ich bin so verdammt unrocknroll - Rowohlt Theaterverlag

Albrecht
Berg
Chandrasekhar
von Düffel
Fosse
Freyer
Gedeon
Gieselmann
Greig
Habermehl
Hornby
Jelinek
Kehlmann
Kelly
Kluck
von Kürthy
Lachauer
Löhle
McIntyre
Melquiot
Müller
Naumann
Ott
Pollesch
Roth
Schmitt
Schober
Senkel
Shakespeare
Stephens
Syha
von Trier
Martin Walser
Theresia Walser
de Weck
Zaimoglu
Zeh
THEATER VERLAG
2010/ 11

Uraufführungen 2010/11:
Sibylle Berg
LASST EUCH ÜBERRASCHEN!
Ein Weihnachtsstück
Theater Bonn
03.12.2010
Regie: Maaike van Langen
Sibylle Berg
MISSIONEN DER SCHÖNHEIT
Holofernesmomente
Staatstheater Stuttgart
30.09.2010
Regie: Hasko Weber
John von Düffel
GULLIVERS REISE
Nach Jonathan Swift
Deutsches Nationaltheater
Weimar
13.11.2010
Regie: Marcelo Diaz
Thomas Freyer
DER GESTIEFELTE KATER
Frei nach den Gebrüdern Grimm
Landestheater Eisenach
24.11.2010
Regie: Rainer Fiedler
Thomas Freyer
DER KÖNIG IST TOT
(Arbeitstitel)*
Staatsschauspiel Dresden
März 2011
Regie: Tilmann Köhler
David Gieselmann
FALSCHER HASE
Theater Bielefeld
05.02.2011
Regie: Christian Schlüter
Anne Habermehl
NARBENGELÄNDE
Bühnen der Stadt Gera
08.10.2010
Regie: Anne Habermehl
Händl Klaus
GRUPPE JUNGER HUND*
Stadttheater Bern
08.10.2010
Regie: Stefan Otteni
Händl Klaus
DER EINFLUSS DES
MENSCHEN AUF DEN
MOND*
Libretto zur Oper von
Klaus Lang
Staatstheater Braunschweig
26.03.2011
Regie: Paul Esterhazy
Händl Klaus
BLUTHAUS*
Libretto zur Oper von
Georg Friedrich Haas
Schwetzinger SWR Festspiele
April 2011
Regie: N.N.
Elfriede Jelinek
WINTERREISE
Münchner Kammerspiele
Februar 2011
Regie: Johan Simons
Elfriede Jelinek
EIN STURZ
als Teil von Das Werk
Schauspiel Köln
29.10.2010
Regie: Karin Beier
Oliver Kluck
FEUER MIT MIR
Theater Chemnitz
18.02.2011
Regie: Max Claessen
Ulla Lachauer
PARADIESSTRASSE
Städtische Bühnen Münster
23.09.2010
Regie: Barbara Wachendorff
Philipp Löhle
SUPERNOVA (WIE GOLD
ENTSTEHT)
Nationaltheater Mannheim
15.01.2011
Regie: Cilli Drexel
Tina Müller
ICH KANN FLIEGEN ZÄHMEN,
ECHT WAHR
Theater Bremen/Junge Akteure
04.02.2011
Regie: Tanja Spinger
René Pollesch
DREI WESTERN*
Staatstheater Stuttgart
26.09.2010
Regie: René Pollesch
René Pollesch
SOZIALISTISCHE
SCHAUSPIELER SIND
SCHWERER VON DER IDEE
EINES REGISSEURS ZU
ÜBERZEUGEN*
Schauspiel Frankfurt
09.10.2010
Regie: René Pollesch
René Pollesch
XY BEAT*
Münchner Kammerspiele
27.11.2010
Regie: René Pollesch
René Pollesch
NOCH OHNE TITEL*
Volksbühne am Rosa-
Luxemburg-Platz, Berlin
12.01.2011
Regie: René Pollesch
René Pollesch
WAS DU AUCH MACHST,
MACH ES NICHT SELBST*
Nach Tocotronic
Theater Freiburg
18.03.2011
Regie: René Pollesch
René Pollesch
FAHRENDE FRAUEN*
Schauspielhaus Zürich
14.05.2011
Regie: René Pollesch
Holger Schober
SUPERMAN IST TOT
Theater Heilbronn
11.11.2010
Regie: Dominik Günther
Holger Schober
UND SIE BEWEGT SICH
DOCH*
Theater Heidelberg
23.02.2011
Regie: Dominik Günther
Holger Schober
SCHWARZE MILCH*
Comedia Theater Köln
März 2011
Regie: Ulrike Stöck
Ulrike Syha
HERR SCHUSTER KAUFT
EINE STRASSE
Nationaltheater Mannheim
25.09.2010
Regie: Mirja Biel in Zusammenarbeit
mit Joerg Zboralski
Ulrike Syha
JENSEITS VON EDEN*
Nach John Steinbeck
Theater Basel
11.02.2011
Regie: Peter Kastenmüller
Koen Tachelet
HOTEL SAVOY
Nach Joseph Roth
Münchner Kammerspiele
07.10.2010
Regie: Johan Simons
Martin Walser
EIN LIEBENDER MANN
Das Meininger Theater
01.10.2010
Regie: Ansgar Haag
Theresia Walser/Karl-Heinz Ott
DIE GANZE WELT
Nationaltheater Mannheim
20.11.2010
Regie: Burkhard C. Kosminski
Laura de Weck
FÜR DIE NACHT
Theater Basel
April 2011
Regie: Werner Düggelin
Feridun Zaimoglu/Günter Senkel
ALPSEGEN
Münchner Kammerspiele
April 2011
Regie: Sebastian Nübling
Feridun Zaimoglu/Günter Senkel
HAMLET
Nach William Shakespeare
Thalia Theater Hamburg
18.09.2010
Regie: Luk Perceval
Juli Zeh
NOCH OHNE TITEL*
Düsseldorfer Schauspielhaus
16.04.2011
Regie: Hans-Ulrich Becker
Erstaufführungen 2010/11:
Anupama Chandrasekhar
FALSCH VERBUNDEN –
DISCONNECT
Landestheater Linz
16.10.2010
Regie: Gerhard Willert
Jon Fosse
TOD IN THEBEN
Nach Sophokles
Salzburger Festspiele
11.08.2010
Regie: Angela Richter
David Greig/Gordon McIntyre
EINE SOMMERNACHT
Oldenburgisches Staatstheater
22.10.2010
Regie: Krystyn Tuschhoff
Dennis Kelly
OSAMA DER HELD
Schauspiel Essen
01.10.2010
Regie: Alexander May
Dennis Kelly
WAISEN
Theater Basel
22.10.2010
Regie: Elias Perrig
Neil LaBute
LIEBER SCHÖN
Burgtheater (Kasino) Wien
17.09.2010
Regie: Alexandra Liedtke
Mark Ravenhill
GEMEINSCHAFTSKUNDE
Theater Duisburg
26.03.2011
Regie: Kathrin Sievers
Die mit * markierten Titel
liegen nicht oder noch nicht
als Rollenbuch vor

«Was Jelinek virtuos
vorführt, sind die Abgründe
unseres Sprechens,
ist das beredte Verschweigen,
das Darüberhinwegreden,
die Fertigkeit, sich die
Wahrheit diskutierend und
scheinbar reflektierend
vom Leib zu halten –
«Man verläuft sich immer selbst im entscheidenden Moment.»
ja: sich dem Schmerz zu
entziehen.» Süddeutsche Zeitung
Elfriede Jelinek
Winterreise
Besetzung variabel
Fremd in der Welt und fremd dem eigenen
Leben gegenüber, folgt Elfriede Jelinek
in ihrem neuen Stück den Spuren des
Wanderers aus Franz Schuberts Winterreise.
Der Weg beginnt im Wahnsinn
der unmittelbaren Gegenwart (Bankenskandale,
Entführungsopfer, die eingekerkert
aus der Zeit fallen) und führt immer
deutlicher zu Stationen in Jelineks
Biographie: die komplizierte Beziehung
zur Mutter, die Einweisung des Vaters in
die Psychiatrie bis hin zu einer ebenso
schonungslosen wie ironischen Selbstabrechnung
Jelineks mit ihrer Rolle als
Autorin, die «das immer gleiche Lied
leiert».
In beeindruckender Klarheit und fast
unheimlicher Dichte ruft Winterreise,
einer musikalischen Engführung gleich,
noch einmal all die Themen auf, die Elfriede
Jelinek in den letzten Jahren und
Jahrzehnten beschäftigt haben. Entstanden
ist dabei eines ihrer persönlichsten
und anrührendsten Werke überhaupt.
Winterreise entstand auf Anregung
der Münchner Kammerspiele, wo im
Februar 2011 in der Regie von Johan
Simons die Uraufführung sein wird. Die
Buchausgabe des Stücks erscheint im Januar
2011 im Rowohlt Verlag.
www.rowohlt-theater.de 1

Für Karin Beiers Inszenierung von Das
Werk hat Elfriede Jelinek außerdem den
Zusatztext Ein Sturz geschrieben, ein
Satyrspiel über den Einsturz des Kölner
Stadtarchivs, das im Oktober 2010 am
Schauspiel Köln uraufgeführt wurde.
Jelineks Wirtschaftskomödie Die Kontrakte
des Kaufmanns war 2010 in
Nicolas Stemanns Uraufführungsinszenierung
u.a. eingeladen zum Berliner
Theatertreffen und nominiert für den
Mülheimer Dramatikerpreis. In dieser
Saison hat das Stück Premiere am
Thea ter St. Gallen (Schweizer Erstaufführung,
Regie: Thorleifur Örn Arnasson),
Staatsschauspiel Dresden (Regie:
Bernd Freytag) und am Luzerner Theater
( Regie: Isabel Osthues).
Rechnitz (Der Würgeengel) wird in
dieser Saison nachgespielt am Düsseldorfer
Schauspielhaus (Regie: Hermann
Schmidt­Rahmer) sowie am Theater
Freiburg (Regie: Marcus Lobbes).
Zu den weiteren Jelinek­Inszenierungen
2010/11 gehören u.a. Wolken.Heim
am Theater Chemnitz (Regie: Dieter
Boyer), In den Alpen am Vorarlberger
Landestheater Bregenz (Österreichische
Erstaufführung, Regie: Paul Lerchbaumer),
Prinzessinnendramen – Der
Tod und das Mädchen am Staatstheater
Braunschweig (Regie: Patrick Wengenroth)
und Ulrike Maria Stuart am Theater
Konstanz (Regie: Samuel Schwarz).
Außerdem war im September 2010
die schwedische Erstaufführung von
Jelineks Babel am Göteborgs Stadsteater
(Regie: Mellika Melani), und Het
Nationale Toneel, Den Haag, zeigte die
holländische Erstaufführung von Über
Tiere (Regie: Susanne Kennedy).
2
«Große Güte. Müsst ihr denn alle ein Bewusstsein haben?
Genügt es nicht, dass ihr da seid?»
Sibylle Berg
Lasst euch überraschen!
Ein Weihnachtsstück
4D – 3H
Weihnachten, das Fest der Familienzwangszusammenführung.
Voll böser
Ahnungen warten die Eltern – Alt­68er,
Akademiker und bis heute Gegner des
«Systems» – auf den jährlichen Besuch
ihrer missratenen Brut. Die Tochter,
Marie, ist PR­Agentin und verheiratet
mit Fred, einem Lektor. Lukas, der
Sohn, arbeitet als Kurator und lebt zusammen
mit Lena, Art­Direktorin bei
einem großen Nachrichtenmagazin und
momentan hochschwanger. An welchem
Punkt hat die progressive Erziehung
bloß versagt, dass aus den Kindern keine
kiffenden Revolutionäre, sondern
karrieregeile Spießer werden konnten?
Umgekehrt ist den Kindern das Sozialdemokratentum
und die Bildungshuberei
der Eltern seit langem quälend peinlich.
Nach Hause führen sie nur noch
materielle Interessen: Marie und Lukas
möchten die Familienvilla erben und
sähen Vater und Mutter gern in einem
schönen Pflegeheim. Keine guten Voraussetzungen
für einen harmonischen
Heiligabend. Die gewohnten Rituale
wie Baumschmücken und Bescherung
werden zwar stur durchgezogen, doch
hinter der Fassade tobt ein Grabenkrieg
jeder gegen jeden. Unangenehme
Wahrheiten werden ausgepackt, und
dass plötzlich die uneheliche schwarze
Tochter des Vaters auftaucht, von der
angeblich nicht einmal er selbst wusste,
ist noch lange nicht das Ende.
Mit Lasst euch überraschen! hat Sibylle
Berg einen boshaften Kommentar zur
aktuellen Werte­Diskussion geschrieben.
Zugleich seziert sie genüsslich die
Mechanismen klassischer Boule vardkomö
dien, samt abgrundtiefer Logiklöcher
und hanebüchener Klischees, und
entstellt sie bis zur Kenntlichkeit.
Das Stück entstand als Auftragswerk
für das Theater Bonn, wo im Dezember
2010 die Uraufführung sein wird (Regie:
Maaike van Langen).

Hauptsache Arbeit!, Staatstheater Stuttgart
Missionen der Schönheit
Holofernesmomente
Besetzung variabel
«Gut auszusehen bedeutet, dass du häufiger
vergewaltigt wirst als die anderen»,
stellt Judit aus Kinshasa gleich zu Anfang
fest und spricht aus eigener Erfahrung.
Judit aus Berlin ritzt sich mit einer
Rasierklinge, weil sie keinem gängigen
Schönheitsideal entspricht. Und Judit
aus Betulia vergiftet Mann und Söhne,
damit endlich Ruhe ist.
Wie willkürlich aus dem Weltgeschehen
herausgegriffen wirken Sibylle
Bergs acht «Holofernesmomente»: acht
schlaglichtartige Monologe von Frauen
verschiedenen Alters und verschiedener
Nationalität, die von Verletzungen und
Narben erzählen, von Selbstverstümmelung
und Fremdvernichtung, Tod
und Zerstörung. Sie tun dies nicht mit
biblischer Wucht, sondern fast beiläufig
und lakonisch, mal lückenhaft, mal
beklemmend klar, mal in völliger Selbstverkennung,
meist aber geprägt von
finster­bitterem Humor.
Uraufgeführt wurden Bergs Missionen
der Schönheit im September 2010 am
Staatstheater Stuttgart (Regie: Hasko
Weber).
Ebenfalls in Stuttgart und in Webers Regie
war im März 2010 die Uraufführung
von Hauptsache Arbeit!, das eingeladen
war zu den Autorentheatertagen am
Deutschen Theater Berlin und abgedruckt
in Theater heute: «Mit dia bo lischer
Traurigkeit und satanischem Sarkasmus
grillt (Sibylle Berg) die armen
Sünder, die noch an ein Leben vor dem
Tode glauben und sich mit ihrem romantischen
Lieben und Hoffen nur immer
tiefer in die Verdammnis stürzen …
Hauptsache Arbeit! ist eine raben­
schwarze Groteske … ein Stakkato
kalauernder Textflächen
und rasenden Theoriegefasels
in den Kulissen der Unterhaltungsindustrie.»
(Frankfurter
Allgemeine Zeitung)
Außerdem wurde im März
2010 Bergs Nur nachts am
Burgtheater (Akademietheater)
Wien uraufgeführt (Regie:
Niklaus Helbling): «Ein wunderbar
witziges, auch trostvoll
heiteres Stück …, (das) nahe
legt, den falschen Ernst zu vergessen
und die Lebensangst abzulegen
… Sibylle Berg hat eine
Gesellschaft der grauen Männchen
entworfen, als Spiegel der
Verhältnisse, eine atomisierte
Welt, in der die Einzelteilchen
noch einmal, vielleicht ein letztes
Mal, verrückt spielen. Eineinhalb
Stunden größtes Vergnügen.»
(Süddeutsche Zeitung)
Hauptsache Arbeit! wird in dieser Saison
nachgespielt am Deutschen Theater
Göttingen (Regie: Katja Fillmann),
Schauspielhaus Salzburg (Österreichische
Erstaufführung, Regie: Marion
Hackl) und am Stadttheater Gießen
(Regie: Hermann Schein).
Nur nachts hat deutsche Erstaufführung
am Staatstheater Nürnberg (Regie:
Schirin Khodadadian), bisher gefolgt
von Inszenierungen am Badischen
Staatstheater Karlsruhe (Regie: Anke
Bußmann) und am Deutschen Theater
Berlin (Regie: Rafael Sanchez).
Zurzeit schreibt Sibylle Berg an einem
neuen Roman.
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Theresia Walser/
Karl-Heinz Ott
4
Die ganze Welt
2D – 2H
«Dass andere immer meinen, man hätte Zeit. Als warte
man bloß darauf, dass man eingeladen wird. Das ganze Übel der Menschheit kommt
daher, dass die Leute es nicht mit sich allein in einem Zimmer aushalten.»
Wenn die Gäste nicht zur Party kommen,
kommt die Party eben zu den Gästen,
ob diese wollen oder nicht. Und Richard
und Regina wollen ganz entschieden
nicht. Früher haben sie wild und ausdauernd
gefeiert, sind viel gereist, oft ausgegangen;
heute genießen sie, verschanzt
in ihrer großen leeren Wohnung, gutes
Essen und die Abgeschiedenheit allein
zu zweit. Da aber die Welt ihre eigenen
Gesetze hat und Menschen zur Geselligkeit
verdammt, stehen unversehens Ri­
chard und Reginas Nachbarn Dolf und
Tina in der Tür, bewaffnet mit Weinflaschen
und Schnitzelplatten – der Auftakt
eines Anti­Strindbergschen Totentanzes.
Pointen­ und detailgenau beobachten
Theresia Walser und Karl­Heinz Ott,
was geschieht, wenn ein klassisches
«Lass­uns­drüber­reden»­Paar auf zwei
passionierte Schweiger trifft, Verbalexhi
bi tio nisten Sozialmuffeln begegnen.
Konträre Lebensmodelle prallen aufeinan
der, so komisch wie gespenstisch,
immer jedoch mit hoher Reibungsenergie,
und ihre leidenschaftlichen Verfechter
liefern sich einen Schlagabtausch, der
am Ende ziemlich handgreiflich wird.
Nach ihrer Neufassung der Geierwally,
die in dieser Saison am Theater Konstanz
nachgespielt wird (Regie: Christine
Eder), haben Theresia Walser und
Karl­Heinz Ott mit Die ganze Welt ihr
zweites gemeinsames Stück geschrieben.
Entstanden ist es als Auftragswerk für
das Nationaltheater Mannheim, wo im
Dezember 2010 die Uraufführung sein
wird (Regie: Burkhard C. Kosminski).
Herrenbestatter, Nationaltheater
Mannheim

