Berlin - Edition dibue

ennpunkt 

4/2011 4,00 Euro Magazin für Fotografie 

Oktober bis Dezember 2011 

Galerien • Buchbesprechungen • Fotoszene 

Portfolio Ulrich Burchert

2 brennpunkt 4/2011 

FÜR ORIGINALE 

„Ich fotografiere für den Fine Art Druck. Erst die Kombination von hochwertigen traditionellen 

Büttenpapieren und modernster Drucktechnik bringt die sinnliche Qualität meiner Bilder optimal 

zur Geltung.“ Manfred Kriegelstein Die Digital FineArt Collection bietet exklusive Künstlerpapiere 

mit edler Haptik und bestechender Optik für den Inkjetdruck. Brillante Schwarz-Weiß-Aufnahmen 

oder subtile Farbfotografie werden dank unserer feinen Papiere der Individualität Ihrer Kunstwerke 

mehr als gerecht. Mehr Papierkunst unter www.hahnemuehle.de 

P A P I E R E M I T M U S E U M S Q U A L I T Ä T, A L T E R U N G S B E S T Ä N D I G U N D M E H R F A C H P R Ä M I E R T .

Impressum: 

brennpunkt 

Magazin für Fotografie 

Erscheint vierteljährlich, 

erhältlich in Fotogalerien, 

Geschäften, Buchhandlungen 

und über Abonnement. 

Jahresabo 13,50 Euro 

Einzelpreis 4,00 Euro 

Konten: 

Postbank Berlin 

Konto-Nr. 3751 06-104 

BLZ 100 100 10 

Redaktionsschluss: 

jeweils am 10. vor dem Erscheinungsmonat 

Herausgeber: 

edition buehrer 

c/o Dietmar Bührer 

Odenwaldstraße 26 

12161 Berlin 

Telefon u. Telefax: (0 30) 8 53 35 27 

e-Mail: buehrer-berlin@t-online.de 

Internet: www.edition-buehrer.de 

Copyright bei Edition 

Druck: 

schöne drucksachen 

Bessemerstraße 76a, 12103 Berlin 

ISSN 0932-7231 

Redaktion: 

Dietmar Bührer V.i.S.d.P. 

Michael Gebur 

Klaus Rabien 

Manfred Kriegelstein 

Hinweis: 

Für unverlangt eingesandte 

Manuskripte und Fotografien 

wird keine Haftung übernommen. 

Center for Creative Photography, University of 

Arizona: W. Eugene Smith Archive / Gift of the 

artist © The Heirs of W. Eugene Smith, courtesy 

Black Star, Inc., New York 

Galerien 

� Jürgen Schadeberg »80 Jahre Leben – 62 Jahre Fotograf« ................................................... 5 

� Mario Giacomelli »Orte, Landschaften, Seelenzustände« ................................................... 6 

� Sibylle Bergemanns Jahre mit dem Theater RambaZamba .................................................. 7 

� Anja Niedringhaus »At War« .............................................................................................. 8 

� unheimlich vertraut . Bilder vom Terror ............................................................................... 9 

� W. Eugene Smith »Fotografien. Eine Retrospektive« ............................................................. 10 

� Friedrich Seidenstücker »Von Nilpferden und anderen Menschen« ...................................... 12 

� Eva Besnyö »Budapest–Berlin–Amsterdam« ......................................................................... 14 

� Nora Schattauer »Optische Mitte« ....................................................................................... 15 

� STEVE SCHAPIRO »Photographien« .................................................................................... 16 

� STEFANIE KETZSCHER »Umgehung und Sonnenwende« .................................................... 17 

� André Kirchner, Jörg Schmiedekind »Berlin Mitte...« ............................................................ 18 

� Jörg Schmiedekind »Frontalansichten« ................................................................................. 19 

� Michael Gebur, Ulrich Meyer »Leben am Mekong« ............................................................. 20 

� Bofinger, Lauenroth, Gülck, Dazi, Kruse, Hüning, Muenzner ............................................ 21 

� Fred Hüning »persönlich« .................................................................................................... 22 

� Andreas David »Moment« ................................................................................................... 22 

� Sibylle Bergemann »Die Polaroids« ...................................................................................... 23 

� Birgit Krause »Unwillkürliche Erinnerungen« ....................................................................... 24 

� Oona Eberle »What Do We Know« ..................................................................................... 25 

� SURRAU PHOTO WIN 2010 ............................................................................................... 26 

� Siegfried Utzig »Spree-Veduten« ......................................................................................... 27 

� Fotosammlung Arthur de Ganay .......................................................................................... 28 

� Erik van der Haas »Das Chaos und die Schöne« .................................................................. 29 

� Helmut Baumann »Aus dem Rahmen gefallen« ................................................................... 29 

� Ursula Kelm »Vergänglichkeit der Zeit« ................................................................................ 30 

� Abschlussarbeiten der Fotoklasse 27 .................................................................................... 32 

� DAWID RRR ....................................................................................................................... 33 

� Matthew Pillsbury »Photographs« ........................................................................................ 34 

� Susan Burnstine »WITHIN SHADOWS« .............................................................................. 35 

� Wohlt, Jacob, Graichen »Holga Visionen« ........................................................................... 36 

� Jörg Rubbert »Berlin – Bilder einer zerrissenen Stadt« .......................................................... 37 

� Efraim Habermann »Berliner Stilleben« ................................................................................ 38 

Galeriebesprechungen 

� Von Mauern und Menschen. (Klaus Rabien) ....................................................................... 40 

Ausstellungen in Berlin ............................................................................................................. 47 

Ausstellungen 

� Henri Cartier-Bresson »Die Geometrie des Augenblicks« .................................................... 48 

� Henning Stegmüller »Bombay-Mumbei–Bilder einer Meg-Stadt« ......................................... 49 

� Layla Zami »Lichtspuren« .................................................................................................... 50 

Fotoszene 

� Sofortbilder – Ursula Kelm ................................................................................................... 44 

� 10 Jahre Autocenter ............................................................................................................. 45 

� Ansel Adams – Kalender 2012 ............................................................................................. 46 

� Die (In-)Diskretion des Auslösers (Manfred Kriegelstein) ..................................................... 64 

Portfolio 

� Ulrich Burchert .................................................................................................................... 52 

Buchbesprechungen 

� Frankfurt – New York von Torsten Andreas Hoffmann ........................................................ 43 

� Porträts retuschieren mit Photoshop ................................................................................... 65 

� Die große Fotoschule .......................................................................................................... 65 

� HDR Fotografie .................................................................................................................. 65 

Vorschau 1-2012 ...................................................................................................................... 66 

brennpunkt 4/2011 

3

Jürgen Schadeberg 

»80 Jahre Leben – 

62 Jahre Fotograf« 

»Die Stärke der Fotografie ist, das zu 

zeigen, was wir noch nicht gesehen 

haben«. 

Jürgen Schadeberg 

Der Freundeskreis Willy-Brandt-Haus 

e.V. widmet dem Berliner Fotografen 

Jürgen Schadeberg anlässlich seines 80. 

Geburtstages eine große Einzelausstellung 

mit zahlreichen Fotografien, die in 

Berlin noch nie zu sehen waren. Einblicke 

gibt es in seine sowohl in Berlin, 

London, Paris, als auch in Südafrika entstandenen 

fotografischen Arbeiten. 

Berühmt wurde er in den frühen 

Fünfzigerjahren als Cheffotograf und 

Bildredakteur des Magazins Drum, 

der ersten Illustrierten für Schwarze 

von Schwarzen in Südafrika. Als erster 

weißer Fotograf dokumentiert er die 

Lebens- und Arbeitsbedingungen der 

schwarzen Bevölkerung und wird 

dabei zu einem der wichtigsten 

Chronisten der Unterdrückung und 

des Befreiungskampfes. Zahlreiche 

seiner Fotografien, z.B. von der 

Zwangsräumung und dem Abriss 

Sophiatowns und der Beerdigung der 

Opfer des Sharpeville-Massakers sind 

in die Geschichte eingegangen. 

Er porträtiert den jungen Rechtsanwalt 

und ANC-Kämpfer Nelson Mandela 

ebenso wie die damals nur unter 

Schwarzen bekannte Sängerin Miriam 

Makeba. Er taucht in das pulsierende 

Nachtleben der schwarzen townships 

ein, dokumentiert deren lebhafte Musik,- 

Tanz- und Kneipenszene. 

Als Drum 1964 verboten wird, verlässt 

Schadeberg das Land und fotografiert 

mit seiner Leica die nächsten Jahrzehnte 

in Europa und den USA Menschen und 

ihren Alltag u.a. für die Magazine Time 

Life und Stern. 1985 kehrt Schadeberg 

nach Südafrika zurück und schiesst 1994 

erneut ein Bild, das um die Welt ging: 

Nelson Mandela, der erste schwarze 


Galerien 

© Jürgen Schadeberg, Nelson Mandela beim Besuch der ehemaligen Gefängniszelle auf Robben Island - in 

der er 18 der 27 Jahre seiner Haft verbüßte - vier Jahre nach seiner Haftentlassung – im Jahr 1994, jenem Jahr, 

in dem er Präsident Südafrikas wurde. 

© Jürgen Schadeberg, »Waiting for the Truck«, 

Sophiatown, 1959 

Präsident Südafrikas, am Fenster seiner 

früheren Zelle auf Robben Island. 

Seit 2011 lebt Jürgen Schadeberg mit 

seiner Frau Claudia wieder in seiner 

Geburtsstadt Berlin. 

Katalog zur Ausstellung: Jürgen 

Schadeberg, Hrsg. Ralf-P. Seippel, Hatje 

Cantz Verlag, 

ISBN 978-3-7757-2150-9, 58,00 Euro� 

© Jürgen Schadeberg, »Mick Jagger«, 1966 

Vernissage: 25. Oktober 2011, 

um 19.30 Uhr 

26. Oktober 2011 bis 15. Januar 2012 

Willy-Brandt-Haus 

Stresemannstraße 28 

10963 Berlin-Kreuzberg 

Di – So 12 – 18 Uhr 

Eintritt frei, Ausweis erforderlich 

5

Galerien 

Mario Giacomelli 

(1925 – 2000) 

»Orte, Landschaften, 

Seelenzustände« 

Eine Fotoausstellung aus der Sammlung 

der Stadt Lonato del Garda 

Dem Freundeskreis Willy-Brandt- 

Haus e.V. und dem Italienischen Kulturinstitut 

Berlin ist es gelungen, 

einhundert Originalfotografien von 

Mario Giacomelli aus der Zeit zwischen 

1952 und 1980 von der 

Stadt Lonato auszuleihen, um sie dem 

Berliner Publikum erstmalig vorstellen 

zu können. 

Der im Jahr 2000 im Alter von 75 Jahren 

verstorbene Italiener Mario Giacomelli 

ist einer der bekanntesten Künstler in 

der Geschichte der Fotografie des 20. 

Jahrhunderts. Sein außergewöhnliches 

Werk hat sehr früh Anerkennung gefunden. 

1925 in Senigallia (Ancona) geboren, 

begann er Anfang der 1950er Jahre 

zu fotografieren. Bereits 1964 verhalf 

ihm eine umfangreiche Ausstellung im 

Museum of Modern Art in New York zu 

internationalem Ruhm. Heute befinden 

sich seine Bilder in den Sammlungen 

der größten Museen der Welt. 

Seine Arbeiten fasste Giacomelli bevorzugt 

in Serien zusammen. Die zwischen 

1961 und 1963 entstandenen Fotografien 

über junge Priester gingen in die 

Fotogeschichte ein. Neben diesen 

werden in der Ausstellung Aufnahmen 

aus Scanno, dem Dorf in den Abruzzen, 

das schon Cartier-Bresson faszinierte 

zu sehen sein; mit La buona terra ein 

Bildessay über das Leben der Landarbeiter, 

außerdem perspektivisch ungewöhnliche 

Landschaftsaufnahmen und 

die berührende Serie aus dem Hospiz 

in Senigallia. 

Die Auswahl der Fotografien beinhaltet 

alle Themen, die Giacomellis Arbeit 

geprägt haben: Italien, die Landschaft 

und das Land, menschliches Schicksal, 

Alter und Vergänglichkeit, aber auch 

Hoffnung und Liebe. 

Giacomellis Fotografien bewegen sich 

zwischen realistischen dokumentarischen 


© Mario Giacomelli, »Scanno, Bilder aus dem Dorf«, 1957-1959 

© Mario Giacomelli, »aus der Priesterserie«, 1961-1963 

Aufnahmen und surrealistisch anmutenden 

Bildern. Sie lassen eine sehr eigenständige, 

betont grafische Bildsprache 

erkennen, mit der er für die Fotografie 

der Jahrhundertmitte neue Impulse 

setzte. 

Die ausgestellten Arbeiten sind Leihgaben 

aus der Sammlung der Stadt Lonato 

del Garda. 

Vernissage: 9. November 2011, 

um 19.30 Uhr 

10. November 2011 bis 22. Januar 2012 




Di – So 12 – 18 Uhr 

Eintritt frei, Ausweis erforderlich

Sibylle Bergemann 

»Jahre mit dem 

Theater RambaZamba« 

Sibylle Bergemann (1941-2010) zählt zu 

den Ikonen der deutschen Gegenwarts- 

Fotografie. Die Ausstellung Sibylle Bergemanns 

»Jahre mit dem Theater RambaZamba« 

ist eine Hommage an sie und 

das Theater. 

Als Gründungsmitglied der Agentur 

Ostkreuz, Mitglied der Akademie der 

Künste Berlin und Fotografin für Die 

Zeit, das New York Times Magazin, für 

Spiegel, Stern und Geo hatte Sibylle Bergemann 

sich einen internationalen Ruf 

erworben. Ihre Serie »Das Denkmal« 

hängt im Museum of Modern Art in New 

York. Sie, die mit Gespür für das Leise 

und bewundernswerter Konsequenz die 

Komposition der Sanftheit pflegte. »Wo 

sie hinsah, war Komposition« die Worte 

ihres Mentors und späteren Ehemanns 

Arno Fischer. 

Bei einer Institution jedoch kumuliert 

ihre eigene Lebensgeschichte als Fotografin 

in der DDR mit Anderer Biografie. 

Es war das integrative Theater RambaZamba 

in der Berliner Kulturbrauerei. 

Gegründet von Gisela Höhne und Klaus 

Erforth – wie Bergemann, Persönlichkeiten 

des kulturellen Lebens mit gemeinsamer 

Herkunft aus einem untergegangenen 

Staat. Eine Begegnung und ein 

Glücksfall. 

Das Theater RambaZamba gilt als das 

»derzeit wichtigste integrative Theater 

Deutschlands«, an dem fast ausschließlich 

Schauspieler mit sogenannter (geistiger) 

Beeinträchtigung professionelles 

Theaterspiel betreiben. 

Es war Zufall, dass Sibylle Bergemann 

auf dieses augenscheinlich »besondere« 

Theater aufmerksam wurde. Aus der 

besonderen Leidenschaft Bergemanns 

entstand meist anlässlich der Premieren 

des Theaters eine einzigartige Langzeitstudie 

die, von der Fotografin nicht als 

geschlossene Serie konzipiert, nun erstmals 

zur Ausstellung kommt. 

Viele der ausgewählten Bilder werden 

erstmals der Öffentlichkeit vorgestellt. 

Gezeigt werden analoge Handabzüge 

» Sibylle Bergemann »Theater RambaZamba (Original in Farbe) 

» Sibylle Bergemann »Theater RambaZamba 

(Original in Farbe) 

der Fotografin sowie neue Prints und originale 

Polaroids. Diese gewinnen eine 

ganz besondere Bedeutung im Umgang 

mit dem Thema des anders Seins. Die 

kleinformatigen Polaroids, erschließen 

sich dem Betrachter in ihrer Unmittelbarkeit 

nur durch sehr nahe Betrachtung. 

Besonders darauf legt das »Behindertentheater« 

großen Wert: die Annäherung 

an eine oftmals belächelte, »randständige« 

Kunst. Die Aufforderung »treten 

Sie näher« wäre mit Sicherheit auch im 

Sinne der Fotografin. 


um 19:30 Uhr 


Galerien 

Begrüßung 

Gisela Kayser, Geschäftsführerin 

Freundeskreis Willy-Brandt-Haus e.V. 

Gisela Höhne, Regisseurin 

und Geschäftsführerin Theater 

RambaZamba 

Jonas Ludwig Walter, Fotograf und 

Kurator der Ausstellung 





Di – So 12 – 18 Uhr 

Eintritt frei, Ausweis erforderlich 

7

Galerien 

Anja Niedringhaus 

»At War« 

»Wenn ich es nicht fotografiere, wird es 

nicht bekannt«. 

Anja Niedringhaus 

Ihre Fotos kennt man, ohne es zu wissen. 

Sie erscheinen weltweit auf den 

Titelseiten von Tageszeitungen und 

Zeitschriften und prägen tagtäglich 

unser Bild von Krisen und Kriegen. Ob 

Kroatien, Serbien, Kosovo, Bosnien, Irak, 

Afghanistan, Libyen oder Israel – seit 20 

Jahren fotografiert Anja Niedringhaus 

mit eindringlicher Schonunglosigkeit 

das Leid und Elend weltweit. Als eine 

der wenigen Frauen in diesem speziellen 

Bereich der Reportagefotografie 

dokumentiert sie die menschlichen 

Tragödien und tiefen Spuren, die die 

Gewalt hinterlässt. Auf ihren Einsätzen 

fotografiert Anja Niedringhaus keine 

Szenen, vielmehr steht sie mittendrin, 

ist Akteurin im Krieg. 

Anja Niedringhaus fotografiert unter 

extremen Bedingungen. Sie sucht genau 

diese Grenzerfahrung, weil sie sich selbst 

und den Menschen dort am nächsten ist. 

Oft wird man sich als Betrachter dessen 

gar nicht bewusst, weil der Kontext die 

Dramatik unterläuft. Immer steht bei ihr 

der Mensch im Vordergrund – Soldaten, 

eine strapazierte Zivilbevölkerung, 

Gefangene. Erschöpfung, Verzweiflung 

und Anspannung zeichnen die Gesichter, 

in wenigen Momenten – völlig unerwartet – 

auch Lachen, Leichtigkeit und Freude 

inmitten in der Not. Die Fotografin 

begegnet den Menschen immer mit 

Neugier und Verständnis, nie verletzt 

sie die Würde der Porträtierten. 

Wie sind diese Exremsituationen bzw. 

das Dilemma der Kriegsberichterstattung 

zwischen Eingreifen und Fotografieren 

auszuhalten? Die Kamera schafft Distanz 

und ist auch ein großer Schutz. Die 

Konzentration auf ihre Aufgabe schirmt 

Anja Niedringhaus gegen die Eindrücke 

ab. Andererseits hat sie Verletzte ins 

Krankenhaus in Sarajevo gefahren, 

weil nur sie noch über die Vereinten 

Nationen an Benzin gekommen ist. Erst 

hinterher bemerkte sie, dass sie kein einziges 

Foto geschossen hatte. 


Bin Jawad, Libyen, März 2011. Als die Front vor Bin Jawad unter Beschuss durch Regierungstruppen 

gerät, treibt ein libyscher Rebell die Menschen zur Flucht an. 

Salavat, Afghanistan, September 2010. 

Afghanische Männer auf einem Motorrad über- 

holen kanadische Soldaten des Royal Canadian 

Regiment auf einer Patrouille im Bezirk Panjwayi, 

südwestlich von Kandahar. 

C/O Berlin präsentiert erstmals in 

Berlin eine Ausstellung mit ca. 40 

Schwarz-Weiß-Fotografien von Anja 

Niedringhaus aus den letzten zehn 

Jahren. Die Ausstellung wurde von 

Anne-Marie Beckmann, Art Collection 

Deutsche Börse, und Felix Hoffmann, 

C/O Berlin, kuratiert und wird Anfang 

2012 im neuen Unternehmenssitz 

der Deutschen Börse in Eschborn bei 

Frankfurt gezeigt. Zur Ausstellung 

erscheint ein Katalog bei Hatje Cantz mit 

Texten von Jean-Christophe Ammann, 

Ulrike Demmer, Santiago Lyon und 

Felix Hoffmann. Alle Fotografien sind 

im Auftrag von Associated Press entstanden. 

Anja Niedringhaus, 1965 in Höxter in 

Westfalen geboren. Zunächst für die 

European Pressphoto Agency (EPA) in 

Frankfurt am Main und seit 2002 für 

Associated Press (AP) in Genf in der 

Schweiz ansässig, ist sie bei allen großen 

Konflikten im Einsatz – vom Balkan 

in den 1990er-Jahren bis zu den Kriegen 

im Irak, in Afghanistan und Libyen. Sie 

fotografiert nicht nur Krisen und Kriege, 

sondern auch sportliche und politische 

Ereignisse. Anja Niedringhaus hat zahlreiche 

Auszeichnungen erhalten, unter 

anderem im Jahr 2005 mit einem Team 

von Associated-Press-Fotografen den 

Pulitzerpreis in der Kategorie »breaking 

news« für ihre Berichterstattung 

aus dem Irak und den International 

Women’s Media Foundation’s Courage 

in Journalism Award (IWMF). 

bis 4. Dezember 2011 

C/O Berlin 

International Forum For Visual Dialogues 

im Postfuhramt 

Oranienburgerstraße 35/36 

10117 Berlin-Mitte 

täglich 11 – 20 Uhr

unheimlich vertraut . 

Bilder vom Terror 

»The games must go on!« Avery 

Brundage. IOC-Präsident. 1972. 

»Show you‘re not afraid!« Rudolph 

Giuliani. Bürgermeister von New York. 

2001 

Ein vermummter Mann schaut von 

einem Balkon. Ein Flugzeug schlägt in 

einen Hochhausturm ein. Sofort sind die 

Bilder vor unserem Auge. Wir wissen 

exakt, um welche Ereignisse es sich handelt. 

