Presseheft - Der Untergang

Constantin Film und Bernd Eichinger
präsentieren
Ein Oliver Hirschbiegel Film
Eine Bernd Eichinger Produktion
Darsteller
Bruno Ganz
Alexandra Maria Lara
Corinna Harfouch
Ulrich Matthes
Juliane Köhler
Heino Ferch
Christian Berkel
sowie
Matthias Habich
und
Thomas Kretschmann
Michael Mendl
André Hennicke
Ulrich Noethen
u.v.a.
Drehbuch
Bernd Eichinger
nach dem gleichnamigen Buch von Joachim Fest
und „Bis zur letzten Stunde“ von
Hitlers Sekretärin Traudl Junge und
Melissa Müller
Kinostart: 16. September 2004
Länge: 150 Minuten
Im Verleih der
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INHALT
Seite
Kurzinhalt 03
Inhalt 04
Interviews 06
Bernd Eichinger Produzent & Drehbuch 06
Oliver Hirschbiegel Regie 11
Bruno Ganz spielt Adolf Hitler 15
Alexandra Maria Lara spielt Traudl Junge 16
Corinna Harfouch spielt Magda Goebbels 17
Ulrich Matthes spielt Joseph Goebbels 19
Juliane Köhler spielt Eva Braun 20
Heino Ferch spielt Albert Speer 21
Christian Berkel spielt Prof. Schenck 23
Thomas Kretschmann spielt Hermann Fegelein 24
Michael Mendl spielt Helmuth Weidling 26
Ulrich Noethen spielt Heinrich Himmler 27
Joachim Fest Autor 28
Filmografien 31
Bruno Ganz 31
Alexandra Maria Lara 32
Corinna Harfouch 32
Ulrich Matthes 33
Juliane Köhler 34
Heino Ferch 34
Christian Berkel 35
Matthias Habich 36
Thomas Kretschmann 36
Michael Mendl 37
Ulrich Noethen 37
Bernd Eichinger 39
Oliver Hirschbiegel 41
Joachim Fest 42
Traudl Junge/Melissa Müller 42
Besetzung & Stab 43
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„Die neuere Geschichte kennt nichts, was mit den Ereignissen des Frühjahres 1945 vergleichbar wäre.
Was damals erlebt und erlitten wurde, waren nicht nur die unvermeidlichen Schrecken einer Niederlage.
Der Untergang Berlins ist historisch nur mit dem Ende Karthagos zu vergleichen. Es war weit mehr als
das Wahrnehmbare: Die Toten, die Trümmerberge und die Verwüstungsspuren über den Kontinent
hinaus. Womöglich eine Welt. Wie bei den wirklichen Untergängen stets mehr verloren geht als das, was
allen sichtbar vor Augen liegt.“ Joachim Fest
KURZINHALT
Berlin, April 1945. Ein Volk wartet auf seinen Untergang.
In den Straßen der Hauptstadt tobt der Häuserkampf. Hitler (BRUNO GANZ) hat sich mit einigen
Generälen und engsten Vertrauten im Führerbunker der Reichskanzlei verschanzt. Zu ihnen gehört auch
Traudl Junge (ALEXANDRA MARIA LARA), seine Privatsekretärin, die ihn nicht im Stich lassen will.
Während draußen die Lage immer mehr eskaliert, die Rote Armee weiter vorrückt und sich in den von
Explosionen erschütterten Vierteln verzweifelte Szenen abspielen, erlebt Hitler den Untergang des
Dritten Reiches hinter Bunkermauern. Obwohl Berlin nicht mehr zu halten ist, weigert sich der Führer, die
Stadt zu verlassen. Er will, wie Architekt Speer (HEINO FERCH) es ausdrückt, „auf der Bühne stehen,
wenn der Vorhang fällt“. Doch Hitler steht nicht auf der Bühne. Während sich die Wucht des verloren
gegangenen Krieges mit aller Härte über seinem Volk entlädt, inszeniert der Führer im Bunker seinen
Abgang. Noch Stunden vor dem gemeinsamen Selbstmord heiratet er Eva Braun (JULIANE KÖHLER).
Statt des Endsiegs kommt das Ende, aber auch das ist vorbereitet bis ins letzte Detail. Nachdem er und
Eva Braun sich das Leben genommen haben, werden ihre Leichen im Hof der Reichskanzlei verbrannt,
damit sie nicht dem Feind in die Hände fallen. Viele seiner Getreuen wählen ebenfalls den Freitod.
Goebbels und die verbleibenden Generäle weigern sich auch weiterhin, die von den Russen geforderte
bedingungslose Kapitulation anzunehmen. Als die Lage immer aussichtsloser wird, tötet Magda
Goebbels ihre sechs Kinder im Bunker mit Gift, bevor auch das Ehepaar Goebbels Selbstmord begeht.
Kurz darauf gelingt Traudl Junge und einigen anderen in allerletzter Sekunde die Flucht durch den
russischen Besatzungsring ...
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INHALT
Die hübsche, 22-jährige Münchnerin Traudl Junge (ALEXANDRA MARIA LARA) stellt sich mit einigen
jungen Damen im ostpreußischen Führerhauptquartier „Wolfschanze“ bei Adolf Hitler (BRUNO GANZ)
als Sekretärin vor. Es ist mitten in einer Novembernacht, 1942, doch wenn der Führer ruft, folgt man,
jederzeit und überall. Sie ist die Auserwählte, die ihm bis zum bitteren Ende nicht mehr von der Seite
weichen wird.
Das Ende kommt 2 1/2 Jahre später. Am 20. April ‘45 steht die Rote Armee vor den Toren Berlins, die
Hauptstadt ist ein einziges Trümmerfeld. Hitlers Truppen sind zerschlagen, auf den Straßen kämpft ein
letztes Aufgebot versprengter Einheiten, unterstützt von Goebbels’ (ULRICH MATTHES) „Volkssturm“
und Kindern der Hitlerjugend wie dem 13-jährigen Peter (DONEVAN GUNIA), der zwei russische Panzer
zerstört hat. Dafür wird er später, bei einer der letzten Amtshandlungen Hitlers, vom Führer im Hof der
Reichskanzlei mit dem Eisernen Kreuz ausgezeichnet.
Eva Braun (JULIANE KÖHLER) bereitet im Führerbunker ein Fest zu Hitlers 56. Geburtstag vor. Zum
letzten Mal trifft die Führungsspitze des Nazi-Regimes bei einem Sektempfang aufeinander, unter ihnen
Reichsinnenminister Heinrich Himmler (ULRICH NOETHEN). Himmler fleht den Führer an, Berlin zu
verlassen und sich in Sicherheit zu bringen. Später wird er im Alleingang mit den Alliierten verhandeln
und ihnen die Kapitulation anbieten – ein Vorgehen, das die sofortige Exekution seines Adjutanten
Hermann Fegelein (THOMAS KRETSCHMANN), Eva Brauns Schwager, zur Folge hat.
Während die Stadt brennt und nur noch wenige Tage zu halten ist, versuchen Hitler und Goebbels den
Glauben an den Endsieg weiter zu nähren. Mit Armeen, die gar nicht mehr existieren, will Hitler das Ende
hinauszögern. Die Generäle nehmen das widerspruchslos zur Kenntnis. Währenddessen plant Göring
vom Obersalzberg aus, Kapitulationsverhandlungen aufzunehmen. Als sein Stellvertreter schreibt er an
Hitler, was dieser als Ultimatum versteht. Hitler schäumt vor Wut und lässt ihn von einer SS-Einheit
verhaften.
Der Häuserkampf in den Straßen Berlins tobt immer heftiger. Couragierte Ärzte wie Dr. Schenck
(CHRISTIAN BERKEL) versuchen das unglaubliche Leid der Zivilbevölkerung und Soldaten, so gut es
die Umstände zulassen, zu lindern. Goebbels hat seine Frau Magda (CORINNA HARFOUCH) und die
sechs Kinder im Bunker einquartiert. Albert Speer (HEINO FERCH), Hitlers Rüstungsminister und
Lieblingsarchitekt, teilt dem Führer mit, dass er dessen Befehl, dem Feind „verbrannte Erde“ zu hinterlassen,
aus Rücksicht auf die Zivilbevölkerung zuwider gehandelt hat. Ehe er sich absetzt, bittet Speer
Magda Goebbels, ihre Familie in Sicherheit zu bringen. Doch sie will ihre Kinder nicht in einer Welt ohne
Nationalsozialismus aufwachsen sehen.
Die Rote Armee rückt ins Stadtzentrum vor, die Lage der Menschen wird immer verzweifelter. Als Hitler
keinen Ausweg mehr sieht, bereitet er Schritt für Schritt seinen Tod vor, beraten von dem Arzt
Prof. Dr. Werner Haase (MATTHIAS HABICH). Zunächst diktiert der Führer Traudl sein politisches
Testament. Dann heiratet er seine Geliebte Eva Braun und weist seinen persönlichen Adjutanten Otto
Günsche (GÖTZ OTTO) an, seinen Leichnam zu verbrennen. Kategorisch verbietet er die Kapitulation.
Hitler und seine Frau ziehen sich in ihre Privatgemächer zurück. Im Lärm des Artilleriefeuers knallt ein
Pistolenschuss. Günsche meldet: „Der Führer ist tot“.
Goebbels und die Generalität weigern sich selbst jetzt, die von den Russen geforderte Kapitulation
anzunehmen. Die Situation ist aussichtslos. Magda Goebbels flößt ihren Kindern ein Schlafmittel ein und
verabreicht dann, einem nach dem anderen, die tödliche Zyankali-Kapsel. Im Hof der Reichskanzlei
erschießt Joseph Goebbels zunächst seine Frau, dann sich selbst.
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Lautsprecherwagen verkünden Hitlers Selbstmord, doch immer noch setzen Soldaten in den Straßen
den Kampf fort. Traudl Junge gelingt es, sich mit einer kleinen Gruppe vom eingekesselten Führerbunker
durch U-Bahnschächte in eine Brauerei abzusetzen, wo sich einige SS-Offiziere und Wehrmachtsangehörige
verschanzt haben und bis zur letzten Patrone kämpfen wollen. Die junge Frau wagt die Flucht
durch das von Rotarmisten umstellte Gelände. Plötzlich greift ein Kind ihre Hand: Es ist Peter! Die
Russen lassen die „Mutter mit Kind“ unbehelligt passieren...
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INTERVIEW MIT BERND EICHINGER
Wie ist dieses Projekt zustande gekommen?
Der Ausgangspunkt für diesen Film war der Vorabdruck von Joachim Fests Buch „Der Untergang“, den
ich damals im Spiegel las. Ich hatte mich seit über 20 Jahren mit dem Dritten Reich beschäftigt. Wie
konnte es überhaupt zu einer solchen Hysterie in der Ära des Dritten Reichs kommen? Wie konnten sich
Leute, die sonst ganz normal funktionierten, plötzlich so hinreißen lassen? Wie konnte solch ein
Massenwahnsinn überhaupt entstehen? Ich habe versucht, diese Thematik zunächst nur für mich selbst
zu ergründen. Einen Film darüber zu machen, erschien mir unmöglich.
Und dabei hat Ihnen das Buch „Der Untergang“ schließlich geholfen?
Das Buch von Joachim Fest gab mir sozusagen den dramaturgischen Schlüssel. Die Besonderheit des
Buches liegt darin, dass es sich tatsächlich nur mit den letzten Tagen des Regimes beschäftigt – also
nicht mit den letzten Tagen Hitlers, sondern des Regimes. Es wird klar, dass diese Maschine der
Zerstörung noch nicht einmal dann zum Stillstand kam, als die Kraftquelle schon abgestellt, also Hitler
bereits tot war – obwohl der Verstand den Beteiligten hätte sagen müssen, dass das alles keinen Sinn
machte und nur zu weiterer Zerstörung und Hunderttausenden zusätzlichen Toten führen konnte. Dieses
Phänomen der letzten Tage erzählt viel darüber, wie dieser Massenwahn auch schon in den früheren
Jahren funktioniert hat, wie sich die Leute gegenseitig sediert haben, die Dinge in einer Art – ich kann es
nicht anders nennen – Massenverrücktheit immer weitergetrieben haben, und wie sie auch in den letzten
Tagen genau das wiederholt haben, was seit 1933 die Symptome des Regimes gewesen waren.
Im Film DER UNTERGANG wird ja nicht nur eine Art NS-Mikrokosmos beschrieben ...
Der Film beschreibt keinen Mikrokosmos, sondern in epischer Form einen Endzustand wie ein Zeitraffer.
Ein Zeitraffer der genau das aufgezeigt, was in den ganzen zwölf Jahren des Hitlerregimes stattgefunden
hat. Das war der Auslöser für den dramaturgischen Ansatz. Mit meinem Drehbuch habe ich versucht,
etwas über das gesamte Regime zu erzählen, allerdings auf einen Zeitraum kondensiert, den man in den
Griff kriegen kann. Dabei findet man natürlich immer wieder neue Elemente, aber nie die endgültige
Antwort.
Wie gültig kann man denn die Stimmung in jenen letzten Tagen überhaupt beschreiben?
Ich denke, man kann sich der Sache von vielen Seiten nähern. Es geht ja auch darum, wie die Menschen
jene Ereignisse empfunden haben. In diesem Zusammenhang ist es auch nicht unwichtig, dass etwa zur
selben Zeit ein anderes sehr wichtiges Buch heraus kam. Nämlich die Aufzeichnungen „Bis zur letzen
Stunde“ von Traudl Junge, Hitlers Privatsekretärin – redigiert von Melissa Müller. Mit Traudl Junge hatte
ich auch meine Hauptfigur im Film gefunden.
Viele sind damals Hitlers charismatischer Ausstrahlung erlegen.
Vielleicht, aber die meisten dieser Leute haben bis zum bitteren Ende an ein Wunder geglaubt. Sie
dachten, sie dürften diesem Wunder nicht Einhalt gebieten. Das war eines der Dinge, die Hitler
besonders gut beherrschte: den Leuten zu vermitteln, dass er alles im Griff hat, auch wenn die Situation
aussichtslos scheint. Er äußerte sich ja nicht nur über die Kriegslage, sondern sagte auch Sätze wie: „Es
ist eigentlich ganz gut, dass die deutschen Städte in Schutt und Asche liegen, das wird den
Wiederaufbau beschleunigen, es muss nur noch der Schutt weggeräumt werden.“
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Und das zu einer Zeit, in der das Ende doch für die meisten durchaus schon absehbar war.
Der Film beschreibt die Zeit vom 20. April 1945, Hitlers letztem Geburtstag, bis zum 2. Mai 1945. In dieser
Zeit hätten die Menschen draußen auch irgendeine Revolution anzetteln oder sich dem Ganzen
verweigern können. Wenn das massenhaft passiert wäre, wäre die Kapitulation viel schneller erfolgt.
Aber auch das ist nicht passiert. Man hat einfach abgewartet, bis irgendjemand den Stecker zieht – aber
den hat keiner gezogen. Das ist auch Teil des Films: dass jeder innerhalb des Systems darauf wartet,
dass jemand den Schalter endgültig ausknipst. Und dass es dennoch zu großen Heldentaten kommt.
Welche Heldentaten meinen Sie damit?
Die Heldentaten der sogenannten ganz „normalen“ Leute. Es hat mich sehr fasziniert, wie sich die
Zivilbevölkerung in dieser Situation verhalten, sich geschützt hat in diesem Krieg, in dem keine Logistik
mehr vorhanden war. Normalerweise gibt es doch bei jedem Krieg noch eine gewisse Logistik, z.B.
Lazarette, irgendeine Art von Wasser- und Nahrungsversorgung – aber das alles war ja vollkommen
zusammengebrochen, kein Mensch hat sich mehr um irgendetwas gekümmert. Auch die Armee konnte
man nicht mehr als solche bezeichnen. Es waren eher einzelne Kämpfer, die sich in Gruppen
zusammengefunden haben. Es gab keine Nahrung, kein Wasser, keinen Strom. Mich hat sehr fasziniert,
was die Menschen tun, um sich und ihre Familien über die Runden zu bringen, und was noch an
Zivilcourage, Hilfsbereitschaft und Überlebenswillen übrig geblieben ist. Deshalb habe ich im Drehbuch
auch Schicksale eingebracht und weitergeführt, die mir durch Erzählungen und Berichte bekannt
geworden waren.
Wie inszeniert man eigentlich eine historische Person wie Hitler?
Viele sagen, man dürfe jemanden wie Hitler nicht in Szene setzen, man dürfe einer Unperson kein
Podium geben. Joachim Fest und ich halten das beide für Unsinn. Man muss in der Lage sein, auch die
eigene Geschichte zu betrachten, und das geht nur, wenn man die Hauptpersonen, die diese Dinge
maßgeblich in Bewegung gebracht haben – und dazu gehört Hitler in extremem Maße – auch zeigt.
Sonst bliebe ja nichts anderes übrig, als all die Dinge im Dunkeln zu halten; man dürfte dann über die
Ereignisse der Weltgeschichte, zumindest in Europa, nicht berichten, weil man die Person, die das
angezettelt hat, nicht in einem Film betrachten dürfte.
Wenn man es dennoch tut, ist die Frage berechtigt, wie man sich dieser Figur nähert.
Ich habe versucht, in jeder mir zugänglichen Quelle etwas von dem privaten Hitler zu finden, z. B. der
Sprachduktus, den man aus seinen Reden kennt, ist natürlich völlig anders, als im Privaten. Ich habe auf
verschiedene Aufzeichnungen zurückgegriffen, z.B. die Protokolle der Tischgespräche, mitstenographierte
Privatgespräche und Lagebesprechungen, die sehr häufig stattfanden, weil er am Schluss so paranoid
war und dachte, seine Befehle würden nicht mehr befolgt oder anders ausgelegt. Es gibt auch einen
Mitschnitt, wo man ihn im privaten Kreis, im Gespräch mit Mahnstein, in einer Dialogsituation reden hört.