Ebenfalls in Mannheim und in Kosminskis
Regie war in der letzten Spielzeit die
Uraufführung von Walsers Herrenbestatter
(Stückabdruck in Theater heute
02/2010), in dem ein Kaufhaus kurz vor
der Abwicklung steht: «Eine wunderbare
Untergangskomödie über überflüssige
Menschen, die (Theresia Walser) in den
verschnittenen Ecken der Nischengesellschaft
aufstöbert, in den toten Winkeln
und an den Unorten des Alltags … Allein
dafür, wie sie Wörter wie ‹Windjacke›
oder ‹Brustbeutel› mit kulturkämpferischem
Tremolo auflädt, bevor sie endgültig
aus dem Wortschatz ausgemustert
werden, müsste man Walser in Samt und
Seide hüllen. Herrenbestatter ist ein Memento
mori aus dem Hades der Herrenkonfektion.»
(Süddeutsche Zeitung)
Im November 2010 hat außerdem
Walsers Ein bisschen Ruhe vor dem
Sturm am Pfalztheater Kaiserslautern
Premiere (Regie: Reinhard Karow), und
im September 2010 zeigte das Husets
Teater Kopenhagen die dänische Erstaufführung
von Morgen in Katar.
Zurzeit schreibt Theresia Walser für das
Theater Freiburg an einem neuen Auftragswerk,
Canvas (Arbeitstitel), dessen
Uraufführung für Herbst 2011 geplant
ist (Regie: Annette Pullen).
Juli Zeh
«Weißt du, was mich ankotzt?
Man kann nichts mehr zum ersten
Mal machen. Alles schon da
gewesen. Unsere Vorfahren haben
die Party gründlich abgefeiert. Für
uns bleibt nur Karaoke.
Wir stehen jeden Morgen auf,
um ein Lied zu singen, das ein
anderer geschrieben hat, während
die Musik vom Band kommt.»
Good Morning, Boys
and Girls
3D – 2H – 1 weitere/r Darsteller/in
Minutiös plant Jens, genannt «Cold»,
den Amoklauf an seiner Schule. Ins
Täterprofil passt er perfekt: Er ist 16,
Außen seiter, hört böse Musik, spielt
gern Counter Strike, schreibt finstere
Kurzgeschichten. Dass es vor ihm zahllose
andere Amokläufer gab, ist ihm bewusst,
also muss er eben krasser sein.
Schon hört er seine Eltern auf CNN
Interviews geben, orchestriert im Kopf
den eigenen Nachruhm, das weltweite
Betroffenheitspathos. Erst als «Cold»
Susanne, eine Mitschülerin, kennenlernt
und sich verliebt, nimmt die Geschichte
eine unvorhergesehene Wendung.
Good Morning, Boys and Girls entstand
als Auftragswerk für das Düs­
seldorfer Schauspielhaus, wo im April
2010 die Uraufführung war (Regie: Stephan
Rottkamp). «Juli Zeh verschränkt
und verzahnt die Gedanken und Gefühle
ihres schießenden Helden (oder
Antihelden) Cold aufs engste mit der
Welt, in der er lebt: Elternhaus, Schule,
Fernsehen. Sie will damit nichts erklären,
nichts entschuldigen, vor nichts
warnen … Sie zeigt allein, wie bruchlos
Colds Gedankenwelt und Lebenswelt
zueinander passen … Offenbar ist das
etwas, das sich so nur im Theater formulieren
lässt, ohne dass hinten gleich
eine falsche Moral rauskommt. Zeh verwendet
dafür ein ganz einfaches Mittel:
Sie hat recherchiert und denkt sich dann,
so gut sie kann, in Cold hinein. Keinen
ihrer Sätze kann ein Experte dann wieder
in den Medien zum Besten geben.
In ihnen steckt nur ein Stück einfache
Wahrheit oder Selbsterkenntnis, die
uns abhanden gekommen ist: Klar gehört
der Amok zu uns.» (Frankfurter
Rundschau) «Zeh (geht) streng analytisch
vor und nimmt das Amok­Thema
www.rowohlt-theater.de 5

in einem multi per spek ti vi schen Ge danken
kon strukt unter die Lupe, nicht als
individual­ oder schulpsychologisches,
sondern als breiter angelegtes gesellschaftliches
Phänomen … Permanent –
und gekonnt – wechselt sie die Zeit­ und
Realitätsebenen, bis man nicht mehr genau
sagen kann: Was ist Wirklichkeit,
was Phantasie?» (Süddeutsche Zeitung)
«Ein Stück, das näher an der Wahrheit ist
als jede mediale Erklärungs­ Hysterie.»
(Nachtkritik)
Außerdem wurde im November 2009
am Münchner Volkstheater Juli Zehs
Der Kaktus uraufgeführt (Regie: Bettina
Bruinier), eine «bestechend pointierte
Terrorfarce» (Frankfurter Allgemeine
Zeitung), in der Zeh «das vermeintlich
Unmögliche gelingt: ein Boulevardstück
mit Demokratiediskurs» (die tageszeitung).
Weitere Inszenierungen von Der
Kaktus folgen in dieser Saison u.a. am
Theater Ingolstadt (Regie: Alexander
Schilling), Theater Freiberg (Regie: Andreas
Pannach), Theater Phönix, Linz
6
Good Morning, Boys and Girls, Düsseldorfer Schauspielhaus
(Österreichische Erstaufführung, Regie:
Esther Muschol), Jungen Theater Göttingen
und am Theater Erlangen (Regie:
Johannes Wenzel).
Auch Zehs Debütstück Corpus Delicti
über die Auswüchse des Gesundheitswahns
wird diese Saison mehrfach nachgespielt:
am Schauspiel Essen (Regie:
Florian von Hoermann), Landestheater
Tübingen (Regie: Jenke Nordalm) sowie
am Staatstheater Braunschweig (Regie:
Crescentia Dünßer).
Zurzeit schreibt Juli Zeh für das Düsseldorfer
Schauspielhaus an einem neuen
Auftragswerk, das im April 2011 in
der Regie von Hans­Ulrich Becker uraufgeführt
wird.
Ulrike Syha
Herr Schuster kauft
eine Straße
4D – 1H
Ein «linksliberaler Garten». Sommerabend.
Herr Schuster, seine Frau, deren
Schwester, die Schwiegermutter und das
neue Au­pair warten auf die Ankunft
eines letzten Gastes. Die Zeit bis dahin
überbrücken sie mit Monopoly – einem
Spiel, das Menschen dazu zwingt, andere
«in die Insolvenz zu treiben», wie
die politisch engagierte Schwiegermutter
bissig anmerkt. Doch der Bankrott
beginnt bereits, bevor der erste Würfel
fällt. Die heile Welt der jüngeren Generation
(Reihenhaus, Kinder, gut bezahlte
Jobs) war der Schwiegermutter seit jeher
suspekt – ist denn ziviler Ungehorsam
gänzlich ausgestorben? Ihre Töchter
wiederum denken mit Schaudern an die
Zeit ihrer Kindheit (Demos, Kommunen,
Anti­AKW­Plakate) zurück. Eine
Grundsatzdebatte über Moral und Ideale
ist also wieder einmal unvermeidlich.
Während es im Gebüsch bedrohlich
raschelt, Wind durch die Bäume fährt
und aus der Ferne seltsame Geräusche
in den Garten wehen, entwirft Herr
Schuster, der hauptberuflich Krimis
schreibt, im Kopf seine ganz eigenen
apokalyptischen Szenarien. Er wird zum
Zuschauer seiner selbst, eingekreist von
drei streitenden Frauen und einer stillen
vierten, dem Au­pair, die seine Existenz
auf eine völlig unvorhergesehene Art in
Frage stellt …
Herr Schuster kauft eine Straße ist eine
doppelbödige Konversationskomödie,
in der Alan Ayckbourn auf David Lynch

und Stephen King trifft. Bis zum beängstigenden
Schluss weiß man in Syhas Vororthölle
nicht, ob das richtige Leben im
falschen spielt oder eher umgekehrt.
Entstanden ist das Stück, abgedruckt
in Theater heute 11/2010, während
Ulrike Syhas Hausautorenschaft am
Na tio nal thea ter Mannheim, wo im
September 2010 die Uraufführung war
(Regie: Mirja Biel in Zusammenarbeit
mit Joerg Zboralski).
Ebenfalls am Nationaltheater Mannheim
wurde in der letzten Saison Fracht
(Nautisches Denken I – IV) nachgespielt
(Regie: Torge Kübler), das im Februar
2010 in der Regie von Dieter Boyer am
Theater Chemnitz Uraufführung hatte.
Außerdem zeigte das Nationaltheater
Ljubljana im Januar 2010 die slowenische
Erstaufführung von Privatleben
(Regie: Ivana Djilas), das 2009 für den
Mülheimer Dramatikerpreis nominiert
war.
«Eurem Leben fehlt es doch an
jeglicher sozialen Härte.
Das hier, das alles um euch rum, das
ist doch nicht das wirkliche Leben.
Was wollt ihr euren Kindern sagen,
wenn sie anfangen, die fremde,
bedrohliche Welt da draußen zu er­
kunden? Ja, ihr habt recht, tut uns
leid, das Universum, in dem ihr bisher
gelebt habt, das gibt es eigentlich
gar nicht, aber wir dachten, es wäre
witziger, wenn ihr das mit achtzehn
selbst herausfindet?»
Fracht (Nautisches Denken I–IV), Nationaltheater Mannheim
Im September 2010 war im NDR die
Ursendung von Syhas Hörspiels Epizentrum
(Regie: Antje Vowinckel), und am
Theater Basel wird im Februar 2011 ihre
Dramatisierung von John Steinbecks
Roman Jenseits von Eden uraufgeführt
(Regie: Peter Kastenmüller).
Zurzeit schreibt Ulrike Syha an einem
Auftragswerk für das Theater Chemnitz,
dessen Uraufführung in der Saison
2011/12 geplant ist.
www.rowohlt-theater.de 7

Anne Habermehl
8
Narbengelände
2D – 2H
Februar 1989. Marie und Marc wollen
nachts über die Grenze in den Westen
fliehen – ein Versuch, der scheitert, denn
kurz davor geraten sie in Streit. Marie
merkt, dass sich ihre Sicht der Zukunft
erheblich von der Marcs unterscheidet.
Blindlings läuft sie in den Wald,
um nachzudenken, und wird tagelang
verschwunden bleiben. Marc zieht den
Fluchtplan allein durch und wird erschossen.
Elf Jahre später. Gleich nach dem
Mauer fall ist Marie wortlos von zu
Hause weggegangen und nie mehr
«Du findest nie einen Ort, an dem du frei bist. Der Ort, wo du so frei bist,
wie du sein willst, den gibts gar nicht. Nur vielleicht, wenn man tot ist.»
zurück gekehrt. Ohne Ziel ist sie herumgezogen,
hat diverse Jobs ausprobiert
und lebt heute in einem stillgelegten
Bahnhof. Ihre Eltern haben die Heimat
nie verlassen und dort die großen Umwälzungen
verfolgt. Papa ist die neue
Welt so fremd geworden, dass er in seiner
Steinsammlung lieber nach Spuren
der alten sucht. Das Bergwerk, in dem
er beschäftigt war, wurde geflutet – aber
womöglich «braucht der Boden auch
mal Erholung von den ganzen Menschen»,
wie er meint. Ingrid, die Mutter,
ist zwar voller Tatendrang, weiß aber
nicht genau, wo anfangen. Sie stöbert
in Schutthalden, surft im World Wide
Web und reist schließlich ihrer Tochter
hinterher.
Aus wechselnden Perspektiven und in
zeitlich verschachtelten Szenen erzählt
Anne Habermehl vom Preis, den Freiheit
haben kann, mit welchen Hoffnungen
und Sehnsüchten sie verknüpft ist und
wie schwer diese manchmal umzusetzen
sind, zumal wenn jeder eine gänzlich andere
Vorstellung von der Freiheit hat.
Narbengelände entstand als Auftragswerk
für die Bühnen der Stadt Gera/
Landestheater Altenburg, wo im Oktober
2010 in Habermehls Regie die Uraufführung
war.
Anne Habermehls vorheriges Stück
Daddy, für das sie 2008 den Werkauftrag
des Stückemarktes des Berliner
Theatertreffens erhielt, ist in Alexander
Nerlichs Uraufführungsinszenierung
nach wie vor am Bayerischen Staatsschauspiel
München (Marstall) zu
sehen. Küss mich hinter Kaufhof, 2009
am Theater Chemnitz uraufgeführt
(Regie: Alexandra Wilke), hat in dieser
Saison am Thea ter Ingolstadt Premiere
(März 2011, Regie: Sebastian Hirn), und
Letztes Territorium, dessen Uraufführung
2008 am Thalia Theater Hamburg
war (Regie: Corinna Sommerhäuser),
wurde bzw. wird bisher nachgespielt
am Stadttheater Konstanz (März 2010,
Regie: Davud Bouchehri) sowie am Landestheater
Tübingen (April 2011, Regie:
Martin Kreidt).

Sam, Deutsches Theater Berlin
«Man verwendet Monate Arbeit
darauf, sich von körperlichen
Bedürfnissen und Impulsen zu
befreien, und endet damit,
seinem einzigen Bekannten Essen
an den Kopf zu werfen.
Der menschliche Körper ist eine
Enttäuschung.»
Katharina Schmitt
Sam
1H – mind. 1 weitere/r Darsteller/in
Sam, ein Performance­Künstler aus New
York, schließt sich für ein Jahr in einen
Käfig ein. Ein Selbstexperiment der totalen
Reduktion und Isolation, Zeugnis
auch einer radikalen Unerbittlichkeit
gegen sich selbst. Sams Performance
unterliegt strengsten Regeln: nicht sprechen,
nicht lesen, nicht schreiben; immer
das gleiche Essen, immer derselbe
Besuch zur selben Zeit. Es entsteht kein
Werk, nichts, was die verbrachte Lebenszeit
überdauert. Nach einem Jahr
im Käfig wird Sam zunächst die selbst
bestimmten Vorschriften nicht
durchbrechen – die innere Beschränkung
scheint mehr Bestand
zu haben als das äußere
Gefängnis.
Angeregt von den One- Year-
Performances des Künstlers
Tehching Hsieh, beschreibt
Katharina Schmitt eine Kunst,
die zum Kerker wird – und
zum Gleichnis für das Gefängnis
des Körpers und der Zeit,
dem wir auch durch den künstlerischen
Akt nicht entkommen können. Mit ihrem
Stück schärft sie den Blick für die
Regeln, denen wir uns unterwerfen oder
implizit längst unterworfen sind. Die
Normen jedenfalls, die dem Zusammenspiel
von Arbeit, Kunst und Produktivität
sowie dem Verhältnis von Zuschauer
und (Kunst­)Objekt eingeprägt sind,
werden in der Performance ebenso wie
in Katharina Schmitts Theatertext raffiniert
gebrochen. «Bitte sehen Sie nicht
weg. Bitte sehen Sie mir genau zu … Ich
werde sicher nicht mit Ihnen sprechen.»
In der Regie von Sebastian Hartmann
und mit Samuel Finzi als Sam wurde das
Stück im Rahmen der Autorentheatertage
am Deutschen Theater Berlin präsentiert.
«Sam thematisiert radikaler
als viele die Konfrontation von Kunst
und Leben … Zeit, Freiheit und die
Blickwechsel zwischen Betrachtern und
Betrachtetem tauchen neu auf, und
Schmitt kreuzt in knapper Sprache diese
Blicke von außerhalb und innerhalb des
Käfigs.» (Berliner Zeitung)
Zuletzt war im Dezember 2009 die
Uraufführung von Katharina Schmitts
Stück Im Pelz am Schauspiel Leipzig.
Die Inszenierung (Regie: Johannes
Schmit) war zum Radikal Jung­Festival
am Münchner Volkstheater eingeladen.
www.rowohlt-theater.de 9

«Katharina Schmitt betrachtet die labile
Balance in der Beziehung zwischen Herr
und Sklave auf kleinste Verschiebungen
hin und fragt nebenbei, ob sich die Liebe
überhaupt vertraglich regeln lässt …
Der Text ist faszinierend feinnervig und
sensorisch.» (Nachtkritik)
In der aktuellen Spielzeit schreibt Katharina
Schmitt an einem Auftragswerk
mit dem Arbeitstitel Jugendbildnis für
das Thalia Theater Hamburg.
10
«Sie haben doch Erfahrung mit dem Tod.» –
«Keiner hat Erfahrung mit dem Tod.»
Laura de Weck
Für die Nacht
1D – 3H
Vier Menschen finden sich in der Dämmerung
eines Tages am Tisch eines Sterbenden
zusammen. Wie in einem Musikstück
manifestieren sie sich zunächst
nur als Stimmen. Sie variieren ihren
Tonfall, folgen rhythmischen Vorgaben,
formieren sich zum Chor. Doch aus den
abstrakten Tönen schälen sich Motive
heraus, aus den Sprechern werden Figuren,
eine Geschichte entwickelt sich.
Dieses Oszillieren zwischen abstraktem
Klang und konkreter inhaltlicher Bedeutung
bestimmt das Stück, das den
großen Themen von Verlust und Tod
in den kleinsten Modulationen nachlauscht,
in der flüchtigen Begegnung, in
der beiläufigen Bemerkung. Alle Figuren
sind mit unterschiedlichen Formen des
Verlusts konfrontiert, und auch wenn
sie weit davon entfernt sind, sich gegenseitig
Halt geben zu können, ergänzen
sich doch im Verlauf ihrer Begegnung
ihre unterschiedlichen Sichtweisen zu
einem Sinn stiftenden Ganzen. Dass diese
Nocturne mit dem Tod endet, scheint
fast unvermeidlich.
Für die Nacht wird im April 2011
in der Regie von Werner Düggelin am
Thea ter Basel uraufgeführt.
Düggelin hat bereits 2007 Laura
de Wecks Debütstück Lieblingsmenschen
(Stückabdruck
in Thea ter heute 07/2007) am
Theater Basel zur Uraufführung
gebracht. Das Stück wurde
danach an über 20 Theatern
nachgespielt (darunter auch in
Argentinien, Russland, Usbekistan,
Tsche chien, Litauen und
Italien) und war 2008 für den
Mülheimer Dramatikerpreis nominiert.
Laura de Wecks SumSum ist in
der aktuellen Spielzeit in einer
bilingualen deutsch­russischen
Koproduktion, die am Theater
Erlangen Premiere hatte, in Zürich
zu sehen (Regie: Valentin
Levitskiy und Eberhard Köhler).
Das Stück wurde kürzlich
auch vom Schweizer Radio als
Hörspiel (Regie: Reto Ott) ausgestrahlt.