Denn Bilder besitzen eine gewaltige 

Macht. Sie halten nicht nur den 

entscheidenden Moment fest, sondern 

beeinflussen den öffentlichen Diskurs 

und fordern zu Reflexion und Reaktion 

heraus. Besonders nach Katastrophen 

und traumatischen Ereignissen lässt 

sich die Omnipräsenz der Bilder verorten. 

Bilder vom Terror haben eine 

enorme, nachhaltige Wirkung, der 

man sich nicht entziehen kann. Sie 

brennen sich tief in unser kollektives 

Gedächtnis ein. Die von C/O Berlin 

kuratierte Ausstellung »unheimlich vertraut« 

untersucht die Bedeutung von 

Fotografie für unsere tägliche Bildkultur 

anhand der visuellen Verarbeitung 

von unterschiedlichen Terrorbildern 

der letzen Jahrzehnte. München 1972 

und New York 2001 bilden die historischen 

Eckpfeiler. Über die künstlerische 

Auseinandersetzung werden politische 

Bilder in Frage gestellt, historische 

Bildquellen machen Konstruktion und 

Illusion von Fotografie sichtbar. 

Die Ausstellung entsteht anlässlich 

des 10. Jahrestages des 11. September 

2001 und wurde von Felix Hoffmann 

für C/O Berlin kuratiert. Es werden ca. 

200 Arbeiten aus dem Bildarchiv des 

SPIEGEL sowie von rund 30 Künstlern 

gezeigt – unter anderem von Thomas 

Ruff, Simon Menner, Peter Piller, 

Christoph Draeger, Thomas Hirschhorn, 

G.R.A.M., Helmut Newton, Walid Raad, 

Gael Peltier, Michael Schirner, Robert 

Boyd, Pascale Couvert, Natalie Czech, 

Reymond Deparden, Michael Schäfer, 

Marc Volk und Malte Wandel. 

Nach welcher Logik funktionieren 

Verwendung und Verbreitung von Bildern 

in der modernen Mediengesellschaft? 

Thomas Höpker/Magnum, »Blick von 

Williamsburg auf Manhattan, Brooklyn, 

11. September 2001, (Original in Farbe) 

Gibt es eine Art von Aufmerksamkeitsterrorismus 

im digitalen Zeitalter? Wann ist 

ein Ereignis von globaler Bedeutung und 

wie stark konditionieren und synchronisieren 

die Medien ein solches? Oft lassen 

sich erst in der Auseinandersetzung 

mit den Bildern vom Terror die Struktur 

und Funktionsweise des journalistischen 

Bildes freilegen. Die medialen 

Bilder des Terrors waren und sind mehr 

als reine Abbildungen, die auf einen 

Sachverhalt oder ein Ereignis außerhalb 

ihrer eignen Existenz verweisen oder 

ein Ereignis dokumentieren. Sie sind 

mehr als Medien, die unter Nutzung 

ihres ästhetischen Potentials Deutungen 

transportieren. Diese Bilder besitzen die 

Fähigkeit, Realität zu erzeugen. 

Historischer Ausgangspunkt der 

Ausstellung ist der Angriff eines palästinenischen 

Terrorkommandos auf 

die israelische Delegation bei den 

20. Olympischen Sommerspielen 

in München. Erstmals fand ein terroristischer 

Akt unmittelbar vor den 

geöffneten Kameraaugen statt – und 

damit unmittelbar vor den Augen der 

Weltöffentlichkeit. Durch die Live- 

Übertragung im Fernsehen erfolgte eine 

quantitative Veränderung des Terrors 

hin zu einer massenkommunikativen 

Strategie. Die Bildinszenierung ist Teil 

des terroritischen Aktes. In der modernen 

Mediengesellschaft wird das Bild 

quasi zur Waffe und zum Ziel. Und von 

der Repräsentation der Tat im Bild zum 

Bild als Tat ist es ein kurzer Weg. 

Als extreme Form der Erzeugung von terroristischen 

Bildereignissen gelten die 

Anschläge zum 11. September 2001 – 

dem meist fotografierten und gefilmten 

Ereignis der Mediengeschichte. Ihrer 

Verwertungslogik folgend beginnen 

die Medien weltweit am selben Tag 


Galerien 

einige wenige Bilder und Sequenzen 

endlos zu wiederholen und damit 

medial auf Dauer zu stellen. Die terroristische 

Strategie, größtmögliche 

Aufmerksamkeit zu erlangen, und 

die kapitalistische Verwertungslogik 

der Medien gehen eine symbiotische 

Beziehung ein. Die Medien werden 

zwangsläufig zu Kollaborateuren, 

zu Mittlern zwischen Terroristen und 

Publikum. 

Trotz einer immensen Bilderflut erscheinen 

unmittelbar nach den Ereignissen 

nur rund 30 unterschiedliche Fotografien 

auf die Titelseiten weltweit. Ebenso werden 

im Fehrnsehen immer dieselben 

Videos in Endlosschleifen wiederholt. 

Die internationale Konzentration und 

Zusammenarbeit der Bildagenturen 

reduziert die Bildauswahl zusätzlich. 

Nach Jahren bleiben jedoch nur 

noch fünf bis zehn Motive im kollektiven 

Bewusstsein. Diese Beschränkung 

der öffentlichen Berichterstattung über 

das Geschehen auf wenige Bildtypen 

ist kennzeichend für den medialen 

Umgang mit Terror. 

Historische Aufnahmen werden zitiert, 

neue Bilder werden zu Ikonen, zu 

medialen Archetypen. So erscheinen 

diese Bildmuster uns allen »unheimlich« 

vertraut. Das Grauen, das in den Alltag 

und das gesellschaftliche System 

einbricht, wird fassbar. Vertrautes im 

Unfassbaren – ein hilfloser Aktionismus 

gegen die Ohnmacht. 

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog 

im Verlag Walther Koenig. C/O Berlin 

stellt zudem ein umfangreiches 

Begleitprogramm mit einer Filmreihe, 

Vorträgen und einem Symposium 

zusammen. 


C/O Berlin 

International Forum For Visual Dialogues 

im Postfuhramt 

Oranienburgerstraße 35/36 


täglich 11 – 20 Uhr 

9

Galerien 

W. Eugene Smith 

»Fotografien 

Eine Retrospektive« 

W. Eugene Smith, geboren 1918 in 

Wichita / Kansas und gestorben 1978 

in Tucson / Arizona, hat sich seit den 

1940er Jahren als politisch und sozial 

engagierter Fotojournalist in den USA 

einen Namen gemacht. Viele seiner 

Bildreportagen sind bei Life erschienen, 

dem wichtigen Magazin für 

Fotojournalismus, das 1936 in New 

York gegründet wurde. Smith sah in der 

Fotografie mehr als nur die Illustration 

zu einem Text und hat oft bei den 

Redakteuren mehr Mitsprache beim 

Gestalten eines Fotoessays eingefordert. 

Seine immens aufwendig recherchierten 

und emotional bewegenden 

Reportagen setzten in den 1940er und 

1950er Jahren neue Maßstäbe für die 

fotojournalistische Praxis. 

Bereits als Fünfzehnjähriger begann 

Smith zu fotografieren, angeregt von 

seiner Mutter, einer passionierten 

Hobbyfotografin. Nach dem Selbstmord 

seines Vaters in Folge der Wirtschaftskrise, 

studierte Smith zunächst 1936 an der 

University of Notre Dame, Indiana. Er 

träumte davon, Fotograf zu werden und 

zog nach New York. Dort besuchte er 

das New York Institute of Photography. 

Seinen beruflichen Einstieg fand er 1937 

als Fotoreporter bei Newsweek. 

Ein Jahr später wurde er freier 

Mitarbeiter für die Agentur Black Star 

und seine Aufnahmen erschienen bei 

Harper’s Bazaar, Collier’s, Time und 

bei Life. Mit Life entwickelte sich daraufhin 

eine mehrjährige, umfangreiche 

Zusammenarbeit. 

Nach Eintritt der USA in den Zweiten 

Weltkrieg, fertigte Smith zunächst für das 

Magazin Parade Propagandaaufnahmen 

zur Unterstützung der US-amerikanischen 

Truppen. Dann, als Korrespondent 

des Magazins Flying, nahm er an 

Aufklärungsflügen teil und fotografierte 

aus der Luft. 1944 wurde 

er erneut bei Life - dieses Mal als 

Kriegskorrespondent - angestellt und 

hielt die Schlacht von Saipan und die 

Landungen der Amerikaner auf den 


Guardia Civil, Spanien, 1950 (Silbergelatineabzug 25,1 x 32,1cm) 

Center for Creative Photography, University of Arizona: W. Eugene Smith Archive / 

Gift of the artist 

© The Heirs of W. Eugene Smith, courtesy Black Star, Inc., New York 

Inseln Iwojima und Okinawa fest. Im 

Zuge der Kämpfe veränderte sich der Stil 

seiner Aufnahmen: Statt enthusiastischer 

Darstellungen zeigte er das immense 

Leid der Zivilbevölkerung und entwickelte 

eine Bildperspektive, die den 

Betrachter emotional einbezog. Smith 

wurde am 22. Mai 1945 selbst schwer 

verletzt und musste bis 1947 mehrere 

Operationen über sich ergehen lassen. 

Den symbolischen Neubeginn verkörperte 

für ihn das erste Foto nach seiner 

Verwundung. A Walk to Paradise Garden 

zeigt seine beiden jüngeren Kinder beim 

Betreten einer sonnendurchfluteten 

Lichtung. »Während ich meinen Kindern 

ins Unterholz und zu der Gruppe 

höherer Bäume folgte - wie sie sich 

an jeder ihrer kleinen Entdeckungen 

erfreuen konnten! - und sie betrachtete, 

wusste ich auf einmal, dass ich trotz 

alledem, trotz aller Kriege und aller 

Niederlagen an diesem Tag, in diesem 

Augenblick ein Sonett auf das Leben 

und auf den Mut, es weiterzuleben, 

anstimmen wollte.« (1954) Nach seiner 

Genesung arbeitete er erneut für Life. 

Besonders Dokumentationen, die das 

engagierte Wirken einfacher Menschen 

zeigten, beeindruckten die Leser. In 

The Country Doctor (erschienen 1948) 

begleitete er mehrere Wochen einen 

jungen Landarzt aus der Nähe von 

Denver bei seiner Arbeit. Sein Beitrag 

Nurse Midwife (erschienen 1951) 

über die schwarze Hebamme Maud 

Callen entstand vor dem Hintergrund 

von Rassendiskriminierung und des 

aktiven Wirkens des Ku-Klux-Klans im 

Süden der USA. Smith veränderte beim 

Entwickeln der Abzüge die Lichtregie, 

um die emotionale Atmosphäre - 

zum Beispiel während einer Geburt 

- zu verdichten und um Anteil an der 

aufopfernden Arbeit der Hebamme zu 

wecken. Sein soziales Engagement fand 

jedoch nicht immer Zustimmung wie bei 

der unveröffentlichten Reportage (1950) 

über die Kampagne zur Wiederwahl von 

Clement Attlee, dem Kandidaten der 

britischen Labourpartei. Life gedachte 

mit dem Bericht indirekt die Position 

der Liberalen zu stärken, indem die 

Folgen der staatlichen Wirtschaftspolitik 

unter Attlee kritisch dargestellt würden. 

Smiths Berichterstattung weckte jedoch 

Sympathie für Attlees Programm und den 

Kandidaten selbst. Mit der Reportage 

Spanish Village (erschienen 1951) 

hatte Smith mehr Erfolg. Er wollte einen

Albert Schweitzer, Aspen Colorado, 1949 (Silbergelatineabzug 24,7 x 33,2cm) 

Center for Creative Photography, University of Arizona: W. Eugene Smith Archive / 

Gift of the artist 

© The Heirs of W. Eugene Smith, courtesy Black Star, Inc., New York 

Eindruck von den Lebensverhältnissen in 

einem faschistischen Regime vermitteln. 

Nach Erhalt der nötigen Fotoerlaubnis 

recherchierte er zwei Monate vor Ort 

und wählte ein abgeschiedenes Dorf 

in der Extremadura für die Aufnahmen 

aus. Etliche der Fotografien erinnern mit 

ihrem strengen Helldunkel und ihrer klar 

gebauten Komposition an malerische 

Vorbilder und vermitteln mittels dieser 

Stilisierung ein Gefühl für die Schwere 

und auch die Schönheit des dortigen 

Lebens. 

Smiths Beitrag über Albert Schweitzers 

Wirken in Lambaréné sollte der letzte für 

Life werden: Die fehlende Mitsprache 

bei Bildauswahl und Layout waren für 

ihn nicht mehr hinnehmbar und er verließ 

die Zeitschrift nach Erscheinen des 

Essays A Man of Mercy im November 

1955. 

Eine berufliche Alternative bot die 

Mitgliedschaft bei Magnum, der 1947 

gegründeten Agentur für Fotografen. Im 

Auftrag von Stefan Lorant begann Smith 

eine umfassende Reportage über die 

Stadt Pittsburgh und ihre Eisenhütten, 

die ihn die nächsten Jahre beschäftigte 

und an seine finanziellen und persönlichen 

Grenzen brachte. Statt der mit 

Lorant verabredeten 100 Abzüge ent- 

standen 13.000 Aufnahmen, aus denen 

er einen Essay komponierten wollte, der 

ganz seinen Überzeugungen entsprach. 

1958 wurden 88 Fotografien im Popular 

Photography’s Annual publiziert, als 

Gesamtwerk ist der Essay nie erschienen. 

1957 hatte sich Smith, der für seinen 

exzessiven Arbeitsstil bekannt war, von 

seiner Familie getrennt und war in die 

Sixth Avenue, 821, in New York gezogen. 

In dem Haus verkehrten und probten 

viele bekannte Jazzmusiker und Smith, 

der ein begeisterter Musikliebhaber 

war, fotografierte und dokumentierte 

während der nächsten Jahre dieses 

kreative Umfeld. So zeichnete er die 

Arbeitsatmosphäre auch auf 1740 

Tonbändern auf, die erst 1998 in seinem 

Nachlass gefunden wurden. 

Außerdem fotografierte er von seinem 

Fenster aus Straßenszenen und arbeitete 

zeitgleich über den Bau einer psychiatrischen 

Klinik in Haiti. 

Ein Auftrag der Cosmos PR Agentur, das 

Unternehmen Hitachi Ltd. zu fotografieren, 

führte Smith 1961 für ein Jahr 

nach Japan. In seinem 1963 erschienenen 

Buch stellte er den Kontrast zwischen 

dem modernen Japan und den 

tief verwurzelten Traditionen in den 

bis 27. November 2011 

Martin-Gropius-Bau 

Niederkirchnerstraße 7 


Mi – Mo 10 – 20 Uhr 

Dienstags geschlossen 


Galerien 

Mittelpunkt. Ein Jahrzehnt später widmete 

er sich mit der erschütternden Serie 

über die Minamata-Krankheit erneut der 

forcierten Modernisierung Japans und 

ihren schwerwiegenden Folgen. Grund 

für die Erkrankungen war die vom 

Chemiekonzern Chisso verursachte 

Umweltverschmutzung: Der Konzern 

hatte quecksilberhaltiges Abwasser in 

der Nähe der Stadt Minamata ins Meer 

geleitet. Das Komitee zur Verteidigung 

der Opfer beauftragte Smith, die 

humane und ökologische Katastrophe 

zu dokumentieren und der Fotograf, der 

sich persönlich sehr für dieses Projekt 

engagierte, zog mit seiner zweiten Frau, 

Aileen Mioko Smith, nach Minamata. 

Während seiner Recherchen wurde er 

vom Werkschutz verprügelt und schwer 

verletzt. Mit seinen Bildern, die bei Life 

und in seinem Buch A Warning to the 

World -Minamata veröffentlicht wurden, 

trug er wesentlich zur Publikmachung 

und Aufklärung des Falles bei. 

Smith fotografisches Werk wurde mit 

Beginn der 1970er Jahre zunehmend 

museal gewürdigt. Sein Foto A Walk to 

Paradise Garden hatte Edward Steichen 

für die Ausstellung The Family of Man 

(1955) als symbolgebendes Schlussbild 

gewählt, doch erst 1971 fand die erste 

Retrospektive Let Truth Be the Prejudice 

im Jewish Museum in New York statt. 

1977 zog der schwer kranke Smith 

nach Tucson / Ariziona und übernahm 

an der dortigen Universität im letzten 

Lebensjahr eine Lehrtätigkeit. 

Im Center of Creative Photography in 

Tuscon ist sein Nachlass archiviert. Das 

International Center of Photography, New 

York, vergibt seit 1980 in Anerkennung 

von Smiths humanem Engagement 

das W. Eugene Smith Memorial Fund- 

Stipendium. 

11

Galerien 

Friedrich 

Seidenstücker 

»Von Nilpferden und 

anderen Menschen« 

Diese erste umfassende Retrospektive 

zu Friedrich Seidenstücker präsentiert 

über 200 Originalfotografien in der 

Berlinischen Galerie, dem Landesmuseum 

für Moderne Kunst, Fotografie 

und Architektur. Beinahe jeder Berliner 

kennt seine Fotografien. Diejenigen, 

die sich für die Geschichte ihrer 

Stadt interessieren, schätzen Seidenstückers 

atmosphärische Aufnahmen 

vom Berliner Alltagsleben der Weimarer 

Republik. Unter den Tier- und Zooliebhabern 

erwarb er sich mit seinen 

einfühlsamen Tierstudien einen geradezu 

legendären Ruf, und für die Historiker 

sind seine eindringlichen Aufnahmen 

des zerstörten Berlin eine 

kostbare Quelle. 

Auch wenn Seidenstücker als typischer 

Berliner Fotograf gilt, ist er doch auch 

weit über die Stadtgrenzen hinaus 

bekannt. Nicht zuletzt deshalb, weil 

er sich um eines ganz besonders verdient 

gemacht hat: Seine Bilder zeugen 

von Humor, und den findet man in der 

Fotografie selten. Aus dieser Haltung 

heraus hat sich das Werk von Friedrich 

Seidenstücker entwickelt. Es ist 

von Optimismus getragen, ohne die 

Zumutungen und Härten, ohne die 

Armut und das Elend der Zeit zu verschweigen. 

Seidenstücker konzentrierte sich auf 

das Alltagsgebaren der kleinen Leute, 

welches er mit sensiblem Blick so in 

Szene setzte, dass dahinter Charakteristisches 

der menschlichen Natur 

sichtbar wird. Während sein beinahe 

zoologisches Interesse für die Tierwelt 

dazu führte, dass er seine Fotografie 

im Zoo mit methodischer Gründlichkeit 

anging, kann man davon ausgehen, 

dass seine Straßenfotografie eher 

zufällig nach dem Lustprinzip entstand. 

Ähnlich scheint es mit den Landschafts- 

und Aktaufnahmen gewesen zu sein. 

Neben einer kleinen Gruppe von 


Friedrich Seidenstücker, »Tochter und Papa« (Boulette und Knautschke), um 1955 

Fotografische Sammlung Berlinische Galerie 

Friedrich Seidenstücker, »ohne Titel« (Die Zwillinge Hilde und Helga Fischer), 1948 

© bpk / Friedrich Seidenstücker 

Friedrich Seidenstücker, Auf den»Hungerstühlen«, 

um 1925, © Stiftung Stadtmuseum Berlin 

Friedrich Seidenstücker,»ohne Titel«, um 1932 

© bpk / Friedrich Seidenstücker

Friedrich Seidenstücker, »ohne Titel«, 1945, © bpk / Friedrich Seidenstücker 

späten Aktfotografien, die als Farbdiapositive 

vorlagen, gliedert sich die Ausstellung 

in vier weitere Kapitel: Straßenfotografie, 

Tierfotografie, Landschaftsfotografie 

und Berlin nach 1945. Alle 226 

ausgestellten Aufnahmen sind Vintage 

Prints bis auf 21 Neuprints. 

Mit der Retrospektive setzt die Berlinische 

Galerie ihre erfolgreiche Ausstellungsreihe 

fort, die ausgehend von den 

Beständen der Sammlung das Werk von 

großen Fotografen des Zwanzigsten 

Jahrhunderts wissenschaftlich erschließt 

und einem breiten Publikum zugänglich 

macht. Vorausgegangen sind Ausstellungen 

zu Heinrich Zille, Erich Salomon, 

Fritz Kühn und Herbert Tobias. 

Eine Ausstellung der Berlinischen 

Galerie in Zusammenarbeit mit der 

bpk - Bildagentur für Kunst, Kultur und 

Geschichte und der Stiftung Stadtmuseum 

Berlin. Die Ausstellung wird durch 

die großzügige finanzielle Unterstützung 

des Fördervereins der Berlinischen 

Galerie e. V. ermöglicht. 

RAHMENPROGRAMM: 

Kuratorenführungen: 17.10., 14.11., 

5.12., 26.12.2011, 

jeweils 14 Uhr 

Im Gespräch: »Lieber Herr Neusüss! 

Zum Spaß will ich mal rückwärts 

anfangen ...« 

Ulrich Domröse (Kurator der Ausstellung) 

im Gespräch mit Floris M. Neusüss 

(Künstler und Freund von Friedrich 

Seidenstücker): 

7. November 2011, 17 Uhr 

Friedrich Seidenstücker, »Montags früh 

Oberbaumbrücke«, Berlin 1930 

bis 6. Februar 2012 


Galerien 

Fotografische Sammlung Berlinische Galerie 

Berlinische Galerie 

Landesmuseum für Moderne Kunst - 

Fotografie und Architektur 

Alte Jakobstraße 124-128 


Mi – Mo 10 – 18 Uhr 

13

Galerien 

Eva Besnyö 

Fotografin 1910–2003 

»Budapest – Berlin – 

Amsterdam« 

Erste Retrospektive der Fotografin Eva 

Besnyö in Deutschland. 