Aus all diesen Quellen habe ich eine Sprache für Hitler gestaltet. Außerdem habe ich ein gutes Ohr für
Dialekte, und er sprach eine Mischung aus gehobenem österreichischen und südbayerischem Dialekt:
das Gutturale mit rollendem „R“, nur nicht so stark ausgeprägt wie in seinen öffentlichen Reden. Diesem
Duktus kommt Bruno Ganz in der Rolle als Hitler ziemlich nah.
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Gab es bei der Porträtierung von Hitler noch andere Herausforderungen?
Ihn als Psychopathen oder Spinner zu porträtieren – darin sah ich die größte Gefahr. Hitler hatte eine
enorme kriminelle und zerstörerische Energie und er war ein Barbar im ureigensten Sinn des Wortes.
Hitler war garantiert bis zum letzten Moment voll zurechnungsfähig, deshalb ist ihm die Führung bis
zuletzt auch nicht entglitten. Trotzdem war er am Schluss sehr besorgt, dass jemand möglicherweise
Giftgas durch die Lüftung in den Bunker leitet – er hat immer an ein lähmendes Gas gedacht, das ihn
handlungsunfähig macht. Das war eigentlich seine einzige große Sorge: lebend in die Hände des
Feindes zu geraten. Aber dass ihn jemand ermorden könnte, hat er merkwürdigerweise bis zum Schluss
nicht in Betracht gezogen. Es kam also überhaupt nicht in Frage, ihn etwa als Geisteskranken
darzustellen. Das ganz große Problem ist, dass Hitler kein Teufel mit zwei Hörnern war, man ihn aber
auch nicht verharmlosen darf. Vielmehr muss man die Vorgänge und Inhalte minutiös rekonstruieren, und
daraus ergibt sich ein sehr vielschichtiges Bild – so vielschichtig, wie es wohl jeder Mann ist, der sich in
einer Stresssituation befindet, wie sie extremer nicht sein könnte.
Kann man sich tatsächlich in eine solche Extremsituation hineinversetzen?
Ihm war bewusst, dass der Zusammenbruch dieser Welt und Zivilisation unmittelbar bevorstand. Die
Frage war nur: Wie inszeniert man dieses Ende? Das hat er bis zum Schluss ganz bewusst gemacht. Ich
bin davon überzeugt, dass er sicher nicht mehr daran geglaubt hat, siegreich oder auch nur mit einem
Kompromiss aus der Sache herauszukommen – das hat er nur andere Leute glauben gemacht. Er hat
mit klarem Blick auf die Historie seinen Untergang geplant. Er hat es inszeniert, und wenn man zynisch
sein will, könnte man sagen, dass er dafür der beste Regisseur war, den man sich vorstellen kann.
Hitler wollte dabei ja die ganze Welt mit sich hinabreißen.
Dieser Untergangsmythos, den er für sich selbst in Anspruch genommen hat, hat ihm nicht ausgereicht.
Er hat ganz bewusst Sorge getragen, dass die ganze Zivilisation mit ihm in den Orkus gezogen wurde.
Er wollte diesen Untergang auch wegen des größtmöglichen Effekts genau so inszenieren: nicht nur
seinen Tod, sondern den Untergang eines ganzen Volkes. So etwas schafft kein Gaukler, so etwas kann
kein durchgeknallter Abenteurer, denn es erfordert Unmengen an Energie und mentaler Leistung, dem
muss man sich stellen. Und dem stellen wir uns auch im Film ...
... was zu einer ziemlichen Gratwanderung werden kann.
Das ist ein sehr komplexes Thema. Es wäre zu einfach, zu sagen, das Liebäugeln mit großen
Untergängen, mit großem Pathos sei eine deutsche Tugend oder Untugend. Ich scheue mich, dies als
typisch deutsches Syndrom darzustellen. Vielleicht ist den Deutschen etwas anderes als dieser
Untergangssog eigen: Die Pflichterfüllung. Sie fühlen sich selbst als Verräter, wenn sie aufgeben. Man
gibt nicht auf, das tut man einfach nicht. Man beschwert sich nicht, man nimmt es hin, das ist die
Pflicht – und die Obrigkeitshörigkeit stelle ich eher als Tugend oder Untugend der Deutschen hin. Aber
mit den gleichen Voraussetzungen hätte ähnliches auch in anderen Ländern passieren können.
Wie haben Sie denn andere historische Figuren nachgezeichnet?
Man muss da sehr genau unterscheiden. Zum Beispiel zwischen einem Mann wie Göring und einem wie
Speer. Göring hat sich abgesetzt, sobald er konnte: Nach dem Defilée an Führers Geburtstag fuhr er mit
einer großen Mannschaft mit 25 Lastern voller Bilder, Teppiche, Bücher und Büsten nach Süddeutschland
– obwohl er sich darüber im Klaren sein musste, dass auch dort in wenigen Wochen alles zu Ende
sein würde. Offensichtlich war es ihm lieber, noch 14 Tage in Saus und Braus zu leben, als seinem
eigenen Leben früher oder später ein Ende zu setzen.
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Die Sache mit Speer ist wesentlich komplexer. Hitler hatte nie erwartet, dass Speer bei ihm bleibt, zumal
dieser als Rüstungsminister Aufgaben übernommen hatte, die soweit möglich bis zum Schluss
wahrgenommen werden mussten. Speer hatte durchaus ein sehr zwiespältiges Verhältnis zu Hitler. An
Speer entzünden sich viele Debatten, denn er hat ja später versucht, sich als Technokrat hinzustellen und
nicht als jemand, der ideologisch Krieg führte. Seine Aufgabe war es, möglichst viele Geschütze und
Munition zu beschaffen; er hat ja selber zwei interessante Bücher geschrieben, in denen er diesen
Konflikt im Nachhinein als unhaltbar darstellt. Er war auch dadurch sehr geprägt, dass er viele Jahre
hindurch Hitlers Architekt war, und als solcher die meiste Zeit als Einzelperson mit Hitler verbracht hat.
Von 1933 bis 1939 verbrachte er Tausende von Stunden mit Hitler über den gigantischen Entwürfen von
Städten, die sie gründen oder umbauen wollten. In dieser Phase fühlte sich Speer nicht als Nazi, sondern
nur als Architekt, und dachte, er habe mit dem Ganzen nicht wirklich etwas zu tun. Als er dann
Rüstungsminister wurde, hat ihn auch diese Aufgabe gereizt, denn er war ein großer Organisator – so
wurde er zu einer Person, die er auch durch Selbstbetrachtung später versuchte aufzuarbeiten. Im Film
ist Speer jedoch keine zentrale Figur, das hätte einfach den Rahmen gesprengt.
Was genau ist die Intention Ihres Films?
Wir haben uns vorgenommen, diesen Film in deutscher Sprache zu drehen, mit deutschen Schauspielern
und einem deutschen Regisseur. Wieso? Wenn man den Lichtkegel auf den größtmöglichen
physischen und psychischen Zusammenbruch einer ganzen Zivilisation richtet, nämlich unserer
deutschen Nation, dann muss es auch möglich sein, dass wir diese Geschichte selbst erzählen
können – und müssen. Mit anderen Worten: Man weiß ja, dass viele andere Projekte zum Thema Hitler
von den Amerikanern, Engländern etc. gerade in Arbeit oder schon abgedreht sind. Viele haben schon
in früheren Zeiten mit großen Besetzungen – sei es mit Anthony Hopkins, sei es mit Alec Guinness in der
Rolle von Hitler – versucht, sich des Themas anzunehmen. Ich finde, es ist an der Zeit, dass wir unsere
Geschichte mit den Mitteln, die wir haben, selber erzählen und den Mut aufbringen, in dieser Erzählung
auch endlich die Hauptdarsteller auf die Leinwand bringen.
Warum haben Sie sich für St. Petersburg als Drehort entschieden?
Zunächst ging es darum, Motive und Locations zu finden, die aussehen wie Berlin im April des Jahres
1945. Das ist sehr schwierig, denn Berlin hat sehr breite Straßen, sehr hohe Häuser, und diese fünf-,
sechs- oder siebenstöckigen Gebäude waren ja teilweise zerstört. Wo also findet man so etwas? Wir
haben uns etliche Drehorte angeschaut, u.a. in Bulgarien und Rumänien. Durch einen Tipp von unserem
Ausstatter Bernd Lepel sind wir dann nach St. Petersburg gekommen, und fanden genau die richtigen
Straßenzüge oder Teile davon. Es ist schon verblüffend, wie nahe das an den Baustil von Berlin kommt;
es haben ja viele deutsche Architekten dort gebaut, und das merkt man natürlich. Außerdem kann man
sich dort so einrichten, dass man organisatorisch eine Art Kriegszustand herstellen kann. Die andere
Hälfte des Films drehten wir im Bunker, aufgebaut auf dem Bavaria-Filmgelände in München. In
St. Petersburg ist es abenteuerlich, weil die Methodik anders ist, als wir es gewohnt sind. Und man kann
vieles machen, was man in Deutschland nicht realisieren kann, z.B. ohne weiteres 500 bis 700 Komparsen
in Uniform einsetzen – das würde hier nicht so einfach gehen. Andererseits gestalten sich Dinge
wie Behördengänge, Zoll, Einreise- und Einfuhrbestimmungen sehr schwer. Aber die große russische
Crew – wir brachten ja nur unsere wichtigsten Leute mit – war hochmotiviert. Wir haben nur sehr gute
Erfahrungen gemacht.
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War Bruno Ganz für die Rolle Hitlers Ihre erste Wahl?
Der Entscheidungsprozess war relativ kurz. Man schaut sich die Leute an, die im geeigneten Alter sind,
in der Bandbreite von Mitte 40 bis Ende 50. Dann braucht man einen Menschen, der sich in eine Person
wie Hitler, in eine sehr vielschichtige Figur, hineinversetzen kann und die Autorität mitbringt. Da kamen
wir eigentlich sofort auf Bruno Ganz. Bruno war verständlicherweise besorgt, also habe ich ihm
vorgeschlagen, das in einem Test mit Maske auszuprobieren. Das hat sofort geklappt: Bruno kam aus
der Maske, hatte sich sehr gut auf den Test vorbereitet – und die Wirkung war so gespenstisch, das sich
das gesamte anwesende Team gegruselt hat. Wir haben ihm den Test gezeigt, und er sagte dann sofort
– mit einiger Schweizer Verzögerung –: „Ja, ich glaube, ich sollte das machen.“ Damit war das erledigt,
wir haben niemanden mehr darauf angesprochen, und unsere – Olivers und meine – Hauptsorge, wer
denn das Kaliber für eine solche Rolle hätte, war gelöst. Und das war für mich auch der Moment, dem
Film grünes Licht zu geben.
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INTERVIEW MIT OLIVER HIRSCHBIEGEL
Nach „Das Experiment“ und „Mein letzter Film“ gehen Sie mit DER UNTERGANG ein weiteres
Experiment ein ...
Ja, filmhistorisch gesehen betreten wir Neuland, es gibt keinen Referenzfilm. So detailliert und wortgenau,
wie wir das umsetzen, ist das ohne Beispiel. Wir verstoßen auch gegen sämtliche Regeln des
Filmemachens. Wir haben einen Plot ohne klassische Plotpoints, wir haben nicht einen Protagonisten,
sondern viele, wir haben keinen Helden; den klassischen Bösen, den Antagonisten, haben wir in dem
Sinne auch nicht. Es gibt kaum eine Regel des Drehbuchschreibens, die wir nicht brechen. Spannend zu
sehen, wie die Leute reagieren werden.
Wie kam das Projekt zustande, was war Ihre persönliche Motivation?
Seit frühester Jugend hat mich das Thema Drittes Reich fasziniert. Ich kann nicht genau sagen, warum,
es hängt wahrscheinlich mit Erzählungen speziell meiner Mutter zusammen, die beim Bund deutscher
Mädel war. Es hat mich nicht losgelassen, ich habe jahrelang richtig gehend recherchiert, um das dann
irgendwann abzustoßen und eigentlich zu erledigen. Meine Vorkenntnis der Materie war sehr groß, als
Bernd Eichinger mir den Vorschlag machte. Ich habe dann das Buch von Fest gelesen, regelrecht
reingesogen. Mein erster Reflex war: das kann man nicht machen, und für mich ist das sowieso nichts.
Ich wollte die alten Geister nicht rufen. Mir war klar, wenn ich das mache, dann nur mit Haut und Haaren,
das bedeutet, du bist für zwei Jahre deines Lebens im Dritten Reich, mit all diesen Figuren, dieser
primitiven Ideologie ... Da haben sich mir die Haare hochgestellt. Meine Frau hat mir auch abgeraten. Ich
habe aber gemerkt, dass es mich nicht losließ und dass ich mich innerlich, ehe ich zugesagt habe, schon
darauf eingelassen hatte. Aber der entscheidende Grund war wohl: ich habe es als eine historische
Aufgabe gesehen, die ich als Deutscher annehmen sollte.
Anders gefragt: Warum hat Bernd Eichinger Sie ausgewählt?
Das hab ich ihn auch gefragt ... Wir kennen uns noch nicht so lange, wir sind ins Gespräch gekommen
über „Das Experiment“, das ihn sehr beeindruckt hat. Vielleicht gab den Ausschlag, dass ich da ja auch
eine Gruppe von Männern geführt habe. Er suchte jemanden, der eine Schnittstelle ausfüllt: handwerklich
klar und präzise eine Geschichte erzählen, im Budget bleiben und trotzdem künstlerisch
wertvolle Arbeit abliefern ... das ist ein eher amerikanischer Ansatz.
Das Budget war für die Thematik nicht groß, der Stoff erforderte sehr gute Vorbereitung – und jemanden,
der mit all diesen Männern mit Sachkenntnis durchmarschiert. Bernd Eichinger war sich vorher sicher,
dass ich der richtige bin, noch ehe ich daran geglaubt habe.
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Oft ist vom schwierigen Verhältnis zwischen Regie und Produktion die Rede. Wie war es, mit
Bernd Eichinger einen so versierten Filmemacher als Produzenten zu haben?
Wir hatten von Anfang an den Deal, dass es eine coachartige Situation sein sollte, zum Überprüfen und
als Gegengewicht. Ich mag das sehr. Wenn man sich verträgt, gibt es nichts besseres, denn als
Regisseur ist man ja Einzelkämpfer an der Front, das ist eine sehr einsame Situation. Er hat sich
eingemischt, so wie ich mir das gewünscht habe. Er war zwei Wochen in Russland dabei und eine große
Hilfe. Es war bis zum Schluss eine extrem angenehme Zusammenarbeit auf allen Ebenen. Wir haben die
gleiche Sprache gesprochen.
Und wie war Ihre Arbeitsteilung konkret?
Ich schaue prinzipiell keine Muster an, weil ich die „Jungfräulichkeit“ nicht verlieren will. Unsere
Abmachung war, dass Bernd Eichinger am Ende eines jeden Drehtags die Muster anschaut und mich auf
eventuelle Schwierigkeiten sofort hinweisen kann. Das ist zwar selten passiert, war aber für mich ein
beruhigendes Gefühl. Ich habe erst den vorläufigen Rohschnitt angeschaut, nach 2-3 Wochen. Das ist
ein neues Stadium der Arbeit, da gehe ich gerne mit etwas Abstand heran.
Wie führen Sie Regie, wie arbeiten Sie mit Schauspielern?
Ich habe das Regieführen nie als einen Ego-Trip verstanden und empfunden. Ich habe kein Problem, den
Leuten zu sagen, was ich will. Und das, was ich will, weiß ich meist genau, und es scheint zudem oft richtig
zu sein. Es gab nie lange Diskussionen, keinen Zirkus am Set, warum weiß ich nicht, das müssen Sie die
Schauspieler fragen. Offensichtlich bekomme ich die Schauspieler dazu, ihre Hausaufgaben zu machen,
und ich mache meine. Wenn sich gut vorbereitete Menschen treffen, dann funktioniert das. Und ich stelle
eine Atmosphäre her, die Spielchen ausschließt. Vieles entwickelt sich bei der Arbeit, ich schaue mir das
an und weiß dann, was ich will. Es gibt für mich bereits vorher eine präzise Auflösung. Ich habe eine Idee
im Kopf, sage sie aber nicht, das ist ein energetischer Prozess. Bernd hat gesagt, ich sei ein „additiver
Regisseur“, ich fange mit etwas an, merke, das stimmt, und dann kommt eins zum anderen. Wie beim
Malen, man hat eine Skizze, die überträgt man auf die Leinwand, in immer neuen Schichten.
Macht sich da Ihre Herkunft aus der Kunst bemerkbar? Hat Ihr Studium der Malerei und Grafik Ihre
Arbeit beeinflusst?
Es ist eher ein Prozess, ein energetischer Aggregat-Zustand, an den alle andocken ...
Aus der Kunst habe ich gelernt, die Kraft eines Raumes zu spüren. Und ich zeichne die Storyboards selbst.
Ist dieser energetische Prozess nicht kräftezehrend?
Bei 66 Drehtagen natürlich! Ich kenne meine Grenzen. Ich kann 12, 13 Stunden am Tag arbeiten, dann
verlassen mich meine Kräfte. Wir haben selten länger gedreht, und am Wochenende schlafe ich im
Wesentlichen, um aufzutanken.
Die Besetzungsliste liest sich wie das „Who is Who“ des deutschen Films. Hatten Sie Angst, bei
so vielen großen Namen?
