degas, Danseuses, um 1896, Privatsammlung, Asien, Foto: © Christie's Images Limited 1012 | S.9 Edgar Degas, 

Danseuses (Pink and Green), um 1890, The Metropolitan Museum of Art, New York, H.O. Havemeyer Collection, 1929, Foto: © 2012, bpk, The Metropolitan Museum of Art/Edgar Degas | S.10 Edgar Degas, Le Vésuve, 1892, E.W.K., Bern, Foto: 

© Sig. E.W.K., Bern | S.11 Edgar Degas, Chevaux de courses. (Avant la course), 1884, Detroit Institute of Arts, Gift of W. Warren and Virginia Shelden in memory of Mrs. Allan Shelden, Foto: © Christie's Images Limited, 1012/Bridgeman | S.12 

Edgar Degas, Femme au tub, um 1883, Tate, bequeathed by Mrs. A. F. Kessler, 1983, Foto: © Tate, London 2012 | S.13 Edgar Degas, La sortie du bain, um 1895, Privatsammlung, Foto: © Boltin Picture Library/The Bridgeman Art | S.14 Pamela 

Rosenkranz, Firm Being (Chocolate Milk), 2009, Courtesy the artist und / and Karma International, Zürich / Zurich, Foto: Gunnar Meier | S.15 Plastikaltar mit elektrischer Beleuchtung, Italienisches Fabrikat für Frankreich, um 1988, © MKB; 

Fotograf: Derek Li Wan Po | S.17 Mario Merz, Igloo, 1984+1992, Courtesy Sammlung Goetz, Foto: Wilfried Petzi, München © ProLitteris, Zürich | S.18 Giuseppe Penone, Albero di 230 cm, 1977, Courtesy Sammlung Goetz, Foto: Wilfried Petzi, 

München © ProLitteris, Zürich | S.19 oben: Luciano Fabro, L'Italia d'oro, 1971, Courtesy Sammlung Goetz, Foto: Wilfried Petzi, München © ProLitteris, Zürich | S.19 mitte: Jannis Kounellis, Senza titolo, 1959, Courtesy Sammlung Goetz, 

Foto: Wilfried Petzi, München © ProLitteris, Zürich | S.19 unten: Giovanni Anselmo, Piccola torsione, 1968, Courtesy Sammlung Goetz, Foto: Wilfried Petzi, München © ProLitteris, Zürich | S.20 Markus Raetz, Sandzeichnung, Ramatuelle, 

1980, M.&M. Raetz © Pro Litteris, Zürich | S.21 Robert Gober, Split Wall with Drains, 1995, Kunstmuseum Basel, Ankauf 1995 Foto / Foto credit: Martin P. Bühler, Kunstmuseum Basel | S.24 Fernand Léger, Composition aux deux perroquets 

(Komposition mit zwei Papageien), 1935-1939, Centre Pompidou / Musée national d`art moderne, Paris, Schenkung des Künstlers, 1950, abgewickelt 1953 ©bpk/CNAC-MNAM/Jacques Faujour, © VG Bild-Kunst, Bonn 2012, Abdruck honorarfrei im 

Rahmen der Ausstellung im Museum Frieder Burda in Baden-Baden| S.25 Jean-Michel, Othoniel, Sans titre (Collier gris foncé), 2012, © Museum Frieder Burda, Baden-Baden | S.26-27 Jean Tinguely, Study for an End of the World, No. 2, Las Vegas, 1962 | 

S.28 Iris Clert, Jean Tinguely und Marcel Duchamp in der Ausstellung «les Méta–Matics de Tinguely: les sculptures qui peignent», Galerie Iris Clert, Paris, 1959, Fotograf unbekannt | S.29 Jean Tinguely, Méta-Malevitch, 1954, Relief méta-méchanique, 

© Foto: 2012, Museum Tinguely Foto: Christian Baur | S.30 Jean Tinguely, Klamauk, 1979, Unter den Arkaden des Museum Tinguely, © Museum Tinguely, Basel 2012 | S.31 Museum Tinguely mit Schwimmwasserskulptur von Jean Tinguely im Solitude 