Das Verborgene Museum - zu Gast in 

der Berlinischen Galerie - zeigt erstmals 

in Deutschland eine Retrospektive der 

ungarischen Fotografin Eva Besnyö mit 

120 Vintage-Prints. 

Als Eva Besnyö 1930, gerade zwanzigjährig, 

mit einer Gesellenprüfung des 

angesehenen Budapester Fotoateliers 

József Pécsi im Gepäck in Berlin eintraf, 

hatte sie bereits zwei folgenreiche 

Entscheidungen getroffen: Das 

Fotografieren zu ihrem Beruf zu machen 

und dem faschistischen Ungarn für 

immer den Rücken zu kehren. 

Wie ihre ungarischen Kollegen Moholy- 

Nagy, György Kepes und Martin 

Munkacsi erlebte auch Eva Besnyö – 

und wenig später Endre Friedmann 

(Capa) – Berlin als Metropole künstlerischer 

Experimentierfreude und demokratischer 

Lebensformen. 

Sie hatte bei dem Pressefotografen Dr. 

Peter Weller Arbeit gefunden, streifte 

tagsüber mit der Kamera durch die 

Stadt, suchte Motive auf Baustellen, 

am Wannsee, im Zoo oder in den 

Sportstadien und ihre Aufnahmen 

wurden veröffentlicht – allerdings wie 

damals üblich - unter dem Namen des 

Ateliers. 

Besnyös bekanntestes Foto stammt aus 

diesen Jahren: Der »Junge mit Cello« auf 

dem Rücken – eine weltweit bekannte 

Ikone für den heimatlosen Tramp. Für 

Eva Besnyös hellhöriges politisches 

Gespür spricht ihre rechtzeitige Flucht 

vor antisemitisch-nationalsozialistischer 

Verfolgung im Herbst 1932 aus Berlin 

nach Amsterdam. Unterstützt durch 

den Künstlerkreis um Charley Toorop, 

Malerin der »Neuen Wirklichkeit«, 

den Dokumentarfilmer Joris Ivens und 

den Designer Gerrit Rietveld, erfuhr 

Besnyö, inzwischen verheiratet mit 

dem Kameramann John Fernhout, 

schon bald öffentliches Ansehen als 


Eva Besnyö, »Starnberger Straße«, Berlin 1931, © Eva Besnyö/Maria Austria Instituut Amsterdam 

Fotografin. Eine Einzelausstellung 1933 

in der international renommierten Kunst- 

Galerie Van Lier machte sie mit einem 

Schlag in den Niederlanden bekannt. 

Einen weiteren Durchbruch erlebte 

Besnyö wenige Jahre später mit ihrer 

Architekturfotografie: ihrer Übertragung 

des funktionalistischen Neuen Bauens 

in das Neue Sehen. 

Sie engagiert sich kulturpolitisch wie 

z.B. 1936 bei der Anti-Olympiade- 

Ausstellung »D-O-O-D« (De Olympiade 

onder Diktatuur) und im Jahr darauf kuratierte 

sie im Stedelijk Museum Amsterdam 

die internationale Ausstellung »foto`37«. 

Der Einmarsch der deutschen Truppen 

im Mai 1940 bedeutete für die Jüdin Eva 

Besnyö, sich im Untergrund versteckt 

zu halten. 

Während der 1970er Jahre wurde Besnyö 

zur Aktivistin der niederländischen 

Frauenbewegung »Dolle Mina«, setzte 

sich öffentlich für Gleichberechtigung 

ein und dokumentierte mit der Kamera 

Demonstrationen und Straßenproteste. 

»Wie viele andere Talente, ist auch das 

Eva Besnyös wegen des Rassenwahns 

der Nationalsozialisten für Deutschland 

und seine künstlerische Kreativität verloren 

gegangen« (Karl Steinorth, DGPh, 

anlässlich der Verleihung des Dr. Erich 

Salomon Preises an Eva Besnyö 1999). 

Vernissage: 27. Oktober 2011 

um 19 Uhr 

28. Oktober 2011 bis 27. Februar 2012 

DAS VERBORGENE MUSEUM zu Gast 

in der Berlinische Galerie 

Landesmuseum für Moderne Kunst - 

Fotografie und Architektur 



Mi – Mo 10 – 18 Uhr

Nora Schattauer 

»Optische Mitte« 

Die Kölner Künstlerin Nora Schattauer 

(*1952) hat den Dialog mit dem fotografischen 

Werk von Alfred Ehrhardt seit 

jeher implizit geführt. Wie Ehrhardt setzt 

sie sich mit allgemeingültigen, immer 

wiederkehrenden Formprinzipien in der 

Natur auseinander und geht mit naturwissenschaftlicher 

Systematik vor. Ihre 

mit vielfältigen Materialien entwickelten 

Arbeiten visualisieren Formanalogien, 

die sich in verschiedenen Medien ausbilden. 

Dabei gilt ihr Augenmerk dem 

Kräftefluss von Naturkonstruktionen, 

den osmotischen Bewegungen im 

Mikrobereich, dem Fließenden. Mit der 

Ausstellung »Optische Mitte« beschäftigt 

sie sich explizit mit Alfred Ehrhardts 

bekanntester Bildserie »Das Watt«. 

Gezeigt werden Blindzeichnungen auf 

Kohlepapier, Fotogramme, Fotografien, 

so genannte »Silberblätter«, bei 

denen mit der Pipette aufgetragene 

Salzlösungen chemisch miteinander 

reagieren, sowie eine Auswahl exklusiver 

Künstlerbücher. 

Schattauers Zeichnungen durch 

Kohlepapier wurden unmittelbar durch 

Alfred Ehrhardts abstrakte Aufnahmen 

von Sandstrukturen im Watt inspiriert und 

entstanden mit geschlossenen Augen am 

Meeresstrand. Ihre Blindzeichnungen 

sind vor dem geistigen Auge entstandene 

ästhetische Versuche, die scheinbaren 

Gegensätze von menschlichem 

Geist und untergeordneter Natur buchstäblich 

ineinander fließen zu lassen. 

Sie zeigen Bögen, die immer neu 

ansetzen, sie spüren der Einwirkung 

von Kräften nach, den Entwicklungen 

von fließenden Bewegungen in formbarem 

Material. Und sie gehen der 

Frage nach, wie Wahrnehmung funktioniert, 

während durch einen bestimmten, 

intuitiv geführten Formungsprozess 

eine abstrakte Struktur entsteht. Bei der 

Blindzeichnung verfolgt das Auge einzelne 

Linien, obwohl das Bewusstsein 

gleichzeitig das Ganze überschaut. Im 

Bild inbegriffen ist das Verständnis dafür, 

dass die Wahrnehmung des Meeres 

Nora Schattauer, »Strömung«, Blindzeichnung 

durch Kohlepapier, 2009, 20 x 20cm 

© Nora Schattauer/VG-Bildkunst, Bonn 

oder des Meeresbodens im Watt stets 

zwischen zwei Blickarten pendelt: der 

horizontale, träumende, imaginative 

Blick in die Ferne und der auf den Boden 

gerichtete, analytische Blick, welcher 

die Strömungen und Strukturen im Sand 

beobachtet. 

Gleichzeitig zeigen die Fotogramme 

und Fotografien von Nora Schattauer 

Fließprozesse, die fotografische 

Analogien zu den Tropfenformen der 

»Silberblätter« bilden. Zur Herstellung 

der »Silberblätter« werden vergleichbar 

der analogen Schwarz-Weiß- 

Fotografie Silber und Salz dem Licht 

ausgesetzt und zur Herausbildung spezifischer 

Farbwerte angeregt. Salze sind 

– im Gegensatz zu Pigmenten – vollständig 

in Wasser lösliche Farbstoffe. 

Zuerst wird verflüssigtes Silbernitrat, 

später eine Ammoniumchloridlösung 

per Pipette auf ein sehr offenfaseriges, 

japanisches Chromatographie-Papier 

getropft, das aufgrund seiner sich unter 

Aufnahme von Flüssigkeit ausdehnenden 

Struktur am Herstellungsprozess 

beteiligt wird, ohne dass die Künstlerin 

diesen Verlauf vollständig kontrollieren 

könnte. Das Resultat variiert zwischen 

den extremen Gegensätzen einer präzisen, 

Assoziationen an Zellstrukturen hervorrufenden 

Anordnung in Gittern und 

Rastern und asymmetrischem Chaos, je 

nachdem, wie gleichmäßig oder zufällig 

die Künstlerin bei der Verteilung der 

Flüssigkeit vorgegangen ist. Diese »visuellen 

Experimente« sind Bilder, die jene 

zwischen anorganischen Materialien auftretenden 

Fließkräfte veranschaulichen 

und somit einem Lebendigkeitsprinzip 


Galerien 

Alfred Ehrhardt, »Formearbeit des Windes und 

der rechtwinkelig dazu stehenden Strömung«, 

Silbergelatine, 1933/36, späterer Abzug 1967, 

30 x 24 cm, © Alfred Ehrhardt Stiftung 

in der Natur nachspüren, wie es auch für 

Alfred Ehrhardts fotografische Arbeiten 

charakteristisch ist. 

»Es handelt sich gleichsam um einen 

Bildprozess, der aus der Tiefe seiner 

Sichtbarkeit entgegen wächst. Die 

Bildoberfläche, soweit sie denn vorhanden 

ist, erscheint als untrennbare 

Einheit von Material und seiner völligen 

substantiellen Durchdringung. Dieser 

Prozess ist Gleichnis für das künstlerische 

Schaffen und darüber hinaus 

für alle Denkungsart, die sich von der 

Oberfläche weg tieferen Schichten 

zuwendet. Erst hier entsteht, wie die 

Bilder von Nora Schattauer ausweisen, 

Ordnung, Harmonie, etwas, was wir 

Schönheit nennen und was letztendlich 

als utopischer Begriff nach einem 

Gleichklang zwischen der Seele und der 

Natur, nach der Einheit von Geist und 

Materie Ausschau hält.« Eugen Blume, 

in: NoraSchattauer. »Silberblätter«, 

Verlag Revolver Publishing 2011. 

Vernissage: 7. Oktober 2011 

um 19 Uhr 

8. Oktober bis 23. Dezember 2011 

Alfred Ehrhardt Stiftung 

Auguststraße 75 


Di–So 11 – 18 Uhr 

Do 11 – 21 Uhr 

15

Galerien 

STEVE SCHAPIRO 

»PHOTOGRAPHIEN« 

Der Photograph Steve Schapiro zeigt 

sowohl Bilder aus der Reihe »Heroes« 

als auch exklusive Aufnahmen vom Set 

der Filme »Der Pate« von Francis Ford 

Coppola und »Taxi Driver« von Martin 

Scorsese. 

»The sixties were a defining era in 

America« (Steve Schapiro) Muhammad 

Ali, Andy Warhol, Ray Charles, Martin 

Luther King, Jr., Samuel Beckett, 

Robert F. Kennedy – sie alle verbindet 

nicht nur mit den 1960er Jahren 

eine der aufregendsten Dekaden 

der Zeitgeschichte, sondern auch ihr 

Prestige als Helden einer Ära und 

Generation. Steve Schapiro gelang es, 

den besonderen Flair sowie die ins 

kollektive Gedächtnis eingeprägten 

Charakteristika dieser »Heroes« 

in einzigartigen Photographien 

festzuhalten. Die mitreißenden 

Tanzbewegungen von Ray Charles, die 

später berühmt gewordenen Siegerposen 

des 21-jährigen Cassius Clay oder die 

undurchdringliche Aura von Andy 

Warhol: In seinen Photographien, die 

sich jeglicher Inszenierung entziehen, 

gelingt es Steve Schapiro, die Eigenart 

und das besondere Charisma dieser 

Persönlichkeiten herauszuarbeiten. Auch 

Robert F. Kennedy und Bürgerrechtler 

Martin Luther King, Jr., Schriftsteller wie 

Samuel Beckett und Truman Capote, oder 

auch Stilikonen wie Barbra Streisand 

und Jackie Kennedy nehmen ihren Platz 

unter Steve Schapiros »Heroes« in der 

Geschichte ein. 

»Der Pate« und »Taxi Driver« Wertvoller 

und vielfach hoch gewürdigter 

Bestandteil von Steve Schapiros Werk 

stellen auch die Photoserien von den 

Sets der Filme »Der Pate« (1972) und 

»Taxi Driver« (1976) dar. Schapiro 

war es möglich, als Photograph exklusiv 

die Dreharbeiten zu begleiten 

und die Entstehung der mittlerweile 

legendären Filme aus einem einzigartigen 

Blickwinkel festzuhalten. Die 

Photographien vermitteln einzigartig 

die schier fühlbare Atmosphäre 

der wichtigsten Szenen von »Der 

Pate« mit Marlon Brando oder Al 


© STEVE SCHAPIRO, MUHAMMED ALI, KENTUCKY, 1963 

Pacino, die Filmgeschichte geschrieben 

haben. Ferner beeindrucken die 

Bilder durch ihre Bandbreite, die von 

der Porträtaufnahme über ikonografisch 

anmutige Szenerien mit hoher 

Dramaturgie bis hin zu Filmplakat ähnlichen 

Motiven reicht. Dieser Reichtum 

an Impressionen dominiert auch die 

Photoreihe vom Set von »Taxi Driver« 

mit Robert De Niro und der damals 

13-jährigen Jodie Foster. Cineastische 

Szenerien, ergreifende Nahaufnahmen 

als photographische Sozialstudien 

und spannende Backstage-Aufnahmen 

ermöglichen einen eindringlichen und 

zugleich heterogenen Einblick in den 

Film. Sowohl Schapiros Photographien 

von »Der Pate« als auch von »Taxi Driver« 

zeugen von einer reizvollen Ambivalenz 

zwischen Fiktion und Realität sowie 

einer spannenden Wechselwirkung zwischen 

dem Medium des Films und der 

Photographie. Somit verstehen sich die 

Bilder als bedeutender Bestandteil der 

Kulturgeschichte und als künstlerische 

Ergänzung zu zwei der bedeutendsten 

Kinofilme der Geschichte. 

Steve Schapiro begann als Photojournalist 

seine Karriere im Jahr 1961. Im »golden 

age in photojournalism« begleitete 

er u.a. 1968 Robert F. Kennedys 

Wahlkampf und berichtete vom Attentat 

auf Martin Luther King, Jr.. Schapiros 

Photographien werden bis heute in 

zahlreichen Magazinen abgedruckt, 

darunter Life, Time, Rolling Stone, 

© STEVE SCHAPIRO, RAY CHARLES 

Sports Illustraed, People, Newsweek 

sowie Vanity Fair und waren Bestandteil 

von vielen Ausstellungen weltweit. Der 

Photograph lebt in New York. 


Galerie Camera Work 

Kantstraße 149 

10623 Berlin-Charlottenburg 

Di – Sa 11 – 18 Uhr

STEFANIE KETZSCHER 

»Umgehung und 

Sonnenwende« 

Fotografien 1972-1984 

Stefanie Ketzschers künstlerischer 

Anspruch gilt immer der Suche nach dem 

Auffindbaren hinter dem vordergründig 

Spektakulären. 

Ihr Sehen ignoriert die Geschwindigkeiten 

der zeitfressenden Abläufe, die alles 

Entdecken nur in Vergleichen und Wettbewerben 

legitimiert. 

Ihr eher sporadischer Zugriff erliegt nie 

den Verführungen mit dem jeweiligen 

Fokus, die oktroyierenden Muster von 

Chronik und Historie zu dekorieren. 

Stefanie Ketzscher vertraut auf die Sichtbarwerdung 

einer Beziehung zu den 

Dingen. Sie holt uns an die Orte ihres 

Anhaltens in einen Zustand von Vertrautsein. 

Ihre »ausgewählten Begegnungen« 

beschreibt sie in stiller Konzentration, 

respektvoller Distanz und reduziertem 

Schwarz-Weiß. 

Dadurch erzeugt sie vor allem in ihren 

Porträts Physiognomien eines besonderen 

Moments, die ohne erzählendes 

Interieur auskommen. 

Stefanie Ketzscher unaufdringliches 

Beobachten ist wie das Sammeln der 

Gegenwart im Abseits. 

© Stefanie Ketzscher, »Grimmling, sich den 

Ozean denkend«, 1984 

© Stefanie Ketzscher, »Leipzig-City«, 1979 

© Stefanie Ketzscher, »Doris Ziegler«, 1980 © Stefanie Ketzscher, »Akt«, 1980 

© Stefanie Ketzscher, »Akt«, 1980 

Vernissage 



Galerien 

4. November bis 23. Dezember 2011 

Galerie argus fotokunst 

Marienstraße 26 


Di – Sa 14 – 18 Uhr 

17

Galerien 

André Kirchner 

Jörg Schmiedekind 

»Berlin Mitte, 

Ecke Jerusalemer« 

1990 bis 2011 

Seit vielen Jahren schon verfolgt der 

Berliner Fotograf André Kirchner die 

Idee, seine Fotografien aus ihren 

zeitgebundenen, meist seriellen 

Zusammenhängen, in denen sie entstanden 

sind, herauszulösen, um sie zu 

Topographien der ihnen eingeschriebenen 

Orte mosaikartig über den ganzen 

Zeitraum der Aufnahmen hinweg neu 

zusammenzusetzen – ohne dabei in das 

ebenso oft geübte wie simple »Vorher/ 

Nachher« zu verfallen. Also die eigenen 

Fotografien eines bestimmten Ortes 

in der Stadt quer durch die Zeit wie 

Ausschnitte zu sammeln und gleichsam 

in einer Collage zusammenzukleben. 

Jörg Schmiedekind kam 1984 zum 

Architekturstudium nach Westberlin. 

Seine ausgiebigen Erkundungs- 

Streifzüge durch die Stadtlandschaft 

bekamen mit dem Fall der Mauer ein 

neues, magisches Zielgebiet: Berlin- 

Mitte, bzw. was daraus geworden war. 

Vom urspünglichen Ziel, Gebautes 

und Stadtlandschaften im Stil der 

Architekturfotografie idealtypisch 

abzubilden, rückte Schmiedekind 

zu Gunsten einer ungeschönten 

Darstellung inklusive aller Störungen 

durch Stadtmöblierung, Schilderwald 

und Dauerprovisorien währenddessen 

immer weiter ab. 

Kirchner und Schmiedekind entdeckten 

zufällig, dass sie unabhängig voneinander 

eine bestimmte Ecke in Mitte seit 

1990 immer wieder aus den verschiedensten 

Blickwinkeln fotografierten: 

das kriegsversehrte und von der Mauer 

angeschnittene Karree Jerusalemer, 

Krausen-, Schützen-, und Lindenstraße, 

heute Axel-Springer-Straße. Jörg 

Schmiedekind von Anfang an in Farbe 

und bald digital, André Kirchner dagegen 

in Schwarzweiß auf Planfilm mit der 

Großformatkamera. 


© André Kirchner 

© Jörg Schmiedekind 

Beim Zusammenlegen der Fotografien 

zeigte sich schnell, dass man sich nichts 

wegnahm, dass sich im Gegenteil für 

den beobachteten Ort eine neue, intensive 

Darstellung ergab: Schwarzweiß 

und Farbe, Schuß und Gegenschuß 

in der Perspektive, Detail und Totale 

in den Ausschnitten, in räumlichen 

Überschneidungen, die zeitlich 

bis zu zwanzig Jahre auseinander 

liegen. Alles aber mit den Mitteln der 

Architekturfotografie geerdet und gerade 

gestellt, dabei stets auf Augenhöhe 

des Passanten gehalten. Jeder konnte 

es sehen, hätte es sehen können, was 

an dieser durchaus typischen Berliner 

Ecke ohne Ecken -die waren alle vier in 

Krieg und Nachkrieg verloren gegangen 

-geschah oder eben nicht geschah. 

bis 15. Oktober 2011 

galerie enpassant 

Brunnenstraße 169 


Di – Fr 14 – 18 Uhr 

Sa 12 – 16 Uhr

Jörg Schmiedekind 

«Frontalansichten« 

Wie immer in seinen Arbeiten geht 

es Schmiedekind nicht um die 

Abbildung des Besonderen, sondern 

um das Banale, Alltägliche. Dabei 

wird ein neutraler Blick auf die Dinge 

gewählt: Kameraposition strikt in 

Augenhöhe bei moderater Brennweite, 

keine extravaganten Blickwinkel und 

neutrales, diffuses Tageslicht. Kein 

Effekt soll vom Abgebildeten ablenken. 

Allein Komposition und Bildausschnitt 

kokettieren mit der Subjektivität des 

quasi-dokumentarischen Unterfangens. 

Komposition und Bildschnitt sind es 

auch, die das Abgebildete seiner puren 

Zweckdienlichkeit entheben und 

ästhetisch aufladen. 

Unser Leben spielt sich zu großen 

Teilen an gewöhnlichen Orten ab. Wir 

beachten sie nicht besonders, sind sie 

alltäglich und wir sehen sie ständig - sie 

scheinen vertraut. 

Abstand und Stille der Fotografie ermöglichen 

zu sehen, woran man sonst vorüber 

geht. Der Stadtraum ist oft überfüllt 

mit Details, die wir vor Ort gar nicht 

wahrnehmen können. Erst die Fotografie 

ermöglicht das genussvolle Eintauchen 

in die visuelle Kakophonie des Alltags. 

Die im Fenster 61 gezeigten Arbeiten 

sind ein Auswahl aus der offenen Berlin- 

Serie Schmiedekinds. Die Auswahl konzentriert 

sich auf ausschnitthafte Erdgeschoß-Frontalansichten 

von typischer 

Berliner Blockrandbebauung. 


FENSTER 61 

Torstraße 61 




© Jörg Schmiedekind © Jörg Schmiedekind 


Galerien 

19

Galerien 

Michael Gebur 

Ulrich Meyer 

»Leben am Mekong« 

Im Rahmen des Mekong-Ländertages 

in der Albert-Einstein Volkshochschule 

Tempelhof-Schöneberg wurde 

auch eine Fotoausstellung der beiden 

asienerfahrenen Fotografen Michael 

Gebur und Ulrich Meyer eröffnet. Die 

Schwerpunktthemen dieser Ausstellung 

sind »Wasser, Ernährung und Gesundheit«. 