Jeder hat Angst. Jeder gute Schauspieler, der morgens ans Set geht, hat Angst, je besser er ist, desto
mehr Angst hat er, dass ihm das, was er sich vorgenommen hat, nicht ganz gelingt, dass er
missverstanden wird etc. Mit derselben Angst gehe ich auch hin. Wenn alle Angst haben und nicht so tun,
als hätten sie keine, dann funktioniert das, dann wird das konstruktiv und familiär.
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Wie haben Sie die historischen Figuren angelegt?
Die Herausforderung bestand darin, nicht erfundene Charaktere glaubhaft zu inszenieren, sondern
vorgegebene, wirkliche Menschen wieder zum Leben zu erwecken – quasi dokumentarisch zu verfolgen.
Die Inszenierung durfte nie spürbar werden. Das sollten keine Pappkameraden sein. Historische Figuren
müssen wirklich glaubwürdig sein. Bruno Ganz habe ich gesagt, dass er dahin muss, wo das Böse ist,
ganz tief runter. Dass er in den tiefsten Abgründen seiner Seele forschen muss. Das war für ihn natürlich
beängstigend. Heimlich hab ich mir da durchaus manchmal Sorgen um ihn gemacht ...
Was ist Ihre Antriebsfeder?
Das größtmögliche Maß an Authentizität zu erlangen. Ich möchte glauben, was ich sehe, das geht nur
über Wahrhaftigkeit. Das ist natürlich schwierig bei unserem Thema: Wie stelle ich Wahrhaftigkeit mit
einem Himmler her? Wahrhaftigkeit hat ja auch mit Zuneigung, Liebe zu tun, einem Sich-Hineindenken
in eine Figur. Wir zeigen nun aber Gestalten, mit denen man eigentlich in seinen schlimmsten Träumen
nichts zu tun haben möchte.
Erwarten Sie diese Wahrhaftigkeit von Ihren Schauspielern?
Ja, diese Vorgabe war zu erfüllen, wie das jeder einzelne hingekriegt hat, weiß ich nicht. Eine meiner
Hauptaufgaben als Regisseur besteht darin, dass Schummeln erkannt und getilgt wird. Besser machen.
Verändern und wahrhaftiger werden. Manchmal sind das nur Nuancen in der Farbe der Sprache. Aber
wenn gespielt wird, ist Genauigkeit gefragt, Larmoyanz geht da nicht, Halbherzigkeit rächt sich.
Wie war Ihr visuelles Konzept in Bezug auf Kameraarbeit und Licht? Ergibt sich das bei einem
historischen Stoff bereits aus der Materie?
Von Anfang an war klar, dass das nicht in die Sepiaton-Richtung gehen sollte. Ich wollte kein
Cinemascope, sondern normales Breitwandformat, und vieles mit der Handkamera drehen. Mit einer
35mm Handkamera, die ist kompakter als die großen, aber trotzdem eine schwere Mühle. Die andere
Aufgabe war, nur mit natürlichem Licht zu operieren. Ich mag kein gesetztes Licht. Wir sind immer von
den vorhandenen Gegebenheiten ausgegangen und haben nur minimal ausgeleuchtet. Die Nacht sollte
eine Nacht sein, das ist das größte Problem. Im Berlin von 1945 brannte keine Straßenlaterne mehr. Es
gab nur das Licht der Brände, das Mündungsfeuer der Geschütze und das Mondlicht. Als Quelle haben
wir einen Lichtballon eingesetzt, der wirkt wie natürliches Licht, und im Bunker nur die überlieferten
Wandleuchten. Zum Glück ist das neue Highspeed-Material von Kodak, das wir benutzt haben, extrem
lichtempfindlich.
Dann habe ich Elemente eingesetzt wie Leichen und Ruinen, die den Krieg vermitteln, ohne dramatische
Kampfszenen, die in Konkurrenz treten zu US-Filmen. Den Gegner sieht man nicht wirklich, ich filme
eher dokumentarisch, beobachtend, aus Sicht der Deutschen. Die Handkamera ist dafür das authentischste
Mittel, die Schauspieler verschmelzen mit den Bewegungen der Kamera. Das ist ein
symbiotischer Zustand. Es gibt kaum statische Einstellungen und ganz wenig Fahrten. Außerdem habe
ich viel mit Schriftzügen gearbeitet, Plakate und Schilder, die es damals in Berlin gab, auch Wandlaternen
– Großstadt-Superzeichen eben. Wenn eine Stadt untergeht, dann will ich die Stadt auch sehen,
nicht nur ihre Ruinen.
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Wie kamen die Aufnahmen mit der echten Traudl Junge zustande?
Sie stammen aus André Hellers Film „Im toten Winkel“, eine Dokumentation, die er drehte, als ihr Buch
erschien.
Ein amerikanischer Film hätte anders ausgesehen ...
Ja, weil wir anders sind, anders erzählen. Wir sind das Volk der Dichter und Denker – was das heißt,
habe ich bis heute nicht herausgefunden. Es ist ein sehr deutscher Film. Ein Grund, warum ich so stolz
auf den Film bin, ist, dass uns da etwas gelungen ist, was als deutscher Film eine große Authentizität
hat. Der ohne vorzuverurteilen, ohne zynisch zu werden, ohne erhobenen Zeigefinger mit der eigenen
Geschichte und den Vorfahren umgeht, und hierbei dem Zuschauer Denklücken für Fragezeichen lässt.
Einen derartigen Umgang mit der eigenen Geschichte kann uns keiner abnehmen. Das können nur
wir selbst.
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INTERVIEW MIT BRUNO GANZ
Weshalb haben Sie die Herausforderung angenommen, Hitler zu spielen?
Nachdem mir Bernd Eichinger das Drehbuch sowie das Buch von Joachim Fest geschickt hatte, schaute
ich den Film „Der letzte Akt“ von G.W. Pabst aus dem Jahr 1956 an. Dieser Film überzeugte mich, dass
man Hitler wirklich spielen kann – in diesem Fall verkörpert von dem Bühnendarsteller Albin Skoda. Sonst
schaut man ja immer auf die Unterschiede zum Original, aber diese Darstellung verselbständigte sich,
und ich sah diesem Hitler zu und dachte, das ist keine Parodie, das ist Schauspielerei! Man kann sich
durch Fantasie und Lektüre also herantasten an dieses merkwürdige Gebilde Hitler. Zu sehen, dass das
möglich ist, war für mich ganz entscheidend. Beim Casting in München war ich selbst verblüfft, wie nahe
ich Hitler – rein äußerlich – kam. Und dann hat mich ein ganz simpler, schauspielerischer Ehrgeiz
gepackt, und ich wollte die Rolle übernehmen.
Wie beurteilen Sie die Gewichtung dieser Thematik in unserer Gegenwart?
Ich sehe nicht, dass das Honig für Neonazis wäre, und Altnazis spielen politisch keine Rolle mehr. Der
Film zeigt auf eine wirklich rüde Weise den Untergang des Regimes. Schonungslos. Und selbst wenn es
Situationen gibt, die man menschlich nachvollziehen kann, und Hitler nicht immer nur das Zeichen
„Massenmörder“ auf der Stirn trägt, so ist das Weltbild dieser Figuren doch dermaßen absurd und
wahnsinnig, dass ich denke, dieses Land und dieser Staat sind gefestigt genug, um diesen Film
auszuhalten. Es geht eher um diese Faszination für den dunkelsten Abgang, der damals betrieben
wurde, für diesen makaberen Sog, jenseits von aller Politik, für die Ästhetik der Nazis und ihrer Mission.
Was genau meinen Sie mit dieser Faszination?
Mich hat immer Hitlers Aufstieg, sein Verhältnis zum Volk und noch mehr das des Volks zu ihm
interessiert. Wir sehen hier nur Hitlers letzte Tage – und selbst in seinem auch körperlichen Zerfall gibt
es noch äußerst stabile Machtverhältnisse. Er kann noch immer anordnen, Menschen liquidieren zu
lassen, und keiner würde je einen solchen Befehl missachten. Man ahnt, dass das ein Mann war, der im
Vollbesitz seiner Kräfte über eine ungeheuer verführerische Seite verfügt haben muss – er war nicht der
Komiker, über den wir heute lachen, wenn wir seine Reden hören, und auch nicht der Wahnsinnige – das
ist zu wenig.
Welche war die schwierigste Situation, die Sie zu spielen hatten?
Ich erinnere mich an eine Szene sehr deutlich, als ich dieses Kind auf dem Schoß hatte, und es sang
das Lied „Kein schöner Land in dieser Zeit“ – und man weiß, dieses Kind wird kurz danach von seinen
eigenen Eltern, der Familie Goebbels, getötet. Das war schrecklich. Da möchte man eigentlich sofort
weglaufen. Es gab auch andere schwierige, harte Szenen und Dialoge, wie z.B. massive antisemitische
Äußerungen. Aber als ich mich entschieden habe, diese Rolle zu übernehmen, war mir klar, was
das bedeutet.
Welche Hoffnung verknüpfen Sie mit diesem Film?
Ich sehe, dass wieder ein Diskurs auflebt über diese Zeit, auch literarisch, mit Günther Grass zum
Beispiel, mit Büchern über das versunkene Schiff, über die Bombardierung deutscher Städte, darüber,
dass Deutsche auch Opfer waren. Unser Film redet von den Tätern, von schrecklich verloren-todessüchtigen.
Von äußerster Gewalt, von Ideen und Manipulationen. Auch das gehört zu diesem Diskurs.
15

INTERVIEW MIT ALEXANDRA MARIA LARA
Bitte beschreiben Sie Ihre Rolle.
Ich spiele Traudl Junge, die von Dezember 1942 bis zum Zusammenbruch der Naziherrschaft eine der
Privatsekretärinnen von Adolf Hitler war. Ich habe versucht, herauszufinden, zu überlegen, wie sich diese
junge Frau, die eigentlich hatte Tänzerin werden wollen, in diesen gespenstischen letzten Kriegstagen
gefühlt haben muss. Und wie es für sie gewesen sein muss, langsam zu realisieren, in was für einen
schrecklichen Alptraum sie da hineingeraten war – sie, die ihren Chef bewundert, fast als „väterlichen
Freund“ empfunden hat! Keine einfache, dafür aber sehr spannende Aufgabe!
Können Sie Traudl Junge verstehen?
Um Traudl Junge spielen zu können, muss ich sie auch verstehen. Aber dieses ganze Thema ist so
komplex, dass eine solche Frage nur schwer zu beantworten ist! Ich fand es hochinteressant, mich mit
dieser Frau und meiner Rolle zu beschäftigen und mich aufs Neue mit meinen eigenen Fragen und
Gedanken zum schrecklichsten Kapitel deutscher Geschichte auseinander zu setzen – und eine solche
Auseinandersetzung stellt einen dann auch selbst sehr in Frage, und das ist auch gut so! Traudl Junge
hat in dem Buch „Bis zur letzten Stunde“ und in der Dokumentation „Im toten Winkel“ deutlich gemacht,
dass Jugend keine Entschuldigung ist, und dass sie vermutlich nur deshalb nichts über das Ausmaß der
Judenverfolgung wusste, weil sie es nicht wissen wollte. Sie hat sich diesen Vorwurf nicht erspart und
hat sich nach dem Krieg nie unschuldig gefühlt. Ich habe Respekt vor Traudl Junge, die dazu bereit war,
sich mit sich selbst und ihrer Biografie zu konfrontieren und sich durch Nachdenken zu verändern.
Was bedeutet dieses Projekt für Sie?
Diese Arbeit war sehr besonders – und zwar in jeder Hinsicht! Die Auseinandersetzung mit diesem
Thema, diesen Figuren und diesen letzten Tagen im Führerbunker hat alle Beteiligten auch Nerven
gekostet – trotzdem habe ich es jeden Tag genossen, an diesen Drehort zu kommen und mit so großen,
wunderbaren Kollegen und einem herausragenden Regisseur wie Oliver Hirschbiegel arbeiten zu
können. Ich freue mich auf den Kinostart und bin wahnsinnig gespannt auf die Reaktionen.
16

INTERVIEW MIT CORINNA HARFOUCH
Wie kamen Sie zur Rolle der Magda Goebbels?
Ich habe mich um diese Rolle beworben und Probeaufnahmen angeboten. Mir war selber nicht ganz klar,
warum ich diese Rolle unbedingt spielen wollte – abgesehen davon, dass es für mich die interessanteste
Frauenfigur in diesem Film ist. Mich interessierte wohl einfach die Frage, wie es sein kann, dass in
solchen fanatischen Denksystemen so natürliche Dinge wie Mutterliebe und Beschützerinstinkte einfach
ausgehebelt und von irgendwelchen nebulösen Todesgedanken und schwülstigen Welten in ihr
seltsames Gegenteil verkehrt werden. Ich persönlich vermute, dass es sich um eine permanente
Auseinandersetzung mit dem Nazi-System und dem System aus dem ich komme, handelt. Wenn man
es auf die Spitze treibt, dann ist Magda Goebbels prototypisch für einen Menschen, der sich in einer
Diktatur am wohlsten fühlt.
Beschreiben Sie Magda Goebbels bitte noch etwas näher.
Wirklich wohl gefühlt hat sie sich ihr ganzes Leben nicht. Aber Menschen, deren Leben unschöpferisch
und unsicher ist, die dazu neigen, sich einem Führer anvertrauen zu wollen, weil dieser Führer sie
eventuell von ihrem eigenen, ungeliebten Ich wegführt und ihnen auch jede Verantwortung abnimmt –
dieser Innenhohlraum, diese Leere, dieses Nicht-Gestalten-Können des eigenen Lebens, dafür ist sie ein
Prototyp. Sie ist in ihrem Inneren ein von sich enttäuschter und ängstlicher Mensch; dabei hatte sie viel
gelernt, konnte drei Sprachen, Konversation, war sozusagen intelligent – aber das waren alles nur
Vehikel, um sie von ihrer kleinbürgerlichen Herkunft fortzubringen.
Das Seltsame oder Folgerichtige an dieser Frau ist ja, dass sie drei große Lebensüberschriften hatte,
dreimal einen völlig anderen Ansatz, den sie dann vollständig abgeschlossen hat: Einmal hatte sie einen
zionistischen jüdischen Freund, auch eine Führernatur, den sie als junges Mädchen geliebt hat und dem
sie folgen wollte. Das wurde beendet, und es war nie wieder die Rede von diesem Mann. Danach war
sie mit Herrn Quandt verheiratet, sozusagen der Versuch, ins Großbürgertum einzusteigen. Dann kam
der Nationalsozialismus, anfänglich wahrscheinlich noch die kreativste, pseudo-schöpferische Phase in
ihrem Leben, die etwas in ihr bewegt hat. Und da wurde sie brutalst zurückgestoßen, vor allem von
Goebbels und der ganzen Ideologie – keine Frau durfte in diesem System irgendeine Art von Funktion
haben; also hat sie diese Kinder bekommen, in diesem und für dieses System, weil sie auf keinem
anderen Weg irgendwer sein konnte. Und deshalb ist es ihr wohl auch möglich gewesen, diese Kinder
auf eine ganz selbstverständliche Weise mit in den Tod zu nehmen, denn sie betrachtete sie als einen
Teil von sich und des jetzt untergehenden Systems.
Wie haben Sie sich auf diese Rolle vorbereitet?
In meinem ganzen Leben habe ich mich immer wieder mit dieser gesamten Thematik befasst; schon als
Kind habe ich ein Buch über die KZ-Aufseherinnen von Ravensbrück in die Hand bekommen. Vielleicht
war ich dafür zu jung, denn es hat mich in einen vollkommenen Schock versetzt und viele Ängste in mir
ausgelöst, darunter die Frage, was ich tun würde, wo ich stehen würde. Dann komme ich ja aus der DDR,
ich habe mir schon gewünscht, ein Held zu sein, d.h. ein Kommunist – und ein Kommunist kommt auch
ins Gefängnis, wird gefoltert – höchstwahrscheinlich würde ich alle verraten, und dieser Gedanke hat
mich in meiner Kindheit schrecklich traumatisiert. Auch jetzt habe ich mich ein halbes Jahr lang nicht
getraut, etwas anderes als Material zu Magda Goebbels zu lesen, habe sie rundherum eingekreist, über
Fanatismus nachgedacht.
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Und dann haben Sie sich ein Konzept für diese Figur zurechtgelegt?
Dass man unwahrscheinlich viel weiß und ein Konzept hat, das ist die eine Sache. Wenn man aber dann
an den Drehort kommt, ist alles ganz anders, da muss man ganz konkret einfach die Szene drehen, da
ist das Wissen manchmal hilfreich, manchmal gar nicht. Ich kann trotzdem nicht anders arbeiten – auch
weil mir die Vorbereitung und das Wissen soviel Spaß macht. Wenn man sich vorstellt, wie man etwas
spielen will, stellt man sich prinzipiell vor, man steht im Fokus der Szene – und das ist Magda Goebbels
in vielen Fällen gerade nicht; die Hauptarbeit besteht also darin, auf die Chance zu warten, etwas in der
Figur darzustellen.
Welche war Ihre schwierigste Szene?
Natürlich die Szene, in der ich den Kindern den Schlaftrunk gebe. Da laufen Prozesse ab, ganz
unabhängig von einem selbst, das war spannend zu beobachten. Man kann nur staunend von außen
zuschauen, wie es sich entwickelt. In diesem Fall war es so, dass ich das eigentlich nicht drehen wollte.
Ich hätte nie gedacht, dass dieser Tag wirklich kommen würde, an dem ich diese Szene drehen musste.
Ich war vollkommen dünnnervig.
Lernt man daraus etwas fürs Leben – als Frau, als Schauspielerin?