Martin Walser
Ein liebender Mann
5D – 6H – Doppelbesetzungen möglich
1823 in Marienbad begegnet Goethe,
73­jährig, der 19­jährigen Ulrike von
Levetzow und verliebt sich in sie. Der
alte Mann ist fast schockiert vom Ungestüm
seiner Gefühle und mindestens
ebenso überrascht von ihrer vertrauten
Leichtigkeit. Fernab Goethes Weimarer
Arbeitswelt flaniert das Paar mit wachsendem
Einverständnis durch den som­
«Mir ist das All, ich bin mir selbst verloren,
Der ich noch erst den Göttern Liebling war;
Sie prüften mich, verliehen mir Pandoren,
So reich an Gütern, reicher an Gefahr;
Sie drängten mich zum grabeseligen Munde,
Sie trennen mich, und richten mich zu Grunde.»
aus: Johann Wolfgang von Goethe, Marienbader Elegie
merlichen Kurort und prüft sich in geistreichen
Wortgefechten, bei denen Ulrike
den Dichterfürsten durch ihre unverstellte
Art und streitlustigen Widerworte
herausfordert und bezaubert. Natürlich
bleibt, was vor der Welt nur als Skandal
gelten kann, nicht ungetrübt – durch
die eigene Befangenheit angesichts des
Altersunterschieds, die Einwände von
Ulrikes Mutter und einen jungen Nebenbuhler,
der so heißblütig auftritt,
wie Goethe es nie sein wollte und als
Greis nicht mehr sein kann. Doch Goethes
ärgster Feind ist seine eigene Skepsis.
Ist nicht alles, was er denkt, schon
vollendet vorformuliert, ist nicht jede
seiner Empfindungen längst zum Zitat
geronnen? In schwachen Momenten
scheint ihm selbst die
Marienbader Elegie, dieses «bedeutendste
intimste Gedicht seines
Alters» (Stefan Zweig), mit
dem er die Trennung von Ulrike
verarbeitet, nur die schale Sublimierung
des Erlebten zu sein.
Durch diese selbstzweiflerische
Verzehrung wird Goethe umso
mehr, was er nicht mehr glaubte,
sein zu können: ein liebender
Mann.
Vorabgedruckt in der Frankfurter
Allgemeinen Zeitung,
wurde Ein liebender Mann
2008 zum Bestseller mit bisher
200000 verkauften Exemplaren.
«Was bei Walser sogleich
entzückt, ist die Anmut
seiner Schilderung. Man lässt
sich bezaubert ein auf Liebes­
Passion, Dichter­Gescheitheit,
lebendigstes Zeitkolorit. Da
übertrifft Walser, sprachmächtig,
nicht nur sich selbst, sondern
auch so manche berühmte
Goethe­Schilderung der deutschen
Literatur.» (Süddeutsche Zeitung)
«Dieser Roman ist (Walsers) schönster
geworden: diskret und zart, erfüllt – von
Liebe, in einem umfassenden Verständnis.»
(Frankfurter Rundschau)
Mit viel Witz und Eleganz hat Martin
Walser seinen Roman selbst für die Bühne
adaptiert. Sein Goethe flirtet hier mit
dem Publikum ebenso wie er um Ulrike
wirbt. Und der getreue Diener Stadelmann
ist pfiffiger Mitverschworener,
der mit dem passenden Goethe­Zitat auf
den Lippen meist das letzte Wort behält.
Die Uraufführung des Stückes war im
Oktober 2010 am Meininger Theater
(Regie: Ansgar Haag).
www.rowohlt-theater.de 11

Erik Gedeon
12
«Abgründig komisch, dramatisch traurig, bizarr und weise.»
Ewig jung
3D – 4H
Wir schreiben das Jahr 2050. Längst ist
das Theater geschlossen und dient einer
Handvoll betagter Schauspieler als Altersresidenz.
Abends sitzen sie auf der
Bühne zusammen und durchleben noch
einmal ihre früheren Erfolge. Es könnte
alles so schön sein, wäre da nicht
Schwester Angelika, die ihre Schützlinge
nicht nur mit Kinderliedern zum
Mitklatschen malträtiert, sondern ihnen
auch durch ihre musikalischen Vorträge
über Krankheit, Alter und Tod die ganze
Stimmung versaut. Doch kaum dreht sie
ihnen den Rücken zu, regt sich bei den
Bühnenstars die Lebensgier. Von «I Love
Rock’n’Roll» bis «Staying Alive» zeigt
Berliner Zeitung
sich: Der alte Kampfgeist ist noch nicht
erloschen, nur etwas eingeschränkt
durch morsche Knochen und falsche
Gebisse …
«Schonungslos blickt Gedeon vom
Klavier aus auf die Gebrechen und
die Gemeinheiten der greisen Bühnenkünstler
… Bei aller Bösartigkeit lässt
er aber stets die Liebe und Lust zum Leben
spüren – und ebenso den Schmerz
des Abschieds von ihm mitschwingen.»
(Hamburger Abendblatt) «Absolut
kult ver däch tig.» (Die Welt)
Ewig jung wurde von Erik Gedeon ursprünglich
unter dem Titel Thalia Vista
Social Club als Vorbühnenstück für das
Hamburger Thalia Theater entwickelt,
wo es seit der Premiere im Januar 2001
durchgehend im Repertoire ist. Nachgespielt
wurde das Stück bisher am Staatsschauspiel
Dresden, Renaissance­Theater
Berlin und an den Kammerspielen
Paderborn; mit Inszenierungen in Skandinavien
und England hat es längst auch
international seinen Siegeszug durch die
Theaterszene angetreten. 2009 erhielt
die Osloer Produktion von Ewig jung
den renommierten medienübergreifenden
Norwegischen Komikpreis.
Theatertreffen
Ein Singspiel aus den Alpen
2D – 5H
Auf einem einsamen Bergbauernhof hat
das Theaterspielen lange Tradition. Bauer,
Bäuerin, Pfarrer, Knecht und Magd:
Jeder kennt seine Rolle und verkörpert
sie mit Inbrunst und Leidenschaft. Bis
eines Tages Gerüchte von einer Einrichtung
namens Theatertreffen den Hof erreichen
und dem Jüngsten die Freude am
schlichten Spiel vergällen. Unbedingt
will er fort, in die Stadt, und dort das
Neue, Andere entdecken. Die friedliche
Gemeinschaft ist außer sich vor Entsetzen,
doch auch die drastischsten Warnungen
vor Regietheater und ähnlichen
Widerwärtigkeiten können den Jungen
nicht aufhalten – die heile Theaterwelt
gerät ins Wanken.
Vollständig von Erik Gedeon komponiert,
ist das «Singspiel aus den Alpen»
ein absurder Heimatabend über
das Glück des Bewährten und die Sehnsucht
nach dem Neuen. «Musik und
Inhalt laufen gegeneinander und führen
nicht nur die Wirklichkeit, sondern das
Theater selbst ad absurdum … In Gedeons
Heimatabend geht es aber auch
um künstlerische Verortung und um den

Wunsch, theatralische Grenzen
zu bewahren oder sich im
Überschreiten dieser Grenzen
neu zu erfinden … Eine Art
Hommage an das Dorftheater.»
(Westfälischer Anzeiger)
Theatertreffen entstand im
Auftrag der Ruhrfestspiele
Recklinghausen in Koproduktion
mit dem Theater
Lindenhof Melchingen. Die
Uraufführung war im Mai
2010 in Recklinghausen (Regie:
Erik Gedeon).
Das Wunder von
Schweden
Eine musikalische
Möbelsaga
Text: Klas Abrahamsson
Musik und deutsche
Textfassung: Erik Gedeon
3D – 6H
Mutlos sieht ein Trupp gebeutelter Investmentbanker
einer grauen Zukunft
entgegen. Der Raubtierkapitalismus,
an den sie glaubten, hat sie schmählich
im Stich gelassen. Deshalb aber auf Gewinnstreben
und Profitmaximierung
gleich ganz zu verzichten, widerstrebt
ihnen zutiefst. Ein neues Leitbild muss
her, ein Retter, ein Wunder … das Wunder
von Schweden: IKEA! Schließlich ist
IKEA­Gründer Ingvar Kamprad nicht
nur aus eigener Kraft steinreich geworden,
sondern in seiner Tugendhaftigkeit
geradezu ein moderner Messias – oder
etwa nicht? Von Kamprads ersten Schritten
als armer Streichholzverkäufer bis
zu seiner Herrschaft über ein globales
Möbelimperium ist Gedeons und Abrahamssons
«musikalische Möbelsaga»
«Ob arm, ob reich, ob wichtig
Ob klein, ob dünn, ob fett:
Ein jeder hat ein Recht
Auf Sofa, Tisch und Bett.
Ihr Sitzgruppenbesitzer
Aus Nord, Süd, Ost und West
Steht auf, organisiert euch
Vereinigt euch gleich jetzt!»
Das Wunder von Schweden, Deutsches Schauspielhaus Hamburg
ein säkulares Oratorium auf den Erlöser
vom Bösen, den Erfinder eines gütigen
Kapitalismus – wenn es so etwas denn
gibt. Gedeon «erweist sich als ernsthafter,
höchst differenzierter Theatermacher
– sein Wunder von Schweden ist
eine vielschichtige und böse Farce zum
Thema Kapitalismus … Ein kluger, bemerkenswerter
Abend.» (NDR)
Das Wunder von Schweden entstand
im Auftrag des Deutschen Schauspielhauses
Hamburg in Koproduktion mit
den Ruhrfestspielen Recklinghausen,
wo im Juni 2009 auch die Uraufführung
war (Regie: Erik Gedeon). Im September
2010 zeigte das Malmö Stadsteater die
schwedische Erstaufführung.
Erik Gedeon wurde als Sohn schwedischschweizerischer
Eltern in Bern geboren.
Er studierte Klavier und Komposition,
war musikalischer Leiter am Schauspiel
Hannover und am Thalia Theater Ham­
burg. Er ist Autor, Regisseur und Komponist;
zu seinen erfolgreichsten Werken
gehören: Erdbeerfelder für immer. A
really funny evening with singing Germans
(Schauspiel Köln, 2004), Europa
für Anfänger. Ein Abend mit Türke
(Schauspiel Köln, 2005), Schwabenblues
(Sprechtext von Felix Huby und Jürgen
Popig, Theater der Welt in Koproduktion
mit dem Staatstheater Stuttgart,
dem Theater Lindenhof Melchingen
und den Freilichtspielen Schwäbisch
Hall, 2005), Stairways to Heaven (Düsseldorfer
Schauspielhaus, 2007) und Zigeunerjunge
(Deutsches Schauspielhaus
Hamburg in Koproduktion mit den
Ruhrfestspielen Recklinghausen, 2008).
Seit 2010 vertritt der Rowohlt Theater
Verlag die deutschsprachigen Aufführungsrechte
an Erik Gedeons Songdramen.
www.rowohlt-theater.de 13

David Gieselmann
14
Falscher Hase
1D – 1H
Lisbeth Reimers bekommt Besuch von
ihrem Nachbarn, dem Polizisten Reinhard
Peters. Oder verhält es sich ganz
anders? Die ältere Dame hat die Polizei
angerufen, um sich über den Lärm
in ihrer eigenen Wohnung zu beschweren:
Lärm, den es gar nicht gibt. Seit
zwei Wochen wählt sie jeden Tag den
Notruf, und dann muss Nachbar Peters
nach dem Rechten sehen – außerhalb
der Dienstzeit. Jetzt verlangt der junge
Mann eine Erklärung. Was hat es mit
dem «Notrufmissbrauch» auf sich? Ist
die alte Dame einsam, senil oder gar
selbstmordgefährdet? Oder verhält es
sich ganz anders? Wie sich herausstellt,
ist Frau Reimers wesentlich besser über
Herrn Peters’ Leben informiert, als ihm
lieb ist. Seine Hobbys sind genauso langweilig
wie sein Arbeitsalltag. Es scheint,
als wäre nicht Lisbeth, sondern der junge
Mann einsam und als gäbe ihm seine
Nachbarin nur aus Fürsorge Grund
für seine täglichen «Besuche» bei ihr.
Oder verhält es sich ganz anders? Als
die ältere Dame von einer Entführung
berichtet, will der Polizist plötzlich keinen
Einwand mehr gelten lassen. Hat er
die Spur zu einem Verbrechen entdeckt?
Oder verhält es sich … Was als Plausch
an der Wohnungstür beginnt, entwickelt
sich zu einem gegenseitigen Verhör und
einem Gefecht, das mit suggestiver Gesprächsführung
und überraschenden
Enthüllungen geführt wird.
In Falscher Hase spielt David Gieselmann
geschickt und höchst amüsant mit
Erwartungshaltungen des Publikums
und zeigt zwei Figuren, die auf durchaus
existenzielle Weise um ihre Sicht der
Realität kämpfen. Die Uraufführung des
Stücks ist im Februar 2011 am Theater
Bielefeld (Regie: Christian Schlüter).
Falscher Hase ist der zweite Teil
von David Gieselmanns Trilogie des
Verschwindens, deren erster Teil, Die
Tauben, nach der Uraufführung an der
Schaubühne am Lehniner Platz, Berlin,
in der aktuellen Spielzeit auch in Reykjavik,
Ljubljana, Odense und Sydney zu
sehen ist. Auch Herr Kolpert wird weiterhin
international gespielt und wurde
mittlerweile in mehr als 20 Ländern
aufgeführt.
«Soll ich Ihnen
alle meine
Kängurupostkarten
zeigen? Ich habe
bestimmt dreißig
Stück davon.
Darwin würde sich im
Grabe umdrehen, wenn er
erfahren hätte, dass es im
21. Jahrhundert immer
noch diese bescheuerten
Beuteltiere gibt.»
Zuletzt war im Januar 2010 die Uraufführung
von Gieselmanns Der Wichtigtuer
am Theater St. Gallen (Regie:
Tim Kramer). «Seiner Komödie hat
David Gieselmann eine historische Vorlage,
nämlich ein Stück des ‹dänischen
Molière› Ludvig Holberg von 1723 zu
Grunde gelegt und den Stoff in eine neue
zeitgemäße Form verpackt.» (Neue Zürcher
Zeitung) «Der Wichtigtuer ist eine
wohldosierte Mischung aus beißendem
Humor, Situationskomik, Klamauk,
Gags und witzigen Wortspielereien …
Das Resultat ist Unterhaltung mit Niveau.»
(Tagesanzeiger)

Feridun Zaimoglu /
Günter Senkel
Alpsegen
Besetzung variabel
«Wer den letzten Tropfen im Glas verschmäht, den packt der Teufel an den Schultern, an den Zipfeln
zupft er ihn und schüttelt, bis er soweit ist, in der Flimmerwelt zu verschwinden. Hat sich der Teufel
hergeschlichen? Sind diese Leute, die wir sehen, vom Himmel in den Nacken gebissen? Ein Kerl saß
am Tisch hinten rechts, ein Schnapsglas mit Balusterschaft stand vor ihm, genau auf einem roten Karo
des Tischtuchs, und er stierte, wies die Halbpolierten tun, die Schweinebiester, die kein Gottbehütdich
und Amen kennen – so einer
wars. Hat mit den Münzen
in seiner Tasche geklimpert,
und ausgetrunken hat er
auch nicht den Schnaps. Ein
Taubenschreck, der an den
Knöcheln blutet. Ein schläfriger
Mann. Nein, kein Mann.
Der fahle Gimpel hat uns
besucht.»
An Tagen schweren Wetters, wenn in
München nicht nur die warme Luft
aus dem Gebirge herabweht, sondern
auch Geister und Seelen vom Fuß des
Berges in die Stadt drängen, geschehen
merkwürdige Dinge. Der fahle Gimpel
oder die Mondhelle, die Weiz und die
grauen Hirten gaukeln den von Kopfweh
geplagten Städtern ihre uralten
Geschichten vor und verbreiten den
drückenden Alb, der für jeden Menschen
eine andere Gestalt annimmt und
eigentlich doch ganz harmlos ist. Hat die
alte Wirtin das Gelichter herbeigelockt
mit ihren leeren Gedecken, die sie für
den Herrn Jesus und ihren verstorbenen
Ehemann auf den Tisch stellt? Nachdem
der Familienvater ihr seltsames Treiben
beobachtet hat, flieht er zurück in die
Anonymität des Hotelzimmers. Dorthin
ist er mit dem schwulen Italiener
durchgebrannt, doch beim verbotenen
Stelldichein in der Großstadt bekommt
er kalte Füße. Währenddessen lässt sich
sein Sohn Max, von der Mutter auf die
Suche nach dem Abtrünnigen geschickt,
von den Verlockungen der traumartigen
Stadt vom Weg abbringen. Sein Vater
wird am Ende in die Sicherheit seines
Dorfes zurückkehren, nicht Manns
genug für den verwegenen amourösen
Fehltritt. Doch Max macht den Schritt
hinüber in eine andere Welt und nimmt
Platz am gedeckten Tisch der Wirtin.
Feridun Zaimoglu und Günter Senkel
haben für ihr neues Stück ausgiebige
Streifzüge durch München unternommen.
Alpsegen ist eine Feier der Gegensätze:
Urbane Gegenwart trifft auf ländliches
Leben, mythischer Erzählfluss
auf nüchterne Realitätserkundung. Das
Vergangene ist nicht vergangen, und die
toten Seelen sind höchst lebendig. Das
magische Denken rückt der Wirklichkeit
zu Leibe, auf dass sie sich zeige.
Alpsegen entstand als Auftragswerk
für die Münchner Kammerspiele, wo im
April 2011 in der Regie von Sebastian
Nübling die Uraufführung sein wird.
Zuletzt hatte im September 2010 Zaimoglus
und Senkels Neufassung von
Shakespeares Hamlet am Thalia Theater
Hamburg Premiere (Regie: Luk Perceval).
In Vorbereitung ist außerdem ihre
Bearbeitung von Shakespeares Julius
Caesar, die im Auftrag des Theaters Kiel
entsteht. Mehr dazu siehe S. 36.
Zurzeit schreiben Zaimoglu und Senkel
für die Wuppertaler Bühnen an dem
Libretto für eine Kammeroper des Komponisten
Enver Yalcin Özdiker, deren
Uraufführung im Mai 2011 sein wird.
Zuvor zeigt im März 2011 die Neuköllner
Oper, Berlin, die Uraufführung ihres
Musiktheaterprojekts Discount Diaspora
(Musik: Vivan Bhatti).
www.rowohlt-theater.de 15