Die dokumentaristischen Fotos 

geben dem Betrachter die Möglichkeit, 

das Leben der Menschen am Mekong 

außerhalb der touristischen Höhepunkte 

kennen zu lernen. Gezeigt 

werden Fotos aus Vietnam, Laos, Kambodscha 

und Thailand, die auf verschiedenen 

Reisen der Fotografen entstanden 

sind. 

© Michael Gebur 

Obwohl die Fotos primär dokumentaristischen 

Charakter haben, bleibt 

auch der humoristische Aspekt mancher 

Motive dem Betrachter nicht verborgen. 


Albert Einstein Volkshochschule 

Barbarossaplatz 5 

10718 Berlin-Schöneberg 

Mo – Fr 9 – 21 Uhr 

(in den Ferien bis 16 Uhr) 

Sa + So 10 – 14 Uhr 


© Ulrich Meyer 

© Michael Gebur 

© Ulrich Meyer 

© Michael Gebur

Karoline Bofinger 

Inga Alice Lauenroth 

Nele Gülck 

Chiara Dazi 

Calin Kruse 

Fred Hüning 

Klaus Muenzner 

»Familienbande« 

Die Familie ist tot! Es lebe die Familie! 

Die Strukturen und Größe von Familien 

haben sich in den letzten Jahrzehnten 

grundlegend geändert. Die Großfamilie 

hat ausgedient und wurde ersetzt durch 

Patchwork-, Klein- und Kleinst-Familien 

- bevorzugt ohne Trauschein. Wahlverwandtschaften 

werden Verwandtschaften 

vorgezogen. »Uneheliches Kind« 

ist lange schon kein Schimpfwort mehr 

- es ist aus dem Alltagswortschatz praktisch 

verschwunden. »Spätgebärende« 

meint heute Frauen Mitte Vierzig und 

nicht Ende Zwanzig. Früher kamen 

die Kinder automatisch, heute geplant 

und dem Lebensplan angepasst. Früher 

waren Kinder normal, heute einschneidende, 

lebensverändernde Naturereignisse. 

Heute beginnt eine Familie schon 

mit 2 Personen. Die Bande, die dadurch 

entstehen, sind aber nicht weniger eng 

als früher bei der ehelichen Kinderschar. 

GANZ IM GEGENTEIL - Dies behaupten 

zumindest die ausstellenden Fotografinnen 

und Fotografen Karoline Bofinger, 

Inga Alice Lauenroth, Nele Gülck, 

Chiara Dazi, Calin Kruse, Klaus Muenzner 

und Fred Hüning mit ihren meist 

ganz persönlichen Ansichten von Familie 

2011. 

© Fred Hüning 


Fotogalerie Friedrichshain 

Helsingforser Platz 1 

10243 Berlin-Friedrichshain 


Galerien 

Di, Mi, Fr, Sa 13 – 18 Uhr 

Do 10 – 18 Uhr 

21

Galerien 

Fred Hüning 

»persönlich« 

Unter dem beziehungsreichen Titel persönlich 

stellt der Berliner Fotokünstler 

Fred Hüning einen fotografischen Bilderzyklus 

vor, der das Intime und das 

Schöne in radikaler Weise beschwört. 

Hüning rückt seine private Ikonografie, 

die eigene Familiengeschichte in den 

Mittelpunkt, seine Freundin und seinen 

heranwachsenden Sohn, in einer Art 

intimer Expedition als assoziative Bildcollage. 

Dabei setzt er die emotionale 

Kraft des intimen Raumes in sehr persönliche 

und zugleich zeitlose Bildmomente 

ohne lineare Abfolge um. 

Die Geschichte der fortlaufenden Trilogie 

nimmt ihren Anfang in der Bildserie 

»einer«: sie handelt von Leben und 

Tod, Trauer und Neubeginn. »zwei« 

widmet sich allein der Freundin (und 

Mutter seines Sohnes) und erzählt in 

intimen Portraits und stimmungsvollen 

Landschaftsaufnahmen eine allgemeingültige 

Liebesgeschichte – vom Verlieben, 

langsamen Annähern, von Erotik 

und Liebe bis hin zum Wunsch, ein 

gemeinsames Kind zu zeugen. »drei« 

stellt abermals die Freundin des Fotografen 

und jetzt auch ihren gemeinsa- 

Andreas David 

»Moment« 

Der Moment, der sich ungeplant ergibt 

und regelrecht aus dem Nichts entsteht. 

Der Moment des Sehens, der Aufnahme 

und später der Moment der Betrachtung. 

Andreas David zeigt ausgewählte Fotografien, 

die als solche Momente auf 

Reisen durch Bulgarien und anderen 

Länder entstanden sind. Keine Portraits 

von Menschen, sondern dokumentarische, 

oft minimalistische und grafische 

Eindrücke fremder Städte und Orte. 

Begegnungen von Vorurteilen, Eindrücken 

und Stimmungen des Fotografen 

mit genau diesen Spiegelbildern in 


© Fred Hüning 

men Sohn ins Zentrum und erzählt in 

atmosphärischen Situationsschilderungen 

und stimmungsvollen Stillleben 

von der engen Bindung des Kindes zur 

Mutter, dem langsamen Herausbilden 

einer eigenständigen Persönlichkeit und 

dem Zauber der Kindheit. 

Die Arbeit »zwei« ist inspiriert von 

Nobuyohsi Arakis frühen Fotobuch Sentimental 

Journey (1971), das für den 

japanischen Fotokünstler der Beginn 

seiner Fotokarriere war. 

der urbanen Landschaft. Ein Blick auf 

Geschichten, Tristesse, Durcheinander 

und die Ruhe selbst. Eine Mischung aus 

Farb- und Schwarzweißfotografien. 

Vernissage: 7. Oktober 2011, 19 Uhr 

8. Oktober bis 12. November 2011 

Luxad 

Mommsenstaße 42 


Mo – Fr 10 – 19 Uhr 

Sa 12 – 18 Uhr 

Angesichts der allgegenwärtigen medialen 

Transparenz von scheinbarer Privatheit 

setzen Hünings Bilder und Publikationen 

symbolhafte und poetische 

Augenblicke von subtiler Intimität ohne 

künstliche Effekte. Berührend schmerzvoll 

und berührend schön. 

Anlässlich der Vernissage erscheint 

Hünings bei Peperoni Books verlegtes 

Buch »drei« und wird zusammen 

mit den beiden bereits erschienenen 

Büchern der Trilogie durch den Verleger 

Hannes Wanderer vorgestellt. 

Während in der BrotfabrikGalerie die 

Arbeiten »zwei« und »drei« gezeigt 

werden, sind Ausschnitte aus »einer« 

bis zum 4. November 2011 in der 

»Fotogalerie Friedrichshain« zu sehen – 

anlässlich einer von Fred Hüning kuratierten 

Gruppenausstellung mit dem 

Titel »Familienbande«. 

Vernissage und Buchpräsentation: 

21.Oktober, 20.00 Uhr 

in Anwesenheit des Künstlers 


Brotfabrik Galerie 

Caligariplatz 

13086 Berlin-Weissensee 

Di – So 16 – 21 Uhr 

© Andreas David

Sibylle Bergemann 

»Die Polaroids« 

Magdalena mit Strohhut, im Arm ein 

ausgestopfter Vogel. Eine junge Frau am 

Fenster wie eine Vision aus längst vergangener 

Zeit. Dinge, die leise miteinander 

zu sprechen scheinen. 

Pflanzen, die zu magischen Lichtquellen 

werden. Man spürt sofort: das sind verwunschene 

Bilder, alles andere als beliebige 

Schnappschüsse. Sibylle Bergemann 

fand im Polaroid ein Medium, das ihrer Art 

zu Sehen auf besondere Weise entsprach. 

So ist am Rande von Modeaufnahmen, 

Reportagereisen oder im Privaten eine 

ganz eigene poetische, manchmal 

surreal anmutende Bildwelt entstanden. 

Mit großem Einfühlungsvermögen 

setzte die Photographin die künstlerischen 

Möglichkeiten des Sofortbild- 

Verfahrens ein, wusste genau, welche 

Motive mit der Polaroidkamera »funktionierten«. 

Das waren Momente, die sie 

selbst berührten, Orte, an denen gelebt 

wurde, kleine subtile Überraschungen, 

hinter dem Sichtbaren verborgene 

Geheimnisse. Treppen, abblätternder 

Putz, verblassende Farben, Tiere, 

Puppen, Zauberwesen. 

Jedes Polaroid ist ein Unikat, durch 

zurückgenommene Farbigkeit und 

leichte Unschärfe rätselhaft entrückt, 

zugleich sinnlich erlebbar und von 

bezwingender Intensität. Im Zeitalter des 

perfekten Digitalbildes erzählen Sibylle 

Bergemanns Polaroidaufnahmen vom 

Erinnern und Vergessen, lassen uns staunen 

über die wundersame Entstehung 

einer andersartigen, oft unvermuteten 

Wirklichkeit – unwiederholbar und von 

einzigartiger Schönheit. 

Susanne Schmid 


Johanna Breede 

PHOTOKUNST 

Fasanenstraße 69 


Di – Fr 11 – 18 Uhr 

Sa 11 – 16 Uhr 

© Sibylle Bergemann, »Magdalena«, Berlin, 1998, (Original in Farbe) 


Galerien 

© Sibylle Bergemann, »o.T.«, (Original in Farbe) © Sibylle Bergemann, »o.T.«, (Original in Farbe) 

Anlässlich zum 70. Geburtstag der 

Fotografin Sibylle Bergemann 

23

Galerien 

Birgit Krause 

»Unwillkürliche 

Erinnerungen« 

Recherche & Blue Monday 

Mémoire involontaire in der Fotografie 

Die Blumen des Schönen 

Der Zucker unserer Erinnerungen 

liegt unverrührt auf dem Grund unseres 

Gedächtnisses. Ob jemand lieber 

grünen Tee trinkt, italienischen Espresso 

oder argentinischen Mate, das ist egal. 

Worauf es ankommt, ist der Moment, in 

dem der Zucker verschmilzt mit unserer 

Erinnerung: Dann zuckt der Erinnerungsblitz 

und schleudert uns zurück 

in die Vergangenheit. Über der Tasse 

reiben wir uns verwundert die Augen 

und sehen, wie sich ein japanisches 

Wunderpapier mit Flüssigkeit vollsaugt 

und in einen herrlichen Schwan verwandelt. 

Die Berliner Fotografin Birgit Krause 

(Studentin der Ostkreuzschule bei 

Sibylle Bergemann, Meisterschülerin 

von Prof. Arno Fischer) zeigt Arbeiten 

unter dem Titel Unwillkürliche Erinnerungen. 

Die Anspielung auf Marcel 

Prousts Jahrhundertwerk »Auf der Suche 

nach der verlorenen Zeit« ist evident. 

Proust beschreibt die Form der unwillkürlichen 

Erinnerung anhand einer einzigartigen 

Szene. Birgit Krause dagegen 

signalisiert bewusst eine Vielzahl 

unwillkürlicher Erinnerungen. Die 

beiden Serien »Recherche« und »Blue 

Monday« beziehen sich dabei auf zwei 

ausgesuchte Lebensphasen mit je eigenen 

Stimmungen und Valeurs: zum 

einen auf die Kindheit, zum anderen 

auf die Jugend. 

Deutet man die Bildunschärfen in 

»Recherche« leichtfertig als Ausdruck 

erinnerungstechnischer Verschwommenheit, 

so ist damit nichts gewonnen. 

Die Wahl einer Einwegkamera 

entspringt bewusst einer ästhetischen 

Begrenzung auf das kindliche Sehen 

selbst. Dieses sieht in den Dingen oft 

mehr, als sie in Wahrheit sind. Es ist 

bezeichnend, dass die Fotografin ihre 

Motive nicht an konkreten Orten der 

Kindheit und Jugend auffand, sondern 


© Birgit Krause © Birgit Krause 

© Birgit Krause 

verstreut in der ganzen Welt. Ein Kantinentisch 

in einem DDR-Bunker erinnerte 

sie an ihre Kindergartenzeit in Hildesheim. 

Weiter könnten Vergangenheit 

und Bild, Erinnerung und Motiv, Abbild 

und Original kaum auseinander liegen. 

Und doch entsteigt dem Bild unaufhörlich 

der gleiche leicht saure Geruch 

frisch aufgebrühten Hagebuttentees. 

Schwarze Nischen und einsame Vögel, 

irdische Mondlandschaften und in sich 

versunkene Galaxien – der düstere 

Grundton von »Recherche« deutet nicht 

auf eine bunte Blümchenwiese hin. Und 

doch scheinen gerade die schwärzesten 

Stellen der Bilder direkt hinüberzufüh- 

ren auf jene leuchtende Wiese, auf der, 

wie der argentinische Autor Julio Cortázar 

einmal sagte, »das Einhorn wiehert«. 

Insofern wundert es nicht, dass in 

der Jugend ein Farbenbekenntnis erfolgt. 

»Blue Monday« – es ist das Schwarzblau 

des New Wave und der New Romantic 

der 80er Jahre, das die Bilder der 

zweiten Serie wie ein Oxidations- und 

Haarfärbemittel von damals durchzieht. 

Die blaue Blume der Romantik blüht 

auf, um sich augenblicklich in etwas 

Abstraktes zu verwandeln. Für einen 

Moment jedoch ist die Vergangenheit 

spürbar nah. 

Betrachtet man Birgit Krauses Bilder als 

fotografische Erkundungen der Erinnerung 

im Modus der Vergangenheit, dann 

gehen sie in einem selbst auf. Obwohl 

in jüngster Zeit entstanden, wirken sie, 

als hätten sie viele Jahre darauf gewartet, 

endlich gepflückt zu werden. 

Stephan Reisner 

www.birgit-krause.com 


exp12 / exposure twelve 

Senefelderstraße 35 

10437 Berlin – Prenzlauer Berg 

www.exp12.com 

Fr – So 14 – 20 Uhr

Oona Eberle 

»What Do We Know« 

Fragmente eines Sommers 

»Drei offene Fenster bestätigen, dass 

das Meer existiert. Und wenn das Meer 

existiert, sitze ich auf dem Bettrand, wie 

jeden morgen, und trinke in winzigen 

Schlucken einen tiefschwarzen, bitteren 

Kaffee, der vor ein paar Minuten 

noch Pulver war und jetzt Flüssigkeit ist. 

Wie lange ist es her, dass ich mit dieser 

Zeremonie anfing? Kaffee trinken und 

dabei das Meer betrachten als wären die 

Wellen Bruchstücke von Leben. 

Das Wasser erzeugt einen gemächlichen 

Reiz, eine höchste Gemütsruhe, 

ein merkwürdiges Erstaunen, das 

beruhigt«. (Zoé Valdés, »Das tägliche 

Nichts«) 

Nachdenklich macht einen das schon: 

Hipstamatic-Prints in einer Ausstellung 

für Fotografie? Hat Hipstamatic überhaupt 

einen Platz in der klassischen 

Fotografie? Eine, für das iphone entwickelte 

Software, die mit einer Vielzahl 

an Filtern und Linsen verschiedene Epochen 

der analogen Fotografie nachempfindet? 

Hipstamatic be- und entschleunigt die 

Entwicklung der Fotografie in unserem 

immer schneller werdenden Zeitalter 

gleichermaßen und führt die digitale 

Entwicklung in gewisser Weise ad 

absurdum. 

Oona Eberle, Schülerin von Sibylle Bergemann 

und Arno Fischer hat sich einen 

Sommer lang auf das Experiment eingelassen 

und sich auf das Medium konzentriert, 

das in ihrem Leben im wahrsten 

Sinne des Wortes auf der Hand, bzw. 

am Ohr liegt. 

Unter dem Titel »What Do We Know« 

zeigt sie einfühlsame Bilder die wie eine 

Spiegelung ihrer Seele wirken. Momente 

aus dem alltäglichen Leben, ohne Inszenierung 

aber mit einem tiefen Blick für 

den Moment. 

Ein Hauch von Melancholie schwebt 

durch die Bilder. Schemenhafte Erinnerungen, 

entfernte, einzigartige Erlebnisse 

und Begebenheiten. Momente, in 

denen die Zeit für einen Augenblick still 

© Oona Eberle 

stand und die letztendlich in Wellen 

unwiederbringlich fortgespült wurden. 

Oona Eberle fotografiert intuitiv spontan 

erlebte Situationen mit präzisem Augenmerk, 

für den Moment und dem Schönen 

in den kleinen Dingen des Lebens. 

Mit »Fragmente eines Sommers« schickt 

sie uns auf eine Reise in das Innere von 

uns selbst und holt uns wieder zurück 

in das Jetzt und lässt uns die Welt durch 

ihre Augen sehen. 

»The world is appearing and disappearing 

all the time at every moment. Culture 

and memory may contain the things 

we know, but experience is our only 

entry into this world«. (Ken Schles) 

Vernissage: 11. November 2011 

19 Uhr 

© Oona Eberle 


Galerien 


exp12 / exposure twelve 

Senefelderstraße 35 

10437 Berlin – Prenzlauer Berg 

www.exp12.com 

Fr – So 14 – 20 Uhr 

25

Galerien 

SURRAU PHOTO 

WIN 2010 

Penny Klepuszewska ( GB ) 

Giuliano Matteucci ( I ) 

Eva Leitolf ( D ) 

Jonas Petronis ( LT ) 

Massimiliano T. Rezza ( I ) 

Entstanden ist dieser SURRAU PHOTO 

WIN aus dem Zusammentreffen von 

Salvatore Ligios, Verleger, Fotograf 

und Präsident von Su Palatu und 

dem Unternehmer und Kunstsammler 

Martino Demuro. Der Surrau Photo 

Win ist ein internationaler Fotopreis zur 

Förderung der Fotografie, von Projekten 

und Autoren. Mit 10.000 Euro dotiert, 

wurde er erstmalig im Oktober 2010 in 

Sardinien verliehen. 

Nach der Präsentation von 60 Fotografen 

durch verschiedene Kuratoren wurde, 

aus einer kleinen Auswahl von 5 Autoren 

(Penny Klepuszewska, Eva Leitolf, 

Giuliano Matteucci, Jonas Petronis, 

Massimiliano T. Rezza), die Arbeit von 

Eva Leitolf prämiert. 

Die 1. Edition des SURRAU PHOTO 

WIN findet jetzt in Berlin statt. 

© Eva Leitolf 


© Giuliano Matteucci 

© Penny Klepuszewska 

© Massimiliano T. Rezza 

© Jonas Petronis 


Café Aroma Photogalerie 

Hochkirchstraße 8 


Mo – Fr 18 – 24 Uhr 

Sa – So 14 – 24 Uhr 

und nach Vereinbarung

Siegfried Utzig 

»Spree-Veduten« 

Die Eigenheiten der italienischen Landschafts- 

und Stadtansichten des 17. Jahrhunderts 

waren ihre wirklichkeitsgetreue 

Darstellung einer Landschaft oder 

eines Stadtbildes. 

Dass der strenge formale Ansatz der 

Veduten auch heute noch zu überzeugenden 

Bildern führen kann, zeigt Siegfried 

Utzig mit seinem Portfolio »Spree- 

Veduten«. 

Eingebettet in eine konsequent durchgehaltene 

formale Strenge, nehmen die 

Schwarz-Weiss Fotografien den Betrachter 

mit auf eine, an Überraschungen 

reiche, Reise durch Berlin entlang der 

Spreeufer. 

Die Reise beginnt beim Eintritt der Spree 

in die Stadt am Müggelsee im Osten und 

endet an der Mündung in die Havel im 

Westen in Berlin-Spandau. 

Auf den gut 50 Kilometern durch Berlin 

erschließt das Portfolio die ganze Vielfalt 

der Stadtlandschaft mit ihren unterschiedlichen 

Formen des Lebens und 

der Gestaltung des Stadtraums entlang 

des Flusses. 

Es entstand ein Bilderbogen Berlins, der 

vom idyllisch grünen Flussabschnitt, 

über die industrielle genutzten Uferzonen 

und die verschiedenen Formen 

der Wohnbebauung bis hin zum touristisch, 

politisches Zentrum in Berlin- 

Mitte reicht. Dabei wurde konsequent 

auf sattsam bekannte Motive und Kamerastandpunkte 

verzichtet. 

Durch die Dichte der Bildfolge und die 

Nüchternheit der Aufnahmen sind die 

bekannten Eyecatcher entbehrlich. Im 

Gegenteil, sie würden die Harmonie 

des Gesamtwerks stören. Die Fotografien 

zeigen daher ein weitgehend unbekanntes 

Berlin. 

Siegfried Utzig wurde 1955 in St. 

Wendel/Saar geboren. 

Sein Interesse an der Photographie 

besteht seit frühster Jugend. Die erste 

eigene Spiegelreflexkamera erwarb er 

mit 17 Jahren, um sich zuerst ausschließlich 

der Dia-Fotografie zu widmen. 

In den achtziger Jahren folgte dann 

© Siegfried Utzig 

eine verstärkte Konzentration auf die 

Schwarz-Weiß-Photographie. 

Seit Mitte der neunziger Jahre, auf der 

Suche nach neuen photographischen 

Gestaltungsmöglichkeiten, kam die Hinwendung 

zu historischen photographischen 

Verfahren - insbesondere Bromöldruck 

und Gummidruck - als Medium 

der Bildgestaltung. 

Er nahm dann umfangreiche autodidaktische 

Studien zu den historischen, 

fotografischen Verfahren vor, sowie ihrer 

Anwendung unter Zuhilfenahme moderner 

digitaler Fototechnik. 

Er lebt und arbeitet heute in Berlin. 

Vernissage: 

13. Oktober 2011, 20 Uhr 

© Siegfried Utzig 


Galerien 

14. Oktober 2011 bis 15. Januar 2012 

Café Aroma Photogalerie 

Hochkirchstraße 8 


Mo – Fr 18 – 24 Uhr 

Sa – So 14 – 24 Uhr 

und nach Vereinbarung 

27

Galerien 

Neue Präsentation der 

Fotosammlung Arthur 

de Ganay 

Fotografien von 

Lewis Baltz, Elger Esser, Candida 

Höfer, Arwed Messmer, Thomas 

Ruff, Thomas Struth und Hiroshi 

Sugimoto 

Anlässlich des fünfjährigen Bestehens 

der öffentlich zugänglichen Fotografie- 

Ausstellung der Sammlung Arthur de 

Ganay wurden am 11. September 2011 

Neuerwerbungen aus den letzten Jahren 

in einer Preview vorgestellt. 