Das Wichtigste als Schauspielerin ist die gedankliche Vorbereitung – so habe ich das Gefühl, dass ich
einiges mehr weiß vom Leben, den Frauen, dem Mutterdasein, über Automatismen, von Klischees. Man
wird sich darüber klar, dass unter allen Tierarten die Menschen offensichtlich die einzigen sind, die ihre
eigene Art vernichten. Keine andere Tierart tut das; im Sinne des Überlebens ist die menschliche Rasse
die allerdümmste. Man kommt also zu solchen Erkenntnissen, die nicht schön sind, aber das verschafft
einem zeitweise Linderung und einen Überblick über die Abläufe in der Welt, und man fühlt sich auf
einmal ganz geborgen in einer Sicherheit des Wissens. Das vergeht dann wieder, verflüchtigt sich, das
ist klar, der Himmel ist halt nicht immer offen.
Welche Hoffnung verbinden Sie mit dem Gesamtprojekt?
Es müsste eigentlich jeder wissen, dass wir auf dem Boden der Geschichte stehen, und wenn wir das
ignorieren, dann sind wir schlecht beraten. Es geht um einen gravierenden Punkt in der deutschen
Geschichte, und wenn wir den vergessen, ist das schlecht für uns alle, weil wir dann ein kollektives
Trauma nicht bearbeiten, nicht beseitigen – und auch niemals weiterkommen werden als Volk. Mit
diesem Film verbinde ich die Hoffnung, dass es dann irgendwie endlich vorbei ist, dass es dann mal gut
ist damit, dass es mich nicht mehr mit Angst, Schrecken und Entsetzen erfüllt, sondern dass ich es als
einen Punkt in der Geschichte nehmen und ein Teil meines Inneren dann weitergehen kann.
Es findet also eine Bewältigung statt?
Ja, genau. Das finde ich für uns alle, besonders für die jungen Leute wichtig. Deshalb muss man immer
wieder mit dem Finger draufzeigen – und was dieser Film beschreibt, ist ja ein unglaublich
apokalyptischer Moment, der extremste Ausdruck, wie alles absolut zerfällt und sich entblättert als
gruselige, schreckliche Blase, die wie eine Jaucheblase platzt und die Welt und den Boden vergiftet. Sich
das alles noch mal klarzumachen finde ich ausgesprochen wichtig für uns alle.
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INTERVIEW MIT ULRICH MATTHES
Sie spielen Goebbels – wie geht man eine solche Rolle an?
Abgesehen vom handwerklichen Aspekt der Arbeit an einer Rolle ist die Hauptschwierigkeit hier, die
eigene Moral von der Psychologie zu trennen. Er selber fand sich ja nicht böse. Während der Vorbereitungen
habe ich aber die Moral nicht vergessen; ich habe die Tagebücher gelesen, ein Riesenkonvolut
von 2.000 Seiten, und das ist eine sehr merkwürdige Erfahrung. Der damals 20-jährige wird
plastisch, man lernt ihn bis zu seinem Ende kennen durch das, was er täglich lebt, denkt fühlt – und
trotzdem bleibt er ein Rätsel, denn diese ganze Negativenergie, diese Obsession, der Mangel an Mitgefühl
mit seinen Opfern durchzieht sein ganzes Leben und stellt sich selbst – zumindest in den Tagebüchern
– niemals in Frage. Das habe ich bis zum letzten Drehtag als Rätsel mit mir herumgeschleppt.
Was empfindet man als kritischer Zeitgenosse, wenn man eine solche Uniform anzieht?
Ich habe darüber nachgedacht, und muss gestehen, einerseits hat das schon was. In der geschützten
Umgebung des Studios kommt etwas faszinierendes, komödiantisch-schönes auf, ein gewisser Kitzel –
es wäre geheuchelt und verlogen, wenn ich das nicht zugeben würde. Andererseits habe ich mich auch
seit langer Zeit wieder einmal geschämt, Deutscher zu sein. Das letzte Mal fühlte ich mich auf einem
Theatergastspiel in Israel so – das war Scham, nicht nur das Verantwortungsgefühl, das mich als
Deutscher ja ständig begleitet. In St. Petersburg hat mich diese Scham wieder eingeholt, als ich in dieser
Uniform, dieser Art von zweiter Haut, über die Straße ging. Da kann man gar nicht anders, als dass einem
die Vergangenheit in den Körper kriecht.
Welche Hoffnung verbinden Sie mit diesem Projekt?
Es macht mich immer total wahnsinnig, wenn die Leute sagen, schon wieder ein Nazi-Film, wir können
das nicht mehr sehen. Oder wie Walser damals, Auschwitz als Moralkeule – das hat mich richtig empört,
ich fand es so kalt und schrecklich! Wenn sich also ein Film mit einem Drehbuch dieser Qualität um
dieses Thema bemüht, dann ist das außerordentlich wichtig. In diesem konkreten Fall finde ich es auch
richtig, dass diese zu Monstern dämonisierten Figuren nicht in ihrer Überhöhung gezeigt, sondern
tatsächlich zu Menschen werden. Als politisch bewusster Mensch ist man wohl genug mit den Dokumentationen
gefüttert worden, die diese Figuren in ihrer fast roboterhaften, fanatischen Ideologisiertheit
zeigen. Erst beide Seiten einer Figur ermöglichen es, in sich selber zu reflektieren, welche gesellschaftlichen,
privaten, intimen und psychologischen Zusammenhänge dazu führen konnten, „böse“ zu werden.
Beinhaltet dieser Film für Sie speziell „Deutsches“?
Natürlich, wir sind ja die Täter, und deswegen hätten wir eigentlich viel früher schon die verdammte
Pflicht und Schuldigkeit gehabt, uns dieses Themas auch filmisch anzunehmen. Möglicherweise ist es
aber ein Tabu gewesen, diese Menschen auch mit ihrer Psychologie zu zeigen. Als ich von dem Projekt
erfuhr, habe ich auch erst gedacht: Ach du lieber Gott, das ist irre heikel, Hitler im Schlafanzug, das ist
ja wahnsinnig gefährlich. Aber ich fand das Drehbuch so gut, dass ich voll und ganz darauf vertraute,
dass wir es in diesem komplizierten Balanceakt schaffen würden, die Figuren weder zu dämonisieren
noch zu heroisieren. Es ist doch eine Aufgabe für deutsche Filmemacher, sich auch zu diesen letzten
Wochen zu äußern.
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INTERVIEW MIT JULIANE KÖHLER
Worin lag die Herausforderung in Ihrer Rolle als Eva Braun?
Dass diese Person wirklich gelebt hat, ist immer etwas ganz Spezielles, denn dadurch ist man an
gewisse Eckpunkte gebunden. Persönlich empfinde ich es als sehr interessant, eine Figur zum Leben zu
erwecken, die es schon einmal gab, über die man zu ihren Lebzeiten eigentlich nichts wusste. Eva Braun
ist ja erst bekannt geworden, nachdem sie tot war. Eine zweite Herausforderung ist, das heikle Thema
als solches noch einmal zu behandeln und dabei nichts falsch zu machen.
Wie sehen Sie diese Figur?
Nach allem, was ich gelesen habe, war sie wohl eine sehr lebenslustige Frau, die dem Führer total
verfallen war – sie muss ihn wahnsinnig verehrt und bis zur Selbstaufgabe geliebt haben. Das Besondere
war, dass sie sich überhaupt nicht für Politik interessiert hat, sondern nur dafür, Hitler zu bekommen, ihn
aufzumuntern, mit ihm fröhlich oder glücklich zu sein, und ihn letztendlich zu heiraten.
Welchem Frauenbild entsprach Ihrer Meinung nach Eva Braun?
Sie hat geraucht, sich die Fingernägel rot lackiert, gerne Partys gefeiert, entsprach also ganz sicher nicht
dem in der Nazizeit geschaffenen Bild der deutschen Frau – das wollte sie auch gar nicht, sie hat sich in
ihrer Leichtigkeit darüber hinweggesetzt, das hat etwas ganz Modernes. Für mich ist sie eher zeitlos.
Fürchterlich ist, wenn man sich vorstellt, was sie vielleicht alles hätte verhindern können. In einer der
Biografien kommt ein toller Satz vor: Eva Braun sei eine einzige Enttäuschung der Geschichte, weil
man von Hitlers Geliebter viel erwartet hat, und dann war da nichts – sie hat ihn einfach irrsinnig geliebt.
Was investierten Sie selbst in diese Figur?
Ich gehe an eine Rolle heran, indem ich alles über sie sammele und es dann wie eine Partitur vor
mir habe – oder wie einen vollen Einkaufswagen vor mir herschiebe. Dann versuche ich, alles was ich
gelernt und erfahren habe, so in meinem Gehirn zu speichern, dass ich es in den jeweiligen Momenten
abrufen kann.
Wie haben Sie sich vorbereitet?
Ich habe vor allem Massen an Literatur gelesen, bestimmt nicht alles, aber u.a. die Autobiografien, ein
spezielles Buch von zwei Franzosen über Hitlers Frauen, die Aufzeichnungen von Traudl Junge, Joachim
Fests „Der Untergang“, und dann habe ich mir Filme angeschaut – Eva Braun hat selbst ja auch Filme
gedreht. Bei der ganzen Recherche habe ich festgestellt, dass ich vieles auch in der Schule nicht gelernt
hatte – wenn ich das schon damals erfahren hätte, dann hätte mir der Geschichtsunterricht mehr Spaß
gemacht. Durch dieses Frauenschicksal habe ich unglaublich viel über diese Zeit gelernt.
Wie betrachten Sie Eva Brauns Selbstmord?
Ich kann mir vorstellen, dass jemand, der sich so einem Menschen verschrieben hat, dann auch mit ihm
zusammen in den Tod geht. Ich würde das wahrscheinlich nicht machen, aber sie war so abhängig von
ihm, nichts anderes hat sie interessiert, sie hätte alleine nicht überlebt, dann war das eine konsequente
Schlussfolgerung. Was wäre denn aus ihr geworden? Ihr Leben hatte ohne ihn keinen Sinn.
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INTERVIEW MIT HEINO FERCH
Bitte beschreiben Sie Ihre Rolle als Albert Speer.
Er war der Haus- und Hofarchitekt von Hitler, Rüstungsminister, mit den Goebbels und auch mit Eva
Braun befreundet und genoss großes Ansehen. Er ist eine sehr komplexe Figur. In den letzten 14 Tagen
des Dritten Reiches war er nur kurzzeitig im Führerbunker und hat zwei größere Auftritte – da hatte er
bereits seit einem Jahr gegen Hitlers Befehle der „verbrannten Erde“ gearbeitet, also schon lange
erkannt, dass es keinen Ausweg mehr gibt. So lieferte er auch genug Indizien für die Alliierten, als ob er
aktiver Widerständler gewesen wäre – und er kam milder davon, was sicher dazu beigetragen hat, dass
er 20 Jahre in Spandau abgesessen hat und nicht zum Tode verurteilt wurde oder es für nötig befand,
sich wie andere in der Führungsriege umzubringen.
Was hat Sie an dieser Rolle gereizt?
Natürlich dass Oliver Hirschbiegel, den ich sehr gut kenne, und mit dem ich bereits wunderbar
zusammengearbeitet habe, die Regie übernommen hat. Außerdem ist Bernd Eichinger der erfolgreichste
Produzent für große Filme in diesem Land und die Besetzung ist phantastisch; bis ins Kleinste sind alle
ganz tolle Kollegen. DER UNTERGANG ist ein großes, außergewöhnliches Projekt, auch eine Gratwanderung,
eine reizvolle Aufgabe für alle. Und da ist es eine Ehre, den Albert Speer zu geben, auch
wenn die Rolle eher zu den mittelgroßen Protagonisten dieses Films gehört.
Wie haben Sie sich vorbereitet?
Mit einer Menge Literatur über und von Speer; ich habe mir Fotos angeschaut, einzelne seiner Bauwerke,
die in Berlin noch erhalten sind, besucht, und Gespräche mit Zeitzeugen und dem Regisseur geführt.
Welche Hoffnung verbinden Sie mit diesem Film?
Wir stellen ja eine These auf. Man kennt viele Wochenschauen, es gibt viel Material darüber, wie es über
der Erde ausgeschaut hat, wie zerbombt Berlin gewesen ist – aber es ist kaum etwas erhalten darüber,
wie es während der letzten Tage im Bunker gewesen ist, mit und um Hitler – wie er die letzten Wochen
damit verbracht hat, den Exitus in sich zu akzeptieren, bis er sich selber umbringt. Die Größe des
Projekts, der Regisseur, der Produzent und die Schauspieler – das sind alles Gründe, die diesen Film
sehr erfolgreich machen werden.
Ist der Film auch ein Kommentar zur aktuellen Situation in unserem Land?
Ein politischer Kommentar zur heutigen Situation ist es wohl weniger. Vielmehr ist es eine Schatzkiste,
in die man hineinschauen kann, weil es das erste Mal ist, dass diese Zeit aus dieser Perspektive
beleuchtet und versucht wird, alles so authentisch wie möglich darzustellen.
Wie haben Sie Albert Speer schauspielerisch gestaltet?
Ich gebe meiner Rolle Recht, ich gebe Albert Speer Recht, in allem, was er tut, in seiner bedingungslosen
Fürsprache. Er war wohl einer der mächtigsten Männer des Dritten Reichs, auch wenn er sich im
Nachhinein nur teilweise so gesehen hat und auch behauptet, er habe von der Judenvernichtung nichts
gewusst. Das mag man glauben oder nicht; ich halte es für sehr unwahrscheinlich, dass jemand in seiner
Position nichts mitbekommen hat. Für diese Rolle muss man wohl die Bedingungslosigkeit aktivieren, mit
der er diese große Aufgabe angegangen ist, ein neues Römisches Reich zu erschaffen; man muss diese
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Liebe zu seinem Beruf, den Ehrgeiz, der in ihm steckt, zulassen – und auch die Hoffnungslosigkeit, das
Sehen der Katastrophe und der Sinnlosigkeit, das eigene Versagen des Nicht-früher-Erkennens und des
Akzeptieren-Müssens.
Ich glaube, Bormann war es, der zu Speer sagte: „Sie wissen schon, dass der Führer Sie liebt.“ In dieser
merkwürdigen Ambivalenz liebte Hitler den Architekten, der ihm in Windeseile mit einem unglaublichen
organisatorischen Talent ganze Bauwerke erstellen konnte – das ist sicher ein geiles Gefühl, der siebte
Himmel, der Traum eines jeden Architekten –, mit dem er über Kunst philosophieren konnte. Speer
verkörpert das, was Hitler immer abgegangen ist, was er so gerne sein wollte, Künstler und Visionär.
Auch das muss ich aktivieren, und das ist nicht so schwer, weil unser Beruf ja auch mit Kunst und
Leidenschaft zu tun hat.
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INTERVIEW MIT CHRISTIAN BERKEL
Beschreiben Sie bitte Ihre Rolle als Professor Schenck.
Professor Schenck war einerseits Ernährungsinspektor im Dritten Reich, Himmler untergeordnet und
gehörte zur SS, andererseits war er als Arzt Angehöriger der Wehrmacht. Als das Ernährungsamt
geschlossen und evakuiert wurde, hat er darauf bestanden, in Berlin zu bleiben – obwohl er die
Möglichkeit gehabt hätte, sogar dazu aufgefordert wurde, die Stadt zu verlassen. Aber er wollte sich um
die Bevölkerung kümmern, weil er vorausgesehen hat, dass viele Menschen wahrscheinlich verhungern
würden. Er ist durch Zufall in die Reichskanzlei gekommen, wo er plötzlich operieren musste, obwohl er
das als Internist nie zuvor getan hatte. Meiner Meinung nach steht er für das Auge des Zuschauers, er
ist jemand, der am Schluss durch diese Hölle stolpert mit einer Mischung aus Anteilnahme, Entsetzen,
Nichtverstehen und Verstehenwollen.
Welche Haltung nahm Schenck Hitler gegenüber ein?
Nach dem Krieg hat er das Buch „Ich sah Berlin sterben“ geschrieben, in dem er auch die erste
Begegnung mit Hitler beschreibt. Zusammen mit dem Chirurgen Haase wird Schenck in den Bunker
gerufen und wird Zeuge, wie Haase Hitler für den Selbstmord berät und die Schäferhündin umgebracht
wird. Schencks Beschreibung ist sehr ambivalent. Er erschrickt darüber, wie kaputt Hitler zu diesem
Zeitpunkt bereits aussieht, aber es mischt sich in die distanzierte Beobachtung auch Verständnis für eine
Figur, der alles zerbrochen ist.
Was konnten Sie in die Rolle einbringen?
Ich gehöre zu einer Generation, deren Familie noch unmittelbar mit dieser Zeit konfrontiert war. Mein
Vater hat während des Krieges als Sanitätsarzt gearbeitet, kam auch in russische Gefangenschaft und
war ein Spätheimkehrer. Die Familie meiner Mutter war mütterlicherseits jüdisch, und die meisten, bis auf
meine Großmutter und zwei Cousinen, sind umgebracht worden. Auch meine Mutter war in einem der
härtesten Lager in Frankreich, in den Pyrenäen, und ist nur mit Glück dort herausgekommen. Insofern
habe ich privat eine sehr gemischte Geschichte; und dieses Staunen, Erstarren, Verstehenwollen ist wohl
allen Nachgeborenen mehr oder weniger eigen.
Was hat Sie an diesem Projekt gereizt?