Park, 2011 © Museum Tinguely | S.32 oben: Martin Disler, Skulpturengruppe, «Häutung und Tanz», 1990/91 © Kloster Schönthal, Langenbruck/BL unten: Martin Disler «Unlöschbares Verlangen», 1991, © Kloster Schönthal, Langenbruck/BL 

| S.33 oben: Studio 65, Leonardo, Sofa, 1969, Collection Vitra Design Museum © Vitra Design Museum S.33 unten: James Rosenquist, I Love you with my Ford, 1961, Collection Moderna Museet © VG Bild-Kunst, Bonn 2012, Foto: Moderna Museet / 

Stockholm | S.34 links: Elena Costelian, La Veillée, 2012, Installation ©Elena Costelian | S.34 rechts: Chourouk Hriech, Natures, 2009, © Chourouk Hriech | S.36 Philippe Pasqua, Aveugle, n°4, 2010, © Philippe Pasqua, Courtesy Galerie | S.37 Arnold 

Odermatt, Buochs, 1965, © Urs Odermatt, Windisch, CH, Courtesy Springer & Winckler Galerie, Berlin and Galerie GP&N Vallois, Paris | S.38 Valentin Carron, Ciao N° 4 (nero), 2012, Courtesy Galerie Eva Presenhuber, Zürich, Foto: Annik Wetter, 

Genf | Antonio Saura: Le chien de Goya n°2 (1985), © succession antonio saura, © 2012, ProLitteris, Zürich | Aldo Solari, Ohne Titel (Taucher), 2005 | Alfred Glaus: Walalp, 1944 | Sammlung Kunstmuseum Thun | Paul Gauguin, Noa Noa, 1893 / 94, 

Privatbesitz | S.39 Camille Pissarro (1830–1903), Place du Théâtre Français in Paris, 1898,© State Hermitage Museum St Petersburg | Marmor; ca 510 v.Chr., National Archaeological Museum, Athens, © The Hellenic Ministry of Culture and Tourism, 

Archaeological Receipts Fund. Foto: Socratis Mavrommatis | Cy Twombly: School of Fontainebleau, 1960, Sammlung Marx © Cy Twombly Foundation | Ernst Ferdinand Oehme, Prozession im Nebel (Detail), 1828, Galerie Neue Meister, Staatliche 

Kunstsammlungen Dresden | Mark Manders, Silent Factory, 2000, Bayerische Staatsgemäldesammlungen, Sammlung Moderne Kunst München, 2003 | S.42 v.o.n.u.: Pablo Picasso, Arlequin assis, 1923, Depositum der Einwohnergemeinde der Stadt 

Basel 1967 Foto: Martin P. Bühler | Ad Petersen: Jean Tinguely und Willem Sandberg an der Eröffnung der Tinguely-Retrospektive im Palais des Beaux-Arts, Brüssel 1982 © Foto: Ad Petersen, Amsterdam | Ferdinand Hodler, Selbstbildnis mit Rosen, 

1914, Museum zu Allerheiligen Schaffhausen

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Pablo Picasso, Arlequin assis, 1923 | Ad Petersen, 

Jean Tinguely und Willem Sandberg im Palais 

des Beaux-Arts, Brüssel, 1982 |Ferdinand Hodler, 

Selbstbildnis mit Rosen, 1914 

Das nächste Artinside erscheint Ende Januar 2013 mit diesen Themen 

Kunstmuseum Basel, 17.03.2013 – 21.07.2013 

Die Picassos sind da! Eine Retrospektive aus Basler Sammlungen 

Pablo Picasso ist eine Schlüsselfigur der Kunst des 20. Jahrhunderts. Mit seinem 

umfangreichen und vielgestaltigen Werk prägte er die Moderne wie kein anderer. 