In einem eigens für die Sammlung erworbenen 

und hergerichteten Loft in der 

Köpenicker Straße in Berlin-Kreuzberg, 

zeigt der aus Frankreich stammende 

Arthur de Ganay seit fünf Jahren einige 

der bedeutendsten Vertreter der deutschen 

Fotokunst der 1990er Jahre bis 

heute. 

Wichtiges Anliegen der Sammlung ist 

es, einen Beitrag zur breiten Akzeptanz 

der Fotokunst zu leisten. Durch 

die Ausstellung von ausgesuchten 

großformatigen Kompositionen soll 

aufgezeigt werden, dass die Fotografie 

der Malerei innerhalb der bildenden 

Künste gleichwertig ist. 

»Wo aber der Mensch aus der 

Photographie sich zurückzieht, da tritt 

erstmals der Ausstellungswert dem 

Kultwert überlegen entgegen.« (Walter 

Benjamin) In seinem Essay »Das 

Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen 

Reproduzierbarkeit« betonte Benjamin 

den Bedeutungsverlust des »Kultwerts« 

der Kunst durch die Möglichkeit der 

Reproduzierbarkeit. In diesen Prozessen 

verliere das Kunstwerk seine »Aura«, 

was in der Folge wiederum die soziale 

Funktion der Medien verändere. In 

diesem Zusammenhang unterstreicht er 

am Beispiel des Fotografen Eugène Atget 

die Anziehungskraft von menschenleeren 

Straßenbildern, deren beunruhigende 

Atmosphäre an einen Tatort erinnert. 

Die Sammlung Arthur de Ganay knüpft 

an diesen Aspekt der Fotografie an und 

richtet den Fokus auf die Landschafts- 


Thomas Ruff, »a.s.b.01«, 2001, 130 x 170 cm, 

C-Print, gerahmt 

Courtesy: Arthur de Ganay und Johnen Galerie 

© VG Bild-Kunst 

und Architekturfotografie, um den 

Betrachter durch den von Benjamin 

genannten »Kult der Erinnerung« nicht 

abzulenken. 

In einer sehr konzentrierten Präsentation 

werden die Werke in zusammenhängenden 

Ensembles gezeigt. Oft sind es die 

eindrucksvollsten, vielleicht auch repräsentativsten 

Motive einer Werkgruppe, 

die Arthur de Ganay erwirbt, um sie 

in seinen Räumen der Öffentlichkeit 

zugänglich zu machen. 

Zum 10. Jahrestag der Terroranschläge auf 

das World Trade Center am 11. September 

2001 in New York, wurden in der neuen 

Präsentation der Sammlung zwei Bilder 

von Thomas Ruff gegenübergestellt: die 

Arbeit »jpg td03« aus dem Jahre 2006, 

welche den Einsturz des World Trade 

Centers zeigt, steht der Arbeit »Nacht 

20 I« aus dem Jahre 1995 gegenüber. In 

dieser Stadtansicht verwendete Thomas 

Ruff ein Nachtsichtgerät, welches in der 

Kriegsberichterstattung während des 

zweiten Golfkrieges im Jahre 1990 eingesetzt 

wurde. Die beiden Bilder zeigen 

wie die moderne Kriegsberichterstattung 

vom Golfkrieg 1990 bis zum Krieg gegen 

den Terror seit 2001 die Darstellung von 

Brutalität verharmlost. 

Die Gegenüberstellung der beiden 

Fotografien soll auch den fragwürdigen, 

populistischen Reiz und den gesellschaftlichen 

Einfluss von Bildern diskutieren, 

die mit Überwachungskameras 

oder Amateurvideos entstehen und 

unbegrenzt im Internet kursieren. 

Ein weiteres Motiv der neuen Hängung 

der Sammlung sind Straßenbilder mit 

Werken von Thomas Struth und Arwed 

Messmer. Ob in Berlin, Lima oder 

Leipzig zu verschiedenen Zeitpunkten 

aufgenommen, erinnern die gezeigten 

Ruinen und Leerstellen ebenfalls an das 

Thema der Zerstörung durch den Krieg 

und knüpfen so an die zuvor beschriebenen 

Bilder Ruffs an. 

Mit der veränderten Präsentation von 

»Color of Shadows C 1022« wird 

ein Ensemble des Künstlers Hiroshi 

Sugimoto abgerundet. In Ergänzung zu 

einer kleinen, unscharfen Aufnahme des 

Bodensees aus der Serie »Seascapes« 

und zusammen mit der großformatigen 

Arbeit »Austrian Post Offices 

Saving Bank«, entsteht ein magistrales 

Ensemble, welches die entscheidenden 

Qualitäten Sugimotos Bildsprache 

erfahrbar macht. 

Mit den Aufnahmen der Pariser 

Oper von Candida Höfer und den 

Landschaftsaufnahmen von Elger Esser 

sind weitere Ensembles zu sehen, die 

bereits als Klassiker der Sammlung gelten. 

Arthur de Ganay begann bereits 

während seines Architekturstudiums 

in Paris Mitte der Neunziger Jahre 

Fotokunst zu sammeln. Sein besonderes 

Interesse gilt großformatiger 

Landschafts-und Architekturfotografie. 

Von großer Bedeutung war für ihn die 

Begegnung mit dem künstlerischen 

Werk Hiroshi Sugimotos, welches seine 

Sammlungstätigkeit seither stark geprägt 

hat. Mit seinem Umzug nach Berlin im 

Jahre 2001 widmete sich der Sammler 

verstärkt der deutschen Fotokunst, insbesondere 

der Düsseldorfer Becher-Schule 

mit Künstlern wie Thomas Ruff, Thomas 

Struth oder Candida Höfer, um einige 

der wichtigsten Vertreter zu nennen. Seit 

2006 ist die Sammlung Arthur de Ganay 

öffentlich zugänglich. 


Fotografiesammlung Arthur de Ganay 

Köpenicker Straße 10A 


Führungen finden jeden ersten 

Samstag im Monat von 14 bis 16 Uhr 

statt. 

Anmeldung erforderlich unter: 

info@collectionarthurdeganay.com 

www.collectionarthurdeganay.com

Erik van der Haas 

»Das Chaos und die 

Schöne« 

Erotische Fotografien 

Marode und baufällige Gebäude unterstreichen 

durch ihre Unvollkommenheit 

die Schönheit und den Reiz des weiblichen 

Körpers. 

Durch die maroden Ruinen wird ein 

intensiver Kontrast zur Lebendigkeit und 

der persönlichen Ausstrahlung des Menschen 

erzeugt, was die Kernaussage von 

Eriks Haas Fotografien darstellt. Die Bilder 

entstehen spontan und intuitiv. 

In oft halsbrecherischen Aktionen entstehen 

die Aufnahmen mit einem minimalen 

technischen Aufwand. 

Helmut Baumann 

»Aus dem Rahmen 

gefallen« 

Aktfotografien 

Helmut G. Baumann, 59 Jahre, ist Foto- 

Autodidakt seit seinem 14.Lebensjahr. 

Erste Aufnahmen mit der legendären 

Exa Ib: Einstürzende Altbauten, Porträts 

am Strand, Naturaufnahmen. 

Seit 10 Jahren ist er überzeugter Digitalist 

mit Augenmerk auf das Motiv, nicht 

auf die Montage. 

Der Akt in beeindruckender Landschaft 

ist seine neue Leidenschaft. 

Gemeinsam mit anderen Fotografen und 

Modellen unternimmt er Fotoreisen in 

die Toskana, Südfrankreich, Teneriffa. 

Vernissage 

4. November 2011, ab 19 Uhr 

© Erik van der Haas 

© Helmut Baumann 

Vorschau: 

2. Dezember bis 31. Dezember 2011 

Gemeinschaftsausstellung des Arbeitskreises 

für künstlerische Aktfotografie 

Ergebnisse vom Sommertreffen Wasserburg 

Gerswalde 

7. Oktober bis 30. Oktober 2011 

Die Aktgalerie 

Krossenerstraße 34 


Fr, Sa, So 16 – 20 Uhr 


Galerien 

Durch einen bewussten Verzicht auf 

digitales „Botox“ bei der Optimierung 

der Gesichter und der Körper am Computer 

bleibt die Authentizität der fotografierten 

Frauen erhalten. 

Somit versucht Erik van der Haas 

einen Gegensatz und eine Alternative 

zur Hochglanzfotografie nach Art der 

bekannten Männermagazine zu schaffen. 

Vernissage 

7. Oktober 2011, ab 19 Uhr 

4. November bis 27. November 2011 


Krossenerstraße 34 


Fr, Sa, So 16 – 20 Uhr 

29

Galerien 

Ursula Kelm 

»Vergänglichkeit der 

Zeit« 

Fotoarbeiten 

Erinnerungen, auch wenn sie schön 

sind, können manchmal eine Last sein. 

Das eigene Leben, einen Teil davon in 

fotografischen Bildern zu beschreiben, 

ist nicht einfach. Jedes Leben ist sehr 

komplex, aber wie nimmt man es wahr 

oder wie träumt man es. 

Fotos sind nicht wie Texte zu lesen, vermitteln 

aber Botschaften. 

Diese Botschaften sind chiffrierte Wirklichkeiten, 

verrätselt. 

Aus der Arbeit am Adressbuchprojekt 

stellten sich Fragen: 

Wer/was ist denn wichtig? 

Woran erinnere ich mich, wenn ich die 

Namen lese? 

Welche Bilder tauchen auf? 

Was verbinde ich damit? 

Bilder aus der Kindheit, der Familie, 

Bilder aus dem Jetzt, je nach Anordnung 

und Kontext bringen sie neue Bildeinheiten, 

neue Erzählungen hervor. Bilder 

kommunizieren, fließen ineinander. Der 

Betrachter wird aufgefordert, ein eigenes 

Bild zu schaffen. 

Zeit und Bewegung werden sichtbar. 

Innere Bilder bleiben vor dem Verschwinden 

festgehalten. Vergangenheit 

und Gegenwart, bereits vergangenes 

Leben, Schärfe und Unschärfe treffen 

sich zwischen Farbe, Verblasstem und 

schwarz/weiß zu neuer Einheit, zu Bildern 

von Zeit. 

Ursula Kelm 

Sechsundzwanzig Buchstaben : A-Z 

Sechsundzwanzig Bildeinheiten 

(2008-2011) 

(Einzelbilder, Diptychen oder Triptychen) 

Buchauflage: 26 Exemplare 

Das Adressbuchprojekt: 

... umgeknickte Ecken, vergilbte Ränder, 

kaum erkennbare Registerbuchstaben, 

.. . abgegriffen, so wie ein Teddybär 

nach vielen Jahren, 

.. . aufbewahrte Bilder zum Festhalten 

oder Neuentdecken. 


© Ursula Kelm (Original in Farbe) 



Vernissage: 



imago fotokunst 

Linienstraße 145 


Di – Fr 12 – 19 Uhr 

Sa 14 – 18 Uhr



© Ursula Kelm 


Galerien 

31

Galerien 

Abschlussarbeiten der 

Fotoklasse 27 

Künstlerische Leitung: 

Ursula Kelm 

Auseinandersetzung mit dem eigenen 

Bild vom Bild 

Mit elf Augenpaaren und elf Vorstellungen, 

das Gesehene festzuhalten und 

dem Betrachter zu vermitteln, haben 

wir uns aufgemacht, unsere Kunst ins 

Licht zu setzen. 

Das ohne Zweifel bei allen Beteiligten 

vorhandene leidenschaftliche Potenzial 

zur Bild erzeugenden Darstellung 

wurde durch die praktische Umsetzung 

klarer Aufgabenstellungen einem positiven 

Entwicklungsprozess unterzogen 

und mit guter Fixierung abgeschlossen. 

Hinsichtlich der künstlerischen Ausgestaltung 

dienten die oftmals langen 

und sehr intensiven Dialoge über das 

so genannte »gute Bild«, das es so ja 

nicht gibt. 

Nicht die vielen Bilder vermitteln, sondern 

das eine Bild oder die Bildreihe 

soll prägnant die Botschaft transportieren, 

war die Erkenntnis, die wir im 

Rahmen der künstlerischen Betrachtung 

gewinnen konnten. 

Unsere neuen Augen auf die Schönheit 

und das Besondere des Alltäglichen 

werden wir behalten. 

Wolfgang Zummack 

© Ronald Gierth 

© Larissa Honsek 


© Heike Molkentin © Franziska Schmidt 

© Katrin Frohns © Uwe Gessner 

© Valentina Luski 

© Christine Mauch 

© Axel Schrick 

© Martina Kohnova 

© Wolfgang Zummack 

Vernissage: 



imago fotokunst 

Linienstraße 145 


Di – Fr 12 – 19 Uhr 

Sa + So 14 – 18 Uhr

DAWID 

»RRR« 

Die Fotografie kann alles sein, vom 

authentischen Abbild bis hin zur Illusion, 

Realität und zugleich Imitation. 

Die Arbeiten von Dawid (Björn 

Dawidsson), einem der angesehensten 

und bekanntesten Fotografen und 

Künstler Schwedens, sind fast ein Synonym 

für diesen fotografischen Diskurs. 

Er wurde als Schwedens erste Postmoderner 

Künstler bezeichnet. Sein Werk 

wird breit diskutiert und bewegt sich 

oft auf dem schmalen Grat zwischen 

dem Grafischen und Fotografischen. 

Wie ein Alchemist und Wissenschaftler 

experimentiert er andauernd mit 

verschiedensten Techniken und Ausrüstungen 

- neuen und alten. Verspielt 

zeigt er immer wieder andere Sichtweisen 

auf gewöhnliche und ungewöhnliche 

Objekte. Seine Fotografien bestätigen 

die bestehenden Formen und stellen 

sie im gleichen Atemzug radikal in 

Frage und hinterfragen dabei unsere 

Wahrnehmung. 

Was ist eigentlich Fotografie? Abgesehen 

von einer technischen Erfindung ist Fotografie 

auch eine konzeptionelle Errungenschaft. 

Die Fotografie ist eine Abbildung 

von etwas, das bereits als Bild in 

unserer Vorstellung existiert. Es ist kein 

Zufall, dass die Diskussion dort weitergeht, 

wo sie René Magritte begonnen 

hat. Fotografie vergegenwärtigt etwas 

Abwesendes, einen realen Gegenstand 

in einer illusionären Art und Weise. Die 

Radikalität, welche die Arbeiten von 

Dawid auszeichnet, besteht im ständigen 

Prüfen und Überschreiten der Grenzen 

dieser Ausdrucksform. In der Serie 

RRR erforscht Dawid, wann ein Bild zu 

einer Illusion wird und trotzdem eine 

Fotografie bleibt. 

Dawid (Björn Davidsson) wurde 1949 

in Örebro geboren. Er lebt und arbeitet 

in Stockholm. 1969-70 Studium an 

der legendären Fotografieschule »Fotoskolan«, 

die unter Christer Strömholm 

von 1962 bis 1974 eine ganze Generation 

von hervorragenden schwedischen 

Fotografen hervorbrachte. Im Anschluss 

Grafikdesign-Studium an der Beckmans 

Reklamskola (Schule für Kunst und 

© DAWID RRR (Original in Farbe) 

© DAWID RRR (Original in Farbe) 

Design). Dozent an der Hochschule für 

Fotografie, Göteborg und der Kunsthochschule 

Stockholm. Dawid hat zahlreiche 

Bücher veröffentlicht, u.a. »Rost« 

DOG/Fotografiska Museet, Stockholm 

1983 und »Beautiful Frames«, Steidl 


SWEDISH PHOTOGRAPHY 

Karl-Marx-Allee 62 


Mi – Sa 12 – 18 Uhr 


Galerien 

2001. Vertreten u.a. in den ständigen 

Sammlungen des Morderna Museet, 

Stockholm, Hasselblad Center, Göteborg, 

Museum Folkwang, Essen, Statens 

Konstråd, (Kunstrat des schwedischen 

Kulturministeriums) Stockholm. Dawid 

hat auch zahlreiche Auszeichnungen 

und Stipendien erhalten. Seine Bilder 

sind in vielen Einzel- und Gruppenausstellungen 

gezeigt worden. 

33

Galerien 

Matthew Pillsbury 

»Photographs« 

Die galerie hiltawsky zeigt in Zusammenarbeit 

mit der Bonni Benrubi Gallery, 

New York die erst zweite Einzelausstellung 

der Werke des amerikanischen 

Künstlers Matthew Pillsbury in 

Deutschland. Die ausgestellten Arbeiten 

sind aus den Serien »Time Frame« 

und »Screen Lives«, sowie neue Arbeiten. 

Den Verlauf der Zeit einzufrieren ist der 

konventionellste Trick einer Kamera. 

Matthew Pillsbury’s Fotografien leisten 

mehr, sie fangen die Erfahrung von 

Zeit sowohl physisch als auch psychologisch 

ein. Ursprünglich davon ausgehend 

das Leben seiner Freunde und 

Familie in ihrer Freizeit zu fotografieren, 

rückte schnell die Gemeinsamkeit 

viel Zeit vor Bildschirmen und Fernsehern 

zu verbringen und damit die Rolle 

moderner Technologie in das Zentrum 

seiner Arbeit. Inspiriert durch Hiroshi 

Sugimoto leuchtet Pillsbury seine Szenarien 

nur mit vorhandenem Licht aus 

und durch sehr lange Belichtungszeiten 

werden die Lichtquellen zu weissen 

Flächen und bilden die Oberfläche 

für unsere eigenen Interpretationen. Die 

menschlichen Bewegungen werden in 

außergewöhnlichen und ungesehenen 

Orten eingefangen, die Figuren wirken 

geisterhaft in ihrer Flüchtigkeit gegen 

die Permanenz der Umgebung und den 

Reichtum des Details des Materiellen. 

Matthew Pillsbury wurde 1973 in Frankreich 

geboren, ist dort aufgewachsen 

und hat 1995 an der Yale University 

und 2004 an der New York’s School of 

Visual Arts studiert. Seine Arbeiten sind 

in den letzten Jahren umfangreich in 

den USA und Europa ausgestellt worden 

und befinden sich in den Sammlungen 

des Whitney Museum of American Art, 

Museum of Modern Art in New York, 

Guggenheim New York, Los Angeles 

County Museum of Art, Museum of Fine 

Art in Houston, San Francisco MOMA 

und Elton John’s Photography Collection 

in Atlanta. Er wurde vom Photo- 


© Matthew Pillsbury, »Nathan Noland, Mario Kart DS, The Star Cup, Wynn«, Las Vegas 

© Matthew Pillsbury, »Selfporträt in SF« 

DistrictNews (PDN) 2005 als einer der 

Top 30 »emerging artists« gewählt und 

hat 2007 den HSBC-Preis für Fotografie 

gewonnen. 

Matthew Pillsbury lebt und arbeitet in 

New York. 


galerie hiltawsky 

Tucholskystraße 41 


Mi – Sa 14 – 18 Uhr

Susan Burnstine 

»WITHIN SHADOWS« 

Susan Burnstine interpretiert in ihren 

Fotos die flüchtigen Momente zwischen 

träumen und wach sein, die verschwommenen 

Sekunden in denen Phantasie 

und Wirklichkeit kollidieren. 

Als Kind litt sie unter intensiven Albträumen, 

die sie tagelang beschäftigten. 

Oft lief sie herum und war sich nicht 

sicher, ob sie träumte oder wach war. 

Die Linien zwischen beiden Zuständen 

blieben verschwommen. 

Als Trilogie konzipiert, wird dieses Projekt 

in drei fortlaufenden Kapiteln präsentiert: 

»On Waking Dreams«, »Between« 

und »Flight«, die drei Zustände 

der Psyche erforschen: träumen (unterbewusst), 

schlafen (unbewusst) und 

wach sein (bewusst). 

Für diese Serien wollte Susan Burnstine 

einen Weg finden ihre Traumvisionen 

als unverfälschte Fotos und nicht als 

bildbearbeitete Manipulationen darzustellen. 

Dafür hatte sie 21 selbstgebaute 

Kameras und Objektive, unter Zuhilfenahme 

von Plastik- und Gummiteilen 

aus Haushaltsgegenständen, eingesetzt. 

Diese Kameras waren oft unberechenbar 

hinsichtlich ihrer technischen Eigenschaften 

und stellten daher eine große 

Herausforderung für sie dar. Nach ihrer 

Auffassung sind dieselben Gegenstände 

ein Schlüssel, um Träume zu interpretieren. 

Das Ergebnis dieser Anstrengungen 

zeigt die galerie hiltawsky in einer Ausstellung. 

© Susan Burnstine 

© Susan Burnstine © Susan Burnstine 

Vernissage: 



Galerien 


galerie hiltawsky 

Tucholskystraße 41 


Mi – Sa 14 – 18 Uhr 

35

Galerien 

Franca Wohlt 

Oliver Jacob 

Thomas Graichen 

»Holga Visionen« 

In Fortführung ihrer Tradition von 

Holga Gruppenausstellungen eröffnet 

die aff Galerie im Oktober die Ausstellung 

»Holga Visionen«. Die kontinuierliche 

Auseinandersetzung mit den 

unterschiedlichen Ausdrucksmöglichkeiten 

dieser besonderen Kamera ist 

ein Bestandteil des Programms der aff 

Galerie. 

Die Holga Kamera wurde in den achtziger 

Jahren als »Volkskamera« in China 

entwickelt. Sie besteht fast ausschließlich 

aus Kunststoff, besitzt nahezu keine 

Einstellungsmöglichkeiten und verwendet 

das zu dieser Zeit in China weit verbreitete 

Mittelformat. 