Der ganz große Reiz war das Buch, das dieses Ende verarbeitet und dramaturgisch einfängt. Es gibt eine
riesige Anzahl von Figuren und Geschichten, die ineinander verwoben sind. Durch das Dritte Reich
wurden wir zu einem symbolischen Volk, das Böse war deutsch. Wir haben versucht, diesem „Bösen“
Gesichter zu geben, unsere Gesichter, deutsche Gesichter, in denen die persönliche Verstrickung
durchscheint. Das war seit langem fällig. Durch Oliver Hirschbiegel wurde diese Arbeit zur Suche nach
den Menschen hinter den Symbolen. Das war erschreckender als viele Deutungen.
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INTERVIEW MIT THOMAS KRETSCHMANN
Sie spielen Fegelein – was ist das für eine Rolle, und wie haben Sie sich vorbereitet?
Als Hitlers Schwager – er heiratete Eva Brauns Schwester – hat er sich ganz gut in die oberste Etage
„geschleimt“. Er war ein Schwein – das waren viele, aber Fegelein war ein besonderes. Aus allem, was
ich mir erlesen konnte, hat er nur im eigenen Interesse gehandelt und Sachen gedreht, die ihresgleichen
suchen. Er war auch so etwas wie der „Golden Boy“, die Frauen haben ihn gemocht, die Männer haben
ihn alle gehasst.
Was hat Sie an dieser Rolle gereizt?
Bernd Eichinger wollte unbedingt, dass ich diese Rolle spiele, wollte sie sogar für mich schreiben, was
für mich schon ein Kompliment war. Eigentlich wollte ich mich von dieser Art Rolle wegbewegen, ich habe
mein Soll an Nazi- und Soldatenrollen ja erfüllt. Aber dann habe ich das Buch gelesen, und es ist so ein
Kracher, es ist so stark, so genau, und nimmt einen wirklich total gefangen. Es stellt den Irrsinn im Bunker
gegen die Realität der leidenden Bevölkerung. Bernd sagte: Filme kommen und gehen, der bleibt, da
musst du dabei sein. Und genauso war es: Ich war sehr froh, dabei sein zu können.
Beschreiben Sie doch bitte eine typische Szene.
Fegelein hat versucht, sich abzusetzen – aber man hat ihn mit einer anderen Frau, völlig besoffen, mit
falschen Ausweisen, Geld und Diamanten aufgegriffen. In der Zwischenzeit hatte Himmler schon Kontakt
mit den Alliierten aufgenommen, und Hitler hat vermutet, dass Fegelein dahintersteckt – so wird er quasi
statt Himmler als Erster erschossen, um ein Exempel zu statuieren, in der gleichen Nacht, in der Hitler
und Eva Braun heiraten.
Was kann dieser Film Ihrer Meinung nach bewirken?
Was können Filme bewirken? Die Welt werden wir nicht verändern, aber ich finde es wichtig, dass
Deutsche so einen Film erzählen. Über diese Zeit gab es schon so viel, manches kommt einem zu den
Ohren raus. Aber etwas in dieser Form habe ich noch nie gesehen; so etwas kritisch zu zeigen finde ich
gut und wichtig.
Wie stellen sich Drehort und Set im internationalen Vergleich dar?
Es liegt eigentlich immer nur am Geld. Große Produktionen haben mehr Geld, sich ein großes Team zu
leisten, und als Schauspieler kümmert man sich nur um seine Aufgabe, so sollte es ja auch sein – es hat
viel damit zu tun, ob man genug Zeit hat, genau zu erzählen, oder ob man immer nur getrieben wird.
Hatten Sie genug Zeit?
Ich nicht, aber der Regisseur ja. Dies ist ein Riesenfilm, da gibt es keinen Unterschied zu dem, was ich
im Ausland erlebt habe.
Welche Chancen gibt es für ein deutsches Produkt auf dem internationalen Markt?
Ich glaube noch nicht einmal, dass es nötig ist, so einen Film mit Stars zu bestücken – viel wichtiger ist
es, die Figuren genau zu erzählen. Es sind ja historische Figuren, die wir alle kennen. Wir wissen, wie
sie aussehen, also muss man genau besetzen, damit es glaubhaft ist. Diese Gesichter hier stimmen
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genau, das ist unglaublich. Das kann für das Ausland wichtig sein. Nehmen wir als Beispiel „Das Boot“:
Das war und ist wohl der größte deutsche Erfolg im Ausland, jeder kennt den Film – und zu der Zeit war
kein Star mit an Bord. Auch DER UNTERGANG ist kein Film, der über Stars funktioniert – obwohl es
natürlich schön ist, dass die Besetzung aus so großartigen Schauspielern besteht, es hat sich ja auch
jeder darum gerissen, mitzuspielen. Das ist natürlich ein Glücksfall.
Welchen Traum verfolgen Sie persönlich?
Ich versuche immer das Gegenteil von dem zu machen, was ich vorher getan habe. Als ich z.B. den
Polanski-Film „Der Pianist“ gedreht habe, stand ich gleichzeitig in „Blade II“ vor der Kamera, das hatte
so gar nichts miteinander zu tun. Und auch bei DER UNTERGANG war es nicht anders. Da stand ich am
Set in St. Petersburg und flog dann nach Toronto und drehte „Resident Evil: Apocalypse“, was einfach
nur Action und Entertainment war.
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INTERVIEW MIT MICHAEL MENDL
Wie würden Sie Ihre Rolle als General Weidling beschreiben?
Es ist eine sehr kantige Rolle: General Weidling geht seinen eigenen Weg, und man könnte sagen, er
unterliegt dabei einem Irrtum. Die Heeresführung meint, er habe seine Einheit vom Osten abgezogen.
Und jeder, der das gegen Hitlers Befehl tut, wird ja standrechtlich erschossen. Natürlich stimmt das
nicht – im Gegenteil: Er kämpft seit Tagen an vorderster Front. Er geht also zum Rapport zum Führer,
der Irrtum stellt sich heraus, und daraufhin wird er sogar befördert, zum General von Berlin. Da meint er,
hätte man mich mal lieber nicht befördert, dann wäre dieser Kelch an mir vorübergegangen. Er ist
Preuße, hat aber durchaus eine eigene Vorstellung davon, was Pflicht und Gehorsam heißt – also kämpft
er zwar für das Vaterland, erkennt jedoch den Unsinn, und hat später die wunderbare Aufgabe, die
Kapitulation auszurufen. Und – das hat mir sehr gefallen – er tut dies in etwa mit folgenden Worten:
Während ihr alle im Dreck lagt und keine Munition und nichts mehr zum Fressen hattet, hatte unser
Führer nichts Besseres zu tun, als sich umzubringen. Das zeugt doch von Charakter.
Gibt es Parallelen zwischen Ihrer Person und der historischen Figur des Generals?
Ich glaube, dass ich als Widder jemand bin, der immer mit dem Kopf durch die Wand will, und der vor
allem Ungerechtigkeit nicht ertragen kann. Das habe ich in dieser Figur auch gefunden. Diese kleine,
aber sehr wichtige Rolle zeigt die Widerspenstigkeit, den todernsten Zorn und seinen Gerechtigkeitssinn.
Sahen Sie in diesem Projekt auch Risiken?
Wir haben die Verantwortung, unsere deutsche Geschichte aufzuarbeiten. Und wenn man das in
solchen Bildern erzählen kann, wie Bernd Eichinger sie geschrieben hat und Oliver Hirschbiegel sie
umsetzte – und das noch mit einer wunderbaren Besetzung – dann war das eine Aufgabe, die man als
Schauspieler gerne übernommen hat. Beim Lesen des Scripts hatte ich keine Befürchtungen – wenn es
allerdings in falsche Hände geraten wäre, da hätte man leicht ein Melodram daraus machen können so
nach dem Motto: Ach Gott, der arme Kerl! Aber durch Oliver Hirschbiegel war die Garantie gegeben, dass
das ganz bestimmt nicht der Fall sein würde.
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INTERVIEW MIT ULRICH NOETHEN
Was können Sie zu Ihrer Rolle als Himmler sagen?
Himmler, Reichsführer SS, ist in diesem Film zwar eine kleinere Rolle, wenn man sich jedoch damit
beschäftigt, ist es wie ein gigantischer Berg, der vor einem liegt – denn es ist eine historische Persönlichkeit,
einer der allergrößten Verbrecher überhaupt, der Architekt der so genannten Endlösung. Die
Aufgabe lautet also, sich der Figur anzunähern, auch wenn die Frage lautet: Möchte ich mich dem
überhaupt annähern? Will ich damit überhaupt etwas zu tun haben? Normalerweise versucht der
Schauspieler, seine Figur zu verteidigen, aber ich hatte unglaubliche Schwierigkeiten, allein die Worte
aus dem Drehbuch zu lernen und beim Spielen habe ich gemerkt, es gibt nur wenige Momente, in denen
ich diese Texte auch denken kann. Das hat wohl damit zu tun, dass man sich nicht im Stande sieht, diese
Figur zu verteidigen.
War dies Ihre bisher schwierigste Rolle?
Das würde ich so nicht sagen. Ich habe mich zwar wahnsinnig schwer getan, aber nicht weil ich einen
inneren Schweinehund überwinden musste. In St. Petersburg haben wir uns in den ersten Wochen auch
hauptsächlich mit den Außenbildern beschäftigt, mit dem Grauen außen herum – jetzt geht es in die
Innenräume, und ich merke, dass eine unglaubliche Anspannung da ist. Oliver lässt es sich nicht so
anmerken, er verbreitet eine gute Atmosphäre, ist ganz locker – es wirkt wie ein entspannter Dreh. Aber
darunter schwingt etwas mit, da fragt man sich, ob es gut gehen kann.
Wie verlief Ihre Vorbereitung?
Interessant bei Himmler ist, dass es zwar Biografien gibt, aber sie beschränken sich meist auf den
technischen Aspekt; wir wissen, dass er ein in seiner Arbeit sehr effizienter Bürokrat war, sehr fleißig ein
riesiges Tagespensum absolvierte; wenn man aber nach persönlichen Hintergründen sucht, wird es in
den Materialien plötzlich sehr dünn. Als ich mich aber in Berlin mit Waldemar Pokromski für die Maske
getroffen habe, saß zufälligerweise auch Romuald Karmakar dabei; mir war eingefallen, dass er doch
gerade dieses Himmler-Projekt mit Manfred Zapatka gemacht hatte – also habe ich ihn angesprochen.
Zwei Tage später schickte er mir freundlicherweise die Kassette mit dieser Geheimrede, die Himmler in
Posen vor seinen SS-Oberen gehalten hat. Diese Rede, mit ihren ganzen Grausamkeiten und Grässlichkeiten,
habe ich mir immer wieder angehört; in einer solchen öffentlichen Rede ist der Ton ja eher
pathetisch, die Stimme wird noch stählerner – aber dann gibt es Passagen, in denen Himmler sich über
bestimmte Geräusche beschwert, und das – das sind die kleinen Momente, in denen die Stimme
persönlicher wird. Mit dieser Vorstellung kam ich ans Set, merkte dann, dass es so nicht funktioniert, also
habe ich versucht, einen Weg zu finden.
Welche Wirkung erhoffen Sie sich von diesem Film?
Das Hauptargument, das für diesen Film spricht, ist zu sagen, lasst uns über diese Zeit reden, lasst uns
darüber berichten, es ist wichtig, dass sich auch jüngere Generationen davon ein Bild machen. Obwohl
es eigentlich sehr viele Argumente gibt, die dagegen sprechen: Ist es überhaupt zu leisten? Tritt nicht in
dem Moment, in dem ich solchen Leuten mit der Kamera auf den Leib rücke, eine Form von Identifikation
oder eine Art Glorifizierung ein? Kommt man dem nicht menschlich näher, als man das überhaupt will?
Es gibt also ein ganzes Bündel von Skrupeln, aber dennoch sage ich: Das erste Argument zählt trotzdem,
ich wurde gebeten, mitzumachen, also stelle ich mich zur Verfügung. Und ganz wichtig ist, die Opfer
dieses Krieges nicht aus den Augen zu lassen, davor muss man sich sehr hüten.
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INTERVIEW MIT JOACHIM FEST
Wie stehen Sie zu dem Film DER UNTERGANG?
Ich war von Anfang an beeindruckt von Bernd Eichingers Drehbuch. An einigen Punkten habe ich
Korrekturen erbeten, und die Zusammenarbeit zwischen uns war vom ersten Tag an völlig reibungslos,
auf einer fast freundschaftlichen Basis, obwohl wir uns vorher nicht kannten. Seit diesen Erfahrungen
habe ich das größte Zutrauen in seine Fähigkeiten als Autor und Produzent des Films. In gleicher Weise
habe ich bei meiner Anwesenheit während der Dreharbeiten gelernt, dass auch der Regisseur Oliver
Hirschbiegel, von dem ich die eine oder andere beeindruckende Arbeit kannte, diesem wirklich großen
Thema in der besten vorstellbaren Manier gewachsen ist, und dass man sich nach allem, was ich
gesehen habe, viel davon versprechen kann. Ich tue es jedenfalls. Das kann ein großer Film werden, und
ich bin optimistisch, dass er das werden wird.
Sehen Sie eine Gefahr in der Darstellung realer historischer Figuren?
Bruno Ganz spielt Hitler auf eine Weise, die neue Maßstäbe setzt. Ich habe Anthony Hopkins,
Alec Guinness und viele andere als Hitler in allen möglichen Filmen über die Nazizeit auftreten sehen
– manches war ganz gut, anderes wieder weniger gut gelungen. Bei Bruno Ganz aber gibt es keine
Frage: Das ist wirklich Hitler, und wenn man ihn sieht und sein Agieren verfolgt, beginnt man zu frieren.
Da im Augenblick mehrere Filme über diese Zeit in Arbeit sind, denke ich, alle Regisseure, die einen
Hitler auftreten lassen, werden große Mühe haben, den von Ganz gesetzten Standard auch nur
annähernd zu erreichen. Hier ist eine neue Qualität, die man sehr schwer wird übertreffen können. Ich
bin aufs Äußerste beeindruckt – mir graust so schnell vor nichts, was dieses Thema angeht, ich habe
mich zu ausführlich damit beschäftigt –, aber durch Bruno Ganz ist eine neue Dimension sichtbar
geworden, die mich immer wieder mit blankem Entsetzen erfüllt, ohne dass er so furchtbar viel tut. Allein
die Erscheinung und die Autorität, die er ausstrahlt, die destruktive Energie, die aus ganz beiläufigem
Wort von ihm ausgeht, die Verschlossenheit, die Menschenfeindlichkeit, der Menschenhass – das kann
nicht eindrucksvoller sein.
Welche Resonanz erwarten Sie auf den Film?
Die Resonanz auf das Buch war sehr gut. Was ich mir für den Film verspreche, weiß ich nicht. Ich fürchte,
irgendjemand wird sagen, das ist wieder diese unerlaubte Heroisierung, die moralischen Aspekte
kommen zu kurz …
Hat der Fest oder Eichinger keinen Zeigefinger, den er erheben kann? Das sind die blödesten Kritiken,
die ganz bestimmt kommen werden. Ich habe diesen Zeigefinger tatsächlich nicht. Wer diesen Film auch
nur halbwegs aufmerksam verfolgt, wird merken, welche Lehre diese Darstellung enthält. Wenn er das
nicht merkt, kann ich ihm auch nicht helfen, dann wird auch der erhobene Zeigefinger ihm nicht helfen.
Aber vielleicht enttäuscht mich das deutsche Publikum mal positiv und überrascht mich …
Welches Faszinosum beinhalten diese letzten Tage und Stunden?
Erst einmal ist es eine ungeheuer dramatische Geschichte, die einfach für sich selbst spricht. Die
Tragödie, die sich da abspielt, hat so viel Mitgefühl weckende, so viele unselige, schreckliche,
erschütternde Umstände und Konstellationen, dass man daran einfach nicht unbeteiligt vorübergehen
kann. Zugleich aber bringt dieses Ende des Dritten Reiches noch mal alle Aspekte gesammelt,
konzentriert, verschärft zum Vorschein, die dieses Hitler-Regime ausgemacht haben. Insofern kann man
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im Grunde genommen keine bessere Einführung in die Geschichte des Dritten Reiches lesen, als die
Geschichte seines Untergangs. Alles kommt wie in einer Nussschale zum Vorschein.
Welche Aspekte sind das genau?
Zum Beispiel der ganz tiefe Nihilismus des Regimes, die Zerstörungsenergie, die es entfaltet hat – denn
Hitler ist, wenn man es genau betrachtet, die Entfaltung einer ungeheuren destruktiven Phantasie. Das
wird niemals so deutlich wie gerade in den Endtagen, und es ist schließlich dieses Gefühl von geballtem
Ressentiment, das in einer Figur wie Hitler auch zum Vorschein kommt. So steht es auch in dem Buch:
Ich bin der Ansicht, wenn das deutsche Volk diese Bewährungsprobe nicht besteht, dann soll es
zugrunde gehen. Und Hitler hat alles dazu getan, damit es zugrunde geht, denn ein solches Volk hat ein
Überleben nicht verdient. Da richtet sich gewissermaßen der enttäuschte Hass Hitlers gegen das eigene
Volk, und so ergibt sich die ganze paradoxe, unglaublich wirkende Situation, dass Hitler vor allem zwei
Völker ausrotten wollte: die Juden, und dann zuletzt auch die Deutschen. Neben anderen Widersprüchen
bestimmt ein solches, geradezu absurdes Paradoxon sein Leben.
Das klingt ziemlich gespenstisch.