Philipp Löhle
16
Supernova (wie Gold
entsteht)
2D – 4H
«Löhle lässt sich weder von Soziologen noch vom Arbeitsmarkt die Stimmung verderben.
Für unmögliche Projekte war er schon immer der richtige Mann.» Theater heute
Goldrausch im Nordschwarzwald.
Friedrich, studierter Geologe und erfolgloser
Dauerpraktikant, findet mit
seiner Mutter Emma und deren Freund
Wolf bei Waldarbeiten zufällig einige
Goldklumpen. Kurzerhand präsentiert
Friedrich seinem ehemaligen Chef eine
Satellitenanalyse der Region mit der
Aussicht auf ein milliardenschweres
Goldvorkommen. Sein Aufstieg zum
Topverdiener und Projektmanager folgt
schneller, als er «Bluff» sagen kann.
Seine Freundin stattet bereits die neue
Wohnung aus, Greenpeace kettet sich
an die bedrohten Bäume, und Friedrich
fragt sich zunehmend verzweifelt, warum
niemand den Betrug durchschaut.
Der zweite Teil von Supernova ist das
von inneren Monologen durchzogene
Portrait von Friedrichs Mutter, die
sich der Aufregung um den Goldrausch
komplett entzieht und ihr Leben radikal
verändert. Sie stürzt sich in historische
Studien und entdeckt den wahren
Ursprung der Goldnuggets – von dem
Friedrich und Wolf jedoch nie erfahren
werden. Von Wolfs Verstrickung in den
Aufstieg des Schwarzwaldes zur Boomregion
handelt der dritte Teil. Ebenso
wie Friedrich wird er vom rasanten Geschehen
überrollt und steigt zum Spitzenkandidat
einer großen Partei auf.
Doch gelingt ihm mit Hilfe seiner beiden
besten Freunde ein bauernschlauer Ausweg
aus dem ganzen Schwindel.
Eine Supernova ist das kurze, übermäßig
helle Aufleuchten eines Sterns, eine
Explosion, bei der Schwermetalle
entstehen und der Stern selbst
vernichtet wird. In drei Teilen,
die sich ästhetisch deutlich
voneinander unterscheiden, beleuchtet
Löhle aus unterschiedlichen
Perspektiven, wie Gold
entsteht.
«Philipp Löhle verbindet histo
ri sche Fakten und Gegenwartsbezüge
mit dramatischer
Fiktion zu einem Möglichkeitsraum
mit einer ganz eigenen Logik.
Dialogische Szenen stehen
neben erzählerischen Passagen,
und die Geschichten von Friedrich,
Emma und Wolf werden
einem nahegebracht, aber auch
das Exemplarische hinter ihren
Biographien erscheint, und der
Irrwitz des Ganzen bleibt gleichsam
nah und fern.» ( Ingoh Brux
im Jahrbuch 2010 von Theater heute)
Supernova (wie Gold entsteht) ist als
Auftragswerk für das Nationaltheater
Mannheim entstanden, wo im Januar
2011 die Uraufführung sein wird (Regie:
Cilli Drexel).
Zuletzt hatte Löhles Die Überflüssigen
(Stückabdruck in Theater der Zeit
09/2010) im Oktober 2010 am Schauspielhaus
Wien österreichische Erstaufführung
(Regie: Sebastian Schug). Die
Uraufführung war im Mai 2010 am
Maxim Gorki Theater, Berlin (Regie:
Dominic Friedel). «Sympathischerweise
verzichtet Löhle auf den theaterüblichen
Sozialkitsch. Er zeichnet seine mürrischen
Provinzler weder als derangierte
Opfer der Verhältnisse noch als glückliche
Arbeitslose, sondern gibt ihnen eine
etwas dumpfe Würde.» (Süddeutsche
Zeitung) «Löhle geht Schelmen­Spaß
und einer Lust am Absurden nicht aus

Warteraum Zukunft, Deutsches Schauspielhaus Hamburg
dem Weg und breitet doch einen Hauch
Trauer über das zurückgestutzte Dasein
in dem verfallenen Ort.» (Der Tagesspiegel)
Außerdem hat in dieser Saison Die Unsicherheit
der Sachlage (Uraufführung:
Schauspielhaus Bochum, Mai 2009,
Stückabdruck in Theater heute 05/2009)
österreichische Erstaufführung am Landestheater
Niederösterreich, St. Pölten
(Regie: Steffen Jäger).
Oliver Kluck
Feuer mit mir
Besetzung variabel
Der Augenzeuge eines Schul­Amoklaufs
bringt rückblickend seine eigene Frustration
über die Institution Schule zum
Ausdruck, die beinahe seine Traumatisierung
durch die Gewalttat übersteigt.
Das skurrile Fernsehteam einer Lifestyle­
Sendung treibt, begeistert von seinen
eigenen Verdiensten, die Sanierung und
Verschönerung des von Pistolenkugeln
zerfetzten Schulgebäudes voran. Zwei
Journalisten sind nur am Rande mit
halbwegs seriöser Berichterstattung beschäftigt
und halten vor allem mit ihren
misanthropischen Ansichten nicht hinterm
Berg. Diese und andere Stimmen
treffen schließlich bei der Er öff nungsfeier
des renovierten Schulgebäudes –
die zugleich als Gedenkveranstaltung
dienen soll – aufeinander und formieren
«Genetische Veranlagung, Filme,
Videospiele. Die Antwort auf die
Frage, warum es zur Eskalation
kommt, bleibt offen. Schon wieder
hat uns die Verräterin Kultur verraten,
hier dargestellt in der Art der durch
und durch mickrigen und verlogenen
Aufklärung, die wie das Ausatmen
einsetzt, nach dem großen Lauf über
die Flure der Republik.» Oliver Kluck
sich zu einem bizarr misstönigen Chor.
«Aus einer ungewöhnlichen Perspektive
eröffnet Oliver Kluck mit seinem Text
ein Panorama an gesellschaftlichen Bezügen,
die vor ihren unterschiedlichen
Hintergründen ein Gesamtbild zivilisatorischen
Versagens ergeben. Er scheut
sich nicht vor einem grundsätzlichen
und gnadenlosen Diskurs über die Institution
Schule und die Träger kultureller
Verantwortung. Doch erhebt er
sich nicht arrogant über die Hilflosigkeit
folgenloser Erklärungsversuche. Er
provoziert, er polarisiert, und er mischt
sich ein.» (Esther Holland­Merten im
Jahrbuch 2010 von Theater heute)
Feuer mit mir entstand als Auftragswerk
für das Theater Chemnitz und
wird dort im Februar 2011 uraufgeführt
(Regie: Max Claessen).
Klucks Warteraum Zukunft (Stückabdruck
in Theater heute 08/2010) wurde
mit dem Kleist­Förderpreis 2010
ausgezeichnet und als Koproduktion
der Ruhrfestspiele Recklinghausen mit
dem Deutschen Schauspielhaus Ham­
www.rowohlt-theater.de 17

urg im Mai 2010 uraufgeführt (Regie:
Alice Buddeberg). «Kluck (Jahrgang
1980) muss im Alltag ein guter, ein stiller
Beobachter sein. So leise und sacht,
wie er seinen Text entfaltet, so bestechend
authentisch formuliert er seine
Gedankenflüsse. Er schreibt schön, um
dann hinterrücks auszuholen und dem
Zuschauer verbal mit aller Wucht eins
überzubraten.» (Nachtkritik) «Kluck
wirft einen unsentimentalen, witzigen
und gnadenlosen Blick auf die Zumutungen
der Arbeitswelt … Warteraum
Zukunft ist unverschämt unterhaltend,
aber was das Stück über die gängige Satire
hinaus hebt, ist die klare Haltung
des Autors.» (Frankfurter Rundschau)
Warteraum Zukunft wurde vom
NDR als Hörspiel produziert (Regie:
Leonhard Koppelmann) und wird in
der Spielzeit 2010 / 11 am Deutschen
Nationaltheater Weimar (Regie: Daniela
Kranz), Deutschen Theater Berlin
(Regie: Simon Solberg), Jungen Theater
Göttingen (Regie: Alexander Krebs) und
Schauspielhaus Salzburg (Österreichische
Erstaufführung) nachgespielt.
Das Prinzip Meese, beim Berliner Stückemarkt
2009 mit dem Förderpreis für
neue Dramatik ausgezeichnet, ist derzeit
in der Uraufführungsinszenierung von
Antú Romero Nunez am Maxim Gorki
Theater zu sehen und hatte im Oktober
2010 am Theater Basel Schweizer Erstaufführung
(Regie: Tumasch Clalüna).
Zurzeit schreibt Oliver Kluck als
«Außer haus autor» des Deutschen Nationaltheaters
Weimar eine Serie von
Texten, die unter dem Titel Kluck-Labor
I–IV zu sehen sein werden. Außerdem
war er zu den Werkstatttagen des Wiener
Burgtheaters eingeladen.
18
Jörg Albrecht
Harry Lime lebt! Und das
in diesem Licht!
1D – 2H
«Das Kino macht
irgend wann den Final
Cut, der höchstens
durch eine alternative
Schnittfassung auf der
DVD noch relativiert
werden kann. Das
Theater kann jedes
Mal wieder neu auf die
Realität reagieren,
an jedem Abend.»
Jörg Albrecht
Die kriegszerstörte Stadt versinkt in
Finsternis. Zugleich fließen viel Geld
und Strom in ihre Ausleuchtung als Kulisse.
Ein Film wird gedreht, von dessen
Bildern das Image der Stadt jahrzehntelang
profitieren wird – auch wenn
(oder gerade weil?) dabei vieles neuerlich
ins Dunkel rückt oder absichtlich
geschwärzt wird. Die Rede ist von Wien
und dem Noir­Klassiker Der dritte
Mann: ein Thriller, der einerseits von
der sozialen Verantwortung des Individuums
in Krisenzeiten handelt, andererseits
ziemlich bald zum Marketingtool
der Tourismusindustrie mutiert. Höchste
Zeit also für eine Neubelichtung. Drei
junge Menschen, eine Art Terrorgang in
nahtlos wechselnden Rollen und Konstellationen,
richten die Scheinwerfer
auf jene blinden Flecken, die der Film
unfreiwillig hinterlassen hat und die
niemand gerne sehen möchte. Von seiner
chaotischen Entstehungsgeschichte
bis zu seinem Jubiläum 60 Jahre später
unterziehen sie als praktizierende
Randgänger des Kinos «den Dritten
Mann einer theatralischen, schattenreichen
Relektüre, ein paar teuflische
Remake­Ideen inklusive … Es geht um
theoretische Überlegungen zur Filmrezeption
wie das unkontrollierte Ineinandergreifen
von Fiktion, Geschichte und
Gedächtnis … Harry Lime lebt! ist ein
leichter, verspielter Abend, der dort interessant
wird, wo das (historische) Erzählen
seine Sinnbildung hinterfragt.»
(Der Standard)
Entstanden ist Jörg Albrechts Stück
als Auftragswerk für das Schauspielhaus
Wien, wo im Januar 2010 die Uraufführung
war (Regie: Jan­Christoph
Gockel).
Außerdem wurde im Oktober 2009
in der Regie von Roger Vontobel am
Theater Neumarkt, Zürich, Albrechts
Calvincamera – Können wir uns die Ka-

tastrophen nicht sparen, Herr Calvin?
uraufgeführt, «eine bitterböse Satire
auf den angestrengten Größenwahn der
kleinen Schweiz … Demontiert werden
(nebenher) die Träume vom sicheren Rezept
für den international erfolgreichen
Film.» (Neue Zürcher Zeitung)
Mit dem Theaterkollektiv copy &
waste hat Albrecht zuletzt Wasteler
1&2 erarbeitet, das im Mai 2010 in
einem Berliner Plattenbau uraufgeführt
wurde und anschließend auch am Theater
Chemnitz zu sehen war. Für Frühjahr
2011 ist ein neues copy & waste­Projekt
am Hebbel am Ufer/HAU in Vorbereitung.
Seit September 2010 ist Jörg Albrecht
für ein Jahr Stadtschreiber in Graz.
Fabrice Melquiot
Sex ist eine geisteskranke
Zeit­ und
Energieverschwendung
(Faire l’amour est une maladie mentale
qui gaspille du temps et de l’énergie)
3H
Deutsch von Almuth Voß
Drei Polizisten in einer kleinen
Wohnung. Ex­Polizisten
eigentlich: Bernard, der Älteste,
ist frisch pensioniert.
Thierry, 40, hat gekündigt.
Und Alban, der Jüngste, ist
auf unbestimmte Zeit suspendiert.
Während seiner
Streife ist ein Mann ums Leben
gekommen – wie, darüber
schweigt Alban sich aus.
Was die drei an Privatleben
hatten, hat den Job nicht überlebt. Das
Bier im Kühlschrank, die Tierfilme im
Fernsehen, der Streit ums Einkaufen
täuschen kaum darüber hinweg, dass ihr
Zusammen leben wenig mehr bietet als
«funktionale Räume für alleinstehende
«Mein Leben
zieht im Geist
vorbei und
grüßt mich
freundlich, wie
der Papst die
Menge grüßt.»
Männer», in denen die Normalität
auf so verzweifelte wie lächerliche
Weise aufrechterhalten wird. Jeder
maßregelt den anderen und hält
ihn an seinem Platz, auch wenn jeder
sich nach dem Ausbruch sehnt.
Zwar sucht Bernard die Liebe oder
wenigstens schnellen Sex in Kontaktanzeigen,
träumt Alban gegen
jede Vernunft immer noch von einer
großen Polizei karriere und flüchtet
Thierry sich regelmäßig ins Theater.
Doch zu mehr ist keiner von ihnen
fähig. Keiner kommt ohne die anderen
aus, keiner kann sich den anderen
entziehen. Und als Alban schließlich
gezwungen wird, offenzulegen, was am
Tag seiner Suspendierung wirklich geschah,
fügt sich die Kette kleiner ritueller
Demütigungen, die schließlich zum
Tod eines Menschen führte, nur allzu
glatt in die alltäglichen Mechanismen
von Einschüchterung und Autorität.
Ganz auf seine drei Figuren konzen
triert, ist Sex ist eine geisteskranke
Zeit- und Energieverschwendung dennoch
hochpolitisch in seiner
Darstellung eines Systems, in
dem die Staatsgewalt die Unsicherheit,
die sie bekämpfen
soll, noch befördert und dabei
ihre Angestellten ebenso
deformiert wie die Gesellschaft
insgesamt.
Die Uraufführung von Sex
ist eine geistes kranke Zeitund
Energieverschwendung
war im Januar 2009 am
Théâtre Les Ateliers in Lyon
(Regie: Gilles Chavassieux). Die Übersetzung
von Almuth Voß wurde durch
das Programm Transfert Théâtral /
Thea ter­Transfer gefördert.
www.rowohlt-theater.de 19

Jon Fosse
20
Tod in Theben
Nach Sophokles
(Døden i Teben)
3D – 9H – Doppelbesetzungen möglich
Deutsch von Hinrich Schmidt-Henkel
Gibt es individuelle Freiheit? Ist es Ödipus’
Schuld, dass er den Vater ermordet
und die Mutter geheiratet hat? Ist auch
nach der schrecklichen Enthüllung das
fatale Schicksal unausweichlich? In Tod
in Theben verdichtet Jon Fosse die drei
großen Tragödien Sophokles’ über den
Fall des König Ödipus, sein Exil auf Ko­
lonos und den Tod seiner
Tochter Antigone zu einem
durchgehenden Drama von
äußerster Reduktion und
emotionaler Intensität. Es
ist das Urstück jedes Familien dramas
und ein Stück über Schuld, das Schweigen
und die Einsamkeit. So offenbart
sich in Tod in Theben eine verblüffende
Seelenverwandtschaft zweier Autoren,
die zwar Jahrtausende trennen, aber
deren Nachdenken über die grundlegenden
Bedingungen der menschlichen
Existenz sie doch verbindet.
Die Figuren gewinnen in Fosses Bearbeitung
eine erstaunliche Direktheit, ihre
Positionen vertreten sie gänzlich unverstellt,
was die Eskalation der Konflikte
ohne Umschweife vorantreibt. Ebenso
unverhüllt zeigt sich schnell die Hoffnungslosigkeit
des archaischen Mythos,
der ein dunkles Licht auf das schuldbeladene
Dasein des Einzelnen wirft. Die
inhaltliche Stringenz der Fassung findet
Tod in Theben, Salzburger Festspiele
«Am besten
man wäre nicht geboren …
nur eines gibt Trost
der Tod
der letzte Ort.»
ihre Entsprechung in Fosses unverwechselbarer
Sprachgestaltung.
Die deutschsprachige Erstaufführung
von Tod in Theben war im August 2010
im Rahmen des Young Directors Project
bei den Salzburger Festspielen (Regie:
Angela Richter). «Fosse hat alles
schmückende Beiwerk, alle Götteranrufungen
und lähmenden Wiederholungen
gestrichen. Tod in Theben ist keine Neuübersetzung,
sondern eine zeitgemäße
Neudichtung, auch wenn Jon Fosse
eine an Sophokles angelehnte archaisch
klingende Sprache verwendet und den
Hexameter beibehält.» (Der Standard)
Jon Fosse wurde im September der Internationale
Ibsen­Preis 2010 für sein
dramatisches Werk verliehen.