© Oliver Jacob 

Oliver Jacob zeigt in seiner Arbeit 

»Augenwanderungen« seine Eindrücke 

aus dem modernen Großstadtleben. Er 

fängt dabei Augenblicke der Unruhe, 

Orientierungslosigkeit und Melancholie 

im Strom der Stadt ein, aber auch 

kleine Details am Straßenrand. Dabei 

erscheinen einzelne in den Bildern eingefangene 

Individuen etwas verloren 

und unschlüssig oder auf der Suche. 

Die schwarzweißen Bilder erinnern 

dadurch an Standbilder eines Film Noir 

oder an Szenen eines alten Stummfilms. 

In Doppelbelichtungen, die sich in der 


Arbeit mit der einfachen Holga Kamera 

geradezu anbieten, verdichtet er die 

Flut von Eindrücken und Sinneswahrnehmungen, 

die sich aus der Hektik der 

Großstadt ergeben. 

An der Arbeit mit der Holga fasziniert 

Jacob das Unperfekte und das Zufällige 

bei der Entstehung der Bilder. Die Einfachheit 

der Kamera erlaubt ihm, sich 

voll und ganz auf den Moment zu konzentrieren. 

© Thomas Graichen 

In den Bildern der Serie »Eingang zum 

Paradies« sucht der Fotograf Thomas 

Graichen nach Orten, die ins Paradies 

führen könnten. Zu seiner eigenen 

Überraschung entdeckte er zahlreiche 

derartige Übergänge in der ihn alltäglich 

umgebenden Welt. Manchmal sind 

sie versteckt, manchmal offensichtlich, 

wenn man sie erst einmal erkannt hat. 

Einige sind einfach zugänglich, andere 

verbaut. Manche sind einladend, andere 

eher abschreckend und wieder andere 

geben Rätsel auf. Allen gemein ist, dass 

man sie vorher nie als solche Schnittstellen 

in eine andere Welt wahrgenommen 

hätte. Das Paradies steht hier 

metaphorisch für das Reich der Phantasie, 

die beim Anblick unerwarteter 

neuer Wege und Möglichkeiten angeregt 

wird. Was ist jenseits des Alltäglichen, 

des Gewohnten und Bekannten 

alles möglich? 

Thomas Graichen arbeitet schon seit 

vielen Jahren mit der Holga und setzt 

sie gezielt als ein Werkzeug mit besonderer 

Bildcharakteristik ein. Er arbeitet 

mit der Spannung, die sich zwischen 

ihrem technisch unperfekten Bild und 

einer sehr präzisen Bildkomposition 

und Motivwahl entwickelt. 

© Franca Wohlt 

Die von Franca Wohlt präsentierte 

Arbeit »Ticino - un sogno« profitiert 

ebenso von der charakteristischen Bildsprache 

der Plastikkamera. Die recht 

zufällige Bildschärfe, wenig vorhersehbare 

Belichtung und ungenaue Wahl 

des Bildausschnitts verleiht ihren Bildern 

etwas Traumartiges, irreal Anmutendes, 

das eine emotionale Verbindung 

der Fotografin zu einem Ort ihrer Sehnsucht 

verbildlicht. Sie lässt den dadurch 

erzwungenen Kontrollverlust bewusst 

zu und genießt ihn. Dies steht ganz im 

Gegensatz zu der sonst von ihr benutzten 

Großformatkamera, die Geduld, 

Konzentration und Beherrschung des 

technischen Vorgangs erfordert. 

Die Aufnahmen entstanden in den 

Bergen des Schweizer Kantons Tessin/ 

Ticino, ein Ort zu dem sich die Fotografin 

auf besondere Weise hingezogen 

fühlt. Sie wünscht sich ihr Leben 

lang immer wieder an ihn zurückzukehren. 

Ihre Schwarzweißfotografien 

zeigen persönliche Eindrücke der dortigen 

Landschaft und der Spuren der 

Menschen, die diese Region seit Jahrhunderten 

entbehrungsreich bewohnen 

und bewirtschaften. 

Vernissage: 7. Oktober 2011, 

20 Uhr 

8. Oktober bis 30. Oktober 2011 

aff Galerie 

Kochhannstraße 14 

10249 Berlin-Friedrichshin 

Sa + So 14 – 17 Uhr 

www.aff-berlin.com

Jörg Rubbert 

»Berlin – Bilder einer 

zerrissenen Stadt« 

Anlässlich des historischen Datums »50 

Jahre Mauerbau« zeigt die aff-Galerie 

die Ausstellung »Berlin – Bilder einer 

zerrissenen Stadt«. Die meisten der hier 

gezeigten Aufnahmen aus den frühen 

achtziger Jahren zeugen vom Leben 

im damaligen West-Berlin. Das unbestrittene 

Zentrum war zu jener Zeit der 

Kurfürstendamm mit seinen Straßencafés, 

den Pavillons und Kinos. 

Als der 1963 geborene Hamburger Fotograf 

Jörg Rubbert 1980 zum ersten Mal 

ins damalige West-Berlin kam, empfand 

er die Stadt als eine Art geschütztes 

Biotop mit einer überalterten Bevölkerung. 

Daneben – quasi als Gegenentwurf 

– gab es eine vornehmlich von 

Studenten geschaffene Subkultur. Die 

Kulisse für das Zusammenleben bildete 

die vom zweiten Weltkrieg gebrandmarkte 

Stadt mit ihren vielen Altbauten, 

Abrissfassaden und großen Freiflächen 

in der Nähe der Mauer. 

Rubbert faszinierten die überall sichtbaren 

Wunden des Krieges und der 

an vielen Häuserwänden manifestierte 

Anspruch, es nie wieder so weit 

kommen zu lassen. Das Leben mit der 

Mauer beförderte zwangsläufig das Entstehen 

einer Subkultur, wie man es so 

von keiner anderen westdeutschen Stadt 

kannte. Wie sollte man es auch anders 

ertragen und den Widerstand und die 

Ungerechtigkeit besser zum Ausdruck 

bringen? 

In den folgenden Jahren bis zur endgültigen 

Übersiedlung nach Berlin 1995 

besuchte Rubbert die Stadt immer wieder, 

stets mit der Intention, die gewaltigen 

Veränderungsprozesse, die die Wiedervereinigung 

mit sich brachte, in Bilder 

zu fassen. Diese waren am deutlichsten 

in der Mitte Berlins zu spüren. 

Neben der sogenannten »neuen Mitte« 

fotografierte Rubbert auch die traditionsreiche 

Trabrennbahn Karlshorst. Hier 

traf er vorwiegend auf ältere Herren aus 

der näheren Umgebung, die schon zu 

DDR-Zeiten zu den Renntagen kamen, 

© Jörg Rubbert 

um für einen geringen Einsatz zu wetten. 

Es hat etwas von einem Ritual: Der Wetteinsatz 

als eine Art Eintrittskarte in diese 

für Außenstehende verschlossene und 

schwer zugängliche Welt … 

Die Eindrücke aus dieser Zeit prägten 

Rubbert’s fotografische Ausrichtung 

maßgeblich. So fokussiert er sich seither 

auf das Genre der klassischen Straßenfotografie 

und stellt den Menschen 

in seinem soziokulturellen Umfeld in 

den Mittelpunkt seiner Arbeiten. 


20 Uhr 


Galerien 

5. November bis 27. November 2011 

aff Galerie 

Kochhannstraße 14 

10249 Berlin-Friedrichshin 

Sa + So 14 – 17 Uhr 

www.aff-berlin.com 

37

Galerien 

Efraim Habermann 

«Berliner Stilleben« 

Efraim Habermann, der mit seiner Familie 

dem nationalsozialistischen Terror 

nur knapp entkam, hat sich Berlin in 

den Jahren nach seiner Rückkehr mit 

der Kamera »zurückerobert«. Dabei war 

sein Blick auf die Stadt und ihre Menschen 

weder von Ressentiments noch 

von Sentimentalität geprägt. Ihn interessierte 

nicht das dokumentarische 

Abbild, sondern die ästhetische Komposition 

im Zusammenspiel von Stadt und 

Mensch. So entstanden Fotografien von 

großer formaler Strenge, Zurückhaltung 

und Stille. In seiner Arbeit gibt es keinen 

Zufall, alles ist arrangiert, zusammengehalten 

von einer durchdringenden 

Poesie. Kurz vor seinem 80. Geburtstag 

zieht ein Grandseigneur der Berliner 

Fotografie die Bilanz seines Schaffens.Drei 

große Themen bestimmen 

Efraim Habermanns Werk. Da ist zum 

einen das Porträt, bei dem die Serie 

»Frau im Bild« eine besondere Stellung 

einnimmt. Über viele Jahre hat 

er Berliner Museen besucht und dort 

zufällig getroffene Besucherinnen vor 

den Bildern alter Meister fotografiert. 

Dabei interessiert Habermann nicht 

das reine Porträt, die bloße Abbildung 

der Person, sondern immer das Zusammenspiel 

von Mensch und Hintergrund, 

hier dem gemalten Bild. Zum anderen 

greift Efraim Habermann mit seinen 

fotografischen Stillleben oder »Fensterbildern« 

eine Jahrhunderte alte Gattung 

der Malerei auf. Wenige Gegenstände, 

etwa eine frische Rose in einem verbeulten 

Blechtopf vor einer verwitterten 

Wand, genügen ihm, um eine meditative 

und zugleich poetische Stimmung 

zu erzeugen, die durch die vielen Graustufen 

seiner Schwarzweiss-Fotografie 

und die hohe Körnigkeit des benutzten 

Filmmaterials noch verstärkt wird. »Ich 

bin ein Realromantiker. Die Welt hat 

so viele Dinge überall, man muss sie 

nur phantasievoll sehen können«, sagt 

Efraim Habermann.In der Fotografie von 

Städten, insbesondere von Berlin und 

Venedig, entfaltet Efraim Habermann 

seine Meisterschaft. Berlin bezeichnet 

er als seine »optische Heimat«. 


© Efraim Habermann, »Bauhaus-Archiv«, 1985 

Bereits seine frühen Berliner Ansichten 

zeigen das für Efraim Habermann 

Wesentliche. Er will mit seiner 

Fotografie nicht dokumentieren oder 

gar Bezüge herstellen zum aktuellen 

Geschehen, auch meidet er meistens 

die architektonischen Ikonen Berlins 

wie das Brandenburger Tor, den 

Funkturm, die Gedächtniskirche oder 

den Reichstag. Er sucht seine Motive 

eher abseits und wählt Perspektive 

und Ausschnitt so, dass der Betrachter 

den genauen Standort des Fotografen 

nur vermuten kann. Und so entdeckt 

Efraim Habermann eher das Phänotypische 

einer Stadt, also Elemente, die 

nicht nur für diese eine, sondern für 

Stadtlandschaft im Allgemeinen stehen. 

Das hat ihm sogar den Vorwurf eingebracht, 

seine Fotografien könnten 

»überall aufgenommen worden sein«. 

Aber: ist nicht der künstlerische Ausdruck 

einer Fotografie dann am intensivsten, 

wenn sie im Gegenstand das 

ihm eigene Wesen, sein individuelles 

Gesicht erfasst? Letzteres gelingt Efraim 

Habermann, wenn er den Schatten einer 

Wäschestange, gekreuzt auf eine Brandmauer 

projiziert, mittels Helldunkel- 

Wirkungen ablichtet und so ein symbolhaftes 

Bild für eine Berliner Lebenssituation 

findet. »Er gelangt«, wie Prof. Dr. 

Ulrich Eckhardt im Katalog zu Habermanns 

fünfundsechszigsten Geburts- 

tag schreibt »vom Abbild zum Sinnbild«. 

Anlässlich der Buchveröffentlichung 

zeigt die Kommunale Galerie 

Berlin vom 9. Oktober bis zum 4. 

Dezember 2011 alle im Buch abgebildeten 

Fotografien Efraim Habermanns. 

Manfred Carpentier 

Efraim Habermann: »Berliner Stilleben« 

Fotografien 1975–2000 

Herausgegeben von Manfred Carpentier 

und Mathias Bertram 

Lehmstedt Verlag, Leipzig 2011, 

136 Seiten mit 66 ganzseitigen 

Duotone-Abbildungen 

24 x 21 cm, Festeinband, 

Schutzumschlag, Fadenheftung 

ISBN 978-3-942473-13-2 

24,90 Euro (D), 25,90 Euro (A), 43,90 sFr 


Kommunale Galerie Berlin 

Hohenzollerndamm 176 

10713 Berlin-Wilmersdorf 

Di–Fr 10 – 17 Uhr 

Mi 10 – 19 Uhr 

So 11 – 17 Uhr 

Eintritt frei

© Efraim Habermann, »Neue Nationalgalerie« 

© Efraim Habermann, »Ziegelwand am Joachimsthalschen Gymnasium (Universität der Künste)«, 1988 


Galerien 

39

Galeriebericht 

Von Mauern und 

Menschen. 

Über den Bau der Mauer vor 50 Jahren 

ist in den letzten Wochen viel berichtet 

worden. Klar, dass die Fotografie 

das herausragende Medium ist, um die 

gewaltsame Teilung Deutschlands im 

kollektiven Gedächtnis zu bewahren. 

Film und Fernsehen sind zu flüchtig. Es 

ist der dramatische Moment, im Foto 

festgehalten, der sich einprägt. 

© Norbert Bunge, »Mauer«, 1962 

Im Vorfeld des Gedenktages versammelte 

Norbert Bunge in seiner Galerie 

argus fotokunst die Zeugnisse von 

12 Fotografen, die ihm nahestehen, mit 

eigener Beteiligung. Hans W. Mende 

zeigte bei Aedes am Pfefferberg sein 

»Grenzarchiv West-Berlin« vom Winter 

1978/79, weite leere Räume einer fast 

ausgestorbenen Stadtlandschaft (im 

Druck erschienen bei Peperoni Books 

2010). Ein unermüdlicher Chronist über 

2 Jahrzehnte war Karl-Ludwig Lange. 

Seine „Topographie der Berliner Mauer“ 

war zuletzt im Elisabeth-Lüders-Haus 

des Deutschen Bundestags zu sehen. 

Thomas Hoepker und viele andere 

fingen Alltagsleben und Kinderspiel im 

Schatten des »Bollwerks für den Frieden« 

ein. 


Nur wenige Bilder gibt es von der anderen, 

der östlichen Seite der Grenzanlagen, 

wegen des breiten Sperrgürtels. 

Für Kleinmachnow hat Georg Heinze 

die Zeit im Hinterland dokumentiert, 

»beschützt und eingesperrt«, zu sehen 

im dortigen Rathaus. Aus der »Exklave« 

Kleinglienicke sind bis Oktober im 

Schloss Glienicke spannende Bilder zu 

entdecken, die vor allem von den DDR- 

Genzern stammen. Auch bis Oktober: 

Unter den Linden 40 eine aufwendige 

Schau mit 300 Panoramen in tristem 

Grau, unter dem Titel »Aus anderer 

Sicht«, von Arwed Messmer geschickt 

zusammengefügt aus der fotografischen 

Bestandsaufnahme der DDR-Grenzsoldaten 

von 1965/66. Messmer hatte das 

einst streng geheime Material in den 

Neunzigern in einem Militärarchiv entdeckt. 

Aus den Protokollen der Grenzbehörden 

hat Annett Gröschner den 

Bildern Textfragmente zugeordnet, die 

gerade in ihrer Banalität bezeichnend 

sind für den Alltag an der Mauer. 

Für die Besucher West-Berlins war ja 

»The Wall« eine touristische Attraktion, 

die der Stadt auch den Spitznamen 

»Spray-Athen« eingebracht hat. Ähnlich 

locker geht die Berliner Fotografin Ruth 

Westerwelle mit dem Thema um. 

Sie reimt in der Fotogalerie Friedrichshain 

fröhlich: »Nicht von Dauer war die 

Mauer«. Immerhin hat die Deutschland 

28 Jahre lang zerrissen, und die Folgen 

machen uns bis heute zu schaffen. 

Westerwelle hat ihre schwarzweißen 

Ansichten meist paarweise auf große 

Bögen drucken lassen, technisch unbefriedigend, 

und hat auch mal Ansichten 

vom selben Standpunkt gegenübergestellt, 

mit zeitlichem Abstand. In ihrem 

»Berliner Fotosalon« gibt sie ihre Erfahrungen 

weiter. 

© Günter Bersch, »Kasernengelände Hillersleben«, 

Sachsen-Anhalt, 1992 

Der Freundeskreis Willy-Brandt-Haus 

nimmt das Gedenken an den Mauerbau 

zum Anlass, die meist grell farbigen 

kraftvollen Ölbilder von Johannes 

Heisig unter dem Titel »Übergänge« zu 

vereinen mit Fotos von Günter Bersch, 

der Heisig in seinem bunten Atelier 

etwas snobistisch in müden Grautönen 

abgelichtet hat (»Johannespassion«). 

Eindringlicher ist Berschs Fotoreportage 

vom Abzug der Russen aus ihren Kasernen 

um 1992. Die ernsten Gesichter 

der jungen Männer und Frauen erzählen 

von leiser Trauer und großer Skepsis, 

was ihre Zukunft in der Heimat betrifft. 

Die Ausstellung läuft noch bis zum 16. 

Oktober (Ausweis erforderlich). 

c/o Berlin, noch im Postfuhramt, ließ 

uns nach so viel Mauer über deren Rand 

gucken, bis nach Amerika, mit den spektakulären 

Inszenierungen von Gregory 

Crewdson: »In a Lonely Place«. Diese 

großformatigen Tableaus sprengen die 

Vorstellung von Fotografie. Es sind eher 

fiktive Film-Sets, aus der amerikanischen 

Provinz, hyperrealistische und 

damit albtraumhaft unheimliche Szenerien, 

die jeweils mit einem Staff von 

30 Mitarbeitern in tagelanger Arbeit kreiert 

wurden. Vor allem mit dem Licht 

zaubern Crewdson und seine Mannen 

die Atmosphäre, überall im Areal sind 

seine Quellen verborgen und penibel 

ausgerichtet. Crewdson sagt: »I want to 

construct a perfect world« und gesteht, 

dass die aus dem Chaos seines Lebens 

kommt, aus der neurotischen Energie, 

die ihn antreibt. Er erforscht und realisiert 

die Spannung zwischen Fiktion und 

scheinbarer Wirklichkeit, mit der wir ja 

heute alle konfrontiert sind im Medienzeitalter, 

mit Cyberspace und Second 

World. Die Menschen sind wie Spielfiguren 

aufgestellt und doch auf gespenstische 

Weise lebendig und handlungsfähig. 

Crewdson verheimlicht gern neugierigen 

Reportern seine Aufnahmetechnik. 

Sie ist analog, mit einer Großformatkamera, 

weil er nur eine technisch 

relativ unbestechliche Methode 

für geeignet hält, traumatische Abläufe 

glaubwürdig darzustellen. 

Es gab weitere Bildmeldungen aus den 

Staaten, so von Werner Amann (Jahrgang 

69) in der Robert-Morat-Galerie. Er 

behauptet in oft schrecklichen Farben 

eine romantische Wahrnehmung, die 

man ihm nicht abnehmen will.

© Greg Bannan 

In den intensiven Porträts ist er nachsichtiger. 

Das schöne Kellergewölbe der Galerie 

imago fotokunst ist mit schon oft gesehenen 

Ansichten von Kinos und Motels 

aus LA in Schwarzweiß behängt, die 

Greg Bannan »Somewhere in Hollywood« 

nennt. Auch hier sagen die Porträts 

von jungen Leuten viel mehr aus, 

wenn sie auch ein bisschen willkürlich 

angeschnitten sind. Aber Greg Bannan 

hatte eine pfiffige Idee: Mit einer Videokamera 

vor dem Bauch ist er in Echtzeit 

den Hollywood-Boulevard langgeradelt, 

auf dem Bürgersteig und um die 

wenigen Fußgänger herum. Als Galeriebesucher 

sitzt man selbst auf seinem 

Drahtesel, den Lenker scheinbar in 

den Händen, und gondelt in Richtung 

Traumfabrik, ohne dass man nur eines 

der Versprechen aus der Fantasie zum 

Thema Hollywood eingelöst findet. Das 

hat was. 

Solche Mätzchen leistet sich ein gestandener 

Meister wie Arnold Crane bei 

Camera Work natürlich nicht. Er ist 

gerade 75 geworden und hat im vorigen 

Jahrhundert berühmte Kollegen 

besucht, um sie hinter ihrer Kamera weg 

und vor die seine zu locken. Das ist ja 

eine beliebte Methode, selbst von deren 

Ruhm etwas abzustauben. Da sieht man 

Ansel Adams mit schwerem Gerät durchs 

Geröll stapfen und Edward Steichen mit 

Rauschebart unter seiner Fellmütze hervorlugen 

(beide 1969). Man Ray bohrt 

sich 1974 in der Nase und Paul Strand 

steuert sein Auto 1968 durch Verneuil- 

© Arnold Crane, »Brassaï«, 1968-1970 

sur-Seine. So hat das Crane noch mit 

vielen Fotopromis gemacht, und seine 

Sammlung hat nun einen schier unermesslichen 

historischen Wert. Der fotografische 

fällt dagegen deutlich ab. 

Das liegt auch daran, dass sich mit nunmehr 

170 Jahren Fotografiegeschichte 

parallel zur Technik die Ansprüche 

an ein wirklich aussagekräftiges Bild 

gewandelt haben. Wäre schlimm, wenn 

es nicht so wäre. Es muss was rüberkommen. 

Viele Ikonen der Vergangenheit 

erfüllen diese Forderung. 

Deshalb ist die Wiederbegegnung mit 

ihnen oft eine Offenbarung. Bei Camera 

Work sind Cranes Porträts einige Meisterwerke 

zugeordnet, so Man Rays 

Rückenakt mit Violinschlüsseln von 

1924 und Kertész’ berühmte »Gabel« 

von 1928. Die klare Formensprache 

war damals wegweisend, heute ist sie 

Geschichte. Mehr von André Kertész, 

1894 in Budapest geboren, führte uns 

der Gropiusbau bis September vor. Er 

gilt bis heute als der große Anreger, hat 

viel experimentiert und originelle Werke 

geschaffen. Aber wenn man beim Rundgang 

unter der Anleitung des versierten 

Fotohistorikers Enno Kaufhold angehalten 

wird, die zum Teil winzigen Originale 

mit der Lupe zu betrachten, fällt 

es schwer, ihnen einen aktuellen Kunsthandelswert 

von 50.000.- Euro� zuzugestehen. 