Die Szenerie, in der sich das abspielt, habe ich immer als zutiefst surreal empfunden. Die führenden
Leute des Regimes bewegen sich in einer Welt, die völlig aus der Wirklichkeit herausgetreten ist. Sie
treffen Entscheidungen über den Einsatz von Armeen, die gar nicht mehr existieren, sie bieten Kräfte auf,
Munitionen, Geschütze, Gerätschaften, die gar nicht mehr existieren. Sie wissen nicht mehr, was die
Realität ist – umso spürbarer wird die Realität aber für diejenigen, die sie draußen auf den Strassen
erdulden und erleiden müssen: die Zivilbevölkerung.
Ich habe das auch sehr betont, mehr, als es sonst bei Büchern nötig ist, und mir natürlich – von einigen
Rezensenten jedenfalls – den in Deutschland ja nicht unbekannten Vorwurf eingehandelt, ich wollte aus
dem Volk der Täter ein Volk von Opfern machen. Das ist Unsinn! Das sind alles Menschen, die unter
„normalen“ Umständen aufgewachsen sind und gar nicht wissen, was es heißt, in eine solche Situation
hineinzugeraten – und natürlich sind viele Menschen völlig unschuldig da hineingeraten. Aber die unschuldigen
Opfer sind immer in der großen Mehrzahl, und so ist es auch hier. Man muss mindestens
dieses Unglück der vielen Tausend oder Millionen Menschen sehen können, man kann nicht einfach
darüber hinweggehen und sagen, die haben es doch verdient. Das ist auf eine neue Art unmenschlich
– das ist die Unmenschlichkeit, die in Deutschland à la mode ist.
Und wie beurteilen Sie Hitlers Zustand?
Was Hitler selbst angeht würde ich sagen, von Sinnen oder reduziert war er überhaupt nicht. Alle
Berichte, die ich kenne, sprechen zwar davon, dass er in seinen Themen und Interessen ungeheuer
eingeschränkt war, aber auch davon, dass seine Autorität, seine Energie, seine Fähigkeit, seinen Willen
durchzusetzen, in diesen allerletzten Wochen fast stärker war als in den Jahren zuvor. Es ging von
diesem gebrechlichen, mit schlurfenden Schritten über die Gänge der Reichskanzlei sich mühenden
Mann offenbar gerade durch diese Hinfälligkeit eine noch verstärkte Wirkung aus. Alle haben ihm auf
sklavische Weise gehorcht.
Welche Faszination übt dieses Geschehen auch noch 60 Jahre danach aus?
Es war eine große Tragödie. Tragödien haben den Menschen immer interessiert, deshalb hat es im
Theater, solange die Menschen irgendein Interesse hatten, immer Tragödien gegeben. Heute nicht mehr,
da gibt es nur noch Albernheit und Spaß und Comedy. Irgendwann wird die Zeit wiederkommen, da man
sich wieder für Tragödien interessiert – aber eigentlich ist die Tragödie der Stoff, aus dem das Theater
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esteht. Es gibt Tragödie und Komödie; Goethe hat einmal gesagt, der einzige Unterschied sei, bei der
Tragödie liegen am Ende alle tot herum, und bei der Komödie heiraten alle. Das seien die beiden
menschlichen Grundmuster: entweder zu heiraten oder zu sterben.
Könnte man Hitler als tragische Figur bezeichnen?
Den Begriff des Tragischen würde ich auf Hitler nicht anwenden. Thomas Mann hat einst gewarnt, mit
dem Begriff allzu eilfertig umzugehen, weil dadurch jede Dummheit, jede Niedertracht einen gewissen
Geistesadel bekommen kann. Ich finde das sehr richtig, und die Warnung vollauf berechtigt – deswegen
würde ich sagen, Hitler hat mit großer Rücksichtslosigkeit, mit Skrupellosigkeit durchgesetzt, was immer
er wollte, und am Ende ist es schief gegangen. Das ist noch keine Tragödie. Eine Tragödie entsteht aus
dem Widerspruch zweier Prinzipien in einem Menschen, und bei Hitler gab es keinen Widerspruch. Er
hat nach der Art von psychisch Kranken gehandelt; das haben mir mehrfach Klinikärzte erklärt: die
Krankheit besteht darin, dass die Patienten ein Ziel über Stock und Stein verfolgen. Nichts anderes spielt
dabei eine Rolle, kein Argument, das gegen dieses Ziel spricht, keine Erwägung des Mitleids, der
Menschlichkeit, der Moral haben dabei etwas zu suchen. Es sind Menschen, die einfach nur dieses eine
Ziel verfolgen, und es unter allen Umständen durchgesetzt sehen wollen. Alles andere ist völlig
gleichgültig. Das trifft auf Hitler zu, deswegen wäre ich nie auf den Gedanken gekommen, ihm die
Qualität des Tragischen zuzubilligen.
Sie beenden ihr Buch mit dem Satz, dass „bei den wirklichen Untergängen stets mehr verloren
geht als das, was allen sichtbar vor Augen liegt“ ...
... es ist ja eine ganze Welt untergegangen, mit ihren Normen, ihren Gesittungsregeln, ihren Moralbegriffen,
ihren Lebensformen, und was sonst noch so etwas hinkend überlebt hat, ist von der nachfolgenden
Generation, insbesondere von den 68ern, noch schnell mit umgebracht worden – immer mit
Berufung darauf, dass das ja alles zum Nazismus geführt habe und deswegen kein Recht auf weitere
Dauer hat. Die Trümmer in den Straßen waren nur Ausdruck der Trümmer in den Seelen, man kann es
auch moderner formulieren, der Trümmer, die in der Mentalität der Menschen angerichtet worden waren,
in den Regeln, auf die sich eine Gesellschaft verständigen muss, wenn Menschen zusammenleben
wollen. Und wenn es keine Regeln und keine Gesetze mehr gibt, die allgemeine Beachtung finden, ist
diese Welt kein Ort mehr, an dem man leben kann. Davon ist sehr viel durch Hitler kaputtgegangen.
Was kann die Beschäftigung mit dem Dritten Reich im 21. Jahrhundert noch bewirken?
Ich sage gelegentlich, ich lerne immer mit neuer Verwunderung, dass ich einem Volk von Heiligen und
Helden angehöre. Wir wissen heute ja alle so genau, was die Moral der Welt verlangt und wie man sich
entsprechend verhält. Die vorigen Generationen waren natürlich alle dumm und töricht und feige …
Zum Glück hat diese Generation, die sich in Worten so großartig aufspielt, noch nie eine Bewährungsprobe
auf ihre Normen und Standfestigkeit ablegen müssen. Ich fürchte, da kämen schreckliche
Wahrheiten zutage. Wie lange wird man sich mit Hitler und dieser Zeit beschäftigen? Ich glaube, solange
das Thema nicht geistig-moralisch bewältigt ist, und das ist es überhaupt nicht. Was wir in diesem Lande
erleben, ist eine andere Form der Verdrängung: man dreht die Dinge um und sagt, wir haben so viel
gelernt aus dieser Zeit, dass uns das überhaupt nicht mehr passieren und tangieren kann. Wir selbst,
also diese moralische Elite, haben natürlich alles gelernt und bedürfen keiner weiteren Aufklärung. Man
wird sich mit Hitler beschäftigen, solange die Folgen spürbar sind und solange das Thema uns eine Lehre
sein kann. Noch lange also.
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FILMOGRAFIEN
Bruno Ganz (Adolf Hitler)
Bruno Ganz gehört zu den gefeiertsten Bühnen- und Filmschauspielern im deutschsprachigen Raum.
Nach seiner Schauspielausbildung am Züricher Bühnenstudio und ersten Theater- und Fernsehauftritten
in der Schweiz kam der ambitionierte Jungschauspieler 1962 nach Deutschland und begann
unter den Regisseuren Peter Zadek und Kurt Hübner Theater zu spielen. 1967 lernte er den Regisseur
Peter Stein kennen. Die Zusammenarbeit der beiden an der Berliner Schaubühne führte zu legendären
Inszenierungen.
In der Uraufführung von Thomas Bernhards „Der Ignorant und der Wahnsinnige“ spielte er 1972 unter
der Regie von Claus Peymann bei den Salzburger Festspielen. Im folgenden Jahr wurde er von der
Zeitschrift „theater heute“ zum beeindruckendsten Darsteller des Jahres gewählt. In seiner weiteren
Bühnenlaufbahn agierte Bruno Ganz unter so bekannten Regisseuren wie Peter Stein, Klaus Michael
Grüber, Luc Bondy und Dieter Dorn. Für seine glanzvolle Theaterkarriere wurde er 1991 mit dem Hans-
Reinhardt-Ring der Schweizerischen Gesellschaft für Theaterkultur ausgezeichnet und ist seit 1996
Träger des Iffland-Ringes, der höchsten Auszeichnung für Bühnenkünstler im deutschsprachigen Raum.
Seit 1975 wirkt Bruno Ganz nur noch in ausgewählten Theaterinszenierungen mit – wie als Goethes
„Faust“ in Peter Steins ungekürzter Aufführung – und arbeitet überwiegend als Filmschauspieler.
Zu seinen wichtigsten Rollen in über 60 Filmen gehören jene in DIE MARQUISE VON O... (1976) von
Eric Rohmer, für die er mit dem Filmband in Gold ausgezeichnet wurde, DER AMERIKANISCHE
FREUND (1977) von Wim Wenders, Peter Handkes DIE LINKSHÄNDIGE FRAU (1978), MESSER IM
KOPF (1978) von Reinhard Hauff, Werner Herzogs Gruselklassiker-Remake NOSFERATU – PHANTOM
DER NACHT (1979), DER ERFINDER (1980), von Kurt Gloor Volker Schlöndorffs DIE FÄLSCHUNG
(1981), Alain Tanners DANS LA VILLE BLANCHE („In einer weißen Stadt“ 1983), Wim Wenders
DER HIMMEL ÜBER BERLIN (1987), sowie die in Thea Angelopoulos’ MIAAIWNIOTHTA KAI MIA MERA
(„Die Ewigkeit und ein Tag“), dem Gewinner der Goldenen Palme von Cannes 1989. Danach war
Bruno Ganz in Silvio Soldinis Publikums- und Kritiker-Hit PANE E TULIPANI („Brot und Tulpen“) im Kino
zu sehen, für den er sowohl den
Italienischen, als auch den
Schweizer Filmpreis als bester
Darsteller erhielt. Nach Urs
Eggers EPSTEINS NACHT und
Eric Tills LUTHER nahm er eine
der größten schauspielerischen
Herausforderungen in Angriff:
Die Rolle des Adolf Hitler in
DER UNTERGANG.
Zu Bruno Ganz’ weiteren zahlreichen
Auszeichnungen gehören
der Adolf-Grimme-Preis
(1999) sowie der Europäische
Filmpreis (2000).
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Alexandra Maria Lara (Traudl Junge)
Alexandra Maria Lara, 1978 im Bukarest geboren, kam mit viereinhalb Jahren mit ihren Eltern nach
Deutschland. Sie machte ihr Abitur am Französischen Gymnasium Berlin und absolvierte anschließend
ihre schauspielerische Ausbildung von 1997 bis 2000 an der staatlich anerkannten Schauspielschule
„Theaterwerkstatt Charlottenburg“. Bereits während der Schulzeit erhielt Alexandra Maria Lara zahlreiche
Filmangebote; mit 16 Jahren übernahm sie die Titelrolle in der ZDF-Familienserie „Mensch, Pia!“.
Inzwischen kann A.M. Lara auf ein beeindruckendes Repertoire an Fernseh- und Kinorollen zurückblicken.
Einem Millionenpublikum bekannt ist die Schauspielerin aus den beiden viel beachteten Roland-
Suso-Richter-Filmen „Die Bubi Scholz Story“ und „Der Tunnel“ (weitere Hauptrollen spielte sie u.a. in
Berno Kürtens „Vertrauen ist alles“, Mark Schlichters ZDF-Fernsehspiel „Liebe und Verrat“ und dem
Zweiteiler „Trenck“). Die vielseitige Schauspielerin beeindruckte in Kinoproduktionen wie Jochen Kuhns
FISIMATENTEN, der Tragikomödie SÜDSEE, EIGENE INSEL von Thomas Bahmann, unter der Regie
von Oscar ® -Preisträger Florian Gallenberger in dem Episodenfilm HONOLULU, in Peter Thorwarths
Komödie WAS NICHT PASST, WIRD PASSEND GEMACHT, in Joseph Vilsmaiers LEO & CLAIRE und
Doris Dörries preisgekröntem Film NACKT. Als Gräfin Maria Walewska (an der Seite von Christian
Clavier, Gérard Depardieu, Isabella Rosselini) in der internationalen TV-Produktion „Napoléon“ erregte
sie zum ersten Mal öffentliche Aufmerksamkeit im Ausland. Anschließend hat sie in der internationalen
Produktion „Doktor Schiwago“ eine der Hauptrollen übernommen (an der Seite von Sam Neill und
Keira Knightley).
Im Kino wird Alexandra Maria Lara nach ihrer Hauptrolle in DER UNTERGANG bald in Helmut Dietls
neuem Kinofilm VOM SUCHEN UND FINDEN DER LIEBE zu sehen sein.
Corinna Harfouch (Magda Goebbels)
Schon als Kind entdeckte die in Suhl geborene Corinna Harfouch ihre Liebe zum Theater. Nachdem sie
die Ernst-Busch-Schauspielschule in Berlin absolviert hatte, startete sie mit „Faust II“ ihre Theaterkarriere
in Karl-Marx-Stadt (Chemnitz). 1982 spielte sie in „Lady Macbeth“ an der Volksbühne in Berlin unter
der Regie von Heiner Müller, später am Berliner Ensemble unter anderem im „Urfaust“, der
„Dreigroschenoper“ und „Jetzt erst Brecht“. In der Spielzeit 1996/97 sorgte sie hier insbesondere als Eva,
Hitlers Geliebte in der gleichnamigen Inszenierung von Stephan Suschke, für Furore. An der Volksbühne
Berlin konnte man sie des Weiteren in „Die Frau vom Meer“ und in Frank Castorfs „Des Teufels General“
erleben. Für die Titelrolle der Eva in dieser Inszenierung bekam sie den Gertrud-Eysold-Preis.
Corinna Harfouch wurde im Laufe ihrer Karriere mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet. So erhielt
sie zwei Mal den Kritikerpreis als beste Darstellerin in Kinofilmen – 1989 für Siegfried Kühns
DIE SCHAUSPIELERIN und 1990 für ihre Rolle in Michael Gwisdeks DER TANGOSPIELER.
1997 gewann sie für ihren Part in Sherry Hormanns IRREN IST MÄNNLICH (1996) den Bayerischen
Filmpreis. Zwei Jahre später durfte sie gleich zwei Goldene Löwen in Empfang nehmen – nämlich für ihre
Darbietungen in Mark Schlichters TV-Produktion „Der Ausbruch“ (1996) und Hermine Huntgeburths
„Gefährliche Freundin“ (1996), für den man sie zudem mit dem Adolf-Grimme-Preis bedachte.
Im Fernsehen begeisterte Corinna Harfouch zudem in so unterschiedlichen Produktionen wie der
TV-Serie „Unser Lehrer Dr. Specht“ oder hochkarätigen Krimis wie „Tatort – Verbranntes Spiel“ (1993)
und „Kommissar Beck – Stockholm Marathon“ (1994). Herausragend war auch ihre Darstellung der Vera
Brühne in Hark Bohms gleichnamigem Sat.1-Dreiteiler, für den sie den Fernsehpreis 2001 erhielt. Für
ihre Leistung in der Rolle der Rabia in BIBI BLOCKSBERG (2002) gewann Corinna Harfouch den
Deutschen Filmpreis als beste Nebendarstellerin.
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Auch in weiteren Kinoarbeiten überzeugte Corinna Harfouch durch eine beeindruckende Bandbreite.
Dabei arbeitet sie mit etablierten Regisseuren wie Joseph Vilsmaier (CHARLIE & LOUISE –
DAS DOPPELTE LOTTCHEN, 1993), Margarethe von Trotta (DAS VERSPRECHEN, 1994) oder
Bernd Eichinger (DER GROSSE BAGAROZY, 1999) ebenso zusammen wie mit Regisseuren der
jüngeren Generation wie Matthias Glasner (SEXY SADIE, 1996), Nico Hofmann (SOLO FÜR
KLARINETTE, 1998), Lars Büchel (JETZT ODER NIE – ZEIT IST GELD, 2000) oder Miriam Pfeiffer
und René Reinhardt (DAS MONSTRUM, 2001).
Im Jahr 2001 übernahm die Schauspielerin erstmals die Hauptrolle in der Fernseh-Reihe „Blond: Eva
Blond!“ (Regie: Urs Egger bzw. Jorgo Papavassiliou) sowie im ersten Teil von BIBI BLOCKSBERG (2002)
unter der Regie von Hermine Huntgeburth. Bereits abgedreht sind Pepe Danquarts Kinofilm CROOK
sowie der Fernsehfilm „Die fremde Frau“ und die vierte Episode von „Blond: Eva Blond!“, bei denen
jeweils Matthias Glasner die Regie verantwortete. Wie DER UNTERGANG kommt auch Franziska Buchs
BIBI BLOCKSBERG UND DAS GEHEIMNIS DER BLAUEN EULEN im September diesen Jahres in
die Kinos.
Bis Mitte Juni 2004 drehte Corinna Harfouch den Kinofilm ICH LEBE! unter der Regie von Dagmar
Knöpfel. Ab August 2004 steht sie wieder als Eva Blond (Regie: Achim von Borries) vor der Kamera.