Vom 17. März bis 21. Juli 2013 zeigt das Kunstmuseum Basel eine gross angelegte 

Retrospektive, die allein aus Basler Sammlungen zu sammengetragen wird. Zum 

ersten Mal werden die hoch karätigen Picasso-Bestände des Kunst museums Basel 

und der Fondation Beyeler vereint ausgestellt. Dazu treten Werke aus zahlreichen 

Basler Privat samm lun gen, die zum Teil erstmals öffentlich gezeigt werden und die 

Museumsbestände ideal ergänzen. 

Museum Tinguely, 27.02.2013 – 26.05.2013 

Les mille lieux de l'art. Fotografien von Ad Petersen 

Ad Petersen (geb. 1931) war von 1960 bis 1990 Kurator und Konservator am 

Stedelijk Museum in Amsterdam und gestaltete dessen Entwicklung zu einem der 

bedeutendsten Museen für Gegenwartskunst mit. Während dieser Zeit hielt er die 

Begegnungen und die Zusammenarbeit mit zahlreichen internationalen Künstlern 

mit der Kamera fest (darunter Christo, Duchamp, Fontana, de Saint Phalle, Kienholz, 

Oldenburg, Raetz, Rauschenberg, Tinguely, Topor, Saura u.v.a.). Es entstanden 

feinfühlige Porträts und Fotodokumentationen, die einen aussergewöhnlichen 

Einblick in die Arbeit sowie das private Umfeld der Künstler gewähren. Ergänzt 

werden die Fotos durch Kunstwerke, Briefe und Dokumente, die von einer oft 

lebenslangen, freundschaftlichen Verbundenheit des Ausstellungsmachers und 

Fotografen zu den Künstlern zeugen. 

Fondation Beyeler, 27.01.2013 – 26.05.2013 

Ferdinand Hodler 

Der berühmte Schweizer Künstler (1853–1918) hat in den letzten Lebensjahren 

seine Malerei entscheidend weiterentwickelt und einige seiner bedeutendsten 

und berührendsten Meisterwerke geschaffen. In Serien und Variationen verlieh 

Ferdinand Hodler seinen grossen Lebensthemen neu und befreit Gestalt: der 

Schönheit der Schweizer Berge und Seen, seiner Faszination für Frauen sowie der 

Auseinandersetzung mit der eigenen Existenz und dem Tod. Die Ausstellung in der 

Fondation Beyeler bietet anhand wertvoller Leihgaben aus namhaften Museen und 

Privatsammlungen erstmals eine grosse Übersicht über Hodlers Spätwerk der Jahre 

von 1913 bis 1918. Zu sehen sind Selbstbildnisse des Künstlers, die eindrückliche 

Serie über das Leiden und Sterben seiner Geliebten Valentine Godé-Darel sowie 

viele wunderschöne, aus der Nah- wie aus der Fernsicht und zu unterschiedlichen 

Tages- und Jahreszeiten gemalte Panoramen der Alpen und des Genfersees. Ein 

Höhepunkt der Ausstellung ist seine Figurengruppe Blick in die Unendlichkeit, die als 

monumentales Wandgemälde erstmals seit vielen Jahren wieder in Basel bestaunt 

werden kann. 

Henri Matisse, «Acanthes»,1953, Kohle, ausgeschnittene Papiere, mit Gouache bemalt, auf Papier auf Leinwand, 311x 350,5 cm © 2010 Succession Henri Matisse / ProLitteris, Zürich 

Während drei Jahren wurde das Werk «Acanthes» wissenschaftlich aufbereitet, konserviert und restauriert. 

Nationale Suisse setzt sich mit Leidenschaft für die bildende Kunst und ihre geistigen Werte ein. Dazu gehört 

auch die Unterstützung für das bedeutende Restaurierungsprojekt der Fondation Beyeler. 

Mehr Infos finden Sie unter www.nationalesuisse.ch/acanthes

Hermes.com 

DIE ZEIT FÜR SICH

Edgar Degas - Artinside

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