Beim Vergleich mit dem Origi- 


nal wird deutlich, wie unsicher sich Kertész 

oft in der Wahl des Bildausschnitts 

war. Er hat ihn meist beim Vergrößern 

stark verändert oder gekontert. Seine 

Aktaufnahmen im Zerrspiegel sind so 

wenig ästhetisch, dass man gar nicht 

hingucken mag. 

Das Bauhaus-Archiv stellte uns zeitgleich 

Albert Renger-Patzsch (Jahrgang 

1897) vor. Der hat das Faguswerk, eine 

Schuhfabrik, in den Zwanzigern und 

noch einmal nach 1960 sauber nach 

Scheimpflug ausgerichtet und wie ein 

Industriedenkmal abgelichtet. Hier 

fehlt das Leben. Wo sind die Arbeiter 

am Fließband? Das wollen wir heute 

sehen. Es hätte sicher auch damals nicht 

geschadet. Renger-Patzsch war ein entschiedener 

Gegner der sogenannten 

Kunstfotografie. Mit seiner nüchternen 

Sachlichkeit lag er klar auf der Bauhauslinie. 

Seinem 1928 erschienenen 

Hauptwerk gab er den Titel »Die Welt ist 

schön«. Übrigens: In Schöneberg gibt es 

ein angesagtes Szenelokal mit Namen 

Renger-Patzsch. Die Werbung liegt im 

Bauhaus aus. 

© Sasha Stone, (1895-1940), Cami Stone (1895- 

1972), Berlin 1926 

Auch Norbert Bunge bietet uns bei argus 

bis 29. Oktober Historisches, mit dem 

1895 in St. Petersburg geborenen Alexander 

Serge Steinsapir alias Sasha 

Stone. 

Von ihm sind nur wenige Originale 

erhalten, darunter raffinierte Montagen, 

auch als Selbstporträt. Er hat journalistisch 

gearbeitet und in der Gruppe 


41


G handwerkliches Können wie Renger- 

Patzsch über das Künstlerische gestellt, 

das er als »Bemäntelung von Unfähigkeit« 

bezeichnete. Seine Stadtlandschaften 

aus Berlin weisen ihn als klugen 

Beobachter aus, die großformatig aufgenommenen 

Bilder bieten reiche Details, 

die zu entdecken sind. 1928 fragte er 

im »Kunstblatt«: Kann man heute noch 

fotografieren? Er hielt das Medium 

schon damals für ausgeschöpft, hat ihm 

selbst auch nicht alles entlockt, was es 

ihm hätte geben können. Dennoch war 

er in der großen Werkbund-Ausstellung 

»Film und Foto 1929« neben Steichen, 

Man Ray und Moholy-Nagy mit 

68 Arbeiten vertreten. 

Helmut Newton, Focus Magazine, Milan 1997, 

Polaroid © Helmut Newton Estate 

Wiederentdeckt wird derzeit die von der 

digitalen Technik verdrängte Sofortbildfotografie. 

Noch bis 20. November zeigt 

Matthias Harder in der Jebensstraße 

Helmut Newtons Polaroids, dankenswerterweise 

schön groß reproduziert. 

Das provisorische Element dieser Probeshoots 

kommt dennoch zur Geltung, 

die typischen Falschfarben sind erhalten. 

Und sie belegen auf reizvolle Weise, 

wie nüchtern und zielstrebig der Meister 

der Erotik gearbeitet hat, bei aller Spontaneität. 

Eine Kostbarkeit sind die Polaroids von 

Sibylle Bergemann, als Originale ausgestellt 

bei c/o Berlin im Juli und August, 

bei Johanna Breede in der Fasanenstraße 

noch bis 15. Oktober. Was da auf 

9 x 9 cm rüberkommt an Emotion ist 

schier unglaublich. Die Fotografin hat 


gern behauptet, sie interessiere sich für 

den Rand der Welt, nicht die Mitte, aber 

diesen Rand hat sie in der Mitte getroffen. 

Die zarten Porträts von Kindern und 

Frauen haben eine irritierende, zauberhafte 

Ausstrahlung. 

Ende vorigen Jahres ist Sibylle Bergemann 

ihrem Krebsleiden erlegen. 

© Arno Fischer, (Original in Farbe) 

Ihr einstiger Lehrer an der Leipziger 

HGB und langjähriger Partner, Arno 

Fischer, hat erst in reiferen Jahren in 

seinem Garten poetische Motive gefunden 

für die Polaroid-Kamera. Sie fügen 

sich weniger harmonisch ein in sein 

fotografisches Lebenswerk als bei Bergemann. 

Das fiel vor allem in seiner 

großen Retrospektive in der Berlinischen 

Galerie auf. Im intimen Rahmen 

von »Exp12« in Prenzelberg machen 

sie sich gut, zusammen mit denen 

seiner Schüler Nicole Woischwil und 

vor allem Ole Fischer, der für das neuerdings 

wieder verfügbare Material 

schöne morbide Motive im Dortmunder 

Zechengelände gefunden hat. 

Manchmal findet man unvermutet fotografische 

Perlen in Berlin. So ging es mir, 

als ich an einem der zwei heißen Augusttage 

am Nollendorfplatz einen kühlen 

Drink nehmen wollte im »Café Berio«. 

Die »Nolle« ist traditionell ein Pflaster 

für Schwule und Lesben, durch die ich 

mir den Weg bahnte zu den klaren, zum 

Teil bizarren, dabei sehr ästhetischen 

Porträts und Halbakten von Alexander 

Platz. Das strenge Schwarzweiß wirkt 

in dem bunten Treiben des vollbesetzten 

Cafés fast wie eine Mahnung zu stil- 

ler Einkehr. Der Autor hat die Ausstellung 

Sonia Mossé gewidmet, Gründerin 

des lesbischen Kabaretts »Le Capricorne« 

in Paris, die 1943 von den Nazis 

ermordet wurde. 

Auch in Berliner Hotels lassen sich 

Entdeckungen machen, nicht nur im 

längst als »Photoplatz« ausgewiesenen 

»Bogotá« in der Schlüterstraße. 

Hier war es Nomi Baumgartls wunderlicher 

»Elefantenmann«, die Geschichte 

einer Freundschaft zwischen Rauschebart 

Chris Gallucci und dem Elefanten 

Timbo. Im zweiten Raum tummelten 

sich springende Delphine. 

Im Ibishotel Berlin Airport Tegel zeigt 

der Berliner Fotograf Peet East unter 

dem Titel »Inside Earth« bis 30. Oktober 

seine edlen Strukturstudien wertvoller 

Steine, sehr schön aufgenommen und 

präsentiert als malerische Zeugnisse 

von Jahrmillionen der Erdgeschichte. 

Im Zyklus der »Brotfabrik« am Caligariplatz 

mit dem Titel »Zeitblicke« geht es 

um die jüngere Geschichte, in der DDR 

und in den Jahren danach. Auf Peter 

Woelck folgte in diesem Rahmen 2010 

Ulrich Burchert, den wir in diesem Heft 

vorstellen. Mit Andreas Fahr begegnen 

wir nun in der kleinen Galerie bis 

16. Oktober einem weiteren sensiblen 

Chronisten, der seine Mitmenschen in 

eindringlichen Schwarzweißbildern 

darstellt, mit viel Sinn für eine packende 

Bildkomposition. 

Die von Renger-Patzsch und Stone 

einst geschmähte »Kunstfotografie« war 

heuer kaum zu finden, außer als Extrem 

in der Kreuzberger Neuen Gesellschaft 

für Bildende Kunst (NGBK), wo uns 

Beate Geissler und Oliver Sann mit 

einer Reihe von riesigen schwarzen 

Monitoren, auf denen nichts als schwarzes 

Nichts zu sehen ist, weismachen 

wollen, dass sie damit das Geschehen 

an den großen Finanzmärkten sublimieren 

könnten. Der blumige Titel »volatile 

smile - Ein uneinschätzbares Lächeln« 

hilft uns nicht weiter. Eher Thomas 

Mann, der sich mal fragte, ob nicht das 

Nichts die reinste Form der Vollkommenheit 

sei. 

Klaus Rabien 

Nach Redaktionsschluss erreichte uns 

die Nachricht, dass Arno Fischer am 

13. September 2011 mit 84 Jahren verstorben 

ist.

Frankfurt – New York 

von Torsten Andreas 

Hoffmann 

Frankfurt, so sagt man, ist die 

amerikanischste Stadt Europas, auch 

Mainhattan genannt. Und New York gilt 

als die europäischste Stadt Amerikas. 

Kein Wunder, dass ein begnadeter 

Fotograf wie Torsten Andreas Hoffmann 

auf die Idee kommt, die beiden 

Metropolen in einem Bildband einander 

gegenüberzustellen. Er tut das auf 

jeweils zwei Buchseiten in exzellentem 

Schwarzweiß. Natürlich sind es zuerst 

die »skyscraper«, die sich ähneln und 

die wunderbarerweise an denselben 

Wolken zu kratzen scheinen, hier wie 

dort. Hoffmanns Liebe gehört dem 

Detail. Da führt die Wall Street auf dem 

Straßenschild als »One Way« nach links 

und vis.à-vis die Frankfurter Wallstraße 

als Einbahnstraße nach rechts. Listig hat 

der Autor die erstaunlichsten Parallelen 

aufgespürt. Er nennt es eine spielerische 

Auseinandersetzung mit den beiden 

Städten, ohne sie auf den gleichen 

Rang zu setzen. »Den haben sie einfach 

nicht«, sagt er. Aber seine Fotos, die 

haben ihn! Jede Doppelseite ist ein 

ästhetischer Genuss. Die Neuauflage 

2011 ist gegenüber der ersten von 2007 

um reizvolle Motive erweitert, so um 

anrührende Menschenbilder an Main 

und East River. 

Hoffmann hat bis 1983 bei Michael Ruetz 

in Düsseldorf studiert und sich seither 

einen Namen gemacht, auch als Dozent. 

Wir stellen Ihre 

künstlerischen 

Aktfotos aus! 

Sie sind in einem Fotoverein und haben 

viele Aktfotos gemacht? Sie zeigen Sie 

im Internet, aber nun möchten Sie die 

Bilder einmal persönlich in einer Galerie 

vorstellen? 

Wir geben Ihnen die Möglichkeit, in der 

Aktgalerie Ihre Kunstwerke einen Monat 

Cover 

Ein Standardwerk ist sein »Workshop 

kreative Schwarzweißfotografie«, das 

gerade im digitalen Zeitalter eine solide 

Grundlage für die fotografische Arbeit ist, 

weil die Bildgestaltung im Vordergrund 

steht. In »Frankfurt – New York« ist sie 

zur Meisterschaft gereift. 

lang gegen einen Unkostenbeitrag 

auszustellen. Ohne Zensur, ohne das 

die Galerie an den Bildern verdient. Wir 

übernehmen die Presseinformationen 

und die Aufsichten an 3 Nachmittagen 

je Woche für Sie. 

Wir sind eine Gemeinschaft von 

Fotografen, die die Galerie unterhalten. 

Wir haben in den letzten 10 Jahren 

bereits viele unserer Mitglieder 

in Einzelausstellungen oder in 

Gruppenausstellungen gezeigt, auch 

viele Nichtmitglieder haben bei 

uns ausgestellt. Wir streben danach, 

Frankfurt – New York 

Fotografische Perspektiven 

zweier Metropolen 

Societäts-Verlag 2011 

144 Seiten, 24,90 Euro� 

ISBN: 978-3-942921-03-9 

Buchbesprechung 

möglichst viele unterschiedliche 

Sichtweisen des Themas Akt in unserer 

Galerie zu präsentieren. Wenn Sie 

Interesse haben, melden Sie sich bei uns, 

am besten bald, damit wir Sie rechtzeitig 

in unsere Ausstellungsplanung 

einbeziehen können. 


www.die-aktgalerie.de 

Krossener Straße 34 

10245 Berlin - Friedrichshain 

Fr, Sa, So 16 – 20 Uhr 

Tel. 030 6263249 oder 29003936 


43

Fotoszene 

Sofortbilder 

Ursula Kelm 

Polaroids sind einzigartig, einmalig. 

Das Besondere an Polaroids ist, dass sie 

immer Unikate sind. 

Als Einzelbilder entstanden, existieren 

sie nebeneinander. Aneinandergereiht 

ergeben sich neue Abfolgen, die 

Raum schaffen für assoziativ aufgeladene, 

eigene Erinnerungen. 

Abhängig vom Material, das man für 

das Sofortbild wählt, verändert sich die 

malerische Anmutung des Bildes: Die 

spezielle Farbgebung, der weiße Bildrahmen 

der Integralfilme, Sofort-Diafilm 

s/w oder Farbe sowie die klassischen 

Trennbildfilme mit der Möglichkeit 

zu Emulsion-Lift und Image-Transfer, 

erlauben den kreativen Einsatz der 

Materialien auf speziellen Papieren und 

Untergründen. 

© Ursula Kelm, »negativo«, 1997 

© Ursula Kelm, »chi-ka-gu«, 1998 (O.i.F.) 


© Ursula Kelm, »nightlife«, 2010-11 (O.i.F.) © Ursula Kelm, »chi-ka-gu«, 1998 (O.i.F.) 

Ursula Kelm, 1942 in Berlin geboren, 

Studium der Fotografie an der Werkstatt 

für Photographie in Berlin. Seit 

1985 Lehraufträge, Vorlesungen, Studienreisen, 

Workshops in Berlin und im 

internationalen Ausland. Ausstellungen 

europaweit einschließlich UdSSR sowie 

USA und Australien. 

Diverse Stipendien, u.a. Arbeitsstipendium 

der Stadt und des Landes Berlin, 

Senat für Kultur; drei Stipendien Progetto 

Civitella d‘Agliano/I; Kunstpreis 

des Bundesministers der Justiz; Aufenthaltsstipendium 

der Akademie der 

Künste Berlin für Villa Serpentara, Olevano/I; 

Aufenthaltsstipendium Noosa 

Projekt, Noosa/Qld., Australien. 

Vertreten in Öffentlichen Sammlungen, 

u.a. Berlinische Galerie; Deutsches Historisches 

Museum Berlin; Bibliotheque 

Nationale, Paris; Museum für Photographie 

Braunschweig; 

Museum of Contemporay Art, Thessaloniki; 

Staatliche Galerie Moritzburg 

Halle; AMO Associazione Amici Museo 

Olevano Romano. 

www.ursula-kelm.de 

© Ursula Kelm, »nightlife«, 2010-11 (O.i.F.) 

© Ursula Kelm, »negativo«, 1997 

Ursula Kelm 

Polaroid Photography 

Vernissage: 

November 4th, 2011 - 6.30 p.m. 

Ursula Kelm will be present 

Exhibition: 

November 5th - November 22nd, 2011 

A catalogue is available 

Deutsches Haus, 

42 Washington Mews, NY 10003

»10 Jahre Autocenter« 

Auktion zugunsten 

des AUTOCENTERS 

Der Ausstellungsraum AUTOCENTER 

wurde im Jahr 2001 von den Künstlern 

Maik Schierloh und Joep van Liefland 

in einer ehemaligen Autolackiererei 

gegründet. Es ist ein non-for-profit Ort 

der Kunst, der jenseits der Hierarchien 

des Kunstmarkts operiert und internationale 

bildene Künstler ausstellt, bevor 

sie Kunstgeschichte schreiben. Auf insgesamt 

333 m² im Berliner Bezirk Friedrichshain 

werden Ideen und Visionen 

einem avancierten Kunstpublikum -von 

Kuratoren, Kritikern, Sammlern bis hin 

zu Architekten, Fotografen und Galeristen 

vorgestellt. 

Zum 10-jährigen Jubiläum wurde das 

AUTOCENTER von 34 namenhaften 

Berliner Künstlern unterstützt, die je ein 

Kunstwerk stifteten, um mit dem Erlös 

den Erhalt einer der wichtigsten nonprofit-Institutionen 

der Stadt zu sichern. 

Die Auktion fand am 8. September unter 

der Leitung des Londoner Auktionshauses 

Phillips de Pury & Company statt. 

Die folgenden Künstler waren an der 

Auktion beteiligt: 

Aids-3D, Olivia Berckemeyer, Marc Bijl, 

Ronald de Bloeme, Mike Bouchet, Lutz 

Braun, Aaron Curry, Martin Dammann, 

Tatjana Doll, Iris van Dongen, Zhivago 

Duncan, Martin Eder, Olafur Eliasson, 

Thomas Eller, Armen Eloyan, Cyprien 

Gaillard, Katharina Grosse, Eberhard 

Havekost, Thilo Heinzmann, Gregor 

Hildebrandt, Andy Hope 1930, Olaf 

Holzapfel, Christian Jankowski, Josh 

Kolbo, Elke Krystufek, Joep van Liefland, 

Robert Lucander, Jonathan Meese, 

Isa Melsheimer, Frank Nitsche, Kirstine 

Roepstorff, Thomas Scheibitz, Maik 

Schierloh, Jannis Varelas, Jorinde Voigt 

und Thomas Zipp 

Es wurde ein Gesamterlös von 86.050 

Euro erzielt. 

Martin Eder, Les Nus‚ # 8995, 2008 

Fotografie, 43,6 x 29,5cm, Auflage 14/35, Courtesy Galerie EIGEN + ART, Leipzig/Berlin 

Fotoszene 

AUTOCENTER: 

Maik Schierloh und Joep van Liefland 

Eldenaer Strasse 34 a, 

10247 Berlin 

via James-Hobrecht-Str., above the 

supermarket 

email: mail@autocenterart.de 

web: www.autocenterart.de 


45

Fotoszene 

Ansel Adams 

Kalender für das Jahr 

2012 

Der Ansel-Adams-Kalender ist der 

Klassiker unter den Fotokalendern. Er 

erscheint seit 1983 Jahr für Jahr im gleichen, 

noch von Ansel Adams festgelegten 

Layout und bringt 13 Motive aus den 

überragenden Landschaftsfotografien 

des Meisters der klassischen Schwarzweißfotografie. 

Der Kalender überzeugt 

durch guten Druck, die großformatige 

Abbildung und natürlich durch die faszinierenden 

Fotografien: 

Ansel Adams: 2012 Calendar. 

Monatskalender mit 13 Duoton-Fotos 

(Januar 2012 bis Januar 2013), Kalenderformat 

39,5 x 32 cm, (aufgeklappt 

39,5 x 64 cm), Kalendarium englisch, 

Spiralbindung, 16,95 EUR. 

Neben dem Wandkalender erscheint 

für 2012 auch wieder ein Buchkalender, 

der gleich 53 Fotografien aus Ansel 

Adams‘ schier unerschöpflichen Oevre 

zeigt und dazu noch Raum für tägliche 

Notizen bietet: 

Ansel Adams: 2012 Engagement Calendar. 

Wochenkalender. 112 Seiten mit 53 

ganzseitigen Duoton-Fotos, Format 24 

x 21 cm, Kalendarium englisch, Spiralbindung, 

16,95 EUR. 

In Deutschland sind beide Kalender 

erhältlich bei: 

Lindemanns Buchhandlung 

Nadlerstraße 4, 70173 Stuttgart 

www.lindemanns.de 

Begeisterung für Natur und Landschaften 

und ein Höchstmaß an technischer 

Präzision bei der Umsetzung der Bildideen 

zeichnen Adams‘ Fotografien aus. 

Dank dieser Zutaten haben sie über 

Jahrzehnte hinweg nichts von ihrer Faszination 

verloren. 


© Ansel Adams 

© Ansel Adams, »Half Dome«, 1938 

© Ansel Adams, »Sand Dunes sunrise« 

© Ansel Adams, »Winter Sunrise«

Berlinische Galerie 


Raoul Hausmann , El Lissitzky , Marta 

Astfalck-Vietz , Erich Salomon , ... 

u.a. 

»Kunst in Berlin 1880-1980« 

Sammlungspräsentation 



M – Mo 10–18 Uhr 

galerie:pixelgrain 


Gunter Glücklich 

»In die Ebene« 

Rosenstraße 16/17 


Mo–Sa 10–19 Uhr 

So 14–19 Uhr 

Robert Morat Galerie 


Paul Kranzler 

»Brut« 

Kleine Hamburger Straße 2 


Sa 12–18 Uhr 

Caritas Galerie 


Gunar Schlegel 

»Handwerk mit Tradition« 


Oliver Staak 

»Street of Berlin« 

Modefotograie 

Residenzstraße 90 

13409 Berlin-Reinickendorf 

Mo–Do 8–17 Uhr 

Fr 8–16 Uhr 

Brotfabrik Galerie 


Andreas Fahr 

»Begegnungen/Fotografien aus vier Jahrzehnten« 

Caligariplatz 

13086 Berlin-Weissensee 

täglich 16–21 Uhr 

Galerie 

argus fotokunst 


SASHA und CAMI STONE 

»Berlin in Bilder« 

4. November - 23. Dezember 2011 

STEFANIE KETZSCHER 

»Umgehung und Sonnenwende« 


Marienstraße 26 


Di–Sa 14–18 Uhr 

Deutsches 

Historisches Museum 

11. November 2011 bis 5. Februar 2012 

50 Jahre Jugendfotopreis 

Unter den Linden 2 

Hinter dem Zeughaus 



Martin Gropius Bau 

15. Oktober 2011 bis 18. März 2012 

Ai Weiwei 

»Ai Weiwei in New York« 


Niederkirchnerstraße 7 



Helmut Newton 

Stiftung 


Helmut Newton 

»Polaroids« 

Jebensstraße 2 


Di–So 10–18 Uhr 

Do 10–22 Uhr 

Moeller Fine Art 

Ausstellungen 


Simon Norfolk 

»Burke + Norfolk: Fotografien aus dem 

Krieg in Afghanistan« 

Tempelhofer Ufer 11 

10963 Berlin-Tempelhof 

Mo–Fr 11–18 Uhr 

PHOTO EDITION 

BERLIN 


Hajnal Nemeth 

»Works from 54. Biennale Venedig« 

Ystaderstraße 14a 

10437 Berlin-Prenzlauer Berg 

Mi 14–20 Uhr 

Sa 12–18 Uhr 

Neue Nationalgalerie 

bis 1. Januar 2012 

Taryn Simon 

»A Living Man Declared Dead and 

Other Chapters« 

Potsdamer Straße 50 


Di–Fr 10–18 Uhr 

Do 10–22 Uhr 

Sa + So 11–18 Uhr 


47

Ausstellungen 

Henri Cartier-Bresson 

»Die Geometrie des 

Augenblicks« 

»Fotografieren bedeutet Verstand, Auge 

und Herz auf eine Linie zu bringen. Es 

ist eine Art zu leben«. 