Ulrich Matthes (Joseph Goebbels)
Ulrich Matthes wurde 1959 in Berlin geboren. Nach nur einem Jahr Schauspielunterricht bei der
renommierten Lehrerin Else Bongers gab er sein Debüt an der Seite von Maximilian Schell am
Renaissance-Theater Berlin in Pavel Kohouts „Armer Mörder“. Nachdem er sich an diversen Berliner
Theatern einen guten Namen gemacht hatte, spielte er an führenden Theatern in Krefeld, Düsseldorf und
München. In der bayerischen Metropole war er zunächst am Residenztheater, wechselte dann aber zu
Dieter Dorn an die Münchner Kammerspiele, wo er u.a. in Stücken von Peter Handke, Tankred Dorst und
Botho Strauß auftrat.
1992 ging Ulrich Matthes wieder zurück nach Berlin und wurde festes Ensemblemitglied bei der
Schaubühne am Leniner Platz, wo er in modernen und klassischen Stücken, wie z.B. als Kostja in
Tschechows „Die Möwe“, große Erfolge feierte. Anfang der 90er wurde er von der Zeitschrift „theater
heute“ zum besten Nachwuchsschauspieler des Jahres gewählt.
Neben der intensiven Theaterschauspielerei fand Ulrich Matthes auch Zeit, in interessanten TV-Filmen
mitzuwirken, so u.a. in Frank Beyers „Nikolaikirche“ (1995), Heinrich Breloers „Das Todesspiel“ (1996),
Hermine Huntgeburths „Der Hahn ist tot“ (1998), Frank Beyers „Abgehauen“ (1998) und Christian Görlitz’
„Mörderherz“ (2002).
Für das Kino entdeckte ihn Tom Tykwer, als er ihn 1996 in seinem bildgewaltigen Drama
WINTERSCHLÄFER an der Seite von Heino Ferch besetzte. Danach folgten das Liebesdrama AIMEE
UND JAGUAR (1997) unter der Regie von Max Färberböck und Nina Grosses FEUERREITER (1998),
für den er den Bayerischen Filmpreis erhielt. Letztes Jahr war Ulrich Matthes in Nikolai Albrechts Kinofilm
MITFAHRER zu sehen. Im September ist er gleich im zwei Kinofilmen zu sehen. Neben
DER UNTERGANG startet auch DER NEUNTE TAG von Volker Schlöndorff.
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Juliane Köhler (Eva Braun)
Juliane Köhler studierte Schauspiel in New York und wechselte nach einem ersten Engagement am
Niedersächsischen Staatstheater in Hannover zum Residenztheater in München. Dort avancierte sie
zum gefeierten Bühnenstar mit Hauptrollen in Ibsens „Hedda Gabler“ über „Das kunstseidene Mädchen“
bis zu Schnitzlers „Fräulein Else“ und wurde 1995 vom Bayerischen Kultusministerium als beste
Nachwuchsschauspielerin ausgezeichnet. Ab 1999 war sie unter anderem am Frankfurter Schauspielhaus
in (und als) „Stella“ und „Kameliendame“ (beides Inszenierungen von Amelie Niermeyer) und
an den Münchner Kammerspielen zu sehen.
1993 gab sie in Lars Beckers Film SCHATTENBOXER ihr Kinofilmdebüt. Der Film öffnete ihr auch die
Türen zu diversen Fernsehanstalten. So stand sie u.a. für Klaus Emmerichs TV-Film „Inzest – Ein Fall für
Sina Teufel“ (1995) und für Uwe Jansons „Koma“ (1996) vor der Kamera. In den letzten Jahren war sie
ein gerngesehener Gaststar in u.a. so prestigeträchtigen TV-Serien wie „Tatort“ und „Bella Block“. Ihren
großen Durchbruch im Kino hatte die versierte Charakterdarstellerin 1999 mit dem Liebesdrama AIMEE
UND JAGUAR unter der Regie von Max Färberböck. Juliane Köhler spielt darin die Ehefrau und Mutter
von vier Kindern, Lilly Wust, die sich im Berlin des Zweiten Weltkriegs schicksalhaft in eine Frau, Felice
Schragenheim (Maria Schrader), verliebt. Für diese Rolle wurde sie bei den Filmfestspielen von Berlin
mit dem Silbernen Bären geehrt und erhielt außerdem noch den Deutschen Filmpreis sowie den
Bayerischen Filmpreis.
1999 spielte sie im Caroline Links sehr erfolgreicher Kästner-Verfilmung PÜNKTCHEN UND ANTON.
Die zweite Zusammenarbeit mit Caroline Link folgte 2001 in dem Oscar ® -prämierten NIRGENDWO
IN AFRIKA. Zu ihren weiteren Kinofilmen gehören u.a. WEISSER (2000) von Wojtek Marczewski und
MEIN ERSTES WUNDER (2002) von Anne Wild.
Heino Ferch (Albert Speer)
Nach seiner Schauspielausbildung am Salzburger Mozarteum begann Heino Ferch 1987 seine Karriere
an der Freien Volksbühne Berlin, wo er bis 1990 Ensemblemitglied war. Danach wechselte er zum
Schillertheater und gab u.a. Gastspiele bei den Salzburger Festspielen, an der Mailänder Scala und am
Wiener Burgtheater.
Sehr bald war der Charakterschauspieler auch in TV-Filmen zu sehen, darunter in Uwe Jansons
„Gefährliche Verbindung“ (1993), in Roland Suso Richters „Samstags, wenn Krieg ist“ (1993) und in
Nico Hoffmans Klassiker-Remake von „Es geschah am helllichten Tag“ (1996).
Seit seinem Kinodebüt in Heiko Schiers Berlin-Film WEDDING (1989) gehört Heino Ferch auch zu
den bekanntesten Gesichtern des deutschen Spielfilms. Und so ist es kein Wunder, dass er immer
wieder von deutschen Regie-Koryphäen wie Wim Wenders für IN WEITER FERNE SO NAH (1992), von
Volker Schlöndorff – an der Seite von John Malkovich – für DER UNHOLD (1995) und von Tom Tykwer
sogar zweimal, nämlich für WINTERSCHLÄFER (1996) und LOLA RENNT (1997) vor die Kamera geholt
wurde. Den großen Durchbruch hatte Heino Ferch dann 1997 in Joseph Vilsmaiers Ensemblestück
COMEDIAN HARMONISTS als Roman Cykowski, eine Rolle, für die er mit dem Bayerischen Filmpreis
und dem UCI-Filmpreis ausgezeichnet wurde. Vilsmaier besetzte Ferch zwei Jahre später erneut in
seinem Bio-Pic MARLENE (1999). Zu Heino Ferchs weiteren Kinofilmen gehören u.a. WIDOWS (1997)
von Sherry Hormann, Thomas Bohns STRAIGHT SHOOTER (1998), wo er die Nemesis von Hollywood-
Legende Dennis Hopper war, und NACHTS IM PARK (2000) von Uwe Janson.
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In den letzten Jahren glänzte Heino Ferch in den TV-Highlights „Der Tunnel“ (2000) von Roland Suso
Richter, wofür er den Bayerischen Fernsehpreis und die Goldene Kamera bekam, in „Napoleon“ (2001)
von Yves Simoneau, in Uli Edels „Julius Caesar“ (2002) und in Kaspar Heidelbachs mehrfach ausgezeichnetem
Fernsehereignis „Das Wunder von Lengede“ (2003).
Aktuell hat er gerade die internationale TV-Großproduktion „D’Artagnan und die drei Musketiere“
beendet, in der er an der Seite von Emmanuelle Béart die Rolle des Athos übernommen hat.
Nach DER UNTERGANG wird Heino Ferch Anfang nächsten Jahres in Helmut Dietls neuem Kinofilm
VOM SUCHEN UND FINDEN DER LIEBE zu sehen sein.
Christian Berkel (Prof. Schenck)
Christian Berkel wurde 1957 in Berlin geboren. Zweisprachig aufgewachsen, zog es ihn mit 14 Jahren
nach Paris, wo er bereits neben der Schule Schauspielunterricht bei Jean-Louis Barrault und Pierre
Bertin nahm. Zurück in Berlin setzte er den Unterricht bei Stefan Wigger, Jürgen von Alten und Margret
Langen fort. Zeitgleich mit dem Abitur bestand er die Abschlussprüfung der Deutschen Bühnengenossenschaft,
der ein paar Jahre später noch ein Regie- und Drehbuchstudium an der Deutschen
Film- und Fernsehakademie (dffb) folgte.
Ingmar Bergman entdeckte den 19-jährigen für seinen Film SCHLANGENEI. Er empfahl ihm, seinen
Weg auf der Bühne zu beginnen. Von 1977 bis 1993 war er an Theatern wie den Städt. Bühnen
Augsburg, dem Düsseldorfer Schauspielhaus, dem Schauspielhaus Bochum, dem Residenztheater
München, dem Burgtheater Wien, sowie dem Schillertheater Berlin engagiert. Er spielte dort die großen
Rollen des klassischen und modernen Repertoires und arbeitete mit bedeutenden Regisseuren wie
Claus Peymann, Alfred Kirchner, Rudolf Noelte, Alexander Lang und Niels-Peter Rudolph zusammen.
Durch sein Talent und seine Wandlungsfähigkeit konnte Christian Berkel in über 40 Fernsehfilmen, sowie
einer illustren Mischung nationaler und internationaler Kinoproduktionen, dem verbreiteten Schubladendenken
entgehen.
Dabei überzeugte er mit seiner Doppelrolle in der Travestiekomödie „Drei Frauen und (k)ein Mann“, oder
als promiverliebter Banker in Helmut Dietls Melodramödie ROSSINI ODER DIE MÖRDERISCHE
FRAGE, WER MIT WEM SCHLIEF ebenso nachhaltig, wie der Unterschied zwischen seinem raffinierten
Karrieristen Fred Kiefer in Dieter Wedels „Die Affäre Semmeling“ und dem psychotischen Vater im Tatort
„Schwarzer Advent“ (Goldener Gong) die Zuschauer verblüffte.
Sein verhalten geheimnisvolles Spiel in Oliver Hirschbiegels mehrfach preisgekröntem Film
DAS EXPERIMENT brachte dem „Ausnahmeschauspieler“ (Focus 02/01) die Rolle des charismatischen
Alfred Greven in Bertrand Taverniers französischer Großproduktion „Laissez-Passer“ ein, der auf der
Berlinale 2002 mit zwei silbernen Bären ausgezeichnet wurde.
Neben weiteren interessanten Fernsehproduktionen, war Christian Berkel dieses Jahr als enigmatisch
schillernder Profiler in Mennan Yapo’s Kinofilm LAUTLOS zu sehen, und kehrt demnächst als schwuler
Kicker in Sherry Hormanns Kinoprojekt MÄNNER WIE WIR auf die Leinwand zurück.
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Matthias Habich (Prof. Haase)
Nach seiner Schauspielausbildung an der Hamburger Hochschule für Musik und dramatische Kunst
studierte Matthias Habich am Conservatoire de Dramatique in Paris und bei Uta Hagen und
Lee Strasberg in den USA.
Habich ist einer der renommiertesten Theaterdarsteller im deutschsprachigen Raum und hat unter
anderem an den Münchner Kammerspielen und dem Schauspielhaus Zürich gearbeitet und war drei
Jahre lang Mitglied des Theaters von Peter Brook in Paris („Mahabrata“).
Vor der Kamera fiel er zu ersten Mal in den 70er Jahren auf, als er in Fritz Umgelters TV-Sechsteiler
„Die merkwürdige Lebensgeschichte des Friedrich Freiherrn von der Trenck“ die Hauptrolle spielte und
sich damit einen sicheren Platz im deutschen – und auch europäischen – Fernseh- und Kinogeschäft
eroberte. Zu seinen Kinofilmen gehören u.v.a. Volker Schlöndorffs FANGSCHUSS (1975), Robert
van Ackerens DIE REINHEIT DES HERZENS (1980), Krzsysztof Zanussis IMPERATIV (1982) und
Thomas Braschs DER PASSAGIER – WELCOME TO GERMANY.
In den 90er Jahren war Matthias Habich wieder verstärkt im deutschen Fernsehen zu sehen, u.a. in
TomToelles „Deutschlandlied“ (1994), in Andreas Kleinerts „Im Namen der Unschuld“ (1996) und
Martin Buchhorns „Die Rättin“ (1997). Für seine Darbietung in dem Fernsehfilm „Tatort – Der kalte Tod“
(1997) erhielt er den Goldenen Löwen als bester Schauspieler. Zum ersten Mal mit Regisseur
Oliver Hirschbiegel arbeitete Habich 1997 bei dem TV-Movie „Das Urteil“ zusammen, wofür er 1998 mit
dem Grimme-Preis ausgezeichnet wurde. Danach folgten „Klemperer – Ein Leben in Deutschland“
(1998/99) unter der Regie von Kai Wessel und Andreas Kleinert, wo er den historischen Viktor Klemperer
verkörperte, der mit seinen Tagebüchern aus dem Dritten Reich postum zum Bestseller-Autor avancierte.
Es folgte Margarethe von Trottas Uwe Johnson-Romanverfilmung „Jahrestage“ (2000), wofür er 2001
den Deutschen Fernsehpreis als bester Nebendarsteller erhielt. 2002 war er in Peter Keglevics TV-Film
„Zwei Tage Hoffnung zu sehen und 2003 in „Raus ins Leben“ von Vivian Naefe.
Große Beachtung wurde Matthias Habich in zwei Filmen von Caroline Link zuteil, und zwar in JENSEITS
DER STILLE (1995) und NIRGENDWO IN AFRIKA (2001). Ersterer wurde für den besten ausländischen
Film zum Oscar ® nominiert, letzterer gewann die begehrte Trophäe 2003 in genau dieser Kategorie.
Habich erhielt für NIRGENDWO IN AFRIKA 2002 den Deutschen Filmpreis als bester Nebendarsteller.
Zuvor war Matthias Habich noch in Jean-Jacques Annauds Weltkriegsdrama DUELL – ENEMY AT THE
GATES (2001) zu sehen und in Alexander Berners Kinofilm BORAN (2001). Seine jüngsten Fernsehproduktionen
sind „Wellen“ Regie Vivian Naefe und das große TV-Event „Nero“, eine europäische
Co-Produktion unter der Regie von Paul Marcus, sowie Roland Suso Richters „Kein Himmel über Afrika“.
Thomas Kretschmann (Hermann Fegelein)
Nach seinem Schauspielstudium und einem Engagement am Schillertheater gab Thomas Kretschmann
1990 in DER MITWISSER unter der Regie von Ulrike Neulinger sein Spielfilmdebüt. Für seine Rolle
wurde er 1991 mit dem Max Ophüls-Preis als Bester Nachwuchsschauspieler ausgezeichnet. Ein Jahr
später holte ihn Joseph Vilsmaier für sein Weltkriegsdrama STALINGRAD vor die Kamera.
Doch nicht nur in Deutschland wurde man auf den talentierten Newcomer aufmerksam. Der französische
Regisseur Patrice Chéreau besetzte 1993 Kretschmann in seinem Epos DIE BARTHOLOMÄUSNACHT
(„La Reine Margot“), der Italiener Massimo Spanno holte ihn 1995 für seinen Film FÜR EHRE
UND VERSTAND („Marciando nel buio“) und der Brite Anthony Hickox zwei Jahre später für
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PRINZ EISENHERZ („Prince Valiant“, 1996). Neben Hollywoodstar Harvey Keitel überzeugt
Kretschmann in Jonathan Mostows U-Boot-Thriller U-571 (2000). Danach folgten u.a. Filme wie
FEINDLICHE ÜBERNAHME – ALTHAN.COM (2001) von Carl Schenkel und BLADE II (2002) von
Guillermo del Toro.
Seinen internationalen Durchbruch hatte Thomas Kretschmann in Roman Polanskis Oscar ® -prämiertem
Film DER PIANIST („The Pianist“, 2002), in dem er den Wehrmachtsoffizier Wilm Hosenfeld spielte, der
gegen Kriegsende den jüdischen Pianisten Wladyslaw Szpilman vor dem Verhungern rettet.
Neben DER UNTERGANG wird man den vielseitigen Schauspieler im Herbst 2004 auch noch in einer
anderen Eichinger-Produktion sehen, nämlich in RESIDENT EVIL: APOCALYPSE (Regie: Alexander Witt)
an der Seite von Milla Jovovich.
Michael Mendl (Helmuth Weidling)
Michael Mendl gehört zu den großen Charakterdarstellern deutscher Zunge. Im Laufe seiner über
30-jährigen Karriere hatte er Engagements und Gastrollen an den renommiertesten deutschen
Theatern, u.a. am Württembergischen Staatstheater Stuttgart, am Düsseldorfer Schauspielhaus, an der
Volksbühne Berlin, am Schauspielhaus Hamburg, Residenztheater München und an den Kammerspielen
München. Man sah ihn auch auf der Bühne der Salzburger Festspiele.
Seit Mitte der 80er-Jahre ist er auch im Fernsehen ein begehrter Darsteller. So spielte er u.a. in vielen
diversen „Tatort“-, „Fahnder“- und „Eurocops“-Folgen mit, und war in „Der Schattenmann“ (1994) von
Dieter Wedel, „Deutschlandspiel“ (2000) von Hans-Christoph Blumenberg, „Papst Johannes der XXIII“
(2002) von Giorgio Capitani und „Mutter Teresa“ (2003) von Fabrizio Costa zu sehen.
Seine großartige Darstellung von Willy Brandt in Oliver Storz‘ TV-Miniserie „Im Schatten der Macht
– Willy Brandt“ (2003), über die letzten Regierungstage des Ex-Bundeskanzlers, wurde mit der Goldenen
Kamera 2004 honoriert.