Lars von Trier
Antichrist
1D – 1H
Deutsch von Maja Zade
Ein Kind stirbt. Es fällt aus dem Fenster
seines Zimmers, während nebenan die
Eltern miteinander schlafen. Für beide
stürzt die Welt ein. Doch ihre Reaktionen
auf den Tod könnten unterschiedlicher
kaum sein. Traumatisiert zieht
die Frau sich in sich selbst zurück. Der
Mann, ein Therapeut, versucht die äußere
Ordnung wiederherzustellen. Er
nimmt die Frau mit in eine abgelegene
Waldhütte, wo sie sich ihren Ängsten
«Wenn du Angst hast
vor Ungeheuern, schau
«Wo die Macht wirkt und ihr Wesen enthüllt,
ihnen in die Augen.» Lars von Trier
wozu sie ja immer einen anderen braucht, und das
Verstörende an diesem Film ist, daß immer nur ein
andres, das nächste Wesen, das es gibt, die Frau dem
stellen und Trauerarbeit leisten soll – ein
gefährliches Experiment, in dem rigorose
Rationalität auf die Unberechenbarkeit
von Gefühlen trifft.
Antichrist spaltete bei seiner Premiere
bei den letztjährigen Filmfestspielen in
Cannes die Kritik: «Ein Meisterwerk»
fanden die einen, «frauenfeindlich»
die anderen. In seiner Verteidigung des
Films schrieb Michael Althen: «Womöglich
besteht Lars von Triers Kunst
auch darin, den ausgeleierten Formen
immer wieder etwas abzutrotzen, was
man vorher so noch nicht gesehen
hat … Antichrist ist wie Strindberg und
Bergman und all die skandinavischen
Beziehungskalamitäten in eins gerollt,
durchzogen von Nebelschwaden von
Therapiepalaver, Freudscher Traumdeu­
Mann, der Mann der Frau dieses ver-
steckte Wesen, die Macht, vorführen
muß, obwohl der Kindstod die Eltern
auch hätte zusammenführen können,
wo also die Macht wirkt, dort hat Gott
sein Recht verloren, die andre Partei
gewinnt, der Antichrist.» Elfriede Jelinek in
ihrem Essay zu Antichrist
Breaking the Waves, Oldenburgisches Staatstheater
tung und religiöser Mystik. Aber irgendwie
führen all diese überdeutlich ausgelegten
Deutungsspuren in die Irre. Man
könnte auch sagen: in einen Irrsinn, der
seinesgleichen sucht.» (Frankfurter Allgemeine
Zeitung) «Lars von Trier ist
der Extremist des Gegenwartskinos …
Fragen, wie Felsblöcke so schwer, stehen
in seinen Filmen vor uns. Es sind immer
dieselben, wie er auch immer an demselben
Film weiterzudrehen scheint – von
Breaking the Waves über Dogville bis zu
Antichrist … Immer radikaler treibt er
die Versuchsanordnung voran, in der der
moderne Mensch den Klumpen Schleim
aufhebt, der am Anfang aller Evolution
stand … Lars von Trier ist vielleicht der
Erste, der mit Antonin Artauds ‹Theater
der Grausamkeit› Ernst macht.» (Thea­
www.rowohlt-theater.de 21

ter der Zeit) Die Uraufführung von Antichrist
war im September 2010 am Aarhus
Teater (Regie: Annika Silkeberg).
In der letzten Saison inszenierte Anna
Bergmann Breaking the Waves am Oldenburgischen
Staatstheater. Der Boss
vom Ganzen wurde bzw. wird nachgespielt
am Landestheater Detmold (Regie:
Oliver Haffner), Theater Bielefeld
(Regie: Alexander Hawemann) und am
neuen theater Halle (Regie: Tanja Richter).
Dear Wendy hatte Schweizer Erstaufführung
am Theater Basel in Koproduktion
mit dem jungen theater basel
(Regie: Sebastian Nübling) und ist ab
April 2011 auch am Zimmertheater Tübingen
zu sehen (Regie: Endre Holéczy).
Elfriede Jelineks Essay zu Antichrist ist
nachzulesen auf ihrer Homepage www.
elfriedejelinek.com.
22
Anupama
Chandrasekhar
Falsch verbunden –
Disconnect
2D – 3H
Deutsch von Gerhard Willert
«Hier spricht Ross Adams von True Blue
Capital. Ich habe mit meinem Boss über
Ihre Schwierigkeiten gesprochen und
habe gute Nachrichten für Sie. Ein Angebot,
das Sie nicht ablehnen können.»
Aber Ross heißt eigentlich Roshan, und
wenn am anderen Ende der Leitung in
Chicago die Morgensonne scheint, ist es
nach Mitternacht in seiner fensterlosen
Telefonkabine in Chennai, Indien. In
langen Nachtschichten bombardieren
drei junge indische Universitätsabsolventen
mit perfektem amerikanischem
Akzent die säumigen Kunden einer
Kreditkartenfirma mit Anrufen. Ihr Job
ist es, Schulden einzutreiben, möglichst
viel, möglichst schnell. Sie drohen und
schmeicheln, sind mal verständnisvoll,
mal streng und werden so unfreiwillig
zu Lebensberatern und Kummerkästen
von Menschen, die zu lange geglaubt haben,
sich jeden Wunsch erfüllen zu können.
Ihre Persönlichkeiten und Biographien
wechseln sie dabei je nach Bedarf,
die tägliche Quote stets im Auge. Immer
mehr scheinen die Lebenswelten zu verschwimmen,
verwandelt Roshan sich in
Ross. Die schüchternen Avancen seiner
Kollegin Vidya, die Kritik seines konser­
«Deine Arbeit hier ist entscheidend für die Weltwirtschaft. Du trägst zum
Wachstum der Call­Center­Industrie bei. Du hältst eine amerikanische Kreditgesellschaft
über Wasser. Wenn du True Blue rettest, rettest du vielleicht Amerika.»

vativen Vorgesetzten und die
Anrufe seiner Mutter sind nur
mehr Störgeräusche in seinem
Traum vom American way of
life. Doch im Call Center erhöht
sich der Erfolgsdruck,
und als Ross das Schicksal
einer seiner Schuldnerinnen
selbst in die Hand nimmt,
offenbaren sich die Gräben,
die zwischen den Zeitzonen
liegen.
Die Uraufführung von Falsch verbunden
– Disconnect war im Februar 2010
am Royal Court Theatre, London (Regie:
Indhu Rubasingham). «Das Stück
ist ein kleines Wunder … Mühelos
spannt es den Bogen von den Verwerfungen
innerhalb der Gruppe bis hin zur
Weltwirtschaft, die am Tropf der USA
hängt … Das alles mit frappierendem
Witz, schnellen, exakt ineinander greifenden
Dialogen und großem Sinn für
die Metaphorik des Geschehens.» (The
Independent) Die deutschsprachige
Erst auf füh rung war im Oktober 2010
am Landestheater Linz (Regie: Gerhard
Willert).
Nick Hornby
NippleJesus
Deutsch von Clara Drechsler und
Harald Hellmann
1H
Der ehemalige Türsteher Dave tritt seinen
neuen Job als Museumswärter an.
Als er ausgewählt wird, ein Werk in einem
abgetrennten Raum zu bewachen,
in dem der Zutritt erst ab 18 erlaubt ist,
wundert er sich zunächst über die strengen
Sicherheitsmaßnahmen. Schließlich
handelt es sich bei dem Bild um eine
Darstellung von Jesus am Kreuz. Erst
bei näherer Betrachtung erkennt man,
warum es massiven Anstoß erregen
könnte. Die Collage besteht aus weiblichen
Brustwarzen, die aus Pornoheften
ausgeschnitten wurden. Zuerst ist Dave
schockiert und erledigt seinen Auftrag
mit allergrößtem Widerwillen. Als er jedoch
die Künstlerin persönlich kennenlernt,
beginnt er, ihr Werk mit anderen
Augen zu sehen. Fortan schützt er den
NippleJesus nicht nur vor empörten
Angreifern, er schwingt sich sogar gegenüber
seiner Familie zum Anwalt des
Kunstwerks auf. Dennoch kann Dave
nicht verhindern, dass das Exponat
«Achtung!
In diesem Raum
befindet sich
ein Kunstwerk
von kontroversem
Charakter.»
einem Anschlag zum Opfer fällt. Anders
als erwartet ist die Künstlerin aber
nicht am Boden zerstört. Denn in Wahrheit
ging es ihr gar nicht um das Bild
an sich, sondern um die Reaktionen des
Publikums darauf, die von einer Überwachungskamera
aufgezeichnet wurden
und als Film nun selbst zum Ausstellungsobjekt
werden. Auch Dave war Teil
der Installation und ist einmal mehr verblüfft
von der Welt der modernen Kunst.
Nick Hornbys «hinreißendes Plädoyer
für Toleranz» (Die Welt), subversiv
erzählt aus der Sicht eines «Kulturbanausen»,
wurde seit seiner deutschsprachigen
Erstaufführung im Oktober
2004 am Staatstheater Stuttgart (Regie:
Matthias Kaschig) vielfach nachgespielt,
zuletzt an der Vaganten Bühne Berlin
(Mai 2010, Regie: Martin Jürgens). In
der aktuellen Saison hat Hornbys Monolog
Premiere u.a. am Schlosstheater
Celle und am Theater Trier (Regie: Britta
Benedetti).
Nick Hornby, geboren 1957 in Redhill,
Großbritannien, zählt zu den bekanntesten
und erfolgreichsten Autoren
seiner Generation. Sein Werk umfasst
mittlerweile ein Dutzend Romane, darunter
High Fidelity, About a Boy und
A Long Way Down, für die er mehrfach
ausgezeichnet wurde. Zuletzt erschien
im Verlag Kiepenheuer & Witsch Juliet,
Naked. Seine Bücher dienten als Vorlage
für erfolgreiche Kinofilme, für sein
Drehbuch zu An Education war Hornby
für einen Oscar nominiert. NippleJesus
ist derzeit der einzige Hornby­Text, für
den die Theaterrechte zur Verfügung
stehen.
www.rowohlt-theater.de 23

David Greig/
Gordon McIntyre
24
Eine Sommernacht
Ein Stück mit Musik
(Midsummer)
1D – 1H
Deutsch von Barbara Christ
«Das Leben gibt uns
die Karten, und in
Wahrheit spielen wir
sie nicht mal aus, wir
drehen sie lediglich
um und sehen uns
an, was wir haben …
Man könnte
meinen, das
Leben ist ein
Pokerspiel,
aber eigentlich
ist es eine
Patience.»
Eine Weinbar in Edinburgh. Helen, erfolgreiche
Scheidungsanwältin, wird
gerade mal wieder von ihrem verheirateten
Liebhaber versetzt; Bob, ein unauffälliger
Kleinkrimineller, wartet auf
seinen nächsten Auftrag. Sie sind beide
35, und so wie es aussieht, halten das
Leben und diese Nacht nicht mehr viel
für sie bereit – also stürzen sie sich in
einen betrunkenen One­Night­Stand.
«Nach dem eher enttäuschenden Ergebnis
schickt sie ihn in die Nacht, Lückenbüßer
und wirklich überhaupt nicht ihr
Typ. Eigentlich Ende der Geschichte.
Wenn man sich nicht am nächsten Tag
zufällig wieder begegnen würde. Beide
ein paar Wochenendpannen weiter. Helena
im vollgekotzten Brautjungfernkleid,
Bob mit 15000 Pfund für Diebes­
gut in der Tasche, mit denen er es nicht
mehr rechtzeitig zur Bank geschafft hat.
Aus einem gemeinsamen Nachmittag
wird eine lange, schräg­magische Mittsommernacht,
in der sie die gesamten
15000 auf den Kopf hauen, literweise
Alkohol auf den Straßen Edinburghs
trinken, Bob die Gitarre seiner Träume
kaufen und in einem Bondage­Club zu
esoterischen Erkenntnissen kommen.
Und vielleicht, ganz vielleicht, ist es auch
der Anfang einer Liebesgeschichte fürs
21. Jahrhundert … Statt Linearität hat
dieses selbstironische ‹play with songs›
eine emotionale Logik, die Wiedererkennungslacher
im Minutentakt beschert,
ohne ins Sentimentale zu driften. Greig
spielt federleicht mit den schweren Fragen,
die man sich immer mal wieder im
Leben stellen sollte. Brillant.» (Theater
heute)
David Greigs und Gordon McIntyres
Musical für Musicalhasser feierte in
Greigs Regie beim Edinburgh Festival
2009 Erfolge bei Publikum und Kritik.
Die Produktion ging auf Tournee, bevor
sie im Januar 2010 ans Soho Theatre,
London, wechselte. «Zart, komisch,
aber niemals kitschig, ist Eine Sommernacht
eine echte Rarität: eine Liebeskomödie
mit so viel Verstand wie Herz.
Durchzogen von wehmütig­ironischen
Songs,
verleiht die phantastische
Idee, wir könnten
unser Leben selbst in die
Hand nehmen und uns
neu erfinden, dem Stück
sein emotionales Fundament
… Das Leben ist
hier kein Hollywoodfilm:
Alles ist anstrengend
und chaotisch.
Es regnet. Menschen
schwitzen. Der Sex ist
schlecht und die Liebe alles andere als
leicht. Kaum auszuhalten, dieser Realismus,
sollte man meinen, stattdessen
schwebt man auf einer Wolke von Gelächter
aus dem Theater.» (The Guardian)
«Greig spielt nicht nur mit den
Mechanismen einer Liebeskomödie, er
legt all seine Mittel gnadenlos offen …
klug, witzig und mit Mut zum Gefühl.»
(Financial Times)
Die deutschsprachige Erstaufführung
von Eine Sommernacht war im Oktober
2010 am Oldenburgischen Staatstheater
(Regie: Krystyn Tuschhoff); das Burgtheater
Wien zeigt im Dezember 2010
die österreichische Erstaufführung (Regie:
Sarantos Zervoulakos).
Im Mai 2011 ist am Stadttheater Bern
außerdem die Schweizer Erstaufführung
von David Greigs Jugendstück Gelber
Mond (Regie: Olivier Bachmann).

Dennis Kelly
Waisen
(Orphans)
1D – 2H
Deutsch von John Birke
Plötzlich steht Liam in der Tür, blutüberströmt.
Draußen sei ein Mann überfallen
worden, ein Ausländer. Er, Liam,
habe ihm nur helfen wollen, doch dann
sei der Mann weggerannt. Helen, Liams
Schwester, und ihr Mann Danny hatten
eigentlich einen romantischen Abend
zu zweit verbringen wollen. Nun aber
dringt die Straße in ihr Haus. Danny will
die Polizei rufen. Helen, die seit dem frühen
Tod der Eltern eine Art Mutterersatz
für Liam ist, hindert ihn daran. Warum?,
beginnt Danny sich zu fragen und ahnt
noch nichts von dem Horror, der auf ihn
wartet.
Kühl und knapp bringt Dennis Kelly
die bürgerliche Welt, wie wir sie kennen,
zum Einsturz. «Stein um Stein
wird Liams Lügengebäude abgetragen,
doch in diesem schmerzhaften Prozess
der Wahrheitsfindung verstricken sich
alle Beteiligten immer tiefer in Mit­
«Aus simplen Ausgangssituationen entwickelt Dennis Kelly
hochkomplexe Theaterstücke, die sich zu einem Denkfeld öffnen.»
schuld. Grausam­genüsslich zieht Kelly
die Schraube an, bis die Geschichte ihre
schlimmstmögliche Wendung genommen
hat … Zurück bleiben: eine zerstörte
Ehe, eine zerstörte Familie und
ein zerstörter Mann. Und ein messerscharfer
Thriller über gesellschaftliche
Entsolidarisierung und die Wiederkehr
der Gruppenmoral.» (Süddeutsche Zeitung)
«Wie Simon Stephens beschäftigt
sich auch Kelly mit dem Gedanken, dass
ein Gewaltakt die Reaktion auf eine
gefühlte existenzielle Benachteiligung
ist … Er spannt ein Netz soziopolitischer
Fragen (und) verhandelt im trauten
Dreierkreis, wie weit Loyalität gehen
kann und darf. Was Familie heißt, im
genetischen und weiteren gesellschaftlichen
Sinne. Inwieweit und für wen oder
was wir heutzutage Verantwortung
übernehmen. Wie destruktiv die Angst
vor ‹dem anderen› ist.» (Theater heute)
«Kelly ist der abgründigste unter den
Gegenwartsdramatikern. Ständig zieht
er seinen Figuren – und uns – den Boden
unter den Füßen weg. In Waisen ist er in
Bestform.» (The Guardian)
Waisen wurde 2009 beim Edinburgh
Festival uraufgeführt, wo es mit dem
Fringe First und dem Herald Angel
Award ausgezeichnet wurde. Anschlie­
die tageszeitung
ßend wechselte die Produktion ans Soho
Theatre, London.
Das Stück war im April­Heft 2010 von
Theater heute abgedruckt; in der letztjährigen
Kritikerumfrage von Thea ter
heute wurde Dennis Kelly zum besten
ausländischen Dramatiker des Jahres
gewählt.
Die deutschsprachige Erstaufführung
von Waisen war im Oktober 2010 am
Theater Basel (Regie: Elias Perrig), dicht
gefolgt von der deutschen Erstaufführung
am Staatstheater Nürnberg (Regie:
Caro Thum) und Inszenierungen am
Theater Oberhausen (Regie: Peter Carp)
sowie am Schauspielhaus Wien (Österreichische
Erstaufführung, Regie: Ramin
Gray). Weitere Produktionen sind
in Vorbereitung.
Die Götter weinen
(The Gods Weep)
5D – 9H – Doppelbesetzungen möglich
Deutsch von John Birke
Eine Wirtschaftskrise bombt die
Menschheit zurück in die Steinzeit:
Mit Shakespearescher Wucht schildert
Dennis Kelly in seinem monströsen
www.rowohlt-theater.de 25