Henri Cartier-Bresson 

In dieser »Geometrie des Augenblicks« 

komponierte er Flächen und Linien, 

Menschen und Situationen zu einer 

perfekten Ordnung. Der Aufbau der 

Ausstellung und die Anordnung der Bilder 

nehmen das Prinzip der geometrischen 

Komposition auf. Das Kunstmuseum 

beauftragte die Fotokünstlerin Frauke 

Eigen, ein Konzept für die Präsentation 

der Werke zu erarbeiten. Bisher wurden 

Cartier-Bressons Ausstellungen stets 

chronologisch, nach Themen oder nach 

Ländern geordnet. Frauke Eigen entwickelte 

eine neuartige Hängeordnung, die 

erstmals den inneren Zusammenhang der 

Bilder durch formale Korrespondenzen 

zeigt. So wird für den Besucher über 

das Einzelbild hinaus sichtbar, wie 

ein Gestaltprinzip im nächsten Bild in 

abgewandelter Form wiederkehrt. Der 

Betrachter kann selbst eine abstrakte 

Geschichte der lebendigen Formen von 

der ersten bis zur letzten Fotografie verfolgen 

und dabei etwas über die einzigartige 

Sprache Henri Cartier-Bressons 

erfahren. 

Cartier-Bresson fotografierte stets diskret 

und mit großer Sensibilität. Dabei hat 

er die eigene Person immer zurückgestellt. 

Er gab nur selten Interviews und 

hasste es, fotografiert zu werden. Das 

Museum of Modern Art in New York 

plante 1947 sogar eine große, posthume 

Retrospektive in der Annahme, 

er sei tot. Cartier-Bresson reiste daraufhin 

in die USA. Die Ausstellung fand in 

seinem Beisein trotzdem statt. Solche 

Geschichten liebte der Franzose. 

Ab 1973, auf dem Höhepunkt seines 

Ruhmes, gab Henri Cartier-Bresson die 

Fotografie auf und griff nur noch selten 

zur Kamera. Er kehrte zu seinen Wurzeln 

zurück und widmete sich wieder dem 

Zeichnen, vor allem Landschaften. Er 


FRANKREICH. Brie. 1968. © Henri-Cartier-Bresson/Magnum Photos 

selbst sah darin nur einen Wechsel des 

»Handwerks«, denn es geschah mit demselben 

Blick und dem Gespür für Formen 

und Geometrie. Das Fotografieren 

war für ihn eine unmittelbare Tat, das 

Zeichnen bedeutete jedoch eine Art von 

Meditation. 

Sam Szafran, ein befreundeter Maler, 

sagte einst zu Cartier-Bresson: »Um 

schnell gehen zu können, muss man 

sehr langsam gehen. Man muss beobachten, 

schauen wie die Dinge geschehen, 

sie verstehen, sie fühlen, sonst gerät 

man in Gefahr...« 

In diesem Sinne bildet die Ausstellung 

»Die Geometrie des Augenblicks«, die 

in Kooperation mit der Photoagentur 

Magnum Photos, Paris und der 

Fondation HCB, Paris ermöglicht wurde, 

eine harmonische Ergänzung zu der 

großen thematischen Ausstellung Die 

Kunst der Entschleunigung. Bewegung 

und Ruhe in der Kunst von Caspar 

David Friedrich bis Ai Weiwei, die ab 

dem 12. November 2011 parallel im 

Kunstmuseum Wolfsburg zu sehen sein 

wird. 

Rita Werneyer, M.A. 

SOWJETUNION. Armenien. Besucher eines 

Dorfs am Sewansee. 1972 

© Henri-Cartier-Bresson/Magnum Photos 

FRANKREICH. Alpes de Haute-Provence. 

Bei Cereste. 1999 

© Henri-Cartier-Bresson/Magnum Photos 

bis 13. Mai 2012 

Kunstmuseum Wolfsburg 

Hollerplatz 1 

38440 Wolfsburg 

Di 11 – 20 Uhr 

Mi – So 11 – 18 Uhr

Henning Stegmüller 

»Bombay-Mumbai 

– Bilder einer Mega- 

Stadt« 

Die Fotogalerie zeigt Schwarz-Weiß- 

Aufnahmen des Fotografen und Filmemachers 

Henning Stegmüller aus Indiens 

Megastadt Bombay-Mumbai. Die 

Ausstellung ist ein fotografischer Streifzug 

von Nariman Point, dem Manhattan 

gleichenden wirtschaftlichen Zentrum 

der Stadt, über Slums und die Unterwelt 

bis nach Film City, der großen indischen 

Traumfabrik. 

Die ausgewählten Bilder dokumentieren 

die sehr persönliche Begegnung des 

Fotografen mit dem »Moloch Bombay«, 

beeinflusst von den beiden Dichtern 

Philip Chitre und Namdeo Dhasal, die 

dem Fotografenfreund »ihre« geliebte 

und gehasste Metropole vor Augen 

geführt haben (s. auch »Bombay- 

Mumbai - Bilder einer Mega-Stadt«, A1 

Verlag München, 1996). 

© Henning Stegmüller 

© Henning Stegmüller © Henning Stegmüller 

© Henning Stegmüller © Henning Stegmüller 

Ausstellungen 


Fotogalerie Karin Schneider-Henn 

Schmidzeile 12 

83512 Wasserburg am Inn 

Sa + So 14 – 18 Uhr 

und nach Vereinbarung 


49

Ausstellungen 

Layla Zami 

»Lichtspuren« 

Träumende, tanzende Figuren. Einsame 

Menschen, umgeben von Melancholie 

und Musik, von Natur und Ruhe. Als 

Fotokünstlerin möchte ich beobachten 

und zeigen, schauen und zuschauen 

lassen. Ein Bild, eine Person und ihre 

intime Welt im Einklang oder Kontrast 

mit ihrer Umwelt. Eine Tänzerin, verbunden 

mit dem Boden und der Luft, 

die sie atmet. Manches ist auf meinen 

Bildern zu sehen, vieles ist zu spüren. 

Ich mag an Fotografieren, dass ich die 

Atmosphäre des Augenblicks künstlerisch 

mitnehme und wiedergebe. Die 

Freiheit der ZuschauerInnen, auf den 

Bildern ihre eigene Kreativität zu projizieren, 

bleibt aber unangetastet. Mich 

inspirieren besonders Reisen, in denen 

ich immer wieder neue Lichtspuren 

sehe. 

Meine Fotokunst lässt an meinen Erinnerungen 

teilhaben, Erinnerungen an 

einen Moment, an die Farbe einer Stimmung, 

an eine Person und ihre Sinnlichkeit. 

Erinnerungen, die nun in unserer 

Gegenwart schweben. Dabei bin ich 

stets dankbar für die Person, für die Konstellation 

von Schönheit einer Frau und 

eines Moments. Wie aufregend, die 

Spontaneität des Augenblicks zu erfassen, 

aber auch die Inszenierung liebe 

ich. Denn selbst ein inszeniertes Bild 

ist die Momentaufnahme von Zeitspuren. 

So begleitete ich die Künstlerin 

Oxana Chi in ihrer Spurensuche nach 

der deportierten Tänzerin Tatjana Barbakoff. 

Ein Teil dieser Bilder waren im Mai 2011 

im Rahmen der Ausstellung »Tanzende 

Erinnerungen« in der Galerie Gondwana 

Berlin zu sehen. Ich empfand, 

wie jede Person, die den Raum betrat, 

neue Emotionen mit sich trug und wie 

das Publikum von Kunstliebhabern 

somit die Stimmung mitgestaltete. So 

wie Licht und Umgebung des Motives 

das Bild prägen, so spielt der Kontext, 

in dem Bilder präsentiert werden, 

auch eine wesentliche Rolle. Die mit 

Lehm verputzten Wände harmonierten 


© Layla Zami »Die Tänzerin Oxana Chi«, Berlin 

2010 

mit den warmen Farbtönen der Bilder. 

Die Holzrahmen aus edlen Hölzern – 

Kirsch, Ahorn, Nuß, Erle,... die die Kuratorin 

Oxana Chi und ich selbst gestaltet 

und hergestellt haben, verliehen eine 

persönliche Note. Es war für uns eine 

unkonventionelle, an Malerei andeutende 

Art, zeitgenössische Fotografie 

auszustellen. Der Austausch mit Menschen, 

die sich meine Bilder anschauen, 

ist beglückend und überraschend. So 

erwarte ich mit Neugier das Publikum 

der kommenden Ausstellung »Mémoire 

dansée« in Paris. 

In meiner Affinität zu darstellenden 

Künsten, insbesondere zur Tanzkunst, 

nehme ich auch in der Alltagsbühne 

Personen wahr und verschmelze gern 

die Formen. Und Tanz, ja Tanz ist Bewegung, 

ist Stille, ist Pose. Fotografie ist nur 

zwei Schritte von Tanz entfernt, diese 

Schritte sind Zeit und Licht. Ich liebe es, 

eine Muse zu haben, Inspiration in der 

Ästhetik ihrer Gestik zu schöpfen und 

die Grazie eines poetischen Momentes 

zu spüren. Ich liebe Dämmerlichter, 

Clair-obscur und das Licht als Mittel, den 

Körper bildnerisch zu gestalten. Ich lausche 

mit dem Herzen, der Finger spult 

vor, mein Auge blickt durch die Linse 

und schon wird ein Bild lebendig! 

Layla Zami 

© Layla Zami »Die Tänzerin Oxana Chi«, Berlin 

2010 

© Layla Zami »Die Tänzerin Oxana Chi«, 

Martinique 2011 


Violette & Co 

Art Gallery & Bookshop 

102, rue de Charonne 

75011 Paris 

Di – Sa 11–20.30 Uhr 

So 14–19 Uhr

© Layla Zami, »Ilya W.«, San Francisco, 2009 

© Layla Zami, »Tameka M.«, Cape Town, 2004 

Ausstellungen 


51

Portfolio Ulrich Burchert 

Ulrich Burchert 

Die Fotos des Bildjournalismus können 

vergangene Zeiten lebendig werden 

lassen. Das hängt von ihren Inhalten 

ab, die in einer Synthese von Notwendigkeit 

und Zufall entstanden; das Erfüllen 

eines Auftrages ist notwendig, was 

einem vor Ort begegnet ist vielfach zufäl- 


lig. Im Bestreben brauchbare Fotos zu 

produzieren, waren für mich unter anderem 

aus der Malerei und der Druckgrafik 

die erzählenden Bilder z. B. von Bruegel 

d. Ä. über Masereel hin zu Mattheuer 

wichtig. Das Problem ist dabei, 

dass solche Bilder als Fotos im Atelier 

Ulrich Burchert / Kollwitzplatz / Berlin 1988 

des Lebens, in dem statistisch produziert 

wird, gefunden werden müssen. Oft sind 

die Inhalte wichtig, aber ihnen entsprechen 

nicht die Formen und umgekehrt. 

Für das journalistische Fotografieren gilt 

das eherne Gesetz: gleich oder nie, alles 

oder nichts: was vorbei ist, ist vorbei.

Ulrich Burchert / Sonneberg 1988 



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Ulrich Burchert / Industriewerk Ludwigsfelde (IWL) / Ludwigsfelde 1986 

Ulrich Burchert / Junkalor / Dessau 1985

Ulrich Burchert / Betriebsdirektorin / Neubrandenburg 1984 



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Ulrich Burchert / Berlin 1984

Ulrich Burchert / Volkssolidarität / Günsdorf 1981 



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Ulrich Burchert / Wolfgang Mattheuer / Jahrhundertschritt / Bezirkskunstausstellung Leipzig / Leipzig 1985

Ulrich Burchert / Fritz Kremer. Teil der unvollendeten Plastikgruppe zum 50. Jahrestag der Oktoberrevolution / Atelier / Berlin 1989 



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Ulrich Burchert / Berlin 1992 

Ulrich Burchert / Dresden 2001




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Ulrich Burchert / Berlin 2008




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Fotoszene 

Die (In-)Diskretion des Auslösers 

Der geneigte Leser dieser Reihe wird 

festgestellt haben, dass ich in der Vergangenheit 

im Wesentlichen über die 

fotografische Qualität von Bildern und 

deren Bewertung geschrieben habe. 

Das ist ja auch sicherlich einer der 

wichtigsten Gesichtspunkte in der Fotografie. 

Außerhalb der journalistischen 

Funktion, also als reine Informationsvermittlung, 

nehmen wir Bilder als kreative 

Produkte war. 

Der Fotograf als Künstler, ist bemüht, in 

seinem Werk einen Teil seiner Seele zu 

implementieren. Etwas überzeichnet 

formuliert wird das Motiv zum Objekt 

des kreativen Schaffensprozesses degradiert. 

Das mag dem Objekt, so es sich um eine 

Landschaft, ein Gebäude oder auch ein 

Tier handelt, ziemlich egal sein. 

Aber was ist, wenn ein Mensch Gegenstand 

der fotografischen Begierde wird? 

Darf die fotografische Intention eines 

Fotografen die persönliche Spähre der 

abgebildeten Personen dominieren? 

Ich höre förmlich den Aufschrei »natürlich 

geht das nicht - die Würde des Menschen 

ist unantastbar«! 

Nun, die Bildrechte der Personen sind 

in den westlichen Ländern weitgehend 

geschützt - Persönlichkeiten des öffentlichen 

Lebens ausgeschlossen - wieso 

eigentlich? 

Wenn ich meinen Nachbarn fotografiere 

während er das Kindermädchen 

küsst und das Bild im Internet zeige, 

bekomme ich Ärger. Sollte mein Nachbar 

sich aber in der Vergangenheit um 

das Allgemeinwohl verdient gemacht 

haben und einen hohen politischen 

Rang bekleiden, bekomme ich für das 

gleich Bild eine Veröffentlichung in der 

»Bunten« - und ein saftiges Honorar! 

Das ist eine extreme Ungleichbehandlung! 

Oder? 

Es heißt dann häufig, Personen des 

öffentlichen Lebens müssen eben auch 

höheren moralischen Anforderungen 

genügen. Wieso eigentlich? 

Mir persönlich ist ein Politiker, der 

Arbeitsplätze schafft und ein Verhältnis 


© Manfred Kriegelstein 

mit seiner Sekretärin hat lieber, als der 

treu sorgende Familienvater, der jeden 

Sonntag in die Kirche geht, aber politisch 

ein Versager ist! 

Bill Clinton war sicherlich nicht der 

schlechteste Präsident... 

Aber zurück zur Fotografie. 

Der Fotograf hat ja auch immer die 

Funktion eines Zeitzeugen, er nimmt 

mit seinen Augen die Umwelt wahr und 

macht aufmerksam. 

Aber wo ist die Grenze zwischen Hinweis 

und Diskretion? 

Will man zum Beispiel auf Missstände 

der Arbeitsmarktpolitik hinweisen und 

fotografiert die lange Schlange Wartender 

vor einem Jobcenter, diskreditiert 

man dann mit dem Bild die Menschen 

die dort anstehen oder rückt man 

eher gesellschaftliche Defizite in den 

Focus? 

Sie sehen, liebe Leser, es gibt keine 

sicheren Regeln an denen man sich als 

Fotograf orientieren kann. Ich denke, 

die Entscheidung den Auslöser zu betätigen 

- oder auch nicht - kann ein Fotograf 

immer nur für sich selbst treffen. Er 

alleine übernimmt dann auch die Verantwortung 

für seine Bilder. Aber auch 

nur so kann er eventuell in den Köpfen 

der Menschen etwas bewegen. 

Sicher haben die TV-Sender den größten 

Einfluss auf die Sichtweise der Menschen 

über aktuelle Ereignisse. Die Wirkung 

auf den Betrachter ist aber oft sehr 

flüchtig und selten nachhaltig. 

Wenn ich mir so die Berichterstattung 

über die schrecklichen Ereignisse in 

Japan vor Augen führe, dann ist mir 

eigentlich ein Zeitungsbild besonders in 

Erinnerung geblieben, es zeigt inmitten 

der Tsunami-Verwüstung einen blühenden 

Kirschbaum der allen Zerstörungen 

getrotzt hat... 

Ich habe lange überlegt, welches Bild ich 

zur Illustration dieses Textes nehmen soll. 

Meine Wahl fiel auf eine Aufnahme, die 

rein fotografisch gesehen, nicht meinen 

Qualitätskriterien für ein gutes Bild 

entspricht. Ich würde es wahrscheinlich 

nie in einer Ausstellung zeigen. Aber ich 

denke schon, dass der Inhalt geeignet ist 

mal darüber nachzudenken, wie gut es 

uns eigentlich geht... 

Manfred Kriegelstein

Porträts retuschieren mit 

Photoshop 

Haut, Figur, Effekte 

Matthias Matthai 

Verlag: dpunkt.verlag 

2. aktualisierte und überarbeitete 

Auflage 

ISBN: 978-3-89864-681-9 

280 Seiten,komplett in Farbe 

36,90 Euro� 

Durch die unzähligen Workshops über 

Porträt-und Aktfotografie fallen auch im 

Amateurbereich zahlreiche Bilder an, bei 

denen in der digitalen Nachbearbeitung 

Probleme in der Optimierung von 

Hauttönen auftauchen. 

Der in Berlin geborene Autor ist 

zweifellos vom Fach und beschäftigt 

sich schon lange mit Fotografie und 

digitaler Bildbearbeitung. 

Beeindruckend sind seine sensiblen 

Hinweise zur Beautyretusche, die darauf 

zielen den individuellen Charakter eines 

Gesichtes nicht digital zu zerstören - das 

Gegenteil kann man oft auf Titelbildern 

von Magazinen insbesondere TV- 

Zeitschriften sehen... 

Wer über die langläufigen Kenntnisse der 

digitalen Bildbearbeitung hinaus, Tipps 

und Tricks für die spezielle Retusche 

von Porträts und Aktbildern sucht, ist 

mit diesem Werk aus dem dpunkt.verlag 

bestens bedient. 


Die große Fotoschule 

Digitale Fotopraxis 

Christian Westphalen 

Verlag: Galileo Design 

ISBN: 978-3-8362-1311-0 

601 Seiten,komplett in Farbe, 

mit DVD 

39,90 Euro� 

Es wird ja wohl kaum noch Umsteiger 

von analog auf digital geben, dennoch 

birgt dieses Buch auch für »gestandene« 

Digitalfotografen einige interessante 

Erkenntnisse. Es werden nicht nur 

solide Grundlagen zum Verständnis der 

digitalen Fotografie vermittelt, sondern 

auch weitergehende Aspekte der Bildbearbeitung 

wie RAW-Entwicklung, 

Farbmanagement und Mehrfachbelichtung 

für HDR. 

Wenn man sich nicht für jeden Aspekt 

der digitalen Fotowelt einen Wälzer 

ins Regal stellen möchte, hat man hier 

ein umfassendes Werk, welches einem 

einen guten Überblick über die Dinge 

gibt, die man als Fotograf eigentlich 

täglich praktiziert, ohne sich die tieferen 

Zusammenhänge immer bewußt zu 

machen. 

Als Allgemeinwerk eine gute Empfehlung. 


Buchbesprechung 

HDR Fotografie 

Aufnahme, Entwicklung und 

Nachbearbeitung 

Fructuoso Navarro 

Verlag: ADDISON-WESLEY 

ISBN: 978-3-8273-3068-0 

416 Seiten, 1DVD, 4-farbig, 

Bilderdruck, 39,80 Euro� 

Einige sehen es als vergängliche Modeerscheinung, 

andere als ultimatives 

Werkzeug zur Kontrastbewältigung an. 

Auf jeden Fall ist HDR (High Dynamic 

Range) eine neue Fototechnik, mit der 

man sich auseinandersetzen sollte. 

Leider ist der Bildermarkt überschwemmt 

von HDR-Ergebnissen, die 

wohl nur nach der Methode »try and 

error« entstanden sein können - leider 

überwiegt dabei häufig der error... 

Das Werk von Fructuoso Navarro hilft, 

mit dem nötigen Feingefühl und Kompetenz, 

zu erstklassigen und eben nicht 

überzogenen Resultaten zu gelangen. 

Kapitel für Kapitel zeigt er von der Aufnahme 

bis zum Endprodukt die nötigen 

Schritte, die zu einem optimalen Ergebnis 

führen. Er präsentiert fünf Methoden, 

die jeweils unterschiedliche Aufnahmesituationen 

berücksichtigen. 

Es macht Spaß sich mit dem Buch zu 

beschäftigen. Auch die Bildbeispiele 

können sich überwiegend sehen lassen, 

was keine Selbstverständlichkeit bei 

einem Lehrbuch ist. 

Fazit, eine Empfehlung für alle, die sich 

intensiv mit HDR befassen wollen. 



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Vorschau 1/2012 

brennpunkt 1-2012 

erscheint am 

4. Januar 2012 

Portfolio 

Fotografen aus dem 

Nahen Osten 

© Jeanno Gaussi 

© Steve Sabella 


Leserfotos 

© Monika Minder, Wyssachen/Schweiz 

© Monika Minder, Wyssachen/Schweiz

ennpunkt 4/2011 

67


Vorschau 1/2012 

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