In Sönke Wortmanns Kinodebüt KLEINE HAIE (1991) war er ebenso mit von der Partie wie im ersten
Kinofilm von Sherry Hormann, LEISE SCHATTEN (1991). Danach folgten Filme wie SCHLAFES
BRUDER (1994) von Joseph Vilsmaier und 14 TAGE LEBENSLÄNGLICH (1997) von Roland Suso
Richter, wofür er den Bayerischen Filmpreis erhielt, SOWEIT DIE FÜSSE TRAGEN (2000) von Hardy
Martins, Costa-Gavras DER STELLVERTRETER (2001), die gleichnamige Theaterstück-Verfilmung von
Rolf Hochhuth über die Rolle des Vatikans während des Zweiten Weltkrieges und IM NIEMANDSLAND
(2001) von Tayfun Pirselimoglu.
Ulrich Noethen (Heinrich Himmler)
Der in München geborene und im Schwäbischen aufgewachsene Ulrich Noethen hat an der Stuttgarter
Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Schauspiel studiert. 1986 gab er an den Städtischen
Bühnen in Freiburg im Breisgau sein Bühnen-Debüt, wechselte 1988 ans Kölner Schauspiel. Dort spielte
er unter anderem in „Butterbrot“ (Regie: Joachim Lux), „Hamlet“ (Regie: Frank Castorf) und „Liebe Jelena
Sergejewna“ (Regie: Max Färberböck). Von 1989 bis 1993 gehörte Noethen dem Ensemble der
Staatlichen Schauspielbühnen Berlin an, wo er Parts in „Faust“ (Regie: Alfred Kirchner), „Böhmen am
Meer“ (Regie: Thomas Langhoff) und „Ein Sommernachtstraum“ (Regie: Hans Neuenfels) übernahm.
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Mit seiner TV-Rolle in der ARD-Serie „Die Partner“ (1994/95) erregte Noethen die Aufmerksamkeit von
Dominik Graf, der ihn daraufhin für den Kult-Tatort „Frau Bu lacht“ (1995) und die Krimi-Reihe „Sperling“
(1997) verpflichtete. Es folgten weitere TV-Arbeiten wie Thomas Bergers Komödie „Busenfreunde“
(1996) oder der Thriller „Der Skorpion“ (1996), eine weitere Zusammenarbeit mit Dominik Graf. Für seine
Rolle in Mark Schlichters Road Movie „Der Ausbruch“ (1996) erhielt Noethen 1997 sowohl den Goldenen
Löwen als auch den Bayerischen Fernsehpreis.
Im Jahre 1997 brachte ihn schließlich Joseph Vilsmaier auf die Leinwand: Als Harry Frommermann
feierte Ulrich Noethen mit der Musik-Biografie COMEDIAN HARMONISTS seinen bis dato größten
Publikumserfolg und erhielt zudem hochkarätige Auszeichnungen. So gewann er sowohl den
Bayerischen Filmpreis als auch den Bundesfilmpreis in der Kategorie bester männlicher Hauptdarsteller.
Es folgten weitere Kinoproduktionen wie Didi Danquarts Drama VIEHJUD LEVI (1998), Anno Sauls
GRÜNE WÜSTE (1999) oder Xavier Kollers Literaturverfilmung GRIPSHOLM (2000).
Mit seiner ebenfalls mehrfach preisgekrönten Rolle als Herr Taschenbier in Ben Verbongs Kino-Märchen
DAS SAMS (2001) legte Ulrich Noethen den Grundstein für eine herausragende Karriere im deutschen
Kinderfilm. Für diese Rolle erhielt er wiederum den Bayerischen Filmpreis als bester Schauspieler und
wurde für den Deutschen Filmpreis nominiert. Kurz darauf sahen ihn die Kinder erneut, diesmal in der
Rolle des stets etwas naiven Vaters Bernhard in der ersten Realverfilmung von BIBI BLOCKSBERG
(2002). Zu Beginn des Jahres 2003 begeisterte Ulrich Noethen unter der Regie von Tomy Wigand als
Lehrer Dr. Justus Bökh in der Neuverfilmung des Erich-Kästner-Klassikers DAS FLIEGENDE
KLASSENZIMMER (2002). Zudem wiederholte er in SAMS IN GEFAHR (2003) seinen Part als Herr
Taschenbier, erneut vor einem Millionenpublikum.
Noethen wirkte desweiteren im mehrfach prämierten Kurzfilm „DIE ROTE JACKE“ (Regie: Florian
Baxmeyer) mit, der im Juni 2003 mit dem Studenten- Oscar ® ausgezeichnet wurde und für den Kurzfilm-
Oscar ® nominiert war. Im September 2004 laufen mit BIBI BLOCKSBERG UND DAS GEHEIMNIS DER
BLAUEN EULEN und DER UNTERGANG gleich zwei Kinofilme mit Noethen an.
Neben seinen Kinoerfolgen steht Ulrich Noethen auch weiterhin für TV-Produktionen vor der Kamera.
Zur Zeit dreht er an der Seite von Iris Berben den ZDF-Dreiteiler „Die Patriarchin“ (Regie: Carlo Rola).
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Bernd Eichinger (Produzent und Drehbuch)
Nach dem Studium an der Hochschule für Fernsehen und Film in München, an der Bernd Eichinger 1973
seinen Abschluss machte, gründete er ein Jahr später seine erste Produktionsfirma Solaris Film, die viele
jener Autorenfilme produzierte, die dem Neuen Deutschen Film über die Grenzen des Landes hinaus
Ansehen verliehen, darunter Filme von Wim Wenders, Alexander Kluge, Edgar Reitz oder Hans-Jürgen
Syberberg.
1979 übernahm Bernd Eichinger die Leitung der Constantin Film, für die er künftig produzierte.
Zu der Vielzahl nationaler und internationaler Kinoerfolge von Bernd Eichinger zählen u.a.
CHRISTIANE F. – WIR KINDER VOM BAHNHOF ZOO (Regie: Uli Edel), DIE UNENDLICHE
GESCHICHTE (Regie: Wolfgang Petersen), DER NAME DER ROSE (Regie: Jean-Jacques Annaud)
mit Sean Connery, DER BEWEGTE MANN (Regie: Sönke Wortmann, Buch: Ralf König), LETZTE
AUSFAHRT BROOKLYN (Regie: Uli Edel), DAS GEISTERHAUS (Regie: Bille August) mit Meryl Streep,
Glenn Close, Winona Ryder und Jeremy Irons und RESIDENT EVIL (Regie: Paul W.S. Anderson) mit
Milla Jovovich.
Er war außerdem Koproduzent von DER SCHUH DES MANITU (Regie: Michael Bully Herbig) sowie des
Oscar ®-Gewinners 2003 in der Kategorie Bester nicht-englischsprachiger Film, NIRGENDWO IN
ARFIKA (Regie: Caroline Link). Im Herbst 2004 kommt das von ihm produzierte Sequel RESIDENT EVIL:
APOCALYPSE (Regie: Alexander Witt), wieder mit Milla Jovovich in die Kinos.
DER UNTERGANG (Regie: Oliver Hirschbiegel), der in St. Petersburg und München gedreht wurde,
wartet mit einer sensationellen Besetzung auf. Aus der deutschen Schauspieler-Elite sind u.v.a. mit von
der Partie: Bruno Ganz, Alexandra Maria Lara, Corinna Harfouch, Ulrich Matthes und Juliane Köhler. Es
ist ein Film, den Bernd Eichinger nicht nur produzierte, sondern für den er auch das Drehbuch (nach dem
gleichnamigen Buch von Joachim Fest und den Aufzeichnungen Traudl Junges „Bis zur letzten Stunde“)
schrieb.
Allein in Deutschland lockten die Filme von Bernd Eichinger bisher mehr als 80 Millionen Besucher
in die Kinos.
Filmografie – Bernd Eichinger (Auswahl)
Filmtitel Regie
1974 Falsche Bewegung Wim Wenders
1975 Der starke Ferdinand Alexander Kluge
1976 Stunde Null Edgar Reitz
1977 Hitler – ein Film aus Deutschland Hans Jürgen Syberberg
Die Konsequenz Wolfgang Petersen
Taugenichts Bernhard Sinkel
Die gläserne Zelle Hans W. Geissendörfer
1979 Geschichten aus dem Wienerwald Maximilian Schell
1981 Christiane F. -
Wir Kinder vom Bahnhof Zoo
Uli Edel
1984 Die unendliche Geschichte Wolfgang Petersen
1986 Der Name der Rose Jean-Jacques Annaud
1987 Ich und Er Doris Dörrie
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1989 Letzte Ausfahrt Brooklyn Uli Edel
1990 Werner – Beinhart! Niki List
1992 Salz auf unserer Haut Andrew Birkin
1993 Der Zementgarten Andrew Birkin
Das Geisterhaus Bille August
1994 Der bewegte Mann Sönke Wortmann
1996 Das Superweib Sönke Wortmann
Das Mädchen Rosemarie (TV) Bernd Eichinger
1997 Fräulein Smillas Gespür für Schnee Bille August
Ballermann 6 Gernot Roll
1998 Bin ich schön? Doris Dörrie
Der Campus Sönke Wortmann
Opernball (TV) Urs Egger
Hausmeister Krause (TV-Serie) Chico Klein, Friedrich Schaller
1999 Leslie Nielsen ist sehr verdächtig Pat Proft
Der große Bagarozy Bernd Eichinger
Nur wir 2 Marc Rothemund
2000 Freche Biester! Melanie Mayron
Hausmeister Krause (TV-Serie) Geriet Schieske
2001 Resident Evil Paul Anderson
Vera Brühne (TV) Hark Bohm
666 – Traue keinem,
mit dem Du schläfst!
Rainer Matsutani
Hausmeister Krause (TV-Serie) Geriet Schieske
Knallharte Jungs Granz Henman
Nirgendwo in Afrika Caroline Link
2002 Wie die Karnickel Sven Unterwaldt
Nackt Doris Dörrie
2004 Der Untergang Oliver Hirschbiegel
Resident Evil: Apocalypse Alexander Witt
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Oliver Hirschbiegel (Regie)
Vor drei Jahren machte der bis dahin sehr erfolgreiche TV-Regisseur Oliver Hirschbiegel zum ersten Mal
mit DAS EXPERIMENT auch im Kino Furore. Der spannungsgeladene Psycho-Thriller zog damals über
1,6 Millionen Zuschauer ins Kino und wurde im In- und Ausland mit Preisen ausgezeichnet, darunter mit
dem Bayerischen Filmpreis 2001 und dem Publikumspreis für den Kinofilm des Jahres bei der Verleihung
des Deutschen Filmpreises 2001.
Seit Mitte der 80er-Jahre ist Oliver Hirschbiegel eine feste Größe im deutschen Fernsehen. Er inszenierte
dort vor allem Thriller und Kriminalgeschichten sowie diverse Episoden der TV-Krimiserien „Kommisar
Rex“ und „Tatort“.
Seine TV-Karriere begann der 1957 in Hamburg geborene Regisseur, als er 1986 sein selbstgeschriebenes
Drehbuch zu „Das Go! Projekt“ an das ZDF verkaufte – unter der Bedingung, es auch selbst
inszenieren zu dürfen. Der Film war ein voller Erfolg und wurde sowohl von den Kritikern als auch vom
Publikum sehr gut aufgenommen. Viele TV-Movies und Serien-Episoden folgten seither.
Oliver Hirschbiegel absolvierte ein Malerei- und Grafik-Studium an der Hamburger Hochschule der
Künste, wo er sich unter Sigmar Polke zunehmend für die Bereiche Foto, Video und Film interessierte.
Nach diversen Rauminstallationen und Performance-Projekten versuchte er sich mit Erfolg an ersten,
experimentellen Film-Inszenierungen. Außerdem war er zusammen mit Gabor Body Herausgeber des
Videomagazins Infermental.
DER UNTERGANG ist Oliver Hirschbiegels zweiter Kinofilm.
Filmografie – Oliver Hirschbiegel (Auswahl)
Filmtitel
1986 Das Go! Projekt (TV) Buch und Regie
1991 Mörderische Entscheidung – Umschalten erwünscht (TV)
1992 Tatort: Kinderspiel (TV) )
1993 Kommissar Rex (TV-Serie) Regie bei 14 Folgen, 1 Folge Buch
1994 Tatort: Ostwärts (TV)
1996 Trickser(TV)
1997 Rex – Die frühen Jahre (TV)
1997 Das Urteil (TV)
1998 Todfeinde (TV)
2001 Das Experiment (Kino)
2002 Mein letzter Film (TV)
2004 Der Untergang
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Dr. Joachim Fest (Buch; Historische Skizze)
Der Publizist und Historiker Joachim Fest wurde 1926 in Berlin geboren und studierte Jura, Geschichte
und Germanistik. 1963 wurde er Chefredakteur des NDR-Fernsehens und veröffentlichte eine Studie
über die Führungsfiguren der NS-Herrschaft unter dem Titel „Das Gesicht des Dritten Reiches“. Von 1973
bis 1993 war er Herausgeber der „Frankfurter Allgemeinen Zeitung“.
1973 erschien der Bestseller „Hitler. Eine Biographie“, ein Buch, das damals weltweit eine Historiker-
Debatte auslöste. Auch in späteren Jahren blieb Joachim Fest der NS-Thematik verbunden und schrieb
u.a. 1994 ein Buch über die Widerstandskämpfer des 20. Juli mit dem Titel „Staatsstreich. Der lange Weg
zum 20. Juli“ sowie 1999 „Speer“, eine Biographie über Hitlers Rüstungsminister und Leibarchitekten
Albert Speer.
2002 erschien im Alexander Fest Verlag „Der Untergang. Hitler und das Ende des Dritten Reiches“. Das
Buch wurde sofort ein Bestseller. Joachim Fest schildert darin die Schlussphase des Krieges, von der im
gespenstischen Scheinwerferlicht eröffneten Schlacht um Berlin bis hin zum Selbstmord Hitlers im
Bunker unter der Reichskanzlei. Fest versucht darüber hinaus, einige Fragen neu zu stellen sowie an ein
Geschehen zu erinnern, das nicht nur politisch-historisch, sondern für ungezählte Mitlebende vor allem
menschlich nichts anderes als ein Weltuntergang war.
Traudl Junge/Melissa Müller (Buch; Erinnerungen)
Traudl Junge wurde 1920 in München geboren. Von Ende 1942 bis April 1945 war sie die Privatsekretärin
Adolf Hitlers. Zu Kriegsende geriet sie in Berlin in russische Gefangenschaft, im April 1946 gelang ihr die
Flucht nach München. In der Folgezeit arbeitete sie als Sekretärin und Journalistin. Traudl Junge starb
im Februar 2002 kurz nach Erscheinen ihres Buches „Bis zur letzten Stunde“, das Platz 1 der Bestsellerliste
erreichte und bislang in mehr als 20 Sprachen übersetzt wurde.
Melissa Müller, 1967 in Wien geboren, ist Autorin und freie Journalistin. Ihr Buch „Das Mädchen Anne
Frank“ (Claassen 1998) erregte international großes Aufsehen. Die Verfilmung mit Ben Kingsley und
Hannah Taylor Gordon in den Hauptrollen wurde 2001 mit einem Emmy-Award ausgezeichnet.
Im Jahr 2000 lernte Melissa Müller bei ihren Recherchen Traudl Junge kennen. Aus einem Gespräch
wurden viele, und schließlich konnte sie Traudl Junge überzeugen, ihr Manuskript aus dem Jahre 1947
zu veröffentlichen. Melissa Müller umrahmte dieses einzigartige historische Dokument mit einer biografischen
Einleitung und einem ausführlichen Nachwort. Diese „Chronologie einer Schuldverarbeitung“
beleuchtet die Frage, warum Traudl Junge, wie so viele Menschen neben ihr, dem verbrecherischen
Naziregime diente. Und sie schildert Junges spätere Sicht auf ihre Vergangenheit, die wie ein Schatten
über ihrem Leben lag. Warum, so ihre selbstkritische Frage, war sie so blind und naiv, während die fast
gleichalte Münchnerin Sophie Scholl das Ausmaß von Hitlers Verbrechen längst erkannt hatte und als
Widerstandskämpferin ermordet wurde.
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BESETZUNG
Adolf Hitler Bruno Ganz
Traudl Junge Alexandra Maria Lara
Magda Goebbels Corinna Harfouch
Joseph Goebbels Ulrich Matthes
Eva Braun Juliane Köhler
Albert Speer Heino Ferch
Prof. Schenck Christian Berkel
Prof. Dr. Werner Haase Matthias Habich
Hermann Fegelein Thomas Kretschmann
Helmuth Weidling Michael Mendl
Wilhelm Mohnke André Hennicke
Heinrich Himmler Ulrich Noethen
u.v.a.
STAB
Regie Oliver Hirschbiegel
Produzent Bernd Eichinger
Drehbuch Bernd Eichinger
nach dem gleichnamigen Buch von Joachim Fest
und „Bis zur letzten Stunde“ von Traudl Junge und Melissa Müller
Originalton Roland Winke
Mischung Michael Kranz
Sound Design Stefan Busch
Produktionsleitung Silvia Tollmann
Herstellungsleitung Christine Rothe
Kamera Rainer Klausmann
Szenenbild Bernd Lepel
Schnitt Hans Funck
Musik Stephan Zacharias
Casting An Dorthe Braker
Kostüm Claudia Bobsin
Maske Waldemar Pokromski
Spezialeffekte Die Nefzers
Mit Unterstützung der ARD Degeto Film und ORF
In Co-Produktion mit EOS Production und RAI Cinema
Gefördert durch FilmFernsehFonds Bayern, Bayerischer BankenFonds und
Filmförderungsanstalt Berlin.
„Der Untergang“ von Joachim Fest erschienen als Taschenbuch im rororo Verlag.
„Bis zur letzten Stunde“ erschien im Claassen Verlag, Berlin
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