jüngsten Stück, auf welch fragilem Fundament
unsere hochtechnologisierte,
profitorientierte Gegenwart ruht. Der
Firmenpatriarch Colm will sich aus dem
aktiven Geschäftsleben zurückziehen
und teilt seinen global agierenden Konzern
unter seinen Nachfolgern auf, den
CEOs Richard und Catherine. Sofort
kommt es zu erbitterten Machtkämpfen,
anfangs noch im Business­Anzug
geführt, die sich bald flächenbrandartig
zu einem brutalen Bürgerkrieg ausweiten.
Wie Säure fressen sich rücksichtslose
Gier und Ansprüche auf die Vorherrschaft
durch den dünnen Firnis unserer
aufgeklärten Epoche, bis alle Beteiligten
buchstäblich wieder zu Jägern und
Sammlern werden …
Angesiedelt zwischen König Lear und
Christopher Nolans Film Inception,
macht Dennis Kelly «Trauer und Hass,
die aus einer unbestimmten Vorzeit ins
Heute ragen, zu lebendigen Verkörperungen
einer Vergangenheit, die nicht
vergehen will. Er lässt uns hineinlugen
in einen im Mantel der Zivilisation ent­
26
Kindersorgen, Deutsches Theater Berlin
standenen Riss, durch den … scheinbar
irrational Gewalt bricht und die Menschen
selbst und ihr Leben irreversibel
verändert. Alle Figuren in Die Götter
weinen tragen traumatische Bilder von
Schuld und Schrecken mit sich herum,
die archaischen Ursprungs sind … Heißt
es im Lear noch, die Götter seien gerecht
und straften die Menschen mit den Konsequenzen
ihres eigenen Wesens, so erkennt
Colm im Wahn, dass menschliche
Kultur und Wissen in keiner beständigen
Form über Zeit und Zerstörung hinweg
gerettet werden können. Die Menschen
sind nun nicht nur sich selbst, sondern
auch den Göttern zur Strafe geworden.»
(Beate Heine im Jahrbuch 2010 von
Theater heute)
Uraufgeführt wurde Die Götter weinen
im März 2010 in einer Produktion
der Royal Shakespeare Company und
mit Jeremy Irons als Colm am Londoner
Hampstead Theatre. «Ein Stück, das
auf wenig Gegenliebe bei jenen stoßen
wird, die finden, Theaterautoren sollen
eins zu eins das wahre Leben abbilden.
Aber manchmal ist die Wahrheit
eben vielschichtiger als
das, was man in der Zeitung
liest.» (Tribune)
Außerdem zeigte das Schauspiel
Essen im Oktober 2010
die deutschsprachige Erstaufführung
von Kellys 2005 entstandenem
Stück Osama der
Held (Regie: Alexander May).
Im selben Monat hatte
Schutt, Kellys Debüt als Dramatiker,
Premiere am Deutschen
Nationaltheater Weimar
(Regie: Anne S. Domenz), DNA wurde
bzw. wird in dieser Saison nachgespielt
am Theater Bremen (Regie: Michael Talke)
und am Schauspiel Frankfurt (Regie:
Robert Schuster), ebenso Liebe und Geld
am Düsseldorfer Schauspielhaus (Regie:
Jörg Reimer) sowie an den Wuppertaler
Bühnen (Regie: Peter Wallgram).
In Stephan Kimmigs Inszenierung
war Liebe und Geld 2010 zum Berliner
Thea ter treffen eingeladen.

Simon Stephens
Marine Parade
Ein Stück mit Musik
Text: Simon Stephens
Musik und Songtexte: Mark Eitzel
4D – 5H – Musiker
Deutsch von Barbara Christ
«Die Polkappen
schmelzen. Der
Golfstrom erwärmt
sich. Langfristig
hat das fatale
Konsequenzen,
aber vorerst bringt
es uns einen
erstaunlich ruhigen
Tag und einen
erstaunlich leichten
Wind vom Meer.»
Ein schäbiges Hotel im Seebad Brighton.
Spätsommer, Meerblick, Sonnenuntergänge,
alles inklusive. Dabei darf das
heruntergekommene Flair durchaus als
passende Umgebung für die Menschen
verstanden werden, die hier logieren –
auch bei ihnen bröckelt der Putz auf die
eine oder andere Weise. Es sind Paare
verschiedenen Alters, aber auch Einsame
und Gestrandete, die sich auf der Suche
nach etwas Romantik, Sinnlichkeit,
Zuversicht ans Meer verirrt haben.
Seiner bisher «größten Liebesgeschichte»
– so Simon Stephens
über Marine Parade – ist
von vornherein das Unheil eingeschrieben.
Die Begegnungen
der Figuren sind von familiärer
Vertrautheit oder der verliebten
Aufregung des Neubeginns geprägt.
Doch immer schwebt die
Bedrohung über der Idylle. Verdrängte
Schuld, der Schatten krimineller
Handlung oder der drohende Abschied
kommen in überraschenden Wendungen
der Dialoge zum Vorschein, und fast
beiläufig bricht die Katastrophe in den
Alltag ein. Bei allem Pessimismus gelingt
Stephens ein emphatischer und humorvoller
Blick auf seine Charaktere. Und
wo Worte nicht ausreichen, bereichert
Mark Eitzel, Songwriter­Ikone und
Band leader, das Stück mit unaufdringlichen
Songs und tröstlichen Gitarrenklängen.
Die Uraufführung von Marine Parade
war im Mai 2010 beim Brighton Festival
(Regie: Jo McInnes), die deutschsprachige
Erstaufführung im Juni 2010
am Staatstheater Mainz (Regie: Matthias
Fontheim). «Als Beschreibung,
wie die flüchtigen Beziehungen als Kapital
der Freiheit ihre einsamen Schulden
anhäufen, ist diese Szenenfolge von
einer unmittelbaren Menschenkenntnis
geführt.» (Süddeutsche Zeitung) «Es ge­
lingt Stephens, aus dem ‹beschissensten
Scheißhotel auf der ganzen Welt›, wie
Hausherr Steve es selbst nennt, einen
atmosphärisch dichten Bühnenort zu
formen, ein Klischee zwar, aber bewohnt
von sehr klischeefreien Menschen.»
(Frankfurter Allgemeine Zeitung)
Ubus Prozess
(The Trial of Ubu)
1D – 9H – Doppelbesetzungen möglich
Deutsch von Barbara Christ
Ubus Gewaltherrschaft über Polnisch­
Ballonien ist gebrochen, in Frankfurt
am Main wurde er aufgegriffen und verhaftet.
Jetzt sitzt er verwundert in der
Zelle eines Justizpalastes und muss sich
von europäischen Beamten seine Rechte
erklären lassen. Mit Ubus Prozess, das
als «Sequel» zu Jarrys Ubu­Dramen geschrieben
wurde, holt Simon Stephens
König Ubu in die Gegenwart und stellt
ihn in einem Schauprozess vor einen Internationalen
Strafgerichtshof. In dem
Verfahren wird er mit seinen alten Weggefährten
und seinen Opfern konfrontiert,
die als Zeugen gegen ihn aussagen.
Das Gericht müht sich redlich, aus dem
monströsen Diktator einen einfachen
Mr. Ubu zu machen. Doch der bürokratische
Apparat und die Floskeln der
www.rowohlt-theater.de 27

Ubus Prozess, Schauspiel Essen
Juristen versagen vor Ubus kindlichem
Erstaunen und seiner ungebremsten Impulsivität.
Ubus Prozess entstand als Auftragswerk
für das Schauspiel Essen, wo im
April 2010 in Koproduktion mit Toneelgroep
Amsterdam die Uraufführung war
(Regie: Sebastian Nübling). «Nübling
und Stephens unterziehen Jarrys totalitäre
Allegorie einem juristischen Gedankenspiel:
Welche Werte können wir
den Schlächtern von heute effektiv entgegensetzen?»
(Süddeutsche Zeitung)
«Stephens entlarvt das Problem der
Gerechtigkeit als Problem der Interpretierbarkeit
von Sprache.» (Nachtkritik)
28
Steilwand/Terminal 5
(Sea Wall / T5)
1D – 1H
Deutsch von Barbara Christ
In Steilwand berichtet Alex, ein junger
Vater, vom schlimmsten Ereignis in
seinem Leben. Fast beiläufig erzählt er
vom privaten Familienglück, den all­
«Ihr wollt etwas, das in euch ist, nehmen
und in eine Institution packen. In ein Schriftstück.
In ein Gebäude.
Das funktioniert nicht.»
jährlichen Urlaubswochen in Südfrankreich,
einem idyllischen Sommertag am
Meer – und selbst noch vom plötzlichen
Unfalltod seiner kleinen Tochter,
der seine Existenz in ihren Grundfesten
erschüttert.
Mit der gleichen stillen Verzweiflung
verlässt die Protagonistin in Terminal 5
eines Tages ihren gewohnten Weg alltäglicher
Erledigungen und fährt zum Flughafen
hinaus. Umgeben vom lauten Gedränge
der Großstadt, beansprucht sie
radikal einen Moment des Innehaltens
und blickt auf das geschäftige Treiben
herab, wie in den Abgrund, der sich in
ihrem eigenen Leben auftut.
Im Januar 2010 war die deutschsprachige
Erstaufführung von Steilwand
am Schauspiel Frankfurt (Regie: Lily
Sykes), wo im Frühjahr 2011 auch die
deutschsprachige Erstaufführung von
Terminal 5 sein wird (Regie: Lily Sykes).
«Mikroskopisch, aber voller Mitgefühl
skizziert Stephens (in Steilwand) den Bewusstseinsstrom
seines Protagonisten.»
(Theater heute) «Stephens erzählt zwar
einerseits von der Tragik ganz normaler
Menschenleben, aber er scheut sich
nicht, zuletzt noch eine Tür zu
größeren Themen aufzustoßen.»
(Frankfurter Rundschau)
Im März 2010 war außerdem
die deutschsprachige Erstaufführung
von Punk Rock am Deutschen
Schauspielhaus Hamburg
(Regie: Daniel Wahl). «Gleich
nach Beginn des Stückes zeigt
sich die dramatische Kunstfertigkeit
von Simon Stephens, die in
Deutschland ihresgleichen sucht:
welcher der gestressten, pubertierenden
Schüler den Finger an
den Abzug legen wird, bleibt lange
Zeit offen.» (Die Welt) «Stephens
hat eine Sprache gefunden, die
zeigt, wie sie denken und fühlen und
miteinander umgehen. Diese Sprache
ist so stark und überzeugend, dass die
sieben Schauspieler ihre Rollen glaubhaft
verkörpern können.» (NDR Info/
Kultur) Im September 2010 hatte Punk
Rock Schweizer Erstaufführung am
jungen theater basel (Regie: Sebastian
Nübling); die nächsten Premieren sind
am Staatstheater Mainz (Regie: Matthias
Kaschig), Theater Bielefeld (Regie:
Kerstin Lenhart), Theater Kiel (Regie:
Ulrike Maack) und am Volkstheater
Wien (Österreichische Erstaufführung,
Regie: Schirin Khodadadian).
Harper Regan wird ab Januar 2011 mit
Theatergastspiele Kempf auf Tournee
gehen (Regie: Sabine Mitterecker) und
weiterhin an zahlreichen Theatern gezeigt
– die nächsten Premieren sind u.a.
am Theater Ingolstadt (Regie: Martin
Schulze), Theater Aachen (Regie: Ronny
Jakubaschk) und Tiroler Landestheater,
Innsbruck (Regie: Christine
Wipplinger).

«ich frag
mich ob wir
überhaupt zum funktionieren gemacht sind
ich meine wenn wir sollten würden wir doch oder»
Laura Naumann
süßer vogel undsoweiter
3D – 3H
Ab 14 Jahre
Kein Jugendclub, keine Kneipe und kein
Café. Nur der Hügel, wo sich Schnucki,
Kleines, Bombe und die anderen treffen,
zwischen Bänken, Schaukeln, Picknickhütte
und Citytoilette, «völlig fehl
am platz weil keine rede sein kann von
city». Eigentlich jeden Tag, auch heute
wieder – aber heute feiern sie ein Abschiedsfest.
Amanda ist die Erste von
ihnen, die geht, raus aus dem Ort, in
dem sie alle aufgewachsen sind, einfach
runter zum Bahnhof und los, «denn eine
wegfahrt die ist lustig».
Aber bevor die Feier richtig losgeht, ist
Amanda auch schon fort. Stehen gelassen
zwischen den Girlanden, kommen
die fünf anderen ins Reden: Wer sie
sind und wer sie sein wollen. Übers
Wegwollen, aber wohin, die Sehnsucht,
aber wonach? Wie soll ihr Leben aussehen:
ein großes Aufbegehren gegen das
ewige «shit happens» oder doch lieber
das Eigenheim mit Garten? Nach und
nach, als längst kein Bier mehr da ist
und Kleines schon mit Gras statt mit
Konfetti wirft, wird es doch noch ein
richtiges Fest. Denn hier auf dem Hügel,
in einer Nacht auf dem unsicheren Grat
zwischen Vergangenheit und Zukunft,
verschieben sich die Perspektiven. Für
einen Moment treten die vorgeformten
Antworten auf die Frage, wie die Jugend
wohl zu sein hat, in den Hintergrund.
Und zwischen Wollen und Sollen, Planen
und Hoffen auf das Leben, das jetzt
endlich richtig beginnen soll, hängt wie
ein Versprechen der Satz in der Luft: «so
viel versteh ich / jeder macht es am ende
richtig».
«Bemerkenswert ist … die Sprache, in
die Naumann das diffuse Sehnen der Figuren
nach einem anderen Leben hüllt.
Poetisch, klar, schnörkellos.» (Nachtkritik)
süßer vogel undsoweiter erhielt den
Münchner Förderpreis für deutschsprachige
Dramatik 2009 und war 2010 zu
den Autorentheatertagen des Deutschen
Theaters Berlin eingeladen.
www.rowohlt-theater.de 29

30
tut mir ja leid Vati
aber ich muss
2D – 2H
Ab 14 Jahre
Bei Ludwig ist alles in Ordnung. Er
nimmt keine Drogen, hat gute Noten
und versteht sich mit seinem Vater –
bis er ihm eröffnet, dass er nach dem
Abi nicht «irgendwas mit Zukunft und
Geld» studieren, sondern mit seiner
Band auf Tour gehen will. Von da an
wird die Céline­Dion­Musik, die Ludwigs
Vater so liebt, regelmäßig übertönt
durch Streit und Geschrei: «und
dann schmeiß ich die Tür das kann ich
ziemlich gut und hau ab das kann ich
noch besser».
Was macht man, wenn man die enttäuschen
muss, die man liebt? Wenn
genau der, der einen am besten kennen
müsste, am wenigsten versteht? Und
dann steht auch noch irgendein Mädchen
vor dem Band­Raum und will
eine Beziehung oder auch «nur ficken
ab und zu … Hauptsache irgendwas
mit dir». Ludwig läuft weiter, raus
aus dem Ort. Wütend wirft er eine
Scheibe ein, und das ist sein Glück,
denn so lernt er Frau Rose kennen.
Frau Rose hat eine 68er­Jugend und
einiges andere hinter sich, über das
sie nicht gerne spricht; ein verwirrter
Jugendlicher im Vorgarten bringt sie
da nicht aus der Fassung. Dass allerdings
Ludwig ihr Fenster repariert
und ihren Garten umgräbt, hat sie
nicht erwartet; dass sie ihn mögen
wird, schon gar nicht. Langsam
entsteht aus Ludwigs Erzählungen,
Frau Roses genauen Fragen
und ihren seltenen Antworten eine
Freundschaft, die beider Blick auf
die Dinge verändert – bis Ludwig
«ich bin so verdammt unrocknroll»
um ein Haar seinen eigentlichen
Plan aus den
Augen verliert.
tut mir ja leid Vati aber
ich muss entstand im Auftrag
des Theaters Junge
Generation in Dresden
und wurde dort im Dezember
2009 uraufgeführt
(Regie: Ania Michaelis).
Laura Naumann, 1989 in
Leipzig geboren, wuchs im
Kreis Chemnitz auf und
studiert seit 2008 an der
Universität Hildesheim
Kreatives Schreiben und
Kulturjournalismus. 2006
und 2008 war sie Preisträgerin
beim «Treffen Junger
Autoren» der Berliner Festspiele.
Sie erhielt 2008 ein
Stipendium von «Interplay
Europe e.V.» zur Förderung
junger Dramatiker und
nahm 2009 am Nachwuchsdramatikerfestival
«World
Interplay» (Australien) teil.
Mit ihrem Stück meerrauschenhören
wurde sie 2008
zum Dramatikerworkshop
beim Stückemarkt des Berliner
Theatertreffens eingeladen.
In der Saison 2009/10
war Laura Naumann Stipendiatin
des Autorenlabors
am Düsseldorfer Schauspielhaus.
Tina Müller
Ich kann Fliegen zähmen,
echt wahr
1D – 2H
Ab 6 Jahre
Benis Papa Christoph ist eine Fliege.
Dauernd summt er herum, muss schnell
hier und dann noch da was erledigen,
kaum setzt er sich mal hin, ist er auch
schon wieder weg, und wenn man ihm
was sagt, hat er es gleich wieder vergessen.
Beni wird ganz schwindlig davon,
dass sein Vater nie nichts tut. Aber
wenn Beni lieber mit ihm Pause machen
möchte, ist dafür überhaupt keine Zeit.
«Alles, was ich mache, mache ich nur
für euch», heißt es dann und: «Jetzt wird
erst mal dein Zimmer aufgeräumt.»
Dann fühlt sich Beni vor lauter Arbeit
wie eine Ameise. Keine besonders gute
Ameise allerdings, denn welche richtige
Ameise träumt schon vom Nichtstun?
Da hilft es auch nichts, wenn Papa
«vielleicht, wenn es sich einrichten lässt,
gleich noch mal ein paar Sekunden» Zeit
hat. Und Marieke, Benis große Schwester?
Wühlt sich als Motte durch ihren
gesamten Kleiderschrank. Das geht
zwar auch allein ganz gut. Aber schön
wäre es schon, wenn Christoph ordentlich
hingucken würde, während sie den
Rekord im Nah­ans­Licht­Fliegen auf­

stellt. So kann es nicht weitergehen, findet
Beni, das dauernde Gesumme und
Gebrumme macht sie alle noch verrückt.
Irgendwie muss so eine Fliege doch zu
zähmen sein? Zahm genug, um einfach
mal dazubleiben und nicht wegzufliegen?
Aber dazu müsste man sie erst mal
fangen … Mit Witz und Phantasie stürzt
sich Beni in den Kampf um die väterliche
Aufmerksamkeit.
Ich kann Fliegen zähmen, echt wahr
entsteht in Zusammenarbeit mit Junge
Akteure am Theater Bremen und wird
dort im Februar 2011 uraufgeführt (Regie:
Tanja Spinger). Die Stückentwicklung
wird vom Stipendienprogramm
Nah dran! Neue Stücke für das Kindertheater,
ein Kooperationsprojekt vom
Kinder­ und Jugendtheaterzentrum der
BRD in Frankfurt am Main und dem
Deutschen Literaturfonds e.V. (Bundeskulturstiftung),
gefördert.
Stadt der Hunde
Jugendoper
Musik: Sinem Altan
1D – 2H – 1 Klavier
Ab 14 Jahre
Seit Stunden sitzt die Mopsdame Dilara
angebunden an einem Laternenpfahl.
Keinesfalls will sie eingestehen, dass
Herrchen Murat nicht wiederkommt;
schon gar nicht dem gekreuzten Pitbull­
Angeber Nero und Schäfer, dem streu­
«Nichts machen geht nicht.»
Stadt der Hunde, Neuköllner Oper, Berlin
nenden Schäferhund mit Helfersyndrom.
Aber dann rauft sich das ungleiche Trio
doch zusammen, mehr Notgemeinschaft
als Wolfsrudel. Schließlich hat keiner
von ihnen mehr ein Zuhause – nur den
Kiez, ein Paradies der Gerüche und
Geräusche für einen Hund, der sich zu
helfen weiß; allerdings auch ein hartes
Pflaster, wo jeder sich durchbeißt, wie
er kann. «Das Sich­behaupten­Müssen,
das Nicht­geliebt­Werden, das Auf­sichgestellt­Sein
… Eine amüsante Oper für
Jugendliche, die alle Teenie­Dramen
spielend umreißt: erste Liebe, Konkurrenzdruck,
Identitätskrise und Neuköllner
Alltag. Stadt der Hunde glänzt mit
sozialkritischen Metaphern und, dank
der jungen Komponistin Sinem Altan,
mit flotten Klaviertönen und tierischen
Hymnen.» (Der Tagesspiegel) «Leise,
schön, schräg und schrill singen sie …
Und weil das Komische dem Tragischen
entspringt, haben sie keine Scheu, darzustellen,
dass man sich als armer Hund
www.rowohlt-theater.de 31

auch ziemlich zum Affen macht.» (Neues
Deutschland) In Stadt der Hunde
«werden Tiere nicht bis zur Selbstaufgabe
vermenschlicht. Die Inkongruenzen,
die bleiben und das tierische Spiel
als Metapher auf bestimmte Aspekte
des menschlichen Lebens
erst wirksam machen, treiben
das Stück voran … Ein dunkler,
mitreißender Abend.» (Berliner
Zeitung)
Stadt der Hunde entstand im
Auftrag der Neuköllner Oper,
Berlin, und wurde dort im Dezember
2009 uraufgeführt (Regie:
Mario Portmann). Die Inszenierung
wurde im Oktober
mit dem Ikarus Theaterpreis
2010 ausgezeichnet.
Tina Müller ist mit Filmriss nominiert
für den Deutschen Jugendtheaterpreis,
den sie bereits
2008 für ihr Stück Bikini erhielt. Die
Deutsche Erstaufführung von Filmriss
ist im Januar 2011 am Thea ter Ulm
(Regie: Julia Heinrichs). Bikini wurde
in der Produktion von Junge Akteure/
Thea ter Bremen (Regie: Tanja Spinger)
im Herbst 2010 auf einer Europa­Tournee
in Schulen gezeigt.
8 Väter, Müllers Patchworkfamilienstück,
erhielt 2010 den Kaas & Kappes­Preis
und wird in dieser Saison am
Theater Chemnitz (Regie: Matthias
Huber) und am Theater Bielefeld (Regie:
Martina Breinlinger) nachgespielt.
Seit September 2010 zeigt das Stadttheater
Bremerhaven Türkisch Gold (Regie:
Maria­Elena Hackbarth), das ab Januar
2011 auch am Deutschen Theater Berlin
(Regie: Katja Fillmann) zu sehen sein
wird.
32
«Ich könnte ohne Luisa
nicht leben. Sie ohne mich
schon. Aber dass sie es
trotzdem nicht tut, ist das
Größte, was jemals ein
Mensch für mich getan hat.
Aber ich weiß nicht, ob das
jetzt zu weit führt. Redet
man über so was bei euch?
Na ja. Hallo ich bin Karl.
Und ich bin abhängig.»
Holger Schober
Superman ist tot
1D – 1H
Ab 14 Jahre
Luisa steht auf das DC Universe, Karl
liebt Marvel. Jeder Comic­Fan weiß,
was das bedeutet: lebenslange Feindschaft,
gegensätzliche Weltanschauungen,
wechselseitige Verachtung. Erstaunlich,
dass die beiden bei der Frage
«Zu dir oder zu mir?» sehr schnell einig
werden. Das ist der Beginn einer Liebesgeschichte,
die neben tiefer Zuneigung
leider auch durch einen anderen Umstand
begünstigt wird: Als Apothekerin
kommt Luisa problemlos an die Stoffe,
die Karl exzessiv einwirft. Und aus Liebe
zu ihm wird sie selbst zum Junkie. Wenn
die beiden «drauf» sind, fühlen sie sich
unverwundbar, stärker als Superman.
Dass das nicht gesund ist, wird beiden
schnell klar. Die Monologe, die sie vor
ihrer Selbsthilfegruppe halten und die
das Stück durchziehen, sind trotzdem
nicht der Schlusspunkt ihrer
Geschichte, sondern entpuppen
sich als Rückblenden. Die beiden
stehen einfach zu sehr darauf, sich
im Rausch in ihre Comic­Helden
zu verwandeln, als dass sie von den
Drogen lassen könnten.
Die Superman­Droge Tilidin gibt
es tatsächlich. Das Medikament
besitzt euphorisierende Wirkung,
macht schmerzunempfindlich und
ist bei Jugendlichen beliebt, die
sich damit z.B. für Schlägereien
aufputschen. Holger Schober hat
ein Stück geschrieben, das die
Drogenprobleme der Jugendlichen
nicht didaktisch ausstellt, sondern
zunächst einfach dem verführerischen
Sog des Allmachtsgefühls folgt. Dass
der Nahkampf mit einem Linienbus
lebensgefährlich enden muss, macht er
trotzdem schmerzhaft deutlich.
Superman ist tot entstand als Auftragswerk
für das Theater Heilbronn,
wo im November 2010 die Uraufführung
ist (Regie: Dominik Günther).
In der aktuellen Spielzeit wird außerdem
Holger Schobers Und sie bewegt
sich doch! am Theater Heidelberg uraufgeführt
(Februar 2011, Regie: Dominik
Günther). Am Comedia Theater
Köln ist im März 2011 die Uraufführung
von Schwarze Milch (Regie: Ulrike
Stöck). Im Dschungel Wien kam bereits
im Mai 2010 Otaku, ein Stück über drei
Splatterfilm­Freaks, zur Uraufführung
(Regie: Christian Strasser).

Holger Schober, Jahrgang 1976, hat
zahlreiche Kinder­ und Jugendtheaterstücke
geschrieben, für die er mehrfach
ausgezeichnet wurde. Hikikomori war
für den Deutschen Jugendtheaterpreis
2006 nominiert, die Inszenierung des
Thalia Theaters Hamburg gewann den
Theaterpreis «Faust» in der Kategorie
«Herausragende Inszenierung Jugendstück»
und ist in der aktuellen Spielzeit
am Deutschen Theater Berlin (Regie:
Dominik Günther) und am Schauspielhaus
Bochum (Regie: Martina van Boxen)
zu sehen. Schobers Jugendstück
Clyde und Bonnie gewann den österreichischen
Theaterpreis Stella in zwei
Kategorien und steht in der aktuellen
Spielzeit am Comedia Theater Köln (Regie:
Ulrike Stöck), Theater Lübeck (Regie:
Marco Štorman), Theater Erlangen
(Regie: Johannes Wenzel), Fränkischen
Theater Schloss Maßbach (Regie: Thomas
Klischke), Theater Aachen (Regie:
Nora Mansmann), Theater Hagen (Regie:
Werner Hahn) und in Amsterdam
bei De Toneelmakerij (Regie: Ad de
Bont) auf dem Programm. Schobers
Klassenzimmerstück Ich komma saufen
wird nach der Uraufführung am Wiener
Klassenzimmertheater am Mecklenburgischen
Landestheater Parchim und am
Theater Hof nachgespielt.
Thomas Freyer
Der gestiefelte Kater
Frei nach den Gebrüdern Grimm
1D – 4H
Ab 6 Jahre
Es waren einmal: Eine Prinzessin, die
sich langweilt, weil sie immer nur Prinzessin
sein darf. Ein König, der nichts
begreift und viel befiehlt. Ein Diener, der
niemals Zeit zum Träumen hat. Ein Zauberer,
der sich selbst für so gefährlich
hält, dass er die Gefahr nicht sieht. Ein
Hans, der nichts als Müller sein will und
aus dem doch ein Graf gemacht wird,
und – ein sprechender Kater. Außerdem
ein paar Musiker, die hartnäckig weiterspielen,
obwohl sie wegen der leeren königlichen
Kassen längst gefeuert sind …
Angelehnt an das Märchen der Gebrüder
Grimm, erzählt Thomas Freyer
die Geschichte vom Kater, der seinem
Herrn einen besseren Platz in der Welt
verschaffen will, als Familienstück im
«In meinem Alter war der Vater
Ein Kerl
Ein ausgemachter Kater
Ein durch und durch bekanntes Tier
Ein schneller Jäger mit Manier
Ich träume mir, ich wär das auch
Die Sonne scheint mir auf den Bauch
Ich wache auf und bin nur ich
Nur faul und träge innerlich
Ein halber Kater, fürchterlich
Doch eines Tages kommt die Zeit
Bin nämlich unverschämt gescheit
Bin zwar kein Jäger, schnell und leis
Doch stolz
Mit Köpfchen, und ich weiß
Was mit dem Köpfchen anzufangen»
besten Sinne, nämlich ganz und gar
ausgehend von seinen Figuren, deren
Nöte Kindern und Erwachsenen gleichermaßen
nahe sind. Liebenswert und
unzufrieden, egoistisch, wohlmeinend
und unbedarft versuchen sie, ihr Leben
ein Stück besser zu machen. Und wäre
der Kater nicht gewesen, wäre es wohl
keinem von ihnen je gelungen.
Freyers Neufassung von Der gestiefelte
Kater entstand als Auftragswerk für
das Landestheater Eisenach und wird
dort im Dezember 2010 uraufgeführt
(Regie: Rainer Fiedler).
Zuletzt war im Januar 2010 am Maxim
Gorki Theater, Berlin, die Uraufführung
von Thomas Freyers Im Rücken die Stadt
www.rowohlt-theater.de 33

(Regie: Nora Schlocker), das im September
2010 auch am Staatstheater Cottbus
Premiere hatte (Regie: Harald Fuhrmann).
Im Rücken die Stadt «markiert
eine Zäsur in der Nachwendedramatik.
Es ist dies nämlich wahrscheinlich der
erste groß angelegte Bühnentext, der
sich einer Frage widmet, die nicht nur
im deutschen Theater, sondern auch
gesamtgesellschaftlich bemerkenswerterweise
bislang kaum gestellt wird: die
Frage der jungen, diesseits von 1989 erwachsen
gewordenen Generation nach
dem Leben und Denken ihrer Eltern im
34
Im Rücken die Stadt, Maxim Gorki Theater, Berlin
DDR­Alltag, die Frage, wer wann warum
sich wie mit dem System arrangiert
hat … Bemerkenswert ist das Stück
vor allem, weil es diese Frage weder
plump­moralisch noch vorwurfsvoll,
aber durchaus energisch stellt.» (Berliner
Zeitung) Die Figuren «reden nur
das Nötigste. Es sind Helden des kollektiven
Beschweigens, und was sie sagen,
hat etwas Beleidigtes, Aufgestörtes,
Fetzenhaftes, als sei jemand gekommen
und habe es ihnen entrissen. In Thomas
Freyers Stück reden die Jungen, die noch
gar nichts erlebt haben, vorbei an den
Alten, denen das, was sie erlebt haben,
zu nichts zerfällt.» (Die Zeit)
Außerdem hat im April 2011 Amoklauf
mein Kinderspiel am Landestheater
Coburg (Regie: Vivian Frey) sowie am
Landestheater Tübingen (Regie: Marco
Štorman) Premiere.
Zurzeit schreibt Thomas Freyer an einem
Auftragswerk für das Staatsschauspiel
Dresden (Arbeitstitel: Der König
ist tot). Die Uraufführung in der Regie
von Tilmann Köhler ist für März 2011
geplant.

«Alles, was
größer ist als normalgroß, ist gefährlich!
Und normalgroß bin ich!»
John von Düffel
Gullivers Reise
Familienstück nach Jonathan Swift
1D – 5H
Ab 6 Jahre
Schiffsjunge Gulliver ist der Kleinste
von allen. Also schubsen ihn auch alle
herum. Dauernd muss er schuften,
nichts kann er Kapitän und Steuermann
recht machen. Bei einem heftigen Sturm
wird er als Einziger an Land gespült –
und ist höchst erstaunt, auf einmal als
«Menschberg» angesprochen zu werden.
Aber tatsächlich: Die Bewohner
des Landes Liliput reichen Gulliver
nicht einmal bis zum Knöchel. Was sie
nicht daran hindert, sich höchst wichtig
und bedeutend zu fühlen und sogleich
zu beratschlagen, was mit dem Schiffbrüchigen
wohl anzufangen sei. Sofort
erschießen, schlägt der Großadmiral
vor. Schließlich ist der Fremde eine Bedrohung
für die gesamte Bevölkerung,
von den riesigen Mengen an Lebensmitteln,
die er verbraucht, ganz zu schwei­
gen. Die Prinzessin ist auch dafür: Gar
zu gern sähe sie Gullivers Ring in ihrer
Schatzkammer. Andererseits: Könnte so
ein Riese nicht auch ganz nützlich sein?
Immerhin befindet man sich im Krieg
gegen die Blefuscudier, die soeben eine
erneute Attacke vorbereiten. Tatsächlich
kann Gulliver den Angriff auf Liliput
abwenden. Doch der Großadmiral
intrigiert gegen Gulliver, und der König
findet es so schwierig, beim Regieren
auch noch zu denken, dass der frischgebackene
Held, eh er sich’s versieht,
schon wieder fast erschossen wird. Wäre
da nicht die kluge Vaniliput, die nicht
nur Gulliver das Leben rettet, sondern
auch herausfindet, wie man den Krieg
ein für allemal beenden kann.
Nach dem berühmten Roman von
Jonathan Swift hat John von Düffel
ein Theaterstück für die ganze Familie
geschrieben, das die Kleinen groß und
die Großen ganz schön klein erscheinen
lässt. Gullivers Reise entstand im Auftrag
des Deutschen Nationaltheaters
Weimar, wo im November 2010 die Uraufführung
ist (Regie: Marcelo Diaz).
Im gleichen Monat hat das Stück in der
Regie von Annette Büschelberger am
Theater Heidelberg Premiere.
Zuletzt wurde von John von Düffel am
Landestheater Salzburg König Shakespeare
oder Alles ist wahr im März 2010
uraufgeführt (Regie: Carl Philip von
Maldeghem). «Was Shakespeare erlebt,
wirkt sich unmittelbar auf sein Schreiben
aus. Szenen aus seiner Gegenwart
gehen unmittelbar in Szenen aus dem
Stück über. Düffel ist ein derart ausgefuchster
Shakespeare­Kenner, dass er
virtuos mit Zitaten spielen und den Tonfall
des Dichters nachahmen kann, dass
nicht zu unterscheiden ist, wo im Text
Shakespeare aufhört und original Düffel
anfängt.» (Salzburger Nachrichten)
Außerdem wird in dieser Spielzeit
John von Düffels Klassenzimmerstück
Traumjobs am Theater Naumburg (Regie:
Paul Sonderegger) und am Theater
St. Gallen nachgespielt. Das Theater
Konstanz zeigt im Mai 2011 Best of
Nibelungen (Regie: Felix Strasser). Im
Dezember 2010 ist die slowenische Erstaufführung
von Düffels Oscar­ Wilde­
Bearbeitung Das Bildnis des Dorian
Gray am Slowenischen Nationaltheater
in Ljubljana.
www.rowohlt-theater.de 35

Klassiker
Bearbeitung
Klassiker
Klassiker
Klassiker
William
Shakespeare
36
«Unbesänftigt
ungesättigt
ungeraten
ist das Fleisch.
Stockt mein Herz,
stirbt mein Herz,
still mein Herz,
im Todesschlaf.
Was kommt danach?
Zu sein schändet mich,
schadet mir.
Nicht zu sein
ängstigt mich.
Lieber Untertan bin ich als tot –
ist das wahr?
Verfall ich und verderbe hier,
weil ich mich
vorm Jenseits fürchte?
In diesem Kopf,
in diesem Fleisch:
keine gnadenvolle Ruh.»
Hamlet
Neufassung von Feridun Zaimoglu
und Günter Senkel
2D – 14H – Doppelbesetzungen möglich
Nach William Shakespeares Othello,
entstanden für Luk Percevals legendäre
Inszenierung – im März 2003 an den
Münchner Kammerspielen erstaufgeführt
und seit der letzten Spielzeit am
Thalia Theater Hamburg zu sehen –,
haben Feridun Zaimoglu und Günter
Senkel nun auch Hamlet «neu übersetzt
und bearbeitet und ein energiegeladenes
Werk mit poetisch­archaischer Sprache
geschaffen» (dpa): «eine das Original
geschickt komprimierende wie variie­
Hamlet, Thalia Theater Hamburg
rende Bearbeitung» (Frankfurter
Allgemeine Zeitung). Zaimoglus
und Senkels «Textfassung gibt
nicht vor, der kom plexe Shakespeare
zu sein, sondern forscht
gezielt nach einer zeitgenössischen
Befindlichkeit» (Süddeutsche
Zeitung), indem die beiden
das ursprüngliche Drama «zupackend
kürzten und dennoch den Stoff nicht
aushöhlten. Dazu schrieben Zaimoglu
und Senkel so zart und behände, dass
man sich in ihrem Shakespeare­Deutsch
ebenso zu Hause fühlen kann wie in
diesem tolldrastischen Dänemark und
seinem überforderten Prinzen» (Spiegel
Online).
Die Erstaufführung war in Percevals
Regie im September 2010 am Thalia
Theater Hamburg.
In Vorbereitung ist außerdem Zaimoglus
und Senkels Neufassung von
Shakespeares Julius Caesar, deren Erstaufführung
im April 2011 am Theater
Kiel geplant ist (Regie: Marc Lunghuß).
Mehr zu Feridun Zaimoglu und Günter
Senkel siehe S. 15.
Richard II., Thalia Theater Hamburg
Richard II.
Solo eines Königs
Textfassung von Susanne Meister
und Cornelia Rainer
1H
Die Textfassung von Regisseurin Cornelia
Rainer und Dramaturgin Susanne
Meister wurde im November 2009 mit
Sven­Eric Bechtolf am Hamburger Thalia
Theater als «grandioses Ein­Mann­
Drama» (Frankfurter Allgemeine Zeitung)
uraufgeführt. Der Untertitel Solo
eines Königs verkündet «das Konzept
eines großen Abends … Dabei tun die
Autoren Shakespeare keine Gewalt
an, schon das Original ist ganz auf Richard
konzentriert, es wurde hier also
zur Kenntlichkeit entstellt.» (Die Welt)
Die Bearbeitung entdeckt in Richard II.

Klassiker Bearbeitung Klassiker Klassiker
«einen virtuosen Dichter»
und «lyrischen Selbstzerstörer»
(Hamburger Abendblatt).
«Der König hat hier
nur sich. Sein Drama ist er
selber. Und wenn er am Ende
nicht stirbt, denn es ist ja
keiner da, der ihn ermorden
könnte, so vergeht er doch:
in ein Nichts. Das er sein und
werden will. Sagt er. Mehr ein
existentialistischer, weniger
ein historischer König. Also
doch sehr nahe einem Stück
für uns heute.» (Frankfurter
Allgemeine Zeitung) «Eine
philosophische Reflexion
über das Wesen von Herrschaft,
gekleidet in poetische
Verse.» (Deutschlandradio
Kultur)
Die Fassung wurde im Oktober
2010 am Forum Theater
Stuttgart nachgespielt
(Regie: Dieter Nelle).
«Wie stumme Schatten gehen wir aneinander vorbei,
eine Versammlung von Gespenstern.»
Hotel Savoy, Münchner Kammerspiele
Joseph Roth
Hotel Savoy
Bühnenfassung von Koen Tachelet
2D – 7H
Europa zwischen den Weltkriegen.
Nach drei Jahren aus der russischen
Gefangenschaft entlassen, findet
Gabriel Dan bei seiner Rückkehr
inmitten von Elend und Zerstörung
ein Relikt vergangener Zeiten vor:
das Hotel Savoy. «Wasser, Seife,
ein Lift, Stubenmädchen mit weißen
Hauben … elektrische Lampen,
schrillende Klingeln, daunengepolsterte
Betten, schwellend und freudig
bereit, den Körper aufzunehmen.»
Zumindest in den unteren der sieben
Stockwerke, den Etagen der Reichen,
scheint der Glanz der Vorkriegsära
erhalten geblieben zu sein. Je weiter
Dan aber nach oben steigt, desto
billiger werden die Zimmer, desto
bunter und heruntergekommener
ihre Bewohner, zwischen denen auch
er seine Bleibe findet. Hoffnungslose
Varietéartisten, Geschäftemacher,
Lotteriezahlenträumer und Spekulanten
machen hier Station, jeder
auf dem Weg woandershin und doch
zum Bleiben verdammt. Schon bald
richten sich alle Hoffnungen auf die
Ankunft des amerikanischen Millio­
www.rowohlt-theater.de 37

Klassiker
38
Bearbeitungen
Bearbeitungen B
Bearbeitungen
närs Bloomfield. Gleichzeitig gärt in der
Stadt die Unzufriedenheit, eine Arbeiterrevolte
braut sich zusammen – aber die
ersehnte Veränderung bleibt aus, so wie
auch Bloomfield alle Erwartungen enttäuscht
…
2008 feierte Koen Tachelets Dramatisierung
von Joseph Roths Hiob in Johan
Simons’ Regie an den Münchner Kammerspielen
seine umjubelte Premiere.
Mit Tachelets Bearbeitung von Hotel
Savoy eröffnete nun Johan Simons im
Oktober 2010 am gleichen Ort seine Intendanz.
Gabriel Dans Beobachtungen
sind «in Koen Tachelets behutsamer
Stückfassung … nicht länger die eifrigen
Notizen eines Intellektuellen, sondern
die verwunderten Selbstgespräche eines
Einsamen, Entwurzelten, Kriegstraumatisierten.
So ist auf der Bühne auch
nicht zu vermeiden und umso charismatischer,
dass sich die Wunderwelt des
Hotels … um Gabriel dreht, nicht er sich
um die Welt». (Frankfurter Allgemeine
Zeitung) Erstaunlich, «wie viel Komik,
Spielfreude und pralles Erzähltheater
Simons aus Roths Roman herauszuholen
versteht, ohne dabei an inhaltlicher
Kraft einzubüßen … wobei ihm wun­
«Mach dir kein
Bild von mir.
Steck mich
nicht in eine
Geschichte. Das
ist das einzige,
worum ich dich
bitte.»
derbare Schauspieler und eine von Koen
Tachelet geschickt dialogisierte, episch
nicht zu ausfransende Bühnenfassung
zur Verfügung stehen» (Süddeutsche
Zeitung).
Tachelets Hiob­Dramatisierung wurde
bzw. wird bisher nachgespielt am
Staatstheater Kassel (Regie: Thomas
Bockelmann), am Volkstheater Wien
(Regie: Markus Sturminger) sowie an
den Städtischen Bühnen Münster (Regie:
Markus Kopf).
Daniel Kehlmann
Ruhm
Bühnenfassung von
Anna Maria Krassnigg
3D – 5H – Doppelbesetzungen möglich
Ein Mann kauft ein Mobiltelefon und
bekommt Anrufe, die einem anderen
gelten, nach kurzem Zögern beginnt er
ein Spiel mit der fremden Identität. Ein
bekannter Schauspieler wird von einem
Tag auf den nächsten nicht mehr angerufen,
als hätte jemand sein Leben an
sich gerissen. Ein Schriftsteller macht
zwei Reisen in Begleitung einer Frau,
deren größter Albtraum es ist, in einer
seiner Geschichten vorzukommen, ein
verwirrter Internetblogger wiederum
wünscht sich nichts sehnlicher, als einmal
Romanfigur zu sein. Ein weltweit
gelesener Esoterik­Guru verliert ausgerechnet
in der Konfrontation mit einer
Hilfe suchenden Äbtissin die Fassung,
eine Krimiautorin geht auf einer abenteuerlichen
Reise in Zentralasien verloren,
eine alte Dame auf dem Weg zum

earbeitungen Bearbeitungen
Bearbeitungen
Tod hadert mit dem Schriftsteller, der sie
erfunden hat, und ein Abteilungsleiter
in einem Mobiltelefonkonzern verliert
über seinem Doppelleben zwischen zwei
Frauen Arbeit und Verstand.
Neun Episoden ordnen sich nach und
nach zu einem Gesamtbild: ein raffiniertes
Spiel mit Realität und Fiktionen, ein
Text über Ruhm und Verschwinden,
Wahrheit und Täuschung.
Daniel Kehlmanns Roman erschien
2009, bisher wurden über 300000 Exemplare
verkauft. «Scherz, Satire, Ironie
und tiefere Bedeutung halten sich
die Waage. Kehlmann scheint alles zu
können – das Leichte, das ein Buch zum
Lesevergnügen macht, und das Philosophische,
das zum Denken anregt.»
(Neue Zürcher Zeitung) «Ein Buch von
funkelnder Intelligenz.» (Frankfurter
Allgemeine Zeitung)
Im Juli 2010 war bei den Festspielen
Reichenau die Uraufführung von Ruhm
in einer Fassung von Anna Maria Krassnigg,
die auch Regie führte.
Kehlmanns Die Vermessung der Welt ist
in der Dramatisierung von Dirk Engler
weiterhin am Deutschen Theater Göttingen
zu sehen und hatte bzw. hat in der
aktuellen Spielzeit Premiere am Theater
Freiberg (Regie: Lutz Hillmann) und
am Altonaer Theater, Hamburg (Regie:
Christian Nickel), das mit der Pro duktion
auch auf Tournee gehen wird.
Ulla Lachauer
Paradiesstraße
Bühnenfassung von Ulla Lachauer
und Barbara Wachendorff
1D
«Ich bin ein Glückskind. An einem
Sonntag bin ich geboren, den 19. Juni
1910, morgens, gerade in die Sonne hinein.»
So beginnen die Lebenserinnerungen
der Bauerntochter Lena Grigoleit,
die am äußersten Rand Ostpreußens im
Dorf Bittehnen zur Welt kommt. Noch
einmal lässt sie die Jahre an der Memel
lebendig werden, erzählt von Tilsit und
seinen Märkten, von der Roggenernte
auf den Feldern, von ausgelassenen Festen
und von Tagen der Trauer. Lena wird
in der Schule «auf Deutsch erzogen», ist
gerade zwölf Jahre alt, als Litauen das
Bearbeitungen
Land nördlich der Memel
besetzt. Anderthalb
Jahrzehnte später, inzwischen
ist Lena Mutter
einer Tochter, hat Hitler
ihr Heimatdorf durch den
Hitler­Stalin­Pakt wieder
«heim ins Reich» geholt.
Das bisher friedliche Zusammenleben
der Dorfbewohner
wird mehr und
mehr durch Misstrauen
vergiftet. Die Gestapo
versucht, Lena und ihren
Mann als Spitzel anzuwerben;
die Juden in der
Umgebung, noch vor kurzem
selbstverständlicher
Teil der Gemeinschaft,
werden deportiert oder
getötet. Ende 1944 geht
Lena mit der Familie auf den Treck
nach Westen, kehrt aber schon 1945 in
ihr zerstörtes Dorf zurück, das jetzt zu
Russland gehört. 1951 wird die ganze
Familie nach Sibirien umgesiedelt, lebt
dort unter ärmlichsten Verhältnissen
und wird Bittehnen erst Jahre später
wiedersehen. Dort sind sie nun die einzigen
Deutschen, ihr Hof gehört zu einer
Kolchose. Und 1991, als wieder Panzer
durch ihr Dorf rollen, denkt Lena nur:
«Halt dich am Zaun, der Himmel ist
hoch.» Lebensbejahend und eigenständig
durch Kriegswirren, Flucht und
Vertreibung hindurch, ist ihr jedoch
eines immer klar: Ihre Heimat ist hier,
in Bittehnen, Paradiesstraße.
Das Buch Paradiesstraße, das Ulla
Lachauer aus Interviews, Briefen und
handschriftlichen Aufzeichnungen zusammen
mit Lena Grigoleit montiert
hat, setzt diesem bewegten Leben ein
Denkmal. 1996 im Rowohlt Verlag erschienen,
wurde es ein großer Erfolg bei
www.rowohlt-theater.de 39

Bearbeitungen
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B e a
40
«Die aller­aller­allerschlimmste weibliche Problemzone heißt: Mann.»
Publikum und Kritik und verkaufte sich
über 300000­mal. «Dieses Buch geht zu
Herzen … Wer die Seiten liest, hat sich
keine Zeile gelangweilt. Er hat eine andere
Welt kennengelernt und wird das
Buch gleich weiterreichen.» (Die Zeit)
«Ein wunderbares Buch. Es entfaltet einen
Zauber, dem man sich nicht entziehen
kann.» (NDR)
Gemeinsam mit der Regisseurin Barbara
Wachendorff hat Ulla Lachauer
Paradiesstraße als Monolog für die Bühne
adaptiert. Die Uraufführung war in
Wachendorffs Regie im September 2010
an den Städtischen Bühnen Münster;
die Produktion wird auch in litauischer
Sprache in Litauen gezeigt.
Ildikó von Kürthy
Mondscheintarif
Monologfassung von Britta Focht
und Neidhardt Nordmann
1D
Es ist Samstag, genauer gesagt, Samstagabend.
Cora Hübsch durchleidet
Höllenqualen. Denn vor drei Tagen
hatte sie den besten Sex ihres Lebens.
Und das auch noch mit dem Mann ihrer
Träume: Dr. med. Daniel Hofmann,
gutaussehend, erfolgreich, scheinbar
ungebunden. Cora würde im siebten
Himmel schweben, wäre da nicht ein
entscheidender Haken: Daniel ruft nicht
an. Mit jeder Minute, die verstreicht,
sieht die Zukunft düsterer aus. Versorgt
mit einer Familienpackung Schokolade,
das Telefon stets fest im Blick, lässt
Cora die Turbulenzen der letzten Wochen
noch einmal Revue passieren: die
Totalblamage bei der ersten Begegnung,
die Peinlichkeiten bei der folgenden. Romantische
Abendessen zu zweit, Strategieplanung
mit ihrer besten Freundin
Jo, schließlich die schicksalhafte Nacht
bei ihm. Seitdem: Funkstille. Hat Daniel
sie tatsächlich gleich nach der
ersten Nacht ad acta gelegt?
Oder steht sich vielmehr Cora
mit ihrer Strategie selbst im
Weg? Als sie die Hoffnung bereits
aufgegeben hat, nimmt
ihre Geschichte doch noch die
entscheidende Wendung.
Ildikó von Kürthys Debütroman
Mond schein tarif,
der im Rowohlt Taschenbuch
Verlag erschienen ist und Einblicke
in die «verwirrte moderne
Frauenseele» (Der Spiegel) gibt,
hat sich bisher weit über 1,7 Millionen
Mal verkauft und wurde 2001 verfilmt.
Neben der Mehrpersonen­Fassung von
Friedrich Dudy und Katja Wolff, die zuletzt
u.a. am Grenzlandtheater Aachen
(Regie: Ulf Dietrich) und am Neuen
Thea ter Hannover (Regie: Niklas Heinecke)
aufgeführt wurde, liegt mit
der Bearbeitung von Britta Focht und
Neidhardt Nordmann nun auch eine
Monologfassung vor. Diese Fassung, in
der Britta Focht selbst 75­mal als Cora
Hübsch am Theater Lüneburg zu sehen
war, wird im Januar 2011 auf dem
Theater schiff Potsdam (Regie: Constanze
Jungnickel) nachgespielt.
Endlich!, der neue Roman von Ildikó
von Kürthy, ist im Herbst 2010 bei Wunderlich
erschienen. Für diesen, wie auch
für die anderen Romane der Autorin, die
insgesamt mehr als fünf Millionen Mal
verkauft und in 21 Sprachen übersetzt
wurden, sind die Aufführungsrechte
verfügbar.

Bildnachweise:
A.T. Schäfer (Cover: Szenenfoto aus Mädchen
in Uniform, Deutsches Schauspielhaus
Hamburg, Regie: René Pollesch)
Karin Rocholl (S. 1)
Katja Hoffmann (S. 2)
Cecilia Gläsker (S. 3)
Ekko von Schwichow (S. 4 l.)
Peter Peitsch (S. 4 m.)
Christian Kleiner (S. 4 r.)
David Finckh (S. 5)
Sebastian Hoppe (S. 6)
Christian Kleiner (S. 7 l. u. r.)
Ben Wolf/ben wolf photography (S. 8)
Arno Declair (S. 9 l.)
Reinhard Werner (S. 9 r.)
Gunter Glücklich (S. 10)
Karin Rocholl (S. 11)
A.T. Schäfer (S. 13)
Thomas Aurin (S. 14)
Iko Freese, Drama – Agentur für
Theaterfotografie (S. 15)
Fernando Perez Re (S. 16)
Kerstin Schomburg (S. 17 l.)
Iko Freese, Drama – Agentur für
Theaterfotografie (S. 17 r.)
Beowulf Sheehan (S. 18)
Jeanne Roualet (S. 19)
Isolde Ohlbaum (S. 20 l.)
Arno Declair (S. 20 r.)
Jan Buus (S. 21 l.)
Andreas J. Etter (S. 21 r.)
picture alliance/dpa (S. 23)
Katrin Ribbe (S. 24)
Arno Declair (S. 26)
Katrin Ribbe (S. 27)
Arno Declair (S. 28)
Renate Baricz (S. 29)
Maja Hürst (S. 31 l.)
Matthias Heyde (S. 31 r.)
Matthias Horn (S. 33)
Thomas Aurin (S. 34)
Katja von Düffel (S. 35)
Armin Smailovic (S. 36 l.)
Krafft Angerer (S. 36 r.)
LSD/Lenore Blievernicht (S. 37)
billy & hells (S. 38)
Winfried Lachauer (S. 39)
Det Kempke (S. 40)
Alle weiteren Abbildungen sind über das Archiv
des Rowohlt Theater Verlages nachweisbar
oder konnten bisher nicht ermittelt werden.
Impressum:
Rowohlt Theater Verlag
Hamburger Straße 17
D-21465 Reinbek bei Hamburg
Tel. 040-7272-270
Fax 040-7272-276
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Leitung: Nils Tabert
(nils.tabert@rowohlt.de)
Lektorat:
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(bastian.haefner@rowohlt.de)
Maren Zindel
(maren.zindel@rowohlt.de)
Aufführungsverträge: Tanja Müller
(tanja.mueller@rowohlt.de)
Honorarbuchhaltung: Marion Steinert
(marion.steinert@rowohlt.de)
Redaktion: Bastian Häfner, Tanja Müller,
Nils Tabert, Maren Zindel
Layout: Das Herstellungsbüro, Hamburg
Druck: Bartels Druck, Lüneburg

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